Su recorrido reciente estuvo atravesado por desafíos profundos, entre ellos la pérdida de su excompañero de banda, Liam Payne. En ese contexto, Horan intenta sostener un vínculo genuino con sus fans y encontrar un equilibrio entre lo personal y lo artístico, en un proceso donde busca reconciliar el duelo con la celebración y reafirmar su identidad creativa.

Inspiración y emociones detrás de Dinner Party

“En mi vida, casi todo gira en torno a mi trabajo”, señala Niall Horan, recordando los periodos en los que solo esperaba una excusa para salir de gira.

“Durante mucho tiempo, solo aguardaba el próximo viaje, el próximo estudio, la siguiente gira. Mirando atrás, me doy cuenta de cuánto aprendí de cada álbum y cada espectáculo”, agregó.

Al hablar sobre el proceso creativo de “Dinner Party”, explica que la autenticidad surge de lo cotidiano y que escribir sobre el amor o la pérdida es más sencillo cuando se viven esas emociones. “Si tengo que inventar algo en el estudio, cuesta mucho más”, sostiene.

Relata que a menudo se inspira en pequeños detalles, comentarios fugaces en redes sociales o frases escuchadas al azar: “Me fijo en cosas pequeñas que me llaman la atención, una frase, un gesto, algo que alguien dice sin pensar”.

Algunos temas nacen del amor, mientras otros surgen de la certeza de que siempre hay espacio para la duda en la felicidad. “Si todo fuera perfecto, nadie creería esas canciones. Hay que dejar un margen de incertidumbre”.

Horan menciona la influencia de figuras como Olivia Rodrigo y Damien Rice, músicos de referencia internacional, así como el impacto de la música country y sus colaboraciones con artistas como Thomas Rhett. “Siempre estuve abierto a nuevas influencias. Es imposible no absorber algo conviviendo y escuchando tanto a tu alrededor”, comenta.

El duelo, la nostalgia y la música como refugio

Durante la conversación con la revista musical Rolling Stone, surge el tema de la muerte de Liam Payne, excompañero de banda en One Direction, quien falleció recientemente tras una larga lucha con problemas personales de salud.

“No esperaba tener que escribir una canción sobre esto. ‘End of an Era’ nació de esa necesidad de expresar el dolor. Reescribimos la canción varias veces hasta encontrar el tono, porque la nostalgia y el futuro están entrelazados en esas letras", detalló.

Trabajar junto a Julian Bunetta y John Ryan, quienes fueron cercanos a Liam Payne, añadió una fuerte carga emocional al proceso. “Sentíamos que debíamos hacer la canción, por nosotros, por los fans, por cualquiera que hubiera experimentado una pérdida. Fue raro y, a la vez, necesario”, relata.

A pesar del trasfondo agridulce, Niall Horan prefiere que la música celebre los recuerdos felices: “Todas mis memorias son alegres. Recuerdo los viajes, el caos, los años de adolescencia. Sostener esos recuerdos me ayuda a transformar el duelo en algo significativo”.

Con el tiempo, las canciones del pasado adquieren nuevos significados. “Nunca había pensado cómo cambia la percepción de esas canciones tras una pérdida. Ahora quiero volver a escucharlas con otros oídos. Temas como ‘History’ o ‘Infinity’ reciben nuevas capas de sentido”, manifestó.

El costo de la fama y la búsqueda de equilibrio

El éxito sostenido durante más de una década también tuvo un costo. Niall Horan reconoce que aprender a poner límites fue clave para proteger su salud mental y física: “No puedes entregarlo todo en el escenario sin reservar algo para ti. La fama exige equilibrio, y cada vez lo tengo más claro”.

En ese contraste, los shows multitudinarios conviven con la otra cara del oficio: la calma —y a veces la soledad— del backstage. “La rutina tras bastidores es tranquila, incluso aburrida. Pero, antes de salir, todo cobra sentido al pensar en el viaje único de cada fan para estar presente esa noche”, explicó.

Ese vínculo con el público es, justamente, lo que lo impulsa a volver. Horan destaca la lealtad y el crecimiento de sus seguidores como un motor constante: “Encontrar arenas repletas luego de años sin presentaciones fue abrumador”. Para él, cada concierto se transforma así en una experiencia compartida que trasciende la música.

Comunidad, agradecimiento y visión a futuro

De cara a la gira de presentación de Dinner Party, Niall Horan destaca la diversidad y el crecimiento de su público: “Es impactante ver cómo mi audiencia cambió. Ahora veo camisetas de The Voice, el programa televisivo The Voice, y personas que se suman en festivales, o gracias a colaboraciones con otros artistas”.

Horan también pone el foco en un aspecto clave de la industria: la accesibilidad de la música en vivo y la necesidad de proteger los espacios donde ocurre. “Intenté que los conciertos fueran lo más accesibles posible”, explicó, al tiempo que advirtió sobre el cierre de pequeños locales y llamó a apoyar estos escenarios fundamentales para la escena musical.

Con la mirada puesta en el futuro, el artista apuesta a sostener ese espíritu de comunidad mientras continúa evolucionando. “No creo que este álbum asuste a nadie. Me motiva la evolución musical y saber que la base acústica y roquera sigue ahí. Quiero que los próximos 10 o 15 años traigan más caminos”, afirmó, reafirmando su compromiso con una carrera en movimiento y con una conexión genuina con sus seguidores.

Compartir escenario con amigos como Ed Sheeran y Thomas Rhett, así como observar a otros exmiembros de One Direction sobre el escenario, refuerza en Niall Horan la idea de comunidad que trasciende generaciones. “Siento ese grito del público y entiendo esa energía”, explica.

Al cierre de la entrevista con la revista musical Rolling Stone, Niall Horan subraya que la fidelidad y la energía que percibe en cada presentación hacen que cualquier sacrificio cobre sentido.

En una entrevista excepcional para la lista de The New York Times de los 30 mejores compositores estadounidenses vivos, Swift se sentó con el periodista Joe Coscarelli para hablar sobre el arte de componer canciones, las historias detrás de algunos de sus mayores éxitos y por qué el hecho de que los artistas masculinos escriban canciones confesionales hace que la composición de todos sea más sólida.

A continuación, algunas conclusiones de la entrevista.

¿Qué ocurre cuando la industria musical “bombardea de amor” a las mujeres?

Taylor Swift lanzó su álbum debut cuando tenía 16 años y consiguió su primer éxito internacional con Fearless a los 18. A los 22, ya se sentía “acabada”.

“Sentía que quizá lo único que me hacía especial era que era una especie de ‘fenómeno adolescente’”, dijo. La cálida acogida de Fearless como hazaña compositiva se desvaneció rápidamente, según Swift, y cambió su percepción de cómo “el amor te puede ser entregado tan rápidamente y luego arrebatado”.

“La industria del entretenimiento bombardea a las mujeres con amor”, afirmó, colocándolas en un pedestal con grandes elogios y comparándolas con otros artistas. Esa experiencia la inspiró a escribir “Clara Bow” para su álbum de 2024, The Tortured Poets Department, sobre cómo se ensalza a las mujeres en la industria del entretenimiento para luego descartarlas rápidamente en favor de la próxima gran revelación.

Cambios en la letra original de “Our Song”

Los fans de Taylor Swift están acostumbrados a su afición por las peculiaridades y los trucos lingüísticos. Le encanta la aliteración, yuxtaponer opuestos y reutilizar frases conocidas de libros y películas. Una cosa que evita es que una palabra termine con la misma letra con la que empieza la siguiente. Eso fue un problema en la versión original de “Our Song”, de su álbum debut de 2006.

Swift escribió originalmente: “When you’re on the phone and you talk real low". Pero la doble L le daba vergüenza, así que lo cambió por “when you talk real slow”.

Una emotiva prueba de sonido dio lugar a un éxito

Estaba ensayando para su gira Speak Now de 2011-12 y se encontraba muy triste durante una prueba de sonido. Empezó a tocar los mismos cuatro acordes una y otra vez y se puso a divagar durante 10 minutos. “No era coherente y tampoco estaba muy estructurado”, recordó. Después, alguien le preguntó al ingeniero de sonido si lo había grabado.

“Me habría alejado de ello si él no hubiera tenido una grabación”, dijo Swift.

Se convertiría en “All Too Well”, de su álbum de 2012, Red.

Es solo una de las formas en que Swift encuentra la inspiración. Tomemos como ejemplo “Elizabeth Taylor”. Ella iba en el coche con su prometido, Travis Kelce, cuando soltó un monólogo sobre lo mucho que admiraba a Elizabeth Taylor, la actriz. En cuanto llegaron a casa, una “melodía intrusiva” se le metió en la cabeza y enseguida abrió la aplicación de notas de voz de su teléfono.

Otras veces se inspira en acontecimientos de la vida. Swift recordó estar sentada en su habitación cuando tenía 17 años, enfadada con sus padres porque no la dejaban salir con un chico mayor. Escribió “Love Story”.

“Por eso hay que disciplinar a los hijos”, dijo, “porque podrían escribir canciones que lleguen al número uno”.

Los fans “pasaron por alto” ‘Reputation’

Taylor Swift sabía que acabarían cambiando de opinión.

Normalmente, cuando le encanta una canción o un álbum, hay muchas posibilidades de que a sus fans también les encante. Ese no fue el caso de inmediato con su álbum Reputation, que salió al mercado en 2017 con críticas dispares.

“Sé lo que hice, me encanta”, dijo. “Pueden cambiar de opinión si quieren. No pasa nada si no lo hacen”. Seis o siete años después, “la gente dice: ‘¡Dios mío!’“.

Cuando estaba grabando uno de los singles del álbum (“… Ready For It?”), recuerda que quería “dar cabezazos contra la pared”, dijo, pero la gente “no le dio importancia a esa canción”. Sintió lo mismo con respecto a otro sencillo de Reputation, “Getaway Car”.

El “puente de diatriba” se convirtió en una herramienta característica

Estrofa. Estribillo. Estrofa. Estribillo. Puente de diatriba.

Es una herramienta a la que Taylor Swift y su colaborador y amigo de toda la vida, Jack Antonoff, recurren una y otra vez. El puente “rant”, como ellos lo llaman, es un crisol de emociones, repleto de un “flujo de conciencia, un desahogo emocional sin fin”, “pensamientos intrusivos” y metáforas.

“La estructura es importante, pero creo que cuando escribes suficientes canciones, al menos en mi caso, la parte intuitiva de tu cerebro compositor puede crear una nueva estructura que no se ajusta a lo que te han enseñado clásicamente”, dijo Swift.

El puente rant se convierte en “un crescendo”, uno al que el dúo a veces recurre dos veces dentro de una misma canción, como en “Cruel Summer”.

La composición confesional de los hombres ayuda a las mujeres

Como compositora, a Taylor Swift se le suele reconocer por sus reflexiones profundamente personales sobre la vida y el amor. Eso la convierte con frecuencia en un blanco principal para los críticos. Pero cada vez más ve y aprecia a artistas masculinos que abordan la composición de una manera similar. Artistas como Sombré, por ejemplo, son “realmente buenos para la causa de que las mujeres puedan decir cosas” con su propia voz.

“Hagamos de esto una conversación sobre música en lugar de limitarnos a atacar a las artistas femeninas”, dijo. “Cuantos más artistas masculinos sean desordenados, emocionalmente complejos, confesionales o estén molestos, más feliz seré”.

Fuente: The New York Times

Tras culminar la semana con ‘La Petanca del Año’, La Revuelta apuesta por arrancar este lunes 27 de abril con un cantante español que ha roto hitos en el mundo de la música: Pedro Luis Domínguez, conocido como Quevedo (Gran Canaria, 21 años). El canario se coronó como el artista más escuhado de 2025 en España y el segundo a nivel mundial el mismo año, además de ser el primer español en alcanzar el puesto número 1 a nivel global en Spotify con la BZRP Music Sessions 52. Ahora, acude al programa presentado por David Broncano para promocionar su nuevo álbum, El Baifo.

El tercer y último disco de Quevedo, publicado la semana pasada, cuenta con 14 canciones, todas ellas en el Top 15 de Spotify. El título del álbum, El Baifo, recuerda a la Canarias que le acogió con cuatro años, cuando se mudó desde su Madrid natal a donde se encontraba gran parte de su familia. El nombre proviene de un localismo canario: es la forma de llamar a un cabrito en las Islas, una locución verbal que quiere indicar la pérdida de control momentánea, y como se hace llamar Quevedo (incluido en su perfil de Instagram).

En una edición marcada por el repaso a sus próximos proyectos, su estrecha relación con Canarias y una mezcla de anécdotas personales y confesiones, el artista ha detallado tanto su situación profesional como sus perspectivas vitales a medio plazo. “En un futuro, estaré cansado de girar”, ha reconocido Quevedo en relación a su terreno profesional; mientras que ha admitido que “era muy miedoso de chico” en su faceta más personal.

Doble revelación en ‘La Revuelta’: patrimonio económico y nuevas colaboraciones de Quevedo

A preguntas de David Broncano sobre su situación económica, el artista ha especificado que su patrimonio se sitúa “entre 1 y 3 millones”. Este dato, reconocido durante el tradicional cuestionario final del programa, proporciona una cifra que hasta ahora no había desvelado en público. Además, Quevedo ha compartido que entre sus miedos de la infancia figuraban la montaña rusa, los aviones y las alturas, reconociendo haber sentido “mucho miedo de chico” y añadiendo que la adrenalina no le gustaba nada.

En el transcurso de la entrevista, el intérprete también ha compartido las sensaciones que le produce su primer contacto con el público tras el lanzamiento de El Baifo. “No me puedo quejar, lo estoy gozando”, ha declarado Quevedo en el programa, aludiendo al positivo momento profesional que atraviesa y a la repercusión de su tercer disco. Además, el músico ha revelado algunas de las figuras internacionales con las que colabora en su nuevo álbum, como Elvis Crespo, cantante estadounidense de merengue que ha puesto el colofón a la entrevista subiéndose al escenario de La Revuelta para interpretar un tema compartido. También ha participado Nueva Línea.

Durante la conversación, en un terreno mucho más personal, Broncano le ha planteado a Quevedo una serie de preguntas personales de tono distendido. Ante la cuestión sobre su mayor temor de pequeño, el cantante ha confesado: “La montaña rusa. Me ponía chunguísimo”, añadiendo que la adrenalina le desagradaba y que sus miedos incluían “los aviones, las alturas, las montañas rusas... todo lo que tuviera que ver con movimientos rápidos”.

“Lo echo de menos”, reconoce el artista en referencia a las Islas Canarias

En relación a sus planes a largo plazo, el canario ha anticipado la posibilidad de reducir paulatinamente el ritmo de sus giras. “No me veo toda la vida girando”, ha manifestado en La Revuelta, señalando que, aunque ahora disfruta de la actividad, prevé sentir necesidad de “estabilidad en un futuro”. “Obviamente quiero seguir sacando música, pero en algún futuro estaré cansado de girar: mucho viaje, trote, cambios de horario… Cansa y parte de mí querrá una estabilidad en un futuro, pero seguiré cantando”, ha expresado el artista. Por su parte, en respuesta a la comparación planteada por Broncano con la trayectoria de los Beatles —quienes dejaron los escenarios para centrarse en el estudio—, Quevedo ha dejado abierta esa opción: “Seguramente llegue algún momento que haga eso”.

Más allá de las giras internacionales y las giras nacionales, el propio Quevedo ha fijado en los 35 años una edad simbólica para iniciar una nueva etapa: “A los 35 quiero estar más tranquilito y seguir haciendo cosas. Yo no voy a dejar de hacer nada, sino empezar a vivir. Mi hogar es las Islas, pero ahora mismo no paro quieto y parte de mí querrá algún día esa estabilidad”, ha explicado en el programa.

En la entrevista se ha subrayado la conexión personal y artística del cantante con Las Palmas. Quevedo ha compartido que ha estado en la ciudad “más que nunca” en los últimos meses, disfrutando de la “sencillez de repetir día”, y que su base sigue estando en Canarias, donde reside su familia. En palabras del propio artista, “lo echo de menos”.

La gira estadounidense de Alejandro Sanz ha coincidido con un punto de inflexión en la vida del artista, marcado por la aceptación abierta de su depresión y una renovada perspectiva vital. En conversaciones con Jordi Évole durante la grabación del cierre de temporada de Lo de Évole, el cantante ha compartido que el impacto de la depresión sigue presente, pero ha aprendido a reconocer sus síntomas, gestionar su entorno y priorizar las relaciones personales como fórmula para disfrutar plenamente de su carrera.

Según ha relatado Sanz, la vivencia sobre el escenario ha pasado a convertirse en su principal refugio emocional. El primer concierto que Alejandro Sanz ofreció tras recibir el diagnóstico de depresión le obligó a afrontar una realidad desconocida: al descender del escenario y percibir la presencia del público, comenzaba a temblar, según ha detallado el músico. A este episodio le siguieron manifestaciones recurrentes de pánico y ansiedad, hasta que Sanz identificó estos signos y tomó la decisión de modificar radicalmente sus rutinas en las giras, incorporando el acompañamiento de amigos de confianza y descartando compromisos sociales forzados en el backstage.

A lo largo de la ruta compartida por Washington y Nueva York, el cantautor ha ahondado en los efectos de la depresión y en el proceso íntimo que ha supuesto para él superar situaciones de soledad tras los conciertos. En su diálogo con el periodista, ha recordado que una de las experiencias más negativas para su salud mental residía en la sensación de aislamiento que le acompañaba después de cada actuación: la adrenalina del directo contrastaba con el vacío de regresar solo al hotel, momento que Sanz identifica como un punto de inflexión.

Las claves de Alejandro Sanz para combatir la depresión: rodearse de amistades y vacaciones junto a sus hijos

El relato de Alejandro Sanz recoge los momentos más críticos tras el diagnóstico. Su explicación a La Sexta incide en que, en el periodo inicial, solo se sentía seguro estando sobre el escenario, pero, nada más acabar, la reacción emocional se traducía en temblores y una necesidad de evitar el contacto con otras personas. El artista identificó estos episodios como ataques de ansiedad, lo que le llevó a prescindir de invitados por compromiso y a verbalizar su voluntad de no ver a nadie si así lo sentía, una decisión que ahora considera esencial para su bienestar durante las giras.

El propio artista ha descrito que las giras anteriores estuvieron marcadas por momentos incómodos, hasta el punto de permanecer en los camerinos hasta que el último asistente abandonaba la sala, solo para no afrontar el aislamiento posterior. Gracias a estos cambios y a la presencia continuada de dos amigos durante los desplazamientos, ha comenzado a experimentar lo que califica como la etapa de mayor disfrute profesional de su trayectoria.

Fuera del plano estrictamente musical, Alejandro Sanz ha compartido que la gestión del tiempo y el contacto con su familia han pasado a ser prioritarios. Actualmente, organiza vacaciones junto a sus hijos para aprovechar cada instante, una posibilidad que no siempre había tenido y que ahora considera imprescindible.

En cuanto a la naturaleza de la enfermedad, el cantante señala que la depresión, en su experiencia, nunca desaparece completamente una vez ha irrumpido en la vida de una persona. Aunque la intensidad de los episodios disminuye con el tiempo, según ha relatado, la sensación permanece, siempre reconocible y latente. En palabras del propio Alejandro Sanz, la primera vez le resultó devastadora por desconocer el origen del malestar, apoyando la descripción de Joaquín Sabina, quien se refería a la depresión como una “nube negra”.

Las reflexiones sobre este proceso han conducido al artista a una mayor conciencia personal. Los tres últimos párrafos del testimonio subrayan un cambio en la forma de afrontar cada día: dedica tiempo a sonreír y expresar gratitud cada mañana, convencido de que “la vida es increíble”. Además, enfatiza la importancia de contribuir al bienestar de los demás como el legado principal que desea dejar a sus cuatro hijos, más allá de cuestiones materiales.

El manejo emocional y la evolución vital de Alejandro Sanz

Durante el recorrido, Alejandro Sanz ha vinculado su madurez reciente a una gestión emocional más consciente y a una visión del futuro menos enfocada en el éxito profesional. Ha manifestado que, en los últimos dos años, se siente más capacitado para controlar sus pensamientos y reacciones, lo que atribuye tanto a la experiencia acumulada como a la convivencia con las consecuencias de la depresión.

Cuestionado por Jordi Évole sobre los rasgos de su carácter que preferiría no ver reflejados en sus hijos, Sanz identifica de inmediato la tendencia obsesiva que en ocasiones le ha impedido disfrutar de los pequeños momentos. Para él, el aprendizaje extraído del proceso se resume en evitar aquello que no apetece hacer, sin importar las expectativas ajenas, y en afirmar abiertamente “no quiero ver a nadie” si esa es su necesidad.

La gira actual, según su propio testimonio, significa no solo la superación de etapas oscuras, sino un ejercicio continuo de autoconocimiento y de búsqueda del equilibrio entre la exposición pública y la protección del espacio personal. El artista ha reiterado que, más allá del escenario, su prioridad reside ahora en preservar la estabilidad emocional y en consolidar su entorno cercano.

El programa de Jordi Évole en La Sexta llega a su fin esta temporada y lo hace con Alejandro Sanz (Madrid, 57 años) como último invitado. El cantante madrileño, que está de gira por Estados Unidos, ha recibido al periodista en Washington en Lo de Évole, donde ha profundizado en la situación política y social del país gobernado por Donald Trump. Sanz ha mostrado su preocupación por el auge de los discursos radicales y ha sido especialmente crítico con la políticas discriminatorias hacia la migración propias del mandato de Trump.

En el transcurso de la conversación, Alejandro Sanz ha subrayado cómo le inquieta el hecho de que las decisiones globales dependan de líderes de carácter imprevisible: “En manos de quién está el mundo, y dime si no tienes un poco de temor”. A lo que el artista ha añadido, “este tío un día se levanta con el pie izquierdo y nos mandan al carajo”. Esta reflexión surge durante un paseo con Évole por Washington, concretamente en el escenario simbólico del Lincoln Memorial, donde ambos han expresado su extrañeza de que el monumento conserve su histórico nombre, ironizando sobre la costumbre de Trump de rebautizar con su marca diferentes espacios públicos.

El artista, que en sus conciertos prioriza las emociones y evita abordar temas políticos en escena, ha justificado esta decisión alegando que el espectáculo es un espacio reservado para la conexión emocional con su público. Sanz ha sostenido: “Yo no me pongo a hablar de nada que no tenga que ver con las emociones, las canciones y las sensaciones”. El cantante reconoce que comparte opiniones similares con sus músicos en cuestiones como la guerra y la discriminación, pero considera que estas convicciones se demuestran con hechos y no mediante discursos sobre el escenario.

Qué ha dicho Alejandro Sanz sobre el racismo, la emigración y Estados Unidos: “Compran el pack completo del ideario”

El desarrollo de la gira de Alejandro Sanz en Estados Unidos, con un público marcadamente latino, ha servido de fondo para abordar asuntos de máxima actualidad como el racismo. El cantante ha repudiado de forma categórica los insultos hacia jugadores como Vinicius o Lamine Yamal y ha atribuido estos comportamientos al perfil de quienes, según él, “compran el pack completo del ideario”: “Hay que ser racista, la Tierra es plana, el hombre no llegó a la Luna y las vacunas nos matan”.

Durante el paso de su equipo por Chicago, varios miembros presenciaron actuaciones del ICE (el cuerpo de control de inmigración en Estados Unidos) mientras detenían a personas en la puerta del hotel donde se alojaban, según ha relatado. Además, Sanz ha admitido no haber visto directamente estas escenas, pero ha calificado de “barbaridad” las imágenes difundidas sobre estos operativos. El artista ha manifestado su percepción sobre el clima social en España, asegurando que el racismo sigue presente en la sociedad pese a la creencia contraria: “Y nos creemos que no, que lo tenemos superado”.

Jordi Évole ha recordado episodios recientes de insultos racistas en partidos de la selección española, ante lo que Sanz ha confesado haber sentido “vergüenza”. El artista ha extendido su crítica a la utilización de la inmigración como arma política, sosteniendo que la mayoría de quienes emigran lo hacen movidos por el deseo de aportar y trabajar en su nuevo hogar: “El ser humano se mueve por el mundo y utilizarlo políticamente es rastrero”.

Lo que distingue la mirada de Alejandro Sanz sobre líderes y modelos políticos en el mundo

Durante el programa, el contraste de opiniones del cantante hacia figuras públicas ha ocupado un lugar relevante. Sanz ha recordado al expresidente de Uruguay, Pepe Mujica, recientemente fallecido y entrevistado por Jordi Évole poco antes de su muerte. Respecto a él, ha señalado: “Me fascinaba como persona, pero como político, no vi su obra. Mucha gente me ha hablado de su obra, pero viendo cómo es como persona no puedo esperar solo que sea una persona digna y con dos dedos de frente, con sentido común y corazón”.

En cambio, la figura de Donald Trump ha sido objeto de una crítica especialmente severa. Sanz ha expresado su rechazo ante el modelo que representa, sosteniendo que “nadie puede querer” su implantación en España y calificando la política migratoria estadounidense como “injusta, cruel y que hace sufrir a la sociedad de una forma enorme; es una de las formas de discriminación más crueles que existe”. Jordi Évole ha rematado la idea recordando que en España hay quienes defienden discursos con propuestas extremas en torno a organizaciones como Open Arms.

Este intercambio de opiniones, siempre desde una posición de autocrítica, ha servido también para que ambos aludan a la “pérdida de valores” y a la peligrosidad de un discurso radicalizado cada vez más atractivo para ciertos sectores sociales, según ha constatado Alejandro Sanz. La conversación ha incluido momentos de distensión, especialmente cuando ambos ironizan sobre la política estadounidense y el humor que puede surgir en torno al color verde y el canal laSexta; o sobre el modo en que la política estadounidense se mezcla con el negocio y la espectacularidad.

Influencias y distanciamiento en los inicios

Durante sus primeros años, Bowie grabó “The Laughing Gnome”, sencillo de 1967 compuesto bajo la influencia del actor y cantante Anthony Newley, figura popular en el Reino Unido en esa época.

La impronta de Newley era evidente en la voz y el estilo de Bowie, quien, con el paso de los años, intentó distanciarse de ese material. Bowie consideraba que la canción no representaba su verdadera identidad artística, motivo por el cual manifestó públicamente su incomodidad por ese registro temprano.

La crítica contemporánea, como el semanario musical británico NME, calificó “The Laughing Gnome” como el ejemplo más vergonzoso de la juventud de Bowie y remarcó la similitud con el estilo de Newley.

El propio Bowie, en diálogo con la revista Q Magazine, expresó: “Aarrghh, Dios, esas cosas al estilo Anthony Newley, qué vergüenza”, dejando en claro su deseo de borrar ese episodio de su trayectoria.

El impacto de la reedición y la mirada pública

Pese al rechazo del propio artista, la canción fue reeditada en 1973 tras el éxito de “Space Oddity” y logró convertirse en una pieza de culto entre sus seguidores.

Este redescubrimiento ocurrió mientras Bowie ya era una figura ascendente en la escena internacional, lo que sorprendió incluso al propio músico, quien prefería no recordar esa etapa.

La reedición permitió que una nueva generación de oyentes accediera a los orígenes de Bowie, aunque él mismo los considerara superados y ajenos a su evolución posterior.

Los primeros trabajos de Bowie funcionaron para él como un recordatorio de la importancia de la autocrítica y la capacidad de reinventarse. Su decisión de hablar abiertamente sobre sus desaciertos contribuyó a forjar una imagen de honestidad y transparencia, atributos que serían claves a lo largo de su carrera.

Escepticismo ante los éxitos y evolución profesional

El rigor de Bowie al evaluar su trabajo no se limitó a sus comienzos. Incluso “Space Oddity”, el sencillo que impulsó su fama global en 1969, fue recibido con dudas tanto por él como por su productor, Tony Visconti.

Visconti llegó a describir la canción como “barata” y “un truco” motivado por la popularidad de la carrera espacial, y ambos compartieron bromas privadas sobre las escasas expectativas de éxito para el tema.

A pesar del impacto que tuvo “Space Oddity”, Bowie reconoció que en ese momento carecía de un repertorio consolidado para sostener una carrera internacional. Con el paso de los años, su opinión sobre la canción cambió: la reincorporó en la gira Diamond Dogs de 1974 y posteriormente la interpretó en los conciertos multitudinarios de la gira Serious Moonlight en 1983, según detalla el portal de música independiente indiehoy.com.

Una autocrítica extendida a todo su catálogo

Bowie mantuvo su mirada crítica a lo largo de su trayectoria. “Young Americans”, canción principal del álbum homónimo de 1975, fue otra obra que el propio artista confesó no disfrutar. Aunque el álbum fue bien recibido y reflejaba una etapa de optimismo, Bowie declaró que solo apreciaba la canción “Win” del disco completo, mostrando así un alto estándar de exigencia respecto a su producción.

De acuerdo con indiehoy.com, esta postura autocrítica se tradujo en una revisión constante y restrictiva de su legado. Bowie no dudaba en reconocer públicamente sus desaciertos, estableciendo así una distancia poco habitual entre un artista pop y su propia obra. Su honestidad al evaluar su catálogo lo distinguió en una industria donde la autocomplacencia suele predominar.

El valor de la revisión y la autenticidad

La autocrítica férrea y la revisión pública de sus propios errores permitieron a Bowie mantenerse relevante e innovador durante décadas. Para el cantante británico, examinar y cuestionar su propio trabajo resultó fundamental para su evolución artística y para consolidar una presencia influyente en la cultura contemporánea.

Su apertura al reconocer limitaciones personales fortaleció su credibilidad ante varias generaciones y demostró que el rigor personal puede ser compatible con el éxito masivo y la transformación constante.

Bowie enseñó que la autocrítica no es solo una herramienta de mejora individual, sino un elemento central en la construcción de una trayectoria artística auténtica y duradera.

Charli XCX gestionó el impacto del álbum Brat enfrentando la presión de una audiencia multiplicada y el desgaste de la fama. Decidió dar un giro: crear un nuevo álbum en París junto a sus colaboradores más cercanos, entre ellos Finn Keane y Alex “AG” Cook. Esta nueva etapa está marcada por la búsqueda de honestidad e innovación sonora con guitarras, lo que modificó su vínculo con el pop y la llevó a cuestionar sus propios límites artísticos.

El lanzamiento de Brat en 2024 representó una transformación en la carrera de la artista, pasando de figura de culto a un ámbito internacional. Canciones como “I Think About It All the Time” y “365″ sumaron capas de vulnerabilidad y euforia. Vogue describió que este enfoque consolidó su presencia en el panorama musical.

El disco no solo reunió nombres de peso como Lorde, Ariana Grande y Robyn, sino que también amplificó su impacto en redes como TikTok, con apariciones de figuras como Chappell Roan y Gracie Abrams que potenciaron su alcance.

Para el diseñador Stefano Gallici, en diálogo con Vogue, la propuesta de Charli logró algo más profundo: “Resonó con toda una comunidad”, anticipando un impacto que podría marcar el rumbo de la escena en los próximos años.

Gracias a la notoriedad alcanzada, la imagen pública de la cantante se volvió objeto de debates culturales. La propia Charli observó: “Me di cuenta de cómo puedes convertirte solo en una serie de puntos clave... Y no es algo que me sorprenda ni me moleste”.

Porsu parte, su marido, George Daniel, señaló: “Fue un momento increíble para ella, personalmente muy satisfactorio, después de haberse probado a sí misma”.

El salto creativo: París y el viraje al rock

En París, Charli XCX, Alex “AG” Cook y Finn Keane colaboraron en un esquema grupal que contrastó con fases anteriores. Vogue retrató días de trabajo en estudios improvisados tras noches intensas, donde se buscaba capturar la energía del momento y explorar un nuevo rumbo sonoro. “Creo que la pista de baile está muerta, así que ahora hacemos música rock”, expresó la cantante.

Este cambio no responde a la nostalgia, sino a evitar fórmulas agotadas. “Si hubiera hecho otro álbum orientado al baile, habría sido muy duro, muy triste”, apuntó.

El paso al sonido de guitarras sorprendió a parte del público, pero Charli lo toma con humor y seguridad: “Es divertido darle la vuelta al formato. Sabemos que habrá gente que se moleste, pero está bien”.

La dinámica grupal favoreció la cercanía, incluso con decisiones como trabajar con vestuario experimental en el estudio. Para Cook, el reto era explotar nuevos matices en el sonido. Daniel mencionó el valor de “la confianza forjada a lo largo de miles de horas de colaboración”.

El álbum tomó forma durante la Semana de la Moda en París, evento de referencia internacional en la industria, integrando conexiones con la moda sin sacrificar la autenticidad.

Vida personal, arte y vulnerabilidad

Tras la publicación de Brat, la exposición de Charli XCX motivó nuevos proyectos, como su debut como productora y protagonista de la película The Moment, sátira sobre la fama y la identidad. “Todo el mundo está actuando, de alguna forma”, reconoció, señalando la artificialidad implícita en exponerse y el riesgo de perderse en la imagen pública.

Su unión con George Daniel en Londres quedó plasmada en la boda celebrada en julio de 2024, que acompañó la etapa de Brat. La cantante aclaró: "No quiero escribir canciones sobre mi esposo para siempre. Si escribo sobre nuestra relación, solo me interesan los sentimientos más extraños de estar casada”.

El nuevo disco se acerca más a la relación con el arte como motor de vida, y plantea interrogantes sobre el sentido del éxito más allá de lo profesional o romántico.

Las exigencias físicas y emocionales de la fama son para Charli un factor clave en su proceso. Explicó que el desgaste y el dolor surgen de horarios extenuantes, viajes constantes y la presión por mantenerse vigente. “A veces, para dar una buena actuación tengo que sentirme muy enfadada, lo que no es agradable”, contó a Vogue.

Más allá del pop: cine, moda y nuevos proyectos

El interés artístico de Charli XCX traspasa los discos. Además de producir y actuar en su primer largometraje, acumula hasta nueve proyectos en el cine, colaborando con directores como Jim Jarmusch, Daniel Goldhaber, Gregg Araki y próximamente con Takashi Miike en Japón.

Asimimso, calificó su trabajo actoral como “realmente crudo”, aludiendo al aprendizaje fuera de las fronteras habituales de su oficio.

En moda, la artista colabora con Gallici y ha desfilado en el Met Gala y los premios Grammy, fusionando espontaneidad y sofisticación. “No hago distinción entre mi ropa de pop star y mi ropa diaria”, aseguró, integrando su vestuario a su visión creativa y personal.

Charl XCX afronta la vulnerabilidad y la posibilidad del error como parte de su desarrollo: “Quizá me caiga y me humille, pero si no lo intento nunca sabré lo que puedo hacer”.

La nueva gira de Rosalía ha arrancado en Barcelona con una propuesta escénica que fusiona música y confesiones en directo, situando el confesionario como uno de los grandes atractivos de su espectáculo en el Palau Sant Jordi. La apertura de la serie de cuatro conciertos previstos en la capital catalana ha contado como primera confidente con la humorista, actriz y presentadora Yolanda Ramos (Barcelona, 57 años), cuya intervención ha generado ovaciones del público y una de las anécdotas escabrosas más recordadas de la noche.

Yolanda Ramos ha relatado ante la artista y los asistentes una experiencia personal inesperadamente divertida. Durante su intervención, Ramos ha combinado el castellano y el catalán para narrar una cita con un hombre cuyos detalles, según sus propias palabras, generaron recelo desde el principio. La actriz ha descrito cómo el individuo “tenía cosas encima de un armario”, circunstancia que le llevó a advertir: “No te fíes nunca de uno que tiene cosas encima de un armario”. Esta experiencia terminó con una improvisada sesión de depilación, después de que el hombre acudiese con un vaso de agua y una maquinilla, y culminó con una confusión de vasos que provocó la risa colectiva del pabellón.

En compañía de los asistentes, Rosalía ha escuchado el relato de la cómica y, acto seguido, ha extraído una conclusión que ha sido repetida y celebrada en las redes sociales: “Esto fue un encuentro entre dos perlas”. Sin dejar pasar la ocasión, la cantante ha añadido a modo de resumen la frase: “Moraleja: nunca te acuestes con un músico”. Pese a que este primer confesionario de la ciudad condal ha contado con Ramos, los fans habían barajado otras opciones como Bad Gyal o Amaia.

Qué se sabe del primer confesionario de Rosalía en Barcelona

La presencia de Yolanda Ramos como primera invitada ha marcado el punto de partida de esta serie de confesiones en la gira LUX. Durante cerca de 10 minutos, la humorista ha protagonizado un relato hilvanado de ironía y sorpresa, alternando su intervención en las dos lenguas cooficiales y estableciendo un precedente para quienes la sucedan en las siguientes noches. Este estreno se ha producido en un Palau Sant Jordi abarrotado, ya que las cuatro fechas programadas han colgado el cartel de “entradas agotadas”.

Este formato del confesionario, que ya se había presentado en los conciertos de Madrid y Lisboa con otros invitados como Aitana, Soy una Pringada, Metrika, Shannis y la futbolista Kika Nazareth, se ha consolidado como una pieza central del espectáculo de Rosalía, tal y como han sostenido ambos medios. El público, integrado también por otras caras conocidas como el tenista Carlos Alcaraz, los cómicos Andreu Buenafuente y Silvia Abril o el presentador Àngel Llàcer, ha seguido con expectación el relato, que ha combinado elementos de cotidianidad y humor escatológico, en palabras de Europa Press.

Superado el momento del confesionario, la artista ha continuado con una serie de temas muy coreados, entre los que se incluyen La perla, Sauvignon Blanc —canción en la que ha hecho alusión a sus preferencias por vinos catalanes como un Penedès, un Priorat o un Empordà— y La yugular. Durante la interpretación de Dios es un stalker, Rosalía se ha paseado entre el público hasta llegar a la orquesta.

¿Quién será la próxima invitada al confesionario de Rosalía?

La elección de Yolanda Ramos para la primera noche del confesionario ha supuesto una muestra del tono y el carácter del formato elegido por Rosalía para esta serie de conciertos. A diferencia de otras paradas de la gira, la intervención de Ramos ha sobresalido por su estructura narrativa, sus giros inesperados y la alternancia de registros humorísticos.

La respuesta del público ha confirmado la acogida de este confesionario, obligando a preguntarse quiénes serán los próximos invitados en las siguientes funciones del Palau Sant Jordi, una incógnita que ha pasado a formar parte de la expectación en torno al ciclo de conciertos en Barcelona. Según la información citada de Europa Press, otras celebridades han presenciado el espectáculo desde el público, contribuyendo a la atmósfera de evento conjunto más allá del mero recital.

La primera parada de una de las grandes artistas españolas de la actualidad ha sido en Madrid y ha contado con la presencia de cerca de 20.000 espectadores. Entre ellos, algunos nombres conocidos que no han querido perderse a una Rosalía deslumbrante: la actriz Ester Expósito, el director Pedro Almodóvar, el cómico Ignatius Farray y el finalista de Operación Triunfo 2023 Juanjo Bona han sido algunas de las figuras que han hecho acto de presencia en el Movistar Arena esta noche pasada.

La gira LUX ha comenzado por todo lo alto y las redes sociales no han tardado en dar su opinión. Con un porcentaje mucho mayor de fans que de detractores, los usuarios de X, la antigua Twitter, han elogiado a la cantante. También lo ha hecho la actriz Ester Expósito a la salida del concierto: “¿Cómo iba a estar? Espectacular. No puede estar de otra manera que no sea brillante“.

A modo de anécdota, también ha habido especulación entre los comentarios en redes sociales por saber quién era la figura con quien hablaba Pedro Almodóvar antes de empezar el concierto: si el actor norteamericano Ethan Hawke, con quien trabajó en el corto Extraña forma de vida (2023), en el que actuaba junto a Pedro Pascal; o Javier Del Pino, el presentador de A vivir que son dos días, en Cadena SER. Ambos hombres cuentan con un parecido más que razonable que ha inducido a error a los fans intrigados de X.

Más allá de las reacciones de los asistentes, y con tal de dejar a su público tranquilo, la cantante ha afirmado durante el concierto que se encuentra “mucho mejor” de salud, tras tener que paralizar su parada en Milán por molestias estomacales. Entre aplausos, Rosalía ha reconocido que Madrid es una ciudad a la que quiere mucho, además de rememorar cómo cantó en ella hace diez años: “Las vueltas que da la vida, es que es muy fuerte”.

Las redes sociales se inundan de felicitaciones a Rosalía: “Eres perfecta, tía”

Durante y tras la actuación de Rosalía en su paso por Madrid, las redes sociales se han inundado de halagos hacia la artista. “Eres perfecta, tía”, afirmaba @cinnamxnbitch en X, la antigua Twitter; “te mereces todo lo nuevo”, comentaba @angelfumon en la misma red social; o “artista de millones”, indicaba @andreeabarrado en otro hilo de X.

Pese a todos los comentarios favorables hacia las actuaciones de la cantante, también se ha encontrado alguna crítica, como la de @Alex_actualidad: “Rosalía debería de currarse más sus tours, son bastante cutres para el precio que llevan; ya la supera hasta Aitana”. No obstante, los haters han sido residuales en la primera noche de una gira que todavía tiene mucho que ofrecer.

Los símbolos religiosos en el primer concierto de Rosalía en Madrid: un confesionario y un butafumeiro

No era difícil de esperar la simbología religiosa en una Rosalía santa que en vestuario y actuación ya lucía celestial. Para adentrarse en el mundillo que irradia Lux, la artista ha contado sobre el escenario con un butafumeiro y un confesionario. En este último lugar de confesión cristiana, Rosalía no estaba sola. Al otro lado, se encontraba Esty Quesada, la youtuber más conocida como @soyunapringada, quien ha protagonizado un sketch cómico durante el concierto.

Además de los comentarios, hay quien ha aprovechado la oportunidad para revender entradas no empleadas ni en este ni en sus próximos once conciertos. Dado que aún queda mucha Rosalía por ver, las entradas ofertadas en X aludían a los ocho encuentros previstos en el Palau Sant Jordi de Barcelona y los tres en el Movistar Arena de Madrid. En ninguno de los mensajes, los usuarios indican el precio de las entradas.

Otro momento destacado de la noche ha sido el dedicado a la art cam, que emula la típica kiss cam de encuentros musicales y deportivos en los que los asistentes deben dedicarse su amor. En esta ocasión, y en alusión al disco Lux de Rosalía y todo el concepto artístico que lo acompaña, la art cam ha retado a los fans a imitar a las obras de arte que iban apareciendo en la pantalla. Algunas de estas han sido El grito, de Edvard Munch; las bailarinas de Edgar Degas; el retrato del anciano En la puerta de la eternidad, de Vincent van Gogh; la María Magdalena de Bartolomé Esteban Murillo; o La Bailarina de Flamenco, de Léopold Schmutzler, entre otras.

La noche del martes 10 de marzo, el Auditorio Nacional de la Ciudad de México se convirtió en el escenario de una velada cuando Cristian Castro apareció ante miles de seguidores que no dejaron de corear sus canciones. Entre gritos, aplausos y baile, el intérprete conocido como el gallito feliz provocó una conexión inmediata con el público.

El concierto comenzó a las 20:45 y se extendió hasta cerca de las 23:26. Durante más de dos horas y media, el cantante alternó momentos de nostalgia con bromas y comentarios espontáneos que desataron carcajadas entre los asistentes.

En uno de los momentos más emotivos, el artista se dirigió directamente a los fans con una frase que encendió la noche: “Son más lindos y más hermosos que todas las estrellas juntas, mi México querido…”, dijo, provocando una ovación que retumbó en todo el recinto.

Una noche de clásicos que el público cantó a todo pulmón

Desde los primeros acordes, el espectáculo avanzó con un repertorio que despertó recuerdos entre los asistentes. Canciones como “No podrás”, “Yo quería”, “Por amarte así” y “Lloviendo estrellas” fueron interpretadas en medio de una multitud que no dejó de cantar.

La emoción se mantuvo constante a lo largo de la velada. Cada tema provocó una respuesta inmediata del público, que convirtió el recinto en un enorme coro colectivo que acompañó al cantante en cada estrofa.

El momento cumbre llegó con “Azul”, el clásico que puso de pie a todos, saltos, gritos y celulares en alto marcaron uno de los instantes más vibrantes del concierto.

Invitados especiales que sorprendieron al público

La noche también tuvo sorpresas sobre el escenario. Castro presentó a un grupo que, según confesó, tiene un significado especial para él: Matisse, con quienes compartió un momento que desató aplausos.

Antes de interpretar el tema “Conmigo sin ti”, el cantante expresó su admiración por ellos: “Quiero presentarles a unos chicos que me encantan, un grupo increíble mexicano… las personas más queridas para mí sin duda, por el amor tan grande que nos profesamos mutuamente”.

Al finalizar la colaboración, Román Torres integrante del grupo le dedicó unas palabras al intérprete que provocaron sonrisas en el escenario: “Además del artista más impresionante que conozco, como persona eres la persona más chistosa y más divertida que conozco… y me encantaron tus zapatos”.

Famosos, bromas y una banana firmada

Entre los asistentes también se dejaron ver algunas figuras conocidas. El cantante saludó a Julio César Chávez, quien se encontraba entre el público y recibió una ovación.

En las primeras filas fueron captadas la actriz Sofía Castro y Gema Garoa, además del productor Sergio Gabriel, quienes disfrutaron del espectáculo.

Castro, siguiendo su estilo irreverente, protagonizó uno de los momentos más llamativos de la noche al regalar una banana al público y firmarla. El gesto provocó risas y mostró que su humor sigue siendo parte fundamental del espectáculo. Además, invitó a una de sus fans a bailar salsa con la canción “Nunca voy a olvidarte”.

Durante el concierto preguntó entre risas si el público se había dado cuenta de que ya había adelgazado, señalando que había dejado de comer migajón. Luego añadió que su secreto fue, según sus palabras, “hacer nada”, retomando la frase que lo hizo viral recientemente. Esta declaración fue recibida con humor tanto por sus seguidores en redes sociales como por el público presente.

La película, una coproducción entre George Michael Entertainment y Mercury Studios, marca un ejemplo de recuperación y valorización de material de archivo, posicionando a la obra en la intersección del cine documental musical y la gestión patrimonial de recintos y giras históricas. El comunicado describe el film como “una obra maestra de la restauración audiovisual”, subrayando tanto la ambición creativa de George Michael como el alcance de la gira que consolidó el fenómeno global del album Faith, publicado en 1987. Los realizadores Andy Morahan y David Austin, colaboradores habituales del cantante, asumirán la dirección del largometraje.

Se prevé un lanzamiento global en cine, aunque ni la fecha de estreno ni las vías de distribución han sido detalladas en el anuncio, lo que mantiene la atención del sector sobre los próximos movimientos comerciales y territoriales del título.

La utilización de grabaciones multipista en 14 ángulos durante el concierto de París en 1988 implica un nivel de registro poco habitual para la época, y apunta a estrategias de archivo orientadas a futuras explotaciones multimedia. Este nuevo documental recoge ese material bajo la dirección de Morahan y Austin, que ya habían trabajado junto a George Michael en videos emblemáticos durante su carrera. La promesa de nuevas tomas y el enfoque remasterizado anticipan una oferta relevante para audiencias que trascienden el nicho nostálgico y se abren al mercado global del contenido musical rescatado.

George Michael en 1988

En los últimos dos años de la década de los 80, George Michael consolidó su estatus como una de las figuras más influyentes del pop internacional tras el lanzamiento de Faith en 1987. El álbum, escrito y producido en su mayoría por el propio Michael, marcó un hito al combinar géneros como el pop, R&B, funk y soul, y vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo. Su impacto artístico se reflejó tanto en el reconocimiento crítico como en el comercial, con cuatro singles alcanzando el número uno en el Billboard Hot 100 y el álbum recibiendo el Grammy a Álbum del Año en 1989. La gira Faith Tour recorrió Japón, Australia, Europa y Estados Unidos, posicionando a Michael como uno de los artistas más importantes del periodo.

En ese momento, George Michael logró trascender la imagen de estrella juvenil asociada a Wham! y se consolidó como un referente creativo y visual de la música popular. Su imagen, caracterizada por el uso de campera de cuero y gafas oscuras, y su postura crítica respecto a la industria y la fama, contribuyeron a forjar una nueva identidad artística. Durante este periodo, su influencia se extendió más allá de la música, impactando la cultura pop y el videoclip, y recibiendo múltiples reconocimientos.

George Michael asumió un control casi total sobre su obra, componiendo, produciendo y tocando múltiples instrumentos en el estudio. Las canciones de Faith muestran una amplia variedad de estilos, desde baladas introspectivas hasta piezas con ritmos funk y jazz. El proceso creativo fue intensivo y personal, reflejando su búsqueda de independencia y autenticidad artística. A finales de los años 80, ya preparaba el terreno para Listen Without Prejudice Vol. 1, un álbum con el que buscó distanciarse de la promoción convencional y reafirmar su identidad como compositor y productor.

En redes sociales volvió a encenderse la conversación sobre el presente del pop mexicano. El detonante fue la idea, surgida entre seguidores, de una colaboración entre Sofía Reyes, Danna, Belinda y Kenia Os, propuesta que algunos usuarios bautizaron como “la trinidad del pop". .

La discusión se intensificó luego de que la cantante regiomontana Sofía Reyes fuera consultada sobre el tema en un encuentro con la prensa. La artista expresó que estaría abierta a trabajar con sus colegas, dejando ver que la posibilidad no le resulta lejana.

“Sí, no les voy a decir todavía, pero obviamente yo feliz de trabajar y crear con todas ellas que amo y admiro”, comentó la intérprete. Sus palabras reactivaron la conversación entre seguidores, quienes comenzaron a imaginar un proyecto conjunto que podría reunir a varias de las figuras más visibles del pop en español.

La respuesta de Paty Cantú que avivó la discusión

El debate digital tomó otro rumbo cuando la cantante Paty Cantú respondió a un comentario en la red social X donde se mencionaba a las cuatro artistas como quienes “dan la cara” por el pop.

Con un tono entre humor y reivindicación, Cantú escribió: “Inclúyanme porque 20 años haciendo pop tiene muchos ovarios y mucho trabajo”. Su mensaje rápidamente se viralizó y generó miles de reacciones entre seguidores del género.

La intérprete también reflexionó sobre la actualidad del pop en español. Afirmó que, aunque el estilo no ha estado “de moda” recientemente, sigue vivo gracias a artistas que mantienen su esencia, construyen comunidad con sus fans y continúan creando música con constancia.

El pop en español y su conexión con los fans

En su mensaje, Cantú también compartió una reflexión sobre el momento que vive el pop en español. Señaló que, aunque el género no siempre domina las listas principales de plataformas digitales, mantiene una base sólida de oyentes.

La cantante destacó que la calidad de la música, la conexión con las comunidades de fans y el crecimiento constante de los catálogos musicales siguen siendo factores que mantienen vigente al género.

También subrayó que los conciertos continúan llenándose y que las letras siguen acompañando a quienes escuchan estas canciones, lo que demuestra que el pop conserva un lugar importante en la vida de su público.

Más artistas se suman a la conversación del pop mexicano

Tras la intervención de Cantú, la conversación se amplió y muchos usuarios comenzaron a mencionar a otras figuras que han marcado el pop mexicano durante los últimos años.

Entre los nombres más repetidos aparecen el dúo Ha*Ash, así como Yuridia, María León y Paty Cantú. Varios seguidores señalaron que estas cantantes forman parte de una generación cercana en edad —alrededor de los 40 años— que ha mantenido presencia constante dentro del pop en México.

Los usuarios también recordaron que existen otras figuras importantes del género que pertenecen a generaciones anteriores, como María José, Gloria Trevi y Lucero. Para muchos fans, el debate terminó ampliándose hacia un reconocimiento más amplio de las artistas que han construido y sostenido el pop mexicano a lo largo de distintas etapas.

Al recorrer a gran velocidad tantas estéticas distintas en tan poco tiempo, Harry Styles estaba, en cierto sentido, haciendo un gran trabajo para el resto de sus colegas musicales. Durante las décadas de 2000 y 2010, los artistas masculinos blancos tendían a encajar en arquetipos bien definidos: refinado y bien arreglado (“metrosexual”), como Justin Timberlake; perpetuamente adolescente, como Justin Bieber; perpetuamente convencional, como Ed Sheeran. No había mucha capacidad de cambio en estos modelos. Cuando Timberlake se reinventó como Man of the Woods (2018), fue objeto de gran burla, al contrario que estrellas de décadas pasadas como David Bowie y George Michael, cuyos modos cambiaban con cada ciclo de álbum o, a veces, de video en video.

Para su cuarto álbum en solitario, que se publica este viernes, Kiss All the Time. Disco Occasionally., Styles ha presentado a otro nuevo personaje: en la portada del álbum, aparece con jeans, grandes anteojos de sol y una remera ajustada. Él dijo haber descubierto a LCD Soundsystem y la cultura de clubes de Berlín y, en consecuencia, ha adoptado el uniforme casual de un asiduo (heterosexual) a los clubes, una impresión que quedó aún más clara en su reciente actuación en los Brit Awards, donde estaba rodeado de una multitud de bailarines vestidos igual. Styles llevaba camisa y corbata metidas dentro de un pantalón de pinzas a rayas mientras bailaba por el escenario: el hombre trabajador finalmente desatándose.

Kiss All the Time. Disco Occasionally. es el primer álbum de Harry Styles en cuatro años. Su éxito con Harry’s House y las posteriores giras Love on Tour, posiblemente reabrieron las compuertas para los artistas pop masculinos, que vuelven a abrirse camino hacia el ranking Hot 100.

Benson Boone, que alguna vez fue aspirante en American Idol, ha transformado la popularidad en TikTok —y una inclinación a hacer acrobacias vestido con licra estilo Styles— en varios éxitos en las listas, mientras que el exbromista de YouTube Alex Warren logró que su single “Ordinary”, fuera uno de los mayores éxitos del año pasado, alcanzando el número 1 durante 10 semanas. Justin Bieber, ahora padre, rompió con su prisión adolescente con Swag, un álbum de R&B minimalista influido por las estrellas indie Dijon y Mk.gee. Y, por supuesto, está Shane Boose, el neoyorquino de 20 años más conocido como Sombr.

Sombr irrumpió en 2025 con una serie de canciones que rápidamente pasaron de TikTok a la lista Billboard Hot 100, incluyendo el denso y angustioso megaéxito “Back to Friends”. Su sonido es distinto al de Harry Styles —está basado en un pastiche de bandas indie de la década de 2010 con matices de disco, producido y mezclado con el brillo y la intensidad de la música pop—, pero es innegable que hay un poco de Styles en su personalidad, que es a la vez inocente y moderadamente sexualizada, y atrae a un público femenino joven.

Con 2,01 metros de estatura, Sombr también parece el resultado de estirar físicamente a Styles. Su vestimenta habitual en el escenario consiste en trajes de pierna ancha al estilo de los años 70, a veces adornados con elaborados bordados y en ocasiones embellecidos con lentejuelas, joyas y camisas escotadas (o ninguna camisa).

Incluso si no se inspira directamente en Styles, Sombr es el tipo de estrella que solo podría haber alcanzado el éxito mainstream en un mundo posterior a él: alguien que juega con códigos ostensiblemente vintage como guitarras y trajes, cuya música es indudablemente masculina (y heterosexual), pero que explora la expresión de género de formas que resultan modernas y clásicas a la vez. Difícilmente es un competidor directo —aunque da conciertos en estadios y parece omnipresente en las listas, Sombr está lejos de ser un nombre familiar, y sus actuaciones en vivo distan mucho del nivel de pulido inherente a la personalidad de Harry Styles.

Pero su éxito sugiere que el futuro de la fama pop masculina podría tener la forma de Styles, ofreciendo un poco de novedad y mucho de tradición al mismo tiempo.

Fuente: The New York Times

[Fotos: REUTERS/Isabel Infantes]

Hay momentos en la vida que marcan un antes y un después. Para Ona Mafalda, ese punto de inflexión fue su divorcio, que tuvo lugar en noviembre de 2024. Este le hizo “perder el norte”, tal y como ella misma reconoció entonces, y le permitió empezar una nueva etapa en su día a día. La hija del príncipe Kyril de Bulgaria y Rosario Nadal ha encontrado en la música una vía con la que ha dejado atrás sus miedos y su faceta como miembro de la realeza para forjar su propio camino. “He hecho un proyecto fiel a mí, a lo que me gustaba y con lo que sentí que la gente iba a conectar”, confiesa en una entrevista con Infobae, poniendo el foco de atención en su nuevo disco, Reset.

Como su propio nombre indica, este álbum ha sido una renovación personal. “Sentí que tenía que dejar esos miedos que no tienes cuando eres joven”, detalla a este medio, agregando que “cuando eres pequeña, te atreves a todo. Quieres comerte el mundo entero. Pero cuando vas creciendo, empiezas a pensar muchas cosas y a frenarte. Entonces, yo estoy intentando volver a la niña de antes. A no tener preocupaciones, a no tener miedo y a sentirme segura conmigo misma”.

Pese a que su discurso artístico se caracteriza por la honestidad y la vulnerabilidad, lo cierto es que no siempre ha sido sencillo exponerse. “Como artistas estamos poniendo un poco nuestros sentimientos, lo que nos ha pasado, en un papel y no sabiendo cómo la gente va a reaccionar. O si ellos mismos van a conectar con eso”, reflexiona sobre lo que considera uno de los mayores retos de este trabajo. “No soy una persona que escribe sobre sí misma, sino de las experiencias que he tenido”, admite, puntualizando que “me suelo inspirar más en mi presente. Intento no anclarme tanto a las cosas del pasado”.

Empoderamiento, fuerza e historia

El álbum, compuesto por once canciones, alterna español e inglés con total naturalidad. Una decisión que no responde a una estrategia premeditada, sino a una cuestión instintiva. “Es muy natural. He elegido cómo me siento cuando llego al estudio y lo que en ese momento me pide el cuerpo. Si es en inglés o en español, intento no forzar. Me sale natural. Justo en este proyecto, de las once canciones, cuatro salieron en inglés”. En su biografía también ocupa un lugar importante Bulgaria, país al que está vinculada familiarmente. “Me encanta la música folclórica búlgara y en el anterior álbum sampleé las voces en una de las canciones y probablemente en algún momento seguiré jugando”, manifiesta a este medio, dejando en el aire la posibilidad de cantar en este idioma.

Criada entre distintas culturas, Ona Mafalda considera que esa mezcla ha sido una fuente constante de aprendizaje. “He aprendido muchísimas cosas y sobre todo me he nutrido muchísimo de todas estas diferentes culturas. No puedo decir que tengo una preferida, todas me han dado tanto y he crecido mucho en todos estos diferentes espacios”, confiesa a Infobae. En este contexto, en el que la visibilidad puede ir acompañada de expectativas externas, la artista reivindica la fidelidad a su propia voz. “He intentado ser real conmigo misma y hacer lo que de verdad he sentido que era lo mejor para el proyecto y para mí, no porque era la moda o porque es lo que está haciendo todo el mundo. De verdad he hecho un proyecto fiel a mí”.

Ese cambio vital también tiene su reflejo en el sonido del disco, que supone una ruptura con sus anteriores trabajos. El giro hacia las guitarras no es solo una elección estética, sino también emocional. “Con el rock he encontrado el empoderamiento y el soltar esa energía que de verdad nos hace sentir mejor. Cuando voy al estudio o estoy en el escenario con la guitarra en la mano, se me abre otro universo de empoderamiento, de felicidad y de poder, pensar que me puedo comer el mundo”.

El último videoclip de Andy, bajo la dirección de Gabriel Pinal, utiliza la imagen como recurso para enfatizar que el proceso al que se enfrenta el cantante dista de vincularse con la soledad, pues pone de relieve la independencia y madurez alcanzadas en su carrera. Según informó la agencia de comunicación Be The One, esta pieza audiovisual acompaña el lanzamiento del sencillo “Solo”, que se convirtió el lunes en el adelanto final antes del estreno del álbum debut como solista, previsto para el 6 de marzo.

De acuerdo con la información proporcionada por Be The One, “Solo” no busca transmitir aislamiento; su mensaje principal se centra en la independencia tanto emocional como artística. La agencia detalló que el sencillo representa el inicio de una nueva etapa de crecimiento y agradecimiento por parte de Andy. El tema fue compuesto por Riki Rivera y producido por Juanma Leal, quienes colaboraron para crear una atmósfera que resalta la interpretación vocal del artista y pone de manifiesto la intención de plasmar serenidad y gratitud.

Tal como publicó la agencia de comunicación, Andy reconoce y agradece sus experiencias previas, marcando una transición hacia la autonomía creativa. La canción, enmarcada dentro del género pop, refleja el momento vital del cantante y se perfila como una declaración directa sobre la madurez y el aprendizaje a lo largo de su recorrido profesional y personal. Be The One afirma que avanzar en solitario, para Andy, significa integrar todo lo recibido y aprendido junto a quienes lo han acompañado en diferentes etapas, sin dejar atrás sus raíces.

La producción musical de “Solo” incorpora elementos que combinan sensibilidad en la letra, así como una propuesta fresca en la composición, confirmando la intención de consolidar una identidad propia en esta nueva etapa. Según consignó Be The One, el nuevo proyecto busca mostrar la faceta más auténtica de Andy, quien opta por un trayecto independiente, impulsado por el deseo de ofrecer una visión artística alineada con su crecimiento interior.

El lanzamiento del sencillo marca también el inicio de la promoción del álbum debut, que llevará el mismo nombre y estará disponible a partir del viernes. El medio consignó que, a través de este trabajo, Andy expresa satisfacción y esperanza, elementos que se reflejan tanto en la sonoridad de la canción como en la propuesta audiovisual. El mensaje de la agencia de comunicación subraya que, lejos de asociarse con el aislamiento, la apuesta por contar con autonomía creativa permite al cantante acceder a nuevas perspectivas y retos, siempre con una mirada de gratitud hacia el pasado.

El nuevo sencillo situado como anticipo del álbum de Andy sirve así de carta de presentación para su faceta más madura y consciente, en línea con el proceso de afirmación personal y artística reportado por Be The One. La agencia destaca que el proyecto ha sido gestado desde la serenidad, celebrando el recorrido anterior, lo que se traduce en la apuesta por un futuro independiente y el fortalecimiento de la identidad individual como músico.

En este contexto, la apuesta visual dirigida por Gabriel Pinal acompaña la narrativa propuesta en la canción, materializándose en un videoclip que refleja el estado emocional y el momento profesional del cantante. El medio de comunicación Be The One remarcó que el álbum “Solo”, disponible el próximo viernes, apunta a ser una consolidación del crecimiento y la maduración artística de Andy, posicionando este lanzamiento como el inicio de una etapa en la que la autenticidad y el aprendizaje pasado toman protagonismo.

La trayectoria de Ana Mena, marcada por logros profesionales y personales recientes, se encuentra en un punto destacado. La artista malagueña no solo continúa sumando éxitos musicales y cinematográficos, sino que también ha compartido proyectos clave junto a Óscar Casas, como el estreno de la película “Ídolos”. En este contexto de consolidación y visibilidad pública, Ana Mena ha recibido la Medalla de Andalucía a la Cultura y el Patrimonio, una distinción que coloca su nombre entre las figuras más reconocidas del panorama cultural andaluz y español, de acuerdo con la información consignada por el medio original.

Según detalló la fuente, la ceremonia de entrega tuvo lugar este 28 de febrero en el Teatro de la Maestranza, escenario elegido por la Junta de Andalucía para celebrar el Día de Andalucía y homenajear a figuras de relevancia. Ana Mena reconoció que el acto institucional le generó cierta tensión, aunque predominaba la felicidad, ya que consideraba que este reconocimiento era un reflejo del esfuerzo y la dedicación que ha marcado su carrera desde la infancia. Expresó en declaraciones recogidas por el medio: “Un poquito nerviosa, la verdad, muy feliz”.

Tal como reportó la fuente, la Medalla de Andalucía a la Cultura y el Patrimonio reconoce la influencia y el impacto que Ana Mena ha alcanzado como exponente de la música pop actual surgida del sur del país. La Junta de Andalucía concedió la distinción valorando tanto su talento artístico como la proyección nacional e internacional de su carrera, situando a la artista malagueña como un ejemplo representativo de éxito y modernidad dentro del sector cultural.

El medio remarcó que Ana Mena, quien inició su carrera artística siendo una niña, ha logrado posicionarse de manera estable en las listas de éxitos tanto en España como fuera de sus fronteras. El reconocimiento de la Junta constituye un hito en un camino que abarca actuaciones multitudinarias, colaboraciones con artistas de renombre y una presencia destacada en medios de comunicación y plataformas digitales.

La noticia también recogió el momento personal que atraviesa la cantante y actriz. Según publicó la fuente, Ana Mena mantiene una relación pública con el actor Óscar Casas, con quien ha trabajado recientemente en la película “Ídolos”. La colaboración profesional y la pareja que ambos forman han captado la atención en el sector del espectáculo y han generado interés en el público más joven, posicionándolos como referentes del momento.

Durante el acto de entrega de la medalla, Ana Mena compartió la emoción con su entorno cercano y celebró el reconocimiento en una etapa caracterizada por su estabilidad tanto en el plano profesional como en el personal. El medio describió la jornada como un reflejo del presente que vive la artista, quien alterna proyectos musicales y cinematográficos con una vida privada que define como feliz y equilibrada.

El avance de Ana Mena en su carrera artística se ha visto acompañado por una consolidación como figura pública, logrando convertirse en una de las artistas más queridas entre los jóvenes y contando con una agenda de trabajo llena de compromisos y propuestas. La Medalla de Andalucía representa, según el medio, un tributo a los años de esfuerzo invertidos y una reafirmación de su lugar destacado en la cultura popular española.

Finalmente, la fuente mencionó que, para Ana Mena, este reconocimiento significa una motivación adicional en su camino profesional y personal. En el escenario del Teatro de la Maestranza, compartió el logro con su pareja y afrontó el reto del galardón con la premisa de continuar creciendo y contribuyendo al desarrollo cultural desde Andalucía para España y el mundo.

La velada coincidió con el carnaval en Cádiz, hecho que aportó un trasfondo especial a la actuación de Tony Grox y Lucycalys en el Benidorm Fest 2026. La emoción dominó el momento en que ambos artistas, originarios de Cádiz, subieron al escenario para recibir la Sirenita de oro de manos de la cantante Melody. De acuerdo con la información de RTVE, la emoción por el triunfo fue tan marcada que Lucycalys no logró interpretar de nuevo su canción 'T Amaré' durante el cierre del evento, lo que generó debate en redes sociales y dejó a parte de la audiencia insatisfecha por el desenlace.

Tony Grox y Lucycalys lograron imponerse en la quinta edición del festival tras acumular 166 puntos y superar una competencia que cautivó tanto a público como a jurado. La canción ‘T Amaré’, una propuesta que integra música electrónica, pop y elementos del flamenco, se convirtió rápidamente en uno de los referentes del certamen, sumándose a una tradición iniciada por otros éxitos como ‘SloMo’ de Chanel o ‘Esa Diva’ de Melody. Según consignó RTVE, esta edición del certamen ha registrado más de 25 millones de visualizaciones y 508.000 interacciones en redes sociales, cifras que reflejan un notable respaldo a nivel digital y mediático.

La victoria les permitió hacerse con la estatua representativa —la Sirenita de oro de Benidorm— y con una dotación económica total de 150.000 euros, que se distribuyen con 100.000 euros para el intérprete y 50.000 euros para los autores del tema. Además ese reconocimiento incluyó el Premio Univisión del jurado profesional, que ofrece a los ganadores la oportunidad de realizar una gira promocional en la cadena TelevisaUnivisión, así como la grabación de un nuevo sencillo producido por una figura relevante de la industria musical latina.

Una de las características del tema ganador, ‘T Amaré’, radica en su estructura musical. La fusión de géneros contemporáneos con el flamenco reivindica una presencia andaluza y el sello personal de sus creadores en el panorama del pop español actual. Este estilo ha contribuido a que la canción se inserte entre los himnos del Benidorm Fest, tal como detalló el medio RTVE, convirtiéndose en un referente inmediato en festivales nacionales y en la industria musical en general.

El impacto en redes sociales también ha sido un factor determinante en la notoriedad alcanzada por Tony Grox y Lucycalys. Según los datos recogidos por RTVE, los creadores de ‘T Amaré’ han obtenido más de 25 millones de visualizaciones en plataformas digitales y han generado una amplia conversación digital, con opiniones encontradas correspondientes al desenlace emotivo del festival, cuando Lucycalys no pudo culminar su interpretación tras la entrega de premios.

En cuanto a los efectos colaterales del veto de España a la participación de Israel en Eurovisión, tal como reportó RTVE, Tony Grox y Lucycalys no representarán al país en el festival europeo durante 2026. Esta decisión sitúa a los nuevos ganadores fuera de uno de los escenarios internacionales más tradicionales para los vencedores del Benidorm Fest, alterando así la proyección habitual conferida por ese reconocimiento.

La gala, que se celebró en un ambiente de fiesta popular dado que coincidía con el carnaval gaditano, reunió a una audiencia masiva y presentó un marco propicio para la consagración de los nuevos artistas. La conexión del evento con la ciudad natal de los ganadores, la reacción emotiva durante la entrega del galardón y las cifras alcanzadas en interacciones digitales y visualizaciones construyen el contexto en el que se desarrolla esta edición del festival, según lo publicado por RTVE.

Por otra parte, el respaldo institucional y mediático que aportan premios económicos y oportunidades profesionales, como la gira con TelevisaUnivisión y la producción de un sencillo bajo la tutela de un productor latino, suman nuevos alicientes a la carrera de Tony Grox y Lucycalys. Esta combinación de recompensas económicas, visibilidad internacional y legado cultural reforzó el interés de la opinión pública y la industria musical en torno a los ganadores.

Así, la resolución del Benidorm Fest 2026 evidencia tanto la dimensión artística y popular del certamen como la evolución del festival en su papel de plataforma de impulso para nuevos fenómenos de la música española. El medio RTVE puntualizó que la recepción y la participación del público, unidas a la proyección profesional de los galardonados, configuran un resultado notable en la presente edición, pese a la ausencia de representación en Eurovisión por parte de los vencedores.

El libro argumenta que el puertorriqueño, siempre desinhibido en su amor y apoyo a la isla, ha participado en una “política de resistencia” al combinar la celebración con el activismo, trayendo los problemas del archipiélago al centro de la cultura popular y defendiendo constantemente la independencia de Puerto Rico. Para muchos oyentes que se encuentran con la obra de Bad Bunny —especialmente aquellos que no hablan español ni conocen la historia de Puerto Rico— los matices de su activismo pasan desapercibidos. La mayoría de los más fanáticos fuera del Caribe saben que su primera aparición en televisión ocurrió casi exactamente un año después de que el huracán María devastó la isla, pero pocos conocen su participación directa en El Verano Boricua (el nombre dado a las protestas a gran escala en la isla en el verano de 2019, que lograron destituir al entonces gobernador Ricardo Rosselló) o los anuncios políticos que compró previo a la elección para gobernador de Puerto Rico en 2024.

P FKN R examina estos casos, y muchos más, para demostrar que Bad Bunny no existe en un vacío. En cambio, las autoras postulan que el artista nacido como Benito Antonio Martínez Ocasio —quien usualmente es conocido solo como “Benito”— es producto del trato inhumano y despectivo del gobierno de Estados Unidos hacia Puerto Rico y el proyecto colonial que allí perpetra. “Al crecer durante las últimas tres décadas, esta generación ha experimentado una rápida y dramática disminución en su calidad de vida y en las oportunidades disponibles para ellos”, escriben Díaz y Rivera-Rideau sobre el Puerto Rico contemporáneo al inicio del libro. Para Benito, nacido y criado en el norte de la isla, las imposiciones gubernamentales estadounidenses, como la Junta de Supervisión y Administración Financiera, según escriben las autoras, han “hecho imposible ignorar las conexiones entre las luchas cotidianas de los puertorriqueños y la larga historia del colonialismo estadounidense en el archipiélago. Este es el contexto sociopolítico que moldeó los años formativos de Bad Bunny”.

Es un tema complejo para un artista que también canta sobre placeres hedonistas. Pero P FKN R celebra esa dualidad, señalando frecuentemente que los pánicos moralistas sobre el contenido de la música de reggaetón han suprimido históricamente las voces más radicales de la isla. Incluso el título del libro, que proviene de una canción de YHLQMDLG, tiene un doble significado. Las autoras sostienen que la implicación profana y burlona de la frase P FKN R es tanto un lamento por los problemas de la isla —apagones frecuentes, corrupción gubernamental, pobreza extrema provocada por las realidades de ser una colonia— como, de manera más explícita, una expresión arrogante de orgullo. El libro abarca toda la carrera de Bad Bunny, desde sus inicios trabajando en un supermercado en Vega Baja hasta el reciente lanzamiento de su disco Debi Tirar Más Fotos.

Pero P FKN R no es una biografía. Díaz y Rivera-Rideau suelen comenzar los capítulos enfocándose en una canción, video o momento específico del reggaetón para luego alejarse y considerar el panorama más amplio de la política puertorriqueña de ese momento. Aquí, incluso los gestos pequeños se recontextualizan. Las autoras discuten el tema “Te Boté”, en el que Bad Bunny participa, como una canción de ruptura amorosa pero también como un himno de desafío puertorriqueño tras el huracán María. La decisión de Bad Bunny de pintarse las uñas en el video de “Caro” se enmarca como revolucionaria dentro del trap latino, ya que, según señalan las autoras, “la hipermasculinidad es central en la ética del género”.

Un capítulo cercano al final está organizado en torno a la actuación de Bad Bunny como cabeza de cartel en Coachella en 2023 (la primera de un artista latino de habla hispana), en la que ambas autoras estuvieron presentes y que Rivera-Rideau ayudó a crear. Las autoras son profesoras universitarias, y su fama compartida se debe al Bad Bunny Syllabus, un repositorio online destinado a ayudar a “contextualizar la obra de Bad Bunny. Ambas han desarrollado y enseñado cursos sobre el cantante en sus respectivas universidades, y P FKN R es, esencialmente, una consolidación de todo lo que aparece en ese sitio web, en la práctica un registro escrito de sus conferencias. Algunos textos académicos tienden a lo pedante, pero ellas evitan en su mayoría la condescendencia o el distanciamiento al incluir reportes anecdóticos de primera mano que ofrecen una refrescante perspectiva personal.

En una sección particularmente humorística, Díaz relata cómo acompañó a un paparazzi tratando de conseguir fotografías de Benito con su entonces novia, Kendall Jenner. Luego aprovechan esa experiencia como punto de partida para hablar sobre las jerarquías raciales de la industria del entretenimiento en la que el artista está inmerso. Las autoras también desafían abiertamente las críticas habituales al artista. El libro dedica un capítulo entero a desmontar las acusaciones de queerbaiting, por ejemplo, mostrando su compromiso de largo plazo con el apoyo a la comunidad LGBTQ+. También reinterpreta sus muy criticados comentarios en la revista Time sobre el colorismo en el reggaetón. Los artistas pop tienden a buscar una base de fans con un enfoque globalista, apelando al mayor número posible de personas y cambiando lo que sea necesario para alcanzar nuevos mercados.

Mucho se ha escrito sobre el “boom latino” de la música estadounidense en la década de los años noventa y la consiguiente anglicización de los artistas de habla hispana para que pudieran llegar al público general. Pensemos en las dos versiones de “Livin’ la Vida Loca” de Ricky Martin, o Luis Fonsi uniéndose a Justin Bieber para remixar “Despacito”. A lo largo de su carrera, Bad Bunny ha hecho un esfuerzo deliberado para rechazar ese camino hacia la fama, cambiando el globalismo por un hiperlocalismo dedicado. La crítica a la música pop a menudo exige una suspensión de la incredulidad. Críticos y académicos suelen proyectar su propia erudición sobre artefactos de la cultura popular que no la merecen. Pero Díaz y Rivera-Rideau aciertan al decir que Bad Bunny pretende sacudir el sistema; su obra, que alcanza a millones de latinos, intenta deliberadamente conmover y radicalizar a los oyentes. Quiere motivar a su gente a mejorar sus vidas.

El trabajo que han realizado para comprender a Benito resulta cada vez más necesario, especialmente a medida que su fama e influencia política siguen creciendo exponencialmente. Ha pasado un año desde el lanzamiento del exitosísimo Debi Tirar Más Fotos, que impulsó a Bad Bunny al espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LX. Sin embargo, como destaca el libro, su celebridad y éxito musical no son a pesar de su origen, sino gracias a él. P FKN R enfatiza que escuchar a Bad Bunny es un acto radical, conectándonos con la lucha de siglos y la resistencia continua del pueblo puertorriqueño.

Fuente: The Washington Post

Sonia Madoc se ha mostrado sin reacción ante la salida de “Adiós”, el sencillo debut de Selena Leo repleto de insinuaciones sobre la ruptura de la famosa dupla, y ha optado por no expresar interés público frente a este acontecimiento. Ambas cantantes recorren ahora caminos por separado después de disolver el dúo que formaron hace más de dos décadas, manteniendo enfoques distintos en sus primeros pasos como solistas tras la inesperada separación, según consignó Europa Press.

La publicación del tema “Adiós” por parte de Selena Leo llegó justo después de que Sonia Madoc saliese del concurso “GH Dúo”, donde compartió programa con Carmen Borrego, Belén Rodríguez y Carlos Lozano. En este escenario, la noticia del sencillo llamó la atención no sólo por su contenido, lleno de referencias interpretadas como indirectas a Sonia, sino también por el contexto en el que apareció. Según detalla Europa Press, la reacción de Sonia Madoc ante el lanzamiento ha sido la de continuar desarrollando su propio proyecto musical, evitando manifestaciones públicas que alimenten la polémica generada por la letra de esta nueva canción.

La canción “Adiós” representa la primera incursión oficial de Selena como artista en solitario luego de la disolución definitiva del dúo, situación que se produjo tras un regreso mediático en el Benidorm Fest, 23 años después de su primer éxito. El dúo Sonia y Selena había alcanzado gran renombre en el pasado con temas que se mantienen entre los más populares, y su regreso para el festival alimentó expectativas sobre una reconciliación artística y nuevos proyectos en conjunto. Sin embargo, esta expectativa se vio truncada cuando Sonia Madoc optó por lanzar de inmediato su primer sencillo en solitario titulado “Diva Neón”, lo que marcó el inicio del distanciamiento definitivo entre ambas intérpretes.

En declaraciones recogidas por Europa Press, Selena Leo describió el trasfondo de “Adiós”: “Es un tema compuesto para todas esas personas que han sufrido ghosting. Todos hemos sido dejados en algún momento y, bueno, creo que era necesario hacer una sanación interna a través de la música. Sonia me ha hecho ghosting completamente porque no me ha avisado de nada y yo me he enterado por los medios de comunicación y por un burofax”. Así, la artista subrayó que la ruptura personal y profesional se vio acentuada por la falta de comunicación y por la notificación formal de la disolución del dúo a través de un burofax.

Europa Press también expuso el detalle de la disputa legal por los derechos del nombre y la marca del dúo. Tras el anuncio en solitario de Sonia Madoc, Selena Leo decidió registrar unilateralmente la marca “Sonia y Selena”, sin involucrar a su antigua compañera. La acción desencadenó una reacción inmediata en forma de burofax, documento con el que se formalizó el final del proyecto artístico conjunto y se marcó una separación tajante entre ambas partes.

Durante estas semanas, la relevancia del tema “Yo quiero bailar” ha perdurado en los listados de canciones más bailadas, impulsada en parte por la participación de Sonia Madoc en la televisión. Mientras esa canción se mantiene como legado, ambas figuras apuestan ahora por sus identidades individuales en la escena musical, aunque en sus discursos públicos muestran estrategias diferentes: Selena opta por verbalizar su experiencia y expresarla musicalmente, mientras Sonia Madoc se mantiene alejada de las polémicas y prefiere concentrarse en nuevos desafíos personales y profesionales, informa Europa Press.

La última etapa de la relación profesional entre Sonia Madoc y Selena Leo estuvo marcada por desacuerdos respecto al relanzamiento del dúo y la gestión de su imagen, con cada parte defendiendo sus intereses ante el público y ante los mecanismos legales correspondientes. La combinación de factores como la falta de comunicación, las acciones unilaterales y la notificación de ruptura por vías formales configuraron el desenlace de esta sociedad artística que había alcanzado notoriedad en los años 2000. Todo este proceso continúa generando repercusiones en la industria musical y entre los seguidores, quienes asisten ahora a la evolución artística individual de ambas intérpretes, según lo recogido por Europa Press.

Hablamos con el artista en esa etapa de autodescubrimiento como adulto. Hace tres años que dejó atrás el proyecto con el que despuntó en la industria, el grupo Go Roneo, tres años en los que han salido dos discos (el primero, Hensito, llegó antes de la separación), pero sobre todo, en los que se han producido muchos cambios en su vida. Al menos, eso es lo que se desprende de su tercer disco, Una mudanza, donde temas como Menos mal, Aquí estoy yo o Qué voy a hacer con mi vida muestran cómo, de repente, uno pasa de sentirse invencible a pensar en el porvenir, de estar viviendo en un sueño a sentir cariño y nostalgia por el pasado.

Tal vez por eso, Hens nos dice que todas las canciones de Una mudanza no surgieron de un deseo, sino de algo espontáneo que surgió sobre la marcha: “Estábamos componiendo varias canciones que ya sabíamos que iban a ir en un nuevo trabajo y, al escucharlas, escuchándome a mí y teniendo en cuenta todo lo que he vivido en los últimos años, me di cuenta de que estaba hablando de irme de un sitio a otro, de una nueva época”.

“Es imposible quedarnos en una etapa de nuestra vida”

- Pregunta: Varias canciones de ‘Una mudanza’ hablan sobre esos momentos, que no son pocos, en los que parece que la vida nos supera. ¿Tú qué haces cuando eso ocurre?

- Respuesta: Hay días en los que simplemente dejo que me supere. Me quedo en casa y digo: ‘Ya está, no puedo controlarlo’. Otras veces me adapto, sigo adelante, porque al final creo que es lo que hay que hacer. Muchas veces tenemos la sensación de que queremos parar el tiempo y quedarnos en una etapa de nuestra vida, pero es imposible.

- P: No es fácil hacerse adulto…

- R: Ha sido en estos dos últimos años cuando he sentido realmente esa transición. Me gusta la frase de Natos porque es verdad que mi padre ya no me trata como un niño y eso me hace darme cuenta de que me estoy haciendo adulto… y es difícil: de repente ves a gente que se va a vivir con su pareja, que se compra una casa o que consigue un trabajo estable. Ese tipo de cosas ya no son como un embarazo adolescente o una boda a los veinte años. Estamos más cerca de los treinta.

- P: ¿Crees que esos cambios que ves a tu alrededor traen una estabilidad que tú, como músico, necesitas para componer?

- R: La estabilidad, aunque sea buena, a veces es aburrida. Aburrirme no me viene bien para componer, y creo que todos los cambios y todo lo que me ha pasado últimamente me ha nutrido mucho para hacer canciones. Si hubiese estado con un trabajo a jornada completa de lunes a viernes, con una vida más común y parecida a la que veo en mucha gente, creo que no habría sido tan inspirador a la hora de hacer música.

“Cuando empecé en la música me sentía inmortal”

- P: ¿Qué es lo que más ha cambiado últimamente?

- R: Que tengo en cuenta el futuro. Hace cinco años, cuando me mudé a Madrid con veintiún años y recién empezaba en la música, me sentía inmortal: no tenía horario, dormía poco, no tenía la conciencia de lo importante que es el trabajo constante. Solo en el estudio nos permitimos el lujo de no pensar a qué hora entramos y salimos, donde se generan ese desorden y ese caos que muchas veces se agradece tanto a la hora de componer.

- P: ¿Crees que esa vulnerabilidad es lo que más conecta con tu público?

- R: Siempre me he mostrado vulnerable, sin miedo a mostrar cómo me encuentro desde un punto de vista crudo y sincero, sin maquillajes ni pensamientos sobre si la gente me verá más fuerte o más flojo. Creo que eso gusta, porque yo no soy Pavarotti, no tengo una voz espectacular ni sé bailar. Creo que la gente conecta conmigo por mis letras, y por eso es a lo que le doy más importancia, aunque cada vez me implique más en la parte musical.

- P: Ahora que ha pasado un tiempo desde la separación de Go Roneo, me preguntaba cómo vives la sensación de enfrentarte a la música tú solo.

- R: Realmente, nunca me he sentido solo. Por ejemplo, con Delgao he estado viviendo durante los últimos cinco años. Fer (Only) ha ayudado en siete u ocho temas del disco y, al igual que con Guille (Sesentay6), nos vemos prácticamente todas las semanas y estamos siempre en contacto. Nunca he sentido la separación de Go Roneo como una pérdida. Simplemente, fue un cambio a nivel profesional en el que seguimos estando juntos de otra manera.

Hablando de mudanzas

- P: ¿Qué tal se te da vivir solo?

- R: Se me da bien (sonríe). Me gustan mucho la tranquilidad y el silencio, algo que disfruto porque he estado muchos años compartiendo piso y en mi casa venimos de una familia muy grande. Si quiero quedar con alguien, quedo, porque por suerte tengo a mucha gente viviendo cerca. Y si no, silencio absoluto, me pongo una serie y a dormir.

- P: Durante la mudanza, ¿tiraste muchas cosas del pasado o te llevaste muchas contigo?

- R: Tiré muchas, sobre todo por necesidad. Hay cosas que guardo que no entendía en qué momento me pareció bueno conservarlas. Lo que más me cuesta tirar es ropa, porque me da pena, así que cuando viene gente a casa les voy regalando cosas, como en un mercadillo solidario.

- P: Si tocara hacer otra mudanza exprés, ¿qué te llevarías en la maleta?

- R: A ver… algo de ropa, seguro; un par de colonias, la Play y una olla muy buena que tengo, comprada con los puntos de Alcampo (ríe).

Kalimba se volvió tendencia en redes sociales tras una reciente entrevista en un programa de radio conducido por Mariano Osorio, donde habló con franqueza sobre los estilos de show que presentan distintos artistas en sus conciertos.

Sus declaraciones no pasaron desapercibidas, ya que expuso su preferencia personal por propuestas musicales que priorizan la improvisación y la interpretación en vivo por encima del despliegue visual.

Aunque aclaró que no se trata de una crítica directa, su postura abrió el debate sobre lo que el público busca actualmente en un espectáculo musical.

Su postura frente a los conciertos pop

Durante la charla, el cantante expresó: “Sí, no soy tan fan de los poperos. Siento que los conciertos de poperos están más dedicados al espectáculo y para eso prefiero ir a ver el Circo del Sol”.

Kalimba enfatizó que se trata de un gusto personal y no de una descalificación: “No es para mí, no estoy diciendo que no sea válido, es increíble”.

En contraste, explicó que disfruta más de bandas donde cada presentación es distinta: “Nunca van a tocar una nota igual que la que tocaron ayer”.

Música en vivo y libertad creativa

Al ser cuestionado sobre su lugar como creador, dejó claro hacia dónde se inclina artísticamente. Para él, la espontaneidad es una parte esencial del concierto.

Mencionó ejemplos de bandas y músicos que cambian su ejecución en cada show, valorando la improvisación y la energía del momento.

Desde su experiencia, esa libertad conecta de forma distinta con el público y convierte cada presentación en algo irrepetible.

Su visión como intérprete en el escenario

Kalimba también habló de su propio formato en vivo y explicó que, aunque ha incorporado bailarines y coreografías, lo ve como un complemento.

Sobre otros estilos de espectáculo, comentó: “No, es que no lo tiene, no lo tiene, pero para mí es un complemento”.

Finalmente, hizo referencia a un artista muy reconocido y señaló: “Su show es él parado frente al micrófono cantando por dos horas y todo sucede a su alrededor”, dejando claro que su gusto se inclina por propuestas donde la música y la interpretación evolucionan en cada concierto.

Al mirar cuatro décadas de trayectoria musical, Ilse María Olivo y Angélica Hernández, conocidas como Ilse y Mimi del dúo Flans, destacaron la evolución intergeneracional de su público y la huella de sus colaboraciones con figuras como Nacho Cano. Durante la entrevista concedida a Canal 33 TV, citada por el medio, recordaron cómo los hijos de quienes las seguían en los primeros años ahora también asisten a sus conciertos. En este contexto, anunciaron su participación en el musical "Ibiza Paradise", que se pondrá en escena este viernes a las 19.00 horas en el Cine Callao de Madrid, según informó Canal 33 TV. El evento servirá como conmemoración de los 40 años de carrera del emblemático dúo mexicano y constituye, según las propias artistas, un episodio especialmente simbólico dentro de su extensa trayectoria.

De acuerdo con la información difundida por Canal 33 TV, la presentación de Flans en Madrid representa para Ilse y Mimi la culminación de cuatro décadas de trabajo artístico. Ambas expresaron su agradecimiento a Nacho Cano, productor del musical, por el respaldo continuo que han recibido de su parte desde los comienzos del grupo. Además, subrayaron el papel fundamental de los medios de comunicación y el acompañamiento permanente de su base de seguidores, que se ha mantenido fiel a lo largo del tiempo y se ha extendido a nuevas generaciones. "Los hijos de los jovenzuelos, que ya no son jovenzuelos, también se han sumado a Flans", señaló Mimi en declaraciones recogidas por Canal 33 TV.

En el balance de estas cuatro décadas, Ilse evocó el inicio de su relación profesional con Madrid al recordar que ambas llegaron a la capital española hace 40 años para grabar junto a Nacho Cano. Expresó su asombro por regresar a esta ciudad para presentarse en el musical “Ibiza Paradise”, producido por el propio Cano, y describió esta oportunidad como algo que ni podían concebir al principio de su carrera. Según relató Canal 33 TV, Nacho Cano ha mantenido una relación profesional duradera con el dúo, colaborando en diversos proyectos y espectáculos relevantes tanto en España como en México.

La conexión entre Flans y la escena musical española ha sido una constante a lo largo de su historia. A parte de su participación en la obra "Hoy no me puedo levantar", que resultó exitoso también en México, Flans ha intervenido en celebraciones y espectáculos vinculados al musical "Malinche", tanto en territorio español como en la capital mexicana, según reportó Canal 33 TV. Mimi describió estas colaboraciones como parte de un lazo sostenido en el tiempo que ha supuesto contribuciones mutuas entre el dúo mexicano y figuras de la música española.

Durante la conversación en Canal 33 TV, Mimi también recordó el impacto que tuvo la interpretación del tema "No controles", composición de Nacho Cano, hace cuatro décadas. Dicho tema impulsó la popularidad de Flans en México, Estados Unidos y otros países del continente americano, y sigue vigente como una de las piezas más conocidas del grupo. "Hoy, 40 años después, seguimos aquí, felices y agradecidísimas", comentó la integrante, enfatizando la permanencia del dúo en la escena musical.

Respecto al repertorio que presentarán en Madrid, Flans interpretará "Las mil y una noches", canción compuesta por el español Pablo Pinilla, que se ha convertido en uno de los sencillos más populares en la actualidad del grupo. Según detalló Canal 33 TV, este tema acumula cerca de 300 millones de descargas en una sola plataforma digital y contará con la presencia de su autor durante la función en el Cine Callao.

El dúo aprovechó el espacio en Canal 33 TV para adelantar que sumarán a su repertorio un nuevo sencillo titulado “Si mañana es nunca”, una composición inspirada en la idea de vivir el presente. Según explicó Mimi, el mensaje central del tema invita a dejar de postergar experiencias en un contexto en el que el uso constante del teléfono móvil ha modificado la forma en la que se afronta el día a día.

Flans, que desde sus comienzos abanderaron el pop en español en un entorno dominado por la balada, se reivindican como uno de los grupos pioneros en expandir el género en Iberoamérica y Estados Unidos, tal como informaron en el programa. Además, resaltaron su conexión con talentos españoles contemporáneos, como Luz Casal. Ilse compartió que descubrió a la cantante gallega durante su primera estancia en España y llegó a interpretar uno de sus temas en los conciertos de Flans, reforzando así el vínculo entre ambas escenas musicales.

El medio Canal 33 TV detalló que antes del espectáculo previsto en el Cine Callao, Ilse y Mimi actuarán este miércoles a las 19.00 en la Casa de México en Madrid, donde ofrecerán una breve presentación, anticipando su presencia en la capital española. Este acto forma parte de las actividades promocionales que las artistas desarrollan durante su paso por Madrid y busca acercarlas a su público local, según precisó el medio de comunicación.

Al reflexionar sobre el recorrido del grupo, Mimi destacó que tanto las experiencias positivas como las negativas aportaron aprendizajes importantes y contribuyeron a la permanencia del dúo durante cuatro décadas. Sostuvo que las dificultades resultan tan valiosas como los logros, al afirmar: “Lo malo es lo que te permite crecer”. Ilse, por su parte, reconoció que el miedo de los comienzos se ha transformado con el paso del tiempo y subrayó que, durante las actuaciones, logran mantener el espíritu juvenil sobre el escenario.

Ambas manifestaron su intención de regresar a España para ofrecer nuevos conciertos. Según especificó Canal 33 TV, barajan la posibilidad de participar en una gira junto a Nacho Cano, que podría concretarse entre los meses de junio y julio, esta vez con un espectáculo de mayor duración y en más ciudades. Ilse destacó el deseo de retomar la conexión con el público español y ampliar la presencia de Flans en el país, reconociendo que la idea de realizar una gira junto a Nacho Cano representa un objetivo común para el grupo.

Desde el origen de Flans en Madrid hasta la celebración de cuatro décadas de carrera en el mismo escenario que los vio comenzar, la historia del dúo sigue marcada por la cooperación con productores españoles, el respaldo intergeneracional de sus seguidores y la constante renovación de su propuesta. Según reportó Canal 33 TV, el evento en el Cine Callao servirá como testimonio de la longevidad y la vigencia del grupo mexicano en el ámbito musical hispanohablante.

La Ciudad de México es uno de los lugares elegidos para escuchar el lanzamiento de la nueva canción “Aperture” de Harry Styles, antes de su estreno el próximo 23 de enero a las 00:00 horas en Reino Unido.

El cantante británico a través de una cuenta oficial de Instagram anunció algunas ciudades alrededor del mundo que tendrán la oportunidad de disfrutar este nuevo single, como parte de su regreso a la música después de su último álbum “Harry’s House” en 2022.

Por medio de historias de esta red social, se han ido revelando las ubicaciones y los horarios para que los seguidores interesados en vivir está experiencia puedan asistir y pasar un rato agradable con otras fans del artista.

Para la CDMX, el lugar de encuentro será en Mixup Satélite en un horario de 13:00 a 16:00 horas, con el inició de la fila en punto de las 10:00 am.

Para poder acceder al evento se deberá presentar INE vigente, y en el caso de los menores de edad tienen que ir acompañados de un adulto con INE de validez oficial. Esta previa del nuevo sencillo es de cupo limitado.

La nueva canción de Styles, estará disponible desde el 22 de enero a las 18:00 horas en plataformas digitales, iniciando la nueva etapa musical el solista con su nuevo material discográfico “Kiss All The Time. Disco, Occasionally”, con un estreno previsto el próximo 6 de marzo, el cual contará con 12 canciones con sonidos emocionales y festivos, así como una clara influencia de música disco y retro.

El anuncio ha generado gran emoción en las fans mexicanas, especialmente por ser de las afortunadas para disfrutar de la campaña de lanzamiento que ha incluido carteles misteriosos con frases como “We Belong Together” en puntos especiales de la ciudad y eventos exclusivos.

Ciudades participantes para escuchar Aperture

La oportunidad de escuchar la nueva canción de Harry Styles antes de su estreno en las plataformas de música, es parte de una experiencia única a la que pocas personas podrán acceder este 21 de enero en tiendas de discos seleccionadas. Las ciudades elegidas son:

• Ámsterdam
• Austin
• Berlín
• London
• Ciudad de México
• Nueva York
• Paris
• São Paulo
• Sídney
• Tokio
• Toronto

Se espera que próximamente el artista británico confirme fechas para la Ciudad de México, como parte de su nueva gira mundial, que se espera comience después del lanzamiento del álbum el próximo 6 de marzo.

Durante una entrevista exclusiva con Paper Magazine, compartió su filosofía profesional y afirmó: “El éxito es ser feliz y estar satisfecho, sin importar el resultado”. En este nuevo lanzamiento, Beer da prioridad a proteger su salud mental y mantener distancia de la presión externa.

La cantautora de 26 años insistió en que no vincula su valor personal a los listados de éxitos ni a la opinión pública. “No ligo mi valía a lo que dicen las listas o los números. Mi prioridad no es ser la artista más grande del mundo. Quiero hacer música de la que me sienta orgullosa y compartirla con quienes la aprecien”, remarcó.

Esta visión le aportó una libertad inédita en lo creativo. “Estoy en un momento de mi vida y mi carrera donde voy a hacer lo que quiero. Me siento liberada de las ataduras de la presión y las comparaciones”, aseguró.

Límites artísticos y bienestar personal

Desde que empezó en la música a los 12 años, Madison Beer enfrentó el escrutinio y la exigencia de reinventarse constantemente. Actualmente, establecer límites es fundamental y reconoció: “Antes, entregaba literalmente todo. Ahora, marcar límites es mi prioridad”.

En una misma sintonía, valoró la importancia de no basar su identidad solo en el trabajo: “He hecho esto desde que era muy pequeña, pero no puede ser lo que me defina como ser humano”.

La cantante puso en valor el aprendizaje de cuidar su intimidad y rechazar demandas que pudieran afectar su salud mental. “A veces basta con decir no. Defenderme y cuidar de mi bienestar no es negociable”, subrayó.

Sobre el impacto en sus seguidores, manifestó: “Quiero ser un modelo a seguir. Espero que haya personas que se identifiquen conmigo y puedan mantener un equilibrio entre la vida personal y la profesional”.

Evolución en el control creativo

La cantautora reivindicó su papel central en la creación artística, participando de manera activa en cada fase del álbum. “Nada en mi álbum no fue elegido por mí. Estoy en cada paso, desde la producción hasta la dirección creativa”, afirmó.

Esta posición cuestiona la imagen superficial que a menudo se atribuye a las artistas jóvenes. En relación a ello, relató: “Probablemente sorprendería a muchos saber que soy la cabeza creativa de mi proyecto. Mi mano está en todo, desde los sonidos hasta las luces del show”.

Tomar el control de su trabajo representó un cambio decisivo, especialmente tras haber sido apartada de sellos discográficos en su adolescencia. Se implica en la codirección de sus videoclips y la escritura de los guiones, algo que hasta hace poco parecía inalcanzable. “No voy a dejar que nadie me diga qué hacer o qué crear”, sentenció.

Referentes, inspiración y comunidad

Respecto a sus referentes musicales, Beer encuadra su propuesta dentro del pop alternativo, aunque admite influencias del R&B y épocas clásicas. “Mi mundo es el pop alternativo, pero mi catálogo es muy diverso. Ariana (Grande) siempre ha sido una inspiración para mí, también admiro a Daft Punk y The Beatles”, planteó.

Sobre la escena actual, mencionó su cercanía con otras artistas del género y la diversidad de estilos: “Mis contemporáneas como Tate (McRae), Sabrina (Carpenter), Clairo y beabadoobie hacen músicas muy distintas, pero compartimos un espacio similar. Me gusta pensar que formo parte de ese grupo de mujeres talentosas”.

Importancia de lo auténtico para los fans

La relación que mantiene con sus fans surge de la autenticidad y la conexión personal. “Tenemos una relación muy especial. Quiero que perciban que esto es personal y que hay guiños pensados para ellos, como muestras de que conozco y valoro quienes me siguen”, compartió.

Mientras que, sobre las opiniones y tendencias que promueven cambios de imagen o “rebrands”, fue contundente: “Veo todo ese discurso de que debería cambiarme el look, el color de pelo, todo. Pero quiero que la gente me acepte tal como soy. Hacerlo a mi manera es fundamental. Espero que quienes me siguen también se animen a ser ellos mismos pese a la presión externa”.

Planes a futuro y sueños

En la conversación con Paper Magazine, la artista reveló algunos de sus sueños fuera de la música. “Me encantaría estar en películas, soñar con actuar en una de Christopher Nolan sería genial”, confesó. Recalcó que su evolución artística es un proceso gradual, en el que el control creativo y el crecimiento personal seguirán siendo sus principales guías.

Al cierre de su entrevista, Madison Beer expresó su deseo de dejar una huella auténtica en sus seguidores y que su música inspire a otros a mantenerse fieles a sí mismos en cada proyecto que emprendan.

El cantante estadounidense Bruno Mars reveló en sus redes sociales una imagen alusiva a su próximo álbum, un dibujo en blanco y negro en el que aparece rodeado de un marco de rosas. Esta publicación forma parte de la campaña de anuncio sobre su regreso a la música en solitario, tras una década desde su último proyecto propio. Según informó el medio, Mars lanzará su nuevo trabajo titulado 'The Romantic' el próximo 27 de febrero, marcando un hito relevante en su carrera al tratarse de su cuarto disco individual y el primero desde '24K Magic', disco que data de 2016.

'The Romantic' representa el retorno de la faceta solista de Mars, conocido por sus producciones de pop, soul y R&B. Tal como consignó el medio, se confirmó que el viernes previo a la aparición del álbum se dará a conocer el primer sencillo, cuyo nombre aún permanece sin publicarse. De esta pieza musical se esperan más detalles en los próximos días, mientras crece la expectativa entre sus seguidores.

El álbum anterior del artista hawaiano, '24K Magic', reunió temas que se han consolidado como algunos de los grandes éxitos del repertorio de Mars, entre los que destacan 'Versace on the Floor', 'That's What I Like' y la propia '24K Magic'. Este trabajo le permitió fortalecer su posición dentro de la industria musical y alcanzar reconocimientos internacionales. Posteriormente, en 2021, Mars colaboró con Anderson .Paak en el disco conjunto 'An Evening with Silk Sonic', que logró un notable éxito y se alzó con cuatro premios Grammy en la edición de 2022. Estos galardones incluyeron Canción del Año, Grabación del Año, Mejor Interpretación de R&B y Mejor Canción de R&B, todos ellos gracias al sencillo 'Leave the Door Open'.

De acuerdo con la información publicada por el medio, la diferencia sustancial de 'The Romantic' respecto a sus proyectos más recientes radica en su naturaleza como álbum solista, lo que implica para Mars un nuevo ciclo en su trayectoria musical. Aunque el trabajo de Silk Sonic evidenció su capacidad para la colaboración artística y para la experimentación dentro del género, este nuevo lanzamiento será percibido como el regreso de su impronta personal y su estilo distintivo.

Mars, nacido en Hawái, retorna así a la industria con una propuesta que promete recoger la evolución musical que ha experimentado en la última década, después de un periodo en que predominó la colaboración y los proyectos conjuntos. La expectación sobre 'The Romantic' se alimenta, además, de la ausencia prolongada de trabajos individuales del artista, cuya última entrega propia en 2016 tuvo un impacto considerable tanto a nivel de ventas como de crítica.

El medio también destaca que la campaña promocional emprende una dinámica activa en redes sociales, donde el propio Mars ha divulgado detalles parciales del nuevo disco. Esta estrategia busca conectar directamente con su audiencia y alimentar la anticipación antes del estreno oficial. Por el momento, no se han divulgado más detalles sobre el contenido completo ni sobre otros colaboradores que pudieran participar en el álbum.

El lanzamiento de 'The Romantic' llega en un escenario donde la industria musical ha experimentado cambios en cuanto a la distribución y promoción de nuevos trabajos, y el despliegue realizado por Mars en plataformas digitales demuestra la adaptación del artista a las tendencias actuales de comunicación con el público.

Seguirán apareciendo detalles adicionales sobre el primer sencillo y posibles iniciativas paralelas vinculadas a la presentación del disco, a medida que se acerque la fecha de lanzamiento establecida para el 27 de febrero. El anuncio de Bruno Mars, reportado por el medio, marca el inicio de una nueva etapa tanto para el artista como para su catálogo discográfico.

Según informó el medio que cubrió el evento, las críticas se originaron poco después de la emisión del especial. Numerosos usuarios de plataformas digitales comentaron sobre el hecho de que la interpretación no fuese en directo y señalaron además un cambio estilístico en el sencillo, que consideraron cercano al pop espiritual. La pieza incorpora versos como “creo en Dios a mi manera”, lo que originó debate sobre la dirección musical del grupo y su vocalista. Al margen de las opiniones sobre el sonido, el vestuario blanco, acolchado y de corte voluminoso que lucía Montero llamó aún más la atención. Diversos internautas lo calificaron de poco apropiado y lo compararon con un edredón nórdico, contribuyendo a que la discusión sobre la estética predominara durante la transmisión.

Tal como consignó el medio, la respuesta de Montero no tardó en llegar. Lejos de esquivar la burla, la artista optó por asumir el humor y transformó la controversia en una broma. En su publicación, se la ve utilizando como cobija la prenda que desató las comparaciones, aportando así un giro irónico a la situación. El breve mensaje que acompaña la imagen, “Un edredón, a mi manera", refuerza el guiño directo tanto a quienes señalaron el parecido de su atuendo con un edredón como a la línea central del tema estrenado por la banda.

Durante el especial, la actuación de La Oreja de Van Gogh estuvo marcada por la expectativa en torno al regreso de Montero, quien retomó su papel de vocalista en uno de los contextos televisivos más destacados del año. Sin embargo, la repercusión en redes superó los límites musicales, y la atención se centró en temas relacionados con el vestuario, la interpretación y el estilo del sencillo presentado. Expertos y seguidores del grupo expresaron opiniones diversas sobre la elección de grabar la actuación previamente, un hecho que alimentó el debate sobre la autenticidad artística en programas especiales.

Mientras tanto, la reacción de Amaia Montero a los comentarios reflejó una postura acomodada al clima digital, donde las críticas y los memes frecuentemente forman parte de la exposición pública de los artistas. Al reutilizar su propio vestuario para alimentar la conversación con ironía, la cantante se sumó a la tendencia de asumir control sobre la narrativa, demostrando una respuesta que va más allá de la indignación o la polémica tradicional. La estrategia exhibida en sus redes subrayó la influencia que ejercen las plataformas digitales no solo en la proyección de los eventos, sino también en la manera en que los protagonistas gestionan las reacciones.

El episodio se añade a la lista de ocasiones en que el vestuario y las puestas en escena generan discusiones más allá del ámbito musical, marcando una pauta en cómo las figuras públicas manejan las controversias nacidas en entornos digitales. Según detalló el medio, la imagen y el mensaje elegidos por Montero sintetizan la capacidad de algunos artistas para apropiarse de la ironía y la crítica, resignificando así situaciones inicialmente adversas.

Taylor Swift cerró de manera definitiva su Eras Tour con el estreno de los episodios cinco y seis de su docuserie para Disney+, un proyecto que documenta la gira de conciertos más grande de su carrera y que, al mismo tiempo, abre una ventana clara hacia lo que viene después para la artista estadounidense.

La producción de seis partes concluye con un tono de balance y transición. Más allá del recuento de cifras y escenarios abarrotados, los capítulos finales se concentran en el momento personal y creativo que atraviesa Swift tras casi dos años de presentaciones continuas, y en las decisiones que marcarán su futuro inmediato luego de haber apagado las luces del escenario.

Un cierre íntimo marcado por la familia y la memoria

El quinto episodio, titulado “Marjorie”, rinde homenaje a la abuela materna de Swift, quien inspiró la canción del mismo nombre incluida en el álbum Evermore (2020). El capítulo abre con un video casero de una Taylor bebé sentada al piano junto a Marjorie, una escena que funciona como punto de partida para abordar la influencia familiar en su carrera.

“Parte del Eras Tour es una celebración de mi familia”, afirma Swift al inicio del episodio. Su madre, Andrea Swift, aparece visiblemente emocionada al hablar de lo que significa escuchar cada noche la canción “Marjorie” frente a miles de personas, convirtiendo ese recuerdo personal en una experiencia colectiva.

Andrea explica que la educación musical y emocional que recibió de su propia madre fue clave para acompañar el desarrollo artístico de Taylor desde la infancia, una base que, según señala, resultó determinante para que su hija pudiera sostener una carrera de largo aliento.

Colaboraciones, premios y trabajo creativo en pausa mínima

La docuserie también revela aspectos del presente creativo de Swift que se proyectan hacia el futuro. En estos episodios se detalla cómo la cantante planeó un dueto con Gracie Abrams, luego de que su canción conjunta “Us” fuera nominada al Grammy. Swift relata que la idea surgió tras una noche de celebración entre conciertos, que terminó derivando en una colaboración que considera especialmente significativa.

Además, el capítulo muestra imágenes detrás de escena en Suecia, donde Swift trabajó de manera reservada con los productores Max Martin y Shellback en su álbum The Life of a Showgirl. El proyecto fue grabado entre fechas del Eras Tour, incluso durante las fiestas de Navidad, lo que evidencia que la artista mantuvo su producción musical activa aún en medio del desgaste físico de la gira.

Swift describe ese proceso como un periodo de exploración creativa, marcado por la sensación de estar descubriendo nuevas posibilidades personales y artísticas, un enfoque que anticipa una etapa distinta tras el cierre del tour.

El final de la gira y la pregunta por la identidad sin escenarios

El sexto y último episodio acompaña a Swift y a su equipo en los días previos al último fin de semana del Eras Tour en Vancouver. Allí se observa a Gracie Abrams ensayando junto a Swift, mientras el equipo repasa los últimos detalles de una gira que redefinió los estándares de la industria musical.

Uno de los momentos más comentados es la conversación de Swift con su padre sobre fútbol americano, mientras observan a Travis Kelce, su pareja, antes del último concierto. Swift bromea sobre su inesperado conocimiento del deporte, una faceta que, según reconoce, jamás imaginó desarrollar.

Sin embargo, el eje central del episodio es otro: Swift reflexiona abiertamente sobre quién será sin la gira. Reconoce que, durante años, no tuvo espacio para considerar actividades opcionales en su vida debido al ritmo constante de trabajo, y plantea la necesidad de reconectar con su personalidad y sus intereses fuera del escenario.

El grupo musical Arde Bogotá y el cantante también español Guitarricadelafuente han actuado este sábado en la sexta edición del festival Rastrillo 305. Este es un proyecto benéfico organizado entre Estados Unidos y España, del que la nieta del rey emérito, Victoria Federica de Marichalar y Borbón, es madrina. El objetivo del festival benéfico es recaudar fondos para promover proyectos socioeducativos. No obstante, y pese a que la hija de la infanta Elena es madrina, la agencia EFE informa que no pudo asistir al encuentro.

El grupo de rock alternativo formado en Cartagena, Murcia, actuó por segunda vez en Estados Unidos tras su debut en Los Ángeles en el pasado mes de abril. En una entrevista con la agencia de comunicación, los integrantes de Arde Bogotá admitieron que se sienten felices de “darse a conocer aquí”, en el país norteamericano. Sin embargo, el grupo quiere que su música “llegue al otro lado del Atlántico”, aunque aseguran que “estar fuera de casa ya es algo expectante”. Durante su asistencia al festival benéfico, los cuatro músicos se mostraron sorprendidos “de la cantidad de gente de habla hispana” que hay en la ciudad de Miami.

Arde Bogotá confesó que comparten equipo con el artista de Benicásim, Guitarricadelafuente, y aseguraron que les encantaría “tomar una cerveza y hablar de lo que hace cada uno”, además de los proyectos futuros de cada cual. “Lo bonito de este evento es que mañana, después de tres o cuatro años persiguiéndonos, seguramente podamos sentarnos a hablar un poco de lo que viene y va a ser muy gustoso”, comentó uno de ellos.

Un festival benéfico apadrinado por la nieta del rey emérito

El festival benéfico Rastrillo 305 busca desde 2019 “fortalecer los lazos culturales entre EE.UU. y España”, informaron desde la organización. El Rastrillo 305 contó también con un bazar con marcas locales e internacionales, además de música, que permitió a los asistentes acceder a productos de proximidad y artesanías mientras se promovió el emprendimiento y la participación comunitaria. En cuanto a los fondos que se obtienen a partir de las actuaciones musicales, estos “apoyarán directamente proyectos socio educativos” de la fundación sin ánimo de lucro International Studies Foundation (ISF).

Victoria Federica de Marichalar y Borbón, hija de la infanta Elena de Borbón y nieta del rey emérito Juan Carlos I, es la madrina de la sexta edición del festival benéfico Rastrillo 305. No obstante, no pudo asistir al evento por problemas de salud. Sin embargo, entre los asistentes, hubo cientos de españoles que acudieron a ver a Arde Bogotá y a Guitarricadelafuente, además de la población residente en Miami. “Este evento es parte de ese puente que simboliza la unión entre culturas y que evoca el vínculo de los pueblos a través de la música”, afirmó la presidente de ISF, María Díaz de la Cebosa, y recogió la agencia EFE.

La ISF es la organizadora del encuentro y trata de fomentar con este evento la “ayuda a estudiantes con oportunidades limitadas para que puedan desarrollar su máximo potencial y contribuir de manera positiva a sus comunidades, inspirando a otros a valorar la educación y el liderazgo”, explicó el director ejecutivo, Alfonso Barral. Según datos de la organización, más de 10.000 estudiantes y sus familias se han beneficiado desde la creación del festival.

Simon Reynolds parece ajeno al calor porteño, así como se presenta en una oficina de Recoleta en una tarde soleada que preanuncia el verano. Podría ser un ejecutivo de televisión o tal vez, el CEO de una start up, pero no: es uno de los críticos culturales más lúcidos de este tiempo, un certero cronista de síntomas y tendencias del universo de la música pop, destacado por un enfoque singular que combina experiencias personales en fiestas electrónicas con referencias a pensadores como Jacques Derrida y Roland Barthes.

Reynolds llegó a Buenos Aires para participar del festejo por el 20° aniversario de la creación del sello editorial Caja Negra, que ha sido su vehículo de ingreso al conocimiento del público lector en español. Sus libros -basta con citar Retromanía. La adicción del pop a su propio pasado (2012); Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura del baile (2014) o Futuromanía (2024)- son vivaces en referencias e información contextual, ubicuos en las coordenadas de espacio y tiempo, y certeros en el análisis musical desde perspectivas de género, raza y clase social, lo que permite establecer ingeniosas conexiones entre la música pop (rock, electrónica, hip hop) y sus circunstancias. Un desafío satisfactorio para el lector interesado en sumergirse en algo más que la escucha de un disco, por cierto.

Y como se desprende del título de una de sus obras más relevantes, una definición suya apuntó directo al corazón de ciertos fenómeno cultura que, aquí y ahora, sucede en Buenos Aires en el fin de semana de los conciertos de la gira de reunión de Oasis, por ejemplo. El término “retromanía”, acuñado por Reynolds, funciona como diagnóstico y advertencia sobre el devenir de la cultura contemporánea; define una era marcada por la nostalgia y la compulsión de volver la mirada hacia el pasado. La lógica de este fenómeno puede llegar a explicar, en buena medida, la fatiga cultural omnipresente en el análisis de la música de las últimas décadas.

En diálogo con Infobae Cultura, Reynolds discurrió sobre las nociones de pasado, presente y futuro de la música pop, del rock, el hip hop y la electrónica, los 80 años recién cumplidos de Neil Young, la novedad del ambicioso nuevo disco de Rosalía, el nuevo poder latino global y el rock de guitarras entendido como una música marginal, ajena al mainstream de las multitudes. Aunque Oasis haya vuelto para llenar estadios alrededor del mundo.

—¿Ha pasado el tiempo de la retromanía o la futuromanía, y vivimos un presente continuo, eterno, también en la música?

—En uno de mis libros hablo sobre el “nowism” (ahorismo). Esta obsesión con el “ahora”. En una época había mucha música que pensaba en este término, en Estados Unidos especialmente, donde las canciones tenían esta idea de que era “el último día de tu vida”. Había una canción de Ke$ha llamada “Die Young” y la idea era “vamos de fiesta como si fuéramos a morir esta noche”. Es un tema recurrente: vivamos como si no hubiera un mañana. O sea, en cierto modo, es una cosa de larga data en la música pop. Prince tenía “1999” que era “el mundo se acaba así que vamos a hacer lo que quieras”. Es una especie de idea recurrente en la música pop, como vivir el ahora. Los Beatles tenían todo eso. John Lennon solía decir, “Todo el mensaje de Los Beatles es estar aquí ahora”.

Así que hay una especie de idea utópica en eso. Pero también creo que la forma en que tú lo dices es menos utópica y más aterradora. No hay historia y la gente realmente no tiene mucho sentido del futuro. Todas nuestras ideas de futuro ahora son un desastre, ¿no? El tema climático, los microplásticos y la temperatura del planeta subiendo. Todas son visiones del futuro que son bastante oscuras.

—Bueno, estamos cerca de los 50 años del “No future” punk ¿Ha vuelto esa idea?

—Tal vez es la correcta para este momento. Y creo que la tecnología lo hace muy... Ni siquiera fácil, lo hace obligatorio. ¿Conoces este término “doom scrolling”? (N. de la R.: pasar compulsivamente mucho tiempo desplazándose online por noticias negativas y contenido angustiante). Deslizas el dedo por la pantalla del teléfono y el algoritmo empieza a saber en estás interesado solamente en cosas malas. Y luego muy ocasionalmente tienes “hope scrolling” cuando, por ejemplo, hay una buena como en Estados Unidos que recientemente hubo algunos resultados electorales realmente buenos para el Partido Demócrata. Así que haces “hope scrolling” y aparece una buena noticia.

En este momento, ya sabes, es muy difícil proyectarse hacia adelante. Y creo que a la gente le cuesta imaginar un buen plan para sí mismos hacia adelante. Así que viven de esta manera, de momento a momento. La política contribuye. Antes los gobiernos hacían cosas que eran a largo plazo y tenían buenos resultados, durante décadas. No recuerdo quién fue, pero en Estados Unidos hubo un plan llamado de “electrificación rural”, donde llevaron electricidad al campo. Y eso fue algo que tomó décadas en completarse, pero lo empezaron y resultó. Ahora ni siquiera es que los gobiernos solo miren lo que les va a ayudar a ganar la próxima elección, realmente están mirando lo que les va a dar atención mediática, cobertura de las noticias ese día. Alguien como Donald Trump, por ejemplo, para quien se trata solo de dominar los titulares del día.

—¿Este presente continuo es bueno o malo?

—Bueno, creo que es ambivalente. Escribo un poco sobre eso en el nuevo libro que estoy haciendo, que trata sobre esa era de “slackers” (N. de la R.: alguien que evita el trabajo, el deber o la responsabilidad y a menudo visto como perezoso) y el “shoegaze” (N. de la R.: término que alude a un subgénero del rock de los años noventa, con un sonido de guitarras con distorsión; y que a la vez se sirve de la figura del músico ensimismado en el ruido, mirando hacia abajo, hacia sus zapatillas y la pedalera de efectos).

La música de My Bloody Valentine por ejemplo. Solo te pierdes en eso, no piensas en el pasado, no piensas en el futuro. Hay algo extático en eso, como psicodélico... Vives en el momento que está intensificado y es sensacional. Todos tus sentidos están vivos y te pierdes en el sonido o tal vez también en imágenes con luces brillantes. La escena rave en la que yo estaba, es muy de la misma idea. Hay una canción llamada “3 AM Eternal”: esta idea de que estás fuera del tiempo de alguna manera, en el espacio de la rave. Dejas atrás el mundo real y dejas atrás el tiempo normal porque estás bailando en un momento en que todos los demás están dormidos y soñando. Estás como viviendo un sueño de una manera extraña. Creo que el tipo de experiencia que tenemos ahora, a través de las redes sociales por ejemplo, es una forma más oscura y ansiosa de eso. Vivir en el ahora, donde sientes que no puedes recordar lo que hiciste la semana pasada. Pero tampoco puedes pensar hacia adelante. No sabes qué va a pasar después. Y así es una especie de presente perpetuo negativo en el que vivimos demasiado, creo. A la vez, es ambivalente. Hay una especie de cosa de solo disfrutar cada día, salir y oler las flores. Disfrutar el momento: no te preocupes por tus arrepentimientos del pasado. No te preocupes por el futuro. Eso es algo liberador, pero luego también te sientes incapacitado de tratar de proyectarte hacia adelante positivamente.

—En este contexto “social”, ¿hay lugar para el surgimiento de algo realmente nuevo, original, en la música?

—Creo que sí. La gente siempre es muy creativa y no es que se haya dejado de querer hacer cosas nuevas. Yo escucho cosas que me parecen nuevas, muy originales y también muy individuales. Hay cosas donde dices “Solo esa persona pudo haber pensado algo así”. “Nadie más pensó esa idea”. A veces no es tanto en el sonido sino las letras. Todavía hay gente escribiendo sobre nuevas emociones o nuevas formas de expresarse. Igualmente se siente como que no ha habido nada realmente nuevo desde hace un tiempo. Incluso en géneros establecidos como el hip hop, que a veces pasa por cambios muy grandes: estuve muy metido en ese período del hip hop de 2015 a 2020, cuando muchos raperos empezaron a usar autotune de una manera muy interesante y casi post-verbal, post-lingüístico. Hacían sonidos extraños (risas) Y ya no se trataba tanto de las palabras, era solo este tipo de efectos vocales extraños que se les ocurrían.

Y pensé que eso era muy interesante, una fase muy nueva del hip hop. Luego eso se volvió un poco aburrido y se repitió demasiado. Pero por un tiempo me pareció muy nuevo y me entusiasmaba mucho encender la radio en el auto, en Los Ángeles por ejemplo, porque escuchabas discos realmente extraños que eran bastante vanguardistas aún estando en el mainstream. Muchísima gente los escuchaba en streaming y veía los videos en YouTube. Se sentía como cultura de masas pero era vanguardista. Aunque no creo que hubiera nada políticamente liberador en eso. Era bastante reaccionario en términos de valores, pero solo las técnicas de sonido parecían muy radicales e interesantes, pero también disfrutables. Algo experimental pero que también era agradable de escuchar.

—¿Y el rock?

—Desde mediados de los ’60 en adelante con Los Beatles y gente como Jimi Hendrix, la gente trata de hacer cosas nuevas con la guitarra eléctrica. La pasan por efectos y en el estudio la superponen, le graban encima. Eso continuó en los ’70. Y luego el post-punk fue toda una nueva fase de hacer cosas interesantes con guitarras. Y luego llegas a este período del que escribo en mi nuevo libro, finales de los 80, cuando Sonic Youth hablaba de la reinvención de la guitarra, My Bloody Valentine... Todavía se están inventando cosas nuevas. Sigue siendo música rock. Todavía hay gente haciendo cosas interesantes con la guitarra ahora.

—Sin embargo, ahora el rock no es mainstream. Tal vez ha vuelto a ser...

—¿Marginal? Puede ser. Creo que en cierto modo lo es, sí. Aunque todavía hay algunas bandas realmente grandes que usan guitarras como su instrumento principal. Los Rolling Stones, o Pixies.

—Oasis, que ha vuelto y toca este fin de semana en Buenos Aires en un gran estadio.

—Exacto, sí. No puedes decir que Oasis es underground. Pero en cierto sentido, la música de guitarra es marginal porque la mayoría de la música pop no tiene guitarras, ¿verdad? Todo es electrónico. Todo se hace en el estudio, con tecnología. Es bastante raro escuchar una guitarra eléctrica en un ranking de singles. En todo caso, Oasis representan una forma de música más antigua. Ahora es una música tradicional: un gusto minoritario de una manera extraña (risas).

—En este contexto, cabe preguntarte si la idea de “el rock ha muerto” tiene sentido para vos.

—Creo que cuando la gente dice que el rock está muerto, lo que realmente dicen es que ya no es central. Durante mucho tiempo, décadas, fue la definición de la música juvenil y ahora es más de varias opciones. A mi hijo o a los estudiantes a los que enseño, pueden gustarles algo de música rock pero lo que posiblemente es más central para ellos es el hip hop o la música electrónica. Les puede gustar una banda shoegaze moderna o una banda indie moderna pero si piensas en jóvenes y música, no pensarías en una guitarra eléctrica. Y de hecho, si piensas en guitarra eléctrica, probablemente pienses en gente de nuestra edad o mayor. Voy a un festival llamado Cruel World, donde tienen todas estas bandas góticas y alternativas de los ’80 y la mayoría del público es mayor, o algunos jóvenes van con sus padres. La gente en el escenario es mayor y en el público.

Pero tengo estudiantes que tocan guitarra eléctrica y les encanta, y están tratando de hacer cosas nuevas. Así que creo que el rock no está completamente terminado o muerto. Tampoco está necesariamente agotado. Creo que mucho más central sigue siendo el hip hop, como la voz de la música juvenil Pero incluso el hip hop es bastante viejo. O sea, es muy viejo. Tiene como 40 años.

—Neil Young cumplió 80 años esta semana. Y están Paul McCartney, Mick Jagger, Bob Dylan, todos arriba de los 80. Pronto van a morir, es un hecho. ¿Qué cambiará en el mundo sin ellos?

—Ya ha habido algunas muertes de gente de los ’60. No me sorprende tanto cuando mueren. Como cuando murió David Bowie, Lou Reed o el baterista de los Rolling Stones, Charlie Watts. Así que dices, “Oh, qué triste. Qué gran pérdida...” Es como la banda sonora de mi juventud temprana cuando era casi un niño y escuchaba esos discos. Pero lo que realmente me impacta es cuando muere gente importante de cuando yo era adolescente y estudiante. Como Terry Hall de The Specials. Para mí son los del post-punk. Me pega porque son de mi misma edad. O a veces son más jóvenes que yo.

—Tal vez las dos mayores estrellas pop del mundo hoy en día son de habla hispana: Bad Bunny y Rosalía ¿Te interesa su música por algún motivo?

— Sí, me gustan. Particularmente Rosalía. Es muy interesante el uso del flamenco que hace. No he escuchado el nuevo disco. ¿Es realmente bueno?

—Es ambicioso.

—Bien. ¿Está trabajando con alguien en particular?

—Un ejército de productores, la Orquesta Sinfónica de Londres y canta en 13 idiomas.

—No puede ser... (risas)

—Sí.

—Oh, wow. Es un poco como, no sé, ¿quién? Como Björk o Bowie. Muy hambrientos de nuevos tipos de música. Por otra parte creo que es muy llamativo que haya habido este este desafío a la hegemonía anglófona. Y cuando digo anglófona, digo Estados Unidos, porque no creo que Inglaterra, Australia o Canadá tengan mucho que ver con esa hegemonía. También una gran proporción de la población estadounidense tiene el español como primer idioma así que tiene sentido. Y es extraño que haya tardado tanto. Quiero decir, hubo una gran cosa por los ritmos latinoamericanos, creo, en los años ’40 y ’50: mambo, rumba y todas esas cosas. Así que esto que sucede no es completamente sin precedentes. Pero supongo que el hecho de que se cante en español es lo llamativo. Aunque dices que son 13 idiomas. Wow. Bueno, tendré que escuchar eso cuando regrese a casa.

[Fotos: Jaime Olivos]

Sin embargo, aunque estas nuevas canciones expansivas se resisten a ser trituradas en fertilizante para TikTok, también podrían estar estableciendo un nuevo conjunto de principios de placer para la era de la inteligencia artificial. Si ya te has dado cuenta de que la promesa de la IA no es más que un ataque corporativo a la curiosidad humana, la contemplación, el pensamiento crítico y el libre albedrío, Lux sonará como un nuevo tipo de música para sentirse bien. Escucha y trata de no dejarte arrastrar. La concentración se siente mejor que el asombro.

Quizá Rosalía nos estaba preparando para esto ya en 2022 con Motomami, un álbum animado y detallado de flamenco, electro y reguetón hibridados, cuyas referencias avanzaban y retrocedían en el tiempo, ampliando nuestras ideas sobre los tiempos del collage pop. Con Lux, sus prioridades dan una pequeña voltereta artística. Si Motomami se tomaba en serio su desenfado, Lux toma en broma su seriedad, con ella cantando de forma constante en timbres amables que hacen que sus cambios de idioma (árabe, alemán, hebreo, mandarín, portugués, ucraniano y más) sean difíciles de detectar. Es como si hubiera tendido una tirolesa entre la Torre de Babel y la Torre de la Canción, lo que, para un álbum de prestigio sobre la agonía y el éxtasis de la fe y la devoción, resulta extrañamente ingenioso, divertido y humano.

Obviamente, se está divirtiendo enormemente cada vez que rompe la cuarta pared, especialmente durante sus florituras más opulentas. Para el gran final de “Mio Cristo Piange Diamanti”, su voz hablada llena la última pausa expectante de la balada. “Esa va a ser la energía”, dice, como si describiera el arreglo a una amiga antes de que todo fuera grabado. “Y luego…” DUMMMM, suena el gran final de la orquesta. Hace un truco similar durante el vals “La Perla”, llenando un silencio tras un dramático choque de platillos con una simpática risita de pffft... Cuando no está desinflando grandes momentos, los afronta con naturalidad, como en el clímax de “De Madrugá”, una canción punteada con percusión flamenca e hiperventilación ASMR, su canto caligráfico volviéndose más intenso a medida que se ensancha en forma de trazos de bravura.

Lux es lujoso, y a veces es demasiado. Podríamos compararla con Lady Gaga o Beyoncé toda la semana, pero su influencia principal aquí es el mundo del diseño sonoro de Hollywood, un negocio plagado de artistas entusiastas que se sienten envalentonados para dar a conocer el sonido de las estrellas de cine doblando su ropa.

Algunas de estas canciones pueden cansar el oído de manera similar, saturando nuestro cerebro con colisiones de detalles hiperrealistas y pompa orquestal, como cuando pone a la sección de cuerdas en modo de ataque durante “Berghain”, una colaboración melodramática con Björk y Yves Tumor que evoca tanto un anuncio televisivo de relojes de lujo como el tráiler de una película sobre el tipo de personas que los usan. Cada vez que el logo de A24 empieza a flotar en tu oído mental, probablemente estés experimentando el tipo malo de sinestesia. Dicho esto, si tal combinación de hollywoodismo, hiperrealismo y cursilería de lujo era, de hecho, la intención, que San Andrew Warhola Jr. de Pittsburgh bendiga ese caos.

En su mayor parte, Rosalía mantiene esta catedral ordenada. Considéralo un acto de hospitalidad. Quiere nuestra atención indivisa durante 50 minutos, y quiere ganarse cada segundo de ella. Lo que entrega al final se niega a ser degradado en bocados para redes sociales, o en ambiente vago de restaurante, o en material de fondo para listas de reproducción, y si intentas canalizarlo por tus auriculares en el gimnasio, quizá alcances un nuevo estado de forma física metafísica, pero no hay garantías. El mejor lugar para escuchar Lux es dentro de tu mente, donde la inteligencia real todavía reina.

Fuente: The Washington Post

Este domingo, una de las divas del pop actual ha convertido el Palau Sant Jordi de Barcelona en una gincana de pop futurista. Katy Perry ha dado un concierto marcado por los himnos más característicos de su carrera y una escenografía ambientada en un videojuego del futuro, según recoge la agencia EFE. El pabellón también ha contado con la actuación de Becky Hill previa a la de Katy Perry.

El concierto que Katy Perry ha dado este domingo en Barcelona, con 18.000 personas aproximadamente, se enmarca en la gira The Lifetimes Tour, que comenzó el 23 de abril de 2025 en la Ciudad de México ​y tiene prevista su clausura este 7 de diciembre en Abu Dhabi. En España, esta ha sido la primera parada antes de visitar Madrid el 11 de noviembre y continuar la gira por Asia.

Durante la media hora de retraso, pues el concierto estaba previsto para las 20:30 horas, el público ha esperado a la cantante con la proyección de un vídeo en el que ella se presenta como la salvadora de la humanidad ante un mundo amenazado por la inteligencia artificial. El escenario, en forma de infinito, ha dado la bienvenida a la californiana suspendida en una estructura cilíndrica. Su vestimenta, que recordaba a una guerrera robot, iba acorde a la de sus bailarines, quienes parecían cíborgs en un alegato del mundo de lo artificial.

Recorrido pop por la música de la diva californiana

El primero de los temas con el que Katy Perry ha deleitado al público ha sido Artificial, canción del sexto álbum de la cantante, seguida de Chained to the Rhythm y Teary Eyes. Su cuarta actuación ha dado pie a una gran ovación, según explica la agencia EFE en su crónica, con los acordes de Dark Horse. A partir de este momento, salía a relucir la etapa dosmilera de la cantante, con canciones como California Gurls y Teenage Dream. Durante estas dos actuaciones, Katy Perry ha estado subida a una estructura con forma de atlas mientras sostenía el mundo.

Las primeras actuaciones de Katy Perry en el Palau Sant Jordi han evocado la década de 2010, en la que la cantante consiguió cinco números uno en los Estados Unidos con canciones como Last Friday Night (T.G.I.F.), Peacock y Wide Awake. Los tres hits no han sido menos coreados que otros himnos indiscutibles de la diva del pop como Hot n Cold y I Kissed a Girl, pertenecientes al debut de Katy Perry en 2008.

Si 2010 fue una época marcada por el amanecer de la diva del pop, la década actual está señalada por su último disco, ‘143′, que no convenció ni a crítica ni a fans, actitud que se ha visto en el público barcelonés cuando han sonado temas como Nirvana, Crush y I’m his, he’s mine, según relata EFE. Para remontarlo, Katy Perry ha decidido que sea el público el que escoja el siguiente tema. Al unísono, se han decantado porque la estrella del pop interprete Double Rainbow. Esta no ha sido la única participación del público en el concierto, ya que la cantante ha invitado a subir a cinco fans para que le ayudaran a traducir al catalán el tema Unconditionally.

A continuación, ha retomado su rol de heroína de videojuego por un momento y ha interpretado E.T., Part of me y Rise. No obstante, antes de finalizar el último nivel del juego que ha supuesto el concierto, ha hecho un pequeño lapso para cantar Bandaids, su nueva canción, en vaqueros y camiseta blanca. Para cerrar el show, Katy Perry ha recuperado Firework.

El gesto, parte de una divertida tradición que Carpenter ha repetido con distintas celebridades durante su tour, desató la ovación del público cuando la cantante dirigió su atención a la actriz australiana. “Venimos a este recinto por la magia, ¿verdad?”, dijo Carpenter, en alusión directa al icónico anuncio de AMC Theatres protagonizado por Kidman, que se ha vuelto un fenómeno viral entre los cinéfilos por su tono dramático y su frase: “Porque en un lugar como este, el tiempo se detiene”.

El momento, captado por varios asistentes, mostró a una Kidman sonriente mientras Carpenter exclamaba: “¡Oh, Dios mío! Esperaba encontrar el amor, pero no a mi alma gemela”. El público respondió con un estruendoso aplauso, celebrando el encuentro entre dos de las figuras más queridas del entretenimiento.

Un guiño a la carrera reciente de Nicole Kidman

Durante el encuentro, Sabrina Carpenter no perdió la oportunidad de hacer un guiño a la más reciente película de Kidman, “Babygirl” (2024), en la que la actriz interpreta a una mujer que enfrenta las consecuencias emocionales de un vínculo prohibido. “Eres tan Babygirl que no sé qué hacer”, bromeó Carpenter, generando risas entre los asistentes antes de preguntarle si quería ser su “chica Juno” por una noche.

Acto seguido, la cantante le entregó a Kidman sus características esposas rosas de peluche, un elemento recurrente en sus conciertos, con el que simboliza un arresto divertido. Luego dedicó su interpretación del tema “Juno”, incluido en su último álbum Short n’ Sweet, a la actriz ganadora del Óscar.

Como se mencionó anteriormente, el gesto no fue un hecho aislado. Entre los famosos que ya han sido “arrestados” por la cantante figuran Gigi Hadid, Emma Bunton, Joe Keery y Margaret Qualley, lo que se ha convertido en una tradición esperada por los fans en cada show.

Nicole Kidman y su vínculo con Nashville

Aunque para muchos resultó una sorpresa ver a Nicole Kidman en un concierto pop, lo cierto es que la actriz lleva casi dos décadas viviendo en Nashville, Tennessee, ciudad donde formó su hogar junto a su ahora exesposo, Keith Urban. La pareja, que contrajo matrimonio en 2006, compró una residencia de más de tres millones de dólares conocida como la Reina de Northumberland, una propiedad de estilo clásico que fue su residencia principal durante años.

Kidman, de 58 años, ha manifestado en diversas ocasiones su aprecio por la vida tranquila y comunitaria de Nashville, una ciudad que le ha permitido mantener un equilibrio entre su carrera internacional y su vida familiar. “Nicole vive a tiempo completo en Nashville. Le encanta la comunidad unida y el grupo de amigos que ha formado, y es el lugar perfecto para criar a sus hijos”, comentó una fuente cercana a la actriz a la revista PEOPLE en agosto pasado.

La artista australiana comparte dos hijas con Urban: Sunday Rose, de 17 años, y Faith Margaret, de 14. Además, es madre de Bella, de 32 años, y Connor, de 30, fruto de su matrimonio anterior con Tom Cruise.

Una aparición pública tras su separación de Keith Urban

La presencia de Kidman en el concierto de Sabrina Carpenter ocurre apenas un mes después de que se confirmara su separación de Keith Urban, tras veinte años de matrimonio. El 29 de septiembre se dio a conocer que la actriz y el cantante neozelandés habían decidido poner fin a su relación y que llevaban viviendo separados desde principios del verano, según reveló TMZ.

Un día después de hacerse pública la noticia, Kidman solicitó oficialmente el divorcio, marcando el cierre de una de las parejas más admiradas de la industria del entretenimiento. A pesar de la separación, ambos han mantenido un perfil bajo y no han ofrecido declaraciones directas a los medios, aunque fuentes cercanas aseguran que la prioridad de la actriz sigue siendo el bienestar de sus hijas.

La artista nacida en Londres, conocida artísticamente como Ona Mafalda, está viviendo un momento de reinvención personal y profesional. Hija del príncipe Kyril de Bulgaria y de la española Rosario Nadal, y nieta del último zar búlgaro, Simeón II, ha decidido apostar por su música como vía para “volver a nacer”.

Tras anunciar su divorcio en noviembre de 2024, reconoció que “perdió el norte” y que esta etapa de cambio le ha permitido abrir un nuevo capítulo de su vida. Desde entonces, vive en Madrid, con una mirada clara hacia el futuro: nueva música, nuevos proyectos y un lugar menos luminoso en la realeza, más centrado en el arte.

Resulta sorprendente cuando casos como los de Ona, se aleja de su título para intentar tener un nombre propio en un mundo tan complejo como el de la música. Lo cierto es que ya tiene cerradas fechas para festivales y conciertos por grandes ciudades como Londres o Madrid.

Pasado, raíces y herencia

La carrera de Ona Mafalda tiene sus cimientos en una vida de contrastes: nació en Londres el 27 de julio de 1994, y pasó su infancia entre Mallorca y Londres. Un situación complicada para poder ser cantante siendo hija del príncipe Kyril y la aristócrata y marchante de arte Rosario Nadal.

Desde muy joven mostró interés por la música y, tras formarse en el prestigioso Berklee College of Music de Boston, se lanzó al escenario con pasos firmes. Su primer gran paso público se produjo con el EP Bailando sin sentido (2021), y en 2023 publicó su álbum debut Ona. En 2022 se casó con el financiero británico-libanés Marc Abousleiman, en lo que fue considerado un enlace muy mediático dentro del entorno aristocrático. Pero apenas dos años después anunciaron su separación, en noviembre de 2024.

En una entrevista reciente admitió que el divorcio le provocó “un dolor inmenso” pero también le llevó a reflexionar sobre su identidad artística: “Ahora soy una nueva Mafalda”. Un cambio drástico que no le ha hecho cambiar el foco, la música sigue siendo su primer objetivo.

El presente y los nuevos proyectos

En esta nueva etapa, Ona Mafalda se muestra más decidida que nunca a cimentar su carrera musical con autonomía. Hace apenas unos meses lanzó un nuevo sencillo, una versión actualizada de “Yo no soy esa” de Mari Trini, que simboliza su decisión de romper con su pasado y aceptar la transformación.

Radicada en Madrid, ciudad que considera “el lugar para mi música”, ha anunciado que prepara su segundo álbum, con un enfoque más experimental y personal. Asimismo, tal y como se informó, interpretó recientemente en festivales y grandes escenarios, y aspira a seguir extendiendo su presencia tanto en España como en el extranjero. Además de la música, Ona Mafalda mantiene una marcada vinculación con el mundo de la moda y la cultura, influencia evidente de su madre, Rosario Nadal, y de su entorno aristocrático-artístico.

Pero en esta fase recalca que quiere que su arte hable por sí solo, más allá de la etiqueta de “princesa cantante”. En sus propias palabras: “He aprendido mucho de la industria, y de la vida”. Con todos estos elementos, la cantante se perfila como un proyecto de largo recorrido: una joven mujer que, superada una crisis emocional y personal, se regenera como creadora, con ambición de construir una identidad propia y coherente. Su renacer artístico no depende del linaje, sino de la voluntad de hacer música que la represente, y en eso está decidida a invertir tiempo, talento y corazón.

Al abordar su participación en los premios Women of the Year 2025 de Harper’s Bazaar, Ana Torroja expuso sus reflexiones sobre la posibilidad de una reunión de Mecano, señalando que la opción resulta difícil y solo cabe una ligera esperanza para quienes desean revivir al grupo. Tal como reportó el medio, la intérprete se refirió a la especial situación tras la inesperada reaparición de Amaia Montero en La Oreja de Van Gogh, lo cual ha generado un renovado interés entre los seguidores por los regresos de bandas emblemáticas del pop español.

Según consignó el medio, la reciente vuelta de Montero a La Oreja de Van Gogh, después de dieciocho años de ausencia, junto al primer aniversario de la salida de Leire Martínez, ha motivado que admiradores de agrupaciones históricas como Pereza, Los Piratas y Héroes del Silencio especulen sobre posibles reencuentros. No obstante, el caso que más expectativas genera es la posible reunión de Mecano, formación integrada por Ana Torroja y los hermanos Nacho y José María Cano, cuya separación definitiva se produjo en 1998 tras un último concierto celebrado en 1992. La huella del grupo permanece vigente gracias a éxitos que han trascendido el tiempo, entre ellos “Cruz de navajas”, “Hijo de la luna”, “Me cuesta tanto olvidarte”, “La fuerza del destino” y “En tu fiesta me colé”.

De acuerdo con la información publicada, Ana Torroja abordó la situación de Mecano durante una intervención ante los medios. Al ser consultada sobre un posible regreso, la vocalista describió el reencuentro de La Oreja de Van Gogh como algo “sorprendente, la verdad, porque nadie se lo esperaba. Bueno, yo no me lo esperaba. Me alegro mucho por ellos. En nuestro caso, de momento, no ha habido suerte”, señaló Torroja, según recogió el medio de referencia.

Sobre las razones que dificultan la vuelta de Mecano, Torroja explicó que la posibilidad de reunión resulta “bastante complicada” y manifestó que “no voy a decir imposible, por dejar un poquitín de esperanza, pero poca”, palabras que reflejan el distanciamiento actual entre los hermanos Cano, según detalló el medio. Aun así, la cantante hizo referencia al legado musical del grupo y el papel que sigue desempeñando en su trayectoria artística: “nuestra música sigue ahí, yo sigo cantando esas canciones, y esta vez voy a hacer un pequeñito homenaje a Mecano”.

Tal como publicó el medio, el contexto en el que surgen estas declaraciones está marcado por un ambiente de nostalgia en la escena musical española. Los seguidores de bandas de décadas pasadas alimentan su deseo por reencuentros que permitan revivir sobre el escenario los éxitos que perduran en la memoria colectiva. Los temas de Mecano, escritos en los años ochenta y noventa, mantienen actualmente su relevancia en distintas generaciones, evidenciando el impacto del grupo en la cultura popular.

La separación de Mecano en 1998, aunque su última presentación se realizó seis años antes, dejó un vacío entre sus seguidores. Desde entonces, los rumores sobre una posible reunión han circulado periódicamente, sin que se logre concretar una reconciliación entre sus integrantes. El medio recordó que la distancia personal entre los hermanos Cano representa uno de los principales obstáculos para una futura colaboración.

En ese marco, los recientes regresos de cantantes y bandas emblemáticas han incrementado la atención sobre otros posibles reencuentros. El regreso de Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh sorprendió tanto al público como a otras figuras del pop nacional. La reacción de Ana Torroja, según informaron diversos medios, se suma a las voces que analizan el impacto de estos movimientos en la industria musical española.

A lo largo de los años, los temas de Mecano continúan presentes en conciertos, homenajes y recopilaciones, consolidando su vigencia en el repertorio de la música en español. Pese a la ausencia de reuniones oficiales, la propia Ana Torroja mantiene vivo el legado del grupo a través de la interpretación de sus canciones en sus actuaciones individuales. Como relató el medio, la artista reafirmó su compromiso de rendir homenaje a la agrupación en sus próximos compromisos escénicos.

La expectativa de los seguidores respecto a una reaparición conjunta persiste, aunque las declaraciones de Torroja rebajan la posibilidad de que Mecano vuelva a presentarse con su formación original. La relación distante entre Nacho y José María Cano se mantiene como un motivo central de la dificultad para organizar un reencuentro. De acuerdo con lo manifestado por la vocalista y difundido por el medio, solo un pequeño margen de esperanza subsiste para aquellos que desean presenciar el retorno de una de las bandas más influyentes del pop en España.

A los 23 años, Billie Eilish se ha convertido en una figura central de la música pop, combinando un éxito comercial notable con una visión artística que desafía los límites del género. Con nueve premios Grammy, dos Oscar y más de 3.000 millones de reproducciones en Spotify para una sola canción, Eilish es considerada una de las artistas más influyentes de la actualidad, según destaca The Wall Street Journal. La cantante ocupa la portada más reciente de este medio estadounidense, un reflejo de su alcance global y relevancia cultural.

Su legado no se limita a los logros en las listas de éxitos: ha transformado la forma en la que se concibe el pop, la autenticidad y la sostenibilidad dentro de la industria. “Me siento muy orgullosa de mi yo más joven”, resumió la artista en declaraciones a The Wall Street Journal.

Estilo musical y autenticidad

El ascenso de Eilish comenzó en 2015, cuando irrumpió en la escena con un estilo propio que combina influencias clásicas y contemporáneas. Desde entonces, suma 44 éxitos en el Hot 100 y ha lanzado álbumes que dominan las plataformas digitales.

Su trabajo más reciente, Hit Me Hard and Soft, se ubicó como el quinto disco más popular en Estados Unidos el año pasado, con más de 2.200 millones de reproducciones, de acuerdo con cifras citadas por The Wall Street Journal. La gira que siguió a este lanzamiento vendió más de 383.000 entradas y recaudó más de USD 55 millones en nueve meses, cifras que evidencian su capacidad para conectar con audiencias alrededor del mundo.

El estilo musical de Eilish desafía las convenciones del pop. A pesar de la presión de la industria para adoptar un tono más alegre y comercial, la artista ha mantenido su enfoque melancólico y honesto. “Es muy gracioso recordar todas las críticas que decían: ‘Las canciones son demasiado tristes’”, expresó Eilish en entrevista con The Wall Street Journal. Esta determinación ha sido clave para redefinir los límites del género pop.

La autenticidad que caracteriza a Eilish trasciende su música y se refleja en su transparencia emocional. Ha compartido públicamente su experiencia con el síndrome de Tourette, la depresión y la soledad durante las giras, lo que ha generado una conexión profunda con sus seguidores.

“Su música da la sensación de haber sido escrita en la intimidad de una habitación, solo para ti: oscura, honesta y vulnerable”, afirmó Nandha Krishna, fan y creadora de un foro dedicado a la artista, en declaraciones recogidas por The Wall Street Journal. Incluso al crear Birds of a Feather, una de sus canciones más populares, insistió en añadir matices oscuros para escapar de la superficialidad.

Sostenibilidad e innovación

El compromiso de Eilish con la sostenibilidad ha marcado un nuevo estándar en la industria musical. La artista revisa cada aspecto de sus giras para reducir el impacto ambiental: ofrece comida vegana en camerinos, utiliza confeti biodegradable, incentiva a los asistentes a llevar sus propias botellas de agua y produce merchandising con algodón reciclado. “La cantidad de agua y energía que se puede ahorrar comiendo una sola comida a base de plantas al día es realmente asombrosa”, afirmó Eilish en diálogo con The Wall Street Journal.

Además, colabora con organizaciones y personalidades del activismo ambiental, como la bióloga marina Sylvia Earle, a quien presentó en un evento benéfico en Nueva York. En el escenario, Eilish implementa innovaciones que van más allá de la música. Su actual gira, iniciada en septiembre de 2024, incorpora un escenario de 360 grados y una pantalla gigante, ofreciendo una experiencia inmersiva al público.

También ha trabajado con el director James Cameron en una película de concierto en 3D, con el propósito de capturar la energía de sus actuaciones desde una perspectiva inédita. La artista considera que este proyecto le permite experimentar sus propios conciertos como lo hacen sus seguidores y preservar momentos irrepetibles que, de otra forma, quedarían solo en la memoria colectiva.

Bienestar personal y autenticidad

Frente a la presión y el ritmo de la industria, Eilish ha priorizado su bienestar y el de su equipo. Ha reorganizado su agenda de giras, limita el tiempo fuera de casa y garantiza períodos de descanso entre etapas. En esta nueva fase, viaja acompañada de amigas de la infancia y ha formado un entorno laboral que valora la salud mental y la calidad de vida.

“Me siento muy orgullosa de mi yo más joven por haber defendido mis convicciones de esa manera”, reflexionó la artista sobre su trayectoria, en palabras recogidas por The Wall Street Journal.

El camino elegido por Eilish requiere asumir desafíos y sacrificios, pero para ella el valor reside en la autenticidad y en la posibilidad de crear a su propio ritmo, aunque ello implique avanzar en una dirección diferente a la de la industria.

El regreso de Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh ha generado una enorme expectación y también una gran división entre los seguidores del grupo. Mientras muchos fans celebran la vuelta de la vocalista original, otros han mostrado su descontento por la salida de Leire Martínez, quien durante 17 años fue la voz principal de la banda.

A pesar de las distintas opiniones, el entusiasmo del público ha sido indiscutible. Las entradas para la nueva gira se han agotado en cuestión de horas, con todas las localidades vendidas en ciudades como Madrid, Barcelona, Murcia y Bilbao. Ante la alta demanda, el grupo ha anunciado una tercera fecha el 5 de diciembre en el Bizkaia Arena, que servirá como cierre de su gira por España.

Después de varios meses de rumores y especulaciones sobre su estado de salud, Amaia Montero ha decidido hablar abiertamente sobre el proceso personal que ha vivido durante estos últimos años. A través de un mensaje publicado en su Instagram, la artista ha compartido una reflexión sobre su recuperación emocional y su nueva etapa personal y profesional.

“Dicen que las oportunidades solo pasan una vez, que si no las atrapas ya no vuelven. Pero la vida me ha enseñado todo lo contrario: las oportunidades son tantas como las que tú te permitas. Nacen cuando decides que mereces otra, cuando decides ponerte en pie y seguir, cuando te levantas de nuevo”, escribió la cantante en su publicación, que ha emocionado a miles de seguidores.

Montero ha hablado sobre su duro episodio de salud mental, por el que tuvo que estar ingresada en el hospital. “Durante seis años pensé que ya no podía más y que no lo conseguiría. No es un camino fácil, no es cómodo ni agradable, pero sí muy real. Cuando te buscas auténticamente, es letal, tanto que no vuelves a ser la misma, porque tienes que despedirte de una parte de ti para que nazca otra”, explicó.

La publicación de Amaia ha sido recibida con una ola de cariño en sus redes sociales. Muchos fans han destacado la valentía de la artista al hablar públicamente sobre su proceso de recuperación y de su deseo de volver a los escenarios.

“La vida va de agradecer”, continuaba su mensaje. “De ir construyéndose, de irse para volver a ser, de alejarse del ruido para volver a escuchar”. Con estas palabras, la cantante dejaba ver que su regreso no solo ha sido profesional, sino también una reconciliación personal consigo misma y con su pasado.

Una nueva etapa para La Oreja de Van Gogh

El regreso de Amaia Montero marca una nueva era para la banda. Desde su fundación en los años 90, La Oreja de Van Gogh ha vendido millones de discos y ha dejado clásicos como Rosas, La Playa o Puedes contar conmigo.

“Estoy conmovida por esas entradas que vuelan y por ese público que me hace sentir que estoy en casa, el que me ha estado esperando. He vuelto. Hemos vuelto. Con mi banda, mis compañeros, mis hermanos, mi familia”, concluyó Amaia en su mensaje.

Con la gira completamente agotada y el gran apoyo de sus seguidores, la cantante vive su regreso más personal y emotivo, un reencuentro con la música, con sus compañeros y consigo misma.

“Ahora cada uno tiene su propio espacio, así podemos volver a reunirnos y hacerlo mejor”, afirmó Kevin, resumiendo el espíritu de una banda que creció junto a su público y que hoy celebra su vigésimo aniversario con la gira JONAS20.

Inicios y salto a la fama

La historia de los Jonas Brothers comenzó en Nueva Jersey, donde los tres hermanos ensayaban en el sótano familiar antes de que sus padres, uno de ellos pastor, los llevaran a presentaciones en centros comerciales y audiciones en la ciudad.

Su primer gran éxito llegó en 2005 con “Mandy”, impulsado por la relación con el canal Disney y el fenómeno de Radio Disney, que los catapultó a la fama adolescente. En ese entonces, el mayor de los hermanos tenía menos de 20 años y el mundo de la música pop vivía el ocaso de las boy bands tradicionales.

La conexión con Disney Channel y la participación en películas como “Camp Rock” consolidaron su imagen de íconos juveniles, mientras que el entorno mediático de la época, aún sin la omnipresencia de las redes sociales, les permitía mantener cierta privacidad.

Ruptura, proyectos individuales y aprendizaje personal

En 2013, la banda se disolvió, marcando el inicio de una etapa de exploración individual. Kevin, Nick y Joe siguieron caminos distintos: Nick se volcó a la actuación y lanzó proyectos en solitario, alcanzando el top ten con “Jealous”; Joe formó DNCE y cosechó éxitos como “Cake by the Ocean”; Kevin, por su parte, se alejó de la música para protagonizar el reality Married to Jonas y más tarde dedicarse a la construcción y a su familia en Nueva Jersey.

Esta separación permitió a cada uno experimentar la vida fuera del grupo, enfrentando tanto logros como fracasos personales. Sobre la presión constante de la fama en la era digital, Joe reflexionó: “No envidio a los jóvenes artistas de hoy, que deben encontrarse a sí mismos en un mundo tan caótico”.

Reunión con nueva etapa de madurez

Seis años después de la ruptura, los Jonas Brothers sorprendieron al mundo con su regreso y el lanzamiento de “Sucker” en marzo de 2019, su primer número uno. La reunión no solo significó un renacer artístico, sino también un cambio profundo en la dinámica interna del grupo. “Esta vez hemos aprendido a entender y respetar la individualidad de cada uno”, explicó el mayor de los hermanos (Kevin).

La paternidad y la experiencia acumulada transformaron su manera de relacionarse, permitiendo que celebren tanto los logros colectivos como los individuales.

El menor de los hermanos (Nick), destacó la importancia de ser “maleable y adaptable, intentando convertirse en lo que el otro necesita en cada momento”, mientras que Joe resaltó el valor de priorizar la salud mental y el bienestar personal, algo que antes no era habitual en su entorno.

La gira JONAS20 y el presente

La gira JONAS20, que recorre Estados Unidos y otras ciudades emblemáticas, es el reflejo de esta madurez y de la capacidad de los hermanos para reinventarse. El espectáculo, con una escenografía que homenajea sus raíces en Nueva Jersey, incluye una banda de nueve músicos, invitados especiales y la participación de Frankie Jonas, el menor de la familia, como telonero.

Artistas como John Legend, 5 Seconds of Summer, Natasha Bedingfield y Demi Lovato compartieron escenario con ellos, en una celebración de la música y las relaciones construidas a lo largo de dos décadas. Además, la gira incorpora JonasCon, un museo móvil que recorre los estadios y permite a los fans interactuar con la historia de la banda.

“Queríamos invitar a personas que realmente significan algo para nosotros y que puedan hablar de nuestro viaje”, comentó Joe sobre la selección de los invitados, en declaraciones recogidas por Esquire.

Perspectivas personales y familiares

La vida actual del grupo está marcada por la familia y la autoconfianza, pero también por la humildad que adquirieron con los años. Kevin, de regreso en Nueva Jersey durante los descansos de la gira, se dedica a sus hijas y a actividades cotidianas.

Por su parte, Nick está casado con la actriz Priyanka Chopra, y equilibra la paternidad con nuevos proyectos musicales y teatrales. A propósito de esto, reconoció: “Tengo una gran confianza en mí mismo, pero también una dosis saludable de duda. Me han humillado suficientes veces”.

Joe, tras su divorcio de la actriz Sophie Turner, se enfoca en la coparentalidad y en mantener una relación cercana con sus hijas, adaptándose a los retos de la vida en gira y la exposición mediática. “Su capacidad para priorizar la salud mental ha sido admirable”, señala Nick sobre el crecimiento de su hermano mayor.

Mirada al futuro artístico y legado

De cara al futuro, se muestran abiertos a nuevas posibilidades, sin perder de vista el valor de sus raíces. La gira JONAS20 culminará a finales de noviembre, coincidiendo con el estreno de una película navideña en Disney+ y el lanzamiento de su séptimo álbum, Greetings from Your Hometown, que reúne colaboraciones con artistas como Marshmello y Switchfoot.

“Admiro a bandas como Coldplay, que logran unir a personas muy distintas a través de la música. Espero que nosotros también podamos hacer eso”, expresó Joe, acerca de la visión de reinvención que persiguen grupalmente.

En este momento de su carrera, los Jonas Brothers reconocen el valor de cada etapa vivida y la importancia de disfrutar el presente. Como resumió Nick, la energía que sienten en los escenarios les permite afrontar el paso del tiempo con mayor serenidad, conscientes de que los mejores días están ocurriendo ahora mismo.

Cientos de visitantes adicionales acuden al Hessische Landesmuseum (Museo Regional de Hesse) en la ciudad alemana de Wiesbaden para admirar la pintura, con una familia viajando desde la ciudad norteña de Hamburgo especialmente para la ocasión, dijo la portavoz del museo, Susanne Hirschmann. Entre los visitantes también había muchas familias estadounidenses que están estacionadas en la base militar la ciudad.

El objetivo de los Swifties es ver la pintura de Friedrich Heyser que presenta a Ofelia, la amada de Hamlet en la obra homónima de William Shakespeare. En la obra original, Ofelia, una joven noble de Dinamarca, finalmente enloquece y se ahoga.

La pintura al óleo sobre lienzo de Heyser presenta la figura de Ofelia vestida de blanco y rodeada de lirios de agua blancos. No se conoce el año exacto de creación de la obra, pero los expertos creen que data de alrededor de 1900. En la escena de apertura del video de “The Fate of Ophelia”, Taylor Swift se mete en el papel de Ofelia y parece estar en una pintura viviente. La escena muestra similitudes con la obra de Heyser, dijo el director del museo, Andreas Henning.

La vocera declaró que el equipo del museo reconoció el parecido a principios de este mes y decidió invitar a los Swifties a una visita especial el próximo mes. Una vez que publicaron un anuncio de la visita en su sitio web, la noticia de la pintura de Ofelia pronto se volvió viral.

“Realmente estamos disfrutando de esta atención, es muy divertido”, dijo Hirschmann, agregando que todos los fanáticos que se presenten para la visita del 2 de noviembre vestidos como la estrella pop o como “la trágica doncella Ofelia” entrarán gratis.

Hay solo un problema: las entradas ya están agotadas por lo que el museo puede tener que agregar visitas adicionales para todos los fanáticos apasionados por el arte. El director Henning señaló que el museo ya ha intentado contactar a la cantante, pero hasta ahora no ha tenido éxito. “Me encantaría mostrarle a Taylor Swift la pintura original alguna vez”, dijo. “Estamos sorprendidos y encantados de que haya utilizado esta pintura del museo como inspiración para su video”, sostuvo. “Esta es, por supuesto, una gran oportunidad para atraer a personas al museo”.

Fuente: AP

En una entrevista en La Peña de Morfi, el cantante abordó sin reservas la compleja relación que mantuvieron ambos grupos, íconos de la música argentina surgidos de los realities musicales para adolescentes del comienzo del nuevo siglo. “Siempre nos tuvieron bronca, no sabemos por qué”, afirmó Tripel, aludiendo a la rivalidad que marcó la convivencia entre las dos bandas.

Durante la conversación, Germán Tripel explicó que, a diferencia de sus colegas femeninas, los miembros de Mambrú optaron por mantenerse al margen de la exposición mediática, salvo por algunos cruces puntuales con las integrantes de Bandana. El artista relató: “Nosotros nunca estuvimos involucrados en la cosa mediática, más que algún intercambio con alguna Bandana”, según sus palabras en La Peña de Morfi.

El vínculo con las integrantes del grupo femenino, que recientemente anunció su regreso a los escenarios, estuvo atravesado por diferencias de actitud y estilo. Tripel detalló que, aunque existía diálogo, especialmente con Lowrdez, la relación no era sencilla. “Lo hablamos con ellas, sobre todo con Lowrdez, que la queremos mucho, pero nosotros éramos la parte más rebelde de todo lo que era RGB y teníamos otras libertades”, expresó el cantante, quien también hizo referencia a la dinámica interna del grupo y a los desafíos que enfrentaron como banda masculina.

El contexto social de la época también influyó en la manera en que ambos conjuntos fueron percibidos y gestionados. Germán Tripel señaló: “También era una sociedad más machista, entonces los hombres estábamos con las remeritas cortas y ya teníamos el show armado, pero las chicas tenían que armar algo mucho más grande para llamar la atención”. Esta diferencia de exigencias, según el artista, contribuyó a la distancia entre los dos proyectos musicales.

La cronología de los lanzamientos también jugó un papel en la relación entre Mambrú y Bandana. Tripel recordó que su grupo debutó un año después que el femenino, lo que alteró la atención del público y los medios. “Nosotros salimos un año después y ellas perdieron un poco el spot y nosotros como varones éramos cinco que nos juntábamos a comer asado y que no entendíamos por qué, pero después lo entendimos”, relató el cantante en la misma entrevista.

El distanciamiento se acentuó con el tiempo, y Germán Tripel reconoció que no volvió a tener contacto con las integrantes de Bandana. “No las vi más”, comentó el músico, quien además recordó que uno de sus compañeros de banda mantuvo una relación sentimental con una de las artistas femeninas, situación que, según él, tuvo consecuencias negativas para la carrera de su colega.

El regreso de Bandana

Bandana anunció su vuelta a los escenarios para celebrar 25 años de trayectoria con un show especial en noviembre en Buenos Aires. La formación confirmada incluye a Lourdes Fernández, Lissa Vera, Valeria Gastaldi y Virginia da Cunha, quienes volverán a reunirse tras varios años de ausencia.

El reencuentro tendrá lugar en la fiesta L.A.T.M. +35, dirigida a mayores de 35 años y organizada por Tommy Muñoz. Aunque aun no se ha informado la fecha exacta ni el inicio de la venta de entradas, los organizadores adelantaron que estos detalles se comunicarán próximamente a través de redes sociales. La participación de Ivonne Guzmán sigue siendo una incógnita, ya que por el momento no está prevista su presencia en el evento. La última actuación conjunta de las cuatro integrantes fue en mayo, durante el estreno latinoamericano de la película Lilo & Stitch en versión live action, donde interpretaron “Muero de amor por ti”, tema que Bandana grabó en 2002 para la banda sonora original.

El anuncio del regreso fue replicado en las cuentas oficiales del grupo, que celebraron: “Lowrdes, Valeria Gastaldi, Virginia da Cunha & @Lissa Vera se reúnen para celebrar los 25 años de @bandanaoficial. El regreso más esperado comienza este noviembre en la fiesta @latm.35”.

Desde su surgimiento en el reality Popstars, Bandana revolucionó la música pop argentina con éxitos como “Guapas", agotó funciones en el Teatro Gran Rex y protagonizó una película, consolidando su impacto en la cultura popular. Tras la disolución en 2004 y un breve regreso en 2016, el grupo vuelve a escena, generando expectativa entre sus seguidores históricos y nuevas generaciones.

El ascenso de Addison Rae ejemplifica el potencial de las plataformas digitales para impulsar trayectorias creativas que trascienden la viralidad y exigen una autenticidad artística sostenida. En solo seis años, Rae pasó de publicar videos de baile en TikTok desde Lafayette, Luisiana, a posicionarse como una de las figuras más influyentes del pop contemporáneo.

Con el lanzamiento de su álbum debut, Addison, en junio de 2025 y colaboraciones con artistas como Lana Del Rey y Charli XCX, evidencia que su talento va más allá del fenómeno digital. Su recorrido muestra el nuevo modelo de celebridad en la era de las redes sociales, de acuerdo con W Magazine.

El giro hacia la música no fue accidental. En 2019, mientras estudiaba periodismo en la Universidad Estatal de Luisiana, Rae se incorporó a TikTok y en solo tres meses alcanzó un millón de seguidores.

Su carisma y la capacidad de conectar la llevaron a abandonar la universidad para dedicarse por completo a su carrera digital, que se expandió rápidamente hacia campañas de moda y acuerdos con marcas.

Sin embargo, Rae tuvo claro desde el principio que el destino final era la música. “Las redes sociales solo fueron una oportunidad para acercarme a los sueños y esperanzas que siempre estuvieron ahí”, explicó en una entrevista con W Magazine.

Proceso creativo y colaboraciones en el álbum debut

La creación de Addison revela una búsqueda consciente de identidad artística. Rae trabajó exclusivamente con las productoras suecas Elvira Anderfjärd y Luka Kloser, ambas en sus 20 años, para dar forma a un sonido sofisticado y electrónico.

“Éramos tres chicas en una habitación, en un ambiente divertido y libre, sin presión por hacer un álbum o una cantidad específica de canciones. Todo surgió de manera gradual”, relató Rae. La colaboración con Charli XCX resultó clave: tras escuchar un demo filtrado de “2 Die 4”, Charli se incorporó a la producción y aportó un verso al tema, presente en el EP AR de 2023.

“Lo más importante para nosotras es que lo que hacemos sea divertido y espontáneo, sin presión”, afirmó Charli XCX a W Magazine. Además, compartió escenario con Lana Del Rey en el estadio de Wembley, interpretando juntas “Diet Pepsi” y “57.5”, una experiencia que marcó un punto de inflexión para Rae.

“Aprendí mucho sobre mí y sobre Lana. Estar al lado de alguien a quien admiro, que vive su verdad con tanta gracia, fue transformador”, confesó.

Críticas, desafíos y autenticidad

El camino hacia el reconocimiento incluyó desafíos. En 2021, la artista recibió críticas por no acreditar a los creadores originales de bailes virales presentados en televisión, y su presencia en la Met Gala suscitó debate sobre la legitimidad de los influencers en la alta cultura.

Rae defendió su facultad para evolucionar y controlar su trayectoria. “La gente quería decir: ‘Esto es todo lo que sabes hacer’. Pero eso no tenía sentido”, sostuvo en diálogo con W Magazine. La fama en TikTok fue tan solo el primer paso de una propuesta ambiciosa.

La recepción de su música ha sido heterogénea. Su primer sencillo, Obsessed, presentado en 2021 y coescrito con Benny Blanco, recibió críticas por su simpleza y su carácter autorreferencial. Rae admite que ese lanzamiento fue “desordenado”, aunque confía en que, en el futuro, será reevaluado.

Con “Diet Pepsi”, estrenado en agosto de 2024 como adelanto del álbum, alcanzó su primer gran éxito: la canción llegó al puesto número cuatro en la lista anual del crítico Jon Caramanica, de The New York Times, quien la definió como “el susurro más dulce del año”. Las comparaciones con Lana Del Rey y Madonna surgieron prontamente, tanto por el registro vocal como por referencias líricas.

El debate sobre su autenticidad ha persistido. Bradley Stern, coanfitrión del pódcast Legends Only, explicó a W Magazine: “Muchos levantaron la ceja porque parece una figura pop dulce y burbujeante, pero hay mucho más en ella”.

Stern asoció el escrutinio de Rae con el que enfrentó Lana Del Rey al inicio de su carrera, al cuestionar la autoría y la autonomía artística.

Sin embargo, consideró que este escepticismo ignora la visión y la agencia de Rae: “No es fácil crear una estrella pop convincente y cool, o todos los influencers lo lograrían. Ella tiene la visión y colabora con creativos capaces de lograr el resultado buscado. Todo parte de su esencia”.

Estrategia de imagen y fenómeno cultural

La estrategia de imagen de Rae se construye sobre su experiencia digital y una autenticidad cuidadosamente calculada. En la sesión fotográfica para W Magazine en Brooklyn, la artista alternó entre espontaneidad y sensualidad, mostrando una apertura poco común en las celebridades actuales.

“Confío en mi intuición y en mi lenguaje corporal. Me encanta comunicarme a través de mi cuerpo, la música, el sonido y la energía”, aseguró. Este enfoque se refleja en la planificación visual y conceptual del álbum, donde cada color, palabra e imagen se seleccionó antes de grabar una sola nota.

El caso de Addison Rae constituye un paradigma en la cultura pop actual: la celebridad que emerge desde las redes sociales y convierte esa plataforma en el punto de partida para una carrera musical sólida.

Rae integra su pasado de creadora de contenido en su propuesta artística, demostrando que la viralidad puede ser el primer paso de una evolución genuina y sostenida. Como indica W Magazine, su historia muestra cómo la fama digital puede transformarse en una herramienta creativa.

Según Rae, la conexión real con el público surge cuando el proceso creativo responde a una necesidad personal y honesta.

La superestrella del pop Taylor Swift confirmó que no tiene planes de iniciar una nueva gira en el futuro cercano tras el final de su exitoso Eras Tour, argumentando que necesita un descanso después de dos años intensos de presentaciones alrededor del mundo.

Una confesión sincera

Durante una entrevista con BBC Radio 1 este 3 de octubre, Swift, de 35 años, habló abiertamente sobre el impacto físico y emocional que tuvo la gira más ambiciosa de su carrera. La artista describió su estado actual con una frase que sorprendió a muchos de sus seguidores: “Estoy muy cansada”.

“Voy a ser muy honesta contigo. Me canso muchísimo de pensar en volver a hacerlo porque me gustaría hacerlo realmente bien otra vez”, explicó la intérprete de Opalite. Aunque no descartó futuras giras, dejó claro que por ahora no está en sus planes.

Swift también comentó que está disfrutando un periodo de calma: “Estoy muy bien ahora mismo. Mis articulaciones están bien”. Tras la presión de más de un centenar de conciertos, la cantante aseguró que finalmente ha podido volver a dedicarse a sus pasatiempos, algo que había dejado de lado por completo durante el tour.

El legado del Eras Tour

El Eras Tour, que comenzó en marzo de 2023 en Glendale, Arizona, y concluyó en diciembre de 2024 en Vancouver, marcó un antes y un después en la industria musical. Durante casi dos años, Taylor Swift realizó 149 conciertos en cinco continentes, consolidando su estatus como una de las artistas más influyentes de la historia reciente.

Según datos recopilados por The New York Times, la gira recaudó más de 2,077 millones de dólares en ventas de boletos, cifra que la convierte en la más exitosa de todos los tiempos. Con más de 10 millones de asistentes, el tour duplicó los ingresos de cualquier otra gira registrada, superando incluso a Coldplay, cuyo Music of the Spheres Tour se acerca a los 1.000 millones en ventas.

El fenómeno no solo tuvo un impacto económico. Ciudades enteras experimentaron aumentos en turismo, hoteles y comercios cada vez que la artista se presentaba. Diversos analistas acuñaron el término “Swiftflation” para describir cómo la demanda por entradas y viajes relacionados con el Eras Tour disparó los precios en múltiples lugares.

Un respiro después de la intensidad

Para Taylor Swift, el descanso es más que necesario. La cantante confesó que la magnitud del Eras Tour fue algo que ni ella ni su equipo anticiparon. “Sabía que era una locura lo que estaba pasando. Nunca nos había pasado algo así. Mi equipo, mi familia de gira, todos somos muy unidos, y a ninguno nos había ocurrido una experiencia de esa magnitud”, señaló.

La estrella aprovechó la pausa para reconectarse con actividades cotidianas, como preparar masa madre, algo que mencionó en tono de broma durante la entrevista, al regalarle una porción al conductor Greg James. Para sus fans, fue una muestra más del lado humano de una cantante que, a pesar de su éxito, busca mantener la sencillez en su vida diaria.

El nuevo álbum: The Life of a Showgirl

Aunque no habrá nueva gira pronto, Taylor Swift no se ha detenido en la música. Su duodécimo álbum de estudio, The Life of a Showgirl, ya está disponible y ha generado una fuerte expectativa entre sus seguidores. El disco refleja la madurez artística de Swift y se percibe como un trabajo en el que canaliza las experiencias adquiridas durante los últimos años.

La artista, que ha sabido reinventarse desde sus inicios en la música country hasta convertirse en un ícono del pop mundial, sigue marcando tendencia. Su capacidad de conectar con millones de personas a través de letras íntimas y honestas continúa siendo una de las claves de su éxito.

Un mensaje a sus fans

Consciente de la expectativa que generan sus movimientos, Taylor Swift quiso transmitir tranquilidad a su base de seguidores. “Para mí es un gran honor que los fans lo hayan convertido en lo que fue, porque fue realmente asombroso para todos los que estuvimos en esa gira”, afirmó.

La cantante dejó abierta la posibilidad de volver a los escenarios en el futuro, pero por ahora, su prioridad es el descanso y su bienestar personal. Para una artista que ha redefinido la música pop en los últimos 15 años, tomarse un respiro parece ser parte esencial de su camino.

La artista estadounidense, reconocida internacionalmente por su influencia en el pop, describió su experiencia como madre en términos de distintas “eras”, cada una marcada por desafíos y alegrías propias.

En el diálogo con Keke Palmer, la cantante relató cómo la relación con sus gemelos evolucionó con el tiempo. Recordó los primeros años, cuando los niños eran pequeños y la acompañaban en el escenario durante sus presentaciones navideñas en el Beacon Theater.

Para Carey, esos momentos reflejaron la esencia de su transformación. Sobre esto, profundizó: “Incluso cuando quieren hacer sus propias cosas, aunque digan ‘no quiero salir contigo’, seguimos siendo una familia y eso es algo hermoso”.

Transformación personal y desarrollo artístico

La transformación personal de Mariah Carey fue un proceso continuo, marcado por el crecimiento emocional y profesional que la maternidad le ha aportado. En Baby, This is Keke Palmer, la artista reflexionó sobre cómo su desarrollo como madre se entrelaza con su evolución artística.

También explicó que, aunque nunca planeó reinventarse de manera deliberada, su vida y su faceta artística transitaron por distintas etapas que reflejan autenticidad y una búsqueda de sentido. “Creo que es solo un reflejo de mi vida”, afirmó, aludiendo a la manera en que sus vivencias personales se fueron plasmando en sus canciones y en cómo se presenta ante el público.

La cantante también abordó los retos de crecer en un entorno donde no siempre fue aceptada, y cómo la música y la escritura se convirtieron en herramientas para procesar esas experiencias. Desde su infancia, sintió una convicción profunda de que lograría sus metas, alentada por el consejo de su madre: “No digas ‘si lo logro’, di ‘cuando lo logre’”.

Esta mentalidad la acompañó durante los momentos difíciles de su carrera, especialmente en sus primeros años en la industria musical, donde enfrentó presiones para adaptarse a ciertas expectativas y superar relaciones personales controladoras.

De esta manera, con la maternidad pudo sentirse libre finalmente y auténtica consigo misma, especialmente a partir de la etapa del álbum Butterfly, lanzado en 1997, cuando comenzó a tomar el control de su narrativa y su arte.

Matrimonio y nueva visión sobre las relaciones

En cuanto a su visión sobre el matrimonio, se mostró abierta a la posibilidad de casarse de nuevo, aunque con una perspectiva renovada tras sus experiencias previas y la llegada de sus hijos. “¿Me casaría de nuevo? Iría por la tercera. ¿Por qué no?”, comentó con humor durante el pódcast.

La intérprete recordó su primer vestido de novia, que reutilizó en el video de “We Belong Together”, y reconoció que sus ideas sobre el matrimonio cambiaron con el tiempo, especialmente después de convertirse en madre. “Las cosas cambian. Mis ideas sobre eso cambian en cada momento”, admitió, sugiriendo que las responsabilidades reconfiguraron sus prioridades individuales.

Situación sentimental con autenticidad personal

Sobre su estado sentimental actual, Carey optó por mantener un tono reservado, aunque no evitó las alusiones a una posible cercanía con el músico Anderson Paak, con quien colaboró en su más reciente proyecto musical.

Ante la pregunta de la conductora Palmer sobre la naturaleza de su relación, la cantante respondió de manera enigmática: “Quizá hay un poco de amor. ¿Quién sabe?”.

Sin confirmar ni desmentir rumores, la cantautora prefirió centrarse en la espontaneidad y la conexión personal, señalando que no se enfoca en buscar pareja y que se considera una persona tímida. “No estoy realmente enfocada en otras cosas, como ‘¿con qué chico voy a estar hoy?’... Soy una persona bastante tímida”, confesó en el diálogo.

A lo largo de la entrevista, insistió en la importancia de que quienes la rodean comprendan su verdadera personalidad, más allá de la imagen pública de diva. Según ella, la clave en cualquier relación es la autenticidad y la capacidad de aceptar su naturaleza espontánea y su particular relación con el tiempo.

“Solo tienen que ser personas auténticas y entender que soy una persona normal, con sentido del humor y momentos propios”, explicó, reafirmando su deseo de mantener su vida privada en un espacio íntimo y genuino.

Al cierre del episodio, Mariah Carey dejó en claro que, por encima de todo, su mayor aspiración es que sus hijos la recuerden como una madre que siempre los cuidó y los amó profundamente. Con esta declaración, resumió el mayor legado personal que espera dejar, más allá de los reconocimientos.

Ayer, Madrid vivió una noche única. Sebastián Yatra ofreció un concierto especial de la mano de Los40 y Banco Santander. El show fue en el Teatro Eslava, un aforo bastante reducido a los estadios que acostumbra llenar el cantante. Lo que parecía simplemente una versión más íntima de su gira, se convirtió en un diálogo directo de Yatra con sus fans más fieles. Confesó sus mayores miedos, su sentimiento tan profundo por España y se abrió para responder a Tony Aguilar.

El locutor de Los40 fue el encargado de conducir la noche. Se encargó de revelarle poco a poco todas las sorpresas que los seguidores habían estado preparando para el colombiano. Desde un retrato pintado en vivo directo hasta una recopilación de su paso por nuestro país. Todo fue muy emotivo, el ambiente era tan cercano que Sebastián no dudó en confesar como está su corazón actualmente.

La nueva canción de Yatra para su ex

Su confesión nació a raíz de presentar su nuevo tema Canción para regresar. Una colaboración junto a Gente de Zona, Lucho RK y Belinda. La canción salió el día 26 de septiembre y la cantó en directo por primera vez en el Movistar Arena, el pasado sábado. Fue ahí donde cerró la gira Entre tanta gente Tour junto a compañeros como Pablo Alborán. “Es la segunda vez que la canto con público y esto es hermoso”, dijo nada más acabar de interpretar. A continuación salió el presentador y se sentaron a hablar un rato como si nadie les escuchara.

Fue ahí cuando Yatra explicó lo que había detrás de esta canción. “Yo hice este tema como última llamada para volver con mi ex, es también para todos aquellos que recaen en la misma persona una y otra vez”. Antes sus declaraciones, el público empezó a corear su nombre y el cantante no pudo evitar reír.

Luego durante la entrevista no dudó en aclarar que las rupturas duelen. “¿Cómo llevas tú la tristeza después de todo esto?“, preguntó Tony Aguilar. ”Yo he asumido que la tristeza es pasajera, hay épocas donde se pasa mal, pero justo esa canción habla también de eso y aunque quiera mucha a la otra persona hay que dejar ir", contestó emocionado el actual coach de La Voz.

Todas las indirectas

Cuando el presentador vio que su entrevistado estaba relajado siguió preguntándole por su situación amorosa. Sebastián Yatra dedicó una sonrisa al público y dijo: “Si lo cuento todo en mis canciones, atentos a las letras y nada más”. Tras eso el concierto continuó y el público vibró en grande. Como él dijo, todo está en las canciones y los seguidores no han tardado en ubicar las indirectas que hay dentro del nueva tema para sus ex. “No sé si todavía estás pensando cómo me jodiste“, con esta frase empieza la canción recién salida. No tardó en causar una reacción en el público que sorprendió al cantante.

“¿Quién a ti te puede entender? Di que el pasado se quedó atrás" o “Te perdí, eras mi amor verdadero” fueron las frases de la canción más comentadas en redes sociales. Una confesión de amor que se relaciona directamente con su última relación mediática con Aitana, la cual ya ha rehecho su vida con el creador de contenido Plex. Yatra asume en la canción que ya ha perdido a esa persona, pero que se quedará con los buenos momentos, inmortalizándolo así en un vídeo que ha dirigido y producido el mismo y que ya está disponible.

En un formato más reducido, pero igual de vibrante, Sebastián Yatra vuelve a demostrar por qué es uno de los artistas latinos más queridos del panorama internacional. El cantante cuenta ya con 22 millones de oyentes mensuales en Spotify y arrastra logros enormes en la industria musical.

El pasado sábado cerró su gira “Entre tanta gente Summer Tour 2025″ en el Movistar Arena de Madrid. Ahora, 48 horas después, no ha dudado en ofrecer un show más cercano junto a Los40 y Banco Santander en el Teatro Eslava.

Lejos de las grandes producciones y los efectos visuales que acompañan sus giras habituales, Yatra se ha presentado con una puesta en escena sencilla pero efectiva: luz cálida, músicos en directo y una cercanía absoluta con su público. Desde los primeros acordes, el artista no solo interpretó sus grandes éxitos, sino que también compartió anécdotas, confesiones y momentos personales que convirtieron el concierto en una experiencia casi confesional.

Todo el repertorio

Entre el público se encontraban solamente los seguidores españoles más fieles del cantante. Todos aquellos que pudieron conseguir la invitación con un aforo muy limitado. El repertorio incluyó clásicos como Vagabundo y Tacones rojos, que el público coreó de principio a fin. También hubo espacio para temas más recientes y versiones acústicas que resaltaron la calidez de su voz. Especialmente emotivo fue el momento en que interpretó Amen, una de las canciones más personales de su último trabajo, con una dedicatoria que arrancó lágrimas y aplausos entre el público.

Entre canción y canción, Yatra no dudó en bromear con sus seguidores, leer carteles e incluso tirar una toalla suya al público tras secarse la frente. Esto reforzó aún más esa sensación de cercanía y complicidad. Fue, en definitiva, un concierto pensado para los que siguen su carrera desde el principio, pero también una oportunidad para redescubrirlo desde otro lugar: más íntimo y más sincero.

Todas las sorpresas

Este evento es un formato ya clásico de Los40 junto a Santander y por donde han pasado artistas como Aitana, Lola Índigo o Bisbal. Tony Aguilar se encargó de que el cantante contara cómo se sentía tras acabar la gira. “El último concierto, antes de ayer, aquí en Madrid, fue la noche más especial de mi vida sobre una tarima”, confesaba el colombiano. Durante la charla, el actual coach de La Voz, no dudó en declarar su profundo amor por España. Al hablar de nuestro país nombró a Clara Galle, la actriz española que debutó de la mano del cantante en el videoclip de Tacones rojos. Segundos más tarde, Galle salió en directo para sorprenderle en esta noche tan especial.

Con una mezcla de baladas, pop y reguetón suave, Yatra ha sabido construir una carrera sólida y versátil, capaz de adaptarse tanto a los grandes focos como a la luz tenue de un acústico. Y anoche en la capital, lo volvió a demostrar: “cuando la música es honesta, no necesita más que una voz, unas cuerdas y una historia bien contada” dijo Yatra. Además de sorprenderle con vídeos de sus fans y la presencia de la actriz, el equipo de Los 40 aún tenía una sorpresa más. Esther Moya pintora y creadora de contenido estuvo haciéndole un retrato que le entregó en directo, poniendo así el broche de oro a este concierto tan mágico.

Una nota escrita a mano por Lady Gaga dedicada a David Bowie, recientemente exhibida en el Centro David Bowie del Museo Victoria y Alberto de Londres, ha revelado la intensidad del vínculo artístico y emocional que la cantante estadounidense sentía hacia el legendario músico británico. El documento, escrito en papel con la inscripción “Haus of Gaga”, no solo plasma un gesto íntimo, sino que también se ha convertido en una pieza histórica que une a dos de las figuras más influyentes de la música contemporánea.

Una carta cargada de emoción

La carta, escrita cuando Gaga tenía 39 años, comienza con una confesión de vulnerabilidad y asombro: «Querido David Bowie: Fue un verdadero honor recibir una copia anticipada de tu álbum. De hecho, lloré escuchando cada canción. ¿Cómo sabe que existo?».

El texto muestra a una Gaga que aún transitaba la consolidación de su carrera internacional y que veía en Bowie no solo un referente musical, sino un faro artístico que le marcó el camino. La cantante explica en la misiva que se encontraba terminando su disco ARTPOP en Nueva York y cierra con la frase: “Amor + Arte, GAGA”, dejando en claro que su admiración trascendía lo profesional para convertirse en inspiración vital.

El legado de Bowie y su influencia en Gaga

David Bowie falleció en 2016 a los 69 años tras una batalla contra el cáncer, dejando un legado que redefinió la música, la moda y el concepto de identidad en el escenario. Para Lady Gaga, Bowie fue mucho más que un referente musical: se convirtió en un modelo de cómo el arte podía romper barreras culturales y emocionales.

En varias entrevistas, Gaga ha declarado que se “enamoró” de Bowie durante su juventud en el Lower East Side de Manhattan, describiendo cómo su glamour era una herramienta de sanación para las almas de quienes lo seguían. En una conversación con The Hollywood Reporter en 2016, destacó que él representaba un ejemplo de cómo el teatro y la imaginación podían ser vehículos no solo para entretener, sino para transformar la realidad.

Pocas semanas después del fallecimiento de Bowie, Lady Gaga ofreció un emotivo tributo en los Premios Grammy de 2016, acompañada por Nile Rodgers, colaborador y amigo del británico. Su actuación incluyó un medley de canciones icónicas como Space Oddity, Rebel Rebel, Let’s Dance y Heroes.

Con una peluca roja y un maquillaje azul metálico que evocaban el estilo camaleónico de Bowie, Gaga subió al escenario con una mezcla de respeto y teatralidad, provocando la ovación del público. En su cuenta de Instagram, resumió su sentimiento con un mensaje simple y contundente: “El mundo te ama David”.

El Centro David Bowie en Londres

El Museo Victoria y Alberto inauguró el Centro David Bowie el pasado 13 de septiembre, consolidándose como un espacio para la preservación y difusión de su legado. El archivo cuenta con más de 90.000 objetos relacionados con la vida y obra del músico, de los cuales 200 están actualmente en exposición.

Entre los artículos destacan manuscritos, vestuario, instrumentos y materiales audiovisuales que permiten comprender la magnitud del impacto de Bowie en la cultura mundial. La carta de Gaga ocupa un lugar especial al reflejar cómo su obra trascendió generaciones e inspiró a artistas que, como ella, han dejado huella en la industria.

Gaga y la búsqueda de autenticidad artística

A lo largo de su carrera, Lady Gaga ha reconocido que gran parte de su propuesta escénica y estética estuvo influida por Bowie. Sin embargo, también ha señalado que no se trató de una simple imitación, sino de un proceso de descubrimiento personal.

En una reflexión sobre el legado del británico, la cantante afirmó: “Solo sé que puedes usar el teatro de tu imaginación para entretener a la gente más allá de sus sueños más locos y luego puedes poner algo dentro de eso que cambie el mundo”. Esta visión, compartida por Bowie en su momento, refleja cómo ambos artistas han buscado un equilibrio entre espectáculo y mensaje profundo.

El descubrimiento y la difusión de esta carta reafirman la vigencia del impacto cultural de David Bowie, cuya obra sigue siendo fuente de inspiración para músicos, artistas visuales y diseñadores. Para Gaga, escribirle fue una forma de reconocerse a sí misma en el espejo de un ídolo que trascendió modas y épocas.

La exposición de este documento no solo emociona a los seguidores de ambos artistas, sino que también funciona como recordatorio del poder del arte para conectar generaciones, derribar límites y dejar huellas imborrables en la historia cultural.

Mariah Carey retoma el protagonismo en la música pop y R&B con Here For It All, su primer álbum de estudio tras siete años de silencio. Este regreso consolida su papel como leyenda y evidencia su capacidad para atraer a nuevos públicos sin renunciar al sello personal que ha marcado tres décadas de carrera.

La reciente entrega del premio Video Vanguard en los MTV VMAs, donde Ariana Grande la describió como “la razón por la que muchos de nosotros cantamos”, subraya el respeto institucional y cultural que rodea a Carey en esta etapa, según reportó GQ.

A lo largo de los años, la artista estadounidense ha forjado un legado difícil de igualar: más de 320 millones de discos vendidos, 19 sencillos número uno en las listas y 97 semanas en el primer puesto.

Más allá de los logros numéricos, Carey ha dejado huella como compositora, productora y arquitecta de un sonido propio, que ha servido de referencia a figuras como Beyoncé, Drake o la misma Ariana Grande. Como subraya GQ, la intérprete evitó adaptarse a modas efímeras y consolidó una identidad musical genuina, capaz de resonar en distintas generaciones.

Inspiración y proceso creativo en “Here For It All”

Here For It All surge en un contexto personal complejo para la artista: es el primer álbum que publica tras la muerte de su madre y su hermana, ambas fallecidas el mismo día un año atrás. Este trasfondo se traduce en un disco emocional, cargado de homenajes a sus raíces, según mencionó en entrevista con GQ.

Carey explora desde la energía del hip-hop en Mi, donde proclama: “En otra liga de esas mujeres... no podrías caminar un kilómetro en mis zapatos”, hasta la vulnerabilidad de baladas como Nothing is Impossible, reflejando profundas inquietudes personales.

Además, el álbum recorre influencias que van desde el soul clásico —como en el guiño a Gladys Knight en In Your Feelings— hasta el soft rock de los años 70, reversionando My Love de Wings y colaborando con The Clark Sisters en el tema gospel Jesus I Do.

El proceso creativo fue profundamente personal y minucioso. Daniel Moore, director musical y coautor, relata que Carey inicia sus composiciones con melodías acompañadas por el piano, basándose en letras que toma de su diario personal. “Son pensamientos reales y lo que siente en ese instante”, puntualizó Moore.

El disco nació en las sesiones de The Butterfly Lounge durante la pandemia, en un entorno de total libertad creativa, sin ataduras de formato ni duración. Dev Hynes (Blood Orange), otro de los colaboradores, resalta la habilidad y seguridad de Carey en el estudio: “Me dijo: ‘Soy una rata de estudio. Vivo en el estudio. Desde los 20 años, es donde prospero’”. Hynes destaca además que la cantante rara vez explica su proceso, confiando plenamente en sus instintos y decisiones.

Colaboraciones destacadas y aporte a la cultura pop

Las colaboraciones en Here For It All aportan diversidad y realzan la identidad del álbum. En Play This Song y In Your Feelings destaca la participación de Anderson.Paak, mientras The Clark Sisters acompañan en el tema gospel Jesus I Do, sumando un matiz espiritual. Mariah Carey relata que la química en el estudio surgió de forma natural, inspirada por la admiración de su hijo por Silk Sonic.

Según Jermaine Dupri, productor de larga trayectoria con Carey, las elecciones de colaboración obedecen a una visión clara: “Ella sabe exactamente qué quiere lograr”. Además, Dupri subraya que Carey fue pionera en fusionar pop y hip-hop, un aporte clave a la evolución del género conocido como “hip-pop”.

La vigencia de la artista no depende solo de sus nuevos lanzamientos. Muchas de sus canciones han cobrado nueva vida al viralizarse en plataformas como TikTok, sumando públicos de distintas edades. El caso de It’s A Wrap, editada en 2009, ejemplifica cómo su catálogo conecta con nuevas audiencias sin necesidad de seguir tendencias pasajeras. Para Dupri, la autenticidad es la clave: Carey se mantiene fiel a sí misma y al sonido que la define, valorizando la influencia de su entorno familiar y los recuerdos personales ligados a canciones de su historia.

En tiempos recientes, Carey participó en remixes con distintos artistas y fue mencionada en películas actuales, manteniendo un lazo activo con la cultura pop. Ante fenómenos como la inteligencia artificial aplicada a versiones vocales, la cantante expresa interés y precaución, cuestionando la autenticidad de las imitaciones digitales que circulan con su nombre.

Un legado que evoluciona y permanece

A pesar de su trascendencia, Mariah Carey aún no ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, un dato que contrasta con el reconocimiento de la industria y el público. Sin embargo, su legado se encuentra más vigente que nunca: dialoga con la música contemporánea y sigue inspirando a nuevas generaciones. Como señala GQ, Carey es sinónimo de autenticidad y capacidad de transformación, manteniendo siempre la pasión y el amor por el arte en el centro de su carrera.

Sabrina Carpenter, considerada una de las voces más influyentes del pop contemporáneo, protagoniza la portada de Vogue Italia y detalla en una entrevista exclusiva los matices de su ascenso artístico, su apuesta por la autenticidad y la ironía, y el lanzamiento de su esperado álbum Man’s Best Friend.

Desde Los Ángeles, explica cómo concilió el glamour de los escenarios internacionales con una visión personal que desafía las convenciones de la feminidad y la autoexpresión.

Reconocida por su energía escénica y su habilidad para conectar con el público, la artista evolucionó de ser telonera en la gira Eras de Taylor Swift a encabezar conciertos propios en 2025. “Siempre estoy ocupada empacando y desempacando”, comenta a Vogue Italia, refiriéndose al ritmo acelerado de su carrera.

Su presencia en festivales como Lollapalooza en Chicago y en una reciente gira europea consolidó su estatus como referente del pop, reforzando a la vez su compromiso con la autenticidad. “Me gusta tocar en la oscuridad”, afirma, resaltando su preferencia por escenarios que le ofrecen margen para experimentar y reinventarse.

Estética visual y moda retro

La sesión fotográfica de portada, dirigida por Steven Meisel, traduce ese equilibrio entre sofisticación y desenfado que define a Carpenter. Inspirada en las “chicas alemanas de los 60” y con guiños a Brigitte Bardot, adopta un estilo que transita entre la nostalgia y la contemporaneidad.

“Pensé: ‘¿Sabes qué? Esta es exactamente la persona que quiero ser en este momento de mi vida’”, relata sobre el proceso junto a Meisel, Pat McGrath y Guido Palau, responsables del maquillaje y peinado. Según detalla a Vogue Italia, la experiencia le permitió explorar una imagen fiel a su identidad y a su afinidad por la moda de los años 60 y 70.

El impacto de Man’s Best Friend

El lanzamiento de Man’s Best Friend el 29 de agosto de 2025 marcó un punto de inflexión en la carrera de Carpenter. El álbum, que coescribió con Jack Antonoff, Amy Allen y John Ryan, fusiona melodías pop con una narrativa aguda y actual. El sencillo principal, “Manchild”, debutó en el primer puesto del Billboard Hot 100.

Por su parte, “Tears” propone una visión tierna y respetuosa sobre las relaciones, acompañado de un videoclip de Bardia Zeinali con la participación de Colman Domingo.

La presentación de la lista de canciones se convirtió en suceso viral: “Al principio, quería enviar perros directamente a sus casas para que pudieran quedárselos”, bromea, “pero luego me di cuenta de que quizá no era del todo legal”, explicó al medio.

Relación directa con los seguidores

El vínculo directo con su audiencia es uno de los pilares de su recorrido. Carpenter reconoce que el apoyo de los fans fue esencial en los últimos diez años. “Lo más importante en los últimos 10 años de mi vida fueron las personas que me trajeron hasta donde estoy ahora, los fans que me apoyaron en cada momento”, afirma en la entrevista con Vogue Italia.

Esta cercanía se potenció a través de medios alternativos a las redes sociales, como el envío de correos electrónicos personales tras la salida de su álbum Emails I Can’t Send, manteniendo una comunicación íntima y genuina.

Moda, autoafirmación y feminidad

La moda juega un papel central en la vida de Carpenter. La concibe como una extensión de su personalidad y una herramienta de autoafirmación. Desde prendas que evocan su infancia hasta corsés brillantes para el escenario, cada elección expresa su estado de ánimo y su visión de la feminidad como territorio abierto a la experimentación.

“Me encantan los baby dolls, o en general, cualquier cosa que me haga sentir cómoda”, señala. La feminidad, para ella, no es una máscara rígida, sino un personaje mutable, un lenguaje con el que expresa su autenticidad sin necesidad de teorizaciones excesivas.

Ironía, humor y autenticidad

La ironía y el humor, heredados de su familia, son parte esencial de su vida y carrera. “El sarcasmo se transmitió de generación en generación”, comenta entre risas, atribuyendo ese rasgo a sus padres y hermana. Esta disposición le ayudó a afrontar los desafíos de la industria musical y mantener los pies sobre la tierra.

“Gran parte del mérito es de mis amigos y mi equipo. Son quienes controlan mi mente alocada. Es la única manera de mantenerme honesta en un mundo donde es tan fácil no serlo”, explica.

Para Carpenter, la autenticidad supone saber cuándo mostrar su lado vulnerable al público, una filosofía reflejada tanto en sus espectáculos como en su cotidianeidad.

Evolución personal y proyección a futuro

La artista reconoce que su evolución personal es continua y la introspección guía su proceso creativo. “Creo que lo difícil es encontrar una respuesta concreta cuando siento que estoy cambiando constantemente como persona... lo que siento hoy será muy diferente dentro de un mes”, reflexiona. Escribir en su diario y buscar inspiración en la naturaleza la ayudan a mantenerse renovada y a conservar la frescura de su música.

En su visión sobre la feminidad, Carpenter descarta los estereotipos y abraza la contradicción. “La feminidad no es un disfraz ni una jaula. Es un espacio de invención, ironía, ternura, un lenguaje que puede usar de la manera que le resulte auténtica”, sostiene en diálogo con Vogue Italia.

Esta mirada le permite alternar entre el glamour y la modestia, la ironía y la sinceridad, y conectar con un público que valora su honestidad y su capacidad para reírse de sí misma.

De cara al futuro, Carpenter apuesta por crear música que trascienda el espectáculo y deje una huella perdurable. Su propósito, según comparte en la entrevista, es generar alegría, robustecer la comunidad en torno a su obra y construir un legado capaz de emocionar y acompañar a quienes la escuchen.

La cantante de 33 años regresa con fuerza renovada gracias a It’s Not That Deep, un álbum que fusiona sonidos de club con mensajes de libertad y autoaceptación. Atrás quedan los días en que la artista se refugiaba en baladas intensas para procesar sus experiencias. “Este disco es realmente para mis fans. Me estoy cubriendo con una bolsa de tintorería, pero debajo estoy desnuda”, planteó.

Sobre el diseño de portada que adopta su disco —que se lanzará el 24 de octubre—, explicó: “Es una imagen que une espectáculo e intimidad, una reflexión sobre lo que significa ser vista y consumida, y una reivindicación de mi cuerpo y mi historia en mis propios términos”.

Además, reconoció que su pasado fue decisivo para construir su música y su identidad. Sin embargo, más allá de la nostalgia, hoy quiere un sonido impregnado de alegría y celebración: “Popvato está de regreso, y vamos a divertirnos”.

Energía recargada y una nueva visión

“Estoy en un lugar donde mi energía es muy ligera”, admitió Lovato, marcando la esencia que atraviesa It’s Not That Deep: un disco nacido desde la libertad y el deseo genuino de pasarlo bien. De este modo, se aleja de las sombras que definieron etapas anteriores de su vida.

Lejos de la power ballad dramática, apuesta fuerte por beats EDM, house y pop de club. Este giro responde no solo a un cambio musical sino a una etapa vital distinta. Con respecto a esto, subrayó: “Acabo de casarme. Fue todo un proceso de aprendizaje dejar atrás lo que siempre supe de la música. Esta vez aprendí a escribir sobre lo nuevo, lo feliz, lo divertido”.

Lovato entiende que la cultura del esfuerzo desmedido marcó su trayectoria desde Disney Channel: “Me enseñaron a trabajar hasta romperme. Esa cultura tiene un precio que puede ser tu salud mental, y por eso ahora busco juego, ligereza y equilibrio”.

Su renovada filosofía marca incluso su relación con las redes y los memes. Ante esto, señaló: “Una forma poderosa de tomar el control es apropiarte de los memes. Si yo me río primero, nadie más puede hacerlo”.

Música para bailar, sanar y celebrar

La reinvención de la artista es sonora y corporal. “Here All Night”, uno de los sencillos principales del disco, marca su regreso a las coreografías y la pista de baile. “Cuando escuchas la canción, es para bailar a lo grande. Sabía que tenía que bailar en ese video”, comentó.

El videoclip, grabado en su departamento, la muestra ejecutando una coreografía desafiante tras años sin moverse así. El resultado es una fusión contagiosa de pop y dance, bajo la órbita de Zhone, el productor clave de esta etapa.

Este nuevo enfoque descarta relatos de dolor y supervivencia que florecieron en otras fases de su discografía. “Quería un proyecto que reflejara el tono de mi vida actual: mucha luz y diversión”, recalcó, convencida de que la honestidad está en declarar que “la música no tiene que ser tan profunda”.

Identidad, orgullo y la comunidad queer

It’s Not That Deep también es fruto de una reivindicación personal y colectiva. “Me encanta bailar con amigos en espacios queer porque me siento segura ahí. Si fuera a un club ‘straight’, no sería igual”, explicó Lovato.

Para ella, la libertad y autenticidad que respira en esos ambientes fueron clave en su proceso artístico. A propósito de esto, mencionó: “La gente queer vive con tanta autenticidad, que eso me inspira a hacer lo mismo”.

El orgullo de ser una figura abiertamente queer, tras haber crecido en Texas con cierta vergüenza religiosa, supone una conquista. “De niña sentía miedo por mi identidad. Hoy, salir y vivir con autenticidad se siente increíble”, comentó la cantautora.

El club y la comunidad queer no son solo escenografía, sino el corazón palpitante del disco: “Llevé ‘Kiss’ a una fiesta queer antes del lanzamiento y la respuesta fue increíble. Festejo el ser, el gozo y la diversidad en mi música y mi entorno”.

Una relación renovada con los fans y el propio pasado

Lovato encontró con sus seguidores un vínculo más directo y sano. “Veo lo que la gente dice, pero ya no busco comentarios que puedan alterarme. No lo hago por validación, sino por conexión real”, aseguró.

Incluso los memes y recuerdos incómodos de su carrera se transforman en puntos de orgullo y humor. Debido a esto, comentó: “Aprendí a reírme de lo que otros usaron para burlarse de mí. Si alguien recuerda el drama de la tienda de yogur, yo también me río”.

El perfeccionismo que marcó su etapa anterior dio paso a otra prioridad, la autenticidad. “El pasado me preparó para disfrutar el presente con risa y gratitud, sin importarme lo que piense el resto”, sostuvo. Convoca así a sus “Lovatics” a celebrar juntos el regreso del Popvato.

En esta nueva etapa, la música de Demi Lovato se aleja de la solemnidad y abraza la celebración, la ligereza y el bienestar personal como motores creativos. El resultado es un disco y una artista renovada, que invita a bailar, sanar y vivir con espontaneidad.

Ed Sheeran, una de las principales figuras de la música pop, convirtió la aceptación del error y la normalidad en fundamentos de su vida. En una entrevista exclusiva con Vanity Fair, el artista británico compartió cómo la paternidad y las experiencias difíciles transformaron su perspectiva sobre la felicidad y el éxito.

A los 34 años, Sheeran mantiene una imagen accesible, distante de los estereotipos de la superestrella. Según Vanity Fair, el músico expresó que, aun con estadios llenos y millones de discos vendidos, continúa identificándose como “ese tipo con la guitarra que solía tocar en los pubs”.

Establecido ahora con su familia en Italia y padre de dos hijas, busca transmitirles la importancia de aprender a fracasar y de hallar valor en pequeños gestos cotidianos. “Practico soñar todos los días. Me considero un fracaso constante. Pero así es como se construye el éxito”, afirmó.

La familia y la búsqueda del equilibrio

La entrevista, desarrollada en la capital italiana, mostró el equilibrio que Sheeran procura entre la fama y la vida privada. El artista adquirió una vivienda en Umbría, donde disfruta la calma y la cultura local con su familia.

“Puedo llevar una vida tranquila, aunque sean unas semanas”, comentó, resaltando su aprecio por la normalidad y calidez de la vida italiana. A pesar de ello, la exigencia de su carrera lo coloca ante multitudes y la presión de la industria musical, realidad que aprendió a manejar con el tiempo.

Las vivencias recientes impactaron profundamente a Sheeran. En 2022, perdió a su amigo y presentador Jamal Edwards. Según relató a Vanity Fair, estas situaciones reforzaron su capacidad de aceptar los altibajos y de valorar la imperfección como parte de la vida. “Aprendí que hay altibajos. Ninguna vida es segura, nadie es perfecto. Hay que aceptarlo”, reflexionó.

La experiencia de la paternidad fue decisiva en su crecimiento personal. Sheeran explicó que, con el nacimiento de sus hijas, replanteó la importancia del tiempo familiar y adaptó su agenda para priorizar la presencia en casa.

“Antes viajaba por el mundo; los viajes eran oportunidades para visitar lugares o simplemente relajarme. Ahora lo hago todo en 24 horas como máximo, y luego vuelvo a casa. Los extraño”, confesó. Además, expresó su inquietud por el futuro que heredarán las nuevas generaciones y la responsabilidad que tienen los adultos de mejorarlo.

El error como motor del aprendizaje

Uno de los ejes principales de la entrevista fue la filosofía de Sheeran sobre el error y el aprendizaje. El artista considera fundamental enseñar a sus hijas y a los jóvenes músicos a convivir con la imperfección desde la escuela.

“Al principio, el miedo a equivocarme me paralizaba: un mal concierto, un mal sencillo, incluso la dificultad de escribir...”, recordó. Para Sheeran, el éxito es una herramienta que contribuye a la felicidad y al bienestar, pero el verdadero éxito es personal. “El éxito es una herramienta para la felicidad; hace la vida más cómoda. Pero el verdadero éxito es personal”, sostuvo.

Sheeran también abordó su vínculo con la fama y la privacidad. Aunque reconoce que su exposición pública limita ciertas experiencias familiares, procura mantener una vida normal junto a su esposa —a quien conoce desde la adolescencia— y evitar que sus hijas crezcan aisladas en una burbuja de privilegios. “Criarlos en una burbuja, aislados del mundo, rodeados de privilegios, sería peor”, aseguró.

Música, autenticidad y nuevos desafíos

En el plano profesional, Sheeran subraya el valor de la autenticidad y la conexión humana en la música. Prefiere los conciertos en solitario, sin grandes montajes, como cuando empezó su carrera en pequeños locales.

Esta sencillez es su particular “venganza de los normales”, una reivindicación de la gente común que logra cosas extraordinarias. También mencionó la importancia de la diversidad en la industria y la amistad con colegas como Taylor Swift, con quien comparte más conversaciones personales que colaboraciones musicales.

La creatividad y la superación de bloqueos artísticos también ocuparon parte de la conversación. Sheeran reveló que en el estudio se permite escribir sin autocensura y aceptar que no todo será un éxito inmediato.

Citó canciones como “Azizam”, que necesitó varias versiones antes de publicarse, y “Bad Habits”, que tardó meses en llegar al público. “Tenemos que dejar de prestar tanta atención a los fracasos; siempre hay una salida”, aconsejó.

Actualmente, Sheeran explora nuevos desafíos, como colaboraciones con compositores indios y el desarrollo de un musical y una película. A pesar de haber superado sus propias expectativas, insiste en la importancia de seguir soñando y no caer en la complacencia.

“La clave es no cruzarse de brazos. No se trata de codicia ni ambición, sino de variedad”, explicó en la entrevista con Vanity Fair.

Para Sheeran, la música pop representa un universo de posibilidades, donde cada error y cada experiencia abren caminos inesperados para la creatividad y el desarrollo personal.

La artista relató en el diálogo con Tish y Brandi Cyrus el complejo proceso de transición profesional y personal en el que la presión social, la búsqueda de originalidad y el deseo de construir una carrera propia fuera de los estándares predominantes fueron determinantes.

Además reconoció que, aunque su experiencia con Disney fue positiva, la verdadera complejidad radica en la percepción del público. “No importa lo que hagas después, siempre te ven como una chica Disney”, afirmó Donnelly.

Según explicó, la etiqueta persiste incluso cuando quienes participaron en la cadena juvenil ya maduraron y buscan nuevas oportunidades. Esta presión, señaló, no proviene tanto de la compañía como del entorno social y los medios, que tienden a encasillar a las exestrellas en un rol infantil y a cuestionar cualquier intento de transformación o cambio de imagen.

Presión social y maduración profesional

La intérprete inició su carrera en Disney a los 15 años y participó en cuatro películas de la saga “Zombies”, recordó la exigente rutina de combinar extensas jornadas de rodaje con estudios en el set, una dinámica que dificultaba la concentración y aumentaba el estrés. “Era muy difícil enfocarse en las clases porque solo pensaba en mis líneas o en lo divertido que era estar en el set”, confesó.

Al cumplir los 18 años, dejó atrás las obligaciones académicas, pero la presión por mantener una reputación intachable y cumplir con las expectativas del entorno persistió. En el pódcast, la joven artista reflexionó sobre la maduración bajo los reflectores y cómo la industria del entretenimiento exige a niñas y niños actores niveles de seriedad y autoexigencia inusuales para su edad.

“Para mí, las audiciones eran cuestión de vida o muerte”, admitió, aludiendo a la comparación permanente con colegas y al impacto de las redes sociales, que intensifican la inseguridad y el aislamiento.

Reinventarse fuera de Disney y el salto a la música pop

La intérprete también abordó el tema de quienes lograron reinventarse tras su paso por Disney, mencionando a Miley Cyrus, Hilary Duff, Zendaya y Sabrina Carpenter como ejemplos de trayectorias diversas.

Destacó la determinación de Cyrus —hija y hermana menor de las presentadoras— al romper con el molde por medio de la autenticidad y la música, así como la capacidad de Zendaya para consolidarse en la actuación sin quedar anclada a su pasado en Disney. Sobre esto, meniconó: “Intento ser lo más auténtica posible y hacer lo que me hace sentir bien”.

El salto hacia la música supuso nuevos desafíos. Donnelly explicó que, a diferencia de la actuación, donde existe un margen de privacidad, en la industria musical la identidad personal se convierte en marca y la exposición pública aumenta considerablemente. “Ahora tienes que exponerlo todo, tu nombre es tu marca”, señaló.

Reconoció también que la presión de las redes sociales y la expectativa de mostrarse siempre perfecta afectan especialmente a las mujeres jóvenes. Mencionó la llamada “tasa rosa” y la constante aparición de nuevas tendencias de belleza como elementos que incrementan la presión estética y el consumo de productos destinados al público femenino.

Para gestionar estas exigencias, la cantante redujo su presencia en redes sociales, una medida que, según contó en la entrevista, ha mejorado su bienestar emocional. A propósito de ello, afirmó: “Reducir el uso de redes sociales me hace sentir mucho mejor”.

Asimismo, resaltó el valor de rodearse de amistades sinceras y de mantener una comunicación abierta sobre los sentimientos de comparación y celos, especialmente entre mujeres. “Hablarlo con amigas ayuda a darse cuenta de que todas pasamos por lo mismo”, explicó.

El apoyo familiar fue otro pilar en su desarrollo. Donnelly remarcó la influencia de sus padres, personas trabajadoras que han contribuido a su equilibrio y la acompañaron en cada etapa profesional. También mencionó a su mejor amiga Holly, su prima Anna y su compañera Chandler como figuras clave en su red de apoyo, especialmente en los momentos de mayor presión.

Nuevos proyectos y consolidación artística

En cuanto a sus proyectos actuales, Meg Donnelly lanzó su EP “Dying Art” y también se estrenó la cuarta entrega de “Zombies” el pasado 10 de julio en Disney+.

Por otra parte, reveló en Sorry we’re Cyrus que su objetivo para el final del verano y el otoño es iniciar una serie de presentaciones en vivo, dando el siguiente paso en su consolidación como cantante pop y confirmando que su nueva etapa artística ya está en marcha.

La portada de Man’s Best Friend, en la que Carpenter aparece en una postura sugerente mientras un hombre anónimo sostiene su cabello, provocó una oleada de reacciones en redes sociales. La imagen, que muchos interpretaron como una representación de sumisión, se convirtió rápidamente en tema de debate.

Asimismo, la cantante estadounidense explicó que no actúa anticipando la respuesta del público. “Solo hago cosas que me hablan, que me parecen correctas y que tienen sentido cuando escuchas la música”, manifestó. Para ella, la reacción colectiva resulta fascinante y observa cómo se desarrolla con distancia, reconociendo que cada persona interpreta la imagen desde su propia experiencia.

Significado del último álbum y sexualización de sus obras

Al profundizar sobre el significado detrás del título del álbum, relató que incluso personas ajenas a la industria, como un asistente de vuelo, le preguntaron por el sentido de Man’s Best Friend. Su respuesta fue clara: “Vas a tener que escuchar el álbum”. La artista subrayó que todo lo que hace y dice lleva implícito un guiño, una doble lectura que invita a la interpretación personal.

La conversación con Interview Magazine también abordó la sexualización presente en sus letras y en su imagen pública. Carpenter reflexionó sobre el tabú que aún rodea la expresión de la sexualidad femenina en la música pop. “¿Por qué esto es un tabú? Es algo que las mujeres experimentan de manera muy real, llegar a sentirse cómodas consigo mismas y con quienes son”, argumentó sobre su postura.

También la existencia de múltiples capas en su trabajo y agradeció que parte de su audiencia comprenda la intención detrás de sus canciones. “Siempre estará sujeto a interpretación y lo entiendo. Pero me alegra que te guste mi contenido sexual”, le manifestó a sus seguidores.

Libertad creativa y percepción pública de su trabajo

La cantautora defendió la importancia de la libertad creativa y la honestidad en sus composiciones. Para ella, la originalidad es el eje central de su proceso: “Mientras las canciones sean honestas para mí, eso es lo importante”.

Explicó que no escribe pensando en la reacción del público ni en la búsqueda de éxitos inmediatos, sino en documentar sus emociones y vivencias de cada etapa. “Quizá el álbum solo abarque dos meses de mi vida, pero ese periodo queda registrado y vivirá para siempre de esa forma”, admitió.

En cuanto a la presión mediática y la percepción pública, Carpenter reconoció que su experiencia personal difiere de la de otros, pero valida las distintas interpretaciones que surgen. “A veces leo cosas y pienso: ‘No lo vivo así, pero si ellos lo sienten, es real para ellos’”.

Asimismo, abordó el tema de la sumisión y el dominio en la imagen de la portada, señalando que para ella se trata de una metáfora y que la intención detrás de la imagen depende de lo que cada persona busque o necesite. “La sumisión puede ser tanto dominante como sumisa, depende de tus intenciones”, señaló.

Sentido de empoderamiento, juventud y aprendizaje

Sobre su proceso de empoderamiento y aprendizaje, fue autocrítica y honesta: “Estoy viviendo mi juventud como necesito vivirla en este momento”. Confesó que está en una etapa de aprendizaje, cometiendo errores y encontrando luz en el hecho de que no todo resulta perfecto.

La artista enfatizó que su camino implica aceptar la responsabilidad de sus elecciones y aprender de las experiencias. A propósito de su autopercepción, aseguró: “Me siento más sexy cuando me siento yo misma, cuando tengo el pelo bonito, rizado y ondulado, un bonito bronceado, pecas, las mejillas jugosas y, por supuesto, delineador de labios"

Colaboraciones e importancia de la intuición

El proceso de producción de Man’s Best Friend se desarrolló en Los Ángeles, Londres y Nueva York, ciudades que influyeron en el sonido y la atmósfera del álbum. La compositora trabajó junto a Jack Antonoff, John Ryan y Amy Allen, a quienes describió como “maestros en lo que hacen”.

La parte creativa de su trabajo, según relató en Interview Magazine, fue intensa y colaborativa, con sesiones que se extendían hasta la madrugada y una energía de urgencia y diversión que impregnó todo el proyecto.

Actualmente, Sabrina Carpenter se encuentra en un momento de autodefinición, guiándose por su intuición y aceptando que incluso los caminos equivocados pueden ser los correctos. La conversación sobre temas íntimos y la apertura a nuevas experiencias reflejan que está en el camino que desea y disfrutando cada paso.

Reunir a las mujeres de la familia Cyrus bajo un mismo techo constituye, según Brandi Cyrus, “es un milagro”. Las agendas de Tish Cyrus-Purcell y sus hijas —Brandi, Miley y Noah— suelen estar repletas de giras, lanzamientos musicales y proyectos individuales, dificultando la coincidencia.

Sin embargo, recientemente se reunieron en la casa de Tish, en Los Ángeles, para una conversación íntima con New York Magazine sobre los valores y dinámicas que consolidaron su unión familiar, incluso durante los momentos difíciles de su vida pública.

Éxitos individuales y colaboración familiar

El momento actual de cada una es resultado de trayectorias tan diversas como exitosas. Miley Cyrus celebró su noveno álbum, Something Beautiful, junto con un filme. Noah Cyrus presentó su segundo disco, I Want My Loved Ones to Go With Me. Mientras que Brandi concluyó una residencia en la Sphere de Las Vegas y grabó episodios del pódcast familiar Sorry We’re Cyrus junto a su madre.

A pesar de la exposición mediática y los rumores sobre relaciones y desacuerdos, supieron encontrar mecanismos para reconciliarse y fortalecer sus lazos. Ejemplo de ello fue la reciente presencia de Brandi y Tish apoyando a Miley durante los Grammy y la colaboración de Noah como coanfitriona en el pódcast familiar, según indicó New York Magazine.

La dinámica entre hermanas y madre se caracteriza por el apoyo mutuo y la cooperación tanto profesional como personal. Miley explicó: “No venimos aquí a comer, venimos a que mamá trabaje. Si debemos grabar un video o negociar con la discográfica, siempre recurrimos a ella”.

Por su parte, la menor de las Cyrus (Noah) añadió que la comunicación es constante: si una no llama a su madre, la otra lo hace enseguida. Brandi destacó cómo todas se consultan tanto en asuntos personales como de trabajo. Debido a que Tish disfruta su doble rol de madre y representante.

Las reuniones familiares entre risas y anécdotas afianzaron costumbres propias. Miley se refirió con humor a la política de “trae tu propia comida” en las cenas, mientras Noah recordó la sencillez de los platos y la ausencia de verduras en la mesa. La madre defendió su estilo, argumentando que sus hijas crecieron sanas.

En una misma sintonía, se rieron al recordar el accidente de Miley y una batidora o la obsesión de Tish por mantener la cocina ordenada. Noah destacó la influencia de Pinkus, su prometido alemán, quien introdujo recetas europeas en la familia.

La música como hilo conductor y aprendizaje de experiencias

La música desempeña un papel primordial en la vida de toda la familia Cyrus. Brandi, primera artista femenina con una residencia en la Sphere, agradeció el sostén de Tish y rememoró los viajes familiares en coche al ritmo de country y rock de los 80.

Miley y Brandi evocaron los primeros conciertos y aventuras compartidas en tiempos de Hannah Montana. La familia tiene canciones asociadas a momentos especiales; Miley lleva tatuada una frase de “The Thing” de los Pixies por un viaje familiar, y Noah inmortalizó en la piel la portada de “Against the Wind” de Bob Seger, última canción que cantó con su abuela. Para ellas, la música va más allá del éxito y Miley Cyrus aseguró: “La música debe tratarse de recuerdos, no de números”.

Las lecciones fundamentales surgieron de desafíos y experiencias difíciles. Noah valora lo aprendido en su última relación, mientras Miley reflexionó sobre la necesidad del respeto mutuo en la pareja, algo que considera no siempre estuvo presente en la vida amorosa de su madre.

Tish, casada con Dominic Purcell desde 2023, destacó la importancia de equilibrar atracción y respeto en una relación. Su hija Miley subrayó los desafíos de gestionar críticas en el ámbito profesional y la defensa de su libertad artística. A su vez, la hija mayor (Brandi) recordó la evolución de Tish, que pasó de trabajar tras cámaras a mostrarse públicamente, especialmente a partir del pódcast familiar.

Celebración de las diferencias con valores familiares

El respeto por las diferencias y la valoración de las identidades individuales son claves en la convivencia de las Cyrus. Miley celebró la capacidad de la familia para honrar los estilos y opiniones propias, evitando disputas sobre temas delicados y promoviendo la autenticidad a través de la moda y la música.

Por otra parte, Noah reconoció la influencia de Miley en su actitud y estilo y ambas rememoraron anécdotas de la infancia, como coreografías navideñas. Brandi reveló que preparar una coreografía juntas en Navidad se transformó en una tradición, un momento destinado exclusivamente a la diversión familiar.

Los valores transmitidos por Tish dejaron una huella duradera en sus hijas. Recalcó la importancia de la firmeza y la amabilidad, principios heredados de su propia madre y acompañados de disciplina en el hogar. Su hija Miley interpreta esa firmeza como una forma de protección y amor, estableciendo límites para permitir el crecimiento personal.

Brandi busca propósito y felicidad en cada proyecto, priorizando estos valores sobre cualquier resultado económico. De este modo, las hijas consideran que el final de una etapa no debe confundirse con el fracaso, sino que es una oportunidad para reafirmar convicciones.

Para Tish, el modo en que se afrontan los desafíos y responsabilidades en la vida cotidiana influye en cómo se gestionan los negocios, las relaciones y la imagen personal. Sostuvo que la atención al detalle y el orden en su hogar reflejan directamente los valores que buscó transmitir y aplicar en su entorno más cercano, concluyó New York Magazine.

Una familia marcada por la colaboración, el respeto a la individualidad y el valor de los lazos personales, las Cyrus continúan defendiendo su identidad en un mundo donde la exposición y los desafíos son constantes, pero donde celebrar las diferencias y apoyarse mutuamente sigue siendo el centro de todo.

Los Backstreet Boys regresan a lo grande con su show Into The Millennium en el Sphere de Las Vegas. Pese a la gran inversión inicial, la banda ya recuperó la suma gracias a un contrato récord: 4 millones de dólares por noche por la venta de entradas y paquetes exclusivos, según fuentes consultadas por TMZ. El éxito es tal que el show se extenderá hasta febrero de 2026.

El Sphere tiene una capacidad cercana a 17.000 asistentes. Las entradas para cada show se encuentran agotadas en casi todas las funciones. La principal fuente de ingresos proviene de los boletos VIP, los denominados tickets platinum y diversos paquetes de viaje que se ofrecen al público. El flujo de asistentes garantiza una recaudación estable durante el periodo de la residencia.

Uno de los aspectos que explican la magnitud de los beneficios para el grupo es que los costos de producción y organización resultan más bajos en comparación con una gira tradicional. Los Backstreet Boys abonaron una cifra cercana a los USD 7 millones u 8 millones en concepto de gráficos y escenografía, cuya inversión ya recuperaron ampliamente, de acuerdo a TMZ.

Es que la ganancia es tal que pueden recuperar esa suma de manera muy rápida y ofrecen su show hasta febrero de 2026.

En tanto, no existen gastos elevados por logística, transporte o adaptaciones de escenarios, ya que todas las funciones se presentan en el mismo recinto. Este formato reduce los costos operativos y facilita la planificación de cada concierto.

De acuerdo a información recabada por TMZ, el hecho de no trasladar la producción a diferentes ciudades ni países representa una ventaja adicional. El ahorro que se produce en viajes, contratación de personal externo y desplazamiento de equipos técnicos contribuye a que la mayor parte del ingreso neto quede en manos de los integrantes y los responsables de la producción del espectáculo.

Un trabajador del Sphere consultado por TMZ señaló que los artistas pueden alcanzar en este recinto ganancias similares o superiores a las de una gira por grandes estadios. La venta masiva de entradas, los paquetes especiales y la ausencia de traslados permiten que los beneficios sean más altos para los músicos.

La residencia en Las Vegas se consolida como una opción atractiva para agrupaciones y solistas reconocidos en la industria musical. La demanda constante, la comodidad de un público que viaja a la ciudad exclusivamente para los conciertos y la tendencia de los organizadores a invertir en tecnología y experiencia visual elevan la rentabilidad de este tipo de espectáculos.

En el caso de los Backstreet Boys, la cantidad de funciones vendidas (14 en total) y la dinámica de recaudación reflejan un modelo exitoso. Según datos de TMZ, solo con la recaudación de los tickets premium logran acceder a una porción significativa del total de los ingresos.

Asimismo, las promociones incluyen experiencias diferenciadas para los asistentes más fieles, alojamiento y servicios personalizados, lo que incrementa aún más el monto global de cada presentación.

El Sphere ofrece condiciones que no encuentran equivalente en otras locaciones de espectáculos. La amplitud de la sala, la cercanía con el público, la tecnología de imágenes y sonido de alta resolución y la flexibilidad para adaptar montajes hacen de este recinto un destino privilegiado para artistas de renombre internacional.

En comparación con las giras internacionales, la residencia fija en Las Vegas implica menos desgaste físico, mayor tiempo de descanso entre funciones y la oportunidad de ajustar la producción sin las limitaciones tradicionales de los traslados. Esto se traduce en un resultado económico más favorable para los artistas y su equipo. Los Backstreet Boys, con un éxito de taquilla asegurado, confirman que el Sphere representa un hito en la industria del entretenimiento en vivo.

La banda atraviesa una de las etapas con mayores ingresos de su carrera. El formato de residencia se revela eficaz para maximizar utilidades y mantener la vigencia en el competitivo mundo de la música pop. Los especialistas de la industria coinciden en que otros artistas pueden optar por esta modalidad en el corto plazo, motivados por el éxito financiero y operativo demostrado en la actual residencia de los Backstreet Boys.

En una reciente entrevista con ELLE Magazine compartió detalles sobre la destreza física que muestra en cada show, sumada a su carisma y autenticidad, que lo posicionaron como uno de los artistas más observados —y comentados— de la música actual.

Desde sus inicios, sorprendió al público por su capacidad física en escena, especialmente por los backflips (mortal hacia atrás) y acrobacias que realiza durante sus presentaciones. Lejos de tratarse de un truco aprendido recientemente, su destreza es fruto de la práctica constante y una rutina muy parecida a la de un atleta.

“Porque lo hago todo el tiempo, ya he desarrollado fuerza en las piernas para hacerlo cada noche”, admitió el artista, dejando claro que la clave de su espectacularidad está en la disciplina. Boone comparó su entrenamiento con la preparación deportiva, ilustrando que cada función exige preparación y resistencia física específicas.

Entrenamiento y habilidades físicas durante sus shows

El intérprete relató su primer acercamiento a los saltos y acrobacias, remontándose a la infancia: “Tenía como cuatro años. Vi a mi padre hacer un backflip y pensé que era lo más genial del mundo. Dije: ‘Debo hacerlo’. Fui, salté del sofá, aterricé sorprendentemente bien, y desde entonces empecé a dar vueltas en todo el vecindario”.

Lejos de practicar sus flips en cualquier sitio público, el artista señaló que suele ensayar estas acrobacias junto a amigos, dedicándose en privado a perfeccionar cada movimiento, lo que le permite dominar la técnica sin exponerse innecesariamente.

El cantautor también habló sobre el cuidado de su cuerpo, ya que el esfuerzo físico de saltar, girar y mantener el ritmo durante un espectáculo requiere constancia. Aunque reconoció que las acrobacias forman parte de su identidad artística, Boone subrayó que nunca se trata de improvisar, sino de estar siempre preparado física y mentalmente para afrontar el reto de cada show.

Ícono de estilo y vestuario sobre el escenario

Fuera del ejercicio físico, el estilo de Benson Boone también se volvió una referencia para sus seguidores. Consultado por sus referentes en la moda y la estética, nombró a figuras legendarias: “Me encanta el estilo de Elton John, el estilo de Freddie Mercury, el de Michael Jackson, incluso el de Elvis Presley y Bruce Springsteen”. Para Boone, lo importante no es solo llamar la atención, sino expresar su personalidad arriba del escenario y divertirse con la moda.

Lejos de encasillarse en un solo registro, el cantante afirmó que no siempre busca arriesgar con los atuendos más llamativos o sofisticados. “A veces me basta con una camiseta de tirantes y vaqueros. Solo hago lo que siento”, comentó. Ese deseo de espontaneidad y la búsqueda de su propio sello marcaron cada etapa de su carrera.

Aunque reconoció que los shows representan una oportunidad para elevar su look, aclaró: “Lo que visto en el escenario no siempre es lo que usaría a diario para ir a una gasolinera”. De este modo, reafirmó que su imagen pública es una apuesta creativa acorde al contexto, manteniendo siempre el equilibrio entre lo espectacular y lo personal.

Relación con la fama y presión pública

La exposición mediática y el crecimiento de su popularidad pusieron a prueba la relación de Benson Boone con la fama. El intérprete admitió que no suele sentirse nervioso antes de cada concierto, pero hubo una ocasión que marcó la diferencia: “La única vez que realmente estuve nervioso fue en los Grammys. Estaba cantando frente a Beyoncé, Taylor Swift, Billie Eilish y Olivia Rodrigo. Sin duda, estaba muy nervioso”.

Boone reconoció que ese tipo de presiones no son cotidianas para él, y que disfrutar y compartir los momentos previos al show con sus amigos, familiares o su novia es fundamental para relajarse y encarar el espectáculo con entusiasmo.

En cuanto a las redes sociales, confesó que su presencia digital fue cambiando y manifestó: “He intentado estar menos tiempo en las redes sociales. Hay mucha gente opinando sobre mí, y aunque sea para bien o para mal, no me gusta estar viendo constantemente videos sobre mí mismo”.

También reveló que, a pesar de su gran dominio en internet, su contenido favorito son los clips de perros. “Últimamente me aparecen muchísimos videos de perros. En realidad, me sorprende, porque normalmente los paso de largo, pero algunos me parecieron tan tiernos que quizá los vi demasiado tiempo”, compartió.

Expectativas y preparativos para la nueva gira

A punto de iniciar la etapa estadounidense de su American Heart World Tour, el cantante dedicó el último tiempo a planificar cada detalle de sus próximas presentaciones. Con respecto a esto, adelantó: “Será el show más planificado que haya hecho. He pasado los últimos seis meses pensando y planificando cada canción, lo que habrá en las pantallas, lo que haré y lo que vestiré. Es un mundo completo que he construido en mi cabeza”.

El compromiso con su público y la minuciosidad en la preparación resaltan la constante búsqueda de excelencia que lo caracteriza. Además, Benson Boone expresó su entusiasmo de cara al reencuentro con los fanáticos, y comentó: “Estoy realmente emocionado de que la gente lo vea”, dejando ver que su ambición artística busca construir una experiencia única e inmersiva para todos los asistentes.

En una primavera radiante en Múnich (Alemania), la artista británica-kosovar reunió a más de 15.000 seguidores en el Olympic Hall, consolidándose como referente global del pop en medio de una gira internacional y tras anunciar su compromiso sentimental con el actor Callum Turner.

Una gira internacional con mensaje de optimismo

Durante su paso por Múnich, la reconocida intérprete no solo cautivó a la audiencia con su espectáculo, sino que también reflexionó sobre el significado de su trabajo en un mundo que cambió desde el lanzamiento de “Future Nostalgia” en 2020.

Aquel álbum, que se convirtió en un fenómeno global durante la pandemia, marcó un antes y un después en su trayectoria, con éxitos como “Levitating” y “Don’t Start Now” que se transformaron en himnos de esperanza y libertad. Ahora, con “Radical Optimism”, la artista recorre 41 ciudades y más de 80 fechas, llevando su mensaje de optimismo y espontaneidad a los escenarios de todo el mundo.

Proceso creativo y autenticidad en la música pop

En la conversación con Harper’s Bazaar, destacó la importancia de la paciencia y la honestidad en su proceso creativo. A propósito de esto, afirmó: “Para mí, se trata de hacer cosas que me resulten divertidas y naturales, y también de sentirme orgullosa de lo que hago”.

Esta filosofía se refleja en su música, que evita los códigos de la ironía y los mensajes cifrados tan comunes en el pop contemporáneo. En lugar de construir enigmas para sus seguidores, apuesta por canciones directas, sinceras y universales, capaces de conectar tanto en grandes estadios como en la intimidad de quien las escucha.

Asimismo, la conexión de Lipa con su público es evidente en cada concierto. El director Pedro Almodóvar, amigo cercano de la cantante, resaltó en declaraciones recogidas por Harper’s Bazaar: “Está hecha para el escenario. Tiene un talento increíble para conectar con su audiencia. Puede hacer que todo un auditorio baile como si fuera un club, con ese tono ronco tan peculiar que me encanta”.

Vida personal, raíces y proyectos paralelos

La vida personal de la cantautora también ocupó un lugar central en el reportaje. Su reciente compromiso con el actor británico Callum Turner, a quien conoció a través de su amigo Mustafa, marca una etapa de plenitud y apertura emocional. “He pasado mucho tiempo protegiendo mi corazón, así que ahora me permito sentir, aunque eso implique el riesgo de salir herida. Hay que dejar que el amor entre”, reveló.

Además, la artista reconoció que hablar abiertamente de su relación es una forma de ser fiel a sí misma y a su momento vital: “Estoy más feliz que nunca, así que siento que sería un error no compartirlo”.

Su recorrido hasta su consolidación actual estuvo marcado por la determinación y el arraigo familiar. Nacida en Londres en 1995, es hija de inmigrantes kosovares-albaneses que huyeron del conflicto en la antigua Yugoslavia.

A los 11 años, la familia regresó a Kosovo poco antes de la declaración de independencia del país. Y cuatro años después decidió volver sola a Londres para perseguir su sueño musical, alojándose con amigos de la familia y compaginando estudios, trabajos y audiciones.

Desde sus primeros pasos, la artista mantuvo una fuerte conexión con sus raíces y con la literatura, influenciada por el amor a los libros que le inculcaron sus padres y su abuelo, reconocido historiador en Kosovo.

Más allá de la música, Lipa impulsó proyectos como Service95, una plataforma cultural que incluye un sitio web, boletines, un club de lectura y un podcast. Su objetivo es ampliar horizontes y compartir perspectivas diversas con su comunidad.

En el espacio que promueve, entrevistó a figuras como Patti Smith, Tim Cook y el propio Almodóvar, abordando temas con rigor y empatía. También participa en iniciativas sociales, como su visita a un club de lectura en una prisión de mujeres en el Reino Unido, donde reflexionó sobre el poder transformador de la lectura.

Influencia y nuevos horizontes

El impacto de Dua Lipa se extiende a quienes la rodean. Mustafa, poeta y cantautor, resaltó en Harper’s Bazaar la influencia positiva de la artista: “Dua es buena para el ecosistema. Quiere tener la conversación a través de su curiosidad”.

Mientras que el productor Mark Ronson, su colaborador habitual, observó una evolución significativa en la cantautora. “Quien es ahora… esta es una nueva era para ella como compositora, cantante y persona”, compartió.

En este momento de plenitud, Dua Lipa se muestra consciente de la dificultad de expresar la felicidad y el amor en el arte, pero también reivindica el derecho a decidir qué aspectos de su vida comparte con el público y cómo inspirar a las nuevas generaciones.

"Le doy a 'The Eras Tour' el crédito. Porque si nunca hubiera ido a ese concierto y me hubiera quedado hipnotizado y cautivado, y luego me hubiera ido con tantas ganas de conocerte, nunca habría ido a ('New Heights') y le habría contado a todo el mundo lo dolido que estaba", le dijo Travis a Swift en el podcast 'New Heights' que conduce junto a su hermano Jason.

"Nunca me había sentido tan absorto en la curiosidad de saber quién eras", añadió el ala cerrada del Kansas City, quien también aseguró que la estrella pop "lo hacía mucho mejor".

Kelce asistió a un concierto de Swift en 2023 y, aunque quería conocerla ese mismo día para entregarle un brazalete de la amistad con su número, no pudo porque Swift no recibía visitas antes ni después de sus conciertos.

Después de dicha experiencia el deportista expresó en su podcast la decepción de no haberla podido conocer, pero poco después establecieron contacto.

Este miércoles, la cantante reveló más detalles sobre su primer encuentro, confesando que hizo una pregunta 'insensata' porque no sabía nada sobre las reglas del fútbol americano.

"En nuestra primera cita, le pregunté legítimamente cómo fue cuando los Chiefs jugaron contra los Eagles en la Super Bowl y él miró al otro lado del campo, más allá de la línea de golpeo, y vio a su hermano parado al otro lado… a cinco pies frente a él en el campo", contó la cantante.

"Ahora sé lo loca que fue esa pregunta. (Travis) Me dijo: 'En realidad, yo estoy en ataque y mi hermano también, y solo estoy en el campo al mismo tiempo que la defensa'. Pensé que todos estaban en el campo al mismo tiempo", aseguró Swift, quien ahora se considera "obsesionada" por el deporte al que se dedica Kelce.

En el episodio de 'New Heights', la cantante también anunció que su próximo álbum de estudio, titulado 'The Life of a Showgirl', será lanzado el 3 de octubre. Además, aseguró que está inspirado en su vida tras bambalinas durante su gira mundial 'The Eras Tour'. EFE

En la actualidad, la mayoría de las personas reconocen el nombre de Harry Styles, pero unos años atrás era simplemente un joven de Holmes Chapel, un pueblo en Cheshire, Inglaterra. Aunque ahora es difícil imaginar al cantante lejos de los escenarios, a los 14 años comenzó a trabajar en una panadería local llamada W. Mandeville of Holmes Chapel. En este lugar hoy se exhibe una gran fotografía de Styles y muchos de sus admiradores se acercan especialmente para comprar pan en el sitio donde trabajó el exintegrante de One Direction.

Harry Styles alcanzó la fama en 2010 tras su aparición en el concurso de talentos X Factor de la televisión británica. En la audición interpretó a capela la canción Isn’t She Lovely de Stevie Wonder. Su desempeño sorprendió a dos de los tres jueces. Aunque no logró avanzar como solista, fue seleccionado entre los cinco finalistas para integrar una nueva agrupación juvenil que más tarde se convertiría en One Direction.

Hasta ese momento, Styles había terminado la escuela secundaria y, como mencionó BBC, trabajaba los sábados en la panadería de su pueblo. Años más tarde, en el documental sobre la banda llamado ‘This Is Us’, estrenado en 2013, el músico regresó al sitio donde había trabajado y volvió a usar el delantal que fue parte de su vestimenta durante dos años y medio.

“Recuerdo cuando me dijeron que querían que trabajase los sábados. Me sentía como si me hubiese sacado la lotería”, declaró Styles en el documental. También recordó, en tono humorístico: “Fue como... trabajo de fin de semana, voy a ser rico”.

El ascenso de One Direction fue meteórico. La banda llenaba recintos en cada segmento de sus giras y obtuvo reconocimiento internacional gracias a una seguidilla de premios y discos exitosos. Entre 2012 y 2014, sus primeros cuatro álbumes encabezaron el listado Billboard 200, que clasifica los discos más populares en Estados Unidos, y consiguieron batir diversas marcas a nivel internacional. Los integrantes, entre ellos Styles, pasaron rápidamente de ser adolescentes comunes a figuras de alcance global.

La salida de Zayn Malik en 2015 marcó un punto de quiebre. Poco tiempo después, el grupo anunció su separación y Harry Styles comenzó una carrera en solitario. Su primer álbum, llamado simplemente ‘Harry Styles’, incluyó el éxito ‘Sign of The Times’ y fue el punto de partida de una etapa aún más personal y artística para el cantante.

Con el paso de los años, Styles logró una importante consolidación en la industria. Según datos de Cosmopolitan, hoy se encuentra entre los músicos jóvenes de mayor fortuna, con un patrimonio neto estimado en 120 millones de dólares. Este éxito económico fue acompañado de un prestigio creciente en el ámbito musical y cultural.

La crítica lo reconoce como uno de los intérpretes más influyentes de su generación. La revista Rolling Stone destacó a Styles al definirlo como “un Mick Jagger de nuestra época”. Así subrayó su capacidad de adoptar con naturalidad roles audaces y su facilidad al asumir una identidad musical versátil, pasando del rock al soul.

Styles no solo se destaca por su música y sus actuaciones, sino también por su estilo e influencia en la moda contemporánea. Se convirtió en un referente entre los jóvenes y un icono de la cultura pop que promueve la autenticidad y la libertad personal.

En paralelo a su desarrollo profesional, utilizó su visibilidad para apoyar diversas causas sociales y movimientos solidarios. El músico definió de manera pública la igualdad de género, los derechos de la comunidad LGBTQ+ y la importancia de la salud mental, tanto en sus redes sociales como en declaraciones y entrevistas. Gracias a esta postura, se transformó en un símbolo de autenticidad y compromiso para sus seguidores.

Así, la historia de Harry Styles, que comenzó en una pequeña panadería de Holmes Chapel, constituye un ejemplo de perseverancia, talento y reinvención dentro del mundo de la música y el espectáculo.

La Fundación Konex anunció la distinción a cinco mujeres que impulsaron la transformación de la música pop argentina en la última década. La edición 2025 de los Premios Konex está dedicada a la música popular argentina y reconoce a las figuras más relevantes del período 2015-2024 en veinte disciplinas. Se trata de la quinta vez que esta actividad forma parte de estos galardones, que desde 1980 destacan a las personalidades e instituciones más influyentes de la cultura nacional.

En ediciones anteriores, el Konex de Brillante fue entregado a figuras como Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Horacio Salgán y Dino Saluzzi. En este período, el jurado –presidido por Sandra Mihanovich (Premio Konex de Platino 1995 y 2015); con Alejandro Lerner (Premio Konex 1985, 1995 y 2005), como secretario general, y Dino Saluzzi (Premio Konex de Brillante 2015), como presidente honorario, además de otros referentes del ámbito cultural– seleccionó a María Becerra, Lali Espósito, Zoe Gotusso, Nicki Nicole y Tini Stoessel en la categoría Música pop solista.

La premiación, cuya ceremonia se celebrará el martes 9 de septiembre en la Ciudad Cultural Konex, adquiere relevancia en un contexto donde la presencia femenina en la escena pop amplía fronteras y redefine parámetros estéticos y artísticos. Las cinco cantantes distinguidas, con estilos y trayectorias diversas, lograron proyectar la música argentina en el exterior y consolidaron una identidad que interpela a nuevas generaciones.

Las premiadas

María Becerra nació en Quilmes en 2000 y desde el inicio de su carrera en 2019 se posicionó como una de las voces más influyentes del pop urbano argentino. Alcanzó un récord de oyentes mensuales en plataformas digitales y fue la primera mujer argentina en agotar dos estadios Monumental. Su discografía se caracteriza por la fusión de ritmos urbanos y letras emocionales, con colaboraciones de artistas internacionales como J Balvin y Lola Índigo.

Lali Espósito, nacida en 1991, construyó su trayectoria como actriz y cantante y se consolidó como figura central del pop en Latinoamérica. Obtuvo más de un centenar de premios, se presentó en escenarios masivos, y en 2025 lanzó un álbum que ingresó al Top 5 global de Spotify. Fue la primera mujer argentina en interpretar el Himno Nacional en la final de un Mundial y en llenar el Estadio Vélez, con lo que reafirma un perfil artístico versátil y de proyección internacional.

Zoe Gotusso, oriunda de Córdoba y nacida en 1997, se destacó inicialmente como parte del dúo Salvapantallas antes de iniciar su camino solista en 2020. Su propuesta integra elementos del pop, folk y la tradición rioplatense, con una impronta sonora intimista y melancólica. Composiciones como “Ganas” y “Cuarto Creciente” la afianzaron como una de las nuevas voces personales del género.

Nicki Nicole, nacida en Rosario en 2000, irrumpió en la escena musical en 2019 con “Wapo Traketero” y luego expandió su carrera con presentaciones en escenarios y festivales de América y Europa. Sus álbumes recibieron múltiples reconocimientos, incluidos discos de oro y platino, y su impacto se reflejó en las cifras de escucha global. Obtuvo varios premios, y en 2024 lanzó Naiki, que debutó entre los diez discos más escuchados a nivel internacional.

Tini Stoessel nació en Buenos Aires en 1997 y construyó su carrera artística tras alcanzar la popularidad como actriz juvenil. En 2016 comenzó su etapa musical, en la que sumó éxitos en el ámbito latinoamericano y presentaciones en recintos emblemáticos como el Hipódromo de Palermo y el Madison Square Garden. Su estilo abarca el pop, el dance y las baladas, con los que consolidó como exponente popular del género en el país y el exterior.

Tras la entrega de los Diplomas al Mérito, el jurado seleccionará a veinte figuras para el Konex de Platino, de entre las cuales una recibirá el Konex de Brillante como máxima distinción de la década.

Connie Francis, figura central en la música popular estadounidense desde la década de 1950, falleció a los 87 años, según anunció su representante Ron Roberts a través de la cuenta oficial de la artista. La familia y su círculo cercano optaron porque los seguidores fueran los primeros en conocer la noticia. La causa del deceso no fue revelada. En los meses previos, Francis había comunicado a sus seguidores que atravesaba problemas de salud y hospitalizaciones, de acuerdo con NBC News.

La artista, cuyo nombre de nacimiento era Concetta Rosemarie Franconero, obtuvo fama internacional con temas como “Who’s Sorry Now?”, “Stupid Cupid”, “Where the Boys Are” y “Pretty Little Baby”. En 2024, su legado musical alcanzó a nuevas generaciones después de que su canción “Pretty Little Baby” se volviera tendencia global en TikTok, según Variety.

Reconocida por su trayectoria en la música y el cine, Francis también fue noticia por experiencias personales marcadas por episodios de violencia, cuestiones de salud mental y una vida personal expuesta públicamente. De acuerdo con CNN, la cantante mantuvo su actividad profesional y su presencia en redes sociales hasta meses antes de su muerte.

¿De qué murió Connie Francis?

La causa de la muerte de Connie Francis no ha sido informada oficialmente por sus representantes ni por su entorno familiar. En los meses previos a su fallecimiento, la artista había divulgado en sus redes sociales problemas de salud asociados a dolores físicos y movilidad reducida. Francis ingresó en el hospital en varias ocasiones y fue trasladada a cuidados intensivos para someterse a estudios médicos, según declaraciones públicas. Su última comunicación con los seguidores se produjo el 4 de julio de 2025, donde reveló sentirse “mucho mejor” después de una noche en observación.

¿Quién fue Connie Francis y cuáles fueron sus mayores éxitos?

Connie Francis, nacida el 12 de diciembre de 1937 en Newark, Nueva Jersey, inició su carrera artística desde la infancia animada por su padre. Desde pequeña, participó en concursos de talentos y programas de televisión como “Arthur Godfrey’s Talent Scouts” y “The Perry Como Show”, según AP News. Durante su adolescencia, firmó contrato con MGM Records y, tras unos lanzamientos sin impacto, alcanzó la fama mundial en 1958 con su interpretación de “Who’s Sorry Now?”. La canción escaló posiciones cuando Dick Clark la promocionó en su programa “American Bandstand”.

Entre sus títulos más reconocidos figuran “Stupid Cupid”, “Everybody’s Somebody’s Fool”, “Frankie”, “Lipstick on Your Collar” y “Breakin’ in a Brand New Heart”. Francis se convirtió en la primera mujer en alcanzar el puesto número uno en la lista Billboard Hot 100 con “Everybody’s Somebody’s Fool”. Asimismo, grabó álbumes y sencillos en varios idiomas, entre ellos italiano, español, alemán e yiddish, consolidando una carrera internacional, de acuerdo con Variety.

¿Por qué Connie Francis fue importante para la música?

Francis fue una pionera de la música pop estadounidense y una de las primeras artistas femeninas en lograr una proyección internacional sostenida. Alcanzó una audiencia diversa al grabar versiones multilingües de sus éxitos, lo que la convirtió en un referente para el mercado internacional y en una figura habitual en las listas de éxitos fuera de Estados Unidos. Canciones como “Die Liebe ist ein seltsames Spiel” alcanzaron el primer lugar en Alemania. Según Variety, Francis vendió más de 200 millones de discos a lo largo de su carrera y colaboró con compositores como Neil Sedaka y Howard Greenfield.

¿Qué aportó Connie Francis al cine y la televisión?

La artista también incursionó en el cine, protagonizando películas como “Where the Boys Are” y “Follow the Boys”, destinadas al público juvenil de la época. Su participación en televisión y cine fue parte central de una estrategia de promoción que ayudó a consolidar su figura en la industria del entretenimiento, según Variety. Francis mantuvo su notoriedad en el circuito de espectáculos en vivo y realizó giras internacionales hasta la última etapa de su vida profesional.

¿Cómo fue la vida personal de Connie Francis?

La vida personal de Connie Francis estuvo marcada tanto por el reconocimiento profesional como por dificultades y situaciones de alto perfil. En 1974 fue víctima de una agresión sexual en un hotel de Nueva York, lo que la llevó a demandar al establecimiento por negligencia en seguridad; años más tarde, su hermano fue asesinado. Francis fue diagnosticada con trastorno bipolar, atravesó internaciones y sobrevivió a un intento de suicidio. Divorciada en cuatro ocasiones, adoptó a su hijo Joey Garzilli durante su tercer matrimonio, según información de AP News.

La artista recogió estas y otras experiencias en la autobiografía “Who’s Sorry Now?” publicada en 1984, y en su segundo libro, “Among My Souvenirs”, lanzado en 2017. De acuerdo con CNN, Francis se retiró en 2018 pero siguió activa en la comunicación con sus seguidores a través de las redes sociales.

¿Qué impacto tuvo el resurgimiento de “Pretty Little Baby” en 2024?

En 2024, la grabación de “Pretty Little Baby” protagonizó un fenómeno inesperado viralizándose entre usuarios jóvenes en TikTok, lo que llevó a la canción a uno de los primeros lugares en las listas de Spotify e iTunes en Estados Unidos. Connie Francis agradeció públicamente la respuesta a la canción, expresando sorpresa por el impacto y el alcance de su repertorio más de sesenta años después de su grabación, según NBC News.

Ni el clima adverso ni la persistente lluvia desalentaron a la cantante ni al público, que colmó el recinto. Pese a los reveses, Dua Lipa decidió continuar con el espectáculo y expresó su gratitud a la audiencia por su entusiasmo. En medio del aguacero, la intérprete agradeció la “noche fantástica” que compartían, gesto que provocó una ovación inmediata.

Un video ampliamente difundido en redes sociales mostró a Dua Lipa interpretando su éxito "Be the One" bajo la lluvia, mientras el público la acompañaba con entusiasmo. Las imágenes se viralizaron rápidamente y fueron replicadas por medios como The Independent, destacando el nivel de entrega de la cantante durante su presentación en la ciudad inglesa.

La elección de Liverpool no fue fortuita. La ciudad, reconocida como la cuna de The Beatles, tiene un lugar central en la historia de la música británica. Consciente de ese legado, Dua Lipa rindió homenaje al legendario grupo con una versión de “Hey Jude”, que interpretó junto a una audiencia visiblemente emocionada.

La gira Radical Optimism Tour ha sido también una oportunidad para mostrar la versatilidad artística de Dua Lipa. En cada ciudad, la artista ha incorporado versiones de clásicos locales y homenajes a figuras icónicas. En Milán, ante más de 70.000 personas, interpretó “A far l’amore comincia tu”, popularizado por Raffaella Carrà, lo que generó una respuesta entusiasta del público italiano.

El tour incluyó una parada en Madrid, donde la cantante sorprendió con una versión del tema “Héroe” de Enrique Iglesias, reforzando la cercanía con sus seguidores en España. En su tramo inicial, en Australia y Nueva Zelanda, Dua Lipa homenajeó a AC/DC durante el primero de cinco conciertos en el Rod Laver Arena de Melbourne.

Además de sus propias canciones, la artista ha integrado a su repertorio versiones de temas como “Me gustas tú” de Manu Chao, “Get Lucky” de Daft Punk, “99 Luftballons” de Nena y “The Less I Know The Better” de Tame Impala.

En Londres, invitó al escenario a Jay Kay, vocalista de Jamiroquai, para una interpretación conjunta de “Virtual Insanity", que fue destacada por medios especializados como NME.

Esta capacidad de adaptación a distintos públicos ha sido clave en el impacto global de la gira. Cada presentación se ha convertido en una experiencia única, marcada por la interacción directa entre la cantante y su audiencia. La noche de Liverpool, con la lluvia como elemento distintivo, fue un ejemplo claro de esa dinámica, consolidando su vínculo con los asistentes.

La expectativa generada por el Radical Optimism Tour se extiende a otros países. En Argentina, los fanáticos aguardan con entusiasmo su llegada en noviembre, cuando se presentará en el estadio River Plate. Sus seguidores especulan con posibles homenajes musicales adaptados al contexto argentino como parte del setlist mediante las redes sociales.

La gira ha consolidado a Dua Lipa como una de las figuras más influyentes de la música pop contemporánea. Su enfoque creativo, la selección de homenajes culturales y la constante renovación de su propuesta escénica han sido elementos fundamentales para el éxito global de la serie de conciertos.

La imagen de Sabrina Carpenter en la portada de su nuevo álbum, Man’s Best Friend, ha desatado un debate que trasciende el ámbito de la música pop para adentrarse en las tensiones sociales de Estados Unidos. En la imagen, la cantante aparece vestida con un minivestido negro, mientras un hombre fuera de cuadro tira de su cabello, lo que ha provocado controversia.

Esta imagen ha sido vista como un reflejo de las dificultades de la sociedad estadounidense para aceptar la sexualidad femenina y la influencia persistente del conservadurismo. Según un análisis publicado por TIME, la reacción a la portada no solo pone de manifiesto el escrutinio sobre las artistas femeninas, sino que también revela una problemática social más profunda: la represión y el miedo en torno al sexo en la cultura estadounidense contemporánea.

Una portada provocadora y la reacción pública

La imagen del álbum fue rápidamente calificada como “controvertida” y generó una ola de críticas, especialmente entre padres estadounidenses que consideran a Carpenter un mal ejemplo para los niños. De acuerdo con TIME, la polémica se intensificó en redes sociales, donde los usuarios debatieron sobre los límites de la expresión artística y la responsabilidad de las figuras públicas.

La controversia no es nueva para Carpenter. Sus actuaciones recientes y coreografías también han sido objeto de discusión en línea, con padres y críticos señalando que su imagen y presentaciones no son apropiadas para audiencias jóvenes.

TIME destaca que, mientras sus números acústicos y baladas íntimas pasan desapercibidos fuera de sus conciertos, sus actuaciones más atrevidas y cargadas de insinuaciones sexuales se viralizan en plataformas digitales, alimentando el debate sobre la sexualización en la música pop.

La respuesta de Sabrina Carpenter a las críticas

Frente a la ola de comentarios negativos, Sabrina Carpenter ha respondido con ironía y firmeza. En una entrevista publicada por Rolling Stone y citada por TIME, la cantante expresó: “Siempre me resulta tan gracioso cuando la gente se queja. Dicen: ‘Todo lo que hace es cantar sobre esto’. Pero esas son las canciones que ustedes han hecho populares. Claramente, les encanta el sexo. Están obsesionados con él”.

La artista también ha subrayado que la notoriedad de sus canciones no depende solo de su contenido, sino de la atención que el público y los medios deciden prestarle. Mientras sus baladas pasan inadvertidas, sus actuaciones más arriesgadas se convierten en tendencia, lo que, según Carpenter, revela una fascinación colectiva con la sexualidad, aunque se exprese a través de la censura y la crítica.

Una tradición de controversia en la música pop femenina

La reacción ante la portada de Man’s Best Friend no es un fenómeno aislado. Como recuerda TIME, la historia de la música pop está marcada por episodios similares en los que mujeres artistas han sido acusadas de inmoralidad sexual. Janet Jackson, Madonna, Britney Spears y Christina Aguilera son solo algunos ejemplos de figuras que han enfrentado el escrutinio público por desafiar las normas de su época.

Janet Jackson lanzó su sencillo Pleasure Principle durante la presidencia de Ronald Reagan, un periodo de fuerte conservadurismo; Madonna publicó su libro Sex en plena campaña electoral de George H.W. Bush, obra que fue prohibida en varios países; Britney Spears y Christina Aguilera abandonaron sus imágenes de “chica buena” bajo la administración de George W. Bush, adoptando estilos más sensuales que también generaron controversia.

Según TIME, estos episodios reflejan cómo los estándares impuestos a las mujeres en la industria musical son un espejo de las normas sociales y culturales vigentes.

La crítica a la expresión sexual femenina en la música pop se ha convertido en una especie de rito de paso, una prueba que muchas artistas deben superar para afirmar su autonomía y su derecho a decidir sobre su imagen y su cuerpo.

Contexto social: descenso de la actividad sexual y auge del conservadurismo

El debate en torno a Carpenter se produce en un contexto social marcado por el descenso de la actividad sexual en Estados Unidos, con la excepción de las mujeres de la Generación X.

Según el análisis de TIME, este fenómeno se relaciona con los constantes ataques a los derechos reproductivos y el acceso a anticonceptivos, así como con el auge de modelos tradicionales de maternidad y la figura de las “tradwives” (esposas tradicionales).

TIME advierte que la sexualidad se percibe cada vez más como un acto temido y restringido, en parte debido a las políticas federales que han recortado la financiación y el acceso a la educación sexual. El giro hacia el conservadurismo afecta de manera desproporcionada a mujeres, personas de color y miembros de la comunidad LGBTQ+, todo ello bajo el argumento de defender los “valores familiares”.

En este entorno, la reacción desmesurada ante la portada de Carpenter sugiere, según TIME, que la sociedad estadounidense proyecta sus frustraciones sexuales sobre figuras públicas como las estrellas del pop. En lugar de reconocer sus propios deseos, el público canaliza su incomodidad a través de la crítica y la censura, especialmente hacia mujeres que muestran confianza y libertad en su sexualidad.

El papel de la mujer en la música pop y la crítica social

La controversia en torno a Sabrina Carpenter pone de manifiesto la dificultad de la sociedad estadounidense para aceptar la sexualidad femenina, especialmente cuando se expresa de manera abierta y sin complejos.

Según TIME, la portada de Man’s Best Friend no busca glorificar la violencia de pareja ni introducir prácticas sexuales específicas, sino que representa una declaración de agencia y autonomía por parte de la artista.

La portada del álbum de Carpenter revela una verdad incómoda en la conciencia estadounidense: la incapacidad de la sociedad para fomentar comportamientos sexuales saludables y la tendencia a castigar a quienes desafían las normas establecidas. La reacción ante la artista no es un caso aislado, sino un síntoma de una problemática más amplia que afecta a la libertad de expresión y los derechos de las mujeres en la cultura pop.

TIME concluye que Sabrina Carpenter no es el problema, sino que la raíz de la controversia reside en la represión y la falta de placer sexual en la sociedad estadounidense.

La reacción a la portada de Man’s Best Friend expone las tensiones entre conservadurismo y libertad sexual, y plantea interrogantes sobre el futuro de la expresión femenina en la música y la cultura popular.

Madonna es considerada una leyenda de la música pop y, en homenaje a su trayectoria, Netflix avanza con la producción de una serie biográfica que retratará los momentos clave de su vida y carrera.

El proyecto contará con la participación directa de la artista, quien asumirá el rol de productora junto a Shawn Levy, reconocido por su trabajo en Deadpool 3. En cuanto al elenco, el nombre que suena con más fuerza para interpretar a Madonna es el de Julia Garner.

La actriz Julia Garner se hizo famosa por sus destacados papeles en las series Ozark e Inventing Anna. Según informó Rolling Stone, sería la elegida para dar vida a la icónica cantante. El rumor cobró aún más fuerza luego de que ella apareciera junto a Madonna durante el Celebration Tour, lo que aumentó la expectativa entre los fanáticos.

Este nuevo proyecto de Netflix relatará el ascenso de Madonna en la industria musical y hará un recorrido por los momentos más importantes de su carrera. Más allá de los éxitos, la serie tiene como uno de sus principales objetivos mostrar la faceta humana de la artista y el esfuerzo detrás de su reconocimiento mundial.

Así lo expresó la propia Madonna al manifestar que desea contar el arduo camino que atravesó para convertirse en un referente internacional.

“Quiero mostrar el viaje increíble que he vivido como ser humano”, declaró Madonna en 2020, cuando anunció por primera vez la idea de llevar un biopic sobre su vida a la pantalla. Según compartió en esa oportunidad, el relato será honesto y buscará acercar a la audiencia a la persona detrás de la figura pública. Así, se expondrá tanto los logros como las dificultades que marcaron su trayecto profesional y personal.

El trabajo conjunto entre Shawn Levy y Madonna promete sumar una mirada auténtica y emotiva al relato, pues la cantante no solo será protagonista desde la ficción sino también desde la producción y el guión, lo que garantiza un nivel de fidelidad pocas veces visto en adaptaciones biográficas de celebridades.

En la actualidad, las biografías de grandes figuras del espectáculo se convirtieron en una tendencia creciente dentro de los catálogos de las principales plataformas de streaming. El lanzamiento de la serie sobre Madonna promete captar la atención de millones de espectadores alrededor del mundo, tanto de sus fanáticos históricos como de nuevas generaciones interesadas en conocer sus orígenes y su impacto en la música pop.

Por otra parte, la posible elección de Julia Garner es uno de los grandes atractivos del proyecto. Su caracterización, sumada a su trayectoria y solidez interpretativa, genera expectativas sobre cómo será su transformación para encarnar a un ícono de tal magnitud.

Asimismo, la relación entre ambas, evidenciada en sus encuentros públicos recientes, daría un plus de autenticidad y cercanía al producto final.

El anuncio de esta producción de Netflix se suma a una larga lista de reconocimientos y homenajes a la carrera de Madonna, quien a lo largo de décadas supo reinventarse y mantenerse vigente en la industria del entretenimiento. Desde sus primeros pasos en la música hasta sus grandes giras internacionales y constantes impactos culturales, su figura representa mucho más que su repertorio musical.

A medida que avanzan las noticias sobre el proyecto, se espera que la serie no solo recree los momentos más recordados de la estrella, sino que también aporte una mirada introspectiva sobre sus motivaciones, sus desafíos personales y su camino de superación. Todo ello contribuirá a que el público conozca en profundidad la vida de una de las artistas más influyentes de todos los tiempos.

Con esta propuesta, Netflix se prepara para sumar un nuevo éxito a su plataforma y para ofrecer un retrato sincero de la “reina del pop”. De esta manera, apuestan a una narrativa que inspirará tanto a quienes siguieron a Madonna desde sus inicios como a quienes descubren su historia por primera vez.

Según una conversación publicada por Interview Magazine, su honestidad sin filtros aparece como uno de los rasgos distintivos de su arte: aunque llene estadios y acumule premios, sigue reconociéndose en la duda y el extrañamiento. “No tengo nada más que hacer y quiero ver adónde me lleva esta puerta”, afirmó al referirse a su carrera y vida personal.

Durante un diálogo con la cantante Chappell Roan, quien también se declaró admiradora, la artista reveló una personalidad que habita “lo inusual” con naturalidad. Cuando charlaron sobre la exposición pública y sus heridas, admitió: “No sé si alguna vez voy a sentirme cómoda escuchando a alguien decir algo realmente odioso sobre mí”.

Infancia y rarezas: el origen de una mirada única

Desde pequeña, SZA mantuvo una relación particular con su entorno. “Era una fenomenoide”, reveló al recuperar un término que, en otro contexto, podría sonar cruel. La fascinación por lo esotérico fue temprana y compartió: “Me costaba encontrar amigos porque hablaba de todas esas cosas místicas… pero también porque miraba mucho Xena, Hercules y Buffy. Eso me cocinó, mal”.

Además de las series y los libros, desarrolló una forma original de observar la realidad. “Recolectaba pequeños secretos y pistas sobre la vida de todos que no decían en voz alta y después los guardaba en carpetas manila en un fichero”, comentó al recordar juegos de su infancia. Ese impulso por registrar diferentes aspectos no comentados, luego fue central en sus obras.

La percepción de extrañeza, más que un rasgo celebratorio, refleja una experiencia compartida. “Sentía que sabía más que todos los de mi clase”, comentó con humor. Y además añadió: “Vengo de un pueblo chico y fui a una escuela suburbana con chicos ‘bien’. Me sentía tan separada, como si nunca fuera a encontrar un lugar donde pertenecer”.

Espiritualidad y creencias como guía creativa

La espiritualidad ocupa un lugar central tanto en su vida como en la creación de sus letras. Su modo de vincular fantasía, deseo y poder no encaja en las lógicas establecidas del mainstream. “Siento que todo es magia”, sostuvo con seguridad.

Asimismo, la relación con los elementos no es simbólica, sino profundamente personal y señaló: “Cuando saqué mi álbum, le di mucho al océano. Voy todo el tiempo, me río, como tortas y brownies, y después se los ofrezco”.

También incorpora referencias a deidades: “Si quiero hablar de amor o belleza, pienso en Oshun, la deidad yoruba de la fertilidad, la belleza, la juventud, el amor y la abundancia. Escribo lo que deseo en un papel y lo pongo en el río”. De esta manera, su espiritualidad se construye como una práctica intuitiva y sin dogmas.

Vínculos, soledad y el valor de lo espontáneo

Las dificultades para hacer amigos en la infancia aún resuenan en la adultez. “Jamás intenté hacer un amigo de forma activa. A veces me siento extrañamente atraída por una persona… pero tal vez hasta tenga miedo de hacer nuevas amistades”, reconoció.

El criterio principal de sus vínculos es la naturalidad: “El otro día fui a casa de una amiga y nos tiramos en el patio a no hacer nada. Eso es la amistad”. Es así que sus lazos, construidos sin cálculo, funcionan como refugio ante la exposición mediática: “Es mucho más divertido construir tu propio espacio”.

Fama, miedo y redescubrimiento espiritual

El éxito, lejos de brindar certezas, profundizó algunas inseguridades. “Mi curiosidad me lleva a descubrir qué viene después, o a ver si puedo salir del pozo de autodepreciación que implica estar en este negocio”, reflexionó la artista. Además, la gira de estadios representó un nuevo umbral: “Nunca estuve en una gira así. Hay mucho miedo. Me preguntaba si iba a poder sentir al público estando tan lejos”.

Con el tiempo, su vínculo con la espiritualidad también se transformó. “Solía burlarme de las chicas súper espirituales. Hasta que me pasaron cosas inexplicables y profundísimas”, relató. Fue así que buscó respuestas en otros —padrinos, tarotistas, astrólogos—, pero comprendió que debía volver la mirada hacia sí misma: “No hay ningún gurú que pueda llevarme a esta respuesta divina”.

Exposición y el arte de “no encajar”

Durante la reciente charla, comentó que la exposición deja marcas: “Te ven en esos pequeños vacíos de los momentos más intensos de tu vida. Es una olla de presión”. Frente a esto, su mensaje fue claro y afirmó: “A todas las chicas que sienten que no saben qué está pasando, no tenés que saberlo. Seguí construyendo tu mundo hasta que salgas del que estás atrapada”.

En medio de su creciente éxito y nivel de reconocimiento, SZA no ofreció fórmulas ni certezas, sino una invitación a habitar la rareza como forma de libertad. Su búsqueda no es por encajar, sino para construir el “refugio posible” que tanto valora.

Washington - RESERVA FEDERAL - Washington - La Reserva Federal estadounidense da a conocer la decisión de los miembros de su Comité Federal de Mercado Abierto sobre posibles subidas o bajadas de los tipos de interés al término de su cuarta reunión del año.

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EEUU VENEZUELA

Miami - Asociaciones de exiliados venezolanos en Florida realizan una rueda de prensa para denunciar violaciones al debido proceso y exigir a la Administración Trump que detenga la deportación de Gregory Sanabria, ex preso político detenido en Texas que padeció tortura en Venezuela durante el Gobierno de Nicolás Maduro. (foto)

EEUU ARTE

Nueva York - La Frick Collection de Nueva York presenta la muestra 'Las cartas de amor de Vermeer', que reúne por primera vez tres cuadros del maestro holandés que retratan a mujeres de diferentes clases sociales absortas en misteriosas cartas: 'Mistress and Maid', 'Love Letter' 'Woman Writing a Letter, with Her Maid'.

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EEUU MÚSICA

Miami - La periodista española Belén Carreño presenta el libro 'Ayer tuve un sueño: Manolo Díaz, sesenta años de música pop en español', la historia del ejecutivo que llevó "la música en español a lo más alto de la las listas de éxitos", en un evento en Miami con Juanes y Emilio Estefan Jr.

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FÚTBOL MUNDIAL CLUBES

Miami Gardens - Xabi Alonso se estrena este miércoles en el banquillo del Real Madrid y lo hace con un desafío inédito en los 123 años de historia del club español: el de conquistar por primera vez la nueva versión del Mundial de Clubes FIFA. Un reto y un privilegio para la plantilla blanca, que arranca su camino con un duelo contra el Al Hilal saudí en el Hard Rock Stadium de Miami Gardens.

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AGENDA INFORMATIVA

Nueva York - SEAN COMBS.- La Fiscalía en el juicio por tráfico sexual contra el rapero Sean Combs, conocido como Diddy, prevé terminar los interrogatorios a sus testigos hoy, tras lo que tocará el turno de la defensa.

San Juan - BÉISBOL CLÁSICO MUNDIAL - La Federación de Béisbol de Puerto Rico presenta al director técnico de la selección caribeña en el próximo Clásico Mundial de Béisbol Ocean Lounge. (foto) (video)

EFE News Latino

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“Solo quiero ser la número uno. Aunque sea solo por un momento”, confesó, dejando en evidencia cómo la ambición y autocrítica marcaron tanto su proceso creativo como su vida personal en los últimos años.

Un álbum que vuelve a lo esencial

De acuerdo con Rolling Stone, Midnight Sun no es solo un título: es el fruto de un extenso y exigente recorrido creativo. Larsson relató que durante años escribió hasta cinco canciones distintas con ese mismo nombre, convencida de que ese concepto debía formar parte de su obra.

“Me gusta ese título. Realmente lo quiero. Porque me recuerda a casa. Y también creo que, cuanto más viajo y más envejezco, quiero que me recuerde mi hogar, mis raíces y una noche de verano sueca”, explicó en el pódcast Rolling Stone Music Now.

La referencia al “sol de medianoche” escenifica su necesidad de mantener el vínculo con sus orígenes, pese a su proyección internacional. El álbum se convierte así en una reafirmación de su identidad y en una apuesta por lo que considera esencial en su vida y carrera.

Perfeccionismo extremo: entre el freno y el impulso

Entre sus discos anteriores, So Good (2017) y Poster Girl (2021), pasaron cuatro años. Ese vacío no fue casual. En su diálogo con Rolling Stone, Larsson admitió haber grabado y desechado cinco álbumes completos durante ese período. “Creo que probablemente uno de mis mayores errores fue haber tenido un intervalo tan grande entre mis álbumes”, expresó.

La pausa, lejos de ser inactividad, estuvo marcada por una intensa búsqueda de perfección que la llevó a trabajar sin descanso. “Definitivamente sucedió porque sentía mucha presión por tener que lograr un gran éxito comercial. Debo haber tenido cinco álbumes que simplemente descarté porque no eran lo suficientemente buenos”.

En esa búsqueda, la ambición jugó un rol central. “Eso es lo que pasa con la ambición. Todo es una competencia”, canta en Ambition, tema que considera el más transparente de su trayectoria. “Puedes tener muchas cosas increíbles sucediéndote, pero nada será suficiente para tu alma... Siempre hay una voz en mi cabeza que me dice: ‘Puedes hacer más. Puedes hacerlo mejor’”, señaló en el pódcast.

Sonido propio frente a las tendencias del pop

En cuanto a la producción musical, Zara Larsson eligió distanciarse de las corrientes predominantes del pop estadounidense. Midnight Sun se distingue por ritmos de baile enérgicos y poco habituales en la escena actual. “Sinceramente, no me importa lo que estén haciendo los demás”, dijo con humor en la entrevista.

Durante el proceso creativo, la artista explicó que evita la influencia externa desconectándose de las novedades del mercado. “Normalmente escucho muchos pódcast y mucho ASMR, y simplemente me desconecto de lo que los demás están lanzando y haciendo”, comentó. Esa actitud responde a un objetivo: preservar su autenticidad por encima de modas efímeras.

Infancia protegida y tensiones precoces

Desde sus inicios como estrella adolescente, Larsson fue acompañada por su madre, figura clave en su carrera temprana. Esa presencia no evitó, sin embargo, situaciones incómodas. “Definitivamente hubo situaciones en las que pensé: ‘Esto es un poco raro, aunque ella estuviera allí’. Conoces a ejecutivos y te dicen: ‘Deberíamos consumir drogas’. Y yo tenía dieciséis años”, relató en el pódcast.

Sus palabras subrayan los desafíos que enfrentan los artistas jóvenes en un entorno exigente y, a veces, inadecuado, incluso cuando cuentan con redes de apoyo cercanas.

El poder de TikTok y una intuición inesperada

Uno de los momentos recientes más llamativos de su carrera fue que se hizo viral en TikTok gracias a Symphony, su colaboración con Clean Bandit. La artista contó a Rolling Stone que, días antes de que la canción explotara en la red social, tuvo una especie de presentimiento. “Pensé que sería Lush Life”, dijo entre risas.

El episodio revela cómo el éxito en la era digital puede ser impredecible, y cómo canciones con años de trayectoria pueden encontrar nuevas audiencias en plataformas contemporáneas.

Postura crítica frente a Dr. Luke

Al cierre de la entrevista, Zara Larsson fue consultada por el regreso del productor Dr. Luke al trabajo con figuras destacadas del pop. Su postura fue clara: “¿Por qué? Hay un millón de personas más. ¿Es realmente tan importante que él regrese? No lo creo. Personalmente, no lo haría porque, ¿qué puede hacer él por mí o por cualquier otra persona?”, declaró a Rolling Stone.

Afirmó además que apoyar a las mujeres en la industria es una acción más significativa que colaborar con productores cuyas trayectorias no representan sus valores.

“Lo más poderoso que puedes hacer es poner tu dinero donde está tu boca y trabajar con mujeres, contratarlas y hacer todo eso. Eso es mucho más poderoso que escribir un himno feminista con alguien que realmente no defiende esos valores”, concluyó.

Carnie Wilson, hija mayor del legendario músico Brian Wilson, expresó públicamente su dolor tras la muerte de su padre a los 82 años, después de una prolongada lucha contra la demencia. La noticia del fallecimiento del fundador y genio creativo de los Beach Boys conmocionó al mundo de la música y a millones de seguidores, quienes reconocen en el artista una figura central para la evolución de la música pop del siglo XX.

La cantante de Wilson Phillips compartió un extenso y sentido mensaje en su cuenta de Instagram para sus más de 200 mil seguidores. “No tengo palabras para expresar la tristeza que siento en este momento. Mi padre era cada fibra de mi cuerpo”, escribió Carnie Wilson, de 57 años. “Él será recordado por millones y millones hasta el final del mundo. Soy afortunada de haber sido su hija y de haber tenido una conexión de alma con él que vivirá por siempre”.

Carnie admitió, conmovida, que nunca había experimentado un dolor así. “Sé que está descansando allá arriba en el cielo... o quizá tocando el piano para la abuela Audree, su mamá”, añadió la artista, quien concluyó asegurando que volvería a compartir recuerdos de su padre más adelante. “Esto es todo lo que mis manos me dejan escribir. Te amo, papá… ya te extraño muchísimo”.

Carnie integró el trío Wilson Phillips junto a su hermana Wendy y Chynna Phillips Baldwin, hijas todas de iconos del pop. Un año antes de la muerte de Brian, Carnie había declarado que su padre estaba “bien cuidado”, recordando con orgullo los años de carrera musical que definieron su vida. “Nosotros somos una parte muy importante de su vida, ayudando a monitorear su salud y asegurándonos de que cada día esté bien atendido”, contó Carnie a la revista People en abril de 2024, detallando el acompañamiento familiar que recibió Brian especialmente después de la muerte de su esposa y compañera, Melinda Ledbetter, en enero de 2024.

El cierre de la vida de Brian Wilson estuvo marcado por el apoyo emocional y logístico de sus hijas, quienes lo acompañaron no solo en lo familiar sino en el resguardo legal de su salud y su legado, luego de que se estableciera una tutela a raíz de su diagnóstico de demencia.

Las muestras de afecto tras su desaparición se multiplicaron en el universo musical. Al Jardine, cofundador de los Beach Boys y amigo de Wilson desde la adolescencia, destacó en un emotivo mensaje la profundidad de su vínculo: “Brian Wilson, mi amigo, mi compañero de clase, mi compañero en el fútbol y mi hermano en espíritu, siempre me sentiré bendecido de que hayas estado en nuestras vidas tanto tiempo”. Jardine evocó la memoria de Carl y Dennis, los hermanos de Brian y también miembros originales de la banda, quienes fallecieron en 1998 y 1983, respectivamente. “Lo más reconfortante ahora es pensar que estás reunido con Carl y Dennis, cantando juntos de nuevo esas armonías bellísimas”, expresó Jardine, quien también resaltó el sentido del humor y la humildad de Wilson. “Celebramos tu música para siempre”, aseguró.

El origen de la relación entre Wilson y Jardine se remonta a los días de instituto en Hawthorne High, California, donde compartían la pasión por el fútbol americano: Brian era mariscal de campo, mientras que Jardine jugaba en la posición de fullback. La amistad continuó en El Camino College, donde ambos exploraron juntos los caminos de la música. Mientras Jardine se inclinaba hacia el folk, Wilson ya apostaba al futuro del rock ‘n’ roll, y fue él quien invitó a Jardine a sumarse al grupo que derivaría en los Beach Boys, cambiando así el curso de la música popular.

La carrera de los Beach Boys, con Wilson como motor creativo y alma, dejó una huella imborrable con canciones como “California Girls”, “Good Vibrations”, “Wouldn’t It Be Nice” y “God Only Knows”. Ya sea en los escenarios, en el estudio o en su vida familiar, Brian supo hacer de la música un legado eterno.

Según The New Yorker, Rae transformó su imagen de celebridad digital en una propuesta artística que va más allá de lo viral, marcando un hito en la relación entre cultura digital y música popular.

De TikTok a la música: la evolución de Addison Rae

Addison Rae comenzó en TikTok en 2019, mientras vivía en Baton Rouge y estudiaba periodismo en la Universidad Estatal de Luisiana. Su presencia en la plataforma destacó por una energía contagiosa y una naturalidad que atrajeron rápidamente a millones.

Competía en danza desde la adolescencia y, en poco tiempo, su carisma frente a cámara —ya fuera imitando escenas de películas o bailando junto a artistas como Jason Derulo— le permitió construir una audiencia masiva. Actualmente, es la quinta persona más seguida en TikTok a nivel mundial, de acuerdo con The New Yorker.

La popularidad de Rae se sustentó en una imagen de cercanía y normalidad, atributos especialmente valorados por el público joven. Su atractivo, según The New Yorker, reside en transmitir tranquilidad y optimismo, incluso en situaciones triviales, como probar un brillo labial o grabar un baile con su madre. En la cultura de 2025, el medio destaca que ese bienestar efímero se convirtió en una moneda poderosa.

Primeros pasos musicales y el desafío del debut

En 2021, Addison Rae lanzó su sencillo debut, Obsessed, una pieza de electro-pop producida por Benny Blanco. La canción explora la autoconfianza y el narcisismo con tono lúdico, pero no tuvo el impacto esperado pese a su masiva base de seguidores.

“La gente no estaba preparada para recibir eso, ni a mí como artista, lo cual es completamente comprensible”, declaró Rae en una entrevista citada por The New Yorker.

La idea de que una figura de TikTok pudiera triunfar en las listas musicales parecía lejana. El medio detalla que la recepción fría de la canción reflejó el escepticismo hacia los talentos surgidos de plataformas digitales. El exceso de procesamiento vocal acentuó una percepción de falta de autenticidad. No obstante, la experiencia marcó un punto de inflexión: Rae repensó su enfoque y buscó nuevas alianzas creativas para ganar credibilidad.

Colaboraciones clave: el impulso de Charli XCX

El cambio más relevante en su carrera musical llegó con la colaboración con Charli XCX, una de las figuras centrales del hyperpop. En 2023, Charli participó en 2 die 4, tema del EP AR de Rae. Con solo dos minutos de duración, la canción aborda el deseo y la inmediatez con un estilo desenfadado.

Esta colaboración no solo aportó sofisticación, sino que también acercó a Rae a un público más exigente y a una estética asociada con lo “cool”, usualmente distante de las estrellas de TikTok. En 2024, ambas artistas volvieron a coincidir en el remix de Von Dutch, producido por A. G. Cook. La nueva versión, más etérea, permitió a Rae explorar registros vocales inusuales, como un agudo sostenido que, según The New Yorker, podría confundirse con un sintetizador.

La dupla Rae-Charli generó una tensión escénica potente: la imagen de “chica buena” de Rae contrasta con la actitud desafiante de Charli, captando el interés de la crítica y el público. Estas colaboraciones resultaron clave para que Rae empezara a ser percibida como una artista genuina dentro del pop contemporáneo.

Addison: referencias, estilo y producción

Según The New Yorker, el álbum Addison es una colección de temas dance-pop con tintes sensuales y producción sofisticada. Aunque la voz de Rae sigue procesada, el disco destaca por equilibrar lo lúdico con lo introspectivo. La tensión gira en torno a los deseos de Rae y cómo intenta satisfacerlos, una constante en la tradición pop.

Uno de los temas más comentados es Diet Pepsi, coescrito con Luka Kloser y Elvira Anderfjärd, que remite tanto al sonido de Teenage Dream de Katy Perry como a la melancolía de Born to Die de Lana Del Rey.

En Money Is Everything, Rae alude explícitamente a figuras icónicas: “Por favor, d.j., pon a Madonna / Quiero liar uno con Lana / Colocarme con Gaga”. The New Yorker afirma que, estas menciones no solo rinden homenaje, posicionan a Rae en la genealogía de las divas del pop.

Controversias y desafíos de imagen

Pese a su imagen accesible, Addison Rae protagonizó momentos polémicos. Uno de los más notorios fue la publicación de una foto con un bikini blanco con las palabras “PADRE”, “HIJO” y “ESPÍRITU SANTO”, lo que generó críticas y acusaciones de blasfemia. El traje, diseñado por Praying, fue eliminado de sus redes.

De acuerdo con The New Yorker, Rae optó por borrar la imagen al no poder integrar ese tipo de ironía en su marca personal, definida por la sinceridad.

Este episodio refleja las tensiones que enfrentan las celebridades digitales al equilibrar autenticidad y expectativas públicas, especialmente con audiencias globales y diversas.

Recepción: del público a las figuras del pop

El lanzamiento de Addison generó reacciones diversas entre seguidores y crítica especializada. La mención de Lana Del Rey, quien compartió un video escuchando Diet Pepsi, fue vista como un gesto de aprobación, aunque The New Yorker aclara que la línea entre homenaje y parodia sigue siendo difusa.

Aun así, Rae fue reconocida por aportar una perspectiva personal y energía renovada a un género que muchas veces recurre a fórmulas ya probadas.

Perspectiva artística: la filosofía de Addison Rae

El discurso artístico de Rae se articula en torno a la fama como arte. En High Fashion, canta: “¿Alguna vez soñaste con ser vista? / No por alguien, más bien en una revista”, una diferencia que, según The New Yorker, resulta clave para entender su propuesta. Rae no busca comprensión individual, sino validación colectiva, una aspiración común entre figuras del pop contemporáneo.

El álbum también toca aspectos íntimos. En Headphones On, menciona el divorcio de sus padres: “Ojalá mi mamá y mi papá hubieran estado enamorados”, para luego aceptar el dolor: “Supongo que tengo que aceptar el dolor”. Esta alternancia entre lo superficial y lo profundo otorga al disco una dimensión emocional que rompe con la frivolidad asociada a las estrellas de TikTok.

The New Yorker concluye que Addison representa tanto una afirmación identitaria como una invitación a seguir la evolución musical de Rae, cuya mezcla de temas ligeros y personales promete mantener la atención del público internacional.

El exintegrante de Hype House, que alguna vez enfrentó la falta de hogar, ahora encabeza una gira mundial con entradas agotadas y logró que su música resuene en millones de videos y miles de millones de visualizaciones en la plataforma.

Según Rolling Stone, el impacto de “Ordinary” no solo redefinió el éxito musical contemporáneo, sino que también convirtió a Warren en un símbolo de la nueva era de la industria, donde lo viral y la participación de los fans marcan la diferencia.

El éxito de “Ordinary”: cifras récord y un hito histórico

El sencillo “Ordinary” de Alex Warren alcanzó cifras que ilustran el alcance global de la música en la era digital. De acuerdo con Rolling Stone, más de 2,3 millones de videos en TikTok utilizaron la canción como banda sonora, acumulando 10.200 millones de visualizaciones en la plataforma.

Este nivel de exposición impulsó a “Ordinary” a posiciones destacadas en las principales listas musicales: el tema superó los 500 millones de reproducciones en plataformas de streaming, alcanzó el puesto número dos en el Billboard Hot 100, el número uno en la lista de sencillos del Reino Unido y el número cinco en el Spotify Global Top 50.

El impacto de “Ordinary” se tradujo en un logro histórico: la canción permaneció nueve semanas consecutivas en el primer puesto, superando un récord de 70 años que ostentaba Elvis Presley como el solista masculino estadounidense con la mayor duración en la cima de las listas en décadas.

Rolling Stone detalla que este hito además de subrayar la popularidad de Warren evidencia cómo la dinámica de la industria musical cambió, permitiendo que artistas emergentes alcancen logros antes reservados para leyendas consolidadas.

La adopción masiva de “Ordinary” por parte de los creadores de TikTok convirtió la canción en la banda sonora predilecta para montajes de bodas, homenajes emotivos y contenido sobre relaciones personales.

TikTok como motor de la carrera de Alex Warren

El ascenso de Alex Warren no puede entenderse sin el papel central de TikTok. Desde sus inicios, Warren identificó el potencial de la plataforma como una herramienta para construir una carrera musical.

Según Rolling Stone, el artista se involucró activamente en las tendencias, interactuó con sus seguidores y participó en la creación de narrativas en torno a sus canciones.

Warren explicó que su paso por Hype House, el colectivo de creadores de contenido, fue fundamental para aprender a conectar con las audiencias y captar su atención.

En declaraciones recogidas por Variety y citadas por Rolling Stone, afirmó: “Hype House fue como mi universidad, pero para las redes sociales. Me ayudó a aprender cómo crear contenido que resuene con una audiencia y pueda cautivar a las personas. Además, haber sido una persona sin hogar fue una gran motivación”.

La estrategia de Warren en TikTok consistió en aprovechar la naturaleza participativa de la plataforma. Al responder a los fans y sumarse a las tendencias, logró que su música se convierta en parte de la cultura digital cotidiana.

Rolling Stone destaca que esta interacción constante fue determinante para transformar la atención en resultados tangibles, como reproducciones, posiciones en listas y reconocimiento internacional.

Testimonios y declaraciones: el respaldo de la industria y la autenticidad de Warren

El fenómeno de “Ordinary” captó la atención de figuras influyentes en la música. Lana Del Rey, reconocida cantante y compositora, expresó su admiración por la canción en términos contundentes: “Cada vez que la escucho, pienso: ‘¿Por qué no podemos escuchar más cosas así?’ porque te lleva a la iglesia”, declaró Del Rey, según Rolling Stone.

La autenticidad de Warren fue otro factor clave en su conexión con el público. El artista abordó temas como la salud mental, el desamor y la resiliencia, lo que generó una identificación profunda entre sus seguidores.

Rolling Stone subraya que esta honestidad fue fundamental para que Warren destaque en un entorno donde la transparencia y la cercanía son cada vez más valoradas.

TikTok y la transformación de la industria musical en 2024

Según datos publicados por Rolling Stone, en 2024 la plataforma generó más de 200 millones de creaciones vinculadas a las diez canciones más populares a nivel global, lo que resultó en más de 8.000 millones de reproducciones en Spotify.

Esta capacidad de convertir la escucha pasiva en participación activa redefinió la manera en que los artistas se relacionan con sus audiencias y construyen su carrera.

TikTok lanzó la serie documental “Behind the Breakthrough”, en la que se destaca a artistas que encontraron su público en la plataforma y ahora lideran las listas internacionales. Warren, junto a otros nombres como Gigi Perez y Malcolm Todd, utilizaron TikTok como trampolín y también como un espacio para incubar creatividad y autenticidad.

Rolling Stone señala que la plataforma pasó de ser un simple canal de promoción a convertirse en un motor de descubrimiento y consolidación artística.

La industria musical respondió a este cambio de paradigma, reconociendo a Warren como uno de los talentos emergentes más prometedores. Fue incluido en la lista de “Talented Emerging Artists” de People Magazine, nombrado artista “On The Verge” por iHeartRadio y destacado en las selecciones de artistas a seguir de Tidal y Amazon.

Consolidación artística y proyección internacional

El éxito de “Ordinary” fue el punto de partida para la consolidación de Alex Warren como artista. Su álbum debut, “You’ll Be Alright Kid (Chapter 1)”, reforzó su posición más allá de lo viral, mostrando una amplitud emocional y una capacidad de composición que fueron reconocidas por la crítica y la industria.

Canciones como “Carry You Home”, que suma cerca de 500 millones de reproducciones globales, evidencian la profundidad de su propuesta musical.

La gira mundial “Cheaper Than Therapy Global Tour” abarca 47 ciudades y lleva la vulnerabilidad y la conexión de sus canciones al escenario, permitiendo que la experiencia digital se traslade al encuentro directo con el público.

Rolling Stone informa que Warren atribuye a TikTok el haberle proporcionado las herramientas y la audiencia necesarias para impulsar esta nueva etapa de su carrera.

El poder de lo ordinario en la era digital

La historia de Alex Warren, documentada por Rolling Stone, ilustra cómo la combinación de vulnerabilidad, visión y el uso estratégico de plataformas como TikTok puede transformar una experiencia personal en un fenómeno global.

En la actualidad, los artistas no solo lanzan canciones, sino que crean momentos que se viralizan y se integran en la vida cotidiana de millones de personas.

Para Warren, lo que comenzó como una vía de expresión personal se convirtió en un escenario internacional, demostrando que, con la plataforma adecuada, lo ordinario puede convertirse en extraordinario.

Taylor Swift salió triunfante tras una larga batalla de años por los derechos de su música anterior. Ahora tiene el control total de sus canciones, el diseño de los materiales y la distribución, sin tener que acatar directivas corporativas. Eso ya sería motivo suficiente para celebrar, pero según informes, compró su catálogo por más de 300 millones de dólares. Para una superestrella internacional, ganadora de premios Grammy y multiplatino, cuyo patrimonio asciende a 1.600 millones de dólares , este acuerdo es prácticamente una ganga.

Esto no debe verse solo como un logro financiero y artístico masivo para ella. Con suerte, señala un cambio de paradigma para otros músicos, especialmente los más jóvenes, y los inspira a ser más astutos en los negocios dentro de una industria que durante mucho tiempo ha dependido de que no presten atención a las letras pequeñas de la fama.

La balanza suele estar en contra de los artistas, y Swift, pese a su éxito arrollador, no fue una excepción.

A finales de junio de 2019, más de siete meses después de que ella dejara Big Machine Records para fichar por Republic Records/Universal Music Group, Big Machine fue vendida a Ithaca Holdings LLC, propiedad del ejecutivo musical Scooter Braun. Un año y medio después, Braun vendió Big Machine Label Group (incluidos los seis primeros álbumes de Swift) a la empresa de capital privado Shamrock Holdings por aproximadamente 300 millones de dólares. En el primer caso, ella se pronunció abiertamente sobre las difíciles condiciones a las que se enfrentó para adquirir los derechos de sus álbumes (grabar un nuevo álbum por cada uno de los anteriores que se le devolvieran); y en el segundo, no se le permitió pujar por ellos.

En los últimos años, músicos veteranos han ocupado titulares vendiendo los derechos de sus catálogos, en acuerdos que alcanzan cientos de millones de dólares. Entre ellos figuran Paul Simon, que firmó un contrato por 250 millones de dólares por su catálogo de composiciones; Bob Dylan, quien obtuvo más de 300 millones de dólares por sus derechos de autor, además de una suma estimada entre 150 y 200 millones de dólares por sus masters; y Bruce Springsteen, que recibió 550 millones de dólares por sus composiciones y grabaciones. Por su parte, Queen marcó un récord al vender su catálogo a Sony por 1.200 millones de dólares.

Por diversas razones, artistas más jóvenes como Future, Justin Bieber y Katy Perry también han vendido participaciones personales en sus catálogos de publicación y grabaciones maestras por decenas o cientos de millones de dólares, aprovechando este ingreso temprano.

La principal diferencia entre esos músicos y Swift radica en que ellos se beneficiaron de la venta de sus grabaciones maestras, muchas acumuladas a lo largo de 50 o 60 años, mientras que Swift no obtuvo nada de la lucrativa venta de las suyas.

A partir de ahora, esta artista de 35 años obtendrá buenas ganancias. Esto es muy inusual a su edad, por varias razones.

Por un lado, a pesar de la Ley de Revisión de Derechos de Autor de 1976, que permite a los artistas solicitar los derechos de sus grabaciones maestras 35 años después de su lanzamiento comercial (aplicable desde la música publicada en 1978), las grandes discográficas son reacias a ceder activos musicales valiosos. Intentan negociar mejores acuerdos con los artistas para retener títulos de catálogos codiciados, aunque para los músicos sería más rentable poseerlos directamente. Uno de los casos más tumultuosos y públicos fue el de Prince, quien luchó durante años para recuperar sus derechos maestros, lográndolo finalmente en sus 50 años, solo dos años antes de su muerte.

Además, muchos artistas, ya sea por inexperiencia o desesperación por triunfar, firman contratos marcadamente desiguales. En la década de 1960, The Beatles firmaron una serie de contratos desventajosos para la gestión, comercialización y los derechos editoriales de las canciones de John Lennon y Paul McCartney. Este último error provocó que McCartney pasara seis décadas intentando revertirlo hasta que, finalmente, llegó a un acuerdo con la entonces llamada Sony/ATV (ahora Sony Music Publishing) en 2017. (George Harrison, en cambio, tuvo la previsión de crear su propia compañía editorial, Harrisongs, en 1964, cuyo catálogo incluye el éxito “Here Comes The Sun”).

Incluso cuando los artistas se vuelven conscientes de los abusos, la industria de la música encuentra nuevas formas de ganar. Al comienzo de la era del streaming, las discográficas inicialmente se resistieron a compensar a los artistas por la música digital, las plataformas de streaming pagaban regalías bajas y las tres grandes discográficas (Sony, UMG y Warner Music) compraron acciones en Spotify.

Además, los acuerdos 360 se han vuelto más comunes en la era del streaming. Estos contratos implican que la discográfica se queda con un porcentaje de las ventas de álbumes y conciertos, la mercadotecnia, los patrocinios y otros ingresos residuales, para compensar la reducción de ingresos por CDs, vinilos y casetes.

Es una manera de garantizar el retorno de la inversión tras dedicar recursos a los músicos (especialmente los nuevos que aún no han demostrado su potencial estelar). Sin embargo, estas mayores deducciones sobre las fuentes de ingresos de los artistas son una carga pesada para los músicos menos consolidados.

Para evitar las trampas de la industria, ya no basta con ser talentoso en un estudio de grabación o en el escenario. Más que nunca, es necesario que el artista también asuma un papel de gestión. Por supuesto, los nuevos talentos no cuentan con la influencia y el capital que muchas estrellas consagradas como Taylor Swift han acumulado para enfrentarse a la industria.

No podemos ignorar que acumuló una fortuna con su gira mundial Eras, que duró casi dos años y recaudó aproximadamente 2.200 millones de dólares, lo que le permitió desembolsar los más de 300 millones de dólares necesarios para adquirir su catálogo. También contó con leales seguidores que compraron y reprodujeron exclusivamente sus regrabaciones de álbumes antiguos –las “Versiones de Taylor”– en su apoyo (esta estrategia afectó negativamente las ganancias de Big Machine).

Sin embargo, esto no significa que la victoria de Taylor Swift no sea una valiosa lección para los músicos emergentes y sus representantes: prioricen negociar acuerdos más inteligentes desde el principio. Es también un mensaje alentador para los artistas veteranos que no poseen sus grabaciones maestras: si están dispuestos, luchen por sus canciones, especialmente aquellas que languidecen en los archivos olvidados. El catálogo sigue siendo el rey, y por eso estos acuerdos tan lucrativos continúan ocurriendo.

Hay otra lección más que extraer de esta situación, dirigida esta vez a las discográficas. La victoria de Swift no habría sido posible sin el respaldo de sus Swifties, lo que demuestra que el poder acumulativo de los fans, cuando tienen una conexión profunda con un artista, es un activo enorme, algo que algunos en la industria no habían previsto.

Fuente: The Washington Post

Así, hasta el próximo domingo 8 de junio, Barcelona disfrutará de 311 espectáculos distintos, lo que volverá a convertir la Ciudad Condal en la capital mundial de la música.

Dentro del Primavera a la Ciutat, siete salas (Sala Apolo, La (2) de Apolo, Razzmatazz, Paral·lel 62, LAUT, La Nau y Enfants) acogerán un total de 57 conciertos repartidos entre las jornadas de lunes, martes, miércoles y domingo, incluido el regreso de Peter Doherty al festival diecinueve años después, la actuación especial de Beach House en Razzmatazz o el concierto de Kneecap.

Los conciertos en el Parc del Fòrum comenzarán mañana miércoles en una jornada inaugural gratuita que reunirá nombres como Caribou, La Casa Azul, Hinds y Llum.

Tras esto, Charli xcx, Sabrina Carpenter y Chappell Roan, tres de las divas del pop a nivel mundial, tomarán el Parc del Fòrum.

Charli xcx regresa al Primavera Sound después de su participación del año pasado, ahora con el colosal 'BRAT', que salió una semana más tarde de su actuación en Barcelona, bajo el brazo, y acompañada por Troye Sivan.

Según explican a EFE fuentes del festival, la apuesta por un cartel paritario se consolidó en 2019, algo que ahora ya consideran como la "nueva normalidad".

Sin embargo, también remarcan que es la primera vez que un evento de la envergadura del Primavera Sound cuenta con tres cabezas de cartel femeninas.

Además de esto, el Parc del Fòrum presenciará los conciertos de grandes artistas internacionales como LCD Soundsystem, FKA twigs, Jamie xx, Fontaines D.C., Idles, Central Cee, Amelie Lens o Beach House.

En lo nacional, destacan las actuaciones de Carolina Durante, Rigoberta Bandini, Amaia, Young Beef, Ciutat o Judeline.

En cuanto a las perspectivas de aforo, desde el Primavera Sound explican a EFE que prevén cerca de 290.000 asistentes, e insisten en que vendieron todas las entradas del festival el 2 de enero, aunque todavía quedan unas pocas para algunos conciertos del Primavera a la Ciutat.

En lo que respecta al origen del público, alrededor de un 60 % serán extranjeros, entre los que destacan británicos, estadounidenses e italianos, en una edición del Primavera Sound a la que acudirán personas de 136 países. EFE

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Madrid, 30 may (EFE).- Hace tiempo que Ed Sheeran perdió el toque mágico por el que cualquier canción suya escalaba al primer puesto casi de manera automática, lo cual no significa que su influjo sobre ciudades como Madrid haya decaído, según ha demostrado este viernes en el primero de dos conciertos con los que ha batido "récords" de asistencia.

Con las entradas agotadas de esta cita y la que celebrará este sábado de nuevo, nunca el estadio Metropolitano había acogido a tantos espectadores por concierto, 70.000 en cada uno de ellos gracias al formato 360 que presenta el escenario de esta gira, superando por ejemplo a Metallica que, con esa misma configuración y también dos noches, actuó hace un año ante unas 120.000 personas.

Sheeran ha salido así triunfante con una estrategia básica pero muy efectiva cuando se tiene un repertorio como el suyo: montar una gira que, bajo el título '+-=÷x', recoge los grandes éxitos de sus cinco álbumes más importantes desde que empezó su andadura discográfica en 2011, los de símbolos aritméticos.

Una de las cosas que el británico ha demostrado a lo largo de estos años es que tiene ojo para sumar y multiplicar abundando en el gusto del público con canciones que, desde el pop-rock, conversan con distintos géneros como el rap, el folk, el soul o la canción de autor intimista.

En sus último discos, sin embargo, flirteó más con la crítica que con el público, un panorama muy diferente al de su última visita a Madrid cuando estaba en plena vorágine comercial. Era 2019, lo que en términos pandémicos significa la prehistoria, así que había ganas de volver a disfrutar de su directo.

Durante más de 2 horas se ha sometido a la misión de volver a encandilar a sus seguidores, de ahí que entre las dos decenas de canciones en las que ha buceado, se haya detenido especialmente en los trabajos que más éxito en ventas tuvieron, sobre todo 'x (Multiply)', el segundo, lanzado en 2014.

Bajo ese mismo propósito, la camiseta con el nombre de Madrid con el que ha saltado al escenario desde una trampilla en un espectacular escenario circular, con plataformas que suben y bajan y una cinta giratoria en su perímetro exterior para asegurarse de no dejar a ninguna persona sin su rato de mirada preferente, todo bajo una aún más colosal pantalla cilíndrica.

Al salir se ha tropezado, pero más lástima ha dado el sonido, una vez más bochornoso en el Metropolitano, al menos en las gradas a causa del rebote, lo que hacía casi irreconocible ese 'Castle On The Hill' con el que arranca el "show".

Él se ha cuidado mucho de explicar que todo lo que iba a sonar en el concierto era producido y soltado "in situ" gracias a la colección de guitarras que ha ido desplegando, una mesa de mezclas a su vera y unos pedales para hacer "loops".

Porque mantiene su faceta de hombre orquesta que, aún bañado en sudor, se basta casi todo el tiempo para llenar de sonidos su directo. No obstante, frente a las críticas que despertaron giras previas como que ese modelo se quedaba pequeño en un estadio, ahora lo parapeta con un despliegue escenográfico brutal y, por momentos, también una banda en escenarios-isla desplegados a su alrededor.

Especial atención ha tenido en el primer tramo con 'The A Team', esa que tocaba en clubes hace 15 años y a la que nadie hacía caso hasta que se lo hicieron y se convirtió en su primer gran éxito, pavimentando el camino hasta este lugar.

El sonido ha ido mejorando progresivamente, al menos a un nivel más decente, a tiempo para tocar en vivo 'Sapphire', que verá la luz en plataformas la próxima semana y que formará parte de su próximo disco, 'Play', previsto para septiembre.

Junto a la estadounidense Tory Kelly, que había ejercido como su telonera unas horas antes, le ha hecho otro regalo más a Madrid: tocar por primera vez en sus directos el tema de esta cantautora 'I Was Made for Loving You', cuando la noche permitía al fin disfrutar de todo el despliegue de luces y pantallas.

Ninguna sorpresa que aún en esas condiciones acústicas la romántica 'Thinkin Out Loud' haya sido la canción más coreada, abriendo un segundo bloque en el que ha cabido su versión terapéutica del 'Love Yourself' de su amigo Justin Bieber, el calambre de 'Sing', la paradójicamente melancólica 'Happier' o, entre suspiros, 'Perfect'.

Pocas dudas de que si el reciente 'Azizam' lo hubiese publicado hace 7 años se habría convertido en otro himno omnipresente. Hoy, incluso pese al fallo de tempo que le ha obligado a empezar de nuevo, ha sido aclamado, en un broche que han redondeado las imprescindibles 'Shape of you' y 'Bad Habits', tras un ejercicio de entrega absoluta por y para su público. EFE

(foto)(vídeo)

Alejandro Sanz y Shakira han presentado el contenido audiovisual de 'Bésame', una pieza espontánea registrada durante los ensayos del primer show de la gira estadounidense de cantante colombiana en la ciudad de Charlotte el pasado 13 de mayo.

Dirigido por el realizador Jaume de Laiguana --colaborador habitual de ambos artistas durante más de dos décadas y figura clave para los dos durante más de dos décadas--, el vídeo ofrece "una mirada cercana sobre un reencuentro histórico" entre Alejandro Sanz y Shakira durante los ensayos del primer concierto del tour estadounidense de la colombiana, en el que Alejandro Sanz apareció como invitado especial de su show.

Este estreno llega tras el éxito inmediato del tema, que ya ha sido incluido en más de una veintena de playlists editoriales en plataformas digitales, consolidando su impacto global desde su estreno. 'Bésame' está incluida dentro de la colección de 6 canciones del proyecto '¿Y ahora qué?' que Alejandro Sanz lanzó el pasado viernes 23 de mayo y que formarán parte del "gran proyecto musical" que el artista irá desvelando durante este año.

La cantante argentina Emilia continúa su ascenso meteórico en España. El pasado verano, esta diva del pop visitó nuestro país con su ‘.mp3 Tour’, un show que arrasó en más de media docena de ciudades de todo el territorio nacional, y conquistó escenarios míticos como el Palau Sant Jordi y el WiZink Center de Madrid.

Para este año, la artista nos trae a España su ‘Emilia Tour 2025′, una gira que le ha permitido alcanzar un nuevo hito en su carrera musical al convertirse en la artista femenina internacional con más conciertos en el Movistar Arena (antiguo WiZink Center) durante una misma gira. En total, la argentina ha programado tres fechas en la capital: el 31 de mayo, el 1 de junio y el próximo 7 de junio.

Los conciertos de Emilia en el Movistar Arena están producidos por Iglesias Entertainment, una de las promotoras más importantes de los artistas latinoamericanos en España.

Una artista que trasciende lo musical

Para muchos de sus seguidores, Emilia representa no solo una figura artística de primer nivel, sino también un referente de estilo, actitud y valores. Se destaca de ella que es una de las estrellas que tiene mayor conexión con el público y el colectivo LGTBIQ+.

Por todo ello, se puede afirmar que en nuestro país su presencia se ha convertido en un auténtico fenómeno social que traspasa lo musical.

Después de Madrid, la argentina lleva su gira al sur de España

Además de sus presentaciones en Madrid, Emilia actuará el 13 de junio en Marbella, el 15 de junio en Murcia y el 10 de julio en Chiclana de la Frontera. En todos los casos, la alta demanda de entradas refleja la consolidación de la artista como una de las referentes del pop en español.

Un setlist cargado de grandes éxitos

Durante su presentación del 31 de mayo en Madrid, Emilia interpretó un extenso repertorio que incluyó sus grandes éxitos y también presentó temas de sus últimos trabajos, demostrando su evolución artística marcada por la experimentación y la fidelidad a su esencia.

Este es el setlist de las canciones que cantó Emilia en su concierto del sábado 31 de mayo en Madrid:

• Exclusive
• Facts
• cuatro veinte
• Jagger
• Intoxicao
• Jet set
• Ojitos Verdes
• iconic
• La Chain
• cielo en la mente
• como sino importara
• mi otra mitad
• Guerrero
• a 1000 km
• rápido lento
• Perdonarte ¿para qué?
• Noviogangsta
• Alegría
• Bunda
• Blackout
• Olvidarte
• 24hs
• Muñecos
• La playlist
• La original
• GTA
• No se ve

Un ‘soldout’ tras otro

Su éxito en Madrid se suma a una gira que la está llevando por escenarios de toda Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Solo en Argentina, Emilia agotó las entradas en cuatro funciones consecutivas en el Estadio de Vélez, donde reunió a más de 300.000 personas. Allí fue donde la artista reunió a un elenco de estrellas increíble que la acompañaron en sus show, tales como Duki, Tini o Tiago PZK, entre otros.

Hija de la cumbia pop

Emilia comenzó su carrera como vocalista de la banda de cumbia pop Rombai, pero su despegue definitivo llegó en solitario. Con su primer álbum, ¿Tú crees en mí? (2022), donde fusionó pop, R&B y ritmos urbanos, explorando temas relacionado con el empoderamiento y la superación.

En 2023 lanzó .MP3, un disco conceptual marcado por la nostalgia de los años 2000. Con canciones como Jagger.mp3 o La_Playlist.mpeg, afianzó su estilo y se consolidó como una de las voces más influyentes del pop latino actual.

Las principales discográficas de K-pop de Corea del Sur se preparan para una esperada reapertura del mercado chino, ante la amplia expectativa de que Beijing levante este año su prohibición de facto a las presentaciones de pop coreano.

Hybe Co., la empresa responsable de la sensación del K-pop BTS, abrió su primera oficina en China el mes pasado, lo que demuestra una renovada confianza en el mercado. Su rival SM Entertainment Co. anunció una asociación estratégica con Tencent Music Entertainment Group para lanzar un grupo idol chino y profundizar la cooperación en el negocio musical en China. Esta semana, Tencent Music acordó adquirir cerca del 10% de SM Entertainment por aproximadamente unos 180 millones de dólares, marcando una rara inversión china en Corea del Sur en los últimos años.

Tanto Hybe como SM Entertainment han estado reforzando sus equipos dedicados a China en los últimos meses. Estos desarrollos destacan las crecientes expectativas del mercado de que las autoridades chinas probablemente eliminarán la restricción informal sobre las actuaciones de K-pop, vigente desde 2016, que impedía a estos artistas realizar conciertos o aparecer en medios locales.

Estas restricciones se implementaron tras la decisión de Corea del Sur de desplegar un sistema de defensa antimisiles estadounidense, lo cual tensó las relaciones diplomáticas.

Las expectativas han impulsado una subida en las acciones relacionadas con el entretenimiento en Corea del Sur. Las acciones de Hybe han aumentado un 40% este año, mientras que las de SM Entertainment y YG Entertainment Inc., la compañía que gestiona a Blackpink, han subido más del 80%.

SM, que alberga a actos como Riize y Aespa, anunció que planea debutar un grupo basado en China dentro de dos o tres años mediante su sociedad con Tencent, y organizar un concierto en vivo en Hong Kong el próximo año.

A diferencia de SM, que ya había realizado giras por China continental antes de la prohibición, Hybe ha tenido una exposición limitada en ese mercado. La empresa ha centrado su expansión en Estados Unidos y Japón, incluyendo la adquisición de Ithaca Holdings, que gestiona artistas como Ariana Grande y Justin Bieber.

Desde 2015 no se han llevado a cabo grandes conciertos de K-pop en China continental, cuando YG Entertainment organizó la gira de BigBang. Todos los eventos en vivo requieren la aprobación gubernamental. Esta semana, se le otorgó permiso a la boy band Epex para actuar en Fuzhou, pero el concierto fue pospuesto.

Fuente: The Washington Post

La diva estadounidense entrega un álbum de atrevida y ambiciosa factura musical y visual (de la mano por ejemplo de Thierry Mugler), producido por ella misma junto a Shawn Everett, para hablar sobre la búsqueda de la luz y la belleza incluso en los momentos más oscuros de la vida.

Extenso trabajo de búsqueda de la catalana, consolidada como unas de la grandes estrellas del pop español, en el que aborda primero emociones vinculadas a la depresión, entre la melancolía y el reproche, para avanzar después hacia la luz en cortes más electrónicos, de la mano de artistas como Mike Towers o Alaska.

La banda de Vigo comandada por Eladio Santos cumple 20 años y lo celebra con una recopilación de canciones suyas, regrabadas en directo y con colaboraciones como las de Eva Amaral, Pucho de Vetusta Morla, Vega o Depedro.

El cantautor vasco, conocido por sus letras intimistas, acude aquí a 17 poemas de otros, musicalizados y con la firma de autores como Rafael Berrio, Pablo Velarde, Daniel Rodríguez Rodero o Cruz Díaz Marcos, entre los que incluye locuciones recitadas.

Pese a haber sido aplazado por circunstancias personales como varias intervenciones médicas de Shirley Manson y que fue grabado bajo el contexto informativo y bélico de las guerra de Ucrania o la franja de Gaza, la veterana banda de rock alternativo propone un álbum esperanzador "para no morir con el corazón roto".

Segundo álbum en solitario para el vocalista y compositor de la banda The National, tras su debut de 2020, este bajo la idea de que la identidad es una realidad en constante evolución que va más allá del individuo y con el paisaje de su nuevo hogar en Connecticut (EE.UU.) como fondo.

Banda sonora de un curioso proyecto, concebido como un biopic en el que se entremezclan el documental y la ficción, en torno a la banda californiana de culto Pavement, que coge también las riendas de esta extensa colección de temas. EFE

Tanto se ha hablado de Melody estos días tras su espectacular e impecable actuación en Eurovisión, que muchos rostros conocidos no han dudado en enviarle todo su apoyo y cariño a la artista. El último ha sido Daniel Diges, que aunque vio la gala ha asegurado que "no tengo ni idea" de la polémica que se ha creado.

De la artista ha confesado que "es una pedazo de artista" y que "al final en Eurovisión da igual el puesto". Tanto es así que ha recordado que él quedó "el 15 y yo feliz porque estás ahí en el medio, no molestas a nadie y tampoco quedas mal con nadie. Estás como en un lugar ahí. Al final el regalo de ir a Eurovisión es hacerlo muy bien".

En ese aspecto, el artista entiende que "quedar el tercero o quedar el 23 no significa que vayas a tener más trabajo o menos, no tiene nada que ver", por lo que "tiene que estar muy orgullosa de lo que ha hecho".

Por último, Daniel ha explicado que "hasta que ella no hable" no se pueden sacar conclusiones y que lo único que puede decir es que "lo hizo muy bien y que no se preocupe, que no se coma la cabeza y que siga adelante".

La Década Prodigiosa celebra en otoño de 2025 su 40 aniversario desde la publicación de su primer volumen en 1985. Bajo la dirección de Javier Enzo, responsable y director del proyecto desde hace años, el grupo ha renovado su repertorio y presencia, consolidándose como el cuarteto vocal que mejor homenajea cuatro décadas de pop en español. Han actualizado sus clásicos medleys e incorporado nuevas creaciones como "Los Eurohits" o "En Navidad".

Para conmemorar estas cuatro décadas, lanzarán un disco especial cuyo primer adelanto es una versión de "Juntos", la canción que en enero de 1982 permaneció casi un mes en el número uno de las listas y que fue compuesta por Luis Gómez Escolar y Gianni Gastaldo para Paloma San Basilio, quien recientemente ha anunciado su retirada. La Década Prodigiosa rinde así homenaje a la artista madrileña trayendo de nuevo a la actualidad este tema emblemático.

Con este lanzamiento, Discos Lollipop presenta un anticipo del álbum que celebrará los 40 años de actividad de uno de los conjuntos vocales más longevos y vendedores del pop español, con más de cinco millones de copias vendidas entre España y América. Para 2025, el grupo tiene prevista una agenda cerrada de casi un centenar de actuaciones por toda España.

Con 14 canciones, entre ellas 'Faltas tú', 'La policía', 'Me toca a mí' (junto a Camilo), que ya habían salido como sencillos, el grupo bogotano entrega un disco que "celebra los sueños cumplidos y los que están por venir", según señaló la agrupación en un comunicado oficial.

Entre los títulos nuevos se encuentran colaboraciones como 'Sin ti', con el puertorriqueño Jay Wheeler, o 'Antes de los 30', la evolución del ya aclamado tema 'Antes de los 20'.

El álbum fue lanzado por el sello Universal Music y la canción 'Vuelvo a ti', elegida como la promocional del disco, llegó acompañada de un videoclip dirigido por Charly Gutiérrez, donde el vocalista Juan Pablo Isaza encarna a un protagonista que no logra desprenderse del recuerdo de un amor pasado, reviviéndolo en distintos rostros cotidianos.

El lanzamiento coincide con la gira 'Asuntos pendientes 2025', una promesa cumplida por Morat de llevar su música a las ciudades colombianas que no formaron parte de su anterior tour internacional, 'Morat: Los estadios. Antes de que amanezca', que reunió a más de un millón de personas en 24 escenarios de 14 países.

Esta nueva gira incluye presentaciones en Barranquilla, Manizales, Cali y Bucaramanga, y se extenderá a países como México, Panamá, Argentina, Bolivia y Uruguay.

El tour empezó el pasado 18 de mayo en Torreón (México) y finalizará el 4 de octubre en Montevideo (Uruguay).

Morat, integrada por Juan Pablo Isaza, Juan Pablo Villamil y los hermanos Simón y Martín Vargas, se ha consolidado como una de las bandas más relevantes del pop en español, con más de 20 mil millones de reproducciones en plataformas, 2 discos de diamante y 55 de platino. EFE

Conocida internacionalmente por su nombre artístico, Victoria Beverley Walker logró sintetizar lo mejor de sus influencias musicales con una visión audaz hacia el futuro, resonando fuertemente en el panorama de la música contemporánea.

A los 24 años, la talentosa cantautora y productora británica emergió como una fuerza distintiva gracias a su habilidad para fusionar géneros y referencias de manera única, cautivando tanto a críticos como a una amplia audiencia.

Colaboraciones destacadas y proyecciones internacionales

La colaboración de PinkPantheress con Ice Spice en el sencillo Boy’s a Liar no solo le otorgó un prestigioso lugar en las listas de éxitos, sino que también consolidó su creciente influencia global. “Fue una buena movida cultural”, comentó la cantante, subrayando su intención de proporcionar una plataforma a artistas emergentes.

Esta predisposición a colaborar y experimentar, la llevó a trabajar con una variedad de productores, desde Oscar Scheller hasta The Dare, manteniendo siempre un equilibrio entre la innovación y la autenticidad. A propósito de ello, recordó sobre la creación musical: “Fue literalmente ambos haciendo 50/50”.

Evolución del estilo y estética visual

La evolución estética de la intérprete inglesa es crucial para comprender plenamente sus valores artísticos. En sus inicios, el anonimato y la reticencia a mostrar su rostro se convirtieron en sus señas de identidad.

Sin embargo, transformó su timidez inicial en una presencia audaz y dominante frente a las cámaras. Con un estilo que rememora los años 2000 y descrito como “cool aunt” (tía genial), PinkPantheress logra jugar con la familiaridad y la innovación, sin dejar de sorprender a su público.

A través de videos musicales inspirados en la serie Bridgerton y su particular gusto nostálgico por los estilos del pasado, sus producciones visuales se convirtieron en una parte imprescindible de su narrativa artística.

Influencia del pasado y nostalgia musical

“No estaba en mi prime cuando estas cosas salieron”, confesó la artista al reflexionar sobre las influencias que moldean su música. Las producciones que realiza están impregnadas de nostalgia, integrando muestras de iconos como Panic! At the Disco y abrazando el legado de la música británica de los años 90 y 2000.

La presencia de la banda Basement Jaxx en sus creaciones es una constante. Sobre esto, mencionó: “Literalmente hay una muestra en casi cada canción”. Para ella, todo sample es un tributo, una integración de sus motivaciones personales que resuenan en su propio material y establecen conexiones con su audiencia contemporánea.

Proceso creativo detrás de “Fancy That”

El mixtape Fancy That no solo representa una evolución en el sonido de PinkPantheress, sino también una transformación en su enfoque creativo. “Era muy importante que pudiera mostrar un lado más maduro”, aseguró sobre este proyecto, que refleja la síntesis de sus experiencias y aprendizajes a lo largo de su carrera.

A diferencia de trabajos anteriores, la productora adopta un enfoque más intencional y selectivo en la elección de piezas que conforman esta obra, apostando por un proceso de creación concentrado y deliberado. Es por ello que subrayó: “No hago más de 10 o 12 canciones a la vez”, destacando su metodología cuidadosa y compromiso con una producción personalizada.

Interacción con fans y presentaciones en vivo

Uno de los aspectos más gratificantes para PinkPantheress en su trayectoria artística es la interacción directa con sus fans durante las presentaciones en vivo. “Mi parte favorita es conocer a todos y tener ese face to face con ellos”, expresó con entusiasmo.

La residencia que mantendrá en septiembre en la O2 Academy de Brixton es uno de los eventos más esperados por sus seguidores. Allí, proyecta no solo interpretar su nuevo material, sino también establecer un vínculo más profundo con los asistentes, quienes valoran tanto su música como su carisma en el escenario.

Miradas hacia el futuro

A medida que PinkPantheress continúa su travesía artística, su horizonte se llena de nuevas posibilidades y anticipadas colaboraciones. Sobre un posible trabajo junto a la cantante Charli XCX, respondió: “Si surge la oportunidad, me encantaría”.

Al proyectarse hacia el futuro, su objetivo es claro; mantenerse fiel a sus raíces musicales mientras explora nuevos territorios creativos. “Quiero que sientan que encontraron su nueva artista favorita”, planteó acerca de lo que desea que sus oyentes experimenten al sumergirse en Fancy That.

Con la renovación personal y profesional, la artista propone un diálogo incesante entre el pasado y el presente de la industria.

En un video publicado en su red social X, la también líder del PSOE en Andalucía ha deseado mucha suerte a Melody con su tema 'Diva', con el que compite en Eurovisión.

"A esta mujer andaluza de raza, nuestra diva, que representa a España en el festival de Eurovisión, suerte. Todos estamos ganando contigo. Las mujeres fuertes, poderosas y empoderadas ganamos contigo. Viva España, viva nuestra Melody", ha dicho.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, recibió el pasado 5 de mayo en el Palacio de la Moncloa a Melody, a la que agradeció su "entrega, talento y trabajo" y deseó también suerte para su actuación en Basilea (Suiza). EFE

La catalana y el portugués, ganador de Eurovisión 2017, se unen por primera vez en "una celebración de amistades e inspiraciones comunes", ya que el repertorio estará integrado por canciones de compositores cercanos a ambos, como Jorge Drexler o Luísa Sobral.

El joven artista castellonense atenúa ligeramente las fuertes raíces aragonesas de su exitoso debut, 'La cantera' (2022), en un disco más pop y quizás más ambicioso aún en el que se destapa con composiciones que exploran sus deseos más íntimos como 'Full Time Papi', que ya fue noticia por su homoerótico videoclip.

Después de años de trabajo en la sombra como productor y compositor para otros, dio con una veta propia en la que excavar como solista con 'Peregrino' (2024), mejor disco de pop en los Premios de la Música Independiente, al que este álbum da continuidad con canciones libres que fluctúan sin normas entre la electrónica, el rock, el spoken word o el folk, con mucho orgullo gallego.

El vocalista de Maneskin, ganadores por Italia de Eurovisión 2021, lanza su debut en solitario con un estilo más pop, con referentes como Elton John, Billy Joel, así como Keane o la primera época de The Killers.

El octavo disco de este estadounidense de ascendencia puertorriqueña contiene 13 clásicos reiventados en "spanglish" y bajo su estilo como príncipe de la bachata, tales como 'How Deep Is Your Love', 'My Girl' o 'Dancing In The Moonlight'.

Cinco años han pasado desde su último trabajo, el aplaudido 'Miss Colombia'. La artista, conocida por sus fusiones valientes, se atreve aquí a conjugar la música clásica europea con su ascendencia caribeña, de la mano del productor Owen Pallett.

"Un disco orquestal de emorrock progresivo salpicado de samples", así describe su autora este décimo trabajo de su discografía que gira en torno a la pérdida de control, venga esta provocada por el consumo de sustancias, por misticismo "o por vivir en una sociedad enferma con los ojos abiertos".

Cuarto trabajo de la danesa, con un pie en Copenhague y otro en Los Angeles, y con el que abre una "nueva etapa" gracias a sencillos como 'Sweet' y su fórmula de pop alegre "y burbujeante". EFE

En su reciente entrevista para la portada de Paper Magazine, dejó a entrever a una joven que, a pesar de su corta edad, acumuló una vasta experiencia en el mundo del espectáculo, construyendo un legado que se prevé colosal.

La cantautora, reconocida mundialmente por hits como “You broke me first” y “Greedy”, es la encarnación perfecta de una estrella que supo navegar la compleja intersección entre la música y el baile, aferrándose a su esencia mientras abraza el desafío de una carrera en crecimiento.

Inicios de un fenómeno cultural

Desde temprana edad, Tate McRae mostró un compromiso inquebrantable con la danza. “Entrenaba 40 horas a la semana en danza, hacía gimnasia rítmica y viajaba los fines de semana para asistir a convenciones”, recordó la artista, quien a los 12 años ya competía en el programa “So You Think You Can Dance”.

Esta exposición temprana a la presión de las cámaras y los juicios en tiempo real le inculcó una profunda comprensión del espectáculo y un sentido de disciplina comparables a figuras como Britney Spears en sus inicios.

La artista norteamericana destacó que vivir en Los Ángeles durante su participación en el show fue “un sueño hecho realidad”, una oportunidad que ella aprovechó al máximo para pulir sus habilidades.

El ascenso a la fama

La historia de McRae no se resume únicamente a una trayectoria de arduo trabajo en los escenarios; también es un relato moderno de evolución digital.

Nacida y criada en Calgary (Canadá), su camino al estrellato estuvo marcado no por los clubes infantiles televisivos, sino por el alcance orgánico de YouTube. Desde videos caseros y covers hasta actuaciones virales, la cantante cultivó una base de seguidores leal que creció junto a ella.

“Mi idea del futuro seguía cambiando”, compartió sobre su transición de bailarina a estrella pop, un viaje donde la escritura se convirtió en su “cuerda de salvamento”. Actualmente llena estadios alrededor del mundo, pero siempre mantiene los pies en sus raíces, dado que todavía siente “escalofríos por todo el cuerpo” al imaginar su impacto en la audiencia.

Vida personal y prácticas diarias

Detrás del brillo de las luces del escenario, se encuentra una joven que comprende la importancia del equilibrio entre la salud física y mental. A propósito de esto, apuntó: “Trabajo casi todos los días”, haciendo referencia también a la adopción del desafiante ejercicio de cantar mientras corre en una cinta de correr.

Con dicha práctica puede mantener la resistencia necesaria para sus exigentes presentaciones en vivo. No obstante, reconoce los desafíos para su salud. “Siempre bromeo sobre ello, pero tengo asma, así que tengo que entrenar más duro para no jadear sobre el escenario”, confesó.

La cantante encuentra serenidad en la rutina “glam” que realiza antes de sus shows, un momento introspectivo que la prepara emocionalmente para lo que se aproxima.

Era digital y relación con sus fans

En un mundo donde la vida digitalizada puede ser abrumadora, Tate McRae perfeccionó el arte de la interacción con su audiencia sin perderse a sí misma. Desde sus días como una adolescente que se grababa en su habitación hasta ahora, con grandes tours mundiales en su haber, mantuvo una conexión genuina con sus seguidores.

“Es una locura ver cómo han crecido conmigo”, reflexionó sobre el apoyo inquebrantable de sus fans, quienes fueron testigos de su evolución de una “nerd” creativa a una artista de renombre.

Sin embargo, la polivalente artista admitió las complicaciones de la autoevaluación digital continua, y planteó: “Verme tanto en internet a veces interrumpe el flujo de crear tu mejor trabajo”. Pero a pesar de este reto, se asegura de mantener una salud mental equilibrada, procurando no “mirar las opiniones” sobre ella misma, mientras agradece profundamente a quienes la apoyaron.

Proyecciones hacia el futuro

A medida que la cantautora se embarca en su gira mundial “Miss Possessive”, su visión del futuro cobra claridad. Sobre su preparación para cumplir con el sueño de liderar giras, manifestó: “Este año es bastante surrealista para mí”.

Como una estrella en constante crecimiento, ella está enfocada en aprovechar cada aspecto de su espectáculo, desde las coreografías hasta las visuales, un proceso inclusivo que encuentra tanto “refrescante” como “estimulante”.

Su creatividad, que alguna vez se expresó en su piano durante la adolescencia, ahora florece en escenarios globales. Al pensar en lo que vendrá, Tate McRae no solo sigue el ritmo de los cambios en la industria musical, sino que marca el compás de su propia trayectoria, impulsada por la pasión y la perseverancia.

La noche antes de perder la voz, Tesfaye había estado filmando las escenas finales de The Idol en el mismo estadio, interpretando a su personaje, el manipulador magnate Tedros. Después de realizar un concierto completo como The Weeknd, regresó al set para continuar filmando durante cuatro horas más. Este ritmo frenético de trabajo finalmente le pasó factura. “Siempre podía confiar en subir al escenario para escapar de lo que estaba pasando”, comenta Tesfaye. “Esta fue la primera vez que no pude escapar. Mi cuerpo me decía: no puedes cantar para evadirlo. Tienes que resolverlo”.

Inspirado por esta experiencia, Tesfaye coescribió un thriller psicológico titulado Hurry Up Tomorrow, dirigido por Trey Edward Shults. En la película, Tesfaye se interpreta a sí mismo, un artista que, tras una ruptura amorosa y bajo la presión de su manager, interpretado por Barry Keoghan, pierde el control y su voz se apaga. En su camino, conoce a una fan problemática, Anima, interpretada por Jenna Ortega, y se embarca en una batalla interna inspirada en Carl Jung entre su ego y su inconsciente. Aunque la película está dirigida principalmente a sus fans, presenta imágenes impactantes y una actuación destacada de Tesfaye, quien explora sus propias neurosis.

Con una carrera de 15 años que lo ha consolidado como una de las mayores estrellas del pop, Tesfaye considera que este filme podría marcar el final del proyecto The Weeknd. “Me siento agradecido de poder filmar mi personaje en 35 mm y prenderle fuego”, expresa Tesfaye en una entrevista con The Guardian. “Llega un punto en el que no quieres ser identificado por algo que comenzaste a los 19 años”. A sus 35 años, Tesfaye, hijo de padres etíopes y criado en Toronto, reflexiona sobre su trayectoria y el impacto de su música, que ha estado marcada por temas de narcóticos, trauma y sexo.

The Weeknd y las causas sociales

The Guardian detalla que, a lo largo de su carrera, Tesfaye ha donado millones de dólares a causas en Palestina, Etiopía y otros lugares a través de su fundación filantrópica. A pesar de la imagen hedonista que proyectan sus primeras canciones, el músico se muestra como un anfitrión cálido y reflexivo. En sus inicios, protegido por la era temprana de internet, pudo desarrollar su música sin la presión del escrutinio público inmediato. Sin embargo, al ver imágenes de alta definición de su actuación en Coachella en 2012, se dio cuenta de que necesitaba mejorar y pidió a su agente que le reservara 100 conciertos ese año para perfeccionar su arte.

El éxito de su segundo álbum, Beauty Behind the Madness, lo catapultó al estrellato con temas como “Can’t Feel My Face” y “The Hills”, que alcanzaron el número uno en Estados Unidos. Sin embargo, Tesfaye siempre buscó superar sus logros anteriores, lo que lo llevó a crear álbumes como Starboy y After Hours, este último lanzado en medio de la pandemia de COVID-19 y que se convirtió en un fenómeno global. A pesar del éxito, ha expresado su deseo de explorar nuevas facetas de su vida y su herencia, incluyendo un posible viaje a Etiopía, un lugar que nunca ha visitado.

En cuanto a su futuro, Tesfaye insinua que podría ser el momento de cerrar el capítulo de The Weeknd. “He dicho todo lo que tengo que decir; cualquier misión que tenía a los 18 años, la he cumplido con creces”, afirma. Aunque no ha tomado una decisión definitiva sobre el retiro de su nombre artístico, sugiere que está buscando nuevas formas de expresión y conexión con sus raíces.

Basilea (Suiza), 13 may (EFE).- La primera semifinal de Eurovisión 2025 ha deparado esta martes como se preveía una fácil clasificación para la cómica 'Bara Bada Bastu' de los suecos KAJ, los favoritos a la victoria final sin grandes rivales de momento.

Junto a ellos también han conseguido plaza para la final de este sábado los candidatos de Países Bajos, Ucrania, Albania, Estonia, Portugal, San Marino, Islandia, Polonia y, con parte de sello español, Noruega. Se han quedado fuera de competición Croacia, Azerbaiyán, Eslovenia, Chipre y, para sorpresa de muchos, Bélgica, que partía quinta en las apuestas para el triunfo.

Con algo tan suizo como un canto tirolés entre cumbres borrascosas ha dado comienzo esta edición que vuelve a su primera casa 68 años después de su nacimiento, esta vez en la St. Jakobshalle de Basilea gracias al triunfo el pasado año de Nemo, que su vez fue el primero para este país desde el que en 1988 consiguiera Celine Dion.

"Suiza siempre ocupará un lugar especial en mi corazón, porque fue el país que confió en mí y me dio la oportunidad de ser parte de algo extraordinario", ha destacado la artista canadiense, que ha reaparecido en un mensaje en vídeo ante los crecientes rumores de que podría actuar en la gran final.

La disputa por la clasificación para esa final la ha abierto con gran efusividad el joven dúo islandés Vaeb y su electropop 'Roa', seguidos por la fantasía heroica de espada y brujería pero con tacones y violín de la polaca Justyna Steczkowska con 'Gaja'.

Muy famoso en Eslovenia, Klemen ha cantado la balada catártica sobre la milagrosa recuperación médica de su pareja, con beso incluido para un final feliz, en el extremo opuesto al irónico y cómico swing lleno de clichés sobre Italia del 'Espresso macchiato' de Tommy Cash, desde Estonia con una de las propuestas más icónicas.

Una Ucrania más moderna que en sus últimas ediciones ha apostado por Ziferblat y 'Bird of pray', sobre recomponer los lazos rotos por la guerra, un tema que desde otra perspectiva, la de las migraciones forzosas por motivos laborales, también han abordado otra banda alternativa, los portuguses NAPA con la nostálgica 'Deslocado'.

Kyle Alessandro, el joven medio español que representa a Noruega, ha exhibido su fuego interior con 'Lighter', algo de lo que iba sobrado también con sus agudos lacerantes y una propuesta escénica eléctrica llena de tonos encarnados el belga Red Sebastian con 'Strobe Lights', lo que no le ha servido finalmente sin embargo para obtener el pase.

Gabry Ponte, el DJ y productor creador del 'Blue' que triunfó en pistas de baile en 1999, ha traído otro himno para brincar, este con ecos transalpinos, 'Tutta L'Italia', pero en representación de San Marino, aunque para electrónica con sabor étnico (balcánico en concreto), lo de los albanases Shkodra Elektronik con 'Zjerm'.

Aires de África han soplado con el holandés de ascendencia congoleña Claude en 'C'est La Vie', un optimista diálogo con su niño interior frente a las vicisitudes de la vida, tras el que el chipriota Theo Evan ha puesto el cierre con la sensual propuesta diseñada por el español Sergio Jaén.

Fuera de concurso ha sido la primera oportunidad para disfrutar de tres de los países directamente clasificados para la final, entre ellos la española Melody con 'Esa diva' y una propuesta escénica nueva respecto a la de Benidorm Fest en la que ha destacado su seguridad en cada plano, además de su poderosa voz.

Tras ella han actuado el italiano Lucio Corsi con subtítulos y estética glam y la anfitriona, la suiza Zoë Më, que con la delicada 'Voyage' se ha convertido en una de las sorpresas de esta semifinal, como ha sido para muchos descubrir que el famoso 'Baile de los pajaritos' de María Jesús y su acordeón era, en realidad, suizo.

La segunda semifinal, que tendrá lugar este jueves, 15 de mayo, pondrá en liza otras diez plazas para la final del sábado, que se disputarán entre Australia, Montenegro, Irlanda, Letonia, Armenia, Austria, Grecia, Lituania, Malta, Georgia, Dinamarca, República Checa, Luxemburgo, Israel, Serbia y Finlandia. EFE

Bogotá, 13 may (EFE).- Los desengaños amorosos son el combustible de las canciones de Mafalda Cardenal, la española que cosecha éxitos en redes sociales y ahora sana el "dolor" del desamor en escenarios latinoamericanos con temas nacidos de notas de voz que se enviaba a sí misma cada vez que le rompían el corazón.

"Tras cada ruptura sale una canción nueva", afirmó la artista en una entrevista con EFE desde Bogotá, donde acaba de presentar 'Mis notas de voz', su primer álbum de estudio que está haciendo sonar en otras grandes ciudades latinoamericanas en su primera gran gira por la región.

Para Mafalda, cada canción es una forma de acompañar a quienes atraviesan lo mismo, sobre todo mujeres: "Los chicos son malos, nos rompen mucho el corazón", dijo con cierta ironía.

La joven de 23 años se hizo viral en Tiktok con el tema 'Tu fan', una canción de pop de desamor que se popularizó en 2023 con millones de personas que replicaron sus versos con videos en esa red social.

El nombre de su nuevo álbum, explicó la cantante, no es aleatorio, sino que las canciones salieron "literalmente" de audios grabados en su móvil y de conversaciones consigo misma.

Son 18 temas que escribió sentada en la cama de su habitación y grabó en audios de su teléfono para luego "encerrarse" con su productor para grabarlas.

"Normalmente el proceso es: me rompen el corazón, escribo una canción, la grabo en mis notas de voz del móvil, se la llevo a Milo, mi productor, y le digo, 'Milo, esto tiene que sonar a esto' y nos encerramos ahí hasta que sale algo que nos gusta", explicó.

Mafalda reconoció que escribir desde la tristeza le resulta más natural: "Cuando estoy feliz, no necesito escribir; pero cuando estoy triste, tengo que sacarlo. (...) Escribo lo que me habría gustado escuchar a mí cuando me rompieron el corazón," confesó.

Aunque su carrera ha estado marcada por letras tristes, asegura que no escribe desde la nostalgia, sino desde la necesidad de sanar y de ayudar a sanar.

"No busco dar lecciones, solo compartir el dolor con quien lo necesite", dijo.

Según datos de Spotify, los jóvenes de la generación Z, aquellos nacidos aproximadamente entre 1995 y 2012, son una de las poblaciones por edad que más consumen productos por medios digitales.

Es por eso que a la cantautora le han llamado la "portavoz" de esta generación, aunque ella se lo toma con humildad: "Me da un poco de vergüenza, me parece pretencioso, pero si alguien lo piensa, gracias. Yo escribo literal lo que se me pasa por la cabeza, sin muchas metáforas, y creo que eso conecta con la gente".

Su proceso creativo es digital desde el primer momento: "He intentado usar libretas bonitas, pero no puedo. Tengo un chat conmigo misma donde apunto frases que escucho, incluso en cenas con amigas", contó entre risas.

A pesar de que sus raíces se encuentran entre Madrid y Alicante, en el sur de España, la joven ha "cruzado el charco" para acercarse a su público latinoamericano en una serie de conciertos por la región.

Empezó en abril pasado en las ciudades mexicanas de León, Monterrey, Guadalajara, Querétaro, Aguas Calientes, Puebla y Ciudad de México.

A pesar de acabar con una intoxicación "por un taco" en el país azteca, Mafalda admitió sentirse muy abrazada por un público que pudo "desvirtualizar", pues hasta ese momento sus seguidores latinoamericanos solo eran "números en las estadísticas de Spotify y Tiktok".

En su paso por Bogotá, donde hizo un concierto el sábado pasado, la artista se mostró sorprendida por la conexión inmediata con el público colombiano: "Me impactó que corearan canciones del disco a pesar de que salió hace dos semanas", comentó con emoción.

La capital colombiana forma parte de una gira que en los próximos meses la llevará a Lima, Santiago de Chile, Montevideo y Buenos Aires. EFE

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Será a partir de las 21 horas cuando la ciudad suiza de Basilea acoja desde la St. Jakobshalle este programa en el que 15 delegaciones se jugarán su pase a la gran final que tendrá lugar el próximo sábado, 17 de mayo. Diez pasarán y cinco se quedarán en el camino.

Abrirán el concurso los islandeses Væb con el efusivo dúo espacial y su electropop 'Róa' y lo cerrará Theo Evan, con la electrónica oscura con toques mediterráneos de 'Shh', por Chipre, que tendrá en parte sello español, pues ha contado con el escenógrafo Sergio Jaén y con el coreógrafo y bailarín Borja Rueda.

Este es el orden exacto en el que se jugarán su plaza: 1) Islandia, 2) Polonia, 3) Eslovenia, 4) Estonia, 5) Ucrania, 6) Suecia, 7) Portugal, 8) Noruega, 9) Bélgica, 10) Azerbaiyán, 11) San Marino, 12) Albania, 13) Países Bajos, 14) Croacia y 15) Chipre.

De todos ellos, merece la pena estar pendiente de los suecos KAJ, trío que acude a Eurovisión con un tema extraño en la historia de este país por su apuesta decidida por el humor y un estribillo muy fácilmente coreable con 'Bara bada bastu' y porque esta vez no cantarán en inglés, sino en un dialecto sueco.

Su pase debería ser muy fácil, pues sus principales rivales al triunfo no están en esta semifinal, salvo quizás por el caso del belga Red Sebastian, quinto en los pronósticos con 'Strobe Lights', su base de techno y su melodía más en la sintonía de The Communards o Years and Years.

Aunque se ha ido desinflando para las casas de apuestas, que lo sitúan ahora en séptimo lugar, también debería tener su plaza asegurada Claude con 'C'est La Vie' por Países Bajos. Su ascendencia congoleña se deja sentir en este tema optimista cantado en francés.

Justo detrás en los vaticinios, igualmente reseñable es otro tema que ha apostado por el humor y la ironía, la del estonio Tommy Cash, con 'Espresso Macchiato', lleno de clichés italianos, algunos de los cuales no han sentado muy bien a los transalpinos.

Fuera de concurso, los españoles podrán descubrir por primera vez a través de La 1 de RTVE o de su plataforma RTVE Play cómo es la actuación diseñada por Melody para 'Esa diva' en Eurovisión tras cambiar por completo la propuesta con la que consiguió el pasaporte europeo en Benidorm Fest 2025.

Como ya se ha anticipado, la artista, que ha escapado de los últimos puestos hasta la mitad de la tabla gracias a sus evoluciones en estos meses de promoción, lucirá un gran vestido de volantes con una cola gigante y un súbito cambio de vestuario a un body plateado, hecho de manera artesanal con flecos y más de 15.000 cristales de diferentes tamaños.

Junto con la sevillana, que saldrá justo detrás de Estonia, otros dos países actuarán con la plaza asegurada para el próximo sábado: el italiano Lucio Corsi con 'Volevo essere un duro' tras Bélgica y, casi al final, la anfitriona, la suiza Zoë Më con la dulce 'Voyage'. EFE

Desde sus humildes comienzos como porrista en Luisiana, la multifacética artista estadounidense transitó un camino que, con talento natural y determinación, la llevó al estrellato global.

La historia de Addison Rae Easterling resuena con aquella de figuras icónicas como Marilyn Monroe. Antes de convertirse en un fenómeno de TikTok con millones de seguidores, Rae era simplemente una chica con grandes sueños en el sur de Estados Unidos.

El traslado de su vida de Luisiana a California marcó un cambio crucial. En menos de una década, pasó de bailar en su habitación a apostar por su carrera en el mundo de la música y la actuación, con una aspiración clara de establecerse como estrella pop.

Para la cantante, esa transición a una nueva faceta no fue simplemente un salto de la noche a la mañana. Con respecto a su éxito, reflexionó: “Siento que superé a Addison Rae; ahora es solo Addison”. Mediante esta transformación refleja una evolución tanto profesional como personal, dejando atrás la imagen exclusiva de influencer para abrazar una identidad artística más trascendente.

Vida personal y ascenso de Addison Rae

Nacida en Lafayette (Luisiana), a menudo expresa cómo sus raíces sureñas moldearon su carácter y valores. Criada principalmente por su madre después de la separación de sus padres, Rae reconoció la influencia de una educación itinerante en diversas ciudades de Luisiana y Houston, Texas.

La importancia de la comunidad sigue presente en su vida, lo que se refleja en sus interacciones cotidianas y su genuina hospitalidad.

A pesar de su ascenso meteorológico a la fama, la cantante permanece conectada a sus inicios, mencionando cómo su familia hizo sacrificios significativos para apoyarla. “Mi familia sacrificó mucho para ponerme en clases de danza y darme una buena educación”, destacó, recordando con gratitud su trayectoria educativa y las bases que pusieron.

Carrera en redes sociales y primeras dificultades

El momento decisivo para Rae llegó cuando, tras no lograr entrar al equipo de baile en la universidad, tomó la audaz decisión de dejar Louisiana State University para perseguir sus sueños en Los Ángeles. Sobre sus inicios en TikTok, explicó: “Sentí esta fuerte intuición de que, aunque pareciera irrealista, debía hacerlo”.

Con el respaldo de sus padres, quienes también se trasladaron a California, la influencer construyó una presencia dominante en redes sociales.

La firma con la agencia William Morris Endeavor permitió a Rae expandir su alcance y oportunidades profesionales. Sin embargo, este camino no estuvo exento de desafíos. Las tensiones familiares ocasionalmente llamaron la atención en redes, y Rae prefirió alejarse de las polémicas.

“Mi familia se volvió mucho más privada”, comentó, destacando la importancia de mantener ciertos aspectos de su vida personal fuera del ojo público.

Transición a la música y carrera cinematográfica

El salto de Addison Rae al mundo de la música y el cine fue inevitablemente un proceso cargado de presiones. Tras recibir críticas iniciales por su sencillo “Obsessed”, Rae optó por seguir trabajando en su música.

Estos esfuerzos valieron la pena cuando sus canciones filtradas se convirtieron en fenómenos virales. La colaboración con figuras como Charli XCX y su debut en la lista Billboard Hot 100 con “Diet Pepsi” marcaron hitos en su carrera musical.

Su incursión en la cinematografía también resaltó su deseo de expandirse más allá de los estereotipos. En proyectos como “Él es así” y su más reciente película con Aubrey Plaza y Dan Levy, busca roles que la desafíen y le ofrezcan nuevas dimensiones para explorar en su arte. “Realmente estoy interpretando a un personaje en este”, explicó sobre su nuevo papel.

Reflexiones sobre fama y críticas

La actriz enfrenta las críticas con una perspectiva madura y centrada. “No es mi trabajo persuadir a nadie sobre cómo deben sentirse acerca de mí”, planteó, aceptando tanto la percepción pública de su figura como su evolución interna.

Es consciente de que muchos la recuerdan como la “porrista de Luisiana” o la “estrella de TikTok”, pero insiste en que esos aspectos no la definen por completo. Debido a esto, confesó con agradecimiento: “Todos estos pasos me llevaron a donde estoy hoy”.

Con el privilegio de elegir ahora sus proyectos, Rae se focaliza en aquellos que resuenan con su esencia autentica. En sus palabras, saber cuándo decir “no” le abrió puertas para mejores oportunidades. “Aún si no muestran quién soy realmente, ahora puedo decir con confianza que estoy produciendo cosas que me hacen sentir orgullosa”, admitió, mientras continúa su camino en el impredecible mundo del entretenimiento.

A través de su trayectoria, Addison Rae demostró un inquebrantable impulso creativo y apoyado en una sólida red familiar y social, lo que refleja el desdoblamiento de una joven determinada a retar las expectativas y definirse en la escena internacional.

Madrid, 11 may (EFE).- Luces, baile, fuego, voz, melena, carisma, ritmo y sobre todo canciones. Dua Lipa ha desplegado un artefacto pop prácticamente perfecto este domingo en Madrid en el inicio de su gira 'Radical Optimism' en Europa, en la que como homenaje a la ciudad ha versionado a un madrileño ilustre.

"Estoy muy emocionada pero quería tratar de cantar en español para ustedes", ha avisado en castellano antes de arrancarse por sorpresa de todos con el 'Héroe' de Enrique Iglesias, convertida ella misma en ídolo de masas.

Con todo el aforo agotado del Movistar Arena, unas 15.000 personas según cifras de la organización, esta británica con ascendencia kosovar repetirá la hazaña este lunes también en Madrid antes de abandonar su adorada España, la de su "amigo" Pedro Almodóvar, para volar a Francia y continuar su periplo por Europa y América.

Con ella ha traído al escenario una versión reducida del símbolo infinito de su 'Dua Lipa Live from the Royal Albert Hall', su concierto en vivo grabado en Londres y publicado en las pasadas navidades, esta vez sin orquesta.

Es lo único en lo que ha reducido medios, porque, arropada por cinco músicos, dos coristas y nada menos que doce bailarines en proporción paritaria, también ha sido apabullante el despliegue lumínico, de pantalla colosal con unas proyecciones de altura y de vestuario icónico.

Hubo quien criticó la escasa presencia de su nuevo álbum en la gira que el pasado verano circuló por festivales como Mad Cool, aquí en Madrid, una falta que ha compensado en este nuevo circuito con un protagonismo incontestable de su tercer disco, que suena casi íntegro.

Lipa ha demostrado de esta forma que ni es tan presa del previo y aplaudido 'Future Nostalgia' (2020), el álbum que le alegró a mucha gente la pandemia, ni 'Radical Optimism' (2024) era tan prescindible como las primeras críticas alegaron tras su salida.

A lo largo de casi dos horas divididas en cuatro actos con un tramo final de bises, tantos como cambios de ropa, se han superado las dos decenas de canciones, con algunas faltas destacadas como 'Prisoner', 'Cold Heart', 'Scared to Be Lonely' o, sobre todo, 'Blow Your Mind (Mwah)', de aquel 2017 que veía en ella una gran promesa.

Es mucho lo que ha evolucionado en este tiempo, sobre todo como intérprete en directo, porque más allá de su voz, sólida y dotada de un color hiperreconocible, Lipa baila bastante más y mejor, pisa el escenario como dueña del cotarro y así lo refleja en igualmente en su rostro, permanentemente seductora con sus medias sonrisas y sus golpes de melena.

Desde que imágenes de olas han invadido el Movistar Arena, diez minutos más tarde de lo previsto, el recinto se ha convertido efectivamente en su señorío al ritmo de 'Training Season' y 'End of An Era', dos de las más recientes, tras las que ha empezado a despachar los grandes éxitos que la han convertido en nueva riena de la pista de baile, como 'Break My Heart' y 'One Kiss'.

En esa alternancia ha vehiculado todo el "show", fulgurante salvo por los breves tiempos muertos entre actos y algún acercamiento al público, aunque también eso ha deparado momentos para recordar, como cuando le ha señalado a un asistente que sus uñas eran "true madrileñas" y otro le ha declarado su amor desde la primera vez que la vio en concierto con 14 años.

'Whatcha Doing', 'Levitating', una estupenda 'These Walls' en la que ha lucido voz en la pastilla central junto a sus músicos o esa 'Maria' con aires de frontera han desfilado después, junto con su homenaje a Enrique Iglesias como parte de los guiños que propina en cada concierto a la ciudad en la que recala.

Después del ligero parón que han supuesto esos temas, la vuelta ha sido muy fuerte con 'Physical' desde la misma intro, para la que sus bailarines han recuperado los movimientos ochenteros del videoclip de aerobic. Ha sido probablemente el número mejor atado en todos los aspectos y de ahí el clímax entre los asistentes justo en el ecuador.

'Electricity', 'Hallucinate' e 'Illusion' han concluido este tercer acto, aunque el cuarto, que ha abierto con 'Falling Forever', también ha deparado otro momento álgido con 'Love again' y esos violines iniciales tomados de 'Your Woman' de White Town.

"You got me in love again", canta en ese tema y son ciertamente muchos los que en esta velada también han vuelto a enamorarse de ella, rodeada por un aro de fuego, con un modelo todo blanco de encaje, liguero en una pierna larguísima al aire entre un abrigo de piel, elevada sobre una pequeña plataforma sin mostrar más vértigo que el que llevaban sintiendo sus seguidores todo el concierto.

Para los últimos momentos ha reservado 'Be The One', su primer gran éxito, para reaparecer justo después entre cuero negro y cadenas doradas ya en los bises con 'New Rules', un pequeño fragmento de 'Dance The Night', la incontestable 'Don't Start Now' y 'Houdini', aunque para magia, la suya. EFE

Aitana ha anunciado su nuevo disco, titulado 'Cuarto azul', que saldrá a la luz el próximo 30 de mayo, según ha informado su discográfica 'Universal Music Spain' en un comunicado.

Se trata del cuarto disco de la artista, definido como "su trabajo más internacional y, a la vez, personal hasta la fecha". En este sentido, representa una "ventana" a "la intimidad" de Aitana "donde la oscuridad y la luminosidad juegan a entrelazarse", creando así "diferentes Aitanas que forjan su identidad como artista y mujer".

Tal y como ha detallado su discográfica, 'Cuarto azul' es el proyecto "más completo" de Aitana, conformado por un total de 19 tracks, donde se incluyen sus ya conocidas canciones '6 de febrero', 'Segundo intento' o 'Sentimiento natural' junto al cantante puertorriqueño Myke Towers.

A nivel sonoro, Aitana "ha buscado fusionar los sonidos de las últimas décadas que le han inspirado en el proceso" pero "siempre dentro de un común denominador: el pop".

La cantante catalana, que ha publicado por sorpresa un vídeo en sus redes sociales para desvelar la noticia, ofrecerá su próximo proyecto en formato físico y digital. El preorder físico comenzará este viernes a las 19.00 horas de manera privada para los fans.

Será, según ha anticipado su discográfica, "su trabajo más internacional y, a la vez, personal", como intenta reflejar el vídeo compartido en redes junto al anuncio en el que se simula en melancólicos tonos azules la intimidad de la habitación de la artista.

Se ha informado asimismo que este nuevo disco contendrá 19 cortes, una cifra muy extensa en estos tiempos. Entre ellos estarán tres de las canciones que se han dado a conocer en los últimos meses: la reciente '6 de febrero', 'Segundo intento' y 'Sentimiento natural' junto a Myke Towers.

"Aitana ha buscado fusionar los sonidos de las últimas décadas que le han inspirado en el proceso, pero siempre dentro de un común denominador: el pop", anticipa el comunicado de Universal Music sobre el tono del álbum, tras el marcado estilo electrónico que tuvo su aplaudido predecesor, 'Alpha' (2023).

Convertida en una de las grandes estrellas de la música en España desde su salida como segunda clasificada en 'OT 2017', al que siguieron sus exitosos primeros discos, 'Spoiler' (2019) y '11 razones' (2020), no es un secreto que el último año no ha sido fácil para la catalana.

A su pública ruptura sentimental con el también artista Sebastián Yatra, inspirador de algunos de los temas de este próximo álbum, se han unido las diversas polémicas asociadas a su documental para Netflix, un repentino cambio de representante y que sus sencillos no hayan tenido el desempeño comercial de anteriores lanzamientos.

Más complicado ha sido aún la gestión de los conciertos que debía haber celebrado en el estadio Santiago Bernabéu y que, tras varias idas y venidas, finalmente tendrán lugar los días 30 y 31 de julio en el estadio Metropolitano de Madrid. EFE

"La vista de la multitud durante mis primeras canciones me dejó sin aliento", confesó la premiada cantante y actriz estadounidense en sus redes sociales.

La intérprete de 'Poker Face', 'Bad Romance' y 'Alejandro' destacó que reunió "la mayor multitud para cualquier mujer en la historia" y agradeció a su inmensa legión de seguidores brasileños por todo el apoyo recibido.

"Su corazón brilla tan intensamente, su cultura es tan vibrante y especial, espero que sepan lo agradecida que estoy por haber compartido este momento histórico con ustedes", indicó.

La también ganadora de un Óscar, que se emocionó visiblemente durante algunos tramos del concierto, concluyó su publicación con un mensaje de superación.

"Si pierdes el camino, puedes encontrarlo de nuevo si crees en ti misma y trabajas duro. Puedes darte dignidad ensayando tu pasión y tu arte, empujándote a nuevas alturas", dijo.

Y completó: "Puedes levantarte aunque te lleve tiempo. Gracias, Río, por esperar a que volviera. Gracias, 'little monsters' de todo el mundo. Los amo. Nunca olvidaré este momento. Garras arriba 'little monsters'. Obrigada (Gracias). Con amor, 'Mother Monster'".

'Little monsters' (pequeños monstruos por su traducción del inglés) es el apodo cariñoso que reciben los fanáticos de Lady Gaga, quien a su vez es llamada 'Mother Monster' (madre monstruo).

Lady Gaga presentó este sábado su majestuosa ópera pop sobre la orla de Copacabana, en un multitudinario concierto gratuito que duró unas dos horas y congregó a 2,1 millones de personas, según estimaciones oficiales.

El público que disfrutó de la cantante neoyorquina superó los 1,6 millones que asistieron el año pasado al concierto de Madonna, también en Copacabana.

La presencia de Lady Gaga era muy esperada en Brasil, después de que en 2017 cancelara a última hora su presentación en Rock in Río por problemas de salud relacionados con la fibromialgia que padece.

Casi una década después, volvió a Río para un concierto sobre la arena de Copacabana, dentro de una iniciativa de la Alcaldía para intentar traer a la ciudad a un artista de renombre todos los años. EFE

Britney Spears, la icónica “princesa del pop”, es conocida por su meteórica carrera en solitario, que despegó con su explosivo sencillo “Baby One More Time” en 1998. Sin embargo, antes de convertirse en la estrella global que todos reconocen, formó parte de un proyecto musical mucho menos glamuroso: una banda pop llamada Innosense.

A pesar de que esta agrupación no alcanzó el nivel de éxito que esperaban sus miembros, el paso de Spears por ella revela mucho sobre sus primeros años en la industria musical.

En el contexto de los años 90, el fenómeno de las “girlbands” estaba en su apogeo, impulsado por el éxito mundial de las Spice Girls. Lou Pearlman, el controversial mánager conocido por su trabajo con los Backstreet Boys y NSYNC, decidió lanzar su propio grupo para competir con estas agrupaciones femeninas que dominaban las listas de éxitos.

Así nació Innosense, una banda formada en 1997 con el objetivo de ocupar un espacio similar al de las británicas Spice Girls, que en ese momento eran las reinas del pop.

El grupo estaba compuesto por Nikki DeLoach, Mandy Ashford, Danay Ferrer, Amanda Latona y, brevemente, Britney Spears. La banda debutó con gran esperanza, pero la presencia de Britney fue efímera.

La joven artista, que ya comenzaba a sentirse como una estrella en potencia, dejó Innosense antes de que la banda pudiera lanzar su primer álbum. El disco, titulado So Together, se publicó finalmente en el año 2000, pero su recepción fue tibia, sin lograr el impacto masivo que sus creadores anticipaban.

La competencia con las Spice Girls

El concepto de Innosense no solo se limitaba a ser una banda más, sino que estaba diseñada para ser una especie de respuesta femenina a los éxitos de las Spice Girls.

Durante su breve existencia, Innosense intentó emular la fórmula de éxito de sus contrapartes británicas, con un enfoque en la amistad, el empoderamiento femenino y el pop pegajoso. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos de Pearlman, la banda nunca alcanzó la fama de las “girlbands” más grandes del momento.

Este hecho ha sido documentado en el documental Dirty Pop: The Boy Band Scam (La estafa detrás de las Boys Bands), de Netflix, que explora la caída profesional de Lou Pearlman, el hombre detrás de los Backstreet Boys y NSYNC.

En este documental, se profundiza en las dificultades que enfrentó Innosense, así como la triste realidad de los proyectos que Pearlman manejaba, algunos de los cuales no lograron despegar como se esperaba.

Un paso fugaz, pero fundamental

Aunque el paso de Britney por Innosense fue corto, su experiencia en la banda resultó crucial para su carrera futura. En un primer momento, la joven artista formó parte de un proyecto que no contaba con la visibilidad ni el éxito esperado, pero que sirvió como un trampolín hacia su carrera en solitario.

Su salida de la banda para seguir su camino en solitario fue, en muchos sentidos, un reflejo de su ambición y su determinación por llegar más lejos.

No cabe duda de que la participación de Britney en Innosense no solo muestra su deseo de ser parte del mundo musical desde temprana edad, sino también su capacidad para reconocer que, aunque este primer intento no fuera el adecuado, había algo más grande esperándola.

La transición de Innosense a una carrera en solitario le permitió a Britney darle forma a una identidad única dentro del panorama musical.

Un legado que trasciende

El legado de Britney Spears, que incluye una vasta cantidad de éxitos como “Toxic”, “Oops!... I Did It Again” y “Womanizer” sigue siendo relevante incluso años después de su apogeo.

Su influencia no solo se limita a la música pop, sino que también ha marcado la moda y la cultura en general. Su carrera ha sido fuente de inspiración para muchas generaciones y sigue dejando huella, especialmente en plataformas de streaming donde sus temas siguen siendo populares.

En cuanto a Innosense, la banda fue relegada a un rincón de la historia de Britney Spears, aunque se mantiene como una curiosa anécdota dentro de la vida de la cantante.

Hoy, la cantante sigue siendo una figura central en la música pop, con un legado que ha influido en millones de personas alrededor del mundo. Innosense es solo una pequeña, pero significativa, pieza del rompecabezas de la carrera de Britney Spears, quien continúa demostrando que, a veces, lo mejor está por venir.

Los Ángeles, 31 ene (EFE).- El cantante estadounidense Bruno Mars, que estas semanas arrasa en las listas de éxitos con varios temas, entre ellos uno grabado con Lady Gaga, ha decidido añadir siete conciertos más a su "residencia" en Las Vegas, informaron medios especializados.

El ídolo del pop ha decidido aumentar estos conciertos, denominados así porque se producen durante un periodo de tiempo en el mismo lugar, tras hacer historia en Spotify y convertirse en el primer artista en alcanzar los 150 millones de oyentes mensuales, según la revista Billboard.

Los nuevos shows anunciados serán el 21, 24, 25, 28, 30 y 31 de mayo y el 2 de junio y tendrán lugar, como el resto de la residencia, en el Dolby Live en Park MGM en Las Vegas.

En estos conciertos, que comenzaron en diciembre, podrán escucharse algunos de los mayores éxitos del cantante, algunos de ellos número uno en la lista Billboard, como "Uptown Funk", "That's What I Like", "Just the Way You Are", entre otros.

También tiene su par de éxitos recientes que encabezan las listas que puede añadir a su repertorio, encabezados por el dúo con Lady Gaga y la canción "Die With a Smile", que ha pasado cuatro semanas en la cima de los listados de Billboard.

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Viena, 30 ene (EFE).- El contratenor austriaco-filipino Johannes Pietsch, conocido como JJ, representará a Austria en el Festival de Eurovisión que se celebra a mediados de mayo en Basilea (Suiza), según ha anunciado este jueves la radio televisión pública ÖRF.

"Es un gran honor para mí poder representar a Austria en Basilea. Estoy muy feliz por la confianza que se deposita en mí. Trabajaremos duro durante las próximas semanas para ofrecer una actuación inolvidable en mayo", aseguró el cantante en un comunicado de la ÖRF.

Pietsch interpretará 'Wasted Love', una tema que mezcla pop y ópera y que se presentará la primera semana de marzo, según la agencia de noticias APA.

La canción ha sido coescrita por la cantante Teya, quien en 2023 representó a Austria en Liverpool junto a Salena con la canción 'Who the Hell Is Edgar?'.

El contratenor de 23 años cantará en la segunda semifinal que se celebrará el próximo 15 de mayo para intentar clasificarse para la gran final de la 69º edición del Festival de Eurovisión.

JJ se formó en la Escuela de la Ópera de Viena y ha participado en papeles menores en varias producciones de ese escenario, como Macbeth o La flauta mágica.

También fue finalista en 2021 en el programa de televisión Starmania de búsqueda de nuevos talentos musicales.

El contratenor fue elegido a través de una selección interna de la ORF en la que participaron miembros de la cadena, un jurado nacional e internacional de 30 expertos y representantes de los clubes de fans oficiales del Festival de Eurovisión de cinco países.

Este año participarán 38 países de los cuales cinco, Francia, Alemania, Italia, España y Reino Unido, ya tienen asegurado un puesto en la final al ser los países que mas contribuyen económicamente al concurso.

Este también es el caso de Suiza al ser la anfitriona, tras haber ganado la edición del pasado año en Mälmo con la canción 'The Code", de Nemo .EFE

Madrid, 30 ene (EFE).- Como Alicia en el país de las maravillas, Amaia abre la entrada al onírico mundo que ha creado en su esperado tercer álbum de estudio, en una semana que también verá despertar el nuevo disco del segundo artista más escuchado de todo el planeta en Spotify: The Weeknd.

En su tercer disco de estudio y acompañada de un buen número de jóvenes y revolucionarios productores como Ralphie Choo, la navarra esboza canciones con una innegable atmósfera onírica para tratar desde un prisma amable aspectos más crudos del tránsito vital hacia la madurez. Dentro, su éxito 'Tengo un pensamiento' que viralizó en 'La Revuelta'.

Se habla de este álbum como uno de los más importantes de flamenco de 2025. En la voz de una de las intérpretes jóvenes más pujantes, su sello lo describe como "un viaje de búsqueda emocional, expiación y regocijo, que comienza en la misma raíz cruda de un romance y termina con el frondoso jolgorio de unas bulerías".

Uno de los artífices de aquella "nueva ola del pop español" que partió de la escena urbana en este siglo, junto a C. Tangana o Rels B, Recycled J vuelve con un álbum doble, probablemente su disco más ambicioso hasta la fecha y, a tenor de un verso de su canción 'Sincero' junto a Maikel Dellacalle, ¿quizás también el último?.

Después de constantes cambios de planes en la fecha y modo de lanzamiento de este trabajo, por fin se publica el nuevo álbum de Eduardo Nuño de León, más conocido como Gloosito, uno de los artistas que llegaron para refrescar la escena urbana nacional.

Continuación y cierre de la 'Libreta Rosa' que en 2024 abrió a modo de diario esta exparticipante de la última edición de 'Operación Triunfo'. En este trabajo, a través de sencillos como 'Bucle', demuestra que cada vez se siente más cómoda como embajadora de un sonido pop rock.

La venezolana afincada en Miami lanza su segundo disco, el primero tras haberse convertido con solo 19 años en la cantante y compositora más joven en ganar un Latin Grammy. "Refleja una etapa en mi vida en la que, por primera vez, estaba aprendiendo a ser adulta", ha dicho sobre este nuevo trabajo.

"La vida es un viaje y, como cualquier carretera, tiene sus giros, subidas, bajadas, buenos y malos momentos", recordaba el artista puertorriqueño autor del éxito 'Calma' sobre la idea que subyace al disco de 13 cortes que toma el relevo a 'La neta' (2022).

Con temas como el sencillo 'Dancing In The Flames', no es solo uno de los álbumes más esperados del año, sino también el que cierra la trilogía que dedicó a temas más existenciales y autorreferenciales y que abrió con 'After Hours' (2020) y continuó con 'Dawn FM' (2022). Después iniciará nuevo ciclo, con cambio de nombre incluido.

Redivivos tras más de 30 años de trayectoria con un buen funcionamiento en radios de los primeros sencillos de este trabajo, los galeses celebran aquí "el choque de ideas contradictorias con letras que buscan el alma" y reivindican así una vez más su vigencia.

La experiencia cercana a la muerte que vivió en 2023 el líder del grupo, Kieran Shudall, por un problema de salud relativo a su corazón, ha llevado al grupo de rock alternativo británico a firmar este disco de 9 cortes en los que la guitarra se convierte en un bisturí urgente y sanador. EFE

Los Ángeles EE.UU.), 27 ene (EFE).- La cantante y actriz estadounidense Lady Gaga anunció este lunes que el lanzamiento de su séptimo disco de estudio, titulado 'Mayhem' y con el que planea retomar sus inicios musicales, será el 7 de marzo, mientras que el 2 de febrero dará a conocer un nuevo sencillo.

"El álbum comenzó cuando me enfrenté a mi miedo de volver a la música pop que amaban mis primeros fans", dijo en un comunicado emitido por Universal Music.

En el mismo escrito la actriz de 'Joker: Folie à Deux' describió el proceso creativo de este álbum como "volver a armar un espejo roto: incluso si no puedes volver a juntar las piezas a la perfección, puedes crear algo hermoso y completo a su manera".

La noticia se dio a conocer primero a través de unos carteles publicitarios con la foto en blanco y negro de la cantante que aparecieron en ciudades como Las Vegas y Nueva York, según reportaron medios como Billboard o Variety.

Poco después, Gaga hizo formal el anuncio en redes sociales con un video oscuro que entrelaza diferentes fotos y que rememora la estética post-punk con el nombre del esperado material y la fecha de lanzamiento.

El proyecto, producido por Gaga, Michael Polansky, Andrew Watt, Cirkut y Gesaffelstein, contará con 14 temas, entre los que se incluyen los previamente lanzados 'Disease' y 'Die With a Smile'.

El tercer sencillo será desvelado durante una pausa comercial en los Grammy 2025 pactados para el domingo 2 de febrero, en el que la cantante podría sumar dos gramófonos más a su colección gracias a la colaboración junto a Bruno Mars 'Die with a Smile', nominada a canción del año y mejor dueto pop.

Antes de este evento, Gaga se unirá a artistas como Billie Eilish, Olivia Rodrigo y Peso Pluma para actuar el 30 de enero en el concierto FireAid en beneficio de las personas y comunidades devastadas por los recientes incendios forestales de Los Ángeles. EFE

Javier Herrero

Madrid, 24 ene (EFE).- Gran favorita a la victoria si se tienen en cuenta solo las reproducciones de Spotify, Melody intenta por segunda vez en su carrera convertirse en representante de España en Eurovisión, esta vez a través de Benidorm Fest 2025, tras haber encontrado la canción -'Esa diva'- y el tiempo idóneos para ello.

"Son muchas las veces que me han tentado con Benidorm Fest, pero antes siempre tenía giras o estaba metida en diferentes proyectos. No veía el momento y era importante tener el tema. Este año coincidió un poco todo y que yo me encuentro muy bien, así que era ahora o nunca", señala la artista sevillana solo unos meses después de ser madre.

Muchas más cosas han cambiado desde que en 2009, en otra preselección para Eurovisión, viera cómo se le escapaba la victoria en favor de Soraya por el voto de calidad del público tras un accidentado concurso en el que la agrupación Los Vivancos la dejó sola en la gran final para defender su apuesta, 'Amante de la luna'.

"En mi vida ahora mismo estoy en un punto muy diferente a donde estaba hace unos años, porque esos no solo pasan para cumplirlos. Yo he ganado en experiencia y todo esto lo estoy viviendo de manera muy intensa, sabiendo que hay que vivir cada momento como si fuese el último", reflexiona.

Niña precoz apadrinada por El Fary en su época de 'El baile del gorila', volvió a adquirir notoriedad gracias a su gran desempeño y la versatilidad mostrada en la tercera edición del concurso 'Tu Cara Me Suena', entre 2013 y 2014, donde imitó a Lola Flores, Thalía o Pastora Soler, razón por la que constantemente aparecía en las apuestas para que intentara volver a Eurovisión.

"Se lo debo a mis fans, que llevan tantos años pidiéndome que me presente, y que a mí me encanta el arte y la música y eso es lo que promueve este festival", comenta esta artista sevillana llamada Melodía Ruiz (Dos Hermanas, 1990).

Según explica, hacía tiempo que ha venido atesorando esta baza hecha canción. "Desde el año pasado veníamos trabajando en la letra; la teníamos para algo importante y, cuando empezamos a plantear lo de Benidorm Fest, sabíamos que era la canción", cuenta sobre ese corte compuesto por ella misma junto a Alberto Fuentes Lorite.

"Es una canción vocalmente muy exigente, con un toque de nuestra tierra y a la vez con un mensaje que habla de la igualdad, de que todas somos divas, desde la persona más pudiente a la que menos tiene", explica sobre este corte con dejes de pop latino empoderador a lo Gloria Trevi y arreglos típicamente españoles.

Actualmente suma cerca de un millón de reproducciones en Spotify, la que más de todos los aspirantes a Benidorm Fest, por lo que se declara "muy agradecida y contentísima por la reacción del público en internet", una manera de gratificarle todo el esfuerzo y constancia depositados todos estos años en su carrera.

"Esta profesión no deja de ser una en la que se lucha mucho, es muy sacrificada; yo todo lo que he conseguido ha sido a base de trabajar y no ha sido fácil, pero es satisfactorio ver los frutos", declara.

Junto a Alejandro Bullón lleva tiempo preparando el directo de este tema, "que requiere mucha fuerza física, porque hay que bailar y cantar a la vez en una tesitura muy exigente", y promete una puesta en escena "muy completa, donde va a haber pasión, sentimiento y una entrega total".

En su futuro, acaricia la idea de publicar el que sería su primer álbum desde 2014 ("Soy de la vieja escuela y quiero plasmarlo en un formato físico", dice firme), pero descarta hablar de una siguiente tentativa de cara a Eurovisión si esta no cuaja. "No puedo pensar en un tercer intento, yo vivo el presente", se excusa. EFE

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Los Ángeles (EE.UU.), 23 ene (EFE).- La cantante y compositora británica Charli XCX, en asociación con la productora A24, llevará a la gran pantalla 'The Moment', una película basada en ella, informó este jueves Variety.

La estrella del álbum de pop 'Brat' producirá el proyecto bajo su nueva compañía de producción, Studio365, y estudia la posibilidad de que ella misma protagonice la cinta, aseguró la revista especializada.

Por el momento se desconocen los detalles acerca de la trama, la fecha de estreno o los actores que formarán parte de este proyecto, que podría marcar el debut como actriz de Charli XCX

Según Variety, 'The Moment' supondría también el primer largometraje que asume el fotógrafo y cineasta escocés Aidan Zamiri, quien escribió el guión junto a Bertie Brandes.

El anuncio se produce tras conocerse que Charli XCX, de 32 años, lidera las nominaciones de los premios de la Industria Fonográfica Británica (Brit), con 5 menciones por 'Brat', su sexto álbum de estudio. EFE

París, 23 ene (EFE).- A sus 80 años, la cantante y actriz francesa Sylvie Vartan dirá a adiós a los escenarios este fin de semana con tres grandes conciertos en París, tras más de seis décadas de carrera y convertida para siempre en un ídolo pop mundial.

La que fuese una de las cantantes más populares en Francia en la década de los años 60 estará en cartel por última vez entre mañana viernes y el domingo en el Palacio de Congresos de París.

Culminará así una miniserie de seis recitales que fueron anunciados hace un año bajo el título "Je tire ma révérence" ("Me despido", en español) para cumplir una promesa que ella misma se hizo en público: que llegase el día en el que no hiciera ni un concierto de más.

"Sé que va a ser difícil despedirme de mis fans y no romper a llorar. Sé que habrá gente en el público que me sigue desde los años sesenta y para mí es muy emotivo despedirme de ellos", aseveraba Vartan en el libro "Ma vie de scène en scène" ("Mi vida de escenario en escenario"), en el que repasó junto al periodista Benoit Cachin sus conciertos, desde sus comienzos hasta esta despedida.

"Pero cuando llega el momento, hay que saber cuándo parar", agregaba en esa obra, publicada en noviembre pasado.

Originaria de Iskrets, una localidad búlgara cercana a Sofía, se trasladó a Francia junto a su familia a comienzos de los años cincuenta, cuando tenía ocho años, para alejarse del autoritario régimen comunista búlgaro.

Ni ella ni su hermano hablaban francés entonces, pero tras una adaptación algo difícil, en 1961 Vartan lograría dar el primer paso hacia una carrera musical estelar con la grabación de un dúo con Frankie Jordan, uno de los pioneros del rock francés, después de la baja de última hora de la británica Gillian Hills.

Dejó el instituto para consagrarse a la canción y ese mismo año, de la mano del productor Daniel Filipacchi, grabó su primer sencillo: 'Quand le film est triste'.

La fama de Vartan, confirmada con exitosos pasos por escenarios como el del teatro Olympia de París, fue en ascenso y en 1962 se puso en ruta con Johnny Hallyday para una gira de conciertos en los que ella se encargaba de la primera parte y el rockero francés por excelencia de la segunda.

Ambos se casarían en 1965 y formarían la pareja de moda para la prensa rosa en Francia durante años, hasta su separación en 1980, con un hijo, David Hallyday, de por medio.

Entre sus grandes éxitos figuran canciones como 'J’ai un problème' (1973), 'La Maritza' (1968), 'Comme un garçon' (1967), 'La plus belle pour aller danser' (1964) o 'Qu’est ce qui fait pleurer les blondes' (1976).

Se convirtió así en uno de los grandes iconos mundiales del movimiento pop y poco a poco incursionó también en el cine, tras haber sido privada sin su conocimiento de potenciales roles icónicos en filmes como 'Les Parapluies de Cherbourg' (Jacques Demy) o 'Pierrot le fou' de Jean-Luc Godard, debido a que su agente quería que se concentrara en su carrera musical.

Apareció en títulos como 'Patate', de Robert Thomas (1964), 'Malpertuis', de Robert Thomas (1971), y 'L'Ange noir', de Jean-Claude Brisseau, además de en numerosos filmes musicales.

Para sus conciertos finales, que mantendrán la esencia de gran espectáculo que caracterizó su carrera, Vartan contará en París con invitados especiales sorpresa y además serán grabados en vídeo. EFE

En un mundo en el que la celebridad parece estar dictada por reglas estrictas de control y perfección, Katy Perry se mantiene como un ejemplo de irreverencia y autenticidad. Recientemente, la cantante dio un paso audaz al unirse a la tripulación del cohete Blue Origin, propiedad de Jeff Bezos, para un viaje al borde del espacio.

Como menciona The Atlantic, con una sonrisa radiante, un traje espacial ceñido y una margarita en mano, Perry no solo celebró la experiencia con una energía única, sino que además llevó consigo la esencia de lo que ha sido su carrera: una mezcla de lo absurdo con lo genuino.

Un viaje al espacio y el revuelo de las críticas

El vuelo de Katy Perry fue breve: apenas 10 minutos y 21 segundos, un tiempo insignificante si lo comparamos con la duración de la vida cotidiana de millones de personas. Sin embargo, el impacto que tuvo en las redes sociales fue mucho más duradero.

Las reacciones fueron una mezcla de incredulidad y burla, donde la duración del vuelo y la actitud solemne de Perry fueron objeto de críticas. Para algunos, la cantante no parecía estar a la altura de la ocasión. “¿Qué hace una mujer como ella allá arriba?”, se preguntaban los detractores. Incluso Wendy’s, la cadena de comida rápida, se unió al coro de críticas con un tweet sarcástico: “¿No podemos enviarla de vuelta?”

Este tipo de reacciones, aunque dolorosas para algunos, no son nuevas para Katy Perry. A lo largo de su carrera, ha sido objeto de burlas y críticas, muchas veces por su imagen exuberante y por no seguir las normas establecidas de lo que se espera de una celebridad.

Sin embargo, la misma irreverencia que ha sido motivo de burla es lo que la ha hecho destacarse como un personaje único dentro del panorama musical y mediático.

La paradoja del turismo espacial y la fama

El autor del artículo de The Atlantic compara el turismo espacial con la industria de la fama en sí misma, sugiriendo que ambos son, en muchos casos, actos de extravagancia sin un propósito real más allá de la exhibición.

En el caso de Perry, el viaje al espacio no fue más que una muestra de la frivolidad inherente al turismo espacial: una actividad derrochadora y carente de sentido práctico, pero que, al igual que muchas de las producciones en las que Perry ha estado involucrada, tiene algo de espectacular y fascinante.

Este tipo de comparación no es nuevo en el mundo del espectáculo. La fama en sí misma a menudo se ha criticado por ser vacía y superficial, y el viaje de Perry al espacio resalta esa misma crítica. Sin embargo, la gran diferencia radica en que, mientras otros buscan mantener una imagen de control absoluto sobre sus vidas públicas, Perry se ha mantenido genuina y libre de complejidades innecesarias.

Beyoncé, Taylor Swift y la diferencia con Perry

Es probable que Beyoncé o Taylor Swift, dos de las estrellas más grandes de la música contemporánea, nunca hayan considerado embarcarse en un viaje al espacio solo por el espectáculo.

Ambas artistas son conocidas por su meticulosa planificación y por la seriedad con la que abordan tanto sus carreras como sus apariciones públicas. A diferencia de ellas, Perry ha sido siempre un personaje dispuesto a dejarse llevar por el absurdo y la diversión.

Si el Eras Tour de Taylor Swift fue una manifestación precisa y calculada de su legado como cantante y compositora, la residencia de Perry en Las Vegas fue un espectáculo delirante.

En Play, Perry se encontraba conversando con un gigantesco inodoro de 16 pies (casi 5 metros) de altura mientras se subía al escenario, rodeada de elementos que parecían más cercanos al arte psicodélico que a una performance seria. Este contraste es la esencia de Katy Perry: una celebridad que no tiene miedo de parecer ridícula.

El pop de ayer y el de hoy

Cuando Katy Perry comenzó su carrera, el pop era un terreno menos sofisticado. Los artistas de su generación, en su mayoría, no se preocupaban tanto por la ironía o la politización de su imagen. Eran tiempos más sencillos, donde el entretenimiento no se mezclaba tanto con la crítica social y política.

Perry encarna esa era, con sus canciones sobre el amor, la diversión y el poder femenino, sin necesidad de esconderse detrás de una capa de complejidad.

Con el tiempo, el pop ha evolucionado. Las nuevas estrellas, como Billie Eilish o Olivia Rodrigo, han crecido en un mundo lleno de redes sociales, donde las expectativas sobre las celebridades son mucho más altas.

Estos artistas son más introspectivos, más conscientes del impacto de sus acciones y palabras. En comparación, Katy Perry permanece como un recordatorio de una época pasada, una época en la que la música pop no necesariamente necesitaba dar explicaciones.

La música reciente y la falta de evolución

Perry, a pesar de su éxito, ha sido criticada por la falta de evolución en su música. Su álbum más reciente, 143, es una celebración alegre del empoderamiento femenino, pero muchos opinan que su mensaje y sus letras parecen quedarse en la superficie, repitiendo fórmulas que ya fueron exitosas en el pasado.

Sin embargo, lo que se le puede criticar en términos musicales, se le puede alabar en términos de autenticidad. Katy Perry sigue siendo la misma artista que saltó al estrellato con I Kissed a Girl en 2008: una mujer que no tiene miedo de ser ella misma, sin importarle las críticas.

Una celebridad genuina y alegremente extravagante

A pesar de ser constantemente ridiculizada, Katy Perry ha logrado mantener su autenticidad. Mientras que la mayoría de las celebridades modernas se sienten presionadas a ser frías, calculadas y controladas, Perry sigue siendo ella misma, sin preocupaciones por el qué dirán.

En un mundo donde tanto de la fama parece ser diseñado, controlado y medido, Perry sobresale como una rareza: una estrella pop que no tiene miedo de hacer el ridículo, de ser divertida, de ser humana.

En este contexto, el viaje de Katy Perry al espacio no es solo un acto de frivolidad, sino también una reafirmación de su carácter: una celebridad que no se toma demasiado en serio, pero que sabe cómo hacer reír al mundo con ella.

Al final, en un momento en que tantas figuras públicas parecen estar programadas y manufacturadas, Perry sigue siendo la misma artista excéntrica y genuina que nos recuerda que ser una estrella no tiene por qué ser aburrido o predecible.