Brian May, el guitarrista de Queen, no es solo reconocido por su virtuosismo musical, sino también por ser uno de los compositores más intrigantes de la historia del rock.

Si bien su presencia en el escenario refleja una actitud audaz y confiada, detrás de su guitarra se esconde un escritor que, como él mismo admite, enfrenta inseguridades similares a las de cualquier artista.

A través de una entrevista reveladora con MOJO, May desvela su proceso creativo, sus influencias inesperadas y las complejidades emocionales que dan vida a sus canciones, algunas de las más emblemáticas de Queen.

Un compositor inseguro

May revela que, a pesar de su éxito, nunca ha dejado de dudar de su habilidad como compositor. “En los primeros días, pensaba: ¿cómo podría estar a la altura de aquellos cuyos temas de los 60 escuchaba, como los de Otis Redding o The Beatles?”, recordó.

Aunque en sus primeros años, el guitarrista de Queen no se consideraba un “escritor”, la presión de crear material propio, influenciado por artistas como Buddy Holly, Jimi Hendrix y hasta Rodgers y Hammerstein, fue una constante en su carrera.

Un ejemplo revelador de la vulnerabilidad detrás de su música es el origen de una de las canciones más potentes de Queen: Tie Your Mother Down. May recuerda cómo, durante un viaje en 1970 a Tenerife, en las alturas del Teide, comenzó a componer un riff que luego se convertiría en un himno de la banda.

Sin embargo, el título inicial de la canción, Tie your mother down, lo hacía dudar. Fue Freddie Mercury quien, con su habitual entusiasmo y sin reparos, le dio la confianza para seguir adelante con el título, una decisión que, con el tiempo, definiría uno de los clásicos más memorables de Queen.

La química creativa en Queen

La historia de Queen está llena de anécdotas que ilustran su peculiar química. A pesar de ser cuatro compositores con estilos marcadamente diferentes, la banda supo fusionar sus talentos, lo que les permitió crear algunas de las canciones más innovadoras del rock.

May, Mercury, Taylor y Deacon, aunque en ocasiones discutían hasta el último acorde, se apoyaban mutuamente en sus respectivas composiciones. “A veces llegábamos a pelear por una sola nota”, dice May, “pero al final, siempre nos uníamos como banda”.

La colaboración y la independencia de cada miembro fueron cruciales para su éxito. Por ejemplo, mientras que May se inclinaba hacia el hard rock y el rock’n’roll, canciones como Another One Bites The Dust de John Deacon o Killer Queen de Freddie Mercury mostraban las otras facetas del grupo, que oscilaban entre el funk, el pop y la balada.

“La gente no entendía cómo podíamos mezclar tantos géneros, pero eso era lo que nos hacía únicos”, afirmó May.

La influencia de la inseguridad y las relaciones

A lo largo de su carrera, May ha explicado que muchas de sus canciones están inspiradas en sus experiencias personales y emocionales. Para él, “las canciones siempre han tratado sobre relaciones, ya sean propias o de otras personas”.

Sin embargo, a pesar de la exposición emocional que sus letras pueden conllevar, May es reacio a profundizar demasiado en su significado, ya que siente que puede “revelar demasiado” y dejar al descubierto una vulnerabilidad que prefiera mantener en privado.

De esta forma, el tema de las relaciones personales y las emociones complejas, como el amor, el desamor y la lucha interna, se ha convertido en el núcleo de muchas de sus composiciones. Who Wants to Live Forever, por ejemplo, es una reflexión sobre la mortalidad, influenciada por su propio sentido de la impermanencia.

May admite que no siempre es fácil escribir sobre sus emociones, pero lo hace porque siente que es un proceso necesario: “Es una forma de ser honesto conmigo mismo”, dijo.

La evolución musical de Queen

Si bien los primeros años de Queen estuvieron marcados por la lucha y la crítica de la prensa, la banda finalmente alcanzó el éxito masivo gracias a su habilidad para reinventarse constantemente.

A medida que el grupo se adentraba en la década de los 80, Queen comenzó a incorporar más sintetizadores y sonidos electrónicos, como se escucha en su álbum Hot Space, pero sin perder su esencia rockera.

“Fue una evolución natural”, explicó May. “Siempre tuvimos que mantener el equilibrio entre la innovación y la tradición del rock”.

Este proceso creativo continuó a lo largo de su carrera, desde Bohemian Rhapsody hasta Radio Ga Ga, cada canción representaba una nueva etapa, un desafío para superarse a sí mismos.

“Lo que nos unía como banda era el deseo de experimentar, de probar cosas nuevas, pero también de seguir siendo nosotros mismos”, recordó May.

La colaboración con David Bowie

Uno de los momentos más icónicos de la historia de Queen fue su colaboración con David Bowie en Under Pressure. Esta colaboración, que surgió de forma casi espontánea en los estudios de Montreux, se convirtió en un hito para la banda.

May recuerda la atmósfera creativa que rodeaba la grabación: “Había mucha energía en el aire. Bowie era increíblemente creativo y aportó algo muy especial a la canción”, dijo.

Sin embargo, como en todo proceso creativo en Queen, no estuvo exento de desacuerdos. May, al igual que el resto de la banda, no estaba completamente satisfecho con el resultado final y, con el tiempo, expresó su deseo de remezclar la canción para que reflejara mejor su contribución.

A pesar de todo, Under Pressure sigue siendo una de las canciones más queridas y representativas de Queen, y su impacto en la música es innegable.

La perfección y el futuro

Brian May, a sus 77 años, sigue siendo una figura activa tanto en el escenario como en el estudio. Aunque ha reconocido ser un perfeccionista, admite que la clave para crear la mejor música es encontrar un equilibrio entre el control y la improvisación.

“La música es un arte y una ciencia. Es el equilibrio entre lo planeado y lo instintivo lo que da lugar a las mejores canciones”, concluyó May.

La magia de Queen sigue viva, no solo en sus discos, sino también en la forma en que su música sigue siendo relevante para nuevas generaciones. Hoy, más que nunca, sus canciones siguen resonando en los corazones de millones, un testamento de su legado atemporal.

Si bien no hay certeza sobre si habrá más canciones de Queen en el futuro, May deja claro que siempre hay espacio para nuevas ideas. “Podría pasar, las ideas siguen surgiendo, pero todo depende de si esas ideas crecen y maduran”, concluyó el guitarrista, dejando abierta la puerta a un posible retorno musical.

En el mundo del rock, es común que las salidas de los líderes de una banda marquen el declive del grupo o, al menos, generen una fractura insalvable entre sus miembros.

Ejemplos hay de sobra: Lou Reed y The Velvet Underground, Paul McCartney y The Beatles, o incluso Roger Waters y Pink Floyd. Sin embargo, Genesis desafió esa tendencia y sobrevivió sin Peter Gabriel, alcanzando un éxito aún mayor con Phil Collins al mando. “Genesis no solo sobrevivió, sino que redefinió su legado con Phil Collins como líder”

Durante años, los rumores sobre una supuesta enemistad entre ambos músicos se mantuvieron vivos. Se especuló con que Gabriel resentía el triunfo de su antiguo grupo sin él, mientras que Collins habría buscado borrar el legado de su predecesor. Pero la realidad dista mucho del drama que la industria musical suele alimentar, informó Far Out.

De la incertidumbre al éxito absoluto

Cuando Peter Gabriel anunció su salida de Genesis en 1975 con la frase “Fuera, Ángeles Fuera”, la banda parecía condenada a la incertidumbre. Su voz y su estilo teatral habían definido el sonido del grupo, y muchos pensaban que nadie podría ocupar su lugar.

Sin embargo, Genesis ya tenía la solución en casa: Phil Collins, su baterista desde hacía cinco años, fue quien asumió el liderazgo.“Lo que parecía el fin de Genesis se transformó en el comienzo de su época más icónica”

El proceso no fue sencillo. Collins tomó el micrófono con cierto escepticismo y con la presión de mantener a flote un proyecto que ya tenía una base de seguidores leales. Pero lo que pocos imaginaron fue que su estilo más accesible y melódico llevaría a Genesis a alcanzar niveles de éxito estratosféricos.

Los álbumes lanzados bajo su liderazgo, como A Trick of the Tail y Invisible Touch, consolidaron la banda como un referente del rock progresivo y del pop rock de los años 80. Este ascenso meteórico hizo que la era de Gabriel en Genesis se convirtiera en un recuerdo lejano para muchos, lo que alimentó la idea de una posible rivalidad entre ambos músicos.

¿Rivalidad o simple evolución?

A lo largo de los años, los fanáticos y la prensa buscaron indicios de resentimiento entre Gabriel y Collins. El primero dejó la banda en un momento complicado, sintiendo que su imagen eclipsaba al resto del grupo.

Mientras tanto, Collins asumió el liderazgo y llevó a Genesis a un sonido más comercial, lo que algunos puristas del rock progresivo interpretaron como una traición al legado inicial de la banda.

Sin embargo, ambos negaron cualquier tipo de conflicto. Gabriel, lejos de sentirse desplazado, siempre apoyó el crecimiento de Genesis. Prueba de ello fue su asistencia a la última presentación de la gira de despedida del grupo, The Last Domino?, en Londres.

En una entrevista con Mojo, Gabriel habló con naturalidad sobre su salida de la banda: “Mi marcha fue un rito de paso, la verdad. Había formado parte de la creación de Genesis, así que quería estar allí al final.”

En otra ocasión, el cantante incluso sugirió que su salida benefició a la banda, permitiendo a Collins y a los demás miembros desarrollarse de manera más libre.

Un mito desmentido

El rock and roll estuvo marcado por historias de traiciones, egos y enemistades legendarias, pero la relación entre Peter Gabriel y Phil Collins no encaja en ese guion. Lejos de resentimientos, ambos artistas siguieron caminos distintos, cada uno con su propio éxito.

Gabriel consolidó una carrera en solitario con discos como So, mientras que Collins se convirtió en un ícono del pop y el rock de los 80 con temas como In the Air Tonight. Después de cinco décadas de especulación, la conclusión es clara: Gabriel y Collins no se odian porque nunca tuvieron razones para hacerlo. La verdadera narrativa de Genesis está en la evolución, no en el conflicto.

En 1977, cuando Television lanzó Marquee Moon, el impacto fue inmediato en la escena musical británica, pero en su país natal, Estados Unidos, el recibimiento fue mucho más frío.

La banda, liderada por el enigmático Tom Verlaine, redefinió el sonido del punk y la nueva ola con un virtuosismo inusual para la época.

Sin embargo, como menciona Mojo, su trayectoria estuvo marcada por tensiones internas, fracasos comerciales y el inquebrantable perfeccionismo de Verlaine, un hombre con una visión artística que iba más allá del rock convencional.

A pesar de haber grabado solo tres discos de estudio y un cuarto álbum inédito, Television dejó una huella imborrable en la música.

Su historia es una de talento descomunal, ambiciones truncadas y una lucha constante contra la industria.

Los comienzos de Television y la escena neoyorquina

A inicios de los años 70, Tom Verlaine y Richard Hell, amigos desde la adolescencia, llegaron a Nueva York con la intención de formar una banda que desafiara los estándares del rock.

Junto a Billy Ficca en la batería y Richard Lloyd en la guitarra, fundaron Television en 1973. Su punto de partida fue CBGB, el legendario club donde también surgieron The Ramones, Patti Smith y Talking Heads.

David Bowie y Alan Betrock, críticos e influyentes figuras de la época, reconocieron a Television como una banda revolucionaria. “Lo que The Velvet Underground nunca fue y lo que Dylan no pudo ser, eso es Television”, escribió Betrock.

Sin embargo, las tensiones entre Verlaine y Hell por el control creativo llevaron a la salida de este último en 1975, dejando la banda con una estructura más definida bajo el liderazgo de Verlaine.

El impacto de Marquee Moon

Después de años de ensayos y presentaciones en vivo, Television grabó Marquee Moon en 1976 con el ingeniero Andy Johns, conocido por su trabajo con Led Zeppelin y The Rolling Stones.

El disco se grabó prácticamente en vivo, reflejando la intensidad de la banda sobre el escenario. La canción que da título al álbum, una pieza de diez minutos con solos de guitarra hipnóticos, se convirtió en un emblema del rock de vanguardia.

Sin embargo, el público estadounidense no supo qué hacer con Television. Durante su primera gira por Estados Unidos en 1977, abriendo para Peter Gabriel, fueron recibidos con indiferencia e incluso hostilidad. En Texas, un DJ de radio se negó a poner su música, desestimándola como “mierda neoyorquina”.

En contraste, en el Reino Unido la banda fue recibida como la gran promesa del rock experimental. La prensa los comparó con The Velvet Underground y John Coltrane por su enfoque innovador de la guitarra.

La caída y la disolución de la banda

En 1978, Television lanzó su segundo disco, Adventure. Si bien contenía grandes canciones como Ain’t That Nothin’ y Foxhole, no logró capturar la magia de Marquee Moon.

Durante una gira en el Reino Unido, la banda escuchó el álbum debut de The Cars, un grupo con un sonido más accesible y comercial.

“Pensamos: ‘Ahí está el Television que venderá discos y que sonará en la radio’. Fue desmoralizante”, recordó Lloyd.

Las tensiones internas aumentaron. Verlaine, frustrado con la industria y con la rutina de giras, decidió que era momento de terminar con la banda.

En julio de 1978, después de un show en Nueva York, acordó con Lloyd separarse. Así, Television dejó de existir en su primera encarnación.

El regreso en los años 90 y la lucha contra la industria

Mientras Verlaine iniciaba una carrera solista caracterizada por su experimentación sonora, la industria musical redescubría a Television. En 1992, el grupo volvió a reunirse para grabar un tercer disco homónimo.

Más contenido y atmosférico que sus predecesores, Television exploraba nuevas texturas, pero llegó en un mal momento comercial. Capitol Records, más interesada en artistas multiplatino como Garth Brooks, no le dio el apoyo necesario.

Las giras se volvieron esporádicas y el grupo, aunque nunca anunció su disolución, dejó de ser una banda activa. En 2007, Lloyd dejó el grupo y fue reemplazado por Jimmy Rip.

Television siguió tocando en vivo de manera intermitente hasta 2020, cuando la pandemia detuvo sus actividades.

Tom Verlaine y su obsesión por la perfección

Verlaine nunca dejó de crear. Su vida estuvo dedicada a la música, pero sin compromisos comerciales. Rechazó entrevistas, evitó la promoción y acumuló un archivo inmenso de grabaciones inéditas, guitarras y libros.

Tras su muerte en 2023, se descubrieron cinco depósitos llenos de material, incluyendo cuadernos con letras sin terminar y más de 7.000 válvulas de amplificadores, cada una etiquetada con notas sobre su sonido.

En su último año de vida, su colaborador Patrick Derivaz le preguntó por qué nunca había lanzado muchas de sus canciones. La respuesta de Verlaine fue simple: “Quizás podría hacer cuatro compases mejor”.

El legado de Television

A pesar de su breve existencia y sus limitados lanzamientos, Television sigue siendo una referencia obligada en la historia del rock.

Su influencia se extiende a bandas como Sonic Youth, Radiohead y The Strokes, quienes adoptaron su enfoque de guitarras entrelazadas y su rechazo a las convenciones.

Hoy, con la reedición de sus álbumes y el descubrimiento de material inédito, la figura de Verlaine sigue creciendo.

Su muerte no ha sido el final de su historia: su legado sigue resonando en cada nueva generación de músicos que descubre la magia de Marquee Moon.

En 1974, Genesis se encontraba en un punto crucial de su carrera. La banda británica, conocida por sus complejas composiciones y su teatralidad en el escenario, decidió embarcarse en la creación de un álbum conceptual que marcaría el final de una era: The Lamb Lies Down On Broadway.

A 50 años de su lanzamiento, Mojo menciona que este disco sigue siendo una referencia obligada en la historia del rock progresivo.

Su producción estuvo plagada de tensiones internas, marcadas por la creciente influencia de Peter Gabriel, las fricciones con Tony Banks, y la inminente transformación del grupo con la salida de su icónico vocalista.

De la escuela al escenario: los orígenes de Genesis

Genesis nació en 1967 en las aulas del exclusivo internado de Charterhouse, en Surrey. Peter Gabriel y Tony Banks, junto con Mike Rutherford y Anthony Phillips, formaron el núcleo original del grupo, influenciados por el folk, el soul y la música clásica.

En sus primeros años, la banda enfrentó el rechazo de la industria y de la prensa, pero lograron grabar su primer álbum, From Genesis to Revelation (1969), bajo la producción de Jonathan King. Sin embargo, el disco pasó desapercibido y King perdió interés en el grupo.

La llegada de Phil Collins (batería, 1970) y Steve Hackett (guitarra, 1971) trajo un sonido más sofisticado, que cristalizó en álbumes como Nursery Cryme (1971) y Foxtrot (1972).

Genesis se convirtió en una banda de culto, gracias a sus letras fantásticas y sus presentaciones en vivo, donde Gabriel comenzó a usar disfraces y a narrar historias entre canciones, estableciendo una identidad visual única.

La creación de “The Lamb Lies Down On Broadway”

Para 1974, Genesis ya había lanzado el exitoso Selling England by the Pound y decidió llevar su ambición un paso más allá con un álbum doble conceptual.

La historia seguía a Rael, un joven puertorriqueño en Nueva York que emprendía un viaje de autodescubrimiento, plagado de visiones surrealistas y metáforas sexuales.

Gabriel insistió en escribir toda la narrativa, lo que generó tensiones con Banks y Rutherford, quienes estaban acostumbrados a un proceso más colaborativo.

Las sesiones de grabación en Headley Grange y Glaspant Manor fueron difíciles. Las condiciones eran precarias y las disputas internas se intensificaron cuando Gabriel abandonó momentáneamente la banda debido al nacimiento prematuro de su hija. Mientras el resto del grupo se concentraba en la música, él trabajaba en las letras de forma aislada.

Gira y despedida de Peter Gabriel

La gira de The Lamb Lies Down On Broadway llevó la teatralidad de Genesis a un nuevo nivel, con proyecciones visuales, vestuarios excéntricos y la icónica aparición de Gabriel disfrazado como Slipperman, un monstruo grotesco lleno de protuberancias. Sin embargo, a pesar de la espectacularidad del show, las tensiones internas seguían creciendo.

El 25 de noviembre de 1974, en un hotel de Cleveland, Gabriel anunció que dejaría Genesis al finalizar la gira. Aunque su partida fue un golpe para la banda, el grupo decidió continuar sin él.

En 1975, Genesis emprendió la búsqueda de un nuevo vocalista, pero finalmente Phil Collins asumió el papel, marcando el inicio de una nueva etapa.

Y entonces quedaron tres

Tras la salida de Gabriel, Genesis lanzó A Trick of the Tail (1976) y Wind & Wuthering (1977), demostrando que podían seguir adelante sin su líder.

Sin embargo, la partida de Steve Hackett en 1977 dejó a la banda reducida a un trío, conformado por Banks, Rutherford y Collins.

Durante los años 80, Genesis se alejó del rock progresivo y adoptó un sonido más accesible, con éxitos como Invisible Touch y Land of Confusion. Esta evolución les permitió alcanzar una audiencia masiva, aunque también generó críticas de sus seguidores más puristas.

El legado de “The Lamb Lies Down On Broadway”

A pesar de las disputas que marcaron su creación, The Lamb Lies Down On Broadway sigue siendo un álbum emblemático del rock progresivo. Su compleja narrativa y su fusión de géneros lo han convertido en una obra de culto.

En 2022, Genesis realizó su última gira, con Phil Collins en un estado de salud delicado, incapaz de tocar la batería. En la última noche de la gira, Collins, Banks y Rutherford compartieron un emotivo momento, recordando el viaje que los llevó a lo más alto de la música.

Para Peter Gabriel, The Lamb Lies Down On Broadway siempre fue un álbum especial. En una reciente entrevista, recordó que la última canción del disco, Carpet Crawlers, fue la misma que cerró el último concierto de Genesis.

“Pasé más tiempo componiendo esa melodía que cualquier otra”, dijo, evocando el legado de una obra que, 50 años después, sigue resonando en la historia de la música.

“Cuando todo terminó, tuve que sentarme en el jardín y pensar: ‘Bueno, disfrutaré del sol… o de un porro’”, recuerda Ringo Starr con una carcajada. La separación de The Beatles en 1969 marcó uno de los momentos más duros de su vida, pero también fue un punto de partida para su carrera en solitario. “Y luego pensé: ‘No, vamos, tienes que levantarte’”.

Hoy, a sus 84 años, Ringo sigue irradiando el carisma y la energía que lo convirtieron en el más entrañable de los Fab Four. Desde su estudio en Los Ángeles, decorado con recuerdos de su trayectoria, conversó con Mojo sobre los momentos clave de su vida: la música, su conexión con el country y su último álbum, Look Up.

“Siempre me ha gustado la música country. Cuando era niño, me dejaba llevar por Gene Autry y toda esa magia de las películas”, comenta con entusiasmo. Ese amor por el género lo llevó a explorar nuevas fronteras tras el fin de The Beatles, marcando el inicio de un legado solista tan versátil como duradero.

Entre reflexiones, risas y su humor único, Ringo concluye con su habitual optimismo: “Todavía amo tocar. Y cada día es un día hermoso aquí en California”.

Los días turbulentos del final de The Beatles

El final de The Beatles marcó un antes y un después en la historia de la música, y un periodo de gran incertidumbre para sus integrantes, especialmente para Ringo Starr. A lo largo de septiembre de 1969, mientras se ultimaban los detalles del icónico Abbey Road, las tensiones dentro de la banda alcanzaron su punto de quiebre. “Fue un periodo totalmente traumático para mí”, admite Ringo, rememorando las intensas discusiones que precedieron a la disolución del cuarteto.

En una reunión clave, John Lennon sugirió una idea para mantener viva la dinámica creativa del grupo: un nuevo álbum en el que cada miembro tendría espacio para sus composiciones, incluso dos canciones para Ringo. Sin embargo, poco después, Lennon dio un giro drástico y anunció su salida. “De un momento a otro, todo se vino abajo”, comparte Ringo.

A pesar de la conmoción, Starr no tardó en encontrar un propósito. “Cuando terminó, pensé: ‘Voy a disfrutar el sol, pero no puedo quedarme quieto’”. Así, en octubre de 1969, decidió lanzarse en solitario con Sentimental Journey, un álbum de estándares clásicos que produjo junto a George Martin. “Era la música que escuchaba en las fiestas familiares. Quería algo que representara mis raíces”, explica sobre su inesperado debut como solista.

El siguiente paso en su carrera lo llevó aún más lejos: el country. Apenas seis meses después, sorprendió con Beaucoups of Blues, un álbum que reflejaba su amor por el género y que, según Starr, le permitió “explorar lo que realmente soy como músico”.

La conexión de Ringo con la música country

Desde su infancia en Liverpool, Ringo Starr sintió una fascinación especial por la música country. “Todo comenzó cuando vi a Gene Autry cantando South Of The Border en una película. Fue un momento mágico. Me voló la cabeza”, recuerda con entusiasmo, refiriéndose a su primer gran descubrimiento musical. Aquel encuentro con el legendario cantante y actor fue la chispa que lo llevó a explorar artistas como Hank Williams y Hank Snow, y más tarde, a sumergirse en los sonidos del country blues de Lightnin' Hopkins.

Ese amor por el género resurgió en 1970, cuando, por una curiosa coincidencia, conoció al pedal steel-player Pete Drake en el contexto de las sesiones de All Things Must Pass de George Harrison. “Pete vio que tenía cassettes de country en mi coche y me dijo: ‘Hoss, veo que te gusta la música country. Vamos a Nashville y hagamos un disco’. Yo le respondí: ‘Oh, no lo creo. ¿Cuánto tiempo tengo que estar ahí?’”. Drake lo convenció asegurándole que las sesiones serían rápidas, y así fue: “Llegué un lunes, escogimos cinco canciones el martes por la mañana, y para el miércoles ya habíamos terminado. Todo se hizo en dos días”.

El resultado fue Beaucoups of Blues, un álbum que permitió a Ringo explorar un lado más vulnerable y emotivo como cantante. “Bueno, sí, soy un tipo emocional”, admite entre risas. Con un tono suave y melancólico, el disco destacó como una prueba de que el country era un género que resonaba profundamente con él. Incluso Paul McCartney, al hablar sobre el proyecto, comentó: “Siempre amó el country desde que lo conocí. Es un tipo muy sincero, directo, y creo que eso encaja perfectamente con la esencia de esa música”.

La creatividad colaborativa: de The Beatles a la All-Starr Band

A lo largo de su carrera, Ringo Starr demostró ser un maestro en colaborar con otros artistas. Incluso tras la separación de The Beatles, mantuvo fuertes lazos creativos con sus antiguos compañeros. “Siempre estaban dispuestos a ayudarme. George produjo varias de mis canciones, Paul escribió para mí y John también participó. Había amor y respeto entre nosotros”, afirma Ringo, quien logró reunir a los cuatro Beatles en su álbum Ringo (1973), aunque no todos coincidieran en el estudio.

Su filosofía colaborativa tomó una nueva dimensión en 1989, cuando decidió formar la All-Starr Band, un proyecto que le permitió rodearse de músicos de alto nivel y seguir tocando en vivo. “Nunca quise ser el tipo al frente durante todo el show. Pensé que sería más divertido compartir el escenario con otros talentos”, explica. El concepto era simple: convocar a amigos músicos para tocar juntos una mezcla de éxitos de cada uno. “Solo llamé a mi agenda. Joe Walsh dijo que sí, Levon Helm también, y así se sumaron todos. Ni siquiera pensé que aceptarían tan rápido”.

Joe Walsh, guitarrista de The Eagles y cuñado de Ringo, recuerda: “Cuando todos dijeron que sí, Ringo se volteó y me dijo: ‘¿Y ahora qué hacemos?’”. A partir de ese momento, la banda se convirtió en una formación única que fue evolucionando a lo largo de las décadas, con artistas como Sheila E, Todd Rundgren y Colin Hay. “Amo tocar la batería, pero también disfruto ir al frente y cantar mis canciones. Es lo mejor de ambos mundos”, añade Ringo con su característico entusiasmo.

“Es increíble cómo logra que todo sea divertido y relajado, tanto para los músicos como para el público”, dice el bajista Klaus Voormann, quien compartió escenario con la banda. “Ringo tiene una energía especial que une a las personas, y eso es lo que hace que esta banda sea única”.

La importancia de la reinvención personal y profesional

En los años 80, Ringo Starr enfrentó uno de los desafíos más importantes de su vida: su batalla contra el alcoholismo. Este periodo marcó un antes y un después, en su vida personal, y en su carrera. “Cambias completamente cuando te limpias”, reflexiona Ringo. “Siempre tuve un buen corazón, pero ser sobrio me permitió ser más real y más accesible”.

La decisión de formar la All-Starr Band en 1989 fue parte de este renacimiento. Rodearse de amigos y grandes músicos revitalizó su amor por tocar en vivo, ayudandole a sentirse más seguro en el escenario. “Era inseguro sobre estar al frente todo el tiempo. Pero lo mejor fue que cuando llamé a los músicos, todos dijeron que sí. Fue increíble”, recuerda.

Hoy, a sus 84 años, Ringo mantiene una rutina estricta para cuidar su salud y seguir activo en el mundo de la música. “Hago ejercicio, como brócoli y arándanos, y eso me mantiene en forma”, comparte con una sonrisa. Su energía es evidente: en sus conciertos recientes incluso se atrevió a hacer saltos en el escenario, sorprendiendo al público. “Es inspirador verlo”, dice Joe Walsh, quien también señala cómo Ringo lo anima a cuidarse. “A veces lo miro y pienso: ‘¡Santo cielo, es uno de los Beatles!’ Es alguien que ha pasado por tanto y sigue siendo tan conectado con la vida y tan humilde”.

El espíritu positivo de Ringo se refleja en su nuevo álbum, Look Up, un proyecto profundamente personal producido por T Bone Burnett. “Es probablemente la canción más personal que ha hecho”, comenta Burnett sobre el tema principal, en el que Ringo canta sobre los momentos difíciles y cómo el amor por su esposa, Barbara Bach, lo transformó en una mejor persona. En palabras del propio Starr: “Es un día hermoso aquí en California, y no podría estar más agradecido”.

La huella cultural de Ringo Starr: Un fenómeno intemporal

Desde el principio de su carrera, Ringo Starr cautivó al público como el miembro más entrañable de The Beatles. Su carisma y sentido del humor lo convirtieron en el favorito de muchos fans, especialmente en Estados Unidos, donde pronto se ganó el título no oficial de “el Beatle más querido”. “Ringo for President”, bromeaban pancartas en 1964 durante una protesta ficticia organizada por estudiantes. “¿Presidente de qué? Bueno, sí, absolutamente, ¡sería genial!”, comentó Paul McCartney recientemente entre risas, recordando el impacto que tuvo su compañero en esos años.

El magnetismo de Ringo provenía de su personalidad, y de momentos como su famoso “escape” en A Hard Day’s Night. La escena donde el baterista se aleja del caos de la fama para caminar solo por Londres, con una cámara en mano, capturó una faceta vulnerable y humana que resonó con el público. Según T Bone Burnett, esa escena definió su atractivo. “Había un tremendo patetismo que surgía de él, en medio de toda la locura. Tiene un espíritu tranquilo y hermoso”, explica el productor.

La conexión de Ringo con los fans estadounidenses quedó sellada tras su debut en el Ed Sullivan Show en 1964, un momento que él describe de forma casi mágica. “Sentí que un pulpo envolvía sus brazos alrededor del avión y nos bajaba suavemente”, bromea al recordar la llegada de The Beatles a Nueva York. El impacto fue inmediato: “¿Quién sabía que sería tan grande? No puedes planear algo así”, reflexiona con humildad.

Incluso décadas después, Ringo sigue siendo una figura cultural fascinante. Para Joe Walsh, su cuñado y compañero de banda, la grandeza de Starr radica en su simplicidad. “Es increíble pensar que alguien que ha pasado por tanto pueda ser tan conectado con la tierra, tan auténtico y tan buena persona”. Esa autenticidad, junto con su eterno optimismo, asegura que la leyenda de Ringo continúe viva en el corazón de millones.

Mirando hacia adelante con optimismo

A sus 84 años, Ringo Starr no muestra señales de detenerse. Con su nuevo álbum, Look Up, y planes para dos giras con la All-Starr Band en 2025, el legendario baterista sigue disfrutando de la música como el primer día. “Todavía amo tocar”, afirma con entusiasmo. “Tener la oportunidad de estar en el escenario, tocar mis canciones, las canciones de mis amigos y sentir la energía del público es algo que nunca pasa de moda”.

La longevidad de su carrera no es casualidad. Además de mantener una vida saludable, Ringo supo reinventarse y mantener viva su conexión con los fans. “Cuido mi voz con ejercicios desde 1989. Hago (canta) ‘No, no, no, nooo’. Es gracioso, pero funciona”, comparte entre risas. Aunque admite que el esfuerzo físico de las giras puede ser un desafío, asegura: “Puedo superar el show. Siempre lo hago. No hay nada que me guste más”.

Parte de ese optimismo se refleja en Look Up, que, según T Bone Burnett, es un álbum que capta la esencia de Ringo como nunca antes. “Quería escribir canciones que fueran fieles a él, a su historia y a su espíritu. Creo que lo logramos”, dice el productor. Para Ringo, la música sigue siendo un medio para expresarse y celebrar la vida. “Escribí una canción sobre cómo el amor me ha hecho un mejor hombre. Después de 43 años con Barbara (Bach), sigo sintiéndome agradecido”, comparte emocionado.

Con los ojos puestos en el futuro, Ringo sigue abrazando su papel como un eterno optimista. “Hago más movimientos correctos que equivocados”, dice entre risas. Y aunque sus días en California transcurren con tranquilidad, su entusiasmo por la música y su conexión con el público siguen intactos. “Cada día es un día hermoso”, concluye, fiel a la filosofía que lo mantuvo vigente durante más de seis décadas.

En 1969, el mundo del rock experimentó un cambio decisivo cuando los Rolling Stones atravesaron una crisis interna significativa: el cambio de formación a partir de la muerte de Brian Jones, uno de sus miembros fundadores.

Su salida marcó no solo un fin en la etapa más experimental y psicodélica de la banda, sino también el cierre de una era en el rock de los años 60. Sin embargo, en medio de esta crisis personal, los Stones encontraron un nuevo rumbo que les permitió alcanzar alturas emocionales y musicales inéditas: grabaron Let It Bleed, un álbum clave en su carrera, tal como reconstruye la revista británica Mojo.

Una despedida trágica

Jones fue despedido de los Rolling Stones debido a su comportamiento errático relacionado con el consumos varios... Aunque Bill Wyman, bajista de la banda, explicó que Jones “se destruyó a sí mismo con drogas y alcohol”, una visión diferente se presenta a través de Anna Wohlin, su novia en los últimos meses de su vida.

Ella recordaba cómo Jones deseaba alejarse de la locura de la vida de estrella del rock y refugiarse en Cotchford Farm, su casa de campo. Según Wohlin, Jones amaba la tranquilidad del campo y deseaba quedarse allí “al menos otro año solo para calmarse...”.

Nunca pasaría: Brian Jones fue encontrado ahogado en la piscina de su casa en la noche del 3 de julio de 1969. Su muerte, aún hoy, se considera “dudosa”.

Sin embargo, el comportamiento errático de Jones ya había dejado de ser compatible con el resto de la banda. A lo largo de los años ‘60, Jones había sido un pionero en la experimentación musical, probando ácido y explorando sonidos electrónicos. Sin embargo, su deterioro físico y emocional lo hizo cada vez más difícil de manejar dentro de los Rolling Stones. Su salida, aunque dolorosa, era inevitable.

La llegada de Mick Taylor

La partida de Jones no solo significó el fin de una etapa, sino también el comienzo de una nueva fase musical para los Rolling. La incorporación de Mick Taylor, un guitarrista virtuoso, trajo una renovación sonora. Aunque Jones había sido un miembro clave en la creación del sonido inicial, la llegada de Taylor permitió a la banda evolucionar hacia un sonido más blusero aún. Y esa impronta ya se nota en Let It Bleed, lanzado en diciembre de 1969.

La transición no fue fácil. La tensión dentro de la banda aumentó debido a la salida de un miembro fundador y al cambio en la dinámica interna. Sin embargo, la relación creativa entre Mick Jagger y Keith Richards, quienes asumieron roles más prominentes dentro de la banda, permitió que los Rolling Stones no solo sobrevivieran a este cambio, sino que salieran fortalecidos.

El sonido de una nueva era

Let It Bleed fue el reflejo de los cambios dentro de la banda y de la sociedad. Este álbum representó un regreso a las raíces del blues, pero con una sofisticación y madurez emocional que no se había alcanzado anteriormente.

Además, el álbum marcó una distancia clara con su anterior trabajo, Their Satanic Majesties Request (1967), un disco de tintes psicodélicos que, si bien fue influyente, no alcanzó el nivel de perfección musical que el grupo lograría con este nuevo disco.

Con el nuevo álbum, evolucionaron hacia un sonido más crudo y directo, manteniendo su característica energía rebelde pero con un enfoque más ajustado. Canciones como Gimme Shelter y Midnight Rambler fueron testamento de su madurez como músicos, con un tono más sombrío y agresivo que reflejaba las tensiones sociales y políticas de la época.

El liderazgo de Mick Jagger y Keith Richards

Con la salida de Jones, la figura de Mick Jagger se consolidó aún más como el portavoz de la banda, mientras que Keith Richards se convirtió en el principal compositor y líder musical. Durante este período, la relación entre ambos se fortaleció, y la banda empezó a depender cada vez más de su colaboración creativa para definir el rumbo musical de los Rolling Stones.

Jagger, quien ya había asumido el papel de líder frente al público y los medios, consolidó su poder en la banda no solo como cantante, sino también como el timón comercial y mediático.

Richards, por su parte, pasó de ser “el Stone ignorado” a convertirse en el verdadero cerebro detrás de la mayoría de las composiciones del grupo. La química entre ambos músicos, que resultó ser tan fructífera en este álbum, representó el motor de los Rolling Stones a lo largo de su carrera.

Altamont, el fin de la inocencia

En 1969, el grupo también se vio envuelto en uno de los eventos más sombríos de su carrera: el Festival de Altamont. Organizado por la banda en California, el evento fue diseñado como una respuesta a Woodstock, pero terminó en tragedia cuando un joven afroamericano de 18 años, Meredith Hunter, fue asesinado por los Hells Angels (Los Ángeles del Infierno, club de motociclistas estadounidense, considerado una organización criminal por el Departamento de Justicia de los Estados Unidos); los Angels fueron contratados como seguridad para el evento.

La violencia y el caos que se desataron durante el festival dejaron una marca indeleble en la banda, simbolizando el fin de la era “de paz y amor” de los años 60.

Si bien los Rolling Stones intentaron restar importancia a la tragedia, el incidente dejó una huella profunda en su percepción de la cultura hippie y la contracultura. Mientras que Woodstock había representado un apogeo de los ideales de libertad y paz, Altamont mostró la realidad más oscura de una época en la que los ideales utópicos de la juventud se desmoronaban rápidamente.

El álbum que definió una época

A pesar de las dificultades internas y las tragedias externas, Let It Bleed se convirtió en un hito en la historia de los Rolling Stones. Con este álbum, la banda consolidó su posición como los líderes indiscutidos del rock de la época. El disco, con su mezcla de rock, blues y country, reflejó tanto los cambios dentro de la banda como los tumultuosos eventos sociales y políticos que se vivían en el mundo en 1969.

La oscuridad que impregnaba el álbum, junto con su capacidad para expresar el dolor y las tensiones de la época, le dio a los Rolling Stones una relevancia y un impacto que no solo trascendieron a la música, sino que también se convirtieron en un espejo de la realidad social de finales de los 60. Let It Bleed no solo marcó la cima creativa de la banda, sino que también consolidó su lugar como una de las formaciones más importantes de la historia del rock.

El filme, protagonizado por el nuevo chico maravilla de Hollywood, Timothée Chalamet como el joven Dylan, muestra cómo el cantante se adentró en la escena folk de Nueva York para alcanzar rápidamente una influencia masiva en la música y la cultura de los años 60. La narración de este período, cuyo guion fue coescrito por Mangold y el guionista Jay Cocks, se inspira en el libro de Elijah Wald, Dylan Goes Electric!, que explora la transformación radical de Dylan al pasarse del folk al rock. El acto fundacional del cambio sucedió en una actuación, tan memorable como polémica, en el Newport Folk Festival de 1965.

Para llevar a la pantalla esta historia, el cineasta se apoya en un reparto de figuras reconocidas como Edward Norton, Elle Fanning y Nick Offerman, quienes interpretan papeles que enriquecen el contexto social y musical en torno a Dylan.

El ícono del rock como una fábula

El director estadounidense, conocido por su capacidad para dar vida a historias complejas, reveló que uno de sus principales intereses en dirigir A Complete Unknown fue la oportunidad de contar la historia de Bob Dylan como una “fábula”.

Según Mangold, le atrajo especialmente la figura de un joven Dylan, de 19 años, que llega a Nueva York con apenas unos dólares en busca de su héroe Woody Guthrie (Norton) y trata de abrirse camino dentro del movimiento folk.

“Es un Dylan que está dejando atrás todo lo que conocía: se está reinventando. Hace nuevos amigos, toma control de una comunidad y, cuando esa misma comunidad empieza a asfixiarlo, también la abandona”, dice el cineasta en la revista británica Mojo. Y agrega que fue esa visión de “Dylan como un personaje en constante transformación” la que lo convenció de encarar el proyecto.

Cuenta Mangold que, en su primera conversación con Dylan, el cantante le preguntó directamente de qué trataría la película:

-Es sobre un chico que escapa y se reinventa en la gran ciudad -respondió.

Y que Dylan sonrió y le dijo que esa interpretación era acertada.

Chalamet habla, piensa y canta como Dylan

La elección del protagonista de A Complete Unknown fue, para Mangold, un proceso claro y directo. Desde 2020, el director vio en Timothée Chalamet el perfil ideal para interpretar a Bob Dylan en sus años de juventud. A la hora de definirlo, dice que “es un actor increíblemente agudo, ingenioso y ambicioso, con una personalidad peculiar y carismática”.

A pesar de los retrasos en la producción causados por la pandemia y otros compromisos de Mangold, la decisión de mantener al actor francoestadounidense en el rol se mantuvo firme. Según el director, el protagonista de Wonka siempre “mostró una disposición y un hambre particular por asumir un papel de tal complejidad”, además de poseer ciertas cualidades que consideraba esenciales para encarnar al Dylan de esa época.

Otro aspecto clave fue la decisión de que Chalamet interpretara las canciones de Dylan en la película. Para Mangold, esta autenticidad vocal era indispensable, ya que en el folk la conexión emocional y la autenticidad son pilares. Según el director, “usar grabaciones en lugar de la voz del actor habría despojado al personaje de esa conexión genuina con la música”, le dijo a Mojo; un riesgo que el director estadounidense prefirió evitar para mantener la integridad de la actuación.

La influencia del “Amadeus” de Milos Forman

El cineasta subrayó que A Complete Unknown no debe considerarse una biografía tradicional de Bob Dylan. En lugar de eso, su enfoque se centra en capturar un “momento” específico: los cinco años entre la llegada de Dylan a Nueva York en 1961 y su controversial transición al sonido eléctrico en el Festival de Newport de 1965.

Según Mangold, al narrar esta etapa temprana y menos explorada de Dylan, se permitía mayor libertad creativa, evitando la saturación de la iconografía ampliamente conocida del Dylan más maduro, el cual ya fue retratado en múltiples documentales y libros.

Mangold reconoce además la influencia de la película Amadeus de Miloš Forman en su visión para A Complete Unknown. Al igual que en Amadeus, donde el genio de Mozart afecta profundamente a quienes lo rodean, el aclamado director quiso que la presencia de Dylan en la película tuviera un impacto similar sobre los personajes secundarios. Este enfoque permite que el público vea cómo el talento y la evolución artística de Dylan influyeron y desafiaron a las figuras de su entorno, una perspectiva que James considera esencial para la historia.