Una secuencia de vestidos amarillos, abrigos con lunares, piezas de archivo y siluetas de alfombra roja convirtió la promoción de The Love Hypothesis en una revisión de los códigos de las comedias románticas de fines de los años 90 y comienzos de los 2000. Lili Reinhart llevó la nostalgia de las rom-coms a sus apariciones públicas con homenajes a Kate Hudson, Drew Barrymore, Brittany Murphy, Jennifer Garner y Sandra Bullock.

La actriz, protagonista de la adaptación de la novela de Ali Hazelwood que se estrena es miércoles, articuló su gira de prensa alrededor de una idea reconocible: cada atuendo debía remitir a una heroína de cine y a una escena instalada en la memoria pop. El estilista Ib Abdel Nasser recurrió a diseños de archivo, préstamos de marcas y recreaciones para construir ese relato visual.

Lejos de limitarse a repetir prendas famosas, la selección toma elementos puntuales de cada película —un color, una silueta, un abrigo o un gesto de transformación— y los traslada a la lógica de la alfombra roja contemporánea. El resultado es una forma de method dressing que utiliza el vestuario como extensión de la película que Reinhart presenta, aunque las referencias provengan de otros títulos del género.

El vestido amarillo que recuerda a Kate Hudson en Cómo perder a un chico en 10 días

El homenaje más inmediato fue el vestido amarillo manteca que remite al diseño que Kate Hudson llevó como Andie Anderson en Cómo perder a un chico en 10 días, estrenada en 2003. En la película, ese vestido acompaña una de las escenas finales y condensa una fórmula que muchas rom-coms instalaron en pantalla: la protagonista deja atrás el uniforme cotidiano y aparece con una prenda de noche de alto impacto.

Para Reinhart, Abdel Nasser encontró una réplica de época de Caché del vestido original, que Carolina Herrera realizó junto a la diseñadora de vestuario Karen Patch. El amarillo manteca, la espalda descubierta y la caída fluida concentran el peso visual del conjunto.

La elección evita una reconstrucción literal. El interés está en rescatar la función narrativa de la prenda: un vestido que altera la percepción de un personaje dentro de una escena. En una gira de prensa, esa referencia traslada el momento de revelación de la ficción al circuito de estrenos, fotografías y entrevistas.

El vestido de Rodarte y la fantasía de Drew Barrymore en Por siempre jamás

La actriz retomó el imaginario de Por siempre jamás: una historia de Cenicienta, la película de 1998 protagonizada por Drew Barrymore. Para ello, usó un vestido personalizado de Rodarte inspirado en el vestuario original de Jenny Beavan.

La silueta de talle imperio, las mangas transparentes y los cristales llevaron la referencia hacia una estética de época. El diseño se apoyó en una paleta clara y en una construcción que evoca el Renacimiento sin convertir el conjunto en un disfraz histórico. Esa diferencia resulta central: la propuesta preserva las líneas del traje cinematográfico, pero las adapta al lenguaje de una aparición pública actual.

La cintura elevada y las aplicaciones brillantes ordenan la composición. La primera marca la silueta sin recurrir a estructuras rígidas; las segundas introducen luz en la parte superior de la prenda. El resultado remite a Danielle de Barbarac, el personaje de Barrymore, desde una lectura más contenida que la del vestuario de la película.

El peinado y los accesorios, según la lógica de este tipo de homenaje, deben mantenerse en un segundo plano. En un vestido con mangas, pedrería y referencias de época, una joyería excesiva habría competido con el trabajo de la tela. La atención queda sobre la construcción del cuerpo y la relación entre transparencia y brillo.

El archivo de Elie Saab que dialoga con Brittany Murphy en Pequeñas grandes amigas

Para el estreno neoyorquino de la película, Reinhart eligió un vestido de la colección de alta costura primavera 2004 de Elie Saab. La prenda, en tonos pastel, combinó drapeados suaves, aplicaciones florales verde menta y una cola que extendía la silueta sobre la alfombra roja.

El atuendo fue asociado con el vestido de Blumarine que Brittany Murphy usó en Pequeñas grandes amigas, estrenada en 2003. Más que una copia de aquella prenda, el look recupera una sensibilidad visual propia de la primera década del milenio: capas ligeras, flores aplicadas, tonos dulces y una femineidad que se aleja del minimalismo absoluto.

Los apliques florales y el drapeado translúcido son el foco de atención. Las flores no aparecen como un estampado plano, sino como relieves que dan volumen a la superficie. La cola, por su parte, transforma un código asociado a los vestidos de fiesta juveniles de los años 2000 en un recurso de alta costura.

El peinado debía acompañar esa dirección sin endurecerla. Una terminación demasiado estructurada habría roto la continuidad del vestido; una propuesta suave permite conservar el tono romántico de la referencia. Es una decisión de estilismo que muestra cómo el archivo puede actualizarse sin perder su contexto.

El vestido lencero y el abrigo con lunares que recuperan Si tuviera 30

En una salida por Nueva York, Reinhart evocó a Jennifer Garner en Si tuviera 30. El punto de partida fue el abrigo de lunares con vivos marrones diseñado por Nanette Lepore que aparece cuando Jenna Rink sale de su departamento todavía en ropa interior.

La actriz combinó esa pieza con un vestido lencero de encaje de Fleur du Mal y gafas de Elisa Johnson. El contraste entre lencería, abrigo estructurado y gafas oscuras activa uno de los arquetipos más frecuentes de la comedia romántica urbana: la protagonista que atraviesa la ciudad en medio de una situación imprevista, con un vestuario que mezcla vulnerabilidad y determinación.

El abrigo funciona como el centro de la propuesta. Sus solapas marcadas y el ribete oscuro introducen orden sobre la fluidez del vestido lencero. Los lunares, en cambio, aportan un tono juguetón que conecta con la estética de 2004 sin convertir el conjunto en una pieza de época.

El beauty look requiere precisión en este tipo de estilismo. Un maquillaje neutro y un peinado sin excesos sostienen la idea de una escena tomada de la calle, mientras que los accesorios conservan una escala reducida. La referencia cinematográfica se entiende por la prenda principal, no por una acumulación de guiños.

El vestido lila de Hervé Léger y la transformación de Sandra Bullock

El 19 de septiembre, Reinhart usó un vestido personalizado de Hervé Léger en homenaje al célebre diseño lila de Sandra Bullock en Miss Congeniality, la película de 2000. La referencia corresponde a la escena en la que el personaje de Gracie Hart, una agente del FBI, atraviesa una transformación estética antes de infiltrarse en un concurso de belleza.

El vestido original se convirtió en uno de los emblemas de la moda de comienzos de milenio por su construcción de bandas ajustadas, conocida como bandage dress. La versión de Reinhart mantuvo ese código a través de una silueta ceñida, color lavanda y una estructura que dibuja el cuerpo mediante líneas horizontales.

La tensión entre el lila pastel y la construcción ajustada define el impacto del conjunto. El tono conserva una apariencia suave, mientras que el patronaje introduce una imagen más decidida y gráfica. Esa oposición explica por qué el vestido sigue siendo una referencia: reúne la sensualidad de la alfombra roja con un elemento narrativo de transformación.

En este caso, el peinado y el maquillaje cumplen una función de equilibrio. El vestido contiene suficiente información visual a través del color y de las bandas, por lo que los complementos deben acompañar sin desplazar el foco. Reinhart cierra así una serie de homenajes que devuelve al centro un aspecto decisivo de las comedias románticas: la capacidad de un vestuario para contar una historia antes de que el personaje diga una palabra.

Los mocasines con borlas regresan a las pasarelas de otoño-invierno 2026 y desplazan a las siluetas minimalistas que dominaron las últimas temporadas.

El calzado que antes se asociaba al vestir formal masculino se reinterpreta ahora en versiones femeninas, con tacón y detalles ornamentales.

La tendencia surgió primero como fenómeno de calle y después escaló a las pasarelas internacionales. Ya no se trata únicamente del mocasín tradicional en piel lisa: aparecen versiones con borlas, flecos, siluetas fruncidas y materiales suaves que reemplazan la formalidad del diseño clásico.

El “zapato de abuelo” se consolida como estética de temporada

El fenómeno se conoce popularmente como “grandpa shoes” (zapatos de abuelo) y agrupa mocasines, zapatos náuticos y modelos de cordón que comparten un aire práctico y desenfadado.

La categoría avanzó durante las últimas temporadas hasta consolidarse en las colecciones de otoño-invierno 2026.

Los diseñadores retoman formas inspiradas en el vestir masculino pero las llevan a un terreno casual: suelas más gruesas, cortes menos rígidos y combinaciones con prendas informales como jeans, faldas cortas o vestidos.

Los zapatos de cordón cerrado y los de cordón abierto, dos variantes clásicas del calzado masculino, también ganaron presencia en la temporada. Una versión del zapato náutico forrada en piel de borrego apareció entre las propuestas más comentadas.

El mocasín se reinventa con tacón y detalles ornamentales

El mocasín, un básico permanente del otoño, se transforma esta temporada con la incorporación de tacón.

Según Elle, varias colecciones mostraron pares con un aire casi barroco, alejados de la sobriedad tradicional del modelo plano.

La combinación sugerida para esta variante incluye calcetines fruncidos o medias de color, una fórmula que busca acercar el zapato a un uso cotidiano sin perder el efecto de vestir.

También se documentaron mocasines combinados con pantalones de piel, faldas y vestidos, lo que confirma la versatilidad del modelo esta temporada.

Las borlas, un detalle que en décadas anteriores se asociaba al vestir formal masculino, regresan como elemento decorativo en versiones pensadas para el uso diario. El color marrón y el ante se mantienen como los materiales dominantes de la temporada.

El zapato derby completa el regreso del calzado clásico masculino

La tendencia del mocasín convive con el regreso de otro calzado de raíz masculina: el derby, antes asociado al vestir de oficina y ahora reposicionado como una de las piezas más buscadas del otoño, de acuerdo con Grazia.

Las pasarelas de otoño-invierno 2026 confirmaron lo que ya se veía en la calle. Aparecieron brogues de cuero de corte clásico junto con derbies desgastados y agujetas de colores contrastantes, un detalle que le da a la pieza un registro más irreverente.

Otras propuestas optaron por una lectura más ornamental, con modelos de cordón que incorporan bordados delicados y transforman la pieza utilitaria en un objeto casi decorativo.

Cómo combinar el mocasín con borlas en looks de temporada

El mocasín con borlas funciona como pieza de transición entre el look formal y el casual. Con pantalón de vestir y calcetín visible aporta un aire preppy sin caer en lo excesivamente clásico.

Combinado con jeans de corte recto y una camisa oversize, el zapato equilibra la silueta y suma un toque de sastrería a un outfit informal.

La versión en ante marrón funciona bien con tonos tierra, mientras que el modelo en piel negra combina con prendas de vestir en gris o azul marino.

Con falda midi o vestido, el mocasín reemplaza a la bailarina como opción de calzado plano y aporta un giro más estructurado al conjunto.

El mocasín se posiciona como alternativa a la bota en climas templados

Los calcetines gruesos o las medias de color son el complemento habitual para llevarlo en temporada de frío, tanto en propuestas de pasarela como en el uso cotidiano.

La combinación de este calzado con abrigos largos y pantalones de pinza también gana terreno como alternativa a la bota, sobre todo en climas templados donde no se necesita un zapato cerrado hasta el tobillo.

En ciudades como la Ciudad de México, donde las temperaturas de otoño-invierno rara vez bajan a extremos, el mocasín funciona como opción de calzado que no sacrifica el abrigo del look.

La convivencia de estas propuestas confirma que no existe una única forma de llevar el calzado esta temporada.

El mocasín, el derby y el zapato de cordón comparten protagonismo con siluetas que van de lo minimalista a lo ornamentado, en una temporada donde el calzado clásico se impone sobre las tendencias más experimentales de años anteriores.

El cumpleaños 54 de Liam Gallagher, cada 21 de septiembre, ofrece una excusa precisa para revisar un código de vestimenta que sobrevivió a las modas rápidas y a las etapas de su propia carrera. El cantante de Oasis convirtió el abrigo técnico, la parka y el gorro de pescador en una silueta identificable desde los años noventa.

No se trata de un guardarropa construido para el cambio constante, su fuerza está en la repetición de unas pocas prendas y en la continuidad entre la calle, el estadio y el escenario.

Nacido en 1972 en Mánchester, Gallagher llega a esa edad con un repertorio visual que sigue dialogando con el regreso de Oasis a los escenarios y con la cultura británica de hinchadas, pubs y música. Su indumentaria suele leerse bajo la etiqueta casual, aunque esa definición resulta insuficiente.

En su caso, el estilismo organiza referencias del mod, la ropa deportiva, el terrace wear, vinculado a las tribunas de fútbol inglesas, y la investigación textil italiana.

La parka funciona como la pieza central de su uniforme

La prenda exterior ordena casi todos sus conjuntos. Parkas, anoraks, chaquetas de campaña y abrigos con capucha aparecen sobre remeras lisas, polos, buzos de cuello alto o camisetas de fútbol.

La preferencia tiene una dimensión práctica, asociada al clima del norte de Inglaterra, pero también una función escénica.

Una parka amplia prolonga la figura cuando el cantante se ubica inmóvil frente al micrófono y le da volumen a una postura que ya es parte de su imagen pública.

En vez de usar la chaqueta como un detalle que acompaña al resto, Gallagher la vuelve el punto de partida. Los tonos elegidos, verde militar, caqui, azul marino, gris y negro, mantienen el conjunto en una gama contenida.

Ese método permite que cambie de marca o de época sin desarmar el código. Una prenda de archivo convive con zapatillas deportivas y pantalones rectos porque la silueta permanece estable.

La conexión con Stone Island explica buena parte de esa lógica. La marca italiana lo eligió para su campaña otoño-invierno 2024-2025, fotografiada por David Sims. Allí llevó una Jock-23 de archivo de 1983-1984, una chaqueta con recubrimiento de PVC y bolsillos frontales amplios.

La elección vinculó al músico con una casa cuya identidad se apoya en los tratamientos de materiales, las prendas utilitarias y la funcionalidad cotidiana. La firma presentó esas piezas como un puente entre su archivo y la colección vigente.

La constancia de Gallagher no depende de usar siempre la misma prenda, sino de reiterar la misma idea de abrigo. Ahí radica la diferencia entre un vestuario reconocible y un disfraz de nostalgia.

La chaqueta tiene bolsillos, cierre, capucha y una presencia material que desplaza a la remera gráfica o al accesorio llamativo. Las insignias, cuando aparecen, son discretas: el parche de brújula de Stone Island funciona como una señal de pertenencia antes que como exhibición de logotipo.

Anoraks y tejidos técnicos llevan la ropa de tribuna al escenario

El anorak tiene una importancia particular porque condensa dos registros. Su construcción remite a ropa para la intemperie; su circulación, en cambio, se consolidó en escenas urbanas y futboleras del Reino Unido.

Gallagher lo usa sin ironía y evita estilizarlo con piezas formales. Por eso la prenda conserva su origen utilitario incluso cuando aparece en una sesión de moda o una alfombra roja.

Ese enfoque se aleja de la sastrería ajustada y del lujo visible que dominaron varias etapas de la moda masculina. La elección favorece el movimiento y la protección climática.

También transmite una cercanía con el vestuario de su público: zapatillas, polos Fred Perry, jeans relajados y camperas técnicas son referencias que no exigen una lectura especializada para ser reconocidas.

El gorro de pescador baja el conjunto a escala cotidiana

El bucket hat o gorro de pescador es el accesorio que termina de fijar la silueta. Su copa blanda y ala corta contrastan con el peso de la parka y alejan el atuendo de una lectura militar literal.

En la tradición británica, el modelo pasó de la ropa de lluvia a la cultura casual y a la música popular. En Gallagher funciona como un elemento de repetición, comparable a sus anteojos de sol: reduce la necesidad de inventar una imagen nueva para cada aparición.

Los gorritos de lana cumplen una tarea parecida en los meses fríos. Junto con el corte de pelo corto y las patillas, mantienen el foco en el rostro sin convertirlo en una imagen pulida. El accesorio no busca sofisticar el look, sino conservar su carácter cotidiano.

Esa decisión es clave para entender por qué su estilo se replica con facilidad: parte de prendas disponibles en tiendas deportivas o de trabajo, aunque algunas de sus versiones actuales pertenezcan al segmento de lujo.

La clave está en que el atuendo acompaña una identidad artística anterior a las redes sociales y a la aceleración del ciclo de consumo. Su influencia no depende de una prenda única ni de un logo específico.

Depende de haber sostenido, durante más de tres décadas, una relación coherente entre la canción, la ciudad de origen, el fútbol y una forma concreta de vestirse para el clima británico.

Penélope Cruz eligió un vestido de corsé negro con bordados y pedrería para regresar a la alfombra roja del Festival de San Sebastián, donde presentó la película “The Invite”, dirigida por Olivia Wilde.

La actriz española asistió a la cita con un diseño de alta costura de Miss Sohee, perteneciente a la colección primavera-verano 2026 de la firma fundada por la diseñadora surcoreana Sohee Park.

La pieza reunió dos de los códigos que definen a la casa: una silueta estructurada y una superficie cubierta de aplicaciones artesanales.

El corsé palabra de honor definió el vestido

El modelo partía de una base negra, ajustada al cuerpo y sin tirantes. La parte superior se construyó con un corsé de líneas marcadas y frunces en el escote, mientras que los bordados del busto sumaron reflejos dorados y plateados.

La falda corta concentró gran parte del trabajo ornamental. Las aplicaciones dibujaban motivos florales sobre el tejido oscuro y contrastaban con la forma precisa del cuerpo del vestido. La combinación de una base sobria y una decoración concentrada marcó el efecto joya del diseño.

Los accesorios mantuvieron la paleta en negro

Cruz completó el estilismo con un bolso de mano negro y sandalias de tiras con plataforma y tacón alto. El calzado incorporaba detalles brillantes y un lazo que acompañaba el tono ornamental de la prenda sin sumar otros colores.

La intérprete también llevó pendientes de gran tamaño y una pulsera, dos elementos que reforzaron el brillo de los bordados. Las joyas prolongaron los reflejos metálicos presentes en el vestido.

Para el peinado, eligió el cabello suelto a la altura de los hombros, con volumen. El maquillaje puso el foco en los ojos con sombras oscuras, mientras que los labios quedaron en un tono nude. La elección sostuvo el contraste entre la mirada marcada y el negro del conjunto.

La presencia de Penélope Cruz en el certamen vasco se produjo tras su paso por Venecia y Toronto, donde presentó otros proyectos cinematográficos. En San Sebastián, The Invite formó parte de la programación de Perlak.

Más looks de Penélope Cruz

Plumas blancas y pedrería

Penélope Cruz llevó un vestido blanco de silueta entallada, con escote recto y una superficie cubierta de textura brillante. El diseño incorporó plumas en los hombros, los laterales y la falda, mientras que un collar dorado y varias joyas completaron el conjunto. La actriz lució el cabello recogido, con flequillo y algunos mechones sueltos alrededor del rostro.

Un vestido negro de líneas depuradas

Para el Festival Internacional de Toronto la actriz eligió un vestido negro de tirantes finos, escote amplio y corte ajustado al cuerpo. El conjunto quedó acompañado por un collar de diamantes, anillos y una manicura roja. Su cabello, a la altura de los hombros y con flequillo, aportó un contraste con la estructura sencilla del vestido.

Rojo y textura en la alfombra

Penélope Cruz apareció en el Festival Internacional de Venecia con un vestido rojo de tirantes finos, escote recto y silueta ceñida. La prenda incorporó una franja de textura en la parte superior de la falda y una abertura lateral que dejó visible una de sus piernas. La actriz sumó joyas, maquillaje en tonos neutros y zapatos de tacón del mismo color.

Negro con plumas y volumen

La actriz llevó al Festival Internacional de Venecia un vestido negro de tirantes, con detalles de plumas en el escote y sobre uno de los hombros. La falda cayó hasta el suelo y formó una silueta amplia, acompañada por sandalias negras de plataforma. Cruz llevó el cabello suelto, con gafas de sol apoyadas sobre la cabeza y joyas discretas.

Un diseño celeste con aplicaciones

Penélope Cruz lució en la premiere de “The Invite” en Los Ángeles un vestido celeste de tirantes finos, con aplicaciones en forma de pétalos y pequeños elementos brillantes alrededor del escote y la cintura. La falda sumó capas de tejido ligero y detalles superpuestos que ampliaron el volumen de la prenda. La actriz llevó el cabello recogido, con mechones sueltos y pendientes largos.

Maye Musk tiene 76 años, una carrera como modelo que resurgió en la tercera edad y una historia personal marcada por años de precariedad.

El 16 de septiembre se sentó frente a la conductora Gayle King en CBS Mornings y habló de su hijo, de su pasado y del libro en el que los pone por escrito.

La entrevista llegó en un momento particular para la familia. Elon Musk acaba de convertirse en el primer trillonario de la historia tras llevar SpaceX a la bolsa, y arrastra al mismo tiempo un historial reciente de controversias: su paso por el Departamento de Eficiencia Gubernamental (DOGE) y su ruptura pública con Donald Trump le dejaron una imagen polarizada.

La modelo apuntó contra quienes atacan a Elon y aseguró que actúa en beneficio del mundo

Maye fue directa al hablar del impacto público que tiene su hijo. “Solo quiere hacer el bien en el mundo, pero eso significa que pisas muchos callos”, afirmó Maye Musk.

Las críticas que recibe Elon, aseguró, provienen muchas veces de personas que ni siquiera lo conocen. “La gente es cruel. Y son extraños, o no son personas con logros propios, y aun así lanzan insultos”, sostuvo.

Para la modelo, su hijo tiene un objetivo claro. “Hace lo que es mejor para Estados Unidos y lo que es mejor para el mundo”, aseguró Maye. Y agregó: “Y si no nos gusta, siempre queda ir a Marte”, en referencia al proyecto de colonización marciana de SpaceX.

El paso de Elon Musk por el gobierno y su ruptura con Trump

Elon Musk fue una figura central durante los primeros meses del segundo mandato del presidente Donald Trump, al frente del DOGE. Su gestión fue polémica: según CBS News, desmanteló organismos públicos, redujo fondos para programas sociales y recortó ayuda al exterior.

Poco después de alejarse del gobierno, Musk atacó públicamente a Trump a través de las redes sociales y cuestionó la llamada “One Big Beautiful Bill”, la ley impulsada por el mandatario. La respuesta de Trump fue inmediata y la relación entre ambos se quebró.

Sin embargo, según informó el medio, los vínculos entre los dos hombres parecen haberse reconstituido recientemente.

El propio Musk reconoció en diciembre de 2025 que probablemente no repetiría la experiencia en DOGE.

El empresario se convirtió en el primer trillonario de la historia

Tras su salida, Musk no frenó su actividad. Respaldó candidatos republicanos en las elecciones de medio término y promovió la construcción de centros de datos.

El paso decisivo fue llevar a SpaceX a la bolsa de valores, un movimiento que lo catapultó a una categoría sin precedentes: la de primer trillonario de la historia, es decir, la primera persona en superar el billón de dólares en riqueza personal (USD 1.000.000.000.000).

De un departamento de un dormitorio a las portadas de Sports Illustrated

El otro eje de la entrevista fue la propia historia de Maye Musk. En su memoria Timeless, la modelo relata los años más duros de su vida: la salida de un matrimonio que ella misma describe como abusivo, con tres hijos pequeños a cargo. La familia emigró de Sudáfrica a Canadá, donde comenzó de cero.

Las condiciones iniciales fueron precarias. Maye y sus hijos vivieron en un departamento de un solo dormitorio y, tal como ella misma lo recordó, “dormimos en muchos sillones y pisos”. La modelo cursó su primer posgrado mientras trabajaba como dietista y criaba a sus hijos al mismo tiempo.

Cuando les preguntó por qué nunca se quejaron, la respuesta fue contundente: “Dijeron: ‘¿Si nos quejábamos, nos ibas a escuchar?’ Y yo les dije que no”, relató Maye en declaraciones a CBS News.

A los 70 años llegó el reconocimiento que la industria de la moda no le había dado antes

Décadas después de aquellos años de esfuerzo, los hijos de Maye Musk le compraron un departamento en Nueva York. Esa estabilidad le abrió una nueva etapa.

Había trabajado como modelo desde su adolescencia, pero fue recién a partir de los 70 cuando su carrera alcanzó un nivel de visibilidad inédito.

Desfiló en pasarelas internacionales, apareció en las principales revistas del mundo y en 2022 se convirtió en la mujer de mayor edad en aparecer en la portada de Sports Illustrated. “Te volvés más sabia y podés decir que no. Cuando sentís que algo es para vos, podés ponerte al frente”, afirmó.

Sophia Loren cumple 92 años este domingo con un archivo de moda que conserva vigencia más allá de las temporadas. Vestidos de silueta marcada, sastrería negra, joyas de gran tamaño, gafas oscuras y una mirada subrayada por el maquillaje componen un repertorio nacido entre Cinecittà y Hollywood, que todavía funciona como referencia en pasarelas, alfombras rojas y guardarropas cotidianos.

La actriz nació en Roma en 1934 y construyó, desde la pantalla y fuera de ella, una identidad visual reconocible que sigue funcionando como referencia para estilistas, diseñadores y celebridades.

Su relevancia en la moda no depende de una tendencia puntual ni de una colección reciente. Se sostiene en una manera precisa de vestir: prendas que acompañan la silueta sin borrar su presencia, una paleta que alterna negro, blanco, rojo y tonos joya, y accesorios que completan el conjunto sin competir con él.

A sus 92, Sophia Loren conserva un lugar particular en el imaginario de la moda porque sus looks continúan ofreciendo soluciones concretas para el vestir de gala y para el guardarropa cotidiano.

La silueta italiana fue el centro de su lenguaje visual

La carrera de Loren se desarrolló entre la Italia de posguerra, los estudios de Cinecittà y Hollywood. Esa circulación definió una imagen que combinó la tradición de la alta costura italiana con el poder de difusión del cine estadounidense.

En los años 50 y 60, sus apariciones consolidaron una fórmula que aún se replica: escotes estructurados, cinturas marcadas, faldas tubo o amplias, guantes largos y abrigos de líneas limpias.

En pantalla, el vestuario no funcionaba como un detalle secundario. En películas como La millonaria, Arabesco, Matrimonio a la italiana y Ayer, hoy y mañana, la ropa ayudó a delinear personajes de distintas clases sociales y temperamentos.

El vestuario convirtió la forma de vestir en una extensión narrativa de sus papeles, con piezas de alta costura en sus producciones internacionales y prendas de aire popular en sus relatos ambientados en Nápoles.

Su figura también cuestionó un molde dominante en la industria. Antes de consolidarse como estrella, algunos observadores de Hollywood consideraban que sus rasgos se alejaban de los cánones de la época.

Loren no modificó su apariencia para adaptarse a ese esquema. Su pelo oscuro, las cejas marcadas y la boca amplia pasaron a ser parte de una imagen pública que priorizaba la identidad antes que la homogeneidad.

El negro, las gafas y las joyas definieron su uniforme fuera del set

Lejos de los estrenos, Loren hizo de ciertos básicos una firma personal. Las fotografías de calle muestran conjuntos negros, faldas rectas, blusas de rayas, zapatos de taco medio, pañuelos y gafas de sol de gran tamaño.

El resultado no exigía abundancia de elementos: la construcción del look descansaba en proporciones definidas y accesorios elegidos con intención.

Las gafas de montura amplia y los aros de gran formato son dos de los recursos más asociados a la actriz. En su vestuario, ambos elementos cumplían una función práctica y visual.

Las gafas aportaban privacidad en los desplazamientos y reforzaban una imagen de estrella; los pendientes iluminaban el rostro y mantenían el foco en el maquillaje de ojos. La fórmula sigue presente en editoriales, campañas y apariciones de celebridades.

El negro ocupó un lugar central en ese repertorio. Loren lo utilizó en vestidos de noche, abrigos, tejidos de punto y conjuntos de día, casi siempre acompañado por dorado, blanco o un acento rojo. La elección permitía que el corte y el cuerpo de la prenda fueran visibles sin depender de estampas.

En una época marcada por cambios veloces en las tendencias, su uso del negro confirmó el valor de un armario basado en piezas duraderas y reconocibles.

Las casas italianas encontraron en Loren una imagen internacional

La relación de Loren con la moda italiana fue estrecha desde el inicio de su carrera. Diseñadores como Emilio Schuberth, Pierre Balmain y Christian Dior participaron en el vestuario de algunas de sus apariciones cinematográficas o públicas.

Más adelante, su imagen quedó vinculada a Valentino y Giorgio Armani, dos nombres que entendieron el peso internacional de la actriz y su capacidad para sostener prendas de líneas depuradas y gran presencia escénica.

La influencia también llegó a firmas que recuperaron una visión mediterránea de la feminidad. Campañas, colecciones y producciones de moda han vuelto una y otra vez a referencias presentes en su archivo: el corsé reinterpretado, el vestido negro de escote amplio, los estampados florales, el encaje, el abrigo de piel usado en las décadas en que era habitual en la industria y el pañuelo anudado al cuello.

El vínculo no es una reproducción literal, sino una revisión de códigos que ella hizo identificables. Esa continuidad se percibe, además, en actrices como Monica Bellucci y Penélope Cruz, cuyas apariciones públicas han dialogado en distintas ocasiones con la estética del cine italiano clásico. La referencia suele aparecer en peinados con volumen, delineado intenso, vestidos ajustados y joyería visible.

La moda contemporánea toma de Loren menos una prenda específica que una forma de componer el conjunto con seguridad y economía de recursos.

Un Oscar consolidó una imagen que trascendió las alfombras rojas

En 1962, Loren recibió el Oscar a mejor actriz por Dos mujeres, de Vittorio De Sica. Fue la primera intérprete en ganar esa categoría por una actuación en una lengua distinta del inglés.

El reconocimiento amplió su proyección más allá de la etiqueta de estrella glamorosa y la vinculó con una filmografía de registros diversos, desde la comedia hasta el drama social.

Ese recorrido explica por qué su estilo conserva fuerza. Las imágenes de Roma, Nápoles, los festivales de cine y los grandes estrenos muestran a una artista que no separó del todo el personaje público de su herencia cultural.

Su vestuario remitía a la sastrería, al cine y a la vida urbana italiana, sin necesidad de convertir cada aparición en una exhibición de tendencias.

Kolb, director ejecutivo de la principal asociación comercial de la moda estadounidense, comunicó su decisión pocos días después de que los videos del incidente circularan en redes sociales. Se encontraba de licencia mientras la organización investigaba lo sucedido.

“Después de veinte años al frente del CFDA, he tomado la difícil decisión de renunciar como CEO y presidente. Estoy enormemente orgulloso de lo que hemos construido juntos y creo que este es el momento adecuado, tanto para mí como para la organización, para comenzar una nueva etapa”, declaró Kolb.

Kolb destacó el trabajo colectivo en el CFDA

En su mensaje de despedida, el presidente dijo que, durante su gestión, la organización fortaleció sus finanzas, amplió sus programas, alianzas, becas e iniciativas filantrópicas, y respaldó a nuevas generaciones de diseñadores.

Asimismo, subrayó el impulso a la sostenibilidad, la inclusión de creativos de comunidades subrepresentadas y la proyección internacional de la Semana de la Moda de Nueva York.

No obstante, añadió que esos resultados “no fueron obra de una sola persona” y agradeció a los miembros, diseñadores, directivos, empleados, socios y colaboradores del CFDA.

“Dejar esta organización después de veinte años es muy emotivo, pero me siento muy orgulloso de lo que logramos juntos y confío en el futuro del CFDA. Ha sido uno de los mayores privilegios de mi vida servir a esta comunidad”, concluyó.

El video mostró a Kolb intentó inmovilizar a dos activistas de PETA

El incidente se produjo después de que PETA iniciara una investigación sobre granjas vinculadas a H&M Group, matriz de Cos, en la que denunció presuntos indicios de maltrato animal durante la esquila.

El grupo H&M respondió que toma en serio las acusaciones y que toda su lana cuenta con la certificación del Estándar de Lana Responsable, un sistema independiente administrado por Textile Exchange, precisó Vogue.

El domingo 13 de septiembre, durante el desfile de COS, dos empleados de PETA intentaron interrumpir la pasarela para protestar contra el uso de lana de oveja en la indumentaria.

En las imágenes, Kolb aparece mientras cubre la boca de Andrija Barak y lo inmoviliza en el suelo con los brazos y una pierna. En otra secuencia, empuja a Mason Melito y le tapa la boca.

De acuerdo con The New York Times, el video del altercado superó las 500.000 reproducciones. Las reacciones de usuarios e integrantes del sector cuestionaron la conducta del dirigente, de 64 años.

El día posterior, Kolb pidió disculpas en Instagram y explicó que su reacción no representaba su conducta habitual: “Lo que sucedió fue totalmente impropio de mí, tanto a nivel personal como en mi rol de líder. Francamente, no reconozco a esa persona”.

Al mismo tiempo, indicó que consultaría a un profesional para impedir que un hecho similar se repitiera.

El CFDA no anunció quién sucederá a su presidente ejecutivo

Steven Kolb se incorporó al Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos en 2006 y asumió como director ejecutivo en 2011, reportó Vogue.

La organización respalda a diseñadores y marcas estadounidenses, promueve la Semana de la Moda de Nueva York y desarrolla iniciativas como el CFDA/Vogue Fashion Fund y los premios CFDA.

El CFDA no designó un reemplazo aún. La junta directiva, presidida por Thom Browne, cuenta con figuras como Tory Burch, Ralph Lauren, Michael Kors y Diane von Furstenberg.

En un comunicado recogido por Vogue señaló que fue “un líder dedicado y un defensor incansable de la moda estadounidense” durante más de dos décadas en la entidad, incluidos 15 años como director ejecutivo.

“Respetamos la decisión de Steven de dar un paso al costado y le agradecemos sus muchos años de liderazgo y servicio al CFDA y a nuestra industria”, manifestó la junta.

PETA mantendrá una reunión con Kolb por el uso de lana y pieles

Moira Colley, directora sénior de relaciones con los medios de PETA en Nueva York, había contado que la organización buscaba reunirse con Kolb para abordar el abandono de la lana y las pieles animales en la indumentaria.

El grupo evaluó presentar una denuncia policial por el altercado, pero desistió de esa opción luego de acudir a la policía y consultar con abogados, informó Associated Press.

Tras conocerse la renuncia, PETA aseguró que aún planeaba reunirse con el exdirectivo y expresó su confianza en que otros referentes de la industria adopten “medidas significativas para detener esta epidemia de crueldad hacia los animales”.

La organización también reconoció la participación previa de Kolb en la prohibición de las pieles en los desfiles del calendario del CFDA.

Las protestas continuaron durante la semana: el jueves, manifestantes irrumpieron en un desfile de H&M en Londres con carteles que cuestionaban el uso de lana. El personal de seguridad los retiró sin que sucedieran nuevos incidentes, según The New York Times.

“Mi adicción cambió de las drogas y el alcohol a la ropa, lo que es más saludable y no me meterá en problemas con Ayda”, admitió Williams en declaraciones recogidas por The Sunday Times. El músico, que hace 25 años aseguraba detestar la moda por considerarla “pretenciosa y tonta”, reconoció que hoy se identifica plenamente con ese mundo.

El artista de Stoke-on-Trent describió su actual estilo como deliberado y consciente, muy alejado del descuido que marcó sus primeros años en solitario. “La moda ahora significa algo para mí. Antes era un accidente; ahora lo hago a propósito”, señaló.

Como ejemplo reciente, citó su actuación en la Copa del Mundo de este verano, donde lució un chándal deportivo adornado con pedrería. “Era muy cómodo y me sentí bien”, dijo.

En la actualidad, Williams combina prendas de firmas de lujo con artículos de su propia línea de ropa.

Al momento de la entrevista llevaba sus vaqueros favoritos de diseñador, una camiseta de rugby en rosa y verde de su marca y unos zapatos con ribetes de plástico gris que él mismo bautizó como sus “zapatos inseguros”. “Mido 1,85 m, pero con estos zapatos llego a 1,90 m y me gusta ser más alto. Me siento poderoso”, explicó.

Vaqueros acampanados y prendas de culto

Entre sus pasiones más arraigadas figuran los vaqueros anchos y de corte acampanado, tendencia que define como propia de los 90 y que defiende con fervor. Williams contó que su esposa lo obligó a deshacerse de todos sus pantalones de esa época cuando el estilo ajustado se impuso en los 2000: “Hubo un período de duelo instantáneo”.

Sin embargo, el regreso de ese corte en los últimos cinco años lo llevó a abastecerse de nuevo. “Si la moda cambia y vuelve a ser entallada, nosotros no cambiamos. Esto es lo que somos”, afirmó.

Entre las piezas que conserva como tesoros personales están unos pantalones de bondage en rojo y una camisa de cuadros vichy con cuello alto de un diseñador de culto, que usaba en 1994 para salir de fiesta. “Son una cápsula del tiempo de quién era yo. Esa ropa representa lo mejor de mis años de salidas antes de que todo se desmoronara”, indicó.

Los looks de Glastonbury y los inicios en Take That

Williams también se refirió a su célebre look en el Festival de Glastonbury de 1995, considerado uno de sus momentos más recordados por su imagen. “No sabes que estás haciendo algo icónico en ese momento. Ese conjunto habría sido desechado tres meses después”, reconoció. .

En aquel entonces, los miembros de Take That no contaban con estilistas salvo para los actos oficiales del grupo, y el look cotidiano se reducía a “vaqueros, una camiseta y listo”.

Al rememorar sus inicios con la banda, el músico describió con humor los atuendos de licra, cod-pieces y botas de motero del videoclip Do What U Like, financiados con un presupuesto para comprar en Afflecks Palace, el mítico mercado alternativo de Manchester. “Era una vergüenza durante un tiempo. Ahora solo pienso: qué tiernos éramos”, declaró.

Cuando comenzó a ganar dinero como solista, Williams invirtió en piezas de diseñadores de alto nivel: trajes de corte clásico con pinturas de estilo gótico en los paneles, que todavía conserva guardados. “Eran increíbles”, resumió.

Pijamas sin estrenar y el consejo de Ayda

Sobre su lado más casero, el cantante confesó que posee unos pijamas de lujo que nunca llegó a ponerse por una costumbre arraigada de guardar las mejores prendas “para ocasiones especiales”.

“Si alguien tiene algo colgado esperando la ocasión perfecta, que simplemente lo use”, aconsejó. Su esposa Ayda, que estudió para ser abogada, aprecia su estilo aunque lo encuentra inusual: “Me visto con volumen y a ella le gusta. No me visto como la gente con la que fui a la escuela”, señaló Williams.

Si tuviera que elegir un único atuendo para el resto de su vida, la respuesta fue concisa: camiseta negra, vaqueros negros, botas y un pañuelo colgando al costado.

La pasarela de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid volvió a convertirse en el epicentro de la elegancia y la actualidad social con el esperado desfile de la firma Redondo Brand. En primera fila, las miradas se concentraban en la habitual expectación que genera la presencia de Isabel Preysler, quien acudió a conocer las propuestas de la marca para la próxima temporada primavera-verano. Rodeada de caras muy conocidas del panorama nacional, como la periodista Susanna Griso, la actriz Juana Acosta y la modelo Gara Arias, la madre de Tamara Falcó volvió a demostrar su estatus como referente indiscutible de estilo en la gran cita madrileña con la moda.

Sin embargo, antes de que las luces se atenuaran para dar comienzo al espectáculo y los diseños empezaran a desfilar, la alta sociedad madrileña fue testigo de una anécdota tan espontánea como divertida. Ocupando su asiento asignado en el codiciado front row, Isabel Preysler protagonizó un auténtico momento “tierra, trágame” al no percatarse de la identidad de la persona con la que compartía el asiento. La escena, captada por los fotógrafos y comentada por los presentes, rompió la rigidez habitual del protocolo de la pasarela con una dosis de frescura inusual.

El despiste involucró directamente a la presentadora Pilar Rubio, cuya imagen o el tiempo transcurrido desde su último encuentro jugaron una mala pasada a la socialité. A pesar del choque inicial provocado por la falta de reconocimiento inmediato, la naturalidad de ambas convirtió lo que podría haber sido un encontronazo incómodo en una demostración de afecto y complicidad. Este episodio refleja el gran momento social y familiar que atraviesa Isabel Preysler en la capital, donde compagina sus compromisos de agenda con una intensa vida personal cargada de reencuentros afectivos.

El saludo de Isabel Preysler a Pilar Rubio

La secuencia se desarrolló en cuestión de segundos cuando Isabel Preysler se acomodó a la izquierda de la presentadora. Tras observarla fijamente durante unos instantes con evidente gesto de duda, no dudó en salir de la incertidumbre preguntando: “¿Quién eres?“.

Ante la pregunta directa, Pilar Rubio respondió con total naturalidad identificándose al instante, lo que provocó una reacción inmediata de sorpresa y cariño en Isabel. Tras exclamar un espontáneo “¡Ay, Pilar!”, la socialité tomó afectuosamente las manos de la comunicadora para disculpar el despiste. Lejos de crear tensión, ambas compartieron una animada conversación entre sonrisas que se prolongó hasta el inicio de la presentación de la colección, dejando atrás cualquier atisbo de incomodidad.

El momento personal de Isabel Preysler

Este divertido episodio en la semana de la moda coincide con una etapa de gran dinamismo personal para Isabel Preysler en España. A su habitual presencia en los acontecimientos culturales y estilísticos de la capital se suma la visita de su hijo Julio Iglesias Jr., afincado habitualmente en Miami. El cantante se encuentra en el país para la presentación de su espectáculo Julio Iglesias Experience, una gira con la que rinde homenaje a los grandes éxitos de la carrera de su padre.

Su estancia en España le ha permitido disfrutar de valiosos momentos junto a su madre y su hermana Tamara Falcó, con quienes ha compartido apariciones televisivas repletas de recuerdos familiares que complementan la activa agenda de la familia.

No existían Facebook ni Instagram. Menos todavía TikTok, filtros, videos de peluquería o tendencias medidas en millones de reproducciones. Sin embargo, en el Mundial de Corea-Japón 2002, Ronaldo Nazário convirtió un corte de pelo improbable en una imagen global, capaz de viajar de la televisión a las peluquerías infantiles sin necesidad de algoritmos.

Una franja ancha sobre la frente, el resto de la cabeza rapada y un apodo que remitía a un personaje de historieta: el “pelo Cascão” fue una intervención visual que escapaba a cualquier código de elegancia. El exfutbolista cumple 50 años este 18 de septiembre y ese look, creado para correr el foco de una lesión, sigue adherido a su figura pública.

El corte no respondía a una búsqueda estética ni a una campaña de imagen. Tenía una función concreta. En la previa de la semifinal contra Turquía, el delantero arrastraba una molestia muscular y concentraba las preguntas de la prensa. Modificar su pelo fue su forma de desplazar la conversación. Durante unos días, la discusión dejó de estar en el aductor derecho y se instaló en su cabeza.

En la actualidad, cuando los deportistas construyen una identidad pública que incluye ropa, accesorios, tatuajes y cortes pensados para su circulación digital, aquel gesto conserva una rareza particular. “O fenômeno” no buscaba una nueva versión de sí mismo ni pretendía fijar una tendencia. Eligió un dibujo capilar que desafiaba las convenciones de la peluquería y que, por su extrañeza, resultaba imposible de pasar por alto.

Un corte antinorma que cambió el foco del Mundial

En 2002, Ronaldo Nazário llegaba a Corea-Japón después de una recuperación prolongada. Dos lesiones graves en la rodilla derecha lo habían mantenido lejos de las canchas durante gran parte de 2000 y 2001. Por eso, cualquier señal física en la fase final del torneo alimentaba las dudas sobre su disponibilidad y sobre la posibilidad de que el delantero recuperara el nivel que había mostrado antes de aquellas operaciones.

Antes del partido del 26 de junio, el delantero resolvió raparse y conservar un mechón ancho en la parte delantera. El diseño remitía a Cascão, el personaje de la historieta brasileña Turma da Mônica, creada por Mauricio de Sousa. La referencia infantil le dio al corte una identidad inmediata, alejada de los códigos habituales de una figura que jugaba el torneo más visto del fútbol.

La versión de que el peinado fue una táctica de distracción se consolidó con los años. En una entrevista con CNN Brasil, Ronaldo contó que la decisión surgió en la concentración, antes de un entrenamiento previo a la semifinal. Sus compañeros se rieron del aspecto y dudaron de que se animara a salir al campo con ese diseño. Él sostuvo que esa reacción confirmó que el plan podía funcionar: la atención se trasladó a su pelo y se alejó de la lesión.

“Estaba al 60%. Todo el mundo hablaba de mi lesión. Así que me corté el pelo”, explicó el exfutbolista en una entrevista con ESPN Brasil. La frase resume una operación de imagen sin asesores ni estrategia de marca. La prensa, los rivales y los hinchas tenían un nuevo asunto sobre el cual hablar. La pierna dejó de ocupar el primer plano, al menos de manera temporal.

La decisión tampoco convenció a Luiz Felipe Scolari, entonces entrenador de Brasil. El técnico manifestó su malestar por el corte antes de un encuentro decisivo. Ronaldo lo mantuvo hasta el final del Mundial, donde marcó dos goles. El resultado deportivo terminó por unir el peinado a una campaña que devolvió a Brasil el título mundial.

De una broma en la concentración a una imagen global

El peinado se explicó primero como una excentricidad de vestuario, pero pronto adquirió otra escala. En un torneo que todavía se veía principalmente por televisión abierta y se comentaba en patios de escuela, clubes y peluquerías de barrio, la imagen viajó con una velocidad que no dependía de plataformas digitales. Bastaba una transmisión, una tapa de diario o una foto de la selección para que el semicírculo frontal fuera reconocible.

La propagación del “pelo Cascão” no tuvo estilistas, campañas ni celebridades que lo validaran. El corte circuló por una vía más directa: niños que veían a Ronaldo en televisión y pedían salir de la peluquería con el mismo dibujo sobre la frente. En ese recorrido, una solución improvisada se transformó en una marca visual de alcance global.

El entonces niño Neymar fue uno de quienes lo imitaron. Años más tarde recordó que se había cortado el pelo como Ronaldo durante aquel Mundial, según recogió AS. El dato ilustra el alcance generacional de una imagen que dejó de pertenecer únicamente al delantero y pasó a formar parte de los recuerdos de quienes siguieron la campaña brasileña de 2002.

El valor del caso está justamente en esa distancia entre intención y efecto. El corte no buscó ser elegante, favorecedor ni replicable bajo los criterios clásicos de una tendencia. Su fuerza estuvo en la anomalía. La cabeza rapada con un único bloque de pelo en la frente rompía la simetría y la idea de prolijidad asociada a las estrellas del deporte. Era, al mismo tiempo, un gesto infantil, una broma y una declaración visual.

En el deporte de comienzos de siglo, los cambios de pelo ya podían distinguir a una figura, pero todavía no existía la lógica actual de publicaciones, tutoriales y reacciones instantáneas. El “pelo Cascão” se expandió sin esas herramientas. No necesitó explicación para ser reconocido y, por eso, funcionó como un antecedente de los looks que se vuelven virales: una forma simple, fácil de identificar y lo bastante inusual como para exigir una respuesta.

Ronaldo mantuvo el look porque los chicos ya lo habían imitado

El propio protagonista entendió rápido que el corte había salido de su control. Según contó en distintas entrevistas, decidió conservarlo hasta el final de la competencia porque ya había visto a chicos que lo reproducían. Cortarlo antes de la final habría implicado deshacer, en pocos días, una imagen que se había convertido en parte del Mundial.

Con los años, Ronaldo tomó distancia de aquella elección. “Me gustaría aprovechar esta oportunidad para disculparme con todos los padres por mi peinado de 2002”, dijo en declaraciones a L’Équipe. El comentario, formulado con humor, reconoce una consecuencia doméstica de esa moda espontánea: familias que debieron aceptar que los chicos llevaran un corte difícil de justificar fuera de la euforia del campeonato.

La anécdota también revela una característica de los íconos populares. La repetición no depende de que un objeto o un look cumpla con una idea consensuada de belleza. Puede nacer de la identificación, del juego y de la necesidad de parecerse por un rato a una figura admirada. En 2002, el peinado de Ronaldo Nazário ofrecía esa posibilidad con recursos mínimos: una máquina de cortar pelo, una franja frontal y una referencia compartida por millones de espectadores.

A 24 años de aquella Copa del Mundo, el flequillo permanece en la memoria colectiva junto con los goles de la final y la camiseta amarilla. El corte que nació para ocultar una preocupación médica terminó como una de las imágenes más reproducidas del fútbol y la cultura pop de comienzos de siglo. Su permanencia se apoya menos en una regla de estilo que en su capacidad para condensar una época, un torneo y la figura de un delantero que convirtió una distracción en emblema.

Más allá de las polémicas en redes sociales y su conflicto con Tini Stoessel, Emilia Mernes sorprendió este jueves a sus seguidores al compartir una sesión de fotos en la que mostró un look negro.

“No tocar la pintura”, escribió la cantante en inglés para acompañar el carrusel de imágenes que publicó en sus redes sociales, demostrando su elegancia y sensualidad, provocando la euforia de sus fanáticos.

En las fotos, Emilia lució el pelo largo, lacio y negro, peinado con una raya hacia un costado. Llevaba un vestido negro sin mangas, con un escote amplio que dejó al descubierto los hombros y parte de la espalda.

El maquillaje incluyó cejas definidas, delineado oscuro y labios rojos con brillo. En varias de las postales, la artista posó con los brazos elevados y cruzados frente al rostro, dejando visibles algunos tatuajes de líneas finas y figuras pequeñas.

La publicación recibió la reacción de Duki, su pareja, quien dejó un comentario en referencia a las imágenes: “Quisiera ser tu pelo, para caer por esa espalda”, junto a emojis de una cara enamorada. En esa misma línea, Juanita Tinelli halagó el look de la artista con la frase: “Qué locura, por favor”.

Lejos de los likes, el maquillaje y las sesiones de fotos que suele compartir con sus seguidores, días atrás Emilia Mernes decidió mostrar una faceta más íntima de su vida. La cantante publicó en su cuenta secundaria una serie de imágenes del cumpleaños de su madre, Gabriela, y dejó al descubierto algunos momentos de la celebración familiar.

Mernes suele mantener a sus seres queridos fuera de la exposición pública. Por eso, las fotografías llamaron la atención entre quienes siguen su actividad en redes sociales: fueron una de las pocas ocasiones en las que compartió postales de un encuentro junto a sus padres y otros integrantes de su círculo cercano.

El festejo tuvo lugar en un restaurante de ambiente cálido, con cortinas marrones y luces tenues. La mesa estuvo decorada con arreglos de flores rojas y naranjas, platos servidos y copas de vino. Una de las imágenes mostró una vista desde arriba del encuentro, mientras una persona fotografiaba la mesa con su celular.

Entre los detalles de la noche se destacó un cóctel personalizado. Sobre la espuma de la bebida se leía “Feliz cumple Gabriela”, junto a una flor rosa como decoración. La madre de la artista posó sonriente con la copa en la mano y el plato principal frente a ella.

Otra de las postales retrató a Gabriela junto a un hombre mayor, de cabello canoso y anteojos, mientras alguien los fotografiaba con una cámara digital. La secuencia también incluyó una imagen tomada frente al espejo de un ascensor: Mernes posó entre sus padres, que la besaron en cada mejilla.

El cierre del carrusel mostró un momento entre madre e hija. De espaldas a la cámara, la intérprete de “Detrás del humo no se ve” le retocó los labios a Gabriela con un delineador, mientras ella sonreía. Junto a las imágenes, la cantante escribió: “Feliz cumple para mi todo, te amo mami”.

La publicación generó comentarios entre usuarios que relacionaron el gesto con el conflicto que involucra a Tini Stoessel. Esa lectura surgió a partir de la situación familiar de la artista, quien puso fin a su vínculo laboral con su padre, Alejandro Stoessel, después de 15 años de representación desde sus inicios en la tira Violetta.

No obstante, Emilia no hizo referencias directas a Tini ni a ese episodio en el posteo. Su publicación estuvo centrada en el cumpleaños de su madre y en los momentos que compartieron durante la celebración.

La alfombra roja del Festival Internacional de Cine de Toronto 2026 funcionó como una pasarela improvisada durante diez días de intensa vida social. Del 10 al 20 de septiembre, actrices y músicas convirtieron cada llegada en una declaración de estilo, con propuestas que fueron desde la alta costura hasta rescates de archivo firmados por grandes maisons.

El terciopelo dominó buena parte de las elecciones, en diálogo con el brillo de las plumas y la textura del encaje. Como contraste, algunas invitadas apostaron por siluetas minimalistas, de líneas depuradas, frente a otras que eligieron volúmenes exagerados y construcciones más teatrales.

Clásico y vanguardia convivieron en las escalinatas del encuentro. Un repaso, look por look, de lo que dejó esta edición.

Penélope Cruz llevó plumas de Tamara Ralph Couture

Penélope Cruz eligió un vestido de la colección Couture otoño 2026 de Tamara Ralph. El diseño mantuvo una silueta clásica, aunque incorporó plumas en movimiento que cubrían la pieza y aportaban textura al conjunto. Su aparición en Toronto se produjo después de varios compromisos de moda durante el Festival de Cine de Venecia.

Antonio Banderas

Antonio Banderas apostó por una fórmula de contrastes en la alfombra roja: llevó un traje negro de líneas clásicas, con saco de solapas amplias y pantalón a juego, pero quebró la sobriedad con una camisa negra estampada con pequeñas flores blancas. La dejó parcialmente desabrochada y dejó a la vista una cadena plateada, un detalle que sumó un tono relajado al conjunto.

El actor combinó la sastrería formal con referencias más informales y armó una imagen de noche sin rigidez. Completó el look con cinturón negro y hebilla metálica, mientras su barba gris y el cabello corto reforzaron una presencia sobria ante las cámaras.

Olivia Cooke combinó un vestido Torishéju con un suéter de lana

Para la presentación de A Talent for Murder, Olivia Cooke usó un vestido de la colección otoño 2026 de Torishéju. La prenda tenía escote con los hombros descubiertos y estuvo acompañada por un suéter de lana anudado sobre el cuello, una combinación que alteró el código más formal de la alfombra roja.

Aimee Lou Wood optó por un vestido lencero de encaje

En el estreno de The Idiot(s), Aimee Lou Wood apareció con un vestido lencero semitransparente de encaje de De La Vali. El modelo se ajustó a la tendencia de prendas de estética íntima trasladadas a eventos públicos, con una construcción ligera y silueta recta.

Lily James eligió un vestido de Stella McCartney con borde ondulado

Lily James asistió a la premiere de Bad Lieutenant: Tokyo con un vestido lencero diseñado por Stella McCartney. La pieza se distinguió por el remate ondulado del escote, un detalle que modificó una silueta de líneas simples.

Cynthia Erivo cerró su agenda con un abrigo de Dior

Luego de asistir al Abierto de Estados Unidos y a un evento de Ralph Lauren durante la Semana de la Moda de Nueva York, Cynthia Erivo llegó a Toronto con un abrigo blanco y negro ribeteado en piel. La prenda procedía de la colección Crucero 2027 de Dior y funcionó como vestido sobre la alfombra roja.

Julianne Moore reafirmó la vigencia del vestido negro minimalista

En la premiere de The Debut, Julianne Moore optó por un vestido negro de Bottega Veneta. La prenda, de corte lencero y líneas limpias, apostó por una fórmula minimalista frente a las propuestas de mayor volumen vistas en el festival.

Sarah Paulson convirtió un abrigo estructurado en vestido

Sarah Paulson usó una creación de la diseñadora neoyorquina Danielle Frankel. La pieza, con hombros descubiertos y estructura marcada, fue llevada como vestido y remitió a las propuestas nupciales que caracterizan a la firma.

Issa Rae recuperó un vestido de archivo de Marc Bouwer

Para la presentación de Babies, Issa Rae eligió un vestido de terciopelo naranja intenso firmado por Marc Bouwer. La pieza de archivo destacó dentro de una alfombra roja dominada por el negro, el blanco y los tonos neutros.

Margaret Qualley mantuvo su vínculo con Chanel en un vestido negro

Margaret Qualley asistió con un vestido negro de seda de Chanel, diseñado bajo la dirección creativa de Matthieu Blazy. El modelo incluyó los logotipos entrelazados de la casa francesa sobre ambos hombros y estuvo acompañado por calzado, tras una reciente aparición de la actriz con sandalias de la marca sin zapatos visibles.

Lily-Rose Depp llevó amarillo manteca de la pasarela de Chanel

Para el estreno de Alpha Gang, Lily-Rose Depp se inclinó por un vestido amarillo manteca de cintura baja, procedente de la colección otoño 2026 de Chanel. Sumó zapatos de punta contrastante que, según el reporte, remiten a un modelo de la línea Métiers d’Art primavera 2026.

Chase Infiniti defendió el chartreuse con un vestido Louis Vuitton

Chase Infiniti vistió un diseño texturado en amarillo verdoso de Louis Vuitton. La actriz complementó el vestido con zapatos de plataforma de la firma y joyas doradas de Gabriel & Co., en una de las apariciones que incorporó color saturado a la programación de Toronto.

Los jeans no necesitan pasar por el lavarropas después de cada uso. Lavarlos con demasiada frecuencia, con calor o fricción intensa puede acelerar la pérdida de color y desgaste de la tela, sobre todo en las prendas oscuras.

La pauta principal es revisar la etiqueta de cuidado de cada ropa: la composición, tintes y acabados pueden cambiar las indicaciones. La Comisión Federal de Comercio de Estados Unidos (FTC) establece que las etiquetas deben informar el método de lavado y secado seguro, además de advertir si una práctica puede dañar la prenda o teñir otras piezas.

Cada cuánto conviene lavar los jeans

No hay una cantidad universal de puestas que obligue a lavar un jean. La decisión debe responder al uso: si presenta manchas, olor persistente o estuvo expuesto a suciedad, corresponde limpiarlo. Si se usó por poco tiempo y no tiene esas señales, se puede airear antes de guardarlo y reservar el lavado para cuando sea necesario.

Reducir lavados innecesarios ayuda a limitar la exposición de las fibras al agua, al detergente y a la acción mecánica. Las pautas de The Jeans Redesign, una iniciativa de la Fundación Ellen MacArthur, recomiendan incluir en las prendas información para disminuir la frecuencia de lavado.

Sus criterios también proponen que los jeans alcancen al menos 30 lavados domésticos y conserven los requisitos de durabilidad definidos para la prenda.

Para resolver una mancha pequeña no siempre hace falta lavar toda la prenda. Puede tratarse de manera localizada, con agua y un producto apto según la etiqueta, y dejar que se seque antes de volver a usar el jean. Esta alternativa evita someter el resto de la tela a un ciclo completo sin necesidad.

Cómo lavar los jeans correctamente para que no se desgasten

El error más habitual es combinar lavados frecuentes con agua caliente, ciclos agresivos y prendas que generan roce. La temperatura elevada y la agitación pueden favorecer el encogimiento, la decoloración y el desgaste prematuro. Las directrices de la Fundación Ellen MacArthur indican lavado a 30°C o menos y aconsejan evitar el secado en máquina.

Antes de colocarlos en el lavarropas, conviene dar vuelta los jeans, cerrar cierres y botones, vaciar los bolsillos y lavarlos con prendas oscuras de peso similar. Ponerlos del revés protege la cara exterior —donde el color queda más expuesto— del contacto directo con el tambor y con otras telas. Separarlos de piezas claras reduce el riesgo de transferencia de tinte.

Una rutina de menor impacto incluye:

• Elegir agua fría o un máximo de 30°C, siempre que la etiqueta lo permita
• Usar un ciclo suave o para ropa delicada, con la menor agitación compatible con la suciedad
• Dosificar el detergente de acuerdo con sus indicaciones y evitar productos que la etiqueta desaconseje, como blanqueadores
• No sobrecargar el lavarropas: las prendas necesitan espacio para moverse y enjuagarse
• Retirar el jean al terminar el programa para que no quede húmedo dentro del tambor

La FTC señala que, si la prenda puede perder color y afectar otras piezas, la etiqueta debe advertir con indicaciones como “lavar con colores similares” o “lavar por separado”. Por eso, la etiqueta prevalece sobre cualquier recomendación general, incluso cuando el jean parece similar a otros del placard.

Cómo secar los jeans

El secado también define cuánto conserva el jean su forma y color. Lo más prudente es sacarlo del lavarropas apenas termina el ciclo, alisarlo suavemente con las manos y dejarlo secar al aire en un espacio ventilado. Colgarlo del pretina permite que el peso se distribuya desde la parte superior; si la etiqueta recomienda secar en plano, esa indicación debe respetarse.

Evitar el secarropas es una de las medidas centrales para limitar el encogimiento y el deterioro asociado al calor. Las pautas de The Jeans Redesign incluyen expresamente la indicación de no usar secadora, junto con el lavado a baja temperatura. Para resguardar un tono oscuro, también conviene secarlo del revés y no exponerlo de forma prolongada al sol directo, que puede producir una pérdida desigual de color.

Si la etiqueta autoriza el uso de secadora y no hay otra alternativa, se debe elegir la temperatura más baja permitida y retirar la prenda apenas esté seca.

La normativa de la FTC exige que las instrucciones de cuidado indiquen si el artículo admite secado mecánico y, cuando corresponda, la temperatura adecuada. Seguir ese dato específico evita aplicar un método que el fabricante no haya respaldado para esa tela.

Pese al alboroto sensacionalista que suelen generar ciertos miembros díscolos de su familia, la imagen de una reina Isabel II cumplidora e impecablemente digna sigue siendo un referente para los admiradores de la monarquía británica. Una exposición que actualmente se presenta en el Palacio de Buckingham ofrece una mirada inusualmente íntima a la ropa que ayudó a definir esa imagen.

Se trata de la muestra más amplia jamás organizada sobre el vestuario de la difunta monarca: reúne más de 300 prendas y accesorios que recorren su vida, desde la infancia hasta el final de su reinado de 70 años. Contemplar estos objetos permite entender que, para Isabel —como para tantas reinas a lo largo de la historia—, la ropa siempre fue más que “simplemente” ropa. Podía funcionar como herramienta de Estado o de diplomacia, como publicidad patriótica o incluso como diversión personal. El conjunto característico de Isabel —un abrigo de colores vivos y un vestido a juego, un sombrero extravagante y zapatos prácticos de tacón bajo— funcionaba como una especie de uniforme, indispensable para el desempeño de sus deberes reales y, en verdad, para la propia representación de la realeza. Como ella misma dijo célebremente: “Tengo que ser vista para que me crean”.

Sin embargo, la figura de la reina, reconocible al instante, nunca fue obra de un único diseñador. Fue la creación colectiva de ejércitos de trabajadores especializados: hombres y mujeres que cortaban, cosían, confeccionaban, bordaban, tejían, trenzaban, ajustaban y construían de otras maneras sus múltiples componentes, ya fueran chales de cachemira de Norwich o vestidos de Norman Hartnell. En su esclarecedor nuevo estudio, Dressing the Queen, Kate Strasdin reconstruye las vidas y los trabajos de las “muchas manos” que, desde la época de la tatarabuela de Isabel II, la reina Victoria, han dado forma a los contornos sartoriales de la reina británica.

Historiadora del vestuario en la Universidad de Falmouth y autora de The Dress Diary, Strasdin define su proyecto como un intento de apartar el foco de Victoria e Isabel y dirigirlo “hacia los artesanos que, prenda a prenda, pusieron todas sus habilidades al servicio de la creación de objetos que pasarían a formar parte de la iconografía de la realeza, mientras ellos mismos permanecían casi por completo ocultos”.

Cada capítulo del libro se concentra en un área distinta de especialización y, a partir de una abundante investigación de archivo, vincula un puñado de historias de vida hasta ahora desconocidas con cada una de las categorías del guardarropa de la reina: desde túnicas de Estado y tiaras hasta atuendos de equitación y gabardinas.

Strasdin describe magníficamente las condiciones —a menudo insalubres— en las que trabajaban sus protagonistas y la naturaleza específica y sumamente exigente de sus tareas. También procura relacionar, siempre que es posible, un rostro y una identidad humanos concretos con las personas cuyos esfuerzos profesionales narra.

Dado que, en su mayoría, los trabajadores especializados que examina no dejaron —a diferencia de las reinas a quienes sirvieron— registros extensos para la posteridad, Strasdin se topa a menudo con vacíos documentales que no puede llenar. Su respuesta consiste en entregarse a moderados ejercicios de especulación. Por ejemplo, sobre el tejedor de seda George Doré, escribe: “Me pregunto qué sintió en ese último instante de creación, cuando el hilo final de brillante color petunia fue tejido en la tela del manto de terciopelo de la reina Alejandra. ¿Compró ediciones de recuerdo de los periódicos que registraban los detalles de la ceremonia de coronación celebrada el 9 de agosto de 1902?”.

Al presentar a Ethel Oatham, de 17 años, registrada en el censo de 1911 como trabajadora junto a su hermana Delia en adornos de alta gama para vestidos de mujer, pregunta: “¿Ethel retorcía y enlazaba cordones de seda o tejía las vertiginosas variedades de pasamanería? Quizá se sentaba con su hermana mayor y confeccionaba las bandas de flecos listas para ser cosidas al dobladillo de un vestido refinado”.

Y, acerca de una señorita Reid, de la empresa que producía el querido tartán de Balmoral de la reina Victoria y el príncipe Alberto: “¿Disfrutaba ser la única empleada mujer entre todos los sastres y fabricantes varones, o temía cada día al ocupar su lugar en el taller?”.

La invisibilidad de estos trabajadores dedicados contrasta de manera impactante con el perfil incomparablemente alto de las prendas que produjeron, una idea que Strasdin subraya repetidamente a lo largo de los 18 capítulos del libro. “Sus nombres individuales pueden perderse a veces, pero su trabajo permanece intacto”.

Aunque nunca menciona a Karl Marx —casi contemporáneo exacto de la reina Victoria, pues ella era un año menor y él vivió en Londres durante 34 años de su reinado—, quizá a Strasdin le habría interesado advertir que él previó este problema apenas siete años después de la llegada de Victoria al trono. Al desarrollar su idea del trabajo “alienado”, Marx afirmó en 1844: “El trabajador pone su vida en el objeto; pero ahora su vida ya no le pertenece a él, sino al objeto”. Como podría preguntarse Strasdin, ¿estaba Marx pensando en la suntuosa indumentaria de coronación de Victoria o en sus tweeds escoceses de las Highlands? ¿Se habría cruzado de algún modo con George Doré o la señorita Reid?

También en este punto la historia guarda silencio, y solo nos deja reflexionar, junto con Strasdin, sobre cómo, con el paso del tiempo, los creadores del guardarropa real desaparecieron en la magnificencia de aquello que hicieron.

Fuente: The New York Times

Marc Anthony cumplió este miércoles 58 años con un estilo que, lejos de depender de cambios abruptos o tendencias pasajeras, se apoya en una fórmula sostenida: sastrería de líneas precisas, prendas oscuras y una sobriedad que se reconoce tanto bajo las luces del escenario como en las alfombras rojas y sus apariciones cotidianas. En su caso, la ropa acompaña la escena sin disputarle protagonismo.

Nacido en Nueva York en 1968 como Marco Antonio Muñiz, el cantante construyó durante décadas una identidad visual definida. Trajes de corte ajustado, camisas abiertas en el cuello, gafas oscuras y chaquetas de cuero aparecen como piezas recurrentes de un guardarropa que combina códigos clásicos con referencias urbanas.

A los 58, el “Rey de la Salsa” mantiene una presencia pública en la que el vestuario funciona como extensión de una carrera iniciada a finales de los años ochenta. De la salsa al pop en español e inglés, el artista atravesó escenarios, géneros y públicos diversos sin alterar demasiado una imagen que encontró en la moderación uno de sus rasgos más visibles.

La sastrería es una base constante en el vestuario de Marc Anthony

En ceremonias musicales, galas y compromisos de alto perfil, Marc Anthony suele volver a una paleta que rara vez lo traiciona: negro, gris, azul marino y tonos tierra. Allí, la sastrería funciona como columna vertebral de su imagen. Las chaquetas, de líneas ceñidas y hombros definidos, acompañan su figura delgada; los pantalones, rectos y sin exceso de volumen, terminan de delinear una silueta contenida.

El traje negro ocupa un lugar central en ese repertorio. A veces lo lleva con camisa del mismo tono y sin corbata, una elección que baja la rigidez del conjunto sin abandonar la formalidad. En otras ocasiones, suma corbatas estrechas, pañuelos de bolsillo o una camisa blanca que corta la uniformidad oscura y dirige la mirada hacia el rostro.

La moderación en el color se mantiene incluso cuando incorpora accesorios. Lejos de acumular elementos, el cantante suele reservar el foco para un detalle puntual: la textura de una tela, el brillo discreto de un pañuelo o el contraste entre una camisa clara y una chaqueta oscura. El resultado responde a una estética reconocible, sostenida más por el calce que por los recursos llamativos.

Ese vínculo con la ropa formal también tuvo una expresión comercial. En 2011, lanzó junto a Kohl’s una colección masculina que reunió trajes, chaquetas, abrigos, suéteres, jeans, calzado y accesorios. La propuesta trasladó a prendas de uso diario parte de los códigos que Marc Anthony exhibía en conciertos y eventos: sastrería, cuero, denim y corbatas como piezas de un mismo armario.

Los abrigos largos, las gamas de gris y beige, y el uso de mocasines y botas de cuero completaban una línea pensada para alternar entre compromisos formales y una rutina urbana. Así, la estética que el músico consolidó frente a las cámaras encontró una versión destinada a la calle, sin alejarse de los tonos neutros y las siluetas definidas que atraviesan su estilo.

Las gafas oscuras y las camisas abiertas funcionan como sellos personales

Si el traje organiza su costado más formal, las gafas oscuras aparecen como el gesto que termina de fijar la imagen de Marc Anthony. Se repiten con tal frecuencia que dejaron de ser un complemento ocasional: forman parte de su forma de mostrarse ante las cámaras, aun cuando el resto del conjunto cambia.

El cantante las lleva de día y de noche, en aeropuertos, encuentros con la prensa, actuaciones y publicaciones de sus redes sociales. Las monturas se alternan entre modelos rectangulares, estilo aviador o diseños de marco ancho, pero la decisión se mantiene. Detrás de ese accesorio, el artista conserva una distancia medida con el entorno y proyecta una presencia reconocible en cualquier contexto.

Las camisas abiertas en el cuello constituyen otro de los recursos habituales de su vestuario. En lugar de recargar los conjuntos con cadenas, estampados o piezas llamativas, Marc Anthony suele usar esa apertura para quitarle solemnidad a un traje o una chaqueta. El cuello desabrochado introduce una nota más relajada, aunque el conjunto conserva una estructura formal.

En esa búsqueda de equilibrio, los logotipos visibles y los estampados de gran tamaño quedan en segundo plano. La atención se concentra en otros elementos: el calce de las prendas, la textura del cuero, la caída de una chaqueta o el contraste entre una camisa y el traje. Son decisiones pequeñas, aunque constantes, que terminan por definir el conjunto.

Así, su guardarropa circula entre referencias clásicas y códigos contemporáneos sin necesitar transformaciones drásticas. Con unas pocas piezas recurrentes y una paleta controlada, el cantante consolidó una imagen que se adapta a escenarios, alfombras rojas y apariciones cotidianas sin perder continuidad.

El cuero, el denim y las botas acercan su imagen a la ropa urbana

Fuera de las galas y los eventos de etiqueta, Marc Anthony desplaza la sastrería hacia un registro más urbano sin abandonar las claves que ordenan su imagen. Chaquetas de cuero, jeans oscuros, camisetas lisas, botas y gorras componen una versión más cotidiana de su vestuario, pensada para aeropuertos, ensayos o apariciones informales.

La paleta, sin embargo, permanece bajo control. Negro, gris, blanco, azul oscuro y beige dominan sus elecciones y limitan la presencia de colores intensos. Esa continuidad hace que las prendas cambien de contexto sin romper con una identidad visual ya instalada: una campera de cuero y un pantalón de denim responden a la misma lógica que un traje oscuro de alfombra roja.

Su interés por la indumentaria tuvo además una traducción concreta en la colección masculina que presentó junto a Kohl’s. El artista señaló entonces que participó en aspectos específicos de la producción, desde las costuras y los botones hasta los forros de las chaquetas. “Me encantan las prendas”, afirmó al explicar su involucramiento en el proceso de diseño.

La impronta de Nueva York, ciudad en la que nació y creció en una familia de raíces puertorriqueñas, también aparece en ese cruce de referencias. La precisión de la sastrería clásica convive con piezas asociadas a la vida urbana y construye un vestuario acorde con un músico que pasó por escenarios de salsa, pop latino, cine, televisión y espectáculos multitudinarios.

En la decoración del hogar, seis objetos de uso frecuente pueden restar identidad y funcionalidad a los ambientes.

Así lo explicaban tres diseñadoras de interiores consultadas por The Spruce, sitio especializado en tareas domésticas y estilo de vida. Las alternativas propuestas privilegian materiales, piezas con historia y decisiones menos literales.

1. Carteles con frases

Los letreros de pared con expresiones como “vive, ríe, ama” o referencias directas a una casa de playa figuran entre los elementos que las especialistas aconsejan evitar. Su mensaje explícito puede desplazar otros recursos visuales.

La diseñadora Chasity Centeno propuso trasladar esas ideas a elecciones concretas. Para una casa apta para el uso cotidiano, mencionó telas resistentes. Para aludir a un entorno costero, sugirió tonos neutros con acentos de azul. El color, las texturas y los materiales pueden comunicar una intención sin enunciarla en la pared.

El reparo ante el arte tipográfico también aparece en la prensa especializada, que recoge la preferencia de decoradores por obras antiguas u originales frente a piezas enmarcadas con texto.

2. Portavelas metalizados con acabado cuarteado

Los portavelas con hojas doradas o plateadas y superficies metalizadas cuarteadas pueden asociarse a la decoración de fin de año, pero no son una solución para mantener durante todo el año. Jennifer Jones, diseñadora principal de interiores, cuestionó el brillo intenso y aspecto que pueden dar esos acabados.

Como sustituto, Jones recomendó candelabros de latón envejecido y velas largas en tonos cálidos neutros, como topo o gris. La propuesta cambia los reflejos metalizados por una pátina y una gama cromática más contenida.

3. Láminas producidas en serie

La acumulación de arte genérico y producción masiva es otro de los puntos señalados. De acuerdo con Jones, estas imágenes suelen tener menor calidad y temas poco definidos, por lo que aportan menos información sobre los gustos de quienes habitan el lugar.

La diseñadora sugirió buscar obras acordes con intereses personales en mercados de antigüedades y pulgas. Si se reúnen varias piezas, pueden conformar una pared de galería con trabajos originales, reutilizados o antiguos. La prensa especializada también recoge recomendaciones que priorizan piezas antiguas y arte original.

4. Vegetación artificial brillante

La diseñadora Maria Ramirez advirtió que las plantas artificiales de alto brillo pueden aplanar visualmente un ambiente y retener polvo. Para los casos en que se requiera una planta artificial, planteó elegir hojas mates, colores naturales y recipientes sencillos.

Sus otras alternativas son plantas de interior de bajo mantenimiento, tallos secos o ramas. Esos elementos, según explicó, suman textura sin el brillo plástico que puede hacer que el espacio parezca menos habitado.

5. Muebles con apariencia de juguete

Los sillones inflables, pufs, estanterías onduladas, sillas plásticas de colores intensos y sofás de formas redondeadas integran la categoría que Ramirez identifica como mobiliario con apariencia de juguete. Su objeción se centra en piezas que pueden perder vigencia con rapidez fuera de un cuarto infantil.

La recomendación es apoyar el mobiliario principal en formas clásicas y materiales duraderos. El componente lúdico puede concentrarse en almohadones, cerámicas y obras de arte, objetos que permiten modificar el conjunto sin reemplazar una silla o sofá. La prensa especializada también recomienda priorizar muebles duraderos y con procedencia.

6. Marcos que nombran el destino

Por último, Jones cuestionó los marcos de recuerdos de vacaciones que incluyen el nombre del lugar visitado. Propuso escribir una nota en el reverso de la fotografía con el destino y el año. Colocar la imagen en un marco elegido por su color, antigüedad o relación con el ambiente.

Ramirez sostuvo que las piezas con una historia añaden capas a una casa y evitan una presentación uniforme. Así, el recuerdo queda en la imagen y en su contexto personal. Mientras el marco cumple una función visual sin convertir el destino en un rótulo.

Las postales que Attias seleccionó arrancan con una dimensión íntima y cotidiana: varios primeros planos con el rostro sin maquillaje visible, la piel expuesta al sol y el cabello húmedo, con anillos superpuestos y esmalte en tonos oscuros. En otras tomas, el registro es más formal: lleva un conjunto de dos piezas en negro con estampado de lunares rosas —top de tiras finas y falda larga—, acompañado de pulseras anchas de metal oscuro.

En una de las imágenes más elaboradas en términos de estilismo, viste un vestido tipo corsé con estampado floral de tapicería, aros circulares grandes y una cartera de cuero negro decorada con una cadena de piedras rojas, con labios con brillo y sombra en tonos rosados. En un registro más casual, otra foto la muestra con un pañuelo naranja atado a la cabeza, anteojos de marco oscuro con detalles blancos y varios collares superpuestos con cuentas de colores y dijes, combinados con una musculosa blanca.

La dimensión gastronómica del viaje ocupa un lugar destacado en la publicación. Una de las imágenes muestra un desayuno en cama con una copa de jugo en primer plano y, al fondo, una mesa redonda con el servicio completo. Otra fotografía registra un plato de mariscos en una mesa de mantelería blanca con copas de agua y de vino. La tercera escena gastronómica, tomada de noche y con luz de vela, muestra una cena de platos compartidos: arroz con azafrán, un guiso oscuro con lentejas, papas fritas cortadas en tiras finas y un bol con vegetales salteados, todo servido en bandejas de metal sobre una mesa oscura, en una cena romántica e internacional.

El recorrido arquitectónico también tiene su lugar en el álbum. Una fotografía de Cliveden House, Buckinghamshire, Inglaterra, tomada desde abajo hacia arriba muestra la fachada de un edificio de estilo palaciego con varios pisos de ventanas con frontones, balaustrada superior con remates decorativos, escalinata de piedra con pasamanos tallados y un portón dorado en la planta baja, junto a tramos de ladrillo visible en zonas restauradas.

Otra imagen captura el interior de un salón de estilo lounge: sillones tapizados en terciopelo verde y naranja, una mesa baja en tonos azul y negro, una biblioteca con libros y objetos decorativos, orquídeas en flor junto a la ventana y una lámpara de pie con cúpula de cristales colgantes que tiñe el ambiente de tonalidades rojizas.

Cómo en cada ocasión las postales de la actriz de Casi Ángeles funcionaron como un diario de sus vacaciones junto a su pareja, que si bien no apareció en ninguna de las fotos, estuvo presente viviendo esta nueva aventura lejos de los reflectores y de la atención de las cámaras y visible a partir de pequeños indicios.

Sin considerar ni incluir en ningún momento información específica relacionada con el destino final de aquel viaje ni acerca de la cantidad exacta de tiempo que transcurrió durante esa experiencia, el álbum que presentó Attias operó como un recorte intencionalmente limitado. Esa serie de imágenes constituyó el registro personal de un lapso de pausa que la propia actriz decidió compartir utilizando únicamente fotografías. Un código que sus seguidores celebran, comparten y aguardan para establecer el vínculo con la artista.

En un escenario donde la moda se transforma con rapidez, los espacios comerciales buscan ofrecer experiencias que vayan más allá de la compra. La combinación entre propuestas de diseño, gastronomía, belleza y entretenimiento se convirtió en una forma de generar nuevos vínculos con el público.

Los grandes centros comerciales también encuentran nuevas maneras de mantenerse vigentes. La incorporación de marcas, las experiencias especiales y las presentaciones de temporada forman parte de una agenda que busca acompañar los cambios en los hábitos de consumo.

Así, Galerías Pacífico presentó su tradicional desfile primavera-verano 2026/27, una propuesta que reunió a más de veinte marcas en La Place, el exclusivo espacio ubicado en el primer piso del centro comercial. La jornada se realizó el 9 de septiembre y tuvo a Fabián Medina Flores como conductor.

Una pasarela con distintas miradas sobre la moda

Durante el encuentro, las firmas participantes presentaron sus colecciones para los meses de primavera y verano. La propuesta permitió reunir estilos diversos, con opciones que abarcaron desde líneas clásicas y sofisticadas hasta alternativas vinculadas con el streetwear, el deporte y los accesorios.

Participaron Adriana Costantini, Akiabara, Azzaro, Cardon, Cuesta Blanca, Desiderata, India Style, Las Pepas, Lovely Denim, Markova, Mishka, Nike, Ossira, Paula Cahen D’Anvers, Penguin, Portsaid, Primicia Lab, Prüne, Swarovski, Tascani, Tommy Hilfiger, Cole Haan, Vipeluquerías + EAMODA y Wanama.

Además, marcas internacionales como Tommy Hilfiger, Nike y Swarovski compartieron espacio con reconocidas etiquetas argentinas. De esta manera, el desfile expuso una variedad de propuestas que combinan diferentes estilos, públicos y formas de interpretar las tendencias.

Por otra parte, la presentación también reflejó la amplitud de la oferta disponible en Galerías Pacífico. La moda se integró con otros segmentos que forman parte de la experiencia del centro comercial y que permiten descubrir nuevas alternativas en un mismo recorrido.

Nuevas aperturas amplían la propuesta

En paralelo con la agenda de colecciones de temporada, Galerías Pacífico suma locales a su oferta. Septiembre comenzó con la llegada de Skinko, una multimarca especializada en skincare coreano que acerca la innovación y las tendencias del universo K-Beauty.

A esta incorporación se suma Anti Age Tua, un espacio dedicado al cuidado integral de la piel y el cabello. Su propuesta está orientada a facilitar la elección de productos y rutinas de acuerdo con las necesidades de cada persona.

Asimismo, septiembre incluye la apertura de Águila Chocolatier, la plataforma gastronómica de chocolates Águila. El espacio propone acercarse al universo del chocolate mediante diferentes sabores y experiencias pensadas para distintas ocasiones.

De cara a octubre, además, está prevista la llegada de Cole Haan, reconocida marca estadounidense de lifestyle con casi un siglo de trayectoria. Su desembarco en Argentina presenta una propuesta basada en la combinación de tradición, artesanía, innovación, diseño y confort.

La incorporación de esta firma amplía el abanico de alternativas dentro del segmento de lifestyle. Sus calzados y accesorios están pensados para acompañar diferentes momentos de la vida cotidiana a través de una mirada que integra estilo y tecnología.

Un espacio que acompaña las nuevas tendencias

Más allá de las novedades comerciales, la presentación Primavera-Verano 2026/27 muestra cómo la experiencia de un shopping puede incorporar diferentes dimensiones. Las colecciones de moda, las propuestas gastronómicas, los espacios de belleza y las actividades especiales conviven dentro de una misma agenda.

En una época atravesada por nuevas formas de consumo, la posibilidad de recorrer un espacio, descubrir marcas y acceder a experiencias adquiere un papel relevante. Esa combinación permite generar propuestas que complementan la compra con contenidos vinculados al entretenimiento, el diseño y la cultura.

De esta manera, Galerías Pacífico continúa desarrollando una agenda que articula temporada, tendencias y novedades comerciales. El desfile primavera-verano 2026/27 funcionó como una muestra de esa propuesta, mientras las nuevas aperturas anticipan una oferta que seguirá incorporando alternativas durante los próximos meses.

Las búsquedas de zapatillas rojas se disparan 323% en el último mes, según un análisis de tendencias de calzado publicado por JD Sports.

El otoño 2026 consolida a este color como protagonista en pasarelas, calles y buscadores, por encima de tonos tradicionales como marrón o negro.

Diseñadores, estilistas y hasta psicólogos coinciden en que el fenómeno no es casualidad.

Por qué el rojo le gana terreno al marrón y al negro en este otoño 2026

El aumento de 323% en búsquedas de zapatillas rojas contrasta con un 69% del marrón y apenas 32% del negro, de acuerdo con datos de la cadena británica JD Sports.

El comportamiento no es aislado. Registros previos de Fashion Network ya documentaban un salto de 64% mes contra mes en búsquedas de rojo durante el otoño de 2025, con incrementos de hasta 87% en modelos específicos de esa gama de color.

Vino, borgoña y cereza: los tonos de rojo que dominan las pasarelas

Vogue Reino Unido incluye el rojo entre las tendencias de calzado dominantes para el otoño-invierno 2026 en su cobertura de pasarela.

Harper’s Bazaar UK describe la paleta como “red wine” y afirma que las zapatillas en tonos cranberry, vino y borgoña aportan “el mismo atractivo atemporal que un labial rojo: audaz, empoderador y un poco inesperado”.

La publicación detalla que el material predilecto para lograr ese efecto es la gamuza, el satín o la piel, superficies que intensifican la profundidad del color y lo alejan de un rojo plano o básico.

Ambos medios coinciden en que la elección del color no responde a una moda pasajera de una sola colección, sino a un movimiento transversal que atraviesa distintas casas de diseño en la misma temporada, lo que explica el salto en el volumen de búsquedas registrado en el último mes.

Cómo combinar tus zapatillas rojas según los expertos

Harper’s Bazaar detalla que las zapatillas en tonos cranberry, vino y borgoña funcionan tanto en versión monocromática como en pequeñas dosis de color contra prendas neutras.

La publicación recomienda combinarlas con “una chamarra de piel tipo bombardero y separados de seda en tonos tierra”, una fórmula pensada para el clima frío de otoño.

El portal también sugiere el contraste directo: un jean claro o una playera blanca funcionan como base para que el zapato concentre toda la atención del look.

“Un poco de rojo en el conjunto añade un elemento que llama la atención e instantáneamente lo lleva de sencillo a espléndido”, señala la publicación.

De Dorothy al street style: el peso cultural del zapato rojo

El antecedente cultural más citado del color en el calzado se remonta a 1939: las zapatillas rojas de Dorothy en El mago de Oz, uno de los referentes de moda en el cine con mayor peso simbólico de la historia.

El par original, cubierto con más de 2,400 lentejuelas rojas, se convirtió en la pieza de utilería cinematográfica más valiosa jamás subastada, con una venta que superó los 28 millones de dólares.

Esa carga simbólica explica por qué el rojo, siete décadas después, sigue funcionando como un color capaz de transformar un look completo con una sola prenda.

Qué pasa en el cerebro cuando ves un zapato rojo

La revista ¿Cómo ves?, de la UNAM, explica que el cerebro asocia el rojo con peligro desde los primeros humanos, por ser el color de la sangre.

Ese vínculo activa una respuesta neurológica específica: “cuando vemos rojo se activa en nuestro cerebro la corteza frontal derecha, área asociada a las emociones y al instinto”, señala la publicación.

La revista añade que existen estudios que demuestran que este color aumenta el ritmo cardíaco de quien lo observa, un efecto fisiológico medible y no solo una percepción subjetiva.

Esa reacción explica por qué el rojo funciona como un punto focal dentro de un atuendo: capta la mirada antes que cualquier otro color en el conjunto.

El texto cita un dato aplicado directamente al terreno comercial: “los productos en empaques rojos se venden mejor”.

La publicación atribuye ese fenómeno a la misma lógica que opera en la vestimenta, donde un accesorio en este tono —como unas zapatillas — concentra la atención visual incluso en combinaciones con prendas neutras.

El video circuló en redes sociales mostró a ambos artistas en un ambiente distendido, bailando de forma espontánea la canción que lanzaron juntos meses atrás. La grabación se dio en el contexto de la presencia de ambos en la capital de la moda estadounidense, donde también coincidieron celebridades como Zendaya, Elle Fanning y Troye Sivan.

La Semana de la Moda de Nueva York arrancó el 10 de septiembre de 2026 bajo el calendario organizado por el Council of Fashion Designers of America (CFDA), con desfiles de firmas como Tommy Hilfiger, Christian Siriano, Tory Burch y LUAR. En ese circuito de eventos se produjeron tanto el baile viral de Danna con El Malilla como el encuentro que la cantante tuvo con Peso Pluma.

El video y la canción que lo acompaña

El clip capturó a Danna y El Malilla bailando “Si Se Acaba El Mundo” en un momento casual dentro de su agenda en Nueva York.

La escena reavivó el interés de sus seguidores por la dupla, que ya suma dos colaboraciones musicales y una relación de amistad que ambos han descrito en entrevistas previas.

“Si se acaba el mundo” es la canción de Danna y El Malilla

El tema mezcla reggaetón con pop contemporáneo y narra la historia de dos personas que deciden vivir el presente ante la idea de que el tiempo se agota, una premisa de romance en clave apocalíptica que hoy sigue generando contenido en redes, como el baile registrado en Nueva York.

El sencillo fue coescrito por ambos intérpretes junto a Ben Aler, Dahiana Rosenblatt, Enayy y Alex Hoyer. En sus primeras 24 horas disponible en YouTube, acumuló más de 91 mil reproducciones y superó los mil comentarios de seguidores que celebraron la unión entre el pop y el reguetón mexicano.

El videoclip oficial se estrenó el 29 de julio de 2026 a las 6:00 pm en plataformas digitales. Antes de su lanzamiento, Danna había compartido en TikTok un adelanto grabado durante el rodaje, en el que ambos artistas conversaban sobre la colaboración y abordaban temas personales frente a cámara, un material que sus seguidores interpretaron como una muestra de la cercanía entre ambos.

El primer estreno en vivo del tema llegó el 30 de junio de 2026, cinco días después del lanzamiento del sencillo, durante las Amazon Music City Sessions en la Ciudad de México. Danna invitó a El Malilla al escenario de forma sorpresiva y, al terminar la actuación conjunta, lo despidió con un abrazo y un “¡Gracias Mali!” antes de continuar con el resto de su repertorio, que incluyó temas como “Platonik”, “Aún te quiero” y “You Could Be That Boy”.

El momento con Peso Pluma que dio de qué hablar

La coincidencia de Danna con Peso Pluma se produjo en el desfile de LUAR, una de las citas de la Semana de la Moda de Nueva York. El encuentro se viralizó al tratarse del cantante que hasta hace poco fue pareja de Kenia Os.

Peso Pluma, cuyo nombre real es Hassan Emilio Kabande Laija, fue nombrado en 2025 el primer mexicano embajador del CFDA para la Semana de la Moda de Nueva York. Aquel nombramiento se dio en el cóctel de apertura organizado en el Rockefeller Center, donde el cantante posó junto a Anna Wintour, entonces editora en jefe de Vogue, además de Michael Kors, Thom Browne, Anna Sui y Vera Wang.

En esa edición de 2025, Peso Pluma asistió acompañado por Kenia Os, quien entonces era su novia. La pareja fue registrada en el front row de los desfiles de Off-White y LUAR, y compartió en redes sociales varias fotografías juntos desde Nueva York. Aquel encuentro también dejó un momento que se volvió viral por otro motivo: un video en el que Wintour dirigía la mirada hacia ambos con un semblante serio, gesto que los usuarios comparaton con el personaje de Miranda Priestly en El diablo viste a la moda.

Un año después, en la edición de 2026, la situación cambió. Kenia Os asistió a la Semana de la Moda como soltera y como invitada al desfile de Tommy Hilfiger, realizado en The Plaza Hotel, donde compartió front row con Wintour y con la cantante surcoreana Jisoo, integrante de BLACKPINK. La imagen se viralizó entre sus fans, que destacaron su presencia como figura propia dentro del circuito internacional de moda, en medio de la promoción de su cuarto álbum, K de Karma.

En ese nuevo contexto, sin la presencia de Kenia Os, se dio la coincidencia entre Danna y Peso Pluma en el desfile de LUAR. El cruce circuló en publicaciones que los describieron representando a México en el evento, y los usuarios en redes lo vincularon de inmediato con el historial sentimental reciente del cantante, en momentos en que tanto él como Kenia Os han seguido caminos separados dentro de la industria musical y de la moda.

El origen de la dupla, de “Khe Calor” a las declaraciones sobre su vínculo

La colaboración entre Danna y El Malilla no surgió con “Si Se Acaba El Mundo”. Su primer cruce se dio en 2025, cuando El Malilla apareció como figura secundaria en el video musical de “Khe Calor”, sencillo de Danna. Ese cameo encendió la expectativa de las audiencias de ambos artistas sobre una posible unión formal.

El interés generado por ese primer acercamiento derivó, meses después, en la producción conjunta de “Si Se Acaba El Mundo”, publicada el 25 de junio de 2026. Entre ambos lanzamientos, El Malilla también sumó colaboraciones con otros nombres del género urbano, entre ellos J Balvin, Bellakath, El Bogueto, Ms Nina, Yeri Mua, Dani Flow y Kenia Os, con quien coincidió antes de su acercamiento con Danna.

El cantante, cuyo nombre real es Fernando Hernández Flores, se refirió públicamente a su vínculo artístico con Danna durante la alfombra roja del Best New Artist Showcase de los Latin Grammy. Ante la prensa, reconoció que la colaboración con Danna lo introdujo al pop y le cambió la perspectiva como artista, un comentario que reforzó la lectura de su relación como un intercambio entre dos géneros y dos generaciones musicales.

La cercanía mostrada por ambos en distintos escenarios, sumada al contenido detrás de cámaras que compartieron durante el rodaje del videoclip, alimentó las especulaciones sobre un posible vínculo sentimental. Sin embargo, ninguno de los dos artistas ha confirmado un noviazgo. Sus declaraciones públicas se han limitado a describir admiración mutua y una relación de amistad construida a partir de sus dos colaboraciones musicales.

El incidente ocurrió en el edificio Water Street Associates (WSA), ubicado en 175 Water Street, en el bajo Manhattan, mientras modelos desfilaban con la colección otoño-invierno 2026 de COS, marca contemporánea perteneciente a H&M Group. Un grupo de aproximadamente cinco activistas de PETA irrumpió en la pasarela y comenzó a gritar consignas como “saquen la lana de la pasarela ahora” y “ovejas ensangrentadas y golpeadas por la lana”, según informaron CNN y The New York Times.

Kolb, sentado junto a una pared de ventanales al costado de la pasarela, se levantó y empujó a un manifestante hacia la pared. Videos difundidos por PETA y captados por el sitio Fashionista muestran cómo el ejecutivo arrebata los carteles con mensajes sobre crueldad animal, cubre la boca del manifestante con su mano y presiona su cara contra el vidrio.

Más adelante en las imágenes, Kolb aparece en el piso, con una pierna enredada alrededor de una activista y la mano sobre su boca, mientras los modelos continuaban su recorrido por la pasarela. Un grupo de guardias de seguridad llegó después para retirar a los manifestantes del lugar.

Kolb se disculpó y anunció que se reunirá con PETA

Al cabo de pocas horas del incidente, Kolb publicó una disculpa en Instagram Stories: “Reaccioné de forma inapropiada ante un incidente ocurrido hoy en un desfile. No era mi lugar intervenir. Debí haberle dejado la situación al equipo de seguridad”, según recogió CNN.

Al día siguiente, el lunes 14 de septiembre, Kolb amplió su postura en un comunicado difundido por NBC News: “Lo que ocurrió fue completamente ajeno a mi carácter, tanto personal como profesionalmente. Al revisar los videos, entiendo la reacción que generaron. Francamente, no me reconozco en esa persona”.

En ese mismo texto, aceptó la invitación de PETA para reunirse y disculparse en persona con los dos manifestantes. “No hay justificación para sujetar físicamente a otra persona. La seguridad debería haber manejado la situación y yo debería haberme apartado”, agregó.

Ese mismo día, el CFDA formalizó su decisión: la organización anunció que Kolb quedaría en licencia con revisión completa del caso. “El CFDA toma este asunto con seriedad. Como resultado, el señor Kolb estará en licencia mientras se realiza una revisión exhaustiva”, señaló una vocera de la institución en declaraciones al New York Times.

PETA acusa a H&M Group de encubrir maltratos en granjas de lana certificadas

PETA calificó la intervención de Kolb como una “agresión” a sus activistas y presentó una denuncia policial. La organización dijo considerar cargos penales, aunque Mason Melito, uno de los manifestantes, de 22 años y coordinador de campaña de PETA, aclaró a CNN que por el momento evalúan sus opciones y que su principal interés es hablar con Kolb.

Melito describió la reacción del ejecutivo como un reflejo de lo que, según PETA, ocurre en la industria lanera. “La violencia que el CEO del CFDA mostró hacia nosotros, en su intento de silenciarnos, refleja exactamente la violencia propia de la industria de la lana”, afirmó en declaraciones al medio estadounidense.

La protesta apuntó específicamente a COS por su uso de lana, en el marco de una campaña más amplia de PETA contra H&M Group para que abandone ese material en sus productos. La organización alega que una granja sudafricana con certificación Nativa —estándar utilizado por el grupo sueco— fue filmada en secreto maltratando ovejas, y que esa explotación vende su lana a través de un bróker que abastece a H&M Group con fibra “responsablemente” obtenida. CNN precisó, no obstante, que la investigación no encontró pruebas que vinculen de forma explícita esa granja con los productos terminados del grupo.

H&M Group suspendió dos granjas certificadas tras las denuncias de PETA

En respuesta a los señalamientos, H&M Group emitió un comunicado en el que señaló que, tras una investigación propia, suspendió las licencias de una granja de lana y una de mohair, a las que ya no les permite vender materiales con certificación. La empresa indicó que toda la lana virgen y el mohair que usa provienen de granjas certificadas bajo los estándares Responsible Wool Standard (RWS) y Responsible Mohair Standard (RMS), ambos administrados por Textile Exchange, según la declaración recogida por NBC News.

“El bienestar animal es muy importante para nosotros. Ningún animal debería sufrir daño en la fabricación de nuestros productos. Tomamos muy en serio las denuncias sobre incumplimientos de las certificaciones en las que confiamos”, sostuvo la empresa. H&M Group tiene como objetivo que, para 2026, el 100% de la lana que utilice provenga de granjas con certificación responsable, fuentes recicladas o fibras no animales.

La prohibición de pieles del CFDA para la Semana de la Moda de Nueva York no incluye la lana

El incidente pone en relieve una distinción clave en la política del CFDA: en diciembre de 2025, la organización anunció que, a partir de septiembre de 2026, quedarían prohibidas las pieles animales en todos los desfiles de la Semana de la Moda de Nueva York. En ese momento, PETA celebró la medida, una conquista simbólica vinculada a décadas de activismo —incluida la famosa protesta desnuda en el desfile de Oscar de la Renta en 1991.

No obstante, esa prohibición no abarca la lana ni otros productos derivados del esquilado de animales, lo que explica la vigencia de la campaña de PETA contra COS. El CFDA agrupa a más de 300 diseñadores y marcas, organiza la Semana de la Moda de Nueva York —cuya edición de septiembre de 2026 concluyó el martes 15— y celebra una gala anual de premios considerada el equivalente de los Óscar en la industria de la moda. Kolb ocupa la presidencia ejecutiva de la organización desde 2011.

“Es muy importante poder tomarse el tiempo para planificar y organizar las órdenes de manera específica”. Con esa idea, Pablo repasa el detrás de escena de la industria de la moda: cómo se gestiona la logística inversa cuando lo que vuelve no es una devolución sino un cambio de talle, cómo conviven canales tan distintos como los locales, las franquicias y el ecommerce, y cómo un sistema que antes solo reaccionaba a las urgencias empezó a anticiparse a ellas.

¿En qué se diferencia la logística inversa de la industria de la moda respecto de otros rubros?

En el calzado y la indumentaria, gran parte de los productos que vuelven no son devoluciones simples: muchas veces son cambios, porque el cliente pide otro talle, otro color o directamente una reparación. Esa posibilidad genera una dinámica mucho más intensa que en otros rubros.

Eso obliga a saber administrar el producto apenas vuelve al depósito, para poder responder de forma inmediata. Primero pasa por un control de recepción, después por un control de calidad, y ahí se define si vuelve a la venta como primera calidad, como segunda calidad o si necesita reparación con un proveedor.

¿Cómo se gestiona el stock y el abastecimiento entre los distintos canales de venta?

En la industria conviven varios canales: locales propios, franquicias y e-commerce. En el canal online hay distintos tiempos de entrega según lo que elige el cliente al comprar, y cada uno tiene su propio lead time, que hay que medir y respetar para cumplir con la fecha prometida.

La diferencia frente a los locales o las franquicias está en el volumen y en las dimensiones con las que se mueve la mercadería: ahí es distribución masiva, mientras que en el ecommerce la relación es uno a uno con el cliente final.

¿Qué es imprescindible resolver en la gestión de las órdenes del canal e-commerce?

Es imperativo saber administrar bien la gestión de olas a través del sistema WMS, para poder abarcar la mayor cantidad de SKUs posible dentro del tiempo establecido con el cliente. Esa gestión de olas es la que permite liberar los pedidos de forma ordenada y sostener los tiempos de entrega prometidos.

Contaste que pasaste de un WMS reactivo a uno proactivo. ¿Qué implicó ese cambio y qué tuvo que modificarse en la práctica?

Antes había un sistema premium que funcionaba bien, pero siempre se estaba atrás de urgencias o reclamos. Establecer los tiempos de entrega y de despacho, y sumar una etapa previa de planificación, ayuda a un líder de depósito a cumplir los plazos y a asignar los recursos de forma correcta.

Fue un proceso de varias etapas: primero trabajar con el equipo, entender cómo cada uno tomaba la información del sistema y sentarse a ver cómo procesarla para liberar las órdenes en olas de forma correcta. También se sumaron herramientas de análisis para organizar mejor la liberación, la supresión de órdenes o el picking por orden o por ola.

Más allá del WMS, ¿qué otros aspectos considerás clave para liderar un equipo de logística?

Me parece súper importante que un líder pueda transmitir la misión y la visión del equipo, que las personas entiendan para qué hacen lo que hacen: eso ayuda a que el equipo tenga un fin común y a que los resultados esperados sean mucho más factibles.

Hoy también es inevitable que un líder sepa incorporar la inteligencia artificial a su equipo y a su forma de trabajar, tanto usándola en el día a día como creando agentes que sumen productividad y generen valor agregado a la operación.

¿Cómo le explicarías a alguien fuera del sector la importancia de la logística detrás de la moda?

Muchas veces el cliente piensa que el producto se materializa automáticamente en su domicilio apenas hace clic para comprar. Me parece interesante que entienda que la logística está impulsada por muchísimas variables, como cuando uno sale de su casa hacia el trabajo y tiene que planificar todo para no llegar tarde. Es bueno que quien compra entienda la cantidad de etapas que tienen que suceder para que ese producto llegue a destino.

¿Qué reflexión te gustaría sumar?

Como líderes de logística deberíamos pasar de contar solo con indicadores históricos a sumar indicadores predictivos, que ayuden a anticipar el resultado esperado. Si busco un nivel de servicio del 98%, no puedo esperar a fin de mes para ver que fue del 90% y recién ahí actuar. Conviene contar con indicadores de gestión que se puedan revisar a diario, para llegar a ese objetivo antes de que termine el período.

Un vestido armadura confeccionado con zapatillas recuperadas y deconstruidas convive en la muestra Vestir mundos con una colección que Vero Ivaldi creó para elaborar la muerte de su pareja, Ricky Rúa, integrante de la banda Los Brujos. Ambas piezas forman parte de la exposición que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, con doce firmas y colectivos que redefinieron la indumentaria argentina desde fines del siglo XX y que completa el programa expositivo 70 Aniversario del Moderno.

La muestra, creada a partir del archivo de Fundación IDA - Investigación en Diseño Argentino, permanecerá abierta hasta marzo de 2027 en la sala H, en el segundo piso de la sede del museo en San Telmo. La exhibición coincide con el 70 Aniversario de la institución y se enmarca en el programa anual Habitando el Futuro.

Una colección nacida del duelo

En 2021, Vero Ivaldi presentó Bitácora del duelo, una colección que elaboró tras la muerte de Ricky Rúa. La diseñadora, que en los años noventa había creado el vestuario de Los Brujos y fue una de las impulsoras del colectivo Diseñadores del Bajo, recuperó y resignificó prendas para transformar la ausencia en un relato visual: una progresión entre oscuridad y luminosidad, sustracciones en las telas, corazones rotos y mensajes dirigidos a Rúa. La curaduría de la muestra describe estas piezas como “registros sensibles de la pérdida”, capaces de convertir “el dolor indecible en algo bello”.

Esa capacidad de la ropa para procesar experiencias íntimas se repite, con otro registro, en el trabajo de Juliana García Bello. La diseñadora, radicada en Tierra del Fuego, desarrolló junto con su abuela la colección Dora Duba, confeccionada a partir de prendas aportadas por vecinos de Villa Elvira, su pueblo natal. El proyecto, que remienda y reconstruye ropa heredada o descartada, le valió el reconocimiento Autores de Moda BA en BAFWeek y el Fashion Makes Sense Award del FashionClash Festival, ambos en 2019.

De las zapatillas descartadas a la sala de un museo

El vestido armadura Sneaker Monster, realizado con zapatillas recuperadas y deconstruidas, y el look de novia La llorona, hecho con vestidos donados, fragmentos de calzado y textiles reutilizados, pertenecen a la colección Waste Is Privilege (2025), del colectivo Therapy Recycle and Exorcise. Ambas piezas ingresaron recientemente a la colección del Museo Moderno a través de su Comité de Adquisiciones, un dato que marca el reconocimiento institucional de una práctica que el proyecto, fundado por Mariángeles y Paula Aguirre entre Berlín y Córdoba, lleva adelante desde hace más de una década: transformar residuos textiles y ropa en desuso en prendas sin género ni temporada.

El upcycling o suprarreciclaje atraviesa también el trabajo de 12NA, colectivo creado en 2004 por Mercedes Martínez y Mariano Breccia, que selecciona, desarma y recompone ropa usada de distintas épocas y procedencias para darle un nuevo significado sin procesarla por completo.

Cuando la crisis se volvió laboratorio de diseño

Buena parte de la exposición remite a la crisis económica e industrial de fines de los noventa y comienzos de los dos mil, un período que llevó a los diseñadores argentinos a imaginar nuevas formas de producir. Martín Churba y Jessica Trosman concibieron entre 1997 y 2002, bajo el nombre Trosmanchurba, colecciones que funcionaban como laboratorios textiles: fusionaban y quemaban plásticos y descartes industriales, y crearon estampados arrugados que bautizaron “lechugas”.

Tras el auge de las organizaciones laborales autogestionadas que siguió a la crisis de 2001, Churba desarrolló junto con la Cooperativa La Juanita la colección Pongamos el trabajo de moda para siempre (2004), que resignificó el guardapolvo como ícono de la cultura del trabajo. En paralelo, Vicki Otero llevó esa misma tensión a la pasarela: en Industria argentina (2017), montó el desfile como un taller de costura del que las modelos retiraban progresivamente máquinas y herramientas hasta dejarlo vacío, una imagen del debilitamiento de la producción nacional y la pérdida de empleos y saberes.

Los oficios del Norte y la respuesta a la crisis ambiental

Otro grupo de obras rescata técnicas y comunidades artesanas del interior del país. MANTO, firma creada en 1996 por Clara de la Torre y Diana Dai Chee Chaug, construyó a lo largo de casi tres décadas una red de trabajo con hilanderas y tejedoras del norte argentino, cuya lana de oveja y pelo de llama se transforman en tapados de líneas austeras. Roxana Liendro, por su parte, trasladó a la indumentaria los saberes de orfebrería que aprendió en el taller de su padre en Salta, con piezas que combinan alpaca y cobre con textiles regionales como el barracán y el aguayo.

La preocupación ambiental atraviesa el trabajo de Cora Groppo, que desde 1996 desarrolla sus prendas directamente sobre el maniquí y traduce a la superficie de las telas la forma de organismos naturales: en las colecciones Micótica y Vertebrada, la observación de hongos, raíces y estructuras óseas inspira la superposición de capas y volúmenes articulados. Nous Étudions, firma fundada en 2014 por Romina Cardillo, aborda esa misma relación desde el veganismo: trabaja con biomateriales y textiles libres de componentes animales, como en la colección Fin del mundo: Principio de todo, desarrollada con un material cultivado a partir de residuos agroindustriales. A esa búsqueda se suma Milagros Pereda, que recupera lana descartada de la esquila y trabaja con mujeres de Entre Ríos en su lavado e hilado manual.

“Me interesa pensar estas piezas reunidas en la exposición como respuestas a un mundo en transición. Son diseños que dialogan con las inquietudes de su tiempo y transforman la carencia o la dificultad en potencia. En esa capacidad de reconstruir, imaginar y crear otros mundos posibles hay algo profundamente argentino”, explicó Franco Chimento, curador de la muestra junto con Raúl Flores.

“La exposición reúne a diseñadores que abordaron la indumentaria desde perspectivas radicales e hicieron de ella un campo de experimentación. Sus obras transformaron la relación entre los materiales y el cuerpo, y ampliaron nuestra manera de entender el vestir como un lenguaje capaz de expresar una identidad y tomar posición frente al mundo”, agregó.

Flores, por su parte, vinculó la propuesta con otro fondo del museo: “El Museo tiene en su patrimonio una importante colección de Sergio De Loof, el gran diseñador urbano, creador de tribu y comunidad. Los diseñadores de esta exposición son también urbanos, de la era post De Loof”.

El texto de sala de la muestra sintetiza ese planteo: “Cestir es una forma de tomar posición frente al consumo acelerado, la deslocalización de la producción y el distanciamiento creciente entre las prendas y quienes las fabrican”.

*Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en Avenida San Juan 350, C. A. B. A. Horarios: lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11.00 a 19.00. Sábados, domingos y feriados, de 11.00 a 20.00. Martes cerrado.

Entrada general: $5.000. Miércoles y último domingo de cada mes: entrada sin cargo para público general. Sin cargo: jubilados, menores de 12 años, personas con discapacidad y su acompañante, y grupos de estudiantes de escuelas públicas. Acceso gratuito con credenciales al día para docentes y estudiantes universitarios. Reserva de entradas: museomoderno.org/entradas/.

Fuente y fotos: gentileza prensa Museo Moderno (© Julián Bongiovanni).

Los Premios Emmy 2026 reunieron este lunes a las principales figuras de la televisión en el Peacock Theater de Los Ángeles. La alfombra roja volvió a ser una pasarela de tendencias y de estilo.

En la 78.ª edición de los galardones, los diseñadores Gustavo Pucheta, Fabián Zitta y Marcelo Senra analizaron para Infobae las elecciones de las celebridades y las claves que dejaron los looks de la noche.

Selena Gómez

Selena Gomez lució un vestido dorado sin tirantes, formado por tiras metálicas horizontales que delinearon el torso y la falda.

Gustavo Pucheta analizó su estilismo: “Selena eligió una propuesta distinta y compleja de llevar. Me gusta mucho la estructura que habla de este vestido y su composición. Siento que esta alfombra saca de su zona de confort a algunas figuras”.

Colman Domingo

Colman Domingo apareció con un traje marrón claro de textura acanalada, formado por una chaqueta de solapas amplias y un pantalón a juego.

Eligió una camisa negra y una corbata fucsia para acompañarlo. Añadió gafas de sol negras, un reloj metálico, varios anillos y pulseras.

“Me gusta mucho esta propuesta tan disruptiva y cómo la lleva: es de Alessandro Michel, director creativo Valentino. Son conjuntos y propuestas que vienen a dejar un momento en la alfombra”, comentó Pucheta sobre el look del actor.

Kristen Bell

Kristen Bell posó con un conjunto blanco de inspiración lencera, compuesto por una blusa de escote asimétrico, volados y paneles de encaje rosado.

Zitta criticó el look de Kristen Bell: “Un poco aburrida. Quizás un color hubiera sido mejor. No me gusta”.

Zendaya

Zendaya eligió un vestido en tono rosa pálido, con tirantes finos, escote profundo y transparencias cubiertas por aplicaciones plateadas.

La actriz fue elogiada por Zitta, quien apuntó: “Siempre ‘estilosa’ ella: buen acierto en la estética, silueta y color. Hace magia con su imagen”.

Chase Infiniti

Chase Infiniti apareció con un vestido burdeos de tirantes finos, con una superficie cubierta por cuentas redondas y reflejos metálicos. El diseño se ajustó al cuerpo y terminó en una falda amplia con caída.

“Es el clásico vestido en su morfología. Lo interesante es la textura: parecen bolitas de perlas oscuras aplicadas o bordadas. ¿Qué pasará si te sentás? Lo digo por las texturas y su estructura rígida”, repasó Senra.

Thaddeus LaGrone

Thaddeus LaGrone vistió una chaqueta negra de textura satinada, con solapas amplias, cierre de doble botonadura y un corte holgado. La combinó con pantalones negros y zapatos negros de charol.

“Me gusta esta propuesta sastrera en él. Sobre todo, el brocato utilizado en el conjunto lleva a un clásico traje negro a otro universo. El gran escote de su pecho resalta su piel y rostro. Me gustó”, opinó Gustavo Pucheta.

Nicole Kidman

El color blanco y las plumas fueron principales en el look de Nicole Kidman que lució un vestido de silueta ajustada, escote recto y aplicaciones de plumas sobre los hombros.

El diseño incluyó una abertura frontal en la falda. Llevó el pelo recogido con flequillo suelto y completó el look con accesorios discretos.

“Mi preferida en todas las alfombras. Es la gran esperada en casi todas. Es uno de mis looks favoritos este de Chanel”, destacó Pucheta sobre el look de la actriz.

Elle Fanning

Elle Fanning apareció con un vestido verde menta de tirantes finos y tejido brillante. El diseño incorporó volantes alrededor del escote y una abertura lateral, mientras una cola de flecos largos cayó hasta el suelo.

Megan Stalter

Megan Stalter apostó por una estructura circular dorada que simuló ser el premio Emmy, con grandes alas metálicas extendidas detrás de los hombros.

“Megan transformó las últimas alfombras en un discurso expresivo muy relevante y esta vez los llevó a su máxima expresión”, opinó Pucheta.

También agregó: “Apoyo la democracia de contar, hablar y manifestar mediante el vestir, sobre todo momentos donde todos estamos esperando el mensaje de tan grandes referentes”.

Law Roach

Law Roach asistió con una chaqueta dorada con estampado floral en tonos blanco, verde y rosa. La combinó con una camisa del mismo tejido, pantalones blancos y zapatos negros con detalles metálicos.

Agregó anteojos de montura transparente, el cabello largo y lacio, y un bolso rosa que sostuvo frente al cuerpo.

Derek Hough

Derek Hough vistió un traje sastre verde azulado de doble botonadura, compuesto por una chaqueta con solapas amplias, bolsillos con tapas y un pantalón de pierna recta.

El actor y bailarín lo combinó con una camisa del mismo tono y añadió un broche circular con pedrería en la solapa. Completó el conjunto con zapatos negros de punta ligeramente cuadrada y detalles verdes.

Valerie Chu

Valerie Chu llevó un vestido verde esmeralda sin tirantes, con escote en forma de corazón y una gran lazada drapeada en la cintura. El diseño incorporó una falda amplia con pliegues y volumen hasta el suelo.

La guionista impactó con un collar de perlas de varias vueltas, pendientes a juego, un anillo dorado y un bolso de mano cubierto de perlas.

Cooper Wehde

Cooper Wehde eligió un esmoquin negro con solapas amplias de satén gris, camisa blanca y pajarita negra. Completó el conjunto con un pantalón negro de pierna recta y zapatos negros de charol con cordones.

Aaliyah Mastin

Un vestido blanco sin mangas fue la elección de Aaliyah Mastin, con tirantes anchos, escote redondeado y un cuerpo ajustado con costuras horizontales. La falda amplia cayó hasta el suelo y formó una silueta acampanada. Completó el conjunto con pequeños pendientes y llevó el cabello lacio, peinado hacia un lado.

Isabel Gravitt

Fabián Zitta analizó el look de Isabel Gravitt: “Look minimalista: los ‘90 están de vuelta y las actrices jóvenes eligen el minimalismo. Es una tendencia”, dijo.

Odessa A’zion

Odessa A’zion llevó un conjunto completamente negro, con una prenda de manga larga y acabado liso. El atuendo tenía un corte holgado y una estructura sencilla. Una correa oscura cruzaba el torso desde el hombro hasta la cintura. El look se completó con accesorios negros y una estética de tonos sobrios.

Lisa Ann Walter

“Con el vestido solo era suficiente. Las mangas le dan una espacialidad innecesaria. Ojo: no todos los volúmenes están bien pensados cuando decidimos un look”, señaló Fabián Zitta al ver el paso de Lisa Ann Walter por la alfombra roja.

Donovan Colan

Donovan Colan optó por un look clásico: un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa blanca y moño negro.

Haley Kalil

Haley Kalil eligió un vestido negro sin tirantes, con un escote recto y un cuerpo ajustado. La falda presentó drapeados diagonales y se extendió en una cola amplia sobre la alfombra azul. Sumó un collar plateado, varios anillos y el cabello suelto.

Jeff Hiller

El protagonista del look de Jeff Hiller fue un traje negro de doble botonadura, adornado con costuras decorativas blancas, parches bordados en el frente y un broche floral blanco en la solapa.

Debajo llevó una camisa dorada con brillo y un corbatín negro. Sumó pantalones negros de pierna amplia, mocasines del mismo tono y gafas de montura gruesa. Al verlo, Zitta planteó: “Me encanta ese look ‘old money’. Acertado”.

Lisa Kudrow

Lisa Kudrow optó por un conjunto negro compuesto por una chaqueta de solapas satinadas y un top de la misma textura. El pantalón amplio prolongó la silueta y mantuvo el tono del resto de la vestimenta.

Dakota Fanning

Dakota Fanning llevó un look bicolor, compuesto por un corset negro de escote strapless y una falda blanca amplia, con una capa negra debajo. Sumó sandalias negras de tiras finas, pulsera, anillos y un collar de brillantes.

“El look es muy ella. Casual y sin estridencias. No está mal pero tampoco es para recordarlo”, repasó Zitta en relación al estilo de Dakota Fanning.

Steve Carell

Steve Carell eligió un esmoquin negro de saco con solapas satinadas, camisa blanca, moño a juego y pañuelo blanco en el bolsillo. Completó el conjunto con anteojos de marco oscuro. “Impecable y seductor con esas gafas, lo moderniza al traje smoking sin su faja tradicional”, describió Senra.

Macaulay Culkin

Macaulay Culkin llevó un traje blanco de saco de dos botones y pantalón recto a juego. Debajo, sumó una camisa blanca de cuello clásico y completó el conjunto con zapatos negros.

Mark Ruffalo y Sunrise Coigney

Mark Ruffalo vistió un esmoquin negro con camisa blanca, moño negro y zapatos de vestir a juego. Su esposa Sunrise Coigney eligió un traje negro de saco de solapas amplias y pantalón recto. Completó el look con aros largos de brillantes y labios rojos.

David Harbour

David Harbour optó por un traje negro de solapas satinadas, camisa blanca y corbata negra. Completó el conjunto con zapatos de vestir a tono.

Brooks Nader

Un vestido rojo ajustado al cuerpo, con cuello halter, escote central y abertura lateral fue el elegido por Brooks Nader. El diseño de acabado brillante dejó ver zapatos en el mismo tono.

Ayo Edebiri

Ayo Edebiri llevó un vestido celeste de escote redondo y cuerpo entallado, con una falda amplia formada por capas de volados. El diseño incorporó un panel naranja en la espalda que cayó hasta el piso como una cola. Completó el conjunto con sandalias plateadas de tiras finas y aros de perlas.

Florence Pugh

El color lila predominó en la elección de Florence Pugh, que llevó un vestido de escote strapless, con drapeados sobre el torso y mangas abullonadas de tul translúcido. Sumó un collar de piedras de colores y un peinado recogido.

Más looks de las celebridades en los Premios Emmy 2026

Michelle Pfeiffer

Noah Wyle y Sara Wyle

Harry Hamlin

Claire Danes

Emilia Clarke

Jaclyn Smith

Sarah Snook

Ed Helms y Anna Osceola

Emmy Rossum

*Fotos: Reuters

La alfombra roja del Peacock Theater de Los Ángeles volvió a convertirse, este lunes, en el otro gran escenario de los Premios Emmy 2026.

En el marco de la 78.ª edición, actores, guionistas y productores desfilaron ante un jurado paralelo que también tiene sus propios ganadores y perdedores: la moda.

Infobae consultó a los diseñadores Gustavo Pucheta, Fabián Zitta y Marcelo Senra para reconstruir, look por look, los aciertos y los “tropiezos” que dejó la noche. De esa lectura surgió un puñado de nombres que se repitieron entre los elogios, y otro grupo que no corrió la misma suerte.

Un vestido de Chanel se robó la noche

Si hubo un consenso entre los especialistas, fue en torno a Nicole Kidman. La actriz apareció con un vestido blanco de silueta ajustada, escote recto y aplicaciones de plumas sobre los hombros, firmado por Chanel, con una abertura frontal en la falda que completó con el pelo recogido y flequillo suelto.

Pucheta no dudó en ubicarla en el primer puesto de su ranking personal. “Mi preferida en todas las alfombras. Es la gran esperada en casi todas”, señaló el diseñador, para quien el vestido de Kidman fue, sencillamente, uno de sus favoritos de la temporada.

Zendaya repitió la fórmula que nunca falla

A pocos metros, Zendaya confirmó por qué su nombre aparece casi de forma automática en las listas de mejor vestidas. Con un vestido rosa pálido, tirantes finos, escote profundo y transparencias cubiertas por aplicaciones plateadas, la actriz volvió a demostrar el manejo que tiene de su propia imagen.

Zitta fue el encargado de traducir en palabras lo que para muchos resultó evidente en la pasarela: la actriz acertó de nuevo en la estética, la silueta y el color elegidos, y “hace magia con su imagen”, resumió el diseñador, casi sin necesidad de agregar más.

Selena Gómez se animó a un riesgo calculado

Lejos de la comodidad de un vestido clásico, Selena Gómez apostó por una estructura dorada de tiras metálicas horizontales que delinearon torso y falda, un diseño que exigía cierta valentía para lucirlo. Pucheta lo notó enseguida y destacó que la actriz eligió una propuesta compleja de llevar, cuya estructura y composición le resultaron particularmente atractivas.

El diseñador aprovechó el caso de Gómez para trazar una lectura más amplia de la noche: esta alfombra, dijo, sacó “de su zona de confort a algunas figuras”, en una edición donde la audacia pareció pesar tanto como la elegancia.

Colman Domingo y Steve Carell, la cuota masculina de aplausos

Entre los hombres, Colman Domingo se llevó buena parte de los elogios con un traje marrón claro de textura acanalada, solapas amplias y pantalón a juego, que combinó con camisa negra y corbata fucsia. La pieza, firmada por Alessandro Michele, director creativo de Valentino, encajó dentro de esa categoría de looks que buscan, más que acompañar, dejar una marca en la alfombra.

Pucheta coincidió con esa lectura y celebró lo disruptivo de la propuesta, al considerar que se trató de una de esas apuestas pensadas para generar un momento propio dentro del desfile de esa noche.

Steve Carell, por su parte, apostó por lo clásico sin resignar personalidad: esmoquin negro de solapas satinadas, camisa blanca, moño a juego y pañuelo en el bolsillo, rematado con anteojos de marco oscuro. Para Senra, el resultado fue impecable y seductor, con esas gafas que lograron modernizar el traje sin necesidad de romper con su formalidad tradicional.

Kristen Bell no logró convencer a los expertos

No todos los looks corrieron la misma suerte. Kristen Bell posó con un conjunto blanco de inspiración lencera, con blusa de escote asimétrico, volados y paneles de encaje rosado, una propuesta que Zitta descartó sin rodeos. “Un poco aburrida. Quizás un color hubiera sido mejor. No me gusta”, sentenció el diseñador, en una de las devoluciones más directas de la jornada.

Chase Infiniti generó dudas por la practicidad de su vestido

Chase Infiniti llegó con un vestido burdeos de tirantes finos, cubierto por cuentas redondas y reflejos metálicos, ajustado al cuerpo y con una falda amplia. Senra rescató el interés de la textura, que a su entender parecía compuesta por pequeñas perlas oscuras aplicadas o bordadas, aunque no ocultó su escepticismo frente a la rigidez del diseño.

“¿Qué pasará si te sentás?”, se preguntó el diseñador, en referencia directa a una estructura que, según planteó, podría jugarle una mala pasada a la actriz apenas tuviera que tomar asiento.

Lisa Ann Walter, Dakota Fanning y Macaulay Culkin completaron la lista de desaciertos

Lisa Ann Walter tampoco logró convencer a los especialistas. Para Zitta, el vestido no necesitaba ningún agregado: las mangas, sostuvo, sumaron una espacialidad innecesaria a una prenda que hubiera funcionado mejor sin ese volumen extra. No todos los volúmenes, advirtió el diseñador, están bien pensados a la hora de definir un look.

Dakota Fanning, en cambio, quedó en un terreno más gris. Con un corset negro de escote strapless, falda blanca amplia y una capa negra debajo, la actriz completó su look con sandalias, pulsera, anillos y un collar de brillantes. Zitta no lo consideró un fracaso, aunque tampoco un logro: lo definió como un estilismo casual y sin estridencias, muy propio de ella, pero “no está mal pero tampoco es para recordarlo”, cerró.

Macaulay Culkin completó la lista de looks más cuestionados de la noche con un traje blanco de saco de dos botones y pantalón recto, que combinó con una camisa blanca de cuello clásico y zapatos negros. Zitta apuntó directo a las proporciones del conjunto y advirtió que los largos modulares y las proporciones resultaron extrañas: el saco, señaló, quedó largo, mientras que el pantalón, demasiado ancho, y la camisa sin cuello tampoco jugaron a favor del estilismo del actor.

Entre plumas de Chanel, estructuras doradas y algún que otro vestido que generó más preguntas que aplausos, la alfombra de los Emmy 2026 dejó, una vez más, la prueba de que la moda también tiene sus propios ganadores en la noche de la televisión.

La actriz anunció la renovación del emprendimiento en Instagram: “Nos renovamos por completo y estamos muy felices de compartir esta nueva etapa con ustedes”.

Wons explicó que la propuesta seguirá enfocada en objetos y artesanías seleccionadas, “Seguimos creando y seleccionando objetos únicos, de esos que tienen algo especial y que queremos que descubran de a poquito”, escribió en su cuneta de Instagram.

El relanzamiento presentado en redes sociales añadió una línea de vinchas con flores y combinaciones de colores para la primavera. Las piezas se integraron a una propuesta que mantiene el foco en artículos seleccionados y elaborados en series reducidas.

La publicación de Instagram mostró que la renovación abarca la identidad visual y la selección de artículos de la marca. El anuncio también retomó el tono artesanal con el que se inició el proyecto, ligado al trabajo manual y a la elección de materiales.

Para la actriz, Un pez funciona como una actividad paralela que puede sostener en los períodos en que no tiene un contrato actoral. En su entrevista de 2024, explicó que la discontinuidad laboral del sector influyó en la decisión de desarrollar una fuente de ingresos propia. Esa experiencia incluyó la producción de objetos, la búsqueda de insumos y la capacitación para administrar un emprendimiento junto a otra persona.

La propuesta combina artículos textiles y accesorios. Los almohadones abrazables fueron el punto de partida, mientras que los sujetadores y las vinchas ampliaron el catálogo con piezas de menor tamaño. La referencia de Wons a Once da cuenta de que parte de la tarea inicial consistía en recorrer comercios de la zona para comprar telas y elementos decorativos destinados a cada producto.

Con el relanzamiento, la marca vuelve a poner el foco en esa línea de trabajo. La actriz comunicó que seguirá creando y seleccionando objetos para incorporarlos de manera gradual. La línea de vinchas con flores aparece como la primera novedad que dio a conocer en esta nueva fase de Un pez.

El emprendimiento de Mirta Wons como ingreso complementario a la actuación

La actriz contó durante su paso por el programa de Juana Viale en 2024 que creó el negocio como una alternativa laboral complementaria a la actuación. “Tengo un emprendimiento, yo soy una chica de manualidades. Soy actriz y estoy feliz con la obra que estamos haciendo, pero viste que los actores tenemos que tener un plan B, justamente porque trabajamos un mes y tres no, con suerte”, afirmó.

La actriz también se refirió al recorrido del proyecto junto a su socia y a las dificultades para sostenerlo. “Cuesta porque a los emprendedores no nos banca nadie. Veníamos bárbaro con mi socia. Nosotros empezamos esto en 2019 antes de la pandemia, felices, haciendo cursos como emprendedora”, agregó.

El primer producto de Un pez fueron almohadones abrazables de distintos estilos. “Empezamos haciendo almohadones, para luego pasar a los sujetadores. Yo vivía en Once, que me encanta para comprar telas y pompones”, recordó.

El proyecto se puso en marcha antes de la pandemia de coronavirus, un período que alteró la actividad comercial y obligó a muchos emprendimientos pequeños a reorganizar su producción y sus ventas. Wons señaló que, en sus primeros años, ella y su socia hicieron cursos vinculados a la actividad emprendedora mientras definían la identidad de la marca.

La actriz explicó que el aumento de los insumos fue uno de los obstáculos que enfrentaron para mantener la iniciativa. La compra de telas, pompones y otros materiales formaba parte de la elaboración de las primeras piezas, que tenían un componente artesanal y se diferenciaban de los productos industriales.

Amy Winehouse habría cumplido años este 14 de septiembre, pero su influencia estética no pertenece al pasado.

A más de una década de su muerte, su imagen conserva vigencia en pasarelas, editoriales y tendencias que recuperan el encanto imperfecto de lo vintage, el maquillaje dramático y la actitud como declaración de estilo.

La cantante británica dejó una marca que excedió a la música. Con una identidad visual inconfundible, desafió los códigos pulidos que dominaban el pop de comienzos del siglo XXI y convirtió cada aparición en una extensión de su universo artístico: intenso, retro, callejero y sin concesiones.

Una trayectoria intensa y determinante

Nacida en Reino Unido, Winehouse construyó una estética propia a partir de su fascinación por los años 50, el rockabilly y la cultura pin-up. No siguió las tendencias de temporada ni buscó una imagen perfecta. Su estilo transmitía personalidad, referencias musicales y una autenticidad que contrastaba con la producción calculada de muchas figuras de la industria.

El peinado beehive, elevado hasta convertirse en una de sus marcas registradas, y el delineado negro, grueso y alargado, inspirado en figuras como Cleopatra, definieron una silueta de belleza reconocible al instante. A eso sumó tatuajes, accesorios llamativos y una impronta desafiante que rompía con los moldes establecidos.

Su vestuario también reflejó ese cruce de épocas y códigos. Faldas ajustadas, vestidos de inspiración pin-up, zapatos de ballet, prendas vintage y detalles grunge componían un guardarropa que combinaba el glamour de otra década con la energía desordenada de Camden, el barrio londinense que formó parte de su identidad pública.

Al principio, buena parte de la industria de la moda evitó asociarse con Winehouse por la exposición de sus conflictos personales y sus adicciones. Esa distancia la acercó aún más a las marcas independientes, las tiendas de segunda mano y las piezas vintage. Lejos de debilitar su imagen, esa elección consolidó su aura de rebeldía.

Amy Winehouse no necesitó una estrategia corporativa para convertirse en referente. Su estilo nació de una mirada personal y de una forma de habitar la moda que todavía inspira: menos perfección, más carácter.

De todas formas, figuras como Karl Lagerfeld pronto reconocieron en ella una musa contemporánea. El legendario director creativo de Chanel llegó a integrar elementos de su estética, como el volumen característico de su cabello y el maquillaje marcado, en sus presentaciones para la colección Pre-Fall 2008, validando su impacto artístico.

Asimismo, Jean Paul Gaultier dedicó una colección completa de alta costura en 2012 a la cantante, rindiendo homenaje a su feminidad angular y a su capacidad para desafiar las convenciones de género y belleza.

Estas colaboraciones, junto con la línea desarrollada en conjunto con Fred Perry, demostraron que su influencia iba mucho más allá de su voz.

Su habilidad para hacer que elementos aparentemente poco refinados funcionaran con total coherencia y clase fue uno de los aspectos más valorados por los críticos de moda, quienes veían en ella un fenómeno de brillo efímero pero intenso.

Un impacto cultural que desafía al tiempo

La relevancia de Amy Winehouse en la cultura popular contemporánea se mantiene vigente años después de su fallecimiento.

Exposiciones como Beyond Black: The Style of Amy Winehouse, organizada por el Grammy Museum en Los Ángeles, Estados Unidos, han permitido documentar y analizar minuciosamente las piezas clave que compusieron su guardarropa.

Estas exhibiciones funcionan como un archivo histórico que preserva su esencia, desde los vestidos que utilizó en ceremonias de premiación hasta los accesorios más sencillos de su vida cotidiana.

El impacto de su imagen se refleja en el hecho de que sus prendas y accesorios, como el icónico bolso en forma de corazón de la firma Moschino, son hoy considerados objetos de culto con un valor histórico significativo.

La propuesta de la artista sigue resonando con fuerza debido a su honestidad brutal y su vulnerabilidad expuesta. Su capacidad para mantener una coherencia absoluta entre su sonido, una mezcla magistral de jazz, soul y R&B, y su indumentaria, la sitúa como una de las figuras más auténticas de la historia reciente.

La edición 78 de los premios Emmy se celebrará el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles, y la televisión volverá a vestirse de gala. La ceremonia reunirá a las principales figuras de la pantalla chica y, como cada año, la alfombra roja se convertirá en la verdadera protagonista de la jornada.

La actriz Mariska Hargitay, ícono de Law & Order: Special Victims Unit, tendrá la tarea de conducir la noche.

Con el correr de las ediciones, el evento dejó una galería de vestidos de archivo, transparencias audaces, siluetas de alto impacto y joyas que se transformaron en piezas de culto dentro de la historia de la premiación.

Los looks históricos de las celebridades

Selena Gomez

Selena Gomez eligió un vestido rojo de Louis Vuitton de silueta recta y cuello alto halter en la última edición. La prenda incorporó una capa que nacía en el cuello y se prolongaba hasta formar una cola. Llevó el cabello recogido y evitó accesorios llamativos, de modo que el diseño concentró la atención del conjunto.

Pedro Pascal

En 2025, Pedro Pascal vistió un ambo cruzado color blanco roto de Celine, diseñado por Michael Rider. El conjunto incluyó una chaqueta cruzada de hombros amplios, avíos dorados y pantalones de corte carrot. Los zapatos, en un tono diferente, completaron una propuesta alejada del traje oscuro tradicional.

Jenna Ortega

Jenna Ortega llevó un atuendo de Givenchy compuesto por un top con piedras, perlas y otros avíos dispuestos como si estuvieran cosidos sobre el cuerpo. En la ceremonia del año pasado, lo combinó con una falda de crepé negro de tiro bajo y sandalias minimalistas. Romano definió su elección como “muy divertida para la ocasión” y valoró el espíritu del conjunto.

Sydney Sweeney

Sydney Sweeney se presentó con un vestido rojo strapless de Oscar de la Renta. El diseño, confeccionado en satén de seda drapeado, sumó mangas que se transformaban en una cola. La actriz completó la elección con una gargantilla de brillantes.

Sofía Vergara

En los Emmy de 2024, Sofía Vergara eligió un vestido largo rojo de Dolce & Gabbana. El diseño strapless dejó los hombros al descubierto y siguió una línea ceñida, sin sumar capas, transparencias ni aplicaciones descriptas en el atuendo.

La confección fue uno de los aspectos señalados sobre la pieza. El modelo sostuvo una estética de gala a partir de su color, su extensión hasta el suelo y un corte que prescindió de mangas y escotes altos.

Vergara complementó el vestido con accesorios discretos. La elección mantuvo el foco en el rojo y en la estructura de la prenda.

Jonathan Bailey

Jonathan Bailey llevó un traje formal compuesto por un blazer negro de solapas clásicas y pantalones rectos. La propuesta se apartó de los conjuntos de color claro o de las prendas con bordados que aparecieron en otras ediciones.

Debajo de la chaqueta, el actor usó una camisa de material satinado en gris perla. El contraste entre esa prenda y el negro del traje definió la combinación cromática del conjunto.

El cuello de la camisa quedó ligeramente desabrochado. Ese detalle introdujo un registro más relajado dentro de una vestimenta basada en la sastrería tradicional.

Nicola Coughlan

Nicola Coughlan, reconocida por su trabajo en Bridgerton, eligió un diseño de corte estructurado para la ceremonia de 2024. La prenda se caracterizó por una construcción que definió el volumen de la parte superior.

El vestido dejó los hombros descubiertos y concentró su amplitud en el torso. Desde allí, la silueta se estrechó de forma progresiva hacia la zona de la falda.

La parte inferior cayó recta hasta el suelo. La combinación entre volumen superior y terminación vertical organizó el aspecto general de la pieza.

Zendaya

Zendaya asistió a los Emmy de 2022 con un conjunto de dos piezas confeccionado en satén opaco. La propuesta incluyó un bustier recto y una falda con una estructura diferente en la parte posterior.

El bustier sumó un faldón y un tajo. Esos elementos aportaron movimiento y definieron la separación entre la pieza superior y la falda.

La pollera presentó un corte campana, armado en el bajo, y una cola detrás. El diseño reunió una base de líneas rectas en el torso con una terminación de mayor amplitud en la parte inferior.

Reese Witherspoon

En 2022, Reese Witherspoon se presentó con un vestido strapless de Armani Privé. El diseño utilizó paillettes en azul noche, con un efecto tornasol dentro de la misma gama de color.

La prenda incluyó detalles de piedras bordadas, un volado y un tajo en la falda. El vestido combinó el brillo de la tela con aplicaciones ubicadas sobre la superficie.

Witherspoon sumó sandalias y joyas al conjunto. También se destacó el largo de la prenda y la relación entre esos accesorios y el vestido azul.

Andrew Garfield

Andrew Garfield llevó a los Emmy de 2022 un traje creado por Zegna. Su elección se basó en un total white que concentró el color claro en las principales prendas del conjunto.

Los zapatos negros marcaron el contraste. Esa combinación de blanco y negro fue presentada como un recurso que actualizó la propuesta de sastrería del actor.

La aparición de Garfield se vinculó con una mayor presencia de looks masculinos distintos en las alfombras rojas. El uso de trajes de colores no tradicionales fue señalado como una tendencia, en este caso a partir de una composición en tonos blanco y negro.

Amanda Seyfried

Amanda Seyfried llegó a la ceremonia de 2022 con un vestido de Armani Privé. La tela brillante se inscribió dentro de una tendencia mencionada entre los atuendos de la alfombra roja.

El diseño se ajustaba de manera marcada al cuerpo. Esa característica fue el punto central de la valoración sobre la prenda.

*Fotos: Reuters/AFP

La edición 2027 de Guinness World Records incorporó a ocho menores de 16 años a su apartado Young Achievers, dedicado a reconocer logros alcanzados a edades tempranas. Los seleccionados proceden de Estados Unidos, Reino Unido, Australia, la Polinesia Francesa e India, y sus historias abarcan desde la programación y el diseño de moda hasta el deporte paralímpico y las iniciativas solidarias.

1. Max Alexander llevó sus diseños desde Denver hasta la pasarela de París

Entre los perfiles incluidos figura Max Alexander, diseñador estadounidense nacido el 25 de febrero de 2016. Su interés por la moda comenzó a los 4 años, cuando les dijo a sus padres que quería ser modista y confeccionó un vestido para su hermana.

A los 7 años presentó una colección completa en la Semana de la Moda de Denver, en Colorado, y obtuvo el récord de diseñador de desfiles de moda más joven. Más adelante abrió una tienda en internet, realizó prendas a medida para figuras como la actriz Sharon Stone y reunió más de 13 millones de seguidores en sus redes sociales.

El 3 de marzo consiguió una segunda marca al convertirse, con 10 años, en el diseñador más joven en presentar una pasarela durante la Semana de la Moda de París. En declaraciones recogidas por Guinness World Records, afirmó que aspira a combinar varios oficios, entre ellos el diseño, la cocina y la ingeniería.

2. Phoenix Giselle Hicks obtuvo el récord de instructora de yoga más joven

Phoenix Giselle Hicks, de Houston, Texas, asistió a su primera clase de yoga cuando tenía tres meses, acompañada por su madre, Sydney. A los cuatro años ya participaba en sesiones de mayor exigencia y poco después ambas comenzaron a dar clases juntas.

La niña completó 200 horas de formación y el 22 de junio de 2025, con 5 años, fue reconocida como la instructora de yoga más joven. En la actualidad dirige clases para asistentes de distintas edades en la ciudad texana.

“Cuando enseño yoga, me siento honrada y orgullosa de que las personas me permitan guiarlas”, señaló Hicks a la organización. También indicó que busca que quienes participan en sus clases encuentren un espacio de calma y relajación.

3. Jude Owens logró dos marcas de snooker antes de cumplir tres años

Entre los casos de la selección también aparece el de Jude Owens, un niño británico nacido el 14 de diciembre de 2022 que comenzó a jugar al snooker en miniatura a los 2 años. Antes de cumplir tres pasó a utilizar mesas reglamentarias, a las que llama “big snooks”, según relató su familia.

El snooker es una modalidad de billar originaria del Reino Unido. Se disputa en una mesa más grande que la del pool, con troneras más pequeñas, y utiliza 22 bolas: una blanca, 15 rojas y seis de colores, cada una con una puntuación diferente.

El 1 de septiembre de 2025, cuando tenía 2 años y 261 días, Owens se convirtió en la persona más joven en lograr una doble tronera. La jugada ocurre cuando, tras un solo golpe a la bola blanca, dos bolas terminan en troneras distintas.

Un mes más tarde añadió otro récord: fue la persona más joven en realizar un tiro con rebote en banda. Con 2 años y 302 días, golpeó una bola de color contra uno de los cojines de la mesa antes de que entrara en una tronera.

Su padre, Luke, dijo a Guinness World Records que la familia espera, ante todo, que Jude tenga un buen desarrollo personal, aunque consideró que podría aspirar a un título mundial en el futuro.

4. Bly Twomey ganó dos bronces paralímpicos a los 14 años

Bly Twomey, nacida en Reino Unido el 27 de abril de 2010, empezó a practicar tenis de mesa y, tres años más tarde, representó a Gran Bretaña en los Juegos Paralímpicos de París 2024.

El 29 de agosto de ese año obtuvo la marca de medallista paralímpica más joven en tenis de mesa, con 14 años. Durante la competencia consiguió dos medallas de bronce: una en la prueba individual y otra en dobles junto a Fliss Pickard.

Twomey nació con parálisis cerebral, una condición que limita la movilidad en un lado de su cuerpo. La deportista explicó que uno de los aspectos que más valoró de los Juegos fue conocer a atletas con distintas discapacidades. “Sal ahí fuera y sé la persona que quieres ser”, sostuvo en una declaración difundida por la entidad.

5. Noah Williams publicó un programa informático con ocho años

Noah Williams, de Melbourne, Australia, aprendió el lenguaje de programación C++ a los seis años y comenzó a crear programas para resolver cálculos matemáticos. Al año siguiente ingresó en Mensa, organización para personas con alto cociente intelectual, tras obtener un resultado ubicado en el percentil 99,9.

El 8 de agosto de 2025, cuando tenía 8 años, una empresa independiente publicó uno de los programas creados por Williams. Ese logro le otorgó el récord de programador informático más joven.

Además de escribir código, el niño trabaja con robots y drones. “Solo necesitas aprender los fundamentos de la programación y luego las posibilidades son infinitas”, declaró a Guinness World Records, al referirse a la capacidad creativa que ofrece esa disciplina.

6. Carmela Chillery-Watson se convirtió en la receptora más joven de una MBE

Carmela Chillery-Watson, nacida en Reino Unido el 27 de marzo de 2014, recibió a los 4 años el diagnóstico de distrofia muscular congénita relacionada con LMNA, una enfermedad progresiva que provoca pérdida de masa y fuerza muscular.

Desde entonces reunió unos USD 670.000, para la organización Muscular Dystrophy UK mediante distintas campañas solidarias. En 2020 recorrió 10 kilómetros diarios durante un mes vestida como Wonder Woman. Caminaba un kilómetro y completaba el resto del trayecto en silla de ruedas.

Entre sus acciones más recientes figura una caminata de 24 horas por los pasillos de cinco hospitales en los que recibió atención médica. En esa iniciativa registró cerca de 6.500 pasos y recaudó USD 4.343.

El 13 de junio de 2025, con 11 años y 78 días, fue designada la receptora más joven de la Orden del Imperio Británico. Superó la marca previa de 14 años y 50 días que ostentaba la nadadora paralímpica Ellie Simmonds. El príncipe Guillermo le entregó la condecoración en el castillo de Windsor en diciembre de 2025.

7. Kelia Mehani Gallina debutó en el circuito mundial de surf a los 12 años

Kelia Mehani Gallina, nacida en la Polinesia Francesa el 10 de agosto de 2012, empezó a surfear a los 4 años en Teahupo’o, lugar considerado uno de los escenarios más exigentes del surf por la potencia de sus olas.

Conocida como “Miss Teahupo’o”, participó por primera vez en las pruebas clasificatorias del Tahiti Pro en julio de 2025. Era la competidora de menor edad del cuadro y ganó la competencia, resultado que le otorgó una invitación para la prueba principal.

El 8 de agosto de 2025, con 12 años, fue reconocida como la persona más joven en competir en el Championship Tour de la World Surf League. Gallina finalizó novena entre las 12 participantes de la rama femenina.

La surfista señaló que su objetivo es ganar el Tahiti Pro, conquistar un título mundial o alcanzar ambos resultados. También proyectó su presencia en el circuito mundial dentro de una década.

8. Anvi Vishesh Agrawal publicó un libro bilingüe y habló en TEDx antes de los seis años

Anvi Vishesh Agrawal, nacida en India el 1 de octubre de 2019, publicó su primer libro bilingüe a los 4 años. La obra, titulada Little Girl’s Big Emotions, vendió más de 1.160 ejemplares durante la primera semana posterior a su lanzamiento.

El 11 de junio de 2024, esa publicación la convirtió en la persona más joven en editar un libro en dos idiomas. Meses después, el 5 de enero de 2025, obtuvo una segunda distinción al ser certificada como la oradora más joven de TEDx en la categoría femenina.

Con 5 años, Agrawal ofreció una charla en la que definió la creatividad como una capacidad presente en todas las personas. Al aludir a ambos hitos, comparó la experiencia con “comer dos helados a la vez” y dijo que quiere conseguir nuevas marcas.

Sydney Sweeney cumple 29 años este sábado convertida en una de las figuras con mayor identidad visual de la alfombra roja. La actriz estadounidense hizo de cada aparición una extensión de su proyección en Hollywood, con elecciones que combinan glamour clásico, tendencia y una sensualidad controlada.

Su propuesta alterna entre el glamour de las décadas de 1950 y 1960, el vestido de fiesta contemporáneo y una sensualidad que no se presenta como ruptura, sino como hilo conductor.

Su estilo no se explica por una sucesión de vestidos llamativos. La clave está en la repetición selectiva de recursos. Sweeney y su estilista, Molly Dickson, trabajan sobre una silueta definida, escotes estructurados, cintura marcada, faldas columna o volumen controlado, y después la desplazan mediante color, textura y referencias cinematográficas.

El resultado es una identidad visual reconocible que se sostiene en registros distintos: una première, una ceremonia de premios o una gala temática. El cambio de escenario modifica los detalles, pero la fórmula conserva su eje.

En sus elecciones formales, el cuerpo ordena el look desde el inicio. La corsetería, los bustiers, los drapeados que ciñen la cintura y los escotes palabra de honor trazan la silueta antes de que aparezcan el bordado, el brillo o el color. Allí se concentra buena parte del código de Sydney Sweeney en la alfombra roja.

La construcción remite al vestuario de las estrellas del Hollywood de estudio, aunque evita la cita literal. Las transparencias, las aberturas y la lencería a la vista introducen un contraste actual: el pasado aparece como referencia, no como disfraz.

La sensualidad en los looks de la estrella de “Euphoria” surge de la construcción de cada prenda y no del exceso de elementos. Si el vestido se ciñe al cuerpo, los accesorios se reducen a pendientes de diamantes y un peinado pulido; si aparecen cristales o bordados, la silueta conserva líneas precisas. Esa economía de recursos evita que un único detalle concentre la mirada y permite que el conjunto mantenga impacto incluso a distancia.

El vestido rojo de Mônot que llevó a los People’s Choice Awards de 2024 condensó esa fórmula: una columna ajustada, sin ornamentación superflua, y un tono de alto contraste. La aparición confirmó el lugar que ocupa el color intenso en su vestuario: un acento puntual, reservado para que la prenda tome el primer plano.

El negro, el blanco, los rosas empolvados, el celeste y los acabados plateados aparecen con mayor frecuencia en su paleta. Cuando elige rojo, el vestido asume todo el protagonismo y deja que la silueta de alfombra roja hable por sí sola.

Las marcas de lujo aportan contraste entre coquetería y precisión adulta

La relación con Miu Miu, firma de la que Sydney Sweeney es embajadora desde 2022, terminó de delinear uno de los registros más visibles de su vestuario. La casa italiana le aporta minifaldas, conjuntos de dos piezas, cristales, lazos y transparencias: códigos ligados a una feminidad juvenil que, en sus apariciones, adquieren escala de gala y materiales de lujo.

Esa tensión entre coquetería y precisión aparece en el diseño que llevó a la Met Gala de 2023, con silueta sirena, bordados y un lazo negro. Un año más tarde volvió al evento con un vestido celeste bordado, guantes negros y una melena corta oscura. El cambio de cabello alteró la lectura de la prenda: el aire romántico del vestido quedó atravesado por un contraste gráfico, donde moda y belleza funcionaron como partes de una misma composición.

La firma también acompaña a la actriz fuera de las ceremonias. En giras promocionales, Sweeney recurre a la lencería expuesta, los minilargos y los conjuntos con referencias más directas a la tendencia. Para una gala, en cambio, la línea se alarga, la joya aparece de forma puntual y el peinado gana definición.

La continuidad surge de esa medida entre juego y control. Cada escenario modifica el tono, pero los looks de alfombra roja de Sydney Sweeney mantienen una misma lógica de proporciones y acabado.

Las referencias de archivo sitúan sus looks dentro de una narrativa de cine

Otra vía que afianzó la imagen de la nacida en Spokane, Washington, es el uso de referencias de archivo. En la fiesta de Vanity Fair posterior a los Premios Oscar de 2024, la actriz llevó un diseño halter blanco de Marc Bouwer que Angelina Jolie había usado en la ceremonia de 2004.

La elección excedió la recuperación de una prenda. El peinado, el maquillaje y la pose completaron la cita visual y devolvieron al presente una imagen reconocible de Hollywood. Ese trabajo con el archivo le permite acercarse a figuras de la pantalla clásica sin abandonar las proporciones que definen su propio vestuario.

La misma lógica atraviesa sus homenajes a Julia Roberts, Kim Novak y otras divas del cine. Para la Met Gala de 2025, celebrada en Nueva York, eligió un vestido negro de cuentas de Miu Miu inspirado en el vestuario de Novak en The Legend of Lylah Clare. La silueta entallada, los flecos de cuentas y la peineta de ondas marcadas reconstruyeron la referencia desde un lenguaje actual.

El archivo funciona como contexto visual, no como una reproducción literal. Sweeney toma una prenda, un escote o un peinado de otra época y los cruza con aberturas, transparencias, maquillaje de líneas más definidas o joyas minimalistas. Así, la nostalgia aporta capas al look sin cerrar la imagen sobre el pasado.

El vestuario promocional amplía la misma identidad sin desordenarla

La distancia entre la ropa de gala y las apariciones de prensa muestra otra faceta del vestuario de Sweeney. En las giras de Madame Web e Immaculate, la actriz llevó esa identidad hacia el universo de cada película: siluetas de araña, negro, encaje, flores escultóricas y piezas de construcción más experimental.

Ese recurso, conocido como method dressing, vincula la indumentaria con la atmósfera de un proyecto. En el caso de Sweeney, funciona como una variación sobre códigos ya establecidos: el tema cambia, pero la silueta, la cintura y el acabado conservan continuidad.

El top floral de Balmain con pantalón negro que eligió para presentar Immaculate en Los Ángeles condensó esa apertura. Al dejar de lado el vestido, la forma escultórica ocupó el centro de la imagen y la cintura siguió como punto de equilibrio. Incluso cuando cambia la categoría de la prenda, sus elecciones mantienen una arquitectura definida.

La colaboración con Molly Dickson parte de otra premisa: la coherencia no requiere una única dirección. La estilista contó que, durante las primeras pruebas de vestuario, le sugirió a Sweeney elegir un camino estético; la actriz respondió que interpreta papeles distintos y no quería limitarse a una sola vía.

Esa idea se mantiene en sus elecciones actuales. Los looks de Sydney Sweeney se reconocen por una combinación de proporciones, referencias y terminaciones, más que por la repetición exacta de una misma fórmula.

Una campaña deportiva llevó la provocación de Sydney Sweeney a las redes sociales

Esta semana, Sydney Sweeney volvió a ocupar la conversación en redes sociales con el estreno de “Novig is Just Sports”, una campaña nacional en Estados Unidos para una plataforma de predicciones deportivas. El anuncio, de alrededor de un minuto, muestra a la actriz desnuda mientras se cubre con balones de fútbol americano y básquet, una raqueta de tenis y otros objetos asociados al deporte.

La participación de Sweeney excede el papel frente a cámara: se incorporó a la compañía como socia estratégica y accionista. La campaña retoma un recurso ya presente en varias de sus apariciones públicas —el cuerpo como eje de la imagen— y lo traslada a una puesta publicitaria de tono irónico, con una provocación medida por la composición de cada escena.

La Semana de la Moda de Nueva York abrió su calendario con una primera fila donde el cuero, la sastrería de líneas definidas y las joyas de alta gama marcaron el pulso de la temporada.

El desfile de Ralph Lauren y el evento de Bvlgari en Nueva York convocaron a nombres centrales de la moda y el entretenimiento: Anne Hathaway, Dua Lipa, Cynthia Erivo y Eiza González se sumaron a una agenda que combinó glamour y diseño.

Anne Hathaway

Anne Hathaway asistió a la celebración de Bvlgari con un vestido largo strapless de McQueen en satén blanco roto, cubierto por una capa translúcida. El diseño tenía escote corazón, frunces en el torso y un bajo ondulado que acompañaba el movimiento de la falda.

La actriz, que espera a su tercer hijo, eligió sandalias nude de Aquazzura y piezas Serpenti de alta joyería. Llevó un collar transformable Falling Drops, pulsera, dos anillos de diamantes y aros. El conjunto mantuvo una paleta clara de principio a fin.

Dua Lipa

Dua Lipa optó por un top tipo camisola con cristales, bordados en dorado y blanco y un patrón que remitía a la piel de serpiente. Lo combinó con pantalones negros de tiro bajo y zapatos de punta Amelia, de Le Silla.

La pieza central fue el collar Serpenti Helix de Bvlgari, una gargantilla dorada acanalada con diamantes y un motivo de serpiente que sostenía un espinela tanzano desmontable. La cantante añadió pulsera, anillo y pendientes de diamantes amarillos. El contraste entre la parte superior brillante y el pantalón oscuro definió su look.

Cynthia Erivo

En el desfile de Ralph Lauren, Cynthia Erivo eligió una chaqueta de la colección otoño 2013 de la firma. La prenda negra, de manga larga y con bordados rojos, se combinó con un pantalón negro de pierna ancha.

Erivo completó el atuendo con sombrero, anillos llamativos, pendientes y su manicura habitual. La elección se apartó de las prendas recientes de las demás invitadas y recuperó una propuesta de archivo de la casa estadounidense.

Lisa

La rapera Lisa lució un vestido negro de encaje, con un corsé estructurado, mangas amplias y una falda larga. Acompañó el look con un collar y unos pendientes con piedras azules, un anillo a juego y uñas largas en tono oscuro.

Eiza González

Eiza González vistió prendas de la colección otoño 2026 de Ralph Lauren. Su conjunto estuvo formado por una camisa de manga larga, pantalón a juego, botas altas hasta la rodilla y un arnés marrón de acabado similar al cuero.

Las botas y los accesorios reforzaron el registro de equitación del estilismo, dentro de una jornada en la que el cuero tuvo amplia presencia.

Rachel Brosnahan

Rachel Brosnahan acudió con un conjunto monocromático de Ralph Lauren otoño 2026. Llevó una chaqueta de acabado similar al cuero, con mangas remangadas, cinturón a la cintura y detalles de cadena; sumó pantalones más estrechos hacia el tobillo y zapatos de taco.

Ariana DeBose

Ariana DeBose, por su parte, llevó un trench coat largo de cuero negro sobre un suéter tejido de cuello alto y una falda midi. Cerró el conjunto con botas de cuero. Ambas eligieron capas y materiales asociados al vestuario de entretiempo.

Elizabeth Debicki

Elizabeth Debicki se presentó con un conjunto de sastrería en dorado apagado, integrado por trench coat, camisa, corbata y pantalón. La actriz trasladó códigos del vestuario masculino a una silueta de líneas rectas.

Ella Hunt

La actriz británica Ella Hunt introdujo una nota de color con una chaqueta corta de esmoquin en rojo intenso. La prenda contrastó con la paleta de negro, marrón y dorado que predominó entre las invitadas de la primera fila.

Maggie Kang

La directora de cine Maggie Kang llevó un conjunto gris de manga corta, con chaqueta de doble botonadura, botones oscuros y bolsillos frontales. Optó por un maquillaje de ojos marcado, labios en tono rosado y pendientes pequeños.

David Lauren

David Lauren, hijo de Ralph Lauren, llevó un traje de dos piezas color beige claro, con saco de solapas estrechas, bolsillos frontales y un pañuelo blanco en el bolsillo superior. Vistió una camisa celeste y una corbata azul marino con textura.

Dylan Lauren

La otra hija del diseñador, Dylan Lauren llevó un vestido sin mangas con escote en forma de corazón y estampado floral en tonos azul, celeste y blanco. Completó el atuendo con pendientes colgantes azules, una cadena fina dorada y varias pulseras en la muñeca derecha.

El show de Ralph Lauren abrió la agenda de la Semana de la Moda de Nueva York un día antes de su inicio oficial. La colección primavera-verano 2027 presentó una paleta centrada en azul marino y blanco, con pantalones amplios, abrigos y propuestas de noche.

Este 10 de septiembre vuelve a poner en primer plano a Karl Lagerfeld, figura central de la moda contemporánea y protagonista de una trayectoria que redefinió el lujo a lo largo de más de medio siglo. Nacido un día como hoy, pero en 1933 en Hamburgo, el diseñador alemán construyó una carrera que abarcó la alta costura, el prêt-à-porter, la fotografía y la dirección creativa de algunas de las casas más influyentes de la industria.

Su figura quedó asociada a Chanel, Fendi y su propia firma, pero también a un modo de entender la moda como lenguaje visual, producto cultural y fenómeno de alcance global.

La carrera de Karl Lagerfeld comenzó a consolidarse en la década de 1950, cuando ganó un premio de diseño de abrigos organizado en París por la Secretaría Internacional de la Lana. Ese reconocimiento le abrió las puertas del circuito profesional y poco después empezó a trabajar para Pierre Balmain.

Más tarde pasó por Jean Patou, Chloé y otras marcas, en un recorrido que mostró desde temprano una capacidad inusual para adaptarse a distintos códigos estéticos sin perder identidad.

Con el paso de los años, Lagerfeld desarrolló un perfil singular dentro de la industria. No se limitó a diseñar colecciones: también intervino campañas, escenografías, editoriales de moda y fotografía.

Su producción atravesó varias décadas y se mantuvo activa hasta 2019, un dato que explica la amplitud de su influencia sobre distintas generaciones de consumidores, modelos, estilistas y celebridades.

Chanel encontró en Lagerfeld una nueva etapa de expansión global

El punto de inflexión de su carrera llegó en 1983, cuando asumió la dirección creativa de Chanel. La casa fundada por Gabrielle “Coco” Chanel tenía un peso histórico incuestionable, pero atravesaba una etapa de desgaste dentro del mercado de lujo.

Lagerfeld tomó elementos reconocibles de la marca —el tweed, las perlas, las cadenas, el blanco y negro, la camelia— y los reorganizó con una lectura contemporánea.

Esa operación estética fue una de las bases del crecimiento de la firma en las décadas siguientes. Lagerfeld transformó los códigos clásicos de Chanel en un sistema visual adaptable al mercado global, capaz de dialogar con la alta costura, la ropa lista para usar y los accesorios.

Sus desfiles en París pasaron a ser parte del calendario central de la moda internacional, tanto por las colecciones como por la escala de sus puestas en escena.

En ese proceso, la imagen de Chanel se volvió inseparable de una serie de embajadoras y figuras públicas que llevaron sus diseños en alfombras rojas, campañas y actos de alto perfil.

Entre ellas estuvieron Claudia Schiffer, una de las modelos más vinculadas a su universo visual, y actrices como Nicole Kidman, Keira Knightley, Diane Kruger, Tilda Swinton y Kristen Stewart, todas asociadas en distintos momentos a la estética de la maison.

Fendi fue otro de los espacios donde dejó una marca de largo alcance

Aunque su nombre suele aparecer ligado en primer término a Chanel, Lagerfeld mantuvo durante décadas otra colaboración decisiva con Fendi. Se incorporó a la firma romana en 1965 y trabajó allí durante más de medio siglo.

Esa relación de más de 50 años figura entre las más extensas de un diseñador con una misma casa de moda.

En Italia, su aporte ayudó a redefinir la identidad visual de la marca, en especial en el trabajo con pieles y accesorios. También se le atribuye la creación del logotipo de la doble F, convertido luego en uno de los emblemas más reconocibles del lujo europeo.

En este frente, Lagerfeld se movió entre tradición artesanal, estrategia de marca y circulación masiva de imagen, una combinación que marcó buena parte del negocio de la moda desde fines del siglo XX.

Las celebridades ampliaron el alcance público de sus colecciones

La relación entre Karl Lagerfeld y las celebridades fue un componente clave de su expansión cultural. Sus diseños aparecieron en eventos de cine, música, televisión y sociedad, lo que permitió que la ropa de pasarela se integrara al circuito de imágenes de consumo global.

En esa trama, la visibilidad no dependía solo de la prenda sino de quién la llevaba y en qué contexto aparecía.

Modelos como Inès de la Fressange, Linda Evangelista y Claudia Schiffer ayudaron a consolidar distintas etapas de su trabajo. Más adelante, figuras como Cara Delevingne y Lily-Rose Depp quedaron asociadas a la etapa final de su producción en Chanel.

En el cine y la música, también vistieron sus diseños celebridades como Penélope Cruz, Julianne Moore, Pharrell Williams y Rihanna, en campañas, desfiles o apariciones públicas vinculadas a la casa francesa.

Ese vínculo con figuras conocidas tuvo un efecto doble. Por un lado, reforzó la capacidad de sus colecciones para instalar tendencias. Por otro, convirtió a Lagerfeld en un diseñador visible fuera del círculo especializado.

La moda dejó de circular solo en revistas y salones exclusivos para pasar a una conversación más amplia, impulsada por la fotografía, la televisión, la cultura pop y, en los últimos años de su carrera, las redes sociales.

Su legado combinó archivo, negocio e imagen personal

Lagerfeld construyó además una figura pública reconocible: traje oscuro, camisa de cuello alto, guantes y anteojos negros. Esa imagen funcionó como extensión de su trabajo y como un recurso de identidad en un mercado cada vez más centrado en la marca personal.

Al mismo tiempo, cultivó una biblioteca y un archivo visual de gran escala, señales de un interés constante por la historia del arte, el diseño y la edición.

Su muerte, en París, el 19 de febrero de 2019, cerró una etapa de la moda contemporánea. Sin embargo, el peso de su obra sigue presente en la forma en que las grandes casas de lujo combinan patrimonio, espectáculo y circulación global.

La Semana de la Moda de Nueva York abrió su temporada primavera 2027 con una pasarela dominada por el color, las siluetas livianas y los contrastes de textura, en una primera secuencia de desfiles que puso el foco en las claves estéticas antes que en la concentración de figuras en la primera fila.

En ese arranque, Nueva York volvió a instalarse como uno de los centros de observación para la moda internacional, con colecciones que empezaron a perfilar las tendencias que podrían ordenar la temporada.

En los primeros desfiles, la atención quedó puesta en la construcción visual de las colecciones, con una presencia marcada de tonos claros, neutros cálidos y acentos más intensos que funcionaron como eje de contraste sobre la pasarela.

Ese uso cromático empezó a ofrecer una lectura común en el comienzo de la semana, donde varias marcas eligieron reforzar identidad mediante combinaciones de color y cambios de ritmo entre una salida y otra.

La paleta vista en este arranque sugiere una temporada atenta a la modulación visual. Los neutros no aparecieron como una base silenciosa, sino como parte de un sistema de contraste con colores más definidos y superficies capaces de alterar la percepción de cada salida.

En ese sentido, el color operó como una estructura de orden dentro del desfile y no solo como un recurso decorativo.

La pasarela también dejó ver una preferencia por siluetas ligeras y recursos de textura para definir volumen, movimiento y separación entre piezas.

En ese marco, la ropa apareció organizada alrededor de líneas limpias y decisiones visuales que priorizaron el impacto del conjunto por encima de los detalles aislados.

En varios casos, la caída de las prendas, la relación entre capas y la lectura del cuerpo en movimiento marcaron una dirección reconocible para esta primera etapa del calendario.

Las texturas y las proporciones empezaron a definir el ritmo de los shows

Además del color, otra de las claves del inicio pasó por el trabajo sobre las superficies. La combinación de materiales con respuesta distinta a la luz y al movimiento reforzó la idea de colecciones pensadas para ser leídas en secuencia, con cambios de densidad, brillo o estructura entre una salida y la siguiente.

Esa lógica ayudó a construir pasarelas más narrativas, donde la tensión visual no dependió de una única prenda.

Las proporciones también empezaron a ocupar un lugar central. Las siluetas livianas convivieron con volúmenes controlados, cortes amplios y piezas que buscaron sostener una imagen despejada.

Ese equilibrio entre ligereza y estructura permitió que varias colecciones se afirmaran en un terreno intermedio entre comodidad visual, presencia escénica y lectura comercial.

Entre los nombres que integraron el calendario, Jasmin Larian aportó un desfile que se leyó dentro de esa misma conversación estética.

La referencia aportada por el usuario a Reuters Connect ubica a la diseñadora en el circuito de presentaciones de la semana, mientras el material permite situar su show dentro de un inicio de temporada atravesado por la observación de colores, formas y estilización general.

En ese contexto, el desfile de Jasmin Larian puede inscribirse en una apertura donde la pasarela empezó a ordenar señales sobre primavera 2027 a partir de paletas visibles, contrastes textiles y una búsqueda de identidad inmediata.

Los colores y las siluetas funcionaron así como una herramienta de lectura para seguir la evolución de la semana. Más que ofrecer una ruptura aislada, su presentación quedó integrada a una serie de propuestas que buscaron fijar tono desde el comienzo del calendario.

El desfile se concentró en el frente de sala, el desarrollo de los shows permitió una lectura más amplia sobre la temporada.

El listado de asistentes incluyó a Ariana DeBose, Cynthia Erivo, Eiza Gonzalez, Meghann Fahy, Rachel Brosnahan, Elizabeth Debicki y Viola Davis en Ralph Lauren, además de Helena Christensen, Iman, Katie Holmes, Madelyn Cline y Miles McBride en Cult Gaia.

Sin embargo, en el inicio de la semana, la conversación principal pasó por las tendencias que dominaron la pasarela.

La presencia de celebridades quedó como un elemento complementario dentro de una apertura en la que el color, las proporciones y el tratamiento de las superficies empezaron a definir el tono de los próximos días en Nueva York.

A medida que avance el calendario, esa lectura podrá ampliarse con nuevas colecciones y con la aparición de otras claves que terminen de consolidar el mapa visual de la temporada.

La moda argentina atraviesa un momento de reformulación de su lenguaje. En las colecciones, en los materiales y en los discursos de diseñadores y marcas aparece una misma preocupación: cómo construir una identidad propia sin cortar el vínculo con los oficios, la memoria textil, el trabajo artesanal y las tensiones del presente. Esa búsqueda toma formas distintas, pero deja una señal común. La prenda ya no se presenta solo como objeto de estilo. También aparece como territorio de ideas, herencias, procedimientos y debates sobre producción, materia y cultura.

En ese marco, la escena local ofrece una combinación singular. Conviven diseñadores con décadas de trayectoria, autores jóvenes, marcas que trabajan sobre el descarte, propuestas que recuperan técnicas regionales y colecciones que ubican al cuerpo, la transformación y la identidad en el centro.

En lugar de una moda cerrada sobre sí misma, la escena muestra una trama más amplia: una red donde se cruzan artesanos, ateliers, instituciones, textiles, saberes manuales y nuevas generaciones. Allí se juega una parte de la pregunta por el presente de la moda argentina.

Nuevos diseñadores y marcas consolidadas comparten una misma escena

Bajo estos preceptos, del 7 al 11 de septiembre, el programa de DESIGNERS SS27 distribuye sus presentaciones entre desfiles presenciales, formatos virtuales y ateliers abiertos.

El recorrido incluye propuestas en el Centro Cultural Recoleta, el Museo Sívori y el Museo Moderno, entre otros. Se trata de circulación entre espacios culturales, estudios, museos y lugares de trabajo que muestra una idea precisa de la moda: no como una práctica aislada, sino como una escena que se construye en diálogo con la ciudad y con distintas formas de producción.

Según contaron a Infobae los organizadores, Designers nació como un espacio para darle lugar a una moda con identidad propia, donde cada diseñador pueda expresarse desde su manera de hacer. Es un espacio donde conviven distintas generaciones, lenguajes y formas de entender el diseño.

Esta edición vuelve a poner el foco en el proceso, el oficio, en todo lo que hay detrás de una colección. La propuesta enfatiza que la moda argentina se construye desde esa diversidad.

Designers resume esa idea con una secuencia clara: cada patrón origina una forma, las formas construyen prendas y las prendas expresan la identidad de cada diseñador y de cada marca. El salto decisivo aparece después, cuando esas identidades se encuentran y forman una identidad de moda propia de una región. La fórmula “de la forma a la identidad” no funciona solo como lema. También ordena una lectura sobre la escena local, donde el diseño de autor busca afirmarse como lenguaje común sin borrar las diferencias entre una propuesta y otra.

Esa lógica se volvió visible el 7 de septiembre con Revelaciones de Moda, que abrió la semana fashionista en el Centro Cultural Recoleta y funcionó como puerta de entrada a la edición. La iniciativa del Ministerio de Desarrollo Económico de la Ciudad busca dar visibilidad a nuevos creadores y acompañar el desarrollo de proyectos del sector. En esta edición, el jurado eligió seis propuestas en dos categorías: Nuevos Creadores de Moda y Diseño de Accesorios y Complementos.

Ese recorte importó por varias razones. La primera fue que puso en escena a una camada emergente con proyectos inéditos. La segunda, que ubicó a los accesorios en el mismo plano de lectura que la indumentaria, algo que amplió la idea de diseño y corrió el foco de la prenda como único centro. La tercera fue que el reconocimiento incluyó becas de estudio internacionales, mentorías con referentes de la industria y textiles aportados para el desarrollo de prototipos. La visibilidad apareció unida a herramientas de formación y producción.

Ahí se ve una de las claves del momento. La moda argentina no se define solo por el resultado final que llega a la pasarela. También se define por la trama que permite que una colección exista: acceso a materiales, acompañamiento profesional, espacios de exhibición y diálogo entre creadores emergentes y figuras con trayectoria. Designers insiste en esa convivencia y plantea una plataforma en movimiento, capaz de incorporar nuevas voces dentro de una escena común.

Las prendas hablan de identidad, pero también de trabajo y territorio

La 67ª edición de Argentina Fashion Week, que se realizó del 24 al 28 de agosto en el Palacio San Miguel, permite leer otro tramo de esa discusión. Allí convivieron nombres de larga trayectoria, colecciones de alta costura, propuestas conceptuales y trabajos anclados en técnicas artesanales o en residuos textiles. Más que una sola tendencia, el conjunto expuso un campo de tensiones donde dialogaron memoria, materia, territorio e identidad.

El caso de Benito Fernández condensa esa relación entre historia personal y lenguaje propio. Su presentación MI HISTORIA recorrió 40 años de trayectoria y recuperó piezas, siluetas y materiales de distintas etapas de su carrera.

Entre esos elementos aparece un vestido realizado a partir de un antiguo sari fucsia con bordados en bronce; también una nueva versión de uno de los diseños creados para la reina Máxima de Holanda y una relectura del vestido que Natalia Lobo llevó a los Martín Fierro en 2009. El diseñador definió su sello con una frase precisa: “Mi ADN está en el color, en las texturas, en las estampas y en una mirada profundamente latinoamericana”.

Ese archivo personal dialoga con otra dimensión fuerte de la escena local: el valor del oficio. Oficios, de Francisco Ayala, describió una construcción colectiva donde intervienen tejedoras, artistas textiles y artesanas.

Allí figuraron los tejidos en telar de Manos Andinas en Catamarca, realizados con fibra de llama y algodón; el crochet de Fabiana Berghole; las flores escultóricas en seda natural y fieltro de Susana Larrambebere; el calzado y los canastos de Paula Zaccaro, con intervención de Patti Saporiti; y los accesorios de María Costa, de Byzance. La colección fue un homenaje al trabajo colectivo y una puesta en valor de oficios que en otros lugares escasean.

La dimensión territorial también apareció en la propuesta de Julieta Ganum. Su colección WARMI, palabra que significa mujer en quechua, ensambla randas tejidas por artesanas de Tucumán con hilados y tejidos a crochet. La propuesta recupera un saber artesanal tradicional y lo integra a piezas exclusivas armadas a mano. Algo similar ocurre con la participación de Casa de Catamarca, que incorpora el trabajo de artesanas de la provincia y presenta piezas realizadas por Rosa Alancay en lana de oveja, alpaca y bordado manual. En estos casos, la moda local se conecta con conocimientos transmitidos entre generaciones y con materias ligadas a una geografía específica.

Otra línea de lectura surge en el tratamiento del descarte. Cosecha Vintage presentó la instalación conceptual No me tires. Soy el futuro, que invita a repensar residuos de la industria de la moda. Desde descartes de medias de nylon hasta residuos textiles y una colaboración con Requecho, un espacio que transforma sobrantes poscorte en ladrillos textiles. Esa operación cambia el lugar del residuo dentro del proceso creativo. Lo que sale del circuito productivo vuelve a entrar como materia posible.

Incluso en colecciones más ligadas a la alta costura clásica se repite la pregunta por la identidad. En la propuesta de Jorge Rey, cada creación nace de una historia, un cuerpo y una sensibilidad particular.

Ivana Picallo presentó cinco piezas irrepetibles realizadas a mano y definió su cápsula como una declaración de identidad. Verónica de la Canal construyó Lágrimas de Azahar sobre la figura de la mujer siciliana y ligó negro, tradición, herencia y fuerza femenina. Son registros distintos, pero todos trabajan sobre una misma base: la prenda como portadora de sentido.

Leída en conjunto, esa trama muestra una escena donde la moda argentina discute mucho más que formas o tendencias. Discute quién produce, con qué materiales, desde qué memoria, con qué territorio detrás y para qué relato cultural. Entre autores jóvenes, nombres históricos, artesanas, residuos textiles, materias regionales y trabajo manual, el mapa que aparece no responde a una imagen única. Responde a una pregunta abierta sobre cómo vestir una identidad sin vaciarla de historia ni separarla del trabajo que la hace posible.

Un paseo nocturno por las calles de Los Ángeles bastó para que Hailey Bieber reactivara una de las fórmulas más visibles del guardarropa contemporáneo: el vestido lencero con animal print. La empresaria apostó por una silueta de referencia directa a los años 90, una década que reaparece con frecuencia en sus elecciones estilísticas y en el circuito de celebridades.

La pieza central del look fue un diseño de Roberto Cavalli. La prenda, caracterizada por breteles finos y un corte a la altura de la rodilla, incluyó detalles de encaje marfil en el escote y el ruedo. Para completar el conjunto, Bieber sumó unas sandalias de Manolo Blahnik y una cartera marrón de The Row, elecciones que aportaron un contrapunto sobrio a la carga visual del estampado.

El estilismo reafirma el retorno continuo de la estética noventera, un terreno donde las líneas lenceras de corte limpio y las texturas felinas vuelven a ocupar la escena nocturna del circuito urbano.

La combinación se completó con una cartera de lujo en color chocolate y sandalias en la misma gama, una decisión que mantuvo una línea cromática sobria dentro de un conjunto marcado por el estampado. El contraste entre la textura lencera y los accesorios estructurados definió el eje principal del estilismo.

Los accesorios reforzaron la lectura retro del conjunto

Además del vestido y la cartera, sumó anteojos ovalados de aire vintage, un tobillo con cadena dorada y aros de diamantes. La elección de esas piezas consolidó una imagen vinculada a códigos retro, con referencias directas a la estética nocturna que dominó parte de la moda urbana en la década de 1990.

Otro detalle que acompañó el conjunto fue un colgante adherido al bolso, vinculado a uno de los productos de su marca de belleza.

Ese accesorio funcionó como un guiño a Rhode dentro de un look de salida, una práctica que la modelo y empresaria ya repitió en otras apariciones públicas.

La elección no quedó aislada dentro de su guardarropa reciente. En meses anteriores, Bieber ya había recurrido a vestidos lenceros en otros tonos, también combinados con accesorios de perfil minimalista y referencias al lujo discreto.

La repetición de esa silueta confirma la continuidad del slip dress como pieza de calle y no solo como prenda asociada al universo íntimo.

En este caso, el animal print desplazó a los tonos lisos y llevó el foco hacia una lectura más marcada del revival noventero. La cartera marrón, de líneas depuradas, equilibró ese efecto y sostuvo una composición donde el vestido concentró el protagonismo visual.

El estilismo de Hailey Bieber

El estilo de Hailey Bieber combina minimalismo, sensualidad y referencias de las décadas de 1990 y 2000. En las imágenes utiliza prendas ajustadas, tirantes finos, encaje, transparencias y colores intensos como el amarillo, el rosa, el verde lima y el azul.

Sus looks alternan entre lo urbano y lo sofisticado. Combina tops de satén y encaje con pantalones negros amplios, sandalias, gafas estrechas, bolsos grandes y auriculares, creando una mezcla entre moda de noche y vestimenta cotidiana.

En sus vestidos, la lencería se convierte en parte visible del conjunto mediante tejidos transparentes, mallas y detalles de encaje.

También utiliza vestidos ceñidos y de colores llamativos, como el verde lima, que concentra toda la atención en la silueta. Para eventos de gala, incorpora prendas más escénicas, como una pieza dorada acompañada de una capa azul translúcida que aporta volumen y movimiento.

Los accesorios suelen ser discretos, mientras que el cabello y el maquillaje se adaptan a cada propuesta: recogido y pulido para los eventos formales, y suelto y con volumen para los estilismos más relajados.

En conjunto, su estilo se basa en destacar una prenda principal y equilibrarla con elementos sencillos, contrastes de color y una combinación de texturas.

Michael Bublé cumple este miércoles 51 años y su estilismo mantiene una identidad asociada al traje clásico, la sastrería ajustada y la imagen de un crooner contemporáneo, con una voz suave y una presencia escénica elegante en la moda.

A lo largo de su carrera, el cantante canadiense y esposo de Luisana Lopilato construyó una presencia pública en la que la ropa funciona como una extensión de su repertorio, marcado por estándares, pop orquestado y una puesta en escena que remite a las grandes figuras del entretenimiento de mediados del siglo XX.

El caso de Michael Bublé resulta singular dentro del circuito pop de las últimas décadas. Mientras buena parte de la industria avanzó hacia una estética más informal, deportiva o experimental, el intérprete sostuvo una línea visual estable, apoyada en smokings, trajes oscuros, camisas blancas, corbatas sobrias y zapatos de cuero de acabado pulido. Esa continuidad le permitió fijar una marca reconocible y convertir el vestuario en uno de los elementos centrales de su perfil artístico.

El guardarropa de Michael Bublé se apoya en la sastrería tradicional

En el centro del estilismo de Michael Bublé aparece la sastrería. El cantante suele recurrir a sacos estructurados, pantalones de caída recta o apenas entallada y una paleta dominada por negro, azul marino, gris carbón y blanco.

La elección no responde solo a una preferencia formal: también ordena su imagen pública y la conecta con un linaje de cantantes de escenario, especialmente los vinculados al jazz vocal y al pop melódico.

La ropa no busca imponerse sobre la figura del artista ni competir con el espectáculo, sino acompañar la interpretación. En ese sentido, el traje opera como un código de estabilidad. La sobriedad de las prendas deja espacio para la voz, el gesto y la interacción con la orquesta o la banda, sin sumar distracciones innecesarias.

La imagen de crooner contemporáneo explica buena parte de su elección estética

El vínculo entre vestuario y repertorio es una de las claves para leer a Bublé. Desde sus primeros años de exposición internacional, su proyecto artístico se apoyó en una actualización del crooner clásico.

Esa referencia remite a cantantes que hicieron del esmoquin y del traje una segunda piel escénica. En su caso, esa tradición se tradujo en una versión más cercana al siglo XXI, con cortes más limpios y una silueta menos rígida. El resultado es una imagen elegante, reconocible y de baja volatilidad, algo poco frecuente en una industria que suele premiar el cambio constante.

En lugar de redefinirse a través de giros bruscos, el artista canadiense sostuvo una estética de continuidad. Esa decisión fortaleció su identidad y lo ubicó en una zona distinta a la de otros músicos pop, más dependientes de tendencias estacionales.

Otro rasgo del estilismo de Bublé es la moderación en el uso del color. Predominan los tonos neutros, con apariciones puntuales de bordó, azul profundo o texturas satinadas en contextos de gala.

La lógica es clara: mantener un campo visual ordenado y favorecer una imagen atemporal. En fotos promocionales, alfombras rojas y conciertos, ese criterio se repite con pocas variaciones.

Los trajes suelen aparecer ajustados sin exceso, con hombros definidos y proporciones clásicas, un recurso que actualiza la sastrería sin llevarla al terreno de la moda de pasarela.

Los accesorios siguen la misma línea: corbatas de seda, moños, pañuelos discretos, relojes sobrios y zapatos formales. La suma de esos elementos produce una elegancia controlada, más cercana a la precisión que al despliegue.

Aunque el traje domina su imagen, no construye una figura distante. Parte de su eficacia estética está en combinar formalidad con una actitud relajada.

En escena, suele desarmar el protocolo con humor, movimiento y un lenguaje corporal accesible. Esa tensión entre ropa clásica y desempeño distendido le permite evitar que el vestuario se lea como rigidez.

Esa combinación explica por qué su imagen funciona tanto en conciertos como en televisión, campañas y eventos públicos. El traje proyecta orden y profesionalismo; la actitud, en cambio, introduce cercanía. El equilibrio entre ambos planos le dio consistencia a su marca personal y ayudó a sostenerla durante años sin signos de agotamiento visual.

En tiempos de reinvenciones permanentes, Michael Bublé eligió otro camino: hacer de la constancia su sello. A los 51, su estilo sigue transmitiendo sofisticación, cercanía y una idea de elegancia clásica que aún conserva lugar propio dentro del universo pop.

Con el humor y la frescura que la distinguen, la exparticipante de MasterChef Celebrity (Telefe) presentó primero una camisa translúcida con un detalle singular que despertó risas y comentarios de todo tipo. “Miren lo que es esto. Huele a globo”, comentó entre carcajadas mientras exhibía la prenda. Para completar el look, la combinó con un jean abierto, calzado a tono, collares con cruces y anillos plateados, en una apuesta de impronta rockera.

Sin embargo, su incursión en el látex no terminó ahí. Lejos de conformarse con una sola pieza llamativa, Sofía redobló la apuesta y mostró otra prenda de alto impacto. “Estoy full látex. No entienden lo que pesa esto. Es pesada, pesada, pesada como yo”, dijo al lucir una campera estilo bomber de látex, con textura simil cocodrilo y grandes hebillas metálicas en el frente.

Como ocurre con la mayoría de sus publicaciones virales, las reacciones de sus seguidores no se hicieron esperar. Entre elogios por animarse a looks tan jugados y bromas sobre la incomodidad del material, los comentarios volvieron a convertir el posteo en tema de conversación. “Amo el outfit de preservativo”, “Nooo, reiniii, ahora eres la niña profiláctico”, “Sos un preservativo caminando” y “Te amo Sofía pero te pasaste 5 pueblos jajaja, el látex se usa para otra cosa”, fueron algunos de los mensajes que dejaron sus fanáticos.

A fines de agosto, Gonet exhibió en sus redes una compra que terminó convirtiéndose en un dolor de cabeza. La influencer, que actualmente participa de las grabaciones de Popstars en Telefe junto a Nicolás Vázquez, eligió para esa etapa un jean cubierto de strass y decidió mostrarlo ante sus 1,2 millones de seguidores en Instagram. Lo que comenzó como una presentación entusiasta derivó rápidamente en dudas y cuestionamientos.

Todo empezó desde su habitación, micrófono en mano, cuando les pidió a sus seguidoras que fueran “totalmente honestas” con ella. La prenda en cuestión era un jean claro, de tiro alto, recubierto de strass de arriba abajo y con flecos plateados brillantes, comprado en una marca de indumentaria nacional. La elección, según explicó, estaba ligada al espíritu del programa que está grabando: “Como estoy grabando Popstars, este me dio vibras de superestrella por los brillos y todo lo que tiene”.

Hasta ese momento, todo parecía encajar. Pero el panorama cambió cuando reveló cuánto había pagado por el pantalón y comenzó a probárselo. “600 mil pesos gasté en este jean. Miren lo que es esto, pesa toneladas. Empiezo a creer que hice la peor compra del año o no. Necesito probármelo y ver qué pasa. Uf, ya se le sale un calzón. Ya se le salió uno de estos”, comentó mientras agitaba la prenda frente a cámara y uno de los brillos se desprendía en el acto.

El problema no era solo el peso. Según contó, el pantalón también presentaba dificultades al momento de sostenerse y resultaba incómodo para usar durante varias horas. “Quizás no fue la mejor elección porque también siento que se me cae, pero no me voy a quedar desnuda... Es un poco incómodo”, reconoció sin vueltas.

Lejos de dar por terminado el video, Sofía decidió seguir experimentando con el look. En un intento por equilibrar el estilismo, sumó un abrigo con estampa de leopardo, aunque el resultado no terminó de convencerla. “¿Qué dicen? ¿Les gusta? Con unos stilettos. Sí. Vamos a probar cómo queda si le sumamos un abrigo bien básico. Ahre. Es que estoy grabando Popstars, entonces medio que me tengo que comer un poco la perfo. No, esto queda horrible. Quizás está bueno como para hacer unas fotos o algo así, pero no lo veo para una jornada de grabación de ocho horas, ni para salir a bailar, ni para moverte mucho. Le voy a sumar una cartera bien básica que tenga y ya está, no mucho más porque es too much”, evaluó.

Como suele ocurrir con cada uno de sus posteos, las reacciones no tardaron en multiplicarse. Mientras algunos usuarios defendieron el diseño de la prenda, otros pusieron el foco en el precio y en la posibilidad de conseguir algo similar por mucho menos dinero. “Está hermoso pero se puede hacer comprando todo en Once por un cuarto de precio”, comentó una usuaria. Lejos de polemizar, Sofía respondió con simpleza: “Es verdad”.

También hubo mensajes mucho más lapidarios: “Es horrible”, “Tan caro y tan feo”, “Es para usarlo una o dos veces y chau”, “Lista para la murga”, “Solo pensé en cómo lavarlo, es para una o dos puestas y chau”, “¿A qué carnaval estás yendo?” y “Cosas que quedarán guardadas en el placard jajajaja, te amo reini”, fueron algunas de las opiniones que dejaron sus seguidores en el video.

Rihanna volvió a demostrar que los tonos neutros no tienen por qué pasar desapercibidos. La cantante y empresaria reactivó una forma de llevar la paleta de otoño europeo con un look de alto impacto, donde el color cede protagonismo ante las texturas, los volúmenes y las piezas de tendencia.

Lejos de un guardarropa sobrio, la artista apuesta por conjuntos que salen de lo previsible. Chocolate, gris carbón, azul profundo y beige cálido aparecen como base de sus estilismos recientes, aunque el diferencial está en la construcción de cada outfit.

En uno de los looks más comentados de los últimos días, Rihanna eligió en París una campera beige de silueta amplia y mangas voluminosas. La combinó con un pantalón de mezclilla azul, holgado y de largo extendido, que cubría parte de unos zapatos marrón claro de punta abierta.

El conjunto sumó un bolso negro acolchado con correa al hombro y varios anillos dorados.

Así, Rihanna desplazó la atención del color hacia el contraste entre telas fluidas, cuero estructurado y terminaciones con relieve: una fórmula que transforma los básicos neutros en una declaración de estilo.

Los accesorios cambian el sentido de una paleta contenida

En un look reciente en Nueva York, donde la artista fue vista con un conjunto de terciopelo terracota de Chloé, compuesto por una chaqueta con cremallera y pantalones de pierna ancha, que aportan una silueta relajada y cómoda.

Complementó el estilismo con un bolso estructurado de piel efecto cocodrilo en tono ámbar y sandalias de tacón fino de Amina Muaddi con tiras animal print, sumando contraste de texturas.

Añadió anteojos de sol aviador, collares y pulseras doradas, además de llevar el cabello suelto con rizos definidos y maquillaje luminoso con labios marrón oscuro y brillantes.

En otra de sus salidas por Nueva York llevó una sudadera gris claro con cierre y mangas amplias, combinada con leggings ajustados del mismo tono.

Añadió un cinturón negro ancho con hebilla metálica, que marca la cintura y aporta contraste. Porta un bolso pequeño de estampado animal print en tonos oscuros y detalles marrón claro. Sus zapatos eran stilettos negros con tachuelas metálicas y pulsera en el tobillo.

Completó el look con anteojos de sol de gran tamaño en color negro, pendientes brillantes y un collar plateado.

Los accesorios: centrales en sus looks

Los accesorios volvieron a ordenar la escena. Bolsos acolchados, zapatos metalizados, estampas que funcionan como neutro y piezas de firma aparecen como elementos que interrumpen cualquier lectura lineal del vestuario.

Aunque la paleta se mantenga contenida, el resultado no remite a una idea de discreción. En ese punto, los complementos cumplen una función estructural dentro del estilismo.

Entre las piezas que más se repiten, el cuero ocupa un lugar central. Camperas de cuello alto, terminaciones rígidas y superficies con brillo moderado aparecen como contrapunto de polleras, joggers o prendas de caída blanda.

En Rihanna, ese material no funciona como gesto aislado, sino como un recurso de ordenamiento que endurece la silueta y le da dirección al look.

El contraste entre prendas blandas y capas más estructuradas también refuerza una de las claves de su estilo: trabajar la proporción antes que el exceso cromático.

Cuando reduce la saturación, aumenta el volumen, la textura o la fuerza del accesorio. Así, una gama otoñal tradicional adquiere otra lectura.

La serie reciente de apariciones también deja ver una continuidad. En lugar de abandonar por completo los golpes de color o las mezclas inesperadas, Rihanna parece dosificar esos recursos y llevar la atención hacia la superficie de las prendas y la forma de combinarlas.

Incluso cuando vuelve al denim, al sportswear o a piezas de archivo dosmilero, conserva esa lógica de tensión entre lo relajado y lo construido.

A cierta altura de las alfombras rojas, los gestos más eficaces no suelen venir del exceso sino del desvío. En una escena donde la sastrería masculina todavía se apoya, casi por reflejo, en el negro, el azul oscuro y el esmoquin sin sobresaltos, Robert Pattinson eligió otro camino en el Festival de Venecia. A los 40 años, el actor británico apareció con un traje rosa pálido de raya diplomática y volvió visible algo que en moda siempre tiene efecto: la diferencia medida.

Su paso por la premiere de Primetime no necesitó estridencias para destacarse. Bastó el color, apenas corrido de la paleta habitual, y una construcción clásica revisada desde otro lugar. Pattinson llevó una sastrería de Dior firmada por Jonathan Anderson y se movió con comodidad dentro de una imagen que evitó tanto la rigidez ceremonial como la provocación forzada. El resultado fue una de las apariciones masculinas más comentadas de la jornada veneciana.

El color cambió el código sin romper con la tradición

Lo primero que ordenó la lectura del look fue el tono del traje. El rosa elegido por el actor de la saga Crepúsculo no apareció como una nota decorativa ni como un gesto aislado de excentricidad, sino como parte de una sastrería de líneas tradicionales que encontró en ese color una forma de renovar su peso visual. Era un rosa pálido, empolvado, de presencia suave, que bajo el impacto de algunos flashes por momentos parecía blanco, aunque la raya diplomática sostenía su estructura y dejaba ver su matiz.

Ese equilibrio fue una de las claves del conjunto. El actor no salió a desmontar el traje clásico, sino a correrlo levemente de lugar. La raya vertical, asociada desde hace décadas al guardarropa formal masculino, sostuvo la seriedad de la prenda y evitó que el color volviera el look demasiado liviano. En esa tensión entre disciplina y rareza, el estilismo encontró su fuerza.

La chaqueta cruzada y el pantalón amplio reforzaron la lectura retro

La silueta también fue parte del efecto. Pattinson llevó una chaqueta cruzada, de doble botonadura, con solapas marcadas y una estructura limpia que remitió al lenguaje más reconocible de la sastrería tradicional. Pero ese gesto clásico convivió con una caída menos rígida y con un pantalón amplio, de línea larga y suelta, que alejó el conjunto del ajuste milimétrico que durante años dominó la alfombra roja masculina.

Allí apareció una segunda capa del look: su aire retro. No se trató de una reconstrucción literal de otra época, sino de una cita controlada, visible en el volumen del pantalón, en la forma del saco y en una proporción general más relajada. El traje no buscó la velocidad de la tendencia inmediata, sino una elegancia algo desplazada, con referencias al pasado filtradas por una sensibilidad actual.

Esa decisión de volumen fue, además, coherente con la imagen pública que Pattinson viene construyendo hace tiempo, cada vez más alejada del galán congelado en una versión obvia de sí mismo. Su relación con la moda parece apoyarse, justamente, en esa incomodidad productiva: vestir bien sin quedar atrapado en el protocolo de lo correcto.

La corbata a rayas introdujo contraste y evitó la solemnidad

Sobre la camisa blanca, impecable y de cuello clásico, apareció otro de los detalles que terminaron de definir el estilismo: una corbata bordo con rayas diagonales claras. En un conjunto dominado por la suavidad del rosa, ese accesorio sumó profundidad visual y cortó cualquier posible lectura excesivamente etérea del traje.

La elección no fue menor. En muchas apariciones de alfombra roja, la corbata desaparece para relajar el look o se vuelve una pieza neutra, casi invisible. Aquí, en cambio, cumplió un papel concreto. Aportó un punto de contraste, sostuvo la formalidad de la escena y agregó una referencia de aire clásico que dialogó con la raya diplomática del traje sin volver el conjunto pesado.

Ese pequeño cruce entre estampados —las finas líneas verticales del traje y las diagonales de la corbata— le dio espesor a una imagen construida desde el detalle. No hubo acumulación de accesorios ni ornamentación innecesaria. El trabajo estuvo puesto en cómo convivían las piezas.

Los zapatos oscuros anclaron la delicadeza del rosa

El otro punto decisivo fueron los zapatos. Pattinson eligió un calzado oscuro, de terminación mate y presencia sobria, que funcionó como base visual del conjunto. En un look donde el color del traje podía llevar la imagen hacia una zona demasiado blanda, ese gesto aportó peso y equilibrio.

El contraste entre la sastrería clara y el zapato oscuro permitió que el estilismo conservara firmeza. Lejos de disolverse en una paleta monocorde, el conjunto ganó un remate más grave, capaz de sostener la delicadeza del rosa sin quitarle autoridad. Fue, en términos visuales, una forma de cerrar el look con precisión.

Suki Waterhouse sumó otra capa de estilo sin competir con el centro de la escena

La aparición junto a Suki Waterhouse, su compañera desde 2018, completó la imagen de pareja con una lógica de sintonía antes que de repetición. La actriz y cantante llevó un minivestido de encaje floral en un verde seco suave, con mangas largas, transparencias, gafas de sol negras y stilettos oscuros. Su look se movió en una clave distinta, más breve y más sensual, pero compartió con el de Pattinson una misma atmósfera de inspiración retro.

Eso fue, probablemente, lo más logrado del dúo. No parecían vestidos para espejarse, sino para convivir dentro de un mismo clima visual. Él, desde la sastrería de líneas amplias y tonos empolvados. Ella, desde el encaje, la transparencia y los accesorios filosos. Entre ambos construyeron una escena de glamour de época, afinada para una alfombra roja como la de Venecia, donde el cine y la moda suelen reforzarse mutuamente.

El contexto también ayudó a que el look tuviera lectura inmediata. El Festival de Venecia conserva una relación particular con la ceremonia del vestir. Entre la tradición de la Mostra, las premieres nocturnas y el peso simbólico de su alfombra roja, cada elección encuentra un marco donde puede leerse con claridad. Por eso, cuando un actor decide apartarse del esmoquin o del traje oscuro sin caer en el golpe de efecto, el gesto resalta.

Eso hizo Pattinson. No necesitó un diseño aparatoso ni un recurso de impacto fácil. Le alcanzó con torcer apenas el código dominante y confiar en una fórmula menos transitada para la sastrería masculina de gala. En esa apuesta estuvo la singularidad de su aparición.

Hay algo más que el look deja ver. A los 40 años, Pattinson parece moverse con mayor soltura en una zona donde la elegancia no depende de encajar en un ideal clásico, sino de administrar matices. El traje rosa pálido con raya diplomática, la camisa blanca, la corbata a rayas y los zapatos oscuros compusieron una imagen precisa, sin estridencias, pero lo suficientemente inusual como para instalar conversación.

En una temporada de festivales donde muchos looks masculinos se vuelven intercambiables, su paso por Venecia ofreció una variación concreta sobre el uniforme de gala. Ni negro ni esmoquin. Apenas un cambio de tono, de proporción y de actitud. A veces, para destacar, no hace falta romper con todo. Alcanza con elegir el traje menos esperado.

Las redes sociales volvieron a encender la nostalgia y esta vez el viaje es directo a los años 80. El desafío viral del momento invita a los usuarios a dejar que la inteligencia artificial imagine cómo se verían hoy si hubiesen vivido su mejor etapa en la década más desfachatada del siglo XX. Con estética retro, guiños a la moda, música y peinados de la época, cada vez más famosos argentinos se suman a la tendencia y comparten sorprendentes versiones ochentosas de sí mismos.Soledad Silveyra fue una de las primeras en sumarse al desafío. Con sus rulos dorados, una campera de jean y una sonrisa amplia, la actriz compartió en sus historias una imagen donde la inteligencia artificial la reimaginó como una auténtica chica ochentosa. El guiño fue aún más divertido cuando acompañó la foto con “Girls Just Want to Have Fun” y la consigna: “Según chatgpt, ¿cómo te verías en los 80’s?”, invitando a sus seguidores a jugar.

Marcelo Tinelli tampoco dejó pasar la oportunidad de viajar al pasado. El conductor apareció delante del icónico logo de MTV, luciendo un saco turquesa con hombreras anchas, remera estampada y pantalón de jean nevado, además de un infaltable reloj digital en la muñeca. Tinelli, siempre atento a las tendencias, mostró su costado más vintage y recibió una lluvia de corazones y comentarios nostálgicos.

En medio de la oleada de nostalgia, Araceli González apostó por el peinado batido y los accesorios geométricos en rosa, uniendo nostalgia y modernidad en una sola imagen.

Ángel de Brito se animó a la playa de los años 80 con mullet rubio, camisa con estampado abstracto, riñonera rosa y un radiograbador bajo el brazo. El conductor se mostró listo para musicalizar cualquier verano, evocando la onda de “Footloose” y el espíritu despreocupado de la década.

Georgina Barbarossa también se sumó al desafío ochentoso y sorprendió con una imagen digna de una portada de revista de la época. Posó con un blazer azul eléctrico de hombreras bien marcadas y una blusa fucsia de satén, combinados con aros geométricos en fucsia y turquesa.

Sabrina Rojas apostó por una estética rosa y turquesa que la transportó directo a una clase de baile en pleno furor de “Flashdance”. Con ayuda de la inteligencia artificial, la conductora lució con body ajustado, cinturón ancho y vincha flúor, lista para moverse al ritmo de la música, en medio de un fondo de neón y luces que evocan la época dorada del aeróbic.

Iliana Calabró, fiel a su costado teatral, apareció con un mono turquesa de un solo hombro, volados y lunares, cinturón violeta y pulseras de acrílico multicolor. Su versión ochentosa contagió alegría y ese espíritu pop y festivo que definió una época.

Evangelina Anderson apostó al trend ochentoso con una apuesta estética que desató elogios y nostalgia entre sus seguidores. La modelo sorprendió al posar con una melena rubia con volumen, maquillaje intenso en tonos fucsia y violeta, aros grandes flúo y una campera de jean nevado sobre top rosa.

Gustavo Conti se sumó con una campera deportiva de nylon en tonos eléctricos, una musculosa blanca y el clásico reloj digital. En su imagen, la inteligencia artificial agregó luces láser de fondo, completando un retrato que bien podría haber sido parte de la movida nocturna porteña de aquellos años.

María Fernanda Callejón se sumó al fenómeno retro con una imagen que parece salida de un afiche de la época. Con el pelo voluminoso, ondas marcadas y flequillo batido, lució un blazer con estampado geométrico en fucsia y violeta, aros dorados y maquillaje intenso, con sombra violeta y labios rojos. El fondo de rayos láser terminó de completar la postal, transportando a Callejón directamente a una sesión de fotos ochentosa al ritmo de Olivia Newton-John, y reafirmando que el revival es también una excusa para jugar y divertirse.

Verónica Lozano reunió a su propio “dream team” ochentoso para una imagen grupal digna de una clase de gym de la época. Junto a Connie Brito, Delfina Lecouna y otras amigas, todas vistieron tops y calzas en tonos rosa y negro, zapatillas blancas y polainas de colores, con peinados altos y grandes vinchas.

Cande Ruggeri también se animó al revival ochentoso junto a su pareja, Nicolás Maccari. Ambos posaron con una dupla infalible: blazer fucsia y campera de jean, en una imagen que bien podría haber sido la portada de una revista juvenil de la época.

Lourdes Sánchez sorprendió a sus seguidores al sumarse a la tendencia de los años 80 con un look inspirado en la estética de la época. Vestida con calzas fucsias metalizadas, body negro, cinturón ancho rosa y medias de lana en los tobillos, la bailarina posó frente al espejo de un gimnasio rodeada de pesas, bancos y equipamiento deportivo.

Rodrigo Lussich y Luli Gurchenco se mostraron en formato collage, con denim nevado, estampas playeras y camperas de colores. Entre risas y poses, la dupla simuló entrevistas y escenas propias de una radio pop ochentosa, demostrando que la tendencia también puede vivirse en equipo.

Barby Franco, Fernando Burlando y su hija Sarah se mostraron juntos con un look inspirado en los años 80, sumándose a la tendencia retro. Los tres lucieron camperas deportivas combinadas en tonos fucsia, turquesa y violeta, con detalles de blanco y negro. Barby eligió un crop top blanco, jeans de tiro alto y cinturón fucsia, completando el conjunto con aros grandes del mismo tono y el cabello suelto con ondas marcadas.

Eva Bargiela sorprendió con una auténtica postal familiar de los 80. Junto a su pareja, Gianluca Simeone, y su hijo en común, Faustino, todos vestidos con camperas deportivas coloridas, jeans nevados, scrunchies y rollers, posaron frente a un antiguo castillo, evocando los clásicos álbumes familiares de la década. El look neón, los aros rosas y la sonrisa contagiosa de Eva dejaron en claro que la modelo disfrutó a pleno del revival ochentoso y que la tendencia también puede celebrarse en familia.

Rocío Guirao Díaz fue puro espíritu fitness retro. Con un body rosa y calzas celestes, polainas y muñequeras a tono, lució un peinado alto recogido con scrunchie y aros circulares flúo. La imagen, iluminada por neón y acompañada de una gran sonrisa, fue un guiño a los videos de aeróbic y a las portadas de revistas de la época.

Rocío Robles optó por el estilo de diva de discoteca: vestido negro de cuero, cinturón ancho y pulseras doradas, con una pose desafiante y una esfera de espejos iluminando el fondo. Su imagen encarnó el glamour nocturno y el espíritu libre de la década.

La tendencia también alcanzó a Fabián Mazzei, quien recreó la clásica imagen del walkman y el cassette, remera estampada y sonrisa cómplice para completarla consigna que hace furor en las redes.

Estefi Berardi apostó a la estética disco y a los guiños a la cultura pop. Su versión ochentosa la mostró con ondas suaves, aros grandes y una camisa de gasa estampada anudada a la cintura, combinada con pantalones de tiro alto y cinturón con hebilla XL. El vinilo de ABBA y la bola de espejos de fondo agregaron el toque de época, y la actitud relajada y sonriente completó el homenaje a los años dorados de la pista de baile.

Majo Martino apostó todo al neón y el maquillaje extremo: aros geométricos fucsia, sombra violeta y blazer metalizado, rodeada de grafismos y luces brillantes. La presentadora se mostró completamente a tono con la estética desfachatada y colorida que fue marca registrada de los ochenta.

Hernán Lirio resaltó con una foto junto a su perro, Ramoncito, ambos lookeados con camperas deportivas de colores y fondo de rayos láser. La imagen, divertida y entrañable, mostró que la tendencia puede vivirse en familia, incluso con las mascotas como protagonistas.

Sofía Jujuy Jiménez, junto a su pareja, recreó una postal urbana donde el jean nevado y las gafas oscuras dominaron la escena. Juntos, simularon una salida nocturna digna de una película de la época, completando el look con peinados altos y actitud rockera.

Por su parte, Alejandra Maglietti deslumbró con minivestido negro de cuero y blazer fucsia, labios intensos y aros dorados.

Lizardo Ponce, por su parte, se sumó al furor “Miami Vice” con remera estampada, denim nevado y lentes oscuros. El influencer demostró que la tendencia ochentosa puede reinterpretarse con un guiño actual y mucho humor.

Entre peinados voluminosos, hombreras, brillos y música pop, cada postal viralizó el espíritu de una década inolvidable y confirmó que, más allá del paso del tiempo, el entusiasmo por reinventarse y compartir alegría sigue intacto. Así, las celebridades se animaron a viajar al pasado y, de paso, invitaron a todos a sumarse y disfrutar del juego colectivo de la memoria y la imaginación.

Con un blazer blanco impecable y pantalón negro, Ricky Martin firmó una de las postales más comentadas de su paso por el Festival de Cine de Venecia. El artista puertorriqueño apareció en la Mostra con dos apuestas de sastrería bien diferenciadas: una, clásica y depurada para la alfombra roja; la otra, en gris jaspeado, con un giro más relajado y editorial.

El cantante dijo presente para presentar “Hombre al agua”, que marca su regreso a la actuación después de más de 20 años. Pero además dejó una secuencia de looks donde las texturas, los cortes clásicos y los accesorios marcaron el pulso de su imagen.

Lejos de repetir fórmula, el galán de 54 años eligió construir dos registros distintos. Para la alfombra roja se inclinó por una propuesta de alto contraste, con un blazer blanco de acabado satinado y relieve sutil, combinada con pantalón negro recto.

El diseño, de solapas de pico anchas y doble botonadura, se apoyó en una sastrería de líneas firmes, mientras que la camisa blanca, llevada con el primer botón abierto, sumó una dosis de relajación calculada.

La cadena plateada sobre el cuello, los lentes oscuros de marco rectangular y un anillo en la mano derecha terminaron de darle al conjunto una impronta precisa y depurada.

En ese primer look, el blanco funcionó como centro visual de todo el outfit. La textura satinada con pequeños puntos en relieve aportó profundidad sin romper la limpieza del conjunto, y el negro del pantalón reforzó una lectura sobria, ordenada y directa.

La elección evitó excesos y apostó por una elegancia contenida, sostenida en la calidad de las terminaciones y en una silueta de inspiración clásica.

El cabello corto y la barba prolija acompañaron una imagen de perfil pulido, casi minimalista, donde cada accesorio apareció en una medida exacta.

Sastrería gris de tres piezas con un giro más expresivo

Ya en la sesión fotográfica institucional del festival, cambió de código y se movió hacia una propuesta más rica en capas y matices. Allí apareció con un conjunto gris jaspeado de tres piezas, armado sobre un saco de corte clásico, hombros marcados y pantalón amplio con pinzas, una silueta que remitió a una sastrería de aire más relajado y a la vez más elaborada.

Debajo sumó una camisa azul oscuro de cuello abierto, sin corbata, y sobre ella incorporó uno de los detalles más distintivos del estilismo: un pañuelo liviano en blanco y negro con diseño geométrico.

Ese accesorio rompió la sobriedad del traje y desplazó el foco hacia la parte superior del look, aportando movimiento visual y una intención más editorial.

La paleta, en este caso, trabajó desde los grises y azules, con una base neutra que permitió destacar la textura del tejido y el contraste gráfico del pañuelo.

La iluminación uniforme del espacio interior y el fondo azul de la Bienal de Venecia reforzaron todavía más la construcción de una imagen prolija.

Una apuesta contemporánea entre el escenario y la vida cotidiana

A lo largo del tiempo, destaca la preferencia por prendas de cortes amplios y líneas limpias, así como una paleta dominada por tonos neutros, especialmente el negro y el blanco.

El uso recurrente de pantalones anchos y chaquetas holgadas aporta una silueta relajada y moderna, tanto en sus presentaciones como en entornos informales.

En las presentaciones sobre el escenario, alterna entre conjuntos de inspiración formal, como el saco blanco decorado con detalles brillantes y pantalones negros de gran caída, y propuestas deportivas que incluyen camisetas ajustadas y pantalones tipo jogging con cordón visible.

Los accesorios se mantienen discretos, limitándose a collares metálicos y anteojos de sol oscuros en ciertos momentos, lo que subraya una estética minimalista y funcional.

Para entornos más informales, opta por camisas blancas de algodón, con un fit suelto y desenfadado, combinadas con jeans holgados de mezclilla.

La preferencia por tejidos ligeros y prendas sin estructura rígida refuerza una imagen desenfadada y contemporánea, que prioriza la comodidad sin renunciar a la presencia escénica.

En conjunto, sus elecciones estilísticas oscilan entre lo urbano y lo elegante, con énfasis en la comodidad, la amplitud de las prendas y una paleta monocromática que define un estilo depurado, versátil y vigente.

Si hay alguien en el mundo del espectáculo argentino que no le teme a la transformación, esa es Oriana Sabatini. Actriz, cantante e incluso flamante escritora, Oriana suele compartir con sus casi siete millones de seguidores en Instagram tanto momentos de su vida profesional y personal como sus apuestas de moda más audaces. Este domingo, la artista volvió a sorprender a sus fans al mostrar un cambio de look radical que rápidamente se convirtió en tendencia y generó una catarata de reacciones en las redes.

Lejos de su característico pelo negro azabache, Oriana se animó a un rubio claro que acompañó con un corte bob de textura húmeda, renovando por completo su imagen. Fiel a su costumbre de documentar cada paso, compartió una serie de fotos que mostraron el proceso de transformación: en primer plano, en medio de un estudio de maquillaje y peluquería, con el cabello rubio peinado hacia un costado y sujeto con clips. El maquillaje, intenso en tonos lilas y con un delineado marcado, acompañó a la perfección el nuevo estilo.

En otras postales, Oriana posó sentada en una silla, luciendo una campera de cuero marrón sobre un top negro y jeans, con una actitud pensativa y relajada. El contraste entre el nuevo color de pelo y el look anterior se hizo evidente, reafirmando la versatilidad que la caracteriza y su capacidad de reinventarse sin perder su esencia. El detrás de escena incluyó imágenes del set de maquillaje, con productos y herramientas a la vista, mostrando el paso a paso de su renovación estética y el trabajo en equipo con su estilista.

Una vez más, Sabatini se animó a transformar su imagen y a marcar tendencia en el universo de la moda y el espectáculo. Los comentarios no tardaron en llegar: “¿¿Perdón??”; “¿¿Qué??”; “¡Wow! ¡Qué cambio! Bella como siempre”; “HOT”; “No puede ser”; “No, bueno, chau. Estoy enamorada”; “Podrán ser tan hermosa”, fueron solo algunas de las frases que inundaron la publicación. Entre quienes celebraron el nuevo look, se destacaron figuras de su círculo más íntimo, como su pareja Paulo Dybala y su mamá Catherine Fulop, además de colegas como María Becerra, Cami Mayan, Blair y muchas otras.

No es la primera vez que Oriana sorprende con un giro estético tan audaz. En noviembre de 2022, la artista había impactado con otro gran cambio de look para acompañar el lanzamiento de su tema “Chin chin”. En esa oportunidad, renovó por completo su apariencia: flequillo súper corto y cejas decoloradas en rubio extremo, sumándose a una tendencia global que pisa fuerte entre actrices, modelos y cantantes del mundo. El posteo, en ese entonces, cosechó elogios y también algunas críticas por lo extremo del cambio.

Su amiga Cande Tinelli no dudó en alentarla: “Ese flequillo necesito que te lo dejes para siempre”. Por su parte, su mamá, Catherine, celebró la nueva etapa y expresó: “Ya quiero que salga (el tema)”. Delfina Chaves opinó: “Este es el look”. Y Lola Latorre agregó: “No podés ser más linda”.

Si bien muchos seguidores aplaudieron la audacia estética, otros se mostraron desconcertados por la transformación, pero Oriana hizo oídos sordos a los comentarios negativos y continuó luciendo sus cejas decoloradas, consolidando su lugar como referente de estilo y autenticidad.

La inquietud estética de Oriana no se detuvo ahí. Apenas unos meses después, en enero de 2023, la cantante volvió a sorprender: esta vez, pasó por la peluquería y se animó a un flequillo largo y abierto, que le daba un aire aniñado y renovado. En una selfie tomada frente al espejo del baño, mostró el resultado y muchos seguidores destacaron su parecido con su tía, la emblemática tenista Gabriela Sabatini.

Más allá de las modas y las tendencias, Sabatini demuestra que la transformación puede ser una forma de expresión y una declaración de libertad. Ajena a las críticas y fiel a su intuición, la artista continúa explorando nuevos estilos y compartiendo cada etapa con sus seguidores, que celebran su valentía y su capacidad para reinventarse una y otra vez. En un mundo donde la imagen lo es todo, Oriana elige mostrarse auténtica y en constante movimiento, consolidando su lugar como una de las referentes más influyentes de su generación.

Fiel a su estilo descontracturado, Juana arrancó el programa saludando a la audiencia y compartiendo una anécdota del detrás de escena. “Salí con un caramelo ácido en la boca”, bromeó entre risas, antes de presentar su look elegido para la ocasión. “Primer domingo de septiembre, por supuesto, ¿por qué? Porque tengo puesto un Bogani, como todos los primeros de mes”, anunció con entusiasmo. El vestido, confeccionado en crep de chine estampado al bies, en alusión a una tira de tela cortada en diagonal en en una sola pieza envolvente, destacó por su lazo turquesa y un broche que, según explicó, replicó el mismo diseño del estampado: “Muy lindo, es un Gino Bogani auténtico, veraniego para esta ola polar que estamos viviendo. Miren qué bonito...”.

No faltaron, como en cada emisión, los agradecimientos a su equipo de estilismo.“Me peinó Juan Fojo y me hizo una cola. Y me maquilló Cris Sepúlveda con este delineado debajo, turquesita para acompañar mi lazo turquesa”, comentó la nieta de Mirtha Legrand mientras la cámara enfocaba los detalles finales. Y de esa manera, entre comentarios sobre la moda y los imprevistos del vivo, Juana logró, una vez más, crear un clima relajado e íntimo con el público, sumando complicidad desde el primer minuto.

El vínculo con Bogani es un sello de la etapa actual de Juana como conductora. Tal como recordó, el mes pasado eligió otro diseño icónico del modisto: un vestido de terciopelo oro viejo con collar tipo peto, faja drapeada y puños bordados. En esa edición, también sumó piezas de bijou del propio Bogani y tobilleras de su colección personal, dando cuenta del trabajo conjunto con los referentes de la moda local.

“Me peinó Juan Fojo y me maquilló Cris Sepúlveda y me hizo con amarillos y naranjas... Un atardecer. Estoy muy a la naturaleza”, relató entonces, antes de bromear sobre su propio estado de ánimo: “La mina está con los patos totalmente volados. No estoy acá, es un holograma mío. Mi espíritu está volando. La carcasa, sí, lo que queda. Chocada por todos lados estoy”.

Más allá de los looks, Viale sostiene una impronta fresca y personal en cada apertura del programa, alternando momentos de humor, anécdotas familiares y referencias a la actualidad. Los guiños a su abuela, las bromas sobre la vida cotidiana y la interacción directa con el equipo técnico forman parte de una fórmula que la distingue y la consolida como una de las figuras más genuinas de la pantalla argentina.

Además, cabe destacar que suu relación con la moda es también un elemento central de su propuesta televisiva. Cada diseño que luce en el programa se convierte en tendencia entre los televiventes. En especial la complicidad con Bogani y el reconocimiento a sus peinadores y maquilladores refuerzan la imagen de una conductora creativa, elegante y cercana, que disfruta cada detalle del proceso de producción.

Así, Juana Viale reafirma su lugar como referente de estilo y frescura, y sigue reinventando la tradición familiar con cada emisión, donde la moda y la espontaneidad se combinan para ofrecer una versión propia y contemporánea del clásico de todos los domingos.

Georgina Rodríguez ha vuelto a convertirse en una de las grandes protagonistas del panorama internacional tras hacer su deslumbrante aparición en la 83ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. La celebridad e influencer de 32 años se presentó en la emblemática cita italiana apenas unas semanas después de haber celebrado su boda con el futbolista Cristiano Ronaldo. Con una actitud plenamente consolidada y mostrando la confianza propia de una gran estrella, la española demostró que este nuevo capítulo en su vida de casada le sienta de forma inmejorable, acaparando las miradas de los medios y del público congregado.

En esta ocasión, Georgina decidió romper rotundamente con los convencionalismos estilísticos habituales en este tipo de celebraciones. Para hacer su debut formal sobre la alfombra roja durante la premiere de la película Mr. Nelson, Did You Kill People?, la empresaria descartó el tradicional vestido de gala para apostar por un arriesgado e innovador traje de inspiración ejecutiva. Con esta acertada elección, logró fusionar la elegancia de la sastrería con la sofisticación exigida por uno de los certámenes cinematográficos más relevantes del mundo.

El conjunto elegido consistió en un traje de chaqueta en tono azul oscuro con una marcada inspiración esmoquin, compuesto por una americana muy entallada, de pronunciadas solapas y un gran escote que marcaba su figura. En lugar de combinar la prenda con un pantalón de vestir, optó por una falda larga de silueta columna que aportaba la fluidez justa al atuendo. Para complementar esta propuesta, lucía una impactante pieza de alta joyería en forma de collar con motivos florales a juego con sus pendientes y anillos, combinada con unos zapatos de salón negros de tacón alto firmados por Gucci y un maquillaje smokey eye que potenciaba la intensidad de su mirada.

El Festival de Venecia para Georgina

Más allá del impacto visual de sus elecciones de vestuario, la presencia de Georgina en Venecia refleja el excelente momento que atraviesa tras convertirse oficialmente en la mujer de Cristiano Ronaldo. La ciudad de los canales guarda un significado sumamente especial para la española, ya que fue precisamente en este escenario donde tiempo atrás comenzaron a circular los primeros rumores sobre su futuro junto al astro portugués, vinculados al protagonismo de las joyas que lució en el festival.

En recientes declaraciones concedidas a la revista Harper’s Bazaar, la propia influencer reflexionaba sobre la satisfacción que le produce haber alcanzado la autonomía que siempre anheló. Georgina confesó que de niña soñaba con transformarse en una mujer independiente, con capacidad para trabajar, asumir responsabilidades propias, formar una gran familia y experimentar la satisfacción personal de conseguir cada uno de sus objetivos por sus propios medios.

De los comienzos en Huesca a su traje de ejecutiva

El camino recorrido hasta la alfombra roja veneciana no ha estado exento de esfuerzo. La empresaria rememoró abiertamente sus orígenes antes de alcanzar la fama, detallando que su primera nómina no llegó sobre un escenario, sino trabajando de limpiadora y camarera en un hotel de un pequeño pueblo de la provincia de Huesca, de tan solo trescientos habitantes. En aquella etapa de su vida, alquiló un piso y se vio en la necesidad de compartir habitación con profesores interinos, una experiencia que, lejos de desanimarla, le sirvió para comprender el verdadero valor del trabajo duro y la dignidad intrínseca a cualquier profesión.

Asimismo, la disciplina que adquirió durante los años en los que practicó ballet desempeñó un papel determinante en la formación de su carácter. Aunque de pequeña soñaba con llegar a ser bailarina del prestigioso Royal Ballet, las enseñanzas de la danza clásica le inculcaron valores fundamentales como el compañerismo, el respeto, la constancia y la paciencia. Para Georgina, la perseverancia y la dedicación diaria ante el espejo terminaron siendo los verdaderos pilares que la guiaron a través de rutas inesperadas hasta posicionarla en el lugar que ocupa hoy en día.

Freddie Mercury cumpliría este sábado 80 años. La fecha ofrece una excusa para volver sobre una de las dimensiones más singulares de su figura pública: el vestuario con el que construyó una identidad escénica inconfundible.

Sobre el escenario, el líder de Queen combinó referencias del glam rock, la sastrería militar, el deporte y la fantasía en una propuesta visual que no funcionaba como un complemento de sus shows, sino como una parte central de su lenguaje artístico.

Con prendas de cortes poco convencionales, materiales brillantes y combinaciones pensadas para potenciar el movimiento, convirtió la ropa en una herramienta clave de su presencia escénica.

En esa búsqueda, las chaquetas de satén con estructuras geométricas, capas superpuestas y tonos como azul, rojo, amarillo o púrpura ocuparon un lugar central. Los colores vibrantes y las telas brillantes dialogaban con la iluminación de los recitales y potenciaban el efecto dramático de cada aparición.

La ropa no solo reforzaba su presencia frente al público: también funcionaba como una extensión de su lenguaje artístico. A través de esas elecciones, Freddie logró articular referencias diversas en una imagen coherente, donde convivían la sensualidad, la teatralidad y distintos códigos de la masculinidad.

La reinterpretación de los uniformes militares

Uno de los conjuntos más asociados al cantante fue la chaqueta amarilla con hebillas metálicas, llevada con pantalón blanco y franjas rojas. La combinación trasladó al espectáculo la silueta de un uniforme militar, aunque alteró sus proporciones y colores para ajustarla a la escena.

Las hebillas, los bordados dorados, las charreteras y los cinturones anchos reaparecieron en otras prendas. En ocasiones, las chaquetas incluían hombreras decoradas y detalles metalizados que remitían a uniformes de gala y a una sastrería pensada para destacar bajo la iluminación.

Estas elecciones reforzaban una idea de autoridad teatral. La ropa no buscaba reproducir una vestimenta militar real, sino aprovechar sus signos: estructura, ornamentación y rigidez visual.

La chaqueta multicolor de corte torero también respondía a esa relación con las prendas ceremoniales. Mercury la llevó con pantalones ajustados y el torso descubierto, en una combinación que desarmaba las referencias tradicionales del traje masculino.

Cuero, vinilo y referencias deportivas

Otra vertiente de su armario se apoyó en una estética deportiva. Los pantalones de vinilo o cuero, las camisetas sin mangas y las muñequeras gruesas componían conjuntos más directos, definidos por prendas ceñidas al cuerpo.

El cuero fue una presencia frecuente en su vestuario, tanto en chaquetas como en pantalones. Lo combinó con accesorios llamativos y joyería, lo que evitaba una lectura única de masculinidad y ampliaba el alcance de esas prendas.

Los años 70 concentraron algunas de las propuestas más ceñidas y luminosas de Freddie Mercury.

La licra también ocupó un lugar sostenido en su forma de vestir. Apareció en monos, mallas y otras piezas que marcaban la silueta, con estampados de rombos, colores vibrantes y materiales alejados de la sobriedad habitual de la ropa masculina.

En 1970 llegó a vestir prendas vinculadas con la indumentaria de ballet, incluidas las zapatillas. La elección se sumó a una trayectoria en la que la ropa ajustada convivió con piezas de mayor volumen y referencias tomadas de distintas disciplinas artísticas.

La camiseta blanca y el cuerpo como recurso visual

La camiseta blanca de tirantes fue una de las prendas más persistentes en la imagen de Mercury. La llevó con vaqueros, pantalones de cuero, chaquetas o sin otras piezas sobre el torso, y la convirtió en un componente habitual de su vestuario.

Junto con los pantalones de tiro alto, construyó un registro más austero que el de los conjuntos con lentejuelas o bordados. Aun así, mantenía la atención sobre el cuerpo, la movilidad y el gesto frente al público.

La sencillez de la camiseta permitía que otros elementos ganaran peso: las muñequeras, el cinturón, la joyería o la forma de sujetar el micrófono. La ropa dejaba de depender de la acumulación de adornos y se apoyaba en una silueta de líneas definidas.

El uso repetido de esa prenda extendió su alcance fuera de los conciertos: se volvió una seña de identidad para Mercury y para quienes siguieron su forma de vestir.

Color, estampados y guiños orientales

Mercury incorporó rosa, rayas, cuadros, rombos, crochet y estampados de alto contraste. Las combinaciones incluían camisetas con referencias a Mickey Mouse, además de prendas con estrellas doradas y colores que desafiaban una paleta convencional para un vocalista de rock.

El cantante también utilizó chaquetas multicolores. Sus elecciones no respondían a una fórmula fija: podían pasar de una camiseta de rayas a una chaqueta negra adornada con estrellas, o de un conjunto de cuero a una pieza estampada de inspiración oriental.

La apuesta por el color y la artesanía atravesó distintas etapas de su carrera. Esa variedad impidió que su ropa quedara reducida a una sola imagen, incluso cuando ciertas prendas se repitieron y quedaron asociadas de inmediato con su figura.

Su construcción estética no se detuvo en las prendas. Durante los primeros años de su carrera se pintó las uñas de negro, una decisión que acompañaba los monos de licra, las medias y las siluetas ceñidas.

En los años 70 llevó el pelo shaggy, una melena con capas y volumen en la parte superior. A comienzos de la década de 1980 incorporó el bigote, que pasó a formar parte de su imagen pública pese a la reacción de algunos seguidores, que arrojaban cuchillas al escenario para pedirle que se afeitara.

Su vestuario mezcló elementos asociados a códigos masculinos con accesorios, joyas, esmalte de uñas y colores que solían quedar fuera de esos límites.

La moda fue para él una forma de libertad. A finales de los años 60 y durante las décadas posteriores, sus elecciones cuestionaron las divisiones rígidas entre prendas consideradas masculinas o femeninas y anticiparon discusiones que luego ocuparían un lugar más visible en la industria.

Además, la capa roja con ribete de piel sintética y la corona fueron la expresión más ceremonial de su vestuario. Mercury utilizaba ese conjunto para cerrar los conciertos de la gira Magical Tour al ritmo de God Save the Queen.

La corona y la capa sumaban una referencia a la realeza y al poder escénico, aunque se integraban a una actuación de rock. El contraste con los conjuntos de cuero, licra o camiseta blanca muestra la amplitud de recursos que utilizó a lo largo de su carrera.

A 80 años de su nacimiento, su legado también puede leerse en esa colección de prendas, gestos y siluetas con las que desafió convenciones sin perder nunca el sentido del espectáculo. Freddie Mercury hizo de la ropa una extensión de su voz: exuberante, precisa, teatral y libre. Y acaso ahí resida parte de su permanencia, en haber entendido que ciertas figuras no solo se escuchan o se miran: también se recuerdan por la manera en que lograron habitar la escena.

El entusiasmo por el US Open 2026 no queda limitado al cuadro deportivo. La moda dentro de la cancha ocupa un lugar central.

Con apariciones de Naomi Osaka, Carlos Alcaraz, Serena Williams, Aryna Sabalenka, las figuras utilizaron la indumentaria, el color y los accesorios como parte de su identidad competitiva.

La edición 2026 del Abierto de Estados Unidos reunió regresos, debuts de colaboraciones y señales claras de cómo las marcas deportivas y los jugadores están ampliando el lenguaje visual del tenis.

En ese contexto, las elecciones de vestuario combinaron referencias culturales, lanzamientos de producto y variaciones sobre un código que desde hace años se aleja del uniforme blanco tradicional.

Naomi Osaka

Naomi Osaka volvió a colocar la indumentaria en el centro de su aparición en el torneo con una llegada a la pista vestida con una pieza personalizada de Who Decides War.

La tenista japonesa sumó además un gesto visual con fuerte carga simbólica al rendir homenaje al exjugador de la NBA Allen Iverson mediante un peinado con trenzas.

La elección encajó con una línea que la jugadora viene sosteniendo en sus apariciones públicas, donde utiliza la ropa como vehículo narrativo.

El resultado fue un vestido largo de tul blanco y chaleco gris con textura desgastada, banda y codera rojas, fusionando moda urbana y deportiva.

Carlos Alcaraz

Carlos Alcaraz apareció en el cuadro con uno de los lanzamientos de mayor impacto comercial del torneo al estrenar unas zapatillas aún no publicadas de Travis Scott. El español utilizó el modelo durante su partido ante Roman Safiullin.

El look completo fue un conjunto deportivo marrón y blanco sin mangas, shorts a juego y mangas de compresión blancas, con calzado blanco.

Serena Williams y Carlos Alcaraz: una dupla en púrpura y negro

El inicio del campeonato también mostró a Serena Williams junto a Carlos Alcaraz en una presentación conjunta con conjuntos en púrpura y negro. La coordinación cromática convirtió a ambos en una de las imágenes de apertura del torneo y aportó una estética ligada al uniforme de baloncesto, según la descripción del medio.

Serena llevó un vestido deportivo con falda corta plisada, acompañada de muñequera y zapatillas blancas. Él optó por camiseta sin mangas violeta con ribetes y shorts oscuros, combinados con zapatillas deportivas y muñequeras.

Venus Williams

Venus Williams apareció en la cancha para su partido ante Sofia Kenin con una superposición que se apartó del ingreso más convencional. Eligió un vestido blanco sin mangas, falda corta y gorra del mismo color, junto a zapatillas blancas.

Aryna Sabalenka

La número uno del mundo, Aryna Sabalenka, defendió su título en su debut frente a Osorio con un vestido naranja con paneles de malla.

A esa base le agregó una pieza de joyería que elevó el foco de su aparición: el collar The Prism de Material Good, una creación personalizada en oro de 127 quilates, con zafiros, tanzanitas y turmalinas.

El uso de una pieza de 127 quilates en pleno contexto competitivo convirtió su look en uno de los más singulares del certamen.

La elección confirmó, además, cómo algunas de las principales figuras del circuito integran a la cancha códigos propios de la alfombra roja o la joyería de lujo, sin abandonar las exigencias del rendimiento deportivo.

Coco Gauff, Novak Djokovic y otras figuras

Coco Gauff salió a jugar ante Zeynep Sonmez con una silueta clásica. Optó por un vestido azul oscuro con falda plisada, shorts claros y cinta en la cabeza a tono, acompañada por shorts amarillo pálido a juego con sus zapatillas.

Por su parte, Novak Djokovic, compitió ante Mariano Navone con polo y shorts de su propia colección. La elección aportó una variante más sobria dentro de un torneo atravesado por colores intensos, colaboraciones y accesorios de alto impacto.

Se presentó con indumentaria completamente negra, incluyendo camiseta, shorts, medias y zapatillas.

Taylor Townsend, Sara Bejlek y Alexandra Eala llevaron color, brillo y diseño personalizado

Entre las jugadoras que ampliaron el mapa estético del torneo, Taylor Townsend apareció ante Maja Chwalinska con uno de varios looks personalizados creados por Anthony Lattimore y estilizados por J. Bolin.

El primero fue un vestido rojo de estructura corsé con flecos de cristales bordados a mano en la cintura.

Sara Bejlek eligió un vestido de tenis rosa neón para enfrentar a Cristina Bucsa y sumó un peinado con terminación redondeada sujeto por broches de estrella con cristales. La propuesta mostró cómo los accesorios para el cabello también ganaron espacio como componente de identidad visual.

La filipina Alexandra Eala, en tanto, celebró su victoria sobre Mary Stoian con un vestido azul con paneles de malla y zapatillas azul claro.

Iva Jovic

Fuera del cuadro principal, la Fan Week también dejó una de las imágenes de moda del torneo. Iva Jovic jugó un partido de Stars of the Open ante Alexandra Eala con un body blanco recortado, combinado con una pollera color ciruela y una gorra a tono.

La edición 2026 confirmó que la cancha funciona como vidriera para colaboraciones, homenajes culturales, cápsulas limitadas y decisiones de vestuario que forman parte del torneo.

Georgina Rodríguez llega a Venecia con un conjunto compuesto por jeans palazzo blancos, una camisa de satén color chocolate y lencería a la vista. La empresaria asistirá a la 83.ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, en una de sus primeras apariciones públicas en solitario después de su boda con Cristiano Ronaldo.

La llegada tuvo lugar el 3 de septiembre de 2026 y precede a sus compromisos dentro del festival italiano. Rodríguez volvió a una ciudad que forma parte de su agenda pública desde 2018, cuando debutó en este certamen junto al futbolista portugués.

El estilismo no se limitó a la ropa. A los pantalones, la camisa y el sujetador de encaje añadió un bolso Hermès Birkin Himalaya, joyas de diamantes, un reloj Rolex y el anillo que ha lucido tras su reciente matrimonio.

Georgina Rodríguez combinó pantalones blancos de tiro alto, camisa de satén marrón y un sujetador de encaje visible para su llegada al Festival de Venecia 2026. El conjunto reunió prendas de firmas de lujo y accesorios valorados en cientos de miles de euros, según las estimaciones difundidas sobre cada pieza identificada.

Jeans blancos, satén chocolate y lencería visible

La modelo eligió unos pantalones blancos de Giambattista Valli. El diseño tiene tiro alto y una silueta ligeramente acampanada, cercana al corte palazzo. La prenda, de acuerdo con la información disponible sobre el conjunto, ronda entre 500 y 600 euros.

El blanco de los pantalones marcó el punto de partida de un estilismo construido a partir de contrastes. Rodríguez los combinó con una camisa de satén marrón chocolate de Tom Ford, una prenda cuyo precio se sitúa en torno a los 1.300 euros.

La camisa no se llevó cerrada hasta el cuello ni como una pieza convencional de oficina. La empresaria dejó parte de la prenda abierta sobre uno de los hombros y mostró un sujetador color chocolate de encaje, firmado por Intimissimi.

El modelo de lencería identificado corresponde al Sofia Balconette de la línea Pretty Flowers. Su precio es de 39,90 euros, una cifra inferior a la del resto de las piezas que componían el vestuario de viaje.

Rodríguez completó la parte textil del conjunto con zapatos de tacón en tono nude. Los stilettos tenían un tacón de 12 centímetros y un precio superior a 600 euros, según los datos publicados sobre las prendas y complementos que utilizó para llegar a Venecia.

La boda con Cristiano Ronaldo

La llegada a Italia se produjo semanas después de la boda de Georgina Rodríguez con Cristiano Ronaldo, celebrada en agosto. La empresaria reapareció así en uno de sus primeros actos públicos en solitario desde el enlace.

Venecia ya había tenido presencia en la historia pública de la pareja. Rodríguez asistió por primera vez al festival en 2018 y, en visitas posteriores, sus vestidos, joyas y bolsos adquirieron presencia antes de sus pasos por la alfombra roja.

La empresaria acudirá de nuevo al Festival Internacional de Cine de Venecia, una cita a la que también han llegado figuras como Kendall Jenner, George Clooney, Amal Clooney, Sydney Sweeney y Kate Mara. El certamen reúne estrenos cinematográficos y apariciones de celebridades tanto en la alfombra roja como en los desplazamientos por la ciudad.

Kendall Jenner hizo su primera aparición en la alfombra roja del Festival Internacional de Cine de Venecia con un look que conectó la moda de archivo, el cine y el legado de Giorgio Armani. La modelo eligió un diseño dorado de la colección otoño/invierno 1995 de la firma italiana, el mismo año en que nació.

Su paso por el certamen retomó códigos de la estética de los años 90, una década que volvió a ocupar un lugar central en las alfombras rojas. El vestido, los accesorios y el peinado concentraron las miradas durante la gala.

Jenner asistió este jueves a la proyección de “Wild Horse Nine”, la comedia negra de Martin McDonagh que compite por el León de Oro. Llegó como embajadora global de Armani Beauty, junto con otras figuras vinculadas a la marca, como Sydney Sweeney y Jonathan Bailey.

La presencia de la modelo reforzó el vínculo entre la casa italiana y el festival, donde las proyecciones, las celebridades y los estilismos comparten protagonismo.

El vestido dorado de archivo que eligió Kendall Jenner

Para la ocasión, Jenner apostó por una pieza de archivo de Giorgio Armani perteneciente a la colección otoño/invierno 1995. La elección recuperó una etapa de la firma marcada por las siluetas depuradas, los brillos y el glamour característico de los años 90.

El vestido era largo, ceñido al cuerpo, con escote redondo y tirantes finos. La superficie estaba cubierta por bordados florales metálicos, lentejuelas doradas y pequeñas cuentas iridiscentes que reflejaban la luz y le daban un acabado luminoso.

En su versión original de pasarela, el diseño incluía un gran broche floral sobre el escote. Jenner prescindió de ese detalle y también dejó de lado el collar. Así, despejó el cuello y el busto para que los bordados del vestido quedaran en primer plano.

Como complementos, llevó pendientes de diamantes en forma de gota de la joyera neoyorquina Briony Raymond y sandalias nude “So Nude” de Aquazzura.

El maquillaje mantuvo tonos neutros, piel luminosa y labios naturales. Su cabello oscuro quedó suelto, con ondas suaves y una raya central en zigzag, un recurso asociado a los peinados de los 90.

El estilismo de Kendall Jenner

Kendall Jenner exhibe un estilismo que se caracteriza por la variedad de recursos formales, el uso de siluetas definidas y la elección de prendas que integran referencias clásicas con tendencias contemporáneas.

Sus elecciones abarcan desde vestidos de gala en tonos neutros y pastel, hasta conjuntos urbanos con influencias retro y detalles estructurados.

En eventos de alfombra roja, Jenner opta por vestidos ceñidos al cuerpo y cortes asimétricos, como un modelo en tono beige con transparencias, drapeados y una larga cola, acompañado de escote pronunciado y tirantes finos.

Este tipo de prenda resalta la silueta y emplea tejidos ligeros que aportan fluidez.

También, tiene preferencia por colores suaves y acabados delicados. En estos casos, el maquillaje es discreto y la melena se lleva suelta, con raya central y ondas suaves, lo que subraya un enfoque sofisticado y pulcro.

Para situaciones menos formales, recurre a piezas de inspiración vintage o conjuntos monocromáticos en colores neutros como crema, beige, gris o negro.

En una aparición en París, durante la Semana de la Moda eligió un abrigo largo gris, con cinturón y doble botonadura, pañuelo marrón oscuro cubriendo la cabeza y anteojos de sol rectangulares.

El look se completó con mocasines negros, calcetines blancos y pantalón entallado, lo que construye una imagen que remite al cine clásico y a la elegancia urbana. Este look hizo un guiño contemporáneo a la estética de las actrices Sophia Loren y Audrey Hepburn.

En cuanto a accesorios, Jenner prefiere aretes discretos y collares llamativos para equilibrar la sencillez de sus estilismos.

Su manicura suele mantenerse en tonos neutros, y el maquillaje se enfoca en realzar la piel y la mirada con acabados luminosos.

El estilismo general de Kendall Jenner destaca por la integración de elementos clásicos, siluetas definidas y una paleta cromática neutra o pastel, combinados con detalles contemporáneos y guiños retro, lo que refuerza una imagen sofisticada, versátil y atemporal.

A sus 45 años, la cantante Beyoncé consolidó una trayectoria de moda definida por la teatralidad, la precisión visual y el uso del vestuario como herramienta de identidad.

La artista reúne en sus apariciones públicas propuestas de gala, referencias de la cultura popular y elementos identitarios dentro de una misma construcción estética.

Sus elecciones de vestuario evitan responder a modas pasajeras. El repertorio visual de Beyoncé integra desde el glamour clásico de Hollywood y la indumentaria urbana hasta la alta costura y las manifestaciones folk de Estados Unidos.

Cada conjunto acompaña su presencia escénica y proyecta mensajes vinculados al empoderamiento y las raíces de la cultura afroamericana.

La estética western se resignifica como propuesta de alta indumentaria

Dentro de su catálogo de imagen, la estética del lejano oeste ocupa un espacio preponderante. Los sombreros de ala ancha confeccionados en fieltro negro o blanco, chaquetas de cuero oscuro, anteojos de gran tamaño y cinturones anchos con hebillas ornamentales recuperan los códigos visuales de la frontera de Estados Unidos para situarlos en el segmento del lujo.

Los acabados metalizados, las aplicaciones con símbolos reconocibles y los botones dorados alteran el sentido original de estas prendas. En diversas producciones de vestuario, la casa de moda Versace sirve como referencia de diseño para combinar cuero negro, relieves brillantes y accesorios de gran escala, sin apartarse de los rasgos distintivos del estilo western.

El resultado se apoya en contrastes definidos: la sobriedad del negro frente al dorado, la textura mate del fieltro ante el brillo de los metales y la tradición del sombrero vaquero trasladada a una puesta de alto impacto visual.

Vestidos de gala entre transparencias, cristales y plumas

En las galas y alfombras rojas, utiliza vestidos largos que combinan transparencias y pedrería.

El tul, las gasas y las aplicaciones brillantes permiten que el cuerpo forme parte de la composición, mientras los bordados dibujan estructuras sobre la silueta.

Estas piezas suelen mantener líneas ceñidas, con cortes que marcan la cintura y aberturas en piernas o escotes pronunciados. La elección de materiales deja ver el contraste entre superficies ligeras y ornamentos de gran densidad.

Uno de los conjuntos destacados de su repertorio fue un vestido con una estructura de esqueleto realizada en cristales sobre tul color piel que usó para la Met Gala 2026.

La prenda se completó con una capa voluminosa de plumas grises y una corona-joya elaborada en sintonía con el resto del atuendo. La unión entre cristales, plumas y una silueta que reproduce una figura ósea introduce alusiones a imágenes mitológicas y divinas.

Otro de los registros presentes en su estilo toma elementos de la indumentaria automovilística y motera. Los monos y trajes de cuero blanco, negro y rojo se apartan de los vestidos de gala, aunque conservan el interés por las formas ajustadas y los detalles visibles.

Los parches y las cremalleras pasan a formar parte de la decoración de las prendas. En lugar de quedar ocultos como elementos funcionales, se integran a la imagen exterior y refuerzan el vínculo con la ropa deportiva y urbana.

El escote y la cintura concentran la construcción de estas siluetas. Los cortes ajustados definen el cuerpo, mientras la combinación de colores intensifica la apariencia de uniformes transformados para un contexto de espectáculo.

Los accesorios tienen un peso propio dentro de esta composición. Cadenas gruesas, guantes largos, cinturones anchos y pendientes circulares añaden nuevas capas de textura, además de concentrar la mirada en zonas específicas del cuerpo y el rostro.

La paleta recurre al oro, la plata, el negro, el blanco, el rojo y el nude. Cada color se relaciona con materiales de acabado brillante, cuero o tejidos translúcidos, en combinaciones donde el contraste entre volumen y superficie ordena el conjunto.

El estilismo de Beyoncé puede pasar de un vestido-joya a un traje motero o a una propuesta de cowboy glam. La variedad no elimina la continuidad: las distintas elecciones conservan siluetas definidas, materiales de fuerte presencia y accesorios que amplían la puesta visual.

Las prendas no cumplen solo una función de vestimenta. En cada aparición construyen personajes y escenarios, ya sea por medio de cristales, cuero, sombreros, flecos o capas de plumas.

La precisión en la elección de los elementos y la atención sobre cada acabado sostienen una imagen donde conviven teatralidad, herencia cultural y sofisticación contemporánea.

La 83.ª edición del Festival de Cine de Venecia abrió el miércoles 2 de septiembre y se extenderá hasta el sábado 12. La Mostra dejó una sucesión de apariciones en la alfombra roja, con vestidos largos, sastrería, encaje, lentejuelas y prendas informales.

El satén se repitió en varios atuendos, junto con joyas, accesorios y abrigos que definieron estilos distintos ante las cámaras. Además, el certamen reúne 21 largometrajes en competencia por el León de Oro, entre ellos películas de Danny Boyle, Werner Herzog, Nanni Moretti, Lee Chang-dong y Martin McDonagh.

Amal Clooney y George Clooney

La abogada Amal Clooney vistió un vestido negro largo, de tirantes finos y textura plisada. El diseño se ajustó a la silueta y fue acompañado por un brazalete plateado y un clutch negro.

Llevó el cabello suelto y ondulado. A su lado, el actor y director George Clooney posó con un esmoquin negro clásico, camisa blanca de rayas finas y moño negro.

Maggie Gyllenhaal

La actriz Maggie Gyllenhaal optó por un vestido largo negro de manga larga y escote asimétrico. El diseño dejó un hombro al descubierto.

El tejido mate cayó en una línea recta, mientras que el drapeado en el busto añadió volumen. La actriz completó el atuendo con un collar plateado y anillos.

Claire Foy

La actriz británica Claire Foy eligió un vestido largo de satén rojo con escote profundo y un nudo en la cintura. La prenda delineó una propuesta monocromática que mantuvo el mismo color en las piezas principales.

La actriz sumó guantes largos rojos, un collar de diamantes y pendientes plateados. El peinado de efecto húmedo y los labios rojos acompañaron la elección de tonos.

Bianca Balti

Bianca Balti mostró un conjunto informal durante una aparición diurna junto a un canal. Llevó una camisa blanca oversize de manga larga y pantalones de jean oscuros, de corte recto.

La modelo italiana completó el atuendo con una gorra azul marino, un collar corto plateado y un bolso grande de ante gris. Su postura relajada y su sonrisa abierta formaron parte de la escena.

Vestido rosa y alas de plumas

En su segunda aparición, llevó un vestido palabra de honor de satén rosa pálido. El corset se ajustó al torso y la falda presentó un drapeado.

El elemento que concentró la atención fueron las alas de plumas blancas adheridas a la espalda. La modelo añadió un collar de piedras y llevó el cabello liso, peinado hacia atrás.

Laura Dern

Laura Dern apareció con un vestido largo rosa claro, confeccionado en una tela satinada de acabado mate. El diseño tenía mangas cortas y una falda amplia con vuelo.

La actriz llevó un collar de piedras coloridas y zapatos de charol negro. El cabello rubio, suelto, rodeó su rostro. El conjunto se apoyó en una silueta amplia y en el contraste entre el rosa claro, las piedras del collar y el calzado oscuro.

Kaouther Ben Hania

Kaouther Ben Hania llevó un vestido largo dorado de escote profundo y tirantes. La tela brillante estaba cubierta de lentejuelas y el busto incorporaba adornos dorados con forma de hojas.

La cineasta y directora eligió un bolso pequeño verde claro y recogió el cabello en un moño suelto. Los accesorios sumaron un contraste de color frente al tono dominante de la prenda.

Jonathan Bailey

Jonathan Bailey combinó un esmoquin negro de solapas de terciopelo con una camisa blanca de pechera plisada y pajarita negra. Sobre el conjunto llevó un abrigo largo de lana gris oscuro.

El abrigo del actor de Bridgerton tenía flecos en el bajo y fue acompañado por una bufanda negra. El actor sostuvo unas gafas de sol en una mano.

Jack O’Connell

Jack O’Connell llevó un esmoquin negro clásico, con chaqueta de solapas satinadas, camisa blanca y pajarita negra. El calzado de cuero negro mantuvo la continuidad de los tonos oscuros.

Sobre el traje, el actor usó un abrigo largo de lana gris oscuro, con flecos en el bajo. También incorporó una bufanda a juego, que cayó a ambos lados del cuerpo.

Carolina Cavalli

Carolina Cavalli eligió un vestido largo de tirantes finos en encaje beige. El tejido presentó bordados de motivos geométricos y florales.

El diseño tenía escote recto, fruncido en el centro, y una caída hasta el suelo que cubrió parcialmente los zapatos. La directora de cine italiana llevó el cabello recogido, además de un brazalete y anillos plateados.

Selena Gómez volvió a confirmar por qué es una de las figuras que marca el pulso de la moda con un look de texturas cálidas y tonos chocolate, elegido en Venecia. La actriz y empresaria apostó por una pollera larga de gamuza y botas al tono, una elección que contrastó con las temperaturas de verano en la ciudad italiana y puso el foco en una de las fórmulas que empieza a ganar terreno en el cambio de temporada.

La artista fue vista junto a Benny Blanco a la salida de la estación Santa Lucia, después de un paseo. El contraste entre ambos estilismos fue inmediato: mientras él optó por un traje azul, más alineado con una estética estival, Gómez eligió una propuesta monocromática en marrón que remitió de lleno al próximo guardarropa de otoño.

Su outfit combinó una polera marrón, botas de punta cuadrada y una falda maxi de gamuza con largo hasta los tobillos. La silueta, recta y depurada, sumó una de las texturas que cada septiembre y octubre vuelve a instalarse entre las apuestas de entretiempo: la gamuza.

En esta ocasión, el material se impuso en una pollera larga de línea recta, acompañada por botas dentro del mismo registro cromático. El recurso de llevar prendas y accesorios en una gama unificada reforzó el efecto visual del conjunto y dejó a la vista una combinación que vuelve a circular con fuerza: pollera de gamuza y botas a juego.

La prenda elegida por Gómez correspondió al modelo Edwina Skirt, de la firma londinense Rixo. El diseño se distingue por sus bolsillos y por el detalle metálico tipo horsebit, que aportó un acento ecuestre a una pieza de líneas simples.

Para completar el estilismo, la cantante y actriz sumó anteojos de sol redondos, aros pequeños con diamantes y su anillo de compromiso. La construcción total en marrones profundos sostuvo una lectura uniforme del look, sin quiebres de color, y concentró la atención en el diálogo entre la textura de la gamuza y las botas.

Con esta aparición en Italia, Selena Gómez dejó una referencia para la próxima rotación de tendencias: la pollera maxi de gamuza se perfila como una de las piezas con mayor visibilidad en los armarios de otoño.

La moda y el estilismo de Selena Gómez

El estilismo de la artista se caracteriza por una marcada dualidad entre sofisticación en eventos formales y comodidad en su día a día, mostrando versatilidad en elecciones de prendas, texturas y siluetas.

En contextos de alfombra roja, predomina una paleta de colores oscuros, principalmente el negro, y materiales como terciopelo, encaje y detalles ornamentales, mientras que en situaciones informales opta por prendas amplias y tejidos suaves.

En diferentes momentos aparece con vestidos largos y siluetas ajustadas, donde el negro es el color predominante.

Estilismo casual y urbano

En contraste con sus elecciones para la alfombra roja, su vestimenta casual opta por la funcionalidad y el confort. En una salida reciente en Londres, se observó un conjunto de pantalón ancho color crema y suéter tejido gris de gran tamaño, combinado con zapatillas en tono neutro.

Los lentes de sol de Saint Laurent rectangulares y el cabello suelto completaron una imagen relajada y sin artificios. La elección de prendas holgadas y tejidos suaves sugiere una preferencia por la comodidad y la practicidad en su vida cotidiana, alejándose de la extravagancia de sus looks de gala.

En eventos formales, Gómez suele elegir peinados recogidos o semi recogidos, predominando estilos clásicos como los moños pulidos y las ondas definidas.

El maquillaje enfatiza la piel mate, labios en tonos intensos y delineador de ojos marcado, reforzando una imagen sofisticada y elegante. En ocasiones informales, el cabello se lleva suelto y el maquillaje es mínimo, lo que aporta naturalidad.

Detalles distintivos y coherencia estilística

El uso recurrente de negro en vestidos largos, los acabados brillantes y los detalles ornamentales como plumas, pedrería o encaje, construyen una identidad visual coherente para sus apariciones públicas.

La silueta entallada y los accesorios llamativos refuerzan una imagen de elegancia clásica, mientras que la selección de prendas cómodas y colores claros define su estilo personal fuera de los focos.

El estilismo de Selena Gómez oscila entre el glamour de la alfombra roja, caracterizado por negros intensos, materiales nobles y detalles de alta costura, y la sencillez funcional de su indumentaria urbana, donde privilegia la practicidad.

Salma Hayek convirtió la alfombra roja en un espacio de afirmación personal. Al cumplir 60 años este miércoles, la actriz mexicana conserva una fórmula que nunca buscó la discreción: vestir para destacar, con referencias al glamour clásico y una atención constante a los detalles.

Desde sus primeros años en Hollywood, cuando debió resolver sus apariciones con recursos propios ante la falta de apoyo de grandes firmas, hasta su vínculo actual con casas como Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, construyó un estilo reconocible: siluetas ceñidas, corsetería, transparencias, escotes, bordados y colores intensos.

Una identidad de moda basada en la silueta y el contraste

Su estilo se sostiene en una combinación de sofisticación y presencia. Sus elecciones suelen privilegiar prendas que acompañan la figura, definen la cintura y dirigen la atención hacia el escote, los hombros o el rostro. Esa continuidad le da una línea reconocible, incluso cuando cambia de registro entre una gala y una salida cotidiana.

La silueta funciona como el eje de su vestuario. En lugar de diluir las formas con volúmenes excesivos, suele inclinarse por cortes que ordenan el conjunto y mantienen una apariencia definida. Ese criterio aparece tanto en propuestas de mayor formalidad como en combinaciones más relajadas, donde conserva el interés por la proporción entre las prendas.

Otro rasgo de su imagen es el uso de materiales con presencia visual. Brillos, texturas, superficies metálicas o detalles que aportan relieve forman parte de una manera de vestir que no depende únicamente del corte. La ropa adquiere así una dimensión ornamental, aunque el resultado se mantiene centrado en una silueta estructurada.

El color también le permite modificar el tono de cada aparición. La referente del talento latino en Hollywood alterna neutros, tonos oscuros, acabados metálicos y colores intensos, con contrastes que introducen dinamismo en prendas de líneas clásicas. Esta elección evita que su estilo quede limitado a una sola fórmula y le permite transitar entre códigos sobrios, formales y más expresivos.

La comodidad urbana conserva una estética definida

Fuera de los eventos formales, la nacida en Veracruz traslada su interés por la proporción a un vestuario más funcional. La elección de prendas de líneas simples, como camperas, blusas y pantalones de denim, muestra una forma de vestir que prioriza la comodidad sin abandonar la definición de las formas.

En estos conjuntos, los detalles cumplen una función de orden: botones metálicos, cinturones visibles y calzado oscuro completan combinaciones de tonos sobrios. La presencia de anteojos de sol grandes introduce además un elemento de diseño marcado y refuerza una apariencia urbana en sus looks.

La paleta de Salma Hayek no se limita a los negros, blancos o tonos metálicos asociados a las celebraciones nocturnas. También incorpora verdes intensos, rojos y combinaciones florales que alteran el registro de prendas de corte estructurado.

El uso de colores saturados le permite apartarse de una interpretación rígida de la sastrería. Un conjunto de líneas tradicionales puede adquirir otra lectura cuando suma estampados y contrastes cromáticos, con la prenda estructurada como base y el color como elemento de variación.

Esta manera de combinar tonos responde a una búsqueda de equilibrio. Cuando una pieza concentra el protagonismo por su color o su estampado, los demás elementos acompañan esa decisión mediante gamas relacionadas o contrastes definidos, sin que el conjunto pierda unidad visual.

El maquillaje y el cabello acompañan cada look

El maquillaje forma parte de la construcción de su imagen. Los labios rojos, las sombras cálidas y las cejas definidas se integran a un estilo en el que el rostro mantiene un lugar central, sobre todo cuando el atuendo deja despejados el cuello, los hombros o el escote.

El peinado cambia según el contexto. Las ondas marcadas ofrecen una opción más suelta para apariciones menos formales, mientras que los moños altos y otros recogidos ordenan el rostro y acompañan los conjuntos de mayor elaboración.

La aparición de canas visibles suma un matiz distinto a esa imagen. En lugar de ocultarlas de forma sistemática, las incorpora en algunas ocasiones como parte de un aspecto que combina cuidado estético, cambios de peinado y una presentación menos uniforme.

En las apariciones de gala, los accesorios adquieren peso propio. Recurre a collares con piedras de gran tamaño, pendientes colgantes y anillos voluminosos para completar prendas que ya incorporan brillo, textura o detalles metálicos.

La joyería no aparece como un agregado aislado. Las piedras verdes, los metales y los acabados luminosos establecen relaciones con los tonos de los vestidos, los bolsos o el maquillaje. Así, los complementos pueden acompañar la gama cromática dominante o introducir un contraste puntual.

Los bolsos pequeños, de mano o tipo clutch, responden al mismo criterio. Las superficies satinadas, rígidas o metálicas mantienen una escala adecuada para la noche y suman textura sin modificar la estructura general del estilismo.

En contextos menos formales, los complementos cumplen una función distinta. Las gafas de sol de gran tamaño, los aros dorados y los bolsos estructurados introducen definición en conjuntos de líneas más directas, sin depender de piezas de joyería de gran volumen.

El calzado también ocupa un lugar visible. Las sandalias de plataforma y los tonos metálicos añaden altura y brillo, mientras que los zapatos oscuros se integran a combinaciones más prácticas.

Los bolsos negros estructurados y las carteras plateadas con textura brillante muestran dos alternativas dentro de esa misma lógica. Unos sostienen una apariencia más sobria; otros suman luz a prendas de color oscuro mediante un acabado que se diferencia del resto del atuendo.

Hoy, a los 60, Salma Hayek no muestra una ruptura con la imagen que construyó a lo largo de los años, sino una continuidad cada vez más definida. Entre siluetas estructuradas, recursos clásicos del glamour y elecciones que sostienen su identidad visual, su estilo reafirma una presencia reconocible dentro y fuera de la alfombra roja.

El video mostró a cerca de cinco o seis jóvenes en una plaza ubicada a la orilla de la laguna, en una zona urbana y turística de la ciudad. Mientras competían con acrobacias y otras maniobras para destacar, uno de ellos corrió y se lanzó al cuerpo de agua.

La grabación también dejó ver que el mismo joven repitió la acción dos veces. Salió con el pantalón mojado, pero continuó en la competencia sin detener la dinámica del grupo.

La laguna se ubica en una zona turística de más de 2 kilómetros

La Laguna del Camarón es un cuerpo de agua natural de más de 2 kilómetros de extensión en Sinaloa. Se localiza en una franja paralela al malecón, al área del Parque Central y al antiguo acuario de Mazatlán.

La escena llamó la atención porque el sitio no es un espacio cualquiera para realizar retos virales o clavados improvisados. Protección Civil de Mazatlán y cuerpos de rescate habían alertado a la población para no ingresar a nadar ni hacer este tipo de actividades dentro de la laguna, con el fin de evitar contacto con cocodrilos y reducir la posibilidad de un ataque.

Ese fue el dato central del episodio: el joven se metió a una zona donde ya existían avisos de riesgo por fauna silvestre. La crítica en redes sociales se concentró en esa decisión, ya que varios usuarios consideraron que arriesgó la vida por un juego y por intentar imponerse en la competencia.

Las batallas de aura llevaron retos físicos a espacios públicos

Las llamadas batallas de aura se habían extendido durante las últimas semanas entre jóvenes que buscaban ganar popularidad frente a espectadores y usuarios de redes. La práctica consistía en “farmear aura”, una expresión vinculada con exhibir talentos, bailes, trucos o movimientos corporales para sobresalir sobre otras personas.

En el caso de Mazatlán, algunos participantes realizaron acrobacias y otro incluso trepó un poste antes de que el joven que buscaba destacar decidiera saltar a la laguna. Esa secuencia convirtió una dinámica de exhibición en una acción de riesgo dentro de un cuerpo de agua con reportes constantes de reptiles en la orilla.

Vecinos y trabajadores de la zona habían informado de manera recurrente sobre apariciones de cocodrilos cerca de la laguna. Aunque en Mazatlán no se mencionaron ataques dentro de este caso, sí se señaló que en otras áreas del Pacífico y del Golfo se registraron incidentes graves y avistamientos urbanos.

Entre los estados con episodios graves aparecieron Jalisco, Colima y Nayarit. Ese antecedente reforzó la preocupación por lo ocurrido en Mazatlán, donde una tendencia viral terminó por colocar a un joven dentro de un entorno que ya era señalado como peligroso.

• Un joven se arrojó dos veces a la Laguna del Camarón durante una batalla de aura en Mazatlán, pese a advertencias por cocodrilos.
• La laguna tiene más de 2 kilómetros y se ubica en una zona urbana y turística paralela al malecón, el Parque Central y el antiguo acuario.
• Protección Civil de Mazatlán y cuerpos de rescate habían pedido no nadar ni hacer retos virales en el sitio para evitar ataques o contacto con reptiles.

¿Qué deben saber los padres sobre “farmear aura”?

Lo que ocurre se ha convertido en tendencia: las batallas de “farmear aura” son un fenómeno viral que redefine la manera en que la Generación Z busca reconocimiento y prestigio, tanto en la calle como en las redes sociales. Esta práctica ha transformado la forma en que los jóvenes compiten y se vinculan, desplazando desafíos peligrosos y reemplazándolos por una competencia de carisma y presencia.

¿Qué es “farmear aura”? El origen y sentido de una tendencia viral

El término “farmear aura” surge de la combinación de dos conceptos centrales en la cultura digital. Por un lado, está el verbo “farmear”, tomado del inglés “to farm”, habitual en videojuegos como League of Legends y Pokémon Unite para describir la acción de repetir tareas y acumular recursos o experiencia. Por otro, aparece “aura”, que en el lenguaje de la Generación Z representa el conjunto de atributos simbólicos que una persona proyecta: carisma, seguridad, magnetismo, estilo.

El psiquiatra Harry Campos Cervera, miembro de la Asociación Psicoanalítica Argentina (APA), fue consultado por Infobae y precisó: “Es un lenguaje que viene de TikTok, de las redes, y significa particularmente destacarse, llamar la atención, pero brillar. El aura significa la brillantez, lo que nos rodea, lo que llama la atención, pero a la vez es una forma de llamar la atención sin llamar la atención”. Es decir, implica sobresalir de manera sutil, sin buscar la exposición explícita. Se trata de “acumular puntos de presencia” en espacios públicos o virtuales a través de gestos, actitudes y poses que incrementan el carisma ante los ojos de los demás.

Para Martín Wainstein, psicólogo y profesor consulto de psicología social de la Universidad de Buenos Aires, la novedad reside más en el código que en el fondo del fenómeno. “Farmear aura es una forma nueva de nombrar algo bastante antiguo, que yo lo definiría como la producción social de prestigio”. El especialista cita al sociólogo Erving Goffman y su teoría sobre la presentación del yo. Según Wainstein, farmear aura significa “hacer cosas que aumentan simbólicamente el propio prestigio, la idea de mostrarse seguro, interesante, atractivo, incluso indiferente a la opinión de los demás, algo así como ser canchero”.

Las batallas de “farmear aura” se consolidan como una tendencia viral entre adolescentes, redefiniendo la búsqueda de reconocimiento y prestigio

“En la vida social todos hacemos en alguna medida una presentación de nosotros mismos frente a los demás. Elegimos qué mostrar, qué ocultar, qué gestos nos representan. Esta es una versión contemporánea, juvenil, de una presentación social del yo. La palabra farmear, que está en los videojuegos, introduce esta idea actual de que el prestigio aparece casi como algo que uno puede acumularlo, perderlo, contabilizarlo”, detalló Wainstein, quien dirige la Especialización en Psicología Clínica Sistémica de la UBA.

De acuerdo con información difundida por Cuna de Grillos, la elección coincide con un mensaje centrado en la soberanía, la seguridad, los programas sociales y la presencia de las mujeres en la vida pública.

El atuendo aparece durante una jornada en la que Sheinbaum presenta cifras de su administración y defiende la independencia del país. La mandataria sostiene que “los ojos del mundo están puestos en México, porque aquí el pueblo es grande”.

El vestido lila se suma a la imagen pública que la presidenta ha construido desde su etapa como jefa de Gobierno de Ciudad de México: prendas de líneas sobrias, textiles mexicanos y detalles artesanales vinculados con comunidades indígenas.

Claudia Sheinbaum utiliza un vestido lila con bordado hecho en Chiapas

De acuerdo con dicho medio, el vestido de Sheinbaum se acerca más al lila que al violeta o morado. La prenda incorpora un bordado de Chiapas, uno de los elementos que concentra la atención durante el acto protocolario.

El color lila suele asociarse con interpretaciones de calma, espiritualidad, juventud y renovación. En el caso de la presidenta, la elección cromática también acompaña un discurso que coloca a las mujeres en el centro de su balance de gobierno.

Sheinbaum sostiene que, como primera presidenta de México, siente orgullo de que la presencia y la perspectiva de las mujeres ya no sean excepcionales, sino que formen parte de la Constitución, las leyes y las decisiones de la República.

La combinación entre un diseño de corte formal, el tono lila y el bordado chiapaneco proyecta una imagen institucional con referencias al trabajo artesanal mexicano. Hasta el momento, la Presidencia no ha difundido una ficha oficial sobre la prenda, su proceso de elaboración o el nombre de las personas involucradas.

Thelma Islas Lagunas habría diseñado la prenda de la presidenta

La informaciónseñala que Thelma Islas Lagunas sería la diseñadora del atuendo que Sheinbaum utiliza en su Segundo Informe de Gobierno. La prenda también habría sido confeccionada por el modista Adrián Herrera.

Thelma Alejandra Islas Lagunas ha sido identificada como una de las figuras detrás del estilo de la mandataria. Su nombre ha cobrado presencia pública por su cercanía profesional con la oficina de la Presidencia y por diseños que recuperan elementos de la indumentaria mexicana.

La diseñadora también ha sido mencionada como responsable de parte del estilo que Sheinbaum ha mostrado en actos oficiales. Esa imagen ha llamado la atención de medios internacionales, entre ellos The New York Times, de acuerdo con la información proporcionada sobre su trayectoria.

La edad de Islas Lagunas no es pública. Los datos disponibles sobre su perfil profesional señalan que cursó Arquitectura en la UNAM, aunque no concluyó la carrera.

Entre 2019 y 2023 se desempeñó en el área de la Dirección de la Jefatura de Gobierno de Ciudad de México. Ese periodo coincide con la administración de Sheinbaum en la capital del país.

Adrián Herrera habría confeccionado el vestido del Segundo Informe

El nombre de Adrián Herrera aparece como el modista que habría llevado a prenda el diseño atribuido a Thelma Islas Lagunas. La confección de un vestido para un informe presidencial implica ajustes para un acto de larga duración, exposición ante cámaras y movilidad durante el mensaje.

El bordado de Chiapas coloca un elemento artesanal dentro de una silueta de carácter institucional. La referencia resulta consistente con la presencia de textiles y trabajos manuales de comunidades mexicanas en la vestimenta de funcionarias y figuras políticas.

El uso de prendas con bordados tradicionales suele abrir discusiones sobre reconocimiento a las artesanas, trazabilidad de los diseños y pagos justos por el trabajo. En este caso, no se han dado a conocer los datos sobre la comunidad, taller o personas que habrían elaborado el bordado del vestido.

La falta de una ficha pública también impide conocer los materiales utilizados, el tiempo de elaboración y si el diseño forma parte de una colaboración con artesanas chiapanecas o de una producción realizada en taller.

El Segundo Informe concentra anuncios sobre seguridad, agua y energía

Mientras el vestido lila concentra comentarios por su diseño y origen, Sheinbaum utiliza su Segundo Informe para presentar resultados de seguridad. La presidenta informa una reducción de 51% en el homicidio doloso desde el inicio de su gobierno.

La mandataria afirma que la baja equivale a 44 homicidios menos cada día. También señala que julio registra el promedio diario más bajo en 11 años y que, durante 2026, el promedio diario de delitos de alto impacto disminuye 54% frente a 2018.

Sheinbaum reporta que, de octubre de 2024 a julio de 2026, las autoridades detienen a 63,000 personas relacionadas con algún delito. De esa cifra, 207 corresponden a objetivos prioritarios de grupos de la delincuencia organizada.

También informa el decomiso de 32,824 armas de fuego y 519 toneladas de droga. En su mensaje agradece al secretario de Seguridad y Protección Ciudadana Omar García Harfuch, así como a los titulares de la Secretaría de la Defensa Nacional y la Secretaría de Marina.

CFE anuncia inversión de 244,000 millones de pesos

En materia energética, la presidenta informa que la CFE inicia la aplicación de un plan de inversión superior a 244,000 millones de pesos para modernizar y ampliar las redes de transmisión y distribución eléctrica.

Sheinbaum añade que el Plan de Justicia Energética realiza 20,377 obras. También adelanta que una coquizadora en Tula concluirá este año, mientras que el proyecto de Salina Cruz terminará durante el primer semestre de 2027.

En agua, la mandataria refiere 17 proyectos estratégicos para garantizar el derecho humano al recurso y reducir riesgos de inundación. El plan para la Zona Oriente del Edomex registra un avance de 40%, según el informe.

La presidenta también informa sobre trabajos de saneamiento y restauración en los ríos Atoyac, Lerma-Santiago y Tula, donde se construyen y rehabilitan 23 plantas de tratamiento de agua.

El US Open 2026 en Nueva York no solo ha sido el epicentro del tenis mundial, sino también una verdadera vitrina para las tendencias más actuales de la moda.

En el USTA Billie Jean King National Tennis Center, la alfombra azul vio desfilar a celebridades que supieron conjugar comodidad, elegancia y creatividad, confirmando que el deporte y el estilo pueden convivir en armonía.

Desde propuestas clásicas hasta apuestas atrevidas y juveniles, los asistentes lograron captar las miradas y marcar el pulso de la temporada. A continuación, un recorrido por los looks más destacados de las figuras presentes en el torneo.

Tinashe

La cantante Tinashe fue una de las primeras en dejar huella con un look que fusiona sensualidad y sofisticación. Optó por un conjunto completamente blanco, formado por una blusa de gasa translúcida, con manga larga y escote profundo en V, cerrada sutilmente con un lazo central. Los detalles de pedrería y perlas en los puños y el cuello añaden brillo y un toque lujoso, mientras que la minifalda de satén, también blanca y decorada con apliques brillantes, aporta frescura y movimiento.

Sandalias de tacón alto, abiertas y en el mismo tono, estilizan la figura y completan la propuesta. Para los accesorios, Tinashe eligió un collar de grandes estrellas y pendientes plateados, que suman sofisticación. El clutch blanco nacarado y el peinado recogido con mechones sueltos refuerzan una imagen juvenil, fresca y segura, ideal para la atmósfera chic del US Open.

Bridget Moynahan

La modelo y actriz Bridget Moynahan apostó por la comodidad sin sacrificar el estilo, eligiendo un pantalón palazzo azul petróleo de tiro alto y caída amplia, que combinó con una blusa lencera blanca satinada. El toque más personal lo puso su chaqueta blanca oversize, decorada con dibujos y frases manuscritas en tonos pastel, aportando un aire artístico y contemporáneo al conjunto.

Los accesorios también hablaron de lujo discreto: gafas de sol translúcidas, pendientes largos, anillos dorados y un bolso clásico de Gucci en tonos beige y marrón. Las sandalias abiertas de tacón medio, en tonos neutros, aseguraron la comodidad necesaria para una larga jornada.

Emma Roberts

La actriz Emma Roberts se inclinó por el minimalismo con un vestido midi de tirantes finos. El cuerpo, en tejido blanco calado y bordado, transmite frescura y un aire veraniego, mientras que la falda beige incorpora un panel de seda con rayas asimétricas en azul, marrón y naranja, aportando un toque artístico al diseño.

Completó el conjunto con stilettos bicolor en blanco y negro y un bolso celeste, sumando un guiño contemporáneo. Las gafas oscuras con montura cuadrada y el cabello suelto con raya al medio refuerzan la actitud relajada y moderna. Su maquillaje, natural y luminoso, encaja perfectamente con la estética retro y desenfadada de la propuesta.

Vera Wang

La diseñadora Vera Wang se mantuvo fiel a su estilo minimalista y monocromático, luciendo un vestido largo blanco de líneas rectas y corte limpio. Sobre el vestido llevó una chaqueta negra tipo bomber, que aporta un toque urbano y juvenil.

Los accesorios, como el clutch negro y las gafas de sol extragrandes, refuerzan su imagen vanguardista. La cinta negra en la cabeza y el cabello largo y liso cierran un look que respira modernidad y elegancia. Vera Wang demuestra que el minimalismo puede ser sinónimo de impacto visual y sofisticación, incluso en un entorno deportivo.

Jimmy Fallon

Jimmy Fallon apostó por la sencillez y la comodidad en el US Open 2026, fiel a su estilo desenfadado. Eligió una camisa azul claro de manga corta, ideal para el clima cálido y la atmósfera informal del torneo.

La prenda, de corte relajado, le permite moverse con soltura y disfrutar del evento sin complicaciones. Fallon prescindió de accesorios llamativos, dejando que la naturalidad y su simpatía fueran los protagonistas.

Gayle King

Gayle King apostó todo al color y la alegría, luciendo un vestido midi lila con estampado de flores rojas. El corte clásico, con escote redondo y falda evasé, resulta favorecedor y festivo.

El gran lazo rojo de su bolso y los zapatos a juego son el centro de todas las miradas y suman un guiño lúdico a la propuesta. Pulseras y pendientes en tonos vibrantes, un peinado suelto con ondas suaves y un maquillaje luminoso completan una imagen que irradia optimismo y energía positiva, perfecta para el ambiente del torneo.

Orlando Bloom

El actor Orlando Bloom optó por la sobriedad y el confort, con pantalón y chaqueta negros de corte relajado y camiseta blanca. Los zapatos marrón tostado de diseño robusto aportan un toque utilitario y masculino.

El reloj de esfera grande y la alianza completan los accesorios. Con peinado natural y actitud relajada, Bloom demuestra que la moda masculina puede ser efectiva con básicos bien combinados y detalles funcionales.

Tate McRae

Tate McRae apostó por el estilo athleisure para su paso por el US Open 2026, con un conjunto que fusiona comodidad y tendencia urbana. La cantante lució un cárdigan negro de punto bordado en blanco sobre el pecho, y unos shorts negros de talle alto que resaltan sus piernas y aportan un aire juvenil y desenfadado al look.

Combinó las prendas con unas zapatillas blancas clásicas y calcetines altos, reforzando la inspiración deportiva y la funcionalidad ideal para un evento de larga duración.

Este 1 de septiembre, Zendaya celebra un nuevo año de vida consolidada como una de las figuras con mayor influencia en la moda internacional. Su capacidad para resignificar códigos clásicos y probar tendencias definió sus apariciones públicas, desde las alfombras rojas hasta sus recorridos por las calles de Nueva York.

El recorrido visual de la actriz reúne referencias cinematográficas, piezas de alta costura y propuestas urbanas. Cada atuendo responde a una idea concreta y, en muchos casos, dialoga con los personajes y los proyectos que presenta.

Lejos de un único registro, Zendaya alterna diseños de confección elaborada con prendas de inspiración juvenil. Su estilo se apoya tanto en los detalles de cada pieza como en la forma en que construye una imagen integral con accesorios, peinados y maquillaje.

Alta costura con referencias cinematográficas

En las alfombras rojas, la actriz suele elegir diseños que combinan vanguardia y guiños temáticos. Uno de los vestidos más comentados fue el que llevó en la premiere de Spider-Man en Londres: un modelo blanco roto, con detalles de bisutería que evocaban una telaraña, firmado por Tamara Ralph Haute Couture.

La elección remitía de forma directa al universo visual del superhéroe y reforzaba el vínculo entre la moda y la narrativa cinematográfica. Ese recurso apareció también durante la premiere de Spider-Man en Shanghái, donde lució un vestido blanco y negro de Versace con una red superpuesta, detalles inspirados en una telaraña y un broche con forma de araña.

Otro de sus looks de impacto fue un vestido blanco con plumas en la espalda y una cola extensa, firmado por Matières Fécales. El diseño, inspirado en Atenea, retomó la estética mitológica de La Odisea durante la premiere en Nueva York. Zendaya completó el conjunto con accesorios de gran tamaño y un recogido con trenza.

Moda urbana con sello propio

La versatilidad de Zendaya también se extiende a sus looks casuales. En sus apariciones urbanas, combina siluetas simples con accesorios que modifican por completo el resultado.

Los minivestidos claros y rectos, junto con botas altas metalizadas de taco aguja, forman parte de esa fórmula. En las calles de Nueva York, ese contraste entre una prenda de líneas simples y un calzado llamativo le dio a sus elecciones una impronta futurista.

En otros estilismos, los accesorios concentran la atención: aros dorados circulares de gran tamaño, diademas anchas y piezas de joyería que suman textura y volumen a cada conjunto.

Peinados y maquillaje como parte del look

El estilo de la actriz no se limita al vestuario. Sus peinados van desde ondas amplias y naturales hasta recogidos pulidos y trenzas gruesas, de acuerdo con el tono de cada aparición. También recurrió a cortes geométricos y flequillos rectos, con una estética más contemporánea.

El maquillaje acompaña esa variedad. Zendaya alterna ojos ahumados, cejas definidas y sombras metálicas con labios en tonos naturales o nude. El resultado mantiene una coherencia visual entre prendas, belleza y accesorios.

El método de vestir de Zendaya y los guiños a Spider-Man

Uno de los rasgos que distingue a la actriz es el uso de símbolos y colores vinculados a sus proyectos. La franquicia de Spider-Man ofrece algunos de los ejemplos más visibles: vestidos con redes de pedrería, aplicaciones que simulan telarañas y combinaciones de rojo y azul.

Durante una presentación londinense de la saga, Zendaya llevó un diseño de archivo de John Galliano, de 1997: un vestido de satén azul con bordados dorados y estrellas. Sumó joyería corporal metálica, con pequeños dijes sobre el escote y la espalda que reforzaron la referencia a una telaraña.

Las transparencias, las redes y las superposiciones aparecen de forma recurrente en sus elecciones. Con esos recursos, Zendaya convierte cada estreno, gala o evento nocturno en una nueva interpretación de la moda de alfombra roja.

La noticia del retiro de Lionel Messi de la Selección argentina no solo marca el final de una era dorada para el fútbol mundial, sino que también invita a explorar la transformación de su imagen y estilo fuera del campo.

Más allá de los logros deportivos, la evolución de su estilismo revela un recorrido paralelo de sofisticación, diversidad y códigos propios, instalando a Messi como referente también en el universo de la moda masculina.

Sastrería contemporánea y formalidad relajada en el guardarropa de Messi

El traje fue un elemento recurrente en el armario de Messi, reflejando la transición entre la tradición y la modernidad. En varias apariciones públicas, optó por sastrería de líneas limpias y tejidos estructurados. Esta elección transmite una imagen de sobriedad y elegancia.

Messi también exploró variantes más relajadas del traje. Un ejemplo es la chaqueta amplia de doble botonadura negra, pantalón ancho y remera básica blanca.

El uso de calzado deportivo blanco en conjunto con prendas formales introduce un contraste contemporáneo, alineado con las tendencias globales que priorizan la comodidad sin perder formalidad. Esta integración de códigos redefine la elegancia en clave actual.

Estilo urbano y sport casual: el Messi cotidiano

En sus actividades informales, Messi recurre a prendas de inspiración deportiva y urbana que refuerzan su conexión con el ambiente futbolístico y la cultura streetwear. Shorts, camisetas básicas y zapatillas blancas conforman un repertorio funcional y versátil, pensado para la acción y el movimiento.

Los tonos neutros como el negro, blanco, gris, beige predominan en estos looks, facilitando la combinación y otorgando un aire de sobriedad natural.

Accesorios como bolsos deportivos y gafas de sol se incorporan no solo por su practicidad, sino como detalles que suman sofisticación urbana y completan su imagen diaria.

Minimalismo y monocromía: una apuesta por la sobriedad

El minimalismo es un lenguaje recurrente en el estilismo de Messi. Conjuntos monocromáticos en negro, como la sobrecamisa, pantalón ancho y remera oscura, acompañados de bolsos estructurados y zapatillas clásicas, destacan por la ausencia de estampados y la preferencia por cortes rectos y tejidos lisos.

Esta elección refuerza una imagen de madurez y equilibrio, donde la sobriedad visual se acompaña de expresiones neutras y posturas relajadas. El minimalismo, lejos de ser una moda pasajera, se convierte en una declaración de identidad y coherencia estilística.

Casual veraniego y looks relajados

En registros más distendidos, Messi opta por camisas de manga corta en tonos claros, pantalones holgados y zapatillas. Este estilo, pensado para ambientes cálidos y situaciones informales, enfatiza la frescura y la funcionalidad sin renunciar al cuidado en los detalles.

Las camisas con bolsillos grandes y cortes utilitarios añaden dinamismo y practicidad, reflejando una adaptación consciente a distintos contextos y climas. La ligereza de estas prendas es coherente con la etapa de madurez y serenidad que atraviesa el deportista.

El universo deportivo sigue presente en los looks menos formales de Messi, con pantalones amplios, camisetas y zapatillas de entrenamiento. Por ejemplo, guiños retro se integran de manera natural a su imagen, sumando capas de significado y ampliando el espectro de referencias estilísticas.

Accesorios y detalles que definen el estilo Messi

Los accesorios adquieren protagonismo en el estilismo de Messi. Bolsos de mano de gran tamaño, relojes llamativos y gafas oscuras trascienden la función utilitaria para convertirse en piezas distintivas.

Estos detalles aportan sofisticación y singularidad a cada aparición pública, diferenciando su presencia y consolidando su lugar como referente de la moda masculina contemporánea.

El anuncio del retiro de Lionel Messi marca el cierre de un ciclo irrepetible en la Selección argentina: 207 partidos, 125 goles y un legado de títulos.

La despedida del astro rosarino, expresada en una carta cargada de emoción, resume la transición serena entre el profesionalismo y la vida cotidiana, siempre con atención a los detalles de diseño y la calidad de los materiales.

La aparición de Amal Clooney en el Lago de Como durante una cena benéfica se convirtió en uno de los momentos de moda más comentados de los últimos días.

Lejos de elegir una prenda convencional o una tendencia efímera, la abogada y activista decidió rescatar del pasado una pieza que encarna el poder de la moda como expresión artística y cultural: un vestido lencero vintage diseñado hace veinte años por John Galliano.

El vestido, confeccionado en seda negra, destaca por su silueta delicada y su escote cruzado en pico, elementos característicos del estilo lencero que Galliano supo elevar a la categoría de alta costura.

Los tirantes espagueti y la caída fluida de la tela sobre el cuerpo aportan un aire de naturalidad y sofisticación, mientras que los detalles bordados y los lazos de terciopelo introducen matices románticos y teatrales, propios de la visión del diseñador británico.

El vestido pertenece a la colección Otoño/Invierno 2004-2005, una de las etapas más creativas de John Galliano al frente de Christian Dior. En esa época, el diseñador era reconocido por sus desfiles espectaculares y por la capacidad de transformar prendas cotidianas en objetos de deseo exclusivos.

Uno de los rasgos más llamativos de la prenda es el gran lazo de terciopelo en tono verde oliva, situado en el lateral del abdomen, que actúa como punto focal del conjunto y complementa los dos lazos negros que adornan los tirantes.

Durante la velada, Amal Clooney estuvo acompañada por su esposo, el actor George Clooney, quien optó por un traje sastrero en color gris claro.

El conjunto elegido por la abogada fue completado con accesorios discretos pero bien seleccionados: unos pendientes dorados de flecos, un bolso de cuero trenzado en tono rojo oscuro con formato de cesta y unas sandalias negras de tacón con tiras finas.

Amal Clooney: el lujo moderno sobre la alfombra roja

El estilismo de Amal se consolidó como uno de los más reconocibles y estudiados en el universo de la moda de lujo contemporánea.

Más allá de su reconocida carrera como abogada de derechos humanos, Clooney supo cómo transformar cada aparición pública en una declaración estética que une sofisticación, riesgo y una impecable atención al detalle.

En los eventos de gala y alfombra roja, recurre a siluetas clásicas reinterpretadas con acentos contemporáneos. En varias imágenes, destaca la predilección por los vestidos largos con cortes ceñidos al torso y pollera que se despliegan con movimiento.

Un ejemplo emblemático es el vestido negro de escote caído y falda amplia, que combina líneas simples con un efecto dramático en la caída de la tela.

Este tipo de elección resalta la elegancia atemporal y sitúa a Clooney en la tradición de las grandes divas del cine, pero actualizada con una actitud segura y moderna. El color es otro elemento fundamental en su estilo. Clooney no teme experimentar con tonos intensos y acabados llamativos.

El vestido fucsia con drapeado, de falda asimétrica y abertura lateral, revela una apuesta por la sensualidad controlada y la teatralidad elegante.

Por su parte, el vestido con aplicaciones metálicas en tonos cobre y dorado crea un efecto visual deslumbrante, aprovechando la luz artificial de los flashes para potenciar el brillo y la textura.

Esta pieza, completamente cubierta por lentejuelas y paillettes de gran tamaño, evidencia una preferencia por materiales que reflejan la luz y generan impacto, sin sacrificar la sofisticación de la silueta.

La elección de accesorios y peinados refuerza la coherencia de su imagen. Clooney suele optar por joyería en dorado, como los pendientes colgantes de formas orgánicas, y clutches pequeños en tonos metálicos que complementan el conjunto sin sobrecargarlo.

Su cabello, siempre suelto y con ondas definidas, aporta naturalidad y movimiento, equilibrando la estructura cuidada de los vestidos. El maquillaje enfatiza los ojos con sombras en tonos tierra y labios en tonos nude, manteniendo el foco en la expresión y la frescura del rostro.

En eventos de etiqueta menos formales, adapta su estilo sin perder el sello del lujo. Vestidos de cóctel en negro, con detalles de transparencias y volúmenes controlados, muestran versatilidad y una comprensión profunda de las claves del buen vestir contemporáneo.

Incluso en contextos sociales más relajados, como cenas o recepciones privadas, mantiene la preferencia por tejidos de alta calidad y cortes impecables.

El estilismo de Amal Clooney se distingue por su capacidad para fusionar tradición y modernidad, lujo y funcionalidad.

Cada elección parece estar pensada para transmitir seguridad y celebrar la individualidad, dentro de un marco de códigos clásicos reinterpretados.

Esta combinación la convirtió en referente global de elegancia, demostrando que el lujo, en su versión más actual, es una cuestión de actitud, coherencia y atención obsesiva al detalle.

Con el carisma que despliega en cada programa, la actriz hizo su entrada en el centro del estudio y abrió la emisión con un comentario que unió el cambio de estación con el fenómeno astronómico de los últimos días. “Hola. ¿Cómo están en sus casas? Es el último domingo de agosto y arrancamos septiembre, ¡y ya va a llegar la primavera! Tuvimos eclipse de luna. ¿Alguien se despertó para verlo? Yo sí. Me levanté y vi cómo se achicaba, se ponía luna finita, chiquitita. Como a la una y media de la madrugada. Soy una mujer muy ocupada”, dijo apenas apareció frente a cámara.

Recién después avanzó con la descripción del outfit con el crédito a su autora. “Ay, fresquita, ¡pero cada día está mejor el clima! Y yo con la nueva colección de Evangelina Bomparola asumí que es verano casi. Tengo un vestido de strapless de tafetán de seda drapeado a mano con falda de volumen embolsado. Es un vestido hermosísimo. Es muy bonito para mostrar la gambulis (sic), que arranca la temporada de mostrar gambas... Me encanta este doradito”, continuó, emocionada, mientras posaba frente a la cámara.

La presentación no terminó ahí. También se detuvo en otros detalles del estilismo que completaron la apuesta para esa emisión. “Me peinó Juan Fojo, un semi recogido con onda, siempre con onda. Y me maquilló Cris Sepúlveda con un brillo y algo muy plateado. Parece carita lavada, pero no. Está todo trabajado esto”, agregó. Como ocurre cada domingo, ese momento volvió a instalar el look como una escena en sí misma dentro del programa, con la anfitriona desmenuzando frente a cámara cada rasgo de la prenda y del trabajo estético que acompañó su aparición.

Cabe recordar que el domingo pasado también había optado por un diseño de Bomparola, en otra emisión donde la moda volvió a ganar protagonismo. En aquella oportunidad, la conductora también se tomó unos minutos para mostrar la prenda y describirla con detalle, mientras giraba frente a las cámaras para exhibir sus distintos ángulos. “Miren qué belleza este vestidazo. Es un vestido de gasa de seda con un juego de drapeados en el hombro. Con una falda de largo irregular que termina con una cola lateral. Es muy hermoso. Miren la espaldita que tiene, es muy lindo. Es medio difícil para caminar, voy a decirlo, ¡pero es lindo!”, expresó.

Ese look anterior también sumó una aclaración para quienes siguen de cerca las colecciones de la diseñadora. “Este me parece que es de la temporada pasada, así que aprovechen. El otro verde que usé, que era hermosísimo, es de la temporada esta que viene ahora. Me encanta. ¿Vieron la espalda? Y el hombro, todo me gusta. Cada vez que doy vueltas me voy apretando más”, comentó entre risas, fiel al tono relajado con el que suele acompañar este tipo de intervenciones.

Con esta nueva aparición en Almorzando con Juana, la conductora volvió a hacer de su ingreso al estudio uno de los momentos fuertes del programa. Entre observaciones sobre el eclipse, referencias al clima, comentarios sobre el cambio de temporada y una descripción minuciosa de su vestido, reafirmó una dinámica ya instalada en la pantalla de El Trece. A menos de un mes del final del invierno, su elección de un strapless corto firmado por Evangelina Bomparola, junto con el semi recogido y el maquillaje de acabado luminoso, volvió a poner a la moda en el centro de la escena de cada domingo.

Aquel agosto de 1994 en Hollywood marcó el inicio de una transformación en la industria del entretenimiento. Una joven modelo de 21 años, sin experiencia actoral previa, conquistó la pantalla grande con un vestido rojo en su primera escena de la película “La Máscara”. Hoy, 30 de agosto, Cameron Diaz cumple 54 años y celebra más de tres décadas de influencia ininterrumpida en la moda global y el cine estadounidense. Su evolución estilística, desde el glamour noventero hasta el minimalismo sofisticado actual, permanece como referencia obligada en la cultura pop.

El fenómeno “La Máscara”: un debut fulminante

El estreno de “La Máscara” impulsó a Cameron Diaz a la categoría de estrella instantánea. La interpretación de Tina Carlyle, sumada a su imagen de vestido ajustado y escote pronunciado, definió los cánones de sensualidad y sofisticación de los años noventa. Para muchos, esa primera aparición en pantalla no solo cambió el rumbo de su propia carrera, sino que también estableció un nuevo paradigma en la moda de Hollywood. El look lencero, los cuellos halter y las texturas satinadas se transformaron en piezas icónicas de la década, replicadas en alfombras rojas y editoriales de moda. La irrupción de Diaz ofreció un modelo de elegancia magnética y desenfadada.

Ascenso en el cine y transición de estilo

El éxito de Cameron Diaz no se limitó a su debut. Durante la segunda mitad de los años noventa, la actriz consolidó su presencia en la industria con títulos como “La boda de mi mejor amigo” (1997) y “Loco por Mary” (1998).

Su vestuario en estos eventos mostró una transición del glamour festivo a una preferencia por la comodidad y la versatilidad. Los slip dresses y los conjuntos monocromáticos se convirtieron en sus aliados, reflejando una personalidad genuina y menos atada a los estándares rígidos del protocolo. La actriz comenzó a definir una estética propia, priorizando prendas funcionales y atemporales.

La revolución del boho-chic: los 2000 y el impacto de “Los Ángeles de Charlie”

El cambio de milenio trajo consigo la consolidación de Cameron Diaz como referente indiscutible del boho-chic. Su participación en “Los Ángeles de Charlie” junto a Drew Barrymore y Lucy Liu no solo revitalizó la franquicia, sino que también permitió a Diaz experimentar con un estilo relajado, divertido y sofisticado. El vestido kimono de Emanuel Ungaro, que lució en los premios Oscar 2002, junto a joyas de turquesa y peinado suelto, marcó un antes y un después en la moda de alfombra roja. Convirtió la frescura y la elegancia en elementos compatibles y ayudó a popularizar el eclecticismo en eventos formales.

El nacimiento del “All-American Style” y la lección del minimalismo

Durante la década de 2010, Cameron Diaz redefinió el concepto de moda casual y sofisticada. Inspirada por su papel en “El descanso” (2006), adoptó una filosofía de vestuario basada en prendas básicas de alta calidad. Abrigos de tonos neutros, bufandas oversized, suéteres de punto y pantalones vaqueros de tiro alto se convirtieron en los pilares de su guardarropa y en referentes del “effortless style”. Este período se marcó como el nacimiento del “All-American Style” en clave minimalista, donde la comodidad y la elegancia conviven en piezas simples y atemporales.

Los blazers estructurados en tonos sobrios, las camisas blancas y los accesorios funcionales son ahora sinónimos de su propuesta diaria. La clave de su estilo reside en la autenticidad y la combinación inteligente de prendas esenciales.

Un regreso medido: profesionalismo, familia y street style en clave de lujo silencioso

A sus 54 años, Cameron Diaz atraviesa una etapa de equilibrio entre el regreso a la actuación y la consolidación de su faceta empresarial, todo mientras refuerza su influencia en la moda urbana. Tras varios años alejada de los sets para enfocarse en su vida familiar y en el desarrollo de Avaline, su marca de vinos orgánicos, Diaz eligió volver a la pantalla grande con la película “Back in Action” para Netflix, en la que comparte elenco con Jamie Foxx. Este regreso, lejos de ser un retorno frenético, responde a una búsqueda de proyectos selectivos que le permiten mantener el control sobre sus tiempos y prioridades.

En paralelo, su presencia en la escena pública volvió a captar la atención de las revistas de moda y los seguidores del street style. Cameron Diaz se muestra fiel a una estética basada en el lujo silencioso y la comodidad sofisticada.

Sus looks urbanos actuales combinan prendas clásicas y materiales nobles: trajes sastre holgados en tonos neutros, denim premium, camisetas blancas, blazers de corte impecable y abrigos estructurados. Los accesorios refuerzan esta línea, con bolsos discretos, zapatillas minimalistas y joyas delicadas en oro.

Este estilo, que equilibra elegancia y practicidad, acompaña su nueva filosofía profesional y personal. Diaz prioriza la autenticidad y la libertad, tanto en su vestuario como en las decisiones que toma para su carrera y su vida privada. En cada aparición pública, transmite un mensaje de confianza madura y rechazo a los excesos, mostrando que es posible envejecer con naturalidad sin renunciar al estilo.

Además, Cameron Diaz utiliza sus plataformas para impulsar mensajes vinculados al bienestar, el autocuidado y la sostenibilidad, valores que también se reflejan en su modo de vestir y en sus elecciones empresariales. Así, su street style no solo marca tendencia sino que se convierte en una extensión de su presente: una etapa en la que conjuga éxito profesional, vida familiar y un estatus indiscutido como referente de la moda global.

María Cher celebró sus 25 años de trayectoria en BAFWEEK con una puesta en escena en la Sala Equinos de La Rural que reunió archivo, performance, danza, música en vivo y la presentación de su colección Verano 2027. La marca convirtió el desfile en un recorrido por su historia y cerró la noche con su propuesta estival número 51.

Así, Verano 2027 no es una colección más en la historia de la firma: es un registro que da la medida de la constancia creativa de la marca a lo largo de un cuarto de siglo.

La celebración tuvo lugar el 28 de agosto de 2026 en Buenos Aires y funcionó como una revisión de más de dos décadas de trabajo. Durante 30 minutos, el público vio 280 looks que reconstruyeron distintas etapas de la firma a partir de piezas originales de archivo exhibidas por primera vez en una pasarela. Ese gesto permitió leer la evolución estética de la marca a través de prendas que marcaron momentos de su desarrollo desde comienzos de los años 2000.

La diseñadora definió el desfile como un episodio atravesado por la memoria personal y profesional: “Cada prenda cuenta una parte de mi historia”, expresó María Cher, en una de sus definiciones sobre el evento. La frase ordenó también el sentido de la puesta, construida como una narración sobre el origen de la marca, su permanencia en la moda local y su proyección hacia nuevas colecciones.

El recorrido escénico se organizó en cinco episodios. El primero se situó en Londres en los años noventa, etapa vinculada a la formación de la diseñadora, y luego avanzó hacia el nacimiento de la marca María Cher en 2001. A partir de ese punto, la propuesta incorporó referencias a distintos climas culturales y sociales de la Argentina de esas décadas, con el archivo como eje de continuidad entre pasado y presente.

La marca describió el recorrido como una reafirmación de su identidad: más de dos décadas de trabajo condensadas en media hora sin que la evolución implicara una ruptura con los valores originales de la firma.

El cierre con Verano 2027

El cierre estuvo reservado para Verano 2027, una colección inspirada en un gabinete de curiosidades contemporáneo. La propuesta incluyó elementos naturales trasladados a estampas y bordados, dentro de una paleta de arena, marfil y negro, con acentos de color.

La colección quedó presentada como una síntesis entre el universo histórico de la firma y su nueva etapa creativa.

Entre los invitados estuvieron Valeria Mazza, Nicole Neumann, Sofía Gala Castiglione, Brenda Gandini, Stefanía Roitman y Vera Spinetta. También participó la actriz Zoe Hochbaum, presentada por la marca como su nueva embajadora.

La celebración concluyó con una fiesta musicalizada por Zucker, que acompañó el cierre del evento luego de la presentación de pasarela.

Así, el aniversario de María Cher en BAFWEEK quedó planteado como una revisión de archivo, una reafirmación de identidad y una plataforma de lanzamiento para la temporada Verano 2027.

Mocasines negros con calcetines blancos, un guante brillante y una chaqueta militar o de lentejuelas: pocos artistas construyeron una imagen tan reconocible como Michael Jackson. Cada 29 de agosto, en el aniversario de su nacimiento, el mundo no solo vuelve sobre sus canciones y coreografías, sino también sobre una estética que cambió para siempre la relación entre moda, espectáculo e identidad pop. En 2026, el Rey del Pop habría cumplido 68 años, pero su influencia visual permanece intacta.

Desde sus primeras apariciones, el intérprete de “Billie Jean” entendió que la imagen podía ser mucho más que un complemento de la música. Cada prenda, cada accesorio y cada gesto sobre el escenario formaron parte de un lenguaje propio con el que construyó una identidad visual única, capaz de trascender generaciones, influir en diseñadores y artistas, y mantenerse viva mucho después de su tiempo.

El Rey del Pop llevó esa construcción un paso más allá al fusionar el rigor del vestuario militar, destellos futuristas y una teatralidad escénica que lo volvió inconfundible. No se trató solo de una elección estética, sino de una manera de habitar el escenario y de convertir la imagen en parte esencial del espectáculo. Con el tiempo, ese universo visual se transformó en una referencia inevitable.

Chaquetas, brillo y actitud: los pilares de su estilo

El armario de Michael Jackson no puede entenderse sin sus icónicas chaquetas de corte militar. Estas prendas, con hombreras estructuradas, aplicaciones doradas o plateadas y detalles metálicos, evocaban uniformes de gala y atuendos de ciencia ficción. La chaqueta roja de vinilo que usó en el videoclip de “Thriller” se convirtió en un símbolo global, inspirando tanto a la moda urbana como a la alta costura.

El videoclip no solo rompió récords en la industria musical, sino que también definió nuevos estándares para la moda y la producción audiovisual. La chaqueta roja, el maquillaje de efectos especiales y la coreografía grupal marcaron un antes y un después, inspirando a generaciones de artistas y realizadores.

A lo largo de su carrera, el creador de hits como “Bad” solía usar chaquetas de brillo llamativas y ropa extravagante, en las que predominaban materiales sintéticos, lentejuelas y reflejos multicolores. Otra pieza emblemática fue la chaqueta iridiscente, que lució en numerosas presentaciones, y que junto con sus atuendos llenos de destellos, daba un efecto impactante bajo la iluminación del escenario.

El brillo de estos materiales se potenciaba con cada movimiento, proyectando una imagen poderosa y vanguardista.

La iluminación en los escenarios jugó un papel clave: cada foco resaltaba los brillos de los materiales y creaba un entorno visualmente impactante, donde cada detalle del vestuario se potenciaba ante el público.

Pantalones ajustados y accesorios inconfundibles

El vestuario de Jackson incorporó siempre pantalones ajustados, generalmente en tonos oscuros, que resaltaban su silueta y facilitaban su característico estilo de baile. En ocasiones, sumó aplicaciones metálicas y detalles futuristas, como los conjuntos dorados con protecciones y correas utilizadas durante giras mundiales. Estos elementos reforzaban la imagen de un artista adelantado a su tiempo.

Entre los accesorios, el guante blanco con lentejuelas se transformó en un ícono universal. El vendaje en la mano y los dedos acentuaba la singularidad de su figura, mientras que cinturones anchos y correas cruzadas con grandes hebillas completaban el conjunto, reforzando la estética marcial y futurista.

El cuerpo como parte del vestuario: movimientos y gestos

La propuesta estética de Michael Jackson iba mucho más allá de la ropa. Su lenguaje corporal y sus movimientos escénicos definieron una nueva forma de entender el espectáculo.

El moonwalk, paso de baile que debutó en 1983, se convirtió en sinónimo de su nombre y sigue siendo imitado en todo el mundo. Otros gestos, como la mano en la entrepierna o las expresiones faciales intensas, consolidaron una marca personal irrepetible.

El maquillaje también desempeñó un rol esencial, con delineado oscuro que acentuaba la mirada y sumaba dramatismo. El cabello largo y rizado, peinado sobre la frente y los costados del rostro, reforzaba la identidad artística de un ícono que nunca dejó detalles librados al azar.

La propuesta visual y estilística del símbolo del pop mundial consolidó una figura que va mucho más allá de la música. Su influencia se percibe en la moda contemporánea, en las pasarelas y en la cultura pop global. Nuevas generaciones de artistas y diseñadores encuentran en su legado una fuente inagotable de creatividad y modernidad.

La historia de Michael Jackson demuestra que el estilo también puede cambiar el mundo y que la moda, cuando es auténtica, trasciende cualquier época.

Había brillo, tul, fucsias encendidos, transparencias, bordados y ese pulso festivo que Benito Fernández convirtió, hace tiempo, en una firma reconocible a varios metros de distancia. Pero en la noche del viernes, en el Palacio San Miguel, no se trató solo de un desfile. Fue, más bien, una celebración con forma de pasarela: un recorrido sentimental y estético por cuatro décadas de moda argentina, contado a través de las prendas, de los recuerdos y de una identidad que Benito jamás negoció.

El exitoso diseñador presentó “Mi historia”, la colección aniversario con la que celebró sus 40 años en la moda. Más de 300 invitados acompañaron una noche que tuvo algo de reencuentro, algo de homenaje y bastante de consagración. En primera fila y en los saludos previos se mezclaron nombres que también forman parte de la historia social de la moda local: Valeria Mazza, Araceli González, Paloma Herrera, Nicole Neumann, Andrea Frigerio, Fabián Medina Flores, Verónica de la Canal, Anamá Ferreira y tantas otras figuras que, de un modo u otro, compartieron época, pasarela o foto con él.

La colección no buscó reconstruir el pasado como si fuera una pieza de museo. Hizo algo más interesante: lo puso en movimiento. “Mi historia” tomó algunos de los diseños más emblemáticos de Benito y los devolvió al presente transformados por nuevas texturas, otros volúmenes, combinaciones renovadas de color y un trabajo artesanal que sigue siendo uno de los sellos más nítidos de su universo.

Así, el archivo dejó de ser archivo y se volvió presente. Un vestido que alguna vez dijo una cosa, ahora decía otra. Un chaleco bordado reaparecía con otra energía. Un patchwork armado con retazos, guardas y géneros de distintas etapas de su carrera condensaba no solo una estética, sino también una manera de entender la moda: como memoria viva, como oficio, como identidad.

El archivo, la memoria y una identidad sin concesiones

Entre las piezas revisadas apareció el espíritu de “Etnia” (2009), la colección que marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Ahí estaba, otra vez, esa búsqueda atravesada por los viajes, por los telares, por el norte argentino, por México, por Bolivia, por Colombia, por una idea de Latinoamérica no como tendencia pasajera, sino como raíz. En uno de los looks, esa memoria tomó la forma de un chaleco de tul bordado con cristales y algodón estampado, combinado con una pollera de cuero ecológico rosa pálido, guarda de telar bordado y volado en shantung de seda natural.

También volvió, reinventado, un diseño que había llevado Valeria Mazza: esta vez convertido en un vestido corto de patchwork construido a partir de guardas y texturas recuperadas de distintas colecciones de los últimos 30 años. La prenda funcionó como una declaración de principios: en Benito, el archivo no duerme. Respira, muta, vuelve.

Otro momento de la pasarela remitió a “Grandes Colecciones” (1999) y al recordado desfile “Hadas”. Aquel universo regresó bajo la forma de un vestido transparente en tul bordado y engarzado, con encajes, volados en shantung fucsia y tul violeta, en una composición donde reaparecieron varias obsesiones del diseñador: la superposición, el contraste, el volumen, el exceso bien entendido.

Las 40 pasadas fueron armando, de ese modo, una autobiografía textil. Corsets y polleras de fines de los 90 y comienzos de los 2000 dialogaron con referencias a “Embrujo Gitano” (2016) y con la sensibilidad bohemia y artesanal de “Alma Bohemia” (2025). Hubo incluso un vestido realizado a partir de un antiguo sari fucsia, con bordados en tonos bronce, escote halter y espalda descubierta, que parecía resumir otra de las claves de la noche: nada en Benito se clausura del todo; todo puede volver bajo una nueva luz.

De Natalia Lobo a la reina Máxima, los hitos de una carrera singular

La pasarela también reservó un capítulo para otra postal clave de su carrera: su historia con la reina Máxima de Holanda. Benito retomó uno de los diseños que creó para ella —uno de esos vestidos asociados a compromisos internacionales y celebraciones de alto perfil— y lo reversionó con nuevos colores, manteniendo el trabajo artesanal y la combinación de volúmenes y brillos. No fue un gesto menor: en esa prenda se cruzaron el reconocimiento internacional, la sofisticación y la constancia de una carrera que supo habitar mundos muy distintos sin perder su sello.

Porque si algo quedó claro en esta celebración es que Benito Fernández construyó una trayectoria singular: pudo vestir a una reina y, al mismo tiempo, expandir su creatividad a proyectos masivos, colaboraciones, cápsulas, uniformes, televisión y licencias, sin resignar identidad. Él mismo lo cuenta a Infobae con una mezcla de orgullo y emoción: “Veo un Benito que se animó, que atravesó un montón de prejuicios”. Y enseguida remata la frase que mejor resume la noche: “Mi ADN siempre fue el mismo”.

Ese ADN —según sus propias palabras— está hecho de color, alegría, modernidad y una mirada latinoamericana. No se trata solo de una definición estética, sino también de una posición. Durante años, uno de los máximos referentes en el país defendió una idea de moda ligada a lo social, a lo popular y a lo identitario, incluso cuando esa elección no era la más cómoda ni la más celebrada. De ahí que uno de los símbolos íntimos de esta retrospectiva haya sido el recordado vestido de Natalia Lobo de 2009, primero cuestionado y después reivindicado, al punto de convertirse en una pieza clave para entender la consolidación de su marca.

“Fue el vestido que terminó de convencerme de que el camino que estaba haciendo era el correcto: tener una identidad, un ADN latinoamericano fuerte, que mezcla colores, texturas y se anima a ser transgresor”, le dijo Fernández a Infobae. “En ese desfile de ‘Etnia’, la gente se sintió muy identificada y fue un trampolín tremendo en mi carrera”, recordó. En esa prenda, que en su momento generó resistencia antes de viajar a Nueva York, Benito encontró una certeza: que su camino no pasaba por agradar a todos, sino por sostener una voz propia.

La trayectoria de Benito Fernández también estuvo acompañada por figuras como Valeria Mazza, Pampita, Andrea Frigerio, Dolores Barreiro, Soledad Solaro, Analía Maiorana, Nicole Neumann, Tini Stoessel y Priscilla Presley. Pero, más que detenerse en la celebridad, el diseñador elige poner el foco en otro rasgo común. “Más allá de la fama o del poder, siempre busqué identificarme con mujeres que son madres, empresarias, trabajadoras y que luchan por los derechos de la mujer”, aseguró.

La pasarela aniversario también dejó lugar para otra escena significativa: el cruce entre generaciones. Chloé Bello fue la encargada de cerrar el desfile, mientras que Josefina “Fini” Bocchino, hija de Andrea Frigerio, debutó en pasarela. Esa convivencia entre figuras históricas, herederas de la escena y nuevas camadas dialogó con una de las preocupaciones actuales del diseñador: el futuro de la moda argentina.

La moda argentina, el futuro y una celebración a pura emoción

Benito mira a los jóvenes con entusiasmo. Cree en su potencia, en su creatividad, en esa audacia todavía desatada que él compara con el ímpetu adolescente. “Me encanta trabajar con generaciones nuevas también porque te hacen sentir más joven, porque son las más creativas. En la Argentina el diseño está para ser número uno”, remarca. Pero también vuelve sobre una idea que repite hace tiempo: la moda argentina tiene talento de sobra y respaldo insuficiente. Para él, la Argentina podría tener una industria del diseño mucho más fuerte si existiera un acompañamiento sostenido. No habla de privilegios, sino de comprensión estratégica: la moda, insiste, también genera trabajo, cultura e identidad.

El final tuvo la lógica de un festejo merecido. Todos los looks volvieron a la pasarela, Benito salió a saludar entre aplausos, bailó con sus invitadas al ritmo de Gloria Gaynor y dejó que la emoción hiciera lo suyo. Después llegó la torta en backstage, como corresponde en los aniversarios importantes. Pero acaso el verdadero cierre ya había ocurrido unos minutos antes, cuando las prendas, en fila, contaron algo más que una carrera exitosa: contaron la persistencia de un estilo, la defensa de una identidad y la historia de alguien que hizo del color una manera de estar en el mundo.

Cuarenta años después, Benito Fernández no parece mirar hacia atrás con nostalgia, sino con impulso. Revisa su obra, la desarma, la cose de nuevo y la devuelve a escena. Como si la moda, en su caso, no fuera apenas el arte de vestir, sino también el de volver sobre uno mismo y reconocerse. Con más capas, con más historia, con más brillo. Pero siendo, en el fondo, el mismo.

Fotos: @photojohnnyar

Lorena Pérez, periodista cultural, historiadora del arte por la Universidad de Buenos Aires y archivista por la Universidad Nacional de San Martín, publica Modistas, un ensayo que rescata del olvido a las mujeres que dieron forma a la moda argentina durante siete décadas. El libro, novedad de agosto de 2026 del sello Editorial El Ateneo, es el resultado de más de dos décadas de investigación, entrevistas y construcción de archivos documentales.

Con colaboraciones en medios como La Nación, L’Officiel, Rolling Stone y GQ, y como fundadora de Bloc de Moda —plataforma pionera en la comunicación de moda digital en América Latina—, Lorena Pérez convirtió su trabajo periodístico en una línea de investigación sostenida. En 2022 recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes para desarrollar el proyecto Mujeres vestidas por mujeres, semilla directa de este libro.

Modistas propone una nueva lectura de la historia de la moda argentina, contada desde las diseñadoras, modistas, artistas y creadoras que el relato oficial desplazó a los márgenes. Desde las primeras casas de alta costura en Buenos Aires hasta el estallido del Instituto Di Tella, desde el under porteño hasta Palermo Soho, el ensayo recorre un linaje de talento y trabajo femenino que moldeó no solo prendas, sino identidades.

A continuación, Infobae Cultura comparte la introducción del libro Modistas.

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EL MANIFIESTO DEL ESPEJO

¿Alguna vez te detuviste a pensar por qué se elige esa prenda y no otra al empezar el día? ¿O cuántos de los hitos que definen tu silueta diaria se le atribuyen, en realidad, a las manos de una mujer?

Existe una grieta silenciosa en el relato oficial de la moda. Mientras la historia ensalzaba los vestidos de ensueño ideados por hombres para ser admirados como objetos de contemplación, había una estirpe de creadoras resolviendo el vestuario para la mujer en movimiento.

¿Quién escribe, entonces, la historia de la moda? Hombres y mujeres compartieron visiones y territorios, pero las creadoras femeninas inyectaron una dosis necesaria de practicidad en el acto de vestirse, una intuición creativa que brota de la vivencia íntima del propio cuerpo.

Sin embargo, lo que trasciende a través de las décadas se sigue contado, predominantemente, desde una lente masculina. Modistas llega para hacer las paces con ese vacío y reescribir la memoria. Este libro propone una nueva forma de ver y de mostrar. Relata la evolución de la moda en Argentina a partir de un guardarropa diario que privilegió la función por sobre el ornamento, lejos de esa elegancia que el canon social se encargó de perpetuar.

Al evocar décadas pasadas y vestuarios simbólicos, la memoria suele traicionarnos invocando primero el nombre de un modisto, pero las mujeres tienen el derecho ganado de ocupar el espacio que les corresponde, sus aportes exigen el mismo reconocimiento. Históricamente, tuvieron menor visibilidad como líderes o empresarias: recibían menos atención por sus triunfos y ocupaban roles subordinados en la narrativa oficial.

Frente a este escenario, diversas camadas de diseñadoras estuvieron en marcha. Hoy, con el impulso de la cuarta ola del feminismo, la moda se revela como un ideario estético liberador: fueron las mujeres quienes sacudieron las estructuras del sistema y pusieron en crisis el concepto decorativo del vestir. Desde entonces, la interpelación permanece abierta. El trabajo diario continúa erosionando los estereotipos de belleza hegemónicos.

Esta manera de pensar la moda atravesó mi propio recorrido, pero en 2016 cobró otra dimensión cuando fui seleccionada para viajar a Medellín y participar en el taller “Mujeres perdidas, otras mujeres” en la Fundación Gabo. La experiencia fue guiada por la escritora estadounidense Judith Thurman, cuyas columnas en The New Yorker ya habían despertado en mí un interés profundo por sus perfiles de creadores y creadoras, abordados siempre con una mirada integral. De ella aprendí que el trabajo de las mujeres podía leerse como una categoría de análisis política, laboral y estética.

Durante las sesiones, Thurman reconstruyó la evolución del vestir. Explicó que hasta el siglo XIX hombres y mujeres eran igual de vanidosos con el vestuario, pero con la llegada del capitalismo empezó la división tajante. La “gran renuncia masculina” asignó al hombre la seriedad del traje de negocios, mientras que la mujer quedó relegada a la esfera doméstica. Para las mujeres de clase media y alta, su papel fue reducido a una especie de gueto: criaturas inútiles, de valor puramente ornamental como esposas.

En ese núcleo conceptual, encontré la confirmación de una búsqueda que ya estaba presente en mi escritura. Más que un cambio de dirección fue la toma de conciencia de una práctica que desarrollaba desde que inicié mi proyecto editorial Blocdemoda.com en 2006. En más de veinte años como periodista, cubriendo semanas de la moda, ferias internacionales y realizando viajes de investigación, comprendí la necesidad de integrar naturalmente el trabajo de las mujeres como una categoría de la que apenas se hablaba, o que, cuando se hacía, estaba teñida de superficialidad.

Como outsider del sistema, siempre observé con distancia la cultura visual de las grandes producciones y esa fascinación casi ciega por el culto de la imagen o las prendas llamadas “sublimes”. Para mí, la belleza aparecía según cómo las prendas quedaban puestas y cómo resolvían la vida de quien las vestía. Así comencé mi primer circuito sobre las zapateras, un reporteo sobre la transformación de un oficio que históricamente lo manejaban los hombres, en el que visité fábricas y talleres buscando lo que se escondía detrás de la producción.

Si algo entendí a través de la lectura y de mi formación, es que cada década inicia con un cambio ya revelado en la anterior. Modistas es el resultado de la línea de investigación “Mujeres vestidas por mujeres”, iniciada en 2011, becada luego por el Fondo Nacional de las Artes, en 2022.

Este libro ofrece una reflexión crítica sobre las pioneras que fundaron las primeras casas de alta costura en Buenos Aires y las artistas que cruzaron su oficio con la moda. Desde la visión austríaca de Fridl Loos hasta la explosión sensorial del Instituto Di Tella con Mary Tapia, Dalila Puzzovio y Delia Cancela. En las siguientes páginas, se explora el ascenso de la moda boutique; desde la mística de Rosita Bailón hasta las “boutiqueras” de los años ochenta, figuras relegadas a los márgenes de la historia oficial que, sin embargo, construyeron modelos de negocio envidiables. También se analizan las primeras marcas jóvenes de los ochenta y los noventa, diseñadas por manos femeninas.

Vale la pena recordar que la identidad fundacional de Palermo Viejo, mucho antes de su proyección global, se construyó a través de la gestión de las mujeres. Ellas fueron piezas clave en el desarrollo del diseño de autor, es momento de redescubrir su producción desde una perspectiva renovada.

Mi tarea se despliega en la intersección entre el periodismo y la investigación, mi rol como archivista y mi formación como historiadora del arte. Esta hibridez me permite abordar el objeto de estudio con un compromiso documental que inscribe estas prácticas en las crónicas que construyo. No busco privilegiar una disciplina sobre otra, sino hacerlas converger para situar el diseño en su contexto histórico e interpretar sus subjetividades.

La investigación se construyó con el siguiente ecosistema de fuentes:

• Entrevistas en profundidad: A partir de un diálogo sostenido a lo largo de los años con las protagonistas, fue posible realizar un seguimiento cercano de sus trayectorias y comprender la evolución real de su trabajo.
• Mapeo de campo: Visitas a fábricas, talleres, seguimiento de investigaciones previas y el estudio de archivos institucionales y personales.
• Las “del costado de la foto”: Aquellas personas que ayudan a reconstruir temporadas, acontecimientos, o que fueron clientes y amigos del personaje de mi interés, fundamentales para recuperar la historia donde el documento oficial falta.
• Curaduría histórica de fotografías: El análisis de la fotografía de registro en pasarela para entender cómo se exhibían las colecciones, prestando especial atención a las mutaciones de la silueta y a los detalles que definen el eje de mi trabajo.

Cuando la noción de tendencia perdió vigencia surgió un guardarropa atemporal impulsado por diseñadoras locales, una propuesta que dialoga en simultáneo con las prácticas de otras creadoras en el mundo. De este modo, el vestirse para los demás se transformó en un acto de identidad propia que, lejos de aislar, invita a conectar con lo colectivo.

Mi deseo es que estas páginas funcionen como un espejo retrovisor: solo al distinguir con nitidez las siluetas que nos precedieron, podremos comprender la naturaleza de nuestra propia armadura cotidiana. Más allá de rescatar historias y nombres del olvido, busco descifrar las tensiones de nuestro presente para intuir hacia dónde se desplazará nuestra identidad en los años por venir. Al final del día, este libro es una invitación a descoser el relato heredado y empezar a leer, entre puntada y puntada, la historia que llevamos puesta.

Dua Lipa habla sin filtros sobre el amor, la moda y su visión del éxito en la portada de septiembre 2026 de la revista Vogue. La cantante y compositora, que acaba de casarse con el actor Callum Turner tras una boda de tres días en Palermo, Italia, reflexiona sobre su paso de los 20 a los 31 años, su abandono del perfeccionismo y la vida que quiere construir más allá de los escenarios.

La entrevista, publicada en el número de septiembre de Vogue, encuentra a Lipa en un momento de transformación.

“Años atrás no lo habría hecho nunca, era demasiado perfeccionista. Pero ese es un rasgo que dejé atrás en mis 20. Ahora, a los 31, me interesan cosas distintas, más humanas y reales. Con el tiempo aprendí a perdonarme, a ser más indulgente”, declaró la artista al medio. “Amo la discontinuidad de la vida y debo admitir que me divierto mucho más”, agregó.

La evolución personal de Lipa se refleja también en su trabajo sobre el escenario. Durante su última gira mundial, interpretó un clásico local en cada ciudad del recorrido.

Ese vínculo con Italia no es circunstancial. Sus amigos más cercanos son italianos, su astróloga le confirmó que es el país donde encuentra calma y bienestar, y fue la ciudad de Palermo el escenario elegido para los tres días de celebraciones nupciales que siguieron a la ceremonia civil en Londres.

“Amo Nápoles y amo el estilo italiano. Figuras como Mina y Raffaella Carrà influyen enormemente en mi imaginario”, dijo la artista, según consignó Vogue.

Moda, imagen y sociedad creativa

La relación con la moda también ocupa un lugar central en su narrativa. Desde los 17 años trabaja junto al estilista Lorenzo Posocco, a quien define como familia. “Nuestro lenguaje creativo es único. Cuando tomamos decisiones juntos es como si tuviéramos el mismo cerebro”, describió a Vogue.

De esa dupla surgieron algunos de los looks más recordados de su última gira: un mono de encaje en blanco, azul y rojo; un abrigo largo forrado con la Union Jack para el concierto en Wembley; y un corpino modelado sobre el que lució Christy Turlington en 1992.

Más allá de los vestidos y los escenarios, Lipa lleva años construyendo un universo propio a través de Service95, su plataforma digital dedicada a la cultura, el estilo y la sociedad. Su club de lectura y pódcast acumulan episodios con escritores como Paul Murray, Zadie Smith, Ocean Vuong y Roxane Gay, autora de Bad Feminist.

“Creo que cada generación tiene sus propios desafíos, y la conversación en torno al feminismo está en constante evolución. Necesitamos crear un sentido de comunidad y seguir alimentándolo”, señaló la artista al medio.

Origen familiar y determinación

La cantante, nacida en Londres de padres albaneses del Kosovo que emigraron en 1992 huyendo de la guerra, atribuye su energía a su familia. “Toda mi familia es de verdaderas party people. Cuando estamos juntos, bailamos, reímos, celebramos cada momento”, contó a Vogue.

Esa historia de resiliencia también moldeó su determinación: a los quince años volvió sola a Londres con el objetivo de convertirse en cantante, con el apoyo de sus padres. “Me dieron confianza, creyeron en mí”, recordó.

Redes sociales y su idea del éxito

Con 88 millones de seguidores en Instagram, Lipa tiene una política clara sobre su vida digital.

“Tengo muy claro qué compartir en las redes y qué guardarme para mí. Subo las fotos que me gustan sin pensarlo demasiado. Posteo y salgo de la aplicación, me olvido”, explicó a Vogue. Prefiere, en cambio, dedicar ese tiempo a la lectura; incluso lo hace dentro del auto sin mareos, lo que Vogue señala como una virtud casi sobrehumana.

“Quiero una vida llena, pero no ocupada”, repite la artista como un mantra. “El verdadero éxito tiene que ver con la vida que construimos alrededor de ese éxito”, completó en declaraciones recogidas por Vogue.

Alejada de las fórmulas previsibles, Dakota Fanning se convirtió en una referente de la moda actual gracias a su capacidad para reinterpretar piezas clásicas con un enfoque relajado y moderno.

Su estilo cotidiano destaca por una mezcla de sensibilidad práctica y guiños de tendencia, logrando una identidad visual reconocible tanto en escenarios urbanos como en contextos más naturales.

La actriz que actuó en exitosas películas y series como Yo soy Sam, La guerra de los mundos, la saga Crepúsculo y la miniserie Ripley combina prendas básicas como chaquetas de corte vintage, jeans o pantalones rectos, suéteres de punto con accesorios funcionales y camisas, logrando un equilibrio entre elegancia discreta y comodidad.

A sus 32 años, Dakota Fanning opta por chaquetas oversize en tonos marrones y beige, prendas que evocan la estética workwear y evidencian su preferencia por los cortes utilitarios.

A estos básicos suma jeans de silueta recta y botas robustas, elementos que refuerzan el carácter atemporal y versátil de su guardarropa.

Los anteojos de sol de gran tamaño, un accesorio recurrente en su repertorio, aportan un matiz contemporáneo y un aire de sofisticación sin esfuerzo, consolidando su imagen de ícono moderno.

Su vestuario revela un manejo preciso del color y las texturas. Prefiere paletas neutras, beige, azul claro y verde, que facilitan la combinación de piezas y aportan una sensación de armonía visual.

Los abrigos de líneas simples, los suéteres relajados y los pantalones de mezclilla conforman la base de sus conjuntos, mientras que los complementos, como bolsos cruzados y calzado de inspiración outdoor, completan la propuesta con un guiño a la funcionalidad.

Esta elección de prendas responde a una búsqueda de autenticidad, donde la comodidad nunca está reñida con la elegancia.

La naturalidad con la que la actriz lleva estas combinaciones refuerza su cercanía y autenticidad, situándola en una posición privilegiada dentro del panorama del street style internacional.

Dakota Fanning consigue transformar elementos clásicos en aliados de una estética contemporánea, evitando excesos y priorizando el confort.

Incluso en los momentos más informales, su presencia transmite una sofisticación innata, apoyada en el conocimiento de las tendencias y en la elección de prendas con historia y carácter.

El enfoque de Dakota Fanning en la moda va más allá de la simple elección de ropa: es una declaración de principios sobre cómo las prendas clásicas pueden adquirir nueva vida mediante la combinación acertada de cortes, colores y accesorios.

Su estilo cotidiano, lejos de las reglas estrictas de la alta costura, demuestra que la modernidad y el chic pueden surgir de la sencillez y la autenticidad.

Una presencia sofisticada y versátil en los grandes eventos

La actriz también consolidó una imagen de alta costura en las principales alfombras rojas internacionales, distinguiéndose por la elección de vestidos y siluetas que fusionan sofisticación, modernidad y un apego por lo atemporal.

Lejos de buscar el impacto meramente visual, ella se apoya en el refinamiento de detalles y la coherencia con su personalidad pública.

En galas como los Golden Globe Awards y los Critics Choice Awards, Dakota Fanning ha apostado por vestidos de líneas limpias y paletas cromáticas sobrias, entre las que destacan el negro, el nude, los tonos pastel y el rojo.

En la alfombra roja de los Golden Globe, la actriz llevó un vestido de lentejuelas en tono nude con escote drapeado y caída fluida, acompañado de un discreto collar y peinado natural, que proyectó una imagen de elegancia sin excesos.

La selección de joyería mínima y maquillaje luminoso refuerza la intención estética de no sobrecargar el conjunto, permitiendo que el vestido se convierta en el eje central del look.

En otra de sus apariciones más recientes, Dakota Fanning eligió un vestido negro de corte largo y escote profundo, decorado con aplicaciones de pedrería en forma de flores.

La elección del negro como base cromática y el detalle de los bordados contribuyen a un resultado visual de alto impacto, pero sin abandonar el minimalismo que caracteriza su presencia en eventos de gala.

Este tipo de elecciones sitúa a Dakota Fanning en una posición relevante entre las celebridades que entienden la alta costura como una declaración de estilo antes que una competencia de extravagancia.

La preferencia de Dakota Fanning por la silueta columna o sirena, así como los tejidos que se adaptan al cuerpo, se observa también en su elección de vestidos en tonos pastel y en piezas de inspiración vintage.

Para los Critics Choice Awards, la actriz optó por un vestido verde agua de escote palabra de honor y corte ajustado, complementado por un collar de gran tamaño y un peinado suelto, en línea con la tendencia de resaltar la naturalidad en la moda de alfombra roja.

Esta decisión estilística responde a una búsqueda de atemporalidad y sofisticación sin caer en recursos excesivos.

La versatilidad de su estilo se manifiesta en ocasiones como presentaciones de películas, donde Dakota Fanning alterna entre vestidos largos con estampados florales y propuestas de líneas más simples en tonos neutros.

En el ámbito de la alta costura, la actriz ha colaborado con firmas como Gucci y Dior, seleccionando piezas que equilibran la tradición de la maison con interpretaciones modernas.

En la alfombra de los Emmy Awards, por ejemplo, llevó un vestido palabra de honor en tono champagne con bordados de perlas, reafirmando su preferencia por los acabados sutiles y la sofisticación clásica.

El recorrido de Dakota Fanning en la moda de alta costura se traduce en una propuesta coherente, donde cada elección refuerza su identidad y diálogo con las tendencias globales.

La edición 2026 del US Open no solo ya empezó a reunir a las figuras más destacadas del tenis mundial en Nueva York, sino que también comenzó a atraer a una extensa lista de celebridades y referentes de la moda que van convirtiendo las tribunas en una auténtica pasarela. Los atuendos de los invitados más famosos van captando la atención tanto de los asistentes como de los medios internacionales.

Entre las presencias más notorias, la editora de moda Anna Wintour fue retratada en las gradas junto a la extenista Serena Williams. Wintour optó por un conjunto donde predominó un saco crema con estampado floral, acompañado de una blusa en tono nude y botones con perlas. Los icónicos lentes oscuros completaron su imagen inconfundible, en sintonía con su estilo clásico que ha definido tendencias durante décadas.

Junto a ella, Williams eligió una campera deportiva rosa vibrante de corte moderno, sumando cadenas doradas y pendientes discretos. Ambas destacaron por su naturalidad y sofisticación, fusionando moda y deporte de modo emblemático.

La asistencia de Mirka Federer, esposa del consagrado extenista suizo, también fue parte de uno de los guiños más claros a la moda casual chic. Lució una chaqueta de jean azul claro sobre un top a rayas, combinada con una pulsera dorada y un anillo de diamantes. Su look fue interpretado como un homenaje a la comodidad, sin perder elegancia.

El evento contó también con la presencia del dramaturgo Lin-Manuel Miranda y su esposa Vanessa Nadal. El compositor y letrista vistió un blazer azul claro y camisa blanca, sumando pantalones a juego y zapatos en tonos tierra, componiendo un estilo formal relajado.

Ella, por su parte, eligió una camisa-vestido blanca de corte amplio, complementada con un collar negro y una cartera blanca con lunares rojos. El equilibrio entre elegancia y frescura fue destacado como una de las tendencias preferidas de la jornada.

La periodista Gayle King apostó por un vestido sin mangas con estampado vegetal en blanco, negro y verde. El corte ajustado y la silueta limpia fueron acompañados por una cartera plateada de textura tejida y varios brazaletes metálicos.

Este conjunto fue catalogado como una de las apuestas más modernas y versátiles del torneo. King, reconocida por su presencia en la televisión estadounidense, se sumó a la lista de figuras que encontraron en el US Open una oportunidad para mostrar looks frescos y llamativos.

El actor Homer Gere, hijo mayor del icónico Richard Gere, eligió un saco negro de corte clásico, combinado con una camisa blanca abotonada. Su look se completó con gafas de sol oscuras, agregando un toque relajado al conjunto formal. La elección de prendas simples y elegantes reforzó una imagen moderna y sobria.

Por su parte, la modelo y actriz Kaia Gerber, hija de la legendaria supermodelo Cindy Crawford, optó por un vestido negro de tirantes finos y escote en V, acompañado de maquillaje natural y el cabello suelto con ondas suaves.

El minimalismo de su atuendo y la elección de tonos neutros resaltaron su estilo contemporáneo, alineado con las tendencias actuales entre las figuras jóvenes del espectáculo.

El público joven también tuvo su espacio en esta edición del torneo. Entre los asistentes, varias figuras del espectáculo lucieron atuendos informales pero con guiños a las tendencias actuales, como chaquetas oversize, camisetas básicas y accesorios llamativos. Se vieron gorras de diseño, lentes de sol extragrandes y prendas de mezclilla en distintas variantes, siguiendo el hilo conductor de la comodidad y el desenfado.

Entre las imágenes más comentadas, destacaron también los contrastes entre quienes eligieron paletas neutras y quienes apostaron por colores vivos. Los complementos, desde bolsos estructurados hasta joyas sutiles, marcaron la diferencia en cada outfit.

El US Open 2026 seguirá dando que hablar. Es que si bien las actividades oficiales en Nueva York arrancaron el pasado domingo 23 de agosto con el inicio de la Fan Week y las fases clasificatorias (qualy), el cuadro principal comenzará el domingo 30 de agosto.

Fotos: Reuters/Abaca Press/Sipa Usa

El evento se desarrolló en el marco de una gala solidaria organizada por la Fundación Paolini, una cita donde la ayuda social y la moda de autor se dieron la mano en un entorno exclusivo. Madre e hija eligieron para la ocasión diseños de Laurencio Adot, uno de los nombres más codiciados de la alta costura argentina. Juntas, acapararon todas las miradas y se convirtieron en el centro de atención de la velada. Nicole, orgullosa, compartió una foto abrazada a Allegra y escribió: “Noche de gala y solidaridad. Y el primer Haite couture de @cubero.allegra”.

Para la gran noche, Nicole optó por un vestido largo verde, de corte strapless, con detalles entrelazados y apliques brillantes que resaltaban su figura. Allegra, en tanto, eligió un vestido celeste de falda amplia con volados y un gran lazo en la cintura, que le aportó un aire de cuento de hadas moderno. Ambas lucieron el cabello suelto con ondas definidas y posaron juntas, transmitiendo una imagen de complicidad, elegancia y coordinación perfecta.

Minutos antes del desfile, Nicole pudo registrar con su celular los preparativos de Allegra. La adolescente, además del look elegido para la noche, sumó dos hebillas laterales a su peinado, logrando una apariencia de laureles que también llevaron otras modelos en el evento. Las imágenes de la previa circularon rápidamente por redes sociales, sumando elogios a la joven debutante.

El broche de oro llegó cuando Allegra posó junto al diseñador estrella de la noche, Laurencio Adot, caminando juntos por la pasarela detrás de otras figuras destacadas como Elina Costantini, fundadora de la Semana de la Alta Costura Argentina, y Barbie Simons, quienes acompañaron al diseñador Thiago Pinheiros. El momento marcó un hito en la incipiente carrera de la hija de Nicole, que no solo compartió la experiencia con su madre, sino que también fue reconocida y celebrada por referentes del mundo fashionista.

Este debut de Allegra Cubero en la alta costura viene a coronar un camino que Nicole acompaña de cerca desde hace tiempo. Ya en agosto de 2025, la modelo había celebrado los primeros pasos de su hija en el modelaje, cuando la acompañó en una colorida producción de fotos que marcó el inicio formal de su carrera. Desde entonces, Allegra ha participado en distintas sesiones juveniles donde explora el universo adolescente y se prueba en pasarelas con estilismos pensados para todas las edades. Sin embargo, esta gala solidaria fue especial: madre e hija compartieron el mismo evento, desdibujando cualquier barrera generacional y mostrando que la pasión por la moda atraviesa el linaje.

Neumann, con décadas de experiencia en el rubro, sigue marcando tendencia tanto en las pasarelas como en el universo digital. Más de dos millones de seguidores la acompañan en cada uno de sus gestos, atentos a los consejos de estilo y a las producciones que comparte con naturalidad. Su figura, asociada a la frescura y a un aire bohemio, ha trascendido épocas y sigue vigente en la escena local.

El contraste y el diálogo entre el estilo de Nicole y el de Allegra se volvieron evidentes en la gala. Mientras la madre apostó, fiel a su esencia, por una silueta suelta y detalles que evocan su costado bohemio, la hija encarnó la vitalidad del presente, con cortes cómodos, originalidad y un toque de atrevimiento juvenil que transforma el acto de vestirse en un juego. Así, la diferencia de estilos no solo genera contraste, sino que potencia el vínculo y el aprendizaje mutuo.

La gala solidaria fue mucho más que una noche de moda y beneficencia. Funcionó como un escenario donde Nicole Neumann pudo ver a su hija Allegra brillar por primera vez en el universo de la alta costura, acompañándola en cada paso y celebrando el inicio de una nueva etapa. El mensaje fue claro: la moda es una forma de expresión, de conexión y de herencia, y en la familia Neumann-Cubero ese legado ya se proyecta hacia el futuro.

Dolly Parton, la reina de la música country, murió este martes a los 80 años, dejando no solo un legado musical inigualable, sino también una impronta imborrable en la historia de la moda.

A lo largo de cinco décadas, construyó mucho más que un repertorio de éxitos: consolidó un estilo tan potente y reconocible como su voz.

Su impronta, mezcla de tradición country y glamour escénico, transformó los códigos estéticos del género e influyó en generaciones de artistas y diseñadores.

Desde sus primeros días en la música, Parton apostó por un vestuario que la distinguía de otras figuras del country, que solían optar por la sobriedad y la funcionalidad. Ella eligió la exuberancia y la teatralidad como sello personal.

La estética de Dolly Parton retomó elementos clásicos de la cultura vaquera, pero los reinterpretó con una mirada femenina, moderna y abiertamente fashionista.

Camperas entalladas, pantalones ajustados y botas de tacón alto se transformaron, en sus manos, en piezas icónicas adornadas con lentejuelas, pedrería y bordados de inspiración western.

Los elementos clave de su estilo country

El sello de su estilismo se define por la combinación de prendas típicas del oeste estadounidense con materiales brillantes y cortes sofisticados.

Las chaquetas tipo sastre, con solapas anchas y vivos contrastantes, aparecían decoradas con aplicaciones metálicas y motivos geométricos o florales.

Los flecos y los bordados, fundamentales en la tradición country, fueron elevados a otra dimensión por la artista mediante la elección de telas lujosas y la inclusión de cristales y strass.

Siluetas ajustadas y escotes pronunciados aportaron una dimensión sensual y audaz, inédita en el género. Vestidos largos con transparencias, monos y conjuntos de dos piezas con aplicaciones de pedrería convivían con pantalones claros y faldas entalladas, siempre acompañados por cinturones anchos con hebillas grandes.

Esta propuesta visual, lejos de ser un simple accesorio, era una extensión del mensaje artístico de Parton: celebrar la individualidad, el origen popular y la sofisticación sin dejar de lado la autenticidad.

El cabello rubio, siempre voluminoso y con ondas marcadas, se convirtió en símbolo de su identidad, al igual que el maquillaje intenso, con labios en tonos fucsia o rojo y delineado negro bien definido.

Las uñas largas y esmaltadas en colores vibrantes completaban el look, reforzando la imagen de una artista que convertía cada aparición pública en un acto de espectáculo total.

Reinventando la moda country: de lo rural a lo fashion

Su revolución estética radica en haber tendido un puente entre la moda tradicional rural y el show business global. En sus atuendos convivían elementos clásicos del vestuario country, chalecos con aplicaciones, botas tejanas, cinturones con grandes hebillas, con detalles propios de la alta moda.

Este cruce de caminos dio lugar a una síntesis exuberante, sofisticada y teatral, que redefinió la presencia femenina en el country.

Uno de sus aportes más notables fue la introducción de colores metálicos y tonos intensos: rosas, rojos, azules eléctricos y dorados, inéditos hasta entonces en el repertorio cromático del género.

Parton alternaba terciopelos, satines, vinilos y tejidos tornasolados, logrando un efecto escénico único, potenciado por la luz artificial de los escenarios y los fondos decorativos de sus espectáculos.

Los accesorios siempre jugaron un papel central en su estilismo. Grandes pendientes, collares llamativos, anillos voluminosos y aplicaciones brillantes en la ropa y el calzado formaban parte habitual de su indumentaria.

Esta selección de piezas no solo reforzaba la opulencia escénica, sino que también comunicaba una visión de la moda como medio de expresión, identidad y poder femenino en un ámbito históricamente dominado por hombres.

En cada presentación, Parton demostraba que el glamour y la raíz popular no son excluyentes. Su capacidad para mezclar lo rural y lo urbano, lo clásico y lo moderno, influyó en generaciones de artistas y diseñadores tanto dentro como fuera del country.

Una identidad visual reconocible y poderosa

Parton integró accesorios como flecos, bordados de estrellas, cinturones con hebillas grandes y chaquetas estilo western. Su preferencia por los tonos rosas, rojos y metálicos, combinados con accesorios llamativos y uñas largas, consolidó una estética propia y reconocible en cualquier contexto.

Con más de 160 millones de álbumes vendidos, no solo rompió barreras musicales, sino que redefinió la imagen femenina en el espectáculo a través de su vestuario.

Su visión de la moda country, reinterpretada bajo el prisma del glamour y la extravagancia, sigue marcando tendencia y constituye un referente para quienes buscan fusionar autenticidad, tradición y modernidad.

El impacto visual de Parton permanece vigente tras su muerte. En los últimos años, la artista había comenzado a explorar nuevas formas de mantener su imagen a través de proyectos como el Museo Life of Many Colors, una línea de snacks para perros y la creación de actuaciones en formato avatar.

Estas iniciativas confirman la relevancia y vigencia de su estilismo, que trasciende el tiempo y el espacio escénico.

Las gemelas celebraron sus XV años el pásado sábado 15 de agosto de 2026 con vestidos exclusivos de la firma April Black Diamond, diseñados en Los Ángeles y confeccionados con cristales, perlas y telas de lujo.

La marca, famosa por vestir a celebridades y figuras de la alta sociedad, ofrece piezas cuyo costo puede superar los $5,000 dólares, equivalentes a más de 90,000 pesos mexicanos al tipo de cambio actual.

Costos de los vestidos: catálogo, personalizados y alta costura para las hijas gemelas de El Chapo

April Black Diamond, fundada por April Black en California, se especializa en la confección artesanal de vestidos de novia, gala y quinceañera. El precio depende de la complejidad del bordado, los materiales y la personalización.

Las opciones de catálogo para quinceañera comienzan desde $700 dólares (aproximadamente 12,600 pesos mexicanos). Los vestidos personalizados de gala o quince años, con pedrería y ajuste a medida, inician en $2,500 dólares (más de 45,000 pesos) y pueden elevarse según la cantidad de detalles. Los diseños para novia de alta costura suelen partir de $5,000 dólares (90,000 pesos) y escalan de acuerdo con la exigencia del cliente.

La firma realiza el cálculo sobre los precios en dólares, pero el monto final en México varía según el tipo de cambio. Al 25 de agosto de 2026, el dólar se cotiza cerca de 18 pesos, lo que sitúa los vestidos más sencillos en torno a los 12,600 pesos, los modelos a medida en 45,000 a 90,000 pesos y los de alta costura por encima de esa cifra.

Famosos vestidos por April Black Diamond

April Black Diamond ha vestido a figuras de la moda y el espectáculo en eventos internacionales. Entre las personalidades destacan Emma Coronel Aispuro, esposa de “El Chapo”, quien modeló para la diseñadora en la Semana de la Moda de Milán.

Las gemelas Emali Guadalupe y María Joaquina lucieron piezas exclusivas confeccionadas para su fiesta de XV años, cubiertas de cristales y perlas. La abogada y cantante Mariel Colón Miró desfiló junto a Coronel con atuendos de la marca en Milán.

Otras figuras que han portado diseños de la firma son la actriz Maribel Guardia y celebridades de Hollywood como Nick Cannon y Bre Tiesi, quienes participaron en sesiones de portada y celebraciones con piezas de la marca. La diseñadora también ha creado atuendos para concursantes de Miss Estados Unidos y para Ofir Korsia, Miss Universo Israel, durante el Beverly Hills Fashion Week.

Vestidos de las gemelas Guzmán Coronel: detalles y diseño

El 15 de agosto de 2026, las gemelas celebraron sus XV años en una fiesta organizada por la empresa @fiestasxtreme. April Black Diamond compartió en Instagram imágenes de ambas adolescentes luciendo vestidos tipo strapless cubiertos de cristales y pedrería. Una de las gemelas portó un diseño con corpiño bordado en cristales y falda voluminosa de tul blanco; la otra, un vestido ceñido con cascadas de perlas y apliques florales.

La diseñadora describió la experiencia como una celebración de “puro lujo” y afirmó: “Cada diseño refleja elegancia, feminidad y la belleza atemporal de la alta costura, convirtiendo cada momento en una experiencia visual espectacular”.

Las imágenes muestran a las gemelas posando junto a la diseñadora frente a una instalación floral en tonos pastel. Los rostros aparecen cubiertos con emojis de corazón rosa, en línea con la política de privacidad de Emma Coronel. La madre compartió su satisfacción con los diseños en sus redes sociales.

Cómo y dónde adquirir un vestido de April Black Diamond

La boutique principal se encuentra en el distrito de la moda de Los Ángeles, en la dirección 1046 Santee St, Los Angeles, CA 90015. El proceso de compra es personalizado y requiere agendar cita para pruebas de alta costura. La marca tiene presencia global, con pedidos a distancia y un sistema de envíos internacionales disponible a través de su sitio web oficial.

Los interesados pueden explorar las colecciones en línea y solicitar confecciones a medida. La marca recomienda la atención directa en boutique para quienes buscan una experiencia exclusiva y un ajuste perfecto.

Celebraciones anteriores y privacidad familiar

La fiesta de XV años de las gemelas ocurrió bajo estricta privacidad. La única imagen del evento compartida por Emma Coronel muestra una mesa decorada con flores blancas, hileras de perlas y vajilla dorada. No se revelaron detalles sobre el costo total ni la ubicación exacta de la celebración.

En 2018, Coronel organizó para las gemelas una fiesta temática de Barbie en una mansión de Culiacán, Sinaloa. El evento incluyó juegos mecánicos, una mansión infantil y decoraciones rosas.

Joaquín Guzmán Loera cumple cadena perpetua en Estados Unidos desde 2019. Las gemelas nacieron en California en 2011, mientras su padre estaba prófugo. Coronel ha resguardado la identidad y privacidad de sus hijas, cubriendo sus rostros en redes sociales y evitando exponerlas públicamente.

Nicki Nicole celebra sus 26 años consolidada como una de las voces más potentes de la música urbana y un ícono de la moda contemporánea. La artista nacida en Rosario no solo se distingue por su talento musical, sino también por su capacidad para transformar su imagen, sorprendiendo con cada nueva etapa de su carrera. Sus elecciones de estilo acompañan su evolución artística y la posicionan como referente clave de su generación.

Desde sus inicios, cada cambio de look funcionó como una declaración. Nicki Nicole supo utilizar la moda como herramienta de expresión, marcando hitos que reflejan tanto su crecimiento profesional como momentos personales cargados de significado y empoderamiento.

Construcción de una identidad visual única

En sus primeras presentaciones públicas, Nicki apostó por una estética auténtica y alejada de los moldes tradicionales del pop femenino. Su identidad visual se forjó a partir de una fusión de influencias urbanas y detalles personales: prendas oversize, pantalones holgados y una paleta de colores dominada por el blanco y el negro. El corte de cabello corto y oscuro completó una imagen de juventud y rebeldía, en sintonía con la cultura hip hop.

Cada transformación no solo acompañó su camino musical, sino que también la convirtió en referente de moda, capaz de reinventarse y marcar tendencia en la escena urbana.

A medida que su carrera despegó, la artista incorporó elementos más sofisticados a su estilismo, integrando transparencias, encajes y siluetas ceñidas que dialogan con las tendencias internacionales, pero siempre manteniendo un sello propio.

La versatilidad es una de sus características centrales: se apropia de las tendencias y las adapta a su relato, combinando vulnerabilidad, fuerza y autenticidad.

En cada etapa, la artista utiliza la moda para expresar cambios internos y nuevas metas, consolidando una imagen coherente que evoluciona sin perder su esencia.

Estilismo en alfombras rojas y premiaciones

Las apariciones en eventos como los Latin Grammy y la ceremonia de los Grammy marcaron un antes y un después en su estética.

En estas ocasiones, optó por vestidos largos de encaje negro o transparencias, con siluetas que exploran el corset y la lencería como piezas centrales. Los guantes, los detalles góticos y los colores oscuros refuerzan una imagen sofisticada y vanguardista.

El uso de materiales como el látex rojo y las telas de acabado liso define una presencia contundente y glamorosa en las alfombras rojas. Los cortes ceñidos y las estructuras rígidas evocan el empoderamiento femenino y una clara intención de marcar tendencia en la moda internacional.

Este tipo de elecciones estilísticas la posicionan, no solo como referente musical, sino también como figura influyente en el universo fashion.

En estas ocasiones, se permite experimentar con maquillajes más audaces y peinados estructurados, como el cabello bicolor negro con mechas rubias, aportando un contraste visual que potencia su presencia y refuerza su carácter distintivo.

Editoriales y sesiones para publicaciones de moda

En el ámbito editorial, como las sesiones producidas para Vogue, el estilismo adquiere matices más etéreos y relajados. Aquí predominan prendas de líneas suaves y materiales ligeros, como vestidos de estampados florales o lisos en tonos pastel y cálidos.

Este giro hacia la naturalidad evidencia una narrativa visual que apuesta por el minimalismo contemporáneo, alejándose de la exuberancia de la alfombra roja.

El maquillaje suele mantenerse sutil, con énfasis en la piel luminosa y labios definidos, mientras que los accesorios se reducen a lo imprescindible.

Un elemento recurrente es la exposición de tatuajes, integrados como parte de su identidad estética y narrativa. Estas decisiones refuerzan la coherencia entre lo urbano y lo elegante, mostrando una faceta más íntima de la artista.

Influencias urbanas y streetwear en el escenario

Sobre el escenario, explota al máximo las posibilidades del streetwear, fusionando prendas utilitarias, pantalones cargo estampados tipo camuflaje, tops ajustados y accesorios llamativos.

El uso de bandanas, gafas de montura ancha y calzado robusto refuerza la conexión con el hip hop y la cultura urbana global.

Un detalle distintivo es la integración de estampados gráficos y textiles personalizados, que aluden tanto a su nombre artístico como a su universo visual propio.

En las presentaciones en vivo, la preferencia por prendas de corte oversize y tonos neutros refuerza una estrategia de autoafirmación y branding personal, permitiendo que el vestuario funcione como extensión del mensaje musical.

El maquillaje y los peinados varían entre lo natural y lo audaz, adaptándose al contexto escénico, pero manteniendo siempre una coherencia con la estética general de la música urbana.

La constante en su estilismo es la apropiación de tendencias internacionales, transparencias, encaje, cuero, minimalismo cromático, siluetas ceñidas, y su adaptación a una narrativa personal.

Los tatuajes visibles, accesorios llamativos y peinados poco convencionales, como el cabello intervenido por mechones de colores, refuerzan una impronta de autoafirmación y pertenencia generacional.

En ocasiones, la artista utiliza camisetas deportivas en colores emblemáticos como el negro y el rojo, acompañadas por intervenciones capilares en los mismos tonos.

Este recurso evidencia una apropiación de códigos del deporte y la cultura popular argentina, reforzando la conexión con su público local y sus raíces.

La construcción de su imagen no es casual. Cada elección de vestuario, peinado o maquillaje responde a una estrategia de branding personal que busca fortalecer el vínculo con sus seguidores y posicionarla como referente de estilo.

El desarrollo de una estética multifacética y coherente le permite dialogar tanto con las tendencias globales como con los símbolos identitarios propios, trascendiendo géneros y fronteras.

El vestuario se convierte así en herramienta narrativa, utilizada para expresar estados de ánimo, etapas de su carrera y mensajes de empoderamiento, adaptándose a los códigos estéticos contemporáneos sin perder una identidad visual reconocible.

El resultado es una artista capaz de reinventarse sin perder su esencia, utilizando la moda como lenguaje universal para contar su propia historia.

Inés García y Lamine Yamal se posicionan como una pareja referente de la moda urbana contemporánea, fusionando códigos actuales con detalles de inspiración vintage.

Su estilo, como se ve en los últimos looks, capta la atención por una versatilidad estilística capaz de alternar entre lo cotidiano, lo deportivo y lo elegante.

Ambos apuestan por una combinación de influencias urbanas y deportivas, integrando prendas holgadas y materiales cómodos.

En su día a día, se inclinan por el streetwear relajado: en el caso de Lamine Yamal, predominan las camisetas tipo polo de bloques de colores, pantalones cortos amplios y zapatillas deportivas negras, piezas que se han convertido en su sello personal. Suele complementar con accesorios como gafas de sol oscuras, relojes metálicos y cadenas de cuentas de colores, elementos que suman dinamismo y frescura.

Inés García opta por pantalones vaqueros anchos o de corte recto, tops ajustados en tonos neutros y accesorios dorados —pulseras y collares— que suman sofisticación sin perder la esencia urbana. Detalles como fundas de móvil llamativas o bolsos pequeños cruzados refuerzan la expresión individual a través de objetos cotidianos, mientras que la funcionalidad se mantiene como criterio central en la elección de cada prenda.

Cuando el contexto exige mayor formalidad, el estilo de la pareja evoluciona hacia propuestas más sofisticadas. En eventos festivos, ella se luce con un vestido rosa brillante de escote profundo, y él prefiere una camiseta clara junto a un reloj colorido, manteniendo la atención en los accesorios como parte fundamental de su sello personal.

En galas y ceremonias, la monocromía se convierte en la protagonista del estilo de la pareja. Inés García elige un vestido negro largo con espalda descubierta y tacones, mientras que Lamine Yamal opta por pantalón y chaqueta oscuros de textura satinada. Ambas elecciones proyectan una imagen pulida y coherente, que reafirma su dominio sobre el lenguaje de la elegancia contemporánea.

Este tránsito entre lo informal y lo elegante conserva la coherencia visual de la pareja y subraya su habilidad para adaptarse a distintos entornos. La moda se convierte en un espacio compartido de experimentación y complicidad, donde cada elección refuerza el entendimiento mutuo y el deseo de expresar una identidad conjunta.

En el ámbito deportivo, la coordinación cromática se transforma en un sello distintivo. El futbolista recurre a la camiseta oficial de la selección española, gafas deportivas naranjas y pantalón corto a juego, mientras que la influencer acompaña la misma camiseta con vaqueros claros de tiro alto. Este gesto de coordinación no solo transmite apoyo mutuo, sino que también incorpora referencias a la moda de los años 2000, época en la que los looks de pareja marcaron tendencia en la cultura popular.

Las prendas deportivas y los accesorios llamativos, como gorras y zapatillas, se integran con naturalidad en la estética diaria de ambos. Así consolidan una imagen fresca y sintonizada con las tendencias juveniles actuales, manteniendo siempre un enfoque personal y original.

Durante sus recorridos urbanos, como en las calles de Nueva York, eligen prendas frescas y funcionales: camisetas, pantalones blancos, camperas de jean, sandalias planas y gorras. Los peinados desenfadados y los pequeños bolsos cruzados refuerzan su afinidad con las modas internacionales y el espíritu de la generación Z. Detalles como la manicura visible y el uso estratégico del color resaltan el carácter individual de cada uno, sin perder la armonía de conjunto.

Las tendencias clave en el estilo de la pareja incluyen el predominio del streetwear relajado con prendas holgadas y accesorios coloridos, la coordinación intencional en contextos deportivos, el protagonismo de los accesorios distintivos y la transición fluida hacia el formalismo en eventos especiales. Elementos como peinados pulidos, manicura bien cuidada, bolsos pequeños y la selección precisa de colores consolidan su presencia en el circuito de la moda urbana contemporánea.

Chad Michael Murray cumple 45 años consolidado como una figura que trasciende la pantalla. El actor no solo dejó huella con sus personajes en One Tree Hill y Gilmore Girls, sino que también instauró un arquetipo de masculinidad natural que mantiene su vigencia en el universo de la moda estadounidense.

El secreto de su influencia radica en la coherencia y la atemporalidad de su vestuario. Su estilo apuesta por prendas básicas, cortes relajados y un enfoque contemporáneo que huye de las tendencias pasajeras. Murray mantiene una apuesta constante por la tradición bajo una óptica renovada.

Las camisetas de tirantes blancas representan uno de los elementos más distintivos de su guardarropa y marcaron una era en Hollywood. Esta prenda, vinculada al imaginario del “working man” rural, ofrece sencillez y funcionalidad. Su diseño en algodón liso y corte ajustado realza su silueta atlética, mientras su uso en contextos informales refuerza una estética auténtica.

Los pantalones rectos y los jeans oscuros conforman la base de su vestimenta. El actor evita los diseños con roturas o desgastes extremos y prefiere tonos azules oscuros o claros con pernera recta. Esta elección proyecta una imagen tradicional que conecta con los códigos más sólidos de la moda masculina. Murray logra un equilibrio preciso entre lo clásico y lo actual, al demostrar que la elegancia reside en la sobriedad y en la elección de piezas que resisten el paso del tiempo.

En ocasiones formales, la selección de prendas se orienta hacia las chaquetas ligeras y americanas claras. El actor suele decantarse por americanas en tonos neutros, como el gris perla o el beige claro, acompañadas por camisetas de punto o camisas sencillas.

El resultado es un conjunto pulcro, nunca recargado, donde predominan las líneas limpias y la ausencia de estampados. Apenas se permite algún pin metálico discreto como único adorno, lo que subraya su preferencia por el minimalismo elegante.

El uso de accesorios sutiles es otra de las constantes en su estilo. Collares finos de cadena o cuero y pulseras metálicas discretas complementan sus atuendos sin robar protagonismo.

Este manejo de los accesorios permite agregar un toque personal y distinguido, manteniendo la atención en la composición general del look.

El calzado refuerza la dualidad de su imagen pública. En ambientes rurales, Murray recurre a botas de trabajo o zapatos de suela gruesa, diseñados para la funcionalidad y la resistencia.

En contraste, sobre la alfombra roja prefiere botines oscuros de cuero, de caña baja y líneas definidas, que aportan sofisticación sin perder la conexión con la tradición masculina.

En síntesis, el estilo de Chad Michael Murray se caracteriza por la predilección por prendas esenciales y combinaciones que privilegian la calidad, la comodidad y la autenticidad.

Su capacidad para alternar entre lo rural y lo urbano, lo informal y lo pulido, le permite mantener una vigencia indiscutida en el universo de la moda y servir de inspiración a nuevas generaciones.

Paleta cromática y elección de materiales

El análisis cromático revela una apuesta decidida por los tonos neutros, que otorgan versatilidad y elegancia a cada conjunto. El blanco, negro, azul oscuro, beige y gris claro dominan el vestuario del actor, permitiéndole transitar con naturalidad entre contextos rurales, urbanos o de gala.

Esta selección cromática facilita la adaptación del estilismo a diferentes situaciones, evitando el riesgo de caer en combinaciones estridentes o artificiales.

En cuanto a materiales, Chad Michael Murray favorece aquellos que ofrecen comodidad y durabilidad. El algodón predomina en camisetas y prendas informales, mientras que el jean es la base de sus pantalones y jeans.

Para los accesorios y el calzado, el cuero ocupa un lugar central, aportando resistencia y un acabado sobrio. En eventos formales, opta por tejidos ligeros y lisos, que brindan estructura sin rigidez excesiva, logrando un equilibrio entre elegancia y frescura.

El aspecto personal de Chad Michael Murray complementa la sencillez y autenticidad de su vestuario. El actor suele llevar el cabello largo, peinado hacia atrás o ligeramente despeinado, lo que suma un aire relajado y natural a su imagen. Esta elección contribuye a proyectar una masculinidad libre de rigideces, en sintonía con su estilo general.

La barba corta y bien delineada es otro de los signos distintivos de su cuidado personal. Este detalle aporta madurez y personalidad, sin perder la frescura propia de su imagen juvenil.

La propuesta de Chad Michael Murray se fundamenta en la coherencia, la atemporalidad y la autenticidad. Su vestuario, basado en prendas esenciales, colores neutros y materiales clásicos, le permite transitar entre lo rural y lo urbano con naturalidad.

El uso de accesorios discretos, el cuidado personal sobrio y la actitud relajada refuerzan una imagen atractiva para distintas generaciones.

El impacto de su estilo radica en la capacidad de inspirar tanto a jóvenes como a adultos, gracias a una propuesta que evita los ornamentos superfluos y las tendencias pasajeras.

La vigencia de Chad Michael Murray en el universo de la moda está asegurada por su fidelidad a los valores tradicionales, combinados con una sensibilidad contemporánea.

La aparición conjunta de Ariana Grande y Ricky Álvarez en las calles de Londres, durante la residencia de la cantante, atrajo miradas tanto por el regreso de la pareja como por la forma en que supieron combinar sus estilos. Más allá de la conexión sentimental, ambos mostraron una afinidad en la moda que destaca por sus guiños a la temporada y por incorporar detalles que ya marcan tendencia.

La pareja eligió prendas que equilibran comodidad y diseño actual. Ariana optó por un cárdigan crudo oversize de textura mullida, que combinó con jeans rectos azul claro.

El look se completó con zapatos de charol blanco tipo ballet de Sandy Liang, calcetines rojos, gafas redondas Loewe, pendientes gumball de Irene Neuwirth y una diadema rosa pálido que sujetaba un moño trenzado.

Por su lado, Ricky Álvarez lució una campera de jean trucker oscura, pantalones beige anchos, zapatos blancos con cordones y un gorro tejido azul marino.

La elección de cada prenda evidencia una atención especial tanto a las tendencias de moda como a la funcionalidad necesaria para enfrentar el frío londinense. Así, la pareja no solo destaca por su vínculo personal, sino también por su capacidad para transformar cada paseo en una referencia de estilo urbano internacional.

Comodidad, tendencia y sofisticación en cada aparición pública

La pareja construyó una identidad visual como pareja que destaca por la coherencia, la comodidad y la atención a los detalles, sin renunciar a la individualidad.

Sus elecciones de vestuario reflejan una comprensión de las tendencias contemporáneas, pero también una apuesta por la funcionalidad y la autenticidad.

En los contextos urbanos y cotidianos, Ariana y Ricky tienden a inclinarse por prendas de corte relajado, tejidos confortables y una paleta cromática dominada por tonos neutros, azulados y negros. Ricky suele optar por camperas de jean, pantalones amplios y gorros tejidos, que aportan una energía desenfadada y juvenil a su imagen.

Los accesorios añaden un punto de interés sin saturar el conjunto. Ariana, por su parte, frecuenta jeans ajustados, suéteres de punto en colores suaves y zapatos tipo bailarina con calcetines contrastantes, logrando un equilibrio entre lo clásico y lo actual.

Las gafas de sol de gran tamaño y los peinados recogidos refuerzan una imagen sofisticada y versátil, adaptable tanto a la luz del día como a las exigencias de la vida urbana.

En ambientes informales como parques o salidas recreativas, la pareja prioriza la practicidad y el confort. Ricky adopta camisetas sin mangas, pantalones de camuflaje y gorras, proyectando una imagen atlética y relajada.

Ariana elige conjuntos ceñidos en tonos oscuros, calzado plano y gafas de sol, manteniendo la coherencia con su preferencia por la comodidad, pero sin descuidar la estética.

Cuando el contexto demanda mayor formalidad, como en galas o eventos nocturnos, ambos recurren a códigos clásicos de elegancia. Ricky elige trajes oscuros con camisas blancas y corbata, manteniendo la sobriedad y el minimalismo.

Ariana apuesta por vestidos negros de falda amplia y escotes estructurados, acompañados de gargantillas o joyería discreta.

El maquillaje y el cabello adquieren un protagonismo mayor, con acabados pulidos y luminosos que complementan el vestuario. El predominio de los tonos oscuros y el uso de accesorios selectos evidencian un enfoque maduro, sin perder el carácter juvenil y la frescura que caracteriza su imagen.

La coordinación entre ambos nunca resulta forzada. Existe una complementariedad que se expresa en la elección de tonos, materiales y accesorios, pero cada uno mantiene signos distintivos.

Ricky suele destacar con prendas informales y detalles urbanos, mientras Ariana introduce elementos femeninos y de tendencia. Esta armonía estilística contribuye a consolidar una imagen de pareja moderna, cohesionada y auténtica, capaz de adaptarse a distintos escenarios sin perder su esencia.

El vestuario de la realeza británica trasciende la esfera del gusto personal y se convierte en un lenguaje propio, cargado de símbolos y significados. Cada atuendo elegido por una princesa, una reina o un príncipe responde a un sistema de reglas y costumbres transmitidas de generación en generación, donde nada queda librado al azar.

Las apariciones públicas de los miembros de la familia real funcionan como escenarios cuidadosamente planificados, en los que la moda y el protocolo se fusionan para proyectar la imagen de una institución sólida, disciplinada y atenta a su legado.

Desde los primeros años de vida, quienes forman parte de la monarquía reciben una educación rigurosa sobre la importancia de la vestimenta como representación de la corona. Para las niñas, los vestidos, cárdigans y medias son ineludibles; para los varones, el pantalón corto es norma hasta los ocho años, sin excepción estacional.

Estas elecciones no solo imponen una distancia con la sociedad civil, sino que refuerzan la continuidad y la tradición como pilares del linaje real.

Sobriedad, jerarquía y reglas

La clave del vestuario real es la sobriedad. Se espera que las faldas sean, como mínimo, a la altura de la rodilla y que no haya lugar para escotes pronunciados ni prendas demasiado ajustadas. Los abrigos deben mantenerse en público, incluso si el clima no lo exige, y el uso de sombreros es obligatorio en eventos formales realizados antes de las 18 horas.

A partir de ese horario, las tiaras, exclusivas para mujeres casadas, sustituyen a los sombreros, subrayando el estatus y la jerarquía dentro de la familia.

La exclusividad es una marca indeleble en el guardarropa real. Las tiaras y joyas no se eligen a gusto de la portadora, sino que se heredan de generación en generación, consolidando el linaje y la pertenencia al círculo más cercano de la corona.

Los accesorios también responden a reglas precisas: los guantes, por ejemplo, deben adecuarse a la longitud de las mangas del vestido, y el bolso de mano debe llevarse siempre en la izquierda para dejar libre la mano derecha al momento de saludar o estrechar manos. Este tipo de pequeños gestos, aunque discretos, están cuidadosamente planeados para transmitir mensajes de cortesía y autoridad.

El simbolismo de los colores y la elección de prendas

La elección de colores en la vestimenta real no es aleatoria. Los tonos brillantes, como el azul eléctrico o el rojo intenso, cumplen la función de hacer visible a la realeza en grandes eventos, siguiendo el principio de que “la monarquía debe ser vista para existir”.

Esta preferencia responde a una necesidad práctica, ya que facilita que el público distinga a los miembros de la familia real entre la multitud y asegura que cada aparición tenga el impacto deseado. La reina Isabel II, por ejemplo, era reconocida por su preferencia por los colores vivos, una costumbre que continúa la princesa Kate en la actualidad.

En el ámbito diplomático, la moda real se convierte en un instrumento de cortesía. Durante visitas oficiales, las integrantes de la familia eligen prendas que homenajean la cultura del país anfitrión, ya sea adoptando los colores nacionales o detalles inspirados en tradiciones locales.

Además, en ocasiones clave, la preferencia por diseñadores británicos refuerza la identidad nacional, mientras que el uso de firmas internacionales en determinados contextos sirve para estrechar lazos o mostrar apertura cultural.

Accesorios y detalles: mucho más que simples complementos

En la realeza, los accesorios tienen un papel fundamental, tanto en términos simbólicos como funcionales. Las tiaras, por ejemplo, representan no solo elegancia, sino también continuidad y pertenencia: son piezas heredadas que marcan el estado civil de quien las lleva, reservadas únicamente para mujeres casadas.

Los sombreros, obligatorios en eventos formales diurnos, y los guantes, utilizados en ocasiones de máxima etiqueta, siguen reglas estrictas de longitud y estilo según la prenda principal.

El bolso de mano, siempre en la izquierda, no solo es un detalle de protocolo, sino una señal de organización y control. Permite mantener la mano derecha libre para saludar y, además, es utilizado para enviar señales discretas al equipo de apoyo, indicando cuándo es momento de finalizar una conversación o retirarse de un lugar.

Código de vestimenta: entre la tradición y la flexibilidad moderna

El protocolo real establece una larga lista de reglas para el atuendo de sus miembros, pero también permite ciertas adaptaciones.

Aunque las normas siguen siendo estrictas, como la prohibición de minifaldas, el uso de colores sobrios en situaciones de luto y la obligatoriedad de incluir un traje negro en el equipaje para viajes internacionales, la realidad muestra que existen pequeños márgenes de flexibilidad.

Lady Di desafió la tradición al usar un vestido negro en un evento público, marcando un hito mediático. Meghan Markle y la princesa Kate han incorporado prendas más casuales en actividades informales, sin perder de vista la calidad y el diseño exclusivo exigidos por el protocolo.

El maquillaje y el esmalte de uñas también están regulados: solo se permiten tonos neutros y discretos, como el rosa pálido o el nude, alejándose de cualquier color llamativo que pueda desviar la atención del público. Incluso en este aspecto, la imagen de elegancia y moderación es prioritaria.

El guardarropa real, en definitiva, es una combinación de reglas estrictas, mensajes simbólicos y detalles cuidadosamente calculados. Cada prenda, color, accesorio y gesto están al servicio de la institución, reflejando la historia y los valores de la monarquía, así como su capacidad de adaptación sin perder la esencia que la distingue como una de las casas reales más observadas y estudiadas del mundo.

Una alfombra roja puede transformarse en el escenario de los gestos más inesperados de la moda. Cuando los fotógrafos enfocaron a Margaret Qualley durante el estreno de “The Dog Stars” en Londres, una imagen rompió el protocolo habitual de glamour: la actriz caminó sobre el concreto con los pies casi desnudos, luciendo las sandalias sin suelas de Chanel. La elección no solo desafió las reglas de etiqueta, sino que llevó la conversación sobre calzado a un nuevo nivel.

En mayo, Chanel presentó en Biarritz su colección Resort 2027, bajo la dirección creativa de Matthieu Blazy. Si bien la línea incluyó referencias clásicas como el tweed y una pasarela repleta de celebridades, la mayor sorpresa fueron las sandalias sin suelas, una pieza que consiste apenas en una talonera de cuero y cordones que dejan la planta y los dedos completamente expuestos.

La controversia encontró su punto más alto durante el estreno londinense de la película dirigida por Ridley Scott. Frente a la prensa y los fanáticos, la actriz de La sustancia optó por un atuendo que combinaba lo clásico y lo disruptivo: arriba, un vestido negro de Chanel con manga corta y flecos; abajo, las ya famosas sandalias que dejaban sus pies prácticamente al descubierto.

Características del look: entre la sofisticación y la provocación

El vestido elegido por Qualley es un diseño largo, de silueta entallada en la parte superior y falda fluida hasta los tobillos, realizado en paillettes negras circulares que generan un efecto de escamas y reflejan la luz con el movimiento. Los flecos en las mangas y el dobladillo suman textura y dinamismo.

El peinado y maquillaje refuerzan la apuesta por la naturalidad: cabello largo, raya al medio y ondas suaves, junto con un maquillaje discreto que acentúa las facciones de la actriz sin recargar el rostro. Los labios en tono marrón rosado y la piel luminosa completan el efecto de elegancia relajada.

Los accesorios también siguen una línea minimalista. La intérprete lució pendientes pequeños tipo “trepadores” y anillos finos de plata u oro blanco. El toque audaz llegó con las uñas en tonos oscuros, decisión que acompañó tanto el vestido como el calzado.

Las sandalias sin suelas: objeto de debate y símbolo de exclusividad

El calzado, rápidamente bautizado como sandalias sin suelas de Chanel, es la pieza que más comentarios ha generado. El modelo no está disponible para el público en tiendas ni en la web oficial de la firma.

La decisión de llevarlas en la alfombra roja no responde a una búsqueda de practicidad. Más bien, la alfombra roja es un lugar donde las estrellas deben divertirse y arriesgarse, y las sandalias cumplen ambos criterios. Además, el estilo personal de Qualley suele inclinarse hacia lo etéreo y lo romántico, por lo que la elección no resulta incoherente con su historial estilístico.

No está previsto que las sandalias alcancen un éxito comercial masivo. Su función parece centrarse en provocar conversación y posicionar a Chanel en la vanguardia del diseño experimental, especialmente en eventos de gran visibilidad.

La aparición pública de las sandalias sin suelas en un evento de alto perfil como el estreno de “The Dog Stars” marca un hito en la conversación sobre los límites de la moda en espacios formales. No están pensadas para ser populares ni para gustar a todo el mundo, y la reacción generada demuestra cómo una elección de calzado puede desplazar incluso al vestido más trabajado como centro de atención.

El equilibrio logrado por Margaret Qualley entre un vestido de corte clásico y un calzado radical demuestra el potencial de la moda para transformar narrativas y desafiar expectativas, incluso en contextos tan controlados como la alfombra roja. Las imágenes anticipan que esta apuesta de Chanel seguirá generando debate en los próximos meses, consolidando el lugar de la maison y de la actriz en el radar internacional de la moda.

La moda dejó a lo largo de la historia una lista extensa de prendas, cosméticos, accesorios, tendencias y recursos de belleza que prometían una apariencia deseada a costa de un impacto físico concreto. En varios períodos, la búsqueda de una cintura más pequeña, una silueta más llamativa, una postura determinada y un ideal de estética quedó ligada a prácticas que hoy serían leídas como una amenaza para la salud.

A partir de ese tipo de evidencia, distintas publicaciones reconstruyeron una genealogía de las tendencias de moda peligrosas, los riesgos físicos, los materiales tóxicos, las prácticas de compresión y los recursos de belleza que marcaron otras épocas.

El recorrido incluye tacos aguja, corsés, vestidos teñidos con arsénico, maquillaje con plomo, productos capilares con radio y faldas de gran volumen que podían incendiarse con facilidad.

Prendas que modificaban el cuerpo y afectaban la respiración o la movilidad

Los tacos altos, los zapatos de taco fino, la pisada inestable, la marcha alterada y las lesiones musculoesqueléticas aparecen entre los ejemplos más persistentes de esta relación entre apariencia y daño físico.

Un estudio científico publicado en PubMed relevó 18 investigaciones y encontró que el uso de ese tipo de calzado mostró asociación con juanetes, dolor musculoesquelético y lesiones en la propia usuaria. La revisión no encontró evidencia concluyente para todos los desenlaces analizados, pero sí identificó un patrón consistente en varias de las afecciones más frecuentes.

Ese dato permite leer con otra perspectiva una tendencia que durante décadas se presentó como un símbolo de elegancia, feminidad, distinción, estilo y estatus. La revisión científica describió que siete de ocho estudios sobre lesiones en primera persona encontraron un efecto significativo asociado con los tacos altos. Esa categoría incluye daños sufridos por quien los lleva puestos, con especial incidencia en pie, tobillo, articulaciones, músculos y equilibrio.

La historia del corsé, la cintura comprimida, la estructura corporal, la presión torácica y la respiración ofrece otro caso emblemático de cómo la ropa podía intervenir de manera directa sobre el cuerpo.

De acuerdo con The Conversation, esta prenda fue una de las más controvertidas de la historia del vestir por su capacidad para reducir visualmente la cintura a partir de una compresión sostenida del torso. El problema se agravaba con el llamado tight lacing, una modalidad de ajuste extremo que intensificaba la presión sobre costillas, órganos, diafragma y capacidad pulmonar.

Sustancias tóxicas y materiales inflamables que también marcaron tendencia

Otra parte de esta historia se explica por los materiales, los pigmentos, los metales, los compuestos químicos y las sustancias usadas para fabricar ciertas prendas o cosméticos. Durante la era victoriana, el verde esmeralda, el arsénico, los vestidos, los adornos textiles y los objetos de moda se combinaron en una tendencia de alto riesgo.

Según National Geographic, ese pigmento se volvió popular por su intensidad visual, aunque implicaba un nivel de toxicidad que afectaba tanto a usuarias como a trabajadoras textiles.

El caso de Matilda Scheurer se convirtió en una de las pruebas más impactantes del costo humano de aquella industria. La joven trabajaba con pigmentos verdes utilizados en la fabricación textil, elaborados con arsénico, y terminó sufriendo una intoxicación grave tras una exposición prolongada.

Según National Geographic, la autopsia detectó el tóxico en el estómago, el hígado y los pulmones, después de un cuadro que incluyó convulsiones y vómitos. Su muerte mostró de forma concreta hasta qué punto la moda podía implicar riesgos químicos severos mucho antes de que existieran regulaciones laborales modernas.

Los ideales de belleza también tuvieron un costo oculto. Durante siglos, la búsqueda de una piel pálida llevó al uso de cosméticos elaborados con plomo, una sustancia peligrosa que formó parte de distintas prácticas estéticas desde la antigua Roma hasta la Inglaterra del siglo XVI.

Según reconstruyó National Geographic, una de las figuras más asociadas a esa costumbre fue Elizabeth I, que utilizaba cerusa veneciana para disimular las cicatrices de viruela y mantener una tez clara, entonces vinculada con el prestigio social.

Cuando una artista logra que su ropero dicte el ritmo de la cultura pop global significa que ha trascendido el ámbito musical para convertirse en un icono generacional. Eso pasó con Dua Lipa, que cumple 31 años este 22 de agosto.

Mientras los reflectores de todo el mundo apuntan hacia su figura, la trayectoria de la cantante británica de ascendencia albanesa y kosovar no solo se mide por álbumes multiplatino o giras multitudinarias, sino por una asombrosa capacidad de redefinir las reglas del vestidor contemporáneo.

La compositora nacida en Londres celebra una nueva década consolidada como la musa indiscutible de las grandes casas de alta costura, convirtiendo cada alfombra roja, escenario y paseo casual en una lección magistral de estilo.

Del Y2K nostalgia al glamour de alta costura

Hablar del guardarropa de Dua Lipa es repasar una narrativa de transformación constante. En sus inicios, su propuesta estética coqueteaba fuertemente con la vibrante estética Y2K, rescatando la nostalgia de los años 2000 mediante pantalones de tiro bajo, accesorios llamativos, texturas metalizadas y tops tipo corsé.

Sin embargo, con el paso del tiempo y la madurez de su carrera, ese impulso juvenil evolucionó hacia una elegancia más pulida, audaz y sofisticada.

Hoy, Dua Lipa se mueve con la misma naturalidad entre un impactante vestido escultural con transparencias y bordados en la Gala del MET y un traje de sastrería impecable de líneas sobrias.

Su estilo se consolidó como un territorio en el que conviven el dramatismo maximalista y la sofisticación clásica. Plumas, encajes oscuros, siluetas corseteras de cuero y colas teatrales dialogan con referencias retro en un repertorio visual que confirma una versatilidad poco frecuente entre las estrellas pop de su generación.

Las claves del armario de Dua Lipa: los códigos de su identidad visual

A pesar de la variedad de sus elecciones estilísticas, existen hilos conductores inconfundibles que configuran la firma visual de Dua Lipa. El dominio absoluto de las transparencias y el encaje se ha erigido como uno de sus sellos más potentes, logrando un equilibrio fino entre la sensualidad vanguardista y la sutileza de la alta costura.

A esto se le suma un amor declarado por el estilo bondage y los detalles metálicos, representados en hebillas doradas, hebillas de cuero estructuradas, mallas plateadas deslumbrantes y cadenas que aportan una actitud rebelde y cinematográfica.

Por otro lado, la versatilidad de la cantante se traduce en su habilidad para transicionar desde la altísima sofisticación de los trajes nupciales e inspirados en el archivo retro de Chanel o Versace, hasta la naturalidad más urbana.

Dua Lipa ha demostrado que no le teme a las siluetas dramáticas, a las plataformas vertiginosas ni al uso audaz del color, intercalando vestidos rojos pasionales con capas infinitas con la pulcritud de conjuntos monocromáticos en tono blanco marfil.

Los inolvidables looks de su boda con Callum Turner

Si faltaba una cumbre estilística para consagrar su idilio con la moda, sus festejos nupciales con el actor Callum Turner reescribieron las normas del vestuario nupcial moderno.

Lejos del convencionalismo, la artista apostó por una dualidad inolvidable: primero, con una refinada sastrería de aire ‘retro’ y sombrero de ala ancha firmada por Schiaparelli para el sí civil en Londres; y más tarde, durante la ostentosa celebración en Sicilia, deslumbrando con un sublime vestido blanco de alta costura de Chanel adornado con plumas en el bajo, escote al cuello y la espalda al aire.

Con este despliegue de sofisticación, demostró que incluso en el momento más tradicional de la vida, su visión de la moda se mantiene libre, vanguardista y sumamente personal.

El día que rompió esquemas con “Dance the Night”

Un hito fundamental en la consolidación de su estatus como referente de estilo mundial ocurrió con el lanzamiento de su himno “Dance the Night” para la película Barbie. En ese proyecto, Dua Lipa no solo aportó la banda sonora definitiva del fenómeno cinematográfico, sino que rompió completamente los esquemas al reinterpretar el universo de la famosa muñeca bajo una mirada de alta moda.

Atrás quedó el rosa convencional: la artista abrazó una estética disco-futurista de la mano de Versace, vistiendo minifaldas metálicas, mallas brillantes, bisutería dorada con motivos de mariposas y el ya legendario naked dress de red plateada que paralizó los titulares en las premieres globales. Con esta era, demostró que podía apoderarse de un concepto de la cultura pop masiva y transformarlo instantáneamente en una tendencia sofisticada y vanguardista.

De la alta costura al fútbol: la inolvidable postal en La Bombonera

Si hay algo que define la autenticidad estilística de Dua Lipa es su capacidad para conectar con la cultura popular local de los lugares que visita de una forma orgánica y memorable.

Es imposible olvidar su paso por la Bombonera en Argentina, un momento que quedó grabado en la retina de sus fanáticos y de la cultura futbolera. Apareciendo en uno de los palcos del mítico estadio durante un Superclásico, la artista sorprendió al mundo luciendo la camiseta de la Selección Argentina combinada con accesorios urbanos y una actitud descontracturada.

Ese gesto no solo desató un furor absoluto en redes sociales, sino que reafirmó el fenómeno del street style de Dua Lipa: esa habilidad única para fusionar la indumentaria deportiva con el lujo y la moda de calle, convirtiendo una prenda icónica del deporte en una pieza de culto fashionista sin perder jamás la elegancia.

La intérprete no solo viste la moda, sino que la habita con un carácter y una autoconfianza que inspiran. Al apagar las velas este año, Dua Lipa reafirma que su estilo no es producto del azar, sino el reflejo de una mujer segura de su voz, su cuerpo y su lugar en el mundo de la cultura pop.

Hailey Bieber apostó por un giro inesperado en su último look, fusionando la nostalgia de los años 2000 con una tendencia cromática otoñal. La empresaria y modelo de 29 años fue fotografiada en West Hollywood donde destacó con un top lencero de un color poco habitual en su repertorio de Dolce & Gabbana.

La elección del color fue el amarillo ácido y sorprendió no solo por lo atrevido de la tonalidad, sino por cómo supo actualizar la estética lencera, sumándose a la corriente que marcó el pulso de la temporada.

Durante esa salida nocturna, la esposa del cantante canadiense Justin Bieber recuperó varios códigos visuales de principios de milenio. Llevó unos auriculares con cable, elemento icónico del Y2K, y una cinta de cabello en zigzag, ambos guiños a la era previa a los dispositivos inalámbricos y accesorios minimalistas.

Completó el estilismo con anteojos de sol estrechos, consolidando el aire retro sin perder el toque contemporáneo que caracteriza su imagen pública.

El top presentaba una silueta de tirantes finos, escote asimétrico y ribetes de encaje, en sintonía con la tendencia lencera que resurgió con fuerza en las pasarelas recientes.

Combinó el top con pantalones negros acampanados, sandalias a juego y un bolso de cuero, logrando que el color protagonista resaltara aún más sobre una base neutra.

Este color se viene consolidando como tendencia fuerte de cara al otoño norteamericano. En todos los casos, el amarillo ácido funcionó como símbolo de audacia y renovación dentro de la paleta cromática estacional.

El estilismo de Hailey Bieber

El estilo de Hailey Bieber siempre se caracterizó por una fusión meticulosa de elementos sofisticados y desenfadados, articulando tendencias internacionales con guiños a la moda de los noventa y principios de los 2000.

Su imagen proyectó un equilibrio constante entre el minimalismo y la sensualidad, visible tanto en sus elecciones para eventos formales como en sus apariciones urbanas y cotidianas.

A nivel visual, recurrió de manera recurrente a vestidos de tirantes delgados, tejidos satinados, prendas de encaje y transparencias, alternando entre tonos neutros, metálicos y acentos vibrantes.

En los looks de noche, predominó la influencia lencera, con vestidos largos o cortos en seda, malla y encaje, a menudo acompañados de detalles como aberturas o superposiciones translúcidas.

Para las alfombras rojas, prefirió piezas de corte arquitectónico, como corsés de acabado metálico y capas de tul, que aportaron un aire contemporáneo y artístico a su presencia.

En el contexto urbano y casual, Bieber optó por prendas de inspiración deportiva y retro: tops cortos, pantalones de algodón amplios, chaquetas con estampados y gafas de sol de formato estrecho.

Estas combinaciones reforzaron una estética relajada pero cuidadosamente calculada, en la que piezas básicas se mezclaron con elementos llamativos, como chaquetas de animal print sobre conjuntos monocromáticos.

Los accesorios en su estilismo tendieron a ser discretos pero efectivos. Anillos dorados, pendientes pequeños y gafas geométricas se convirtieron en sus señas de identidad.

El maquillaje, por su parte, se mantuvo en una línea natural, con piel luminosa, cejas definidas y labios en tonos neutros, mientras que su peinado alternó entre ondas suaves y recogidos pulidos, adaptándose al contexto de cada aparición.

Las prendas más emblemáticas de su armario incluyeron vestidos lenceros en diferentes largos, conjuntos de malla o encaje y piezas metálicas o satinadas.

La preferencia por tirantes finos, cortes que realzaban la silueta y superposiciones transparentes consolidó su imagen como referente de una sensualidad sofisticada y coherente con las tendencias más influyentes del panorama internacional.

A través de la alternancia entre looks pulidos para eventos y combinaciones urbanas relajadas, se posicionó como una figura central en la difusión de tendencias como el “naked dress”, el minimalismo sofisticado y la reinterpretación contemporánea del estilo noventero, consolidando una identidad visual clara y reconocible tanto en escenarios cotidianos como de alta moda.

La noche neoyorquina tuvo a Rihanna como protagonista absoluta en el universo de la moda. Alejada de las tendencias bohemias habituales del verano, la artista eligió un conjunto de terciopelo terracota de Chloé, una apuesta que rompe con los códigos clásicos y aporta una declaración de estilo. El terciopelo, con su acabado suave y sutilmente reflectante, aportó sofisticación y modernidad.

La chaqueta con cremallera y los pantalones de pierna ancha crearon una silueta relajada, cómoda y poderosa. Esta combinación siguió la tendencia global de priorizar el confort sin resignar atractivo visual.

El estilismo se completó con un bolso estructurado de piel efecto cocodrilo en tono ámbar, que introdujo un guiño de lujo y estructura. En los pies, Rihanna eligió unas sandalias de tacón fino de Amina Muaddi con tiras animal print, un detalle que acentuó el contraste de texturas y sumó actitud audaz al conjunto.

El animal print, presente tanto en el calzado como en el bolso, sumó una capa extra de sofisticación y personalidad. Los accesorios también cobraron protagonismo: unas gafas de sol aviador y la superposición de collares y pulseras doradas.

El peinado de rizos definidos acompañó la apuesta con una melena suelta que potenció el aire natural del look. El maquillaje, con acabado luminoso y labios marrón oscuro y brillantes, reforzó la impronta sofisticada.

En este estilismo, Rihanna dejó de lado el boho chic clásico y apostó por una versión más urbana y contemporánea, donde la comodidad, el lujo y el impacto visual se fusionaron en una propuesta única.

El estilo cotidiano de Rihanna: experimentación, mezcla de géneros y maximalismo

El análisis de los estilismos cotidianos de Rihanna revela una estrategia vestimentaria sustentada en la experimentación y la constante reinvención.

Su armario se convierte en un laboratorio donde conviven prendas oversize, materiales confortables y una selección de accesorios que desafían cualquier noción de discreción.

Se inclina por siluetas amplias, tejidos como el terciopelo, el algodón y materiales técnicos, y conjuntos coordinados donde la comodidad no está reñida con la presencia escénica.

Chaquetas voluminosas, pantalones holgados y sudaderas con capucha forman parte de sus elecciones recurrentes, siempre elevadas mediante accesorios llamativos, como bolsos de piel con textura animal y gafas de sol de gran tamaño.

La influencia del streetwear y la moda deportiva es una constante en sus looks urbanos. Leggings ajustados, cinturones anchos y prendas técnicas se combinan con zapatos de tacón y bolsos de autor, generando una tensión visual entre lo funcional y lo sofisticado.

La superposición de prendas, como chaquetas sobre tops lenceros o vestidos camiseros, potencia la riqueza visual y refuerza su inclinación por el layering, tendencia central en la moda urbana contemporánea.

En contextos formales, como alfombras rojas, Rihanna opta por vestidos de alto impacto: siluetas escultóricas, materiales brillantes y aplicaciones de pedrería que la conectan con la haute couture y la tendencia futurista.

Para sus actuaciones, prefiere conjuntos monocromáticos, como el mono rojo con cinturón y detalles utilitarios, alineados con la estética utility y los colores saturados que dominan la moda actual.

El maquillaje y los peinados de Rihanna varían en función de la ocasión, desde acabados naturales y piel luminosa hasta apuestas teatrales con labios oscuros, apliques de pedrería y recogidos elaborados, fieles a la tendencia de beauty statement que privilegia la autoexpresión.

Lejos del minimalismo, Rihanna hace de la autoexpresión y la mezcla de estilos su sello distintivo. Su vestimenta es reflejo de una moda global que privilegia la individualidad, la comodidad reinterpretada y el poder de los accesorios como transformadores de cualquier conjunto.

La reciente broma de Nicolás Keenan a su pareja, Rob Jetten —primer ministro de Países Bajos— tras la victoria de Los Leones en el Mundial de hockey, se viralizó en pocas horas y puso el foco sobre el perfil público del delantero argentino. Más allá de su desempeño en el deporte, Keenan se consolidó como una figura influyente en la moda masculina, con elecciones de vestuario que suelen captar la atención fuera de las canchas.

En cada aparición pública y sesión fotográfica, el Primer Caballero del Reino de los Países Bajos muestra una evolución en su estilo, combinando comodidad y sofisticación en conjuntos que reflejan tanto su historia personal como las tendencias actuales.

No se limita a la indumentaria deportiva: construyó una identidad visual propia, alternando prendas básicas con elementos contemporáneos y diferenciándose por un enfoque natural y coherente.

Looks casuales: básicos elevados y capas inteligentes

El vestuario cotidiano de Keenan, de 29 años, revela una predilección por los básicos de líneas limpias y por una paleta cromática sobria. Las camisetas lisas, especialmente en blanco y azul claro, constituyen el punto de partida de sus conjuntos, permitiendo la creación de capas sutiles mediante camisas desabotonadas o suéteres de tejido liso.

Este recurso de superposición no solo aporta dimensión y dinamismo al look, sino que también ofrece versatilidad, facilitando la adaptación a diversas situaciones urbanas y climáticas.

Los pantalones de jean azul y los pantalones de vestir en tonos oscuros se alternan como opciones principales, siempre con cortes rectos o ligeramente relajados.

Esta elección, lejos de ser casual, responde a la tendencia actual de fits amplios en la moda masculina, donde la comodidad adquiere protagonismo sin sacrificar la elegancia. Keenan evita los extremos: sus prendas no caen en el exceso de holgura ni en la rigidez, logrando una silueta fluida y desenfadada.

La atención al detalle se manifiesta en la selección de accesorios, que nunca compiten con el resto del conjunto. Un reloj metálico, cinturones de cuero y gorras con gráficos sencillos aportan un toque personal y funcional, sin recurrir a excesos decorativos.

Las zapatillas deportivas blancas se convierten en un sello de su estilo casual, reforzando la idea de un vestuario pensado para el movimiento y la vida activa, pero siempre bajo un marco de sobriedad.

El uso de camisas de cuadros y chaquetas ligeras introduce un matiz urbano y juvenil, permitiendo juegos de contraste entre lo clásico y lo contemporáneo.

La repetición de estas piezas en distintos contextos sugiere una preferencia consciente por los básicos atemporales, a los que Keenan sabe dotar de actualidad mediante el ajuste de proporciones y la elección de materiales.

Es habitual observarlo con una camiseta blanca combinada con una camisa azul celeste abierta o una camisa de cuadros superpuesta a una camiseta básica.

Estas fórmulas no solo evidencian dominio de la superposición, sino que también muestran su capacidad para construir looks armónicos en los que cada elemento cumple una función concreta.

La coherencia de su estilo radica precisamente en esa suma de decisiones sutiles que, lejos de buscar el impacto inmediato, apuestan por la constancia y la autenticidad.

Propuestas editoriales y looks mediáticos: experimentación y tendencia

En escenarios de mayor exposición pública o en campañas editoriales, Keenan despliega una faceta más experimental, alineada con las tendencias internacionales que apuestan por la fusión de géneros, la sastrería reinterpretada y el cruce de códigos formales e informales.

Estos looks, lejos de limitarse a la corrección clásica, exploran el potencial expresivo de la moda como herramienta de comunicación personal y profesional.

Uno de los ejemplos más destacados de su producción reciente consiste en la combinación de un blazer amplio con shorts y medias deportivas.

Este estilismo, que conjuga elementos propios de la sastrería con guiños al universo deportivo, responde a una tendencia global que ganó espacio en las pasarelas: la de jugar con las proporciones y romper la frontera entre lo formal y lo casual.

Para ocasiones que exigen mayor formalidad, el argentino recurre a camisas blancas, chalecos y pajaritas en tonos neutros, eligiendo cortes tradicionales que refuerzan la sobriedad.

Sin embargo, incluso en estos contextos, introduce detalles actuales, como la preferencia por prendas de gran tamaño o la inclusión de elementos deportivos, adaptando los códigos clásicos a una impronta personal y moderna.

Tanto en sus looks casuales como en sus apuestas editoriales y mediáticas, Nicolás Keenan consolida así una propuesta de moda coherente, actual y adaptable.

La broma de Nico Keenan a su pareja Rob Jetten

Los Leones avanzaron este jueves a los cuartos de final del Mundial de Hockey tras golear 7-1 a Nueva Zelanda en el torneo que se disputa en Países Bajos y Bélgica. Keenan, figura y autor de uno de los goles, protagonizó un momento viral al bromear sobre la ausencia de su pareja, el primer ministro neerlandés, en las tribunas del estadio.

Ante las cámaras de la televisión, el argentino comentó entre risas que su tanto llegó justo el día en que Rob Jetten no asistió al partido: “¡Que no venga más!”, bromeó.

Jetten había acompañado a su pareja en los dos encuentros anteriores de la selección argentina, alentando en la victoria frente a Japón y en la derrota ante Países Bajos, donde eligió prendas de ambos colores nacionales para evitar mostrar favoritismo.

La relación pública entre Keenan y Jetten volvió a captar la atención mediática, sumando un componente personal y distendido al desempeño del delantero argentino en el Mundial.

Keenan es considerado además el Primer Caballero de los Países Bajos. Aunque él y su pareja están comprometidos, pero aún no se han casado formalmente, la prensa y el protocolo ya le asignan este título debido a la asunción del cargo de Jetten, en febrero de este año, y la consolidación pública de su relación institucional.

La influencer y empresaria Alexandra Saint-Mleux, quien también es esposa del piloto de Ferrari, Charles Leclerc, volvió a llamar la atención en redes sociales al presumir su embarazo durante sus vacaciones por el Mediterráneo, esta vez luciendo un atuendo típico mexicano que resaltó sus raíces familiares.

La joven de 24 años compartió el pasado 19 de agosto una serie de fotografías tomadas en alta mar, en las que aparece junto al piloto de Fórmula 1. En las imágenes, Alexandra luce un vestido artesanal de México, un detalle que rápidamente llamó la atención de sus seguidores, especialmente entre el público mexicano.

Aunque la pareja todavía no ha revelado el sexo del bebé, Alexandra ha mostrado su embarazo en distintas ocasiones. Durante el pasado Gran Premio de Hungría, fue captada por primera vez en el paddock con el vientre visible y, en sus publicaciones más recientes, también ha compartido fotografías en las que presume su pancita.

Alexandra Leclerc resalta sus raíces mexicanas

El atuendo elegido por Alexandra destacó por sus bordados florales y su estilo tradicional mexicano, con el que rindió homenaje a parte de su herencia familiar.

La madre de la también modelo es originaria de Cancún, mientras que su padre es suizo. Por ello, el futuro hijo o hija de Alexandra y Charles Leclerc tendrá ascendencia mexicana por parte de su abuela materna.

Andrew Garfield celebra este jueves 20 de agosto sus 43 años consolidado como un referente de elegancia contemporánea.

Cada aparición pública del actor y productor británico-estadounidense, conocido mundialmente por interpretar a Peter Parker en las películas The Amazing Spider-Man (2012-2014) y por su regreso en Spider-Man: No Way Home (2021), despierta expectativa entre críticos, seguidores y diseñadores, ya que su vestuario revela la capacidad de reinventar los códigos clásicos del traje masculino.

La pareja de la actriz estadounidense Monica Barbaro se ha convertido en un modelo a observar por quienes buscan inspiración en el vestir formal, demostrando que la sofisticación puede dialogar con la comodidad y la individualidad.

Más allá de su faceta como superhéroe, su prestigio en la industria del cine y su aporte constante a la evolución del estilo masculino lo posicionan como uno de los referentes actuales en materia de moda y elegancia.

El traje, protagonista en clave contemporánea

La base del estilo de Garfield reside en el traje, reinventado a partir de siluetas relajadas y detalles modernos. Alejado de la rigidez tradicional, elige chaquetas cruzadas o de doble botonadura acompañadas por pantalones de tiro alto y pierna ancha.

Este enfoque, más allá de la comodidad, aporta una imagen dinámica y segura, alejándose del convencionalismo y permitiendo mayor libertad de movimiento.

La paleta cromática es otro de los puntos distintivos. El actor evita el negro absoluto y opta por colores tierra como el beige, el marrón o el verde olivo, así como azules y grises medios.

En ocasiones, apuesta por la monocromía, vistiendo camisa, saco y pantalón en la misma gama cromática o en matices muy próximos, logrando así una cohesión visual que resalta la silueta y actualiza el concepto de elegancia masculina.

Materiales y texturas: sobriedad y control visual

Garfield privilegia tejidos de caída suave y acabado mate, como la lana ligera y el algodón, a menudo enriquecidos con fibras sintéticas. Esta selección responde a una búsqueda deliberada de sobriedad visual y textura controlada, evitando brillos o materiales demasiado llamativos.

La elección de camisas estampadas o con texturas diferenciadas bajo el traje añade interés visual y rompe la monotonía formal.

En eventos menos formales, el actor recurre a piezas de punto grueso en tonos pasteles, como un suéter celeste de ochos combinado con pantalón claro.

Esta alternativa amplía el espectro de registro en el guardarropa masculino, integrando el confort sin perder sofisticación y demostrando que es posible jugar con prendas tradicionalmente casuales en espacios públicos.

Detalles y accesorios: equilibrio entre discreción y personalidad

La selección de accesorios en la imagen de Garfield responde a una lógica de equilibrio. Prefiere anillos, relojes de caja grande y gafas de sol de montura cuadrada, elementos que aportan carácter sin saturar el conjunto. Las camisas, en ocasiones, se llevan abiertas varios botones, reforzando una masculinidad relajada y natural.

El calzado es otro elemento diferenciador: alterna entre mocasines, botas clásicas y, en ocasiones especiales, zapatillas deportivas blancas que introducen un matiz desenfadado incluso en looks formales.

Esta atención al detalle permite que cada aparición pública sea una lección de estilo: Garfield enseña que la clave está en la medida justa, evitando excesos y apostando por la coherencia visual. Así, se mantiene fiel a una estética contemporánea y adaptable, donde cada elemento cumple una función precisa.

Referencias retro y herencia setentera

Uno de los sellos más reconocibles en su vestuario es la influencia de la moda de los años 70. Las siluetas holgadas, las chaquetas con solapas anchas y el predominio de colores neutros o terrosos remiten directamente a esa época.

El actor refuerza este guiño retro con camisas de cuello abierto, ausencia de corbata y, en ocasiones, estampados de inspiración vintage. Esta referencia, lejos de ser una copia literal, se reinterpreta bajo una óptica actual, dotando a cada conjunto de una identidad única.

Contrastes entre formalidad y desenfado

Aunque Garfield recurre al esmoquin negro tradicional en galas de alto perfil, su aproximación general es suavizar la formalidad a través de detalles casuales.

Camisas sin corbata, mangas remangadas, botones abiertos y posturas relajadas son recursos frecuentes. El resultado es una imagen sofisticada pero accesible, alineada con la tendencia del “soft tailoring”, que redefine el traje como una prenda versátil y adaptable a distintos registros sociales.

Elementos distintivos y toques personales

Entre los elementos más característicos del actor destacan las camisas estampadas, utilizadas en eventos selectos para aportar un toque lúdico y diferenciador.

Las gafas de sol oscuras, empleadas tanto en interiores como exteriores, acentúan el tono contemporáneo de sus apariciones. La preferencia por colores sólidos y materiales mates refuerza la búsqueda de sobriedad y control visual, alejándose de lo ostentoso.

A lo largo de su trayectoria reciente, Garfield ha demostrado que la moda masculina puede ser terreno de experimentación y personalidad.

Su capacidad para reinterpretar el traje clásico, arriesgar con colores y detalles, e integrar referencias históricas y contemporáneas, lo ha posicionado como un referente indiscutido de elegancia en el siglo XXI.

Cada aparición suya es un ejemplo de cómo evolucionar en la moda sin perder coherencia ni autenticidad.

Hoy, Gabrielle “Coco” Chanel cumpliría años y París, y el mundo de la moda, aún celebran su legado con cada desfile, cada bolso acolchado y cada chaqueta de tweed que llega a la alfombra roja. Chanel no es solo una casa de moda: es un lenguaje universal de elegancia y libertad, interpretado y reinventado por las celebridades más influyentes de la cultura pop actual.

Cada 19 de agosto, el mundo de la moda recuerda el nacimiento de esta mujer que cambió para siempre la manera en que se visten las mujeres y el modo en que se entiende el lujo. Chanel no es solo historia: es presente y futuro en cada pasarela, en cada portada, en cada celebrity que elige la maison para dejar su huella.

Nacida en 1883 en Saumur, Francia, transformó una infancia marcada por la adversidad en el motor de su creatividad. Su mayor revolución no fue solo liberar a la mujer del corsé y la incomodidad, sino inyectar una nueva actitud: la moda ya no sería una prisión, sino un medio de expresión.

Apostó por líneas depuradas y tejidos cómodos, el tweed, el punto, la lana, y convirtió el negro, antes reservado para el luto, en emblema de sofisticación y poder con su mítico “little black dress”.

La diseñadora supo desde el inicio que la elegancia no era sinónimo de exceso. Así, su estilo se volvió inconfundible: chaquetas de tweed con bolsillos prácticos, cadenas doradas, perlas mezcladas sin miedo y el famoso bolso acolchado 2.55, que permitió a las mujeres llevar sus pertenencias con las manos libres y máxima elegancia.

Famosas y Chanel: una relación de culto

Si hay un indicador de vigencia en la moda, es ver cómo las celebridades reinterpretan los clásicos en cada temporada. Chanel es la maison favorita de actrices, modelos y figuras del pop mundial.

Kristen Stewart, embajadora y musa de la firma, ha mostrado en cada aparición la versatilidad de la marca: desde minifaldas navy y tops blancos, hasta cárdigans gruesos y zapatos de charol, su estilo fusiona el desenfado californiano con la irreverencia parisina. Stewart personifica el espíritu Chanel: libertad, androginia y modernidad.

En los desfiles de París, Penélope Cruz deslumbra con conjuntos de punto negro, chaquetas abotonadas y bolsos de cuero con cadenas, encarnando la elegancia clásica.

Kendall Jenner prefiere vestidos midi de lentejuelas rojas, abrigos de plumas y zapatos bicolor, mientras que Dua Lipa lleva la audacia al extremo con prendas estampadas y broches con el logo inconfundible.

Anna Wintour, la influyente editora de Vogue, ha hecho del abrigo de tweed blanco y negro con cuadros y flecos un estandarte de autoridad y sofisticación.

Kylie Jenner suma el toque “it girl” con minifaldas plisadas de tweed, chaquetas cortas y gafas oscuras, todo rematado por los zapatos slingback negros que Chanel convirtió en objeto de deseo.

Cada famosa interpreta el legado de Coco a su manera, pero todas demuestran que Chanel es una lengua franca de la moda: atemporal, lujosa y siempre relevante.

Chanel en la pasarela: evolución y artesanía

La última colección otoño-invierno 2026 de Chanel reafirma el ADN de la casa en clave contemporánea. El tweed, tejido fetiche de la maison, se fusiona con encaje guipur y aplicaciones florales bordadas a mano, aportando textura y profundidad.

Las siluetas se relajan y las proporciones se suavizan, pero la sofisticación sigue intacta. Los tonos neutros dominan la paleta, salpicados de acentos en accesorios y detalles.

En cada desfile, las modelos llevan bolsos 2.55, collares de perlas y reinterpretaciones del “little black dress” que Vogue alguna vez describió como “el uniforme de la mujer de buen gusto”.

El Chanel actual rehúye el exceso y celebra la artesanía: cada prenda es pensada para durar más allá de la temporada, reafirmando que el verdadero lujo es la permanencia.

El legado Chanel: moda, independencia y autenticidad

Chanel no es solo una marca: es un manifiesto de autonomía. La maison, con más de 300 boutiques en el mundo, sigue fiel al principio fundacional de su creadora: “La belleza comienza en el instante en que decides ser tú misma”. La casa democratizó el lujo y lo convirtió en una experiencia cotidiana, invitando a cada mujer a apropiarse de la elegancia y la libertad.

El logo de la doble C, los botones dorados y la mezcla de oro y perlas han trascendido décadas. Hoy, en cada alfombra roja y evento exclusivo, Chanel acompaña a quienes desean expresar fuerza y sofisticación. Series, películas y documentales siguen explorando la vida de Coco.

Cada aniversario de Chanel es un recordatorio de que la moda puede cambiar el mundo. La maison que inventó la comodidad chic y el lujo accesible sigue siendo referencia para nuevas generaciones de diseñadores y celebridades.

En cada desfile, en cada look de gala, Chanel demuestra que el estilo auténtico nunca pasa de moda. Coco, la mujer que convirtió la rebeldía en elegancia, sigue viva en cada prenda, cada bolso y cada mujer que elige ser libre.

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York anunció que la gran exposición de la primavera de 2027 de su Costume Institute estará dedicada a John Galliano. John Galliano: Horizons recorrerá cuatro décadas de trayectoria, desde sus años de estudiante en Central Saint Martins de Londres hasta su trabajo para su propia firma, Givenchy, Christian Dior y Maison Margiela. Será la primera gran retrospectiva museística centrada exclusivamente en el diseñador, a quien el propio Met define como uno de los creadores más inventivos e influyentes de la moda contemporánea.

La elección tiene además un carácter excepcional: Galliano será solo el tercer diseñador vivo al que el Costume Institute dedica una exposición monográfica, después de Yves Saint Laurent, en 1983, y Rei Kawakubo, en 2017.

Pero su trayectoria quedó marcada en 2011 por varios episodios de insultos antisemitas y racistas que provocaron su despido de Dior y una posterior condena de la Justicia francesa. De ahí que el anuncio haya recuperado una discusión que excede ampliamente la moda: ¿merece Galliano semejante reconocimiento? Quizá la pregunta esté mal planteada. Una exposición no es exactamente un premio y un museo no es un salón de la fama para figuras moralmente ejemplares. Según el Consejo Internacional de Museos, su función incluye investigar, conservar, interpretar y exhibir patrimonio, pero también favorecer la educación y la reflexión.

El caso Galliano obliga, así, a preguntarse algo más complejo: cómo reconocer una aportación cultural extraordinaria sin transformar ese reconocimiento en la absolución de quien la produjo.

Antes de Dior ya estaba Galliano

Para entender la polémica hay que comprender primero por qué Galliano importa.

En 1984 presentó en Saint Martins Les Incroyables, una colección de graduación inspirada en la Francia posrevolucionaria y atravesada por la cultura del Londres de los ochenta. Aparecían ya allí los elementos que definirían su lenguaje: historicismo, romanticismo, dramatización de la silueta y, especialmente, la utilización de la ropa para construir personajes.

Su singularidad no residió simplemente en recurrir al pasado. Galliano podía partir del siglo XVIII, del corte al bies de la diseñadora francesa Madeleine Vionnet, del cine o de un personaje literario y recombinar todas esas referencias hasta convertirlas en algo reconociblemente suyo. La historia no era un archivo que reproducir, sino una materia que desmontar y volver a ensamblar.

Detrás de la teatralidad existía además una enorme competencia técnica: dominio del corte, atención a la construcción del cuerpo y una capacidad extraordinaria para conseguir movimiento y ligereza en prendas de gran complejidad.

Por eso Dior no inventó a Galliano. Cuando llegó a la casa francesa en 1996 el británico llevaba más de una década desarrollando su lenguaje y había pasado ya por Givenchy. Dior le dio algo diferente: escala. El archivo, la alta costura, los artesanos, los recursos económicos y el alcance global permitieron proyectar aquella imaginación sobre una de las grandes instituciones de la moda.

El desfile como mundo

John Galliano tampoco se limitó a hacer vestidos espectaculares. Contribuyó a transformar el desfile en una experiencia narrativa en la que prendas, música, maquillaje, escenografía, casting y movimiento construían un mismo universo. Él, Alexander McQueen y otros diseñadores de los años noventa desplazaron el desfile hacia territorios próximos al teatro y la performance, convirtiéndolo en un espacio desde el que articular fantasías, identidades y ansiedades contemporáneas.

Galliano entendió antes de que el storytelling se convirtiera en lenguaje habitual del marketing que una colección podía contar una historia completa. Las modelos no llevaban simplemente ropa: encarnaban personajes. Sus desfiles podían funcionar como acontecimientos culturales y no únicamente como presentaciones comerciales. En ese proceso contribuyó también a consolidar la figura contemporánea del director creativo como autor total: alguien capaz de diseñar prendas, interpretar un archivo, construir imágenes y producir un universo simbólico alrededor de una marca.

Ahí reside buena parte de su excepcionalidad. En Galliano convergen conocimiento histórico, virtuosismo técnico, intuición visual y una capacidad narrativa poco habitual. Calificarlo de “genio” resulta problemático precisamente porque la propia noción arrastra una larga mitología cultural. Pero ignorar la excepcionalidad de su talento impediría comprender por qué su caso resulta tan incómodo. Si hubiera sido un diseñador menor, probablemente este debate no tendría la misma intensidad.

La decisión del Metropolitan de dedicarle esta retrospectiva también puede leerse en relación con el momento que atraviesa la propia moda. En un sistema cada vez más condicionado por la velocidad, la producción continua de novedad y la circulación inmediata de imágenes, la dimensión artística y cultural de la disciplina corre el riesgo de quedar subordinada a su lógica industrial y comunicativa. Volver sobre Galliano permite precisamente recordar otra tradición de la moda: la que investiga, cita, construye lenguaje, produce memoria y dialoga con la historia del arte, el cine, la literatura o la cultura visual.

En ese sentido, no resulta extraño que sea un museo quien vuelva a situarlo en el centro. Si una institución cultural no reivindica la moda como objeto de conocimiento, creación y patrimonio, difícilmente lo hará una industria sometida a la urgencia de la siguiente temporada. Y si se busca una figura capaz de condensar esa dimensión artística de la moda contemporánea, Galliano resulta difícil de sustituir.

Su caída en 2011 alteró inevitablemente la lectura de todo lo anterior. Tras ser despedido de Dior, regresó a la industria como director creativo de Maison Margiela. Se puede estudiar el contexto de adicciones, presión profesional y deterioro personal que acompañó aquel periodo, pero contextualizar no equivale a justificar. La cuestión es qué ocurre cuando lo que conocemos del autor modifica nuestra experiencia de su obra.

Un vestido de Galliano de 1997 no cambió materialmente en 2011. Cambió el contexto desde el que lo mirábamos.

Qué exposición merece Galliano

Ahí entra el museo. Las instituciones culturales no solo conservan objetos: producen contextos y participan en su legitimación. Desde la sociología de la cultura sabemos que el canon no depende únicamente del valor intrínseco de las obras, sino también de museos, críticos, conservadores y otras instituciones capaces de otorgarles reconocimiento.

Por eso situar a Galliano junto a Saint Laurent y Kawakubo entre los escasísimos diseñadores vivos que han recibido una monográfica del Costume Institute supone una afirmación sobre su posición en la historia de la moda.

La pregunta deja entonces de ser si Galliano merece una exposición para convertirse en otra: qué exposición merece Galliano. El Metropolitan ha adelantado que Horizons abordará tanto su producción creativa como sus comportamientos antisemitas, racistas y antiasiáticos de 2010 y 2011, sus consecuencias y el modo en que han modificado la recepción posterior de su trabajo. Una retrospectiva que recurriera al viejo relato romántico del “genio atormentado” correría el riesgo de blanquear su biografía. Pero eliminarlo de la historia produciría también un relato incompleto.

Admirar sin mitificar

El debate conecta con una vieja cuestión de la filosofía del arte: si la valoración estética puede mantenerse completamente separada de la moral. El filósofo americano Noël Carroll ha defendido un “moralismo moderado” según el cual, en determinadas circunstancias, los aspectos éticos pueden formar legítimamente parte de nuestra valoración artística.

Esta posición permite evitar dos extremos: ni la conducta de un creador vuelve automáticamente irrelevante toda su obra, ni la excelencia artística convierte en irrelevante su responsabilidad moral. Ese podría ser precisamente el reto del Metropolitan: permitir al público apreciar la innovación de Galliano sin necesidad de mitificar al hombre. Enseñar, en definitiva, no qué debe admirarse, sino cómo mirar críticamente aquello que admiramos.

Ahí reside probablemente el verdadero interés de John Galliano: Horizons. Más que resolver la vieja cuestión de si es posible separar la obra de su autor, la exposición obliga a pensar cómo se incorpora al patrimonio cultural una figura cuya importancia histórica convive con una biografía difícil de neutralizar.

Porque los museos no solo conservan el pasado: también producen los marcos desde los que ese pasado será interpretado. Decidir qué se exhibe, cómo se contextualiza y qué lugar ocupa dentro del relato institucional forma parte de la construcción misma del canon.

El caso Galliano plantea así una cuestión que excede ampliamente a la moda: cómo reconoce una sociedad el valor de aquello que considera culturalmente relevante sin convertir ese reconocimiento en indulgencia. Quizá ese sea uno de los desafíos contemporáneos de la cultura: aprender a preservar la complejidad sin convertirla ni en absolución ni en borrado.

*Socióloga y doctora en Creatividad Aplicada, UDIT - Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: David Harriman/ MUBI vía AP; Reuters/ Brendan McDermid/ File Photo; AP Photo/ Jacques Brinon, File y Bestimage/ MUBI vía AP]

La actriz y productora australiana Margot Robbie, que saltó a la fama internacional tras su deslumbrante papel en El lobo de Wall Street (2013) y se consolidó globalmente al protagonizar el fenómeno cultural Barbie (2023), sorprendió a la escena parisina al apostar por un atuendo que remite directamente a la sofisticación y audacia de Samantha Jones, el icónico personaje de Sex and the City.

Reconocida por su versatilidad tanto en la pantalla como en la moda, la actriz de 36 años fue vista esta semana en la capital francesa luciendo un conjunto que evocaba no solo el espíritu de la célebre publicista neoyorquina, sino también el magnetismo de las grandes figuras urbanas de la cultura pop.

En una cena familiar junto a sus padres y esposo, Margot Robbie eligió un look compuesto por un corsé negro, una falda de talle bajo y sandalias Jude de tiras finas.

El conjunto se completó con el bolso Alaïa Le Teckel, pieza de culto entre las expertas en moda, y un peinado bob pulido que remite al estilo clásico de Samantha Jones.

Esta selección marcó una clara ruptura con las elecciones más relajadas que Robbie había mostrado en los últimos meses, donde predominaban los jeans incluso en eventos tan codiciados como after parties de la Met Gala.

La referencia a Samantha Jones no es fortuita. El personaje interpretado por Kim Cattrall es recordado por sus apuestas sartoriales arriesgadas, que iban desde el brillo metálico hasta los cortes asimétricos, pasando por accesorios llamativos y una actitud que convertía cualquier conjunto en una declaración de poder.

El estilo de Margot Robbie

Más allá de episodios puntuales como su homenaje a Samantha Jones, el estilo de Margot Robbie se construye sobre una base de eclecticismo controlado y coherencia visual.

La actriz alterna entre la sobriedad funcional y la teatralidad de alta costura, consolidando una imagen en la que cada elección parece responder a un guion preciso de elegancia y autenticidad.

En el día a día, Margot Robbie opta por prendas de líneas sencillas y cortes amplios, como camisas blancas de tela satinada combinadas con pantalones de jean azul claro. Los accesorios cumplen una función estructurante: gafas de sol de montura negra y bolsos de cuero aportan equilibrio cromático y funcionalidad.

La apuesta por una paleta de colores neutros y materiales clásicos, como el algodón o la seda, refuerza una imagen relajada pero contemporánea que se adapta a contextos informales sin sacrificar el refinamiento.

Cuando se trata de eventos formales o alfombras rojas, el estilo de Robbie experimenta una transformación evidente. Prefiere vestidos de alta costura con acabados satinados, encajes o aplicaciones tridimensionales, y suele recurrir a cortes sirena, escotes palabra de honor y detalles que realzan la estructura de las prendas, como drapeados o corsetería visible.

Los colores elegidos varían desde metálicos y neutros hasta rojos intensos y negros translúcidos, creando un contraste marcado respecto a sus elecciones cotidianas. Los accesorios en estos casos suelen incluir piezas de joyería dorada o con pedrería, mientras que el peinado y el maquillaje se mantienen en tonos suaves para enfocar la atención en la indumentaria.

En contextos de moda experimental, como sesiones fotográficas o colaboraciones con diseñadores vanguardistas, Margot Robbie no duda en explorar nuevas narrativas visuales.

La actriz incorpora prendas de inspiración histórica o teatral, jugando con corsés de texturas y volúmenes pronunciados, transparencias, encajes y materiales metalizados. Estos conjuntos permiten a Robbie asumir distintas identidades estéticas, desde la heroína romántica hasta la figura transgresora, sin perder unidad en su propuesta global.

El denominador común en todas estas facetas es la prioridad por la calidad de los materiales y la atención al detalle en la confección.

Margot Robbie demuestra una capacidad única para alternar entre minimalismo y extravagancia, adaptando su estilo según el contexto pero preservando un hilo conductor basado en la estructura, el contraste de texturas y la elección cuidadosa de accesorios.

Esta coherencia le permite proyectar una imagen pública sólida, en la que la versatilidad nunca significa pérdida de identidad.

La construcción de su imagen pública se completa con una selección inteligente de prendas y accesorios que refuerzan tanto su presencia cotidiana como su rol en eventos de alto impacto.

Margot Robbie integra con naturalidad referencias de distintas épocas y estilos, consolidando un enfoque en el que la moda es tanto herramienta de expresión personal como espacio de experimentación estética.

La princesa Charlotte, hija de los príncipes de Gales, inició una transición de estilo visible en su vestuario que no pasa desapercibida en el ámbito de la moda real. A sus 11 años, sus apariciones recientes muestran una identidad estilística en formación, marcada por la influencia directa de su madre, Kate Middleton.

Estos looks diferentes proyectan una imagen pública cuidadosamente orquestada, en la que la tradición británica y las tendencias contemporáneas se funden en cada prenda seleccionada para la joven.

Desde hace meses, se pudo ver cómo Charlotte elige atuendos que mantienen una línea clásica y refinada, pero con un giro fresco y acorde a su edad.

Existe una coherencia cromática y una preferencia por siluetas románticas, con detalles atemporales que evocan el inconfundible sello Middleton. Esta continuidad posiciona a la princesa como una figura emergente en el universo de la moda infantil aristocrática.

Uno de los aspectos más notorios en el nuevo estilo de Charlotte es la selección de vestidos blancos de algodón o gasa, adornados con detalles en azul marino, como lunares, ribetes o pequeños volantes.

Esta elección aporta frescura y naturalidad, y remite directamente a las preferencias de Kate Middleton por prendas de líneas simples y tonos neutros, a menudo acentuados por detalles marinos.

En numerosas ocasiones, la duquesa fue fotografiada con blazers verdes, camisetas de rayas y faldas plisadas blancas, en un paralelismo estilístico con su hija.

La coordinación cromática y de estilo entre madre e hija no es casual. En eventos públicos, ambas comparten paletas de colores y elementos de diseño que refuerzan la sofisticación relajada que caracteriza a la familia.

Esta estrategia visual transmite una imagen de continuidad y modernidad dentro de la Casa de Windsor.

Características y ejemplos concretos de los looks de Charlotte inspirados en su madre

La selección de prendas de la princesa Charlotte abarca no solo vestidos clásicos, sino también piezas vibrantes y actuales.

En diversas ocasiones, optó por vestidos lisos en tonos intensos, como el azul eléctrico, con mangas de volantes y cortes sencillos.

Kate Middleton, por su parte, demostró preferencia por vestidos de corte midi y manga corta en tonos sólidos, especialmente el azul, con detalles sutiles como lazos en el hombro o caídas fluidas.

Esta predilección se refleja en la selección de Charlotte, consolidando el azul como color distintivo, tanto por tendencia de temporada como por afinidad con la imagen familiar.

La coincidencia cromática y la elección de cortes estructurados subrayan la intención de proyectar una elegancia accesible y contemporánea, sin renunciar a la tradición.

En eventos formales, Charlotte lució vestidos de manga corta o tres cuartos, confeccionados en tejidos satinados y tonos marfil, decorados con lazos y botones forrados.

En la selección de prendas de abrigo, la princesa opta por modelos largos en tonos neutros, con detalles en terciopelo marrón en cuello y puños, una clara referencia a los clásicos de la sastrería inglesa que la duquesa popularizó en actos oficiales.

Coordinación estética y significado de las elecciones de vestuario entre madre e hija

La coherencia en los accesorios es otro punto clave en el análisis del estilismo de Charlotte. Tanto ella como su madre prefieren calzado discreto, bailarinas en el caso de la princesa, zapatos de tacón bajo para Kate, y joyería mínima, como pulseras finas o pendientes pequeños.

Esta sobriedad en los complementos refuerza la imagen de madurez precoz y respeto al protocolo real, pero sin perder el toque infantil en el caso de Charlotte.

Las elecciones de vestuario no solo responden a una cuestión de gusto personal, sino también a una estrategia de imagen pública. La coordinación entre madre e hija en actos y salidas familiares apunta a consolidar una identidad visual propia dentro de la realeza británica, en la que la elegancia, la sobriedad y la practicidad se convierten en señas de identidad.

En la moda real británica, el predominio del blanco y azul marino, las siluetas románticas con volantes o lazos, y los materiales ligeros y vaporosos para la temporada cálida son tendencias que Charlotte adopta de forma natural.

Al replicar y adaptar los códigos de elegancia que Kate Middleton consolidó, la princesa no solo rinde homenaje a su madre, sino que también se posiciona como una referencia de cambios dentro del panorama de la moda infantil aristocrática.

Aunque la influencia materna es evidente, Charlotte comienza a integrar toques personales en su forma de vestir.

El uso ocasional de anteojos de sol, la elección de peinados sueltos o semirecogidos, y la preferencia por vestidos sin estampados en ocasiones formales, señalan una búsqueda de autonomía estilística.

Edward Norton cumple 57 años y reafirma su posición como referente de una estética que privilegia la sobriedad y la contención. En una industria donde la exhibición suele marcar tendencia, el actor opta por un perfil bajo que proyecta elegancia atemporal y desafía el vértigo de la moda pasajera.

La presencia de Edward Norton en cada evento público se convierte en una declaración de principios. Su vestuario refleja un compromiso con la sofisticación basada en la discreción, lejos de los excesos que dominan la alfombra roja. La coherencia de su imagen se traduce en un estilo personal definido, capaz de destacar sin recurrir a artificios ni estridencias.

El actor prioriza los cortes clásicos y los tonos neutros, una elección que funciona como sello de identidad. Esta apuesta deliberada por la mesura le permite mantenerse vigente y reconocible, incluso cuando las tendencias cambian de forma acelerada. La elección de prendas sobrias y colores discretos no responde a una moda puntual, sino a una convicción estética que lo distingue en un entorno donde la extravagancia suele acaparar la atención mediática.

Este cumpleaños lo encuentra consolidado como un ícono de autenticidad y coherencia estilística, demostrando que la sofisticación puede construirse sobre una base de sencillez y constancia.

En sus apariciones públicas, tanto en eventos formales como en contextos más relajados, Norton se decanta por trajes confeccionados en telas de alta calidad, en una gama cromática que incluye el gris, el azul marino y el negro. Estos colores refuerzan una imagen seria, reservada y madura, evitando cualquier elemento que pueda resultar llamativo o disruptivo.

Las americanas de corte recto y solapas discretas forman parte central de su armario. En ocasiones, introduce patrones sutiles como rayas tenues o cuadros apenas perceptibles, siempre manteniendo la premisa de la sobriedad.

Las camisas blancas o grises de cuello abierto, que suele preferir sin corbata, aportan un aire relajado pero pulcro, equilibrando formalidad y comodidad. Esta combinación revela una preferencia por el minimalismo elegante, donde cada prenda cumple una función precisa y nada resulta accesorio.

En los eventos de mayor exigencia protocolar, como galas o alfombras rojas, Norton opta por el esmoquin negro clásico, pajarita y camisa blanca.

Aquí, sigue el código tradicional del buen vestir masculino, sin recurrir a ornamentos o detalles superfluos, lo que refuerza la idea de una sofisticación silenciosa.

El calzado, siempre confeccionado en cuero negro bien lustrado, se mantiene dentro de la tradición: mocasines o zapatos de cordones de líneas limpias y sin detalles decorativos.

La elección de accesorios es mínima y calculada: un pin discreto en la solapa o un reloj metálico de diseño sencillo son los únicos guiños que permite al adorno personal, reafirmando así su apuesta por la austeridad estética.

El peinado contribuye a su imagen: lleva el cabello corto, ligeramente peinado hacia atrás, y el rostro aparece siempre limpio o con una barba muy corta y bien cuidada.

Su presentación suma puntos a una estética pulida pero natural, donde la higiene y el cuidado personal son evidentes sin resultar forzados.

En entornos diurnos o al aire libre, Norton mantiene la coherencia estilística. Prefiere chaquetas ligeras en tonos apagados y camisas de algodón, siempre sin corbata. Las gafas de sol de montura metálica se convierten en un elemento recurrente, reforzando la imagen de discreción y añadiendo un matiz contemporáneo a su presencia.

Incluso en los contextos más informales, Norton cuida el ajuste de las prendas y la sobriedad cromática, transmitiendo madurez y seguridad sin recurrir a recursos llamativos.

Versatilidad sin estridencias: adaptación a cada contexto

En photocalls y eventos al aire libre, Norton introduce ciertas variaciones que no rompen la coherencia general de su estilo. Suele aparecer con chaquetas de ante en verde oliva, combinadas con camisas blancas abiertas y jeans oscuros. Elige zapatillas deportivas de líneas sencillas, sumando un aire relajado pero siempre cuidado.

Las gafas de sol metálicas acentúan la discreción y aportan un toque moderno. Estas elecciones resultan adecuadas para ambientes distendidos, sin perder el hilo de elegancia que lo caracteriza.

La adaptación a escenarios informales presenta también algunos guiños a la moda deportiva. Norton incorpora camisetas de algodón con gráficos llamativos, aunque estos elementos se equilibran mediante el uso de americanas en colores neutros y gafas de sol oscuras.

Este contraste entre lo sport y lo formal evidencia su capacidad para adaptarse a distintas exigencias del protocolo, sin renunciar nunca a la coherencia ni a la discreción que lo define.

Incluso en alfombras rojas, donde la tentación de destacar es mayor, Norton introduce sutiles variaciones: recurre a trajes de cuadros en tonos tierra, combinados con camisas a juego, sin corbata y con el cuello abierto.

El calzado puede variar entre zapatos de gamuza en tonos neutros y modelos clásicos de cuero, pero siempre bajo el mismo principio: evitar cualquier exceso u ornamento innecesario. La coordinación cromática con el vestuario de su acompañante añade una nota de atención al detalle y refuerza la integralidad de su presentación pública.

La suma de estos elementos confirma que, a sus 57 años, Edward Norton ha consolidado una imagen basada en la elegancia discreta, la predilección por los cortes atemporales y la coherencia visual.

Su estilo transmite madurez, seguridad y un dominio absoluto del lenguaje del vestuario clásico, adaptado con naturalidad a cada contexto y ajeno a las imposiciones de la moda efímera.

La irrupción de Kaia Gerber en la industria de la moda ha marcado un nuevo punto de referencia para la elegancia contemporánea. Hija de Cindy Crawford, uno de los nombres más reconocidos del modelaje internacional, logró consolidar una presencia propia

Tanto en pasarelas como en alfombras rojas, se distingue por una estética que combina herencia y modernidad.

Su estilo, lejos de limitarse a la imitación de las grandes supermodelos de décadas anteriores, incorpora elementos clásicos y actuales, definiendo así el sello de una nueva generación en la moda.

En sus apariciones públicas, destacó por una propuesta visual que equilibra la sobriedad con la innovación. La modelo se convirtió en una referencia para diseñadores y casas de moda, gracias a una capacidad de adaptación que le permite transitar con naturalidad entre la sofisticación de la alfombra roja y el desenfado del street style.

Este análisis explora los códigos de moda que definen su presencia, la coherencia de su imagen y los matices que la posicionan como referente del estilo actual.

El estilo de la modelo se caracteriza por la fusión de líneas limpias, texturas sofisticadas y detalles que aportan modernidad, sin perder la conexión con la tradición de la alta costura.

La combinación de referencias a los años 90, guiños al glamour clásico y una preferencia por la naturalidad marcan la diferencia frente a propuestas más ostentosas o maximalistas.

Minimalismo y siluetas depuradas en la alfombra roja

Uno de los sellos más reconocibles es su apuesta por el minimalismo y las siluetas ajustadas. En las galas y eventos, suele elegir vestidos de cortes sencillos y líneas rectas, que realzan la figura sin recurrir a ornamentos excesivos.

Los escotes asimétricos, las aberturas laterales y los tejidos satinados o brillantes son constantes en su guardarropa de gala, como se ha visto en los vestidos rojos y plateados que lució en distintas ceremonias.

Estas elecciones remiten a una elegancia atemporal, donde la sofisticación reside en la pureza del diseño y la calidad de los materiales.

En las alfombras rojas más recientes, Kaia ha lucido prendas que se deslizan sobre el cuerpo, evitando estructuras rígidas y potenciando una imagen elegante y natural.

Este enfoque refuerza la tendencia actual hacia el minimalismo sofisticado, priorizando la esencia sobre el exceso. El resultado es una estética depurada en la que el protagonismo recae sobre la silueta y la caída de los tejidos.

La preferencia por vestidos columna y diseños de líneas rectas evidencia una búsqueda deliberada de sobriedad y modernidad.

Esta inclinación, unida a la elección de paletas monocromáticas, con énfasis en rojo, blanco, negro y plateado, define una identidad visual coherente y fácilmente reconocible.

Uso de brillos, texturas metálicas y acabados luminosos

Las apariciones en la alfombra roja suelen estar marcadas por el uso de materiales con acabado luminoso. Vestidos de lentejuelas, tejidos metalizados y malla fina son parte de su repertorio, evocando el glamour de la era disco y del Hollywood clásico.

El vestido rojo entallado de lentejuelas y el diseño plateado con abertura lateral reflejan esta inclinación por superficies que capturan la luz y aportan dinamismo a su imagen.

La elección de tejidos brillantes no responde únicamente a una búsqueda de impacto visual, sino que se integra a una estética general donde el brillo se combina con líneas limpias y detalles actuales.

Kaia Gerber recupera el glamour vintage, pero lo hace desde un enfoque moderno y depurado, evitando el exceso y priorizando la armonía en el conjunto.

En la actualidad, la tendencia de los acabados brillantes y metalizados se ha consolidado como un signo de sofisticación renovada en la moda de gala. Kaia se sitúa a la vanguardia de este movimiento, interpretando los códigos del glamour con una mirada contemporánea.

Referencias retro y reinterpretación de los 90

El legado de Cindy Crawford se refleja en muchos de los estilismos de Kaia Gerber, especialmente en la apropiación de elementos de la moda de finales de los 80 y los 90.

Vestidos columna, escotes palabra de honor y detalles como hombreras discretas o faldas largas de corte recto forman parte de su repertorio, alineándose con el revival noventero que domina la industria actual.

En pasarelas y editoriales, Kaia experimenta con guiños a otras épocas, desde conjuntos lavanda con textura de cocodrilo hasta vestidos de red de cristales inspirados en los años 20.

Estas referencias nunca son una copia literal, sino una reinterpretación adaptada a la sensibilidad contemporánea, con cortes modernos y estilismos depurados.

La capacidad de mezclar lo retro y lo actual es una de las fortalezas de Kaia Gerber, permitiéndole renovar códigos clásicos sin perder autenticidad. Este equilibrio entre pasado y presente se traduce en una propuesta de moda rica en matices, que dialoga con distintas generaciones.

Accesorios discretos, peinados y maquillaje versátil

En la mayoría de sus apariciones públicas prescinde de accesorios llamativos, optando por pendientes pequeños, sandalias delicadas o stilettos clásicos.

Los peinados sueltos con ondas suaves y los recogidos desenfadados refuerzan la idea de un look limpio, donde la atención se dirige al conjunto y no a los detalles individuales.

El maquillaje varía según el evento, alternando entre labios en tonos neutros y rojos intensos, ojos definidos y piel luminosa. Esta versatilidad le permite adaptar su imagen a distintos contextos, manteniendo siempre una impronta juvenil y actual.

La suma de estos elementos contribuye a una estética coherente, donde la naturalidad y la sofisticación dialogan en equilibrio. En el entorno de la alfombra roja, este enfoque resulta especialmente distintivo, diferenciando a Kaia Gerber de otras figuras que apuestan por la exuberancia o la teatralidad.

Contrastes, mezclas de estilos y presencia experimental

En editoriales y desfiles, explora combinaciones más arriesgadas, como la mezcla de encaje blanco con cuero negro, medias oscuras y zapatos de punta baja.

Estas propuestas muestran una faceta experimental, alineada con las tendencias de layering y contraste de texturas.

La inclusión de detalles gráficos, estampados y logotipos de inspiración retro —especialmente en colaboraciones con casas como Chanel— añade una dimensión lúdica y contemporánea a su estilo.

La modelo también incorpora elementos sporty-chic, como pañuelos en la cabeza o chaquetas estructuradas combinadas con vestidos de fiesta, ampliando las posibilidades de su repertorio.

Estos recursos refuerzan la imagen de una figura versátil, capaz de adaptarse a los cambios de la moda sin perder coherencia visual.

Estilo urbano y effortless fuera de la alfombra roja

Fuera de los contextos formales apuesta por prendas relajadas y de inspiración masculina, como pantalones de sastrería de talle bajo, crop tops básicos y camisetas lisas.

Los conjuntos se completan con anteojos de sol rectangulares y bolsos de gran tamaño, en sintonía con el auge del street style minimalista y los básicos reinterpretados.

Esta faceta urbana y desenfadada forma parte esencial de su identidad pública, mostrando una adaptación inteligente de las tendencias cotidianas sin sacrificar la sofisticación.

La capacidad de alternar entre la elegancia de la alfombra roja y la comodidad del día a día es una de las claves de su éxito.

Robert De Niro cumple 83 años y mantiene una imagen inconfundible que evolucionó con el paso del tiempo, pero siempre conservó una coherencia visual de moda que lo distingue tanto en la gran pantalla como en su vida cotidiana.

Su estilismo refleja una apuesta consciente por la sobriedad y la funcionalidad, alejándose de las tendencias pasajeras para consolidar una presencia elegante y atemporal.

El estilo de De Niro no depende de la extravagancia ni de la ostentación. Su fortaleza radica en transmitir autenticidad y solidez a través de prendas clásicas, tonos neutros y materiales confortables.

Esta coherencia visual fue clave para consolidar su figura como un referente de elegancia natural en el mundo del cine y el espectáculo.

Paleta cromática y materiales

La selección de colores en el vestuario de Robert De Niro es una de las características más reconocibles de su estilo. Predominan los tonos oscuros y neutros, como el negro, el gris y el azul marino, que utiliza tanto en eventos formales como en su día a día.

En ocasiones informales o diurnas, introduce variantes en beige o marrón claro, pero nunca abandona la discreción que define su imagen.

La apuesta por colores neutros no solo aporta versatilidad, sino que también facilita la combinación de prendas y accesorios, permitiéndole adaptarse a contextos muy diversos sin perder coherencia.

En cada conjunto, los materiales seleccionados, lanas suaves, algodones y mezclas ligeras, priorizan la comodidad y la calidad, elementos que considera esenciales para mantener la formalidad sin sacrificar el bienestar.

Estas elecciones refuerzan la percepción de una elegancia atemporal, capaz de trascender modas y de proyectar una imagen de serenidad y control.

La ausencia de estampados vistosos y el uso de tejidos nobles son parte de la estrategia visual de De Niro, que prefiere que la atención recaiga en su presencia antes que en los detalles de su vestimenta.

Prendas clave y siluetas

En el vestuario del actor destacan prendas clásicas de corte relajado, diseñadas para ofrecer confort y libertad de movimiento.

Las chaquetas y abrigos, especialmente los blazers de lana y los abrigos de corte recto, forman parte de su repertorio habitual.

Estos abrigos, de solapa clásica y sin adornos llamativos, le permiten mantener una imagen elegante tanto en eventos de gala como en apariciones públicas cotidianas.

Cuando la ocasión lo permite, recurre a blazers en tonos oscuros o grises, que combina con camisas o polos para lograr una apariencia desenfadada pero cuidada.

Los pantalones de vestir de silueta recta, sin pinzas y en colores oscuros, son su primera opción para compromisos formales, mientras que para situaciones más distendidas elige pantalones chinos o de algodón en tonos tierra o grisáceos.

Las camisas de algodón en tonos neutros y los polos lisos completan el repertorio. En muchas ocasiones, las camisas aparecen desabotonadas en la parte superior, proyectando una imagen relajada que contrasta con la formalidad del resto del atuendo.

Entre los accesorios más habituales se encuentran las bufandas de lana con patrones discretos, como cuadros o líneas en tonos grises y negros, y los gorros de punto en color negro para climas fríos.

En cuanto al calzado, su preferencia por lo sobrio y funcional se traduce en zapatos de cuero negro o marrón oscuro, en modelos atemporales como mocasines o zapatos de cordones. Estas elecciones refuerzan su imagen de elegancia sin excesos ni artificios.

En galas y alfombras rojas, De Niro se mantiene fiel a los códigos de vestimenta más tradicionales. Su elección habitual es el esmoquin clásico negro, acompañado de camisa blanca y moño, sin detalles llamativos ni adaptaciones a tendencias pasajeras.

Esta apuesta por la atemporalidad le permite destacar sin necesidad de recurrir a artificios, reforzando la percepción de respeto por los códigos clásicos del vestir masculino.

La sobriedad de su estilismo en eventos formales es coherente con su trayectoria y su forma de entender la presencia pública.

Al evitar elementos decorativos o innovaciones innecesarias, centra la atención en su figura y en su papel como invitado o protagonista en cada ocasión.

Esta estrategia le ha permitido consolidar una imagen de elegancia constante, reconocible y apreciada tanto por la crítica como por el público.

Victoria Beckham, ícono indiscutible de la moda contemporánea, acaparó todas las miradas durante sus vacaciones en la Riviera italiana. Su reciente aparición en Portofino confirmó una vez más por qué su nombre es sinónimo de sofisticación, lujo y elegancia.

En esta ocasión, la diseñadora británica sorprendió con un atuendo que fusiona las tendencias más actuales con el sello minimalista que caracteriza su estilo personal.

El look veraniego de Victoria Beckham en la Riviera italiana fue un despliegue de sutil sensualidad y lujo discreto.

Lució un vestido floral transparente que dejaba entrever un bikini debajo, logrando un equilibrio entre frescura y alta costura. La prenda, de corte largo y silueta fluida, acompañó a la perfección una jornada de almuerzo familiar al aire libre en Portofino.

Para protegerse del sol y mantener cierto aire de misterio, sumó un sombrero de rafia de gran tamaño, pieza clave que además de funcional aporta un toque de glamour relajado.

El verdadero protagonista del conjunto fue, sin embargo, el accesorio elegido: un bolso Hermès Mini Kelly de color verde brillante. Este modelo es considerado un objeto de deseo por las amantes de la moda.

El bolso aportó un golpe de color inesperado, contrastando con la neutralidad del vestido y elevando el conjunto a la categoría de statement look.

A lo largo de su paseo y también durante una cena, Beckham no se separó de este accesorio, que se convirtió en el centro de atención tanto como la propia prenda principal.

El estilismo de Victoria no dejó nada al azar. Optó por una combinación de elementos que refuerzan su imagen de mujer sofisticada y segura.

El vestido largo y translúcido, sumado al bikini básico y el sombrero oversize, conforman un conjunto pensado para destacar con naturalidad.

El equilibrio entre las transparencias y la elección de accesorios de alto valor demuestra un dominio absoluto de las tendencias, sin perder la coherencia que define su presencia pública.

La combinación resulta en un look de vacaciones que fusiona lujo, comodidad y tendencia, reafirmando a la diseñadora como una de las figuras más influyentes en el universo fashion actual.

Análisis del estilo de Victoria Beckham: claves, ejemplos y tendencias

Victoria Beckham construyó una identidad visual poderosa basada en la sofisticación minimalista y la atención obsesiva al detalle. Su estilo personal se caracteriza por una paleta de colores neutros, predominan los negros, blancos, beige y camel, y por la elección de siluetas limpias, sin ornamentos excesivos.

La diseñadora apuesta por prendas de corte preciso y materiales lujosos como sedas, lanas y tejidos satinados que otorgan una caída elegante y un acabado pulido a cada conjunto.

Entre los rasgos más distintivos de su armario sobresalen los vestidos largos y fluidos, faldas lápiz, pantalones de corte recto y trajes sastres estructurados.

La ausencia de estampados estridentes y la preferencia por líneas rectas refuerzan una imagen depurada, siempre vigente más allá de las modas pasajeras.

En los accesorios, Beckham suele elegir bolsos de gran tamaño en cuero o materiales naturales, gafas de sol de montura geométrica y sombreros de ala ancha, piezas que aportan fuerza visual y funcionalidad.

El calzado es otro punto clave: sandalias minimalistas, zapatos de tacón fino y stilettos en tonos neutros se repiten tanto en situaciones cotidianas como en eventos formales.

En contextos de gala, Victoria recurre a vestidos columna, aberturas laterales, escotes asimétricos y superposiciones inteligentes con blazers largos o abrigos estructurados.

La coherencia y versatilidad de su estilo quedan evidenciadas en distintos escenarios. En looks casuales, prefiere vestidos largos negros, gafas XL y bolsos tejidos, sumando sombreros y pañuelos discretos.

Para compromisos sociales, opta por vestidos de seda neutros, tacones y joyería sutil, acompañados de peinados sueltos que refuerzan la naturalidad.

En alfombras rojas y presentaciones, apuesta por el blanco y el negro, trajes de corte impecable, faldas con aberturas y chaquetas sobre los hombros, manteniendo siempre una silueta ceñida pero sin excesos.

Victoria Beckham implementa de forma magistral varias tendencias que definen la moda de lujo actual. El minimalismo contemporáneo es una constante, al igual que la monocromía y la adaptación de elementos masculinos, como blazers y camisas oversize, reinterpretados desde una óptica femenina.

Los guiños vintage aparecen en gafas de gran tamaño y sombreros, mientras que la combinación de texturas, satinados, punto, cuero, aporta dinamismo sin perder sobriedad.

En eventos nocturnos, sus vestidos de gala suman detalles de diseño como grandes flores en tonos contrastantes, espaldas descubiertas o aberturas laterales, logrando un dramatismo controlado dentro de una estética sobria.

El uso de pieles sintéticas y accesorios llamativos, como estolas y clutchs, muestra una actualización constante de los clásicos femeninos.

La apuesta por prendas atemporales y versátiles no solo responde al slow fashion, sino que consolida su imagen como referente de lujo silencioso: cada elemento responde a una intención clara, evitando excesos y reafirmando una feminidad contenida.

La evolución de Victoria Beckham en la moda confirma su rol como inspiración global, capaz de dictar tendencias con una coherencia visual que trasciende el paso del tiempo.

Como si estuviera en una pasarela, Juana ingresó al estudio con energía y simpatía, saludando al público y celebrando el Día del Niño. “Hola, hola, ¿cómo están ustedes en sus casas? Otro domingo más de agosto. Ya quedan poquísimos agostos, ¿no? ¿Qué estamos, a mediados? Yo no sé en qué día vivo”, inició la conductora, fiel a su estilo espontáneo. Luego, dedicó un mensaje especial: “Feliz día a todos los niños y niñas de la Argentina y a los adultos que seguimos creyéndonos niños. Así que disfruten de su día”.

De inmediato, Juana puso el acento en su vestuario, protagonista indiscutido del inicio de cada programa. “Miren este vestidazo que tengo maravilloso de color. Es un vestido de tafetán de seda verde esmeralda de corte irregular, asimétrico, de un solo hombro con lazo y moño. Y la falda es irregular también. Muy bonito con los bolsillos, me encanta. Esto es de Evangelina Bomparola, que es una genia. Es una gran diseñadora argentina, artista te diría, porque todo lo que hace es muy hermoso. Tiene unas cosas muy hermosas. Muy lindo. Muy cómodo, me encanta”, describió Juana con entusiasmo, destacando el trabajo de la diseñadora.

La conductora no dejó de lado los detalles de peinado y maquillaje, dos sellos de cada emisión. “Me peinó Juan Fojo y me hizo un rodete tipo nido, me dijo y yo repito: tipo nido, que no sé qué significa, pero acá un colibrí viene feliz porque ya está acercándose la primavera. Y me maquilló Cris Sepúlveda, que me hizo un delineado y un sombreado de color”, relató Juana, sumando un guiño a la temporada que se avecina y a su característico sentido del humor.

Este look vibrante y sofisticado marcó un claro contraste con el elegido el domingo anterior, cuando Juana apostó por la sencillez chic. En aquella oportunidad, la conductora optó por un estilo relajado, que también recibió elogios en redes sociales. “Tengo una camisita blanca hermosísima, pero yo quiero que se vean las rayitas, pero no sé si se ve bien. No sé bien cómo se llama eso... Un tableado”, explicó en vivo, jugando con la terminología y sumando una cuota de frescura a su relato. “Nos vamos a encontrar en el tableado. Es una camisa blanca con unas babuchas de terciopelo negro. Muy bonito. Ya viene primavera-verano, chicos…”, anticipó Juana, siempre atenta a las tendencias y al clima de la temporada.

Para completar ese look, no faltaron los toques personales en peinado y maquillaje. “Me peinó Juan Fojo, ¿qué metimos? Un batido de coco, esa es la mía. Con movimiento. Brushing es muy de los noventas, ¿o no? Bueno, y me maquilló Cris Sepúlveda con un color turquesa ahí para meterle un color, por favor, señora”, relató, mostrando la complicidad con su equipo y la atención al detalle que la distingue.

Semana a semana, Viale reafirma su lugar como una de las conductoras más originales y versátiles de la televisión argentina. Sus elecciones de vestuario, la espontaneidad con la que describe cada look y la naturalidad para mezclar elegancia con desenfado convierten la apertura de Almorzando con Juana en un ritual esperado por los televidentes. Ya sea con piezas de alta costura o con outfits informales, la conductora demuestra que el estilo también puede ser una forma de comunicación, un guiño a la audiencia y una celebración de la creatividad argentina. Y, ante la inminente llegada de la primavera, Juana vuelve a marcar tendencia, anticipando un nuevo ciclo lleno de color, diseño y alegría en la pantalla.

Taylor Swift volvió a marcar el pulso de la moda con una aparición en Londres que rápidamente se convirtió en tema de conversación. Luego de semanas alejadas de los flashes tras su boda con Travis Kelce en Nueva York, la cantante se reencontró con el centro de la escena y dejó en claro que su afinidad con el estilo sigue intacta.

Durante la noche londinense, Swift desplegó una vez más su sello inconfundible. Cada detalle de su look reveló una curaduría minuciosa, fiel a la estética que ha consolidado a lo largo de los últimos años.

La artista, que mantiene bajo estricto hermetismo las imágenes oficiales de su vestido nupcial diseñado por Jonathan Anderson para Dior, sumó aún más expectativa a su reciente salida.

La reaparición en Londres no solo reavivó la fascinación por su vida personal, sino que también reafirmó su estatus como referente indiscutido de estilo contemporáneo. Las cámaras la captaron ya entrada la madrugada, al salir de Annabel’s, confirmando que, donde va, Taylor Swift impone tendencia.

La elección del minivestido color jacaranda de la firma Delphine marcó el tono de la velada: una prenda corta, de tirantes finos y silueta entallada, adornada con un estampado floral brillante en tonos rosados y rojizos.

El color lila, tendencia indiscutible de la temporada, potenció la luminosidad de su piel y realzó su presencia en un entorno dominado por la iluminación nocturna.

Sandalias italianas de tiras firmadas por Aquazzura completaron el conjunto. Este modelo, que se ha convertido en uno de los favoritos de la cantante, aportó un toque de ligereza y modernidad, fusionando elegancia clásica con detalles metálicos contemporáneos.

El bolso de hombro de Christian Louboutin, en tonos plateado, verde chartreuse y morado, sumó un guiño de lujo y originalidad.

Descripción y análisis del estilismo de Taylor Swift

El estilismo de Taylor Swift se consolidó como uno de los más influyentes y versátiles de la industria del entretenimiento.

A lo largo de su carrera, la cantante demostró una habilidad única para reinterpretar los códigos de la moda, adaptándose con naturalidad a distintos contextos y tendencias sin perder su sello personal.

En los eventos formales y alfombras rojas, Swift se reconoce por su preferencia por vestidos largos o de cóctel con cortes definidos y detalles que capturan la atención, como bordados florales, aplicaciones de brillo o volúmenes arquitectónicos.

Suele optar por tejidos nobles y paletas cromáticas que resaltan tanto su complexión como su personalidad. Los accesorios en estos contextos se mantienen discretos, predominando piezas metálicas pequeñas, pendientes, pulseras finas, anillos, que aportan sofisticación sin sobrecargar el conjunto.

El maquillaje, casi siempre centrado en labios rojos intensos y delineado negro, se ha convertido en un sello inconfundible de sus apariciones en galas y premiaciones.

En escenarios y presentaciones musicales, Taylor explora una faceta más audaz y moderna de su estilo. No es raro verla con vestidos cortos, prendas con aplicaciones tornasoladas o detalles brillantes, cortes asimétricos y sandalias de tiras.

Esta imagen de artista pop, segura y contemporánea, convive con la elegancia de siluetas clásicas y tejidos satinados.

El peinado suele acompañar esta propuesta con ondas suaves o el cabello recogido de manera sencilla, permitiendo que la atención se concentre en el vestuario.

Para sus momentos cotidianos y apariciones urbanas, Swift elige prendas de líneas simples que incorpora detalles distintivos: faldas satinadas, tops de tirantes finos, bolsos pequeños y cadenas doradas.

Los colores neutros y las caídas suaves definen estos conjuntos, que reflejan una sobriedad adaptable a diferentes situaciones.

En salidas nocturnas informales, suele recurrir a vestidos de encaje negro, botines de tacón y bolsos compactos, evocando una estética de inspiración retro con guiños a la moda de los años 60 y 70.

En contextos deportivos o de invierno, la cantante se decanta por prendas cómodas y abrigadas, como chaquetas oversize con estampados gráficos, gorros de lana y botas con suela gruesa.

Las medias en colores intensos y los accesorios, como bolsos de cadena o guantes de cuero, aportan un toque chic incluso en los climas fríos o situaciones informales.

Este enfoque denota una preocupación constante por el equilibrio entre funcionalidad y estilo.

El cabello de Swift ha sido un elemento central en su identidad visual. Suelen predominar los peinados sueltos, con ondas suaves y flequillo recto o lateral, que dotan de estructura y juventud a su imagen.

El calzado y los accesorios constituyen otro pilar de su estilo. Alterna entre sandalias de tiras en eventos formales, botines de cuero para el día a día y botas con cordones en contextos urbanos o deportivos.

Prefiere bolsos compactos y piezas metálicas pequeñas, manteniendo la sobriedad en la mayoría de sus elecciones.

En cuanto a colores y texturas, Swift se mueve con soltura entre tonos vivos, metálicos, neutros y pasteles, aprovechando tejidos satinados, encajes, bordados y aplicaciones según la ocasión.

Una de las claves del éxito estilístico de Taylor Swift radica en su capacidad para mantener coherencia sin estancarse.

Sabe adaptar los recursos de la moda a cada contexto, diferenciando sus apariciones por el uso inteligente del color, la textura y los accesorios, pero siempre respetando una línea estética clara y reconocible.

Su imagen proyecta sofisticación, modernidad y autenticidad, consolidando su posición como referente de moda tanto sobre el escenario como en la vida cotidiana.

“Sé exactamente los tiempos que tengo entre una cosa y otra”. Anamá lo dice pensando en su propia agenda, pero la frase resume también su manera de entender la moda: cincuenta años de trayectoria le permiten ver de cerca cómo la apertura importadora, el operativo detrás de cada desfile y el comercio exterior terminan definiendo el pulso de esta industria.

¿Cómo se vincula hoy el mundo de la moda con el comercio exterior, entre telas importadas y prendas que se envían de un país a otro?

Hoy hay mucha más importación en el sector textil. Algunos se quejan, pero otros están aprovechando para comprar y hacer negocio: creo que hay lugar para todos. Con la importación, los precios en la Argentina bajan un poco, y se mueve tanto el comercio exterior como el comercio interior.

Organizar un desfile con miles de personas implica una logística compleja. ¿Cómo se maneja ese proceso?

Organizo el desfile de mi escuela de modelos y es un desfile enorme, con una logística muy fuerte. Antes llegaban cinco mil personas, se hacía en estadios grandes y colapsaba el tránsito de la zona. Hoy sigue yendo muchísima gente, pero está organizado por franjas: cada dos horas hay un desfile distinto para que los padres puedan disfrutar y ver bien a las chicas desfilar.

Tengo un equipo muy aceitado que no falla. Sabemos exactamente cómo se hace: termina un desfile y las chicas ya están listas para el siguiente, maquilladas, peinadas y cambiadas. Esa organización es la que hace que todo funcione sin sobresaltos.

¿Alguna vez algo se descontroló en pleno operativo y hubo que resolverlo sobre la marcha?

Siempre pasa algo de último momento: una mamá que llega con algo para la hija cuando ya está desfilando, por ejemplo. Una vez un padre vino a reclamarme porque decía que su hija no había desfilado. Trabajo con menores, tengo mucho control y mucha seguridad, así que le dije que eso era imposible.

Hice entrar a la chica para mostrarle que sí había desfilado. Estaba tan transformada con el maquillaje y el peinado que el propio padre no la había reconocido en la pasarela. Se sintió peor por haber dudado, pero por suerte ahí mismo se aclaró todo.

¿Cómo está afectando el contexto actual de mayor apertura importadora a la industria textil local?

No estoy tan metida en esa parte, pero sé que la ropa hecha acá en la Argentina venía cara y ahora está en plena liquidación. Las industrias están tratando de sobrevivir: hacen menos prendas y bajaron un poco los precios para no sufrir tanto frente a lo importado. A eso se le suma que este invierno no fue tan frío, así que hay rebajas por todos lados y la industria está un poco alicaída.

Con tantas actividades en simultáneo, ¿cómo se organiza tu propia logística diaria?

Tengo todo cronometrado. Salgo de un programa y, como digo yo, tengo que cruzar al otro lado de la ciudad con apenas media hora para llegar al siguiente lugar. Si el tránsito no ayuda, ese margen se achica todavía más y llego tarde. Soy bastante organizada: sé exactamente los tiempos que tengo entre una cosa y otra.

¿Qué lugar ocupa la logística dentro de una industria tan poderosa como la de la moda?

Hoy podés comprar un producto buscándolo bien en una página, en China, en Japón, en cualquier lado, y te llega a la puerta de tu casa. Eso es maravilloso. Te avisan que en cuatro o cinco días está llegando, que ya está en camino, que llegó al aeropuerto.

La verdad que envidio la logística actual. Antes era mucho más difícil que algo te llegara a la puerta; había que ir a buscarlo uno mismo. Ahora hay todo un camino armado para que llegue puerta a puerta, y eso cambió por completo la manera en que consumimos moda.

Madonna cumple este domingo 68 años y su vigencia como referente indiscutida de la moda y la cultura pop permanece intacta. Desde sus inicios en la década de los 80, la artista revolucionó la música y construyó una narrativa visual única. Cada cambio de imagen anticipa tendencias y desafía las convenciones. Su estilo, lejos de responder a una lógica estática, se ha transformado en un manifiesto de autonomía, irreverencia y experimentación.

A lo largo de su carrera, la cantante y compositora estadounidense entendió la moda como una extensión de su identidad artística. La constante renovación de su imagen y la apropiación de códigos diversos la convirtieron en un fenómeno cultural que trasciende generaciones.

El núcleo del estilo de la diva reside en su capacidad para conjugar elementos de distintas épocas, subculturas y expresiones artísticas, generando así una imagen siempre en sintonía con el presente, pero con guiños al pasado y anticipos del futuro.

En eventos, conciertos y presentaciones, la artista despliega conjuntos que evidencian una apropiación de códigos provenientes tanto del streetwear como de la alta costura, así como referencias directas a la cultura pop, el arte y el cine.

Uno de los registros más recurrentes es el look deportivo y urbano: pantalones anchos, sudaderas con capucha, prendas deportivas con logos visibles y materiales sintéticos. Los pantalones deportivos de tiro bajo, combinados con piezas oversize y detalles rotos o intervenidos, aparecen como emblemas de su faceta más desenfadada.

En contraste, la estética retrofuturista ocupa un lugar central en su repertorio visual. El uso de materiales metálicos, gafas de sol de gran tamaño y botas altas con acabados brillantes define una línea que enfatiza el carácter experimental de su imagen.

La paleta cromática, en este caso, recurre a tonos plateados, lilas y azules, así como combinaciones monocromáticas que refuerzan la intensidad de los conjuntos.

La inspiración lencera y la corsetería han sido también un sello distintivo en la estética de Madonna. Corsés de satén, encajes, ligas y medias de red han protagonizado tanto shows como apariciones públicas, resignificando la lencería como prenda exterior y dotando de sensualidad y fuerza a la figura femenina.

Otro de los códigos que ha explorado es la sastrería masculina reinterpretada: trajes de corte clásico en tonos claros, camisas blancas, pajaritas, corbatas y prendas estructuradas, siempre adaptadas a siluetas femeninas. La incorporación de accesorios como puros o gafas de montura gruesa refuerza una imagen andrógina y transgresora.

Por otro lado, la teatralidad ocupa un rol protagónico en su estilismo. Vestidos largos, tocados de gran tamaño y elementos escénicos como capas y sombreros escultóricos acentúan la dimensión performática de sus apariciones, donde la ropa se convierte en parte fundamental de la narrativa visual.

Detalles, materiales y accesorios en su vestimenta

El manejo de los detalles constituye uno de los recursos más sofisticados del estilo de Madonna. El calzado llamativo —botas altas de cuero, plataformas y botas metálicas— ocupa un lugar destacado. En ocasiones, estos elementos incorporan cordones largos, cierres visibles y texturas brillantes.

Los accesorios predominantes refuerzan la personalidad de cada look: gafas de sol, aros grandes, collares gruesos y guantes largos. Los bolsos de mano y carteras pequeñas suelen acompañar sus estilismos, siempre alineados cromáticamente con el conjunto principal.

Otro aspecto clave es la intervención de prendas. Chaquetas y sudaderas con aplicaciones, parches, estampados gráficos y mezclas de materiales reflejan una inclinación hacia la experimentación y la personalización, tanto artesanal como industrial.

El uso del layering, o superposición de capas, permite la yuxtaposición de texturas y volúmenes, aportando dinamismo y profundidad a los conjuntos.

Paleta de colores y composición visual de sus looks

La selección cromática de Madonna oscila entre tonos metálicos, pasteles y el clásico binomio blanco-negro. El color opera como herramienta para destacar bloques visuales, generar contrastes y captar la atención.

En escenarios con iluminación artificial intensa, las texturas satinadas y brillantes de muchas de sus prendas adquieren un protagonismo especial, potenciando la experiencia visual del público.

La composición de cada estilismo responde a una lógica de impacto inmediato: ya sea a través de volúmenes amplios, como pantalones anchos o chaquetas oversize, o mediante prendas ajustadas al cuerpo, como corsés y vestidos tubo.

Las siluetas alternan entre la sensualidad explícita, la androginia y la teatralidad, otorgando versatilidad y profundidad a su figura.

Elementos identitarios y legado en la moda

El estilismo de Madonna opera como un manifiesto visual de independencia y control sobre su propia imagen. Su capacidad para resignificar prendas históricamente femeninas y masculinas, así como para integrar elementos del streetwear y la cultura queer, la posicionan como referencia de la moda inclusiva y disruptiva.

La constante renovación de su imagen no responde solo a una estrategia estética, sino a una declaración sobre la resistencia al envejecimiento y a las categorías fijas de belleza y género.

Así, Madonna utiliza la moda como herramienta para desafiar convenciones, proponiendo una identidad mutable y siempre en diálogo con las tendencias globales. Su legado se expresa en la libertad para experimentar, en la apropiación de símbolos y en la capacidad para transformar cada conjunto en una extensión de su narrativa artística y personal.

El universo de la moda encuentra en Mila Kunis una figura que desafía etiquetas y reinventa el concepto de elegancia contemporánea. Con una trayectoria marcada por la sobriedad, la versatilidad y el equilibrio entre sofisticación y funcionalidad, Kunis se consolidó como una de las personalidades más observadas en las alfombras rojas.

En la vida cotidiana, su forma de vestir se convirtió en referente para quienes buscan una estética cuidada sin caer en excesos ni artificios.

El estilo de Mila Kunis destaca por la predilección por prendas de líneas limpias, siluetas bien definidas y una paleta cromática dominada por tonos neutros, metálicos y pasteles.

En eventos de gala, la actriz elige vestidos largos que combinan tejidos lisos o bordados sutiles con estructuras que realzan su figura: un balance entre lo clásico y la innovación.

Los elementos recurrentes en sus atuendos de gala incluyen accesorios discretos, peinados pulidos, como el cabello suelto o recogido bajo, y el uso estratégico del drapeado para estilizar la silueta.

Su preferencia por los tejidos satinados y los bordados sutiles aporta un toque de lujo sin caer en la ostentación. Esta coherencia estética se replica en cada aparición pública, convirtiéndola en una referencia de elegancia atemporal.

En el ámbito urbano, Kunis prioriza la comodidad y la funcionalidad, sin renunciar a la estética. En sus looks diarios predominan prendas básicas y colores sobrios. Ha sido vista con pantalones rectos de jean, suéteres claros con estampados gráficos y chaquetas en tonos azul claro, combinados con botas planas y gafas de pasta negra.

El cabello recogido refuerza esa imagen relajada y práctica. La elección de jeans de corte recto o mom fit, sudaderas con estampados sencillos y chaquetas de lana muestra una aproximación realista y accesible a la moda cotidiana, sin perder el sello personal.

El arte de la sofisticación funcional

En contextos semi-formales, Kunis apuesta por prendas de inspiración masculina y materiales texturizados. Un conjunto destacado incluye pantalón ancho de cuero acolchado, blusa y chaqueta negra, complementados con un collar de eslabones gruesos de Chanel.

El maquillaje neutro y el bolso pequeño de cadena completan un estilismo que demuestra que la sofisticación puede lograrse con pocos elementos bien elegidos. El uso de paletas monocromáticas, especialmente el negro, y accesorios de marca visibles pero no recargados, refuerza su imagen de modernidad contenida.

El peinado y el maquillaje son aspectos clave en la construcción de la imagen de Mila Kunis. Suele llevar el cabello suelto y liso o recogido de forma sencilla, siempre con un acabado pulido.

El maquillaje, de acabado natural, pone el foco en los ojos mediante delineados suaves y sombras neutras, mientras que los labios suelen lucir tonos nude o rosados. Las cejas definidas y la piel con acabado mate o ligeramente satinado completan una presencia cuidada y coherente.

Un rasgo esencial de su propuesta es la capacidad para alternar entre distintos registros sin perder identidad. Tanto en alfombras rojas como en entornos informales, cada elección parece calculada para transmitir seguridad y autenticidad.

Esta versatilidad convierte a Kunis en una referencia para quienes buscan inspiración en la moda sin sacrificar comodidad o personalidad.

La versatilidad de Kunis en el vestir encuentra eco en su biografía. Nacida como Milena Markovna Kunis en Chernivtsi, entonces parte de la Unión Soviética, la actriz emigró siendo niña junto a su familia a Los Ángeles, con apenas 250 dólares.

Su historia es la de una inmigrante que, enfrentando el desconocimiento del idioma y la cultura, encontró en la actuación una vía de integración.

A los nueve años inició clases de interpretación y, con catorce, obtuvo el papel de Jackie Burkhart en “Aquellos maravillosos 70”, serie que la catapultó a la fama y le permitió ganar dos Young Star Awards consecutivos.

La carrera de Kunis se expandió con su participación en “Padre de familia”, donde desde hace más de veinticinco años presta su voz a Meg Griffin. En cine, uno de sus papeles más exigentes fue en “Cisne negro” (2010), dirigido por Darren Aronofsky.

Kunis ha demostrado una notable capacidad para alternar proyectos de prestigio y éxitos comerciales. “Ted” (2012) recaudó 549 millones de dólares, “Con derecho a roce” (2011) sumó 149 millones y “Oz: un mundo de fantasía” (2013) alcanzó 493 millones.

Su filmografía reciente incluye “Cuatro buenos días” (2020), junto a Glenn Close, y “La chica más afortunada del mundo” (2022), donde también ejerció como productora. En 2025 se sumó al elenco de “Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery” y en 2026 rueda “Nightwatching”, bajo producción de Ridley Scott para Amazon MGM Studios.

Los aumentos de precios ya alteraron una compra básica de la vuelta a clases en Estados Unidos. Un reporte de AP News indicó que el calzado infantil subió 3,2% en la primera mitad del año, una trayectoria que lo encamina al mayor incremento anual en 34 años, si se excluyen los años de pandemia.

Ese movimiento golpea un rubro con poco margen para postergar gastos. Los chicos cambian de talle con rapidez y necesitan un ajuste preciso, por lo que los zapatos no suelen ofrecer la flexibilidad de otras prendas.

AP News remarcó que esa combinación empuja a muchas familias a revisar qué compran, cuánto gastan y qué pedidos pueden aceptar.

La presión escolar también pesa en la decisión

El costo no se explica solo por una necesidad práctica. Para muchos chicos, las zapatillas ocupan un lugar central en la vida escolar y funcionan como una señal de pertenencia.

AP News recogió el caso de Jonah Seidenberg, un chico de 12 años de un suburbio de Chicago, que insistió en comprar un modelo de Nike valuado en USD 145 tras no encontrar rebajas en plataformas de reventa y tiendas online.

Su madre, Lisa Seidenberg, afirmó ante AP News que la compra quedó por encima de lo previsto por la familia. “Eran las 10.30 de la noche y al final nos rendimos”, dijo. “Sentí que parecía un Tesla convertido en zapato, pero algo le llamó la atención”, aseguró.

La analista de tendencias Casey Lewis explicó al mismo medio que los zapatos tienen un peso especial frente a otras prendas. “Creo que los zapatos se identifican de inmediato con la idea de pertenecer al grupo”, afirmó.

Los hogares compran menos pares y afinan cada gasto

Las cifras del mercado reflejan ese cambio de conducta. La consultora Circana informó, citada por AP News, que las ventas de calzado infantil cayeron 3% entre enero y junio. La cantidad de pares vendidos retrocedió 9%, mientras que el precio promedio avanzó 7%.

La asesora sectorial Beth Goldstein sostuvo ante AP News que ese comportamiento llama la atención porque los niños suelen necesitar más recambios que los adultos. Aun así, los datos muestran que los padres reducen la cantidad de pares que compran.

Esa selección más estricta aparece en la experiencia de Elizabeth Powers, agente inmobiliaria de San Francisco y madre de dos hijos.

Powers contó al medio que intenta mantener un gasto anual de unos pocos cientos de dólares por niño, incluido el calzado. Para lograrlo, busca cupones, elige modelos versátiles y descarta compras impulsivas.

Powers aseguró a AP News que el encarecimiento resulta difícil de aceptar porque, a su juicio, la calidad no acompaña. “Es muy frustrante tener que reemplazar zapatos antes de que los dejen por talle, por la mala calidad”, remarcó.

En los sectores más vulnerables, el problema excede la moda

La tensión crece en los distritos con menores ingresos. Almi Guajardo Abeyta, superintendenta escolar de Chelsea, Massachusetts, dijo a AP News que vio estudiantes con zapatos reparados con cinta adhesiva. Esa escena, afirmó, expone una de las señales más visibles de la pobreza infantil.

Abeyta planteó al medio que muchas familias enfrentan decisiones inmediatas entre necesidades básicas y útiles escolares.

“Si tenés que decidir entre alimentar a tu familia o comprar un par de zapatos, vas a alimentar a tu familia”, dijo.

La historia de Lucila Castillo, trabajadora del sector alimentario en las afueras de Boston, mostró ese límite con números concretos. Castillo contó a AP News que gana unos USD 700 por semana y que, después de pagar USD 2.200 mensuales entre alquiler y servicios, le quedan cerca de USD 600 para el resto de los gastos del hogar.

Cuando su hija menor pidió unas Sambas o unos botines nuevos para fútbol, la respuesta fue negativa. “Tenemos que pagar el alquiler”, afirmó.

El reporte de AP News añadió que las cadenas minoristas refuerzan promociones y que también aumenta el interés por tiendas de segunda mano.

Ese giro en el consumo dejó a la vista cómo una compra habitual del calendario escolar pasó a tensar todavía más la economía de muchas familias.

En medio del bullicio de Brooklyn, la rapera Cardi B volvió a captar la atención del mundo de la moda al apostar por un calzado que pocos se atreverían a lucir en pleno verano neoyorquino. La artista desafía las convenciones y revive una tendencia polémica: las botas peep-toe.

Este tipo de calzado, que mezcla la estructura cerrada de una bota con una apertura en la punta, ha sido históricamente divisivo y, en el pasado, solo algunas celebridades se atrevieron a llevarlo con naturalidad.

La decisión de Cardi B de incorporar estas botas a su vestuario no es casual. En el contexto de la grabación, la artista aparece con un conjunto que no pasa inadvertido: un crop top con cremallera, micro shorts a juego y, como eje central, unas botas negras que, a simple vista, parecen convencionales hasta que se descubre el detalle que las distingue.

El cuero negro envuelve sus piernas hasta la rodilla, pero deja al descubierto sus dedos, mostrando una pedicura blanca que resalta y actúa como parte esencial del look.

La estética de Cardi B siempre ha estado marcada por la audacia y el riesgo, y en esta ocasión no es la excepción. La elección de las peep-toe boots se convierte en una declaración de intenciones, desafiando la lógica de la temporada y eligiendo un calzado que, aunque asociado a épocas pasadas y a debates sobre su funcionalidad, recupera protagonismo gracias a la influencia de la artista.

El impacto de esta elección no se limita al ámbito visual. Las botas peep-toe, tradicionalmente asociadas a los años 2000 y a estilismos de alfombra roja, regresan ahora de la mano de una de las artistas más influyentes de la actualidad.

El estilismo general de Cardi B en la moda

Hablar del estilo de Cardi B es adentrarse en un universo donde la extravagancia y la originalidad son ley. Desde sus primeras apariciones en la escena musical, la artista se ha distinguido por una aproximación sin prejuicios a la moda, convirtiendo cada evento, video o aparición pública en una oportunidad para sorprender.

Su sello personal se identifica por la mezcla de piezas de alta costura con accesorios llamativos, el uso de colores vibrantes y la elección de siluetas que resaltan tanto su figura como su actitud.

Cardi B ha trabajado con algunos de los estilistas más reconocidos de la industria, como Kollin Carter, quien ha sido clave en la construcción de su imagen de estrella global. Juntos, han logrado que la artista se convierta en una figura recurrente en las principales pasarelas y portadas de revistas, así como en colaboraciones especiales con casas de moda internacionales.

La relación de Cardi B con la moda va más allá del simple lucimiento de prendas de lujo. En cada aparición, la cantante transmite un mensaje de empoderamiento y confianza, desafiando los cánones tradicionales y apostando por looks que fusionan lo urbano con lo sofisticado.

Desde atuendos inspirados en la cultura pop hasta referencias a diseñadores de renombre, su estilo es camaleónico y siempre impredecible.

Uno de los elementos más distintivos en el estilismo de Cardi B es su predilección por las transformaciones radicales. Cambia de peinados, colores de cabello y estilos de maquillaje con frecuencia, adaptando su imagen a cada proyecto y contexto.

No teme experimentar con texturas, estampados y combinaciones atrevidas, lo que la convierte en fuente de inspiración para diseñadores y seguidores.

La moda, para Cardi B, es una forma de expresión artística y una extensión de su personalidad. Sus elecciones no solo marcan tendencia, sino que también abren debates sobre la diversidad de cuerpos, estilos y narrativas en la industria. Con cada aparición, reafirma su lugar como referente de innovación y personalidad arrolladora en el universo fashion.

Antonio Banderas, uno de los actores españoles más reconocidos a nivel internacional, cumplió 66 años. A lo largo de su carrera, se destacó no solo por su talento en la pantalla, sino también por su presencia en la alfombra roja y su estilo personal.

Con una imagen marcada por la sobriedad y la elegancia, Banderas ha sabido combinar la tradición del traje clásico con detalles modernos, consolidándose como un referente de buen gusto en la moda masculina.

Sus apariciones públicas reflejan una preferencia por cortes impecables, colores neutros y accesorios discretos, que refuerzan su imagen sofisticada y atemporal.

El guardarropa del actor revela una predilección por las prendas de líneas limpias y cortes estructurados. Los trajes en tonos oscuros, especialmente en azul marino o negro, son una constante en sus elecciones para eventos públicos.

Estas piezas, cuidadosamente entalladas, refuerzan una silueta clásica y masculina, mientras que la ausencia de elementos excesivos permite que la sofisticación surja desde la simplicidad.

El actor opta habitualmente por camisas lisas o con estampados, logrando así un equilibrio entre lo tradicional y pequeños guiños de personalidad.

Este enfoque se mantiene también cuando elige prendas más informales. La selección de materiales frescos, tejidos naturales y una paleta de colores sobria consolidan una imagen elegante incluso fuera de los grandes eventos.

La clave reside en la atención al detalle y la preferencia por piezas atemporales, lo que le otorga versatilidad sin perder coherencia estilística.

El estilo de Banderas se caracteriza por la versatilidad y la coherencia: puede pasar de la formalidad pulida de un traje clásico a un aire más mediterráneo en contextos relajados, sin perder la elegancia que lo distingue.

Este equilibrio entre modernidad y tradición lo posiciona como un referente de sobriedad y buen gusto.

Elecciones en eventos formales

En galas, estrenos o premiaciones, Antonio Banderas recurre con frecuencia al esmóquin, preferentemente en tonos oscuros.

La combinación de trajes ajustados, camisa blanca y moños refuerza una imagen de elegancia contenida, evitando cualquier exceso.

Los cortes bien estructurados y los tejidos de calidad son invariables en su propuesta formal. Suele evitar los accesorios llamativos, apostando por la discreción y el refinamiento en cada detalle.

Un rasgo identificable es la preferencia por camisas blancas o de estampados muy sutiles, lo que contribuye a la limpieza visual de sus conjuntos.

La sobriedad domina cada elemento, desde los zapatos clásicos hasta la elección de relojes metálicos, sin dejar de lado el ajuste perfecto como premisa fundamental.

La suma de estos elementos construye una presencia impecable, donde el traje resulta protagonista sin opacar la personalidad del actor.

Opciones para ambientes informales y cotidianos

Fuera de los eventos oficiales, el actor adopta un enfoque más relajado, aunque sin abandonar la elegancia. Sus looks informales incluyen camisetas de algodón, camisas de manga larga con estampados gráficos o florales y pantalones claros.

Las zapatillas deportivas sustituyen a los zapatos formales en estos contextos, brindando comodidad y frescura sin perder el sentido estético.

Uno de los sellos distintivos de su estilo casual es la incorporación de gafas de sol de marcos geométricos, gorras, sombreros y accesorios discretos como pulseras o relojes metálicos.

Estos elementos aportan personalidad y modernidad, mostrando una faceta más desenfadada pero igualmente cuidada.

Los estampados geométricos y las camisas de colores claros en lino o algodón suelen predominar en sus apariciones estivales, reforzando un aire mediterráneo y relajado.

Versatilidad y coherencia en la imagen de Antonio Banderas

La capacidad de Antonio Banderas para moverse con soltura entre la formalidad más estricta y la informalidad mediterránea es uno de los aspectos más destacados de su estilo.

Esta versatilidad se sustenta en una coherencia interna: la preferencia por cortes clásicos, la sobriedad en la elección de colores y la atención al ajuste.

Incluso cuando incorpora tendencias actuales o detalles modernos, su imagen nunca pierde el hilo conductor de la elegancia.

En definitiva, el estilo de Antonio Banderas es un ejemplo de cómo la tradición puede dialogar con la modernidad sin renunciar a la personalidad.

La combinación de sastrería clásica, detalles distintivos y una actitud relajada pero impecable convierte al actor en un referente de elegancia atemporal.

Anne Hathaway sorprendió en California al presentar una propuesta de moda que desafió los estilos tradicionales. La actriz estadounidense, embarazada de su tercer hijo, asistió al estreno de la película de ciencia ficción The End of Oak Street con un look que marcó distancia respecto de las elecciones habituales en la alfombra roja.

Reconocida por su influencia en el mundo de la moda, Hathaway dejó de lado los clásicos vestidos de corte imperio y los conjuntos coordinados que suelen predominar entre las embarazadas. En cambio, eligió un atuendo que combinó audacia, comodidad y elegancia, generando repercusión tanto en la industria como entre el público.

A 25 años del estreno de “El diario de la princesa”, Hathaway apostó por prendas que resaltaron su figura y celebraron su embarazo, aportando una mirada renovada a la moda premamá y apartándose de los códigos convencionales.

El conjunto elegido por Hathaway fue confeccionado en exclusiva para ella por el diseñador Prabal Gurung. Se trató de un top azul de diseño singular, con un forro rojo que asomaba estratégicamente.

El top presentaba un cuello elevado y carecía de mangas, pero lo más llamativo fue su innovador corte trapecio, que se prolongaba en la espalda con una larga cola. Esta prenda, lejos de buscar ocultar la silueta, la realzaba, ya que, al ser muy corta en la parte frontal, dejaba al descubierto su embarazo.

Para completar su estilismo, eligió unos jeans muy anchos. Esta prenda, lejos de tener la clásica cinturilla adaptada al embarazo, presentaba un corte muy bajo, permitiendo que la tripa quedara completamente visible.

La combinación de un top de alta costura con unos jeans amplios demostró la capacidad de la actriz para mezclar piezas aparentemente opuestas y convertirlas en un conjunto armonioso y sofisticado.

En cuanto al calzado, optó por unos zapatos de tacón en color rojo, perfectamente coordinados con el forro del top.

Además, la actriz eligió joyas con diamantes de la firma Bvlgari: unos pendientes en forma de abanico que enmarcaron su rostro y un anillo con forma de serpiente que se enroscaba en su dedo, aportando un toque de lujo y sofisticación adicionales a su atuendo.

Últimos looks de Anne Hathaway: variedad, elegancia y modernidad

En diferentes momentos, previos a este último estreno, la actriz desplegó una amplia gama de estilismos que reflejaron su versatilidad y dominio de diferentes registros dentro de la moda.

Cada uno de sus looks aportó matices distintos, consolidando una imagen de elegancia contemporánea y adaptabilidad a múltiples estilos.

En una de sus apariciones de la premiere de la película “The Odyssey”, lució un vestido largo de corte imperio en tono marfil, confeccionado en un tejido plisado de acabado satinado.

El diseño presentaba un corpiño cruzado cubierto de aplicaciones plateadas brillantes, formando un escote halter que se unía en el cuello y dejaba los hombros al descubierto.

La falda, amplia y con gran movimiento, completaba el conjunto, que la actriz acompañó de pulseras plateadas, anillos y pendientes discretos. Para el peinado, eligió un moño alto con volumen, mientras que el maquillaje resaltaba sus labios con un tono natural.

En otra ocasión, para la premiere mundial de “The Odyssey” optó por un vestido largo en azul intenso, realizado en una tela translúcida y plisada. El diseño, de escote recto y hombros descubiertos, incluía volantes en la parte superior que aportaban textura y movimiento.

El corte fluido y ligero permitía que la prenda se moviera con facilidad, subrayando la naturalidad y frescura del look. Llevó el cabello suelto, peinado con raya al medio, y completó el maquillaje con labios rojos y uñas pintadas en tono claro. Los anillos grandes destacaron como únicos accesorios visibles.

En otro estilismo, para un evento de “The Odyssey” en Londres apostó por un vestido corto asimétrico en color blanco, confeccionado en gasa ligera con volados y detalles plisados a lo largo del escote, las mangas y el dobladillo.

Los hombros se mantenían al descubierto y las mangas largas caían con movimiento, generando una silueta dinámica y juvenil.

Combinó el vestido con botas altas de ante en tono beige, que cubrían hasta el muslo. El cabello, peinado en ondas suaves y suelto, junto con un maquillaje natural y joyería discreta, completaron el conjunto.

En otra de sus apariciones, en Nueva York, eligió un vestido largo de tirantes finos en terciopelo con estampado floral en tonos dorados y marrones.

El vestido, de corte recto y largo hasta el piso, se acompañó de anteojos de sol grandes con montura marrón, un collar metálico dorado, pulseras y anillos.

El cabello suelto, peinado en ondas suaves, y el maquillaje discreto con labios en tono natural, pusieron el broche final a un look tan elegante como atemporal.