El 22 de septiembre de 2026, el Lucas Museum of Narrative Art abrirá sus puertas en Exposition Park, Los Ángeles, con exposiciones inaugurales dedicadas a la evolución de la narrativa visual desde la antigüedad hasta la cultura pop contemporánea.

Impulsado por George Lucas y Mellody Hobson, el museo presentará obras fundamentales en esculturas, pintura, muralismo, historieta y manga, consolidando su posición como referente internacional, según Artnet News.

La apertura del Lucas Museum of Narrative Art en Los Ángeles será uno de los acontecimientos culturales más esperados de 2026. Exhibirá más de 1.200 piezas reunidas en alrededor de 30 galerías temáticas. La colección, respaldada por más de 40.000 obras, abarca desde arte clásico hasta cómic y manga, reflejando el interés del museo en las múltiples formas de la narrativa visual.

El proyecto, fundado por George Lucas y su esposa, busca transformar la experiencia museística al explorar cómo las imágenes y relatos forman parte fundamental del sentido colectivo, una visión resaltada por el medio citado.

El edificio, diseñado por Ma Yansong (MAD Architects), presenta un diseño futurista que impacta el entorno de Exposition Park. Aunque evoca una nave espacial, su propósito va más allá de resguardar la colección personal del creador de Star Wars.

Según declaraciones reunidas por el medio, la misión del museo se centra en ofrecer un recorrido por “los mitos esenciales que ayudan a comprender el mundo”. Así, la institución aspira a convertirse en archivo activo y espacio destacado para el arte popular.

Artistas y obras clave de la muestra inaugural

El recorrido inicial del museo resalta figuras emblemáticas de la ilustración y la narrativa visual. Entre los artistas principales se encuentran Dorothea Lange, autora de la célebre fotografía “Migrant Mother”; Frank Frazetta, conocido por su obra de arte fantástico, como “A Princess of Mars” (1970); y la muralista Judy Baca, cuya trayectoria enlaza con referentes como Diego Rivera y el artista urbano JR.

La exposición subraya la tradición de la ilustración literaria con creadores como N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Norman Rockwell, Thomas Hart Benton, Jessie Willcox Smith, Beatrix Potter (Peter Rabbit), E.H. Shepard (Winnie-the-Pooh) y Jacob Lawrence.

El manga y el anime son elementos notables, junto con la novela gráfica y el cómic. Obras de Jack Kirby (Capitán América y X-Men), Frank Miller (Sin City), Mœbius (Alien) y Alison Bechdel (Fun Home) suman diversidad a la muestra, en línea con lo informado por Artnet News.

La fotografía y el muralismo completan la oferta inicial. Junto a Baca, Rivera y JR, el museo presentará imágenes de Robert Capa y Gordon Parks en diálogo con el archivo fotográfico de Lange. Esta pluralidad de medios y estilos asegura una inauguración variada, que abarca desde grandes murales públicos hasta ilustraciones infantiles y memoria afroamericana.

El enfoque curatorial y los relatos visuales

El museo se organiza en torno a dos grandes ejes curatoriales. Por un lado, galerías temáticas sobre temas como amor, familia, comunidad, trabajo, educación, deporte y aventura. Por otro, salas enfocadas en artistas individuales del siglo XX.

La misión institucional, según la declaración recogida por el medio citado, es analizar “cómo los artistas representan los mitos fundamentales que nos ayudan a dar sentido al mundo”. De este modo, el museo busca atraer a diferentes públicos y superar la división entre alta cultura y formas populares, posicionando la narración visual como herramienta social y educativa.

La variedad de técnicas —escultura antigua, arte digital, muralismo, fotografía, cómic y animación— ilustra la evolución de los relatos gráficos. Las salas están diseñadas para dialogar tanto con especialistas como con familias, propiciando una experiencia participativa fiel al concepto de “templo del arte de todos”.

La arquitectura y las colecciones singulares del Lucas Museum

El edificio, realizado por Ma Yansong, resalta por su forma aerodinámica y líneas contemporáneas, convirtiéndose en un nuevo ícono de Exposition Park. Su diseño se inspira en la ciencia ficción, evocando los universos desarrollados por George Lucas.

Además de las galerías principales, el museo alberga espacios dedicados a los archivos de Star Wars: decorados, utilería y vestuario de la saga, así como elementos visuales que influyeron en el diseño arquitectónico.

La infraestructura incluye más de 9.000 metros cuadrados de salas de exhibición, permitiendo mostrar obras de gran formato y propuestas experimentales.

El proyecto, que inicialmente buscaba abrir en 2021, ha pospuesto su inauguración debido a retrasos de construcción y cambios en la dirección. En marzo del año anterior, Sandra Jackson-Dumont dejó la dirección del museo; en diciembre, la curadora principal, Pilar Tompkins Rivas, también salió de la institución.

Sin embargo, la orientación original permanece centrada en hacer del Lucas Museum un punto de encuentro para la creatividad y el relato visual.

El arranque del Lucas Museum of Narrative Art en septiembre de 2026 representa la culminación de décadas de coleccionismo y la apuesta de reunir a públicos diversos a través del poder de las historias visuales.

Tal como destaca Artnet News, la vocación institucional apunta a que el arte narrativo funcione como puente entre generaciones, articulando relatos que enriquecen la memoria colectiva y cultural.

La llegada del robot guía autónomo al Palazzo Madama de Turín ha modificado la manera en que los visitantes recorren la colección barroca del museo. R1, el robot desarrollado por el Instituto Italiano de Tecnología para el proyecto Convince y financiado por la Unión Europea, acompaña a los asistentes en su visita por el histórico palacio, según informó Artnet News.

R1 es un robot humanoide equipado con cámaras, brazos articulados y una batería con autonomía de dos horas. Se encarga de presentar la historia de la familia Saboya, así como de detallar las obras, tapices y muebles que conforman la exposición permanente.

La interacción se produce en la primera planta, ya que el dispositivo no opera en escaleras. Los visitantes pueden solicitar información adicional, pedir que avance o detener la explicación para personalizar su recorrido.

El robot guía realiza las visitas de manera autónoma. En diciembre de 2025 completó 30 recorridos, demostrando su capacidad para integrarse en el entorno museístico, según destacó Artnet News.

Se desplaza a poco más de 1,6 kilómetros por hora (alrededor de una milla por hora) y está diseñado para hacer más amena la experiencia sin reemplazar al personal humano, sino complementándolo mientras guía a grupos por los amplios salones del museo.

Según responsables del museo citados por Euronews, la función principal de R1 es brindar soporte al personal durante los picos de afluencia, cuando la cantidad de visitantes puede aumentar cerca de un 30%.

Los primeros comentarios recogidos reflejan un marcado interés: más del 80% de los usuarios reportan interacciones positivas con el robot, aunque algunos aún prefieren las explicaciones de los guías humanos para obtener mayor profundidad en los recorridos.

Desarrollo tecnológico y apoyo europeo al robot guía

La puesta en marcha de R1 es resultado del trabajo del Instituto Italiano de Tecnología y su interés por trasladar la investigación en robótica a contextos aplicados. El proyecto Convince recibió una financiación de EUR 4 millones de la Unión Europea, según consignó Artnet News, con el objetivo de perfeccionar la autonomía y la capacidad de corrección de errores en ambientes reales.

A diferencia de otras iniciativas de robótica, en el Palazzo Madama el foco está en garantizar la seguridad y la fiabilidad, ya que el espacio posee una gran riqueza artística y una circulación constante de personas.

El desarrollo apunta a que el robot colabore con los guías humanos, siguiendo una tendencia que ya han implementado otros museos internacionales desde 2018, como el Smithsonian, de acuerdo con el medio citado.

Retos tecnológicos y autonomía de R1 en el museo

El entorno del Palazzo Madama presenta desafíos técnicos: el edificio es extenso, las conexiones de red son inestables y se requiere un movimiento seguro entre los visitantes y las obras. R1 debe navegar entre obstáculos y solucionar imprevistos incluso cuando falla la conectividad.

En declaraciones recogidas por el medio, Lorenzo Natale, coordinador del proyecto Convince, explicó que el robot “puede perderse al no ubicarse correctamente, pero el sistema detecta la anomalía de inmediato”. Gracias a su software de corrección y el sistema de cámaras, consigue localizar nuevamente su posición y continuar con la visita.

La integración de inteligencia artificial y técnicas de aprendizaje, en un entorno tan exigente, convierte la experiencia de R1 en un avance para la robótica aplicada a escenarios reales. Esta autonomía en el museo representa, en opinión del Instituto Italiano de Tecnología, un paso fundamental para futuras aplicaciones, como destacó Artnet News.

Cada vez que R1 encuentra un obstáculo o se desorienta en su trayecto, analiza su entorno con las cámaras, reubica su posición y retoma la guía. Su capacidad para adaptarse y aprender sobre la marcha ilustra el potencial de la inteligencia artificial en espacios patrimoniales y museos europeos.

Este rastro se convirtió en el eje de la exposición “Paws on Parchment”, que explora la representación y el significado de los gatos medievales en el arte y la vida cotidiana de la Edad Media, según informó Smithsonian Magazine.

El documento, fechado en el siglo XV, permaneció resguardado hasta que el equipo del Walters Art Museum en Baltimore identificó la singular marca felina. Lynley Anne Herbert, curadora de libros y manuscritos raros de la institución, afirmó: “Estos detalles permiten tender puentes a través del tiempo, porque cualquiera que haya convivido con un gato entiende la experiencia del escriba”.

Herbert también señaló a Smithsonian Magazine que “muchas personas medievales adoraban a sus gatos igual que nosotros”.

Gatos en el arte y la vida medieval

El vínculo entre humanos y gatos medievales aparece en manuscritos, ilustraciones y libros de oración de distintas culturas.

La muestra incluye obras como una versión turca del Wonders of Creation, pieza islámica del siglo XIII que muestra un gato negro entre plantas, y un ejemplar del siglo XV, conservado en el Museo Nacional de Arte Asiático del Smithsonian, donde estos animales figuran en acuarela.

El recorrido exhibe además un libro de evangelios armenio del siglo XVII, encargado por una mujer llamada Napat para conmemorar a su familia, en el que abundan los gatos, presuntamente miembros de su hogar.

También se presenta la pintura Madonna y el Niño con un gato (siglo XV), en la que un gato acompaña al recién nacido Jesús. Según la explicación del museo, esta imagen hace referencia a una leyenda cristiana según la cual un gato tuvo cría junto a María en el pesebre.

La simbología felina se prolonga en el islam, donde el profeta Mahoma sentía un profundo aprecio por los gatos. Como reflejo de ese afecto, el sultán Baybars fundó en El Cairo un jardín destinado a refugiar y alimentar a los animales callejeros en el siglo XIII.

Smithsonian Magazine destaca que estos relatos y prácticas impulsaron el simbolismo y las leyendas acerca de los gatos en la época.

Entre el simbolismo y la vida cotidiana

Durante la Edad Media, estos animales eran valorados tanto por su compañía como por su eficacia en el control de plagas. Según Herbert, las enciclopedias medievales los describían como cazadores sobresalientes de ratones y ratas, un papel clave para la salud y el bienestar doméstico.

No obstante, su agilidad y la capacidad de ver en la oscuridad les conferían un aura enigmática. Esta dualidad se plasmaba en advertencias morales y en ilustraciones de los márgenes de los manuscritos, donde los gatos aparecen tocando instrumentos y representan el caos social y el desorden.

Herbert indicó que estas imágenes ilustran las consecuencias de invertir los roles sociales o alterar el orden natural.

Pese al trasfondo simbólico y contradictorio, en la vida diaria el gato era un aliado indispensable para proteger alimentos y prevenir enfermedades. Muchas familias dependían de estos animales para evitar daños por parásitos y preservar sus pertenencias, como detalla la exposición.

“Paws on Parchment”, abierta hasta el 22 de febrero de 2026 en el Walters Art Museum, ofrece una actualización contemporánea de la experiencia de los antiguos manuscritos. Tras su inauguración y en colaboración con el Baltimore Animal Rescue and Care Shelter, cuatro gatitos de acogida visitaron la galería y dos de ellos fueron adoptados por Herbert.

El paso de los gatos por documentos y obras de siglos pasados encuentra eco en el presente, enlazando una historia de convivencia que aún genera lazos emocionales inesperados. Así lo resalta Smithsonian Magazine en el cierre de su reportaje, tras la adopción y la presencia simbólica de los felinos en la exhibición.

La ciudad de Los Ángeles se prepara para recibir los Juegos Olímpicos de 2028, un evento que no solo transformará su infraestructura de transporte y movilidad, sino que también impactará en su panorama cultural. En este contexto, dos de los museos más relevantes de la ciudad, el Museo de los Pozos de Alquitrán de La Brea y el Centro Getty, han anunciado el cierre temporal de sus instalaciones. Esta decisión responde a la necesidad de modernizar y renovar sus espacios a fin de ofrecer una experiencia mejorada a los miles de visitantes que llegarán con motivo de la cita olímpica. La estrategia de cerrar ambos museos coincide con otros proyectos urbanos, como la ampliación del sistema de metro y la inauguración de nuevos espacios culturales, consolidando así la apuesta de la ciudad por presentarse ante el mundo con sus mejores galas.

El primer anuncio de cierre corresponde al Museo de los Pozos de Alquitrán de La Brea, ubicado en Miracle Mile. Este museo, inaugurado en 1977, nunca había sido sometido a una renovación integral desde su apertura. Por este motivo, se determinó que era el momento adecuado para emprender una transformación mayor, permitiendo que el recinto se adapte a las expectativas de los visitantes contemporáneos y a las exigencias de un evento internacional como los Juegos Olímpicos. El museo permanecerá abierto al público hasta el 6 de julio de este año, ofreciendo a los angelinos y turistas una última oportunidad de recorrer sus salas antes de que comiencen las obras.

La renovación del Museo de los Pozos de Alquitrán de La Brea estará a cargo de los estudios WEISS/MANFREDI y Gruen Associates, encargados de diseñar un espacio completamente nuevo tanto en su interior como en su exterior. El plan contempla la introducción de salas de exposiciones y laboratorios de vanguardia, pensados para ser observados por el público, así como un teatro inmersivo y espacios educativos tanto interiores como al aire libre. Uno de los elementos más destacados será la nueva terraza en la azotea, con vistas al parque circundante de cinco hectáreas y al reconocido friso de la Edad de Hielo del museo. Además, el nuevo diseño integrará el recientemente creado Centro Global Samuel Oschin para la Investigación de la Edad de Hielo, que potenciará las labores científicas y de divulgación del recinto. Todos estos cambios buscan articular el museo, los sitios de excavación, las instalaciones de investigación y el parque en un solo campus cohesionado, interconectado por un circuito peatonal de un kilómetro que facilitará el recorrido de los visitantes.

Antes de cerrar sus puertas, el Museo de los Pozos de Alquitrán de La Brea celebrará una serie de eventos especiales que permitirán a los visitantes disfrutar por última vez de su atmósfera original. El 12 de junio, se realizará una edición especial de KCRW Summer Nights, que ofrecerá acceso gratuito al museo fuera del horario habitual y actividades especiales. El 27 de junio, tendrá lugar una fiesta de baile con temática disco bajo el nombre de “Last Dance at La Brea Tar Pits”. Además, los residentes de Los Ángeles pueden acceder al museo sin costo de lunes a viernes entre las 15:00 y las 17:00, una invitación a aprovechar las últimas semanas antes del cierre. Estas actividades buscan despedir el museo en su versión actual y preparar el terreno para la transformación que se avecina.

Durante el período en que el museo permanezca cerrado, las emblemáticas atracciones al aire libre, como los pozos de alquitrán y el Pozo del Lago con la famosa familia de mamuts, seguirán en funcionamiento. Estas áreas continuarán recibiendo visitantes y se prevé que, con la próxima apertura de las Galerías David Geffen en el LACMA, los pozos atraigan aún más público. La investigación científica y las excavaciones tampoco se detendrán: los arqueólogos proseguirán con la extracción de fósiles, una tarea que han realizado durante casi 120 años, garantizando así la continuidad de la labor educativa y científica del sitio.

En el caso del Centro Getty, la institución permanecerá abierta hasta el 15 de marzo de 2027. Aunque las obras no implican una renovación estructural completa, el museo ha anunciado la “serie de iniciativas de modernización más significativa desde su inauguración en 1997”. Entre las mejoras previstas se encuentran un vestíbulo renovado, una nueva cafetería-librería, espacios comerciales, galerías modernizadas, nuevas obras encargadas a artistas y mejoras en los edificios y áreas públicas. También se reforzará la conectividad móvil y Wi-Fi, con una atención especial en la sostenibilidad. El tranvía eléctrico que transporta a los visitantes hasta el museo recibirá mejoras, junto con una experiencia de llegada y salida más accesible. El objetivo es reabrir en la primavera de 2028, coincidiendo con los Juegos Olímpicos y Paralímpicos.

Mientras el Centro Getty esté cerrado, la Villa Getty, situada en la costa y que reabrió el verano pasado tras el incendio de Palisades, continuará abierta. Además de su colección de antigüedades griegas y romanas, albergará temporalmente una selección de pinturas del Centro Getty, evocando la época en que la villa funcionaba como la única sede artística del Getty. Frente al Centro Getty, en el Bulevar Sepúlveda, un nuevo edificio servirá como espacio para eventos y programas culturales, el cual permanecerá activo incluso después de la reapertura del museo principal.

Hasta la llegada de la fecha de cierre, el Centro Getty mantiene una nutrida programación. Este verano continuará con su popular ciclo de conciertos Off the 405 y una variada agenda de exposiciones. Entre las actividades más esperadas destaca la muestra “Paul R. Williams: Arquitectura que trasciende las barreras raciales”, que se inaugura el 16 de diciembre y estará dedicada al arquitecto afroamericano que contribuyó a modelar el actual perfil arquitectónico de Los Ángeles.

El recinto forma parte de la ruta turística Caminos del Papa León XIV, un circuito que recorre diversos puntos de interés en la región. A unos 20 kilómetros de Chiclayo, el museo no solo ofrece una mirada al pasado religioso de la zona, sino que también permite conocer los aportes científicos de Ruiz Gallo, cuya obra abarcó tanto el ámbito civil como el militar.

En el interior del museo se conservan escritos originales, fotografías y planos elaborados por el propio Ruiz Gallo. Entre ellos destacan los diseños de máquinas voladoras que, para su época, representaban conceptos adelantados a su tiempo y que hoy son considerados hitos en la historia de la ingeniería peruana.

Aportes a la aeronáutica

Uno de los principales atractivos es el ornitóptero, un prototipo de máquina voladora a motor concebida para transportar hasta 12 personas. Este diseño contemplaba la posibilidad de ascenso vertical y el uso de hélices, características que anticipaban principios básicos de la aviación moderna.

Asimismo, se exhibe el prototipo de un helicóptero ideado por Ruiz Gallo incluso antes del inicio de la Guerra del Pacífico. Según especialistas, este invento pudo haber cambiado el curso de la historia si hubiera recibido el respaldo necesario para su desarrollo y ejecución.

Innovaciones militares

Durante la Guerra del Pacífico, el científico ofreció sus conocimientos al gobierno peruano con el objetivo de frenar el avance de la flota chilena. En ese contexto, diseñó uno de los primeros prototipos de torpedos submarinos, una tecnología innovadora para la época.

Sin embargo, su trabajo en este campo terminó en tragedia. Ruiz Gallo falleció de manera accidental mientras desarrollaba uno de estos dispositivos, lo que significó la pérdida de uno de los principales talentos científicos del país en un momento crítico de su historia.

Valor histórico y legado científico

Además de sus aportes a la aeronáutica y la ingeniería militar, Pedro Ruiz Gallo destacó como médico y relojero. Entre sus contribuciones se encuentra el desarrollo de un fluido vacuno contra la viruela, que permitió salvar numerosas vidas, así como la construcción de un reloj monumental para la ciudad de Lima.

Su figura es recordada como la de un inventor integral, cuya visión abarcó distintas disciplinas y cuya obra sigue siendo objeto de estudio y reconocimiento. En ese sentido, el museo en Eten cumple un rol fundamental en la preservación y difusión de su legado.

Atractivo turístico y cultural

La casa museo de Pedro Ruiz Gallo se ha convertido en un punto de interés para visitantes nacionales y extranjeros, al integrarse a una ruta turística que combina historia, cultura y religión. Este espacio permite a los visitantes conocer de cerca la vida y obra de uno de los personajes más importantes de la historia peruana.

A través de sus exhibiciones, el museo no solo rescata la memoria de Ruiz Gallo, sino que también pone en valor el aporte de la ciencia peruana al desarrollo global. De esta manera, se consolida como un lugar clave para comprender el papel del país en los avances tecnológicos del siglo XIX.

Vida del genio peruano

Pedro Ruiz Gallo nació en la Villa de Eten, Lambayeque, en 1838, y desde su infancia mostró una inclinación por la mecánica y la ciencia. Tras la temprana muerte de sus padres, se trasladó a Chiclayo, donde trabajó como ayudante de relojero. Ingresó al ejército a los 15 años y ascendió rápidamente, pero su interés por la ciencia lo llevó a realizar aportes en diversas áreas. Destacó en el campo de la medicina al desarrollar una vacuna eficaz contra la viruela y en la relojería, donando un reloj público a la iglesia de Chachapoyas y construyendo el reloj monumental de Lima.

Ruiz Gallo también se adelantó a su tiempo al publicar un tratado sobre la navegación aérea, posicionándose como precursor de la aeronáutica. Su vida terminó de manera trágica en 1880, cuando trabajaba en la fabricación de torpedos durante la Guerra del Pacífico, enfrentando la amenaza chilena. Sus restos reposan en la Cripta de los Héroes y su legado como inventor, militar y visionario sigue presente en la memoria colectiva del Perú.

“Salzburgo no es lugar para mi talento”, escribió Wolfgang Amadeus Mozart sobre su ciudad natal austriaca. De hecho, su familia pasó gran parte del tiempo allí planeando marcharse. Su padre, músico de la corte, se ausentaba con frecuencia para llevar a sus hijos de gira, presentándolos en conciertos por toda Europa. Pero si bien los Mozart no amaban Salzburgo, la ciudad nunca ha perdido el cariño por Wolfgang.

Estos lugares están bajo la supervisión de la Fundación Mozarteum de Salzburgo, que conserva una vasta colección de objetos e instrumentos musicales. Varias de sus piezas, como el clavicordio portátil manchado de tinta en el que Mozart compuso La flauta mágica, se pueden ver en la exposición Tesoros de la Fundación Mozarteum de Salzburgo, en la Biblioteca y Museo Morgan de Nueva York hasta el 31 de mayo.

La exposición y su catálogo abarcan toda la vida y el legado del compositor, pero gran parte de ella se centra en sus años de formación en Salzburgo, con objetos que ilustran cómo un niño de talento aparentemente prodigioso se convirtió en el Mozart que conocemos hoy. Aquí presentamos tres de esos objetos:

Su violín de la infancia

El padre de Wolfgang, Leopoldo, le regaló este violín cuando tenía 6 o 7 años. Mucho más pequeño que el tamaño estándar, fue fabricado con abeto y arce por Andreas Ferdinand Mayr, uno de los músicos de la corte de Leopoldo. El violín destaca más por su procedencia que por su sonido, que es modesto y algo nasal. Pero también es notable por su excelente estado de conservación: sobrevivió a los años de infancia itinerantes de Wolfgang, a su custodia en casa de Nannerl y, posteriormente, a una propiedad privada, antes de llegar al Mozarteum en 1896.

Cuando Wolfgang recibió el violín, ya improvisaba y componía para instrumentos de teclado, que aprendió con una facilidad asombrosa. Le tomó cariño al violín y comenzó a componer sonatas para él; estas son algunas de sus primeras obras con varios movimientos y una forma más amplia y madura. Le siguieron cuartetos, junto con una serie de conciertos que se han convertido en piezas fundamentales del repertorio.

La música de Nannerl

Este fragmento es el único trozo de música que se conserva compuesto por Nannerl, la hermana mayor de Wolfgang. Fue la primera niña prodigio de la familia Mozart y aprendió de un cuaderno que Leopold le regaló cuando tenía siete años. Este cuaderno contenía piezas escritas por diversos compositores, copiadas a mano y ordenadas por dificultad. Wolfgang también aprendió de la misma colección y luego comenzó a componer su propia música.

Tras la muerte de Wolfgang en 1791, Nannerl se convirtió en su primera biógrafa. Seguramente también escribió. Las cartas de su hermano expresan asombro ante su habilidad, pero durante mucho tiempo los estudiosos tuvieron que creerle sin más. Recientemente, se descubrió la conclusión de una partitura suya en una colección donada al Museo Morgan en 2019. Ahora, los tres fragmentos se han reunido y se exhiben en forma de facsímiles y un manuscrito, ofreciendo la impresión más clara posible de su música.

El ‘Rondo alla Turca’

La infancia de Wolfgang, transcurrida en la carretera, lo salvó del provincialismo al que habría estado confinado en Salzburgo. Y a medida que maduraba hasta convertirse en un maestro en constante evolución, incorporó sus experiencias cosmopolitas a su música, para deleite del público de entonces y de ahora.

Por ejemplo, el final de su Sonata para piano en La mayor (K. 331), más conocida como el Rondó a la turca, cuyo manuscrito de copista se puede ver en la Morgan, comienza con una de las melodías más famosas de la música. Con reminiscencias de las bandas militares turcas populares en Viena en aquella época, fue prácticamente concebida para ser un éxito, con ritmos vibrantes, ornamentación traviesa y un tema exótico y cautivador que se repite una y otra vez.

Al igual que gran parte de la música de Mozart, el Rondó también está al alcance de los músicos aficionados, lo que permitió que se escuchara en hogares de toda Austria cuando se publicó en 1784. Sigue siendo irresistible para los jóvenes pianistas que quieren lucirse, al igual que el pequeño Wolfgang en su juventud.

Fuente: The New York Times

El jefe judicial de la provincia de Hormozgán, Mojtaba Qahremani, informó sobre la localización y decomiso de fragmentos de armamento utilizados en el ataque a una escuela femenina de Minab, elementos que serán objeto de análisis pericial en el contexto de una investigación que podría culminar en la presentación del caso ante organismos judiciales internacionales. Según publicó el Gobierno de Irán a través de sus canales oficiales, este proceso constituye una de las respuestas implementadas por las autoridades tras el bombardeo que provocó cuantiosas muertes infantiles y civiles, atribuido a acciones conjuntas de Estados Unidos e Israel.

De acuerdo con el balance más reciente compartido por las autoridades iraníes y reportado por el medio, el saldo de víctimas mortales de la ofensiva iniciada por sorpresa el 28 de febrero asciende a más de 1.200 personas, cifra extraoficialmente incrementada a 3.000 por la organización Human Rights Watch in Iran, una entidad con sede en Estados Unidos, la cual indicó que la mayoría de las víctimas eran civiles. La intervención militar, señalada por Irán como una acción extranjera, centró la atención internacional debido al elevado número de muertes, entre ellas más de 160 alumnas en la escuela de Minab, ubicada en la provincia de Hormozgán.

Según consignó el Gobierno de Irán y medios oficiales iraníes, se han adoptado medidas para transformar el edificio afectado por el bombardeo en un museo conmemorativo, con el objetivo de preservar el recuerdo de los llamados “mártires” y la memoria de la tragedia. El gobernador de Hormozgán, Mohamad Ashuri Taziani, afirmó que la escuela representa evidencia física de las consecuencias del ataque y ha insistido en la necesidad de documentar y registrar los hechos para asegurar su permanencia en la memoria colectiva. El funcionario declaró: “Esta escuela es una prueba de la criminalidad de los estadounidenses y debe ser registrada y documentada para preservar la memoria histórica de la nación iraní”.

El proyecto anunciado contempla que la institución educativa, conocida como Shajaré Tayebé, será reconstruida en otra zona de la ciudad y contará con una propuesta arquitectónica especial, según detalló el comunicado del Gobierno iraní recogido por plataformas oficiales. Esta decisión se inscribe en la respuesta local ante la severidad del ataque, que impactó significativamente a la comunidad educativa y a las familias de las víctimas.

El medio informó que Estados Unidos ha reiterado su intención de investigar los hechos vinculados al bombardeo. Las autoridades estadounidenses, incluidas declaraciones del presidente Donald Trump difundidas por medios internacionales, han sostenido que sus propias pesquisas buscan esclarecer el incidente. No obstante, Trump declaró públicamente, sin aportar pruebas, que el ataque podría haber sido perpetrado por Irán, a pesar de la evidencia del empleo de misiles tipo ‘Tomahawk’, armamento que según el propio Gobierno de Washington no se encuentra en poder de Teherán.

El bombardeo a la escuela y la posterior ofensiva han sido motivo de múltiples balances y evaluaciones desde fuentes oficiales y no gubernamentales. Según publicó Human Rights Watch in Iran, las cifras de fallecidos han continuado subiendo, alimentando el debate en la comunidad internacional sobre la proporcionalidad y las consecuencias humanitarias de las acciones militares en el país. La ONG puso énfasis en la elevada presencia de mujeres y menores entre las víctimas mortales, remarcando el impacto en la población civil.

El proceso de investigación judicial local, al que hicieron referencia autoridades iraníes, busca esclarecer los detalles técnicos y balísticos del ataque mediante el análisis de los fragmentos de las armas recolectados, pieza clave para la posible argumentación futura en tribunales internacionales. Informó el medio que la administración provincial sostiene que la preservación de las pruebas contribuirá al establecimiento de responsabilidades en el marco del derecho internacional.

Según reportó el Gobierno iraní, el plan para construir el museo en el sitio afectado se articula en torno al propósito de resguardar y transmitir el significado histórico de los hechos para las generaciones siguientes. Las autoridades locales consideraron que la destrucción de la escuela representa no solo una pérdida material, sino también un daño significativo al tejido social y cultural de la comunidad.

A lo largo de las comunicaciones oficiales, se ha insistido en la tipificación del ataque como un acto de hostilidad de potencias extranjeras contra la población civil, posicionando la tragedia como evidencia de la vulnerabilidad de los centros educativos ante el conflicto armado. Según detalló el Gobierno de Irán en sus plataformas, la reconstrucción de la Shajaré Tayebé y la creación del museo forman parte de un esfuerzo institucional más amplio para afrontar las secuelas del episodio y resguardar la memoria nacional.

El contexto de la ofensiva militar, sus implicancias y la respuesta local al ataque han generado amplias reacciones tanto dentro de Irán como en el ámbito internacional. Las investigaciones continúan en curso, mientras la administración iraní mantiene su postura de denuncia ante organismos multilaterales y reafirma el enfoque de memoria y documentación como componentes centrales en la gestión de la tragedia, según consignó el medio.

En diálogo con Infobae Colombia, Daniel Escobar Cadavid, sobrino nieto de Pablo Escobar Gaviria, expuso detalles sobre el museo ‘La última caleta’, que inauguró junto a su hermano en la piedra y el embalse de El Peñol, en Antioquia.

Frente a las críticas que suelen recibir estos espacios, Escobar Cadavid precisó que su objetivo no es hacer apología al narcotráfico.

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El nieto de Roberto Escobar, conocido como “el Osito”, relató el origen de la iniciativa, concebida para contar desde su perspectiva la historia del líder del cartel de Medellín y el impacto que tuvo la guerra contra el Estado colombiano en su familia.

“La idea de ‘La última caleta’ nace de mi hermano Nicolás; él insistía en que debíamos contar la verdad de la familia en la zona. Nicolás venía realizando un proceso de turismo y durante los recorridos escuchaba mentiras. Se empeñó en corregir eso y por eso llegamos a la piedra. El proyecto inició hace unos cinco años”.

No todos los objetos exhibidos permanecieron décadas bajo custodia familiar. Daniel y Nicolás Escobar, hijos del hijo del “Osito”, emprendieron la búsqueda de piezas auténticas vinculadas a su historia familiar.

“Uno de los primeros artículos que se compró fue el Wetbike; ese se compró por su historia, se trae de lejos. Se llama ’La última caleta’ porque es donde se van a encontrar las últimas cosas que pertenecieron a Pablo y estaban guardadas. Para nosotros saber si algo fue de nuestra familia es fácil. Llegan muchas personas mostrando cosas, pero uno ya sabe lo que fue de nosotros y lo que no. Obtener las cosas ha sido un trabajo largo”.

Daniel Escobar reconoció que uno de los retos ha sido identificar elementos con los que podrían haber sido engañados, por lo que la mayoría han sido adquiridos en subastas certificadas, incluyendo algunas del Estado colombiano.

“La gente va a ver que siempre hay objetos nuevos. Siempre queremos comprar más objetos que se subastan en Internet, objetos que tienen personas, y así vamos recuperando la historia. También hay objetos personales que con la familia reunimos; nuestro tío y nuestro papá han ayudado con varias cositas”.

Ante la discusión de un proyecto de ley que pretende prohibir la venta de productos alusivos a Pablo Escobar, bajo el argumento de que afectan negativamente la imagen del país, Escobar Cadavid describió su relación con los comerciantes de El Peñol.

“El trato en la piedra es excelente, no tuve ningún problema, nos han recibido bien. Al principio había personas que no hicieron parte de la historia, sino que veían a Pablo solo en series; tenían recelo. Hoy trabajamos con todos, con el 100% tenemos buena relación y las personas se han dado cuenta del beneficio para la región. Venimos a generar empleo y nos sentimos queridos”.

Explicó que, dada la polarización que genera el apellido Escobar, una de las decisiones más relevantes fue no contratar promotores para atraer visitantes al museo.

“Los turistas, la mayoría saben que Pablo Escobar tiene una historia. Los que no gustan son respetuosos y se quedan con la historia de lo malo. Hay quienes lo idolatran y vienen a buscar historias de la familia”.

Escobar Cadavid reiteró que no buscan glorificar el narcotráfico, sino lo contrario: compartir la experiencia de quienes fueron víctimas directas de la violencia ligada al negocio ilícito y al apellido.

“Nosotros no le hacemos apología del crimen, entendemos que se hizo mal y nosotros contamos nuestra historia. Si quisiéramos que se repitiera la historia, estaríamos trabajando en lo mismo que mi familia. Hoy queremos hacerlo legalmente y contarles a las personas que piensan que es algo de Hollywood, que entiendan que meterse en eso afecta a la familia. Siempre mostramos otra cosa; ya lo malo la gente lo sabe. Mostramos también su pasión por los carros, el color favorito, cosas simples que a los turistas les interesa conocer”.

El copropietario de ‘La última caleta’ reconoció que hay momentos en los que su relato es positivo para referirse a Pablo Escobar, pero pidió que las personas entiendan que él está hablando de su tío, aunque eso implique mencionar a alguien que le hizo daño al país. “Yo soy realista, si me vienen a hablar sobre cosas que se hicieron mal, pues es la realidad, pero es que somos familia y nos acordamos de lo bueno”.

Daniel Escobar mencionó los aspectos negativos del turismo que encontraron cuando abrieron el museo, lo que incluía historias falsas sobre su familia y comentarios positivos sobre el narcotráfico.

“La idea nace de las mentiras, todos los días dicen cosas. Eso no fue fácil y a mi familia le tocó vivir con eso. Decir una realidad, nuestra realidad, ha provocado que se tenga miedo de lo que se vivió en la guerra. Mi familia no es lo que han mostrado en las series, no todo fue así y en la región se habla mucho, dicen que en La Manuela estuvimos y las fechas no dan, mi familia no estaba en el país. Por eso empezamos a contar lo que pasó desde nuestro punto de vista. Acá dicen historias en las que cruzan lo de todos los narcos y a los turistas eso les parece una maravilla; eso sí es apología al crimen, porque ellos van a querer convertirse en Pablo Escobar”.

Por último, invitó a que los turistas que visiten la región les den una oportunidad para conocer la verdad de la familia Escobar, que incluye relatos de cómo se escondieron para no ser asesinados por los enemigos del cartel de Medellín, lo que les hizo entender que el dinero ilícito solo genera problemas.

“Las personas salen diciendo que les contamos una historia totalmente diferente, salen queriendo investigar más, no se van con la imagen del delito, sino con datos diferentes de la familia, de otra verdad, que es nuestra verdad. En este lugar encuentran historias de los caballos, artículos de la época, fotografías antiguas e inéditas, obras de arte. Acá queremos mostrar todas las facetas y sus historias, incluso historias del embalse. Me atrevo a decir que tenemos el lugar de la familia que tiene más historia. Queremos ser el museo de Pablo Escobar más completo del mundo”.

Han transcurrido 33 años desde la muerte de Pablo Escobar Gaviria, líder del cartel de Medellín y considerado el narcotraficante más buscado en la historia de Colombia. Aunque ha pasado el tiempo, su vida continúa siendo tema de conversación.

La historia del capo y el impacto que tuvo en Colombia durante más de una década sigue atrayendo atención a través de series y películas, así como en sitios dedicados a la memoria de la familia Escobar. El más reciente de estos espacios afirma ser ‘La última caleta’ del criminal antioqueño y está gestionado por dos de sus sobrinos.

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En la piedra y el embale de El Peñol, entre el municipio que tiene el mismo nombre y Guatapé, en Antioquia, Daniel y Nicolás Escobar Cadavid, hijos de Nicolás Escobar Urquijo y nietos de Roberto Escobar Gaviria, “el Osito”, han instalado dos museos en los que cuentan detalles sobre su vida y la de su familia cuando fueron perseguidos por los enemigos del cartel de Medellín.

La primera sede está en la piedra de El Peñol

En el atractivo turístico que recibe más de tres millones de visitantes al año, donde los asistentes pagan 35.000 pesos para ascender los más de 700 escalones del monumento natural desde el que se aprecia en su totalidad el embalse de El Peñol, los Escobar Cadavid inauguraron un museo de dos pisos. En este espacio exhiben objetos pertenecientes a Pablo Escobar y su familia, piezas que han recuperado durante cinco años.

Los interesados pueden observar la colección de jet ski de la familia Escobar Cadavid, incluyendo el Wetbike que Pablo Escobar adquirió para la Hacienda Nápoles porque lo vio en una película de James Bond.

En el lugar hay una lancha que en su momento costó un millón de dólares y elementos que Daniel y Nicolás recibieron como regalo durante su infancia, que describen como una “jaula de oro” por los lujos que tenían, pero sin la posibilidad de vivir como niños convencionales, ya que tenían prohibido hablar sobre su familia en el colegio o confiar en las personas que se les acercaran.

Debido a las críticas que recibieron por parte de figuras políticas cuando abrieron el museo, los hermanos Escobar Cadavid mostraron el interior de uno de los vehículos restaurados, en el que turistas extranjeros firman billetes de su país para luego dejarlos al interior, con lo que buscan explicar que ellos no son culpables del interés que sigue generando Pablo Escobar en la actualidad.

Los que pagan por el recorrido también pueden observar una gran cantidad de fotografías del álbum de la familia Escobar, la mayoría fueron pedidas por Daniel y Nicolás a sus tíos para mostrar elementos inéditos de la época.

Toda la historia de los objetos que están exhibidos en el museo es explicada por Daniel y Nicolás Escobar Cadavid, que afirman que su objetivo es que las personas que visitan Guatapé conozcan la verdad sobre su familia, puesto que descubrieron que en los recorridos los guías hablan a los turistas sobre historias “fantasiosas” de la presencia Pablo Escobar en la región.

Los relatos incluyen las fiestas que realizó el capo junto a su familia en la finca La Manuela, a pesar de que esta propiedad no terminó de ser construida y allí se registró una explosión ordenada por Los Pepes antes de que pudiera ser inaugurada, descartando que los allegados del capo hubieran protagonizado celebraciones en ese lugar.

El resto de la historia se expone en el embalse

Precisamente, frente a La Manuela, propiedad que fue vendida por la Sociedad de Activos Especiales (SAE) a un privado por más de 7.000 millones de pesos en el embale de El Peñol, los hermanos abrieron la segunda sede del museo en una propiedad que perteneció a su tío Argemiro Escobar Gaviria y por la que hoy pagan un arriendo para exponer elementos que pertenecieron a su familia.

En el parqueadero de la propiedad son exhibidas camionetas de la familia Escobar y el resto de la colección de jet ski, además de otro tipo de embarcaciones y objetos que Daniel y Nicolás recuperaron a través de subastas, la mayoría por parte del Estado.

Al interior de la vivienda, en la primera planta, hay obras de arte que fueron adquiridas por la familia Escobar, una mesa de billar en la que recuerdan, por testimonio de su abuelo, que Pablo Escobar y alias El Mexicano apostaron una camioneta, y elementos del criadero de caballos que perteneció al “Osito” en los 80.

En ese lugar exhiben fotografías de ‘Terremoto de Manizales’, el caballo favorito de Roberto Escobar que fue secuestrado y castrado por Los Pepes.

En las habitaciones de la finca hay elementos de la familia Escobar como fotografías, elementos de los aviones que han adquirido en subastas y hasta una de las ruanas que Hermilda Gaviria, madre de Pablo Escobar, obsequió al capo y al padre García Herreros antes de la entrega del líder del cartel de Medellín en 1991.

Además de las excentricidades que tuvo su familia, Daniel y Nicolás buscan hablar de aspectos poco conocidos, incluyendo elementos favoritos de Pablo Escobar y hasta una colección familiar de botellas de Coca-Cola, que se convirtió en un elemento que no podía faltar en el regreso tras cada viaje para tener una especie de registro sobre los países que visitaron durante el auge del emporio criminal, época en la que a los hermanos y sobrinos del capo no les importaba lo que pudieran gastar diariamente.

Nicolás y Daniel afirman que en este lugar se enfocan en contar la versión de la historia que no ha sido escuchada, la de una familia que disfrutó del dinero del narcotráfico y, como consecuencia, fue perseguida constantemente hasta que los obligó a aislarse por completo durante varios años, en los que la rutina incluía cambiar de propiedades y desconfiar de todas las personas, ante la posibilidad de ser “vendidos” y asesinados, lo que no todos pudieron evitar.

En diálogo con Infobae Colombia, Daniel Escobar Cadavid, sobrino nieto de Pablo Escobar, habló sobre una de las razones que le hizo entender cuando niño el poder adquisitivo que tenía su familia durante el auge del cartel de Medellín.

De hecho, en una de las habitaciones de “La última caleta”, nombre que tiene el museo que abrió junto a su hermano Nicolás Escobar en El Peñol, el nieto de Roberto Escobar “el Osito”, exhibe una colección de botellas de Coca-Cola que su familia trajo a Colombia de diferentes lugares del mundo.

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“En esa habitación hay varias botellas que Pablo compró en las giras o viajes que hizo para conocer otras culturas y cosas del primer mundo. Hay Coca-Cola de todo el mundo; mis tías y nosotros, imitando a Pablo, comenzamos a coleccionar eso con el paso del tiempo”.

Escobar Cadavid desconoce el motivo por el que su tío comenzó a adquirir botellas de esa gaseosa durante los viajes, alejándose del odio que tenía el capo por todo lo ligado a Estados Unidos.

“Es algo que marca la historia: él coleccionó Coca-Cola y Harley Davidson, pero Pablo no es que hablara bien de Estados Unidos. Vos ves, y en las fotos siempre tomaba esa gaseosa y compraba esas motos. Hay que aclarar que él prestó la Hacienda Nápoles para un comercial de Naranja Postobón, pero él tomaba era Coca-Cola”.

Para Daniel Escobar, la colección de botellas que presenta en el museo es la muestra del poder que llegó a tener el líder del cartel de Medellín, que tras adquirir objetos millonarios, en un momento se sintió atraído por tener objetos de poco valor, pero que podía encontrar en cualquier parte del mundo.

“Eso era lo que le gustaba. No era una persona extravagante; eso sí, tuvo de todo. Llegó al punto de que le apasionaba conseguir botellas de la marca, que podrían valer un euro o un dólar. Sin embargo, las colecciones importantes tenían obras de arte y demás”.

Al hablar de otras cosas que coleccionó su familia, el hijo de Nicolás Escobar Urquijo mencionó que lo que más le llamó la atención es la cantidad de plantas y árboles que compraron en su momento.

“Además del safari de la Hacienda Napoles, tuvieron colección en Manizales; hablamos de dos loras negras. Mi papá tuvo alacranes de todo el mundo. La gente no sabe, pero en mi familia se coleccionaron árboles exóticos. Ellos llegaban a un territorio y hacían mover los árboles a otras zonas. Una cantidad de los árboles que hay a los lados de sus propiedades son porque los llevaron”.

Entre sus anécdotas, recordó una tortuga gigante que tenían en una de sus propiedades, que con el paso de los años le hicieron entender la cantidad de excentricidades que llegaron a adquirir.

“Se llegó a un punto de poder coleccionar una gaseosa, pero también árboles que estaban a punto de desaparecer. Por ejemplo, tuvimos una tortuga de la isla Galápago, la tuvimos con mi hermano y ahora los expertos nos dicen que era un delito, pero nosotros nos montábamos en ella como si fuera un caballo”.

En la actualidad, los hermanos Escobar Cadavid hablan de los lujos que llegaron a tener cuando niños, incluyendo las historias que su padre relata sobre los juguetes, como la espada de Bolívar, que tenía junto a sus primos en las cajas de objetos que poco utilizaban.

“Mi hermano y yo nos sentamos a analizar la vida y hoy nos damos cuenta de las cosas que vivíamos como niños. Maduramos rápido, llevábamos una doble vida, pero era una realidad grande. Tuvimos carros, motos, un frasco que vendieron carísimo porque decían que era polvo lunar; era un tarro que teníamos en la sala y nosotros lo regalábamos a unos niños, y eso a mi papá le valió un montón de plata. Son extremos, tal es el punto que la familia tuvo hasta la espada de Bolívar”.

Si buscas un gesto romántico para este San Valentín, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) trae a la Ciudad de México una tradición inspirada en París: los Candados del Amor.

Ahora puedes personalizar tu candado y dejarlo como símbolo de tu historia en las jardineras del museo, en pleno corazón de la colonia Roma.

¿Dónde y cuándo sellar tu amor con un candado en CDMX?

El MODO invita a parejas, amigos y familias a participar en la actividad “Candados del Amor”, disponible los días 13, 14 y 15 de febrero de 11:00 a 17:00 horas.

El museo está ubicado en Colima 145, Colonia Roma. El plan es sencillo: lleva tu candado o adquiérelo en la tienda del MODO, decóralo y cuélgalo en sus jardineras para dejar constancia de tu vínculo especial.

¿Cómo funciona la dinámica?

• Puedes traer tu candado desde casa o comprar uno en la tienda del museo.
• El MODO proporciona el espacio y los materiales para personalizarlo, tú pones la historia y el mensaje.
• Este ritual no solo es para parejas: puedes celebrarlo con una amiga, un familiar o incluso contigo misma.

El museo explica: “Porque el amor lo celebramos en todas sus formas. Nosotros ponemos el espacio, tú pones la historia”.

Un gesto simbólico y local

La iniciativa busca ofrecer un espacio alternativo, seguro y creativo para quienes desean dejar huella de su amor en la ciudad, sin necesidad de viajar a Europa para vivir una experiencia al estilo de los candados de París.

Además, el MODO promueve la participación de todo tipo de relaciones: románticas, de amistad o familiares.

Consejos para tu visita

• Llega temprano para elegir el mejor lugar en las jardineras del museo.
• Aprovecha para recorrer las exhibiciones del MODO y tomar fotos de recuerdo.
• Consulta las redes sociales del museo para más detalles y actualizaciones.

Enamórate de la ciudad y de sus espacios únicos: este San Valentín, tu historia puede quedar sellada en el corazón de la Roma.

Los aspectos más destacados de un conjunto de más de 200 cartas de amor que cuentan la historia del noviazgo y el matrimonio de una pareja durante la Segunda Guerra Mundial ahora están en exhibición digital a través de la Biblioteca Pública de Nashville, ofreciendo una imagen íntima del amor en tiempos de guerra.

Las cartas de William Raymond Whittaker y Jane Dean se encontraron en una casa de Nashville que había pertenecido a Jane y sus hermanos. Fueron donadas en 2016 a los Archivos Metropolitanos de Nashville.

Whittaker, conocido como Ray, era de New Rochelle, Nueva York. Se mudó a la capital de Tennessee para asistir a la históricamente afroamericana Facultad de Medicina Meharry, según Kelley Sirko, archivista metropolitana de la biblioteca. Allí conoció y salió con Jane, otra estudiante de la universidad.

La pareja perdió contacto cuando Ray se fue de Nashville. En el verano de 1942, fue reclutado por el Ejército. Estacionado en Fort Huachuca, Arizona, decidió restablecer el contacto con Jane, quien entonces trabajaba como técnica de laboratorio médico en la Universidad de Vanderbilt.

Una “agradable y triste sorpresa”

La biblioteca no tiene la primera carta de Ray a Jane, pero sí su respuesta. Lo saluda con cierta formalidad: «Estimado Wm R.».

“Fue una grata y triste sorpresa saber de ti”, escribe el 30 de julio de 1942. “Grata porque siempre tendrás un lugar en mi corazón y es bueno saber que piensas en mí de vez en cuando. Triste porque estás en las fuerzas armadas; quizá no debería decirlo, pero la guerra es muy incierta; sin embargo, me enorgullece saber que estás aportando tu granito de arena a tu país”.

Jane luego enumera —¿quizás como una pista?— una serie de conocidos en común que se han casado recientemente, mencionando a aquellos que han tenido hijos o se rumorea que los tendrán. Y termina: “Escríbeme, envíame un telegrama o llámame pronto. Con cariño, Jane”.

Una historia contada en cartas

“Es imposible no sonreír al leer estas cartas”, dijo Sirko. “De verdad que no. Y esta fue una mirada tan íntima a dos personas comunes durante una época realmente complicada de nuestra historia”.

Sirko afirmó que los archivistas de Nashville no han podido localizar a ningún familiar vivo de Ray y Jane, por lo que la mayor parte de lo que saben sobre ellos proviene de las cartas. La pareja no tuvo hijos, según el obituario de Ray, quien falleció en Nashville en 1989.

La donación también incluyó algunas fotografías y el parche de Ray de la fraternidad históricamente negra Alpha Phi Alpha.

Más allá de una historia de amor, la colección ofrece “una perspectiva inmediata de... cómo es abordar ciertas cuestiones raciales, de género, su trabajo, la vida de un soldado, todo eso”, dijo Sirko. Por eso, los archivistas querían hacerla más accesible al público.

Amor y dudas

Apenas dos meses después de las primeras cartas, el romance se ha intensificado. Ray ha sido asignado a Fort McClellan en Alabama, donde ayudará a organizar la reactivada —y segregada— 92.ª División de Infantería, que posteriormente combatió en Europa.

En una carta sin fecha de septiembre de 1942, le dice a Jane: “Tengo algo muy importante que decirte cuando te vea y te sorprenderá saber de qué se trata”.

“Quizás incluso te pida matrimonio. Nunca se sabe.”

Él la molesta diciéndole que si va a la escuela de formación de oficiales, podrá “obtener un jugoso salario”: alrededor de 280 dólares al mes si está casado y 175 dólares si es soltero.

“Realmente no puedo dejar mi exceso de dinero al gobierno y necesito que alguien me ayude a gastarlo”, escribe.

Al principio, Jane se muestra escéptica. “¿Qué te hace pensar que todavía me amas?”, pregunta el 23 de septiembre. “¿Es que te sientes solo y lejos de casa? Estoy segura de que quiero que me ames, pero no en esas condiciones”.

Una carta de Ray del 24 de septiembre es más seria. «Los acontecimientos cambian tan rápido hoy en día que uno no puede realmente planificar el futuro. Pero voy a tomar una decisión terminante en asuntos de suma importancia», escribe.

Ray dice que pensó que él y Jane no podrían estar juntos porque vivían tan lejos. Dice que salió con otras mujeres, pero «no encontré la compañía ni el amor que tanto anhelaba. Solo me encontré con problemas y más problemas».

Un ‘marido querido’

Pronto Ray la conquista y se casan el 7 de noviembre en Birmingham.

En una carta del 9 de noviembre, Jane se dirige a Ray como “mi querido esposo”. Está entusiasmada con el matrimonio, pero triste porque la pareja tiene que permanecer separada por ahora. Ella ya ha regresado a su trabajo y a su familia en Nashville, mientras que él ha regresado a la base militar.

“Es maravilloso tener un esposo tan dulce y encantador. Cariño, nunca sabrás cuánto te quiero. Lo único que lamento es no habernos casado hace años... Tal como están las cosas ahora, la incertidumbre es enorme y solo estamos juntos unas pocas horas felices. Pero quizás esta vieja guerra termine pronto y podamos estar juntos para siempre”.

Concluye: «Cariño, sé amable y escríbeme pronto. Quiero una carta de mi esposo. Recuerda que siempre te querré. Siempre, de tu esposa».

(con información de AP)

El arte textil contemporáneo peruano vive un renovado impulso gracias a la exposición “Homenaje al Señor de Sipán”, que destaca la conexión entre la memoria prehispánica y la innovación artística. Esta muestra constituye una invitación a redescubrir el legado mochica desde una perspectiva actual, abriendo nuevas posibilidades para el diálogo entre tradición y modernidad.

Desde el 23 de diciembre, el Museo Tumbas Reales de Sipán en Lambayeque acoge esta propuesta, que sitúa en primer plano el vínculo entre la creación textil y la herencia ancestral. La exhibición busca prolongar su presencia más allá de enero e incluso trasladarse a escenarios emblemáticos como el Museo de Sitio Huaca Rajada, epicentro del hallazgo arqueológico que redefinió la historia del norte peruano.

Fusión entre arte y memoria ancestral

Entre las obras más relevantes de la exposición destaca la representación conceptual del Señor de Sipán, realizada con aplicaciones de algodón nativo en urdimbres colgantes. Esta pieza evoca los antiguos textiles de cintura y actualiza un símbolo ancestral desde una perspectiva artística. El maestro artesano Dante Julián Bravo explicó a Agencia Andina que su creación responde a una visión artística y curatorial que trasciende lo puramente artesanal, renovando el diálogo entre el pasado mochica y el presente museístico.

El taller de Bravo, distinguido como Punto de Cultura por el Ministerio de Cultura, ha impulsado proyectos similares en el Museo de Túcume, la Dirección Desconcentrada de Cultura de Lambayeque y en la sede ministerial en Lima. Estas iniciativas han contribuido a consolidar la presencia del arte textil lambayecano en escenarios institucionales de relevancia nacional.

La exposición está compuesta por 24 piezas únicas, confeccionadas durante los últimos tres meses con la técnica de teñido en reserva. Los materiales, trabajados con tintes naturales, barro y cera de abeja, reflejan un profundo respeto por la iconografía mochica, que se convierte en el eje central de la propuesta.

Innovación y proyección del arte textil

Según Bravo, el propósito principal de la muestra es incentivar a otros artesanos de la región Lambayeque a desarrollar exposiciones artísticas en museos y centros culturales, ampliando así su visibilidad y acceso a mercados especializados. El enfoque curatorial convierte a estos textiles en verdaderos puentes entre la tradición y el arte contemporáneo.

El recorrido de “Homenaje al Señor de Sipán” incluye tapices y murales textiles, así como objetos complementarios como fundas de cojín, individuales y souvenirs. Estas piezas demuestran que la artesanía regional puede dialogar con los lenguajes contemporáneos en el ámbito museográfico, abriendo nuevas rutas para la innovación.

Bravo señaló a Agencia Andina que el proyecto “Túcume de Arte Textil” y la colaboración con el Centro de Innovación Tecnológica Turístico Artesanal Sipán (CITE-Sipán) han sido determinantes para gestionar la exposición bajo los protocolos museográficos establecidos, consolidando alianzas institucionales clave en el sector cultural de Lambayeque.

Mirada renovada al arte peruano

La exposición permanecerá abierta durante todo enero, permitiendo que visitantes locales y turistas reflexionen sobre el arte peruano contemporáneo a la luz de la historia ancestral. Este encuentro entre pasado y presente ofrece una oportunidad única para valorar el potencial de la creación textil regional y su capacidad para establecer un diálogo intercultural.

“Homenaje al Señor de Sipán” reafirma la importancia de la artesanía peruana como vehículo de memoria y renovación. La muestra demuestra que el arte textil, al reinterpretar símbolos ancestrales, puede proyectarse hacia el futuro sin perder su esencia, fortaleciendo así la identidad cultural de la región y del país.

Chichén Itzá se posicionó en 2025 como la zona arqueológica más visitada de México, con 2 millones de visitantes de enero a noviembre, según cifras de la Secretaría de Turismo

Este flujo constante superó al de cualquier otro sitio turístico del país, confirmando la preferencia de turistas nacionales y extranjeros por el emblemático centro maya de Yucatán. El atractivo de sus monumentos y su historia milenaria siguen cautivando a quienes buscan conocer el pasado prehispánico mexicano.

Durante el mismo periodo, Teotihuacán y su Museo de Sitio reportaron 1.6 millones de visitantes, mientras que Tulum fue visitada por 980 mil personas. Aunque estos sitios también generaron gran interés, ninguno alcanzó el nivel de afluencia registrado en Chichén Itzá, que se consolida como principal referente del turismo cultural en México.

El impacto del turismo cultural

El turismo cultural vivió un crecimiento destacado en 2025. La Secretaría de Turismo reportó que, entre enero y noviembre, 19.5 millones de personas visitaron museos y zonas arqueológicas en el país. De esa cifra, 9 millones optaron por explorar sitios arqueológicos, mientras que 10.5 millones acudieron a museos. Este repunte refleja el interés sostenido por el patrimonio mexicano y la riqueza de su oferta cultural.

En los museos, la mayor parte de los asistentes fueron mexicanos, representando el 89% del total, mientras que los extranjeros sumaron el 11%. El Museo Nacional de Antropología encabezó las preferencias, al concentrar el 43% de las visitas, seguido por el Museo Nacional de Historia y el Museo del Templo Mayor.

Historia y significado de Chichén Itzá

La Unesco reconoce a Chichén Itzá como uno de los principales centros de la civilización maya en la península de Yucatán, con casi mil años de historia. El sitio destaca por la fusión de estilos arquitectónicos mayas y toltecas, visible en monumentos como El Castillo, el Templo de los Guerreros y el observatorio El Caracol. Estas construcciones reflejan la sofisticación y el simbolismo de las culturas que ocuparon la ciudad.

El entorno de El Castillo alberga otros complejos monumentales, como el Gran Juego de Pelota y el Templo del Jaguar, considerados entre las obras más importantes de la arquitectura mesoamericana. La influencia de Chichén Itzá se extendió a toda la región, consolidándola como un referente del legado maya-tolteca.

Conservación y retos actuales

El éxito turístico de Chichén Itzá implica retos importantes en materia de conservación. La Unesco señala que el sitio recibe entre 3 mil 500 y 8 mil visitantes diarios, dependiendo de la temporada, lo que exige un mantenimiento constante para preservar su valor patrimonial. Amenazas como la erosión de la piedra caliza y el fuego requieren atención continua y recursos adecuados para garantizar la integridad de los monumentos.

La administración del sitio recae en el INAH y el Consejo de Unidades de Servicios Culturales y Turísticos del Estado de Yucatán, que coordinan acciones para su protección. La Unesco subraya la importancia de fortalecer los planes de manejo y los mecanismos de resguardo a largo plazo para evitar riesgos derivados del turismo masivo o del desarrollo inadecuado de infraestructura.

Entre los objetos recuperados por la Policía Nacional destaca la incautación de alrededor de 6.000 monedas de plata, junto con una considerable cantidad de monedas de oro de época romana, además de una parte de una corona visigoda de oro del siglo VI. Estos hallazgos, calificados como piezas arqueológicas de gran importancia patrimonial, fueron realizados en la provincia de León tras una amplia investigación. La operación policial terminó con la detención de siete personas en León, acusadas de pertenecer a un grupo criminal especializado en la sustracción y venta ilegal de tesoros arqueológicos en yacimientos de León y Valladolid, según informó la Policía Nacional y consignó el medio de comunicación.

El despliegue policial se basó en una serie de pesquisas iniciadas en enero, cuando los investigadores detectaron la oferta discreta de diversas monedas de oro y plata, además de piezas de oro atribuidas a un tesoro visigodo, durante un evento numismático celebrado en Andalucía. De acuerdo con la Policía Nacional, el individuo que realizó la oferta exigía elevadas sumas de dinero por estos objetos. Las investigaciones posteriores permitieron a los agentes estimar que el beneficio potencial por la venta de todas las piezas habría superado el millón de euros.

Tal como publicó la Policía Nacional, el modus operandi de los integrantes del grupo incluía la utilización de detectores de metales, uno de ellos dotado con tecnología multifrecuencia capaz de alcanzar profundidades extremas en el subsuelo, lo que les permitía encontrar objetos arqueológicos enterrados. Los sospechosos también se valieron de palas y picos, combinando herramientas sofisticadas con métodos tradicionales en su actividad ilícita. La coordinación mostrada por los integrantes del grupo quedó de manifiesto en sus desplazamientos, ya que ocultaban sus vehículos lejos de los yacimientos arqueológicos y se desplazaban a pie para minimizar el riesgo de ser detectados. Uno de los participantes se encargaba de transportar en coche a los otros miembros hasta las inmediaciones de los yacimientos y regresaba posteriormente al terminar la operación.

Según detalló la Policía, una vez que extraían los hallazgos, los implicados procedían a limpiar, clasificar y catalogar las piezas según su estado y calidad. Posteriormente, las vendían mediante plataformas digitales de compraventa, en grupos privados de redes sociales y, en ocasiones, directamente en el domicilio de uno de los miembros del grupo, donde compradores procedentes de diferentes puntos del país acudían para realizar las adquisiciones. Esta redacción de venta ilegal tenía como objetivo dificultar la trazabilidad de los objetos y eludir la intervención de las autoridades competentes.

El avance de la investigación permitió identificar y documentar la relación entre los detenidos y el expolio de dos yacimientos arqueológicos emblemáticos: uno en la provincia de Valladolid, de donde se extrajo la corona visigoda, y otro en León, donde obtuvieron una gran cantidad de monedas de plata y áureos de época romana, informó el medio. Los investigadores comprobaron que los sospechosos mostraban un conocimiento detallado del terreno y de la localización exacta de los yacimientos, así como de las vías más seguras de acceso.

El 2 de diciembre, la Policía Nacional realizó nueve registros simultáneos en diferentes ubicaciones de la provincia de León, logrando intervenir una parte de la corona visigoda de oro, aproximadamente mil objetos arqueológicos de variada naturaleza y antigüedad —incluyendo fíbulas, puntas de lanza, anillos y piezas de cerámica—, además de 21 áureos y una relevante cantidad de documentación y dispositivos electrónicos. También se incautaron nueve detectores de metales, tres automóviles de alta gama y una suma cercana a 50.000 euros en efectivo.

De acuerdo con los datos aportados por la Policía Nacional, los integrantes del grupo ahora enfrentan cargos por pertenencia a organización criminal, delitos contra el patrimonio histórico, blanqueo de capitales y hurto agravado. Los objetos arqueológicos recuperados serán evaluados y depositados en el museo específico que determine la Junta de Castilla y León, respetando los procedimientos legales para la conservación y protección del patrimonio cultural.

La investigación constató que los autores del expolio mostraron un alto nivel de organización y capacidad técnica, con acciones concertadas que desarticularon la seguridad patrimonial de los yacimientos. Según el informe policial recogido por los medios, la utilización de tecnología avanzada como los detectores multifrecuencia y la planificación meticulosa de las incursiones complicaron la localización y la identificación de los responsables.

El caso ha llamado la atención tanto por el volumen y el valor histórico de los bienes incautados como por la sofisticación de las técnicas empleadas en los expolios y el posterior mercado ilícito de piezas arqueológicas. Desde la localización de la corona visigoda en un yacimiento catalogado de Valladolid hasta la distribución clandestina de los objetos recuperados, la investigación ha permitido reconstruir en detalle los movimientos y métodos del grupo detenido, reportó la Policía Nacional.

El anuncio del Museo de Arte de Las Vegas (LVMA), que tendrá su apertura en 2029, representó un hito para la escena cultural y arquitectónica de Las Vegas. El equipo del proyecto, con el arquitecto Francis Kéré — quien recibió el Premio Pritzker — a la cabeza del diseño, reveló oficialmente sus primeros renders el 19 de diciembre de 2025.

Esta iniciativa procuró transformar el centro de la ciudad, tanto por su audaz propuesta arquitectónica como por su innovador modelo de gestión y colaboración entre instituciones. Kéré, encargado del diseño del LVMA, se inspiró en la interacción entre el entorno natural y urbano de Las Vegas.

El edificio mediría 5.600 metros cuadrados y recibió su inspiración del desierto de Mojave, las Montañas Red Rock, los baobabs y la Catedral del Ángel Guardián, una iglesia católica local que Paul Revere Williams diseñó en 1963. El proyecto incorporó una fachada en mosaico, que se levantaría con piedra local de tonos marrones rojizos, y una gran marquesina capaz de crear una amplia plaza sombreada en la entrada principal del museo.

Además, los planos incluyeron un jardín de esculturas, diseñado para integrar el arte con el espacio público y cotidiano de la ciudad. Kéré explicó a ARTnews que su intención consistió en “crear un edificio acogedor y atractivo que refleje ambas facetas de Las Vegas, restaurando la presencia del mundo natural en el icónico horizonte urbano”.

El futuro LVMA se ubicará en el corazón del centro de Las Vegas, frente al Centro Smith para las Artes Escénicas, un espacio ampliamente reconocido por los espectáculos de Broadway que recibe, así como por las actuaciones de la orquesta Filarmónica de Las Vegas y el Teatro de Ballet de Nevada. La ciudad entregó en otoño de 2024 un predio de aproximadamente 6.000 metros cuadrados al museo, acto que ofreció un impulso decisivo para el desarrollo del proyecto.

Entre los principales impulsores de la iniciativa destacaron Michael Govan, director del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) y fideicomisario fundador del LVMA, junto a Elaine Wynn, empresaria, coleccionista y presidenta fundadora del consejo.

Wynn, fallecida tras el anuncio formal en septiembre de 2024, dejó clara su motivación al New York Times: “Tengo los días contados. Pensé: ¿cuál será mi último regalo? Quiero dejar una huella que no sea mi nombre en un hotel casino”.

Por su parte, Govan remarcó ante ARTnews la importancia de la cooperación interinstitucional, al afirmar: “Crear un museo regional desde cero es una tarea difícil. Podemos ayudar a nutrir y desarrollar este museo… Quizás sea un nuevo modelo para ampliar el acceso a la cultura sin la infraestructura necesaria para el cuidado de las colecciones”.

El acuerdo de colaboración con el LACMA establece que el LVMA funcionará inicialmente como un satélite de la institución californiana. Bajo la dirección de Heather Harmon y con su propia junta directiva, el museo de Las Vegas tomará prestadas obras de arte, exposiciones y programas educativos de su socio de la costa oeste. Este modelo de gestión busca facilitar el acceso a la cultura y el desarrollo institucional en una ciudad que hasta ahora carecía de una infraestructura museística de gran escala.

En cuanto a la financiación, el LVMA alcanzó la mitad de su meta en una campaña de capitalización que aspira a recaudar USD 200 millones. La directora, Heather Harmon, manifestó a ARTnews que el equipo avanza con confianza hacia la inauguración prevista para 2029.

El proyecto del LVMA se perfila como un reflejo de la diversidad y el dinamismo de Las Vegas, abriendo una nueva etapa para la vida cultural de la ciudad.

Unos 400 trabajadores del mayor museo del mundo votaron de forma unánime declararse en huelga lo que imposibilitó a la dirección abrir las puertas a los miles de visitantes que esperaban, incrédulos, para descubrir los tesoros que guarda.

La convocatoria de huelga es 'indefinida'. Nadie puede saber si el Louvre, que los martes tiene su día semanal de cierre, volverá a abrir el miércoles, cuando de nuevo los trabajadores estarán llamados a pronunciarse sobre si quieren mantener los paros, cuyo coste se evalúa en 400.000 euros diarios.

"Veníamos tres o cuatro días a París y nos quedamos sin visitar uno de los museos más famosos del mundo", aseguró a EFE Darío Calvo, que llegó desde la madrileña localidad de Alcorcón, mientras que su acompañante, Mara Durán, expresó su "decepción": "Ahora a pasar fío".

Más comprensivo se mostró el texano Michael Gamer, que afirmó a EFE que si hay huelga "será por algo que es necesario cambiar" en un claro respaldo a los sindicatos.

En el punto de mira de la ira de los sindicatos está la presidenta del establecimiento, Laurence des Cars, a quien acusan de priorizar los golpes de efecto mediáticos, las inauguraciones pomposas y la fiestas faraónicas en sus salones en lugar de apostar por las profundas reformas estructurales que, a su juicio, necesita el museo.

"Hay un problema en las prioridades de inversión", indicó la delegada sindical de Sud, Élise Muller, que criticó duramente el macroproyecto de reforma del museo anunciado en enero pasado por el presidente, Emmanuel Macron, con un coste evaluado en 500 millones de euros.

La idea central giraba en torno a dos ejes. El primero, la creación de una nueva entrada, para desatascar la icónica pirámide, levantada a finales de los 80 para acoger a cuatro millones de visitantes al año y que en los últimos ejercicios ha visto pasar el doble.

Además, el programa proyecta la creación de una sala específica para exponer La Gioconda, el cuadro más emblemático y el más buscado por los turistas que se quejan de una experiencia estresante entre miles de personas.

Los sindicatos apuntan a que el museo ha ido demasiado rápido en su apertura al turismo olvidando adaptar sus condiciones a las masas de visitantes.

"Visitar el museo es ahora mismo una carrera de obstáculos", asegura el representante del sindicato CGT, Christian Galani, para quien el objetivo, más allá de las intenciones de fachada, pasa por "trasmitir un legado a las generaciones futuras".

El robo sufrido el pasado 19 de octubre en la Galería Apolo, de la que cuatro ladrones se llevaron una serie de joyas de la corona francesa con un valor patrimonial inestimable y pecuniario evaluado en 88 millones, fue la gota que colmó un vaso a punto de desbordarse, sostienen los sindicatos.

Los representantes sindicales aseguran sentir "vergüenza ajena" cuando comprueban que el establecimiento en el que trabajan es objeto de bromas en el mundo entero.

Al robo del siglo siguió, a mediados de noviembre, el cierre la Galería Campana, que alberga nueve salas dedicadas a la cerámica griega antigua ante la debilidad que muestran algunas de sus vigas.

Pocos días más tarde un daño en las tuberías provocó una fuga de agua que dañó varios cientos de documentos de la biblioteca de antigüedades egipcias.

Síntomas, aseguran los representantes sindicales, del desgaste de un museo que ha optado "por lo anecdótico olvidando lo esencial".

Además de las condiciones materiales del museo, denuncian la degradación de las condiciones laborales, la supresión de 200 puestos fijos en los últimos 15 años, en una plantilla de 2.200, en contraste con una carrera acelerada para incrementar el número de visitantes.

Tampoco les gusta la creación de una tarifa superior para los procedentes de fuera de la Unión Europea, o la apuesta por contratos temporales en lugar de los indefinidos.

El establecimiento recibió en 2024 casi 100 millones de euros de subvenciones.

La dirección mantiene silencio en medio de la tormenta. En los últimos días, Des Cars ha rechazado contraponer las mejoras necesarias con su política de adquisición de obras y de inauguración de exposiciones, que considera esencial para mantener vivo el museo.

Al tiempo que defiende la gran renovación que cree necesaria para convertir al Louvre en un museo del siglo XXI.

Luis Miguel Pascual

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presentó una nueva exposición accesible basada en la exploración táctil. Se trata de Tocar para ver, un recorrido que permite a las personas con discapacidad visual descubrir cinco obras emblemáticas de la colección a través de relieves especialmente diseñados. La iniciativa se integra en el programa Museo Fácil, impulsado junto a Fundación Iberdrola España, que desarrolla recursos cognitivos y sensoriales para mejorar la accesibilidad del museo.

La institución explicó que este proyecto forma parte del trabajo del Área de Educación, que desde 2023 impulsa propuestas inclusivas. El objetivo es crear materiales, espacios y actividades que garanticen el acceso equitativo a los contenidos del museo mediante herramientas adaptadas a distintos perfiles de visitantes.

Las reproducciones táctiles de Tocar para ver están situadas junto a los cuadros originales. Cada pieza ha sido modelada a menor escala mediante técnicas avanzadas de relieve que permiten comprender la composición y las formas esenciales de la obra. Los soportes incluyen textos en braille y códigos QR accesibles desde dispositivos móviles, para ampliar la información a través de audio.

El museo también ha elaborado guías de exploración táctil. Primero se validaron con equipos expertos y, posteriormente, se adaptaron al lenguaje accesible y al formato de lectura fácil disponible en la página web del Thyssen. Las obras seleccionadas recorren varios estilos y periodos:

• Díptico de la Anunciación, de Jan van Eyck
• La sala del concejo del Ayuntamiento de Ámsterdam, de Pieter Hendricksz.
• Les Vessenots en Auvers, de Vincent van Gogh
• El espejo psiqué, de Berthe Morisot;
• El fumador (Frank Haviland), de Juan Gris.

Sobre el arte táctil

El proyecto contó con la participación de entidades dedicadas a la inclusión y la diversidad. Entre ellas, la Asociación Madrileña de Espina Bífida, Fundación AMÁS y los Centros de Mayores de Puente de Vallecas. También colaboró un equipo de personas con discapacidad visual con experiencia en evaluación de materiales táctiles. Su trabajo se completó con el de varios voluntarios con o sin discapacidad, familiarizados con la accesibilidad en espacios culturales.

Durante la presentación, el director gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, Evelio Acevedo, destacó el valor de la iniciativa. Aseguró que “es muy satisfactorio presentar un año más los resultados de esta colaboración con la Fundación Iberdrola, trabajando juntos por garantizar el derecho universal a la cultura y procurando la participación activa de todo tipo de públicos”. Añadió que “desde el museo hacemos de la cultura una energía vital que transforma la vida de las personas, genera cohesión entre ellas y facilita la inclusión social”.

El director de la Fundación Iberdrola, Ramón Castresana, subrayó la importancia de la accesibilidad en los museos. Señaló que “este es un proyecto de gran interés e importancia para la fundación, ya que la accesibilidad a los museos es fundamental para que todos los ciudadanos puedan disfrutar del arte sin fronteras”. También destacó el papel de la tecnología en la creación de materiales táctiles: “Creemos, firmemente, que los museos son patrimonio de todos, por ello deben ser inclusivos, donde todos podamos participar y disfrutar del mundo del arte”.

En un hecho sin precedentes para el ámbito museístico de Estados Unidos, el Museo de Bellas Artes de Boston devolvió la propiedad de dos grandes vasijas de cerámica creadas en el siglo XIX por David Drake, un alfarero afroamericano esclavizado en Carolina del Sur, a sus descendientes directos.

Esta restitución, formalizada en noviembre de 2025, representa un hito en la reparación histórica y la visibilización del legado de artistas afroamericanos privados de derechos y reconocimiento durante generaciones. Según informó Smithsonian Magazine, la decisión constituye un avance en la restitución de arte vinculado a la esclavitud.

El proceso de devolución incluyó la transferencia oficial de dos piezas emblemáticas: el Poem Jar y el Signed Jar. Tras la transferencia, el museo volvió a adquirir el Poem Jar a la familia de Drake, mientras que el Signed Jar quedó en préstamo a largo plazo en la institución.

Esta acción nació a partir de la colaboración entre el museo y los descendientes de Drake durante la exposición “Hear Me Now: The Black Potters of Old Edgefield, South Carolina”, realizada en 2022 junto al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Durante la preparación de la muestra, el diálogo entre las partes fue determinante para abrir paso a la restitución, detalló Smithsonian Magazine.

David Drake: arte, resistencia y legado

David Drake, nacido cerca de 1800 en Old Edgefield, Carolina del Sur, trabajó en la región alfarera más productiva del sur, donde la mano de obra esclavizada elaboraba miles de piezas destinadas al almacenamiento de alimentos en plantaciones. A pesar de haber creado miles de vasijas, Drake nunca pudo poseer ni una sola.

“Nuestro tatarabuelo nunca pudo poseer una sola pieza de su propia cerámica ni transmitirlas a sus hijos y nietos. Hoy el museo busca corregir ese error”, expresó Pauline Baker, descendiente de Drake, en declaraciones recogidas por Smithsonian Magazine.

La obra de Drake se distingue tanto por su calidad artística como por su carácter desafiante. En una época en que la alfabetización de las personas esclavizadas estaba prohibida —solo un 10% podía leer en el sur de Estados Unidos antes de la Guerra Civil—, Drake inscribía versos y su firma en muchas de sus piezas.

Una de las vasijas devueltas lleva la inscripción: “I wonder where is all my relation / Friendship to all—and every nation” (Me pregunto dónde están todos mis parientes / Amistad para todos—y cada nación), reflejando la separación forzada de su familia.

El Poem Jar, por su parte, contiene la frase: “I made this Jar = for cash / Though it’s called Lucre trash” (Hice este tarro por dinero / Aunque lo llaman basura lucrativa), en alusión al beneficio económico que su trabajo generaba para su esclavizador, según Smithsonian Magazine.

El acto de firmar y escribir en sus obras fue una forma de resistencia y afirmación personal. Drake, también conocido como Dave o Dave the Potter, adoptó el apellido de su primer esclavizador después de obtener la libertad. Su legado fue reivindicado por sus descendientes, quienes consideran la devolución como un reconocimiento a su valentía y talento.

Yaba Baker, tataranieto de Drake, comparó este hito con un momento clave en la historia de los derechos civiles: “Eso es un momento Rosa Parks. David Drake debe ser honrado y recordado así, no solo como artista, sino como alguien que desafió leyes opresivas”, declaró a Smithsonian Magazine.

Un precedente para la restitución y el reconocimiento

La restitución de obras de artistas afroamericanos esclavizados había estado ausente de los debates sobre devolución en Estados Unidos.

George Fatheree, abogado de los descendientes de Drake, subrayó la singularidad del caso: “No hay precedentes para esto. Las obras de artistas afroamericanos esclavizados han estado ausentes de la conversación sobre restitución en el mundo del arte, pero la acción del museo cambia eso para siempre”, afirmó en diálogo con Smithsonian Magazine.

Para gestionar la transferencia y resguardar el legado de Drake, sus descendientes crearon el Dave the Potter Legacy Trust. Esta entidad tiene la misión de identificar a más familiares y distribuir los beneficios derivados de la venta de las obras. El Trust invita a quienes crean tener lazos con Drake a contactarlos, buscando ampliar la red de herederos y asegurar que el reconocimiento y los frutos de su trabajo lleguen a toda la familia.

La historia de David Drake trasciende la cerámica: su vida y obra representan resistencia frente a la opresión y el poder del arte como herramienta de afirmación. Su ejemplo permanece como símbolo de dignidad y propósito, recordando el potencial del arte para desafiar y transformar incluso las normas más injustas.

El Victoria and Albert Museum de Londres ha fijado la fecha de apertura de su nueva sede en el Queen Elizabeth Olympic Park para el 18 de abril de 2026, marcando un hito en la expansión cultural hacia el este de la ciudad. El edificio de cinco plantas, concebido por el estudio irlandés O’Donnell + Tuomey, albergará exposiciones, eventos en vivo, encargos artísticos específicos y espectáculos, consolidando el papel del V&A East como epicentro de la actividad creativa en la zona.

La inauguración del V&A East Museum completará el ambicioso proyecto de crecimiento del museo en el este de Londres, que ya cuenta con el V&A East Storehouse, abierto a principios de este año. Esta instalación, diseñada por Diller Scofidio + Renfro, resguarda más de quinientos mil objetos y libros pertenecientes a las colecciones del V&A. El acceso al Storehouse es gratuito y ofrece a los visitantes una perspectiva única sobre la gestión y exhibición de los fondos y archivos de una institución de tal envergadura.

El nuevo distrito cultural East Bank se ha consolidado como un polo de atracción para las artes y la educación, integrando, además del V&A East, las BBC Music Studios, el espacio escénico Sadler’s Wells East y los nuevos campus de la University College London y la London College of Fashion. Esta confluencia de instituciones refuerza la vocación del área como motor de innovación y encuentro interdisciplinario.

En el interior del V&A East Museum, los visitantes encontrarán galerías dedicadas tanto a adquisiciones recientes como a encargos artísticos, junto a espacios que exploran la historia artística e industrial del este de Londres. La planta superior del edificio contará con un estudio, pensado para fomentar la creatividad y la experimentación. Gus Casely-Hayford, director del V&A East, expresó a The Guardian su visión sobre el impacto del museo en las nuevas generaciones: “Los jóvenes pueden venir y tener esos momentos transformadores que cambian la trayectoria de sus vidas”.

La programación inaugural incluirá obras inéditas de artistas de renombre internacional. Según The Art Newspaper, Tania Bruguera, Carrie Mae Weems y Rene Matić —esta última nominada al Turner Prize este año— presentarán creaciones especialmente encargadas por el V&A East. Además, Thomas J. Price, conocido por su escultura de una mujer negra que generó debate durante su exhibición en Times Square esta primavera, instalará una obra en la entrada del nuevo museo.

Con la apertura prevista para la primavera de 2026, el V&A East Museum se perfila como un referente para la cultura contemporánea y la memoria industrial de Londres, integrando a la comunidad y a los creadores en un espacio de diálogo y transformación.

Imagínate esto: acabas de pasar el control de seguridad, te has comprado un café para llevar, pero aún te sobran dos horas para el embarque de tu vuelo. De repente, algo te llama la atención, ¿qué hace un cuadro de Rembrandt en medio del aeropuerto de Ámsterdam?

No, el café que tienes en la mano no lleva... ¡Nada más que cafeína! Pero si te preguntas por qué el aeropuerto de Schiphol ha acogido una exposición de cuadros hechos por pintores famosos que pertenecen al famoso Rijksmuseum, abróchate bien el cinturón de seguridad, porque el museo te tiene preparada una sorpresa.

Inaugurado originalmente en 2012, el Rijksmuseum Schiphol fue el primer museo en abrir una sucursal en un aeropuerto en todo el mundo. El arte y la emoción de una nueva aventura que siempre traen los aeropuertos, se dan la mano para proporcionar una experiencia única: disfrutar de una colección permanente y tres temporales. Además, la experiencia es gratuita.

El Rijksmuseum Schiphol

Con más de 70 millones de pasajeros en 2018, el aeropuerto de Ámsterdam-Schiphol es el tercero más utilizado de Europa. Y si bien es conocido por tener casi 200 destinos, además de ser uno de los más eficientes del planeta, Schiphol también es famoso por albergar la única sucursal en el mundo del famoso Rijksmuseum.

El Rijksmuseum Schiphol presenta una selección de obras que provienen de la colección de arte del siglo XVII, en poseso del museo original. Se trata de una colección de retratos, naturaleza muerta, paisajes marítimos y terrestres. Hay incluso una escena naval pintada sobre azulejos: todas en el aeropuerto holandés.

La sucursal del museo en el aeropuerto fue inaugurada por primera vez en 2012, y enseguida llamó la atención a los cientos de miles de pasajeros que pasan por el edificio diariamente. No obstante, el espacio estuvo cerrado durante gran parte del 2018 debido a una fuga de agua en el techo y no volvió a abrir al público hasta 2019.

El Rijksmuseum: una joya de Ámsterdam

Con una historia de más de 200 años, el Rijksmuseum es uno de los recintos más antiguos de Europa. A pesar de que originalmente abrió en el año 1800 en La Haya con alrededor de 200 obras, su colección fue creciendo continuamente. Ocho años después, en 1808, el museo fue trasladado a Ámsterdam por órdenes del rey Louis Napoleón (hermano del emperador Napoleón de Francia) y, después de que pasó por varias sedes, abrió finalmente en 1885 en su edificio actual.

El museo cuenta con obras de algunos de los pintores holandeses más conocidos del mundo, como Rembrandt, Vermeer, van der Heyden, Hals y van Leyden, el Rijksmuseum. Así, el espacio contiene la colección más importante de arte flamenco del mundo. Más de ocho mil piezas componen un acervo en el que se cuenta la historia de los Países Bajos del siglo XIII al presente.

Una parada antes de volar

Más allá de Ámsterdam, hoy en día hay muchos aeropuertos que cuentan con piezas de arte contemporáneo como adornos, o incluso con galerías enteras. Sin embargo, son pocos los espacios que albergan iniciativas como la del Rijksmuseum.

Un ejemplo es el aeropuerto de San Francisco, sede del museo de la aviación. También está el de París–Charles-de-Gaulle, que contiene The Espace Musées: se trata de un área que presenta dos exposiciones al año organizadas con préstamos de varios museos y algunas fundaciones francesas. El Rijksmuseum Schiphol, por su parte, está ubicado entre los lounges 2 y 3, después de pasar seguridad. Está abierto las 24 horas del día, los 7 días de la semana y la entrada es gratuita.

Más de 1.000 artefactos históricos fueron sustraídos del Museo de California en Oakland durante un robo que ocurrió poco antes de las 3:30 a.m. el 15 de octubre. Según informó el Departamento de Policía de Oakland, los ladrones penetraron en una instalación de almacenamiento externa del museo y sustrajeron piezas como cestas indígenas, joyas, computadoras portátiles y otros objetos de gran valor cultural. La información fue confirmada por la policía, que difundió imágenes de algunos de los artículos desaparecidos.

De acuerdo con la directora ejecutiva del museo, Lori Fogarty, “la sustracción representa un acto flagrante que priva al público del patrimonio cultural del estado”. Fogarty añadió que la mayoría de los objetos robados habían sido donados por benefactores y que el robo fue detectado la mañana siguiente, dado que ningún empleado se encontraba en la instalación al momento del robo.

Las autoridades, en colaboración con el Equipo de Delitos contra el Arte del FBI, han iniciado una investigación para ubicar los bienes sustraídos y determinar la identidad de los responsables. Hasta el momento, no se han realizado arrestos ni se ha revelado la valoración económica de los objetos robados, indicó la policía.

Investigación y antecedentes

El recinto almacenaba tanto cestas y joyería indígena como fotografías históricas, marfil tallado y computadoras portátiles. Lori Fogarty indicó que el propósito del museo es preservar y resguardar el patrimonio cultural, artístico y natural del estado de California, y que el hecho se considera una pérdida para el público.

El antiguo capitán de la Policía de Los Ángeles, John Romero, afirmó en Los Angeles Times que la naturaleza del robo, realizado sin activar alarmas ni alertar a la seguridad, podría estar vinculada al acceso a información privilegiada sobre la ubicación y los sistemas de seguridad de la bodega. Romero dijo que en casos donde los objetos robados son poco conocidos, los responsables suelen buscar comercializarlos rápidamente antes de que se difunda la noticia del robo.

Comparaciones y robos previos

El robo de Oakland ha sido calificado como uno de los más grandes en la historia de los museos de California en cuanto al número de objetos sustraídos, según las declaraciones de Romero recogidas por Los Angeles Times. El delito se produjo apenas cuatro días antes de otro gran robo: la sustracción de joyas napoleónicas en el museo Louvre de París, caso en el que cinco sospechosos ya han sido detenidos.

No es la primera vez que el museo de Oakland enfrenta incidentes de este tipo. En el año 2014, un hombre fue sentenciado a cuatro años de prisión por robar y revender una caja de joyería del siglo XIX del mismo museo. Además, ese individuo fue sospechoso de un robo anterior, en 2012, aunque no llegó a ser procesado por ese hecho.

El Departamento de Policía de Oakland ha solicitado a la población que comunique cualquier información relevante sobre el robo a la sección de robos del departamento o al equipo especializado del FBI mediante sus canales oficiales. Tanto la policía como el museo insisten en que cualquier dato puede ser de ayuda para recuperar las piezas sustraídas y preservar el patrimonio histórico de California.

Un hombre entra a un museo y encuentra un cuerpo exhibido. No una recreación, no una figura de cera. Un cuerpo disecado de una persona de su mismo color de piel exhibido como si fuera una animal y eso lo lleva, sumido en la indignación, a realizar una denuncia que excedió los límites del lugar donde se llevaba a cabo la exposición.

La presión internacional y la controversia social en torno a la exhibición pública de restos humanos alcanzaron uno de sus episodios más emblemáticos en Banyoles, una pequeña ciudad catalana, con el caso del conocido como “Negro de Banyoles”. El hecho de que un cuerpo momificado de origen africano permaneciera durante 75 años en una vitrina del Museo Darder, junto a otros restos humanos y objetos científicos, generó una ola de conmoción que traspasó el ámbito local para convertirse en un asunto de debate global.

Teóricamente, la historia de ese hombre comenzó en el desierto de Kalahari, en una región entonces conocida como Protectorado de Bechuanalandia. En 1888, su cadáver fue desenterrado y vendido a los taxidermistas franceses Verreaux, quienes lo trasladaron a Europa, donde fue “preparado” para exhibición. En 1916, el cuerpo fue finalmente adquirido por el Museo Municipal de Banyoles, pasando a ser una de las principales atracciones del lugar, bajo la etiqueta de “El Bachuana” y el apodo local de ”El Negret“. Colocado en la Sala V, llamada “Sala de l’Home”, el cuerpo del guerrero san, tradicionalmente llamados de manera peyorativa como “bosquimanos”, compartía espacio con momias, fetos y otros restos humanos disecados.

Todo cambió en 1991, cuando el médico haitiano nacionalizado español Alphonse Arcelin visitó Banyoles (Bañolas en español). Al descubrir al hombre africano disecado en el museo, experimentó un “auténtico miedo” y se sintió profundamente insultado: “Yo soy negro y me siento insultado”, escribió el 29 de octubre de 1991, hace 34 años, en la carta dirigida al alcalde de la ciudad que inició el reclamo.

Arcelin, que ejercía su profesión en Cambrils y participaba activamente en la vida política local, no solo interpretó la exhibición como una ofensa personal, sino como una vulneración de los derechos humanos y un ejemplo de racismo institucionalizado.

Ese mismo año, cerca de que se llevaran a cabo los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, Arcelin inició una campaña pública para exigir la retirada del cuerpo del museo. Consiguió el respaldo de la Organización para la Unidad Africana (OUA) y de jefes de Estado africanos como Abdu Diuf de Senegal, quienes presionaron al entonces ministro español de Asuntos Exteriores, Abel Matutes. Arcelin incluso planteó la posibilidad de un boicot africano a Banyoles como subsede de remo de los Juegos Olímpicos si no se atendían sus demandas.

La iniciativa de Arcelin fue apoyada por nombres prominentes como el líder religioso afroestadounidense Jesse Jackson o el legendario basquetbolista de la NBA Earvin “Magic” Johnson. Kofi Annan, que años más tarde se transformaría en Secretario General de las Naciones Unidas (ONU), condenó la exhibición llamándola “repulsiva” e “insensible”.

La campaña no estuvo exenta de consecuencias personales para Arcelin, quien sufrió campañas de desprestigio, amenazas telefónicas y llegó a temer por su seguridad, asegurando que revisaba su vehículo a diario “por si acaso”. La polémica, alimentada por una notable cobertura mediática internacional, forzó las posturas del Ayuntamiento de Banyoles, cuyo alcalde, Joan Solana, reconoció: “Es una resolución precipitada, pero tarde o temprano tenía que llegar”. El debate se extendió a instituciones internacionales como la ONU y la UNESCO, esta última haciéndose cargo de dictaminar sobre el destino de los restos.

La decisión final fue tomada el 6 de marzo de 1997. El Museo Darder cerró sus puertas temporalmente y retiró al “Negret” junto con otros restos humanos, en un intento de “evitar un conflicto internacional”, según comunicó el gobierno.

El cuerpo fue almacenado y se cubrieron otros restos humanos a fin de ocultarlos al público. No obstante, la reacción en la ciudad fue de rechazo unánime: los 14.000 habitantes se manifestaron en contra de la retirada, remarcando la integración de la figura a Banyoles. Lo consideraban ya parte de la comunidad, hasta el punto de generar merchandising con mensajes como “Te queremos, quédate”, impresos en camisetas y adhesivos que circulaban por la localidad.

España, comprometida ante la presión internacional, anunció oficialmente la devolución de los restos a Botswana. El traslado se efectivizó en el año 2000, y el cuerpo fue recibido en Gabarone, la capital del país africano, donde fue enterrado en un parque público “con honores de héroe”.

Años después, se pudo constatar que los restos se encontraban cubiertos de hierbas y yacían bajo el banderín de un córner utilizado en los partidos de fútbol del parque principal de Botswana.

Arcelin no la tuvo fácil. Su lucha terminó por pasarle factura personal. A raíz de los litigios judiciales entablados con el Ayuntamiento de Banyoles, el médico caribeño terminó endeudado y afectado por el costo emocional de la controversia. Había sido concejal en Cambrils, se casó en España y tuvo dos hijos. Se separó de su esposa y terminó sus días en La Habana, Cuba, donde murió a los 73 años en agosto de 2009.

A raíz del caso, el debate internacional sobre la conservación y exhibición de restos humanos en contextos museísticos, así como las políticas de restitución y repatriación, se intensificó. Organismos como la UNESCO demandaron la “adecuada dignidad” en el tratamiento de objetos y restos procedentes de contextos coloniales o esclavistas, atendiendo a los derechos y la memoria de los colectivos y países de origen.

Pero allí no terminó la historia. Teóricamente el hombre cuyo cuerpo habían disecado, era de Botswana, pero años más tarde se puso en crisis esa teoría.

El escritor holandés Frank Westerman halló evidencias de que los hermanos Jules y Edouard Verreaux, que fueron los que desenterraron y disecaron el cuerpo, nunca se desplazaron más allá de 100 kilómetros al norte de Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Esto implica que el origen del personaje central de esta historia se sitúa a unos mil kilómetros al sur de la frontera con la actual Botswana.

Se podría decir que el Negro de Banyoles no fue un bosquimano del Kalahari botsuanés, como sostenían políticos catalanes y responsables culturales de la época del inicio del reclamo por parte de Arcelin. “Que ahora sepamos que está enterrado en un lugar equivocado supone añadir el insulto a la injuria”, dijo Westerman, autor del libro El negro y yo publicado en español en 2007.

Cuando se descubrió la atrocidad que subyacía a la pieza número 1004 del museo Darder, ningún país africano reclamó el cuerpo. Y Botswana fue el único país que levantó la mano para recibirlo. Por entonces, un vocero del gobierno del país que lo recibió, llegó a admitir que no le importaba que el hombre disecado pudiera haber nacido en otro país: “Es africano, uno de los nuestros”, concluyó.

Apenas días después de un sorprendente robo en el Museo del Louvre en París, crece la especulación sobre dónde podrían terminar las lujosas joyas robadas que alguna vez adornaron a la realeza francesa.

Algunos expertos advierten que los artefactos, valorados en más de 100 millones de dólares (88 millones de euros), podrían fundirse o fragmentarse pronto, si no ya. Si se logra, algunos afirman que esas piezas más pequeñas podrían venderse posteriormente como parte de un nuevo collar, pendientes u otra joya, sin llamar demasiado la atención.

“Ni siquiera hace falta ponerlos en el mercado negro; basta con ponerlos en una joyería”, dijo Erin Thompson, profesora de delitos relacionados con el arte en el John Jay College of Criminal Justice de Nueva York. “Podrían venderse a la vuelta de la esquina del Louvre”.

Thompson y otros afirman que esto se ha vuelto cada vez más común con el robo de joyas y objetos de metal, señalando que es una forma en que los ladrones pueden intentar ocultar sus huellas y lucrarse. No es como si alguien pudiera lucir públicamente una de las Joyas de la Corona francesa robadas el domingo, y encontrar un mercado para vender las piezas completas sería increíblemente difícil después de que “todos y sus hermanas” hayan visto fotos de ellas durante la última semana, dijo Christopher Marinello, abogado y fundador de Art Recovery International.

Las joyas pueden ser difíciles de monetizar

“Al desarmarlos, ocultarán su robo”, dijo Marinello, y agregó que estos artículos podrían volverse aún más “imposibles de rastrear” si se sacan de Francia y pasan por cortadores de joyas y cadenas de suministro sólidas en otros países.

Aun así, estas piezas a menudo se venden por una fracción del valor de lo que fue robado, debido a su menor tamaño, pero también porque fundir o romper artículos de alto perfil elimina su valor histórico.

No es un proceso sencillo.

“El verdadero arte en un robo de arte no es el robo, sino la venta”, explicó Robert Wittman, exinvestigador principal del equipo de delitos relacionados con el arte del FBI. Wittman, quien desde entonces ha creado su propio bufete, afirmó que quienes están detrás de estos robos suelen ser “mejores delincuentes o ladrones que empresarios”.

A diferencia de otros, Wittman duda que los ladrones del domingo hayan logrado monetizar los objetos que robaron del Louvre, entre ellos un collar y pendientes de esmeraldas, dos coronas, dos broches, un collar de zafiros y un pendiente que lucieron miembros de la realeza del siglo XIX. Señala que las gemas aún podrían identificarse por su claridad, por ejemplo, y que el oro que se refinó cuando se fabricaron las piezas hace cientos de años no es tan puro como el que suele demandarse hoy en día.

“Por lo que son, realmente no tiene sentido destruirlos”, dijo Wittman, al tiempo que señalaba los riesgos de vender bienes robados de tan alto perfil.

Scott Guginsky, vicepresidente ejecutivo de la Alianza de Seguridad de Joyeros, una asociación comercial sin fines de lucro dedicada a prevenir los delitos relacionados con la joyería, también destaca la antigüedad y la calidad de los diamantes de los artefactos. Sospecha que probablemente no estén clasificados.

“No es algo que se pueda vender en el mercado abierto. No es nada que pueda pasar por una casa de subastas”, dijo Guginsky, quien dirigía la brigada antirrobo organizado del Departamento de Policía de Nueva York.

Dada la cantidad de preparación que probablemente pusieron los ladrones en esto, Guginsky cree que tienen un plan para vender las joyas, incluso si primero deciden “dejarlas” y esperar a que pasen las sospechas.

“No me imagino que roben sin tener claro qué quieren hacer”, dijo. “Siempre hay alguien dispuesto a comprar joyas robadas. Sea lo que sea, alguien las comprará”.

Sara Yood, directora ejecutiva y asesora general del Comité de Vigilancia de Joyeros, señala que la mayoría de las empresas de joyería implementan programas contra el lavado de dinero y están atentas a señales de alerta como pedidos inusuales, compras repetidas y solicitudes de confidencialidad.

Aun así, ella y otros afirman que la antigüedad de algunas joyas, si se descomponen eficazmente, podría dificultar su rastreo. Las piedras preciosas más nuevas, por ejemplo, a veces llevan una inscripción láser en su interior que puede evaluarse en un laboratorio. Pero, “al tratarse de piezas históricas, es bastante improbable que tengan esas características distintivas”, señaló Yood.

Expertos como Thompson afirman que las gemas más grandes se pueden tallar de nuevo hasta el punto de que sean irreconocibles. El reto es encontrar personas con la habilidad para hacerlo y que no hagan demasiadas preguntas, pero es posible, afirmó.

Se desconoce si los responsables del robo del domingo tenían esos contactos o si había algún comprador en la mira. Pero es importante señalar también que “quienes entran a los museos suelen ser mercenarios, y casi siempre los pillan en estos casos”, añadió Thompson.

Las posibilidades de recuperación parecen escasas

Ella y otros afirman que los museos se han enfrentado cada vez más a una oleada de robos similares en los últimos años. Thompson señala que el robo en almacenes puede pasar desapercibido durante más tiempo: el Museo Británico de Londres, que ha acusado a un ex curador de robar objetos y venderlos en línea, aún intenta recuperar algunos de los 2.000 objetos robados.

Algunos ladrones del pasado han exigido rescates por las obras de arte robadas en su totalidad, o han esperado una posible recompensa sin preguntas de una compañía de seguros, que puede suponer un descuento de aproximadamente el 10% para algunas piezas aseguradas en Europa, según Thompson. Sin embargo, se informó que las joyas robadas del Louvre el domingo no contaban con un seguro privado.

En ocasiones, las ofertas gubernamentales de recompensas por información sobre un robo de gran repercusión también pueden acelerar la investigación, aunque el gobierno francés aún no ha hecho público dicho incentivo. Si esto cambia, o si se descubren pistas prometedoras a partir de las pruebas halladas en el Louvre, expertos como Wittman señalan que podría aumentar las posibilidades de recuperar los objetos.

Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, otros sienten que el destino de encontrar las joyas históricas parece sombrío.

“Creo que atraparán a los criminales”, dijo Marinello. “Pero no creo que los encuentren con las joyas intactas”.

(con información de AP)

París amaneció sacudida el domingo 19 de octubre por un robo digno de película. Minutos antes de las 9:30 de la mañana, un grupo de ladrones irrumpió en el Museo del Louvre y se llevó nueve joyas históricas de valor incalculable.

El golpe, ejecutado con precisión quirúrgica, tuvo como escenario la icónica Galerie d’Apollon —la Galería de Apolo—, uno de los espacios más visitados del museo y donde se exhiben piezas vinculadas a la realeza francesa del siglo XIX.

Según informaron las autoridades, los cuatro sospechosos ingresaron utilizando una escalera mecánica montada sobre un vehículo. En cuestión de minutos, rompieron las vitrinas de seguridad, tomaron los objetos y escaparon antes de que el personal pudiera reaccionar. Las joyas robadas estaban incrustadas con miles de diamantes y piedras preciosas, y formaban parte de una colección emblemática que testimonia el lujo de la antigua corte francesa.

Entre los objetos sustraídos se encontraba una corona que perteneció a la emperatriz Eugenia, esposa de Napoleón III. Esa pieza, sin embargo, fue recuperada en el lugar del hecho, aparentemente arrojada por los intrusos durante la huida. Los investigadores creen que podría haberse caído accidentalmente o que los ladrones decidieron abandonarla para ganar tiempo.

Otras ocho joyas, de enorme valor histórico y artístico, continúan desaparecidas. Por su singularidad y relevancia cultural, fueron incorporadas de inmediato a la base de datos internacional de INTERPOL sobre obras de arte robadas. Esa plataforma reúne descripciones e imágenes de más de 57.000 objetos sustraídos en todo el mundo y es la única con información policial verificada.

En paralelo, la organización emitió un cartel de edición especial para alertar a sus países miembros sobre el robo y facilitar la identificación de las piezas en caso de que aparezcan en el mercado negro. Las autoridades francesas trabajan en coordinación con INTERPOL y otras fuerzas europeas en busca de pistas que permitan dar con los responsables.

Hasta el momento, no hay detenidos y el Louvre permanece abierto al público, aunque con medidas de seguridad reforzadas. Mientras tanto, el golpe ya es considerado uno de los más audaces de los últimos años contra un museo de renombre mundial.

Robo, controversia y reclamos

La reacción del personal del Louvre fue inmediata. Durante la reunión convocada por la dirección, la directora Laurence des Cars fue recibida con abucheos, lo que reflejó el malestar acumulado entre los trabajadores.

Esta inconformidad ya existía desde hacía meses: en junio, el museo cerró temporalmente por una protesta de vigilantes de sala, taquilleros y agentes de seguridad, quienes denunciaron la insuficiencia de personal y condiciones laborales insostenibles.

Uno de los principales reclamos fue la reducción de 200 puestos de trabajo a tiempo completo en los últimos 15 años, sobre una plantilla total cercana a los 2.000 empleados.

“No podemos prescindir de la vigilancia física”, declaró un representante sindical a la Agence France-Presse. Yvan Navarroa, miembro del sindicato CGT, expresó a France Info radio: “Las colecciones no están seguras y el personal tampoco”.

El vicealcalde de París, David Belliard, recordó en la red social X que el robo se produjo meses después de que los empleados del museo alertaran sobre fallos en la seguridad. “¿Por qué la dirección del museo y el ministerio ignoraron esas advertencias?”, cuestionó.

Un informe oficial elaborado antes del robo, citado por el diario Le Figaro, calificó los sistemas de seguridad del Louvre como obsoletos e insuficientes, señalando la falta de cámaras de videovigilancia (CCTV) y la postergación reiterada de mejoras, que solo se implementaron en salas renovadas. El aumento del número de visitantes también contribuyó al deterioro de los equipos de seguridad.

El robo reciente se inscribe en una larga historia de hurtos y problemas de seguridad en el Louvre. El museo, fundado durante la Revolución Francesa para proteger el patrimonio nacional, fue escenario de robos notorios, incluido el célebre hurto de la Mona Lisa en 1911.

En aquella ocasión, Vincenzo Peruggia, antiguo empleado, sustrajo la pintura disfrazado con su uniforme de trabajo y logró ocultarla durante dos años. La investigación llevó incluso a la policía a interrogar brevemente a Pablo Picasso, quien devolvió unas esculturas robadas por temor a ser implicado.

Tras la ocupación nazi de Francia en 1940, el director del museo coordinó la evacuación de más de 1.800 cajas de obras de arte al campo, aunque algunas piezas quedaron en manos de altos mandos alemanes.

En las décadas siguientes, el Louvre sufrió robos a plena luz del día: desde joyas antiguas recuperadas en Nueva York en 1966, hasta la desaparición de pinturas y objetos valiosos en los años 70, 90 y finales del siglo XX. Aunque algunos objetos fueron recuperados, otras piezas siguen en paradero desconocido.

En respuesta al último incidente, la ministra de Cultura, Rachida Dati, anunció la instalación de nuevas cámaras de videovigilancia y recordó que ya se habían destinado EUR 160 millones (USD 187 millones) a la modernización de los sistemas de seguridad del Louvre, dentro de un plan decenal impulsado por el presidente Emmanuel Macron en junio, según medios locales.

La Armada española ha anunciado que ya ha sido restaurado el cuadro Primer homenaje a Cristóbal Colón, que fue dañado este domingo, 12 de octubre, en protesta por el Día de la Hispanidad. El ataque, protagonizado por dos activistas de Futuro Vegetal, se hizo con dos botes de pintura roja en la sede del Museo Naval de Madrid.

La acción, que tuvo lugar en torno a las 14 horas, causó una preocupación por la obra de José Garnelo y Alda, situada en la entrada de la institución, que fue cubierta gran parte del lado izquierdo “pintura biodegradable”, tal y como ha señalado la organización en sus redes sociales. A pesar de ello, la obra vuelve a estar disponible al público, aunque el grupo mantiene su mensaje en sus plataformas: “La celebración del 12 de octubre es la celebración de siglos de opresión, explotación y genocidio de la población originaria de Abya Yala”, afirman.

Asimismo, piden no “enaltecer la colonización y los genocidios, históricos y actuales”. Futuro Vegetal, que ya ha sido protagonista de otras manifestaciones de este tipo, es “un colectivo de desobediencia civil y acción directa no violenta (ADNV) y luchamos contra la crisis climática”, como describen en su página web. Con esta acción, el grupo buscaba unirse a las “reivindicaciones” de los pueblos originarios por “el reconocimiento de las injusticias históricas y la promoción de reparaciones a sus comunidades”.

“12 de octubre, nada que celebrar”

Tras el ataque, la Policía Nacional procedió a la detención de las dos activistas, que fueron primero “retenidas por un funcionario” del museo hasta la llegada de los agentes. Las detenidas están acusadas de un delito contra el Patrimonio y fueron trasladadas a dependencias policiales para tomarles declaración y ser puestas a disposición judicial, tal como detalla EFE.

La protesta se sustenta en la denuncia de un “actual neocolonialismo extractivista que explota sus recursos naturales”. Por lo que, han decidido actuar el Día de la Hispanidad, justo unas horas después de que el Museo Naval publicase en sus redes sociales una imagen del cuadro en honor al 12-O, con pintura roja y con pancartas con el mensaje “12 de octubre, nada que celebrar. Justicia ecosocial”. “#TalDíaComoHoy, de 1492, Cristóbal Colón y su tripulación llegaron a América. La expedición, auspiciada por los Reyes Católicos, avistó el archipiélago de las Bahamas y allí tomaron tierra en la isla de San Salvador”, describía la institución en su cuenta de X.

Las instalaciones fueron desalojadas después del ataque y el personal especializado del museo intervino la obra para proceder a su inmediata restauración. Afortunadamente, la Armada informó en su cuenta en X que, pese a los daños, “el cuadro vuelve a lucir restaurado” y subrayó que desde el Museo Naval y desde la propia institución “siempre mostraremos con orgullo quiénes somos y nuestro legado”. El perfil institucional finalizó el mensaje del día con una defensa del valor histórico de la pieza y el trabajo realizado tras la agresión artística: “En el #DíadelaHispanidad reafirmamos nuestro compromiso con la cultura, la historia y los valores que nos unen”.

En ese sentido, la publicación añadió una imagen de los restauradores, junto a una mención explícita a la labor del equipo: “Nuestro gran equipo de profesionales está trabajando en el #DiaDeLaFiestaNacional, en la reparación del cuadro ‘Primer homenaje a Cristóbal Colón’, de José Garnelo. El Museo Naval continuará exhibiendo con orgullo las páginas de la historia de España escritas desde la mar”. Algo que el colectivo activista ha criticado: “Para esto sí hay dinero, para sanidad, educación, condiciones dignas para las bomberas o para medidas de mitigación de la crisis climática, no. El gobierno más progresista de la historia”, finalizaba con ironía.

Además, en varias ocasiones han insistido en que “el cuadro no es arte, es propaganda política”, por lo que no lamentan, pues en su defensa afirman que: “Causar pérdidas patrimoniales no es violencia. Violencia es que las instituciones gasten dinero público en conmemorar genocidios”.

En 1962, Heinz Stücke dejó Hövelhof, su ciudad natal en Alemania, con una bicicleta y un objetivo: conocer el mundo por sus propios medios. Tenía 22 años cuando se despidió de su familia y renunció a la rutina para emprender un viaje sin precedentes. La travesía comenzó sin fecha de regreso y con recursos limitados.

El propósito principal consistió en recorrer diferentes países y registros culturales, sin una planificación estricta. A lo largo de más de cinco décadas, Stücke cimentó su reputación como el mayor cicloviajero de la historia y acumuló un récord difícil de igualar.

Según el medio alemán Westfalen-Blatt, Stücke no delimitó ningún horizonte. A lo largo de 51 años completó 648.000 kilómetros visitando 196 países. Esto equivale a dar más de 16 veces la vuelta al mundo por el ecuador.

Su bicicleta se convirtió en la extensión de su cuerpo y sus alforjas guardaron durante años los objetos más básicos, siendo que siempre mostró preferencia por los modelos sencillos, confiando más en su propio ingenio que en la tecnología.

Solicitó visados, obtuvo permisos y superó controles en países con contextos políticos complejos, incluso en zonas de conflicto o de acceso restringido. La presencia en todos los continentes lo consolidó como una leyenda contemporánea.

De acuerdo con El País, Heinz Stücke no limitó su experiencia a la geografía. Encontró innumerables desafíos personales y físicos. Tuvo accidentes graves en el desierto de Atacama e Irán, sufrió brotes de enfermedades como disentería, enfrentó robos en diversos lugares y experimentó la violencia de autoridades en Egipto y Camerún. En Zambia y Haití se topó con intentos de linchamiento, y en Canadá lo atropellaron.

Sus relatos documentan situaciones de riesgo que la mayoría de los viajeros nunca enfrentan. La adversidad, lejos de paralizarlo, reforzó su determinación por continuar. Además de los desafíos físicos y sociales, Stücke acumuló experiencias culturales invaluables.

Durante su presencia en África, atravesó zonas con controles militares y guerras civiles. En esa época, pocos turistas se acercaban a esos territorios. También participó de eventos históricos como la Copa Mundial de Fútbol en México en 1970, donde conoció a Pelé.

Buscó oro en la selva de Amazonas e ingresó varias veces a China, país que siempre lo fascinó por sus tradiciones y particularidades. La apertura y hospitalidad de las comunidades muchas veces compensó las dificultades.

De acuerdo con Westfalen-Blatt, el objetivo inicial de Stücke duraría solo dos años. Planeaba pedalear hasta la Olimpiada de Tokio antes de conformar una familia. Sin embargo, una vez en marcha, la noción de límite perdió sentido.

Decidió ampliar siempre el margen de su desafío. Las décadas transcurrieron y el regreso se pospuso. Cuando los habitantes de Hövelhof solo accedían a imágenes exóticas a través de pantallas en blanco y negro, Heinz recorría estas realidades de primera mano.

Sus vivencias no quedaron en el anonimato, desde el principio financió su modo de vida mediante publicaciones de crónicas y fotografías en la prensa internacional. De esta forma reunió más de 100.000 diapositivas, miles de recortes, boletos aéreos y objetos que aún conserva.

Escribió en sus diarios cerca de 18.000 páginas. La suma de estos documentos da cuenta de un testimonio único del mundo en la segunda mitad del siglo XX y del surgimiento del siglo XXI.

El impacto de la historia trasciende la hazaña física. Los Récords Guinness lo reconocieron como la persona que realizó el viaje en bicicleta más largo del que se tiene constancia. Su figura influyó en comunidades de viajeros, deportistas y exploradores. La iniciativa de registrar cada paso demuestra una vocación por la divulgación y una voluntad de compartir la perspectiva propia.

En 2014, con 73 años, Stücke eligió regresar a Hövelhof. Allí, según Westfalen-Blatt, dedicó su tiempo a organizar las decenas de miles de objetos y recuerdos recogidos a lo largo del trayecto.

La dimensión de su archivo motivó la creación de un libro de ensayos y un documental titulado El hombre que quería verlo todo. Esto impulsó la idea de crear un museo en su ciudad natal. Una acción que, en la actualidad, reúne a personas interesadas en observar recuerdos, objetos y fotografías en su propia casa, en Stücke.

El pasado reciente lo puso a prueba otra vez. Durante la pandemia de COVID-19 atravesó confinamiento en su hogar de Hövelhof debido a una lesión de cadera.

Este obstáculo no mermó su interés por compartir experiencias. Planeó una exposición con los materiales más importantes de sus viajes y continuó en contacto con estudiosos y cineastas.

La figura de Heinz Stücke proyecta valores claros. Su historia demuestra que la inquietud, la perseverancia y la valentía abren puertas que otros solo sueñan. Nunca formó una familia ni buscó estabilidad tradicional, pero su legado tiene reconocimiento internacional: las comunidades de cicloviajeros lo citan como un referente.

Asimismo, distintas generaciones lo consultan para conocer distintas culturas y entender la magnitud de un viaje sin plazos ni fronteras.

De acuerdo con el testimonio de sus biógrafos, Stücke mantiene hasta hoy su curiosidad y actitud reflexiva ante las decisiones tomadas. No idealiza su recorrido, pero tampoco duda del significado de sus hazañas. Cada cicatriz y cada página escrita constituyen parte de un aprendizaje fuera del esquema convencional.

La apertura de un museo dedicado a sus viajes y los homenajes públicos en Alemania reafirman el respeto que suscita su historia. La experiencia de Heinz Stücke ofrece una visión única sobre la exploración, la resistencia y el vínculo humano con el movimiento y la curiosidad.

Tras 14 años en activo, el parque de atracciones Field Station: Dinosaurs, ubicado en Leonia (Nueva Jersey), cierra sus puertas definitivamente. Con el objetivo de facilitar el cierre, ha puesto a la venta sus emblemáticas figuras de dinosaurios tamaño real. Diplodocus, Triceratops, T-rex. En vez de desaparecer de forma discreta, sin grandes finales o despedidas, han decidido anunciar su final por todo lo alto. Al estilo de Wallapop o Vinted, han utilizado la plataforma Facebook Marketplace para promocionar sus figuras y que todas las personas interesadas puedan acceder a su compra. Se trata de 25 dinosaurios animatrónicos.

La técnica de la animatrónica consiste en un trabajo escultórico de recreación de figuras que simulan el aspecto real -en este caso de los dinosaurios- mediante mecanismos tecnológicos y robótica. De esta manera, los dinosaurios, adquieren movilidad, sonido y una apariencia naturalista convincente.

La propuesta ha sido todo un éxito. Las solicitudes de compra se han disparado, desbordando a los gestores y organizadores. Mientras que una parte de los usuarios habituales están compitiendo por adquirir su pieza favorita, otros, disgustados, se preguntan cuál es el motivo que ha llevado a la empresa a cerrar de forma definitiva.

Un problema financiero

El parque se inauguró en el 2010 con el objetivo de acercar la paleontología a las familias. Durante más de una década ha recibido un millón de visitantes aproximadamente. Sin embargo, el coste de su mantenimiento era demasiado alto. Según informa el Huffpost, las finanzas se habían vuelto un problema. En consecuencia, aprovechando que el contrato expiraba dentro de poco, los organizadores decidieron cerrar. “Las finanzas se habían vuelto problemáticas y el contrato de arrendamiento expiraba, era el momento”, explicó su dueño, Guy Gsell, cuando anunció que la instalación cerrará definitivamente el próximo 9 de noviembre.

En consecuencia, entre las estrategias de liquidación, para facilitar el proceso, la venta de los dinosaurios fue de las propuestas con una mejor acogida. La liquidación fue de lo más insólito. En los anuncios de venta aparecían dinosaurios descritos como si fueran muebles de catálogo: un T. Rex de doce metros ofrecido por 2.700 dólares, n Apatosaurio de 75 pies tasado en 2.860, un velociraptor emplumado que apenas llegaba a los 700. Incluso figuraba un pequeño triceratops de goma, “ideal para jugar con niños”, por 1.668 dólares. Todos compartían la misma etiqueta: “ligeramente usado, muy querido”. Eso sí, había una condición ineludible: quien comprara la pieza debía desmontarla y llevársela por sus propios medios.

En ese instante comenzó una neurosis colectiva por hacerse con una de esas extraordinarias piezas. Museos, zoológicos, e incluso particulares se pusieron en contacto de inmediato con la organización para adquirir una de las estatuas. La manager del parque, Lisa Fardella, admite que tuvo que dejar de contestar a los interesados apenas un día después de publicar los anuncios. “Ha sido una locura. No he dormido intentando responder a todos”, relató conmocionada por la acogida.

Mientras se tramitan las compras, los visitantes, podrán seguir visitando el parque temático y recorriendo su recinto. Los espectáculos en directo, las excavaciones fósiles simuladas y todas las actividades lúdicas continuarán en activo hasta el final de la temporada. El parque se resiste as desparecer sin ofrecer a todos sus visitantes una última muestra de cariño, permitiéndoles disfrutar, una vez más, de todas las actividades de ocio y entretenimiento que ofrece.

Un Jurassic Park itinerante

Sin embargo, el cierre del parque no supone el fin del proyecto. La idea continuará vigente mediante otro formato. A través de un recorrido itinerante, que irá organizando eventos en diferentes sitios, la programación lúdico-educativa del centro continuará acompañando a las personas en su compromiso por aprender y disfrutar el mundo de la paleontología. “Todo lo que la gente adora de los shows y la programación educativa seguirá vivo después del cierre”, prometieron los gestores.

El cierre del parque llega con cierta nostalgia. “Estamos orgullosos del legado y del impacto en nuestros jóvenes visitantes”, subrayó Gsell al anunciar la clausura. Tras más de una década en Leonia, y antes en Secaucus, el espacio se despide dejando como recuerdo haber convertido el interés por los fósiles en una propuesta familiar que mezclaba ciencia, entretenimiento y dinosaurios animatrónicos. Ahora, como epílogo inesperado, esas mismas figuras aparecen en Facebook Marketplace, a la espera de nuevos dueños. Una forma curiosa de poner punto final a un proyecto que marcó a varias generaciones de visitantes.

Mauricio Fernández Garza, alcalde con licencia de San Pedro Garza García, Nuevo León, considerado el municipio más rico de Latinoamérica, murió el pasado lunes debido al cáncer de pilmón que padecía.

El empresario era conocido por tener una gran colección de arte, misma que exponía en su museo La Milarca, ubicado en Eugenio Garza Lagüera núero 400, Zona Valle Oriente, en San Pedro Garza García, Nuevo León.

De acuerdo con la página oficial, el museo La Milarca es la réplica de la casa del coleccionista Mauricio Fernández Garza, y fue construida por el arquitecto Jorge González Loyzaga, dentro del Parque Rufino Tamayo. Tuvo su inicio en 2018 y se concluyó en 2023.

El inmueble es una estructura de concreto con acabados tradicionales, tejas de arcilla en los techos y pisos de madera recuperados; puertas, dinteles, jambas, herrería y ventanales antiguos; siete arcos góticos de mampostería entre los siglos XIII y XIV; tres portales virreynales mexicanos y cuatro techos de entre los siglos XIV y XVI.

El Museo La Milarca comprende cuatro naves principales que albergan un gran acervo cultural de alrededor de 3 mil 500 obras que, adicionadas a las áreas de servicio, resultan en un total de 2 mil 864 metros cuadrados de construcción dentro de un terreno de 6 mil 440 metros cuadrado.

El museo está abierto de martes a viernes, de 2:00 a 7:00 p.m. y sábados y domingos de 10:00 am a 8:00 p.m., mientras que los lunes permanece cerrado.

El acceso general cuesta 100 pesos, mientras que estudiantes y maestros pagan solo la mitad, 50 pesos, y personas con discapacidad, menores de 18 años, INAPAM e ICOM, entran de manera gratuita.

Cuenta con seis salas: El Estudio del Coleccionista; El Gabinete de Mauricio; México 86; Numismática; Policromado Palencia Siglo XIV y Salón Oaxaca.

Piezas destacadas de la colección de Mauricio Fernández Garza

Por medio de su cuenta de TikTok, el empresario y político llegó a compartir varias piezas de su museo y de su colección en general.

Una de las más destacadas es el cráneo de un T-Rex de más de 90 millones de años que, explicó, tiene un valor de 6 millones de dólares, y solamente hay 30 en el mundo.

En otro de los videos compartidos, mostró un tronco fosilizado de Arizona, con 100 millones de años de antigüedad, mismo que se encuentra exhibido en el museo, fuera de una vitrina para que los niños lo puedan tocar.

También en su colección se encuentra un cráneo de Triceratops y el fémur de un Brontosaurus, junto a un “eslabón perdido” entre tiburones y mantarrayas.

Además, hay un Lepidotus, un pez jurásico alemán de 180 millones de años, considerado el mejor fósil conservado del planeta. Poseía la mayor colección mundial de amonitas, huevos de dinosaurio y un nido completo, además de un esqueleto de jirafa alcanzado por un rayo en su rancho.

Colección de Fernández Garza incluye pinturas de Diego Rivera, Frida Kahlo y Rufino Tamayo

En su colección pictórica, se incluye el primer autorretrato de Frida Kahlo, subastado en Nueva York y con el que la artista convenció a Diego Rivera de su talento. También incluye un inédito “Alcatraces” de Rivera, revelado por Fernández y valorado en 15 millones de dólares.

José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Francisco Toledo también forman parte de su colección de obras pictóricas, junto a esculturas de Alejandro Colunga y huevos de avestruz pintados por Toledo.

También era propietario de la Espada de Hernán Cortés, el conquistador español, que Fernández exhibía junto a otras armas legendarias como las de Agustín de Iturbide, Porfirio Díaz e Ignacio Allende, junto con la medalla de marqués de Oaxaca que Cortés recibió.

El tesoro lo complementa el anillo de Maximiliano de Habsburgo, segundo emperador de México, la mayor colección de monedas antiguas de México, jarrones de la familia Habsburgo y ollas coloniales.

La Secretaría de Cultura comunicó que la red de museos gestionados por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) mantendrá sus tarifas sin modificaciones durante 2026. Los visitantes nacionales, así como los extranjeros que residan legalmente en México y cuenten con documentación probatoria, podrán seguir accediendo a estos recintos con los precios actuales y aprovechar los descuentos y excepciones que ya se aplican conforme a la Ley Federal de Derechos.

En el caso del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), se prevé una actualización en las tarifas de entrada únicamente para turistas extranjeros, como parte de una iniciativa de reformas a la Ley Federal de Derechos.

La Secretaría de Cultura aclaró que para la población mexicana y extranjeros residentes las cuotas permanecerán sin cambios, y enfatizó que estos espacios culturales mantienen algunas de las tarifas de acceso más bajas a nivel internacional.

El comunicado oficial puntualiza que nunca se consideró un incremento generalizado en los costos de acceso para los museos del INBAL y que los beneficios para mexicanos y residentes continuarán. Los cambios para el INAH solo tendrán impacto en las cuotas de extranjeros no residentes para 2026, en tanto que las condiciones para el resto de los usuarios seguirán vigentes.

¿Los domingos seguirán siendo de acceso gratuito en los museos?

El acceso gratuito a los museos en domingo continuará para todas las personas mexicanas y extranjeras residentes acreditadas, según lo dispuesto por la autoridad cultural. Las principales excepciones de pago seguirán vigentes y contemplan a los siguientes grupos:

• Estudiantes y maestros con credencial vigente.
• Menores de 13 años.
• Adultos mayores con credencial del INAPAM.
• Personas con discapacidad.
• Personas de origen indígena que comprueben residencia en localidades cercanas a los sitios patrimoniales.
• Pasantes e investigadores que cuenten con permiso del INAH para realizar estudios relacionados con museos, monumentos y zonas arqueológicas.

El INAH señala que su red está conformada por 165 museos que representan diferentes episodios de la historia nacional y estatal, ubicados en distintas regiones del país. Los precios de entrada y los horarios de apertura pueden variar entre estos recintos, por lo que se recomienda consultar la información específica de cada uno antes de la visita.

En el ámbito presupuestario, el Proyecto de Presupuesto de Egresos de la Federación 2026 contempla una reducción de 1,984 millones de pesos para la Secretaría de Cultura, lo que equivale a una baja del 16.1% en términos reales con respecto al monto aprobado para 2025, que fue de 15,081.5 millones de pesos; la propuesta aun será revisada por el Congreso.

Naoshima, una isla en el corazón del mar interior de Seto, ha completado un proceso de transformación clave: de ser una región industrial marcada por la contaminación y el éxodo de su población, a convertirse en un referente internacional de arte contemporáneo. Ubicada en la prefectura de Kagawa, al sur de Japón, recibe anualmente a miles de turistas.

Actualmente, cuenta con alrededor de tres mil habitantes, la mitad de los que tenía cuarenta años atrás. Su historia reciente estuvo señalada por la actividad industrial, especialmente la fundición de cobre, que dejó profundas huellas ambientales y sociales. Durante la década de 1980, la región presentaba un paisaje árido y sin vegetación, mientras que la población disminuía drásticamente debido a la emigración de los jóvenes hacia las grandes ciudades.

De centro industrial a destino cultural

En respuesta al deterioro ambiental y a la despoblación, surgió la idea de revitalizar la isla a través de la cultura. El editor Tetsuhiko Fukutake y el entonces alcalde Chikatsugu Miyake concibieron inicialmente un campamento infantil como motor de cambio. Tras su fallecimiento, su hijo Sōichirō Fukutake tomó la posta y continuó con el desarrollo en una isla que necesitaba una nueva cara.

De este modo, decidió adquirir una amplia franja de la costa sur para desarrollar museos integrados en la naturaleza. “Este proyecto nació como un acto de resistencia. Mi intención consciente era construir una especie de paraíso en la Tierra: el primer paraíso que armoniza el arte, la naturaleza y la comunidad local”, mencionó el dirigente en el Sitio de Bienestar y Arte de Naoshima, en 2018.

Para poder impulsar este ambicioso proyecto, Fukutake recurrió al arquitecto Tadao Andō, conocido por su capacidad para fusionar arquitectura y entorno. “Me sorprendió la idea y pensé que sería difícil de llevar a cabo. Era tan incómodo ¿Quién vendría aquí?”, mencionó sobre los primeros pasos y negociaciones.

La Trienal de Setouchi, celebración inaugurada en 2010, ha reforzado el atractivo de Naoshima como destino cultural. Considerado uno de los más relevantes de Japón, congrega a un millón de personas en cada edición e incluso puede extenderse por meses. En 2025, la fiesta inició a fines de abril y tiene previsto durar hasta noviembre.

Este cambio, incitado por la iniciativa Benesse Art Site Naoshima y la festividad, ha transformado la economía y la vida social de la isla, situándola en el mapa cultural global y generando un alto impacto en la economía local.

Los proyectos que acompañan el desarrollo de Naoshima

El primer hito fue el Campamento Internacional de Naoshima, inaugurado en 1989. Tres años después, le siguió la apertura del Museo Casa Benesse, que combina hotelería y arte contemporáneo con obras de figuras como Bruce Nauman, Frank Stella e Hiroshi Sugimoto. En 1994, la escultura Calabaza de Yayoi Kusama se incorpora a la colección pública, convirtiéndose en un símbolo de la isla.

El arquitecto Andō ha continuado su colaboración con Naoshima, diseñando nueve proyectos adicionales, entre ellos el Museo de Arte Chichu, parcialmente subterráneo, y el Nuevo Museo de Arte de Naoshima. Hideaki Fukutake, actual director de la fundación que lleva su nombre, considera este nuevo espacio como “uno de los proyectos más ambiciosos y emocionantes” en el que han trabajado”.

El enfoque de la iniciativa Benesse abarca mucho más que la construcción de galerías artísticas. Desde 1998, el Proyecto Art House en el pueblo de Honmura ha promovido la reutilización de edificios en desuso, transformándolos en obras de arte. Entre los ejemplos más destacados figuran las intervenciones del artista Shinrō Ōtake, como Haisha, un antiguo consultorio dental convertido en instalación artística, y el baño público Naoshima Bath, decorado con mosaicos y una escultura de elefante a tamaño real.

Del rechazo al impacto social y económico

La primera reacción de los habitantes fue de desconfianza. Toshio Hamaguchi, quien trabajó en la alcaldía durante la planificación del campamento, admitió: “No esperaba que un proyecto así, y en particular el arte, atrajera a tanta gente”. Con el tiempo, la percepción cambió ante la llegada masiva de visitantes y la revitalización de la vida cotidiana.

BBC recoge testimonio del alcalde Shinichi Kobayashi: “Gracias al creciente número de visitantes, las casas de huéspedes y los restaurantes han florecido, lo que ayuda a que la vida cotidiana sea más vibrante para los lugareños”. No obstante, reconoció cambios en las costumbres, como el aumento de la seguridad en los hogares, y enfatiza: “Para mí, lo más importante es que los residentes puedan vivir con alegría, energía y felicidad”.

El renacimiento cultural de Naoshima también ha tenido un impacto económico notable. La isla recibe más de 500.000 visitantes anuales, y la Trienal de Setouchi ha llegado a congregar a un millón de personas por edición. El auge del sector hotelero y la llegada de empleados vinculados al arte han generado incluso una escasez de viviendas.

Según datos de Asahi Shimbun, periódico japonés, desde 2022 el número de nuevos residentes ha crecido de forma constante, con 500 personas mudándose a la isla en los últimos cinco años, atraídas por su entorno artístico y la buena calidad de vida.

A pesar de estos avances, la despoblación sigue siendo un desafío. Naoshima cuenta actualmente con la mitad de habitantes que en la década del 80. El alcalde Kobayashi expresa su deseo de revertir esta tendencia: “Personalmente, deseo fervientemente que aumente. Aunque solo sea con una persona”.

La transformación de la imagen de la isla ha sido reconocida por figuras del mundo del arte. En una conferencia de 2023, Eriko Ōsaka, directora general del Centro Nacional de Arte de Tokio, atribuyó a los organizadores de Benesse Art Site Naoshima el mérito de haber cambiado la percepción de la ciudad “de negativa a positiva a través del poder del arte”.

El éxito ha servido de modelo para otras regiones rurales de Japón. En la isla de Momoshima, la Base Artística está dirigida por el artista conceptual Yukinori Yanagi, mientras que en Ōmi-shima, el arquitecto Toyō Itō ha fundado el Museo de Arquitectura Toyō Itō.

La disputa entre el Museo Van Gogh y el Ministerio de Cultura de los Países Bajos ha alcanzado un punto crítico, con la posibilidad real de que el museo de Ámsterdam cierre sus puertas si no se resuelve el conflicto sobre la financiación necesaria para su renovación. La directora del museo, Emilie Gordenker, advirtió que la falta de acuerdo tras dos años de negociaciones pone en riesgo tanto la integridad de la colección como la seguridad de los visitantes, y subrayó que la institución ha iniciado acciones legales contra el Estado neerlandés.

El Van Gogh Museum, que alberga la mayor colección mundial de obras de Vincent van Gogh —más de 200 pinturas y cerca de 500 dibujos—, recibe anualmente a unos 1,8 millones de visitantes. La necesidad de una renovación urgente responde a la preservación de estas piezas, así como a la modernización de sistemas esenciales como el control climático, los ascensores y las medidas de seguridad y sostenibilidad. Un informe independiente publicado el año pasado respaldó la preocupación de la dirección, al señalar “serias deficiencias” en la infraestructura y advertir que, sin intervenciones esenciales, el edificio representaría un riesgo para el público, el personal y la colección.

El museo ha solicitado un aumento de $2,9 millones de euros en su subsidio anual, que actualmente asciende a 10 millones, para cubrir los costos de las reparaciones y mejoras. Sin embargo, el ministerio sostiene que la institución debe asumir el déficit con sus propios recursos. En respuesta, el museo presentó una demanda judicial, argumentando que el Estado está incumpliendo el acuerdo firmado en 1962 con la Vincent van Gogh Foundation. Este pacto, surgido tras la creación de la fundación en 1960 por el sobrino y heredero del artista, establecía que el Estado construiría un museo en el centro de Ámsterdam y “garantizaría la preservación material de las colecciones, como si fueran de su propiedad”.

La colección, que incluye obras emblemáticas como Almendro en flor, Campo de trigo con cuervos y Los girasoles, fue transferida íntegramente a la fundación y, posteriormente, al museo, evitando disputas familiares y asegurando su acceso público desde la apertura del museo en 1973. La familia van Gogh, que integra la mayoría del consejo de la fundación, expresó su “profunda preocupación por la accesibilidad de la colección” y reiteró que el Estado debe garantizar la financiación para instalaciones sostenibles que permitan el acceso a las generaciones presentes y futuras.

El ministerio, por su parte, defendió su postura en un comunicado, afirmando que el subsidio para el mantenimiento del museo es una cantidad fija ajustada anualmente por inflación y calculada según una metodología aplicada a todos los museos nacionales. Según esta fórmula, el Van Gogh Museum recibe “uno de los subsidios más altos por metro cuadrado” entre los museos nacionales, y el ministerio considera que no existe incumplimiento del acuerdo de 1962. Aunque el museo genera aproximadamente el 85 % de su presupuesto a través de ingresos propios —como la venta de entradas y productos de su tienda y cafetería—, la dirección advierte que la clausura parcial durante los tres años previstos de obras provocará una pérdida de ingresos estimada en $29 millones.

La directora Gordenker subrayó que la solicitud de fondos adicionales no responde a la creación de nuevas instalaciones, sino a la necesidad de “mantenimiento básico esencial, como reemplazar un refrigerador cada 15 años”. Tras analizar diferentes escenarios, el museo calcula que requiere $35 millones adicionales, que podrían cubrirse con un aumento permanente de $2,9 millones en el subsidio anual.

El informe independiente de 2024, resultado de inspecciones y entrevistas exhaustivas, concluyó que el edificio muestra “deficiencias crecientes, especialmente en las instalaciones y la estructura”, y que la sustitución de numerosos elementos resulta imprescindible para “mantener la condición y seguridad de la colección”. El ministerio sugirió que el museo podría recurrir a financiamiento gubernamental de bajo costo y a su propio capital, pero la institución rechaza esta opción, alegando que sus recursos ya están comprometidos y que deberá aplicar medidas de ahorro para compensar la caída de ingresos durante la reconstrucción.

La reciente dimisión del ministro de Cultura, Eppo Bruins, junto a otros miembros del partido de derecha New Social Contract, añade incertidumbre sobre la posible evolución de la política estatal respecto al museo. La dirección del Van Gogh Museum espera que el próximo responsable ministerial reconsidere la situación y reconozca que el acuerdo de 1962 representa un compromiso que el gobierno debe honrar.

La vaca de manteca, símbolo tradicional de la Feria Estatal de Iowa y del arte popular del Medio Oeste de Estados Unidos, será exhibida por primera vez en la Renwick Gallery del Smithsonian American Art Museum.

La escultura, realizada por la familia Pratt, integrará la muestra “State Fairs: Growing American Craft”, que abrió el 22 de agosto de 2025 y se extenderá hasta el 7 de septiembre de 2026. Según Smithsonian Magazine, este reconocimiento representa un hito para una tradición que perdura en Iowa desde 1911.

Exhibición y herencia familiar

La exposición reunirá 240 piezas de artesanía asociadas a ferias estatales de Estados Unidos, pero la vaca de manteca destacará como la primera escultura de este tipo expuesta en el Smithsonian. El medio detalló que la pieza ocupará una vitrina octogonal en el centro de la galería y será uno de los principales atractivos del evento.

La curadora Mary Savig, criada en una familia de granjeros lecheros en Minnesota, conoció a los Pratt en la Feria Estatal de Iowa de 2023 mientras investigaba la transmisión generacional y la innovación dentro de las tradiciones artesanales. Ella buscó obras emblemáticas y, además, historias personales que reflejaran el papel de las familias en la continuidad del arte popular.

Sarah Pratt, escultora principal desde 2006, se formó durante 15 años junto a Norma “Duffy” Lyon, reconocida como la “Butter-Cow Lady”, quien asumió la tradición en 1960 y la transformó con su carisma y profesionalismo.

Lyon creó figuras como Elvis Presley y la pintura American Gothic, además de aparecer en programas nacionales, impulsando así la reputación del arte. Pratt explicó a Smithsonian Magazine que Lyon fue defensora de la industria láctea y del arte rural, y que su legado se mantiene en cada edición de la feria.

Desde 2017, las hijas de Sarah, Grace y Hannah Pratt, colaboran oficialmente en la creación de la escultura. Su relación con el arte de la manteca se remonta a la infancia, asistiendo a su madre en el taller refrigerado de la feria. La familia también llevó este arte a las ferias de Illinois y Kansas, consolidando así una tradición basada en la técnica y la creatividad.

El proceso requiere cerca de 270 kilogramos de manteca de Iowa, modelados sobre una estructura metálica hasta alcanzar una altura de 1,68 metros y un largo de 2,44 metros. A diferencia de otros escultores, las Pratt usan el calor de sus manos en lugar de guantes, lo que, según ellas, aporta mayor control y detalle a la escultura.

Innovación ante el desafío museístico

El traslado de la obra al Smithsonian supuso un desafío técnico importante. Las esculturas habituales de la feria están hechas con manteca reciclada y pensadas para durar solo semanas.

En cambio, la Renwick Gallery solicitó una escultura completamente nueva, diseñada para resistir un año completo en exhibición. Para asegurar la durabilidad, la familia realizó en 2024 una réplica de prueba en un pequeño refrigerador: una figura de Caroline Shawk Brooks, considerada pionera de la escultura de manteca en el siglo XIX.

Gracias a este experimento, las Pratt refinaron técnicas y materiales, garantizando así la integridad de la vaca durante toda la muestra.

Orígenes históricos y protagonismo femenino

El arte de esculpir manteca posee raíces profundas en Estados Unidos. Antes de su auge en las ferias, dichas esculturas adornaban las mesas durante el Renacimiento y el Barroco, y en el siglo XIX se volvieron populares en el país norteamericano.

En ese sentido, Caroline Shawk Brooks logró notoriedad tras exhibir en 1874 una escultura de una princesa dormida en Cincinnati, atrayendo a miles de visitantes. Asimismo, utilizaba bloques de hielo para conservar sus obras y participó en exposiciones universales, como la de París en 1878.

Como subrayó Sarah Pratt a Smithsonian Magazine, Brooks encarna el ingenio y resiliencia característicos del arte estadounidense y del Medio Oeste.

Las mujeres ocuparon un lugar central en el desarrollo de la escultura de mantequilla. En palabras de Mary Savig, las ferias estatales ofrecían un espacio de expresión y visibilidad cuando otros ámbitos artísticos les estaban vedados.

En la Feria Estatal de Minnesota, desde 1965, se esculpe anualmente el busto de la “princesa láctea”, embajadora de la industria, consolidando la relación entre arte, agricultura y liderazgo femenino.

Una tradición que une generaciones

La familia Pratt convirtió la vaca de manteca en parte esencial de su identidad. Durante el trabajo, madre e hijas comparten música, bromas y hasta pequeñas disputas por una sudadera de los años noventa. Para Hannah Pratt, la escultura era solo una costumbre veraniega, hasta que comprendió su importancia histórica al crecer.

Tanto ella como su hermana aportaron conocimientos universitarios al taller familiar: Grace, desde las artes plásticas, perfecciona los detalles anatómicos, mientras que Hannah, formada en diseño teatral, se encarga de los atuendos de las figuras humanas. Sarah, por su parte, transmite a sus hijas la historia y el legado de pioneras como Brooks.

La exhibición en el Smithsonian representa un desafío logístico y técnico notable. Mary Savig indicó a Smithsonian Magazine que el museo debió prever aspectos como el funcionamiento continuo de los equipos de refrigeración; el equipo de la familia Pratt será responsable tanto de la escultura inicial como de posibles ajustes a lo largo del año.

A partir de agosto de 2025, la Renwick Gallery dedicará sus dos plantas a la muestra “State Fairs: Growing American Craft”, donde la vaca de manteca ocupará el centro de la sala principal, consolidando su estatus como ícono del arte popular estadounidense y ejemplo de una tradición familiar transmitida de generación en generación.

Sin duda alguna, las Farmacias Similares, y su personaje principal, el simpático Dr. Simi, se han ganado a millones de mexicanos, pues gracias a sus productos de precios bajos y sus farmacias con servicio médico económico, han podido salir de apuros de salud.

Gracias a ello, el Dr. Simi ha podido expandir su negocio y tener otras ramas, como las clínicas SimiPet Care, en donde se ofrecen consultas veterinarias a bajo costo.

Sin embargo, también existe un museo en el que las personas pueden conocer el recorrido de Víctor González a lo largo de los años, como comenzó su camino empresarial y el éxito que ha cosechado desde que comenzó con las Farmacias Similares.

¿Qué es SimiCasa?

SimiCasa es un museo en el que se da un recorrido por la vida de Víctor González Torres, Dr.Simi, el empresario detrás de las Farmacias Similares.

De acuerdo con el sitio oficial, SimiCasa busca demostrar que hay ejemplos de liderazgo que han logrado cambios en México, aún cuando el proceso no ha sido fácil.

“Buscamos inspirar a más personas para que hagan negocios conscientes, sin dejar de ver por el planeta y por la sociedad, que tomen conciencia del medioambiente, de los problemas que aquejan a México, Latinoamérica y el mundo entero; pero principalmente, a que actúen”, se lee en el sitio.

El museo se encuentra en una casa ecléctica construida en el año de 1910, mismo año en el que inició la Revolución Mexicana. A través de sus diferentes salas, el público que lo visite conocerá la historia de Víctor González.

“Desde su infancia hasta cómo se convirtió en un hombre que hizo del altruismo su motor de vida, el nacimiento de Farmacias Similares, la historia detrás del personaje de nuestro querido Dr. Simi y las diversas instituciones creadas por el Grupo Por Un País Mejor, tales como la Fundación Best, Fundación Niños de Eugenia, Fundación del Dr. Simi, Fundación SíMiPlaneta y el Centro SIMI de Salud Emocional (SIMISAE)”, se lee en el sitio oficial.

El Museo SimiCasa se encuentra ubicado en Río Neva #17, colonia Cuauhtémoc, alcaldía Cuauhtémoc, en la Ciudad de México.

Precios

La visita tiene un costo de 100 pesos, y puede visitarse de martes a domingo, pues los lunes permanece cerrado. Cabe señalar que lo recaudado de las visitas al museo, se destinará a Simiplaneta, Fundación Dr. Simi y Simiredi.

Niños menores de 12 años, estudiantes, adultos mayores y personas con discapacidad pagan únicamente 50 pesos por su visita.

Los visitantes al museo podrán explorar 4 salas temáticas sobre la vida de Víctor González, que son: El inicio de mi lucha: niñez e inicio de su sueño; Vida laboral: cronología de su trayectoria como empresario; Vida asistencial: obra social y condecoración otorgada por el papa Francisco y Tener y ser: una reflexión sobre el valor de ayudar al prójimo.

También está el Simiplaneta, experiencia inmersiva en el sótano del museo, donde se muestran los distintos ecosistemas en una pantalla gigante, con luces y sonidos envolvente, así como el Callejón de la caricatura, una colección de ilustraciones realizadas por el caricaturista Luis Carreño, entre 2023 y 2024.

El 22 de agosto de 2004, el arte universal perdió de vista, durante dos años, dos de las obras más reconocidas del pintor Edvard Munch en un golpe comando sin precedentes en Oslo, Noruega. En menos de un minuto, El Grito y La Madonna desaparecieron del público tras un asalto ocurrido a plena luz del día en el Museo Munch, mientras decenas de visitantes observaban impotentes a los responsables armados que irrumpieron, amenazaron al personal y huyeron con los cuadros en una operación calculada. Ese episodio transformó la percepción sobre la seguridad de las colecciones artísticas europeas.

Aquel domingo tres individuos encapuchados interrumpieron la rutina del recinto. Armados y con la determinación de extraer los cuadros originales, obligaron al personal y a los visitantes presentes a tirarse al piso no interferir en el robo.

Los integrantes del grupo criminal redujeron al máximo el tiempo de exposición: desmontaron los marcos de las paredes para después escapar en un vehículo que pronto fue hallado abandonado en las inmediaciones.

Testigos entrevistados en aquel momento relataron el estado de conmoción generalizada que se vivió tanto dentro del museo como en la comunidad noruega al confirmarse el alcance del robo.

A lo largo de dos años, el paradero de El Grito y de La Madonna permaneció desconocido. Las autoridades policiales como el gobierno de Noruega se vieron presionados para justificar las medidas de seguridad en los museos estatales, después de que trascendiera que los cuadros no contaban con seguro contra robo. Esa situación provocó una revisión integral de los sistemas de protección de obras maestras en todo el país. La falta de póliza incrementó las críticas, dado el valor incalculable de ambas piezas para el patrimonio cultural noruego.

Durante los meses siguientes, la investigación policial continuó sin grandes avances públicos, aunque ininterrumpidamente. Las informaciones aportadas por fuentes especializadas, revelaron que la policía realizó decenas de interrogatorios y peritajes, además de controles fronterizos y colaboraciones con organismos internacionales dedicados a la recuperación de arte robado. En paralelo, la expectativa social creció en torno a la posibilidad de recuperar intacto el legado de Munch, cuyo impacto trasciende las fronteras noruegas. El municipio de Oslo ofreció una recompensa de una cifra cercana a los 250.000 dólares por quien aportara información sobre las pinturas de Munch.

La inesperada recuperación de las obras sucedió a finales de agosto de 2006. La policía de Oslo confirmó que, tras una operación encubierta, los cuadros originales habían sido localizados, aunque presentaban daños estructurales y en sus superficies. Las autoridades explicaron, en aquel entonces que la recuperación fue posible gracias a la colaboración de uno de los implicados, quien buscó reducir su condena. El estado de los cuadros inquietó inicialmente a conservadores y especialistas, pero los equipos técnicos determinaron que los daños eran restaurables. Los cuadros eran invendibles por eso uno de los ladrones colaboró con las autoridades.

El proceso judicial fue riguroso. En abril de 2007, la justicia noruega estableció responsabilidades entre los acusados y dictó condenas de distinta magnitud para los implicados. Björn Hoen fue identificado como el organizador de la operación y Petter Tharaldsen, quien condujo el auto que esperaba a sus cómplices en la puerta del museo recibieron una sentencia de nueve años y medio de prisión. Stian Skjöld quien se supone que colaboró con las autoridades para que se recuperaran las obras de arte, fue condenado a cinco años y medio de prisión. También tuvieron que pagar una multa por daños.

Según crónicas de la época la dificultad del caso residió tanto en demostrar la autoría intelectual como en la trazabilidad de las obras tras su desaparición. Otros sospechosos quedaron absueltos o recibieron condenas menores tras el análisis de pruebas y testimonios.

Las razones que motivaron el robo han sido objeto de análisis policial y periodístico. Varias fuentes señalaron que la imposibilidad de colocar en el mercado negro una obra tan identificable llevó al fracaso de los planes iniciales de los ladrones. Ese caso puso en evidencia la limitación del tráfico ilícito de arte de alto perfil, debido al valor simbólico y la trazabilidad de cada pieza.

Luego de su recuperación, ambas pinturas ingresaron en un programa de restauración que se extendió durante dos años. El proceso requirió la intervención de un equipo internacional con experiencia en arte expresionista y técnicas contemporáneas de restauración. El objetivo principal consistió en devolver a las pinturas su estabilidad física y apariencia, evitando alteraciones en el trazo y en la coloración original de Munch.

El retorno de El Grito y La Madonna al Museo Munch fue un evento de alto perfil en Noruega, lo que implicó reforzar tajantemente los protocolos de seguridad en el recinto. Las obras fueron reexpuestas con cristales blindados, sistemas de alarma y mayor presencia de personal, una vez culminadas las tareas de restauración en 2008. Ese refuerzo de seguridad constituyó uno de los desarrollos más relevantes para la preservación de patrimonio en museos europeos durante los primeros años del siglo.

El robo tuvo trascendencia per se y también impacto internacional en museología y la posterior actualización de los estándares de protección de obras de arte emblemáticas. En palabras de historiadores noruegos, “el golpe de 2004 marcó un antes y un después en la manera en que el país protege y valora su herencia artística”.

Las secuelas del asalto tuvieron consecuencias mucho más allá de Noruega. Diversos museos y galerías internacionales modificaron protocolos de seguridad para obras consideradas irremplazables, tomando como referencia la experiencia de Oslo. En los años siguientes, el cuidado sobre las piezas de Edvard Munch (1863-1944) se transformó en una prioridad estatal.

Desde la perspectiva judicial, el caso sentó un precedente por el nivel de coordinación y recursos invertidos en la investigación. Entre las decisiones tomadas por la policía noruega figuraron la creación de equipos especializados, el uso de tecnología de seguimiento de arte y la cooperación directa con cuerpos policiales de otros países europeos.

El robo de las dos obras de Munch en 2004 continúa siendo una referencia para especialistas en seguridad, conservación y recuperación de arte robado. En tanto la restauración finalizada de El Grito y La Madonna representó una victoria para la comunidad cultural noruega y para la gestión de riesgos en museos de todo el mundo.

En 2012, la obra El Grito volvió a ser noticia internacional. Fue porque se subastó una versión distinta a la que había sido robada y que formaba parte de una colección privada. Era la única de las cuatro versiones de El Grito que permanecía fuera de Noruega. Esa pintura, fechada en 1895, alcanzó un precio de 120 millones de dólares, récord para la época. El millonario neoyorquino León Black fue quien pagó ese monto por la pintura del artista noruego, uno de los precursores del expresionismo.

En 1994 El Grito había sido robado también en Oslo. Pero esa es otra historia.

Entre las localidades de Hradec Králové y Hořice, en pleno trazado de la futura autopista D35, arqueólogos han descubierto un asentamiento celta de más de 2.200 años de antigüedad que ha sacudido el panorama arqueológico no solo de la República Checa, sino de toda Europa Central.

El hallazgo, correspondiente a la cultura de La Tène, fue realizado por especialistas del Museo de Bohemia Oriental de Hradec Králové, la Universidad de Hradec Králové y la empresa Archaia Praha.

Según los investigadores, se trata de un centro comercial y manufacturero suprarregional, vinculado a las rutas comerciales de la época, en particular a la legendaria Ruta del Ámbar, que conectaba el mar Báltico con el Mediterráneo.

Un punto clave en la Europa Central antigua

“El asentamiento era un centro de comercio y producción suprarregional conectado a rutas comerciales de larga distancia, como lo demuestran los hallazgos de ámbar, monedas de oro y plata, y evidencias de la producción de cerámica de lujo”, explicó Jakub Novák, portavoz de la Universidad de Hradec Králové.

El yacimiento, de aproximadamente 25 hectáreas, no estaba fortificado, lo cual lo hace aún más singular. Su fase de apogeo se remonta al siglo II a. C., anterior a la aparición de los oppida, grandes asentamientos fortificados con funciones administrativas y defensivas.

“El potencial e importancia de este yacimiento lo colocan al nivel de las aglomeraciones centrales más relevantes de la región del Danubio medio o del sur de Alemania”, señaló Miroslav Novák, jefe del departamento arqueológico.

Más de 22.000 hallazgos: de lo cotidiano a lo excepcional

En total, los arqueólogos han recuperado más de 22.000 bolsas de hallazgos, una cifra que convierte a esta colección en una de las mayores jamás descubiertas en Bohemia. Incluye objetos de uso cotidiano, herramientas, fragmentos cerámicos y una sorprendente cantidad de joyas.

“Incluye objetos cotidianos y una colección de joyas excepcionalmente rica”, afirmó Ladislav Rytíř, jefe de investigación arqueológica de campo, durante una rueda de prensa en el Cuartel Gayer de Hradec Králové.

Los hallazgos metálicos incluyen monedas celtas de oro y plata, troqueles de acuñación, vasijas de cerámica de lujo, espejos y vasijas metálicas. Además, se identificaron cimientos de viviendas, instalaciones industriales y los restos de uno o dos santuarios religiosos.

“La densidad de hallazgos en la capa superficial es inusualmente alta”, subrayó Rytíř. “El potencial informativo de los horizontes superficial y subsuperficial supera ampliamente el estándar, superando incluso los rellenos arqueológicos típicos más profundos”.

Buen estado de conservación

Una de las características más extraordinarias del hallazgo ha sido su estado de conservación prácticamente intacto. A diferencia de otros yacimientos afectados por siglos de agricultura intensiva o saqueos con detectores de metales, este lugar se mantuvo protegido de alteraciones humanas.

“El descubrimiento también es excepcional porque fue posible descubrir un asentamiento del período de La Tène casi sin perturbaciones causadas por una actividad agrícola intensiva o por actividades ilegales de cazadores de tesoros”, puntualizó Miroslav Novák.

Aun así, antes de su descubrimiento oficial, la policía ya había intervenido cinco veces en la zona debido a la presencia de buscadores de tesoros ilegales, lo que ha motivado que el yacimiento se mantenga bajo vigilancia policial continua.

¿Un futuro monumento cultural?

Dada su importancia histórica, el equipo investigador está considerando solicitar la declaración del sitio como monumento cultural protegido. De ser aprobado, sería un reconocimiento oficial a uno de los hallazgos arqueológicos más significativos en la historia reciente de Europa Central.

“El asentamiento celta descubierto en la D35 no solo revela las redes comerciales de la Edad del Hierro, sino que también restituye a la región de Bohemia su papel clave en la historia antigua europea”, concluyó Rytíř.

Entre las localidades de Hradec Králové y Hořice, en pleno trazado de la futura autopista D35, arqueólogos han descubierto un asentamiento celta de más de 2.200 años de antigüedad que ha sacudido el panorama arqueológico no solo de la República Checa, sino de toda Europa Central.

El hallazgo, correspondiente a la cultura de La Tène, fue realizado por especialistas del Museo de Bohemia Oriental de Hradec Králové, la Universidad de Hradec Králové y la empresa Archaia Praha.

Según los investigadores, se trata de un centro comercial y manufacturero suprarregional, vinculado a las rutas comerciales de la época, en particular a la legendaria Ruta del Ámbar, que conectaba el mar Báltico con el Mediterráneo.

Un punto clave en la Europa Central antigua

“El asentamiento era un centro de comercio y producción suprarregional conectado a rutas comerciales de larga distancia, como lo demuestran los hallazgos de ámbar, monedas de oro y plata, y evidencias de la producción de cerámica de lujo”, explicó Jakub Novák, portavoz de la Universidad de Hradec Králové.

El yacimiento, de aproximadamente 25 hectáreas, no estaba fortificado, lo cual lo hace aún más singular. Su fase de apogeo se remonta al siglo II a. C., anterior a la aparición de los oppida, grandes asentamientos fortificados con funciones administrativas y defensivas.

“El potencial e importancia de este yacimiento lo colocan al nivel de las aglomeraciones centrales más relevantes de la región del Danubio medio o del sur de Alemania”, señaló Miroslav Novák, jefe del departamento arqueológico.

Más de 22.000 hallazgos: de lo cotidiano a lo excepcional

En total, los arqueólogos han recuperado más de 22.000 bolsas de hallazgos, una cifra que convierte a esta colección en una de las mayores jamás descubiertas en Bohemia. Incluye objetos de uso cotidiano, herramientas, fragmentos cerámicos y una sorprendente cantidad de joyas.

“Incluye objetos cotidianos y una colección de joyas excepcionalmente rica”, afirmó Ladislav Rytíř, jefe de investigación arqueológica de campo, durante una rueda de prensa en el Cuartel Gayer de Hradec Králové.

Los hallazgos metálicos incluyen monedas celtas de oro y plata, troqueles de acuñación, vasijas de cerámica de lujo, espejos y vasijas metálicas. Además, se identificaron cimientos de viviendas, instalaciones industriales y los restos de uno o dos santuarios religiosos.

“La densidad de hallazgos en la capa superficial es inusualmente alta”, subrayó Rytíř. “El potencial informativo de los horizontes superficial y subsuperficial supera ampliamente el estándar, superando incluso los rellenos arqueológicos típicos más profundos”.

Buen estado de conservación

Una de las características más extraordinarias del hallazgo ha sido su estado de conservación prácticamente intacto. A diferencia de otros yacimientos afectados por siglos de agricultura intensiva o saqueos con detectores de metales, este lugar se mantuvo protegido de alteraciones humanas.

“El descubrimiento también es excepcional porque fue posible descubrir un asentamiento del período de La Tène casi sin perturbaciones causadas por una actividad agrícola intensiva o por actividades ilegales de cazadores de tesoros”, puntualizó Miroslav Novák.

Aun así, antes de su descubrimiento oficial, la policía ya había intervenido cinco veces en la zona debido a la presencia de buscadores de tesoros ilegales, lo que ha motivado que el yacimiento se mantenga bajo vigilancia policial continua.

¿Un futuro monumento cultural?

Dada su importancia histórica, el equipo investigador está considerando solicitar la declaración del sitio como monumento cultural protegido. De ser aprobado, sería un reconocimiento oficial a uno de los hallazgos arqueológicos más significativos en la historia reciente de Europa Central.

“El asentamiento celta descubierto en la D35 no solo revela las redes comerciales de la Edad del Hierro, sino que también restituye a la región de Bohemia su papel clave en la historia antigua europea”, concluyó Rytíř.

Egipto anunció el miércoles que su esperado nuevo museo arqueológico, de 1.000 millones de dólares y ubicado cerca de las Pirámides de Giza, abrirá oficialmente el 1 de noviembre, tras varios retrasos.

Las autoridades esperan que el Gran Museo Egipcio (GEM), que alberga los tesoros de Tutankamón entre su colección de más de 100.000 piezas del antiguo Egipto, atraiga a visitantes de todo el mundo.

Las autoridades afirman que, con 50 hectáreas (124 acres), el museo será el más grande del mundo dedicado a una sola civilización.

El primer ministro, Moustafa Madbouly, declaró en una reunión de gabinete que el presidente Abdel Fattah al-Sisi había aprobado la nueva fecha de apertura.

Dijo que la inauguración sería “un evento excepcional” que exhibiría el patrimonio cultural de Egipto y atraería a visitantes de todo el mundo.

Estaba prevista para el 3 de julio, pero se pospuso cuando Israel atacó las instalaciones nucleares iraníes el 13 de junio, lo que desencadenó una guerra de 12 días que cerró el espacio aéreo en gran parte de Oriente Medio.

El proyecto ha enfrentado una serie de contratiempos, como la inestabilidad política y el impacto de la pandemia de COVID-19.Las autoridades prevén que el museo atraerá a cinco millones de visitantes al año, lo que supondrá un importante impulso para la industria turística, una fuente clave de divisas para Egipto.

Fuente: AFP

Autoridades de la Secretaría de Cultura de la Nación confirmaron el desplazamiento de Claudio Morales Gorleri, teniente coronel retirado, historiador y hasta ayer presidente del Instituto Nacional Sanmartiniano (INS) y la conversión del espacio en un Museo Nacional (MNS), a pocos días de la conmemoración del aniversario de la muerte del prócer.

El proceso que desembocó en esta medida se distingue de otras recientes en el ámbito de la gestión cultural. Mientras que el gobierno disolvió varios institutos de investigación histórica mediante los decretos 345 y 346, el caso del INS presentó un obstáculo legal: su creación en 1933, también por decreto, fue posteriormente refrendada por la ley 14.467 en 1958, lo que impedía su eliminación directa por vía ejecutiva. Según informaron desde el área de Cultura, la solución adoptada fue la conversión del instituto en museo, un camino que también se aplicará al Instituto Nacional de Investigaciones Históricas Eva Perón.

“Básicamente, a él no se lo echó, sino que no se lo va a designar como Director de Museo. Eso es lo que se le informó y como a todos se le ofreció quedar en calidad de asesor tanto para el instituto de investigaciones históricas que se va a crear como para el MNS”, explicaron desde la cartera cultural que dirige Leonardo Cifelli.

La comunicación oficial del desplazamiento llegó a Morales Gorleri a través de un mensaje enviado por Liliana Barela, subsecretaria de Patrimonio Cultural. En el mensaje, Barela le informó que la ley de creación del INS “había quedado sin efecto”, que el instituto pasaría a ser el Museo Nacional Sanmartiniano y que se designaría a un nuevo director.

Morales Gorleri había sido designado hace un año por el secretario Cifelli y la subsecretaria Barela para el período 2024-2027.

El INS, fundado por el doctor José Pacífico Otero —quien también creó el Instituto Sanmartiniano del Perú—, tenía como misión central la investigación histórica y la difusión del pensamiento del Libertador. Morales Gorleri, autor de obras como El Rey de la Patagonia, El General Petit, La Batalla de San Ignacio y Benigno Villanueva, había logrado consenso entre historiadores y autoridades del Ejército para su nombramiento en 2024.

La impronta educativa y de investigación del instituto se reflejaba en iniciativas como la Diplomatura Virtual Sanmartiniana gratuita, cuya primera parte concluyó recientemente con nueve mil inscriptos, dos exámenes en los que aprobaron tres mil participantes y 180.000 vistas en la plataforma de YouTube, todo realizado sin presupuesto y con los académicos como profesores.

La inminente designación del director del MNS, según informaron desde Cultura, no será resultado de un concurso, ya que “no entra en la primera etapa de los llamados a concurso”. El nombre del director provisorio aún no fue comunicado oficialmente. “La Subsecretaría de Patrimonio asume el cuidado del espacio hasta que el nombramiento suceda en las próximas semanas”, informaron desde Cultura.

El calendario inmediato del INS incluía actividades de relevancia internacional y nacional. Morales Gorleri tenía previsto inaugurar el 11 de agosto una exposición organizada junto al Instituto Sanmartiniano británico, cuyo presidente llegaba con materiales y novedades sobre diecinueve documentos inéditos de San Martín de la colección Fife de la Universidad de Aberdeen, en Escocia.

Además, José Berni, hijo de Antonio, aportaría desde Córdoba las ilustraciones de su padre para la obra El santo de la espada. Vida de San Martín, de Ricardo Rojas.

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) reanudará sus actividades este miércoles, luego de concluir el periodo vacacional y tras realizar una valoración de los daños ocasionados en la fachada y la quema de ejemplares de la librería Julio Torri.

Estos incidentes ocurrieron el 20 de julio, cuando un grupo de encapuchados realizó actos vandálicos durante una marcha antigentrificación.

Tatiana Cuevas Guevara, al frente de la Dirección General de Artes Visuales de la UNAM y del MUAC, comunicó que la prioridad inicial fue verificar el estado de las instalaciones internas del museo.

Cuevas Guevara detalló que los espacios interiores se encuentran en óptimas condiciones de seguridad, lo que permite garantizar tanto la protección del personal como la oportunidad de recibir visitantes y continuar con la exhibición de las obras.

Cuevas Guevara puntualizó: “los universitarios no estamos de acuerdo con las acciones violentas como estrategias o métodos para encontrar soluciones”.

La directora del museo añadió que el MUAC promueve la reflexión sobre sobre estos temas a partir de la práctica artística: “discernir desde el arte y plantear una postura disidente para imaginar una solución. En muchas exposiciones se han abordado también manifestaciones de protesta en América Latina. Y se ha planteado cómo analizarlas históricamente”.

Reiteró que la programación del museo analiza la disidencia, lo que conduce a caminos que puedan llevar al entendimiento de distintas posturas, “siempre hemos celebrado el pensamiento alterno que pueda permitir la modificación de estructuras que como sociedad queremos cambiar”.

También recordó que el recinto cumple 17 años, “en que la programación ha estado abierta precisamente a abordar muchos temas que no se presentan en otros recintos por las connotaciones políticas y críticas que sostienen, pero siempre de manera constructiva”.

El MUAC resguarda y estudia una colección de obras producidas a partir de 1952 —año en que se inauguró Ciudad Universitaria— por artistas mexicanos en su gran mayoría . Cuenta con dos mil 185 obras de más de 300 artistas, 60 fondos y 7 colecciones documentales.

Sus salas han albergado alrededor de 200 exposiciones con artistas como Magali Lara, Helen Escobedo, Francis Alÿs, Cecilia Vicuña, Anish Kapoor, Tania Candiani, Vicente Rojo, Mariana Castillo Deball, Yves Klein, Ai Weiwei, Melanie Smith y Jan Hendrix, entre muchas y muchos otros. Desde su apertura, han recibido más de 6 millones de visitantes.

Se enfatizó que el MUAC buscará fortalecer sus vínculos con el público y a partir de este miércoles 30 de julio retomará sus actividades y a partir del 1 de agosto extenderá su horario de atención a visitantes, ofrecerá entrada gratuita a los estudiantes de la UNAM y también habrá descuentos.

El Museo de Naturaleza y Ciencia de Denver encontró un fósil de casi 70 millones de años a 233 metros (763 pies) bajo su estacionamiento, en las inmediaciones del mayor parque de la ciudad, City Park, donde también se ubica el Zoológico de Denver.

El hallazgo, calificado por el director de Ciencias de la Tierra y el Espacio, Patrick O’Connor, como “el descubrimiento de dinosaurios más inusual del que he formado parte”, se produjo durante un proyecto de perforación geotérmica en enero, cuyo objetivo era evaluar la viabilidad de sustituir el gas natural por energía geotérmica.

“Que este fósil haya aparecido aquí, en City Park, es realmente mágico”. Con estas palabras, Bob Raynolds, investigador asociado de Ciencias de la Tierra,

El fósil más antiguo hallado en la ciudad podría pertenecer a un dinosaurio herbívoro

De acuerdo con la información del medio USA Today, el fósil, una vértebra parcial, fue identificado como perteneciente probablemente a un dinosaurio herbívoro bípedo, con características similares a las de un Thescelosaurus del Cretácico Superior. Según el museo, se trata del fósil de dinosaurio más antiguo y profundo jamás hallado dentro de los límites de la ciudad.

El descubrimiento se produjo cuando el equipo, aprovechando la perforación de prueba, realizó una investigación científica de extracción de núcleos para analizar la geología de la Cuenca de Denver.

El núcleo extraído, de casi 300 metros de longitud, permitió acceder a segmentos de distintas capas de tierra y minerales. En uno de estos segmentos apareció el fósil, lo que llevó a los investigadores a considerar la posibilidad de que existan más restos fósiles conservados en las capas subterráneas de la zona.

El fósil proviene de una época anterior a la extinción masiva de los dinosaurios

James Hagadorn, curador de geología del museo, explicó a USA Today que la vértebra podría formar parte de un fósil mucho mayor, situado a más de 213 metros bajo el museo, aunque es posible que nunca se llegue a saber con certeza.

Hagadorn añadió en un comunicado que “este fósil proviene de una época justo anterior a la extinción masiva que acabó con los dinosaurios, y ofrece una ventana poco común al ecosistema que una vez existió justo debajo de la actual Denver”.

El museo detalla que el fósil probablemente perteneció a un pequeño ornitópodo, un dinosaurio bípedo con solo tres dedos funcionales, según la definición de Mirriam-Webster. El Thescelosaurus, cuyo nombre significa “lagarto maravilloso”, habría alcanzado una longitud de 3.5 metros (10 a 12 pies) y una altura similar a la de un ser humano promedio. Restos de este dinosaurio se han encontrado previamente en Canadá y Estados Unidos, de acuerdo con el Museo de Historia Natural de Londres.

Los huesos fueron hallados en una roca del Cretácico tardío y datan de hace unos 67,5 millones de años. El fósil se exhibe actualmente en la exposición “Descubriendo al Teen Rex” en el propio museo, permitiendo a los visitantes observar de cerca un testimonio directo de la vida prehistórica que existió bajo la ciudad de Denver.

Otro fósil se encuentra en disputa legal en Texas

La investigación sobre el destino de un cráneo de Tyrannosaurus bataar con una antigüedad estimada de 70 millones de años ha trascendido a los tribunales en Texas. Robert M. Lavinsky, quien adquirió el fósil a través de un vendedor participante en la feria Gem & Mineral and Fossil Show en 2005, mantiene desde entonces la pieza en ese estado.

Desde 2014, el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) y el Departamento de Seguridad Nacional (DHS) vigilan el caso, señalando que el cráneo podría tratarse de patrimonio robado. Según informó la denuncia, ambas agencias han intentado confiscar la pieza.

La querella, presentada el miércoles, califica de “daño concreto y particularizado” la intención del Gobierno de apropiarse de la reliquia, postura que motivó a Lavinsky a recurrir a la justicia estadounidense.

En el Museo Diego Rivera Anahuacalli, en Coyoacán, se realizó ayer la ceremonia de develación del billete del Sorteo Superior No. 2851 de Lotería Nacional, dedicado a los recintos La Casa Azul y el Anahuacalli, como homenaje al legado de Frida Kahlo y Diego Rivera.

El evento contó con la participación de las directoras de los museos, Perla Labarthe y María Teresa Moya Malfavón; la directora general de Lotería Nacional, Olivia Salomón; y Jessica Serrano Bandala, directora de Educación Financiera y Fomento Cultural del Banco de México.

Durante la presentación del billete, se destacó su diseño, que incluye La Casa Azul y el Anahuacalli como elementos centrales, además de un fragmento de la pintura Frida and Diego Rivera (La Boda) de 1931, donde se observa a Frida y Diego unidos, símbolo de su identidad y creatividad.

Olivia Salomón subrayó la importancia de estos recintos como espacios vivos que narran la visión artística de Kahlo y Rivera, reflejando un México diverso y combativo. Además, destacó que el billete será un vehículo cultural que circulará por todo el país, promoviendo el arte e identidad nacional.

La directora recordó también que Diego Rivera diseñó un cartel para la Lotería Nacional en 1941. Respecto a Frida Kahlo, enfatizó su legado como figura inspiradora cuya historia y obra han marcado generaciones en México y el mundo.

Por su parte, María Teresa Moya Malfavón resaltó el compromiso del Museo Anahuacalli con la combinación de arte, naturaleza y arquitectura, mientras que Perla Labarthe destacó la develación del billete como una celebración del valor de la Casa Azul y de la resistencia y mexicanidad de Frida Kahlo. Ambas directoras recalcaron la colaboración entre los dos museos en favor de la preservación del legado cultural.

Jessica Serrano Bandala reafirmó el compromiso del Banco de México con la preservación del patrimonio cultural mediante fideicomisos destinados a los museos, considerando que estos recintos no son solo espacios expositivos, sino también centros de inspiración y educación.

Este evento también se enmarca dentro de las actividades promovidas por el Gobierno de México para destacar el papel de la mujer mexicana en la vida pública y cultural, con Frida Kahlo como figura central.

Entre los asistentes se encontraban miembros del Comité Técnico del Fideicomiso del Banco de México, representantes de la Junta de Gobierno del Banco, familiares de los artistas y personalidades del ámbito cultural y artístico, que se unieron para celebrar este homenaje a dos de las figuras más destacadas del arte mexicano.

¿Qué datos tiene el Billete Conmemorativo de la Lotería Nacional de Museos Frida Kahlo y Diego Rivera-Anahuacalli?

El Sorteo Superior No. 2851 ofrecerá un premio mayor de 17 millones de pesos dividido en dos series y una bolsa total de 51 millones de pesos en premios.

El sorteo tendrá lugar el viernes 11 de julio a las 20:00 horas.

Para este sorteo, se emitieron 2.4 millones de cachitos, los cuales están disponibles en más de 11 mil puntos de venta en todo México, así como a través de la página alegrialoteria.com.

La celebración será transmitida en vivo en el canal de YouTube institucional Sorteos Tradicionales de la Lotería Nacional.

En Uji, una ciudad cercana a Kioto, Japón, se encuentra un museo dedicado a los 135 años de historia de Nintendo, un espacio que es una oportunidad para los fanáticos de todas las edades que deseen adentrarse en el legado de una compañía que está detrás de iconos como Super Mario, The Legend of Zelda y Pokémon.

Ubicado en el antiguo complejo de fábricas de Nintendo, el museo ofrece una exposición que recorre desde los primeros días de la empresa como fabricante de naipes hasta su consolidación como gigante mundial de los videojuegos.

A través de objetos históricos, dispositivos exclusivos y varias experiencias interactivas, el visitante puede conocer desde cerca la creatividad y los avances tecnológicos que han caracterizado a la compañía japonesa.

Dónde está ubicado el museo de Nintendo y qué lo hace diferente a otros

El museo se sitúa en la ciudad de Uji, en la prefectura de Kioto, dentro de lo que fue el complejo original de fábricas de la empresa. Este entorno añade un valor histórico al recorrido y permite a los visitantes transitar por tres edificios principales donde se despliega la narrativa de más de un siglo de innovación.

Uno de los rasgos distintivos del museo es el equilibrio entre la tradición y la modernidad. Desde sus comienzos con la fabricación de cartas hanafuda hasta la revolución de las consolas domésticas, la exposición muestra piezas como consolas raras, prototipos y experiencias temáticas.

La sección llamada “Craft and Play” destaca por dedicar un espacio interactivo a los orígenes de Nintendo en el mundo de los naipes, ofreciendo talleres donde niños y adultos pueden crear sus propias cartas según la tradición japonesa.

Cómo se pueden comprar los boletos y cuál es su precio

El acceso al museo está regulado por la alta demanda y la necesidad de un control estricto en el número de visitantes. Para conseguir una entrada, es obligatorio participar en un sorteo mediante un registro en línea con al menos tres meses de anticipación.

Los ganadores se comunican dos meses antes de la fecha elegida y deben adquirir sus boletos de inmediato. El precio de la entrada general es de 23 dólares para adultos y 15 dólares para niños.

Algunas zonas específicas requieren un pago adicional para acceder a talleres o actividades exclusivas. El sistema busca equilibrar la experiencia de los fanáticos y la preservación de las piezas exhibidas.

Cuáles son los horarios y fechas disponibles para la visita al museo de Nintendo

El recinto abre sus puertas todos los días desde las 10 de la mañana hasta las 7 de la noche, con excepción de los martes, cuando permanece cerrado. Es importante considerar que la disponibilidad de horarios y fechas depende de la reserva previa y el resultado del sorteo. Actualmente, según el sitio web oficial, las inscripciones para visitar el museo corresponden a septiembre de 2025.

Asimismo, quienes deseen conocer el legado de Nintendo en persona deben anticiparse y seguir el cronograma que establece la organización, y considerar que la demanda supera la oferta de entradas disponibles.

Qué se puede ver y hacer en durante la visita al museo

El lugar integra exhibiciones divididas en varias áreas, entre las que destacan “Craft and Play” y “Discover”. En la primera, los visitantes no solo conocen las reglas del tradicional juego hanafuda, sino que cuentan con la posibilidad de fabricar sus propios naipes en talleres guiados. Esta actividad invita a explorar los comienzos artesanales de Nintendo y subraya la conexión de la empresa con la cultura japonesa.

En la sección “Discover”, el museo expone una amplia colección de productos que abarca dispositivos clásicos, consolas de edición limitada y prototipos inéditos. Aquí es posible observar desde modelos históricos, como la Game Boy y la Nintendo Entertainment System (NES), hasta experimentos tecnológicos y aparatos que nunca llegaron al mercado masivo.

Además, este recorrido permite apreciar los procesos creativos detrás de dispositivos emblemáticos como la Wii y la Nintendo Switch.

El Museo Warley, ubicado en el norte de Inglaterra dentro de una tradicional cabina telefónica roja, se ha consolidado como un caso singular en el panorama museístico global.

Según los datos publicados por Conde Nast Traveller, el proyecto surgió tras el anuncio de British Telecommunications (BT) sobre la eliminación de decenas de teléfonos públicos en la zona de Warley, West Yorkshire, a raíz del desuso provocado por la proliferación de teléfonos móviles.

La comunidad local, a través de la Warley Community Association (WCA), decidió intervenir en el destino de uno de estos emblemáticos espacios urbanos, adoptándolo mediante el programa ‘Adopt a Kiosk’ de BT con el objetivo de rendir homenaje a la historia de la localidad.

La transformación del espacio, según The Telegraph, fue un trabajo colaborativo donde participaron distintos miembros de la comunidad.

Desde la coordinación de Eliana Bailey y Kathryn Gallagher hasta la intervención del ebanista Doug Bailey, quien realizó la restauración y adaptación estructural para convertir la antigua cabina en un museo funcional.

Se destacan las contribuciones artísticas de los residentes Paul y Chris Czainski, encargados de los grabados en vidrio presentes en los paneles, que muestran escenas históricas locales, así como el desarrollo de un mosaico de suelo compuesto por fragmentos de cerámica y objetos hallados en los jardines de Warley.

El museo fue inaugurado de manera oficial el 8 de octubre de 2016 por el alcalde del distrito de Calderdale y el responsable de colecciones del Bankfield Museum, en un evento que contó con música y bailes tradicionales, de acuerdo a la documentación de la página web oficial del museo.

Este novedoso museo ocupa el interior de una cabina telefónica modelo K6, fabricada en hierro fundido y vinculada a la historia industrial británica desde 1936, según la información del propio sitio de Warley Museum.

Ubicada en el centro del pueblo, frente al Maypole Inn, la estructura conserva su característico color rojo brillante y ofrece acceso libre durante la mayor parte del día.

La disposición y dimensiones restringen la visita a una persona por vez, marcando un rasgo distintivo frente a otros museos.

Tanto Conde Nast Traveller como The Telegraph subrayan que los residentes consideran que el espacio podría obtener la distinción de “museo más pequeño del mundo”, y que la WCA ha ingresado formalmente la candidatura para su reconocimiento en el Libro Guinness de los Récords Mundiales, esperando que la designación impulse a futuro el turismo en el poblado.

La función curatorial recae en el trabajo colectivo de artistas y vecinos, quienes donan y seleccionan los objetos expuestos.

Además, el contenido de las vitrinas, que puede contemplarse desde dentro y fuera de la cabina, incluye fotografías históricas, joyería antigua, piezas de moda y documentos relativos a personalidades notables vinculadas al pueblo. Los grabados de vidrio y la información ilustrada sobre habitantes ilustres son elementos claves en la experiencia de visita, según la descripción de Warley Museum.

Las exposiciones cambian cada tres meses, lo que permite una permanente renovación de la narrativa histórica local. La recepción ha sido ampliamente positiva, como señala The Telegraph mediante testimonios de sus coordinadoras, quienes remarcan la sorpresa y entusiasmo de los visitantes ante este espacio insólito.

La historia reciente del Museo Warley se inscribe en una tendencia mayor de reutilización de cabinas telefónicas en Reino Unido, modalidad impulsada por BT ante la caída del uso de estos dispositivos, cifras citadas por The Telegraph indican que solo el 7% de adultos emplea habitualmente las 65.000 cabinas en el país.

Aunque muchas han sido transformadas en bibliotecas, depósitos de desfibriladores u otros servicios comunitarios, la WCA optó por un enfoque de memoria y patrimonio, lo que ha propiciado que el museo adquiera notoriedad en medios nacionales e incluso en emisiones de la BBC, donde el lugar fue presentado al público general en uno de los episodios de la serie Genius Guide to Britain.

En 1916, en medio de un país en guerra por la Revolución Mexicana, surgió la idea de crear un museo dedicado al imperio de Maximiliano de Habsburgo, el cual buscaba exhibir objetos materiales de la pareja imperial.

Este ambicioso proyecto fue impulsado por Venustiano Carranza, Primer Jefe del Ejército Constitucionalista y, propiamente, encargado del Poder Ejecutivo (no fue presidente oficial hasta 1917). La propuesta buscaba juntar y exhibir los restos materiales dispersos de la época de Maximiliano de Habsburgo y su esposa, Carlota de Bélgica.

La visión de Venustiano Carranza era dar forma a un museo en el Alcázar del Castillo de Chapultepec, un lugar cargado de historia que fue la principal residencia de Maximiliano de Habsburgo mientras estuvo en el país y ostentaba el título de emperador de México.

Este proyecto buscó recuperar los objetos pertenecientes al Segundo Imperio Mexicano. Sin embargo, el asesinato de Venustiano Carranza en 1920 por los sublevados del Plan de Agua Prieta, interrumpió de forma abrupta los planes y dejó al museo como una idea inconclusa.

Bajo el mandato de Venustiano Carranza, se encomendó a Félix F. Palavicini, encargado del Despacho de la Secretaría de Instrucción Pública y Bellas Artes, la labor de acopiar materiales del imperio de Maximiliano de Habsburgo.

Este esfuerzo fue guiado por José Luis Blasio y Prieto, quien había servido como secretario particular de Maximiliano de Habsburgo y poseía un conocimiento íntimo del régimen (del cual escribió un libro).

En paralelo, Antonio Cortés Vázquez asumió la responsabilidad del proyecto museístico. Él era investigador del antiguo Museo Nacional, el cual estaba bajo la dirección de Luis Castillo Ledón.

La labor fue difícil debido a que numerosos objetos ligados al Segundo Imperio Mexicano se esparcieron al desmoronarse el gobierno de Maximiliano de Habsburgo. Efectos personales, como joyas, documentos y vestidos, solían terminar en manos de coleccionistas, saqueadores y anticuarios.

Algunos de estos objetos sobrevivieron al tiempo abandonados en edificios oficiales como el Palacio Nacional, lo que permitió que más tarde fueran rescatados y preservados, aunque de manera dispersa y no bajo un mismo techo como se había soñado originalmente.

Ejemplos del esfuerzo y fracaso del museo del Segundo Imperio Mexicano son los pianos de Maximiliano de Habsburgo y Carlota. Según un comunicado del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), el instrumento Collard & Collard del emperador fue requisado tras una pugna legal a un particular que lo tenía en su residencia.

Mientras, el piano Herz Neven de Carlota fue también tema de largas batallas judiciales antes de ser reconocido como monumento. Finalmente, ambos instrumentos llegaron al Museo Nacional de Historia, donde actualmente son exhibidos.

Daft Punk, el influyente dúo francés de música electrónica, llegará a la Ciudad de México con una experiencia inmersiva que incluye museo y proyecciones cinematográficas, en una iniciativa que busca rendir homenaje a su trayectoria e impacto global. La proyección de su película Interstella 5555 es uno de los eventos más esperados durante esta nueva fecha en nuestro país.

El museo temático y ciclo de cine de Daft Punk se realizarán en diversas fechas de julio de 2025 y forman parte de un circuito internacional que recorre ciudades emblemáticas de la música y la cultura digital. La propuesta está dirigida tanto a fanáticos de la agrupación como a quienes desean acercarse a la evolución de la música electrónica de las últimas décadas.

La exposición contará con piezas originales, memorabilia, trajes emblemáticos y una colección de cascos usados en conciertos y videoclips que definieron la imagen de Daft Punk en el imaginario colectivo. Se incluirán fotografías inéditas, instrumentos, discos de colección y objetos personales que muestran la etapa creativa de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, integrantes del dúo. El recorrido pretende documentar la influencia de Daft Punk en el desarrollo de la música electrónica, desde sus inicios en París, su irrupción en los clubes underground de Europa, hasta convertirse en un referente icónico global.

Una exposición para conocer mejor a Daft Punk

Los organizadores del evento señalaron que el museo Daft Punk en la Ciudad de México buscará generar una inmersión total en la estética retrofuturista de la banda. Se habilitarán salas interactivas con tecnología de realidad aumentada, soundtracks exclusivos y proyecciones de videoclips para revivir algunos de los momentos más representativos en la historia del dúo. Además, se han preparado actividades para toda la familia, incluidos talleres artísticos y conferencias sobre innovación musical.

El ciclo de proyecciones cinematográficas, por su parte, exhibirá material audiovisual exclusivo: desde documentales sobre la formación y ascenso de Daft Punk, hasta películas en las que colaboraron o brindaron apoyo musical. Entre los títulos confirmados se encuentran “Daft Punk Unchained”, documental que explora el legado del grupo, así como presentaciones inéditas de sus shows en directo. También se presentarán piezas audiovisuales sobre la producción del histórico álbum “Random Access Memories”, reconocido mundialmente y acreedor a varios premios Grammy.

¿Cuándo y dónde ver la exposición?

Del 17 al 20 de julio la marca de ropa oriunda de California, Estados Unidos, Pleasures, traerá al Centro Cultural Digital (CCD) la muestra de objetos e ilustraciones; mientras que el Estadio Alfredo Harp Helú, conocido por su papel central en actividades deportivas, será el encargado de albergar las proyecciones , garantizando la accesibilidad y la seguridad del público. Se prevé una alta demanda de boletos, por lo que los organizadores han facilitado la venta digital anticipada. La inauguración oficial contará con la presencia de invitados especiales y especialistas en música electrónica, quienes reflexionarán sobre el aporte de Daft Punk a la cultura contemporánea.

A pesar de la separación del dúo anunciada en 2021, la popularidad de Daft Punk se ha mantenido vigente a través de la reproducción de su música, el uso de sus temas en películas, comerciales y la constante reinvención de su legado. La exposición reconoce este fenómeno y propone, a través de la experiencia sensorial y educativa, descubrir cómo la imagen enigmática de los músicos, su apuesta por la experimentación tecnológica y la fusión de géneros influyeron en generaciones de artistas y productores.

La directora de la productora encargada del evento en México mencionó que la ciudad fue elegida por su “efervescente escena musical y creatividad digital”. Declaró, además, que el objetivo es “acercar a las nuevas generaciones a una historia de innovación y originalidad, mostrando que Daft Punk es más que música: es un fenómeno cultural”.

La llegada del museo y el cine Daft Punk a la capital mexicana refuerza la presencia local de eventos mundiales enfocados en la música, la tecnología y el arte. Se espera que el acontecimiento tenga un impacto positivo, tanto por la derrama económica en turismo cultural como por el fomento a las industrias creativas. Los boletos están disponibles para el público general y existen paquetes especiales para grupos, estudiantes y familias. Se recomienda adquirirlos a través de los canales oficiales para evitar contratiempos o fraudes.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, con la colaboración de Las Rozas Village, presenta la 23ª edición de #VersionaThyssen, el concurso que invita a jóvenes artistas de entre 16 y 35 años a reinterpretar obras de su colección.

La pinacoteca señala que, quien desee participar, puede compartir hasta el 6 de julio su creación en Instagram, incluyendo los hashtags #VersionaThyssen23 y #VersionaThyssen, la mención a @museothyssen, el título de su obra y el título del cuadro versionado.

Cada participante puede enviar todas las versiones que quiera y optar así a alguno de los premios de esta convocatoria, que van de 500 a 1.000 euros y ventajas en el museo.

Las seis obras propuestas para versionar en esta edición son: 'Retrato de un joven como san Sebastián' (hacia 1533), de Bronzino; 'La muerte de Jacinto' (hacia 1752-1753), de Giambattista Tiepolo; 'Hércules en la corte de Onfalia' (1537), de Hans Cranach; 'La pelirroja con blusa blanca' (1889), de Henri de Toulouse-Lautrec; 'Love, Love, Love. Homenaje a Gertrude Stein' (1928), de Charles Demuth, y 'Pierrot contento' (hacia 1712), de Jean Antoine Watteau, elegida esta última por Las Rozas Village para esta edición.

El artista multidisciplinar Hugáceo Crujiente es el invitado de esta convocatoria, como ya lo fueron anteriormente Flavita Banana, Coco Dávez, Rocío Quillahuaman, Lara Lars o Trapalleiro, entre otros. Además, formará parte del jurado que seleccionará los trabajos ganadores, junto a representantes del museo.

La entrega de premios tendrá lugar el viernes 18 de julio a las 21:00 horas, durante la apertura nocturna de varias salas de la colección permanente del museo, en las que se podrán ver algunas de las versiones presentadas al concurso junto a las obras originales. El evento estará presentado por la actriz, guionista y directora Abril Zamora, y contará con una actuación musical.

Las autoridades egipcias anunciaron un nuevo aplazamiento en la inauguración oficial del GEM, prevista inicialmente para el 3 de julio, debido al aumento de las tensiones regionales. El Ministerio de Turismo y Antigüedades de Egipto emitió un comunicado en el que explicó que la decisión responde a los recientes acontecimientos en la región.

El texto oficial señaló: “En vista de los desarrollos regionales en curso, se decidió posponer la inauguración oficial del Gran Museo Egipcio, que estaba programada para el 3 de julio”. Esta no es la primera vez que la apertura del museo se retrasa, ya que en ocasiones anteriores factores como la inestabilidad política y la pandemia de Covid-19 también provocaron postergaciones.

Durante una conferencia de prensa, el primer ministro Mostafa Madbouly confirmó que la inauguración se trasladará al último trimestre del año. El funcionario explicó que, dadas las circunstancias actuales, “creímos que sería apropiado retrasar este gran evento para que pueda mantener el impulso global adecuado”. La intención es garantizar que la apertura del museo cuente con la atención internacional que merece.

El presidente Abdel Fattah al-Sisi ha calificado al Gran Museo Egipcio como “el mayor museo arqueológico del mundo dedicado a una sola civilización”. El recinto, ubicado en las proximidades de las Pirámides de Guiza, representa un ambicioso proyecto cultural y turístico para el país.

La inauguración estaba prevista como un evento de gran escala, con la presencia de líderes mundiales como el expresidente estadounidense Joe Biden y el rey Felipe VI de España, quienes habían sido invitados a la ceremonia.

El aplazamiento más reciente coincide con un contexto de creciente tensión en el Medio Oriente, donde Irán e Israel se encuentran involucrados en el intercambio de fuego más intenso de su historia reciente. Esta situación ha generado temores sobre la posibilidad de una escalada que derive en un conflicto más amplio en la región.

El Gran Museo Egipcio se ha concebido como un símbolo de la herencia cultural egipcia y un motor para el turismo internacional. Su construcción y apertura han estado marcadas por desafíos logísticos y políticos, pero también por la expectativa de convertirse en un referente mundial en la exhibición de antigüedades. Según el director del museo, el GEM duplica en tamaño a los museos más reconocidos de Europa y Estados Unidos, y supera en dos veces y media al Museo Británico.

La decisión de posponer la inauguración busca preservar el carácter internacional del evento y asegurar la participación de figuras destacadas del ámbito político y cultural. La nueva fecha se definirá en función de la evolución de la situación regional, con el objetivo de garantizar la seguridad y el impacto global del acontecimiento.

El proyecto del Gran Museo Egipcio ha sido presentado por las autoridades como una pieza clave en la estrategia de revitalización del sector turístico, afectado en los últimos años por factores externos. La expectativa es que, una vez abierto, el museo atraiga a millones de visitantes y refuerce la posición de Egipto como destino cultural de primer orden.

Fuente: AFP

[Fotos: EFE/EPA/Mohamed Hossam]

La Ciudad de México se prepara para recibir un nuevo espacio cultural que busca transformar la manera en que el mundo conoce a Frida Kahlo. A finales de septiembre abrirá sus puertas el Museo Casa Kahlo, un recinto dedicado a la infancia y la vida familiar de la reconocida artista mexicana, con una exhibición de objetos personales nunca antes vistos.

Ubicado en el tradicional distrito de Coyoacán, el museo ocupará la Casa Roja, justo al lado de la célebre Casa Azul, sede del actual Museo. Smithsonian Magazine informó que la iniciativa responde al deseo de la familia Kahlo de compartir aspectos íntimos de su historia, permitiendo al público adentrarse en el entorno que forjó su personalidad y arte.

Un nuevo museo en la Casa Roja: memoria y pertenencia

La Casa Roja, propiedad de la familia desde hace generaciones, permaneció en manos de los descendientes de Cristina Kahlo, hermana de Frida.

Mientras la Casa Azul fue construida por el padre de la artista en 1904 y convertida en museo en 1958, la Casa Roja fue hasta ahora un espacio privado. Smithsonian Magazine señaló que su apertura representa un esfuerzo por ampliar la narrativa sobre la artista, enfocándose en sus años formativos y en la influencia de su entorno más cercano.

Dos espacios, dos relatos sobre Frida Kahlo

La Casa Azul se consolidó como una referencia internacional para quienes buscan comprender la obra y vida pública de la artista, incluyendo su relación con Diego Rivera y su papel en el arte del siglo XX.

Por su parte, el nuevo museo en la Casa Roja ofrecerá una mirada inédita, centrada en la infancia de Frida y en su vínculo con su familia.

De acuerdo con Smithsonian Magazine, la exposición permanente incluirá cartas, fotografías, juguetes, prendas de vestir y otros objetos que ilustran su formación temprana y el impacto de su núcleo familiar en su desarrollo personal y creativo. Esta diferenciación permitirá a los visitantes acercarse a una dimensión más íntima de la figura de Kahlo.

Tesoros inéditos: primeras obras y recuerdos familiares

Entre los principales atractivos del museo se encuentran objetos personales nunca antes exhibidos. A su vez, se presentarán su primer óleo y el único mural que se le atribuye, obras fundamentales para entender sus inicios en el arte.

Smithsonian Magazine destacó que estas piezas revelan facetas poco conocidas de la artista, como su relación con el juego, la moda y la escritura. En diálogo con Vogue, Frida Hentschel Romeo, sobrina bisnieta de Kahlo, explicó que el museo busca retratar no solo su obra, sino también su mundo, destacando el papel de su familia en la construcción de su identidad.

Hentschel Romeo relató que el primer óleo fue mostrado por Frida a Diego Rivera para que evaluara si tenía futuro como pintora, un episodio que calificó como conmovedor.

La familia Kahlo y el impulso del nuevo museo

La realización del Museo Casa Kahlo fue posible gracias al compromiso de la familia, especialmente de Mara Romeo Kahlo, nieta de Cristina y actual propietaria de la Casa Roja. Según The New York Times, Romeo Kahlo ofreció la casa con el propósito de preservar y compartir el legado familiar.

La iniciativa es gestionada por la recientemente creada Fundación Kahlo, organización sin fines de lucro encargada de coordinar el proyecto.

De acuerdo con su sitio web, citado por Smithsonian Magazine, su misión es “preservar el legado de Frida y promover el arte y la cultura mexicana, indígena y latinoamericana a nivel global”. Por primera vez, la historia de la artista será contada con una voz directa de su familia.

En declaraciones recogidas por Vogue, Frida Hentschel Romeo subrayó el valor de este enfoque, y Mara Romeo Kahlo enfatizó la importancia que tenía la familia en la vida de Frida, según destacó The New York Times.

Frida Kahlo: orígenes, vínculos y memoria

Frida Kahlo nació en 1907 y creció en la Casa Azul, donde vivió junto a sus padres y más tarde con Diego Rivera. Su relación con su hermana Cristina fue especialmente estrecha: la acompañó en momentos cruciales como su viaje a Nueva York y en las largas recuperaciones tras el accidente de autobús que marcó su vida a los 18 años.

A pesar del dolor físico constante, Frida consolidó una carrera reconocida internacionalmente, caracterizada por sus autorretratos y su representación del sufrimiento y la identidad femenina.

La Casa Roja, que Frida adquirió para que Cristina viviera cerca, funcionó como un espacio de apoyo cotidiano y emocional. Con el tiempo, fue heredada por Mara Romeo Kahlo, quien lidera la apertura del nuevo museo con el objetivo de compartir estos recuerdos con el público.

Una herencia viva

El medio destaca que la inauguración del Museo Casa Kahlo representa la concreción de un proyecto largamente soñado. “Este es un sueño que nuestra familia ha tenido durante mucho tiempo”, expresó Mara Romeo Kahlo, citada por Smithsonian Magazine. “El legado de Frida pertenece al mundo, pero comienza aquí: en esta tierra, en estas casas y en la cultura que la formó”.

Según Smithsonian Magazine, la apertura del museo no solo ampliará el acceso al legado de la artista, sino que reforzará el vínculo con nuevas generaciones de visitantes, investigadores y admiradores.

Con este nuevo espacio, la Ciudad de México rinde homenaje a una de sus figuras más universales, permitiendo una inmersión profunda en sus raíces personales y familiares.

Los museos son mucho más que templos del arte o vitrinas del pasado: también pueden ser espacios íntimos, experimentales e inesperados.

Lejos de las multitudes, existen propuestas culturales que invitan a mirar con otros ojos, ya sea a través de colecciones singulares, enfoques alternativos o modos distintos de narrar el mundo.

A partir de esa premisa, la revista Time Out realizó una selección de museos poco conocidos pero altamente recomendables. La lista reúne espacios que escapan al circuito turístico tradicional, y se destacan por su identidad propia, la calidad de sus contenidos y el tipo de experiencia que ofrecen.

Museo de Miniaturas Small Worlds, Tokio, Japón

En la isla artificial de Odaiba, frente a la costa de Tokio, el Museo de Miniaturas Small Worlds invita a explorar un universo en escala reducida. Sus escenarios tridimensionales en miniatura reproducen con precisión lugares reales o imaginarios: recrean desde el aeropuerto de Kansai hasta un centro espacial de los años 60, pasando por paisajes inspirados en animes.

La tecnología 3D del museo permite a las personas digitalizar su figura y convertirse en parte de estas escenas por un año. El espacio cruza precisión técnica, cultura pop y participación de los visitantes.

Museo del Diseño, Londres, Inglaterra

El Museo del Diseño en Londres fue creado por el reconocido diseñador Terence Conran y está dedicado a examinar cómo los objetos modelan nuestra vida cotidiana. Desde muebles y electrodomésticos hasta atuendos, gráficos o escenografías de cine, sus exposiciones abordan el diseño como herramienta cultural y política.

A diferencia de instituciones más tradicionales, este museo destaca por una curaduría accesible y dinámica, que se dirige tanto al público general como a profesionales.

City Reliquary, Nueva York, Estados Unidos

En el corazón de Williamsburg, Brooklyn, el City Reliquary (Reliquiario Urbano) propone una visión alternativa de la historia de Nueva York. Su colección incluye objetos comunes, desde botellas antiguas de sifón hasta tarjetas postales y torniquetes de subte.

Más que narrar una historia oficial, este pequeño museo busca reflejar la identidad de la ciudad a través de lo cotidiano, lo olvidado y lo afectivo, lo que lo convierte en una cápsula de memoria urbana.

Museo Chau Chak Wing, Sídney, Australia

Ubicado en la Universidad de Sídney, el Museo Chau Chak Wing reúne colecciones que abarcan desde arte contemporáneo hasta arqueología y ciencias naturales. Inaugurado en 2020, presenta un enfoque no lineal, que prioriza el cruce entre disciplinas y tiempos históricos.

Las muestras están pensadas para generar nuevas preguntas sobre la manera en que se construye el conocimiento, desafiando marcos coloniales tradicionales y proponiendo otras formas de leer el pasado.

Museo de Historia Natural Lee Kong Chian, Singapur

Dentro del campus de la Universidad Nacional de Singapur, el Museo de Historia Natural Lee Kong Chian alberga una de las colecciones zoológicas más completas del sudeste asiático.

El edificio, de arquitectura inspirada en formaciones rocosas tropicales, contiene fósiles, esqueletos de grandes mamíferos, incluido un cachalote de más de diez metros, y una importante muestra de biodiversidad. Se trata de una referencia indispensable para entender el patrimonio natural regional.

Museo Bordalo Pinheiro, Lisboa, Portugal

El Museo Bordalo Pinheiro, en Lisboa, está dedicado a la obra del artista Rafael Bordalo Pinheiro, pionero en la caricatura política portuguesa y creador de un lenguaje visual propio.

El museo conserva una extensa colección de cerámicas, dibujos satíricos y objetos decorativos producidos entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Frente al edificio, un jardín poblado de esculturas de animales prolonga su imaginario. La programación incluye talleres y actividades que abren su obra a públicos diversos.

MOD, Adelaida, Australia

En la Universidad de Australia del Sur, en Adelaida, se encuentra MOD. Este es el Museo de Descubrimiento, un espacio interactivo donde confluyen ciencia, arte y tecnología. Su propuesta incluye instalaciones inmersivas, pantallas táctiles y recursos visuales que exploran temas como el futuro del planeta, la inteligencia artificial o el cuerpo humano.

Una de sus atracciones principales es Science on a Sphere, un globo tridimensional que representa distintos planetas y fenómenos globales. Con entrada gratuita, invita a imaginar los desafíos del mañana desde el presente.

Museo Norton Simon, Los Ángeles, Estados Unidos

El Museo Norton Simon, en Pasadena, alberga una de las colecciones privadas más significativas de Estados Unidos. Exhibe obras de artistas como Van Gogh, Degas, Rembrandt y Picasso, además de una notable colección de escultura asiática antigua. Su jardín de esculturas, temporalmente cerrado debido a obras de construcción, completa el recorrido con una propuesta de contemplación al aire libre.

"El objetivo es mostrar un siglo complejo a través de su cultura estética", explicó en un comunicado el director de esta importante pinacoteca italiana, Simone Verde.

Entre las obras expuestas está el boceto preparatorio que Goya pintó en 1783 para un retrato -actualmente perdido- de María Teresa de Vallabriga, esposa del infante Luis Antonio de Borbón, conde de Chinchón y hermano de los reyes Fernando VI y Carlos III.

En el cuadro, la mujer aparece a caballo, con sombrero, tocado y traje de montar de terciopelo azul, tomando con determinación las riendas y mirando adelante pese a la tempestad que se cierne sobre el paisaje montañoso y pedregoso que la rodea.

La pintura se encontraba en los archivos de los Uffizi, que cuenta con otros dos cuadros del maestro español, un retrato de Maria Teresa de Borbón y Villabriga, futura condesa de Chinchón y esposa de Godoy, realizado en el 1800 y custodiado en sus depósitos, y otro de un torero pintado en el 1797.

El museo florentino mostrará de nuevo al público este retrato ecuestre dentro de una exposición que pretende resaltar hasta el próximo 28 de noviembre el valor artístico del siglo XVIII europeo.

Para ello, la muestra, comisariada por Alessandra Griffo, reúne unas 150 piezas entre pinturas, esculturas, mobiliario, porcelanas, tapices y grabados de maestros como Giambattista Tiepolo, Canaletto o la francesa Élisabetch Vigée Le Brun.

La intención, apuntan desde los Uffizi, es narrar el arte de una época de cambios cruciales para el pensamiento y la estética occidentales y celebrar el nacimiento de este museo en 1769, enriquecido con las obras acumuladas en los siglos anteriores por los Medici y otros nobles toscanos.

"Las obras expuestas, además de mostrar una gran calidad, permiten conocer un siglo clave para la formación de la mentalidad, de la sensibilidad e incluso del gusto moderno. Actualmente a Florencia llega cada año un millón de personas atraídas por el mito del primer Renacimiento. El descubrimiento de ese periodo se produjo, de hecho, durante el XVIII", defendió Griffo. EFE

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Trabajar en un museo es convivir a diario con el tiempo detenido. Es llegar cada mañana y saludar a estatuas que no responden, caminar por salas en silencio mientras los cuadros parecen observarte a ti, y no al revés. Pero para Aoife McKenna, de Derby, Reino Unido, esta experiencia tomó un rumbo poco habitual. En noviembre emprendió un viaje de 9.000 millas hasta Port Lockroy, una base británica en la remota isla Goudier, en la Antártida. Allí se encuentra el museo más austral del planeta, gestionado por el UK Antarctic Heritage Trust (UKAHT), junto con la oficina de correos más al sur del mundo y una bulliciosa colonia de pingüinos papúa.

Para McKenna, esta experiencia fue “diferente a cualquier otra”. Durante cinco meses trabajó junto a un equipo de otras cuatro personas en la conservación y evaluación de objetos del museo. La base, que fue la primera estación científica del Reino Unido en la Antártida, ofrece cada año un proceso de reclutamiento abierto. Y aunque suene a aventura reservada para especialistas extremos, McKenna aclara que “la mayoría de quienes se dedican a este trabajo nunca han trabajado en la Antártida” y que, en realidad, “es un poco más accesible de lo que la mayoría cree”, afirmaba para la BBC.

“No había una sensación real de que el tiempo pasara”

La isla en la que vivió es “muy aislada” y “ligeramente más pequeña que un campo de fútbol”, según describe. Sin embargo, esta diminuta porción de tierra rodeada de hielo es, sorprendentemente, un lugar transitado. “Estábamos ubicados en la Península Antártica, que es una especie de franja del continente que se extiende hasta el fondo de América del Sur”, explica. A lo largo de la temporada turística, calcula que vieron “probablemente alrededor de 18.000 personas durante la temporada, que nos visitaron en cruceros y todo tipo de embarcaciones pequeñas y yates”.

La afluencia no se limita al turismo. “La gente venía a hacer investigaciones científicas. Venía todo tipo de gente”, añade. Esta mezcla entre aislamiento extremo y tránsito inesperado marcó una rutina en la que el trabajo se alternaba con la observación directa de la vida silvestre y la gestión diaria de un museo en condiciones poco convencionales. “Pudimos hacerlo, pero también quería aprovechar al máximo la experiencia, pasar tiempo con los pingüinos y pasar el mayor tiempo posible al aire libre”, recuerda. La isla estaba habitada por unos mil pingüinos papúa, y durante su estancia “tenían poco menos de 700 polluelos, así que fue realmente adorable y, sin duda, un momento inolvidable”.

Uno de los mayores retos, sin embargo, fue enfrentarse a la peculiaridad del tiempo. “Durante gran parte de la temporada, hay 24 horas de luz”, comenta. “Así que no había una sensación real de que el tiempo pasara, siempre parecía medio día, incluso cuando era media noche”. Este efecto afectó directamente al equipo: “Como trabajábamos muchas horas, eso definitivamente nos dejó a todos muy cansados”.

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El regreso a la vida urbana también implicó un ajuste. “Tuvimos que adaptarnos mucho al regreso. Pasamos por Argentina, así que pasamos un tiempo en Buenos Aires. Adaptarme a una ciudad enorme fue realmente interesante. Noté mucho más el ruido”, explicó McKenna antes de volver a Reino Unido a finales de marzo. Actualmente, trabaja en un museo en Stirling, en Escocia. Aunque ha cambiado de latitudes, la experiencia antártica dejó una huella duradera. Según afirma, le ha hecho sentirse “aún más apasionada” por los museos y el patrimonio. Una pasión que, en su caso, ya ha atravesado glaciares, pingüineras y fronteras invisibles donde el reloj, como el tiempo en los museos, parece haberse detenido.

"Dolton tiene la intención de comprar esta casa ya sea a través de una compra directa o mediante expropiación forzosa", escribió Burton S. Odelson, un abogado del municipio de Dolton, Illinois, en una carta enviada a Paramount Realty USA, firma de subastas de bienes raíces que ya había comenzado a recopilar ofertas para la propiedad, de acuerdo los medios.

En ese sentido, la misiva destaca que el municipio tiene la intención de trabajar con la Arquidiócesis de Chicago y otras agencias para permitir que la casa pase a ser una especie de museo o lugar abierto a las visitas como un sitio histórico.

Adquirir la casa a través del dominio eminente permitiría a Dolton tomar la propiedad privada para fines públicos, aunque el gobierno tendría que pagar una "compensación justa" al propietario, según la carta.

Los padres del actual papa compraron la casa, ubicada en 212 E. 141st Place, nueva en 1949, pagando una hipoteca mensual de 42 dólares.

Esta casa fue construida en 1949 sobre un terreno de 5.000 pies cuadrados (460 metros cuadrados), y la superficie construida ocupa 1146 pies cuadrados (106 metros cuadrados). En sus dos pisos caben dos cuartos de baño, tres dormitorios y una sala o espacio común.

La casa fue enteramente renovada el año pasado, según contó a EFE un contratista que participó en los trabajos, antes de saberse que tan ilustre morador (entonces solo era cardenal) vivió allí. Es decir, no queda prácticamente nada del interior de la vivienda donde habitó el joven Robert Prevost.

El contratista relató que cuando comenzaron a trabajar era una vivienda extremadamente humilde con un solo baño y ventanas de un solo cristal en el frío invierno de Chicago.

El 5 de mayo, el propietario actual -que compró la casa en 2024 por 66.000 dólares- puso a la venta la casa por 200.000 dólares. Sin embargo, la retiró rápidamente del mercado después de que Robert Francis Prevost fuera elegido Papa.

Luego se anunció que la casa donde León XIV vivió los primeros catorce años de su vida, salía a subasta a un precio de salida de 250.000 dólares, en una puja que puede ir subiendo hasta el 18 de junio, cuando se cierra el plazo.

Robert Francis Prevost, nombre original de León XIV, solo vivió catorce años en esa casa, ya que luego ingresó en el seminario y posteriormente en la orden de los Agustinos, y solo regresó al domicilio parental de visita. Sus padres se quedaron en la casa hasta fines del siglo pasado. EFE

(foto)

La inmobiliaria Paramount Realty es la organizadora de la subasta con el siguiente gancho: "Posea un trozo sagrado de la Historia", aunque reconoce que es "una humilde casa de ladrillo" situada en "una barriada del sur de Chicago".

Fue construida en 1949 sobre un terreno de 5.000 pies cuadrados (460 metros cuadrados), y la superficie construida ocupa 1.146 pies cuadrados (106 metros cuadrados). En sus dos pisos caben dos cuartos de baño, tres dormitorios y una sala o espacio común.

La casa fue enteramente renovada el año pasado, según contó a EFE un contratista que participó en los trabajos, antes de saberse que tan ilustre morador (entonces solo era cardenal) vivió allí. Relató que cuando comenzaron a trabajar era una vivienda extremadamente humilde con un solo baño y ventanas de un solo cristal en el frío invierno de Chicago.

Los contratistas cambiaron las tuberías de gas y agua, pusieron un suelo flotante, añadieron un baño e instalaron ventanas herméticas. El resultado puede ahora verse en la web de Paramount.

La inmobiliaria da en esa web el nombre de dos agentes con los que hay que ponerse en contacto en los 33 días restantes hasta la realización de la subasta.

La casa, que efectivamente cuenta con un jardín ahora abandonado, estuvo en venta hasta el día del nombramiento del papa, pero en cuanto saltó la noticia, fue retirada del mercado, hasta volver a aparecer en el catálogo de Paramount.

Los vecinos de Dolton confesaron por esos días a los periodistas que aspiraban a que la casa fuera convertida en un museo o centro de visitas centrado en el papa, aunque la inmobiliaria no parece tener esos planes.

Robert Francis Prevost, nombre original de León XIV, solo vivió catorce años en esa casa, ya que luego ingresó en el seminario y posteriormente en la orden de los Agustinos, y solamente regresó al domicilio parental de visita. Sus padres se quedaron en la casa hasta fines del siglo pasado. EFE

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La inmobiliaria Paramount Realty es la que organiza la subasta con el siguiente gancho: "Posea un trozo sagrado de la Historia", aunque reconoce que es "una humilde casa de ladrillo" situada en "una barriada del sur de Chicago".

Fue construida en 1949 sobre un terreno de 5.000 pies cuadrados (460 metros cuadrados), y la superficie construida ocupa 1146 pies cuadrados (106 metros cuadrados). En sus dos pisos caben dos cuartos de baño, tres dormitorios y una sala o espacio común.

La casa fue enteramente renovada el año pasado, según contó a EFE un contratista que participó en los trabajos, antes de saberse que tan ilustre morador (entonces solo era cardenal) vivió allí. Relató que cuando comenzaron a trabajar era una vivienda extremadamente humilde con un solo baño y ventanas de un solo cristal en el frío invierno de Chicago.

Los contratistas cambiaron las tuberías de gas y agua, pusieron un suelo flotante, añadieron un baño e instalaron ventanas herméticas. El resultado puede ahora verse en la web de Paramount.

La inmobiliaria da en esa web el nombre de dos agentes con los que hay que ponerse en contacto en los 33 días restantes hasta la realización de la subasta.

La casa, que efectivamente cuenta con un jardín ahora abandonado, estuvo en venta hasta el día del nombramiento del papa, pero en cuanto saltó la noticia, fue retirada del mercado, hasta volver a aparecer en el catálogo de Paramount.

Los vecinos de Dolton confesaron por esos días a los periodistas que aspiraban a que la casa fuera convertida en un museo o centro de visitas centrado en el papa, aunque la inmobiliaria no parece tener esos planes.

Robert Francis Prevost, nombre original de León XIV, solo vivió catorce años en esa casa, ya que luego ingresó en el seminario y posteriormente en la orden de los Agustinos, y solo regresó al domicilio parental de visita. Sus padres se quedaron en la casa hasta fines del siglo pasado. EFE

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Los museos de la Ciudad de Buenos Aires se preparan para una jornada especial el próximo sábado 17 de mayo, en el marco de la celebración del Día Internacional de los Museos.

Este evento, promovido por el Consejo Internacional de Museos (ICOM), busca reflexionar sobre el papel de estas instituciones en un mundo en constante transformación. Este año, el tema elegido es “El futuro de los museos en comunidades en constante cambio”.

Debido a la coincidencia con las Elecciones Legislativas en la ciudad, las actividades se concentrarán exclusivamente en la jornada del sábado, ya que los museos permanecerán cerrados el domingo 18 de mayo.

De acuerdo con el Ministerio de Cultura, la programación incluirá una amplia variedad de actividades diseñadas para públicos de todas las edades. Entre las propuestas destacan talleres, visitas guiadas y exposiciones que buscan fortalecer el vínculo entre los museos y sus visitantes. Estas iniciativas, que abarcan tanto exposiciones permanentes como temporales, tienen como objetivo fomentar el diálogo y la adaptación a los desafíos sociales actuales.

El Museo Sívori, ubicado en el Parque Tres de Febrero, ofrecerá un recorrido guiado con taller a las 14 horas, para el cual se requiere inscripción previa, y una visita guiada general a las 17 horas. Por su parte, el Museo Saavedra, en Crisólogo Larralde 6309, abrirá sus puertas para recorridos a las 12 y a las 17 horas.

En la Casa Fernández Blanco, situada en la Avenida Hipólito Yrigoyen 1420, las visitas guiadas se realizarán a las 14 y a las 17 horas. Otros espacios como el Museo del Cine, el Museo Larreta, el Museo Fernández Blanco (Sede Palacio Noel) y el Museo Perlotti también ofrecerán recorridos en horarios específicos durante el día.

Además de las visitas guiadas, los museos porteños presentarán exposiciones destacadas. En el Museo Larreta, los visitantes podrán disfrutar de “Nicolás Rodríguez y la colección de azulejos del Museo Larreta”, una muestra que pone en diálogo los azulejos realizados a mano por el artista con el acervo patrimonial del museo.

También estará disponible “Intervenciones mínimas IV”, una propuesta que integra obras de artistas contemporáneos como Laura Echenique, Florencia Echevarría y María del Rosario Farías con las piezas de la colección permanente.

El Museo de Arte Popular, ubicado en la Avenida del Libertador 2373, presentará “Platería argentina, una pasión. Un siglo de coleccionismo”, una exposición que recorre la evolución del arte de la platería desde el virreinato hasta la actualidad, a través de las colecciones de Carlos Daws y Oscar Collazo.

En el Museo Sívori, los asistentes podrán explorar “La lucidez geométrica. Alicia Orlandi. Grabados, pinturas y monocopias”, que abarca las primeras dos décadas de producción de la artista, y “El aire vacilaba a su alrededor”, una muestra colectiva que reúne a once artistas de América Latina, con obras inéditas en Buenos Aires.

Por su parte, el Museo de Esculturas Luis Perlotti presentará “Luba Lisenberg. Encuentro entre dos dimensiones. La escultura como anfitriona de lo pictórico”. Esta exposición destaca el trabajo de la artista, quien combina disciplinas como la escultura, la pintura y el collage, enriquecidas por su formación en psicología.

Los horarios generales de los museos: de lunes a viernes, de 11 a 19 horas, y los fines de semana y feriados, de 11 a 20 horas. Los martes permanecen cerrados. El costo de la entrada general es de $1500 para residentes y $7500 para extranjeros no residentes, con excepciones en el Museo Sívori, donde los precios ascienden a $2500 y $9000, respectivamente. Los miércoles, la entrada es gratuita, y ciertos grupos, como jubilados, estudiantes universitarios con acreditación, personas con discapacidad y menores de 12 años, también tienen acceso sin costo.

El objeto recuperado, identificado por su forma como un tridente, remite de forma inmediata al imaginario mitológico clásico. National Geographic explicó que se trata del emblema por excelencia del dios Poseidón, divinidad marina del panteón griego, ampliamente venerada en la Antigüedad. Esta figura mitológica encarnaba tanto la furia de las tormentas y los terremotos como la protección de los marineros y la creación de los caballos.

En representaciones tradicionales, Poseidón aparece blandiendo un tridente, forjado por los Cíclopes, que le permitía causar catástrofes naturales. De manera paradójica, en algunos contextos también era invocado como Poseidón Asphaleios, protector contra los terremotos, pese a ser considerado responsable de su origen. La fuerte carga simbólica del tridente plantea interrogantes sobre su utilización en la antigüedad.

Según detalla National Geographic, podría haber formado parte de rituales religiosos, haber sido depositado como ofrenda votiva o incluso haber pertenecido a un individuo romano de alto rango. Sin embargo, aún no existen pruebas concluyentes que permitan resolver estas hipótesis.

Iznik, entre el legado romano y la fe cristiana

La ciudad donde se encontró el objeto se identifica con la antigua Nicea, un enclave de notable importancia durante el Imperio romano.

De acuerdo con el medio, su ubicación estratégica, próxima a rutas comerciales clave de Asia Menor y con acceso a tierras fértiles, convirtió a esta urbe en un punto de interés para las autoridades del imperio. Este contexto fortalece la posibilidad de que el tridente pertenezca a ese periodo histórico.

Nicea ocupa también un lugar destacado en la historia del cristianismo. Entre mayo y junio del año 325, fue sede del Primer Concilio Ecuménico de la Iglesia, convocado por el emperador Constantino I. Este evento sentó las bases doctrinales del credo cristiano y marcó un punto de inflexión en la historia religiosa del mundo occidental. La combinación de factores religiosos, militares y culturales convierte a İznik en un área de considerable interés arqueológico.

Un entorno sumergido con múltiples secretos

El tridente fue recuperado desde una profundidad aproximada de 20 metros, en el mismo lago que en épocas antiguas se conocía como Askania.

Según recuerda National Geographic, en 2014 fueron localizados los restos de la basílica de San Neófito, construcción de origen bizantino sumergida en el lecho del lago. Este tipo de hallazgos reafirma la importancia de İznik como espacio de estudio, con vestigios que abarcan desde la antigüedad clásica hasta el dominio otomano.

La trascendencia del objeto más allá de su materialidad

Aunque aún se desconoce el uso específico del artefacto, su aparición reaviva el interés sobre la interacción entre simbolismo religioso y prácticas sociales en la antigüedad.

Según señala National Geographic, podrían existir vínculos entre el tridente y ceremonias dedicadas a divinidades marinas. También se considera la posibilidad de que haya tenido un uso más funcional, vinculado a actividades cotidianas o como parte de un legado personal.

Al igual que otros hallazgos arqueológicos reportados en distintas áreas del antiguo Imperio romano —como los discos de bronce decorados con cabezas de león hallados en Israel o las pinturas murales recuperadas en La Vila Joiosa, España—, la pieza encontrada en el lago İznik contribuye al conocimiento del pasado mediante la exploración de restos materiales de gran valor contextual y simbólico.

Conclusión provisional de los especialistas

El medio destaca que, si bien todavía es prematuro emitir un veredicto definitivo, el entorno geográfico, el tipo de objeto y los antecedentes históricos de la región sustentan la hipótesis de su origen romano.

Los expertos continúan trabajando en el análisis del tridente bajo custodia del Museo de İznik, con el objetivo de precisar su antigüedad, su función y el marco cultural al que perteneció.

Mientras tanto, tal como subraya National Geographic, el hallazgo se suma a una extensa lista de descubrimientos que permiten reconstruir fragmentos olvidados de civilizaciones pasadas y comprender mejor la interacción entre el ser humano y su entorno natural y espiritual.

Un destartalado recinto industrial en la República Checa donde el empresario alemán Oskar Schindler salvó a 1.200 judíos durante la Segunda Guerra Mundial está volviendo a la vida.

El sitio, una antigua fábrica textil en la ciudad de Brněnec, a unos 160 kilómetros (100 millas) al este de Praga, fue expropiado por los nazis a sus propietarios judíos en 1938 y convertido en un campo de concentración. Este fin de semana recibió a los primeros visitantes del Museo de los Sobrevivientes, dedicado al Holocausto y a la historia de los judíos en esta parte de Europa.

La inauguración coincidió con el 80º aniversario del fin de la Segunda Guerra Mundial. Fue también en mayo de 1945 cuando Schindler recibió un anillo de oro de manos de los agradecidos supervivientes judíos, hecho con oro extraído de sus dientes. El anillo llevaba inscritas las palabras hebreas del Talmud: «Quien salva una vida, salva al mundo entero».

La historia de Schindler fue contada en la película ganadora del Oscar de Steven Spielberg, “La lista de Schindler”.

Daniel Löw-Beer fue uno de los impulsores del proyecto. Sus predecesores residieron en esta zona de la República Checa durante siglos, adquiriendo la planta de Brnenec en 1854 y convirtiéndola en una de las fábricas de lana más importantes de Europa.

“Tuvimos que huir para salvar nuestras vidas, perdimos un poco de nuestra historia, así que devolver un poco de historia a un lugar y, con suerte, sacar a la luz también la historia de Oskar Schindler y el pueblo es lo que estamos haciendo hoy”, dijo Löw-Beer a The Associated Press.

Hoy, sus familiares están dispersos por todo el mundo. “Me complace devolver un poco, por supuesto emocionalmente, de mi familia a este lugar porque fueron sobrevivientes. Mi abuelo vivió aquí, mi padre vivió aquí, y entonces el mundo se hizo añicos un día de 1938”, dijo.

La pared de cristal separa el pasado del presente

El museo, ubicado en parte de una hilandería renovada, muestra la historia de Schindler, su esposa Emilie, la familia Löw-Beer y otras personas vinculadas a la zona, junto con los testimonios de supervivientes del Holocausto. Incluye un espacio para exposiciones, conferencias, proyecciones de películas y conciertos, además de una cafetería.

Una pared de cristal transparente entre esta parte y el área más grande, aún en ruinas, que se encuentra detrás de ella separa el presente de la historia.

“Es un lugar universal para sobrevivientes”, dijo Löw-Beer. “Queremos que se cuenten esas historias y que la gente forme su propia opinión”.

En 2019, Löw-Beer creó la Fundación Arks para comprar el almacén y convertirlo en un museo, invirtiendo dinero y renovando una asociación con la comunidad local para revivir el sitio abandonado.

El gobierno regional aportó fondos, mientras que una subvención de la Unión Europea trajo a niños de cinco países europeos a Brněnec para aportar ideas que ayudaron a dar forma al diseño del museo.

La inauguración oficial del fin de semana completó el primer paso, pero aún queda mucho por hacer. Los edificios restantes aún esperan su restauración completa. Entre ellos se encuentran la oficina de Schindler, donde el ayuntamiento planea crear un centro de información; los cuarteles de las SS, que ofrecerán más espacios para exposiciones; y todo el edificio del Arca de Schindler, donde vivían y trabajaban los prisioneros judíos.

Actualmente, el museo no abre todos los días y se centra en actividades educativas para escuelas.

Los proyectos anteriores para restaurar el sitio fracasaron por falta de fondos. En cambio, la Fundación Arks adoptó un enfoque gradual. Cuando los residentes locales, escépticos, vieron que algo realmente estaba sucediendo esta vez, ofrecieron ayuda. Una empresa llegó con un gran camión cargado de ladrillos, los dejó caer y simplemente se fue, dijo Löw-Beer.

“Queríamos demostrar que hay que hacer algo para que algo mejor suceda”, dijo Milan Šudoma, de la fundación. Si los organizadores hubieran esperado a conseguir toda la financiación necesaria, probablemente no se habría hecho nada a estas alturas, añadió.

“Oskar y Emilie Schindler son la prueba de que una sola persona puede marcar la diferencia”, cita el museo a Rena Finder, una de las judías de Schindler. “Todos decían que no podía hacer nada. Y es mentira, porque siempre se puede hacer algo”.

Un hombre de contradicciones que salvó cientos de vidas

Schindler, un héroe improbable, nació en la cercana ciudad de Svitavy (Zwittau en alemán), en lo que entonces era los Sudetes de Checoslovaquia, con una mayoría de habla alemana y una importante población judía.

Un museo de Svitavy dijo que Schindler era un cúmulo de contradicciones: un alborotador, un mujeriego, un espía de los alemanes, un nazi, pero también un hombre que salvó a gente del Holocausto.

Tras el estallido de la guerra en 1939, Schindler se trasladó de Svitavy a Cracovia, hoy Polonia, donde dirigió una fábrica de esmaltes y municiones y trató bien a los trabajadores judíos. Ante la llegada del Ejército Rojo en 1944, elaboró ​​una lista de trabajadores judíos que, según él, eran necesarios para reasentar la fábrica en Brněnec.

Cuando un transporte con 300 mujeres fue desviado al campo de exterminio nazi de Auschwitz, Schindler logró asegurar su liberación.

Yad Vashem, el centro memorial del Holocausto en Jerusalén, dijo que es el único caso conocido “en el que se permitió que un grupo tan grande de personas saliera con vida mientras las cámaras de gas aún estaban en funcionamiento”.

En otro acto audaz, Emilie Schindler encabezó un esfuerzo para salvar a más de 100 prisioneros judíos varones que llegaron a una estación de tren cercana en vagones de ganado sellados en enero de 1945.

En 1993, Yad Vashem reconoció a Emilie y Oskar Schindler como Justos entre las Naciones, el honor otorgado a quienes rescataron a judíos del Holocausto.

(con información de AP)

Durante una reciente revisión de inventario en el Moyse’s Hall Museum, ubicado en Bury St. Edmunds, Suffolk, un grupo de curadores identificó un registro inusual: un volumen encuadernado con piel humana, presuntamente perteneciente a William Corder, un notorio criminal del siglo XIX.

Aunque inicialmente no lograron localizar la pieza, la búsqueda concluyó cuando hallaron el libro, encajado entre ejemplares con encuadernaciones convencionales, en una estantería de oficina. Este descubrimiento despertó el interés del público y reavivó un debate persistente en el ámbito museístico sobre la conservación y exposición de restos humanos.

Según detalló BBC News, el volumen en cuestión complementa otro libro con las mismas características que se encontraba en la colección del museo desde la década de 1930.

Ambos ejemplares están ahora exhibidos de forma conjunta, marcando la primera ocasión en la que se muestran al público lado a lado, un hecho que, según el propio museo, permite comparar sus encuadernaciones y reconsiderar su procedencia común.

El crimen que marcó una época

La figura de William Corder no resulta ajena a los británicos. En 1827, fue acusado de asesinar a su amante, Maria Marten, en un caso conocido popularmente como el Red Barn Murder. Un año después, Corder fue ejecutado públicamente ante miles de personas. Como era costumbre en ciertos procesos judiciales de la época, su cuerpo fue diseccionado con fines científicos.

Fue en ese contexto que el cirujano George Creed tomó fragmentos de piel del cadáver y los utilizó para encuadernar una copia del libro del periodista Jay Curtis sobre el juicio. Ese ejemplar, el primero en ingresar a la colección del museo, se exhibe desde 1933.

Según informó The Guardian, Creed también habría utilizado restos del mismo cuerpo para encuadernar parcialmente otro volumen, cubriendo únicamente la espalda y las esquinas. Este segundo libro, donado hace más de dos décadas por una familia con vínculos con Creed, había pasado inadvertido en los archivos del museo.

La práctica de la bibliopegia antropodérmica

El proceso mediante el cual se confeccionan libros con piel humana se conoce como bibliopegia antropodérmica, una técnica documentada desde el siglo XVI. Según explicó el American Bookbinders Museum, este tipo de encuadernación ganó notoriedad durante el siglo XIX, generalmente aplicada en volúmenes relacionados con la medicina forense, la criminología o causas judiciales de alto perfil.

Según Smithsonian Magazine, la utilización de piel humana tenía tanto una función simbólica como didáctica: pretendía establecer una conexión directa entre el crimen, el castigo y la memoria social.

Nuevos criterios para el tratamiento de restos humanos

La exhibición de estos objetos genera un conflicto entre el valor histórico y el respeto por los restos humanos. En este sentido, Smithsonian Magazine indicó que diversas instituciones culturales (entre ellas la Universidad de Harvard) revisan actualmente sus colecciones para determinar el destino adecuado de elementos que contienen material humano.

En 2024, dicha universidad retiró de circulación un libro encuadernado en piel humana que había permanecido en su colección durante 90 años. El encuadernado fue almacenado temporalmente mientras se estudiaban alternativas para su disposición ética.

Una situación similar se vivió en el Chau Chak Wing Museum de la Universidad de Sídney, que decidió apartar de la vista del público fragmentos de cuerpos momificados, también por razones éticas. Tal y como explicó en su momento Melanie Pitkin, curadora sénior de ese museo, “durante siglos, los restos humanos en las colecciones museísticas fueron tratados como objetos”, lo que contribuyó a una visión deshumanizada de su origen y significado.

La decisión del Moyse’s Hall Museum

Moyse’s Hall Museum optó por exhibir ambos libros en una galería específica, junto a objetos relacionados con la criminalidad del siglo XVIII, como una jaula usada para exponer cadáveres de reos ejecutados.

Según explicó Dan Clarke, responsable de patrimonio del West Suffolk Council —entidad que gestiona el museo—, la institución decidió colocar una advertencia visible en la entrada de esta sala, de modo que los visitantes puedan elegir si desean o no acceder a ella.

Clarke aseguró que el objetivo no es provocar morbo, sino ofrecer una “ventana al pasado”. En sus palabras, es crucial “mostrar estos restos con fines educativos y científicos”, en un entorno controlado y bajo un marco ético que garantice la voluntariedad del público al enfrentarse con materiales sensibles.

Consultado por BBC News, el mismo funcionario aclaró que, hasta la fecha, no recibieron quejas formales sobre la exhibición del primer volumen encuadernado con piel humana. Sin embargo, sí existieron reacciones adversas a otras muestras, como la de gatos momificados incluidos en una exposición sobre prácticas de brujería.

Un objeto, muchas implicaciones

Como advirtió el propio museo en una publicación en redes sociales, los análisis visuales sugieren que ambas encuadernaciones pueden compartir origen. Aunque no existen pruebas concluyentes, la hipótesis apunta a que George Creed habría empleado los sobrantes de la primera para confeccionar el segundo libro como obsequio personal.

La falta de documentación precisa impidió que esta segunda copia se exhibiera durante años, pero su reciente cotejo con la pieza original ofrece nuevos elementos para comprender la dimensión simbólica y museológica de estas prácticas.

Smithsonian Magazine concluye afirmando que, la exposición busca aportar elementos para un debate más amplio sobre la representación de la muerte, la justicia y el cuerpo humano en los museos. Un debate que, tal como demuestran estos ejemplos, se encuentra lejos de cerrarse.

París, 28 ene (EFE).- El presidente francés, Emmanuel Macron, anunció este miércoles un gran proyecto de remodelación del Louvre que implicará el traslado de La Gioconda a una nueva sala separada y una gran entrada por el este que permitirá descongestionar el acceso de la pirámide de cristal al museo más visitado del mundo.

El nuevo emplazamiento de la obra maestra de Leonardo da Vinci permitirá visitarla "con más tranquilidad", a la altura de lo que "se merece", indicó el jefe de Estado en una comparecencia ofrecida precisamente en el espacio que ahora alberga la Mona Lisa.

Estas y otras medidas para restaurar las obsoletas instalaciones se financiarán, entre otros instrumentos, con un aumento del precio del billete que tendrán que pagar los visitantes extracomunitarios. EFE

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Jerez de la Frontera (Cádiz), 28 ene (EFE).- Los artistas de la familia Flores tendrán un museo en Jerez de la Frontera (Cádiz), localidad natal de Lola Flores, que completará el legado del centro ya existente en recuerdo a 'la faraona' y que se inaugurará el próximo octubre.

Las hijas de la artista jerezana, Lolita y Rosario; sus nietos Alba Flores y Guillermo Furiase, y Paloma Sánchez Flores (hija de Carmen Flores, hermana de Lola) han asistido este martes en Jerez a la presentación del proyecto de musealización del Centro Cultural Lola Flores II, que mostrará objetos personales de los tres hijos de Lola Flores, de su marido Antonio González, el Pescaílla, y de su hermana Carmen.

El nuevo centro cultural contará, entre otros objetos, con las letras de todas sus canciones, fotos inéditas, críticas de sus actuaciones, vestuario usado a lo largo de sus carreras y en el caso de Antonio González, el Pescaílla, también algunas de sus guitarras.

Laura Cerrato, comisaria del Centro Cultural Lola Flores, inaugurado en 2023, ha explicado que "se quedaba cojo" porque no contaba con elementos de la familia, algo que era fundamental para la artista jerezana.

"Lola siempre nos ha contado la singularidad de cada uno de los miembros de su familia y ella presumía de que todos habían encontrado su sitio dentro del mundo artístico", ha señalado.

Desde su inauguración, el Centro Cultural Lola Flores ha superado las 32.000 visitas y este nuevo espacio, que costará unos 130.000 euros, contará con cinco espacios en la planta alta, uno para cada miembro de la familia, según ha manifestado la alcaldesa de Jerez, María José García-Pelayo.

Lolita Flores se ha mostrado muy agradecida de contar con ese nuevo espacio para mostrar los entresijos de su familia y ha destacado que "tener un museo en vida es lo más importante que le puede pasar a un artista".

Ha ensalzado la figura de su hermano Antonio, fallecido en 1995, ya que ahora contará con un museo donde aparecerán detalles de su vida "para que no duden de la clase de artista que era".

Por su parte, Rosario Flores ha hecho hincapié en que su madre "estaría encantada" porque ahora tendrá su casa en forma de museo y sus hijos estarán "enfrente", al ser dos edificios que estarán contiguos en la plaza Belén de Jerez. "Estoy segura de que mi madre es la que está formando todo esto", ha afirmado.

"Estoy muy ilusionada porque sé que era el sueño de mi madre", ha dicho Rosario, que ha augurado que este nuevo centro será todo un éxito porque considera que su familia es "muy querida" y está segura de que la gente "va a venir aquí con una gran ilusión".

Alba Flores ha destacado lo que significa la figura de su padre, Antonio Flores, porque "la gente necesitaba un lugar donde ir a celebrar que mi padre existió".

Ha recordado que su padre "dio un montón de canciones que han sido banda sonora de la vida de mucha gente" y ha remarcado que "el legado importante" que deja la familia Flores es "toda la música que ha dado, todo el cine que han dado y todo el entretenimiento que ha dado". EFE

fjs/fs

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Washington, 24 ene (EFE).- La Galería Nacional de Arte de Washington confirmó este viernes que, en cumplimiento de la orden ejecutiva firmada por el presidente estadounidense, Donald Trump, ha cerrado su oficina de Diversidad, Equidad e Inclusión (DEI).

Un portavoz de esa institución destacó a EFE que los empleados de esa división han sido reasignados a puestos vacantes en otras partes del museo.

La orden ejecutiva de Trump para poner fin a los programas de diversidad estableció que las agencias deben proporcionar a la Oficina de Administración y Presupuesto (OMB, en inglés) una lista de los puestos, comités y presupuestos del DEI y una evaluación de si estos han sido "disfrazados" de manera engañosa para seguir existiendo.

El nuevo mandatario dispuso el martes que todos los empleados contratados bajo estos programas sean puestos en licencia administrativa y que diseñen un plan con miras a su futuro despido, y además ordenó dar de baja las páginas de internet que tratan esta materia.

La Galería Nacional de Arte es una institución gubernamental que, según destaca el digital especializado en arte ARTnews, recibe casi el 80 % de su presupuesto operativo del Ejecutivo federal. En la actualidad alberga más de 150.000 obras. EFE

Madrid, 24 ene (EFE).- Cuatro regiones de Portugal, Viseu-Dao-Lafoes, Beiras y Serra de Estrela, Coimbra y Leiria, han promocionado sus atractivos en la Feria Internacional de Turismo Fitur de Madrid, entre las que destaca un singular museo en honor al cónsul portugués Arístides Sousa Mendes, quien firmó el visado a Salvador Dalí para que pudiera llegar a España desde Francia.

En la ciudad donde nació este diplomático, en Carregal do Sal, hace medio año inauguraron un museo en su memoria, ya que extendió visados en el sur de Francia a 30.000 personas que lograron refugiarse en Portugal, tras la amenaza nazi de la II Guerra Mundial.

En seis meses, este museo ya ha recibido a 22.500 turistas, asegura a EFE el alcalde de esta localidad del Centro de Portugal, Paulo Catalino.

Entre los visados que extendió Sousa Mendes está el del propio Salvador Dalí, que en 1940 quiso abandonar Francia para entrar en España.

Sin embargo, recuerda este alcalde luso, el pintor primero entró en Portugal gracias a ese visado que le extendió Suosa Mendes como cónsul portugués en Burdeos y una vez llegó al territorio luso en tren, partió hacia España.

Según Catalino, en este museo se explica el contexto de este cónsul, que murió sumido en la pobreza, ya que los visados los firmó tras desobedecer las órdenes del régimen de António Salazar.

A pesar de que fue desposeído de su título de abogado y expulsado de la diplomacia, Portugal honra su memoria con este museo y también con uno más que está localizado en la localidad de Vilar Formoso, en la región de las Beiras y Serra de Estrela, que hace frontera con la zona española de Salamanca.

Los 30.000 refugiados que lograron escapar desde la localidad francesa de Burdeos tienen una descendencia de 500.000 personas en la actualidad, explica Paulo Catalino, y en el medio año de existencia del museo son muchos los familiares y allegados de aquellos refugiados que se han puesto en contacto o han acudido hasta el centro.

Incluidos los propios nietos o biznietos de Sousa Mendes, que tuvo un total de 15 hijos, de los que solo vive la hija más pequeña, residente en Francia.

El próximo 6 de marzo esperan la visita del Gran Duque de Luxemburgo, que supondrá “un punto de inflexión para la promoción de este museo”, concluye el alcalde de Carregal do Sal. EFE

Buenos Aires, 21 abr (EFE).- El gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof, lamentó este lunes el fallecimiento del papa Francisco, señaló que su partida "deja un vacío enorme" y lo describió como un referente de la justicia social.

"Hoy es un día tristísimo. Francisco se convirtió en referencia de los que luchan por la justicia social en todo el planeta", escribió Kicillof en su perfil de la red social X.

El líder peronista destacó además que "mientras muchos exaltan el egoísmo, el papa predicó siempre por una economía al servicio de los que más necesitan", en lo que se puede interpretar como una referencia a las políticas y la retórica del Gobierno de Javier Milei.

"La partida de Francisco deja un vacío enorme, pero su mensaje a favor de la paz queda en los corazones de millones de cristianos y no cristianos", agregó Kicillof, uno de los principales referentes opositores y que gobierna la provincia más poblada de Argentina desde 2019.

El gobernador, que ejerció como ministro de Economía entre 2013 y 2015 durante el mandato de la expresidenta Cristina Fernández (2007-2015) fue uno de los últimos políticos argentinos en reunirse con Francisco, a quien visitó en junio de 2024.

Tras el encuentro, Kicillof describió su audiencia privada con el papa como "una reunión extensa", donde dijo conversaron sobre aspectos estructurales de la Argentina y en la que Francisco le transmitió "la necesidad de tenderle siempre una mano a quienes más lo necesitan".

"En esta época marcada por la crisis, las guerras y el resurgimiento de la extrema derecha, el papa Francisco cumple un papel fundamental en todo el mundo", añadió el gobernador provincial tras su encuentro con el sumo pontífice en el Vaticano.

El Museo de Arte Contemporáneo Armando Martins (MACAM), inaugurado en marzo de 2025 en Lisboa, se presenta como una propuesta innovadora en el mundo de los museos. Su creador, el coleccionista portugués Armando Martins, logró transformar un palacio barroco del siglo XVII en un espacio de arte, historia y cultura contemporánea que invita a los visitantes a experimentar el arte de una forma diferente. Este proyecto no solo alberga una impresionante colección de arte, sino que también ofrece una experiencia habitable al integrar un hotel, un restaurante y diversos espacios dedicados a exposiciones temporales.

La historia detrás del MACAM

La historia del MACAM comienza con la pasión de Armando Martins por el arte contemporáneo. Desde que compró su primera obra original a los 25 años, su colección fue creciendo hasta superar las seiscientas piezas, una variedad que abarca desde artistas portugueses del siglo XX hasta figuras internacionales de la vanguardia. A lo largo de más de cinco décadas, Martins no solo fue un coleccionista, sino también un apasionado defensor de la cultura y el arte de su tiempo.

El paso siguiente para Martins fue encontrar un espacio adecuado para exhibir sus obras. En 2007, adquirió el Palacio Condes da Ribeira Grande, un edificio histórico ubicado en el distrito de Alcântara-Belém, en Lisboa. Este palacio barroco, que en su momento se encontraba en un estado crítico, fue la base de lo que hoy conocemos como el MACAM. La restauración del edificio fue un desafío complejo, pero el proyecto resultó ser una obra de arte en sí misma, donde el respeto por la historia del palacio se fusionó con elementos arquitectónicos contemporáneos.

La renovación arquitectónica

El proceso de restauración del Palacio Condes da Ribeira Grande no fue sencillo. Según recuerda Armando Martins, encontrar un espacio con las dimensiones adecuadas para albergar su ambicioso proyecto no fue tarea fácil. Sin embargo, la experiencia del coleccionista en el ámbito arquitectónico, adquirida durante su participación en el diseño del edificio Atrium Saldanha en Lisboa, le permitió visualizar el potencial del lugar desde el principio. En colaboración con el estudio de arquitectura MetroUrbe y su hija arquitecta, Martins llevó a cabo una restauración meticulosa, respetando la estructura barroca original mientras incorporaba una nueva ala contemporánea.

Este esfuerzo no solo buscó preservar la esencia histórica del palacio, sino también adaptarlo a las necesidades de un museo del siglo XXI. El resultado es un espacio interconectado que dialoga entre el pasado y el presente, donde el arte y la arquitectura se complementan mutuamente.

La exposición permanente y la colección

La colección permanente del MACAM está alojada en las salas originales del palacio. En ellas se pueden encontrar obras que cubren más de un siglo de historia del arte, desde el modernismo portugués hasta la vanguardia internacional. Entre los artistas representados se encuentran nombres como Vieira da Silva, Júlio Pomar, De Souza-Cardoso, Antoni Tàpies, Marina Abramovic y Thomas Ruff, entre otros.

Las exposiciones están comisariadas por Carolina Quintela y se dividen en dos galerías enfrentadas que marcan el inicio del recorrido del visitante. La primera de estas galerías se caracteriza por una iluminación cálida, evocando la luz de las velas que tradicionalmente iluminaban las estancias del palacio. En ella, destaca la obra Naked Lunch del artista Miguel Branco, instalada en lo que fuera la antigua cocina del palacio. La segunda galería ofrece un recorrido cronológico y temático, con una serie de piezas que permiten al espectador comprender la evolución del arte contemporáneo a lo largo del tiempo.

Uno de los espacios más especiales dentro del museo es la capilla desacralizada. Originalmente dedicada a fines religiosos, la capilla fue transformada en una sala polivalente para actividades culturales y artísticas. En este espacio se encuentra una impresionante obra del artista Carlos Aires, quien creó una pieza monumental que se convierte en el centro de la capilla: un Cristo flotante dentro de una hornacina de pantallas LED. La instalación fusiona lo sacro, lo humano y lo digital, ofreciendo una nueva interpretación de la iconografía barroca.

Un museo que también es hotel

Una de las características más distintivas del MACAM es que, además de ser un museo, también es un espacio habitable. El museo está acompañado por el MACAM Hotel, que ocupa tanto el palacio restaurado como la nueva ala contemporánea del edificio. El hotel, dirigido por Vera Cordeiro, ofrece una experiencia única a los visitantes, quienes pueden alojarse en habitaciones decoradas con obras de arte de la colección. Cada habitación cuenta con una pieza única que prolonga la experiencia museística en la esfera privada del huésped.

Además de las habitaciones del hotel, el espacio incluye una serie de terrazas privadas, que no solo permiten disfrutar de vistas al jardín interior, sino que también albergan intervenciones artísticas al aire libre. Por ejemplo, una escultura vertical de la canadiense Angela Bulloch y una intervención del artista portugués José Pedro Croft dan vida a las terrazas, que se convierten en un extension del museo en el exterior.

El diseño contemporáneo y el reconocimiento internacional

La ampliación contemporánea del museo, que alberga las nuevas instalaciones del hotel, el restaurante Contemporâneo Food & Wine y las exposiciones temporales, fue diseñada por la arquitecta Maria Ana Vasco Costa. Este espacio minimalista y etéreo, recubierto de baldosas cerámicas tridimensionales, fue galardonado con el premio al Mejor Edificio Público en los Surface Design Awards de 2024. El edificio parece flotar sobre una lámina de agua, creando un efecto visual que combina la tradición del palacio con la modernidad de la arquitectura contemporánea.

Hizo cumbre en todos los continentes. El escalador estadounidense Yvon Chouinard también es piragüista, kayakista, surfista, pescador con mosca y ambientalista. Pero, por sobre todas las cosas, es un amante de la Patagonia, su lugar en el mundo. Lo dice y lo expresa de múltiples maneras. Y lo demuestra con hechos: bautizó en 1973 con ese nombre a su legendaria marca de ropa para actividades al aire libre. En una oportunidad, le dijo a esta periodista que no había nada que disfrutara más que sentarse frente al fuego, tomar mate y conversar con un gaucho que no había ido a la escuela. “Eso me parece fantástico”, resumió.

Chouinard nació en Estados Unidos en 1938 y pasó sus primeros años en Maine, en una comunidad franco-canadiense. A los siete años, su familia se trasladó a Burbank, California. Desde su adolescencia, llevó una vida poco convencional: su primer trabajo, a los 12 años, fue entrenar halcones en un club de cetrería. Allí descubrió la escalada. El resto lo aprendió en la naturaleza. Durante años, pasó hasta 250 días al aire libre, durmiendo en una bolsa de dormir. No usó una carpa hasta los 40 años.

A sus 86 años, con un pasado lleno de hazañas en deportes extremos, Chouinard continúa activo. Da charlas universitarias sobre su visión empresarial como fundador de una de las compañías más “cool” del planeta, según la revista Fortune. El reconocimiento no se debe solo a su responsabilidad sobre el medio ambiente de la firma, sino también a su estilo de liderazgo poco convencional. Su libro Que mi gente vaya a hacer surf se convirtió en una referencia. Hasta hace poco, solía surfear con sus empleados durante el horario laboral en la sede de California. Contrata personas independientes, que no necesiten recibir órdenes, y le dio prioridad a la contratación de mujeres, muchas de ellas fuera del mercado laboral por haberse dedicado a sus familias. “Ellas saben cómo gestionar un presupuesto”, explicó en una entrevista.

Hace menos de una década, Chouinard sintió rechazo al verse en la lista de millonarios de Forbes y, en 2022 donó casi toda su fortuna de una sola vez. Cedió el control de Patagonia -valuada en 3.000 millones de dólares- al fideicomiso Patagonia Purpose Trust que le garantizará que se respeten los valores de la marca a perpetuidad y las futuras ganancias a una organización sin fines de lucro, Holdfast Collective, que recibe las ganancias anuales de Patagonia, que ascienden a unos 100 millones de dólares anuales y son destinadas a la protección de la naturaleza y la biodiversidad.

El empresario asegura cultivar una vida simple y desplazarse en una camioneta destartalada con una tabla de surf en el techo.

Este año inauguró en Bariloche su segundo espacio en la Argentina. Pero no eligió un local en el Centro Cívico, junto a las chocolaterías más transitadas. Evaluó otras variables y optó por una propiedad situada frente al Nahuel Huapi, en el kilómetro 1,5 de Bustillo, con “un fuerte componente emocional e histórico”: una casa centenaria que perteneció al ingeniero Emilio Frey (1872-1964), explorador, topógrafo de la Comisión de Límites que acompañó al Perito Moreno, también fue primer intendente del Parque Nacional Nahuel Huapi y cofundador del Club Andino Bariloche.

Cuando la propuesta llegó a los descendientes de Frey, la casa estaba deshabitada y llevaba años en venta. Ningún comprador anterior había mostrado interés por su valor histórico. La llegada de la marca Patagonia generó entusiasmo. Así lo cuenta Isabelle Bovey, bisnieta de Frey por línea materna (su abuela era hija de Emilio): “Cuando murió mi abuela en 2014, decidimos vender Los Cipreses (actual Casa Frey). Fue una decisión difícil, pero no podíamos mantenerla desde Suiza. Queríamos un comprador respetuoso, que no cubriera todo de cemento, que entendiera el valor del jardín de mi abuela y de su historia. En 2022, cuando volví con mi madre para recoger algunas cosas, ella me dio la responsabilidad moral sobre la casa. Poco después falleció”, relató Isabelle. “Con toda la familia Frey y Neumeyer en las nubes, yo les pedí ayuda. Y lo increíble es que ahí apareció Patagonia. Y lo más increíble es que al final compraron Los Cipreses. Para mí, pasó algo misterioso desde las nubes… Cuando Patagonia nos develó el proyecto de Los Cipreses, fue un alivio ver lo lindo que era. Correspondía totalmente a nuestro sueño. No iban a destruir nada, al contrario, iban a restaurar la casa vieja con materiales de primera calidad y la casa chica también. Y el jardín abandonado iba a florecer. Así que, como en los cuentos para niños, se puede decir que todo terminó bien” agregó Isabelle Bovey.

El lugar más maravilloso del mundo

A fines de marzo, Chouinard viajó a Bariloche para inaugurar personalmente la tienda, ahora llamada Casa Frey. Recordó que su primer contacto con la Patagonia fue en 1968, cuando su amigo Douglas Tompkins le habló del lugar: “Me dijo: ‘Es fantástico, tenés que conocerlo’. Dos semanas después, compramos una vieja van y viajamos desde California hasta El Chaltén. Surfeamos, esquiamos y finalmente escalamos el Fitz Roy. Fue ahí cuando sentí que esta región era el lugar más maravilloso del mundo”.

Durante años, Chouinard buscó una local para su firma en Bariloche. “No conocía la historia de Frey, pero cuando supe que fue uno de los primeros montañistas del país y un defensor de la naturaleza, no lo dudamos. Siempre que abrimos un local, mi esposa dice que debe tener valor comunitario. Restaurar esta casa es nuestro regalo para Bariloche”, expresó el empresario y deportista, que increíblemente tiene un parecido físico con Emilio Frey.

Kris Tompkins, viuda de Douglas Tompkins y presidenta de Tompkins Conservation, también participó de la inauguración. “Yvon es un emprendedor lúcido. Como escalador, siempre supo evaluar los riesgos. Por eso está vivo. Mantenerse con vida siendo escalador, kayakista y aventurero es un arte”, describió a su gran amigo y agregó: “Solía irse por meses—cinco, seis, incluso un año—, pero siempre volvía. Y, ¿qué hacía mientras emprendía todos esos viajes increíbles? Pensaba en cómo mejorar los productos desde la experiencia”. Kris Tompkins enviudó hace casi una década. Su esposo, ecologista y fundador de North Face y Esprit, murió de hipotermia a los 72 años después de volcar su kayak en el sur de Chile.

Tras la huella de los exploradores

Por medio de Isabelle Bovey, el célebre aventurero tomó contacto con un historiador especialista en la Patagonia y en la vida de Frey, quien le hizo de guía y le permitió profundizar en el tema que le había interesado tanto. Se trata de Juan Pablo Baliña quien contó que estuvo durante muchos años realizando una investigación en el Archivo Histórico de Cancillería, sobre el trabajo de campo de las comisiones de límites que marcaron la cordillera argentina y chilena entre 1893 y 1903. Recopiló manuscritos y fotografías. “En esa investigación, seguí las huellas de cada uno de los exploradores que eran miembros de la Comisión de Límites. Esa Comisión tuvo diferentes peritos. El más conocido fue el Perito Moreno, que a su vez, tenía muchísimos hombres que trabajaban y reportaban a él. Y uno de esos hombres era el ingeniero Emilio Frey”, detalló Baliña, apasionado por la historia de estos exploradores.

El gran explorador

“Frey había nacido en Baradero, era hijos de suizos. Había marchado a Suiza a estudiar y se había quedado en lo de su abuelo Rudolf. Allí estudió Ingeniería. Cuando volvió a la Argentina, Santiago Roth lo presentó al Perito Moreno, que trabajaba en el Museo de La Plata, que en ese entonces servía como dispositivo para asistir al Gobierno Nacional, que tenía que dirimir un diferendo con Chile. Necesitaba argumentos técnicos y exploradores en el terreno. Para eso contrató al Museo de La Plata, que funcionaba como un apéndice del Ministerio de Relaciones Exteriores. Y entre esos hombres estaba Emilio Frey”, relató el historiador. Perito Moreno destinó a Frey en la zona del lago Nahuel Huapi. “Fue pionero de la exploración temprana de lo que sería hoy Bariloche, la zona de Esquel y todos los lagos intermedios. Así que Emilio Frey fue el gran explorador”.

A raíz de esas investigaciones, Baliña conectó hace algunos años con los descendientes de estos exploradores. Entre ellos, Isabelle Bovey, quien lo puso en contacto con la marca para que los introdujera en el mundo de Frey. Baliña también tuvo la oportunidad de ver los trabajos de restauración de la casa. A sus ojos, un trabajo detallista que involucró a los mejores carpinteros de Bariloche que lijaron madera por madera de la casa centenaria. Ahora el legado se preserva en un espacio que no solo se dedica a la venta de indumentaria, sino también como un pequeño museo abierto a la comunidad y punto de encuentro de aventureros. Allí se brinda información, recomendaciones y capacitaciones en deportes y actividades al aire libre, y además se promueve un turismo de naturaleza respetuoso y consciente del entorno.

La construcción de Los Cipreses

La historia de la casa conocida como Los Cipreses, también llamada Casa Frey, se remonta a la década de 1910, cuando Emilio Frey y Rosa Schumacher adquirieron el lote 45 de la antigua granja de la familia Runge, ubicada en la ladera del cerro que más tarde llevaría el nombre de Frey. Una vez comprado el terreno, convocaron al arquitecto Primo Capraro —amigo personal de la pareja— para diseñar una vivienda tipo “chalet”, según la denominación común en Bariloche por aquellos años. Capraro, que había viajado por Suiza y Alemania, incorporó elementos inspirados en la arquitectura de esas regiones, teniendo en cuenta que los Frey eran de ascendencia suiza. La construcción finalizó en 1916. La casa fue edificada íntegramente en madera de ciprés, con tejas de alerce.

Durante esos años, mientras Emilio Frey dirigía la construcción de caminos en la región, Rosa participaba activamente en la creación del hospital local. En el momento en que Los Cipreses fue terminada, Bariloche contaba con apenas 200 viviendas. La pareja comenzó entonces a trabajar en el jardín, cuidando cultivos como el de frutillas, y manteniendo un extenso rosedal que se convirtió en uno de los principales distintivos del lugar. Por su dedicación a las flores, Rosa era conocida entre sus allegados como “la rosa de Nahuel Huapi”.

Isabelle Bovey, de 58 años, contó en una conversación telefónica con Infobae: “Fue difícil mantener la casa desde Suiza. Mi abuela vivía en la casa chica y una familia en la casa grande. No queríamos venderla a cualquiera. Vinieron muchos interesados que querían hacer hoteles o proyectos inmobiliarios. Con mi madre no queríamos eso”. “Estuve en Bariloche en marzo, pero me fui dos días antes de que llegara Chouinard. Me dio pena no conocerlo”, expresó la mujer. Fue en 2022 que vació la casa junto a su madre. “Donamos todo lo relacionado con Emilio al Museo Patagónico, porque no sabíamos quién la iba a comprar. Después puse en contacto al museo con Patagonia para que pudieran usar objetos en la casa como parte de una muestra. Hay fotos y pertenencias de Emilio”, precisó. “Mi madre lo quería mucho a Emilio. Me hablaba de él como una persona buena y amorosa, igual que su esposa. Yo lamento no haberlo conocido”, concluyó.

En el corazón de Lisboa, lejos de las rutas turísticas tradicionales, existe un edificio que guarda en sus paredes no solo fragmentos de cerámica, sino también siglos enteros de memoria visual. El Museo Nacional del Azulejo, ubicado en el antiguo convento de Madre de Deus, ofrece un recorrido por la historia de la capital portuguesa y del propio país a través de su manifestación artística más distintiva: el azulejo.

Este museo no es solo un espacio para la contemplación estética, sino un archivo visual de cinco siglos de historia. Fundado en 1965 por el historiador João Miguel dos Santos Simões, y convertido oficialmente en museo nacional en 1980, fue concebido para conservar y promover una forma artística que, a diferencia de otras, quedó incrustada en el paisaje urbano y rural de Portugal.

Desde fachadas de casas hasta estaciones de tren, pasando por iglesias, conventos y palacios, los azulejos portugueses son mucho más que decoración: son crónica, alegoría, lenguaje.

Una técnica que llega con los árabes y evoluciona con la historia

El recorrido expositivo del museo comienza por la base: los materiales y técnicas que dieron origen al azulejo, una palabra que proviene del árabe “al-zulaij”, que significa “pequeña piedra pulida”.

Introducida por los musulmanes en la península ibérica, esta forma de revestimiento cerámico tuvo en Lisboa una de sus cunas más fértiles. A través de sus muros, el museo cuenta cómo esta técnica decorativa fue adoptada y reelaborada por artistas locales desde el siglo XV.

La planta baja del museo alberga los azulejos más antiguos, en su mayoría de los siglos XVI y XVII. Aquí se aprecian las influencias islámicas en patrones geométricos y motivos florales, así como la progresiva incorporación de escenas narrativas y figuras humanas a medida que el Renacimiento y el Barroco iban marcando pauta en las artes europeas.

En este mismo nivel también se explica el proceso de fabricación tradicional, que requería gran precisión en el dibujo, el esmaltado y la cocción.

De los siglos dorados al modernismo

En el primer piso, el recorrido se adentra en el esplendor de los siglos XVIII y XIX. Es aquí donde el visitante se encuentra con los clásicos paneles de blanco y azul, una de las imágenes más asociadas a la iconografía portuguesa. Inspirados en la porcelana china y en la tradición flamenca, estos azulejos se convirtieron en símbolos de estatus social y espiritualidad.

Muchas de las obras expuestas proceden de conventos y palacios que fueron demolidos o reformados, lo que da al museo una función de preservación vital del patrimonio arquitectónico del país.

Una sala destacada de este piso es la Sala Santos Simões, dedicada al período de máximo esplendor del azulejo. Aquí pueden verse escenas bíblicas, alegorías mitológicas y representaciones de la vida cotidiana con un nivel de detalle minucioso.

En paralelo, también se muestra cómo el azulejo portugués fue influenciado por otras escuelas europeas, con ejemplos de piezas españolas, holandesas, inglesas y belgas integradas en la narrativa.

El segundo piso reserva una de las obras más importantes del museo y, posiblemente, de toda la historia del azulejo portugués: el Grande Panorama de Lisboa, un panel de 23 metros de largo atribuido al pintor español Gabriel del Barco, que muestra la ciudad antes del devastador terremoto de 1755. Esta pieza no solo tiene un valor estético extraordinario, sino también documental.

En sus azulejos, está retratada la disposición urbana de Lisboa del siglo XVIII, con sus edificios emblemáticos, sus calles y plazas, y hasta detalles cotidianos de sus habitantes. En palabras de sus conservadores, se trata de una “fotografía de azulejo” anterior a la invención de la foto.

Una forma de arte en permanente transformación

El recorrido culmina con una muestra de azulejos contemporáneos que pone de manifiesto cómo esta forma artística sigue viva y en transformación. Desde intervenciones urbanas hasta reinterpretaciones modernas de técnicas tradicionales, el museo cierra el ciclo demostrando que el azulejo no es una reliquia del pasado, sino un lenguaje en evolución constante.

Además de su valor patrimonial, el Museo Nacional del Azulejo cumple una función educativa y de conservación. Ofrece talleres para adultos y niños, donde se enseña a trabajar con cerámica, y alberga un centro de estudios cerámicos con enfoque en investigación y restauración.

Todo el edificio, desde la iglesia barroca hasta el claustro manierista y la capilla de Santo António, está impregnado de una atmósfera que conjuga arte, historia y devoción.

La historia de Lisboa, de Portugal y de su expresión visual más perdurable puede leerse, literalmente, en sus paredes. Y ningún lugar mejor para hacerlo que en este museo singular, donde cada azulejo cuenta un fragmento del pasado.

Tim Burton, el reconocido cineasta detrás de algunas de las películas más emblemáticas del cine contemporáneo, llevará su creatividad a un nuevo nivel con la llegada de su exposición interactiva “Tim Burton: El Laberinto” a la Ciudad de México. Esta experiencia, que ya fue un éxito rotundo en Milán y otros países, promete sumergir a los visitantes en los mundos más icónicos creados por el director.

La exposición no se limita a ser una muestra de arte tradicional. “Tim Burton: El Laberinto” es una experiencia inmersiva que permite a los asistentes explorar escenarios inspirados en las películas más memorables del director.

Desde los oscuros paisajes de El Cadáver de la Novia hasta la extravagancia de Charlie y la Fábrica de Chocolate, los visitantes podrán adentrarse en un recorrido lleno de magia, misterio y creatividad.

Una experiencia inmersiva con más de 300 combinaciones posibles

El concepto detrás de “Tim Burton: El Laberinto” va más allá de una simple exhibición, los asistentes tendrán la oportunidad de recorrer un laberinto que ofrece más de 300 combinaciones posibles, lo que significa que cada visita puede ser completamente diferente. Cada puerta que se abra dentro de este espacio revelará piezas originales, secretos de las películas de Burton y sorpresas que mantendrán a los visitantes en constante asombro.

Entre los escenarios que podrán explorarse se encuentran algunos de los más icónicos de la filmografía del director. Los asistentes podrán caminar entre las sombras del bosque de El Cadáver de la Novia, encontrarse con el inolvidable Edward de El Joven Manos de Tijera o incluso invocar al excéntrico Beetlejuice. Esta propuesta busca transportar a los visitantes directamente a los universos que han definido la carrera de Burton.

La exposición no solo busca ser un homenaje a las películas de Burton, sino también una ventana a su proceso creativo. Los visitantes tendrán la oportunidad de descubrir piezas originales y secretos detrás de las producciones que han marcado la carrera del director. Este enfoque interactivo y dinámico permite que cada persona viva una experiencia personalizada, desde una perspectiva completamente nueva.

¿Cuándo y dónde?

Aunque el anuncio ha generado gran expectativa, aún no se han revelado detalles exactos de su fecha de apertura, salvo que esto sucederá el próximo mes de junio del 2025.

Una fecha exacta para la venta de boletos todavía no es conocida, sin embargo, ya se ha abierto un registro para que los fans puedan ser contemplados. Recibirán más adelante los detalles para obtener acceso previo a la venta de boletos.

La exposición llega a la Ciudad de México tras haber sido un éxito en Milán o París, donde logró un sold-out que consolidó su popularidad. Ahora la capital mexicana ha sido elegida como el siguiente destino para esta experiencia, lo que ha generado gran expectativa entre los fans del cine y del director.

“¡Soy yo!”, exclamó el delantero del Real Madrid, incrédulo ante el nivel de detalle. El francés quedó encantando y no dudó en rodear con el brazo a su doble de cera y posar junto a ella para las cámaras.

Más allá del asombro técnico, el delantero reflexionó sobre el significado emocional de verse representado en uno de los museos más conocidos del mundo. “Es un gran honor. Es un gran logro para mí, un gran honor formar parte de la gran familia de Madame Tussauds”, se logra escuchar en el video publicado en las redes del museo.

“Gracias a todos por todo el trabajo. Porque es un trabajo perfecto y estoy realmente contento con el resultado”, agregó Mbappé.

También destacó la importancia de esta estatua para la relación con sus admiradores. “Creo que es importante tener siempre una conexión con tus fans. Creo tener una estatua mía en Madame Tussauds ahora, y la gente puede verme en Londres. Siempre me encanta ir a Londres. Así que va a ser divertido tenerme allí”, afirmó según Antena 3.

En las declaraciones recogidas por el mismo medio, Mbappé también mencionó su aprecio por la ciudad. “Me encanta visitar Londres, ir a los restaurantes para ver un poco de la cultura del país, de la ciudad, algo que me gusta”, contó.

Para el jugador, el deporte y los viajes van de la mano, y formar parte del paisaje cultural londinense tiene un valor personal.

“Cuando eres jugador de fútbol, viajas mucho y te encanta ver nueva cultura, nueva gente, nuevo estilo de vida. Siempre es un placer viajar por Londres. Es una de las mejores ciudades del mundo, así que es bueno”, aseguró el ex PSG.

La figura será presentada al público el 4 de abril

La figura será presentada oficialmente al público el próximo 4 de abril, y representa a Mbappé con su sonrisa habitual, el peinado corto perfectamente replicado y una expresión serena, informó la agencia de noticias The Associated Press.

La escultura reproduce la conocida pose del futbolista francés con los brazos cruzados al festejar sus goles y que quedó como un símbolo de su estilo y presencia en el campo. En el video de las redes del museo el jugador dijo: “Me encanta. Increíble. La nueva camiseta, incluso las botas nuevas”.

La incorporación de esta nueva figura al Madame Tussauds de Londres amplía la presencia del futbolista en el circuito de homenajes culturales a celebridades globales.

Fundado en 1835 por la escultora francesa Marie Tussaud, el museo se convirtió en un referente internacional, con sedes en distintas ciudades del mundo. La versión londinense sigue siendo la más emblemática y visitada.

Un ídolo del fútbol presente en tres ciudades europeas

Con esta, ya son tres las figuras de cera que representan a Mbappé en museos europeos. La primera fue instalada en el Musée Grévin de París, donde el jugador aparece con la camiseta azul de la selección francesa.

Más recientemente, en Berlín, otra estatua fue revelada en la sede alemana del Madame Tussauds. Cuando vio el homenaje en aquella ocasión, el delantero del Real Madrid bromeó: “Se parece más a Kylian que yo”, al notar el nivel de realismo logrado por los escultores.

Madrid, 21 mar (EFE).- Devolver a la vida a los enormes colosos romanos, tumbas de faraones egipcios como Tutankamón, esculturas de Bernini o cuadros de Van Gogh a través de reproducciones exactas es la misión de Factum Foundation, una organización sin ánimo de lucro encargada de preservar, digitalizar y reproducir las grandes obras de arte de la humanidad.

“El objetivo es garantizar la conservación del patrimonio de las grandes ciudades y lugares de todo el mundo, así como del patrimonio en zonas de riesgo (...) El secreto está en que los objetos que fabricamos deben ser idénticos a los del museo, tanto para los expertos como para el público en general. Si no es idéntico, hemos fracasado”, asegura su fundador, Adam Lowe, en una entrevista con EFE.

Para devolver estas obras de arte y hallazgos arqueológicos a la vida, Lowe instaló su fundación en Madrid, y le dotó de la última tecnología y una nave industrial gigantesca para poder digitalizar y reconstruir las piezas de arte y restos arqueológicos mediante procesos de verificación digital de la obra.

Modelos que una vez digitalizados con inteligencia artificial y técnicas de fotogrametría se transforman en imágenes y datos susceptibles de ser fabricados de nuevo con una precisión milimétrica y todo lujo de detalles gracias a tecnología de impresión 3D o reconstrucción con moldes.

Reproducciones que son exactas al original: “El objetivo es verificar, no falsificar. Los datos que registramos se ponen a libre disposición con fines educativos y de conservación. El objetivo no es controlar, sino todo lo contrario”, destaca Lowe.

Arqueología, arte y tecnología

En la fábrica de la fundación se almacenan decenas de obras en proceso de reconstrucción. Enormes partes de un coloso, pinturas de clásicos del renacimiento o piezas arqueológicas. Otras permanecen ocultas para no desvelar su estado, bien por ser encargos confidenciales o por encontrarse aún en un estado inicial.

La fundación aspira a tener registradas las mayores obras de arte de la humanidad y reproducirlas para que todo el mundo tenga acceso a ellas en condiciones, en muchos casos, mucho más favorables que las actuales.

“Creo que nuestro objetivo es el futuro de los museos, que puedan ofrecer un acceso privilegiado a las obras, no sólo detrás de un cristal o a kilómetros de distancia (...) Si piensas en los museos ahora, tienes que hacer cola, están llenos de gente. Es muy difícil ver algo. La gente ve a la Mona Lisa con sus teléfonos móviles a 50 o 40 metros de distancia. Esto no es un compromiso con la obra de arte”, añade.

En su taller multidisciplinar de Madrid construyen piezas de todo tipo, como el monumental coloso del siglo IV del emperador Constantino de 13 metros de altura del que apenas se tenían en la actualidad 10 fragmentos conservados en los Museos Capitolinos de Roma.

“El mayor reto fue reconstruir el resto de la figura que faltaba y que supone un 80% de la escultura total”. Un trabajo en el que han empleado cerca de seis meses y para lo que usaron herramientas digitales y programas de modelado 3D, "perfectos para poder mover piezas súper pesadas sin gravedad”, asegura por su parte a EFE  la experta en modelaje 3D de la Fundación, Irene Gaumé.

La reconstrucción se realiza mediante un sistema de referencias con esculturas parecidas de la época que se encuentran en mejor estado, con lo que en el caso de la reproducción de Constantino, se fueron adaptando elementos de otros colosos en las partes que le faltaban al gigante romano.

Paso a paso el proceso es primero digitalizar e imprimir en 3D o en plástico los modelos para, posteriormente, iniciar la reconstrucción con materiales lo más parecido posible al original: “Si una pieza es de piedra, intentamos que la piedra sea lo más parecida posible, de mármol, de bronce,... Ese es básicamente nuestro trabajo. Nosotros le damos la pieza acabada al museo o al cliente”, añade Gaumé.

Un trabajo de digitalización en tres dimensiones que habría servido para restaurar con todo lujo de detalles y de forma sencilla partes destruidas de la catedral de Notre Dame antes del incendio y otras obras de arte en zonas en conflicto de las que no se tenía un registro y que se han perdido para siempre.

“Mientras los talibanes estaban destrozando unos leones alados en Mosul, nosotros estábamos replicando otros aquí” asegura Juan Carlos Andrés Arias, jefe de Taller y uno de los encargados en convertir los modelos 3D en esculturas reales.

Con el objetivo de preservar, proteger y difundir, la fundación no se pone límites y cuenta con infinidad de proyectos arqueológicos en cartera a lo largo de todo el mundo, como la cueva sagrada de Kamukuwaká (Amazonía brasileña), el San Sebastián de Bernini o una parte de la cámara mortuoria del faraón Seti I. EFE

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Los fanáticos de Shakira están de fiesta. La cantante colombiana ha decidido llevar su impacto cultural a otro nivel con la Estoy Aquí Experience, una exhibición temporal que se instalará en la Ciudad de México para ofrecer a sus seguidores un recorrido único por su vida, trayectoria y proceso creativo.

Esta exposición permitirá a los asistentes -y fans de la cantante- sumergirse en la esencia de la artista a través de diferentes espacios temáticos que exploran su evolución, creatividad y momentos clave de su carrera.

La Estoy Aquí Experience cuenta con un túnel en donde se proyectan los contenidos de sus libretas personales. En las paredes habrá frases escritas a mano, y más adelante hasta una sala de instrumentos que muestra la relación de Shakira con su música. Cada rincón de la exhibición refleja su dedicación y pasión por el arte.

No obstante, la exhibición no se trata solo de música. La moda también juega un papel importante en este lugar, pues Shakira a lo largo de los años ha cambiado su estilo. Los visitantes podrán apreciar los outfits icónicos que marcaron su carrera y ser testigos de cómo su estilo ha evolucionado junto con su música.

Además, uno de los espacios más llamativos es el titulado Las Mujeres Ya No Lloran: Lágrimas convertidas en diamantes. Inspirado en su último álbum, este espacio busca transmitir un mensaje de resiliencia y fortaleza. Las lágrimas se representan con cuatro piedras preciosas que simbolizan distintos aspectos de la vida de Shakira: esmeralda para la confianza, rubí para la pasión, zafiro para la vulnerabilidad y diamante para la fuerza y la resiliencia.

Los fanáticos también podrán disfrutar de una galería fotográfica con imágenes inéditas de Shakira capturadas por el reconocido fotógrafo y director Jaume de Laiguana. Se trata de un recorrido visual que muestra momentos icónicos de toda su carrera.

Los fanáticos de Shakira están de suerte porque la exhibición también ofrece una tienda oficial de mercancía donde los asistentes podrán adquirir artículos exclusivos de Estoy Aquí Experience y de la gira actual de Shakira.

¿Cuándo, dónde y cuánto cuesta visitar Estoy Aquí Experience?

La exhibición se llevará a cabo del 21 al 30 de marzo en Frontera 88, colonia Roma, en la Ciudad de México. Lo mejor de todo es que la entrada será gratuita, pero será necesario registrarse previamente en la página web oficial de la experiencia.

Una vez completado el registro, se enviará un código QR que servirá como pase de acceso.

Si eres fan de Shakira o simplemente deseas descubrir más sobre su carrera y evolución artística, Estoy Aquí Experience promete ser un lugar de visita obligada. La exhibición coincidirá con las siete fechas que la cantante tiene programadas en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México.

El Museo del Prado, ubicado en el corazón de Madrid, es una de las instituciones culturales más importantes de España y un referente mundial en cuanto a su colección de arte europeo. Abierto en 1819, fue durante más de dos siglos el hogar de algunas de las obras más significativas de la pintura occidental.

Con una media de más de 8.000 visitantes diarios, el museo recibe a una multitud de personas de todo el mundo, deseosas de admirar sus galerías y aprender sobre las grandes obras maestras que alberga. Entre esas obras, hay una que destaca por encima de todas: El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch, una pieza enigmática y de gran atractivo que se ganó el puesto de ser el cuadro más observado por los visitantes.

Según Miguel Falomir, director del Museo del Prado, esta pintura es el epicentro de las “mayores congestiones” dentro del museo, debido a que los asistentes tienden a pasar más tiempo frente a ella que ante cualquier otra obra. El tríptico, compuesto por tres paneles vibrantes y visualmente desafiantes, atrae la mirada del espectador con su complejidad, simbolismo y la atmósfera única que crea. Esta popularidad, no solo por su contenido, sino por la experiencia visual que ofrece, hace de El Jardín de las Delicias una de las piezas más intrigantes de la pinacoteca madrileña.

El Jardín de las Delicias y su impacto en los visitantes

El Jardín de las Delicias (1500-1505), una de las obras más enigmáticas y complejas de la historia del arte, sigue despertando un profundo interés, no solo por su fascinante representación, sino también por la intrincada simbología que encierra. Esta pintura de tres paneles, que se encuentra en una de las salas más visitadas del Museo del Prado, cautiva a los espectadores, quienes se ven atraídos por los misteriosos detalles y las figuras humanas, animales y escenarios surrealistas que el pintor flamenco plasmó en ella.

La obra presenta una escena dividida en tres partes: el panel izquierdo muestra el Paraíso terrenal, el central se denomina El Jardín de las Delicias y el panel derecho es conocido como El Infierno. Esta estructura tridimensional crea una narrativa visual que lleva a los espectadores a un viaje a través de los placeres mundanos, el pecado y el castigo eterno.

Según un estudio realizado por el Grupo de Neuroingeniería Biomédica de la Universidad Miguel Hernández, los visitantes del Prado pasan una media de 4,08 minutos observando la obra completa. Sin embargo, este tiempo varía dependiendo de la hora del día, ya que cuando la sala está más llena, la estancia frente a la obra tiende a ser más corta.

¿Quién fue Hieronymus Bosch?

Hieronymus Bosch, nacido alrededor de 1450 en S-Hertogenbosch, una pequeña ciudad de los Países Bajos, es uno de los pintores más enigmáticos y originales del Renacimiento. Su estilo se distingue por la representación de escenas fantásticas, en las que combina lo real con lo imaginario de una forma que no se había visto antes.

El Bosco fue conocido por sus obras de carácter religioso, pero sus composiciones también incluían alegorías y visiones de un mundo maravilloso donde lo sobrenatural, lo grotesco y lo maravilloso se entrelazaban.

Aunque su vida sigue siendo un misterio en muchos aspectos, se sabe que Bosch fue un pintor de gran renombre en su tiempo, y su obra influyó en generaciones posteriores de artistas, especialmente en el arte surrealista del siglo XX.

La obra de El Bosco no solo muestra su dominio técnico, sino también su capacidad para explorar los límites de la moralidad, el pecado y el más allá a través del simbolismo. El Jardín de las Delicias, en particular, es una obra que fascinó tanto a estudiosos como a visitantes por su capacidad para contar historias complejas a través de imágenes.

El Jardín de las Delicias: una obra sobre el pecado y el castigo

Esta obra maestra de El Bosco es famosa por su representación visual de los contrastes entre el paraíso, el mundo terrenal y el infierno. El panel izquierdo, El Paraíso, muestra una visión idílica del Edén, con Adán y Eva recibiendo la creación y la bendición de Dios. En esta escena, el pintor utiliza colores suaves y formas ideales para reflejar la pureza y el orden de la creación.

El panel central, El Jardín de las Delicias, es el más dinámico y perturbador. En este, El Bosco representa a una multitud de figuras desnudas y animales fantásticos entregados a placeres mundanos, especialmente a la lujuria. A pesar de que en el Medievo la lujuria era vista como uno de los siete pecados capitales, el Bosco parece sugerir que esta búsqueda desenfrenada de los placeres terrenales es una ilusión que finalmente llevará a los hombres y mujeres a la perdición. La escena refleja lo que podría interpretarse como un “paraíso falso”, donde el goce se convierte en un engaño y el disfrute se ve finalmente truncado.

Por último, el panel derecho, El Infierno, muestra un mundo caótico y aterrador lleno de criaturas demoníacas que castigan a aquellos que se entregaron al pecado. Este panel presenta torturas, música demoníaca y escenas de sufrimiento que exponen las consecuencias del desorden moral y la transgresión de las reglas divinas. El Bosco hace uso de imágenes grotescas y fantásticas para crear una atmósfera de desesperación, un contraste dramático con la serenidad del Paraíso inicial.

Tokio, 11 dic (EFE).- Sanrio, la empresa nipona dedicada al desarrollo de personajes como Hello Kitty, planea abrir el año que viene un museo en la ciudad de Kai, en la prefectura de Yamanashi (Japón), en el que presentará sus creaciones y con el que esperan "convertirse en un punto de referencia local".

Según medios locales, la empresa pretende alquilar terrenos propiedad de la ciudad para montar su museo en el que dará a conocer a los diferentes personajes que la componen, además de contar la historia de su fundador, el actual presidente honorario de la compañía, Shintaro Tsuji.

La ciudad espera que la apertura de este museo genere entusiasmo a los turistas por esta región situada al oeste de Tokio.

El alcalde de Kai, Takeshi Hosaka, dijo en una reunión del ayuntamiento este martes: "Esperamos que (este museo) contribuya como punto de referencia que lleve a revitalizar la economía local".

La ubicación prevista es una parcela de aproximadamente una hectárea dentro del Akasaka Soft Park, un complejo industrial en el barrio de Ryuo-Shinmachi que fue vendido a la ciudad por una empresa de telefonía el pasado año por 35 millones de yenes.

Sanrio presentó la propuesta para evaluar cómo utilizar la parcela y fue seleccionada a principios de este mes. Se espera que a finales del año fiscal, la compañía haya llegado a un acuerdo básico con la ciudad para, posteriormente, empezar a renovar los edificios de madera que albergarán el museo.

El lugar elegido está a tres minutos en coche del intercambiador inteligente de Futaba, en la autopista Chuo, y goza de excelentes vistas al monte Fuji.

En 1960, Shintaro Tsuji dejó su trabajo como funcionario público y fundó el Centro de la Seda de Yamanashi (ahora Sanrio). En 1974, creó Hello Kitty y fue en 1990 cuando inauguró el parque temático 'Sanrio Puroland' en la ciudad de Tama (Tokio). EFE

Un rincón histórico de Brooklyn, que ha permanecido en pie desde antes de la fundación de los Estados Unidos, se prepara para recibir una nueva vida. La Casa Hendrick I. Lott, ubicada en el vecindario de Marine Park, será restaurada y transformada en un museo viviente que abrirá sus puertas al público. Según informó Gothamist, este edificio del siglo XVIII será sometido a una renovación integral que abarcará tanto mejoras estructurales como la modernización de sus sistemas internos, sin afectar su valor histórico.

De acuerdo con el medio, la casa, uno de los últimos ejemplos de la arquitectura colonial holandesa en Brooklyn, fue construida en 1800 por Hendrick I. Lott. No obstante, parte de su estructura se remonta a 1720, cuando su abuelo, Johannes Lott, erigió la primera edificación en el lugar. Reconocida como un hito histórico tanto a nivel local como nacional, la propiedad permaneció en manos de la familia Lott hasta 1989, cuando falleció Ella Suydam, descendiente directa de Johannes. Desde entonces, la organización sin fines de lucro Friends of the Lott House ha trabajado en su preservación.

La transformación de la Casa Lott en un museo busca no solo preservar su estructura, sino también rescatar las historias que alberga. A lo largo de los siglos, la propiedad ha sido testigo de profundos cambios en la sociedad y la economía de Brooklyn, desde su época como granja en el siglo XVIII hasta la expansión urbana del siglo XX. Además, investigaciones arqueológicas han revelado artefactos y documentos que proporcionan valiosa información sobre la vida cotidiana de sus antiguos habitantes, incluyendo la presencia de personas esclavizadas que trabajaron en la propiedad antes de la abolición de la esclavitud en el estado de Nueva York en 1827.

Un proyecto de rescate patrimonial en marcha

La restauración de la Casa Lott es un esfuerzo de larga data. Según detalló Gothamist, en la década de 1990, un grupo de arquitectos y defensores del patrimonio formaron Friends of the Lott House para salvar el edificio, que se encontraba en avanzado estado de deterioro. En 2002, la ciudad de Nueva York adquirió la propiedad y emprendió trabajos de renovación en el exterior y los jardines, los cuales concluyeron en 2013. Desde entonces, los terrenos han acogido eventos comunitarios, pero el interior de la casa no ha sido renovado desde principios del siglo XX.

Según el grupo Friends of the Lott House, las próximas obras incluirán la actualización de los sistemas eléctricos, de plomería y de climatización, además de mejoras en la accesibilidad. Estas intervenciones se realizarán respetando los detalles arquitectónicos originales, como molduras decorativas y chimeneas ornamentadas. El objetivo es preservar el carácter histórico de la casa sin comprometer su funcionalidad como museo.

Un museo único en el sur de Brooklyn

Una vez concluidas las renovaciones, la Casa Lott se convertirá en el primer museo público de Marine Park, un vecindario que destaca por su entorno natural y carácter residencial. Según Alyssa Loorya, presidenta de Friends of the Lott House y directora de Chrysalis Archeology, el proyecto busca celebrar no solo la historia de la familia Lott, sino también la evolución de la comunidad y las personas que trabajaron en la zona a lo largo de los siglos.

“Es emocionante no solo porque el vecindario realmente se preocupa por la casa, sino porque no tenemos este tipo de recurso en el sur profundo de Brooklyn”, afirmó Loorya en declaraciones recogidas por Gothamist. La casa, descrita como una “cápsula del tiempo de la historia de Gotham”, albergará programas interpretativos y exposiciones que permitirán a los visitantes sumergirse en el pasado de la ciudad.

Más de dos siglos de historia en Brooklyn

La historia de la Casa Lott se remonta a 1710, cuando Johannes H. Lott compró una granja de 89 hectáreas (220 acres) en lo que entonces era el pueblo de Flatlands. Allí construyó una pequeña casa de campo que su nieto, Hendrick I. Lott, amplió en 1800, añadiendo una sección con techos altos y detalles interiores elaborados, que hoy conforman el ala oriental del edificio.

Durante más de dos siglos, la propiedad fue testigo de la transformación de Brooklyn, desde sus orígenes agrícolas hasta su urbanización. La granja producía vegetales y, con el tiempo, se diversificó hacia la producción de lácteos y ostras. Sin embargo, la extensión del terreno se redujo a 12 hectáreas (30 acres) a principios del siglo XX. La última cosecha tuvo lugar en 1925, poco antes de que la ciudad instalara líneas de agua en la zona, marcando el inicio del desarrollo residencial en Marine Park.

A pesar de estos cambios, la familia Lott optó por conservar la casa y el terreno circundante, que para entonces se había reducido a menos de una hectárea (0,75 acres). Según destacó Gothamist, este compromiso con la preservación ha sido clave para que el edificio haya llegado hasta la actualidad.

Un esfuerzo comunitario para preservar el legado de Brooklyn

El proceso de restauración cuenta con el respaldo de la ciudad de Nueva York y la Historic House Trust, que han impulsado la renovación para garantizar que la casa pueda ser disfrutada por las generaciones futuras. Se espera que las obras comiencen a principios del próximo año y que el museo no solo se convierta en un atractivo cultural, sino también en un recurso educativo para la comunidad.

La Casa Lott, con su rica historia y arquitectura única, promete convertirse en un punto de referencia para quienes deseen explorar las raíces de Brooklyn y comprender cómo esta área pasó de ser una tranquila comunidad agrícola a uno de los distritos más vibrantes de Nueva York.

En Lima, existe un espacio donde se muestra a investigadores y al público en general la biodiversidad de nuestro país. Organismos y muestras representativas del patrimonio natural del Perú y de la humanidad, en lo que respecta a flora, fauna y gea, son exhibidos para ser observados por quienes cruzan el umbral del Museo de Historia Natural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

La casa museográfica, encargada de recolectar, investigar y exhibir organismos, así como muestras representativas de la flora y fauna, actúa como un compendio de información que documenta la evolución de la vida en el Perú.

Los ejemplares de diversas especies, como los restos fósiles de un antiguo escualo hallado en el desierto de Ocucaje (Ica), se conservan y resguardan en el museo, para el deleite de los asistentes.

La pieza en cuestión sorprendió a los paleontólogos en su momento debido a su sorprendente estado de conservación, el cual ha permanecido hasta hoy, a pesar de los millones de años transcurridos. Generalmente, la estructura vertebral de este tipo de animal, compuesto por cartílago, se desintegra antes de poder fosilizarse. Sin embargo, en este caso, logró conservarse intacta.

En diálogo con TV Perú, Niels Valencia, director del Museo de Historia Natural, se refirió a las colecciones científicas del museo. “En nuestro museo tenemos animales disecados de diferentes períodos. Algunos provienen de la década de 1950 e incluso de antes. Probablemente, la mayoría de los animales disecados de la época de Raymondi se hayan perdido o estén confundidos, tal vez en algunas de nuestras muestras”, indicó.

En el Museo de Historia Natural se exhiben muestras de mamíferos, fósiles, peces, dinosaurios, reptiles, aves, plantas y minerales.

El portal web Museos en Línea, del Ministerio de Cultura, difundió un boletín en el que se detallan las diversas muestras expuestas en el museo. Entre ellas, figura el Livyatan melvillei, un cachalote hipercarnívoro que vivió en el mar peruano hace 10 millones de años. Sus restos fosilizados fueron encontrados en el desierto de Ocucaje (Ica) en 2008.

El museo también ofrece la oportunidad de observar una variedad de peces, tanto marinos como de agua dulce. Entre los más representativos se encuentran el gran pez sol, el lenguado de ambientes marinos. Además, los visitantes pueden conocer especies de aguas profundas como el pez semáforo y peces de mar abierto, como el pez volador.

La casa museográfica también alberga réplicas de dinosaurios a tamaño real. Entre los más impresionantes se encuentra el titanosaurio, que habitó la región de Bagua (Amazonas) hace millones de años. También se exhiben el temido Camotaurus, un carnívoro feroz, así como el velociraptor y el Lewisuchus, un pequeño antecesor de los dinosaurios.

“Minerales, rocas e invertebrados fósiles. Esta sala alberga la más variada colección de rocas, minerales , fósiles y meteoritos. Muestra la formación del universo, el origen de la Tierra, la tectónica de placas, la deriva continental, el origen y la conformación de las rocas, la formación de montañas, los usos de los minerales y los estudios e investigaciones que abarca la geología en general y su aplicación a la minería”, se lee en el documento consultado.

El Perú, con sus muestras representativas de flora y fauna, se ha convertido en una fuente invaluable de conocimiento biológico y geológico para el mundo entero. Es importante dar a conocer lo señalado en un apartado del boletín de Museos en Línea, del Ministerio de Cultura, ya que podría captar la atención de los investigadores.

“El museo es reconocido a nivel mundial por sus valiosas colecciones de botánica, zoología, geología y paleontología. Cuenta aproximadamente con 1′835,822 ejemplares, constituyendo así la colección biológica más grande del Perú. En las áreas de investigación se conservan las colecciones que constituyen un invalorable registro de la historia natural del Perú”, se lee.

El área de investigación del museo se organiza en cuatro divisiones científicas: Zoología, Botánica, Geociencias y Ecología, cada una con departamentos especializados en las diversas formas de vida.

Finalmente, el recinto, ubicado en la Av. Arenales 1256, Jesús María, ofrece un servicio de guía proporcionado por personal especializado, quien, a través de un recorrido planificado, explica de manera pedagógica las diversas exhibiciones científicas disponibles.

Historia del Museo de Historia Natural

El Museo de Historia Natural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, fundado el 28 de febrero de 1918, tiene una larga trayectoria que comenzó gracias al Dr. Carlos Rospigliosi Vigil. Este reconocido catedrático de zoología, quien también fue su primer director, impulsó el proyecto de crear un espacio dedicado a la ciencia natural en el país.

Para lograr una colección científica que incluyera la flora, fauna y gea del Perú, Rospigliosi organizó la primera expedición científica universitaria en 1918, dirigida hacia Junín y Huánuco. Posteriormente, en 1920, junto al explorador sueco Otto Nordenskjöld, promovió la Expedición Peruano-Sueca hacia Junín, en la que también participó el botánico Augusto Weberbauer. Además, en 1919, el museo incorporó una valiosa colección del naturalista Antonio Raymondi.

El edificio donde actualmente se encuentra el museo fue diseñado por el arquitecto Enrique Rivero Tremouille a principios de 1935. Sin embargo, el proyecto sufrió modificaciones en 1943 bajo la supervisión de Alfredo Dammert. A pesar del esfuerzo de Rospigliosi por completar la obra, el edificio quedó incompleto, con solo el primer piso terminado. Este espacio fue inaugurado en 1937, cuando el museo se mudó desde la Casona del Parque Universitario a su ubicación actual en la avenida Arenales.

Un increíble hallazgo paleontológico tuvo lugar el pasado 31 de enero, en la provincia de Córdoba, a manos de un estudiante universitario. Los restos de un gliptodonte en el lecho del río Ctalamochita, en la localidad de Pampayasta, se convirtió en el segundo hallazgo más importante de esta criatura, correspondiente a una era que comenzó hace aproximadamente 11.700 años.

Samuel Colombano es alumno de la Licenciatura en Ambiente y Energías Renovables de la Universidad de Villa María, según contó el portal La Voz del Interior. Al momento del descubrimiento se encontraba caminando por el balneario ubicado a unos 129 kilómetros al sudeste de Córdoba. Fue en ese momento que detectó una estructura circular casi perfecta en el agua, que se destacaba en una zona de toscas, pero con menos arena.

Pensando que podía tratarse de una vasija de gran tamaño, comenzó a limpiar la superficie con el agua del río, aunque inmediatamente identificó los patrones característicos de un caparazón fósil. Colombano se puso en contacto con las autoridades locales, quienes dieron aviso a los investigadores acerca del hallazgo, contó el mismo medio.

Al día siguiente del descubrimiento, personal del organismo provincial se trasladó hasta el lugar para analizar los restos y confirmó que pertenecían a un gliptodonte, una especie de la megafauna sudamericana. “Se pudo identificar a la especie Glyptodon reticulatus, una especie que habitó en la Región Chacopampeana y en las sierras de Córdoba durante la edad del Pleistoceno Tardío que comenzó hace 126 mil años y llegó hasta los 11.700 años. Probablemente, esta especie haya pasado ese límite de 11.700 años y haya llegado a lo que llamamos la edad Holoceno temprana”, explicó Adan Tauber, director del Museo Provincial de Ciencias Naturales y doctor en Ciencias Geológicas, según informó la Agencia Córdoba Cultura.

En el sitio web de la agencia detallan que estas criaturas fueron grandes mamíferos acorazados que formaban parte de la megafauna sudamericana y podían alcanzar dimensiones extraordinarias. Algunos ejemplares llegaban a medir hasta 4,2 metros de largo y pesar más de 2000 kilos. A pesar de su apariencia similar a la de los armadillos actuales, el registro fósil indica que estos últimos evolucionaron antes, hace aproximadamente 60 millones de años. Los gliptodontes, en cambio, surgieron más tarde y compartieron el continente con otros miembros hasta su extinción.

El hallazgo en Pampayasta se suma a otros descubrimientos de la misma especie en la provincia, uno de ellos ocurrido en 2021 en Villa Ascasubi. Otros dos fueron realizados en Ernestina, una localidad de la provincia de Buenos Aires, y en Mar del Plata. También en la zona de las sierras de Córdoba, al norte de Los Gigantes, se han registrado fósiles de gliptodontes a más de 2.600 metros sobre el nivel del mar, en un sitio conocido como Pampa de Vaca Corral.

El equipo de arqueólogos y paleontólogos del Museo de Ciencias Naturales de Córdoba inició el proceso de recuperación del caparazón y una vez obtenido, se aplicará un proceso en laboratorio para luego someterlo a estudio. Esto podía tomar varios meses o incluso años. “El material encontrado está en contacto con el agua permanentemente, lo que dificultará el trabajo”, indicó Tauber.

En este sentido, el director del Museo añadió:“Los paleontólogos y arqueólogos buscamos la potencial asociación de la megafauna con elementos líticos, proyectiles o herramientas producidas por el hombre porque estamos cada vez más seguros de que hubo una interacción entre los primeros humanos y estos megamamíferos”.

Los hallazgos en el interior de Buenos Aires

En marzo del 2023, dos chicos de 9 y 11 años que se encontraban en la playa San Carlos de Mar del Plata, se toparon con restos de un gliptodonte de 5 millones de años perteneciente a la especie Plohophorus figuratus. El padre de los menores dio aviso al Museo Municipal de Ciencias Naturales Lorenzo Scaglia, cuyo equipo se trasladó al lugar para recuperar los fósiles.

Entre los restos encontrados se identificaron parte de la cola, un tubo caudal, vértebras, anillos caudales y placas del caparazón dorsal. Según indicaron los especialistas de la institución, se trataba de la primera vez que se sumaban anillos caudales de esta especie a la colección del museo. En ese momento el rescate de los fósiles se realizó en condiciones extremas debido a la pleamar y la altura de los acantilados, lo que dificultó el trabajo del equipo de paleontología.

Anteriormente, en 2019, un equipo de especialistas había recuperado un caparazón de la mencionada criatura en un colegio abandonado de la localidad de Ernestina, perteneciente al partido de Lobos. La intervención se realizó a pedido de la Unidad Fiscal Especializada en Medio Ambiente (UFEMA) y contó con la participación de la División Operaciones Especiales de la Policía de la Ciudad y la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico.

Al respecto, el paleontólogo Horacio Padula explicó que el fósil apareció hace aproximadamente una década, tras una bajante del Río Salado causada por una fuerte sequía.

Fundado en 1822, poco después de la independencia del Perú, el MNAAHP desempeñó un papel crucial en la conservación y difusión del legado histórico del país. En palabras de su página oficial, “El Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú es el primer museo del Perú; el más grande, antiguo y representativo de nuestro país. Fue el único que tuvo el Perú en los primeros cien años de la República”. La institución alberga más de 300 mil piezas que van desde vestigios prehispánicos hasta objetos de la época republicana, lo que lo convierte en un referente para comprender la riqueza y diversidad de la historia peruana.

La arquitectura del museo, que combina elementos del periodo colonial tardío y republicano, también es un testimonio del desarrollo histórico del Perú. Este edificio, ubicado en el distrito de Pueblo Libre, no solo resguarda una colección invaluable, sino que también es un punto de encuentro donde generaciones de peruanos y visitantes internacionales tuvieron la oportunidad de conectarse con las huellas de sus antepasados. Entre sus paredes se encuentran piezas icónicas como las cerámicas de la cultura Mochica, tejidos de la civilización Paracas, y objetos relacionados con los libertadores José de San Martín y Simón Bolívar.

Una renovación esperada

El director Rafael Varón Gabai explicó que la remodelación del museo implica el traslado de más de 250 mil piezas a módulos temporales. Este proceso requiere una planificación meticulosa debido a la fragilidad y relevancia de los artefactos. “Toma mucho trabajo y tiempo”, declaró a Exitosa Noticias, destacando que cada objeto debe ser manipulado con extremo cuidado para garantizar su integridad.

La reforma incluye la construcción de nuevos ambientes modernos y equipados, concebidos para ofrecer un espacio más agradable y accesible a los visitantes. Aunque no se ha establecido una fecha exacta para la reapertura, se espera que las nuevas instalaciones transformen la manera en que se presenta y se experimenta la historia del Perú.

El MNAAHP no solo se caracteriza por su colección, sino también por las actividades culturales que ha desarrollado a lo largo de los años. Este espacio fue escenario de exposiciones temporales, presentaciones de música, danza, y talleres educativos, que buscaron acercar la cultura a diferentes públicos. Como mencionó el director del museo, “Muchísima gente viene al museo, desde escolares hasta turistas extranjeros. Es un lugar que siempre está activo, no solo con exhibiciones permanentes, sino también con otras actividades”.

En sus salas, los visitantes pudieron admirar desde obras pictóricas de Pancho Fierro hasta el escritorio donde José de San Martín plasmó algunos de sus escritos más significativos. Este espacio funciona como un puente entre el pasado y el presente, permitiendo reflexionar sobre los procesos históricos que han moldeado la identidad nacional.

La promesa de un futuro renovado

El cierre temporal del MNAAHP también plantea interrogantes sobre la continuidad de su misión educativa y cultural durante el periodo de remodelación. Según señalaron autoridades del museo, se están evaluando estrategias para mantener viva la conexión con el público, como exposiciones itinerantes y actividades virtuales.

En tanto, la remodelación representa una oportunidad para rediseñar la narrativa museográfica, incorporando tecnologías modernas que permitan una experiencia interactiva y didáctica. Este proyecto busca responder a las expectativas de un público cada vez más diverso y exigente, que demanda espacios culturales que dialoguen con las dinámicas contemporáneas.

El MNAAHP no solo es un repositorio de objetos, sino un testigo silencioso de la evolución del Perú. Su cierre temporal marca el inicio de una nueva etapa en la que se espera que su legado histórico y cultural cobre nueva vida, adaptándose a las necesidades del siglo XXI. Por ahora, queda el llamado a visitarlo antes del 28 de febrero de 2025 y ser parte de su historia antes de que sus puertas se cierren por un periodo indeterminado.

Con más de 8 millones de visitantes anuales, el Museo del Louvre en París enfrenta una crisis de sobrecarga que amenaza con opacar su prestigio. Originalmente diseñado para albergar a 4 millones de personas al año en los años 80, la estructura se encuentra desbordada y obsoleta, lo que genera una experiencia frustrante para muchos. La necesidad de una renovación estructural y organizativa es evidente, mientras las quejas de visitantes y expertos crecen.

Problemas estructurales y saturación: el desgaste del Louvre

El aumento sostenido en la cantidad de visitantes ha convertido al Louvre en una atracción abrumadora para muchos. A pesar de contar con boletos de acceso por horarios, los turistas enfrentan esperas de hasta 45 minutos para ingresar, lo que contradice el propósito de un sistema diseñado para agilizar la entrada. “Museos como este deberían ser un placer, pero ya no lo son”, afirmó al diario británico The Guardian una visitante parisina que, tras 40 años de fidelidad al Louvre, decidió no regresar.

El problema no se limita a las filas externas. Dentro del museo, los pasillos y salas están diseñados para una afluencia mucho menor. Las habitaciones destinadas a obras emblemáticas como la Mona Lisa, de Leonardo da Vinci, se encuentran mal configuradas para gestionar el flujo continuo de turistas. Según reveló al mismo medio Myriam, una visitante belga de 65 años, el espacio es “caótico” y carece de una circulación adecuada. Además, la señalización deficiente dentro de las extensas alas del museo genera confusión, empeorando la experiencia de los visitantes.

Otro punto crítico son las condiciones estructurales deterioradas del edificio. Filtraciones, sistemas de control de temperatura insuficientes y falta de mantenimiento afectan tanto a los visitantes como a las obras de arte. Bajo la famosa pirámide de cristal, el ruido constante y la sensación de hacinamiento recuerdan más a una piscina pública que al museo más visitado del mundo.

La necesidad de un cambio urgente

Ante la gravedad de la situación, el presidente Emmanuel Macron ha decidido intervenir directamente. Según un funcionario del Palacio del Elíseo, “el Louvre es un patrimonio compartido”, y su reputación debe protegerse. Macron, que eligió este museo como telón de fondo para su victoria presidencial en 2017, anunció un plan de inversiones que podría incluir la construcción de una nueva entrada para aliviar la saturación. Sin embargo, los detalles aún están por definirse, y las restricciones presupuestarias del gobierno francés limitan el alcance de las posibles soluciones.

El director del Louvre, Laurence des Cars, reconoció en un informe reciente que las instalaciones están muy por debajo de los estándares internacionales. Entre las recomendaciones, subrayó la urgencia de renovar las infraestructuras y reorganizar los accesos para hacer las visitas más fluidas. A pesar de que el museo ha expandido su presencia internacional con sedes en Lens y Abu Dabi, su centro en París no ha recibido una reforma importante en décadas.

Opiniones divididas: ¿es el Louvre un museo accesible?

Mientras el Louvre sigue siendo un referente cultural, las comparaciones con otros museos franceses ponen en evidencia sus deficiencias. Según Véronique, una parisina que también visita frecuentemente el Musée d’Orsay, este último ofrece una experiencia más “humana” y accesible, a pesar de ser otro museo popular. “Es menos caótico que el Louvre”, comentó a The Guardian.

Por otro lado, Nurperi, una turista turca, destacó al medio británico la calidad de las colecciones de arte islámico en el Louvre, pero admitió que la experiencia general podría mejorar con más baños, mejor señalización y menos filas. La combinación de una inmensa escala, flujos mal gestionados y enfoques comerciales –como la salida obligatoria a través de una galería comercial– deja una sensación de que el foco ha pasado de la cultura al consumo.

Una oportunidad para el futuro

El Louvre es un símbolo del arte mundial y también un instrumento de diplomacia y poder blando para Francia. Varios presidentes han utilizado sus espacios para actos oficiales, reforzando la importancia del museo como un emblema de la “excepción cultural” francesa. Para Macron, abordar esta crisis es una oportunidad para unificar opiniones en un país políticamente dividido, al tiempo que revitaliza uno de los pilares de la identidad nacional.

Sin embargo, la magnitud de las reformas necesarias subraya la complejidad del desafío. Modernizar la infraestructura, optimizar la experiencia del visitante y preservar la herencia cultural demandarán tanto una visión clara como inversiones significativas.

El Louvre, con su vasto acervo artístico y su relevancia histórica, merece soluciones a la altura de su prestigio. Resolver sus problemas beneficiará a quienes lo visitan y consolidará su lugar como el museo más emblemático del mundo.

En un rincón discreto del centro de Tokio, un museo único en su tipo invita a los visitantes a explorar la evolución y desaparición de los dispositivos tecnológicos que alguna vez formaron parte de la vida cotidiana. El Extinct Media Museum, inaugurado en enero de 2023, exhibe cámaras, videocámaras y teléfonos móviles antiguos y permite a los visitantes interactuar con ellos, ofreciendo una experiencia sensorial completa. Este espacio se basa en la premisa de que todos los medios, salvo el papel y la piedra, eventualmente desaparecerán.

El museo, que cuenta con una colección de aproximadamente 3.000 artículos, de los que 1.500 están en exhibición permanente, se ha convertido en un refugio para los nostálgicos y los curiosos. Entre sus piezas más destacadas se encuentra una cámara fotográfica japonesa “Lily” de 1916, la más antigua de la colección. Además, los visitantes pueden encontrar desde disquetes y cintas Betacam hasta dispositivos icónicos de Sony y otros fabricantes. El objetivo del museo es preservar la memoria de estos objetos y permitir que las nuevas generaciones comprendan su importancia histórica.

A diferencia de los museos tradicionales, el Extinct Media Museum se define como un “museo táctil”. Esto significa que los visitantes pueden tomar los objetos en sus manos, sentir su peso, textura e incluso percibir su olor. Según explicó la subdirectora del museo, Barbara Asuka, esta interacción sensorial es clave para comprender el impacto de estos dispositivos en la vida cotidiana de las personas. “Queremos que los visitantes experimenten estos artículos con los cinco sentidos, no solo mirándolos a través de un cristal”, afirmó Asuka a Reuters.

Esta propuesta ha resonado especialmente entre quienes vivieron la era de estos dispositivos. Mika Matsuda, una visitante de 59 años, expresó que recorrer el museo le permitió revivir recuerdos de su juventud. “Es como un flashback de nuestras vidas. Me recordó cómo eran las cosas en aquel entonces y cuánto me divertía”, comentó Matsuda. Al mismo tiempo, el museo también resulta fascinante para las generaciones más jóvenes, quienes pueden descubrir tecnologías que nunca llegaron a conocer.

El museo también recibe donaciones de los propios visitantes, lo que enriquece constantemente su colección. Hisashi Ito, un diseñador de automóviles de 56 años, donó recientemente un reloj de mano y cintas de casete de su colección personal. “Si los guardo en casa, probablemente serán desechados cuando muera. Es mejor compartirlos y permitir que otros los disfruten”, declaró Ito.

El Extinct Media Museum no se limita a ser un lugar de exhibición. Según detalla su sitio web oficial, los visitantes tienen la posibilidad de fotografiar, grabar videos e incluso realizar escaneos en 3D de los objetos en exhibición. Esta política tiene como objetivo que las imágenes de la colección se distribuyan y documenten en medios y blogs de todo el mundo, asegurando que estas piezas permanezcan en la memoria colectiva.

Además, el museo ofrece servicios adicionales, como el alquiler de sus objetos para ser utilizados como accesorios en producciones cinematográficas, videos musicales y programas de televisión. Esto permite que los dispositivos antiguos cobren nueva vida en contextos creativos, ampliando su impacto cultural más allá de las paredes del museo.

El museo pone especial énfasis en la evolución de las cámaras y videocámaras domésticas, desde las de película de 8 mm hasta las cámaras digitales con memoria. Según su sitio web, las exhibiciones están organizadas de manera que los visitantes puedan comprender de un vistazo como estas tecnologías han cambiado a lo largo del tiempo. Entre los formatos representados se encuentran el Betamax, VHS, VHS-C y DV, entre otros.

Además de las cámaras, la colección incluye una amplia variedad de dispositivos, como máquinas de escribir, computadoras personales, reproductores de música y teléfonos móviles antiguos. Cada uno de estos objetos cuenta una historia sobre cómo la tecnología ha transformado la forma en que las personas se comunican, trabajan y se entretienen.

El Extinct Media Museum ofrece una experiencia accesible para todo tipo de público. Según su sitio web, la entrada general tiene un costo de 2.000 yenes (aproximadamente USD 12,70), mientras que los estudiantes y donantes pueden acceder por 1.000 yenes. Los visitantes pueden permanecer en el museo durante un máximo de dos horas por visita, tiempo suficiente para explorar la colección y participar en las actividades disponibles.

Además, el museo cuenta con una tienda que vende productos exclusivos, como postales, calcomanías y llaveros, que solo pueden adquirirse en este lugar. Estos artículos permiten a los visitantes llevarse un recuerdo tangible de su experiencia y contribuir al sostenimiento del museo.

El robo de artefactos históricos de incalculable valor conmocionó a la comunidad cultural global tras un audaz asalto al Museo Drents, en Assen, Países Bajos. Durante la madrugada del sábado 25 de enero, un grupo de ladrones utilizó explosivos para irrumpir en las instalaciones y sustraer cuatro piezas arqueológicas, entre ellas el célebre casco de Cotofenesti, una reliquia dorada de más de 2.500 años de antigüedad. La exposición afectada, titulada Dacia: Empire of Gold and Silver, presentaba tesoros de la antigua civilización dacia, prestados desde museos rumanos.

Un robo meticulosamente ejecutado

El hecho ocurrió a las 3:45 a.m., cuando la policía recibió un reporte de una explosión en el museo. Las cámaras de seguridad captaron a los sospechosos abriendo la puerta exterior antes de que una detonación llenara el lugar de humo y chispas. Entre las piezas sustraídas se encuentran tres brazaletes de oro de la época dacia (ca. 50 a.C.) y el casco de Cotofenesti, una obra maestra del siglo V a.C.

El robo significó la pérdida de estas piezas y daños estructurales en el museo, aunque no se reportaron heridos. La exhibición debía concluir el domingo, después de permanecer abierta al público desde julio. Según un comunicado del museo, el casco robado es considerado un “tesoro nacional” por su diseño único, que incluye escenas mitológicas y ojos protectores contra el “mal de ojo”.

Para ejecutar el asalto, los ladrones utilizaron un auto robado en Alkmaar, el cual abandonaron e incendiaron cerca del lugar del crimen. La policía neerlandesa, en colaboración con Interpol, investiga el caso y hasta ahora ha recibido más de 50 pistas, aunque no se han realizado arrestos. Según las autoridades, los sospechosos probablemente huyeron en un segundo vehículo.

El impacto cultural de las piezas robadas

El casco de Cotofenesti y los brazaletes dacios son más que simples piezas arqueológicas: son vestigios fundamentales de la civilización dacia, que habitó territorios de la actual Rumania antes de su conquista por el Imperio Romano.

El casco, descubierto en un pueblo rumano hace casi un siglo, es una obra de arte en sí mismo. Presenta grabados con criaturas mitológicas y un par de ojos decorativos que, según los expertos, tenían la función de intimidar a los enemigos en batalla y proteger al portador contra el mal de ojo. Su robo ha sido calificado como un “día oscuro” por Harry Tupan, director del Museo Drents, quien destacó que este es el mayor incidente en los 170 años de historia de la institución.

1. Por su parte, el Ministerio de Cultura de Rumania ha prometido utilizar todos los recursos disponibles para recuperar las piezas robadas, resaltando su enorme valor histórico y cultural. Esta no es la primera vez que artefactos dacios se ven envueltos en robos internacionales. En los años 90, diversos brazaletes de oro fueron sustraídos por saqueadores y vendidos en el mercado negro a coleccionistas en Europa y Estados Unidos, aunque posteriormente fueron recuperados tras largos litigios.

Reacciones y desafíos para recuperar las piezas

El robo ha puesto en jaque la seguridad de los museos y la protección de patrimonios históricos compartidos entre países. Tupan expresó su tristeza no solo por el daño a la institución neerlandesa, sino también por la pérdida sufrida por sus colegas rumanos, cuyos artefactos estaban en préstamo.

El caso es investigado por expertos internacionales, dado que este tipo de piezas suelen ser difíciles de vender debido a su singularidad y reconocimiento global. Sin embargo, el mercado negro de arte y antigüedades continúa siendo una amenaza para la preservación de estos bienes culturales.

Además, el robo plantea preguntas sobre la seguridad en las exhibiciones temporales que implican préstamos internacionales. Los museos deberán reforzar sus protocolos para evitar incidentes similares en el futuro, particularmente en eventos de alto perfil como la muestra dacia.

Mientras tanto, las autoridades continúan examinando las pistas disponibles. La comunidad cultural internacional permanece expectante ante cualquier avance en la recuperación de estos tesoros que, por su importancia histórica, son considerados irremplazables.

El Museo Británico, emblemática institución cultural del Reino Unido, atraviesa una de las etapas más críticas de su historia. Según The Guardian, se trata de una combinación de desafíos que incluyen acusaciones de robo interno, cuestionamientos sobre la legitimidad de su colección y una grave crisis financiera. Estos problemas han puesto en jaque la reputación de un museo que, desde su fundación en 1753, es un símbolo del conocimiento y la cultura global.

La controversia más reciente surgió en agosto de 2023, cuando se reveló que un miembro del personal, identificado como Peter Higgs, presuntamente robó o dañó alrededor de 2.000 objetos de la colección. Entre los artículos sustraídos se encontraban gemas antiguas y joyas de oro, que habrían sido vendidas en plataformas como eBay por precios irrisorios. Este escándalo no solo expuso fallos en los protocolos de seguridad del museo.

En el texto publicado por el medio británico, el periodista Charlotte Higgins —autor del artículo— recogió varios testimonios. Un empleado del museo le dijo que la situación generó una “profunda sensación de traición y pérdida”. Otro, a quien presenta como “un conservador de alto nivel” afirma sentir “escalofríos en el brazo” cuando “trabaja fuera de horario”. “Los fantasmas están por todas partes”, resumió la fuente.

Un legado cuestionado: el peso del colonialismo

El Museo Británico no solo enfrenta problemas internos, sino también una creciente presión externa relacionada con el origen de su vasta colección, que incluye entre seis y ocho millones de objetos. Muchas de estas piezas han sido objeto de controversia debido a su adquisición durante el periodo colonial británico. Entre los casos más emblemáticos se encuentran los bronces de Benín, saqueados en 1897 durante un ataque al palacio real de Benin City, y las esculturas del Partenón, compradas por Lord Elgin a principios del siglo XIX.

El debate sobre la repatriación de estos objetos ha cobrado fuerza en los últimos años, especialmente en el contexto de las discusiones globales sobre justicia histórica y descolonización. Aunque el museo ha mantenido un perfil bajo en estos temas, su falta de acción ha alimentado la percepción de que gran parte de su colección es producto de saqueos. Según The Guardian, esta percepción se ha visto agravada por la falta de liderazgo y visión estratégica durante la gestión de Hartwig Fischer, quien dirigió la institución entre 2016 y 2023.

Financiación insuficiente y deterioro estructural

A pesar de ser la atracción cultural más visitada del Reino Unido, con aproximadamente seis millones de visitantes anuales, el Museo Británico enfrenta serias limitaciones financieras. Su presupuesto es significativamente menor en comparación con instituciones similares en París y Berlín, lo que ha llevado a un deterioro visible en sus instalaciones. Gran parte de su infraestructura se encuentra en mal estado, con problemas de filtraciones, corrosión y amianto.

El museo está inmerso en un ambicioso proyecto de renovación que incluye la modernización de sus galerías y la construcción de un nuevo centro de energía. Sin embargo, estos esfuerzos han sido posibles gracias a donaciones privadas, como los 50 millones de libras aportados por BP, cuyo patrocinio ha sido rechazado por otras instituciones culturales debido a preocupaciones éticas.

Gestionar una colección monumental

El Museo Británico alberga una de las colecciones más grandes y diversas del mundo, que incluye desde tablillas cuneiformes de la antigua Mesopotamia hasta restos humanos de Egipto y Sudán. Sin embargo, según The Guardian, la magnitud de esta colección ha dificultado su gestión adecuada. Muchos objetos no están registrados formalmente ni digitalizados, lo que complicó la identificación de los artículos robados en el reciente escándalo.

El director interino, Sir Mark Jones, se ha comprometido a completar la digitalización de toda la colección para 2029, pero el proceso es monumental. Un conservador explicó que solo el 10% de los fragmentos de cerámica en su área están documentados, lo que refleja la magnitud del desafío.

Repatriaciones y tensiones diplomáticas

El tema de la restitución de objetos culturales sigue siendo uno de los puntos más sensibles para el museo. Aunque la legislación británica impide la devolución de la mayoría de los objetos, se han realizado excepciones en casos específicos, como la restitución de bienes saqueados por los nazis. Sin embargo, la mayoría de las reclamaciones, como las relacionadas con los bronces de Benín o las esculturas del Partenón, permanecen sin resolver.

El presidente del museo, George Osborne, ha liderado negociaciones discretas con Grecia para llegar a un acuerdo sobre las esculturas del Partenón. Aunque algunos ven esto como un paso positivo, otros critican la falta de transparencia en el proceso. Según el exdirector Neil MacGregor, cualquier decisión sobre la restitución debe basarse en principios claros, ya que retirar objetos de Londres tendría implicaciones permanentes.

Un futuro incierto

El Museo Británico se encuentra en una encrucijada. Su capacidad para superar esta crisis dependerá de su habilidad para abordar los problemas internos, recuperar los objetos robados y redefinir su papel en un mundo poscolonial. Aunque su nuevo director, Nicholas Cullinan, enfrenta un panorama complejo, algunos empleados ven su liderazgo como una oportunidad para revitalizar la institución.

El desafío no es menor. El museo no solo debe reparar su reputación, sino también adaptarse a las demandas de un público cada vez más crítico con las instituciones que representan legados coloniales. Como señaló un exgerente citado por The Guardian, el museo debe encontrar un equilibrio entre su papel como archivo de la cultura material y su responsabilidad hacia las comunidades de origen de los objetos que alberga.

El último fin de semana de enero trae consigo una variedad de actividades que reflejan lo mejor de la temporada de verano en Uruguay. Desde las playas del este hasta la capital, la agenda incluye conciertos de destacados artistas, eventos gratuitos para toda la familia y una atmósfera festiva que alimenta el espíritu del carnaval, la mayor celebración popular del país.

Este es un momento ideal para disfrutar de los balnearios uruguayos, donde los festivales musicales y las propuestas culturales al aire libre se complementan con los paisajes costeros y el clima veraniego. Lugares como Punta del Este, Cabo Polonio y Punta del Diablo son escenarios de presentaciones en vivo que mezclan música internacional con talentos locales.

Con opciones para todos los gustos, este fin de semana es una oportunidad imperdible para cerrar enero de manera memorable.

Espectáculos musicales en la costa uruguaya

Punta Ballena

El Festival Medio y Medio, en Punta Ballena, es uno de los grandes atractivos del verano en el este de Uruguay. Durante el sábado 25 de enero, el reconocido artista argentino Dillom, que se consolidó como una figura destacada en la escena musical urbana, se presentará en el ciclo.

El domingo 26, la banda El Plan de la Mariposa volverá al escenario del festival tras agotar localidades en su primera fecha. Esta propuesta promete una noche llena de energía y baile para los asistentes.

Cabo Polonio

En el restaurante Mucho Bueno, ubicado en el mágico balneario de Cabo Polonio, los días 25 y 26 de enero serán especiales. El sábado, el músico y compositor, Martín Buscaglia, presentará su música en un formato íntimo y gratuito. El domingo, la propuesta cambiará de tono con la actuación de la banda de rock alternativo Boom Boom Kid, un grupo que promete cerrar el fin de semana con buena música.

Eventos culturales gratuitos

El domingo 26 de enero, el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) cerrará el fin de semana con un destacado evento musical. A las 19:00, el proyecto Suma Camerata, liderado por Pedro Dalton, Luciano Supervielle y Juan Casanova, presentará un concierto único acompañado por el Cuarteto Centrojá.

Este espectáculo promete una experiencia enriquecedora al fusionar música regional con propuestas contemporáneas, enmarcado en el entorno artístico y natural. El evento, que forma parte de las actividades gratuitas del museo, busca convocar a un público amplio.

Carnaval: un adelanto de la fiesta

Aunque el Desfile Inaugural del Carnaval 2025 tuvo lugar el jueves 23 de enero, este evento es el comienzo de la temporada más festiva del año en Uruguay, que se extiende hasta marzo. El desfile, que recorrió la avenida 18 de Julio desde la Plaza Independencia hasta la Plaza Cagancha, contó la participación de más de 40 agrupaciones carnavaleras, entre murgas, comparsas, parodistas, humoristas y revistas. Este acto es una de las tradiciones más importantes del verano en Montevideo.

Durante el fin de semana del 25 y 26 de enero, los tablados funcionarán a pleno en distintos barrios de la ciudad, y en otras regiones del país, como la ciudad de Canelones. Estos escenarios populares permiten disfrutar de espectáculos accesibles en un ambiente cercano y familiar, con presentaciones de murgas emblemáticas, comparsas coloridas y parodistas.

Además, los preparativos para el Concurso Oficial del Carnaval, que comenzará el lunes 27 de enero en el Teatro de Verano, generan un entusiasmo especial en la ciudad. Este certamen reunirá a las mejores agrupaciones de las distintas categorías, quienes competirán con propuestas que combinan música, teatro y vestuarios deslumbrantes.

El carnaval uruguayo, conocido como el más largo del mundo, representa mucho más que una fiesta: es una manifestación cultural que refleja la creatividad y el espíritu festivo de todo un país.

El caos que caracteriza a Lima convive con su rostro más amable: el cultural. La oportunidad de degustar un plato, visitar un museo o disfrutar de alguna presentación también puede ser una oportunidad para entender a la ciudad que tantos retos tiene por delante. El Ministerio de Cultura presentó una agenda de actividades que, además de distraer, sirve para valorar nuestro pasado y así mantenerlo vivo en el futuro.

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú

Ingreso GRATUITO

Lunes de 12:00 p.m. a 7:30 p.m.

Martes a domingo de 9:00 a.m. a 7:30 p.m.

Plaza Bolívar - Pueblo Libre

Fundado en 1822, el MNAAHP es el museo más antiguo del Perú y uno de los más importantes del país. Destaca por la Sala Independencia en la Quinta de los Libertadores así como la exposición temporal “Lima: Cinco siglos de historia”.

Museo de Sitio Pachacamac

Talleres de verano gratis con boleto de entrada al museo

Miércoles y viernes de enero y febrero de 10:00 a.m. a 12:00 p.m.

Antigua Panamericana Sur 31.5 - Pachacamac

El museo realizará los talleres “Fabrica tu quena”, “Taller de arqueología”, “Fabrica tu ocarina”, “Taller de serigrafía”, “Taller de elaboración de papel artesanal” y “Taller de arqueobotánica en la Intichacra”. Las actividades están pensadas para menores entre 7 a 14 años y se realizará de manera presencial.

Gastronomía viva en Pueblo Libre

Ingreso GRATUITO

De viernes a domingo de 10:30 a.m. a 6:00 p.m.

Plaza Bolívar - Pueblo Libre

Gastronomía Viva narra la historia gastronómica del Perú de manera lúdica, rápida, sensorial y reflexiva, a través de demostraciones y degustaciones de la diversidad gastronómica de nuestro pasado y presente al público visitante. Se llevará a cabo durante el mes de enero.

Películas ganadoras de los estímulos económicos para la cultura

Acceso GRATUITO

retinalatina.org

Retina Latina es una plataforma digital de acceso gratuito dedicada a la difusión y promoción del cine latinoamericano. Su principal objetivo es poner al alcance de los usuarios una selección variada de películas provenientes de diferentes países de América Latina.

Veneración de la Virgen de la Candelaria

Ingreso GRATUITO

Domingo 26 de enero de 3:00 p.m. a 7:00 p.m.

Palacio de las Artes de Miraflores

La Virgen de la Candelaria es venerada en varias regiones de América Latina con procesiones, danzas y festivales que combinan elementos religiosos y culturales. El nombre “Candelaria” hace referencia a las candelas o velas, que simbolizan la luz de Cristo que guía a los fieles.

Caligrafía japonesa en gran formato

Ingreso GRATUITO

Viernes 24 de enero de 7:30 p.m. a 9:30 p.m.

Asociación Peruano Japonesa

Descubre el arte del shodō con el calígrafo japonés Hamano Ryuho en una demostración en gran formato. Con pincel y barras de tinta, dará vida a los caracteres japoneses en diferentes estilos, denotando la trascendencia de esta disciplina milenaria.

Nosferatu (1922)

Ingreso GRATUITO

Jueves 23 de enero a las 8:00 p.m.

Calle Aurelio Souza 225, Barranco

Cine Caleta proyectará uno de los clásicos del cine de terrori. n la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok.

Huaca. Umbral entre los tiempos

Ingreso GRATUITO

Del 21 al 31 de enero de 9:00 a.m. a 9:00 p.m.

Jirón Luis Sánchez Cerro 2121 - Jesús María

Exploración profunda de la Huaca Mateo Salado, ubicada en el distrito de Lima, a través de la obra visual de Felipe Cortázar. Este conjunto monumental de cinco pirámides, vestigio de un pasado prehispánico, es capturado en imágenes que revelan su riqueza histórica y su tensión con la modernidad.

El concepto de museo, tal como se lo conoce en la actualidad, tiene sus raíces en una práctica ancestral: la colección de objetos valiosos. Desde la antigüedad, las civilizaciones mostraron un profundo interés por preservar piezas que representaban el conocimiento, el poder o la identidad cultural.

Este hábito de coleccionar sentó las bases para los primeros museos, que surgieron como espacios exclusivos y privados, accesibles únicamente para las élites gobernantes o religiosas. Con el tiempo, estos espacios evolucionaron hasta convertirse en instituciones públicas dedicadas a la educación y la cultura.

Coleccionismo: el germen de los museos

Los primeros antecedentes de los museos se encuentran en las colecciones privadas de nobles, monarcas y clérigos. Estas personas acumulaban objetos por diversas razones: como símbolo de poder, por interés en el pasado o para destacar en la sociedad. Durante el periodo babilónico, por ejemplo, el rey Nabucodonosor II (605-562 a.C.) creó un “gabinete de maravillas” en su palacio, en el cual exhibía los botines de guerra como testimonio de su grandeza.

En Egipto, la cultura funeraria desempeñó un papel esencial en la preservación de objetos. Las tumbas de los faraones no solo contenían tesoros para asegurar su supervivencia en el más allá, sino que también se convirtieron en una suerte de precursor de los museos. A nivel institucional, el primer museo reconocido fue el Museion de Alejandría, fundado alrededor del 280 a.C. bajo el reinado de Ptolomeo I Soter y Ptolomeo II Filadelfo. Este espacio, concebido como un centro de investigación, incluía no solo colecciones de arte, sino también una biblioteca con más de 500.000 papiros, salas de estudio, un observatorio y un jardín botánico.

Grecia y Roma: el arte al servicio de la sociedad

En la antigua Grecia, los templos dedicados a las musas (divinidades inspiradoras de las artes y las ciencias) se denominaban “mouseion”, término del que deriva la palabra “museo”. Estos espacios exhibían obras de arte y objetos votivos donados por los ciudadanos como tributo a los dioses. Esta tradición fue continuada y expandida por los romanos, quienes desarrollaron colecciones privadas en sus villas y palacios. Figuras como el cónsul Lúculo y el emperador Adriano poseían extensas colecciones que, en ocasiones, eran abiertas al público para demostrar su poder y generosidad.

La Edad Media y el Renacimiento: un resurgir cultural

Durante la Edad Media, el coleccionismo y la exhibición de objetos artísticos se ralentizaron debido al dominio de la Iglesia. El arte tenía un propósito principalmente pedagógico, y se utilizaba para educar a los fieles sobre las enseñanzas cristianas. Sin embargo, el Renacimiento marcó un renacer cultural que revivió el interés por las colecciones. Las cortes aristocráticas y la emergente burguesía comenzaron a valorar los objetos no solo por su posesión, sino también por su significado histórico, artístico y científico. Este periodo vio el surgimiento de los primeros “gabinetes de curiosidades”, espacios privados que concentraban piezas exóticas y reliquias de todo el mundo.

El duque de Berry, en Francia, es considerado uno de los primeros coleccionistas modernos, ya que su interés no se limitaba a acumular objetos, sino a documentarlos y estudiar su origen. Este enfoque transformó el coleccionismo en una práctica con un propósito más amplio: la preservación del conocimiento.

De lo privado a lo público: la transformación moderna

El siglo XVIII trajo consigo dos grandes revoluciones que impulsaron la transición hacia los museos públicos: la Revolución Francesa y la Revolución Industrial. Con la caída de la monarquía en Francia, el Palacio del Louvre fue convertido en museo público en 1793, marcando un hito en la historia de estas instituciones. El acceso a las colecciones ya no estaba restringido a la élite; ahora, el arte y la cultura se ponían al alcance de toda la sociedad.

Por su parte, la Revolución Industrial contribuyó al desarrollo de los museos como espacios educativos. La proliferación de exposiciones y ferias internacionales, como la Gran Exposición de Londres en 1851, atrajo a grandes masas de visitantes y consolidó a los museos como centros de aprendizaje y entretenimiento.

Legado y relevancia actual

El origen de los museos revela cómo estas instituciones fueron moldeadas por el contexto histórico y cultural de cada época. Desde los gabinetes de maravillas hasta los complejos arquitectónicos modernos, los museos pasaron de ser refugios privados de arte y curiosidades a espacios democráticos que buscan preservar, educar e inspirar. En el presente, los museos no solo conservan el patrimonio del pasado, sino que también se adaptan a los desafíos contemporáneos, incorporando tecnologías digitales y abriendo sus puertas a una audiencia más diversa.

Los museos, además de ser únicamente espacios donde se exhiben objetos; son lugares donde la historia, la cultura y la creatividad se encuentran y dialogan con las personas. Estos recintos cumplen una función esencial en nuestras sociedades al preservar el patrimonio cultural, ofrecer educación y generar conexiones entre generaciones. Además, los museos fomentan el pensamiento crítico y la imaginación, permitiendo a los visitantes reflexionar sobre el pasado, comprender el presente y proyectar el futuro.

En términos educativos, los museos son aulas abiertas al mundo, donde el aprendizaje trasciende los libros. Cada exhibición permite explorar nuevos temas, ya sea ciencia, arte, historia o naturaleza, ofreciendo experiencias interactivas que cautivan tanto a niños como a adultos. También son espacios de encuentro donde comunidades diversas pueden compartir su identidad cultural y entender la de otros.

Por otra parte, los museos tienen un impacto económico importante. En muchos casos, actúan como motores del turismo, atrayendo visitantes nacionales e internacionales. Pero más allá de las instituciones famosas como el Museo del Prado en Madrid o el Louvre en París, existe un universo de museos menos convencionales que sorprenden por sus temáticas únicas y hasta un punto son algo extraños. Estos museos rompen los moldes tradicionales e invitan a sus visitantes a mirar el mundo desde perspectivas inesperadas.

Seis museos que desafían lo convencional

1. Museo Subacuático de Arte (Cancún, México)

El Museo Subacuático de Arte, inaugurado en 2009, combina arte y ecología de una manera única. Con más de quinientas esculturas sumergidas en las cristalinas aguas de la Riviera Maya, este museo tiene un doble propósito: promover la conservación de los arrecifes coralinos y ofrecer una experiencia de inmersión inigualable. Las esculturas, diseñadas para favorecer el crecimiento de coral, se encuentran a seis metros de profundidad y atraen a buceadores y snorkelistas de todo el mundo.

2. Museo de las Relaciones Rotas (Zagreb, Croacia)

¿Qué sucede con los objetos que recuerdan a amores perdidos? Este museo ofrece una respuesta creativa: los reúne y les da un espacio. Fundado por una expareja, el Museo de las Relaciones Rotas exhibe artículos personales donados por personas de todo el mundo, desde cartas y regalos hasta objetos cotidianos, transformando historias personales en un testimonio colectivo sobre el amor y el desamor.

3. Museo del Arte Malo (Massachusetts, Estados Unidos)

Celebrando lo que otros considerarían “arte fallido”, este museo rinde homenaje a artistas cuyos trabajos no serían aceptados en galerías convencionales. Con más de 600 piezas, el Museo del Arte Malo muestra retratos desproporcionados, colores extravagantes y perspectivas inusuales. Aquí, lo que importa no es la perfección técnica, sino la autenticidad y el esfuerzo creativo.

4. Museo del Cabello (Avanos, Turquía)

En la ciudad de Avanos, el alfarero Chez Galip comenzó a coleccionar mechones de cabello de sus visitantes en 1979. Desde entonces, su colección ha crecido hasta superar los 16,000 mechones, todos etiquetados con nombres y direcciones. Los visitantes incluso tienen la opción de agregar su propio cabello a la colección, convirtiendo esta exposición en un mosaico humano que sorprende y desconcierta.

5. Museo del Ramen Instantáneo (Osaka, Japón)

Dedicado a uno de los alimentos más icónicos de Japón, el Momofuku Ando Instant Ramen Museum permite a los visitantes explorar la historia y la elaboración del ramen instantáneo. Además de aprender sobre este plato, los asistentes pueden participar en talleres interactivos donde diseñan y preparan su propio ramen.

6. Museo de la Caca (Castelbosco, Italia)

Este peculiar museo convierte el estiércol de vacas en arte y materiales sostenibles. Fundado por Giantonino Lucatelli, el museo destaca la importancia del reciclaje y la innovación al transformar excrementos en fertilizantes, materiales de construcción y esculturas. Es un homenaje a la creatividad y la sostenibilidad.

París, 16 nov (EFE).- Un esqueleto de apatosaurio, uno de los mayores dinosaurios que existieron, se subastó este sábado en 6,063 millones de euros (4,7 millones más gastos y comisiones).

El comprador es un coleccionista privado que realizó la operación de forma anónima y que desea prestarlo a un museo, señalaron en un comunicado las casas de subastas Collin du Bocage y Barbarossa, que realizaron la venta de forma conjunta.

"Estamos muy satisfechos de que el comprador tiene como objetivo prestarlo a una institución. Sabremos más próximamente", dijo el comisario de la subasta, Olivier Collin du Bocage, tras la venta, que tuvo lugar en Dampierre en Yvelines, a las afueras de París.

El esqueleto, de 20,5 metros de largo y que cuenta con más de un 80 % de sus huesos originales, tiene un "excelente nivel de conservación", añadió la nota.

El apatosaurio era un herbívoro que vivió hace unos 150 millones de años en el centro de lo que ahora es Estados Unidos.

El precio alcanzado hoy es el sexto mayor pagado por un esqueleto de dinosaruio en una subasta y el tercero por un herbívoro. El récord absoluto está en los 44,6 millones de dólares pagados por un estegosaurio en julio pasado en una subasta de Sotheby's en Nueva York. EFE

Malba Puertos, ubicado en Escobar, Buenos Aires, ha anunciado una extensa agenda de actividades gratuitas para las vacaciones de verano de enero y febrero de 2025. Según informó el museo, la programación incluye talleres, exposiciones, ciclos de cine y un festival, todos diseñados para personas de todas las edades, desde recién nacidos hasta adultos mayores.

Las actividades no requieren inscripción previa, lo que permite a los visitantes sumarse en cualquier momento dentro de los horarios establecidos. Entre las propuestas más destacadas se encuentran los talleres creativos, que abarcan disciplinas como dibujo, acuarela, modelado, origami, robótica y música.

Talleres para todos los gustos

El museo ha organizado una variada oferta de talleres que se desarrollarán durante los fines de semana y días seleccionados de la semana. Por ejemplo, el Taller de Modelado: Relatos y Retratos, a cargo del equipo educativo, invita a los participantes a modelar retratos familiares en arcilla. Este taller estará disponible los sábados de enero y febrero, de 12:00 a 18:00.

Otro de los talleres destacados es Esculpintar, que utiliza plastilina para explorar la técnica de Mondongo y construir paisajes. Este se llevará a cabo los domingos de enero y febrero, de 14:00 a 18:00. Además, el Taller de Lectura: Escuchar con los ojos, también liderado por el equipo educativo, propone encuentros literarios que buscan nuevas formas de relacionarse con las palabras. Este taller tendrá lugar los domingos de 16:00 a 19:00.

Entre las actividades más innovadoras se encuentra el Taller de Robótica Alternativa, organizado por Espacio Nixso, que permitirá a los asistentes construir y programar robots a partir de materiales reciclados. Este taller se realizará el viernes 7 de febrero, de 16:00 a 19:00. Asimismo, el Taller de Acuarela Botánica, dirigido por María Paula Pini, enseñará a crear pigmentos a partir de semillas, frutos y verduras. Este taller estará disponible el martes 7 y el miércoles 22 de enero, de 16:00 a 19:00.

Cine mudo con música en vivo

Además de los talleres, Malba Puertos ha organizado un ciclo de cine mudo al aire libre, acompañado por música en vivo. Según informó el museo, esta experiencia única contará con dos proyecciones: el sábado 11 de enero se presentará Tiempos Modernos (1936) de Charles Chaplin, musicalizado por Marcelo Moguilevsky y César Lerner; mientras que el sábado 8 de febrero será el turno de El hombre mosca (1923), dirigida por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor, con música en vivo a cargo de Eliana Liuni. Ambas funciones comenzarán a las 20:00 y serán gratuitas.

Festival No Convencional

En febrero, marzo y abril, Malba Puertos será sede del Festival No Convencional, un evento que combina música, danza, performance y cine en formatos poco habituales y en espacios atípicos del museo. Según detalló el museo, el sábado 15 de febrero a las 17:30 se presentará Pléïades (1979), una obra de Iannis Xenakis, interpretada por el ensamble de percusión Tambor Fantasma.

Exposiciones actuales

Además de las actividades de verano, Malba Puertos alberga varias exposiciones que estarán disponibles hasta el 2 de marzo de 2025. Entre ellas se encuentra La vida que explota, una muestra que pone en diálogo las obras de Gabriel Chaile, Claudia Alarcón y el colectivo Silät, bajo la curaduría de Andrei Fernández. También se presenta Ensayos Naturales (II), que reúne trabajos de Mondongo y Rosana Schoijett, curados por Alejandra Aguado.

Otra exposición destacada es Acto reflejo, de Amadeo Azar, que interactúa con la colección de Malba y la colección Eduardo F. Costantini. Finalmente, Mueble Escultura reúne a artistas como Agustina Woodgate, Daniel Basso, Florencia Sadir y otros, bajo la curaduría de Cinthia Kazez y Lucila García de Onrubia.

Información práctica

El museo Malba Puertos se encuentra en Alisal 160 Bahía, Puertos, Escobar, Buenos Aires, Argentina. Está abierto de martes a domingo, de 12:00 a 19:00, y la entrada es libre y gratuita. Según informó el museo, permanecerá cerrado los días 24, 25 y 31 de diciembre, así como el 1 de enero.

Con esta programación, Malba Puertos busca consolidarse como un espacio cultural accesible y diverso, ofreciendo actividades que invitan a la creatividad, el aprendizaje y el disfrute en familia durante el verano.

Las Palmas de Gran Canaria (España), 13 nov (EFE).- El presidente de China, Xi Jinping, conoció este miércoles la Casa de Colón, un museo y centro de estudios e investigación americanista situado en la ciudad insular española de Las Palmas de Gran Canaria, en el océano Atlántico.

El mandatario asiático, que llegó a España en visita privada, atendió a las explicaciones de los responsables del museo sobre los detalles del paso de Colón por la isla de Gran Canaria en tres de sus cuatro viajes a América.

El presidente chino se interesó por la cartografía, los documentos de navegación y por los instrumentos náuticos, tanto originales como copias, que posibilitaron la travesía atlántica.

El mandatario, que había sido recibido en el aeropuerto por las autoridades locales de Gran Canaria, hace escala en la isla española antes de viajar a Perú para participar en la cumbre de líderes del Foro de Cooperación Asia-Pacífico.

Además de las medidas de seguridad, la llegada del mandatario al corazón del casco histórico de Las Palmas de Gran Canaria generó especial expectación entre vecinos y turistas que paseaban por la zona.

Xi y su comitiva, formada por unas 150 personas, se hospedan en el Hotel Santa Catalina, un establecimiento de cinco estrellas gran lujo situado en la capital de la isla, donde se ha establecido un fuerte dispositivo de seguridad solicitado por la delegación china.

Esto ha obligado a cerrar el parque situado junto al edificio y a prohibir el aparcamiento en las calles aledañas.

Esta es la tercera vez que el presidente de China aprovecha una escala en un viaje trasatlántico para visitar las islas Canarias.EFE

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El Museo del Prado, joya cultural de España y uno de los más reconocidos del mundo, alcanzó en 2024 un récord impresionante: 3.258.328 visitantes hasta el 7 de diciembre, una cifra que ya supera la marca de 2023 (3.241.263).

El director del museo, Miguel Falomir, señaló que el objetivo no es solo atraer más personas, sino también ampliar la diversidad de sus visitantes: “Queremos abrir la institución a nuevos públicos”, comentó en declaraciones a EFE.

Una de las iniciativas más aclamadas en este sentido es el Prado de noche, que permite acceder a los espacios expositivos en horario nocturno el primer sábado de cada mes, de 20:30 a 23:30, creando una experiencia única.

La audiencia del Prado en 2024 destaca además por su carácter global. Según el propio museo, el 60 % de los visitantes fueron turistas internacionales, en un contexto de auge del turismo en Madrid, con un incremento del 10,6% en los viajeros extranjeros respecto al año anterior, según el Instituto Nacional de Estadística.

Por otra parte, las políticas de accesibilidad también jugó un papel crucial: 44,78% de los visitantes accedieron de forma gratuita, aprovechando franjas horarias específicas y tarifas especiales dirigidas a estudiantes, niños y otros colectivos.

El pico de asistencia se registró en mayo, con más de 327.000 visitantes, coincidiendo con el Día y Noche de los Museos. El sábado 18 de mayo, en particular, rompió récords, recibiendo a 14.497 personas en un solo día, lo que reafirma la relevancia de este evento cultural.

Pero, ¿qué maravillas atrae a millones de personas al Prado? Su colección alberga algunas de las obras más relevantes de la historia del arte, como Las Meninas, de Velázquez o El Jardín de las Delicias, de El Bosco.

Las 10 obras más famosas del Museo del Prado

Las Meninas, Diego Velázquez

En la sala 012, este óleo sobre lienzo de 320,5 x 281,5 cm, pintado en 1656, es un ícono del Barroco.

La obra presenta a la infanta Margarita rodeada de sus damas de honor, con Velázquez retratándose en un ingenioso juego de perspectivas y reflejos. El cuadro no solo es una obra maestra técnica, sino también un enigma interpretativo que continúa fascinando a críticos y espectadores.

La maja desnuda, Francisco de Goya

Expuesta en la sala 038, esta pintura de 94,7 x 188 cm, realizada entre 1790 y 1800, pertenece al Romanticismo.

Representa a una mujer reclinada, con una mirada directa y desafiante. En su época, la obra fue objeto de controversia, pero hoy es aclamada por su audaz representación de la belleza femenina.

El Jardín de las Delicias, El Bosco

Este tríptico, ubicado en la sala 056A, mide 220 x 389 cm y es un referente del Renacimiento nórdico.

Creado entre 1490 y 1500, plasma un fascinante universo que va del paraíso al infierno, lleno de criaturas fantásticas y paisajes surrealistas. Se cree que fue encargado para meditar sobre temas morales y religiosos, aunque su propósito exacto sigue siendo un misterio.

Saturno devorando a su hijo, Francisco de Goya

Esta impactante pintura de 143,5 x 81,4 cm, que se encuentra en la sala 067, forma parte de las Pinturas Negras.

Goya la pintó entre 1820 y 1823 en las paredes de su casa, la Quinta del Sordo. Con un estilo sombrío y visceral, refleja el mito del dios Saturno y su acto de devorar a sus hijos, convirtiéndose en una metáfora de la desesperación y el paso del tiempo.

El caballero de la mano en el pecho, El Greco

En la sala 009B, este óleo sobre lienzo de 81,8 x 66,1 cm es un emblema del Renacimiento.

Pintado entre 1578 y 1580, destaca por la elegancia y solemnidad del retratado, cuya identidad sigue siendo objeto de especulación. Su mirada penetrante y gesto simbólico lo han convertido en una de las obras más icónicas del artista.

Chicos en la playa, Joaquín Sorolla

Este óleo sobre lienzo, de 118 x 185 cm, se exhibe en la sala 060A y pertenece al Impresionismo.

Pintado en 1909, retrata a tres niños jugando en la orilla del mar. Sorolla captura con maestría la luz mediterránea, haciendo brillar las figuras infantiles y el agua cristalina en una escena llena de vitalidad y energía.

La rendición de Breda, Diego Velázquez

Conocida como Las lanzas, esta obra monumental de 307,3 x 371,5 cm, situada en la sala 009A, es un referente del Barroco.

Representa la entrega de la ciudad de Breda en 1625, con un gesto de nobleza y respeto entre los generales Spínola y Nassau. La obra es un ejemplo magistral de la habilidad de Velázquez para plasmar la humanidad en momentos históricos.

Judit en el banquete de Holofernes, Rembrandt

En la sala 076, esta pintura de 143 x 154,7 cm, en óleo sobre lienzo, es un ejemplo del Barroco.

La obra retrata a Judit, quien con astucia y valentía planea su venganza. Rembrandt emplea contrastes de luz y sombra para transmitir la tensión emocional y resaltar la fuerza de la protagonista.

Las Tres Gracias, Peter Paul Rubens

Esta pintura de 220,5 x 182 cm, en la sala 029, es un ejemplo vibrante del Barroco.

Rubens presenta a las Cárites, hijas de Zeus, con un estilo que celebra las formas voluptuosas y la energía vital. La obra, realizada en óleo sobre madera, redefine los ideales clásicos de belleza.

Los fusilamientos del 3 de mayo, Francisco de Goya

Expuesta en la sala 064, esta obra de 268 x 347 cm fue creada en 1814 en óleo sobre lienzo.

Pertenece al Romanticismo y retrata un episodio de la resistencia española contra la ocupación napoleónica. La composición, con figuras iluminadas dramáticamente, transmite de manera desgarradora la brutalidad de la guerra y la dignidad de los condenados.

Cinco conjuntos de restos ancestrales de Australia que habían estado en colecciones de museos alemanes desde el siglo XIX fueron devueltos en una ceremonia el jueves que un representante de la comunidad describió como un momento triste pero “muy alegre”.

La restitución forma parte de los esfuerzos que están realizando los museos y las autoridades alemanas para devolver restos humanos y artefactos culturales que fueron sustraídos durante la época colonial.

En este caso, se entregaron tres conjuntos de restos que habían estado en Berlín desde 1880 junto con otros dos conjuntos de restos que se conservaban en la ciudad de Oldenburg, en el noroeste de Alemania. Fueron recibidos por cuatro representantes de la comunidad de la isla Ugar, parte de las islas del estrecho de Torres, frente al extremo noreste de Australia.

“Estos restos ancestrales nunca debieron estar aquí”, dijo Hermann Parzinger, director de la Fundación del Patrimonio Cultural Prusiano, que supervisa los museos estatales de Berlín.

“Están aquí porque, durante la era colonial y después, los europeos pretendieron hacer de otros pueblos y culturas el sujeto, o más a menudo el objeto, de sus investigaciones, apropiándose de artefactos de culturas fuera de Europa en una escala que es casi inimaginable hoy e incluso profanando los lugares de enterramiento de esas comunidades en el proceso”, dijo.

A principios del siglo XX, añadió, los museos de Berlín crearon una red de científicos, viajeros, comerciantes y otros que enviaban objetos culturales de todo el mundo y “en su intento de competir con los otros grandes museos europeos, con demasiada frecuencia ignoraron la humanidad y la dignidad de los pueblos que conocieron”.

La restitución de los restos del Museo Etnológico de Berlín y del Museo Estatal de Naturaleza y Hombre de Oldenburgo significa que 162 conjuntos de restos ancestrales han sido devueltos a Australia desde Alemania y unos 1.700 desde todo el mundo, dijo Natasha Smith, embajadora de Australia en Alemania. Agregó que las devoluciones son “una prioridad extremadamente alta” para las comunidades aborígenes y de las islas del Estrecho de Torres y para el gobierno.

“Es triste, pero es un momento muy alegre”, dijo el representante de la isla Ugar, Rocky Stephen, en la ceremonia en honor a los antepasados. “Este es un proceso de sanación que se llevará a cabo cuando regresen con nosotros”.

“No importa si fue un viaje de casi 40 horas para llegar hasta aquí, porque han pasado 144 años desde que los extrañamos en su hogar”, dijo.

Los museos de Berlín pretenden ahora hacer “todo lo posible para posibilitar la repatriación” de los restos cuyos países y comunidades de origen puedan identificarse y quieran traerlos a casa, dijo Parzinger.

En términos más generales, los gobiernos y los museos de Europa y América del Norte han buscado cada vez más resolver las disputas de propiedad sobre objetos saqueados durante la época colonial.

En 2022, por ejemplo, Alemania y Nigeria firmaron un acuerdo que allana el camino para la devolución de cientos de artefactos conocidos como Bronces de Benín sacados de África por una expedición colonial británica hace más de 120 años.

(con información de AP)

Cada vez es más frecuente que los políticos incumplan las promesas que en su día le hicieron a sus vecinos. Pero cuando el patrimonio local está en juego, esas falsedades afectan a algo más que a su credibilidad. Eso es lo que ha ocurrido en un pequeño pueblo de Francia, donde los vecinos han tenido que hacer frente a la decisión de su Ayuntamiento sobre museo de la localidad.

Los gobernantes de L’Île-Bouchard, en Indre-et-Loire, decidieron subastar los objetos que formaban parte de la colección del museo local de la ciudad. La subasta, programada para el miércoles 27 de noviembre de 2024, incluía un total de 224 lotes, desde equipos agrícolas históricos hasta trajes tradicionales, que representan el patrimonio cultural y las tradiciones de la región.

El museo se fundó en 1984 y estaba ubicado en una antigua estación de tren. Este espacio se había dedicado a preservar y exponer elementos del patrimonio local. Muchos de los objetos en exhibición fueron donados por los propios residentes, quienes confiaron los conservarían de manera permanente. Sin embargo, tras la disolución de la asociación Amigos del Museo Bouchardais en mayo de este año, el ayuntamiento asumió el control de la colección y decidió proceder con su venta ante la imposibilidad de mantener el recinto abierto. “Hay mucha gente que donaba cosas pensando que iban a protegerlas, y ahora las están vendiendo”, expresó un antiguo voluntario del museo, como recoge el medio ouest-france.

Los motivos de la decisión

La alcaldesa de L’Île-Bouchard, Nathalie Vigneau, explicó que el cierre del museo fue inevitable debido a la falta de voluntarios y a la disminución en la asistencia de visitantes. La colección, que no encontró ningún comprador que quisiera conservarla en su totalidad, pasó a manos del municipio, que optó por digitalizar las fotografías y documentos históricos para preservar su contenido en los archivos departamentales.

Los fondos recaudados en la subasta serán utilizados para financiar trabajos de mantenimiento en el antiguo edificio del museo, que podría ser transformado en una casa de asociación, un proyecto que, según la alcaldesa, busca revitalizar el espacio y hacerlo útil para la comunidad. “Entiendo las reacciones, pero lamento que nadie se haya presentado para hacerse cargo de esta asociación”, señaló.

Para muchos residentes, el cierre del museo y la venta de su colección representan una pérdida irreparable del patrimonio cultural de L’Île-Bouchard. La decisión ha generado un sentimiento de traición entre quienes contribuyeron con sus donaciones, creyendo que los objetos serían resguardados para futuras generaciones. “Es como si estuvieran desmantelando nuestra historia pieza por pieza”, comentó un vecino. Los objetos que serán subastadas incluyen bienes que datan del siglo XVIII.

Algunos de los ciudadanos argumentaron que la subasta es una solución pragmática para financiar nuevos proyectos comunitarios, mientras otros sostenían que es un acto de desarraigo cultural que deja un vacío en la memoria colectiva de L’Île-Bouchard y supone un ejemplo de las dificultades que supone mantener un museo de estas características sin el apoyo de las instituciones.

Aunque la digitalización de los documentos históricos asegura la preservación de una parte del legado cultural, para muchos vecinos esto no es suficiente. La venta de los objetos físicos, que cuentan historias tangibles del pasado, es vista como un golpe a la identidad de la comunidad.

El museo de arte sacro de Paray-le-Monial, en la región francesa de Saona y Loira, ha perdido uno de sus tesoros más preciados tras un robo millonario ocurrido el pasado viernes, 22 de diciembre. Según una información de la agencia de noticias AFP, los ladrones, equipados con armas de fuego, llegaron en motocicletas alrededor de las 16 horas, a plena luz del día.

Todo parecía planeado al detalle. El alcalde de la comuna de 9.000 habitantes, Jean-Marc Nesme, ha detallado que el grupo criminal estaba compuesto por cuatro personas, tres de ellos entraron al museo con los cascos puestos, mientras uno de ellos permanecía vigilante en el exterior. Durante el asalto, se realizaron varios disparos, aunque afortunadamente no hubo heridos. En unas declaraciones recogidas por France Bleu, la fiscalía de Maçon precisa que uno de los ladrones estaba armado con un arma larga que “podría parecerse a un arma automática”.

El objetivo principal de los ladrones fue la obra maestra Via Vitae (1904), del orfebre parisino Joseph Chaumet, que narra en una estructura de tres toneladas y tres metros de altura la vida de Jesús y está clasificada como tesoro nacional por el Ministerio de Cultura. Esta pieza, valorada entre cinco y siete millones de euros, ha sido sustraída junto con sus estatuillas de oro y marfil y decoraciones de esmeralda. Para acceder a estas piezas, los delincuentes utilizaron una motosierra para cortar las vidrieras blindadas que protegían la obra, de cerca de tres metros de altura.

Tras obtener su botín, los atracadores huyeron en sus motocicletas, esparciendo clavos en la carretera para obstaculizar a los vehículos de la gendarmería que los perseguían. En el momento del robo, una veintena de visitantes se encontraba en la planta baja del museo, y el personal presente afirmó estar “traumatizado” por el suceso, que apenas duró tres minutos. Algunos lograron escapar y refugiarse en una casa vecina.

No es el primer robo en este museo

Ahora, la fiscalía de Maçon ha iniciado una investigación por robo con arma en banda organizada. El alcalde Nesme ha lñamentado la pérdida, calificándola como “una gran pérdida para Paray-le-Monial y para el patrimonio nacional”. Además de las pérdidas culturales, el edil ha admitido que es “una catástrofe importante a nivel financiero”.

La ministra de cultura, Rachida Dati, ha agradecido a la policía “por su rápida intervención”, y ha “condenado enérgicamente” este acto a través de la plataforma X. “Todo mi apoyo a los equipos de los museos y a la comunidad”, ha continuado en su mensaje.

Este no es el primer robo que sufre el museo del Hiéron, uno de los museos de arte sacro más antiguos de Francia. En 2017, dos coronas del orfebre Paul Brunet fueron robadas, y en septiembre de 2022, el museo fue víctima de un intento de robo.

En el pequeño pueblo de Grand Saline, en la región de Texas, Estados Unidos, se encuentra un museo que se destaca por su temática y su construcción única: el Salt Palace Museum. Este peculiar edificio es uno de los pocos lugares en el mundo donde los visitantes pueden literalmente lamer las paredes. Aunque la idea pueda parecer insólita, su estructura completamente hecha de sal resalta la importancia de este recurso para la región y lo convierte en un destino único para curiosos y amantes de la historia.

La sal fue un recurso natural vital para la región de Grand Saline y el motor económico que definió la identidad del pueblo durante generaciones. Desde el inicio de las operaciones de extracción a principios del siglo XX, la minería de sal proporcionó empleo a la comunidad y fortaleció su economía local. Este recurso también influyó en la cultura de la zona, con tradiciones y eventos como el Salt Festival, que celebran la riqueza mineral de la región y el sentido de comunidad y orgullo por su patrimonio único.

El Salt Palace Museum es una edificación hecha íntegramente de bloques de sal extraídos de las minas locales. Lo más sorprendente es que los visitantes tienen permiso para lamer las paredes, una experiencia que la mayoría de los museos del mundo no podrían ofrecer.

Según Tomasa King, guía del museo, no hay motivo de preocupación por la higiene, ya que la sal tiene propiedades germicidas naturales. Esta característica distintiva convierte al museo en un atractivo irresistible tanto para turistas como para locales.

Orígenes del depósito de sal: legado de los indígenas Caddo

Los depósitos de sal en Grand Saline fueron descubiertos hace más de mil años por los indígenas Caddo, quienes identificaron una salina superficial que emergía como un enorme “pancake” de sal sobre el terreno. Durante siglos, diversas tribus utilizaban este sitio como fuente de este valioso mineral, crucial para la conservación de alimentos y otros usos. Este hallazgo ancestral marcó el inicio de una relación histórica entre los habitantes de la región y los ricos depósitos subterráneos que aún hoy se explotan.

Bajo la superficie de Grand Saline, se encuentran algunas de las reservas de sal más profundas y extensas del mundo, alcanzando una profundidad de hasta 6 kilómetros. Según estimaciones, estas minas contienen suficiente sal para abastecer a la humanidad durante más de 20.000 años.

La extracción de sal comenzó en el siglo XX, liderada por la Morton Salt Company, y convirtió a esta pequeña localidad en un importante proveedor a nivel global. De hecho, si alguna vez aparecen las letras “GS” en algun paquete disponible a la venta, es probable que provenga de Grand Saline.

Historia del museo: un edificio que desafía al tiempo

El primer Salt Palace fue construido en 1936 como parte de las celebraciones del centenario de Texas. Sin embargo, como se podía esperar de un edificio hecho de sal, la estructura original sucumbió a los elementos con el tiempo. Desde entonces, el museo fue reconstruido cuatro veces, mejorando su diseño para garantizar su durabilidad mientras conserva su carácter único.

Actualmente, los bloques de sal que forman las paredes del museo son reemplazables, lo que permite a los visitantes seguir disfrutando de la experiencia de lamer el edificio sin dañar la estructura.

Aunque la sal es la estrella del museo, el Salt Palace Museum también celebra otros aspectos de la historia local. Entre sus exhibiciones destacan la vida y obra de figuras notables como Wiley Post, aviador pionero, y Chris Tomlin, un reconocido cantante de música cristiana. Además, cada septiembre, la ciudad organiza el Salt Festival, una celebración anual que reúne a la comunidad en torno a su conexión histórica con este recurso vital.

Helsinki, 31 oct (EFE).- El último museo dedicado a la figura del exlíder de la Unión Soviética Vladímir Lenin que permanecía abierto en Europa, ubicado en la ciudad finlandesa de Tampere, cerrará sus puertas este domingo tras casi ocho décadas de existencia, según informó esta semana.

El museo de Lenin de Tampere, fundado en 1946, estaba situado en el mismo edificio donde Lenin y su sucesor al frente del Partido Comunista de la Unión Soviética, Iósif Stalin, se encontraron por primera vez en una reunión secreta del movimiento bolchevique en 1905.

Según asegura el museo, fue en aquella reunión, en una época en la que Finlandia pertenecía todavía a Rusia, donde los bolcheviques concibieron la idea de iniciar una revolución para poner fin al Imperio Ruso e instaurar la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).

Durante décadas, el museo estuvo centrado en la figura y la vida de Lenin y recibió la visita de todos los líderes soviéticos que viajaron a Finlandia hasta el desmembramiento de la URSS en 1991.

El museo fue renovado en 2016 y cambió el enfoque de sus exposiciones para reflejar también la historia de la Unión Soviética desde un punto de vista crítico, atrayendo a un buen número de visitantes, entre ellos muchos nostálgicos de la época soviética.

Sin embargo, la invasión rusa de Ucrania provocó que la afluencia de público se desplomara y que el museo tuviese dificultades para encontrar financiamiento debido a su nombre, por lo que sus responsables optaron por cerrarlo definitivamente y crear un nuevo museo.

"La crueldad del autoritarismo ha vuelto a Rusia, pero es poco probable que esté relacionada con Lenin, quien murió hace más de cien años. De todos modos, el nombre del museo ya no se corresponde con el contenido de las exposiciones, induce a error a los visitantes y provoca malentendidos", explicó su director, Kalle Kallio, a la televisión nacional YLE.

Está previsto que el nuevo museo, bautizado como "Nootti" (protesta diplomática), abra sus puertas el próximo febrero en el mismo edificio, enfocado en las complejas relaciones bilaterales entre Finlandia y su gigante vecino del este, desde el inicio de la Unión Soviética hasta nuestros días.

El nuevo nombre hace referencia a las numerosas misivas enviadas al Gobierno finlandés desde Moscú para protestar contra ciertas políticas del país nórdico, tanto durante el periodo conocido como "finlandización" como tras el desplome de la Unión Soviética.

La controversia en torno a la figura de Lenin en un país cuya política exterior fue supervisada desde Moscú durante décadas llevó a que en los últimos años hayan sido retiradas todas las estatuas del histórico líder marxista que había en distintas ciudades de Finlandia.

Por su parte, el Kremlin ha utilizado la retirada de las efigies de Lenin y el cierre de su museo para convencer a la población rusa de que en Finlandia impera actualmente un supuesto sentimiento antirruso, como confirma el apoyo de Helsinki a Ucrania en la guerra y el ingreso del país nórdico en la OTAN. EFE

Autoridades del Museo Nacional de Antropología informaron que este espacio rompió un récord importante, este martes 5 de noviembre de 2024.

Mediante un comunicado oficial, detallaron que el Museo Nacional de Antropología súpero su récord de visitantes este martes 5, al recibir al asistente número 3 millones 086 mil 556.

Cabe destacar que esto representó una gran noticia para el recinto histórico, ya que esta cifra no se alcanzaba desde finales de 2019, debido a la pandemia de Covid-19.

La hora en que ocurrió este récord en el Museo Nacional de Antropología fue a las 13:00 horas, donde el titular del sitio, Antonio Saborit García Peña -entre aplausos y risas-, así como diferente personal recibieron a las personas que hicieron posible esta marca.

Se trata de personas extranjeras, originarias de Buenos Aires, Argentina, que son: Silvia Fernández Villamil, Jorge Luis Álvarez y Cristina Vilo.

Por récord en número de visitas a los visitantes se les dieron regalos:

A las tres personas originarias de Buenos Aires, Argentina se les obsequiaron diferentes cosas por parte del titular del museo, quienes les entregaron: dos catálogos editados por la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). También una serie de objetos decorativos y una reproducción de los mismos catálogos.

Las publicaciones entregadas fueron:

Escudo Nacional. Flora, fauna y biodiversidad (2017): Catálogo que ofrece una lectura biocultural de los elementos distintivos del símbolo patrio mexicano: el águila, la serpiente y el nopal, con imágenes e información museográfica de la exposición homónima.

La invención de la memoria. Fotografía y arqueología en México: Tema del cual también se realizó una muestra en 2019, alusiva al legado prehispánico nacional y que compiló 225 documentos e imágenes pertenecientes a los acervos del MNA

Una colección de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia

Una colección de la Fototeca Nacional del INAH

Una colección Ricardo B. Salinas Pliego

Por su parte, Antonio Saborit García Peña señaló que desde el 2019, por primera vez en la historia del museo, se alcanzó la cifra de más de tres millones de visitas, por lo que se rompió un nuevo récord.

Añadió que la cantidad de millones de personas que lo visitaron, habla de la vida y relevancia del Museo Nacional de Antropología para la sociedad, por lo que es importante celebrarlo.

Los visitantes que recibieron los regalos agradecieron al personal del museo por los obsequios dados, además de que recibieron una visita guiada por las distintas salas que tiene el sitio histórico.

Inaugurado el 17 de septiembre de 1964, a lo largo de 60 años, el Museo Nacional de Antropología ha cumplido con la misión de investigar, conservar, exhibir y difundir las colecciones arqueológicas y etnográficas más importantes de México.

Se ubica en la avenida Paseo de la Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec, Ciudad de México. Horario: martes a domingo, de 9:00 a 18:00 horas. Costo de entrada: 95 pesos. Acceso gratuito a adultos mayores con credencial del Inapam, estudiantes y profesores con credencial vigente, menores de 13 años y personas con discapacidad. Los domingos la entrada es libre para público nacional y extranjeros residentes con documento probatorio.

El sábado 2 de noviembre se celebra el tradicional Día de Muertos en México, siendo un día de descanso para algunos trabajadores, aunque es necesario mencionar que no es considerado como un día feriado obligatorio por la Ley Federal de Trabajo.

Sin embargo, hay varias cuestiones que ven modificados sus horarios ante las celebraciones que se realizan ese día, por lo que quienes descansan no pueden aprovechar al máximo para visitar distintos lugares, entre los que se encuentran los museos, ya que algunos de ellos cierran para dar el descanso a sus empleados.

Museos que estarán cerrados el 2 de noviembre

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) emitió un comunicado en el que dio a conocer los museos que permanecerán cerrados durante el 2 de noviembre, además de aquellos que operarán lo harán en un horario especial.

Museo cerrados:

• Museo Nacional de Arquitectura
• Museo del Palacio de Bellas Artes
• Museo de Arte Carrillo Gil
• Museo Nacional de San Carlos

• Museo Tamayo
• Museo Nacional de Arte
• Museo de Arte Moderno
• Museo de Arte de Ciudad Juárez
• Museo Nacional de la Estampa

De la misma forma, señalaron que los recintos de la Red de Museos del INBAL que no tendrán servicio al público son: Ex Teresa Arte Actual, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Laboratorio Arte Alameda, Sala de Arte Público Siqueiros y La Tallera, Galería José María Velasco.

Los únicos recintos que se podrán visitar durante el sábado 2 de noviembre son el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, y el Museo Mural Diego Rivera, en un horario de las 10:00 hrs a las 18:00 hrs.

Durante el viernes 1 de noviembre casi toda la Red de museos se encontrará abierta al público, aunque lo harán con un horario especial, por lo que en caso de desear hacer una visita tendrán que consultar con anticipación para evitar cualquier imprevisto o llegar a la hora en la que se ha cerrado. El Museo Nacional de la Estampa será el único que permanecerá cerrado durante este día, de acuerdo con la información proporcionada por el Instituto.

El comunicado emitido por el INBAL solo señala estos dos días con modificaciones, lo que indica que a partir del domingo 3 de noviembre comenzarán a operar en su horario habitual, recordando que será hasta el próximo 18 de noviembre cuando habrá otro día de asueto, en el que los horarios podría verse afectados.

Cuando se piensa en Tim Burton, lo primero que viene a la mente son imágenes góticas y fantasiosas: el excéntrico Jack Skellington, el melancólico Edward Manostijeras, o el sombrío ambiente de Beetlejuice. Desde que Burton irrumpió en la industria del cine con su estilo único, ha sido sinónimo de mundos oscuros habitados por marginados y criaturas que, a pesar de su apariencia, conmueven profundamente. Sin embargo, detrás de esa fértil imaginación, hay algo que lo perturba de verdad, y no son los fantasmas ni los monstruos, sino un nuevo protagonista: la inteligencia artificial (IA).

En una sorprendente confesión, Burton reveló que la IA lo ha sacudido de una manera que no esperaba. Recientemente, fue testigo de cómo una página web utilizaba esta tecnología para mezclar su estilo característico con personajes de Disney, lo que provocó en él una reacción inmediata y visceral. “No fue un pensamiento intelectual, fue simplemente un sentimiento interno, visceral”, dijo Burton a Associated Press. La sensación fue tan intensa que llegó a describirla como un robo emocional: “Sentí como si alguien me hubiese robado el alma. Fue un sentimiento muy raro, daba mucho miedo, no desde un punto de vista intelectual, sino emocional y profundo”.

A pesar de que la IA ha empezado a permear múltiples industrias, el cineasta fue categórico sobre su posición al respecto. Para él, la tecnología es imparable porque, como dice, “una vez que puedas hacerlo, la gente lo hará”, pero no parece dispuesto a integrarla en su proceso creativo. Ante la posibilidad de utilizar IA en sus proyectos, Burton bromeó con los periodistas: “¿Para conquistar el mundo?”, se rio, dejando claro que prefiere mantenerse al margen de esta innovación que, en sus palabras, “realmente me perturbó”.

Si bien trabajó con tecnología de punta en algunas de sus películas, Burton sigue siendo, en esencia, un creador analógico. El lápiz y el papel han sido sus compañeros desde la infancia, y aunque ha enfrentado la transformación de la industria, es evidente que la IA representa un desafío emocional para este maestro del cine.

El mundo de Tim Burton: una ventana a su proceso creativo

Desde el 25 de octubre de 2024, el Museo del Diseño de Londres abre sus puertas a la exposición “El mundo de Tim Burton”, una muestra que permite a los visitantes adentrarse en el imaginario único del director estadounidense. Con un enfoque en el proceso creativo que define su carrera, esta exhibición presenta algunos de los objetos más icónicos de sus películas y también revela los primeros pasos de sus ideas, desde el papel hasta la pantalla grande.

Tim Burton, cuya trayectoria incluye películas tan emblemáticas como “Beetlejuice”, “Batman” o “El cadáver de la novia”, se define a sí mismo como un artista analógico. Desde pequeño, encontró en el dibujo una forma de comunicación esencial. “Al principio no era una persona muy verbal”, explicó Burton, agregando que el dibujo era su medio para expresarse. Esta faceta del director queda clara en la exposición, que incluye más de 600 objetos entre dibujos, bocetos, marionetas, vestuario y diseños de escenografía.

La exposición no se limita solo a sus obras más conocidas. Maria McLintock, curadora de la muestra, explicó a AP que tuvieron “un acceso muy generoso al archivo de Tim en Londres, repleto de miles de dibujos, guiones gráficos de películas, stop-motion, bocetos, notas de personajes, poemas”. Entre estos objetos, se incluyen piezas de sus primeros años de escuela, como el cartel ganador de un concurso que diseñó para los camiones de basura en su ciudad natal, Burbank, cuando era un adolescente.

En una de las salas de la exposición, los visitantes también pueden explorar una recreación del estudio de Burton, completo con bandejas de pinturas y una taza con la inscripción “La maldición de Frankenstein”. Asimismo, destacan en la muestra los trajes originales de películas como las garras de Johnny Depp en “Edward Manostijeras” y el icónico traje de Catwoman usado por Michelle Pfeiffer en “Batman”.

La técnica por encima de la tecnología

A pesar de la evolución tecnológica en la industria cinematográfica, Burton ha mantenido una relación distante con las innovaciones digitales. Aunque ha trabajado con tecnología avanzada en varias de sus películas, su devoción por el stop motion y otras técnicas artesanales sigue siendo fundamental. “Me considero tecnófobo”, reconoció a EFE, y admitió que no tiene atracción alguna por las redes sociales.

Burton no rehúye la modernización en sí, pero para él, lo esencial sigue siendo el proceso creativo a mano, como lo deja ver la curadora de la muestra, quien resaltó que Burton es un cineasta profundamente emocional. Este enfoque en lo humano y lo manual sigue marcando su carrera, un contraste con la tecnología que domina el panorama cinematográfico actual.

La muestra de Tim Burton estará disponible a partir del viernes 25 de octubre, hasta el 21 de abril de 2025.

(Corrige una errata en el titular de la NA4445)

Salvador Ruiz

Ronda (Málaga), 17 oct (EFE).- El renombrado arquitecto y diseñador francés Philippe Starck, que se ha declarado apasionado de España y su gente y del aceite de oliva, ha estrenado la considerada como primera almazara de autor del mundo, llamativa y vanguardista creación suya ubicada en Ronda (Málaga) en pleno campo.

Si atrae por fuera, también por dentro. Starck, que prefiere eludir hablar de sus proyectos, considera este algo superior, según ha confesado ante un reducido grupo de periodistas en la penumbra del interior del monumental edificio (28 metros de altura).

Lo ha descrito como una máquina donde llega la oliva tomada del árbol, se prensa rápido y desaparece en una oscuridad y frescura permanente. Dice que la almazara o molino de aceite no es un edificio, sino velocidad para mantener la calidad. La oliva baja por la tolva y su vida acaba en dos o tres minutos.

Lloró de alegría cuando llegó hace unos días para los últimos preparativos, ha admitido. Considera lo que ha llamado como cubo rojo no como arquitectura, sino como una piedra que Dios dejó caer. Junto al edificio se puede pasear por el entorno natural que acoge obras de Starck.

Elementos singulares como un enorme cuerno por fuera y por dentro del edificio, un ojo picassiano, media oliva incrustada o una terraza en voladizo sustentada por tres cadenas de un barco petrolero destacan en esta construcción llamada 'LA Almazara', un homenaje a la cultura de uno de los emblemas de la gastronomía española: el aceite de oliva.

Dentro, entre otras cosas, un estoque gigante y pese los referencias al mundo de la tauromaquia, Philippe Starck explica que no le gustan las corridas de toros.

Involucrado con el ecologismo, señala sobre esta obra que un objeto en la naturaleza puede dar valor, que arriesga para crear algo monumental y único y que la civilización necesita símbolos.

El autor ha destacado, entre los 98 elementos que afirma que construyen el mundo, al aceite de oliva y opta por el elaborado de forma orgánica.

También resalta el carácter apasionado de los españoles, cuando llegó a Andalucía admiró esta tierra y su potencia y a la ciudad malagueña de Ronda la califica como una de las localidades más bellas del mundo que fue creada por unos dioses enormes.

Asegura no ser de ciudad, sino de naturaleza, vive en un granja en mitad de una arboleda en Portugal y dice trabajar como en una cueva 12 o 13 horas al día, sin vacaciones ni fines de semana, y se confiesa solitario y muy concentrado en sus proyectos, entre ellos uno para la NASA o unas gafas con patillas maleables.

La idea de esta almazara surgió en 2010 en un viaje a la bodega Marqués de Riscal, diseñada por Frank Gehry, y se inspira en el modelo turístico de bodegas de autor de Rioja que contrataron a grandes arquitectos para ofrecer un elemento cultural y arquitectónico adicional al mundo del vino, una práctica que se traspasa al ámbito del aceite.

Incluye un museo en el edificio, restaurante y auditorio y se engloba en una inversión de 22 millones de euros en la que se integran las fincas de alrededor (28 hectáreas, 6.500 olivos) y varios inmuebles, entre ellos un hotel. La almazara se cifra en 10 millones.

Del contenido del museo, resalta un cuadro sobre Abbas Ibn Firnas, un rondeño precursor de la aviación basada en el vuelo de los buitres 600 años antes que Leonardo da Vinci, o dos chimeneas gigantes.

Prevén producir 80.000 kilogramos de aceite al año a medio plazo y la empresa que impulsa la actividad, la compañía LA organic, empezó en 2004, según explica el director, Santiago Muguiro.

Los elementos exteriores singulares son en acero corten, una aleación de acero con cobre, níquel, cromo y fósforo de alta resistencia a la corrosión y a la intemperie, como el enorme cuerno.

Starck es además socio, desde sus inicios en 2005, de LA Organic, impulsora del proyecto, y también director creativo de esta. EFE

(foto) (vídeo)

Hot Wheels City Experience es un emocionante evento que trae a la vida el mundo de los icónicos autos de juguete en tamaño real. Tras su éxito en Brasil y Chile durante dos años consecutivos, esta experiencia exclusiva finalmente llega a la Ciudad de México para todos los fans de Hot Wheels.

Los Hot Wheels son conocidos por sus diseños detallados, su capacidad para realizar acrobacias y su velocidad en las pistas. Siempre hay ediciones especiales y coleccionables por lo que este evento será la oportunidad perfecta para poder ver los diseños de auto exclusivos de la marca en tamaño real, así como diversas actividades para toda la familia en la que sentirán la velocidad de cientos de caballos de fuerza.

En el Hot Wheels City Experience, encontrarás escenarios que recrean este universo, además, habrá momentos y actividades interactivas, autos de colección, go karts y mucho más.

Qué actividades habrá en el Hot Wheels City Experience

• Exposición de autos: Descubre más sobre estos impresionantes vehículos.
• Zona Gamer: Pon a prueba tus habilidades en los juegos de Hot Wheels Unleashed.
• Museo Hot Wheels: Conoce la historia y los modelos icónicos que han marcado la marca a lo largo de los años.
• Taller de pintura: Diseña y decora el auto de tus sueños usando una tablet, y míralo cobrar vida en tiempo real.
• Hot Wheels Lab: Experimenta con diferentes pistas y diviértete con tu familia.
• Tienda Oficial: Encuentra tus autos favoritos y otros productos de la marca.
• Zona de karting: Corre y diviértete en go karts, con áreas para todas las edades (costo adicional).
• Simuladores: Vive la emoción de ser un piloto de alta velocidad.

Los asistentes también podrán adquirir complementos que ofrecen atracciones adicionales, como la licencia de conducir, fotos oficiales y acceso a karting, aunque estos no incluyen el acceso a la experiencia principal.

La fecha exacta del evento aún no se ha anunciado, pero se espera que sea pronto. Por otro lado, la venta de boletos comenzará el martes 22 de octubre a las 10:00 horas, y puedes inscribirte en la lista de espera para ser de los primeros en adquirir tus entradas. La experiencia tendrá una duración aproximada de 120 minutos, y el costo de entrada tampoco se ha revelado por el momento. Sin embargo, para dudas y adquisición de entradas, podrás consultar la página feverup.com.

El evento se llevará a cabo en la Gran Carpa Satélite MX, ubicada en Blvd. Manuel Ávila Camacho y Mario Colín, Tlalnepantla, Estado de México.

Berlín, 11 oct (EFE).- Los Museos de Lübeck entregaron este viernes a una delegación de Tierra del Fuego (Chile) el cráneo de un hombre selk'nam que posteriormente fue enterrado, a petición de esta comunidad indígena, en un cementerio de esta ciudad en el norte de Alemania.

El cráneo, cuya restitución se llevó a cabo en el ayuntamiento de Lübeck, había sido enviado como regalo al Museo Etnológico de esa ciudad en 1914 por un emigrante alemán de la ciudad de Punta Arenas.

A principios del siglo XX tuvo lugar una expulsión y masacre a gran escala de la población indígena de Tierra del Fuego, ya que los emigrantes europeos querían utilizar su territorio como tierra de pastoreo para la producción de lana de la entonces floreciente industria textil mundial.

Además, muchos selk'nam deportados a obras misioneras también murieron a causa de epidemias traídas de Europa.

Al mismo tiempo, con los escritos de Charles Darwin, creció el interés científico por los pueblos indígenas y los restos mortales de, supuestamente, "el pueblo más primitivo de la Tierra", eran un codiciado material de estudio para la antropología física.

A pesar de las protestas masivas de los supervivientes, se abrieron tumbas y se enviaron cráneos y huesos a museos de todo el mundo, al tiempo que indígenas eran exhibidos en zoológicos.

Con el tiempo, se consideró que los selk'nam se habían extinguido, pero en 2023, el Gobierno chileno volvió a reconocerlos como comunidad indígena.

La colección de culturas del mundo de los Museos de Lübeck contiene los restos mortales de 25 personas cuyo origen se ha determinado desde 2022 en el marco de una investigación de procedencia financiada por el Centro Alemán de Bienes Culturales Perdidos.

La mayoría de los restos mortales llegaron a Lübeck en el contexto histórico del colonialismo y, en parte, fueron saqueados de sus tumbas sin el consentimiento de los familiares, como es el caso del cráneo ahora restituido.

Desde 2022, los Museos de Lübeck están en conversaciones con la organización "Hach Saye" que representa a la comunidad selk'nam chilena de Tierra del Fuego.

El deseo de la organización desde el principio era enterrar el cráneo en su tierra de origen para asegurarse de que nunca más pudiera ser exhibido o examinado.

La primera devolución de restos mortales tuvo lugar en agosto pasado a Perú, y el Gobierno chileno se mostró abierto entonces también a apoyar la repatriación por parte de los Museos de Lübeck.

Según la legislación chilena, los restos mortales deben ser entregados al Ministerio de Cultura, que a su vez emite una autorización para su entierro, pero los selk'nam tienen reservas sobre este procedimiento y exigen una entrega directa sin participación de las autoridades chilenas.

Finalmente y tras dos años de negociaciones, los selk'nam solicitaron el entierro de su antepasado en un cementerio de Lübeck como solución de compromiso.

Se trata de la primera vez que una comunidad indígena entierra en suelo alemán a un antepasado en un caso relacionado con la violencia del colonialismo. EFE