La edición 2026 de los Premios India Catalina ha incluido en su lista de nominaciones a Alejandro Norenha, editor colombiano de amplia trayectoria, en la categoría de Mejor Edición de Ficción por su labor en la serie “La Vorágine”. Con este reconocimiento, Norenha suma un nuevo logro en una carrera marcada por la innovación y la apuesta por la producción independiente en el sector audiovisual colombiano.

El anuncio de las nominaciones, realizado tras una curaduría reforzada por la participación de 19 asociaciones y gremios, ha situado a Alejandro Norenha entre los nombres más destacados de la industria nacional en 2026. Por su parte, la serie “La Vorágine” se posicionó como la producción más nominada de la edición, con 22 candidaturas en 20 categorías, lo que ratifica el impacto y la recepción alcanzados tanto por la obra como por sus responsables.

Trayectoria y perfil de Alejandro Norenha

Nacido en Santa Rosa de Cabal, Risaralda, Alejandro Norenha se formó como comunicador social y periodista en la Universidad Católica de Pereira. Su incursión profesional inició en Bogotá, durante su noveno semestre universitario, cuando decidió trasladarse para realizar sus prácticas en el canal informativo NTN24, bajo la dirección de Álvaro Vélez. Allí participó en “El contador de historias”, una experiencia que amplió su perspectiva, aunque pronto descubrió que el periodismo no era su inclinación principal.

El giro clave en su carrera se presentó con su llegada a la producción de “Los Puros Criollos”, serie de Señal Colombia. Norenha asumió el reto de la edición casi sin experiencia ni recursos tecnológicos propios, situación que lo llevó a adquirir su primer equipo y a perfeccionar sus habilidades de manera autodidacta. “¿Tiene computador? Sí. ¿Sabe editar? Sí”, fueron sus respuestas ante la propuesta laboral, relató el propio Norenha, a pesar de que ninguna de las dos cosas era cierta.

A pesar de su accidentado comienzo, Alejandro aprendió rápidamente, convirtiéndose en jefe de postproducción de la cuarta temporada y obteniendo su primer Premio India Catalina en 2016 a Mejor Edición. “éramos una serie que le tiraba duro a todos los políticos, era impensable que nos fuéramos a ganar un premio. Y pasó”, recordó sobre ese momento.

Reconocimientos y aportes al sector

A lo largo de más de 14 años de carrera, Norenha ha sido distinguido con premios como el Simón Bolívar, los Premios TAL y dos India Catalina. El más reciente de estos galardones lo obtuvo en 2025, cuando recibió el premio a Mejor Edición de No Ficción por el documental “Hernán Díaz: el retrato de un artista”. En ese trabajo, lideró el montaje de una producción enfocada en la vida y obra de uno de los retratistas colombianos más influyentes del siglo XX. “Hernán Díaz decía: ‘Es mejor retratar vivos que retratar muertos’. Eso es lo que yo también siento con el audiovisual. Es mejor mostrar lo que somos, con dignidad, con belleza, con verdad”, expresó sobre el sentido de su trabajo.

Junto a su esposa, fundó hace siete años la casa de postproducción Norenha Lapost, que opera entre Bogotá y Pereira. Desde este espacio se han realizado proyectos como “Mi primer sencillo”, serie ganadora del India Catalina, en la que el equipo de producción y postproducción estuvo conformado íntegramente por talento regional.

“Tanto el equipo de producción como de postproducción son del Eje. Todos son de acá. Eso para mí es lo más importante: que el talento de la región tenga oportunidades sin necesidad de irse”, afirmó Norenha.

“La Vorágine”: una apuesta por la televisión pública

La serie “La Vorágine”, producida por Telecafé y Quinto Color con apoyo del MinTIC, representa una de las mayores apuestas de la televisión pública colombiana en los últimos años. La adaptación del clásico literario de José Eustasio Rivera fue estrenada el 7 de julio de 2025, transmitida simultáneamente por los ocho canales regionales y posteriormente incorporada a la plataforma MAX.

Con una inversión superior a 8.000 millones de pesos, “La Vorágine” se propuso internacionalizar las historias locales y reflejar la complejidad de la obra original a través de un lenguaje audiovisual contemporáneo. El proyecto implicó el procesamiento de más de 124.000 archivos durante cerca de ocho meses de trabajo en postproducción, todo bajo la dirección de Alejandro Norenha.

La serie alcanzó el puesto número uno en Colombia en la plataforma HBO Max durante un mes, y se mantuvo en el Top 10 de 19 países de la región. Además, la revista Rolling Stones destacó en una reseña reciente la calidad de la edición y la tecnología aplicada en la postproducción de la serie.

Impacto y relevancia de la nominación

La nominación de Alejandro Norenha a Mejor Edición de Ficción en los Premios India Catalina 2026 adquiere relevancia en un contexto de crecimiento y consolidación de la industria audiovisual colombiana. La serie “La Vorágine” compite en 22 categorías, incluyendo Mejor Serie de Ficción, Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Diseño de Producción y Mejor Edición de Ficción.

El reconocimiento a la labor de Norenha y su equipo se vincula tanto a la excelencia técnica como a la capacidad de narrar historias complejas de manera accesible y atractiva para audiencias nacionales e internacionales. A su vez, la nominación refuerza el momento que vive la producción regional, cada vez más competitiva en términos de estándares técnicos y narrativos.

La migración forzada de usuarios rusos hacia plataformas estatales tras la reciente prohibición de WhatsApp ha generado inquietudes sobre la privacidad y el acceso a la información. Esta decisión, que afecta a cerca de cien millones de personas, ha sido interpretada como parte de una estrategia gubernamental dirigida a fortalecer el control sobre la esfera digital. El Gobierno británico, a través de un comunicado emitido por el Ministerio de Defensa y citado por sus servicios de Inteligencia, sostiene que esta iniciativa se enmarca en una campaña más amplia destinada a endurecer el control estatal sobre el flujo de comunicaciones e información en Internet, intensificada desde el comienzo de la invasión rusa a Ucrania hace aproximadamente cuatro años.

Según consignó el Ministerio de Defensa de Reino Unido en sus redes sociales, las autoridades rusas trasladaron a periodistas que la decisión de bloquear WhatsApp surgió de la percepción de que la plataforma no cumplía con la legislación local, en particular con las directrices sobre acceso a datos y cooperación con organismos estatales. La instrucción a los millones de usuarios para que adopten alternativas de mensajería impulsadas por el Estado responde a este nuevo marco regulador, que además busca incrementar la vigilancia sobre las conversaciones digitales dentro del país.

El medio británico detalló que la restricción sobre WhatsApp no es la única medida tomada en esta línea. El regulador de medios ruso, Roskomnadzor, también comenzó a limitar el acceso a Telegram, una plataforma de mensajería ampliamente popular en todo el territorio. Estas acciones forman parte de un impulso regulatorio cuyo enfoque central es la adopción obligatoria de Max, una nueva 'super-aplicación' creada por el grupo tecnológico ruso VK, que cuenta con respaldo estatal.

De acuerdo con lo informado por el Ministerio de Defensa británico, Max integra servicios de mensajería, pagos, trámites gubernamentales y otras funciones dentro de una misma plataforma. Tras su lanzamiento, establecido en 2025, Max se volvió obligatoria para todos los nuevos dispositivos móviles disponibles en el mercado ruso. Su integración en la estructura estatal ha recibido críticas provenientes de diversas organizaciones y defensores de la privacidad.

Según el comunicado reproducido por el Ministerio de Defensa británico, Max carece de cifrado de extremo a extremo, a diferencia de WhatsApp, y recoge distintos tipos de metadatos de los usuarios. Esta situación aumenta la vulnerabilidad de los datos frente a accesos por parte de las autoridades estatales, una inquietud señalada repetidamente por agrupaciones enfocadas en la defensa de los derechos digitales y la privacidad de la información.

El grupo tecnológico VK, responsable del desarrollo de Max, conformó la aplicación a partir de la directiva estatal de unificar la mensajería digital y otros servicios en un solo canal, de acuerdo con el nuevo marco legal ruso para los servicios digitales. Las consecuencia de estas políticas se reflejan en el creciente escrutinio internacional sobre las garantías de privacidad y el impacto en el acceso independiente a la información para los ciudadanos rusos.

El Ministerio de Defensa británico informó que la expansión de Max y el bloqueo de servicios internacionales se produce en un contexto de acciones regulatorias aceleradas desde el inicio de la intervención militar en Ucrania. Este endurecimiento de las normas digitales busca consolidar mecanismos estatales de control, tanto en el acceso como en la transmisión de información digital.

Al analizar la nueva situación, portavoces de derechos digitales advirtieron que la centralización de información en Max y la posibilidad de acceso oficial a los datos podrían dificultar la protección de la privacidad y contribuir al monitoreo estatal de las comunicaciones personales y profesionales.

El regulador de medios ruso, Roskomnadzor, justificó la restricción de esas plataformas extranjeras reafirmando la prioridad del cumplimiento de las leyes locales y la cooperación con las autoridades, según reportó el Ministerio de Defensa de Reino Unido. Desde la puesta en marcha de estas medidas, el debate sobre la supervisión estatal y las libertades digitales volvió al centro de la discusión internacional, según publicó el comunicado británico.

En el contexto de los cambios recientes, la obligatoriedad de instalar Max en los nuevos dispositivos representa un hito en la estrategia digital del Kremlin. Según el informe oficial británico, esta aplicación no solo apunta a reemplazar los servicios de mensajería sino también a incorporar funciones financieras y administrativas, ampliando el alcance de la vigilancia y la integración de los ciudadanos al entorno digital estatal.

La decisión rusa de bloquear WhatsApp y promover plataformas nacionales coincide con un patrón de políticas que priorizan la soberanía tecnológica y el control de la infraestructura digital. El Ministerio de Defensa británico subraya que estos movimientos forman parte de una política orientada a alcanzar mayor autonomía frente a proveedores internacionales, aunque otorgan al Estado mayores capacidades de supervisión sobre la vida digital de los ciudadanos.

El comunicado de Inteligencia de Reino Unido concluye que la diferencia clave entre Max y servicios anteriores es la ausencia de mecanismos sólidos de privacidad como el cifrado de extremo a extremo, reforzando la postura de quienes ven estas medidas como un retroceso para la protección de la información personal en Rusia.

La Corte Suprema de Justicia emitió concepto favorable a la extradición de dos ciudadanos colombianos requeridos por autoridades judiciales de los Estados Unidos para que comparezcan ante cortes federales por delitos asociados al tráfico internacional de drogas y al concierto para delinquir.

Se trata de Jobanis de Jesús Ávila Villadiego, conocido como alias Chiquito Malo, y de Camilo Esteban Betancourt Rosero, alias Max. En ambos casos, el alto tribunal avaló las solicitudes tras verificar el cumplimiento de los requisitos legales y fijó condicionamientos que deberán ser observados si el Gobierno nacional concede la entrega.

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Extradición de ‘Chiquito Malo’

En el caso de “Chiquito Malo”, la Corte conceptuó de manera favorable frente a la solicitud presentada por el Gobierno de los Estados Unidos para que sea juzgado ante la Corte Distrital de ese país para el Distrito Sur de Florida, por los delitos de tráfico de drogas ilícitas y concierto para delinquir, de acuerdo con una acusación formal emitida el 28 de junio de 2022.

De acuerdo con la información judicial conocida dentro del proceso, Ávila Villadiego ha sido señalado por las autoridades como integrante del Clan del Golfo, organización criminal vinculada a la producción y envío de cargamentos de cocaína desde la costa norte de Colombia hacia Centroamérica, México y Estados Unidos, mediante el uso de lanchas rápidas y contenedores marítimos.

Dentro de los antecedentes reseñados por la Corte, se indica que el Gobierno de los Estados Unidos había solicitado previamente su arresto provisional con fines de extradición en 2015, a través de una nota verbal remitida por su embajada. Posteriormente, en noviembre de 2022, se presentó una nueva solicitud de arresto y detención con fines de extradición, con base en la acusación radicada ante la corte federal de Florida.

El alto tribunal estableció condicionamientos en caso de que el Ejecutivo conceda la extradición. Entre ellos, que se garantice su permanencia en el país requirente y “el retorno a Colombia en condiciones de dignidad y respeto de ser sobreseído, absuelto, declarado no culpable o eventos similares”, incluso tras el cumplimiento de una eventual pena. Asimismo, precisó que no podrá ser juzgado por hechos distintos a los que motivaron la solicitud ni sometido a sanciones diferentes, y que no podrá imponérsele la pena de muerte.

Caso de Camilo Esteban Betancourt, alias Max

En una decisión separada, la Corte Suprema de Justicia también dio luz verde a la extradición de Camilo Esteban Betancourt Rosero, alias Max, solicitado por el Gobierno de los Estados Unidos para que comparezca ante una corte federal del Distrito Este de Texas. En este caso, el requerimiento se relaciona con delitos de tráfico internacional de drogas, concierto para delinquir y lavado de activos.

De acuerdo con la acusación estadounidense, Betancourt Rosero estaría vinculado presuntamente al lavado de dinero proveniente del narcotráfico y tendría nexos con el cartel de Sinaloa, así como con estructuras asociadas a la Segunda Marquetalia. Según lo expuesto en el proceso, alias Max habría actuado como blanqueador de capitales de una organización señalada de producir grandes volúmenes de cocaína.

La Corte indicó que el procesado aceptó voluntariamente someterse al trámite de extradición simplificada, mecanismo que permite renunciar al procedimiento ordinario siempre que la decisión sea libre, informada y cuente con el respaldo de la defensa y del Ministerio Público. En este caso, la Procuraduría General de la Nación verificó que no se presentaron vulneraciones a sus garantías fundamentales.

Dentro del expediente, se incorporó como soporte del indictment la declaración jurada del agente especial de la Agencia Antidroga de los Estados Unidos (DEA) en Galveston, Sammy A. Parks. En ese documento se señala que una organización denominada Bloque Occidental Alfonso Cano produciría entre 15 y 20 toneladas de cocaína mensualmente y que parte de ese estupefaciente sería enviado a los Estados Unidos a través del cartel de Sinaloa.

Al tratarse de un ciudadano colombiano, el alto tribunal fijó condicionamientos similares a los establecidos en otros casos. La Corte precisó que la decisión final sobre la entrega de Betancourt corresponde al presidente de la República, Gustavo Petro, que deberá evaluar el concepto favorable emitido por el alto tribunal, conforme a las competencias constitucionales y legales vigentes.

El 2025 terminó de confirmar que el streaming ya no solo marca el consumo audiovisual en Perú, sino también la agenda de conversación en redes sociales, medios digitales y cultura pop. Entre estrenos, regresos esperados y fenómenos nostálgicos, las plataformas lograron convertir varias de sus producciones en verdaderos temas de debate, memes, teorías y fandoms activos. Netflix, Prime Video y HBO Max lideraron el ruido digital con títulos que, más allá de cifras oficiales, dominaron el termómetro social.

Stranger Things (Netflix)

Aunque no estrenó una temporada completa en 2025, la serie se mantuvo vigente gracias a maratones, reposiciones y la expectativa por su desenlace final. En Perú, volvió a posicionarse entre los contenidos más comentados por teorías, recuerdos de temporadas pasadas y el peso cultural que ya tiene entre distintas generaciones.

El juego del calamar – Squid Game (Netflix)

La recta final de la serie coreana consolidó su estatus de fenómeno global. En Perú, cada nuevo episodio generó conversación inmediata en redes, desde análisis sociales hasta comparaciones con la primera temporada, manteniéndose como uno de los títulos más buscados y comentados del año.

Black Mirror (Netflix)

La antología volvió a instalarse en la discusión pública gracias a episodios que tocaron temas como tecnología, redes sociales y control digital. Cada capítulo funcionó como detonante de debates en X, TikTok y medios digitales, algo que en Perú se reflejó en comentarios y análisis constantes.

You (Netflix)

El cierre de la historia de Joe Goldberg dividió opiniones entre los seguidores. El final generó discusión sobre justicia, moral y narrativa, convirtiendo a la serie en tendencia durante varias semanas tras su estreno.

Ginny & Georgia (Netflix)

El drama juvenil siguió captando a una audiencia joven en Perú, con fuerte presencia en TikTok y comunidades digitales. Sus conflictos familiares y sociales mantuvieron activa la conversación episodio a episodio.

Emily in Paris (Netflix)

Polémica o no, la serie volvió a instalarse en el debate por su estética, giros narrativos y decisiones de sus personajes. En Perú, fue uno de esos títulos que siempre genera comentarios divididos, pero constantes.

Betty la Fea: La historia continúa (Prime Video)

El regreso del icónico personaje fue uno de los grandes fenómenos del año. La serie combinó nostalgia con una nueva narrativa, generando memes, comparaciones con la versión original y una fuerte conversación en Perú y Latinoamérica, donde Betty sigue siendo un ícono cultural.

El verano en el que me enamoré (Prime Video)

La serie juvenil se convirtió en uno de los títulos más comentados del año por su fandom activo. La división entre equipos, las teorías y los spoilers dominaron redes sociales, especialmente TikTok y X, con fuerte eco entre el público peruano.

Reacher (Prime Video)

El thriller de acción mantuvo buenos niveles de conversación gracias a su ritmo y protagonista. En Perú, fue uno de los títulos más vistos y recomendados dentro del catálogo de Prime Video.

House of the Dragon (HBO Max / Max)

La precuela de Game of Thrones siguió siendo el mayor motor de conversación de la plataforma. Cada episodio generó análisis, teorías y comparaciones, consolidándose como una de las series más comentadas del año en Perú.

The Last of Us (HBO Max / Max)

La serie mantuvo su impacto emocional y narrativo, generando debate por sus decisiones creativas y desarrollo de personajes. En Perú, fue una de las producciones más comentadas de la plataforma.

Euphoria (HBO Max / Max)

Aunque sin estreno constante, cualquier novedad relacionada con la serie generó ruido digital. Su influencia cultural y estética siguió vigente entre el público joven peruano.

True Detective: Night Country (HBO Max / Max)

La nueva entrega reactivó la conversación en torno a la franquicia, con opiniones divididas sobre su tono y enfoque, pero con alta visibilidad en redes y medios.

Love Island USA (Reality)

El reality de citas volvió a dominar el terreno digital con clips virales y comentarios constantes. En Perú, su consumo se dio principalmente a través de redes sociales, donde cada episodio generó reacciones inmediatas.

RuPaul’s Drag Race (Reality)

La franquicia mantuvo un fandom sólido y activo. Sus distintas versiones siguieron generando conversación, especialmente en comunidades digitales y redes sociales peruanas.

El 2025 dejó claro que el éxito en streaming ya no se mide solo en reproducciones, sino en conversación. Nostalgia, fandom juvenil y series-evento marcaron el pulso de un año en el que el público peruano confirmó que, más que espectadores, hoy es parte activa del fenómeno cultural digital.

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• REVIEW | It: Bienvenidos a Derry - Temporada 1 - Episodios 1 al 4: Derry tiene su regreso triunfal
• REVIEW | It: Bienvenidos a Derry - Temporada 1 - Episodio 5: El retorno del rey

Episodio 6: Mucho ruido y pocas nueces

El arco de conclusión de It: Bienvenidos a Derry ha iniciado, en tres episodios que cerrarán esta primera temporada cubriendo gran parte de lo que nos cuenta Stephen King en los interludios de su novela. El resto se contará en las otras dos temporadas por venir, que son precuelas y que tendrán conexiones pero no serán continuidades directas, haciendo que cada una de las temporadas sea autoconclusiva.

Siguiendo con el punto de encuentro que significó el capítulo anterior para la serie donde gran parte de las narrativas confluyeron en un evento relacionado a Pennywise, la serie empieza a contar su historia en un único andén que nos llevará al cierre de esta temporada. Si bien creo que ha logrado el efecto que buscaba, ha sido trastabillando y con complicaciones en la trama.

Así como vemos las consecuencias del enfrentamiento que tuvo lugar contra Pennywise en episodios anteriores, este episodio empieza a hilar fino en qué es lo que estuvimos viendo hasta el momento que no podíamos comprender: las imágenes de los años ‘30, el refugio que están armando Halloran y los soldados y el conflicto racial que se cierne sobre Derry desde la llegada de los protagonistas.

Quienes hayan leído la novela seguramente festejarán, puesto que todo lo que sucede en este episodio es claramente el preludio de la adaptación directa del libro, que seguramente tendrá lugar en el episodio siete. Hasta ahora, todo lo que ha formado It: Bienvenidos a Derry es darle mucha más profundidad y entidad a un suceso que en el libro es contado muy por encima y sin tanto detalle.

Sí, debo admitir que es tentadora la forma en la que este episodio pisa el acelerador respecto a la historia de Bob Gray, personaje cuya identidad roba It para convertirse en Pennywise, el payaso bailarín. Su conexión con el libro, con las películas y, posiblemente, con las próximas dos temporadas son un hilo interesante del cual tirar y este episodio es el puntapié inicial para permitir ahondar en eso.

Tengo un gran problema con este episodio y es la falta de peso que tiene el clímax del final. Sin entrar en detalles; el capítulo nos deja con un gran interrogante respecto a lo que pasará en el siguiente, pero todo lo que desencadena este suceso parecería no estar tan desarrollado e incluso impulsado por personajes que no hemos visto tanto en pantalla.

Se entienden las conexiones, se entienden las motivaciones y sabemos a dónde va, pero en una serie que peca de tener muchas narrativas abiertas y una enorme cantidad de tiempo en pantalla, sentir que una narrativa no está lo suficientemente desarrollada realmente es una pena. Quizás es algo que puedan expandir y modificar de cara a los últimos episodios de la serie, pero en este momento se siente un poco arbitrario y sin sentido. Hasta incluso exagerado.

Este nuevo episodio representa una incógnita a resolver en las próximas dos entregas semanales. Mucho de lo que pasó cobrará relevancia o perderá peso dependiendo de cómo se maneje, ya que el momento más crucial no se pudo sostener fuertemente en base a lo previo y dependerá del post.

Más allá de esto, It: Bienvenidos a Derry sigue entregando buenos momentos, esta vez más desde el lore que desde la espectacularidad, para ampliar el mito de It en la cultura pop. Creo que ya estamos en condiciones de decir que esta primera temporada es un buen agregado a la franquicia, pero sería ideal que fuera el piso por el cual pudieran crecer de ahora en adelante y no el techo del cual iniciar. Tocará esperar y ver el final de temporada.

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Episodio 5: El retorno del rey

Después de una primera mitad de temporada donde It: Bienvenidos a Derry se encargó de abrir cientos de caminos, nos adentramos en una etapa de conclusiones respecto a lo que es la historia de Pennywise en los años sesenta. Recordemos que esta serie está planificada para tener tres temporadas, todas en épocas diferentes (el personaje regresa cada veintisiete años en esta historia) y todas deben cerrar de manera autoconclusiva, más allá de las referencias que puedan llegar a tener.

En ese contexto, este episodio es quizás el más disruptivo de la serie, ya que, posiblemente, no sea parte ni del arco constructor que hemos visto ni del arco de cierre que veremos: es exactamente el nexo. El punto de quiebre entre ambas narrativas donde todos los personajes hacen un punto de giro y se preparan para el destino que el guion les tiene preparado.

En este nuevo episodio, vemos la conexión entre las dos narrativas principales de la serie: mientras que los militares que intentan encerrar a la entidad para utilizarla a favor de la guerra fría van a hacer un primer acercamiento, los niños intentan hacerle frente a sus miedos en el mismo lugar impulsados por el sorpresivo regreso de Matty, que había desaparecido en los primeros minutos del primer episodio.

Es por este motivo que este episodio termina siendo una suerte de enlatado, donde se prioriza la aventura -y el horror- frente al desarrollo de la historia. Muchos de los personajes que vemos en la serie ni aparecen en este episodio y todo se centra en un único espacio, y en tratar de explorar más a fondo a un villano que todavía no había aparecido en esta serie.

En línea con lo que hemos dicho en notas anteriores, el reparto cumple (más los niños que los adultos), pero este episodio tiene el elemento especial de contar con más escenas de Bill Skarsgard como el icónico villano, un rol que le queda pintado y que denota la grandilocuencia del actor para impactar en la mente del espectador solo con un puñado de maquillaje y pocos efectos visuales.

Son pocas escenas, pero serán recordadas y de las mejores de esta serie. No es fácil lograr eso en un episodio y el actor lo consigue. Podemos hablar de Art (Terrifier) y algunos otros ejemplos, pero son pocos los personajes de terror que han impactado tanto en la cultura popular como su interpretación de Pennywise en las últimas décadas. Esta serie servirá para mantener viva su leyenda.

Sí, creo que esta serie está siendo un poco ambiciosa en cuanto a la cantidad de cosas que quiere contar. Hay metáforas y subtextos en prácticamente todo y tres o cuatro líneas narrativas transcurriendo al mismo tiempo. Se entiende que algunas responden a la película, otras a las temporadas que vendrán y otras son el núcleo fuerte de esta temporada, pero es muy difícil convencer al espectador de que todo esto va a funcionar sin saber lo que vendrá en futuras entregas ni obligarlo a comprometerse con aquello.

Creo que tres episodios son poco para todo lo que deben cerrar y me intriga cómo se encargarán de hacerlo. It: Bienvenidos a Derry no es una serie exenta de problemas, pero también tiene sus grandes bondades y termina estando en línea con los estándares de calidad de sus películas. Dicho sea de paso, mención especial para los efectos visuales y prácticos de este episodio que fueron los mejores desde que inició la serie.

Este nuevo episodio es entretenido, atractivo, pero mucho menos profundo que lo que hemos visto antes. Quizás tiene que ver con la intención de darnos ese otro “punto de vista”; el del mal. Pennywise y toda su parafernalia se lleva la atención en este episodio y nos da una esencia mucho más similar a lo que fue las películas de It que lo que fue hasta ahora It: Bienvenidos a Derry.

Siendo este el nexo de la temporada, se espera que los próximos tres episodios sean el arco final de la serie. Tocará ver cómo puede hacer Muschietti y su equipo para no solo cerrar todas las líneas narrativas que abrieron, sino también ofrecer un final de temporada digno y que también tenga coherencia con lo que pueden llegar a hacer en las próximas dos temporadas, más allá de que sean autoconclusivas.

El conductor del vehículo y su acompañante no se detuvieron después del incidente y, según testigos, actuaron sin mostrar remordimiento.

La comunidad ha iniciado una campaña para identificar a los responsables y exige justicia ante lo que consideran un caso de maltrato animal.

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El suceso ocurrió en horas tempranas, cuando la camioneta, cuyas placas corresponden a OFS-629, circulaba por una de las calles del barrio.

De acuerdo con familiares que cuidaban al animal, el conductor y su pasajera arrollaron a Max y abandonaron la escena sin prestar ayuda ni asumir responsabilidad.

Max había sido abandonado en el sector tres semanas antes del incidente. Desde entonces, vecinos y familiares, entre ellos, un joven y una mujer mayor, se encargaron de brindarle alimento y refugio.

La noticia de su muerte ha generado indignación entre los habitantes de Nueva Granada, quienes lamentan la pérdida y denuncian la falta de sensibilidad de los implicados.

La reacción de la comunidad no se ha hecho esperar. Residentes del barrio han expresado su repudio al acto y han solicitado la colaboración de la ciudadanía para identificar al conductor y a su acompañante.

Consideran que la impunidad en casos de maltrato animal no puede continuar y piden que se tomen medidas para sancionar a los responsables.

El vehículo involucrado, una camioneta con placas OFS-629, se ha convertido en el principal elemento de búsqueda para dar con el paradero de los implicados.

Los vecinos insisten en la importancia de la denuncia ciudadana y en la necesidad de reforzar la responsabilidad vial en zonas residenciales.

Ante la gravedad del hecho, los habitantes de Nueva Granada reiteran su llamado a quienes puedan aportar información sobre el conductor o la pasajera, con el objetivo de que respondan por sus actos y se haga justicia en memoria de Max.

Denuncian presunto maltrato animal en Chapinero, Bogotá

Un caso de presunto maltrato animal en la localidad de Chapinero, Bogotá, ha generado preocupación tras la denuncia pública del concejal Rolando González, quien alertó sobre un perro que habría permanecido más de 8 días amarrado, sin acceso autónomo a comida ni agua y expuesto a condiciones climáticas adversas.

El alcalde de Bogotá, Carlos Fernando Galán, anunció el 20 de noviembre la creación de la Mesa Distrital de Prevención de Atropellamiento de Animales, un espacio interinstitucional que buscará reducir la mortalidad animal causada por accidentes de tránsito.

Según Galán, el 64% de las emergencias veterinarias atendidas por el Instituto Distrital de Protección y Bienestar Animal (Idpyba) corresponde a atropellamientos, y más de la mitad de estos casos entre 2019 y 2025 requirieron eutanasia compasiva debido a la gravedad de las lesiones.

“Es hora de bajar la velocidad y de tomar conciencia. La seguridad y la vida de los animales está en nuestras manos”, afirmó el mandatario.

La denuncia de González incluyó videos en los que se observa, según sus palabras, “agresión por parte de un hombre”, calificando la situación como “totalmente inaceptable” y solicitando la intervención inmediata del Idpyba. El concejal indicó que ya existen dos denuncias formales para que las autoridades actúen y protejan al animal afectado.

La situación ha movilizado a ciudadanos y usuarios en redes sociales, quienes también han pedido acciones urgentes de las autoridades de protección animal. Entre los mensajes dirigidos al concejal, uno de los interesados manifestó:

“Concejal, conozco de cerca el caso y nos informan que requieren entregar el animal, agradecemos su ayuda para ponernos en contacto con las personas, ya que estamos interesados en darle un hogar y nos haremos cargo de los gastos durante su adaptación”.

Pocos personajes han logrado imponerse en el imaginario cuando hablamos de terror, de slashers, de personajes relacionados al género horror en la cultura pop. Si nos reducimos a los últimos diez años, inclusive, esa lista se empieza a reducir cada vez más allá. Y si bien no es un personaje original de estos tiempos, el Pennywise de Andy Muschietti es uno de los pocos que lo ha logrado.

It: Chapter One (2017) e It: Chapter Two (2019) son dos grandes películas que le hacen honor a una de las obras de terror más importantes de la literatura moderna. Con su tono, sus actualizaciones, su estética y su visión, la dupla Muschietti (Andy en lo creativo, Barbara en producción) logró que estas dos películas generen algo más que una adaptación. Los resultados de esto se ven en la nueva serie que intenta ampliar este universo, It: Bienvenidos a Derry.

Tal y como sucede en los libros, esta historia intenta contar el inicio del mal y transcurre años antes de que Los Perdedores conozcan a It. Es una historia de los años ‘60, y la ambientación es radicalmente diferente a lo que vimos en las películas. Así como It mostró a los ‘80 de una forma espectacular y muy afín a la realidad, esta serie intenta hacer lo mismo con otra década icónica. Debo decir que en estos primeros cuatro episodios todavía no se apropia de este espacio temporal, pero sí que hace esfuerzos para lograrlo.

En este contexto, y muy similar a lo que vemos en la primera película, varios niños empiezan a desaparecer de Derry. En un pueblo que aún no ha sufrido mucho del ente maligno conocido como Pennywise, esto se traduce en una serie bastante policial donde se intenta encontrar cual es el asesino. A su vez, los niños mantienen la trama más “losers” de la serie y hay una tercera narrativa, llevada por un cuerpo militar, que se encarga de mantener el equilibro con el resto de las historias y conectar a la serie con el universo de Stephen King en general. La primera mitad de la temporada ha funcionado muy bien para crear algo propio sin dejar de ser una ampliación de algo que empezó antes.

Audiovisualmente el sello Muschietti se mantiene intacto. Cada plano cuenta una historia, y a su vez, la narrativa se va desarrollando a través de tres historias con tonos estéticos muy diferentes. Cada cosa que pasa nos rememora a esas grandes producciones que fueron It y parece estar por encima de lo que solemos ver como series, más aún cuando hablamos de series de terror que no abundan mucho.

Uno de los puntos más conflictivos que tiene la serie es el uso del CGI. Mientras que lo considero una buena idea, ya que la serie no teme a animarse a crear monstruos inimaginables y a jugar con una libertad absoluta a la hora de contar una historia, la ejecución es bastante extraña y muchas veces su tono termina estando por debajo de la serie en general. Se entiende que el presupuesto y los tiempos de una producción así no son los de una película, pero es un punto que puede mejorar de cara a las próximas temporadas.

Algo que sucede en el primer episodio pero que en líneas generales se termina repitiendo en la serie, es que hay una sensación de sorpresa y falsos protagonismos muy grande. Nada es lo que parece y se toman decisiones que muchas empresas no dejarían pasar en la ronda de decisiones si un creativo las trae a la mesa. Muschietti se ganó eso: poder hacer lo que quiera con la obra. Y no solo lo sigue haciendo, sino que lo hace bien.

La serie plantea hilos para un montón de lados diferentes. Sí, es una adaptación de los interludios que tiene el libro y que no han sido adaptados en las películas, pero a su vez hay muchas referencias a otros libros de Stephen King, hay una conexión directa y muy fuerte con El Resplandor y hay guiños por todos lados a la tortuga, personaje que tampoco pudo ser adaptado en su totalidad en la gran pantalla y que es muy importante para los libros de It.

It: Bienvenidos a Derry es un examen aprobado de cara al futuro para Andy Muschietti. Un director que logró posicionarse en Hollywood con una excelente adaptación de una de las mejores (y también polémicas) obras de Stephen King. Su Pennywise ha logrado imponerse en la cultura popular y el imaginario del terror de la década pasada, y su regreso en esta serie solo marca la continuación de la leyenda.

Estos primeros cuatro episodios logran formar la base de una narrativa que va más allá de las películas, cobrando vida propia y dejando interrogantes que no solo se resolverán en la segunda mitad de la temporada sino seguramente más también a futuro. Por ahora, ver It: Bienvenidos a Derry es una experiencia más que gratificante para quién le guste este tipo de producciones.

La serie de televisión inspirada en el universo de El Conjuro avanza en su producción. Recientemente se confirmó que Nancy Won, reconocida productora, se unió al proyecto como guionista, productora ejecutiva y showrunner.

Con la integración de Won se refuerza la intención de HBO MAX para competir en el terreno de las franquicias de horror televisivo, conformando un producto de alto nivel con El Conjuro.

La decisión de integrar a Nancy Won como showrunner fue tomada a partir de su experiencia, que abarca desde el drama, ciencia ficción y fantasía oscura. Won trabajó anteriormente en producciones para Apple TV+, Hulu, Netflix y The CW como Pequeños fuegos por todas partes, Jessica Jones, Jericho y Supernatural.

Para ayudar con el guion se confirmó que se unieron Peter Cameron y Cameron Squires, ambos con experiencia en proyectos de Marvel como Wanda Vision y Agatha en todas partes quienes comenzarán a escribir los capítulos de las series, según informó la revista Variety.

El esperado proyecto se anunció en 2023, cuando HBO MAX dijo que trabajaban en una continuación directa de la historia creada por New Line Cinema.

Por su parte, Warner Bros. dijo que la serie contará con la ayuda de Peter Safran productor original de las películas, quien retomará su puesto bajo su productora Safran Company. Además la producción contará con el respaldo de Warner Bros. Televisión, quienes harán un esfuerzo unidos a Nancy Won, para garantizar la fidelidad a la historia.

Aunque no se ha revelado la fecha de estreno, todo apunta a que El Conjuro la Serie llegará en 2026 y será uno de los proyectos estrella de HBO.

El éxito de El Conjuro 4: Últimos Ritos

La noticia se dio recientemente en el marco del éxito de El Conjuro 4: Últimos Ritos, que se ha convertido en una de las entregas de la saga más taquillera. La cuarta película actualmente ya superó los 194 millones de dólares en recaudación mundial, consolidando a la cinta como el estreno de la película de terror más exitosa de todos los tiempos.

Además la cuarta y última entrega de la saga se beneficiará de su exhibición en pantallas IMAX y formatos premium, lo que incrementa los ingresos, incluso perfila para colarse en el top 10 de los mejores lanzamientos del año en Estados Unidos con una recaudación a nivel nacional de 34.5 millones de dólares (hasta el momento), lo que representa la posibilidad de acercarse al lanzamiento de Thunderbolts (74 millones).

Últimos Ritos fue dirigida por Michael Chaves quien ya estuvo al mando de El Conjuro 3: El Diablo me Obligó a Hacerlo del 2021, y el spin-off La Monja 2.

A pesar de la emoción causada entre el público, la recepción de la crítica ha sido floja. Especialistas como CinemaScore le otrogó una “B” la nota más baja en la historia de la saga.

¿Qué es el ‘Conjuringverse’?

Desde el debut de la saga en 2013 se logró la creación de todo un universo que gira en torno a los archivos de los Warren.

Una de las historias paralelas del universo de El Conjuro es Annabelle, con tres películas y La Monja con dos películas.

El fenómeno llamado Conjuringverse en total logró recaudar hasta el momento casi 2,500 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los universos cinematográficos de terror más rentables de la historia.

Este 21 de agosto llegó a HBO Max el tercer episodio de la serie documental Marcial Maciel: El Lobo de Dios. La docuserie continúa revelando las múltiples facetas del fundador de los Legionarios de Cristo, considerado una de las figuras más polémicas y poderosas de la Iglesia católica en el siglo XX.

En este capítulo, uno de los ejes de análisis está en cómo Maciel fue tomando modelos de otras órdenes y movimientos católicos para expandir su poder, incluyendo al Opus Dei, organización con la que guardó semejanzas en la manera de estructurar su imperio religioso.

Emiliano Ruiz Parra: la influencia del Opus Dei en Maciel

El periodista Emiliano Ruiz Parra, entrevistado en el episodio, explica la evolución estratégica de Maciel:

“Así como al principio de la Legión los Jesuitas son el modelo de Maciel, con el paso del tiempo imita otro modelo que es el Opus Dei. El Opus Dei inventa una categoría que no existía en la iglesia católica que son los llamados laicos consagrados y Maciel desde 1959 cuando sale avante de la investigación del Vaticano empieza a pensar que él tiene algo similar”, comentó.

Según el experto en el tema, este paralelismo marcó un punto de quiebre en la historia de los Legionarios de Cristo, pues con la creación del Regnum Christi, Maciel consolidó una red de laicos que extendía el alcance de su congregación más allá de los sacerdotes.

“Entonces a fines de los 60 surge el Regnum Christi que es el brazo laico de los legionarios y que le permite a Maciel incorporar a las mujeres”.

¿Qué son los laicos consagrados?

De acuerdo con Regnum Christi, los laicos consagrados son -a diferencia de los laicos- aquellos que “emiten votos de pobreza, castidad y obediencia llevando vida fraterna en comunidad”.

¿Qué es el Opus Dei?

El Opus Dei (Obra de Dios, en latín) es una prelatura personal de la Iglesia católica fundada en 1928 por san Josemaría Escrivá de Balaguer. Su misión oficial, según la propia institución, es contribuir a la evangelización fomentando la santidad en la vida ordinaria.

En palabras de su fundador:

“El Opus Dei se propone promover entre personas de todas las clases de la sociedad el deseo de la perfección cristiana en medio del mundo. (…) Pretende ayudar a las personas que viven en el mundo —al hombre corriente, al hombre de la calle—, a llevar una vida plenamente cristiana, sin modificar su modo normal de vida, ni su trabajo ordinario, ni sus ilusiones y afanes".

Sin embargo, la organización también ha enfrentado acusaciones y denuncias en distintos países. En Argentina, desde 2020 se han presentado testimonios públicos que derivaron en una investigación judicial por presunta explotación laboral y trata de personas en un grupo de mujeres.

El Opus Dei ha rechazado categóricamente dichas acusaciones y asegura que se trata de un uso manipulado de figuras penales que no corresponden con su realidad.

Asimismo, hace algunos años se hizo una denuncia por presunto abuso sexual a Juan Luis Cirpiani, cardenal del Opus Dei y arzobispo de Lima.

De qué trata el episodio 3 de Marcial Maciel: El Lobo de Dios

El tercer episodio de la docuserie muestra a Maciel en una etapa clave de su vida: tras superar denuncias en el Vaticano, refuerza su imagen pública y expande su poder con la fundación del Regnum Christi, movimiento que le permitió incorporar a mujeres en su estructura.

En paralelo, el fundador de los Legionarios comienza a llevar una doble vida, protegido por identidades falsas que le sirvieron para ocultar su comportamiento criminal. El capítulo también documenta cómo, a través de un elaborado sistema de impunidad, Maciel logró sostenerse durante décadas en el Vaticano, hasta que finalmente algunas víctimas comenzaron a denunciarlo.

Con entrevistas, testimonios inéditos y el análisis de especialistas, este episodio profundiza en cómo la imitación del modelo del Opus Dei y la expansión del Regnum Christi fueron herramientas fundamentales para que Maciel reforzara su red de poder en México y en el extranjero.

Este 14 de agosto de 2025, HBO Max estrenó el documental Marcial Maciel: El Lobo de Dios, una serie que revisa a fondo la historia del fundador de la Legión de Cristo y las denuncias que marcaron su vida. La producción combina testimonios de víctimas directas, exmiembros de la congregación y periodistas que investigaron el caso durante décadas.

A lo largo de los episodios, el espectador se encuentra con voces clave que no sólo aportan vivencias personales, sino también investigaciones documentales que han sido pieza central para comprender el alcance de los abusos y el sistema de encubrimiento que operó en torno a Maciel.

¿Quiénes son los testigos y denunciantes que aparecen?

Entre los protagonistas del documental se encuentran algunos de los primeros denunciantes que rompieron el silencio:

• Juan José Vaca – Ex superior de los Legionarios de Cristo en Estados Unidos y uno de los primeros ocho denunciantes de Maciel; su testimonio reveló la magnitud de los abusos cometidos por el fundador.
• José Barba – Ex Legionario de Cristo y uno de los principales denunciantes de Maciel; coautor de la Carta Abierta al Papa (1997) que hizo públicas las acusaciones de abuso sexual contra el fundador de la congregación.
• Alejandro Espinosa – Ex Legionario de Cristo y uno de los primeros denunciantes de Maciel, cuyo testimonio, plasmado en el libro El Legionario, detalla los abusos y el control ejercido por el fundador.
• Elena Sada – Ex miembro de Regnum Christi que, tras casi dos décadas en la organización, ha relatado en su libro Ave negra las prácticas internas de captación de miembros y recaudación de fondos impulsadas por Maciel, así como su experiencia personal dentro del grupo.

¿Quiénes son los expertos y periodistas?

La serie también da espacio a periodistas e investigadores que han seguido el caso durante años y han documentado sus distintas dimensiones:

• Emiliano Ruiz Parra – Escritor y periodista narrativo que ha documentado el poder, los abusos y las redes de silencio en torno a Marcial Maciel a partir de un trabajo de investigación de largo aliento y entrevistas con víctimas y expertos.
• Carmen Aristegui – Periodista mexicana que investigó a profundidad los crímenes de Marcial Maciel y las complicidades que lo protegieron, plasmándolo en el libro Marcial Maciel, Historia de un Criminal.
• Raúl Olmos – Periodista de investigación que ha rastreado el imperio financiero de los Legionarios de Cristo, exponiendo la red económica creada por Maciel para sostener y expandir su poder.
• Fernando González – Académico e investigador de la UNAM, autor de múltiples libros que documentan la historia de Maciel, el funcionamiento de su congregación y los mecanismos de encubrimiento.

• Jason Berry – Periodista estadounidense que en 1997 publicó en The Hartford Courant una investigación pionera que documentó décadas de abuso y encubrimiento por parte de Marcial Maciel.
• Marco Politi – Periodista y analista de temas vaticanos que ha investigado las relaciones de poder y las alianzas en el Vaticano que protegieron a Maciel durante años.
• Iacopo Scaramuzzi – Periodista especializado en información vaticana que ha analizado las repercusiones internacionales del caso Maciel y la respuesta de la Iglesia.
• Idoia Sota – Periodista que investigó el caso Maciel en España para El Mundo, documentando testimonios y recopilando pruebas sobre su red de abusos y protección institucional.

En conjunto, estos testimonios y análisis convierten al documental en una obra coral que combina memoria, periodismo e investigación académica para arrojar luz sobre uno de los casos más oscuros en la historia reciente de la Iglesia católica.

*Con información de HBO Max

“Lo importante de estos proyectos es que generen conversación y que generen conciencia”, afirmó Sebastián Gamba, productor de la serie de HBO Max Marcial Maciel: El Lobo de Dios, en una charla con Infobae México durante la promoción del estreno.

El proyecto busca reflejar la complejidad de una de las historias más investigadas y controversiales en torno a la figura de Maciel y los testimonios de las víctimas. La producción, realizada durante casi cuatro años, propone una narrativa coral que explora las distintas dimensiones del personaje y su impacto en la sociedad.

¿Cómo se abordó la serie?

El atractivo de una historia compleja y ampliamente investigada fue fundamental para involucrar a Sebastián Gamba en la realización de la serie documental.

Según relató el productor, “siempre uno tiene atracción por las historias complejas”.

Además, destacó que el hecho de que la vida de Marcial Maciel haya sido objeto de múltiples investigaciones permitió “construir una narrativa con muchas voces, que permitía mostrar la amplitud y la complejidad de Maciel”.

Gamba señaló que el equipo comenzó a trabajar en el proyecto hace más de siete años y dedicaron casi cuatro al desarrollo del documental.

Explicó que el gran desafío estuvo en “sumar todas esas voces en una narrativa que permita mostrar las mil caras de este monstruo”.

La construcción de esta visión coral incluyó no sólo los testimonios de exlegionarios que sufrieron abusos y emprendieron una larga lucha desde los años 90, sino también el trabajo de numerosos periodistas y especialistas de varios países.

Entre los investigadores mencionó a Raúl Olmos, quien estudió la creación del imperio financiero de Maciel, e Idoia Sota, que reconstruyó la historia del matrimonio secreto de Maciel en España.

Emiliano Ruiz Parra profundizó en los problemas de adicción del protagonista, mientras que nombres como Fernando González, Jason Berry en Estados Unidos y Carmen Aristegui aportaron dimensiones diversas al relato.

Según Gamba, el objetivo fue permitir que el espectador comprenda la inmensa complejidad de Maciel, un “hombre de mil rostros”.

Uno de los puntos cruciales durante la realización de la serie fue el enfoque ético en el tratamiento de temas sensibles, especialmente los relacionados con los abusos sexuales y las experiencias de las víctimas.

Gamba señaló que el director, Matías Gueilburt, dedicó mucho esfuerzo en definir cómo abordar la cuestión de los abusos y cómo construir la narrativa “a partir, por supuesto, de las voces de las propias víctimas”.

Resaltó que la serie fue elaborada con sumo cuidado, equilibrando el impacto de las historias con el respeto hacia quienes las vivieron.

“Esa atrocidad, la imagen de ese niño que entra a esa enfermería donde lo está esperando Maciel y se cierra la puerta, ya lo dice todo, no necesitas ver más nada”, expresó el productor sobre la potencia de algunos testimonios y escenas.

Insistió en que los relatos de las víctimas resultan tan fuertes y han sido sostenidos durante tantos años, que el equipo supo encontrar el equilibrio necesario para mostrar la gravedad de los hechos “sin caer en golpes bajos”.

Para Gamba, el largo periodo de trabajo fue clave para lograr este enfoque responsable: “Trabajar durante tanto tiempo en el proyecto permite encontrar un equilibrio para poder mostrar la atrocidad sin caer en la victimización”.

Así, el equipo priorizó la integridad y la dignidad de los y las protagonistas, siendo fieles a las voces y expectativas de quienes decidieron compartir su historia.

¿Qué se busca proyectar con la serie?

La serie documental no busca provocar una reacción o cambio específico, según aclaró Gamba.

Al referirse al impacto deseado en la audiencia, explicó que el objetivo principal reside en generar conciencia y conversación alrededor de la figura de Marcial Maciel y los crímenes cometidos.

“No tenemos alguna expectativa de que suceda algo en particular”, detalló el productor, resaltando que lo verdaderamente relevante es que estos relatos motiven el debate social y la reflexión.

Gamba fue contundente al afirmar: “Lo importante de estas historias es que generen conciencia y generen una conversación para intentar evitar que estas cosas sucedan o por lo menos que haya más mecanismos de defensa”.

Reconoció que fenómenos de este tipo pueden volver a ocurrir, pero enfatizó el papel de las narrativas colectivas en la construcción de herramientas para enfrentar la impunidad. Para la producción y el equipo detrás de la docuserie, dar voz a quienes llevan años exigiendo justicia es, en sí mismo, un acto de memoria y responsabilidad social.

¿Cuándo se estrena la serie y dónde ver?

Marcial Maciel: el lobo de Dios se estrenará el próximo 14 de agosto de HBO Max.

“La paternidad se complica cuando el entorno está en tu contra”, expresó Poncho Herrera, actor y narrador de la nueva serie Legado salvaje de Max, al reflexionar sobre los desafíos que enfrentan padres e hijos en el reino animal y en la vida humana.

Con motivo del estreno de este documental, el intérprete compartió su mirada sobre los valores universales reflejados en la naturaleza, la importancia de la resiliencia y el legado emocional que deja su participación en este proyecto de Discovery y HBO Max.

Valores y enseñanzas de la serie “Legado salvaje”

A lo largo de la serie, el exintegrante de RBD destacó que “toda la serie tiene valores muy lindos”, subrayando tanto el enfoque educativo como el emocional de “Legado salvaje”.

Según Herrera, la producción brinda la oportunidad de comprender la diversidad de las especies y de conocer cómo se comportan los animales, aportando elementos de ciencia y naturaleza.

“Estos valores inspiradores, esta inspiración que te da, como es el instinto maternal, cómo todas estas especies tienen una dedicación y un instinto por cuidar a sus crías, dándoles amor, cuidando a sus bebés”.

Herrera señaló que, al ver la serie, los espectadores pueden identificar la supervivencia y la resiliencia en el comportamiento animal y cómo estas características permiten que muchas especies luchen y perseveren para “sacar adelante a sus crías”.

También mencionó la belleza de la interconexión entre todos los seres vivos y cómo los seres humanos pueden empatizar con el instinto de protección que aparece en diferentes especies.

“A veces una zarigüeya, una cebra, un hipopótamo tiene este instinto de protección, pero al mismo tiempo los seres humanos también podemos y tenemos ese instinto de protección hacia nuestras crías”.

Conexión emocional y reflexiones sobre la paternidad

Desde su papel como narrador de la serie, el actor afirmó que se sintió identificado con múltiples ejemplos del reino animal. Al referirse a uno de los episodios, destacó la escena de una araña que muere para ser alimento para sus crías y la describió como “el sacrificio máximo… es algo muy fuerte de ver, pero al mismo tiempo es el sacrificio máximo que pueden dar los padres”.

Herrera abundó sobre los retos de la paternidad tanto en el mundo animal como en el humano.

Explicó que tanto en la naturaleza como en la vida cotidiana, los desafíos y obstáculos requieren resiliencia y aprendizaje para salir adelante. Para él, existe una metáfora clara en la historia de los animales:

“Es una metáfora muy linda; como tenemos que sobreponernos y tenemos que superar sea lo que sea que esté enfrente de nosotros, para tener un aprendizaje o seguir avanzando”.

La serie también mostró para el actor la relevancia de la familia y las redes de apoyo, ejemplificada en el capítulo de los leones, donde la unión y el trabajo colectivo se vuelven fundamentales incluso frente a la adversidad. Según Herrera, legados como estos permiten empatizar y reconocer los lazos universales que unen a padres e hijos, dentro y fuera del reino animal.

Impacto personal y significado de narrar la serie

Para el actor, participar como narrador en la serie Legado salvaje representó una experiencia transformadora y profundamente emotiva.

Recordó el momento en que le presentaron el proyecto, señalando: “Me enseñaron el primer minuto y medio, la parte de los orangutanes, y es tremendamente bello y habla del aprendizaje y del camino que hemos vivido todos los padres. Yo soy padre, tengo dos hijos y me emocionó muchísimo. Inmediatamente dije que sí”.

El intérprete compartió que este inicio tan emotivo lo llevó incluso a las lágrimas y le despertó el deseo de involucrarse en un proyecto que considera un legado.

Herrera expresó que ser parte de la serie le permitió reforzar el valor de la paternidad en su propia vida.

Según relató: “Te das cuenta de que ya nada es para ti. Absolutamente nada es para ti. Te invita instintivamente a dar, a entender que tienes que proveer, que tienes que dar, y es algo muy bello eso”.

Para él, la labor de narrar este proyecto no solo contribuyó a conectar con su propio rol como padre, sino también a transmitir un mensaje poderoso sobre el amor y la dedicación que implica cuidar y formar a las siguientes generaciones.

Legado salvaje estrena un episodio nuevo cada miércoles a partir del 6 de agosto a las 8:50 p.m. por Discovery y HBO Max.

El final de Chespirito: Sin querer queriendo dejó a muchos con un nudo en la garganta. La serie transmitida en Max no solo logró revivir al ícono de la televisión mexicana, sino que lo humanizó a través de una narrativa profunda y actuaciones entrañables.

Entre ellas, destacó la de Pablo Cruz Guerrero, quien dio vida a Roberto Gómez Bolaños con una mezcla de respeto, carisma y profundidad emocional.

Pero antes de ganarse el corazón del público, Pablo tuvo que enfrentarse a un reto mayor: un casting exigente que ahora, dos años después, sale a la luz.

Fue Isabel Cortázar, reconocida directora de casting y reclutadora de talentos, quien reveló cómo fue el proceso para encontrar al actor ideal que encarnara a Chespirito.

En su cuenta de Instagram, compartió recientemente un video del callback que hizo Pablo Cruz, justo cuando aún buscaban a alguien con el físico y la esencia de Gómez Bolaños.

El día que Pablo Cruz se puso la gorra del Chavo para ganarse el papel

En 2023, Cortázar publicó un anuncio muy claro:

“¿Te pareces a él? Lo estoy buscando para una serie. ¿Me mandas una foto tuya y tu número de contacto por aquí? Gracias”, escribió refiriéndose a Roberto Gómez Bolaños.

Esa simple publicación se volvió el primer paso para uno de los castings más simbólicos del audiovisual latinoamericano reciente.

El video del callback de Pablo Cruz, publicado por Isabel el 17 de julio de 2025, muestra al actor en una habitación blanca, vestido con un saco café.

La escena que interpretaba era una de las más importantes de la serie: cuando Roberto intenta convencer a un alto ejecutivo de darle luz verde a sus personajes. Pablo se pone la gorra del Chavo del 8 y cambia de registro para hablar del Chapulín Colorado, demostrando su rango actoral y la sensibilidad con la que abordó el legado de Chespirito.

Cabe señalar, que según lo relatado por el actor en diversas entrevistas, el proceso de selección fue sumamente extenso y contó con una serie de pruebas y castings, éste es sólo uno de ellos.

Sin maquillaje, sin escenografía, sin música, únicamente con su voz, sus gestos y su interpretación, Pablo logró capturar la esencia de un hombre que hizo reír a generaciones, pero que también cargó con dudas, presión y ambiciones artísticas.

La producción, de 60 minutos, forma parte de la franquicia ‘Vs’ de Warner Bros. Discovery y promete exponer las múltiples capas de una batalla legal que ha capturado la atención global.

El especial se sumerge en los bastidores de la película y en los supuestos conflictos personales, creativos y contractuales que, lejos de resolverse en privado, escalaron hasta convertirse en un enfrentamiento público de alcance internacional. El documental estructura su relato en dos partes diferenciadas, otorgando espacio a las versiones de ambos protagonistas. En primer lugar, se presenta la perspectiva de Justin Baldoni, quien enfrenta acusaciones de acoso sexual y sostiene que existieron intentos externos de controlar el proceso creativo de la película. Posteriormente, el foco se traslada a Blake Lively, quien denuncia haber sido víctima de una campaña difamatoria en línea y se posiciona como defensora de las mujeres en la industria cinematográfica.

La narrativa se apoya en entrevistas exclusivas a figuras clave del entorno de ambos actores. Entre los testimonios más destacados se encuentra el del creador de contenido Markos Bitsakakis, cuya cobertura en TikTok sobre el caso se volvió viral, aportando análisis detallados que alimentaron el debate público. También participa la reportera de entretenimiento Kjersti Flaa, cuya entrevista con Lively cobró notoriedad tras el estallido del escándalo. El documental incluye además la voz de una joven actriz que relata cómo Lively la defendió en un set de filmación, así como la investigación de la periodista Taylor Lorenz, quien profundizó en los orígenes y ramificaciones del conflicto.

La franquicia ‘Vs’, a la que pertenece este nuevo título, ha abordado previamente otros enfrentamientos de alto perfil, como Johnny vs. Amber: El último juicio y Taylor Swift vs. Scooter Braun: Bad Blood. En esta ocasión, la atención se centra en cómo la fama, el género y la influencia de los medios se entrelazan en la industria del entretenimiento, generando dinámicas de poder y narrativas contrapuestas. El documental no solo expone los hechos, sino que también reflexiona sobre las consecuencias de una pelea pública que podría redefinir el futuro de dos grandes estrellas de Hollywood.

El estreno de Lively vs. Baldoni: Drama de Hollywood en HBO Max el 26 de julio representa un nuevo capítulo en la exploración mediática de los litigios entre celebridades, ofreciendo al público la oportunidad de acceder a las distintas versiones de un caso que ha polarizado opiniones y generado un intenso debate sobre los límites de la privacidad, la reputación y la justicia en el mundo del espectáculo.

Por décadas, Florinda Meza fue identificada con Doña Florinda, personaje icónico de la comedia latinoamericana. Pero en 2020, la actriz sorprendió a propios y extraños al subir al escenario más prestigioso de México, no como comediante, sino como figura de la ópera.

En el Palacio de Bellas Artes, frente a una audiencia exigente y acostumbrada a lo mejor del bel canto, Meza se transformó en la Duquesa de Crakentorp durante el homenaje al tenor Javier Camarena.

Ese personaje, aunque hablado, no se improvisa. Pertenece a La fille du régiment (La hija del regimiento) de Gaetano Donizetti, una obra que requiere no solo elegancia escénica, sino una comprensión profunda del ritmo, del tono teatral de la ópera bufa y del arte de matizar entre lo cómico y lo sofisticado.

Meza, soprano coloratura de formación, no desentonó. De hecho, su actuación marcó uno de los momentos más inesperados y celebrados de esa gala lírica.

Florinda Meza tiene una amplia experiencia en ópera

Pocos saben que Florinda Meza no es una improvisada en el universo musical. Estudió durante dos décadas música, con especialización en Bel Canto, una de las escuelas más exigentes del canto lírico.

Su formación como soprano ha sido tan disciplinada como su carrera actoral. Pero su talento fue encasillado durante años, limitado por la fuerza arrolladora del fenómeno Chespirito, proyecto en el que además de actuar también escribió, dirigió y produjo.

En pleno 2020, con la ópera como escenario y no como escape, Florinda Meza demostró que es mucho más que una figura del entretenimiento popular.

Su presencia en el Palacio de Bellas Artes, símbolo de la alta cultura en México, no fue un capricho ni una anécdota, sino una revelación: detrás de la mujer que brilló en la televisión, hay una artista completa.

Florinda Meza con una amplia trayectoria artística

Nacida en febrero de 1949, Florinda Meza se ha formado en múltiples disciplinas. El teatro fue su primer amor y en 1968 debutó en los Video Teatros de Telesistema Mexicano. Luego, en 1970, se integró al programa de comedia La Media Naranja, en la entonces joven Televisión Independiente de México.

Su salto definitivo llegaría en 1971, cuando fue seleccionada para unirse al elenco del programa Chespirito. Desde entonces, su rostro quedó unido al imaginario colectivo de varias generaciones.

Sin embargo, Meza ha sido más que su personaje. También ha escrito libretos, dirigido cámaras y producido contenidos. Y más allá del set de televisión, cocina como chef profesional y ha demostrado, en escenarios como Bellas Artes, que su voz no solo regañaba al Chavo, sino que podía interpretar, con autoridad, a una Duquesa de la ópera.

Nombre de Florinda Meza ha estado presente en los últimos días

Recientemente, su nombre volvió a sonar con fuerza por motivos distintos. La serie Chespirito: sin querer queriendo, producida por Max, la retrata sin haber solicitado su consentimiento.

Florinda ha sido clara: no aprobó su participación en el relato y no fue consultada sobre cómo se abordaría su imagen ni su historia.

Paradójicamente, mientras la ficción la reduce a un papel colateral en la vida del comediante, ella ha demostrado con hechos que su historia personal y profesional merece capítulo aparte.

De la televisión al teatro, del libreto al escenario, del foro al Palacio de Bellas Artes. Florinda Meza ha recorrido caminos que muy pocas artistas mexicanas han logrado pisar.

Usuarios de redes sociales no han parado de comparar a Florinda Meza con Ángela Aguilar desde que se estrenó ‘Chespirito: Sin querer queriendo’, ya sea por los rumores sobre su vida amorosa que surgieron a raíz de ello o supuestas similitudes en las declaraciones que han hecho de sus parejas, Roberto Gómez Bolaños ‘Chespirito’ y Christian Nodal, respectivamente.

La actriz ha procurado mantenerse al margen de la situación; sin embargo, en los últimos días ha utilizado sus redes sociales tanto para contar su versión sobre los temas abordados en la serie como para responder a algunos señalamientos en su contra.

“Fui su segunda esposa, sí, lo hice feliz, lo ayudé a organizar sus finanzas y así pudo darle a sus hijos y a su ex esposa en abundancia, sin limites. Le resolvía todo y le hice la vida sencilla para que él pudiera ser más creativo y regalar más alegría, porque era un genio y la gente se merecía seguir disfrutando de su arte. Y fui también la que se quedó con él mientras estuvo enfermo, lo cuidé de día y de noche por años, hasta que murió en mis brazos“, respondió a un usuario de Instagram que la señaló de ser ‘la otra’ de Chespirito.

Florinda Meza reacciona a comparaciones con Ángela Aguilar

Entre los múltiples comentarios que inundan las redes sociales de la actriz sobre la bioserie, abundan aquellos en donde es comparada con Ángela Aguilar.

“Señora ¿Usted es pariente de Ángela Aguilar?”, preguntó un usuario de Instagram y Florinda Meza respondió: “¿Y usted es pariente de Los Chifladitos?“.

La intérprete de 76 años hizo referencia a un programa que su esposo, Roberto Gómez Bolaños, hizo y protagonizó con Rubén Aguirre -también recordado como ‘El Profesor Jirafales’ de ‘El Chavo del 8′- en la década de los 70.

De esta manera, negó tener algún tipo de parentesco con la hija de Pepe Aguilar e indirectamente respondió a quienes las comparan.

Florinda Meza recuerda a su suegra Elsa Bolaños

Florinda Meza publicó en redes sociales un mensaje dedicado a Elsa Bolaños Cacho, madre de Roberto Gómez Bolaños, tras el estreno de la serie ‘Chespirito: sin querer queriendo’.

“Doña Elsa Bolaños Cacho era una mujer muy adelantada a su tiempo. Siempre apoyó a Roberto en sus inclinaciones artísticas, ella misma escribía poesía y pintaba. No era una madre ‘regañona’, era fuerte y firme, pero encantadora y muy simpática”, escribió.

La actriz hizo énfasis en el apoyo incondicional que Elsa Bolaños Cacho le dio a Roberto Gómez Bolaños desde que expuso su interés artístico.

“Cuando decidió ser escritor, le dijo que debía dedicarse a aquello que lo hiciera feliz, porque sólo así podría ser exitoso. No era una madre controladora, sino muy sabia, que pudo mantener sola a sus hijos y darles una vida feliz, a pesar de las apreturas económicas. Elsa marcó la vida de Roberto, siempre lo impulsó y creyó en su talento“, añadió.

HBO Max está de regreso. Tras dos años desde la transición a “Max”, Warner Bros. Discovery hizo efectiva la decisión de recuperar el nombre y el sello de identidad que durante décadas definió su plataforma de series y películas.

Esta maniobra se presenta como un nuevo intento de revitalizar la percepción del servicio ante sus usuarios, diferenciándose en un sector cada vez más competitivo.

La vuelta a HBO Max no resultó inesperada para quienes han seguido de cerca los movimientos de la empresa. El anuncio oficial se realizó en mayo de 2025 por parte de David Zaslav, presidente y CEO de Warner Bros. Discovery (WBD).

“El sólido crecimiento que hemos experimentado en nuestro servicio global de streaming se basa en la calidad de nuestra programación. Hoy, recuperamos HBO, la marca que representa la más alta calidad en medios, para impulsar aún más ese crecimiento en los próximos años”, aseguró.

Uno de los argumentos principales para esta decisión provino de los estudios de consumo internos realizados por la compañía. Estos informes mostraron que, pese a los intentos por imponer el sello Max como una plataforma más inclusiva y diversificada en cuanto a contenidos, la percepción del público seguía muy vinculada al valor diferencial de HBO.

Qué implica el regreso de HBO Max para los usuarios

Desde la perspectiva de los suscriptores, la principal inquietud giraba en torno a posibles modificaciones en el acceso al servicio, cambios de tarifas o un nuevo proceso de migración de apps y cuentas.

Sin embargo, esta vez el rebranding resultó mucho menos intrusivo que en 2023, cuando la transición de HBO Max a Max obligó a actualizar aplicaciones y ajustarse a una renovada interfaz.

En esta oportunidad, lo esencial se mantiene inalterado:

• El catálogo cuenta con las mismas películas, series y documentales, incluyendo producciones de Warner Bros., DC, Cartoon Network y Discovery.
• Las tarifas de suscripción siguen sin cambios.
• Los perfiles de usuario, listas y contenido en seguimiento permanecen intactos.
• La aplicación mantiene la misma estructura funcional, aunque con un rediseño visual que traslada de nuevo a los colores y el logo característico de HBO.

La única novedad que perciben los usuarios de inmediato radica en la imagen visual del sitio: el logo de HBO Max reemplaza al de Max y el color negro regresa como elemento dominante de la interfaz, en substitución del azul que había caracterizado el branding reciente. Un cambio que empezarán a ver los usuarios en los próximos días, sin tener que hacer nada en sus dispositivos.

Cuál será el futuro de HBO Max después de este cambio

El relanzamiento conlleva más que un simple cambio estético o nominal. Warner Bros. Discovery está implementando una reconfiguración estructural profunda.

La compañía ha dividido su operación en dos grandes verticales: una especializada en streaming y producción cinematográfica (donde HBO Max ocupará un lugar central junto a Warner Bros. Pictures), y otra dedicada a la gestión de canales de televisión lineal, como CNN y TNT.

En el corto plazo, la funcionalidad y tarifas del servicio permanecerán estables. No obstante, WBD ha anticipado futuras restricciones en el uso compartido de contraseñas, una medida que podría entrar en vigor durante los próximos 12 a 18 meses, siguiendo la tendencia de otras plataformas para evitar la reventa de cuentas.

También se especula sobre posibles cambios en la oferta de contenidos deportivos y la desvinculación de algunos activos de cable, aunque aún no hay confirmaciones oficiales al respecto.

Cuándo nació la marca HBO

HBO (Home Box Office) es una plataforma de entretenimiento que se originó en Estados Unidos en 1972 como el primer canal de televisión por suscripción. Fue creada por la compañía Time Inc. con la idea de ofrecer películas sin cortes comerciales y eventos deportivos exclusivos directamente a los hogares a través de televisión por cable.

Su primera transmisión fue un partido de hockey, seguido de la película Sometimes a Great Notion. Durante las décadas siguientes, HBO creció gracias a su programación original, como series, documentales y especiales de comedia.

En los años 90 y 2000, revolucionó la televisión con producciones como The Sopranos y The Wire. Con el avance del streaming, lanzó HBO Go y luego HBO Max, integrando contenidos de WarnerMedia. Así, pasó de ser un canal premium a una de las plataformas líderes en el mundo del entretenimiento digital por su innovación y calidad.

La llegada de WICKED a Max marca el inicio de un evento cinematográfico dividido en dos partes, ya que la secuela, WICKED: PARA SIEMPRE, tiene programado su estreno en cines para noviembre. La película, basada en la novela de Gregory Maguire, explora la historia no contada de las brujas de Oz, centrándose en la relación entre dos jóvenes que se conocen en la Universidad de Shiz y desarrollan una amistad inesperada. Un encuentro con el Mago de Oz pondrá a prueba ese vínculo y llevará sus vidas por caminos opuestos.

¿De qué se trata “Wicked” la película?

La historia principal se desarrolla en la Tierra de Oz antes de la llegada de Dorothy, personaje de El mago de Oz. Sigue el viaje de Elphaba, una joven marginada nacida con piel verde, y Glinda (conocida inicialmente como Galinda), una estudiante popular y encantadora. Ambas se conocen en la Universidad Shiz y, a pesar de sus diferencias iniciales, forjan una amistad improbable.

A medida que sus vidas se entrelazan, son llamadas a la Ciudad Esmeralda para conocer al Mago. Sin embargo, una serie de eventos y revelaciones sobre el Mago y el verdadero enemigo de Oz las llevan por caminos muy diferentes. La película explora cómo Elphaba es vilipendiada y etiquetada como la “Bruja Malvada del Oeste”, mientras que Glinda es elevada como “Glinda la Buena”. También se presenta a Fiyero, un príncipe con el que ambas se involucran románticamente, complicando aún más su amistad.

La película aborda temas como la discriminación, la amistad, la aceptación de uno mismo y la idea de que no todo es blanco y negro; que el “bien” y el “mal” a menudo son cuestiones de perspectiva y propaganda.

El reparto incluye a la ganadora del Emmy, Grammy y Tony Cynthia Erivo en el papel de Elphaba, y a la reconocida cantante y ganadora del Grammy Ariana Grande como Glinda. Junto a ellas, la ganadora del Oscar Michelle Yeoh interpreta a Madame Morrible, el nominado al Emmy Jonathan Bailey da vida a Fiyero, y el nominado al Tony Ethan Slater encarna a Boq. Completan el elenco Marissa Bode como Nessarose y el icónico Jeff Goldblum como el Mago de Oz, además de Bowen Yang, Bronwyn James y la nominada al Tony Keala Settle en papeles destacados.

La producción está a cargo de Marc Platt y David Stone, responsables también de la versión teatral original. El equipo creativo reúne a las guionistas Winnie Holzman y Dana Fox, junto al compositor y letrista Stephen Schwartz. La película ha sido reconocida con dos premios Oscar® y celebra temas como la amistad, la identidad y la capacidad de decidir el propio destino.

WICKED estará disponible en todos los territorios donde Max opera en América Latina y el Caribe, a excepción de Brasil.

La trama de Pecadores se sitúa en Misisipi durante los años 30, en plena Ley Seca. El relato sigue a un trío de personajes: Sammie, hijo del párroco local, y los gemelos Stake y Smoke Moore, ambos interpretados por Michael B. Jordan. Los hermanos, tras un pasado turbulento, regresan a su ciudad natal con la intención de empezar de nuevo. Deciden invertir en un antiguo edificio para abrir una cantina, buscando resolver sus problemas económicos y ofrecer a los habitantes del pueblo una noche de desenfreno. Sin embargo, la llegada de una presencia oscura transforma sus planes y los enfrenta a un peligro inesperado. La película ha sido descrita como “una de las mejores películas de vampiros en mucho tiempo” y “la más aclamada de lo que va de año en lo que al género de terror se refiere”.

El equipo creativo de Pecadores reúne a colaboradores habituales de Coogler en “Black Panther”. Entre ellos destacan la directora de fotografía Autumn Durald Arkapaw, la diseñadora de producción ganadora del Oscar Hannah Beachler, el editor Michael P. Shawver, la diseñadora de vestuario Ruth E. Carter y el compositor Ludwig Göransson. Esta sinergia creativa aporta una identidad visual y sonora reconocible, consolidando el sello autoral de Coogler en el proyecto.

El lanzamiento de Pecadores en Max introduce una innovación significativa en materia de accesibilidad. Por primera vez en una plataforma de streaming, la película contará con una versión completa en Lengua de Señas Afroamericana (Black American Sign Language, BASL). Esta adaptación, interpretada por Nakia Smith y dirigida por Rosa Lee Timm, representa un avance en la representación de la comunidad sorda afroamericana. La BASL, dialecto distinto de la Lengua de Señas Americana (ASL), posee características propias en ritmo, gramática, expresividad facial y referencias culturales. “Por primera vez, la comunidad sorda afroamericana podrá acceder a una experiencia de streaming inmersiva en su propio lenguaje”, anunció Max. La iniciativa invita incluso a usuarios que conocen ASL pero no BASL a explorar esta interpretación.

La decisión de ofrecer una versión en BASL responde a un esfuerzo por ampliar la representación cultural en el streaming. Naomi Waibel, vicepresidenta sénior de gestión de producto global de Warner Bros. Discovery, explicó: “La accesibilidad no es una fórmula única. Sinners en Black ASL es un ejemplo de cómo el acceso culturalmente matizado puede enriquecer la experiencia del espectador”.

El estreno de Pecadores en Max coincide con la transición de la plataforma, que pronto pasará a llamarse HBO Max. La película llega tras un exitoso paso por taquilla y se suma a la oferta de estrenos destacados del mes.

La versión original, proyectada en cines, estará disponible junto a la inédita interpretación en BASL, consolidando a Pecadores como un referente tanto en el género de terror como en la inclusión dentro del entretenimiento digital. El estreno en la plataforma está programado para el viernes 4 de julio.

El nombre de Luis de Llano se hizo relevante en los últimos días debido al caso judicial con Sasha Sokol. Sin embargo, una vez más aparece en el debate público, esta vez impulsado por la trama de Chespirito: sin querer queriendo, la bioserie que explora los momentos determinantes en la vida y carrera de Roberto Gómez Bolaños.

El estreno del capítulo 5, previsto para el jueves 3 de julio en Max, ha generado especial interés al abordar la época de intensa competencia entre Canal 8 y Televisa, contexto en el que la figura de Luis De Llano Palmer representa una pieza central tanto para la industria de la televisión mexicana como en la trayectoria del creador de El Chavo del 8.

Luis de Llano Palmer es el padre de Luis de Llano Macedo, el cual fue encontrado culpable de abusos en contra de la cantante Sasha Sokol la semana pasada.

La serie expone pasajes poco conocidos sobre el impacto que tuvieron las decisiones ejecutivas en la proyección de Gómez Bolaños. Según el avance del quinto episodio s pondrá el foco en la llegada de Luis de Llano Palmer como directivo y programador, responsable de una reestructuración que incluyó la salida temporal de Gómez Bolaños de la programación de su canal, un hecho clave que marcó el rumbo profesional del comediante.

Roberto Gómez Bolaños y Luis de Llano Palmer

La relación entre Roberto Gómez Bolaños y Luis de Llano Palmer es recordada por especialistas de la televisión como un punto de inflexión en el desarrollo del entretenimiento nacional.

De Llano Palmer, proveniente de España y naturalizado mexicano, fue uno de los pilares de la consolidación de Telesistema Mexicano y Televicentro, entidades antecesoras de Televisa. Ocupó cargos de relevancia en la programación de canales tan emblemáticos como el 2, 4, 5, 8 y 13. Esta trayectoria favoreció la proyección de talentos y formatos que definieron la época dorada de la televisión local.

Para Gómez Bolaños, el vínculo profesional con De Llano Palmer significó tanto un apoyo como un desafío. Por un lado, el productor español promovió la formación de nuevos equipos creativos, abrió espacio a propuestas originales y apostó por figuras que después dominaron la pantalla chica, entre ellas el propio Chespirito. Por otro, el rediseño de estrategias llevó a decisiones duras, como prescindir temporalmente de espacios emblemáticos, lo que obligó a Gómez Bolaños a replantear su posición dentro del mercado y finalmente le permitió consolidar una carrera independiente y de largo alcance.

El episodio no solo reconstruye la competencia corporativa que afectó al elenco y al creador de El Chavo del 8, sino que muestra cómo la figura de De Llano Palmer se mantuvo vinculada a momentos relevantes para la televisión mexicana, incluso después de su salida del entorno inmediato de Chespirito.

Luis de Llano Macedo y Sasha Sokol

Paralelamente, el apellido De Llano ha cobrado notoriedad en días recientes debido al desenlace judicial del caso entre el productor Luis de Llano Macedo, hijo de Luis de Llano Palmer, y la cantante Sasha Sokol. Después de una prolongada batalla legal, la Suprema Corte de Justicia de la Nación cerró el caso, confirmando la sentencia que ordena medidas compensatorias a Sokol por daño moral.

La situación ha devuelto al apellido De Llano protagonismo en la agenda mediática, justo cuando la bioserie arroja nueva luz sobre los lazos entre la familia de productores y algunos de los personajes más icónicos del entretenimiento nacional.

Chespirito: sin querer queriendo continúa su recorrido en HBO Max, con el episodio 5 centrando la atención no solo en los procesos creativos detrás de uno de los fenómenos más recordados de la televisión hispana, sino también en la compleja red de relaciones profesionales y personales que definieron a una generación de artistas y ejecutivos. El último capítulo de la temporada está programado para el jueves 24 de julio.

La serie ‘Chespirito: Sin querer queriendo’, original de Max, ya está disponible también en DGO, la plataforma streaming y TV en vivo de DIRECTV.

Inspirada en la vida de Roberto Gómez Bolaños, creador de personajes emblemáticos como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado, la producción ofrece un retrato íntimo del comediante que transformó la televisión en español.

Autorizada y supervisada por dos de sus seis hijos, Paulina y Roberto Gómez Fernández, la serie propone una mirada profunda y reveladora sobre el legado del guionista, director y actor mexicano, cuya obra sigue viva en la memoria de millones de espectadores en América Latina y otros rincones del mundo.

Protagonizada por Pablo Cruz Guerrero, la ficción recorre los inicios de Bolaños como publicista y guionista, su ascenso en la televisión, los hitos de su carrera y sus aspectos más personales: vínculos familiares, tensiones con colegas, sus matrimonios y la complejidad de sostener el humor como forma de vida.

Durante décadas, las creaciones de Gómez Bolaños fueron traducidas a más de 50 idiomas y emitidas en más de 20 países, conquistando públicos en Brasil, Argentina, Colombia, Perú, Chile, España, Italia y Estados Unidos.

Cada episodio revela aspectos poco conocidos: desde el origen de sus personajes hasta decisiones clave en su vida profesional y personal, incluyendo polémicas como la ausencia de Florinda Meza, representada bajo el seudónimo de Margarita Ruiz.

Los nuevos capítulos se estrenan cada jueves en Max y, tras su emisión, quedan disponibles en el catálogo On Demand de DGO, accesible desde cualquier dispositivo: computadora, smartphone, Smart TV o tablet.

Cómo se puede acceder a DGO

Las personas interesadas en suscribirse a esta plataforma pueden ingresar a su sitio oficial, donde se presentan las diferentes opciones de planes disponibles, con sus respectivos precios y servicios incluidos.

Una vez completado el proceso de contratación, es posible acceder a la plataforma mediante la aplicación en Smart TV, teléfonos móviles, tabletas o desde un navegador web.

Ofrece un catálogo de contenidos que incluye series, películas, documentales, canales en vivo y transmisiones de eventos deportivos, accesible desde distintos dispositivos y horarios, según las condiciones del servicio contratado.

Qué otras plataformas streaming hay en Latinoamérica

En Latinoamérica, el acceso a plataformas de streaming ha crecido significativamente, con una oferta que incluye tanto servicios internacionales como opciones regionales.

Entre las más populares se encuentra Netflix, que ofrece un amplio catálogo de películas, series y documentales, además de producciones originales en español y portugués.

Prime Video, de Amazon, combina contenidos de ficción con eventos deportivos y permite suscribirse a canales adicionales. Disney+ concentra títulos de Disney, Marvel, Star Wars y National Geographic, y recientemente ha integrado o fusionado a Star+, que incluye deportes y contenido más adulto.

Max (antes HBO Max) reúne producciones de HBO, Warner Bros., Discovery y CNN, además de transmisiones deportivas en mercados seleccionados.

Apple TV+ se enfoca en contenidos originales, mientras que Paramount+ ofrece títulos de CBS, Showtime y Nickelodeon. Universal+ incluye programación de NBCUniversal y está disponible como complemento en otras plataformas.

En el ámbito regional, Claro Video funciona en varios países con películas, series y canales en vivo. Movistar TV ofrece contenidos bajo demanda y en directo, con producciones propias en algunos territorios. DGO, de DIRECTV, combina streaming con señales en vivo, incluyendo deportes.

Qué plataformas son gratuitas

En América Latina, algunas plataformas de streaming ofrecen contenido gratuito sin necesidad de suscripción. Entre ellas destaca Pluto TV, que permite acceder a canales en vivo y una amplia selección de películas, series y programas clásicos bajo demanda.

Además, servicios como RTVCPlay en Colombia y Cine.ar Play en Argentina brindan acceso libre a contenidos culturales y producciones nacionales.

El estreno del cuarto capítulo de la bioserie Chespirito: Sin querer queriendo, disponible en Max, ha reavivado el interés por los episodios más polémicos de la vida de Roberto Gómez Bolaños, particularmente los relacionados con su vida personal.

El nuevo episodio incluye una representación dramatizada de los conflictos que habrían surgido entre Florinda Meza, pareja sentimental del comediante, y Graciela Fernández, su primera esposa.

Según lo mostrado en la serie, que fue creada y producida por Roberto Gómez Fernández, hijo de Gómez Bolaños y Graciela Fernández, la relación entre las dos mujeres se tornó tensa a medida que Meza ganó mayor protagonismo tanto en la vida personal como profesional del creador de El Chavo del 8.

En este episodio, Florinda Meza, representada en la serie como el personaje “Margarita Ruiz”, comienza a chocar con Graciela Fernández.

Un momento clave retratado se desarrolla durante un viaje del elenco de El Chavo del Ocho a Acapulco, un recordado capítulo que en la vida real consolidó la popularidad del programa en América Latina.

Durante una escena ficticia, el personaje inspirado en Meza critica la manera de comer de otro integrante del elenco, lo que provoca que Fernández la confronte con la frase: “Fíjate que conozco gente que ha llegado así a los 90 años, sin meterse en la vida de los demás”.

En otra escena posterior, la esposa de Chespirito no quiere dar permiso a las hijas que tiene con el comediante para acudir por la noche al bar del hotel en donde se presentará un famoso cantante.

Margarita Ruíz finalmente irrumpe en la escena alentando a las hijas de la pareja y contradiciendo de cierta forma la autoridad de Graciela frente a sus pequeñas, con Roberto Gómez Bolaños enmedio.

Polémica por Florinda Meza

El retrato mostrado en la bioserie ha generado controversia, pues Florinda Meza ha manifestado públicamente su descontento con el proyecto. En declaraciones recientes, la actriz explicó que nunca fue consultada ni autorizó el uso de su imagen o su historia en la serie producida por Roberto Gómez Fernández.

De acuerdo con algunos reportes de La Tía Sandra, en redes sociales, Roberto Gómez Fernández habría ofrecido a Florinda Meza una suma de 500 mil dólares como compensación, sin embargo, la actriz rechazó el acuerdo, lo que aumentó la tensión entre ambas partes.

En paralelo al debate generado por la serie, Florinda Meza anunció el próximo estreno de su documental Atrévete a vivir, Florinda Meza, donde busca contar su historia desde su propia perspectiva. Este proyecto, que incluye imágenes inéditas y testimonios de allegados, promete abordar momentos íntimos y desconocidos de su vida personal y su relación con Gómez Bolaños.

La tensión entre los herederos de Chespirito y quienes compartieron su vida y carrera, como Florinda Meza, sigue despertando el interés del público. La bioserie de Max se perfila como una pieza polémica y uno de los contenidos más vistos en la plataforma en tiempos recientes.

La serie biográfica Chespirito: Sin Querer Queriendo, disponible en Max, no sólo revive los momentos más importantes en la vida del querido comediante Roberto Gómez Bolaños, sino que también ha sorprendido a los espectadores con participaciones especiales que enriquecen su narrativa y homenajean su legado.

Aunque apenas hemos recorrido tres de los ocho episodios que conformarán la serie, ya hemos tenido oportunidad de ver algunas caras conocidas en papeles especiales que, hasta el momento, han sido de gran relevancia, tanto emocional, como narrativa.

Édgar Vivar

Uno de los cameos más destacados es el de Édgar Vivar, recordado por interpretar a personajes icónicos como el Señor Barriga, Botija o Ñoño en las producciones originales de Gómez Bolaños.

En esta ocasión, Vivar asume un papel distinto al encarnar a Agustín Delgado, un director de cine que simboliza a los productores y creativos que confiaron en el talento de Chespirito.

Su participación ocurre en el episodio titulado No hay mal que por bien no venga, el segundo de la serie. En este capítulo, el personaje de Delgado reconoce el ingenio del joven Roberto y lo impulsa a perseguir sus sueños, destacando la memorable frase: “Bien podrías ser un pequeño Shakespeare por tu habilidad para la comedia”, origen del apodo que inmortalizó a Gómez Bolaños.

El hijo de Chespirito

Por otro lado, Roberto Gómez Fernández, hijo de Chespirito y actual productor, rinde homenaje a sus raíces familiares al interpretar a su abuelo, Francisco Linares, en el primer episodio titulado Zapatero a tus zapatos.

La inclusión de este personaje resulta un acierto al ofrecer un vistazo íntimo a la infancia del comediante y a una de las figuras más influyentes en su vida. Linares, nacido en 1892, fue un reconocido pintor e ilustrador que colaboró con publicaciones destacadas como El Universal y El Universal Ilustrado.

Aunque falleció prematuramente en 1935, cuando Chespirito apenas tenía seis años, su vocación artística marcó un impacto crucial en el desarrollo creativo del futuro comediante.

Con tres episodios estrenados de los ocho que conforman la serie, los seguidores de Chespirito: Sin Querer Queriendo esperan con entusiasmo los capítulos restantes.

La plataforma streaming ya confirmó que la serie se ha convertido en todo un éxito no sólo en México y Latinoamérica, sino a nivel global. El primer episodio llegó a segundo lugar en las obras más vistas de la plataforma alrededor del mundo.

Los próximos episodios estarán disponibles en Max cada jueves, continuando este nostálgico recorrido por la vida del hombre detrás de algunos de los personajes más queridos de la televisión en español.

Las fechas en las que los siguientes episodios estarán disponibles en su catálogo:

Episodio 4: 26 de junio

Episodio 5: 3 de julio

Episodio 6: 10 de julio

Episodio 7: 17 de julio

Episodio 8: 24 de julio

Florinda Meza, reconocida por su actuación y vínculo personal con Roberto Gómez Bolaños, ha manifestado su descontento ante el estreno de la serie “Chespirito: sin querer queriendo”, que narra la vida del icónico creador de personajes como El Chavo del 8.

La producción, disponible en la plataforma Max, no incluyó su consentimiento ni la consultó respecto a la representación de su historia y de su imagen dentro del proyecto audiovisual.

Meza aseguró esto dentro de las instalaciones del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México en donde diversos medios de comunicación la abordaron mientras caminaba.

“Lo que yo quiero aclarar es que yo no estoy contra nadie”, subrayando que su postura no constituye una confrontación directa, aunque sí marca una clara insatisfacción por la falta de participación en la serie biográfica.

Florinda Meza asegura que nunca tuvo acercamiento con la producción de la serie de Chespirito

La actriz afirmó que nunca recibió un acercamiento formal de los responsables del programa, haciendo hincapié en la ausencia de diálogo previo a la utilización de su imagen.

“Nadie ha hablado conmigo nunca, por eso cuando me preguntaban siempre dije ‘no sé nada’, entonces si alguien llega y toma tu ropa aunque sea de hace muchos años sin siquiera decirte con permiso o me permites no te gustaría ¿no?”, enfatizó Meza.

La artista mexicana, quien compartió una relación profesional y sentimental con Chespirito, expresó que no vería con buenos ojos que se presentara una interpretación o historia que no respete su verdadera experiencia personal ni su versión de los hechos.

Florinda Meza iniciará acciones legales

Cuando se le consultó si iniciaría acciones legales en contra de la producción en caso de no verse representada con exactitud, Meza insistió en su interés por ser tomada en cuenta y escuchada, pero sin detallar pasos legales concretos.

La polémica aparece en un contexto donde la serie ha provocado una fuerte atención mediática en torno a su elenco y a las personas reales involucradas en la vida de Roberto Gómez Bolaños.

“Chespirito: sin querer queriendo”, ha llegado recientemente al catálogo de Max y provocado un intenso debate sobre el manejo ético de las historias personales dentro de las bioseries de figuras públicas del espectáculo mexicano.

Mientras “Chespirito: sin querer queriendo” continúa generando conversación, la actriz subraya que su mayor deseo es ser reconocida y consultada, sintetizando la postura de quienes sienten que su vida y trabajo forman parte esencial e inseparable del legado de uno de los grandes referentes de la televisión hispana.

Una de las grandes críticas o señalamientos que se le hacen al programa icónico de El Chavo del 8, es que el elenco estaba conformado por actores cuyas edades contrastaban con los personajes infantiles que interpretaban.

La exitosa comedia mexicana creada por Roberto Gómez Bolaños, Chespirito, debutó en la televisión en 1971 bajo la producción de Televisa, sin embargo, su popularidad no ha desaparecido e incluso ha incrementado en tiempos recientes gracias a la bioserie de Max.

Roberto Gómez Bolaños, personificó al protagonista principal, El Chavo, un niño huérfano de ocho años. Al iniciar la serie, Gómez Bolaños tenía 43 años. Florinda Meza, quien interpretó a Doña Florinda, tenía 23 años. Carlos Villagrán, el actor detrás de Quico, contaba con 28 años cuando comenzó el programa.

Ramón Valdés, el recordado Don Ramón, tenía 47 años. María Antonieta de las Nieves interpretó a la Chilindrina con solo 25 años. Rubén Aguirre, quien interpretó al Profesor Jirafales, rondaba los 37 años al debutar en la serie.

Édgar Vivar, que dio vida al Señor Barriga y a Ñoño, tenía 23 años al formar parte del elenco original. Angelines Fernández, la actriz que representó a Doña Clotilde (“La Bruja del 71”), tenía 47 años.

A pesar de la diferencia entre sus edades reales y las de los personajes, la caracterización y el trabajo actoral permitieron a los intérpretes dar vida a figuras infantiles creíbles y entrañables para varias generaciones de televidentes en América Latina.

Las edades originales del reparto se han convertido en uno de los datos históricos más consultados por los seguidores de la serie, quienes continúan mostrando interés por los detalles detrás de la producción.

El Chavo del 8 mantuvo su popularidad décadas después de su primer episodio, lo que ha consolidado a sus actores como referentes del humor televisivo en español. Ahora, a raíz del estreno de Chespirito: Sin querer queriendo, la comedia de Bolaños ha renovado el interés que, de cualquier forma, nunca estuvo perdido.

Serie biográfica de Chespirito es un éxito mundial

El estreno de la serie biográfica en Max ha batido récords de audiencia en México y Latinoamérica durante su primera semana. La plataforma informó que la producción se posicionó como el programa en español más visto en la historia del servicio en la región y alcanzó el segundo lugar a nivel global en visualizaciones de su episodio inicial, por encima de títulos internacionales de alto presupuesto.

La historia relata la vida y carrera de Roberto Gómez Bolaños, creador también de personajes como El Chompiras y El Chapulín Colorado. La serie incluye imágenes inéditas y explora tanto los inicios del comediante como su consolidación en la televisión. También hará hincapié en los desafíos y el impacto que tuvo su obra en la cultura popular.

Según datos de Max, Chespirito: Sin querer queriendo la estrategia de estrenar los episodios de la serie de forma semanal han mantenido el interés de los espectadores. El siguiente episodio, el cual será el número cuatro, llegará a la plataforma el próximo 26 de junio y se espera uno cada semana hasta el 24 de julio.

No hay duda de que en los últimos años, el cine de terror argentino viene creciendo. Y quiero aclarar que, puntualmente, me paro desde la vereda comercial, desde esas películas que se estrenan en los cines, salen en plataformas (1978 se estrenó en Max el pasado 20 de junio) y llegan a todo el mundo. Porque del otro lado, existe otra realidad: el cine de terror de festivales. Películas que quizás no llegan al público general pero que son muy buenas. Películas que aterrizan todas ellas generalmente en el BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) pero que por diferentes motivos no llegan a comercializarse como deberían. Desde Plaga Zombie (1997) y Nunca asistas a este tipo de fiestas (2000) de la gente de Farsa Producciones, hasta Malditos sean! (2011) de Demián Rugna y Fabián Forte, si algo queda claro es que mentes creativas sobran, pero muchas veces lo que falta es presupuesto, ya sea gente, empresarios o compañías que crean y apuesten por el género.

En este contexto, y viniendo más hacia el presente, los hermanos Onetti (Luciano Onetti y Nicolás Onetti) empezaron de a poco a generarse ese lugar que tan complicado se sentía. Luciano comenzó en 2013 dirigiendo Sonno Profondo, un claro homenaje al Giallo italiano, y en Francesca (2015) buscó ir por el mismo lugar. En 2017 llegaría la película que los puso en el mapa (por así decirlo) y donde en el papel de director se sumaría el otro hermano, Nicolás: Los olvidados fue una película que ambos escribieron y dirigieron, y era un homenaje -extremadamente literal- a The Texas Chain Saw Massacre (Tobe Hooper, 1974), con algunos toques efímeros del clásico The Hills Have Eyes (Wes Craven, 1977). En 2018 ambos vuelven con Abrakadabra, otro homenaje al Giallo, y después aparece A Night of Horror: Nightmare Radio (2019), una antología de cortos de terror donde ellos producen, algo que siguieron experimentando en otros títulos como Asylum: Twisted Horror and Fantasy Tales (2020), The 100 Candles Game (2020), y otras. Todas con un gustito muy similar a la saga V/H/S.

1978 no es una excepción a esta regla, y utiliza todos sus recursos para hacerlo. No es complejo, si lo pensamos de forma fría, asumir que el terror tiene varias facetas y si hablamos de dictadura, no es necesario incluir demonios ni cuestiones paranormales: en estos casos, y lamentablemente, la realidad supera cualquier ficción. De entrada, esta producción de los hermanos Onetti nos pone a tono. Por un lado, aquellos que abusan de su poder y autoridad y se autoproclaman defensores de la patria, como bandera despiadada para cometer atrocidades que ellos mismos disfrutan, más allá de que responden a órdenes impuestas. Por otro lado, aquellos que sufren dicha premisa en carne propia. Esta narrativa genera, sin duda alguna, el rechazo hacia el primer grupo y la satisfacción de que por algún instante, sean ellos quienes sufran las consecuencias más tarde. No importa cómo, pero que paguen por sus actos. Así cómo Timur Bekmambetov, director nacido en la ex Unión Soviética, introdujo vampiros en el camino de Abraham Lincoln, los hermanos Onetti introducen demonios de la peor calaña, junto a personas de la peor calaña.

En la búsqueda por definir estos bandos, se juegan los extremos más duros. Las actuaciones de todos los personajes que corresponden a las fuerzas armadas son demasiado convincentes, algo que realmente impacta en esa búsqueda. Esto, sumado a las torturas y denigración que sufren aquellos que fueron capturados y privados de su libertad, genera una incomodidad mayúscula, que cuesta ver y digerir. La fotografía opaca, las locaciones, y la suciedad de cada entorno refuerzan el sentimiento de angustia y magnifican el rechazo que uno como espectador siente frente a todo lo que ocurre. Cuando la película quiebra con su propuesta inicial, nos dejan con esa tensión latente. El terror cambia, pero no deja de ser terror. Irreal ahora, con una impronta similar a Evil Dead (salvando las distancias, claro), con su Necronomicon Ex-Mortis y sus deadites, se sigue alimentando de la misma cinematografía, solo que más acentuada en el género.

Y que no se malinterprete, esta comparación con Evil Dead es meramente referencial. El problema que ocurre a partir de este momento en adelante no es el tono, ni la búsqueda, ni siquiera el impulso creativo. Hay un concepto de cómo mostrar el terror bastante interesante, que se siente vivo, pero el amor de los hermanos Onetti por homenajear constantemente a otras cintas rompe con lo figurativo de las ideas. Ni siquiera es un tema de verosímil, sino meramente de realización. Los constantes clichés del género desarman todo lo que se venía logrando. El entramado religioso queda a medio desarrollar, las escenas que buscan impactar tienen encuadres poco claros, que pierden el foco visual de lo que se intenta mostrar. Las cámaras agitadas, las cosas que ocurren fuera del campo visual y los cortes de edición demasiado bruscos impiden que se termine de lograr un estilo que nos mantenga sobre la misma línea. La tensión que había ganado la primera parte del metraje, se comienza a diluir.

Finalmente, todo se vuelve bastante confuso. No se entiende demasiado qué está pasando, personajes que tenían relevancia son dejados de lado sin demasiado contexto y, así, se terminan desestimando algunas reglas que la propia película eligió marcar. Comienzan los interrogantes sin sentido, los “¿por qué?” que no tienen respuesta. En lo personal, me gusta el cambio de narrativa, no está ahí el problema. Queda muy en claro que estamos frente a una película de terror. Lo hizo Robert Rodriguez en Del crepúsculo al amanecer (From Dusk Till Dawn - 1996), así como lo hizo Drew Goddard en La cabaña del terror (The Cabin in the Woods - 2011), por solo nombrar algunas. ¿La principal diferencia? Que ninguna de estas pierde la sustancia en el cambio, ni recae en clichés desgastados, sino todo lo contrario: buscan tener su propia identidad. En 1978 podemos ver -como ya dije antes- muchos homenajes, rezagos de otras películas que sirvieron de inspiración, pero sin lograr concretar esa búsqueda hacia la identidad propia. Y si tengo que nombrar una inspiración que, puntualmente, me viene a la mente, debo sacar a la luz a Baskin (Can Evrenol - 2015), una excelente película turca de terror.

No hay equilibrio, por así decirlo. La primera parte de la película es excelente, tanto en lo técnico, como en la premisa. Y acá vale destacar lo que hace Mario Alarcón (El secreto de sus ojos, El robo del siglo, Entre caníbales) y, principalmente, Carlos Portaluppi (Tiempo de valientes, Epitafios, El marginal). Ambos sacan a relucir sus años de experiencia y, como mencioné en un principio, nos regalan los dos papeles más creíbles y, por ende, más repulsivos. El resto de los actores acompaña, algunos con más gracia que otros. Una película que comienza mostrando víctimas y victimarios, convierte a ambos bandos en víctimas cuando las fuerzas del mal deciden aparecer. No hay que buscar un por qué, ni un cómo ni un cuándo. Simplemente sucede y es parte de la historia. En este aspecto, me hace recordar muy tímidamente a dos grandes fragmentos de la saga V/H/S: el segmento “Safe Haven” de V/H/S/2, donde un culto se está preparando para el nacimiento del demonio, y un poco más lejos, el segmento “10/31/98”, donde un grupo de adolescente se meten en una casa y encuentra a unas personas llevando a cabo un extraño rito.

Vuelvo a repetir: referencias hay miles, y el problema es que, al caer en los clichés más comunes del género, todo se siente repetido y un tanto predecible. Si bien se valora muchísimo el esfuerzo de los hermanos Onetti por seguir apostando al terror como lo vienen haciendo hace ya más de diez años, la falta de personalidad termina consumiendo su propia búsqueda, mientras que la colección de ideas desgastadas hacen que la película pierda fuerza y, por ende, sustancia. Todo lo que logran con el principio, se ve desperdiciado en el resto de la película. Termina siendo como dos películas diferentes, encausadas por un mismo eje, pero que no logran coexistir entre ellas. Como ya dije, una primera parte impecable, mire por donde se la mire, y una segunda parte fiel al terror que promete, pero con varios altibajos. Te puede gustar o no el cine de terror nacional, pero es imposible negar que está, seguramente, en uno de sus mejores momentos. Luego de exponentes como Aterrados (2018) y Cuando acecha la maldad (2023) de Demián Rugna; Historia de lo oculto (2020) de Cristian Ponce; o Muere, monstruo, muere (2018) de Alejandro Fadel, la vara está cada vez más alta y el público se vuelve cada vez más exigente.

El nombre de Florinda Meza ha vuelto a ser tema de conversación a raíz del reciente estreno de la serie biográfica Chespir ito: sin querer queriendo, disponible en la plataforma Max.

Esta producción ha despertado el interés del público no solo por su retrato del comediante Roberto Gómez Bolaños, sino también por la forma en que aborda las relaciones personales más significativas en su vida, en particular la que sostuvo con la actriz que dio vida a Doña Florinda.

A lo largo de la serie, se exploran momentos relevantes tanto de la carrera como del ámbito íntimo del creador de El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado, destacando su vínculo sentimental con Meza.

Este enfoque ha reavivado la atención sobre la figura de la actriz y ha generado una ola de comentarios en redes sociales, donde se han cuestionado aspectos de su papel en la vida del comediante.

Uno de los puntos más controvertidos retratados en la ficción es la supuesta participación de Meza en la ruptura entre Gómez Bolaños y su entonces esposa, Graciela Fernández, madre de sus hijos.

Opiniones divididas

La audiencia ha reaccionado con opiniones divididas: mientras algunos critican con dureza a la actriz, otros cuestionan la veracidad de los hechos mostrados.

Comparaciones con figuras polémicas del espectáculo, como Karla Panini y Ángela Aguilar, han circulado en plataformas digitales, avivando aún más la controversia.

Florinda Meza no ha permanecido en silencio. En declaraciones recientes a distintos medios, la actriz manifestó su desacuerdo con la forma en que fue representada en la serie.

“Falsean la historia solo para vender”, expresó la artista de 76 años, asegurando que no está dispuesta a permitir que se tergiverse su historia.

Esta declaración ha contribuido a intensificar el debate sobre la fidelidad con la que las series biográficas representan a sus protagonistas, y sobre los límites entre la dramatización y el respeto a la verdad.

El renovado interés por la vida de Gómez Bolaños también ha llevado a los usuarios a indagar sobre detalles personales de quienes lo rodearon. Entre las preguntas más comunes se encuentra una en particular: ¿cuál es el nombre real de Florinda Meza?

El nombre real de Florinda meza

El nombre completo de la actriz y comediante es Florinda Meza García. Este dato, que antes pasaba inadvertido para muchos, ha cobrado nueva relevancia tras el estreno de la serie.

La producción de Max continúa generando repercusiones, manteniendo a su elenco y personajes reales en el centro del debate público.

La historia de Chespirito sigue despertando curiosidad y reafirma el impacto cultural tanto del comediante como de las figuras que lo acompañaron durante décadas, entre ellas, Florinda Meza, quien hoy ocupa nuevamente un lugar destacado en la conversación mediática.

El lanzamiento de la serie biográfica original de Max, Chespirito: Sin querer queriendo, ha generado cifras históricas para la plataforma, estableciéndose como el mayor fenómeno de audiencia en México y toda Latinoamérica durante su primera semana de estreno.

De acuerdo con datos difundidos por Max, el título se posicionó como el programa más visto en la historia del servicio en la región, mientras que a nivel mundial el primer episodio logró el puesto número dos entre todos los contenidos disponibles.

Según informó la propia plataforma, el episodio inicial de la producción registró un volumen de visualizaciones sin precedentes para un título latinoamericano, convirtiéndose en el capítulo más reproducido tanto en su mercado local como en varios países de la región, superando marcas previamente alcanzadas por producciones internacionales de alto presupuesto.

Max detalló que la audiencia regional equipara la de grandes franquicias internacionales, -como La casa del dragón o The Last of Us- un hecho que reafirma el legado e impacto de Roberto Gómez Bolaños, figura central de la serie.

Chespirito: Sin querer queriendo explora la vida personal y profesional de Roberto Gómez Bolaños, el creador de personajes emblemáticos como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado. La narrativa recorre desde sus orígenes hasta su consagración global como icono del humor televisivo, con imágenes inéditas de su trayectoria y contexto histórico.

En palabras de Max la serie “retrata el camino de un soñador que transformó el humor en un legado eterno, conquistando corazones dentro y fuera de Latinoamérica”.

Pablo Cruz da vida al protagonista y a las creaciones más famosas del comediante, acompañado por un elenco que incluye a Paulina Dávila, Bárbara López, Arturo Barba, entre otros.

La estrategia de estrenos semanales ha mantenido activa la conversación en redes sociales. El calendario contempla la liberación del tercer episodio el jueves 19 de junio, seguido de capítulos adicionales cada semana hasta el 24 de julio. Cada capítulo ahondará en diferentes momentos de la carrera de Bolaños, sus relaciones personales y profesionales, y los desafíos enfrentados junto a su equipo.

Un adelanto del tercer episodio, titulado No Hay Mal Que por Bien No Venga, anticipa momentos clave en la vida del comediante, como su asociación con el director de cámaras Enrique Segoviano, los primeros proyectos en el Canal 8, los lazos con el empresario Emilio Azcárraga Milmo, y el inicio de su relación con Florinda Meza. Los materiales promocionales disponibles en YouTube muestran imágenes de reuniones del elenco en Acapulco y momentos de tensión con colegas como Carlos Villagrán y Ramón Valdés.

El episodio también presentará la etapa en la que a Bolaños le fue encomendada una hora de programación alternativa en los años setenta, lo que terminó derivando en la creación de los programas clásicos que definirían su carrera.

La producción cuenta con el respaldo de los hijos del genio del humor, Paulina y Roberto Gómez Fernández, quienes fungen como productores ejecutivos y guionistas. La serie ha conseguido unir a un público diverso, impulsando los índices de audiencia a niveles inéditos para un contenido hispanoamericano. Max resalta también que Chespirito: Sin querer queriendo continúa liderando las tendencias de la plataforma en varios mercados internacionales.

Carlos Villagrán, recordado por su papel de Quico en el exitoso programa El Chavo del 8, protagonizó un incómodo momento durante una reciente entrevista telefónica con el periodista Javier Ceriani.

El actor, frecuentemente reflexivo frente a los temas relacionados con el legado de Roberto Gómez Bolaños, evitó cualquier tipo de comentario sobre la nueva bioserie dedicada a la vida de Chespirito y terminó abruptamente la conversación, gesto que no pasó desapercibido entre los seguidores del universo creado por Gómez Bolaños.

En la llamada, cuyas imágenes se difundieron en el programa de Ceriani en YouTube, Villagrán atendió inicialmente con cortesía y se mostró dispuesto a conversar.

“¿Cómo estás Carlos? Yo estoy en el aire”, le saludó Ceriani inicialmente, a lo que el actor bromeó enseguida: “Muy bien estoy, ¿estás en el aire? Yo te veo sentado".

No obstante, el ambiente cambió inmediatamente después de que Ceriani le planteó cuestionamientos relativos a la esperada producción biográfica centrada en la vida y obra de Roberto Gómez Bolaños.

Villagrán, adoptando un tono firme, expresó: “Mira, de ese tema no hablo para nada, nada más les deseo que les vaya muy bien”.

Con esas palabras, el intérprete de uno de los personajes más icónicos de la comedia latinoamericana dio por finalizada la charla y colgó el teléfono, sin regresar para continuar la entrevista.

El gesto captó la atención tanto de medios como de fanáticos, quienes analizaron el distanciamiento explícito de Villagrán respecto a la serie que explora la vida y obra del célebre Chespirito.

La reacción de Villagrán ocurre en un contexto donde la relación entre el actor y Gómez Bolaños ha sido históricamente objeto de versiones encontradas y especulaciones, principalmente tras la salida de Villagrán del elenco original de El Chavo del 8.

Justamente en el mismo episodio noticioso de Ceriani, el periodista mostró una cápsula en donde explicó que la razón por la que Carlos Villagrán abandonó el programa y se distanció de Bolaños, fue por culpa de Florinda Meza.

Según la versión mostrada por el periodista argentino, la actriz de Doña Florinda habría tenido una relación amorosa con Villagrán antes que con Gómez Bolaños, razón por la que se generó una ruptura entre ambos comediantes.

Sin embargo, el motivo principal por el que Villagrán habría decidido abandonar El Chavo del 8 fue más por los insoportables “mandatos” de Meza hacia toda la producción. Y es que para entonces la actriz ya habría tomado el “control” del programa y del propio Roberto Gómez Bolaños.

La bioserie Chespirito: Sin Querer Queriendo, disponible a través de la plataforma Max, aborda de manera detallada la trayectoria profesional y personal de Roberto Gómez Bolaños, desde sus inicios en la televisión mexicana durante los años cincuenta, hasta el reconocimiento internacional alcanzado mediante personajes entrañables como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado.

Con una estructura narrativa que recorre las distintas etapas vitales del comediante, la serie promete adentrarse tanto en los logros y desafíos profesionales como en los aspectos más íntimos de su vida, incluidas situaciones complejas relativas a su entorno laboral y familiar.

Al conocerse la postura de Villagrán, no faltaron especulaciones en redes sociales sobre las posibles razones detrás de su tajante rechazo a discutir o involucrarse en temas vinculados con la producción.

La serie, por su parte, continúa avanzando capítulo a capítulo, manteniendo en vilo a los espectadores interesados en descubrir tanto los episodios públicos como los aspectos menos conocidos detrás de la creación de un legado televisivo indispensable para la cultura latinoamericana.

La serie, desarrollada por John Wells Productions en colaboración con Warner Bros. Television, ha sido reconocida por su enfoque realista sobre los desafíos que enfrentan los trabajadores de la salud en los Estados Unidos. Noah Wyle no solo encabeza el elenco como el Dr. Michael “Robby” Robinavitch, sino que también participa como productor ejecutivo junto a un equipo que incluye a John Wells, ganador del Emmy®, Erin Jontow, Simran Baidwan y Michael Hissrich. La segunda temporada contará con la incorporación de Charles Baker, Irene Choi, Laëtitia Hollard y Lucas Iverson como estrellas invitadas recurrentes.

La primera temporada de The Pitt se destacó por su formato innovador: cada uno de los 15 episodios representó una hora dentro de un turno de 15 horas en el Hospital Médico de Trauma de Pittsburgh. Este enfoque permitió explorar en profundidad las presiones y dilemas éticos que enfrentan los profesionales de la salud. El elenco principal incluye a Tracey Ifeachor (Dra. Collins), Patrick Marron Ball (Dr. Langdon), Supriya Ganesh (Dra. Mohan), Fiona Dourif (Dra. McKay), Taylor Dearden (Dra. King), Isa Briones (Dra. Santos), Gerran Howell (Whitaker), Shabana Azeez (Javadi) y Katherine LaNasa (Dana Evans).

Uno de los arcos argumentales más comentados de la primera temporada giró en torno al Dr. Langdon, interpretado por Patrick Ball, quien enfrentó un proceso de tratamiento y recuperación tras el uso indebido de medicamentos del hospital. La segunda temporada mostrará el regreso de Langdon al área de urgencias, lo que generará nuevas tensiones con los doctores Robby y Santos.

El propio Ball, en entrevista con Deadline, explicó: “Langdon ha estado automedicándose con el suministro de fármacos del hospital. Él dice que hay que tomarlo en su palabra. Dice: ‘nunca estoy drogado. No estoy drogado, estoy tratando mis propios síntomas de abstinencia para poder hacer el trabajo que necesito hacer’. Pero, ¿en qué medida eso es mantenimiento personal?”

El creador R. Scott Gemmill confirmó que, pese a la costumbre de rotaciones médicas que suele implicar cambios en el elenco, todos los personajes principales aparecerán “de una forma u otra”. Por ejemplo, Whitaker será interno en la nueva temporada y comenzará a recibir un sueldo, mientras que Javadi realizará una pasantía, aunque su motivación principal parece ser ganar tiempo antes de tomar decisiones sobre su futuro. Dana, quien había renunciado al final de la primera temporada, también regresará tras un periodo de diez meses en la narrativa de la serie, tiempo suficiente para resolver asuntos personales. Gemmill añadió: “Creo que ella necesita tomarse un tiempo para hablar con su esposo, hablar sobre lo que quiere en la vida... Creo que cuando regrese, tendrá un ajuste de actitud”.

La producción de la segunda temporada de The Pitt comenzó oficialmente en junio de 2025. El rodaje principal se realiza en los estudios de Warner Bros. en Burbank, mientras que las escenas exteriores se filman en Pittsburgh, manteniendo la autenticidad de la ambientación hospitalaria. El equipo de producción, liderado por R. Scott Gemmill y John Wells, busca mantener el tono realista y la intensidad dramática que caracterizaron la primera entrega.

Desde su estreno, The Pitt ha recibido elogios tanto de la crítica como del público por la calidad de su guion, las actuaciones y la representación detallada del personal de emergencias. De hecho la serie se perfila como una fuerte candidata para la próxima temporada de premios, consolidando su posición como una de las producciones más destacadas de Max en el género de drama médico. “The Pitt es una examinación realista de los desafíos que enfrentan los trabajadores de la salud en los Estados Unidos de hoy, vistos a través de la lente de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno en Pittsburgh, Pensilvania”, señala la sinopsis oficial.

La renovación de la serie se anunció en febrero de 2025, apenas un mes después de su debut, lo que refleja la rápida aceptación y el impacto que tuvo entre la audiencia. El último episodio de la primera temporada se estrenó el 10 de abril y, desde entonces, el título se ha mantenido entre los programas más vistos de la plataforma Max.

El equipo creativo detrás de The Pitt incluye a figuras con amplia experiencia en el género, como John Wells, conocido por su trabajo en “ER”, “Shameless” y “The West Wing”, y Simran Baidwan, quien ha participado en producciones como “Manifest”, “Ordinary Joe”, “The Good Doctor” y “Chicago Med”. Erin Jontow y Michael Hissrich también aportan su experiencia en series de alto perfil, lo que ha contribuido a la solidez narrativa y visual de la serie.

La segunda temporada promete profundizar en los conflictos personales y profesionales de los personajes, así como en las dinámicas del equipo médico. El salto temporal de diez meses permitirá explorar nuevas situaciones y desafíos, manteniendo la continuidad de las historias y el desarrollo de los protagonistas. La serie médica The Pitt, una de las grandes sorpresas del año para la plataforma Max, ha comenzado oficialmente el rodaje de su segunda temporada en Los Ángeles.

La expectativa por la segunda temporada de The Pitt se mantiene alta, tanto por el regreso de los personajes principales como por la incorporación de nuevos rostros al elenco. La producción continuará explorando los dilemas éticos, las relaciones interpersonales y los retos del sistema de salud estadounidense, consolidando su lugar en la oferta de dramas médicos contemporáneos.

La primera imagen de Catalina Amalia de Orange, Alexia de Orange-Nassau y Ariane de Orange-Nassau en la segunda temporada de la serie Máxima ya fue revelada, marcando un hito en la producción que relata la vida de la reina consorte de los Países Bajos. La plataforma Max presentó este adelanto visual mientras la serie, protagonizada por Delfina Chaves y Martijn Lakemeier, finalizó sus grabaciones y aguarda la confirmación de su fecha de estreno.

La nueva entrega de la serie Max Original profundizará en los desafíos que enfrenta Máxima Zorreguieta para consolidar su posición dentro de la casa real neerlandesa. La trama se centrará en el periodo previo a su boda con Guillermo Alejandro, mostrando cómo la protagonista se adapta a su nuevo entorno y a las expectativas que recaen sobre ella como futura heredera al trono. La narrativa abordará la tensión entre sus aspiraciones personales, la dinámica familiar y la mirada de la sociedad holandesa, según detalló el medio.

La producción de Máxima está a cargo de Millstreet Films, en coproducción con FBO y Beta Film, bajo la dirección de Saskia Diesing, Joosje Duk e Iván López Núñez. La primera temporada, ya disponible en la plataforma Max, recorre los orígenes de Máxima Zorreguieta, desde su infancia en Argentina hasta su llegada a la nobleza europea. La serie se inspira en la novela “Máxima Zorreguieta, Madre Patria”, escrita por la periodista holandesa Marcia Luyten.

La segunda temporada, que se estrenará próximamente en Max, continuará explorando la historia de amor entre Máxima y el príncipe Guillermo Alejandro, así como los acontecimientos que definieron su camino hacia la corona neerlandesa. Los nuevos episodios buscarán retratar con mayor profundidad los retos personales y sociales que enfrentó la protagonista en su proceso de integración a la realeza.

La primera temporada se centró en los inicios del romance entre Máxima y Guillermo, así como en las dificultades que ella experimentó al adaptarse a una vida completamente diferente en Europa. La serie mostró el impacto de esta transformación tanto en la vida personal de Máxima como en su círculo íntimo, abordando las complejidades de su transición de una joven argentina a una figura pública en la monarquía europea.

Delfina Chaves interpreta a Máxima, mientras que Martijn Lakemeier da vida a Guillermo Alejandro. La serie ha tenido un desempeño destacado en la plataforma Max, lo que motivó la rápida confirmación de una segunda temporada. La buena recepción del público fue determinante para que la producción continúe.

El equipo detrás de Máxima está conformado por profesionales reconocidos en el ámbito de los dramas históricos. Saskia Diesing, junto a Joosje Duk e Iván López Núñez, han sido responsables de dotar a la serie de autenticidad y profundidad, enfocándose en una recreación fiel tanto de los hechos históricos como de los aspectos personales de los protagonistas. El guion se ha elaborado con el objetivo de equilibrar el rigor histórico con una narrativa atractiva para el espectador.

La serie ha sido reconocida por su enfoque detallado y respetuoso hacia la figura de la reina consorte de los Países Bajos. Los productores y guionistas han manifestado su intención de ofrecer una historia que no solo entretenga, sino que también aporte información y contexto sobre los desafíos que enfrentó Máxima Zorreguieta al dejar su vida en Argentina para asumir un rol público en la monarquía europea. La producción busca reflejar tanto el impacto personal como el sociocultural de este proceso.

La expectativa por el estreno de la segunda temporada crece entre los seguidores de la serie y quienes se interesan por la historia contemporánea de la realeza europea.

Durante su recorrido por más de 50 festivales internacionales y tras recibir más de 30 premios, 1978 se prepara para su estreno en la plataforma Max el 20 de junio de 2025, llevando el terror argentino a una audiencia global.

La película dirigida por Nicolás Onetti y Luciano Onetti se distingue por fusionar el horror sobrenatural con uno de los episodios más oscuros de la historia argentina: la última dictadura militar, específicamente durante la noche de la final del Mundial de Fútbol de 1978 entre Argentina y Holanda.

La producción, a cargo de Black Mandala Films, cuenta con un elenco encabezado por Carlos Portaluppi, Mario Alarcón y Santiago Ríos, quienes interpretan a represores. El film se ambienta en un contexto donde millones de argentinos celebran frente a la televisión, mientras un grupo de tareas irrumpe en una vivienda y secuestra a varios jóvenes. Lo que comienza como un procedimiento represivo típico de la época —secuestro, interrogatorio y tortura— pronto se transforma en una pesadilla inesperada: los secuestrados no son militantes políticos, sino miembros de un culto guiado por una fuerza sobrenatural desconocida. El centro clandestino de detención se convierte así en un escenario de horrores incontrolables.

La película utiliza recursos clásicos del cine de terror —suspenso, oscuridad, violencia gráfica y una atmósfera opresiva— para narrar una historia anclada en la memoria colectiva argentina. Onetti sostiene que el género permite explorar las sombras sociales y tematizarlas sin recurrir a discursos académicos, abriendo así un espacio para la reflexión y el debate.

El guion, que mezcla el trauma histórico con el horror sobrenatural, un grupo de torturadores comete un error fatal al secuestrar a personas equivocadas. Las víctimas, lejos de ser simples ciudadanos, integran una secta que responde a una entidad desconocida, lo que desencadena una cadena de sucesos terroríficos dentro del centro clandestino. “Parte del terror es ese contrapunto: te atrapa la ficción, pero te derrapa en la realidad”, explicó Onetti en declaraciones recogidas por Página 12.

El film tuvo su estreno mundial en SITGES, el festival de cine fantástico más relevante del mundo, y su premiere norteamericana en el SCREAMFEST L.A. en Hollywood. Además, fue presentado en el Mercado de Cine de Cannes durante el Blood Window Showcase 2024 y en más de 30 festivales internacionales, como el Santiago Horror Film Festival en Chile, el Dark Nights Film Fest en Australia, Nightmare in the Ozarks en Estados Unidos y Terror in the Bay en Canadá.

En estos certámenes, 1978 obtuvo reconocimientos como Mejor Película, Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejores Efectos Visuales y Mejor Dirección, entre otros. Carlos Portaluppi fue distinguido como Mejor Actor en Nightmare in the Ozarks, mientras que Melisa Ontivero y Yanel Castellano recibieron premios por los efectos visuales en Terror in the Bay.

El elenco se completa con Agustín Pardella, Gustavo Pardi y Jorge Lorenzo, todos con experiencia en el género. El trabajo de casting fue uno de los grandes aciertos de la producción, ya que las interpretaciones aportan verosimilitud y permiten que la historia transite del horror político al terror sobrenatural sin perder intensidad.

La película, que pertenece al género horror, se presenta como una combinación inusual entre la historia reciente argentina y los elementos del cine fantástico. La dictadura militar no aparece como un simple telón de fondo, sino como una presencia activa que potencia el espanto y ancla lo inverosímil en lo históricamente conocido.

Uno de los objetivos principales del proyecto fue visibilizar lo ocurrido durante la dictadura militar ante nuevas generaciones y públicos internacionales. “Los premios nos dan luz para que esta historia trascienda fronteras”, expresó Onetti, quien remarcó la importancia de que el film sirva como puerta de entrada para el debate y la reflexión sobre el pasado reciente.

La propuesta de 1978 se apoya en el uso del miedo como recurso narrativo para despertar conciencia y memoria. La película estará disponible en Max a partir del 20 de junio de 2025, sumándose así al catálogo de producciones que abordan el pasado argentino desde una perspectiva innovadora y provocadora.

El 5 de junio se estrenó Chespirito: Sin querer queriendo, una serie de ocho capítulos en la que se expondrán aspectos inéditos de la vida privada de los protagonistas de El chavo del 8, uno de los programas más exitosos de la historia en Latinoamérica.

Con Pablo Cruz como Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”, la producción de MAX se hizo basada en el libro Sin querer queriendo, memorias, en el que el cómico y actor reveló los problemas internos que provocaron la separación del elenco de sus programas.

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De hecho, la exposición de la serie provocó que tuvieran que alterar aspectos claves, como los nombres de varios de los personajes, ya que Carlos Villagrán (“Quico”) y Florinda Meza (“Doña Florinda”), que no estuvieron de acuerdo con la historia, fueron retirados del producto final y se utilizaron personajes “ficticios” para hablar del rol de ellos en la época.

“Yo sé que se van a decir muchas mentiras, no sé cuáles, pero no puedo decir nada por qué, primero, respeto a Roberto Gómez Bolaños, que ya murió y no puede defenderse”, declaró Carlos Villagrán al respecto.

En Colombia, en donde los programas de “Chespirito” siguen siendo recordados, el estreno de la serie ha generado expectativa, no solo por la historia del comediante, sino por la participación de la cafetera Paulina Dávila.

Dávila, que es familiar de Sofía Vergara y participó en Griselda, interpretó en la serie biográfica a Graciela Fernández, la primera esposa de Roberto Gómez Bolaños.

Además, otro factor que llamó la atención de los que vieron el primer capítulo es que la mayor parte de este se registra en Colombia.

¿Por qué la serie comienza en Colombia?

En 1981, cuando los programas escritos por el cómico mexicano eran un éxito en la región, Nidya Quintero de Turbay, primera dama del país, tuvo la idea de que la Caminata por la Solidaridad fuera encabezada por el elenco de El Chavo del 8.

Era la segunda edición de la jornada que sigue siendo realizada en Colombia, por lo que se buscó un golpe de autoridad para consolidar la caminata que se llevó a cabo el 30 de agosto.

Además de “Chespirito”, desde México llegó Florinda Meza, Rubén Aguirre, Édgar Vivar, Ramón Valdés, María Antonieta de las Nieves, Angelines Fernández, Raúl Padilla y Horacio Gómez, este último, hermano de Roberto Gómez Bolaños.

La idea era que el recorrido entre la Plaza de Bolívar y el Coliseo El Campín se convirtiera en un espacio para demostrar que las más grandes celebridades del momento apoyaban la idea de la primera dama.

Años más tarde, Gómez Bolaños confesó que no quería hacer el viaje a Colombia por la saturación de eventos a los que se exponían en la época, que terminaron de fragmentar los problemas internos en el elenco.

Sin embargo, la insistencia de la cadena televisiva y el Gobierno mexicano provocó que “Chespirito” aceptara llegar a Colombia, que según varios de los actores, fue el momento en el que se dieron cuenta de la popularidad que tenía el programa por fuera de su país.

Las celebridades mexicanas fueron recibidas por una multitud que permaneció durante horas afuera del aeropuerto; además, antes de que comenzara la caminata, los seguidores del programa de humor llenaron la Plaza de Bolívar.

De acuerdo con la Alcaldía de Bogotá, al evento asistieron más de tres millones de personas, lo que sorprendió hasta a las autoridades, que no tenían pronosticado ese número de individuos en la caminata.

De hecho, en la serie recordaron como varios de los ciudadanos terminaron desmayados y trasladados a centros médicos durante la presentación de los mexicanos, como una muestra de la importancia que tuvo El Chavo del 8 y los demás programas de “Chespirito” en Latinoamérica.

Chespirito: Sin Querer Queriendo llegó a la plataforma Max y con ello también un renovado interés por cada detalle en la vida de Roberto Gómez Bolaños. El comediante es ampliamente conocido en todo América Latina gracias a la creación de personajes icónicos como El Chavo, sin embargo, poco se conoce de sus antepasados y la influencia que estos dejaron en su personalidad y carácter.

En el primer episodio emitido hasta el momento, de la mencionada serie streaming, se menciona apenas la presencia del padre de Roberto, como una figura ausente que ya falleció. No obstante, la historia de Francisco Gómez Linares es más profunda y trascendente que la de un simple recuerdo.

¿Quién fue Francisco Gómez Linares?

Francisco Gómez Linares desde joven, se destacó como un hombre de letras y creatividad, desempeñándose principalmente como pintor, dibujante e ilustrador. Su pasión por el arte lo llevó a trabajar en diversos proyectos culturales en México, y aunque no alcanzó la misma fama que su hijo, dejó una huella importante en su ámbito profesional y en su familia.

La influencia de Gómez Linares en su entorno se manifestó principalmente a través de sus pinceles y su sensibilidad artística, características que más adelante se reflejarían en la inclinación creativa de su hijo.

En el primer episodio de la comentada serie, tiene lugar un recuerdo de Roberto con su padre. Éste observa como su progenitor, con pincel en mano, se encuentra frente al lienzo. Cuando le pregunta con inocencia “¿De qué color es la risa", su padre sólo sonríe y le contesta: “Eres un artista”.

Con una perspectiva profesional alineada a la cultura visual y con gran habilidad para transmitir ideas mediante imágenes, el padre de Chespirito colaboró principalmente en medios impresos, como revistas y publicaciones tales como El Universal y El Continental.

Francisco se inclinó en esta época sobre todo por el dibujo minimalista, expresado sobre todo por el cubismo. Él mismo relató en una entrevista para el mismo periódico en el que trabajó que consideraba aquel estilo como “sencillo, llamativo, innovador para el anuncio” y que era fiel a la escuela cubista “con la sobriedad y simplicidad en las líneas y tenía un efecto más visible”.

La labor de Gómez Linares se tradujo en varias ilustraciones y anuncios publicitarios para los mencionados impresos, además de El Universal Ilustrado, una variante especial del conocido diario.

Este trabajo como ilustrador permitió que su obra llegara a un público amplio y que tanto él, como su familia, socializaran con círculos intelectuales y artísticos de la época.

De hecho, el padre de Chespirito también fue retratista, pero una de sus labores más especiales y recordadas, fue su colaboración con Martín Luis Guzmán, a quien le ilustró varias de sus publicaciones. Mismas que más tarde se convirtieron en la obra literaria El águila y la serpiente.

El padre de Chespirito

Francisco Gómez Linares contrajo matrimonio con Elsa Bolaños Cacho, una maestra y secretaria bilingüe de gran carácter y disciplina, quien también desempeñaría un papel crucial en la educación y crianza de sus hijos.

La pareja tuvo seis hijos, entre ellos Roberto Gómez Bolaños, quien nació el 21 de febrero de 1929 en Ciudad de México.

A pesar de ser una persona influyente en los años formativos de Roberto, la muerte de Gómez Linares ocurrió prematuramente, cuando su hijo tenía apenas seis años de edad.

Este hecho marcó profundamente a la familia y, según relatos del propio “Chespirito”, contribuyó a moldear su carácter y una mirada creativa que más tarde explotaría en su carrera artística. El vacío dejado por su padre fue, en parte, mitigado por las enseñanzas y el apoyo de su madre, pero también se dice que la ausencia paterna pudo estimular escenarios de reflexión que el escritor y comediante transformaría en sus obras.

En su autobiografía Sin querer queriendo, Roberto Gómez Bolaños se refiere a su padre en un breve fragmento: “Lo suyo era el arte en muchas de sus manifestaciones, pues aparte de pintar y dibujar, también cantaba, tocaba la mandolina, declamaba y, por si fuera poco, era un hombre culto, guapo, simpático, magnífico contador de chistes y habitual centro de atracción en fiestas y reuniones”.

Aunque la historia de Gómez Linares ha sido menos explorada en comparación con la de su hijo, su legado puede observarse en la sensibilidad artística y el humor que caracterizaron a las creaciones de Chespirito.

La capacidad para observar, entender y conectar con los sentimientos de los demás, elementos esenciales en el trabajo de Gómez Bolaños, podrían explicarse, al menos en parte, por el entorno generado por su padre, aun en el corto tiempo que convivieron.

Francisco Gómez Linares continúa siendo un nombre que, aunque en ocasiones eclipsado, forma parte central de la narrativa familiar de uno de los íconos más queridos de la televisión latinoamericana.

La cinta utiliza a la República Argentina como ejemplo recurrente de inestabilidad financiera y como blanco de bromas y experimentos de poder por parte de un grupo de magnates tecnológicos, en una sátira que expone la desconexión y arrogancia de la élite digital global. La película, dirigida y escrita por Jesse Armstrong, conocido por su trabajo en Succession, reúne a cuatro multimillonarios de la tecnología en un retiro de lujo en las montañas de Park City, Utah, mientras el mundo exterior se desmorona a causa de una crisis internacional provocada por la desinformación generada por inteligencia artificial.

El guion se centra en cómo estos personajes, interpretados por Steve Carell (Randall), Jason Schwartzman (Souper/Hugo Van Yalk), Cory Michael Smith (Venis) y Ramy Youssef (Jeff), se aíslan en una mansión mientras la plataforma “Traam”, creada por uno de ellos, desata una ola de deepfakes y caos global.

La película, filmada en Park City, marca el debut de Armstrong como director de largometrajes y mantiene el estilo mordaz y crítico que caracterizó a Succession, trasladando la sátira al universo de los “tech bros” y la inteligencia artificial. El elenco principal se completa con Ayo Edebiri, Domhnall Gleeson, Allison Williams y Owen Teague, mientras que el reparto secundario incluye a Hadley Robinson (Hester), Andy Daly (Casper), Ali Kinkade (Berry), Daniel Oreskes (Dr. Phipps), David Thompson (Leo), Ami MacKenzie (Janine) y Ava Kostia (Paula). Además, Alex Peña interpreta a un hombre de negocios argentino, reforzando la presencia del país sudamericano en la trama.

La historia se desarrolla en un contexto donde la desinformación impulsada por inteligencia artificial se ha convertido en una amenaza global, según el Foro Económico Mundial, y la dificultad para distinguir entre contenido real y manipulado representa uno de los desafíos más urgentes de 2025. En la ficción de Armstrong, la plataforma “Traam” ha lanzado herramientas de deepfakes capaces de generar videos y audios indistinguibles de la realidad, lo que desencadena violencia sectaria, colapsos financieros y crisis gubernamentales en todo el mundo. Argentina aparece repetidamente en los diálogos como símbolo de caos financiero y como territorio de experimentación para los planes de los protagonistas.

En una de las escenas más directas, Hugo Van Yalk establece comunicación con Buenos Aires y pregunta: “¿Quién es quién en el golpe?”, mientras sus compañeros observan con frialdad la situación. La película utiliza estas referencias para ilustrar cómo los magnates tecnológicos ven las crisis nacionales como oportunidades de negocio y experimentación, tratando a países enteros como variables en sus cálculos financieros.

La película utiliza a Argentina como chiste recurrente y como ejemplo de país en crisis que los protagonistas consideran intervenir. El nombre del país aparece en una noticia en el teléfono de Souper: “Argentina, al borde del colapso financiero”. A partir de ese momento, los personajes discuten la posibilidad de tomar el control de naciones debilitadas, respaldar el intercambio a través de redes de criptomonedas y experimentar con “estados con redes criptográficas”. El chiste se extiende hasta el final del film, con la idea de mandar a Souper a presidir la Argentina y la referencia irónica de Carell: “¡Estás al mando, Eva Perón!”.

La producción ejecutiva de Mountainhead estuvo a cargo de Jesse Armstrong, Frank Rich, Lucy Prebble, Jon Brown, Tony Roche, Will Tracy, Mark Mylod y Jill Footlick. Puedes ver este film en le catálogo de Max.

Con el estreno de la bioserie Chespirito: Sin querer queriendo, la vida personal de Roberto Gómez Bolaños vuelve a ser el centro de atención, generando diversas reacciones entre los seguidores del icónico comediante y quienes fueron parte de su círculo cercano.

Florinda Meza, viuda de Gómez Bolaños y ampliamente conocida por su papel como Doña Florinda, ha sido una de las figuras clave en esta conversación, pues expresó previamente su descontento con el proyecto al revelar que no fue consultada para su realización.

Por tanto, su opinión es una de las más esperadas por el público y todos los interesados. Especialmente porque no sólo sería un desacuerdo mayúsculo podría desembocar en conflictos legales, disputas o dimes y diretes entre los herederos del comediante.

A través de sus redes sociales, Meza reapareció unas horas antes de la emisión del primer episodio, compartiendo un mensaje dirigido a sus seguidores junto con una fotografía.

“Hemos estado siempre juntos, en las risas y la diversión, pero también en las emociones, el melodrama y la inspiración. Su cariño es mi mayor alegría”, escribió. Ante la consulta de un seguidor sobre su postura hacia la serie, respondió de manera breve pero clara: “Cuando vea la serie podré opinar”.

¿Por qué podría haber conflictos?

Desde el anuncio inicial del proyecto, Florinda Meza ha manifestado opiniones reservadas, expresando su inquietud principalmente por el tratamiento que se le daría tanto a la memoria de Gómez Bolaños como a su propia imagen.

En una entrevista reciente con medios dedicados al espectáculo, como Ventaneando, Meza calificó la serie con cautela: “No estoy contenta, pero tampoco puedo decir que no me interese. No puedo opinar mucho porque un avance no dice mucho”.

Sobre la interpretación del actor Pablo Cruz como Chespirito, comentó que le parecía demasiado alto para encarnar fielmente la figura de Gómez Bolaños, aunque insistió en esperar a ver el resultado completo antes de emitir más comentarios.

Uno de los principales focos de atención en torno al estreno ha sido la decisión de los creadores de Chespirito: Sin querer queriendo de cambiar el nombre del personaje inspirado en Florinda Meza por “Margarita Ruiz”, interpretado por Bárbara López.

Esta medida busca cumplir con la solicitud de la actriz de que no se utilice su nombre ni su historia personal sin su autorización. “No pueden usar ni mi historia, ni mi vida, ni mi nombre libremente. No estoy demandando, nunca hubiera querido, ni quiero estar en conflicto con los hijos del amor de mi vida. Lo que se está haciendo es otra cosa, que no es demandar”, explicó Meza en declaraciones previas a TV Notas.

Aunque este ajuste pretende evitar fricciones legales, hay quienes especulan que el desarrollo narrativo del personaje podría provocar una respuesta de la actriz. En uno de los adelantos de la bioserie se muestra una tensión romántica entre Margarita Ruiz y el personaje de Chespirito, lo que sugiere una trama que podría tocar temas sensibles para Meza, dada la polémica alrededor de su relación con Gómez Bolaños.

Por ahora, Florinda Meza ha optado por la discreción y se reserva cualquier juicio hasta después de haber visto la serie. No obstante, la expectación por su posible futura reacción se mantiene.

Antes de su conocida relación con Florinda Meza, Roberto Gómez Bolaños, mejor conocido como Chespirito, tuvo una etapa significativa de su vida junto a Graciela Fernández, su primera esposa y madre de seis de sus hijos.

Aunque su relación no ha sido tan difundida como su matrimonio con Florinda, su historia guarda detalles sobre la vida personal del comediante y escritor que por años lideró el éxito en la televisión mexicana.

El origen de su relación

Roberto Gómez Bolaños conoció a Graciela Fernández a mediados del siglo XX, cuando ella tenía apenas 15 años y él 22. Según declaraciones que han salido a la luz a partir de homenajes realizados al comediante, Chespirito estaba buscando “una novia formal” y quedó impresionado por la simpatía y apariencia de Graciela. Fue en la colonia Del Valle donde comenzaron a frecuentarse, saliendo juntos y paseando por el lugar.

La relación comenzó formalmente a inicios de la década de los cincuenta, cuando ambos decidieron comprometerse, y eventualmente se casaron.

Para ese entonces, Gómez Bolaños estaba logrando estabilidad laboral gracias a un aumento de sueldo, lo que dio solidez a su vida personal y profesional.

Su matrimonio y separación

A lo largo de su matrimonio, Graciela Fernández estuvo cerca de Roberto Gómez Bolaños tanto en su vida íntima como en su carrera profesional. Se sabe, por ejemplo, que lo acompañaba constantemente en sus viajes de trabajo y en grabaciones de programas como El Chavo del 8. Sin embargo, la relación finalmente llegó a su fin.

Aunque no se ha confirmado públicamente la causa específica de la separación, se ha especulado sobre las posibles infidelidades del comediante como un detonante. Graciela y Roberto concluyeron su matrimonio tras varios años de convivencia, marcando un antes y un después en la vida personal del actor.

Fruto de su relación, Graciela Fernández y Roberto Gómez Bolaños tuvieron seis hijos, nacidos entre la década de los cincuenta y sesenta. Su primera hija, Graciela Emilia, llegó al mundo en 1957. Posteriormente tuvieron a Cecilia del Sagrado Corazón, Teresita del Niño Jesús, Marcela, Roberto Gómez Fernández y Paulina.

Roberto Gómez Fernández, el primogénito varón de la familia, siguió los pasos de su padre en el ámbito de la producción audiovisual, convirtiéndose con el tiempo en una figura destacada en la televisión mexicana.

De hecho, es Roberto Jr. quien funge como productor de la nueva serie Sin querer queriendo que llegó esta semana con su primer episodio a la plataforma HBO Max.

Un nuevo capítulo: su relación con Florinda Meza

Tras separarse de Graciela Fernández, Roberto Gómez Bolaños conoció a Florinda Meza a finales de los años sesenta. Según lo relatado por la propia Meza, su primer encuentro ocurrió mientras ella trabajaba en un banco y Gómez Bolaños, en un gesto que ella describió como “mañoso”, le pasó la mano por el cabello.

Posteriormente, en 1969, Florinda se unió al elenco del programa Chespirito, donde Roberto comenzó a mostrar interés en conquistarla, proceso que se extendió por cinco años antes de formalizar su relación.

A pesar de la notoriedad de su matrimonio con Florinda Meza, la figura de Graciela Fernández conserva un papel significativo en la vida de Roberto Gómez Bolaños.

Fue su compañera durante sus años formativos, tanto a nivel personal como profesional, y madre de sus hijos, manteniendo su lugar como una figura importante en la historia del actor conocido en todo el mundo como Chespirito.

El legado de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito, cobra nueva vida con el estreno de la serie biográfica Chespirito: sin querer queriendo, disponible desde el 5 de junio en la plataforma Max. Según informó la producción, esta serie de ocho episodios explora de manera íntima y detallada la vida personal y profesional del icónico comediante que revolucionó la televisión de habla hispana.

De qué se trata la serie

De acuerdo con lo publicado por Warner Bros. Discovery, la serie, producida en colaboración con THR3 Media y Perro Azul, ofrece un recorrido que abarca desde la infancia de Gómez Bolaños hasta su consolidación como una figura cultural de alcance global. A través de una narrativa que combina humor, nostalgia y emoción, el espectador podrá conocer los momentos clave que moldearon al creador de personajes inolvidables como El Chavo del 8, El Chapulín Colorado y El Dr. Chapatín.

El actor Pablo Cruz Guerrero encabeza el elenco, interpretando a Roberto Gómez Bolaños y dando vida a sus emblemáticos personajes. Lo acompañan figuras como Paulina Dávila en el papel de Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), y Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales). También forman parte del reparto Andrea Noli como Angelines Fernández (La Bruja del 71), Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), y Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), entre otros actores que encarnan a los entrañables personajes del universo de Chespirito.

La dirección de la serie está a cargo de Rodrigo Santos, junto con Julián de Tavira y David “Leche” Ruiz, quienes lideran un equipo creativo de alto nivel. Entre los colaboradores destacan Annaí Ramos en vestuario, Marc Bellver y Diana Garay en fotografía, y Francisco Blanc en diseño de producción. El guion fue desarrollado por Roberto Gómez Fernández y Paulina Gómez Fernández, hijos del comediante, con edición literaria de Juan Pablo Balcázar. La música original, compuesta por Camilo Froideval, y el diseño sonoro de Gonzalo Matijas y Matías Vilaro, complementan la propuesta audiovisual.

En el ámbito de la producción ejecutiva, sobresalen nombres como Mariano Cesar, Anouk Aaron y Vanessa Miranda por parte de Warner Bros. Discovery, junto con Bruce Boren, Ricardo Costianovsky y Tomás Darcyl de THR3 Media. Por su parte, Alexis Fridman, Julián de Tavira, Héctor Villegas y Viridiana Torres representan a Perro Azul. La participación de los hijos de Gómez Bolaños en la producción asegura una perspectiva auténtica y familiar en la narración de esta historia.

La serie no solo busca rendir homenaje al hombre detrás de los personajes, sino también explorar los desafíos y triunfos que marcaron su carrera. Según detalló la producción, el objetivo es ofrecer una visión completa del genio creativo que, “sin querer queriendo”, dejó una huella imborrable en la cultura popular.

Chespirito: sin querer queriendo ya está disponible en Max, invitando tanto a los seguidores de toda la vida como a nuevas generaciones a descubrir la historia detrás de uno de los mayores íconos de la comedia en español.

Pese a que su estreno tuvo lugar hace más de 30 años, Friends sigue siendo a día de hoy un fenómeno cultural vigente y una serie de culto a la que muchos espectadores acuden cuando quieren reírse a carcajadas frente a la televisión. Es por eso que, a día de hoy, los rostros de sus intérpretes principales, Jennifer Aniston, Lisa Kudrow, David Schwimmer, Courteney Cox, Matt Le Blanc y del recientemente fallecido Matthew Perry son reconocibles para millones y millones de fans en todo el mundo.

La serie, disponible todavía en la plataforma Max, se ambienta en Nueva York y narra las vivencias de un grupo de amigos entre cafés y relaciones sentimentales que dejan lugar a momentos tan icónicos como Mónica enseñándole a Chandler las zonas erógenas del cuerpo de la mujer o a Ross disfrazado de armadillo navideño, por no mencionar las canciones de Phoebe o a Rachel y Joey riéndose del homo erectus.

Uno de los actores no tuvo que presentarse a ninguna audición

Sea como sea, la fascinación por esta serie ha hecho que durante todos estos años se hayan ido conociendo nuevos detalles sobre su producción. Detalles, en ocasiones, tan sorprendentes como que el actor David Schwimmer, para el papel de Ross, no siguió el camino habitual de audiciones y pruebas que enfrentaron los demás miembros del reparto. Y es que los creadores de la serie, Marta Kauffman y David Crane, concibieron el personaje de Ross específicamente para Schwimmer, inspirados en su estilo interpretativo, lo que lo convirtió en el único de los seis protagonistas que no tuvo que competir por el papel.

En una reciente entrevista, Schwimmer reveló en una entrevista que la explicación a este hecho se encuentra un año antes del inicio de Friends. Por aquel entonces, participó en una audición para una serie llamada Couples, producida por ABC. Aunque no obtuvo el papel principal, su actuación dejó una impresión duradera en los responsables del casting. “Recordaron mi prueba, y recordaron mi voz, supongo. Me dijeron que habían escrito el personaje pensando en mi voz”, explicaba el intérprete.

El verdadero protagonista de ‘Friends’

Aunque Couples nunca llegó a emitirse, la experiencia de Schwimmer en esa audición resultó determinante para la creación de Friends. Cuando Kauffman y Crane comenzaron a desarrollar el guion de la nueva serie, tuvieron claro que Schwimmer interpretaría a uno de los integrantes de ese singular grupo de amigos y diseñaron el personaje de Ross a su medida. Mientras tanto, otros miembros del elenco, incluidas Courteney Cox (Monica) y Jennifer Aniston (Rachel), se enfrentaban a decenas de candidatos para obtener sus papeles.

Este hecho no es casual, dado que si se cuentan los minutos que cada uno de los personajes de la serie aparece en la pantalla, Ross Geller es el claro ganador, según un algoritmo creado por un fan de la serie y publicado en la red social Reddit. No en vano, la trama romántica entre este personaje y el de Rachel es el principal hilo argumental de la serie. Además, la interpretación de Schwimmer, caracterizada por una comicidad torpe y entrañable, contribuyó a que el personaje se convirtiera en uno de los más recordados por los seguidores de la serie.

La serie de comedia Hacks, protagonizada por Jean Smart y Hannah Einbinder, continuará su exitosa trayectoria con una quinta temporada, según anunció Max. Este anuncio llega justo antes del estreno del episodio final de la cuarta temporada, (que se emitió el 29 de mayo a las 22:00 horas en Argentina). La serie, que ha acumulado 48 nominaciones al Emmy, incluyendo el premio a Mejor Serie de Comedia por su tercera temporada, se ha consolidado como una de las producciones más destacadas de la plataforma.

De acuerdo con Max, la cuarta temporada de Hacks ha sido un éxito rotundo, posicionándose entre las cinco series más vistas en Estados Unidos y en el Top 10 global de la plataforma. Este crecimiento sostenido refleja la popularidad de la serie, que ha sabido mantener el interés del público con cada nueva entrega. Sarah Aubrey, directora de programación original de Max, expresó su entusiasmo por la renovación, destacando el talento del elenco y el equipo detrás de la producción. “¡Sí! ¡Queremos más!”, afirmó Aubrey, quien también felicitó a los socios de Universal Television, el estudio responsable de la serie.

Por su parte, Erin Underhill, presidenta de Universal Television, elogió la evolución de la serie y su capacidad para mantenerse relevante y audaz. “Como Deborah Vance, Hacks solo se vuelve más audaz, afilada e icónica con el tiempo”, señaló Underhill, destacando el trabajo de los creadores Paul W. Downs, Lucia Aniello y Jen Statsky, así como del elenco extraordinario que da vida a los personajes.

En esta entrega, Deborah enfrentó un dilema profesional tras rechazar un programa en cadena nacional y negarse a despedir a Ava, su asistente y colaboradora, interpretada por Hannah Einbinder. Una cláusula contractual podría dejarla fuera del aire durante 18 meses, lo que la obliga a considerar opciones inesperadas, como tomarse unas vacaciones, acompañada por Ava. Este desenlace plantea nuevos desafíos y abre la puerta a posibilidades intrigantes para la próxima temporada.

Hacks, creada por Downs, Aniello y Statsky, ha sido reconocida por su capacidad para explorar las complejas dinámicas entre sus protagonistas, combinando humor y profundidad emocional. Además de Smart y Einbinder, el elenco principal incluye a Downs, Megan Stalter, Carl Clemons-Hopkins y Mark Indelicato. La cuarta temporada también contó con la participación de actores invitados como Helen Hunt, Tony Goldwyn, Julianne Nicholson y Michaela Watkins, entre otros.

La producción ejecutiva de la serie está a cargo de Downs y Aniello a través de su sello Paulilu, Statsky mediante First Thought Productions, Michael Schur para Fremulon, David Miner de 3 Arts Entertainment, Morgan Sackett y Joe Mande. El estudio detrás de la serie es Universal Television, una división de Universal Studio Group.

Desde su estreno, Hacks ha sido aclamada por la crítica y el público, consolidándose como una de las comedias más influyentes de los últimos años. La renovación para una quinta temporada reafirma el compromiso de Max y Universal Television con la calidad y el éxito de la serie. Los fanáticos pueden esperar más de las ingeniosas interacciones entre Deborah y Ava, así como nuevos giros en la narrativa que han caracterizado a la producción desde sus inicios.

Florinda Meza expresó su postura sobre la próxima bioserie titulada Sin querer queriendo, basada en la vida del icónico creador de personajes como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado.

La producción, que se estrenará el 5 de junio en la plataforma Max, ha generado expectativas entre los seguidores de Roberto Gómez Bolaños, aunque Florinda Meza dejó claro que no está completamente satisfecha con el proyecto.

En declaraciones realizadas durante un encuentro con los medios de comunicación, la actriz que encarnó a Doña Florinda, señaló que aún no ha visto la serie, por lo que no puede emitir un juicio definitivo. Sin embargo, adelantó que no está del todo conforme con lo que ha percibido por los avances:

“No estoy contenta, pero tampoco puedo decir que no me interese. No puedo opinar mucho porque un avance no dice mucho”.

Uno de los aspectos que han sido más comentados en redes sociales es la caracterización del actor Pablo Cruz Guerrero, quien interpreta a Chespirito en la serie. Al respecto, Florinda Meza comentó que, aunque el actor cumple con el perfil general del comediante, existen diferencias físicas:

“Cuando lo vea, te voy a decir si es el tipo de persona, aunque está un poquito más alto”, señaló, refiriéndose a la estatura de Cruz Guerrero en comparación con la de su fallecido esposo.

Lo que Florinda Meza espera que no ocurra en la serie

Más allá de los aspectos técnicos y de producción, Florinda Meza subrayó la importancia de que la serie retrate a los personajes de manera auténtica y humana. Según explicó, una biografía debe mostrar a las personas reales, evitando caer en estereotipos de “buenos” o “villanos”.

“Si es una historia X, no tienes malos, tienes seres humanos con sus cualidades y defectos. Si yo hago una telenovela, nunca presento malos de nacimiento ni buenos de nacimiento. Las buenas historias tienen seres humanos. Y si esto lo han anunciado como biografía, porque así lo han presentado, pues deben tener personajes reales”, declaró.

La importancia de Chespirito para América Latina

Roberto Gómez Bolaños, conocido como “Chespirito”, es una figura icónica de la cultura popular en América Latina, dejando un legado que trasciende generaciones y fronteras. A través de sus personajes emblemáticos como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado, logró conectar con millones de personas mediante historias sencillas cargadas de humor, valores y humanidad.

Sus programas reflejaron realidades cotidianas de la región, abordando temas como la pobreza, la amistad y la empatía, siempre desde una perspectiva optimista. El personaje del Chavo, por ejemplo, representa la inocencia y resiliencia ante la adversidad, una situación que resonó especialmente en contextos de desigualdad social en América Latina. Su capacidad para hacer reír mientras transmitía valores universales consolidó su impacto cultural.

Además, Chespirito fue pionero en la producción de contenidos televisivos en español de alcance internacional, llevando el entretenimiento latinoamericano más allá de sus fronteras. Sus programas no solo lograron éxito en países de habla hispana, sino también en lugares como Brasil, Estados Unidos y Asia, demostrando el poder universal de sus historias

Tras mucho tiempo de espera, preparativos, rumores y polémicas en redes sociales, finalmente esta mañana de martes 27 de mayo se dio a conocer quienes serán los protagonistas de la nueva serie de Harry Potter que prepara Max.

Harry, Ron y Hermione, los tres personajes icónicos y centrales de las historias creadas por J. K. Rowling, ahora tienen nuevos. A través de Variety llegó la confirmación de los jóvenes actores que interpretarán a los tres magos adolescentes.

“Tras una extraordinaria búsqueda, dirigida por las directoras de casting Lucy Bevan y Emily Brockmann, estamos encantados de anunciar que hemos encontrado a nuestros Harry, Hermione y Ron”, informaron la directora de la serie, Francesca Gardiner, y el productor ejecutivo y director, Mark Mylod.

Dominic McLaughlin será Harry Potter; Arabella Stanton fue elegida para dar vida a Hermione Granger; mientras que Alastair Stout interpretará a Ronald Weasley.

“El talento de estos tres actores únicos es maravilloso de contemplar, y no podemos esperar a que el mundo sea testigo de su magia juntos en la pantalla. Queremos dar las gracias a las decenas de miles de niños que se presentaron a las audiciones. Ha sido un verdadero placer descubrir la plétora de jóvenes talentos que hay ahí fuera”, agregaron.

El trío de intérpretes fue elegido tras una exhaustiva búsqueda a la cual acudieron más de 30 mil actores, quienes intentaron hacerse con alguno de los tres papeles principales.

McLaughlin, quien será ‘El Niño que Vivió’ ha participado en series como Glow y espera estrenar otros proyectos televisivos en Reino Unido a lado de actores como Nick Frost. Por su parte Stanton es una actriz primordialmente de West End; ya tuvo el papel protagónico de Matilda: El Musical durante el 2023 y 2024. En cambio Stout, elegido para Ron, es una actor novato que recibirá su primer rol importante con este proyecto.

¿Qué esperar de la nueva serie de Harry Potter?

El universo mágico creado por la autora británica J. K. Rowling es extenso, razón por la que Warner Bros y la plataforma Max consideraron pertinente adaptar las siete novelas de la saga en una serie de televisión.

Cada libro se convertirá en una temporada de varias episodios, lo que brindará la oportunidad de abordar con mayor fidelidad y profundidad el material original para ser trasladado al audiovisual.

Se espera que una nueva generación de espectadores, así como los fieles seguidores de la franquicia, queden encantados con esta nueva mirada e interpretación de la historia de Harry Potter.

Otros actores ya confirmados para la primera temporada son John Lithgow como el director de Hogwarts Albus Dumbledore, a quien vimos recientemente en la película Cónclave, o en la serie The Crown.

Janet McTeer, actriz reconocida por su participación en Misión: Imposible y La reina blanca, asumirá el papel de la profesora Minerva McGonagall, una figura clave en la narrativa de la saga. Por su parte, Paapa Essiedu, conocido por I May Destroy You y Gangs of London, interpretará al enigmático y complejo Severus Snape, un personaje que ha sido fundamental en el desarrollo de la historia.

El elenco también incluye a Nick Frost, famoso por su trabajo en películas como Shaun of the Dead y Hot Fuzz, quien dará vida al entrañable guardabosques de Hogwarts, Rubeus Hagrid. Asimismo, Luke Thallon, reconocido por su participación en producciones teatrales como Leopoldstadt será el encargado de interpretar al profesor Quirinus Quirrell.

Finalmente, Paul Whitehouse, conocido por su trabajo en The Fast Show asumirá el papel de Argus Filch, el estricto y peculiar conserje del Colegio de Magia. y Hechicería.

Francesca Gardiner (His Dark Materials) será la encargada de escribir los guiones de la serie, además de tomar el papel de showrunner. Mark Mylod (Game of Thrones, The Last of Us) será productor ejecutivo y dirigirá algunos episodios de la serie.

¿Cuándo llegará la serie de Harry Potter a México?

Hasta el momento Max Latinoamérica no ha confirmado una fecha definitiva de estreno para ningún territorio. Sin embargo, se espera que los episodios de la nueva versión de Harry Potter estén disponibles durante la segunda mitad del año 2026.

La información que sí esta confirmada es que el rodaje de la serie comenzará durante el verano del 2025. Por lo tanto, dentro de poco habrá muchas más noticias y detalles del look que tendrá la nueva adaptación de la franquicia.

La serie de televisión será diseñada para la plataforma Max -que muy pronto se llamará de nuevo HBO Max- por lo que cada episodio llegará vía streaming.

La segunda temporada de The Last of Us ha llegado a su esperado final, y lo ha hecho dejando a los espectadores con el corazón acelerado y muchas preguntas sin respuesta. Advertencia: spoilers más adelante.

El episodio siete, transmitido el domingo por HBO confirmó una popular teoría de los fans: la temporada terminaría justo en el enfrentamiento cara a cara entre Ellie y Abby en el teatro, replicando el momento clave del videojuego The Last of Us Part II de Naughty Dog.

La historia retoma con Ellie (Bella Ramsey) regresando al teatro abandonado donde Jesse (Young Mazino) ha logrado extraer —de forma bastante gráfica— la flecha que hirió a Dina (Isabela Merced). A pesar de la gravedad de su herida, Dina sigue con vida y su embarazo parece no correr riesgo.

Ellie visita a Dina y le confiesa que torturó a Nora (Tati Gabrielle) para obtener información sobre el paradero de Abby (Kaitlyn Dever). Nora accedió, en parte, a contarle algo, dejando pistas que más adelante resultarán clave.

Tras la confesión, Dina le pide a Ellie que regresen a casa. Ellie accede, aunque no sin antes cerrar asuntos pendientes.

Antes de dejar Seattle, Ellie y Jesse deben encontrar a Tommy (Gabriel Luna). En el camino, Ellie le confirma a Jesse sin querer el embarazo de Dina, agravando el clima de tensión entre los tres.

Jesse se muestra cada vez más frustrado con las decisiones impulsivas de Ellie, acusándola directamente de actuar con egoísmo, incluso recordándole que él votó en contra de la expedición de venganza tras la muerte de Joel. Dolida, Ellie huye.

Tras recordar las palabras “ballena” y “rueda”, mencionadas por Nora, Ellie se da cuenta que hacen referencia al acuario, donde se esconde Abby y su grupo. El edificio tiene una ballena pintada en la fachada y está junto a una rueda de la fortuna. Ellie, decidida a encontrarla, parte hacia ese lugar.

En el camino, es capturada brevemente por los Serafitas, quienes la dejan ir tras decidir que su guerra contra el Frente de Liberación de Washington (WLF) es prioridad.

Mientras tanto, se revela que Abby es considerada por Issac (Jeffrey Wright) como su sucesora natural al mando del WLF, lo que intensifica su importancia dentro del conflicto.

Al llegar al acuario, Ellie se encuentra con Mel (Ariela Barer) y Owen (Spencer Lord), miembros del grupo de Abby. En un enfrentamiento brutal, mata a ambos en defensa propia. Trágicamente, Mel también estaba embarazada, un hecho que deja a Ellie emocionalmente devastada.

Jesse, sabiendo a dónde se dirigía Ellie, llega al acuario junto con Tommy. Deciden regresar al teatro para recoger a Dina y finalmente escapar de Seattle. Pero el plan fracasa rápidamente.

El trágico final de temporada de “The Last of Us”

De vuelta en el teatro, el trío se prepara para huir, pero son emboscados. Tommy resulta herido, Jesse muere trágicamente, y finalmente, Ellie y Abby se encuentran cara a cara.

En una escena cargada de tensión emocional, Ellie dice: “Sé por qué mataste a Joel. Él hizo lo que hizo para salvarme. Soy a quien quieres. Déjalo ir”.

Con un arma apuntando a Tommy, Abby escucha las palabras de Ellie, y el episodio se corta justo antes de saber si decide disparar o no.

Es así que la teoría de los fans que sugiere que la temporada 3 va a dar un giro narrativo y centrarse en la perspectiva de Abby ha tomado más fuerza.

De hecho. Craig Mazin (guionista de la serie) y Bella Ramsey han insinuado en varias entrevistas que Ellie tendrá un papel menos prominente en la siguiente entrega.

La plataforma HBO Max ha sido el servicio de streaming con más presencia en la mente de la mayoría de los consumidores en las últimas semanas. En primer lugar, por el arrollador éxito de la segunda temporada de The Last Of Us, la famosa serie que adapta el videojuego postapocalíptico protagonizado por Joel y Ellie.

Sin embargo, la noticia más comentada de estos días no ha estado relacionada con esta ni ninguna otra ficción, sino con la vuelta del antiguo nombre -HBO Max- después de que, en 2023 Warner Bros Discovery, compañía propietaria, decidiera rebautizarla como solo Max.

Las nuevas tarifas de HBO Max

La mayoría de los fans de las series de HBO y Cartoon Network o las películas del Universo DC han celebrado esta decisión, mientras que otros ni siquiera se habrán dado cuenta de la modificación debido a que acaban de suscribirse a una plataforma cuyo nombre ‘popular’ seguía siendo el original. Con todo, lo cierto es que este no ha sido el único cambio del servicio de series y películas bajo demanda, el cual, recientemente, ha modificado también algunas de sus tarifas.

Desde esta primavera de 2025, HBO Max ha incluido nuevos planes para sus nuevos suscriptores en España. A partir del 8 de abril, de hecho, la plataforma incluyó una nueva tarifa básica por 6,99 euros al mes, lo que suponen tres euros menos del plan estándar que había actualmente, cuyo coste era de 9,99. Este último, sin embargo, ha subido de precio, pasando a costar 10,99 el poder ver las series y películas de la plataforma sin publicidad.

En la misma línea, también el plan premium ha subido de precio. Este incluye acceso a contenido simultáneo en hasta 4 dispositivos y una alta resolución de vídeo en 4K UHD y sonido Dolby Atmos, además de hasta 100 descargas. Hasta ahora, su coste era de 13,99 euros al mes, una cantidad que ha ascendido hasta los 15,99.

Planes nacionales e internacionales

Desde el servicio informaron de que estas nuevas tarifas se aplicarían solo a nuevos clientes, por lo que los antiguos serían conservando los pagos que realizaban anteriormente. Por otro lado, hay que recordar que cada país cuenta con ofertas diferentes. En España, por ejemplo, también existe el plan HBO Max DAZN, donde los suscriptores pueden acceder también a los diferentes contenidos deportivos de esta última plataforma, por un precio que se ha mantenido en 44,99 euros con un complemento de 5 euros por un mayor acceso a los deportes.

Además, hay que señalar como, al igual que con la publicidad, HBO Max ha seguido los pasos de Netflix o Disney + en otro aspecto crucial: las cuentas compartidas. En Estados Unidos han implementado un plan por el que se ofrece el Extra Member Add-On, donde quienes estén suscritos deberán pagar 7,99 dólares al mes por cada miembro. Una estrategia que podría desembarcar en Europa próximamente.

De todo ello, el CEO de Streaming Global y Juegos de Warner Bros Discovery señalaba que lo que buscan con este tipo de medidas es liderar “una nueva forma de disfrutar de nuestro contenido de primera clase a un precio excepcional y ofrecer a los suscriptores mayor flexibilidad en la gestión de sus cuentas”. Para ello, el servicio cuenta también con planes de suscripción anual que pueden incluso bajar los precios para quienes sean más fieles a la plataforma.

El de Mickey 17 es uno de esos proyectos en los que el director surcoreano llevaba mucho tiempo trabajando, y que se vio en gran medida demorado primero por la pandemia y posteriormente por la huelga de guionistas y actores que asoló Hollywood durante meses. Finalmente, el director de Memories of murder pudo llevar a buen puerto esta película que supone una nueva irrupción en el cine norteamericano, después de incursiones como Snowpiercer u Okja, en las que ya contaría con estrellas internacionales como Chris Evans, Tilda Swinton o Jake Gyllenhaal.

La película, que fue estrenada el pasado 7 de marzo en cines por Warner Bros, llega ahora a plataformas de la mano del servicio encargado de estrenar otros títulos de la compañía, como La acompañante o Jurado Nº2, que ya se encuentran disponibles en la plataforma HBO Max desde hace tiempo. El turno de Mickey 17 será el próximo viernes 23 mayo, día desde el cual se podrá disfrutar de esta surrealista aventura que cuenta con un gran protagonista al frente: Robert Pattinson. Pero, ¿de qué va realmente la película?

Una fábula futurista sobre la ‘prescindibilidad’

Basada en el libro homónimo de Edward Ashton, Mickey 17 cuenta la historia de Mickey, un explorador que llega en una nave junto a su compañero Timo (Steven Yeun) a un planeta helado llamado Niflheim. Mientras Timo se convierte en piloto de transbordador, Mickey pronto se une como a un peligroso trabajo que lo lleva a morir una y otra vez. Sin embargo, cada vez que lo hace un clon ocupa su lugar, generando así múltiples versiones de sí mismo.

Sin embargo, cuando el número 17 de los Mickeys llega a colonizar el planeta helado, se encuentra con una gran amenaza que a punto está de acabar con su vida. El 17 consigue sobrevivir, pero cuando regresa a la nave se encuentra con que ya ha sido reemplazado por un nuevo Mickey, el 18. El nuevo Mickey no entiende la situación, pero en seguida ambos colaborarán para continuar con vida y hacer más llevaderas las tareas del otro.

Aunque las críticas de Mickey 17 no han estado a la altura de Parásitos, lo cierto es que la película ha sido alabada como una gran adaptación de la novela y un filme con algunos momentos verdaderamente ingeniosos. Además, la capacidad de Robert Pattinson para dar vida a distintos personajes de forma tan radical también ha sorprendido a quienes ya la han podido ver, y seguramente lo haga también con todos aquellos que aprovechen para verla con su llegada a HBO Max.

La segunda temporada de Margarita ha comenzado su rodaje, prometiendo una nueva entrega llena de magia y emociones. Cris Morena, creadora de este universo, ha confirmado que la serie estará disponible en Max, y que contará con un elenco de 15 protagonistas, más de 30 canciones y 60 locaciones diferentes.

Detalles de la serie y de lo que se verá

Según informó Max, la trama se desarrollará en lugares como Krikoragán, torres de streaming y espacios clandestinos, donde la amistad, el amor y la memoria jugarán roles cruciales. Mora Bianchi regresa en el papel de Margarita, una joven que enfrenta el desafío de reconstruir su identidad mientras lidia con una herencia oculta. A su lado, nuevos personajes y viejos conocidos, con matices inesperados, la acompañarán en su lucha contra una red de poder y manipulación.

Un elenco de renombre que regresa para la segunda entrega

El elenco incluye a reconocidos actores como Isabel Macedo, Julia Calvo, Rafa Ferro y Mery del Cerro, junto a talentos juveniles como Toti Spangenberg, Lola Abraldes, Mateo Belmonte, Franco Yan, Pilar Massé y Tomás Benitez. De acuerdo con la producción, esta nueva temporada no solo continuará la historia, sino que también explorará nuevos misterios, heridas familiares y revelaciones a través de sus episodios. Cada capítulo promete abrir puertas a nuevas canciones y descubrimientos, manteniendo el sello característico de las producciones de Cris Morena, que han logrado conectar con múltiples generaciones.

Mariano César, SVP de Contenidos de Entretenimiento General y Estrategia de Programación en Warner Bros. Discovery, Latinoamérica y US Hispanic, expresó su entusiasmo por el regreso de Margarita. César destacó la importancia de esta ficción en su propuesta de contenidos, subrayando cómo la serie amplía audiencias con su historia cautivadora y la fuerza de sus canciones.

Cris Morena también compartió su alegría por el inicio de esta nueva etapa. Según consignó el medio, la creadora expresó: “Estoy muy feliz de por fin poder anunciar oficialmente que estamos trabajando junto a Max en la segunda temporada de esta mágica historia. Una historia que desde el comienzo y en cada paso de su camino, nos hizo sentir que nuestros cuentos valen la pena ser contados y vividos”. Morena resaltó el impacto de la primera temporada, donde la familia se unió para compartir historias llenas de música, amor, amistad y magia.

La serie, que ha logrado reunir a más de 140.000 personas en sus shows en vivo, continúa su apuesta por historias bien contadas que permiten al público sentir el amor y la magia que envuelven a Margarita. Cabe recordar que esta ficción funciona como una continuación de Floricienta, uno de los éxitos más recordados de la productora, protagonizada por Florencia Bertotti. La ficción tuvo una recepción increíble y los fanáticos de aquella época se sumaron con la nostalgia y la esperanza de reencontrarse con los personajes más entrañables. Margarita es la hija de Florencia que desconoce su verdadera identidad.

Cris Morena agradeció a Max por acompañarlos en esta aventura soñada, reafirmando su creencia en el poder de las historias que conectan con el público.

La narrativa del documental se construye a partir de registros personales nunca antes revelados, entre ellos una emotiva carta que Rita Lee escribió poco antes de su fallecimiento. En este mensaje, dirigido a su esposo y compañero musical Roberto de Carvalho y a sus tres hijos, la cantante reflexiona sobre su vida, celebra a su familia y deja palabras de amor y despedida. Este documento, junto con otros materiales exclusivos, permite al espectador adentrarse en la faceta más humana de la artista, mostrando no solo su genialidad musical, sino también los desafíos y fragilidades que enfrentó a lo largo de su vida.

La vida íntima y los momentos clave de Rita Lee

El documental también aborda momentos clave de la vida de Rita Lee, como su encarcelamiento durante la dictadura militar brasileña. La artista fue detenida por posesión de drogas mientras estaba embarazada, pero el documental expone que la verdadera razón de su arresto fue su declaración ante un juez, en la que denunció que la policía había asesinado a un fan durante uno de sus conciertos. Este episodio, junto con otros momentos de su vida, se presenta con una perspectiva que combina lo personal y lo político, destacando la valentía y el carácter irreverente que definieron a la cantante.

Además de explorar su trayectoria musical, Rita Lee: Mania de Você profundiza en aspectos más personales de la artista, como su relación con el amor, la maternidad y su pasión por la música. La producción busca retratar a Rita Lee no solo como un ícono del rock, sino también como una mujer que enfrentó el éxito y la adversidad con una autenticidad única. Según Mandarina Contenidos, el documental incluye imágenes nunca antes vistas y momentos memorables que capturan tanto los triunfos como los excesos que marcaron su vida.

La participación activa de la familia de Rita Lee en el proyecto refuerza el carácter íntimo y auténtico de la producción. Este apoyo, junto con los testimonios de grandes nombres de la música brasileña, consolida al documental como un legado cultural que resalta la importancia de la artista en el ámbito nacional e internacional. La obra no solo celebra su contribución al rock, sino que también pone en valor su impacto en la cultura brasileña y su influencia en generaciones de músicos y seguidores.

En esta ocasión, la productora reafirma su capacidad para crear contenidos de calidad internacional con Rita Lee: Mania de Você, una obra que promete emocionar a los seguidores de la artista y a los amantes de la música en general.

El estreno de este documental coincide con un momento significativo en la historia de Rita Lee, ya que fue producido apenas cuatro semanas antes de su fallecimiento, cuando la cantante enfrentaba un cáncer de pulmón en etapa avanzada. Este contexto otorga un carácter aún más conmovedor a la obra, que se convierte en un testimonio final de su vida y legado. A través de esta producción, los espectadores tienen la oportunidad de conocer a Rita Lee no solo como una leyenda del rock, sino también como una mujer que dejó una huella imborrable en la música y en la cultura de su país.

También conquistaron a la audiencia las interpretaciones de Bella Ramsey y Pedro Pascal, los dos protagonistas que, interpretando a Ellie y a Joel, se convertían en los dos supervivientes más queridos de un mundo en el que un hongo transforma a los humanos en violentos zombies. Ellos han encabezado el reparto de esta nueva entrega, aunque algunas sorpresas en los nuevos episodios (espóiler) han hecho que muchos fans de la serie se hayan quedado de piedra.

Estos giros de guion, junto con el trepidante viaje que los viejos y nuevos personajes de la serie han iniciado, han hecho que mucha gente se pregunte cuándo saldrán los próximos episodios de la serie. Por eso, desde Infobae España hemos querido realizar un pequeño recordatorio de cuántos capítulos quedan y desde qué fecha se podrán ver.

Cuándo salen los episodios de ‘The Last of Us’

La segunda temporada de The Last of Us está dividida en 7 episodios de una duración de entre 40 y 60 minutos, los cuales se han ido estrenando de forma semanal desde el pasado lunes 14 de abril. Se cumple casi un mes, entonces, desde que apareció el primero de los cinco capítulos que hemos podido ver desde entonces, siendo el último el de este mismo 12 de mayo. Ahora, habrá que esperar hasta el próximo 19 de mayo para seguir con la historia, para finalmente llegar al último el próximo lunes 26.

Hay que recordar que, en España, los capítulos se pueden ver en Max desde las 3 de la mañana en horario peninsular (una hora antes desde las islas Canarias). Y es que los capítulos salen cuando, en Estados Unidos, todavía es la tarde del domingo, ya sean las 18 en la Costa Oeste (Los Ángeles) o las 21 en la Costa Este (Nueva York). Este plan no cambiará con los episodios restantes, de modo que los más nocturnos podrán disfrutar del episodio durante la madrugada del domingo al lunes y, así, ver el nuevo capítulo antes que nadie.

También hay que recordar que, pese a que solo hay dos videojuegos de The Last of Us, la segunda temporada de la serie solo adapta la mitad de la segunda entrega, por lo que los fans deberán esperar a una tercera tanda de episodios para saber el desenlace final de la historia que, en esta ocasión, empieza con Joel y Ellie en una ciudad de supervivientes tiempo después de los sucesos de Salt Lake City. Una situación de paz que no tardará en verse amenazada tanto por la hostilidad del mundo postapocalíptico que les rodea como por el violento pasado de los personajes, del que parece que no pueden escapar.

La segunda semana de mayo llega con nuevos estrenos en catálogo en las plataformas de streaming más populares, ofreciendo opciones para todos los gustos y edades, con los que tanto amantes de los documentales cargados de misterio o emociones a flor de piel tendrán mucho para disfrutar al igual que quienes buscan historias llenas de emoción, romance o humor para no despegarse de sus pantallas.

Este periodo que abarca del 12 al 18 de mayo trae consigo una amplia variedad de estrenos con los que fanáticos de los k-dramas intensos y emotivos tendrán mucho de qué disfrutar, mientras que los adeptos de la ciencia ficción que buscan un toque de adrenalina también encontrarán opciones para no despegarse de sus pantallas.

Las plataformas de streaming se han convertido en una de las principales formas de entretenimiento en la actualidad, ofreciendo el acceso a una amplia variedad de contenidos como series, películas, documentales y más, que pueden disfrutarse desde la comodidad del hogar. Entre las más populares, Netflix, Amazon Prime Video, Disney+ y Max han actualizado su catálogo con los próximos lanzamientos.

Qué se estrena en Netflix

Desde el lunes 12 de mayo, los fans de los K-dramas podrán disfrutar de “El sabor de lo nuestro”, una historia en la que un arrogante heredero decidido a convertirse en el mejor chef se cruza con una cocinera humilde y testaruda, cuyas recetas despiertan una inesperada conexión entre ambos. Para quienes prefieren historias reales e impactantes, el martes 13 de mayo se estrena el documental “Al descubierto: El Rey del Hígado”, producción que investiga la figura de un polémico influencer que ganó fama comiendo carne cruda y promocionando suplementos.

El miércoles 14 de mayo aparecerá en el catálogo el documental “Cacería implacable: Osama bin Laden”, que ofrece un análisis detallado de la operación que llevó a la captura del líder de Al Qaeda; la serie incluye material inédito y entrevistas con agentes de la CIA, proporcionando una visión profunda de los eventos que marcaron una de las misiones históricas en la lucha contra el terrorismo.

Ese mismo día, se estrena “Fred y Rose West: Una historia de terror británica”, un documental que explora los crímenes de dos de los asesinos más recordados del Reino Unido, con grabaciones policiales recientemente descubiertas y testimonios de los involucrados. Además, Netflix lanza “Serpientes y Escaleras”, una serie que sigue a una maestra que lucha por ascender en una escuela prestigiosa, enfrentándose a un entorno lleno de corrupción y engaños.

El jueves 15 de mayo, inspirada en la serie de animación japonesa “Kakegurui”, Netflix amplía su catálogo con “Apuesta”, que se desarrolla en una escuela privada donde éstas determinan la jerarquía social, hasta que una nueva estudiante altera las reglas del juego. También se lanza “Franklin”, la historia sobre un falsificador que, junto a su ex esposa, intenta crear el billete de cien dólares perfecto para salvar la vida de su hija.

Por otro lado, la primera temporada de “Gracias, ¿el siguiente?” gira en torno a una joven abogada que, con el apoyo incondicional de sus mejores amigas, entra al mundo de las citas modernas para superar una ruptura dolorosa; mientras que la miniserie “Los secretos que ocultamos” sigue a Cecilie, quien investiga la desaparición de una niñera en un suburbio aparentemente tranquilo, revelando oscuros secretos.

Finalmente, ese mismo día se estrena el documental “Baila, Vini”, que narra el ascenso del futbolista Vinícius Júnior, destacando su talento y resiliencia en el mundo del fútbol.

El viernes 16 de mayo, Netflix cierra la semana con más estrenos, como “Fútbol en familia”, una serie que explora la dinámica de unos padres obsesionados con las carreras futbolísticas de sus hijos. También se lanza “Querido Hongrang”, un k-drama histórico que mezcla romance y misterio en torno a un poderoso heredero de una asociación de comerciantes en Joseon que regresa sin recuerdos tras su desaparición.

Por último, la serie “Legado” abordará los conflictos familiares y empresariales de un magnate de los medios que lucha por proteger su imperio. Mientras que el cortometraje documental “Los costureros” muestra la vida de los hombres de una prisión de máxima seguridad en Misuri que diseñan y confeccionan edredones para niños de acogida.

Cuáles son los próximos estrenos de Prime Video

En Prime Video, la semana comienza el lunes 12 de mayo con el estreno de “Krakens y Sirenas: Conoce a los Gillman”, una película de aventura y fantasía sigue a una adolescente reservada que descubre su linaje como descendiente de una mítica dinastía de krakens marinos, lo que la obliga a replantearse su vida en tierra firme y a enfrentar su verdadero destino en lo más profundo del océano.

El jueves 15 de mayo llegan dos producciones. Primero, “Rescate Implacable”, una cinta de acción en la que Levon Cade, un exagente que intentaba llevar una vida tranquila trabajando en construcción, debe volver a sus antiguas habilidades cuando la hija de su jefe desaparece; su búsqueda lo lleva a descubrir una oscura red criminal que amenaza con destruir la nueva vida que ha intentado construir. Ese mismo día se estrena “Las apariencias engañan”, también nombrada “Impostura”, una serie dramática que narra el viaje personal de Benny, un joven futbolista universitario que lucha por aceptar su sexualidad en un entorno que lo empuja a ocultarse tras una fachada.

Qué se estrena en Disney+

El miércoles 14 de mayo, Disney plus agrega a su catálogo “Doc”, una serie médica que gira en torno a la doctora Amy Larsen, quien tras sufrir una lesión cerebral pierde los recuerdos de los últimos ocho años. Sin conexión con sus pacientes ni con los eventos traumáticos de su pasado, Amy debe reconstruir su identidad en un mundo que le resulta totalmente ajeno.

El viernes 16 de mayo llega la cuarta temporada de “Bienvenidos al Wrexham”, la aclamada docuserie protagonizada por Rob McElhenney y Ryan Reynolds. Ambos actores continúan su experiencia como propietarios del Wrexham Football Club, el tercer club profesional más antiguo del mundo, enfrentándose a los retos del fútbol y del liderazgo mientras intentan revitalizar a una ciudad que deposita en ellos sus esperanzas.

Cuáles son los estrenos de Max

Finalmente, el miércoles 14 de mayo la plataforma estrena “El expreso de los recuerdos”, una comedia protagonizada por Jack Black. Aquí, Dan, el personaje principal, quiere demostrarle a sus excompañeros de secundaria cuánto ha cambiado invitando al chico más popular a la reunión de exalumnos, pero quizás las cosas no saldrán como lo espera.

Por su parte, el jueves 15 de mayo llega “Duster”, una serie ambientada en el suroeste estadounidense durante la década de 1970. La trama sigue a un conductor que intenta escapar de un sindicato criminal en expansión, mientras una decidida agente del gobierno llega a la ciudad con el objetivo de desmantelar la red desde dentro.

El próximo 5 de junio se estrena en Max la esperada bioserie Chespirito: Sin querer queriendo, un proyecto que buscará explorar tanto la faceta profesional como personal de una de las figuras más icónicas de la televisión latinoamericana, Roberto Gómez Bolaños.

Sin embargo, uno de los temas que ha comenzado a generar controversia es la representación de su romance con Florinda Meza, un episodio que marcó su vida privada entre señalamientos de infidelidad y conflictos familiares.

¿Cómo surgió la relación entre Meza y Bolaños?

En la vida real, la historia entre Roberto Gómez Bolaños y Florinda Meza surgió durante las grabaciones de los programas que los volvieron mundialmente famosos, como El Chavo del 8. Según declaró en su momento la actriz, la atracción entre ambos fue inmediata, aunque asegura que no pasó a mayores hasta que Gómez Bolaños terminó su matrimonio de casi dos décadas con Graciela Fernández, la madre de sus seis hijos.

“Después del beso me arrepentí, quería dar marcha atrás. Él llevaba dieciocho años de matrimonio en ese momento, seis hijos y una mujer. Son siete valijas de bagaje”, explicó Meza en una entrevista en 2017 para el programa Morfi, todos a la mesa con Gerardo Rozín.

Aunque Meza reveló que inicialmente dudó en involucrarse con el productor, el flechazo fue inevitable. Recordó que Gómez Bolaños la conquistó enviándole flores durante varios años hasta que aceptó iniciar el romance.

Sin embargo, fue durante un tour en Chile donde todo tomó un giro inesperado: “Fue ahí donde se dio nuestro primer beso. Luego de cinco años decidimos comenzar de manera oficial nuestra relación”, explicó.

La pareja enfrentó una fuerte polémica no solo por la famosa diferencia de edad —Gómez Bolaños era 20 años mayor—, sino también por los conflictos personales y laborales tras volverse pública su relación.

“Caí como hoja en mar revuelto, me enamoré perdidamente de ese hombre y le dije: ‘Yo no quiero ser en tu vida una mujer más, quiero ser la única mujer’. Y él me convenció con su respuesta: ‘Mira, cuando un vaso está lleno no le cabe nada más’”, recordó la actriz.

La polémica revive con la serie

El primer tráiler de la bioserie lanzado este miércoles ha desatado especulaciones sobre cómo se abordará esta relación en pantalla. Aunque se ha confirmado que una actriz interpretará a Florinda Meza bajo el nombre ficticio de “Margarita Ruiz”, lo que más llama la atención de este proyecto es que podría revelar detalles desconocidos del romance. Detalles que refuten la versión de Meza de que nada ocurrió mientras Gómez Bolaños seguía casado.

El matrimonio entre Roberto Gómez Bolaños y Graciela Fernández comenzó en 1968, cuando ella tenía 15 años y el productor 22. Su vida en pareja fue testigo de la ascendente carrera del comediante. Sin embargo, los rumores sobre su carácter mujeriego y su cercanía con Meza habrían sido factores clave en el desgaste de la relación. La separación culminó años después, en medio de tensiones familiares y profesionales.

Sin querer queriendo promete mostrar una versión que podría contradecir las palabras de Meza, afirmando que hubo algo más entre ellos antes de que el productor se hubiera separado oficialmente de su primera esposa.

En el trailer, de aproximadamente dos minutos de duración, se observa el momento en el que Chespirito la conoció, y cómo posteriormente tienen lo que parece ser un encuentro íntimo. La siguiente escena muestra al comediante llegando a casa con la marca de labial en la mejilla y siendo cuestionado por su esposa.

Si bien lo mostrado es apenas una pizca de lo que veremos a lo largo de los episodios de la serie, la narrativa del trailer es clara al mostrar que supuestamente Bolaños y Meza cometieron adulterio.

A casi 11 años del fallecimiento de Gómez Bolaños, esta historia de amor y controversia sigue siendo motivo de conversación, ahora impulsada por la bioserie que busca arrojar luz sobre los secretos personales del comediante.

Ciertamente, en los comentarios del trailer, los fans ya expresaron su emoción por ver esta narrativa en pantalla: “Van a mostrar hasta la infidelidad del Roberto, esta serie será barriga señor cine”.

El mundo del cine y la televisión ha despedido este lunes al actor Charley Scalies, actor estadounidense conocido sobre todo por sus papeles en dos de las series más emblemáticas de HBO, The Wire y Los Soprano. Scalies ha fallecido a los 84 años fruto de una larga batalla contra el Alzheimer que le llevó a pasar sus últimos momentos en una residencia de Phoenixville, Pensilvania, donde estuvo rodeado de sus seres queridos.

Ha sido precisamente uno de ellos, Anne Marie Scalies, quien ha informado de la muerte de su padre, acompañando la noticia con un obituario público donde se han enumerado los diferentes trabajos en el mundo del cine y las series en los que participó este actor, especialmente a partir de la década de los 90, cuando decidió dedicarse a tiempo completo a la interpretación.

Porque, además de su recordado trabajo en The Wire, donde hizo del estibador Thomas Pakusa, apodado como Horseface en su segunda temporada, o de ponerse en la piel de un antiguo entrenador de Tony Soprano (en la quinta temporada) en la famosa serie de la familia más querida del crimen organizado, Scalies también trabajó en otras series muy conocidas por los espectadores con pequeños papeles marcados por su carismática presencia.

Sus pequeños papeles en otras series icónicas y películas memorables

Entre estas figura Ley y Orden, donde el intérprete apareció en el episodio 14 de la quinta temporada además de figurar en otros dos episodios de su spin-off, Unidad de víctimas especiales. También trabajó en otras producciones como Caso abierto, con un pequeño papel en el primer episodio de la primera temporada, u Homicidio, un drama televisivo policial donde su papel fue el del sargento Sal Burns.

También tuvo participación en algunas películas muy conocidas como Two Bits, donde trabajó junto a Al Pacino, 12 monos, Liberty Heights, Víctima del engaño y Jersey Girl. Además, él mismo elaboró el guion de la película It Takes Balls, inspirada en la sala de billar de su padre del sur de Filadelfia donde se crio entreteniendo a los clientes con imitaciones y bromas. En publicidad, por otra parte, figuró en un anuncio de la marca de chicles y caramelos Perfetti Van Melle donde interpretó a un dictador ficticio, El Presidente, para lo que colgaron un retrato suyo en el conocido Palacio de Justicia deChurch Square en Pretoria, Sudáfrica. Hasta la fecha, nadie más ha tenido un retrato colgado en ese edificio.

Fuera del trabajo

La familia de Scalies, en ese mismo obituario público, ha querido recordar también la faceta más humana del actor señalando que su “público favorito” era el que se sentaba en su mesa. De este modo, lo han elogiado como una persona vital, generosa y entusiasta que quedará para siempre en el recuerdo de todos sus seres queridos. Casado durante más de 60 años con la misma mujer, con cinco hijos y cuatro nietos, la familia ha pedido que su último legado sea en forma de donación a la Greater Pennsylvania Chapter de la Alzheimer’s Association, algo que puede realizar cualquier persona que lo desee.

La serie de Harry Potter sigue dando de que hablar. A la ilusión generada por este nuevo proyecto de Max y al reciente anuncio de los actores que formarán parte del reparto, sin embargo, se le contrapone las polémicas a las que J.K. Rowling, autora de la saga de libros, se ha expuesto en los últimos años con sus posturas sobre el colectivo transexual.

A pesar de esto, la autora no ha dejado de implicarse en el nuevo proyecto, que permitiría profundizar aún más en el mágico mundo de Hogwarts, la escuela de magia y hechicería, y todos sus alumnos. Rowling figura, de hecho, como una de las productoras ejecutivas de la serie, pese a que en 2022 no participara en el reencuentro de los actores de las películas con motivo del 20 aniversario.

La ausencia de la escritora se debió, probablemente, a las opiniones expresadas por los principales protagonistas de la película: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Emma Watson (Hermione Granger) y Ruper Grint (Ron Weasley). “Hace años que no hablo con ella”, expresaba el primero en 2024, “su postura tránsfoba me da mucha pena”. Sin embargo, hay actores de las películas que no se manifestaron al respecto, uno de los cuales, de hecho, podría reencontrarse con la autora durante la producción de la nueva serie.

Un “sangre limpia” en el rodaje

El actor es nada más y nada menos que Tom Felton, el intérprete que se puso en la piel de Draco Malfoy, uno de los personajes más queridos de la saga. El actor expresó no hace mucho su deseo de visitar el set y conocer al próximo actor que hará del archienemigo rubio de Harry en la serie.

De hecho, según ha informado el medio británico Scottish Daily Express, Warner Bros estaría deseando poder contar con Felton para formar parte del documental del making of de la serie, un contenido extra que suele hacer Max con sus mejores producciones. Además, este mismo medio señala que también sería bueno que el actor participara en la producción, ya que su presencia podría ayudar a asesorar a las próximas estrellas infantiles.

A diferencia de los tres principales actores, Felton se negó a hablar mal en su momento de J.K. Rowling cuando esta fue intensamente criticada por sus comentarios tránsfobos. “Nadie ha hecho más por sí solo para llevar alegría a tantas generaciones y ámbitos de la vida diferentes”, la defendía cuando se le preguntaba. “Solo la he conocido un par de veces, pero siempre ha sido encantadora, así que le estoy muy agradecido”.

La dejaron “tirada debajo del autobús”

Esta postura, según el medio británico ya citado, habría sido crucial para la inminente contratación de Felton. "Todos saben que Tom cuenta con la aprobación de Jo. Mientras otros le daban la espalda, él la trataba con dignidad incluso si no estaba de acuerdo con ella. Y ahora parece que será el único miembro original del reparto que participará en la nueva producción“, informan fuentes cercanas.

La serie, explican esas mismas personas, permitiría a la escritora consumar su venganza para que tanto Radcliffe como Watson y Grint dejen de ser los rostros de referencia para las nuevas generaciones cuando piensen en Harry Potter. ”Ella cree que la han dejado tirada debajo del autobús. Es desgarrador para los tres. Dedicaron su infancia a crear a Harry Potter y este libro ocupó un lugar muy especial en sus vidas“.

Una familia estadounidense, recién instalada en el Reino Unido, acepta la invitación de una pareja británica para pasar un fin de semana en su idílica finca campestre. Lo que comienza como una escapada prometedora se transforma rápidamente en una experiencia inquietante y psicológicamente perturbadora. Según informó Universal Pictures, esta es la premisa de No hables con extraños (Speak No Evil), el remake estadounidense del aclamado thriller danés “Gæsterne”, que llegará a la plataforma Max el próximo 2 de mayo.

El filme, dirigido y escrito por James Watkins, adapta la obra original de Christian Tafdrup y Mads Tafdrup, quienes también colaboraron en el guion de esta nueva versión. La película original, estrenada en el Festival de Sundance en 2022, recibió elogios por su cruda exploración de la naturaleza del mal y su capacidad para incomodar al espectador. En esta reinterpretación, Watkins opta por un enfoque menos explícito, describiéndola como “un thriller psicológico con un concepto terrorífico incrustado, más que una película de terror directa”. Según declaraciones del director, el objetivo era generar tensión a través de la incomodidad y el suspenso, en lugar de recurrir a sustos convencionales.

El elenco principal está encabezado por James McAvoy, conocido por su papel en “Fragmentado”, quien interpreta a Paddy, un médico sin fronteras que vive en una granja aislada junto a su joven esposa Ciara, interpretada por Aisling Franciosi, y su hijo Ant, un niño con dificultades para comunicarse debido a una condición congénita. La familia estadounidense, compuesta por Ben (Scoot McNairy), Louise (Mackenzie Davis) y su hija Agnes (Alix West Lefler), se convierte en el centro de la trama cuando aceptan la invitación de esta pareja británica, a quienes conocieron durante unas vacaciones en Italia.

La historia sigue a los Dalton mientras intentan mantener la cordialidad en un entorno que se vuelve cada vez más incómodo y hostil. La tensión se incrementa a medida que los anfitriones, inicialmente encantadores, comienzan a mostrar comportamientos inquietantes. La película explora cómo las normas sociales y el deseo de evitar conflictos pueden llevar a las personas a ignorar señales de peligro evidentes, hasta que es demasiado tarde.

En comparación con la versión original, que narraba la experiencia de una familia danesa visitando a una pareja holandesa, esta adaptación traslada la acción al Reino Unido y modifica algunos elementos culturales para conectar con un público más amplio. Según McAvoy, la película honra el espíritu de la obra original, pero introduce giros que la diferencian. “Es menos explícita, pero igual de perturbadora”, comentó el actor en una entrevista.

El filme también destaca por su enfoque en las dinámicas familiares y las relaciones interpersonales. Agnes, la hija de los Dalton, es presentada como una niña ansiosa que encuentra consuelo en un peluche, mientras que Ant, el hijo de los anfitriones, lucha por comunicarse debido a su condición. Estas características añaden capas de complejidad emocional a la narrativa, haciendo que los conflictos sean aún más intensos.

No hables con extraños marca el regreso de James Watkins al género del suspenso, tras su éxito con Eden Lake en 2008. La película es una coproducción de Universal Pictures y Blumhouse, dos estudios reconocidos por su experiencia en el cine de terror y suspenso. Con un elenco de renombre y una trama que promete mantener a los espectadores al borde de sus asientos, esta nueva versión busca consolidarse como una de las propuestas más intrigantes del año en el género.

El estreno de No hables con extraños en Max está programado para el 2 de mayo, y los fanáticos del thriller psicológico ya anticipan una experiencia cargada de tensión y giros inesperados.

Los fanáticos de ‘The Last of Us’ se encuentran impacientes este domingo 27 de abril, ya que se acerca la hora para el estreno del episodio tres de este nueva temporada.

Cada domingo se ha estrenado un episodio por semana, lo que ha puesto nerviosos y ansiosos a la audiencia que de manera impaciente quiere saber qué pasará en el siguiente episodio.

Hasta el momento se han estrenado dos episodios y el último capítulo del pasado domingo 20 de abril, dejó a todos sorprendidos por la muerte de Joel, personaje principal de la serie, interpretado por Pedro Pascal.

Por lo tanto, los fans ya no pueden esperar más para saber qué pasará después de la muerte del personaje estrella, tras haber sido asesinado por Abby. ¿Habrá venganza por parte de Ellie? ¿Abby estará más presente en los siguientes episodios?

En México, el estreno del tercer episodio se podrá ver para quienes tengan en canal HBO en televisión de paga. Asimismo, este nuevo capítulo se transmitirá para aquellos que paguen la plataforma Max de streaming.

El tercer capitulo de la segunda temporada de ‘The Last of Us’ se estrenará este domingo 27 de abril y ya podrá ver a las 19:00 horas (Zona Centro) en las señales respectivas de paga tanto de canales como de la plataforma.

Por lo tanto, no falta mucho para saber qué pasará en esta nueva aventura tras la muerte de Joel. Muchos fanáticos se sorprendieron por lo ocurrido el domingo pasado, pero cabe mencionar que la historia es fiel al videojuego.

¿Cuántos capítulos son en total en esta segunda temporada de The Last of Us?

Como se mencionó anteriormente, cada domingo se estrena un nuevo capítulo. Aún quedan varias semanas de emoción, suspenso para saber cómo finalizará esta nueva entrega de ‘The Last of Us’, que se ha convertido en una de las series más vistas tanto en la plataforma como en México. Asimismo ha rotó récords de audiencia y ha sido muy aceptada por el público en general.

La nueva temporada de ‘The Last of Us’ tendrá un total de siete episodios y estas serán sus fechas de estreno.

Episodio 1: Estreno domingo 13 de abril.

Episodio 2: Estreno domingo 20 de abril.

Episodio 3: Estreno domingo 27 de abril.

Episodio 4: Estreno domingo 4 de mayo.

Episodio 5: Estreno domingo 11 de mayo.

Episodio 6: Estreno domingo 18 de mayo.

Episodio 7: Estreno domingo 25 de mayo.

Se estrenó el pasado 7 de marzo pero, según la política de Max (antes HBO Max) se ha ido emitiendo un capítulo por semana en la plataforma de ‘streaming’ hasta completarse por completo.

Ahora llega a su fin, después de 8 episodios, el final de Cuando nadie nos ve, la serie española dirigida por Enrique Urbizu y protagonizada por Maribel Verdú basada en la novela de Sergio Sarria.

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Se trata del regreso a las producciones ambiciosas (y con enjundia) de Max España después de su reconversión y de haber sido adquirida por Warner Bros. Discovery tras la fusión de ambas compañías.

Por lo tanto, sería la primera gran ficción de la plataforma después de apuestas importantes como Patria, creada por Aitor Gabilondo a partir de la novela de Fernando Aramburu sobre el conflicto vasco.

De qué va ‘Cuando nadie nos ve’

En esta ocasión, nos adentramos en una trama que se ambienta en la Semana Santa andaluza en un municipio sevillano que tiene una particularidad: en él se encuentra una de las dos bases estadounidenses militares que operan en España, lo que contribuye al choque inevitable entre culturas.

Se trata de Morón de la Frontera y, dentro de esas fiestas religiosas por excelencia, ocurrirán una serie de acontecimientos extraños concatenados: por un lado, un hombre se practicará el ‘sepukku’ (un ritual oriental para acabar con su vida de forma ‘honorable’), los miembros de una cofradía comenzarán a ver visiones después de haber consumido una droga alucinógena y, por último, un miembro del cuartel americano, experto en contrainteligencia, desaparecerá misteriosamente.

Ese será el desencadenante para que, por una parte, comience a investigar la teniente Lucía Gutiérrez (Maribel Verdú) y la agente americana de origen cubano Magaly Castillo (Mariela Garriga), enviada para averiguar el paradero de su compañero. Junto a ellos, encontramos a Dani Rovira (en un papel inesperado), Ben Temple o Austin Amelio (The Walking Dead), incluso al ex torero Óscar Higares, en su nueva faceta como actor.

Evidentemente, todos esos acontecimientos, aparentemente inconexos entre sí, tendrán un punto de unión y esa será la trama detectivesca a la que se enfrentarán los personajes.

Un series española alabada por la crítica

La serie ha sido dirigida por Enrique Urbizu, un autentico maestro dentro del género del thriller como certifican sus galardonadas películas La caja 507 o No habrá paz para los malvados, la gran vencedora en la edición de los premios Goya 2012.

Cuando nadie nos ve (creada por Daniel Corpas) ha sido considerada de forma unánime como una de las mejores series españolas de los últimos tiempos y no solo a nivel nacional, sino también internacional.

La prestigiosa publicación The New York Times la ha calificado como “una de las mejores series internacionales que se han hecho en años”. Ademas, la revista Variety, también la ha alabado, diciendo que “combina un emocionante drama criminal con una profunda exploración de los personajes y de los aspectos culturales, mezclando lenguajes narrativos y visuales de diversos géneros”.

En Infobae España tuvimos la oportunidad de entrevistar a Enrique Urbizu, encargado de la dirección de todos los capítulos y que logró imprimir su sello personal a esta serie que se ha convertido en un autentico fenómeno por su capacidad para combinar una narración policíaca como una trama de corrupción política, así como una profunda disección de cada uno de los personajes, ya sea más protagonista o menos.

Después llegarían marcas como Adidas, ASOS, Forever 21 o H&M e incluso fue elegida como una de las 30 jóvenes más influyentes del mundo gracias a su reivindicación de los cuerpos no normativos.

La gran revelación de ‘Euphoria’

Sin embargo, su reconocimiento a nivel internacional llegaría gracias a la serie Euphoria y su papel de Kat Hernández, una joven a la que le gustaba escribir ‘fan fiction’ y que terminaba convirtiéndose en ‘dominatrix’ para ganar un poco de dinero después de que se filtrara un vídeo sexual de ella. Amiga, por supuesto, de los personajes de Zendaya, Sydney Sweeney y Alexia Demie.

La actriz supo dotar a este personaje de una enorme personalidad y carisma. Lástima que el guion la dejara un poco de lado y no le sacara el suficiente partido, en beneficio de sus compañeras de reparto, con tramas más elaboradas. Quizás por esa razón, terminó abandonando la ficción creada por Sam Levinson.

Sin embargo, ella está orgullosa de su paso por esta serie que se ha convertido en icónica dentro de las nuevas generaciones.

Musa del cine independiente USA

Después de esa etapa la hemos visto en películas como Umpregnant, una pequeña participación en la cinta de ciencia ficción Nop, de Jordan Peele, en el thriller psicológico La casa de los susurros y, ahora, por fin se estrena como productora y protagonista (junto a John Leguizamo) en Un ‘like’ de Bob Trevino, película que ha sido la encargada de inaugurar el BCN Film Fest.

Se trata de una producción independiente, dirigida por la debutante Tracie Laymon, basada en hechos reales que gira en torno a una veiteañera, Lily Trevino, que acaba de ser abandonada por su padre. Será entonces cuando decida seguir su rastro en Facebook y, tras encontrar un perfil con el mismo nombre, comenzará a darle a esa persona ‘likes’ y a comentar sus post.

Así conocerá a Bob Trevino (Leguizamo), que no es su padre, sino un hombre que acaba de perder a su hijo y, entre ellos se establecerá una emotiva relación de amistad.

De hecho, a la actriz le emocionó mucho esta historia, porque su propio progenitor también abandonó el núcleo familiar cuando era pequeña y ella se crio con su madre y su abuela.

La actriz tiene pendiente de estreno un ‘remake’ de la película ‘gore’, Rostros de la muerte, en la que compartiría protagonismo con la cantante Charlie XCX, que también estará presente en lo nuevo de David Lowery y en I Want your Sex, del siempre polémico director ‘queer’ Greg Araki.

Max, la plataforma de streaming propiedad de Warner Bros. Discovery, ha adoptado una nueva medida en su intento de limitar el uso compartido de cuentas en Estados Unidos. A partir del martes 24 de abril, la compañía ha implementado un plan de suscripción denominado Extra Member Add-On, que exige un pago adicional de 7,99 dólares mensuales por cada usuario que acceda a la cuenta desde fuera del hogar principal. Este cambio tiene como objetivo frenar el abuso de contraseñas compartidas y, al mismo tiempo, aumentar los ingresos en un mercado con alta competencia.

Este nuevo enfoque busca no solo limitar el acceso no autorizado, sino también ofrecer mayor flexibilidad a los suscriptores para gestionar sus cuentas. La medida refleja una estrategia similar a la de otras plataformas, que en los últimos meses han tomado acciones más estrictas para contener el problema del uso compartido de cuentas entre diferentes hogares.

El modelo de Extra Member Add-On se inspira en una estrategia previamente adoptada por otros servicios. Desde 2022, se comenzaron a implementar políticas similares para cobrar a los usuarios que compartían cuentas fuera de su residencia principal. Estas iniciativas han demostrado ser efectivas, logrando incrementar los ingresos en un contexto en el que sumar nuevos suscriptores resulta desafiante debido a la saturación del mercado de streaming.

Además, este plan incluye una funcionalidad clave: la transferencia de perfil. Con ella, los usuarios tienen la opción de migrar su historial de visualización y preferencias a una cuenta independiente, facilitando la transición para quienes deseen optar por una suscripción propia.

Sin novedades en España

El presidente y CEO de streaming global y juegos de Warner Bros. Discovery, JB Perrette, destacó que estas funcionalidades tienen como objetivo mejorar la experiencia del usuario. Según explicó, el nuevo sistema busca proporcionar una forma más personalizada y accesible de disfrutar del contenido de la plataforma. También subrayó que esta medida permite a la compañía avanzar hacia una mayor flexibilidad en la gestión de cuentas, atendiendo tanto a las necesidades de los usuarios como a los intereses económicos de la empresa.

El propósito principal detrás de esta estrategia es reducir las pérdidas asociadas al uso compartido excesivo de cuentas. Al mismo tiempo, representa un esfuerzo por inducir a más usuarios a registrarse de manera individual, lo que se traduciría en mayores ingresos recurrentes. Habrá que esperar, eso sí, para su implementación en España, aunque es probable que no tarde mucho en llegar.

Por ahora, la medida se limita a Estados Unidos; sin embargo, no se descarta su expansión a otros mercados en el futuro. En el pasado, políticas similares adoptadas por otras plataformas han demostrado ser exitosas en países clave y posteriormente han llegado a territorios internacionales. Esto sugiere que la implementación podría extenderse a nivel global si los resultados son positivos en el mercado estadounidense.

El movimiento llega en un momento en que las plataformas de streaming enfrentan una creciente presión para mantener la rentabilidad. Los elevados costos de producción de contenido original y la saturación del mercado han llevado a las compañías a explorar nuevas vías de monetización, posicionando las restricciones al uso compartido de cuentas como una estrategia clave.

Bella Ramsey, protagonista de la serie The Last of Us, expresó sus reservas sobre las comparaciones físicas entre su cuerpo y el de Ellie, personaje que interpreta en la adaptación televisiva del videojuego homónimo.

En una entrevista concedida a The Hollywood Reporter, la actriz señaló que la representación física de Ellie en el juego no se ajusta a su constitución corporal.

“Fue genial sentirme realmente... capaz. Pero me fijé bastante en la apariencia de Ellie en el juego, en su musculatura, específicamente, en la definición muscular de sus brazos. Y yo no me veía así. Mi tipo de cuerpo no es ese”, declaró.

En esa misma línea, Ramsey dijo que no fue presionada a verse igual que el personaje del videojuego, sino que debía mantener cierto carácter para alinear su personalidad con esa versión mayor, ya que la segunda temporada se sitúa cinco años después de la primera.

“Hablé mucho de esto con Craig, y él nunca me puso esa expectativa. Quería que me viera fuerte y me sintiera fuerte, y eso se notaba en cómo me comportaba, en mi postura y en la confianza que tienes. Fue un reto para mí dejarme llevar por no parecer generada por ordenador”, explicó.

Asimismo, Bella Ramsey abordó su preparación emocional para una de las escenas centrales de la próxima temporada: la muerte del personaje de Joel, interpretado por Pedro Pascal.

“Casi fui demasiado lejos y lo hice demasiado normal, fingí que no estaba sucediendo hasta el momento en que realmente sucedió”, relató Ramsey, quien compartirá menos escenas con Pascal en esta nueva etapa de la historia.

El vínculo entre ambos actores se fortaleció precisamente a partir de esa certeza. “Entender desde el principio que el tiempo que Pedro y yo tendríamos juntos sería limitado nos hizo valorarnos mucho más”, admitió.

Durante la conversación, la estrella de 21 años habló también sobre el rol de liderazgo que asumió en el set, aunque sin considerarse a sí misma como una líder natural.

“Nunca me consideraría una líder. Pero hay algo que sucede cuando me dan responsabilidad, y realmente me gusta esa sensación y tomo la responsabilidad muy en serio”, afirmó.

Añadió que uno de sus principios fundamentales es la equidad en el trabajo: “Todo el mundo debería saber que es valorado, ya sea como miembro del equipo o del elenco, y que todos somos iguales”.

Ramsey comentó su decisión de alejarse de las redes sociales en vísperas del estreno de la segunda temporada, explicando que nunca tuvo un interés genuino por mantener presencia digital.

“Siempre supe que un día desactivaría mis redes sociales y, para ser honesta, nunca quise tener redes en primer lugar. No fue algo súper dramático, pero sí pensé en evitar Twitter y Reddit con la llegada de la segunda temporada. Ahora lo estoy haciendo, y todo está totalmente bien”, dijo.

El crecimiento de Ellie en la serie fue emocional

Por su parte, el showrunner Craig Mazin compartió su perspectiva sobre la narrativa de The Last of Us, poniendo en duda las nociones tradicionales de héroes y villanos.

“El punto de esta historia es que todo el concepto de protagonista está equivocado. Todo el concepto de villano está equivocado. Nuestra forma de procesar el mundo a través de héroes y villanos es un error”, comentó.

Y agregó: “Termina creando barreras entre las personas que no deberían estar ahí”.

A lo largo de la entrevista, Mazin reflexionó sobre la evolución personal y profesional de Bella Ramsey, en paralelo con el desarrollo de su personaje.

“No estoy interesado en el aspecto físico, sino en la madurez emocional y en el cambio de personalidad. He visto a Bella crecer y empezar a encontrar su propio camino... y siento eso completamente en Ellie”, expresó.

Pedro Pascal, por su parte, también se refirió al crecimiento actoral de su compañera en The Last of Us. Cabe destacar que, ambos también formaron parte del universo de Game of Thrones, pero nunca filmaron escenas juntos en dicha serie.

“La evolución de la Ellie de Bella, de la primera temporada a la segunda, refleja su propio desarrollo de independencia. No es una independencia aprendida o formada, sino una que siempre estuvo ahí y que permitieron vivir libremente”, afirmó.

Se ha revelado el tráiler de la octava temporada de Rick y Morty, la serie animada de Adult Swim que promete traer de vuelta nuevas aventuras multiversales a lo largo de 10 episodios.

Este nuevo avance muestra que volverán los personajes principales de la historia, como Summer, Jerry, Beth y la otra Beth, quienes serán participes de los acontecimientos protagonizados por las estrellas de la serie: Rick y Morty. Incluso se sugiere que Butter Bot, el robot creado para pasar mantequilla, podría tener un nuevo propósito.

Regresan personajes de temporadas anteriores

Las imágenes revelan el esperado regreso de la familia Smith, nuevos planetas y civilizaciones, un casino lleno de Ricks y Mortys (incluido un Rick al estilo de Coronel Sanders), Rick y la Espacial Beth luchando contra alienígenas, robo de huevos y el icónico “Death Race”. También se insinúa la posible aparición de más variantes de Rick dispersas en el multiverso.

La séptima entrega de Rick y Morty, que terminó en diciembre de 2023, introdujo cambios importantes en el canon oficial de la serie animada, asegurándose de cerrar algunas de las grandiosas historias que se habían acumulado en temporadas anteriores.

Eso significa que este estreno tendrá la libertad de explorar cada semana aventuras nunca antes vistas, o incluso podría introducir la semilla de otras historias que se resolverán a lo largo de esta y las cuatro temporadas más que están planeadas.

¿Qué teorías se han desatado acerca de la trama?

Han circulado en internet distintas teorías sugeridas a partir del tráiler. Durante una escena en la que aparecen muchas variantes de Rick, se dice que podrían estar reconstruyendo la nueva Ciudadela de Ricks, que fue destruida por la versión malvada de Morty en la quinta temporada.

Al respecto, el medio Comicbook coincide con esta teoría, argumentando que ver de nuevo a la Ciudadela no es una idea descabellada.

“Esto abre la posibilidad de traer a un enemigo mucho más notable que Evil Morty o Rick Prime, y la construcción de una nueva versión de la Ciudadela sería buena manera de desencadenar esa historia más grande”, se lee en el portal de Comicbook.

La séptima temporada dejó altas expectativas entre fans

La temporada anterior tuvo varios momentos inesperados que emocionaron a los fans, como el episodio en el que Rick, Morty y Evil Morty se enfrentan a la variante de Rick que mató a Diane, derrotándolo pero quedando insatisfechos con el resultado de su venganza.

En su momento, la serie concluyó con una emotiva escena en el que Morty decide conquistar el “agujero del miedo”, situado en los baños masculinos de Dennys.

El episodio terminó con Morty enfrentándose al miedo de que Rick lo abandone, mientras que el viejo decide seguir adelante con Diane, sintiendo una fuerte carga emocional luego de enterarse que el “agujero” puede manifestar a su difunta esposa.

En realidad, se desconoce el rumbo exacto que tomará la octava temporada de Rick y Morty a partir del camino trazado anteriormente, pero tanto los fans como los medios han teorizado una gran cantidad de posibilidades desde la publicación del tráiler.

Lo que sí se conoce desde principios de abril son los títulos de los nuevos episodios, los cuales continúan la tendencia de la serie de hacer referencia a películas famosas. Los títulos son los siguientes: “Summer of All Fears”, “Valkyrick”, “The Rick”, “The Mort & The Ugly”, “The Last Temptation of Jerry”, “Cryo Mort a Ricker”, “The Curicksous Case of Bethjamin Button”, “Ricker Than Fiction”, “Nomortland”, “Morty Daddy”, “Hot Rick”.

La octava temporada de Rick y Morty se estrenará en Max este 26 de mayo de 2025.

El último capítulo de la anterior temporada nos sumergió en una espiral de violencia por parte del personaje de Joel (Pedro Pascal) para salvar Ellie (Bella Ramsey) de los experimentos que pretendían hacer con ella por su inmunidad frente al hongo que ha convertido a buena parte de la humanidad en monstruos infectados.

Juntos escaparán hacia una nueva vida, a salvo en Jackson (Wyoming), donde se ha establecido el hermano de Joel, Tommy (Gabriel Luna). Al comienzo del capítulo de apertura descubriremos que un nuevo personaje, Abby (Kaitlyn Dever) va detrás de ellos para vengarse de las muertes que dejaron a su paso por la comunidad de los luciérnagas. Porque, como decían los carteles promocionales, “cada decisión tiene un precio”.

Han pasado cuatro años desde ese acontecimiento y, aunque la existencia de la pareja protagonista se ha vuelto más tranquila al vivir en un espacio protegido, su relación se ha ido tensando, como si la culpa y la sospecha habitaran de alguna forma en cada uno de ellos.

Esa falsa sensación de seguridad se romperá en el que ha sido uno de los capítulos que más impacto ha generado en el público, por la brutalidad y la sorpresa que contiene. A los jugadores de la franquicia de Naughty Dog no les habrá pillado este giro de los acontecimientos tan desprevenidos como a los demás pero, aún así, la crudeza y las dosis de terror ha superado las expectativas.

La venganza es un plato que se sirve frío

Y es que en este segundo episodio ocurren muchas cosas, y ninguna buena. Por una parte, en las tuberías de Jackson ha empezado a reproducirse el cordyceps. Al mismo tiempo las patrullas han encontrado nuevos grupos de infectados y todo el poblado permanece alerta por lo que pueda ocurrir.

Mientras, Abby, que ha encontrado el paradero de Joel, intenta acceder a la ciudad fortificada, pero se encontrará con un grupo de infectados por los que será atacada. ¿Y quién le salvará la vida? Precisamente el hombre al que ha venido a matar. Joel la llevará a un refugio pero, en ese momento, ella ya conoce su identidad y no piensa dar marcha atrás en lo que respecta a las intenciones que le han llevado hasta allí.

Lo que ocurre a continuación es una ejecución sin paliativos. Un asesinato a sangre fría con saña y mucho odio. En efecto, el personaje de Pedro Pascal, Joel, muere en este segundo capítulo, en uno de esos giros narrativos a la altura de, por ejemplo, la ejecución de Ned Stark en Juego de tronos.

Es algo que ya estaba presente en la historia original, pero eso no ha sido óbice para que los espectadores no pudiera dar crédito a lo sucedido. “¿De verdad?”, decían en las redes sociales muchos aficionados. De verdad.

Esta nota contiene spoilers.

Kaitlyn Dever reveló que la pérdida de su madre por cáncer de mama metastásico ocurrió apenas unas semanas antes de filmar la escena más trascendental de la segunda temporada de la serie de HBO The Last of Us.

En el segundo episodio titulado “Through the Valley”, Abby asesina a Joel, interpretado por Pedro Pascal. En declaraciones a Entertainment Weekly, Dever explicó que el rodaje ocurrió mientras atravesaba un duelo reciente.

“Perdí a mi mamá dos o tres semanas antes de filmar esta escena y el funeral de mi mamá fue tres días antes de mi primer día [de rodaje]”, afirmó. “Así que estaba como en una neblina. Estaba aturdida”.

Kathy, la madre de Dever, falleció en febrero de 2024 tras una lucha de 14 años contra el cáncer, según informó la actriz en una publicación de Instagram en ese momento.

La intérprete de 28 años describió los días previos a la filmación como “horribles” y señaló que su dolor influyó en su proceso actoral habitual.

“No pude hacer mi rutina normal como actriz para prepararme, lo cual fue muy interesante porque me preocupaba eso”, contó.

Y añadió: “Normalmente, si tengo un monólogo así, lo memorizo tres semanas antes. Tuve un enfoque distinto, y creo que eso sirvió mucho al personaje”.

Kaitlyn Dever destacó que el texto escrito por el guionista y showrunner Craig Mazin era lo suficientemente poderoso como para guiar su actuación en ese momento crítico.

“Pude simplemente... no pensar demasiado en ello porque las palabras en el guion ya eran muy potentes”.

En su publicación de despedida a su madre, Dever escribió: “Gracias por luchar tanto por nosotras durante tanto tiempo. Estoy eternamente, eternamente agradecida por el tiempo especial que pudimos pasar contigo, dulce mamá… nunca será suficiente”.

“Extraño tu sonrisa, tu sentido del humor, tus abrazos, tus besos, sostener tu mano, más que cualquier cosa en el mundo. Lo hiciste todo mejor. Mi dulce y hermosa niña. Mi mejor amiga. Qué regalo es amarte. Te amo por siempre, mamá”, finalizó en el homenaje a su madre.

Kaitlyn Dever habla de su doble papel en “The Last of Us”

La interpretación de Kaitlyn Dever en The Last of Us incluye una secuencia en la que Abby se enfrenta a su versión más joven en un sueño, una escena ideada exclusivamente para la adaptación televisiva por Mazin.

Para la nominada al Emmy, filmar esa escena representó un nuevo reto: “Tenía laringitis cuando lo hice. Fue tan intenso… pero sí, fue una escena muy triste. Me rompió el corazón tener que filmarla”.

La actriz grabó primero las escenas como la Abby más joven, para luego interpretar a la Abby adulta. Explicó que colaboró con Mazin en la construcción de esa dinámica dual.

“Como espectadora, ver ese lado de ella es muy importante y muy profundo. Te permite literalmente entrar en la mente de Abby. Encapsula todo lo que ella siente justo antes de la escena que viene después. Ella quiere desesperadamente recuperar su vida anterior. Quiere desesperadamente que la situación no sea la que es”.

En esa misma línea, enfatizó que esas nuevas escenas buscaban generar empatía hacia su personaje, una diferencia significativa con la estructura del videojuego original, The Last of Us Part II, que alterna la narrativa entre Ellie y Abby.

En televisión, los creadores consideraron que esa estructura no era viable. “Si nos apegáramos a una cronología similar [a la del juego], los espectadores tendrían que esperar muchísimo tiempo para obtener ese contexto”, explicó Neil Druckmann, cocreador del juego y productor de la serie, en una conferencia de prensa.

Para generar ese vínculo emocional desde el inicio, los creadores incorporaron elementos como los sueños y la confrontación interna de Abby.

“Fue una evolución natural de esa idea de cómo la situación la carcome por dentro”, dijo Druckmann a EW.

La escena clave con Joel incluye un monólogo que no aparece en el videojuego. En él, Abby verbaliza el peso emocional que arrastra desde la muerte de su padre.

Para Mazin, esa invención narrativa era esencial: “Lo importante es que ella quiere dejar claro que lo que él hizo estuvo mal. Punto. Culpable. Condenado a morir. Sin discusión. Me encanta cómo Pedro interpretó esa especie de aceptación. Lo cierto es que lo que él hizo es exactamente lo que ella está haciendo ahora. Matamos por las personas que amamos”.

Dever describió su reacción inicial al leer el guion:

“Esto es algo que no vemos en el juego”, es lo primero que pensó Dever al leer el guion y justificó la necesidad de incluirla porque “esta parte muy humana de ella que ha estado luchando tanto tiempo, y que intenta encontrar una salida a esa lucha”.

“Eso es lo que tienen en común todos esos personajes, incluso en esa habitación: todos son seres humanos con fallas”, concluyó.

Este capítulo, que incluye la muerte de uno de los personajes más queridos, Joel, interpretado por Pedro Pascal, ha sido descrito como un punto de inflexión en la narrativa de la serie. Según informó The Hollywood Reporter, el director británico Mark Mylod, conocido por su trabajo en series como Succession y Game of Thrones, fue el encargado de dirigir este episodio que combina drama íntimo, acción épica y una carga emocional devastadora.

De acuerdo con el medio, la participación de Mylod en la serie fue resultado de un comentario casual que hizo durante una entrevista promocional para Succession, donde expresó su deseo de trabajar con Craig Mazin, co-creador de The Last of Us. Mazin, al enterarse, no perdió tiempo en contactarlo y enviarle el guion del episodio. “Cuando leí el guion, mi reacción fue una mezcla de asombro y terror”, confesó Mylod al medio. La magnitud emocional y técnica del episodio lo convenció de aceptar el desafío, a pesar de la presión que implicaba dirigir un capítulo tan crucial.

La complejidad de una escena clave

Uno de los momentos más impactantes del episodio es la muerte de Joel a manos de Abby, interpretada por Kaitlyn Dever. Según detalló The Hollywood Reporter, Mylod se enfrentó al reto de equilibrar la brutalidad de la escena con la necesidad de explorar las motivaciones detrás de la violencia. “Quería evitar mostrar violencia por el simple hecho de hacerlo. Lo importante era entender qué llevó a Abby a cometer un acto tan extremo”, explicó el director.

Para lograrlo, Mylod optó por mantener gran parte de la violencia fuera de pantalla, enfocándose en las emociones de los personajes y en el contexto que los llevó a ese punto. Este enfoque, según el director, fue compartido por Mazin, quien también buscaba priorizar la narrativa emocional sobre el impacto visual explícito. La escena requirió un trabajo minucioso con los actores, especialmente con Bella Ramsey (Ellie) y Dever, quienes tuvieron que alcanzar niveles de vulnerabilidad emocional extremos. “Después de algunas tomas, no podía hablar, estaba en lágrimas”, confesó Mylod al medio.

El compromiso físico y emocional del elenco

El medio destacó el compromiso de Kaitlyn Dever con su papel, a pesar de las diferencias físicas entre ella y su personaje en el videojuego original. Según Mylod, Dever mostró una ferocidad y resistencia física impresionantes durante las largas jornadas de rodaje, incluso en escenas donde no era necesario un esfuerzo físico completo. “Le decía que podía bajar la intensidad en ciertas tomas, pero ella no podía contenerse. Siempre daba todo de sí”, relató el director.

Por su parte, Bella Ramsey sorprendió al equipo con su interpretación de Ellie en el momento en que descubre la muerte de Joel. Mylod admitió que, a pesar de haber imaginado la escena en su mente durante meses, la actuación de Ramsey superó todas sus expectativas. “Bella me destruyó emocionalmente. Fue imposible separar la actuación de la realidad en ese momento”, afirmó.

La experiencia previa en grandes producciones como preparación

La experiencia de Mylod fue clave para abordar los desafíos técnicos y logísticos de este episodio. Según The Hollywood Reporter, el director utilizó herramientas como software de previsualización y trabajó estrechamente con equipos de efectos visuales, especialistas en acrobacias y entrenadores de movimiento para dar vida a las complejas secuencias de acción.

El episodio incluyó una batalla épica y una persecución en la nieve que, según Mylod, fue diseñada para replicar la sensación visceral del videojuego original. “Queríamos que el público sintiera el mismo miedo que experimenté al jugar esa parte del juego”, explicó. Además, destacó la ambición detrás de la secuencia del ataque a Jackson, que combinó acción intensa con una narrativa emocionalmente cargada.

El impacto emocional y visual que perdurará

Uno de los momentos más memorables para Mylod fue la escena en la que los infectados emergen de la nieve, una imagen que calificó como una de las más satisfactorias de su carrera. Sin embargo, el director señaló que el verdadero desafío y recompensa del episodio residieron en capturar el dolor de Ellie al darse cuenta de la muerte de Joel. “Ese primer plano de Bella quedará conmigo para siempre, y espero que también con la audiencia”, concluyó.

Con este episodio, Mark Mylod no solo reafirma su capacidad para manejar producciones de gran escala, sino también su habilidad para explorar las profundidades emocionales de los personajes. Según The Hollywood Reporter, su trabajo en The Last of Us probablemente le valdrá una nueva nominación al Emmy, consolidando su reputación como uno de los directores más destacados de la televisión contemporánea.

Barcelona, 22 ene (EFE).- Max ha anunciado este miércoles el inicio del rodaje de la serie 'Ravalear', una creación de seis capítulos de 45 minutos cada uno creada y dirigida por Pol Rodríguez e Isaki Lacuesta, pareja que ya codirigió el filme 'Segundo Premio', que opta a los premios Goya con once nominaciones.

'Ravalear', que se estrenará en 2026, es un thriller, inspirado en hechos reales, que sucede en el barrio barcelonés del Raval, y contará con un reparto coral protagonizado por Enric Auquer, María Rodríguez, Quim Ávila, Sergi López, Francesc Orella, Lluïsa Castell, Alba Guilera y Noor Ul Huda.

Los guiones de esta serie, producida por Arcadia, estarán a cargo de Isa Campo, Isaki Lacuesta, Edu Sola, Alfred Pérez-Fargas, Roger Danés y Maialen Vélez.

Pol Rodríguez construye un relato inspirado en su propia historia familiar: Después de casi cien años de historia y tres generaciones, Can Moscas, un restaurante de toda la vida, frecuentado por artistas, empresarios y políticos, se encuentra bajo la inminente compra de un fondo de inversión, que pretende echarlos fuera del edificio como parte de sus planes para comprar propiedades y remodelar el barrio.

Al principio, la noticia hunde a la familia en la desesperación, pero poco después deciden defenderse y, con la ayuda de los cómplices perfectos, lucharán por no abandonar el restaurante, aunque para ello deban cruzar límites que nunca hubieran imaginado.

La serie aborda desde el thriller realista una historia local que trasciende a temas universales: la inmigración, la especulación inmobiliaria, la idiosincrasia de los barrios y el sentido de pertenencia o las relaciones familiares, así como los cambios que se producen con los relevos generaciones. Es una historia trasladable a cualquier gran ciudad del mundo.

La producción se rodará en diversas localizaciones del barrio del Raval, así como en diferentes lugares de Barcelona, que se convierte así en un personaje más de la historia; y se grabará en castellano, catalán, árabe, urdu e inglés.

Pol Rodríguez ha dicho: "Después de haber vivido la historia personal de nuestro restaurante familiar, quería explicar al mundo lo que está pasando en Barcelona, y en muchas ciudades del mundo, de la única forma que sé, a través de la cámara, y esta es mi terapia".

Rodríguez quiere mostrar en 'Ravalear' "la cara oculta de Barcelona", pero sin regodearse en el drama, "explicar este conflicto social a través de un thriller lleno de suspense, donde la tensión va en aumento, poco a poco, hasta llevar a los protagonistas a la asfixia".

Lacuesta, que conoció a Pol Rodríguez en ese mismo restaurante familiar, en el que era un habitual junto con su mentor cinematográfico, Joaquim Jordà, supo en directo del cierre del establecimiento a manos de un fondo de inversión.

"Fue un golpe para la familia, para el barrio y para los muchos que algunas veces fuimos allí felices, pero no fue un hecho aislado, es el mismo proceso que está ocurriendo en ciudades de todo el mundo, por eso me entusiasmó que Pol reaccionara escribiendo este thriller sobre una familia en lucha por la supervivencia, que se puede llegar a encanallar para no ser aplastados, luchando contra los buitres con sus propias armas".

Para Lacuesta, el retorno de Pol Rodríguez al lugar que mejor conoce, el Raval, tiene "algo de justicia poética", para mostrar finalmente todas esas violencias que están marcando las ciudades del siglo XXI: "abusos de poder, expropiaciones, crímenes de guante blanco y negro a la vez". EFE

En esta ocasión, se adapta el segundo videojuego de Naughty Dog, en el que se produce una variación entre los vínculos que se establecen entre los protagonistas. Ahora, Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) serán víctimas de la falta de comunicación. Su situación ha cambiado con respecto a lo que vivieron en el pasado, ahora están en un área protegida y viven en comunidad. Todavía no se encuentran a salvo porque el peligro acecha pero, a pesar de haberse establecido, de tener una mayor seguridad y compañía, cada vez parecen ser más cosas las que los separan.

Como ocurre en la mayor parte del contenido de la plataforma Max, cada semana se emite un episodio y, desde el principio ha sorprendido que ,en esta ocasión, la temporada completa no constara de nueve episodios, como ocurría con la anterior, sino de siete. Los creadores de la ficción, Craig Mazin y Neil Druckmann (que también era el responsable del videojuego original) tienen una razón a esta reducción de capítulos.

La razón por la que la T-2 de ‘The Last of Us’ tiene 7 capítulos

“Tenemos mucho más material de la Parte 2 del que teníamos de la Parte 1, así que el primer reto, desde el principio, fue averiguar cómo íbamos a contar la historia a lo largo de varias temporadas, dijo Mazin a la revista Deadline. “Para que cada tramo tenga coherencia e independencia se necesitan puntos de interrupción naturales dentro de la narración y, en este caso, ese momento, llega después de siete episodios”.

Quizás esa sea la razón por la que ya se confirmó antes del estreno de esta nueva tanda de capítulos, que habrá una tercera temporada de The Last of Us. Incluso, también ha quedado abierta la puerta a que la serie tenga más entregas ya que, los responsables, no saben si serán capaces de condensar en una trilogía todos los caminos de los personajes.

Tanto Mazin como Druckmann piensan que, mientras la serie tenga éxito y los fans sigan esperándola, ellos tendrán más margen para dedicarse mejor a cada trama, a cada capítulo, de manera que esté tan cuidado como un ‘blockbuster’ que se pudiera ver de forma independiente en pantalla grande.

“Nos hemos comprometido a ofrecer grandes temporadas y arcos”, señaló Druckmann y, al parecer, la plataforma Max se ha convertido en aliada del tándem, ya que pocas series generan tanta expectación como esta. “Lo importante es que cada capítulo tenga una estructura impecable”.

Así, el último capítulo de esta segunda temporada, el número siete, se emitiría el próximo 26 de mayo y, con él se cerraría esta etapa a la espera de una futura nueva tanda de episodios.

La esperada tercera temporada de La Edad Dorada, el drama histórico de HBO, se estrenará en junio de 2025, según confirmó la cadena. Esta nueva entrega, compuesta por ocho episodios, promete profundizar en las tensiones sociales y personales que marcaron la alta sociedad neoyorquina del siglo XIX, abordando temas como el divorcio, los matrimonios concertados y el movimiento por el sufragio femenino. La serie, creada por Julian Fellowes, conocido por su trabajo en Downton Abbey, continuará explorando los cambios económicos y culturales que definieron esta era de grandes transformaciones.

De acuerdo con información publicada por HBO, la trama de esta temporada se centrará en las consecuencias de la llamada “Guerra de las Óperas” y en cómo los personajes principales enfrentan los desafíos que surgen en sus vidas personales y profesionales. Los Russell, una familia que busca consolidar su posición en la élite social, jugarán un papel clave en esta nueva etapa. Bertha Russell, interpretada por Carrie Coon, emprenderá una ambiciosa misión que podría elevar a su familia a un nuevo nivel de prestigio, mientras que George Russell (Morgan Spector) tomará riesgos significativos en el sector ferroviario, con la posibilidad de revolucionar la industria o enfrentarse a una ruina total.

Conflictos familiares y tensiones sociales en el centro de la trama

La residencia de los Brook también será escenario de importantes conflictos. Según detalló HBO, Agnes (Christine Baranski) se opondrá a la nueva posición de Ada (Cynthia Nixon) como cabeza de la casa, lo que desatará tensiones internas. Por otro lado, Peggy (Denée Benton) se verá envuelta en un dilema personal al conocer a un médico de Newport cuya familia desaprueba su carrera profesional, reflejando las restricciones sociales de la época.

La vicepresidenta ejecutiva de HBO, Francesca Orsi, destacó en una entrevista con Deadline que esta temporada abordará de manera significativa el tema del divorcio, un fenómeno que comenzaba a ganar relevancia en las relaciones estadounidenses del siglo XIX. Orsi señaló que la serie explorará cómo los matrimonios concertados y sus posibles fracasos afectaban la aceptación social de las personas, un tema que podría estar vinculado a la trama de Gladys Russell (Taissa Farmiga). En la temporada anterior, Bertha había prometido la mano de Gladys al duque de Buckingham sin consultar a su esposo ni a su hija, lo que generó tensiones que, según el actor Morgan Spector, serán un punto central de conflicto en los nuevos episodios.

Nuevos escenarios y figuras históricas enriquecen la narrativa

Además de los conflictos familiares y sociales, la tercera temporada de La Edad Dorada introducirá nuevos escenarios y personajes históricos. Según revelaciones del elenco, esta será la primera vez que la serie incluirá escenas ambientadas en Inglaterra, lo que podría estar relacionado con el matrimonio de Gladys con el duque inglés. Asimismo, se espera que el movimiento por el sufragio femenino y la historia familiar de Bertha tengan un papel destacado en la narrativa.

El elenco de esta temporada incluye a figuras reconocidas como Carrie Coon, Christine Baranski, Cynthia Nixon, Morgan Spector, Louisa Jacobson, Denée Benton, Taissa Farmiga, Nathan Lane, Audra McDonald y Merritt Wever, entre otros. La producción, una coproducción de HBO con Universal Television, cuenta con Julian Fellowes como creador y productor ejecutivo, acompañado por Gareth Neame, David Crockett, Michael Engler, Bob Greenblatt, Sonja Warfield y Salli Richardson-Whitfield.

Un drama que refleja los cambios de una era

Desde su estreno, La Edad Dorada ha sido reconocida por su detallada representación de una época marcada por profundas transformaciones económicas y sociales. La serie no solo retrata la construcción de grandes imperios, sino también los sacrificios y conflictos que acompañaron este proceso. En esta nueva temporada, los personajes deberán enfrentar las consecuencias de sus ambiciones en un contexto donde las normas sociales están en constante cambio.

Con su estreno programado para junio de 2025, HBO promete mantener a los espectadores al borde de sus asientos mientras los personajes navegan por los desafíos de una sociedad en transición. La fecha exacta de lanzamiento será anunciada próximamente, pero los fanáticos ya pueden anticipar una temporada llena de intrigas, giros argumentales y una exploración profunda de los valores y conflictos de la época.

Madrid, 20 ene (EFE).- Madrid contará desde el próximo 6 de febrero con una nueva embajada, la de los Tebeos, un nuevo espacio cultural que pretende ser dinamizador del noveno arte y que contará con una 'Tebeoteca', así como con exposiciones temporales de historietistas de la talla de Max, Juan Berrio o Amelia Navarro.

Ubicada en el madrileño barrio de Embajadores, la Embajada de los Tebeos aspira a "proteger, exhibir y reconocer" el cómic español, según han informado a EFE fuentes de Asociación Cultural Percebe, que nace de la mano de esta nueva sede de la diplomacia comiquera.

Y para ello articulará su actividad en torno a las exposiciones y venta de originales, la 'Tebeoteca', así como presentaciones de libros, coloquios o seminarios.

Detrás de esta nueva propuesta está el Juan José Jiménez Blázquez, conocido como Juanjo el rápido, un experto en la viñeta y agitador cultural que preside la Asociación Cultural Percebe y cuya colección privada de cómics es la columna vertebral de esta biblioteca de bocadillos y viñetas también compuesta por las aportaciones de socios y simpatizantes.

En cuanto a las exposiciones, éstas serán trimestrales a lo largo de 2025 y la programación arrancará con Max, que será una suerte de padrino de esta nueva aventura.

Así, el 6 de febrero y hasta el 12 de abril, se podrán ver 92 obras seleccionadas por el propio autor, Premio Nacional de Cómic 2007, que recorren medio siglo de carrera. La exposición se completará con una mesa redonda, el 7 de febrero, que contará con Max, Lorenzo Montatore y Yeyei Gómez.

Completarán el año otras muestras monográficas de Juan Berrio, Amelia Navarro y Miguelanxo Prado, que tendrán, como la de Max, su propio catálogo, ediciones que se han concebido para convertirse en una "panorámica general" de la historieta en España.

Entre otras actividades, la embajada albergará un domingo al mes el mercadillo 'Patanegra' de cómics, cuya primera convocatoria en esta ubicación es el 9 de febrero. EFE

Rumbo al cierre de mes, la semana se abre paso con nuevos estrenos en las plataformas de streaming más populares, ofreciendo opciones para todos los gustos y edades, desde los fanáticos de los documentales hasta quienes disfrutan de la acción y el drama, combinado entretenimiento, emociones cautivadoras y adrenalina.

Este periodo que abarca del 21 al 27 de abril trae consigo una amplia variedad de estrenos que incluyen emocionantes películas de acción, documentales impactantes, dramas intensos, historias inspiradoras y producciones cargadas de ciencia ficción, crimen, aventura y comedia, así como el regreso de series aclamadas por el público.

Las plataformas de streaming se han convertido en una de las principales formas de entretenimiento en la actualidad, ofreciendo el acceso a una amplia variedad de contenidos como series, películas, documentales y más, que pueden disfrutarse desde la comodidad del hogar. Entre las más populares, Netflix, Prime Video, Disney+ y Max han actualizado su catálogo con los próximos lanzamientos.

Qué se estrena en Netflix

Netflix lidera la semana con una variada selección de estrenos que incluyen documentales, películas de acción y nuevas temporadas de series. El lunes 21 de abril, la plataforma lanza el documental “Pangolín: El viaje de Kulu”, que narra la historia de un pangolín bebé rescatado del tráfico ilegal y su regreso a la naturaleza con la ayuda de su cuidador.

El martes 22, los amantes de las carreras de caballos podrán disfrutar de “Carrera por la corona”, una serie documental que explora la intensa competencia en la Triple Corona, mostrando las historias de jinetes, entrenadores y dueños de caballos.

El miércoles 23 estrena los documentales “Congonhas: Tragedia anunciada”, que analiza el desastre aéreo más mortífero de Latinoamérica, y “Carlos Alcaraz: A mi manera”, que sigue al joven tenista español mientras intenta equilibrar su ascendente carrera con su vida personal. Ese mismo día, se estrena la película de acción “Pánico en el tren bala”, donde un tren con destino a Tokio enfrenta una amenaza explosiva si su velocidad desciende por debajo de los 100 kilómetros por hora.

El jueves 24 será el regreso de la exitosa serie “You” con su quinta temporada, en la que el protagonista continúa su peligrosa obsesión por las mujeres que despiertan su interés.

Finalmente, el viernes 25, Netflix amplía su oferta con una mezcla de acción y aventuras con estrenos entre los que se encuentran la segunda temporada de “Horizontes Pokémon: En busca de Laqua”, que sigue a los jóvenes entrenadores en su viaje por Paldea, y la serie “Un héroe débil”, que relata la lucha de un estudiante introvertido contra el acoso escolar.

En cuanto a películas, ese día se estrena “El ladrón de joyas”, la historia de un hábil estafador que idea un robo de diamantes para intentar burlar a su sádico adversario, y “Estragos”, un thriller que sigue a un policía en su misión de rescatar al hijo de un político en una ciudad corrupta

Cuáles son los próximos estrenos de Prime Video

En el caso de esta plataforma, el jueves 24 se estrena la serie “Étoile: Danza de estrellas”, una producción tipo documental que muestra el intercambio de talentos entre dos compañías de ballet de renombre mundial para salvar sus instituciones. Ese mismo día, se estrena la película “Ash”, ambientada en un planeta misterioso donde una mujer debe decidir si puede confiar en su único aliado tras el asesinato de su tripulación.

Posteriormente, el viernes 25, Prime Video lanza “El Robo Perfecto: Pantera” que sigue la historia de un ladrón que se une a la mafia para ejecutar el mayor atraco de diamantes de la historia, mientras que “Superboys of Malegaon” relata la experiencia de un aspirante a cineasta que crea una película local inspirada en su vida en un pueblo rural de la India.

Qué se estrena en Disney+

El lunes 21, la plataforma estrena “Los secretos de los pingüinos”, un documental de National Geographic que utiliza tecnología avanzada para explorar la vida de estas aves en regiones remotas del mundo.

Por otro lado, el miércoles 23, los fanáticos de Star Wars podrán disfrutar de la segunda temporada de “Andor”, que narra los años formativos del espía Cassian Andor y su papel en la creación de la Alianza Rebelde. Ambientada cinco años antes de los eventos de “Rogue One”, la serie profundiza en la transformación de Andor de ladrón a revolucionario.

Cuáles son los estrenos de HBO Max

Esta plataforma cierra la semana con estrenos que incluyen una película de Marvel y dos dramas cargados de emociones. El viernes 25, HBO presenta “Kraven el Cazador”, que explora los orígenes de uno de los villanos más icónicos de Marvel, interpretado por Aaron Taylor-Johnson, y su compleja relación con su padre, encarnado por Russell Crowe.

Ese mismo día, se estrena “Thelma: La venganza nunca ha sido tan dulce”, una película que sigue a una mujer de 93 años en su búsqueda por recuperar lo que le fue robado por un estafador telefónico. Además, llega la serie “Un hombre decente”, que narra la vida de Pawel, un cirujano cardíaco cuya aparente perfección se ve amenazada por eventos inesperados en su vida personal y profesional.

Desde este 18 de abril, los fans del Hombre de Acero en México tienen una razón especial para enfundarse en la icónica camiseta con el escudo “S” y unirse a las celebraciones del Superman Day, una fecha que homenajea al primer superhéroe de la historia del cómic.

Este año, Warner Bros. Discovery apostó por una amplia campaña que incluye eventos en vivo, programación temática y lanzamientos de productos diseñados para conectar a los seguidores con el legado del héroe de Metrópolis.

Creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938, Superman no solo es un símbolo de fuerza y heroísmo, sino también un defensor de los valores de verdad, justicia y esperanza. Para 2025, Warner Bros. Discovery ha preparado activaciones multiplataforma que harán de esta celebración un evento inolvidable, con México figurando como uno de los países donde las actividades tendrán gran protagonismo.

Experiencias para fans en México: Superman Run y más

Entre las iniciativas más destacadas en el país, Warner Bros. Discovery ha anunciado la realización de la Superman Run, una serie de carreras que se llevarán a cabo en distintos puntos de México a lo largo del año.

Estas competencias buscan transmitir el espíritu heroico y colectivo que representa el Hombre de Acero, por lo que dejará que los participantes formen parte de una experiencia inmersiva que celebra al icónico personaje.

Además, los fans podrán disfrutar de los nuevos productos lanzados como parte de la campaña global de Superman. Desde juguetes y accesorios hasta ropa y decoración, la nueva línea de productos incluye diseños inéditos inspirados tanto en la próxima película del superhéroe como en las versiones clásicas del personaje en los cómics, series y películas.

Estos artículos estarán disponibles a partir del 18 de abril en puntos de venta selectos, incluyendo la tienda oficial de DC, que contará con piezas de diseño exclusivo y hasta ilustraciones inéditas.

Programación especial en televisión y streaming

Los seguidores del superhéroe también podrán celebrar desde la comodidad de sus casas gracias a la programación temática que ofrecerán varios canales de televisión. En Cartoon Network, por ejemplo, se emitirán los tres primeros episodios de la animación Mis Aventuras con Superman, seguidos de episodios especiales de Los Jóvenes Titanes en Acción, donde Superman y Krypto tendrán apariciones estelares. Este bloque temático se transmitirá de 16:00 a 18:00 horas.

Warner Channel se sumará a la celebración con emisiones especiales de The Big Bang Theory, con episodios que rinden homenaje al universo de los superhéroes, así como un episodio exclusivo del programa Inside Warner, que incluirá entrevistas sobre la próxima película del Hombre de Acero.

Además, HBO presentará el documental Super Man: La historia de Christopher Reeve, que ofrece una mirada íntima al legado dejado por quien dio vida al héroe más emblemático de DC.

Para los usuarios de streaming, la plataforma Max reunirá una colección temática que incluirá películas y series animadas y live-action de Superman. Este contenido estará disponible en las secciones de DC Comics y la pestaña de películas y series.

Acciones digitales y talentos en homenaje a Superman

El Superman Day no solo cobrará vida en pantallas, sino también en redes sociales, donde Warner Bros. Discovery busca generar conversación en torno al ícono. La campaña incorpora a más de 60 talentos del mundo deportivo en América Latina, entre ellos figuras de México, Brasil, Argentina y Chile, quienes lucirán la emblemática camiseta de Superman y compartirán mensajes alusivos a la fecha.

Treinta talentos de producciones originales de Warner Bros. Discovery, como Belleza Fatal, Como Agua para Chocolate y Margarita, también participarán en el homenaje con publicaciones especiales para celebrar al Hombre de Acero y conectar con su mensaje universal de esperanza y resiliencia.

Esta serie de activaciones no sólo marca el regreso de Superman a la pantalla grande, sino que también busca reafirmar su lugar como uno de los mayores íconos de la cultura pop. Tal como indica Warner Bros. Discovery: “La iniciativa incluye lanzamientos de socios licenciados en categorías como alimentos, accesorios, juguetes, publicaciones, decoración y vestimenta con diseños inéditos basados en la nueva película y las versiones clásicas del personaje en los cómics, series y películas”.

Para cerrar con broche de oro las acciones promocionales, el 31 de mayo durante la final de la UEFA Champions League, TNT Sports presentará una apertura especial inspirada en Superman, con talentos del canal participando en un segmento exclusivo que promete sorprender a los aficionados al fútbol.

Una invitación a unirnos al héroe que llevamos dentro

El Superman Day 2025 promete ser un evento inolvidable que exalta los valores universales y la influencia cultural del primer superhéroe de la historia. Desde activaciones presenciales como la Superman Run y lanzamientos de productos temáticos, hasta programación especial en televisión y streaming, los fans mexicanos tendrán múltiples formas de participar y rendir homenaje al Hombre de Acero.

Así que ya sea corriendo con capa o disfrutando de los mejores contenidos de DC Comics, a partir de este 18 de abril será una excelente oportunidad para celebrar y recordar que todos podemos ser el héroe que el mundo necesita.

De acuerdo con Max, esta iniciativa también sirve como antesala al estreno del nuevo largometraje titulado simplemente Superman, que llegará a los cines el próximo 11 de julio. La plataforma invita a los fanáticos y a las nuevas audiencias a sumergirse en el universo del superhéroe a través de una maratón que incluye títulos emblemáticos y reinterpretaciones modernas del personaje.

Producciones para disfrutar en familia

Entre las opciones destacadas para los más pequeños y sus familias, Max incluye la película animada “DC Liga de Súpermascotas” (2022). Esta producción presenta a Krypto, el fiel superperro de Superman, liderando a un grupo de animales con habilidades extraordinarias en una misión para salvar a la Liga de la Justicia. Según detalló la plataforma, esta cinta es una introducción ideal al universo del superhéroe, con un enfoque divertido y accesible para los niños.

Otra recomendación para toda la familia es “Superman: La Serie Animada”, lanzada en 1996. Este clásico de los años 90 sigue las aventuras del héroe en Metrópolis, enfrentando villanos y explorando su origen kryptoniano. La serie es considerada una de las representaciones más queridas del personaje en el formato animado.

Clásicos que marcaron una era

Max también ha incluido en su catálogo las icónicas películas protagonizadas por Christopher Reeve, que definieron la imagen de Superman en el cine. Entre ellas se encuentran “Superman: La Película” (1978), en su versión extendida dirigida por Richard Donner, así como las secuelas “Superman II”, “Superman III” y “Superman IV”. Estas producciones, que marcaron un antes y un después en la historia del cine de superhéroes, ofrecen una experiencia nostálgica para quienes crecieron con ellas y una oportunidad para que las nuevas generaciones descubran al Superman que conquistó al mundo.

Otra obra destacada es “Superman Regresa” (2006), protagonizada por Brandon Routh. Según informó Max, esta película rinde homenaje a la era de Reeve, retomando el espíritu clásico del personaje con una narrativa centrada en el reencuentro y la redención.

Además, la plataforma incluye la serie “Smallville” (2001), que narra la adolescencia de Clark Kent mientras descubre sus poderes y enfrenta los desafíos de encontrar su lugar en el mundo. Protagonizada por Tom Welling, esta producción fue un fenómeno cultural que redefinió la figura del superhéroe para una nueva generación.

Nuevas interpretaciones del mito

Para quienes buscan versiones más recientes y atrevidas del personaje, Max ofrece títulos como “El Hombre de Acero” (2013), la primera película de Henry Cavill como Superman. Dirigida por Zack Snyder, esta producción presenta una visión más introspectiva e intensa del héroe, marcando el inicio de una nueva mitología cinematográfica.

También están disponibles “Batman vs Superman: El Origen de la Justicia” (2016) y “La Liga de la Justicia: Versión de Zack Snyder”, que profundizan en los dilemas morales y los conflictos épicos del universo DC. Según destacó Max, estas películas exploran el peso de ser un símbolo en un mundo dividido, ofreciendo una narrativa cargada de estilo y profundidad.

Otra propuesta interesante es “Superman: Hijo Rojo” (2020), una película animada basada en el cómic de Mark Millar. Esta historia alternativa imagina qué habría sucedido si el bebé kryptoniano hubiera aterrizado en la Unión Soviética en lugar de Kansas, ofreciendo una perspectiva provocadora sobre el mito del superhéroe.

Finalmente, la animación “Superman/Batman: Apocalipsis” (2010) aborda la llegada de una poderosa chica kryptoniana a la Tierra, explorando temas como la confianza, el poder y la familia en el contexto del universo expandido de DC.

Un enfoque íntimo y humano

La serie “Superman & Lois” (2021) ofrece una mirada más personal al héroe, mostrando a Clark Kent y Lois Lane mientras regresan a Smallville para criar a sus hijos adolescentes. Según informó Max, esta producción combina acción con dilemas familiares, presentando un enfoque contemporáneo que humaniza al personaje y lo acerca a las experiencias cotidianas.

El legado de Christopher Reeve

Como parte de su homenaje al Hombre de Acero, Max también incluye el documental “Super/Man: La Historia de Christopher Reeve” (2024). Este conmovedor relato explora la vida del actor que dio vida a Superman en el cine, destacando su papel como activista, padre y símbolo de resiliencia. Según detalló la plataforma, el documental es un tributo sensible a uno de los intérpretes más recordados del superhéroe.

Una celebración del símbolo de la esperanza

Tal como reportó Max, esta selección especial busca recordar por qué, incluso después de 85 años, Superman sigue siendo un ícono universal de esperanza y justicia. Con opciones para todas las edades y gustos, la plataforma invita a los espectadores a celebrar el Superman Day con una maratón que honra el legado de uno de los personajes más emblemáticos de la cultura popular.

Durante la Semana Santa, muchas familias alrededor del mundo mantienen la tradición de ver películas que retratan la vida, pasión, muerte y resurrección de Jesús. Esta costumbre, que ha pasado de generación en generación, tiene un valor espiritual que además se ha convertido en un momento de reunión familiar y reflexión.

Películas como Jesús de Nazaret, La Pasión de Cristo o Los Diez Mandamientos suelen ocupar un lugar especial en la programación de televisión durante estos días santos, sin embargo, con el paso del tiempo y el auge de las plataformas digitales, esta tradición ha evolucionado. Ahora, es posible acceder a un amplio catálogo de producciones religiosas desde la comodidad del hogar, en cualquier momento del día.

Las plataformas de streaming han facilitado que estas historias atemporales lleguen a nuevas audiencias, incluyendo a jóvenes que quizás no crecieron con esta costumbre, pero que se sienten atraídos por el mensaje espiritual y el valor cinematográfico de estas películas. En el caso de Max, aunque no poseé un catálogo tan variado sobre este género, ofrece una selección de películas, series y documentales relacionados con la fe cristiana y la figura de Jesús.

Desde grandes producciones que se han convertido en un clásico hasta reinterpretaciones modernas, los usuarios encontrarán contenido ideal para acompañar el periodo que abarca la Semana Santa, manteniendo viva la tradición y adaptándose a los nuevos formatos de consumo audiovisual que ofrecen alternativas a la programación televisiva.

Qué ver en HBO Max estos días santos

The Passion: una miniserie que revive los días finales de Jesús

Entre las opciones disponibles en HBO Max, destaca La Pasión (The Passion), una miniserie de cuatro episodios estrenada en 2008. Esta producción se sitúa en los días previos a la Pascua, cuando miles de peregrinos llegan a Jerusalén para celebrar una de las festividades más importantes del calendario religioso. La trama aborda las tensiones políticas y religiosas de la época, con Poncio Pilato enfrentando el desafío de mantener el orden en la ciudad y el Sumo Sacerdote Caifás lidiando con la presión de los acontecimientos. La narrativa se intensifica con la llegada de Jesús el Galileo, quien entra en Jerusalén montado en un burro, cumpliendo así dos profecías que anuncian la llegada del Mesías.

Ben-Hur: un clásico del cine épico

Otra de las producciones destacadas en el catálogo de HBO Max es Ben-Hur, la icónica película de 1959 dirigida por William Wyler. Basada en la novela Ben-Hur: A Tale of the Christ de Lewis Wallace, esta obra maestra del cine épico se desarrolla en Judea durante el reinado del emperador Tiberio. La historia sigue a Judá Ben-Hur, un príncipe judío que es traicionado y esclavizado por su antiguo amigo romano, Messala.

Además de ser una narración de venganza y redención, la película entrelaza la vida de Ben-Hur con la de Jesús, mostrando cómo sus caminos se cruzan en momentos clave, por ello, este clásico no solo es reconocido por su impresionante producción y sus icónicas escenas, como la carrera de cuadrigas, sino también por su mensaje espiritual y su representación de la fe.

Papa Francisco: un hombre de palabra

Para quienes buscan contenido más contemporáneo, HBO Max ofrece el documental Papa Francisco: un hombre de palabra, dirigido por Wim Wenders y estrenado en 2018. Esta producción presenta una entrevista con el papa Francisco, en la que el pontífice aborda temas actuales y comparte su visión sobre el mundo. De igual manera, repasa momentos clave de la vida de Jorge Mario Bergoglio, quien se convirtió en el papa número 266 de la Iglesia Católica el 13 de marzo de 2013.

Es importante recordar que Francisco es el primer pontífice procedente de América del Sur, el primer jesuita en ocupar el cargo y el primero en adoptar el nombre de Francisco, en honor a San Francisco de Asís, conocido por su dedicación a la pobreza y su amor por la naturaleza. En este contexto, el documental ofrece una mirada íntima a la figura del papa y su mensaje de esperanza y compasión.

Fátima: una historia de fe y milagros en Portugal

Finalmente, el catálogo de HBO Max incluye Fátima, una película que narra los acontecimientos ocurridos en Portugal en 1917, cuando tres niños afirmaron haber visto a la Virgen María. De acuerdo con la sinopsis oficial, las revelaciones de los pequeños generaron controversia, enfrentándolos tanto al Gobierno como a la Iglesia, que intentaron desacreditar sus testimonios, no obstante, a medida que la noticia de las apariciones se extendió, miles de peregrinos acudieron a Fátima con la esperanza de presenciar un milagro. La película explora cómo estos eventos transformaron la vida de los niños y de quienes presenciaron los hechos, ofreciendo una reflexión sobre la fe y el impacto de lo divino en la vida cotidiana.

La serie, producida por Warner Bros. Discovery, en colaboración con THR3 Media y Perro Azul, promete explorar no solo el legado artístico de Gómez Bolaños, sino también los sacrificios personales que marcaron su camino hacia el éxito. Según detalló la plataforma, la trama abarca desde su infancia hasta la década de los 80, mostrando cómo un joven soñador logró abrirse paso en la naciente industria televisiva, mientras enfrentaba los desafíos de la fama y las complejidades de su vida personal.

Un homenaje a los personajes que marcaron generaciones

Chespirito: sin querer queriendo se centra en la figura de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito, y en los entrañables personajes que creó, como El Chavo del 8, El Chapulín Colorado y El Doctor Chapatín. La serie no solo recrea momentos clave de su carrera, sino que también profundiza en los aspectos más humanos del comediante, incluyendo las decisiones difíciles que tomó en su búsqueda por ser reconocido y amado.

El actor Pablo Cruz ha sido elegido para interpretar a Gómez Bolaños en su etapa adulta, mientras que Iván Aragón dará vida al creador en su juventud. Además, el elenco incluye a Bárbara López como Margarita Ruiz, conocida por su papel de Doña Florinda, y a Miguel Islas como Ramón Valdés, el inolvidable Don Ramón. Otros actores destacados son Juan Lecanda como Quico, Paola Montes de Oca como La Chilindrina y Arturo Barba como el Profesor Jirafales.

Un equipo creativo comprometido con la autenticidad

La producción de Chespirito: sin querer queriendo cuenta con un equipo creativo de primer nivel, encabezado por Roberto Gómez Fernández y Paulina Gómez Fernández, hijos del comediante, quienes participaron en la escritura del guion y en la visión artística de la serie. La dirección está a cargo de Rodrigo Santos, junto con Julián de Tavira y David Ruiz “Leche”, mientras que el diseño de vestuario, maquillaje y producción ha sido cuidadosamente trabajado por expertos como Annai Ramos, MariPaz “Negra” Robles y Francisco Blanc, respectivamente.

La música original, compuesta por Camilo Froideval, y el diseño sonoro, liderado por Gonzalo Matijas y Matías Vilaro, buscan transportar a los espectadores a las décadas de los 50, 60, 70 y 80, épocas clave en la vida de Gómez Bolaños. Según informó Warner Bros. Discovery, el objetivo del equipo ha sido capturar la esencia de los personajes y el contexto histórico en el que surgieron, manteniendo un equilibrio entre la nostalgia y la innovación.

Un relato sobre el precio del éxito

La serie no solo se enfoca en los logros profesionales de Gómez Bolaños, sino también en los sacrificios personales que enfrentó a lo largo de su vida. Según la sinopsis oficial, “Chespirito: Sin Querer Queriendo” narra cómo el deseo de hacer reír y ser reconocido llevó al comediante a crear historias llenas de ternura y humor, pero también a tomar decisiones que impactaron profundamente su vida personal. Este enfoque busca mostrar al hombre detrás de los personajes, revelando sus luchas, sus sueños y las consecuencias de su búsqueda por el éxito.

Elenco y personajes: un tributo a la vecindad más famosa

Además de los actores que interpretan a Gómez Bolaños en sus distintas etapas de vida, el elenco incluye a figuras como Paulina Dávila, quien encarna a Graciela Fernández, y Andrea Noli, en el papel de Angelines Fernández, conocida como La Bruja del 71. Eugenio Bartilotti da vida a Edgar Vivar, el Señor Barriga, mientras que Karina Gidi interpreta a Elsa Bolaños, hermana del comediante. Cada uno de estos personajes busca rendir homenaje a los actores y actrices que formaron parte del universo de Chespirito, recreando sus historias con fidelidad y respeto.

Un legado que trasciende generaciones

La serie biográfica llega en un momento en el que el legado de Roberto Gómez Bolaños sigue vigente en la memoria colectiva de millones de personas en todo el mundo. Sus creaciones, como “El Chavo del 8” y “El Chapulín Colorado”, no solo marcaron la infancia de generaciones, sino que también se convirtieron en referentes culturales que trascienden fronteras y épocas. Según Warner Bros. Discovery, Chespirito: Sin Querer Queriendo busca celebrar este legado, al mismo tiempo que ofrece una mirada honesta y profunda sobre el hombre detrás de los personajes.

Con su estreno programado para el 5 de junio, la serie promete convertirse en un evento imperdible para los fanáticos de Chespirito y para quienes deseen conocer más sobre la vida de uno de los comediantes más influyentes de la televisión.

Se ha hablado mucho sobre la base real del virus que genera el apocalipsis y que convierte a los humanos en monstruosas criaturas infectadas. En efecto, el Cordyceps existe, y es un hongo parasitario que se hospeda en algunos insectos para, desde su interior, ir colonizando su cuerpo para esparcir sus esporas. Eso sí, por el momento, no ha dado el salto evolutivo para que los humanos se conviertan en huéspedes, como sí que ocurre en la serie.

La principal referencia de ‘The Last of Us’

Sin embargo, además de este sustrato científico que otorga a la ficción un carácter de terror y ciencia ficción, una de las razones de su éxito se debe a la relación que se establece entre el personaje de Joel (Pedro Pascal) y de Ellie (Bella Ramsey). Él perdió a su hija durante el estallido de la tragedia y se ha convertido en un mercenario sin escrúpulos que recibirá la misión de llevar a la niña a un hospital de refugiados donde se pueda analizar su capacidad de inmunidad frente al virus.

Poco a poco se irá estableciendo entre ellos una unión paterno-filial que se convertirá en el corazón de la serie. Solo se tienen el uno al otro y se protegerán mutuamente para poder sobrevivir.

Este vínculo podría tener millones de referencias dentro de la cultura popular pero, hay una en concreto que siempre estuvo presente desde la propia concepción tanto del videojuego como de la serie creada por Craig Mazin y Neil Drukmann.

Se trata del cómic japonés El lobo solitario y su cachorro, un manga escrito por Kazuo Koike e ilustrado por Goseki Kojima publicado originalmente en los años setenta y que se ha convertido en una de las mayores fuentes de inspiración dentro de la cultura popular contemporánea.

En ella, se cuenta la historia de un ‘kaishakunin’ (así se denominaban a los asistentes de aquellos nobles obligados a practicarse el ‘sepukku’ o, lo que es lo mismo, a matarse de manera supuestamente digna según los códigos ‘samuráis’), que será víctima de una traición tras el asesinato de toda su familia. Solo le quedará su niño recién nacido, junto el que iniciará un camino de venganza convirtiéndose en ‘ronin’, en un justiciero mientras el pequeño vaya creciendo y vayan viviendo juntos un puñado de aventuras.

La figura del niño con su padre, la manera en la que está orquestada toda la parte visual de la película, remite de forma directa a este cómic de culto. No es la primera vez que se utiliza como influencia fundamental esta historia, también está presente en otro de los grandes ‘hits’ de Pedro Pascal, The Mandalorian, a la hora de plasmar su relación con Grogu (o ‘Baby Yoda). También influenció a Frank Miller en Sin City y, por supuesto, en tanto en el cómic como en la adaptación cinematográfica de Sam Mendes de Camino a la perdición.

Por supuesto, Quentin Tarantino también hizo su pequeño homenaje a este fenómeno cultural en Kill Bill: en el volumen 2, la protagonista y su hija ven justan Shogun Assassin, película basada en el cómic.

La espera ha sido larga para los seguidores de la serie, ya que la segunda temporada concluyó en agosto de 2023. Desde entonces, los detalles sobre los nuevos episodios se habían mantenido en estricta confidencialidad. Sin embargo, las primeras imágenes del set y el reciente adelanto han comenzado a revelar lo que se avecina en esta nueva entrega.

Nuevas tramas y personajes en la temporada 3

De acuerdo con lo publicado por Max, la tercera temporada explorará nuevas dinámicas en la vida de las protagonistas. Carrie Bradshaw, interpretada por Sarah Jessica Parker, tendrá una nueva oportunidad con Aidan Shaw, encarnado por John Corbett, lo que promete revivir una de las relaciones más memorables de la serie original. Por su parte, Miranda Hobbes (interpretada por Cynthia Nixon) continuará profundizando en su autodescubrimiento y exploración de su sexualidad, mientras que Charlotte York (Kristin Davis) buscará equilibrar su vida familiar con nuevas ambiciones personales.

Además, la serie contará con la incorporación de nuevos personajes. Entre ellos destacan Mehcad Brooks (Law & Order, Mortal Kombat), Jonathan Cake (The Affair, Desperate Housewives) y Logan Marshall-Green (Upgrade, Spider-Man: Homecoming), quienes tendrán roles recurrentes en la trama. También se confirmó la participación de la actriz y comediante Rosie O’Donnell, quien interpretará a un personaje llamado Mary, según reveló en sus redes sociales.

Ausencias notables en la nueva entrega

No obstante, no todos los personajes de las temporadas anteriores estarán presentes en esta nueva etapa. Según detalló Max, Sara Ramírez, quien interpretó a Che Díaz, no regresará a la serie. Este personaje, que había sido parte del spin-off desde su inicio en 2021, quedó fuera tras una serie de controversias relacionadas con declaraciones públicas de la actriz en apoyo a Palestina durante el conflicto con Israel.

Otra ausencia destacada será la de Karen Pittman, quien dio vida a Nya Wallace en las dos primeras temporadas. Su salida deja a Miranda sin compañera de piso, lo que podría abrir nuevas posibilidades narrativas para el personaje.

Por otro lado, aunque los fanáticos de Samantha Jones aún esperan un regreso más significativo, parece poco probable que Kim Cattrall vuelva a formar parte del elenco principal. La actriz hizo un breve cameo en la segunda temporada, pero no se han anunciado planes para su reincorporación en esta nueva entrega.

El impacto de “And Just Like That...” en la audiencia

Desde su estreno en 2021, And Just Like That... ha generado opiniones divididas entre los seguidores de “Sex and the City”. La primera temporada enfrentó críticas por la ausencia de Samantha y la introducción de personajes que no lograron conectar con el público. Sin embargo, la segunda temporada logró reconciliar a muchos espectadores con las historias de Carrie, Miranda y Charlotte, mostrando que sus vidas en la madurez pueden ser tan emocionantes y complejas como lo fueron en su juventud.

El creador de la serie, Michael Patrick King, expresó su entusiasmo por continuar explorando el universo de “Sex and the City”. En un comunicado, afirmó: “Estamos encantados de poder pasar más tiempo en este universo, contando historias de personajes con los que podemos identificarnos y que también son aspiracionales”.

El legado de “Sex and the City” y su evolución en Max

La serie original, que se emitió entre 1998 y 2004, marcó un antes y un después en la televisión al abordar temas como la sexualidad, la amistad y la independencia femenina desde una perspectiva innovadora. Con “And Just Like That...”, Max ha buscado actualizar estas temáticas, adaptándolas a un contexto contemporáneo y explorando los desafíos de la vida en los cincuenta.

El tráiler de la tercera temporada, que ya está disponible en las plataformas oficiales de Max, ofrece un vistazo a los icónicos looks y escenarios que han caracterizado a la franquicia. Desde cenas en terrazas neoyorquinas hasta momentos de introspección en la vida de las protagonistas, el adelanto promete mantener el estilo que ha cautivado a generaciones de espectadores.

Con su estreno programado para el 29 de mayo de 2025, la expectativa por esta nueva entrega sigue creciendo. Los fanáticos de Carrie Bradshaw y compañía podrán disfrutar de más historias que combinan moda, romance y amistad en el vibrante escenario de Nueva York.

El nuevo clip adelanta un verano lleno de romances, redescubrimientos personales y drama en la vida de Carrie Bradshaw, Miranda Hobbes y Charlotte York, mientras la historia da un giro con nuevas incorporaciones y algunas despedidas del elenco original.

La segunda temporada concluyó en agosto de 2023 con Carrie (Sarah Jessica Parker) mientras revisaba plácidamente un Cosmopolitan en una playa de Grecia, después de organizar una emotiva cena de despedida en su icónico apartamento del Upper East Side.

Este espacio, que había sido su hogar durante Sex and the City, y al que regresó tras la muerte de Big (Chris Noth), quedó atrás cuando decidió mudarse a una lujosa casa de tres pisos en Gramercy Park.

En ese mismo episodio, Aidan Shaw (John Corbett) le pidió a Carrie que lo esperara cinco años mientras él se dedicaba a cuidar a sus hijos en Virginia. La propuesta dejó a la audiencia con una pregunta central: ¿a qué exactamente accedió Carrie?

Según el showrunner Michael Patrick King, ese es uno de los principales motores de la nueva temporada. “Había seis versiones distintas en la sala de escritores. Cuando supe que aún había un área gris, supe que teníamos un gran terreno por explorar”, dijo semanas atrás a Entertainment Weekly.

“La relación Carrie-Aidan es dramática y emocionante porque contiene dos puntos de vista. [...] Es interesante ver a Carrie Bradshaw enamorada, tratando de hacer que funcione cuando, a cierta edad, todos tienen un pasado”, explicó al medio.

El tráiler, que fue lanzado el 15 de abril, muestra a Carrie interesada en el mundo de la ficción romántica. Asímismo, la narración en off (ausente en las dos primeras temporadas) vuelve como recurso clave para la historia y cómo un elemento más íntimo. “Tal vez hay cosas que le dice al espectador que no le diría ni siquiera a sus mejores amigas”, agregó el showrunner.

En paralelo, Miranda (Cynthia Nixon) sigue adelante con su nueva etapa laboral tras incorporarse a Human Rights Watch, y se anticipa que tendrá una nueva relación amorosa.

Por su parte, Charlotte (Kristin Davis) continúa con su renacimiento profesional en el mundo del arte y lidia con la vida amorosa de su hija adolescente.

Cambios en el reparto de ‘And Just Like That’

Hay varios cambios en el elenco de la serie. Karen Pittman, quien interpretaba a la profesora Nya Wallace, se retiró de la serie por problemas de agenda. Por su parte, Sara Ramírez, quien dio vida a la controvertida comediante Che Díaz, también quedó fuera de la nueva entrega luego de que su arco argumental con Miranda concluyera en la temporada anterior.

Por otro lado, Rosie O’Donnell se une como Mary, un nuevo personaje que dará que hablar. Patti LuPone también tendrá un arco argumental, y se suman al elenco Mehcad Brooks (Law & Order), Jonathan Cake (Desperate Housewives) y Logan Marshall-Green (Prometheus), todos en roles recurrentes. Además, Sebastiano Pigazzi (Giuseppe, el novio italiano de Anthony) y Dolly Wells (Joy, la productora de la BBC) han sido promovidos a personajes regulares.

Kristen Schaal (Bob’s Burgers) también tendrá una participación en esta temporada, y se confirma el regreso de Rosemarie DeWitt como Kathy, la exesposa de Aidan.

Desde su debut en Max a finales de 2021, And Just Like That ha generado opiniones divididas entre los fanáticos de Sexo en la ciudad. El showrunner Michael Patrick King lo acepta con humor: “Es la relación de amor-odio más hilarantemente agresiva. Incluso en las partes aterradoras de la montaña rusa, dicen: ‘¡Ahora me gusta! ¡Ahora lo odio otra vez! ¡Ahora me gusta!’”

¿Cuándo se estrenan los episodios de ‘And Just Like That’?

La temporada 3 está formada por 12 episodios que comenzarán a emitirse cada jueves desde el 29 de mayo. Los capítulos estarán disponibles para todos los suscriptores de Max.

La compañía HBO anunció por fin, tras rumores de fans y especulaciones de medios especializados, parte del elenco de actores que se integrarán a la nueva serie de Harry Potter, la cual buscará abarcar los siete libros de la saga escrita por J.K. Rowling.

Tal como se esperaba por sus propias declaraciones, John Lithgow (Cónclave), ganador de seis premios Emmy y nominado al Oscar, interpretará a Albus Dumbledore, director de la escuela de magia Hogwarts. Por su parte, Janet McTeer (Ozark), también nominada al Oscar, encarnará a la profesora Minerva McGonagall; como Rubeus Hagrid, el mítico guardabosques de Hogwarts, Nick Frost fue escogido para darle vida. Y, tal como lo anunció por primera vez The Hollywood Reporter, Paapa Essiedu, conocido por aparecer en la famosa serie Black Mirror, asumirá el papel del profesor Severus Snape, quien anteriormente fue interpretado por el fallecido actor Alan Rickman.

También se dio a conocer que el actor de teatro Luke Thallon interpretará al profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras Quirinus Quirrel, y Paul Whitehouse, además, le dará vida al conserje Argus Filch.

Ante la esperada confirmación del elenco, los productores ejecutivos Francesca Gardiner y Mark Mylod, quien también es director de varios episodios, declararon: “estamos encantados de contar con un talento tan extraordinario y no podemos esperar a verles dar nueva vida a estos queridos personajes”.

Crece controversia entre los fans por la elección del elenco de “Harry Potter”

Esta nueva elección de actores no queda exenta de polémica, pues la confirmación de Essiedu como Severus Snape causó conflicto entre algunos fans ya que dicho personaje siempre ha sido visto como un hombre blanco, tal como apareció en la adaptación cinematográfica en donde fue interpretado por Alan Rickman. Al respecto, Mark Mylod comentó: “Nadie puede reemplazar a Alan Rickman, pero podemos encontrar al siguiente Alan Rickman”.

Por su parte, el actor John Lithgow, tras aceptar el papel de Albus Dumbledore , declaró: “no fue una decisión fácil, porque me temo que definirá el último capítulo de mi vida. Pero estoy muy emocionado. Hay gente maravillosa que está volviendo a centrarse en Harry Potter”.

Para Harry, Ron, Hermione y Draco, protagonistas centrales de la historia, todavía no se confirman actores infantiles, aunque HBO declaró el año pasado que se habían presentado alrededor de 32 mil niños a las audiciones para los papeles juveniles de esos personajes. De hecho, el propio Mylod dijo que el pasado enero ya estaban trabajando con una lista de finalistas, considerando siempre el talento actoral británico de los aspirantes.

Además, HBO volvió a publicar un comunicado acerca de la adaptación televisiva de la saga de novelas de J.K. Rowling que dice: “La serie será una adaptación fiel de la querida serie de libros de Harry Potter de la autora y productora J.K Rowling y contará con un elenco emocionante y talentoso para liderar una nueva generación de fans”.

La serie se transmitirá exclusivamente en la plataforma de streaming Max, y se espera que comience el rodaje a mediados de 2025.

Con un episodio semanal, de una duración de entre 40 y 60 minutos, lo cierto es que la espera puede hacerse un poco larga para muchos adictos a las series. Por eso, y hasta que se estrene el último y séptimo episodio de esta segunda temporada, en Infobae España hemos querido recomendar otras aclamadas series de la plataforma que podrían gustarles a todos los fans de The Last of Us.

The Leftovers

La pregunta no debería ser si has visto The Leftovers, sino cuántas veces la has visto. Así, al menos, opinan los fans de esta serie creada por el aclamado showrunner Damon Lindelof -creador, entre otras series, de Perdidos y la infravalorada Watchmen, ambas también disponibles en Max-. Y es que, ¿qué pasaría si, de repente y sin explicación, desapareciera el 2% de la población mundial? A partir de esta premisa, la serie explora este misterio no solo desde la búsqueda de la razón por la que esto ha sucedido, sino también desde cómo puede afectarnos a los seres humanos vernos, de pronto, terriblemente solos. Hay quienes opinan que The Leftovers es una de las mejores series que se han hecho en los últimos diez años, razón de más para no dejar pasar la oportunidad de verla.

The Walking Dead

Si lo que te gustan son los zombis, con The Walking Dead tienes 11 temporadas para deleitarte con todos los peligros que pueden darse en ese temido y monstruoso apocalipsis. La serie de Robert Kirkman sigue las hazañas de un grupo de supervivientes en el que recala la familia del policía Rick Grimes. Adaptación del famoso cómic firmado por Tony Moore y Charlie Adiard, además de por el propio creador de la serie, The Walking Dead y sus múltiples spin-offs revitalizaron el género con nuevas formas de contar el fin del mundo.

True detective: Noche polar

Una serie tan polémica como efectiva. Si de The Last Of Us nos gustan las escenas de tensión en la que un monstruo parece estar a punto de saltarnos por la espalda, True detective: Noche polar -la cuarta parte de la saga de historias de detectives- presenta escenas muy similares, solo que no sabes si los monstruos más terroríficos son los que el ser humano atesora en su interior. Misterio, investigación y mucho, mucho frío en una serie en el que la pareja protagonista -Jodie Foster y Kali Reis- cumple con creces con una gran interpretación. Sobra decir que las cuatro temporadas de True detective son, para todo fan del género, de obligado visionado.

Territorio Loveccraft

Arriesgada apuesta la del maestro Jordan Peele -director de películas como Déjame salir y Nosotros- cuando decidió hacerse cargo del guion de Territorio Lovecraft, una serie centrada en el viaje por carretera de un grupo de personas que busca a un hombre desaparecido. A galope entre los monstruos lovecraftianos y la amenaza del racismo en los años 50, este viaje de supervivencia supone la puesta en imágenes de la novela de Matt Ruff con el sólido argumento de contar con el director J.J. Abrams -otro de los creadores de Perdidos- como productor.

El visitante

En la lista de quehaceres de los espectadores también deberían figurar los diez episodios de El visitante, una miniserie basada en la novela homónima de Stephen King. El brutal asesinato de un niño de 11 años invoca a una pareja de detectives en un pequeño y aparentemente tranquilo pueblo. Sin embargo, la investigación acaba cogiendo tintes sobrenaturales cada vez más terroríficos, algo que, junto con los sorprendentes giros de guion, hacen de esta producción una de las favoritas de los suscriptores de Max.

Westworld

Cuando el streaming estaba todavía en pañales, HBO sorprendió con la ambiciosa Westworld. Esta adaptación del clásico Almas de metal, con la que damos por finalizadas las recomendaciones, daba una vuelta de tuerca al tema de ser (o no ser) un robot con alma de vaquero gracias a un magistral guion de Jonathan Nolan -guionista de algunas de las películas de su hermano Christopher, como El caballero oscuro o Interstellar-. La cosa fue a más en las siguientes temporadas que, aunque no convencieron a todo el mundo, sí ampliaron los confines de este universo de parque temático con sabor a western de los buenos.

Las sólidas interpretaciones de Pedro Pascal y Bella Ramsey como protagonistas fueron el soporte de una serie que, en su primera temporada, supo mantenerse fiel al espíritu del videojuego original para, al mismo tiempo, ampliar los horizontes de su universo. Un gran ejemplo es ese recordadísimo tercer capítulo en el que, lejos de seguir los pasos de los personajes principales, se centraban en contar la historia de otros personajes secundarios que en el videojuego formaban parte de la historia oculta que, si el jugador quería, podía ir descubriendo poco a poco.

Por este tipo de decisiones, hoy millones de fans esperan impacientes la llegada de los nuevos siete episodios que tendrá esta nueva entrega, cuya emisión tendrá lugar de manera semanal a partir de este lunes a las 3 de la mañana en la plataforma de streaming. De este modo, la emisión tendría lugar en las siguientes fechas:

• The Last of Us, temporada 2: episodio 1, se estrena el 14 de abril en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 2, se estrena el 21 de abril en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 3, se estrena el 28 de abril en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 4, se estrena el 5 de mayo en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 5, se estrena el 12 de mayo en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 6, se estrena el 19 de mayo en Max.
• The Last of Us, temporada 2: episodio 7, se estrena el 26 de mayo en Max.

Qué parte de los videojuegos adapta la serie

Cabe recordar que la primera temporada de The Last Of Us muestra lo ocurrido en el primer videojuego de la desarrolladora Naughty Dog. De este modo, los siete episodios de la nueva temporada, de entre 40 y 60 minutos de duración, seguirán los acontecimientos del segundo juego... o al menos, de una parte. Lanzado en 2020, The Last of Us II era un juego notablemente más largo que su primera parte, disponible para Play Station siete años antes.

Por el momento, se desconoce si la serie seguirá siendo fiel a los acontecimientos de la saga de los juegos, pero dada la reducción de capítulos, es comprensible que en Max hayan tomado la decisión de trocear la historia que queda en varias temporadas (HBO ya ha renovado la serie para una tercera parte), de cara mostrar con más detalles las vivencias de Joel y Ellie. Al fin y al cabo, The Last of Us II es un juego dividido en dos partes bien diferenciables, separadas por un acontecimiento clave que no dejará indiferente a nadie.

De este modo, la segunda temporada arrancará con los sucesos ocurridos cinco años después de la primera entrega. Joel y Ellie viven en una ciudad de supervivientes en el estado de Wyoming, pero un suceso inesperado amenazará, una vez más, la vida que comenzaban a construir.

La segunda temporada de The Last of Us, una de las producciones más aclamadas de HBO y considerada como una de las mejores adaptaciones de videojuegos en la historia de la televisión, finalmente llegará a las pantallas este domingo 13 de abril, a través de la plataforma Max.

La serie, protagonizada por Pedro Pascal y Bella Ramsey, retoma su historia en un mundo devastado por una pandemia fúngica, con una narrativa que promete ser aún más intensa, emocional y visualmente impactante que la primera temporada.

Asimismo, la trama de esta temporada tendrá la introducción de nuevos personajes que aportarán mayor tensión, logrando capítulos más profundos que marcarán esta nueva entrega.

A diferencia de la temporada pasada, la cual contó con nueve episodios, la segunda temporada constará de siete capítulos en total. Sin embargo, los productores han asegurado que cada uno tendrá una duración mayor, lo que permitirá un desarrollo más completo de la historia.

Asimismo, se sabe que los episodios seguirán un formato de estreno semanal, cada domingo a las 8:00 pm (hora local). El primer capítulo se emitirá el 13 de abril y la temporada finalizará con el capítulo 7 el próximo 25 de mayo.

Todos los capítulos estarán disponibles en Max, plataforma donde también se puede revivir la primera temporada.

HBO ya confirmó una tercera temporada e incluso se habla de una posible cuarta. No obstante, los creadores, Craig Mazin y Neil Druckmann han reiterado que su intención es cerrar la historia dentro del universo narrativo original de los videojuegos, respetando el arco planteado por Naughty Dog en The Last of Us Part II.

“Creo que es bastante probable que nuestra historia se extienda más allá de una temporada 3. ¿Cuánto más? No sabría decirlo. Y eso no quiere decir que no haya otras historias que se puedan contar, pero esta historia es la que Neil y yo estamos contando”, declaró Craig Mazin en una entrevista.

Por su parte, Neil Druckmann quien además es jefe creativo en Naughty Dog (la desarrolladora del videojuego), comentó: “Tenemos un plan. Sabemos lo que tenemos que hacer de cara al futuro, pero ahora mismo no podríamos decirte exactamente cuántos episodios o cuántas temporadas harían falta para llegar ahí”.

¿De qué tratará la segunda temporada de “The Last of Us”?

Aunque HBO ya ha lanzado algunos adelantos e imágenes de la segunda temporada, así como el primer tráiler oficial, la cadena tampoco ha confirmado hasta qué punto la trama se alineará con The Last of Us Part II, el videojuego en el que se basa.

Con una base de fans sólida y una crítica especializada que celebró su fidelidad, realismo y actuaciones durante la primera temporada la serie regresa como uno de los grandes eventos televisivos del año.

De hecho, en el teaser se da un vistazo más profundo a los nuevos personajes que se introducen en esta temporada, destacando particularmente a Abby Anderson.

En una de las escenas clave, se puede ver a Abby recorriendo un pasillo oscuro con un arma en mano, lo que sugiere su rol fundamental en la trama.

Además, el adelanto está lleno de rápidas secuencias de acción, persecuciones intensas y momentos de gran carga emocional, prometiendo un viaje tan desgarrador como fascinante.

Asimismo, para esta tercera temporada, además de Bella Ramsey y Pedro Pascal, regresarán a la trama Gabriel Luna como Tommy y Rutina Wesley como Maria.

Entre los nuevos integrantes del elenco de The Last of Us destacan Isabela Merced (Dina), Young Mazino (Jesse), Ariela Barer (Mel), Tati Gabrielle (Nora), Spencer Lord (Owen), Danny Ramirez (Manny) y Jeffrey Wright (Isaac). Incluso, la reconocida actriz Catherine O’Hara también participará como estrella invitada.

De acuerdo con Francesca Orsi, Vicepresidenta Ejecutiva de Programación de HBO, la segunda temporada representa un logro extraordinario para la cadena. “Craig, Neil, Carolyn y todo el equipo de productores ejecutivos, elenco y crew han entregado una continuación magistral, y estamos encantados de llevar el poder narrativo de Craig y Neil a lo que sabemos será una tercera temporada igualmente conmovedora y extraordinaria”, expresó Orsi en el comunicado.

Un éxito que supera expectativas

Craig Mazin, creador, productor ejecutivo, guionista y director de la serie, destacó que el equipo creativo abordó la segunda temporada con el objetivo de superar sus propias expectativas. “El resultado final ha superado incluso nuestras metas más ambiciosas, gracias a nuestra continua colaboración con HBO y al trabajo impecable de nuestro elenco y equipo sin igual. ¡Esperamos con ansias continuar la historia de The Last of Us en la tercera temporada!”, afirmó Mazin.

Por su parte, Neil Druckmann, co-creador de la serie y director creativo de los videojuegos originales, expresó su gratitud hacia los fans y el equipo de producción. “Ver The Last of Us cobrar vida de manera tan hermosa y fiel ha sido uno de los momentos más destacados de mi carrera. Gran parte de ese éxito se debe a mi socio en el crimen, Craig Mazin, a nuestra colaboración con HBO y a nuestro equipo en PlayStation Productions. ¡Estamos emocionados de compartir más de The Last of Us con ustedes!”, señaló Druckmann.

Detalles de la segunda temporada

La nueva entrega de The Last of Us se sitúa cinco años después de los eventos de la primera entrega. Según la sinopsis oficial, Joel y Ellie, interpretados por Pedro Pascal y Bella Ramsey, respectivamente, enfrentan un conflicto tanto entre ellos como con un mundo que se ha vuelto aún más peligroso e impredecible. Este nuevo capítulo promete explorar las consecuencias del pasado compartido de los protagonistas, mientras intentan sobrevivir en un entorno hostil.

El elenco principal regresa con Gabriel Luna como Tommy y Rutina Wesley como Maria. Además, se suman nuevos personajes interpretados por actores como Kaitlyn Dever en el papel de Abby, Isabela Merced como Dina, Young Mazino como Jesse, Ariela Barer como Mel, Tati Gabrielle como Nora, Spencer Lord como Owen, Danny Ramirez como Manny y Jeffrey Wright como Isaac. La reconocida actriz Catherine O’Hara también participará como estrella invitada.

Producción y visión creativa

La serie, basada en los videojuegos desarrollados por Naughty Dog para las consolas PlayStation, es una coproducción entre HBO y Sony Pictures Television. Además de Mazin y Druckmann, la producción ejecutiva incluye a Carolyn Strauss, Jacqueline Lesko, Cecil O’Connor, Asad Qizilbash, Carter Swan y Evan Wells, con Halley Gross como guionista y coproductora ejecutiva. Las compañías involucradas en la producción son PlayStation Productions, Word Games, Mighty Mint y Naughty Dog.

En declaraciones previas, Mazin adelantó que la tercera temporada será “significativamente más grande” en términos de alcance, lo que sugiere una expansión del universo narrativo de la serie. Asimismo, tanto Mazin como Druckmann han señalado que su intención es desarrollar un total de cuatro temporadas para contar la historia completa de The Last of Us.

Un fenómeno que trasciende la pantalla

Desde su estreno, The Last of Us ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público, consolidándose como una de las adaptaciones más exitosas de un videojuego a la televisión. La primera temporada recibió múltiples premios, incluido un Emmy, y destacó por su fidelidad al material original y su enfoque en las relaciones humanas en un contexto postapocalíptico.

El anuncio de la tercera temporada refuerza el compromiso de HBO con la serie y con los fans que han seguido de cerca la evolución de Joel y Ellie. Con la segunda temporada a punto de estrenarse y una tercera ya confirmada, el futuro de The Last of Us parece estar asegurado, prometiendo más emociones, conflictos y momentos inolvidables para su audiencia global.

“Era un campamento de teatro, pero hasta cierto punto un campamento de prisioneros abierto: no podías evitar al otro. Había tensiones y dificultades, no sé si se desbordaban de dentro a fuera de la pantalla, o si habría ocurrido de todos modos. Hubo alianzas que se formaron y se rompieron, romances que se formaron y se rompieron, amistades que se formaron y se rompieron. Es un largo periodo de tiempo para que la gente esté lejos de su familia, con barra libre y todo el desenfreno que permite estar en Tailandia”, afirmaba el actor en una reciente entrevista. Isaacs, quien era hasta el momento conocido principalmente por su papel como Lucius Malfoy en la saga Harry Potter, confiesa que ha tenido un antes y un después con The White Lotus, en la que da vida al patriarca de la familia Ratliff.

“No puedo fingir que no estuve involucrado en algún drama fuera de la pantalla. Dave (David Bernal, productor de la serie) lo ha visto antes, dos veces, y Mike (Mike White, showrunner) también. No puedo hablar por ellos, pero imagino que piensan que contribuye al drama en pantalla, y puede que tengan razón. Creo que el calor contribuyó a que aparecieran estas fisuras. Todos nos volveremos a ver y estoy seguro de que nos abrazaremos, nos besaremos y lo recordaremos con cariño. Pero hubo momentos en los que las cosas no fueron tan agradables. En cierto modo estaba acostumbrado, pero al cabo de un par de semanas mi mujer me dijo: ‘Alguna de esta gente está como una puta cabra’. Y yo le dije: ‘No, sólo son un puñado de actores de rodaje, cariño. Te has olvidado de cómo es’”.

La experiencia tailandesa

Isaacs no es el único del amplio reparto que tiene sus propios “recuerdos de Vietnam”, por así decirlo. Para Carrie Coon, quien da vida a una de las tres amigas de escapada junto a Michelle Monaghan y Leslie Bibb, fue “algo que procesaré durante mucho tiempo”. Otros, por el contrario, aprovechan el rodaje para disfrutar de unas improvisadas vacaciones, incluso con pareja o amigos. “Todo el mundo allí es sólo parte de la producción, pero también hay hijos y cónyuges correteando por ahí”, revela el productor David Bernal. “Hay una sensación extraña, de desconexión. Estoy aquí por trabajo, pero es un ambiente muy vacacional”, secunda el actor Arnas Fedaravičius, encargado de dar vida al instructor de yoga de las tres amigas.

Queda por saber si algún miembro del reparto o del equipo sabía además de la historia que envolvía su paraje mientras rodaban. La tercera temporada ha sido filmada en Koh Samui, la isla situada al sur de la capital de Tailandia, Bangkok, y al noreste de la provincia de Surat Thani, donde se encuentra actualmente encarcelado nada menos que Daniel Sancho. En ese mismo sitio ha ido a coincidir la producción de la tercera temporada de The White Lotus, que en realidad tiene mucho que ver con la marca de hoteles de la que toma inspiración, Four Seasons, y cuya delegación en Tailandia es uno de sus resorts más conocidos y celebrados, el Four Seasons Resort Koh Samui. Una maldita casualidad, si tenemos en cuenta que la premisa de la serie coincide en el mismo escenario y tiempo que el caso que ha sacudido nuestro país desde el asesinato de Edwin Arrieta. Afortunadamente, parece que los problemas dentro del rodaje de The White Lotus no fueron a mayores, y se quedan solo como posibles y curiosas anécdotas para el futuro.

Basada en el galardonado título de Naughty Dog, The Last of Us se sitúa veinte años después de la caída de la civilización a causa de una pandemia global. Joel (Pascal) es contratado para sacar a Ellie (Ramsey), una adolescente de 14 años, de una zona de cuarentena. Lo que comienza como una misión sencilla pronto se transforma en un viaje brutal y emocional, en el que ambos deben cruzar Estados Unidos y aprender a confiar el uno en el otro para sobrevivir.

La nueva entrega de The Last of Us se basará en el segundo videojuego de la saga y dará un salto temporal de cinco años desde la última vez que vimos a Joel y Ellie atravesar un mundo devastado. Aunque el inicio de esta nueva etapa será más tranquilo, el pasado de ambos protagonistas volverá a cruzarse en su camino y pondrá a prueba todo lo que han construido.

Además de Pascal y Ramsey, el elenco se amplía con la incorporación de Kaitlyn Dever como Abby, un personaje clave y polémico dentro del universo del juego, Isabela Merced como Dina, el interés amoroso de Ellie, Young Mazino como Jesse, y otros nombres como Ariela Barer, Tati Gabrielle, Spencer Lord, Danny Ramirez y Jeffrey Wright.

A comienzos de este año, los creadores de la serie, Neil Druckmann y Craig Mazin, adelantaron que podrían necesitar hasta cuatro temporadas en total para contar toda la historia que abarca The Last of Us. Dado que la segunda temporada constará de siete episodios, ambos aclararon desde el principio que condensar los eventos del segundo juego en una única tanda de capítulos sería prácticamente imposible.

Si bien todavía no hay una fecha confirmada para la tercera entrega, The Last of Us volverá a la pantalla de HBO y Max el próximo domingo 13 de abril, con un final previsto para el 25 de mayo.

Con un recorrido que abarcó ocho temporadas y más de setenta episodios, Juego de Tronos (también conocida como Game of Thrones) se convirtió en una de las series más populares de las últimas décadas y en una de las grandes insignias de HBO. Por eso, aunque la historia principal inspirada en el universo creado por George R.R. Martin finalizó hace ya seis años, la cadena sigue apostando por expandir ese mundo con nuevas producciones que busquen repetir su impacto.

El primer paso en esa dirección fue La casa del dragón (House of the Dragon), la precuela centrada en la guerra civil de la familia Targaryen, que ya prepara su tercera temporada. Pero antes de su regreso, será el turno de El caballero de los Siete Reinos (A Knight of the Seven Kingdoms), una nueva serie ambientada unos 100 años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos, que presentará a dos de los personajes más encantadores de todo Poniente.

La historia seguirá las aventuras de Ser Duncan el Alto, un caballero errante con un fuerte sentido del honor, y su joven escudero Egg. Esta se basa en una colección de novelas cortas publicadas por primera vez en 2005, que amplían la mitología de Westeros y ofrecen una mirada más íntima a la dinastía Targaryen, en una época de relativa paz previa a los grandes conflictos que cambiarían el destino del reino.

Aunque los seis episodios que conforman la primera temporada comenzarán a emitirse recién a mediados de este año, todo indica que el proyecto va por buen camino ya que HBO está desarrollando una segunda entrega. En una reciente entrada de su blog personal, George R.R. Martin reveló que tuvo la oportunidad de ver los cortes finales de la serie y se mostró muy conforme con el resultado.

Además, el autor adelantó que el guionista y productor Ira Parker ya está delineando la próxima aventura de Dunk y Egg. “Es un placer ver cómo los personajes cobran vida con tanta fuerza. Verlos me hace querer sentarme a escribir la siguiente novela mañana mismo... pero, por supuesto, no puedo. Tengo demasiadas cosas que hacer”, reconoció el creador de la saga literaria.

Protagonizada por Peter Claffey (Small Things Like These) y Dexter Sol Ansell (Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes), El caballero de los Siete Reinos llegará a la pantalla de HBO y Max durante la segunda mitad de 2025. Con este nuevo capítulo, el universo de Westeros sigue creciendo y demostrando que, incluso lejos del Trono de Hierro, aún quedan muchas historias por contar.

Cuando se estrenó en 2017 supuso un auténtico ‘revulsivo’ al recuperar una de las novelas más importantes de la escritora Margaret Atwood que no había tenido la repercusión que merecía desde su publicación en los años ochenta y que, de pronto, pasó a convertirse en un autentico ‘bestseller’ de culto.

La autora comenzó a escribir el libro en 1984 y, en ese momento vivía en Berlín, en la parte occidental, cuando el muro todavía dividía Europa. Al parecer, todos los domingos escuchaba el sonido de los aviones de la Alemania Oriental y, en muchas ocasiones, visitaba el otro lado del telón de acero con la impresión de estar viviendo una película de espionaje.

Cómo creó Margaret Atwood ‘El cuento de la criada’

En su cabeza bullían algunas ideas en torno a de qué forma la ideología y los totalitarismos habían causado tanto daño al ser humano: la esclavitud en Estados Unidos, el genocidio nazi, los programas de captación y de lavado del cerebro de las SS, las ejecuciones grupales, la quema de libros que resultaran incómodos el sistema o el robo de niños en Argentina. Y, por supuesto, la represión histórica de las mujeres, el control de sus cuerpos y el estigma de sumisión heredado dentro del ‘heteropatriarcado’ dominante.

Con todos esos elementos en la cabeza comenzó a armar una ’distopía’ alrededor de un país ficticio, de nombre Gilead, que se identificaría con Estados Unidos tras la instauración de una república totalitaria y teocrática, cristiana y retrógrada que sería el resultado de la imposición de una serie de medidas de control autoritario por parte de las clases privilegiadas adscritas a la doctrina dominante.

Por supuesto, las libertades del pueblo quedan anuladas y las mujeres se convertían tan solo en sistemas reproductivos al servicio de los machos estériles. La historia la contaba una joven que, antes del cataclismo, ejercía una profesión y había sido madre y que ahora se había convertido en la esclava de una familia poderosa cuyo único fin era engendrar.

Una serie con muchos paralelismos con el presente

Cuando se puso en marcha la versión en formato serie de Max , protagonizada por Elisabeth Moss, nadie hubiera imaginado que todo aquello que contaba la novela de Atwood adquiriera una serie de paralelismos con la actualidad de lo más inquietantes. Y es que su aparición coincidió precisamente con la primera victoria de Donald Trump, creándose una perturbadora analogía entre la realidad y la ficción que todavía se ha puesto más de manifiesto en este segundo mandato que coincide con la última temporada.

Las ventas en Amazon se dispararon y no han parado de salir nuevas ediciones de la novela tanto en Estados Unidos como en nuestro país, donde se publica a través del sello Salamandra. Y es que los miedos y las ansiedades en torno a una posible pérdida de las libertades civiles y los derechos de las mujeres o los colectivos históricamente marginados, han aumentado de forma proporcional en los últimos tiempos. El odio vertido hacia las minorías, el auge del racismo, de la homofobia, de la misoginia comienzan a ser un problema que, de alguna manera, también se encontraba presente en la obra de Atwood a modo de crítica ‘subversiva’.

Así, la serie creada por Bruce Miller ha alcanzado una dimensión política crucial, convirtiéndose en emblema del feminismo en la era del Me Too y, aunque termine la saga, la franquicia continuará viva, ya que se adaptará la secuela que escribió la propia Atwood en 2019 titulada Los testamentos, que se ambientaría 15 años después de los acontecimientos que tenían lugar en El cuento de la criada desde la perspectiva del personaje de la Tía Lydia (Ann Down).

La serie, que ha sido reconocida con múltiples premios, incluyendo el Emmy a la mejor comedia, continúa explorando la compleja dinámica entre sus protagonistas. En esta nueva temporada, Deborah, interpretada por la ganadora del Emmy Jean Smart, y Ava, encarnada por la nominada al Emmy Hannah Einbinder, enfrentan nuevos desafíos en su intento por consolidar el éxito de su programa de late-night. La tensión entre ambas, alimentada por el desenlace de la temporada anterior, promete ser uno de los ejes centrales de la trama.

Un elenco consolidado y nuevas incorporaciones

El reparto principal de Hacks se mantiene con figuras como Paul W. Downs, Megan Stalter, Carl Clemons-Hopkins, Mark Indelicato y Rose Abdoo, quienes han sido parte fundamental del éxito de la serie. Sin embargo, esta temporada también introduce nuevos personajes y actores invitados que enriquecerán la narrativa. Entre ellos destacan Julianne Nicholson, Michaela Watkins y Eric Balfour, quienes aportarán nuevas dinámicas y giros argumentales a la historia.

Además, se suma Robby Hoffman, quien interpretará a la asistente de Kayla, el personaje de Megan Stalter. Esta incorporación promete añadir un toque fresco de humor a la serie, mientras que el desarrollo de la relación entre Jimmy y Kayla continuará ofreciendo momentos caóticos y cómicos que han sido característicos de la producción.

Un regreso marcado por el humor mordaz y la ambición

La cuarta temporada de Hacks, creada por los ganadores del Emmy Paul W. Downs, Lucia Aniello y Jen Statsky, retoma la historia tras el tenso final de la tercera entrega. En ese momento, Ava aseguró su puesto como jefa de guionistas del programa de Deborah mediante una estrategia poco ética, lo que dejó su relación profesional en un punto crítico. Ahora, ambas deben lidiar con los retos de la industria del entretenimiento mientras intentan equilibrar su peculiar vínculo de amor-odio.

Las primeras imágenes de la temporada revelan momentos de gran tensión entre las protagonistas. Deborah no pierde oportunidad para ridiculizar a Ava, quien, a pesar de los constantes desafíos, busca demostrar que está a la altura de las expectativas. Este enfoque refuerza el tono sarcástico y afilado que ha caracterizado a la serie desde su inicio.

Producción y legado de Hacks

Hacks es una producción de Universal Television en colaboración con Fremulon, 3 Arts Entertainment y Paulilu. Desde su estreno, la serie ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público, consolidándose como una de las comedias más destacadas de los últimos años. Su capacidad para abordar temas como la ambición, la rivalidad y la complejidad de las relaciones humanas, todo ello con un humor mordaz, ha sido clave para su éxito.

Esta nueva temporada no solo profundiza en la relación entre Deborah y Ava, sino que también amplía el universo de la serie con nuevos personajes y tramas que prometen mantener a los espectadores al borde de sus asientos. Con un elenco de primer nivel y un equipo creativo galardonado, Hacks continúa demostrando por qué es una de las producciones más relevantes de la televisión actual.

Los fanáticos de la serie y los nuevos espectadores tendrán la oportunidad de disfrutar de una comedia que combina drama, humor y una mirada incisiva a la industria del entretenimiento.

Con su regreso, Hacks reafirma su lugar como una de las series más influyentes y entretenidas de los últimos años, ofreciendo una narrativa que no solo divierte, sino que también invita a reflexionar sobre las complejidades de las relaciones humanas y el mundo del espectáculo.

Tal y como confirmaba el compositor de la serie Cristóbal Tapia de Veer hace unas semanas, la sintonía original de la serie era bien distinta de la que había sonado finalmente en ella, y buena parte de culpa la tenía White. “Envié un mensaje al productor y le dije que sería genial, en algún momento, darles la versión más larga con los ooh-loo-loo-loos, porque la gente explotaría si se diera cuenta de que iba a ir allí de todos modos. Le pareció una buena idea. Pero luego Mike lo cortó, no le hizo ninguna gracia”, confesaba de Veer, haciendo ver que White lo había dejado de lado y anunciando por ello que no continuaría: “En ese momento, ya habíamos tenido nuestra última pelea para siempre. Así que estaba diciendo que no a cualquier cosa. Y yo anuncié al equipo hace unos meses que no iba a volver, que me iba”.

La respuesta de White no se ha hecho esperar, y ha coincidido con la conclusión de la serie, momento que aprovechaba el showrunner para aclarar lo sucedido: “Honestamente, no sé lo que pasó, excepto que ahora estoy leyendo sus entrevistas porque decide hacer alguna campaña de relaciones públicas sobre su salida del programa. No creo que me respetara. Quiere que la gente sepa que él es atrevido y oscuro y yo soy, no sé, como si viera un reality. En realidad nunca nos peleamos. Dice que nos peleamos. Creo que nunca me peleé con él, excepto por algunos correos electrónicos. Era básicamente yo dándole notas. No creo que le gustara pasar por el proceso de recibir notas mías porque no me respetaba. Sabía que no trabajaba en equipo y que quería hacerlo a su manera. Me dio rabia que fuera al New York Times a cagarse en mí y en la serie tres días antes del final. Fue una jugada bastante sucia”, afirmaba White.

Planificando el próximo viaje

Sea como fuere, The White Lotus ya prepara su próxima temporada tras el éxito de su tercera entrega, que ha batido récords en Max y ha dejado a la gente con ganas de mucho más. Eso sí, esa nueva temporada sería sin el compositor original, que ha dicho definitivamente adiós al proyecto y quien parece que tampoco trabajará con Mike White en el futuro.

Con respecto a la cuarta temporada poco se sabe, más allá de que está casi confirmada por la plataforma. Solo queda elegir un nuevo escenario para el exótico resort, que siguiendo el orden de las anteriores debería estar ubicado en un continente nuevo (¿Oceanía?) o simplemente no repitiendo el asiático. Lo mismo con el elenco, que volvería a ser uno de los platos fuertes de la serie, aunque el showrunner no descartaba recuperar a personajes de anteriores temporadas haciendo una temporada con todas las estrellas: “Me encantaría hacerlo”.

El showrunner de la producción de HBO Max, Mike White, revelaba en una reciente entrevista que una de las partes más decepcionantes del final de esta tercera temporada es haber tenido que eliminar un momento concreto. En concreto, una escena en la que se iba a ver a la hija de los Ratliff, Piper (Sarah Christine Hook) perder la virginidad con el personaje de Zion (Nicholas Duvernay), el hijo de Belinda (Natasha Rothwell). Una escena que probablemente hubiera cambiado la forma de ver al personaje y, sobre todo, de que este lidiara con uno de sus grandes desafíos a lo largo de la tercera entrega de la serie.

“Ella decide perder su virginidad en el guión en el último episodio. Y ella realmente tiene relaciones sexuales con Zion. Hay toda una escena en la que ella dice: ‘Es verdad. Saxon tiene razón en esto. Necesito acabar con esto’. Y después de salir del monasterio, dice: ‘Necesito sexo’. Pero al final, fue una de esas cosas donde era como, ya es una hora y media. Habría añadido 10 minutos a la cosa. Y tenía un poco de un ambiente de comedia romántica en medio de tratar de matar a la familia con las frutas pong pong. Parecía que intentaba hacer demasiadas cosas narrativamente”, desarrolla el creador.

Demasiado larga, ¿demasiado lenta?

Una de las razones que alega White para haber tenido que recortar esa escena de la serie es la duración, y es que el último episodio de la tercera temporada de The White Lotus se ha convertido en el más largo de toda la serie hasta la fecha. Dentro de que las reacciones han sido relativamente positivas, White reconoce que también ha tenido que lidiar con ciertas críticas debido al ritmo de la serie, de la cual se decía que tardaba mucho más en ponerse interesante que las anteriores entregas.

“El ritmo y el ambiente... definitivamente se les mete en la piel. Se quejaban de que no había argumento. Esa parte me parece rara. Nunca lo hice... una parte de mí es como ‘hermano, este es el ambiente. Estoy construyendo el mundo. Si no quieres ir a la cama conmigo, entonces sal de mi cama. ¡Te estoy desafiando! Disfruta del desafío. Si no quieres ser desafiado, entonces sal de mi cama. ¿Me entiendes? No seas mandona. Vete a la mierda de mi cama. No vengas a casa conmigo. No te desnudes en mi cama. Vete a la mierda de mi cama. Obviamente algo va a pasar”, explicaba el showrunner, quien confirmaba que la serie regresará con una cuarta temporada, aunque primero habrá que hacer lo más importante: encontrar a los nuevos huéspedes para el próximo resort.

Sin entrar en spoilers, el final de la serie no ha dejado indiferente a nadie en un desenlace que, según el propio creador de la serie, ha sido “catártico”. “La gente tendrá un millón de opiniones diferentes. Solo te queda esperar haber llegado a buen puerto”. Ahora, White ya trabaja en la cuarta temporada, para la que asegura que “siempre quedará sitio para más asesinatos”.

Las condiciones para formar parte del reparto de la serie

A raíz del éxito cosechado, muchos han sido los medios de comunicación que han buscado sacar a relucir todos los secretos de la serie. Entre ellos, cómo funciona el sistema para elegir a los actores que, cada año, deciden visitar los exclusivos hoteles de la serie: un elenco que combina tanto a rostros conocidos como a desconocidos, pero que desde un principio parte de la igualdad que todos tienen mientras ruedan la serie.

“En The White Lotus, todos reciben el mismo trato. Cobran lo mismo y la facturación es por orden alfabético, así encontramos a los que quieran participar en el proyecto por las razones correctas”, explica David Bernad, productor de la serie, en una entrevista con Hollywood Reporter. Este método se implantó durante la primera temporada, cuando el presupuesto para la producción -realizada en mitad de la pandemia- era mucho menor que el de ahora.

“Eso lo hace mucho más fácil: le dices a la gente que es así y algunos no lo hacen. Sinceramente, es comprensible si tienes que ganarte la vida”, cuenta al mismo medio Meredith Tucker, directora del proceso de casting. Según diferentes fuentes, el salario rondaría los 40.000 dólares por cada episodio, una cantidad que puede ahuyentar a los actores con mayor caché como Woody Harrelson, quien sonó hasta el último momento para aparecer en esta temporada. “No es negociable”, remata Bernad.

Meses de trabajo para elegir a las personas indicadas

Otra condición indispensable para aparecer en The White Lotus es presentarse a un casting. Los responsables de la serie pueden tener sus preferencias e incluso pueden llamar a algún actor, siempre y cuando se presente, como el resto, a un casting previo. Pese a que las audiciones para la nueva entrega se anunció a finales de 2023, justo después del final de la huelga de actores de Hollywood -donde se había conseguido una mejora de los salarios-, no faltaron candidatos.

“Decir que fue abrumador es quedarse corto”, lo recuerda para Hollywood Reporter Meredith Tucker. “Es una de esas cosas en las que uno quiere esconderse debajo de la silla”. Ella y su equipo pasarían los siguientes meses revisando todas las grabaciones recibidas, entre ellas las de personajes como Leslie Bibb, Aime Lou Wood, Walton Goggins o Patrick Schwarzenegger, entre muchos otros. Eso sí, en el caso de aquellos actores, como Natasha Rothwel o Jon Gries, que ya habían participado, no fue necesaria una prueba previa.

El video promocional, compartido recientemente por Max, muestra a la dupla protagonista llegando a un planeta inspirado en la película de culto Wicker Man, donde se enfrentan a lo que parecen ser “cristianos espaciales” que buscan al conejo de Pascua. Aunque aún no hay detalles específicos sobre la trama, el clip confirma la fecha de estreno de los nuevos episodios: el próximo 26 de mayo.

Cabe mencionar que esta temporada marca el regreso de la serie tras una pausa en 2024, ya que el último episodio de la séptima entrega se emitió en diciembre de 2023. El retraso en el estreno se atribuye principalmente a las huelgas de guionistas y actores en Hollywood durante 2023, que afectaron la producción. Sin embargo, el equipo promete que la espera valdrá la pena.

Según la sinopsis oficial, los nuevos capítulos llevarán a Rick, Morty, Summer, Jerry, Beth y “la otra Beth” a una serie de aventuras que combinan el caos interdimensional característico de la serie con un regreso a la esencia clásica de las primeras temporadas. Se ha mencionado que podría haber un episodio donde Butter Bot, el robot de mantequilla, reciba una nueva tarea, aunque esto suena más a un guiño divertido que a una certeza.

Un dato interesante es que esta temporada será la primera en la que los nuevos actores de voz, Ian Cardoni (Rick) y Harry Belden (Morty), quienes reemplazaron a Justin Roiland, tendrán la oportunidad de moldear a los personajes desde el inicio de la producción. Esto podría aportar un toque fresco a sus interpretaciones. El resto del elenco principal, incluyendo a Sarah Chalke (Beth), Chris Parnell (Jerry) y Spencer Grammer (Summer), también regresará.

Como si fuera poco, durante la Comic-Con de Nueva York en octubre de 2024, se confirmó que la serie ya está renovada hasta la temporada 12, así que hay Rick & Morty para rato.

La expectativa va en aumento, especialmente porque este desenlace supera en duración al final de la segunda temporada, que tuvo una extensión de 78 minutos. Además, los seguidores esperan que este capítulo revele las respuestas a incógnitas clave, incluyendo quién está detrás de los disparos escuchados al inicio de la temporada y la identidad del cuerpo que fue hallado flotando en el estanque del hotel. También se espera resolver las crecientes tensiones entre los personajes principales, como el destino de Belinda, Greg o Gary, y las decisiones que Timothy deberá enfrentar frente a las oscuridades que lo rondan.

La tercera temporada de The White Lotus se ha destacado no solo por su intrincada narrativa, sino también por la incorporación de un elenco diverso y de alto calibre. Entre los nombres más destacados figuran Parker Posey, Walton Goggins, Jason Isaacs, Michelle Monaghan, Leslie Bibb y Natasha Rothwell, entre otros. Además, figuras como Dom Hetrakul, Tayme Thapthimthong, Christian Friedel, Julian Kostov y Lisa, integrante del famoso grupo de K-pop Blackpink, también forman parte de esta temporada.

Estos actores han dado vida a complejos personajes que conviven en el lujoso resort tailandés. Las tensiones personales, combinadas con el contraste cultural y el entorno exótico, han sido un elemento central durante toda la temporada. Entre los momentos más comentados destaca la revelación de Gaitok tras un combate de muay thai, que podría empujarlo a encarar a los rusos, y el incómodo silencio tras el polémico encuentro íntimo de dos hermanos. Estas y otras subtramas han mantenido a la audiencia en vilo, especulando sobre cómo se resolverán los conflictos en el esperado episodio final.

Un cierre lleno de expectativas

Desde su estreno, The White Lotus se ha consolidado como una de las producciones más exitosas de HBO. En sus dos primeras temporadas, la serie acumuló 15 premios Emmy, incluyendo el reconocimiento a Mejor Serie Limitada. Su combinación de sátira social, drama y misterio ha sido clave para captar la atención tanto de la audiencia como de la crítica especializada, convirtiéndola en una de las producciones más influyentes de los últimos años. En enero, incluso antes del estreno de la tercera temporada, HBO confirmó que la serie había sido renovada para una cuarta entrega. Este anuncio ha despertado grandes expectativas entre los fanáticos, que esperan que la próxima temporada mantenga el alto nivel de narrativa, intriga y profundidad social que caracteriza a The White Lotus.

El episodio final de la tercera temporada promete ser el más revelador y emocionante hasta ahora. Tal como detalló Variety, se espera que el capítulo concluya múltiples arcos narrativos y aborde preguntas fundamentales que han quedado abiertas a lo largo de la temporada. Entre los temas más cruciales figuran las decisiones de Timothy, las tensiones de Gaitok con los rusos y el destino de las relaciones principales.

Con un guion que entrelaza tensión, humor y crítica social, el creador Mike White, acompañado de los productores ejecutivos David Bernad y Mark Kamine, ha llevado a The White Lotus a convertirse en un referente actual de la televisión. El capítulo final, que se emitirá este domingo, tiene todas las cartas para ser un cierre memorable de temporada, ofreciendo un equilibrio entre suspenso y reflexión sobre los complejos contrastes de un paraíso aparentemente perfecto.

Durante la ComicCon que ha tenido lugar estos días en San Diego se han anunciado grandes novedades, como por ejemplo la nueva película en torno a los Beatles, detalles de los planes a futuro de Sony y mucho más. Pero también ha sido el turno de Max y su serie más exitosa actualmente, La Casa del Dragón, la cual acaba de arrancar su tercera temporada con grandes novedades. Si la primera temporada fue de introducción, y la segunda de desarrollo de los distintos bandos dentro de la guerra que se aproxima, parece que en esta tercera temporada por fin se verán grandes enfrentamientos, o al menos eso asegura el máximo responsable de la serie, Ryan Condal.

“Esta es sin duda nuestra mayor temporada hasta la fecha, tanto en términos de ambición como de tamaño práctico y cantidad de decorados. Estamos llegando a la cresta de la parábola narrativa y empezando a descender hacia, si no el final, el punto medio”, promete Condal, quien asegura que la serie ha entrado en el punto más complejo de toda la obra de George R.R. Martin. “Cualquiera que haya leído el libro sabe que la narración se hace cada vez más grande y sombría a medida que avanza, y el espectáculo tiene que estar a la altura de esa ambición lo mejor que pueda”.

A vueltas con George R. R. Martin

El nombre de Martin ha sido sin duda uno de los más comentados, especialmente desde la polémica por los comentarios del autor acerca de la segunda temporada de la serie, en la que se cambiaron algunas cosas e introdujeron otras nuevas con respecto a la original. Las críticas del novelista, que fueron finalmente borradas de su blog, pero que apuntaban directamente a Condal, han sido reconocidas y respondidas de una vez por el showrunner.

“Fue decepcionante. Simplemente, diré que hice todo lo posible por incluir a George en el proceso de adaptación. Realmente lo hice. Durante años y años. Y disfrutamos de una colaboración mutuamente fructífera y, en mi opinión, muy sólida durante mucho tiempo. Pero en algún momento, a medida que nos adentrábamos en el camino, se mostró reacio a reconocer las cuestiones prácticas de una manera razonable. Tengo que seguir avanzando no solo en el proceso de escritura, sino también en las partes prácticas del proceso, por el bien del equipo, del reparto y de la HBO, porque ese es mi trabajo. Así que solo puedo esperar que George y yo podamos redescubrir esa armonía algún día”, se limitaba a comentar Condal en una entrevista.

Condal y su equipo tendrán un nuevo gran reto adaptando uno de los episodios más famosos de la Danza de Dragones, la llamada Batalla del Gaznate, en la que sucedieron varios eventos significativos tanto para los Verdes como para los Negros. El final de la segunda temporada ya dejaba todo encarado para esta gran pelea, en la que la unión de la Triarquía al bando de la reina Alicent y el ascendido príncipe Aemond será clave. “Es algo impresionante. Me gustaría pensar que esta es probablemente la secuencia más compleja que se ha hecho nunca para televisión, no necesariamente la más cara o el rodaje más largo ni nada por el estilo, sino simplemente por el número de piezas móviles, la cantidad de disciplinas y medios diferentes que hay que mezclar para lograr el éxito, porque estamos hablando de mar y barcos y dragones y acción”.

Bienvenidos sean los Lobos del invierno

Los Verdes no serán los únicos que gocen de nuevos apoyos. El bando de Rhaneyra Targaryen, el personaje interpretado por Emma D’Arcy, también contará con una nueva gran incorporación para esta temporada. Se trata de Ser Roderick Dustin, uno de los señores del Norte que prestará ayuda a la reina en su causa a través de los Lobos de Invierno, una horda de más de dos mil guerreros que se unirán desde el norte con los Negros para la Danza de Dragones. Ser Roderick estará interpretado por Tommy Flanagan, conocido por su papel en la serie Sons of Anarchy, pero quien también ha estado en películas como Gladiator, en la que daba vida a Cicerón.

Además de Roderick Dustin, La Casa del Dragón incorporará a otros dos personajes clave como Ser Torrhen Manderly, otro hombre fuerte del norte que será clave para la causa de Rhaenyra, y Ormund Hightower, sobrino de Otto y un nuevo gran apoyo para los Vedes. El primero será interpretado por Dan Fogler, a quien acabamos de ver en A Complete Unknown y quien es principalmente conocido por la saga Animales Fantásticos. El segundo, por su parte, es un joven actor británico al que ya se le ha podido ver en producciones como Mujercitas o Bob Marley: One Love. En definitiva, hay buenos mimbres para esta temporada que promete ser histórica, aunque aún se desconoce si pasará por España como en anteriores ocasiones. No hacerlo podría ser un error a la altura de no seguir a George R. R. Martin en sus indicaciones.

El episodio de la nueva historia, ambientada en Tailandia, se emitirá este domingo a través de HBO y marcará el cierre de una entrega que ha incluido ocho capítulos, superando los seis de la primera y los siete de la segunda temporada.

La duración del final responde a la complejidad narrativa acumulada a lo largo de la temporada. Prácticamente todas las líneas argumentales del reparto coral permanecen abiertas, lo que requiere un cierre prolongado que permita resolver los conflictos planteados.

Entre las tramas aún en desarrollo se encuentra la de la familia Ratliff, al borde del colapso financiero. Timothy (interpretado por Jason Isaacs) oculta la situación a su esposa e hijos mientras consume los medicamentos de Victoria (Parker Posey) para evadirse.

A esto se suma el posible consumo de una fruta tóxica, conocida localmente como “el árbol del suicidio”, que aparece en una escena donde Timothy pregunta a Pam por su peligrosidad.

La respuesta de ella, “así lo llaman los locales... así que no la comas”, no impide que él la recoja de todos modos.

La serie creada por Mike White ya había recurrido a finales extensos. El último episodio de la segunda temporada tuvo una duración de 78 minutos, lo que muestra una tendencia hacia cierres más largos para una narrativa que combina tensión, comedia negra y crítica social.

En el episodio siete, titulado “Killer Instincts”, Rick (Walton Goggins) enfrenta al asesino de su padre, Jim Hollinger (Scott Glenn), pero no llega a tomar represalias.

Su relación con Chelsea (Aimee Lou Wood) sigue desarrollándose, aunque en el avance del final se la ve rogándole: “Por favor, no hagas algo estúpido”, a lo que él responde: “Voy a estar bien”.

En otra línea, Piper (Sarah Catherine Hook) pasa la noche en un monasterio budista junto a su hermano menor Lochlan (Sam Nivola), quien le plantea quedarse allí durante un año sabático.

Por otro lado, el mayor de los hermanos, Saxon (Patrick Schwarzenegger), asiste a una fiesta organizada por Greg (Jon Gries) y Chloe (Charlotte LeBon) en la que también están presentes Belinda (Natasha Rothwell) y su hijo Zion (Nicholas Duvernay).

Allí, Greg ofrece a Belinda 100,000 dólares para abrir su propio spa, en memoria de su difunta esposa Tanya McQuoid (Jennifer Coolidge), aunque con condiciones implícitas para su silencio.

“No voy a hacer esto. Es una pérdida de tiempo”, dice Belinda a Zion en una escena del tráiler, antes de urgirlo a abandonar la casa de Greg. La tensión se intensifica cuando él reacciona con disgusto ante su negativa.

Otro de los hilos narrativos pendientes involucra al trío de amigas Jaclyn Lemon (Michelle Monahan), Kate (Leslie Bibb) y Laurie (Carrie Coon), cuyas relaciones se han visto afectadas por un encuentro íntimo de Jaclyn con Valentin (Arnas Fedaravičius).

Laurie, que pasó la noche con Aleksei tras asistir sola a una velada de lucha tailandesa, descubre en su habitación joyas que previamente habían sido vistas por Chelsea en la tienda del hotel, poco antes de un robo.

En ese mismo evento, Gaitok (Tayme Thapthimthong) parece identificar a los culpables del robo mientras asiste a la pelea junto a Mook (Lalisa Manobal).

En el avance del capítulo final, Gaitok aparece corriendo con un arma en la mano, lo que sugiere una posible resolución violenta de la trama.

Las pistas en torno al episodio final de “The White Lotus 3”

Desde el primer episodio de esta temporada de The White Lotus, se anticipó que uno de los personajes moriría..

Entre las pistas más discutidas por los seguidores de la serie figura la ya mencionada fruta venenosa que crece fuera de la suite de los Ratliff.

El hecho de que Timothy recoja el fruto, mientras en otra escena Saxon acciona una licuadora, ha dado pie a teorías sobre un posible envenenamiento colectivo mediante batidos.

Otra posibilidad gira en torno a Belinda y Greg. El avance muestra una nueva visita de madre e hijo a la casa de Greg, donde su oferta económica sigue sobre la mesa.

El gesto de rechazo de Belinda podría desencadenar una represalia, según especulan algunos seguidores.

Gaitok, alentado por Mook y su jefe a encontrar su “instinto asesino”, parece asumir un papel más activo.

Se lo muestra enfrentando a Valentin, a quien ahora se señala como cómplice del robo junto a sus amigos rusos Vlad y Aleksei. También se ve a Gaitok armado, lo que ha alimentado las conjeturas sobre un ajuste de cuentas.

En una de las escenas finales del avance, una figura se hunde lentamente en el agua con el brazo extendido, lo que sugiere que la muerte anticipada podría no producirse por disparo, sino por ahogamiento.

Las teorías más extravagantes incluso involucran a los monos que han aparecido en varios episodios, sugiriendo que uno de ellos podría desencadenar una balacera tras apropiarse de un arma.

El misterio se resolverá este domingo 6 de abril con el estreno del capítulo final de esta tercera temporada de The White Lotus.

Los hongos alucinógenos, mejor conocidos como “hongos mágicos”, han sido tema de interés en diferentes sectores de la población y quienes resultaron más cautivados fueron tanto escritores y animadores como científicos.

Durante mucho tiempo se han estudiado los posibles beneficios y efectos positivos que las propiedades psicoactivas podrían tener en el cuerpo humano y después de múltiples análisis, los resultados mostraron un efecto beneficioso, ya que su consumo controlado podría mejorar la salud gracias a la presencia de una sustancia conocida como psilocibina.

Por otro lado, Steve Hely y Joseph Bennett, escritor y animador respectivamente, encontraron en los hongos una historia que contar en la que involucran diferentes personajes que se relacionan con un organismo eucariótico único.

Qué es la psilocibina y cómo podría ayudar al cuerpo humano

La psilocibina es un compuesto químico presente en ciertos tipos de hongos que crecen en casi todos los continentes y ha captado la atención de la comunidad científica por su posible uso en el tratamiento de trastornos mentales y de abuso de sustancias.

Según informó el Instituto Nacional sobre el Abuso de Drogas (NIDA, por sus siglas en inglés), esta sustancia, conocida popularmente como “setas mágicas” o “hongos mágicos”, tiene una larga historia de uso en ceremonias tradicionales y actualmente se investiga su potencial como medicamento.

De acuerdo con el NIDA, el impacto de la psilocibina en el cerebro y el cuerpo humano ha sido objeto de estudio por parte de investigadores interesados en comprender su funcionamiento y sus posibles aplicaciones terapéuticas.

Pese a que los primeros resultados fueron prometedores, los expertos subrayaron que se necesita más investigación para comprender completamente los beneficios y riesgos asociados con su uso, ya que durante décadas, los científicos han explorado el potencial de las drogas psicodélicas para tratar una variedad de problemas de salud mental, desde la depresión hasta el trastorno de estrés postraumático. Sin embargo, el uso de estas sustancias en contextos médicos sigue siendo un tema controvertido debido a su asociación con el consumo recreativo y los posibles efectos adversos.

Según el NIDA, las personas que ingieren hongos mágicos pueden experimentar efectos secundarios físicos y psicológicos que varían en intensidad. Entre los síntomas físicos más comunes se encuentran las náuseas y el aumento de la frecuencia cardíaca. En el ámbito psicológico, los consumidores pueden experimentar emociones intensas que van desde la felicidad extrema hasta el terror, dependiendo de factores como la dosis y el entorno en el que se consume la sustancia. Incluso señalaron que pueden llevar a comportamientos peligrosos o a experiencias traumáticas, por lo que los expertos enfatizaron en la importancia de realizar investigaciones controladas y supervisadas para garantizar la seguridad de quienes podrían beneficiarse de su uso terapéutico.

La presencia de los hongos mágicos en las series de televisión

Aunque muchas veces el consumo de sustancias ilícitas aparece en programas de televisión, una de las más destacadas es “Efectos Colaterales”, una serie animada que ha sido recibido muy buenas críticas por parte de diferentes personalidades como Javier Ibarreche.

Se trata de Efectos colaterales, disponible en la plataforma Max y es una producción que aborda temas que van desde ciencia, crecimiento personal y crisis globales pero todo desde una perspectiva distópica y con un enfoque en la juventud.

La historia está ambientada en un mundo donde la humanidad enfrenta los efectos de enfermedades pandémicas y el deterioro ambiental en donde un grupo de adolescentes que, tras la desaparición de la humanidad por un misterioso hongo biológico, deben sobrevivir, tomar decisiones críticas y entender el impacto de sus acciones en el entorno.

Por ello, el hongo juega un papel central en la narrativa de la serie, ya que simboliza tanto el peligro como la esperanza, pues representa una fuerza biológica que cataliza los eventos del mundo postapocalíptico en el que viven los personajes. Es relevante porque enfatiza la relación entre los seres humanos y la naturaleza, mostrando cómo una entidad microscópica puede desbalancear o restablecer todo el ecosistema. Además, el hongo desafía a los personajes a comprender su origen y sacar lecciones sobre sostenibilidad, ciencia y el cuidado del planeta.

• Devil May Cry
• The Bondsman
• The Last of Us
• Andor
• Black Mirror
• El Eternauta

Abril llega cargado de estrenos imperdibles para los amantes de las series. Desde el esperado regreso de The Last of Us y Andor con sus segundas temporadas, hasta el debut de la esperada adaptación de El Eternauta, este mes promete grandes emociones para todo tipo de público.

La ciencia ficción y la acción se hacen presentes con la nueva entrega de Black Mirror y la serie animada Devil May Cry, mientras que The Bondsman se presenta como una propuesta fresca con mucho potencial. Entre tanta variedad, el problema no será qué mirar, sino cómo encontrar el tiempo para maratonear todo. A continuación, repasamos los estrenos más destacados y por qué no deberías perdértelos.

Devil May Cry - Estreno por Netflix el 3 de abril

Netflix le da la bienvenida al cuarto mes del año con el estreno de Devil May Cry el próximo 3 de abril. Esta serie animada basada en el icónico videojuego de Capcom propone una historia de acción y fantasía urbana para adultos. La historia sigue a Dante, un cazador de demonios a sueldo, quien intenta frustrar una invasión demoníaca en la Tierra liderada por un poderoso demonio conocido como White Rabbit, mientras entra en conflicto con una soldado llamada Mary. La trama parece inspirarse parcialmente en el manga precuela de Devil May Cry 3, aunque se ha indicado que esta primera temporada no adapta directamente ningún juego específico, sino que establece su propio universo.

Devil May Cry cuenta con un equipo de grandes talentos. No solo fue desarrollada por el productor Adi Shankar, conocido por su trabajo en Castlevania, sino también contó con la animación de Studio Mir, famoso por producciones como X-Men ‘97 y The Legend of Korra.

The Bondsman – Estreno por Prime Video el 3 de abril

Para el mes de abril, Prime Video se reservó el estreno de The Bondsman, una serie irreverente que mezclará comedia, acción y una buena dosis de terror. Esta ficción de ocho episodios nos presenta a Kevin Bacon como un cazarrecompensas, devenido en cazador de demonios, que deberá rendir cuentas al mismísimo diablo atrapando a aquellas almas que se escapan de su dominio. En el camino, también aprenderá cómo sus propios pecados hicieron que su alma fuera condenada, algo que le dará una segunda oportunidad en la vida, el amor y a su casi olvidada carrera musical en el género country.

The Bondsman, que propone una historia de redención con humor negro y algo de gore, es una creación de Grainger David, con Erik Oleson como showrunner. Este último es conocido por su trabajo en Carnival Row y por estar al frente de la tercera temporada de Daredevil en Netflix.

The Last of Us (Temporada 2) – Estreno por Max el 13 de abril

Uno de los títulos más esperados de este mes es la segunda temporada de The Last of Us, la exitosa adaptación del aclamado videojuego de Naughty Dog. Esta entrega, que constará de siete episodios, continuará la historia de Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) con un salto temporal de cinco años mientras se enfrentan a las secuelas de un mundo desolado y a las consecuencias de sus acciones. A pesar de que la aparente paz parece haber alcanzado sus vidas, las sombras del pasado regresan para poner en peligro la estabilidad que habían logrado, obligándolos a lidiar nuevamente con las huellas de la destrucción.

El reparto se amplía con la llegada de Kaitlyn Dever como Abby, un personaje clave y controvertido del videojuego, Isabela Merced como Dina, la pareja de Ellie, Young Mazino como Jesse, y otros como Ariela Barer (Mel), Tati Gabrielle (Nora), Spencer Lord (Owen), Danny Ramirez (Manny) y Jeffrey Wright (Isaac).

Manteniendo su tono intenso y emocional, esta temporada de The Last of Us abordará temas como la venganza, la pérdida y la redención, con una adaptación fiel al juego pero con algunas modificaciones narrativas. Los episodios se emitirán semanalmente los domingos en Max, con final previsto para el 25 de mayo de 2025, justo a tiempo para la temporada de premios.

Black Mirror (Temporada 7) – Estreno en Netflix el 10 de abril

La aclamada serie antológica de ciencia ficción creada por Charlie Brooker regresa con nuevos episodios que exploran los límites de la tecnología y la naturaleza humana. Esta temporada promete un regreso al Black Mirror original, centrándose en historias de tecno-paranoia al estilo de las primeras entregas. A diferencia de la sexta entrega, que experimentó con el horror sobrenatural, esta se enfocará exclusivamente en relatos de ciencia ficción, combinando lo inquietante con lo emocional y lo satírico.

Por primera vez, la serie incluirá dos secuelas. El episodio USS Callister: Into Infinity retoma la historia de USS Callister (de la temporada 4), con el regreso de Cristin Milioti, Billy Magnussen, Jimmi Simpson y otros. También se rumorea una conexión con Bandersnatch (2018), con Will Poulter y Asim Chaudhry retomando sus roles, aunque aún no está claro si será una secuela directa.

Además los nuevos episodios contarán con un elenco estelar con participaciones de Awkwafina, Peter Capaldi, Emma Corrin, Paul Giamatti, Rashida Jones, Chris O’Dowd, Issa Rae y Tracee Ellis Ross.

Andor (Temporada 2) - Estreno por Disney+ el 23 de abril

El 23 de abril llega a Disney+ la segunda y última temporada de Andor protagonizada por Diego Luna como el rebelde titular. Esta, que consta de 12 episodios, cerrará el arco narrativo de Cassian Andor, conectando directamente con los eventos de Rogue One: Una historia de Star Wars (2017). La trama abarcará cuatro años en la vida del protagonista, mostrando su transformación de un ladrón cínico a un líder clave de la Rebelión contra el Imperio Galáctico.

A diferencia de la primera entrega, que lanzó tres episodios iniciales seguidos de estrenos semanales, la segunda temporada adoptará un formato de lanzamiento en bloques: se publicarán tres episodios cada semana durante cuatro semanas, finalizando el 13 de mayo de 2025.

El Eternauta – Estreno en Netflix el 30 de abril

El mes cierra con uno de los estrenos más esperados de la producción local: El Eternauta. Basada en la icónica novela gráfica de Héctor Germán Oesterheld, la serie de seis episodios fue dirigida por Bruno Stagnaro (Okupas), quien también coescribió el guion junto a Ariel Staltari.

La historia sigue a Juan Salvo, interpretado por Ricardo Darín, un sobreviviente en una Buenos Aires devastada por una nevada tóxica que mata a millones. Pronto descubre que no es un desastre natural, sino el primer ataque de una invasión alienígena invisible. Junto a un grupo de personas, luchará por sobrevivir y resistir, en una historia donde la resistencia colectiva cobra más peso que el heroísmo individual. El elenco incluye a Carla Peterson, César Troncoso, Andrea Pietra, Marcelo Subiotto, Claudio Martínez Bel, Orianna Cárdenas y Mora Fisz, entre otros.

El Eternauta es una obra de culto en América Latina que mezcla ciencia ficción con crítica social. La serie busca capturar su esencia y se perfila como un hito para la industria audiovisual argentina, con una Buenos Aires que juega un papel clave en la narrativa.

Todos los episodios estarán disponibles globalmente en Netflix el 30 de abril.

Si en algo se especializa la plataforma de streaming Max es en hacer que sus superproducciones de drama se conviertan en un fenómeno de masas. Los amantes de la moda ya pudieron disfrutar de los espectaculares looks y maquillajes que Euphoria brindó a los fans; sin embargo, The White Lotus es el nuevo diamante de la compañía y su cuidada ambientación y diseño de vestuario también ha dado mucho de lo que hablar.

En las idílicas vacaciones de los millonarios más singulares de Estados Unidos es obvio que los estilismos suponen un gran peso dentro de la trama. Y, para ello, su director, Mike White, ha procurado trabajar con un buen equipo de arte que atiende a cada pequeño detalle. Si bien la ropa y los bañadores utilizados por las actrices han cobrado gran protagonismo, lo que más ha conquistado a los amantes de la moda han sido sus bolsos.

Los hoteles ‘White Lotus’ se han convertido en una auténtica pasarela de las mejores firmas, donde sus huéspedes exhiben piezas de algunas de las casas de moda más prestigiosas del mundo. En pantalla, se han podido ver diseños exclusivos de firmas como JW Anderson, Loewe, Valentino y Jacquemus, entre otras. Sin embargo, el que más revuelo ha causado ha sido un modelo de Louis Vuitton, utilizado por el personaje de Victoria Ratliff, interpretado por Parker Posey. Este bolso, que ya era un objeto de deseo, ha disparado su popularidad tras su aparición en la serie.

El accesorio en cuestión es el Vernis Astor Place, una pieza sofisticada que se ha convertido en un objeto de culto entre las amantes de la moda. Su presencia en el cuarto episodio no solo ha generado fascinación por su diseño, sino también por el peculiar uso que su dueña le da en la ficción: lo emplea como neceser de baño. Este detalle ha generado todo tipo de comentarios, ya que no es nada común ver un bolso de más de 2.000 euros destinado a guardar productos de aseo personal. Desde luego, algo que únicamente un millonario podría permitirse. Actualmente, el modelo solo se encuentra disponible en plataformas de segunda mano, lo que aumenta su valor y exclusividad.

El modelo actual

Pero, para quienes buscan una alternativa similar, el Nano Cannes Monogram de Louis Vuitton podría ser otra opción muy codiciada. Su diseño, inspirado en un neceser vintage, presenta la icónica lona Monogram de la marca, con ribetes de piel y un distintivo grabado de la casa de lujo. A diferencia del Astor Place, este modelo, que se comercializa por unos 2.500 euros, ofrece versatilidad gracias a su doble asa: una corta para llevarlo de la mano y otra larga para lucirlo como bandolera.

Ambos bolsos han trascendido el ámbito de la moda para convertirse en auténticos iconos en su mundo. Además, su asociación con una de las series más comentadas del momento no ha hecho más que consolidar su estatus como piezas imprescindibles en el armario de quienes buscan exclusividad. Una vez más, The White Lotus demuestra que la televisión es un escaparate de tendencias, donde el vestuario y los accesorios no solo complementan la narrativa, sino que también marcan el pulso del universo de la moda.

De acuerdo con declaraciones de Casey Bloys, director ejecutivo de Max, el modelo de producción de The Pitt permite ofrecer 15 episodios por temporada, un número significativamente mayor al promedio de ocho a diez episodios que suelen tener otras series de la plataforma. Este enfoque no solo acorta la espera entre temporadas, sino que también busca mantener la calidad narrativa sin comprometer la creatividad.

Una narrativa en tiempo real que revitaliza el género

The Pitt se distingue por su formato innovador, que retrata una hora de un turno de 15 horas en un departamento de emergencias saturado y con recursos limitados. La serie, creada por R. Scott Gemmill, ofrece una representación realista de los desafíos que enfrentan los trabajadores de la salud en los Estados Unidos, destacando el heroísmo de médicos y enfermeras en un entorno de alta presión.

El elenco principal incluye a Noah Wyle como el Dr. Michael “Robby” Rabinavitch, acompañado por Tracey Ifeachor, Patrick Marron Ball, Supriya Ganesh, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell, Shabana Azeez y Katherine LaNasa. Cada personaje aporta una perspectiva única a las dinámicas del hospital, enriqueciendo la narrativa con historias personales y profesionales.

Un modelo de producción que marca la diferencia

En una entrevista con Vulture, Bloys destacó que el éxito de The Pitt radica no solo en su trama, sino también en su capacidad para ofrecer más episodios en menos tiempo. Este modelo contrasta con otras producciones de Max, como House of the Dragon, The Last of Us y The White Lotus, que requieren hasta dos años para completar una temporada debido a sus complejos procesos de producción.

“La segunda temporada se estrenará en enero de 2026, un año después de la primera temporada. Este modelo de más episodios acorta la diferencia entre temporadas”, explicó Bloys. Además, señaló que este enfoque podría aplicarse a futuras producciones de la plataforma, ampliando la oferta de contenido sin comprometer la calidad.

Reconocimiento de la crítica y el público

Desde su estreno, The Pitt ha sido elogiada por su capacidad para actualizar el género de drama médico, combinando elementos procedimentales con una narrativa en tiempo real. Según Sarah Aubrey, directora de programación de Max Originals, la serie ha logrado conectar con el público al ofrecer una representación auténtica del trabajo en un hospital moderno.

“Ha sido emocionante ver cómo el público ha recibido ‘The Pitt’ como una actualización de la narrativa procedimental, con un elenco que encarna auténticamente el heroísmo de médicos y enfermeras en la sala de emergencias del 2025”, afirmó Aubrey.

Por su parte, Channing Dungey, presidenta y CEO de Warner Bros. Television Group, destacó la calidad de la producción y el compromiso del equipo creativo. “Desde sus poderosas historias hasta su set realista y su innovador formato en tiempo real, ‘The Pitt’ es una verdadera clase magistral de narración”, señaló.

Un futuro prometedor para “The Pitt”

Con el final de la primera temporada programado para el 10 de abril de 2025, el equipo detrás de The Pitt ya está trabajando en nuevas historias para la segunda entrega. Según declaraciones conjuntas de John Wells, R. Scott Gemmill y Noah Wyle, el apoyo de Max y Warner Bros. Television ha sido fundamental para el desarrollo de la serie.

“Estamos emocionados y agradecidos por la respuesta del público a nuestra primera temporada de ‘The Pitt’ y no podríamos estar más agradecidos con nuestros socios en Max y Warner Bros. Television por todo su extraordinario apoyo a lo largo de esta temporada”, expresaron los creadores.

La serie no solo ha establecido un nuevo estándar en el género de drama médico, sino que también ha demostrado el potencial de un modelo de producción más ágil y eficiente. Con su regreso confirmado para 2026, The Pitt promete seguir cautivando a los espectadores con historias que reflejan la realidad de los trabajadores de la salud en un contexto contemporáneo.

El segundo trimestre de 2025 comienza potente con las esperadas nuevas temporadas de algunos hits incontestables de los últimos años, como The Last of Us o El cuento de la criada.

En ese sentido, encontramos pocas series originales: la adaptación del cómic de culto de El Eternauta y Dying for sex, protagonizada por Michelle Williams.

Además, una nueva serie de médicos, Pulso (Netflix), la quinta temporada de You o la comedia surrealista Goverment Cheese en Apple TV, plataforma que suele apostar por formatos diferentes. En Movistar Plus+ también se podrá ver el thriller policiaco protagonizado por Amanda Seyfried titulado El largo río de las almas y en Filmin se recupera la serie Infiel, de Thomas Alfredson, basada en la película de Liv Ullmann.

‘Dying for sex’ (Disney+)

Hacía tiempo que no veíamos a Michelle Williams, casi desde Los Fabelman y de su última colaboración con la cineasta Kelly Reichardt hace tres años. Ahora regresa a la pequeña pantalla después de ganar el Emmy y el Globo de Oro por Fosse/Verdon.

Su nueva propuesta se llama Dying for sex y está basada en una historia real, la de Molly Kochan, una mujer a la que le diagnosticaron cáncer terminal y que decidió cambiar radicalmente de vida, dejar a su marido y explorar, por primera vez en su vida, el deseo sexual.

Detrás de este proyecto está la creadora Shannon Murphy (que acaba de estrenar en Movistar Plus+ Reinas de Soho), que ya abordó el amor durante la enfermedad en la película ‘indie’ El glorioso caos de la vida, protagonizada por Eliza Scanlen.

‘El cuento de la criada T-6’ (Max)

Quién iba a decir que la novela de Margaret Atwood iba a dar para tanto, pero lo cierto es que la adaptación de ese germen literario se ha convertido en una de las series contemporáneas más icónicas y con un discurso feminista más potente, en la que se abordan conceptos que inciden de forma directa en nuestra sociedad, como el auge de los totalitarismos o la esclavitud de las mujeres por su capacidad (o no) de procrear.

La serie creada por Bruce Miller alcanza su sexta temporada, que en principio sería la final, de nuevo, como no podría ser de otra manera, con Elisabeth Moss como protagonista en el papel de June, que continuará su lucha para acabar con el estado dictatorial y anacrónico de Gilead.

‘Black Mirror T-7’ (Netflix)

Otra de esas ficciones que han servido de espejo de nuestro tiempo al abordar cuestiones relacionadas con la relación entre el hombre y las nuevas tecnologías a través de historias retorcidas en forma de sátira social.

Ahora se presenta su séptima temporada, de nuevo una antología, en este caso a través de seis episodios. Al parecer, algunos de ellos serán una continuación de capítulos precedentes, como el interactivo Bandersnach, en el que el espectador podía tomar sus propias decisiones dentro de la trama o la secuela de USS Callister.

En el reparto de los diferentes capítulos independientes encontramos nombres como Paul Giamatti, Awkwafina, Christin Milioti, Peter Capaldi o Will Poulter.

‘Hacks T-4’ (Max)

Los amantes de una de las mejores y más incisivas comedias de los últimos años están de enhorabuena, porque llega la cuarta temporada de Hacks, que seguirá ahondando en la relación entre Deborah Vance (Jean Smart) y Ava (Hannah Einbinder) que, en esta ocasión, intentarán sacar adelante un late show que podría marcar un antes y un después en sus respectivas carreras.

Una ácida y, gracias a sus fantásticos guiones, inteligente visión del mundo del espectáculo, de la fama, los egos, la ambición y la frustración.

‘The Last of Us T-2’ (Max)

Por fin se estrena (después de muchos retrasos a causa de la huelga de actores y de los compromisos de Pedro Pascal) la nueva temporada de la gran serie de zombies de los últimos tiempos (con permiso de The Walking Dead) basada en el videojuego del mismo nombre.

La serie creada por Craig Mazin y Neil Druckmann seguirá en esta nueva tanda de episodios con las andanzas de los personajes que encarnan Bella Ramsey y Pedro Pascal, ambos intentando sobrevivir dentro de ese mundo apocalíptico después de que se extendiera la infección causada por el hongo ‘cordycep’ y los seres humanos se convirtieran en monstruos.

Se añaden las presencias de Kaitlyn Dever, de Young Mazino y de Jeffrey Wright, como el líder de un grupo de milicias que librará su propia guerra.

‘Los ensayos T-2’ (Max)

Convertido en el rey de la comedia incómoda y experto en hablar sobre los límites entre la telerrealidad y la ficción a través de un humor muy negro, Nathan Fielder, después de The Curse, con Emma Stone, regresa con la segunda temporada de una serie de culto para muchos espectadores.

Inserto dentro de los límites de ‘docurreality’, el protagonista de este experimento se encarga de ayudar a otras personas a enfrentarse a sus miedos a través de recreaciones de lo más elaboradas en las que se abordan todas las posibilidades como si se tratara de una simulación. Él mismo se encontrará inmerso en una vida falsa de la que no podrá escapar.

Por el momento, solo se sabe que esta farsa podría adquirir mayores dimensiones en la nueva temporada, que tiene unos fans acérrimos, sobre todo aquellos que conectaron en su momento con la corriente del post-humor.

‘Andor T-2’ (Disney+)

Segunda temporada de una de las series más diferentes y especiales dentro de Star Wars. Su propuesta era muy minimalista y tenía un componente político muy contundente.

Se encontraba ambientada cinco años después de los acontecimientos que tuvieron lugar en la película Rogue One (que inició las historias paralelas dentro del universo), donde aparecía el personaje de Cassian Andor (Diego Luna) al que seguiremos en esta ficción que sigue su evolución de ladrón a líder revolucionario.

Detrás de la dirección encontramos a Tony Gilroy, gran director responsable de películas como Michael Clayton y guionista de la saga Jason Bourne.

‘El Eternauta’ (Netflix)

Es una de las novelas gráficas de culto, no solo en Argentina, sino también en nuestro país, obra de Héctor Germán Oesterheld. En ella se mezclaba el análisis político y social con la configuración de un universo propio absorbente a través de una historia de ciencia ficción apocalíptica.

Es una de esas adaptaciones que habían adquirido la fama de ‘malditas’, ya que muchas veces se había puesto en marcha y finalmente no habían terminado materializándose. En esta ocasión, el creador de esta ambiciosa miniserie es Bruno Stagnaro y está protagonizada por Ricardo Darín en el papel de Juan Salvo, el hombre que relatará los sucesos que tendrán lugar, desde una explosión en el Océano Pacífico hasta una extraña nevada cuyo contacto genera una muerte inmediata... hasta una invasión extraterrestre.

El actor, que da vida al joven Saxton Ratliff en la serie, ha protagonizado varias de las escenas más locas y subidas de tono de esta tercera entrega, que está ambientada en Tailandia. Junto a su hermana Piper (Saraj Catherine Hook), su hermano Lochlan Ratliff (Sam Nivola) y sus padres Tim (Jason Isaacs) y Victoria (Parker Posey), la familia Ratliff es una de las tramas principales, junto a otras como las de la pareja que componen Walton Goggins y Aimee Lou Wood o el grupo de amigas que integran Michelle Monaghan, Carrie Coon y Leslie Bibb.

La historia de cómo Schwarzenegger, hijo del mítico Arnold Schwarzenegger y Maria Shriver -miembro de la familia Kennedy-, pudo conseguir un papel en la serie ya era insólita de por sí. No obstante, sus idas y venidas con la familia se han disparado desde el primer episodio, en el que el actor ya aparecía en una escena sin ropa que no dejó indiferente a nadie. “Creo que en todas me has puesto nerviosa al ver todas las escenas”, reconocía Shriver haciendo alusión al desnudo integral de su hijo. “No paráis de decir: ‘Ese no soy yo, es una prótesis’”, añadía la periodista y política.

Un final sorprendente

“Fue un poco desesperante ver el primer episodio con toda mi familia porque me quito algo de ropa. Pero creo que algunos de los próximos episodios los veré sin ellos. Los últimos episodios son demasiado locos”, comentaba el joven Patrick Schwarzenegger, admitiendo que aun quedan por suceder cosas de lo más extrañas en los episodios que están por venir. La serie acaba de emitir el sexto episodio, que se ha coronado como el mejor valorado, pero aun restan otros dos por estrenar.

A la espera de que se confirme la cuarta temporada, que no podría tardar mucho a juzgar por el éxito de esta tercera entrega, quedan por resolver aun muchas incógnitas. “La primera temporada se centró en el dinero y la segunda en el sexo. Creo que la tercera temporada podría ser una mirada satírica y divertida a la muerte, la religión oriental y la espiritualidad. Me parece que podría ser un rico tapiz para hacer otra ronda en White Lotus”, comentaba en su momento el showrunner Mike White, dando alguna que otra pista de hacia dónde podría ir enfocado el desenlace de la temporada. Aunque sin duda todas las miradas estarán puestas sobre Schwarzenegger, cuya familia ya se teme lo peor viendo la espantada para los episodios finales.

La serie de Harry Potter continúa rellenando huecos, o mejor dicho nombrando profesores y alumnos. La búsqueda de los nuevos actores para la serie que adaptará las novelas de J.K. Rowling continúa y ahora la producción centra sus esfuerzos en encontrar a su nuevo Hagrid, el bonachón semigigante que se encarga de custodiar los terrenos de Hogwarts y quien se convierte en buen amigo de Harry Potter y sus amigos. Pues bien, parece que HBO tiene muy encaminada las negociaciones con un actor para dar vida al personaje.

El actor Nick Frost encabeza ahora mismo la lista para dar vida a Rubeus Hagrid, sin duda uno de los personajes más importantes de toda la saga. El actor se uniría de esta forma a las incorporaciones de John Lithgow como Albus Dumbledore, Paapa Essiedu como Severus Snape y Tracy McTeer como Minerva McGonaggal. Por su parte, el casting para los próximos Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger comenzó ya hace algunos meses, y debería estar cerca de terminar.

En las películas originales, el personaje de Hagrid estaba interpretado por Robbie Coltrane, quien falleció hace ya tres años. Coltrane daba vida al personaje con la inestimable ayuda del exjugador de rugby Martin Bayfield, quien ejercía como doble de riesgo e y quien incluso llegó a dar vida a una versión joven de este en Harry Potter y la cámara secreta. Hagrid es sin duda uno de los personajes más queridos por los fans de toda la saga, dada su sabiduría, su lealtad a Hogwarts y sobre todo su actitud, siempre amistosa y divertida a pesar de verse envuelto en situaciones de lo más complejas.

Respetando la novela

Quizá por eso la serie no podría haber encontrado mejor candidato para dar vida al semigigante. Frost cumple de sobra con el perfil físico, al tener una gran complexión y barba, pero también con el interpretativo. A lo largo de su carrera ha demostrado tener una capacidad increíble para combinar humor con acción, especialmente en las películas en las que ha colaborado con el cineasta británico y buen amigo suyo, Edgar Wright. En todas ellas, desde Zombies Party a Bienvenidos al fin del mundo, el actor inglés ha podido poner en práctica su increíble fuerza, lo que le situaría como un candidato ideal para el papel.

Un anuncio que tranquilizaría sin duda a muchos de los fans más ortodoxos, que han visto cómo algunas de las incorporaciones eran de dudosa fidelidad a la saga original, ya fuera por aspecto o por ascendencia. Con Frost se recuperaría tanto la vertiente británica que caracteriza la serie como el parecido físico que posee Frost con respecto a Hagrid, un personaje marcado por su presencia física. A la espera de confirmarse el fichaje, al actor se le podrá ver en la adaptación a acción real de Cómo entrenar a tu dragón, que se podrá ver el próximo 13 de junio y en la que da vida a un bravo vikingo junto a Gerard Butler o Mason Thames, entre otros.

La serie habla de la brecha generacional entre padres e hijos, del impacto de las nuevas tecnologías en los más jóvenes y de cómo las redes sociales se convierten en espacios poco seguros para los menores, donde se expanden mensajes de odio, como en este caso, hacia las mujeres a través de lo que se denomina la ‘manosfera’, una red de sitios en Internet dedicados a fomentar la misoginia, al antifeminismo y la violencia a las mujeres.

¿De qué forma estamos educando a los niños cuando no sabemos qué material consumen en Internet, si porno duro o foros de ‘incels’? Todas estas cuestiones están presentes en una serie que se ha convertido en un clásico de culto inmediato y que ha impactado de forma directa en la audiencia como hacía tiempo que ninguna otra lo había hecho.

Es complicado buscar equivalentes que se parezcan a Adolescencia, porque sus características la hacen demasiado única, pero intentaremos recomendar algunos ejemplos que pueden emparentarse de alguna manera a esta serie que ha roto los esquemas y las expectativas de forma fulminante.

‘Por trece razones’ (Netflix)

Su primera temporada se convirtió también en un éxito en Netflix y su trama abarcó hasta casi los 50 episodios a lo largo de cuatro años. El punto de partida era el de un adolescente que, al llegar a su casa recibía una caja misteriosa que contenía una cinta grabada por su compañera de clase que se había suicidado unas semanas atrás. En ese casete la joven explicaba las 13 razones por las que había decidido quitarse la vida.

Una serie que transcurría entre los pasillos de una escuela de secundaria y abordaba el bullying como si se tratara de un thriller en el que poco a poco se iban conociendo las claves de un misterio en el que, de alguna forma, buena parte de los compañeros de la chica habían tenido algo que ver. De alguna forma, la española Élite, al menos la primera temporada, bebió mucho de su estructura y, casualmente, surgió después de que esta ficción volviera a poner de moda las intrigas escolares, aunque en este caso se abordara desde una perspectiva totalmente diferente.

‘Defender a Jacob’ (Apple TV+)

Miniserie de ocho episodios basada en la novela de William Landay del mismo nombre. En ella se descubrirá el cadáver de un niño de 14 años en medio del bosque con tres puñaladas en el pecho. La comunidad a la que pertenecía, que siempre se había caracterizado por ser tranquila, se convertirá en un polvorín de miedo y suspicacias. El ayudante del fiscal del distrito se hará cargo del caso, pero su hijo Jacob, compañero del pequeño asesinado, será acusado del crimen.

Un thriller legal y una inquietante intriga psicológica que, al igual que Adolescencia, aborda la relación entre padres e hijos y el espacio de desconocimiento total que los separa. La ficción estaba protagonizada por Chris Evans (Los Vengadores), el joven Jaeden Martell (It) y Michelle Dockery (Dowtown Abbey)

‘Euphoria’ (HBO Max)

Dos temporadas fueron suficientes para convertirse en una serie de culto. Creada por Sam Levinson y con un reparto que se catapultó a la fama de manera inmediata, de Zendaya a Hunter Schafer, de Sydney Sweeney a Jacob Elordi. Una reflexión en torno a la adolescencia de manera poliédrica en la que se abordan todo tipo de temas, desde las drogas, la identidad sexual, la relación con las redes sociales o la violencia estructural en nuestros días.

Una apuesta arriesgada que rompió con muchos de los estereotipos de las series para adolescentes al mostrar una crudeza y una enorme potencia e intensidad.

‘The Killing’ (Disney+)

Una estudiante brillante de secundaria aparece brutalmente asesinada. Dos inspectores de policía se dedicarán a investigar el entorno de la chica, desde los adultos a sus compañeros de la misma edad, desde sus familiares a un entorno que poco a poco se irán ampliando. ¿Qué le ocurrió a Rosie Larsen?

Una serie adictiva que alcanzó las cuatro temporadas y que también abordaba el desconocimiento total que tenían los padres de su hija desaparecida. Estaba basada en una serie de culto danesa y su primera temporada estuvo nominada tanto a los Emmy como a los Globos de Oro. Entre sus protagonistas encontrábamos a Mireille Enos, Joel Kinnaman, Michelle Forbes o Bill Campbell.

‘Encerrado con el diablo’ (Apple TV+)

Creada por el prestigioso escritor Dennis Lehane (autor de obras como Mystic River o Shutter Island) y basada en una novela de James Keene (que a su vez aborda hechos reales), aborda el ‘true crimen’ de una manera diferente. Un recluso condenado a 10 años de prisión, será liberado si consigue que un presunto asesino confiese su crimen. Un ‘tour de force’ interpretativo y claustrofóbico entre Taron Egerton y Paul Walter Hauser que recuerda en algunos aspectos al tercer capítulo de Adolescencia por el ‘huis clos’ y la tensión que se genera.

‘La edad de la ira’ (Atresplayer)

Un hombre aparece asesinado y al parecer el responsable de su muerte fue su hijo. Esta tragedia conmocionará a sus compañeros de instituto que se preguntarán qué puede haber ocurrido. ¿Cómo un chico popular y lleno de proyectos ha podido matar a su padre? La serie, dirigida por la prestigiosa dramaturga Lucía Carballal y protagonizada por Manu Ríos, Amaia Aberasturi y Daniel Ibáñez (Segundo premio) nos introduce en un microcosmos de dudas dentro del ámbito tanto familiar como escolar. Una buena serie que pasó desapercibida en su momento y que merece la pena reivindicar por su estilo fresco, dinámico y moderno.