El vestido diseñado por Evangelina Bomparola, se impuso como la pieza central de la noche. De corte asimétrico, una sola manga cubre el hombro derecho mientras que el izquierdo queda al descubierto; del cuello se desprende una tira que lo rodea a modo de choker, con un lazo a tono. La tela, cubierta de cristales, ofrece un efecto luminoso bajo las luces del estudio, y el diseño incluye una abertura lateral pronunciada que nace a la altura del muslo. “Tengo un vestido rojo de seda natural de un hombro con detalle de tablas encontradas y tajo lateral, trabajado con cristales y un lacito acá en el cuello a tono. Muy bonito, muy hermoso, muy delicado”, describió la conductora.

“Este es para gala directamente. Directamente para Navidad, que se acerca”, dijo Viale al momento de lucirlo frente a cámara, antes de agregar que quien no quiera vestirse así, “con dos trapos estamos felices también”.

La propuesta se completó con sandalias plateadas de taco alto tipo plataforma, con una tira fina en el tobillo que acompañó la textura brillante del conjunto. El peinado, obra de Juan Foho para Infinito Estudio, consistió en un medio recogido con ondas. “Me hizo un medio recogido con unas ondas, porque yo tengo mucha onda”, bromeó Viale. El maquillaje estuvo a cargo de Cris Sepúlveda que trabajó en tonos rosados y lilas sobre los párpados, con la piel en acabado luminoso y los labios en tono natural.

Antes de presentar a los invitados de la noche, Viale también hizo referencia a la visita del Papa Francisco a la Argentina. “Mañana llega el Papa, así que está todo, hace ya casi una semana, todo revolucionado. Es complejo para circular, es complejo para estacionar, es complejo existir”, señaló con humor. Y sumó: “Muy, muy felices de que venga el Papa después de treinta y nueve años, más o menos, que vuelve la figura papal a la Argentina”. La agenda pontificia incluye paradas en Luján, Córdoba y Buenos Aires.

La conductora compartió la mesa con el periodista Marcelo Longobardi, el escritor y periodista Jorge Fernández Díaz, el empresario Jorge Brito y el médico clínico Daniel López Rosetti.

Apenas unos días atrás, Juana se metió en la separación de Julieta Prandi y Emanuel Ortega apenas 27 días después de pasar por el registro civil. En La Noche de Mirtha, la conductora había dicho junto al periodista Marcelo Polino: “¿Cómo te separás después de 27 días de casados? No me jodas. No me digas que se desgastó la relación”, y sumó: “¡Qué gastadero de plata al pedo! Está carísimo todo. ¡Ni un mes!”.

Al regresar al aire de su programa radial Sarasa (La 100) tras semanas de silencio, Prandi respondió frente a las cámaras de Intrusos (América TV) que la esperaban a la salida del estudio. “No encuentro autoridad moral para que opine de mi persona ni de la de Emanuel”, afirmó. Cuando el cronista le mencionó puntualmente los dichos de Viale, fue más directa: “Voy a repetir mis palabras: todo aquel que se burla del dolor ajeno merece mi más profunda pena. Me da lástima”.

La modelo dejó en claro que considera que nadie por fuera de una pareja tiene derecho a opinar sobre lo que ocurre dentro de ella. “Las parejas son de a dos, todo el resto es periferia”, afirmó. Y amplió: “Nadie tiene ninguna autoridad para salir a opinar de qué pasó, qué no pasó, qué se dijo, qué no se dijo, cuál era el acuerdo, cuál no era el acuerdo. Está de más que todo el mundo salga a opinar. Me parece que cada uno debería llamarse a silencio”.

En el vertiginoso mundo de las celebridades, donde cada paso por la alfombra roja exige meses de preparación de alta costura, Jennifer Lawrence y Kim Kardashian decidieron romper el guión saliendo de un hotel de cinco estrellas en batas idénticas de terciopelo marrón con capucha y gafas de sol futuristas.

Lejos de ser un descuido de vestuario, la escena capturada por los paparazzi en Nueva York encapsuló una alianza inesperada entre la cúspide del cine de autor y la realeza de la cultura pop y la telerrealidad.

El origen del look coordinado

La imagen muestra a ambas estrellas abandonando el Four Seasons de Manhattan. Aunque entraron al edificio con estilismos individuales completamente distintos, salieron vestidas como un dúo coordinado: batas largas y afelpadas color café con amplias capuchas, pantalones de pijama oscuros con pequeños estampados florales y gafas de sol envolventes de corte deportivo.

Avanzaron tomadas del brazo entre carcajadas evidentes, ajenas a las convenciones habituales del glamur neoyorquino. Este tipo de apariciones públicas suele dividirse entre dos extremos: las estrategias de marketing meticulosamente calculadas o las bromas espontáneas nacidas de una fiesta privada. En este caso, la escena funcionó en ambos niveles. Por un lado, rindió homenaje a la estética de descanso y confort que define a marcas contemporáneas de loungewear; por el otro, materializó una amistad que nació frente a las cámaras de televisión abierta.

De fan declarada a confidente de estilo: la historia de su amistad

Para entender la naturalidad de esta fotografía, es necesario remontarse a la conocida fascinación de Jennifer Lawrence por el universo de las Kardashians.

La actriz ganadora del Óscar nunca ocultó su afición por el programa Keeping Up with the Kardashians, mencionándolo en múltiples entrevistas y reconociendo que veía el reality para relajarse entre rodajes extenuantes.

El momento definitivo de su acercamiento ocurrió cuando Lawrence reemplazó a Jimmy Kimmel como presentadora invitada en su programa de entrevistas nocturno y entrevistó directamente a Kim Kardashian.

Lejos del tono protocolario de las ruedas de prensa habituales, la conversación derivó en una charla entusiasta sobre hábitos, familias y moda.

Durante ese encuentro, Lawrence llegó a sugerir, medio en broma y medio en serio, que Kardashian debía encargarse de su vestuario personal.

La foto en Manhattan parece la culminación humorística de aquella sugerencia: dos amigas que deciden coordinar sus pijamas antes de salir a enfrentarse a los flashes.

El impacto del estilo loungewear en la cultura urbana

Más allá de la anécdota personal, el momento ilustra cómo el estilo loungewear ha conquistado el asfalto. Lo que hace una década se consideraba estrictamente ropa de dormitorio o prendas de descanso para interiores, hoy se reinterpreta como una declaración de moda urbana. Al añadir gafas de sol de diseño y una actitud desenfadada, prendas tan mundanas como una bata o un pijama de terciopelo se convierten en una prenda exterior llamativa.

Las redes sociales reaccionaron de forma inmediata al atuendo conjunto. Los seguidores del entretenimiento celebraron la química natural de la pareja, mientras que analistas de moda destacaron la capacidad de ambas figuras para desarmar el escrutinio de los medios con ironía.

Al uniformarse de pies a cabeza, no solo crearon una barrera visual contra las cámaras, sino que transformaron una simple salida de hotel en un momento viral que dominó las tendencias de estilo en cuestión de minutos.

Máxima Zorreguieta visitó el país africano como defensora especial del secretario general de las Naciones Unidas para la Salud Financiera. Su viaje incluyó encuentros con usuarios de servicios financieros, autoridades estatales, entidades de desarrollo y representantes del sector privado. El objetivo de la misión fue abordar medidas que permitan a las personas administrar gastos cotidianos, afrontar imprevistos y planificar sus finanzas a largo plazo.

La llegada a Kumasi, capital de la región de Ashanti, tuvo una recepción marcada por la música y las vestimentas tradicionales. Máxima se sumó a la danza adowa, una expresión cultural del pueblo asante que se caracteriza por los movimientos de manos y brazos al compás de la percusión. La reina siguió los pasos de las mujeres que integraban la comitiva y recibió aplausos de las autoridades y asistentes presentes en la pista del aeropuerto.

Para esa actividad, eligió un conjunto estampado de dos piezas, compuesto por una blusa de mangas largas y una falda amplia a juego. Ambas prendas llevaban un motivo de arabescos en marrón, blanco y anaranjado. La parte superior incorporaba un cinturón del mismo género en la cintura, que definía la silueta y mantenía la continuidad del dibujo.

El conjunto estampado acompañó el recibimiento en Kumasi

La argentina completó el estilismo con una cartera marrón, pulseras, anteojos de sol y un rodete bajo. La falda amplia le permitió acompañar los pasos de baile sin modificar el carácter formal de la elección. El atuendo contrastó con las fórmulas monocromáticas que suele usar en actividades oficiales y quedó vinculado a uno de los registros más compartidos de la visita.

En Kumasi, Máxima mantuvo una reunión con el Asantehene Otumfuo Osei Tutu II, líder tradicional del pueblo asante, en el Palacio de Manhyia. La agenda también contempló su participación en el festival Awukudae y conversaciones con dirigentes locales sobre el acceso de las comunidades a servicios financieros, mecanismos de ahorro, crédito e instrumentos para afrontar contingencias económicas.

El debut de la visita mostró una falda midi de jean y ballerinas negras

La visita a Ghana había comenzado con un conjunto de líneas más cotidianas. Para una actividad en Accra, la reina llevó una camisa blanca arremangada, con recortes en los hombros, y una falda midi de jean de corte amplio. El diseño presentaba bordados florales y troquelados en el bajo, elementos que sumaron textura a una prenda asociada a un registro informal.

Un cinturón negro de cuero con hebilla dorada marcó la cintura y conectó con el calzado de la jornada. Máxima eligió ballerinas oscuras, en lugar de los stilettos que suele usar en actos públicos, y añadió aretes y anteojos de sol. Llevó el cabello recogido y una cartera clara cruzada sobre el cuerpo.

En ese primer look también incorporó una bufanda multicolor con rojo, amarillo y verde, tonos presentes en la bandera de Ghana. El accesorio se ubicó sobre la camisa blanca y aportó color a una combinación dominada por el azul del jean, el blanco y el negro. La pieza, diseñada por la artista japonesa Yayoi Kusama, procedía de la tienda del Museo Stedelijk de Ámsterdam.

La misión concluyó el 5 de noviembre con reuniones en Accra con el presidente John Dramani Mahama, el ministro de Finanzas, Cassiel Ato Forson, y el gobernador del Banco de Ghana, Johnson Pandit Asiama. Las conversaciones se enfocaron en ampliar el uso de servicios financieros que permitan a hogares y trabajadores enfrentar gastos diarios, emergencias y decisiones de ahorro de largo plazo.

El recuerdo de su otro baile junto a Curazao en el Mundial 2026

Tras el empate 0-0 de Curazao ante Ecuador en el Mundial 2026, Máxima Zorreguieta ingresó al vestuario del seleccionado caribeño junto al rey Guillermo Alejandro. Para la ocasión, llevó una camiseta azul de Curazao con su nombre estampado en la espalda, que sumó sobre el conjunto de sastrería negra que había elegido para la jornada: una americana de crepé de lana, pantalones amplios y un top de punto acanalado naranja terracota.

La reina completó el atuendo con pulseras doradas, un reloj de correa oscura, anillos y el cabello liso peinado hacia un costado. En los camarines, saludó al cuerpo técnico y a los futbolistas antes de sumarse a la celebración. Bailó con los jugadores al ritmo de Mama Wa, del cantante curazoleño Jeon, interpretada en papiamento.

“El contenedor tiene que estar acá un mes antes de lo que lo vas a vender”. Matías lo aprendió tras dos años y medio de ajustes para calzar las importaciones con las temporadas locales. En la charla repasa cómo se formó para operar con proveedores en la otra punta del mundo, qué imprevistos aparecen en el tránsito y en la aduana, y qué tener en cuenta al elegir socios logísticos.

¿Cómo pasaste de la gestión de medios en una multinacional a fabricar ropa?

Estudié Gestión de Medios y Entretenimiento y mi primer trabajo fue en una multinacional del rubro, donde terminé en social media cuando todavía no era tan común. Ahí vi una oportunidad gigante: una marca de ropa de hombre que arrancó en redes y se vendía en un departamento en Belgrano, con remeras estampadas bien disruptivas para una industria bastante chata.

Mi familia estaba en el rubro textil y ahí llegó el espaldarazo para aprender a fabricar y reponer, porque no es soplar y hacer botellas. Del mundo corporativo me llevé trabajar por objetivos, el orden y proyectar a un año, en vez de ver todo tan cortoplacista.

Con la apertura sumaste producción en Asia. ¿Qué cambió en la planificación?

El modelo era de fabricación nacional. Cuando cambió el gobierno, la idea fue estar preparados por si se cumplía todo lo que se anunciaba. Ahí empezó un nuevo juego que interpela a la logística: que todo llegue a tiempo para venderse en cada temporada de Argentina.

Para fabricar acá se necesitan unos seis meses por temporada; desde Asia, mucho más. Hoy se trabaja con un año de anticipación: estoy fabricando el invierno que viene y sacando los contenedores del verano. Si no tenés bien aceitada la logística, estás al horno.

Si a una marca le llega tarde el contenedor, se le hace un agujero financiero, y si lo arrastra en el tiempo la puede fundir. Hubo que aprender a convivir con dos líneas de tiempo, la nacional y la del importado. El primer año fue a los tumbos, el segundo de acomodarse, y recién ahora salen los contenedores a tiempo.

¿Cómo encaraste el aprendizaje para empezar a importar desde China?

Fue 100% autodidacta. Había que hacerlo ya, porque se iba a competir con quienes empezaran a importar y con las marcas que llegaran con el libre mercado: si no me anticipaba, me comían crudo. Antes de subirme al avión me vi todo lo que se te ocurra en una plataforma de videos.

Fue clave ir con un bróker que ayudó a seleccionar bien las fábricas. En la feria de Cantón tenés buenos proveedores y también chantas. Estás a 12 horas de diferencia y a 32 horas de vuelo, no podés ir hasta la fábrica a charlar. Hay que ir con respaldo y entender cómo trabajan, porque culturalmente somos diferentes.

¿Qué imprevistos aparecen en el tránsito y cómo conviene anticiparse?

Te dicen 30 días de muestras, 60 de producción y tal día te lo pongo en el barco. Calculale 10, 15 o 20 días más, porque la producción se atrasa. Y a veces pasa algo grave, como dos tifones en China justo cuando tenían que salir las cargas.

Por eso, anticípense. El contenedor tiene que estar acá un mes antes de lo que lo vas a vender, porque está la nacionalización y hay que sacarlo del puerto. En indumentaria, además, el etiquetado tiene que estar perfecto para que salga de una.

Las primeras cargas van a canal rojo, y eso es lo normal: es verificación total, te abren cajas aleatorias y lo que declaraste tiene que coincidir con lo que hay. Después, cuando te vas acomodando, capaz sacás un contenedor en canal verde: ya sos más confiable para el sistema y las cargas salen más fácil.

¿Qué hay que tener en cuenta al elegir a los proveedores de logística internacional?

Cuando termina la producción te dicen que va a tal puerto. ¿Quién lo carga, qué empresa se hace responsable, qué pasa con los seguros? Al principio se trabajó con conocidos de confianza que ya traían, aunque hasta no ver el contenedor descargándose en la puerta de la fábrica, nada era confianza.

También hay que entender las modalidades: se traen contenedores completos y carga suelta, que es compartir el contenedor con otros, porque con las gorras, por ejemplo, no llegás a llenar uno. Cada contenedor es mucha plata y uno llegó a quedar varado en Brasil. El tema de la logística es el ABC para que el negocio siga siendo rentable y saludable financieramente.

¿Qué peso tuvieron el canal online y la lectura de tendencias en el crecimiento?

La pandemia fue un punto de quiebre. Cuando muchas marcas de ropa ni vendían online, la tienda ya estaba aceitada, y con todo el mundo en su casa mirando el celular era el momento de meterse ahí. La marca explotó: desde la salida de la pandemia hasta 2025 se abrieron 13 locales.

Los mercados que más consumen migraron de Occidente a Oriente, y Asia pesa cada vez más en cómo se consume. Hace dos años y medio vi en China el live shopping dentro de los locales, y hoy empieza a llegar a Latinoamérica. Si no te sumás a tiempo, el costo de entrada es mucho más alto.

¿Qué consejo le dejarías a quien tiene una marca con producción manufacturera?

Súbanse a un avión, vayan a Asia y entiendan que el mundo está fabricando allá. Lo que se fabrica afuera hoy no se puede hacer acá, y podés importar bueno, bonito y barato, o mega lujo y mega calidad. Ese viaje te abre la cabeza para entender cómo se mueve el mundo y su logística. Allá están viviendo en el 2050 y nosotros estamos en el 2026.

La alfombra roja de la Met Gala 2027 tendrá como punto de partida prendas que forman parte del vestidor diario. La próxima edición estará vinculada con “extraORDINARY: Fashion and the Poetics of the Everyday”, la exhibición del Costume Institute que analizará cómo diseñadores transforman jeans, remeras, camisas, impermeables y materiales reutilizados en piezas de moda.

El anuncio desplaza la atención de las referencias históricas o de los grandes códigos de gala hacia gestos más cercanos: una camiseta blanca, un pantalón de denim, una campera acolchada o un objeto descartado pueden convertirse en el eje de una prenda. La muestra propone revisar qué se considera valioso en la moda y qué lugar ocupan la reconstrucción y el reaprovechamiento de materiales.

La gala se celebrará el 3 de mayo en el Metropolitan Museum of Art, en Nueva York. Seis días más tarde, el 9, abrirá al público la exposición, que permanecerá disponible hasta el 9 de enero de 2028.

La muestra llevará las prendas reconocibles al centro de la escena

El proyecto estará a cargo de Andrew Bolton, curador responsable del Costume Institute, junto con Stephanie Kramer y Emily Mushaben. La exposición se organizará en torno a dos líneas: las reinterpretaciones de prendas habituales y el uso de materiales comunes, incluso aquellos considerados desechables.

La primera sección, titulada “Familiar Forms”, reunirá intervenciones sobre siluetas conocidas. Allí aparecerán camisetas de Virgil Abloh para Off-White, camisas blancas de Gianfranco Ferré, gabardinas de Jonathan Anderson para Loewe y piezas de Burberry, además de vestidos acolchados creados por Pierpaolo Piccioli para Moncler.

En lugar de presentar a esos objetos como básicos inalterables, la propuesta se concentrará en el trabajo de construcción, escala, textura y materialidad que cambia su lectura. También incluirá diseños de Matthieu Blazy para Bottega Veneta, entre ellos prendas que aparentan ser de algodón o denim, aunque fueron confeccionadas en cuero.

Papel, plástico y aluminio también tendrán lugar en “extraORDINARY”

El segundo núcleo de la exhibición, “Common Matter”, abordará el uso de materiales reciclados y objetos encontrados. Papel, aluminio, plástico y elementos de vajilla integrarán el recorrido a través de diseños que modifican el sentido original de esos materiales.

Maison Margiela tendrá una presencia destacada en esa sala, dedicada a piezas construidas desde la reutilización y la reconstrucción. Entre las obras previstas figura un vestido de papel de Comme des Garçons y un corsé elaborado con cubiertos, dos ejemplos que sitúan la destreza técnica por encima del valor comercial de la materia prima.

Bolton explicó a Vogue que una prenda de papel puede exigir tanto trabajo como un vestido de seda. La pregunta que atraviesa la muestra es qué se desecha, qué se conserva y bajo qué criterios un objeto adquiere valor dentro de la moda.

La entrada de la exposición estará marcada por diseños de Jun Takahashi, pertenecientes a la colección otoño 2024 de Undercover. Esa propuesta tomó como referencia la película Perfect Days, de Wim Wenders, centrada en las rutinas de un trabajador de Tokio, y trasladó esa observación de la vida diaria a prendas intervenidas mediante capas y collages.

El cierre estará dedicado a Kunihiko Morinaga, diseñador de Anrealage. Sus piezas transforman impermeables y gabardinas mediante proporciones alteradas y formas geométricas, con un enfoque que conserva prendas reconocibles mientras modifica su estructura.

La escenografía será desarrollada por el estudio londinense 1009. Según adelantó Bolton, el montaje buscará incorporar el movimiento de quienes recorran las salas como parte de la experiencia de la muestra.

La edición “extraORDINARY” ocupará el lugar de la muestra dedicada a John Galliano que el museo había anunciado para 2027 y luego canceló. Bolton señaló que la nueva exposición debía sostener una ambición conceptual propia, sin funcionar como una alternativa de menor alcance.

La elección también dialoga con “Costume Art”, la exhibición del Costume Institute de 2026, que colocó al cuerpo vestido en el centro de la experiencia estética. Para 2027, el foco se trasladará a la relación cotidiana con la ropa: el hábito, el contacto, el movimiento y las prendas que suelen pasar inadvertidas.

Cuando las puertas del vehículo se abrieron en plena noche de Nueva York, las cámaras no captaron una simple tela de fiesta, sino una auténtica armadura orgánica en movimiento. Kim Kardashian paralizó la alfombra de la premiere de All’s Fair enfundada en una pieza personalizada de Ashi Studio Couture, curada junto a su estilista Law Roach. Aquella silueta rompía cualquier molde convencional: una escultura de alta costura que fusiona la rigidez del blindaje medieval con una deconstrucción casi fantasmal, demostrando cómo una prenda puede convertir el cuerpo femenino en un lienzo arquitectónico imponente.

El corazón de la propuesta radicó en su estructura anatómica milimétrica. En lugar de ajustarse pasivamente a la figura, el vestido redefinió la silueta mediante un corsé rígido hiperestructurado que llevó la clásica forma de reloj de arena a su máxima expresión. Las costuras y varillas internas moldearon el torso con una firmeza implacable, acentuando la cintura de manera dramática antes de abrirse hacia unas caderas pronunciadas.

En la parte superior, la prenda se coronó con un escote corazón pronunciado que contó con copas armadas a medida, capaces de sostener y definir el busto con precisión geométrica sin necesidad de tirantes. A partir del talle bajo, la tensión del corsé se disolvió gradualmente en una silueta sirena que acompañó las piernas hasta el suelo, rematada por una falda que se desplegó hacia atrás en una cola fluida y majestuosa que barrió el pavimento a cada paso.

Fusión de materiales antagónicos: efecto reptil y encaje translúcido

Lo que verdaderamente elevó el diseño fue el juego táctil y visual entre materias primas radicalmente opuestas. En la zona central del torso y bajando en paneles lineales, la tela imitó una textura de piel de cocodrilo lacada con un acabado brillante que refleja los flashes de la prensa, dotando al atuendo de un aire salvaje, protector e industrial.

Esa coraza sólida convivió armoniosamente con paños de encaje delicado y translúcido ubicados en los laterales y la base de la falda. Estas transparencias estratégicas dejaron entrever la piel con sutileza, restándole pesadez al conjunto y aportando un romanticismo gótico que equilibró la dureza del relieve escamado. El dinamismo lo aportaron decenas de tiras largas y flecos deshilachados que nacieron desde los hombros, el torso y la cintura, cayendo en cascada libre hasta el suelo. Este recurso deconstructivo rompió la rigidez del moldeado y generó un efecto cinético hipnótico con cada movimiento.

El dramatismo de la pieza no concluyó en el frente. Al girar, el vestido presentó una espalda completamente descubierta que descendió de manera limpia hasta el nacimiento de la cadera. Esta amplia apertura creó un contraste directo entre la vulnerabilidad de la piel expuesta y la aparente invulnerabilidad de la armadura frontal.

En la zona posterior, los paneles verticales condujeron la mirada directamente hacia la base de la falda, donde se integró un eje texturizado que mantuvo la forma de la cola. Esta confección aseguró que el drapeado del encaje y los flecos no se apelmacen, conservando una caída pulcra y deliberadamente teatral.

La elección cromática reforzó así la atmósfera vanguardista de la obra: una paleta monocromática en tono gris cemento o hielo que prescindió de dorados o negros tradicionales. Este color mineral centró toda la atención en los volúmenes, los brillos de la superficie sintética y el entramado del encaje, evocando una estética gótica contemporánea.

Para rematar el estilismo de Kardashian, se incorporó un choker rígido a juego alrededor del cuello, elaborado con el mismo material texturizado del corsé, que actúa como el cuello alto de una coraza moderna. Con un peinado recogido pulido de raya al medio y un maquillaje de sombras neutras en la mirada, todo el conjunto de la empresaria respiró coherencia estética, reafirmando a ella y Ashi Studio como referentes indiscutibles en la vanguardia de la moda actual.

El Metropolitan Museum of Art confirmó que la Gala del Met 2027 tendrá como tema “extraORDINARY: Fashion and the Poetics of the Everyday”, una propuesta centrada en prendas cotidianas y materiales comunes transformados por el diseño, que reemplaza la exhibición dedicada a John Galliano tras la controversia que derivó en su cancelación.

El anuncio fue realizado por el Museo Metropolitano de Arte junto con Vogue, y la muestra estará organizada por Andrew Bolton, curador a cargo del Costume Institute.

La exhibición abrirá al público el 9 de mayo de 2027, luego de la gala del 3 de mayo, y podrá visitarse hasta el 9 de enero de 2028.

La propuesta original para ese año era “John Galliano: Horizons”, anunciada a fines de julio. Semanas después, el museo decidió no avanzar con ella ante el rechazo público provocado por los antecedentes del diseñador británico.

En 2011, Galliano fue despedido de Christian Dior tras una serie de episodios antisemitas y racistas, y un tribunal francés lo halló culpable de conducta antisemita ese mismo año, imponiéndole una multa suspendida de USD 8.400.

En agosto, el propio diseñador emitió un comunicado en el que reconoció que “la expiación genuina no se logra a través de una exhibición, el reconocimiento institucional o un único gesto público. Es una responsabilidad continua, demostrada a través de la escucha, el aprendizaje y la conducta a lo largo del tiempo”.

Bolton fue claro respecto del desafío que implicó armar una propuesta desde cero. “No tenía un plan B”, admitió en declaraciones a Vogue. “Era muy importante llegar a una exhibición que no fuera solo una muestra de obras maestras o algo que pudiéramos hacer con más facilidad. Quería que fuera tan desafiante, provocadora y hermosa como lo habría sido una muestra de John”.

El curador señaló que la exhibición retoma el hilo de “Costume Art”, la muestra del Costume Institute de 2026, que colocó al cuerpo vestido en el centro de la experiencia estética.

“Supongo que eso me llevó a pensar más en cómo experimentamos la ropa en la vida cotidiana, a través del hábito, el tacto, el movimiento y la sensación”, dijo a Vogue.

Met Gala 2027: qué es “extraORDINARY” y cómo será la nueva exhibición

“extraORDINARY” explorará el tema desde dos ejes: por un lado, la elevación de prendas arquetípicas como camisetas, jeans y puffers; por otro, la transformación de materiales descartables —papel, aluminio, plástico— en arte que puede usarse.

La sección “Familiar Forms” examinará intervenciones sobre prendas comunes: las camisetas de Virgil Abloh para Off-White, las camisas blancas de Gianfranco Ferré, las trincheras de Jonathan Anderson en Loewe y en Burberry, y los vestidos de plumas de Pierpaolo Piccioli para Moncler, patrocinador principal de la muestra.

“Common Matter”, en tanto, explorará el potencial de materiales de desecho convertidos en prendas reales, con Margiela como figura central.

Bolton reflexionó sobre los valores detrás de la propuesta: “¿Qué pasamos por alto, qué descartamos, qué hace que algo valga la pena conservar?”, dijo a Vogue. “Creo que la moda se asocia tan frecuentemente con la búsqueda de lo nuevo y lo efímero que me interesa genuinamente cómo pueden surgir posibilidades al volver a las cosas familiares”.

La exhibición abrirá con prendas de Jun Takahashi de su colección Undercover otoño 2024, inspirada en Perfect Days, la película de Wim Wenders sobre la belleza de la vida cotidiana.

Bolton explicó a Vogue que esas piezas “le dan a la exhibición un punto de partida verdaderamente humano”.

El cierre estará a cargo de Kunihiko Morinaga, de Anrealage, con geometrías y proporciones que convierten impermeables y trencas en objetos de asombro, según describió el curador.

“Los gestos silenciosos tienen mucho más significado que los gestos más ruidosos”, dijo Bolton a Vogue. “El alarde —deberíamos mirar lo opuesto a eso”.

“extraORDINARY” contará con el patrocinio de Instagram, financiamiento principal de Moncler y apoyo adicional de Condé Nast. El diseño escenográfico estará a cargo del estudio londinense 1009.

“El contenedor tiene que estar acá un mes antes de lo que lo vas a vender”. Matías lo aprendió tras dos años y medio de ajustes para calzar las importaciones con las temporadas locales. En la charla repasa cómo se formó para operar con proveedores en la otra punta del mundo, qué imprevistos aparecen en el tránsito y en la aduana, y qué tener en cuenta al elegir socios logísticos.

¿Cómo pasaste de la gestión de medios en una multinacional a fabricar ropa?

Estudié Gestión de Medios y Entretenimiento y mi primer trabajo fue en una multinacional del rubro, donde terminé en social media cuando todavía no era tan común. Ahí vi una oportunidad gigante: una marca de ropa de hombre que arrancó en redes y se vendía en un departamento en Belgrano, con remeras estampadas bien disruptivas para una industria bastante chata.

Mi familia estaba en el rubro textil y ahí llegó el espaldarazo para aprender a fabricar y reponer, porque no es soplar y hacer botellas. Del mundo corporativo me llevé trabajar por objetivos, el orden y proyectar a un año, en vez de ver todo tan cortoplacista.

Con la apertura sumaste producción en Asia. ¿Qué cambió en la planificación?

El modelo era de fabricación nacional. Cuando cambió el gobierno, la idea fue estar preparados por si se cumplía todo lo que se anunciaba. Ahí empezó un nuevo juego que interpela a la logística: que todo llegue a tiempo para venderse en cada temporada de Argentina.

Para fabricar acá se necesitan unos seis meses por temporada; desde Asia, mucho más. Hoy se trabaja con un año de anticipación: estoy fabricando el invierno que viene y sacando los contenedores del verano. Si no tenés bien aceitada la logística, estás al horno.

Si a una marca le llega tarde el contenedor, se le hace un agujero financiero, y si lo arrastra en el tiempo la puede fundir. Hubo que aprender a convivir con dos líneas de tiempo, la nacional y la del importado. El primer año fue a los tumbos, el segundo de acomodarse, y recién ahora salen los contenedores a tiempo.

¿Cómo encaraste el aprendizaje para empezar a importar desde China?

Fue 100% autodidacta. Había que hacerlo ya, porque se iba a competir con quienes empezaran a importar y con las marcas que llegaran con el libre mercado: si no me anticipaba, me comían crudo. Antes de subirme al avión me vi todo lo que se te ocurra en una plataforma de videos.

Fue clave ir con un bróker que ayudó a seleccionar bien las fábricas. En la feria de Cantón tenés buenos proveedores y también chantas. Estás a 12 horas de diferencia y a 32 horas de vuelo, no podés ir hasta la fábrica a charlar. Hay que ir con respaldo y entender cómo trabajan, porque culturalmente somos diferentes.

¿Qué imprevistos aparecen en el tránsito y cómo conviene anticiparse?

Te dicen 30 días de muestras, 60 de producción y tal día te lo pongo en el barco. Calculale 10, 15 o 20 días más, porque la producción se atrasa. Y a veces pasa algo grave, como dos tifones en China justo cuando tenían que salir las cargas.

Por eso, anticípense. El contenedor tiene que estar acá un mes antes de lo que lo vas a vender, porque está la nacionalización y hay que sacarlo del puerto. En indumentaria, además, el etiquetado tiene que estar perfecto para que salga de una.

Las primeras cargas van a canal rojo, y eso es lo normal: es verificación total, te abren cajas aleatorias y lo que declaraste tiene que coincidir con lo que hay. Después, cuando te vas acomodando, capaz sacás un contenedor en canal verde: ya sos más confiable para el sistema y las cargas salen más fácil.

¿Qué hay que tener en cuenta al elegir a los proveedores de logística internacional?

Cuando termina la producción te dicen que va a tal puerto. ¿Quién lo carga, qué empresa se hace responsable, qué pasa con los seguros? Al principio se trabajó con conocidos de confianza que ya traían, aunque hasta no ver el contenedor descargándose en la puerta de la fábrica, nada era confianza.

También hay que entender las modalidades: se traen contenedores completos y carga suelta, que es compartir el contenedor con otros, porque con las gorras, por ejemplo, no llegás a llenar uno. Cada contenedor es mucha plata y uno llegó a quedar varado en Brasil. El tema de la logística es el ABC para que el negocio siga siendo rentable y saludable financieramente.

¿Qué peso tuvieron el canal online y la lectura de tendencias en el crecimiento?

La pandemia fue un punto de quiebre. Cuando muchas marcas de ropa ni vendían online, la tienda ya estaba aceitada, y con todo el mundo en su casa mirando el celular era el momento de meterse ahí. La marca explotó: desde la salida de la pandemia hasta 2025 se abrieron 13 locales.

Los mercados que más consumen migraron de Occidente a Oriente, y Asia pesa cada vez más en cómo se consume. Hace dos años y medio vi en China el live shopping dentro de los locales, y hoy empieza a llegar a Latinoamérica. Si no te sumás a tiempo, el costo de entrada es mucho más alto.

¿Qué consejo le dejarías a quien tiene una marca con producción manufacturera?

Súbanse a un avión, vayan a Asia y entiendan que el mundo está fabricando allá. Lo que se fabrica afuera hoy no se puede hacer acá, y podés importar bueno, bonito y barato, o mega lujo y mega calidad. Ese viaje te abre la cabeza para entender cómo se mueve el mundo y su logística. Allá están viviendo en el 2050 y nosotros estamos en el 2026.

Ricky Sarkany y Zaira Nara presentaron una cápsula exclusiva de calzado para el verano, integrada por una ojota con taco y una sandalia con taco chino. La colección, denominada Sarkany x ZN, reúne dos siluetas y propone al acrílico como uno de sus materiales centrales, con transparencias y una paleta que incluye tonos asociados a la temporada.

El acrílico aparece en la ojota con taco, un modelo de estética minimalista y silueta contemporánea. El material aporta transparencias y liviandad al diseño. La pieza está en verde, celeste, marrón carey y negro.

La segunda propuesta de la cápsula es una sandalia con taco chino de acrílico. El modelo fue pensado para distintos momentos del verano, tanto durante el día como por la noche.

En un video de la campaña, Zaira Nara y Ricky Sarkany hicieron un juego para adivinar cuál era el modelo favorito del otro dentro de la colección. Sarkany eligió la sandalia y dijo: “El zapato favorito de la cápsula de Zaira es este”.

Nara coincidió con la elección. “En todas las reuniones yo les digo: ‘Muero por este’”, afirmó. Además, destacó la altura del taco, la estampa y la comodidad.

Luego, Nara eligió la ojota como el diseño favorito de Sarkany. “Para mí, son estos los favoritos tuyos”, le dijo y él respondió: “Sí, a mí me encanta el agua”. La modelo la definió como una “ojota para todos los días”, en una versión para salir, y remarcó la comodidad y la altura que aporta el taco. Sarkany agregó: “Aparte, diseñado por Zaira”.

El proceso creativo compartido comenzó hace aproximadamente un año

La colaboración entre Sarkany y Nara se desarrolló durante cerca de un año. El proceso incluyó conversaciones, búsqueda, desarrollo y trabajo conjunto para llevar la idea inicial a los dos modelos de calzado de la cápsula.

“¿Qué decirles? Estoy emocionadísima. Soy fanática de Ricky Sarkany, de toda la familia Sarkany, pero sobre todo de sus zapatos”, expresó Nara. La modelo y conductora definió el proyecto como “el sueño cumplido de cualquier mujer: tener su propia colección”.

También agradeció a la familia Sarkany por la oportunidad y manifestó su expectativa frente a la recepción de los productos: “Así que gracias por ser tan generosos conmigo. ¡Ojalá agotemos para que quieran hacer muchas más!”.

Por su parte, Sarkany se refirió al tiempo que demandó la iniciativa. “Uno se imagina que se juntaron e hicieron esto, pero no. Es un proceso que llevó varios meses. Estamos hace un año ya”, sostuvo.

El diseñador agregó: “Lo que ustedes ven en un simple posteo, para nosotros son horas y horas de trabajo. Soñamos mucho y ese sueño un día se hace realidad. Y ese día es hoy”.

La propuesta combina diseño, personalidad y tendencias en dos modelos desarrollados junto a la modelo y conductora. El lanzamiento coincide con Cyber Sarkany, que ofrece hasta 60 % de descuento, 10 % extra y hasta 12 cuotas sin interés con Galicia.

Cada modelo de Sarkany x ZN se entrega con un packaging exclusivo que incorpora un llavero y un neceser. El accesorio fue diseñado para acompañar los días de playa y para llevar las ojotas.

La compra de la colección también incluye Lumi Glotion, de L’Oréal Paris, un iluminador para sumar luminosidad a la piel durante el verano.

Con dos modelos, cuatro variantes de color y una serie de accesorios incluidos, la colaboración propone distintas formas de llevar el calzado durante la temporada de verano 2026/2027.

Pinterest pasó años posicionándose como un sistema de alerta temprana sobre lo que los consumidores jóvenes querrán después. La plataforma comenzó como un tablero digital para guardar y compartir ideas sobre moda, decoración del hogar y casi todas las demás categorías de gusto personal. Ahora empaqueta esos datos en un pronóstico anual que los especialistas en marketing siguen de cerca.

En diciembre de 2025, Pinterest lanzó Pinterest Predicts 2026, su mirada anual sobre las tendencias que espera que despeguen durante los próximos 12 meses.

El informe se basa en miles de millones de búsquedas y guardados, y mide cómo cambió el interés de búsqueda entre septiembre de 2024 y agosto de 2025. La compañía afirma que el 88% de sus predicciones de los últimos seis años se hicieron realidad.

La revisión de este año señaló 21 tendencias de moda, belleza, hogar, comida y viajes. Incluyen Brooched, que predijo que los hombres baby boomers y millennials comenzarían a usar como accesorios broches heredados y prendedores vintage, y Funhaus, una apuesta por la decoración del hogar inspirada en circos vintage.

Otra es Gimme Gummy, un deseo por texturas blandas, parecidas a la gelatina, en todo, desde caramelos hasta fundas para teléfonos.

Con el año casi terminado, ¿cómo se están sosteniendo esas predicciones?

Los broches pasaron de los tableros de Pinterest a la pasarela

Los broches parecen una de las victorias más claras de Pinterest. En su informe original, Pinterest señaló que las búsquedas de “broche para traje de hombre” aumentaron un 90% y las de “joyería heredada” crecieron un 45%, según National Jeweler.

El interés continuó creciendo desde entonces. Los datos de Pinterest Trends muestran que el término de búsqueda “ideas de atuendos con broches” subió de forma sostenida desde junio y alcanzó un puntaje de interés de 92 sobre 100 a comienzos de octubre.

El término de búsqueda “broches artesanales de tela” llegó a 87 a principios del mes pasado. En Google, las búsquedas de “broche” alcanzaron un puntaje máximo de 100 en febrero de 2026, según Google Trends.

Los diseñadores también lo advirtieron. Los broches fueron una de las historias destacadas de joyería en las pasarelas de otoño/invierno de 2026, según British Vogue.

Aparecieron en el desfile de Giorgio Armani en Milán, donde hicieron referencia a los signos del zodíaco del fallecido diseñador y de su sobrina y sucesora, Silvana Armani. También se vieron en Ralph Lauren y Tory Burch en Nueva York.

Funhaus es una de las apuestas más peculiares del informe. Pinterest afirmó que las búsquedas de “interior de circo” crecieron un 130% durante su período de medición. También informó un aumento del 70% en “estética de circo vintage” y un salto del 50% en “habitación infantil de circo”, y predijo que los baby boomers y millennials liderarían la tendencia, informó Axios.

Desde entonces, la tendencia encontró al menos un famoso seguidor. El actor Richard E. Grant es conocido por Withnail and I (Withnail y yo), su papel nominado al Oscar en Can You Ever Forgive Me? (¿Podrás perdonarme?) y, más recientemente, Saltburn.

Hace poco publicó en Instagram una foto de una cena en su casa con invitados que incluían a Helena Bonham Carter y Christine Baranski. El escenario era un comedor decorado con máscaras de circo de gran tamaño, banderines, guirnaldas y luces de colores, informó Ideal Home.

Las tendencias de Pinterest importan para las marcas

Los pronósticos de Pinterest tienen peso entre los especialistas en marketing porque gran parte de su audiencia es joven y está lista para comprar. Pinterest afirma que la Generación Z impulsa el 67% de sus tendencias de 2026, y la compañía convirtió a esa generación en el centro de su estrategia.

El director ejecutivo Bill Ready contó a Fortune el año pasado cómo una decisión que hundió las acciones ayudó a convertir a la plataforma en una ganadora entre la Generación Z. Se proyecta que el poder de gasto global de la Generación Z alcance los USD 12 billones para 2030, según un informe de 2024 de NielsenIQ y World Data Lab.

Lo que es popular en internet moldea cada vez más lo que termina en los estantes de las tiendas, mientras las marcas corren para satisfacer la demanda que crean las estéticas virales.

Quizás el ejemplo definitorio sea la estética “clean girl”, de cabello peinado hacia atrás, piel luminosa y maquillaje mínimo. Hailey Bieber ayudó a popularizar el estilo alrededor del momento en que lanzó su marca de cuidado de la piel Rhode en junio de 2022.

Rhode se convirtió rápidamente en la marca de belleza minimalista elegida por la Generación Z. En mayo de 2025, e.l.f. Beauty acordó adquirirla en un acuerdo valorado en hasta USD 1.000 millones.

Rhode había generado USD 212 millones en ventas netas durante los 12 meses previos al acuerdo, y el director ejecutivo de e.l.f. presentó la compra como una apuesta por la Generación Z y la Generación Alfa.

Los moños se convirtieron en un manual de juego para el comercio minorista

Los motivos de moños y cintas que se extendieron por las categorías de consumo desde 2024 ofrecen otro caso de estudio y otro acierto de Pinterest. El informe Predicts 2024 de la compañía, publicado en diciembre de 2023, pronosticó una tendencia de “Bow Stacking” después de que las búsquedas de “atuendo con moño” crecieran un 190%, informó FashionUnited.

La tendencia recibió otro impulso a mediados de 2024, cuando la tercera temporada de Bridgerton, de Netflix, alimentó una ola de moda inspirada en la Regencia en TikTok, que incluyó cintas, moños, encaje y trenzas.

Para agosto de 2024, el informe de tendencias de otoño de Pinterest mostró que las búsquedas de “diseños de uñas con moños” habían aumentado un 2.220% y las de “bolso de moño tejido a crochet” crecieron un 975%.

Los minoristas se movieron para capitalizarlo. Pacsun trabajó con Pinterest para analizar los datos de búsquedas y pines. En julio de 2024 lanzó su campaña de regreso a clases “Better in Baggy”, que incluyó una línea ampliada de denim adornado con moños, strass, estampado de leopardo y parches, informó Retail TouchPoints.

Su apuesta por la tendencia más amplia de prendas holgadas dio resultado. Los estilos baggy y de ajuste holgado pasaron de representar cerca del 8% de las ventas de denim de Pacsun al 80% en un solo año, según Glossy.

(c) 2026, Fortune

La alfombra roja de los CFDA Awards 2026 reunió en el American Museum of Natural History de Nueva York propuestas que fueron del dorado y los diseños de archivo al denim. La ceremonia, conducida por Keke Palmer, tuvo como código de vestimenta el “American Black Tie” y puso el foco en creaciones de firmas estadounidenses e internacionales.

Entre los estilismos hubo conjuntos de Saint Laurent, piezas a medida y prendas recuperadas de colecciones anteriores. Estas fueron las elecciones de las celebridades que asistieron a la gala.

Hailey Bieber

Después de nueve años sin asistir a estos premios, Hailey Bieber apareció con una creación dorada de Saint Laurent diseñada por Anthony Vaccarello. El conjunto estuvo formado por un top de brocado con puños de pelo sintético, un cinturón con hebilla floral y una falda midi de referencias barrocas. La combinación de texturas concentró el efecto metálico en las prendas y dejó el calzado en un segundo plano.

Demi Moore

Demi Moore usó un vestido a medida de GapStudio, creado por Zac Posen a partir de cinturillas de jeans índigo superpuestas. El diseño construyó un corpiño de efecto corsé con escote halter, una falda de tiro bajo, abertura frontal y cola. Completó el atuendo con un bolso de jean diseñado por Reed Krakoff, zapatos de gamuza y pendientes largos de diamantes.

Lili Reinhart

Lili Reinhart eligió un vestido con flecos reflectantes de la colección primavera-verano 2027 de Monse. La actriz añadió un collar de diamantes de talla triangular de más de 26 quilates, una de las joyas más visibles de la noche. La pieza de alta joyería, valuada en USD 107.000, ocupó el centro del estilismo.

Allison Janney

Allison Janney vistió un diseño fucsia de cuello alto de Christian Siriano. Las mangas de satén de volumen marcado y la caída tipo capa sobre los brazos definieron la silueta del vestido. La actriz mantuvo los accesorios en una línea discreta para sostener el protagonismo del color y la construcción de la prenda.

Keke Palmer

La anfitriona Keke Palmer llevó un vestido dorado bordado de Bob Mackie que perteneció a Raquel Welch. La actriz había estrenado la pieza en 1975 durante una presentación junto a Cher, por lo que el atuendo incorporó una prenda histórica a la alfombra roja. El bordado de pedrería y el tono dorado dialogaron con una de las tendencias de la noche.

Zoë Kravitz

Zoë Kravitz apareció con un body dorado de espalda descubierta y una falda midi ajustada de lamé, ambos de Saint Laurent. Añadió pendientes florales como único contraste frente al acabado metálico del conjunto. El diseño, firmado por Anthony Vaccarello, se apoyó en una silueta recta y en el brillo del tejido.

Emily Ratajkowski

Emily Ratajkowski llevó un conjunto de Tory Burch compuesto por un suéter negro de manga larga, una falda naranja de tiro bajo y botas negras de cuero de punta fina. La modelo eligió una combinación que remitió a las proporciones de comienzos de los años 2000 y prescindió de joyas llamativas. El contraste entre el punto oscuro y la falda de color definió su aparición.

Pamela Anderson

Pamela Anderson apostó por un vestido negro halter de Carolina Herrera. La pieza incluyó una falda hasta los tobillos, cintura marcada y un fleco de plumas con brillo alrededor del escote. La actriz lo combinó con zapatos adornados, un bolso de satén y labial rojo, elementos que acompañaron el carácter de gala del diseño.

Matt Damon y su hija Isabella Damon

Matt Damon llegó junto a su hija Isabella Damon, quien usó un vestido de Luar en tono plateado, de manga larga y con un entramado geométrico de calados y flecos. El actor vistió un esmoquin de Ralph Lauren Purple Label, con camisa blanca y moño negro. La elección de Isabella sumó una silueta de inspiración metálica al predominio del dorado y el negro en la gala.

Donatella Versace

Donatella Versace asistió con un traje sastre negro de su firma, Versace. La diseñadora eligió una chaqueta de líneas rectas y pantalón a juego, una alternativa al vestido largo que mantuvo el código formal de la noche. El conjunto se completó con accesorios y calzado negros, en sintonía con una paleta monocromática.

Megan Thee Stallion

Megan Thee Stallion vistió una creación de Kim Shui en bordó con transparencias y un aplique floral. La elección puso a la cantante entre las invitadas que respaldaron a firmas estadounidenses durante la ceremonia. El atuendo fue uno de los diseños de autor que se vieron en la alfombra roja, donde las siluetas de gala convivieron con propuestas de construcción más experimental.

Naomi Osaka

Naomi Osaka eligió un diseño de Miss Claire Sullivan, firma de la diseñadora Claire Sullivan. La tenista fue una de las presentadoras de la noche y trasladó a la alfombra roja una propuesta de autor vinculada a la moda estadounidense contemporánea. El vestido a lunares blanco y negro incorporó una silueta de gala con estructura y volumen, rasgos habituales del trabajo de la marca.

Anna Wintour

Anna Wintour acudió con un vestido largo negro y un abrigo oscuro sobre los hombros. La editora de moda sumó su característico collar de varias vueltas y mantuvo el corte de cabello con flequillo que la identifica.

Vera Wang

Vera Wang llevó un diseño de su propia firma, Vera Wang. La diseñadora se presentó con una pieza de líneas minimalistas, en consonancia con su preferencia por siluetas depuradas y construcciones de efecto fluido.

Rosé

Rosé, integrante de BLACKPINK, apareció con un conjunto de dos piezas de Saint Laurent. Llevó un top corto de brocado dorado y una falda de tiro alto con abertura frontal hasta el muslo. La cantante completó el atuendo con joyas de Jessica McCormack y reforzó la presencia de la casa francesa en una gala donde Anthony Vaccarello recibió el reconocimiento a Diseñador Internacional del Año.

Travis Scott

Travis Scott asistió con un traje negro de satén de chaqueta cruzada y pantalón de pinzas. Combinó el conjunto con una prenda de cuero negro debajo de la chaqueta, zapatos de vestir, gafas oscuras y pendientes de diamantes. La firma de su atuendo no fue difundida en los créditos de la alfombra roja, aunque el acabado satinado reforzó la lectura formal del traje.

Law Roach

Law Roach vistió Luar y complementó el conjunto con joyas de Leviev. El estilista eligió una propuesta de sastrería que incorporó accesorios como parte central del atuendo, en lugar de limitarse a una combinación clásica de traje y camisa. Su presencia también visibilizó el trabajo de la firma fundada por Raúl López en una de las principales ceremonias del diseño estadounidense.

Al cumplir 23 años, Noah Schnapp consolida un guardarropa donde cada prenda parece responder a una misma regla: impacto sin estridencias. El protagonista de Stranger Things dejó de lado los estilismos basados en la tendencia pasajera para apostar por una moda de líneas definidas, piezas bien estructuradas y combinaciones que funcionan por su exactitud.

En la alfombra roja, el actor recurre a la contundencia de los trajes de dos piezas y a la sobriedad de las camisas lisas. Fuera de ese circuito, mantiene la misma lógica con pantalones rectos, chaquetas de largo corto y zapatos discretos.

No necesita sumar capas, estampas ni accesorios para ordenar el look: la fuerza está en el corte, la caída de las telas y una paleta que alterna tonos clásicos con variaciones de textura.

El resultado es un estilo que toma referencias de la sastrería masculina tradicional y las lleva a un terreno más actual. En vez de perseguir cada novedad, Noah Schnapp construye sus apariciones con prendas reconocibles, proporciones medidas y detalles que elevan lo básico.

Esa contención le permite sostener un perfil personal en un circuito donde el look de impacto suele imponerse sobre la coherencia. Su fórmula se apoya en prendas que no compiten entre sí y dejan que el porte sea parte del resultado.

La sastrería: el eje de su imagen pública

El traje es hoy la pieza que mejor define el guardarropa público de Schnapp. Lejos del esmoquin juvenil de proporciones estrechas que dominó muchas alfombras rojas de la década pasada, el actor se inclina por chaquetas de hombro marcado sin rigidez excesiva y pantalones con una caída más relajada.

La clave está en el equilibrio: los sacos acompañan la línea del cuerpo sin ceñirse de forma extrema, mientras el largo del pantalón evita tanto el exceso de tela como el efecto cropped demasiado literal.

En ese lenguaje, la sastrería contemporánea funciona como una base y no como un disfraz. Un traje negro puede ganar presencia a través de una solapa satinada, una camisa de cuello abierto o un zapato de punta limpia.

Un conjunto en tonos profundos, en cambio, propone una alternativa al negro sin abandonar la formalidad. El rojo, el borgoña, el azul noche y los neutros cálidos aparecen como los colores más elegidos por el actor.

La elección cromática merece atención porque evita dos extremos habituales: no se refugia siempre en la seguridad monocromática. Cuando apuesta por un tono intenso, el resto del conjunto permanece silencioso. Esa disciplina visual hace que la prenda principal conserve su peso y que la imagen resulte más adulta.

Los códigos clásicos ganan aire con detalles actuales

La dirección de su estilo puede leerse como una conversación entre referencias tradicionales y gestos de moda reciente. Camisas blancas, corbatas finas, abrigos rectos y mocasines pertenecen a un repertorio reconocible; sin embargo, aparecen combinados con pantalones de pierna más ancha, tejidos ligeros o accesorios mínimos.

El clasicismo no se plantea como nostalgia, sino como estructura.

Este criterio se ve con claridad en la relación entre prenda y textura. En vez de sumar estampas, Schnapp suele optar por materiales que introducen profundidad: lana de aspecto mate, terciopelo en ocasiones formales, cuero liso en calzado o punto fino debajo de una chaqueta.

El resultado tiene dimensión sin necesitar capas innecesarias. Para un actor de su generación, esa decisión es relevante porque desplaza el foco desde el logo visible hacia la calidad percibida del conjunto.

También hay un interés por el gesto ligeramente descontracturado. Una camisa sin corbata, un escote discreto debajo de un saco o una chaqueta usada sobre una remera de base limpia impiden que la sastrería se vuelva ceremonial.

Su estilismo se sostiene, precisamente, en esa tensión controlada: hay formalidad, pero no uniformidad; hay pulido, pero no una voluntad de parecer inaccesible.

Su vestuario casual evita el exceso de tendencia

Fuera de las premieres y ceremonias, el actor mantiene la misma lógica de edición. Las prendas casuales parten de básicos de buena presencia: denim oscuro o lavado moderado, remeras lisas, buzos de punto, camperas de cuero o de ante, zapatillas depuradas y gafas de líneas simples.

La paleta se ordena alrededor de negro, gris, blanco, azul marino, marrón y verde apagado. Son colores que facilitan combinaciones y prolongan la vida visual de cada pieza.

Esta forma de vestir no busca convertir cada salida en una pasarela. Por el contrario, transmite una noción de lujo discreto adaptada a una figura joven: prendas funcionales, reconocibles y bien resueltas, sin la necesidad de una marca en primer plano.

Las proporciones vuelven a ser decisivas. Los jeans no son excesivamente ajustados; las chaquetas no se ven diminutas; las zapatillas no ocupan todo el protagonismo.

Schnapp entiende una de las reglas más útiles del vestuario masculino actual: la modernidad suele depender más de cómo cae una prenda que de la novedad de su diseño. Esa lectura lo acerca a una moda más duradera y menos atada al ciclo rápido de microtendencias.

El mayor acierto de su imagen reciente es no presentar la elegancia como algo rígido. Schnapp se permite un traje de color pleno, una camisa con cierta transparencia, una solapa más expresiva o una silueta con volumen, pero mantiene un marco reconocible.

La moda masculina aparece en su caso como un espacio de ajuste y exploración, no como una sucesión de disfraces.

El calzado funciona como uno de los recursos de innovación del vestuario de Amal Clooney. Su elección suele exceder la búsqueda de un modelo puntual: las botas largas, los botines y los zapatos de taco modifican la proporción de cada conjunto y le permiten renovar una misma línea de estilo.

Vestidos de punto, prendas de sastrería, abrigos y conjuntos de noche adquieren lecturas distintas según la altura de la caña, la forma de la punta o el acabado del material.

Esa alternancia explica por qué su imagen conserva rasgos reconocibles sin quedar atada a una única fórmula. La abogada recurre con frecuencia a siluetas depuradas, gamas cromáticas sobrias y prendas de cortes definidos.

El calzado introduce entonces el cambio: puede extender la línea de la pierna, interrumpirla a la altura del tobillo o despejarla por completo mediante un salón o una sandalia de taco.

Las botas altas prolongan la silueta en sus conjuntos de invierno

Las botas de caña alta ocupan un lugar central en sus elecciones para los meses fríos. Los modelos que llegan hasta la rodilla, y en ocasiones la superan, acompañan vestidos cortos, faldas por encima de la rodilla y prendas de punto ajustadas.

La caña cubre buena parte de la pierna y establece una continuidad visual que cambia la escala de esas piezas.

En una salida en abril de 2022, Clooney llevó botas negras de cuero ajustadas junto a un vestido de punto gris y una chaqueta corta con estampado de leopardo. Tres años después, en noviembre de 2025, recurrió a una versión de gamuza negra con un vestido de cuello alto de caída relajada y un abrigo de lana.

La forma se mantuvo, aunque el material y las prendas que la acompañaron cambiaron el registro de cada combinación.

Los borcegos introducen un corte visual y cambian la escala del conjunto

Los borcegos responden a otra lógica. La caña a la altura del tobillo deja expuesta una mayor porción de la pierna o del pantalón y genera una interrupción visual que las botas altas evitan. Esa diferencia permite modificar el mismo tipo de vestuario sin alterar por completo sus prendas principales.

Un botín negro de punta fina, por ejemplo, acompaña pantalones de sastrería, jeans rectos y faldas midi con una presencia más acotada.

Si la caña alta lleva la mirada de forma continua hacia el ruedo, el botín concentra el interés en la unión entre el calzado y la prenda inferior. La elección cambia la proporción del look incluso cuando se conservan el abrigo, la cartera o la paleta de colores.

Esta variante también ofrece margen para trabajar los contrastes. Un modelo de cuero puede aportar definición a un conjunto de lana o de tejidos blandos; uno de gamuza establece una transición menos marcada con prendas en tonos neutros.

La altura del taco vuelve a ser determinante: un taco bajo y ancho sostiene una lectura de día, mientras que una horma más estilizada acerca el conjunto a un código nocturno.

La presencia de botines en las colecciones de otoño de 2026 confirma la vigencia de la silueta, pero el interés en el caso de Clooney está en su capacidad para alternarla con otros largos de caña. En su vestuario, el botín no sustituye a la bota alta.

Ambas piezas cumplen funciones diferentes y amplían las posibilidades de un mismo guardarropa.

Los zapatos de taco despejan la pierna para las ocasiones formales

Los zapatos de salón y las sandalias de taco completan el tercer eje de esa rotación. Frente a la cobertura que aportan las botas, estos modelos despejan el tobillo y extienden la pierna, una solución habitual para vestidos midi, faldas rectas y prendas de noche. La elección concentra la atención en el corte del vestido, el largo de la falda o los accesorios.

En este grupo, el taco no actúa solo como un recurso de altura. Un salón de punta fina ordena un conjunto formal y aporta una línea limpia; una sandalia de tiras deja más aire alrededor del pie y acompaña prendas de telas livianas o acabados de gala.

El color modifica el efecto final: los tonos oscuros pueden continuar visualmente el vestido, los nude disminuyen el contraste y los metalizados suman luz a una combinación nocturna.

El tipo de taco permite ajustar el grado de formalidad sin abandonar una estética reconocible. Una versión cerrada y sobria resulta compatible con reuniones y eventos de día, mientras que una sandalia más abierta desplaza el conjunto hacia la noche.

Así, una prenda de corte clásico adquiere otra lectura sin requerir cambios extremos en el resto del vestuario.

La altura de la caña define el otro punto de cambio. Las botas largas dan continuidad y cobertura; los botines crean una pausa a la altura del tobillo; los tacos despejan la pierna y llevan el foco hacia el vestido.

Cinco décadas después, esa consigna sigue definiendo a Adolfo Domínguez, que eligió Buenos Aires para celebrar su aniversario. El encuentro tuvo lugar este jueves 29 de octubre en Ortiz de Ocampo 2871, con una doble cita: la presentación de una película y el desfile de la colección ZENIT.

Al frente de los festejos estuvo Adriana Domínguez, presidenta ejecutiva de la compañía e hija mayor del diseñador. Su doble rol, como ejecutiva y directora de cine, definió el tono de una celebración atravesada por la memoria familiar.

“Hace nueve años empecé a dirigir yo la empresa. Entonces hace un año que nos planteamos qué hacíamos para celebrar este medio siglo, que es muy difícil llegar, porque muchas marcas no lo consiguen. Y para que una marca de moda tenga éxito tiene que estar de moda, y estar de moda a lo largo de las generaciones significa la abuela, la madre, la nieta”, afirmó Adriana Domínguez directora ejecutiva de Adolfo Domínguez.

Y no es del todo fácil, porque normalmente cada generación quiere sus marcas. Entonces, yo creo que parte del éxito, por supuesto, es el producto y que el producto guste y que se rejuvenezca. Pero una parte importante es, em, es el “storytelling”, es, es la historia que hay detrás, es el saber transmitirla y también los valores, que son muy bonitos, que hay detrás de la marca.

Una película encontrada

Economista de formación, también estudió dramaturgia en el Lee Strasberg Theatre Institute de Nueva York y es miembro vitalicio de The Actors Studio. Esa faceta artística encuentra ahora su expresión más personal en Adolfo Domínguez: El eco de otras voces, el film que dirigió y escribió.

Producida por la fundación que lleva el nombre de su padre y presentada al mediodía, la película recorre la vida del creador gallego desde su infancia en Trives hasta sus años universitarios en París. Además, reconstruye episodios menos conocidos, como su paso por la cárcel durante el franquismo.

En la presentación oficial revelaron que no se trata de un trabajo diseñado, sino “encontrado”. Esa definición resume el espíritu de este relato íntimo, construido desde la mirada de una hija.

Una colección en permanente tensión

Tras haber presentado el documental al mediodía, la pasarela tomó el relevo en la tarde-noche, de la mano de ZENIT: una propuesta que explora el vínculo entre desprenderse y amarrarse. El patronaje experimental da forma a prendas que parecen caer del cuerpo.

En contraste, bordados y puntadas se prolongan hasta convertirse en flecos. Tonos naturales, azul y salmón se combinan sobre algodón, piel y lino.

La actualidad de la marca

En cuanto al presente de la compañía, la Argentina ocupa un lugar estratégico. La firma abrió su primera tienda en el país en 2025, dentro del centro comercial Patio Bullrich.

Actualmente, la marca cuenta con 379 tiendas en 54 países. A esas cifras se suma la certificación B Corp, que reconoce sus estándares sociales, ambientales y de transparencia.

Asimismo, desde 2017 la empresa atravesó una transformación que impulsó las ventas, aceleró la internacionalización y la devolvió a la rentabilidad. Ese proceso estuvo encabezado por Adriana Domínguez, primero como directora general y, desde 2020, al frente de la presidencia ejecutiva.

Con la presentación del documental y después con el desfile, la jornada porteña unió dos tiempos de la misma historia: el legado de un diseñador que transformó la moda española y una visión creativa que continúa evolucionando. Medio siglo después, la arruga sigue siendo bella, ahora también con acento argentino.

CLali Espósito y Pedro Rosemblat se casaron este sábado en una vieja casona del barrio de San Telmo, en una ceremonia íntima que reunió a un grupo selecto de personas cercanas a la pareja. Entre los presentes, Cande Vetrano, que según pudo saber Teleshow fue testigo de la cantante, fue una de las figuras más destacadas, con un look diseñado especialmente por Camila Romano.

La amistad entre Vetrano y Espósito se remonta a 2003, cuando ambas compartieron elenco en Rincón de Luz. La boda se celebró tras meses de planificación desde el compromiso anunciado por la pareja en enero de este año. Para la ocasión, Vetrano lució un vestido turquesa confeccionado a medida en gasa de seda natural, con cuello halter, espalda descubierta y una silueta irregular que acaparó miradas.

La elección del turquesa no fue arbitraria. Romano explicó en declaraciones a Teleshow que el color respondía al concepto estético definido para toda la ceremonia: una inspiración en el verano italiano. “Elegimos un color turquesa, ya que la ceremonia y todo el contexto estaba inspirado en un verano italiano”, señaló la diseñadora, quien además destacó que debía tener “mucha presencia” y que ese tono le queda “increíble” a Vetrano.

El proceso creativo buscó conciliar dos sensaciones. “Decidimos que sea algo lánguido pero sexy, con un color con mucha presencia”, describió Romano. La elección de la tela también respondió a ese objetivo: “La gasa tenía mucha textura, que eso le daba como el vuelo y la frescura que queríamos generar con los volados para darle como un toque más sensual”, detalló la diseñadora sobre el material utilizado en la confección.

La prenda combinó varias capas superpuestas con volados, alforzas y recortes que aportaron movimiento a la silueta. Para completar la propuesta, Romano incorporó detalles en rojo que vinculó directamente con la personalidad de la actriz. “Lo combinamos con detalles rojos para darle esa impronta que tiene Cande, tan fresca, tan joven y tan sexy”, indicó.

“Me encantó vestir a Cande y que me elija en una ocasión tan especial y tan importante para ella, que es ser testigo de su íntima amiga Lali”, expresó la diseñadora en diálogo con este medio.

El proceso de creación quedó documentado desde el boceto original —firmado bajo la etiqueta “para Cande”— hasta las instancias de prueba, donde se registró el trabajo sobre la estructura de la gasa y los recortes laterales que permiten el movimiento de las capas en la falda.

En las fotografías de la llegada a la celebración, Vetrano completó el look con una cartera roja y sandalias del mismo tono, en línea con los detalles definidos por Romano. La parte trasera del vestido exhibió la espalda descubierta y un cuello halter rematado con una cinta larga de la misma gasa turquesa, que cayó sobre la espalda como sello final del diseño.

El festejo estuvo rodeado de estrictas medidas de seguridad que incluyeron el corte total de la calle donde se realizó el evento, vallas y personal de seguridad para resguardar la privacidad de los presentes.

Entre los invitados que se dieron cita en San Telmo estuvieron Dillom, rapero del círculo íntimo de la cantante; Juliana Gattas, integrante de Miranda!; Anita Espósito, hermana de la novia, junto a Majo Riera y el pequeño Santino; y Mery del Cerro, acompañada por Meme Bouquet. También asistieron Ofelia Fernández y Marcos Aramburu, Tomás Rebord con su pareja Sugus, Justina Bustos, Damián Betulaar y los bailarines Nicolás Merlin y Kotho Núñez. Uno de los presentes que no pasó inadvertido fue Peter Lanzani, expareja de la cantante. Benjamín Rojas, quien compartió con Espósito el universo de Cris Morena, también estuvo en la celebración.

Meta lanzó de forma discreta Style Sketch, una aplicación impulsada por inteligencia artificial que ayuda a los usuarios a combinar prendas de ropa que ya poseen y a construir un armario virtual.

La herramienta, disponible por ahora solo en Indonesia, Singapur y Tailandia para iOS y Android, fue detectada por primera vez por el consultor de redes sociales Matt Navarra. La compañía no respondió a una solicitud de comentarios de TechCrunch ni confirmó si planea expandir la plataforma a otros mercados.

A diferencia de las aplicaciones de compras que incentivan la adquisición de prendas nuevas, Style Sketch se centra en aprovechar el guardarropa existente del usuario. El objetivo declarado por la aplicación es resolver un dilema cotidiano: decidir qué ponerse pese a tener múltiples opciones disponibles en el clóset.

Cómo se construye el armario virtual

El primer paso de la aplicación consiste en identificar y organizar las prendas que posee cada usuario. Para ello existen dos vías. La primera permite conectar la cuenta de Instagram, de modo que Style Sketch analiza las fotografías ya publicadas para reconocer piezas de ropa. La segunda opción habilita la carga manual de artículos mediante una fotografía, un video corto o imágenes almacenadas en la galería del teléfono.

Una vez que el armario digital queda conformado, el sistema analiza las prendas disponibles y genera combinaciones de atuendos acordes al estilo de cada persona. Las sugerencias no se limitan a propuestas aleatorias: los usuarios pueden seleccionar una prenda específica, como una camisa o un pantalón, y pedir a la aplicación que proponga distintas formas de combinarla con el resto de la colección.

La visualización, un diferencial frente a otras apps

Style Sketch permite además probar los atuendos sugeridos sobre un modelo realista ajustado a la forma del cuerpo y al tono de piel del usuario. Esta función busca que la recomendación no quede en una simple lista de prendas, sino que ofrezca una representación visual de cómo luciría la combinación final.

La aplicación también incorpora una función orientada a la planificación de viajes. Si el usuario introduce el destino, la duración del recorrido y las actividades previstas, el sistema genera un plan de atuendos día por día que tiene en cuenta el pronóstico del tiempo y el itinerario completo.

Una propuesta en un mercado ya ocupado

El concepto de digitalizar el armario y generar combinaciones de ropa mediante inteligencia artificial no es nuevo. Startups como Alta ya ofrecen funciones similares, y Google Photos cuenta con herramientas que permiten convertir fotografías de prendas en un clóset digital para crear nuevas propuestas de atuendos.

Frente a esta competencia, la ventaja de Meta radicaría en la integración directa con Instagram, donde buena parte de los usuarios ya cuenta con un registro visual de su estilo personal acumulado a lo largo del tiempo.

Parte de una ola de lanzamientos impulsados por IA

Style Sketch se suma a una serie de aplicaciones que Meta lanzó en los últimos meses con inteligencia artificial como eje central. Entre ellas figura Waddle World, una propuesta similar a un Tamagotchi pero con funciones de IA; Pocket, una herramienta orientada a la creación rápida de videojuegos; y Vibes, que permite generar videos mediante inteligencia artificial.

Este impulso responde a una estrategia más amplia de la compañía. Según informó The Wall Street Journal a comienzos de este año, el director ejecutivo Mark Zuckerberg comunicó a los empleados que la empresa planea lanzar muchas más aplicaciones de las que había presentado históricamente, a medida que las eficiencias que aporta la inteligencia artificial permiten desarrollar y publicar nuevos productos con mayor rapidez.

En la antesala de Halloween, el disfraz vuelve a funcionar como una forma de archivo pop. Los famosos y celebridades recuperan personajes de animación, escenas del cine, íconos de la música y símbolos religiosos, y los trasladan a producciones construidas a partir de pelucas, prótesis, corsetería, maquillaje teatral y prendas que remiten a imágenes ya instaladas en la cultura visual.

Entre una familia salida de Toy Story, una princesa de Disney convertida en vestido de noche y el histórico cisne de Björk, seis personajes dejaron su huella en la historia de los 31 de octubre para llevar Halloween a otro nivel.

Paris Hilton reunió a su familia en el universo de Toy Story

El año pasado, Paris Hilton eligió a Bo Peep, la pastora de la saga Toy Story, para un disfraz familiar junto a su esposo Carter Reum y sus hijos, Phoenix y London. El conjunto de la empresaria partía del vestido de la muñeca: una falda amplia en azul pastel, detalles rosas y blancos y el sombrero de pastora como pieza identificadora.

La versión mantuvo la estética de juguete vintage, con una paleta clara y accesorios de apariencia infantil.

Reum se caracterizó como Woody, con sombrero vaquero, camisa de cuadros amarilla y chaleco estampado de vaca. Phoenix llevó el traje espacial blanco, verde y violeta de Buzz Lightyear, mientras London apareció como Jessie, con camisa blanca y amarilla, sombrero rojo y estampado vaquero. La coordinación de los cuatro personajes reprodujo el elenco central de la película sin perder los códigos de cada silueta.

Kylie Jenner llevó a Ariel a una versión de alfombra roja

En 2019, la modelo Kylie Jenner interpretó a Ariel, la protagonista de La sirenita, con una adaptación de la princesa de Disney pensada desde el brillo y la exposición de piel. El top palabra de honor reunía perlas y caracoles sobre una base color piel. Abajo, una falda verde de lentejuelas con abertura alta sustituyó la cola rígida del personaje y permitió que la referencia funcionara como un vestido de noche.

La peluca pelirroja de pelo largo dio la señal inmediata del personaje. Sumó aros de perlas, una capa de red blanca sobre los hombros y un pequeño bolso con la forma de Flounder, el pez amigo de Ariel. El contraste entre el verde tornasolado y el rojo del cabello sostuvo el reconocimiento visual del dibujo animado.

Madonna convirtió una imagen religiosa en un look de blanco y dorado

Para Halloween de 2024, Madonna se presentó como la “Madonna llorosa”, una referencia a las representaciones religiosas de la Virgen con lágrimas. El vestuario se componía de un vestido blanco de escote profundo, guantes de red y un velo de encaje que cubría su pelo rubio. La cantante completó el conjunto con cruces, rosarios y una corona alta de rosas doradas.

La pieza que puede confundirse con un sol era el halo que rodeaba la cabeza, formado por rayos dorados que salían de la corona. Sobre el maquillaje de ojos oscuro, agregó lágrimas de sangre artificiales y labios rosa intenso. La combinación de blanco, oro y rojo definió el carácter dramático de una caracterización que no apeló a un personaje de ficción.

Kendall y Kylie Jenner retomaron a Sugar y Spice de Batman Forever

En 2023, las hermanas Kendall Jenner y Kylie Jenner se inspiraron en Sugar y Spice, las asistentes de Dos Caras en la película Batman Forever de 1995. Kendall encarnó a Sugar, el personaje que interpretó Drew Barrymore, con un corsé blanco de encaje, medias altas sujetas por liguero y una bata transparente de terminación plumosa. Una peluca rubia de rulos cortos terminó de construir el registro de lencería de la villana.

Kylie fue Spice, papel que interpretó Debi Mazar. Usó un corsé negro con calaveras, guantes largos, medias de red y un collar de púas metálicas. Llevó una peluca voluminosa, negra con mechas rojas, además de sombra violeta y labial borgoña.

Los looks enfrentaron el blanco satinado de Sugar con el cuero negro de Spice, tal como ocurría en pantalla.

Rosalía recuperó el vestido cisne de Björk

Rosalía homenajeó a Björk en Halloween de 2023 al recrear el vestido cisne que la artista islandesa llevó a la ceremonia de los Oscar de 2001. La cantante española vistió un diseño blanco ceñido, con un largo cuello de cisne que se apoyaba sobre el escote y una cabeza con pico junto al hombro. El diseño remitía a una de las apariciones de alfombra roja más reconocidas de comienzos de siglo.

La elección evitó el exceso de accesorios para que la figura del ave concentrara la atención. El peinado oscuro, liso y sin volumen reforzó la semejanza con la imagen de Björk. La silueta del cisne funcionó como la prenda y como el accesorio principal del disfraz.

Janelle Monáe, el gato de Dr. Seuss con prótesis y pelo sintético

En 2025, la cantante estadoundiense Janelle Monáe encarnó al Gato en el sombrero de Dr. Seuss, en una versión inspirada en la adaptación cinematográfica protagonizada por Mike Myers.

El traje incorporó pelo sintético blanco y negro, patas de cuatro dedos, bigotes, dientes postizos y prótesis para modificar la forma de su rostro. El sombrero de copa a rayas rojas y blancas, de proporciones exageradas, cerró la caracterización.

El estilismo incluyó una cola mecánica y objetos vinculados al libro, entre ellos una pila de ejemplares que parecía flotar y una pecera. Monáe llevó el personaje a una aparición televisiva y mantuvo la voz y los gestos durante la entrevista. El disfraz dependió de efectos especiales y volumen antes que de prendas convencionales.

Elle Fanning convirtió la premiere británica de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha en una demostración de vestuario inspirada en el ballet. La actriz llegó a la alfombra roja con un vestido rosa de Robert Wun, construido a partir de un corsé, una falda corta de capas y un tocado con una figura de bailarina.

La elección dialogó con el universo de Effie Trinket, el personaje que interpreta en la nueva película de la franquicia. El conjunto se alejó de la silueta de gala convencional. La actriz llevó una pieza a la altura de los tobillos que concentró el volumen en la parte superior y en la falda.

El resultado tomó elementos reconocibles del vestuario de danza, el tul, el rosa de las zapatillas de ballet y la forma de tutú, pero los trasladó a una composición de alta costura con proporciones marcadas.

El corsé estructuró un vestido de referencias balletcore

La prenda partía de un corsé con peplum que ajustaba la cintura y definía la arquitectura del look. Sobre esa base, el bustier se proyectaba hacia afuera con una construcción rígida, mientras que la falda reunía varios niveles de tul y volados.

La combinación separó visualmente el torso de la parte inferior y acentuó el contraste entre una estructura firme y materiales asociados con la ligereza.

El color fue otro de los códigos centrales. El tono rosa, cercano al de las zapatillas de punta, sostuvo la referencia al ballet sin recurrir a una recreación literal de un traje de escena.

La propuesta se inscribe en la persistencia del balletcore, una tendencia que incorporó al vestir cotidiano y de gala recursos como moños, medias, tutús, corsetería y calzado de punta reinterpretado.

En este caso, sin embargo, el diseño no planteó una estética minimalista. La pieza perteneciente a la colección de otoño de 2026 de Robert Wun llevó aquella inspiración hacia una escala teatral, acorde con una premiere y con el imaginario visual de Panem.

Los zapatos de tul y las joyas equilibraron el volumen del vestido

La elección de materiales y volumen hizo que el vestido funcionara como una imagen integral, pensada para ser observada desde todos sus ángulos.

Las piezas para la cabeza tienen un antecedente directo dentro de la estética de Effie Trinket. En las películas anteriores de Los juegos del hambre, el personaje se distinguió por usar sombreros, pelucas y accesorios que completaban conjuntos de colores intensos y formas poco habituales.

Para completar la propuesta, la actriz eligió unos zapatos de punta realizados en tul por Aquazzura. El calzado mantuvo el vínculo con la danza y evitó introducir un color que compitiera con el vestido. Su terminación transparente y su punta definida acompañaron la línea de las piernas sin desplazar el protagonismo de la falda.

Un collar corto de diamantes aportó brillo en el cuello, una zona que el corsé dejaba expuesta. La joya funcionó como un punto de luz frente a un vestido cuya fuerza estaba puesta en la textura y la construcción.

No hubo acumulación de accesorios: el tocado ya aportaba el gesto más llamativo de la composición y hacía innecesario sumar pendientes u otras piezas de gran tamaño.

Elle Fanning suele alternar referencias históricas y siluetas de alta costura en las alfombras rojas

El estilo de Elle Fanning en las alfombras rojas suele apoyarse en una lectura precisa de la moda de archivo y de la alta costura contemporánea. La actriz alterna vestidos de línea larga, corsés visibles, faldas amplias y transparencias con conjuntos de proporciones más depuradas.

En sus apariciones públicas, el peinado y las joyas suelen acompañar el diseño sin competir con él, por lo que el vestido conserva el lugar central del estilismo.

Su guardarropa de gala también se caracteriza por el uso de tonos pastel, blancos, negros y colores intensos, según la propuesta de cada firma y el contexto de la ceremonia.

Fanning recurre con frecuencia a siluetas que remiten a distintas décadas, desde faldas con volumen y cinturas marcadas hasta vestidos rectos de inspiración minimalista.

Esa variedad evita que su imagen quede fijada a un único código y permite que cada aparición se construya a partir de una referencia estética diferente. En lugar de repetir una fórmula, la actriz suele priorizar piezas con trabajo de estructura, bordados, capas o tratamientos textiles visibles.

Sus elecciones en eventos de cine muestran una inclinación por diseños que funcionan como una composición completa, donde la forma del vestido, el maquillaje y los accesorios responden a una misma dirección visual.

Las referencias a Programa de protección para princesas, la película que Selena Gomez y Demi Lovato protagonizaron en 2009, volvieron a aparecer en una producción fotográfica para Rare Beauty. La sesión recuperó códigos visuales de aquella historia, aunque trasladados a un registro actual: vestidos de siluetas rígidas, tiaras, accesorios de color y propuestas de belleza que acompañaron la identidad de cada una.

Lejos de reproducir de forma literal el vestuario de sus personajes, ambas artistas partieron de elementos reconocibles de la película para construir estilismos con una mirada contemporánea. El resultado combinó referencias a los cuentos de hadas, guiños a la moda de los años 2000 y piezas de inspiración de pasarela.

La composición también retomó parte del universo visual del filme. Las dos aparecen sentadas sobre una pila de valijas vintage en tono verde oliva, con coronas y objetos asociados a la trama original. Selena sostiene una caña de pescar, una referencia al personaje de Carter Mason, una adolescente que vive cerca del agua y debe proteger la identidad de una princesa extranjera.

La escena funciona como punto de partida para mostrar dos interpretaciones distintas de la estética real. Mientras Gomez optó por una silueta larga y de construcción más clásica, Lovato llevó esa misma idea a una versión breve, con contraste de tonos y una impronta más pop.

Selena Gomez llevó un vestido azul verdoso con corset y falda asimétrica

Para su look, Selena Gomez eligió un vestido strapless de tafetán azul verdoso, un tono que remite al atuendo que llevaba Carter Mason en la secuencia de graduación de Programa de protección para princesas. La prenda se construyó a partir de un corset estructurado, de escote recto y hombros descubiertos.

La falda introdujo el mayor movimiento de la pieza. El diseño combinó pliegues, drapeados y una terminación irregular que se extendía en una cola lateral. Esa asimetría alejó al vestido de una silueta de gala tradicional y reforzó el carácter editorial de la producción.

El corset de escote recto y la falda con volúmenes concentraron la estructura del look de Gomez. La elección del tafetán aportó cuerpo a la prenda y permitió que los pliegues conservaran su forma en las imágenes.

El vestido fue acompañado por una tiara de cristales, uno de los elementos que conectó de forma más directa la producción actual con la estética de la película. En lugar de llevarla como único accesorio protagonista, Gomez sumó una gargantilla de perlas con el orbe característico de Vivienne Westwood. La combinación cruzó una referencia de fantasía con un objeto vinculado a la moda británica.

En los pies, eligió sandalias de tiras finas y taco alto en tonos menta y malva. El calzado mantuvo la paleta de colores fríos del vestido, aunque introdujo una variación pastel que evitó una combinación monocromática.

El maquillaje, realizado por Hung Vanngo, se apoyó en una piel de acabado luminoso, rubor líquido Hope en los pómulos y labios nude rosados. La propuesta evitó los contrastes marcados y dejó que el vestido y los accesorios concentraran el foco visual.

El peinado, a cargo de Renato Campora, siguió la misma línea. Gomez llevó el cabello suelto, con raya al medio y ondas pulidas. El beauty look recurrió a tonos suaves para acompañar el vestido sin competir con la tiara ni con el corset.

Demi Lovato reinterpretó el vestido de princesa con un minivestido amarillo mostaza

Demi Lovato tomó como referencia a Rosalinda Montoya, la princesa a la que interpretó en la película, aunque reemplazó los vestidos de largo tradicional por un minivestido strapless amarillo mostaza. La prenda se diferenció de la propuesta de Gomez por su largo, por la paleta cálida y por una construcción de mayor volumen en la falda.

El diseño presentó un cuerpo estructurado y una falda acampanada en línea A. También incluyó texturas tridimensionales y apliques florales que aportaron relieve a la superficie. El resultado se acercó a una silueta de inspiración sesentista, con un acabado que mantuvo la referencia a la indumentaria de una princesa.

Una tiara alta de filigrana plateada completó el conjunto. El accesorio contrastó con el amarillo mostaza del vestido y reforzó el vínculo con el personaje de Rosalinda, aunque el resto de las elecciones se alejaron de un estilismo ceremonial.

Lovato incorporó dos brazaletes de resina translúcida azul y zapatos de taco alto en punta, confeccionados en satén rosa. El amarillo del vestido, el azul de los brazaletes y el rosa del calzado construyeron el contraste cromático central del look. En lugar de limitarse a una gama de tonos dorados o neutros, el estilismo sumó colores complementarios con referencias a la estética pop.

El maquillaje siguió esa búsqueda. La artista eligió el rubor líquido Virtue, labios delineados en café con brillo y pestañas definidas. La combinación dejó el protagonismo en la piel y en el contorno de los labios, sin recurrir a sombras intensas.

El cabello negro fue peinado hacia un costado con ondas menos marcadas que las de Gomez. Ese acabado aportó una apariencia más relajada frente a la estructura del minivestido y la altura de la tiara. La elección de un peinado lateral equilibró la geometría del vestido y la presencia de los accesorios.

Las tiaras y las valijas vintage unieron dos versiones de una misma referencia

La producción construyó un diálogo entre las dos propuestas a partir de accesorios y objetos escenográficos. Las tiaras funcionaron como el vínculo más evidente con el argumento de Programa de protección para princesas, mientras que las valijas vintage y la caña de pescar recuperaron el contraste entre la vida cotidiana de Carter Mason y el mundo de Rosalinda.

La película planteaba el encuentro entre una joven estadounidense y una princesa que debía ocultarse fuera de su país. En las imágenes actuales, esa oposición se trasladó a la ropa. Selena Gomez optó por un vestido largo, con proporciones de gala y accesorios de inspiración clásica. Demi Lovato, en cambio, llevó una versión corta, de colores más contrastados y con una silueta que remitió a la moda pop.

La dirección de estilismo evitó presentar ambas propuestas como conjuntos idénticos. Cada una conservó una identidad propia, aunque los colores, las coronas y el escenario mantuvieron una narrativa compartida. El azul verdoso de Gomez recordó el vestuario de Carter, mientras que el amarillo de Lovato remitió a la paleta asociada a Rosalinda.

Emilia Mernes cumple 30 años y su estilo de moda ya tiene códigos propios: referencias al pop de los 2000, siluetas ajustadas, corsetería y piezas con aire de pasarela. En videoclips, shows y editoriales, la cantante entrerriana convirtió al glamour en una parte central de su propuesta.

Minifaldas, botas altas, conjuntos de dos piezas, transparencias y prendas al cuerpo aparecen de forma recurrente en los looks de Emilia. Esas elecciones definieron una estética sensual y escénica, atenta a las tendencias sin perder continuidad.

Su imagen dialoga con el pop internacional de las décadas de 1990 y 2000, una influencia que se reconoce en las gafas de colores, los pantalones de tiro bajo, las telas metalizadas y los accesorios llamativos.

Sin embargo, sus estilismos no se limitan a recuperar tendencias de ese período. La artista suele adaptarlas a una estética actual, con materiales técnicos, cortes asimétricos y tonos que cambian según el universo de cada lanzamiento musical.

El vestuario funciona, en ese sentido, como un recurso narrativo. Cada etapa discográfica propone una paleta y una silueta distinta, desde conjuntos con aire deportivo hasta vestidos de alto impacto para alfombras rojas.

Los looks de escenario priorizan movimiento y presencia visual

En los recitales, la artista apuesta por prendas pensadas para acompañar coreografías y largas jornadas de actuación. Bodys, shorts, botas con plataforma, corsets y conjuntos confeccionados con transparencias o brillos forman parte de un repertorio que une funcionalidad y una imagen reconocible desde la distancia.

Los brillos, las texturas metalizadas y las prendas ajustadas son componentes habituales de su vestuario en vivo. Estas elecciones se vinculan con la puesta en escena de un género que exige una presencia visual fuerte, en el que el baile, la iluminación y el vestuario comparten protagonismo.

También aparecen detalles inspirados en la indumentaria deportiva: cierres, cintas, tejidos elásticos, chaquetas cortas y zapatillas adaptadas a la dinámica del escenario. En lugar de separar la moda de la música, Emilia integra ambas dimensiones en un mismo lenguaje.

La construcción de esa imagen incluye maquillaje, peinado y accesorios. Los peinados pulidos, las colas altas, las ondas marcadas y los recogidos se alternan con maquillaje de ojos definido, labios brillantes y manicuras que acompañan los colores del look.

El archivo dosmilero en prendas y accesorios

La moda de principios de los años 2000 se volvió una referencia central para una generación de artistas pop, y el estilo Y2K ocupa un lugar visible en el vestidor de Emilia.

Minifaldas, denim de tiro bajo, tops diminutos, gafas estrechas y carteras pequeñas remiten a esa etapa, aunque con una lectura contemporánea.

El recurso se advierte en sus apariciones informales y en producciones fotográficas para redes sociales. Además, suele combinar piezas de inspiración vintage con prendas actuales, como un top ajustado con un pantalón amplio o una minifalda con botas de caña alta.

La elección de accesorios tiene un peso propio: cinturones, joyería plateada, gafas y tocados pueden modificar por completo un conjunto de base sencilla.

La recuperación de códigos dosmileros no opera como una réplica literal, sino como parte de un estilismo actualizado. Esa combinación le permite circular entre la estética nostálgica y las tendencias que marcan el presente de la industria musical.

Las alfombras rojas muestran su costado más sofisticado

Fuera del escenario, Mernes recurre a vestidos largos, transparencias, cortes al cuerpo y diseños con aberturas. En estas ocasiones, el color negro suele tener presencia, aunque también utiliza tonos pastel, rojo, blanco y propuestas monocromáticas.

La fórmula se apoya en una silueta definida y en pocos elementos de alto contraste. Un vestido con volumen, un escote geométrico o una pieza confeccionada con pedrería concentra la atención, mientras el peinado y las joyas se mantienen dentro de una línea coordinada.

En varias de sus apariciones, la cantante eligió prendas que toman elementos de la lencería, como corsets, encajes y transparencias. Estas referencias, frecuentes en la moda pop actual, aparecen combinadas con sastrería, plataformas o accesorios de mayor tamaño para evitar una lectura única del conjunto.

Sus looks para eventos amplían la imagen escénica hacia un registro de glamour y diseño de autor. La cantante utiliza esas instancias para mostrar otra faceta de su vestuario, más cercana a la alta costura y a las reglas de las grandes celebraciones.

El aniversario de Emilia coincide con una etapa de consolidación artística y de fuerte exposición regional. Su estilo se transformó junto con su carrera: dejó atrás una imagen inicial más casual para construir una propuesta visual con códigos definidos, reconocibles por su público y flexibles según cada proyecto.

Esa evolución permite entender por qué sus prendas generan conversación más allá de la música. La moda se convirtió en una herramienta central de la identidad pública de Emilia Mernes, tanto en sus videoclips como en sus giras, campañas y apariciones frente a las cámaras.

Al cumplir 30 años este 29 de octubre, la artista mantiene una fórmula que cruza nostalgia, pop, sensualidad y referencias de pasarela, con un vestuario que continúa acompañando cada nueva etapa de su carrera.

La alfombra de los Premios Ídolo 2026 volvió a convertir a la Usina del Arte en una pasarela. Los diseñadores Patricia Profumo, Verónica de la Canal, Benito Fernández y Roberto Piazza analizaron para Infobae los looks de creadores, streamers y figuras del universo digital que pasaron por la Romantic Carpet.

Los looks de las celebridades en los Premios Ídolo 2026

Sofía Gonet, “La Reini”

Verónica de la Canal destacó el look de Sofía Gonet, una de las conductoras de los premios: “Me gusta mucho la elección del color y las texturas. También es una muy buena decisión usar perlas, que combinan muy bien con la temática de la alfombra de este año”. La Reini lució un vestido drapeado color champagne y un collar de perlas.

Grego Rossello

Grego Rossello, conductor de la gala junto a La Reini, vistió un traje negro con una camisa blanca de volados en el cuello y los puños. Benito Fernández elogió el conjunto: “Me gusta Grego, me gusta que se juegue”. Sin embargo, consideró: “Las mangas me parecen demasiado para él”. El diseñador agregó: “Con la camisa y el traje estaba divino. Se lo ve lindo”.

Mili Hadad

Nominada en la categoría Ídolo Podcast por La Fórmula Podcast, Mili Hadad lució un vestido bordado a mano de Joti Harriague.

Julieta Poggio

Sobre la elección de Juli Poggio, Patricia Profumo destacó: “Súper sexy. Lució un traje completamente velado en encaje blanco, de estilo lingerie, vanguardista y fashionista. Supo llevarlo con elegantes mangas ajustadas y un amplio escote”.

Juli Puente

Juli Puente, nominada en la categoría Deporte, seleccionó un look blanco para la alfombra. “Lindo traje austero para Julieta Puente, da una impronta algo nupcial y despojada, ya que la falda es muy amplia, velada y con arrastre. Bien con el makeup”, dijo Profumo.

Flor Vigna

Flor Vigna lució una creación de Verónica de la Canal: un vestido blanco con encaje, transparencias, plumas y collares de perlas. La diseñadora destacó: “Divina, vestida por mí, cumple perfectamente con la consigna del dress code de este año. Me gusta mucho su pelo y su makeup: acompañan muy bien el look. Está moderna y elegante a la vez”.

Tefi Russo y Joaquín “Pollo” Álvarez

“¡Divinos! ¡Una pareja ejemplar!“, exclamó Profumo sobre Tefi Russo y su esposo, Joaquín ”Pollo" Alvarez. ”Excelentes outfits en composé white&black. Tefi eligió un look básico, pret a porter con diseño y pantalón capri, monisima con make up y peinado. El Pollo siempre con estampa, elegantísimo. ¡Quien supo llevar eligió traje a la perfección!”, agregó.

Lara López Calvo

Nominada en la categoría Actualidad, Lara López Calvo lució “muy elegante y sobria con vestido lánguido y cruzado con amplio escote y tajo”, destacó Patricia Profumo. “Detalle de chocker barroco en flor al tono , divino make up y peinado”, agregó.

Lauta

Con un saco blanco de detalles drapeados, una camisa a juego y un pantalón negro de cintura alta, Lauta asistió a los premios, nominado en la categoría Canción más viral. Verónica de la Canal comentó: “Me gusta su look. El corte del pantalón de cintura alta, combinado con la camisa, le queda muy bien. Está acorde con el dress code”.

Paulina Cocina

Nominada a la categoría Gastronomía, Paulina Cocina posó en la alfombra con un look total black. “Me gusta la propuesta total black que acompaña bien con peinado y make up”, indicó Profumo. Sin embargo, aclaró: “Deslucido el outfit de Paulina, sería aconsejable una falda más lánguida y larga para afinar o espigar la figura, los volúmenes en la cadera o cola como los fruncidos (suelen denotar todo lo contrario)”.

Jero Freixas

Profumo analizó también el paso de Jero Freixas, nominado en la categoría Futbolero: “Me gusta la propuesta de Jero en azul: es elegante. La corbata, en un dorado fuerte y con detalles en rojo, es arriesgada y muy llamativa, pero logra darle un toque único. En esta ocasión, la propuesta masculina es muy divertida”.

Marta Fort

Marta Fort lució un vestido largo de línea clásica, con transparencias, bordados plateados y mangas largas, que combinó con zapatos blancos y el pelo recogido. “Le queda muy bien. El pelo y la elección de makeup están muy bien; los zapatos también”, señaló Verónica de la Canal.

Belu Lucius y Javier Ortega Desio

Belu Lucius posó junto a Javier Ortega Desio con un vestido de lentejuelas blanco y plateado, mientras él lució un traje negro. Roberto Piazza opinó: “Ella está muy sexy, muy Hollywood, con un pelo muy hermoso. El vestido de lentejuelas en dos tonos le sienta bien”.

Diego Poggi

Diego Poggi, nominado en la categoría Cultura, Tecnología y Especialistas en Redes, pasó por la alfombra. Profumo opinó: “Me gusta la propuesta de Diego: una linda combinación de traje blanco y camisa color tabaco. También me gustó la elección de un saco cruzado y sin solapa. Es un look muy fresco, primaveral, sexy y vanguardista”.

Carito Muller

Carito Muller posó embarazada y Profumo elogió el outfit: “Me encantó el vestido y el color para esa pancita avanzada. También el diseño y cómo lo lleva con el foular de gasa, peinado y maquillaje, 10 puntos completa con los aros en accesorios”.

Dani Troncoso

“¡Me encantó su look! Súper fashionista, con una blusa excéntrica de satén rosado, corselete negro y pantalón recto al tono del corset. Me gustó mucho la propuesta para estos premios y esta alfombra”, afirmó Profumo sobre la elección de Dani Troncoso, nominado en la categoría Health.

Milagros Ad

Nominada en la categoría Moda, Milagros Ad deslumbró en la alfombra roja. Al observarla, Profumo afirmó: “Me gustó mucho la propuesta de Milagros: barroca, divertida, fresca e innovadora. Apostó por un corset completamente bordado y una falda lánguida, con mucho vuelo y en colores pastel. El peinado, el makeup y los accesorios acompañaron muy bien el conjunto”.

Lizard

El celeste fue protagonista en el look de Lizard, nominado en la categoría Ídolo Notero. El influencer lució un traje de saco corto y pantalón, combinado con una camisa negra estampada y anteojos oscuros. Benito Fernández comentó sobre su elección: “Me encanta el color; me parece genial la combinación de tonos. El saco corto es tendencia y ya no es tan oversize. Con los anteojos, el total look está genial”.

Martina “Tupi” Saravia

Martina “Tupi” Saravia, nominada en la categoría Viajes, posó con un vestido blanco de encaje con la espalda descubierta y una vincha de tela. Piazza destacó la espalda, aunque cuestionó el resto del conjunto: “Lo único lindo es la espalda; todo lo demás parece de los 70, con un look hippie”.

Nicolás Barral

Sobre la elección de Nicolás Barral, Profumo sentenció: “Elegante y básico. También me hubiera gustado que el primer botón de la camisa estuviera abrochado, para darle más presencia al outfit y evitar que se vea desalineado. Para posar en fotos, se aconseja abrochar un botón del saco: ayuda a lograr una imagen más elegante. Me encantó el detalle de la flor”.

Daniela López

Daniela López, conocida como Soy Dadatina, posó en la alfombra con un look etereo. Al respecto, Profumo remarcó: “Lindo traje, lánguido y velado. Una propuesta distinta, cómoda, juvenil y fresca. Con escote profundo, amplias mangas y grandes puños consagran un traje simple e innovador. Make up normal y pelo falto protagonismo”.

Juani Car

Sobre la elección de Juani Car, Profumo opinó: “Me gusta la opción, divertido en look flamenco con blusa a lunares con lazo en el cuello con arrastre y pantalón negro Oxford que sabe llevar muy bien acorde al look”.

Moria Casán

Moria Casán llevó una prenda celeste muy clara con mangas largas y un adorno de plumas en el torso. Lució el cabello largo y castaño, los ojos delineados, los labios rosados y las uñas largas pintadas de rojo oscuro.

Zaira Nara

Zaira Nara posó con un traje sastre oversize en tono blanco tiza, compuesto por un blazer cruzado de hombros marcados y pantalón de corte amplio con caída fluida, combinado por debajo con un top de cuello alto semitransparente. Completó su estilismo con el cabello suelto en ondas suaves, aros colgantes y un bolso de mano metálico cubierto de lentejuelas.

Gastón Soffritti

Gastón Soffritti llevó un traje negro de saco cruzado y pantalón recto, combinado con una remera blanca. Sumó lentes de marco oscuro con cristales color ámbar, un reloj metálico y un anillo. En la solapa tuvo una flor lila.

Lola Latorre

Lola Latorre exhibió un estilismo de inspiración lencera y romántica en color blanco, compuesto por un corsé rígido palabra de honor con acordonado frontal y bajo estructurado en punta, superpuesto a una falda larga fluida y semitransparente con detalles de encaje floral bordado y tirantes colgantes. Lo complementó con el cabello suelto con ondas de efecto húmedo (wet look), un delicado collar plateado y un maquillaje en tonos neutros.

Luck Ra

Luck Ra se jugó por un traje azul eléctrico satinado con apliques de brillos, que combinó con una remera negra. Debajo asomaron sus tatuajes en el cuello y las manos, en sintonía con el tono de su pelo, teñido de azul. Completó el look con un collar de piedras celestes.

Ángela Torres y Marcos Giles

Ángela Torres se decantó por un vestido blanco de tiras finas y escote en V, con caída fluida hasta la altura media de la pantorrilla. Sumó sandalias de tiras negras con taco fino y lució sus tatuajes a la vista. Marcos Giles, su pareja, optó por un traje negro con camisa blanca y corbata en tono rosa pálido, que remató con zapatos de charol.

Sofi Martínez

Sofi Martínez optó por un vestido largo de gala en color negro con impronta romántica y sensual, protagonizado por un corsé de tirantes finos confeccionado en encaje floral con transparencias y un pronunciado escote en “V”. La pieza se completó con una voluminosa falda plisada con caída amplia, acompañada por el cabello suelto con ondas naturales y raya al medio, manicura oscura a tono y un maquillaje luminoso en tonos neutros.

Lizardo Ponce y Franco Poggio

Lizardo Ponce, a la izquierda, vistió un traje cruzado a rayas en tono beige, camisa blanca, corbata blanca y pañuelo de bolsillo a juego. Franco Poggio, a su lado, llevó un traje cruzado color crema, camisa blanca sin corbata y con el cuello abierto, con un pañuelo de bolsillo blanco asomando del saco.

Jimena Barón

Jimena Barón llegó con un conjunto blanco con textura brillante, compuesto por un saco de solapas, una prenda de encaje en el escote y pantalones amplios. Como accesorio, sumó una cartera negra con acabado brillante y una cadena plateada.

Cami Mayan

Cami Mayan se inclinó por un vestido blanco largo de encaje transparente, con breteles finos y corpiño con breteles caídos. Llevó un bouquet de flores blancas a tono.

Tuli Acosta

Tuli Acosta apostó por un vestido largo de estilo romántico y lencero en tono rosa pastel, con un corpiño estructurado y texturizado de tirantes finos que da paso a una falda fluida con pequeña cola, decorada con ilustraciones botánicas de flores y textos manuscritos. Completó su look con sandalias de taco en fucsia vibrante con una gran flor tridimensional al frente, un peinado recogido adornado con un accesorio floral en la nuca y sutiles tatuajes temporales en tono rojizo sobre sus brazos.

Momi Giardina

Momi Giardina posó sobre la alfombra con un vestido blanco de encaje con breteles finos, escote en “V” y una abertura lateral en la falda, decorada con capas de volados del mismo material. Completó el look con el cabello suelto, aros colgantes y varios anillos.

Agus Liporace, Andrés Simón y Ailu Tokman

Agus Liporace eligió un vestido corto en tono borgoña con volumen, mangas amplias y una llamativa textura tridimensional de volados con aspecto de pétalos, complementado con sus característicos lentes de marco fino.

Andrés Simón vistió un traje sastre en color marrón chocolate, combinado con una camisa celeste claro, un pañuelo de encaje blanco al cuello y un broche floral en tono celeste en la solapa.

Por su parte, Ailu Tokman llevó un vestido drapeado en tono azul grisáceo con escote asimétrico y detalle metálico en el hombro, acompañado por un peinado recogido relajado con mechones sueltos al frente.

Matilda Blanco

Matilda Blanco asistió con un vestido largo color rosa pálido, de mangas abullonadas y escote en “V” con una fila de botones oscuros en el frente. Completó el look con una pulsera metálica, un anillo y un collar con dependiente, además de llevar el cabello suelto con flequillo.

Imanol Rodríguez

Imanol Rodríguez llevó gafas de sol oscuras, el cabello rizado, barba, un saco negro abierto, una camisa blanca, una corbata rosada y pantalones negros. Sus mangas están arremangadas y dejan visibles los puños blancos de la camisa.

Ezzequiel

Ezzequiel apostó por un traje azul marino que combinó con una camisa negra, sin corbata.

Valen Rizzuti

Valen Rizzuti llevó una camisa blanca de tela semitransparente, con cuello clásico, botones frontales y mangas largas con puño ajustado, bajo la cual se distinguía parte de un diseño estampado en tono claro sobre la tela.

Pato Jebsen

Pato Jebsen, presidenta del jurado de los premios, lució un vestido largo negro con saco a juego, un cinturón plateado y joyas.

*Fotos: RS Fotos, Ramiro Ian y Prensa Telefé

La consigna Romantic Carpet de los Premios Ídolo 2026 se tradujo en una alfombra de moda dominada por el encaje, las transparencias y una paleta de blancos, champagne y tonos pastel. Los looks de creadores de contenido y figuras digitales que llegaron a la Usina del Arte trazaron una estética romántica con referencias lenceras, nupciales y de sastrería renovada.

La ceremonia tuvo una interpretación concreta en varios de los conjuntos de la noche: vestidos velados, faldas con arrastre, perlas, drapeados y siluetas largas. En los atuendos masculinos, en tanto, hubo lugar para sacos cortos, pantalones de tiro alto y combinaciones de color.

El encaje velado llevó la lencería a la Romantic Carpet

La tendencia más repetida fue la de los vestidos y conjuntos que dejaron ver la piel a través de encajes y transparencias. Julieta Poggio eligió un traje blanco completamente velado, con mangas ceñidas y escote amplio, en una propuesta de estética lencera.

El mismo recurso apareció en el vestido blanco de Flor Vigna, que combinó encaje, transparencias y plumas, y en el look de Daniela López y de Dadatina, con escote profundo, mangas amplias y tela velada.

Las transparencias funcionaron como una de las traducciones centrales del código de vestimenta romántico.

El encaje se vio en versiones distintas: como superficie total, integrado a vestidos con plumas y como parte de una silueta más suelta.

Esa variedad permitió que el recurso apareciera en looks con mayor exposición de piel y en otros donde el tejido funcionó como capa sobre el cuerpo.

El blanco tuvo versiones nupciales, lánguidas y de sastrería

Los tonos claros fueron otro punto de coincidencia entre los invitados. Muchos recurrieron al blanco en vestidos de encaje, faldas amplias, translúcidas y con arrastres, de impronta nupcial.

El contraste también llegó a la moda masculina. Lauta llevó un saco blanco drapeado y Diego Poggi optó por un traje cruzado del mismo tono, sin solapa, que combinó con una camisa color tabaco.

Así, el blanco se alejó de una única lectura y apareció tanto en piezas etéreas como en conjuntos de sastrería.

En los looks femeninos, el tono quedó asociado a faldas con arrastre, espaldas descubiertas, brillos y transparencias; en los masculinos, funcionó como base de sacos estructurados y camisas en contraste.

La repetición del blanco sostuvo la unidad visual de la alfombra sin que los conjuntos reprodujeran una misma silueta.

Las perlas dejaron de ser un detalle y se integraron al look

Las perlas acompañaron de forma directa la estética de la Romantic Carpet. Sofía Gonet llevó un vestido color champagne con un collar de perlas.

El accesorio se sumó a las texturas de encaje y plumas y reforzó el registro romántico que atravesó la gala. Los collares de perlas fueron uno de los detalles que conectaron los looks con la consigna de la noche.

Drapeados, faldas con vuelo y mangas amplias definieron las siluetas

Más allá de los materiales, las formas también marcaron una dirección. Los drapeados estuvieron presentes en el vestido de Sofía Gonet y en el saco de Lauta. Las faldas amplias aparecieron en los conjuntos de Juli Puente y Milagros Ad, quien eligió además un corset bordado y una paleta de tonos pastel.

Los volúmenes, los corsés y las mangas protagonistas se sumaron a una alfombra que priorizó siluetas con movimiento y detalles visibles.

La sastrería masculina actualizó el traje clásico

Los hombres también se alejaron del traje negro convencional. Lauta llevó pantalón de cintura alta; Lizard eligió un saco celeste corto con camisa negra estampada; y Diego Poggi recurrió a una chaqueta blanca cruzada y sin solapa.

Grego Rossello incorporó volados en el cuello y los puños de su camisa blanca, mientras que Jero Freixas sumó una corbata dorada con detalles rojos a su traje azul.

Los sacos cortos, las camisas con diseño y los accesorios de color fueron los recursos que modificaron la sastrería masculina de la noche.

También hubo lugar para combinaciones más clásicas, como el traje total black de Paulina Cocina.

Además, los peinados acompañaron la estética romántica de la noche. Predominaron las ondas suaves, los recogidos bajos, los rodetes pulidos y las melenas sueltas con raya al medio.

También aparecieron detalles como mechones sueltos alrededor del rostro y accesorios discretos, en sintonía con las perlas, el encaje y los tonos claros que definieron los looks de la gala.

Frente a esos conjuntos, las diferentes elecciones mostraron que la gala admitió distintas intensidades dentro de una misma consigna: desde referencias románticas más explícitas hasta detalles puntuales de tendencia.

Los colores vibrantes también tuvieron lugar en la Romantic Carpet. Aunque el blanco, el champagne y los tonos pastel dominaron buena parte de la alfombra, algunos invitados eligieron colores más intensos en vestidos y conjuntos de sastrería.

El azul eléctrico fue una de las tonalidades que rompió con la paleta clara de la noche: Luck Ra llevó un traje satinado en ese color, una elección que sumó brillo y contraste a la carpet.

Los tonos vibrantes aparecieron como contrapunto de las transparencias, el encaje y las siluetas de inspiración nupcial. En los looks masculinos, aportaron una alternativa a los trajes claros y al negro, con conjuntos de color pleno y telas de acabado satinado.

*Fotos: RS Fotos, Ramiro Ian y Prensa Telefé

Llegan los Premios Ídolo 2026 y todas las miradas ya apuntan a la alfombra roja. Antes de descubrir las apuestas de esta edición, los looks que marcaron la gala de 2025 vuelven a escena: encaje, transparencias, brillos, sastrería y accesorios protagonistas que aún inspiran las tendencias de la temporada.

La ceremonia se celebra este miércoles 28 de octubre en la Usina del Arte, en Buenos Aires, bajo la consigna “Romantic Garden”, una temática que anticipa flores, siluetas etéreas y detalles de fantasía. Sofía Gonet y Grego Rossello conducirán la gala, mientras que Marta Fort, Julieta Poggio y Fede Popgold estarán al frente de la previa.

Los Premios Ídolo 2026 cuentan con 29 categorías, entre ellas Mejor Comunidad e Ídolo Notero/a, que se incorporan este año. El reconocimiento a Creador Digital del Año se anunciará durante la transmisión en vivo.

Seis looks icónicos que dejaron los Premios Ídolo 2025

Sofía Gonet

En la edición del año pasado, Sofía Gonet eligió un vestido largo lila claro, con textura de encaje y volados que recorrían los hombros, el escote y la falda. El diseño asimétrico sumaba una abertura lateral y una cola irregular que se extendía sobre el piso.

Los zapatos plateados de punta fina, un collar con piedra azul, aros pequeños, anillos y pulsera metálica completaron el conjunto. La Reini llevó el pelo recogido en un rodete alto, con flequillo recto y mechones sueltos, además de delineado negro, sombras oscuras y labios rosados con brillo.

Zaira Nara

Zaira Nara apareció con un top negro de copas intervenidas con aplicaciones brillantes, tiras finas y aberturas en el torso. La pieza dejó parte del abdomen a la vista y se combinó con una falda de gasa transparente, que revelaba una prenda negra inferior.

La falda incorporaba paneles semitransparentes y una cola extensa. Sandalias negras de tiras, aros largos y pulseras metálicas acompañaron el estilismo. El cabello lacio y suelto, con raya al medio, y el maquillaje de ojos ahumados reforzaron el contraste entre las transparencias y los tonos oscuros.

Michelle Mason

El vestido de Michelle Mason reunió tonos plateados y dorados en un cuerpo ceñido, cubierto de bordados, pedrería y aplicaciones. La silueta de sirena terminaba en una falda amplia de tul transparente, con paneles decorados hasta el piso.

La actriz sumó aros largos y delgados, mientras que el pelo se llevó bajo y tirante, con raya al medio. El delineado negro extendido, las sombras neutras, el rubor marcado y los labios rosado amarronados cerraron una propuesta enfocada en el trabajo de textura de la prenda.

Gastón Sofritti y Grego Rossello propusieron dos lecturas de la sastrería

Gastón Sofritti eligió un traje verde oliva de saco recto, solapas amplias y pantalón de silueta holgada. Debajo llevó una camisa blanca de cuello redondo y añadió un pañuelo estampado en violeta, verde y amarillo alrededor del cuello. Las gafas rectangulares oscuras y los zapatos marrones de cuero completaron el vestuario.

En cambio, Grego Rossello optó por un traje azul marino de tres piezas, con saco, chaleco y pantalón de vestir. La camisa blanca, el moño a rayas en gris y azul, los zapatos negros de suela gruesa y los accesorios metálicos sostuvieron un registro formal, con atención en los detalles de sastrería.

Valentino Merlo

Valentino Merlo se inclinó por un conjunto monocromático beige compuesto por una chaqueta amplia, con bolsillos delanteros, y un pantalón corto de pierna ancha. Debajo se veía una prenda blanca, combinada con medias del mismo color y borcegos marrones de caña media.

El sombrero tipo bucket, también beige, incluía una inscripción en el frente. Con esa elección, Merlo se alejó de los códigos clásicos de gala y sumó una alternativa de silueta relajada dentro de una alfombra roja atravesada por vestidos largos y trajes.

Otra noche en la que Taylor Swift volvió a convertir una ceremonia musical en una declaración de estilo. Para su ingreso al Nashville Songwriters Hall of Fame, la cantante eligió un minivestido strapless de terciopelo floral en tonos ciruela, violeta y cobre, firmado por Raisa Vanessa, que combinó con sandalias de satén y un collar de diamantes de Leviev, valuado en USD 2,4 millones.

La gala se realizó el 26 de octubre en Nashville, la ciudad donde Swift construyó buena parte de sus primeras herramientas como compositora. Por eso, el look no se limitó a una fórmula de alfombra roja. La artista apostó por una combinación de referencias: un vestido de textura ornamental, una silueta breve y accesorios de alta joyería que dieron escala de gala a una imagen conectada con el otoño y con la tradición musical de Tennessee.

El conjunto evitó los códigos más literales de la estética country. No hubo flecos, botas ni cuero. En cambio, Swift recurrió a un estampado botánico, una paleta profunda y materiales que recordaban a tapicerías antiguas, una elección que dialogó con la noche sin desplazar su identidad pop.

El vestido de Raisa Vanessa combinó textura floral y una silueta corta

La pieza central fue un minivestido sin tirantes de Raisa Vanessa. El diseño presentó un escote recto, hombros al descubierto y una silueta ajustada en el torso. La ausencia de mangas y tirantes permitió despejar el cuello, un recurso que dio lugar al collar de diamantes y mantuvo el equilibrio entre la prenda y los accesorios.

El vestido se apoyó en una base de terciopelo devoré, una técnica que combina zonas opacas con otras de apariencia más ligera. Ese tratamiento generó relieve y profundidad sobre el estampado floral. Bajo las luces del evento, la superficie cambió según el movimiento de la cantante y evitó que el diseño se percibiera como un simple estampado plano.

Los tonos ciruela, violeta oscuro, naranja quemado, cobre y ocre construyeron una paleta propia del otoño. El uso de flores sobre terciopelo aportó una dimensión nostálgica, con referencias a tejidos decorativos de décadas pasadas. La falda corta, por su parte, actualizó la propuesta y evitó que el conjunto se volviera solemne.

La combinación entre estructura y textura fue uno de los puntos más definidos del estilismo. El escote recto aportó orden; el estampado introdujo movimiento. La forma breve del vestido se apartó de los largos habituales de las grandes galas, aunque mantuvo la formalidad necesaria gracias a los materiales y las joyas.

El look de Taylor Swift unió referencias de folklore, evermore y Midnights

La elección visual remitió a varias etapas de la carrera de Taylor Swift. Las flores, el terciopelo y la gama de tonos tierra evocaron el universo de folklore y evermore, discos asociados con imágenes rurales, prendas de apariencia artesanal y escenarios naturales.

A la vez, el vestido corto y el protagonismo de los diamantes acercaron el atuendo a una sensibilidad nocturna, más vinculada con Midnights. El resultado no reprodujo de forma literal una era musical específica. Más bien, tomó elementos de distintos momentos de su repertorio estético y los reunió para una ceremonia dedicada a la composición de canciones.

Esa lectura tuvo sentido en Nashville, una ciudad que Swift mencionó durante su discurso como parte central de su formación. La artista recordó que empezó a escribir canciones desde niña y que veía a Nashville como el lugar donde podía aprender el oficio al que quería dedicar su vida.

El vestido floral funcionó como un guiño indirecto a esa relación con la ciudad. No buscó representar una versión de la moda country, sino integrar materiales y tonos que acompañaran el espíritu de una ceremonia ligada a autores, intérpretes y productores de la música estadounidense.

El collar de Leviev iluminó el escote sin opacar el vestido

El accesorio principal fue un collar de Leviev de 65 quilates, compuesto por 31 diamantes talla pera. La pieza, valuada en USD 2,4 millones, siguió la línea del escote recto.

Su construcción creó un punto de luz en la parte superior del cuerpo. Las piedras con forma de lágrima introdujeron una caída más suave y acompañaron los contornos del cuello. En lugar de cubrir el vestido, el collar estableció contraste con los tonos oscuros y la textura floral de la prenda.

Swift sumó aros de diamantes de la misma firma y anillos que completaron el conjunto. Sin embargo, la distribución de las joyas evitó la acumulación. El collar mantuvo el papel principal, mientras que los pendientes reforzaron la iluminación alrededor del rostro.

La elección respondió a una lógica de equilibrio. Frente a un vestido con estampado y terciopelo, una joya lineal y concentrada en el cuello resultó más efectiva que accesorios de gran volumen en otras zonas del cuerpo. El brillo de los diamantes no compitió con la tela: aportó una capa de gala sobre una base texturada.

Las sandalias violetas y el beauty look completaron la paleta otoñal

En los pies, la cantante eligió sandalias de satén violeta oscuro de Jimmy Choo. El calzado prolongó los tonos del vestido y mantuvo continuidad desde el escote hasta las piernas. La tira al tobillo, decorada con cristales, incorporó un destello menor que acompañó las joyas sin sumar una nueva referencia cromática.

El peinado conservó su flequillo recto y sumó un semirrecogido con ondas sueltas sobre los hombros. La forma permitió que el cuello permaneciera despejado y favoreció la visibilidad del collar. El cabello acompañó la silueta del vestido sin introducir volumen excesivo.

Para el maquillaje, Swift dejó de lado el labial rojo intenso que suele aparecer en muchas de sus apariciones públicas. Optó por sombras en tonos tierra, rubor durazno y labios en una gama frambuesa. La selección dialogó con el violeta y el cobre del vestido, a la vez que mantuvo una imagen más suave alrededor del rostro.

Swift ingresó al Nashville Songwriters Hall of Fame junto con Lyle Lovett, Bruce Channel, Shawn Camp, Lee Thomas Miller y el fallecido J. I. Allison. La gala también homenajeó a George Strait, quien recibió el Career Maker Award de la organización.

Para una noche centrada en la escritura musical, el look de Swift encontró un punto entre la celebración y la sobriedad. La silueta corta aportó actualidad; el terciopelo floral conectó con códigos de otra época; los diamantes introdujeron el componente ceremonial. La cantante eligió una imagen construida alrededor de los detalles, con un vestido que sostuvo la atención incluso frente a una de las piezas de joyería más llamativas de la noche.

Noah Wyle atraviesa uno de los momentos de mayor exposición de su carrera con el éxito de The Pitt y su elección como Hombre Vivo Más Sexy de 2026 por People. Sin embargo, su interés en la moda no se concentra en una fórmula llamativa ni en el atuendo de una sola portada. El actor de 55 años consolidó una imagen personal construida sobre prendas clásicas, una paleta contenida y referencias al vestuario estadounidense de décadas pasadas.

Desde sus primeros años en la televisión hasta sus recientes apariciones promocionales, Wyle alternó entre trajes de corte tradicional y conjuntos informales de apariencia funcional.

Su estilo se apoya en jeans de pierna recta, chaquetas de cuero, camisas de algodón, prendas de punto y botas. Son piezas conocidas dentro del armario masculino que, combinadas con proporciones relajadas y accesorios puntuales, construyen una identidad reconocible.

Los trajes clásicos marcaron sus primeras apariciones públicas

La primera versión pública del estilo de Noah Wyle estuvo ligada a los años noventa y a su papel como John Carter en ER. En ese período, el actor acudió a entregas de premios y eventos de Hollywood con esmóquines negros, camisas blancas y trajes de líneas rectas, códigos habituales de la alfombra roja de la época.

También se mostró con vaqueros claros, camisas estampadas y accesorios que remiten a esa década, como pendientes y gafas de sol.

El paso del tiempo modificó esa estética sin borrar su vínculo con lo clásico. En lugar de adoptar una silueta ajustada o perseguir las tendencias de temporada, el intérprete se inclinó por prendas con mayor textura y caída.

La sastrería siguió presente, aunque en versiones menos rígidas: chaquetas sin contrastes fuertes, camisas lisas y tonos oscuros que permiten que el conjunto mantenga una apariencia sobria.

Wyle apuesta tanto por esmoquin como con atuendos de inspiración deportiva y looks informales propios de los años noventa. Esa variedad ayuda a entender su estilo actual, que conserva una base clásica pero incorpora ropa de trabajo, prendas vintage y materiales asociados a un uso cotidiano.

El denim, el cuero y las botas definen su registro informal

El jean ocupa un lugar central en el vestuario reciente del actor. Wyle suele elegir jeans en lavados medios u oscuros, de corte recto y sin roturas ni aplicaciones. La elección le permite combinar los pantalones con camisetas lisas, camisas de algodón, suéteres o chaquetas de mayor peso visual.

El uso de denim en tonos neutros funciona como la base de su look general. La prenda aporta una referencia informal, mientras que las botas de cuero, las chaquetas de trabajo y los abrigos estructurados añaden definición al conjunto.

Esta combinación evita la apariencia deportiva que suelen producir las zapatillas voluminosas o los pantalones demasiado anchos.

El cuero aparece como otra de sus piezas recurrentes. Una chaqueta vintage, en negro o marrón oscuro, aporta contraste sobre una camiseta clara y un jean sencillo.

El actor no suele combinarla con estampados estridentes ni con demasiados accesorios, por lo que la prenda exterior conserva el protagonismo. En la misma línea, los abrigos de lana y las sobrecamisas gruesas amplían las opciones para los meses de bajas temperaturas.

La sesión de People que acompañó su distinción como Hombre Vivo Más Sexy de 2026 incluyó una chaqueta de cuero vintage, jeans RRL, botas y camisetas de Sunspel, además de prendas de Polo Ralph Lauren y Brunello Cucinelli.

Más allá de esas marcas, las imágenes confirman los elementos que se repiten en su guardarropa: capas, materiales resistentes y un uso moderado del color.

Uno de los rasgos más consistentes del estilo de Wyle es la construcción por capas. Una camiseta o camisa simple suele funcionar como base; sobre ella aparecen una chaqueta de cuero, un cárdigan, una chaqueta utilitaria o un abrigo. Esta estructura permite introducir distintas texturas sin recargar el atuendo.

El punto es fundamental en esa ecuación. Los suéteres de lana, especialmente en gris, azul marino, beige o marrón, suavizan el carácter más robusto de las botas y los jeans. La combinación responde a un registro masculino clásico que no depende de prendas ajustadas ni de logotipos visibles.

La elección de cortes rectos deja espacio entre el cuerpo y la ropa, una decisión que aporta comodidad y evita que el conjunto se vea forzado.

También hay una búsqueda de equilibrio entre prendas de apariencia utilitaria y piezas más refinadas. Un reloj clásico, unas gafas de montura tradicional o una camisa de algodón de buena estructura cambian el tono de un look formado por básicos. Los accesorios aparecen como puntos de acento y no como el centro del estilismo.

Negro, azul marino, gris, blanco, beige, marrón y los distintos tonos del denim son los colores que predominan en el vestuario de Noah Wyle.

La paleta facilita las combinaciones y desplaza la atención hacia los tejidos. En lugar de recurrir a estampados o colores fluorescentes, el actor construye contraste con cuero, algodón, lana y jean.

Esta decisión se vincula con una tendencia actual de la moda masculina que recupera prendas duraderas y siluetas reconocibles. La chaqueta de trabajo, el pantalón recto, el jersey de punto, la bota de cuero y el abrigo de lana tienen una larga historia dentro del vestir cotidiano. Wyle los presenta con una lógica personal, alejada tanto del traje corporativo rígido como del atuendo deportivo total.

El atractivo de este guardarropa está en que puede adaptarse sin depender de prendas de lujo. Un jean recto en azul oscuro, una camiseta blanca o gris, una camisa de algodón, una chaqueta de cuero o de trabajo y botas de cuero liso forman una base cercana a la que Wyle muestra en sus apariciones recientes.

La primera aparición diurna de Dakota Johnson y Machine Gun Kelly en Los Ángeles dejó ver dos formas distintas de entender la moda cotidiana. La actriz se inclinó por una base de clásicos oscuros y accesorios discretos; el músico, por prendas de volumen amplio y referencias vinculadas al rock.

Ambos fueron fotografiados al salir de un estudio, en una de las pocas ocasiones en que se los ha visto juntos desde que comenzaron las versiones sobre una relación. Aunque sus conjuntos respondieron a códigos diferentes, coincidieron en el uso del denim, las siluetas relajadas y la joyería plateada.

Un contraste breve y definido

Para esta ocasión, Dakota Johnson llevó un abrigo largo de cuero negro sobre una musculosa del mismo tono, jeans azules de pierna recta y cinturón de cuero. Un tejido gris colocado sobre los hombros, gafas negras, collares plateados y ballerinas de terciopelo negro de The Row completaron una fórmula basada en prendas de uso frecuente.

Machine Gun Kelly, eligió una chaqueta de denim oscuro con costuras en contraste y cuello amplio. La combinó con una remera blanca, pantalones oscuros de pierna ancha y botas tostadas de suela gruesa. También recurrió a varias piezas de joyería plateada.

La diferencia estuvo en las proporciones y el efecto de cada conjunto. Johnson sostuvo una línea depurada, con prendas ajustadas a una paleta básica. Kelly llevó el denim hacia un registro más robusto, definido por las botas, el volumen de los pantalones y la estructura de la chaqueta.

Los accesorios metálicos y el calce holgado fueron los principales puntos de encuentro entre ambos looks.

Dakota Johnson alterna básicos, referencias bohemias y vestidos de alfombra roja

Fuera de los eventos, el estilo de Johnson se apoya en un repertorio reconocible: pantalones de jean rectos, camisetas blancas o musculosas, jerséis, abrigos largos, gafas de sol y calzado plano.

El denim y las capas ligeras aparecen con frecuencia en sus jornadas de trabajo, traslados y salidas por la ciudad.

La actriz suele trabajar con tonos neutros, negro, azul, gris, blanco y marrón, y dejar que una prenda exterior ordene el conjunto.

Un abrigo de cuero, una chaqueta vintage o un tapado amplio pueden transformar una combinación sencilla de remera y jean. A esos básicos suma, en ocasiones, cadenas finas, anillos, mocasines, zapatillas retro o ballerinas.

También incorpora referencias bohemias, en especial a través de blusas con encaje, estampados, tejidos con textura y prendas de aire setentista.

Esa faceta convive con una preferencia por piezas de corte clásico y con el uso de artículos vintage. Firmas como Gucci, Valentino, Bode y Chloé han formado parte de sus apariciones públicas, junto con prendas de archivo.

En las alfombras rojas, Johnson modifica la escala de esa misma identidad. Los vestidos negros ocupan un lugar central en su vestuario para estrenos y galas, aunque también ha usado transparencias, encaje, siluetas ceñidas y diseños con escotes marcados.

Sus elecciones suelen conservar una paleta sobria, incluso cuando la prenda incorpora detalles de alto impacto.

Machine Gun Kelly traslada los códigos del rock a sus apariciones públicas

El vestuario de Machine Gun Kelly se construye desde un lenguaje distinto. En su día a día y en sus presentaciones se repiten el cuero, el denim, las botas, los pantalones amplios, las cadenas y otros accesorios metálicos. Predominan los tonos oscuros, aunque también utiliza prendas de colores intensos cuando el contexto lo permite.

Su imagen toma referencias del punk, el glam rock y la indumentaria motociclista. Las prendas suelen apostar por contrastes de textura y por siluetas que se alejan del calce tradicional: chaquetas grandes, pantalones de gran volumen, plataformas o botas pesadas.

La ropa de escenario y la de sus salidas urbanas comparten una estética de mayor carga visual.

Esa inclinación también se traslada a las alfombras rojas y a los eventos de moda. Kelly suele elegir conjuntos monocromáticos, piezas de cuero o propuestas con color y volumen.

La alfombra roja de la 70ª edición del Balón de Oro 2026 reunió en el London Palladium de Londres a figuras del fútbol, la música y la televisión, con apuestas de gala entre la sastrería clásica, los vestidos estructurados y los accesorios protagonistas.

Con Lionel Messi y Lautaro Martínez entre los 30 candidatos al galardón masculino, la llegada de los protagonistas concentró la atención en los códigos de vestimenta elegidos para la ocasión.

Lamine Yamal

Lamine Yamal asistió a la gala con un traje negro de solapas satinadas. Combinó el conjunto con una camisa negra y una pajarita del mismo tono. El detalle distintivo fue un aplique floral en color rosa pálido sobre la parte frontal de la chaqueta.

Kylian Mbappé

Kylian Mbappé llevó un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa blanca y moño negro. Completó el conjunto con un pañuelo oscuro en el bolsillo del saco y zapatos negros de vestir. Lució el cabello corto, con los laterales rebajados y la parte superior peinada hacia arriba.

Luis Figo y Stella Figo

El exfutbolista portugués Luis Figo vistió un esmoquin negro con camisa blanca y moño del mismo color. Su hija Stella Figo llevó un vestido blanco de cuello alto y acabado satinado, con el cabello largo y lacio sobre los hombros. Completó el atuendo con pendientes circulares y sandalias negras de tiras.

Ronaldo

El exfutbolista brasileño Ronaldo apareció con un traje negro, camisa blanca y una corbata azul con un estampado geométrico en tonos claros. Llevó el cabello corto, con la parte superior peinada hacia arriba, y completó el vestuario con un pañuelo oscuro en el bolsillo del saco.

Harry Kane y Katie Goodland

El futbolista inglés Harry Kane optó por un esmoquin negro de solapas satinadas, camisa blanca y moño negro. En la solapa llevó un prendedor rojo, mientras que su esposa Katie Goodland se decantó por un vestido negro sin tirantes y de acabado satinado.

Luis Díaz y Geraldine Ponce

El futbolista colombiano Luis Díaz vistió un conjunto negro de corte amplio, con camisa del mismo color y el cuello abierto, sin corbata. Geraldine Ponce llevó un vestido negro de escote palabra de honor, acompañado por un collar de piedras brillantes y pendientes a juego.

Alex Greenwood

La futbolista inglesa Alex Greenwood lució un vestido negro de corte recto, con escote asimétrico y detalles fruncidos en la parte superior. Completó el conjunto con un bolso negro de textura brillante, un reloj metálico con esfera verde y varios anillos.

Ousmane Dembélé

El futbolista francés Ousmane Dembélé, delantero del Paris Saint-Germain, apareció con un traje color bordó compuesto por saco, camisa y corbata a juego. El conjunto monocromático se completó con gafas de sol negras de montura rectangular y un corte de cabello corto, con los laterales rebajados.

Vozinha

El arquero caboverdiano Vozinha, capitán de la selección de Cabo Verde y nominado al Trofeo Yashin, optó por un esmoquin negro con camisa blanca y moño negro.

Rodri y Laura Iglesias

Rodri, futbolista español, llevó un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa del mismo tono y moño. Su novia Laura Iglesias lució un vestido largo color fucsia, con escote en V y drapeado en la cintura.

Michael Owen y Louise Bonsall

El exfutbolista inglés Michael Owen y su esposa, Louise Bonsall, asistieron con looks elegantes y clásicos. Owen vistió un traje negro con camisa blanca y corbata del mismo color, mientras que Bonsall llevó un vestido negro sin mangas y el cabello suelto.

David Raya y Tatiana Trouboul

David Raya, arquero español del Arsenal, apareció con un esmoquin negro, camisa blanca y pajarita. Tatiana Trouboul lució un conjunto negro con chaqueta de solapas satinadas y una abertura frontal.

Mikel Arteta y Lorena Bernal

Mikel Arteta, entrenador del Arsenal, apostó por un esmoquin negro con camisa blanca y pajarita. La actriz y modelo Lorena Bernal eligió un vestido negro de tirantes, escote redondo y falda larga.

Scarlett Camberos

Con el cabello negro peinado hacia atrás, la futbolista mexicana Scarlett Camberos posó en la ceremonia. Llevó un vestido color bordó, de acabado brillante y con escote recto, y apoyó una mano sobre la cintura.

Kate Scott y Malik Scott

La presentadora deportiva Kate Scott y el exboxeador Malik Scott posaron juntos. Él llevaba un traje beige, gafas de sol y mostraba tatuajes en la cabeza, el cuello y el pecho; ella vestía de negro y tenía el cabello rubio y rizado.

Peter Schmeichel y Laura von Lindholm

El exarquero danés Peter Schmeichel apareció junto a la modelo y actriz Laura von Lindholm. Schmeichel llevaba un esmoquin negro con camisa blanca y moño, mientras que von Lindholm lucía un conjunto negro, el cabello rubio suelto y una cadena larga.

Rafael Benítez

Rafael Benítez, exentrenador de fútbol español, arribó con un traje negro de dos botones, camisa blanca y corbata negra de acabado satinado. Llevó el saco cerrado, las mangas a la altura de las muñecas y un pequeño prendedor dorado en la solapa.

Gabriel Magalhães y Gabrielle Figueiredo

Gabriel Magalhães, futbolista brasileño del Arsenal, vistió un esmoquin negro con camisa blanca, pajarita y zapatos de charol. A su lado, Gabrielle Figueiredo llevó un vestido negro de mangas largas, detalles de encaje y escote en los hombros.

Jorja Smith

La cantante y compositora británica Jorja Smith se presentó con un vestido negro de encaje floral y mangas transparentes. Llevó el cabello recogido en una coleta y completó el atuendo con pendientes largos.

Alan Shearer

El exfutbolista inglés y comentarista deportivo Alan Shearer asistió con un traje negro, camisa blanca, corbata negra y un pañuelo estampado en el bolsillo.

Lucy Bronze

Lucy Bronze, futbolista inglesa del Chelsea, posó ante el panel del Balón de Oro en el London Palladium. La defensora llevó un vestido bordó de cuello drapeado y tela fruncida en la cintura, con el cabello recogido y algunos mechones sueltos alrededor del rostro.

Burna

El cantante nigeriano Burna Boy llevó un traje negro de corte amplio, combinado con una camisa blanca y una corbata negra. Incorporó anteojos de sol oscuros de montura rectangular y mantuvo sus rastas largas sueltas a ambos lados del rostro.

Gary Lineker

El exfutbolista y comentarista británico Gary Lineker vistió un traje negro de dos piezas, camisa blanca y corbata negra. Llevó el cabello gris peinado hacia atrás, gafas de montura oscura y una barba corta canosa.

Alexia Putellas

La futbolista española Alexia Putellas llevó un vestido blanco satinado, de escote en V y mangas cortas decoradas con piezas de tela en forma de plumas. El diseño incorporó drapeados en la cintura y una falda de caída recta.

Lothar Matthäus y Theresa Sommer

Lothar Matthäus apareció con un traje negro de corte clásico, camisa blanca y corbata oscura. Theresa Sommer eligió un vestido negro satinado, con tirantes finos y escote recto. El conjunto incorporó un bolso acolchado con cadena, pulseras plateadas, anillos y sandalias de tiras con detalles brillantes.

*Fotos: Reuters

La alfombra roja del Festival de Cine de Roma reunió momentos icónicos de la moda cuando Kris Jenner lució la capa de escorpiones que perteneció a Elizabeth Taylor. La empresaria asistió a la presentación de la segunda temporada de All’s Fair, una serie protagonizada por su hija Kim Kardashian, con una pieza de archivo de la casa italiana Tiziani Roma.

El estilismo partió de una combinación en blanco y negro: un vestido blanco de largo completo, guantes blancos por encima del codo y la capa negra con capucha.

La prenda, confeccionada en terciopelo y forrada en seda marfil, tiene escorpiones bordados sobre el pecho. Con esa elección, Jenner llevó a una alfombra roja contemporánea una silueta nocturna propia de finales de los años sesenta.

La aparición despejó además una de las dudas que rodeaban la pieza. Kim Kardashian confirmó que su madre es la actual propietaria de la capa original.

La información cobró relevancia porque una versión idéntica ya se había visto en el adelanto de la nueva temporada de All’s Fair, donde Kardashian la utiliza para interpretar a la abogada Allura Grant.

La capa fue creada para la fiesta de Grace Kelly en 1969

El origen del diseño se remonta al 15 de noviembre de 1969. Grace Kelly celebró entonces sus 40 años en Montecarlo con una fiesta basada en Escorpio, el signo zodiacal de la princesa.

Elizabeth Taylor llegó acompañada por Richard Burton y eligió para la ocasión esta capa de noche, una creación de Tiziani Roma que incorporaba el emblema del festejo mediante bordados y pedrería.

El negro del terciopelo concentraba la atención en las aplicaciones de escorpiones, planteadas como elementos ornamentales. La pieza respondía al gusto de Taylor por los códigos de gala de fuerte presencia visual: capas, capuchas, joyas de gran escala y referencias teatrales que trascendían la lógica de un vestido de noche convencional.

El estilismo de Kris Jenner recupera el lujo teatral de la alta costura

La propuesta también dialogó con el estilo personal de Jenner, habituada a prendas de sastrería, conjuntos de Chanel y accesorios de fuerte identidad.

El estilo de Kris Jenner se construyó alrededor de una idea precisa de lujo: prendas de líneas definidas, accesorios reconocibles y referencias a las grandes casas de moda. La empresaria suele inclinarse por una imagen pulida, donde cada elemento cumple una función dentro de un conjunto que privilegia la estructura y la presencia.

La sastrería ocupa un lugar central en su vestidor. Blazers con hombros marcados, trajes de dos piezas, pantalones de tiro alto y faldas lápiz aparecen con frecuencia en sus elecciones públicas.

La paleta suele partir de tonos neutros, negro, blanco, crema, gris y beige, aunque también recurre al rojo, al animal print y a acabados metalizados cuando la ocasión pide un código más nocturno.

Chanel es una de las firmas más asociadas a su imagen. Jenner ha convertido el tweed, las chaquetas con ribetes contrastantes y los accesorios con el logotipo de la maison francesa en parte de su lenguaje visual.

Sin embargo, su relación con el lujo no se limita a una sola marca. En apariciones públicas combina piezas de archivo con diseños actuales, joyería llamativa y bolsos de colección.

Su estilo mantiene una relación directa con la estética de los años ochenta y noventa. Los trajes ceñidos, las hombreras y los cinturones que remarcan la cintura forman parte de una fórmula que actualiza códigos clásicos del vestir ejecutivo.

La empresaria suele sumar zapatos de taco alto y carteras estructuradas para reforzar esa impronta.

En eventos de gala, Jenner cambia la sastrería por vestidos columna, conjuntos monocromáticos y prendas de fuerte impacto visual.

Prefiere los escotes definidos, las transparencias medidas, los brillos y las siluetas que dibujan el cuerpo sin abandonar una imagen sofisticada. El negro continúa como uno de sus recursos más frecuentes, aunque el blanco total también se ha transformado en una elección recurrente.

Katy Perry llega a sus 42 años, que celebra este domingo, con un estilo construido entre dos registros: uno extravagante y satírico, y otro más elegante y sofisticado. La propia cantante explicó esa convivencia a Vogue, una clave para entender la evolución de sus looks, desde los vestidos de colores intensos y accesorios de gran tamaño hasta una estética reciente de corsés, transparencias, cuero, negro y piezas de construcción experimental

A lo largo de más de una década de apariciones públicas, la artista estadounidense convirtió las alfombras rojas en uno de los principales espacios para expresar su identidad de moda. Sus elecciones se alejan de las fórmulas discretas y privilegian las siluetas definidas, el volumen, los detalles inesperados y las referencias a distintas épocas.

Su vestuario combina glamour clásico, códigos pop, elementos teatrales y prendas de pasarela. Esa mezcla la ubicó entre las celebridades que usan la moda como una forma de presencia pública, tanto en grandes eventos como en sus looks de calle.

La cantante se distingue por su disposición a tomar riesgos. En lugar de limitarse a vestidos tradicionales, opta por diseños que modifican la silueta y construyen una imagen definida. Estructuras rígidas, capas, plumas, lentejuelas y accesorios escultóricos integran un archivo de moda que cambió con los años.

Uno de sus terrenos más visibles ha sido la Met Gala. En 2018, para la exposición “Heavenly Bodies”, llevó un vestido dorado de Versace acompañado por alas de gran tamaño.

Al año siguiente, en la edición dedicada al “camp”, eligió un vestido-lámpara de araña creado por Jeremy Scott para Moschino. La pieza se iluminaba y convirtió su llegada en uno de los momentos más comentados de la noche.

En esa misma gala, pero en 2026 optó por un vestido blanco de corte estructurado y amplia cola, complementado con guantes largos y un tocado metálico que rodeó el rostro. El conjunto evocó una estética futurista y ceremonial.

Todas sus elecciones reflejaron una de las claves de su estética: el interés por el show, el humor y la exageración sin abandonar las referencias de diseñador.

El corsé y la cintura marcada son constantes en su imagen

Más allá de los diseños temáticos, hay elementos que se repiten en el guardarropa de Perry. El corsé es uno de ellos. La cantante suele elegir prendas que marcan la cintura y construyen una silueta de reloj de arena, con escotes estructurados, faldas ceñidas o vestidos de líneas limpias.

En sus apariciones recientes, ese recurso se combinó con materiales como el cuero, el vinilo, las transparencias y los tejidos metalizados. También se volvió frecuente el uso de botas altas, plataformas y gafas oscuras, piezas que aportan una estética más contemporánea a sus conjuntos.

El cabello y el maquillaje también acompañaron esa evolución. Perry ha alternado entre ondas de inspiración retro, cortes cortos, rubios platinados y tonos oscuros, mientras que su maquillaje pasó de labios rojos y delineados marcados a propuestas más depuradas, con piel luminosa y ojos definidos.

Una moda más oscura y experimental

Durante 2024, Katy Perry mostró una transformación clara en sus elecciones de moda. La paleta de colores se volvió más sobria, con protagonismo del negro, el gris, los tonos metalizados y las transparencias. El cambio estuvo acompañado por prendas de firmas vinculadas con una estética futurista y deconstruida.

En la Semana de la Alta Costura de París de junio de 2024, asistió al desfile de Balenciaga con un vestido rojo y una cola , medias negras y unos tacos negros, un estilismo que reducía los elementos convencionales de un look de alfombra roja.

Bajo el trabajo de la estilista Tatiana Waterford, Perry incorporó diseños asociados a siluetas angulares, texturas técnicas y una visión menos clásica del vestido de gala.

Balenciaga representa una de sus referencias más recientes

La relación de Perry con Balenciaga condensó buena parte de su nuevo enfoque. En septiembre de 2024, durante la Semana de la Moda de París, asistió al desfile primavera-verano 2025 de la casa con un vestido negro ajustado formado por bolsillos y cierres.

La prenda reinterpretaba la forma de una riñonera y se completó con botas-pantalón de cuero y gafas de visera. El conjunto se alejó de los vestidos de gala tradicionales y se acercó al lenguaje funcional que caracteriza a la marca.

En su vida cotidiana, la cantante también suele optar por una versión más relajada de esa estética. Los pantalones de tiro alto, los conjuntos monocromáticos, las camisetas ajustadas, los tapados amplios y las zapatillas o botas forman parte de sus elecciones informales.

Aunque los looks son menos teatrales que los de las galas, conserva la preferencia por prendas que marquen la silueta o sumen un detalle llamativo.

A los 42 años, Katy Perry conserva una identidad de estilo reconocible. Su vestuario actual muestra una inclinación hacia la alta costura, los corsés y las propuestas estructuradas, pero mantiene la libertad para incorporar humor, volumen y referencias inesperadas cuando la ocasión lo permite.

Las alfombras rojas siguen siendo el escenario donde esa dualidad se vuelve más visible. Entre el vestido de gala clásico y la pieza conceptual, una de las cantantes de música pop más icónicas y exitosas del mundo sostiene una forma de vestir que prioriza la imagen, la silueta y el impacto visual.

Otra vez al frente de La Noche de Mirtha en lugar de su abuela, Juana inició la emisión del sábado con un look borgoña que concentró las miradas. “Miren qué vestuario que tengo. Esta es una falda y top. Un top con escote irregular, muy bonito, con este hombro que tiene un brillo ahí muy lindo, un detalle, y una falda de doble volado”, describió la conductora mientras giraba frente a cámara. Enseguida corrigió el dato del diseñador sobre la cantidad de capas: “Para mí son tres. O sea, yo, hasta donde sé contar, acá veo tres”.

El diseño seleccionado, firmado por Evangelina Bonparola, consistió en un vestido corto y asimétrico, sujeto desde un único hombro. La tela drapeada del corpiño se conectaba con un detalle textil anudado, que servía tanto de punto de sostén como de recurso estético. Un cinturón del mismo color, con un moño en el frente, definía la silueta a la altura de la cintura y daba lugar a una falda formada por varios volados superpuestos en capas, responsables del volumen y el movimiento en la parte baja de la prenda.

“Muy lindo, con un lazo color borgoña muy lindo. Se siente muy bonito”, agregó Viale, quien no ocultó su entusiasmo: “Me estoy mirando en el monitor y digo: qué lindo, qué lindo para usarlo en algún momento de la vida”.

Viale eligió sandalias negras de taco alto, plataforma y tiras finas para completar el calzado. Sobre el empeine, los zapatos llevaban aplicaciones de pedrería, cuyo brillo ganó protagonismo frente a la base oscura. La propia conductora bromeó con la altura que le sumaban: “Es que ustedes no me ven en casa, pero en verdad estoy midiendo como dos metros cuarenta ahora”, dijo entre risas.

El look de belleza siguió la línea del resto de la producción. La mirada fue el foco de un maquillaje con ahumado en tonalidades oscuras, en tanto el labial se sostuvo dentro de una gama nude con brillo. Viale detalló que el peinado estuvo a cargo de Juan Foho para Infinito Studio, quien le hizo “un recogido, una cola de caballo”, mientras que el maquillaje fue obra de Cris Sepúlveda: “Me hizo todo un fumadito negro, divino. Me encanta”, contó. Con el cabello adherido al cráneo, una colita alta y tirante despejó el rostro y dejó totalmente visibles los aros colgantes. Las joyas reunían piedras rosadas y detalles negros, perceptibles tanto de frente como de perfil.

El programa contó con la presencia de Eleonora Wexler, Marcelo Polino, Agustín Sullivan y Matías Bagnato. Cada uno llegó con temas diferentes para una emisión que contó con todos los ingredientes para un programa.

Wexler protagoniza la obra El Estado de la Unión junto a Gonzalo Heredia y, en paralelo, participa de las grabaciones de una nueva producción para Netflix. Por su parte, Polino aportó toda la información del mundo del espectáculo en una semana dominada por la entrega de los Martín Fierro de Radio.

Sullivan y Bagnato representaron dos de los estrenos de la semana. El actor interpreta a Carlos Menem Jr en la segunda temporada de la biopic de Guillermo Coppola, mientras que el sobreviviente de la masacre de Flores verá cómo Juan José Campanella lleva su historia a la pantalla, esa por la que lucha desde que le arrebataron a su familia en 1994.

Jenna Ortega volvió a hacerlo: tomó los códigos oscuros que la acompañan desde Merlina y los llevó a una habitación que parece pintada a mano. La actriz protagoniza la portada de noviembre de 2026 de Vogue Estados Unidos entre paredes lavanda, suelos de damero y objetos que desafían la perspectiva. La imagen remite a un retrato renacentista atravesado por el surrealismo, con vestidos de alta costura que la alejan de la estética juvenil asociada a Merlina sin borrar por completo su herencia gótica.

La sesión fue fotografiada por Szilveszter Makó y estilizada por Tabitha Simmons. Ambos construyeron una producción donde el vestuario, los objetos y el escenario funcionan como una misma composición. Ortega ya no aparece solo como actriz de una serie de éxito ni como invitada de alfombra roja: se convierte en personaje dentro de un cuadro.

La portada muestra a Ortega descalza, apoyada sobre un banquito y vestida con un diseño marfil de Dior. El vestido de satén tiene tirantes finos, escote drapeado y una caída suave que se concentra sobre una cadera. Desde allí surgen flores tridimensionales confeccionadas con la misma tela, un detalle que añade volumen sin romper la delicadeza de la silueta.

El fondo lavanda, el zócalo oscuro y el damero del piso sitúan a la actriz en un ambiente de interior antiguo. La elección de aparecer sin zapatos evita la rigidez de una portada de gala. El resultado tiene una apariencia íntima, aunque cada elemento responde a una puesta calculada.

La portada presenta una nueva versión de la estética de Jenna Ortega, menos ligada al negro absoluto y más cercana a la teatralidad, la pintura y la moda de autor. La actriz conserva una expresión contenida, pero el vestuario desplaza su imagen hacia otros códigos.

El corsé bordado convierte el cuerpo en un jardín imaginario

Uno de los estilismos más complejos de la editorial parte de una estructura encorsetada. La pieza marca la cintura y amplía las caderas en una silueta de reloj de arena, aunque su superficie se aleja de la limpieza habitual de un corsé clásico.

El vestido está cubierto por aplicaciones que evocan conchas, perlas, corales y formas vegetales. Sobre una base traslúcida o en tono piel, los bordados construyen una textura irregular, cercana a un jardín fósil o a un paisaje marino. El escote en V incorpora un panel oscuro con líneas en abanico, que introduce un contraste gráfico.

Ortega suma un pañuelo blanco recogido en el cuello y un broche de inspiración antigua. Con el peinado corto hacia atrás y un maquillaje de acabado natural, la imagen adquiere la apariencia de un retrato de época. El corsé no busca reproducir una silueta histórica, sino reinterpretarla desde la alta costura.

Los decorados pintados hacen que cada vestido parezca parte de un cuadro

La escenografía es una de las claves de la producción. En varias imágenes, Ortega aparece dentro de una habitación miniatura con paredes verde musgo, paneles púrpura y un piso a cuadros. Los objetos no buscan parecer reales: parecen recortes de cartón, pinturas planas o elementos de una obra de teatro.

En una de las tomas, la actriz viste una chaqueta corta color café, ceñida a la cintura y con aplicaciones en tonos cobrizos y salmón. La combina con una falda midi plisada de lunares en negro y morado, además de un cinturón ancho de cuero.

A su alrededor hay un cuadro ovalado con un pájaro negro y una caja de la que salen llamas pintadas. El fuego no introduce peligro: altera la lógica de la habitación y refuerza la sensación de artificio. El vestuario no se separa del decorado; ambos construyen un mismo relato visual.

Otro look combina encaje blanco, transparencias marrones, aplicaciones doradas y un cárdigan celeste sobre los hombros. En la esquina del set, un grifo de cartón expulsa agua pintada. La escena mezcla la delicadeza de la lencería con un gesto surrealista que vuelve imposible cualquier lectura convencional.

Las plumas turquesas llevan el dramatismo a otro color

La prenda más expansiva de la editorial es un vestido cubierto de plumas turquesas, verde azulado y esmeralda. El diseño es una creación de Balenciaga Couture. A diferencia de otras fotografías, esta toma prescinde de la habitación pintada y utiliza un fondo neutro porque su vestuario habla por sí solo.

El vestido cae fuera de los hombros y crea un volumen denso alrededor del cuello. Las plumas dan movimiento a la silueta y forman una textura casi vegetal. Una pulsera de alta joyería acompaña el conjunto sin competir con la pieza central.

El look demuestra que la estética oscura de Ortega no depende exclusivamente del negro. Puede aparecer en la postura, en la mirada o en la extrañeza de una prenda, incluso cuando el color dominante es intenso y luminoso.

Dior, Givenchy y un beauty look sin excesos

El vestido amarillo ácido atribuido a Givenchy introduce otro registro. Tiene una manga abombada, una falda con frunces y lazos negros que cruzan el cuerpo. Los guantes largos y los zapatos en tono menta vuelven el conjunto más gráfico, casi como una muñeca dentro de una vitrina.

El maquillaje se mantiene discreto durante toda la producción. Ortega lleva piel natural, labios suaves y ondas cortas peinadas hacia atrás. La decisión permite que los vestidos, los bordados y los volúmenes mantengan el protagonismo.

La sesión coincide con una etapa en la que la actriz busca ampliar las referencias visuales que el público asocia con ella. Entre Wednesday y sus próximos proyectos, Jenna Ortega utiliza la moda para demostrar que su estética puede conservar la sombra gótica y, al mismo tiempo, entrar en nuevos escenarios.

Dicen que la verdadera elegancia no consiste en llamar la atención de golpe, sino en quedarse grabada en la memoria para siempre, tal como demostró Antonela Roccuzzo al deslumbrar una vez más con una propuesta nocturna donde la sobriedad y el brillo medido se robaron todas las miradas. Lejos de los excesos de pedrería o las siluetas sobrecargadas, su reciente aparición confirmó que la corriente del lujo silencioso (quiet luxury) encuentra en la simpleza de las líneas fluidas y en una textura impecable su máxima expresión.

La pieza central de este estilismo fue un diseño de Victoria Beckham que reinterpretó el clásico vestido de noche a través de una caída completamente orgánica. Confeccionado en un delicado satén de seda, la prenda destacó por captar la luz del entorno con un brillo líquido y cambiante. Este tipo de tejido exige una confección precisa para evitar arrugas indeseadas y mantener la verticalidad de la figura en todo momento.

El corte resalta por su balance entre discreción y sensualidad. En el frente, un cuello barco drapeado aportó volumen y movimiento al busto sin perder la sobriedad. Sin embargo, la sorpresa visual apareció en los laterales: las sisas profundas y los costados descubiertos dejaron entrever la espalda de forma sugerente y arquitectónica. Gracias a la técnica del corte al bies, la tela abrazó suavemente las curvas sin ceñir en exceso, logrando una silueta esbelta, cómoda y sumamente moderna.

Joyería statement y accesorios de alta gama: el contraste luminoso

En un conjunto monocromático y de líneas limpias, los accesorios no son simples complementos, sino auténticos puntos de enfoque visual. Antonela acertó al seleccionar piezas que dialogan con el brillo metálico del vestido sin llegar a competir con él.

El elemento más llamativo del conjunto fueron unos pendientes escultóricos con forma de sol o estrella radiante, cuajados de pedrería fina que enmarcaron el rostro y proyectaron destellos con cada movimiento. Para las manos y muñecas, la apuesta mantuvo el equilibrio del diseño: una pulsera rivière de diamantes en un brazo, un fino brazalete rígido dorado en el otro y un anillo de volumen generoso en el dedo anular. Esta combinación de metales y gemas aportó una dosis extra de sofisticación sin recargar la imagen general.

Maquillaje efecto glow: la tendencia de la piel luminosa y bronceada

El concepto del maquillaje acompañó la frescura del estilismo apostando por una piel saludable y radiante, conocida en el mundo de la belleza como efecto glass skin. La base, ligera e hidratante, permitió apreciar la textura natural de la piel mientras resaltó un bronceado cálido sumamente favorecedor.

Los pómulos quedaron definidos mediante un juego sutil de contorno cálido e iluminador, concentrando los puntos de luz en las zonas altas del rostro. En la mirada, se optó por un sombreado suave en tonos tierra y café con un delineado difuminado que rasga los ojos con discreción. Para culminar el rostro, los labios lucieron un perfilado preciso en tonos marrones y un labial nude de acabado satinado, creando una armonía perfecta entre frescura y definición.

Cabello líquido: ondas al agua pulidas para una melena impecable

El peinado cerró la propuesta aportando una dosis de glamur clásico adaptado a la actualidad. Con la raya al medio, el cabello largo y oscuro de Antonela lució un acabado impecable bajo la tendencia del liquid hair, caracterizada por un brillo espejo y una textura libre de encrespamiento.

Las ondas al agua suaves cayeron con fluidez sobre los hombros, pero con un detalle de estilismo fundamental: uno de los laterales quedó estratégicamente despejado detrás de la oreja. Esta elección no es casual, ya que despeja el cuello, destaca la forma de los pendientes y permite apreciar en detalle el corte asimétrico del vestido. El resultado final es una lección de estilo donde cada elemento suma para crear una imagen impecable y atemporal.

Hay una delgada línea entre la armadura distópica de una líder postapocalíptica y el encanto sofisticado que exige la alfombra roja hollywoodense. Eliza Taylor, la actriz australiana que conquistó a la audiencia global tras encarnar a Clarke Griffin en la aclamada serie The 100, celebra este sábado 24 de octubre su cumpleaños número 37, consolidada como uno de los rostros más magnéticos de las pasarelas mediáticas y los eventos de la industria del entretenimiento.

A lo largo de su trayectoria pública, Taylor ha dejado en claro que su guardarropa no responde a tendencias efímeras, sino a una búsqueda constante de equilibrio entre la sensualidad gótica, la solidez estructural y un pragmatismo contemporáneo que refleja a la perfección su raíz australiana.

La metamorfosis de Eliza Taylor: del drama televisivo al ícono de estilo

El estilo de Eliza Taylor no se puede encasillar en una sola etiqueta. A diferencia de las figuras que se apegan a uniformes estilísticos rígidos, la actriz utiliza la moda como una extensión de su faceta interpretativa. Durante los eventos de gran envergadura —como las fiestas de Vanity Fair o las galas de la Comic-Con—, la actriz navega con soltura entre el glamour clásico y propuestas visuales cargadas de dramatismo y texturas imponentes.

Su evolución ha sido notable: pasó de lucir atuendos frescos de corte juvenil en sus primeros años en la televisión australiana a dominar siluetas estructuradas que proyectan madurez, autoridad y elegancia sin esfuerzo.

Texturas, capas y oscurantismo chic: las claves del vestuario

Si hay un elemento que define el ADN estilístico de la actriz, es el uso del negro absoluto y las transparencias geométricas. En lugar de optar por el tradicional vestido minimalista, Taylor prefiere piezas que jueguen con la luz, las capas visuales y los encajes complejos.

Calados y encajes florales: Frecuentemente recurre a vestidos largos donde el encaje negro sobre bases neutras o plateadas crea un efecto tridimensional fascinante. Esta estética le otorga una vibra refinadamente gótica, romántica y sofisticada.

Cortes geométricos y cuellos altos: Los vestidos midi de cuello alto con patrones en abanico o franjas transparentes han sido parte importante de su propuesta en eventos de cultura pop, marcando una silueta estilizada y moderna.

Juego de proporciones y sastrería: Fuera de los vestidos de gala, Eliza demuestra un dominio excepcional de la sastrería. La inclusión de abrigos de tonos intensos —como el rosa magenta o el fucsia— sobre atuendos oscuros o de piel sintética demuestra su capacidad para inyectar vitalidad a través del color sin perder elegancia.

El equilibrio entre el desenfado australiano y la alta costura

A pesar del despliegue de sofisticación en la alfombra roja, el espíritu Aussie de Eliza Taylor permanece intacto en los detalles finales. Su cabello rubio suele llevarse en ondas desenfadadas, recogidos relajados o peinados de lado con textura natural que restan rigidez a los vestidos más elaborados.

Su maquillaje sigue una filosofía similar: ojos ahumados (smokey eyes) bien definidos para enmarcar la mirada, acompañados por tonos de labios nude o rosas suaves que mantienen el rostro equilibrado y fresco. Los accesorios son siempre puntuales —clutches pulidos, anillos discretos o aretes de corte geométrico— evitando recargar el conjunto visual.

Al cumplir 37 años, Eliza Taylor reafirma que la moda no se trata de disfrazarse para encajar en el molde de la celebridad convencional, sino de vestir con propósito. Su estilo combina la fuerza visual de sus personajes más icónicos con la elegancia serena de una actriz consolidada en la industria. Ya sea envuelta en metros de encaje artesanal o luciendo un corte sastre de líneas puras, Taylor sigue demostrando que la autenticidad y el dramatismo textil son sus mejores aliados a la hora de deslumbrar bajo los reflectores.

La actriz Millie Bobby Brown y su esposo, Jake Bongiovi, llevaron looks monocromáticos para una salida nocturna en Nueva York, una aparición que volvió a mostrar la manera en que coordinan sus estilismos sin uniformarlos. La pareja acudió a un restaurante con dos propuestas de color definidas: Brown eligió una gama de rosas y Bongiovi, tonos azul marino.

El vestuario de la actriz se construyó a partir de un conjunto de tres piezas de gamuza sintética de Modalità Vacanza. El modelo reunió un top corto de cuello alto, una falda tubo de tiro bajo y una chaqueta abotonada en rosa empolvado. La elección mantuvo el mismo tono en las prendas centrales y dejó que los accesorios marcaran la diferencia.

Millie Bobby Brown llevó el rosa desde el conjunto hasta los accesorios

Brown completó el atuendo con zapatos slingback fucsias de puntera negra, que introdujeron un contraste dentro de la misma familia cromática. Sumó gafas de sol redondeadas de gran tamaño y un bolso Boston negro de Gucci, dos piezas que separaron visualmente el rosa de la parte superior y la falda.

La fórmula se apoya en una regla frecuente del vestuario monocromático: repetir un color en prendas distintas y modificar sus texturas o intensidades para evitar un resultado plano. En este caso, el acabado de gamuza sintética, el calzado en fucsia y el bolso oscuro ordenaron el conjunto sin romper su continuidad.

Bongiovi acompañó el planteamiento cromático con una camisa polo y pantalones azul marino. Añadió zapatillas color crudo, un calzado que bajó el grado de formalidad de la combinación y evitó que el conjunto quedara completamente cerrado en el azul.

La diferencia entre ambos looks fue clara. Mientras Brown optó por piezas ajustadas, un tono luminoso y accesorios de mayor presencia, él llevó prendas de líneas simples y colores oscuros. La coordinación se produjo a través del uso de bloques de color, no de prendas idénticas ni de una estética calcada.

Esa forma de vestir en pareja permite que cada integrante conserve su registro personal. En lugar de replicar la misma prenda o combinar estampados iguales, los dos parten de una pauta común, en esta salida, el monocromo, y la adaptan a proporciones, tonos y niveles de formalidad diferentes.

La pareja suele coordinar colores sin abandonar sus estilos personales

En alfombras rojas y eventos promocionales, ella suele inclinarse por vestidos de inspiración retro, conjuntos de dos o tres piezas y accesorios que toman protagonismo.

Su imagen pública también ha incorporado peinados y prendas que remiten a los años 90 y 2000, una etapa de la moda que aparece de forma recurrente en sus elecciones recientes.

Bongiovi, por su parte, suele vestir trajes de tonos neutros, chaquetas de cuero, camisetas lisas, pantalones rectos y calzado de perfil clásico.

En sus apariciones junto a Brown, sus elecciones acostumbran a funcionar como contrapunto: acompañan el color de ella con una versión más apagada o se mantienen en una base oscura cuando el vestuario de la actriz concentra el foco visual.

Un ejemplo de esa dinámica se vio en la promoción de The Electric State en 2025. Brown asistió a una de las presentaciones con un vestido azul claro bordado y un chal azul marino, mientras Bongiovi optó por una chaqueta de cuero negra, camiseta blanca, jeans azules y botas marrones.

No había coincidencia exacta entre sus prendas, pero sí una búsqueda de equilibrio entre un vestuario de gala y otro de inspiración rockera.

La relación de la pareja comenzó en 2021 y su boda tuvo dos celebraciones en 2024. La primera fue una ceremonia íntima en mayo. Meses después, realizaron un festejo de mayor escala en la Toscana, Italia, donde Brown llevó varios diseños nupciales.

Para esa ocasión, la actriz eligió piezas de Oscar de la Renta, entre ellas un vestido de encaje con hombros descubiertos para la ceremonia y un modelo de satén de líneas más limpias para otro momento de la celebración.

Bongiovi se mantuvo en una sastrería clásica, con traje claro y moño, en sintonía con el escenario italiano y el carácter formal del evento.

Como marca la tradición en la capital asturiana, los alrededores del Teatro Campoamor han desplegado su emblemática alfombra azul para dar la bienvenida a los protagonistas de la jornada. Y aunque el epicentro institucional y el foco de todas las miradas recaen indiscutiblemente sobre la Familia Real, la llegada al coliseo ovetense vuelve a convertirse en una auténtica pasarela de estilo donde la sofisticación se mide al milímetro.

Los centenares de personas que se han congregado tras las vallas en las inmediaciones del teatro han sido testigos de un constante desfile de glamour, en el que premiadas, representantes del mundo de la cultura, la ciencia, la empresa y la sociedad civil han derrochado personalidad y saber estar. Una alfombra en la que, junto a las figuras distinguidas este año por la Fundación, nunca faltan rostros imprescindibles y muy queridos de la crónica social, como Paloma Rocasolano, madre de doña Letizia.

Desde las elecciones más sobrias y atemporales hasta las propuestas que rompen con los moldes del protocolo convencional, los estilismos de las asistentes han vuelto a marcar el pulso de las grandes ocasiones. Vestidos con juegos de asimetrías, trajes sastre de corte impecable, una cuidada gama cromática otoñal y accesorios pensados al detalle han definido las tendencias de una tarde irrepetible a las puertas del Campoamor.

Paloma Rocasolano con un conjunto clásico

Luciendo un conjunto de tweed con complementos azules y perlas, Paloma Rocasolano dio continuidad a la tradición familiar de acompañar con afecto a Leonor.

Antonela Roccuzzo, de negro y con un collar de diamantes

Antonela Roccuzzo, mujer de Leo Messi, una de las mejores vestidas con un look negro y una gargantilla de diamantes.

Esther Alcocer Koplowitz y el escote barco

Esther Alcocer Koplowitz llegó a los Premios Princesa de Asturias con un conjunto de Alejandro de Miguel con cuerpo de escote barco, hombros plisados y pantalones palazzo de cintura alta.

La reina Sofía y su look de dos piezas

La reina Sofía ha apostado por un dos piezas de tonos claros con el que mantiene prácticamente una tradición desde 2024.

El sello personal de Patti Smith

La estrella de la música ha llevado un traje de tres piezas negro de corte oversize, combinando americana holgada y chaleco sobre una camisa blanca. La lista de asistentes también se ha completado con María Dueñas, Nuria March, Miguel y Ana Indurain y el resto de premiados.

Ryan Reynolds cumple 50 años con una imagen que se reconoce por la continuidad antes que por los cambios abruptos en la moda.

A lo largo de su carrera, el actor canadiense construyó un guardarropa que alterna códigos formales y casuales, con una atención sostenida al calce, la comodidad y el contexto de cada aparición.

Su estilo no depende de una pieza única ni de una tendencia pasajera. La moda masculina que propone parte de una sastrería de líneas limpias, se abre a una paleta variada y se traslada con facilidad a prendas cotidianas.

Esa flexibilidad explica por qué su vestuario funciona tanto en una ceremonia de cine como en compromisos públicos de menor protocolo.

La sastrería organiza su imagen en las apariciones formales

En alfombras rojas, estrenos y entregas de premios, suele apoyarse en el traje como punto de partida. La elección privilegia chaquetas de estructura definida, pantalones con una caída proporcionada y camisas que mantienen una lectura clara del conjunto. El resultado se sostiene más en la construcción que en la acumulación de elementos.

La elección de una paleta variada le permite adaptar ese lenguaje a distintos horarios y niveles de formalidad.

En vez de repetir una fórmula cerrada, incorpora cambios de tonalidad, textura o terminación que renuevan el traje sin alejarlo de la sobriedad. El vestuario conserva una identidad reconocible, aunque no queda limitado a un único registro cromático.

La corbata, el moño y otros accesorios aparecen según las exigencias del evento. Reynolds puede asumir una lectura clásica cuando el protocolo lo pide o relajar el conjunto con decisiones menos rígidas.

El traje funciona como una base adaptable, capaz de responder a la ceremonia sin convertir la ropa en el centro exclusivo de la aparición.

Los detalles sostienen una elegancia sin exceso

El aspecto más constante de su estilismo está en las proporciones. Las prendas formales evitan tanto la amplitud excesiva como el ajuste extremo, una decisión que mantiene vigente la silueta más allá de las oscilaciones de tendencia. Hombros, largos de mangas y caída del pantalón se articulan con un criterio de equilibrio.

Ese enfoque se prolonga en los complementos. El actor suele elegir calzado, relojes y otros accesorios de diseño contenido, que acompañan al conjunto sin competir con él.

La moderación en los detalles ordena su presencia en los eventos de alto perfil y evita que una sola pieza defina toda la imagen.

La fórmula responde a un cambio amplio en la moda masculina contemporánea. La formalidad ya no exige uniformidad absoluta, y los códigos de etiqueta admiten cierta personalidad cuando se conservan las reglas básicas de proporción y calidad visual.

Reynolds utiliza ese margen para actualizar la sastrería desde gestos pequeños y no desde rupturas drásticas.

La ropa casual mantiene la misma lógica de proporción

Fuera de las alfombras rojas, su vestuario se vuelve más relajado, pero no pierde cohesión.

Prendas de punto, camisetas, camisas, pantalones de uso cotidiano, abrigos y calzado informal componen un armario funcional que se aleja de la rigidez del traje. La selección privilegia piezas fáciles de combinar y adecuadas para una agenda pública activa.

En esta faceta, Reynolds alterna referencias urbanas, deportivas y clásicas. La ropa casual no busca replicar el vestuario de escenario ni ofrecer una versión forzada de la tendencia.

El estilo cotidiano prioriza prendas versátiles, con cortes definidos y materiales que permiten superponer capas o ajustar el nivel de formalidad según la situación.

Las capas son una de las herramientas que dan continuidad a esa propuesta. Una prenda exterior, una camisa o un tejido pueden modificar la lectura de un conjunto sencillo y aportar estructura sin necesidad de recursos llamativos.

Esta manera de vestir resuelve la transición entre actividades informales, viajes, entrevistas y apariciones vinculadas a sus proyectos profesionales.

La comodidad convive con una imagen cuidada

El estilo de Ryan Reynolds evita separar de forma tajante la ropa cómoda de la ropa prolija. En su vestuario, las prendas de aire relajado conservan una silueta ordenada, mientras que los conjuntos más formales admiten decisiones que reducen su rigidez.

Esa combinación refleja un modo de vestir extendido en la última década, donde la funcionalidad dejó de ser incompatible con la presentación personal.

La clave está en repetir ciertos principios, aun cuando cambian las prendas. El ajuste, la proporción, la elección de materiales y el uso de una paleta amplia pero coherente permiten que los registros formal y casual dialoguen entre sí. No hay una división rígida entre elegancia y comodidad, sino una adaptación de los códigos según el momento.

También influye la imagen pública que el actor proyecta en entrevistas y estrenos. Su tono suele ser cercano e irónico, y su ropa acompaña esa percepción con conjuntos que no buscan imponer distancia. Incluso cuando se ajusta a un protocolo, mantiene un enfoque medido que evita la teatralidad y privilegia la naturalidad.

El actor mantiene una relación estable con la moda: alterna sastrería, ropa casual y una paleta diversa sin perder el hilo conductor de su imagen.

Esa constancia se apoya en prendas bien elegidas, códigos claros y una atención sostenida a cómo cada pieza funciona dentro del conjunto.

Pamela Anderson atraviesa una etapa en la que prioriza el maquillaje mínimo, sus rasgos naturales y una forma más libre de relacionarse con la moda. La actriz canadoestadounidense dejó atrás los mandatos que durante años rodearon su imagen pública y sostiene que su estilo actual responde a la comodidad, a su estado de ánimo y a la confianza que construyó con el tiempo.

“No me arrepiento; ahora la mayoría de los días prefiero algo muy sencillo, y otros días quiero lucir un poco de glamour. No creo que debamos encasillarnos”, afirmó Anderson en una entrevista exclusiva con People. La declaración reúne la postura con la que la intérprete aborda sus apariciones recientes, desde las alfombras rojas hasta sus decisiones de mostrarse sin cosméticos.

“Creo que he aprendido a confiar más en mí misma”, explicó. “Quiero disfrutar de la experiencia, sentirme cómoda conmigo misma y divertirme. A veces, las cosas más sencillas son las más bellas”.

La moda dejó de ser una respuesta a las expectativas externas

Anderson aseguró que no perdió su interés por la ropa ni por los grandes eventos, aunque modificó la forma en que toma sus decisiones. Su prioridad ya no pasa por responder a una imagen predefinida, sino por elegir prendas y recursos de belleza que representen cómo se siente.

“Hay una verdadera libertad en no sentir que tienes que ser diferente de quien eres”, manifestó. “Todavía me encanta arreglarme y celebrar la moda, pero no siento la necesidad de complicar las cosas”.

Para la actriz, la indumentaria funciona como un registro de sus cambios personales y profesionales. “Me alegra haber vivido muchas vidas y creo que cada capítulo se ha visto reflejado en mi forma de vestir”, dijo al repasar su recorrido público.

La actriz también explicó que esa evolución le permitió correrse de las expectativas ajenas al momento de vestirse. “Siempre me ha encantado la moda, pero ahora siento más libertad para seguir mis instintos y vestir lo que me hace feliz, en lugar de simplemente complacer a los demás”, afirmó.

El rostro al natural de Pamela Anderson también marcó su paso por Venecia

La transformación estética de Anderson también tuvo una escala internacional en septiembre de 2026, cuando asistió al Festival de Cine de Venecia para presentar Place to Be, la película de Kornél Mundruczó en la que comparte elenco con Taika Waititi y Ellen Burstyn.

Durante el photocall previo a la conferencia de prensa, llevó un vestido azul pastel, de líneas amplias, escote en V y estampado de limones. Su cabello rubio, de media melena, tuvo volumen en la zona superior, movimiento y flequillo lateral, una elección que remitió a códigos del cine clásico.

La presencia en Italia se sumó a los cambios que mostró a lo largo de 2026 en la Semana de la Moda de Nueva York y los Globos de Oro. El cabello con capas, el volumen moderado y los acabados menos intervenidos se repitieron en sus apariciones públicas.

En declaraciones a Vanity Fair España, Anderson explicó que abandonar el maquillaje formó parte de una búsqueda de autenticidad. “Quiero ser yo misma, con o sin cosméticos”, sostuvo. También afirmó que “nuestras diferencias nos hacen hermosas”.

La actriz vinculó su decisión de dejar los cosméticos con la muerte de Alexis Vogel, quien fue su maquilladora durante años. “Sin Alexis, es mejor para mí no usar maquillaje”, dijo anteriormente a People.

La gala en Los Ángeles combinó sobriedad y referencias al Hollywood clásico

Ese enfoque estuvo presente el 17 de octubre en la sexta Gala Anual del Museo de la Academia, celebrada en Los Ángeles. Anderson optó por una camisa blanca y una falda verde amplia de la colección primavera 2027 de Carolina Herrera, junto con un peinado de rizos inspirado en Sweet Charity, la película de 1969 dirigida y coreografiada por Bob Fosse.

El conjunto incluyó un collar de tenis personalizado de 19,75 quilates y pendientes de 4 quilates, realizados con diamantes cultivados en laboratorio de Pandora. “Hay algo muy romántico en arreglarse”, dijo sobre su elección para la ceremonia. “Quería evocar ese aire clásico de Hollywood”.

La intérprete aclaró que toma esa estética como una referencia, sin pretender reproducirla de forma literal. “Ese tipo de glamour tiene algo atemporal, y creo que es maravilloso traer un poco de ese espíritu al presente y añadirle un toque de modernidad”, expresó. “La fotografía y el cine han cambiado. No se puede simplemente copiar el pasado. Pero es una fuente de inspiración”.

Las joyas conservan el valor de los vínculos familiares

Para Anderson, los accesorios también están asociados con recuerdos personales. Entre las piezas que destacó figuran los diamantes rosas cultivados en laboratorio que llevó en su primera Met Gala, en 2024, además de una pulsera de dijes que recibió de sus hijos y otra que ella preparó para su madre.

“Mis hijos me hicieron una pulsera de dijes Pandora, y yo le hice una a mi madre”, relató. “Esas son las cosas que perduran. Se trata de recuerdos, amor y de las personas que crean algo significativo”.

La actriz contó que en la gala del Museo de la Academia llevó los mismos pendientes que había usado en el estreno de The Naked Gun, una decisión que definió como parte de su relación sentimental con las joyas. Su presente, afirmó, se apoya en la aceptación personal: “Hay algo muy hermoso en aceptarse a uno mismo tal como es. Y ahora es el momento de brillar”.

La colección incluye cuatro prendas: una chaqueta, unos pantalones, una camiseta y una bufanda de color naranja. Las piezas están diseñadas para adaptarse a los movimientos de los robots y evitar interferencias con su funcionamiento, especialmente con la disipación del calor que generan sus componentes.

La compañía anunció que las prendas estarán disponibles en su página web y también se comercializarán en tiendas temporales. Con este lanzamiento, la empresa japonesa busca explorar una dimensión menos habitual del desarrollo robótico: la apariencia de las máquinas y la manera en que su diseño puede influir en la interacción con los seres humanos.

Japón lleva la moda al mundo de los robots humanoides

La propuesta de GMO AI & Robotics, que forma parte del grupo GMO Internet, responde a una transformación en la manera de concebir los robots humanoides. A medida que estas máquinas se preparan para desempeñar tareas en tiendas, instalaciones públicas y otros espacios compartidos con personas, su diseño exterior comienza a adquirir mayor relevancia.

Hasta ahora, buena parte del desarrollo de estos dispositivos se ha centrado en cuestiones como la movilidad, la autonomía, la capacidad para manipular objetos y la ejecución de tareas. Sin embargo, la compañía japonesa sostiene que la apariencia también puede contribuir a que las personas se familiaricen con los robots y se sientan más cómodas al interactuar con ellos.

La colección se presentó mediante un vídeo promocional publicado por United Arrows. En las imágenes aparece uno de los robots comercializados por GMO en Japón, diseñado por la empresa china Unitree, mientras camina por una tienda de ropa vacía con una chaqueta amplia y unos pantalones de color crema.

El desplazamiento del robot evidencia los desafíos que todavía afrontan estas máquinas para reproducir los movimientos humanos con naturalidad. La ropa, por su parte, introduce una dimensión estética que hasta ahora no ha sido una prioridad en buena parte de los proyectos de robótica.

Cómo es la ropa diseñada para robots

La colección está compuesta por cuatro piezas que combinan criterios estéticos con requisitos técnicos. La chaqueta, los pantalones y la camiseta conforman el conjunto principal, mientras que una bufanda naranja añade un elemento de contraste.

La elección de los colores también responde a una decisión de diseño. Según la compañía, se optó por tonos grises claros para armonizar con la textura metálica de los robots y complementar su apariencia.

No obstante, la ropa para humanoides debe cumplir condiciones diferentes a las de las prendas convencionales. Estos dispositivos cuentan con articulaciones, motores y componentes electrónicos que necesitan espacio para moverse y liberar calor durante su funcionamiento.

Por ese motivo, las prendas prescinden de forros interiores que puedan dificultar la disipación térmica. Además, están concebidas para adaptarse a los rangos de movimiento de los robots, de modo que la vestimenta no limite sus desplazamientos.

Estas características muestran que el diseño de ropa para máquinas requiere considerar tanto la apariencia como las particularidades mecánicas y térmicas de cada dispositivo.

Los robots humanoides buscan espacio en aeropuertos y comercios

La iniciativa de GMO AI & Robotics se suma a los esfuerzos de la compañía por impulsar el uso de robots humanoides en actividades prácticas. En mayo de 2026, la empresa comenzó una prueba de larga duración junto con Japan Airlines (JAL) para evaluar el empleo de estas máquinas en tareas de carga y descarga de equipaje en aeropuertos.

Este tipo de aplicaciones busca determinar hasta qué punto los robots pueden asumir determinadas labores en entornos operativos, donde deben desplazarse, manipular objetos y trabajar en espacios diseñados principalmente para personas.

La incorporación de ropa no demuestra por sí misma que los robots estén preparados para desempeñar más funciones, pero refleja cómo las empresas comienzan a explorar aspectos adicionales a sus capacidades técnicas.

A medida que estas máquinas se acerquen a entornos cotidianos, cuestiones como su apariencia, la seguridad y la facilidad de interacción podrían adquirir mayor importancia. La colección japonesa representa un ejemplo de cómo la industria empieza a considerar la relación entre tecnología, diseño y aceptación social de los robots humanoides.

En una noche marcada por los códigos del cine y la alta costura, Kendall Jenner convirtió los lunares en el eje de su look para la Academy Museum Gala 2026. La modelo asistió al evento celebrado en Los Ángeles con un vestido a medida de Valentino, una elección que trasladó un motivo clásico del vestuario femenino a una silueta de gala de líneas precisas.

La propuesta se apoyó en una combinación de blanco marfil y negro, una paleta que mantiene vigencia en la moda de noche por su contraste y su capacidad de funcionar tanto en diseños minimalistas como en prendas de mayor elaboración.

En este caso, los lunares no aparecieron como un detalle secundario: ordenaron toda la composición visual del vestido y definieron la lectura del conjunto desde la alfombra roja.

Un vestido de Valentino con lunares, moños y abertura lateral

El diseño fue confeccionado en georgette estampado con lunares negros sobre una base clara, con aplicaciones de satén y una estructura que dejaba los hombros al descubierto. El cuerpo palabra de honor acompañó una falda larga hasta el suelo, mientras que una abertura lateral aportó movimiento a una prenda de proporciones tradicionales.

La construcción incorporó dos moños a la altura de las caderas, un recurso que introdujo volumen y delimitó la silueta. En la parte inferior, los lunares recibieron un tratamiento con cuentas negras, una intervención que modificó el efecto del estampado bajo las luces del evento.

El vestido combinó georgette, satén duquesa y bordados de cuentas, con capas y texturas distintas dentro de una misma gama cromática.

La elección tiene una referencia clara en la historia de la moda. El lunar ha atravesado décadas de diseño, desde los vestidos de día de mediados del siglo XX hasta las interpretaciones gráficas de firmas contemporáneas.

Su presencia en un vestido de gala requiere un equilibrio entre escala, tejido y corte para que el estampado no desplace a la forma. Valentino resolvió esa tensión con una base de color limitada y una silueta que concentró los detalles en áreas específicas.

Las joyas de Cartier reforzaron la paleta en blanco y negro

Para completar el conjunto, Kendall Jenner llevó zapatos de punta en negro y piezas de la colección Panthère de Cartier.

Los pendientes y el anillo reunieron oro blanco de 18 quilates, diamantes, esmeraldas y ónix. La elección del ónix dialogó con los lunares del vestido, mientras que las esmeraldas sumaron un color contenido sin alterar la predominancia del blanco y negro.

El calzado siguió la misma lógica de continuidad. En lugar de introducir una sandalia metalizada o un zapato de tono contrastante, la modelo eligió unos pumps negros de punta fina. La decisión sostuvo la verticalidad de la falda y dejó que la atención se concentrara en el estampado, los moños y las joyas.

La Academy Museum Gala reúne cada año a figuras del cine, la música, la moda y el entretenimiento con el objetivo de respaldar el trabajo del museo dedicado a preservar y celebrar la historia cinematográfica. Por la visibilidad de su alfombra roja, el encuentro se consolidó como un espacio para presentar piezas de archivo, diseños exclusivos y colaboraciones entre celebridades y casas de moda.

El estilo de Kendall Jenner alterna entre el minimalismo y las referencias de archivo

El look se inscribe en una línea reconocible dentro del estilo público de Jenner. En sus apariciones de noche suele recurrir a vestidos ceñidos, siluetas limpias y colores sólidos, especialmente negro, blanco, rojo oscuro y tonos neutros.

También ha incorporado referencias a la lencería, el minimalismo de los años noventa y el glamour de Hollywood, con prendas que privilegian el corte por encima de una acumulación de accesorios.

En el día a día, su vestuario se acerca más a un registro relajado: pantalones rectos, jeans, chaquetas de cuero, camisas amplias, prendas deportivas y básicos de inspiración ecuestre.

Esa alternancia entre piezas funcionales y vestidos de alta visibilidad explica por qué su elección para la gala conserva una estructura relativamente sobria, aun cuando trabaja con un estampado de fuerte presencia.

El estilismo de Danielle Goldberg acompañó esa dirección con una selección de accesorios limitada y una belleza sin excesos. El peinado y el maquillaje mantuvieron el foco sobre el vestido, sin competir con las aplicaciones de cuentas ni con el brillo de las piezas de Cartier.

La fórmula responde a una de las claves de las alfombras rojas actuales: un elemento dominante, complementos precisos y una ejecución pensada para funcionar tanto en persona como en fotografía.

Dua Lipa convirtió su paso por la Metropolitan Opera de Nueva York en una declaración de moda de alfombra roja, con un vestido negro de lentejuelas que llevó los códigos de la pasarela a la premiere de Lincoln in the Bardo.

La cantante eligió una silueta larga, de hombros descubiertos y con cola, pensada para responder al carácter ceremonial de una noche de estreno sin renunciar a una imagen contemporánea.

La elección tuvo lugar en una cita donde la indumentaria forma parte de la experiencia cultural. La ópera conserva un protocolo de noche asociado a vestidos largos, trajes formales y acabados que dialogan con la iluminación del teatro.

En ese marco, Dua Lipa apareció con una prenda de superficie brillante, abertura alta y un body visible bajo la falda, elementos que sumaron una lectura más actual a una estructura clásica de gala.

El resultado fue un atuendo sostenido por una idea precisa: dejar que el vestido concentrara el protagonismo. La artista completó el conjunto con zapatos negros y accesorios mínimos, una decisión que puso el foco en el volumen de la cola, la textura de las lentejuelas y la línea de los hombros.

Las lentejuelas negras actualizaron un código clásico de la noche

El negro continúa siendo uno de los tonos más frecuentes en la moda de gala por su capacidad de adaptarse a distintos contextos. Sin embargo, el acabado elegido por Dua Lipa evitó una lectura plana.

Las paillettes, lentejuelas pequeñas y planas aplicadas sobre el tejido, modifican la forma en que la luz recorre la prenda y aportan profundidad al color sin necesidad de recurrir a estampados o contrastes cromáticos.

En esta propuesta, el brillo no apareció como un recurso aislado. La prenda combinó el efecto luminoso con una caída suave sobre el cuerpo, un escote de hombros descubiertos y una tira fina alrededor del cuello.

La abertura lateral mostró una capa interior de corsetería ligera, una solución que introduce referencias a la lencería dentro de una pieza diseñada para un evento formal.

La combinación de una cola amplia con una silueta ceñida y una abertura alta resume una de las direcciones más visibles de la moda de noche actual: prendas con presencia escénica que preservan libertad de movimiento.

El vestido mantiene una construcción reconocible de alfombra roja, aunque incorpora detalles que remiten directamente a las colecciones de pasarela.

Dua Lipa construye sus alfombras rojas a partir de una pieza central

Más allá de esta premiere, Dua Lipa ha consolidado una forma reconocible de vestirse para las alfombras rojas. Sus elecciones suelen partir de un elemento dominante, una silueta con volumen, un color intenso, un escote definido o un tejido de gran presencia, y organizan el resto del estilismo alrededor de esa decisión. Así evita que el conjunto se disperse entre demasiadas referencias.

En sus apariciones, la cantante alterna vestidos de inspiración retro con propuestas de cortes asimétricos, transparencias, corsetería visible y prendas que recuperan códigos de la lencería.

También recurre con frecuencia a siluetas ceñidas que subrayan la figura, aunque las equilibra con abrigos, colas, guantes o plataformas cuando la ocasión exige una construcción más teatral.

La relación entre ropa, peinado y maquillaje es otra de las claves de su estilo. Cuando el vestido concentra brillo, volumen o detalles complejos, Lipa suele elegir un peinado pulido y joyas medidas. Si la prenda tiene una línea más limpia, en cambio, puede trasladar el foco hacia un accesorio, una textura de belleza o un calzado con presencia.

Su estilo de alfombra roja privilegia el contraste entre una prenda de impacto y un acompañamiento preciso.

El vestido negro elegido para la ópera se integra en esa lógica. La cola, las lentejuelas y la abertura ofrecen una imagen pensada para las fotografías, mientras que los accesorios reducidos ordenan la mirada sobre la silueta.

Para sus próximas apariciones públicas, ese equilibrio entre referencias de pasarela, sensualidad y decisiones de estilismo seguirá siendo una de las señas de su imagen.

Kim Kardashian cumple 46 años este 21 de octubre. Entre referencias a la cultura popular, códigos del lujo y una presencia calculada en cada aparición, la empresaria creó un estilo único y se consolidó como ícono de moda.

Su ropa suele funcionar como una extensión de su estrategia de comunicación. A diferencia de las figuras que separan el vestuario de su actividad empresarial, Kardashian convirtió ambos planos en un mismo lenguaje.

Sus elecciones de siluetas, materiales y marcas acompañaron etapas de su carrera y dialogaron con los productos de su marca, la firma de prendas moldeadoras y básicos que fundó en 2019.

La silueta ceñida se convirtió en una de sus firmas más reconocibles

La imagen de su marca SKIMS asociada a Kardashian se apoya desde hace años en prendas ajustadas al cuerpo: vestidos de punto, faldas tubo, corsés, bodys, tops cortos y conjuntos monocromáticos. Esa silueta no apareció como un detalle aislado, sino como una constante que trasladó a la moda masiva una estética antes vinculada al vestuario de fiesta, la lencería y la alfombra roja.

El cuerpo ocupa un lugar central en esa propuesta. Kardashian suele elegir piezas que marcan la cintura, enfatizan las curvas y reducen el espacio entre la prenda y la piel.

En su caso, la ropa no busca disimular la figura ni seguir una idea convencional de discreción; presenta las formas como parte del look. La combinación de prendas moldeadoras, tejidos elásticos y escotes definidos se volvió uno de los códigos más imitados.

Ese lenguaje coincidió con el crecimiento de las redes sociales como escaparate de tendencias. Muchas de sus apariciones circularon primero como imágenes digitales y luego influyeron en colecciones de cadenas comerciales, marcas independientes y estilismos de otras personalidades.

El vestido ceñido de tonos neutros, los conjuntos de dos piezas y los bodys dejaron de ser elecciones de nicho para integrarse al vestuario cotidiano de una parte amplia del público.

Los tonos neutros ordenan una estética reconocible

Negro, blanco, gris, beige, chocolate y nude forman la base de buena parte de su guardarropa público. La paleta permite que el protagonismo recaiga en las proporciones y en los materiales, desde el látex hasta el jersey, el cuero o las telas técnicas.

También establece continuidad entre looks muy distintos: un conjunto deportivo, un vestido de gala y una campaña comercial pueden pertenecer al mismo universo visual.

La preferencia por el monocromo aporta una apariencia depurada, aun cuando la prenda es extrema por su ajuste, transparencia o volumen. Kim Kardashian ha alternado esa sobriedad cromática con piezas de alto impacto, como abrigos de gran tamaño, botas que cubren toda la pierna, lentes oscuros envolventes y accesorios de inspiración futurista.

El contraste explica parte de su influencia: puede construir una imagen accesible a partir de básicos y, al mismo tiempo, llevar la propuesta hacia el espectáculo.

En sus looks de calle, las prendas deportivas y de descanso tienen un peso equivalente al de los vestidos de alfombra roja. Calzas, sudaderas, zapatillas, musculosas y prendas interiores visibles forman parte de una estética que ayudó a borrar límites entre ropa para estar en casa, indumentaria deportiva y atuendo urbano.

Esa mezcla se relaciona de manera directa con el posicionamiento de SKIMS y con un mercado que convirtió la comodidad en un argumento de moda.

Una etapa de mayor experimentación en su imagen pública

La evolución de Kardashian tuvo un punto de inflexión durante su relación con el músico y diseñador Kanye West, con quien estuvo casada entre 2014 y 2022. En ese período, su vestuario se acercó a referencias minimalistas, deportivas y futuristas, con una presencia recurrente de firmas como Balmain, Givenchy, Balenciaga y Yeezy.

La transformación no consistió solo en usar marcas de lujo. Cambió también la manera de presentar cada conjunto: menos joyas, maquillaje más contenido en ciertos momentos, abrigos voluminosos sobre prendas mínimas y una mayor atención a la arquitectura de las piezas. La moda pasó a ser un tema central de su personaje público y no solo un complemento de su fama televisiva.

Algunas de sus apariciones más comentadas expresaron esa disposición a probar límites. En la Met Gala de 2021 asistió cubierta de negro de pies a cabeza con un diseño de Balenciaga; al año siguiente llevó el vestido que Marilyn Monroe usó para cantar “Happy Birthday” al presidente John F. Kennedy en 1962.

Ambas elecciones abrieron debates sobre identidad, archivo de moda, celebridad y espectáculo, y confirmaron que cada aparición podía generar conversación más allá de la alfombra roja.

La Fórmula 1 consolidó al paddock como un nuevo escaparate de moda

La presencia de Kardashian en el entorno de la Fórmula 1 se inscribe en una transformación más amplia del campeonato. El paddock dejó de ser un espacio reservado para equipos, pilotos y personal técnico: hoy reúne a celebridades, diseñadores, músicos y figuras de las redes sociales, mientras la ropa se integra a la conversación que rodea cada carrera.

Esa estética combina prendas vinculadas al automovilismo, camperas de cuero, monos, botas, gafas envolventes, logos y referencias a los equipos, con códigos de lujo y alfombra roja. A diferencia de otros eventos deportivos, los Grandes Premios habilitan propuestas que oscilan entre lo funcional, lo deportivo y lo teatral, con una circulación inmediata de las imágenes en redes sociales.

En ese contexto, la Fórmula 1 amplió su influencia sobre la moda y convirtió el vestuario de las celebridades en parte del espectáculo que acompaña a la competencia. Para una figura como Kardashian, cuya imagen se construye alrededor de la visibilidad y las siluetas reconocibles, ese escenario resulta coherente con su forma de entender la moda como comunicación.

Su armario mezcla lujo, cultura pop y una lógica empresarial

El estilismo de Kardashian representa una forma de celebridad en la que la imagen personal es, a la vez, contenido, producto y mensaje. Sus elecciones no dependen únicamente del gusto individual: se insertan en lanzamientos comerciales, campañas, episodios televisivos, eventos de moda y publicaciones que llegan a millones de seguidores.

Por eso, su influencia se mide menos por una sola tendencia que por su capacidad para instalar códigos visuales.

El contorno facial, los conjuntos neutros, las prendas transparentes, la ropa moldeadora como prenda exterior y el uso de archivos históricos se asociaron, en distintos momentos, con su figura. Su estilo representa la conversión de la imagen de una celebridad en una plataforma de negocios y de circulación cultural.

A los 46 años, Kardashian conserva la capacidad de alternar entre el minimalismo de una segunda piel y los gestos de alto impacto propios de la moda de gala.

Su vestuario sigue apoyado en una fórmula precisa: siluetas reconocibles, colores controlados, marcas de peso y una relación permanente con el presente digital. Cada nueva aparición se integra así a una narrativa visual que lleva más de dos décadas en construcción.

Wanda Nara presentó ¿Quieres ser mi hijo?, la película con la que debuta como actriz en un largometraje, durante una función previa a su llegada a los cines, prevista para este jueves 22 de octubre. La conductora compartió la presentación con Agustín Bernasconi, su coprotagonista, y con el director Hernán Guerschuny.

La noche reunió a familiares, colegas de la televisión y figuras del espectáculo que se acercaron para acompañar a Nara en un estreno que representa un nuevo paso en su recorrido profesional. Además de atender a la prensa y posar para las fotos, la conductora se mostró emocionada por el lanzamiento del filme y por su primera experiencia protagónica en la pantalla grande.

Para la ocasión, Wanda Nara eligió un vestido midi negro de Dolce & Gabbana, ceñido al cuerpo y decorado con rosas rojas y hojas verdes. El diseño tenía mangas largas y un escote amplio. Lo combinó con zapatos negros de punta y taco alto, anillos, un reloj metálico y uñas rojas.

El estilismo se completó con el cabello rubio, largo y ondulado, peinado con raya al medio, y un maquillaje de delineado oscuro con labios en tono nude. Con ese look, Nara posó junto a Bernasconi y Guerschuny antes de ingresar a la función.

La conductora asistió acompañada por sus cinco hijos: Valentín, Benedicto, Constantino y sus dos hijas menores. También estuvieron presentes Nora Colosimo, Ana Rosenfeld, la madre de L-Gante, Kennys Palacios y Zaira Nara, quienes se sumaron al entorno cercano de la actriz durante la presentación.

El estreno contó, además, con la presencia de participantes de MasterChef Celebrity, el programa que Nara conduce. Pablo Migliore y Nazareno Casero acudieron al evento, al igual que Donato de Santis, José María Muscari, Matilda Blanco, Miriam Lanzoni, Nai Awada y Andrea Rincón.

Entre los invitados también estuvieron Charo López y Jean Pierre Noher, integrantes del elenco de “¿Quieres ser mi hijo?”. Tras esta presentación, la película llegará a las salas de cine este jueves 22 de octubre.

La película también marca el debut de Nara en la ficción junto a Bernasconi. En la comedia romántica, ella interpreta a Lucía, una mujer que atraviesa una crisis personal y se vincula con un hombre más joven. La dirección está a cargo de Hernán Guerschuny y la historia pone el foco en esa relación, que plantea una diferencia de edad entre los protagonistas.

Antes del estreno, Wanda Nara y Agustín Bernasconi visitaron Agarrate Catalina, el programa de Catalina Dlugi en radio La Once Diez, donde repasaron el proceso de preparación de la película y las escenas íntimas que comparten en pantalla. Ambos señalaron que el trabajo previo fue central para construir la confianza necesaria durante el rodaje.

Nara explicó que el equipo contó con una coach de intimidad, que mantuvo reuniones individuales y grupales con los actores antes de filmar. “Para mí era todo nuevo, todo me daba vergüenza. Él estaba más habituado”, contó la conductora. Bernasconi coincidió en que la dinámica exige una preparación específica: “Parece una boludez, pero no. Hay que estar ahí desnudándose y una cosa y la otra”.

Dlugi intervino entonces para describir la distancia entre el resultado que ve el público y el detrás de escena de una secuencia de ese tipo. “Es lo más antierótico del mundo. La gente la ve y empieza a soñar”, afirmó. Nara sostuvo que, al momento de grabar, el set redujo al mínimo la presencia de técnicos y que la mayoría de las escenas fue registrada por mujeres. También señaló que ella y Bernasconi acordaron de qué manera cubrirse durante las tomas.

Los ensayos comenzaron antes de que el equipo se trasladara al rodaje en Uruguay. Según relató Nara, Bernasconi llegó a su casa con el guion estudiado, mientras ella acababa de regresar de unas vacaciones en Japón y todavía no había repasado sus parlamentos. “Tocó el timbre en mi casa con su librito: ‘Venimos a ensayar’. Yo dije: ‘Uh’”, recordó.

Durante esa etapa, Pablo Ini acompañó al elenco como coach y continuó el trabajo durante la filmación. Nara recordó la exigencia de los ensayos y contó que Ini le pedía repetir las escenas hasta alcanzar el tono buscado. En uno de los encuentros a solas, el coach se emocionó al finalizar una escena. “Dije: realmente la hice bien, porque este tipo que me estaba corrigiendo cosa por cosa terminó emocionado”, relató.

Para Nara, la principal incógnita antes de comenzar era si lograría una conexión convincente con Bernasconi frente a cámara. “Me preguntaba si iba a pasar con Agus. Porque te puede pasar o no”, expresó. El actor, a su vez, atribuyó el resultado al clima de trabajo que construyó el equipo: “Construimos algo tan de compañerismo desde un comienzo que todos tirábamos para el mismo lado”.

Consultada por Dlugi sobre la química entre ambos, Nara reconoció que esa fue una de las reacciones que recibió tras los primeros visionados. “Era lo más importante para mí, que fuera creíble”, sostuvo sobre la relación que articula la trama de “¿Quieres ser mi hijo?”, que llegará a los cines este jueves 22 de octubre.

En la celebración posterior al Victoria’s Secret Fashion Show 2026, celebrado en Los Ángeles, Bella Hadid recuperó el vestido negro de encaje que Britney Spears llevó a los MTV Video Music Awards de 2001.

La modelo eligió una lectura contemporánea de aquella referencia pop, con un diseño corto, transparente y acompañado por calzado clásico en negro.

El atuendo apareció después del desfile de Victoria’s Secret, cuya pasarela reunió a figuras como Candice Swanepoel, Adriana Lima, Gigi Hadid, Anok Yai y Alex Consani.

Tras la presentación, las modelos asistieron a una fiesta privada en el hotel Chateau Marmont, donde Hadid mantuvo la estética de lencería que dominó parte de la propuesta de la noche.

El encaje negro conectó el look de Bella Hadid con Britney Spears

El vestido de Bella Hadid estaba confeccionado en encaje negro y tenía una silueta ajustada al cuerpo. La transparencia del tejido dejaba ver el conjunto de ropa interior oscuro elegido para completar el estilismo, una fórmula que trasladó al exterior códigos vinculados con la ropa íntima.

En aquella alfombra roja, Spears apareció con un minivestido de encaje de Dolce & Gabbana, una elección que quedó ligada a la estética de comienzos de siglo y que ha sido recreada en numerosas ocasiones dentro de la cultura pop.

Hadid no reprodujo aquel conjunto de forma literal. La modelo apostó por una interpretación que actualiza la referencia desde las tendencias de 2026, cuando las transparencias, el encaje y las prendas inspiradas en lencería volvieron a tener presencia tanto en la calle como en las pasarelas. El look combinó un minivestido transparente, ropa interior visible y una paleta completamente negra.

Uno de los detalles que distinguió la elección de Hadid fue el calzado. En lugar de sandalias de tiras o botas altas, optó por zapatos de salón negros de satén, de punta cerrada y tacón alto. La decisión aportó una nota más clásica a un vestido construido alrededor de la transparencia y la exposición de la lencería.

Los zapatos de salón funcionan como una pieza de contraste en este tipo de propuestas. Frente al carácter explícito del encaje, su diseño cerrado ordena la silueta y evita sumar más elementos al conjunto. En este caso, el satén también sostuvo el efecto de textura sin competir con el dibujo del vestido.

Bella Hadid desfiló con las alas de Victoria’s Secret en Los Ángeles

Antes de llegar a la fiesta, Hadid participó en el Victoria’s Secret Fashion Show 2026 en Los Ángeles. La modelo formó parte del grupo de nombres convocados para la pasarela, en una edición que reunió a varias figuras asociadas históricamente con la marca y a rostros de una generación más reciente.

En el desfile, las alas volvieron a ocupar un lugar central dentro de la puesta en escena. Bella Hadid desfiló junto a modelos reconocidas, en una pasarela que recuperó uno de los símbolos más identificables de Victoria’s Secret.

Hadid abrió el desfile con un conjunto inspirado en la primavera. Llevó un sostén verde cubierto con aplicaciones florales de cuentas multicolores, una minifalda semitransparente en tono verde lima sobre ropa interior a juego y zapatos de tacón con la punta abierta.

El elemento central fueron unas alas de gran tamaño armadas como enredaderas verdes y decoradas con flores, que extendían el motivo botánico a toda la silueta. Completó el estilismo con el cabello rubio suelto y maquillaje en tonos bronce.

Para su segunda aparición, la modelo cambió esa combinación de color por un minivestido blanco plisado y alas de ángel a juego.

El contraste entre ambos atuendos marcó dos registros distintos dentro de la pasarela: el primero se apoyó en referencias florales y una paleta verde intensa; el segundo recurrió al blanco y a una silueta más cercana al imaginario tradicional de las alas de Victoria’s Secret.

Salma Hayek inspira la combinación de vestidos midi y calzado de tacón para Otoño-Invierno 2026, con botas altas de plataforma, zapatos destalonados, Mary Jane y pumps de punta afilada.

La fórmula funciona porque equilibra prendas de largo medio con siluetas que alargan la pierna, suman altura y permiten adaptar un mismo vestido a una cena, una oficina o un evento nocturno.

De acuerdo con Renata Joffre en Vogue México y Latinoamérica, la actriz mexicana mantiene una línea de estilo que cruza el minimalismo, el dramatismo cromático y ciertos acentos bohemios. Su referencia para esta temporada se concentra en vestidos midi, abrigos estructurados y zapatos que sostienen el protagonismo del conjunto.

Las búsquedas de moda también apuntan hacia modelos que resuelven más de un código de vestimenta. En Google, el interés por calzado de apariencia clásica, pero con plataformas, correas, puntas marcadas o acabados texturizados, acompaña el regreso de los vestidos de punto, las faldas plisadas y las prendas de satén.

Salma Hayek lleva botas de plataforma con vestidos midi plisados

Las botas de caña alta con plataforma aparecen como una de las rutas más directas para replicar el estilo de Salma Hayek. El modelo suma volumen en la parte inferior del cuerpo y da una lectura más actual a vestidos de pliegues, telas fluidas o cortes ceñidos a la cintura.

El negro mantiene su lugar como una base para este tipo de combinación. Un vestido midi en el mismo tono, acompañado por un abrigo cruzado o de líneas rectas, crea una columna visual continua. Las botas altas rompen la sobriedad con una suela amplia y un tacón grueso.

La propuesta también admite contrastes. Un vestido rosa intenso, amarillo profundo o azul violáceo puede acompañarse con botas oscuras para evitar que el color se disperse. El resultado se apega a una de las fórmulas que predominan en la temporada: una pieza central con color saturado y accesorios en tonos profundos.

Las botas de plataforma no se limitan a conjuntos de noche. Con un vestido camisero midi, medias opacas y un abrigo ligero, pueden trasladarse a jornadas de trabajo o reuniones informales. La elección depende del tacón: una base ancha ofrece mayor estabilidad que un tacón muy delgado.

Las botas color borgoña cambian el vestido amarillo para Otoño-Invierno 2026

El borgoña se instala entre los tonos que más se asocian con el cierre de 2026. Las botas en vino, ciruela o rojo oscuro permiten salir del negro sin perder versatilidad. También funcionan como punto de unión entre vestidos claros y abrigos neutros.

Un vestido midi amarillo, mostaza o camel toma otra dirección al combinarse con botas borgoña. La mezcla responde a la tendencia de bloques de color, que propone contrastes definidos en lugar de combinaciones completamente discretas. Para equilibrar, el abrigo puede ir en blanco roto, beige, gris o negro.

Las búsquedas relacionadas con “botas borgoña”, “botas altas para vestido midi” y “cómo combinar vestidos con botas” reflejan el interés por fórmulas que mantengan una apariencia arreglada sin depender de un conjunto monocromático. La consulta no solo parte de mujeres: también hay interés en botas de caña alta, colores vino y calzado de plataforma dentro de búsquedas de estilo masculino y de moda sin distinción de género.

El reporte de Vogue sobre las botas de Otoño 2026 identifica siluetas altas y ajustadas, modelos con hebillas, botas de inspiración western y opciones para lluvia entre las propuestas de la temporada.

Los zapatos Mary Jane con plataforma se alejan de su versión romántica

Los zapatos Mary Jane mantienen la correa sobre el empeine, pero para Otoño-Invierno 2026 adquieren una construcción más sólida. Las plataformas, las hebillas grandes y los tacones anchos los separan de una lectura infantil o demasiado literal.

En el estilo que propone Salma Hayek, este tipo de calzado acompaña vestidos midi en amarillo camel, faldas plisadas y abrigos de textura suave. El contraste se concentra entre una prenda de líneas limpias y un zapato con más peso visual.

El borgoña, el negro, el café chocolate y el blanco hueso se perfilan como colores funcionales para este diseño. Las versiones oscuras se integran a conjuntos de oficina. Las claras iluminan vestidos fucsia, azul marino o tonos ciruela durante la noche.

Las búsquedas sobre “Mary Jane con plataforma”, “zapatos con correa para mujer” y “zapatos cómodos con tacón” muestran una preferencia por modelos que sostienen el pie y reducen la inestabilidad de un zapato abierto. El interés se vincula con una tendencia más amplia: usar calzado de apariencia formal, pero apto para trayectos largos y actividades cotidianas.

Los pumps de punta afilada actualizan los vestidos drapeados

Los pumps de punta triangular regresan como una opción para quienes prefieren un zapato más ligero que una bota. La silueta alargada estiliza vestidos midi drapeados, faldas de satén y pantalones de pierna ancha. En un conjunto de color liso, la punta afilada puede modificar toda la proporción.

Salma Hayek los lleva como una pieza de contraste. Un vestido rosa brillante, por ejemplo, adquiere una apariencia más definida con zapatos del mismo tono o con un color complementario. La intención no es que el calzado desaparezca, sino que compita visualmente con la prenda principal.

El blanco se instala como otra alternativa para los pumps de tacón. Este color rompe con la idea de que el calzado otoñal debe ser siempre negro o café. Un vestido fucsia, un abrigo oscuro o una pieza con bordados puede acompañarse con zapatos blancos de punta afilada para concentrar la atención en el bajo del look.

Los botines de tacón también se mantienen dentro de las búsquedas de octubre de 2026, sobre todo para llevar con pantalones, vestidos y faldas. La conversación de temporada combina gamuza, plataformas, tacones finos y materiales brillantes en un mismo panorama.

Los mules destalonados y el azul violáceo abren una opción nocturna

Los zapatos destalonados con plataforma ofrecen una salida para eventos de noche o cenas durante los primeros meses fríos. El talón descubierto reduce el peso visual de un vestido largo o midi, mientras la plataforma mantiene una altura marcada.

La combinación se adapta a vestidos de satén, cortes drapeados y tonos azul violáceo, ciruela o negro. Para evitar que el conjunto se sature, conviene elegir una sola textura dominante. Si el vestido tiene brillo, el zapato puede ir en acabado mate. Si la prenda es lisa, el calzado admite textura o un tono contrastante.

Google explica que Trends mide el interés relativo de las consultas en una escala de 0 a 100 y no revela un volumen absoluto de búsquedas. Por ello, términos como “botas altas”, “Mary Jane”, “pumps”, “mocasines”, “calzado cómodo” y “vestido midi con botas” sirven para detectar conversaciones y variaciones de interés, no para afirmar una cifra exacta de personas que buscan cada diseño.

Lady Kitty Spencer llevó un vestido rojo de Dolce & Gabbana y un conjunto de diamantes en el British Museum Ball, Londres. La modelo y aristócrata británica, hija mayor de Charles Spencer y sobrina de la princesa Diana, eligió una silueta de satén con capa para una gala cuyo código de vestimenta giró en torno al rojo.

El resultado puso el foco en una de las figuras más observadas de la nueva generación de la familia Spencer. El vestido, confeccionado en satén rojo, reunió varios recursos habituales de la alta costura de noche: escote de hombros descubiertos, drapeados en el cuerpo, falda de largo completo y una abertura que dejaba ver los zapatos de salón del mismo tono.

La capa en mismo tono extendía la línea del diseño y aportaba movimiento a la silueta. Spencer completó el conjunto con piezas de Chatila Jewels: un collar ancho de diamantes, pendientes con motivo floral y una pulsera a juego.

La cita congregó a alrededor de 850 invitados de los ámbitos del arte, la moda y la música en el museo londinense.

El collar de diamantes fue el eje del estilismo

La joyería concentró buena parte de la atención del atuendo. El collar, de dibujo calado y piedras engastadas sobre metal blanco, cubría la base del cuello sin convertirse en una pieza compacta. Esa estructura permitió que el diseño se recortara sobre la piel y acompañara el escote sin competir con el drapeado del vestido.

El uso de joyas de gran formato forma parte de la imagen pública de Lady Kitty Spencer. En sus apariciones nocturnas suele elegir pendientes de piedras de color, collares cortos de diamantes o piezas arquitectónicas que funcionan como el punto central de conjuntos de líneas limpias.

En esta ocasión, el rojo del vestido dejó el marco necesario para que el blanco de las piedras definiera el contraste.

El vestido rojo y un recuerdo de Diana

La elección invitó a comparaciones con Diana, princesa de Gales, quien llevó un vestido rojo de hombros descubiertos de Victor Edelstein en 1992.

Ambas propuestas comparten el color y la zona del escote, dos elementos que explican la asociación inmediata. Sin embargo, el diseño de Spencer construye una imagen distinta.

El vestido de Dolce & Gabbana Alta Moda incorpora un trabajo de drapeado, una caída más ceñida y una capa que modifica por completo el contorno.

La prenda de Diana respondía a los códigos de la moda de comienzos de los años noventa; la de su sobrina se inscribe en el lenguaje contemporáneo de la firma italiana, con volumen escénico y un protagonismo mayor de la joyería.

Esa distancia es relevante en la evolución estilística de Spencer. La relación con la princesa de Gales forma parte de su historia familiar y suele reaparecer en la conversación pública, pero su armario se ha desarrollado a partir de referencias propias.

Su estilo combina códigos aristocráticos británicos, formación internacional y una preferencia sostenida por casas italianas de espíritu ornamental.

La presencia de Dolce & Gabbana en el British Museum Ball prolonga una relación profesional de varios años. Spencer desfiló para la firma durante la Semana de la Moda de Milán en 2017 y, desde entonces, ha usado de forma recurrente sus vestidos de corsetería, encaje, estampados florales y siluetas de inspiración histórica. En febrero de 2021 fue presentada como embajadora global de la casa.

La asociación alcanzó una dimensión especial en su boda con el empresario Michael Lewis, celebrada en julio de 2021 en Villa Aldobrandini, cerca de Roma. Para los festejos de tres días, la modelo llevó cinco diseños a medida de la firma.

El vestido principal era una creación de encaje de inspiración victoriana, con cuello alto, mangas largas, botones forrados y una cola extensa.

Aquella prenda incluyó una referencia a Victoria Lockwood, madre de Spencer, que se casó con Charles Spencer en 1989 con un vestido de aire victoriano.

Kitty optó entonces por no usar la tiara Spencer, una decisión que reforzó la idea de una novia conectada con la tradición familiar, aunque alejada de una reconstrucción literal de las imágenes más conocidas de la familia.

Los otros conjuntos nupciales mostraron otra faceta de su estilo: tul azul con bordados florales, una falda pintada a mano con aplicaciones y cristales, un vestido de cóctel bordado en plata y oro y un diseño de seda Mikado con lentejuelas y flores aplicadas.

Esa sucesión confirmó su interés por la artesanía visible y las prendas concebidas para momentos concretos.

Su estilo combina sastrería, vestidos de ceremonia y alta joyería

A sus 35 años, Spencer construyó una imagen de moda marcada por los vestidos de ceremonia, los trajes de sastrería y los accesorios de alto valor.

Nació en Londres, creció en gran medida en Ciudad del Cabo y estudió psicología, política y literatura inglesa antes de completar estudios vinculados al arte, el italiano y la gestión de marcas de lujo. Ese recorrido internacional se percibe en la amplitud de sus referencias.

En el día a día, suele optar por prendas de cortes clásicos, abrigos estructurados, vestidos camiseros y conjuntos monocromáticos. Para las alfombras rojas, en cambio, aumenta la escala: emplea capas, faldas de volumen, corsés, transparencias de encaje y joyas de piedras preciosas.

El contraste entre ambos registros sostiene una imagen versátil, aunque coherente en su gusto por las terminaciones elaboradas.

Hoy, 20 de octubre, Viggo Mortensen cumplió 68 años. En las apariciones públicas que han acompañado sus estrenos y proyectos como director, el actor mantiene un código de vestir reconocible: trajes de líneas clásicas, colores sobrios y una formalidad sin exceso de artificio.

Su estilo parte de una paradoja. Mortensen dijo que no se considera especialmente interesado en la moda y que procura, ante todo, llevar ropa limpia.

Sin embargo, esa distancia frente a la tendencia no impide que sus elecciones hayan construido una identidad visual consistente, basada en la comodidad, la sobriedad y una selección puntual de prendas de sastrería.

Los trajes definen su vestuario de alfombra roja

En estrenos, festivales y ceremonias, Mortensen suele recurrir a trajes de dos piezas de corte tradicional. Predominan el gris, azul marino, negro y marrón, combinados con camisas lisas y corbatas discretas. La fórmula deja el foco en la estructura de la prenda, más que en logos, accesorios ostentosos o contrastes fuertes.

La silueta tampoco busca reproducir el corte ajustado que dominó parte de la moda masculina durante los años 2010. Sus sacos tienden a conservar espacio en hombros y torso, mientras que el pantalón suele caer de forma recta. El resultado es una imagen formal que prioriza la movilidad y la proporción por encima de la tendencia inmediata.

El actor también optó por tonos menos previsibles cuando el contexto lo permite. En distintos estrenos usó trajes rojos, verdes, blancos y azules, aunque esos colores aparecen dentro de conjuntos contenidos: camisas sin estampados llamativos, calzado clásico y pocos elementos complementarios.

La estrategia no es convertir el traje en un disfraz, sino modificar una pieza central sin alterar el conjunto.

La naturalidad se impone fuera de los eventos

Lejos de las alfombras rojas, el vestuario de Mortensen se mueve hacia una lógica funcional. Camisas de cuadros o lisas, camisetas, chaquetas sencillas, pantalones de jean y botas conforman una imagen más cercana al uniforme cotidiano que a una construcción de celebridad. También agrega accesorios, como gorras de diferentes colores.

Esa continuidad entre el vestuario diario y el formal explica parte de la coherencia de su estilo. Incluso cuando lleva traje, rara vez parece adoptar una estética ajena a su forma habitual de presentarse.

La corbata, el saco o una camisa de cuello cerrado funcionan como extensiones de un guardarropa práctico.

Mortensen planteó que la manera de vestir está ligada al contexto y a los grupos sociales, y cuestionó la homogeneización de la moda global.

El actor no se siente conscientemente interesado en la moda. Esa declaración ayudó a leer su vestuario como una elección personal antes que como una adhesión a una tendencia.

Del cuero de Aragorn a la sastrería contenida

El vínculo entre Mortensen y la ropa tiene otro capítulo en sus personajes. Su papel como Aragorn en la trilogía El señor de los anillos instaló una imagen asociada a cuero envejecido, capas, botas y piezas de apariencia artesanal.

La indumentaria del personaje respondió a un universo de fantasía, pero reforzó una asociación pública entre el actor y una masculinidad de materiales robustos, tonos tierra y prendas que aparentan tener uso.

Esa conexión reaparece de otro modo en su vestuario fuera de pantalla. Aunque cambia el cuero de ficción por la lana, el algodón o el lino, persiste un interés por prendas que no necesitan parecer nuevas para funcionar. La ropa no ocupa el centro de la escena: acompaña el cuerpo y el trabajo del intérprete.

El actor destacó en entrevistas el recorrido narrativo de esa prenda, que comienza impecable y termina deteriorada por los acontecimientos de la historia. Para Mortensen, el vestuario puede tener una función dramática propia, incluso cuando su estilo personal evita la exhibición.

A los 68 años, el actor sostiene una estética que no depende de cambios radicales. El pelo canoso, usado con mayor longitud en algunas temporadas, y la barba en apariciones recientes refuerzan un registro relajado. Cuando asiste a una premiere, el traje ordena la imagen; cuando no hay obligación de etiqueta, vuelve a prendas simples.

La vigencia de ese código no radica en anticipar lo que marcarán las pasarelas. Está en conservar una línea personal en un momento en que buena parte de la moda masculina oscila entre la sastrería amplia, la ropa deportiva y los gestos de alto impacto visual.

Mortensen se mantiene en otra zona: la de un clasicismo funcional, con espacio para el color y sin una búsqueda evidente de protagonismo.

El domingo 18 de octubre, los Sony Pictures Studios de Culver City, en Los Ángeles, se tiñeron de rosa para el Victoria’s Secret Fashion Show 2026. El desfile organizó la noche como un cambio de estaciones: flores y verde lima para abrir, metal y tonos intensos en el centro, y un cierre blanco, con bordados y cubierto de cristales.

La pasarela recuperó sus alas, su lencería de fantasía y la escala teatral que convirtió al espectáculo en un referente pop. El elenco reunió a modelos históricas, figuras icónicas, nuevos rostros y cuatro artistas que llevaron el vestuario de escenario al mismo terreno que la lencería.

Hubo pétalos convertidos en alas, corsés de red, encaje negro, plumas sobredimensionadas y una cantidad considerable de destellos.

El Fantasy Bra volvió a la pasarela en el debut de Kylie Jenner

El gran objeto de deseo de la noche apareció sobre Kylie Jenner. Su debut partió de una base ligera, lencería blanca, minifalda de gasa, zapatos transparentes y alas de plumas, una combinación deliberadamente suave para que la joya hiciera el resto.

El Fantasy Bra concentró el brillo con oro, 4.410 diamantes y un diamante amarillo de 75,54 quilates. El diseño, desarrollado junto a Jacob & Co, marcó el regreso del Fantasy Bra a la pasarela desde 2018.

Con un valor de USD 50 millones, la pieza fue el accesorio más comentado del show.

Entre las plumas blancas y las transparencias, funcionó como un fogonazo de alta joyería dentro de una imagen casi nupcial, aunque con la dosis de espectáculo que la prenda exige.

Bella, Gigi y los Ángeles que dieron forma al regreso del brillo

Bella Hadid abrió el desfile con un sujetador floral multicolor, ropa interior verde neón y sandalias de tiras a juego.

El estilismo se completó con unas grandes alas de aire botánico, decoradas con flores y ramificaciones que remitían al primer segmento inspirado en la primavera.

Las alas, hechas de ramas, hojas y flores multicolores, extendían el motivo botánico hasta ocupar toda la pasarela. Más tarde, su cambio a blanco ofreció un contrapunto liviano y de aire casi mitológico.

Gigi Hadid, en cambio, eligió la plata. Apareció con un conjunto de lencería en tono celeste, con encaje y ribetes rosados. El diseño incluyó un top de tirantes finos y una prenda inferior de tiro bajo en tonos claros y alas plateadas de acabado brillante. Además, combinó el efecto metálico de las alas con una silueta minimalista.

Para la segunda pasada, vistió un conjunto blanco compuesto por un top estructurado y una prenda inferior de tiro bajo, ambos decorados con aplicaciones brillantes y detalles metálicos.

La clave estuvo en las alas colocadas sobre los hombros y extendidas hacia los costados. También llevó joyería plateada en el cuello y las muñecas, además de sandalias en conjunto.

El regreso de Barbara Palvin tuvo dos registros. Primero apareció con un babydoll rosa con encaje, una mariposa aplicada y zapatos de brillo, entre coquetería retro y tocador de estrella pop.

Después cambió el rosa por blanco en otro look, con una cola vaporosa y alas que remitían a cristales de hielo.

Rosie Huntington-Whiteley optó por el camino contrario: una silueta luminosa y depurada, con el tipo de alas que remiten de inmediato a las grandes campañas de la firma.

En el terreno del ángel clásico, Alessandra Ambrosio recurrió a una combinación de lencería brillante y alas de gran formato. Volvió a la pasarela con un conjunto de lencería de silueta clásica y alas de gran formato.

Su aparición mantuvo los códigos tradicionales del desfile, con brillo, transparencias y una estructura alada como pieza central.

Candice Swanepoel llevó una lectura más limpia con brillo medido. En otro de sus looks optó por el rosa y las plumas. El estilismo apostó por los tonos neutros y el contraste entre tejidos delicados y elementos escénicos de gran escala.

El cierre le correspondió a Adriana Lima, con un conjunto blanco bordado, flecos en movimiento y alas en plata y blanco.

La silueta concentró todo lo que el desfile había acumulado hasta entonces, pedrería, piel, vuelo y dramatismo, sin perder precisión. Fue una última pasada construida para la memoria visual.

Flores, metal y volumen para una pasarela de nuevas siluetas

El desfile también propuso distintas formas de ampliar la idea de las alas. Ashley Graham salió con una estructura de pétalos rosas y amarillos que reemplazó las plumas por una flor gigantesca.

Anok Yai ofreció dos lecturas del volumen: primero, un body blanco de peplum con alas altas; luego, una construcción floral de pétalos de escala escénica. Ambas apariciones cambiaron por completo la línea de su cuerpo.

La modelo puertorriqueña Joan Smalls fue al extremo opuesto: desfiló con un conjunto de acabado metálico y alas estructuradas que parecían surgir desde la espalda y los hombros.

El resultado combinó lencería con una construcción escultórica, en uno de los looks de inspiración más futurista.

Elsa Hosk regresó con una de las estructuras más grandes de la noche, casi arquitectónica. La lencería de la modelo sueca actuó como una base precisa para sostener el volumen de las alas.

Por su parte, la modelo italiana Vittoria Ceretti llevó el balletcore a un lugar menos inocente, con corsé, falda corta de plumas y alas ornamentales. La tensión entre la rigidez del corsé y el movimiento de las plumas fue la clave.

La reconocida Jasmine Tookes eligió una silueta clásica cubierta de aplicaciones luminosas: bajo las luces, cada paso activaba un efecto distinto.

En esa conversación entre archivo y presente, Alex Consani apareció con líneas más limpias y un brillo sin nostalgia explícita. Su look evitó el personaje y se apoyó en la presencia.

La recién llegada Solange Omon debutó con lencería crema ribeteada en encaje negro, alas doradas de plumas y una capa de tul bronce. El contraste entre el encaje y el oro le dio al conjunto una entrada con peso propio.

Denim, dijes y el Y2K sobre la pasarela

El segmento PINK cambió la fantasía alada por una energía más juvenil y de videoclip. Natalia Bryant llevó esa idea a fondo con sujetador negro y rosa, jeans bordados con pedrería, mangas de terciopelo fucsia, bolso plateado, pendientes de corazón y un cinturón con dijes. El denim dejó de ser fondo y pasó a ser prenda de show.

La combinación de rosa intenso, plata y accesorios con aire dosmilero trazó una línea directa hacia los códigos Y2K, pero sin perder la intención de pasarela. En medio de tantos corsés y cristales, ese look introdujo una nota más juguetona y urbana.

Las cuatro actuaciones convirtieron la música en vestuario de desfile

La primera en tomar la pasarela fue la cantante estadounidense Megan Moroney, con guitarra brillante, un vestido rosa de abertura pronunciada, plataformas altas y alas de plumas. Su universo country pop encontró lugar en la estética del show a través de un rosa que conectaba cada elemento del estilismo.

La cantante canadiense Tate McRae llegó con un corsé rojo de red, lencería coordinada, zapatos altos y alas de tul. El look tenía la energía de una coreografía pop, pero las capas livianas de tul lo devolvían a la fantasía del desfile.

El grupo KATSEYE convirtió el segmento PINK en una escena de pop-punk. Corsés rosa y negro, minifaldas, medias de red, cadenas corporales y dijes armaron un vestuario de grupo sin borrar las diferencias entre sus integrantes. El resultado estuvo más cerca de un videoclip que de una actuación convencional.

Por último, la rapera y cantante estadounidense Megan Thee Stallion llevó el metal al cuerpo. Sujetador brillante, pieza superior coordinada, medias, zapatos plateados y alas cromadas de líneas angulares construyeron un look de futurismo afilado. Su vestuario no buscaba ligereza: proponía una silueta de escenario con brillo, filo y presencia.

Cuando las modelos y las artistas volvieron a reunirse para el final, la pasarela ya había pasado por jardines de color, oro, lentejuelas, encaje, denim y plumas. El desfile no eligió una única versión de la fantasía; prefirió que todas convivieran bajo las mismas luces.

Taylor Swift llegó a la Academy Museum Gala de Los Ángeles con un vestido celeste de Dior hecho a medida por Jonathan Anderson, una elección que trasladó los códigos del cine clásico a una de las alfombras rojas más observadas de la temporada.

El diseño sin tirantes, las joyas y un peinado de ondas suaves definieron una aparición de glamour contenido, lejos de la estética más brillante que la cantante utiliza sobre el escenario.

La prenda partía de una construcción ceñida en el torso y se abría en una falda de caída amplia. El escote recto dejaba los hombros al descubierto, mientras que el frente sumaba pliegues finos y un detalle entrelazado que aportaba textura sin recargar el conjunto.

La elección del azul pálido reforzó la lectura romántica y el lujo del diseño. Además mantuvo la atención en la forma del vestido.

La cantante evitó los contrastes fuertes y sostuvo una paleta uniforme entre la ropa, el maquillaje y los accesorios.

Llevó pendientes de platino con 32,40 quilates de diamantes, un anillo de oro con 5,78 quilates de diamantes y una pulsera de platino y diamantes de la colección de alta joyería de Chopard. Las piezas sumaron brillo, aunque no desplazaron el protagonismo de la silueta.

El acabado de belleza siguió la misma dirección. La cantante llevó una melena a la altura de los hombros con ondas amplias, maquillaje de ojos suave y labios rosa claro.

El peinado aportó una referencia retro, mientras que la boca en un tono discreto evitó competir con el vestido. La fórmula construyó un estilismo pensado como un todo, con cada elemento al servicio de una imagen de gala sobria.

Jonathan Anderson llevó su sello de autor a una noche de cine

El vestido confirmó la afinidad de Swift con las creaciones que combinan estructura y movimiento. Jonathan Anderson trabajó una pieza de aspecto ligero, pero con una base definida en el cuerpo, un recurso que permite ordenar el volumen de la falda y estilizar la figura.

La elección de Dior también tuvo un componente personal, ya que el diseñador estuvo a cargo del vestido de novia de la artista en su boda con Travis Kelce, celebrada en julio.

En una alfombra roja vinculada al cine, el diseño dialogó con el vestuario de las grandes estrellas de Hollywood sin recurrir a una recreación literal. Los pliegues, la falda amplia y el color de baja saturación remitieron a esa tradición desde una mirada actual.

El look de Dior apostó por la elegancia de la forma y del material, en lugar de apoyarse en aplicaciones, transparencias o volúmenes extremos.

En las alfombras rojas, Swift alterna romanticismo y códigos de espectáculo

El estilo de Taylor en eventos de etiqueta suele moverse entre dos registros. El primero se apoya en vestidos de inspiración romántica, con faldas amplias, escotes palabra de honor, tul, gasa y satén.

Es una línea que suele acompañar con joyas llamativas, labios en tonos rojos o rosados y peinados con ondas. El resultado remite a una idea de feminidad clásica que la cantante ha elegido en galas, premios y estrenos.

El segundo registro se acerca más a la teatralidad de sus actuaciones. Allí aparecen lentejuelas, corsés, cortes ceñidos, brillos metálicos y transparencias.

En los MTV Video Music Awards de septiembre, por ejemplo, llevó una creación escultural de Tamara Ralph para recibir el reconocimiento Artist Director Honors y presentar el video de “Patient Zero”.

Esa imagen mostró una faceta más dramática, diseñada para el impacto visual y la cercanía con el universo pop.

Los accesorios y el peinado terminan de definir cada una de sus apariciones

La diferencia entre ambos registros no depende solo de los vestidos. Swift utiliza los accesorios y el maquillaje para inclinar cada conjunto hacia lo romántico, lo retro o lo escénico.

Cuando elige prendas con mucho brillo, suele optar por una belleza más definida. En cambio, para vestidos de líneas puras, como el de Dior, prefiere peinados suaves y maquillaje en tonos neutros o rosados.

El look del Academy Museum Gala reunió esas decisiones en una misma propuesta. La silueta amplia, el celeste, los diamantes y las ondas construyeron una versión de gala que recuperó uno de los sellos más reconocibles de su vestuario público.

Más tarde, la cantante volvió a usar Dior para su presentación musical durante la noche, con lo que mantuvo una continuidad visual entre la alfombra roja y el escenario.

La comparación internacional de valores es uno de los factores que los consumidores consideran al elegir indumentaria. En ese contexto, Superdry & Co busca ofrecer en la Argentina importes equivalentes a los de Europa, tomando como referencia las tarifas oficiales expresadas en euros.

La marca desembarcó en el país de la mano de Tango Fabric y presentó su lista para la temporada Primavera-Verano 2026. La política comercial rige tanto en su tienda online, lanzada en agosto, como en el primer local físico, ubicado en Unicenter.

El objetivo consiste en que los clientes argentinos accedan a las mismas prendas por montos comparables a los que abonan quienes compran en el mercado europeo. De hecho, representantes de la empresa afirmaron que se trata de la primera marca internacional que realiza esta acción en el país.

Cómo se comparan los precios de Superdry en Argentina y Europa

Para establecer la equivalencia, la firma toma como referencia los valores oficiales en euros. La aclaración resulta relevante porque el Reino Unido, país de origen de la compañía, utiliza la libra esterlina y cuenta con una estructura comercial diferente.

Por ese motivo, contrastar directamente las cifras argentinas con las británicas puede arrojar resultados que no reflejen la política anunciada.

Con un tipo de cambio de referencia de $1.760 por euro, estos son algunos ejemplos de la colección actual:

● Remera (Essential Logo Tee): registra una tarifa de €29,99 en Europa, equivalente a $52.782. En el país cuesta $49.990, un 5,3% menos.

● Campera impermeable (Waterproof Jacket): cuesta €139,99 en Europa, equivalentes a $246.382. En Argentina, el importe asciende a $249.990, una diferencia aproximada del 1,5% por encima de la referencia.

● Buzo con capucha (Athletic Essential Hoodie): tiene un valor de €79,99, ($140.782). En el mercado local se comercializa a $139.990, un 0,6% menos.

● Campera Harrington (Classic Harrington Jacket): se vende a €109,99, equivalentes a $193.582. Su precio argentino es de $194.990, una variación cercana al 0,7%.

● Camisa (Preppy Oxford Shirt): tiene un valor de €64,99, equivalente a $114.382. Para el público argentino, el importe es de $114.990, una diferencia aproximada del 0,5%.

● Gorra (Embroidered Baseball Cap): se comercializa a €29,99, que son a $52.782. En las tiendas locales cuesta $49.990, un 5,3% menos.

● Polo (Classic Pique Polo): alcanza los €49,99 en Europa, equivalentes a $87.982. En Argentina se ofrece a $89.990, una variación del 2,3%.

Dónde consultar los valores y verificar la equivalencia

La política comercial también puede comprobarse presencialmente. En la tienda física de Unicenter, cada etiqueta exhibe el importe en euros junto al correspondiente en pesos, lo que permite contrastar ambas cifras.

La consulta también está disponible a través de las plataformas oficiales de la compañía en ambos mercados:

● Superdry España: con tarifas expresadas en euros.

● Superdry Argentina: con importes en pesos.

“Desde el primer día dijimos que en el país se iba a pagar lo mismo que en Europa y lo cumplimos. No es una promesa, es una política que cualquiera puede comprobar en nuestras etiquetas, donde mostramos el precio en euros al lado del de pesos”, afirmó Ezequiel García, cofundador de Tango Fabric, socio de Superdry & Co en Argentina.

Además de los valores en todas sus prendas, el ejecutivo agregó que la firma también ofrece todos los productos que están disponibles en el Viejo Continente, de modo que no haya diferencias en la experiencia del consumidor.

La estrategia para replicar la experiencia europea

La propuesta de la compañía excede la política comercial. Su desembarco local contempla, además, la misma colección, el diseño de los establecimientos y los sistemas de gestión utilizados en Europa.

En indumentaria, la temporada Primavera-Verano 2026 disponible en la Argentina corresponde a la línea que la firma distribuye internacionalmente, tanto para hombres como para mujeres, con materiales y terminaciones características.

En cuanto a los espacios comerciales, el local de Unicenter reproduce el concepto arquitectónico y la ambientación de las tiendas europeas. La intención es conservar una identidad visual uniforme y criterios de exhibición similares.

La operación incorpora, asimismo, el sistema de gestión empresarial (ERP) empleado por la compañía en Europa y tecnología de identificación por radiofrecuencia (RFID) en sus locales. Estas herramientas permiten optimizar el control del inventario y agilizar la atención, además de integrar las compras presenciales con el comercio electrónico oficial.

Inversión, empleo y expansión regional

El proyecto de Superdry & Co en Argentina forma parte de una estrategia de largo plazo. Según las proyecciones difundidas por la empresa, la inversión prevista oscila entre USD 40 y 50 millones durante los primeros cuatro años, dentro de un plan con un horizonte de dos décadas.

La iniciativa contempla también la creación de 150 puestos de trabajo directos en una primera etapa y un cronograma de apertura de 10 establecimientos por año.

Argentina tendrá, además, un papel central en el desarrollo regional de la marca. A partir de 2027, el país funcionará como sede para la expansión hacia Brasil, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Chile, Ecuador y Perú, de acuerdo con los planes anunciados por la compañía.

Zac Efron llega a los 39 años con un estilo definido por prendas básicas, capas funcionales y sastrería descontracturada. Lejos de una imagen recargada, el actor estadounidense construye sus looks con piezas reconocibles: camisetas lisas, denim oscuro, chaquetas de cuero o tipo bomber, zapatillas y botas.

Su evolución acompaña el paso de los años y de sus proyectos. El vestuario juvenil y californiano de sus primeros años de exposición pública dio lugar a una propuesta más sobria, con una paleta de colores centrada en negro, gris, azul marino, blanco, beige y tonos tierra.

La fórmula no depende de tendencias pasajeras: prioriza siluetas simples, materiales resistentes y combinaciones que funcionan tanto para una salida informal como para una aparición pública.

La base del look está en las prendas esenciales

La camiseta blanca o negra es uno de los elementos más repetidos en el estilo de Zac Efron. Suele llevarla debajo de una chaqueta estructurada, una sobrecamisa o un abrigo, una decisión que reduce el contraste entre las prendas y mantiene el conjunto ordenado.

El denim también ocupa un lugar central. Los jeans oscuros, de corte recto o ligeramente ajustado, le permiten armar equipos con botas de cuero, zapatillas clásicas o calzado deportivo.

El resultado se apoya en una regla sencilla: cuando la parte inferior es neutra, una campera de cuero, un abrigo de paño o una camisa con textura puede sumar presencia sin alterar el equilibrio del look.

En sus apariciones más informales, el actor recurre a buzos con capucha, gorras y gafas de sol. Son accesorios habituales en los traslados y en los conjuntos de inspiración deportiva, aunque suelen aparecer dentro de combinaciones de colores limitadas.

Las chaquetas definen la identidad de sus conjuntos

Si hay una prenda que articula el vestuario de Zac Efron es la chaqueta. Las bombers, las cazadoras de cuero, el denim y los abrigos de paño le permiten modificar una base muy sencilla sin cambiar su estilo general.

La bomber jacket funciona como una de sus elecciones más versátiles. Combinada con remera, pantalón oscuro y zapatillas, ofrece una alternativa urbana que no exige demasiados accesorios.

En cambio, las chaquetas de cuero llevan el conjunto hacia un registro más marcado, especialmente cuando se usan con jeans negros y botas.

Para eventos o climas más fríos, Efron suele reemplazar esas capas por un abrigo largo o por blazers de texturas visibles. El terciopelo, el tweed y los tejidos de punto aparecen como recursos para dar relieve a una vestimenta de colores neutros.

La sastrería se aleja del traje rígido

En alfombras rojas y estrenos, Zac Efron no abandona por completo su identidad casual. Aunque utiliza trajes de tonos oscuros, suele evitar el exceso de accesorios y prefiere camisas abiertas en el cuello, remeras lisas o calzado menos solemne que el zapato clásico.

Esta elección mantiene una continuidad con sus looks diarios. Un blazer gris sobre camiseta negra, por ejemplo, conserva la sencillez de su vestuario informal y suma una capa más pulida.

La sastrería no aparece como un uniforme distante, sino como una extensión de sus prendas básicas.

El contraste entre una prenda formal y otra cotidiana es uno de los recursos más visibles de su estilismo. Un saco puede convivir con denim oscuro; un abrigo largo, con zapatillas; y una camisa de lino, con pantalones de silueta relajada. La intención está en evitar que el conjunto parezca excesivamente calculado.

Calzado y accesorios para completar sin recargar

Las zapatillas clásicas, las botas de cuero y los modelos de inspiración militar forman parte de su rotación de calzado. Cada alternativa modifica el tono del conjunto: las zapatillas llevan el look hacia una estética más deportiva, mientras que las botas aportan estructura a los jeans y las chaquetas.

Los accesorios suelen ser limitados. Anteojos de sol, una gorra, un reloj o alguna pulsera bastan para cerrar la combinación. Esa moderación es importante para entender el estilo del actor: el foco permanece en el corte de las prendas y en las capas, no en objetos que compitan entre sí.

El cinturón dejó de ser un recurso de ajuste para volver a ocupar el centro del estilismo. En una salida reciente por Manhattan, Jennifer Lawrence llevó un cinturón negro de cinco filas de tachas plateadas a la altura de la cadera, por encima de unos jeans de bota acampanada.

El gesto cambió la lectura de una combinación resuelta con camiseta blanca, ojotas negras y denim: la base era mínima; el accesorio, deliberadamente visible.

La pieza, firmada por Tory Burch, se alejó de las presillas y cayó sobre las caderas como una franja de cuero y metal. Allí está la clave de la propuesta.

El cinturón no ordena el pantalón ni marca la cintura en su ubicación habitual; funciona como una joya de gran formato que corta la silueta y lleva al terreno punk un uniforme urbano de prendas esenciales.

Las tachas y cinturones gruesos reaparecen esta temporada lejos de una lectura literal del punk. En lugar de combinarse con chaquetas de cuero, botas pesadas o capas de accesorios, se integran en conjuntos de líneas limpias.

El contraste entre una camiseta de algodón blanca, un jean azul y un cinturón con apliques metálicos genera un resultado preciso: cada prenda mantiene su carácter, pero el conjunto adquiere una dirección más definida.

Hebillas sobredimensionadas, cadenas, materiales rígidos y diseños de inspiración occidental o motera aparecieron sobre pantalones, faldas y vestidos. La elección de Lawrence toma esa tendencia desde un lugar más cotidiano: un accesorio que parece encontrado en un archivo de los años 2000, llevado con la naturalidad de una prenda básica.

Un detalle punk sobre una fórmula de básicos

La camiseta sin mangas, el jean acampanado y las Havaianas negras pertenecen a un repertorio reconocible y funcional; ninguna de esas piezas reclama protagonismo por sí sola. El cinturón con tachas concentra el peso visual y evita que el look se perciba como una suma de tendencias.

Cuando el metal ocupa un lugar central, conviene sostener el resto de la propuesta con materiales lisos y colores contenidos. Una remera blanca, una camisa masculina, un vestido de punto fino o una pollera larga en negro pueden ser una base adecuada. El objetivo es dejar que el cinturón introduzca textura y contraste.

La altura también modifica el resultado. Ajustado a la cintura, un cinturón ancho estructura prendas de tiro alto y dibuja una silueta más clásica. Llevado bajo, sobre las caderas y fuera de las presillas, remite a la estética de principios de los años 2000 y acompaña mejor los jeans rectos, los pantalones amplios, las faldas largas o los vestidos de caída fluida.

Jennifer Lawrence alterna sobriedad y accesorios de impacto

El estilo de Jennifer Lawrence se sostiene sobre una idea clara: prendas reconocibles, siluetas sin rigidez y un punto de tensión que cambia el resultado.

La actriz rara vez construye sus looks de día a partir de piezas que compitan entre sí. Prefiere una paleta acotada, negro, blanco, azul denim, beige, gris y deja que la proporción, el calzado o un accesorio definan la intención.

En ese repertorio aparecen con frecuencia los jeans de pierna recta o amplia, los pantalones de sastrería de caída relajada, las remeras lisas, las camisas masculinas y los abrigos largos. Son prendas con una base clásica, pero llevadas sin el acabado rígido de un conjunto de oficina.

Una musculosa blanca bajo un tapado, una camisa amplia con pantalones oscuros o un jean con zapatos planos resumen una manera de vestirse que prioriza la facilidad sin renunciar a la forma.

Ese acento puede aparecer en gafas oscuras de marco marcado, un bolso con herrajes, joyería de escala visible o zapatos que rompen con la neutralidad del conjunto.

Lawrence puede pasar de una sastrería amplia a un vestido de líneas depuradas y, después, a una fórmula de camiseta y denim sin abandonar cierta continuidad.

También hay una lectura de proporciones detrás de sus elecciones. Los abrigos largos sobre siluetas amplias, los pantalones de tiro medio o bajo y los accesorios ubicados cerca de la cadera desplazan el foco de la cintura marcada.

El resultado se aleja de los conjuntos excesivamente ceñidos y propone una imagen más relajada, con volumen y movimiento.

En las alfombras rojas, Jennifer Lawrence mantiene la misma preferencia por las líneas definidas, aunque cambia la lógica de los básicos por una construcción más formal.

Sus apariciones suelen inclinarse por vestidos de columna, faldas amplias, escotes limpios y drapeados que trabajan sobre el cuerpo sin recargarlo.

El negro, el blanco, los tonos crema y las superficies satinadas forman parte de un registro que privilegia la silueta antes que la acumulación de elementos.

La actriz ha llevado creaciones de Dior en estrenos, festivales y ceremonias, con referencias a la costura clásica de la maison: cuerpos estructurados, faldas de gran volumen y detalles de archivo reinterpretados en clave contemporánea. En esos looks, los accesorios mantienen un papel acotado.

Un collar, unos aros o una sandalia apenas visible suelen acompañar el vestido, mientras el peinado y el maquillaje conservan una factura limpia.

Este 17 de octubre, Eminem cumple 54 años y la fecha permite volver a una imagen que quedó fijada en la moda de comienzos de los 2000: pelo platinado al ras, gorra deportiva, musculosa blanca, jean ancho y zapatillas.

Antes de que el rapero adoptara el perfil sobrio que hoy muestra en sus apariciones públicas, ese conjunto fue parte central de Slim Shady, el personaje y alter ego que lo llevó de Detroit a la escena global.

Nacido como Marshall Bruce Mathers III en 1972, construyó una carrera marcada por distintas voces y alter egos. La ropa acompañó esas transformaciones.

En su caso, el vestuario no estuvo separado de la música: ayudó a presentar a Slim Shady como una figura provocadora, juvenil y reconocible desde la primera imagen.

El pelo platinado definió su primera imagen pública

Cuando su álbum musical “The Slim Shady LP ” apareció en 1999, el cabello decolorado ya era una de las principales señas visuales de Eminem. El rubio casi blanco contrastaba con remeras lisas, buzos oscuros y prendas deportivas.

Era un recurso directo y fácil de identificar, en sintonía con un personaje que exageraba gestos, voces y situaciones en sus canciones.

El platinado no necesitaba accesorios complejos para sostenerse. Una gorra de visera curva, una musculosa blanca o una cadena bastaban para completar un look que se repetiría en videoclips, shows y apariciones televisivas. El pelo decolorado se convirtió en un símbolo de la era que llevó a Eminem a una audiencia masiva.

La elección también dialogaba con el hip-hop de fines de los 90, cuando la ropa deportiva, los pantalones amplios y las referencias al básquet estadounidense dominaban buena parte del vestuario de artistas y seguidores del género.

Sin embargo, la fórmula de Eminem tenía una particularidad: combinaba esos códigos con prendas básicas y una apariencia deliberadamente despojada.

La gorra y la musculosa armaron un uniforme de los años 2000

La gorra fue una constante. Aparecía con el pelo rubio asomando por debajo de la gorra, junto a remeras grandes, camisetas deportivas o musculosas.

El accesorio reforzaba un estilo urbano que no dependía de piezas de lujo ni de una producción recargada. La ropa de Eminem partía de elementos cotidianos y los volvía parte de una identidad pública.

La musculosa blanca cumplía una función similar. En la memoria visual de los años 2000, quedó ligada al rapero por su presencia en fotos de recitales y materiales promocionales. Junto con los pantalones cargo o los jeans de tiro bajo y pierna ancha, componía una silueta que hoy remite de inmediato a esa década.

El vestuario también incluía pañuelos, durags, camperas deportivas, buzos oversize y zapatillas de básquet. Las proporciones eran amplias, con prendas que caían por debajo de la cintura y mangas de gran volumen.

La estética respondía a la época, aunque Eminem la llevó hacia una versión propia mediante el pelo platinado y la personalidad de Slim Shady.

La película 8 Mile, estrenada en 2002, mostró otro costado de esa imagen. Eminem usó prendas más oscuras, camperas gastadas, buzos con capucha, gorros de lana y remeras amplias. La ropa del personaje se vinculaba con el invierno y el paisaje industrial de Detroit, sin apartarse del todo de los códigos del streetwear.

En esa película no predominaban la musculosa blanca ni el platinado de Slim Shady. El vestuario buscaba una apariencia más cotidiana y acercaba la figura del rapero a la historia de un joven que participa de competencias de freestyle.

La pantalla consolidó una imagen de Eminem menos caricaturesca, aunque todavía ligada a la ropa urbana de gran volumen.

La diferencia entre ambas facetas ayuda a entender el recorrido de su estilo. Slim Shady demandaba contraste y una apariencia más estridente.

B-Rabbit, en cambio, se movía entre grises, negro, azul oscuro y prendas pensadas para el frío. Las dos versiones compartían gorras, buzos y zapatillas, pero no transmitían lo mismo.

El pelo oscuro desplazó al rubio sin borrar sus referencias

A mediados de los 2000, Eminem empezó a mostrarse con el color natural de su cabello. El cambio coincidió con una presencia pública menos dependiente de Slim Shady y con un vestuario que priorizaba camperas, remeras oscuras y buzos.

El artista no abandonó de inmediato la ropa deportiva, pero dejó atrás la combinación que había dominado sus primeros años de éxito.

El paso del platinado al pelo oscuro marcó una transición estética en la carrera de Eminem. Durante los años siguientes, las siluetas comenzaron a reducir su volumen.

Los pantalones se volvieron más rectos, las remeras más ajustadas y los colores más neutros. La gorra permaneció como uno de los pocos accesorios que sobrevivió a todas las etapas de su vestuario.

El estilo actual conserva códigos urbanos con prendas más sobrias

En sus apariciones recientes, suele optar por buzos lisos, remeras oscuras, camperas bomber o de cuero, pantalones cargo y zapatillas.

La barba recortada modificó su fisonomía y acentuó la distancia con aquel rostro juvenil de pelo blanco que encabezó sus primeros videoclips. Su imagen actual privilegia colores oscuros, cortes más definidos y menos accesorios.

La transformación no implica una ruptura completa con el pasado. La comodidad sigue siendo un eje de sus elecciones y las prendas deportivas continúan presentes.

La diferencia está en las proporciones y la paleta: ya no hay una búsqueda de impacto a través de la acumulación, sino un vestuario más uniforme y de bajo perfil.

A los 54 años, Eminem mantiene una identidad visual reconocible entre dos momentos. Por un lado, está el rapero de pelo platinado, gorra y musculosa que acompañó la expansión del hip-hop en los años 2000.

Por el otro, el artista de cabello oscuro, barba y looks monocromáticos que aparece hoy. Entre ambas imágenes, la moda funcionó como un registro de los distintos personajes y etapas que atravesó su carrera.

Del negro al oro, Jenna Ortega cambió de registro en la presentación de “Klara and the Sun” en el Festival de Cine de Londres. La actriz, que semanas atrás celebró sus 24 años, dejó por una noche las transparencias oscuras y los guiños góticos para llevar un vestido lencero de satén de seda color miel, firmado por Torlowei, con encaje negro sobre el escote y aplicaciones florales que recorrían la falda.

El gesto que terminó de definir el conjunto estuvo sobre su cabello: un tocado calado en tono amarillo mostaza enmarcó su rostro y sumó una referencia antigua a una silueta de líneas limpias. Detrás de la elección estuvo el estilista Enrique Melendez, colaborador habitual de la protagonista de Merlina.

El contraste con el turquesa y el tocado dorado completaron el look

La elección tuvo un efecto particular frente al fondo turquesa instalado para la premiere. El brillo del tejido cambió según el ángulo de los flashes y destacó los contrastes entre el vestido, los dibujos florales oscuros y la escenografía. La actriz completó el atuendo con anillos en ambas manos y mantuvo una presencia sobria, con los brazos a los costados durante buena parte de la sesión de fotos.

Su cabello castaño oscuro cayó suelto sobre los hombros, peinado con ondas suaves y una raya apenas centrada. Sobre la cabeza llevó una pieza dorada calada, de textura abierta, que sumó un aire romántico al conjunto sin competir con el encaje del vestido. La pieza dorada y los accesorios de manos completaron un estilismo de contrastes definidos.

El accesorio sobre el cabello fue uno de los elementos que separó el look de una fórmula clásica de vestido de noche. Su tono dorado reforzó la paleta del vestido y se integró con el resto de la propuesta. La combinación entre el peinado suelto y la estructura calada evitó una apariencia rígida.

La presencia de Jenna Ortega en Londres se produjo en el marco del estreno mundial de “Klara and the Sun”, adaptación de la novela homónima publicada en 2021 por el escritor británico Kazuo Ishiguro, ganador del Premio Nobel de Literatura.

Ortega interpreta a Klara, una compañera artificial que llega a la vida de Josie, una adolescente enferma encarnada por Mia Tharia. El elenco incluye a Amy Adams, Natasha Lyonne, Steve Buscemi y Aran Murphy.

Jenna Ortega y Amy Adams: un encuentro que reforzó el contraste cromático

En uno de los momentos de la noche, Amy Adams acompañó a Ortega frente al panel promocional de la película. Ambas actrices se ubicaron muy cerca, con una composición visual construida a partir del contraste entre sus elecciones de vestuario.

Adams lució un vestido negro largo de silueta recta y escote descubierto, cubierto en la parte superior por una pieza blanca drapeada que rodeaba hombros y brazos. Frente a ese conjunto de blanco y negro, el vestido dorado de Ortega introdujo una superficie más luminosa. El encuentro entre ambas actrices reforzó el contraste cromático de la alfombra roja. También estuvieron presentes Florence Pugh y Rachel Forman-

El estreno formó parte de la programación del Festival de Cine de Londres, que presentó la producción antes de su llegada a las salas. En declaraciones recogidas por Variety, Ortega explicó que espera que la película invite a las personas a alejarse por un momento de computadoras y teléfonos para prestar atención a quienes tienen cerca. La reflexión conecta con uno de los ejes de “Klara and the Sun”: la relación entre los seres humanos, la tecnología y la compañía artificial.

Al cumplir 29 años, Charles Leclerc consolidó un estilo personal que trasciende la Fórmula 1. El piloto monegasco alterna la indumentaria obligatoria de Ferrari con un guardarropa propio fuera de las pistas: denim, remeras de líneas limpias, zapatillas blancas y trajes de sastrería clásica para las grandes citas.

Nacido el 16 de octubre de 1997 en Montecarlo, Mónaco, Leclerc llega a esta fecha en plena competencia y con una imagen pública cada vez más vinculada a la moda masculina.

Durante los fines de semana de Gran Premio, su vestuario responde a una exigencia concreta: la identidad visual de Ferrari. Las remeras rojas con los logotipos de la escudería tienen un lugar central en sus apariciones en el paddock, las conferencias de prensa, los recorridos previos y los compromisos con patrocinadores.

Lejos de buscar contrastes llamativos, suele equilibrarlas con prendas básicas que permiten que el color de la escudería mantenga el protagonismo.

El jean es una de las piezas que más se repite en esa ecuación. En distintas apariciones públicas vinculadas a la Fórmula 1, el piloto los llevó en azul oscuro, azul claro y versiones gastadas.

Los jeans combinados con zapatillas blancas no pueden faltar para el paddock, mientras que los lavados claros aparecen en registros más distendidos, junto a buzos o remeras del equipo.

La elección tiene una lógica funcional. El paddock exige jornadas extensas, además de una imagen alineada con la marca.

Por eso, privilegia pantalones rectos o de corte relajado, sin grandes intervenciones, y calzado deportivo de perfil bajo. El resultado se mantiene dentro de la estética deportiva sin perder una apariencia ordenada.

El denim acompaña una imagen relajada

Fuera de las actividades oficiales, el guardarropa del monegasco mantiene esa preferencia por la sencillez. Los pantalones vaqueros claros, las camisetas lisas y los buzos en tonos vinculados a Ferrari forman parte de sus combinaciones más reconocibles.

En lugar de superponer demasiadas prendas, suele recurrir a conjuntos de pocos elementos y siluetas definidas.

En una de sus apariciones en Miami, por ejemplo, llevó un buzo rojo de Ferrari con pantalón desteñido en azul claro, una combinación que reforzó su costado informal. También se lo vio con remera roja, jeans claros y anteojos de sol oscuros durante el Gran Premio de México.

Su aproximación al denim evita los extremos. No predominan los pantalones excesivamente ajustados ni las siluetas demasiado anchas: el corte recto y la caída cómoda le permiten pasar de una activación del equipo a una salida privada sin modificar por completo el conjunto.

Las zapatillas blancas, en tanto, actúan como un punto constante y aportan continuidad entre las prendas deportivas y el jean.

La sastrería clásica toma el mando en las alfombras rojas

Cuando el código de vestimenta exige formalidad, Leclerc modifica la paleta y la estructura, pero conserva el mismo criterio de sobriedad.

El esmoquin negro de líneas clásicas fue su elección para el Festival de Cannes 2026, donde apostó por una chaqueta bien ajustada, camisa blanca y accesorios contenidos. La sastrería entallada es el eje de sus apariciones de gala.

El piloto también se aleja del negro cuando el evento admite otras variantes. En la presentación de F1 The Movie eligió un traje de dos piezas color crema, con camisa blanca y corbata beige de rayas diagonales.

La combinación mostró una faceta más luminosa, aunque mantuvo la estructura tradicional de saco, pantalón y corbata.

Para su boda civil privada, celebrada en febrero de 2026, llevó un traje claro, camisa blanca y corbata gris. Los tonos neutros aparecen como alternativa al esmoquin en ceremonias y eventos diurnos, con una selección de accesorios reducida al mínimo.

Ese enfoque hace que el corte de las prendas y la proporción del conjunto concentren la atención.

Rojo, blanco, azul denim, negro, gris y crema componen la mayor parte de las elecciones públicas de Leclerc. El rojo responde a su vínculo con Ferrari; los neutros ordenan el resto del guardarropa.

La continuidad cromática facilita el pasaje entre el entorno técnico de la competencia y las alfombras rojas del cine o la moda.

El estilo de Leclerc se reconoce por esa coherencia: ropa funcional para el ritmo de la Fórmula 1, jeans como pieza de uso recurrente y sastrería convencional en las galas.

El calendario deportivo y los compromisos públicos que acompañan a Ferrari mantendrán esas dos facetas visibles durante la temporada.

La música en vivo y los tributos a Nicky Jam y Queen serán parte de la segunda edición de ‘Gordapaluza’, festival que reunirá moda plus size, arte, emprendimientos y actividades de entretenimiento en la Casa de la Cultura de San Miguel.

El evento se realizará el viernes 31 de octubre y el sábado 1 de noviembre, de 10:00 a.m. a 9:00 p. m., con ingreso libre. La programación contempla 40 stands, desfiles de moda, conversatorios, espacios gastronómicos, propuestas artísticas y zonas destinadas a la creación de contenido digital.

Gordapaluza reunirá a cerca de 20 marcas especializadas en tallas grandes, además de diseñadores, modelos, creadores de contenido, artistas y emprendedores. La proyección de la organización es convocar a más de 1.500 asistentes durante las dos jornadas y superar la cifra alcanzada en la primera edición, realizada en 2025.

Tributos a Nicky Jam y Queen en la programación musical

La propuesta de entretenimiento tendrá como eje la música en vivo. El público podrá escuchar repertorios de rock, pop y música urbana, géneros que acompañarán las distintas actividades programadas durante el festival.

Uno de los atractivos será la presencia de imitadores que rendirán tributo a Nicky Jam y a la banda Queen. Las presentaciones buscarán conectar con públicos de distintas edades a través de canciones reconocidas dentro de la música urbana y el rock internacional.

El homenaje a Nicky Jam llevará al escenario canciones asociadas a la trayectoria del artista, mientras que el tributo a Queen pondrá en primer plano temas que mantienen vigencia entre distintas generaciones. Ambas propuestas formarán parte de una agenda que combina pasarelas, emprendimientos creativos y espectáculos.

La programación artística también contará con otras presentaciones musicales y espacios para que los asistentes permanezcan en el recinto más allá de las compras. La organización plantea el festival como una experiencia que integra moda, comunidad, arte y entretenimiento en un mismo espacio.

Moda plus size, diseño y una pasarela para todos los cuerpos

Gordapaluza contará con 40 stands. De ese total, 20 estarán destinados exclusivamente a marcas de moda plus size, con opciones de prendas casuales, ropa de oficina, propuestas urbanas, ropa deportiva y lencería.

Los demás espacios reunirán emprendimientos de moda circular, diseño independiente y arte. La iniciativa busca ampliar la oferta del encuentro y mostrar productos elaborados por marcas que trabajan desde distintas áreas de la industria creativa.

Los desfiles estarán a cargo de la escuela Altanera Project junto con su grupo de modelos de tallas grandes. La pasarela será uno de los momentos centrales de las dos fechas y permitirá observar colecciones pensadas para diferentes estilos y necesidades.

La Red de Diseñadores del Perú también participará con jóvenes talentos que presentarán colecciones para todas las tallas. Esta presencia busca mostrar que la moda no se limita a un solo tipo de cuerpo y que los diseñadores pueden incorporar propuestas inclusivas dentro de sus creaciones.

El festival incluirá espacios donde el público podrá conocer directamente a las marcas, conversar con los emprendedores y descubrir nuevas alternativas de vestuario. La propuesta apunta a acercar al consumidor a negocios que ya trabajan con tallas grandes dentro del mercado peruano.

Conversatorios sobre autoestima, representación y diversidad corporal

Además de las pasarelas y la programación musical, Gordapaluza ofrecerá conversatorios y espacios de diálogo. Las actividades abordarán temas como representación, autoestima, diversidad corporal y las experiencias de las personas de tallas grandes dentro de la industria de la moda.

Entre las participantes estará Camila Zamudio, creadora de contenido, fotógrafa y modelo. Su presencia formará parte de una programación que busca abrir una conversación sobre el acceso a prendas, productos y servicios que respondan a las necesidades de distintos cuerpos.

La iniciativa plantea que la experiencia de comprar ropa no debería estar marcada por la falta de opciones, la ausencia de tallas o la escasa representación en campañas y pasarelas. Por ello, el encuentro reunirá a emprendedores, consumidores, modelos, diseñadores y creadores de contenido.

“Para las marcas participantes, el festival representa también una oportunidad para mostrar una oferta que ya existe en el mercado peruano y que busca ampliar sus canales de comercialización y visibilidad”, indicó Olenka Tupac Rojas, organizadora de Gordapaluza.

La organizadora explicó que el objetivo es fortalecer un ecosistema de moda que responda a la diversidad de cuerpos. El evento propone que la moda plus size tenga un espacio de exhibición, comercialización y encuentro entre quienes crean productos y quienes buscan nuevas alternativas para vestir.

Cuando la moda de alta costura se encuentra con una causa con propósito, la alfombra roja deja de ser un simple desfile de vanidad para convertirse en una poderosa declaración de intenciones. La alfombra rosa del Rare Impact Fund Benefit celebró la dedicación de Selena Gomez a la concientización sobre la salud mental y el apoyo a jóvenes.

En esta gala benéfica, la moda sirvió como un vehículo de expresión, elegancia y filantropía. Selena Gomez deslumbró con dos propuestas exclusivas de la firma Prada, respaldada por la cuidada visión de su estilista Erin Walsh. A su lado, personalidades como su esposo Benny Blanco y su colega Martin Short aportaron contrastes estilísticos que hicieron de la velada un espectáculo visual inolvidable.

Selena Gomez y Prada: un doble impacto de alta costura

El despliegue estilístico de Selena Gomez fue una lección magistral de versatilidad, transitando desde el dramatismo vibrante de la alfombra roja hasta la elegancia fluida del evento principal. Ambos estilismos demostraron cómo la alta costura puede adaptarse a diferentes momentos de una misma noche sin perder coherencia ni sofisticación.

El look rojo: la intensidad de la alfombra roja

Para su llegada al evento, la fundadora de Rare Beauty apostó por un vibrante vestido tubo strapless en tono rojo rubí firmado por Prada. La pieza destacaba por un elaborado trabajo de pedrería y lentejuelas que cubría la prenda de arriba abajo, capturando la luz con cada movimiento. La silueta, ceñida al cuerpo, incorporaba un sutil peplum drapeado en la cintura que acentuaba la figura con una elegancia impecable.

Gomez completó el conjunto con unos stilettos de satén rojo a juego y una propuesta de belleza monocromática. Su peinado de raya al medio, pulido y peinado hacia atrás, dejó todo el protagonismo a sus facciones y a su maquillaje, caracterizado por tonos neutros cálidos y labios con acabado jugoso.

El look champán: movimiento y brillo sutil

Dentro del recinto, la artista optó por un cambio de vestuario hacia una propuesta más etérea pero igualmente sofisticada. Este segundo vestido de Prada, en un delicado tono champán, presentaba un escote recto con tirantes finos y una silueta fluida.

El punto focal de este diseño residía en sus bordados de cristales y abalorios multicolores en efecto cascada, los cuales colgaban sutilmente sobre la tela creando una textura en movimiento. Manteniendo las mismas joyas y peinado, la transición entre ambos atuendos fue fluida, logrando un balance entre la majestuosidad y la comodidad para presidir el evento.

Benny Blanco y Martin Short: el contraste masculino en la noche

El vestuario masculino de la velada reflejó dos enfoques completamente opuestos de la moda para eventos de gala, añadiendo dinamismo y personalidad a la fotografía global del evento.

Benny Blanco, fiel a su sello estético personal, combinó la sastrería clásica con un toque boho-chic. Lució un traje negro de corte relajado acompañado de una camisa fluida semiabierta, prescindiendo de la corbata tradicional. Completó su estilismo con varias cadenas de oro superpuestas, aportando una vibra moderna, desenfadada y muy alineada con el espíritu libre de la noche.

Martin Short, aclamado actor y compañero de reparto de Selena, representó la tradición sartorial en su máxima expresión. Short lució un esmoquin negro de solapas clásicas, combinado con una camisa blanca de cuello nítido y una corbata con estampado geométrico discreto. Su propuesta sobria y atemporal ofreció el equilibrio perfecto en las fotos junto a la anfitriona.

Más allá de las tendencias y las firmas de lujo, cada detalle del estilismo en el Rare Impact Fund Benefit estuvo al servicio de una causa crucial. El evento reúne fondos para expandir el acceso a recursos de salud mental para jóvenes en todo el mundo, destinando un porcentaje directo de las ventas de Rare Beauty a esta iniciativa. La elección de prendas deslumbrantes no solo buscaba la atención de los medios de moda, sino dirigir la mirada global hacia el impacto social de la fundación.

Victoria Beckham volvió a convertir una aparición cotidiana en Manhattan en una declaración de estilo al llevar un bolso Hermès Kelly Sellier 35 de cocodrilo Porosus. La diseñadora británica, conocida por su colección de bolsos Birkin, eligió esta vez un modelo de mayor tamaño y acabado brillante para visitar la nueva tienda de su firma en el barrio de SoHo.

El accesorio negro, de estructura rígida y herrajes plateados, se integró a un estilismo construido sobre códigos que Beckham ha mantenido durante años: siluetas depuradas, colores sobrios y piezas de apariencia funcional que mantienen una lectura sofisticada.

El cambio de Birkin a Kelly no fue menor. Ambas piezas pertenecen al universo de Hermès y ocupan un lugar singular dentro del mercado de lujo, pero sus formas proyectan ideas distintas.

Mientras el Birkin suele asociarse con un uso más relajado, gracias a su diseño abierto y amplio, el Kelly se reconoce por su construcción más definida, su cierre frontal y la correa que atraviesa el cuerpo del bolso.

En el caso del Kelly Sellier 35, esa estructura se percibe todavía más por sus esquinas marcadas y su formato de maletín. Beckham eligió una versión revestida por completo en piel de cocodrilo, desde el asa superior hasta la correa desmontable.

Un bolso amplio en una temporada de carteras pequeñas

El tamaño fue uno de los elementos que distinguieron su elección. Durante los últimos años, las carteras compactas dominaron buena parte de las apariciones de celebridades y pasarelas, con modelos que funcionan más como gesto estético que como objeto de uso diario.

El Kelly Sellier 35 se mueve en la dirección contraria: ofrece espacio y presencia sin dejar de conservar las proporciones formales que caracterizan a la casa francesa.

Esta elección dialoga con una tendencia que gana terreno en el vestuario de calle: la recuperación de bolsos grandes, capaces de acompañar jornadas de trabajo, traslados y compromisos urbanos. La diferencia, en este caso, está en el material y en el nivel de exclusividad de la pieza.

El verde oliva confirmó una de las fórmulas de su armario

Para la visita a SoHo, Victoria Beckham optó por un suéter de manga corta verde oliva y una falda lápiz del mismo tono. La combinación monocromática reforzó una fórmula habitual en sus apariciones públicas y en las colecciones de su marca: prendas de líneas rectas, ceñidas sin exceso y construidas a partir de un solo color o de matices cercanos.

El verde oliva permitió que el bolso negro se destacara sin romper la coherencia visual del conjunto. En lugar de sumar estampados o contrastes intensos, la diseñadora resolvió el atuendo mediante texturas y accesorios.

A la falda y el punto fino añadió gafas de sol oscuras de formato envolvente, una silueta que se ha consolidado como uno de sus recursos más frecuentes, y zapatos de punta contrastada con aplicaciones de perlas.

Los zapatos introdujeron una nota decorativa en un atuendo contenido. Sin embargo, su presencia no desplazó el foco del Kelly, que concentró la atención por su escala, su brillo y la construcción de su piel. Los herrajes plateados también marcaron una diferencia frente a los acabados dorados que suelen asociarse con muchas versiones de los bolsos Hermès.

Del universo Spice a un lenguaje de diseñadora

La evolución de Beckham en la moda ha quedado definida por una progresiva reducción de elementos. Lejos de los conjuntos más llamativos de su etapa como integrante de las Spice Girls, su vestuario actual se apoya en vestidos largos, trajes amplios, faldas lápiz, abrigos de líneas limpias y zapatos de punta fina.

El resultado no depende de una acumulación de tendencias, sino de prendas que se repiten y cambian de contexto según el color, la proporción o el accesorio.

Su relación con los bolsos Hermès forma parte de ese lenguaje. La diseñadora posee una colección que incluye distintas versiones de Birkin y Kelly, en materiales y tamaños diversos.

En esta ocasión, el bolso de cocodrilo negro aportó una dimensión más gráfica al estilismo, a partir de su superficie brillante y de la geometría del modelo.

Lady Gaga convirtió una salida cotidiana en el Área de la Bahía en una nueva muestra de su apego a las plataformas de gran altura. La cantante fue fotografiada este fin de semana con jeans, una remera negra gastada y botas elevadas, un calzado que alteró por completo la lectura de un conjunto de base sencilla.

La escena reunió dos registros habituales en el vestuario de la artista. Por un lado, prendas funcionales para una jornada fuera de los escenarios: un cardigan-capa de punto negro, gafas de sol y un bolso tote de gran tamaño. Por otro, un par de botas de plataforma que mantuvo la proporción extrema y la presencia teatral asociadas a sus apariciones públicas.

La salida se produjo semanas después del nacimiento de Rose Bean Polansky, hija de Gaga y su prometido, Michael Polansky, en septiembre. La publicación describió un atuendo con elementos básicos, aunque sin abandonar un detalle que ha acompañado a la intérprete durante distintas etapas de su carrera: el uso de tacones y plataformas como punto de partida visual.

Las botas de plataforma alteraron un conjunto de básicos negros y denim

El estilismo partió de una combinación reconocible fuera de la alfombra roja: pantalón de jean, camiseta de algodón y prendas negras superpuestas. La capa-cardigan introdujo volumen en la parte superior, mientras que el bolso amplio reforzó la dimensión práctica del atuendo. Sin embargo, las botas concentraron el foco por su altura y por la silueta robusta de la plataforma.

En ese contraste reside la particularidad del look. Las piezas informales no buscaron competir con el calzado, sino que funcionaron como una base neutra para que las botas definieran el resultado.

Las plataformas son una de las señas más persistentes del estilo de Lady Gaga. La artista ha usado a lo largo de los años zapatos de hasta 25 centímetros de altura, incluidos modelos de la marca Pleaser.

También recurrió a ese tipo de calzado durante los Juegos Olímpicos de París 2024, según informó la revista estadounidense.

Su estilo alterna entre códigos cotidianos, archivo de moda y vestuario escénico

La trayectoria de Lady Gaga en la moda se ha caracterizado por cambios de registro vinculados a sus proyectos musicales, apariciones públicas y personajes cinematográficos.

En sus primeros años de proyección internacional, la artista convirtió el vestuario en una parte central de sus presentaciones: bodis estructurados, pelucas, plataformas, piezas de látex y referencias a la moda conceptual formaron parte de una imagen que dialogaba con el pop electrónico y la cultura de clubes.

El vestido de carne que llevó a los MTV Video Music Awards de 2010, diseñado por Franc Fernandez, quedó entre sus atuendos más citados.

La prenda se vinculó con su rechazo a la política militar estadounidense conocida como “Don’t Ask, Don’t Tell”, que impedía a personas homosexuales declaradas servir abiertamente en las Fuerzas Armadas. El atuendo fue posteriormente conservado en la exposición Haus of Gaga de Las Vegas.

Aquella etapa instaló una forma de vestir en la que la prenda podía tener un papel narrativo, además de estético. El vínculo con Alexander McQueen se hizo visible en 2009, cuando su canción “Bad Romance” se presentó durante el desfile de la colección primavera 2010 del diseñador.

Más tarde, Gaga incorporó a su videoclip de ese tema los llamados zapatos armadillo, una de las siluetas más identificables de esa colección.

Con el paso de los años, su vestuario sumó códigos de la alta costura, el cine clásico y el archivo. En la gira promocional de A Star Is Born, por ejemplo, alternó vestidos de grandes firmas con una imagen más depurada.

Durante la gala Met de 2019, que copresidió bajo el tema “Camp”, convirtió su llegada en una secuencia de cambios de vestuario. La escena confirmó que su relación con la moda también se expresa a través de la puesta en escena y la transformación frente a las cámaras.

La cantante ha colaborado tanto con casas consolidadas como con diseñadores emergentes. Esa combinación explica por qué su guardarropa reúne piezas de archivo, trajes a medida y prendas que remiten a distintas décadas.

En febrero de 2026, para los premios Grammy, llevó un vestido negro con plumas de Matières Fécales y recurrió luego a un conjunto de la colección otoño de 2009 de McQueen durante su actuación.

Ralph Lauren cumple 87 años este 14 de octubre con una colección reciente que vuelve a situar su nombre en el centro de la conversación de moda.

El diseñador estadounidense presentó en Nueva York su propuesta femenina para la primavera-verano 2027, una pasarela en la que la sastrería, el contraste entre códigos masculinos y femeninos y una paleta contenida funcionaron como síntesis de un lenguaje construido durante casi seis décadas.

Nacido en el Bronx en 1939 como Ralph Lifshitz, Lauren fundó su compañía en 1967 con una línea de corbatas anchas. Desde entonces, transformó una idea de estilo asociada al deporte, la vida universitaria estadounidense y una elegancia de raíces británicas en una marca reconocible a escala global.

Su carrera no quedó limitada a la ropa: el universo de Ralph Lauren abarcó campañas publicitarias, decoración, fragancias, restaurantes y una imagen cultural que convirtió al polo en uno de los emblemas más visibles del sector.

La colección primavera-verano 2027 recuperó la sastrería desde una mirada romántica

La presentación más reciente, realizada en Manhattan en el marco del calendario de la moda de Nueva York, mostró cómo el diseñador continúa revisando sus propios códigos sin desprenderse de ellos.

La colección se apoyó en blanco, azul marino y tonos neutros, con prendas que alternaron chaquetas estructuradas, camisas de corte preciso, vestidos ceñidos y faldas ligeras.

El planteo combinó corbatas, chalecos y pantalones de inspiración masculina con piezas de caída fluida. Las flores aplicadas en gran formato, los boleros con plumas y el denim tratado aportaron contraste a un conjunto dominado por líneas sobrias.

La colección propuso una actualización del romanticismo a partir de siluetas sensuales y referencias a la sastrería clásica.

La puesta también se alejó de los grandes decorados que suelen acompañar las presentaciones de la firma. En un espacio blanco y depurado, las modelos aparecieron desde puertas del mismo color, de modo que la atención permaneció sobre la construcción de las prendas.

Esa decisión reforzó una de las claves de la marca: presentar ropa pensada para circular fuera de la pasarela y adaptarse a distintos momentos de uso.

Ralph Lauren convirtió la construcción de un estilo de vida en su principal legado

El aporte de Lauren a la industria está ligado a su capacidad para convertir referencias diversas en un relato coherente. En sus primeras décadas, la marca tomó elementos de la indumentaria ecuestre, de los clubes universitarios de la costa este de Estados Unidos y de una cierta imagen cinematográfica de las vacaciones. El resultado fue un guardarropa basado en blazers, camisas Oxford, tejidos, vaqueros, prendas de cuero y vestidos de noche.

El logotipo del jugador de polo se convirtió en uno de los símbolos más reconocibles de la moda estadounidense, aunque la influencia de la firma excede ese emblema.

Lauren construyó una propuesta que asoció la ropa con escenarios y aspiraciones: una casa de campo, una costa veraniega, un partido de polo o una cena formal. La marca desarrolló esos códigos en líneas de lujo, colecciones más accesibles y categorías para hombres, mujeres y niños.

El diseñador también tuvo una relación sostenida con el cine. Su vestuario para The Great Gatsby, estrenada en 1974, ayudó a consolidar la asociación entre su nombre y una visión estilizada de los años veinte. Más tarde, sus prendas aparecieron en producciones como Annie Hall, mientras que su estética continuó influyendo en diseñadores, editoriales y consumidores interesados en prendas de larga duración.

La moda actual pone en valor los códigos que la firma instaló décadas atrás

El regreso de tendencias vinculadas con el estilo universitario, la estética ecuestre, los tonos tierra y la sastrería relajada volvió a colocar varios de esos códigos en circulación. Sin embargo, la propuesta actual de la casa no se limita a reproducir el archivo. En las últimas temporadas, las colecciones incorporaron proporciones más libres, materiales con textura y una convivencia mayor entre prendas formales e informales.

En la pasarela de primavera-verano 2027, esa convivencia se expresó en la combinación de trajes con accesorios florales, vaqueros desgastados junto a piezas de acabado más formal y transparencias utilizadas de manera medida. El diálogo entre prendas clásicas y detalles contemporáneos sostiene la vigencia de la firma ante un mercado marcado por cambios rápidos.

La actualidad de Ralph Lauren también se explica por la continuidad de una estructura empresarial que mantiene el control de su identidad visual. La compañía conserva al fundador como figura creativa y como referencia pública, mientras sus hijos, entre ellos David Lauren, tienen funciones en áreas estratégicas del grupo.

Esa combinación permitió que la marca acompañara las transformaciones del consumo y de la comunicación digital sin abandonar sus signos más reconocibles.

A los 87 años, el diseñador mantiene su lugar dentro del calendario de Nueva York

La presencia de Lauren en la Semana de la Moda de Nueva York confirma que el calendario no se articula solo alrededor de nombres emergentes.

Las grandes casas históricas mantienen un papel relevante cuando consiguen renovar su propuesta y sostener una conversación con públicos de distintas generaciones.

En el desfile estuvieron invitadas como Viola Davis, Cynthia Erivo y Ariana DeBose, una señal de la proyección cultural que aún conserva la firma.

A sus 87 años, Ralph Lauren llega a un nuevo aniversario con una identidad definida y una colección que mira hacia la próxima temporada.

La propuesta presentada en Manhattan deja planteada la continuidad de un método: volver a prendas conocidas, modificar sus proporciones y llevarlas a un contexto en el que el estilo personal pesa tanto como las tendencias.

Cuando dos de las fuerzas más disruptivas del pop actual unen piezas de archivo, boas de plumas y corsés de cuero sobre el capó de un convertible retro, la moda deja de ser un simple acompañamiento para convertirse en la narrativa principal. El anuncio de la colaboración entre Olivia Rodrigo y Chappell Roan para la canción “Expectations” —sencillo promocional y plato fuerte que forma parte del nuevo álbum de Olivia Rodrigo— revolucionó las plataformas digitales no solo por la expectativa musical, sino por una propuesta estética que rescata y reinventa el estilismo de la década de 1980.

A través de un despliegue visual cargado de nostalgia ochentosa, maximalismo camp y actitud punk, ambas artistas construyeron un universo conceptual que promete marcar la pauta estética de este trabajo discográfico.

Rebeldes con causa: la reinvención de la estética “Prom Queen” y el punk de los 80

En la portada oficial de “Expectations”, las artistas posan sobre un convertible amarillo clásico bajo una brillante cortina de oropel dorado, luciendo la matrícula personalizada “XPECT8NS”. En esta escena, el vestuario evoluciona hacia una interpretación más oscura, festiva y rebelde de los bailes de graduación de la época.

• El toque gótico-tartan de Chappell Roan: la estadounidense de 28 años luce un corset con patrón escocés en rojo y negro, emparejado con una falda tutú negra de tachuelas y un sombrero de ala corta adornado con un lazo rojo. Su estilismo evoca la rebeldía del movimiento punk tradicional combinado con elementos de fantasía oscura.
• La versión coquette-punk de Olivia Rodrigo: la californiana de 23 años contrapone la propuesta vistiendo un corset de cuero negro rígido con tachuelas doradas, contrastado por una voluminosa falda de tul blanco. El enorme lazo rosa en su peinado ondulado sintetiza a la perfección la tendencia coquette que domina la moda actual, pero infundida con la energía desafiante del rock de los 80.

El arte del contraste: maximalismo camp contra la elegancia glam

En las primeras imágenes promocionales del detrás de escena, el estilismo destaca por construir dos identidades marcadamente opuestas que se complementan en perfecta armonía. Lejos de buscar uniformar a las cantantes, el concepto visual del álbum abraza la personalidad única de cada una.

Por un lado, Chappell Roan lleva el maximalismo a su máxima expresión. Con una clara inspiración en la cultura drag y el teatro camp, su vestuario combina un corset de estampado floral con detalles de lazos rosa, una minifalda de lentejuelas doradas y verdes, e impactantes medias altas celestes con encaje. El toque ochentoso definitivo lo aportan una boa de plumas fucsia y plataformas de tono retro. Su maquillaje característico, centrado en sombras dramáticas y cejas muy marcadas, convierte su imagen en una obra de arte teatral.

Por otro lado, Olivia Rodrigo encarna una versión moderna de la chica pin-up ochentosa con un matiz desenfadado. Luciendo un bustier con estampado de lunares (polka dots), una sofisticada falda lápiz dorada de acabado metalizado y un bolero oscuro de manga corta, Olivia equilibra la balanza. La incorporación de una boa de plumas celeste sobre un hombro y zapatos de salón rojos con medias oscuras añade una dosis perfecta de provocación retro.

Moda, nostalgia y el impacto visual en la nueva era musical

El uso de elementos retro, siluetas ochentosas y texturas contrastantes sirve como hilo conductor dentro del universo estético del nuevo álbum de Olivia Rodrigo. La moda en la industria musical contemporánea funciona como una herramienta de narración tan crucial como las propias canciones. Con este lanzamiento, Rodrigo y Roan reivindican géneros como el new wave y el synth-pop, respaldándolos con prendas que referencian directamente a las subculturas urbanas de décadas pasadas.

El éxito del estilismo de “Expectations” reside en su autenticidad: celebra el exceso, desafía las reglas tradicionales de combinación de colores o texturas y demuestra que, en la era visual del pop, el verdadero impacto se logra rompiendo moldes.

El lujo inmobiliario en México busca nuevas formas de distinguirse con proyectos que combinan arquitectura, diseño y experiencias exclusivas, una de las apuestas más recientes es Karl Lagerfeld Residences Bosque Real, un desarrollo residencial que llevará el sello creativo del diseñador alemán a una de las zonas más privilegiadas del Estado de México, con espacios pensados para convertir la vida cotidiana en una experiencia vinculada con el mundo de la moda.

El complejo estará integrado por 38 pisos y 73 residencias, entre ellas dos penthouses y un Gardenhouse, también se contempla más de 23 amenidades y una propuesta estética inspirada en la visión del creador, reconocido por su influencia en diversas industrias. La intención es que su identidad se perciba tanto en las áreas compartidas como en los espacios privados.

La iniciativa busca posicionar al país dentro del mercado internacional de las residencias de marca, un segmento inmobiliario que apuesta por asociar viviendas con firmas reconocidas. En este caso, Grupo Bosque Real pretende ofrecer algo más que una propiedad de lujo: una combinación de exclusividad, seguridad, áreas verdes y diseño atemporal dirigida a quienes pueden acceder a este estilo de vida.

Karl Lagerfeld Residences llegará a Bosque Real con un edificio de lujo

El proyecto nació a partir de la elección de un terreno considerado privilegiado por su cercanía con la entrada de Bosque Real, su ubicación en una de las zonas más elevadas y sus vistas al campo de golf y al Valle de México.

Marcos Salame, director de operaciones del grupo, explicó que desde el primer momento imaginó un desarrollo icónico, innovador y capaz de conservar su vigencia con el paso del tiempo. Para materializar esa visión, la compañía buscó asociarse con la maison Karl Lagerfeld, cuya identidad creativa se distingue por una combinación de elegancia parisina y actitud rock-chic.

La intención es trasladar ese lenguaje al entorno residencial mediante materiales, proporciones y acabados que reflejen la personalidad de la marca. De la misma, forma la propuesta retoma la trayectoria multidisciplinaria del diseñador, quien no limitó su trabajo a la moda, sino que exploró otras expresiones artísticas y creativas.

De acuerdo con Salame, el objetivo es alcanzar una permanencia similar a la de las prendas icónicas de Lagerfeld, piezas que mantienen su relevancia más allá de las tendencias de cada época.

Más de 23 amenidades y espacios para vivir una experiencia exclusiva

Uno de los principales atractivos de Karl Lagerfeld Residences Bosque Real será su oferta de más de 23 amenidades, creadas para brindar al público distintas experiencias en un mismo lugar, contemplando espacios como gimnasio y spa, así como áreas comunes en las que el diseño busca mantener una identidad coherente con la firma.

Para el desarrollador, el valor de una residencia de marca no consiste únicamente en presumir el nombre que aparece en ella, la intención es que la historia y la esencia de la firma se reflejen en los espacios y acompañen actividades cotidianas, desde recorrer los pasillos hasta disfrutar de las instalaciones.

Bajo esa lógica, el proyecto busca formar una comunidad en la que cada elemento contribuya a una experiencia residencial integral. Mientras que la selección de amenidades y servicios responde a ese propósito, con la idea de que el lujo también se exprese en la comodidad y en la manera de habitar el inmueble.

Seguridad, áreas verdes y exclusividad: la apuesta de Bosque Real

Salame señaló que vivir en este desarrollo significa contar con seguridad, espacios verdes y la posibilidad de caminar con la familia o pasear a una mascota, actividades que pueden resultar complicadas en otras zonas urbanas.

El directivo describió el lugar como un refugio alejado del ritmo cotidiano de la ciudad, aunque suficientemente cercano para desplazarse hacia ella cuando sea necesario, donde la meta es ofrecer un entorno en el que la vivienda represente calma y bienestar.

Con más de 35 años de trayectoria, Grupo Bosque Real suma este proyecto a una cartera de siete desarrollos realizados en colaboración con marcas internacionales, con lo que alcanza su octava apuesta dentro del segmento de residencias de marca.

Por su parte, Karl Lagerfeld cuenta con presencia en ciudades como París, Londres, Múnich, Dubái y Shanghái, además de más de 200 tiendas en el mundo. La firma también ha extendido su identidad al interiorismo mediante KARL LAGERFELD MAISON.

Con esta alianza, Bosque Real busca colocar a México en el mapa del branded living, junto a mercados como Miami y Dubái. Así, Karl Lagerfeld Residences propone una forma de entender el lujo en la que la arquitectura, la moda y el estilo de vida se unen para dar identidad a un hogar.

En las calles de Nueva York, Dua Lipa volvió a convertir un conjunto cotidiano en una propuesta de moda definida: un look total white sostenido por una gabardina larga y accesorios negros.

La cantante eligió una camiseta blanca, pantalón del mismo tono y una pieza exterior en verde salvia, con una combinación que pone el foco en las proporciones y en el contraste de materiales.

El blanco funciona como base de toda la imagen. Lejos de quedar asociado a una fórmula veraniega, aparece en prendas de líneas simples y cobertura amplia, adecuadas para los días de entretiempo.

La remera y el pantalón construyen una silueta continua, mientras la capa exterior introduce color sin quebrar la sobriedad del conjunto.

La prenda central fue una gabardina de Phoebe Philo de largo amplio. Su presencia organiza el look desde los hombros hasta debajo de las rodillas y propone una lectura más urbana para un clásico del armario. Lipa la llevó abierta, de modo que el blanco siguiera visible y mantuviera el equilibrio visual.

La gabardina redefine una combinación de básicos blancos

La gabardina tiene un lugar estable en la moda porque se adapta a distintos registros. Puede acompañar jeans y zapatillas, un vestido o un conjunto de sastrería. En este caso, su tono salvia resulta decisivo: se distancia del beige tradicional, pero conserva la versatilidad de una paleta neutra.

El corte amplio evita que el estilismo parezca rígido. La prenda suma movimiento y protege la sencillez de las piezas interiores, sin convertir el abrigo en un elemento aislado. El resultado depende de una idea concreta: elegir básicos reconocibles y darles una nueva escala con una capa exterior de mayor volumen.

En un total white, la elección de textiles tiene tanto peso como el color. Una camiseta de algodón y un pantalón de caída recta generan una base limpia, aunque también permiten incorporar diferencias de textura. El look admite tejidos de punto fino, poplín, denim claro o lino más estructurado, siempre que se sostenga una gama reducida.

Para romper con la continuidad blanca, la artista eligió botas negras de cuero de Chrome Hearts y un cinturón. Los accesorios concentran el contraste en la cintura y en los pies, dos zonas que ordenan la silueta sin restarle protagonismo a la gabardina.

Las botas aportan un registro más firme frente a la ligereza de la remera y el pantalón. El cuero suma profundidad y vuelve más funcional el look para la ciudad. El cinturón, por su parte, define el talle y evita que el volumen de la prenda exterior diluya la figura.

Dos accesorios oscuros bastan para darle dirección a un conjunto blanco. La fórmula puede trasladarse a otras combinaciones: mocasines y cartera negra, botines con una hebilla metálica o zapatillas oscuras y anteojos de marco ancho.

La clave consiste en repetir el color de los complementos para que el contraste se vea intencional.

El estilo de Dua Lipa combina sastrería, prendas retro y códigos urbanos

Más allá de este paseo por Nueva York, el estilo de Dua Lipa se caracteriza por cambiar de registro según el lugar y la ocasión.

En eventos y alfombras rojas suele recurrir a siluetas ceñidas, vestidos de archivo, transparencias y referencias a las décadas de 1990 y 2000.

Para apariciones de día, en cambio, alterna sastrería, prendas deportivas, denim, cuero y básicos con un accesorio que define el conjunto.

En aeropuertos, salidas nocturnas y caminatas urbanas, la cantante suele priorizar una pieza reconocible: una campera de cuero, un abrigo largo, botas de plataforma, gafas de sol o una cartera de formato pequeño.

Esa elección le permite construir looks distintos a partir de prendas habituales y evita la acumulación de elementos.

Su vestuario trabaja con contrastes claros. Puede combinar una falda de aire retro con zapatillas, un traje con top mínimo o un vestido de noche con botas altas.

La mezcla entre referencias de pasarela y prendas pensadas para la calle sostiene una identidad visual que se adapta a varios escenarios.

En el estilo de Lipa, la diferencia suele aparecer en cómo se combinan las piezas y no en la cantidad de elementos que se suman.

Las transparencias, el rosa y las piezas de archivo articularon los estilismos que Kim Kardashian eligió durante el fin de semana del Gran Premio de Singapur.

La empresaria acompañó al piloto británico Lewis Hamilton con dos propuestas de estéticas distintas: un vestido ajustado de Alaïa y un conjunto de seda de Roberto Cavalli de 2003.

Para la jornada de clasificación, Kardashian eligió un vestido rosa chicle semitransparente, de cuello alto y silueta ceñida. La prenda, perteneciente a la colección primavera 2024 de Alaïa diseñada por Pieter Mulier, dejaba ver un body del mismo tono con corte alto en la cadera.

La combinación mantuvo una paleta monocromática y puso el foco en las capas, una de las fórmulas que la figura televisiva ha incorporado en sus apariciones junto a los circuitos.

El vestido convirtió una pieza de pasarela en una elección funcional para el entorno nocturno del circuito de Singapur.

La tela translúcida, el largo hasta los tobillos y el cuello cerrado contrastaron con la línea marcada del body, mientras el rosa saturado dio unidad al conjunto.

La elección se inscribe en el trabajo de Pieter Mulier para Alaïa, caracterizado por construcciones próximas al cuerpo y el uso de materiales que enfatizan la silueta.

El look de primavera 2024 trasladó esos códigos a una cita deportiva sin abandonar la referencia directa a la colección original.

Un conjunto de seda de Roberto Cavalli recuperó la estética de 2003

Al día siguiente, Kardashian cambió la transparencia por una pieza procedente del archivo de Roberto Cavalli.

Eligió un conjunto de chifón de seda inspirado en el cheongsam, de la colección primavera 2003, compuesto por un top y una falda larga a juego.

La parte superior, en rosa pálido con estampado de faisanes y flores, tenía cuello alto, cintura corseteada y una abertura central.

La falda maxi replicaba el dibujo y prolongaba la verticalidad del estilismo.

El segundo atuendo conectó la visita de Kim Kardashian a Singapur con su interés por prendas de archivo, una práctica frecuente en la alfombra roja y cada vez más presente en apariciones públicas vinculadas al deporte.

Kim Kardashian y el fenómeno del paddock como escenario de moda

La presencia de celebridades como Kim Kardashian en el paddock responde a una transformación progresiva de este espacio, que dejó de ser un área reservada exclusivamente al ámbito deportivo para convertirse en un escenario de visibilidad comparable a una alfombra roja.

En este contexto, la moda funciona como un lenguaje paralelo al deportivo. Mientras la competición se concentra en la pista, el paddock se convierte en un espacio donde circulan significados relacionados con el estatus, el acceso y la exclusividad.

La sola presencia de una figura como Kardashian introduce una lógica distinta a la del espectador habitual: su paso por el lugar se documenta, se replica en medios y redes, y adquiere un valor informativo independiente del resultado deportivo del evento.

El estilismo de Kim Kardashian en el paddock se articula alrededor de una idea clara: adaptar códigos de la moda nocturna y de la alfombra roja a un entorno asociado con la velocidad, la exposición y la cultura deportiva.

En las distintas carreras apareció con propuestas que mantuvieron una línea común: prendas ajustadas, superficies lisas o translúcidas, escotes definidos y una paleta de colores que alterna entre el rosa, el blanco, el negro y los estampados florales.

En la escena del paddock, los accesorios cumplen una función práctica y visual. Las gafas protegen del sol o de la iluminación intensa, pero también establecen una barrera entre ella y el entorno.

El resultado de su estilismo combina sensualidad, referencias de moda nocturna y elementos de vestuario urbano. Kardashian no adopta literalmente la indumentaria deportiva del circuito; utiliza el paddock como escenario para trasladar una imagen basada en la silueta, el color, la transparencia y el glamour.

En la apertura para invitados de Veuve Clicquot Club Solaire, en Venice Beach, Los Ángeles, una charla sobre ropa llevó a Charlize Theron a describir un cambio que se nota primero en los pies. La actriz de 51 años explicó que hoy prefiere el calzado bajo y que su vestuario se acerca con mayor frecuencia a prendas masculinas y de género neutro.

La modificación no supone un abandono de la ropa femenina. Theron planteó su forma de vestir como una combinación de preferencias que conviven, aunque reconoció que en este momento se inclina más hacia una estética masculina.

En una entrevista exclusiva con People, la actriz detalló esa evolución y contó que sus hijas, Jackson, de 14 años, y August, de 12, no están muy contentas con la inclinación actual de su madre por prendas más masculinas.

Charlize Theron prefiere los zapatos bajos en esta etapa

Theron resumió el cambio con una comparación directa entre sus elecciones de antes y las actuales. “Creo que antes usaba más tacones y ahora, sin dudas, soy más de zapatos bajos”, afirmó la actriz a People, en una traducción al español de sus declaraciones.

La frase sitúa el calzado como uno de los puntos concretos de una preferencia personal, expresada durante el encuentro en Venice Beach. La actriz no presentó esa elección como una regla para cada aparición pública, sino como una inclinación que identifica su presente.

Al hablar de la ropa que acompaña ese cambio, Theron señaló que su interés por ciertos diseños no comenzó ahora. “Creo que siempre me gustaron las prendas más masculinas y, en cierta forma, de género neutro”, explicó durante la entrevista exclusiva.

La intérprete también marcó un límite a cualquier lectura que presente su estilo como una transformación total. “Pero también me gusta usar cosas femeninas de vez en cuando”, añadió. Esa convivencia entre prendas distintas forma parte de la descripción que hizo de su guardarropa.

Theron definió su estilo como variado y vinculó esa diversidad con una preferencia que se acentuó recientemente. “Creo que mi estilo es bastante diverso y que siempre fue así. Pero ahora me inclino un poco más hacia lo masculino”, señaló.

Sus hijas no están muy contentas con su estilo actual

La conversación sobre el vestuario incluyó una reacción de Jackson y August. Theron contó que sus hijas no acompañan con entusiasmo la mayor presencia de prendas masculinas en sus elecciones actuales. “Mis hijas no están muy contentas con el momento en el que está su mamá”, dijo la actriz en referencia a su estilo.

El comentario no incluyó detalles sobre una discusión familiar ni precisó qué prendas cuestionan las adolescentes. La información disponible se limita a la observación de Theron sobre la respuesta de ambas frente a su forma actual de vestirse.

La entrevista también pasó por una escena diferente de la vida familiar: Halloween. Theron contó que no suele vivir esa celebración con demasiada intensidad, aunque la experiencia cambió al convertirse en madre. “No soy muy aficionada a la Noche de Brujas, pero cuando se tienen hijos una termina siéndolo”, afirmó.

Según relató, Jackson y August disfrutan especialmente esa fecha. “A ellas les encanta”, señaló. Sin embargo, añadió que ahora sus hijas quieren organizar sus propios planes. “Están en una edad en la que no quieren que yo participe demasiado. Quieren hacer lo suyo”, explicó.

Theron cerró esa anécdota con una descripción de su propio plan para esa noche. “Yo puedo volver a casa y ver un programa de televisión. Es perfecto”, contó. La referencia mostró una dinámica familiar distinta de la charla sobre la ropa, pero también situada en el vínculo cotidiano entre la actriz y sus dos hijas.

Cuando mil focos iluminan una alfombra roja, la mayoría intenta llamar la atención gritando; otras personas, en cambio, dejan que la precisión de su vestimenta hable por sí sola. Eso fue exactamente lo que ocurrió cuando Scarlett Johansson pisó la alfombra roja del Festival de Cine de Londres (BFI London Film Festival) luciendo un deslumbrante vestido rojo escarlata.

La actriz neoyorquina demostró cómo un clásico reinventado puede paralizar los reflectores y dominar las tendencias globales en cuestión de segundos.

Durante la jornada del sábado en la capital británica, la actriz protagonizó un despliegue de estilo al presentar dos proyectos cinematográficos totalmente distintos: la película de animación Ray Gunn, dirigida por Brad Bird (donde presta su voz al personaje de Venus Nova), y el esperado largometraje Paper Tiger, donde comparte reparto con el actor Adam Driver. Para ambas citas optó por el color rojo, pero fue en la premiere de Paper Tiger donde logró paralizar la alfombra roja con esta pieza de alta costura.

La ingeniería del vestido de Prada: seda y corte al bies

El pilar fundamental de este conjunto es un diseño a medida firmado por la casa italiana Prada, confeccionado en exquisito georgette de seda roja. Más allá del impacto visual de la paleta cromática —un tono históricamente vinculado a la fuerza, la sensualidad y el poder escénico—, la clave de la prenda reside en su impecable patrón.

El vestido está cortado al bies, una técnica tradicional de alta costura que dispone el tejido en diagonal respecto al hilo. Esto permite que la tela se deslice sobre la anatomía con una fluidez orgánica, adaptándose a las curvas sin ceñir en exceso. El diseño destaca por un escote en forma de corazón con fruncido central y detalles de drapeado que aportan textura y volumen visual al torso. De ese nudo central nace una caída vertical hasta el suelo que estiliza la figura y le añade un movimiento lleno de elegancia al caminar.

Joyería de autor y el sello de Kate Young

Ideado por la aclamada estilista de Hollywood Kate Young, el look equilibró la rotundidad de la seda con una selección de joyas impecable. En lugar de recargar el cuello con diamantes tradicionales, el equipo de estilismo apostó por una gargantilla rígida de la firma Barron London en oro amarillo con una gema central.

Esta pieza aporta una cualidad arquitectónica que enmarca la clavícula y suaviza la transición entre la piel y el escote. La calidez del oro complementa armónicamente el tono escarlata, mientras que la presencia de múltiples piercings en la oreja izquierda de la actriz agrega un matiz urbano y moderno que contrasta con la etiqueta formal de la gala.

Guiño a 2006: un homenaje al vestido de Valentino que hizo historia

El impacto de este estilismo radica también en la memoria colectiva de la moda. Esta elección funciona como un claro homenaje a la imagen que la propia Johansson inmortalizó el 16 de enero de 2006 durante la 63.ª edición de los Globos de Oro. En aquel momento, con apenas 21 años y nominada por la película Match Point de Woody Allen, la actriz acaparó las portadas globales luciendo un inolvidable vestido rojo ajustado con volantes diseñado por Valentino.

Veinte años después de aquel momento icónico, Scarlett retoma esa misma esencia de diva cinematográfica, demostrando la madurez de su estilo: si en 2006 el diseño apostaba por la estructura y el dramatismo de las formas, esta propuesta de Prada confía en la fluidez, la caída natural y la elegancia atemporal.

Peinado y maquillaje: inspiración vintage

El apartado de beauty completó la narrativa clásica con un toque de frescura:

Johansson lució su corte bob en tono rubio dorado con raya lateral profunda. Las puntas suavemente peinadas hacia adentro crean una onda pulida de aire años 50 que enmarca el rostro con absoluta naturalidad.

Para no competir con la intensidad del vestido, lució una piel luminosa de acabado aterciopelado, mejillas en tono melocotón y un labial nude mate de subtono cálido que define los labios con discreción.

Esta aparición demuestra cómo la simplicidad bien ejecutada supera cualquier propuesta extravagante. Scarlett Johansson logra consolidar una imagen donde cada detalle —desde la textura de la seda de Prada hasta la gargantilla esculpida de Barron London— cumple una función clara: potenciar su elegancia natural sin sobrecargar la escena. Un estilismo rotundo que reafirma al rojo como su color fetiche y se posiciona de inmediato entre los mejores momentos de su carrera.

Lali Espósito cumple este sábado 35 años con una imagen que excede el vestuario de una cantante pop. A lo largo de su carrera, la artista argentina convirtió la ropa en una extensión de sus distintas etapas musicales y actorales: del brillo escénico a las siluetas amplias, de la sastrería oscura a los códigos deportivos que hoy atraviesan la moda urbana.

Su influencia no depende de seguir una única fórmula. La clave de su estilo está en la capacidad de alternar registros sin perder reconocimiento visual.

En una misma etapa puede llevar botas de caña alta, piezas de cuero, lentes de sol envolventes o pantalones cargo, y trasladar esos elementos a un vestuario de escenario pensado para el movimiento y la cámara.

Esa continuidad entre música, videoclips, recitales y apariciones públicas explica por qué sus looks se leen como parte de una narrativa pop.

Del vestuario juvenil a una identidad visual propia

El lanzamiento de A Bailar en 2014 abrió una etapa en la que el cuerpo, la coreografía y los códigos del pop internacional empezaron a ordenar la propuesta visual.

En esa transición, el vestuario dejó de funcionar solo como acompañamiento y pasó a integrar la puesta. Los conjuntos coordinados, los tops, las prendas ajustadas y los materiales con brillo se volvieron recursos frecuentes para construir una silueta definida sobre el escenario.

La elección respondía a una necesidad práctica: las piezas debían sostener coreografías, luces intensas y múltiples cambios de vestuario sin perder impacto en plano general.

La moda pop suele trabajar con signos de alta visibilidad, y la artista incorporó esa lógica sin quedar atada a un único uniforme. El negro, el metalizado y los acabados de charol aparecen como una base recurrente, mientras que los accesorios agrandan la escala de cada conjunto.

Así, una bota alta o una campera de cuero adquieren peso visual incluso cuando se combinan con prendas de líneas sencillas.

El diálogo con la moda urbana redefinió sus looks cotidianos

El rasgo más constante de su evolución es la convivencia entre glamour de escenario y moda urbana. En apariciones informales, Espósito suele acercarse a proporciones más relajadas: pantalones anchos, buzos, remeras cortas, zapatillas y camperas de volumen.

La tensión entre una prenda amplia y otra ceñida evita que el conjunto quede reducido a una lectura deportiva.

Esa combinación coincide con un cambio amplio en el vestuario contemporáneo. Los códigos antes asociados al deporte o a la calle entraron a las alfombras rojas, los recitales y las campañas de moda, con cargos, calzado técnico y siluetas oversize como piezas habituales.

En el caso de la cantante, esos elementos se integran con maquillaje marcado, joyería de escala visible o materiales de acabado brillante.

La cantante contó a GQ que en sus días libres prefiere prendas amplias y que participa en el diseño del vestuario de sus shows. Ese dato permite leer sus elecciones como una construcción sostenida, y no solo como una sucesión de tendencias.

También explicó que cada videoclip puede proponer una identidad de pelo distinta, una decisión que amplía el papel de la belleza dentro de su lenguaje visual.

Los cambios de color y corte de cabello acompañan esa búsqueda. El rubio, el negro, las raíces a la vista y el corte mullet operaron como recursos de transformación ligados a proyectos concretos.

Lejos de ser detalles aislados, modifican la relación entre el rostro, la ropa y la imagen de cada lanzamiento.

La sastrería y el cuero llevan el pop hacia una imagen más adulta

La consolidación de su carrera musical incorporó prendas de estructura más definida. Trajes, tapados, pantalones de tiro alto y corsetería comparten espacio con siluetas de inspiración club. Una referencia clásica de la sastrería se desplaza hacia una estética nocturna gracias al material y al color.

En este punto, el cuero y sus alternativas sintéticas cumplen una función central. Aportan textura bajo las luces y dan continuidad a una paleta en la que predominan los tonos oscuros.

El resultado suele alejarse de la formalidad estricta: la sastrería aparece con piel a la vista, plataformas, recortes o accesorios que la conectan con el escenario.

Su vestuario muestra la presencia de zapatillas, joyas de gran tamaño, pantalones cargo y tops. Más que una lista de prendas, esa combinación describe un mecanismo de estilismo: una base urbana se eleva con accesorios y se vincula con el pop mediante el brillo, la proporción y la exposición del cuerpo.

La influencia de la artista se percibe, precisamente, en esa forma de reunir referencias que circulan tanto en redes sociales como en recitales y editoriales.

Los accesorios sostienen una firma reconocible

Los anteojos de sol, las botas y la joyería permiten que sus conjuntos mantengan una identidad incluso cuando cambian las prendas principales.

Las gafas aportan una distancia visual asociada a la cultura de celebridad; las botas alargan la figura y resisten el ritmo de la performance; los aros, cadenas y anillos suman destellos sin exigir una prenda compleja.

También hay una dimensión generacional en esa selección. Su estilo dialoga con artistas que usan el vestuario para circular entre el videoclip, la calle y la pasarela, sin separar de manera tajante la ropa diaria de la escénica.

En ese cruce, los looks de Lali funcionaron como referencia para seguidoras que buscan combinar prendas básicas, calzado urbano y detalles de mayor impacto.

Al cumplir 35 años, la cantante llega con una identidad de moda construida durante más de una década de carrera solista. Su vestuario mantiene el vínculo con el pop, pero suma la comodidad, las proporciones y los accesorios de la ciudad. Esa mezcla sigue siendo el eje de una imagen que cambia de era sin abandonar sus señales reconocibles.

Junto a la estilista Debby Fasingha, reinterpretó códigos de la maison francesa a partir de piezas vintage y prendas de segunda mano. Chaquetas estructuradas, tweed, accesorios y contrastes de texturas aparecieron en escenarios urbanos de Nigeria, con una estética alejada de las campañas tradicionales de la firma.

El trabajo llamó la atención de Matthieu Blazy, director creativo de Chanel, y derivó en su participación en el desfile primavera-verano 2027. En el Grand Palais, Ojuromi llevó a la pasarela una propuesta de tweed, uno de los tejidos vinculados a la historia de la casa francesa.

La llegada de Ojuromi a la firma francesa fue precedida por una serie de imágenes que situaban la moda de lujo fuera de sus escenarios habituales.

Ojuromi y la estilista Debby Fasingha tomaron como referencia la colección Métiers d’Art de Chanel y trasladaron algunas de sus siluetas a la capital nigeriana.

El resultado no buscaba reproducir un desfile europeo: usaba las prendas, la luz urbana y el movimiento de la ciudad para plantear otra lectura del vestuario.

Un vídeo de Lagos llevó los códigos de Chanel a otro escenario

Lagos es uno de los principales centros económicos y culturales de África occidental, aunque forma parte de un país atravesado por una desigualdad persistente. Nigeria, la nación más poblada del continente, enfrenta dificultades para crear empleo formal al ritmo de su crecimiento demográfico, además de déficits en servicios e infraestructura.

Ese contexto da otra dimensión al trabajo de Ojuromi y Fasingha: sus producciones surgieron fuera de los presupuestos, las agencias y las estructuras habituales de la moda internacional.

Ojuromi, de 22 años, publica sus videos en Instagram y tiene más de 338.000 seguidores. Su cuenta funciona como archivo de estilismos, fotografía y dirección de arte.

La ropa ocupa el centro de cada publicación, aunque aparece siempre en relación con el entorno: una calle, un local o una fachada de Lagos cambian el sentido de piezas que suelen verse en campañas y editoriales de moda.

La recreación de los looks de Chanel difundida en julio fijó uno de los momentos más visibles de ese trabajo. Junto a su estilista, Ojuromi utilizó artículos vintage y de segunda mano para componer conjuntos inspirados en el universo de la casa.

El tweed, las chaquetas estructuradas, los accesorios y el contraste de texturas fueron parte de una propuesta concebida para vídeo y fotografía.

El interés del proyecto estuvo en la construcción del estilismo. Las referencias a la maison se reconocían sin que el resultado quedara reducido a una copia. La selección de prendas, el encuadre y el espacio público construyeron una narrativa propia, vinculada a Lagos y a la manera en que ambas creadoras trabajan la moda para plataformas digitales.

Matthieu Blazy reparó en la recreación de la colección Métiers d’Art

El material llegó a Matthieu Blazy, director creativo de Chanel, quien comentó la publicación. Poco después, Ojuromi anunció que había firmado con agencias de modelos y viajó a París.

Antes del desfile, la modelo compartió un vídeo de su recorrido por la capital francesa . Horas más tarde, su relación con la firma pasaría del contenido digital a la pasarela: Chanel la incorporó a la presentación de su colección de primavera-verano 2027 en el Grand Palais.

La elección también puso en primer plano un camino poco frecuente dentro del modelaje. Ojuromi no llegó desde una sucesión de desfiles o campañas, sino desde un trabajo independiente en el que asumió tareas de modelo, directora creativa y productora de sus imágenes.

Su perfil ya estaba definido antes de integrarse en una estructura profesional de moda.

El debut en París cerró el trayecto entre el contenido y la pasarela

Tras el desfile, Ojuromi conversó con el comentarista de moda Lyas Medini sobre la experiencia. “Después de que me confirmaran y de hacer el ensayo, literalmente lloré a lágrima viva”, afirmó en declaraciones a Harper’s Bazaar. También relató que Blazy la presentó al equipo como la autora del vídeo inspirado en Chanel.

Para su primera salida en una pasarela profesional, la modelo llevó una de las propuestas de tweed replanteadas por el diseñador.

El tejido, asociado de forma histórica a Chanel, apareció en la colección como parte de una revisión de las proporciones y de los códigos de la casa.

La presencia de Ojuromi añadió una capa concreta a esa presentación: días antes había reinterpretado desde Lagos algunas claves visuales de la misma firma.

La IA dejó de ser un invitado silencioso en las pasarelas para convertirse en protagonista de la conversación. Según un análisis publicado por AIUTA, las Fashion Weeks de 2026 marcaron un punto de quiebre: por primera vez, buena parte del debate no giró en torno a las prendas, sino a los sistemas tecnológicos que determinan cómo se diseñan, se producen y se venden.

Ese desplazamiento no implica que la IA haya reemplazado a los diseñadores. Lo que está ocurriendo, de acuerdo con el medio citado, es una ampliación de las capacidades humanas: la tecnología acelera procesos que antes tomaban semanas, mientras el criterio creativo sigue en manos de personas.

Inteligencia artificial en la moda: qué significa este cambio de paradigma

La irrupción de la IA en la moda se traduce en una pregunta concreta: ¿qué partes del proceso tradicional —diseño, producción, distribución y venta— pueden acelerarse o repensarse con herramientas automatizadas?

AIUTA sostiene que la industria está migrando de ser un escaparate de productos a convertirse en un escaparate de sistemas, donde la pasarela conserva su lugar central pero queda rodeada de tecnologías que condicionan todo lo que sucede antes y después del desfile.

Esa transformación quedó a la vista en la Fashion AI Expo, un evento que debutó junto a la Paris Fashion Week y que reunió a startups, empresas tecnológicas, marcas y creativos para discutir el papel creciente de la IA en el sector.

“La pregunta más importante a la que se enfrenta la moda ya no es qué tendencias surgirán la próxima temporada, sino cómo se crearán, distribuirán, experimentarán y, en última instancia, venderán esas tendencias”, resume la plataforma tecnológica de IA enfocada en la industria de la moda y el comercio electrónico.

Alta costura y creación nativa de IA: el caso Alexis Mabille

Uno de los ejemplos más citados por AIUTA sobre esta transición ocurrió durante la Paris Haute Couture Week, cuando el diseñador Alexis Mabille presentó su colección primavera/verano 2026, Hors-Champs. En lugar de un desfile convencional, mostró una exhibición generada por IA en la que modelos virtuales exhibían diseños de alta costura que todavía no existían de forma física.

Los invitados llegaron esperando un desfile tradicional y se encontraron, primero, con un público virtual que les devolvía la mirada desde una pantalla, y después con modelos digitales vistiendo prendas renderizadas tras meses de desarrollo asistido por IA. Algunos looks requirieron cientos de iteraciones para lograr el movimiento y el comportamiento del material deseados.

Técnicos y artesanos de alta costura trabajaron junto a especialistas en IA para reproducir con precisión tejidos como organza, seda, lana y plumas de avestruz. La plataforma tecnológica destaca que este proceso invirtió la lógica habitual de producción: en vez de fabricar primero muestras físicas, la colección se visualizó, perfeccionó e incluso personalizó antes de confeccionar una sola prenda.

“El proyecto requirió meses de dirección artística, experiencia técnica e innumerables decisiones humanas para alcanzar su forma final”, señala AIUTA al describir Hors-Champs. La fuente subraya que la tecnología aceleró la visualización, pero el gusto, la artesanía y el criterio creativo siguieron siendo responsabilidad humana.

Predicción de tendencias con inteligencia artificial: la velocidad como ventaja

Más allá del diseño, AIUTA pone el foco en otro frente de disrupción: la capacidad predictiva. Las plataformas de pronóstico de tendencias ya analizan enormes volúmenes de actividad en redes sociales, comportamiento del consumidor, patrones de búsqueda y señales culturales para identificar movimientos emergentes antes de que se vuelvan evidentes.

“Algunos sistemas incluso afirman tener visibilidad de las tendencias con hasta 24 meses de antelación”, indica la plataforma tecnológica. La precisión exacta de cada pronóstico resulta, según la fuente, casi secundaria frente al cambio de fondo: la moda pasa de un análisis reactivo de tendencias a una inteligencia predictiva que intenta responder qué quieren los consumidores antes de que ellos mismos lo sepan.

Ese adelanto reconfigura la competencia dentro de la industria. “El desafío ya no es ver el futuro primero; el desafío es actuar sobre él más rápido que los demás”, sostiene AIUTA, en referencia a cómo la ventaja ya no reside solo en anticipar una tendencia, sino en ejecutarla con rapidez.

La plataforma vincula esta aceleración con un problema histórico del sector: la falta de tiempo. Flujos de diseño que antes tomaban horas ahora pueden resolverse en minutos, y la creación de contenido, antes atada a largos ciclos de producción, puede sostenerse de forma continua.

Según la fuente, cuanto más rápido se concretan las ideas, mayor es la capacidad de las marcas para moldear la cultura en lugar de perseguirla.

AI Fashion Week: un ecosistema creativo paralelo a la industria tradicional

AIUTA identifica un fenómeno adicional: la aparición de la AI Fashion Week, un evento donde las colecciones surgen de procesos creativos nativos de IA en lugar de los flujos de trabajo tradicionales. A diferencia de las Fashion Weeks convencionales, donde la tecnología suele operar detrás de escena, este espacio coloca a la IA generativa en el centro mismo de la creación.

Diseñadores, artistas, tecnólogos y creadores utilizan la IA como parte esencial del proceso, lo que permite explorar conceptos que difícilmente existirían solo con métodos tradicionales.

La plataforma tecnológica señala que este movimiento ya atrajo miles de propuestas de creadores de docenas de países, lo que configura una plataforma de talento que opera al margen de muchos intermediarios clásicos del sector.

La fuente plantea que esta escala no da lugar a un simple evento adicional, sino a un ecosistema creativo alternativo que interpela a la industria tradicional sobre qué partes de su estructura siguen siendo imprescindibles si el diseño, la visualización y la comercialización pueden resolverse con flujos de trabajo nativos de IA.

Sostenibilidad en la moda: el uso invisible de la inteligencia artificial

No todas las aplicaciones de la IA en la moda son visibles para el consumidor. AIUTA remarca que, durante la New York Fashion Week de 2026, las discusiones giraron cada vez más en torno a cómo la IA puede mejorar la precisión de los pronósticos, optimizar la planificación de inventarios, reducir la sobreproducción y construir cadenas de suministro más sostenibles.

Para la fuente, el problema de la sostenibilidad en la moda nunca fue la falta de intenciones, sino la falta de precisión: producir los productos correctos, en las cantidades correctas y en el momento adecuado sigue siendo uno de los desafíos más difíciles del sector.

La IA podría no resolver la sostenibilidad por sí sola, pero sí reducir una de las mayores fuentes de desperdicio de la industria, que es la incertidumbre en la planificación.

Probador virtual y contenido con IA: cómo cambia la experiencia del consumidor

El impacto de la IA tampoco se detiene cuando termina el desfile. AIUTA describe un escenario en el que una colección debuta en París y, en cuestión de horas, el contenido se difunde de forma global: los consumidores descubren los looks de inmediato y las tendencias circulan en redes sociales antes de que los productos lleguen a las tiendas.

Ese adelanto acorta la distancia entre inspiración y acción, y empuja a los consumidores a buscar experiencias interactivas y personalizadas. Según la plataforma, esto explica el peso creciente de tecnologías como el probador virtual y la creación de contenido mediante IA dentro del ecosistema de la moda.

El contenido generado por IA permite transformar una sola colección en un flujo continuo de narrativa adaptada a distintos mercados y canales, mientras que el probador virtual reduce la brecha entre el descubrimiento de un producto y la confianza para comprarlo, al permitir experimentarlo digitalmente antes de la adquisición.

La moda reunió bajo los reflectores a Carmen Campuzano con diseñadores, cámaras y figuras del espectáculo en una noche de pasarela en la Ciudad de México.

Entre los acercamientos con la prensa, la modelo volvió a un emotivo recuerdo lejos del desfile: el último contacto que tuvo con Jorge Kahwagi Macari antes de su muerte.

Durante su asistencia a la Fashion Leader México, Campuzano contó que recibió mensajes del exboxeador por medio de una persona cercana como parte de su interacción final con el exboxeador y empresario.

La modelo reveló cómo fueron las últimas conversaciones con Kahwagi

Campuzano asistió como invitada especial a la presentación de Matta Couture dentro de Fashion Leader México, una plataforma que congrega pasarelas, diseñadores, stylist y emprendedores en CDMX. En ese contexto, la actriz retomó el recuerdo de su relación con el exdiputado.

• La modelo explicó que el último acercamiento no fue una llamada ni un encuentro cara a cara.
• El contacto se dio mediante una persona cercana a la que describió como alguien muy querido, sin revelar su identidad ni precisar la fecha en que recibió los mensajes.
• Campuzano recibió saludos de Kahwagi a través de aquella persona, según contó ante las cámaras durante la alfombra roja.
• La actriz recordó: “Hablamos de saludos, de bendiciones y de todo lo bonito”, antes de la muerte del exboxeador.
• La modelo ya había dicho que conocía, de forma general, que Kahwagi tenía una salud delicada, aunque no detalló los padecimientos que enfrentaba.
• Tras enterarse de su muerte, Campuzano describió la noticia como un “golpe tremendo” y dirigió condolencias a la familia del empresario.

De esta manera, Campuzano dejó ver que el recuerdo de Jorge sigue ligado a un intercambio sencillo, pero cargado de afecto que se convirtió en uno de los últimos vínculos que conserva con Kahwagi, a quien recordó con gratitud desde una noche de pasarela y reencuentros.

El apoyo que Kahwagi Macari le dio a Carmen Campuzano para salir de las adicciones

La relación entre Carmen Campuzano y Jorge Kahwagi tuvo uno de sus capítulos centrales durante un delicado proceso de recuperación de la modelo. Ella ha contado que el empresario estuvo cerca cuando enfrentaba problemas de adicciones y buscaba reconstruir su vida.

Según su testimonio, Kahwagi financió el tratamiento que realizó en Guadalajara. También la acompañó durante parte de ese periodo y acudió por ella cuando dejó el sitio donde permaneció internada para llevarla de regreso a CDMX.

Campuzano ha recordado ese respaldo como un gesto que recibió en una etapa difícil: “Todos saben que en los momentos más álgidos de mi adicción él estuvo ahí y me ayudó muchísimo”, afirmó después de su fallecimiento.

La actriz también ha relatado que el exboxeador le daba ánimo para continuar con su recuperación. Entre las frases que conserva se encuentra: “Tú puedes, ve hacia adelante, cuentas conmigo”.

En septiembre, Campuzano afirmó que cumplió 12 años de sobriedad. Desde entonces, ha participado en conferencias sobre adicciones, tanatología y prevención del suicidio, actividades que identifica como parte de la etapa que comenzó después de recibir ayuda.

Finalmente, el vínculo no terminó al salir del tratamiento. Carmen ha contado que pudo agradecerle a Jorge desde una etapa distinta de su vida, cuando ya había recuperado estabilidad y mantenía su compromiso con la sobriedad.

Los últimos meses de Jorge Kahwagi transcurrieron lejos de los reflectores

Jorge Kahwagi Macari había mantenido un perfil reservado desde 2019, cuando atravesó una emergencia médica por una úlcera gástrica perforada que derivó en peritonitis. Tras esa crisis, sus apariciones públicas disminuyeron y sus redes sociales dejaron de tener actividad constante.

• Durante 2026, el apellido Kahwagi volvió a los titulares por la muerte de su padre, Jorge Kahwagi Gastine, presidente de Grupo Crónica, ocurrida el 23 de marzo.
• El exboxeador murió 191 días después, en un período de duelo que la familia transitó con discreción.
• En sus últimos años, Macari se mantuvo alejado de entrevistas, programas de televisión y actividades sociales.
• La última aparición pública ampliamente identificada del empresario ocurrió en octubre de 2019, después de la crisis de salud que enfrentó ese año.
• Antes de morir, mantuvo contacto con algunas personas cercanas. Campuzano recibió sus saludos, mientras que una doctora que lo atendió aseguró que él intentó llamarla días antes de su fallecimiento.
• La causa de muerte fue reportada como un derrame cerebral, aunque la familia no difundió un comunicado médico público del deceso.

Así, el bajo perfil de Kahwagi contrastó con la exposición que tuvo durante buena parte de su carrera. Por eso, el recuerdo de Campuzano adquiere otro peso: muestra un contacto cercano y afectuoso antes de su partida.

Alexander Skarsgård llegó a la proyección de Wicker con una respuesta poco habitual al protocolo de gala: dejar que un par de oxford transparentes revelara por completo sus pies. En el Festival de Cine de Londres, el actor sueco combinó el modelo de PVC con cordones de Saint Laurent con un traje dorado sin camisa, una fórmula que desplazó la atención desde la sastrería hacia el detalle más inesperado del conjunto.

El calzado fue el elemento más disruptivo de una aparición construida alrededor de contrastes. Skarsgård combinó los zapatos con un traje de dos piezas dorado, también de Saint Laurent, sin camisa.

La sastrería aportó estructura y una silueta reconocible; el material transparente del calzado quebró esa referencia con una decisión que trasladó la mirada desde el torso hasta el suelo.

En las alfombras rojas masculinas, el zapato suele operar como un cierre discreto: un mocasín, una bota pulida o un oxford negro terminan de ordenar el traje. En este caso ocurrió lo contrario.

Los zapatos transparentes sin medias desplazaron el centro del look y transformaron un accesorio habitualmente funcional en una declaración visual. La elección prescindió de la protección que ofrecen las medias y expuso un detalle que la moda formal suele ocultar.

El modelo pertenece a la propuesta masculina de primavera de 2027 de Saint Laurent. Su construcción en PVC transparente conserva la forma clásica de un oxford con cordones, pero altera por completo su función estética.

El diseño permite ver el pie, las uñas y el movimiento interno, una cualidad que introduce fragilidad y extrañeza en una pieza asociada históricamente con la sobriedad.

Saint Laurent presentó esta clase de zapatos como parte de una colección que trasladó materiales poco habituales a códigos de vestir tradicionales. En Skarsgård, el gesto tuvo un efecto más directo por la ausencia de medias.

La transparencia dejó de ser una textura o una insinuación y se volvió el tema principal del atuendo. El calzado no buscó disimularse bajo el ruedo del pantalón, sino que quedó planteado como una pieza de conversación.

El traje dorado reforzó esa estrategia. Su tono cálido dialogó con la piel visible dentro de los zapatos y evitó el contraste severo de una combinación en blanco y negro. A la vez, llevar la chaqueta sin camisa apartó el conjunto de la fórmula corporativa y lo acercó a una lectura de noche.

La piel visible funcionó como hilo conductor entre el escote y los pies, una decisión que dio continuidad a elementos que, en otro contexto, podrían parecer inconexos.

Su estilo combina sastrería, sensualidad y referencias

La aparición en Londres se integra en una línea que Skarsgård viene desarrollando en sus presentaciones públicas.

El actor suele tomar prendas vinculadas con el guardarropa masculino tradicional y someterlas a pequeñas alteraciones: prescindir de la camisa, acentuar el cuerpo con cuero, elegir botas de gran escala o recurrir a textiles que desplazan la atención hacia la textura.

Durante la promoción de Pillion, por ejemplo, incorporó looks de cuero y botas altas tipo pescador en el Festival de Cannes.

Esas decisiones no funcionan como disfraces aislados, sino como variaciones sobre una misma idea: vestir para la alfombra roja sin someterse a su expectativa de elegancia segura.

El cuero, las botas extremas y ahora el PVC aparecen como recursos para introducir tensión dentro de siluetas que conservan una base clásica.

Su forma de vestir se apoya en un equilibrio entre control y exceso. Hay una lectura precisa de las proporciones: los trajes suelen ser limpios, las líneas se mantienen nítidas y las prendas no compiten todas al mismo tiempo.

A partir de esa base, un detalle altera la escena. Puede ser la ausencia de camisa, una bota que avanza sobre la pierna o, como en Londres, un par de zapatos que vuelve visible aquello que el protocolo normalmente deja fuera de cuadro.

También hay una relación con las referencias de subcultura y con ciertas nociones de masculinidad performativa.

Las prendas de cuero, los cortes ajustados y los accesorios de aspecto fetichista forman parte de lenguajes que durante décadas circularon fuera de la indumentaria formal.

Skarsgård los introduce en premieres y festivales sin convertirlos en una caracterización completa. La sastrería actúa como marco para esos elementos de ruptura, y esa convivencia evita que el resultado se lea como una provocación sin dirección.

A lo largo de los años de Lionel Messi en la Selección Argentina, Antonela Roccuzzo también consolidó una identidad propia frente a las cámaras. En partidos decisivos, celebraciones y homenajes, la empresaria rosarina acompañó los grandes momentos del capitán con elecciones que combinaron prendas deportivas, sastrería y detalles de sensualidad sobria.

De la camiseta albiceleste combinada con cuero a los trajes monocromáticos y vestidos de gala, sus apariciones muestran una evolución hacia un estilo definido por el minimalismo, las siluetas precisas y la comodidad. Sin excesos ni combinaciones recargadas, Antonela convirtió básicos del vestuario cotidiano en conjuntos de impronta urbana y elegante.

El hito en la despedida de la Selección Argentina: la alquimia del Sporty Luxe

Empezando por el final, Antonela vistió anoche, en la despedida del 10 en el Monumental, una versión urbana de la camiseta de la Selección Argentina. La empresaria rosarina convirtió la prenda deportiva en el eje del conjunto y sumó una campera de cuero negra estilo biker sobre los hombros, que aportó contraste y estructura frente al tejido de la indumentaria oficial.

Completó el atuendo con un pantalón oscuro de líneas simples, que permitió destacar el dorsal de Lionel Messi sin recargar la imagen, y accesorios dorados discretos. La elección resumió una de las claves de su estilo: combinar referencias deportivas con piezas de sastrería y cuero para llevar prendas cotidianas a un registro más sofisticado.

Minimalismo de noche: la silueta fluida del Y2K Chic

Fuera del estadio, esa misma lógica se traslada a la noche, aunque con otro código. Allí, Antonela recurre a guiños de los años 2000 y los depura con una fórmula de líneas limpias, proporciones contrastadas y pocos elementos.

En una de esas apariciones, eligió un top ajustado de tirantes, que dejó los hombros y el escote al descubierto, junto a un pantalón wide leg de raya diplomática. La prenda, de inspiración masculina, sumó movimiento y volumen, mientras las sandalias de taco abierto y una mini cartera de mano terminaron de definir el conjunto. El resultado estuvo lejos de la acumulación: una silueta simple, pensada a partir de la caída de las telas y el contraste entre un cuerpo ceñido y un pantalón amplio.

Power Dressing en negro: la sofisticación del traje de dos piezas

La sastrería de corte perfecto es un pilar irremplazable dentro de su concepto estético, y su versión del traje monocromático en color negro es una lección magistral de autoridad visual. El conjunto está dominado por un blazer de hombros estructurados y solapas marcadas que dibuja una línea corporal definida y elegante.

Para equilibrar la rigidez del saco ejecutivo, eligió un pantalón de corte palazzo que alarga la figura con una verticalidad impecable. El contraste femenino lo aporta un corset interior con escote corazón, el cual rompe la formalidad del traje para dotarlo de una sensualidad refinada. Un peinado liso y una joyería pulida completan un look que encarna a la perfección la esencia del lujo silencioso.

Estilismo escultórico: la sobriedad del vestido borgoña

Cuando la ocasión exige máxima etiqueta, Antonela reemplaza la fluidez de los pantalones por la solidez de los vestidos de gala escultóricos. En una de sus elecciones más impactantes, lució un vestido ajustado de mangas largas y cuello alto en tono borgoña profundo, una tonalidad que evoca opulencia, madurez y calidez.

El diseño confía plenamente en la precisión del patrón: abraza la silueta de manera impecable sin necesidad de recargos visuales. Un drapeado lateral a la altura de la cadera genera líneas diagonales que estilizan el cuerpo, mientras que la falda que roza el suelo le confiere una presencia casi estatuaria. Es la máxima prueba de que el diseño minimalista, bien ejecutado, posee una fuerza estética indestructible.

La icónica Carrie Bradshaw volvió a marcar tendencia, esta vez fuera de la ficción. Sarah Jessica Parker llevó una maxi trenza con canas visibles como eje de su estilismo en la gala de moda de otoño del New York City Ballet, celebrada en el Lincoln Center de Nueva York. La actriz asistió junto a su pareja, Matthew Broderick con un vestido de Simone Rocha, una cinta rosa entrelazada en el pelo y una melena extendida hasta la parte baja de la espalda.

Casi tres décadas después del estreno de Sex and the City, Parker conserva varios de los códigos que hicieron de su personaje un referente de moda: volúmenes, transparencias, accesorios inesperados y una estética que toma elementos teatrales. En esta ocasión, las cintas del vestido continuaron en la trenza y convirtieron el peinado en parte central del conjunto.

La actriz dejó a la vista los tonos grises, rubios y castaños de su pelo en la zona del rostro. Esa elección puso el foco en el grey blending, una técnica que integra las canas con el color natural del cabello en lugar de cubrirlas por completo.

Para la gala anual del ballet neoyorquino, Jessica Parker eligió una creación de Simone Rocha en tono nude o beige rosado. El vestido tenía una base semitransparente, escote en V, mangas de tres cuartos y una falda amplia que sumaba volumen sin perder ligereza.

La prenda incorporaba aplicaciones florales, bordados y pequeños detalles en relieve sobre la tela. Desde el escote y la cintura descendían cintas de raso rosa hasta el borde de la falda. Esas tiras creaban líneas verticales y aportaban movimiento al diseño.

La cinta que cruzaba la trenza prolongó los detalles del vestido en el cabello. El recurso unió ambos elementos y reforzó las referencias al ballet que atraviesan el estilismo: tul, transparencias, lazos y una silueta de inspiración romántica.

Parker completó el conjunto con un bolso rígido blanco o marfil, de forma geométrica y superficie calada. También llevó zapatos de tacón con acabado brillante, un colgante pequeño y anillos discretos. Los accesorios acompañaron el vestido sin desplazar la atención de la trenza.

La maxi trenza mostró sus canas y sumó volumen en la coronilla

El cabello concentró buena parte de las miradas durante la velada. Sarah Jessica Parker apostó por extensiones para crear una trenza XL, que extendió su melena hasta la espalda. La raíz elevada dio altura al peinado, mientras que los mechones cercanos al rostro permitieron apreciar sus canas.

El efecto no buscó una uniformidad de color. Por el contrario, dejó que los tonos plateados convivieran con rubios y matices más oscuros. La textura de la trenza evitó un acabado rígido y acompañó la caída del vestido.

La elección se vincula con el grey blending, una técnica de coloración que propone integrar el cabello gris con el resto de la melena. Puede realizarse con mechas, reflejos o balayage para suavizar el contraste entre las canas y otros tonos naturales.

La colorista Gina Gilbert, quien ha trabajado con Parker, señaló a Vogue que combina mechas y balayage para permitir que las canas convivan con tonos rubios y más profundos.

El grey blending propone incorporar las canas al look final en vez de ocultarlas. En el caso de la actriz, la trenza potenció ese efecto porque mantuvo los mechones grises expuestos alrededor del rostro.

La gala del New York City Ballet no fue la primera ocasión en la que Parker recurrió a una trenza para una aparición pública. En 2006 llevó una versión recogida, con el cabello peinado hacia atrás y volumen en la parte superior de la cabeza.

Años atrás, en los Globos de Oro de 2017, eligió una trenza que rodeaba el rostro, acompañada por una horquilla con cristales negros sobre la raya del pelo. En 2024 también fue fotografiada en Nueva York con una versión más simple, sujetada con bandas elásticas en la base y las puntas.

En la primera temporada de And Just Like That, continuación de Sex and the City, usó una trenza larga decorada con flores tridimensionales. La propuesta de esta gala retomó esa línea de peinados ornamentales, aunque añadió un elemento distinto: las canas quedaron expuestas como parte del diseño.

Matthew Broderick acompañó a la actriz con un traje negro y camisa blanca en el David H. Koch Theater. Para Parker, la aparición volvió a combinar moda, referencias escénicas y una forma de llevar el cabello que no intenta disimular el paso del tiempo.

De cara a los usuarios, también hay espacios en los que esta tecnología y la moda se encuentra: existen plataformas y herramientas en ChatGPT o Google Fotos que permiten construir atuendos con avatares recreados a partir de la persona.

La convergencia entre la inteligencia artificial y la moda también llegó a los eventos del sector. Fashion AI Expo se inauguró en París en marzo de 2026. Organizada por Olga Gasnier y en coincidencia con la Semana de la Moda de París, reunió a diseñadores, empresas tecnológicas y ejecutivos del sector del lujo.

Un mes después, Tokio lanzó su propia semana de la moda centrada en la IA, basada en un concurso de diseño generativo organizado por OpenFashion.

En septiembre de 2026, Vogue realizó una pasarela en la que participaron robots humanoides de Unitree. Si bien las celebridades que fueron asistentes como Jennifer Lopez, Anna Wintour y Donatella Versace aplaudieron, en redes sociales se criticó la participación de dispositivos impulsados por IA en lugares como estos.

En la quinta edición de Vogue World, los robots caminaron sin ropa, mientras los diseños de Valentino, Versace, Dior y Armani fueron utilizados por los modelos.

“Esto es horrible, ¿quién pensó que esto era una buena idea?”, escribió una usuaria. Otra comentó: “Literalmente, ¿qué están aplaudiendo?”. Entre los mensajes también apareció una crítica directa a la decisión de incluirlos: “Solo porque puedes, no significa que debas hacerlo”.

Otros usuarios fueron todavía más contundentes. “Nadie quiere esto. Nadie pidió esto. Saca robots del arte inmediatamente”, señaló una internauta.

Cómo son las modelos generadas por IA

Noonoouri, Shudu e Imma son tres modelos generas por inteligencia artificial. Lanzada en 2018 por el artista alemán Joerg Zuber, Noonoouri participó en campañas de Dior, Versace y Marc Jacobs.

Su apariencia, inspirada en una muñeca de proporciones estilizadas, se aleja deliberadamente de la representación humana.

En Instagram, donde suma 454 mil seguidores, publica contenidos de moda, videos musicales y producciones digitales.

Shudu fue creada por el fotógrafo Cameron-James Wilson y suele ser presentada como la primera supermodelo digital de la industria.

Sus retratos y campañas reproducen los códigos de la fotografía editorial, en contraste con el diseño más fantástico de Noonoouri. Su cuenta de Instagram tiene 235 mil seguidores.

Creada por Aww Inc., Imma es una modelo virtual japonesa identificada por su cabello rosa. Fue portada de Vogue Japón y participó en campañas para Dior y Valentino.

Sus publicaciones la sitúan en viajes, eventos, comercios y espacios urbanos, en sintonía con la estética callejera de Tokio. En Instagram, reúne más de 377 mil seguidores.

Plataforma con IA para monitorear tendencias de moda

La plataforma Heuritech analiza millones de imágenes publicadas en redes sociales para detectar qué prendas usa la gente y cómo cambian los colores, los estampados y las siluetas.

Fundada en París en 2013 por dos doctores en aprendizaje automático, la plataforma procesa esos datos para anticipar movimientos dentro de la moda.

Entre las marcas que utilizan la herramienta figuran Louis Vuitton y Dior.

Heuritech sostiene que puede predecir tendencias con una precisión cercana al 90% y hasta con dos años de anticipación, a partir del seguimiento de atributos específicos, como el crecimiento de un tipo de punto o la aparición recurrente de un patrón de cuadros de una temporada a otra.

Cómo fue el Fashion AI Expo en París

Fashion AI Expo debutó en París con un desfile de Pierre Cardin y una agenda de encuentros entre diseñadores, startups de inteligencia artificial y ejecutivos vinculados al sector del lujo. La primera edición reunió participantes de ciudades como París, Zúrich, Dubái, Barcelona, Berlín, Nueva York y Viena.

Un mes después, Tokio organizó su propia Semana de la Moda de IA. Su concurso de diseño generativo, bajo el lema “Utilidad del Futuro”, propuso aplicar estas herramientas a ropa de trabajo y prendas preparadas para situaciones de desastre, en lugar de los formatos habituales de ropa de noche y desfiles.

En junio de 2026, el London College of Fashion celebró su tercer Simposio Internacional sobre IA en la Moda, donde se discutió la capacidad de los sistemas generativos para producir diseños derivados de obras protegidas por derechos de autor.

Las jornadas también abordaron el riesgo de que los datos con los que se entrenan estos modelos reproduzcan estándares restringidos de belleza y tipo de cuerpo.

Las conversaciones sobre derechos de autor y autoría no ofrecieron una respuesta definitiva: ninguna de las herramientas de diseño con IA utilizadas en el mercado ha resuelto de forma vinculante quién posee los derechos sobre una creación generada con estos sistemas.

La llegada de Lionel Messi al predio de Ezeiza, en la previa de su último partido con la selección argentina, mostró una vez más su estilo fuera de la cancha.

El futbolista rosarino eligió una campera verde oscuro, remera beige, pantalón negro de pierna amplia, zapatillas blancas con detalles oscuros y anteojos de sol negros. El resultado fue un look casual de tonos neutros, siluetas holgadas y guiños deportivos.

La elección refuerza una fórmula habitual en sus viajes, concentraciones y apariciones públicas informales: básicos cuidados, colores sobrios y prendas de corte amplio que combinan funcionalidad con una impronta de moda urbana.

La campera elegida fue una Blouson Jacket de Dior, confeccionada en sarga de algodón. El modelo incorporó cuello camisero en contraste, cierre frontal con broches metálicos, puños tejidos y una silueta recta.

La prenda toma elementos de las camperas universitarias y de entrenamiento, aunque los presenta mediante líneas limpias y sin estampas visibles.

La elección no quedó aislada dentro de su guardarropa. El estilo de Messi se apoya en una combinación de básicos urbanos, capas ligeras y accesorios discretos, con un uso limitado de logos, joyas o elementos que concentren la atención.

La comodidad ordena las elecciones de Lionel Messi

En sus apariciones cotidianas, Messi suele optar por pantalones holgados, remeras lisas, sobrecamisas, chaquetas sueltas y zapatillas. Son prendas que permiten movimiento y evitan las proporciones ajustadas, una característica que se consolidó en sus looks de los últimos años.

Los pantalones de pierna amplia ocupan un lugar frecuente en esa selección. El futbolista los combina con camisetas básicas, camisas abiertas o camperas cortas, con lo cual mantiene una imagen informal sin abandonar cierta estructura en la silueta.

La presencia de prendas amplias tampoco implica conjuntos desordenados. Las capas superiores suelen conservar forma en hombros y torso, mientras que los pantalones caen rectos o con volumen moderado.

La clave está en el equilibrio entre piezas cómodas y cortes definidos, una lógica visible tanto en sus conjuntos oscuros como en las combinaciones de tonos claros.

Los tonos que predominan en su vestuario fuera de la cancha

El negro, el blanco, el gris, el beige, el azul marino y el marrón son los colores que aparecen con mayor frecuencia en los conjuntos de Messi. Esta gama facilita combinaciones entre prendas de distintos materiales y permite sumar un detalle de color sin modificar la línea general de su imagen.

En varias apariciones, el contraste entre tonos claros y oscuros organiza el look. Una camiseta blanca debajo de una chaqueta negra, una camisa clara con pantalón oscuro o un conjunto monocromático en blanco son recursos que se repiten en sus elecciones.

Las zapatillas blancas o de colores claros funcionan como un elemento de continuidad. Acompañan tanto pantalones amplios y remeras como chaquetas de apariencia más formal, y conectan el vestuario urbano con una referencia funcional vinculada al deporte.

Ese uso del calzado evita que los conjuntos se desplacen hacia una formalidad estricta. Incluso cuando incorpora sacos, camisas o prendas de marcas de lujo, Messi suele conservar algún elemento que remite a la ropa casual.

Los tonos intensos aparecen con menor frecuencia. En ocasiones, el color queda reservado para el calzado, una camisa estampada o una prenda exterior. Así, el contraste se concentra en un único punto y el resto del conjunto sostiene una base más sobria.

También hay una preferencia por los tejidos lisos. El algodón, las lanas de aspecto mate, el denim y las telas técnicas predominan por sobre las estampas complejas.

La sastrería aparece sin rigidez ni trajes completamente clásicos

En eventos institucionales, premiaciones o presentaciones públicas, Messi utiliza trajes oscuros, sacos de hombros blandos y pantalones de caída recta. Sin embargo, sus elecciones formales también se alejan de la sastrería tradicional más ajustada.

El uso de remeras lisas debajo de sacos, chaquetas de doble botonadura con cortes menos ceñidos y zapatillas blancas modifica el código clásico sin romper por completo con él. Su vestuario formal mantiene una relación con la ropa urbana, sobre todo a través de las proporciones y el calzado.

Esta transición entre registros le permite pasar de compromisos públicos a contextos de viaje o descanso sin una ruptura marcada en su imagen.

Los anteojos de sol oscuros forman parte de esa continuidad. Messi los utiliza en llegadas a aeropuertos, hoteles, entrenamientos o concentraciones, por lo general con diseños sin detalles llamativos.

En el look de Ezeiza, acompañaron la paleta oscura del pantalón y las zapatillas sin desplazar el foco de la campera.

Las estampas y los accesorios ocupan un lugar limitado

A diferencia de otras figuras que construyen sus apariciones a partir de marcas visibles, joyas o accesorios de gran tamaño, Messi suele reducir esos elementos. Los estampados tienen una presencia acotada y, cuando aparecen, quedan concentrados en una sola prenda.

Una camisa marrón con gráficos blancos, por ejemplo, puede convertirse en el punto visual de una combinación, mientras que el pantalón y el calzado mantienen tonos neutros.

La misma regla se aplica a los colores más llamativos: una pieza concentra el acento y el resto del conjunto conserva una composición equilibrada.

Entre la sastrería menos rígida, las referencias deportivas y la ropa urbana, el futbolista consolidó una imagen que evita los excesos y prioriza conjuntos funcionales.

La agenda de la reina Letizia en Helsinki dejó dos lecturas distintas de sastrería y moda. La monarca alternó un conjunto negro con plumas y un traje de cuadros en tonos gris y azul.

Las dos propuestas partieron de prendas estructuradas y se diferenciaron por el tratamiento de los volúmenes, las texturas y las joyas.

En ambas apariciones, mantuvo una línea de maquillaje definida en los ojos y labios rosados, aunque varió el peinado y los accesorios.

Las plumas transformaron un conjunto de líneas rectas

El primero de los estilismos se apoyó en una base negra de inspiración esmoquin. La reina llevó una chaqueta de corte sastre y solapas anchas sobre una prenda de escote recto, combinada con pantalón del mismo tono.

La silueta, de líneas limpias, quedó intervenida por una pieza de plumas negras que cubría los brazos y caía a ambos lados del cuerpo.

Ese elemento concentró la atención del conjunto. Al extenderse sobre la zona de las mangas, las plumas introdujeron movimiento y textura en una combinación de negro y azul marino que, sin ese añadido, habría respondido a un código de sastrería más convencional.

Los complementos acompañaron el contraste entre materiales. Los aros plateados de gran tamaño, varios anillos y el acabado brillante de las joyas aportaron un punto metálico frente a la superficie mate de las prendas.

El cabello castaño, suelto y con ondas suaves a partir de una raya central, reforzó la propuesta nocturna sin ocultar los pendientes.

El traje de cuadros llevó la sastrería hacia un registro más diurno

Para su otra aparición, recurrió a un traje de dos piezas de cuadros finos en gris y azul. La chaqueta cruzada incluía solapas anchas, cuatro botones oscuros a la vista y bolsillos inferiores con solapa.

El pantalón recto, realizado en el mismo tejido, mantuvo la continuidad del estampado desde la parte superior hasta el bajo.

La camisa blanca de cuello clásico, usada parcialmente desabotonada, introdujo luminosidad en una paleta fría y estableció un contraste nítido con el tejido de cuadros.

La doble botonadura y el corte recto del pantalón definieron una silueta formal, mientras que el dibujo fino evitó que el conjunto dependiera de un único color plano.

En esta ocasión, los accesorios fueron más contenidos. La reina eligió pendientes pequeños dorados de forma irregular y varios anillos, en lugar de piezas de gran volumen.

También cambió la raya central por una lateral y mantuvo el pelo suelto con ondas suaves. La mano sobre la chaqueta subrayó el cruce de la prenda y sus botones.

Más looks de la reina Letizia

El estilismo de la reina Letizia se articula a partir de una combinación entre códigos institucionales, referencias contemporáneas y una selección cromática que alterna tonos neutros con colores de mayor intensidad.

La monarca tiene una preferencia por prendas de líneas definidas, cortes estructurados y siluetas que mantienen una relación equilibrada entre ajuste y movimiento.

Los trajes de chaqueta, las faldas de longitud media, las blusas con lazadas y los vestidos de escote asimétrico forman parte de un repertorio que adapta la vestimenta a distintos niveles de formalidad.

El color ocupa un lugar relevante en su imagen pública. El rosa, el coral, el rojo, el morado, el blanco y el azul aparecen como recursos para diferenciar cada conjunto y reforzar su presencia visual, mientras que los tonos lisos permiten que la atención se concentre en la estructura de las prendas.

También incorpora estampados, aunque generalmente los combina con accesorios discretos y joyería de dimensiones reducidas.

Los complementos cumplen una función de equilibrio. Los zapatos de salón, los modelos de tiras y los bolsos pequeños acompañan la ropa sin alterar la composición general.

Los pendientes, anillos y pulseras aparecen como elementos puntuales, con diseños que van desde piezas pequeñas hasta accesorios con mayor presencia en actos nocturnos.

El cabello suele llevarse suelto, con ondas suaves o una caída lisa, y el maquillaje mantiene una base uniforme con énfasis en los ojos y los labios.

Su estilismo combina prendas de sastrería, vestidos de noche y piezas estampadas dentro de una imagen que busca adaptar la moda a la representación institucional, sin limitarse a una única fórmula de vestuario.

La pasarela de Chanel para primavera-verano 2027 reunió una propuesta construida sobre los códigos históricos de la casa y la presencia de Dua Lipa y Pedro Pascal, quienes asistieron con estilismos que extendieron el diálogo entre sastrería, color y detalles decorativos más allá del desfile.

La colección, a cargo del director creativo de la marca, Matthieu Blazy, partió de una idea reconocible dentro del repertorio de la firma: chaquetas estructuradas, conjuntos de falda, pantalones rectos y líneas definidas.

El desfile se realizó en el marco de la Paris Fashion Week, dedicada en esta edición a las colecciones femeninas de primavera-verano 2027.

La semana comenzó el 28 de septiembre y finalizará el 6 de octubre de 2026 y reúne en su calendario oficial desfiles y presentaciones de las principales casas de moda internacionales.

Las prendas compartieron espacio con vestidos de caída liviana, faldas amplias y tejidos de punto, en una sucesión de looks que alternó volumen, movimiento y siluetas más ajustadas.

La sastrería se mezcló con prendas ligeras y referencias marineras

La sastrería ocupó un lugar central en el desfile. Los blazers de hombros amplios, las chaquetas con estructura y los conjuntos coordinados reforzaron una imagen vinculada al vestuario masculino, uno de los terrenos habituales de Chanel.

El negro, el gris y el azul marino sostuvieron esa parte de la propuesta y aportaron continuidad a las prendas de corte recto.

Sobre esa base aparecieron elementos que llevaron la colección hacia un registro veraniego. Los vestidos vaporosos, las faldas de gran volumen y las piezas de tejido introdujeron una sensación de ligereza.

Los códigos náuticos se percibieron en la elección del azul marino, el blanco y ciertas combinaciones de líneas limpias, aunque sin limitarse a una lectura literal del uniforme marinero.

El blanco tuvo una participación destacada en vestidos de silueta amplia y en prendas de líneas suaves. En varios conjuntos, funcionó como contraste frente a los tonos oscuros de la sastrería.

La propuesta también incorporó rojo, amarillo, verde y acabados metalizados, que interrumpieron la predominancia de neutros y colores asociados al mar.

Los contrastes definieron las principales tendencias de la colección

Uno de los recursos más repetidos fue la combinación entre piezas de apariencia masculina y prendas de construcción delicada.

Los blazers amplios se llevaron sobre vestidos ligeros o capas fluidas, mientras que las faldas cortas y otras de volumen pronunciado modificaron la proporción de los conjuntos.

La convivencia entre estructura y fluidez marcó el ritmo de la pasarela. Las chaquetas y abrigos organizaron la silueta, pero los bajos amplios, las telas ligeras y las piezas de punto incorporaron movimiento.

Esa tensión también se trasladó a los largos: hubo prendas que cubrieron el cuerpo con líneas rectas y otras que dejaron las piernas más expuestas mediante faldas breves o aberturas.

Los cuadros aparecieron en chaquetas y abrigos, en especial dentro de los conjuntos de aire más clásico. Junto a ellos se vieron tejidos con brillo, superficies texturadas y motivos gráficos.

La variedad de materiales evitó que la colección quedara reducida a una sola textura o a un solo tipo de prenda.

Los accesorios completaron cada salida con una presencia sostenida. Collares superpuestos, pendientes de gran tamaño, bolsos pequeños con detalles florales o detalles metálicos acompañaron los estilismos.

Además, reforzaron la continuidad visual entre los looks y sumaron capas a una propuesta que combinó prendas de día, referencias de verano y elementos más formales.

Dua Lipa llevó un vestido coral con plumas y bordados

Entre los asistentes, Dua Lipa optó por un vestido corto en tonos coral y rosa salmón. El diseño incluyó motivos bordados en negro, líneas claras y aplicaciones de plumas blancas y rosa pálido sobre los hombros y los laterales.

Una franja de flores y plumas rojas recorrió la parte central de la pieza hasta el bajo.

La prenda tenía tirantes anchos, escote redondo, bajo asimétrico y una abertura lateral que dejó una pierna descubierta.

El vestido concentró varios de los recursos presentes en el desfile: el contraste de color, la textura y un tratamiento decorativo que se alejó de las formas rígidas de la sastrería.

La cantante llevó el cabello recogido hacia atrás y maquillaje en tonos rosados. Sumó joyería dorada en las orejas y las manos, además de zapatos de tacón alto en rosa pálido con puntera negra.

El look de Dua Lipa utilizó una paleta intensa que se conectó con los acentos rojos, amarillos y metalizados vistos en la colección.

Pedro Pascal y un estilismo oscuro

Pedro Pascal asistió con una elección de líneas más sobrias. El actor llevó un abrigo largo de doble botonadura confeccionado en un tejido de cuadros pequeños en marrón, beige, gris y negro.

La prenda presentó solapas amplias, bolsillos laterales y botones rojos con el emblema de Chanel.

Debajo del abrigo eligió un cuello alto negro, pantalones rectos del mismo color y zapatos de cuero negro con suela gruesa.

Completó el conjunto con gafas rectangulares de montura negra, cabello peinado hacia atrás y barba corta con bigote.

El abrigo de cuadros de Pedro Pascal se vinculó con una de las líneas más visibles de la pasarela: el peso de las prendas exteriores y la vigencia de los estampados clásicos dentro de una colección que también apostó por vestidos ligeros y colores de mayor intensidad.

Su elección retomó la parte más estructurada de la propuesta y mostró cómo esos códigos pueden trasladarse al vestuario masculino.

La aparición de Lipa y Pascal condensó dos registros que convivieron en el desfile: por un lado, el uso de color, aplicaciones y siluetas cortas; por otro, la permanencia de los cuadros, los abrigos y las prendas de construcción precisa.

En ambos casos, los looks dialogaron con las tendencias que Chanel planteó para la próxima temporada.

En la sala de lectura de la Biblioteca Sainte-Geneviève, entre estanterías, arcos y una pasarela roja, Valentino presentó su colección Primavera-Verano 2027 como una sucesión de siluetas de color intenso, corsetería, encaje, plumas y accesorios de gran escala.

El desfile, realizado este 4 de octubre durante la Semana de la Moda de París, llevó la firma de Alessandro Michele, director creativo de la casa italiana desde 2024.

La colección, llamada “Antibiblioteca”, trasladó el imaginario de Michele a uno de los espacios históricos de París. La propuesta tomó como punto de partida la idea de una biblioteca que reúne aquello que todavía queda por descubrir, una referencia asociada al ensayista Nassim Nicholas Taleb y a la biblioteca personal de Umberto Eco.

Sobre la pasarela, esa premisa se tradujo en una convivencia de referencias: códigos de gala, piezas de sastrería, una estética de los años ochenta y accesorios que alteran la formalidad de los conjuntos.

El color y la corsetería ordenaron la pasarela de Valentino

Las imágenes del desfile muestran una colección construida a partir de contrastes cromáticos definidos. Aparecieron corsés de satén en azul eléctrico, fucsia, amarillo y verde, combinados con faldas de tonos opuestos.

En varios looks, el torso ajustado funcionó como eje de prendas con movimiento, desde faldas lápiz hasta siluetas amplias y vestidos de largo completo.

La fórmula dialoga con una de las claves históricas de la maison: la construcción de una presencia de noche a través de líneas depuradas y materiales de impacto.

En este caso, Michele sumó su gusto por la acumulación visual. Los conjuntos no buscaron una lectura minimalista; por el contrario, incorporaron brillos, lazos, transparencias y adornos para producir combinaciones deliberadamente cargadas.

Entre las piezas que concentraron la atención figuró un vestido strapless fucsia de largo hasta el suelo, con cuerpo estructurado y un volumen circular posterior rematado por un gran moño negro.

También hubo vestidos rojos, uno de los tonos asociados a la identidad de Valentino, que cerraron el recorrido con una silueta de gran escala.

Encajes, plumas y moños llevaron los códigos de gala a un registro urbano

El encaje tuvo una presencia constante en faldas, camisas y vestidos, a veces acompañado por terminaciones de plumas de avestruz. Las transparencias se combinaron con corpiños visibles, mientras que los bordados y las aplicaciones aportaron textura a prendas de apariencia ligera.

Además, se pudieron ver minivestidos ceñidos, faldas con lazos sobredimensionados y piezas que alternan volúmenes rígidos y caídas más blandas.

La propuesta incluyó varios recursos habituales en el trabajo del diseñador: superposición de elementos, referencias heterogéneas y una aproximación a la moda que privilegia la construcción de personajes.

Así, un vestido de gala convivió con gorras de béisbol, gafas oscuras de gran tamaño y chaquetas de sastrería usadas con menor rigidez.

En la pasarela masculina aparecieron trajes cruzados llevados con la camisa parcialmente desabotonada, camisas con lentejuelas y accesorios que rompieron el tono formal.

Algunas gorras llevaron la inscripción “Villain Teen”, mientras que los bolsos cruzados y los sobres rectangulares reforzaron la búsqueda de contraste entre prendas de ceremonia y referencias de calle.

La joyería convirtió cada conjunto en una composición de capas

Los accesorios fueron una parte central del desfile. Collares de eslabones gruesos, perlas de tamaño ampliado, cuentas en colores ámbar y piezas doradas de inspiración barroca se superpusieron sobre vestidos, corsés y conjuntos de sastrería.

Los pendientes, gafas, guantes largos y sombreros completaron una imagen donde cada look acumulaba elementos en lugar de limitarse a un único foco.

La joyería de gran volumen y los accesorios superpuestos reforzaron la continuidad entre la actual etapa de la casa y el lenguaje que Michele desarrolló anteriormente en Gucci.

Sin embargo, la colección sostuvo emblemas reconocibles de Valentino, como el rojo, los moños, los vestidos de noche y una elaboración enfocada en la ornamentación.

El desfile reunió 80 looks y se desarrolló con música y luces que contrastaron con el carácter silencioso de una biblioteca.

La elección del espacio sumó otra capa a la narrativa: la arquitectura decimonónica enmarcó prendas que propusieron un repertorio visual más próximo a la celebración y al exceso que a la sobriedad académica.

Valentino presentó su propuesta en la recta final de la Semana de la Moda de París

La presentación se realizó durante la Semana de la Moda de París dedicada al prêt-à-porter femenino para la temporada Primavera-Verano 2027.

El calendario de esta edición se extendió entre el 28 de septiembre y el 6 de octubre, con las principales casas internacionales mostrando las colecciones que llegarán a tiendas y editoriales en los próximos meses.

Para Valentino, la cita tuvo además un peso empresarial. La firma romana, fundada en 1960 por Valentino Garavani, atraviesa una etapa de redefinición bajo el mando de Michele.

Con “Antibiblioteca”, Valentino llevó sus códigos históricos a una pasarela donde la corsetería de colores, el encaje, las plumas, la sastrería y la joyería adquirieron la misma importancia.

La programación de la Semana de la Moda de París continuará hasta el 6 de octubre con los últimos desfiles de la temporada femenina.

Taylor Swift y Dakota Johnson apostaron por dos estéticas opuestas durante una emisión de Saturday Night Live, donde la actriz debutó como anfitriona y la cantante sorprendió al público con una aparición en el monólogo de apertura.

Luego de coincidir en el videoclip de “Patient Zero” con looks deliberadamente coordinados, ambas eligieron caminos distintos para el estudio televisivo. La diferencia estuvo en las siluetas, los materiales y la paleta de colores.

Dakota Johnson se inclinó por el impacto del látex rojo con un minivestido ajustado de Versace, de largo por encima de la rodilla. Taylor Swift, en cambio, llevó una propuesta de inspiración preppy: un minivestido a cuadros de Simkhai, botas altas de cuero y accesorios metálicos.

El contraste puso frente a frente dos de las fórmulas que marcan tendencia: el glamour audaz del rojo y las texturas brillantes, frente a la estética colegial renovada con piezas de cuero y detalles de metal.

Dakota Johnson llevó el rojo y el látex al centro del escenario

Johnson eligió una prenda de látex escarlata que concentró la atención por su textura brillante y su silueta ceñida.

El vestido de Versace remitió a una estética de alfombra roja vinculada con los años 2010, aunque se integró al contexto de un programa de televisión mediante accesorios puntuales y una propuesta sin capas adicionales.

La actriz sumó mules negros Intriigo 90 de Giuseppe Zanotti. El calzado, abierto en el talón y de taco alto, mantuvo el protagonismo del vestido y prolongó el contraste entre el rojo del látex y el negro. La combinación evitó recargar un estilismo construido a partir de una única pieza principal.

Las joyas completaron el conjunto con una selección de diamantes y rubíes de Roberto Coin. Entre las piezas se incluyeron un collar Wide Cobra y un anillo Cento Circle of Life. El uso de piedras rojas permitió extender la paleta del vestido sin alterar el registro de noche que proponía el diseño.

Durante otros segmentos de la emisión, Johnson utilizó un segundo minivestido, esta vez strapless y negro, de Saint Laurent.

Para las imágenes promocionales previas al programa, se inclinó por una combinación de top de seda y minifalda en tono eucalipto de la diseñadora Yana Matkivski. Los tres atuendos mostraron una misma preferencia por las prendas cortas, aunque con materiales y climas diferentes.

La elección de Johnson se apoyó en el impacto visual del color, el brillo y una silueta de líneas simples. Ese recurso se vincula con varias de sus apariciones públicas, en las que alterna prendas relajadas con vestidos de noche que incorporan transparencias, bordados, lentejuelas o referencias a la estética disco.

Taylor Swift eligió cuadros, botas altas y accesorios de aire otoñal

La propuesta de Taylor Swift se construyó desde otra dirección. La cantante llevó el modelo Wells de Simkhai, un minivestido a cuadros con escote off-the-shoulder.

El estampado introdujo una referencia más vinculada a los conjuntos de temporada y estableció un contraste inmediato con la superficie uniforme y brillante del látex que usó Johnson.

Swift ajustó el vestido con un cinturón de cadena Cassandre de Saint Laurent. El accesorio definió la cintura y añadió un punto dorado a una prenda dominada por los tonos del tartán. En los pies, eligió botas Pillar de cuero hasta la rodilla de Burberry, un elemento que reforzó la lectura otoñal del conjunto.

La cantante completó el look con aros de Dana Rebecca Designs, una pulsera Cartier Unlimited y joyas de inspiración vintage.

Los cuadros, las botas y el cinturón de cadena organizaron una silueta más estructurada y de mayor cobertura, a pesar de que el vestido también tenía un largo mini.

El vestuario se ubicó dentro de referencias que Swift repitió en distintas apariciones: abrigos definidos, botas altas, minivestidos con textura o estampado y accesorios clásicos.

En este caso, la elección del calzado elevó la presencia del conjunto y permitió que el vestido mantuviera una lectura menos formal que un diseño de gala.

El programa dejó atrás el vestuario coordinado de “Patient Zero”

La diferencia entre ambos looks fue más visible por el antecedente inmediato de “Patient Zero”. Johnson comparte el videoclip con Swift y Colin Farrell, y en varias escenas ella y la cantante aparecen con atuendos pensados como reflejos.

Entre esas elecciones figuran abrigos de cuero de Toteme y prendas básicas combinadas a partir de una paleta similar.

Johnson también acompañó a Swift en la ceremonia de los MTV Video Music Awards, donde le entregó el reconocimiento Artist Director Honors antes del estreno del video.

En Saturday Night Live, el planteo fue distinto: cada una conservó un código de moda propio sin buscar una imagen gemela.

Las dos artistas comparten afinidad por algunas casas de moda, entre ellas Saint Laurent y Versace. Sin embargo, sus selecciones para el programa expusieron dos recorridos separados.

Johnson priorizó un vestido de impacto sostenido por el color y la textura; Swift armó su propuesta mediante el estampado, el calzado y los accesorios.

La aparición también marcó el regreso de Swift al ciclo desde octubre de 2023, cuando había presentado a Ice Spice como invitada musical. Tras el cierre del programa, la cantante volvió al escenario con una torta para celebrar el cumpleaños número 37 de Johnson.

La escena reunió otra vez a las dos artistas, esta vez con una diferencia de estilo que quedó tan visible como su complicidad frente a las cámaras.

El 4 de octubre se cumplen 56 años de la muerte de Janis Joplin, ocurrida en 1970, cuando tenía 27 años. Más de medio siglo después, su imagen conserva una presencia reconocible en el ciclo de tendencias que devolvió protagonismo al estilo bohemio: capas de prendas, textiles con apariencia artesanal, anteojos de lentes coloreadas y accesorios superpuestos.

Su aporte no radicó en fijar un uniforme, sino en usar la ropa como una extensión de su lugar en la contracultura y de su forma de ocupar el escenario.

Nacida en 1943 en Port Arthur, Texas, Joplin se trasladó a San Francisco durante la expansión de la escena hippie y psicodélica de la década de 1960.

Allí consolidó una estética que se apartaba de la silueta prolija, las minifaldas geométricas y el maquillaje cuidadosamente construido que también definieron a parte de la moda de su época.

El cabello suelto, la mezcla de estampas y la acumulación de objetos hicieron que cada conjunto pareciera armado por asociación más que por obediencia a una regla.

El vestuario de Janis Joplin convirtió la mezcla de capas en una firma visual

El punto de partida de su guardarropa era una silueta móvil y amplia. Joplin recurrió a pantalones de pierna ancha, blusas de mangas acampanadas, chalecos, túnicas y piezas de terciopelo o gamuza.

La comodidad era funcional a sus actuaciones, pero ese criterio no eliminaba la elaboración: los contrastes de textura y color definían conjuntos que se alejaban de la lógica del vestido de noche o del traje escénico tradicional.

Las prendas con flecos son una de las referencias más visibles de aquel repertorio. En los años sesenta, el recurso remitía tanto a la cultura western como a la apropiación comercial de motivos indígenas y a la artesanía que circulaba en ferias y tiendas alternativas.

Hoy reaparece en chaquetas, carteras y faldas, aunque su revisión exige atención al origen de los motivos y a la producción de cada pieza. En el caso de Janis Joplin, el fleco integraba una imagen de movimiento y no funcionaba como un detalle aislado.

El regreso del boho en las colecciones recientes retoma, con ajustes, esa fórmula. Las pasarelas y el mercado masivo privilegian vestidos largos, encaje, ante, crochet y blusas vaporosas.

Sin embargo, el aspecto más vigente de Joplin está en la combinación: un chaleco sobre una camisa estampada, varios collares sobre un escote sencillo o un pantalón ancho que equilibra una prenda superior cargada. La lectura contemporánea puede reducir esa suma a dos o tres elementos para evitar la reproducción literal de un vestuario de época.

Los accesorios definían la silueta tanto como la ropa

La cantante usaba la joyería como una superficie adicional del conjunto. Collares largos de cuentas, anillos grandes, pulseras y medallones aparecían apilados, a menudo con materiales y colores distintos.

Esa acumulación rompe con el principio de accesorio único y convierte el cuerpo en un soporte de objetos con procedencias diversas. La operación se reconoce en la moda actual, donde las cadenas, cuentas, dijes y piezas vintage vuelven a combinarse en varios niveles.

También fueron decisivos los anteojos de lentes redondas y tintadas, los sombreros y las boas de plumas. Eran elementos visibles desde lejos y contribuían a construir una presencia escénica sin depender de una prenda de gala.

Los anteojos de color y las plumas funcionaban como recursos expresivos, no como complementos discretos. Esa diferencia ayuda a entender por qué sus fotografías mantienen vigencia en redes sociales y editoriales: los accesorios concentran una parte importante de la narrativa visual.

Para trasladar estas referencias al presente, la clave no consiste en reunir todos los símbolos asociados a Woodstock. Un vestido fluido con botas robustas, gafas de montura redonda o una selección de joyería de segunda mano permite conservar el contraste que caracterizaba a la artista.

La combinación de prendas nuevas y recuperadas, además, conecta con el interés actual por extender la vida útil de la ropa y buscar piezas fuera de los circuitos estandarizados.

La imagen de libertad de los sesenta se actualiza con una mirada crítica

El llamado boho suele presentarse como una categoría amplia que reúne referencias hippies, románticas, folk y artesanales. Esa amplitud puede borrar las diferencias entre tradiciones culturales, oficios y contextos históricos.

El vestuario de Joplin, construido en un momento marcado por la contracultura estadounidense, no debería leerse como una plantilla sin tiempo ni procedencia. Su potencia estuvo vinculada a una cantante que cuestionaba las expectativas de feminidad y pulcritud aplicadas a las mujeres del rock.

La presencia de la artista en el escenario también desafió la separación entre moda y autenticidad que suele organizar el relato sobre las estrellas musicales. Sus conjuntos no carecían de intención por parecer improvisados.

Diversos registros de su archivo muestran bocetos que realizó para piezas destinadas a sus presentaciones y su trabajo con la diseñadora Linda Gravenites. Joplin pensó su vestuario como parte de su actuación, con indicaciones sobre color, brillo y materiales.

Esa dimensión resulta relevante en un presente en el que la apariencia de espontaneidad suele estar planificada para las redes. El desorden visual de la cantante tenía composición: predominaban las prendas holgadas, los estampados y la joyería, pero había un foco claro en el rostro, la voz y el movimiento.

La moda que toma su referencia puede recuperar ese principio de edición personal en vez de limitarse a repetir flecos, flores y gafas de época.

En su cumpleaños número 37, Dakota Johnson vuelve a poner en primer plano un estilo que no necesita grandes giros para llamar la atención. Su fórmula es precisa: cabello largo castaño, flequillo recto y una selección de prendas que privilegia el corte, la caída y las proporciones.

Lejos de perseguir cada novedad, la actriz construyó una imagen reconocible a partir de elecciones sostenidas en el tiempo. En una premiere puede optar por un vestido de silueta depurada; fuera de cámara, trasladar esa misma lógica a un abrigo amplio, un pantalón sastrero o básicos de aire relajado.

La clave de su estilo de moda está en la variación sin ruptura. Johnson mantiene sus rasgos distintivos, pero modifica los volúmenes, suma transparencias, juega con tejidos o cambia la estructura de las prendas. El resultado es un guardarropa coherente que se actualiza sin perder identidad.

El flequillo convirtió un corte clásico en la firma de Dakota Johnson

El elemento más estable de ese lenguaje es el cabello. Dakota Johnson lleva una melena castaña, larga y con movimiento, enmarcada por un flequillo recto o abierto que suele rozar las cejas.

En ocasiones aparece con ondas suaves; en otras, con el pelo liso o recogido. Sin embargo, la estructura se mantiene y funciona como un punto de reconocimiento inmediato.

La propia actriz explicó que ese vínculo viene de la infancia. “He tenido flequillo desde que era niña”, dijo a Vogue, y precisó que se lo cortó por primera vez cuando tenía unos cuatro años.

También contó que, salvo un intervalo entre los 10 y los 14 años, conservó el mismo corte durante toda su vida y que “me siento yo misma con flequillo”. Esa declaración ayuda a entender por qué el peinado no opera como un accesorio de temporada, sino como parte de su imagen personal.

La elección tiene además una función estilística. El flequillo introduce una referencia setentista y algo bohemia, mientras que el largo del cabello evita que el conjunto se vuelva excesivamente retro.

Sobre una camisa blanca, un vestido de gala o un abrigo de cuero, el pelo suaviza la formalidad de las prendas y mantiene una continuidad entre registros muy distintos.

Su estilista habitual, Mark Townsend, describió esa búsqueda en una entrevista previa con Vogue: el objetivo era evitar un acabado completamente inmóvil y permitir que el cabello conservara movimiento, incluso con algunos mechones sueltos.

La combinación de pulido y textura natural explica buena parte de la eficacia del peinado. La imagen está trabajada, pero no exhibe un exceso de producción.

Sus prendas privilegian la silueta antes que la acumulación de tendencias

Fuera de las alfombras rojas, el estilo de Johnson suele organizarse con piezas conocidas: jeans de tiro alto, remeras simples, chaquetas de cuero, tapados largos, mocasines, botas y lentes de sol.

Son prendas con historia dentro del vestuario urbano, elegidas en proporciones que rara vez compiten entre sí. Si el pantalón tiene volumen, la parte superior tiende a ser más ajustada; si el abrigo domina el conjunto, el resto se mantiene sobrio.

Este criterio la aleja del atuendo construido para mostrar muchas referencias al mismo tiempo. Su sello personal se reconoce por la edición, es decir, por la selección de pocas prendas y accesorios en lugar de la suma de estímulos.

El efecto también depende de una paleta recurrente de negro, blanco, azul oscuro, marrón, gris y tonos borgoña, con apariciones puntuales de transparencias, brillos o estampados.

En sus looks públicos, ese control se traduce en una tensión calculada entre sensualidad y sencillez. Un vestido lencero puede llevarse con el cabello suelto y maquillaje discreto; una falda transparente puede equilibrarse con una camisa masculina; un traje oscuro puede prescindir de joyería ostensible.

La ropa adquiere presencia sin que el estilismo cambie el foco del rostro o del peinado.

En la alfombra roja, la sencillez funciona como método de diferenciación

La relación de Johnson con Gucci fue determinante para consolidar esa lectura. La actriz fue embajadora de la casa italiana y acudió a numerosas apariciones con diseños que combinaron encaje, transparencias, lentejuelas y escotes precisos.

También ha llevado piezas de Chanel, Dior, Schiaparelli y Stella McCartney.

Pese a esa variedad de firmas, las imágenes conservan una lógica. Los vestidos suelen privilegiar una línea vertical, la espalda descubierta, la caída de la tela o un detalle de color antes que los volúmenes arquitectónicos.

La estilista Kate Young, colaboradora de la actriz, resumió el enfoque al señalar que Johnson luce mejor con vestidos muy simples porque no requieren distracciones. La prenda acompaña, no reemplaza, a la persona que la lleva.

Esa fórmula se aprecia en sus elecciones de alfombra roja. Para el Festival de Cannes de 2025 usó un vestido Gucci con flecos; en otras presentaciones vinculadas a Materialists recurrió a siluetas de líneas limpias y a versiones actualizadas de su flequillo.

Cada aparición propone una variación, aunque la lectura general permanece intacta.

Frente a la Torre Eiffel iluminada, el oro metalizado y el negro profundo marcaron el pulso de una pasarela al aire libre en el Trocadero.

Bajo una lámpara dorada de escala monumental, cada silueta alteraba sus reflejos al avanzar por la estructura elevada: la luz no solo acompañaba, también intervenía en el efecto de las prendas.

Así presentó Saint Laurent su colección Primavera-Verano 2027 durante la Semana de la Moda de París. Anthony Vaccarello propuso sastrería de líneas firmes, vestidos de volumen expandido y referencias al glamour nocturno, uno de los códigos persistentes de la maison.

El dorado cubrió abrigos, trajes y faldas de líneas precisas

La primera sucesión de looks puso el foco en prendas exteriores recubiertas de dorado. Trench coats largos, chaquetas de hombros amplios, faldas lápiz y conjuntos de dos piezas asumieron un acabado brillante y texturado, cercano a una lámina arrugada.

Vaccarello trasladó el metalizado a piezas tradicionalmente funcionales y las convirtió en el centro de la silueta.

Los abrigos se llevaron con cinturones que marcaban la cintura; las chaquetas, con cuellos pronunciados; y las faldas, ajustadas al cuerpo.

El tratamiento del tejido evitó una superficie uniforme: los pliegues y relieves hacían visible la construcción de cada look y aportaban movimiento a la sastrería.

Pañuelos en verde oliva y azul marino aparecieron alrededor del cuello o sobre los hombros. Su caída fluida alivió la estructura de los conjuntos dorados y aportó contraste sin salir de una paleta oscura y contenida.

Las sandalias de tiras finas en oro y los salones en tonos cálidos acompañaron las proporciones de las prendas sin desplazar su protagonismo.

El negro cerró la colección con organza, gasa y hombros marcados

Tras la secuencia metalizada, Anthony Vaccarello cambió el registro con vestidos de noche en negro. La colección recurrió a gasa y organza para crear volúmenes amplios, en especial sobre hombros y mangas, sin cargar el peso visual de las siluetas.

Los drapeados concentrados en el escote contrastaron con faldas largas, aberturas y colas que extendían la figura.

La recta final estuvo compuesta por vestidos negros de mangas abullonadas y trenes largos. Frente a la superficie compacta de los looks dorados, estas piezas trabajaron con capas translúcidas y movimiento.

El contraste entre ambos grupos definió el vestuario del desfile: de un lado, brillo, precisión y textura; del otro, transparencia, amplitud y una presencia más dramática.

Los accesorios mantuvieron la misma dirección. Grandes pendientes dorados de formas escultóricas aportaron escala al rostro, mientras los cuellos envueltos sumaron una capa de construcción a varios estilismos.

El resultado fue una propuesta donde el detalle no quedó reservado a la joyería, sino que atravesó los tejidos, los cierres y el modo de ceñir cada prenda.

La pasarela coincidió con los 10 años de Vaccarello en la maison

La presentación de Saint Laurent marcó una década de Vaccarello como director creativo de la firma, cargo que asumió en 2016.

Entre los asistentes estuvieron Rosé, de Blackpink; Rosie Huntington-Whiteley; Eddie Redmayne y Rami Malek. La cantante y actriz Charlotte Gainsbourg actuó con un traje negro de la casa antes de la salida final del diseñador.

La Semana de la Moda de París comenzó el 28 de septiembre y continuará hasta el 6 de octubre. Saint Laurent presentó su colección en la segunda jornada del calendario oficial de prêt-à-porter femenino Primavera-Verano 2027.

Los accesorios definieron el ritmo de cada salida

El vestuario evitó la acumulación de elementos ajenos a la ropa. La construcción de los looks quedó expuesta en las superficies plisadas, las solapas afiladas y los cuellos envueltos, mientras los accesorios funcionaron como una continuación de esas líneas.

Los pendientes dorados, de escala amplia y perfil escultórico, acompañaron tanto los conjuntos metalizados como los vestidos oscuros. En varios casos, el brillo de la joyería se relacionó con el de la prenda sin reproducirlo de manera literal.

La diferencia de materiales ordenó el desfile. El dorado llegó en textiles que parecían compactos y trabajados, con una textura que evocaba el relieve de una superficie metálica.

El negro, en cambio, se apoyó en la transparencia de la gasa y la organza. Esa elección permitió que las mangas, las faldas y las colas adquirieran amplitud sin endurecer la figura.

También hubo una lectura precisa de las proporciones. Las chaquetas amplias se combinaron con faldas estrechas o piernas descubiertas; los abrigos largos marcaron la cintura con cinturones; y los vestidos extendieron la línea del cuerpo a través de aberturas y caídas largas.

Cada salida sostuvo una relación entre hombros definidos y cintura controlada, dos recursos recurrentes en el trabajo de Vaccarello para la firma.

El Trocadero reforzó el carácter nocturno de la colección

La escenografía no funcionó como un fondo neutro. La iluminación dorada, la lámpara suspendida y la vista de la Torre Eiffel prolongaron la paleta de los looks y situaron la colección en una noche parisina de códigos reconocibles para la maison.

El oro de las prendas adquirió matices distintos al pasar de la luz directa a las zonas de sombra, mientras el negro de los vestidos concentró la atención sobre las siluetas finales.

Con esta presentación, Saint Laurent dejó en primer plano un vestuario de contrastes: sastrería con brillo y volumen de gala, materiales compactos y capas ligeras, oro total y negro absoluto.

La propuesta mantuvo la mirada de Anthony Vaccarello sobre la ropa de noche y la precisión de los cortes, dentro de una semana que todavía tendrá desfiles hasta el 6 de octubre.

París volvió a encender las luces de sus pasarelas para dar inicio a la última parada del calendario internacional de colecciones Primavera/Verano 2027. La capital francesa abrió, este lunes 28 de septiembre, ocho jornadas que anticipan las siluetas, los colores y las texturas que marcarán el pulso de la próxima temporada, con la actriz argentina Luisana Lopilato entre las invitadas que ya dieron que hablar.

El arranque llegó con una mezcla explosiva: firmas de trayectoria compartieron calendario con nombres frescos que buscan hacerse un lugar en el radar de la industria. Entre los debuts que dieron el puntapié inicial figuraron Julie Kegels, Weinsanto y Maxhosa Africa.

Esta última protagonizó uno de los momentos más comentados de la jornada: su primera aparición en la pasarela parisina, con una propuesta que cruzó la identidad africana con una construcción técnica de vanguardia. Estampados, colores y texturas se combinaron en looks que ya empiezan a delinear el mapa estético de la Semana de la Moda de París.

Versatilidad y vanguardia en la pasarela inaugural

El análisis de las colecciones presentadas durante las primeras horas reveló una clara inclinación hacia la experimentación con siluetas y texturas. Se observaron estructuras que desafiaron la anatomía convencional, con un uso prominente de volúmenes que buscan redefinir la figura femenina.

Las prendas de exterior, trabajadas con cortes geométricos y superposiciones, fueron una constante en los desfiles de Weinsanto, donde el estilo avant-garde o vanguardista se manifestó en piezas de una construcción técnica notable, alejándose de los convencionalismos habituales.

Por otro lado, la paleta cromática se movió entre el minimalismo monocromático y la explosión de colores vibrantes.

Los neutros sofisticados, como los blancos inmaculados y los tonos crudos, dominaron en prendas sutiles y elegantes, mientras que los contrastes audaces en accesorios y detalles buscaron otorgar un carácter distintivo.

La calidad de los tejidos fue un punto central, con el uso de materiales livianos, ideales para la transición estacional de la temporada, al permitir una fluidez natural en el movimiento de las prendas.

La pasarela de celebridades y el estilo en los desfiles

Otro de los eventos que concentró la atención durante la primera jornada fue el desfile de L’Oréal Paris en la Place Joffre, con la Torre Eiffel iluminada como marco de la puesta.

La firma reunió sobre la pasarela a referentes de la moda, el cine y la música, en una presentación al aire libre que combinó looks de noche y una puesta de gran escala.

La actriz argentina Luisana Lopilato formó parte del elenco de figuras que caminó por la pasarela. Para la ocasión, llevó un vestido dorado de una manga con un cinturón a juego y accesorios discretos.

Heidi Klum apostó por el negro con un vestido largo de silueta ajustada, escote pronunciado y una superficie de destellos que reflejaba las luces del escenario. La modelo llevó el cabello suelto y maquillaje en tonos oscuros en los ojos.

La modelo Kendall Jenner estuvo presente y eligió un vestido negro con transparencias. El diseño acompañaba la figura y tenía una falda larga con una abertura de frente, mientras que el peinado recogido y el maquillaje de ojos marcado reforzaron una imagen de líneas sobrias.

Cara Delevingne presentó una propuesta en rojo, con un vestido de escote profundo, transparencias y aplicaciones brillantes.

La prenda tenía una falda que aportó movimiento durante su paso por la pasarela. Completó el look con sandalias del mismo tono.

Simone Ashley desfiló con un vestido beige de breteles finos y escote recto. La pieza, ajustada al cuerpo y de largo hasta el piso, se destacó por su terminación satinada y los pliegues en la cintura. La actriz llevó el cabello suelto y un maquillaje de acabado natural.

La presentación también contó con la participación de Celine Dion, quien apareció con un vestido negro texturado. Su intervención sumó música al recorrido de las celebridades frente a un público, con la Torre Eiffel como telón de fondo.

Además, la estética observada en esta pasarela colectiva se definió por una apuesta decidida por la elegancia clásica actualizada.

El uso de vestidos de noche con aberturas estratégicas, cortes cut-out y tejidos con acabados metálicos o brillantes reflejó una tendencia hacia la sofisticación nocturna.

El color negro se mantuvo como un aliado infalible, presente en monos de líneas limpias y vestidos fluidos que resaltaron la silueta de quienes los lucieron.

La incorporación de elementos y accesorios minimalistas subrayó un enfoque en los detalles que elevan el conjunto final.

El calendario continuará con una agenda intensa. La atención se desplazará en los próximos días hacia debuts altamente anticipados, como el de Drew Henry al frente de la dirección creativa de Courrèges y de Kai Nesselrath en la casa Carven.

Estos cambios en la dirección creativa son vistos por la industria como momentos decisivos para la redefinición estética de las marcas.

La relevancia de esta edición de la Semana de la Moda de París no se encontrará únicamente en las prendas presentadas, sino también en cómo las firmas están respondiendo a los desafíos de un mercado en constante transformación.

La industria de la moda mantiene sus expectativas puestas en cómo los directores creativos de firmas como Dior y Chanel consolidarán su visión durante sus terceros desfiles, un paso fundamental para cimentar su legado en casas con historia.

El cierre, previsto para el 6 de octubre con la presentación de Louis Vuitton, servirá para culminar este periplo de ocho días que, año tras año, continúa dictando el pulso creativo global.

Con más de 100 presentaciones programadas, la cita parisina se mantiene como un punto de encuentro ineludible para compradores, críticos y amantes de la moda.

Un blazer sin corbata en lugar del esmoquin clásico, un vestido de novia teñido de rosa antiguo, un velo bordado con 25 mil plumas: la temporada de bodas de celebridades dejó atrás el uniforme blanco y negro que dominó las ceremonias durante décadas.

Dove Cameron, Dua Lipa, Cristiano Ronaldo y Demi Lovato protagonizaron algunos de los enlaces más comentados del año, y cada uno eligió romper con al menos una regla del manual nupcial tradicional.

Las firmas de alta costura se convirtieron en protagonistas silenciosas de estos casamientos: Schiaparelli, Chanel y Gucci diseñaron piezas exclusivas que en varios casos exigieron cientos de horas de trabajo artesanal. La sastrería reemplazó al vestido de tul, los trajes cruzados se impusieron sobre el esmoquin y los cambios de vestuario entre la ceremonia y la fiesta se volvieron una constante entre las parejas más fotografiadas del momento.

El resultado fue una temporada de bodas que funcionó, también, como pasarela: cada elección de vestuario contó una historia distinta sobre la relación de la pareja, desde el color que evocó el primer encuentro hasta el diseño que tardó más de mil horas en confeccionarse.

Dove Cameron y Damiano David

La cantante y actriz estadounidense Dove Cameron y el músico italiano Damiano David se casaron el 24 de septiembre en el Palazzo Comunale de Montalcino, en la Toscana. Llegaron en un automóvil descapotable color crema y celebraron luego en privado en la región de Val d’Orcia.

Cameron eligió un conjunto blanco hecho a medida por Giorgio Armani. El atuendo reunió un blazer estructurado, camisa translúcida, corbata, pantalón amplio y un cinturón que marcó la cintura.

Una capa larga, integrada a la pieza superior, sustituyó el velo. El ramo de calas blancas mantuvo la misma gama cromática.

David llevó un traje cruzado color crema, con camisa beige y pantalón marfil. Sumó un pañuelo de seda tostado sobre los hombros y zapatos negros de punta cuadrada.

Los dos looks evitaron el contraste entre vestido blanco y traje oscuro, una fórmula habitual en las ceremonias de celebridades.

Dua Lipa y Callum Turner

Dua Lipa y el actor británico Callum Turner formalizaron su unión con una ceremonia civil el 31 de mayo en el Old Marylebone Town Hall de Londres.

Una semana después, el 6 de junio, organizaron una segunda celebración en Villa Valguarnera, cerca de Palermo, en Sicilia.

Para el acto civil, Lipa vistió un conjunto blanco de falda y chaqueta de Schiaparelli Haute Couture, diseñado por Daniel Roseberry.

La chaqueta asimétrica incluyó botones dorados personalizados. La cantante completó el vestuario con guantes blancos, zapatos Christian Louboutin y un sombrero de ala ancha de Stephen Jones.

Turner optó por un traje cruzado azul marino, con camisa y corbata en la misma tonalidad. La elección de Lipa retomó la tradición de los trajes de novia, aunque con una silueta contemporánea y detalles propios de la casa francesa.

Para la ceremonia siciliana, la artista usó un vestido de Chanel Haute Couture con espalda descubierta, cristales, plumas y una cola amplia.

El diseño, creado por Matthieu Blazy, incluyó un tocado de plumas y un velo largo bordado. La firma informó que el vestido requirió 1.155 horas de trabajo, 480.000 cuentas bordadas a mano y 25.000 plumas en el forro.

El itinerario de la pareja también incorporó una tercera imagen nupcial: en los festejos previos de Palermo, Lipa llevó un vestido halter de cuero y plumas de Bottega Veneta, mientras Turner usó un traje de lino beige de Jacquemus.

El paso de la sastrería blanca a la alta costura y luego a materiales menos convencionales convirtió la boda en una secuencia de vestuarios con códigos propios.

Las ceremonias de Cameron y David, por un lado, y de Lipa y Turner, por otro, mostraron dos rutas distintas: una apuesta por el vestuario coordinado y monocromático, y otra por cambios de look que separaron el registro civil de la gran celebración.

Cristiano Ronaldo y Georgina Rodríguez

Cristiano Ronaldo y Georgina Rodríguez se casaron el 11 de agosto de 2026 en una ceremonia civil en su casa de Cascais, Portugal. La celebración reunió a sus cinco hijos y a cuatro testigos, en lugar de una recepción de gran escala.

La pareja recurrió a Gucci, una elección vinculada con el comienzo de su relación: se conocieron en una tienda de la firma en Madrid.

Rodríguez usó un conjunto blanco de chaqueta y falda lápiz en faille de seda, acompañado por camisa de crepé de China y zapatos de satén con el herraje Horsebit.

Ronaldo vistió un traje beige claro de algodón, con camiseta blanca y mocasines de la misma casa. La sastrería en tonos blanco y beige reemplazó el vestido largo y el esmoquin.

Emma Roberts y Cody John

Emma Roberts se casó con el actor Cody John el 25 de julio de 2026 en Sun Valley, Idaho. Para la ceremonia, la actriz usó un vestido a medida de Monique Lhuillier confeccionado en gasa de seda en un color bautizado como rosa antiguo, alejado del blanco óptico.

El diseño incorporó corsé, drapeado, encaje francés y un velo del mismo tono. Roberts completó el cambio de vestuario en la fiesta posterior con un conjunto negro de corsé de encaje Chantilly y falda de organza, basado en una pieza de archivo de la diseñadora.

John eligió un esmoquin color chocolate de Ferragamo, en contraste con la paleta clara de la ceremonia.

Demi Lovato y Jordan “Jutes” Lutes

La cantante Demi Lovato contrajo matrimonio con el músico Jordan “Jutes” Lutes el 25 de mayo de 2025 en California.

Su primer vestido fue una creación de Vivienne Westwood en satén de seda blanco perla, con corsé, escote hombros descubiertos y velo de tul marfil hasta el suelo.

Para la recepción, Lovato cambió a un vestido columna de satén marfil de la misma firma. El segundo diseño mantuvo el corsé drapeado y sumó hilos de perlas aplicados sobre el escote. Lutes vistió un traje de Saint Laurent para la ceremonia.

La actriz Zoe Hochbaum será la protagonista de una nueva etapa del universo digital de María Cher, que combinará producciones de estética editorial con formatos propios de las redes sociales.

La propuesta incluirá contenidos audiovisuales y gráficos en los que Hochbaum interpretará la colección de Cher a partir de escenas cotidianas, situaciones de humor, elementos absurdos y climas oníricos. El objetivo es integrar las prendas a distintas narrativas, en lugar de exhibirlas de forma estática.

Según informó la firma, la iniciativa busca que el diseño y el producto ocupen un lugar central dentro de las piezas, con contenidos adaptados a los códigos de las plataformas digitales.

A 25 años de su fundación, Cher presentó esta etapa como una ampliación de su universo visual, con nuevas formas de mostrar sus colecciones y su relación con quienes las usan.

La campaña busca llevar las prendas a escenas cotidianas y ficcionales

La llegada de la actriz supone una ampliación del papel que suele ocupar una figura pública en una campaña de moda. Cher plantea que su participación abarcará un universo de contenidos, más allá de una producción fotográfica o una acción puntual de difusión.

La marca busca construir un lenguaje que tome recursos de la producción editorial y los adapte al ritmo de circulación de las redes. La apuesta incluye pequeñas historias y situaciones que permitan mostrar las prendas en movimiento, dentro de contextos diversos.

Las imágenes de la nueva etapa fueron realizadas por el fotógrafo Misael Albarracín, cuyo trabajo inaugura la identidad visual que la firma prevé desplegar durante la temporada. La dirección artística apunta a consolidar una estética reconocible para sus canales digitales.

25 años de Cher y una apuesta por nuevos públicos

La campaña se presenta en el año en que María Cher cumplió 25 años de trayectoria. En ese marco, la empresa plantea una actualización de sus formas de comunicar, con la intención de sumar nuevos usos y públicos sin modificar los rasgos que construyeron su identidad desde su fundación.

El anuncio llega después de la celebración de aniversario que María Cher realizó en Buenos Aires, durante la edición 2026 de BAFWEEK. Tal como contó Infobae anteriormente, el desfile reunió 280 looks en 30 minutos y repasó distintas etapas de la firma a partir de prendas originales de archivo.

La presentación también incluyó el lanzamiento de la colección Verano 2027, construida alrededor de referencias de la naturaleza, estampas y bordados en tonos arena, marfil y negro. Zoe Hochbaum participó de ese evento y fue presentada entonces como nueva embajadora de la marca.

La diseñadora María Cher definió el desfile como una narración sobre el origen de la marca, su permanencia en la moda local y la proyección de sus próximas colecciones.

La puesta también estuvo atravesada por su memoria personal y profesional. “Cada prenda cuenta una parte de mi historia”, expresó Cher.

El rol central de Hochbaum en cada contenido

La elección de Hochbaum conecta la campaña con una figura que puede trasladar recursos de actuación a las piezas de la marca. Su participación está planteada como una intervención activa en cada contenido, con un registro que combina vestuario, puesta en escena y situaciones breves.

Con las fotografías de Albarracín y la incorporación de la actriz, Cher proyecta una comunicación digital basada en contenidos visuales y en una presencia más frecuente de sus colecciones. La marca no informó aún fechas ni formatos específicos para la publicación de las próximas piezas de la campaña.

La moda circular gana espacio en el mercado argentino a partir de propuestas que combinan consumo, recirculación y nuevas formas de comercialización. En ese escenario, Galpón de Ropa, líder del segmento, suma presencia en espacios comerciales tradicionales, buscando extender la vida útil de la ropa y escalar su modelo de negocio.

Desde su creación, Galpón de Ropa desarrolló una propuesta basada en la compra y venta de indumentaria, calzado y accesorios usados en excelente estado. La marca argentina apuesta a la tecnología con un ERP propio desarrollado para seguimiento y rotación de cada prenda, que son únicas. Además de un sistema de selección y comercialización que permite que las piezas vuelvan al circuito de consumo y alcancen a nuevos usuarios.

En ese marco, la compañía inauguró el 19 de septiembre su primer local de compra y venta dentro de un centro comercial, en DOT Baires Shopping. El espacio cuenta con 112 metros cuadrados y está ubicado en el nivel 2 del complejo, con una propuesta que lleva la moda circular a un entorno de mayor exposición.

Una apertura que amplía el alcance de la moda circular

La llegada al shopping representa un nuevo paso en la expansión de la firma, que hasta ahora desarrollaba su actividad a través de locales a la calle y su canal digital. La apertura incorpora su modelo de recirculación a un centro comercial y amplía las posibilidades de contacto con consumidores interesados en alternativas más sustentables.

Actualmente, Galpón de Ropa cuenta con 11 puntos de venta en Buenos Aires, los cuales combinan la comercialización de prendas con espacios de recepción. A esa red se suman un punto de toma en el shopping Alto Palermo y su ecommerce, que ofrece envíos a todo el país.

Además, la expansión se produce en un momento de crecimiento del mercado de segunda mano a nivel global. Mientras la moda tradicional registra una expansión anual del 4%, el segmento de reventa crece a más del 10% y representa cerca del 9% del mercado mundial de moda, con proyecciones que estiman una participación del 23% para 2030.

La moda circular es el nuevo hito en las ciudades más grandes del mundo

La compañía desarrolla su crecimiento de manera orgánica, sin inversión externa, a partir de un esquema que vincula la actividad comercial con la extensión de la vida útil de los productos.

Un modelo de negocio basado en la recirculación

El funcionamiento de Galpón de Ropa comienza con la recepción de prendas, calzados y accesorios que los clientes ya no utilizan; su equipo de especialistas evalúa cada pieza y selecciona aquellas que pueden incorporarse a la oferta comercial.

Una vez aprobados, los artículos salen a la venta acondicionados, sin procesos de lavado ni reparación, con el objetivo de reducir el uso de recursos. Actualmente, la marca pone en recirculación cerca de 40.000 prendas por mes, a través de su red de tiendas y su canal online.

Según las cifras acumuladas al 31 de mayo de 2026 por la compañía, desde 2017 la empresa evitó la emisión de 41.808 toneladas de dióxido de carbono y el consumo de 10.970 millones de litros de agua. Estas cantidades equivalen, respectivamente, a 2.088 vuelos comerciales y 4.388 piscinas olímpicas.

“En Galpón creemos que la moda circular tiene que sostenerse por su propio modelo de negocio, no solo por su propósito. Hoy compramos y vendemos cerca de 40.000 prendas por mes y eso nos da la certeza de que vamos en la dirección correcta”, mencionó Luciano Arrighi, CEO de Galpón de Ropa.

El impacto social y ambiental de la propuesta

Por otra parte, la empresa obtuvo la certificación como Empresa B en 2023 y actualmente atraviesa un proceso de recertificación. Su esquema de triple impacto contempla aspectos ambientales, sociales y económicos, con la extensión de la vida útil de cada prenda como eje central de su actividad.

En el plano social, cuenta con más de 100 trabajadores en relación de dependencia y un Programa de Donaciones. También desarrolla Puntada Inicial, una iniciativa educativa que incluye charlas sobre moda circular en universidades e instituciones, además de la entrega de prendas a estudiantes y diseñadores para proyectos de upcycling.

En relación con esta propuesta, Gonzalo Ades Posse, cofundador de la compañía, destacó que la certificación permitió validar formalmente el impacto ambiental, social y económico del modelo. Asimismo, señaló que la moda circular pasó de ser un nicho a convertirse en un negocio con demanda creciente.

La apertura en DOT Baires Shopping se suma a esa evolución y amplía la presencia de un sistema que vincula la actividad comercial con la recirculación de recursos. De esta manera, Galpón de Ropa extiende su red de recirculación y acerca su propuesta a nuevos espacios de consumo en Argentina.

Hoy, 28 de septiembre, Brigitte Bardot cumpliría 92 años. A casi un año de su muerte, la actriz francesa mantiene un lugar propio en la historia de la moda: fue quien llevó las prendas de todos los días y el estilo veraniego al centro de la cultura popular.

Nacida en París en 1934, construyó una imagen que mezcló danza, cine y la vida en la Costa Azul. Ese estilo la acompañó en su salto a la fama internacional durante los años 50 y 60, la época en que el cine europeo empezó a imponer tendencias que salían de las salas y se instalaban en la calle.

Su huella no se reduce a una sola prenda. El bikini, los vestidos de cuadros vichy, las bailarinas, los pantalones capri, el pañuelo anudado al cuello y el delineado de ojos forman parte de un repertorio que sigue vivo: reaparece en pasarelas, campañas publicitarias y guardarropas de verano.

Saint-Tropez quedó unido a una nueva forma de vestir en la playa

La relación entre Brigitte Bardot y Saint-Tropez ayudó a instalar una imagen duradera de la Riviera francesa. En las fotografías tomadas en sus playas, los trajes de baño de dos piezas, las camisas abiertas sobre el bikini y los peinados despeinados ofrecían una alternativa a la elegancia rígida de la época.

El bikini ya existía antes de que la actriz lo adoptara, pero Bardot contribuyó a volverlo visible en un momento en que aún generaba resistencia en buena parte de Europa. Su presencia en la costa francesa convirtió esa prenda en una referencia de libertad corporal y moda veraniega.

La playa dejó de aparecer como un espacio separado del vestuario urbano. En su estilo, un pareo, una canasta de mimbre, unas gafas oscuras y una camisa masculina podían conformar un conjunto completo. Esa asociación entre ocio, sensualidad y naturalidad sigue presente en las colecciones estivales.

El escote Bardot pasó de la pantalla a los vestidos de noche

El término escote Bardot define una línea de hombros descubiertos que se extendió desde los vestidos ajustados hasta las blusas de algodón y los diseños de gala.

La silueta enfatiza el cuello y las clavículas, con una caída horizontal que deja los brazos libres.

Esta prenda adquirió fuerza porque la actriz combinaba una apariencia arreglada con una actitud poco ceremoniosa.

El corte podía funcionar con faldas amplias, pantalones de cintura alta o vestidos rectos, sin necesidad de recargar el conjunto.

Más de seis décadas después, el escote Bardot continúa como uno de los códigos más reconocibles del vestuario femenino.

Su vigencia se explica por la facilidad con que puede adaptarse a tejidos, largos y contextos distintos, desde el verano hasta la noche.

Los cuadros vichy encontraron una figura popular inesperada

El vestido de cuadros vichy que Bardot eligió para casarse con el actor Jacques Charrier en 1959 consolidó otra de las imágenes más recordadas de su guardarropa.

La elección se apartaba de las convenciones asociadas a un vestido nupcial y llevó una tela vinculada a la ropa doméstica y de picnic a las páginas de moda.

En tonos rosados y blancos, aquel diseño reforzó una estética que combinaba inocencia visual y una sensualidad directa. El vichy quedó unido desde entonces a la actriz, junto con las faldas con vuelo, los cárdigans ceñidos y las blusas de escote amplio.

La prenda también anticipó una fórmula que la industria reutilizó muchas veces: tomar un estampado reconocible y desplazarlo de su contexto original. Bardot lo usó lejos de la solemnidad, con una naturalidad que resultó clave para su impacto.

El peinado alto y el delineado negro definieron una estética de los años 60

La influencia de Bardot alcanzó con la misma intensidad al terreno de la belleza. Su peinado elevado, conocido como choucroute, sumaba volumen en la coronilla y mechones sueltos alrededor del rostro. El acabado evitaba la rigidez y conservaba una apariencia deliberadamente imperfecta.

El maquillaje se apoyaba en delineado negro marcado, pestañas definidas y labios en tonos suaves. La combinación dirigía la atención hacia la mirada y contrastaba con la aparente espontaneidad del cabello. Fue una imagen repetida por modelos, actrices y cantantes de distintas generaciones.

Ese código estético permanece en tutoriales de belleza y editoriales de moda. La referencia suele actualizarse con recogidos menos estructurados, flequillos largos y una piel de acabado natural, pero conserva los elementos que hicieron reconocible a la actriz.

Su ropa cotidiana anticipó el imaginario de la chica francesa

Fuera de los rodajes, Bardot solía elegir piezas simples: pantalones tobilleros, remeras ajustadas, bailarinas, camisas masculinas, suéteres finos y pañuelos. La fuerza de esos conjuntos residía en las proporciones y en la forma de combinar prendas de uso diario con accesorios puntuales.

Esa fórmula se convirtió con el tiempo en uno de los pilares del llamado estilo de chica francesa. Sin embargo, su vestuario no respondía a una sola idea de elegancia parisina: también incorporaba la ligereza de la costa, el universo ecuestre, referencias marineras y prendas inspiradas en la lencería.

La moda contemporánea sigue recuperando esos recursos: hombros al descubierto, prendas de rayas, vichy, bailarinas y siluetas de cintura alta.

Cada retorno confirma que la influencia de Bardot se sostiene tanto en prendas identificables como en una manera de llevarlas.

La trayectoria pública de Bardot también estuvo marcada por posiciones que generaron rechazo. Desde finales de los años 1990, recibió condenas judiciales y multas en Francia por declaraciones consideradas incitación al odio racial, en el marco de sus críticas a prácticas musulmanas y a la inmigración.

Su activismo en defensa de los animales, central en su vida después de alejarse del cine, convivió con esas controversias. Aun con esa complejidad, el nombre de Brigitte Bardot conserva una presencia constante en la moda.

A 92 años de su nacimiento, su imagen sigue apareciendo como referencia para leer una época en la que el cine, la playa y la ropa cotidiana cambiaron de lugar en la cultura popular.

La influencia de Taylor Swift se extiende hace tiempo más allá de los escenarios musicales: cada aparición pública de la cantante se convierte en un acontecimiento de moda que marca tendencia y genera análisis en publicaciones especializadas de todo el mundo.

Su paso por los MTV Video Music Awards (VMA) 2026 confirmó ese estatus. Swift deslumbró en la alfombra con un vestido de Tamara Ralph que combinaba un bodysuit negro sin mangas, cuello alto y aberturas de malla, con una falda drapeada de lentejuelas plateadas. La ceremonia se desarrolló este domingo 27 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles.

La cantante, de 36 años, llegó allí para recibir el primer Artist Director Honors, un reconocimiento creado por la organización para distinguir a artistas cuyo trabajo detrás de cámaras amplió las posibilidades del video musical y contribuyó al desarrollo de la narrativa visual.

Con esta nueva estatuilla, Swift se convirtió en la persona más premiada en la historia de los VMA, con 31 “Moon People” acumulados a lo largo de su carrera.

El bodysuit de malla dejaba ver la silueta bajo la tela transparente

El diseño de Tamara Ralph jugaba con dos texturas y dos densidades de opacidad. La parte superior, un bodysuit sin mangas y con cuello alto, alternaba paneles de terciopelo negro sólido con secciones de malla semitransparente que recorrían el costado del torso. Ese contraste entre lo opaco y lo translúcido definía la silueta de la prenda desde los hombros hasta la cintura.

Sobre esa base, la falda aportaba el elemento más llamativo del conjunto: una pieza drapeada en lentejuelas plateadas, con un pliegue central que caía en cascada y una abertura lateral que descubría la pierna al caminar.

El movimiento del drapeado, sostenido con la mano en varias de las poses captadas en la alfombra, generaba un efecto de caída fluida que remitía a los vestuarios de escenario que la artista utilizó durante su gira Eras Tour.

En cuanto al calzado, Swift optó por sandalias de tacón alto con tiras finas entrecruzadas en el tobillo y el empeine, cubiertas por completo con cristales o strass.

El diseño puntiagudo del calzado y el acabado brillante replicaban la paleta plateada de la falda, en una construcción de estilismo pensada para generar continuidad visual entre la parte inferior del vestido y los zapatos.

El maquillaje se mantenía en tonos cálidos, con labios en un rojo coral y delineado marcado en los ojos, mientras que el cabello, con flequillo recto, se llevaba suelto y con ondas suaves. Los aretes largos de diamantes eran la única pieza de joyería visible, un complemento discreto frente al protagonismo del vestido.

Swift ya había reafirmado su rol de icono de moda con el lanzamiento de su nuevo álbum

El vestido de los VMA se suma a una serie de apariciones que reafirman a Swift como referente de estilo, un rol que la cantante viene consolidando desde el lanzamiento de The Life of a Showgirl, su duodécimo álbum, presentado oficialmente en 2025. El disco puso a la artista en el centro de la atención mundial no solo por su música, sino por una estética visual que combina moda y performance, respaldada por estilistas y diseñadores de prestigio internacional. Más que un conjunto de canciones, el álbum construye un universo escénico que dialoga con décadas de historia de Las Vegas.

Detrás de cada atuendo, peinado y accesorio de esta nueva era está Joseph Cassell, el estilista de cabecera de Swift desde la etapa de Fearless, en 2009. Cassell diseñó para este ciclo un homenaje al esplendor del showgirl clásico, que se nutre del glamour de los años veinte, las grandes producciones de Las Vegas y la sofisticación de la moda contemporánea.

El estilista ha sido la figura central en la conceptualización de looks para portadas, videoclips y giras internacionales, y en este álbum su trabajo se advierte en cada cambio de vestuario, con una destreza particular para combinar piezas vintage con prendas de última tendencia.

Uno de los puntos más llamativos de la campaña visual es la colaboración con Bob Mackie, diseñador estadounidense conocido por sus tocados y trajes pavimentados con cristales y plumas. Mackie cedió piezas originales de producciones históricas como Jubilee!, de Las Vegas, lo que permitió a Swift lucir conjuntos cargados de pedrería, plumas blancas y siluetas tradicionales de showgirl actualizadas con guiños contemporáneos. En las imágenes promocionales del álbum, la cantante aparece con bodies rojos y botas altas negras adornadas con pedrería, guantes largos de satén, capas de plumas y tocados elaborados.

Para la portada oficial del disco, Swift eligió un diseño de Area: un bralette cubierto de cristales y perlas, inspirado en la noche de Las Vegas y en la representación de Ofelia en la pintura decimonónica de John Everett Millais.

La mariposa fue la imagen que atravesó el cierre de la Semana de la Moda de Milán. Bajo ese símbolo de transformación, Silvana Armani presentó “Evoluzione”, su colección primavera-verano 2027.

La propuesta dialogó con los códigos que definen al legado de Giorgio, aunque ajustó las proporciones, las texturas y el styling a una nueva etapa. La sastrería Armani apareció con una caída más suelta; los destellos metálicos sumaron contraste y el negro dominó la paleta.

Entre referencias a los años 80 y una incorporación más marcada del algodón en la pasarela, la colección llevó el lenguaje de la firma hacia siluetas de líneas precisas, pero con mayor fluidez y movimiento.

La mariposa convirtió la metamorfosis en motivo de la colección

El título, “Evoluzione”, organizó la narrativa de la colección. Las mariposas aparecieron en prendas y detalles gráficos como un emblema de transformación, mientras que un estampado pop con el rostro del fundador vinculó el presente de la firma con su archivo.

La sucesión de looks propuso cambios de escala y textura sin abandonar una estética definida por líneas limpias y una construcción medida.

La directora creativa retomó elementos asociados a la casa, el traje, la sobriedad cromática y el juego entre lo masculino y lo fluido, para introducir variaciones en la silueta.

La metamorfosis se expresó en prendas que cambiaron el volumen y la superficie, pero conservaron la disciplina de la sastrería Armani.

Los hombros marcados y los sacos amplios recuperaron el pulso de los años 80

Las chaquetas de corte masculino fueron uno de los ejes del desfile. Los sacos se presentaron con hombros más definidos y una estructura menos ceñida al cuerpo; en varios conjuntos se combinaron con bermudas, pantalones de caída suave y tops que trasladaron la sastrería a un registro más ligero.

Esta revisión de los 80 no se apoyó en una reproducción literal. Los estampados geométricos, las cadenas, los cruces y las flores en la solapa sumaron acentos a una base de líneas depuradas.

También hubo flecos, un recurso que aportó movimiento a los looks y dialogó con piezas de brillo intenso.

Los hombros marcados, los sacos de volumen amplio y los pantalones fluidos perfilan una de las direcciones de estilo de la temporada primavera-verano 2027.

En clave Armani, esas proporciones se organizaron alrededor de conjuntos que pueden pasar del día a la noche mediante cambios de tejido, calzado y accesorios.

El algodón entró en la pasarela junto a tejidos de noche

La incorporación del algodón fue uno de los movimientos materiales de la colección. Habitual en el guardarropa cotidiano por su comodidad y resistencia, el tejido apareció integrado a propuestas de mayor elaboración y convivió con acabados luminosos y texturas más suntuosas.

El recorrido del desfile avanzó desde conjuntos de aire funcional hacia piezas de tarde y noche.

Esa convivencia entre un material asociado a lo práctico y otros de apariencia más elaborada dejó una pista de tendencia: el lujo de la próxima temporada se construye también a partir de contrastes de textura y usos menos previsibles de los básicos.

En el calzado, las sandalias de tacón escultural desplazaron a las bailarinas en los estilismos nocturnos. El accesorio acompañó la verticalidad de los trajes y los vestidos, sin competir con la estructura de las prendas.

Negro, marfil y dorado: los colores elegidos

El negro fue el color conductor de la pasarela, presente tanto en las prendas principales como en complementos. Su uso permitió que tomaran protagonismo los cortes, las caídas y los reflejos de cada tejido.

El marfil aportó pausas de luz, mientras que el dorado apareció como contrapunto en destellos, herrajes y acabados metálicos.

La paleta de negro, marfil y dorado reforzó el contraste entre la sobriedad de la sastrería y el brillo de los detalles. En lugar de depender de una explosión cromática, la colección apostó por la variación de materiales para dar profundidad a cada salida.

Con “Evoluzione”, Silvana Armani cerró la cita milanesa al presentar una temporada que reorganiza los códigos de la firma alrededor de una idea concreta: cambiar de piel sin desprenderse de la forma que hizo reconocible a Giorgio Armani.

La actriz estadounidense Jenna Ortega, que cumple este domingo 24 años, reafirma una identidad de moda construida a partir del gótico contemporáneo. En cada aparición pública, combina sastrería oscura, transparencias, referencias punk y códigos clásicos para crear una imagen reconocible dentro y fuera de la alfombra roja.

La relación de la actriz con esta estética ganó fuerza a partir de Merlina, la serie en la que interpretó a Wednesday Addams. El personaje reforzó una asociación inmediata con el negro, los cuellos blancos, las trenzas y una actitud distante.

Sin embargo, fuera de la ficción, Ortega ha llevado esos códigos hacia un terreno más amplio, con elecciones que alternan entre el romanticismo oscuro, el minimalismo de los años noventa y ciertas referencias a la moda punk.

El negro funciona como base, no como uniforme

El color negro ocupa un lugar central en el guardarropa público de Jenna Ortega, aunque rara vez aparece como una solución plana.

En sus looks de alfombra roja predominan el encaje, el satén, el terciopelo, las aplicaciones metálicas y los cortes estructurados. La elección de materiales permite que un tono uniforme gane profundidad sin necesidad de sumar estampados o colores contrastantes.

Los vestidos de silueta columna, los corsés y las faldas largas forman parte de sus recursos más frecuentes. En algunos casos, la actriz incorpora transparencias o aberturas que actualizan prendas de inspiración histórica.

En otros, opta por conjuntos de líneas limpias y proporciones más sobrias, donde el impacto queda concentrado en el escote, los hombros o la caída de la tela.

La construcción de la prenda suele tener más peso que la cantidad de elementos. Esa decisión separa su estilo de una lectura literal del gótico y lo acerca a una interpretación contemporánea, adaptada a los códigos de las premiaciones, los estrenos y las campañas de moda.

Las referencias a los años noventa ordenan sus looks de noche

Una parte importante de su estética remite a los años noventa, sobre todo a través de los vestidos lenceros, las prendas ceñidas al cuerpo y el maquillaje de tonos definidos. El resultado combina glamour y una apariencia menos recargada que la de otras figuras habituales de las alfombras rojas.

En varias ocasiones, Ortega eligió vestidos con tiras finas, escotes rectos o siluetas que recuperan la lógica de la lencería como prenda exterior. A ese registro suma peinados pulidos o recogidos, con raya al medio y mechones sueltos que acompañan la estructura del atuendo. El cabello oscuro, habitualmente llevado en tonos profundos, refuerza la coherencia de la imagen.

También aparecen guiños al grunge, aunque sin reproducirlo de manera literal. Botas de plataforma, medias oscuras, cruces, cadenas finas y herrajes metálicos introducen una tensión entre lo formal y lo alternativo. Ese contraste le permite pasar de un vestido de gala a un conjunto más juvenil sin perder unidad estética.

La sastrería aporta una versión más cotidiana de su imagen

Cuando abandona los vestidos de ceremonia, la actriz recurre a piezas de sastrería que mantienen el mismo universo visual. Blazers amplios, camisas blancas, pantalones rectos, minifaldas y zapatos de suela robusta aparecen como opciones habituales para eventos de prensa o salidas informales.

La fórmula suele partir de una prenda clásica y sumar un detalle que altera su lectura. Un traje oscuro puede llevarse con una camisa de encaje; una falda recta, con botas altas; un vestido sencillo, con medias opacas y plataformas. En lugar de apelar a combinaciones excesivas, además, utiliza accesorios puntuales para definir el carácter del look.

Los bolsos pequeños, los anillos, los collares delicados y los lentes oscuros completan sus apariciones sin desplazar la atención de la ropa.

Su estilismo evita, en general, los logos visibles y las piezas demasiado deportivas. Esa elección sostiene una identidad más ligada a la silueta y al acabado de las prendas que a la exhibición de marcas.

El maquillaje acompaña la ropa con contrastes controlados

El maquillaje es otro componente decisivo de su imagen. Los ojos delineados, las sombras en tonos marrones o negros y los labios en gamas ciruela, vino o nude suelen acompañar los atuendos oscuros. La propuesta mantiene una conexión con el universo gótico, pero evita el maquillaje teatral.

En eventos nocturnos, el delineado marcado y las pestañas definidas añaden dramatismo. Para apariciones diurnas, el foco puede quedar en una piel luminosa y cejas peinadas, con labios de acabado natural. La alternancia entre intensidad y sobriedad sostiene la versatilidad de su estilo sin romper la línea general.

El peinado sigue una lógica similar. Ortega alterna entre ondas suaves, cabello lacio con raya central, recogidos bajos y flequillos que refuerzan una estética inspirada en décadas pasadas. Las decisiones no buscan transformar por completo su imagen, sino proponer variaciones dentro de un mismo repertorio.

Un estilo personal que dialoga con su generación

El impacto del estilismo de Ortega se explica, en parte, por la facilidad con la que reúne referencias reconocibles para un público joven.

El gótico, el punk y la sastrería clásica aparecen filtrados por una sensibilidad de moda actual, en la que las prendas de archivo conviven con siluetas pensadas para las redes sociales y las grandes ceremonias.

Su imagen pública propone una alternativa a los códigos de brillo, color y maximalismo que suelen dominar en las alfombras rojas. El vestuario privilegia el contraste entre oscuridad, estructura y detalles románticos, una combinación que ya se convirtió en una de las identidades visuales más identificables de su generación.

A los 24 años, Ortega sostiene una estética reconocible que trasciende a Merlina y se adapta a distintos registros, desde los estrenos y las premiaciones hasta sus apariciones cotidianas. El negro, las siluetas definidas y los detalles románticos continúan como los ejes de una imagen pública en consolidación.

Con aplausos del público y su habitual energía, Juana ingresó al estudio y saludó a quienes estaban del otro lado de la pantalla. “¡Hola, buenas noches! ¿Cómo están? ¿Les gusta?”, expresó. “Último fin de semana de septiembre ya, así que hice asistencia perfecta. Me tuvieron en su casa sábado y domingo. Mañana vamos a estar, así que no se pierdan”, anunció.

Después, la conductora habló de la salud de Mirtha y le dedicó unas palabras frente a la cámara. “Y la abuela, que está mejorando muy bien, así que le mando un beso muy grande porque no se lo pierde. Me ve, me dice las cosas que sí, las cosas que no, todo”, contó. Con una sonrisa, agregó: “Así que abuelita, me muevo lentamente. ¿Te gusta?”. Luego volvió a saludarla y precisó que la diva observaba la emisión desde el Sanatorio Mater Dei. “Un besito muy grande a ella que está ahí desde la clínica viéndonos”, dijo.

Como sucede cada vez que ocupa la conducción del ciclo, Juana también reservó unos minutos para explicar en detalle la ropa que eligió para la noche. La conductora lució un pantalón de crepé de seda vegetal combinado con un top asimétrico, un diseño que incluyó un escote con lazo y un pañuelo irregular incorporado a la prenda. “Es espectacular, es como un pañuelito, pero está enganchado en la remera. No se te pierde el pañuelo, muchachos, muy bien”, describió, con el tono descontracturado que suele utilizar al presentar sus atuendos.

Viale también destacó el cinturón que completó la propuesta y se detuvo en la autoría del conjunto. “Y un cinturoncito también ahí que se ve muy lindo, muy bonito. Esto es obra y creación de la señora Evangelina Bomparola”, explicó.

En ese sentido, también nombró a quienes estuvieron a cargo de su peinado y su maquillaje. “Y me peinó Juan Fojo que me hizo un medio recogido con trenza, con batido, con batidos de coco”, bromeó mientras cantó parte de la frase y provocó risas en el estudio. “Con todo”, completó. Después mencionó a Cris Sepúlveda, quien realizó su maquillaje con delineados en tonos negros y marrones.

“Estoy fresca esta noche maravillosa. Me vine, dormí, descansé. Hoy no hice nada para venir acá, para regalarles este programa a todos ustedes”, comentó Juana, fiel a su estilo espontáneo. Antes de continuar con la emisión, también invitó a la audiencia a seguir las redes sociales del programa.

El vínculo de Juana con la moda también quedó reflejado en la edición del domingo anterior, cuando volvió a ocupar el lugar de Mirtha en el tradicional almuerzo. Con el comienzo de la primavera como referencia, la conductora saludó a la audiencia y habló sobre el cambio de estación. “¡Hola, hola! Yo pensé que la estábamos ensayando toda la situación. ¿Cómo están en sus casas?”, expresó mientras avanzó por el estudio.

Luego presentó el conjunto que eligió para esa emisión. “Mi vestuario maravilloso que tengo hoy, que es un top en crepé de seda colorada con lazos fucsia, con un lazo fucsia”, describió. Mientras la cámara registró el diseño, señaló los detalles que componían la propuesta: “Y un pantalón al tono con tajo y volados que me parece cancherísimo este look”.

Como también ocurrió durante la emisión del sábado, la conductora mencionó a los integrantes de su equipo de estilismo. “Me peinó Juan Fojo, que me hizo un semirecogido, media cola. Y me maquilló Cris Sepúlveda. Hicimos un esfumadito rosado”, explicó, entre las dificultades propias del relato en vivo y sus comentarios sobre el resultado final.

Entre la conducción, los mensajes para Mirtha y la presentación de sus looks, Juana Viale volvió a ocupar la mesaza con su estilo personal mientras su abuela continúa con su recuperación. La conductora mantuvo así la continuidad de los programas del fin de semana y volvió a mostrar la combinación de espontaneidad, humor y moda que caracteriza sus apariciones en pantalla.

Donatella Versace vuelve a liderar un proyecto propio de moda y belleza, esta vez fuera de la casa fundada por su hermano Gianni y con una propuesta orientada a los jóvenes. La diseñadora italiana prepara el lanzamiento de una firma independiente que comenzará a presentar sus primeros productos en 2027.

A sus 71 años, Donatella retoma el control creativo de una marca después de casi tres décadas al frente de la firma familiar. El anuncio llega un año y medio después de su salida de la dirección creativa de Versace, en marzo de 2025, y mientras la casa atraviesa su propia reorganización bajo el control del grupo Prada.

La nueva compañía abarcará inicialmente los rubros de moda y belleza, aunque sus impulsores anticiparon que el proyecto busca extenderse a experiencias vinculadas con la cultura y el entretenimiento. El nombre, la identidad visual, la inversión inicial y la estructura societaria todavía no fueron informados.

La diseñadora apuesta a una identidad propia fuera de la casa familiar

Donatella explicó que se encargará de definir la identidad creativa, las colecciones y las futuras colaboraciones. “Creo que la creatividad debe ser audaz, inclusiva y estar viva en el mundo”, adelantó la diseñadora en un comunicado difundido en redes sociales. “Siempre me ha inspirado la nueva generación, en la música, el cine, el arte y, por supuesto, la moda”, agregó.

En ese sentido, planteó que la asociación le permitirá construir un vínculo directo con ese público desde un lugar diferente. “Me da la libertad de hablarle a esa generación de una manera completamente nueva y personal, a través de la belleza y la moda”, afirmó.

El proyecto tiene como público prioritario a millennials y miembros de la Generación Z, dos segmentos en los que el comercio digital, los creadores de contenido y las redes sociales tienen una influencia decisiva sobre el consumo. Los primeros productos se concentrarán en la categoría de belleza y llegarán al mercado en 2027.

Donatella planea iniciar su actividad en Estados Unidos, América Latina, Asia-Pacífico y Medio Oriente.

La elección de la belleza como punto de partida responde a un segmento que combina compras recurrentes, capacidad de difusión digital y una conexión estrecha con la imagen de las celebridades. La futura marca buscará construir su presencia a partir de esa lógica, con una oferta que una productos, comunicación en redes y referencias de la cultura popular.

Donatella dejó la dirección creativa de Versace en 2025

Su regreso a la conducción de una marca propia ocurre después de una etapa central en la historia de la casa que lleva su apellido. La diseñadora asumió la dirección creativa en 1997, luego del asesinato de Gianni Versace en Miami, y mantuvo ese puesto durante casi treinta años.

Bajo su liderazgo, la firma consolidó una estética asociada con la sensualidad, los colores intensos, los estampados y la relación con figuras de la música y el cine. Madonna, Lady Gaga, Elton John, Jennifer Lopez y Dua Lipa estuvieron entre las celebridades que vistieron sus diseños y reforzaron la presencia de la marca en la cultura popular.

Uno de los episodios más recordados de esa etapa ocurrió en los premios Grammy de 2000, cuando Jennifer Lopez apareció con el vestido verde de estampado selvático. La repercusión de esa imagen fue tan amplia que suele ser citada como uno de los antecedentes que impulsaron a Google a crear su buscador de imágenes.

En marzo de 2025, Donatella dejó su cargo como directora creativa y pasó a ser embajadora principal de la firma. Más tarde, Prada completó la adquisición de Versace a Capri Holdings por cerca de USD 1.500 millones, una operación que abrió una nueva etapa para la casa italiana.

Pieter Mulier quedó a cargo de la dirección creativa y presentará su primer trabajo para la marca en 2027. Mientras tanto, Donatella mantendrá su rol de embajadora, a la vez que prepara una propuesta con identidad propia y dirigida a públicos que consumen moda a través de canales digitales, comunidades y referencias culturales.

El impacto de Rosalía en la cultura visual trasciende por completo el terreno musical. Este viernes, al cumplir 34 años, la superestrella catalana se ubica en la cúspide de la moda internacional como una figura indomable y transformadora.

Su manera de vestir jamás ha sido un simple ornamento, sino una extensión narrativa de sus eras creativas. Desde el folclore urbano hasta la mística marianista, la artista ha construido un universo estético propio donde conviven en perfecta armonía la tradición, el dramatismo de vanguardia y la pureza minimalista.

En los inicios de su proyección global, la identidad visual de la cantante estuvo marcada por una reinterpretación radical de la cultura urbana y el flamenco. Los conjuntos deportivos de diseñador, las plataformas voluminosas y la manicura escultórica con uñas kilométricas llevaron el lenguaje del barrio a las alfombras rojas más exclusivas. Aquella estética recargada y enérgica sirvió para afianzar un sello popular inconfundible.

Con el paso de los años, su armario experimentó una evolución hacia siluetas conceptuales y arquitectónicas, prefiriendo la fuerza de las estructuras sobre el adorno superficial. Este cambio no implicó una renuncia a sus raíces, sino una sofisticación de los conceptos de poder, feminidad y libertad creativa.

La era LUX: misticismo, pureza y el velo como declaración de arte

En la iconografía visual de su proyecto LUX, Rosalía explora una estética espiritual y casi eclesiástica, elevando el blanco a su máxima expresión simbólica.

El uso de velos marfiles sobre la cabeza, túnicas envolventes de cuellos fruncidos y detalles dorados en los labios o las manos proyecta una imagen que oscila entre lo terrenal y lo divino.

Esta etapa se distingue por una sobriedad cargada de significado, donde las telas ceñidas, las texturas orgánicas y el dramatismo sacro reemplazan por completo el artificio urbano. El estilo LUX no solo define una etapa conceptual, sino que consolida su habilidad para transformar referentes religiosos e históricos en alta moda contemporánea.

Entre el minimalismo gótico y el volumen poético

Uno de los rasgos más potentes en la propuesta de la artista es su capacidad para navegar entre extremos visuales opuestos con total soltura.

En los grandes eventos de gala, suele apostar por un minimalismo sobrio y escultural en tonos neutros como el blanco impoluto, el marfil o el negro absoluto. Los vestidos de corte sirena, los monos de hombros descubiertos y los cuellos altos moldean la figura con una precisión arquitectónica.

Por otro lado, cuando la ocasión exige teatralidad, recurre al contraste de texturas extremas. Las plumas opulentas en capas, los volantes en relieve que simulan la espuma del mar y los tules superpuestos generan volúmenes cinematográficos. En su guardarropa, la alta costura funciona como un traje de fuerza expresiva.

El vestuario de escenario: movimiento, performance y ‘Balletcore’

En sus espectáculos en vivo, el vestuario se adapta a la intensidad de la performance y la coreografía:

El ‘Balletcore’ subversivo: La combinación de corsés claros y faldas de tutú de gran volumen con botas de cuero altas rompe la delicadeza del baile clásico con un matiz de firmeza y actitud.

El movimiento de los flecos: Trajes cubiertos por flecos deshilachados en tonos intensos cobran vida propia con cada movimiento, recordando la vibración del baile flamenco pero en una clave futurista.

Transparencias y ‘Streetwear’ lencero: Las mallas translúcidas, las telas caladas y las capas superpuestas aportan un juego de luces y sombras ideal para la escena.

Fuera del escenario y las galas, la cantante mantiene una coherencia estética impecable. Su estilo cotidiano en capitales de la moda combina vestidos vaporosos con calzado pesado, acabados ‘wet look’ en el peinado y rostros al natural.

A sus 34 años, Rosalía reafirma que la moda es un lenguaje vivo. Su capacidad para reinventarse y transitar desde la mística de LUX hasta la irreverencia de la calle la posiciona como una de las creadoras de tendencias más influyentes de nuestra época.

Cuando Zendaya pisó la alfombra roja del estreno londinense de Dune: Part Two enfundada en un traje robot de Mugler de 1995, las redes sociales colapsaron. Semanas después, recorrió el mundo con vestidos verde cancha y tacos con pelotas de tenis incrustadas para promocionar Challengers.

En 2026 llegó a la premiere de The Odyssey con alas de plumas blancas como si acabara de descender del Olimpo, y a la gira de Spider-Man: Brand New Day con una remera vintage de USD 35 comprada en eBay que dio la vuelta al mundo. Ninguno de esos momentos fue casualidad.

Detrás de cada look hay una estrategia deliberada que la industria cinematográfica adoptó como herramienta de marketing y que hoy se conoce como method dressing: llevar la identidad visual de una película directamente a la alfombra roja.

Zendaya es su figura más influyente, pero no la única. Margot Robbie, Lili Reinhart y Drew Barrymore también escribieron capítulos fundamentales de esta tendencia que transformó la forma en que Hollywood promociona sus filmes.

Qué es el method dressing

El method dressing es la práctica por la cual una actriz o actor traslada la estética y la identidad visual de su personaje o película a su guardarropa de prensa y alfombra roja. El término —acuñado por Law Roach, estilista de Zendaya, quien se autodefine como “arquitecto de imagen”— toma prestado el concepto del method acting, la técnica de interpretación naturalista derivada del sistema Stanislavski. En este caso, la inmersión ocurre en el plano visual, no en el psicológico.

Roach describió su enfoque ante Vogue con precisión: “Los looks funcionaron como una extensión del vestuario de la película; fue intencional y con propósito”. La doctora Carolyn Mair, autora de The Psychology of Fashion, señaló que mediante esta práctica “los actores pueden expresar su identidad a través de la ropa”, lo que les permite conectar con el público de manera más profunda.

La consultora Alison Lowe, directora del MBA Fashion Entrepreneurship de la University of East London, lo define en términos más directos: una herramienta estratégica de marketing que genera contenido para redes sociales y anticipa la narrativa del filme antes del estreno.

Sus primeros antecedentes datan de los años noventa: Geena Davis apareció en la premiere de A League of Their Own (1992) con un vestido estampado como una pelota de béisbol, y Glenn Close promovió 101 Dálmatas en 1996 caracterizada como Cruella de Vil. La tendencia se consolidó tras la pandemia y desde entonces se volvió un estándar de la industria.

Por qué Zendaya lidera la tendencia del method dressing

Ninguna figura contemporánea ha capitalizado el method dressing con mayor consistencia que Zendaya. A lo largo de 2024, junto a Roach construyeron dos universos visuales completos para dos filmes distintos sin solaparse: la ciencia ficción desértica de Dune: Part Two y el drama tenístico de Challengers.

Para Dune, apostaron por piezas futuristas y metálicas. El momento más recordado fue el traje robot de Thierry Mugler en el estreno de Londres: una pieza de haute couture de 1995 que no había sido usada desde su debut en pasarela.

Para Challengers, Roach reemplazó los metales por verdes chartreuse, blancos wimbledonianos y guiños directos al tenis.

En Sídney, Zendaya lució un vestido de lentejuelas de Loewe —diseñado por Jonathan Anderson, también responsable del vestuario del filme— con la silueta de una jugadora impresa en la tela. El detalle más replicado en redes: los tacos personalizados con pelotas de tenis en los tacones.

En 2026 llegaron dos picos simultáneos. Con The Odyssey, el épico de Christopher Nolan en el que interpreta a la diosa griega Atenea, Zendaya llegó a la premiere mundial en Londres el 6 de julio con un vestido Schiaparelli Haute Couture de la colección Otoño/Invierno 2026 —que había desfilado esa misma mañana— y luego cambió a un diseño vaporoso verde de Valentino.

El maquillaje, obra del artista Ernesto Casillas, apuntó a una piel bronceada y luminosa sin artificios: prescindió de sombras y máscara de pestañas, y usó el iluminador Unreal Highlighter de Charlotte Tilbury en el tono Glazed Goddess.

El resultado se convirtió en tendencia global: el look fue replicado masivamente en redes, el highlighter se agotó en varios mercados y Vogue bautizó a Zendaya como “Atenea encarnada”.

Para la premiere en Nueva York, la apuesta fue aún más literal: llegó con un vestido blanco de Matières Fécales con enormes alas de plumas que materializó su personaje divino en una sola imagen.

El segundo pico llegó con Spider-Man: Brand New Day, donde Zendaya y Roach llevaron el method dressing a su expresión más ingeniosa.

Durante la gira europea —Madrid, Ámsterdam, Berlín, Roma, París y Londres— cada look incorporó referencias a la araña: telas con motivos de telaraña, la paleta roja y azul del superhéroe, y piezas de archivo de Versace y Giorgio Armani con bordados en forma de arañas.

El momento más comentado fue, paradójicamente, el más sencillo: en París, Roach vistió a Zendaya con una remera vintage de Spider-Man comprada en eBay por USD 35, usada como minivestido y elevada con zapatos de Christian Louboutin, un reloj Rolex y aros de diamantes.

La imagen demostró que el method dressing no requiere haute couture: requiere concepto.

Otras celebridades que dominaron el method dressing en la alfombra roja

Lili Reinhart llevó el concepto un paso más allá en septiembre de 2026, durante la gira de The Love Hypothesis para Prime Video.

Junto a su estilista Ib Abdel Nasser, no evocó a su propio personaje, sino que rindió homenaje a las protagonistas de las grandes comedias románticas de los años ‘90 y 2000.

El resultado fue una sucesión de looks rastreables hasta su fuente exacta: el vestido amarillo de Kate Hudson en How to Lose a Guy in 10 Days (2003), recreado en Brasil; el saco de lunares de Jennifer Garner en 13 Going on 30, conseguido del archivo original de Nanette Lepore; y un vestido morado de Hervé Léger para replicar el look icónico de Sandra Bullock en Miss Congeniality (2000).

La propia Bullock comentó el homenaje: “Ahora solo te falta una corona... y una colchoneta para amortiguar la caída”.

Para la premiere en Los Ángeles, Reinhart cerró el círculo con un minidress de terciopelo rosa de Miu Miu inspirado en My Date with the President’s Daughter (1998), la pieza que, según reveló ante E! News, disparó toda la idea.

Margot Robbie estableció el precedente más influyente en 2023 con la campaña global de Barbie. Su estilista, Andrew Mukamal, convirtió cada aparición en una referencia a una muñeca Mattel específica: el vestido de Schiaparelli Haute Couture negro con tutú en la premiere de Los Ángeles evocaba a la Barbie “Solo in the Spotlight” de 1960; el diseño de Vivienne Westwood en Londres replicaba a la Barbie “Enchanted Evening” de ese mismo año.

La gira fue tan documentada que derivó en un libro de Rizzoli, y Marie Claire la describió como “la campaña de method dressing más elaborada de la historia reciente”.

Drew Barrymore es considerada una de las precursoras del método, incluso antes de que tuviera nombre. Para la premiere en Roma de Ever After: A Cinderella Story (1998), apareció con un vestido de corsé renacentista con capas de tul y perlas colgantes —conocido como el “Fifty Scarves Dress”— cuyo origen permaneció como misterio de la industria durante más de dos décadas.

Recién en 2024 se confirmó que la pieza había sido diseñada por la casa italiana Ferragamo. El vestido, que anticipaba perfectamente la estética del filme, es citado hoy como uno de los ejemplos fundacionales del method dressing antes de que el término existiera.

Si le dieras a ChatGPT una indicación como “muéstrame dos presidentes y sus esposas, y que una pareja luzca tradicional y la otra moderna”, podrías obtener algo parecido a la imagen principal de la cena de Estado en la Casa Blanca el jueves por la noche.

En un momento de creciente tensión entre Estados Unidos y China por la regulación de la inteligencia artificial, entre otros temas, el presidente Donald Trump y su esposa Melania Trump recibieron al presidente chino Xi Jinping y su esposa Peng Liyuan.

Para el evento de gala, Peng, de 63 años, lució un vestido largo hasta el suelo con un elegante cuello mandarín —en rojo, el color simbólico de la prosperidad en China—, complementado con un collar doble de perlas blancas. Xi, de 73 años, vistió un traje negro estilo Mao, o traje Zhongshan, un clásico de la vestimenta formal china.

Trump optó por el atuendo tradicional de los hombres occidentales en eventos de gala (el esmoquin, que da nombre a todo el código de vestimenta).Pero la verdadera revelación fue su esposa, quien posó junto a los otros tres luciendo algo que rara vez, o nunca, se ve en una primera dama en una cena de estado: pantalones.

El elegante conjunto de Melania Trump —unos pantalones negros de brocado de Dolce & Gabbana con una faja de seda de la misma marca, tacones negros de Louboutin y una blusa blanca de popelina de algodón de Saint Laurent con un lazo extragrande— fue una elección sorprendente para una cena de estado, pero muy característica de la primera dama.

El jueves, Peng y Melania Trump visitaron el Museo Nacional de Arte Asiático Smithsonian, luciendo atuendos que se asemejaban sutilmente: Peng llevaba un vestido azul marino de inspiración qipao con botones del mismo color, ribetes claros y un broche floral plateado; y Melania Trump, un traje de falda de tweed color carbón con un blazer cruzado de cuello alto y asimétrico similar.

Sus maridos, por su parte, vestían trajes azules, zapatos de vestir negros y corbatas moradas de un tono casi idéntico. (No era la primera vez que los Trump vestían igual que sus invitados de Estado. También lucieron conjuntos diurnos coordinados con el rey Carlos III y la reina Camila del Reino Unido en abril). Pero la aparente coordinación entre los Trump, Xi Jinping y Peng terminó ahí.

Antes de convertirse en primera dama, Peng Liyuan era una cantante famosa en China, donde históricamente es inusual que la esposa de un presidente tenga una presencia pública destacada, y mucho menos que sea un ícono de la moda.

Sin embargo, el estilo de Peng, que fusiona con frecuencia elementos antiguos y tradicionales de la vestimenta china con siluetas occidentales modernas, ha sido ampliamente elogiado. Peng fue incluida en la lista de las mejor vestidas internacionales de Vanity Fair en 2013, poco después de que Xi Jinping asumiera la presidencia.

Muchos de los atuendos de Peng se han atribuido al diseñador chino Ma Ke, cuyas creaciones suelen incorporar telas sostenibles y materiales reciclados, pero se elaboran meticulosamente utilizando métodos de confección tradicionales chinos. (Como escribió William Wan para The Washington Post en 2014, Peng era admiradora de los diseños de Ma desde hacía años antes de que se presentaran, a petición suya, en un concierto).

Al igual que Peng, Trump ya era famosa desde hacía años cuando se convirtió en la esposa de un jefe de Estado, pero ambas mujeres han adoptado enfoques de vestimenta muy diferentes para desempeñar el papel de primera dama tras pasar de ser una celebridad a una figura pública.

A diferencia de muchas primeras damas en Estados Unidos y otros países que han preferido las casas de moda nacionales como muestra de orgullo nacional, Melania Trump ha incorporado con frecuencia a su vestuario a renombrados diseñadores europeos e internacionales.

También ha roto con la norma de usar vestidos de gala en las fiestas de etiqueta, un par de tacones de aguja a la vez: esta es al menos la tercera vez que Melania Trump desafía la tradición. Llevó un esmoquin femenino y un par de pantalones plateados brillantes a las cenas de la Asociación Nacional de Gobernadores de 2025 y 2026, respectivamente.

Horas después de que sus maridos se reunieran para hablar de tecnología y seguridad y expresar sus diferentes puntos de vista sobre el desarrollo de la IA —con el presidente estadounidense restando importancia a la necesidad de salvaguardias y Xi instando a la moderación—, los atuendos de ambas mujeres para la cena de Estado se separaron en dos direcciones divergentes. Un bando enfatizó la modernidad y la experimentación, el otro se aferró al mundo que ya conocemos.

El mundo de la alta costura global exige estándares de versatilidad, personalidad y presencia escénica que muy pocos logran consolidar. En ese selecto grupo de figuras internacionales destaca el nombre de Columba Díaz, la modelo, creadora y emprendedora mexicana que rompió esquemas al convertirse en una de las pocas representantes de México en desfilar para casas de moda de prestigio histórico universal como Prada.

Su irrupción en las pasarelas europeas no solo representó un hito personal en su carrera, sino que sirvió para reafirmar el talento y la diversidad del perfil mexicano dentro del circuito de la moda de alta gama en capitales como Milán, París y Nueva York.

De México a Milán: los inicios y el salto a la fama mundial

Nacida en México y poseedora de una belleza con facciones fuertemente marcadas y expresivas, Columba Díaz comenzó su travesía en la industria del modelaje desde muy joven. Tras firmar con agencias locales y destacar en la escena nacional por su profesionalismo y estilo único, su imagen pronto captó la atención de cazatalentos y agencias de nivel internacional.

El verdadero punto de inflexión en su trayectoria llegó cuando fue seleccionada para participar en las semanas de la moda más influyentes del planeta. Su coronación como figura internacional se dio al desfilar para la emblemática firma italiana Prada, bajo la dirección creativa de Miuccia Prada. Caminar sobre la pasarela de esta casa milanesa es considerado por los expertos en moda como el “sello de aprobación” definitivo para cualquier modelo, catapulta que la colocó de inmediato en el radar de los directores de casting más exigentes del mundo.

Principales logros y trayectoria internacional

A lo largo de más de una década de trabajo ininterrumpido en la industria del fashion, Columba Díaz ha cosechado una impresionante lista de logros que la sitúan como un referente de la moda contemporánea mexicana:

1. Pasarelas de Alta Costura y Ready-to-Wear

Además de su histórico trabajo con Prada, Columba ha caminado para firmas internacionales de primer nivel en las pasarelas de Milán, París y Nueva York. Su estilo camaleónico le ha permitido trabajar con diseñadores conceptuales y comerciales de gran renombre mundial.

2. Portadas y editorial de moda

Su rostro ha engalanado las páginas y portadas de las revistas de moda más prestigiosas del mundo en sus ediciones internacionales y latinoamericanas. Ha participado en editoriales para publicaciones de la talla de:

• Vogue Mexico & Latin America
• Harper’s Bazaar
• Elle
• L’Officiel
• Marie Claire

3. Presencia en la televisión y realitys

Buscando explorar nuevas facetas creativas, Columba dio el salto a la pantalla chica al integrarse al elenco del exitoso reality show Made in Mexico, producido por la plataforma Netflix. El programa, que retrató la vida de jóvenes de la alta sociedad y creativos en la Ciudad de México, le dio una plataforma masiva para dar a conocer su personalidad, sus valores, su amor por el arte y los retos que enfrenta una modelo mexicana en el extranjero.

4. Emprendimiento y moda sostenible

Lejos de limitar su carrera únicamente al modelaje, Díaz ha canalizado su experiencia en el sector textil para desarrollar sus propios proyectos. Ha colaborado estrechamente con artesanos mexicanos, promoviendo el comercio justo, el diseño consciente y el empoderamiento de las comunidades indígenas a través de iniciativas de moda sostenible y proyectos creativos multidisciplinarios.

Estilo personal y activismo creativo

Lo que distingue a Columba Díaz de otras figuras del medio es su compromiso auténtico con las causas sociales y la promoción cultural. En un entorno a menudo criticado por la superficialidad, Columba ha utilizado sus redes sociales y proyección mediática para abogar por la diversidad de cuerpos, la inclusión en la industria del modelaje y la valoración de las raíces culturales mexicanas.

Su estilo personal es una mezcla ecléctica de piezas vintage, alta costura y diseño artesanal mexicano, lo que la ha convertido también en un icono de estilo callejero (street style) captado habitualmente por fotógrafos durante las Semanas de la Moda en Europa.

La historia de Columba Díaz es el reflejo de una generación de mujeres mexicanas que han derribado fronteras en industrias históricamente dominadas por mercados europeos y norteamericanos. Desde su participación con Prada hasta su consolidación como empresaria y personalidad mediática, Columba continúa marcando pauta y abriendo brecha para las futuras generaciones de modelos y creadores mexicanos que buscan conquistar los escenarios más importantes del mundo.

A sus 45 años, Roger Federer reveló que combina una rutina que incluye saltarse el desayuno entre cuatro y cinco veces por semana con una enseñanza para los jóvenes tenistas: la presión debe administrarse durante los momentos decisivos. Además, en vísperas de la Copa Laver 2026, encabezó una clínica para niños y contó cuál es su otra pasión oculta: la moda.

Para el suizo, la organización diaria es una condición necesaria para el progreso. Aconsejó definir metas de largo, mediano y corto plazo, porque la falta de objetivos conduce a un rendimiento mediocre, una situación que consideró inaceptable. Su rutina actual comienza con una ducha y con hacer la cama, dos costumbres que no tenía cuando era joven. “Antes me despertaba, salía corriendo de casa e iba al colegio. Esa rutina te prepara bien para el día”, explicó Federer. La alimentación matutina ocupa un lugar menor en sus hábitos. “Intento no comer demasiado por la mañana. El desayuno es mi comida menos favorita del día”, afirmó.

El descanso es otro de los consejos que trasladó a los jóvenes deportistas. Federer señaló que lleva a sus hijos a la cama cada noche y sostuvo que dormir es la mejor forma de recuperarse, junto con la capacidad de medir la carga de entrenamiento y escuchar al cuerpo. “No es cuestión de vida o muerte”, planteó al referirse a las decisiones deportivas. La perspectiva de largo plazo, añadió, ayuda a tomar medidas más inteligentes sobre cuánto entrenar y cuándo descansar.

Por otra parte, uno de los tenistas más grande de la historia también hizo hincapié en su pasión oculta. La relación de Federer con la moda comenzó a profundizarse cuando empezó a viajar a Tokio, Milán, Nueva York y París. En 2018 firmó un contrato publicitario con una reconocida empresa japonesa de ropa casual y trabajó con el director artístico de la marca, Christoph Lemaire, en el diseño de su indumentaria de competición.

En declaraciones publicadas por la revista norteamericana GC, enfocada en la moda, estilo y cultura masculina, también puntualizó: “Siempre prefiero verme un poco demasiado elegante o formal que demasiado informal”. Para Federer, la indumentaria forma parte de una decisión personal que acompaña su rutina, incluso después de dejar la competencia profesional.

Los lectores del magazine anteriormente citado lo eligieron en su momento como el hombre más elegante de la década, por encima del cantante británico Harry Styles en la final. Desde entonces, también colaboró con firmas de zapatillas y gafas de sol, entre otras compañías. El ex tenista dijo que la alianza con una marca que no considera deportiva en sentido tradicional amplió la importancia de la ropa informal en su vida cotidiana. Cada día, explicó, comienza con dos preguntas: cómo quiere sentirse y qué tipo de tela quiere usar.

“Si sientes presión, significa que te apasiona, que te importa”, les dijo a los jóvenes en la clínica que lo tuvo como protagonista principal. Cuando hay mucho en juego, recomendó detenerse, respirar y evaluar la situación: “Recuerda que solo tienes cinco segundos de presión. Lo único que podemos hacer es dar lo mejor de nosotros y tratar de controlar lo que está a nuestro alcance”.

El ganador de 103 títulos individuales a lo largo de su carrera también contrastó el tenis de su época con las tensiones que observa en los torneos juveniles actuales. Recordó que antes, tras ganar Wimbledon, los jugadores saltaban la red, se saludaban y el partido terminaba, mientras que ahora percibe celebraciones contenidas y una presión constante sobre quienes compiten. “Celebran a escondidas, hay mucho en juego. No sé si la presión viene de los padres, los entrenadores, las federaciones o simplemente del propio juego, o si es la conciencia de que si no ganas el próximo partido, tu carrera podría terminar”, reflexionó.

Y también se fijó en cómo el plano estético y los comentarios en redes sociales pueden afectar a los proyectos de deportistas: “Está la presión del ranking y de lucir bien. En la sección de comentarios, diez personas dicen ‘¡Dios mío, qué guapa eres!’, pero la undécima dice ‘tienes una nariz grande’. Es demasiado para los tenistas de hoy en día. Es bueno ser consciente de los comentarios sin ignorarlos, pero creo que encontrar un equilibrio saludable es muy difícil. Tienes que encontrar lo que te funcione. ¿Vas a meditar? ¿Dormir más? ¿Hablar con un amigo? ¿Con un familiar? ¿Con un profesional? Hay muchísimas maneras de hacerlo".

Federer explicó que estan clínicas buscan establecer una conexión con la Copa Laver y otros eventos tenísticos, además de devolver algo a los jugadores y ejercer un rol de mentor. “A veces, como atleta o como persona, solo necesitas un pequeño empujón. Puede marcar una gran diferencia”. El programa ya llevó al ex tenista a ciudades como Vancouver, Berlín y San Francisco. La intención es organizar estas actividades con frecuencia en distintos países y ofrecer a los niños una experiencia vinculada al deporte.

Los tonos burdeos, cacao y azul helado marcarán las sombras y los labiales del otoño-invierno 2026. La temporada deja atrás el minimalismo cromático estricto y propone piel luminosa con ojos o labios como punto focal, mediante acabados cremosos, satinados, mates cómodos y metálicos.

La tendencia alcanza tanto a quienes prefieren maquillajes de uso diario como a quienes buscan resultados más audaces.

El cambio responde a la recuperación de códigos de los años 90 y 2000, sumada al interés por colores intensos, texturas iridiscentes y referencias futuristas.

Los neutros cálidos sostienen los looks más versátiles. Los tonos joya, los rojos profundos y los azules fríos aportan contraste sin exigir un maquillaje cargado en todo el rostro.

El burdeos domina la temporada en labios, sombras y delineados

El burdeos se consolida como el color central de la estación. Sus variantes incluyen vino, ciruela, borgoña y marrones rojizos, con aplicaciones que van desde un labial de cobertura total hasta una sombra difuminada sobre el párpado.

En los ojos, reemplaza parcialmente al negro para crear ahumados menos rígidos. Un tono vino aplicado cerca de las pestañas aporta profundidad y permite graduar la intensidad con facilidad.

Los delineadores y las máscaras en esta gama también ganan espacio. Funcionan como una alternativa para dar definición a la mirada sin recurrir a un acabado completamente oscuro.

En labios, los vinos y tonos berry se llevan con bordes menos precisos. El pigmento puede concentrarse en el centro de la boca y degradarse hacia el exterior, una técnica que deja un resultado más suave.

Los ciruelas con base azul se asocian con subtonos fríos. Los borgoñas de matiz rojizo se integran mejor en paletas cálidas, mientras que las pieles de subtono neutro pueden alternar entre ambas opciones.

Los marrones cacao y los taupes sostienen los maquillajes cotidianos

Los cafés profundos forman la base más práctica de las sombras de otoño-invierno 2026. El cacao, el espresso, el bronce, el dorado apagado, el champán y el taupe permiten crear looks sobrios sin perder dimensión.

La gama se adapta a un uso diario porque no depende de contrastes extremos. Una sombra marrón bien difuminada desde la línea de pestañas hacia el pliegue puede definir el ojo con pocos pasos.

El cacao profundo aparece como uno de los tonos de referencia en las previsiones cromáticas de la temporada. Su presencia se extiende a sombras, rubores, labiales nude y combinaciones monocromáticas.

Los ahumados también se actualizan desde esta familia. En lugar de usar negro intenso en todo el párpado, el maquillaje apuesta por marrones que aportan profundidad con un acabado más adaptable.

El taupe y el greige ofrecen una opción de apariencia mineral. Estos tonos grisáceos pueden aplicarse como un velo de color sobre el párpado móvil y combinarse con labios rosados, beige o marrón suave.

El azul regresa con acabados helados, pastel y profundos

El azul vuelve a ocupar un lugar visible en los ojos. La propuesta incluye baby blue, azul glaciar, índigo, zafiro y matices azul verdoso, capaces de cambiar el tono general de un maquillaje sencillo.

El azul helado se relaciona con brillos perlados, reflejos nacarados y texturas translúcidas. Una aplicación ligera sobre el párpado permite incorporar la tendencia sin transformar el look en una propuesta nocturna.

Para un resultado más marcado, la sombra puede cubrir todo el párpado y extenderse bajo el ojo. En ese caso, los labios nude, transparentes o rosa-marrón ayudan a mantener el equilibrio.

Los azules verdosos y profundos aportan una lectura más intensa. Funcionan en delineados gráficos, sombras metálicas o ahumados, con una estética que combina referencias retro y un interés por los efectos tecnológicos.

La paleta también admite contrastes. Un azul frío puede acompañarse con mejillas rosadas o con piel iluminada, siempre que el resto del maquillaje mantenga una carga visual moderada.

Los verdes y violetas llevan el efecto joya a la mirada

Las sombras esmeralda, amatista, violeta y lila quemado amplían el repertorio más allá de los azules. Son colores para quienes buscan intensidad sin recurrir siempre a la gama de los rojos oscuros.

El verde esmeralda puede aplicarse como sombra plena, delineado o punto de luz en el centro del párpado. Los tonos oliva y musgo ofrecen una versión más apagada, adecuada para maquillajes de día.

Los violetas se mueven entre acabados suaves y empolvados, por un lado, y fórmulas metalizadas o saturadas, por otro. El resultado depende de la cantidad de producto y del contraste con el resto del rostro.

Las sombras joya se benefician de texturas construibles. Una capa ligera funciona como destello de color, mientras varias capas elevan la cobertura y el brillo para una propuesta de noche.

El lila también se incorpora a los neutros. Un malva apagado puede combinarse con taupes, rosas empolvados y marrones fríos sin que el maquillaje pierda sobriedad.

Los rojos clásicos y los nude sepia conviven en los labios

El rojo mantiene su vigencia durante la temporada, aunque convive con vinos, ciruelas y marrones. Los rojos brillantes aportan contraste a los rostros casi desnudos, mientras las versiones profundas se acercan al universo del burdeos.

Las fórmulas satinadas y cremosas cobran relevancia por su capacidad para dar color sin acentuar demasiado la textura de los labios. Los mates continúan presentes, con una búsqueda mayor de comodidad e hidratación.

Los tonos nude también tienen un papel relevante. Los beiges profundos, los rosa-marrón, los taupes y los sepias equilibran sombras azules, verdes, metálicas o burdeos.

El rosa-marrón se instala como una alternativa versátil para quienes no desean un labial oscuro. Puede llevarse con delineado suave, acabado satinado o textura mate, según el contraste buscado.

Los neutros cálidos funcionan como puente entre los labios intensos y los ojos llamativos. Permiten que una sombra joya o un delineado azul concentre el protagonismo del maquillaje.

Los rosas y lavandas ofrecen una opción monocromática

Los rosas empolvados, magentas suaves y lavandas cremosos introducen una lectura más ligera de la temporada. Estos tonos se aplican de manera coordinada en ojos, mejillas y labios, con distinta intensidad en cada zona.

La propuesta monocromática no busca uniformidad absoluta. El objetivo es mantener una misma familia de color, con un rubor más transparente, una sombra tenue y un labial algo más definido.

Los lavandas funcionan especialmente bien en acabados satinados o nacarados. Un toque de brillo permite que el color se vea más luminoso sin perder su carácter frío.

Los fucsias también aparecen en la paleta, aunque reservados para propuestas de mayor impacto. Pueden usarse en labios o como acento en los ojos, acompañados por una piel limpia y poco recargada.

El otoño-invierno 2026 se define, en definitiva, por el contraste entre bases luminosas y pigmentos expresivos. El burdeos, el cacao y los tonos joya serán los ejes de una temporada que permite alternar entre sobriedad, nostalgia y color.

La alfombra roja de Vogue World 2026 reunió en Milán a intérpretes, modelos y figuras de la moda con propuestas vinculadas a la tradición italiana. En la Galería Vittorio Emanuele II, el negro funcionó como eje de varios estilismos.

Cada invitado lo llevó hacia códigos distintos: desde el vestido de noche de Jennifer Lopez hasta el minivestido de Chisa. La quinta edición del encuentro puso el foco en la artesanía y en el diálogo entre el legado de las casas italianas y las nuevas formas de vestir.

La selección de invitados dejó ver siluetas de líneas definidas, accesorios de presencia medida y una preferencia por construcciones que alternaron la sastrería con la ropa de noche.

La cita se celebró este martes, en el inicio de la Semana de la Moda de Milán, y convirtió el histórico pasaje comercial en escenario de una pasarela y de la llegada de sus asistentes.

Monica Bellucci apostó por un registro nocturno de líneas sobrias

Monica Bellucci se sumó a la alfombra roja con una propuesta que se mantuvo dentro de un registro nocturno y de presencia contenida. El conjunto privilegió una silueta alargada y un tratamiento oscuro, una elección coherente con una noche dedicada a las casas y oficios que han definido buena parte de la identidad de la moda italiana.

La actriz prescindió de recursos estridentes y dejó que la construcción de la prenda ordenara el estilismo. El resultado se apoyó en la caída del tejido y en la proporción vertical, con accesorios que acompañaron el conjunto sin desplazarlo. El negro volvió a ser uno de los códigos más repetidos de la alfombra roja, aunque en su caso se presentó desde una lectura clásica.

El peinado y el maquillaje completaron una imagen de acabados pulidos, sin contrastes de color que interrumpieran la unidad visual. Bellucci llevó el look hacia un terreno formal que dialogó con la arquitectura de la Galleria y con el tono de la convocatoria.

Alexa Chung combinó una silueta precisa con accesorios discretos

Para la escritora británica Alexa Chung, la llegada a Vogue World se organizó alrededor de una silueta definida y de elementos que aportaron contraste sin recargar el conjunto. Su look se distinguió por el equilibrio entre la prenda principal y los complementos, con una composición que evitó acumular texturas o colores.

La presentadora y diseñadora de 42 años suele incorporar referencias de distintas décadas en sus apariciones públicas, pero en Milán la lectura se mantuvo controlada. El vestuario se sostuvo en el corte, en el ajuste y en la relación entre las piezas, mientras que los accesorios aportaron un remate funcional.

El resultado se integró en una alfombra roja donde convivieron conjuntos de archivo, diseños actuales y creaciones realizadas para la ocasión.

Jennifer Lopez llevó un vestido negro de Dolce & Gabbana con lentejuelas

Jennifer Lopez llegó con un vestido negro de Dolce & Gabbana construido sobre un corsé y una falda de tul. Las lentejuelas delinearon el cuerpo de la prenda y aportaron brillo sobre la superficie oscura, sin alterar el predominio del negro. La cantante y actriz completó el conjunto con guantes largos transparentes y zapatos de punta.

Las joyas en tonos turquesa introdujeron el principal acento de color. El contraste entre las piedras y el vestido concentró la atención en el escote y el rostro, mientras que el cabello suelto, con ondas, mantuvo una línea más relajada frente a la estructura del corsé. El vestido combinó tul, bordados de lentejuelas y guantes de ópera transparentes.

La elección de Lopez se vinculó de forma directa con la tradición de la firma italiana en la ropa de noche. La intérprete apareció acompañada por los diseñadores durante las llegadas.

Chisa llevó un minivestido negro de Prada y un bolso de malla metálica

El estilismo de Chisa apostó por una escala diferente a la del vestido largo de Lopez. La artista llevó un minivestido negro de Prada con adornos sutiles, una pieza que concentró la atención en el largo corto y en los detalles aplicados sobre la prenda. La elección remite a una lectura más compacta de la ropa de noche, con una silueta que deja visibles las piernas y desplaza el interés hacia los accesorios.

El bolso de malla metálica sumó textura y reflejos al conjunto. Frente al acabado mate del vestido, el metal aportó una superficie móvil que cambió según la luz de la alfombra roja. El contraste entre el vestido negro y el accesorio metálico definió la propuesta de Chisa.

La combinación mantuvo un diálogo con el lenguaje de Prada, que suele trabajar tensiones entre materiales utilitarios, detalles ornamentales y referencias de distintas épocas.

El evento reunió a figuras del espectáculo y la moda como Donatella Versace, Miuccia Prada y Jennifer Lopez. La pasarela se realizó en la Galería Vittorio Emanuele, en Milán, durante la Fashion Week.

Bajo el lema “Where the Future Is Made by the Hand”, cuya traducción es “donde el futuro está hecho con las manos”, la quinta edición de Vogue World planteó un contraste entre la automatización y las técnicas que intervienen en la confección de una prenda.

Los robots caminaron sin ropa, mientras los diseños de Valentino, Versace, Dior y Armani destacaron el valor de la elaboración manual.

Qué es el robot G1 de Unitree

El G1 de Unitree es un robot humanoide de aproximadamente 130 cm de altura y 35 kg de peso con batería. Su estructura cuenta con 23 grados de libertad, que llegan a 43 en la versión G1 EDU.

El modelo incorpora cámaras de profundidad, sensores 3D LiDAR y un conjunto de micrófonos con cancelación de ruido y eco. También tiene un altavoz estéreo de 5 W y una batería extraíble, con una autonomía cercana a dos horas.

El robot puede alcanzar una velocidad de desplazamiento de hasta dos metros por segundo y desarrollar un torque máximo de 120 N·m en sus articulaciones. Además, puede equiparse con una mano de tres dedos con control de fuerza y sensores táctiles opcionales.

Las críticas al desfile en redes sociales

La aparición de los robots provocó reacciones divididas entre los usuarios de redes sociales. Varias personas cuestionaron que la tecnología ocupara un lugar protagónico en un evento que buscaba reivindicar la artesanía y el trabajo humano.

“Esto es horrible, ¿quién pensó que esto era una buena idea?”, escribió una usuaria. Otra comentó: “Literalmente, ¿qué están aplaudiendo?”. Entre los mensajes también apareció una crítica directa a la decisión de incluirlos: “Solo porque puedes, no significa que debas hacerlo”.

Otros usuarios fueron todavía más contundentes. “Nadie quiere esto. Nadie pidió esto. Saca robots del arte inmediatamente”, señaló una internauta. “La muerte de los desfiles de moda justo aquí, gente”, resumió otro comentario sobre la pasarela de Vogue World Milan.

No es la primera que robots aparecen en desfiles

Esta no fue la primera vez que robots incursionaron en el mundo de la moda. En mayo, durante un desfile en Seúl, Corea del Sur, aparecieron modelos robóticos que parecían ser humanoides fabricados por la startup china Unitree, conocidos por su costo relativamente bajo.

Los robots, cada vez más diestros, demostraron que pueden ejecutar bailes coreografiados, participar en carreras e incluso realizar saltos mortales hacia atrás y aterrizar de pie.

También participaron en sesiones fotográficas con figuras como Kim Kardashian, quien protagonizó una producción con Optimus, el robot de Tesla, en 2024.

Vivian Jenna Wilson, modelo y activista de 22 años e hija de Elon Musk, protagonizó en septiembre de 2026 una campaña publicitaria para Desigual en la que interactuó de forma irónica con un robot humanoide similar a Optimus.

En el anuncio de la firma española, Wilson aparece junto a un androide llamado DESI84, cuyo diseño recuerda al robot humanoide de Tesla. Bajo el lema “Él fue diseñado para obedecer, yo no”, la joven desafía a la máquina y pone a prueba sus limitaciones tecnológicas.

La campaña fue interpretada en redes sociales como una indirecta de Wilson hacia la obsesión de Elon Musk con la inteligencia artificial y la robótica. Cabe señalar que la joven y el empresario han roto relaciones desde hace ya un tiempo.

Tomar el relevo de una leyenda viva es una de las tareas más exigentes de Hollywood. Anthony Mackie asumió ese desafío en febrero de 2025, cuando se convirtió en el protagonista absoluto de la saga con el estreno en cines de Capitán América: Un mundo feliz (Captain America: Brave New World). Este miércoles, celebra sus 48 años consolidando su lugar como uno de los referentes de estilo masculino de la industria.

Mackie encarna una transición narrativa y estética dentro de la franquicia. Su recorrido hasta este punto también refleja una evolución de estilo, con elecciones de vestuario que acompañaron su consolidación como figura protagónica en Hollywood.

De actor de reparto a ícono de estilo global

Nacido en Nueva Orleans y formado en la Juilliard School, Mackie construyó una imagen pública en la que la ropa acompaña su presencia frente a cámara. Desde su incorporación al Universo Cinematográfico de Marvel en 2014, el actor ganó proyección internacional. Fuera de la pantalla, las alfombras rojas se convirtieron en otro espacio de definición para su perfil: trajes de líneas limpias, tonos sobrios y elecciones que combinan códigos clásicos con detalles actuales.

Con el paso de Sam Wilson de Falcon a Capitán América, su estilo público también adoptó una imagen más depurada. Las chaquetas utilitarias y los guiños militares, habituales en etapas anteriores, dejaron lugar a conjuntos de sastrería con hombros definidos, pantalones de caída recta y paletas monocromáticas. Mackie suele completar esos looks con camisas abiertas, remeras lisas, zapatillas o mocasines, una fórmula que acerca el traje a un registro más relajado sin abandonar la formalidad.

En sus apariciones recientes, el actor alternó entre el negro, el azul marino, el gris y los tonos tierra, con incursiones puntuales en blanco y colores más intensos. Más que recurrir a estampados o accesorios llamativos, su estilo se apoya en el calce y las proporciones: sacos ajustados, abrigos largos, camisas de cuello amplio y prendas básicas que ordenan el conjunto. Esa regularidad consolidó una identidad reconocible en sus apariciones públicas.

La evolución de su vestidor: del utilitarismo a la alta sastrería

Revisar las constantes de estilo de Anthony Mackie en sus apariciones públicas permite seguir la construcción de una imagen de superhéroe fuera de la pantalla. Su vestuario alterna referencias utilitarias, prendas informales de líneas limpias y trajes que actualizan códigos clásicos.

En sus primeras giras de promoción y apariciones en convenciones, Mackie recurrió con frecuencia a una paleta de verdes, grises, azules y tonos tierra. Una chaqueta de lona verde oliva, con bolsillos de parche y combinada con un suéter de punto en una gama similar, resume esa inclinación por prendas funcionales y de inspiración workwear. La clave no estaba en los accesorios, sino en las capas y en una silueta sobria.

En registros más informales, el actor suele elegir texturas suaves y tonos neutros. Un suéter fino color camel con jeans oscuros muestra una de las fórmulas que más repite: básicos sin logotipos visibles, prendas de buen calce y una paleta contenida. El resultado privilegia la comodidad sin perder definición.

En la premiere mundial de Avengers: Endgame, en abril de 2019, Mackie optó por un traje a cuadros, camisa de cuadros pequeños y corbata de punto. La combinación de patrones y texturas se apartó del traje liso tradicional, aunque mantuvo una gama cromática moderada. Ese recurso permitió sumar contraste sin desplazar el protagonismo de la sastrería.

Durante la presentación de Capitán América: Un mundo feliz en Roma, el 27 de enero de 2025, llevó un traje gris con camiseta gris clara y zapatillas blancas. El conjunto trasladó la sastrería a un registro más informal: reemplazó la camisa y la corbata por prendas básicas, sin abandonar una silueta ordenada.

Para eventos de clima cálido, también puede funcionar un traje de lino a rayas azul marino, combinado con camisa celeste de cuello abierto y pañuelo de bolsillo. Si ese look corresponde a una imagen identificable, vale la pena sumar el nombre del evento y la fecha. Ese dato vuelve más sólido el análisis y evita que la descripción quede aislada

El futuro: Capitán América y un legado con sello propio

Llegar a los 48 años marca la entrada a una etapa de madurez dorada para Anthony Mackie. Su liderazgo en Captain America: Brave New World, donde posa con un clásico traje azul marino, corbata oscura y pin institucional realizando un saludo militar, representa su consolidación definitiva.

Mackie asume el rol con la seguridad de quien sabe vestir el personaje dentro y fuera del plató. Al cumplir 48 años, demuestra que el buen gusto y la elegancia maduran con el tiempo. De los cortes utilitarios a la sastrería de autor, su armario ha evolucionado al mismo ritmo que su estatus en la industria. El nuevo Capitán América no solo lleva el escudo; viste el manto con un estilo impecable.