El vínculo entre la modelo estadounidense Kendall Jenner y el actor australiano Jacob Elordi se instaló como uno de los fenómenos más comentados en la moda global. La conexión de estas dos figuras, cada una con identidad propia y un recorrido consolidado, redefinió el pulso de la estética contemporánea.

Su relación, envuelta en apariciones calculadas en escenarios icónicos, suma a la conversación ese componente de sorpresa y discreción que los separa del resto. Entre influencia y afinidad estilística, el perfil bajo los catapultó como una dupla seguida de cerca por insiders y fanáticos.

Modelo y actor apuestan por la sobriedad, eligiendo prendas con precisión quirúrgica y tejiendo una narrativa visual nítida. Lo hacen sin perder frescura ni caer en lo predecible, marcando el ritmo de lo que se lleva hoy.

Kendall Jenner: sofisticación y versatilidad

La imagen de Kendall Jenner se conoce como sinónimo de un estilo sofisticado y versátil. Cada aparición pública refuerza su capacidad para alternar entre siluetas clásicas, detalles vanguardistas y una paleta cromática que va desde tonos neutros y pasteles hasta acentos intensos, demostrando un manejo hábil del equilibrio estético.

Jenner recurre con frecuencia a vestidos largos en tejidos ligeros como la seda o el tul, que aportan movimiento y enfatizan su figura estilizada.

Ejemplo de esto es el vestido color marfil de corte sirena, hombros descubiertos y drapeados, que genera un efecto escultórico y romántico, acompañado de un peinado recogido bajo y maquillaje luminoso para acentuar el contraste entre suavidad y estructura.

Su repertorio de looks de gala incluye, además, vestidos largos celestes de tirantes finos y bordados florales en relieve, donde los accesorios discretos y la ausencia de collar mantienen la atención centrada en la prenda.

Para otras ocasiones, Jenner elige encajes negros superpuesto sobre fondo nude, con cuello alto, manga larga y aberturas estratégicas, logrando dramatismo a través del contraste de texturas y transparencias, y rematando con labios en tono neutro.

La modelo también integra elementos de la moda retro, como el conjunto de chaqueta entallada y falda corta en marfil, con bordes de pelo sintético y joyas clásicas, evocando el glamour de los años 60.

Estos guiños vintage se acompañan casi siempre de peinados pulidos y accesorios a juego, en una clara referencia a la vieja escuela de Hollywood.

Además, muestra predilección por el minimalismo y la elegancia contemporánea, inclinándose por líneas limpias y prendas sin ornamentos.

Cuando apuesta por el impacto visual, recurre a vestidos de escote pronunciado y tejido brillante, combinados con tacones bicolor, bolsos metálicos y abrigos o prendas con textura, introduciendo contrastes de materiales y colores.

La innovación en texturas y materiales es otro constante, como se observa en el vestido largo beige con aplicaciones de plumas o fibras brillantes, corte recto y abertura lateral, que crea un efecto de movimiento y luz.

Los zapatos de punta en tono claro mantienen la armonía cromática, reforzando la coherencia del conjunto.

Los accesorios suelen ser discretos, priorizando la silueta y el diseño de las prendas, mientras que el maquillaje y peinado acompañan cada conjunto sin competir, reforzando la imagen de sofisticación y control estético en cada aparición.

Jacob Elordi: guiños retro y elegancia masculina

Jacob Elordi se distingue por una propuesta estilística que fusiona la sastrería clásica masculina con guiños retro y un enfoque contemporáneo en colores, proporciones y accesorios.

Su vestuario destaca por la experimentación con siluetas amplias, el uso de tonos neutros y detalles que aportan personalidad, manteniendo siempre la sobriedad.

Elordi recurre habitualmente a trajes de dos y tres piezas, con cortes rectos, hombros marcados y prendas de caída suelta que evitan la rigidez tradicional.

Los pantalones de pierna ancha, las solapas anchas y los abrigos largos introducen un aire moderno y relajado a la formalidad clásica.

En apariciones públicas, opta tanto por trajes negros monocromáticos como por esmóquines tradicionales, ajustando los pantalones y chaquetas para lograr un equilibrio entre tradición y modernidad.

Un ejemplo es el traje gris claro de doble botonadura, camisa blanca y corbata oliva, donde los tonos neutros y texturas mate generan una estética inspirada en los años 70, reforzada por el uso de anteojos de sol rectangulares.

Su paleta cromática oscila entre el negro, gris, verde seco y beige, prefiriendo matices sobrios que refuerzan la elegancia sin ostentación.

El uso de tejidos con textura, como lana o lino, aporta profundidad visual y evita la monotonía en los looks monocromáticos.

En una de sus combinaciones más logradas, Elordi eligió un conjunto verde seco con traje, abrigo largo, camisa y corbata al tono, generando una silueta alargada y coherente.

Los accesorios cumplen un rol fundamental, aunque secundario: anteojos de sol de montura gruesa, pendientes discretos y, en ocasiones, relojes o pulseras metálicas que funcionan como extensiones naturales del vestuario. Las camisas de cuello cerrado y el uso ocasional de fajines o corbatas anchas completan el guiño retro sin caer en excesos.

En contextos casuales, apuesta por prendas vintage y siluetas amplias, como el blazer corto de cuadros pequeños combinado con camiseta negra y pantalones blancos de corte ancho, logrando un look relajado pero cuidado, que remite a la moda masculina europea de mediados del siglo XX.

Su imagen se completa con un peinado de largo medio, ligeramente ondulado y despeinado, y vello facial recortado y natural.

El estilo de Jacob Elordi se define por la reinterpretación de la sastrería clásica desde una óptica actual, el juego con proporciones amplias y una paleta cromática neutra.

Los detalles retro y la discreción en los accesorios aportan personalidad y diferencian su presencia en alfombras rojas y eventos públicos, proyectando seguridad y coherencia visual sin recurrir a estridencias.

Sadie Sink, actriz de la última película de Spider-Man, impuso un nuevo pulso en la moda internacional y redefinió el estilo de la generación actual en la industria del cine.

En cada alfombra roja logra un equilibrio entre sofisticación y frescura, con una impronta estética que la distingue y la convierte en figura clave para la escena fashion global.

Su elección de siluetas limpias, colores neutros y guiños vintage marcó su sello personal, alejándola de los excesos y las modas fugaces. Prefiere la elegancia depurada y la actualización de clásicos, apostando por materiales nobles y cortes exactos en cada aparición, tanto en galas como en su día a día.

En eventos formales, elige prendas de líneas estructuradas y acabados satinados, mientras que fuera de cámara recurre a básicos urbanos: jeans oversized, cuero negro y camisetas simples, piezas que reflejan una autenticidad que conecta con el pulso de la moda contemporánea.

La integración de accesorios y maquillaje refuerza esa narrativa visual. Sink elige collares llamativos solo para ocasiones nocturnas, bolsos de diseño simple y joyas sutiles que nunca compiten con la prenda principal.

El maquillaje y el peinado, lejos de imponer un sello rígido, varían entre ondas suaves y recogidos pulidos, lo que permite resaltar sus facciones y aportar flexibilidad a cada look.

La clave reside en la moderación: cada elemento cumple una función sin distraer del conjunto, contribuyendo a una imagen general de elegancia y naturalidad.

El vestido Prada en Spider-Man: un sello propio

Uno de los momentos más representativos se produjo durante la gira de prensa de Spider-Man: Brand New Day.

Para el estreno, posiblemente el punto culminante de la temporada de alfombras rojas, Sadie Sink eligió un vestido Prada hecho a medida que irradiaba un glamour vintage discreto.

El diseño, confeccionado en tela satinada blanca, caía de manera fluida y se ajustaba suavemente a su figura, mientras las líneas verticales y los pequeños detalles plateados aportaban un brillo tenue sin caer en la ostentación.

El escote esculpido lograba un equilibrio perfecto entre seducción y sofisticación, revelando lo justo y manteniendo intacta la elegancia natural de la actriz.

El look de Sink apostó por la contención y la atemporalidad. Sin buscar un momento viral o una reacción espectacular, demostró que el verdadero estilo no necesita de excesos para dejar una marca en la moda.

La elección de accesorios sobrios y un maquillaje suave completaron un estilismo donde el protagonismo recaía en la actitud y la coherencia visual.

La coherencia estilística de Sadie Sink se extiende más allá de un solo evento. En sus apariciones públicas, repite la preferencia por abrigos largos de cuero, jeans rectos y conjuntos decorados con motivos florales.

Los colores predominantes, como el blanco, negro, marfil y azul claro, refuerzan una paleta sobria que prioriza la elegancia contenida y el detalle sutil.

Incluso en composiciones formales, como los esmóquines de solapa satinada y pantalones de tiro alto, la actriz logra imprimir una nota personal a través de accesorios cuidadosamente elegidos, como collares de piedras verdes y plateadas.

El impacto de Sink en la moda se percibe también en la forma en que su estilo dialoga con la nueva sensibilidad de la industria, donde la autenticidad y la sostenibilidad ganan terreno frente al espectáculo fugaz.

Su decisión de evitar la ostentación y la teatralidad excesiva resuena con una generación que valora la individualidad y la coherencia por encima del escándalo pasajero.

Sadie Sink no solo viste tendencias: las filtra y las resignifica desde su propio código, convirtiendo cada aparición en una declaración de principios estéticos.

Además, representa una renovación en la manera de habitar la moda desde la juventud y la fama. Su papel en Spider-Man: Brand New Day fue la excusa perfecta para consagrar una imagen que ya venía gestándose: la de una actriz que, lejos de la extravagancia, apuesta por el poder de la sutilidad y la coherencia, marcando un camino propio que inspira a diseñadores, casas de moda y seguidores por igual.

Kate Moss fue vista recientemente en Formentera, en pleno corazón del Mediterráneo, mostrando una vez más su dominio de la moda natural del estilo incluso fuera de la pasarela.

La supermodelo británica de 52 años, reconocida por su capacidad para transformar cualquier salida en una referencia de moda, descendió de su avión luciendo un conjunto que capturó la atención de los presentes y de los medios.

En esta ocasión, optó por un vestido negro largo y fluido, adornado con cortes estratégicos y detalles de encaje que aportaban elegancia sin esfuerzo.

Complementó su atuendo con varias capas de collares dorados y un par de clásicas bailarinas negras, logrando una imagen relajada pero sofisticada, ideal para los días de descanso bajo el sol de España. El toque final y más llamativo de su look fue su bolso: un Hermès Birkin negro con herrajes dorados, perfectamente coordinados con sus joyas.

Lejos de tratar a su Birkin como una pieza de museo, Moss lo utilizó de la manera más auténtica: completamente lleno, seguramente con objetos personales necesarios para un viaje largo.

Este gesto remite al uso original que inspiró el diseño del bolso, creado en honor a Jane Birkin, quien era conocida por llevar su bolso desgastado y repleto de objetos cotidianos. El modelo original de Birkin de 1984, cubierto de marcas de uso, llegó a subastarse por $10,1 millones de dólares.

Así, la elección de Moss no solo resalta su estilo, sino también una filosofía de moda donde las piezas exclusivas están pensadas para vivirse y disfrutarse, no para permanecer intactas en un armario.

Este enfoque reafirma por qué su imagen define el término “model off-duty”: siempre consigue que incluso los accesorios más exclusivos formen parte de una rutina diaria sin perder un ápice de elegancia.

El lenguaje visual y la autenticidad en el estilo de Kate Moss

Su estilismo de moda se caracteriza por una sofisticada mezcla de minimalismo, sensualidad y una actitud relajada que ha redefinido el concepto de elegancia contemporánea.

Su influencia no reside únicamente en la elección de prendas, sino en la forma en que aporta naturalidad y personalidad genuina a cada aparición pública.

Moss ha consolidado un lenguaje visual propio en el que predominan tonos neutros, principalmente el negro, y tejidos que aportan textura y profundidad, como la seda, el encaje y el cuero.

Este uso reiterado de colores sobrios y materiales clásicos le permite construir una imagen coherente y atemporal, alejada de las tendencias pasajeras.

Una de las claves de su estilismo es la capacidad de conjugar piezas estructuradas con elementos que insinúan cierta despreocupación.

Los cortes rectos, las chaquetas de sastrería y los vestidos de líneas limpias conviven con prendas más fluidas o transparentes, generando un contraste visual que resulta distintivo.

En ese sentido, Moss suele elegir siluetas que favorecen la movilidad y evitan la rigidez, lo que refuerza la impresión de espontaneidad y confianza en sí misma.

El calzado, generalmente de tacón medio o alto, subraya una postura firme y segura, mientras que los accesorios, discretos pero de gran presencia, como collares de eslabones metálicos, gafas oscuras y bolsos compactos, aportan puntos de interés sin saturar el conjunto.

Otro aspecto fundamental es su manejo del concepto de androginia, visible en la incorporación de piezas tradicionalmente masculinas como blazers, pantalones de sastrería y abrigos amplios, que equilibra con prendas de corte femenino y tejidos delicados.

Este juego entre lo masculino y lo femenino se expresa también en su actitud corporal: Moss casi nunca fuerza poses, sino que transmite una elegancia despreocupada e instintiva, que evita lo teatral.

La naturalidad de su peinado y maquillaje, casi siempre con ondas sueltas y un maquillaje que resalta la piel, contribuye a reforzar esta estética.

En síntesis, el estilismo de Kate Moss se sostiene sobre una combinación de sencillez, sensualidad y actitud. Su capacidad para reinterpretar el vestuario clásico mediante la mezcla de texturas, el dominio del color y la elección de accesorios precisos, la consolida como referente de un estilo que no necesita excesos para ser influyente.

La coherencia entre su personalidad y su manera de vestir le otorga una autenticidad que trasciende modas y ciclos, situándola como un ícono de la moda contemporánea.

Lauren Sánchez Bezos destinó 34 millones de dólares a cuatro proyectos enfocados en el desarrollo de nuevos materiales textiles que generen un menor impacto ambiental. La iniciativa busca transformar la industria desde la etapa inicial, cambiando el origen de las prendas antes de su fabricación.

Esta inversión se enmarca en los esfuerzos del Bezos Earth Fund por cumplir el compromiso climático de 10 mil millones de dólares anunciado por Jeff Bezos para 2030. Con este aporte, el fondo acelera el desembolso de los cerca de 7.000 millones de dólares que aún quedan por asignar.

Según Fortune, el fondo sostiene que los materiales y la manufactura son cerca del 80% de la huella ambiental de la moda, entre emisiones, uso de agua, contaminación y residuos enviados a vertederos.

La lógica de la iniciativa filantrópica es intervenir en la fibra, es decir, en la base misma de la cadena textil, para reducir una parte del problema antes de que exista la prenda terminada.

Cómo se reparte la inversión entre diferentes líneas de investigación

El anuncio se hizo a fines de abril y divide el financiamiento en cuatro líneas de investigación. Columbia University y el Fashion Institute of Technology compartirán 11,5 millones de dólares para producir una fibra textil a partir de bacterias alimentadas con desechos agrícolas.

La University of California, Berkeley recibirá 10 millones de dólares para desarrollar una fibra biodegradable inspirada en la seda de araña, sin usar gusanos de seda, arañas ni plástico.

Clemson University obtendrá USD 11 millones para editar genéticamente algodón con color y propiedades funcionales incorporadas desde el cultivo. La cuarta línea asigna 1,5 millones de dólares a la Cotton Foundation para restaurar un banco de semillas de algodón no modificado genéticamente.

En una declaración, Sánchez Bezos describió así el alcance de las investigaciones: “Estos equipos están cultivando fibra a partir de bacterias, diseñando algodón que sale de la tierra con color y creando fibras similares a la seda a partir de compost. Eso no solo es bueno para el planeta. Es el futuro de la moda”.

Por qué el anuncio de Lauren Sánchez Bezos generó debate

La reacción no giró solo alrededor de la inversión. Algunas discusiones fueron sobre momento elegido para comunicarla. El anuncio se conoció pocos días antes de la Met Gala 2026, donde Jeff Bezos y Sánchez Bezos participaron como patrocinadores principales y copresidentes honorarios.

La gala anual no es solo una celebración social: es la gran recaudación de fondos del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art y una de las citas centrales del calendario cultural de la moda.

Asimismo, la controversia volvió a tomar fuerza hace pocos días, cuando Instagram sirvió de escenario para un nuevo mensaje de Sánchez Bezos sobre materiales sostenibles.

En un video, Sánchez Bezos mencionó hongos, hojas de piña, cactus, bacterias y redes de pesca como insumos viables para fabricar ropa, y dijo que está “muy emocionada de trabajar con el Bezos Earth Fund y con los científicos que están reinventando la próxima generación de telas amigables con el planeta”.

La publicación recibió respuestas críticas. Un usuario escribió: “Puede compensar las emisiones de carbono de los viajes en jet privado”. Otro comentó: “Dudo mucho que tu vestido de boda de Dolce y 80 corsés estén hechos de cactus o bacterias”.

Cuál es el impacto ambiental de Amazon

Una de las objeciones centrales parte del peso de Amazon en el mercado. La empresa es el mayor minorista de ropa del mundo y arrastra cuestionamientos por la contaminación asociada a la fabricación, el embalaje y las entregas rápidas.

La compañía afirma que trabaja para alcanzar emisiones netas cero en 2040. Pero su informe de sostenibilidad de 2024 mostró que las emisiones absolutas de carbono subieron 6% ese año, aunque las emisiones por unidad enviada cayeron cerca de un tercio desde 2019.

El otro foco de escepticismo está en la economía de los materiales de nueva generación. El desarrollo de estos insumos suele ser costoso y las empresas emergentes de textiles sostenibles llevan años con dificultades para competir con el poliéster en precio y escala.

El esperado retorno de Rihanna al Carnaval de su isla natal no solo acaparó la atención del público local, sino que también generó repercusión internacional en el mundo de la moda por su apuesta estilística.

La cantante, empresaria y referente de moda volvió a desfilar en las calles de Barbados durante el Grand Kadooment Day, la celebración que marca el cierre de la temporada de Crop Over y el fin de la cosecha de caña de azúcar.

Su presencia convirtió nuevamente la festividad en una pasarela global, donde el vestuario y la creatividad local encontraron eco en las portadas de los principales medios del mundo.

Para la edición de este año, Rihanna eligió un conjunto diseñado especialmente por la creadora barbadense Lauren Austin, responsable de muchos de sus atuendos carnavalescos anteriores.

El resultado fue un body semitransparente, cubierto con pedrería iridiscente y bordados metálicos que delinean el torso, los brazos y las piernas de la cantante. Varios de sus tatuajes quedaron visibles a través del tejido, con el fin de aportar un sello personal al diseño.

Las aplicaciones en tono turquesa realzaron la pieza, sumando un contraste fresco y luminoso que dialogó con el espíritu caribeño de la celebración.

El look se completó con accesorios de gran tamaño que reforzaron la atmósfera festiva. Un tocado circular, adornado con incrustaciones brillantes, enmarcó el rostro de la artista y se convirtió en el punto focal del atuendo.

Una estructura de plumas en tonos azul, fucsia, naranja, verde y amarillo se desplegó por encima y alrededor de su cabeza y espalda, generando un efecto voluminoso y llamativo que define la silueta. El maquillaje, por su parte, apostó por la intensidad: labios en color fucsia y detalles de cristales alrededor de los ojos.

El diseño, firmado por la creadora local, puso en valor la artesanía y la identidad barbadense, mientras la elección de materiales y la estructura del conjunto se alinearon con las tendencias globales de la moda.

Este equilibrio entre lo autóctono y lo contemporáneo convirtió a la artista en una embajadora cultural, que utiliza su imagen para proyectar la creatividad de su país en los circuitos internacionales.

El look de Rihanna en el Carnaval de 2025

En la edición anterior, Rihanna ya había captado la atención con un atuendo igualmente impactante. Su presencia en el carnaval de 2025 estuvo marcada por un body transparente, decorado con pedrería dorada y roja que cubría estratégicamente su torso y extremidades.

El diseño se completaba con un tocado voluminoso, adornado con piedras en tonos ámbar y dorado, que se extendía en formas puntiagudas sobre su cabeza y aportaba un aire teatral.

El elemento más llamativo del conjunto eran unas grandes alas compuestas por plumas en tonos naranjas, rosas, amarillos y negros, dispuestas en forma radial detrás de la artista.

Este recurso visual generaba un efecto de expansión y movimiento, reforzando la presencia de la cantante en el desfile. El maquillaje brillante, el cabello suelto y ligeramente ondulado, y la piel con acabado luminoso completaban la imagen.

El estilo de Rihanna fuera del carnaval

Más allá de las celebraciones festivas, el estilo cotidiano de Rihanna revela una faceta diferente pero igualmente distintiva.

La artista alterna prendas de silueta amplia, como sudaderas, pantalones vaqueros y vestidos fluidos, con accesorios de gran tamaño que introducen un toque de sofisticación urbana.

Entre sus elecciones habituales destacan las gafas oscuras y los bolsos estructurados, elementos que refuerzan una imagen de comodidad y funcionalidad.

Los colores neutros y las texturas suaves predominan en sus conjuntos diarios, aunque la cantante no duda en incorporar detalles llamativos, como cinturones anchos, calzado de punta o estampados.

Esta combinación de piezas deportivas y accesorios cuidadosamente seleccionados da lugar a una estética relajada pero siempre pulida, que se adapta tanto a compromisos profesionales como a actividades informales.

La capacidad de Rihanna para reinventar su imagen y anticipar tendencias la mantiene como un referente en el universo de la moda, dentro y fuera del escenario.

Dua Lipa y Callum Turner eligieron Nueva York para su primer gran aparición pública como pareja casada, y lo hicieron con una puesta en escena que capturó la atención de todos en el estreno de “One Night Only”. La ciudad sirvió de marco para esta presentación oficial, consolidando su estatus como una de las duplas más observadas del momento.

La pareja dejó en claro que la elegancia puede imponerse sin recurrir a estridencias. Lipa y Turner apostaron por un estilo sobrio y perfectamente armonizado, reforzando su lugar como referentes tanto en la música como en el cine.

Dua Lipa se inclinó por la alta costura con un vestido negro diseñado por Maximilian Davis para Ferragamo. La pieza, de corte largo y escote halter pronunciado, incorpora una falda de flecos que acompaña el andar de la cantante. El diseño, de líneas depuradas y cauda extendida, marca un giro hacia la sofisticación y el minimalismo, alejándose de los excesos habituales en el vestuario de la artista.

El look se completó con un peinado pulido hacia atrás y joyas exclusivas de Bvlgari. Destaca la icónica pulsera Serpenti en oro amarillo y blanco de 18 quilates, incrustada con 55 diamantes talla marquesa. La selección se complementa con pendientes de esmeraldas talla pera y un anillo a juego, piezas que suman brillo sin competir con la propuesta central.

La pareja reafirmó así que la moda puede hablar de elegancia y detalle sin necesidad de artificios, posicionándose en la vanguardia del estilo internacional.

El maquillaje, con cejas definidas y labios en tonos neutros, refuerza la estética minimalista y resalta la seguridad de la cantante.

Por su parte, Callum Turner optó por un traje cruzado azul marino de Louis Vuitton, que combina la sastrería clásica con toques de street style a través de una camisa en tono crema y una corbata marrón de rayas diagonales. El contraste con el tradicional traje negro suele verse en los estrenos, aportando modernidad sin perder formalidad.

La elección de Turner, con solapas anchas y botones dorados, subraya su rol como embajador de la firma y su preferencia por la elegancia actualizada. El peinado, discreto y corto, complementa el aire sobrio del conjunto.

Looks y el impacto visual de la pareja

El análisis de los atuendos de Dua Lipa y Callum Turner revela una propuesta visual coherente y complementaria, donde la atención al detalle y la selección de materiales de calidad son protagonistas.

En cada aparición, la pareja demuestra que la coordinación no implica uniformidad: cada uno mantiene su identidad estilística, pero la armonía cromática y la calidad en la confección refuerzan una imagen de pareja sólida y sofisticada.

La selección de prendas y accesorios no es casual. En eventos de gala, Dua Lipa suele apostar por vestidos audaces y materiales llamativos, como lentejuelas, terciopelo o flecos, siempre acompañados de joyería selecta y maquillaje definido.

Turner, en cambio, prefiere la sobriedad de los tonos oscuros y los cortes clásicos, actualizados con pequeños detalles de tendencia.

La complementariedad no solo es visual, sino también conceptual: juntos exploran la formalidad clásica y la moda de vanguardia, adaptando cada aparición al contexto y mostrando versatilidad.

Este debut en la alfombra roja como recién casados marca un punto de inflexión en la narrativa pública de la pareja.

La elección de siluetas pulidas, materiales nobles y accesorios selectos refuerza su posición como referentes de estilo, capaces de transformar cualquier aparición en una declaración visual sólida y memorable.

La atención mediática que generaron no solo responde a la novedad de su matrimonio, sino también a la coherencia y el impacto de su propuesta estética, que combina tradición, modernidad y un inconfundible sello personal.

El estilista sinaloense Aldo Rendón ha convertido cada aparición en La Casa de los Famosos México 2026 en una exhibición de moda de lujo.

Desde su ingreso el 26 de julio, los conjuntos que ha lucido en los momentos más visibles del reality suman más de 165 mil pesos en prendas de diseñador, una cifra que crece con cada gala.

El primer día: saco, botas y vestido por casi 125 mil pesos

La noche del estreno, Rendón entró a la casa con un look que no pasó desapercibido. El conjunto incluía un saco Junya Watanabe valuado en casi 50 mil pesos, botas Rick Owens de 45 mil pesos y un vestido de la misma firma por 30 mil pesos. En total, su outfit de debut rozó los 125 mil pesos, una cifra que habría bastado para cubrir varios meses de renta en Ciudad de México.

La elección de las prendas no fue casual. Rendón lleva más de dos décadas en la industria de la moda mexicana y ha construido su reputación como asesor de imagen de figuras como Thalía y Paulina Rubio. Entrar a la casa con ese nivel de vestuario fue, en sí mismo, una declaración de intenciones.

Esa misma noche, sin embargo, el estreno le deparó una sorpresa menos glamorosa. La conductora Wendy Guevara activó un poder especial que le permitió a Arantza Ruiz colocar a un habitante directamente en la placa de nominados. La elección recayó sobre Rendón, quien se convirtió así en el primer nominado de la temporada, antes de que terminara su primera noche en el encierro.

La primera gala de nominación: 36 mil 500 pesos más

Para la gala de nominación, Rendón volvió a demostrar que no improvisa cuando se trata de vestirse. Apareció con una camisa JW Anderson de 15 mil pesos, unas sandalias Lanvin de otros 15 mil pesos y unos shorts Tom Ford de 6 mil 500 pesos. El total del look: 36 mil 500 pesos para una noche en la que su permanencia en el reality dependía del voto del público.

El estilista de 47 años, originario de Sinaloa, tiene cerca de 936 mil seguidores en Instagram y se ha hecho conocido tanto por su trabajo en la industria como por su personalidad sin filtros. Dentro de la casa ha protagonizado varios momentos virales y, pese a sus comentarios que algunos califican de polémicos, mantiene una base sólida de apoyo en el exterior.

Primera gala de eliminación: falda y chamarra por 35 mil 700 pesos

La gala de eliminación del domingo 2 de agosto estuvo marcada por un episodio que rápidamente circuló en redes sociales. Horas antes de que iniciara el evento, Rendón estalló contra la producción porque la falda que planeaba usar no estaba lista para lucirse. Con el micrófono apagado, pero frente a los micrófonos de ambientación de la casa, se escuchó todo. Fue la modelo Yanet García quien terminó ayudándole a arreglar la prenda.

El look de esa noche incluyó una falda Iván Ávalos de 5 mil 700 pesos y una chamarra Willy Chavarría valuada en casi 30 mil pesos. Rendón sobrevivió la eliminación y sigue en competencia.

Capitán del cuarto Ibiza con mira en los 4 millones

Rendón ingresó al reality como capitán del cuarto Ibiza, una posición de ventaja estratégica desde el primer día. Pese a la nominación temprana, el público ha respaldado su permanencia semana a semana, y en redes sociales hay quienes ya lo señalan como uno de los favoritos para ganar el premio de 4 millones de pesos.

La temporada se transmite por Las Estrellas y ViX, con galas conducidas por Galilea Montijo, Odalys Ramírez y Diego de Erice. El reality tiene programadas diez semanas de encierro, con final previsto para inicios de octubre. Rendón, por ahora, sigue dentro, bien vestido y con cuentas pendientes

Victoria y David Beckham redefinen el concepto de vacaciones de lujo con cada aparición en el Mediterráneo. La pareja convierte destinos como Ibiza y Saint-Tropez en pasarelas espontáneas, donde el estilo cobra protagonismo y la moda se fusiona con la exclusividad de paisajes icónicos.

En Saint-Tropez, demostraron cómo la elegancia puede convivir con la comodidad sin perder impacto. Victoria Beckham eligió un vestido largo de seda en tono burdeos, acompañado de un clutch Hermès Kelly de cuero de avestruz con plumas, sandalias de tacón y gafas de sol oversize. El cabello suelto, con ondas suaves, sumó un guiño de frescura a un conjunto que resume la sofisticación en clave veraniega.

David Beckham, fiel a la estética relajada pero cuidada, apostó por una camiseta blanca, pantalón holgado de lino beige y zapatillas claras. Los anteojos de sol completaron un look funcional y fresco, perfecto para el ritmo del verano.

Las jornadas a bordo de un yate dejaron postales de inspiración náutica. Victoria apareció con un vestido negro de tirantes y escote amplio, bolso de rafia, pañuelo estampado, gafas oscuras y un sombrero de paja de ala ancha. David optó por la combinación de camiseta blanca, pantalón corto oscuro y gorra blanca estilo trucker. Ambas elecciones reflejan cómo el lujo y la sofisticación pueden adaptarse a un entorno distendido, sin perder identidad ni magnetismo.

La clave de su éxito estuvo en la capacidad de adaptar el vestuario a cada situación sin sacrificar la identidad de marca personal. Victoria mantuvo su apuesta por prendas minimalistas, siluetas definidas y accesorios llamativos pero nunca estridentes.

David combinó comodidad y distinción a través de básicos cuidadosamente seleccionados, tejidos de calidad y una paleta neutra que reforzaba la imagen de elegancia sin esfuerzo.

El estilo lujoso que define a la pareja

El estilo de los Beckham como pareja está marcado por una sincronía visual constante y una búsqueda deliberada de armonía en sus apariciones públicas.

Ambos eligen gamas cromáticas similares y estilos que se complementan sin competir, lo que generó una imagen de unidad y complicidad estilística.

Cuando Victoria opta por vestidos de gala en tonos oscuros y líneas limpias, David recurre a trajes de corte clásico en la misma familia de colores, o incorporó matices a través de accesorios cuidadosamente seleccionados.

La propuesta de vestuario de la pareja fusiona elegancia contemporánea, minimalismo y atención al detalle. Victoria desarrolló una identidad basada en la sofisticación y la simplicidad, con vestidos de corte sirena, telas satinadas o mate, y una paleta de colores neutros y metálicos.

Los detalles, como drapeados discretos o estampados florales sobrios, refuerzan una estética pulida y atemporal. Para eventos nocturnos, suma accesorios como estolas de pelo sintético, anteojos oversize y bolsos clutch, siempre manteniendo un enfoque refinado.

David muestra versatilidad y precisión, alternando entre trajes a medida en azul marino, gris o negro y conjuntos casuales de pantalones de lino, camisetas básicas y suéteres sobre los hombros.

El uso de tejidos naturales, prendas bien confeccionadas y accesorios como relojes llamativos y anteojos de sol de diseño son elementos clave de su look.

En eventos formales, opta por esmóquines de terciopelo o sacos cruzados y zapatos de charol, mientras que en contextos relajados se inclina por pantalones cortos, camisetas frescas y zapatillas sobrias.

La coherencia entre ambos se refleja en la manera en que sus atuendos dialogaron visualmente, proyectando una imagen de pareja alineada y consciente de la importancia de la estética conjunta.

Esta coordinación no implica perder la individualidad: Victoria mantiene su sello de minimalismo elegante, y David equilibra la formalidad clásica con toques relajados y modernos.

En cada aparición, los Beckham evitan estridencias y apuestan por la calidad en los tejidos y los acabados, consolidando una identidad de pareja donde cada prenda parecía elegida para reforzar la complicidad visual.

El resultado es un estilo icónico, donde la sencillez y el detalle marcaron la diferencia tanto en el ámbito individual como en el conjunto, haciendo de su vestuario una declaración constante de sofisticación y modernidad.

Meghan Markle cumple 45 años y se posiciona como referente indiscutida en la moda global. Su influencia se percibe en cada aparición pública, donde elige prendas que fusionan sofisticación y funcionalidad con una naturalidad única.

Su imagen, depurada y precisa, se convirtió en un manual contemporáneo de elegancia. Millones siguen sus elecciones, que constantemente reescriben las reglas del estilo actual.

Desde aquel primer paso en la familia real británica hasta su presente en Estados Unidos, Meghan trazó una identidad visual basada en siluetas puras, paletas neutras y detalles discretos. Esta selección va más allá de lo estético: responde a una estrategia de comunicación visual que privilegia la sobriedad y la capacidad de adaptación, equilibrando tradición con un espíritu moderno.

1- Minimalismo y neutralidad cromática en el vestuario formal

Uno de los sellos distintivos del estilo de Meghan es la apuesta decidida por el minimalismo en sus apariciones formales.

Los colores neutros como el beige, el blanco, el negro y el azul marino constituyen la base de su vestuario, presentes en vestidos de silueta recta, abrigos largos con cinturón y trajes sastre de corte depurado.

La ausencia de estampados llamativos y la elección de tejidos lisos refuerzan una estética depurada, donde la calidad de los materiales y la confección precisa adquieren protagonismo.

En eventos de gala, la duquesa de Sussex se decantó por vestidos largos en tonos claros, como el emblemático diseño en color nude de escote asimétrico, confeccionado en una tela liviana que caía suavemente y que acompañó con accesorios discretos.

Además, el uso de prendas en negro, como el esmoquin satinado de solapa ancha y cinturón estructural que usó para su aparición en la portada de Harper´s Bazaar, consolidó su inclinación por la sastrería contemporánea.

En términos generales, la elección de una paleta cromática neutra le permitió proyectar una imagen de elegancia atemporal, adaptándose a los más estrictos códigos de vestimenta sin renunciar a su identidad personal.

2- Apuesta por la monocromía y los colores sólidos

Aunque el minimalismo marca su estilo, Meghan Markle no rehusó el uso del color. Su preferencia se orienta hacia la monocromía y la sobriedad, incluso al elegir tonos vibrantes.

En galas y actos nocturnos, optó por vestidos de un solo color en tonos como el rojo intenso. Un ejemplo fue el vestido largo con capa y clutch a juego, complementado por pendientes de piedras rojas que reforzaron el efecto monocromo y permitieron destacar en ambientes formales, sin excesos decorativos.

Durante el día, recurrió a vestidos cortos de corte recto en verde oliva o beige, que combinó con medias oscuras y zapatos de punta fina.

Esta elección le permitió transitar con naturalidad entre la modernidad y el clasicismo, logrando un equilibrio visual que ha sido replicado por diseñadores y seguidoras de la moda en todo el mundo.

Un rasgo notable de su estilo es la coherencia y la funcionalidad: cada prenda cumple una función específica y responde a la necesidad de adaptarse a contextos diversos, desde actos protocolares hasta reuniones informales.

3- Sastrería moderna y prendas de inspiración masculina

La sastrería contemporánea ocupa un lugar central en su armario. Los trajes de blazer y pantalón, reinterpretados en clave femenina, se convirtieron en una de sus señas de identidad.

Entre sus elecciones más recordadas figuran los conjuntos en tonos claros, como el traje beige de pantalón ancho y chaqueta ligeramente oversize, acompañado de camisa blanca y cinturón metálico.

Este tipo de estilismo, junto con el uso de blazers estructurados y pantalones rectos, consolidó una imagen sofisticada y actual, alineada con las tendencias internacionales.

La preferencia por tejidos de calidad, cortes pulidos y accesorios sencillos refuerza su apuesta por la discreción y la practicidad, elementos que han sido ampliamente valorados en la industria de la moda.

4- Prendas casuales y enfoque práctico

En contextos informales demostró una capacidad notable para conjugar la comodidad con el refinamiento.

Su vestuario casual se compone de básicos atemporales, como jeans rectos o ligeramente ajustados, chaquetas estructuradas en tonos oscuros y blusas de manga larga.

Complementos como bailarinas bicolor, anteojos de sol de montura metálica y bolsos pequeños de cadena fueron una constante, logrando una imagen desenfadada, urbana y cuidada.

El cabello recogido en coleta baja o suelto con ondas suaves y el maquillaje en tonos neutros, con énfasis en la luminosidad de la piel, acentuaron la naturalidad de estos looks.

La elección de prendas versátiles, que facilitan la transición entre diferentes ambientes y actividades, refuerza la funcionalidad como pilar de su estilo.

5- Accesorios, peinados y maquillaje: la moderación como regla

Los accesorios en el estilismo de Meghan Markle responden a una lógica de moderación y coherencia. Prefiere pendientes de tamaño mediano a grande en eventos nocturnos y piezas más pequeñas y discretas para el día a día.

Los bolsos, casi siempre de tamaño reducido y formas estructuradas, acompañan tanto conjuntos formales como casuales. Los zapatos oscilan entre stilettos puntiagudos y bailarinas clásicas, adaptándose a la ocasión y resaltando la funcionalidad.

En cuanto a peinados, el cabello suele lucirse suelto con raya al medio y ondas suaves, o recogido en coletas bajas y moños pulidos en ocasiones formales.

El maquillaje enfatiza la naturalidad: bases ligeras, cejas definidas, labios en tonos nude o rosados y un uso moderado de iluminador completan un look fresco, alineado con la estética contemporánea.

El estilo Old Hollywood marcó el ambiente en la boda de Emma Roberts y Cody John en Sun Valley, Idaho.

La actriz transformó la celebración en un evento donde la sofisticación y el diseño exclusivo fueron protagonistas, luciendo un vestido y accesorios que atrajeron todas las miradas. Desde el inicio, la pareja mostró su intención de alejarse de lo tradicional y eligió un atuendo que combinó la nostalgia de otras épocas con el lujo y la modernidad actuales.

El vestido de novia: inspiración vintage y trabajo artesanal

La búsqueda de Emma Roberts partió de un deseo muy concreto: “Quería parecer un fantasma… una especie de antigua muñeca fantasma”, confesó la actriz.

El resultado fue un vestido etéreo y romántico, creado especialmente por Monique Lhuillier, una de las diseñadoras más reconocidas del circuito internacional. La pieza, confeccionada en gasa de seda, destaca por su aire vintage y la delicadeza de su confección artesanal.

Monique Lhuillier diseñó un tono exclusivo para la ocasión, al que denominó Vintage Rose, un blanco con efecto envejecido que remite al segundo nombre de la actriz y refuerza la estética de prenda heredada.

El vestido incluye un corset interno y una amplia abertura en la falda para facilitar el movimiento, y un chal asimétrico desmontable que, tras la ceremonia, permitía transformar el look en una versión strapless.

La diseñadora necesitó nueve meses de trabajo y unas mil horas de confección para lograr una pieza capaz de convertirse en hasta cinco versiones distintas, adaptándose a los diferentes momentos del día.

El estilismo se completó con un largo velo transparente de inspiración clásica y otro, más corto, de estética Old Hollywood, que podía desplazarse hacia atrás como una vincha. Este doble velo aportó un detalle original sin perder el espíritu vintage que impregnó todo el conjunto.

Por su parte, Cody John llevó un look personalizado de Ferragamo. El esmóquin era marrón y estaba compuesto por una camisa blanca, moño y el conjunto sastrero.

Para la fiesta posterior, la novia sorprendió con un segundo look: un vestido negro de archivo, también firmado por Monique Lhuillier, perteneciente a la colección otoño 2004.

Esta pieza, confeccionada con corset de encaje Chantilly y una falda midi de organza de seda en capas cortada a mano, representó un guiño a la transgresión y la sofisticación, fusionando el espíritu de otras épocas con un gesto inesperado de modernidad.

Organización y detalles de una boda de lujo

La elección de Sun Valley, Idaho, como escenario no fue casual. La familia de Cody John tiene una larga historia en la zona y, para la pareja, este lugar representa su lugar feliz.

La ambientación y la planificación de la boda buscaron trasladar esa sensación de bienestar y exclusividad a cada invitado. Todo el evento se realizó en la residencia familiar del novio, rodeada de montañas y naturaleza, lo que aportó un aire campestre sin perder la elegancia.

El proceso de organización fue coordinado por Heather Minor Events, con una visión muy clara: “Queríamos que el casamiento se sienta como unas vacaciones para todos”, señaló Emma a Vogue.

Las invitaciones incluyeron ilustraciones personalizadas inspiradas en postales kitsch de los años 60 en Sun Valley, anticipando el tono lúdico y sofisticado de la celebración.

La novia participó activamente en la selección del menú y en la creación de los souvenirs: los invitados recibieron bolsos personalizados, junto a barajas de cartas y caramelos, detalles que fusionaron el encanto local con el lujo contemporáneo.

Experiencia y ambientación: lujo natural y detalles exclusivos

La boda de Emma Roberts fue mucho más que una ceremonia nupcial; fue una experiencia pensada al detalle para sorprender a los asistentes.

La cena de ensayo, celebrada en The Kneadery, incluyó platos tradicionales y emotivos discursos de amigos y familiares.

El evento de bienvenida se realizó en el restaurante Roundhouse, ubicado en la cima de una montaña y accesible solo en góndola, desde donde los invitados disfrutaron de vistas panorámicas de Sun Valley.

La decoración se distinguió por mesas rústicas con servilletas con volados y tarjetas de cobre con los nombres de cada invitado, reforzando ese espíritu de lujo relajado y atención personalizada.

Durante la ceremonia, los arreglos florales orgánicos de Bloom Theory y el sonido de un arroyo cercano aportaron un telón de fondo natural y elegante.

La fiesta posterior mantuvo el tono exclusivo: la banda Metro Music Club cerró con “Iris” de los Goo Goo Dolls, y los invitados continuaron la celebración en The Cellar, un bar local donde la novia introdujo los primeros shots de gelatina rosa personalizados.

Al día siguiente, la reunión en Grumpy’s permitió continuar el festejo en un ambiente distendido, pero sin perder el halo de sofisticación que caracterizó todo el fin de semana.

La boda fue el reflejo de una visión estética muy definida: fusionar el lujo con el encanto vintage, priorizando la originalidad, la calidad artesanal y el disfrute genuino de todos los presentes.

La novia logró convertir su casamiento en un evento donde la moda fue tan protagonista como el amor.

La edición número 37 de Colombiamoda volvió a convertir a Medellín en un punto de encuentro para empresarios, compradores, diseñadores y visitantes especializados de distintos continentes. Durante una semana, la ciudad recibió miles de asistentes que impulsaron la actividad económica y consolidaron el papel del evento como una de las principales vitrinas del Sistema Moda colombiano.

Más allá de las pasarelas y las colecciones presentadas, la feria dejó resultados que impactaron sectores como la hotelería, la gastronomía, el transporte, el comercio y otros servicios asociados al turismo de negocios. El balance entregado por Inexmoda refleja que la cita continúa ampliando su influencia sobre la economía local.

La derrama económica superó los US$22 millones gracias al turismo MICE (Meetings, Incentives, Conferences and Exhibitions), impulsado por la realización de la Semana de la Moda de Colombia. Esa dinámica reafirma a Medellín como uno de los destinos más importantes de América Latina para eventos especializados.

Durante los siete días de programación, Colombiamoda reunió a 65.000 asistentes procedentes de 53 países. Además, participaron 630 marcas y expositores provenientes de 54 ciudades colombianas, quienes aprovecharon el encuentro para fortalecer relaciones comerciales y presentar sus propuestas ante compradores nacionales e internacionales. La feria recibió 9.000 compradores especializados, de los cuales 1.600 llegaron desde otros países. Ese escenario permitió a las empresas ampliar contactos, abrir oportunidades de negocio y mostrar la evolución de la industria colombiana ante representantes de diferentes mercados.

La edición de 2026 se desarrolló bajo el concepto “Uniqueness is the New Luxury”, una propuesta con la que Colombiamoda buscó demostrar que la competitividad del Sistema Moda colombiano depende cada vez más de la identidad de las marcas, el valor agregado de sus productos y la capacidad para conectar con consumidores de distintos mercados.

Sebastián Díez, presidente ejecutivo de Inexmoda, destacó el papel que desempeña el evento para proyectar el talento nacional: “Colombiamoda es el escenario donde exaltamos a Colombia y conectamos al país con el mundo a través de su creatividad, su talento y la fuerza de un Sistema Moda que trabaja unido. Hoy vemos marcas que entienden que competir no significa únicamente responder a una dinámica de precios, sino construir valor desde la identidad, el diseño, la innovación y el sello de autor”.

Y añadió: “Esta edición demuestra que Colombia tiene una voz propia dentro de la moda internacional y que, cuando articulamos empresarios, diseñadores, academia y aliados estratégicos, logramos proyectar una industria más fuerte, preparada para conquistar nuevos mercados y mostrarle al mundo aquello que nos hace únicos”.

El balance entregado por Inexmoda también destacó la capacidad de Colombiamoda para dinamizar diferentes actividades económicas de la ciudad. La llegada de empresarios, compradores, expertos y visitantes especializados impulsó la demanda de alojamiento, restaurantes, transporte y otros servicios vinculados con el turismo de negocios.

La feria generó además 2.500 empleos directos e indirectos. Empresas dedicadas al vestuario femenino, masculino e infantil, calzado, marroquinería, accesorios, joyería, denim, resortwear, bienestar, insumos y proveeduría especializada aprovecharon el espacio para exhibir productos desarrollados con énfasis en creatividad, innovación y construcción de marca. Como parte de las estrategias para fortalecer la competitividad del sector, la Cámara de Comercio de Bogotá asistió con una misión empresarial integrada por 20 compañías pertenecientes a los segmentos de joyería, moda casual, jeanswear y calzado. El objetivo fue generar nuevas oportunidades comerciales y ampliar su presencia en mercados nacionales e internacionales.

Uno de los aspectos más destacados de esta edición fue el fortalecimiento del Circuito de Ciudad. Gracias a esta iniciativa, Colombiamoda llevó experiencias relacionadas con moda, arte, cultura, gastronomía, deporte y entretenimiento a diferentes espacios de Medellín, ampliando el alcance del evento más allá de los escenarios tradicionales.

En total se realizaron 140 actividades distribuidas por distintos puntos de la capital antioqueña. La programación permitió que ciudadanos, empresarios y visitantes participaran en experiencias que complementaron la agenda comercial y consolidaron a Medellín como un destino internacional para la moda, los negocios y las industrias creativas.

La agenda incluyó además 35 pasarelas y 28 espacios de conocimiento con la participación de 126 conferencistas nacionales e internacionales. A ello se sumó la Ruta de la Sostenibilidad, integrada por 38 empresas, junto con 23 conferencias especializadas sobre economía circular, innovación, trazabilidad y retos ambientales para el Sistema Moda colombiano.

La reina Letizia transformó la narrativa de la moda institucional española durante la última temporada, dejando claro que su estilo evolucionó hacia una nueva etapa marcada por la seguridad, la sofisticación y la capacidad de sorprender.

Cada una de sus apariciones recientes transmitió un mensaje diferente, pero todas compartieron una coherencia estética que reforzó su imagen de referente en el universo fashion.

Entre los gestos más comentados de esta renovación estilística destacó su elección para la Noche del Cine de Mallorca, en la clausura del Atlàntida Mallorca Film Fest. Allí, la reina apostó por un look que superó las expectativas y marcó un antes y un después en su repertorio de moda.

El vestido rojo asimétrico, de Carolina Herrera, fue una declaración de intenciones cromática y también introdujo códigos contemporáneos poco frecuentes en eventos oficiales.

La cremallera lateral metálica, visible y protagonista, generó una abertura audaz en la falda y aportó al conjunto una sensualidad controlada, demostrando que la monarquía puede dialogar con las tendencias actuales sin renunciar a la elegancia.

Este detalle, sumado al drapeado lateral que acentuaba la figura, daba al conjunto una mezcla de sofisticación y sensualidad pocas veces vista en actos oficiales. El vestido, valorado en 2.936 euros, se convirtió en objeto de deseo y conversación.

La elección de accesorios reforzó aún más el carácter contemporáneo del look. La reina estrenó unas sandalias tipo mules en nude acharolado, con tacón y adorno de hebilla dorada, diseño de Gucci.

Llevó en la mano un clutch rígido dorado, creación de la firma turca Begüm Khan, pieza que no había lucido en apariciones previas. En cuanto a joyería, volvió a combinar sus anillos favoritos de Coreterno y Karen Hallam, sumando un toque personal a la propuesta.

Uno de los detalles que más llamó la atención fueron los pendientes con forma de hoja de palma, obra de la diseñadora mallorquina Isabel Guarch. Este modelo, realizado artesanalmente en oro amarillo de 18 quilates y valorado en 1.550 euros, rendía homenaje a la tradición de Mallorca, donde plantar una palmera en la entrada de una casa simbolizaba hospitalidad.

El estilismo se completó con el cabello suelto, peinado en ondas marcadas y una raya lateral, mientras que el maquillaje resaltó la luminosidad de la piel y la mirada, con labios en tono rosado.

Esta elección la posicionó nuevamente como una de las figuras más influyentes en el panorama de la moda institucional y mediática.

Las claves del nuevo estilo de la reina Letizia

El estilo reciente de la monarca se caracterizó por una evolución notable hacia una sofisticación versátil, en la que cada elección de vestuario transmitió mensajes claros sobre su papel institucional y su personalidad.

No se trató solo de prendas puntuales, sino de una estrategia visual que fusionó códigos clásicos y contemporáneos, proyectando autoridad y cercanía a partes iguales.

Letizia apostó por la variedad cromática como sello distintivo, alternando tonos neutros y propuestas vibrantes según la ocasión. El uso de colores como el blanco, el negro o el azul verdoso reflejó una preferencia por la elegancia atemporal y la funcionalidad, mientras que las apuestas por el rojo o los acabados metalizados evidenciaron confianza y un deseo de marcar tendencia.

Las siluetas elegidas oscilaron entre líneas puras y volúmenes controlados, mostrando una inclinación por cortes que resaltaron la figura sin caer en la ostentación. La presencia de drapeados, escotes asimétricos o detalles como cremalleras visibles introdujo guiños a la moda contemporánea, sin renunciar a la sofisticación que exige su rango.

La combinación de tejidos lisos con texturas sutiles permitió que cada atuendo se adaptara tanto a eventos formales como a citas más relajadas, manteniendo siempre un equilibrio entre sobriedad e innovación.

En el plano de los accesorios, la reina optó por piezas de autor y joyería con significado, alternando firmas internacionales reconocidas con creaciones de artesanos locales.

Los bolsos metálicos, sandalias tipo mule o pendientes con referencias culturales reforzaron la narrativa de un estilo que dialogó con la actualidad sin perder raíces. La selección de complementos aportó sofisticación y también un toque personal que distinguió cada aparición.

El peinado y el maquillaje acompañaron esta línea, moviéndose entre ondas suaves, recogidos pulidos y acabados luminosos o mate según el tono del conjunto.

La naturalidad y la sencillez fueron constantes, alejándose de los excesos y priorizando siempre la armonía general del look.

Todas sus elecciones respondieron a las exigencias del protocolo y además buscaron conectar con el público y con las tendencias globales, consolidando su imagen como referente indiscutible en la moda institucional europea.

Nicole Kidman volvió a convertirse en el centro de atención durante la promoción de la esperada secuela “Practical Magic 2”, gracias a una apuesta estilística que conjuga sofisticación y modernidad con el pulso de las tendencias.

Reconocida por transformar cada aparición en un statement de estilo, la actriz australiana eligió un vestido largo negro cut-out, confeccionado en tejido semitransparente y adornado con volantes en el mismo tono. Los detalles recorren desde la parte superior hasta la falda, aportando textura y un sutil dinamismo al conjunto.

El escote en “v” y la asimetría en el bajo aportan un quiebre a la estructura clásica del vestido, manteniendo la sobriedad y sumando sofisticación sin recurrir a excesos. El diseño de tirantes anchos y caída recta destaca por su silueta elegante, mientras que la discreta asimetría introduce una nota de frescura.

Para completar el look, Kidman eligió zapatos de tacón negro con punta fina, reforzando la armonía cromática y elevando el nivel de elegancia. El cabello suelto con ondas suaves y un flequillo largo aporta un aire natural que equilibra la sofisticación del conjunto. El maquillaje sutil realza labios y ojos, sin restar protagonismo al vestido.

Como único accesorio, un anillo plateado en la mano derecha remarca la apuesta por el minimalismo y permite que el diseño principal acapare todas las miradas.

El impacto visual del look residió en la elección deliberada de evitar accesorios llamativos, mostrando cómo un diseño cuidadosamente seleccionado podía definir el tono de un evento y proyectar actualidad sin renunciar a la elegancia atemporal.

Este equilibrio fue una constante en el vestuario de Kidman, que logró captar la atención tanto de la prensa como del público sin recurrir a artificios ni excesos.

El estilismo de Nicole Kidman

A lo largo de su carrera, Nicole Kidman demostró una versatilidad que fue más allá de la interpretación, situándola como referente en el mundo del estilo.

En esta ocasión, la selección del vestido negro de corte largo y acabado semitransparente respondió a tendencias actuales como los detalles cut-out y los volantes estructurados, pero lo hizo manteniendo una línea de sofisticación clásica.

Desde la sobriedad elegante hasta la experimentación con texturas y siluetas llamativas. Su estilo se construyó sobre la base de una sofisticación versátil, capaz de adaptarse a diferentes contextos sin perder coherencia ni identidad.

En entornos urbanos y de día, eligió prendas de sastrería en tonos neutros, como chaquetas grises de corte clásico sobre camisas blancas y pantalones claros.

Estas combinaciones reflejaron una actitud sobria y funcional, con líneas limpias y una paleta cromática discreta, reforzadas por peinados naturales y maquillaje neutro.

En situaciones formales, como su presencia en un palco de Wimbledon 2026, apostó por el traje de pantalón blanco de corte recto y doble botonadura, acompañado de camisa y corbata en tonos similares y un sombrero rígido de ala ancha.

El resultado fue una imagen pulida, con referencias a la sastrería tradicional adaptadas al presente. La ausencia de accesorios ostentosos y la elección de colores lisos contribuyeron a la sobriedad de estos conjuntos.

En galas y alfombras rojas, desplegó una faceta más audaz. En la Met Gala, por ejemplo, lució un vestido largo de lentejuelas rojas, de manga larga y corte ceñido, con detalles de plumas en la cadera y las mangas, generando un contraste visual marcado.

También optó por vestidos de lentejuelas doradas, que resaltaron con la luz natural y aportaron dinamismo. Estos diseños, de corte entallado y escote pronunciado, dejaban los hombros al descubierto y permitían que la silueta destacara sin necesidad de accesorios excesivos.

En presentaciones públicas y estrenos, alternó entre la sobriedad monocromática y los detalles gráficos. Un ejemplo fue el vestido midi en negro y blanco, que combinó transparencias y texturas en la falda y las mangas, acompañado de sandalias negras de tacón.

El contraste de colores y la mezcla de tejidos añadieron sofisticación y modernidad a su imagen.

Entre otras elecciones, recurrió a vestidos de gala en tonos pálidos, como el palabra de honor en beige con pedrería plateada y detalles de plumas en la cintura, visto en una ceremonia de los premios Oscar.

En ocasiones, apostó por conjuntos en negro con aplicaciones de plumas y materiales satinados o aterciopelados, complementando con gafas oscuras y bolsos pequeños de mano.

Estos looks, finalizados con accesorios discretos, confiaron en la fuerza de los materiales y la silueta.

Kristen Stewart volvió a desafiar las reglas de la moda en la premiere de “Teenage Sex and Death” en Los Ángeles, donde su presencia no pasó inadvertida. La actriz apostó por un look que mezcla elegancia y rebeldía: un saco negro oversize de solapas anchas y doble botonadura, que funcionó como pieza clave de una apuesta minimalista y disruptiva para la alfombra roja.

Lejos de recurrir al clásico pantalón, Stewart optó por unos shorts de denim negro, casi invisibles bajo la estructura del blazer, y convirtió ese detalle en el verdadero protagonista de la noche.

Así, renovó la conversación sobre la sastrería contemporánea y la comodidad, con una silueta actual y descontracturada.

Una camiseta gris de textura suave y cuello redondo completó el conjunto, sumando un guiño informal que equilibró la impronta sofisticada del look.

El conjunto se completa con accesorios seleccionados para enfatizar el carácter urbano del look: gafas de sol negras de montura angosta, un collar metálico corto y pendientes discretos.

En los pies, Stewart opta por calcetines blancos gruesos y zapatillas negras de lona con suela de goma, elementos que refuerzan el espíritu cómodo y rebelde de su propuesta.

Stewart redefine la elegancia en la alfombra roja al apostar por la sastrería combinada con prendas utilitarias y deportivas, desmarcándose de los cánones clásicos.

Su apuesta demuestra que la sofisticación puede ir de la mano con la irreverencia, consolidando un sello personal que genera tendencia en el universo de la moda contemporánea.

Kristen Stewart y la versatilidad de su estilismo

La presencia de la actriz en diversos eventos recientes ha consolidado su reputación como referente de estilo, capaz de transitar con naturalidad entre la sofisticación formal y el desenfado cotidiano.

Cada aparición revela una interpretación distinta de la moda, en la que detalles precisos y elecciones personales transforman el atuendo en una declaración visual.

Su estilo se caracteriza por la capacidad de desafiar las convenciones, apropiándose de códigos clásicos y reinterpretándolos con elementos urbanos, guiños deportivos y detalles inesperados.

En la alfombra roja, Stewart demuestra preferencia por las líneas puras y las texturas inusuales. El maquillaje discreto y la presencia de un tatuaje en el antebrazo evidencian la intención de equilibrar sofisticación y personalidad, evitando caer en la rigidez de la etiqueta tradicional.

La apuesta por conjuntos de dos piezas en tejidos translúcidos y texturas cuadriculadas, como el look gris claro con camisa de manga corta y falda de tiro alto deshilachada, revela su afinidad por el contraste entre la delicadeza y la actitud relajada.

El uso de zapatillas deportivas blancas y medias blancas es una constante en su armario, reflejando una estética que prioriza la comodidad sin resignar el impacto visual.

Los accesorios funcionales, gafas de sol, collares de cadena y tatuajes visibles, refuerzan la identidad de una mujer que fusiona el mundo del lujo con el pulso de la calle.

En eventos de perfil más casual, Stewart recurre a camisas cortas sobre camisetas blancas, pantalones de tiro alto y zapatos de suela gruesa.

El juego de superposiciones y el recurso a peinados desenfadados, como el cabello recogido de manera intencionalmente imperfecta, sugieren una aproximación despreocupada a la moda, aunque siempre estudiada al detalle.

La repetida presencia de colgantes metálicos y joyería sencilla añade un matiz punk y refuerza su vínculo con la cultura alternativa.

Cuando la ocasión lo requiere, Stewart no teme abrazar la estética clásica. El vestido largo de terciopelo negro con encaje blanco y moño alto en la ceremonia de los Oscar manifiesta respeto por los cánones de la elegancia atemporal, pero incorpora un giro contemporáneo mediante contrastes de color y silueta.

La elección de zapatos blancos, poco habitual en este tipo de eventos, es una declaración sutil de independencia estilística.

Incluso en entornos relajados, su estilo mantiene coherencia e intencionalidad. El conjunto crema de camisa y pantalón holgados con ribetes marrones, acompañado de sortijas y pulseras, pone de manifiesto su preferencia por la comodidad y los detalles bien pensados.

El cabello peinado hacia atrás y el fondo de follaje verde enmarcan una imagen de naturalidad cuidada, en la que cada elemento cumple una función estética y narrativa.

En todos estos ejemplos, Kristen Stewart deja claro que su relación con la moda trasciende la mera apariencia: convierte cada look en una extensión de su personalidad, combinando tradición y rebeldía, lujo y practicidad.

Su estilo no es solo una suma de prendas, sino un lenguaje propio que desafía las expectativas y propone nuevas formas de entender la elegancia contemporánea.

La transformación de la moda de lujo en Buenos Aires marca un nuevo capítulo para el segmento premium en la región. El desembarco de marcas internacionales y la consolidación de diseñadores locales redefinen la escena urbana, impulsando un modelo que combina tendencias globales con códigos culturales y hábitos de consumo propios de la capital argentina. El atractivo de este mercado se apoya en la sofisticación del público y en su capacidad para identificar calidad, autenticidad y propuestas de autor, factores que sitúan a la ciudad como un nodo estratégico dentro de la industria del lujo.

Dentro de este escenario, el segmento de lujo ha encontrado en Patio Bullrich un punto de encuentro estratégico. Firmas como Dolce & Gabbana, Longchamp, Adolfo Domínguez y Carmela Achaval apuestan por el mercado argentino no solo para desembarcar, sino para dialogar con una comunidad que valora el diseño de autor y la calidad. La decisión de instalarse en este centro responde a la detección de una comunidad con alto nivel de consumo cultural y un estilo propio, capaz de dialogar con las propuestas globales sin perder originalidad.

El perfil del consumidor argentino, analizado por ejecutivos y creativos del sector, se distingue por su exigencia y por un conocimiento profundo de la moda. Lejos de responder únicamente a la lógica de la exclusividad, el público local prioriza materiales nobles, cuidado en los detalles y prendas atemporales, valorando tanto la funcionalidad como la posibilidad de expresar identidad personal a través del vestuario. Esta demanda se traduce en estrategias comerciales y creativas específicas, que buscan captar la atención y construir relación a largo plazo.

Cómo las marcas ajustan su propuesta en Buenos Aires

Las estrategias de las marcas globales frente al público argentino implican adaptar la comunicación y ciertas experiencias, aunque las colecciones mantienen directrices y conceptos desarrollados en sedes centrales. En las tiendas de lujo, algunos detalles arquitectónicos y de ambientación incorporan materiales autóctonos o referencias al entorno porteño, como una forma de crear conexión con el espacio y los visitantes. El clima y la vida urbana también influyen en la selección de productos: las colecciones privilegian la versatilidad, la superposición de capas y la coexistencia entre lo formal y lo relajado, en sintonía con el estilo multifacético de los consumidores locales.

Tiziana Domínguez, directora creativa de Adolfo Domínguez, explicó a Infobae: “Hemos encontrado un territorio en el que las personas buscan expresar su personalidad a través de prendas con carácter, más allá de las tendencias pasajeras. Esa afinidad con la moda de autor fue uno de los motivos que hizo que Argentina se convirtiera en una apuesta estratégica para la marca”.

Sobre el mercado argentino, señaló que les llamó la atención el profundo conocimiento y apreciación que tiene el público argentino por la moda. “Es un mercado que valora el diseño, la creatividad, la calidad de los materiales y el cuidado de los detalles”, describió.

Por su parte, desde Longchamp se refirieron al público argentino como aquel que tiene una gran cultura de la moda y un ojo muy entrenado para la calidad y el diseño. “Los clientes combinan sofisticación con practicidad y tienen una forma muy personal de interpretar las tendencias internacionales. Esa confianza para construir un estilo propio hace que nuestras colecciones dialoguen muy naturalmente con el mercado local”, explicaron.

Desde Carmela Achaval, la visión sobre el público argentino los lleva a pensar mucho en capas: sacos, tapados y cárdigans que se puedan combinar entre sí: “Eso terminó siendo parte de nuestra identidad. Y hay algo del estilo urbano de Buenos Aires, esa mezcla de formal y relajado, que se refleja en cómo pensamos cada colección”, expresan a Infobae.

Elegancia urbana y preferencias locales: el valor de la autenticidad y la creatividad

La identidad estilística de Buenos Aires destaca dentro del circuito internacional por su capacidad de reinterpretar la elegancia urbana. El público argentino muestra interés por ediciones limitadas, colaboraciones especiales y piezas que trascienden las tendencias de temporada, una preferencia confirmada por los responsables de ventas y comunicación de las marcas en diálogo con Infobae. En este sentido, la moda se integra a un modo de vida cosmopolita y consciente, donde la autenticidad y la creatividad ocupan un lugar central.

El fenómeno no se limita a la indumentaria. Los espacios comerciales de alta gama en la ciudad han ampliado su oferta para incluir propuestas gastronómicas de autor, galerías de arte y experiencias culturales. Según datos de Patio Bullrich, el flujo anual de visitantes supera los 2,5 millones de personas, una cifra que confirma el atractivo sostenido del segmento para marcas extranjeras y nacionales. Esta convergencia de servicios responde a una demanda que busca experiencias integrales, asociadas al lifestyle y el entretenimiento, y no solo al consumo de productos exclusivos.

En ese sentido, Daiana Szarfsztejn, Center Manager de Patio Bullrich, destacó que la llegada y apuesta constante de firmas internacionales icónicas reafirma la posición del centro comercial como el epicentro del lujo en Buenos Aires. “Nos sentimos orgullosos de liderar el mercado ofreciendo una experiencia única donde conviven la alta moda global, y nacional, la gastronomía de autor y la cultura, manteniendo la preferencia de los visitantes que eligen la excelencia”, expresó.

La sofisticación y el conocimiento de la moda distinguen a la clientela local respecto de otros mercados internacionales. Los consumidores argentinos se identifican por su interés en la calidad de los tejidos, las siluetas limpias, los diseños de autor y la posibilidad de acceder a piezas que conjugan funcionalidad y estética. Esta dinámica fue ratificada por voceros de distintas firmas, quienes señalaron a Infobae el valor que otorgan los compradores locales a la atemporalidad y a la versatilidad de las prendas, así como a la personalización del servicio y el asesoramiento.

Experiencia de compra y personalización: el desafío de conectar con el consumidor argentino

El análisis de estrategias de las marcas globales muestra una búsqueda de equilibrio entre la estandarización y la adaptación cultural. Si bien las colecciones y campañas institucionales suelen responder a una visión global, la experiencia de compra, el diseño de los locales y la narrativa en torno a los productos se ajustan al contexto porteño. Las empresas observan, además, que el consumidor argentino valora la interacción directa, la posibilidad de acceder a piezas únicas y el diálogo con la marca, factores que impulsan la personalización de servicios y la organización de eventos exclusivos.

Distintos referentes de la industria destacan la afinidad entre la cultura local y los valores del lujo contemporáneo. La creatividad, la búsqueda de innovación y el compromiso con la calidad forman parte del ADN de los consumidores argentinos y constituyen puntos de encuentro con las propuestas internacionales. El desarrollo de campañas y eventos culturales dentro de los espacios comerciales apunta a reforzar este vínculo, posicionando a los shoppings premium no solo como destinos de compra, sino también como plataformas de contenido y comunidad.

Estrategias de identidad y colaboraciones: desafíos y prioridades para las marcas de lujo

La consolidación de Buenos Aires como capital regional del lujo no implica, por el momento, la creación de líneas exclusivas inspiradas en la cultura argentina, aunque las firmas exploran colaboraciones y alianzas con referentes locales. La prioridad, según fuentes del sector consultadas por Infobae, es profundizar el conocimiento del mercado y acercar al público colecciones que representen la esencia del diseño de autor, la creatividad y la sostenibilidad. La identidad de las marcas se construye sobre la base de la atemporalidad, la versatilidad y el equilibrio entre lo clásico y lo urbano, antes que sobre la adopción de símbolos culturales específicos.

El mercado premium argentino se encuentra en un proceso de expansión y diversificación, impulsado por la llegada de nuevas marcas y la renovación integral de la oferta en los principales centros comerciales. La convivencia entre firmas internacionales y diseñadores locales en un mismo espacio potencia la competitividad y enriquece la propuesta para el consumidor. El desarrollo de servicios asociados, como cafeterías, talleres de cerámica, galerías de arte y ciclos de charlas, responde a una tendencia global que entiende el lujo como una experiencia integral, vinculada tanto al producto como al contenido y la cultura.

En términos económicos, la apuesta de las marcas internacionales por la ciudad se sostiene en la estabilidad y el poder adquisitivo del público objetivo, así como en la reputación de Buenos Aires como polo cultural y turístico. La presencia de visitantes extranjeros y la circulación de residentes con hábitos de consumo sofisticados refuerzan el atractivo de la plaza, que se consolida como referencia para el segmento en la región.

La oferta premium porteña se distingue por su diversidad, su dinamismo y su capacidad de adaptación a los cambios del mercado global. La interacción entre tendencias internacionales y códigos locales, la valorización de la creatividad y la búsqueda de experiencias personalizadas definen el presente de la moda de lujo en la capital argentina. Este proceso, documentado y analizado por Infobae, revela una escena en transformación, donde las marcas interpretan las expectativas de un público exigente y construyen nuevas formas de habitar el lujo urbano.

El Met anunció que el diseñador británico John Galliano será el tema central de la exhibición primaveral 2027 del Costume Institute, que se podrá ver desde el 9 de mayo de 2027 hasta el 9 de enero de 2028 en The Met Fifth Avenue.

La muestra titulada John Galliano: Horizons será además la pieza central de la Met Gala de 2027, el evento que cada año inaugura la exposición. El anuncio del código de vestimenta, los copresidentes y el comité organizador se anunciará próximamente.

Con este nombramiento, Galliano se convierte en el tercer diseñador vivo en recibir una muestra individual en el museo, solo después de Yves Saint Laurent en 1983 y Rei Kawakubo de Comme des Garçons en 2017, informó Associated Press.

La exposición seguirá la evolución de Galliano a lo largo de cuatro décadas, desde su colección de graduación de 1984 en Central Saint Martins, Les Incroyables, hasta sus etapas en Givenchy, Christian Dior y Maison Margiela. El Costume Institute posee la mayor colección de obras de Galliano del mundo y extraerá de esos fondos una parte sustancial del recorrido, indicó Deadline.

El museo subrayó que la muestra no evitará los aspectos problemáticos de la trayectoria de Galliano y abordará de forma explícita los comentarios antisemitas, racistas y antiasiáticos que alteraron su carrera y la forma en que hoy se lee su obra.

En un comunicado, la organización afirmó: “Junto a los extraordinarios logros creativos de Galliano, la exposición abordará la conducta reprobable que alteró fundamentalmente su carrera y la percepción pública. De este modo, la exposición reflexionará sobre cómo debe entenderse el logro artístico en relación con la responsabilidad ética”.

El recorrido abarcará cuatro décadas, desde Central Saint Martins hasta Maison Margiela

Galliano fue director creativo de Christian Dior durante casi 15 años, uno de los cargos más altos de la moda internacional, antes de que una serie de comentarios antisemitas y racistas pronunciados en 2010 y 2011 se difundieran de forma masiva.

Un video en el que se lo escuchaba decir “Amo a Hitler” en un bar se volvió viral y más tarde un tribunal de París lo condenó por insultos públicos basados en raza, religión, etnia u origen.

Tras ese episodio, fue despedido de Dior y también de su marca homónima. Después de varios años de esfuerzos públicos y privados de rehabilitación, el diseñador reapareció en 2014 al frente de Maison Margiela, donde permaneció una década.

La primera parte de la exposición, llamada “Bearings” (Orientaciones), abordará de manera directa esa ruptura, así como su tratamiento por adicción a sustancias y el reconocimiento público posterior de sus actos.

La segunda sección, “Horizons” (Horizontes), se concentrará en sus fuentes de inspiración: historia, geografía, arte, relato y performance. La tercera, “Atlas of Transformation” (Atlas de la Transformación), examinará su creatividad, su trabajo técnico, la experimentación y la innovación en sus procesos de diseño.

Andrew Bolton, responsable del Costume Institute y curador principal de casi todas las grandes muestras de moda del museo, explicó que el proyecto estudia “tanto cómo Galliano ha reconfigurado el mundo a través de la moda como la forma en que su conducta, sus consecuencias y los valores culturales cambiantes han transformado nuestra comprensión de su obra”.

El Met consultó a la comunidad judía y celebridades antes de confirmar la exposición sobre John Galliano

La decisión de avanzar con la exposición estuvo precedida por consultas con dirigentes de la comunidad judía de Nueva York, confirmó el museo tras una noticia del diario The New York Times. En esas reuniones participaron Bolton, Galliano y Anna Wintour, la editora de Vogue que dirige cada año la Met Gala.

Jonathan Greenblatt, director ejecutivo de la Anti-Defamation League, dijo al diario que la organización cree que Galliano “ha reflexionado sinceramente sobre los problemas que lo llevaron a su arrebato antisemita hace años en París” y que su disculpa fue aceptada hace tiempo. A su vez, consideró que sus esfuerzos por reparar el daño causado por sus palabras y aprender de ese episodio “merecen ser aplaudidos”.

Wintour sostuvo, citada por Vogue, que “nadie merece más una exposición de esta magnitud que John Galliano”. Luego añadió que su carrera “no está definida por un momento concreto” y remarcó que la muestra “no eludirá ningún aspecto oscuro del pasado de John”.

Por su parte, el director y director ejecutivo del Met, Max Hollein, señaló que Galliano ha ejercido una “influencia profunda” en la moda durante los últimos 40 años y que su obra “fusiona la investigación histórica, la imaginación artística, la expresión teatral y la experimentación técnica en una dinámica relación”.

Asimismo, agregó: “Gracias a la exhaustiva investigación del Instituto del Traje y a la amplitud de las colecciones del Met, la exposición John Galliano: Horizontes ofrecerá un análisis exhaustivo de su práctica creativa, prestando especial atención a las circunstancias históricas, culturales y éticas que permiten comprender su obra”.

París, 1966. Cuando Yves Saint Laurent presentó Le Smoking, el primer esmoquin diseñado para mujeres, desafió uno de los códigos más rígidos de la alta costura. En esa época, el pantalón femenino no era bien visto en muchos espacios formales y aquella prenda cruzó el límite de la moda: se convirtió en un símbolo más del poder femenino. Nueve años después, el fotógrafo Helmut Newton inmortalizó el diseño bajo la luz de un farol parisino y terminó de convertirlo en una de las imágenes más influyentes de la moda del siglo XX.

Pero Le Smoking fue apenas una expresión de una revolución más amplia. Mientras la alta costura seguía dominada por un ideal de belleza blanco y europeo, Saint Laurent hizo de sus desfiles y campañas una expresión inclusiva con modelos de distintos orígenes. Mujeres como la guadalupeña Mounia, la guineana Katoucha Niane y la somalí Iman ocuparon un lugar central en sus colecciones cuando esa diversidad era todavía una excepción en las pasarelas. Con ellas desafió los cánones estéticos de la época y amplió la representación en una industria que durante décadas había excluido todo lo que no cupiera en lo normativo.

Detrás de esos hitos estaba el joven nacido en Argelia, tan tímido como extraordinariamente talentoso. A los 21 años, se convirtió en director de la casa Dior y, poco después, fundó junto a Pierre Bergé la firma que llevaría su nombre. Desde entonces redefinió la moda, la calle y la cultura. A solas, enfrentó la ansiedad, las adicciones y la incesante búsqueda de la perfección.

Yves Saint Laurent: “Con los años he aprendido que lo más importante de un vestido es la mujer que lo lleva puesto”

El niño de Orán que llegó a conquistar Dior

Mucho antes de convertirse en uno de los nombres más influyentes de la moda del siglo XX, Yves Henri Donat Mathieu Saint Laurent era un niño tímido que encontraba en el dibujo un refugio y una forma de imaginar otros mundos. Nació en Orán, Argelia, el 1 de agosto de 1936, cuando el territorio todavía formaba parte de Francia, y creció en una familia acomodada de la alta sociedad local. Su padre, Charles Mathieu Saint Laurent, dirigía una compañía de seguros y era propietario de una cadena de cines, mientras que su madre, Lucienne, alentó desde temprano su inclinación artística.

Rodeado por el Mediterráneo, el teatro y las revistas de moda, Yves sintió una fascinación temprana por la creación. Mientras otros niños jugaban en las calles, él inventaba personajes, diseñaba vestidos para figuras de papel y confeccionaba prendas para sus hermanas. También organizaba pequeñas representaciones familiares y hojeaba las páginas de Vogue, donde descubrió un universo que parecía lejano, pero que con el tiempo se convertiría en su destino. La moda no apareció en su vida como una elección profesional, sino como un lenguaje propio.

En ese contexto, su infancia estuvo marcada por cierta soledad. De carácter reservado y con intereses poco habituales para un niño de su edad, fue blanco de burlas entre sus compañeros de escuela. Aquellas experiencias dejaron una huella profunda en su personalidad, pero también reforzaron el refugio que lo acompañaría durante toda su vida: la creación. El dibujo y la imaginación se convirtieron desde entonces en una forma de expresar aquello que no encontraba lugar en su entorno.

A los 17 años decidió dejar Orán y viajar a París con una carpeta llena de bocetos. La ciudad representaba la posibilidad de entrar en el centro de la moda mundial, pero también un desafío enorme para un joven que todavía no había cumplido los 18 años. Pero su talento hizo lo propio y llamó la atención de Michel de Brunhoff, director de la edición francesa de Vogue, quien al verse sorprendido por la madurez de sus diseños, lo alentó a continuar formándose en el diseño de la moda en la ciudad.

Pero no quedó allí. Ese encuentro fue decisivo en la vida de Yves. Luego de revisar algunos de sus dibujos, el editor advirtió una similitud con el trabajo de Christian Dior, que ya era un gran nombre de la alta costura francesa. Le mandó esos bocetos y el propio Dior reconoció la capacidad del joven diseñador incorporándolo a su taller en 1955.

La llegada a Dior significó para Saint Laurent ingresar a un mundo que creía lejano. Al principio se ocupó de tareas menores, como la creación de accesorios y la decoración del estudio, pero no demoró en ganarse la confianza del maestro: Dior encontró en ese joven silencioso una sensibilidad poco común y terminó convirtiéndolo en su colaborador más cercano.

Dos años después, la muerte inesperada de Christian Dior cambió el rumbo de la alta costura francesa y puso sobre los hombros de Yves una enorme responsabilidad. Tenía apenas 21 años cuando fue elegido para sucederlo al frente de la maison Dior, convirtiéndose en el diseñador más joven en ocupar ese cargo.

La apuesta parecía arriesgada, pero su primera colección demostró que la decisión no había sido un error. La llamada Línea Trapecio, presentada en 1958, renovó la silueta femenina con formas más ligeras y menos rígidas que las impuestas por el New Look de Dior. La crítica celebró al nuevo director artístico y el joven de Orán que había llegado a París con una carpeta de dibujos se convirtió, de repente, en una de las figuras más observadas de la moda internacional.

La caída que lo obligó a empezar de nuevo

La cima llegó demasiado pronto. Después del éxito inicial en Dior, Saint Laurent comenzó a sentir el peso de una responsabilidad que superaba su edad y experiencia. La casa esperaba que continuara el legado de Dior, pero Yves tenía una sensibilidad distinta: quería explorar nuevas formas, romper con las estructuras establecidas y llevar la moda hacia territorios menos previsibles.

En 1960 fue llamado a cumplir el servicio militar francés durante la guerra de independencia de Argelia, el mismo territorio donde había nacido y crecido. La experiencia fue breve, pero tuvo consecuencias profundas. Tras apenas unas semanas en el ejército sufrió una crisis nerviosa y fue internado en un hospital militar. Durante su recuperación recibió una noticia que agravó la situación: la casa Dior había decidido reemplazarlo.

Haber perdido Dior significó mucho más que la ruptura con una empresa. Para Saint Laurent representó la caída del lugar que le había dado reconocimiento y una identidad profesional. Después de haber sido celebrado como el joven destinado a continuar la tradición de la alta costura francesa, se encontró de pronto fuera del sistema que lo había consagrado.

Con el apoyo de Pierre Bergé, quien se convertiría en su socio y compañero durante décadas, inició una batalla legal contra Dior y consiguió una indemnización que le permitió comenzar de nuevo. Bergé entendió antes que muchos que detrás de la fragilidad emocional de Saint Laurent había un creador excepcional, y asumió el papel de transformar ese talento en una casa de moda independiente.

En 1961 ambos fundaron Yves Saint Laurent. La nueva firma nació con un principio: crear una moda que conservara la excelencia de la alta costura, pero que estuviera conectada con una sociedad que estaba cambiando. Ahora, Saint Laurent no tenía que responder a otro diseñador sino que por fin podía construir su propio lenguaje.

La primera colección de YSL, presentada en enero de 1962, marcó el inicio de una nueva etapa. La Línea Trapecio, que años antes había anunciado su llegada en Dior, encontró ahora un espacio propio. Con el tiempo, Saint Laurent dejó de ser visto como el sucesor de un gran maestro para convertirse en una figura capaz de transformar las reglas de la moda.

La relación con Bergé sería una de las claves de esa evolución. Aunque el vínculo sentimental entre ellos terminó años después, continuaron trabajando juntos y construyeron una de las alianzas más importantes de la historia de la moda. Mientras Saint Laurent imaginaba nuevas siluetas y colecciones, Bergé se encargaba de convertir esas visiones en una empresa capaz de sobrevivir a las exigencias de la industria.

El diseñado que cambió la manera de vestir

En la década de 1960, la sociedad comenzaba a cuestionar viejas estructuras y Saint Laurent entendió que la moda debía ser parte de ese cambio. Sus diseños no buscaban únicamente embellecer un cuerpo femenino sino que proponían nuevas formas de habitarlo. Para él, una prenda podía modificar la postura, la actitud y la manera en que una mujer se presentaba ante el mundo. Como dijo Bergé años después: “Chanel les dio libertad a las mujeres. Yves Saint Laurent las empoderó”.

Y esa visión encontró su expresión mayúscula en 1966, cuando presentó Le Smoking, un esmoquin diseñado para mujeres. La idea parecía tan simple como ajustar una prenda tradicionalmente masculina al guardarropa femenino. Pero en aquellos años, el pantalón era mal visto dentro de los espacios formales, por eso esa propuesta planteaba una pregunta más profunda: ¿por qué ciertas prendas debían pertenecer exclusivamente a un género?

El impacto no se hizo esperar. Algunos restaurantes y hoteles de lujo llegaron a rechazar a mujeres que intentaban ingresar vestidas con pantalón; y otras encontraron en el esmoquin una nueva forma de seguridad y autonomía. Saint Laurent no había creado solo un traje: había construido una imagen de mujer empoderada que podía ocupar todos los espacios tradicionalmente reservados a los hombres sin renunciar a su propia identidad.

La fotografía que Helmut Newton realizó para la edición francesa de Vogue en 1975 terminó de mostrar al mundo el esmoquin femenino. Bajo la luz de un farol parisino, Vibeke Knudsen lució Le Smoking con una actitud desafiante y elegante. Esa escena convirtió al diseño en un símbolo de una época y confirmó que la moda también podía ser una declaración cultural.

Pero la revolución de Saint Laurent no se limitó al esmoquin. Durante su reinado en la moda diseñó prendas desafiantes que en su momento alteraron las reglas del vestir femenino: la chaqueta safari, los monos, las transparencias y el uso del pantalón como elemento de sofisticación. También fue uno de los primeros grandes diseñadores en entender el potencial del prêt-à-porter para acercar la moda de autor a un público más amplio.

En septiembre de 1966 creó Saint Laurent Rive Gauche, una línea que permitió que su lenguaje creativo saliera de los salones de la élite y del reducido círculo de la alta costura para acercarse a una nueva generación que buscaba formas más libres de expresión. En lugar de mantener la moda como un universo cerrado y exclusivo, llevó parte de su estética a un público más amplio y redefinió la relación entre el diseño de autor y la vida cotidiana.

Esa misma libertad había aparecido en su relación con el arte, un año antes cuando, en 1965, presentó una serie de vestidos inspirados en los cuadros geométricos de Piet Mondrian, convirtiendo la pintura en una nueva forma de vestir. Más adelante sus creaciones dialogaron con artistas como Henri Matisse, Pablo Picasso y Vincent van Gogh, en una búsqueda constante de cruces entre la moda y la cultura.

Su universo visual también transformó quiénes podían ocupar el centro de la escena. En una industria donde durante décadas había predominado un único ideal de belleza europeo, Saint Laurent incorporó modelos de distintos orígenes a sus desfiles y campañas. Mujeres como Mounia Orosemane , Katoucha Niane e Iman se convirtieron en figuras centrales de su universo creativo en una época en la que esa representación todavía era excepcional dentro de la alta costura.

No fue una estrategia de imagen, sino su manera de entender la belleza: una suma de rostros, historias y culturas. La moda de Saint Laurent no solo cambió las prendas que llevaban las mujeres sino también amplió la idea de quién podía ser protagonista dentro de ella.

En 1983, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York le dedicó una exposición retrospectiva, un reconocimiento que hasta entonces había sido reservado principalmente para artistas. La moda ingresaba definitivamente al espacio de los museos, y Saint Laurent quedaba consagrado como uno de los creadores que habían borrado la frontera entre vestir y crear.

El hombre detrás del nombre

Detrás del diseñador que parecía tener el control absoluto de la imagen y la elegancia había un hombre marcado por una profunda vulnerabilidad. A medida que su casa crecía y las exigencias de la industria aumentaban, Saint Laurent comenzó a sufrir el peso de una presión constante. La ansiedad, las depresiones y las adicciones acompañaron buena parte de su vida adulta, convirtiendo la creación en una fuente de placer, pero también de agotamiento.

En esos años, Pierre Bergé fue una presencia fundamental en su vida porque lo ayudó a sostener la estructura a su alrededor y a proteger su capacidad creativa en los momentos más difíciles. Su vínculo atravesó distintas etapas, pero permaneció como una de las relaciones más importantes del diseñador.

Con el paso del tiempo, la velocidad de la industria comenzó a alejarse de la forma en que Saint Laurent entendía la moda.

En 2002 anunció su retiro de las pasarelas. Después de cuatro décadas de trabajo, cerraba una trayectoria que había transformado la relación entre la ropa y la identidad. “Con los años he aprendido que lo más importante de un vestido es la mujer que lo lleva puesto”, dijo al decir adiós y así resumió toda su carrera.

Yves Saint Laurent murió en París el 1 de junio de 2008, a los 71 años. Para entonces, su nombre ya había dejado de pertenecer únicamente al mundo de la moda.

El guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, aterriza en Argentina el próximo 6 de noviembre y, más allá de la expectativa musical que despierta su llegada, su estilo reafirma su lugar como referencia indiscutible dentro del universo de la moda rock internacional.

La noticia vuelve a enfocar la atención en una identidad visual que supo transformarse a lo largo de las décadas, sin perder nunca la esencia que lo consagró como ícono entre músicos, diseñadores y amantes de la cultura pop.

Rock británico y sofisticación: el ADN de su imagen

Ronnie Wood construyó una estética donde la elegancia británica se fusiona con la irreverencia clásica del rock. En cada aparición pública, tanto sobre el escenario como en eventos sociales, deja huella con prendas sofisticadas y detalles inesperados, una combinación que confirma su influencia en la escena global.

En sus presentaciones en vivo, la elección de chaquetas con brillos, apliques metálicos o estampados llamativos es una constante. Estas piezas, confeccionadas habitualmente en terciopelo, satén o materiales que reflejan la luz, cumplen una doble función: destacan bajo los focos y proyectan una silueta dinámica que favorece la presencia escénica.

Bajo estas chaquetas, Wood suele lucir camisetas gráficas en colores intensos como el verde, el azul o el amarillo, muchas veces decoradas con imágenes vinculadas a la cultura pop o al propio universo de los Rolling Stones.

Los pantalones, por lo general negros o en tonos oscuros, se ajustan al cuerpo y mantienen la coherencia con el resto del conjunto. El resultado es una figura estilizada, pensada para moverse con libertad y captar la atención tanto del público como de las cámaras.

Uno de los elementos más singulares de su imagen es la correa de guitarra personalizada, recurrentemente decorada con motivos o patrones geométricos.

Esta correa trasciende la función utilitaria y se integra al vestuario como un accesorio esencial, reforzando la iconografía de los Rolling Stones y aportando un toque lúdico y visualmente potente.

En entornos formales, el guitarrista opta por trajes de corte ajustado, alternando entre tonos clásicos como el negro o el gris y combinaciones menos convencionales, como americanas de terciopelo rojo o pantalones satinados.

Las camisas, casi siempre en tonos claros y desabotonadas en el cuello, aportan un aire relajado que equilibra la sofisticación del conjunto. Los detalles de confección, como las solapas anchas, los botones metálicos o las costuras visibles, añaden textura y profundidad al look.

Accesorios como pañuelos de seda o bufandas delgadas completan el atuendo y refuerzan la tradición visual del rock británico.

El peinado, voluminoso y despeinado, es otro de los elementos característicos que definen su estilo. Este aspecto, junto con una postura relajada y expresiones faciales cercanas, construye una imagen de confianza y espontaneidad.

Lejos de responder a una tendencia pasajera, su manera de peinarse y moverse sobre el escenario remite directamente a la historia del rock, evocando a referentes de décadas pasadas y actualizando ese legado para nuevas generaciones.

La influencia de Wood en la moda no se limita al ámbito musical. Su capacidad para combinar prendas clásicas con detalles extravagantes ha sido observada por diseñadores y seguidores del género, quienes reconocen en su vestuario una fuente de inspiración constante.

El rescate de prendas vintage, la mezcla de texturas y la apuesta por accesorios audaces fueron replicados en colecciones de moda y en el street style de distintas ciudades, consolidándolo como referente de tendencias.

En alfombras rojas y eventos de prensa, el guitarrista de los Rolling Stones suele sorprender con trajes de estampados florales o rayas, camisas de patrones abstractos y gafas de sol de armazón grueso.

Esta elección refuerza una imagen atemporal y rebelde, capaz de adaptarse a diferentes contextos sin perder autenticidad. La coherencia de su propuesta estética reside en la capacidad de alternar entre lo clásico y lo excéntrico, manteniendo siempre una línea personal reconocible.

Su regreso a Argentina representa la oportunidad de reencontrarse con una figura cuya influencia trasciende la música y se extiende al terreno de la moda.

Su estilo, lejos de encasillarse en una sola época, ha sabido dialogar con distintas tendencias y generaciones, demostrando que la elegancia y la irreverencia pueden convivir en un mismo atuendo.

La suma de estos elementos construye una imagen coherente y vigente, donde cada aparición pública renueva el vínculo entre el rock y la moda, reafirmando a Ronnie Wood como uno de los grandes referentes internacionales de estilo.

El especialista sostuvo que la transformación de Fujimori representa una ruptura con la imagen que la había definido durante años. Según detalló, el cambio no se limita a las prendas elegidas, sino que abarca el peinado, el lenguaje corporal y una apertura mayor a propuestas de diseñadores nacionales, algo que en el pasado parecía improbable. Esta transición, según Cacho, funciona también como una vitrina para creadores y artesanos peruanos, quienes logran visibilidad a través de una figura central en la política nacional.

En la conversación se abordaron detalles de las apariciones recientes de Fujimori. El maquillador afirmó que la dirigente habría adelgazado alrededor de 4 kg entre una presentación y otra, diferencia que se aprecia tanto en su rostro como en la silueta general. El análisis incluyó el repaso de atuendos usados en fechas emblemáticas, como el 28 de julio, y en ceremonias nocturnas de saludo protocolar.

La moda peruana en el centro de la escena

Para Carlos Cacho, ver a Keiko Fujimori luciendo una imagen renovada representa “un triunfo” para los diseñadores locales. El comentarista resaltó la importancia de que la política haya abandonado una fórmula repetida y haya apostado por creadores nacionales. En este repaso, mencionó a Cloé Mendoza, diseñadora de Huancayo, como autora de un conjunto blanco con cinturón de flores utilizado en una jornada previa.

Sobre ese vestuario, Cacho explicó que el diseño favoreció la figura de la dirigente, reforzando la percepción de un descenso de peso atribuido al estrés de una semana agitada. Valoró especialmente el uso de cuello y escote, recursos que, según su criterio, estilizan el rostro y la silueta, aportando frescura a la nueva etapa visual de Fujimori.

El análisis del atuendo del 28 de julio, atribuido a Patricia Musiris, se centró en el cuello alto y la manga tres cuartos como elementos clave. Para Cacho, estos detalles aportan solemnidad y permiten mostrar piel de manera mesurada, lo que considera apropiado para figuras institucionales. La entrevistadora del programa remarcó que el tema se instaló con fuerza en redes sociales, a lo que el maquillador respondió que la atención pública hacia la ropa de Fujimori se disparó tras el abandono de la imagen monótona.

El aporte de los creativos y el impacto en la percepción pública

Durante el segmento dedicado a la ceremonia nocturna, Cacho elogió un vestido de Fátima Rieta y volvió a subrayar la manga tres cuartos como un recurso recurrente en los nuevos estilismos de la política. También destacó el trabajo del estilista Víctor Manuel, responsable de un peinado más largo y pulido que, según explicó, mantiene el arreglo en actividades al aire libre.

El comentarista analizó un conjunto asociado a Jirko Sivirich para una actividad en la Cancillería, donde opinó que retirar el cinturón original fue un error. Argumentó que esa pieza definía mejor la silueta y completaba un diseño destinado a romper con la rutina visual habitual. Si bien interpretó la ausencia del cinturón como una posible falta de respeto al diseñador, también concedió que la decisión pudo responder a una incomodidad física.

Uno de los elementos destacados en la revisión fue un clutch de Meche Correa, utilizado con el traje azul del 28 de julio. Según se detalló en el programa, la pieza tenía motivos peruanos y una cadena bañada en oro, y fue confeccionada con seda y gamuza por el artesano Samuel Guaynac, recordado como “gran maestro artesano”.

Accesorios, promoción y referentes internacionales

Carlos Cacho sostuvo que el clutch “levantó todo el look, lo modernizó y lo volvió más actual”. La conductora del programa coincidió, enmarcando la elección de accesorios y moda local en una lógica de promoción del diseño nacional, al compararlo con la manera en que la reina Letizia exhibe marcas hechas en España. Esta referencia sirvió para subrayar el valor de asociar la imagen de una figura política con el trabajo de creadores y artesanos del país.

En sus observaciones finales, Cacho insistió en que Fujimori debería continuar mostrando el trabajo de diseñadores peruanos como Meche Correa, Jirko Sivirich, Cloé Mendoza y Fátima Rieta. El comentarista también mencionó unos zapatos de Ruiz y un sastre cruzado negro con pantalón beige, confeccionado con tela peruana de Barrington, conjunto que, desde su perspectiva, proyectó una imagen elegante y favoreció el interés público por la nueva forma de vestir de la política.

La evaluación de Carlos Cacho concluyó con una aprobación total al cambio de imagen de Keiko Fujimori. El maquillador consideró que la transformación representa una oportunidad para que la moda peruana, los textiles nacionales y el trabajo artesanal ganen visibilidad a través de una figura política de alta exposición, abriendo así nuevas posibilidades para la industria creativa local.

El contraste entre Noel Gallagher y Liam Gallagher va mucho más allá de su música. Sus estilos personales han definido, durante décadas, la estética de la cultura británica contemporánea y dejaron una huella en la moda urbana internacional.

Mientras Noel proyecta sobriedad y funcionalidad, Liam apuesta por la actitud, el volumen y la referencia retro. Ambos rehúyen la estridencia y prefieren paletas oscuras o neutras, pero cada uno construye su identidad visual de manera singular.

El estilo de Noel Gallagher: sobriedad y funcionalidad

La imagen de Noel Gallagher se apoya en la coherencia y la sencillez, cualidades que se reflejan en su selección de prendas y en la manera en que aborda la moda.

Noel prioriza las prendas de corte clásico y funcional, evitando la ostentación y concentrándose en aquello que le resulta cómodo y práctico para su día a día.

Esta actitud se traduce en la elección de chaquetas bomber en tonos neutros, verde oliva, negro, azul oscuro, combinadas con camisetas o camisas lisas.

La preferencia por prendas básicas y utilitarias conecta directamente con la cultura musical y urbana de Manchester. Ejemplo de ello es el recurrente uso de la bomber de satén negro, símbolo de un vínculo con el pasado britpop, pero sin caer en la nostalgia forzada.

Los pantalones ajustados de jean oscuro o negros refuerzan una silueta sobria, mientras que los zapatos, casi siempre deportivos o casuales, completan un look pensado para la movilidad y la discreción.

En cuanto a los accesorios, Noel opta por la moderación: gafas de sol oscuras y anillos discretos, elementos que acompañan sin desviar la atención del conjunto. La ausencia de estampados llamativos o detalles decorativos es una constante, reforzando la idea de una estética atemporal y directa.

La funcionalidad es un rasgo dominante. Cada prenda elegida por Noel tiene un propósito claro: comodidad, protección frente al clima, facilidad de combinación y resistencia al paso del tiempo.

Liam Gallagher: actitud, volumen y referencias retro

El estilo de Liam Gallagher, en cambio, está marcado por la expresividad y la personalidad escénica. Liam elige prendas que potencian su presencia como “frontman” y que dialogan con la historia del rock británico.

Sus looks recientes incluyen chaquetas oversize tipo cortaviento o parkas en azul oscuro, piezas que le otorgan una silueta relajada y refuerzan su característica postura desafiante.

Sobre el escenario, Liam apuesta por elementos visuales impactantes, como el blazer blanco de doble abotonadura, que remite a la estética de los años setenta y añade un guiño retro a su imagen.

La combinación de prendas deportivas con otras más formales, como las maracas que emplea como accesorio escénico, subraya su identidad híbrida: ni completamente casual ni estrictamente glam, sino una mezcla singular de ambos mundos.

El uso de prendas de líneas rectas y volumen generoso es otra seña de identidad. Liam evita el entalle ajustado, lo que acentúa la impresión de soltura y desenfado. Esta elección no solo responde a una cuestión de comodidad, sino que refuerza su imagen de líder enérgico y nostálgico.

Las gafas de sol grandes de montura oscura completan su look, aportando misterio y un aire de estrella de rock clásica.

El legado estilístico de los hermanos Gallagher

El impacto de Noel y Liam Gallagher en la moda urbana y musical es innegable.

Ambos han sabido consolidar un imaginario visual asociado a la “britishness” de los años 90, pero con adaptaciones que mantienen su vigencia.

Noel encarna la sobriedad y la funcionalidad: prendas utilitarias, denim oscuro, polos o camisetas lisas, gafas de sol cuadradas. Liam, por su parte, lleva a escena las parkas, chaquetas voluminosas y gafas retro, fusionando el espíritu mod con la actitud del rock británico clásico.

La influencia de los Gallagher sigue presente en la moda contemporánea. Su rechazo a los estampados llamativos y a los colores vivos ha marcado la pauta para quienes buscan una imagen sobria pero inconfundible.

Ambos han demostrado que la identidad visual puede ser un sello permanente más allá de las tendencias de cada temporada, y que la coherencia en el vestir puede ser tan poderosa como una canción inolvidable.

En la foto más antigua del archivo, Keiko Fujimori tiene 15 años y está al extremo derecho del encuadre. Saco gris de doble botonadura, blusa clara, cabello negro corto con flequillo y una expresión seria. A su lado, sus hermanos. Al centro, su padre Alberto Fujimori con el brazo en alto. Al extremo izquierdo, su madre Susana Higuchi con un traje blanco de dos piezas: ella era la primera dama.

Keiko era, ese 28 de julio de 1990, simplemente una hija más de la familia presidencial. Ese día nadie hubiera anticipado que, 36 años después, sería ella quien cruzaría el mismo umbral con la banda presidencial sobre el pecho vestida de azul con detalles inspirados en Huancayo.

Lo que vino después fue un arco de vida poco común: de hija adolescente a primera dama a los 19 años, de primera dama a candidata presidencial tres veces derrotada, y finalmente a presidenta del Perú el 28 de julio de 2026. Cada etapa tuvo su propio vestuario, su propio rol y su propio peso simbólico.

1990: la hija que nadie miraba

Cuando Alberto Fujimori asumió la presidencia por primera vez, Keiko cursaba la secundaria y no tenía ningún rol institucional en el gobierno. Su aparición en los actos oficiales era la de cualquier integrante de la familia presidencial: discreta, en segundo plano, sin protocolo propio.

La imagen de archivo lo confirma. El saco gris de doble botonadura que llevó ese día era ropa de época, sin pretensiones políticas ni mensaje estético deliberado. Cabello natural, sin maquillaje formal, ajena al escrutinio público que recaía sobre su madre. Susana Higuchi era quien acompañaba al presidente en los actos oficiales y quien encabezaba las labores sociales del despacho presidencial. Keiko era, en ese momento, una estudiante de 15 años.

1994-2000: primera dama a los 19, con look de gala y collar de oro

Todo cambió en agosto de 1994. Las tensiones entre sus padres escalaron hasta que Higuchi fue apartada de sus funciones protocolares tras denunciar públicamente casos de corrupción familiar en el manejo de donaciones internacionales provenientes de Japón. Keiko, que se encontraba en el país de vacaciones mientras cursaba estudios en el extranjero, asumió el rol de primera dama con apenas 19 años.

El cambio en su imagen fue inmediato y drástico. Las fotografías de la época muestran a una joven que pasó, casi de golpe, de la ropa casual escolar a los atuendos de gala propios del protocolo presidencial. En eventos oficiales junto a Alberto Fujimori —ya con la banda presidencial— aparece con vestido negro escotado y un llamativo collar de perlas doradas de gran tamaño, labial rojo intenso y cabello negro ondulado con volumen.

En actos del Congreso, un conjunto de tweed en blanco y negro con pin oficial en la solapa. En eventos más informales, blusas oscuras con pañuelos y faldas de corte clásico. Era la moda de mediados de los noventa aplicada al protocolo presidencial peruano: prendas estructuradas, colores contrastantes, accesorios con presencia.

La joven que en 1990 pasaba desapercibida al extremo del encuadre era, en 1995, la figura que acompañaba al presidente en la segunda toma de mando, sentada junto a él en las sillas protocolares de la Misa y Te Deum con un traje de cuadros en blanco y negro y una condecoración oficial prendida al pecho.

Para la tercera y polémica juramentación de su padre, en julio de 2000, Keiko tenía 25 años y su imagen pública estaba consolidada. Saco rosa fucsia, cabello lacio negro largo hasta los hombros, maquillaje más definido: una primera dama joven que ya había acumulado seis años de exposición pública intensa, viajes oficiales, labores sociales y, hacia el final del régimen, participación activa en la campaña que buscó un tercer mandato para Alberto Fujimori pese a sus propias dudas sobre su conveniencia.

Ese gobierno colapsó en noviembre de 2000, tras la difusión de los primeros ‘vladivideos’ y la renuncia de su padre desde Japón. Keiko viajó a Estados Unidos para continuar sus estudios de posgrado.

2011-2021: el naranja de campaña y la imagen de candidata

La siguiente etapa en las tomas de mando fue como espectadora, no como protagonista. Keiko Fujimori se presentó a las elecciones presidenciales en 2011, 2016 y 2021 sin lograr llegar a la presidencia. Durante esos años, su imagen se transformó nuevamente: dejó atrás el protocolo de primera dama y adoptó la estética de la política de masas.

El naranja de Fuerza Popular se convirtió en su color de identidad: chalecos, polos y accesorios en ese tono poblaron sus mítines y caravanas. El cabello pasó a lucirse en coletas altas o con flequillos laterales definidos para proyectar una imagen más dinámica y accesible. Para debates y entrevistas, blazers estructurados y pantalones de sastre en tonos neutros. Una imagen que alternaba entre lo urbano y lo institucional según el escenario.

Las fotos de esos años muestran a una mujer en plena construcción de su propia identidad política, ya separada del protocolo que heredó en los noventa y enfocada en construir la propia.

2026: presidenta con banda y bordados amazónicos

Este 28 de julio, Keiko Fujimori recibió la banda presidencial con un vestido azul de diseño peruano, obra de Patricia Musiris, directora creativa de la firma MODA & CÍA. La pieza, de tono azul sobrio con detalles en los puños se caracterizó por fusionar la elegancia contemporánea con la tradición artesanal andina a través de detalles inspirados en Huancayo y así marcó su llegada a Torre Tagle para recibir a las delegaciones internacionales.

Antes de esa ceremonia, el 15 de julio, había lucido un sastre blanco de dos piezas con la palabra “Perú” bordada en los bolsillos, obra de Yirko Sivirich. Y para recibir a los mandatarios extranjeros en los días previos a la toma de mando, un traje estilo militar en azul marino con los filos del blazer inspirados en la iconografía Koshi Kené del pueblo Shipibo-Konibo: trazos geométricos en el cuello, la pechera, la cintura, los bolsillos y los puños.

La apuesta por diseñadores peruanos y por textiles con referencias a la identidad nacional fue una decisión deliberada que la propia mandataria subrayó en sus apariciones públicas. Una elección que contrasta con la imagen de la adolescente del saco gris de 1990, que no elegía su ropa con ningún mensaje en mente, y con la primera dama de los noventa, cuyo vestuario respondía al protocolo del gobierno de su padre.

Para la Gran Parada Militar del 29 de julio, aún no se ha revelado públicamente cuál será su diseño ni de qué diseñador será.

Keiko Fujimori llegó este 28 de julio al Congreso de la República para la ceremonia de juramentación como presidenta con un vestido azul sobrio que, según la consultora de imagen Patricia Quinto (AICI CIC), se alineó con el protocolo y buscó proyectar autoridad y confianza.

En Infobae Perú conversamos con Patty Quinto para leer el look desde un ángulo de moda, pero con una idea clara: explicar, en palabras simples, por qué cada elección —color, corte, accesorios y maquillaje— suma (o resta) en un momento donde todo se mira.

El azul como elección de estilo: clásico, serio y “de confianza”

El primer mensaje del look llegó por el color. Quinto lo dijo sin rodeos: “Es un color entero, es un azul, muy bien elegido”. Y explicó por qué este tono funciona en un evento de alto perfil: “El azul es un color que en psicología del color nos transmite primero diplomacia, pero también inspira confianza”.

En moda, el azul cumple un rol parecido al del negro, pero con un giro: mantiene la sobriedad, sin endurecer demasiado la imagen. Además, para la especialista, fue un tono que se acopló bien a Keiko Fujimori.

“El azul, en este caso, es un color que a Keiko le queda muy bien, es un tono propio de su paleta de colores”, explicó.

El vestido y el corte: escote, cintura y líneas que “estilizan” la silueta

Más allá del color, el corte fue clave en el vestido creado por Patricia Musiris, directora creativa y fundadora de la firma peruana MODA & CÍA. En este tipo de ceremonias, el vestido no está para competir con la banda ni con el momento; está para acompañar, sostener y estructurar.

Quinto destacó el escote como un acierto: “En cuanto a la prenda en sí, en ella le favorece un montón el escote de la prenda, le queda muy bien a su tipo de rostro y al mostrar un poco de piel, también genera un efecto que la estiliza”.

Otro punto importante fue el ajuste en la zona media: “Otro punto que me parece superinteligente en el vestido es que le marca sutilmente la cintura”. Es una fórmula clásica de moda: cuando el look tiene estructura, el cuerpo se ve más “armado” sin necesidad de exagerar con volumen, brillo o demasiados accesorios.

La banda presidencial y el efecto “alto contraste”

Uno de los detalles más visibles fue el contraste entre el azul del vestido y la banda. En términos sencillos: el look funcionó porque el conjunto se veía claro, nítido y con jerarquía visual.

“Exacto, genera un alto contraste. La banda, el lado que es blanco genera un contraste lindo y le queda muy bien. Ella es de alto contraste”, señaló la consultora.

Y explicó el porqué con rasgos físicos: “Fíjate el tono de su piel, ella tiene una piel, no es superclara, pero es clara, intermedia hacia clara. Entonces con su cabello negro natural (…) pues tiene ella un alto contraste naturalmente”.

Para un lector de moda, esto se traduce así: cuando una persona ya tiene contraste natural (piel más clara + cabello oscuro), las prendas con colores definidos suelen verse más potentes y más “pulidas” en cámara.

Solapa, bordados y estructura: el look como “traje” en versión vestido

Quinto también puso atención en los detalles del diseño que dan sensación de autoridad. Uno de ellos fue la solapa: “El que tenga solapa está comunicando autoridad (…) ayudan muchísimo, porque generan unas líneas rectas”.

En moda, las líneas rectas suelen transmitir orden, firmeza y estructura. Por eso la solapa —un recurso típico de sastrería— tiene peso simbólico incluso cuando aparece en un vestido.

La consultora también mencionó elementos decorativos que sumaron sin recargar: “Probablemente esos bordados en las mangas y el bolsito, que es el toque de luz, aporte de Meche Correa, pienso que está bien acertado”.

Zapatos nude: el truco silencioso para estilizar sin robar protagonismo

Si el objetivo es que la atención esté en el rostro y en el acto, el calzado debe acompañar, no distraer. Para Quinto, la elección fue correcta: “Los zapatos muy bien escogidos, porque no queremos causar ruido, no queremos llamar la atención en la parte de abajo, queremos llamar la atención en su rostro”.

Y detalló el porqué del color: “Es un color nude, un crema que está muy bien escogido”. Además, destacó la forma: “Terminan un poco en punta. La punta en los zapatos también estiliza”.

En lenguaje de moda: nude + punta = piernas más largas visualmente y un look más limpio.

Maquillaje: piel natural y labios con más presencia

En belleza, el equilibrio fue “natural, sobrio”, pero con un punto de intención. “Definitivamente le han trabajado bien la piel, pero igual se le ve natural”, indicó Quinto.

El detalle protagonista fueron los labios: “El color de los labios es un rojo vibrante, más encendido que el que usa en otras ocasiones. En este caso ha puesto uno más alegre que le queda muy bonito”.

Esto es importante porque, en ceremonias con iluminación fuerte y cámara, un labial con presencia evita que el rostro se vea apagado, siempre que el resto del maquillaje esté controlado.

Cabello: lacio, pero con cuerpo

El peinado siguió la línea de naturalidad, pero evitando el error típico del lacio excesivo. “Ella es una persona lacia y se ha respetado su naturalidad (…) pero, mantiene cierto cuerpo en el cabello, que eso es lindo en ella”, explicó la consultora.

Y dio una razón práctica: “A una persona con su tipo de rostro, si le ponemos el cabello demasiado lacio, no le favorece. A ella le favorece que tenga un poquito de cuerpo, y las puntitas que tengan alguna dirección”.

En resumen: el lacio “con movimiento” enmarca mejor el rostro y se ve más actual.

El bolso multicolor: el guiño de estilo y el “toque Perú”

Si hubo un elemento con aire más editorial, fue el bolso. Para Quinto, fue un acierto total: “El bolso me parece un acierto total”.

En su lectura, el accesorio aportó luz y una idea de identidad: “Llevar este bolso multicolor de color vibrantes (…) le da una luz adicional linda al vestido”. Y remató con la asociación cultural: “Tú lo ves y piensas en los colores del Perú. Entonces, pienso que está muy bien elegido. Es como, como un toque. El accesorio funciona como un toque de autenticidad de Perú”.

Es decir: dentro de un look sobrio y protocolar, el bolso actuó como el detalle que suma personalidad sin romper el código.

Patricia Quinto

Patricia “Patty” Quinto es consultora de imagen con certificación internacional AICI Certified Image Consultant (CIC) y más de 12 años de experiencia en el rubro. Es CEO de PQ Asesores de Imagen y se desempeña como speaker internacional.

Actualmente integra la directiva de la Asociación Internacional de Consultores de Imagen, capítulo Estados Unidos (AICI USA). Además, fue presidenta de AICI Perú en el periodo 2022–2024.

A lo largo de su trayectoria, ha asesorado a alrededor de 1.600 clientes y a más de 20 empresas, entre ellas Adecco Perú, LAP y L’Oréal. También ha sido asesora de imagen de los expositores de TEDxTukuy. Es administradora por la Universidad de Lima y consultora de imagen para escuelas de Perú, México y Argentina.

La novia de Leonardo DiCaprio protagoniza la portada de Vogue de agosto con un editorial sobre la disolución de los géneros en la moda y la fluidez de género, mientras la pareja suma otro verano en Europa juntos.

Vittoria Ceretti, la modelo italiana de 28 años que sale con el actor desde 2023, ocupa la portada de Vogue de agosto de 2026 con un editorial fotográfico en el que mezcla prendas de colecciones masculinas y femeninas. Las imágenes, tomadas por el fotógrafo Vito Fernicola, acompañan un ensayo de la teórica de la moda Maria Luisa Frisa sobre la fluidez de género en la indumentaria contemporánea.

En el editorial, Ceretti apareció con prendas que van desde trajes de corte masculino hasta faldas de seda, en una propuesta que la propia modelo describió a Vogue: “No tuvimos que elegir entre un carácter u otro. Experimentamos ambos, los hicimos convivir y los mezclamos”.

La exposición pública de la pareja

La publicación coincide con que la relación comenzó en el verano de 2023, cuando fueron fotografiados juntos en una discoteca de Ibiza, y desde entonces la pareja pasó varios veranos en distintos destinos de Europa; el pasado fin de semana, según informó Hola USA, fueron vistos cenando con amigos en el sur de Francia. La revista confirmó que el número llegó a los kioscos el 28 de julio.

La portada aparece en una etapa de mayor visibilidad para la pareja. Según lo informado por Harper’s Bazaar, DiCaprio, de 51 años, y Ceretti tuvieron su primera aparición juntos en público durante una gala de premios al asistir ambos a la ceremonia de entrega de los Óscar 2026 que tuvo lugar en el mes de marzo.

En esa edición, el actor participaba como nominado a la categoría de Mejor Actor por su papel en la película Una batalla tras otra. Aunque llegaron por separado y evitaron posar juntos en la alfombra roja, durante la ceremonia se los vio en asientos contiguos, acompañados por Teyana Taylor.

De acuerdo a lo señalado por Harper’s Bazaar, esta fue la primera ocasión en seis años en la que DiCaprio asistió a los premios llevando una acompañante.

Una persona del círculo íntimo del actor le manifestó a la revista People después de la gala que “esta relación con Vittoria se siente diferente y más seria”, a lo que sumó que DiCaprio “está más abierto a un futuro serio de lo que sus amigos lo vieron antes”.

La misma persona remarcó que una de las cuestiones que el actor aprecia es la independencia profesional de Ceretti, un aspecto que para él tiene especial peso, sobre todo durante los extensos lapsos en que se encuentra trabajando en rodajes.

La carrera de Ceretti

A lo largo de febrero de 2026, Ceretti fue seleccionada y posteriormente confirmada para desempeñar el papel de abanderada. Esta designación la llevó a convertirse en la persona encargada de representar a Italia durante el transcurso de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno Milano Cortina 2026, de acuerdo con la información que difundió la revista People.

Fue precisamente en ese segmento de la cobertura televisiva donde varios de los comentaristas que participaban del evento la reconocieron ante la audiencia internacional, ya que la presentaron al hacer mención de su pareja, a quien describieron como “un actor muy, muy famoso”.

Ceretti concluyó a Vogue: “Si lo que una persona está atravesando es verdaderamente real, si existe la seguridad plena de que ambos se aman, entonces no hay ningún motivo por el que alguien deba sentirse en estado de alarma. Porque el amor proporciona una sensación de seguridad y, además, hace que crezca la confianza”.

Cuando Keiko Fujimori recibió la banda presidencial en la ceremonia de transmisión del mando este 28 de julio, el momento tuvo un peso simbólico doble: era la primera vez que una mujer elegida por voto popular asumía la presidencia del Perú, y la pieza que cruzó su pecho fue elaborada por la misma familia que, décadas atrás, confeccionó la banda que portó su padre, el expresidente Alberto Fujimori.

Sin embargo, aunque el artesano es el mismo taller, las dos insignias no son iguales. Los años y los cambios en el protocolo oficial las separan en varios detalles que pocos conocen. Detrás de la banda hay un nombre: Dante Grados, maestro bordador y heredero de una tradición artesanal que su familia mantiene desde 1908 en un taller ubicado en el jirón Áncash, a pocas cuadras de Palacio de Gobierno.

Su trabajo, invisible para la mayoría de los espectadores de la ceremonia, es uno de los oficios más singulares del país.

Hecha a mano, con hilos de oro traídos de Europa

La banda presidencial que lució Keiko Fujimori fue elaborada íntegramente en raso francés, una tela importada de textura particular sobre la que el escudo y los acabados se bordan a mano, sin intervención de máquinas. Los hilos utilizados son de dos tipos: seda natural para las zonas de color y hilo metálico bañado en oro, traído de Europa, para los detalles dorados.

“La tela es el raso francés y sobre esta tela se trabaja a mano bordando en alto relieve el escudo. Las sedas son sedas naturales y la parte dorada es el hilo metálico bañado en oro traído de Europa”, explicó Dante Grados en declaraciones a Latina. La pieza incluye además un galón de mando presidencial y una borla con flecos montada sobre una base de madera.

En condiciones normales, la confección de una banda presidencial demanda alrededor de tres meses de trabajo. Esta vez, los plazos fueron más ajustados. Grados relató a Latina que, al tratarse de un pedido especial, tuvo que dedicarse a tiempo completo durante tres días. La banda fue entregada con anticipación a la Oficialía Mayor del Congreso de la República, que la custodia antes de la ceremonia oficial. La Cancillería solicitó además una segunda banda para los actos protocolares de la presidenta, según informó América Noticias. Quienes encargaron y financiaron la pieza no fueron funcionarios del Estado.

“Son personas muy cercanas a la presidente Fujimori, quienes han regalado la banda, y son gente de su partido la que le ha hecho llegar”, precisó Grados.

La banda no fue tomada a medida de forma directa, sino calculada por el artesano, aunque la prenda permite ajustes de último momento. Para cada mandatario, el taller prepara entre dos y tres bandas ante posibles eventualidades: una mancha, un rasgado o cualquier imprevisto antes de la imposición.

Lo que cambió desde la banda de Alberto Fujimori

La banda que portó Keiko Fujimori este 28 de julio no es igual a la que usó su padre durante sus gobiernos entre 1990 y 2000. Las diferencias son visibles y responden a cambios en el protocolo oficial que se fueron acumulando con los años.

En la época de Alberto Fujimori, el escudo de armas se ubicaba en la parte inferior de la banda, a la altura de la cadera o el muslo. Fue durante el segundo gobierno de Alan García cuando se trasladó el escudo al pecho, para que fuera visible durante los discursos y actos oficiales. Luego, con la llegada de Pedro Castillo a la presidencia, se adoptó el escudo nacional —el de pabellones, con banderas a los costados— en reemplazo del escudo de armas, que lleva palmas y laureles.

“A partir del segundo mandato del presidente García se cambió el escudo al pecho, que era el escudo de armas, y a partir del gobierno del presidente Castillo ya se usa el escudo nacional, que es el de pabellones”, explicó Grados en declaraciones a Willax. La banda de Keiko Fujimori incorpora ese escudo nacional, tal como lo establece la norma vigente. “Tiene que llevar el escudo nacional, ya no el escudo de armas”, confirmó el artesano.

Cuando el periodista le preguntó si la banda de Alberto Fujimori —que se presume conserva la familia— podría haberse adaptado para su hija, Grados fue directo: “Claro que se puede. Se ajusta la medida y se pueden hacer los cambios que requiera”. La presidenta, no obstante, recibió una pieza nueva.

Casi ocho décadas bordando la historia del Perú

La tradición de la familia Grados en la confección de las insignias presidenciales del Perú se remonta a 1908, cuando el abuelo de Dante, César Hernán Grados Amanamuco, fundó el taller. Fue el padre, César Grados Farro, quien bordó la primera banda presidencial para el general Manuel Odría hacia 1948 y continuó el oficio hasta confeccionar las insignias de catorce mandatarios, hasta Ollanta Humala.

Dante retomó el trabajo a partir del gobierno de Pedro Pablo Kuczynski y, con la toma de mando de este 28 de julio, suma ocho presidentes en su cuenta personal. Un número que, en circunstancias normales, habría tardado décadas en alcanzarse, pero que la inestabilidad política peruana de los últimos años aceleró de forma inédita.

“Inmerecidamente y no de la manera que hubiéramos querido, porque mi padre ha confeccionado a lo largo de muchos años y nosotros en un corto periodo de tiempo”, reconoció Grados en declaraciones a Willax. El periodista Augusto Thorndike, lo resumió con una frase: “En el tiempo que ha estado él ha confeccionado más bandas que su papá toda su vida”.

Grados relató a Andina que nació literalmente entre bastidores —su padre bordaba en la misma casa donde creció— y que, pese a haber estudiado sociología, el oficio lo atrapó desde niño. “Tengo la enseñanza, creo yo, del mejor de los bordadores del Perú, que fue César Dante Grados Farro, que es mi padre”, sostuvo. Hoy trabaja junto a su esposa e hijo, quienes sostienen la continuidad del taller.

La única interrupción en la tradición familiar ocurrió durante los gobiernos militares de Juan Velasco Alvarado y Francisco Morales Bermúdez. Fuera de ese paréntesis, el taller del jirón Áncash ha estado presente en cada transmisión de mando, con la misma técnica de siempre: hilo a hilo, a mano, sin máquinas.

Cuando la presidenta Keiko Fujimori llegó el 15 de julio al Gran Teatro Nacional con un sastre blanco de dos piezas para recibir sus credenciales como presidenta electa, el nombre que circuló de inmediato fue el de su autor: Yirko Sivirich. No fue el único encargo: el diseñador iqueño también confeccionó el traje azul marino de corte militar con el que Fujimori recibió a los mandatarios extranjeros en los días previos a la toma de mando, y tiene previsto un tercer atuendo, probablemente para la Gran Parada Militar del 29 de julio.

Tres looks en el arranque de un gobierno convirtieron a Sivirich en el diseñador del momento. Pero su historia empieza mucho antes. Sivirich nació en Ica, en el sur del país, y llegó a Lima a los 17 años sin recursos para pagar una carrera. Trabajó como mesero, cajero, vendedor de muebles, empaquetador de supermercado y limpiador de baños.

No estudió moda en ninguna institución. Su formación fue autodidacta: primero en las tiendas de la firma italiana Ermenegildo Zegna, donde descubrió que disfrutaba asesorar a los clientes y diseñar vitrinas, y luego durante un viaje de mochilero por el mundo con el que nutrió su imaginación antes de lanzar su propia marca.

De las pasarelas de Nueva York a los actos oficiales de Fiestas Patrias

Sivirich lleva sus colecciones a las pasarelas internacionales desde hace años, con presencia en el New York Fashion Week, el Miami Fashion Week y la Semana de la Moda de París, además de escenarios en Latinoamérica y Asia. En el circuito local, ganó el premio a la mejor colección en el LIFWeek en múltiples ediciones, con propuestas como ‘Sierra’ y ‘Jatun Runa’. El Estado peruano lo designó embajador de la Marca Perú.

Sus clientes internacionales incluyen a figuras como Antonio Banderas, J Balvin, Luis Fonsi y el futbolista Paolo Guerrero, entre otros artistas y deportistas. Esa trayectoria en el mundo del espectáculo es lo que define su perfil público: un diseñador de celebridades que, en este cambio de mando, dio el salto al vestuario presidencial.

El contacto con el equipo de Keiko Fujimori llegó de forma directa. “El contacto surgió de manera directa a través de su equipo. Se comunicaron conmigo, conversamos sobre el proyecto y posteriormente realizamos la toma de medidas y la primera prueba del traje”, relató Sivirich a Ojo. El diseñador aclaró que no es el único a cargo de los looks de la presidenta. “No soy su diseñador exclusivo; así como yo, hay varios diseñadores que están trabajando sus looks”, precisó.

Para la ceremonia de entrega de credenciales del 15 de julio, Sivirich confeccionó un sastre blanco de dos piezas con detalles bordados con la palabra “Perú” en los bolsillos y un guiño al color verde. Según relató el propio diseñador a Trome, el pedido del color vino desde el entorno de la presidenta: “Me llamó una persona de su equipo y quedamos de hacerle el traje. Le habían sugerido que tenga un color en especial, que era el verde, y me dijo: ‘Mira, sería bueno que tenga un poquito de verde’”.

El traje azul marino que Fujimori lució en la recepción a los mandatarios que venían a la toma de mando fue el segundo encargo. Los filos del blazer incorporan la iconografía Koshi Kené, uno de los lenguajes visuales del pueblo Shipibo-Konibo, con trazos geométricos en el cuello, la pechera, la cintura, los bolsillos y los puños. “Es un homenaje a la identidad amazónica, reinterpretada con elegancia y respeto por nuestras raíces para proyectar al mundo el legado ancestral y la diversidad cultural del Perú”, escribió Sivirich en sus redes sociales al presentar la pieza.

Un estilo que nació del Perú

La marca Sivirich tiene una línea clara: cada colección parte de la peruanidad. Sus propuestas han rendido homenaje a la fauna del país, a sus regiones, a festividades locales y a vivencias personales. Una de sus colecciones más recordadas, ‘Allqu-Misi’, presentada en Nueva York, se inspiró en sus mascotas. Otra, ‘Wankayuq’, tuvo como eje a Huancayo. Sus materiales incluyen textiles tradicionales, tejido de alpaca y elementos artesanales producidos con artesanos locales.

“Me inspiro en el Perú, en su historia, su cultura, su biodiversidad y en las historias de las personas. Creo que la moda debe contar una historia y generar orgullo”, afirmó el diseñador. Esa misma línea es la que trasladó al vestuario presidencial: “Más que un estilo específico, buscamos transmitir elegancia, sobriedad y una identidad muy peruana. La idea es que cada prenda represente al país con mucho respeto y buen gusto”, indicó.

La decisión de vestir a Keiko Fujimori, una figura política con un historial judicial y una trayectoria que genera posiciones encontradas en la opinión pública peruana, generó reacciones en redes sociales, pero Sivirich ha dejado clara su postura sobre el encargo: “Para mí representa una enorme responsabilidad como diseñador peruano y estoy muy agradecido por la confianza depositada en mi trabajo”, sostuvo.

Un camino que también pasó por la paternidad y la pandemia

Fuera de las pasarelas, Sivirich atravesó en los últimos años dos momentos que marcaron su trayectoria personal. Durante la pandemia de COVID-19, reconvirtió parte de su producción para fabricar mascarillas, protectores faciales y ropa de estar en casa, y organizó repartos en toda Lima con una minivan propia para mantener el negocio y sostener a su equipo.

“Si nos ponemos a esperar, cómo comemos, cómo le pago a los chicos que trabajan conmigo. Yo soy el que da la cara, pero hay mucha gente que está trabajando detrás”, declaró en aquella época.

Por otro lado, en mayo de 2023 nació su hija Victoria Camila, a quien dedica una de sus colecciones más personales. El diseñador la cría bajo un modelo de familia monoparental, junto a su madre y familiares cercanos. El nombre de la niña combina los segundos nombres de su abuela y su madre. Para presentar la colección inspirada en ella, convocó a los cantantes Amy Gutiérrez y Álvaro Rod, quienes compusieron e interpretaron el tema ‘Victoria Camila’ en un desfile realizado en la Casa Fernandini y luego en el Teatro Municipal de Lima.

“Al Yirko de ese tiempo le diría que no se rinda, porque todo ese esfuerzo algún día tendrá sentido. Y al Yirko de hoy le recordaría que nunca olvide de dónde viene, porque justamente ese camino es el que le da valor a cada logro”, reflexionó el diseñador sobre su trayectoria.

Esta exposición, destinada a convertirse en uno los acontecimientos culturales del año en Buenos Aires, llega en un momento particular para el museo: el Malba celebra sus 25 años de existencia, y la muestra fue pensada como parte central de esa conmemoración. “Coincidimos con la disponibilidad de la muestra con la Casa Azul y sin duda establecimos la inauguración conjuntamente con el programa de celebración”, explicó Eduardo Costantini, fundador del Malba. “Para nosotros es una muestra protagónica y tenemos toda la esperanza de que realmente será un boom de público.”

Organizada por la Semana de la Alta Costura Argentina (SAC), bajo la dirección de Elina Costantini, y el Museo Frida Kahlo de México, Viva Frida está comisariada por la Dra. Circe Henestrosa, con la colaboración de Gannit Ankori. Su enfoque distingue a esta muestra de otras dedicadas a la artista: la vestimenta y la auto-representación ocupan el centro del análisis, y los objetos personales dialogan con pinturas y fotografías de la Colección Malba–Costantini.

El núcleo de las obras incluye el Autorretrato con chango y loro (1942), Diego y yo (1949) —el último autorretrato que Kahlo pintó antes de morir, que en 2021 marcó un récord de subasta para el arte latinoamericano— y la litografía Sin título (El aborto) (1932). A ese conjunto se suma un archivo documental que perteneció a la crítica de arte y amiga de Frida, Raquel Tibol, con fotografías, cartas y otros objetos personales. La curadora Henestrosa describió a través de un video emitido durante la presentación, el planteamiento curatorial como una lectura transversal de los procesos creativos de la artista. “Esta exposición no es la típica exposición de pinturas. Esta es una exposición que reúne todos los procesos creativos de Frida Kahlo”, afirmó. La curadora explicó que su acercamiento inicial fue a través de la moda: al estudiar los vestidos, advirtió que la forma en que Kahlo se vestía era la misma lógica con la que se pintaba y con la que varios fotógrafos la retrataban. “Esta relación entre los objetos nos enseña cómo el vestido era tan importante como la pintura y se informaban el uno al otro.”

La elección del vestido tehuana —que proviene de la cultura matriarcal de Oaxaca— no fue casual ni meramente estética. La pieza, compuesta por un tocado, un huipil corto y una falda larga, concentra el adorno del torso hacia arriba. Según Henestrosa, esa geometría tenía una función precisa: “ella concentra la mirada del espectador del torso hacia arriba, distrayéndonos de su cuerpo roto”. El vestido funcionó así como armadura y como lenguaje político al mismo tiempo. La muestra también reencuadra la narrativa sobre el sufrimiento de Kahlo. “La exposición no habla tanto de los discursos como en los años ochenta, que la ponen como muy sufrida”, señaló Henestrosa. “Nosotros la ponemos como una mujer que, a pesar de que tuvo adversidades, encontró expresiones creativas a través de su arte, su vestido y su vida.” La curadora subrayó que Kahlo fue una artista mexicana, de color, en un mundo dominado por hombres, que pintó las experiencias del cuerpo femenino en pequeño formato. “Cuando vemos sus pinturas es como si nos estuviera hablando a nosotros mismos.”¿

La llegada de la exposición a Buenos Aires tiene también una dimensión diplomática. Lilia Rossbach Suárez, embajadora de México en Argentina, citó a los escritores Carlos Fuentes y a Octavio Paz para situar la figura de Kahlo: “Frida Kahlo, según Carlos Fuentes, fue una mujer que hizo de su existencia un incesante creación de libertad. Octavio Paz escribió: ‘Frida Kahlo fue una de las primeras artistas que convirtió su vida en una obra de arte’.” Para Rossbach Suárez, Kahlo pintó su cuerpo, sus heridas y sus sueños, pero al hacerlo terminó retratando el alma de un país. “Su obra continúa conmoviendo porque en ella el dolor nunca derrota la esperanza.”

La embajadora calificó a Viva Frida como un espacio de encuentro entre las dos naciones: “será una conversación abierta entre dos países que reconocen en la cultura un territorio de libertad, memoria y afecto. Más bien diría yo amor.” Por su parte Elina Costantini, fundadora de la SAC, anticipó que el visitante se sorprenderá: “van a poder ver mucho más de lo que ustedes se imaginan, mucho más de la Casa Azul y se van a poder emocionar, llorar y reír.”

A pocos días del esperado estreno de la superproducción “Spider-Man: Brand New Day”, la atención mediática no solo se dirige a la pantalla, sino también a la alfombra roja de Los Ángeles. Zendaya y Tom Holland se convirtieron en el centro de todas las miradas con una aparición que fusionó alta costura, elementos vintage y referencias sutiles a la moda contemporánea.

Zendaya optó por un corsé negro de satén firmado por Ashi Studio, pieza de la colección FW27 Couture. El diseño incorporó detalles inspirados en antenas, pliegues pronunciados y una cola arquitectónica de gran impacto visual.

El conjunto se completó con joyas exclusivas de Maison Boucheron, entre ellas los aros colgantes Lavalliere Diamants de la colección Histoire de Style, Art Déco, confeccionados en oro blanco, diamantes, ónix y laca negra.

Con una propuesta estilística de marcada impronta escultórica y teatral, Zendaya reafirmó su posición como referente de la moda internacional, consolidando su presencia en las principales alfombras rojas.

Tom Holland lució un traje personalizado de Jacquemus en un tono rojizo, alejándose del clásico esmoquin negro.

Acompañó el conjunto con camisa roja al tono y una corbata negra, logrando una apariencia sofisticada que aportó personalidad sin competir con el look de Zendaya.

Ambos reafirmaron su condición de pareja influyente en Hollywood y generaron gran expectativa entre críticos de moda y seguidores en la alfombra azul de Los Ángeles.

Cada look ha sido cuidadosamente seleccionado, resaltando un concepto de pareja que evita la combinación idéntica, pero se mantiene en perfecta sintonía mediante detalles, colores y cortes complementarios.

En cada parada, la pareja ha apostado tanto por firmas consagradas como por piezas de archivo: desde las referencias a la sastrería de Prada y Thom Browne hasta los guiños al pasado con creaciones vintage de Versace, Armani y John Galliano.

El estilismo de la pareja en las alfombras rojas de “Spider-Man”

En cada premiere de “Spider-Man: Brand New Day”, Zendaya y Tom Holland han convertido la alfombra roja en un escaparate internacional de moda, consolidándose como referentes del estilo contemporáneo en pareja.

Zendaya, conocida por su camaleónica capacidad para transformarse en cada evento, ha sido la gran protagonista de las premieres.

Uno de los momentos más comentados fue su entrada en un vestido largo de corte asimétrico y abertura lateral pronunciada, en blanco con detalles de red negra, que conjugaba sensualidad arquitectónica y reminiscencias del universo arácnido, un guiño directo a la saga sin necesidad de recurrir a lo literal.

Este diseño, de líneas envolventes y juego de texturas, resalta la silueta y aporta un aire futurista, equilibrado con accesorios discretos y un peinado de corte pulido que enfatiza la sofisticación natural de la actriz.

En la presentación en México, Zendaya apostó por un vestido negro de manga larga con aplicaciones de encaje y acabado de flecos, una pieza que mezcla elegancia clásica y modernidad. La elección de un recogido alto y maquillaje sobrio, junto a joyas minimalistas, refuerza la imagen de una estrella que domina las claves de la moda global, pero siempre con un sello personal.

En otra cita, se decantó por un diseño de red con pedrería sobre fondo nude, evocando la tela de araña icónica de Spider-Man, una reinterpretación lujosa y sutil que captó todas las miradas y demostró su dominio del lenguaje simbólico en la moda.

El enfoque de Zendaya no se limita a la alta costura. En París, sorprendió con una camiseta oversize vintage de Spider-Man, combinando cultura pop y desenfado con autenticidad. Este gesto conecta con una generación que valora la moda sin rigideces, pero con conciencia estética y guiños a la nostalgia.

También ha apostado por conjuntos de dos piezas en colores vivos, como el top rojo y la falda azul brillante, que rinden homenaje a la paleta cromática del superhéroe y reafirman su habilidad para jugar con códigos visuales sin perder sofisticación.

Tom Holland, por su parte, ha optado por la sobriedad y la elegancia clásica, pero con un giro moderno. En la premiere de Roma, lució un traje burdeos perfectamente entallado, camisa clara y corbata a juego, eligiendo tejidos de caída impecable que refuerzan una imagen refinada y segura.

Holland ha sabido incorporar tonos intensos y propuestas monocromáticas, como el conjunto en negro con camisa roja, que añade un matiz audaz sin estridencias.

Esta línea estilística lo ha convertido en un referente de la nueva masculinidad elegante, donde el traje se reinventa a través del color, la silueta y los pequeños detalles.

La complementariedad entre ambos es evidente, aunque evitan los atuendos idénticos. El equilibrio se da en los matices: Zendaya explora la teatralidad y el riesgo, mientras Holland apuesta por la contención y la coherencia.

Juntos, logran una narrativa visual poderosa, donde cada aparición es un capítulo nuevo en la historia del vestuario cinematográfico.

*Fotos: Reuters

La reina Letizia volvió a captar la atención de la moda en su más reciente aparición pública, apostando por un color y una silueta que reflejan el pulso actual de las tendencias. Su elección reinterpreta códigos clásicos desde una mirada renovada, consolidando su imagen como referente de elegancia y versatilidad.

En esta ocasión, la monarca optó por un vestido midi en amarillo, un tono poco habitual en su vestuario, que tradicionalmente se inclina por rojos, azules, verdes y neutros. La apuesta por el amarillo, protagonista de la temporada, se alinea con una tendencia global que recupera los colores vibrantes como señal de optimismo y frescura, especialmente durante el verano.

La pieza, firmada por Adolfo Domínguez, presenta un estampado geométrico en el que predominan el amarillo, el rosa, el azul y el verde.

Para completar el conjunto, Letizia sumó un bolso de mano en marrón claro de la misma firma y sandalias slingback de Massimo Dutti, reafirmando su capacidad para adaptar las tendencias del momento a su propio estilo.

El efecto es una composición luminosa, fresca y alineada con la corriente actual que privilegia los tonos energéticos y los prints abstractos.

El amarillo se posiciona así como el color protagonista del verano, avalado por figuras como la reina Letizia, quien lo incorpora con naturalidad y sofisticación.

Rasgos distintivos del estilo de la reina Letizia

El estilo de la reina Letizia se caracteriza por la elección de siluetas limpias, líneas definidas y una paleta cromática que alterna tonos neutros, intensos y estampados.

En su armario predominan los vestidos midi y largos, confeccionados en tejidos ligeros como encaje o algodón, así como los trajes de dos piezas y las prendas sin mangas, que dejan al descubierto los brazos.

Estas selecciones evidencian una inclinación por la comodidad y la elegancia, sin sacrificar la sofisticación requerida para sus funciones públicas.

La preferencia por los colores sólidos, como blanco, azul, rojo y verde, se combina con estampados florales y geométricos sobre fondo claro, lo que aporta dinamismo a su imagen.

Los cortes, generalmente rectos o ligeramente entallados, se enriquecen con detalles como cinturones, botones centrales y texturas caladas. Esta fórmula permite que cada conjunto transmita una imagen pulida y actual, adaptable tanto a actos oficiales como a eventos informales.

Accesorios y complementos: la clave de la discreción

Los accesorios ocupan un lugar fundamental en el planteamiento estético de la Reina. Opta por bolsos pequeños de mano o con cadena metálica y zapatos de tacón bajo, sandalias finas o alpargatas de cuña, priorizando siempre la funcionalidad y el equilibrio visual.

Estos elementos refuerzan la sobriedad del vestuario y permiten que la atención se centre en las prendas principales.

La joyería es mínima, con preferencia por pendientes pequeños y collares cortos de eslabones, lo que aporta un toque de luz sin recargar sus conjuntos.

Para el peinado, mayoritariamente lo elige suelto con ondas suaves y raya lateral, y el maquillaje de acabado mate y tonos naturales, completan una imagen de frescura y naturalidad. Esta coherencia estética es una de las claves que consolidan a la reina como referente de estilo.

Versatilidad en la elección de looks

La capacidad de adaptación de la reina Letizia se refleja en la variedad de sus elecciones estilísticas. En actos institucionales, suele decantarse por trajes de chaqueta y falda en tejidos estructurados, como el tweed o la lana, con detalles de botones forrados y cinturones finos.

Para compromisos de menor formalidad, recurre a vestidos fluidos estampados o conjuntos de blusa y falda midi, siempre manteniendo la pulcritud y el equilibrio en la composición.

Este enfoque versátil se observa también en la selección de texturas y estampados: desde motivos abstractos y geométricos hasta florales delicados, todos integrados en una paleta cromática que evita los excesos y prioriza la armonía.

En los ejemplos más recientes, la reina ha lucido desde un vestido midi sin mangas y estampado abstracto en tonos azul y malva, combinado con alpargatas de cuña, hasta un conjunto de blusa blanca con motivos geométricos y falda midi de cuero negro, acompañado por accesorios negros y discretos.

Cada elección responde a la ocasión y refuerza la imagen de una monarca cercana, moderna y atenta al detalle.

Tendencias actuales y aportes personales

La reina Letizia incorpora en su vestuario algunas de las tendencias más relevantes del momento, como el regreso de los colores vibrantes ejemplificado en su reciente apuesta por el amarillo, los vestidos midi con drapeados y los estampados geométricos.

Sin embargo, su aporte personal radica en la manera de adaptar estos elementos a su rol institucional, evitando excesos y priorizando la elegancia sobria.

El equilibrio entre innovación y tradición es uno de los rasgos más valorados de su estilo. La alternancia entre siluetas ceñidas y líneas rectas, junto a la combinación de tejidos clásicos y contemporáneos, le permite proyectar una imagen de autoridad y cercanía al mismo tiempo.

La constancia en la selección de accesorios discretos, maquillaje natural y peinados sencillos refuerza este enfoque y consolida su posición como referente de la moda internacional, capaz de influir en tendencias sin perder autenticidad.

Desde sus primeras apariciones públicas, el príncipe George dejó ver una clara inspiración en el estilo de su padre, el príncipe William. La elección de atuendos, la coordinación de colores y los accesorios seleccionados para eventos oficiales y ceremonias reflejaron una coherencia estética que captó la atención de los especialistas en moda.

La imagen del joven heredero, con solo trece años, ofreció una versión juvenil de la elegancia tradicional asociada a la familia real británica y se consolidó como un referente de sobriedad entre las nuevas generaciones. La influencia paterna resultó evidente tanto en la selección de las prendas como en la adopción de códigos formales y casuales propios de la realeza.

En cada compromiso junto a su padre, George reprodujo detalles y siluetas que caracterizaron el sello clásico de William, adaptándolos con naturalidad a su edad y posición institucional.

La impronta de William en el estilo de George

El análisis de las apariciones conjuntas de George y su padre permitió detectar una clara transferencia de estilo. William apostó históricamente por trajes de corte tradicional, preferentemente en tonos azul marino y gris, camisas claras y corbatas discretas con patrones geométricos o colores lisos. George, siguiendo este modelo, optó por conjuntos similares.

En varias oportunidades, se observaron atuendos coordinados: George lució traje azul marino, camisa blanca y corbata de rayas diagonales en azul y blanco, mientras William optó por un traje azul grisáceo, camisa celeste y corbata marrón con rayas blancas.

El joven príncipe demostró una habilidad para adaptar el clasicismo de su padre a situaciones diversas, alternando entre corbatas lisas y estampadas, y variando sutilmente los tonos de azul, blanco y verde, siempre dentro de una paleta sobria y elegante.

Coordinación y adaptación en eventos públicos

La coordinación de vestimenta entre George y William fue especialmente notoria durante eventos oficiales y actos públicos. En ceremonias diurnas, George apareció con trajes oscuros, camisas claras y corbatas ajustadas, siempre en combinaciones que dialogaban con los looks de su padre.

En un evento, por ejemplo, George llevó una chaqueta azul marino, camisa azul clara y corbata de rayas, mientras William presentaba un traje de similares características, rodeados de asistentes con atuendos igualmente formales.

Durante una ceremonia nocturna, ambos apostaron por trajes oscuros y corbatas lisas: George eligió el verde y William optó por una azul estampada. Destacó la textura y calidad de las prendas, evidenciando la meticulosa selección de materiales y cortes.

La pareja padre-hijo asistió a diferentes eventos con trajes coordinados, George con corbata roja y William armonizando su atuendo con detalles en tonos similares, lo que subrayó el carácter solemne del evento.

En actos militares, George mantuvo la fidelidad al traje azul marino y la corbata azul, mientras William lució uniforme de gala, estableciendo una sutil distinción jerárquica pero sin romper la armonía visual entre ambos.

Accesorios y detalles en la imagen de George

La elegancia de George no se limitó a la ropa. En Wimbledon 2026, destacó el uso de accesorios como el sombrero blanco de ala ancha con cinta verde y las anteojos de sol marrones, elementos que cumplieron una función práctica y estética.

Estos accesorios, replicaron la lógica de elegancia funcional que William implementó en múltiples ocasiones. La selección de corbatas también fue un elemento diferenciador en cada aparición.

George alternó entre modelos de rayas, lisas y en colores como el verde, azul y rojo, buscando integrar su atuendo a la paleta general de la familia real y demostrando un conocimiento temprano de la etiqueta británica.

Los cortes tradicionales de las prendas, la elección de materiales y la ausencia de ornamentos innecesarios consolidaron la imagen de sobriedad que ambos portaron en cada evento.

Paleta cromática y sello institucional

La predominancia de los tonos azul marino, blanco y verde en los looks de George obedeció a una estrategia deliberada para mantener la imagen institucional de la familia real.

Estos colores, asociados históricamente con la monarquía británica, transmitieron valores de estabilidad, continuidad y respeto por la tradición. El traje azul oscuro, recurrente en las apariciones públicas del joven príncipe, reforzó la percepción de seriedad y compromiso con su futuro rol.

La coherencia cromática entre George y William facilitó la proyección de una imagen sólida y alineada con los valores de la realeza. Las combinaciones elegidas evitaron excesos y privilegiaron el equilibrio visual, con énfasis en la sobriedad y la adecuación al contexto de cada acto.

Con su estilo propio, Ester Expósito revitaliza la moda contemporánea y marca tendencia en la escena internacional. La actriz española se mueve con soltura entre distintos códigos estéticos, consolidándose como referente para quienes buscan en el vestuario una forma de expresión personal.

El boho chic, uno de sus sellos, la posiciona como inspiración entre quienes buscan autenticidad y creatividad al vestir.

La moda ecléctica actual se nutre de la mezcla calculada de estilos, épocas y corrientes diversas. No se rige por una sola línea, sino que une prendas, texturas, colores y accesorios en conjuntos que sorprenden por su coherencia y capacidad de romper lo previsible.

Esta tendencia propone un diálogo entre extremos: funcionalidad y sofisticación, urbano y formal, pasado y presente.

En el caso de Expósito, el eclecticismo articula una narrativa visual donde cada elección equilibra identidad propia y tendencias vigentes, mostrando una experimentación constante que no descuida la armonía.

Estilismos urbanos y casuales: minimalismo funcional con sello propio

Uno de los pilares del estilo de Ester Expósito reside en sus apariciones de calle, donde predominan prendas básicas de líneas simples.

Sus elecciones incluyen tops elásticos, pantalones de jean de tiro bajo, camperas de cuero y camisetas ajustadas en colores neutros.

Estos atuendos remiten tanto al athleisure como al minimalismo noventero, dos tendencias de gran vigencia en la moda actual.

Sin embargo, lejos de caer en la monotonía, Expósito eleva el conjunto mediante la incorporación de accesorios llamativos: bolsos estructurados de gran tamaño, gorras, anteojos de sol oscuros y pendientes de gran formato.

Estos elementos otorgan personalidad y modernidad, y demuestran su habilidad para transformar lo cotidiano en una declaración de estilo.

Los peinados suelen ser desenfadados, como coletas bajas o recogidos pulidos, y el maquillaje permanece en tonos neutros para mantener el foco sobre la composición general del look.

En estos estilismos, la funcionalidad y la comodidad conviven con el refinamiento de los detalles, reflejando una visión relajada pero sofisticada de la moda urbana.

Alta costura y eventos formales

En contextos de alfombra roja o galas, la propuesta de Expósito da un giro hacia la alta costura. Prefiere vestidos de siluetas arquitectónicas, tejidos translúcidos, detalles geométricos y acabados satinados o de pedrería.

El negro absoluto, los tonos metálicos y los colores pastel conviven en su repertorio, aportando una sofisticación que no renuncia a la experimentación.

Un ejemplo de ello son los vestidos palabra de honor en tonos dorados con aplicaciones de cuentas, o los modelos negros de líneas limpias y tejidos translúcidos que juegan con la superposición de volúmenes.

La elección de piezas de autor refuerza su interés por la moda como arte y le permite destacar en escenarios altamente competitivos.

En estos eventos, los peinados varían entre recogidos pulidos y melenas sueltas, y el maquillaje prioriza la luminosidad y la sobriedad cromática, elementos que complementan la armonía del estilismo.

Vestidos fluidos y conjuntos estivales: romanticismo actualizado

Durante el día o en ambientes veraniegos, opta por vestidos fluidos de tejidos ligeros, estampados florales y tonos vibrantes. Su vestuario incluye guiños al boho chic, con prendas de crochet, sandalias delicadas y bolsos de fibras naturales.

También destaca su inclinación por conjuntos de dos piezas de inspiración romántica: blusas abullonadas, faldas largas con aberturas y cortes que dejan ver el abdomen.

Estos estilismos mantienen un equilibrio entre el clasicismo y la actualización de tendencias, demostrando que la versatilidad no está reñida con la coherencia visual.

Los accesorios, siempre pensados para aportar un detalle diferencial, refuerzan la sensación de espontaneidad y frescura.

La narrativa visual de Ester Expósito

Lo que distingue a Expósito como referente de la moda ecléctica no es únicamente la variedad de sus elecciones, sino la coherencia de su narrativa visual.

En cada aparición, mezcla prendas de diferentes estilos como minimalista, bohemio, clásico y vanguardista, y las ajusta según el contexto, creando una imagen distintiva y actual.

La mezcla de texturas, el equilibrio entre piezas básicas y de autor, y la selección de accesorios de diseño refuerzan su autenticidad.

En este sentido, su impacto no reside en seguir tendencias al pie de la letra, sino en reinterpretarlas según su propio criterio, mostrando que la moda ecléctica es, ante todo, una actitud: la libertad de elegir y combinar, sin perder la identidad ni sacrificar la elegancia.

La consolidación como referente de moda responde a su capacidad para navegar distintos estilos con naturalidad, coherencia y una clara apuesta por la autenticidad como valor imprescindible en la escena actual.

El estilo de Sandra Bullock se ha consolidado como una referencia dentro del universo de la moda por su capacidad de fusionar elementos clásicos con propuestas innovadoras.

Hoy, la actriz cumple 63 años, y su trayectoria refleja una visión que desafía tendencias efímeras y apuesta por una identidad propia, marcada por la atención a los detalles y el equilibrio entre sofisticación y funcionalidad.

Su trabajo ha llamado la atención en pasarelas internacionales y entre críticos del sector, posicionándola como una voz relevante en la conversación global sobre diseño y creatividad.

Inspiración casual y funcional en el día a día

Lejos de la atención mediática, Bullock seleccionó prendas que priorizaron la comodidad y la funcionalidad, sin descuidar los detalles. Abrigos acolchados, faldas largas confeccionadas en tejidos ligeros y botas de caña baja formaron parte de su vestuario habitual.

La integración de capas y la combinación de texturas, como algodón, lana y materiales sintéticos, ofrecieron una estética relajada y funcional, acompañada siempre por un toque femenino.

El cabello suelto y la ausencia de maquillaje recargado reforzaron una imagen natural, adecuada para jornadas prolongadas o actividades privadas.

En ambientes domésticos o informales, optó por vestidos midi superpuestos con delantales y calzado plano.

La elección de accesorios sencillos y la preferencia por la practicidad marcaron una constante, afianzando una imagen accesible y auténtica.

Adaptación al glamour de la alfombra roja

En galas y presentaciones públicas, demostró un manejo estratégico de vestidos y trajes que proyectaron sofisticación y audacia.

El contraste entre prendas brillantes, como vestidos largos de lentejuelas, y chaquetas sobrias tipo esmoquin, permitió combinar glamour clásico con gestos de modernidad.

Los colores sólidos y vibrantes, junto a siluetas estructuradas y tejidos ligeros, definieron su presencia en grandes eventos, mostrando una preferencia por la fuerza visual a través de la simplicidad.

Detalles como drapeados, volados y escotes asimétricos aportaron dinamismo y movimiento a sus elecciones, mientras que los peinados sencillos y los accesorios discretos mantuvieron el foco en la prenda principal.

Trajes y combinaciones contemporáneas

El esmoquin y el traje femenino ocuparon un espacio central en el vestuario de Bullock para presentaciones y promociones.

La actriz incorporó elementos distintivos como drapeados de telas satinadas en colores intensos que aportaron contraste y profundidad a conjuntos monocromáticos.

Estas decisiones lograron equilibrar la sobriedad del traje tradicional con toques de riesgo cuidadosamente calculados, confirmando su preferencia por innovar dentro de un marco de elegancia.

La superposición de prendas y la mezcla de materiales, como tules y pedrería, ofrecieron volumen y textura, reflejando una inclinación por experimentar con las formas y la estructura de las prendas.

Afinidad por los metalizados y detalles brillantes

En galas y entregas de premios, recurrió a vestidos y conjuntos en tonos metálicos y acabados brillantes. Lentejuelas, encajes dorados y combinaciones de plata y oro se repitieron a lo largo de su carrera, reforzando una estética festiva y distinguida.

Los accesorios, como clutchs decorados con mensajes sociales, sumaron contenido y significado a sus estilismos, mientras que el maquillaje neutro y los peinados pulidos mantuvieron la sofisticación general.

Sencillez y versatilidad en accesorios

La coherencia en la elección de accesorios se mantuvo constante. Bullock privilegió piezas pequeñas y funcionales, relegando los complementos a un segundo plano.

Clutchs de tamaño reducido, pendientes discretos y pulseras delgadas acompañaron sus looks formales, mientras que en situaciones informales prescindió de joyería y seleccionó gafas de sol y calzado cómodo.

El estilismo de Sandra Bullock se caracteriza por la capacidad de adaptarse a diferentes escenarios sin perder su esencia.

La combinación de prendas prácticas para el día a día, selecciones audaces en eventos y una preferencia sostenida por los tonos metálicos y los accesorios discretos delinearon una imagen versátil y atemporal.

Su perfil estilístico se consolidó como referencia en la moda contemporánea, transmitiendo autenticidad y solidez en cada aparición pública.

Florence Pugh volvió a posicionarse en el centro de la escena fashionista internacional tras recorrer las calles de Nueva York con un look que interpreta una de las tendencias más virales del momento. La actriz británica eligió la lencería a la vista, un gesto que confirma su lugar como referente de un verano audaz, donde la ropa interior abandona el segundo plano y asume el rol principal en el vestuario urbano.

Acompañada por su pareja Finn Cole, Pugh eligió un conjunto que conjuga comodidad y atrevimiento. Llevó una camiseta de tirantes gris claro de Joah Brown con cuello cuadrado, superpuesta sobre un sujetador de Fruity Booty en vichy rosa y naranja, con tirantes neón en verde.

La tendencia underwear-as-outerwear pisa fuerte tanto en las calles como en las pasarelas durante los meses cálidos, y Pugh suma su nombre a la lista de figuras que transformaron la ropa interior en el centro del outfit. Su apuesta por la lencería visible no representa una excepción en su evolución estilística: la actriz explora en la moda con la misma naturalidad tanto en la vida diaria como en las alfombras rojas.

La capacidad de la actriz para alternar entre lo casual y lo sofisticado la convirtió en una de las personalidades más observadas por la crítica y los seguidores de la moda global. Su estilo se nutre de riesgos calculados, guiños a las tendencias y una confianza que transforma cada aparición en un gesto de autenticidad.

Crónica visual: evolución y diversidad en el estilo de Florence Pugh

Más allá de sus looks urbanos, Florence Pugh ha demostrado en repetidas ocasiones su versatilidad al adoptar estilos muy variados en contextos de alfombra roja y eventos de alto perfil. En estos ambientes, la actriz explora una amplia gama de siluetas, texturas y colores, consolidando una imagen de mujer camaleónica y segura de sí misma.

Uno de los ejemplos recientes más comentados es su aparición con un vestido largo de gasa en verde menta, de escote palabra de honor y detalles de volantes y pliegues. La estructura del vestido, con capas voluminosas y acabados irregulares, refleja una preferencia por la teatralidad y el juego visual.

En contraste, Pugh ha lucido también vestidos de encaje negro, ceñidos al cuerpo, con transparencias y apliques bordados, apostando por la sensualidad y el dramatismo.

En otras ocasiones, su elección se inclina hacia el romanticismo y la sofisticación, como en el caso del vestido rosa claro de gala, de escote palabra de honor y falda amplia con lazo negro en el centro del busto, o el vestido nude translúcido con aplicaciones florales y sobrefalda de tul.

Estos conjuntos muestran su dominio de las tendencias más delicadas y etéreas, sin perder el sello personal.

La actriz no rehúye el riesgo estilístico: ha optado por vestidos de lentejuelas negras con capucha integrada, piezas de terciopelo con corpiño metálico y capas, y diseños satinados con transparencias y aplicaciones brillantes.

Incluso en eventos como la Comic-Con, Pugh mantiene la coherencia de su estilo atrevido, eligiendo vestidos cortos ajustados con detalles asimétricos y botas altas metalizadas.

En sus últimas apariciones, Pugh ha incorporado nuevas siluetas y texturas, ampliando su repertorio con monos negros de pernera ancha y vestidos de malla beige adornados con capas translúcidas.

Estas elecciones evidencian una búsqueda constante de originalidad y una postura desafiante ante las convenciones del vestir.

La variedad de looks de Florence Pugh, tanto en entornos informales como de gala, confirma su capacidad para reinventarse y sorprender.

Su presencia en la moda actual se define por la libertad creativa, la atención al detalle y una actitud abierta hacia la experimentación, consolidándose como un referente de estilo en constante evolución.

Mick Jagger cumple 83 años y sigue proyectando una influencia inigualable tanto en la música como en la moda internacional. Como líder de los Rolling Stones, su figura se mantiene indiscutida en el universo del rock, pero también se ha consolidado como un ícono de estilo que trasciende generaciones.

A lo largo de su carrera, la leyenda británica no solo ha marcado el rumbo de la cultura con su música, sino que ha transformado la moda rockera en un lenguaje propio. Su presencia en el escenario y fuera de él desafía convenciones, combinando audacia, sofisticación y una capacidad única para anticipar tendencias.

Cada aparición pública reafirma su vigencia, demostrando que su estilo evoluciona sin perder autenticidad ni impacto. Desde trajes de colores intensos hasta combinaciones inesperadas de texturas y accesorios, Jagger redefine la elegancia masculina y continúa inspirando a diseñadores y seguidores en todo el mundo.

Su vestuario, lejos de responder a la nostalgia, se reinventa con cada etapa, convirtiéndolo en referente permanente de innovación y rebeldía estética.

Sastrería reinterpretada en clave rockera

La sastrería ocupa un lugar central en su guardarropa, pero lejos de limitarse a los cánones tradicionales, el cantante británico apuesta por reinterpretaciones audaces que lo distinguen en cualquier evento.

Prendas como sacos estructurados, blazers de corte impecable y trajes de textura satinada dominan su repertorio visual, siempre intervenidos con elementos contemporáneos.

Ejemplos notables incluyen el blazer azul de motivos cuadriculados combinado con una camisa celeste, o la chaqueta de rayas anaranjadas y blancas de doble abotonadura, que actualizan el concepto de elegancia masculina.

Estos conjuntos muestran cómo Jagger privilegia la sastrería tradicional, pero la transforma con colores poco habituales y detalles que escapan a la rigidez del protocolo, reforzando su carácter innovador dentro del círculo del rock.

En actos formales, suele elegir trajes oscuros con acabados brillantes, camisas claras y pañuelos o corbatas de estampados gráficos.

El uso de tejidos satinados y detalles metalizados introduce un matiz escénico incluso en los contextos más sobrios, mientras que los cortes precisos aseguran una silueta estilizada y moderna.

Uso del color y los estampados: una paleta audaz

Uno de los sellos distintivos del estilo de Jagger es su manejo del color y los estampados. A diferencia de otros referentes del rock, que optan por la sobriedad cromática, él apuesta por tonos vibrantes y patrones llamativos.

Camisas estampadas, chaquetas florales y prendas de colores intensos forman parte de su repertorio tanto en escenarios como en alfombras rojas.

Este enfoque se observa en la elección de camisas de puntos, estrellas o motivos gráficos, así como en la combinación de prendas de diferentes texturas y matices.

El resultado es un estilo que desafía las normas y dota a cada look de una energía propia, convirtiéndolo en fuente de inspiración para diseñadores y admiradores.

Accesorios y detalles maximalistas

Los accesorios desempeñan un papel fundamental en la construcción de su estilismo. El uso de bufandas de tejidos ligeros, broches dorados, gafas oscuras y anillos de gran tamaño añade un componente ornamental clave a sus conjuntos.

En uno de sus recientes looks, la bufanda con estampado geométrico en blanco y burdeos se convirtió en protagonista, aportando una dimensión sofisticada y bohemia. El broche en la solapa y los anillos reforzaron el carácter personal de su imagen.

Las gafas oscuras y el calzado negro deportivo son elementos recurrentes, que suman modernidad y comodidad sin sacrificar la elegancia.

Estos detalles maximalistas, lejos de saturar el conjunto, logran equilibrar la sofisticación de las prendas clásicas con un aire irreverente y actual.

La vigencia de Jagger en el mundo de la moda radica en su habilidad para conectar elementos clásicos con tendencias contemporáneas.

En las galas y eventos nocturnos, es habitual verlo con trajes de corte tradicional a los que suma accesorios o detalles inesperados, como camisas abiertas, tejidos brillantes o aplicaciones doradas.

Durante las presentaciones en vivo, elige chaquetas bomber con aplicaciones metálicas o camisas satinadas, que dialogan con la estética actual del maximalismo y la mezcla de texturas.

Esta combinación de tradición y vanguardia no solo refuerza su imagen de pionero, sino que lo mantiene vigente como referente para nuevas generaciones.

El equilibrio entre lo atemporal y lo moderno es, en sí mismo, una de las tendencias más notorias en la moda masculina contemporánea, y Jagger es uno de sus exponentes más visibles.

Athleisure y comodidad urbana

En algunas de sus apariciones también incorporó elementos propios del athleisure y la comodidad urbana, sin renunciar a la elegancia rockera que lo caracteriza. U

Un ejemplo fue cuando se lo vio con una camisa satinada en tono ciruela, acompañada de una bufanda delgada, gafas oscuras y gorra azul marino.

Esta combinación reflejó la influencia de las tendencias actuales que privilegian la mezcla de prendas funcionales con detalles sofisticados, y la preferencia por materiales que aportan movimiento y presencia bajo la luz.

El brillo de la tela y la caída fluida del tejido resaltaron su afinidad por los materiales versátiles, mientras que la incorporación de accesorios urbanos como la gorra añadió un matiz casual y moderno a su repertorio.

Así, Mick Jagger reafirma su lugar como referente indiscutido al integrar elementos de la moda actual sin ceder la personalidad que lo distingue. Su capacidad para adoptar tendencias y adaptarlas a su propio estilo confirma que la innovación y la autenticidad pueden coexistir, consolidando su figura como un ícono que sigue marcando el pulso de la cultura y la moda a cualquier edad.

La tendencia de decoración “granny cool” gana espacio en el hogar con una propuesta que toma la base nostálgica del “cottagecore” y la lleva hacia una expresión más atrevida. Combina encanto vintage, colores intensos y mezclas de estampados con una estética más personal y menos pulida.

Durante los últimos años, el “cottagecore” dominó la decoración con flores, antigüedades y un aire campestre acogedor. Ahora, House Beautiful sitúa en ascenso al “granny cool”, una variante que conserva el aprecio por las piezas antiguas, artesanía y carácter, pero suma iluminación escultórica, tonos más densos y una forma más decidida de decorar.

El resultado remite a algo familiar, aunque con una energía renovada. El “granny cool” aparece como una versión más llamativa del “granny chic”, trasladada al hogar mediante muebles tradicionales con un giro actual.

Para Lia Gold, diseñadora de decoración y ganadora de Interior Design Masters de la BBC, este estilo rompe con la contención dominante en años recientes.

“El ‘granny cool’ es la rebelión definitiva contra el minimalismo estéril”, dijo al medio citado. “Es una propuesta atemporal y maximalista que envejece bien y permite sumar capas con el paso del tiempo, por lo que resulta ideal para incorporar hallazgos y ampliar la colección.”

La experta en tendencias de Etsy, Dayna Isom Johnson, vinculó el auge de esta corriente con la evolución natural del “cottagecore”. “La gente se enamoró de la nostalgia y la comodidad del cottagecore, y ahora vemos que eso evoluciona hacia algo un poco más audaz y expresivo”, señaló. “El granny cool toma influencias vintage conocidas y les da una energía nueva.”

Para Nicky Emlick, directora creativa de Sofa.com, una de las diferencias centrales está en el grado de personalización. “Mientras el cottagecore romantizó la vida rural con flores suaves, paletas apagadas y toques vintage muy seleccionados, el granny cool es menos pulido y mucho más personal”, afirmó.

Ese giro coincide con el desgaste de las llamadas decoraciones de Instagram y con un mayor interés por viviendas que no parezcan una copia de lo visto en internet. En esa búsqueda, el “granny cool” reúne nostalgia e individualidad y da más margen para experimentar dentro de casa.

Lejos de proponer una copia literal de las casas antiguas, la filosofía “granny cool” reside en mezclar piezas de épocas pasadas con elementos actuales para lograr ambientes nostálgicos pero nunca anticuados. Según Louise Roe, fundadora de Sharland England, “no se trata de copiar pieza por pieza la casa de tu abuela”, sino de incorporar muebles, jarrones o manteles vintage que aporten personalidad y evocación sin caer en la recreación total del pasado, como explicó a Elle Decor.

Cómo llevar el granny cool a casa

La revista House & Garden destaca que mantas de lana, colchas tradicionales y pequeños objetos de colección están resurgiendo como piezas clave en ambientes contemporáneos, aportando al “granny cool” calidez y autenticidad en cada rincón del hogar.

La primera clave pasa por superponer en vez de emparejar. Helen Ashmore, directora sénior de diseño de Laura Ashley, propuso combinar flores con cuadros o rayas en colores complementarios y sumar muebles y accesorios de madera, terciopelo o lino para dar profundidad y carácter.

Otra recomendación consiste en perder el miedo a los estampados. Shelley Cochrane, compradora de accesorios de Furniture Village, explicó que esta tendencia acentúa su costado maximalista con paletas más ricas y una mezcla más audaz de motivos.

Emlick sugirió partir de una o dos piezas de aire clásico que ordenen el conjunto, como un sofá o un sillón de silueta atemporal. A partir de ahí, recomendó incorporar almohadas estampados, mantas tejidas a mano y hallazgos vintage reunidos con el paso del tiempo.

Adam Dugdale, director creativo de Oak & More, planteó mezclar muebles antiguos con diseño contemporáneo y sumar combinaciones inesperadas. Su propuesta pasa por unir mobiliario clásico con acentos retro y colores intensos para que la vivienda se vea armada con el tiempo, no sujeta a una sola moda.

El rasgo que más peso tiene en esta corriente es la huella personal. Victoria Robinson, experta en tendencias de Hillarys, defendió que los espacios más logrados suelen reunir piezas heredadas, objetos valiosos y compras nuevas, una mezcla que da al hogar una identidad propia.

La reina Letizia ha vuelto a situar a la moda española en el foco mediático al elegir, por tercera vez en una semana, un vestido de Adolfo Domínguez. Su aparición en las instalaciones de la firma en San Cibrao das Viñas (Ourense), durante la celebración del 50 aniversario de la marca, refuerza la relación duradera entre la soberana y la casa gallega, que se remonta a su primera aparición junto al entonces príncipe de Asturias en 2003, marcada por la icónica chaqueta blanca de Domínguez.

En esta ocasión, Letizia optó por un modelo de algodón fino, fruncido, con manga corta, escote en pico y falda plisada, donde los colores se suceden del amarillo limón al verde salvia, rosa empolvado, gris y ocre. El precio del vestido en la tienda online de la marca, actualmente rebajado, es de 99 euros. El diseño pertenece a la nueva colección Zenit, la misma que supuso el regreso de Adolfo Domínguez a la Mercedes Benz Fashion Week en 2025 tras catorce años de ausencia.

La reina estuvo acompañada durante el recorrido por el propio diseñador, su esposa Elena González y sus hijas, Adriana Domínguez, presidenta ejecutiva, y Tiziana directora creativa, además del secretario de Estado de Industria, Jordi García Brustenga, en un encuentro que incluyó una visita a los talleres de patronaje y diseño.

La relación de la reina con Adolfo Domínguez

El vínculo de Letizia con la firma va más allá de la mera elección de vestuario. Este mismo año, en mayo, recuperó en la Feria del Libro de Madrid un diseño estival de la marca, de largo midi y tejido plisado, estrenado previamente en Sevilla en 2020. La relación se cimentó en la frase “la arruga es bella”, lema que Adolfo Domínguez acuñó en los años ochenta y que todavía identifica el estilo de la casa fundada hace cinco décadas en la provincia de Ourense.

La trayectoria de Adolfo Domínguez está marcada por su apuesta por la naturalidad de las prendas y su rechazo a la rigidez tradicional de la moda masculina. Nacido en Trives, Ourense, en 1950, el diseñador vivió en Francia y Reino Unido antes de regresar a España, donde, junto a su esposa Elena, impulsó una marca que pronto destacó por su estilo zen y su énfasis en la sostenibilidad.

Durante la década de 1980, la popularidad global de la marca se vio impulsada por la serie Miami Vice, cuyos protagonistas, asesorados por Domínguez y Giorgio Armani, consolidaron un nuevo estilo masculino. La empresa alcanzó una red de tiendas y notoriedad internacional sin precedentes para una firma española de la época, codeándose con nombres como Issey Miyake.

El momento actual de la marca y la visita de Letizia

La expansión y el prestigio de la marca sufrieron un retroceso durante los años 2000, afectados por divisiones familiares y la irrupción de nuevos competidores. Sin embargo, el 50 aniversario encuentra a Adolfo Domínguez en un momento de recuperación, con Adriana Domínguez al frente de la presidencia ejecutiva y una estrategia de crecimiento exterior que ya representa el 43% de sus ventas.

La marca cuenta actualmente con 380 puntos de venta en el mundo y un crecimiento en ventas internacionales cercano al 10%. El Ebitda medio por punto de venta ha crecido un 23%, y la expansión reciente abarca mercados como México, Líbano, Argentina, Paraguay, Turquía y República Dominicana, tras superar años de cierres, despidos y caída de ventas.

La visita de la reina Letizia a la fábrica de San Cibrao das Viñas simboliza el renovado impulso de la firma gallega, que celebra su medio siglo de historia defendiendo el diseño propio y la resiliencia frente a los vaivenes del mercado global.

Pili, la hermana mayor de Rosalía, ha confirmado en sus redes sociales que es la mente creativa detrás de los estilismos de Lamine Yamal durante el Mundial 2026. La catalana es la mente pensante detrás de los escenarios, videoclips o looks de su hermana. Ahora Pili se ha abierto camino, atreviéndose con uno de los mejores futbolistas del mundo. La colaboración entre Pili y el entorno de Yamal ha dado un giro inesperado a la relación entre moda y deporte, uniendo dos universos que rara vez comparten protagonistas.

En las últimas semanas, los looks de Lamine Yamal fuera del campo se han convertido en tema de conversación tanto para seguidores del fútbol como para amantes de la moda. Sus elecciones, especialmente los bolsos y prendas de marcas reconocidas, han despertado una oleada de comentarios y admiración en redes sociales y medios especializados. Ahora todas las teorías cuadran pues la misma Rosalía comentaba en las publicaciones del futbolista mensajes como este: “Estilazo”.

Este fenómeno generó especulaciones sobre quién estaba detrás de su cambio de imagen, hasta que Pili, reconocida por su trabajo como directora creativa y mano derecha de Rosalía, hizo pública su participación como estilista del futbolista. Entre las elecciones más comentadas destaca el cardigan de Chanel, combinado con un bolso shopping de tweed de la misma marca, y el conjunto de pantalón y cazadora de Prada que el jugador lució en los premios Laureus. Estas apuestas estilísticas, aplaudidas por expertos y aficionados, han convertido la imagen de Yamal en un referente de moda durante el torneo.

El trabajo conjunto de Pili y el equipo de Yamal

La transformación estilística de Lamine Yamal no ha sido fruto del azar ni de una sola persona. La colaboración de Pili con Inés Segura, la publicista que ha acompañado al futbolista durante el Mundial, ha sido clave para construir una imagen coherente y llamativa. Juntas han trabajado en cada detalle, seleccionando prendas y accesorios que no solo resaltaran la personalidad del jugador, sino que también marcaran tendencia.

Entre los elementos más destacados del vestuario de Yamal en estos meses figuran varios bolsos de Hermès, como el mini Kelly en verde y el HAC à dos gris, que ha lucido en distintas apariciones. Estas piezas, lejos de pasar desapercibidas, han sido replicadas y comentadas por seguidores y medios, consolidando el estilo del futbolista como uno de los más seguidos del torneo. El propio conjunto elegido para los premios Laureus, una alternativa al traje clásico con prendas de Prada, señala la apuesta por la originalidad y el riesgo que Pili ha impulsado en cada uno de los looks.

El significado de la moda para Yamal

Si bien el trabajo de Pili ha sido central en la construcción de la nueva imagen de Lamine Yamal, la colaboración ha sido más amplia. Para algunos de los estilismos, incluido el traje blanco de la fiesta de 18 años del jugador, fue fundamental la participación de Ana Sotillo, estilista que ya había explicado en una entrevista cómo era trabajar con la joven promesa del fútbol. Sotillo subrayó que la moda no está reñida con el deporte y que Yamal representa a muchos jóvenes de la calle, recordando la importancia de mantener la autenticidad en cada elección.

Las críticas hacia los futbolistas que prestan atención a la moda no han frenado el entusiasmo ni de Yamal ni de su equipo de estilistas. La apuesta por looks arriesgados y marcas de lujo ha generado debate, pero también ha abierto nuevas posibilidades para que los deportistas expresen su personalidad más allá del terreno de juego. La implicación de figuras como Pili, que aporta su experiencia desde el mundo de la música y la creatividad, demuestra que el cruce entre disciplinas puede dar lugar a propuestas originales y a una mayor visibilidad para quienes se atreven a innovar en la imagen pública.

A sus 57 años, Jennifer López mantiene intacta su capacidad para reinventar el vestuario femenino y ejercer una influencia transversal sobre la industria de la moda.

Ícono de generaciones y referente de estilo en todo el mundo, la artista supo cómo evolucionar sin perder su identidad, fusionando tendencias y recursos de la alta costura con una sofisticación propia que trasciende épocas y públicos.

Desde la alfombra roja hasta las calles de Nueva York, redefine los códigos del vestir y desafía las fronteras entre el glamour clásico y la comodidad urbana.

Cada nueva aparición alimenta una narrativa en la que la versatilidad y la audacia estilística son protagonistas.

Brillos y materiales de alto impacto visual

Una de las señas distintivas del estilo de Jennifer López es la predilección por los materiales brillantes y los acabados con textura.

Los vestidos cubiertos de pedrería iridiscente, las aplicaciones de cristales y los tejidos satinados forman parte de una estrategia visual que busca atraer todas las miradas y potenciar los juegos de luz en cada movimiento.

En eventos formales, opta por siluetas ajustadas o voluminosas, siempre realzando la figura con escotes profundos y detalles estratégicos.

Ejemplos recurrentes son el vestido nude cubierto de pedrería y los modelos bordados con lentejuelas y motivos florales. Estas elecciones refuerzan su presencia escénica y además consolidan su lugar como referente de la moda de alfombra roja.

La apuesta por materiales de alto impacto visual conecta a la artista con la tradición del espectáculo, pero también la sitúa al frente de las tendencias internacionales.

Cada prenda seleccionada anticipa o reactualiza lo que luego será adoptado por diseñadores y celebridades, confirmando su rol de innovadora.

Encajes, transparencias y el arte de sugerir

El encaje y las transparencias ocupan un espacio central en el armario de Jennifer López. Estas texturas, presentes tanto en vestidos como en conjuntos de dos piezas, se combinan en patrones geométricos o florales que fusionan sensualidad y sofisticación.

La artista recurre con frecuencia a prendas que cubren el cuerpo en zonas estratégicas, jugando con el equilibrio entre lo visible y lo sugerido.

En varias de sus apariciones, los encajes se alternan con transparencias para crear efectos visuales de gran dramatismo.

Estas elecciones reflejan un dominio absoluto de la tendencia actual que apuesta por la osadía sin perder la elegancia. El resultado es una imagen poderosa y coherente, que transforma cada prenda en una declaración de intenciones.

Plumas, textura y movimiento

El uso de plumas en sus estilismos aporta dinamismo, textura y un efecto teatral inconfundible. Las plumas aparecen en abrigos de tonos claros, detalles de mangas o como complemento de vestidos de gala, sumando volumen y movimiento a su silueta.

Esta tendencia, que remite a la opulencia de la alta costura clásica, se actualiza en la propuesta de López a través de combinaciones inesperadas y juegos de contraste con materiales más sobrios.

El efecto visual es siempre impactante, reforzando su imagen de diva contemporánea y consolidando su posición como musa de diseñadores internacionales.

Las plumas no solo funcionan como ornamento, sino que elevan cada look a la categoría de acontecimiento estilístico, alimentando la narrativa de renovación constante que caracteriza a la artista.

Paleta de colores: del neutro al impacto cromático

La selección cromática de López se mueve entre los tonos neutros, los metálicos y los colores vibrantes como el rojo intenso o los verdes suaves.

En los vestidos de gala, destacan las combinaciones de negro y crudo, como en un modelo de escote palabra de honor acompañado de guantes largos y pendientes plateados, que evoca una elegancia clásica y teatral.

El dominio de la paleta cromática permite a López proyectar diferentes facetas de su personalidad: la sofisticación atemporal de los neutros, la audacia del rojo y la frescura de los verdes.

Esta versatilidad cromática la convierte en referente para quienes buscan inspiración tanto en la moda de noche como en el vestuario urbano y diurno.

Cada elección de color responde a una estrategia visual que equilibra el impacto inmediato con la coherencia estilística, asegurando que cada look sea memorable y adaptable a distintos contextos.

Looks casuales y sofisticación urbana

Más allá de la alfombra roja, ha perfeccionado el arte del look casual sin renunciar a la tendencia.

En sus apariciones urbanas, predominan los conjuntos relajados compuestos por pantalones de corte ancho, chaquetas estructuradas y tops cortos que dejan ver el abdomen.

Los tonos elegidos suelen ser neutros, como el beige, el camel y el azul denim, aportando una base elegante y combinable.

Para el día, López elige vestidos largos de algodón blanco con bordados y tirantes finos, o estampados clásicos como los lunares sobre fondo marrón.

Estos atuendos se complementan con accesorios como bolsos pequeños y gafas de sol de gran tamaño, sumando un toque de lujo discreto.

El equilibrio entre comodidad y sofisticación es una constante en su propuesta urbana, que inspira a seguidores de todas las edades.

La capacidad de adaptar la tendencia al contexto cotidiano sin perder identidad es uno de los principales aportes de López a la moda contemporánea, consolidando su imagen como ícono accesible y aspiracional.

Accesorios, maquillaje y continuidad visual

La elección de accesorios juega un papel clave en su estilismo. Joyas doradas, collares gruesos, brazaletes y anillos de gran tamaño aportan un sello de lujo a cada look, mientras que los bolsos rígidos y los sombreros de ala ancha refuerzan la autoridad y sofisticación de sus conjuntos.

En todos los estilos, el maquillaje se mantiene en una paleta neutra, con predominio de tonos tierra que realzan los rasgos y evitan competir con las prendas.

Los peinados alternan entre recogidos pulidos y cabello suelto con ondas suaves, aportando coherencia y continuidad visual a lo largo del tiempo.

La integración de accesorios, maquillaje y peinado en una propuesta estilística unificada es una de las razones por las que Jennifer López sigue marcando tendencia y consolidando su influencia en la moda global.

Colman Domingo se ha convertido en una de las figuras más observadas de la moda en el espectáculo internacional. Su presencia en cada evento marca una declaración de principios: la elegancia y la osadía pueden convivir en el vestuario masculino.

Sobre la alfombra roja, su actitud propone nuevas lecturas para los códigos clásicos, fusionando el rigor de la sastrería con el deseo de experimentar.

Domingo entiende la moda como una herramienta de expresión que va mucho más allá de la tendencia. Sus elecciones conjugan texturas contrastantes, detalles ornamentales y acabados poco convencionales, y logran looks que interpelan las reglas tradicionales del guardarropa masculino.

Cuando Colman Domingo pisa una alfombra roja, nadie puede predecir si apostará por la elegancia clásica o por una jugada inesperada. Su archivo de looks es una lección de cómo el vestuario masculino puede renovarse sin perder identidad.

1- Blazer azul marino y pantalón blanco

En la presentación de la colección Primavera/Verano 2027 de Ralph Lauren, Domingo eligió un blazer azul marino de textura sutil y una camisa blanca al cuello, combinados con pantalón blanco recto. Los zapatos azul marino y los discretos accesorios dorados sumaron armonía y sofisticación en un conjunto que redefinió la sencillez.

2- Traje gris de cuadros con corbata azul

Para la premiere de “Disclosure Day”, sacó a relucir su costado ejecutivo con un traje gris oscuro de cuadros, camisa blanca y corbata azul de lunares. Los zapatos negros clásicos y complementos metálicos demostraron que el estilo formal también puede tener un giro contemporáneo.

3- Traje de tres piezas beige

En Londres, repitió la fórmula del tres piezas, pero en beige y con estampado de cuadros finos. El chaleco y la pañoleta en el bolsillo aportaron aire retro, mientras que la combinación de camisa blanca, corbata azul con puntos y zapatos marrones dejó claro que Domingo domina la mezcla de texturas y accesorios.

4- Abrigo estructurado en gris

La silueta cambió en París con un abrigo largo gris de corte asimétrico y solapa amplia, acompañado de pantalón negro ancho y joyería robusta. Aquí, la estructura fue protagonista y el look destiló actitud vanguardista.

5- Camisa satinada rosa y pantalón ancho

Para la premiere de “The Four Seasons”, apostó por el color y las texturas: camisa satinada rosa con plisados, pantalón ancho terracota y cinturón a juego. Los zapatos marrones y la inspiración setentera hicieron el resto.

6- Traje geométrico multicolor

En la Met Gala 2026, Domingo arriesgó con una chaqueta de rombos multicolor y pantalón negro con franjas rojas de lentejuelas. Los zapatos de charol y los anillos llevaron el look a un terreno artístico y teatral.

7- Smoking negro con chaleco bordado

En la premiere de la película de Michael Jackson, la apuesta fue por el smoking negro clásico con solapas amplias, pero el chaleco de pedrería plateada y las pulseras plateadas rompieron el molde del dress code tradicional.

8- Abrigo bordado con motivos florales

En la gala Life Achievement Award tribute, eligió un abrigo negro largo con bordados florales blancos, sobre camisa blanca y pantalón negro entallado. Un equilibrio entre lo clásico y lo ornamental.

9- Traje rayado con flor oversize

Durante el after party de los Oscar 2026, llevó un traje sastre rayado con solapa ancha y una flor blanca oversize. Accesorios minimalistas y zapatos negros pulidos remataron un conjunto de tailoring con alto protagonismo.

10- Total look amarillo y botas western

En los Image Awards 2026, Domingo sorprendió con un look monocromático en amarillo, desde el abrigo largo hasta el suéter de cuello alto. Las botas western y las gafas a tono le dieron un aire de cowboy contemporáneo.

11- Camisa cruzada marrón y pantalón satinado

Otro giro: camisa marrón cruzada de cuello pronunciado y pantalón satinado nude. Los zapatos de charol y los anillos sumaron sofisticación a la sobriedad.

12- Traje de terciopelo marrón

En el Palm Springs International Film Festival, el terciopelo fue el rey: traje marrón chocolate con chaleco y pantalón ancho, camisa negra abierta y gafas tipo aviador ámbar. Un guiño retro con sello propio.

13- Smoking negro con detalles de mariposas

Finalmente, en los Golden Globes, lució un smoking negro de doble botonadura con solapas satinadas y aplicaciones de mariposas blancas en relieve. Zapatos de punta afilada y creatividad sin límites para cerrar la lista.

Cada look de Colman Domingo confirma que la moda masculina puede ser un terreno de juego creativo, donde la elegancia y la experimentación nunca se excluyen.

*Fotos: Reuters

A sus 37 años, Daniel Radcliffe reafirma su lugar no solo como actor versátil, sino también como referente de estilo.

Desde los trajes más sofisticados hasta apuestas relajadas, el intérprete británico demuestra que la moda es una extensión de su personalidad y una herramienta para expresar diferentes facetas según la ocasión. Sus looks más destacados:

Traje azul claro y pajarita plateada

Durante los Premios Tony 2026, Daniel Radcliffe eligió un traje de dos piezas en azul claro con acabado mate para desfilar sobre la alfombra azul. Destacó el saco, adornado con solapas anchas de satén plateado y una pajarita de gran tamaño en el mismo tono.

Debajo, llevó una camisa celeste con puños sutilmente visibles, mientras que el pantalón recto, perfectamente planchado, caía hasta unos zapatos negros de charol. Un pin circular en la solapa izquierda sumó un guiño personal. El peinado con volumen y la barba prolijamente recortada completaron un aire sofisticado y moderno.

Estilo casual con chaqueta verde y camiseta de rayas

Para un evento de alfombra roja vinculado a los premios Tony, Radcliffe apostó por la versatilidad de un registro casual. Lució una chaqueta ligera de algodón verde oliva, con cuello clásico y cierre de cremallera. Debajo, combinó una camiseta de rayas horizontales en blanco y verde oscuro, logrando un efecto juvenil y urbano.

El pantalón ajustado negro y las zapatillas deportivas negras con suela blanca gruesa sellaron el conjunto. Así, Radcliffe reafirmó su dominio del estilo casual, fusionando básicos con detalles actuales para un resultado natural y contemporáneo.

Suéter gris y jeans en escenario teatral

En el escenario teatral, Radcliffe mostró su faceta más relajada con un suéter de punto gris claro de cuello redondo y manga larga, junto a jeans azul oscuro de corte recto.

Apostó por zapatillas deportivas blancas con detalles en verde claro y suela marrón, priorizando la comodidad y la cercanía. La paleta de colores suaves y las prendas funcionales refuerzan una imagen accesible y auténtica, alejada de los flashes.

Traje lila con solapas satinadas y pajarita a juego

Durante otra gala de los premios Tony, eligió un conjunto monocromático en lila claro. El saco, con solapas anchas de satén en un tono más intenso, armonizaba con una pajarita grande en la misma gama cromática.

La camisa lila pálido y el pantalón entallado creaban una silueta uniforme, mientras que los zapatos negros de charol sumaban contraste. La monocromía actualiza el traje clásico y concentra las miradas sin recurrir a estridencias.

Solapas negras y moño clásico

En otra alfombra de premiación, Radcliffe optó por un traje burdeos de dos piezas. El saco, abotonado en el centro, lucía solapas negras de satén, junto a una camisa blanca y un moño negro tradicional. El pantalón, a juego con el saco, y los zapatos negros de charol reforzaron la elegancia del look.

El azul claro como sello

Para la presentación de una película, se inclinó por un traje azul claro de corte ajustado y tela lisa. Esta vez, prescindió de la corbata y combinó con una camisa negra de cuello abierto, logrando un aire más relajado y moderno.

Los pantalones a tono y los zapatos negros de charol con hebilla completaron la propuesta, acompañados por un peinado hacia arriba y barba recortada.

Gris y negro, un dúo clásico

Frente a una alfombra verde en la premiere de “The Lost City”, Radcliffe sorprendió con una mezcla de prendas formales y deportivas. Llevó un traje gris claro de corte slim, con saco de solapa clásica y pantalón a juego, reemplazando la camisa tradicional por una camiseta negra de cuello redondo. Las zapatillas deportivas blancas de suela gruesa dieron el toque contemporáneo y relajado.

Fotos: Reuters

La atención sobre el aspecto visual de la dirigente no se restringe a los actos protocolares. En sus transmisiones en vivo, Fujimori ha destacado su interés por la textilería local y ha lucido creaciones de diseñadores nacionales como Jirko Sivirich y Sue Saknich, además de mencionar marcas de Gamarra, el emblemático distrito textil de la capital peruana. Esta exposición ha generado debate sobre la construcción de una imagen presidencial que integra elementos de identidad nacional y una lectura política de la moda.

El traje como símbolo de poder y pertenencia

La preferencia por los trajes sastre es notoria en la presidenta electa. Según declaraciones recogidas en el entorno de la mandataria, Fujimori considera que estas prendas le otorgan comodidad y seguridad durante sus apariciones públicas. El equipo de asesores y los diseñadores que colaboran en su vestuario trabajan en piezas que conjugan formalidad, símbolos patrios y una interpretación política de la indumentaria.

Uno de los momentos más comentados fue la ceremonia de entrega de credenciales, celebrada el 15 de julio en el Gran Teatro Nacional. Para esa ocasión, Fujimori eligió un sastre blanco de dos piezas diseñado por Jirko Sivirich, quien ha alcanzado reconocimiento internacional por llevar la identidad y paisajes de Perú a las pasarelas de alta costura. El diseñador relató que recibió la solicitud de incorporar un color específico: el verde.

Detalles que fortalecen el vínculo con la cultura peruana

Yirko Sivirich narró que a partir de ese pedido surgió la inspiración para incluir referencias a la selva peruana y el bordado con la palabra “Perú”, integrando así elementos simbólicos en la prenda. “Vestir al presidente es algo superimportante”, afirmó el diseñador, quien relacionó ese logro con su propia trayectoria y con el hecho de que su taller se ubica en Gamarra, uno de los polos textiles más grandes del país.

La repercusión de este trabajo alcanzó a otras profesionales del sector. Una sastre local declaró que la aparición de Fujimori usando uno de sus blazers provocó un aumento significativo de seguidores en redes sociales y mencionó que la mandataria incluso la citó con nombre y apellido, lo que representó un impulso inesperado para su carrera.

Más allá del sastre: diseñadores proponen una imagen diversa

El fenómeno de la moda presidencial no se limita a la confección de una prenda puntual. Según la información recabada, existe una diseñadora destacada por ser la primera mujer peruana enfocada en sastrería, un ámbito históricamente ocupado por hombres. Este dato ilustra cómo la exposición pública de la presidenta electa permite visibilizar trayectorias que desafían los esquemas tradicionales dentro del sector textil peruano.

A este diálogo se sumó el diseñador Jorge Luis Salinas, quien propuso ampliar el registro estético de Fujimori una vez que inicie su mandato. Salinas considera que la presidenta podría aparecer en público no solo con sastres, sino también con vestidos y conjuntos pensados para eventos oficiales, recepciones o encuentros bilaterales.

Calidad, confección y referencias internacionales

Salinas aseguró que la presidenta electa “luce más delgada” y no teme experimentar con opciones más juveniles, siempre dentro de un marco de elegancia. Al respecto, mencionó como referentes visuales a la reina Letizia de España y a Kate Middleton, princesa de Gales, subrayando la importancia de la calidad de la tela, la confección precisa y el entalle para proyectar autoridad y sobriedad.

En línea con esta visión, el diseñador señaló que una imagen sobria no implica rigidez. Al referirse a la indumentaria que la mandataria usará el 28 de julio, sostuvo que la elección de una buena tela y una confección exacta bastan para garantizar una presencia sólida, con detalles perceptibles incluso en estilos más contenidos.

Belinda cambia a un look bob platinado para su colaboración en dos portadas de Vogue Latinoamérica. La artista documentó el proceso de su cambio de look a través de sus historias donde se puede ver el espectacular resultado de manos de su estilista.

La cantante y actriz protagoniza la edición de agosto de la revista en dónde participará con una doble portada que marca su regreso a los tonos claros, tras meses de cabello castaño por su papel como Carlota de Habsburgo en una producción de Sony Pictures y HBO Latinoamérica.

Reacciones positivas en medio de una polémica inesperada

Las fotografías de la portada fueron bien recibidas por fans de la cantante elogiaron su versatilidad y destacaron su capacidad para reinventar su imagen en cada nueva etapa profesional.

La polémica llegó por una declaración de Belinda en la misma entrevista: al hablar de su dueto con Danna, afirmó que “en México nunca se han juntado dos pop stars para hacer música, a veces los egos están muy por arriba del talento o de los proyectos”.

Fans de Kenia Os interpretaron el comentario como un desaire a la cantante sinaloense, con quien Belinda ya había colaborado en “Jackpot” en 2025. La tensión se amplificó cuando ambas artistas asistieron al mismo partido de la Selección Mexicana en el Estadio Ciudad de México, en el marco del Mundial 2026, sin ser fotografiadas juntas.

“Reinaaaa”, “todo le queda divino”: así reaccionaron sus fans

Las imágenes se hicieron notar de inmediato. En X, la cuenta @paosoprano resumió el sentir de miles de seguidores: “Belinda no solo cambia de color de cabello: cambia de narrativa, de época, de piel. Y en ese proceso, nos recuerda que la verdadera reinvención está en atreverse a ser alguien distinto, sin perder la esencia que la hace única”.

Los comentarios de los fans no se hicieron esperar. “ICONIC!!!”, “Reinaaaa” y “Todo le queda divino” fueron algunas de las frases que se repitieron en las publicaciones. Usuarios como @SalasS35723 y @lanavarro57 la calificaron de “divina” y “una reina”, respectivamente.

De Carlota de Habsburgo al platinado

El castaño que Belinda lució durante la primera mitad del año respondía a las exigencias de su personaje en una serie biográfica sobre Carlota de Habsburgo, la última emperatriz de México, producida por Sony Pictures y HBO Latinoamérica.

Para el papel, la artista modificó su imagen con ondas suaves y una propuesta mucho más sobria. Parte de las grabaciones se realizaron en Madrid.

Con las filmaciones concluidas, Belinda recuperó los tonos rubios que la caracterizan, aunque con un estilo completamente renovado: el bob estructurado y el platinado intenso representan una de las transformaciones más notorias de su carrera reciente.

Belinda aclara y defiende a Kenia Os

Ante la ola de críticas, Belinda salió a desmentir cualquier conflicto a través de sus plataformas digitales. Explicó que su comentario en Vogue aludía exclusivamente a la enemistad ficticia que los medios construyeron durante años entre ella y Danna, no a otras artistas.

“Pido que dejen de inventar cosas y de tratar de ponernos en contra, tanto a nosotras como a los fandoms”, señaló, y reafirmó su vínculo con Kenia Os: “A Kenia le tengo muchísimo cariño y un profundo respeto. Tenemos una colaboración juntas que se llama Jackpot y una relación muy bonita”.

Para respaldar sus palabras, dejó un comentario en una publicación de Instagram de Kenia Os: “Qué bonita, te quiero”.

El dueto con Danna y la “trinidad del pop” en pausa

En la misma edición de Vogue, Belinda confirmó su colaboración musical con Danna. El videoclip del tema se grabó el 5 de julio de 2026 en la Ciudad de México.

“Estoy muy emocionada porque va a salir un dueto que me emociona muchísimo, con Danna. Logramos quitar los egos de artistas y simplemente hacer una canción por amor al arte, por amor a la música”, declaró Belinda en la revista.

El proyecto que reuniría a las tres cantantes —Belinda, Danna y Kenia Os, conocido como la “trinidad del pop”— permanece pausado. Kenia Os indicó que el retraso se debe a “problemas administrativos”.

Selena Gómez celebra este miércoles sus 34 años consolidada como uno de los principales iconos de moda de su generación. A lo largo de su carrera, la cantante y actriz estadounidense supo reinventar su imagen, adaptándose con soltura a las tendencias y logrando imponer su propio sello en cada aparición pública.

Gomez destaca por su capacidad de combinar elegancia con frescura, atreverse con texturas y siluetas variadas que la mantienen siempre en el centro de las miradas.

Considerada referente en la industria, la nacida en Texas ha colaborado con reconocidas casas de moda y es habitual encontrarla en las listas de mejor vestidas.

A continuación, sus estilismos más comentados:

Vestido negro de encaje y transparencias

Para el casamiento de Taylor Swift, deslumbró con un vestido largo negro confeccionado en encaje, caracterizado por transparencias estratégicas y aplicaciones florales en relieve. El diseño, sin tirantes, dejó los hombros al descubierto y sumó una abertura lateral alta decorada con motivos florales.

Para completar el look, eligió sandalias de tiras negras y pendientes largos de brillo, y peinó el cabello en un moño pulido. El maquillaje en tonos neutros resaltó sus facciones y aportó un aire moderno. Este atuendo se distingue por su sensualidad equilibrada y la atención al detalle en la confección.

Suéter oversize y pantalón amplio

En una salida informal, Selena apostó por la comodidad sin sacrificar el estilo. Eligió un suéter grueso de punto gris claro de silueta oversize combinado con pantalones anchos en tono crema.

Las gafas de sol rectangulares oscuras, el calzado tipo slipper beige y el cabello suelto con raya al medio completaron el conjunto, logrando un aire despreocupado y relajado. Este look demuestra cómo la artista puede trasladar las tendencias del street style a su día a día, manteniendo siempre una imagen cuidada y coherente.

Vestido negro con perlas

En la alfombra de un festival de Netflix, Selena optó por un vestido negro midi con escote cuadrado y mangas cortas, adornado con aplicaciones de pequeñas perlas negras distribuidas de manera uniforme.

Llevó el cabello recogido hacia atrás y labios en rojo intenso, acompañando con accesorios de plata, pendientes geométricos y anillos, logrando un equilibrio entre sofisticación y modernidad. El detalle de las perlas aporta un guiño clásico, mientras que el maquillaje y los complementos actualizan el conjunto.

Terciopelo negro y plumas

Para una premiación cinematográfica, la cantante se inclinó por un vestido largo de terciopelo negro de corte ajustado, cuya principal característica fue un escote cubierto de plumas blancas que aportaron volumen y contraste visual.

El peinado retro en ondas y el maquillaje clásico, junto con joyas plateadas, contribuyeron a una apariencia atemporal con toques de glamour de la vieja Hollywood. Este look refuerza la versatilidad de Selena para adaptarse a dress codes formales sin perder su esencia.

Negro con pedrería y chaqueta estructurada

En otra gala, Gomez eligió un vestido negro de corte sirena y escote palabra de honor asimétrico, decorado con detalles de pedrería en la parte superior. Añadió una chaqueta negra estructurada sobre los hombros y pendientes largos de cristales, optando por labios en tono borgoña.

Esta elección fusiona la elegancia clásica con elementos contemporáneos, ofreciendo una imagen refinada y poderosa.

Vestido rojo asimétrico con cola

Durante la ceremonia de los premios Emmy, Selena llevó un vestido largo rojo con cuello alto drapeado y tirante asimétrico, acompañado de una cola extensa que aportó dramatismo y movimiento.

El peinado recogido en coleta alta y las joyas discretas pusieron el foco en el diseño arquitectónico del vestido, consolidando su capacidad para destacar en eventos de alto perfil con propuestas audaces y sofisticadas.

Vestido negro recto y hombros marcados

En un evento de Disney, apostó por un vestido negro de corte recto y largo midi, con hombros estructurados y una pequeña abertura en la falda. Combinó con zapatos de charol negro, pendientes en aro y el cabello recogido, reafirmando una imagen pulcra y moderna.

El diseño de líneas limpias y estructura definida evidencia su dominio de la estética minimalista.

Lentejuelas negras y escote strapless

En la fiesta de Vanity Fair posterior a los Oscar, Selena impactó con un vestido negro de lentejuelas, ajustado y de escote palabra de honor.

Completó el estilismo con un collar ancho de brillantes y el cabello suelto en ondas marcadas. Este look resalta por el uso del brillo y la silueta ceñida, ideal para celebraciones nocturnas y de alto glamour.

Nude brillante y hombros caídos

En la alfombra roja de los Oscar, optó por un vestido largo nude con escote barco y hombros caídos, cubierto de aplicaciones brillantes que generaron un efecto de malla.

Las sandalias de plataforma y un collar ancho de diamantes completaron el conjunto, fusionando sensualidad y sofisticación con un aire etéreo y elegante.

Azul medianoche y escote cruzado

Durante los Screen Actors Guild Awards, Selena vistió un vestido largo azul medianoche de satén, con escote off shoulder cruzado y abertura lateral.

Complementó el conjunto con sandalias negras de tiras, pendientes colgantes y uñas rojas, llevando el cabello suelto en ondas suaves. Esta propuesta resalta por su color profundo y el equilibrio entre clasicismo y modernidad.

Brillos y contraste en blanco y negro

En los BAFTA Film Awards, la artista lució un vestido largo de silueta ajustada, completamente cubierto de apliques plateados con brillo. El diseño incluyó tirantes decorativos y mangas caídas en terciopelo negro, con escote profundo en forma de corazón.

Pulseras y anillos plateados, labios en tono natural y un peinado pulido completaron el look, mostrando una vez más su predilección por la sofisticación con guiños contemporáneos.

Sastrería blanca

Durante el Palm Springs International Film Festival, apostó por un conjunto de sastrería en blanco, formado por pantalón recto, chaleco de botones, saco con solapas satinadas, camisa y corbata en el mismo color.

El cabello recogido en un moño y pendientes pequeños aportaron un aire refinado y contemporáneo, evidenciando su habilidad para lucir estilos andróginos con elegancia.

Conjunto preppy en tweed negro y blanco

En un evento de moda, Selena eligió un conjunto de tweed negro compuesto por chaqueta de manga larga y falda a juego, ambos con botones metálicos y acabados en blanco en puños y cuello.

Llevó medias negras y zapatos de plataforma bicolor, además de lucir el cabello liso con raya al medio y maquillaje en tonos suaves. Este look preppy remite a la estética clásica con un giro juvenil y sofisticado.

Sharon Stone reveló en una entrevista que, durante su juventud, mantuvo una relación con un hombre mucho mayor, con quien recorrió el mundo y sostuvo un vínculo intermitente durante tres décadas.

La actriz lo contó al recordar su regreso a las pasarelas de París en junio pasado, el primero en 33 años.

“Cuando tenía 19 años, tenía un novio de 38 que era diseñador, un diseñador de sedas, y conocí a todos los diseñadores gracias a él”, declaró a Variety. “Viajamos por todo el mundo juntos. Salimos de forma intermitente durante 30 años. Seguimos siendo mejores amigos”.

La revista le preguntó si alguna vez consideraron casarse. “Él se habría casado conmigo, pero yo no quería vivir en Europa”, respondió.

Y agregó: “Sabía que iba a ser actriz. Sabía cuál era mi destino. Sabía de verdad, desde pequeña, que esto era lo que me iba a pasar. No era solo la actuación. Sabía que iba a ser superfamosa y que tenía muchas cosas que debía hacer. Lo sabía”.

El recuerdo llegó a propósito de su participación como modelo de cierre en el desfile de menswear de Vetements en París. Sobre el diseñador Guram Gvasalia, dijo al medio que “es muy inteligente, y hace algo que para mí es bastante punk. Y yo estuve presente en el punk, así que me identifico mucho con eso”.

La entrevista tuvo lugar en la residencia de Stone en Beverly Hills, donde la actriz recibió al equipo de Variety junto a jóvenes de Social Network Studios, empresa de gestión de redes sociales fundada por su hijo mayor, Roan Stone, quien también administra la presencia digital de su madre.

“Tenía cuatro o cinco millones de seguidores en Instagram, pero no mucho engagement. Ahora tengo millones en engagement“, señaló.

En cuanto a su carrera actoral, Variety recoge que en el último año Stone tuvo apariciones en Euphoria, la comedia de acción Nobody 2 y el drama independiente In Memoriam.

La estrella de cine también tiene planes en Broadway: intentó sin éxito hacerse con los derechos de una versión teatral de All About Eve para interpretar a Margo Channing, el papel que Bette Davis llevó a la pantalla en 1950. “Podría hacer una buena Margo Channing. Con los ojos cerrados”, dijo ante el medio.

Entre sus otros proyectos figura una versión de Mame ambientada en la era punk, con música de Debbie Harry y la participación de Billy Idol, y una adaptación con reparto femenino de La Cage aux Folles, el musical ganador del Tony sobre una pareja gay que regenta un club de drag.

El duro camino de Sharon Stone para dejar la marihuana y los fármacos

El proceso de desintoxicación que Sharon Stone atravesó en el último año fue, según sus propias palabras, físicamente devastador.

La actriz de 67 años había sufrido un ictus casi fatal en 2001, tras el cual le prescribieron varios fármacos. A lo largo de los años fue abandonando la mayoría, pero uno persistió hasta septiembre pasado.

“Me bajé de uno de mis medicamentos para el ictus en septiembre pasado, y me dijeron que no podía hacerlo”, declaró Stone a Variety. “Me dijeron: ‘No puedes dejarlo. Nunca podrás dejarlo’. Y yo: ‘Me lo estoy dejando’. Fue como dejar la maldita heroína. Estuve enferma como un perro durante cuatro meses y medio”.

Una vez superada esa etapa, Stone decidió también poner fin al consumo de cannabis, algo que tampoco resultó sencillo.

“Ya no es como antes, cuando éramos niños. Me puse bastante mal durante un mes”, explicó al medio.

Su neurólogo le advirtió que la situación era más grave de lo que muchos creen: “Sharon, he tenido gente muriendo en urgencias por marihuana”, le dijo el médico.

“Quería recuperar mi vida. Quería una vida libre de drogas”, afirmó Stone.

La actriz precisó que este período representó para ella una etapa de reconquista personal: “Este ha sido un período en el que, durante este último año, he recuperado realmente mi vida”.

Las premieres de “La Odisea” elevaron a Matt Damon como referente absoluto de la elegancia masculina. El actor, famoso por su trayectoria y su presencia impecable en la alfombra roja, eligió un look que une la tradición de la sastrería europea con toques modernos y mucha personalidad.

Con 55 años, Damon impacta frente a las cámaras: transmite seguridad, maneja su imagen con soltura y convierte cada gesto en una marca registrada de estilo.

Looks representativos de Matt Damon en alfombras rojas

Uno de los looks más recordados fue el traje azul marino de corte tradicional que usó en la premiere de Nueva York junto a Anne Hathaway, combinado con una camisa blanca de algodón y una corbata azul con pequeños puntos blancos.

Los zapatos de piel marrón y el pañuelo blanco ofrecieron un acabado sobrio, mientras la estructura del traje realzó una silueta clásica.

Anne Hathaway llevó un vestido largo de color blanco perlado, confeccionado en tejido plisado de caída amplia. El diseño presentaba un cuerpo con aplicaciones plateadas que se cruzaban sobre el pecho y el cuello, dejando al descubierto una sección central bajo el busto. Completó el look con sandalias de tiras plateadas y una pulsera ancha metálica.

En otra ocasión, para la premiere en India Damon optó por un traje marrón claro de tejido liso, acompañado de camisa blanca y corbata a juego. El pañuelo blanco en el bolsillo proporcionó un contraste leve, y la precisión en el ajuste de la chaqueta y el pantalón reforzó una imagen formal y contemporánea.

También se destacó en Londres con un conjunto de tres piezas en gris claro con líneas verticales, al que sumó una camisa blanca y corbata de rayas diagonales en tonos oscuros. El pañuelo estampado en el bolsillo añadió un toque gráfico, mientras el calzado marrón complementó la paleta cromática.

En un evento más relajado, en el Camino de la Fama Damon eligió un traje gris claro de dos piezas con camisa blanca abierta y sin corbata. El pañuelo azul oscuro con microestampado y los anteojos de sol de montura metálica sumaron modernidad y frescura, reforzando un aire menos rígido.

El equilibrio entre formalidad y desenfado también fue evidente cuando combinó un pantalón gris claro de raya diplomática y chaqueta del mismo tono con un suéter tipo polo blanco de punto, sin corbata en Los Ángeles. Los zapatos negros de cuero y las gafas de montura rectangular completaron el look, que conjugó elegancia y naturalidad.

Otras apariciones, como la del Festival de Cine de Toronto, incluyeron un traje gris claro de dos piezas sobre una camisa negra sin corbata, con calzado negro de charol, y una apuesta monocromática en negro, formada por pantalón de vestir, americana y polo de algodón, donde la ausencia de accesorios llamativos y el peinado corto consolidaron una imagen minimalista.

Incluso en registros más distendidos, durante la premiere de “Oppenheimer” optó por una camisa blanca de algodón remangada y un pantalón azul marino de corte recto, acompañados de zapatos negros de charol y cinturón negro. Una pulsera de cuentas en la muñeca derecha aportó una nota personal.

En otra instancia de la misma premiere, eligió un traje azul profundo de dos piezas junto a una camiseta blanca de cuello redondo, completando con zapatos marrones y reloj de muñeca, logrando un resultado versátil y contemporáneo.

“The Odyssey” y su impacto

La premiere de “The Odyssey” se enmarcó en el lanzamiento de uno de los títulos cinematográficos más esperados del año. Dirigida por Christopher Nolan, la película fue presentada como una epopeya moderna, llamada a convertirse en un clásico inmediato según la crítica.

El proyecto reunió a un elenco de figuras destacadas, entre ellas Matt Damon y Tom Holland, quienes aportaron no solo su talento interpretativo, sino también una impronta de estilo en cada aparición pública.

Aunque la cinta se ambientó en un universo de inspiración mitológica, sus protagonistas trasladaron a la alfombra roja una visión contemporánea de la masculinidad, distanciándose de los códigos visuales del género de sandalias y espadas para apostar por la sastrería moderna.

Este enfoque en el vestuario, tanto en pantalla como en los eventos paralelos, consolidó la imagen de “The Odyssey” como un fenómeno cultural más allá de su trama, posicionando a Matt Damon como un referente de elegancia y sobriedad en el panorama actual.

Zendaya y Tom Holland dan cátedra sobre cómo combinar looks en pareja y llevan el estilo al siguiente nivel cada vez que aparecen juntos. Su presencia conjunta marca el pulso de la moda actual y se ha convertido en inspiración para quienes buscan coordinar outfits con personalidad.

Durante la gira de prensa de “Spider-Man: Brand New Day” y en los eventos más recientes, la dupla no solo brilló por sus proyectos, sino también por la armonía de sus elecciones de vestuario.

En su última aparición en Nueva York, Zendaya apostó por un minivestido negro satinado con escote profundo en V, drapeado y un detalle llamativo en la cadera. A su lado, Tom Holland eligió un suéter azul marino, camisa celeste y jeans rectos azul claro. Juntos, logran una combinación impecable de comodidad y sofisticación que eleva cualquier alfombra roja.

Otros looks destacados de la pareja

1. Elegancia en tonos borgoña y nude

En una de las galas más formales, para la premiere de Spider-Man en Italia, Tom Holland llevó un traje de dos piezas en color borgoña, acompañado de camisa clara y corbata al tono, junto con zapatos oscuros y el cabello prolijamente peinado.

A su lado, Zendaya lució un vestido largo nude cubierto por una malla transparente decorada con apliques metálicos en forma de telaraña. Los pendientes largos y las ondas cortas en su cabello aportaron un aire retro sofisticado.

2. Denim contemporáneo a dúo

En “El Hormiguero”, la pareja optó por el denim oscuro. Holland llevó una chaqueta vaquera azul con botones metálicos de Louis Vuitton bordado en dorado, acompañado de camiseta blanca y pantalón vaquero.

Zendaya combinó una chaqueta corta de jean azul con pantalón a juego, costuras visibles, ondas suaves en el cabello y maquillaje discreto, logrando una armonía visual sin perder individualidad.

3. Total black y texturas

En un evento de la película, Holland lució un conjunto completamente negro: camisa y pantalón de vestir, corbata negra y camisa roja debajo.

Zendaya apostó por un vestido negro sin tirantes de textura aterciopelada, falda asimétrica y flecos en un lateral. El reloj metálico y los pendientes largos acentuaron el aire sofisticado, mientras que el cabello hacia atrás con efecto húmedo sumó modernidad.

4. Brillos y contraste de estilos

En otra ocasión, Zendaya llevó un blazer gris oversize decorado con aplicaciones brillantes en forma de cadenas sobre pantalón negro ajustado con detalles similares, pendientes largos y cabello peinado hacia atrás.

Holland contrastó con una chaqueta de cuero negra de corte clásico, camisa blanca de rayas finas y pantalón negro de vestir, reafirmando su preferencia por la sobriedad con toques actuales.

Zendaya: versatilidad y vanguardia en cada aparición

Zendaya consolidó su posición como referente de la moda internacional gracias a una propuesta que rechaza la monotonía y apuesta por la experimentación textil y conceptual.

En una de sus apariciones más cercanas al público, saludó a sus seguidores en Nueva York luciendo un conjunto total de Louis Vuitton, marca que integró como una extensión de su personalidad.

El atuendo consistió en una campera de cuero negra, camiseta blanca, pantalones de cuero a juego y zapatos de tacón negros de punta.

Inspirándose en el universo de Spider-Man, Zendaya optó para la premiere en Roma también por conjuntos que rinden homenaje a los colores icónicos del personaje.

El look fue el conjunto bicolor de top corto y falda entallada, ambos cubiertos de lentejuelas rojas y azules, acompañado de zapatos blancos y el cabello corto peinado de lado.

La adaptación cromática y la silueta ajustada demuestran su capacidad de reinterpretar códigos pop sin caer en la literalidad.

En otra premiere, Zendaya eligió la comodidad sin renunciar al impacto visual. Una camiseta negra oversize con gráfico rojo de Spider-Man es el centro del look, combinada con zapatos blancos de punta cerrada y el cabello corto suelto.

El resultado es un equilibrio entre desenfado y guiños a la cultura pop, ideal para apariciones espontáneas ante las cámaras.

Para la premiere de “La Odisea” en Londres Zendaya demostró que la sencillez también puede ser memorable: un vestido largo blanco de tirantes finos y corte recto, detalles de perlas en los bordes, grandes pendientes dorados circulares y una vincha blanca que recoge el cabello. El maquillaje discreto y los anillos dorados completan una imagen de elegancia natural.

Tom Holland: sobriedad contemporánea y guiños clásicos

El estilo de Tom Holland se distingue por una preferencia clara por la sastrería y la comodidad, equilibrando tradición y modernidad.

En sus apariciones más formales, como en la premiere de “La Odisea” en Londres, se inclinó por trajes cruzados en colores oscuros, como el negro, con solapas anchas y botones dobles.

Una camisa negra y zapatos marrón oscuro de punta cuadrada acompañaron el conjunto, mientras el cabello, peinado en rizos definidos, aportó un toque juvenil a la composición clásica.

En la premiere de Spider-Man en Roma, Holland apostó por el jean. Un conjunto de chaqueta y pantalón de jean azul de corte amplio, camiseta blanca redonda y anteojos de sol de montura gruesa en negro, junto con zapatos negros de charol, construyeron una imagen moderna, cómoda y adaptable a diferentes situaciones.

La alfombra roja de los Critics Choice Awards reveló otra faceta de su estilo. Un traje marrón de dos piezas con doble abotonadura, chaleco a juego y camisa rosa aportaron contraste cromático. La corbata negra y los zapatos de charol negro completaron el look.

La reciente aparición de Hailey Bieber y Justin Bieber en Nueva York reafirma una de las características más emblemáticas de la pareja: la apuesta por estilismos opuestos que, lejos de buscar uniformidad, potencian su imagen a través del contraste.

Tras la presentación de Justin Bieber en el espectáculo de medio tiempo del Mundial 2026, ambos se sumaron a una celebración en SoHo. Allí, sus elecciones de vestuario volvieron a acaparar la atención de los seguidores del mundo fashion.

Justin Bieber apostó por una silueta relajada y urbana, en línea con la estética oversize y casual que ha definido sus últimas apariciones. Hailey Bieber, en cambio, deslumbró con un vestido corto tipo lencero en tono burdeos, realzado por delicados encajes marrones en la parte superior y el dobladillo.

La empresaria y modelo sumó sandalias de tacón fino en negro con transparencias, gafas de sol oscuras y un peinado suelto con raya al medio. Su porte impecable y expresión seria marcaron una diferencia rotunda frente al estilo distendido de Justin.

El contraste entre ambos resultó aún más marcado por los códigos y climas que cada uno propuso: Hailey Bieber proyectó una imagen sofisticada, lista para una noche en la ciudad, mientras Justin Bieber mantuvo su impronta deportiva y relajada.

Esta dualidad, lejos de ser casual, se consolida como el sello inconfundible de la pareja.

El look de Justin Bieber en el show de medio tiempo del Mundial 2026

Durante el espectáculo de medio tiempo de la Copa Mundial 2026, Justin Bieber subió al escenario del MetLife Stadium con un conjunto que reflejó su preferencia por la comodidad y la autenticidad sobre la ostentación.

El cantante eligió una camiseta polo blanca de manga corta, sobre la que llevó una camiseta de manga corta en color verde oscuro, de corte amplio y caída asimétrica.

La parte inferior del atuendo consistió en bermudas de mezclilla azul oscuro, largas y holgadas, combinadas con calcetas blancas gruesas, arrugadas, y zapatillas deportivas plateadas.

Más looks de la pareja

Hailey y Justin Bieber han mostrado estilos coordinados que combinan elementos urbanos, deportivos y sofisticados, adaptados a diferentes contextos y temporadas.

En una escena invernal, Hailey eligió un abrigo negro de textura peluda y una bufanda roja de lana, acompañada de gafas de sol negras estrechas. Justin complementó el ambiente frío con una chaqueta acolchada beige de capucha amplia y forro de borrego, creando un contraste visual entre los materiales y colores de ambos atuendos.

En un contexto relajado al aire libre, Hailey vistió un top negro de tirantes y pantalones claros, mientras que Justin llevó una camisa de franela azul a cuadros sobre una camiseta blanca y gorro blanco de punto. El resultado fue una combinación casual y cómoda, con referencias al estilo clásico estadounidense.

Durante un paseo urbano, Hailey optó por un top negro de manga larga, pantalones de sastre negros y accesorios dorados, mientras que Justin lució una sudadera negra, camiseta rosa, pantalones cargo beige y gorra negra. Ambos apostaron por prendas de silueta holgada y accesorios contemporáneos, logrando un equilibrio entre lo deportivo y lo sofisticado.

En una velada junto al mar, Hailey resaltó con un mono beige de corte asimétrico y pantalón acampanado, y Justin combinó un suéter de punto blanco, pantalón oscuro de cuadros y sombrero de paja. Los tonos claros y las texturas suaves se complementaron con detalles geométricos y calzado de tejido blanco, reflejando una estética elegante y relajada.

Durante un evento nocturno, ambos apostaron por chaquetas de cuero negro oversize. Hailey añadió un top de rayas y pendientes dorados gruesos, mientras que Justin combinó su chaqueta con un suéter rojo de punto, detalles de rombos y una gorra negra con lunares blancos. La dupla basó su coordinación en materiales robustos y colores intensos, logrando una imagen llamativa de inspiración urbana.

María Becerra entonó el Himno Nacional Argentino en la final de la Copa Mundial FIFA 2026, y el MetLife Stadium de Nueva Jersey vivió un momento de emoción e identidad nacional.

La imagen de la cantante, de pie sobre el estadio, quedó marcada como uno de los instantes más recordados de la jornada: lució un vestido largo de tono celeste confeccionado en una tela ligera y con caída fluida.

Llevó una capa del mismo color que cubría sus hombros y caía por su espalda, mientras que una faja blanca ajustó el vestido a la altura de la cintura. Completaba el look su cabello, liso y suelto.

La creación del diseño estuvo a cargo de Abel Cepeda, diseñador argentino nacido en Mendoza. Natalia Campos Valencia se encargó del estilismo.

Los looks de la previa de María Becerra

Horas antes del inicio del partido, la artista llegó al estadio para cumplir con la prueba de sonido, uno de los pasos fundamentales en la preparación de un evento de tal magnitud.

Caminó por el campo, micrófono en mano, rodeada por el equipo técnico, personal de FIFA afinando los últimos detalles de su interpretación. La atmósfera transmitía una mezcla de nerviosismo y entusiasmo.

Los simpatizantes argentinos que ya ocupaban sus lugares en las tribunas seguían con atención cada movimiento de la artista, conscientes de la relevancia del momento.

La confirmación oficial de la presencia de María Becerra como intérprete del Himno Nacional Argentino llegó apenas el día anterior a la final.

Hasta entonces, su nombre circulaba como un rumor entre periodistas y fanáticos, potenciado por un cambio repentino en la agenda de la cantante: la joven tenía previsto presentarse en el Festival Bigsound de Pontevedra, España, pero su horario fue modificado y las especulaciones acerca de su viaje a Estados Unidos se multiplicaron en redes sociales.

Finalmente, la FIFA hizo oficial la convocatoria a través de su equipo de producción, eligiendo a Becerra entre una lista de posibles intérpretes que incluía a figuras como Soledad Pastorutti, Lali Espósito, Tini Stoessel y Andrés Calamaro.

En diálogo con Radio La Red, Becerra detalló cómo se gestó la invitación: “Nos hablaron de parte de la FIFA, se comunicaron con mi manager”. La artista no ocultó su emoción y orgullo por haber sido elegida para un momento tan simbólico y expresó: “Esto es lo más lindo de mi carrera”.

La oportunidad de interpretar el himno ante millones de espectadores en uno de los partidos más expectantes del año la posiciona como una de las voces argentinas con mayor proyección internacional.

La relación de Becerra con la Selección Argentina tiene antecedentes recientes. En 2024, cuando el equipo dirigido por Lionel Scaloni se encontraba en Miami para la Copa América, Lionel Messi y Antonela Roccuzzo asistieron a un show de la cantante en una fiesta Bresh, encuentro que selló un vínculo de simpatía y admiración mutua.

Esa afinidad se trasladó al escenario mundialista, donde la presencia de Becerra sumó identidad y cercanía a la ceremonia inaugural de la final.

El MetLife Stadium, con capacidad para más de 82 mil personas, fue el escenario de este nuevo hito en la carrera de la artista oriunda de Quilmes. El desafío de cantar el himno nacional en la final de la Copa del Mundo representó no solo un reconocimiento a su talento y popularidad, sino también una integración directa al sentir popular argentino.

La imagen de Becerra, vestida con los colores patrios y rodeada por la expectativa de miles de aficionados, sintetizó el cruce entre música, fútbol y emoción colectiva.

El impacto de su presentación se vio en la reacción de las redes sociales y en la cobertura de los principales medios, que destacaron tanto su actuación como el significado de su elección para un momento de enorme visibilidad.

De esta manera, María Becerra reafirma su lugar entre las artistas argentinas más influyentes del presente, inscribiendo su nombre en la historia de los grandes eventos deportivos y culturales del país.

La final del Mundial 2026 transformó el estadio de Nueva Jersey en una auténtica pasarela global, donde la moda y la música se fusionaron en uno de los espectáculos más esperados del año.

El show de medio tiempo y la ceremonia de clausura no solo destacaron por sus impactantes actuaciones, sino también por la forma en que cada artista y personalidad eligió expresar su identidad a través de la vestimenta.

Las elecciones de estilo, cuidadosamente pensadas y ejecutadas, se convirtieron en tema de conversación y marcaron tendencia en redes sociales y medios internacionales.

A continuación, un repaso detallado de los looks que definieron el evento.

Madonna: tonalidades metálicas y fuerza icónica

La aparición de Madonna en el escenario fue uno de los momentos visuales más potentes del show. La cantante eligió un conjunto de campera y shorts metálicos en tonos rosados y lilas, una combinación que evocó tanto la sofisticación como la audacia de su trayectoria.

Las botas altas moradas acentuaron la longitud de sus piernas y sumaron un aire dramático a su presencia. Las medias en tonos pastel y los guantes cortos aportaron un toque retro, mientras que los anteojos de sol plateados reforzaron el espíritu futurista y original del atuendo.

Ronaldinho y Ronaldo: espíritu deportivo reinventado

El escenario recibió a Ronaldinho con un look típicamente ligado a su personalidad y carrera. Eligió un conjunto deportivo amarillo brillante con detalles verdes, una camiseta amplia y pantalón holgado que evocaron la indumentaria tradicional del fútbol brasileño, pero adaptada a un contexto festivo.

El gorro negro y las gafas de sol metálicas aportaron un aire urbano y relajado, fusionando el deporte y la moda contemporánea.

Ronaldo, por su parte, se mantuvo fiel a la estética deportiva, pero con una vuelta de tuerca elegante. Lució un chándal azul eléctrico con franjas verdes y amarillas en mangas y pantalón, un guiño a los colores de Brasil. Las zapatillas blancas aportaron un toque sobrio y limpio.

Justin Bieber: desenfado y autenticidad

El canadiense Justin Bieber apostó por la frescura y el desenfado. Se presentó con una camiseta blanca de cuello polo, sobre la que descansaba una chaqueta verde colocada de manera casual sobre los hombros.

Las bermudas de jean azul oscuro, junto a las medias deportivas blancas arrugadas y zapatillas beige, crearon un aire juvenil y relajado. El accesorio central fue una guitarra de madera cruzada al frente, símbolo de su identidad artística y de la conexión con el público a través de la música.

La comodidad y naturalidad de su look contrastó con la teatralidad de otros artistas, mostrando la diversidad de estilos presentes en el evento.

BTS: coordinación, modernidad y grafismo

La presencia de BTS en el show aportó un componente visual de alto impacto. El grupo surcoreano apostó por una vestimenta coordinada en tonos rojos, blancos y negros, donde cada integrante combinó elementos como chaquetas deportivas, pantalones holgados, camisas tipo béisbol, chalecos y guantes.

Los detalles gráficos y los accesorios metálicos destacaron sobre el escenario, reforzando la imagen moderna y vanguardista del grupo.

Las botas y zapatillas negras completaron la propuesta, mientras que algunos miembros sumaron anteojos de sol oscuras para potenciar el aura de misterio y sofisticación.

Shakira: brillo, color y movimiento en escena

Shakira fue una de las artistas que más apostó por el color y el dinamismo. Lució un vestido corto con escote halter en tonos rosa y amarillo neón, cubierto de pedrería y detalles brillantes que captaron la luz y siguieron cada uno de sus movimientos.

El diseño del vestido incluyó tiras y flecos que se movieron al ritmo de la música, reforzando la energía intensa de su actuación.

La cantante permaneció descalza durante su presentación, con el cabello suelto y ondulado, optando por una imagen natural y libre que contrastó con el brillo del vestuario. Su estilo combinó sensualidad y espontaneidad, aportando frescura a la puesta en escena.

Post Malone: estética vaquera y urbana

Post Malone llevó al escenario un conjunto vaquero compuesto por chaqueta y pantalón de jean azul claro, acompañado por una camiseta blanca con letras visibles.

El cinturón de hebilla metálica grande y las botas marrones reforzaron la impronta western de su look, mientras el sombrero blanco de ala ancha y las gafas oscuras sumaron un toque de misterio y autenticidad.

Otros looks destacados en la ceremonia

En la ceremonia de apertura y clausura también participaron otros artistas y personalidades que sumaron diversidad de estilos.

El streamer IShowSpeed irrumpió en escena acompañado de más de 50 bailarinas, todas luciendo chaquetas doradas con la inscripción FIFA, en una clara referencia al carácter global y festivo del evento.

La cantante Jennifer Hudson interpretó el himno nacional de Estados Unidos con un conjunto blanco de blazer y pantalón, mientras que María Becerra hizo lo mismo con el himno argentino y lució un vestido largo de tono celeste confeccionado en una tela ligera y con caída fluida.

La combinación de todos estos estilos y propuestas convirtió al FIFA Halftime Show 2026 en un verdadero escaparate de la moda y la música global, donde cada celebridad aportó su sello y contribuyó a crear una experiencia visual inolvidable.

(Fotos: Reuters/EFE/AFP/AP)

Más de 12.000 versos componen el poema épico original de Homero, pero a Anne Hathaway le bastó un solo paso bajo los reflectores para reescribir su propia epopeya de estilo. En medio del frenesí londinense por la premiere mundial de La Odisea, la nueva y colosal superproducción dirigida por Christopher Nolan, la actriz no solo reafirmó su estatus como realeza cinematográfica, sino que destruyó los convencionalismos de la moda de maternidad.

Embarazada de su tercer hijo, Hathaway de 43 años dominó la alfombra roja luciendo un diseño escultural que fusiona la frialdad metálica de una coraza con la fluidez del viento. Sin embargo, este innegable despliegue de alta costura de Prada no es una simple elección estética; es un manifiesto visual, una declaración de intenciones meticulosamente calculada para encarnar la esencia de su personaje y rendir un brillante tributo a las leyendas del cine clásico.

En esta ambiciosa adaptación de Nolan, la actriz interpreta a Penélope, la legendaria reina de Ítaca. Lejos de la visión tradicional de una mujer sumisa que solo teje a la espera de su esposo, Hathaway dota al personaje de una dureza, inteligencia y resiliencia excepcionales. Su estilismo premamá refleja directamente esta compleja psique.

El diseño juega con una asombrosa dualidad: la rígida parte superior actúa como un escudo protector, reflejando la inquebrantable fuerza de una reina que debe defender su reino de los invasores, mientras que la etérea caída de la falda simboliza su inagotable paciencia y humanidad. A través de este contraste, la actriz logró traducir la psicología del personaje al lenguaje universal de la moda.

El legado inmortal de Silvana Mangano

Más allá de la clara inspiración en las deidades olímpicas, este deslumbrante estilismo esconde un tributo muy particular. Con esta elección sartorial, la actriz buscó homenajear a Silvana Mangano, la mítica diva italiana que inmortalizó el rol de Penélope en la célebre adaptación cinematográfica de 1954, Ulises. Mangano definió la elegancia del cine “peplum” gracias a su porte magnético y sus siluetas estructuradas.

Hathaway toma esa antorcha y la transporta al 2026. Al mezclar la majestuosidad del Hollywood dorado con recortes arquitectónicos contemporáneos, la célebre actriz de “El diablo viste a la moda” tiende un puente entre el pasado y el futuro del séptimo arte, demostrando que el glamour clásico puede evolucionar de forma vanguardista.

Analizando la anatomía del vestido, el indiscutible epicentro visual es el corpiño de pedrería plateada. Confeccionado a mano con miles de cristales y lentejuelas espejadas, este espectacular top de cuello halter cruzado simula una cota de malla lujosa. Su rica textura metalizada captura la luz de los flashes de manera hipnótica, sintonizando perfectamente con el tono épico y de gran escala que caracteriza a las cintas de Christopher Nolan. Sumado a esto, el sutil y estratégico recorte bajo el pecho aporta una dosis de sensualidad moderna, comprobando que los looks de alfombra roja premamá pueden ser increíblemente empoderadores, feroces y atrevidos.

Si el torso del diseño proyecta una intensidad guerrera, la mitad inferior es un auténtico remanso de paz helénica. Desde un impecable corte imperio que abraza su vientre con absoluta gracia, se despliega una voluminosa falda en un suave tono marfil. Su minucioso diseño plisado no es accidental; los perfectos pliegues de la tela emulan las estrías de las columnas de mármol de los templos griegos. Este tejido ligero se expande rítmicamente al caminar, permitiendo que la silueta fluya con majestuosidad. La dramática cola que acaricia el suelo completa la fantasía, consolidando su imagen como una verdadera diosa que dicta las tendencias de moda de lujo.

Para evitar sobrecargar un atuendo tan rico en texturas y significado, el equipo de estilistas de la actriz aplicó con maestría la regla del minimalismo. Hathaway lució un recogido alto estilo messy bun, dejando mechones sueltos que enmarcaron su rostro de forma romántica y permitieron que el opulento cuello joya brillara sin distracciones.

El maquillaje luminoso se centró en potenciar su resplandor natural: piel radiante, mejillas en tonos melocotón y unos labios satinados. Las joyas también fueron medidas con precisión quirúrgica; unos sencillos pendientes de diamantes y una lujosa pulsera de múltiples vueltas bastaron para sellar un look histórico, coronando una noche en la que la mitología, el cine y la moda se fundieron en un rotundo triunfo de estilo.

Vin Diesel celebra 59 años este sábado 18 de julio y su figura trasciende el cine de acción al convertirse en un símbolo inconfundible de estilo en la cultura pop. De la pantalla grande a las alfombras rojas, el actor construyó una identidad visual tan reconocible como sus personajes, donde cada elección de vestuario se transformó en una extensión de su marca personal.

A lo largo de su carrera, el actor, productor y director de cine estadounidense, consagrado mundialmente como una de las estrellas más taquilleras de la industria gracias a su interpretación de Dominic Toretto en la saga Fast & Furious (Rápido y Furioso), logró que la coherencia no fuera sinónimo de monotonía.

Su silueta recortada en trajes negros de líneas puras, chaquetas de cuero con guiños a la velocidad y prendas que homenajean a la saga que lo consagró, delinearon un guardarropa que rehúye el exceso y privilegia la autenticidad.

En cada aparición pública, la puesta en escena de su vestimenta se convirtió en un mensaje silencioso: sobriedad, solidez y pertenencia a un universo donde el riesgo y la elegancia conviven sin estridencias.

A continuación, un repaso por sus mejores looks:

Traje negro clásico en alfombra roja

Para celebrar los 25 años de Fast & Furious, Vin Diesel apostó en las alfombras rojas del Festival de Cannes 2026 por la elegancia tradicional. Eligió un traje negro de corte recto, compuesto por saco y pantalón, acompañado de camisa negra sin corbata y zapatos de charol.

El saco negro tenía una aplicación brillante en la espalda que representó un auto y la frase “FAST FOREVER” en representación a la película.

Este conjunto, lejos de la ostentación, proyectó una imagen sobria y sofisticada. La ausencia de corbata aportó un matiz contemporáneo, situando a Diesel como un referente de formalidad relajada.

Casual monocromático con camiseta negra y pantalón blanco

En otra aparición durante el Festival de Cannes 2026, el actor nacido en California se inclinó por un estilo minimalista pero impactante: una camiseta negra de escote en “V” con un pequeño logo blanco y pantalones blancos ajustados.

Unos anteojos metálicos y los accesorios en la muñeca sumaron modernidad y un aire desenfadado. Ese look reflejó su capacidad para adaptar la tendencia monocromática a su esencia personal.

Chaqueta de cuero negra y pantalón oscuro

El cuero es un elemento recurrente en su guardarropa. En febrero de este año, durante el estreno mundial de la película “The Bluff” en Los Ángeles, el actor lució una chaqueta de cuero negra con textura, de corte largo y solapas amplias, sobre una camiseta negra básica y pantalón ajustado.

Las botas oscuras y las gafas de sol de gran tamaño completaron el conjunto, reforzando una estética robusta y marcada por la actitud.

Smoking negro con detalles satinados

Para la 97ª edición de los Premios Óscar, en marzo de 2025, Diesel se decantó por el clásico smoking negro con solapas satinadas. Combinó este atuendo con camisa y pantalón negro, y zapatos de charol.

Además se lo vio sosteniendo anteojos de sol en la mano mientras mantenía un aire relajado y sonriente. Este look representó el equilibrio perfecto entre lujo discreto y coherencia estilística.

Chaqueta utilitaria negra y pantalón gris

Para el estreno de la película “1992″ en Los Ángeles, Diesel eligió una chaqueta negra de estilo utilitario con cierres metálicos y bolsillos de parche, pantalón gris de corte recto y una camiseta básica negra.

Ahora sí los lentes de sol con montura negra aportaron un toque urbano y actual, mostrando su afinidad por la funcionalidad sin perder de vista la estética contemporánea.

Chaqueta bomber con estampado de llamas

Uno de los looks más audaces de Vin Diesel fue en un evento de la organización Charlize Theron Africa Outreach Project (CTAOP) en Los Ángeles, California.

Lució una chaqueta bomber negra con estampado de llamas en tonos naranjas y amarillos, que combinó con camiseta negra de escote en “V”, pantalón negro ajustado y botas negras de cordones.

Como accesorio optó por unos anteojos de sol que completaron el atuendo, reafirmando su disposición a incorporar guiños gráficos y referencias directas a su carrera en su vestimenta.

Traje negro brillante en evento científico

En contextos vinculados a la ciencia y la tecnología, como la 9ª ceremonia de los premios Breakthrough en el Academy Museum of Motion Pictures de Los Ángeles, Diesel se inclinó por un traje negro de textura satinada, camisa negra y zapatos de charol.

Unos anteojos de sol con cristales azules y montura metálica aportaron un matiz distintivo, evidenciando su atención a los detalles y su capacidad de adaptar la formalidad a distintos ámbitos.

Un estilo coherente y con sello propio

En definitiva se puede decir que el estilo de Vin Diesel se distingue por la predilección por prendas oscuras, líneas clásicas y detalles que marcan diferencia. Cortes rectos y textiles satinados o con textura aportan un interés visual siempre sobrio, lejos de cualquier estridencia cromática. Camisetas básicas de escote en “V” y pantalones ajustados componen la base de su vestuario informal, mientras los accesorios, como anteojos de sol de gran tamaño y pulseras metálicas, refuerzan su impronta personal.

Detalles gráficos y aplicaciones que remiten a su trayectoria, desde la chaqueta con llamas hasta el saco con la inscripción “FAST FOREVER”, convierten cada conjunto en un guiño a su propia historia en el cine. Su guardarropa se consolida así como una declaración de identidad, sobriedad y pertenencia al universo que lo catapultó, y como un referente de moda masculina con sello propio.

*Fotos: Reuters

El presidente electo de Colombia, Abelardo de la Espriella, designó a Silvia Tcherassi como embajadora ‘ad honorem’ de la Moda, la Creatividad y la Identidad, con el objetivo de fortalecer la proyección internacional del talento colombiano.

Según De la Espriella, Silvia Tcherassi, además de ser una de las figuras de la moda y la elegancia más conocidas del mundo, puede consolidar la presencia de Colombia en los principales escenarios internacionales de diseño.

El jefe de Estado electo formalizó el anuncio a través de un comunicado oficial el 17 de julio, en el que destacó la trayectoria y los logros de la diseñadora, que ha impulsado la imagen del país en el exterior, con tiendas y talleres en Estados Unidos, Europa, el Caribe y Colombia. Además, fue la primera diseñadora latinoamericana en ser invitada a las reconocidas pasarelas de Milán.

Por su parte, desde el movimiento Defensores por la Patria se informó que la también empresaria aceptó la invitación y asumirá la representación honorífica, que buscará posicionar la industria del diseño colombiano, el trabajo de los artesanos y la creatividad nacional ante el mundo.

Tcherassi cuenta con una robusta trayectoria, especialmente en el ámbito internacional, como una de las figuras más influyentes de la moda latinoamericana, y ha recibido distinciones como la condecoración como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia, el Global Civic Leadership Award y un reconocimiento especial de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid.

Por su parte, Abelardo de la Espriella afirmó que uno de sus objetivos de su próxima gestión será catapultar la economía creativa, como eje de desarrollo, innovación y generación de empleo.

Entre las funciones que asumirá la barranquillera están “impulsar el trabajo de artesanos, diseñadores, confeccionistas y creadores nacionales, y consolidar la moda como una herramienta de diplomacia cultural, promoción de la identidad nacional y posicionamiento de Colombia como una potencia creativa”.

Al respecto, De la Espriella comentó: “Colombia tiene todo para convertirse en una potencia creativa. Nuestra moda, nuestros artesanos y nuestros diseñadores son embajadores naturales de lo mejor que somos como nación. Silvia Tcherassi ha abierto las puertas del mundo al talento colombiano y estoy seguro de que, desde esta representación honorífica, seguirá inspirando nuevas oportunidades para quienes hacen grande a nuestro país con su creatividad, su trabajo y su excelencia”.

A quién ha vestido Silvia Tcherassi: desde artistas musicales hasta miembros de la realeza europea

La diseñadora encarna la elegancia, sofisticación, lujo y cortes estructurados del estilo casual-chic, como ella lo define.

“Mi estilo es definitivamente lo que llaman casual chic. Siempre he pensado que la elegancia tiene que ser alejada de pretensiones y excesos. Como diseñadora, he tratado siempre de aplicar ese concepto y es lo que llamo elegancia sin esfuerzo”, dijo Tcherassi en una entrevista que concedió a la revista Hola!.

Con más de treinta años de trayectoria, Tcherassi mantiene una propuesta basada en color, volumen y siluetas precisas que figuran en reconocidas vitrinas y boutiques en cuadras importantes para la moda como la Quinta Avenida de Nueva York.

Por eso, ha sido la creadora de prendas que han sido usadas por personalidades como Rania de Jordania, Olympia de Grecia, Máxima de Holanda y Tamara Falcó y celebridades como Dua Lipa, Jennifer López y Karlie Kloss; incluso, Jennifer Aniston y Katherine McPhee, que usaron creaciones de la barranquillera para la gala de los Globos de Oro de 2025.

Según la nueva embajadora de la moda colombiana, sus referentes han sido, a lo largo del tiempo, otros diseñadores como Daniel Lee, Phoebe Philo, Miuccia Prada, Armani, Alber Elbaz, Ghesquière, Dries Van Noten, Anderson, Stella McCartney y Gabriela Hearst.

Nacer bajo la sombra de un ícono global de la moda es como caminar sobre una pasarela donde el público ya ha juzgado tus pasos antes de que des el primero.

Para muchos, ser la hija de la legendaria supermodelo Kate Moss podría haber sido un peso insoportable, una condena a la eterna e injusta comparación en las revistas de estilo. Sin embargo, Lila Grace Moss no se limitó a seguir el camino de baldosas que su madre dejó marcado en los años noventa; construyó su propia ruta estética.

A sus 23 años, ha logrado decodificar el ADN del estilo clásico y adaptarlo al exigente, veloz y digital mundo de la Generación Z. Su armario es hoy una verdadera clase magistral de dualidad: puede ser el epítome del lujo silencioso por la mañana y la musa indiscutible del caos editorial por la tarde.

La reinterpretación del estilo Y2K y la estética indie en la moda actual

Cuando analizamos su impacto en la industria contemporánea, es imposible ignorar su habilidad innata para resucitar tendencias del pasado con una frescura envidiable. La moda Y2K (la llamativa estética de los años 2000) ha encontrado en ella a una de sus mejores y más naturales embajadoras.

En su aclamada portada para la revista Vogue, lleva una ejecución perfecta y pulida de esta nostalgia. Utiliza una falda de mezclilla oscura de tiro bajo, una prenda que grita rebeldía juvenil, combinada a la perfección con un top tipo bandeau estructurado en un vibrante tono verde esmeralda. Pero el verdadero golpe de efecto de este conjunto es el cinturón de cuero grueso con enormes argollas metálicas. Este accesorio puramente utilitario transforma un look de verano básico en una declaración de intenciones indie sleaze.

Por otro lado, su audacia editorial brilla sin esfuerzo en escenarios improbables. En sesiones fotográficas desafiantes al aire libre, como en la playa, no teme mezclar texturas que a priori parecerían contradictorias: una inmensa chaqueta de cuero morado desgastado sobre prendas estampadas ligeras, coronada con una capucha de pelo rizado muy llamativa. Este alto nivel de experimentación demuestra que no teme romper las reglas convencionales; domina el caos visual y lo convierte inmediatamente en alta moda.

El legado minimalista de los años 90 y el glamour de la alfombra roja

Si bien domina el caos de las revistas, también es heredera directa del codiciado minimalismo de los años 90, esa filosofía inquebrantable de “menos es más” que definió a toda una generación. En eventos de máxima etiqueta, prescinde de artificios recargados para apostar por la sensualidad pura y directa. Su elección de un vestido lencero rojo brillante de corte fluido y escote profundo en V es un tributo absoluto a la elegancia sin esfuerzo. Al eliminar joyas pesadas de la ecuación y mantener su cabello rubio suelto con una caída natural, permite que la majestuosidad de la seda hable por sí sola.

Sin embargo, la alfombra roja y los estudios también son su escenario personal para la teatralidad pura. En claro contraste con el minimalismo fluido, es capaz de deslumbrar con piezas de pura alta costura estructurada. Un claro ejemplo de esta vertiente es su aparición luciendo un minivestido cubierto íntegramente de plumas plateadas voluminosas. Para equilibrar el dramatismo y el inmenso peso visual de la prenda, opta inteligentemente por un recogido alto y pulido, demostrando un profundo entendimiento de las proporciones físicas y el estilismo estratégico.

Contrastes visuales: desde la delicadeza etérea hasta la rebeldía punk

La verdadera fuerza de una modelo top contemporánea radica en su innegable versatilidad camaleónica. El portafolio visual de esta joven británica navega constantemente entre dos polos totalmente opuestos: la delicadeza absoluta y la estética punk más cruda. En colaboraciones enfocadas en el bienestar mental y la salud, proyecta una imagen angelical y serena, vistiendo prendas blancas translúcidas adornadas con suaves plumas en las mangas. En estos contextos, su maquillaje es apenas un velo imperceptible, irradiando una belleza natural, empática y sumamente vulnerable.

Pero cuando las cálidas luces de color se apagan y la fotografía se transforma a un dramático blanco y negro, emerge una figura fuerte y completamente diferente. Se enfunda en combinaciones visuales complejas que fusionan sin problema el romanticismo victoriano con el indomable espíritu grunge. Se la observa luciendo chaquetas cortas de estampados florales con mangas abullonadas y cuellos de encaje, superpuestas audazmente sobre tejidos acanalados básicos, medias oscuras y accesorios pesados de cuero con hebillas gigantes. Es una dualidad fascinante y magnética que atrapa la atención de cualquier lente.

Moda comercial y elegancia atemporal en trajes de baño

Finalmente, la envidiable capacidad de conectar genuinamente con el gran público a través de la moda comercial es un pilar vital en su carrera. Incluso en las campañas de moda más accesibles, mantiene intacto su sello característico de elegancia relajada. Al protagonizar campañas veraniegas a nivel global, opta invariablemente por la sofisticación atemporal. Un traje de baño negro clásico de una sola pieza, sutil y elegantemente acentuado con patrones tradicionales a cuadros en los tirantes, es todo el vestuario que necesita para evocar el codiciado lujo tranquilo. El estilismo natural en la costa, mostrando un rostro fresco y una actitud desenfadada de no estar posando intencionadamente, refuerza a la perfección su sólida identidad de “it girl” británica.

Su arrollador impacto en la cultura de la moda actual trasciende por completo el innegable peso de su famoso apellido. A través de una cuidadosa e inteligente selección de prendas, una comprensión instintiva de las diversas texturas y una actitud siempre inquebrantable, ha logrado consolidarse con firmeza como un ícono de estilo multifacético, dictando con autoridad las nuevas normas de lo que realmente significa vestirse bien en la tercera década del siglo XXI.

Erling Haaland e Isabel Haugseng Johansen captan miradas tanto dentro como fuera de la cancha. Con cada aparición pública, la pareja destaca por su estilo y sofisticación, y se consolida como referente de moda entre las nuevas generaciones. Sus elecciones, siempre cuidadas y originales, marcan tendencia y reflejan una estética propia que trasciende el ámbito deportivo.

El delantero noruego y su esposa aparecen en distintos escenarios, desde galas de renombre hasta paseos por ciudades emblemáticas.

En cada ocasión, muestran un dominio natural de los códigos de la moda contemporánea. La combinación de elegancia, creatividad y detalles personales define su sello y proyecta una imagen moderna y auténtica que desafía los estereotipos.

Looks icónicos de Haaland y Johansen en distintos eventos

Uno de los aspectos más destacados de la pareja es la versatilidad de sus atuendos. En un evento formal al aire libre, Erling Haaland eligió una camisa de cuello alto de tejido satinado en gris claro, pantalón a juego, mocasines negros y gafas de sol de marco grueso. Completó el look con un collar plateado de eslabones grandes y el cabello recogido en una coleta baja, lo que aportó sofisticación y un toque personal.

A su lado, Isabel Haugseng Johansen lució un vestido largo de malla metálica plateada con transparencias, sandalias negras y un bolso pequeño del mismo color. Complementó el conjunto con un moño pulido que reforzó la elegancia de su estilo.

En ambientes más íntimos, como una escena doméstica, Erling Haaland eligió un conjunto oscuro de suéter y pantalón negro.

Por su parte, Isabel Haugseng Johansen vistió un vestido largo burdeos sin mangas, y demostró que la pareja también domina la elegancia sobria y minimalista en contextos informales.

Durante un viaje a París, Haaland apostó por un abrigo negro, pantalones oscuros y zapatillas blancas, sumando un gorro de lana y gafas de sol redondas para un look urbano, mientras que Isabel eligió un abrigo largo gris claro, pantalones azul oscuro y botas negras, reflejando comodidad y estilo.

En la gala del Balón de Oro, el futbolista vistió un esmoquin azul marino de solapas satinadas y pajarita, mientras que su esposa deslumbró con un vestido largo de tirantes finos, cubierto de lentejuelas en tonos bronce y plata. Estas elecciones demuestran la capacidad de ambos para adaptarse a la formalidad sin perder originalidad.

La variedad de estilos también incluye atuendos coordinados en tonos nude para eventos al aire libre, vestuario blanco de gala con detalles de pedrería y transparencias, y hasta un guiño a la cultura vikinga, donde ambos se mostraron con prendas inspiradas en la tradición nórdica y accesorios temáticos.

En cada aparición pública, la pareja exhibe una identidad visual coherente, donde la selección de prendas, colores y accesorios responde a una búsqueda deliberada de autenticidad y presencia. Este enfoque les ha permitido posicionarse como referentes de moda tanto en ambientes deportivos como sociales.

Historia de amor y perfil de Isabel Johansen

La historia de Erling Haaland e Isabel Johansen es tan llamativa como sus elecciones de vestuario. Ambos nacieron y crecieron en el pequeño pueblo de Bryne, donde compartieron su entorno social y deportivo desde la infancia.

La relación se forjó primero en la amistad y, años después, en 2021, Isabel dio el primer paso enviando un mensaje que derivó en el inicio de su vínculo sentimental.

Isabel Johansen se formó en las divisiones juveniles del Bryne FK, el club donde Haaland inició su carrera profesional. Aunque compartió la pasión por el fútbol y llegó a integrar los equipos femeninos del club, su trayectoria se volcó posteriormente hacia proyectos personales y un perfil mediático bajo, alejándose de una carrera deportiva profesional.

En una aparición en el canal oficial de Haaland en YouTube, Isabel recordó: “Nunca fui muy buena regateando. Mi fuerte era correr. Tenía velocidad”, aportando una mirada sencilla y cercana sobre su paso por el deporte.

La influencia de Isabel Johansen en la vida del delantero ha sido constante, aunque poco expuesta. Ha acompañado a Haaland en ceremonias de premios, celebraciones y, especialmente, durante la histórica campaña de Noruega en el Mundial de 2026, donde su presencia en las gradas se volvió habitual.

Tras la victoria ante Brasil, Isabel compartió en redes sociales una imagen de la celebración noruega, que rápidamente se volvió viral y sumó miles de interacciones, mostrando el interés que despierta su figura.

La joven noruega suma cientos de miles de seguidores en plataformas digitales. Su actividad en redes sociales se caracteriza por una selección cuidadosa de los contenidos que comparte: muestra aspectos de su rutina diaria y de su apoyo a la selección noruega, pero evita exponer detalles íntimos de su familia o su relación con Haaland.

Botas mencionó que llevaba mucho tiempo buscando conseguir la bolsa, por esto decidió compartir su felicidad con todos sus seguidores.

“No saben, estuve casi un año buscando la bolsa, yo moría por tenerla”, comentó Mariana Botas.

La bolsa Chanel 25

La bolsa Chanel Número 25 es una de las recientes incorporaciones a la línea de accesorios de la reconocida marca.

Esta pieza se caracteriza por su diseño refinado y minimalista, que retoma los códigos clásicos de la marca y los actualiza con materiales y detalles contemporáneos.

Se encuentra disponible en una gama de colores como negro, navy, dorado y gris oscuro, en este caso la actriz adquirió el modelo en color negro.

Además, la bolsa incluye detalles prácticos como bolsillos espaciosos en el interior, pensados para combinar funcionalidad y estética.

La inspiración de la Chanel 25 proviene del legado de Coco Chanel y su histórica 2.55, que revolucionó la moda en 1955 al incorporar la cadena para colgar al hombro.

El diseño de la Chanel 25 mantiene un espíritu de innovación y elegancia atemporal, destacando la calidad de los materiales y la artesanía tradicional de la casa.

Esta pieza se consolida como un accesorio versátil, pensado para quienes buscan una bolsa que combine lujo, durabilidad y sofisticación en cualquier ocasión.

La Chanel 25 es vista como una actualización de los clásicos, dirigida a coleccionistas y aficionados al diseño que valoran la herencia y la modernidad de la marca.

¿Cuál es el precio de la bolsa?

La Chanel 25, es una pieza sumamente exclusiva y elegante, el valor de la icónica bolsa asciende a los 125 mil pesos, esto de acuerdo con los precios oficiales presentados en la página web de la propia marca.

De igual forma, el precio depende del tamaño, materiales y color de la pieza, por lo que el costo puede elevarse hasta más de 140 mil pesos.

¿Cuál fue la reacción de sus seguidores?

Los mensajes y felicitaciones no se hicieron esperar, asegurando que es una pieza hermosa e icónica.

“Está padrísima, seguro le sacarás mucho provecho”

“Mi favorita, eres un icono hermana”

“Que bonita, me encanta”

Son algunos de los comentarios que se pueden encontrar en la publicación. Pero no todos los comentarios son positivos, algunos de ellos cuestionan la compra de la actriz.

Esto por el elevado precio que tiene la pieza, sin embargo, la actriz comentó que es algo que ha querido durante mucho tiempo.

¿Cómo consiguió la bolsa?

La actriz comentó que a pesar de que acudió a diversas sucursales tanto dentro del país como fuera de este, no lograba adquirirla.

“Me costó mucho trabajo conseguirla, no la encontraba en ninguna tienda, la busqué en varios países”, comentó.

Este tipo de piezas no están disponibles para su compra en linea, esto por las estrictas políticas de seguridad de la marca de lujo.

Por lo que para adquirir un producto así se debe acudir a alguna de sus exclusivas boutiques físicas, tiendas en las cuales la bolsa se encuentra agotada.

Razón por la cual, la actriz tuvo que contratar los servicios de una personal shopper.

La actriz comentó que fue a través de esta personal shopper que logró conseguir la costosa bolsa. Este tipo de servicios se encargan de conseguir artículos de lujo bajo pedido para otras personas.

Estas personas suelen conseguir artículos exclusivos por lo que además del producto sus servicios suelen tener un costo elevado.

Un motivo de orgullo

La actriz mencionó que conseguir y tener este tipo de piezas en su armario le causa mucho orgullo.

“Tenerlas en tu armario son de esas cosas que te dan orgullo”

El proceso que tuvo que pasar la actriz para conseguir la icónica pieza fue lo que más llamó la atención en sus seguidores.

Por lo que la actriz, Mariana Botas, comentó que seguirá compartiendo este tipo de contenido en sus redes sociales.

La noche en Atlanta quedará grabada en la memoria colectiva de los hinchas argentinos. Enzo Fernández y Lautaro Martínez, los protagonistas de los goles decisivos en la semifinal del Mundial 2026 frente a Inglaterra, no solo se destacan por su talento en el campo, sino también por sus marcadas elecciones estilísticas fuera de él.

Mientras la Selección Argentina se prepara para disputar una nueva final del mundo ante España, el universo de la moda deportiva y urbana encuentra en ambos futbolistas dos referentes indiscutidos de personalidad y tendencia.

Enzo Fernández: sofisticación urbana y detalles de lujo

El recorrido estilístico de Enzo Fernández trasciende el vestuario deportivo convencional. El mediocampista del Chelsea, que fue clave en la remontada albiceleste con un gol de media distancia a cinco minutos del final, se caracteriza por un armario donde predominan prendas de diseñador y accesorios llamativos.

Fernández suele elegir conjuntos urbanos en los que la sofisticación y el confort conviven en equilibrio, apostando por la monocromía en tonos oscuros y la superposición de piezas oversize.

Una de sus apariciones recientes ilustra su inclinación por el streetwear de alto nivel: camiseta negra ajustada, pantalón deportivo negro y zapatillas blancas de suela gruesa, combinadas con una gorra negra hacia atrás y gafas de sol rectangulares.

A este conjunto sumó cadenas plateadas y un bolso tipo tote en lona beige con detalles en cuero marrón, elementos que refuerzan la impronta de lujo casual.

En otras ocasiones, Fernández elige conjuntos deportivos completamente negros. El gorro de lana, gafas oscuras y las cadenas aportan un aire contemporáneo y urbano, mientras que la repetición del bolso tote beige evidencia una preferencia por accesorios de diseñador de alta calidad.

Para salidas nocturnas, Fernández opta por camperas de textura polar con detalles en blanco y gorros de lana, sin perder de vista los complementos metálicos y el toque práctico de llevar un vaso de café.

En contextos formales, elige trajes negros con solapas satinadas y camiseta blanca, mostrando un dominio del código clásico sin sacrificar su identidad personal.

Durante una estadía en la montaña, el futbolista lució pantalón ancho negro, camiseta negra de manga larga y gorro de lana gris claro, acompañado de zapatillas blancas.

En los días de calor, optó por una musculosa blanca y pantalón deportivo verde con franjas, gafas de sol y cadenas, junto a un bolso de viaje en lona naranja con monograma visible, dando muestra de versatilidad y atención al detalle.

El estilo de Enzo Fernández se define por la combinación de prendas deportivas y elementos urbanos, acentuados por accesorios distintivos como cadenas plateadas, relojes metálicos, gafas rectangulares y gorras.

Lautaro Martínez: sobriedad, versatilidad y elegancia funcional

A diferencia del despliegue llamativo de Fernández, Lautaro Martínez apuesta por la sobriedad y la funcionalidad. El delantero del Inter, quien selló la clasificación argentina con un cabezazo letal tras un centro de Messi en tiempo de descuento, se distingue por su preferencia por prendas de líneas simples, ausencia de estampados y una paleta de colores neutros.

Martínez alterna entre conjuntos deportivos, atuendos casuales y propuestas formales, siempre manteniendo una estética pulida y adaptable. Uno de sus looks más representativos es el conjunto completamente negro, compuesto por camiseta, bermuda y zapatillas, acompañado de un neceser celeste con monograma visible y un reloj metálico, combinación que evidencia su inclinación por los accesorios discretos pero de calidad.

En otra oportunidad, eligió pantalón deportivo oscuro, remera blanca y una chaqueta de tela gruesa verde oliva apoyada sobre los hombros, con una valija rígida celeste como complemento.

Para la noche, Lautaro opta por trajes azul oscuro de corte relajado, camiseta básica y zapatillas blancas, logrando una fusión entre la formalidad y la comodidad contemporánea.

En contextos urbanos, Martínez luce pantalones y chaquetas beige claro sobre polos azul oscuro texturizados, y también combina pantalones marrón con camisetas blancas y chaquetas bomber beige, sumando cinturón negro y reloj metálico.

Para los traslados aéreos, elige trajes azul marino, camisas blancas y corbatas al tono, junto a gafas de sol rectangulares y un pendiente plateado, confirmando su compromiso con la elegancia natural.

Lautaro Martínez construye su imagen a partir de prendas de corte clásico, colores neutros y accesorios discretos como relojes, gafas y pendientes pequeños.

La ausencia de estampados llamativos y la preferencia por combinaciones limpias refuerzan una apariencia sofisticada, funcional y contemporánea, que se adapta con facilidad a diferentes escenarios deportivos y sociales.

De los goles agónicos al liderazgo en estilo

La presencia de Enzo Fernández y Lautaro Martínez en la definición del pase a la final del Mundial 2026 no solo se explica por su rendimiento futbolístico. Ambos lograron instalarse como referentes de estilo, cada uno con su sello personal: el lujo urbano y los detalles de Fernández, frente a la sobriedad y versatilidad de Martínez.

El recorrido de la Selección Argentina en este torneo, marcado por remontadas épicas y goles en los últimos minutos, encuentra eco en la forma en que sus protagonistas se expresan a través de la moda: seguridad, personalidad y coherencia, tanto en la cancha como fuera de ella.

El público argentino, que celebró en Atlanta una victoria llena de emotividad y coraje, también observa a sus ídolos como modelos de inspiración para las nuevas tendencias en indumentaria deportiva y casual.

La industria del fútbol experimenta una transformación profunda, en la que los grandes protagonistas trascienden su rendimiento deportivo para convertirse en motores de tendencias y negocios de alcance mundial. Erling Haaland, delantero de la selección de Noruega y del Manchester City, convirtió su rodete en un producto de éxito global junto a la marca de accesorios de Oslo Bon Dep, según informó la revista Forbes Argentina.

La colaboración entre el futbolista y la firma escandinava impulsó la popularidad de las bandas elásticas para el cabello Kknekki, marcando un antes y un después en la intersección entre deporte, moda y consumo. Las cámaras de televisión mostraron en numerosas ocasiones el instante en que Haaland se recogía el cabello antes de un tiro libre o tras anotar un gol.

Lo que comenzó como una solución práctica para el deportista derivó en una estrategia empresarial que hoy analizan distintas escuelas de negocios europeas. Además de ser imagen de Bon Dep, el delantero se integró como accionista, lo que contribuyó a que el accesorio se transformara en un fenómeno global.

ADN escandinavo y el proceso detrás de Kknekki

Para comprender el alcance del fenómeno, resulta clave analizar la historia y la ingeniería detrás de la marca. Bon Dep, fundada en Oslo en 2012 por la emprendedora Vibeke Grønseth, nació con una visión de transformar objetos cotidianos en piezas de alta calidad y diseño sofisticado. La revista Forbes Argentina reportó que el concepto partió de una necesidad concreta: crear accesorios resistentes y estéticos para el uso diario. El nombre de la firma, que fusiona términos franceses y noruegos, significa “buen comienzo” y refleja el espíritu de la fundadora.

El producto estrella de la compañía, las Kknekki, se fabrica a partir de un hilo elástico de alta calidad importado de Francia y se trenza mediante una técnica especial en maquinaria exclusiva. Este proceso garantiza durabilidad, resistencia al agua y una elasticidad que no daña el cabello, una característica especialmente valorada por deportistas como Haaland.

La dirección y el diseño permanecen en Noruega, mientras que la manufactura y el ensamblaje final se distribuyen en centros de producción asiáticos, lo que permite responder a la demanda global sin perder la impronta escandinava.

Uno de los factores que explica la masividad del producto es su precio accesible. Las bandas elásticas Kknekki se venden por entre 6 y 8 euros (USD 6 y 9) la unidad, y en packs de hasta 15 euros, (USD 17) lo que facilita la compra impulsiva y permite que cualquier seguidor del fútbol adquiera el mismo accesorio que utiliza el delantero mejor pago de la Premier League.

Un modelo de negocios en expansión mundial

La estrategia de expansión de la empresa europea evita la apertura de tiendas propias y se apoya en canales digitales directos al consumidor, alianzas con tiendas multimarca, boutiques de lujo y cadenas deportivas en toda Europa. El artículo señala que la adquisición total de la marca Kknekki en 2024 y la incorporación del futbolista estrella, como accionista permitieron proyectar un ambicioso crecimiento: la directiva aspira a duplicar la facturación anual en el corto plazo.

La colaboración con el goleador noruego se consolidó con el lanzamiento de una colección cápsula inspirada en el jugador durante el Mundial de 2026. Las plataformas de venta online reportaron un aumento del 310% en el tráfico, y los principales puntos de venta registraron quiebres de stock inmediatos tras su salida al mercado. Este comportamiento confirma el potencial de la alianza y posiciona a la firma entre los casos de mayor éxito reciente en la industria de accesorios deportivos.

De símbolo adolescente a fenómeno de masas

El impacto de la alianza entre Haaland y Bon Dep se refleja en una redefinición de los públicos y en la ruptura de estereotipos de consumo. Tradicionalmente, las marcas de accesorios para el cabello concentraban su negocio en el público femenino y adolescente del norte de Europa. Sin embargo, la imagen de potencia física y éxito deportivo del delantero noruego amplió el mercado: el producto se popularizó entre hombres y fanáticos del fútbol, quienes adoptaron el rodete como símbolo de identidad, según evaluó Forbes.

La autenticidad del vínculo también se considera un factor clave. A diferencia de otros patrocinios, el delantero utiliza las bandas elásticas en cada entrenamiento y partido oficial, lo que otorga una exposición orgánica ante millones de espectadores. Este tipo de visibilidad supera el impacto de campañas publicitarias tradicionales.

El fenómeno impulsado por el futbolista noruego facilitó la internacionalización acelerada de la marca. La presencia de las Kknekki se expandió en mercados de Asia, América Latina y el Reino Unido, donde los colores elegidos por el jugador se agotaron rápidamente en tiendas físicas y digitales. La tendencia continúa en ascenso y consolida el modelo de negocio que vincula el deporte con la industria de la moda y el consumo global.

La última aparición de Rihanna en Nueva York elevó el pulso de la moda urbana y reescribió las reglas del juego. La cantante fusionó piezas legendarias de dos casas de lujo globales y convirtió una simple caminata en una pasarela inesperada.

Con su audacia característica, tomó el ADN del streetwear y lo mezcló con accesorios de alto calibre, demostrando que la sofisticación puede llevar capucha y zapatillas si el sello es el correcto.

La joya de su outfit fue un bolso de Louis Vuitton que trasciende su fama. El clásico monograma en marrón, negro y beige muta en una versión deslumbrante: lentejuelas por doquier y detalles en terciopelo, pensados para robar miradas.

La silueta Speedy, ícono de la maison francesa, se reinventa en esta edición limitada, donde el brillo y los apliques transforman al bolso en un objeto de deseo para coleccionistas. Un destello que no solo ilumina el look de Rihanna, sino que reafirma su lugar en el Olimpo de la moda.

El toque final del atuendo llegó con los Gucci Castello Embellished Satin Pumps, unos tacones de punta fina confeccionados en satén negro y completamente cubiertos de pequeños cristales, incluidos en la tira que rodea el tobillo.

Este diseño de Gucci representa la perfecta unión entre elegancia clásica y tendencia contemporánea. Los brillos de los cristales aportan un aire festivo y glamuroso que contrasta con la informalidad del conjunto deportivo, demostrando la capacidad de Rihanna para desafiar las reglas del vestuario tradicional.

A través de la elección de estos accesorios de lujo, Rihanna confirma su dominio sobre el juego de las marcas, seleccionando piezas que no solo son reconocibles por su alto precio, sino también por su valor simbólico dentro del universo fashion.

Más looks destacados de Rihanna

Vestido amplio de líneas verticales

Rihanna optó para un paseo nocturno en Nueva York por un vestido largo y suelto con estampado de rayas verticales en azul y blanco. El diseño presentaba un corte holgado que cubría completamente su figura, generando un volumen marcado y una silueta etérea.

Llevó el cabello suelto y añadió un bolso pequeño en color rojo brillante. El estilismo se inclinó hacia una estética relajada y desenfadada, con guiños al estilo resort y detalles minimalistas en los accesorios.

Estilismo de alta costura con textura metálica

Durante la Met Gala 2026, Rihanna se presentó con un vestido largo de acabado metálico y textura brillante, completamente cubierto de aplicaciones y pedrería plateada.

La prenda incluía una estructura voluminosa que rodeaba sus hombros y brazos, creando un efecto escultórico. Complementó el look con múltiples anillos, pulseras y un tocado sobre el cabello.

El estilismo fue de inspiración futurista y de alta costura, destacando por sus formas arquitectónicas y excesos visuales.

Combinación urbana con jean y cuero

En esta aparición en Nueva York, vistió un suéter de punto grueso en color marrón bajo una chaqueta de cuero negra con terminado mate y cremallera dorada. Combinó la parte superior con jeans oscuros de corte recto y dobladillo ancho.

Complementó el conjunto con botas de estampado de serpiente y anteojos de sol grandes con montura burdeos. El estilismo se caracterizó por una mezcla urbana, con elementos clásicos y guiños a la moda callejera.

Negro total con transparencias y cuero

El estilo gótico fue protagonista en otra salida nocturna en Santa Mónica, donde llevó un vestido largo negro con falda de tela translúcida, acompañado por un abrigo largo de cuero negro. Escogió zapatos de tacón también en negro y sostuvo un bolso de mano rectangular en el mismo tono.

Añadió collares plateados y varios anillos. El estilismo se identificó por el predominio del negro, materiales opacos y detalles de transparencias, en una propuesta sofisticada con tintes góticos.

Conjunto oversize en tonos grises

En un evento de moda deportiva, vistió un conjunto oversize formado por un abrigo gris claro de hombros caídos y pantalones anchos en tono gris oscuro. Debajo, llevó una camisa gris y combinó el look con zapatillas gruesas del mismo color.

Sumó anteojos de sol con lentes amarillas y labios rojos intensos. El estilismo se identificó por su silueta amplia, líneas relajadas y una estética urbana y moderna.

Zendaya reafirma su lugar como ícono de la moda, elige prendas que destilan lujo atemporal y recupera estilos que parecían haber quedado en el olvido.

En su última aparición, la actriz captó la atención al salir de su hotel en Nueva York con un look inspirado en la antigua Grecia, una elección que marca un contraste con las tendencias predominantes.

Lució una túnica corta blanca de tela liviana y caída suave, un diseño de Alberta Ferretti con detalles dorados y un cinturón ancho a tono, que reforzó la inspiración helénica.

El escote en “V” pronunciado aportó un aire contemporáneo al conjunto, mientras los delicados acentos dorados realzaron la sofisticación del look. El estilismo se completó con sandalias gladiadoras de tiras metálicas firmadas por Sophia Webster, que ascendieron hasta casi la rodilla y se entrelazaron en sus piernas con cordones plateados.

Este tipo de calzado, que perdió presencia en las pasarelas en los últimos años, recuperó protagonismo de la mano de Zendaya.

La reaparición de las sandalias gladiadoras en la moda actual

Las sandalias gladiadoras se ubicaron como protagonistas en las colecciones de marcas como Chloé, Jean Paul Gaultier y Dolce & Gabbana entre 2010 y 2015, pero pasaron varios años fuera del centro de atención.

Durante ese periodo, distintas celebridades optaron por este calzado en ocasiones mediáticas, lo que reforzó su estatus como objeto de deseo. El regreso de este modelo impulsado por Zendaya abre la puerta a una posible revitalización de la tendencia.

La elección de sandalias altas con cordones que recorren la pierna, en lugar de versiones contemporáneas más discretas, demuestra el compromiso de la actriz y su estilista con una estética que rinde homenaje tanto a la historia como a la teatralidad.

Los últimos looks de Zendaya

Un despliegue de volados y encaje en blanco

Para la premiere de “La Odisea” en París optó por un conjunto blanco que destacó por su estructura escultórica y la profusión de volantes tridimensionales. El diseño, confeccionado en encaje semitransparente, presentó una silueta ceñida con aberturas que dejaron visible el abdomen.

El acabado ondulado de los bordes y las mangas amplias aportaron volumen, mientras que una falda larga con abertura lateral y unos stilettos blancos completaron el look. El peinado de trenza y las joyas plateadas agregaron un toque sofisticado.

Un corsé futurista y falda de flecos metalizados

En otra aparición para la premiere de la película, Zendaya lució un vestido que combinó un corsé blanco de líneas estructuradas y cuello halter, con una falda larga cubierta por flecos de cristales que crearon un efecto degradado en tonos plata.

El diseño dejó los hombros y brazos descubiertos, realzando la silueta. El estilismo se completó con zapatos en punta y un collar de piedras brillantes que reforzaron la estética de inspiración futurista.

Minimalismo blanco con accesorios dorados XL

La actriz apostó por un vestido blanco de líneas limpias y silueta suelta, caracterizado por un escote profundo y tirantes finos. El detalle de botones pequeños en el borde y la espalda descubierta aportaron ligereza.

Combinó el look con un turbante blanco y pendientes circulares de gran tamaño en dorado, que funcionaron como protagonistas del estilismo. El maquillaje neutro y las manos adornadas con anillos dorados mantuvieron el enfoque en los accesorios.

Inspiración celestial con transparencias y detalles metálicos

En una alfombra roja de la premiere de Spider-Man, eligió un vestido azul oscuro de tejido satinado y acabado tornasolado. El diseño incluyó tirantes adornados con pequeñas piezas metálicas en forma de estrellas y lunas, y cadenas decorativas sobre los hombros y la espalda, generando un efecto de constelación.

El vestido presentaba transparencias y un bajo asimétrico con volantes, acompañado de sandalias de tacón nude y joyería discreta que complementaron la inspiración astronómica.

Estilo casual con camiseta oversize y zapatillas blancas

Zendaya también apostó en otra premiere de Spider-Man por un look relajado al llevar una camiseta negra oversize con estampado rojo alusivo a la película.

La prenda funcionó como vestido corto, dejando las piernas al descubierto y generando un contraste con las zapatillas blancas de punta cerrada. El peinado corto y unos pendientes plateados completaron el conjunto, ofreciendo una versión casual y desenfadada de su estilo.

Efecto red y superposición en tonos tierra

Para una presentación nocturna de Spider-Man, eligió un vestido largo en tonos tierra confeccionado en una tela semitransparente, cubierto por una red de finos hilos plateados que crearon un patrón geométrico sobre toda la prenda.

El vestido permitió ver una base beige debajo y se complementó con tacones brillantes y pendientes largos, mientras que el peinado de ondas al agua evocó el glamour del cine clásico.

Brillo bicolor en homenaje a Spider-Man

Zendaya se decantó para la premiere de Spider-Man en Roma por un conjunto de top corto y falda ajustada, ambos confeccionados en tejido brillante con lentejuelas rojas y azules, evocando los colores clásicos de Spider-Man.

El diseño, de líneas rectas y escote cuadrado, dejó el abdomen al descubierto y se completó con stilettos blancos. El peinado corto y los accesorios discretos permitieron que la atención se centrara en el contraste cromático y el guiño al universo del personaje.

Sastrería contemporánea con shorts rojos

Para otra sesión de fotos de Spider-Man apareció con una propuesta de sastrería moderna compuesta por una chaqueta negra con aplicaciones plateadas en patrón simétrico y unos shorts rojos de talle alto.

El contraste entre la parte superior estructurada y el corte relajado de los shorts generó un look llamativo, completado por stilettos blancos y pendientes discretos. El cabello en ondas y el maquillaje suave mantuvieron el foco sobre las prendas.

La modelo Gigi Hadid protagonizó uno de los momentos más comentados de la escena parisina al lucir un vestido de diseñador con detalles de encaje y aberturas pronunciadas durante una cena con Bradley Cooper.

La cita tuvo lugar en el restaurante Stresa en el marco de la semana de la alta costura en París. El atuendo seleccionado pertenece a la firma Rowen Rose, reconocida por su enfoque audaz en el diseño contemporáneo.

El vestido, en tono marrón con lunares blancos, incorpora una combinación de encaje blanco en la parte superior a modo de bustier, así como aberturas dobles con bordes de encaje en la falda.

La modelo acompañó el vestido con un bolso blanco de Miu Miu y optó por un recogido despreocupado con mechones sueltos que enmarcan su rostro, alineándose con una estética relajada y veraniega.

Como accesorios, llevó anteojos de sol y un pequeño complemento en la mano derecha, manteniendo un maquillaje de acabado natural.

El fenómeno de las parejas que coordinan sus atuendos también ha tenido eco en esta dupla.

Hadid y Cooper ocasionalmente eligen prendas de la marca Guest in Residence, propiedad de la modelo, y apuestan por estilos universitarios o prendas de punto, aunque suelen mantener identidades estilísticas diferenciadas.

La elección del vestido de Rowen Rose para una velada íntima en París refuerza la posición de Gigi Hadid como referente de la moda internacional, marcando tendencia tanto en la pasarela como fuera de ella.

Más looks de Gigi Hadid

Transparencias y brillo vanguardista

Para la Met Gala 2026 llevó un vestido largo completamente transparente en tono negro con destellos plateados. El diseño se ajustó al cuerpo y presentó detalles bordados en forma de llamas y líneas metálicas, además de aplicaciones brillantes en el escote y la zona de la cadera.

El estilismo incluyó una flor oscura como accesorio de mano y un peinado suelto con ondas suaves, enfatizando una estética audaz y experimental.

Minimalismo blanco en alfombra roja

Durante la Breakthrough Prize ceremony gala en Santa Monica eligió un vestido largo blanco de corte recto y escote halter, adornado con un broche central brillante. El vestido destacó por su silueta limpia y elegante, sin estampados ni detalles recargados.

Completó el look con el cabello semirrecogido, pendientes largos y un maquillaje natural, subrayando una orientación hacia el minimalismo sofisticado.

Metálicos y texturas en un entorno artístico

En un espacio durante la Paris Fashion Week 2025, la modelo apostó por un vestido largo asimétrico, confeccionado en piezas metálicas plateadas y doradas, con textura tridimensional y aplicaciones de pedrería.

El diseño de un solo hombro y las joyas doradas acentuaron la inspiración escultórica y futurista del conjunto, mientras que el peinado con ondas marcadas aportó un aire retro.

Pasarela con inspiración setentera

En un desfile de Ralph Lauren, desfiló con un vestido largo en tejido marrón de textura aterciopelada, con cuello halter y mangas cortas semi-transparentes.

Un cinturón ancho negro con hebilla circular marcó la cintura. El estilismo, de líneas fluidas y cinturón llamativo, evocó referencias a la moda de los años 70.

Capas y accesorios con aire bohemio

Sobre la pasarela de la Semana de la Moda de Nueva York 2026, la modelo combinó un jersey negro de cuello alto bajo un vestido de tirantes marrón con textura tweed.

La falda de corte midi se ajustó con un cinturón de cadenas plateadas, y el look se completó con botas altas negras y un bolso estructurado oscuro. El conjunto mezcló capas y accesorios metálicos, logrando una imagen bohemia, urbana y sofisticada.

Lencería y drama en pasarela

Hadid apareció en el Victoria’s Secret Fashion Show con un conjunto de lencería rosa formado por sujetador y culotte de encaje, acompañado de un batín largo cubierto de aplicaciones florales voluminosas en el mismo tono.

Sandalias finas y peinado recogido completaron el estilismo, que apostó por el dramatismo escénico y la exaltación de la feminidad.

Esplendor dorado en gala

Para la Met Gala 2025, optó por un vestido largo dorado con escote halter y falda drapeada con cola. El diseño incluyó aplicaciones de pedrería dorada en todo el cuerpo y una estructura ceñida en la cintura.

Complementó el look con peinado retro recogido y joyería brillante, remarcando una estética de lujo y glamour.

La Alta Costura de París ofreció un despliegue de creatividad y técnica en cada colección, donde las principales casas de moda apostaron por propuestas que desafiaron los límites entre el arte y la indumentaria convencional.

Esta semana, Chanel, Christian Dior, Elie Saab y Manish Malhotra presentaron sus visiones particulares, sorprendiendo tanto al público especializado como a los amantes de la moda en todo el mundo.

Dior: la revolución de Jonathan Anderson y el gabinete de curiosidades

La llegada de Jonathan Anderson a la dirección creativa de Christian Dior marcó un nuevo capítulo para la maison. En esta edición de Alta Costura, la propuesta partió de la idea de un “gabinete de curiosidades”, donde objetos y texturas históricas se fusionaron en prendas que rozan la categoría de piezas museísticas.

Anderson jugó con volúmenes dramáticos, bordados complejos y flores tridimensionales. Capas teatrales y vestidos que combinan estructuras clásicas con un enfoque experimental dominaron la escena.

El diseñador mantuvo elementos icónicos como las cinturas marcadas y las siluetas del “New Look” de Christian Dior, pero actualizados con una visión más artística y contemporánea.

Esta colección, recibida con entusiasmo por la crítica, consolidó la nueva era de Anderson en la maison. Los diseños no solo captaron la atención de especialistas, sino que también cautivaron a celebridades, como se evidenció en el vestido exclusivo de alta costura creado para la boda de Taylor Swift.

Dior reafirma así su posición como referente en el arte de la alta costura, un espacio donde la artesanía y la experimentación coexisten bajo la mirada audaz de Anderson.

Elie Saab: glamour neoyorquino y feminidad floral

La propuesta de Elie Saab para el otoño-invierno 2026-2027 se inspiró en el glamour artístico de la Nueva York de los años 90. El diseñador libanés fusionó la sastrería urbana propia del downtown neoyorquino con una feminidad marcada por motivos florales y acabados lujosos.

Durante el día, chaquetas arquitectónicas, cinturas definidas y siluetas precisas en lana, tweed y terciopelo marcaron una elegancia sofisticada y sensual.

Por la noche, la organza, el chiffon, el encaje y los bordados transformaron cada vestido en el lienzo de una musa dramática.

Destacaron las flores pintadas a mano, los estampados de cocodrilo y los vestidos de gala en tonos tormentosos, reforzando la teatralidad y el arte en movimiento que caracteriza a Saab.

La combinación de técnicas artesanales y materiales nobles posiciona esta colección como una celebración de la moda como forma de expresión artística, donde cada prenda se convierte en una declaración de glamour y originalidad.

Chanel: cuentos de hadas y homenaje al legado de Coco

La maison Chanel transformó el Grand Palais en un escenario de fantasía cubierto de hiedra, evocando un cuento de hadas en tonos pastel.

La inspiración surgió de un ejemplar de Les Fées, Contes des Contes, que encontraron en la biblioteca privada de Coco Chanel, y se tradujo en la colección “Gaby and the Beanstalk”.

El desfile abrió con una animación protagonizada por una niña que siembra una semilla, metáfora de nuevos comienzos y del crecimiento perpetuo de la firma.

Cada prenda buscó contar una historia, fusionando la fantasía de los relatos infantiles con la funcionalidad cotidiana.

Destacaron referencias a cuentos clásicos, como Jack y las habichuelas mágicas y La gallina de los huevos de oro, que aparecieron en detalles sorprendentes, accesorios y bordados delicados.

La casa apostó por técnicas tradicionales de telas livianas, trabajo de drapeado o trenzas, cintas y ribetes reflejando la maestría de los atelieres parisinos.

El desfile se abrió con un traje en tweed rosa y lila, semitransparente, acompañado por el libro original de cuentos de la modista.

Los vestidos, enredaderas y tacones decorados reforzaron la atmósfera de fábula, mientras la colección sobresalió por su capacidad de adaptación a distintas estéticas femeninas, alternando entre sastrería negra, blancos y destellos de rojo carmín.

Plumas, encajes de guipur, cadenas y elementos metálicos completaron el universo onírico y sofisticado propuesto por Matthieu Blazy.

Manish Malhotra: debut en París y homenaje materno

El debut de Manish Malhotra en la Alta Costura de París estuvo marcado por un emotivo tributo a su madre, recientemente fallecida.

Bajo el título “Maa”, el desfile se inició con un cortometraje dedicado a su memoria y continuó con modelos envueltas en bordados, pedrería y tejidos de vivos colores bajo la luz del pabellón Cambon Capucines.

La colección situó la artesanía en el centro del discurso creativo, con bordados chikankari realizados por artesanas indias, brocados de seda enriquecidos con hilos metálicos y una sucesión de siluetas envolventes que evocaron mantas, conchas marinas y esculturas familiares.

Los primeros looks abrazaron el cuerpo, mientras que otros incorporaron grandes abrigos de cuello alzado, vestidos drapeados con flores bordadas y hombros exagerados, además de construcciones rígidas de inspiración coralina.

Entre las piezas más impactantes sobresalió un tríptico de vestidos de hombros escultóricos y tonos dorados, junto a otros diseños con motivos geométricos, anillos acolchados y pétalos aplicados.

El volumen y la exuberancia dominaron el cierre del desfile, con vestidos inspirados en la cola del pavo real y faldas púrpura de silueta triangular. Malhotra logró así combinar la tradición india con la sofisticación parisina, firmando una entrada memorable en el circuito de la alta costura global.

*Fotos: Reuters

A lo largo de Wimbledon, las gradas del All England Club se transformaron en una pasarela en la que destacaron figuras del espectáculo, la moda y el deporte.

El torneo reunió a celebridades internacionales que aprovecharon la ocasión para lucir atuendos cuidadosamente seleccionados, respetando el tradicional código de vestimenta elegante del evento.

Desde estilos clásicos hasta apuestas modernas, los looks de los famosos se convirtieron en otro foco de atención fuera de la cancha.

1. Lily Collins

Lily Collins lució un conjunto en tonos crema compuesto por un suéter de cuello alto con botones decorativos en el hombro y una falda plisada de textura ligera. La actriz llevó un bolso acolchado al hombro en tono beige y complementó su look con accesorios dorados y uñas de color oscuro. Su cabello corto se mantuvo peinado con raya al costado y optó por un maquillaje discreto.

2. Rami Malek

Rami Malek asistió con un traje azul marino de solapa ancha, acompañado de una camisa de rayas celestes y blancas, abrochada y con una corbata azul de pequeños motivos. Los anteojos de sol oscuros y el peinado prolijo del actor aportaron un aire sofisticado y clásico a su vestimenta.

3. Nicole Kidman

Nicole Kidman seleccionó un traje sastre de dos piezas en color marfil, con saco cruzado y pantalón recto. Para aportar al look, la actriz se inclinó por una camisa del mismo tono y una corbata clara, además de sujetar un sombrero de ala ancha en tonos beige. Su cabello suelto y ondulado enmarca su rostro, con maquillaje tenue.

4. Kate Middleton

La princesa de Gales, Kate Middleton, asistió con un vestido verde de manga corta con drapeados, acompañado de un broche de cinta púrpura y verde en el pecho. Llevó el cabello suelto, peinado con ondas suaves y accesorios discretos, como pendientes y una pulsera dorada.

Otra de las fechas, se puso un vestido rojo de manga corta, ajustado en la cintura con un pequeño cinturón y falda amplia hasta el tobillo. Combinó el conjunto con zapatos de tacón en tono nude, pendientes colgantes y el cabello recogido parcialmente hacia atrás, dejando el rostro despejado.

5. Ben Stiller y Christine Taylor

Ben Stiller optó por un traje azul marino, camisa blanca y corbata de rayas verdes y azules. El actor mostró un peinado clásico. Su esposa, la actriz Christine Taylor se decantó por un vestido verde de manga corta, con detalles de encaje en la parte superior y accesorios sencillos, como un collar fino y pendientes de aro. Ambos llevaron anteojos de sol.

6. Princesa Charlotte y Príncipe George

Los hijos de Kate Middleton y el Príncipe William llevaron looks combinados. La princesa Charlotte lució un vestido azul con mangas de volantes y el cabello semirrecogido. El príncipe George llevó un traje azul marino con camisa blanca y corbata de rayas azules y blancas, mostrando un peinado prolijo y formal.

7. Anna Wintour y Baz Luhrmann

Anna Wintour vistió un vestido de manga larga con estampado floral en tonos azules y verdes sobre fondo blanco, ajustado a la cintura con un cinturón fino. La editora de Vogue llevó su característico corte bob, gafas oscuras y un collar de cuentas grandes de colores.

El director de cine Baz Luhrmann optó por un traje en color crema, camisa celeste y corbata de motivos, además de lentes de sol.

Para otro día de Wimbledon, Anna Wintour optó por un vestido blanco de manga corta y cuello cerrado, complementado con un collar de cuentas doradas y gafas de sol oscuras. Su característico corte bob y el maquillaje natural completaron su estilo.

8. Raye

La cantante Raye llevó un vestido negro sin mangas y gafas oscuras de montura gruesa. Sumó a su look el cabello corto con ondas marcadas y apostó por pendientes de aro dorados, labios de color rojo y uñas claras.

9. Hannah Waddingham y Nick Beresford

La actriz Hannah Waddingham eligió un vestido blanco camisero, con mangas remangadas y falda amplia, y lo combinó con gafas oscuras y accesorios dorados. Su pareja Nick Beresford vistió un traje en tono celeste claro, camisa blanca y corbata beige, acompañado de un pañuelo en el bolsillo del saco.

10. Jennifer Lopez

Jennifer Lopez apostó por un vestido sin mangas en tono crema ajustado al cuerpo. La artista llevó el cabello largo y suelto con ondas suaves, además de accesorios dorados en la muñeca y aretes llamativos. Optó por un maquillaje neutro y labios en tono nude.

11. Sienna Miller

La actriz Sienna Miller llevó un vestido corto de volantes y textura arrugada, confeccionado en tela de rayas azules y blancas. El diseño incluía detalles fruncidos y mangas pequeñas. Complementó su look con pulseras plateadas, anteojos de sol oscuros y el cabello suelto con ondas marcadas.

*Fotos: Reuters

En los aeropuertos y concentraciones de los grandes torneos internacionales, como es el caso de este Mundial 2026 que entró en la recta final, la atención ya no se centra solo en los goles o las camisetas. El equipaje de mano se ha transformado en una pasarela silenciosa donde los futbolistas exhiben piezas que cuentan historias de exclusividad, estilo y evolución cultural.

Los bolsos de lujo de las estrellas del fútbol se han convertido en verdaderos símbolos de poder y personalidad, un fenómeno que capta la mirada de la industria de la moda y de los fanáticos.

A continuación, un recorrido por los accesorios más representativos que acompañan a figuras como Erling Haaland, Lamine Yamal, Jules Koundé, Cristiano Ronaldo, Lionel Messi y Rodrigo De Paul.

Lionel Messi: discreción absoluta y funcionalidad de élite

El astro argentino Lionel Messi llevó la exclusividad a su máxima expresión con un Hermès Birkin Cargo 40. Inspirado en el mundo militar, este bolso utiliza lona de alta resistencia en color hueso y detalles en cuero negro, con múltiples bolsillos exteriores y un portavasos desmontable. En el mercado secundario, su valor supera los 35.000 dólares.

Messi mantiene su preferencia por el lujo silencioso: prendas sin logos llamativos, tonos oscuros y funcionalidad ante todo. El Birkin Cargo permite transportar todo lo necesario sin sacrificar exclusividad, adaptándose a su estilo relajado y utilitario.

Erling Haaland: arte sobre ruedas y cuero

Al delantero noruego de Manchester City, Erling Haaland, se lo vio llevando el concepto de coleccionista a otro nivel con su elección de bolso. Su Hermès Haut à Courroies (HAC) 50, edición Endless Road, no solo es una pieza funcional, sino una obra de arte.

El bolso destaca por su proceso artesanal, donde artesanos de Hermès unen tiras de cuero en once tonos diferentes para recrear un paisaje texturizado de montañas y carretera. Este nivel de precisión exige horas de costura a mano y utiliza la emblemática puntada de guarnicionero de la casa francesa.

El HAC tiene historia: fue el antecesor del Birkin y nació para transportar botas y sillas de montar. En la actualidad, este modelo específico puede alcanzar valores entre 40.000 y 60.000 dólares en el mercado de reventa. Haaland lo utiliza con el chándal celeste de entrenamiento, creando un contraste entre el uniforme deportivo y la opulencia de la marroquinería de lujo.

Lamine Yamal: vanguardia y ruptura de etiquetas

Lamine Yamal, extremo de la Selección de España, representa a la nueva generación que redefine la relación entre género y moda. Su bolso estilo tote de Chanel, confeccionado en tweed blanco, negro y gris, se combina con una solapa de piel negra y el cierre dorado de la doble “C”. El conjunto incluye una maleta Rimowa Essential blanca, un básico entre los atletas de élite.

El uso de Chanel, tradicionalmente asociado al público femenino, por parte de Yamal desafía los códigos establecidos. Su look se completa con auriculares rosados y un chándal retro, proyectando una imagen audaz y lujosa. La naturalidad con la que la Gen Z integra estos accesorios ilustra la transformación cultural en la industria, donde el género deja de ser un límite para la expresión de estilo.

Jules Koundé: elegancia vintage y sentido de archivo

El defensa francés Jules Koundé se distancia de las tendencias pasajeras y apuesta por la autenticidad del archivo. Su bolso de viaje Louis Vuitton, modelo vintage en lona Monogram marrón con asas y correa de cuero natural, refleja una elección consciente. El cuero vachetta desarrolla una pátina oscura con el tiempo, aportando carácter y autenticidad.

Koundé integra el bolso en una estética urbana y grunge: vaqueros rotos, camiseta gráfica de los 90, gafas translúcidas y botas negras de caña alta. A diferencia de otros futbolistas que buscan lo último de la pasarela, Koundé proyecta un dominio del archivo y el streetwear vintage, consolidándose como referente de estilo.

Cristiano Ronaldo: precisión corporativa y lujo clásico

Cristiano Ronaldo, uno de los nombres más reconocibles del fútbol mundial, elige la sobriedad del lujo corporativo. Suele viajar con un conjunto coordinado de Gucci: un duffle bag de piel negra con la emblemática tribanda verde y roja, acompañado de una maleta rígida con el monograma GG Supreme sobre cuero negro.

La combinación con un traje azul marino entallado, gafas de montura fina y mocasines de ante refuerza su imagen de ejecutivo internacional. Cristiano evita la extravagancia y apuesta por la atemporalidad, confiando en la identidad visual de marcas consolidadas para transmitir estatus y elegancia.

Rodrigo De Paul: explosión de color y audacia streetwear

El mediocampista argentino Rodrigo De Paul apuesta por la experimentación visual. Su bolso de viaje Louis Vuitton de reciente colección reinterpreta el clásico Monogram con un estampado camuflaje multicolor, mezclando verdes, azules y amarillos sobre lona con ribetes de cuero marrón.

En contraste con su chándal Adidas negro de silueta holgada, el bolso se convierte en el foco visual del atuendo. De Paul utiliza el accesorio como declaración estética, alineándose con la cultura del hip-hop y el streetwear de lujo más vanguardista.

Los bolsos de lujo de estos futbolistas no son simples complementos. Funcionan como narradores silenciosos de trayectorias, preferencias y rupturas con los códigos tradicionales del deporte y la moda. Cada elección revela tanto como una celebración o un gol: el verdadero partido también se juega fuera de la cancha.

En el taller de Recoleta, donde la luz natural se cuela entre telas y bocetos, Pía Carregal ultima los detalles de su próxima colección de alta costura. No hay silencio, sino el ritmo constante de las máquinas y el murmullo de manos que cortan, bordan y cosen.

Allí, la diseñadora argentina prepara una propuesta que busca trascender las tendencias y reivindica la “belleza imperfecta” como concepto central. La nueva colección, que se presentará en septiembre, refleja años de exploración artística y una visión renovada sobre el oficio artesanal en la moda argentina.

Inspiración y proceso creativo

La mirada de Carregal se orienta hacia el arte y la intuición. Tras una etapa en la que se alejó de las pasarelas para explorar talleres de arte y profundizar en el arte intuitivo, la diseñadora decidió que su regreso a la alta costura debía sintetizar esa experiencia. “Más allá de las tendencias creo que, en el lugar que está la de la moda hoy, tenemos que pensar más en conceptos y dejarnos llevar por la intuición”, explicó la creadora en diálogo con Infobae.

El hilo conductor de sus últimas colecciones ha sido la búsqueda de una belleza que no responde a cánones rígidos ni a la perfección industrial. “Estudié arte, fui a talleres y exploré todo lo referente al arte intuitivo. Quisiera que la próxima colección refleje todo eso”, señaló Carregal.

Oficio, equipo y el valor de lo artesanal

El atelier central de Pía Carregal en Recoleta y el estudio de Belgrano funcionan como laboratorios permanentes de diseño. El equipo desarrolla colecciones cápsula de manera continua.

Recientemente, la firma presentó una colección de novias, una línea que no mostraba desde hacía varios años y que recibió una respuesta positiva del público. La diseñadora sostiene que la confección artesanal y los oficios textiles argentinos tienen un valor diferencial. “Argentina tiene mucho potencial y volver a valorar los oficios y el trabajo artesanal que es muy bueno acá también”, afirmó.

El taller nunca se detiene. Mientras el equipo avanza con la alta costura, también trabaja en la línea urbana Pía Spirit, una propuesta pret-a-porter que adapta sus volúmenes y cantidades al contexto actual de la industria nacional. “La colección urbana se redujo en cuanto a cantidad de productos por el panorama de la indumentaria en Argentina, pero seguimos acompañando a nuestra clienta en el día a día, ajustando muchas veces la prenda a medida”, explicó.

Tendencias globales y elecciones personales

El universo de la moda actual ofrece una diversidad de tendencias que conviven y dialogan. Según Carregal: “Hoy se ven propuestas monocromáticas, colores neutros y tierra, cortes amplios y un minimalismo que ya es un clásico. Pero también hay mucho color, estampas, rayas, flecos, plumas, combinaciones más jugadas”. La diseñadora prefiere poner el foco en las texturas, los colores y la mezcla de materiales, especialmente en sus colecciones de alta costura.

“Creo que las mujeres cada vez elegimos más que ponernos desde el lugar de lo que nos queda bien, con lo que nos sentimos identificadas, lo que refleja nuestra personalidad y estilo, más allá del riguroso y apurado ritmo de la moda”, destacó la diseñadora.

Trayectoria y visión de futuro

Con más de 30 años de carrera, Pía Carregal es reconocida por sus diseños de vestidos de novia y su sello en la alta costura local. Aunque estudió marketing, su vocación la llevó a fundar su propio atelier.

Desde sus espacios en Buenos Aires, la creadora mantiene una búsqueda constante entre la tradición y la experimentación artística. La nueva colección que prepara para septiembre busca condensar esa dualidad.

La moda argentina atraviesa desafíos, pero para Carregal, el presente es también un terreno fértil para la creatividad y el rescate de saberes. Su apuesta por los oficios, la intuición y la autenticidad resuena en cada prenda que sale del taller.

El aniversario del nacimiento de Giorgio Armani, que se conmemora este sábado 11 de julio, cobra una dimensión diferente tras su fallecimiento en septiembre del año pasado.

El diseñador, originario de Piacenza en 1934 y que hoy cumpliría 92 años, dejó una marca indeleble en el universo de la moda. Su legado mantiene vigencia y continúa influyendo en creadores, figuras públicas y entusiastas del diseño en todo el mundo.

Armani creció en una Italia atravesada por la posguerra, contexto que forjó su carácter y consolidó en él valores como la disciplina y la búsqueda de la belleza, rasgos presentes en toda su trayectoria.

De Piacenza a las pasarelas de Milán

La vida de Armani comenzó lejos de las pasarelas. Tras un breve paso por la Facultad de Medicina y el servicio militar, encontró su lugar en el universo de la moda como escaparatista en La Rinascente, una de las grandes tiendas de Milán.

Allí aprendió a observar el gusto de la gente y a valorar la relación entre el producto y su presentación. Con el tiempo, se incorporó a Cerruti 1881 como diseñador, donde perfeccionó su técnica y consolidó su visión.

En 1975, junto a Sergio Galeotti, fundó la casa Giorgio Armani S.p.A. en Milán, presentando su primera colección masculina. Su propuesta, basada en líneas puras, tejidos ligeros y sobriedad cromática, rompió con los cánones tradicionales y anticipó una nueva etapa para la moda italiana.

La revolución del traje: comodidad y elegancia

La clave del éxito de Armani radica en su capacidad para reinterpretar el traje. Reemplazó las siluetas rígidas y las hombreras exageradas por cortes suaves y materiales ligeros, lo que permitió a los hombres adoptar una imagen elegante y relajada.

El paso a la moda femenina resultó igual de innovador: las mujeres encontraron en sus trajes y vestidos una alternativa moderna y funcional, alineada con los nuevos roles sociales y profesionales de la época.

El estilo Armani se caracterizó por la sobriedad, la precisión y la ausencia de ornamentos innecesarios. Esta visión se consolidó en líneas como Emporio Armani, Armani Jeans y Armani Exchange, y se expandió hacia productos como perfumes, cosméticos y decoración para el hogar.

Hollywood y la consagración global

El salto internacional de Armani llegó con su vínculo con el cine y las celebridades. A partir de los años 80, vistió a figuras de Hollywood tanto en pantalla como en galas y premiaciones.

El vestuario de Richard Gere en American Gigolo (1980) marcó un antes y un después, llevando la estética Armani al centro de la cultura pop. El diseñador entendió como pocos el poder de la imagen pública y forjó alianzas estratégicas con actrices y actores que buscaban elegancia sin excesos.

La alfombra roja se transformó en un escaparate para sus creaciones. Celebridades de distintas generaciones encontraron en Armani una forma de expresar su personalidad y marcar tendencia, consolidando al diseñador como referente de la moda internacional.

Famosas que inmortalizaron el estilo Armani

A lo largo de las décadas, numerosas figuras eligieron a Giorgio Armani para sus momentos más emblemáticos. Diane Keaton rompió moldes en 1978 al lucir un conjunto de chaqueta masculina y falda a rayas en los Oscar.

Julia Roberts optó por un traje oversize en los Globos de Oro de 1990, mientras que Jodie Foster apostó por un esmoquin blanco en la ceremonia de 1992, consolidando la androginia elegante propuesta por Armani.

Nombres como Charlize Theron, Cate Blanchett, Beyoncé, Lady Gaga, Katie Holmes, Gwyneth Paltrow, Michelle Yeoh y Zendaya también han confiado en Armani para galas, premiaciones y eventos clave. Sus vestidos y trajes se han convertido en íconos de la alfombra roja, asociados a la sofisticación y la autenticidad.

Innovación, ética y un legado vigente

El legado de Giorgio Armani va más allá de la moda. Fue pionero en promover la salud y la diversidad en las pasarelas, prohibiendo modelos con bajo peso y abriendo espacios a nuevas formas de belleza.

Su marca incursionó en sectores como la hotelería y la gastronomía, manteniendo siempre la independencia y la coherencia estética.

Hoy, en un nuevo aniversario de su nacimiento, el nombre de Giorgio Armani sigue siendo sinónimo de elegancia atemporal, innovación y visión global. Su influencia se percibe en cada colección y en la elección constante de sus creaciones por parte de celebridades y diseñadores de todo el mundo.

La frase “no tengo nada que ponerme” suele describirse como un problema de ropa, pero en muchos casos funciona como un síntoma de otra cosa: la dificultad para alinear la imagen que se muestra con la identidad que se siente. En un artículo de la revista estadounidense Psychology Today, la psicóloga Tara Well plantea que, en la mediana edad, esa sensación puede intensificarse cuando el cuerpo cambia, la oferta de las tiendas deja de “hablarle” a una y lo que antes resultaba cómodo empieza a sentirse ajeno.

En esa lectura, “no tener nada que ponerse” no describe un placard vacío, sino una falta de opciones que se sientan auténticas para el “yo” actual. El texto de Psychology Today también vincula ese malestar con un costo social: menciona un estudio en el Journal of Macromarketing que asocia mayor satisfacción con la elección de ropa con mayor bienestar, y sugiere que parte de esa relación se explica por la evitación social cuando vestirse se vive como una exposición incómoda.

Cuando vestirse se vuelve una decisión pesada

El “no tengo nada que ponerme” también puede aparecer cuando el problema no es la falta de prendas, sino el exceso de opciones y la carga mental de elegir. En una nota de la revista estadounidense Harper’s Bazaar, se retoma la idea de que demasiadas alternativas pueden llevar a sentirse abrumada, y se menciona la “fatiga de decisión” como un marco útil para entender por qué algo aparentemente simple —elegir un outfit— puede volverse agotador.

La lógica es conocida: cuantas más decisiones pequeñas se acumulan, más difícil se vuelve decidir con claridad, incluso cuando la elección no parece trascendental. En el caso de la ropa, el proceso incluye microdecisiones encadenadas (qué se ajusta, qué combina, qué resulta apropiado, qué “queda bien” en un día específico), y eso puede amplificar la sensación de bloqueo frente al armario.

En paralelo, la percepción de “no me queda nada” puede estar atravesada por la memoria emocional: una prenda puede asociarse a una foto que no gustó, a la incomodidad de una tela, o a un ajuste que recordó algo que se preferiría no pensar. La misma nota de Harper’s Bazaar recoge testimonios en esa dirección, vinculados a la confianza y a la incertidumbre sobre la propia silueta.

La ropa como señal psicológica: identidad, cuerpo y contexto social

Más allá del estado de ánimo, existe evidencia experimental de que la ropa puede influir en cómo una persona se percibe y actúa en una situación. Un trabajo publicado en la revista científica estadounidense Journal of Experimental Social Psychology introdujo el concepto de “enclothed cognition” para describir cómo el efecto depende tanto del significado simbólico atribuido a una prenda como de la experiencia física de llevarla puesta.

Esa idea ayuda a entender por qué el “no tengo nada que ponerme” puede sentirse como una crisis real: si la ropa afecta la autopercepción, entonces elegir qué ponerse no siempre es un trámite; puede ser una forma de preparar el cuerpo y la mente para un rol, una interacción o un entorno social.

En esa misma línea, otra investigación publicada en la revista científica europea Body Image examinó el vínculo entre elección de ropa y aspectos de imagen corporal. En su resumen, el estudio reporta asociaciones entre medidas como el IMC y la selección de ropa con función de “camuflaje”, y también relaciona la autoobjetivación con elegir prendas por “moda” versus “comodidad”.

En conjunto, estas fuentes apuntan a una lectura más amplia: cuando alguien dice que no tiene “nada que ponerse”, puede estar hablando —sin nombrarlo— de visibilidad, pertenencia, ajuste, autoestima y del temor a que el cuerpo se vuelva el centro de la escena. Por eso, el problema no siempre se resuelve comprando más, sino identificando qué parte del malestar viene de la cantidad de opciones, cuál viene del vínculo con el cuerpo y cuál surge de la distancia entre la ropa disponible y la identidad que se busca expresar.

Desde hace años, hablar de la moda en los palcos del fútbol mundial tiene un nombre y apellido indiscutible: Antonela Roccuzzo. Considerada por todos como la auténtica “primera dama” del fútbol por ser la esposa de Lionel Messi, la rosarina ha marcado la pauta de estilo durante más de una década con su elegancia magnética y sus looks impecables que equilibran el lujo y la sencillez. Hoy, ese liderazgo se consolida y se expande pero, detrás de ella, otras figuras internacionales van tomando también protagonismo. Las tribunas VIP de los estadios más exclusivos se transforman cada vez más en una extensión de las pasarelas de París y Milán, donde una nueva generación de mujeres también impone tendencia.

Ellas concentran la atención de los flashes tanto por su propio magnetismo como por acompañar a los goleadores y referentes más destacados del Mundial 2026. Entre ellas figuran esposas y parejas de capitanes y líderes de equipo, así como de jóvenes promesas cuya fama se multiplica en internet y redes sociales. Más allá del impacto de Antonela, el torneo exhibe una diversidad estilística notable: del minimalismo nórdico a la audacia urbana, estas mujeres están redefiniendo las reglas de la moda en el fútbol global.

Ester Expósito: vanguardia Y2K y magnetismo en la alfombra roja

Ester Expósito, flamante pareja del futbolista francés Kylian Mbappé, presenta una identidad visual que oscila entre la audacia de la vanguardia Y2K y la sofisticación de la alfombra roja. En eventos formales, la española de 26 años suele elegir vestidos con transparencias, corsetería visible y aberturas pronunciadas, apostando por firmas que exploran la sensualidad arquitectónica como Versace, Mugler o Roberto Cavalli.

En su día a día, la novia de la estrella del Real Madrid y de la selección de Francia opta por un estilo marcado por la nostalgia de los años 2000, fusionado con elementos urbanos. Los pantalones de tiro bajo, crop tops asimétricos, camisetas vintage y abrigos de piel sintética forman parte de su repertorio. Los accesorios, como gafas futuristas, zapatillas de plataforma y botas de suela gruesa, junto a peinados elaborados y maquillaje cat-eye, completan su imagen de rebeldía y sensualidad.

Isabel Haugseng Johansen: minimalismo nórdico y confort de lujo

La propuesta de Isabel Haugseng Johansen, pareja de Erling Haaland (estrella del Manchester City y de la selección de Noruega), encarna la esencia del minimalismo escandinavo. Su armario se compone de prendas funcionales y siluetas relajadas, pensadas para la movilidad y el confort. Sobresalen los jerseys de cuello alto en punto grueso, pantalones de lino de pierna ancha y vestidos camiseros, junto a chaquetas acolchadas o cortavientos de marcas premium.

La paleta cromática de la influencer de 22 años toma inspiración de la naturaleza: blancos, crema, gris melange, azul celeste y verde salvia, a los que rara vez suma estampados llamativos. Este minimalismo se extiende a la ausencia de logotipos y a la apuesta por materiales orgánicos como algodón, lino o lana virgen.

El peinado y el maquillaje refuerzan su estética, con ondas suaves, recogidos sencillos y un look “cara lavada” que acentúa la pureza visual. En el entorno digital, su estilo se percibe como sinónimo de lujo discreto y autenticidad.

Katie Kane: glamour contemporáneo e influencia digital

Katie Kane, esposa del delantero inglés Harry Kane (jugador del Bayern Múnich y capitán de la selección de Inglaterra), representa la impronta del “Instagram-chic”, donde la imagen proyectada en las plataformas digitales es tan importante como la elección de cada prenda. Su estilo, definido por la confianza y la feminidad, explora siluetas que celebran las curvas: vestidos de punto acanalado, faldas midi de satén y conjuntos coordinados de dos piezas. La entrenadora de fitness, de 33 años, opta por tonos tierra y negro absoluto, lo que aporta versatilidad tanto para el día como para la noche.

Uno de los sellos distintivos de su estilismo es la combinación de texturas. Kane suele lucir chaquetas de cuero desgastado tipo biker sobre vestidos lenceros de seda o jerseys gruesos con botas altas de piel. Los accesorios, siempre alineados con las tendencias de diseño, refuerzan una imagen actual que dialoga con la estética global de las redes sociales.

Inés García: casual chic urbano y básicos elevados

La propuesta de Inés García, pareja reciente del futbolista español Lamine Yamal (figura del FC Barcelona y de la selección de España), se distingue por una interpretación fresca y versátil del casual chic. Su presencia en la ciudad es reconocible por la habilidad para mezclar prendas deportivas o informales con elementos propios del guardarropa ejecutivo. La influencer de 21 años suele combinar vaqueros rectos de mezclilla rígida o pantalones cargo satinados con americanas oversize y tops ceñidos, generando un juego de proporciones que favorece la comodidad y la funcionalidad.

La base cromática de su armario se apoya en tonos neutros como el blanco, el negro y el azul denim, con acentos sutiles en bolsos o zapatillas. Una de sus fórmulas más replicadas es la combinación de americanas de oficina con zapatillas de diseño retro, y accesorios como gorras de béisbol. El resultado es un equilibrio entre la formalidad relajada y la autenticidad, que ha impactado en la manera en que muchas jóvenes construyen su imagen urbana.

Durante el Mundial 2026, Inés García se ha mostrado como el mayor apoyo de Lamine Yamal, acompañándolo en partidos y compartiendo momentos personales en redes sociales.

Leonita Lekaj: la sofisticación del lujo silencioso

El próximo sábado, Argentina enfrentará a Suiza por los cuartos de final. De un lado estará Antonela. Del otro, Leonita Lekaj, pareja de Granit Xhaka (capitán de la selección de Suiza y jugador del Bayer Leverkusen), quien ha ganado notoriedad por su enfoque en la elegancia atemporal. Su presencia en eventos y redes sociales ha sido definida por una predilección por las líneas limpias y estructuradas, donde los trajes de sastre y los abrigos largos de lana o cachemir se convierten en piezas clave. La paleta cromática de la modelo e influencer de 34 años descansa en tonos neutros y profundos, como el camel, el gris marengo y el negro, a los que ocasionalmente suma verdes esmeralda o burdeos.

El secreto de su éxito radica en la capacidad de construir looks a partir de capas y accesorios de alto valor simbólico. Bolsos de lujo y la joyería minimalista de alta gama, como brazaletes rígidos o pendientes de botón en oro, permiten que sus atuendos transmitan sofisticación sin estridencias. Su estilo simboliza el “lujo silencioso” y la madurez de quien domina el lenguaje de la moda sin necesidad de recurrir a logotipos ostentosos.

Madonna deslumbró en la tapa de Vogue Italia con una producción fotográfica que fusiona pasado y presente, reafirmando su vigencia absoluta en el universo de la moda a los 67 años.

La artista, reconocida por su capacidad para reinventarse y desafiar los límites, eligió para la portada de la edición de julio un estilismo que evoca el glamour vintage y la estética boudoir, pero reinterpretado con un aire contemporáneo y teatral.

En esta sesión, la imagen de Madonna se transforma en un puente visual entre distintas etapas de su carrera. La elección de prendas y accesorios no es casual: cada elemento dialoga con referencias a sus propios archivos personales y a momentos icónicos de su trayectoria.

El equipo detrás del concepto estuvo liderado por IB Kamara y Raw Materials, quienes asumieron la dirección creativa y el estilismo, combinando piezas históricas del guardarropa de la cantante con elementos modernos y de alta costura.

Estilismo y prendas clave en la portada de Vogue Italia

El look central que acaparó la atención partió de un corset nude de silueta estructurada, que realza la cintura y aporta una impronta escultórica.

Por debajo, Madonna luce un sujetador de Maison Close y un body de manga larga en tono nude, generando capas de transparencias y texturas.

Esta superposición se ve reforzada por la incorporación de calentadores en brazos y piernas, también en colores claros, sobre los que se dispone un tul rosa translúcido. Las medias largas de red en rosa nude de Capezio remiten al universo de la danza clásica y subrayan el carácter performático del estilismo.

La selección de accesorios redondea el conjunto con guiños directos a la iconografía de la propia artista. Madonna recurre a pendientes, grillz y stilettos dorados de acabado brillante, piezas extraídas de su archivo personal y de marcas contemporáneas como Skims.

El culotte de esta firma, sumado a los zapatos de tacón alto cubiertos de lentejuelas doradas, aporta un contraste de texturas y destellos que acentúan la teatralidad de la imagen.

Producción visual y referencias artísticas

La producción fotográfica potencia este despliegue de moda con una puesta en escena sobria y cromáticamente delicada. El fondo liso de color lila y la luz suave enmarcan la figura de Madonna, cuyo cabello rubio platinado, dispuesto con ondas voluminosas y extendido sobre el suelo, crea un efecto etéreo.

La pose, con una pierna elevada y la otra extendida hacia abajo, transmite movimiento y energía, mientras que el rostro inclinado hacia atrás mantiene una expresión neutra, casi enigmática.

Para el maquillaje, se optó por un estilo romántico y actual: piel luminosa, sombras en tonos champagne y rosados, delineado sutil, pestañas bien definidas y labios nude con acabado satinado.

El resultado es una interpretación sofisticada del clásico estilo pop de Madonna, adaptado a la sensibilidad estética contemporánea.

Moda como manifiesto y declaración artística

La aparición de Madonna en la tapa de Vogue Italia no solo marca el lanzamiento de su decimoquinto álbum de estudio, Confessions II, sino que funciona como una declaración de principios en torno a la moda y la autoexpresión.

La artista utiliza el vestuario para narrar su propio recorrido, retomando la estética de Confessions on a Dance Floor el disco que redefinió su carrera veinte años atrás y adaptándola a una nueva etapa creativa.

El estilismo, lejos de ser un mero accesorio, se convierte en un lenguaje visual que refuerza los ejes conceptuales del álbum: conciencia, libertad y comunidad.

En la entrevista con Vogue, Madonna subrayó que el disco es “un álbum sobre la consciencia y la libertad. Bailar no es un acto sin sentido, sino que te permite crear un sentido de comunidad y conexión”.

Esta visión encuentra su correlato visual en cada detalle del estilismo: la elección de prendas vinculadas a la danza, la mezcla de referencias históricas y actuales, y la apuesta por una estética lencera que evoca intimidad y empoderamiento.

El diálogo entre moda, baile y libertad

La dimensión performática del look también dialoga con la reflexión de Madonna sobre el mundo digital y la necesidad de experiencias genuinas de conexión.

“Hoy, con los smartphones, ya no nos conectamos de verdad, aunque nos engañemos pensando que sí. En cambio, cada pista de baile es un espacio ritual donde liberas tu cuerpo y tu mente; la ansiedad desaparece y tienes la oportunidad de alcanzar, quizás, un estado de consciencia más profundo”, expresó en la charla.

El estilismo propuesto para Vogue Italia, entonces, trasciende la función ornamental y se instala como un manifiesto estético y simbólico. Madonna recupera elementos de su archivo y los resignifica en clave actual, demostrando que la moda es, para ella, tanto una herramienta de transformación personal como un medio para celebrar la diversidad y la libertad de ser.

Margot Robbie ha consolidado una identidad visual en la moda que combina naturalidad y precisión, alejándose de los excesos pero sin renunciar al impacto.

Sus elecciones de moda suelen fusionar el clasicismo con la comodidad, apoyándose en prendas clave que actualiza con detalles inesperados. Esa coherencia estilística la ha convertido en referente de una elegancia contemporánea que prioriza la funcionalidad y el equilibrio.

El conjunto elegido por Margot Robbie

El estilismo que lució en París mostró cómo una camisa blanca puede transformarse en protagonista absoluta del atuendo.

La prenda, de corte amplio y hombros caídos, se distingue por detalles que marcan la diferencia: los botones de perla y la cadena cosida en el bajo remiten a la tradición de la maison Chanel, mientras que un pequeño bordado rojo introduce un guiño sutil al minimalismo.

La elección de vaqueros rectos de lavado claro aporta un aire relajado y moderno, alineándose con la tendencia del denim hacia cortes cómodos y limpios en 2026.

Los accesorios, discretos y funcionales, bolso negro pequeño, gafas de sol estrechas y zapatos cerrados, completan un look en el que la sencillez deliberada potencia el carácter de cada pieza.

Más looks de Margot Robbie

Para el programa de Jimmy Kimmel Live! en Los Ángeles, apostó por un vestido negro de tul con transparencias y aplicaciones florales de encaje. El diseño asimétrico, con aberturas laterales y mangas largas, se acompañó de tacones negros de tiras finas. Los anteojos oscuros y pendientes pequeños sumaron un punto sofisticado.

La actriz asistió a la premiere de “Hurlevent” con un vestido largo de terciopelo rojo intenso que presentó un corsé ajustado y tirantes delgados, acompañado de una falda amplia en tono marfil. Llevó el cabello suelto, dividido al centro, y lució un collar ancho adornado con una letra “A” colgante.

En la Met Gala, Margot Robbie llevó un vestido largo de tono dorado claro y acabado satinado, ceñido al cuerpo con volantes y detalles plisados en la parte trasera y en el borde de la cola. El escote fue asimétrico y ella recogió el cabello en un moño bajo con flequillo lateral. Completó el look con pendientes colgantes brillantes.

Para un look urbano, Margot Robbie optó por un corsé de estampado floral con escote en pico y tirantes anchos, combinado con pantalones negros ajustados con múltiples hebillas y botas de punta. Llevó una chaqueta negra en el brazo y un bolso negro de gran tamaño con detalles metálicos. Usó gafas de sol pequeñas y el cabello suelto.

Para la premiere de Cumbres Borrascosas en Londres eligió un vestido largo de tul nude con transparencias, decorado con detalles dorados en forma de cuerdas trenzadas y aplicaciones a lo largo del cuerpo y los hombros.

El vestido dejó los hombros descubiertos y presentó una estructura simétrica y geométrica. Llevó el cabello recogido hacia atrás y un collar ancho decorado.

En el evento “Wuthering Heights”, Margot Robbie lució un vestido de corte sirena con escote palabra de honor. La parte superior fue de encaje negro sobre fondo nude, mientras que la falda de terciopelo negro se degradó a rojo en la parte inferior, con un gran volante estructurado y amplia cola. Llevó el cabello recogido y un collar dorado con colgante en forma de corazón.

Cada aparición de la actriz se caracterizó por un dominio preciso de la silueta, el color y los detalles, desde el terciopelo profundo hasta las transparencias estructuradas y los encajes en degradé.

Su porte y estilismo glamuroso contribuyeron a construir imágenes que trascendieron la moda para inscribirse en el registro visual de la temporada, reafirmando su posición como una de las figuras más observadas en las grandes citas internacionales.

A primera vista, el cuadro —obra de un artista holandés desconocido del siglo XVII— parecía poco probable que desatara una guerra de pujas. Representa dos calaveras y una nota manuscrita que pregunta: «Uter dominus, uter servus?» (¿Quién es el amo, quién es el esclavo?). Sin embargo, el 30 de junio, una puja frenética en una subasta de Christie’s en Londres elevó el precio del cuadro a 431.000 libras esterlinas (575.000 dólares), aproximadamente cuatro veces la estimación. Existe un «anhelo por lo inusual», explica Andrew Fletcher, director del departamento de Maestros Antiguos de Christie’s, quien ha observado un aumento del interés por «lo extraño y maravilloso».

Las obras de los grandes maestros —una categoría que abarca siglos e incluye trabajos generalmente terminados antes de 1850— han cobrado nueva vida. En esa misma subasta de Christie’s, se batieron récords para seis artistas, entre ellos Sir Thomas Lawrence, pintor inglés, cuyo retrato del duque de Wellington, el general que derrotó a Napoleón, alcanzó los 9,7 millones de libras. «Es el momento más optimista que recuerdo en el mercado de los grandes maestros en años», afirma Fletcher.

El valor de las ventas de obras de maestros antiguos en todo el mundo en 2025 fue de 1200 millones de dólares, un 30 % más que el año anterior. Sin embargo, es posible que los datos no reflejen la magnitud total de este repunte, ya que muchas pinturas se venden de forma privada, según Patrick Williams, galerista de Nueva York. Los compradores más jóvenes muestran mayor entusiasmo. Este año, alrededor del 16 % de los postores en las subastas de maestros antiguos de Sotheby’s, otra casa de subastas, son menores de 40 años, casi el triple que hace cinco años.

Hasta la década de 1980, los grandes maestros dominaban el mundo del arte. Pero entonces los coleccionistas decidieron que esta categoría era demasiado anticuada y optaron por coleccionar obras impresionistas y contemporáneas.

Varias cosas cambiaron en los últimos dos años. En primer lugar, algunos segmentos del mercado del arte contemporáneo mostraron signos de volatilidad. Los coleccionistas se dieron cuenta de que los grandes maestros son estables y significativamente menos costosos. «Por 250.000 dólares se puede comprar un cuadro que podría estar en el Louvre, pero por 10 millones se consigue un Picasso mediocre», afirma el Sr. Williams. También existe escasez: cada año, más pinturas de grandes maestros ingresan a las colecciones de los museos.

Los compradores de arte también se han vuelto más receptivos a la hora de combinar obras de diferentes épocas. Un punto de inflexión se produjo en 2017, según Sylvie Winckler, coleccionista belga: fue entonces cuando Christie’s vendió el “Salvator Mundi” de Leonardo da Vinci, restaurado en gran medida, por 450 millones de dólares, el precio más alto jamás pagado por una obra de arte, en una subasta de arte contemporáneo y de posguerra. Esto demostró cómo el arte antiguo podía lucir elegante junto a obras más modernas en los espacios diáfanos que muchas personas adineradas llaman hogares.

Las actitudes respecto a lo que constituye un buen coleccionismo también han cambiado. Tradicionalmente, los compradores de obras de los grandes maestros eran como doctorandos , especializados en áreas como los bodegones franceses del siglo XVIII. Hoy en día , la gente compra arte de forma más ecléctica y diversa. Una nueva generación de coleccionistas se guía menos por el conocimiento tradicional y más por la imagen y el impacto visual de la obra en sí, afirma Valentina Castellani, autora de «Trading Beauty», una historia de la compra de arte.

Esto significa que los retratos y el arte figurativo están de moda, porque son fáciles de compartir en Instagram. La gente pasa tanto tiempo mirando fotos de otras personas en las redes sociales que están predispuestos a conectar con las pinturas. Existe un atractivo por las telas antiguas y la idealización de lo que parece ser una vida más sencilla (si ignoramos las revoluciones, las plagas y la pésima odontología de épocas pasadas). Charles Stewart, director de Sotheby’s, atribuye el resurgimiento del interés por los grandes maestros a un «efecto de la IA»: «Las cosas antiguas se sienten más artesanales y humanas», afirma.

Los marchantes se han vuelto más expertos en el marketing dirigido a una nueva clientela. Las imágenes seculares son más fáciles de vender que las religiosas, al igual que las obras con una historia intrigante. Esto quedó patente en TEFAF Maastricht, una feria de arte que reúne a la mayor cantidad de compradores y marchantes de maestros antiguos, celebrada en marzo. Paul Smeets, un galerista, exhibió una pintura de Guido Cagnacci, un italiano que murió en 1663. Representaba a la Virgen María, adornada con una aureola dorada, leyendo un libro. “Hace diez años, simplemente habríamos dejado ‘Virgen leyendo’ como título”, dice Smeets. Pero en cambio, quiso destacar que la retratada podría haber sido la amante del artista. Así que la tituló “Posiblemente un retrato de Maddalena Fontanafredda como la Virgen leyendo”. Un título algo tosco, sí, pero que añadía dramatismo y pasión a una escena familiar. La obra se vendió rápidamente. Los maestros antiguos tienen muchos admiradores en estos tiempos.

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El partido entre la Selección Argentina y Egipto en el Mundial 2026 ofreció no solo un espectáculo deportivo, sino también un despliegue de estilo en las tribunas. Antonela Roccuzzo volvió a captar miradas con una apuesta casual que equilibró comodidad y elegancia.

Eligió una camiseta celeste y blanca acompañada por un pantalón negro de corte ajustado y cintura alta, una combinación que remite al fervor futbolero manteniendo una silueta moderna y relajada.

Accesorios de lujo y marcas en el look de Antonela Roccuzzo

Sin dudas, la verdadera personalidad del conjunto se impuso a través de los accesorios. El bolso Hermès Kelly, en un delicado tono celeste, sumó un punto de sofisticación y contraste cromático respecto al resto del atuendo.

Este modelo de líneas estructuradas refleja una elección pensada y coherente, capaz de destacar sin competir con la camiseta.

En la muñeca izquierda sobresalió un reloj Audemars Piguet, con caja metálica, detalles en oro rosa y diamantes, y una correa de silicona pastel que aporta un matiz deportivo y actual.

La combinación de materiales y colores refuerza el carácter lujoso y versátil del look. El cabello suelto y lacio enmarca el rostro, y el maquillaje discreto.

La escena familiar se completó con la presencia de los tres hijos de Antonela, todos vestidos con la camiseta de la selección argentina.

Sentados junto a su madre en las gradas, compartieron el entusiasmo y la emoción del encuentro. Se acentuaron los colores de las prendas y los destellos de los accesorios, generando un ambiente festivo atravesado por el orgullo y el sentido de pertenencia.

Más looks de Antonela en el Mundial 2026

La presencia de Antonela en los estadios suele captar la atención por su elección de prendas y combinaciones deportivas. En cada aparición, sorprende con propuestas diferentes que mantienen un estilo adaptado al entorno futbolístico y familiar.

A continuación, tres de sus looks más recientes durante los partidos de la selección argentina:

Camiseta de la selección y pantalón cargo negro

En otro de los partidos Antonela lleva una camiseta de la selección argentina en versión negra, con detalles azules y el número “10”. Combina la prenda deportiva con un pantalón cargo negro de corte amplio, que tiene varios bolsillos y cierres metálicos visibles. El cabello lo llevó suelto y ondulado sobre su espalda.

Estilo deportivo con detalles de joyería

En este look, Antonela utiliza la misma camiseta negra de la selección argentina, con el número “10” y detalles azules, luciendo un diseño corto que deja parte del abdomen al descubierto.

Complementa el conjunto con accesorios plateados, como una pulsera, un reloj y un collar con cruz. Su cabello está peinado con ondas suaves y raya al costado.

Camiseta de la selección y pantalón blanco

En el partido contra Cabo verde Antonela aparece abrazando a sus tres hijos, todos vestidos con la camiseta negra alternativa de la selección argentina.

Ella combina la prenda deportiva con un pantalón blanco de corte recto y zapatillas blancas. Lleva en la muñeca varias pulseras de colores. El cabello está suelto y lacio.

Triunfo argentino ante Egipto y contexto del partido

Durante la jornada, la selección argentina logró un triunfo dramático frente a Egipto por 3-2. El equipo dirigido por Lionel Scaloni revirtió un marcador adverso: después de ir perdiendo 0-2, los goles de Cuti Romero, Lionel Messi y Enzo Fernández sellaron la remontada y aseguraron el pase a los cuartos de final del Mundial 2026.

La tensión del partido y la posterior celebración en las tribunas resaltaron aún más la imagen de Antonela y su familia, protagonistas de una tarde inolvidable tanto dentro como fuera del campo de juego.

Su destino era la premiere mundial de La Odisea, la nueva superproducción de Christopher Nolan, donde Zendaya apareció con una creación que parecía hecha a la medida de Atenea, la diosa que interpreta en la película. En el poema épico de Homero, esta divinidad guía y protege a Odiseo durante su largo viaje de regreso a Ítaca.

La pieza pertenecía a la colección Haute Couture Otoño/Invierno 2026-2027 de Schiaparelli, diseñada por Daniel Roseberry. La casa de moda la describió como un “vestido luminoso” compuesto por “un bustier moldeado en silicona blanca con efecto porcelana, espalda deportiva, detalles de cordones y flecos espejados bordados con un degradado del blanco al espejo”.

La firma añadió que la elaborada falda plateada y dorada estaba “iluminada desde el interior”, un efecto que reforzaba su apariencia escultórica.

La elección del estilista Law Roach recibió elogios de las principales revistas de moda. Según destacó W Magazine, “no hay un símbolo más apropiado para honrar a Atenea que la antigua coraza”, una referencia directa al bustier que dominaba el diseño seleccionado para Zendaya por su colaborador de confiaza.

Un viaje exprés desde París

La travesía del vestido también despertó interés en las redes sociales, ya que apenas unas horas antes de la premiere la pieza había debutado sobre la pasarela de Schiaparelli.

En un video grabado entre bastidores junto al creador francés Lyas (Elias Medini), Roach explicó el inusual operativo logístico. Cuando Medini comentó: “Elegiste este look para una premiere esta noche”, el estilista respondió entre risas: “Sí, volé anoche para venir al desfile; tengo un jet privado esperándome”.

Luego, al preguntarle si el avión esperaba por el vestido, Roach respondió: “Sí, para sacar ese vestido de ella y llevarlo a Londres para ponérselo a una chica muy especial”, en referencia a Zendaya.

El plan salió como estaba previsto. El vestido abandonó la pasarela parisina y, pocas horas después, apareció sobre la alfombra azul instalada en Leicester Square para la premiere mundial de La Odisea. Zendaya completó el estilismo con un collar de Chopard Haute Joaillerie con un diamante central de 12,37 quilates y otros diamantes que sumaban 76,11 quilates, engastados en oro blanco de 18 quilates.

La premiere mundial de La Odisea dio inicio a la gira promocional de la nueva superproducción de Christopher Nolan, una adaptación del célebre poema épico de Homero que llegará a los cines de América Latina el 16 de julio. La producción, con un presupuesto estimado de 250 millones de dólares, también es la primera película filmada íntegramente con cámaras IMAX de 70 milímetros.

Junto a Nolan y la productora Emma Thomas desfilaron por la alfombra azul Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Charlize Theron, Lupita Nyong’o, John Leguizamo, Benny Safdie, Elliot Page, Mia Goth, Travis Scott y Corey Hawkins, entre otros.

Durante el evento, Zendaya habló sobre la experiencia de compartir pantalla con su esposo, Tom Holland, quien interpreta a Telémaco, hijo de Odiseo.

“Simplemente me conmovió su interpretación. Es increíble en esta película, como lo es en todo lo que hace, y estoy emocionada de que la gente vea esa dualidad de un mes para otro”, dijo a Variety. Ambos volverán a compartir pantalla muy pronto con el estreno de la próxima película de Spider-Man.

Donar a una tienda de segunda mano es una oportunidad para liberar espacio, ayudar a la comunidad y fomentar la reutilización. El gesto de donar puede ser aún más valioso si se realiza con atención y respeto hacia quienes gestionan y visitan estos comercios. La calidad de las donaciones incide directamente en la capacidad de las tiendas para ofrecer artículos útiles y atractivos a nuevos compradores.

El auge de la moda circular y la conciencia ambiental han multiplicado el interés por donar y comprar en estos locales. Sin embargo, el proceso no consiste simplemente en dejar aquello que sobra o resulta incómodo de desechar. La verdadera diferencia la marca el cuidado previo: preparar bien lo que se dona, informarse y pensar en la utilidad que tendrá para otras personas.

El personal y los voluntarios de las tiendas agradecen que los donantes actúen con consideración y sentido común. Al evitar errores frecuentes, se facilita el trabajo de quienes clasifican, limpian y ponen a la venta los objetos, y se asegura una mejor experiencia para quienes compran de segunda mano.

Infórmate antes y piensa en el destinatario

El primer paso antes de donar consiste en consultar la web de la tienda para conocer sus reglas y el tipo de artículos que aceptan. No todas admiten muebles, aparatos electrónicos o ropa infantil, ya que las políticas dependen de la ciudad, el tamaño del local y la normativa vigente. Llevar objetos voluminosos o difíciles de gestionar, sin asegurarse de que serán recibidos, puede suponer un esfuerzo innecesario tanto para el donante como para el comercio.

No trates la tienda como un vertedero personal. Dona solo aquello que tenga potencial para una segunda vida: ropa limpia y en buen estado, muebles sin roturas, juguetes completos, electrodomésticos que funcionen y accesorios íntegros. Si un objeto está roto, incompleto, sucio o es imposible de reparar, lo responsable es reciclarlo o desecharlo correctamente. Antes de donar, pregúntate si ese artículo lo regalarías a un amigo o si te gustaría que lo usara alguien cercano. Si la respuesta es negativa, no lo lleves a la tienda.

Este criterio no solo ahorra trabajo a los voluntarios, que no siempre pueden limpiar o reparar lo que reciben, sino que permite que los recursos y energías del local se dediquen a artículos que realmente ayudarán a otros. Una donación responsable multiplica el valor social de la tienda y mejora el ambiente para todos.

Como preparar tus donaciones

No lleves ropa directamente del cesto de la ropa sucia ni bolsas desordenadas. Lava y dobla las prendas, y asegúrate de que estén completas, sin manchas ni olores. En el caso de los juguetes, revisa que todas las piezas estén presentes y que funcionen correctamente. Un artículo limpio y ordenado siempre tendrá más posibilidades de ser vendido y valorado positivamente tanto por el personal como por los compradores.

Para muebles y decoración, un simple repaso con un paño húmedo puede marcar la diferencia. Los electrodomésticos deben probarse previamente y entregarse junto con todos sus accesorios; una licuadora incompleta o una cafetera rota solo generarán problemas y costes de gestión para la tienda. Cuando dones objetos vintage, arte o piezas de colección, acompañar el artículo con una nota breve que explique su historia puede ayudar a que se valore mejor y resulte más atractivo para quien lo adquiera.

Donar de forma responsable no exige grandes esfuerzos, pero sí atención al detalle y respeto por quienes están al otro lado del mostrador. Informarse, preparar y seleccionar bien los objetos son pasos clave para que la donación cumpla su objetivo: dar una segunda vida útil y digna a aquello que ya no usamos.

Adele sorprendió a fanáticos y asistentes del paddock británico con una elección de vestuario que poco tiene que ver con los códigos tradicionales de la Fórmula 1.

La cantante británica apareció en el Gran Premio de Gran Bretaña con un conjunto cuya naturalidad y desenfado marcaron la diferencia entre los atuendos habituales de celebridades en este tipo de eventos.

Ojotas de alta gama y una camiseta gráfica oversize se convirtieron en las piezas centrales de una imagen que redefinió la elegancia informal frente a los focos del automovilismo internacional.

La artista lució una camiseta de corte amplio, en tono oscuro, con un estampado que combinaba colores dorados y anaranjados. La prenda llevaba la inscripción “2023 Constructors’ World Champions” y la imagen de dos pilotos de Fórmula 1 junto a un monoplaza, un guiño directo al universo automovilístico y a la cultura pop de la velocidad.

La camiseta, perteneciente a la colaboración Reiss x McLaren, no solo sumó actualidad al look, sino que también demostró la afinidad de Adele con los equipos británicos y su campeón más reciente, Lando Norris.

El atuendo incluía además unos pantalones negros de corte recto, sandalias planas negras y una serie de accesorios cuidadosamente seleccionados. Un collar dorado con colgante rectangular y pendientes de aro dorados en gran tamaño aportaron un punto de sofisticación a la propuesta. Adele completó el conjunto con unas gafas de sol grandes, de montura negra y cristales ámbar.

La elección de calzado generó especial atención. Adele optó por unas sandalias tipo ojota de la marca The Row, reconocidas por sus líneas minimalistas y materiales de alta calidad.

El modelo elegido pertenece a una colección que ha seducido a figuras como Kylie Jenner y Elle Fanning, pero que en manos de Adele adquirió un nuevo significado al combinarlo con una camiseta.

Más looks de Adele: alfombra roja, gala y escenarios

Abrigo camel y look monocromático

El recorrido estilístico de Adele en los últimos años se ha caracterizado por su capacidad de adaptarse a contextos diversos sin perder cohesión visual. En una reciente aparición pública en Santa Monica, la cantante eligió un abrigo largo de paño color camel, de silueta amplia y hombros estructurados, acompañado de un suéter negro de cuello alto y pantalones negros de vestir de corte recto.

El conjunto se completó con zapatos de tacón bajo en acabado mate y un bolso de mano rígido negro. El cabello, suelto y en ondas definidas, reforzó el aire sofisticado y atemporal del estilismo.

Vestido burdeos de terciopelo en alfombra roja

Para unos Premios Grammy 2023, optó por un vestido largo de terciopelo burdeos, con escote en “V” y volantes arquitectónicos en los hombros.

El diseño, ceñido en la parte superior y con falda de cola, resaltó su figura y aportó un enfoque clásico con detalles de alta costura. Los pendientes grandes de pedrería y el cabello en ondas suaves completaron una imagen de elegancia tradicional.

Vestido negro con transparencias y aplicaciones brillantes

Para los Grammy 2022, la cantante eligió un vestido negro de terciopelo con transparencias. La prenda presentaba una capa de tul decorada con aplicaciones brillantes que cubría los hombros y caía sobre la espalda, aportando destellos sutiles y líneas depuradas. El cabello, peinado hacia un lado, y un maquillaje de ojos intenso cerraron la propuesta.

Vestido verde oliva con texturas y pedrería

En los Premios Grammy de 2017, se dejó ver con un vestido verde oliva de manga larga, confeccionado en tejido plisado y con aplicaciones de pedrería en el corsé y las mangas.

El diseño sumaba detalles geométricos y una falda fluida, mientras el cabello recogido en un moño alto y los pendientes dorados aportaban un efecto estructurado y elegante.

El reciente paseo de Rihanna y A$AP Rocky por las calles de Nueva York dejó claro que la pareja domina el arte de sorprender con su estilo. Sus elecciones de vestuario mostraban dos versiones radicalmente distintas de la moda urbana veraniega, llamando la atención.

La diferencia entre ambos fue evidente desde el primer vistazo. Rihanna optó por un enfoque relajado pero sofisticado, eligiendo un vestido largo de rayas verticales en azul claro y blanco, con un corte holgado y un escote halter ajustado al cuello mediante un lazo dorado.

Su elección, fresca y vaporosa, contrastaba con la propuesta de A$AP Rocky, quien decidió enfrentar el calor con varias capas: una camiseta negra amplia sobre una camiseta blanca de manga larga, ambas combinadas con pantalones negros holgados de estilo utilitario.

Ambos estilos reflejan personalidades distintas y formas opuestas de interpretar la moda en la ciudad durante el verano.

Ella aportó ligereza y color, mientras él se inclinó por la comodidad robusta y los tonos oscuros, probando que pueden compartir escenario sin perder la individualidad.

Más looks de la pareja

1. Gala de lujo con capa y abrigo rosa

Para la Met Gala 2026 Rihanna llevó un vestido largo completamente cubierto de pedrería plateada, con una capa metalizada voluminosa y mangas largas. Complementó con joyería maximalista y un tocado brillante en el cabello.

A$AP Rocky vistió un abrigo largo en tono rosa pastel con solapas negras sobre esmoquin negro, camisa blanca y una flor negra en la solapa, logrando un contraste elegante y teatral.

2. Sastrería contemporánea en blanco y negro

La pareja asistió a los CFDA Fashion Awards. Rihanna apostó por un abrigo oversize negro de corte cruzado, anudado a la cintura, y pantalones blancos de pinzas con textura. Llevó tacones negros de punta fina y peinado lateral.

A$AP Rocky optó por una chaqueta negra de manga ancha, camiseta mostaza, pantalón holgado negro y botines bicolor en blanco y negro, sumando relojería dorada y broche decorativo.

3. Red carpet en azul y traje clásico

Rihanna eligió para la alfombra roja del Festival de Cannes 2025 un vestido azul celeste con aberturas laterales y drapeados, de cuello alto y hombro descubierto, acompañado de sandalias finas azules y un recogido suelto.

A$AP Rocky lució un traje negro de corte amplio, camisa blanca, corbata de rayas, anteojos oscuros y broche en la solapa, logrando un aire formal y urbano a la vez.

4. Denim casual y sastrería relajada

Durante un paseo por Nueva Jersey Rihanna optó por un conjunto denim de pantalón y campera de jean clara, camisa blanca abierta y top negro, con collares y gafas de sol rectangulares.

A$AP Rocky eligió un traje holgado color arena, camiseta blanca, bolso tejido verde oliva, mocasines negros y anteojos grandes, aportando un giro relajado al estilo formal.

5. Patchwork y varsity nocturno

En París, Rihanna fue vista con un conjunto de dos piezas en denim efecto patchwork en tonos azules, con top y pantalón de tiro bajo, dejando el abdomen al descubierto y sumando collares plateados.

A$AP Rocky combinó una chaqueta varsity negra con mangas blancas, camiseta blanca, pantalón corto oscuro, gorro de punto negro y cinturón con hebilla metálica, logrando un look urbano y desenfadado.

6. Blanco bordado y trench beige

En un paseo luego de la Met Gala 2024 Rihanna apostó por una chaqueta corta blanca y falda larga a juego, ambas con bordados florales, luciendo el abdomen y complementando con clutch y anteojos blancos.

A$AP Rocky vistió un trench largo beige, pantalones vaqueros claros, camisa celeste y corbata negra, junto a zapatos negros y bolso azul, sumando gafas oscuras de montura ancha.

7. Alta costura floral y falda escocesa

Para la Met Gala 2023 Rihanna se cubrió con un abrigo blanco de gran volumen decorado con flores en relieve, gafas blancas y labios rojos, creando un efecto escultórico.

A$AP Rocky mezcló un traje negro clásico con falda escocesa roja sobre pantalón de jean decorado con apliques y anteojos de sol negros, fusionando sastrería y referencias punk.

8. Leather y streetstyle monocromático

La pareja fue vista en Los Ángeles junto a su hijo en 2023. Rihanna lució un jersey negro con logo de Wu-Tang, minifalda negra y anteojos oscuros, sumando choker plateado y labios rojos.

A$AP Rocky llevó un conjunto de cuero negro, con chaqueta y pantalón, gorra negra estampada y zapatillas negras, cargando a un niño pequeño vestido en tonos claros.

9. Metálico futurista y oversized gris

La pareja optó por looks futuristas para la premiere de la película Black Panther: Wakanda Forever en 2022. Rihanna apostó por un vestido largo asimétrico en tejido gris metalizado, con mangas nude largas y detalles estructurados, usando sandalias claras y cabello suelto.

A$AP Rocky eligió un conjunto oversized gris claro de chaqueta y pantalón de corte amplio, camiseta negra y zapatillas deportivas blancas, generando un contraste textural y moderno.

En el Mundial 2026, el despliegue de estilos en las tribunas y palcos fue -hasta el momento- tan diverso y llamativo como el propio espectáculo futbolístico. Celebridades internacionales combinaron tendencias, identidad deportiva y toques personales, generando una pasarela de moda global frente a millones de aficionados.

A continuación, un repaso de cómo se vistieron las figuras más reconocidas en distintos partidos.

David y Victoria Beckham

El exfutbolista inglés David Beckham y la diseñadora y exintegrante de Spice Girls, Victoria Beckham, apostaron por la elegancia sencilla con un marcado aire cosmopolita. David optó por un saco azul marino clásico sobre una camiseta blanca, sumando un toque rebelde a la estructura formal.

Victoria eligió un top negro de tirantes finos y pantalón claro de tiro medio, completando el conjunto con gafas de sol grandes de montura transparente. Ambos evitaron excesos en accesorios, destacando por su sobriedad y el dominio de las líneas limpias.

Diego Simeone y Carla Pereyra

El entrenador argentino Diego Simeone, referente del Atlético de Madrid, impuso presencia con un traje azul marino de dos piezas y camiseta negra, fusionando la sastrería clásica con la comodidad actual. Los anteojos de sol oscuros sumaron un aire enigmático.

Carla Pereyra, modelo y empresaria, eligió un blazer negro sobre top satinado claro, pantalón blanco de tiro alto y cinturón negro con hebilla dorada. Los accesorios, anteojos de sol redondos, collar dorado, introdujeron brillo y sofisticación, logrando una armonía entre tejidos estructurados y un enfoque contemporáneo.

Antonella Roccuzzo

Antonella Roccuzzo optó por una camiseta de fútbol negra con detalles azules y el número 10, junto a pantalón blanco de tiro alto. Un bolso pequeño negro con forma de corazón y varias pulseras doradas aportaron toques distintivos. El cabello suelto reforzó un estilo fresco y dinámico, con guiños a la moda deportiva y accesorios de tendencia.

Shakira

La artista colombiana Shakira lució un top lencero blanco de tirantes finos y encaje, acompañado de anteojos de sol blancos de marco grueso. Mantuvo el cabello largo, liso y suelto, apostando por la sencillez elegante.

Uno de sus hijos llevó una camiseta de rayas blancas y negras tipo fútbol, mientras el otro lució un polo azul con cuello blanco. El conjunto familiar combinó moda urbana y guiños deportivos, ideal para el entorno futbolístico.

Ronaldo

El exfutbolista brasileño Ronaldo Nazário se inclinó por un saco oscuro de corte relajado sobre camiseta negra, logrando equilibrio entre lo clásico y lo moderno. El cabello corto, peinado hacia arriba, y la ausencia de accesorios recargados consolidaron una imagen formal, práctica y acorde al evento internacional.

Valu Cervantes

La influencer argentina Valu Cervantes reforzó su identidad futbolera con la camiseta de la selección argentina atada a la cintura. Shorts negros de jean desflecados y zapatillas deportivas blancas de plataforma completaron el atuendo.

El bolso negro cruzado, gafas de sol redondas y cabello largo suelto acentuaron el espíritu casual y veraniego, en sintonía con el clima y la pasión de la hinchada.

Tini

La cantante argentina Tini Stoessel se volcó a la tendencia sport con una camiseta azul oversize de hombros caídos y detalles blancos, dejando ver el abdomen. El pantalón negro de corte recto y calzado oscuro aportaron practicidad.

Con el cabello rubio suelto y ligeramente ondulado, sumó frescura al conjunto. Un abrigo oscuro en la mano completó el look, que se distinguió por su funcionalidad y energía juvenil.

Georgina Rodríguez e hijos

La modelo y empresaria Georgina Rodríguez, pareja de Cristiano Ronaldo, apostó por una camiseta deportiva negra y pantalón a juego con franjas blancas. La gorra burdeos, aros grandes y reloj metálico sumaron carácter.

Uno de sus hijos vistió la camiseta roja de Portugal con el número 7, y otro la misma versión en talla infantil, creando una estética familiar coordinada y netamente deportiva.

Paris Hilton y familia

La empresaria y celebridad estadounidense Paris Hilton deslumbró con un vestido corto azul estampado de estrellas blancas, botas altas beige y gafas de sol blancas oversize. El cabello rubio, suelto y ondulado, sumó glamour relajado.

Su pareja vistió camiseta deportiva azul estampada y pantalón oscuro, mientras sus hijos llevaron prendas coordinadas en azul y blanco, proyectando una imagen familiar homogénea y deportiva.

Brad Pitt y Edward Norton

Edward Norton y Brad Pitt apostaron por un registro casual y urbano para el Mundial: Norton eligió una remera negra con letras blancas, de estética directa y sin excesos, mientras Pitt llevó la camiseta azul marino de la selección de Estados Unidos con detalles geométricos, pantalón oscuro, bucket blanco, gafas redondas y una pulsera rosa, logrando un look de tribuna relajado y reconocible

Penélope Cruz, Rosalía y Javier Bardem

La actriz española Penélope Cruz lució la camiseta roja de la selección española con el escudo al centro y jeans de tiro alto, sumando gorra gris y gafas de sol oscuras colgadas de la prenda. La cantante Rosalía prefirió una camiseta blanca básica y bufanda roja de España sobre la cabeza, con detalles amarillos y escudo, además de pantalón oscuro.

El actor Javier Bardem optó por camiseta verde oliva de manga corta, gorra azul y jeans azul oscuro. El trío unió comodidad y espíritu de hinchada, con guiños a la identidad nacional.

Jessica Alba

La actriz y empresaria estadounidense Jessica Alba eligió un top negro de tirantes y escote en pico, dejando el abdomen al descubierto, junto a pantalón oscuro de tiro alto.

El cabello suelto y ondulado, los collares dorados y pulsera plateada, así como el maquillaje natural, completaron el look. Sus acompañantes lucieron camisetas y tops blancos con jeans, reforzando la estética juvenil, relajada y casual.

Owen Wilson

El actor estadounidense Owen Wilson apostó por una camiseta azul básica, sobre la que llevó una camisa gris abierta de manga larga. Combinó con pantalón beige claro, calzado marrón y gorra azul marino con logo rectangular.

Camila Cabello

La cantante cubanoestadounidense Camila Cabello eligió un crop top deportivo azul con mangas largas de Brasil bordada en amarillo junto al escudo central. Combinó con pantalón blanco de tiro bajo, collares dorados y una flor amarilla en el cabello suelto y ondulado. El maquillaje discreto remarcó el aire tropical y futbolero del atuendo.

Tom Brady

El exmariscal de campo estadounidense Tom Brady mostró una versión refinada de la moda deportiva. Lució chaqueta bomber beige claro sobre camiseta blanca básica, jeans rectos azules y gorra blanca con logo azul oscuro.

Añadió gafas de sol negras y un reloj deportivo en la muñeca izquierda, logrando un equilibrio entre pulcritud, practicidad y tendencia contemporánea.

La reciente aparición de Anne Hathaway en Londres, durante la promoción de la película The Odyssey, mostró cómo la moda puede adaptarse a diferentes etapas de la vida, manteniendo la sofisticación y la personalidad.

La actriz, que recientemente anunció que está esperando su tercer hijo, eligió un estilismo que marcó tendencia en el mundo fashion, integrando prendas de pasarela y accesorios exclusivos para componer un look moderno.

Vestido blanco: elegancia y referencias clásicas

El punto de partida del conjunto de Anne Hathaway fue un vestido blanco de la colección Blumarine Resort 2027 RTW.

La prenda, de corte mini y estructura fluida, destacaba por sus ruffles drapeados, el escote halter y las mangas caídas que evocaban siluetas propias de la Grecia clásica.

Este diseño, lejos de ser una elección casual, combinó directamente con el universo temático de “The Odyssey”, la película dirigida por Christopher Nolan.

La elección de un vestido con capas ligeras y movimiento permitió a Hathaway proyectar una imagen fresca y luminosa, ideal para la temporada estival y perfectamente adecuada para un evento al aire libre en la ciudad.

El blanco, color emblemático del verano y símbolo de pureza, reforzó el aire romántico del look mientras aportaba una dosis de modernidad a la propuesta clásica.

El largo asimétrico y la caída de los volantes dieron dinamismo a la silueta, evitando el estatismo y sumando un efecto envolvente.

Esta prenda, además, mostró cómo las colecciones de pasarela pueden adaptarse a la vida real de las celebridades, incluso en etapas tan especiales como la maternidad.

Uno de los grandes protagonistas del look fue un bolso blanco de Chanel en forma de corazón. Construido en piel acolchada y rematado con herrajes dorados, este accesorio aportó un guiño romántico y lúdico al estilismo general.

Para completar el look optó por unas botas altas de ante en tono arena, un calzado poco convencional para el verano pero que añadió un toque inesperado y sofisticado al conjunto.

Las botas, de caña amplia y textura suave, contrastaron con la ligereza del vestido y aportaron solidez visual, equilibrando el conjunto y evitando caer en lo previsible.

La combinación de tonos neutros y texturas contrastantes aseguró una coordinación equilibrada y coherente en todo el estilismo.

El trabajo de la estilista Erin Walsh fue clave para lograr la armonía de todos los elementos, seleccionando piezas que dialogan entre sí y que al mismo tiempo permiten a Hathaway lucir cómoda, moderna y fiel a su propia imagen pública.

Nuevas tendencias y visibilidad en alfombra roja

Más allá de la estética, el estilismo elegido por Anne Hathaway marca un punto de inflexión en la moda.

La actriz demostró que es posible vestir prendas de alta costura y adaptarlas a las necesidades de la etapa sin perder elegancia ni autenticidad.

El uso de vestidos sueltos, tejidos vaporosos y detalles románticos permite acompañar los cambios del cuerpo sin renunciar a la tendencia, desafiando los estereotipos de la ropa premamá tradicional.

En este contexto, la visibilidad de una figura pública como Hathaway contribuye a transformar la conversación en torno a la maternidad en la alfombra roja.

La moda se presenta como una herramienta de empoderamiento y autoexpresión, donde la elección de cada prenda y accesorio transmite mensajes sobre identidad, deseo y pertenencia.

La noticia de su tercer embarazo, integrada de manera natural en el marco del evento promocional, refuerza este enfoque: la maternidad no aparece como un paréntesis en la carrera o la vida pública, sino como una faceta que puede convivir con el despliegue de estilo y glamour.

De este modo, Hathaway se posiciona como referente para otras mujeres que buscan conciliar las demandas de la vida cotidiana y la pasión por la moda.

El Día Internacional del Bikini recuerda cada 5 de julio la presentación del primer bikini moderno en 1946 en París, obra del ingeniero francés Louis Réard. En ese momento, la prenda causó controversia y conmoción, ya que desafiaba los estándares de la moda y la moral de la época.

A lo largo de las décadas, el bikini se transformó en un ícono global, adoptado en playas y piscinas de todo el mundo, y reinterpretado una y otra vez por diseñadores y celebridades.

Su evolución quedó documentada en la cultura pop y en la moda , donde figuras del espectáculo han popularizado modelos que rápidamente se convirtieron en referencia para millones de personas.

A continuación, un recorrido por algunos de los bikinis más emblemáticos que lucieron celebridades en los últimos años.

1. Kylie Jenner

Kylie Jenner eligió un bikini de dos piezas en color rosa metalizado. El top triangular presentó tiras finas que se ataron al cuello y la espalda, mientras que la parte inferior mostró un corte clásico con tiras laterales ajustables.

El tejido, de acabado brillante, reflejó la luz y dio al conjunto un aspecto destacado. Este tipo de materiales y tonos metálicos marcaron tendencia en temporadas recientes, impulsados por figuras como Jenner.

2. Hailey Bieber

Hailey Bieber optó por un bikini de dos piezas en amarillo claro, con bordes marrón oscuro. El top triangular llevó tirantes delgados atados al cuello y la espalda, y la parte inferior incluyó tiras finas y anillas metálicas en los costados, lo que aportó un contraste cromático singular.

Los detalles en tonos tierra y los acabados minimalistas se consolidaron como una de las apuestas preferidas en los últimos veranos.

3. Kendall Jenner

Kendall Jenner lució un bikini de dos piezas en color negro. El corte triangular y las tiras delgadas caracterizaron el top, que se ató al cuello y la espalda. La parte inferior se sostuvo con lazos a los costados, en una propuesta de líneas simples y acabado mate.

4. Jennifer Lopez

Jennifer Lopez vistió un bikini marrón chocolate compuesto por un top de triángulo con tirantes atados al cuello y la espalda, y un pequeño aplique metálico dorado en el centro.

La parte inferior, en el mismo tono, llevó lazos laterales con detalles metálicos. La adopción del marrón y los tonos cálidos respondió a la tendencia de volver a paletas naturales y sofisticadas.

5. Taylor Swift

Taylor Swift usó un bikini de dos piezas en tono amarillo claro para unas vacaciones cn Travis Kelce, con textura acanalada. El top tuvo copas triangulares y tiras finas atadas al cuello y la espalda, mientras que la parte inferior presentó laterales de doble tira.

6. Emily Ratajkowski

Emily Ratajkowski eligió un bikini bandeau en la parte superior, con estampado multicolor de flores en tonos vivos como rojo, amarillo y verde. La parte inferior, de corte bajo, replicó el mismo estampado floral y tiras laterales finas. El uso de motivos florales y siluetas sin tirantes refleja el interés por diseños frescos y llamativos.

7. Leni klum

Leni Klum llevó un bikini de dos piezas en verde esmeralda. El top triangular se ató detrás del cuello y la espalda, y la parte inferior, en el mismo tono, incluyó tiras finas a los costados. El diseño monocromático y simple se destacó por su elegancia y sobriedad, en línea con la preferencia por colores sólidos.

8. Dua Lipa

Dua Lipa posó en sus vacaciones por México junto a Callum Turner con un bikini negro de dos piezas. El top de triángulo tuvo un ribete con patrón geométrico en tonos claros, igual que la parte inferior, que se ató con lazos laterales.

En otra oportunidad, lució un bikini de estampado animal en marrón, beige y negro, con top triangular y parte inferior de tiras finas, ambos con el mismo diseño de manchas. El auge de los patrones geométricos y animales es uno de los fenómenos recientes en la moda de baño.

9. Bella Hadid

Bella Hadid lució un bikini de dos piezas con acabado metálico en tono cobre. El top triangular y la parte inferior, ambos con tiras finas, reflejaron la luz y produjeron un efecto brillante.

El bikini, desde su debut hace 80 años, continúa reinventándose y ocupando un lugar central en la moda y la cultura popular. Las elecciones de celebridades no solo marcan estilos, sino que también propician nuevas tendencias y formas de expresión en todo el mundo.

La figura de Gianni Versace ocupa un lugar central en la historia de la moda internacional. Nacido el 2 de diciembre de 1946 en Reggio Calabria, Italia, el diseñador creció inmerso en el mundo textil gracias al taller de su madre, Franca. Desde muy joven, demostró un talento natural para el diseño, colaborando con importantes casas italianas y, en 1978, fundó su propia marca, Versace, en Milán.

Sus creaciones destacaron por fusionar la suntuosidad de la alta costura con elementos audaces y lúdicos, lo que revolucionó el panorama de la moda en las décadas de 1980 y 1990.

Versace no solo se distinguió por sus diseños, sino también por su habilidad para transformar el desfile de moda en un espectáculo global, integrando celebridades y supermodelos en primera fila. Su nombre se asoció rápidamente a la exclusividad y el glamour, y su firma se expandió con boutiques en todo el mundo, consolidando un imperio valorado en cientos de millones de dólares. Fue admirado por figuras como la princesa Diana, Madonna y Elton John, y supo convertir su apellido en sinónimo de lujo y modernidad.

Sin embargo, el ascenso meteórico tuvo un final abrupto y violento el 15 de julio de 1997. Aquel día, cuando regresaba a su mansión de Miami Beach, fue asesinado en la puerta de su casa por Andrew Cunanan, un joven de 27 años que ya era buscado por varios homicidios. Este hecho conmocionó al mundo entero y marcó el trágico desenlace de una de las carreras más influyentes en la historia de la moda.

Los últimos momentos y la muerte de Gianni Versace

Aquella mañana comenzó como cualquier otra para Gianni Versace. El diseñador salió temprano de su mansión, Casa Casuarina para dar un paseo y comprar revistas en un kiosco cercano. Vestido de manera informal, regresó caminando con sus revistas en la mano, sin sospechar el peligro que lo aguardaba.

Mientras encaraba los escalones de su casa, el joven Andrew Cunanan lo esperaba escondido. En cuestión de segundos, se acercó y disparó dos veces a quemarropa en la cabeza del diseñador, dejándolo tendido en las escaleras. El ataque fue tan inesperado y veloz que Versace no tuvo oportunidad de reaccionar. Eddie Bianchi, uno de los testigos, relató la impotencia de quienes presenciaron la escena: “Le salía muchísima sangre. Se estremeció un poco y dejó de moverse”, recogió All That Interesting.

Dentro de la mansión, se encontraba su pareja, Antonio D’Amico, quien escuchó los disparos y salió corriendo junto al mayordomo, encontrando al empresario de la moda gravemente herido. D’Amico recordaba: “Vi a Gianni tirado en las escaleras, rodeado de sangre. En ese momento, todo se oscureció. Me apartaron y no volví a ver nada”.

Versace fue trasladado de urgencia al hospital, pero a las 9:15 de la mañana fue declarado muerto. El crimen desató una frenética búsqueda policial y atrajo la atención internacional. El carácter brutal y repentino del asesinato marcó un antes y un después en la cobertura mediática de figuras del mundo de la moda.

El asesinato de Versace a plena luz del día, en la entrada de su propia casa, dejó una huella indeleble en la memoria colectiva. Las imágenes de su mansión, los escalones manchados de sangre y la conmoción de la comunidad internacional simbolizaron el final trágico de uno de los grandes referentes del diseño.

Cómo siguió el caso del asesinato de Gianni Versace

El asesinato de Gianni Versace impulsó una de las búsquedas policiales más intensas de la década. Tras el crimen, la policía halló en un estacionamiento cercano la camioneta robada a William Reese, una de las víctimas previas de Andrew Cunanan. Según recapituló Time Magazine, dentro del vehículo se encontraron objetos personales y el pasaporte del sospechoso, lo que permitió a las autoridades identificar rápidamente al asesino y centrar la investigación en su captura.

El caso tomó dimensiones mediáticas sin precedentes. Las cámaras enfocaron durante días los escalones ensangrentados de Casa Casuarina, mientras cientos de curiosos y dolientes se acercaban para rendir homenaje. En paralelo, el FBI y la policía local coordinaron un despliegue nacional para localizar al asesino, que ya figuraba en la lista de los diez fugitivos más buscados. Las autoridades confirmaron que el joven había matado a cuatro hombres antes de llegar a Miami, lo que aumentó la presión pública y mediática para resolver el caso.

Durante ocho días, Andrew Cunanan logró evadir la captura refugiándose en una casa flotante a unos tres kilómetros de la mansión de Versace. El 23 de julio de 1997, la policía fue alertada por un disparo en la zona y encontró a Cunanan muerto por suicidio, utilizando la misma arma con la que le había quitado la vida al diseñador y a las demás víctimas. Este desenlace abrupto cerró la persecución, pero no arrojó luz sobre los motivos del crimen.

El caso se vio rodeado de especulaciones y rumores. Las teorías sobre una posible relación entre el diseñador y su asesino, supuestos vínculos con el crimen organizado o motivaciones relacionadas con la salud circularon en medios internacionales, aunque ninguna fue confirmada de manera concluyente. La familia Versace insistió en que el ataque fue aleatorio y que no existía una relación previa entre ambos, destacó Smithsonian Magazine.

“Qué linda, camiseta”. “No es de Argentina, pero la quiero”. “¿Tendrá algún significado ese color y esos dibujos?”. En cada Copa del Mundo, el fútbol se convierte en un escenario donde el juego y la cultura se entrelazan. Los mundiales despiertan comentarios que exceden lo deportivo y abren paso a conversaciones sobre símbolos, colores e historias tejidas en cada camiseta.

No importa si la Selección Argentina está en la cancha o no: el ritual de mirar fútbol en familia, con amigos o en la oficina suele encender la curiosidad por los uniformes de equipos de todo el planeta. Es una de las postales habituales de esta edición 2026, que une a Estados Unidos, México y Canadá como sede.

Desde el pitido inicial, las selecciones han desfilado por el torneo con atuendos titulares y alternativas que destacan por su audacia cromática, sus guiños históricos o sus apuestas de diseño. Algunas ya abandonaron la competencia, otras siguen en la ruta hacia el título, pero todas dejaron una huella visual.

A continuación, una selección de los siete uniformes que lograron fusionar arte, identidad nacional y vanguardia estética, convirtiendo la indumentaria en un relato visual que trasciende el deporte y conecta con relatos culturales de cada país.

1- Bélgica

La camiseta suplente de Bélgica para el Mundial 2026 se transformó en un tributo a René Magritte, el célebre pintor surrealista.

Sobre una base celeste pálido, manchas rosas y celestes irrumpieron con formas irregulares, mientras detalles en negro resaltaron en las tres franjas de los hombros, el cuello y los bordes de las mangas.

El escudo de la federación y el logotipo de la marca ocuparon el pecho, integrando la inspiración de “La Voix des Airs”, de Magritte. La fusión de la B del escudo con esferas plateadas evocó de inmediato el universo visual del artista.

En la versión comercial, la inscripción “Ceci n’est pas un maillot” apareció bordada, como referencia directa a la célebre pipa surrealista.

Por primera vez, la selección europea eligió rendir homenaje explícito a un artista en una camiseta mundialista, luego de antecedentes que apuntaron a Tintín y guiños internos a la historia futbolística del país.

2- Senegal

Las camisetas de los equipos africanos suelen captar miradas y comentarios en cada Mundial. En esta edición, Senegal llevó a la cancha una prenda inspirada en los emblemáticos “Car Rapide”, los autobuses coloridos que recorren las calles de Dakar.

El diseño partió de una base blanca, atravesada por líneas y manchas en tonos pastel —verde, amarillo y rosa—, mientras detalles verdes acompañaron los costados y el cuello.

El escudo de la federación y el logotipo de la marca se instalaron en el pecho, completando una propuesta visual que buscó capturar la estética inconfundible de los “Car Rapide”.

Aunque la inspiración remite a la energía y el color de estos vehículos, el resultado final optó por una versión más sutil y menos recargada que el prototipo original.

3- República del Congo

Otro representante africano. La camiseta titular de la República del Congo reunió el tradicional celeste con un patrón de líneas onduladas blancas en el frente. Detalles en rojo y blanco marcaron los puños y el cuello, mientras el número central se destacó en rojo.

El escudo de la federación ocupó el pecho, sobre una textura sublimada que incorporó motivos de leopardo y gráficos ondulados en la parte inferior, aportando identidad visual y guiños a la fauna característica del país.

4- Corea del Sur

Entre los asiáticos, la camiseta de Corea del Sur se destacó por un rojo como color dominante, con un patrón gráfico en distintos tonos rojizos que alternaron formas geométricas y abstractas.

Detalles en blanco resaltaron en números, nombres y logotipos, mientras que las franjas laterales y el cuello adoptaron un tono más oscuro.

El escudo, presidido por la cabeza de un tigre, se ubicó en el pecho. El diseño retomó la figura y el pelaje del tigre, plasmados en un estampado sutil que buscó transmitir la fuerza y el carácter dinámico del equipo.

5- Estados Unidos

Entre los anfitriones, la camiseta de Estados Unidos se distingue por una base blanca atravesada por franjas horizontales onduladas en rojo y azul marino.

El escudo de la federación y el logotipo de la marca, ambos en azul, ocupan el pecho, mientras que los números, también azules, aparecen en el centro.

El diseño reinterpreta la estética clásica del equipo estadounidense a través de líneas abstractas que sugieren movimiento y energía.

6- Canadá

La camiseta titular de Canadá también resalta por un diseño en negro, atravesado por manchas y líneas en tonos gris y blanco que aportan un efecto jaspeado distintivo.

Los detalles en rojo resaltan en el escudo, los números y el logotipo de la marca, mientras que el cuello y las mangas mantienen la sobriedad de los colores oscuros.

La versión alternativa invierte la propuesta: utiliza una base blanca como lienzo principal, sobre la que se destaca una gran hoja de arce en el centro y en la espalda, dividiendo la prenda en cuartos y reforzando el peso simbólico del emblema nacional canadiense.

7- Egipto

Por último, vale destacar la camiseta de Egipto, el próximo rival de Argentina en octavos de final, que saltará al campo con su apuesta por el rojo como color predominante.

El diseño incorpora patrones geométricos en distintos tonos del mismo color, que se despliegan sobre el pecho y los hombros.

El escudo de la federación, en blanco y negro, se ubica junto al logotipo dorado de la marca y un cuello oscuro, mientras que los números se presentan en blanco para lograr contraste y legibilidad.

En la versión alternativa, la camiseta recurre al blanco como base, intervenida con un patrón en gris claro que remite a diagramas en corte transversal de pirámides. El cuello negro, de trazo grueso, refuerza el guiño visual a elementos del patrimonio egipcio.

Los tonos chocolate, moka y café dominan la coloración capilar en 2026 y consolidan un giro que la industria de la belleza viene anunciando desde que Pantone eligió el Mocha Mousse como su Color del Año 2025, el primero de tonalidad marrón en los 25 años de historia del proyecto.

La tendencia puede ir más allá de un capricho de temporada y guiar hacia un cambio en la forma de entender la belleza, más consciente del daño químico y más cercana a la autenticidad.

La plataforma de reservas Fresha registró 119 mil búsquedas del tono moka en el último mes, con un crecimiento del 82% respecto al año anterior, según reportó ParisSelectBook.

De acuerdo con las búsquedas, pocas tendencias capilares han mostrado un crecimiento tan acelerado en tan poco tiempo.

Tres tonos, tres personalidades: cómo distinguir el chocolate del moka y el café

Después de años dominados por rubios extremos, platinados y contrastes marcados, la temporada otoño-invierno 2026 se inclina hacia tonos más cálidos, envolventes y ricos en matices, según el artista capilar Leonardo Rocco.

El protagonismo lo tienen el chocolate, el moka, el café y sus variantes: avellana tostado y chocolate con leche.

Cada tono tiene carácter propio. El chocolate profundo es un marrón oscuro con subtonos cálidos que aportan brillo y sensación de densidad al cabello.

El moka tiene un perfil más neutro, ligeramente frío, con acabado sofisticado que funciona bien en pieles claras y medias.

Por su parte, el café clásico regresa actualizado, trabajado con reflejos sutiles que aportan movimiento y luz, indica Rocco a través de una nota de Infobae.

El Mocha Mousse fue el Color del Año 2025 y abrió el camino a la tendencia de 2026

Según el Good Salon Guide, el Pantone Color Institute definió el Mocha Mousse como un tono de indulgencia discreta, elegante y con sofisticación terrosa.

La estilista Jo O’Neill, de TONI&GUY, sostuvo ante el mismo medio que su mayor virtud es la universalidad: se adapta a cualquier tono de piel y no ha encontrado a nadie que no lo luzca bien.

Tania Betsy, de The Hair Movement, apuntó al Good Salon Guide que el Mocha Mousse resuelve el dilema de quienes quieren oscurecer su cabello sin sentirse saturadas, pues permite bajar de tono sin perder luminosidad.

Michelle Summers Davies, estilista y peluquera británica, lo describió en el mismo medio como un marrón medio suave, de subtonos taupe cálidos, que combina naturalidad con un acabado moderno.

Por qué estos tonos ganan terreno frente a los rubios

Hay razones técnicas y estéticas detrás del cambio. Los tonos oscuros y naturales requieren menos decoloración, lo que mantiene la fibra capilar más fuerte y brillante.

Además, crecen de forma más armónica, con menos mantenimiento visible y menos visitas al salón, según Rocco.

La experta en belleza Danielle Louise explicó a ParisSelectBook que el moka aporta profundidad, brillo y suavidad al cabello sin caer en el exceso, a diferencia del balayage muy claro o los reflejos gruesos, que generan demasiado contraste.

La técnica define el resultado

El color ya no se aplica de forma uniforme. El glossing —un baño de color que aporta brillo sin dañar—, el contouring capilar y el melting o fusión de tonos son las técnicas que marcan la temporada, de acuerdo con el especialista Rocco.

Para quienes migran desde un rubio muy claro, se requiere pre-pigmentación antes de aplicar el tono final, según los especialistas.

Louise recomienda en ParisSelectBook pedir al colorista una base marrón rica con subtonos cálidos y colocar los reflejos donde el sol ilumina naturalmente: alrededor del rostro, en los largos y en las puntas.

Para quienes ya tienen base oscura, un gloss o toner puede bastar.

Las expectativas en torno al casamiento de Taylor Swift y Travis Kelce transformaron el Madison Square Garden, en pleno Manhattan, en el centro de todas las miradas.

La emblemática sala, conocida por acoger grandes conciertos y eventos deportivos, parece ahora prepararse para un acontecimiento inédito: la celebración de una boda privada cuya organización movilizó a la ciudad y generó un resistente dispositivo de seguridad.

Desde la tarde del jueves, la actividad en los alrededores del Madison Square Garden se intensificó con un inusual despliegue logístico, anticipando una jornada de festejos. La coincidencia del evento con el Día de la Independencia de Estados Unidos (4 de julio) y el Mundial 2026 incrementó la expectativa y la cobertura mediática.

La transformación del Madison Square Garden para la ocasión fue objeto de especulación. Aunque la pareja mantiene un estricto hermetismo, trascendió que desde hace días llegan camiones rotulados como “Garden Party” cargados con materiales exclusivos para el montaje.

Lejos de los rumores sobre la construcción de un castillo en el interior, fuentes cercanas a la organización aseguraron que el recinto fue reconvertido en un “jardín” elegante: césped natural, alfombras, toldos y un escenario especialmente montado forman parte del nuevo paisaje.

No hay ventanas y los accesos permiten la llegada de vehículos con cristales tintados para preservar la privacidad de los asistentes.

El espacio central, escenario habitual de los partidos de los Knicks y de grandes conciertos, fue adaptado para acoger la ceremonia principal.

El vestíbulo del sexto piso recibirá a los invitados con un cóctel exclusivo, mientras que la pista central se convertirá en el lugar del “sí, quiero”, decorada con una ambientación que busca simular un entorno natural y sofisticado.

El diseño evita estructuras ostentosas y privilegia detalles elegantes y funcionales, integrando alfombras, toldos y vegetación seleccionada para dar un aspecto de oasis urbano en pleno Manhattan.

La organización extremó el control para que no se filtraran imágenes ni detalles, obligando a los invitados a firmar acuerdos de confidencialidad y prohibiendo el uso de celulares durante todos los eventos.

Las calles adyacentes estarán cerradas, y solo los asistentes autorizados podrán ingresar, reforzando así la atmósfera exclusiva y el misterio alrededor de la decoración.

El operativo de seguridad, con más de 100 policías desplegados y barreras de hormigón, permite que el montaje se ejecute sin acceso de fans ni prensa.

El teatro Infosys, dentro del propio Garden, servirá como sede de la cena de ensayo, también ambientado para garantizar privacidad y comodidad a los invitados previstos para esa noche.

El recinto, que fue escenario de eventos históricos, se reinventa bajo la consigna de crear “un lugar especial” que combine la esencia de Nueva York con el estilo personal de la pareja.

El enigma del vestido de novia: candidatas y simbolismo

El vestido de novia también se convirtió en uno de los temas centrales de especulación en la industria de la moda y entre sus seguidores.

El hermetismo impuesto por la organización de la boda elevó el interés por descubrir quién será el diseñador elegido y cuáles serán los detalles del atuendo más esperado de la temporada.

Aunque ni la cantante ni su entorno revelaron información oficial, existen varias casas de moda y creadores que figuran entre los favoritos, cada uno con argumentos propios para convertirse en el autor de una pieza que marcaría tendencia.

El primer nombre que sobresale es Ralph Lauren. La relación de la artista con el diseñador estadounidense es conocida y quedó reflejada en momentos clave de su vida, como en la elección de un vestido halter a rayas de Lauren para sus fotos de compromiso.

Otra de las grandes favoritas es Vivienne Westwood. En los últimos años, Swift mostró predilección por las creaciones de la casa británica, especialmente por los corsés, un sello distintivo de la firma.

La capacidad de Westwood para conjugar teatralidad y clasicismo encajaría perfectamente con el perfil de una ceremonia que busca ser sofisticada y única, y respondería tanto a los gustos personales de la cantante como a la expectativa de un vestido memorable.

Dentro de las opciones menos previsibles figura Schiaparelli, cuya relación con la artista es reciente pero significativa. Swift lució un vestido blanco de la firma en los Premios Grammy 2024, lo que dio pie a teorías sobre una posible colaboración especial para su boda.

La creatividad de Daniel Roseberry, director creativo de la casa, podría traducirse en un diseño innovador y dramático que sorprenda a todos los invitados.

En el panorama del talento emergente, Jackson Wiederhoeft representa la posibilidad de que la cantante apueste por una mirada fresca y vanguardista, reforzando su imagen como impulsora de nuevas voces en la moda.

Wiederhoeft es conocido por sus propuestas nupciales audaces, que combinan elementos clásicos con toques modernos, además de su dominio en la confección de corsés.

Finalmente, el dúo de Laura Kim y Fernando Garcia, responsables de Monse y anteriormente de Oscar de la Renta, completa la lista de favoritos.

Swift lució repetidamente sus diseños en alfombras rojas y eventos públicos, lo que podría traducirse en una elección llena de significado personal y profesional.

A pesar de las conjeturas, no se filtró ninguna información concreta sobre el diseño final ni sobre quién será el responsable.

La estrategia de mantener todos los detalles bajo llave alimenta la expectación y el debate. Incluso se barajaron posibles inspiraciones, como el vestido que lució Elizabeth Taylor en 1950, o la intervención de nombres como Sarah Burton, ex directora creativa de Alexander McQueen.

Por ahora, el enigma del vestido de Taylor Swift permanece intacto, reforzando la atmósfera de exclusividad y misterio que rodea cada aspecto de la boda.

La aparición de Kate Middleton en Wimbledon 2026 llamó la atención en el mundo de la moda gracias a un conjunto sastrero azul diseñado para los días más luminosos del verano londinense.

La princesa de Gales eligió un traje de dos piezas en color azul intenso, confeccionado en lino, que destacó por su corte clásico y la frescura de sus materiales, adaptados al clima veraniego.

La pieza central del atuendo fue la blazer “Stephanie”, de doble botonadura, amplias solapas y bolsillos, acompañada por los pantalones “Vesta”, de talle alto y pernera recta y ancha, ambos firmados por la diseñadora uruguaya Gabriela Hearst.

Bajo la chaqueta, Middleton lució una blusa blanca de tejido acanalado y escote recto que aportó un aire relajado y sofisticado al conjunto.

La princesa estuvo acompañada por el extenista y entrenador escocés Andy Murray, que lució una chomba clara.

La elección del traje azul no solo realzó la figura de Kate Middleton, sino que también creó un marcado contraste con la luz natural, acentuando la textura lisa del tejido y los tonos vibrantes del atuendo respecto al entorno.

El estilismo se completó con unos pendientes colgantes de forma circular, con detalles dorados y piedras de un azul intenso, pertenecientes a la firma británica Carousel Jewels, modelo “Stella”, más asequibles que las habituales piezas del joyero real.

La princesa añadió un bolso tote de Anya Hindmarch en tonos beige y naranja, así como unos tacos de Ralph Lauren en marrón tostado, logrando una armonía cromática sofisticada y veraniega.

El cabello de Kate Middleton fue recogido en una coleta alta con ondas suaves, dejando el rostro despejado y acentuando la elegancia sin esfuerzo.

Durante su recorrido por el recinto, portó unos anteojos de sol en la mano, elementos que completaron el look sin restar protagonismo al traje.

El conjunto se vio reforzado por el zafiro de su anillo de compromiso, herencia de la princesa Diana, que combinó a la perfección con la gama cromática elegida para la ocasión.

Otras celebridades presentes en Wimbledon 2026

Más allá de la princesa de Gales, diversas figuras del espectáculo, la música y el deporte asistieron a Wimbledon 2026. Como todos los años, la presencia de celebridades en las gradas del Grand Slam aporta un atractivo adicional al torneo.

Ellie Goulding y Beau Minniear

La cantante Ellie Goulding vistió una prenda negra con estampado de puntos blancos. Agregó a su look unos anteojos de sol negros ovalados llamativos. Su novio Beau Minniear llevó un traje azul claro, camisa blanca y corbata gris. Usó anteojos de sol negros de montura rectangular y un pendiente pequeño en la oreja izquierda.

David Beckham

Infaltable en toda cita deportiva, David Beckham optó por un traje cruzado de color gris claro confeccionado en tela de textura fina. El ex futbolista completó el conjunto con una camisa blanca clásica, corbata beige y un pañuelo a juego en el bolsillo del saco. Además, llevó un reloj metálico en la muñeca izquierda.

Storm Keating

La productora televisiva australiana Storm Keating optó por usar encaje en su look. Llevó un vestido en un tono crudo, de manga corta y con motivos florales. Además, tenía detalles semitransparentes que le dieron al total look un aire delicado y de verano. Para completar el look sumó unos anteojos claros.

Robert Peston

Robert Peston, periodista y presentador inglés, vistió un traje azul marino de corte clásico, camisa celeste y una corbata a rayas en tonos beige y marrón. Sumó a su look anteojos de montura marrón y varios anillos plateados en la mano derecha, logrando un look formal y con detalles distintivos.

Fiona Shaw

La actriz irlandesa Fiona Shaw eligió una camisa marrón de manga larga con botones, con el cabello corto y rojizo. No llevó accesorios visibles y su expresión fue espontánea y distendida durante el evento.

Naomi Osaka

Fuera del público, la tenista japonesa Naomi Osaka asistió a la cancha con un outfit de inspiración japonesa: un kimono blanco bordado con motivos florales de aves y un cinturón ancho a la cintura, combinado con una falda larga de tul en capas. Además, llevó zapatillas deportivas blancas con detalles verdes y el cabello recogido en moño alto.

(Fotos: Reuters/PA Images/PRESSE SPORTS)

Kim Kardashian lanzó una colección de SKIMS con una sesión en lencería publicada este martes en Instagram. La socialité modeló piezas de la línea “micro”, entre ellas un brasier de 38 dólares y una tanga de 20 dólares, y anunció que el drop ya estaba disponible en el sitio de la marca.

En el carrusel, Kim también presentó el lanzamiento como “SKIMS MICRO FITS EVERYBODY”. En una de las fotos, Kardashian posó con un brasier animal print estilo leopardo y una tanga a juego. También hubo un segundo cambio de look: un bralette rosa de corte amplio con el mismo precio y un bottom coordinado.

La publicación llegó después de una racha de campañas con talento invitado. El lunes se difundieron fotos de Will Ferrell con tank top blanco y briefs azul claro para la línea de menswear. El actor posó como su personaje ficticio Lonnie Hawkins de la próxima serie de Netflix The Hawk, que llegó al servicio el 16 de julio.

La semana anterior, Hailey Bieber modeló piezas de lencería para la colección Everyday Cotton, incluida una imagen con tanga nude y brasier a juego.

SKIMS se lanzó oficialmente en 2019 y que la marca desarrolló un valor neto de USD 5.000 millones. En una entrevista previa citada por el medio, Kardashian habló del componente personal detrás del negocio: “Es parte de mí. Me lo tomo muy personal. Empezó con mi cuerpo y mis formas, y es muy vulnerable”, dijo a TIME Magazine.

La empresaria también explicó el origen práctico del concepto de tonos: “Empezó con encontrar fajas en un tono de piel que coincidiera con mi color. Antes tomaba mis fajas y las teñía con bolsas de té y café en la tina”, dijo a TIME Magazine.

La hija de Kim Kardashian y su nueva presencia en la moda y música

Kim Kardashian se convirtió en madre de una adolescente cuando North cumplió 13 años. North es la hija mayor de Kardashian y su exesposo Kanye West, y que también son padres de Saint de 10; Chicago de ocho; y Psalm de siete.

North recibió educación en casa y siguió los pasos de su padre en la música. En mayo lanzó su EP debut titulado N0rth4evr.

La adolescente asistió al show de menswear Spring/Summer 2027 de Vetements durante Paris Fashion Week la semana pasada. Llevó el cabello azul peinado en dos colas, un sweatshirt negro con falda plisada, botas negras, un choker y una pulsera.

El medio añadió que completó el look con lo que pareció ser studs falsos en nariz y labios. North asistió al evento acompañada por la estilista de su madre en algunas ocasiones, Danielle Levi, según la nota. En mayo llevó cejas decoloradas en un evento pop-up de su álbum; en agosto del año pasado mostró lo que pareció un piercing dérmico en la mano derecha durante un viaje a Italia; y en octubre publicó en TikTok tatuajes faciales falsos y grillz.

En diciembre, North respondió a críticas sobre perforaciones desde la cuenta conjunta de TikTok que comparte con Kardashian. El medio agregó que en enero pareció mostrar más perforaciones en los dedos y que meses después subió fotos en las que se veían lo que parecían “piercings faciales” durante una salida de compras. North y West lanzaron una canción titulada Piercing On My Hand, que habría funcionado como respuesta a las críticas por sus perforaciones.

La moda premamá atraviesa una nueva era y Anne Hathaway se convirtió en su rostro más visible. Con motivo de la gira de prensa de “The Odyssey”, la actriz no solo anunció su tercer embarazo, sino que también impuso un enfoque renovado para las futuras madres en el ámbito del estilo.

Hathaway demostró que la maternidad puede ser sinónimo de creatividad y audacia sobre la alfombra roja, con selecciones que desafían los estereotipos y dan protagonismo a la individualidad.

El momento más comentado de su reciente periplo estilístico tuvo lugar en Nueva York, donde la actriz fue captada luciendo un vestido largo sin tirantes en tono mostaza, firmado por Lela Rose.

La pieza, perteneciente a la colección resort 2027, destaca por su confección en terciopelo y el delicado grabado de flores que aportan textura y movimiento visual.

Acompañó el vestido con accesorios dorados, pulseras finas y un collar rígido, además de gafas de sol oscuras de gran tamaño, un guiño a la sofisticación neoyorquina.

La caída del vestido, amplia y fluida, resalta la silueta de Hathaway sin perder elegancia ni restringir el movimiento, mientras que el color mostaza subraya su presencia y aporta una nota cálida en contraste con el entorno urbano.

La actriz confirmó el viernes 19 de junio que está embarazada por tercera vez. Ella y su esposo Adam Shulman ya tienen dos hijos juntos. Decidió compartirlo con sus seguidores en Instagram a través de un video en el que mostró su vientre al ritmo de una canción.

Otros looks recientes: del minimalismo al maximalismo

Uno de sus looks más actuales, al anunciar su embarazo propuso una visión relajada y natural de la moda premamá, pero igualmente sofisticada en su sencillez.

Hathaway lució una blusa de lino o algodón en tono crudo, de manga larga y corte amplio, con un nudo central que centra la atención en la zona del vientre.

La prenda se combinó con una falda o pantalón de tejido elástico que aporó comodidad. El acabado arrugado y elástico en la cintura sugiere funcionalidad y flexibilidad

Fuera de la gira de “The Odyssey”, Anne Hathaway mantuvo una línea estilística marcada por la experimentación y la sofisticación. En la gala Breakthrough Prize, eligió un vestido negro de un solo hombro, sobrio y elegante, que resalta su figura sin recurrir a ornamentos excesivos.

Este tipo de diseños minimalistas refuerzan la idea de que la elegancia puede encontrarse en la simplicidad de los cortes y en la calidad de los materiales.

En la premiere de “El diablo viste a la moda 2”, Hathaway apostó por un vestido rojo voluminoso, de falda amplia y corsé estructurado, que recuerda los grandes momentos de la moda hollywoodense.

El contraste entre la sencillez de algunos looks y la exuberancia de otros demuestra la capacidad camaleónica de la actriz, capaz de adaptarse a distintos escenarios sin perder su sello personal.

Su participación en la Met Gala 2026 también fue motivo de atención, con un vestido negro adornado con una ilustración clásica en blanco que cubría la parte trasera de la falda.

Este diseño, de inspiración artística, llevó la conversación sobre moda y arte a un nuevo nivel, reafirmando la posición de Hathaway como una de las figuras más influyentes del panorama fashion internacional.

Su aparición en la alfombra roja de Londres para una de las premieres de “El Diablo Viste a la Moda 2″ con un vestido negro de transparencias y aberturas laterales evidenció una vez más su inclinación por la audacia y la reinvención constante.

Para el desfile de la colección Crucero 2027 de Louis Vuitton en The Frick Collection apostó por un look de inspiración arquitectónica y vanguardista

La actriz llevó un vestido o abrigo de corte oversize en tono gris acero, con detalles en blanco que crearon un contraste visual llamativo. Las mangas amplias y el cuello estructurado subrayaron la influencia de la sastrería contemporánea, mientras que el gran botón central añadió un toque gráfico y reforzó la silueta.

Cada elección, desde el minimalismo hasta el maximalismo, demostró la narrativa de Hathaway como ícono de estilo, capaz de transformar la moda premamá en un laboratorio de tendencias y propuestas originales.

Tate McRae cumple 23 años este 1º de julio consolidada como uno de los rostros más influyentes de la moda pop. Su presencia sobre el escenario no solo se mide por su voz y sus canciones, sino también por una estética que fusiona sensualidad, riesgo y sofisticación.

La cantante canadiense elige looks de siluetas ajustadas, transparencias y materiales que recorren el vinilo, el encaje y los brillos, siempre con cortes audaces y detalles contemporáneos: aberturas inesperadas, pedrería y toques metálicos.

A pesar de la brevedad de su carrera, McRae alternó vestidos de gala con piezas que desafían los códigos tradicionales, sumando accesorios llamativos y un maquillaje de acabado natural que refuerza su imagen fresca y segura. Así, su estilo evolucionó hasta convertirse en referencia de autenticidad en la escena internacional.

A continuación, un repaso por sus mejores looks.

Vestido vinilo burdeos con escote corazón

Para los Billboard Women in Music Awards 2026 en Los Ángeles, la canadiense lució un vestido strapless de vinilo en tono burdeos oscuro, de silueta entallada y largo midi.

El diseño incluía un escote corazón con detalle de flor en el centro del busto. Combinó el look con zapatos de punta negra y llevó el cabello suelto con ondas suaves.

Vestido dorado de encaje y volantes

En la Met Gala 2026, McRae eligió un vestido dorado ceñido, confeccionado en encaje semitransparente y decorado con motivos de hojas en los tirantes y el busto.

La falda terminaba en volantes voluminosos con detalles metálicos, formando una pequeña cola. Llevó el cabello suelto y un maquillaje natural.

Vestido rojo con aberturas geométricas

Para una alfombra gris de Vanity Fair, durante el after party de los Premios Oscar 2026, Tate optó por un vestido largo rojo de escote pronunciado y aberturas geométricas bajo el busto.

El diseño presentaba tirantes anchos y una falda fluida de corte sirena. Complementó el atuendo con pendientes discretos y el cabello peinado en ondas sueltas.

Total black con falda de flecos y guantes largos

En la ceremonia de los Grammy 2026, vistió un conjunto negro compuesto por un corset sin tirantes y una falda larga decorada con flecos, que aportaban textura al look. Añadió guantes largos de satén negro y llevó el cabello suelto.

Nude con pedrería y transparencias

En la gala Time100 Next en 2025, eligió un vestido largo en tono nude, con estructura de tirantes finos y superposición de transparencias. Llevaba incrustaciones de pedrería plateada formando líneas diagonales y verticales, y una falda de gasa con leve cola. El peinado era suelto y el maquillaje en tonos cálidos.

Body negro y transparencias con gafas oscuras

Para los MTV Video Music Awards 2025, Tate apareció con un body negro de manga larga y transparencias en el torso, acompañado de medias negras y stilettos a tono. Llevó gafas de sol oscuras y sujetó dos estatuillas plateadas de los premios.

Vestido blanco translúcido de corte bikini

En otro look para los MTV VMA 2025, McRae apostó por un vestido blanco translúcido de tirantes finos, con corte tipo bikini y falda larga vaporosa. El diseño dejaba ver la ropa interior blanca y tenía una caída ligera. Combinó el atuendo con sandalias blancas elegantes.

Vestido negro con abertura lateral y escote estructurado

En la premiere de la película de Fórmula 1 en 2025, Tate optó por un vestido negro de tirantes gruesos y escote estructurado, con drapeados en la cintura y una abertura lateral en la falda. Llevó un collar brillante y anillo.

Vestido azul celeste con aberturas y sandalias doradas

Para la portada de la revista Paper, McRae posó sentada sobre una mesa, con un vestido azul celeste satinado de gran abertura en la falda y escote asimétrico.

Completó el look con sandalias doradas de tiras y el cabello suelto en ondas.

Minivestido negro de encaje con transparencias

Por último, en una alfombra negra de MTV 2024, Tate eligió un minivestido negro de encaje con transparencias, de mangas largas y cuello cerrado.

El diseño permitía ver un conjunto de ropa interior negra. Llevó el cabello suelto con ondas suaves y maquillaje en tonos tierra.

El inicio de Wimbledon transforma Londres en una pasarela donde la tradición y la modernidad se encuentran. Con el comienzo del tercer Grand Slam del año, las tribunas y los palcos del All England Club volvieron a reunir a celebridades y referentes de distintos ámbitos, convertidos en protagonistas de un ritual que trasciende el tenis.

Los códigos de vestimenta volvieron a ser reimaginados a través de elecciones que mezclaron la impronta británica, las tendencias actuales y detalles personales, visibles en la variedad de colores, texturas y accesorios que definieron el estilo dentro y fuera de la cancha.

A continuación, los looks más destacados:

David Beckham

Infaltable en toda cita deportiva, David Beckham eligió un traje cruzado de color gris claro confeccionado en tela de textura fina. El ex futbolista completó el conjunto con una camisa blanca clásica, corbata beige y un pañuelo a juego en el bolsillo del saco. Además, llevó un reloj metálico en la muñeca izquierda y presentó -como casi siempre- el flequillo peinado hacia atrás, junto a una barba sutilmente recortada. Su estilo reflejó sobriedad y elegancia tradicional.

Alexander Armstrong

El comediante, actor y presentador británico Alexander Armstrong lució un traje azul eléctrico, camisa blanca y corbata salmón con patrón geométrico. Añadió un pañuelo estampado en el bolsillo del saco, sin accesorios visibles adicionales.

Novak Djokovic

A sus 39 años, el multipremiado tenista serbio Novak Djokovic lució el conjunto blanco tradicional de Wimbledon, compuesto por un saco de textura ligera con ribetes verdes en cuello, solapas y bolsillos. Además, llevó pantalón blanco y un reloj verde en la muñeca izquierda.

Alexis Ohanian y Olympia Ohanian

Alexis Ohanian, empresario estadounidense y esposo de Serena Williams, optó por una camiseta blanca y una gorra negra. Portó un gafete verde al cuello y sostuvo a su hija Adira River Ohanian en brazos. La niña, de 2 años, lució un vestido blanco de manga corta con detalles en violeta y verde, una cinta blanca en el cabello y un pequeño brazalete, mostrando un look juvenil y acorde al torneo.

Bryan Shelton

El ex tenista estadounidense Bryan Shelton se presentó con una chaqueta deportiva blanca de tela ligera y cierre frontal, combinada con una camiseta negra, pantalón gris oscuro y una gorra blanca de visera curva. Además, acompañó su look con gafas de sol de montura negra y un reloj metálico en la muñeca izquierda, resaltando una imagen deportiva y sofisticada.

Naomi Osaka

La tenista japonesa Naomi Osaka saltó a la cancha con un atuendo de inspiración japonesa: un kimono blanco bordado con motivos florales y de aves y un cinturón ancho a la cintura, combinado con una falda larga de tul en capas. Llevó zapatillas deportivas blancas con detalles verdes y el cabello recogido en moño alto.

Robert Peston

El periodista y presentador inglés Robert Peston vistió un traje azul marino de corte clásico, camisa celeste y una corbata a rayas en tonos beige y marrón. Añadió anteojos de montura marrón y varios anillos plateados en la mano derecha, logrando un look formal y con detalles distintivos.

Stuart Broad

El ex jugador de críquet inglés Stuart Broad llevó un traje beige claro, camisa celeste y corbata en tonos marrón y azul. Usó anteojos de sol oscuras de montura gruesa y mostró barba recortada. Se le vio con un aire británico relajado.

Richard Osman

El presentador de televisión británico Richard Osman escogió un traje celeste claro, camisa blanca y corbata verde oscuro. Llevó gafas de montura gruesa y lució barba y bigote, logrando un aspecto formal y fresco para el ambiente veraniego.

Fiona Shaw

La actriz irlandesa Fiona Shaw vistió una camisa marrón de manga larga con botones, con el cabello corto y rojizo. No llevó accesorios visibles y su expresión fue espontánea y distendida durante el evento.

Taylor Fritz

El tenista estadounidense Taylor Fritz apareció en la cancha con el atuendo reglamentario blanco: chaqueta, pantalón de vestir, camiseta tipo polo y una cinta elástica blanca en la cabeza. Combinó el conjunto con zapatillas blancas y dos bolsas deportivas al tono.

Ronan Keating

El cantautor y músico irlandés Ronan Keating vistió un traje cruzado de color marfil confeccionado en tela ligera, junto con camisa celeste y corbata azul oscuro. Añadió un pañuelo beige en el bolsillo del saco, gafas de sol de montura oscura y accesorios metálicos en ambas muñecas.

Estuvo acompañado por la productora televisiva australiana Storm Keating, quien eligió un vestido de encaje en tono crudo, de manga corta y con motivos florales. El vestido destacó por su corte recto y detalles semitransparentes, aportando un aire delicado y veraniego.

Mary Berry

La escritora gastronómica y presentadora de televisión inglesa Mary Berry optó por un vestido rosa claro con mangas largas abullonadas y botones forrados al frente. El vestido tenía un escote en “V” y falda plisada. Complementó su look con un collar de perlas cortas, bolso de mano beige y el cabello peinado en estilo clásico y voluminoso.

(Fotos: Reuters)

La nueva subasta de Sotheby’s dedicada a Karl Lagerfeld incluirá guantes sin dedos, unos 500 iPods y cerca de 1.000 dibujos hasta ahora no vistos. La venta será en línea, se celebrará del 2 al 8 de julio y todos los lotes saldrán sin precio de reserva, según Artnet News.

Sotheby’s pondrá a la venta piezas de la colección del diseñador alemán fallecido, entre ellas bocetos conservados hasta su muerte en 2019, iPods acumulados a lo largo de su vida y algunos de sus guantes característicos.

La subasta, que se desarrollará en formato digital, ofrecerá los lotes de forma individual o en grupos, de acuerdo con el medio citado.

La casa de subastas presenta esta sexta venta como una nueva salida al mercado de objetos del creador, cuyos efectos personales y viviendas han generado millones de dólares desde 2021. Entre los lotes principales figuran dibujos que muestran cómo abordaba el color y la textura, así como el corte y la silueta.

Qué revelan los dibujos sobre el trabajo de Lagerfeld

Pierre Mothes, subastador y director de desarrollo de negocio de Sotheby’s Francia, explicó que esos papeles permiten observar el método de trabajo del diseñador. “Karl esbozaba una idea de forma directa y la rehacía tantas veces como fuera necesario. Como era muy buen dibujante, podía dibujar muy rápido”, declaró al medio.

Según Mothes, Lagerfeld usaba esos bocetos preparatorios para desarrollar sus dibujos finales y corregía las ideas iniciales al calcarlas una y otra vez. El propio diseñador resumió esa relación con el papel en una frase recogida por Artnet News: “La moda empieza en el papel y permanece en el papel”.

Lagerfeld conservó estos dibujos, algunos fechados desde la década de 1970, hasta su muerte en 2019. Sotheby’s los ofrecerá ahora entre sus últimos bocetos que salen a subasta.

Los objetos personales que completan la subasta

La venta incluye también la colección de iPods que reunió el diseñador a lo largo de su vida. El conjunto suma unos 500 iPods y abarca modelos que van desde el iPod Classic hasta el iPod Mini.

Entre las piezas más reconocibles aparecen además sus guantes sin dedos y otros objetos personales. Según el periódico, esos lotes amplían la oferta más allá del material creativo.

El historial de ventas que sostiene el interés por su legado

Esta nueva convocatoria llega después de cinco subastas de la herencia de Lagerfeld que Sotheby’s organiza desde 2021. Las dos primeras, celebradas en Mónaco y París con obras de arte, muebles y guantes, superaron los USD 18 millones.

La quinta subasta, celebrada el año pasado e integrada por ilustraciones, alcanzó 1,1 millones de euros, unas 10 veces su estimación alta, según el medio citado. A eso se suma el recorrido de sus propiedades en el mercado.

En 2024, su apartamento de París se vendió por el doble del precio inicial pedido, hasta USD 10,8 millones. Su villa de Louveciennes se remató el año pasado por 4,7 millones de euros.

Por qué Lagerfeld sigue despertando pujas millonarias

Mothes sostuvo que el precio final dependerá del público que sigue al diseñador. “Son las personas, la enorme multitud de seguidores de Karl, las que deciden el precio final”, dijo a Artnet News.

El directivo añadió que Sotheby’s espera una buena respuesta de los compradores. “No estamos preocupados en absoluto. Creemos que será un éxito. Les decimos a los admiradores: ‘Ahora o nunca. Si quieren comprar, háganlo ahora, porque todo se venderá’”, afirmó.

Para Mothes, Lagerfeld era un “icono mundial, un icono planetario, que pertenece a todo el mundo”. Según el periódico, esa dimensión pública ayuda a explicar por qué la venta de sus pertenencias mantiene el interés de los compradores.

La moda tomó el centro de la escena en el Mundial 2026, desplazando por un momento las tácticas, formaciones y resultados.

Un listado elaborado por el New York Times analizó no solo el desempeño futbolístico, sino también el estilo de los entrenadores.

Lejos de quedarse en la superficie, la lista examina desde cadenas doradas y trajes impecables hasta zapatillas deportivas. Cada detalle cuenta en la pasarela improvisada de la Copa del Mundo.

Los 10 técnicos que elevaron la moda en el Mundial 2026

1- Gustavo Alfaro

El primer puesto es para Gustavo Alfaro, director técnico argentino al frente de Paraguay. Su atuendo se compone de un traje, corbata y cinturón perfectamente combinados, cuidando cada detalle. Con 63 años y en su tercer cargo internacional consecutivo, Alfaro proyecta experiencia y dominio de la escena.

2- Carlos Queiroz

Carlos Queiroz, de 73 años, seleccionador de Ghana está en segundo lugar. Su elección es un conjunto casi enteramente azul marino, compuesto por chaqueta con cremallera, pantalón oscuro y zapatillas negras.

El detalle de la cadena dorada le otorga un aire de lujo. Nombrado apenas 72 días antes del inicio del torneo, Queiroz enfrenta su quinto Mundial como entrenador, luciendo como si hubiera tenido años para planificar su imagen. Su presencia transmite seguridad y control, reforzada por el estilo sobrio y moderno de su vestimenta.

3- Javier Aguirre

El podio lo completa Javier Aguirre, de México, quien debuta en un Mundial en casa durante su tercera etapa al frente del equipo nacional. Aguirre, de 67 años, se adapta a cada contexto: en los entrenamientos elige buzo y pantalón corto y en la cancha opta por un atuendo más formal. Su presentación en este Mundial combina una corbata verde sutil y zapatos Oxford marrones, logrando un equilibrio entre estilo y madurez.

4- Didier Deschamps

Didier Deschamps está a cargo de Francia y es su cuarta Copa del Mundo. Deschamps, de 57 años, mantiene la tradición del entrenador bien vestido gracias a un traje azul marino Francesco Smalto, camisa y ausencia de corbata. Consigue un equilibrio entre formalidad y relajación, adaptando su imagen para una gira de despedida elegante y sobria.

5- Luis de la Fuente

En la quinta posición se encuentra Luis de la Fuente, seleccionador español de 65 años. Apuesta por un sistema de dos atuendos: inicia los partidos con blazer entallado, camisa impecable y corbata, y a medida que transcurre el encuentro, reduce la formalidad.

6- Thomas Christiansen

Thomas Christiansen, danés de 53 años al frente de Panamá se encuentra en sexto lugar. Su traje negro clásico se distingue por el escudo azul de Panamá bordado en el pecho y una corbata rojo oscuro, reflejando los colores de la bandera panameña. El bordado es un detalle determinante que lo identifica como representante nacional y lo diferencia de cualquier otro evento formal.

7- Fabio Cannavaro

El séptimo puesto lo ocupa Fabio Cannavaro, excapitán campeón del mundo y actual técnico de Uzbekistán. Su elección es una camiseta negra ajustada, pantalones oscuros y zapatillas blancas. Este estilo casual combina comodidad y elegancia, y el italiano de 52 años sabe cómo lucirlo en la zona técnica.

8- Sébastien Desabre

Sébastien Desabre, francés de 49 años, llamó la atención por los trajes personalizados de él y de los jugadores diseñados con detalles de leopardo y broches plateados, inspirados en la tradición congoleña de la elegancia y la autoexpresión, conocida como La Sape.

Aunque en los partidos prefiere camisa blanca y pantalón oscuro con blazer, el traje de la llegada simboliza mucho más que un uniforme estándar.

9- Graham Arnold

El noveno puesto corresponde a Graham Arnold, australiano de 62 años, quien dirige a Irak en su regreso al Mundial tras casi cuatro décadas. Su vestimenta es un clásico traje gris oscuro y camisa blanca, una elección atemporal y pulcra que aporta solemnidad al debut del equipo.

10- Darren Bazeley

Darren Bazeley, seleccionador de Nueva Zelanda, cierra el ranking con un estilo que recuerda al de Diego Simeone: camisa negra, pantalón negro, cinturón de cuero con hebilla plateada y, como distintivo, solo un botón desabrochado a pesar del calor. Tras 14 años de ausencia en la Copa para Nueva Zelanda, Bazeley llegó vestido elegante.

El caso Lionel Scaloni

En este listado, el campeón del mundo Lionel Scaloni, entrenador de Argentina, aparece en el casillero 26. Scaloni optó por una indumentaria deportiva: camiseta de entrenamiento azul, pantalones azul marino y zapatillas blancas.

A sus 48 años, mantiene una imagen más cercana a la de un jugador, según el New York Times. Aunque el detalle dorado de su atuendo suma un toque distintivo, el conjunto sigue siendo principalmente el uniforme de entrenamiento.

Luis de Javier se ha incorporado como juez de Maestros de la costura Celebrity 2 en RTVE y ha vinculado ese estreno televisivo con una recuperación personal: el diseñador ha asegurado que el programa le ha “devuelto la ilusión” por la moda en un momento de desgaste profesional, mientras el formato ha vuelto este lunes 29 de junio tras La Revuelta con una segunda entrega prevista para el miércoles 1 de julio.

El modisto nacido en Sitges en 1996 sustituye a Palomo Spain en el jurado y se sienta junto a María Escoté y Lorenzo Caprile. Su debut llega después de haber reconocido en La Revuelta que casi había perdido la energía para seguir dedicado al oficio y que salir del taller para grabar el concurso le ha supuesto “un chute de energía”.

En su intervención televisiva, el diseñador ha explicado que “salir del taller” le ha permitido recuperar motivación. El modista atravesaba una etapa de desgaste antes de incorporarse al talent de RTVE y que el salto a la televisión se ha producido después de vestir a figuras como Rosalía, Beyoncé, Kim Kardashian o Charli XCX.

La moda, entre la presión y el impulso social

La presión del sector apareció también como uno de los ejes de la conversación. María Escoté afirmó que “la industria es muy masiva, y para las marcas pequeñas y los negocios locales es muy complicado defenderse”, aunque añadió un mensaje de apoyo a quienes empiezan: “¡Podemos ganar la batalla!”.

Ese diagnóstico sobre la moda convive, según los jueces, con un efecto social positivo del programa. “Se venden más máquinas de coser y los niños quieren aprender”, afirmó Escoté, mientras Caprile concretó esa percepción con una escena repetida en la calle: “Se te acercan niños y niñas por la calle y te dicen que han pedido una máquina para aprender a coser”.

Nacido en 1996, Luis de Javier es uno de los nombres emergentes de la moda española y como un creador de estética provocadora. Entre sus clientas a Rosalía, Beyoncé, Kim Kardashian y Charli XCX, una artista para la que realizó un diseño polémico que quiso llevar al espacio de David Broncano.

Colaboraciones, humor y reflexiones sobre la IA

La visita dejó además una posible colaboración futura con el presentador. El diseñador y David Broncano se comprometieron a idear un estilismo para la próxima edición del Festival de Vitoria, después de comentar la indumentaria que el cómico llevó este año al certamen.

En ese mismo bloque, Caprile reaccionó a la imagen del presentador con una frase: “Yo pensaba que era inteligencia artificial”. Además, Luis de Javier llevó una camiseta para Broncano, aunque explicó que el equipo se la retiró en un primer momento por considerarla “demasiado explícita”, antes de que finalmente le fuera entregada en plató.

La conversación se movió también hacia el tono distendido habitual de La Revuelta. Los tres jueces participaron en el juego de “descartar, casar y follar” con Ana Rosa Quintana, Andrés Iniesta y Carles Puigdemont, y Broncano les lanzó otra pregunta bordada en una tela: “¿En qué formato os gusta más la patata?”.

Por último, Caprile ha reflexionado sobre la inteligencia artificial: “A mí me coge muy mayor pero me gustaría mucho aprender a sacarle todo el partido posible”. El diseñador madrileño añadió que no la usa porque se considera “un negado”, aunque la definió como “una herramienta muy buena si la sabes usar”.

Al leer el guion, Jolie se identificó de inmediato con la historia. Destaca que la directora supo captar detalles “muy sutiles pero muy reales” sobre la experiencia de vivir con la enfermedad, algo que solo alguien que ha pasado por el cáncer puede transmitir: “Con demasiada frecuencia, las películas sobre los padecimientos de las mujeres —especialmente el cáncer— hablan del final y de la tristeza, pocas veces de la vida”.

La actriz explica que, al interpretar a Maxine, no solo pensó en su propia historia, sino también en su madre y en cómo deseaba que ella hubiera contado con una comunidad y podido hablar abiertamente de lo que atravesaba.

La experiencia personal de Jolie con el cáncer y la pérdida familiar marcaron su decisión de formar parte de Couture, y encontró en este personaje una oportunidad para canalizar dolor y memoria en una actuación íntima. Además, reconoce que este proceso le permitió reflexionar sobre su historia y expresar emociones largamente guardadas, brindando a la película una autenticidad que, según ella, solo es posible cuando la vivencia es real.

Temática y mensajes principales de la película Couture

La trama de Couture aborda el impacto del diagnóstico de cáncer en la vida de Maxine, el personaje interpretado por Jolie. La película aborda el trauma que acompaña la enfermedad, pero también examina aspectos poco abordados como el deseo y la sexualidad tras un diagnóstico. En palabras de la actriz, la obra muestra con delicadeza el modo en que las mujeres enfrentan presiones, especialmente en el contexto de la Semana de la Moda de París.

Jolie señala el contraste entre los personajes femeninos de la historia: mientras Maxine enfrenta su enfermedad, otras figuras, como una escritora en busca de un cambio y una modelo que lidia con la fama, muestran diferentes formas de atravesar desafíos personales. Señaló cómo la película refleja la tensión entre la imagen pública y la vida interior, destacando la vulnerabilidad de quienes se exponen en el mundo de la moda y el reto de sostener a una familia en ese entorno.

La actriz resalta que Couture no solo habla de dolor, sino también de vida y deseo, para abrir conversaciones sobre la sexualidad y el acompañamiento tras el cáncer de mama y alentar a los seres queridos a no evitar estos temas.

Carrera y evolución profesional de Angelina Jolie

Desde sus inicios, Angelina Jolie ha vivido momentos que la marcaron tanto en lo personal como en lo profesional. Recuerda que filmar Tomb Raider le abrió las puertas a Camboya, país que transformó su perspectiva y su vida.

Entre sus vínculos más importantes en la industria destaca a Jonny Lee Miller, con quien estableció una amistad duradera tras rodar Hackers y con quien volvió a trabajar treinta años después.

Sobre su evolución, Jolie confiesa que dirigir, producir y escribir En tierra de sangre y miel fue una experiencia que la cambió para siempre, tanto como artista como persona. Prefiere trabajar detrás de cámaras, colaborando con actores y equipos, y siente que el proceso creativo le resulta más enriquecedor en esos espacios.

Prioridades, decisiones recientes y cambios personales

A lo largo de la última década, Jolie optó por rechazar proyectos que implicaran rodajes prolongados, priorizando el tiempo en casa y junto a sus hijos. Ahora que sus hijos ya son mayores de edad, planea dedicar más tiempo al trabajo en terreno internacional, alentada por ellos. Explica que se siente afortunada de poder vivir como artista y es consciente del privilegio que esto representa.

Para ella, el éxito en la adolescencia se definía por la capacidad de ayudar a su madre económicamente. Hoy, el éxito significa conectar con otros creativos y con el público. En cuanto a su día a día, prefiere la sencillez: si tuviera que elegir una prenda para usar siempre, optaría por algo cómodo, como unos pantalones sencillos. Reconoce que nunca había asistido a un desfile de moda y que el papel en Couture le permitió comprender el esfuerzo que implica crear piezas de alta costura.

Después del rodaje, Jolie siente que salió del proyecto con una actitud más compasiva hacia sí misma y hacia los demás. En cuanto a sus gastos, prioriza la aventura y los viajes, como el más reciente, un viaje a Ruanda junto a algunos de sus hijos para ver gorilas.

Reflexiones sobre el impacto de Couture y aspiraciones futuras

Jolie considera que la experiencia de filmar Couture fue emocional, pero también alegre y sanadora. Afirma que la vida misma la preparó más para este papel que cualquier otro rodaje previo. De cara al futuro, le gustaría colaborar con artistas de Broadway, pues disfruta su trabajo en el equipo de The Outsiders y espera producir más en ese ámbito.

Uno de los aprendizajes que se lleva de Couture es la importancia de apoyarse en los demás y no afrontar todo en soledad. Aspira a que la película ayude a cambiar la conversación pública sobre el cáncer, mostrando que las historias de mujeres que atraviesan esta enfermedad no deben centrarse únicamente en la tristeza o el final, sino también en la vida y la sexualidad.

Leandro Paredes celebra sus 32 años y consolida una imagen que trasciende las canchas. Su estilo en el mundo de la moda mezcla comodidad deportiva y sofisticación urbana, algo que se refleja tanto en los estadios como en su vida cotidiana.

Sus elecciones de vestuario confirman una identidad visual coherente, marcada por siluetas relajadas, accesorios distintivos y un manejo preciso de los básicos renovados.

El guardarropa del campeón argentino se distingue por prendas de corte amplio, tonos neutros y detalles funcionales, logrando un equilibrio entre lo casual y lo elegante.

Desde las siluetas relajadas hasta los guiños de lujo, sus looks destacados.

1- Camisa beige, pantalón negro y gorra

En una de sus elecciones más reconocibles, vistió una camisa beige de corte amplio y textura fluida, llevada abierta sobre una camiseta básica negra.

Completó el conjunto con pantalón negro de pernera ancha y zapatillas negras de suela gruesa. La gorra beige, colocada hacia atrás, aportó un matiz deportivo.

El detalle de las mangas arremangadas sumó personalidad, mientras que los accesorios dorados en la muñeca brindaron un cierre sofisticado al estilismo.

2- Buzo oversize, jeans celestes y gorra negra

En otra ocasión, apostó por un buzo azul marino de silueta oversize, acompañado de jeans celestes de corte recto. Agregó zapatillas deportivas blancas y una gorra negra con el logo de los Yankees, aportando un aire netamente urbano.

El bolso rígido negro como accesorio terminó de definir el look casual, ideal para el día. La combinación de prendas amplias y detalles gráficos muestra una preferencia por la comodidad y la identidad visual marcada.

3- Reinterpretación del clásico deportivo

En una reinterpretación del vestuario deportivo, el mediocampista eligió una remera blanca de algodón y pantalón ancho negro de confección estructurada.

Completó con gorra negra simple, zapatillas deportivas y bolso pequeño cruzado. Este look apunta a la simplicidad contemporánea, donde los básicos deportivos se llevan con detalles personales y accesorios prácticos.

4- Blazer, musculosa negra y bolso de lujo

Para ocasiones que requieren mayor sofisticación, optó por un blazer verde oliva, llevado con una musculosa negra ajustada que dejaba ver los tatuajes en pecho y brazos. Sumó un bolso de mano marrón con monograma de Louis Vuitton, anteojos de sol y llavero metálico.

El contraste entre el blazer clásico y los accesorios de lujo revela una búsqueda de elegancia relajada, donde los guiños urbanos y las firmas exclusivas conviven en perfecta armonía.

5- Campera de cuero y bolso XL

Al aire libre, lució una campera de cuero negra con cierres plateados y capucha gris debajo, junto a pantalón negro de corte amplio y zapatillas blancas. Llevó un bolso XL negro adornado con un llavero de peluche, detalle que aportó un toque lúdico. Las capas de prendas y los accesorios reforzaron un perfil urbano.

Este conjunto destaca por el uso inteligente de capas y la elección de materiales resistentes, confirmando la apuesta de Paredes por la practicidad y la modernidad.

6- Básico atemporal y sesión de fotos

Para una producción de fotos para Armani, el futbolista prefirió una camiseta negra sencilla y pantalón oscuro, acompañados por un reloj metálico de esfera grande. Los tatuajes de los brazos quedaron a la vista, consolidando la idea de básicos de calidad realzados por detalles personales.

La sobriedad cromática y la selección de accesorios demuestran que, incluso en la sencillez, Paredes mantiene su identidad y elegancia sin estridencias.

7- Camisa oscura, musculosa blanca y pantalón gris

Durante un evento nocturno junto a Camila Galante, eligió una camisa azul oscuro abierta y musculosa blanca, sumando pantalón gris de corte recto y zapatillas claras tipo lona. El look mantuvo el sello relajado, ideal para actividades sociales al aire libre.

8- Total denim y zapatillas blancas

En otra aparición, apostó por un conjunto completo en denim azul oscuro, formado por una campera y pantalón cargo, sumado a zapatillas blancas. Las costuras visibles y las siluetas amplias fusionaron tendencias de utilitarismo y comodidad.

9- Buzo beige, jeans negros y bolso XL

En una de sus propuestas más personales, lució un buzo beige de algodón de corte amplio, con camiseta blanca asomando por debajo. Combinó con jeans negros que llevaban bordados blancos en la pierna y zapatillas blancas. El bolso XL negro, decorado con un llavero de Labubu, sumó un guiño lúdico y distintivo.

La moda jamás fue un hecho superficial. Desde los palacios de Versalles hasta los algoritmos del guardarropa contemporáneo, el arte y la moda constituyen un registro siempre demostrativo. En la evolución y el reflejo de las revoluciones, la moda expone a las sociedades: sus exclusividades, deseos, miedos, vanguardias, horrores y sueños. Cuando la aguja se cruza con el pincel, la historia deja de ser una acumulación de fechas y se convierte en una materia viva que el tiempo revela. Las clases se diferenciaban por sangre, sedas, piedras, pieles y terciopelos.

La necesidad de marcar diferencias de clase a través del ropaje es tan antigua como la civilización, y su punto más álgido se observó en el Renacimiento, durante el siglo XV. Cuando la clase comerciante enriquecida comenzó a pujar en las ciudades italianas y flamencas, los nobles se sintieron amenazados: los burgueses tenían dinero suficiente para adquirir las mismas telas que la aristocracia. Los monarcas respondieron con las llamadas Leyes Suntuarias. Estos decretos reales prohibían el uso de ciertos colores, pieles como el armiño o sedas a cualquiera que careciera de un título de nobleza legítimo. El castigo ante cualquier transgresión era la cárcel. Con ese decreto exclusivo, la ropa se convirtió oficialmente en un documento de identidad legal de la casta.

Una obra que da cuenta de aquella época y de su malestar social es el Matrimonio de los Arnolfini (1434), de Jan van Eyck. Arnolfini era un mercader de telas, no un noble. Al retratarse con un opulento abrigo de piel y terciopelo oscuro, desafiaba al poder y los límites de su clase: comprar el estatus del rey, aun sin sus privilegios, burlaba la tinta de las plumas que firmaron las restricciones.

En el 1700, la sofisticación de los vestidos en las cortes de Francia e Inglaterra alcanzó un nivel de teatralidad sin precedentes. La exclusividad de la aristocracia ya no se medía únicamente en la calidad de las sedas, las incrustaciones o los bordados; en ese momento también intervenía la inmovilidad del cuerpo en función del atuendo. Los cuerpos femeninos parecían insensibles al dolor, sometidos a verdaderas proezas de ingeniería cortesana: los paniers, los armazones internos de mimbre, madera o barbas de ballena, servían para ensanchar las caderas de manera hiperbólica y obligaban a las mujeres a cruzar los espacios reducidos o las puertas de costado.

A diario, esa opulencia terminaba como una carga física tortuosa. Un vestido de gala, con capas de enaguas, armazones y pedrería, podía pesar entre quince y veinte kilos. Los bailes podían durar diez horas y provocaban dolores crónicos de columna y llagas sangrientas en la cintura.

Ese dolor no era expresión de sensibilidad femenina. El corsé tensado para llegar a los cuarenta centímetros de cintura desplazaba los órganos internos y colapsaba los pulmones. La presión provocaba desmayos, y también aquí la belleza ocultaba las razones con conceptos históricamente conocidos como ataques de “extrema sensibilidad o fragilidad femenina”, un concepto romántico que enmascaraba síncopes, lesiones, fracturas por presión y falta de oxígeno.

Esa belleza visual y táctil, reservada para unos pocos, fue la demostración de una opulencia flotante y ajena a la realidad. La obra rococó El columpio (1767), de Jean-Honoré Fragonard, plasma una supuesta liviandad en el aire. La protagonista, en su silueta artificial, coquetea con el viento, sus movimientos y sus enaguas. Nada es inocente: el columpio se mece entre dos hombres —su esposo y su amante— en una escena de intensa carga rococó. Entre las exuberantes telas se detecta el reflejo de la decadencia aristocrática y los placeres mundanos. Más allá de los ropajes, la rebeldía de las pasiones no tiene límites.

En medio de las opresiones estéticas y morales existió un espacio de resistencia: los bolsillos ocultos. Al no existir bolsillos cosidos directamente a las faldas, las mujeres usaban bolsas independientes atadas a la cintura, ocultas bajo el armazón. El acceso, de uso personal exclusivo, se disimulaba entre los pliegues de la tela. En aquella sociedad donde la mujer carecía de derechos legales, esos bolsillos eran un lugar propio: allí guardaban dinero, dagas de defensa y cartas secretas.

Lo más grave de esa era fue la cancelación de la infancia. Las niñas de la aristocracia eran tratadas como adultas en miniatura y piezas de intercambio dinástico. Entre los cuatro y los siete años, eran embutidas en versiones idénticas a los trajes de sus madres, incluidos los corsés rígidos que moldeaban a la fuerza sus huesos en crecimiento para ajustarlos al postureo de la corte. Las Meninas (1656), de Diego Velázquez, lo ilustra con elocuencia: la infanta Margarita, de cinco años, aparece encajonada en un pesado y rígido atuendo que la despoja de cualquier acción espontánea propia de la infancia.

Un nuevo elemento vino a confirmar los mensajes que traen los lienzos: la aparición del negro como color de poder, en el siglo XVI. Era todo un desafío técnico; tras años de intentos, no se lograba un negro pleno. Gracias al monopolio español sobre el palo de campeche, importado desde América, ese color se convirtió en el uniforme de gala más caro y exclusivo del mundo, expresión del poder imperial en su forma más absoluta. A finales del siglo XVIII, en Inglaterra y Francia surgió una rebelión de la elegancia masculina: el Dandismo, con principios claros de armonía y perfección sin extravagancia. Figuras como Beau Brummell rechazaron la afectación aristocrática y refinaron el traje hacia el negro y el azul noche, con la sastrería como protesta intelectual contra la vulgaridad de la producción en masa de la Revolución Industrial. Cada época lleva las marcas de las luchas de clase representadas en vida, acción y obra.

En el guardarropa de las damas, el verdadero cataclismo llegó en 1884, y su mayor testimonio es el Retrato de Madame X, de John Singer Sargent. Al retratar a la socialité Virginie Gautreau con un vestido de satén negro, profundo y sugestivo, Sargent escandalizó a París. Por primera vez, el negro abandonaba el luto y la devoción religiosa para convertirse en una herramienta de erotismo y seducción modernista. El tejido oscuro ya no ocultaba: funcionaba como el marco cromático perfecto para contrastar la palidez de la piel y la sensualidad de las formas femeninas en la esfera pública. Ese momento marcó el inicio de la liberación estilística que vendría después, y que continúa hoy.

Las prisiones de metal y ballenas fueron demolidas en el siglo pasado. En la década de 1920, la moda bailó al ritmo del jazz y la emancipación. La silueta recta, los colores claros y el acortamiento de las faldas redefinieron a la mujer moderna. Ese quiebre quedó plasmado en el lienzo Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formas, colores) (1925), de Sonia Delaunay: una obra que nació como catálogo de moda real y vanguardia, con jóvenes vestidas con ropas sueltas hasta las rodillas y patrones geométricos luminosos, listos para moverse, bailar y trabajar.

El pantalón femenino llegó poco después. Lo inició Paul Poiret en 1911, como una excentricidad de inspiración oriental, pero quien lo consolidó fue Coco Chanel en los años 20. Chanel tomó prestadas prendas de los marineros y dio inicio a la verdadera revolución del pantalón, no como estética sino como muestra política y pragmática que se impuso por necesidad durante las guerras, cuando las mujeres ocuparon los puestos de trabajo en las fábricas. El pantalón dejó de ser un tabú masculino para convertirse en una armadura flexible de emancipación laboral y un símbolo de transformación. Ese reflejo de igualdad y libertad en espacios públicos, deportivos y sociales fue la afirmación que varios segmentos esperaban para la liberación de tantas restricciones. Con una prenda comenzaba la posibilidad de elegir la estética que se llevaba en el cuerpo y, con ella, la visibilidad de las futuras conquistas de emancipación.

En la actualidad, la moda enfrenta una paradoja: nunca antes existió tanto acceso a la diversidad de prendas y, a la vez, nunca antes los distintos segmentos de la sociedad se vieron tan uniformados. Con el nacimiento de la hipersegmentación algorítmica en redes sociales y el Fast Fashion, se industrializó el alma del consumo. Hoy, la detección de una microtendencia y su viralización global inmediata llevan a que, en tiempo récord, una fábrica genere millones de prendas baratas. Para adolescentes y jóvenes, la ropa funciona como un código de barras de identidad instantánea: ya no se busca la durabilidad ni la herencia, sino el impacto visual entre pares o la acumulación de likes en una pantalla. En el esfuerzo por pertenecer a una comunidad —tal vez solo digital— muchos terminan adoptando uniformes prefabricados. La moda pasó a ser parte de una política liviana en calidad, portátil y descartable. Grandes diseñadores dan batalla, día a día, a un tiempo que parece ajeno al valor del trabajo artesanal, la creatividad personalizada y la dedicación que exigen los procesos creativos.

Esa lógica de la repetición y el desecho masivo tuvo su profecía artística en 1962 con las Latas de sopa Campbell, de Andy Warhol. Al alienar y repetir matemáticamente un objeto de supermercado, el Pop Art advirtió que la modernidad devoraría la individualidad. Hoy, los jóvenes consumen estéticas identitarias en serie y las descartan con la misma velocidad con que se pasa de largo una lata de sopa en una góndola digital.

La ropa habla. Siempre lo hizo. En el 1700, hablaba de estatus y casta; el ancho de las caderas medía el tamaño de las tierras. En 1960, el tema era la liberación; el largo de la falda medía el tamaño de la libertad. Hoy habla de velocidad y pertenencia efímera. Aun así, en cada tiempo hay transgresores que se niegan y resisten, que dan valor a los detalles, redoblan el esfuerzo y mantienen firme —como encorsetada— la convicción de que esos detalles describirán, a futuro, cada cultura y cada época.

En este recorrido por los siglos es posible observar belleza y esplendor, pero también dolor, opulencia, secretos, rebeliones y luchas sociales que aún hoy tienen costuras abiertas y pinceles que siguen tomando decisiones y eligiendo por color.

Desaparecidos el corsé de ballenas, los bolsillos ocultos y los atuendos pesados, hoy son otros los reyes que imparten sus órdenes. Tal vez algún día el mundo diferente que se imagina aparezca entre sueños de libertad más allá de los harapos.

Los vestuarios cambian de época, se rompen, se devalúan, se vuelven obsoletos en cualquier escaparate. Lo que permanece inalterable, más allá de las sedas o el brocato, es la esencia humana que decide qué batallas pelear.

Al final del día, la ropa será solo un disfraz, una parte del cuento, de ese momento y esa historia. Cada uno es un lienzo, con o sin hilos dorados, algoritmos u óleos plateados. Un auténtico original, una obra libre que se cuestiona y se expande en el eco de la luz propia.

Somos la auténtica existencia, más allá de los trapos.

Khloé Kardashian celebra este sábado 27 de junio su cumpleaños número 42, consolidando su presencia como un referente en el universo del lujo y la moda.

Reconocida por sus elecciones de vestuario y su capacidad para reinventar tendencias, la empresaria y personalidad televisiva ha convertido su estilo en una de las señas de identidad más sólidas del clan Kardashian.

Su imagen, marcada por prendas exclusivas, accesorios llamativos y una cuidada estética, refleja la evolución de una figura que supo cómo adaptarse a los nuevos códigos de la industria sin perder su sello personal.

A continuación, un repaso por 10 de sus inolvidables looks.

Vestido rosa pastel de plumas en la boda de Kourtney

Khloé Kardashian apostó por un vestido largo de color rosa pastel, adornado con una capa de plumas y escote palabra de honor, para la boda de Kourtney Kardashian en Portofino, Italia.

Además, destacó el acabado brillante de la prenda junto a un collar de diamantes y anteojos de sol oscuros, mientras llevaba el cabello recogido y prolijo.

Conjunto negro satinado y pantalón efecto cuero

En una comida al aire libre en Los Ángeles, optó por una camisa satinada negra de corte fluido y pantalones negros de efecto cuero de talle alto. Complementó el estilismo con un top beige, gafas de sol rectangulares y un colgante de cruz dorada.

Vestido satinado marfil en el Gran Premio de Mónaco

Durante el Gran Premio de Mónaco de Fórmula 1, Khloé Kardashian acompañó a su hermana Kim Kardashian y lució un vestido ajustado de satén color marfil, con tirantes finos y encaje en el bajo.

Anteojos de sol grandes, sandalias transparentes y un abrigo claro en la mano completaron su look en el ambiente soleado y elegante del evento.

Total denim azul con roturas

Al asistir a la inauguración de una tienda de jean en Los Ángeles, eligió un conjunto de jean azul claro con chaqueta oversize, top bandeau y pantalones de tiro alto plagados de roturas y costuras expuestas. Unos anteojos de sol azules y un collar grueso de cadena reforzaron el aire desenfadado de la propuesta.

Mono negro con corsé estructurado

Sobre la alfombra azul de NBC Universal Upfront, llevó un mono negro ajustado con tirantes y corsé estructurado. El cabello rubio liso, las uñas oscuras y el maquillaje neutral acompañaron el estilismo.

Falda translúcida y top negro en salida del Ritz de Nueva York

La empresaria impresionó al salir del hotel Ritz en Nueva York con una falda larga negra de tejido translúcido y un top sin mangas de cuello alto a juego. Un cinturón de placas metálicas, sandalias transparentes y anteojos de sol grandes completaron su atuendo.

Minivestido gráfico y botas altas claras en Los Ángeles

Para un paseo de día por Los Ángeles, lució un minivestido blanco de manga larga con gráficos abstractos y letras verticales, acompañado de botas altas de gamuza clara. Gafas de sol doradas y un bolso pequeño beige aportaron el toque final, con rasgos urbanos y contemporáneos.

Traje negro con lazo central

Durante una cita nocturna en Malibú, optó por un traje negro con pantalón, top palabra de honor y un lazo satinado central. El look monocromático se completó con guantes largos y gafas oscuras, enmarcado por la iluminación tenue del restaurante.

Sudadera blanca y jeans rotos para día casual en Los Ángeles

En un look relajado y street, escogió una sudadera blanca holgada y jeans de jean azul claro con roturas para una jornada casual en Los Ángeles. Llevó un bolso estructurado celeste, gafas de sol negras y zapatillas blancas.

Vestido metálico bronce asimétrico

En la alfombra roja de los CFDA Fashion Awards 2022 en Nueva York, Khloé Kardashian deslumbró con un vestido largo asimétrico de tejido metálico bronce, de manga larga y gran abertura lateral en el torso. Accesorios discretos y maquillaje luminoso completaron el estilismo elegante.

Bajo las luces de París, Zendaya sorprendió a la industria de la moda con un vestido de archivo de John Galliano que redefinió la alfombra roja. Su aparición en el estreno de “Spider-Man: Brand New Day” no solo captó la atención de fotógrafos y fanáticos, sino que también marcó un punto de inflexión en la conversación sobre estilo y narrativa visual. La elección de la actriz y su estilista Law Roach no fue casualidad: apostaron por una pieza histórica para transformar el evento en un manifiesto de alta costura y creatividad.

El método Zendaya: moda, archivo y relato visual

Reconocida por su capacidad para adaptar su vestuario a la temática de las películas que presenta, la estrella de cine volvió a recurrir al método conocido como “method dressing”.

La pieza elegida para el estreno en París pertenece a la colección primavera-verano 1997 de John Galliano, titulada “The Circus”. Este enfoque, que ya es marca registrada de la actriz y su estilista Law Roach, propone que cada atuendo cuente una historia alineada con el universo narrativo del filme.

La selección de una prenda vintage no solo rinde homenaje a la historia de la moda, sino que también dialoga con los símbolos y la estética de “Spider-Man”, apostando por una narrativa visual que va más allá del simple lucimiento en la alfombra roja.

Silueta y materiales: alta costura con simbolismo

El vestido de Zendaya destacó por una silueta fluida que combinó referencias a la moda de los años treinta y cuarenta con detalles contemporáneos. La prenda presenta una espalda completamente descubierta, un escote profundo y drapeado lateral.

El tejido principal es un chiffon azul profundo estampado con nubes y constelaciones doradas, logrando un efecto que remite a un cielo nocturno. Estos elementos astrales, en tendencia en la alta costura, refuerzan el vínculo simbólico con el personaje de Spider-Man y con el relato de la película.

La actualización del diseño se percibe en la asimetría y la transparencia de la tela, características que aportan ligereza y movimiento. El estampado astral y los detalles en dorado subrayan la conexión entre archivo y modernidad.

Joyería estructural: la telaraña como arte

La espalda del vestido se convirtió en el centro de todas las miradas gracias a una red de cadenas y cristales que recrea una telaraña. Esta estructura, adornada con dijes y piedras preciosas en forma de estrellas, lunas y llaves, refuerza la inspiración en el universo de Spider-Man. Los materiales —plata, cristales y pequeños charms dorados— aportan sofisticación y brillo, sin recargar el conjunto.

El contraste entre la transparencia de la tela y la densidad de la joyería provoca un juego visual hipnótico. La composición genera un efecto tridimensional y parece flotar sobre la piel de Zendaya, consolidando el look como una auténtica pieza de arte que fusiona moda y narrativa personal.

El look se completó con un peinado bob pulido y ondas suaves, obra de Ursula Stephen, y un maquillaje luminoso diseñado por Ernesto Casillas. La piel, con efecto glass skin y toques de iluminador, mantuvo el foco en la sofisticación natural. Los accesorios secundarios, como pendientes y brazalete de diamantes de estilo minimalista, acompañaron el atuendo sin competir con el protagonismo de la espalda. Unos stilettos satinados en tono neutro finalizaron el conjunto.

La elección de la nueva Mary Jane en París no solo superó expectativas, sino que también consolidó la tendencia de recuperar piezas vintage y articular discursos visuales de alto impacto en eventos internacionales. La actriz y Law Roach demostraron que el archivo histórico de la moda puede dialogar con la innovación y la narrativa cinematográfica.

El trabajo de Zendaya y su equipo reafirma el valor de la vestimenta como relato, donde cada aparición pública se convierte en una extensión artística de la película que representa y de su propia identidad en la industria.

Ariana Grande, una de las voces más reconocidas del pop actual, celebra sus 33 años consolidada como ícono de estilo. Su presencia en alfombras rojas, videoclips y redes sociales ha marcado el rumbo de la moda en la última década.

Desde los vestidos mini y las botas altas hasta el característico peinado con coleta alta, la artista ha impuesto códigos estéticos que traspasan la música y se instalan en la cultura popular.

Encaje y dramatismo

En una de sus actuaciones más recientes, durante su gira, la artista eligió un vestido de encaje violeta con escote palabra de honor y mangas abullonadas. El diseño ajustado se complementó con guantes largos semitransparentes y una cinta negra al cuello, junto a un peinado recogido en moño pulido.

Fantasía en tonos pastel para “Wicked”

Durante la película, se destacó con un vestido voluminoso en tonos pastel, decorado con aplicaciones brillantes y transparencias. El escote corazón, las mangas estructuradas y la corona metálica acentuaron una estética de cuento de hadas, reforzada por una varita decorativa.

Gala en negro en los Globos de Oro

Para la alfombra roja de los Globos de Oro, la intérprete optó por un vestido negro de gala con falda amplia y textura satinada. El escote caído y el gran lazo en la espalda ofrecieron un aire clásico, acentuado por un collar brillante y peinado recogido.

Minimalismo nude en los premios AFI

En la ceremonia de los premios AFI, eligió un vestido color nude, de corte strapless y textura plisada. La falda asimétrica y los zapatos en punta crearon una imagen sutil y elegante, en contraste con otros estilos más recargados.

Vestido rosa y capa en los Critics Choice Awards

El rosa claro fue protagonista en su look para los Critics Choice Awards, donde lució un vestido de caída recta, acompañado por una capa de tul con aplicaciones brillantes. El peinado con flequillo lateral y el maquillaje suave reforzaron un estilo romántico y delicado.

Negro translúcido en la televisión nocturna

Durante su visita a un late show, apostó por un vestido negro translúcido con detalles de pedrería verde y una capa ligera con cuello alto. La varita decorativa sumó un toque lúdico, en sintonía con su participación en “Wicked”.

Contraste bicolor en la premiere de “Wicked”

En una de las presentaciones de la película, un vestido strapless con cuerpo negro y voluminosa falda de tul blanca fue el protagonista. El contraste de colores y la estructura del vestido destacaron entre las demás elecciones de la noche.

Elegancia satinada en los Oscar

Durante la ceremonia de los Oscar, se inclinó por un vestido satinado en rosa empolvado, con hombro descubierto y aplicaciones de cristales en el corpiño. El drapeado lateral y el peinado alto reforzaron la sobriedad de la propuesta.

Volumen y texturas en negro para “Wicked: For Good”

En otra premiere del musical, optó por un vestido negro con textura de lunares y gran volumen, con un solo hombro y aplicaciones brillantes. El diseño estructurado y la falda amplia crearon una presencia destacada en la alfombra.

Lunares y peplum en los MTV Video Music Awards

En los MTV Video Music Awards, eligió un vestido negro con lunares blancos y falda ajustada. Un peplum de tul en contraste y el cabello recogido pusieron el foco en la silueta y el diseño gráfico del atuendo.

Mini vestido negro en presentación especial

Durante una aparición especial en el escenario, lució un mini vestido negro strapless con falda escalonada de volantes. Los tacones en punta y un collar brillante acompañaron al diseño que destaca por su estructura y simplicidad.

Volumen escultórico en la alfombra de los Oscar

En otra gala de los Oscar, sorprendió con un vestido de cuerpo satinado y falda de tul con acabado brillante. El diseño se distingue por la silueta escultural del corsé rígido y los pliegues ondulados que enmarcan la cintura.

Negro y rosa en los Oscar

Para un evento vinculado a los Oscar, eligió un vestido negro largo con escote caído decorado con plumas rosas. Un lazo negro en el centro del busto y la caída recta de la falda completaron una apuesta diferente y llamativa.

Flores en rosa pastel en los SAG Awards

En la alfombra de los premios SAG, optó por un vestido largo en tono rosa pastel, con bordados florales y escote caído. El peinado recogido y el collar de diamantes acompañaron un look delicado y etéreo.

En pleno verano europeo, Louis Vuitton desafió el calor sofocante de París y sorprendió al mundo de la moda con una escena inesperada: Pharrell Williams transformó la pasarela de la maison en una auténtica playa.

Bajo una ola gigante y sobre arena real, la marca presentó su colección masculina primavera-verano 2027, fusionando el espíritu del surf, la cultura urbana y el lujo contemporáneo.

El desfile, celebrado en la capital francesa durante una de las olas de calor más intensas del año, se convirtió en una experiencia inmersiva que marcó la apertura oficial de la Semana de la Moda masculina.

La tarde en París superó los 39 grados, pero el ambiente se impregnó de brisa marina gracias a la apuesta escenográfica de Louis Vuitton, que se llevó a cabo en la Grande Pelouse (el gran jardín central), justo frente a la Maison Internationale de la Cité Internationale Universitaire de París.

Pharrell Williams, director creativo de la línea masculina desde 2023, ideó un entorno donde los modelos desfilaron sobre arena auténtica, bajo la sombra de una estructura que simulaba una ola en movimiento. La experiencia incluyó una orquesta sinfónica y un coro góspel, reforzando el homenaje al océano y al surf, elementos centrales de la propuesta.

La casa francesa explicó que tanto el agua empleada para el decorado como la arena serán reutilizadas, con el objetivo de minimizar el impacto ambiental. La iniciativa forma parte de la estrategia Regeneration 2030 de la firma, que abarca acciones de restauración de arrecifes de coral en la Polinesia Francesa.

El homenaje personal de Pharrell Williams

La conexión entre el mar y la moda no fue casual. Pharrell Williams, originario de Virginia Beach, trasladó sus raíces a la pasarela parisina. La marca difundió un mensaje previo al evento: “Cuando surfeas, te vuelves agua, aunque sea solo por un momento”. Esta premisa definió tanto la ambientación como el espíritu de la colección.

Williams fusionó la sastrería tradicional con el universo deportivo. Trajes perfectamente confeccionados convivieron con prendas inspiradas en el surf y el skatewear: shorts, chaquetas ligeras, denim desgastado y accesorios de playa.

Los modelos desfilaron con tablas de surf y skates adornados con el monograma LV, símbolo reconocible de la maison. Entre los detalles, aparecieron caracolas cosidas en prendas, un guiño directo al océano.

La paleta cromática evocó paisajes marinos: azules profundos, aguamarinas, turquesas, verdes, grises y tonos arena. Los materiales mezclaron tejidos técnicos, cuero, denim y telas propias de la sastrería. Muchos acabados mostraron un aspecto “envejecido”, evocando el desgaste natural de la vida al aire libre y las jornadas junto al mar.

El desfile incluyó baúles, un clásico de Louis Vuitton, algunos pintados a mano y otros iluminados desde el interior. Entre los accesorios más destacados, la invitación al evento llegó acompañada de una gorra de cuero color arena, pensada para hacer frente a las altas temperaturas.

El impacto medioambiental de la puesta en escena ocupó un lugar central. La maison implementó un sistema de circuito cerrado para el agua utilizada y destinó la arena a canchas de beach vóley en París, una decisión que refuerza su compromiso con la sostenibilidad. Esta política se enmarca en los esfuerzos globales de la marca por reducir su huella ecológica en la industria del lujo.

El evento congregó a numerosas figuras internacionales, entre ellas la cantante Missy Elliott, el actor Jeremy Allen White y el rapero Future. La presencia de celebridades y referentes de la moda contribuyó a que la presentación se convirtiera en uno de los momentos más comentados de la temporada.

París, epicentro del surf y la moda masculina

La Semana de la Moda masculina de París incluyó cerca de 70 firmas en su calendario oficial. El desfile de Louis Vuitton cerró la primera jornada y se destacó por su originalidad y capacidad para transportar al público a un escenario marítimo en pleno centro urbano. Otras casas, como Études Studio y Auralee, también presentaron sus colecciones, aunque Louis Vuitton logró un enorme impacto visual y conceptual.

Las condiciones meteorológicas extremas llevaron a los organizadores a ajustar horarios y repartir abanicos y agua entre los asistentes. Frente a este contexto, Louis Vuitton apostó por una experiencia multisensorial que unió moda, espectáculo y una reflexión sobre el vínculo entre el ser humano y el mar.

La propuesta de Pharrell Williams demostró que la moda puede trascender las pasarelas y convertirse en un relato visual donde el lujo se encuentra con el deporte y la naturaleza. El desfile no solo rindió tributo al surf y la playa, sino que también propuso una visión de la elegancia masculina apta tanto para la ciudad como para el mar.

¿Por qué decidió este verano Estados Unidos, de forma colectiva, pintarse las uñas, usar vestidos veraniegos y polos, e incluso ver películas antiguas en streaming, con un desagradable tono amarillo que no parece más que una barra de mantequilla en la parte superior del refrigerador?

El color “amarillo mantequilla” no es solo un tono real, sino que se perfila como el color del año 2026, un año atípico. El interés de búsqueda en “vestido amarillo mantequilla” y “uñas amarillo mantequilla” alcanzó máximos históricos este junio; por tercer mes consecutivo, las búsquedas de “uñas amarillo mantequilla” alcanzaron su punto máximo. El término de búsqueda “verano mantequilla” se duplicó con creces en una sola semana.

La estética ha trascendido los tableros de Pinterest: el amarillo mantequilla se vio en las colecciones de pasarela de Chanel a Valentino esta primavera, Amazon se ha abastecido de ropa, zapatos y accesorios en ese tono, y publicaciones de belleza como Elle y The Zoe Report lo han declarado el color de uñas dominante del verano de 2026. Simultáneamente, los estadounidenses están volviendo a ver El padre de la novia, bebiendo Kool-Aid de piña y buscando “películas de mamás de los 90 con temática de mantequilla”.

Tomadas individualmente, parecen microtendencias. Tomadas en conjunto, forman algo más interesante: un perfil psicográfico del consumidor en tiempo real y otro ejemplo de la nostalgia de los padres millennials interactuando con el amor de la Generación Z por lo retro de los 90. La mala situación económica también influye.

La economía de las vibraciones y el “efecto pintalabios”

La economía de las vibraciones tiene una paleta de colores.

Los economistas saben desde hace tiempo que la estética del consumidor es una señal contracíclica. Durante los períodos de estrés financiero y turbulencia cultural, los patrones de gasto tienden a orientarse hacia la comodidad, la suavidad y lo familiar.

El “efecto pintalabios” —la observación de que las ventas de pequeños lujos aumentan durante las recesiones, ya que los consumidores sustituyen las compras caras por caprichos asequibles— se ha documentado en múltiples crisis, desde la Gran Depresión, cuando las ventas de cosméticos aumentaron considerablemente, hasta la recesión de 2008, cuando Estée Lauder informó de un incremento en las ventas de pintalabios.

Un estudio revisado por pares de 2019, publicado en el Journal of Retailing and Consumer Services, halló un “aumento significativo” en el gasto medio en cosméticos entre las mujeres jóvenes, de 18 a 40 años, durante la Gran Recesión. La versión de este impulso en 2026 parece ser tanto cromática como cosmética.

El amarillo mantequilla se sitúa en la intersección de la calidez, la cercanía y la nostalgia. Evoca cocinas, no salas de juntas. Domingos por la mañana, no reuniones de negocios los lunes. Un estudio de mercado de Google, publicado a principios de 2026, señaló que «los consumidores se sienten cada vez más ansiosos, preocupados y cansados» y que “combaten esta fatiga emocional priorizando las recompensas inmediatas y las nuevas experiencias que mejoran su bienestar presente”.

Para una clase consumidora que lidia con tasas de interés elevadas, precios de vivienda persistentes y ansiedad laboral derivada de la IA, la estética es menos una elección de moda que una decisión emocional.

Los expertos en color han sostenido durante mucho tiempo que los tonos cálidos y cremosos transmiten seguridad y calidez, precisamente el registro psicológico que ocupa la paleta de colores mantequilla, según el marco de psicología del color del Pantone Color Institute.

Millennials, gasto minorista y “prima por nostalgia”

Los millennials, el máximo poder adquisitivo y la prima por nostalgia.

El motor demográfico detrás de la estética de la mantequilla es específico: los padres millennials, que ahora tienen entre 30 y 45 años aproximadamente, están entrando en la etapa de mayor gasto familiar. El gasto minorista de los millennials asciende ahora a 1,127 billones de dólares anuales, lo que representa el 28,3 % del gasto minorista total en EE. UU., según datos de Capital One Shopping citados por eMarketer.

El millennial promedio gasta 31.256 dólares al año en compras minoristas, un 6,16 % más que el consumidor promedio, y los hogares millennials representan ahora más de uno de cada cuatro hogares estadounidenses, con el mayor aumento en la propiedad de vivienda actualmente entre los millennials más jóvenes.

Y están recurriendo al pasado para lograrlo.

El padre de la novia —la comedia de Steve Martin de 1991, vista una y otra vez— es un artefacto cultural específico de la infancia millennial: la cálida vida doméstica suburbana, una vida familiar sofisticada pero alcanzable, madres con los tonos suaves y cremosos que ahora inundan Instagram.

La nostalgia que expresan estos consumidores no es meramente sentimental; es aspiracional. Diversos estudios demuestran que las experiencias y la resonancia emocional superan ahora a los bienes materiales como prioridades para los millennials.

Este patrón también se observa en la comida. El récord histórico de búsquedas de Kool-Aid de piña no se debe simplemente a una preferencia por una bebida: es un recuerdo gustativo de la infancia que se está monetizando. El mismo impulso que lleva a una mujer de 35 años a ponerse un vestido de lino amarillo mantequilla la lleva a preparar una jarra de algo que bebió por última vez en una fiesta de cumpleaños en el jardín en 1998.

Algoritmos, velocidad de amplificación y pronóstico de tendencias

La naturaleza sincronizada de la estética de la mantequilla —el hecho de que los salones de manicura, las colas de streaming, las colecciones de pasarela y las tiendas de Amazon llegaran al mismo tono casi al mismo tiempo— tampoco es una coincidencia de consenso cultural.

El mecanismo funciona así: Pinterest le muestra el color amarillo mantequilla a un usuario que guardó un vestido de lino en marzo. Eso genera una búsqueda. Esa búsqueda entrena el motor de recomendaciones de Amazon.

Ese motor le muestra accesorios amarillo mantequilla a alguien que nunca buscó conscientemente ese color. WGSN, la empresa de pronóstico de tendencias cuyos datos los minoristas pagan cientos de miles de dólares por acceder, documentó que las búsquedas globales de “amarillo mantequilla” aumentaron un 324 % interanual entre febrero y mayo, y señaló explícitamente que la señal estaba siendo impulsada por “consumidores que buscan comodidad, optimismo y una sensación de nostalgia en tiempos de incertidumbre”.

Lo que distingue este ciclo de anteriores tendencias de colores reconfortantes es la velocidad y la sincronicidad de su amplificación. Las investigaciones sobre el comportamiento algorítmico del consumidor muestran que las plataformas ahora analizan las consultas de búsqueda, los patrones de navegación y la interacción social en tiempo real para ofrecer contenido personalizado, que luego se retroalimenta con el comportamiento de búsqueda orgánica.

Esta tendencia no solo refleja el estado de ánimo, sino que lo acelera y, finalmente, lo genera. Highsnobiety señaló algo revelador: algunas de las prendas de color amarillo mantequilla que ahora inundan las tiendas fueron diseñadas hace dos años. El algoritmo no creó este ciclo de color, sino que detectó una señal latente del consumidor que ya circulaba por la cadena de suministro y comprimió lo que podría haber sido una lenta deriva cultural en un momento nacional sincronizado.

El informe de tendencias de consumo de Razorfish para 2026, elaborado a partir de más de 100 fuentes líderes en tendencias, reveló que los consumidores actuales exigen mayor “humanidad” a las marcas que incorporan a sus vidas, y el 63% afirmó que la IA les hace valorar más los productos hechos por humanos.

Sin duda, no es casualidad que la estética artesanal, táctil y cálida esté en auge precisamente cuando el contenido generado por IA se expande. Resulta irónico, entonces, que el color supuestamente humano y cálido que simbolizará el verano de la IA en 2026 sea, precisamente, producto de la recomendación algorítmica.

La investigación académica sobre el color respalda este mecanismo, aunque no siempre las conclusiones que deseamos extraer de él. El estudio longitudinal de SeeMeDesign sobre las tendencias del color y el desempeño económico identificó tres factores principales que impulsan los ciclos de color dominantes: el optimismo, la influencia de los pares y la tecnología.

La investigación concluyó que la tecnología ha superado a los otros dos como principal acelerador. Según el estudio, las tendencias del color “evolucionan junto con los avances tecnológicos” y expresan cada vez más estados psicológicos colectivos antes de que los propios consumidores puedan articularlos.

Qué indica (y qué no) el “amarillo mantequilla” sobre la economía

Aquí es donde la honestidad intelectual exige una nota de cautela. Un metaanálisis de 2025 publicado por Style Analytics analizó 20 años de datos de Google Trends y los comparó con la confianza del consumidor mediante modelos de ecuaciones estructurales. Descubrió que los indicadores de moda más estrechamente correlacionados con la recesión eran las minifaldas y los blazers, no los tonos suaves, cálidos y nostálgicos.

La conclusión del investigador: puede que la gente esté pensando en la recesión y sintiéndose económicamente afectada, pero las señales de la moda no confirman que estemos realmente en una. Según esta interpretación, el amarillo mantequilla expresa ansiedad en lugar de indicar una contracción económica.

Una clase consumidora que siente ansiedad pero sigue gastando no es lo mismo que una clase consumidora en auténtica recesión. Para la nueva generación de padres millennials, la estética de la mantequilla puede ser menos un mecanismo de defensa que una mera representación: el lenguaje visual de la comodidad que emplean personas que gozan de una buena situación económica pero están psicológicamente agotadas tras una década de que les hayan dicho que no deberían estarlo. Es el color de “Yo estoy bien, pero el país está mal”.

Ese replanteamiento cambia la forma en que las marcas deben interpretar la señal. Los minoristas que interpretan el amarillo mantequilla simplemente como un indicador de angustia y saturan la zona con productos de confort asequibles podrían estar malinterpretando a sus propios clientes.

La estrategia más inteligente, en consonancia con la investigación de mercado de Google de 2026, consiste en tratar la estética no como evidencia de fragilidad financiera, sino como evidencia de una demanda emocional: una base de consumidores con capacidad material, pero con una necesidad psicológica de calidez, tranquilidad y la sensación de que el mundo se mueve a un ritmo pausado. En ese sentido, es como la nostalgia que impulsó el color para los algoritmos en primer lugar: un reflejo vacío del recuerdo que intenta evocar.

(c) 2026, Fortune

El vestido rojo de gala que Meghan Markle estrenó en 2020 durante uno de sus últimos actos oficiales en Londres consolidó una tendencia que sigue vigente en la moda de la realeza en la actualidad.

La pieza, firmada por la casa británica Safiyaa, se destaca por su diseño estructurado: cuello redondeado, mangas tipo capa y una silueta recta hasta el suelo, todo en un intenso color rojo.

El impacto visual del modelo, bautizado como Kalika, lo convirtió en referencia para otras figuras de la realeza europea, que han optado por versiones similares en eventos de gala.

El diseño de Safiyaa logró diferenciarse por la capa con efecto cola, recurso que aporta movimiento y sofisticación sin recurrir a ornamentos excesivos.

La elección de Meghan Markle en ese evento, coordinada con el atuendo de su marido, el príncipe Harry, marcó un punto de inflexión en la estética de las galas reales, alejándose de los estilos tradicionales para adoptar una línea más moderna y minimalista.

Luego de la aparición pública de Meghan Markle con el vestido Kalika, otras royals europeas, como la princesa Victoria de Suecia y la princesa Amalia de los Países Bajos, han recurrido a modelos de Safiyaa para ceremonias de alto perfil.

La firma londinense ha mantenido la esencia del diseño original, adaptándolo a diferentes colores y detalles, lo que demuestra la versatilidad y el atractivo duradero de la propuesta.

Actualmente, el vestido con capa sigue presente en la agenda social de la realeza y continúa disponible en tiendas especializadas.

Los looks recientes de Meghan Markle

Vestido recto verde oliva y medias oscuras

En una visita con el príncipe Harry en la Swinburne University of Technolog llevó un vestido sin mangas de corte recto en tono verde oliva, confeccionado en una tela de textura lisa y caída estructurada. El diseño tenía un largo por encima de la rodilla y un escote cerrado.

Combinó el vestido con medias opacas en color negro y zapatos de tacón negro de punta. Llevó el cabello suelto con ondas suaves y raya al medio. Como accesorios, usó un brazalete metálico dorado y anillos discretos. El maquillaje fue natural, destacando una piel luminosa y labios en tono neutro.

Vestido palabra de honor azul marino y accesorios dorados

Meghan Markle apareció en un evento benéfico en Los Ángeles con un vestido palabra de honor en azul marino, realizado en una tela lisa de estructura firme. El vestido se ajustaba al torso y caía de forma recta.

Llevó el cabello recogido en un moño bajo, con un mechón suelto cayendo sobre el rostro, y lució pendientes circulares dorados de gran tamaño. El maquillaje resaltó el acabado luminoso de la piel y los labios en un tono claro.

Vestido largo en tono rosa pálido con detalles en negro

En otro evento, lució un vestido largo en tono rosa pálido, con escote palabra de honor y ribetes negros en el borde superior. La prenda incluía una capa o chal largo en terciopelo negro, que caía desde los hombros hasta el suelo y generaba una cola amplia.

Llevó el cabello recogido en un peinado pulido y utilizó pendientes oscuros colgantes, así como un anillo grande y pulsera a tono con el conjunto. El maquillaje fue discreto y resaltó el acabado uniforme de la piel.

Conjunto verde oliva de pantalón de pinzas y jersey ligero

Meghan Markle utilizó, junto a su hija Lilibet, un conjunto coordinado en tonos verde oliva, conformado por un pantalón de pinzas de talle alto con cinturón fino a juego y un jersey ligero de manga larga.

El pantalón presentaba pliegues marcados y bolsillos laterales. Llevó el cabello recogido en un moño bajo y pulido, sin accesorios visibles en la parte superior.

Traje sastre negro con pantalón ancho

Para la inauguración del “Lost Screen Memorial” en Geneva eligió un traje sastre negro compuesto por un pantalón de corte ancho y una chaqueta de solapa clásica. Debajo de la chaqueta, llevó una prenda negra ajustada. El conjunto se completó con zapatos de tacón negro.

Llevó el cabello recogido en un peinado tirante y utilizó un collar fino y pulsera discreta, además de un maquillaje sobrio y natural.

Camisa azul de rayas verticales y pantalón blanco

Meghan Markle lució una camisa azul de manga larga con rayas verticales blancas, anudada en la cintura para un efecto relajado. Combinó la camisa con un pantalón blanco de corte recto y tiro alto, confeccionado en tela ligera.

Llevó zapatillas blancas y el cabello suelto, peinado con raya al medio. Como accesorios, utilizó un reloj metálico y pendientes pequeños. El maquillaje se mantuvo en tonos neutros y naturales.

Harry Styles se consolidó como una figura central en la escena de la moda internacional, llevando su propuesta estética a cada escenario que despliega su música.

Durante su última gira, el cantante británico se presentó en sus shows con una selección de atuendos que fusionaron la sofisticación de las casas de lujo con una teatralidad que cautiva tanto a fanáticos de la música como a los apasionados del diseño.

El resultado de su estilismo en cada caso es una narrativa visual donde la moda cobra un papel protagónico e inseparable de su propuesta artística.

El artista apostó por un vestuario que dialoga con códigos clásicos del tailoring, reinterpretados bajo una óptica contemporánea y audaz.

El trabajo conjunto con el estilista Harry Lambert se traduce en una curaduría precisa de marcas como Celine, Prada y Calvin Klein, configurando una identidad estilística magnética que ha marcado tendencia internacionalmente.

Cada aparición evidencia un dominio absoluto de la silueta y el color, apoyándose en prendas que exploran el contraste, la textura y la estructura.

Moda de lujo y colaboración creativa

La presencia de firmas de lujo en el vestuario de Harry Styles refuerza su estatus como referente de moda: camisas de seda azul eléctrico de Celine, trajes gráficos de Prada y prendas minimalistas de Calvin Klein conforman el repertorio.

Esta selección no responde únicamente a una cuestión de etiqueta, sino a una búsqueda consciente de piezas con identidad propia y potencial escénico. El estilista Harry Lambert ha sido clave en la construcción de estos looks, eligiendo prendas que potencian la teatralidad sin perder sofisticación.

En cada show, los atuendos se adaptan a la narrativa del concierto, transformando la pasarela en un espectáculo visual. Las texturas, los cortes y los acabados dialogan con la luz artificial del escenario, generando efectos ópticos que resaltan la figura de Styles y su movimiento.

Este despliegue convierte la moda en un elemento narrativo, capaz de reforzar emociones y matices de cada interpretación.

Tailoring relajado y contrastes audaces

Uno de los elementos más distintivos de la propuesta de Harry Styles es el uso del tailoring relajado. Las camisas de seda azul eléctrico, combinadas con pantalones de pinzas extra anchos en tonos oscuros, conforman siluetas fluidas que desafían los límites del clasicismo.

El contraste cromático, como el azul intenso junto a cuellos blancos rígidos, aporta dinamismo y sofisticación, acentuando la presencia escénica del artista.

Esta preferencia por las prendas de corte amplio y relajado no elimina la atención al detalle. Los acabados, las costuras y la elección de materiales nobles reflejan una búsqueda de calidad y confort, sin renunciar al impacto visual. Bajo la luz del escenario, cada textura revela matices distintos, convirtiendo cada atuendo en una pieza viva que evoluciona en movimiento.

Looks emblemáticos y guiños retro

El repertorio de Styles incluye camisas de manga larga en tonos vibrantes, como el amarillo, acompañadas de pantalones grises y tirantes visibles: elementos que evocan épocas pasadas y revitalizan el aire retro en clave contemporánea.

Este guiño nostálgico se refuerza con accesorios como guitarras eléctricas y detalles vintage en los cortes y las combinaciones cromáticas.

La alternancia con camisetas ajustadas en colores intensos, como el rosa neón, pantalones rectos azul marino y calzado deportivo blanco, añade dinamismo y juventud al conjunto.

Los suéteres de punto con estampados artísticos y los trajes con solapas anchas, junto a corbatas de lunares, refuerzan el maximalismo gráfico propio de las casas Prada y Celine.

Los accesorios utilitarios, como micrófonos de diadema y monitores in-ear, se integran de forma natural en la estética general, sumando funcionalidad sin restar estilo.

Cada uno de estos estilismos refuerza la versatilidad de Harry Styles para transitar entre la elegancia clásica y la irreverencia escénica, consolidando su rol como icono de moda.

El uso de prendas de lujo, el tailoring relajado y los guiños a distintas décadas construyen una narrativa visual coherente y siempre inesperada, donde la moda se convierte en parte esencial del espectáculo.

Durante la gira de estrenos de “Spider-Man: Brand New Day”, Zendaya y Tom Holland desplegaron una serie de estilismos que captaron la atención internacional tanto en sus apariciones conjuntas como individuales.

Sus elecciones de moda variaron entre el minimalismo contemporáneo, guiños a la iconografía del superhéroe y apuestas por el lujo relajado, mostrando una sincronía visual que no recurrió a la repetición, sino a la complementariedad.

Cada aparición, ya fuese en alfombra roja, photocall o evento al aire libre, puso en evidencia la estrategia de “couple dressing” más sofisticada de la temporada: coordinación de tonos, guiños gráficos y detalles utilitarios, con marcas de alto perfil y referencias constantes al universo arácnido.

Todos los looks de los actores durante el estreno

En varias de sus apariciones juntos, Zendaya y Holland recurrieron a la coordinación visual sin caer en la literalidad de los atuendos idénticos.

Durante una presentación de la película en Madrid, ambos eligieron el “denim on denim” como declaración de complicidad estilística. Él se presentó con una camisa de jean azul oscuro de Louis Vuitton, con logo bordado, pantalón a juego y camiseta blanca.

Ella apostó por una campera de jean entallada y pantalón de tiro alto, ambos con costuras contrastantes y botones metálicos.

La ejecución de esta tendencia subrayó la individualidad de cada uno, a la vez que mostraba una narrativa visual compartida basada en el lujo relajado de la casa francesa.

La coordinación cromática se repitió en otras ocasiones: en la alfombra roja de Madrid, Holland eligió un conjunto negro de Celine con camisa roja, mientras Zendaya optó por un vestido negro palabra de honor de Christian Cowan.

La paleta de rojo y negro, recurrente en el vestuario de ambos, evocó la iconografía del universo Spider-Man y reforzó la cohesión estilística de la pareja durante la gira, sin recurrir a la simetría exacta.

Para el segundo día en Madrid, Zendaya eligió un vestido rojo de Ernesto Naranjo que dialogó visualmente con otros conjuntos de Holland, manteniendo la coherencia mediante referencias cromáticas y detalles gráficos.

Estos guiños estilísticos, lejos de resultar redundantes, aportaron sofisticación a la tendencia del “couple dressing” en alfombras rojas internacionales.

Estilismos individuales de Tom Holland: minimalismo, sastrería y guiños retro

Tom Holland alternó entre la sastrería moderna y el streetwear de lujo. En una de las apariciones en la gira, en Roma, vistió un conjunto de campera y pantalón de jean azul oscuro, de corte relajado, con camiseta blanca básica y zapatos negros de piel.

Las piezas, identificadas por medios internacionales como de Thom Browne y Prada, exhibieron líneas limpias y ausencia de logotipos, alineándose con las tendencias de minimalismo y workwear.

En un evento al aire libre, en lla Plaza de Colón de Madrid, el actor apostó por una chaqueta negra de cuero de Prada, camisa de cuadros, camiseta blanca y jeans rectos, completando el look con zapatillas blancas. Esta elección, de aire juvenil y retro, evocó la estética de los años 90 y el streetwear masculino de lujo.

Estilismos individuales de Zendaya: utilitarismo, alta costura y monocromía

Zendaya consolidó su estatus de referente de moda internacional a través de una selección de looks que alternaron entre el utilitarismo y la alta costura.

En el photocall de Ámsterdam, Zendaya apostó por una mini falda roja y blazer negro de Louis Vuitton con aplicaciones plateadas en forma de cadena, stilettos blancos y pendientes metálicos de gran tamaño.

El look, parte de la colección Cruise 2027, jugó con contrastes gráficos y la inspiración en la galaxia Spider-Man.

Sobre la alfombra roja, Zendaya eligió un vestido negro palabra de honor de Christian Cowan, de textura aterciopelada y falda asimétrica con flecos.

El peinado efecto mojado y el maquillaje neutro acentuaron la sofisticación del “method dressing”, tendencia que alude a vestir en referencia al personaje o universo de la película.

En otra aparición, durante el estreno de la película en Roma, apareció con un conjunto de dos piezas compuesto por crop top rojo de tirantes y falda tubo azul con detalles de brillo, ambos rematados por franjas rojas en el borde.

Esta elección, que combinó los colores clásicos de Spider-Man, ofreció un homenaje visual directo al universo del superhéroe, mientras el acabado brillante y los zapatos blancos de punta afilada añadieron un guiño “fashion” distintivo y juvenil.

La silueta sencilla y el corte geométrico del top y la falda reforzaron el aire moderno y lúdico, demostrando una vez más la capacidad de Zendaya para conjugar referencias pop con alta moda.

A lo largo de toda la gira, Zendaya y Tom Holland recurrieron a marcas como Louis Vuitton, Celine, Prada, Thom Browne, Christian Cowan y Ernesto Naranjo.

Ambos apostaron por la coordinación de siluetas, colores y detalles gráficos sin caer en la repetición literal, consolidando una narrativa visual basada en la paleta de rojo y negro, la referencia al universo Spider-Man y la sofisticación de las casas de moda internacionales.

El uso de prendas utilitarias, detalles metálicos y guiños retro marcó la gira como una de las apuestas de moda más influyentes y estudiadas del año en el circuito de premieres cinematográficas.