La secuela del megaéxito de taquilla no aguanta lo suficiente como para dejarnos disfrutar de lo bueno.

Es atrevido lanzarse a una secuela sin recordar al público quiénes son esos personajes, qué les ocurrió anteriormente o por qué, por ejemplo, uno de ellos está encogido y vive en un castillo diminuto. Incluso en Avengers suelen soltar una línea de diálogo en la que se recuerdan unos a otros sus aventuras más recientes, por si no te acuerdas de los acontecimientos de la última película.

En cambio, Super Mario Galaxy: la película empieza con una broma sobre dar explicaciones, con Rosalina (a la que pone voz Brie Larson) intentando contar un cuento para dormir a sus traviesos Lumas, antes de abandonar por completo esa parte y lanzarse a toda máquina a la aventura. Esto nos da a entender algunas hipótesis. Quizá los creadores de la película esperan que la mayoría de los espectadores estén familiarizados con el universo Mario, lo cual es razonable, ya que la serie de juegos Super Mario de Shigeru Miyamoto cumple 40 años este año. Tal vez supongan que la mayor parte del público vio Super Mario Bros.: la película, el segundo filme más taquillero de 2023, y que al menos uno de sus dos públicos objetivo --es decir, los niños-- la ha estado viendo repetidamente desde entonces. (Lo que significa que los padres de la sala también la conocen).

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O tal vez crean que realmente no importa, porque el argumento no es exactamente el objetivo de Super Mario Galaxy. Es simplemente un vehículo diseñado para hacernos avanzar de escenario en escenario e introducir nuevos, divertidos y curiosos pequeñines. Y ese es a la vez su punto fuerte y su mayor defecto.

Super Mario Galaxy: la película, dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic a partir de un guión de Matthew Fogel, se basa libremente en el juego de Wii, que se lanzó por primera vez en Japón el 1 de noviembre de 2007. La trama del juego se ha desordenado, presumiblemente para preservar el elemento sorpresa. Sin embargo, los personajes principales se mantienen: Mario (Chris Pratt), un fontanero de Brooklyn, y su hermano Luigi (Charlie Day); la princesa Peach (Anya Taylor-Joy), que gobierna el Reino Champiñón; Toad (Keegan-Michael Key), uno de los Champiñones; y Bowser (Jack Black), a quien redujeron a un tamaño diminuto en la entrega anterior y que ahora intenta controlar su naturaleza de villano.

Además de Rosalina, hay otros personajes nuevos. Bowser Jr. (Benny Safdie) está ansioso por complacer a su padre destruyendo el universo por él. Yoshi (Donald Glover) es una criatura verde con aspecto de dinosaurio que Mario y Luigi desentierran en un montón de escombros. Y el personaje cuya aparición recibió más aplausos en mi proyección fue Fox McCloud (Glen Powell), quien pertenece a una serie de Nintendo totalmente distinta, Star Fox.

La mayor parte de la historia consiste en perseguir objetos robados y descubrir quiénes son tus verdaderos amigos y familiares, el último recurso de todas las películas infantiles de Hollywood, presumiblemente para que las estrellas tengan algo sobre lo que moralizar durante las ruedas de prensa. También es bastante superficial durante largos tramos, muchos golpes y destrozos y no tanto humor --infantil o de otro tipo-- como te gustaría.

Los mejores momentos llegan cuando los personajes aterrizan en un nuevo planeta o entran en un nuevo entorno. Es entonces cuando los animadores de Illumination (responsables de liberar a los Minions en la sociedad) dan rienda suelta a su imaginación, construyendo mundos que integran elementos del juego y del universo Nintendo en general --hay montones de referencias ocultas que seguro que me he perdido-- con criaturas que a veces provocan risas. Aparecen pequeños fragmentos de música del juego en la banda sonora de la película y, ocasionalmente, también elementos del juego de 8 bits, lo que puede ser tanto un halago a los fanáticos como un divertido homenaje a la historia del medio en el que comenzó esta historia, dependiendo del ángulo que adoptes.

Aun así, Super Mario Galaxy: la película es una nada vacía, incluso más que la nada vacía de su predecesora, y eso es un gran fastidio. Incluso los niños de mi proyección estuvieron extrañamente callados durante más tiempo del que esperaba. Tal vez algo de esto tenga que ver con el exceso de argumento en una película a la que le iría bien un poco más de espacio para respirar, con el fin de mostrar mejor a los ya mencionados pequeñines un tanto raros. Unas cuantas tramas B con Lumas, Octoombas o Gearmos serían muy divertidas, aunque técnicamente no tuvieran sentido.

Quizá el mayor problema sea inherente al medio. Si nunca has jugado Super Mario Galaxy, es difícil explicar lo revolucionario que pareció en su momento. Por algo está considerado uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Visualmente, era deslumbrante (para 2007, en cualquier caso), cada pequeño mundo tenía su propio lugar interesante que ver y nuevos personajes geniales que descubrir.

La jugabilidad también era inusual. Como se lanzó en la Wii, integraba una mecánica de gravedad localizada en cada planeta de la galaxia, y los controles eran diferentes a los de otros juegos, como si estuvieras dentro del cuerpo de Mario y a veces también operando fuera de él, señalando cosas en la pantalla como si fueras la mano de un dios.

Super Mario Galaxy: la película es justo lo contrario. Hay algunos espectadores para los que señalar la pantalla y decir "¡Conozco esa referencia!" es suficiente para sentirse absortos en una película, y quizá queden contentos. Pero muchos espectadores --¡incluidos los niños!-- quieren sentirse absorbidos por una película, lo que significa implicarse emocionalmente con los personajes y lo que está en juego en su historia. Quieren que se les conceda un segundo para disfrutar del esplendor visual de una imagen bien renderizada. Pero esta película está sobrecargada de tal manera que deja poco espacio para implicarse, y aunque sus personajes y mundos son ingeniosos, apenas tienen tiempo suficiente en pantalla para que se les preste atención.

Ver una película es una actividad inherentemente más pasiva que jugar a un juego. No puedes tomar decisiones, hacer pausas, dedicar un minuto a mirar a tu alrededor. Los creadores toman todas esas decisiones por ti. Gran parte de la alegría del universo Mario ha sido siempre su humor visual alocado y caprichoso, y sigue esperando una película a su altura.

Super Mario Galaxy: la película Clasificada PG. Duración: 1 hora y 38 minutos. En cines.

Alissa Wilkinson es crítica de cine del Times. Ha estado escribiendo sobre películas desde 2005.

Madrid, 13 feb (EFE).- Hace 31 años Super Mario dejó por primera vez sus clásicos juegos de plataformas y saltos para coger una raqueta y jugar al tenis con sus amigos. Ahora llega su última aventura deportiva 'Mario Tennis Fever', la apuesta más atrevida de Nintendo a medio camino entre la acción más caótica, la habilidad de un simulador y la fantasía característica de la firma japonesa.

El título, que llega en exclusiva para su nueva consola Switch 2, es un juego enorme, con una jugabilidad llena de posibilidades y partidos que son una auténtica locura por el uso de raquetas con habilidades mágicas capaces de transformar la pista en hielo o fuego, aturdir a tu rival o hacerte invisible, una mecánica que transforma las partidas en algo imprevisible.

Y esa es precisamente la magia que Nintendo propone a todos sus nuevos títulos, en especial aquellos que, como este, llegan para conmemorar el 40 aniversario del fontanero. Si Mario Kart pasó de ser un juego de carreras clásico para convertirse en una experiencia de mundo abierto y plataformas, ahora le toca el turno a un título en el que el tenis es casi tan importante como saber usar los golpes especiales o colaborar con tu pareja.

Un juego con 38 personajes jugables, el mayor número en la historia de la serie Mario Tennis, en el que se podrá elegir a toda la familia (no sabría decir si se han dejado a alguno) del universo de Super Mario, incluidas las plantas carnívoras Piraña que se lanzan a la pista con la raqueta en boca.

Elegir un personaje, además, tiene su importancia, ya que cada uno se comporta de una manera distinta en la pista y cuenta con parámetros específicos de velocidad, control o potencia, lo que permite que el juego sea diferente ya no solo por el personaje que elija el jugador sino por la raqueta con la que lo equipe, algo que aporta una experiencia infinita.

Y esa es una de las grandes características del título. En ‘Mario Tennis Fever’ todo es una locura y todo es posible. 30 raquetas diferentes, cada una con sus propias habilidades y medidores de fuerza que, al rellenarse con golpes normales, permiten ejecutar golpes ‘furor’, una acción que desata el caos en la pantalla al llenarla de barro, tinta de calamar, hielo, fuego o un viento huracanado.

El modo historia es también una agradable sorpresa. Arranca como una película de animación para presentarnos un mundo en el que los personajes son niños y deberán aprender todo desde el inicio para lograr volver a su estado normal. Peca de ser excesivamente infantil por momentos, pero está repleto de minijuegos ideales para los más pequeños de la casa.

Los gráficos son pura dopamina. Color a raudales y miles de detalles en uno de los títulos que mejor se ven en la nueva máquina de Nintendo. Muy lejos de la paleta roja y negra del primer Mario Tennis lanzado en 1995 en esa rareza de consola que era Virtual Boy (que, por cierto, ahora Nintendo recuperará del olvido para regocijo de los nostálgicos).

Al margen de los modos de juego tradicionales, este ‘Mario Tennis Fever’ también trae modos desafío (surrealista por momentos con pistas como una selva que va cambiando), un potente multijugador online e incluso un modo realista que se juega con el mando como si fuera una raqueta, muy al estilo de la clásica Nintendo Wii.

Un título muy esperado con el que Nintendo reinventa de nuevo la fórmula clásica para dotarlo de todo el encanto de sus producciones. Diversión adaptada a todos los miembros de la familia, exigente y simple a la par, caótico y vibrante, desternillante e inmenso y, sobre todo, carismático. Algo que ya apenas abunda en un sector lleno de distopías, remakes y violencia. EFE

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Frankfurt (Alemania), 3 feb (EFE).- Nintendo ha arrancado 2026 con el respaldo absoluto de la comunidad gamer a su nueva consola Switch 2, de la que en menos de 7 meses ha colocado más de 17 millones de unidades y 38 millones de juegos. Un año en el que quiere consolidarse con unos primeros meses en los que el universo de Super Mario, que celebra su 40 aniversario, y la nostalgia de Virtual Boy serán protagonistas.

En un encuentro celebrado en Fráncfort, en la sede de Nintendo en Europa, la compañía nipona presentó sus grandes apuestas para la primera mitad del año con varios puntos fuertes en el horizonte: ‘Mario Tennis Fever’, Resident Evil Requiem, Virtual Boy, la expansión de Super Mario Bros Wonder ‘Encuentro en el parque Belabel’, o el título de acción futurista Pragmata.

“2026 va a ser un año muy ilusionante para Nintendo porque seguimos celebrando el 40 aniversario de Mario sin olvidarnos de nuestro pasado. En este caso con Virtual Boy, una consola supernostálgica que solo salió en Japón y llega por primera vez a Europa”, destaca a EFE durante el encuentro Enrique Marcellán, responsable de comunicación de Nintendo Europa en España.

Nintendo lleva en su ADN la diversión y el desafío por reinventar géneros. Si a Mario Kart lo han transformado en una plataforma de carreras en mundo abierto, ahora le toca el turno a otros de sus grandes clásicos, Mario Tennis. Un título con el que arrancó la vida deportiva de Mario en los videojuegos.

Poco queda ahora de ese juego de mecánicas básicas de 1995. Ahora el tenis da paso a un espectáculo visual de minijuegos, golpes especiales, raquetas con habilidades mágicas (como convertir la pista en hielo o encoger a tu rival temporalmente) que hace que la simulación deportiva pase a segundo plano.

El juego cuenta con 38 personajes (algunos completamente surrealistas, como la planta piraña), 30 raquetas distintas con su habilidad correspondiente, sorpresas y unos gráficos que hacen que parezca una película de animación.

El ritmo del título es vertiginoso y pura ‘dopamina’, algo caótico por la cantidad de opciones y cinemáticas, y sacrifica con acierto el realismo por diversión para toda la familia (con partidos de hasta 4 jugadores).

Cuenta, además, con numerosos modos: torneos, retos o el modo ‘popurrí’ (modalidad en la que hay eventos externos que cambian el juego de manera impredecible), un modo historia (con Mario y sus amigos convertidos en bebés) o uno que permite jugar con el mando como si fuese una raqueta, muy al estilo Nintendo Wii.

Corría el año 1995 y Nintendo se lanzó a la ‘realidad virtual’ con un casco con gráficos en 3D. Un aparato con diseño futurista, incomprendido por el público y que debido a su fracaso comercial nunca vio la luz en Europa. Se trataba de un casco de grandes dimensiones, que se jugaba apoyado en una mesa y que apenas llegó con una veintena de juegos, todos monocromáticos con gráficos rojos sobre fondo negro.

Pero Nintendo sabe que los tiempos han cambiado y la nostalgia vende. Ahora regresa al mercado en dos versiones retro, un casco premium para coleccionistas casi idéntico al original y otro de cartón, en los que se introduce la pantalla de la Switch (la 1 y la 2) para poder jugar.

Llega con un catálogo de 16 juegos (dos nuevos lanzamientos) para relanzar su consola más controvertida que ahora intentará seducir a los gamer con su original efecto estereoscópico.

En 2023, Super Mario regresaba a las plataformas en pantalla horizontal y lo hizo como mejor sabe, por todo lo alto (con puntuaciones de 92 sobre 100 en portales como Metacritics). Ahora llega a Switch 2 con mejoras gráficas y de rendimiento, pero sobre todo con la expansión multijugador ‘Encuentro en el Parque Belabel’ que, en la práctica, es un juego completamente nuevo, de nuevas actividades, repleto de retos en los que competir o colaborar para superar los desafíos.

Llega además acompañada de una ‘flor parlante’, un objeto de coleccionista que parece sacada del mismo videojuego. Se trata de una elocuente flor a modo de juguete que interactúa y será capaz de dar la hora, la temperatura o actuar como alarma, al margen de frases en hasta 11 idiomas.

Al ecosistema de consolas de Nintendo llegarán títulos destacados, algunos multiplataforma y otros exclusivos, para dar diversidad de géneros antes del verano.

La franquicia Resident Evil, desarrollada por Capcom, traerá con Requiem (27 febrero) la novena entrega de una saga que mantiene el terror y los sustos, pero también la acción más directa, al dar la posibilidad a los jugadores de decidir qué estilo de juegos seguir dependiendo del personaje: el sigilo y terror claustrofóbico de Grace o la determinación y resolución de Leon.

Pokémon Pokopia (5 marzo), como parte del universo Pokémon, se espera como una de las grandes sorpresas del año al combinar una mecánica a medio camino entre Minecraft y Animal Crossing. Por su parte,Pragmata (24 abril) se presenta como una propuesta de ciencia ficción narrativa, con énfasis en la ambientación futurista, y una acción muy fluida con una mecánica novedosa de puzles y habilidad. EFE

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Entre ellos destaca Mario & Wario, un título de rompecabezas que, hasta ahora, solo se encontraba disponible en Japón y requiere utilizar un mouse para su funcionamiento.

Estos lanzamientos pertenecen al catálogo de Super Nintendo Entertainment System (Super NES), una de las consolas más emblemáticas de la compañía. Con esta iniciativa, Nintendo amplía el acceso a títulos icónicos que marcaron una época y que ahora llegan a nuevas generaciones de jugadores.

Cuáles son los juegos reestrena Nintendo

• Mario & Wario.

Es un original título de puzles lanzado únicamente en Japón para la consola Super Famicom en 1993. En esta entrega, Mario queda atrapado con un cubo en la cabeza por culpa de Wario, lo que le impide ver el camino.

El jugador asume el rol del hada Wanda, utilizando una varita mágica para crear plataformas, cambiar la dirección de Mario y eliminar enemigos.

El objetivo es guiar a Mario de forma segura hasta Luigi a través de cien desafiantes niveles, todos controlados mediante el mouse especial de la consola. Esta mecánica innovadora y su carácter inédito fuera de Japón convierten a Mario & Wario en una experiencia única dentro del catálogo de Super Nintendo.

• Bubsy en: Garras Encuentros del Peludo Tipo

El lince Bubsy protagoniza una aventura cargada de acción donde debe recuperar su hilo robado por los alienígenas Woolies, seres obsesionados con este material.

Lanzado originalmente en 1993 para Super Nintendo Entertainment System, este juego ofrece dieciséis etapas extensas repletas de enemigos originales y retos exóticos.

El jugador debe recorrer cada rincón, recolectar bolas de hilo y sortear plataformas, enfrentándose a niveles con mecánicas extravagantes y escenarios llenos de detalles.

• Fatal Fury Special.

Emblemático juego de lucha lanzado para Super NES en 1995. Incluye a quince luchadores, entre ellos los ocho originales de FATAL FURY 2, tres incorporaciones nuevas (Billy Kane, Axel Hawk y Laurence Blood), y un jefe inédito: Wolfgang Krauser.

El título también trae de vuelta a personajes clásicos como Tung Fu Rue, Duck King y Geese Howard.

Sus combates a dos líneas, la variedad de movimientos especiales y la posibilidad de luchar contra Ryo Sakazaki —protagonista invitado de la saga ART OF FIGHTING bajo ciertas condiciones— hacen de este juego una referencia dentro del género de peleas en Super Nintendo.

Qué es la suscripción Switch Online de Nintendo

La suscripción a Nintendo Switch Online es un servicio de pago que amplía las funciones de la consola, ofreciendo juego en línea, acceso a bibliotecas de títulos clásicos (NES, SNES y Game Boy), guardado en la nube y promociones exclusivas.

Además de la modalidad estándar, existe el Paquete de expansión, que suma juegos de Nintendo 64, Game Boy Advance y SEGA Genesis, junto con contenido extra para títulos como Animal Crossing y Mario Kart 8 Deluxe.

Qué es la consola Super NES

La Super Nintendo Entertainment System (Super NES o SNES) es una consola de videojuegos de 16 bits lanzada por Nintendo en 1990 en Japón y un año después en otras regiones.

Fue la sucesora de la NES y rápidamente se convirtió en un referente de la industria gracias a su potencia gráfica, su sonido innovador y un catálogo de juegos que marcaron a toda una generación.

Con la Super NES, los jugadores disfrutaron de títulos icónicos como Super Mario World, The Legend of Zelda: A Link to the Past, Donkey Kong Country y Super Metroid.

Estos juegos no solo aprovecharon las capacidades técnicas de la consola, también establecieron franquicias que siguen vigentes en la actualidad.

La SNES se destacó por su modo de gráficos avanzados, como el famoso “Mode 7”, que permitía simular efectos 3D. Hasta hoy, es considerada una de las consolas más influyentes y queridas de la historia.

Las bandas nubosas de la tormenta tropical Mario provocarán lluvias muy fuertes, con acumulaciones de 50 a 75 milímetros, en Baja California Sur durante las próximas horas, informó la Comisión Nacional del Agua (Conagua) y la Secretaría de Medio Ambiente y Recursos Naturales.

Se esperan vientos de 20 a 30 kilómetros por hora, con rachas de hasta 60 kilómetros por hora, así como oleaje de 2 a 3 metros en la costa occidental del estado.

De acuerdo con la Conagua y el Medio Ambiente, las precipitaciones pueden estar acompañadas de descargas eléctricas y generar encharcamientos, deslizamientos de tierra e inundaciones en áreas bajas.

Las ráfagas de viento podrían provocar la caída de árboles y anuncios publicitarios.

Autoridades llaman a la población de la península de Baja California a mantenerse informada a través de avisos oficiales y a seguir las indicaciones de Protección Civil ante el riesgo de viento y oleaje elevado.

A las 15:00 horas, tiempo del centro de México, el centro de la tormenta Mario se ubicaba a 520 kilómetros al oeste-suroeste de Cabo San Lucas, con vientos sostenidos de 100 kilómetros por hora y rachas de hasta 120 kilómetros por hora, desplazándose hacia el noroeste a 20 kilómetros por hora.

Se estima que los efectos de Mario continúen durante el resto del día en Baja California Sur y que comiencen a disminuir gradualmente mañana, conforme el sistema se debilite y se aleje de la región.

Paso a paso de la Tormenta Tropical Mario

Desde el pasado viernes 12 de septiembre, la tormenta tropical Mario generó lluvias muy fuertes, de 50 a 75 milímetros, en Jalisco, Colima, Michoacán y Guerrero, acompañadas de vientos de 30 a 40 kilómetros por hora y rachas de hasta 70 kilómetros por hora.

El oleaje en las costas de estos estados alcanza entre 2.5 y 3.5 metros de altura, según la Conagua a través de un comunicado oficial compartido en sus redes sociales oficiales.

El Servicio Meteorológico Nacional, en coordinación con el Centro Nacional de Huracanes de Estados Unidos, ha mantenido bajo vigilancia la franja costera desde Lázaro Cárdenas hasta Punta San Telmo, en Michoacán.

A las 15:00 horas de esa misma fecha, el centro de Mario se ubicaba a 100 kilómetros al suroeste de Lázaro Cárdenas y a 140 kilómetros al oeste-sureste de Zihuatanejo, con vientos sostenidos de 65 kilómetros por hora y desplazamiento hacia el oeste-noroeste.

Autoridades recomiendan precaución ante posibles deslaves, inundaciones y caída de árboles o anuncios publicitarios.

El Servicio Meteorológico Nacional (SMN) informó que Mario volvió a intensificarse como tormenta tropical la mañana de este sábado, tras reorganizarse a partir de sus remanentes frente a las costas de Baja California Sur.

A las 09:00 horas, tiempo del centro de México, el centro del sistema se localizaba a 490 kilómetros al sur de Cabo San Lucas, presentando vientos máximos sostenidos de 65 km/h, con rachas de hasta 85 km/h, y desplazamiento hacia el oeste-noroeste a 13 km/h.

De acuerdo con el SMN, las bandas nubosas de Mario provocarán lluvias fuertes, con acumulados de entre 25 y 50 milímetros, además de rachas de viento de 40 a 60 km/h y oleaje elevado de 1 a 2 metros de altura en la costa sur del estado.

Las autoridades advierten que estas condiciones podrían generar encharcamientos, deslaves e inundaciones en zonas bajas, además de descargas eléctricas. También existe riesgo de caída de árboles y anuncios publicitarios debido a los fuertes vientos.

El SMN y la Comisión Nacional del Agua (Conagua) exhortaron a la población a mantenerse atenta a los avisos meteorológicos, seguir las recomendaciones de Protección Civil y extremar precauciones ante el oleaje elevado y las rachas de viento, especialmente en las comunidades costeras.

El Servicio Meteorológico Nacional (SMN) mantiene la vigilancia sobre una zona de baja presión con 80 por ciento de probabilidad de convertirse en un ciclón tropical en el océano Pacífico, fenómeno que recibiría el nombre de Mario. Según la más reciente actualización de la Comisión Nacional del Agua (Conagua), esta perturbación atmosférica se ubica a 280 kilómetros al sur-sureste de la desembocadura del río Suchiate, en la frontera entre México y Guatemala.

El SMN especificó que este posible ciclón comenzaría a afectar las costas mexicanas entre el 14 y 16 de septiembre, justo en la semana de las fiestas patrias. Las proyecciones actuales sitúan el desplazamiento del sistema hacia el oeste-noroeste, lo que incrementa el potencial de lluvias intensas y vientos fuertes en entidades como Baja California Sur, Jalisco, Colima, Michoacán y Guerrero.

El seguimiento meteorológico indica que entre los estados en riesgo por lluvias abundantes y oleaje elevado también figuran Sinaloa, Nayarit, Durango y Chihuahua. Las autoridades estatales y federales recomendaron a la población de estas zonas preparar planes familiares de emergencia, así como identificar refugios temporales, resguardar documentos importantes y permanecer atenta a los informes oficiales.

Protección Civil pidió a los habitantes tener prevención para evitar perder tiempo, dinero, o mayores estragos. La instrucción oficial subraya la importancia de mantenerse informados ante posibles movimientos bruscos en la trayectoria del fenómeno, ya que su desarrollo dependerá de condiciones como la temperatura del mar y la interacción con otros sistemas atmosféricos.

Hasta ahora, según datos de Conagua, la temporada de ciclones tropicales 2025 en el Pacífico ha contabilizado 12 fenómenos: cinco tormentas y siete huracanes. El SMN pronostica que en lo que resta del periodo, que concluye el 30 de noviembre, se podrían formar otros cuatro a ocho sistemas, lo que elevaría el total a entre 16 y 20 ciclones al cierre del año.

El organismo puntualizó que los ciclones tropicales pasan por cuatro fases: inicia como perturbación, evoluciona a depresión, después a tormenta (cuando adquiere nombre) y, finalmente, si mantiene el fortalecimiento de los vientos, alcanza categoría de huracán.

Los meteorólogos también advirtieron que otro posible sistema con capacidad de desarrollo podría aparecer sobre el Pacífico mexicano hacia la tercera semana de septiembre, lo cual refuerza el llamado de las autoridades a la población para mantener la atención sobre el comportamiento climático en la región.

El universo de Mario continúa expandiéndose más allá de los videojuegos tradicionales. Nintendo ha anunciado Hello, Mario!, una nueva aplicación gratuita para dispositivos iOS, Android y la consola Switch, diseñada en torno a la icónica figura del fontanero más famoso de la compañía.

El lanzamiento, previsto para el 26 de agosto en Japón, se acompaña de una colección de productos pensados para niños y preescolares, consolidando el rol de Mario como personaje central en la estrategia familiar de Nintendo.

En qué consiste la nueva aplicación de Mario de Nintendo

Hello, Mario! se inspira en una de las experiencias visuales más recordadas de la franquicia, la pantalla de inicio de Super Mario 64. La aplicación permite a los usuarios interactuar con la cara en 3D de Mario, tocando, arrastrando o estirando sus rasgos.

Cada movimiento genera una reacción diferente del personaje, ofreciendo a los más pequeños una experiencia digital sencilla y directa, sin elementos de compra integrada ni requerimientos de suscripción, a diferencia de otros productos móviles de Nintendo como Nintendo Music.

A quiénes está dirigida la nueva app gratuita de Mario

La propuesta apunta principalmente al público infantil y preescolar. La interactividad se limita a manipular la figura de Mario, alejándose de las dinámicas de juego asociadas a títulos clásicos.

Si bien es improbable que la app despierte interés prolongado en adultos, forma parte de una iniciativa más amplia denominada My Mario. Bajo esta colección se lanzan productos pensados tanto para el entretenimiento como para el desarrollo de los niños, abarcando desde peluches y vajilla apta para pequeños, hasta mordederas, ropa y un libro interactivo centrado en el personaje.

Un componente destacado de la colección son los bloques de construcción de madera, disponibles en dos formatos. El set más pequeño, de tres piezas y precio estimado de 20 dólares, incluye a Mario, un hongo y el icónico bloque de interrogación. El set de mayor tamaño, con 30 piezas y valor de alrededor de 135 dólares, suma personajes como Luigi, Peach y Yoshi, además de una tubería y diversos elementos para construir.

Sus bloques no son solo figuras decorativas, cada uno incorpora tecnología Amiibo y puede usarse en la Switch como si fuera una figura estándar de la línea, permitiendo desbloquear contenido en los juegos compatibles.

Esfuerzos de Nintendo para consolidar el público infantil

La llegada simultánea de la aplicación y la línea My Mario responde al objetivo de Nintendo de consolidar su posición en el segmento de la infancia, integrando herramientas lúdicas y educativas en el ecosistema de sus franquicias más emblemáticas.

Los productos estarán disponibles inicialmente en las tiendas oficiales de Nintendo en Tokio, Osaka y Kioto, mientras que la disponibilidad internacional para algunos ítems de la colección se espera a lo largo del próximo año, aunque la compañía aún no confirma una versión en inglés de la aplicación.

Hello, Mario! refuerza el vínculo entre la tecnología móvil y el universo de Mario, ofreciendo una propuesta digital accesible y adaptada a nuevas generaciones. Nintendo explora así nuevos modos de interacción para los personajes que han definido su historia, en un contexto donde la identidad de la marca se consolida más allá de las consolas y las plataformas tradicionales.

Mario es el personaje más reconocido y representativo de Nintendo, pieza central del catálogo de la compañía desde 1985. Su presencia va mucho más allá de los videojuegos, funcionando como emblema global y puente entre generaciones de jugadores.

La franquicia Mario sustenta una extensa gama de títulos, productos derivados y colaboraciones, liderando ventas y marcando tendencias en el desarrollo de plataformas, juegos educativos y experiencias familiares.

Además, Mario refuerza el valor de marca de Nintendo, atrayendo nuevos públicos y consolidando la relación con usuarios históricos, asegurando la vigencia de la compañía dentro y fuera del ámbito del entretenimiento interactivo.

Nintendo ha anunciado que el próximo 26 de agosto estrenará Hello, Mario!, una nueva aplicación interactiva y gratuita dirigida a niños, disponible para teléfonos móviles, tabletas y consolas Nintendo Switch de primera y segunda generación.

Según la descripción oficial, los más pequeños podrán interactuar con el rostro de Mario de forma intuitiva: podrán dibujarlo, girarlo, agitarlo o incluso tirarle del bigote, y el personaje reaccionará con expresiones divertidas.

“Mario responderá de distintas maneras según las acciones del jugador, lo que permite a padres e hijos disfrutar juntos de cada reacción”, explica Nintendo.

La app también incluirá minijuegos táctiles inspirados en elementos clásicos de la saga, como tuberías, champiñones y personajes icónicos.

Para quienes deseen usar la aplicación en dispositivos móviles, será necesario contar con iOS 15 o Android 6.0 (o versiones posteriores).

Para quiénes es esta nueva app de Nintendo

La nueva app Hello, Mario! de Nintendo está pensada especialmente para niños pequeños y sus familias. Su diseño intuitivo permite a los más chicos interactuar con Mario de forma divertida y sencilla, mediante gestos como dibujar, girar o tocar su rostro.

Cada acción genera reacciones expresivas del personaje, promoviendo el juego libre y la exploración.

Además, incluye minijuegos táctiles con elementos clásicos de la saga, como tuberías y champiñones, que pueden ser disfrutados junto a padres o cuidadores. Disponible para móviles, tabletas y Nintendo Switch, esta aplicación busca fomentar la conexión familiar a través del juego interactivo y educativo.

Nintendo señala que la app también incluirá breves videos en técnica de stop motion, en los que Mario mostrará distintas expresiones y movimientos.

Cada clip dura alrededor de un minuto, pensado para captar la atención de los más pequeños. Estos videos estarán disponibles en el sitio web de My Mario y en otros canales oficiales.

Hello, Mario! se integra en una colección especial de juguetes de My Mario, que estará a la venta en tiendas de Tokio, Osaka y Kioto. Aunque aún no se ha confirmado su llegada a otros países, se espera que también llegue a Occidente.

La línea incluye un libro interactivo con pestañas móviles, bloques de madera con personajes como Luigi, Yoshi y la Princesa Peach, además de camisetas, peluches y otros artículos.

Lanzamiento de la consola Nintendo Switch 2

La Nintendo Switch 2 vendió más de 3,5 millones de unidades en todo el mundo en solo unos días tras su lanzamiento, el pasado 5 de junio de 2025. Con esa cifra, se convirtió en la consola de Nintendo con el mejor debut en ventas hasta ahora, según informó la compañía.

“Los fanáticos de todo el mundo están mostrando su entusiasmo por la Nintendo Switch 2 como una forma mejorada de jugar tanto en casa como en movimiento”, declaró Doug Bowser, presidente de Nintendo of America.

“Agradecemos esta acogida y nos alegra ver que ya están disfrutando sus nuevas funciones y juegos, que permiten reunir a amigos y familiares de nuevas maneras”, añadió.

La nueva consola presenta una pantalla más grande y de mayor resolución, con soporte Full HD 1080p y capacidad para mostrar contenido en 4K al conectarse a un televisor o monitor compatible.

También incluye un procesador más potente que mejora el rendimiento gráfico y general del sistema, y los nuevos controles Joy-Con 2, con diseño magnético y funciones similares a un ratón.

Entre las novedades también destaca GameChat2, una función que permite realizar videollamadas, llamadas de voz y compartir la pantalla del juego, lo que ofrece una experiencia más inmersiva, como si los jugadores estuvieran en la misma habitación.

La Nintendo Switch 2 debutó junto con Mario Kart World, un juego que introduce por primera vez en la saga un mundo abierto e interconectado, donde se puede conducir por ciudades, praderas, desiertos e incluso bajo el mar.

Este verano, Nintendo ha sorprendido con descuentos poco frecuentes en varios de los títulos más importantes de su franquicia más querida y reconocida: Super Mario. La promoción coincide con la llegada de nuevos usuarios a la plataforma, impulsada por el reciente lanzamiento de Nintendo Switch 2.

Las ofertas, disponibles en la Nintendo eShop y en plataformas como Humble Bundle, abarcan juegos como Super Mario Odyssey, Super Mario 3D World + Bowser’s Fury, Luigi’s Mansion 2 HD y Mario + Rabbids Sparks of Hope. Se trata de títulos que rara vez bajan de precio, debido al valor sostenido que mantienen dentro del catálogo de Nintendo, y que ahora pueden adquirirse con rebajas que rondan el 30 %.

La decisión de centrar estas rebajas en el universo de Mario no es casual. Históricamente, el personaje ha sido un pilar fundamental para Nintendo tanto en lo comercial como en lo simbólico.

Desde el lanzamiento de Super Mario Bros. en 1985, que contribuyó a rescatar a la industria del videojuego tras la crisis de 1983, hasta el presente, Mario ha funcionado como un impulsor clave de ventas para cada generación de consolas.

Cuáles son los descuentos para la franquicia de Mario

Las entregas incluidas en las rebajas tienen un papel destacado dentro de la evolución de la franquicia. Super Mario Odyssey, rebajado actualmente a 41,99 dólares, es considerado uno de los mejores títulos de plataformas en 3D y ha vendido más de 25 millones de copias desde su lanzamiento.

Por su parte, Super Mario 3D World + Bowser’s Fury, actualmente con un descuento del 33 % y disponible por 39,99 dólares, combina un clásico de Wii U con una expansión inédita que introduce nuevas dinámicas y desafíos. Ambos se mantienen entre los títulos más demandados del sistema.

A esto se suma Luigi’s Mansion 2 HD, una remasterización del juego originalmente publicado en Nintendo 3DS en 2013, que ofrece gráficos actualizados y una experiencia renovada, ahora disponible por 49,99 dólares (un 17 % de descuento).

También destaca Mario + Rabbids Sparks of Hope, desarrollado en conjunto con Ubisoft, que fusiona estrategia táctica con el humor característico de ambas franquicias, y se puede adquirir con un descuento del 75 %, por apenas 14,99 dólares.

Una oportunidad limitada para nuevos usuarios

La llegada de Nintendo Switch 2 ha activado el interés de nuevos jugadores que ingresan por primera vez al ecosistema de Nintendo. Para muchos de ellos, las rebajas representan una oportunidad de acceder al legado de Mario sin el coste completo que normalmente imponen estos títulos.

El hecho de que los descuentos estén disponibles tanto en la tienda digital como en plataformas externas amplía el acceso a estas promociones, que suelen estar restringidas y durar pocos días.

Nintendo rara vez ofrece precios reducidos en sus títulos principales, especialmente en juegos de Mario, cuya política de precios se caracteriza por la estabilidad a lo largo del tiempo. Por tal razón esta temporada se presenta como una excepción notable en la estrategia comercial de la empresa.

Al mismo tiempo que Nintendo activa sus promociones de verano, Steam ha lanzado sus tradicionales rebajas estivales para juegos de PC. Si bien ambas plataformas operan en mercados distintos, el cruce de calendarios subraya una competencia por captar la atención de los consumidores en un periodo donde las ventas pueden aumentar significativamente.

En este contexto, Nintendo apuesta por el poder de su marca más emblemática. Mario no solo sigue siendo su mayor generador de ingresos, también el vínculo emocional que mantiene a sus usuarios activos y comprometidos. Aprovechar las rebajas de verano para fortalecer esa relación con nuevos y antiguos jugadores es, en ese sentido, una jugada que combina lógica comercial con sentido histórico.

El popular actor Manolo Zarzo, recordado por películas como 'La colmena' o 'Los santos inocentes', y series como 'El súper', 'Compañeros', o 'Cuéntame', fallecía este martes en Madrid a los 93 años dejando un vacío en el mundo de la interpretación de nuestro país después de más de 70 años de carrera en los que participó en más de 170 proyectos.

Lejos de una despedida multitudinaria como cabría esperar después de su trayectoria, la familia del actor ha decidido darle su último adiós en la más estricta intimidad en el tanatorio de Pozuelo de Alarcón, acercándose hasta el lugar para transmitir sus condolencias a sus seres queridos tan solo Chayo Mohedano y María José Besora.

Un velatorio que se ha visto empañado tras salir a la luz el enfrentamiento que la hija mayor de Manolo, Flavia, mantiene con el resto de sus hermanos. Tal y como ha revelado Beatriz Cortázar en 'Y ahora Sonsoles', la también actriz se habría enterado del fallecimiento de su padre -con el que no tendría relación desde hace años- horas después de producirse y a través de un amigo, en lugar de por su propia familia.

Según la periodista, sus hermanos no le cogían el teléfono, y cuando lo han hecho, le habrían pedido que ni siquiera se desplazase a Madrid -reside en Valencia- porque querían despedir a su progenitor en la intimidad. Y, ha añadido, Flavia estaría muy dolida porque no le han dejado tener una relación fluida con su padre, dando por descontado que no podrá tener ningún recuerdo del actor.

Desde el programa presentado por Sonsoles Ónega apuntaban que uno de los hijos de Manolo, David, estaría muy descontento con todo lo que se estaba contando ya que su hermana llevaba años sin tener relación con su padre, que habría llegado a expresar antes de fallecer su deseo de que su primogénita no fuese a su funeral.

Al parecer, se habrían vivido momentos de tensión en el interior del tanatorio, ya que Flavia habría tenido un enfrentamiento con sus hermanos Mario y David por este motivo. La presencia de varios coches de Policía en el lugar alertaban de que se habría producido un altercado en la sala de Zarzo, aunque rápidamente se desmentía esta información aclarando que los agentes se habrían desplazado por otro motivo.

Una polémica que ha enturbiado el último adiós del actor, y sobre la que Flavia ha querido pronunciarse ante las cámaras de Europa Press, negando que no tuviese relación con su padre, por el que confiesa que sentía "adoración". "Entiende que soy de la familia la única que sigue su profesión. Hay una hemeroteca inmensa que tenéis todos, de todos los buenos recuerdos que tenemos de tantos photocalls, de tantos estrenos juntos... mis recuerdos de pequeña, de cuando tenía tantos viajes que venía de rodaje, todos los regalos que me traía, es que son muchas cosas" ha comentado emocionada.

"A ver, es que Pilar quería tampoco que su mujer, que no entrara nadie, su viuda, pero tiene que entender, creo que está claro que el señor Manolo Zarzo era un señor muy importante y que evidentemente dentro de la familia, quien me ha llamado a la prensa, todos es a mí, me habéis llamado todos, tenía 400 llamadas, todos los compañeros, entonces evidentemente mi obligación es decir, estamos en el sitio tal, porque hay compañeros y gente que querían darles su adiós y su respeto" ha reconocido, confirmando que no está de acuerdo con los deseos de su familia de despedir a su padre en la intimidad.

Sin embargo, sí ha querido aclarar que no es cierto que se ha enterado de la muerte de su progenitor por la prensa en lugar de por sus hermanos: "No, no, no, no estamos ya, no, no, me he enterado, lo que pasa es que me he enterado esta mañana en medianoche y estaba en Valencia y me he venido en chanclas".

"Está todo bien, fantástico, mañana estaremos todos aquí. Claro que tenía relación con mi padre. Problema en absoluto, para nada, para nada, hemos estado aquí todos, ha estado mi hijo, todos mis hermanos, hemos estado aquí todos" ha zanjado.

Pero sin dudas, el gran imán del parque es Super Nintendo World, la zona más esperada y ambiciosa de todo Epic Universe. Por primera vez en Orlando, los visitantes podrán adentrarse en el mundo de Super Mario y Donkey Kong con una fidelidad visual y sensorial sin precedentes. Desde el colorido e interactivo Super Mario Land hasta la selva vibrante de Donkey Kong Country, cada rincón está diseñado para que te sientas dentro del mundo de los videojuegos. Atracciones como Mario Kart: Bowser’s Challenge, con realidad aumentada que combina lo físico y palpable con lo digital, y la revolucionaria montaña rusa Mine-Cart Madness, inspirada en los niveles de carritos mineros de Donkey Kong, ofrecen experiencias únicas que van mucho más allá de lo visual: se juegan, se viven, se sienten, todo es una experiencia completa. Además, la Power-Up Band permite interactuar con el entorno, recolectar monedas y sumar puntos, haciendo que cada recorrido sea personal y -algo muy necesario- rejugable.

En este contexto, Super Nintendo World se consolida no solo como una zona temática dentro de una propuesta inmensa, sino como una nueva forma de entender el entretenimiento en parques: participativa, inmersiva y profundamente conectada con la cultura gamer de todo el mundo. Tanto para los fans de Nintendo de toda la vida como para los nuevos jugadores, este mundo ofrece una experiencia envolvente que combina nostalgia, tecnología de punta y diseño interactivo. Es el corazón del parque, el lugar donde innovación y emoción (y muchas veces, nostalgia) se encuentran, y donde los límites entre fantasía y realidad se desdibujan por completo entre tantos colores.

Super Nintendo World en Epic Universe – Una experiencia completa e inmersiva

El esperado mundo de Super Mario finalmente llegó a Orlando, y lo hizo en su versión más ambiciosa hasta ahora. Después de sus aperturas en Japón y California, la edición de Epic Universe es la más completa de este lado del mundo, incorporando por primera vez en Occidente la flamante atracción Mine-Cart Madness, inspirada, como ya mencionamos, en Donkey Kong Country.

Cada portal de Epic Universe compite por ser el más impresionante, pero cruzar al mundo de Super Nintendo World es otra historia. La sensación de estar dentro de un videojuego es inmediata y abrumadora: desde el diseño de las texturas hasta la saturación de colores y la fidelidad al estilo visual de Nintendo, todo está recreado con una precisión sorprendente, una atención al detalle que termina siendo la delicia de los fanáticos.

Yoshi’s Adventure – El primer paseo por el Reino Champiñón

Pensada para los más pequeños (y para quienes buscan un momento de calma) Yoshi’s Adventure es una travesía tranquila a bordo de carritos con forma de Yoshi. El recorrido inicia en el pintoresco Mount Beanpole y nos lleva por escenarios adorables, mientras seguimos pistas para encontrar huevos brillantes.

El paseo no tiene sobresaltos, pero sí cuenta con vistas panorámicas del Reino Champiñón, escenas con Mario, Luigi y la Princesa Peach, y una ambientación cuidada al detalle. Es, sin dudas, la puerta de entrada perfecta al mundo de Super Mario para los más chicos… o para los más nostálgicos, ¿por qué no?

Mario Kart: Bowser’s Challenge – La fusión perfecta entre videojuego y realidad

Desde el momento en que ponés un pie en el imponente Castillo de Bowser, la atmósfera lo dice todo: estás por entrar en el corazón del universo Mario Kart. Columnas góticas, gárgolas de Bowser, vitrales con referencias a cada copa y circuito clásico, trofeos que reconocés de inmediato si alguna vez competiste en una consola… cada rincón del recorrido previo al juego está cuidado con una devoción casi obsesiva por los detalles. No es simplemente una fila: es una antesala épica que te prepara mentalmente para la carrera que viene.

Pero lo verdaderamente revolucionario llega al abordar el kart que te está esperando. Cada visitante recibe un visor de realidad aumentada que se acopla al casco del vehículo. A primera vista, puede parecer un simple paseo en un carrito sobre rieles, pero lo que ves a través del visor transforma todo: enemigos, ítems, explosiones, monedas, derrapes, animaciones y obstáculos emergen superpuestos sobre los escenarios reales. Lo que ves y lo que sentís se integra con una precisión tan afinada que la línea entre lo real y lo digital se borra por completo.

La dinámica del juego es simple, pero efectiva: debés manejar bien (sí, aunque el kart sigue un riel, tu desempeño tiene consecuencias) y mirar con precisión para apuntar y lanzar objetos. Cada vez que disparás un caparazón rojo, esquivás un bloque POW o pasás por un cañón que te impulsa, el sistema reacciona con efectos visuales y mecánicos que hacen que todo se sienta real. Además, hay puntaje, monedas y una sensación constante de competencia. El resultado de la carrera se muestra al final, lo que invita —y tienta— a repetir el juego para mejorar tu marca.

Lo más impactante es cómo esta atracción logra capturar la esencia jugable de Mario Kart sin necesidad de velocidad extrema. No se trata de una montaña rusa (aunque tiene sus sacudones y aceleraciones controladas), sino de una experiencia 100% inmersiva. Una especie de videojuego viviente en el que vos sos el protagonista, y donde lo importante no es la adrenalina física, sino la participación activa en cada tramo del circuito.

Algunos de los escenarios que atravesamos incluyen lugares icónicos como Rainbow Road, Dolphin Shoals y Twisted Mansion, todos recreados en una mezcla de escenografía real y mapeo digital que sorprende por su escala y detalle. La sincronía entre sonido, movimiento y lo que ves en el visor es tan buena que por momentos olvidás que todo está montado sobre una base mecánica. Un desafío tecnológico impresionante.

Mine-Cart Madness – La montaña rusa que rompe las reglas

Cuando pensás que ya viste todo lo que Super Nintendo World tiene para ofrecer, aparece Donkey Kong Country y sube la vara de lo posible. Esta sección del parque no solo es una explosión visual, sino un homenaje a uno de los universos más queridos de Nintendo. La ambientación es sencillamente impecable: la icónica casa de Donkey Kong con su techo curvo de palmeras, el avión estrellado de Funky Kong, barriles por todas partes, cuevas, lianas, plantas tropicales y una banda sonora envolvente que mezcla bongós, steeldrums y los sonidos clásicos de la selva. Incluso las bebidas que se venden allí (algunas en barriles de recuerdo) refuerzan la inmersión total. Es un entorno tan temático y cohesivo que ya caminar por ahí es parte de la experiencia.

Pero, por supuesto, el plato fuerte es la esperadísima Mine-Cart Madness, la montaña rusa que toma el espíritu de los niveles de carritos mineros de Donkey Kong Country y los convierte en una experiencia real que desafía todas las expectativas. El recorrido propone una aventura junto a Donkey Kong y Diddy Kong para proteger la banana dorada, pero lo verdaderamente revolucionario está en cómo se mueve el carrito.

Gracias al sistema patentado como “Boom Coaster”, los vehículos no están sobre los rieles… están colgados desde abajo, en una estructura oculta que corre paralela a la vía visible. Esto permite que el carrito salte secciones enteras de riel roto, se incline en ángulos extraños, vibre, serpentee y se desplace como si estuviera a punto de caer, sin dejar de ser completamente seguro. Es una ilusión óptica y física magistralmente lograda: el diseño visual engaña al ojo, y la estructura oculta le da al vehículo un rango de movimiento nunca antes visto en una montaña rusa familiar.

Hay momentos realmente sorprendentes: tramos donde el carrito parece lanzarse al vacío, saltos sobre rieles interrumpidos, zigzags ajustados entre columnas, y giros que se sienten como salidos de un videojuego. Cada parte del recorrido está pensada no solo para entretener, sino para contar una historia de aventura clásica al mejor estilo arcade. La velocidad es moderada —no esperes una atracción tipo Velocicoaster—, pero la sensación de movimiento es tan distinta que no necesita vértigo para ser emocionante.

Otro punto fuerte es cómo se integra la narrativa con el recorrido. Vas recolectando barriles, atravesando trampas y escapando de enemigos, todo acompañado por una banda sonora dinámica que cambia según el tramo del recorrido. Y como si eso fuera poco, los detalles visuales (desde las animaciones de Diddy hasta los efectos en las paredes de la caverna) están hechos con el mismo amor por el detalle que define todo el parque.

Además, la accesibilidad y el diseño del área permiten que tanto chicos como adultos disfruten de la experiencia. Es una montaña rusa ideal para familias, con una intensidad medida pero sensaciones nuevas que harán sonreír tanto a quienes crecieron con la SNES como a los que recién están descubriendo a Donkey Kong en la Nintendo Switch.

Universal no solo quiso homenajear a Donkey Kong, sino también mostrar que todavía se puede innovar dentro de un género tan explorado como el de las montañas rusas. Lo logró con una experiencia que no necesita loops ni velocidades extremas, porque su verdadero poder está en el diseño, la inmersión y la magia de hacerte sentir dentro de un cartucho clásico, pero en carne y hueso.

Super Nintendo World en Epic Universe es una obra maestra de diseño temático. Es un grito de amor por los videojuegos, un lugar que te invita a despejarte de lo que crees real y sumergirte en un mundo colorido que, constantemente, rompe los límites de lo real y lo digital. Un monstruo tecnológico que se propone quitarle una sonrisa a cada uno de sus visitantes. Y lo logra.

Con un ambiente espectacular, el estadio lleno y la afición apretando desde el primer minuto, los locales parecieron salir al campo enrabietados, con mucha agresividad en todas las acciones y ganas de agradar a su público tras la debacle en Cartagena la jornada anterior.

El Racing empezó teniendo el control del encuentro, pero sin crear ocasiones claras de gol.

El Oviedo aguantó bien el empuje inicial de los locales y, poco a poco, empezó a estirarse, llegando de vez en cuando hasta el área de Ezkieta y, aunque el Racing de Santander seguía teniendo el dominio del balón, pasada la media hora de encuentro Cazorla, que mantiene intacto su toque y calidad, puso un balón desde la esquina y Dani Calvo abrió el marcador con un cabezazo.

El tanto del Oviedo descompuso al Racing, le generó dudas y provocó en sus jugadores fallos que no se habían visto hasta ese momento, por lo que el descanso le vino bien a los hombres de José Albero López para tratar de volver a recuperar la confianza tras una primera parte marcada por las constantes interrupciones, con casi 20 faltas, y, sobre todo, la tensión de lo que se juegan los dos equipos a estas alturas del campeonato.

En la reanudación el Racing de Santander recuperó el empuje inicial, pero algo impreciso llevado por las prisas, y los visitantes, con jugadores con mucho oficio, no tenían excesivas dificultades para frenar las arremetidas verdiblancas.

Sin embargo, a balón parado, Michelin estuvo cerca de lograr el empate en un magnífico lanzamiento de falta que se estrelló en la cruceta de la portería de Aarón Escandell.

El equipo de Paunovic pareció renunciar al ataque y, más con corazón que con juego, el Racing de Santander metió al Oviedo en el área, gracias a lo cual, también a balón parado, pero en el rechace de un córner, Mario enganchó un potente disparo desde fuera del área que, junto a un inoportuno resbalón de Aarón Escandell, provocó el empate verdiblanco y el delirio en las gradas de El Sardinero.

En los minutos finales el Racing de Santander siguió apretando para intentar conseguir el tanto de la victoria, pero, más allá de un remate de cabeza de Mantilla, en el que intervino con acierto Escandell, no fue capaz de crear el peligro necesario para culminar la remontada ante un Oviedo que, después de perder su ventaja, pareció conformarse con el empate.

- Ficha técnica:

1 - Racing de Santander: Ezkieta; Michelin (Sangalli, min. 71), Mantilla, Javi Castro, Mario; Andrés Martín, Aldasoro, Vencedor (Maguette, min. 60), Pablo Rodríguez (Rober, min. 60), Íñigo Vicente; Arana (Karrikaburu, min. 60).

1 - Real Oviedo: Aarón Escandell; Nacho Vidal, David Costas, Dani Calvo, Rahim; Moyano (Viñas, min. 69), Sibo (Seone, min. 69), Colombatto, Cazorla (Cardero, min. 75); Hassan (Paulino, min. 75) y Alemão (Pomares, min. 81).

Goles: 0-1, m.37: Dani Calvo. 1-1, m.71: Mario.

Árbitro: González Esteban (colegio vasco). Amonestó a los locales Michelín (min. 13), Mantilla (min, 78) e Íñigo Vicente (93), y a los visitantes Sibo (min. 46), Rahim (min. 48) y Nacho Vidal (min. 57).

Incidencias: Partido de la trigésima novena jornada de la Liga Hypermotion disputado en los Campos de Sport de El Sardinero ante 22.267 espectadores. EFE

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Madrid, 9 may (EFE).- Falta menos de un mes para que la nueva consola de Nintendo, Switch2, se lance al mercado y Madrid ha sido el escenario elegido para mostrar por primera vez en España las características de la gran apuesta de la empresa nipona, con una experiencia de prueba para acercar a los jugadores todos sus secretos y novedades.

“Es un momento muy especial para nosotros. Muy bonito para la compañía. Se trata de una evolución natural” con respecto a la primera consola Switch, de la que la empresa ha vendido 152 millones de unidades, destaca en una entrevista con EFE el director general de Nintendo para España y Portugal, Gustavo Viúdez Romero, durante la presentación.

Switch 2 es similar en esencia a su primera máquina, pero con el añadido de una tecnología más potente, mejoras en su pantalla para el modo portátil y nuevas funcionalidades online que permiten “jugar con otras personas y que parezca que están en el salón de tu casa". "No solo vamos a poder hablar con ellos sino verlos en la propia pantalla”, apunta.

La primera máquina Switch revolucionó en 2017 el sector de los videojuegos al combinar, en una misma consola, la posibilidad de jugar en el televisor o como si fuera una portátil con tan solo conectar sus mandos, una experiencia que con esta segunda versión esperan mejorar.

“Switch 2 nos lleva a un escalón más allá. No estamos muy preocupados nunca por los componentes tecnológicos, sino que estamos solo preocupados por la experiencia del usuario, que es lo importante”, asegura Viúdez.

Según datos de analistas especializados, Nintendo podría llegar a vender entre 6 y 8 millones de unidades en el primer día de lanzamiento de Switch 2 el próximo 5 de junio, con una demanda que superaría los casi 3 millones de consolas vendidas en el primer mes por su predecesora.

En este sentido, algunas cadenas especializadas agotaron sus reservas de la nueva consola, que se venderá en España a un precio oficial de 469 euros o 509 euros con un juego, a las pocas horas de ponerse en preventa.

Un dato muy prometedor: “A nivel España y Portugal estamos muy contentos. Esperamos que sea un buen lanzamiento, pero tenemos que ser prudentes”, añade el responsable de una firma famosa por juegos como Super Mario o Zelda.

Nintendo Switch 2 permitirá utilizar los juegos de la anterior versión y, entre otras novedades, contará con mandos ‘Joy-con’ magnéticos, que también servirán como ratón, y con una nueva funcionalidad, el botón C, que habilitará a los jugadores un chat por voz con el resto de usuarios e incluso les dejará compartir una ‘videollamada’.

Una experiencia en Madrid llena de jugadores y ‘gamers’ profesionales en redes como Rebecca Vilches, con más de 80.000 seguidores solo en TikTok, que ha aprovechado el evento para probar la nueva consola: “He jugado mucho a la anterior y esta se siente con más calidad, mejores gráficos y el tacto es mucho mejor”, destaca.

Para la creadora de contenidos, el único pero que le pone al flamante lanzamiento de Nintendo es que llega en solo un color, negro con leves tonos azules y rojos: “Esperaba algo así, pero con más colores, pero la veo bien”, bromea. Es más intuitivo para que puedan jugar los padres con sus hijos, con los marios pueden tocar las pantallas. Es más para toda la familia, un elemento que no tienen otras”.

En esa línea, el instagramer Mr Jagger, con más de 624.000 seguidores en esa red, considera que veía necesaria la actualización de la primera consola: “La he estado toqueteando y está bastante guay. Funciona supersuave, pesa un poquito más y tiene más consistencia. No le viene mal esta nueva consola. La Switch 1 se estaba quedando un poquito atrás, hacía falta un impulso nuevo en tema potencia”, asegura a EFE. EFE

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Los fieles van llegando a Roma para asistir al Cónclave, un "acontecimiento histórico" por el que algunos, incluso, han prolongado su estancia en la ciudad solo para poder asistir a la elección del nuevo Pontífice.

Este es el caso de Mario y Evelyn, de 40 y 45 años, respectivamente, originarios de Croacia pero residentes en Cork (Irlanda). "Venimos como turistas y peregrinos. Es nuestro aniversario de boda, estuvimos aquí hace 17 años cuando nos casamos", explica la pareja en declaraciones a Europa Press.

Aunque su intención era quedarse "tres o cuatro días", al enterarse de la celebración del Cónclave decidieron ampliar su estancia "una semana". "Pasó todo esto y hemos decidido prolongarlo", ha subrayado Evelyn.

Sobre el perfil del nuevo Papa, Mario afirma que hay que confiar en "el Espíritu Santo" y dejarse sorprender. "Solo tenemos que rezar por un buen Papa y tener abierta la mente para aceptar al nuevo Pontífice", ha subrayado Mario.

Por su parte, la hermana Anne, procedente de Oslo (Noruega), ha viajado hasta Roma para cubrir informativamente el Cónclave para EWTN de Noruega. La religiosa explica a Europa Press que en su vida diaria se mezclan constantemente las facetas de periodista y religiosa.

"MUY EMOCIONANTE"

"Es mi vida normal, la única diferencia es que esto es Roma y no Oslo y esto es un conclave que es muy, muy emocionante", asegura, al tiempo que subraya que en su país suenan "muchos nombres" para Papa "pero no hay un candidato claro".

También van llegando por Via Della Conciliazione decenas de grupos de peregrinos por el Jubileo, cantando y rezando.

Mientras, para otras turistas, como Lola y Blanca, de 62 y 64 años, ha sido una casualidad. "Cogimos el billete en enero", han comentado. Y aunque no son practicantes, aseguran que el ambiente precónclave no ha "interferido" en sus visitas. "Yo ya conocía Roma y siempre está así de gente", comenta una de ellas.

Por su parte, Nerea y Agustín, de 29 años cogieron el viaje a Roma como regalo de cumpleaños y han llegado este martes procedentes de Barcelona, junto a su bebé de cuatro meses. "Es mi cumpleaños este mes, mi esposa me regaló el viaje y también como conmemoración porque nos quedamos embarazados aquí en Roma", cuenta Agustín.

A él le toca "muy de cerca" este acontecimiento porque es "cristiano y argentino", y aunque no tiene ningún candidato, espera que el próximo Papa "por lo menos mantenga el mensaje de inclusión" de Francisco.

Muchos de estos turistas y peregrinos se acercarán hasta la Plaza de San Pedro y alrededores el día en que salga fumata blanca, señal de que los 133 cardenales reunidos en la Capilla Sixtina han elegido Papa.

"Quizás acercarnos lo más posible. No sería una prioridad, pero sí, me gustaría porque también es un hecho histórico importante", comenta Agustín.

Según explican a Europa Press fuentes policiales, en la Via della Conciliazione pueden llegar a congregarse ese día unas 150.000 personas y otras 30.000 ó 40.000 en la Plaza de San Pedro.

 Madrid, 17 abr (EFE).- Hay melodías que se quedan grabadas en la memoria, esas que evocan a la infancia o un momento especial que acompaña a esos videojuegos que marcaron época. Bandas sonoras legendarias que son parte de la cultura popular: Tetris, Super Mario Bros o Zelda son tan solo algunas de las más icónicas.

Tal es el interés por la música en los videojuegos que han surgido decenas de orquestas en todo el mundo enfocadas en este fenómeno, como la ‘London Video Game Orchestra’ o la ‘Video Game Orchestra’ de Boston (EEUU), un carro al que se han sumado orquestas consagradas como la Filarmónica Real Británica, que ya tiene programados conciertos sobre videojuegos para este verano en el prestigioso Royal Albert Hall de la capital inglesa.

Una pasión que rompe todas las fronteras y copa también el mundo de las redes sociales, con ‘instagramers’ como la conocida pianista Elensky, que ofrece habitualmente conciertos en directo y cuenta con decenas de vídeos musicales para sus miles de seguidores.

Los conciertos internacionales de 'Candlelight', de música clásica a la luz de las velas y generalmente en entornos especiales, también hacen monográficos con videojuegos como el que ofrecen sobre ‘The Legend of Zelda’, y al calor de este creciente interés, Nintendo, ha creado la ‘Nintendo Music’, una app para móviles y su plataforma online con la que poder escuchar un catálogo enorme de melodías de juegos.

Para acompañar en este viaje por las melodías más icónicas de los videojuegos, y poder leer y escuchar esta crónica, hemos creado una playlist en el perfil de la Agencia EFE de Spotify con algunas de estas canciones que han marcado época en la industria de los videojuegos:

- Playlist de EFE con las mejores canciones de los videojuegos -

(https://open.spotify.com/playlist/7AGBSkpyEDPA1PUkEkVMpz)

¿Quién no es capaz de tararear la música de Super Mario? Es quizás la más famosa de todos los tiempos (reconocida por más de dos tercios de la población mundial, según estudios).

Una melodía creada por el compositor japonés Koji Kondo en 1985 para acompañar en sus aventuras a los hermanos Mario y Luigi, los personajes más famosos de la industria.

Kondo lo creó utilizando un pequeño teclado y para ello se inspiró en las melodías del grupo nipón T-Square, más en concreto en algunos tonos del tema “Sister Marian”.

Pero esta no fue la única melodía que salió de la mente de Kondo, ya que el compositor tiene decenas de títulos para Nintendo, entre ellos el siguiente en la lista.

“Por lo general, las melodías de los juegos me llegan cuando estoy en la bañera, mientras duermo o en el pasillo de mi casa. No entiendo bien por qué, pero siempre aparecen cuando no estoy en la oficina”, aseguraba Kondo en una entrevista con el medio especializado Polygon.

En Zelda la música es algo muy importante. Fue uno de los primeros juegos en incluir algunos de sus puzzles musicales y su sonido es vital en su desarrollo. Tal es la trascendencia de la música de este juego, que Nintento tuvo incluso que organizar una gira musical mundial que duró cinco años consecutivos y en la que una orquestra interpretaba los mejores temas de su banda sonora.

Su melodía principal llegó con el primer juego, creado por el genio japonés Shigeru Miyamoto en 1986, con el que rompió moldes y dio inicio a la saga más famosa de acción y aventuras estilo rol del sector (llevan ya más de 30 títulos).

Kondo quería que el ‘Bolero’ de Maurice Ravel fuese la melodía que acompañara al título en su pantalla de inicio, pero debido a problemas de copyright tuvo que cambiarla. El problema es que se dieron cuenta sin apenas tiempo para cambiarla y Kondo tuvo que componer la afamada melodía en apenas una noche. Nada como trabajar bajo presión.

Otra melodía que no necesita presentación y que fue compuesta en 1989 por el (también) japonés Hirokazu Tanaka, músico con más de 30 canciones para juegos a sus espaldas, entre ellos otros míticos como Metroid, Super Mario Land o los efectos de sonido para el clásico Donkey Kong de 1981.

Se trata de uno de los pocos casos en los que, probablemente, la canción sea casi tan popular como el propio juego en sí, a pesar de ser el puzzle digital más importante de la historia. La canción principal del juego es una versión de la canción popular rusa ‘Korobéiniki’, que cuenta la historia de un vendedor ambulante.

A medio camino entre los tonos de 8-bits y el ritmo caribeño llega este tema compuesto en 1990 por el estadounidense Michael Land para LucasArts, el estudio de videojuegos creado por George Lucas (Productor de la saga de Star Wars o Indiana Jones, entre otras).

Monkey Island no es solo una de las aventuras gráficas más importantes de la historia de los videojuegos sino que su música se mantiene en el imaginario colectivo como un referente y un clásico presente en sus más de seis aventuras.

Volvemos a Japón, país de los videojuegos y de los grandes creadores de música en ese formato. La llegada de Sega Megadrive trajo consigo los 16 bits, mejores gráficos, paletas de colores más vivos y música más elaborada.

Una consola que para competir con Mario y Nintendo, apostó por el erizo Sonic como buque insignia. La melodía más importante del juego (‘Green Hill Zone’) fue creada por Masato Nakamura, músico japonés que tenía experiencia como productor y bajista del grupo pop ‘Dreams Come True’.

En los salones recreativos de los 80 jamás faltaba un ‘Out Run’, a veces era solo el volante con una palanca de cambios y otras veces, las menos, era el coche entero y jugabas dentro de un Ferrari Testarossa de atrezo, el gran deportivo de la época.

Fue de los primeros juegos en dejar elegir a los jugadores la música que querían que les acompañase en su carrera, con una animación en la que podíamos cambiar la emisora de la radio con tres melodías: Passing Breeze, Splash Wave y Magical Sound Shower. Todas compuestas por el japonés Hiroshi Kawaguchi.

La nueva generación de consolas tiene muchos referentes musicales, pero quizás ninguno como el que dejó Gustavo Santaolalla ganador, entre muchos otros reconocimientos, del Premio Oscar en dos ocasiones (‘Brokeback Mountain’ y ‘Babel’) y creador de la banda sonora para los dos juegos y la serie de HBO Max de ‘The Last of Us’.

Todo un honor contar para la posteridad con la guitarra del argentino acompañando el terrorífico viaje de Joel y Ellie por un Estados Unidos devastado por una pandemia. EFE

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 Madrid, 17 abr (EFE).- Hay melodías que se quedan grabadas en la memoria, esas que evocan a la infancia o un momento especial que acompaña a los videojuegos que marcaron época. Bandas sonoras legendarias que son parte de la cultura popular: Tetris, Super Mario Bros o Zelda son tan solo algunas de las más icónicas.

Tal es el interés por la música en los videojuegos que han surgido decenas de orquestas en todo el mundo enfocadas en este fenómeno, como la ‘London Video Game Orchestra’ o la ‘Video Game Orchestra’ de Boston (EEUU), un carro al que se han sumado orquestas consagradas como la Filarmónica Real Británica, que ya tiene programados conciertos sobre videojuegos para este verano en el prestigioso Royal Albert Hall de Londres.

Una pasión que rompe todas las fronteras y copa también el mundo de las redes sociales, con ‘instagramers’ como la conocida pianista Elensky, que ofrece habitualmente conciertos en directo y cuenta con decenas de vídeos musicales para sus miles de seguidores.

Los conciertos internacionales de 'Candlelight', de música clásica a la luz de las velas y generalmente en entornos especiales, también hacen monográficos con videojuegos como el que ofrecen sobre ‘The Legend of Zelda’, y al calor de este creciente interés, Nintendo, ha creado la ‘Nintendo Music’, una app para móviles y su plataforma online con la que poder escuchar un catálogo enorme de melodías de juegos.

Para acompañar en este viaje por las melodías más icónicas de los videojuegos, y poder leer y escuchar esta crónica, hemos creado una playlist en el perfil de la Agencia EFE de Spotify con algunas de estas canciones que han marcado época en la industria de los videojuegos:

- Playlist de EFE con las mejores canciones de los videojuegos -

(https://open.spotify.com/playlist/7AGBSkpyEDPA1PUkEkVMpz)

- Super Mario Bros.-

¿Quién no es capaz de tararear la música de Super Mario? Es quizás la más famosa de todos los tiempos (reconocida por más de dos tercios de la población mundial, según estudios).

Una melodía creada por el compositor japonés Koji Kondo en 1985 para acompañar en sus aventuras a los hermanos Mario y Luigi, los personajes más famosos de la industria.

Kondo lo creó utilizando un pequeño teclado y para ello se inspiró en las melodías del grupo nipón T-Square, más en concreto en algunos tonos del tema “Sister Marian”.

Pero esta no fue la única melodía que salió de la mente de Kondo, ya que el compositor tiene decenas de títulos para Nintendo, entre ellos el siguiente en la lista.

- The Legend of Zelda -

“Por lo general, las melodías de los juegos me llegan cuando estoy en la bañera, mientras duermo o en el pasillo de mi casa. No entiendo bien por qué, pero siempre aparecen cuando no estoy en la oficina”, aseguraba Kondo en una entrevista con el medio especializado Polygon.

En Zelda la música es algo muy importante. Fue uno de los primeros juegos en incluir algunos de sus puzzles musicales y su sonido es vital en su desarrollo. Tal es la trascendencia de la música de este juego, que Nintento tuvo incluso que organizar una gira musical mundial que duró cinco años consecutivos y en la que una orquesta interpretaba los mejores temas de su banda sonora.

Su melodía principal llegó con el primer juego, creado por el genio japonés Shigeru Miyamoto en 1986 (llevan ya más de 30 títulos).

Kondo quería que el ‘Bolero’ de Maurice Ravel fuese la melodía que acompañara al título en su pantalla de inicio, pero debido a problemas de copyright tuvo que cambiarla. Kondo tuvo que componer la afamada melodía en apenas una noche.

- Tetris -

Otra melodía que no necesita presentación y que fue compuesta en 1989 por el (también) japonés Hirokazu Tanaka, músico con más de 30 canciones para juegos a sus espaldas, entre ellos otros míticos como Metroid, Super Mario Land o los efectos de sonido para el clásico Donkey Kong de 1981.

Se trata de uno de los pocos casos en los que, probablemente, la canción sea casi tan popular como el propio juego en sí, a pesar de ser el puzzle digital más importante de la historia. La canción principal del juego es una versión de la canción popular rusa ‘Korobéiniki’, que cuenta la historia de un vendedor ambulante.

- The Secret of the Monkey Island -

A medio camino entre los tonos de 8-bits y el ritmo caribeño llega este tema compuesto en 1990 por el estadounidense Michael Land para LucasArts, el estudio de videojuegos creado por George Lucas (Productor de la saga de Star Wars o Indiana Jones, entre otras).

- Sonic -

Volvemos a Japón, país de los videojuegos y de los grandes creadores de música en ese formato. La llegada de Sega Megadrive trajo consigo los 16 bits, mejores gráficos, paletas de colores más vivos y música más elaborada.

Una consola que para competir con Mario y Nintendo, apostó por el erizo Sonic como buque insignia. La melodía más importante del juego (‘Green Hill Zone’) fue creada por Masato Nakamura, músico japonés que tenía experiencia como productor y bajista del grupo pop ‘Dreams Come True’.

- Out Run -

En los salones recreativos de los 80 jamás faltaba un ‘Out Run’. A veces era solo el volante con una palanca de cambios y otras veces, las menos, era el coche entero y jugabas dentro de un Ferrari Testarossa de atrezo, el gran deportivo de la época.

Fue de los primeros juegos en dejar elegir a los jugadores la música que querían que les acompañase en su carrera, con una animación en la que podíamos cambiar la emisora de la radio con tres melodías: Passing Breeze, Splash Wave y Magical Sound Shower. Todas compuestas por el japonés Hiroshi Kawaguchi.

- The Last of Us -

La nueva generación de consolas tiene muchos referentes musicales, pero quizás ninguno como el que dejó Gustavo Santaolalla ganador, entre muchos otros reconocimientos, del Premio Oscar en dos ocasiones (‘Brokeback Mountain’ y ‘Babel’) y creador de la banda sonora para los dos juegos y la serie de HBO Max de ‘The Last of Us’.

Todo un honor contar para la posteridad con la guitarra del argentino acompañando el terrorífico viaje de Joel y Ellie por un Estados Unidos devastado por una pandemia. EFE

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Nintendo está celebrando el Mario Day, una fecha en la que rinde homenaje a su icónico personaje y, además, ofrece descuentos de hasta un 75% en diversos videojuegos de este universo, como Super Mario RPG, Super Mario Maker 2, Mario + Rabbids Sparks of Hope y más, en la tienda de Nintendo.

Esta celebración, que tiene lugar cada 10 de marzo debido a la similitud de la fecha escrita en inglés (Mar10) con el nombre “Mario”, se ha convertido en una tradición para los fanáticos de la franquicia. Durante esta fecha, Nintendo lanza promociones especiales, eventos y actividades relacionadas con su emblemático personaje, consolidando su legado en la industria de los videojuegos.

Qué juegos de Mario están en descuento

Algunos de los juegos que están en descuento son los siguientes:

• Super Mario RPG.

Es un juego de rol desarrollado por Square (ahora Square Enix) y publicado por Nintendo para la Super Nintendo Entertainment System (SNES) en 1996. Combina exploración, combate por turnos y la clásica jugabilidad de Mario en una aventura con historia propia. En 2023, se lanzó un remake para Nintendo Switch con gráficos renovados y mecánicas mejoradas.

• Super Mario Maker 2.

Lanzado en 2019 para Nintendo Switch. Permite a los jugadores diseñar, compartir y jugar niveles de Mario con herramientas inspiradas en distintos juegos de la franquicia, como Super Mario Bros., Super Mario World y Super Mario 3D World.

• Mario + Rabbids Sparks of Hope.

Secuela de Mario + Rabbids Kingdom Battle, este juego de estrategia por turnos, desarrollado por Ubisoft en colaboración con Nintendo, se lanzó en 2022 para Nintendo Switch. Combina personajes del universo de Mario con los Rabbids en una aventura donde exploran distintas galaxias para enfrentar a una entidad llamada Cursa.

• Luigi’s Mansion.

Es una saga de juegos protagonizada por Luigi, en la que debe explorar mansiones embrujadas y capturar fantasmas usando su Poltergust, una aspiradora especial. El primer título salió para Nintendo GameCube en 2001, seguido de Luigi’s Mansion: Dark Moon (2013) para Nintendo 3DS y Luigi’s Mansion 3 (2019) para Nintendo Switch.

• Captain Toad: Treasure Tracker.

Es un juego de puzles y plataformas basado en los niveles especiales de Super Mario 3D World. Se lanzó originalmente para Wii U en 2014 y luego para Nintendo Switch y Nintendo 3DS en 2018. El jugador controla a Captain Toad, quien debe resolver desafíos en niveles tridimensionales sin la capacidad de saltar.

Cómo obtener los juegos de Mario en descuento

Los juegos de Mario con descuento por el Mario Day están disponibles en la página oficial de Nintendo. Para obtenerlos, los usuarios pueden ingresar a la Nintendo eShop desde su Nintendo Switch o visitar el sitio web de Nintendo y acceder a la sección de ofertas.

Durante esta promoción, títulos como Super Mario RPG, Super Mario Maker 2 y Mario + Rabbids Sparks of Hope tienen descuentos de hasta el 75%. Una vez adquiridos, los juegos se pueden descargar directamente en la consola. La oferta es por tiempo limitado, por lo que se recomienda aprovecharla antes de que finalice.

Por qué se celebra el Mario Day

El Mario Day se celebra cada 10 de marzo en honor a Mario, el icónico personaje de Nintendo. La fecha fue elegida porque la escritura de “Mar10″ se asemeja al nombre “Mario”.

Esta celebración, impulsada por Nintendo y la comunidad de jugadores, rinde homenaje al legado de Mario en la industria de los videojuegos. Durante el Mario Day, la compañía lanza promociones especiales, descuentos en juegos y productos, además de eventos temáticos en sus plataformas. Es una oportunidad para que los fanáticos disfruten de las distintas aventuras del fontanero más famoso del mundo de los videojuegos.

Nota anterior:

• Retrocultura Activa | La Noche del Cometa: apocalipsis, glam y chicas malas

ColecoVision, la consola que amamos recordar

El mundo de los videojuegos ha pasado por muchas transformaciones desde sus inicios, y una de las consolas que marcó una era en la historia de los videojuegos fue el ColecoVision. En esta entrega de Retro Cultura Activa, nos sumergiremos en la fascinante historia de esta consola, que, a pesar de su corta vida, dejó una huella imborrable en el corazón de los gamers y un legado que continúa en la actualidad.

La llegada del ColecoVision

Lanzado en 1982 por Coleco Industries, el ColecoVision llegó en un momento crucial, justo cuando el mercado de los videojuegos estaba comenzando a florecer. Impulsado por la visión de Bernard Stolar, director de marketing de Coleco, este sistema prometía llevar la experiencia de la sala de juegos a los hogares, capturando la nostalgia de los juegos arcade y ofreciendo títulos novedosos. Más allá de su atractivo estético, el ColecoVision contaba con una propuesta técnica sólida que revolucionaría la forma en que jugábamos.

Equipado con un microprocesador Zilog Z80, el ColecoVision ofrecía un rendimiento excepcional en gráficos, mostrando una calidad visual notable para su época. Con una resolución de 256x192 píxeles y la capacidad de exhibir hasta 16 colores en pantalla simultáneamente, superaba a sus competidores, especialmente al Atari 2600, en términos de calidad de imagen. Además, el sistema incorporaba un avanzado chip de sonido, proporcionando una experiencia auditiva envolvente que los jugadores valoraban enormemente. Esta combinación de gráficos mejorados y audio de calidad cimentó la reputación del ColecoVision como una de las consolas más innovadoras de su tiempo, convirtiéndola en un héroe olvidado en la historia de los videojuegos.

Uno de los aspectos más innovadores de esta consola fue su control. A diferencia de otras que ofrecían joysticks básicos de un solo botón, Coleco incluyó un joystick con un teclado numérico en su diseño al que le sumó un segundo botón (A y B). Esta combinación permitió a los jugadores tener un mayor control sobre sus personajes y facilitó la entrada de comandos en juegos más complejos. Además, ColecoVision introdujo varios periféricos especiales que enriquecieron la experiencia de juego. Uno de los más destacados fue el Super Action Controller, que contaba con una tecnología avanzada para su época, incorporando ocho contactos para una mayor sensibilidad y precisión en el control y, esta vez, cuatro botones.

Este joystick se popularizó en títulos como Rocky, donde los jugadores podían simular movimientos de boxeo con una experiencia más inmersiva. Este enfoque en la innovación y la usabilidad del controlador del ColecoVision ayudó a que se convirtiera en una de las consolas más queridas de su época, facilitando que jugadores de todas las edades disfrutaran de los juegos sin necesidad de una curva de aprendizaje empinada.

Otro gran avance fue el Módulo de expansión #2 Steering Wheel Controller, un accesorio diseñado para mejorar la experiencia de los juegos de conducción en la consola. Este volante se conectaba al puerto de control y estaba específicamente pensado para juegos de carreras, como Turbo y Pitstop.

El diseño del volante permitía un control más preciso y una inmersión mayor al simular la experiencia de conducción de manera más realista que el clásico joystick. Sin duda alguna, marcó un avance significativo en la forma de jugar títulos de carreras en casa.

Un catálogo de juegos inigualable

Uno de los factores que impulsó la popularidad del ColecoVision fue su impresionante biblioteca de juegos. Desde sus inicios, Coleco supo atraer a los gamers con títulos icónicos. Entre ellos se encontraban Donkey Kong, que se convirtió en un fenómeno cultural, y Zaxxon, que ofrecía una de las primeras experiencias de juego en 3D. Otros títulos memorables incluían el matamarcianos Gorf, Lady Bug (mejor que Pac-man) y el siempre memorable Frogger, cada uno aportando algo único.

Los juegos de ColecoVision se caracterizaban por su jugabilidad adictiva y sus gráficos coloridos. Además, muchos de estos títulos fueron adaptaciones de los populares juegos de arcade de la época, lo que permitió a los jugadores disfrutar de experiencias de salón en la comodidad del hogar. Con más de 140 juegos lanzados, la variedad era tal que había algo para todos los gustos.

El impacto cultural del ColecoVision

El ColecoVision no solo se limitó a ser una consola, sino que se convirtió en un fenómeno cultural. A finales de los años ochenta, era común ver a grupos de amigos reunidos en casa, compartiendo risas y competiciones en sus juegos favoritos. Esta experiencia social se intensificó a medida que las familias adoptaron la consola como una forma de entretenimiento en conjunto. Recuerdo claramente las tardes de verano que pasaba en la casa de mi amigo, donde el sonido de los juegos resonaba en el aire y las risas llenaban el ambiente.

El ColecoVision era el rey de nuestra pequeña sala de juegos. Competíamos por los mejores puntajes en Donkey Kong, desafiando a todos a superar nuestros récords que anotábamos en una hoja con lápiz, siempre con una goma a mano por si lográbamos superar alguno. Aquellas eran las épocas doradas de los videojuegos, donde no solo se trataba de jugar, sino de compartir momentos inolvidables con amigos y familiares.

El legado de ColecoVision en la historia de los videojuegos

A pesar de su éxito, el destino del ColecoVision no fue eterno. En 1983, el mercado de los videojuegos sufrió una crisis que afectó a muchas compañías, incluida Coleco. La saturación del mercado, combinada con la llegada de consolas más avanzadas como la Nintendo Entertainment System (NES), hizo que el ColecoVision perdiera su relevancia rápidamente. En 1985, la producción de la consola se detuvo, dejando a muchos aficionados con una sensación de nostalgia por los buenos tiempos.

Sin embargo, el legado ha perdurado a lo largo de las décadas. Muchos entusiastas del retrogaming han mantenido viva la llama de esta consola a través de emuladores y remakes de sus juegos clásicos. Eventos y convenciones de videojuegos retro celebran la historia de esta consola, recordando a los jugadores que, aunque el ColecoVision ya no esté en producción, su impacto en la cultura gamer sigue presente. En Argentina fue una consola bastante icónica ya que era ensamblada con licencia de Coleco por Kenia, en Tierra del Fuego, empresa que la distribuía por todo el país.

En la actualidad, el ColecoVision es objeto de admiración y nostalgia entre los coleccionistas y aficionados al retrogaming. En este sentido nos comenta @doctorcoleco, restaurador y especialista en esta consola: “Hoy en día existe una comunidad enorme de usuarios de ColecoVision que coleccionan sus cartuchos y accesorios, y mantienen sus consolas originales como si aún fuera 1982, en funcionamiento junto a un televisor de tubo para que la experiencia sea completa. Por lo general, hay una simbiosis natural entre Coleco y Atari 2600, no puede haber una sin la otra en el rincón retro. Esto, si bien tiene que ver con la nostalgia, también responde a un movimiento cultural que rescata algo muy bueno del pasado y lo reivindica”.

Además, la historia del ColecoVision ha inspirado a desarrolladores y diseñadores de juegos contemporáneos. Su enfoque en la jugabilidad, la innovación y la experiencia social sigue siendo relevante en la creación de videojuegos hoy en día. Los desarrolladores a menudo se inspiran en los principios establecidos por consolas como esta, buscando capturar la esencia de lo que hizo que esos juegos fueran tan memorables.

El ColecoVision fue más que una consola de videojuegos; fue un hito en la evolución del entretenimiento digital. Con su tecnología innovadora, su amplia biblioteca de juegos y su impacto cultural, dejó una marca indeleble en la historia de los videojuegos. A medida que seguimos explorando el vasto mundo del gaming, es esencial recordar y celebrar a aquellos que nos trajeron estas experiencias inolvidables.

Los juegos más icónicos del ColecoVision

A continuación, realizamos un breve recorrido por algunos de los juegos más memorables de la consola, que sin duda ayudaron a definir su legado:

• Donkey Kong: Un clásico que marcó el debut de Mario (aunque en ese momento se llamaba Jumpman) y estableció el estándar para los juegos de plataformas. En Argentina se hacían competiciones televisivas con esta versión de ColecoVision.
• Zaxxon: Innovador por su perspectiva isométrica, ofreció una experiencia visual única y una jugabilidad adictiva.
• Pitfall 2: Lost Caverns: Una evolución significativa del original, este juego amplió la exploración con un diseño más complejo y elementos narrativos.
• Frogger: Un reto simple pero adictivo, ayudando a una rana a cruzar carreteras y ríos llenos de peligros. Clásico de las recreativas.
• Cabbage Patch Kids: Adventures in the Park: Aprovechando la popularidad de los muñecos, ofrecía un diseño encantador en un parque temático.
• H.E.R.O.: Este título destacaba por su mezcla de acción y exploración, llevando a los jugadores a rescatar a mineros atrapados en profundidades peligrosas.
• Spy Hunter: Un emocionante juego de carreras y combate, donde los jugadores se convierten en agentes secretos al volante de un automóvil armado. También un port de las recreativas.
• Smurf: Rescue in Gargamel’s Castle: una aventura encantadora que permitía a los jugadores rescatar a los queridos personajes azules. Su tecnología gráfica lo convertía en uno de los más promocionados en su momento.
• Montezuma’s Revenge: un icónico título de acción y plataformas que desafió a los jugadores con niveles laberínticos y trampas peligrosas. Entre las mejores versiones del título.
• Gorf: juego de disparos espaciales, matamarcianos clásico con múltiples niveles que aumentaban en dificultad y mantenían a los jugadores en constante desafío.

Mario & Luigi: Conexión fraternal ha llegado este jueves a Nintendo Switch, con una nueva aventura en la que el vínculo entre los dos hermanos es la clave para reconectar el mundo de Concordia.

La primera nueva aventura de la saga de RPG Mario & Luigi desde 2015 lleva a los dos hermanos al mundo de Concordia, donde deberán emprender la misión de reconectar las islas y descubrir el origen del desastre.

Juntos visitarán y explorarán una variedad de islas muy diferentes, desde selvas tropicales hasta bulliciosas ciudades, y encontrarán nuevos amigos, como Conetta o Porcopolo, y otros ya conocidos, como informan desde Nintendo en una nota de prensa.

Para reconectar Concordia, los jugadores tendrán que dominar el vínculo fraternal de Mario y Luigi, en una dinámica que da una vuelta al clásico combate por turnos, que incluye acciones tándem para infligir daño adicional a los enemigos.

Mario & Luigi: Conexión fraternal ha llegado a Nintendo Switch este jueves 7 de noviembre.

El mundo de los videojuegos está viviendo hace por lo menos cinco años un fuerte aluvión de grandes títulos en lo que respecta al RPG. Basta solo con mirar los nominados a juego del año en los últimos 3 o 4 años para darse cuenta que es un género que la audiencia está consumiendo mucho. Lo sabés vos, lo sé yo y, por supuesto, Nintendo lo sabe también.

Por eso, no es casualidad que la empresa de Kioto haya lanzado en los últimos años una gran cantidad de títulos centrados en este género. En cuanto a Mario, nuestro fontanero favorito, son tres las líneas de videojuegos RPG que ha sabido concebir: Super Mario RPG, Paper Mario y Mario & Luigi. El primero ya tuvo su remake en Nintendo Switch, la segunda franquicia no sólo tuvo una nueva entrega (con Paper Mario: The Origami King, en 2020), sino que también este año obtuvo una remasterización de Paper Mario: The Thousand Year-Door (originalmente del 2004). La tercera es de la que vamos a hablar en esta nota.

Mario & Luigi es, históricamente, la franquicia de RPG basada en Mario que más convencionalmente siguió los conceptos del RPG japonés. Mucho grinding, la dedicación de varias horas, una buena cantidad de enemigos y una historia que nos lleva de viaje por toda una región junto a Mario y Luigi fueron los estandartes que nos permitieron tener a esta saga en todas las consolas portátiles de Nintendo. Sin embargo, las últimas experiencias no funcionaron del todo bien y Nintendo terminó cerrando el estudio desarrollador, AlphaDream. Por eso, fue una sorpresa muy grande cuando Mario & Luigi: Brothership se anunció.

El estudio encargado de hacer esta nueva versión es Acquire, desarrolladores del exitoso y grandilocuente Octopath Traveler. En colaboración con Nintendo, tuvieron el gran desafío de encontrar cuales eran los elementos que hicieron fallar a las entregas anteriores y tratar de armar un JRPG en el mundo de Mario que no solo funcionase, sino que se diferenciara del reciente remake de Super Mario RPG y de los Paper Mario ya mencionados. En parte, hay cosas buenas para destacar, pero también hay varias ideas que no terminan de llegar a buen puerto.

En esta nueva aventura, Mario y Luigi son transportados a un mundo desconocido hasta el momento llamado Concordia. Este continente funciona sobre el mar, donde un árbol conecta las cuatro grandes regiones mediante faros que se encuentran alrededor del mundo. Como recientemente esta unión se destruyó, volver a conectar nuevamente todas las pequeñas islas para unificar el continente otra vez y volver a casa será la nueva responsabilidad del barco que nos rescata.

Es una gran historia para un RPG en el mundo de Mario y debo decir que la mano de Acquire se nota más temprano que tarde. El desarrollo de personajes es muy bueno y en todo momento está esa sensación de “odisea” donde conocemos personajes que nos acompañan en cierto tramo, después desaparecen y se vuelven a conectar. Se nota de dónde vienen todas estas ideas y se valora que las hayan podido aplicar.

Sin embargo, a mi parecer, Mario & Luigi peca del mismo problema que hizo a sus antecesores no funcionar del todo y es no encontrar la forma de adaptarse a los tiempos que corren. Cada paso es una interrupción, está lleno de diálogos innecesarios y no paramos de encontrarnos con mecánicas que parecieran colocadas sólo para hacernos perder tiempo. Hay mucho vicio de obligar al jugador a “perder” (o invertir podría ser una mejor palabra) el tiempo haciendo acciones para que la aventura dure más y ese uso artificial del tiempo hoy en día es con lo que pelean las grandes reversiones de clásicos JRPG como Final Fantasy VII Rebirth o las nuevas entregas de Dragon Quest.

Incluso en la exploración encontramos problemas del estilo: mientras que la parte “plataformera” de Mario está bien adaptada y es muy divertida, ya que va progresando a lo largo del título y nos obliga a pensar cómo podemos resolver cada ecuación, hay una mecánica donde Luigi va teniendo ideas para resolver cuestiones que nosotros, los jugadores, no podemos resolver. No solo es agobiante la cantidad de tiempo que tarda Luigi cada vez que se le ocurre una idea, sino que también atenta contra el concepto mismo del juego: ¿para qué tenemos que sufrir estas cinemáticas y esperar que esto suceda si de todas formas no podíamos avanzar por nuestra propia cuenta? Es como si hubiesen querido hacer menos cinemáticas y darle “jugabilidad” a los tiempos muertos y hubiese resultado al revés.

En otro panorama, el otro gran foco de la experiencia es el combate. Sin dudas el gran acierto de este desarrollo y la mejor evolución de las entregas anteriores. Se mantiene la idea del combate por turnos con elementos de acción donde podemos apretar el botón justo por cada movimiento para generar bonificaciones o errar en el caso de que nos estén por golpear. De esta manera, Mario & Luigi: Brothership ofrece un combate dinámico, divertido y muy cambiante que hace que la necesidad de pelear para subir de nivel sea un pasatiempo divertido y no un agobio constante.

Aparte de los clásicos elementos para sumarle a este segmento del juego como los objetos para poder utilizar o el equipamiento que podemos poner para ser más fuertes, se suman los ataques tándem donde nuestros dos personajes se unen para ofrecer una acción especial que saca mucho daño pero que requiere de nuestra habilidad al apretar los botones en el tiempo y lugar indicado. Por momentos, el combate se vuelve muy rítmico y me parece una decisión sumamente acertada para una experiencia que se divide en turnos. También están las clavijas y los enchufes, una suerte de bonificaciones que podemos equipar para hacer más daño de un tipo en específico, una mecánica que podremos evolucionar conforme vayamos avanzando en la experiencia.

Esta idea del “tándem” también se lleva a la exploración, ofreciendo unas habilidades que se van desbloqueando a lo largo de la aventura y nos van a servir para superar distintos escenarios. Por ejemplo, Mario y Luigi pueden girar en círculos para convertirse momentáneamente en un helicóptero y así superar precipicios, o pueden rodar juntos para ser una bola a lo Samus Aran de Metroid y pasar por tuberías en horizontal. Si bien no es una mecánica que cambie radicalmente la experiencia, suma para darle un poco más de sensación de plataformero a un juego que es RPG casi en su totalidad.

Esta exploración se complementa con la idea de encontrar las islas con nuestra embarcación. Mientras la nave va por las diferentes corrientes, que debemos seleccionar previamente, podemos hacer actividades en las islas que ya hayamos visitado para obtener mejores objetos o más monedas. Una vez descubierta la nueva isla, podremos acceder al nuevo segmento.

Uno de los problemas más fuertes que tiene Mario & Luigi: Brothership tiene que ver con el ritmo de la experiencia y la repetición de tópicos. La estructura es prácticamente la misma todo el tiempo: vamos por el gran faro de la zona, para eso hay que ir por unas islas más pequeñas, resolvemos sus problemas, llegamos al faro, solucionamos y al siguiente. Se entiende que es una fórmula que Nintendo aplica a casi todos sus juegos, y en muchos les sale genial, pero hay veces que simplemente termina agobiando. Lo mismo sucede con la trama central; no dista mucho de lo que pasa en Kirby and the Forgotten Land o The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom; hay muchos tópicos que ya se están repitiendo bastante entre juegos y terminan siendo cliché.

Los personajes de Concordia también resultan sumamente repetitivos. No así sus enemigos y sus jefes, que le dan una variedad enorme a la experiencia y una diferenciación a cada nivel. En el caso de los ciudadanos, si bien puede tener una justificación narrativa ya que técnicamente son del mismo continente, termina quedando un poco atrás de las otras franquicias RPG de Mario donde cada ciudad tiene su propia población, identidad e historia.

Para terminar, audiovisualmente me parece que es una experiencia correcta. Sí es cierto que el nuevo tono visual es un acierto y le sienta bien a la saga dentro de Nintendo Switch, nos da una definición más pulida y nos entrega una versión que se aleja del concepto de videojuego portátil. La banda sonora y el diseño de audio, sin desentonar, tampoco logra tener el nivel de epicismo clásico en este tipo de experiencias.

Mario & Luigi: Brothership es una experiencia que, aunque se repite mucho por momentos, es bastante divertida. Logra superar algunas de las trabas que hicieron fallar a esta franquicia, pero también tropieza por momentos con las mismas piedras. No es un mal regreso de la franquicia, pero también queda en el medio de otras grandes experiencias RPG incluso para su mismo personaje (e incluso en su mismo año de lanzamiento). Me parece que es un título que quedará como el apartado final de la biblioteca de ese fenómeno impresionante que se llama Nintendo Switch y ojalá sean las bases para que Mario & Luigi tenga una entrega aún mejor a futuro.

David Timón

Madrid, 1 nov (EFE).- Tras un mes de octubre sobresaliente, marcado por un aluvión de estrenos, noviembre mantiene un perfil más bajo antes de la época navideña, pero sí llegan tendrá algunos grandes títulos, como una nueva aventura fraternal de Mario y Luigi o la esperada secuela de S. T. A. L. K. E. R.

La icónica saga Metal Slug regresa con una nueva entrega de rol y estrategia desarrollada por Leikir Studio y Dotemu para PC, Nintendo Switch, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One y Xbox Series. Los jugadores podrán disfrutar de un dinámico juego táctico que introduce elementos de roguelike en una original perspectiva sobre el emblemático título.

‘Mario & Luigi: Conexión Fraternal’ es uno de los grandes juegos que verán la luz en noviembre. A cargo de Nintendo para Switch, este RPG por turnos trae de vuelta a los archiconocidos hermanos fontaneros en una aventura marítima a bordo de la Isla Nao, que les llevará a explorar el vasto mundo de Concordia.

Desarrollado por Studio Gobo y Sony Interactive Entertainment para PC, Nintendo Switch y PlayStation 5, ‘LEGO Horizon Adventure’ fusiona el universo de Horizon y su protagonista Aloy con la estética LEGO, en una colorida aventura para salvar el mundo.

La secuela del famoso ‘shooter’ en primera persona postapocalíptico llega con ‘S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chornobyl’, desarrollado por GSC Game World para PC y Xbox Series. Este título ofrece un vasto mundo abierto en la zona de exclusión de Chernóbil, donde la radiación, los mutantes y las anomalías llevarán a los jugadores al límite. Las decisiones que influirán en la historia y en el futuro del entorno. EFE

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París, 29 oct (EFE).- El Tribunal Correccional de París juzgó este martes a tres policías franceses acusados de dar una paliza a un hombre peruano dentro de una comisaría del centro de París el pasado julio, y anunció que publicará la sentencia el 15 de enero de 2025.

Así lo confirmó a EFE Juliette Chapelle, una de las dos abogadas del ciudadano peruano, de 42 años e identificado con el nombre ficticio de Mario.

Dos de los agentes fueron juzgados por los cargos de "violencias voluntarias cometidas por parte de personas depositarias de la autoridad pública" y un tercero, que era el responsable de la comisaría en el momento de los hechos, por "no asistencia de una persona en peligro".

En la vista que se prolongó durante más de 10 horas y que contó con un buen número de periodistas en la sala, Mario no estuvo presente por recomendación de su psiquiatra, explicó en el inicio de la sesión la letrada Chapelle.

Los que sí estuvieron fueron los tres miembros de la Policía Nacional francesa encausados: Maxime D. y Matthieu D., señalados de violencias voluntarias, y Clément B., por no asistencia.

Durante la audiencia, el presidente del Tribunal proyectó las imágenes del circuito de video-vigilancia de la comisaría -el mismo que se filtró a los medios en septiembre y destapó el caso públicamente- y confrontó a los tres por las agresiones filmadas.

En las imágenes, se ve a un hombre sin camiseta golpeado repetidamente por un agente, mientras el resto se ríe o no hace nada.

Uno de ellos es el que era el responsable de la comisaría en ese momento, Clément B., quien justificó este martes la violencia empleada por sus subordinados porque "se sintieron intimidados por el físico" del cuadragenario.

"¿De verdad? ¿Se sintieron intimidados por un hombre que mide 1,66 metros?", inquirió el presidente del tribunal. Los agentes también explicaron su actitud por el "estrés" que vivían en la víspera de los Juegos Olímpicos de París.

Mario, quien había sido llevado a la comisaría sobre las 23 horas del 24 de julio tras injuriar a un gendarme en pleno centro de París -hechos que el denunciante admite-, recibió golpes de tal calibre que su brazo resultó roto y la arcada de su ceja sangró.

El peruano llegó a escribir "ayuda" en la pared de su celda con esa misma sangre. Por los golpes y las heridas que sufrió, los médicos le prescribieron una baja de 45 días.

Aunque los cargos contra los dos policías juzgados por agresiones puedan implicar, en teoría, de entre 3 a 7 años de cárcel, ambos evitarán con casi total probabilidad la prisión firme.

No obstante, podrían ser apartados del cuerpo por sanciones disciplinarias, temporal o definitivamente.

Además del eco mediático de la filtración del video, el caso llegó a los tribunales porque uno de los agentes que presenció las agresiones se retractó con su testimonio.

En un primer momento, había respaldado durante la investigación la versión de Maxime D., quien argumentaba haberse defendido ante un supuesto gesto de agresión por parte de Mario.

Sin embargo, posteriormente reconoció haber mentido como manera de encubrir a su compañero. EFE

Dentro del ecosistema de Nintendo, hay algunos títulos que ya tocaron un techo tan alto que es difícil superar. Por eso, muchas de sus franquicias -sobre todo las relacionadas a Mario-, suelen tener una nueva entrega cada tres o cuatro años que suele oficiar de actualización para seguir jugando lo mismo, pero mejor. Uno de esos títulos es históricamente Mario Party. O lo era, por lo menos hasta la existencia de Super Mario Party Jamboree.

Silbando por lo bajo, caminando despacio, esta nueva entrega del party game por excelencia de Nintendo no hizo mucho eco en el cronograma de lanzamientos de la empresa ya que la Nintendo Switch cuenta en su librería con dos Mario Party (Super Mario Party de 2017 y Mario Party Superstars de 2021) y se anunció con otros títulos que opacaron un poco su atención como The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom o el regreso de la franquicia Mario & Luigi. En este contexto, jamás pensé que este título iba a ser tan increíble como lo es.

Primero lo primero, Super Mario Party Jamboree inicia repitiendo la fórmula base que hace tan icónico a Mario Party y que termina creando su propio género: los personajes de Mario disputan una “fiesta” que se traduce, para el jugador, como un juego de mesa virtual donde nuestro objetivo es conseguir más estrellas que el resto. Para eso, deberemos jugar minijuegos que pueden ser dos contra dos, uno contra tres, o todos contra todos. Lo clásico.

NDcube, el estudio que desarrolla esta franquicia desde la época de Nintendo Wii, anunció con bombos y platillos que esta entrega tendría más de 110 minijuegos y cuatro tableros completamente nuevos. Hasta este momento, y para poner un poco en contexto si no estás relacionado con la franquicia, siempre se introdujeron números similares en todos los Mario Party pero nunca terminaron de pegar, terminando los jugadores por decantarse por los escenarios clásicos que se reciclan de los primeros Mario Party. Ese es el paradigma que rompe Jamboree.

Esta nueva entrega publicada por Nintendo logra el trabajo más difícil de hacer: mantener la fórmula clásica innovando completamente. Todos los elementos a los que estamos acostumbrados en un Mario Party están presentes, pero sin embargo, hay ciertas particularidades que hacen que esta entrega sea una de las mejores jamás creadas. Empezando por la valentía: es una experiencia que se cuestiona a sí misma.

Como todo título de este estilo, Mario Party carga con la piedra de ser una experiencia para disfrutar en grupo. Ahora, ¿qué hago con mi Mario Party si quiero jugar solo? Esa es una pregunta que la franquicia nunca se hizo a sí misma porque se partió de la base de que es una experiencia para cierta ocasión en especial y, si la comprás, es porque querés disfrutarla de tal manera. Super Mario Party Jamboree es el primer título de la franquicia que hace un fuerte mea culpa de la situación y nos entrega soluciones impresionantes para convertir una experiencia social en un videojuego hecho y derecho para cualquier situación.

El modo “Mario Party” ahora representa la experiencia social y con amigos dentro del conglomerado de modos de juegos que trae este paquete, pero también tenemos, por ejemplo, “Paseo Servicial” que oficia como un gran modo historia donde deberemos recorrer todos los tableros nuevos e ir jugando los minijuegos para restaurar ciertos ornamentos. En las entre cuatro y cinco horas de juego que representa este modo historia, no sólo te profesionaliza en Mario Party, sino que también te da el empujón necesario para prepararte a cualquier minijuego. Es la primera vez que siento que jugar Mario Party en solitario tiene sentido.

Cómo si eso fuera poco, Nintendo hace que Jamboree sea especial porque se aggiorna a la actualidad. ¿Qué se hace habitualmente cuando querés jugar un juego competitivo y no están tus amigos? La respuesta está en el online. Super Mario Party Jamboree tiene varios modos de juego para disfrutar online que hacen que puedas estar horas jugando a la experiencia. El “Desafío Anti Bowser” es un modo sumamente fresco donde ocho jugadores deben vencer a un Bowser kaiju a fuerza de resolver puzzles y jugar minijuegos.

El “Bowseratlón”, por otro lado, es una experiencia para hasta 20 jugadores que se basa en los minijuegos. ¿A qué voy con todo esto? El esqueleto es el mismo, son los mismos minijuegos y el mismo motor gráfico, pero Nintendo se las arregló esta vez para que puedas jugar Mario Party en todo contexto, solo o con amigos, y que esos minijuegos rindan en varios modos de juego diferente.

Sí debo admitir que al usar los mismos minijuegos para tantos modos de juego diferente, si sos un usuario que juega varios de ellos o que le dedicas una buena cantidad de horas, se empieza a sentir una sensación de reciclado entre ellos o incluso con anteriores minijuegos de la franquicia, pero nada que afecte mucho al elemento de la diversión dentro de la experiencia. Otro de los grandes aciertos de esta nueva versión es lo pulida que está a nivel accesibilidad. Todo está hecho para que puedas disfrutar todo el tiempo, seas experto en Mario Party o sea la primera vez que jugas en tu vida. Hay carteles gigantes, animaciones, textos, posicionamientos de cámara que jamás vimos en esta franquicia que sirven única y específicamente para poner a todos los jugadores en el mismo nivel de conocimiento, y lo hace de una manera fantástica.

Complementando esta idea, hay algunos modos de juegos que se animan a ir un poco más allá y son propuestas siderales, nuevas, que nunca habían formado parte de la franquicia. “Fábrica de Toads” es una suerte de Pico Park, donde tenemos que resolver puzles coordinando nuestras acciones o perderemos. “Cocina Rítmica” nos invita a cocinar mientras bailamos a lo Just Dance, haciendo que la actividad física sea también una opción acertada para Mario Party. Lo mismo sucede con “En alas de la aventura”, un modo donde literalmente tendremos que volar y habrá desafíos de coordinación como llevar pasajeros y si uno de los dos vuela mal, se cae. Todo está pensado para ofrecer experiencias nuevas y disruptivas sin dejar de tener el componente clásico que cualquier usuario espera de este tipo de juegos.

Para terminar, dentro de las partidas hay una nueva mecánica que se basa en el concepto del Jamboree. En cada partida habrá un Compi Jamboree que aparecerá aleatoriamente y le dará beneficios a quien se lo lleve, haciendo que se nivelen mucho más las partidas y que dependan mucho más del azar. Para conseguir a estos personajes, que suelen duplicar nuestras ganancias o incrementar nuestras recompensas, hay que ganar un desafío Jamboree.

Estos desafíos son minijuegos específicos creados para la ocasión que tienen la particularidad de estar mucho más relacionados con el mundo real, haciendo que sean más similares a los minijuegos de The Jackbox Party que los juegos de Mario. Sin ser una mecánica que rompa el juego, termina siendo un gran nivelador para ofrecer una alternativa a quienes estén perdiendo y puedan dar vuelta el encuentro.

Super Mario Party Jamboree es el más “todo” de Mario Party. Es el más accesible, el más moderno, el más completo, el más ambicioso, el más disruptivo, el más pulido. Nintendo tiene sus franquicias, salvando algunas excepciones, hace ya 20, 25 o 30 años. Es muy difícil seguir ofreciendo nuevas experiencias después de ese tiempo, y en este caso, lo logran con creces.

Casi al final del ciclo de vida de la consola, Super Mario Party Jamboree es el party game que merecía la Nintendo Switch y que quedará en el catálogo como uno de los indispensables de la híbrida a futuro. Ojalá que Nintendo haga una reinvención de este estilo con otros juegos como Mario Strikers o Mario Tennis porque si todos ellos estuvieran hechos con la maestría y la pasión que está creado Jamboree, cada uno de ellos sería increíble.

Viviendo uno de los momentos más dulces de su vida, Anna Ferrer aparecía esta semana en los Premios Forbes y nos hablaba de lo feliz que es al haber encontrado la estabilidad en muchos sentidos. Inmersas en nuevos retos, como sus clases de interpretación, la influencer está exprimiendo al máximo todas sus facetas.

Enamorada, Anna confesaba que su pareja "me apoya un montón y me da un mucha paz, entonces cuando tienes típico día malo, llegar a casa y que alguien que te tenga la comida hecha da gusto", explicaba acerca de la convivencia con él, explicando que "estoy muy bien".

Eso sí, por mucha estabilidad que tengan, "ahora mismo no está nuestros planes" darse el 'Sí, quiero' porque "profesionalmente tenemos muchas cosas que hacer y al final la boda es también mucho dinero, son muchas cosas".

Por otro lado, en cuanto a la maternidad, la influencer comentaba que "yo siempre he querido ser madre, me encantaría y sé que Mario va a ser el padre de mis hijos" porque "si algo tengo claro es que el padre de tus hijos es más importante que a tu marido, elegirlo bien, porque al final te divorcias y ya está, pero el padre de tus hijos es para toda la vida".

Por eso, Anna quiere que "mis hijos tengan un buen padre, un padre presente, quiero tener a una persona al lado que sea un buen ejemplo para mis hijos y yo pienso, ¿te gustaría? si quieres que se parezcan a tu pareja, entonces lo estás haciendo bien".

Davide Soliani, reconocido ex director creativo de Ubisoft, y Christian Cantamessa, un importante guionista dentro de Rockstar Games, han unido fuerzas para fundar Day 4 Night, un nuevo estudio de videojuegos que busca ofrecer experiencias profundas y originales. El equipo, que también cuenta con ex jefes de Ubisoft Milán como Cristina Nava, Gian Marco Zanna y Luca Breda, está listo para desarrollar títulos que expandan los límites de la narrativa y el diseño de juegos.

Day 4 Night se centrará en la creación de nuevos títulos innovadores, con su primer proyecto ya en desarrollo y co-dirigido por Soliani y Cantamessa. Según Soliani, el objetivo del estudio es crear juegos que reflejen todo lo que siempre quiso experimentar como jugador: “alegría, aventura, poesía, acción y asombro”. El equipo operará desde oficinas en Milán, Los Ángeles y California, uniendo talento y creatividad de ambos continentes.

Davide Soliani es conocido por su destacado trabajo en la franquicia Mario + Rabbids, donde dirigió tanto Kingdom Battle como Sparks of Hope, proyectos que fusionaron a los icónicos personajes de Nintendo con un sistema de estrategia táctica. Por su parte, Christian Cantamessa se posisionó como una figura clave en Rockstar Games, siendo el guionista principal y diseñador de Red Dead Redemption, un título aclamado por su narrativa y su innovador diseño de mundo abierto.

La financiación del estudio está respaldada por Krafton, el editor detrás de PUBG, y 1Up Ventures, liderado por Ed Fries, co-fundador de Xbox. Este apoyo financiero permitirá a Day 4 Night trabajar con libertad creativa y desarrollar su primer juego sin las restricciones comunes de la industria. “La propuesta del estudio fue la más creativa que hemos visto en mucho tiempo”, afirmó Fries.

Aunque todavía no se conocen muchos detalles sobre su primer proyecto, las expectativas son altas, y los seguidores de la trayectoria de Soliani y Cantamessa están ansiosos por ver qué ofrecerá este nuevo estudio.

Astro Bot está resultando una de las grandes sorpresas del año en cuanto a videojuegos respecta. No solo porque fue anunciado solo un puñado de meses antes de su lanzamiento, sino también porque no es tan habitual que PlayStation apueste a este tipo de experiencias y porque Team Asobi realizó un videojuego tan pulido que es de manera unánime, de lo mejor del año.

Astro Bot es un caso único y estamos muy contentos de que exista. Sin embargo, si pudiste disfrutar de esta excelente experiencia y quieres conocer algunos otros grandes juegos que tengan la misma esencia, en esta nota te traemos otros cinco videojuegos de plataformas en 3D para disfrutar.

Sackboy: A Big Adventure

La lista inicia con el predecesor de Astro Bot y un título que pasó bastante desapercibido en la cartera de experiencias que ofreció Sony. Si bien está disponible también en PlayStation 4, fue de los primeros lanzamientos de esta generación junto al Spiderman de Miles Morales en 2021.

Quienes hayan jugado Astro Bot se encontrarán con una experiencia muy cercana. Antes de apostar al robot, estoy seguro de que Sony ya tenía esta intención de retomar el camino de “tener una mascota” y Sackboy había sido su primera elección. Es un gran juego de plataformas con una ridícula cantidad de contenido así que es una buena opción si estás buscando algo que dure muchas horas para completarlo al 100%.

Super Mario Odyssey

Quizás el mejor videojuego de plataformas en 3D que se haya realizado jamás. Es la última experiencia que nos dio el fontanero y una de las más grandes que hemos visto. Nos alegra comparar a Astro Bot con este juego porque eso solo puede significar cosas buenas para el robot de PlayStation.

Lamentablemente, es una experiencia exclusiva de Nintendo Switch, así que solamente podrás acceder si eres poseedor de una de las consolas de La Gran N. Sin embargo, si eres fanático del género o quedaste encantado con Astro Bot, me animo a decir que es la única experiencia lo suficiente buena como para jugar y seguir sorprendiendote después de este titulo.

Crash Bandicoot 4: It’s About Time

Cuando la industria de los videojuegos estaba en su mayor momento de crecimiento y revelación y pasó del nicho a la masividad, dos personajes caracterizaron una guerra por ser las mejores mascotas con los mejores juegos, y ambos eran del género plataformas: Mario para Nintendo y Sonic para Sega.

Solo un personaje pudo colarse en esa disputa y, en su momento, fue la mascota de PlayStation: Crash Bandicoot. Paradójicamente hoy siendo una propiedad de Xbox por el acuerdo de Activision Blizzard King, Crash Bandicoot 4: It’s About Time (2020) significó el regreso de este personaje a todas las plataformas de la mejor manera, en una experiencia que no solo es ambiciosa sino muy desafiante. Muy recomendable no solo si se quiere seguir por este camino sino también si buscamos algo más difícil en este rubro.

Psychonauts 2

Nos vamos directamente a la vereda de enfrente con un título que solo podrás disfrutar como parte del ecosistema Xbox, tanto en consola como en PC. Psychonauts 2 es el experimento psicodélico de las mentes de Double Fine, estudio de Tim Schaffer, histórico desarrollador y cocreador de Monkey Island.

Cuenta con la participación de Jack Black y es un viaje completamente diferente a lo que estamos acostumbrados, no solo en este género sino también en videojuegos en general. Una experiencia única sumamente recomendable para quienes disfruten de los plataformeros en 3D y una de las más accesibles ya que solo basta con tener una suscripción de Game Pass para disfrutarlo.

Ratchet and Clank: Rift Apart

Ratchet and Clank es una de las franquicias supervivientes a la desidia de PlayStation con sus grandes IPs. Junto a God of War, desde PlayStation 2 que estamos viviendo sus aventuras que nos han dado grandes momentos a los amantes de los plataformas en 3D. Ratchet and Clank: Rift Apart es, sin duda alguna, la experiencia definitiva de estos personajes que mezclan el hiperrealismo al que apunta PlayStation con casi todos sus juegos y este género tan carismático y caricaturesco.

Una aventura que, a su vez, sirve de demostración del poder de la PlayStation 5 y nos da grandes ejemplos de cómo el DualSense se puede aplicar o cómo la velocidad del SSD de la PlayStation 5 nos permite saltar de un lugar a otro completamente diferente en cuestión de segundos. Si bien es una experiencia bastante alejada a la que ofrece Astro Bot, es altamente recomendable y uno de los puntos que no puedes dejar pasar si sos dueño de una PlayStation 5.

Bonus Track: Astro’s Playroom

No podíamos dejar afuera a esta experiencia de la lista. Solo basta con tener una PlayStation 5 para acceder a esta demo técnica que es tan buena que permitió a Team Asobi desarrollar Astro Bot.

Tiene todos los mismos condimentos del juego y un montón de referencias al ecosistema de PlayStation. Si bien se puede sentir una “reducción” jugarlo después de haber disfrutado el título de este año, no puedo dejar de recomendarlo para todos aquellos que no lo hayan jugado aún o que se sientan en la necesidad de seguir disfrutando de este pequeño gran universo.

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Astro Bot: La importancia de fidelizar a la audiencia

Astro Bot tomó a la industria por sorpresa y, con una fracción del presupuesto promedio de los exclusivos modernos, se puso entre los mejores juegos del año. Lo que comenzó como un juego gratuito que le daba la bienvenida a los usuarios de PlayStation 5, luego se usó para condimentar la oferta de PlayStation VR 2 y poco a poco se está transformando en un nuevo ícono para la marca. ¿Qué lección se puede aprender de este éxito inesperado? Algo que Nintendo sabe y aplica desde siempre, pero en especial a partir de la revolución de la Nintendo Wii: un concepto sólido, con foco en la jugabilidad y la diversión, siempre prevalece por sobre las producciones espectaculares de altísimo presupuesto.

El hecho de que Astro Bot sea el primer plataformero de PlayStation en alcanzar los estándares de calidad de la saga Super Mario tampoco es un dato a desestimar. Dejando de lado la tentación de hacer una -sinceramente innecesaria- comparación directa, el juego de Team Asobi consigue combinar una jugabilidad accesible y sencilla, que propone cierta complejidad a través del diseño de los niveles y deja los verdaderos desafíos como contenido opcional. Pero en el camino se encarga de recordarle a cada usuario, sin importar su rango etario, que la incursión de Sony en el gaming ha causado un impacto intergeneracional que aún hoy sigue vigente.

Aprovechando la estética propia de su universo, Astro Bot celebra a PlayStation como marca en todo sentido. Utiliza la PlayStation 5 como nave espacial, dándonos a entender que es el hogar de todos estos bots. Cada uno de ellos tiene una personalidad única y, a lo largo de toda la aventura, vamos a rescatar a un centenar de personajes icónicos de la familia Sony. Algunos jugadores reconocerán a unos pocos, otros se encontrarán inmersos en un viaje nostálgico y aplaudirán al ver que los bots utilizan Memory Cards de PlayStation 1 para navegar por el espacio como si fueran Silver Surfer. Lo cierto es que nadie queda afuera, hay referencias para todos los gustos y más allá de ser un recurso marketinero tiene un resultado inesperado: la fidelización del usuario.

Completar Astro Bot al 100%, sin conseguir todos los trofeos pero sí a los 301 robotitos, me llevó alrededor de 20 horas. Durante mi aventura me reencontré con personajes que no veía hacía una década, me emocioné con canciones que pensaba olvidadas y me di cuenta que PlayStation me acompañó a lo largo de mi vida como jugador. Más allá de que los juegos son parte de mi trabajo, también representan mi pasatiempo favorito y un mundo que me apasiona desde la niñez. El juego me recordó, desde el inconsciente, cuántos momentos increíbles viví jugando con una consola de Sony. Cuántas franquicias legendarias conocí y me hizo dar cuenta de todas las horas de vida hay guardadas entre Memory Cards y HDDs.

Cuando finalmente decidí ponerle un punto y aparte a mi experiencia con Astro Bot, me resultó difícil soltar el DualSense. En 2017 adopté las consolas de Xbox como mi plataforma de juego principal y enciendo mi PlayStation 4 o PlayStation 5 sólo para jugar exclusividades o hacer una cobertura por trabajo. Sin embargo, mi experiencia con Astro en este universo de PlayStation me generó una mezcla de nostalgia por aquellas viejas épocas y me llevó a invertir mi tiempo libre en uno de tantos exclusivos que tengo pendiente. En este caso, hurgando entre mi biblioteca de clásicos, me di cuenta que se me antojaba un Uncharted y me puse a descargar The Lost Legacy. También instalé el último Ratchet and Clank y el espectacular God of War III Remastered.

Mientras esperaba las descargas, me vino a la mente una realización: el juego de Team Asobi me había reconectado con mi historia con PlayStation. De repente, la consola que sólo usaba para Demon’s Souls Remake y Final Fantasy Rebirth me resultaba irresistible y ante mis ojos se revalorizó todo el catálogo que tenía en mi backlog personal. Cuando jugué Astro’s Playroom sentí esa misma chispa, pero pasar todo ese tiempo disfrutando con Astro Bot fue lo que volvió a encender la antigua llama. Y si me conmovió a mi, un cuarentón que juega a diario desde los 8 o 9 y trabaja revisando juegos desde hace 12 años, imagino que un usuario menos saturado lo debería sentir aún más fuerte.

Astro Bot es un éxito por donde se lo mire y creo que va a terminar siendo más importante para PlayStation de lo que nadie se había atrevido a imaginar. No sólo se trata de un gran plataformero en 3D, uno que realmente roza el inalcanzable estándar de calidad de los clásicos de Mario, sino que viene a celebrar una marca que está surfeando esta generación gracias a los laureles obtenidos durante los últimos años. Si Sony está prestando atención, debería invertir en una secuela lo antes posible y considerar seriamente traer de regreso a sus franquicias olvidadas. Y no me refiero a Killzone o Resistance, sino a Gravity Rush, LocoRoco, Patapon, Ape Escape y todos aquellos títulos que lanzamiento sobre lanzamiento forjaron la identidad de la marca. Mientras tanto, disfrutemos de este clásico instantáneo.

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Sega Master System: la consola que desafió a Nintendo y activó la guerra de las consolas

En la década de los 80, la industria de los videojuegos estaba en plena efervescencia. Las consolas de videojuegos comenzaban a dominar el entretenimiento en el hogar, y empresas como Nintendo y Atari lideraban el mercado. En este contexto, Sega, tras haber intentado con dos modelos (SG 1000 y SG 1000 II), presenta su tercer y mejorado proyecto en Japón en 1985, bajo el nombre de Sega Mark III. Un año después, esta consola fue relanzada internacionalmente con un nuevo nombre: Sega Master System (SMS).

La Master System estaba equipada con un procesador de 8 bits y ofrecía gráficos y sonido que superaban a su competencia directa, la Nintendo Entertainment System (NES). Su hardware incluía un CPU Zilog Z80 a 3.58 MHz, una paleta de colores superior y capacidades de audio avanzadas gracias al chip PSG de Texas Instruments. Además, la consola ofrecía periféricos innovadores como unas sensacionales gafas 3D y la mítica pistola de luz Light Phaser, que ampliaban las posibilidades de juego para estar a la altura de la tecnología más de vanguardia en aquel momento.

Los imperdibles de Sega Master System

A lo largo de su vida, la Sega Master System contó con una biblioteca de juegos impresionante, que abarcaba diversos géneros y estilos. Comenzando con quien fuera creado para competir directamente con Mario, me refiero a la saga de Alex Kidd, compuesta en total por cuatro juegos de plataformas muy sólidos y coloridos que aun hoy nos da placer jugar -y que fueron publicándose entre 1986 y 1990- y Alex Kidd BMX Trial, deportivo de bicicletas con la mecánica tradicional de juego de carrera visto desde arriba donde hay que esquivar obstáculos. Alex Kidd fue para muchos la mascota no oficial (o fallida) de Sega antes de la llegada de Sonic.

Otra de las grandes sagas que tenemos que asociar en sus comienzos con esta plataforma es el célebre Phantasy Star. Lanzado en 1987, este RPG fue muy innovador para su tiempo. Presentaba un mundo expansivo, una narrativa profunda y gráficos avanzados. La historia se desarrollaba en el sistema estelar de Algol, compuesto por tres planetas: Palma, Motavia y Dezoris. Cada planeta tenía su propio entorno, cultura y habitantes, ofreciendo una variedad de paisajes y desafíos. Este mundo expansivo y detallado, además de incorporar a nuestra party personajes entrañables como el gato Myau, permitía a los jugadores explorar vastas áreas, interactuar con personajes no jugables y descubrir secretos ocultos.

Fue uno de los primeros RPG en utilizar una perspectiva en primera persona para las mazmorras, lo que proporcionaba una experiencia inmersiva y emocionante. Los jugadores navegaban por laberintos tridimensionales llenos de enemigos y tesoros, una mecánica poco usual en las consolas de la época. Phantasy Star estableció un estándar para los juegos de rol en consola. En esta sintonía de juegos, no nos podemos perder tampoco Ys: The Vanished Omens (1988), un RPG que también se destacó en la Sega Master System. Con su enfoque en la exploración y la acción en tiempo real, Ys ofrecía una experiencia única y emocionante, enriqueciendo aún más el catálogo de juegos de rol disponibles en la consola. Ambos títulos fueron fundamentales para definir y expandir el género RPG en su época.

Destacamos también para este sistema la impresionante saga Wonder Boy en sus tres entregas, desde la excelente primera parte, tal vez el mejor port de la recreativa en su tiempo, cuya jugabilidad no tiene nada que envidiar al mítico Adventure Island de la NES.

Wonder Boy (1986) introdujo a los jugadores en un mundo vibrante lleno de plataformas desafiantes y enemigos variados, incluyendo jefes que ya presentaban un desafío significativo. Wonder Boy in Monster Land (1987) llevó la serie en una nueva dirección, combinando elementos de plataformas con RPG, donde los jugadores podían recolectar dinero para comprar armaduras, armas y otros ítems que mejoraban las habilidades del personaje. Este título añadió profundidad al juego, permitiendo a los jugadores explorar niveles más abiertos y enfrentar jefes más trabajados y complejos en su misión para salvar el mundo de los monstruos. Por último, el gran favorito y raro de conseguir, Wonder Boy III: The Dragon’s Trap (1989), una mezcla de plataformas y acción-aventura que permitía a los jugadores transformarse en diferentes criaturas, cada una con habilidades únicas. Los jugadores podían cambiar entre formas como Hombre-Dragón, Hombre-Ratón y Hombre-León, cada una desbloqueando diferentes áreas y ofreciendo una experiencia de juego única y diversa.

Y podemos seguir expandiéndonos en detalles y recomendaciones, pues se trata de una plataforma repleta de títulos de calidad, que injustamente no se le da todavía el crédito que merece pero, de momento, solo vamos a mencionar algunos, los que suelen ser ports de las recreativas, que merecen ser tenidos muy en cuenta a la hora de explorar el catálogo de la primera gran Sega. Entre estos, destacamos Out Run (1986), el gran juego de carreras que capturó la esencia de la velocidad y la emoción de conducir un Ferrari; Shinobi (1987), clásico de acción y plataformas donde los jugadores toman el rol de un ninja en una misión de rescate; Space Harrier (1986), un shooter en tercera persona con gráficos en 3D impresionantes para su tiempo y principal motivo para optar por esta consola en lugar de la NES; After Burner (1987), juego de combate aéreo que ofrecía la experiencia arcade auténtica en la comodidad del hogar; Quartet (1987), un juego de acción y plataformas que se conoció acertadamente como Double Target en su versión japonesa, ya que las posibilidades de la Sega solo permitían hasta dos jugadores simultáneamente y, por último, R-Type (1988), el pionero shooter de desplazamiento lateral que se destacó por su dificultad y diseño innovador, en una de las mejores y más coloridas versiones disponibles en su momento. Estos títulos, entre otros, son esenciales para cualquier entusiasta de la Sega Master System y representan algunos de los mejores ejemplos de la capacidad de la consola para ofrecer experiencias de juego excepcionales.

Ascenso y desafíos de la Master System: estrategias, éxitos y fracasos

Para competir con Nintendo, Sega implementó varias estrategias de marketing agresivas. Una de las tácticas más destacadas fue enfatizar las capacidades superiores del hardware de la Master System. Sega promovió sus gráficos más coloridos y detallados, así como su mejor calidad de sonido, en comparación con la NES. Los anuncios destacaban estos aspectos técnicos, buscando atraer a los jugadores más exigentes. Todavía pueden verse en línea algunos de estos comerciales, que dejan testimonio de cómo comenzó aquello que más tarde se conocería como “la guerra de las consolas”.

Sega también buscó acuerdos con desarrolladores de terceros para ampliar su catálogo de juegos. Aunque enfrentaron dificultades debido a los acuerdos de exclusividad de Nintendo, Sega logró asegurar algunos títulos importantes. Además, lanzaron paquetes que incluían la consola junto con uno o dos juegos, ofreciendo más valor por el mismo precio. Esta adaptación permitió que la consola ganara popularidad en un mercado donde Nintendo tenía menos presencia

Otra estrategia clave fue la localización de juegos para diferentes mercados. En Corea del Sur, por ejemplo, la Master System fue distribuida por Samsung bajo las marcas coreanas Game Boy primeramente y luego, debido a restricciones y reclamos de Nintendo, tuvo que cambiarse a Aladdin Boy. En Europa, Sega adaptó varios juegos para hacerlos más atractivos para el público local, lo que contribuyó a su éxito en la región. Sin embargo, a pesar de sus esfuerzos, la Master System no logró desplazar a la NES en Estados Unidos y Japón. Varias razones contribuyeron a esto. En Estados Unidos, Nintendo había establecido un fuerte control sobre el mercado gracias a acuerdos de exclusividad con desarrolladores.

Estos acuerdos limitaban la disponibilidad de títulos de calidad para la Master System, lo que dificultaba la competencia y, en Japón, Sega no pudo atraer suficiente apoyo de los desarrolladores de juegos, quienes ya estaban comprometidos con Nintendo. Esto resultó en una biblioteca de títulos menos atractiva y variada. Además, el marketing de Nintendo era simplemente más efectivo y la marca NES se había convertido en sinónimo de videojuegos para muchos consumidores y, como la distribución de Sega en Japón fue menos eficiente que la de Nintendo, afectó las ventas. Nintendo implementó un estricto sistema de control de calidad para sus juegos, lo que aseguraba que la mayoría de los títulos lanzados para la NES fueran de alta calidad, aumentando así la confianza de los consumidores en la plataforma de la gran N roja.

A diferencia de su desempeño en Estados Unidos y Japón, la Master System encontró un éxito significativo en Europa y Brasil. En Europa, Sega aprovechó las políticas de distribución más laxas y un mercado menos saturado. El precio competitivo de la consola, junto con la calidad de los juegos, ayudó a la adopción de la Master System en la región.

En Brasil, el éxito fue aún más pronunciado. Gracias a un acuerdo con la empresa brasileña TecToy, la Master System fue licenciada y producida localmente, lo que redujo costos y facilitó su distribución. TecToy no solo distribuyó la consola, sino que también localizó juegos y desarrolló títulos exclusivos para el mercado brasileño (ya dedicaremos un apartado cuando llegue el momento). Esto mantuvo el interés en la consola durante muchos años, incluso después de que su popularidad disminuyera en otras regiones.

La Master System también se benefició de la falta de competencia significativa en el mercado brasileño. Mientras que Nintendo tenía una presencia limitada, TecToy dominaba el mercado con la Master System y más tarde con la Sega Genesis/Mega Drive.

Legado y actualidad

El legado de la Sega Master System es innegable. La consola no solo proporcionó una plataforma para algunos de los juegos más queridos de los años ochenta y noventa, sino que también sentó las bases para el futuro éxito de Sega con la Sega Genesis/Mega Drive. La influencia de sus juegos y el diseño de hardware se puede ver en muchas consolas posteriores. Incluso, con su debido adaptador o Everdrive, es posible correr los juegos de la Master System en una Sega Genesis/Megadrive que no sea clon.

Recientemente, ha habido un resurgimiento de interés en las consolas retro, y la Master System no es una excepción. Las reediciones de hardware y software, junto con la emulación, han permitido a nuevos jugadores descubrir los clásicos de la Master System. También se han lanzado compilaciones de juegos clásicos de Sega para consolas modernas, permitiendo a los jugadores revivir la experiencia en nuevas plataformas. Además, la escena homebrew sigue activa, con desarrolladores creando nuevos juegos y mods para la Master System. Estos proyectos demuestran la duradera influencia y el atractivo de la consola, manteniendo vivo su legado para las futuras generaciones de jugadores. La Master System sigue viva gracias a una comunidad de fanáticos dedicados y a nuevas producciones. TecToy, en particular, continúa apoyando la consola en Brasil, lanzando versiones actualizadas y nuevos títulos. Además, los desarrolladores independientes siguen creando proyectos homebrew, manteniendo la nostalgia y la diversión.

Algunos de estos títulos son Chery Perils (2020), un plataformero bien constituido que también tiene versión en NES y en ZX Spectrum; Sydney Hunter and the Sacred Tribe (2019), homenaje al superclásico Montezuma, disponible también en plataformas como ColecoVision o Commodore 64, Silver Valley (2017), de Mike Ruiz, muy en la línea Castlevania con excelentísima banda sonora, y Knight of the Square (2022), según su autor, inspirado en clásico beat ‘em up de Capcom casi homónimo, Knights of the Round, por mencionar algunos ejemplos de lo que podemos llegar a encontrar en la actualidad. Incluso, existen impecables homebrews de clásicos como Green Beret que en su momento no estaba en el catálogo original o remakes como Bomb Jack, cuya versión oficial dejaba bastante que desear. El epicentro de la escena maestra lo tenemos en la competición anual SMS Power! Competition, que premia e incentiva desde su web el desarrollo de nuevos títulos.

La Sega Master System, a pesar de sus altibajos en diferentes mercados, ha dejado una marca duradera en la historia de los videojuegos. Su capacidad técnica, junto con su biblioteca de títulos innovadores y diversos, la convirtió en una consola querida por muchos. Aunque no logró destronar a la NES en todos los mercados, su éxito en Europa y Brasil, así como su legado continuo, le aseguran un lugar especial en el corazón de los gamers de todo el mundo.

Los Juegos Olímpicos de París 2024 han traído consigo una sorpresa en los videojuegos: la ausencia de una edición de Mario y Sonic. La icónica dupla, que desde 2007 ha participado de forma oficial en las Olimpiadas, ha sido reemplazada por una nueva generación de juegos y tecnologías.

Según declaraciones de Lee Cocker, ex productor de la serie Mario & Sonic, la decisión de no renovar la licencia con Nintendo y Sega fue tomada por el Comité Olímpico Internacional (COI). El COI busca ahora explorar nuevas oportunidades, como asociaciones con empresas de tecnología NFT y la creciente industria de los esports. Esta decisión marca un punto de inflexión para los videojuegos olímpicos, alejándose de las divertidas y coloridas competencias de Mario y Sonic para adentrarse en un terreno más comercial y tecnológico.

Los títulos de Mario & Sonic en las olimpiadas siempre han sido una forma divertida y accesible de experimentar los Juegos Olímpicos, combinando la emoción de los deportes con el carisma de los personajes de Nintendo y Sega entretenidos mini juegos que representaban las diferentes disciplinas. Sin embargo, el COI parece decidido a llevar los videojuegos olímpicos en una dirección diferente, una que prioriza las ganancias económicas sobre la nostalgia y la diversión.

Si bien es cierto que los NFT y los esports son sectores en crecimiento, muchos cuestionan esta nueva estrategia del COI y se preguntan si será definitiva. Lo que es seguro es que los Juegos Olímpicos de París 2024 marcarán el adiós a una saga de juegos que supo convertirse en un divertido evento que se sucedía en paralelo cada cuatro años.

La Super Nintendo (SNES) fue una de las consolas que catapultó a la empresa japonesa en la industria de videojuegos. Sin embargo, a pesar de su popularidad y éxito, este dispositivo tenía un problema técnico que afectaba la calidad de su salida de video y 34 años después de su lanzamiento encontraron la solución.

Se trata de un nuevo mod, conocido como Edge Enhancer creado por el modder Zach Henson (alias Voultar), que promete solucionar este problema, proporcionando colores más vibrantes y gráficos más nítidos a la histórica consola de Nintendo.

La SNES se lanzó en noviembre de 1990, pero no todas las consolas fueron creadas de la misma manera. Durante su producción, Nintendo hizo varias revisiones a su hardware, dando lugar a dos versiones principales: el modelo original de dos chips, conocido como SHVC, y una versión posterior de un solo chip, llamada 1CHIP.

El modelo SHVC presentaba un problema en su conversor de vídeo digital a analógico (DAC), lo que resultaba en una imagen un tanto borrosa. Este problema surgía porque el DAC no podía hacer la transición entre colores de manera eficiente, generando una especie de halo o sombra alrededor de los gráficos. Aunque este defecto no era tan perceptible en las televisiones CRT de los años 90, se ha vuelto mucho más evidente con las modernas pantallas de alta definición.

Así es la solución al problema de video de la SNES

En un esfuerzo por mejorar la experiencia de juego en las consolas Super Nintendo antiguas, Voultar ha desarrollado el mod Edge Enhancer. Este kit de modificación, que se espera tenga un costo de alrededor de 60 dólares, está diseñado para actualizar la salida de vídeo de la consola, haciendo que los gráficos sean más nítidos y los colores más saturados.

El mod funciona restaurando, corrigiendo y mejorando la salida de vídeo de las Super Nintendo de doble chip, igualando la calidad de imagen del modelo 1CHIP, que Nintendo lanzó más tarde para solucionar el problema. Además, también mejora las salidas RGB gracias a la integración de chips dedicados a “limpiar” la salida de vídeo.

Las mejoras que trae el Edge Enhancer son notables. En comparaciones directas, las consolas SHVC modificadas muestran gráficos mucho más definidos y colores más vibrantes en comparación con las versiones no modificadas. Un ejemplo claro es la diferencia en la representación del personaje Link de The Legend of Zelda: en el modelo de dos chips, la imagen aparece más borrosa y con menos detalle, mientras que en el modelo modificado, los gráficos son nítidos y los colores más ricos.

Cómo instalar el mod en la SNES

Aunque el Edge Enhancer ofrece una solución efectiva al problema de la calidad de vídeo, su instalación no es sencilla. Tal como demostró Tito Perez de Macho Nacho Productions en un video de YouTube, instalar este mod requiere desmantelar completamente la Super Nintendo y realizar una serie de soldaduras. Se deben retirar y reemplazar transistoresy resistencias de la placa base de la consola.

Dado que esta instalación implica un alto riesgo de daño a la consola, Voultar planea ofrecer inicialmente un servicio de instalación profesional. Esto garantizará que el mod se instale correctamente, evitando que los usuarios menos experimentados dañen sus consolas.

Aunque el mod aún no está disponible para la venta general, se espera que el kit DIY del Edge Enhancer esté disponible una vez que se finalicen la documentación y los tutoriales. Voultar también ha mencionado que están trabajando en una versión para las consolas PAL, que se vendieron en Europa. Esto ampliará el alcance del mod, permitiendo que más entusiastas retro puedan mejorar sus consolas.

El precio del mod aún no se ha revelado oficialmente, pero se estima que será más económico que adquirir una consola 1CHIP, que actualmente puede superar los 200 dólares en el mercado de segunda mano debido a su alta demanda.

Una tradición en cada edición de los Juegos Olímpicos es tener un videojuego oficial. Sin embargo, después de 32 años, París 2024 no cuenta con una edición para consolas. Pero la historia nos ha entregado diferentes títulos de alta calidad y con mucha nostalgia con los que podemos vivir parte de lo que sucede en las justas deportivas.

Desde 1983, los gamers han tenido la oportunidad de sentir en consolas lo que se vive en unos Olímpicos. Luchando por medallas en competencias tradicionales y también en formatos más familiares con Mario y Sonic como protagonistas.

Así que hacemos un repaso por aquellos videojuegos olímpicos más destacados de la historia, desde aquellos que surgieron hace 40 años hasta los más recientes.

Decathlon - Atari 2600

En 1983, Activision lanzó Decathlon para la consola Atari 2600, convirtiéndose en uno de los primeros videojuegos en recrear eventos deportivos olímpicos. Diseñado por David Crane, el juego permitía a los jugadores competir en diez eventos de pista y campo, incluyendo el salto de longitud, lanzamiento de jabalina y carreras de 100 y 1500 metros.

Decathlon ofrecía una experiencia desafiante y adictiva, con controles simples, pero una jugabilidad que requería ritmo y precisión. Los jugadores podían superar sus propios récords o enfrentarse hasta con tres amigos en una competencia por la mayor puntuación.

Track & Field - NES

Track & Field, lanzado por Konami en 1983, es otro videojuego olímpico icónico, aunque no contaba con una licencia oficial de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984. A pesar de esto, el juego se convirtió en un éxito rotundo, gracias a su adictiva jugabilidad y la posibilidad de competir en varios eventos de pista y campo.

El juego incluía una versión 8-bit de “Chariots of Fire” de Vangelis, una melodía que muchos gamers recuerdan con cariño. En la actualidad, Track & Field está disponible en plataformas como Nintendo Switch y PlayStation 4, permitiendo a los nuevos jugadores disfrutar de este clásico atemporal.

Olympic Gold: Barcelona 92 - Sega

En 1992, Sega lanzó Olympic Gold: Barcelona 92, el primer videojuego olímpico en contar con una licencia oficial. Este título fue desarrollado por Tiertex Design Studios y U.S. Gold para las consolas Sega Master System, Game Gear y Mega Drive.

Olympic Gold incluía una variedad de competencias olímpicas con gráficos impresionantes para la época, llevando la experiencia de los Juegos Olímpicos a un nuevo nivel. La lucha entre Sega y Nintendo por la supremacía en el mercado de videojuegos se intensificó con este lanzamiento, consolidando a Sega como un pionero en la creación de videojuegos olímpicos de alta calidad.

Mario & Sonic at the Olympic Games Tokyo 2020

La rivalidad entre Sega y Nintendo tuvo una tregua con el lanzamiento de Mario & Sonic at the Olympic Games Tokyo 2020. Este juego reunió a los personajes más icónicos de ambas compañías en un título lleno de diversión y caos al estilo árcade.

Con 30 eventos olímpicos y un modo retro con gráficos 2D, Mario & Sonic at the Olympic Games Tokyo 2020 fue bien recibido, especialmente al llegar en medio de la pandemia y las complicaciones de ver las competencias durante ese año por el covid-19.

Olympic Games Tokyo 2020

El último videojuego oficial de los Juegos Olímpicos fue Olympic Games Tokyo 2020, lanzado por Sega. Este título incluía 18 disciplinas olímpicas, como la carrera de 100 metros, boxeo, béisbol, tenis de mesa, natación y ciclismo.

A diferencia de otros juegos olímpicos, su jugabilidad era más de corte árcade, enfocándose en la diversión más que en la estricta simulación de las reglas deportivas. Estaba disponible para todas las consolas de PlayStation y Xbox, siendo la última referencia de este tipo de experiencias para vivir las justas deportivas en este formato

Davide Soliani, el creativo responsable de la exitosa fusión entre el universo de Mario y los alocados Rabbids, ha decidido dejar Ubisoft después de casi tres décadas. No está claro si se unirá a otro estudio de desarrollo de juegos o iniciará una nueva empresa.

La noticia fue confirmada por el propio Soliani a través de sus redes sociales. El diseñador, conocido por su pasión y dedicación, aseguró que emprende un nuevo camino, aunque no reveló detalles sobre sus futuros proyectos. Su partida marca el fin de una era en Ubisoft, donde también formó parte del desarrollo de juegos tan emblemáticos para el estudio como Beyond Good & Evil y la saga Just Dance.

Sin duda, el momento más memorable de su carrera fue la presentación de Mario + Rabbids: Kingdom Battle en E3 2017. Su emoción desbordada al ver cómo la audiencia recibía con entusiasmo esta inesperada colaboración entre Nintendo y Ubisoft se convirtió en un momento viral instantáneo. El juego, que combina elementos de estrategia por turnos con el humor característico de los Rabbids, se convirtió en un éxito rotundo, superando los 10 millones de copias vendidas.

Aunque su salida de Ubisoft representa una pérdida para la compañía, Soliani deja un legado imborrable en la industria. Ahora, todos los ojos están puestos en su próximo proyecto, deseando ver qué nuevas sorpresas nos tiene preparadas.

Luigi’s Mansion es una franquicia muy especial para el público de Nintendo. Con sólo dos entregas previas a la Nintendo Switch, es una de las “subfranquicias” de Mario que mejor supo colarse en la cultura popular, sobre teniendo en cuenta que fueron entregas que terminaron de formar la personalidad de un personaje tan querido como lo es Luigi.

Esta situación se vio más acentuada con el exitoso Luigi’s Mansion 3 (2019) para Nintendo Switch, lo que hizo que nos preguntemos en estos últimos cinco años: ¿cuándo veremos más contenido del temeroso fontanero? Es probable que una secuela esté en desarrollo de cara a la próxima consola portátil, pero hoy toca hablar del reciente regreso de la entrega anterior: Luigi’s Mansion 2 HD.

Entre tanta renovación de contenido de Nintendo con obras como Metroid Prime Remastered (2023) o Paper Mario: The Thousand Year-Door (2024), se genera mucha expectativa por cada regreso que hay en la consola. Luigi’s Mansion 2 HD, por su parte, es exactamente el mismo videojuego que experimentamos en Nintendo 3DS allá por el 2013, con la única diferencia de tener adaptadas todas sus funciones a la actual Nintendo Switch.

Para quien no conozca el juego base, en esta ocasión nos encontramos frente a la tarea de ayudar al profesor E. Gadd, experto en fantasmología, a restaurar el orden de su mansión ya que los fantasmas que vivían allí perdieron el control. Sí, en este mundo ficticio los fantasmas son buenos pero por algún motivo perdieron su eje y tenemos que ayudar a ordenar todo el caos generado. Si bien la narrativa no es para nada un factor decisivo en esta experiencia, debo decir que me sorprende lo poco explicativa que es la conexión con el primer Luigi’s Mansion, dando por sentado que ya lo jugaste y dejándote con muchos cabos sin atar frente a esta nueva entrega.

El primer éxito de esa nueva versión recae en el aspecto más básico de su objetivo: el porteo. Nintendo tiene fácil acceso a su catálogo de consolas hogareñas y es fácil hacer remasterizaciones de Nintendo Gamecube o Nintendo Wii, pero hasta eran contados los casos de Nintendo DS o Nintendo 3DS ya que las visuales de esas consolas son muy distantes al HD que ofrece Nintendo Switch.

Luigi’s Mansion 2 HD tiene un trabajo increíble a nivel audiovisual y logra verse como un videojuego que fue pensado y desarrollado para Nintendo Switch. Sin embargo, y dejando en evidencia su condición de “oriundo de otra consola”, no llega a tener el sorprendente perfeccionismo visual de Luigi’s Mansion 3.

A nivel jugabilidad, no sólo se mantiene intacto después de más de diez años desde su lanzamiento, sino que también le agregaron cierta precisión a los Joy-Con para hacer que el movimiento sea mucho más fluido de lo que era. La experiencia se divide en cinco mundos, donde cada uno de ellos presenta cinco niveles, un nivel secreto y una pelea final con un jefe.

En cuanto al contenido, Luigi’s Mansion 2 HD no tiene ningún tipo de agregado nuevo. Es cierto que es un título que de por sí ya tenía una gran variedad de contenido. La experiencia dura unas 8 horas, pero si queremos completarla al 100%, seguro llevará el triple de tiempo. No hubiese venido mal tener algún tipo de extra relacionado a esta nueva versión.

Para concluir, Luigi’s Mansion 2 HD sorprende con su excelente diseño de niveles. Es uno de esos videojuegos que podrían servir de ejemplo en instituciones sobre cómo diseñar un mapa porque cada pasadizo, conexión o atajo que vas descubriendo te saca una sonrisa diferente y hace sumamente disfrutable la experiencia.

Estoy convencido de que es una obra que se disfruta mucho más si nunca jugaste Luigi’s Mansion en general, o si tu único acercamiento a la franquicia fue con la primera entrega. Si entraste por Luigi’s Mansion 3, más allá de tener “nuevo contenido”, es probable que sientas que estamos un paso atrás, más allá de la obviedad de tratarse de una entrega anterior.

Si bien hubo otras experiencias que me parecieron aún más vagas (te estoy hablando a vos, Mario vs. Donkey Kong), es cierto que Luigi’s Mansion 2 HD no trae nada nuevo a la conversación. Se celebra como preservación histórica y porque Nintendo tiene muchísimos grandes juegos en su catálogo que no podemos disfrutar hoy en día, pero no hay mucho más que eso.

Por eso, quiero dedicar este último párrafo a una breve explicación: Luigi’s Mansion 2 es un gran juego. Muy bueno y muy pulido. Si nunca lo jugaste, es probable que sea una gran oportunidad para hacerlo. Pero hoy estamos revisando su “nueva versión” y, con todas las reversiones que Nintendo está ofreciendo, Luigi’s Mansion 2 HD no me parece la más atractiva.

Que Xbox decida, de una manera moralmente cuestionable, dar de baja al estudio desarrollador de Hi-Fi Rush pero avisar que va a darle un envión a las franquicias icónicas de Bethesda es un indicio. Que Nintendo tenga la consola (y los juegos) más exitosos de la última década e invierta en Hollywood y parques de diversiones es otro. PlayStation creando un estudio de películas y series; es uno más. ¿Cuál es el común denominador de todos estos elementos? La transmedialidad.

El contenido transmedia tiene que ver con la posibilidad de ofrecer una misma franquicia a través de diferentes formatos: que una película se convierta en videojuego, que un videojuego pase a tener sus propios cómics, que una serie animada termine siendo una experiencia en realidad virtual. Hasta no hace mucho, el elemento transmedia representaba un recurso dentro del infinito abanico de posibilidades que podía utilizarse cuando se hablaba de franquicias, pero hoy parece ser la estrategia principal de los estudios propietarios. ¿Por qué?

La globalización y la digitalización de los contenidos llegó a tal punto en la década pasada que hoy es muy común tener acceso a una franquicia. Quizás no tengas el poder adquisitivo o el dinero para comprar productos principales (llamese así a cualquier videojuego a $70 dólares, por ejemplo) pero sí tienes la posibilidad de hacerte fanático de una idea que te resulte interesante.

Es en ese contexto que el público mutó y las empresas que gestionan nuestras franquicias famosas se dieron cuenta de algo crucial: ya no necesitan tener objetivos tan marcados. Vamos a ponernos específicos. Hace 30 años quizás no era sencillo hacer un evento para fanáticos del cine de terror porque necesitabas que hubiera un lugar donde cierta cantidad de gente con los mismos gustos se agrupe. Hoy armar una cuenta en una red social te permite llegar a cientos de miles de personas que les guste el cine de terror. Es más, ni siquiera tienes que hacerlo: hay otra gente que lo hace por placer y como licenciatario de una propiedad solo tienes que pagar la publicidad ahí.

Todo está extremadamente segmentado, convirtiendo a cada audiencia en un nicho cada vez más específico y haciendo más fácil, por supuesto, venderle cosas. Si tú no sabes que Suicide Squad va a vender, no haces la película. Pero si sabes que hay millones de fanáticos de Harley Quinn que van a comprar la entrada solo por su presencia, le das luz verde a cuantos proyectos hagan falta. Ojo con esto: de ninguna manera estoy juzgando al fanático, en este punto estoy hablando netamente de cómo las empresas dueñas de las propiedades intelectuales deciden apostar hoy por hoy.

A este escenario le podemos sumar la vieja y confiable jugadora MVP respecto a las franquicias exitosas: la nostalgia. Todos queremos volver al lugar que nos hizo felices y los momentos donde no nos preocupaba más que mirar una serie o una película. Las franquicias son muy conscientes de eso, y lo aprovechan constantemente.

Cuando nos preguntamos: “¿por qué hay tantos remakes en videojuegos?” o “¿qué pasa con las películas que son todas secuelas y precuelas?” tiene que ver con esto. A Hollywood hace años le faltan agallas. Es un conglomerado de empresas multimillonarias que no solo quieren ganar dinero sino que no quieren arriesgarse a perderlo. Y en pos de no tener riesgos, siempre es más seguro apelar a una franquicia ya asentada, con un público que quiere más, que una historia completamente nueva que puede funcionar o no.

Volviendo a donde empezó esta nota, donde la digitalización y la globalización es moneda corriente para el usuario, hay un tercer factor a tener en cuenta que empieza a modificar la balanza cuando una empresa decide cuáles serán sus próximos proyectos: el tiempo del consumidor.

Antes los límites estaban mucho más definidos, una proyección especulativa podría ser que una persona con un poder adquisitivo medio podía ir al cine una cierta cantidad de veces, comprar una cierta cantidad de videojuegos, leer ciertas cosas, etc. Hoy el tiempo del consumidor es uno solo y los lanzamientos no compiten solo contra su rubro. Sacar un videojuego al mismo tiempo que la serie del momento puede desencadenar en un fracaso. El tiempo del consumidor hoy es solo uno y la torta se la reparten entre todos. Entonces, ¿qué pasa con esto?

El problema de que el tiempo del consumidor sea uno y que de las empresas cada vez quieran arriesgar más hacia franquicias más asentadas (sea por nostalgia o porque, como dijimos antes, los “nichos” venden) es que se prioriza la transmedialidad antes que la diversificación de proyectos.

Xbox no quiere dejar de invertir en sus IPs, pero prefiere tener tres temporadas de la serie de Fallout, dos videojuegos, comics, y muchas cosas más en 10 años que hacer solo videojuegos de varias franquicias en ese mismo lapso de tiempo. Nintendo ni hablar, lo viene haciendo hace décadas, pero hoy más que nunca invierte fuera de videojuegos porque lo que quiere no es tener más inversión para hacer más Zelda o Mario, quiere tener más inversión para explotarlos fuera del gaming y así crecer las audiencias de esas franquicias.

Lo mismo pasa con el cine. Para Disney, por ejemplo, tiene mucho más sentido invertir en Epic Games para que sus personajes de Marvel aparezcan en Fortnite o Fall Guys y que después la gente que los conoce por ese medio vayan a ver las películas. Es cierto que aún hay productoras como A24 que no se guían por esto, pero las grandes franquicias cada vez abarcan una porción más grande del mercado, sea la industria que sea.

El panorama no es muy optimista, sobre todo porque esta visión de transmedialidad le hace un gran favor a los fanáticos de cada franquicia pero va bajando las expectativas y las posibilidades de ver ideas originales y apuestas arriesgadas en la industria del entretenimiento.

No obstante, este análisis no es más que una opinión en base a los proyectos que se realizaron y se realizarán en este próximo tiempo. Si algo ha demostrado el entretenimiento es que fluctúa mucho y la palabra final siempre la tiene el consumidor. Así que solo queda esperar y ver cuál será el futuro y si realmente las franquicias pasarán a ser, casi en su totalidad, transmedias.

Estamos en un momento histórico de los videojuegos, donde la reversión de viejos títulos es moneda corriente. Muchos optan por hacerlos de vuelta ya que las capacidades para hacer videojuegos hace 20 años eran muy diferentes a las actuales; otros deciden traer a la obra original tal y como nació con un renovado apartado artístico; y hay apuestas más arriesgadas que deciden reimaginar un concepto y hacer prácticamente un videojuego nuevo. Nintendo hace todo al mismo tiempo.

Paper Mario: The Thousand-Year Door salió para Nintendo GameCube en 2004, una consola con un catálogo espectacular lleno de propuestas ambiciosas de los de Kioto pero que nunca tuvo una reivindicación masiva ya que su lanzamiento se vio completamente opacado por un fenómeno llamado PlayStation. Es por eso que Nintendo decidió traer esta joya a Nintendo Switch bajo varios estandartes: preservación histórica, accesibilidad a un título que ya era muy difícil de jugar y, por supuesto, la búsqueda de nuevo público. Estas motivaciones no definen la calidad de la obra ni su reversión, pero sí habla mucho del amor de Nintendo hacia exponentes que ni siquiera fueron éxitos descomunales pero sí con grandes críticas como ya han hecho con Metroid Prime Remastered o Skyward Sword HD. Pero ahora sí, vamos a hablar de Paper Mario.

Paper Mario: The Thousand-Year Door transcurre después del primer (y único hasta el momento) Paper Mario de Nintendo 64. En esta ocasión, la Princesa Peach se encontraba de vacaciones cuando es secuestrada y, como es costumbre, tendremos que ir a rescatarla. Para este fin tendremos que abrir la Puerta Milenaria, una suerte de puerta mágica que solo se abre juntando siete cristales estelares dispersos por diferentes zonas.

Este videojuego es considerado como el mejor de su franquicia y creo yo, revisitándolo en este 2024, que dicha mención recae en ser la conjunción entre experiencia y posibilidades. Gran parte del equipo que trabajó en la creación de este juego ya había participado en Super Mario RPG (Square Enix/Nintendo) y, posteriormente, en Paper Mario. A su vez, ese equipo que llevaba bastante desarrollo sobre sus hombros, tenía a favor las capacidades de la GameCube que sobrepasaba por primera vez las necesidades del videojuego y ofrecían un eslabón que antes no estaba: el desarrollo sin límites.

Este Paper Mario es el mejor de su franquicia porque, lisa y llanamente, es la primera vez que vemos un videojuego sin fronteras: no hay interrupciones en las cinemáticas, no hay momentos de transición, no hay necesidad de movernos por el mapa para cargar ciertas texturas. Todo funciona como una gran y perfecta película jugable, con una narración espectacular y personajes sumamente carismáticos.

En lo que respecta a la jugabilidad, nos encontramos con unas mecánicas que resultan ser bien clásicas de los juegos RPG de la época, presentando un combate por turnos en el que podemos usar habilidades básicas (en el caso de Mario siempre son el salto y el martillo), objetos y habilidades especiales. Todo está trabajado para ser sumamente dinámico para el nuevo usuario: los puntos de magia y de vida no llegan a las tres cifras, la interfaz de usuario siempre está en pantalla. Es un RPG espectacular para introducir a alguien al género.

Sumando a esta sensación de libertad y tratando de desestructurar un combate que en esa época era muy reglamentario para el género, tenemos la posibilidad de hacer acciones con los botones para lograr que nuestros ataques y defensas funcionen mejor. Si apretamos A en el momento justo del golpe cuando defendemos, perdemos menos puntos de vida. Si hacemos lo mismo cuando saltamos, atacamos por mayor puntos. Y así se van sumando otras variables: en el caso del martillo, por ejemplo, tenemos que mantener la palanca (como si fuera un martillo, mientras el joycon vibra por el “peso”) para hacer que el golpe sea más pesado.

A su vez, a lo largo de la experiencia vamos desbloqueando movimientos estelares que son una suerte de “habilidades definitivas” muy entretenidas de usar. Primero porque son muy espectaculares y segundo porque The Thousand-Year Door introdujo un elemento que después se repetiría en la franquicia: el escenario. Todos nuestros combates son una obra de teatro donde varios personajes nos están mirando y en cada acierto que tenemos nos aplauden, y esa gratificación nos va llenando una barra de puntos y es lo que nos permite usar las habilidades estelares con nuestros compañeros.

Menciono a los compañeros porque como en toda esta sub-saga de Mario, tendremos varios personajes que nos acompañarán en la aventura. Son de distintas especies como Goomba o Koopas y cada uno tiene habilidades especiales que suelen ser necesarias en diferentes ocasiones, lo que hace que haya un pequeño “meta” en la forma de pelear y nos ofrece la posibilidad de que cada uno pueda decidir cómo quiere afrontar cada combate.

A su vez, estos compañeros tienen una habilidad que nos sirve para los momentos de exploración resolviendo diferentes puzzles. Si bien esto ya estaba en el primer Paper Mario, considero que allí los desafíos son muy básicos y sirven para “justificar” que tu compañero esté acompañándote. En esta experiencia, es necesario razonar en base a la habilidad para poder destrabar ciertos acertijos que son muy divertidos y entretenidos.

Si hablamos puntualmente de esta nueva versión, la decisión fue respetar la obra a rajatabla. Todo está exactamente igual y, lo que se suma, es para ampliar y mejorar cosas con la finalidad de que se vean más actualizadas. Hay un trabajo muy fino para lograr que un videojuego de 20 años se vea como un desarrollo completamente nuevo dentro de la franquicia pero que, a su vez, quien haya jugado el original sienta que no tocaron nada que no había tocar.

Todos los pequeños agregados con los que cuenta esta experiencia, suman. Y es difícil sumar en una obra que ya de por sí es cuasi impoluta. ¿La interfaz en las peleas? La mejora. ¿Los planos? Le agregan elementos que antes no estaban y los hacen más narrativos. ¿Los diálogos? Corregidos. Pareciera que el equipo de trabajo agarró el título original y, con mucho respeto, decidió que el trabajo tenía que ser pulir y actualizar todo, en lugar de intentar hacer algo nuevo y, en este caso en particular, es la mejor decisión que pudieron haber tomado.

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya? Paper Mario: The Thousand-Year Door es una obra impecable. La música, las visuales, la jugabilidad, la narrativa. Es uno de los mejores videojuegos que se hicieron sobre el personaje más importante en la historia de los videojuegos. Lo era en su época y lo es ahora, con una reversión que no sólo le hace honor a su entrega original sino que nos regala, bajo todo punto de vista, una versión definitiva para disfrutar de un producto que conceptualmente tiene 20 años y se juega como el primer día.

Si bien creo que hay momentos donde la propia Nintendo no logra alcanzar su propia vara (Mario vs. Donkey Kong me parece un ejemplo cercano), traer a la actualidad -y de esta manera- propuestas que fueron tan importantes como Metroid Prime Remastered y Paper Mario: The Thousand Year-Door me parece un ejemplo de cara a la industria de cómo preservar históricamente una obra dentro de la industria de los videojuegos y, a su vez, acercarse a nuevas audiencias. Ojalá este formato de reversiones (remakes, remaster, como quieran llamarlo) no dejen de hacerse realidad.

Durante la generación de 8 y 16 bits, Nintendo dominaba el mercado del gaming y superaba al resto de las marcas. El famoso “sello de calidad” que imprimía en las portadas se transformó en una garantía de confianza para los adultos, una señal de que podían invertir en sus juegos porque la compañía japonesa no publicaba “cualquier cosa”.

Sega supo arrebatarle el mercado adolescente y luego PlayStation se llevó para siempre esa franja creciente de consumidores pero, durante su apogeo, todos los editores y desarrolladores querían publicar sus juegos en NES y en Super Nintendo. Publicar en estas plataformas significaba llegar a millones de usuarios, la marca se había transformado en sinónimo de videojuego y las cifras de ventas eran asombrosas.

Publicar en las consolas de Nintendo no era para nada fácil. En parte porque la empresa solía curar sus contenidos, ese “sello de calidad” no era una leyenda urbana ni un sticker que pegaban en sus cajas como estrategia de marketing. Además de estos requisitos, había que firmar un acuerdo de exclusividad que aseguraba que los juegos no iban a publicarse en otras plataformas.

Así, los editores se aseguraban las ventas y los creadores de Mario que la competencia la tuviera más difícil. Además, Nintendo proveía los chips para hacer los cartuchos y aplicaba otras tácticas que, eventualmente, los desarrolladores y editores aprendieron a evitar. Gracias a esto tenemos juegos parecidos pero muy diferentes para consolas de 16 bits, si revisamos los lanzamientos de Konami, la estrategia de desarrollo se vuelve más que evidente.

Generalizando un poco, podríamos decir que a Nintendo le debemos la idea de las exclusividades 3rd party. Todas las marcas tenían estudios internos haciendo juegos para su propio hardware, pero esto de prohibir por contrato que otros estudios publiquen su trabajo en otras plataformas era diabólicamente ingenioso. PlayStation aprendió rápido y lo usó para adueñarse del mercado desde el primer momento, atacando principalmente a la propia Nintendo y dejándola sin franquicias históricas como Final Fantasy.

Nintendo contraatacó en la próxima generación y consiguió una exclusividad temporal para Resident Evil 4, al igual que Sega con Resident Evil: Code: Veronica, pero ambos terminaron haciéndose multiplataforma poco tiempo después.

Xbox tuvo siempre una visión más capitalista y, luego de arrasar la generación con Xbox 360, llegó a la conclusión de que para ganar había que poner todo lo que había en la billetera de Microsoft. En lugar de pagar para tener la exclusividad de un juego 3rd party directamente se dedicó a comprar estudios, primero un puñado de empresas medianas, luego un conglomerado de gigantes y finalmente a los titanes de la industria.

PlayStation hizo lo mismo, aunque a una escala muchísimo menor, pero mantuvo su política de comprar exclusividades temporales que iba actualizando periódicamente. Gracias a sus esfuerzos, los usuarios de Xbox aún no pueden jugar títulos como Final Fantasy VII Remake y sus relaciones carnales con Square Enix demoraron la llegada de otros RPG legendarios de la marca.

Las exclusividades solo benefician, potencialmente, a PlayStation, Nintendo, Xbox y Steam, pero son siempre perjudiciales para los consumidores. Se usan como armas para seducirnos a elegir una plataforma y, si nos sobra un dinero extra, invitarnos a comprar una segunda o tercera únicamente para jugar a ciertos títulos. Sin embargo, estamos en un punto de inflexión para esta tradicional pero detestable práctica.

Hoy en día, los costos de desarrollo hacen que las exclusividades sean cada vez menos rentables dentro de un ecosistema cerrado. Alan Wake 2 no ha podido recuperar sus costos de producción ni siquiera sumando las ventas de Xbox, PlayStation y Epic Games Store. Si hubieran podido publicarlo en Steam ya estarían cosechando ganancias millonarias, de eso no cabe duda.

Desde su lanzamiento Helldivers 2 viene arrasando en todos los frentes, batiendo el récord de ventas de God of War: Ragnarök y quitándole el puesto del título de PlayStation más vendido con solo tres meses de ventas. ¿Qué hicieron de nuevo? Se lanzó en simultáneo para PlayStation 5 y Steam. Hace años que Xbox publica sus exclusivos en simultáneo para PC y consolas, también llegando de a poco a Steam, y fue la primera de las grandes marcas en publicar sus exclusivos en la plataforma de la competencia.

Sea of Thieves se mantuvo primero en ventas dentro de la tienda de PlayStation 5, junto con High-Fi Rush, Grounded y Pentiment, demostrando fehacientemente que hay una gran demanda para sus juegos más allá del ecosistema de Microsoft.

De a poco, los exclusivos de PlayStation han estado llegando a PC y todos venden millones de copias. Son títulos espectaculares, con valores de producción y un estándar de calidad altísimo que requieren inversiones enormes y años de desarrollo. Por más consolas que haya vendido Sony hasta la fecha, el hecho de que la mitad de su base de usuarios aún no haya dado el salto a PlayStation 5 significa menos ventas potenciales para los exclusivos de generación actual, es decir, los más caros de desarrollar.

Las exclusividades ya no son rentables ni siquiera para los estudios internos y, a más tardar en un par de años, vamos a ver que los juegos más importantes comenzarán a salir a la par en Steam. Tal vez sean los desarrollos tercerizados los que empiecen a publicarse en simultáneo, como sucedió con Helldivers 2 pero, eventualmente, todos los juegos deberán salir en PC. No solo para justificar la inversión, sino para garantizar esos márgenes de ganancias que tanto les gustan a las juntas directivas.

Square Enix está en el mismo camino. Luego de no alcanzar las cifras de ventas proyectadas para Final Fantasy XVI y Final Fantasy VII Rebirth, hasta ahora exclusivos de PlayStation 5, anunció un fuerte cambio de paradigma para sus próximos lanzamientos. Publicar dentro de un ecosistema cerrado como el de PlayStation 5 da prestigio pero no genera dividendos ni, evidentemente, justifica la inversión. Call of Duty es de Microsoft, pero no dejará de salir en otras plataformas. ¿Imaginan por qué? Porque, más allá de cuidar la identidad de la marca y tener el deseo irrefrenable de liderar el mercado, no hay forma de que Xbox vaya a perderse todos esos millones de dólares en ventas.

Y así como Square Enix, Sony y Microsoft han tenido que adaptarse a los tiempos que corren. El resto de las desarrolladoras y editoras seguirán un camino similar. Eso sí, no esperen ver el nuevo Zelda en una consola ajena a Nintendo, como vimos hace unas semanas, ellos juegan con reglas diferentes y manejan una filosofía de marca que los protege de este tipo de presiones económicas.

RAKUGAKI es un plataformero 3D que, en su esencia, es un juego divertido y desafiante. Pero la clara falta de tiempo de desarrollo y un último golpe de horno lo deja varios escalones atrás.

En lo que es un ingenioso rejunte de las mejores mecánicas de juegos de plataformas en 3D, encontramos un producto que, en algunas de sus áreas más importantes, se le siente fuerte el apuro o la falta de presupuesto.

En RAKUGAKI, encarnamos a Vakah y su grupo de artistas revolucionarios que quieren derrotar a la maligna corporación B y a su jefe, Mr. Buff. En un afán de regalarnos a un villano carismático y con un objetivo de dominación mundial bien cliché, Bowser, Gruntilda, o Eggman se ven bien representados.

Claro, dentro de su olvidable premisa, tenemos un juego de aventura al mejor estilo vieja escuela, noventero, en donde los poderes y el grafiti son la clave. Las mecánicas de movimiento, y su resolución de probemos en milisegundos, son lo que sostiene al título de Wabisabi Games.

En todo lo que respecta a sus puzzles, y sus objetivos por nivel, coleccionables, y secretos, encontré en RAKUGAKI lo mejor de títulos como Crash Bandicoot, Super Mario 64, Banjo-Kazooie y hasta Sonic Adventure.

Si le sumamos el componente frenético y desafiante de esos desafíos finales de cualquier Mario 3D, parecería que tenemos una joya entre manos. Ni hablar del componente de speedrun que sus tiempos finales y su lista de coleccionables nos regalan.

Para hablar solo de su “nivel a nivel” y el sentimiento de progreso entre distintas plataformas y acertijos, decir “divertido” se quedaría corto. RAKUGAKI es frenético, osado, y con un diseño de niveles que ya sorprende en sus primeros capítulos.

Lamentablemente, es en su pulido, en la conexión de sus mecánicas de transversalidad y el diseño de jefes en donde RAKUGAKI pierde autoridad, y no se consolida como el plataformero 3D que quiere ser.

Con una variedad de niveles notoria, no así de enemigos, Valah utilizará sus poderes de latas de pintura para explorar Cap City. De color gris y sin emoción, Valah es el color y la rebelión, mientras que Mr. Buff representa lo aburrido y monótono.

Es Valah quien nos da realmente la diversión en sus plataformas y puzzles, pero es Mr. Buff quien con sus jefes finales y sus armas poco diseñadas y testeadas, nos termina alejando de RAKUGAKI. Casi poético, diría.

La poca cantidad de cinemáticas, el abusivo uso de situaciones y charlas en 2D, se suman a una interfaz de usuario inexistente, que por momentos parece sacada de un proyecto de prueba de cualquier motor gráfico.

Ninguna falta en RAKUGAKI le hace justicia a lo frenético, y por momentos frustrante, que es su jugabilidad. La capacidad de hacer mucho con Valah y sus pocas mecánicas de movimiento, sumado a algunas exclusivas por nivel, es envidiable.

Es claro el rumbo que Wabisabi Games quiso tomar, y también la influencia de Gearbox en algunas cuestiones como su apartado gráfico, o las presentaciones de personajes principales, que gritan Borderlands por todos lados.

Así y todo, salvo en su jugabilidad, es muy fácil verle los hilos a RAKUGAKI. Nos da una sensación de que faltó un golpe más de calor, una vuelta más, para llegar a ser el plataformero 3D que quiere, y que por breves momentos, logra ser.

La cuenta regresiva ya comenzó para uno de los eventos más importantes del año en la industria de los videojuegos: Summer Game Fest 2024. Programado para el 7 de junio en el YouTube Theatre en Hollywood Park, el evento será transmitido en las principales plataformas. Hasta ahora, más de 55 compañías, desde PlayStation y Xbox hasta Capcom y Electronic Arts, confirmaron su participación.

Las empresas desarrolladoras y las plataformas de juego serán parte del espectáculo, prometiendo novedades y sorpresas tanto para lo que resta de este año como para futuros lanzamientos. Sony y Microsoft presentarán lo que está por venir para PlayStation 5 y Xbox Series respectivamente. Además, se sumaron Sega y Steam al evento.

Por otro lado, se anunció la asistencia de algunos de los estudios desarrolladores más importantes, incluyendo a Ubisoft, Epic Games, WB Games, SNK, Riot Games, Bandai Namco Entertainment, Blumhouse Games y Devolver Digital, entre otros.

Inmediatamente después de la conclusión del evento, se llevará a cabo la transmisión de Day of the Devs: SGF Edition, una organización sin fines de lucro que celebra la creatividad y diversidad en los videojuegos, presentando más de una docena de títulos.

La gran ausencia hasta ahora de Summer Game Fest 2024, es la de Nintendo, ya que no se confirmó su participación en el evento. Sin embargo, vale remarcar que Geoff Keighley, organizador y presentador del show, confirmó a estas compañías ya listadas como la primera parte de las confirmadas.

No obstante, todo parece indicar que la compañía japonesa con Mario como figura principal, estará ausente y preparará todo para su propio evento, Nintendo Direct, también programado para el mes de junio.

Episodio anterior:

• Columna Retro - Episodio 5: RoboCop en el gaming

Episodio 6: Juegos piratas y el fantástico Mario 8 que nunca fue

Argentina, como una buena parte de Latinoamérica, entre mediados de los ochentas y toda la década del noventa fue un poco “tierra de nadie” en cuanto a licencias oficiales y videojuegos originales. La industria de por sí estaba en pañales y era claro que Nintendo dominaba el mercado global, pero las economías emergentes, trágicamente golpeadas por la inflación, no estaban en el mapa comercial de las grandes editoras y desarrolladoras. Ese vacío se llenó rápidamente con consolas clónicas, imitaciones asiáticas de la Famicom que se importaron y comercializaron bajo la adecuada traducción “Family Game”. Como era de esperar, junto con los “Family” llegaron los cartuchos, también respetando el formato pequeño propio de la versión japonesa de la consola de Nintendo y con ellos el reinado de los juegos en japonés que teníamos que jugar sin entender absolutamente nada de lo que nos estaban diciendo.

La barrera del idioma se sumaba a la imposibilidad de interpretar cualquier cosa que no sea una imagen o deducir algo a través del propio gameplay. Lejos de ser un impedimento, miles de afortunados niños se lanzaban a explorar las propuestas de los juegos, únicamente tomando en cuenta la palabra del vendedor de turno y el diseño de la calcomanía de portada. Así, gracias a la explosión de los videoclubes de barrio y a los precios accesibles de los cartuchos copiados (algo que por ese entonces no sabíamos) nuestra incipiente comunidad latina tuvo acceso a títulos exclusivos de Japón, aprendió a jugarlos y los abrazó como al resto de los clásicos de la época. Pero había un sector de la audiencia que necesitaba algo más que un buen dibujo de portada o la recomendación del vendedor para concretar una compra: la presencia del todopoderoso plomero de Nintendo.

En los noventas, Mario era, básicamente, sinónimo de videojuego. Todo el mundo conocía o había jugado Super Mario Bros., muchos ya conocían al personaje desde el primer título “Mario Bros” de arcades o su popular conversión de 8 bits, y los próximos dos juegos de la saga no hicieron más que cimentar su popularidad. Super Mario Bros 3 alcanzó el clímax del gaming y estableció un nuevo estándar, de repente solo importaba Mario y los piratas que clonaban los juegos lo tenían muy claro. Entonces decidieron volver a imitar a La gran N y empezaron a trabajar para reemplazar los sprites de ciertos plataformeros de acción por los personajes de la franquicia del fontanero favorito de todos. Para ser honestos, Nintendo of América fue pionera en esto de vendernos un juego cualquiera como un Mario. Por eso el mercado estadounidense nunca jugó el verdadero “Super Mario Bros. 2″ y en su lugar recibieron una versión modificada de Yume Kōjō: Doki Doki Panic con los cuatro protagonistas cambiados por Mario, Luigi, Toad y Peach. Sin embargo, los piratas llevarían esta práctica al extremo.

En cuestión de meses tuvimos Super Bros. 4 o “Rock n Roll Mario”, Super Mario 6 (que en realidad era el Tiny Toons), Mario 10 o “Kung Fu Mario” (un hack de Jackie Chan’s Action Kung Fu) y hasta versiones de Adventure Island 2 y Adventure Island 3 pero protagonizados por el fontanero de Nintendo. Lo interesante de esta práctica es que los piratas hacían un buen trabajo a la hora de curar qué tipo de juegos iban a convertir en un nuevo Mario, manteniendo la fama de que “todos los juegos de Mario son buenos”. Saliendo de los más populares, pudimos jugar el maravilloso “Mario Pizza Pop!”, un hack de Pizza Pop! de Jaleco que nos ponía en la piel de un joven repartidor de pizzas tratando de entregar sus pedidos en zonas complicadas mientras esquivaba todo tipo de obstáculos. A pesar de nuestra corta edad, nos dábamos cuenta que algo raro estaba pasando, estos títulos no se sentían del todo como un juego oficial de la franquicia, pero eran tan divertidos que estábamos contentos de que sigan saliendo “nuevos Marios”.

Gracias a esta práctica ilegítima, que con el paso de las generaciones fue reemplazada lentamente con lanzamientos originales, pudimos conocer franquicias que de otra forma habrían quedado en el país del sol naciente. Por ejemplo, de no ser por estos juegos hackeados nunca habría conocido el fantástico Don Doko Don 2 de Taito. En primer lugar porque el arcade original de 1989 nunca llegó a nuestro continente, las importadoras traían juegos más populares de la marca como Bubble Bobble. En segundo lugar, porque era el tipo de aventuras que de vez en cuando requerían cierta interacción inusual para los juegos de 8 bits, había que responder preguntas y seguir algunos objetivos, y la falta de una traducción oficial lo transformaba en un título difícil de comercializar.

Don Doko Don 2 se conseguía como “Super Bros. 8″ y nos ponía en la piel de “Bob”, un leñador que, por algún motivo misterioso borrado por la barrera del idioma, en lugar de un hacha llevaba un martillo de madera. Mario, en lugar del protagonista original, debía atravesar cinco mundos coloridos aplastando enemigos para luego levantarlos y utilizarlos como proyectil para derrotar al resto. En el camino juntábamos todo tipo de piedras preciosas, descubríamos secretos, cofres y algunos power ups. Al final de cada nivel nos esperaba un jefe gigante y espectacular acompañado de una banda sonora memorable. Era un juego desafiante, al menos para un niño de once años, de esos que podíamos alquilar varios fines de semana sin aburrirnos.

Con el paso de los años, todos estos hacks pasaron a ocupar un lugar de privilegio dentro de mi juegoteca. Fueron la punta de un enorme ovillo de información que siempre disfruté desenredar, buscando el verdadero trasfondo de esos juegos pirateados e inmortalizados por un grupo de empresarios inescrupulosos. Lanzamientos tan dispares como la primera aparición no oficial de Mario en un juego de peleas previo a Super Smash Bros., pasando por Mario como un cavernícola, hasta la ridícula visión de un “Mario Armadillo” que se hacía bolita como Sonic para derrotar a sus enemigos. Siguiendo ese hilo de investigación me topé con grandes juegos olvidados, o al menos poco conocidos, y algunas curiosidades difíciles de concebir desde la actualidad de la industria. Pero para eso van a tener que esperar a las próximas entregas de esta columna.

A partir del 10 de junio, los usuarios de Nintendo ya no podrán utilizar la aplicación de X -ex Twitter- desde sus consolas, acompañando la decisión que en su momento tomaron PlayStation y Xbox en 2023.

Según una publicación de la compañía en su cuenta de X, desde ese día ya no será posible compartir capturas de pantallas y videos en la red social, como tampoco enviar solicitudes de amistad a través de la función de sugerencia de amigos.

Todavía Nintendo no explicó los motivos detrás de esta decisión, pero se especula que los cambios establecidos por Elon Musk en Twitter podrían haber influido en la elección. Una de las políticas más importantes que Musk implementó fue su postura sobre la monetización en la plataforma, además de tener que pagar para obtener la verificación de la cuenta.

Tras la llegada del empresario, el costo del uso comercial de la API de Twitter se elevó considerablemente para las compañías, alcanzando los 42000 dólares mensuales desde marzo de 2023, según se informó. En mayo de ese año, Microsoft deshabilitó la integración de la plataforma en Xbox mientras que Sony siguió el mismo camino en noviembre para PlayStation.

A través de la cuenta XGaming, la plataforma de Musk también dio su punto de vista al respecto de esta decisión de Nintendo: “La comunidad de juegos es una de las comunidades más grandes y vibrantes de nuestra plataforma, y estamos dedicados a mejorar y respaldar las funciones relacionadas con los juegos”. A su vez, aseguraron que continúan trabajando en conjunto con la compañía japonesa para garantizar una transición sin problema para todos los jugadores.

Nintendo supo ser sinónimo de gaming y, a pesar del paso del tiempo y los cambios de paradigma en los últimos 30 años, lo sigue siendo. En el camino surgieron grandes competidoras que crearon nuevas formas de jugar, ampliando la oferta y llevando nuestro medio de entretenimiento favorito a todos los tipos de público. Mientras Nintendo avanzaba a paso firme dentro de su propia noción de “videojuego”, la industria se transformaba en algo diferente según el punto de vista de cada quien. Desde juguete hasta centro de entretenimiento, de pasatiempo a deporte electrónico y de actividad individual a fenómeno social. La industria va mutando con los tiempos que corren, es maleable, se suma a las modas y se adapta a los gustos de la mayoría; en el otro extremo está Nintendo y su éxito arrasador.

El hecho de tener las franquicias más reconocibles y exitosas de la industria no garantizan el éxito de Nintendo, por el contrario, invitan un escrutinio feroz en cada entrega. Aún así, el gigante japonés suele sorprendernos año tras año. La crítica más común, la que realizan aquellos que miran el fenómeno desde afuera o se regocijan en la simple chicana, acusa a sus juegos de repetirse continuamente y evitar la innovación. La realidad es que suelen jugar con sus propias reglas, a un ritmo diferente y siempre se las han arreglado para estar un paso adelante del resto de las grandes compañías de la industria. ¿Cómo hace Nintendo para vender millones de copias, generar ingresos récord año tras año y mantenerse a la vanguardia?

Lo más importante que tiene la empresa creadora de Mario es su forma de entender el gaming. Hay una serie de características que todos sus títulos comparten cuyos orígenes pueden rastrearse hasta al legendario, aunque venido a menos, “Sello de Calidad” con el que marcaban ciertos títulos en los noventa. Atari se fundió por publicar y vender cualquier desarrollo, por más horrible que sea, en el esfuerzo por exprimir la billetera de la audiencia más salvaje de la historia. Nintendo revirtió la situación brindándole confianza a los consumidores, vendiendo la certeza de que valía la pena invertir su dinero en los videojuegos que publicaban. Así, a fuerza de grandes lanzamientos y en un largo período de tiempo, se encargaron de crear un ambiente fértil para que cientos de competidores se animen a volver al ruedo.

Eventualmente, Sega y PlayStation lograrían competirle de igual a igual. El éxito de Nintendo no se basa en haber “ganado” cada generación de consolas, de hecho la única “guerra” en la cual participó fue por el dominio del mercado de 16 bits con Sega. El resto de sus consolas persiguieron un fin particular, con la mirada puesta en la innovación, sin perder de vista la esencia de sus juegos. La búsqueda de nuevas formas de jugar nunca se interpuso entre el jugador y el costado lúdico de sus lanzamientos, por eso es que la totalidad de la audiencia es un cliente potencial para “La gran N”. No importa si estamos analizando un título de SNES, Nintendo 64, Nintendo GameCube o cualquiera de sus portátiles, si lleva la marca de Nintendo estamos frente a una experiencia cuidada e ideada para divertir.

Así como Super Mario Bros. te enseña todas las reglas del juego en el primer nivel, como si fuera una suerte de tutorial concentrado antes de la existencia de los tutoriales en el gaming, cada uno de sus juegos está diseñado con un criterio en particular. Si prestamos atención a los detalles, veremos que los primeros niveles siguen sentando las bases de la aventura y no recaen en tutoriales extensos ni en cientos de carteles sueltos por el mundo para educarnos. Los controles son accesibles, los movimientos especiales intuitivos y se trabaja la comunicación desde todos los frentes, no solo el escrito o hablado, sino también desde lo visual y auditivo.

The Legend of Zelda: Breath of the Wild es una obra maestra porque redefinió el concepto de aventura de mundo abierto, pero esa construcción de Hyrule se hizo a fuerza de pequeños sonidos únicos que se transformaron en referentes. De ofrecer situaciones emergentes y soluciones provenientes de nuestra imaginación, con un motor de física realista que cualquier otro desarrollador podría haber usado pero al parecer no se les habría ocurrido. Nintendo no va a ponernos un árbol de habilidades con cincuenta opciones intercambiables, va a elegir ocho y a mostrarnos cuán versátiles son a lo largo de 50 horas de juego, menos es más, todo lo demás queda en segundo plano en favor a la diversión más pura.

Con cada lanzamiento de hardware, Nintendo supo buscar un nuevo rumbo. Con los tropiezos de la Virtual Boy aprendieron a hacer una consola maravillosa de la talla de la Nintendo 3DS. Nintendo Wii U fue la predecesora de Nintendo Switch, un mal paso que se aprovechó para crear una de las consolas más exitosas de la historia. En lugar de subirse a los titulares y competir en la discusión de “a ver quién tiene más Teraflops” se dedicó a ofrecer nuevas formas de jugar y, en simultáneo, a ofrecer juegos originales y exclusivos para alimentar su catálogo. Esos juegos que siguen enfocándose en la diversión, sin caer en contenidos de sexo o violencia extrema, cuidando a sus personajes clásicos con recelo y manteniéndose en la cima de cada género que toca. ¿Conocen algún plataformero mejor que los últimos Mario? ¿Un juego de carreritas que le haga sombra al último Mario Kart? ¿Una aventura de mundo abierto que pueda generar lo mismo que los últimos Zelda? Hay imitadores, juegos inspirados muy decentes y varios que aprendieron la lección a la perfección, pero ninguno puede igualar la sensación de estar empezando un juego original de Nintendo.

No importa si la nueva consola tiene el poder de procesamiento de una tablet. Importa que la última “tablet” de Nintendo inspiró a Valve a sacar su propia portátil imitando su diseño, todo lo demás son pataleos infantiles. No importa si el último Zelda no corre a 30 fotogramas constantes, sino que estableció un nuevo estándar para los juegos de mundo abierto. Mientras otros estudios están afrontando costos de desarrollo increíbles para generar apartados técnicos fotorrealistas, Nintendo programa juegos originales, únicos y divertidos que podrían correr en cualquier celular moderno. ¿Costos de producción de hardware? Bien, gracias. Si pudiéramos ver los documentos clasificados de Sony, Microsoft, Valve y Nintendo y comparar los márgenes de ganancia de cada unidad de hardware vendido, entenderíamos por qué “la guerra de las consolas” nunca volverá a tener al gigante japonés como protagonista. Nintendo juega en otra liga, la de la posteridad, con franquicias que no corren el riesgo de morir tras una o dos malas entregas porque aún el lanzamiento más decepcionante cumple con un estándar de calidad altísimo.

La esencia del gaming solía ser mantenernos jugando simplemente por la diversión en sí. Antes del miedo a quedarnos afuera del discurso social, mucho antes del juego en línea, de la necesidad de competir y colocarnos por encima de cientos de miles de jugadores anónimos. Allá cuando jugar en cooperativo era invitar a un amigo a merendar y tratar de pasar un mundo de Super Mario Bros. 3 o disputar un partidito al International Superstar Soccer Deluxe y no repetir treinta veces una batalla en un juego online para conseguir un arma rara que terminará indefectiblemente en la bóveda de tu usuario.

Antes de todo eso, jugábamos para divertirnos y esa esencia es la columna vertebral de Nintendo. Hacer juegos que se entiendan más allá de la barrera del idioma, con sonidos característicos y bandas de sonido simples e inolvidables. Cuando la intención es divertir, y los juegos son excelentes, el hardware es simplemente un medio para transmitir el mensaje. Para jugar lo de siempre y aplaudir los espejitos de colores, tenemos al resto de la industria.