La película, protagonizada por Rodrigo Noya en un rol que rompe con todo lo que el público asocia a él, transcurre en un pueblo pequeño donde Tomás, un reparador de muñecas de vida aparentemente inofensiva, esconde algo oscuro. La producción se filmó en Elortondo, provincia de Santa Fe, el pueblo natal de la madre de Cicala y escenario de sus navidades de infancia.

Para entender a Cicala hay que volver a 1974. Él tenía ocho años cuando una noche entraron a su casa y se llevaron a su padre, José, detenido-desaparecido durante meses en la época de la Triple A, antes incluso del golpe del 76. El padre volvió, pero pesaba cuarenta kilos y apenas podía hablar. Y le contó al nene, con lujo de detalles, todo lo que había vivido. Esa marca no se fue nunca. Está en la oscuridad que Cicala busca en sus películas, en la metáfora política que atraviesa Encantador, en su declarada necesidad de hacer cine como quien va a terapia. “El cine me ayuda a evitar vivir en el consultorio de un psicólogo”, dice. “Me explayo por otro lado”.

En una charla con *Teleshow*, el director habló de la génesis del proyecto, del trabajo con un elenco que incluye a Arturo Puig, Mario Alarcón, Alejo García Pinto, Eduardo Calvo y Griselda Sánchez, su compañera de vida y de trabajo, y de la carga autobiográfica que atraviesa toda su filmografía. Cicala tiene 61 años, nació en Lanús y estudió Publicidad sin terminar la carrera. Junto a su socio Gabriel Machado construyó uno de los estudios fotográficos más importantes del país, Machado-Cicala, con el que fotografiaron a Cher en Malibú y terminaron actuando en una escena junto a Al Pacino y Christopher Plummer. Como director, su carrera tiene apenas ocho años y ya acumula cinco películas.

—¿Cómo surgió Encantador?

—Vi un documental de los peores dictadores de la humanidad: Hitler, Mussolini, Saddam Hussein, Pinochet. Y más allá de que todos estaban locos y eran una manga de sádicos hijos de puta, encontré que la palabra encantador me representaba. Me puse a estudiarlos en detalle —la mirada, la intención— y dije: “La palabra encantador tiene un doble discurso”. Uno puede decir “qué chico encantador”, o puede decir “este tipo es un encantador, me va a vender un buzón sin darme cuenta”.

—Lo que se llama un encantador de serpientes.

—Totalmente. Me funcionó de esa forma. La empezamos a escribir en el 2017. Y también uno empieza a ver el entorno... no voy a hablar de presidentes argentinos, pero por ejemplo, Menem entrevistando a los Rolling Stones. Esa imagen no me la olvido. Para ser presidente tenés que terminar encantando a mucha gente. De otra forma no funciona.

—¿Cómo pasaste del documental con los dictadores a la historia de Tomás?

—La historia de Tomás es casi una metáfora de lo que tengo ganas de contar. A mí el cine naturalista me encanta, veo muchísimas películas, pero en el momento de filmar mi estilo va para el lado de la metáfora. Me interesa muchísimo porque siento que el espectador se involucra cuando empieza a encontrar los códigos. Como decía Charly García, ¿no? Hablaba de los dinosaurios y de repente la gente empezó a entender todo ese concepto. El espectador empieza a convivir con la película, empieza a entenderte y empieza a ser parte.

—La película transcurre en un pueblo pequeño. ¿Hay algo de tus recuerdos de infancia en esa construcción?

—Los exteriores los filmé en Elortondo, el pueblo donde nació mi mamá. Todas las navidades las pasaba ahí con mis primos. Y dije: “Qué mejor que volver y filmar una película”. Por otro lado, en la realidad de mi niñez hay muchísimo de ocultamiento. Me acuerdo perfectamente: yo tenía unos libros de Mafalda y me los quitaron. Me dijeron “se los prestamos a una amiga”, pero en realidad los habían tirado porque tenían miedo. Era la dictadura. De hecho, mi papá estuvo desaparecido. Todo eso se entremezcla y se termina detonando. Y el cine me ayuda a evitar vivir en el consultorio de un psicólogo. Me explayo por otro lado.

—¿Por qué elegiste a Rodrigo Noya para el rol de Tomás?

—Con Griselda pensamos: “Tiene que ser alguien encantador”. Y nos acordamos de Agrandadytos, de Rodrigo desde bebé, que era encantador a otro nivel. Le pasamos el guion un día a las nueve de la noche, a las diez y media me llama: “Quiero hacerlo, estoy enloquecido, quiero hacerlo”. A veces mandás guiones y 15 días después te dicen “¿me lo podés volver a mandar?”. En su caso fue todo lo contrario. Se puso la camiseta, porque hacer cine independiente no es fácil, a veces hay que dividirse en veinte roles. Fue genial.

—¿Cuándo se filmó y cómo fue el recorrido hasta el estreno local?

—La filmamos en 2023. Después ganamos toda la postproducción en Ventana Sur, así que en 2024 se hizo la post en España, la hicieron los mismos que trabajaron en La sociedad de la nieve. En 2025 fue todo el recorrido de festivales y estreno en Europa. Ganamos en Portugal mejor película, en el Festival de Los Ángeles. Siempre hablando de festivales de cine de género. Y en el Festival Macabro de México ganamos mejor dirección. Después se fue estrenando en Estados Unidos, en Canadá, está en Amazon y en Hulu. Nos dejamos Argentina para el final, un poco también porque se complicó el tema de la calificación. Teníamos la película lista con el logo viejo del INCAA sin la música, y nos dijeron que había un logo nuevo y que había que cargar la música. Tuvimos que remasterizar todo de vuelta.

—¿Cómo ves la situación del cine nacional?

—Nuestra manera de hacer cine es quizás atípica. Queremos hacer una peli, la preparamos, buscamos inversores, la producimos, la filmamos, y recién cobramos los subsidios del INCAA cuando ya no alcanzan. Con Lennons, la filmamos en 2020 y cobramos el subsidio en 2024, a valores del 2020. Así que no pagamos ni el catering. Pero lo que te quiero decir es que no dependemos del instituto para mandarnos a hacer. Entiendo que mucha gente está muy enojada y que hubo muchas irregularidades antes. Yo me manejo por la pasión y por la posibilidad de realizarlo sin necesidad de esperar a tener un subsidio antes de filmar.

—Hay un elenco muy diverso: Arturo Puig, Alejo García Pinto, Eduardo Calvo, Griselda Sánchez. ¿Cómo fue la dirección de actores?

—El tema de la dirección con respecto al elenco lo derivo a Griselda, que es una apasionada del acting, de construir personajes. Ella trabaja más sobre los personajes y los actores, y yo trabajo más sobre la dirección de fotografía, la dirección de arte y la dirección general. Ella sabe tirar conceptos y códigos que a los actores los ayudan muchísimo, con referencias, con charlas previas. Y siempre naturalmente nos sale la pasión, el amor por esto. Los actores terminan diciendo: “Con qué pasión me encuentro, quiero estar”. Eso es hermoso.

—Encantador se mueve entre el thriller y el terror psicológico. ¿Qué referencias cinematográficas o literarias la atraviesan?

—Kubrick es un referente maravilloso. David Lynch, definitivamente lo amamos. Salió una nota en Variety hablando del film lynchiana y para mí es como un honor, siempre está presente. Hay homenajes a Esperando la carroza, y también un homenaje a La noche de los lápices en una escena con Alejo que fue muy linda. Seguir manteniendo el reconocimiento de esas joyas de nuestro cine.

—¿Qué rol cumplen las muñecas en la trama?

—La película está plagada de metáforas. La primera imagen es un globo terráqueo siendo atravesado por un cuchillo justo en la región de Argentina. El personaje de Griselda se llama Argentina. Un poco es referenciar a mucha gente lastimada, gente dañada, y exteriorizarlo de manera más metafórica. Porque cuando voy al noticiero veo cosas tan tremendas, entonces la metáfora te permite contarlas de una manera más digerible, donde a veces podés meter un asomo de sonrisa y no por eso dejar de ser historias muy cruentas. Las muñecas representan a la sociedad, representan a Argentina, representan a los hijos de Argentina. Tomás termina matando a la hija de Argentina. En Estados Unidos creían que hablaba de Trump y no. Tampoco hablo de Milei. Muchas veces los políticos no miden el daño que hacen a la sociedad. Hay generaciones y generaciones perdidas.

—El personaje de Tomás no registra lo que hace. ¿Qué hay ahí?

—Él cree que arregla las muñecas y en realidad está matando mujeres. Lo vive de una manera diferente. Y en la última escena el globo terráqueo está todo cubierto de cartapesta, que no es más que entumecer. Es lo que termina pasando con las generaciones: se terminan entumeciendo en cuanto a la educación, a las ganas de trabajar, se coartan montones de cosas que después es difícil remontar. El poder que tiene un gobernante es tan grande y muchas veces no lo miden, dicen barbaridades y cometen atrocidades. Y lo peor es que muchas veces no se dan cuenta de lo que están haciendo.

—Vos solés hablar de la importancia de conservar una mirada infantil. ¿Cómo convive esa sensibilidad con la necesidad de abordar historias oscuras como esta?

—Toda mi niñez estuvo plagada de historias oscuras. Cuando mi papá volvió luego de estar desaparecido, me contó con lujo de detalles cómo lo torturaron. Yo tenía ocho, nueve años. Imaginate eso para un chico: tu papá que vuelve pesando cuarenta kilos y que apenas puede hablar y te termina contando todo eso. Más allá de eso, lo mismo que disfruto el terror lo puedo disfrutar en una comedia o en una película de suspenso. Me encanta el cine y cuando uno hace lo que le gusta y te apasiona, podés moverte en distintos terrenos y seguir siendo ese niño que sale a jugar con sus amiguitos.

—¿Qué herramientas de la fotografía y la publicidad trasladás a la dirección?

—Absolutamente todas. Treinta años de laburar en publicidad me dieron un training tremendo: trabajar con celebrities, con poco tiempo, organizarse. Y como escribimos nuestros guiones, nos permitimos ajustarnos a nuestra realidad, a nuestros recursos naturales, como aconseja Spielberg. Cuando empezás a filmar, basate en lo que tenés: mirá a tu alrededor, fijate qué hay y escribí sobre eso. Si querés tener un yate transatlántico y no tenés el recurso, no vas a poder filmar. Todo arranca de ahí.

—¿Cómo influye la confianza que construiste con Griselda a lo largo de los años, en la pareja y en los proyectos?

—Nos complementamos. Nos mimetizamos tanto que nos transmitimos con el pensamiento absolutamente todo. Millones de veces nos pasa que nos miramos y pensamos absolutamente lo mismo. Y nos vamos arengando y apoyando, porque a veces uno por ahí tiene un bajón y el otro te levanta. De repente despertarse a las cuatro de la mañana diciendo “tengo una idea” y sentarnos a escribirla. Eso es buenísimo. Si bien a veces podemos tener nuestros roces y estar todo el tiempo juntos puede pedir sus espacios —mi espacio es media hora de cómic—, siempre nos terminamos buscando porque sentimos la necesidad de que el otro participe en todo.

—¿Qué lugar ocupa Encantador dentro de tu filmografía y cuál es tu próximo proyecto?

—Me encanta el cine, así que me puedo mover en cualquier género. El absurdo me apasiona: los Monty Python, After Hours de Scorsese, que es la que más me gusta de él. E intento que el espectador investigue, analice, descubra, que haya un doble discurso. Eso lo hice en todas mis películas: en Zorra, en La sombra del gato, en Lennons, en Encantador. La próxima se llama Rica Pizza. Ya está terminada de filmar. Son cinco historias entrelazadas que transcurren dentro del baño de hombres de una pizzería de Avenida Corrientes. Tiene un elenco bestial. Estamos en toda la postproducción y se va a estrenar a mitad del año que viene en festivales, y en octubre, si Dios quiere, en cines. Y ya estamos trabajando en dos más. Del 2018 hacia acá, cinco películas hechas. Es vivir jugando con tus amiguitos en el barrio.

—¿Hay algún proyecto que no hayas podido concretar?

—Tengo una serie escrita de ocho capítulos, relacionada con nuestro trabajo fotográfico en la década del 90. Historias de chicas adolescentes que querían ser modelos top. Se la presenté a dos plataformas muy importantes y a las dos les interesó muchísimo. Pero los dos me dijeron lo mismo: “Si contamos todo esto, vamos presos todos”. Las biopics y las historias de celebrities terminan siempre edulcoradas porque para poder filmarlas sin juicios tenés que involucrar a los parientes o a la persona misma, y los guiones terminan siendo como ellos quieren. Todos terminan siendo happy. Yo quiero contar el todo. Así que esa historia está escrita, y a lo mejor un día se puede encauzar y llevarla a la pantalla.

La preocupación por la salud del actor Mario Alarcón aumentó tras su reciente internación y su cuadro clínico cardiovascular. Su hijo aportó tranquilidad al informar avances favorables en la evolución médica del artista.

El actor argentino de 78 años, se encuentra hospitalizado desde el 31 de marzo, cuando ingresó de urgencia al hospital Durand por insuficiencia cardíaca y problemas respiratorios.

Su hijo Matías Alarcón, que también es actor, emitió un comunicado donde explicó cómo se desarrolló el cuadro de salud de su padre: “Después fue derivado a la Clínica de la Esperanza, donde encontraron que sufrió una isquemia y notaron una miocardiopatía, por lo que lo fueron estabilizando”.

La salud se volvió a resentir el último fin de semana, señaló: “Hace cinco días tuvo un nuevo episodio respiratorio y lo tuvieron que intubar”.

Según Matías, la situación actual es estable: “Hoy, por suerte, ya le sacaron el respirador; está lúcido y se siente bien”.

En lo sucesivo, explicó en un mensaje que le envió a Teleshow y otros medios vía whatsapp, que “ahora el foco es seguir tratando la insuficiencia cardíaca. El plan es que, una vez que su corazón esté estabilizado, pueda ser dado de alta con medicación y quizás, más adelante, implantarle un CDI, que es un dispositivo que funciona como marcapasos, desfibrilador y sincronizador para su corazón”.

Trayectoria artística de Mario Alarcón

Nacido en Rosario el 24 de junio de 1945, Mario Alarcón descubrió su vocación actoral gracias al estímulo de una profesora durante su etapa escolar. En su adolescencia, compaginó la participación en radioteatros con estudios de abogacía y desempeñó funciones como locutor durante el servicio militar en Formosa.

En 1968 se radicó en Buenos Aires y profundizó su formación en el Teatro Nacional Cervantes y la Comedia Nacional, donde contó con el respaldo de referentes como Augusto Fernandes y Jesús Berenguer. De la mano de Alfredo Alcón, con quien actuaba en Hamlet, obtuvo su primer papel cinematográfico, considerada una experiencia determinante para su proyección en la pantalla grande.

Recordando ese debut, Mario Alarcón siempre destacó la influencia de David Kohon, el director, y remarcó el valor de haber compartido el protagonismo con Alcón, figura central del teatro nacional.

El teatro compone el eje principal de su carrera. Integró el elenco estable del Teatro San Martín y protagonizó más de 60 obras, entre las que se encuentran títulos como “El avaro”, “Mateo”, “Jettatore” y “La vis cómica”, pieza distinguida tanto por la crítica como por el público.

La impronta internacional de Alarcón incluye actuaciones en Francia, donde llevó al escenario un espectáculo de tangos junto al Tata Cedrón y bajo la dirección de Laura Yusem. Más tarde, participó en giras a Italia y Rusia con la obra “Stéfano”, de Enrique Santos Discépolo, dentro del elenco del Teatro San Martín.

En años recientes, el actor consolidó su presencia en los escenarios principales de la Argentina a través de roles protagónicos y nuevos desafíos creativos.

Reconocimientos y legado

A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Mario Alarcón recibió distinciones como el Premio ACE de Oro en 2022 por su labor en “La vis cómica”, escrita y dirigida por Mauricio Kartun, el Premio Konex de Platino y el reconocimiento del ACE como Actor de comedia.

En el ámbito cinematográfico, se destacó con su interpretación del juez Fortuna Lacalle en “El secreto de sus ojos”. Esta participación le permitió trabajar en otras producciones de cine y televisión, donde dejó su marca en series como “Los Simuladores” y “Entre Caníbales”. Esta última le valió una nominación al premio Martín Fierro, ampliando el alcance de su extensa trayectoria.

Desde 2023, Mario Alarcón asumió un papel central en el Teatro San Martín, reafirmando su vigencia y demostrando que su vínculo con el escenario permanece tan sólido como al inicio de su carrera.

No hay duda de que en los últimos años, el cine de terror argentino viene creciendo. Y quiero aclarar que, puntualmente, me paro desde la vereda comercial, desde esas películas que se estrenan en los cines, salen en plataformas (1978 se estrenó en Max el pasado 20 de junio) y llegan a todo el mundo. Porque del otro lado, existe otra realidad: el cine de terror de festivales. Películas que quizás no llegan al público general pero que son muy buenas. Películas que aterrizan todas ellas generalmente en el BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) pero que por diferentes motivos no llegan a comercializarse como deberían. Desde Plaga Zombie (1997) y Nunca asistas a este tipo de fiestas (2000) de la gente de Farsa Producciones, hasta Malditos sean! (2011) de Demián Rugna y Fabián Forte, si algo queda claro es que mentes creativas sobran, pero muchas veces lo que falta es presupuesto, ya sea gente, empresarios o compañías que crean y apuesten por el género.

En este contexto, y viniendo más hacia el presente, los hermanos Onetti (Luciano Onetti y Nicolás Onetti) empezaron de a poco a generarse ese lugar que tan complicado se sentía. Luciano comenzó en 2013 dirigiendo Sonno Profondo, un claro homenaje al Giallo italiano, y en Francesca (2015) buscó ir por el mismo lugar. En 2017 llegaría la película que los puso en el mapa (por así decirlo) y donde en el papel de director se sumaría el otro hermano, Nicolás: Los olvidados fue una película que ambos escribieron y dirigieron, y era un homenaje -extremadamente literal- a The Texas Chain Saw Massacre (Tobe Hooper, 1974), con algunos toques efímeros del clásico The Hills Have Eyes (Wes Craven, 1977). En 2018 ambos vuelven con Abrakadabra, otro homenaje al Giallo, y después aparece A Night of Horror: Nightmare Radio (2019), una antología de cortos de terror donde ellos producen, algo que siguieron experimentando en otros títulos como Asylum: Twisted Horror and Fantasy Tales (2020), The 100 Candles Game (2020), y otras. Todas con un gustito muy similar a la saga V/H/S.

1978 no es una excepción a esta regla, y utiliza todos sus recursos para hacerlo. No es complejo, si lo pensamos de forma fría, asumir que el terror tiene varias facetas y si hablamos de dictadura, no es necesario incluir demonios ni cuestiones paranormales: en estos casos, y lamentablemente, la realidad supera cualquier ficción. De entrada, esta producción de los hermanos Onetti nos pone a tono. Por un lado, aquellos que abusan de su poder y autoridad y se autoproclaman defensores de la patria, como bandera despiadada para cometer atrocidades que ellos mismos disfrutan, más allá de que responden a órdenes impuestas. Por otro lado, aquellos que sufren dicha premisa en carne propia. Esta narrativa genera, sin duda alguna, el rechazo hacia el primer grupo y la satisfacción de que por algún instante, sean ellos quienes sufran las consecuencias más tarde. No importa cómo, pero que paguen por sus actos. Así cómo Timur Bekmambetov, director nacido en la ex Unión Soviética, introdujo vampiros en el camino de Abraham Lincoln, los hermanos Onetti introducen demonios de la peor calaña, junto a personas de la peor calaña.

En la búsqueda por definir estos bandos, se juegan los extremos más duros. Las actuaciones de todos los personajes que corresponden a las fuerzas armadas son demasiado convincentes, algo que realmente impacta en esa búsqueda. Esto, sumado a las torturas y denigración que sufren aquellos que fueron capturados y privados de su libertad, genera una incomodidad mayúscula, que cuesta ver y digerir. La fotografía opaca, las locaciones, y la suciedad de cada entorno refuerzan el sentimiento de angustia y magnifican el rechazo que uno como espectador siente frente a todo lo que ocurre. Cuando la película quiebra con su propuesta inicial, nos dejan con esa tensión latente. El terror cambia, pero no deja de ser terror. Irreal ahora, con una impronta similar a Evil Dead (salvando las distancias, claro), con su Necronomicon Ex-Mortis y sus deadites, se sigue alimentando de la misma cinematografía, solo que más acentuada en el género.

Y que no se malinterprete, esta comparación con Evil Dead es meramente referencial. El problema que ocurre a partir de este momento en adelante no es el tono, ni la búsqueda, ni siquiera el impulso creativo. Hay un concepto de cómo mostrar el terror bastante interesante, que se siente vivo, pero el amor de los hermanos Onetti por homenajear constantemente a otras cintas rompe con lo figurativo de las ideas. Ni siquiera es un tema de verosímil, sino meramente de realización. Los constantes clichés del género desarman todo lo que se venía logrando. El entramado religioso queda a medio desarrollar, las escenas que buscan impactar tienen encuadres poco claros, que pierden el foco visual de lo que se intenta mostrar. Las cámaras agitadas, las cosas que ocurren fuera del campo visual y los cortes de edición demasiado bruscos impiden que se termine de lograr un estilo que nos mantenga sobre la misma línea. La tensión que había ganado la primera parte del metraje, se comienza a diluir.

Finalmente, todo se vuelve bastante confuso. No se entiende demasiado qué está pasando, personajes que tenían relevancia son dejados de lado sin demasiado contexto y, así, se terminan desestimando algunas reglas que la propia película eligió marcar. Comienzan los interrogantes sin sentido, los “¿por qué?” que no tienen respuesta. En lo personal, me gusta el cambio de narrativa, no está ahí el problema. Queda muy en claro que estamos frente a una película de terror. Lo hizo Robert Rodriguez en Del crepúsculo al amanecer (From Dusk Till Dawn - 1996), así como lo hizo Drew Goddard en La cabaña del terror (The Cabin in the Woods - 2011), por solo nombrar algunas. ¿La principal diferencia? Que ninguna de estas pierde la sustancia en el cambio, ni recae en clichés desgastados, sino todo lo contrario: buscan tener su propia identidad. En 1978 podemos ver -como ya dije antes- muchos homenajes, rezagos de otras películas que sirvieron de inspiración, pero sin lograr concretar esa búsqueda hacia la identidad propia. Y si tengo que nombrar una inspiración que, puntualmente, me viene a la mente, debo sacar a la luz a Baskin (Can Evrenol - 2015), una excelente película turca de terror.

No hay equilibrio, por así decirlo. La primera parte de la película es excelente, tanto en lo técnico, como en la premisa. Y acá vale destacar lo que hace Mario Alarcón (El secreto de sus ojos, El robo del siglo, Entre caníbales) y, principalmente, Carlos Portaluppi (Tiempo de valientes, Epitafios, El marginal). Ambos sacan a relucir sus años de experiencia y, como mencioné en un principio, nos regalan los dos papeles más creíbles y, por ende, más repulsivos. El resto de los actores acompaña, algunos con más gracia que otros. Una película que comienza mostrando víctimas y victimarios, convierte a ambos bandos en víctimas cuando las fuerzas del mal deciden aparecer. No hay que buscar un por qué, ni un cómo ni un cuándo. Simplemente sucede y es parte de la historia. En este aspecto, me hace recordar muy tímidamente a dos grandes fragmentos de la saga V/H/S: el segmento “Safe Haven” de V/H/S/2, donde un culto se está preparando para el nacimiento del demonio, y un poco más lejos, el segmento “10/31/98”, donde un grupo de adolescente se meten en una casa y encuentra a unas personas llevando a cabo un extraño rito.

Vuelvo a repetir: referencias hay miles, y el problema es que, al caer en los clichés más comunes del género, todo se siente repetido y un tanto predecible. Si bien se valora muchísimo el esfuerzo de los hermanos Onetti por seguir apostando al terror como lo vienen haciendo hace ya más de diez años, la falta de personalidad termina consumiendo su propia búsqueda, mientras que la colección de ideas desgastadas hacen que la película pierda fuerza y, por ende, sustancia. Todo lo que logran con el principio, se ve desperdiciado en el resto de la película. Termina siendo como dos películas diferentes, encausadas por un mismo eje, pero que no logran coexistir entre ellas. Como ya dije, una primera parte impecable, mire por donde se la mire, y una segunda parte fiel al terror que promete, pero con varios altibajos. Te puede gustar o no el cine de terror nacional, pero es imposible negar que está, seguramente, en uno de sus mejores momentos. Luego de exponentes como Aterrados (2018) y Cuando acecha la maldad (2023) de Demián Rugna; Historia de lo oculto (2020) de Cristian Ponce; o Muere, monstruo, muere (2018) de Alejandro Fadel, la vara está cada vez más alta y el público se vuelve cada vez más exigente.

Durante su recorrido por más de 50 festivales internacionales y tras recibir más de 30 premios, 1978 se prepara para su estreno en la plataforma Max el 20 de junio de 2025, llevando el terror argentino a una audiencia global.

La película dirigida por Nicolás Onetti y Luciano Onetti se distingue por fusionar el horror sobrenatural con uno de los episodios más oscuros de la historia argentina: la última dictadura militar, específicamente durante la noche de la final del Mundial de Fútbol de 1978 entre Argentina y Holanda.

La producción, a cargo de Black Mandala Films, cuenta con un elenco encabezado por Carlos Portaluppi, Mario Alarcón y Santiago Ríos, quienes interpretan a represores. El film se ambienta en un contexto donde millones de argentinos celebran frente a la televisión, mientras un grupo de tareas irrumpe en una vivienda y secuestra a varios jóvenes. Lo que comienza como un procedimiento represivo típico de la época —secuestro, interrogatorio y tortura— pronto se transforma en una pesadilla inesperada: los secuestrados no son militantes políticos, sino miembros de un culto guiado por una fuerza sobrenatural desconocida. El centro clandestino de detención se convierte así en un escenario de horrores incontrolables.

La película utiliza recursos clásicos del cine de terror —suspenso, oscuridad, violencia gráfica y una atmósfera opresiva— para narrar una historia anclada en la memoria colectiva argentina. Onetti sostiene que el género permite explorar las sombras sociales y tematizarlas sin recurrir a discursos académicos, abriendo así un espacio para la reflexión y el debate.

El guion, que mezcla el trauma histórico con el horror sobrenatural, un grupo de torturadores comete un error fatal al secuestrar a personas equivocadas. Las víctimas, lejos de ser simples ciudadanos, integran una secta que responde a una entidad desconocida, lo que desencadena una cadena de sucesos terroríficos dentro del centro clandestino. “Parte del terror es ese contrapunto: te atrapa la ficción, pero te derrapa en la realidad”, explicó Onetti en declaraciones recogidas por Página 12.

El film tuvo su estreno mundial en SITGES, el festival de cine fantástico más relevante del mundo, y su premiere norteamericana en el SCREAMFEST L.A. en Hollywood. Además, fue presentado en el Mercado de Cine de Cannes durante el Blood Window Showcase 2024 y en más de 30 festivales internacionales, como el Santiago Horror Film Festival en Chile, el Dark Nights Film Fest en Australia, Nightmare in the Ozarks en Estados Unidos y Terror in the Bay en Canadá.

En estos certámenes, 1978 obtuvo reconocimientos como Mejor Película, Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejores Efectos Visuales y Mejor Dirección, entre otros. Carlos Portaluppi fue distinguido como Mejor Actor en Nightmare in the Ozarks, mientras que Melisa Ontivero y Yanel Castellano recibieron premios por los efectos visuales en Terror in the Bay.

El elenco se completa con Agustín Pardella, Gustavo Pardi y Jorge Lorenzo, todos con experiencia en el género. El trabajo de casting fue uno de los grandes aciertos de la producción, ya que las interpretaciones aportan verosimilitud y permiten que la historia transite del horror político al terror sobrenatural sin perder intensidad.

La película, que pertenece al género horror, se presenta como una combinación inusual entre la historia reciente argentina y los elementos del cine fantástico. La dictadura militar no aparece como un simple telón de fondo, sino como una presencia activa que potencia el espanto y ancla lo inverosímil en lo históricamente conocido.

Uno de los objetivos principales del proyecto fue visibilizar lo ocurrido durante la dictadura militar ante nuevas generaciones y públicos internacionales. “Los premios nos dan luz para que esta historia trascienda fronteras”, expresó Onetti, quien remarcó la importancia de que el film sirva como puerta de entrada para el debate y la reflexión sobre el pasado reciente.

La propuesta de 1978 se apoya en el uso del miedo como recurso narrativo para despertar conciencia y memoria. La película estará disponible en Max a partir del 20 de junio de 2025, sumándose así al catálogo de producciones que abordan el pasado argentino desde una perspectiva innovadora y provocadora.