No hace falta ser creyente para encontrar a Dios en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Desde luego, el museo rebosa de epifanías de todo el mundo. Pero ninguna es más colorida ni más evocadora, ninguna capta mejor la paradoja mística de la unidad en la variedad, que las extravagantes cromolitografías de Household Gods: Hindu Devotional Prints, 1860-1930 (Dioses domésticos: estampas devocionales hindúes, 1860-1930).

Como parte de una explosión de la fotografía y de las nuevas tecnologías de impresión en el subcontinente, estas imágenes se realizaron mediante un proceso de múltiples piedras, desarrollado en Europa hacia la década de 1830, que imprimía cada color por separado, y estaban destinadas sobre todo a enriquecer altares en hogares privados. Pero se leen como innovaciones estéticas deslumbrantes tanto como como artefactos religiosos.

Parte de la sensación de sobresaturación que ofrecen proviene simplemente de su singular intersección de culturas y tecnologías. India ha intercambiado bienes e influencias con el mundo occidental desde hace prácticamente siempre, como recuerdan los exquisitos budas de estilo griego de la antigua Gandhara. Pero a fines del siglo XIX, en el apogeo del Raj británico, ese ritmo se aceleró. (En consonancia con este efecto de sobresaturación, el museo exhibe las estampas en cuatro rotaciones, y es posible que algunas hayan sido reemplazadas por otras cuando usted las visite).

El noble del sur de la India Raja Ravi Varma, el artista más famoso de la muestra, tenía cierta formación en pintura al óleo europea. Cuando quiso hacer más accesibles sus imágenes devocionales de figuras prominentes de la mitología hindú, recurrió a las técnicas nuevas recientemente importadas, fundó su propia imprenta y no dudó en usar todos los recursos visuales a su alcance. Mientras tanto, imprentas de Alemania e Inglaterra se ocuparon de producir sus propias imágenes divinas para exportación.

Pero si hay algo de otro mundo en ver al señor Vishnu, o a Yama, el dios de la muerte, con exactamente el tipo de halo erizado de luz que Albrecht Dürer habría usado en un grabado en madera de la Madonna, la descomunal amplitud narrativa y visual de la iconografía que Varma y otros artistas tenían detrás podía absorber con facilidad esos pequeños añadidos. Y, de hecho, tiene sentido que una deidad como Vishnu, de quien se cree que preserva todo el cosmos, adopte todas las formas posibles. Así, esas notas occidentales en apariencia incongruentes lo que hacen en realidad es amplificar la riqueza del material.

Lo mismo vale para la tecnología. La profusión de imágenes de dioses y héroes que la litografía hizo posible de pronto en India se siente paradójicamente natural: ¿acaso los dioses no estaban ya en todas partes?

Dicho todo esto, lo que realmente vuelve tan fabulosas a estas estampas es su pura abundancia estética: su densidad de color, composición, iconografía y ornamento, y su extraordinaria amplitud estilística. Recostado sobre la serpiente divina Shesha, en una estampa de 1886 de la Chitraprakash Press de Mumbai (Bombay), Vishnu se inclina y gira hacia su cortesano Narada; la sutil curva sinuosa de su cuerpo hace eco de la ondulación de la serpiente bajo él, al tiempo que la serpiente tanto repite como evoca las olas.

A su alrededor están Lakshmi, consorte de Vishnu y diosa de la buena fortuna; Hanuman, con cabeza de mono; Hayagriva, con cabeza de caballo, encarnación del conocimiento; y su montura Garuda en forma humana. En una de las cuatro manos de Vishnu sostiene el tallo del loto del que nace Brahma, el dios creador.

Suena a demasiado. Pero la brillante composición de la estampa, en combinación con su delicado uso del color, mantiene todo prolijamente en su lugar. La postura en ángulo del dios y su piel azul lo mantienen en primer plano, mientras que el modelado sobrio de los cortesanos crea la profundidad justa para que se desvanezcan suavemente en el fondo. Las vestimentas rojas, amarillas y verdes generan un movimiento rítmico de lado a lado, mientras el pequeño Brahma de cuatro caras, en la parte superior de la imagen, flota en una soledad serena.

Una estampa de la era de la Segunda Guerra Mundial, aquí en una edición de Uttar Pradesh de S. S. Brijbasi & Sons y F. A.O. Works, en cambio, representa a un dios sencillo, de escala humana y accesible. De pie frente a la serpiente divina, con las aguas del océano cósmico hasta las rodillas, Vishnu y Lakshmi parecen estar de vacaciones, posando para una foto familiar.

Cuando la visité por primera vez, la figura dominante de la muestra era el señor Vishnu, seguido de cerca por Shiva, impactante como Señor del Universo en Benarés en una litografía monocroma de Kolkata (antes Calcuta).

Pero la figura visualmente más impactante era probablemente la consorte de Shiva, la diosa Kali, una encarnación de la energía vital cuyo simbolismo tiende a lo extremo y lo violento. En una cromolitografía con acuarela añadida, lleva un collar de cabezas cercenadas y una falda de brazos mientras saca la lengua, blande una espada ensangrentada y pisa el pecho de Shiva. Al mismo tiempo, la forma en que su color azul negruzco, con acentos de rojo sangre, se destaca contra el fondo fantasmal resulta magnéticamente bella.

Fuente: The New York Times

El Metropolitan Opera (Met) confirmó el retorno de su tradicional Summer HD Festival en la ciudad de Nueva York, una iniciativa que transformará el Josie Robertson Plaza en un cine al aire libre. Durante seis noches consecutivas, entre el 2 y el 7 de septiembre de 2026, el público podrá acceder a 2.500 asientos gratuitos cada noche para presenciar producciones de clase mundial bajo las estrellas.

Este evento, que alcanza su 17.ª edición, se consolida como una de las ofertas culturales más destacadas del verano en la metrópoli. La propuesta permite disfrutar de óperas emblemáticas grabadas en alta definición, las cuales forman parte de la reconocida serie Live in HD.

La operativa del Lincoln Center para este festival cuenta con el respaldo de fondos públicos proporcionados por la Ciudad de Nueva York, a través del Departamento de Asuntos Culturales, y el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, según consta en los comunicados oficiales de la institución.

La entrada a las funciones es totalmente gratuita y no requiere reservas previas. Además, funciona bajo una política de orden de llegada.

Programación de obras maestras

La cartelera para este año incluye una selección diversa de títulos. La programación completa es la siguiente:

• Miércoles 2 de septiembre, 20:00 horas: Tristan und Isolde (Acto I), de Richard Wagner.
• Jueves 3 de septiembre, 20:00 horas: Tristan und Isolde (Actos II y III), de Wagner.
• Viernes 4 de septiembre, 19:30 horas: I Puritani, de Vincenzo Bellini.
• Sábado 5 de septiembre, 20:00 horas: Eugene Onegin, de Piotr Ilich Chaikovski.
• Domingo 6 de septiembre, 20:00 horas: El último sueño de Frida y Diego, de Gabriela Lena Frank.
• Lunes 7 de septiembre, 20:00 horas: La Bohème, de Giacomo Puccini.

La duración de las piezas varía significativamente, desde la hora y 25 minutos del primer acto de la obra de Wagner hasta las tres horas de I Puritani.

Detalles sobre el acceso y la logística

Para garantizar la seguridad y la organización del espacio público, el personal del Lincoln Center despejará el Josie Robertson Plaza dos horas antes de cada proyección. El acceso a las zonas de asientos se habilitará exactamente una hora antes del inicio de la función.

“El festival es una oportunidad para que neoyorquinos y visitantes experimenten la creatividad y la comunidad que hacen de nuestra ciudad un referente global”, destacó la institución. Para facilitar la experiencia de todos los asistentes, todas las presentaciones incluirán subtítulos completos en pantalla, una medida inclusiva que permite seguir la trama de las obras sin barreras idiomáticas.

Consejos para disfrutar la experiencia

Debido a la popularidad del Summer HD Festival, se recomienda a los interesados planificar su asistencia con antelación. Si bien el Lincoln Center ofrece una capacidad de 2.500 asientos, la alta afluencia de público durante el mes de septiembre suele llenar las plazas disponibles rápidamente. Es aconsejable llegar al lugar antes de la apertura oficial de las filas.

El evento se desarrolla en el campus de 6,4 hectáreas (16 acres) del Lincoln Center, un espacio que, además de esta propuesta del Met, ha albergado durante todo el verano diversas actividades bajo el programa Summer for the City. La infraestructura técnica del festival incluye una pantalla gigante de alta resolución y un sistema de sonido diseñado para ofrecer una experiencia auditiva envolvente en un entorno urbano abierto.

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York anunció que la gran exposición de la primavera de 2027 de su Costume Institute estará dedicada a John Galliano. John Galliano: Horizons recorrerá cuatro décadas de trayectoria, desde sus años de estudiante en Central Saint Martins de Londres hasta su trabajo para su propia firma, Givenchy, Christian Dior y Maison Margiela. Será la primera gran retrospectiva museística centrada exclusivamente en el diseñador, a quien el propio Met define como uno de los creadores más inventivos e influyentes de la moda contemporánea.

La elección tiene además un carácter excepcional: Galliano será solo el tercer diseñador vivo al que el Costume Institute dedica una exposición monográfica, después de Yves Saint Laurent, en 1983, y Rei Kawakubo, en 2017.

Pero su trayectoria quedó marcada en 2011 por varios episodios de insultos antisemitas y racistas que provocaron su despido de Dior y una posterior condena de la Justicia francesa. De ahí que el anuncio haya recuperado una discusión que excede ampliamente la moda: ¿merece Galliano semejante reconocimiento? Quizá la pregunta esté mal planteada. Una exposición no es exactamente un premio y un museo no es un salón de la fama para figuras moralmente ejemplares. Según el Consejo Internacional de Museos, su función incluye investigar, conservar, interpretar y exhibir patrimonio, pero también favorecer la educación y la reflexión.

El caso Galliano obliga, así, a preguntarse algo más complejo: cómo reconocer una aportación cultural extraordinaria sin transformar ese reconocimiento en la absolución de quien la produjo.

Antes de Dior ya estaba Galliano

Para entender la polémica hay que comprender primero por qué Galliano importa.

En 1984 presentó en Saint Martins Les Incroyables, una colección de graduación inspirada en la Francia posrevolucionaria y atravesada por la cultura del Londres de los ochenta. Aparecían ya allí los elementos que definirían su lenguaje: historicismo, romanticismo, dramatización de la silueta y, especialmente, la utilización de la ropa para construir personajes.

Su singularidad no residió simplemente en recurrir al pasado. Galliano podía partir del siglo XVIII, del corte al bies de la diseñadora francesa Madeleine Vionnet, del cine o de un personaje literario y recombinar todas esas referencias hasta convertirlas en algo reconociblemente suyo. La historia no era un archivo que reproducir, sino una materia que desmontar y volver a ensamblar.

Detrás de la teatralidad existía además una enorme competencia técnica: dominio del corte, atención a la construcción del cuerpo y una capacidad extraordinaria para conseguir movimiento y ligereza en prendas de gran complejidad.

Por eso Dior no inventó a Galliano. Cuando llegó a la casa francesa en 1996 el británico llevaba más de una década desarrollando su lenguaje y había pasado ya por Givenchy. Dior le dio algo diferente: escala. El archivo, la alta costura, los artesanos, los recursos económicos y el alcance global permitieron proyectar aquella imaginación sobre una de las grandes instituciones de la moda.

El desfile como mundo

John Galliano tampoco se limitó a hacer vestidos espectaculares. Contribuyó a transformar el desfile en una experiencia narrativa en la que prendas, música, maquillaje, escenografía, casting y movimiento construían un mismo universo. Él, Alexander McQueen y otros diseñadores de los años noventa desplazaron el desfile hacia territorios próximos al teatro y la performance, convirtiéndolo en un espacio desde el que articular fantasías, identidades y ansiedades contemporáneas.

Galliano entendió antes de que el storytelling se convirtiera en lenguaje habitual del marketing que una colección podía contar una historia completa. Las modelos no llevaban simplemente ropa: encarnaban personajes. Sus desfiles podían funcionar como acontecimientos culturales y no únicamente como presentaciones comerciales. En ese proceso contribuyó también a consolidar la figura contemporánea del director creativo como autor total: alguien capaz de diseñar prendas, interpretar un archivo, construir imágenes y producir un universo simbólico alrededor de una marca.

Ahí reside buena parte de su excepcionalidad. En Galliano convergen conocimiento histórico, virtuosismo técnico, intuición visual y una capacidad narrativa poco habitual. Calificarlo de “genio” resulta problemático precisamente porque la propia noción arrastra una larga mitología cultural. Pero ignorar la excepcionalidad de su talento impediría comprender por qué su caso resulta tan incómodo. Si hubiera sido un diseñador menor, probablemente este debate no tendría la misma intensidad.

La decisión del Metropolitan de dedicarle esta retrospectiva también puede leerse en relación con el momento que atraviesa la propia moda. En un sistema cada vez más condicionado por la velocidad, la producción continua de novedad y la circulación inmediata de imágenes, la dimensión artística y cultural de la disciplina corre el riesgo de quedar subordinada a su lógica industrial y comunicativa. Volver sobre Galliano permite precisamente recordar otra tradición de la moda: la que investiga, cita, construye lenguaje, produce memoria y dialoga con la historia del arte, el cine, la literatura o la cultura visual.

En ese sentido, no resulta extraño que sea un museo quien vuelva a situarlo en el centro. Si una institución cultural no reivindica la moda como objeto de conocimiento, creación y patrimonio, difícilmente lo hará una industria sometida a la urgencia de la siguiente temporada. Y si se busca una figura capaz de condensar esa dimensión artística de la moda contemporánea, Galliano resulta difícil de sustituir.

Su caída en 2011 alteró inevitablemente la lectura de todo lo anterior. Tras ser despedido de Dior, regresó a la industria como director creativo de Maison Margiela. Se puede estudiar el contexto de adicciones, presión profesional y deterioro personal que acompañó aquel periodo, pero contextualizar no equivale a justificar. La cuestión es qué ocurre cuando lo que conocemos del autor modifica nuestra experiencia de su obra.

Un vestido de Galliano de 1997 no cambió materialmente en 2011. Cambió el contexto desde el que lo mirábamos.

Qué exposición merece Galliano

Ahí entra el museo. Las instituciones culturales no solo conservan objetos: producen contextos y participan en su legitimación. Desde la sociología de la cultura sabemos que el canon no depende únicamente del valor intrínseco de las obras, sino también de museos, críticos, conservadores y otras instituciones capaces de otorgarles reconocimiento.

Por eso situar a Galliano junto a Saint Laurent y Kawakubo entre los escasísimos diseñadores vivos que han recibido una monográfica del Costume Institute supone una afirmación sobre su posición en la historia de la moda.

La pregunta deja entonces de ser si Galliano merece una exposición para convertirse en otra: qué exposición merece Galliano. El Metropolitan ha adelantado que Horizons abordará tanto su producción creativa como sus comportamientos antisemitas, racistas y antiasiáticos de 2010 y 2011, sus consecuencias y el modo en que han modificado la recepción posterior de su trabajo. Una retrospectiva que recurriera al viejo relato romántico del “genio atormentado” correría el riesgo de blanquear su biografía. Pero eliminarlo de la historia produciría también un relato incompleto.

Admirar sin mitificar

El debate conecta con una vieja cuestión de la filosofía del arte: si la valoración estética puede mantenerse completamente separada de la moral. El filósofo americano Noël Carroll ha defendido un “moralismo moderado” según el cual, en determinadas circunstancias, los aspectos éticos pueden formar legítimamente parte de nuestra valoración artística.

Esta posición permite evitar dos extremos: ni la conducta de un creador vuelve automáticamente irrelevante toda su obra, ni la excelencia artística convierte en irrelevante su responsabilidad moral. Ese podría ser precisamente el reto del Metropolitan: permitir al público apreciar la innovación de Galliano sin necesidad de mitificar al hombre. Enseñar, en definitiva, no qué debe admirarse, sino cómo mirar críticamente aquello que admiramos.

Ahí reside probablemente el verdadero interés de John Galliano: Horizons. Más que resolver la vieja cuestión de si es posible separar la obra de su autor, la exposición obliga a pensar cómo se incorpora al patrimonio cultural una figura cuya importancia histórica convive con una biografía difícil de neutralizar.

Porque los museos no solo conservan el pasado: también producen los marcos desde los que ese pasado será interpretado. Decidir qué se exhibe, cómo se contextualiza y qué lugar ocupa dentro del relato institucional forma parte de la construcción misma del canon.

El caso Galliano plantea así una cuestión que excede ampliamente a la moda: cómo reconoce una sociedad el valor de aquello que considera culturalmente relevante sin convertir ese reconocimiento en indulgencia. Quizá ese sea uno de los desafíos contemporáneos de la cultura: aprender a preservar la complejidad sin convertirla ni en absolución ni en borrado.

*Socióloga y doctora en Creatividad Aplicada, UDIT - Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: David Harriman/ MUBI vía AP; Reuters/ Brendan McDermid/ File Photo; AP Photo/ Jacques Brinon, File y Bestimage/ MUBI vía AP]

La exposición Rafael: Poesía Sublime del Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York cerró sus puertas tras convertirse en la muestra más visitada de la institución desde 2018, atrayendo a un total de más de 562.000 personas durante sus tres meses de apertura.

La histórica retrospectiva, que bajó el telón el pasado 28 de junio, recibió una extraordinaria media de 6.800 visitantes diarios, una cifra que representa casi la mitad de todo el público que acudió al museo neoyorquino durante este periodo.

Con estos datos, la muestra se sitúa en el podio de las más exitosas del Met en los últimos diez años, superada únicamente por Miguel Ángel: Dibujante y diseñador divino (2017-18) -que también fue comisariada por la curadora del Met de origen chileno Carmen Bambach- y la exitosa exposición del Instituto del Traje Cuerpos celestiales: La moda y la imaginación católica (2018).

Max Hollein, director y director ejecutivo del Met, destacó en un comunicado la alegría de la institución al ver cómo “un número tan excepcional de visitantes” aprovechó la oportunidad de “experimentar la impresionante variedad de su genio creativo” a través de una reunión de obras maestras “única en la vida”.

Rafael: Poesía Sublime se despide habiendo hecho historia como la primera retrospectiva internacional e integral en Estados Unidos dedicada a Raffaello di Giovanni Santi (1483-1520).

A lo largo de sus salas, la exhibición logró reunir 237 obras -más de 170 de la mano del propio Rafael-, combinando pinturas, dibujos, artes decorativas y tapices procedentes de 62 colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Tal y como explicó la comisaria Carmen Bambach el pasado marzo, coincidiendo con la inauguración, la exposición no solo buscaba celebrar la maestría técnica del artista, sino también zanjar los debates históricos sobre la autoría de sus obras.

Al colocar los estudios preparatorios junto a las pinturas, el Met logró exponer la inconfundible “energía” y “continuidad técnica” del genio de Urbino frente a la de los colaboradores de su taller.

Entre los grandes hitos que el público pudo contemplar durante estos meses destacó un préstamo excepcional del Patrimonio Nacional de España: tres majestuosos tapices de la serie de Felipe II que nunca antes habían cruzado el Atlántico.

Fuente: EFE

El evento, que recauda fondos para el Instituto de Moda del Museo Metropolitano de Arte (Met), fue toda una convención de poder y dinero; este año, además, patrocinada por uno de los hombres más ricos del mundo, Jeff Bezos, fundador de Amazon, y su esposa, Lauren Sánchez.

Según desveló el director del Met, Max Hollein, al presentar la exposición de moda que inspira el evento, las contribuciones de los más de 400 invitados ascendieron a un total de 42 millones de dólares, un 35 % más que el año pasado, pese a la polémica por el patrocinio de los Bezos.

Y es que la Met Gala reunió a magnates, empresarios, miembros de la realeza y celebridades, engalanados para la ocasión con ropa de diseñador y accesorios con precios desorbitados, especialmente las joyas de las mujeres, aunque muchos suelen ser prestados.

Beyoncé causó furor con su vestido de esqueleto plateado, pero aún más cuando se supo que el collar de diamantes que lucía era parte de la colección 'El jardín de Kalahari' de Chopard, valorado en 50 millones, según desveló el medio Page Six.

Su marido, Jay Z, llevó también uno de los accesorios más caros, un lujoso reloj Patek Philippe Grandmaster valorado en unos 6 millones, seguido por el reloj Jacob & Co. Billionaire III del actor Dwayne Johnson, 'The Rock', de 3,3 millones, según medios especializados.

Dos empresarias indias también llamaron la atención por sus joyas: Sudha Reddy llevó un collar de 15 millones de dólares con una tanzanita de 550 quilates, de su colección personal, mientras que Isha Ambani, llevaba encima 1.000 diamantes y piedras preciosas, de acuerdo con Town & Country.

Entre las joyas más 'baratas', la actriz Keke Palmer mostró un collar de Wempe de 1 millón de dólares, con unos 1.200 diamantes, y Emily Blunt llevó otro de Mikimoto, con perlas y diamantes, de 500.000 dólares, señala la revista InStyle. EFE

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“Con esta exposición hemos querido zanjar debates (sobre la autoría de sus obras). A través de la comparación directa de los dibujos, que son el esqueleto de su pensamiento, se puede ver una energía y una fuerza que ninguno de sus colaboradores (en sus talleres) poseía”, anota la curadora del Met, Carmen Bambach.

Bambach explica que, al colocar los estudios preparatorios junto a las pinturas y grabados, queda expuesta la “continuidad técnica” que identifica al genio frente a su taller.

La curadora nacida en Chile señala que el estilo de Rafael cuando está dibujando tiene una “energía” inconfundible: “Toma la tiza con la que está diseñando, empieza muy ligero y después le da una fuerza casi fiera al dibujo. (Ese Vigor) que no tiene ninguno de los colaboradores (que trabajaban para él en su taller)”.

La muestra, que permanecerá abierta hasta el 28 de junio de 2026, es la primera retrospectiva integral del artista en Estados Unidos y reúne un total de 237 obras, de las cuales 175 son pinturas y dibujos originales de Rafael, seleccionados de 62 colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Más allá del mito de la trinidad renacentista

La exhibición, que recorre desde sus inicios juveniles hasta su prolífica década en la Roma de los papas, permite ver la evolución de un artista que, pese a morir con solo 37 años, logró la hazaña de competir e, incluso, superar la influencia de gigantes como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

“Rafael es el mayor influyente de todos los tiempos desde 1510 hasta finales del siglo XIX. Rafael continuó siendo idolatrado como un artista supremo del Renacimiento italiano por encima de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, aunque la convención histórica actual tal vez lo ubicaría sólidamente en tercer lugar”, anota Bambach, quien también se encargó de una exposición para el Met de Miguel Ángel, en 2017, y otra de Leonardo da Vinci, en 2003.

La primera obra que da la bienvenida a la muestra es un autorretrato que Rafael realizó en 1500, cuando era apenas un adolescente, pero en el que la calidad del trazo demuestra una destreza técnica que contradice su corta edad.

Entre los cientos de dibujos y pinturas llama la atención el gran ‘El Retablo Colonna’, el único retablo de Rafael en los Estados Unidos y parte de la colección del Met.

La obra, en su panel principal, muestra a la Virgen María y a un Niño Jesús vestido -algo poco común- sobre un gran trono escalonado.

Esta pieza es un puente entre épocas, ya que une los estilos tradicionales de sus maestros (Perugino y Pinturicchio) con el estilo florentino “moderno” que Rafael estaba empezando a adoptar.

La muestra está repleta de las “Madonas de Rafael”, como ‘La Madonna Alba’, de 1510.

La exposición señala que el interés de Rafael hacia la figura de la Virgen iba más allá de los iconos religiosos, ya que son retratos de una gran ternura muy ligados a la maternidad, y esto podría estar relacionado con su propia historia personal: su madre murió por complicaciones de parto en 1491, y dos de sus hermanos murieron en la infancia.

Uno de los hitos de la exposición es la colaboración con el Patrimonio Nacional de España, que ha prestado tres majestuosos tapices de la serie de Felipe II.

Estas piezas, de una fragilidad extrema debido a que la luz desvanece sus pigmentos, nunca habían salido de España.

“Tener estos tapices aquí, que nos muestran al pintor narrativo con todo su modo de lograr un drama dentro de una historia, es maravilloso”, explica Bambach.

La curadora destaca que su tapiz favorito es ‘La Pesca Milagrosa’, una pieza basada en un diseño original de Rafael y tejido con lana y seda por Jan van Tieghem y Frans Gheteels, debido a la cantidad de minuciosos detalles que tiene, como los reflejos en el agua de los peces y los pájaros.

“Uno sabe instantáneamente quién es el Cristo, quién es San Pedro y quién es San Andrés. Hay una claridad en el contar de la narración casi cinematográfica”, anota la experta.

Fuente: EFE. Fotos y video: EFE/Ángel Colmenares

La noticia apareció escondida en la segunda página de un reciente comunicado de prensa del museo.

Lauren Sánchez Bezos se convierte oficialmente en una de las reinas de la Gala del Met.

El lunes por la mañana, el Museo Metropolitano de Arte (Met) emitió un comunicado de prensa en el que anunciaba el código de vestimenta para la gala de recaudación de fondos del Instituto del Traje, evento que se celebra el primer lunes de mayo. Una fantasía deslumbrante de celebridades, moda y fabulosidad, que suele describirse como "la fiesta del año".

Y aunque la propia indicación de lo que deben llevar los invitados --"la moda es arte" es la directriz oficial-- podría ser suficientemente noticiosa por sí sola, aún más sorprendente fue el detalle enterrado en la segunda página del anuncio: "Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos fungirán como presidentes honorarios de la velada".

Anteriormente, Bezos y Sánchez Bezos habían sido nombrados patrocinadores principales tanto del acto como de la exposición que celebra, pero esta era la primera vez que se les ungía como presidentes honorarios de la fiesta, un cargo que suele conllevar un lugar en la fila de recepción y una posición en lo alto de la escalinata del Met.

Sin embargo, el anuncio se hizo menos como una gran revelación a lo Bezos que como un apéndice fácil de pasar por alto. La noticia figuraba al final de un largo párrafo en el que se enumeraban a las otras presidentas de la fiesta (Beyoncé, Nicole Kidman, Venus Williams y Anna Wintour), así como los 24 integrantes del comité anfitrión de la fiesta. Si lees demasiado deprisa, casi podrías perdértelo.

¿Acaso era ese el objetivo? El museo se negó a comentar por qué esperó a dar a conocer esta noticia en concreto. Por lo general, la información relacionada con la Gala del Met se revela en distintos momentos --para avivar la expectación-- y este es el tercer anuncio relacionado con la gala de 2026 que el museo ha hecho. Pero este es un caso inusual en el que los patrocinadores principales también serán los presidentes honorarios. La noticia no se reconoció inmediatamente, quizá porque incluso la participación inicial de los Bezos provocó cierta protesta, o quizá porque el acuerdo no se había cerrado hasta ahora.

De hecho, cuando el año pasado se publicó en la cuenta de Instagram del Met la noticia de que los Bezos patrocinaban el acto, varios comentaristas se mostraron en desacuerdo con la elección.

La relación entre la pareja y Anna Wintour, directora editorial mundial de Vogue, directora global de contenidos de Condé Nast y artífice de la Gala del Met, se considera cada vez más un reflejo de la época, para bien o para mal. Todo empezó cuando Wintour puso a Sánchez Bezos, en su boda, en la portada digital de Vogue en junio, después de publicar un perfil igualmente elogioso en 2023.

Sánchez Bezos es una de las pocas novias que han aparecido en la portada de Vogue (otras fueron Melania Trump en 2005 y Kim Kardashian en 2014), y a muchos espectadores les pareció como si Wintour estuviera vendiendo la revista, o al menos su elegante alma, a Bezos, con vistas, quizá, a vender Condé Nast. A algunos les pareció que el poder, el dinero y el interés propio eran lo que importaba a la hora de decidir quién merecía la atención de Vogue.

Incluso la política puede dejarse de lado. Wintour es una anti-Trumpista declarada --ha dicho que el presidente es la única persona a la que nunca invitaría al Met--, mientras que Bezos y Sánchez Bezos hicieron conocidas donaciones al fondo de investidura de Donald Trump y asistieron a la toma de posesión el pasado enero, Sánchez Bezos con un traje blanco con un corpiño de encaje que estaba a la vista.

Desde hace tiempo se rumorea que Bezos podría ser un posible comprador-salvador de la empresa matriz de Vogue, en parte porque lleva mucho tiempo intentando atraer la alta costura hacia Amazon, y Vogue es el conducto clásico de la alta costura. Aunque esto no ha sucedido, asociarse con la Gala del Met puede ser la mejor alternativa. Amazon ha patrocinado el evento en el pasado, y la pareja debutó en la gala en 2024, pero el patrocinio actual es privado, no corporativo, y enmarca a los Bezos como herederos de los Astor, los Whitney y los Vanderbilt.

La propia Wintour describió a Sánchez Bezos a la CNN como una "gran amante del vestuario y, obviamente, de la moda" y dijo: "Estamos muy agradecidos por su increíble generosidad".

Cuando la pareja fue fotografiada sentada con Wintour en los desfiles de alta costura de Dior y Schiaparelli en enero, y Sánchez Bezos cambió sus característicos minivestidos encorsetados por dos elegantes trajes de falda de gran dama, la relación pareció alcanzar una nueva etapa. Más tarde, Sánchez Bezos fue vista de compras con el "arquitecto de la imagen" Law Roach en varios talleres de alta costura, y el momento Met parecía un hecho consumado.

Ahora todas esas sospechas se han confirmado. El 4 de mayo, los Bezos ocuparán su lugar en la cúspide de la fiesta. Y la imagen resultante puede ser para muchos la prueba afirmativa de que se ha convertido en la expresión más visceral de una nueva edad dorada.

Vanessa Friedman ha sido la directora de moda y la crítica jefe de moda del Times desde 2014.

La Ópera Metropolitana de Nueva York anunció este miércoles un acuerdo para presentarse en Arabia Saudita y ofrecer formación artística en el reino petrolero, mientras busca apuntalar una tambaleante perspectiva financiera.

La prestigiosa institución cultural, que recibió una rebaja de calificación crediticia por parte de Moody’s hace apenas unos días, viajará a Riad para presentar sus espectáculos durante el receso invernal de la ópera, por un período de cinco años, en virtud de un acuerdo con la Comisión de Música de Arabia Saudita. Las presentaciones se realizarán en la Royal Diriyah Opera House, que se espera sea inaugurada en 2028.

El acuerdo compromete al personal creativo del Met a brindar formación a cantantes de ópera, compositores, directores y otros artesanos sauditas. La colaboración también prevé el encargo de una nueva ópera, según un comunicado conjunto del Met y el Ministerio de Cultura de Arabia Saudita. “La música es un lenguaje universal que trasciende fronteras, uniendo a las personas a través de la creatividad”, señaló Paul Pacifico, director ejecutivo de la Comisión de Música de Arabia Saudita. “Esta colaboración es más que un intercambio cultural; es una oportunidad para forjar nuevas conexiones, compartir nuestras historias a través de la música y contribuir a una vibrante comunidad artística global”, agregó.

La iniciativa refleja la economía “cada vez más desafiante” de producir gran Ópera, dijo Peter Gelb, director general del Met. “La sala no puede sobrevivir solo con los ingresos obtenidos y la recaudación anual de fondos”, afirmó Gelb, quien declinó proporcionar detalles financieros sobre la iniciativa. “Este acuerdo con el gobierno saudita nos ayuda a satisfacer nuestras necesidades financieras”.

El pasado 27 de agosto, la división Moody’s Ratings rebajó la calificación del Met dos escalones hasta “B3”, ubicando a la institución más profundamente en la categoría de grado no apto para inversión, reflejando “el deterioro persistente y creciente en el desempeño operativo”. El análisis destacó que el Met ha recurrido a su fondo de dotación para cubrir déficits, señalando un retiro de 70 millones de dólares en 2023 y 2024 y otro de 50 millones autorizado para 2025.

“Estos retiros reducirán el apoyo futuro a las operaciones presupuestarias a medida que los retiros regulares disminuyan en línea con las reservas más bajas”, indicó Moody’s. Gelb dijo que el Met está explorando activamente otras fuentes de recaudación de fondos. Estas incluyen acuerdos de licencia de su propiedad intelectual, así como los derechos de nombre del edificio del Met en el Lincoln Center.

Fuente: AFP

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) divulgó este lunes que recibió a más de 5,7 millones de visitantes en sus dos sedes -la de la Quinta Avenida y ‘The Met Cloisters’, en la parte alta de Manhattan- en el año fiscal que termina el 30 de junio de 2025.

Según un comunicado emitido por el museo, la asistencia general al Met aumentó un 5 % desde el año fiscal 2024.

Además, por segundo año consecutivo, el número de visitantes locales (los residentes de los estados de Nueva York, Connecticut y Nueva Jersey) superó los datos anteriores a la pandemia de la covid-19, con una recuperación del 109 % en comparación con 2019.

Por su parte, la asistencia local representó el 62 % de todos los visitantes en el año fiscal 2025, mientras que los visitantes nacionales de fuera del estado supusieron el 23 %.

El museo también registró su mayor asistencia en un solo día desde 2017, con 33.700 visitantes durante el día de apertura al público del ala nueva ‘The Michael C. Rockefeller Wing’ el pasado 31 de mayo de 2025.

Tras una renovación millonaria, las nuevas galerías están dedicadas a las artes de África, la América antigua y Oceanía, con más de 1.800 obras.

Durante el año fiscal 2025, las exposiciones fueron un factor clave para motivar a los visitantes, de los cuales un 40 % declararon haber planeado su viaje al Met para ver una muestra en específico.

Algunas de estas exposiciones que han llamado la atención y han recibido una gran afluencia de espectadores son: ‘Sargent y París’ (disponible hasta el 3 de agosto), que ha atraído a más de 427.000 visitantes hasta la fecha, y ‘Superfine: Tailoring Black Style’ (hasta el 26 de octubre), vinculada con el tema de la pasada Met Gala, que ha recibido a más de 291.000 visitantes.

Por otro lado, el 42 % de los visitantes se beneficiaron de las nuevas medidas para acceder al museo, como la opción para que los residentes en el estado de Nueva York puedan reservar entradas desde la página web del Met.

En el comunicado, el director ejecutivo del Met, Max Hollein, se mostró “encantado” por el crecimiento continuo del público, especialmente en la ciudad de Nueva York y sus alrededores, con visitantes con un “increíble entusiasmo” por la programación que presenta el museo.

Fuente: EFE

A finales de la década de 1930,Nelson Rockefeller intentó despertar el interés del Museo Metropolitano de Arte por la exposición de artefactos precolombinos, que había comenzado a coleccionar tras unas vacaciones en México en 1933. El director del Met en aquel entonces, el egiptólogo Herbert Eustis Winlock, consideraba que el arte de las Américas tempranas no encajaba bien en el museo y, según Rockefeller, le preocupaba que pudiera competir con el formidable acervo de material del antiguo Egipto que el museo había reunido.

Rockefeller, quien se convertiría en gobernador de Nueva York en 1959 y posteriormente vicepresidente de Estados Unidos, decidió crear su propio museo para albergar una colección personal que también incluía material de África y Oceanía. Es posible que se inspirara en su madre, Abby Aldrich Rockefeller, quien en una ocasión intentó que el Met se interesara en el coleccionismo de arte contemporáneo. Ella también fue rechazada y se convirtió en una de las fundadoras del Museo de Arte Moderno.

Pero el apetito del Met por el arte “primitivo” y moderno, al principio quisquilloso, terminó siendo voraz, sobre todo porque el coloso cultural de la Quinta Avenida aspiraba a ser un museo “universal” con una visión sinóptica de la cultura visual del planeta. A finales de la década de 1960, el Met negociaba con Rockefeller la adquisición del contenido de su Museo de Arte Primitivo y, en 1982, inauguró el Ala Michael C. Rockefeller, que lleva el nombre del hijo de Nelson, quien desapareció en 1961 a los 23 años (y posteriormente fue declarado muerto) durante una expedición antropológica en Nueva Guinea.

A finales del mes pasado, tras un cierre de cuatro años y un proyecto de renovación de 10 años y 70 millones de dólares, las obras de arte del Met sobre África, Oceanía y la América Antigua volvieron a exhibirse en un espacio completamente renovado de 3700 metros cuadrados en la cara sur de la primera planta del museo. Una pared inclinada de vidrio, cubierta durante mucho tiempo para limitar el daño de la luz a materiales sensibles, se reabrió con un sistema de sombreado, ofreciendo vistas a Central Park. Un espacio que antes era oscuro ahora es luminoso y abierto; el material que antes se conservaba en vitrinas se ha sacado al exterior; un nuevo techo, definido por arcos ligeramente curvados, se siente más alto y menos opresivo, y la iluminación ha mejorado notablemente.

Y los objetos más queridos han vuelto a la vista. Desde una entrada, los visitantes son recibidos por la exuberante figura del sacerdote dogón con los brazos en alto, realizada en algún momento del siglo XIV, con madera preciosa, escasa en la árida región del Sahel, en lo que hoy es Malí. Cerca se encuentra una impresionante exhibición de Asmat bis poles, objetos funerarios tan exuberantes visualmente como el sacerdote dogón en su abrazo esquelético al cielo, pero con un propósito decididamente más siniestro. Eran recordatorios esenciales de una comprensión de la mortalidad en la que ninguna muerte era accidental ni natural, sino siempre causada por un enemigo y, por lo tanto, siempre necesitada de venganza.

Más al fondo de las galerías se encuentra una poderosa figura kongo, con sus uñas erizadas, que protagonizó la exposición del Met de 2015-2016,Kongo: Poder y Majestad, que repasó 400 años de arte de uno de los reinos más poderosos de África. Y, suspendido sobre las galerías de Oceanía, se encuentra el apreciado techo ceremonial de la casa Kwoma, originalmente encargado a artesanos de Nueva Guinea en 1970 y reinstalado en una versión ligeramente más pequeña y editada con la colaboración de los descendientes de los creadores originales.

Bien protegidos de la luz se encuentran los impresionantes paneles de plumas azules y amarillas, elaborados por artistas Wari de lo que hoy es Perú, entre el 650 y el 1000 d. C. Incluso con poca luz, los colores son tan deslumbrantes como los de cualquier tela moderna producida con tintes sintéticos. Como una silueta cerca de las ventanas de las galerías oceánicas, se yergue un elegante cuenco para banquetes, casi espectral, elaborado por un artista matankol de las Islas del Almirantazgo, con sus asas intrincadamente talladas, realzadas por la luz que pasa directamente a través de sus cortes en espiral y su delicada filigrana.

El ala Rockefeller tiene una superficie que rivaliza con la de otros museos, incluyendo el Museo Whitney de Arte Estadounidense en el centro de la ciudad, que cuenta con unos 4.600 metros cuadrados de espacio interior para exposiciones. El tamaño del ala renovada, diseñada por Kulapat Yantrasast de WHY Architecture, en colaboración con Beyer Blinder Belle Architects, es el mismo que el de la antigua, diseñada por Kevin Roche y John Dinkeloo. Sin embargo, el flujo es diferente, ya que la obra de Oceanía se intercala entre la colección africana y las obras de piedra y metal de la antigua América, que se exhiben cerca de las nuevas vitrinas.

Antes de la renovación, los visitantes solían experimentar estas galerías como un espacio de paso, conectando la antigua Grecia y Roma por un lado con el arte moderno por el otro. Las galerías parecían desordenadas y anticuadas, un poco como un amplio pasillo con canoas dispersas y diversas figuras fetichistas, no un lugar de descubrimiento y contemplación.

Uno podría haber concluido, a juzgar por la arquitectura y la exhibición desalentadoras, que Winlock tenía razón: este arte no estaba auténticamente conectado con el resto del Met. El arte del antiguo Egipto, tan querido por Winlock, aunque africano, estaba intelectualmente entrelazado con la narrativa más amplia del arte occidental, como punto de origen e inspiración. Y si bien los artistas modernos habían tomado prestadas y expoliado libremente ideas visuales de la obra de artistas indígenas, lo hicieron sin ningún contacto o compromiso genuino con las culturas que lo produjeron. Era “primitivo” y hablaba al inconsciente, al mundo de los sueños, portador de ideas tomadas de Freud y Jung, completamente transfiguradas de sus propósitos ceremoniales, religiosos o de culto originales.

El estatus de este material era incierto entonces y sigue sin resolverse hoy. ¿Es arte en el sentido occidental? ¿Puede sobrevivir algo de su significado original tras ser arrancado de su contexto cultural y exhibido bajo el mismo techo que Tiziano, Tintoretto y Picasso? Cuando Rockefeller celebró la exhibición de obras de su colección en el Met en 1969, lo hizo con un lenguaje formalista: «Mi interés es puramente estético», dijo. «... Los objetos en sí mismos trascienden toda explicación».

Eso pudo haber funcionado en 1969, cuando muchos visitantes aún se resistían al argumento de que estas obras no eran arte en absoluto y debían exhibirse en museos de antropología o historia natural. La donación de Rockefeller al Met pareció resolver esa cuestión y, aún más, cambió las prioridades institucionales de los museos de todo el mundo“.

Una vez que Rockefeller dio ese gran paso, muchos otros museos siguieron su ejemplo”, afirma Alisa LaGamma, curadora de arte africano del Mety quien supervisó la renovación del ala Rockefeller. La cultura visual que no formaba parte de la tradición europea “finalmente se consideraba parte de la historia del arte”.

Pero hoy en día es mucho más difícil argumentar que esta obra debería estar en un museo de arte simplemente por su atractivo estético. Apreciar estas obras únicamente como objetos visuales exacerba la violencia intelectual de la descontextualización. ElMetha respondido a esto escribiendo extensas etiquetas de objetos y textos murales, cuidadosamente analizados pero firmes incluso cuando temas como la caza de talentos pueden incomodar a algunos visitantes.

El activista congoleño Mwazulu Diyabanza acaparó titulares en todo el mundo cuando, hace cinco años este mes, él y otros manifestantes robaron una reliquia funeraria africana del siglo XIX del museo Quai Branly de París, gritando: “¡Nos la llevamos a casa!”. El objeto fue recuperado, y Diyabanza fue arrestado y multado con 1000 euros (unos 1100 dólares). Continuó con protestas similares en museos de Marsella(Francia) y de los Países Bajos.

Estos actos fueron parte de un movimiento más amplio para “descolonizar” las instituciones culturales, que se resume concisamente en la introducción de Bhakti Shringarpure a un libro de 2022 de Shimrit Lee, Descolonizar los museos: “Desfinanciar el museo, hacer huelga contra el museo, boicotear el museo, abolir el museo”.

El movimiento de descolonización ha lanzado una crítica mucho más radical a exposiciones como la que se exhibe en el Met. Durante décadas, se ha debatido cómo los museos occidentales adquirieron objetos de las regiones incluidas en el ala Rockefeller, con especial controversia sobre obras que simplemente fueron saqueadas, sustraídas en guerras enormemente asimétricas o en luchas por el poder, o compradas en transacciones desequilibradas o coercitivas. Los célebres Bronces de Benín, algunos de los vaciados de metal más sofisticados y complejos jamás realizados, son particularmente notorios. Muchos de ellos fueron saqueados en 1897 por los británicos de un reino que ahora pertenece a Nigeria, terminando en instituciones occidentales como el Museo Británico y a menudo circulando en el mercado internacional del arte. En 2021, el Met inició la devolución a Nigeria de tres bronces: dos placas de latón de Benín del siglo XVI y una cabeza de latón del siglo XIV procedente de Ile-Ife, que un coleccionista había puesto a la venta al museo. La repatriación de obras originarias de Benín se ha convertido en una forma problemática, pero simbólicamente significativa, de poner a prueba el compromiso de los museos modernos de honrar un sentido de propiedad que trasciende el mero título legal.

Pero la repatriación se trata de si un museo tiene la titularidad legal y ética de una obra; la descolonización se trata de si lugares como el ala Rockefeller deberían existir. Y el Met ha reabierto sus colecciones indígenas en un momento crucial en la historia de la supremacía blanca y la descolonización: ambas ideas son vigentes y vigorosas, y los defensores de la primera están a la ofensiva en la nación más poderosa del planeta.

El Met no puede desactivar este conflicto y, sensatamente, ha encontrado un buen punto medio entre instituciones como el Foro Humboldt de Berlín, que se entrega a una autoflagelación insoportable al exhibir obras recopiladas durante la época del colonialismo alemán, y museos como el que dirigía Winlock, exdirector del Met, que no reconocía el legado artístico de continentes ajenos al ámbito de la cultura europea. Un museo universal no puede desuniversalizarse sin una destrucción fundamental de su identidad, traicionar a su público y renunciar a su deber de preservar y explicar el material que ha recopilado.

Lo único que puede hacer es presentar, con el ejemplo, un argumento sólido a favor de la validez del propósito universal del museo. Y el Met lo ha hecho brillantemente con esta nueva exposición, que facilita la observación, la comprensión y el amor por estas obras. Si crees en valores interculturales o en el cosmopolitismo, ver al otro, querer conocerlo y amarlo lo mejor posible son obligaciones humanas fundamentales.

Fuente: The Washington Post

El país tuvo 630 horas de sol entre el 1 de marzo y el 27 de mayo, superando en cuatro horas a la anterior primavera más soleada (2020), de acuerdo con los datos provisionales del Met, cuyos registros empezaron en 1910.

La científica del Met Emily Carlisle, dijo que "el Reino Unido ha registrado provisionalmente su primavera más soleada registrada, a falta de algunos días para el final de la temporada". "Todos recordamos la primavera excepcionalmente soleada de 2020, pero eso ha sido superado por la primavera de 2025".

Agregó que siete de las diez primaveras más soleadas registradas en el Reino Unido desde 1910 se han producido desde el año 2000.

"Ciertamente ha sido una primavera extremadamente soleada y seca para la mayoría, pero con algunos días restantes de la temporada y un clima más inestable esta semana, es demasiado pronto para predecir qué ocurrirá con los récords", precisó.

Carlisle resaltó que el servicio aportará más datos una vez se completen las estadísticas correspondientes a mayo. EFE

El Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York inició una nueva etapa en su historia con la reapertura de su ala Michael C. Rockefeller, que alberga las salas dedicadas a África, Oceanía y el Arte de la Antigua América, donde una mexicana juega un papel relevante.

Laura Filloy Nadal, académica mexicana y responsable del rediseño curatorial de la Sala de Arte de la Antigua América junto con Joanne Pillsbury, curadora de Arte Americano Antiguo en el Met, señaló que este proyecto comenzó en 2018 con reuniones en el Museo Nacional de Antropología (MNA) en la Ciudad de México.

En este proyecto buscaron repensar la representación de las sociedades americanas en el Met, tanto del pasado como del presente.

Esta renovación marca el cierre de casi una década de trabajo, destacando una colaboración significativa con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México.

El resultado de este esfuerzo es una colección que incluye cerca de 700 objetos patrimoniales, elaborados en materiales como piedra, madera, cerámica, metal, jadeíta y concha, que abarcan un periodo que va desde aproximadamente el año 1200 a.C. hasta el inicio del siglo XVI, cuando los exploradores europeos llegaron al continente americano.

Según detalló Filloy Nadal, uno de los objetivos principales de la renovación es comunicar la vasta diversidad territorial y cultural de las civilizaciones americanas.

Qué se puede encontrar en el MET

Las galerías ahora incluyen secciones dedicadas a textiles sudamericanos, con piezas de culturas como la inca, moche y wari, así como un recorrido geográfico que conecta la Patagonia con el Perú y, finalmente, un corredor que asciende desde Colombia hasta Mesoamérica.

Entre las innovaciones más destacadas se encuentra la inclusión, por primera vez, de los nombres de los antiguos artistas que crearon piezas para las cortes mayas. Un ejemplo es Chakalte’, un escultor activo hacia el año 770 d.C., conocido por sus relieves en piedra, como un dintel recuperado en el sitio arqueológico de La Pasadita, en Guatemala.

Además, el museo ha adoptado un enfoque más respetuoso hacia las denominaciones culturales, utilizando los nombres originales con los que las comunidades se identificaban.

Por ejemplo, en lugar de “azteca”, se emplea “mexica”, y en lugar de “mixteco”, se utiliza “ñuu savi”, que significa “pueblo de la lluvia”.

Este enfoque también resalta que muchas de estas culturas, como los ñuu savi, siguen vivas en regiones de México como Guerrero, Puebla y Oaxaca, así como en comunidades migrantes en Nueva York.

El Met, que recibe más de seis millones de visitantes anuales, también ha implementado medidas para hacer sus colecciones más accesibles a una audiencia diversa.

Según Filloy Nadal, el museo ha ampliado sus horarios para facilitar la visita de personas con agendas laborales ajustadas y ha desarrollado herramientas como mapas interactivos y cedularios en inglés y español.

Estas iniciativas buscan fortalecer el sentido de pertenencia de las comunidades migrantes y sus descendientes, permitiendo que las familias conecten con sus raíces culturales.

Por ejemplo, un padre puede mostrar a sus hijos piezas que representan su herencia mexicana o costarricense y explicarles de dónde provienen.

En los años noventa, Pamela Anderson se convirtió en una marca de sensualidad corriendo. Allí estaba, en la arena de Baywatch, con un traje de baño rojo que se volvió parte del imaginario global. Antes de eso su figura ya habia posado para las portadas de Playboy, el lugar que la catapultó hacia el éxito. Supo ser un ícono televisivo que, a fuerza de exposición, encarnó un modelo de belleza hegemónica y una identidad ligada a la exageración estética.

Tres décadas después, esa misma figura se presenta ante cámaras sin una gota de maquillaje, y ahora, con un corte bob rizado que deja ver su rostro al natural. Anderson se volvió una influencer del “sin filtro”, sin bases, ni delineadores, como en la reciente promoción de The Naked Gun o en la MET Gala 2025.

Desde la pasarela de Proenza Schouler hasta los salones del Drew Barrymore Show, el presente de Anderson, a los 57 años, no encarna un personaje, sino que muestra otra versión de sí misma, una que se distancia deliberadamente de la construcción visual que dominó su carrera inicial.

El abandono del maquillaje comenzó a ser visible en 2022, cuando asistió sin cosméticos a la Semana de la Moda de París. Desde entonces, ha mantenido esta elección en eventos como los Fashion Awards de Londres en 2023 y la reciente edición del MET.

Según expresó en una entrevista televisiva, no se trata de una estrategia sino de una decisión sostenida. “Me di cuenta de que me sentía genial siendo yo misma y no quería que la gente me reconociera más en esos personajes. Creo que los creé para protegerme”, dijo en The Drew Barrymore Show.

La misma línea de acción se evidenció en la campaña primavera-verano 2024 de la marca Proenza Schouler, fotografiada por Davit Giorgadze, donde aparece sin maquillaje.

Fundada por Jack McCollough y Lazaro Hernandez, la etiqueta promovió un mensaje centrado en la autoaceptación. Anderson definió esta experiencia como “liberadora, divertida y un tanto rebelde”.

En paralelo, su nuevo corte de cabello generó atención por parte de especialistas. Durante la MET Gala, había presentado un estilo bob recto con flequillo, pero lo reemplazó semanas después por un bob rizado corto a la altura de la mandíbula, con la parte frontal levemente más larga.

El estilista Juandiegoteo, embajador de Redken, lo describió como “elegante y favorecedor” para múltiples tipos de rostro.

En la misma línea, Kuki Giménez, directora de Let’s Make Up School, destacó que este tipo de corte permite aprovechar el movimiento natural de los rizos en cabellos ondulados o finos.

El peinado actual también remite a figuras clásicas del cine estadounidense como Greta Garbo, Marlene Dietrich, Grace Kelly o Marilyn Monroe, cuya estética se basaba en ondas marcadas, raya lateral y una estructura que equilibraba sensualidad y control de imagen. Sin replicar ese modelo, Anderson recupera, según los expertos, ciertos elementos visuales, pero sin reconstruirlos desde el artificio o la exageración.

Estas transformaciones coinciden con una etapa de actividad profesional marcada por proyectos propios. En enero de 2023, Anderson publicó su autobiografía Love, Pamela, acompañada por el estreno del documental de Netflix Pamela Anderson: Una historia de amor, producido por su hijo Brandon Thomas Lee.

En ese material, la actriz repasa su trayectoria desde su infancia hasta su paso por la mansión Playboy, con énfasis en los vínculos afectivos, la exposición mediática y los momentos de mayor presión pública.

Además de su faceta artística, la actriz ha sostenido causas vinculadas con el medioambiente, los derechos animales y el apoyo a personas refugiadas.

En diversas entrevistas, ha mencionado su interés por la lectura de filosofía, la escritura de poesía y la pintura como actividades personales, ajenas a su perfil más conocido.

En los últimos años, también adoptó un estilo de vestimenta más austero, con preferencia por trajes amplios de líneas neutras. Uno de sus looks recientes incluyó un conjunto monocromático color crema de Stella McCartney, con chaqueta oversize, pantalones anchos y una camiseta desgastada.

Ícono sensual y rock

Su carrera había comenzado de forma inesperada en los años ochenta, cuando fue captada por las cámaras durante un partido de fútbol en Canadá. Vestía una camiseta de la marca de cerveza Labatt, lo que la llevó a ser imagen de la compañía.

Luego se trasladó a Los Ángeles, posó para Playboy en 1989 y alcanzó reconocimiento mundial en 1991 con su rol en Baywatch.

En los años siguientes, su vida privada tuvo amplia cobertura mediática, en especial por su relación con el baterista de Mötley Crüe, Tommy Lee, padre de sus dos hijos. El vínculo terminó tras denuncias de violencia doméstica. En 2020, tuvo un breve matrimonio con su guardaespaldas Dan Hayhurst, que duró menos de un año.

El presente de Anderson, articula una serie de decisiones que reorganizan la manera en que se presenta ante el público: sin maquillaje, con un nuevo corte de cabello, con proyectos narrativos que reconstruyen su pasado desde su propia voz, y con una serie de apariciones que desplazan el foco estético hacia otras formas de representación.

Nueva York, 5 may (EFE).- El Museo de Arte Metropolitano (MET) de Nueva York ha presentado este lunes la exposición 'Superfine: Tailoring Black Style', que inspirará la Met Gala, que tendrá lugar en unas horas, con el 'dandismo negro' y su influencia en la identidad de la diáspora del Atlántico Negro (ubicada en América, Gran Bretaña y el Caribe) como elementos principales.

Trajes, trajes y más trajes, de colores vibrantes, con raya diplomática, doble o simple botonadura, adornados con sombrero de copa en los inicios y estilo 'fedora' más adelante. Estos son los artículos que se pueden encontrar en la nueva exposición, abierta al público desde el 10 de mayo, cuya presentación tuvo lugar esta mañana y en la que algunos visitantes ya lucían acordes al código de vestimenta.

Pero, ¿qué es el dandismo negro? Parece que cada persona tiene una definición diferente, pero todos los relacionan con la elegancia y la búsqueda de la identidad negra.

Según recoge uno de los textos de la exposición, esta forma de expresión, que se encuentra mayoritariamente por hombres, refleja el modo en que los negros han utilizado la indumentaria y la moda para transformar sus identidades, proponiendo "nuevas formas de encarnar las posibilidades políticas y sociales".

El motivo viene de un libro de 2009 de la catedrática de los Estudios Africanos de Barnard College (parte de la Universidad de Columbia) y comisaria invitada de la colección, Monica Miller, que explicó el 'dandismo negro' como un acto de rechazo: "Un rechazo a encajar o incluso a aceptar categorías de identidad dadas o típicas".

La colección contiene otros elementos como retratos, fotografía y objetos personales y se divide en doce secciones, como respetabilidad, herencia, belleza o cosmopolitismo.

Uno de los ejemplos de la piezas que se muestran en la exposición es el traje 'zoot', un tipo de vestimenta que Malcom X se enorgulleció de adquirir y que se habían convertido antes que él en símbolos de anarquía durante la austeridad de los tiempos de guerra en los años 40.

También se pueden encontrar desde piezas que pertenecieron al cantante Prince o marcas de lujo, como Louis Vuitton -promotor principal este año-, a los trajes de cuero que solían llevar los Panteras Negras, la organización política de los 60 que luchaba por los derechos de los afroamericanos.

El actor Colman Domingo, que vistió un traje fucsia y una gorra de Kangol en la presentación, honró a su familia y sus humildes orígenes en un emotivo discurso en el que destacó el estilo que tenían tres figuras inspiradoras en su vida: su padre, su padrastro y su hermano.

También, mencionó a su madre y su tía, que creaban y diseñaban su propia ropa: "Recuerdo que decían: siempre puedes tener estilo, cariño. El estilo nunca cuesta demasiado".

Domingo es uno de los coanfitriones de la MET gala, que se unirá esta noche al diseñador Pharrell Williams, el piloto de Fórmula 1 Lewis Hamilton, el músico A$AP Rocky y la jefa de redacción de Vogue, Anna Wintour.

Quedan horas para uno de los evento más esperados del año y los aficionados comienzan a amontonarse en la puerta, a pesar de este día lluvioso en Nueva York, con tal de vislumbrar los trajes que llevarán las 'celebrities' en una gala conocida por su excentricismo.

La lista de invitados se mantiene secreta y como cada año se espera con gran expectación, pero algunos ya se han dejado ver por las calles de la ciudad, como Rosalía, Sabrina Carpenter o Rihanna.

Este año se desarrolla en un momento de tensión política en el que el presidente, Donald Trump, está desmantelando las iniciativas de diversidad en su cruzada anti 'woke' ('progre'). Sin embargo, el único que se ha mostrado en contra de la celebración de la gala, es el nieto de John F. Kennedy y antiguo corresponsal de Vogue, Jack Schlossberg, que optó por el boicot, indicando que no se trata del momento adecuado. EFE

(foto) (vídeo)

Se da tanta importancia a la moda en la Gala Benéfica del Instituto del Traje del Museo Metropolitano de Arte, también conocida como Gala del Met, que puede resultar fácil olvidar que el evento trasciende la ropa.

También es una recaudación de fondos para el museo, que este año ha recaudado más dinero que nunca desde que comenzó la gala hace casi 80 años, así como una fiesta de inauguración de nuevas exposiciones del Instituto del Traje (Costume Institute en inglés).

La de este año, titulada “Superfine: Tailoring Black Style”, trata de la historia y la cultura del dandismo negro.

El código de vestimenta de la gala del lunes era “A tu medida”, una ambigua asignación que, para muchos invitados, significaba traje sastre:

• Hubo trajes en tonos pastel y trajes de raya diplomática.
• Trajes de tres piezas y trajes de dos piezas.
• Trajes de pantalón, trajes de falda y vestidos de traje.

Entre los accesorios más populares estuvieron los sombreros y los instrumentos musicales (Jon Batiste llevó un saxofón y André 3000 entró con un piano a la espalda).

De las decenas de atuendos de la Gala del Met, estos 15 destacaron como algunos que serán difíciles de olvidar, al igual que la alfombra azul, con un estampado de narcisos que le daba más brillo que la alfombra roja común y corriente.

Diana Ross: la más arrolladora

La reina de la música disco combinó un vestido plateado con un abrigo de plumas que, según dijo, llevaba bordados los nombres de sus hijos y nietos.El abrigo tenía una cola de cinco metros y medio de largo, según Vogue, que barrió la alfombra floral como un plumero glamuroso.

Colman Domingo: más jaque mate

Tras hacer su arribo con una capa azul hasta el suelo, el actor y presidente de la gala se puso rápidamente el tipo de ropa masculina extravagante por la que es conocido:Una chaqueta de cuadros Valentino y unos pantalones de tiro alto adornados con un pañuelo Ascot y un alfiler de solapa de flor extragrande.

Zendaya: la boda más blanca

Meses después de pasearse por la alfombra de los Globos de Oro luciendo un anillo que espoleó los rumores de un posible compromiso, la actriz llegó a la gala con un traje de Louis Vuitton que recordaba al conjunto blanco que Bianca Jagger llevó en su boda con Mick Jagger.(También se parecía mucho al conjunto blanco de Dior que llevaba la actriz de Shogun, Anna Sawai).

Jennie: muy Mary Poppins

La cantante de K-pop llevaba un look Chanel de falda que incluía hilos de perlas de gran tamaño y un sombrero negro adornado con una cinta blanca.Dijo que se había inspirado en la moda de la década de 1920; para algunos, también evocaba el vestuario de una niñera de ficción.

Venus Williams: la más ganadora

Puede que las referencias fueran obvias, pero el conjunto verde de la atleta estrella, inspirado en el tenis, bajo un largo abrigo de lentejuelas, fue un grand slam.

Bad Bunny: el más ‘Una noche en el museo’

Con una bolsa de bolos a cuestas, el cantante —vestido de Prada— parecía haber empacado para pasar la noche en el Met.

Doechii: logomanía al extremo

El elegante look de Louis Vuitton de la rapera combinaba dos de los estampados característicos de la casa con una hebilla de cinturón con monograma.

Lewis Hamilton: la etiqueta más rigurosa

El piloto de Fórmula 1 y copresidente de la gala pareció tomarse el código de vestimenta al pie de la letra, a juzgar por su conjunto marfil de Wales Bonner, que incluía pajarita y chaqueta con frac, el código de vestimenta más formal para los caballeros.

Tracee Ellis Ross: ultra caramelo de azúcar

Aunque el look de su madre era difícil de superar, la actriz mantuvo el ritmo con un traje bicolor rosa y granate de Marc Jacobs, que tenía un espectacular lazo en la cintura, y la paleta y los bordes puntiagudos del azúcar piedra.

Dapper Dan: el más atildado

El look en blanco y negro del diseñador encarnaba el tipo de prendas únicas que le hicieron famoso.Conocidas como knockups, llevan logotipos del diseñador remezclados y se presentan en la exposición “Superfine”.

Jonquel Jones: el mayor desafío a la gravedad

Encima del traje oscuro Sergio Hudson de la jugadora del New York Liberty había una torre de pelo adornado con perlas.

Chimamanda Ngozi Adichie: la más enlazada

La novelista, miembro del comité anfitrión de la gala, llevaba unas piedras alrededor del cuello y varios moños en la falda de su vestido de plumas de Prabal Gurung.

Christian Latchman: el más ‘superfino’

Con un traje de falda pálida de la marca 5000, el modelo evocó el tema de la exposición, lo que no fue demasiado sorprendente: apareció en la imagen de portada del catálogo fotografiado por Tyler Mitchell.

Lauryn Hill: con el amarillo de moda

La rapera y cantante iluminó la alfombra con un amarillo mantequilla, un tono que publicaciones como The New York Times han considerado el color de esta primavera.Complementó su conjunto escultural con un bolso Hermès Kelly azul lago.

Whoopi Goldberg: el toque de Midas

La actriz combinó su conjunto Thom Browne con accesorios que incluían un sombrero de copa, pendientes de aro y dedales metálicos.“No pude hacerme la manicura”, dijo en una entrevista en la alfombra.

(HealthDay News - NYT) A estas alturas, probablemente ya sepas que el primer lunes de mayo no es un lunes cualquiera: es la gala benéfica del Instituto del Traje del Museo Metropolitano de Arte, también conocida como los Oscar de la Costa Este o la fiesta del año. Nosotros lo consideramos los X Juegos de la Moda o el Juego de las Estrellas de las Entradas Triunfales.

Este año, sin embargo, las cosas son un poco más complicadas, en parte porque el primer lunes de mayo es también la mitad de las eliminatorias de la NBA y el comienzo de la selección del jurado en el juicio a Sean Combs.

¿Por qué importan las eliminatorias de la NBA? Porque LeBron James es el presidente de honor de la gala, y si sus Lakers de Los Ángeles llegan a las semifinales de conferencia, no podrá asistir.

¿Quién más organiza?

La reina que todo lo supervisa es Anna Wintour, directora de contenidos de Condé Nast y editora jefa de Vogue, la revista de moda más importante del grupo. Wintour ha sido el cerebro principal de la gala desde 1999, después de hacerlo por primera vez en 1995, y ha transformado el evento de una gala benéfica común y corriente en un megamuestrario de la visión del mundo de Vogue: el cóctel definitivo de poder de los nombres famosos de la moda, el cine, la tecnología, la política, los deportes y, cada vez más, las redes sociales. Es el favor con favor se paga de las marcas.

Junto a Wintour como copresidentes de la gala 2025 estarán el músico y diseñador de ropa masculina Pharrell Williams, el rapero ASAP Rocky, el piloto de Fórmula 1 Lewis Hamilton y el actor Colman Domingo. Por primera vez desde 2019, también habrá un comité anfitrión que, junto con los presidentes, es más o menos un mosaico de la excelencia negra: los atletas Simone Biles y Jonathan Owens, el dramaturgo Jeremy O. Harris, la escritora Chimamanda Ngozi Adichie, la estrella de Broadway Audra McDonald, los cantantes Tyla y Usher ya te haces una idea.

¿Hay algún tema? Sí, siempre relacionado con la gran exposición que celebra la fiesta. Este año, se trata de la expo de primavera del Instituto del Traje, titulada “Superfine: Tailoring Black Style”, que se centrará en la historia y la influencia del dandi negro en el mundo occidental, y en el modo en que la moda se ha utilizado como herramienta tanto de esclavitud como de liberación.

La exposición se inspira en el libro de 2009 Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity, de Monica L. Miller, profesora de Estudios Africanos del Barnard College, y ha sido curada conjuntamente por Miller y Andrew Bolton, conservador responsable del Instituto del Traje, conocido en inglés como Costume Institute.

También es la primera exposición del Instituto del Traje dedicada exclusivamente a la ropa masculina desde “Bravehearts: Men in Skirts” de 2003, y la primera en la que solo participan diseñadores de color.

Suena importante. Y lo es. La exposición es la culminación de un reequilibrio de los fondos y el enfoque del Instituto del Traje que Bolton adoptó en 2020 tras el asesinato de George Floyd. Ha permitido a Bolton tanto utilizar piezas de la propia colección del Met como adquirir más piezas de diseñadores de color.

El año pasado, Miller dijo a The New York Times que la exposición era “una oportunidad para que todos los miembros del equipo de curadores comprendieran realmente cuántos diseñadores negros, histórica y contemporáneamente, hay ahí fuera”.

Pero también llega al mundo en un momento en que la DEI (Diversidad, Equidad e Inclusión) está siendo atacada por el gobierno de Dondald Trump. Esfuerzos similares en universidades y museos de todo el país han puesto en la diana a las instituciones que los acogen.

¿Es el Met un objetivo potencial?

A diferencia de otros pesos pesados de la cultura, como el Instituto Smithsoniano, al que el presidente Trump señaló recientemente en una orden ejecutiva, el Metropolitan recibe muy pocos fondos federales, por lo que es mucho menos vulnerable a la presión de Washington.

¿Cómo encaja Sean Combs en todo esto? Como P. Diddy y fundador de la línea de moda Sean John, Combs se presentó en un momento dado como una especie de encarnación del tema de la muestra. Si no hubiera sido imputado por cargos federales de organización criminal y tráfico sexual el año pasado, es casi seguro que habría estado en el acto. (Combs, que lleva recluido en una cárcel de Brooklyn desde septiembre, solía asistir a la gala con regularidad, la última vez en 2023, cuando estrenó “Sean John couture”). De hecho, algunos implicados estaban al parecer preocupados por que la tensión entre la fiesta y el juicio interfiriera en la velada. Hubo incluso rumores de algunas peticiones para mover la fiesta, pero no se consiguió.

¿Hay otros famosos involucrados?

El espectáculo está diseñado por la artistaTorkwase Dyson, y cuenta con cabezas de maniquí creadas porTanda Francis, artista conocida por sus esculturas de cabezas y máscaras africanas monumentales.

Iké Udé, un artista multimedia a quien Bolton llamó el dandy contemporáneo definitivo, es un asesor especial, y Tyler Mitchell, el primer fotógrafo negro que fotografió una portada de Vogue, creó unensayo fotográfico especial para el catálogo.

Ah, y el menú de la cena de gala será creado por Kwame Onwuachi, chef y escritor estadounidense de origen nigeriano.

¿Cuánto cuesta todo esto?

Las entradas individuales para la gala cuestan a partir de 75.000 dólares, y las mesas de 10 se venden por 350.000 dólares. Todo el dinero de la venta de entradas se destina directamente a financiar el presupuesto anual del Instituto del Traje. Este año, entre los patrocinadores figuran Louis Vuitton (Williams es el diseñador de ropa masculina de Vuitton), Instagram, Africa Fashion International, Tyler Perry y Condé Nast.

En cuanto a por qué el dinero tiene que ir al presupuesto del Instituto del Traje: es el único departamento curatorial del Met que debe pagarse a sí mismo, herencia de un extraño acuerdo que data de 1946, cuando el Museo de Arte del Traje se fusionó con el Met, y la moda no se consideraba una forma de arte del todo respetable. Y aquí entra la gala. La del año pasado recaudó unos 26 millones de dólares; en comparación, la gala de reapertura de la Colección Frick, celebrada en abril, recaudó 3,7 millones de dólares.

¿Quién está invitado?

La lista de invitados es un secreto muy bien guardado. A diferencia de otras recaudaciones de fondos culturales, como la gala de inauguración de la temporada de la Ópera Metropolitana, a la Gala Met solo se puede asistir con invitación. Los requisitos para la inclusión tienen más que ver con la expectación, los logros y la belleza -la santísima trinidad de Wintour-- que con el dinero. La editora de Vogue tiene la última palabra sobre todas las invitaciones y asistentes.

Esto significa que, aunque dones mucho dinero al museo, no necesariamente cumplirás los requisitos, y aunque una empresa compre una mesa, no puede elegir quién se sentará en ella. Tiene que pasar todas las propuestas de invitados por Wintour y Vogue y rezar para que las aprueben. Este año, como en 2024, hay unos 400 Elegidos, según una portavoz del Instituto del Traje.

¿Irá Rihanna?

Dado que su pareja, ASAP Rocky, es uno de los presidentes, lo más probable es que la respuesta sea sí, aunque con Rihanna nunca se sabe. (El año pasado, confirmó su asistencia y luego se puso enferma en el último momento).

Los deportistas se están convirtiendo cada vez más en los invitados famosos del día, así que puedes esperar un puñado de jugadoras de baloncesto, incluida la número 1 del draft de la WNBA, Paige Bueckers, así como, según se dice, Shakira, Mary J. Blige y Lizzo. Probablemente también habrá una o dos Kardashian/Jenner, a juzgar por la asistencia de los años anteriores. También estarán presentes varios jóvenes diseñadores negros, como LaQuan Smith, muchos de ellos invitados por primera vez.

En cuanto a Jay-Z y Beyoncé, tus conjeturas son tan buenas como las mías.

¿Los famosos compran sus entradas?

¿Los perros vuelan? No, son invitados por marcas (o por marcas a indicación de Vogue), que compran sus asientos en la mesa, además de confeccionar a medida sus atuendos, hacerlos volar y alojarlos. A cambio, los invitados famosos trabajan el ángulo de la moda. Por supuesto, siempre pueden hacer un donativo al museo.

¿Hay un código de vestimenta?

Sí, y se inspira en la exposición. Este año es “A tu medida”, una directriz adecuadamente vaga. Al fin y al cabo, dado que la mayoría de los trajes de la Gala del Met se confeccionan específicamente para quien lo viste, en teoría todos están hechos a la medida. Aun así, el tema puede contrarrestar la tendencia de los invitados a disfrazarse que ha caracterizado algunas de las galas recientes.

¿Recuerdas cuando Billy Porter, como un ave fénix de alas doradas, fue llevado a la fiesta de celebración de tema “Camp” en 2019 por seis hombres sin camiseta? ¿O cuando Jared Leto llegó a la gala que celebraba a Karl Lagerfeld en 2023 vestido como la gata de Lagerfeld, Choupette?

Sin embargo, puedes apostar por una cosa: como Vuitton es patrocinador, verás muchas creaciones de esa marca. También muchos trajes.

¿Cuándo empieza?

En teoría, las llegadas programadas --a cada invitado se le asigna un espacio-- empiezan a las 5:30 p. m. normalmente con los anfitriones de la noche, y terminan sobre las 8 p. m. A menos, claro está, que seas Rihanna o Beyoncé, en cuyo caso llegas cuando quieres.

¿Quiénes son los anfitriones de la emisión en directo?

Para ofrecer una visión desde dentro de la gala, Vogue retransmitirá el evento en vivo por quinto año consecutivo. La La Anthony y Emma Chamberlain, presentadoras el año pasado, estarán acompañadas en la alfombra roja por Teyana Taylor y Ego Nwodim. Puedes esperar que vayan más allá de “¿Qué llevas puesto?”

Vanessa Friedman ha sido la directora de moda y la crítica jefe de moda del Times desde 2014.

Glasgow, 24 ene (EFE).- La borrasca Éowyn ha dejado en Escocia 100.000 hogares sin electricidad, el 92 % de las escuelas cerradas y múltiples servicios médicos no urgentes cancelados, según datos difundidos este viernes por el gobierno escocés.

En un comunicado, el ministro principal, John Swinney, indicó que "esta tormenta está causando un impacto significativo en todo el país, con árboles caídos, vehículos volcados y cortes de energía generalizados".

"Pido a todos extremar la precaución y seguir las recomendaciones de seguridad para protegerse y cuidar de los más vulnerables", agregó.

Por su parte, la Oficina de Meteorología (Met) advirtió de una alerta roja en gran parte del cinturón central y el suroeste de Escocia por "peligro de vida" por rachas de viento que han alcanzado los 160 km/h hasta las 17:00 (GMT) del viernes.

Se han cancelado los servicios de ferry, vuelos y trenes, mientras que la Policía de Escocia ha puesto en marcha una operación específica para ayudar a quienes se encuentran varados tras reservar un cruce marítimo.

Las autoridades han advertido del cierre de carreteras, como la A1, una de las principales vías de comunicación que conecta Edimburgo con Inglaterra, debido a varios vehículos volcados por el viento.

La tormenta, considerada la más devastadora en Escocia en los últimos 13 años por los meteorólogos, ha obligado al cierre de supermercados, bancos y servicios médicos.

El operador ferroviario ScotRail ha suspendido todos los servicios ferroviarios hasta el mediodía del sábado diciendo que "no sería seguro operar servicios de pasajeros" debido a las condiciones, mientras que el aeropuerto de Edimburgo indicó que los vuelos no operarían durante la alerta meteorológica y ya ha provocado 158 cancelaciones.

El aeropuerto de Glasgow está operando un servicio limitado, mientras que todos los vuelos del aeropuerto de Aberdeen, que se enfrenta a una alerta ámbar, han sido cancelados en su mayoría.

La Met ha emitido alertas amarillas y ámbar por viento, nieve y hielo en otras zonas de la región histórica y se esperan acumulaciones de hasta 25 cm de nieve en zonas elevadas y condiciones heladas en todo el territorio.

Kate Forbes, viceministra principal escocesa, dijo en el programa Good Morning Scotland de la BBC que "es fundamental que la población no corra riesgos innecesarios" y pidió a las empresas priorizar la seguridad de sus trabajadores, recomendando el cierre de comercios.EFE

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Glasgow (R. Unido), 23 ene (EFE).- El ministro principal escocés, el independentista John Swinney, ha pedido a la población que no viaje el viernes a las zonas afectadas por la alerta roja decretada en parte de Escocia por los fuertes vientos que traerá la tormenta Éowyn.

La Oficina Meteorológica (Met) dijo que los fuertes vientos podrían alcanzar los 160 km/h en las costas occidentales expuestas y que podría haber riesgo de muerte debido a materiales que salen volando, cortes de electricidad y daños a los edificios.

"La gente no debería viajar", dijo Swinney durante un pleno en el Parlamento escocés este jueves, donde anunció también que presidirá una reunión de emergencia para monitorear el asunto.

El líder escocés dijo que las alertas rojas son muy poco frecuentes y pidió a la población que siga los consejos de las autoridades durante la tormenta: “Tómense esto en serio y manténganse a salvo”, agregó.

El aviso estará en vigor entre las 10:00 y las 17:00 horas del viernes (GMT) y abarca una gran parte del cinturón central, incluidas las ciudades de Edimburgo y Glasgow, algunas islas y partes del suroeste de Escocia.

Las escuelas del centro y sur de Escocia cerrarán el viernes y se espera que las ráfagas creen condiciones de conducción muy peligrosas y produzcan interrupciones significativas en todos los viajes y cierres de puentes.

Por su lado, el operador ferroviario ScotRail ha anunciado la suspensión de todos los servicios en Escocia y la ausencia de transporte alternativo porque "no sería seguro operar servicios de pasajeros debido a las condiciones meteorológicas previstas”.

Mientras, las compañías de ferry CalMac y Northlink dijeron que es probable que sus servicios marítimos se cancelen o retrasen.

El resto de Escocia está cubierto por alertas ámbar y amarillas por viento y nieve durante gran parte del día.

En Irlanda del Norte, que también hay una alerta roja meteorológica para mañana, ya se ha confirmado el cierre de todas las escuelas. EFE

Londres, 11 ene (EFE).- Las temperaturas bajaron en el Reino Unido hasta llegar a los 18,9 grados bajo cero en la que se considera noche más fría de un mes de enero en 15 años, según apuntó este sábado la Oficina Meteorológica británica (Met).

La zona de Altnaharra, ubicada en la región más al norte de las Highlands, registró esa temperatura en la noche del viernes, la más gélida desde 2010.

En el área de Heathrow, al suroeste de Londres, se registraban anoche 5 grados bajo cero y se llegaba a los 11 bajo cero en la localidad de Shap, en el condado inglés de Cumbria.

La Agencia de Seguridad Sanitaria del Reino Unido ha extendido su alerta sanitaria por el clima a toda Inglaterra hasta el próximo martes y se ha ampliado hasta ese día la llamada alerta "ámbar", que implica la probabilidad de que aumenten las muertes, sobre todo entre los mayores de 65 años, por condiciones de salud a causa del tiempo.

Según la meteoróloga Zoe Hutin, de la Met, el Reino Unido ha experimentado "una racha fría particularmente larga" al haberse enfriado progresivamente las temperaturas cada noche de esta semana frente a años anteriores. EFE

Aun así, esta nueva versión —una adaptación ampliada de la producción original de Leonard Foglia, que se presentó por primera vez en Dallas y tuvo su estreno en la Costa Este a cargo de la Ópera Nacional de Washington en 2014— es un banquete visual. Cinemática e innovadora, se encuentra entre las óperas estadounidenses más ambiciosas de los últimos 20 años. Y si uno deja de lado cualquier aspiración de que esta ópera haga justicia a Moby-Dick, en gran parte lo logra.

Aunque el libro es un torbellino lleno de formas y estilos literarios, invenciones e inspiraciones, la ópera de Heggie guarda demasiadas de sus mejores riquezas en el foso de la orquesta. Su música es vibrante, generosa, encantadora, oscura y profunda, pero con demasiada frecuencia las palabras —y la historia— parecen estar ensambladas como una vela remendada.

Por ejemplo: como toda la ópera se desarrolla en el mar, no llegamos a experimentar el encuentro inicial en la posada ventosa Spouter-Inn que hace que Queequeg e Ishmael, improbables compañeros de cama, se conviertan en amigos —a quienes solo conocemos como “El Novato” hasta que pronuncia la línea inicial de la novela al final. Moby-Dick pasa gran parte de su tiempo tratando de compensar este déficit emocional.

Como público, tampoco sentimos realmente la sensación de abandonar tierra firme —o los riesgos concomitantes— que Melville establece de manera tan aguda a través de los ojos de su narrador novato. Sin tierra a la vista, hay poco que extrañar, solo mucho abismo. Es una elección que convierte a este Moby-Dick en una especie de prisión, rodeada por la vasta red de cabos y cuerdas que define el ballenero conforme al diseño escénico de Robert Brill.

Una pared trasera curvada sugiere el casco de un barco o la cresta de una ola—y proyecciones ingeniosas pintan las salidas traicioneras de los pequeños botes balleneros del Pequod, cada uno reducido a pedazos por un Leviatán invisible, con las tripulaciones deslizándose por las paredes hacia una presunta desaparición. En otro momento, una trampilla en esta pared desciende para revelar las entrañas agitadas del barco: el caldero ardiente donde se funde el aceite de ballena bajo un trozo masivo de carne suspendida. En el acto final, los mástiles y cuerdas del Pequod brillan con fuego de San Telmo.

Pero la puesta en escena mejorada de Foglia resultaba a veces desconcertante, avanzando a trompicones, sostenida únicamente por lo espectacular. Un cielo proyectado de estrellas conectadas evoluciona de la navegación celestial a un dibujo en perspectiva del Pequod, lo cual se sintió más como HBO Max que como la Ópera Metropolitana. Un extraño interludio que exige que la soprano suspendida Janai Brugger nade por el aire como el marino Pip que ha caído por la borda fue tomado inicialmente como comedia por el público, que se reía.

La partitura de Heggie es exuberante y evocadora—salada como mezcla de piezas brillantes de percusión y pequeños toques de maderas (¿boyas y gaviotas?). Las tormentas que evoca tienen un propio hervor decente—una superficie llena de cuerdas relucientes, corrientes subyacentes de violonchelos y contrabajos de profundo azul, y metales heroicos que parecían salpicar fuera del foso de la orquesta—la maestra Karen Kamensek dirigió con mano firme a la Orquesta del Met.

Heggie también consigue inyectar vulnerabilidad donde no tiene cabida en el Pequod, reduciendo la música a un solitario clarinete como si tallara un trozo de scrimshaw. Estos momentos, más que cualquiera de los torbellinos, son lo que le da a Moby-Dick su sentido de escala emocional.

El formidable coro masculino del Met, dirigido por Tilman Michael, proporcionó algunos de los momentos más memorables de la noche—un muro de sonido ajustado como la cuerda de una vela, con un color suficientemente rudo y un carácter curtido.

Pero ¿cuántos hombres son demasiados hombres? Uno de los problemas de Moby-Dick es su agotadora falta de diversidad y color vocal (especialmente en comparación con la orquesta). Aparte del Pip de Brugger—una presencia chispeante que no tarda mucho en volverse loco y balbuceante—la mezcla de voces con demasiada frecuencia se resuelve en una vasta extensión monocromática.

La escritura vocal individual de Heggie—especialmente en este conjunto de hombres—tiene tendencia a mantenerse a flote, y el efecto es algo así como una calma chicha. Seguía esperando a que el tenor Brandon Jovanovich como Ahab capturara una ráfaga y trascendiera el contorno que Heggie traza para su personaje, pero aparte de algunas líneas memorables e intensas (“¡Daría un golpe al sol si me insultara!”) y su aria “Symphony”, su actuación permaneció tan rígida como su pierna de madera.

En una velada de aplausos sostenidos, la sorpresiva actuación del barítono Thomas Glass como el primer oficial Starbuck se llevó la ovación más apreciativa al final de la noche, tanto por llenar el espacio dejado por Peter Mattei (quien se retiró por enfermedad) como por ofrecer la actuación más humana de toda la tripulación. No en vano, el punto culminante de su interpretación, el angustiado soliloquio “¿Capitán Ahab? Debo hablar con usted,” es el aria que cantó cuando ganó las finales del Consejo Nacional del Met en 2019. Se sintió consagrado.

El tenor Stephen Costello pudo haber sido un tanto confiado para su papel de El Novato—nunca pareció lo suficientemente ingenuo como para creer: “¿Dónde está el casco? ¿Qué es la paleta? No entiendo,” cantó heroicamente. A través del libreto de Gene Scheer, Costello también careció del humor seco e irónico que hace de Ishmael un lente tan convincente y narrador entrañable. Pero su canto fue excelente, ligero y claro. (Costello también interpretó este papel en la producción de WNO de 2014.)

El barítono Brian Major fue una grata sorpresa al oírlo detrás de un balcón cerrado, como el capitán Gardiner, llamando desde otro barco. Y aunque me encantó el bajo-barítono Ryan Speedo Green como el tatuado arponero polinesio Queequeg—un punto culminante fue su desarmante dúo con El Novato, mientras reflexionaban sobre el futuro de su rápida amistad—el rol no abrazó todo su registro. Los papeles secundarios de Flask (el tenor William Burden) y Stubb (el barítono Malcolm MacKenzie), aunque bellamente interpretados, se sintieron igualmente sin rumbo.

Lo que nos lleva al otro problema de este, o de cualquier intento operístico, de domesticar a la gran ballena blanca de la novela de Melville. Gran parte de la riqueza de la historia surge de las profundidades infinitas de su lenguaje. Gran parte del encanto del libro proviene de sus rápidas y episódicas viñetas vistas a través del lente de curiosidad y asombro de su narrador. Y gran parte de su valor perdurable viene de sus pensamientos más fugaces, los pequeños destellos de filosofía, humor, poesía y profundidad que hacen de esta novela un viaje tan emocionante.

Pero así como Ahab se obsesiona con Moby-Dick, este Moby-Dick se obsesiona con Ahab, y la ópera resultante es, de algún modo, tanto sobrereducida como sobreproducida—una superficie deslumbrante que delata aguas poco profundas.

Fuente: The Washington Post.

[Fotos: prensa MET Nueva York]

La ministra de Cultura de Grecia, Lina Mendoni, y representantes del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) expresaron su deseo de que el acuerdo de repatriación y exposición de arte cicládico que mantendrán durante medio siglo sirva de ejemplo.

El Gobierno de Grecia y el Met sellaron en 2022 un acuerdo de repatriación de la mayor colección privada de arte cicládico, con 161 piezas compradas por el estadounidense Leonard Stern, por el que la institución de Nueva York las mostrará durante 10 años y después mantendrá intercambios durante 40 años con Grecia.

La ministra Lindoni, que auspició ese acuerdo, participó el martes en un panel en el Met sobre este modelo de colaboración, que describió como “innovador” y como ejemplo para “futuros casos”, ya que respeta las leyes arqueológicas griegas y otorga a este país “autoridad sobre sus activos culturales”.

“Algunos han criticado sus largos plazos, argumentando que retrasa una restitución completa”, dijo, describiéndolo como un “camino alternativo a la repatriación” y señalando que Grecia mantiene su derecho a la acción legal y “fuerza la cooperación, alentando a otros coleccionistas a dar un paso adelante”.

“Muchas colecciones privadas siguen escondidas por todo el mundo, y esperamos inspirar a quienes las tienen a establecer un diálogo constructivo con el Ministerio de Cultura”, apostilló Mendoni, para quien el acuerdo es una nueva manera de “preservar, proteger y promover la herencia cultural a través de la diplomacia y la colaboración”.

Sean Hemingway, el comisario a cargo del arte cicládico del Met, coincidió en que se trata de un “nuevo enfoque innovador” y que además el coleccionista Stern hizo donaciones para la investigación de las piezas, incluyendo una sala de estudio, que han permitido la creación de un centro que acogerá charlas y talleres.

En el panel participó también el “primer residente de arte cicládico” del Met, el arqueólogo griego Giorgos Gavalas, que agradeció a Stern “sacar a la luz algo que estaba en la esfera privada, y al hacerlo público permitirnos estudiar los materiales” junto al equipo de científicos investigadores del Met.

El acuerdo firmado en 2022, y ratificado en el Parlamento griego, declaraba a Grecia propietaria de la colección de Stern, quien declaró entonces a The New York Times que los grandes museos difícilmente aceptan donaciones de patrimonio actualmente, a menos que cuenten con el beneplácito de los países de origen.

Fuente: EFE.

Fotos: Archivo EFE/ Justin Lane; EFE/ Ángel Colmenares.

Nueva York, 14 nov (EFE).- El italiano Daniele Rustioni ha sido nombrado director invitado principal de la Metropolitan Opera de Nueva York (MET) para un periodo de tres años , informó la institución musical, una de las más prestigiosas del mundo, en un comunicado.

Rustioni se convierte así en el tercer director invitado principal en la historia del Met, puesto que desempeñará a partir de la temporada 2025-26. El italiano dirigirá un mínimo de dos óperas por temporada.

El músico, nacido en Milán hace 41 años, hizo su debut en el Met dirigiendo 'Aida' de Verdi en 2017 y regresó para dirigir nuevas producciones de 'Rigoletto' de Verdi y 'Carmen' de Bizet y reposiciones de 'Le Nozze di Figaro' de Mozart y 'Falstaff' de Verdi.

Hizo su debut en el Carnegie Hall neoyorquino con la Orquesta del Met en febrero de 2023.

En las próximas temporadas, Rustioni dirigirá una nueva producción de 'Simon Boccanegra' de Verdi, así como reposiciones de 'Andrea Chénier' de Giordano, 'Don Giovanni' de Mozart y 'La Bohème' de Puccini.

“Es un honor para mí ser designado director invitado principal del Met y trabajar (...) en esta legendaria orquesta, coro y compañía", dijo Rustioni al conocer la noticia.

“Cada vez que he dirigido aquí, me he sentido inspirado por la increíble orquesta y coro del Met, y por los artistas dentro y fuera del escenario. Seguir los pasos de tantos, de los más grandes artistas de la historia, incluidos artistas italianos como Arturo Toscanini, es un momento destacado de mi vida artística. Espero poder compartir nuestra pasión y amor por la ópera con nuestro público en las próximas temporadas”, agregó.

Rustioni tiene más de 70 óperas en su repertorio, habiendo dirigido en los principales teatros operísticos internacionales, incluso en su país natal, Italia.

En el Reino Unido, fue director musical de la Orquesta del Ulster; en Múnich (Alemania); primer director invitado principal de la Ópera Estatal de Baviera; y en Lyon (Francia), director musical de la Ópera Nacional de la ciudad. EFE

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) presentó a la prensa el proyecto de renovación de su ala de arte moderno y contemporáneo, que abrirá al público en 2030 y cuyo diseño ha sido encargado a la arquitecta mexicana Frida Escobedo.

El director y consejero delegado del museo, Max Hollein, explicó a los medios que se demolerán las actuales galerías de esta ala, que acogerán obras de los siglos XX y XXI, e indicó que en 2026 empezará a construirse el nuevo pabellón, que aumentará su tamaño casi un 50 % y tendrá más de 6.500 metros cuadrados.

El ala ‘Tang’, denominada así en honor al matrimonio de filántropos Oscar L. y Agnes Tang -que han donado 125 millones de dólares al proyecto- cuenta con un presupuesto total de 700 millones de dólares y está compuesta por cinco plantas.

“Es un proyecto muy ambicioso porque vamos a derribar el edificio existente mientras el resto del museo seguirá abierto”, subrayó Hollein, que indicó que para conectar la nueva ala con otras galerías será necesario usar espacios del museo que ahora funcionan como oficinas, almacenes o lugares de reunión.

El ala de arte moderno y contemporáneo estará conectada con las galerías del pabellón Michael C. Rockefeller, que abrirá el 30 de mayo de 2025 e incluirá unos 4.000 objetos del arte antiguo de las Américas, de África y de Oceanía.

Una de las particularidades del proyecto es que contará con terrazas con vistas a Central Park, de manera que el edificio pueda “interactuar de manera fluida y directa con el parque”.

En ese sentido, Hollein destacó que el Met es el único edificio público del barrio Upper East Side con vistas al parque desde una gran altura: “Es una buena manera de conectar a la gente y compartir nuestra importante colección moderna y contemporánea y de mostrar una historia más global sobre el arte de los siglos XX y XXI”.

Con el proyecto, Frida Escobedo (Ciudad de México, 1979) se convierte en la primera mujer en los 157 años de historia del museo que diseña un ala de la institución.

“El pabellón se encuentra en Nueva York, pero también refleja la naturaleza global de esta gran colección y se inspira en el incomparable entorno del Met”, incidió la arquitecta en un comunicado difundido por el museo.

Escobedo, que ha sido galardonada con diversos premios de arquitectura, cuenta con una amplia experiencia en su campo: entre sus trabajos se encuentran la renovación del Hotel Boca Chica en Acapulco y un pabellón del Museo Experimental del Eco en Ciudad de México.

Además, en 2018 se convirtió en la arquitecta más joven hasta esa fecha en ser elegida para diseñar la galería Serpentine Pavilion, ubicada en el parque Kensington Gardens de Londres.

Fuente: EFE

La muestra ‘Flight into Egypt’ (Vuelo hacia Egipto), que estará abierta al público hasta el 17 de febrero de 2025, hace un recorrido por 150 años de producción artística y cultural elaborada mayoritariamente por artistas afroamericanos que a finales del siglo XIX empezaron a considerar a Egipto como una de las grandes fuentes de inspiración de las culturas africanas.

Se divide en diez secciones temáticas que comienzan en 1876 y estudian cómo “artistas y figuras culturales negras defendieron su afinidad con el antiguo Egipto, oponiéndose a la definición predominante que diferenciaba al país (Egipto) de la llamada África negra”, explicó Amili Tommasino, curador de la exposición.

Impacto en la diáspora

Una de las obras más destacadas de la exposición es ‘Kings of Egypt II’ (Reyes de Egipto), un óleo sobre lienzo de Jean-Michel Basquiat en que el artista -nacido en Nueva York pero de ascendencia haitiana y puertorriqueña- pinta sobre un fondo negro rostros masculinos y escribe nombres de faraones como Ramsés II o Amenofis III.

Esta pieza forma parte de la sección ‘Kings and Queens’, que da la bienvenida al público con cinco bustos de (la reina) Nefertiti elaborados por Fred Wilson con una paleta de colores que van desde el blanco al marrón oscuro y que sirven para reivindicar la belleza y el empoderamiento de la cultura afroamericana.

En esta área también sobresale una monumental escultura de bronce en la que la artista estadounidense Simone Leigh retrata a la escritora e historiadora Sharifa Rhodes Pitts con el pecho destapado y posando sus manos sobre su larga falda, similar a la vestimenta que usaban los antiguos funcionarios egipcios.

Mientras, en la sección ‘Egyptology and the color line’ se cuestiona la frecuente identificación de la cultura egipcia con Europa y Estados Unidos mediante la obra del escritor y abolicionista de la esclavitud Frederick Douglass, que indagó en la barrera racial que impregnaba los estudios del antiguo Egipto, algo que él llamaba “la línea de color”.

Por ello, también se exponen varios libros que son clave en este planteamiento, como ‘The African Origin of Civilization: Myth or Reality’, de Cheikh Anta Diop, o ‘Black Athena: The Afroasiatic Roots of Classical Civilization’, de Martín Bernal.

Influencia en el arte abstracto y la música de los afroamericanos

La exposición indaga también en la influencia de Egipto en el arte abstracto: así, la sala ‘Nu nile abstraction’ dispone una serie de pinturas y esculturas en torno a una gran pirámide en el centro, de colores azul y blanco, hecha por Rashid Johnson con materiales como jabón negro, cera, vinilo latón, libros y madera, entre otros.

La música afroamericana es la protagonista de la siguiente sección, ‘A new song’, que hace un recorrido por la historia de los músicos y su relación con el antiguo Egipto: aquí se exponen vinilos con portadas en las que se retratan pirámides o faraones como ‘Best of Earth Wind and Fire’, de la banda estadounidense del mismo nombre.

La parte más destacada de esta sección es una pequeña habitación totalmente oscura en la que un busto faraónico cuelga del techo y gira como una bola de discoteca mientras en la pared se proyecta el documental ‘Black Journal’, de Alice Coltrane.

Amili Tommasino destacó la importancia de que el Met, “históricamente enfocado en el eurocentrismo”, organice esta “innovadora exposición que pone de relieve las perspectivas afrocéntricas de la historia”.

Fuente: EFE. Foto: Ángel Colmenares

Iris Apfel tenía 102 años cuando murió en marzo de este año en su casa de Palm Beach, Estados Unidos. Fue una triste noticia para quienes la admiraban, ya que era la influencer más longeva del mundo, descollaba con su estilo bohemio y chic y acababa de escribir su libro Colourful que el 18 de septiembre será publicado por Cúspide.

A esta neoyorquina la fama internacional le llegó a los 84 años. “Accidentalmente”, como ella solía decir. La mujer de la alta sociedad neoyorquina, que se dedicaba al diseño de interiores, se hizo mundialmente conocida en 2005 cuando el Metropolitan Museum le dedicó una exposición. Curiosamente, no estuvo enfocada en mobiliarios, ni las telas antiguas que reproducía junto a su esposo Carl desde 1950 en su empresa Old World Weavers, sino a su excéntrico guardarropas.”Esta no es una colección”, dijo Apfel. “Es un asalto a mi armario. Siempre pensé que para exponer en el Met tenías que estar muerta”, le dijo al New York Times. El Met había presentado piezas de diseñadores, a lo sumo el vestuario de algún famoso, pero por primera vez montaba una exhibición con el placard de alguien. El nombre que le dio el Traje del Museo del Met a esa audaz muestra fue Rara Avis: The Irreverent Iris Apfel.

Iris que había restaurado telas y muebles junto a Carl en la Casa Blanca durante 9 administraciones, y tenía entre sus clientes a Greta Garbo y Estée Lauder, cultivaba un estilo extravagante, en el que combinaba piezas de alta costura con hallazgos de ferias americanas. Por su originalidad y forma de combinar prendas, este “ícono accidental de la moda” concentró toda la atención. Me convertí en algo sexy, cool, como quieras llamarlo”, declaró Apfel a The Times en 2019. “Siempre he vestido de forma diferente, y nada en mi estilo había cambiado respecto a hace 50 años, pero de repente me convertí en una atracción para el público. Las revistas querían entrevistarme, me llovían ofertas para diseñar moda, joyas, accesorios”. Al mismo tiempo, su cara se reproducía en las revistas más importantes de moda, como Vogue, Vanity Fair, Elle. “Ni en mis sueños más locos pensé que sería una chica de portada a mis noventa años”, declaró a The Times of London.

Iris era alta, delgada, llevaba el pelo plateado y la boca rojo rubí. Habitualmente sus ojos se veían enmarcados con grandes gafas. Podían ser enormes, descomunales, de colores, con incrustaciones de cristales. Se animaba a todo. Su cuello se adornaba con collares de gran tamaño, superpuestas. Era conocido que era dueña de una de las colecciones de joyas más sofisticadas de Estados Unidos y del mundo. En sus viajes por el mundo como decoradora de interiores adquirió piezas únicas de montones de objetos.

Con su estilo ecléctico y desprejuiciado era una de las caras conocidas entre las asistentes a los grandes desfiles de moda. Ella amaba el mundo de la moda y el mundo de la moda la amaba a ella. Acudía a la primera fila con boas de pluma turquesa, trajes verdes, abrigos color frambuesa y su infaltable bastón. La influencer decía que no tenía reglas para vestirse porque las rompería y sería una pérdida de tiempo. Le gustaba improvisar. Y lo comparó con tocar jazz en el documental que le dedicó Prime Video en 2015.

El libro que escribió a los 102 bajo el título de Colourful incluye lecciones de vida. Sobre el color escribió: “el color importa. Estimula algo en nuestro interior. Tiene un cierto efecto en cómo pensamos, sentimos o vemos el mundo. Afecta a nuestra personalidad. Los colores que nos atraen son una representación visual de nuestra manera de ser”. Y agregó: “Necesitamos color porque la vida puede ser muy aburrida, incluso desoladora en los peores días. El color aporta… vitalidad. El color añade dignidad”.

Iris dejó en claro en su obra que no pretende que los lectores se vistan como ella, ni tampoco piensen como ella. No era su objetivo. “Quiero que pienses por vos mismo, que encuentres los colores, la confianza y la inspiración creativa que te caractericen. Explora tu imaginación. Cree en tus instintos. Yo me guío por ellos y los pongo por delante. Vestite con lo que te gusta. Viví como quieras. ¡Avanzá con confianza y autenticidad! Mi vida ha estado llena de amor, asombro y una curiosidad muy profunda e incorregible. Este es el tesoro oculto de mi inspiración, mis influencias y mis ideas. Mis fuentes”, contó.

Vivir en el ahora

Iris aprendió a vivir ligero. No fue una drama queen. “A medida que te haces mayor, las preocupaciones cambian. Cuando tengo muchas tareas, a veces me preocupa si voy a terminar todo a tiempo. Y es natural pensar en cuestiones de salud. Pero tiendo a olvidar las cosas desagradables o tristes. Me arrepiento de algunas cosas, pero no tiene sentido obsesionarse con ello. He trabajado mucho y me he esforzado al máximo. No lo he hecho todo perfectamente y no me creo que lo sepa todo. Si cometo algún error, intento arreglarlo y paso página. Vivo en el ahora. Si lo conviertes todo en una penitencia, acabarás hecho polvo”.

Sobre su edad dijo “No me preocupo demasiado. La edad es un número. Que salga tu número no significa que tengas que parar. Es cuestión de la manera de ver las cosas. Conozco a personas de treinta años que parecen viejas y a personas de noventa que son jóvenes. Yo solo hago lo que quiero, con la esperanza de poder seguir levantándome por las mañanas e ir de aquí para allá. Como me gusta decir: «¡Vivo en vertical!». Eso siempre da buena suerte. La buena salud es lo más importante, porque sin ella no puedes hacer nada. Envejecer no es para cobardes, es cierto. Los años pasan, y siento que tengo suerte de estar aquí para vivirlos. Deberías dar gracias por cada año que cumples. Puede que empieces a decaer, pero tienes que seguir adelante, seguir recomponiéndote. Parafraseando a un viejo amigo de la familia: «Si tienes dos de algo, lo más probable es que uno de ellos te duela cuando te levantes por la mañana». Me han operado dos veces de la cadera”, escribió.

Y también, situada en el ahora, expresó: “No puedes vivir en el pasado, porque ya no existe y no puedes recuperarlo. Ya pasó, ahora toca cometer el siguiente error. Así soy yo”.

La exposición, ‘Grabados mexicanos a la vanguardia’, abre sus puertas el jueves 12 de septiembre para lucir sus 130 xilografías, litografías y serigrafías y busca ir un paso más allá con conciertos de mariachi y charlas con expertos del museo en las que se compartirán relatos no contados sobre las obras.

“(En la muestra) hay algo para todos, ya sea un póster, folletos, arte en seda, sátira o periodismo”, destaca el curador de la muestra, Mark McDonald, quien además señala que la pieza más antigua es de 1746 y las más modernas son de la década de los 60.

Para McDonald, una de las cosas más fascinantes de este tipo de arte es su carácter efímero, ya que la mayoría de las obras fueron diseñadas para ser de folletos, panfletos y carteles.

“Es maravilloso ver ejemplares sin pliegues, sin manchas, sin rasgaduras, y mostrarlos al público por primera vez”, explica. La mayoría de las obras forman parte de la colección del museo, pero nunca se habían mostrado al público.

En este sentido, el curador del departamento de dibujos y grabados de The Met, dijo que este tipo de arte le recuerda al ‘street art’ o arte callejero y señala que es una de las razones por las que estos grabados están impresos en fondos de colores vivos, como el rojo -para un póster de 1920 que anuncia una exposición de artistas mexicanos en España- o el naranja, utilizado para un afiche sobre corridas de toros a principios del siglo XX-. “El arte callejero tiene que ser fuerte, atractivo y cautivador”, recalca el experto.

Otras obras son en color, como es el caso de la litografía ‘La relación entre Estados Unidos y México’ (1944) de Pablo Esteban O’Higgins. Pieza en la que llama la atención el color de las banderas de los dos países en contraste con los retratos en negro de los entonces presidentes de Estados Unidos y México, Abraham Lincoln y Benito Juárez; así como que se subrayó en rojo el texto: “Buenos vecinos, buenos amigos”.

El Met apunta que Posada ha sido muchas veces considerado como el padre del grabado en México, con una carrera que atravesó un periodo de profundos cambios políticos y sociales. Por esa razón está entre las primeras obras presentadas con sus obras de representaciones de esqueletos realizando diferentes actividades cotidianas.

Después de la Revolución mexicana (1910-1920), de acuerdo con la muestra, el grabado resultó ser el medio ideal para los artistas que deseaban abordar preocupaciones sociales y políticas, así como expresar la resistencia ante el ascenso del fascismo en el mundo.

En el periodo posrevolucionario, los grabados se convirtieron en el medio principal para promover los valores artísticos, sociales y políticos.

Rivera, quien sobresalió en sus grandes murales sobre la cotidianidad mexicana, también se adentró en la litografía. De las paredes del Met cuelga su obra Emiliano Zapata (1932), una estampa del revolucionario que junto a su caballo blanco pisa el cuerpo de un hombre “que representa la tiranía de los conquistadores del pasado”.

Fuente: EFE