Madonna habría expresado interés en adquirir la mansión que Angelina Jolie puso a la venta en Los Ángeles por 29,85 millones de dólares.

Los representantes de la cantante contactaron a los agentes inmobiliarios para coordinar una visita virtual a la propiedad, ya que la artista no se encontraba en la ciudad al momento de manifestar su interés.

“La gente de Madonna llamó y el recorrido fue organizado”, dijo una fuente, que describió el vecindario como “una colonia maravillosa en las partes altas de las colinas de Hollywood con mucho poder de celebridades”.

La mansión, ubicada en el barrio de Los Feliz, en el 2000 de De Mille Drive, fue puesta en venta por Jolie en mayo de este año.

La actriz la adquirió en junio de 2017 por 24,5 millones de dólares, nueve meses después de presentar su demanda de divorcio contra Brad Pitt.

En una entrevista, la ganadora del Oscar había dicho que dejaría Los Ángeles cuando sus hijos fueran adultos. El mes pasado, sus hijos menores, los mellizos Knox y Vivienne, cumplieron 18 años.

Según una fuente, ella aún no habría definido su próximo destino: “No creo que ella sepa” a dónde quiere ir.

La propiedad tiene un peso histórico en Hollywood. El cineasta Cecil B. DeMille, pionero del cine estadounidense, la adquirió en 1916 y su familia la mantuvo por más de medio siglo.

DeMille dirigió epopeyas como El show más grande del mundo, ganadora del Oscar en 1953, Los diez mandamientos, El rey de reyes, Sansón y Dalila y Cleopatra. También apareció como él mismo en Sunset Boulevard, de Billy Wilder, donde el personaje de Gloria Swanson, Norma Desmond, pronuncia la célebre frase mirando a cámara: “Muy bien, señor DeMille, estoy lista para mi primer plano”.

En 1920, el director amplió la propiedad al comprar el terreno contiguo, que había pertenecido a Charlie Chaplin.

Ambas casas quedaron unidas por un corredor de vidrio, aunque hoy son propiedades separadas. La familia DeMille conservó el inmueble hasta finales de los años 80, según la ficha de venta.

La mansión de estilo Beaux Arts, construida en 1913, tiene exterior de estuco blanco y techo de tejas rojas. Ocupa 2,1 acres (unos 8.500 metros cuadrados) con jardines, piscina, casa de huéspedes, estudio, casa de té y garaje con portón de seguridad.

En su interior, la residencia principal de cinco habitaciones cuenta con cocina profesional, comedor con paneles de caoba, sala con ventanas en arco y biblioteca.

El vecindario es valorado por las celebridades porque, según un agente de bienes raíces, “es tranquilo e inaccesible. No hay autobuses turísticos allí arriba, y hay una ruta discreta para bajar a Sunset sin pasar por Laurel Canyon”.

Entre los residentes actuales y pasados del enclave privado de Laughlin Park figuran Natalie Portman, Kristen Stewart, Brie Larson, Kristen Bell y Dax Shepard.

Para Madonna, la operación supondría su regreso al mercado inmobiliario de Los Ángeles tras vender su propiedad en Hidden Hills por 23 millones de dólares hace poco más de tres años, después de haberla comprado al cantante canadiense The Weeknd por 19,3 millones en 2021.

Actualmente, la artista, que acaba de cumplir 68 años, posee una mansión de tres casas unidas en el Upper East Side de Manhattan, una casa georgiana en Londres, una granja en Bridgehampton y una propiedad en Portugal.

La conexión entre Jolie y Madonna: una ex en común

Aunque Angelina Jolie y Madonna no parecen tener una amistad consolidada, ambas comparten un vínculo indirecto a través de la modelo Jenny Shimizu, quien salió con las dos en la década de 1990.

Shimizu habló sobre su relación con la Reina del Pop en el último episodio de la docuserie In Vogue: The 90s.

“No le vas a decir que no a Madonna en los 90”, declaró. “No solo era genial sentirte como una prostituta de lujo, porque realmente lo era. Recibías una llamada: ‘¿Puedes venir a mi desfile en París? ¿Estás en Europa?’”, relató.

Y agregó: “Me iba al Ritz a las cuatro de la mañana, tenía sexo y luego volvía a Milán en avión”.

Jenny Shimizu, casada desde 2014 con Michelle Harper, ironizó sobre sus revelaciones: “Mi esposa me va a matar”.

La modelo también compartió pareja con Jolie tras protagonizar juntas la película Foxfire.

En una entrevista de 1997 con Girlfriends Magazine, la actriz describió a Shimizu como alguien que “podría haber sido un amor profundo” para ella.

“Probablemente me habría casado con Jenny Shimizu si no me hubiera casado con mi marido”, dijo Jolie, quien en ese momento estaba casada con el actor Jonny Lee Miller.

Sobre el instante en que la conoció, afirmó: “Me enamoré de ella en el primer segundo en que la vi”.

Madonna festejó su cumpleaños número 68 en la isla griega de Corfú junto a cinco de sus seis hijos y su pareja, Akeem Morris, el domingo 16 de agosto.

La cantante publicó una serie de fotografías de los festejos en su cuenta de Instagram el martes 18, con una leyenda que resumía el espíritu de la velada.

“¡Es mi cumpleaños! ¡A comer, a rezar, a amar, a beber, a bailar, a romper platos, a dar de comer a los gatos! ¡Gracias, Dios!”, escribió al pie de la publicación, en la que etiquetó la finca privada Villa Ortholithi, en Corfú.

De sus seis hijos, cinco estuvieron presentes: Lourdes León, de 29 años; Rocco Ritchie, de 26; Mercy James, de 20; y las gemelas Stella y Estere, de 13. Su hijo David, de 20, no aparece en ninguna de las imágenes difundidas en la publicación.

Morris, de 30 años, también figura en varias de las fotografías junto a la familia.

Los festejos tuvieron lugar en el pueblo de Kouramades, donde el grupo se reunió en una taberna tradicional para la cena de cumpleaños.

La noche incluyó música en vivo, baile y la costumbre griega de romper platos, práctica que la propia cantante mencionó en su publicación de Instagram.

Durante la semana en Grecia, el grupo disfrutó de tiempo en el mar y recorrió distintos puntos de la región.

Madonna también visitó los monasterios de Meteora, uno de los conjuntos monásticos más reconocidos del país.

En la cena, Lourdes y Rocco fueron fotografiados tomados de la mano en un baile en círculo al ritmo de una banda en vivo.

Fueron Rocco y Mercy quienes presentaron a su madre la tarta de cumpleaños: una pieza con forma de corazón decorada con un ojo en glaseado blanco y dorado y velas encendidas.

Morris posó junto a las gemelas Stella y Estere en el exterior del lugar durante los festejos.

Para la velada principal, la artista eligió un diseño de la colección Alta Moda 2026 de Dolce & Gabbana: un vestido largo de base azul pálido con bordados en oro, lentejuelas y flores tridimensionales en tonos rosa, rojo y amarillo. Lo completó con un tocado floral que retomaba los motivos del vestido, sandalias doradas de tacón y joyería de gran volumen.

En otra de las noches del viaje lució un conjunto blanco compuesto por un vestido de encaje con transparencias, ceñido a la cintura con un cinturón a juego y capas de collares y cruces.

Las fotografías de esa velada muestran a los invitados reunidos en torno a una larga mesa al aire libre bajo hileras de luces, varios de ellos también vestidos de blanco.

La artista eligió como banda sonora de la publicación “B-Day Song”, con M.I.A., incluido en la edición de lujo del álbum MDNA en 2012. La canción fue escrita por Madonna, M.I.A. y el productor Martin Solveig, quien también participó en la producción.

Entre los momentos que circularon en redes sociales, una imagen de la cantante con gatos fue uno de los más comentados por los seguidores de la artista, en línea con el espíritu desenfadado de su publicación.

La publicación llega horas después de que Madonna recibiera 11 nominaciones en los MTV Video Music Awards 2026, la cifra más alta entre todos los artistas de la ceremonia.

Entre las categorías figuran artista del año, canción del año y mejor colaboración por “Bring Your Love” junto a Sabrina Carpenter, extraída de su álbum Confessions II, publicado en julio, así como video del año por Confessions II: The Film.

Taylor Swift la sigue con nueve nominaciones, mientras que Ariana Grande y Carpenter acumulan siete cada una.

Los MTV Video Music Awards 2026 ya tienen a sus nominados. La nueva edición de los premios musicales estará encabezada por Madonna, quien obtuvo 11 candidaturas y superó a Taylor Swift, que suma nueve. La lista también incluye a figuras como Ariana Grande, Sabrina Carpenter, Bruno Mars, PinkPantheress y Zara Larsson, además de varios artistas que reciben su primera nominación.

La ceremonia se celebrará el domingo 27 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles. El evento será transmitido en vivo por CBS entre las 7:30 y las 9:30 p. m. ET, con emisión simultánea por MTV y disponibilidad en Paramount+ en Estados Unidos.

El hito de la ‘Reina del Pop’

Madonna encabeza la lista con 11 nominaciones, su cifra más alta en una sola edición de los VMAs. La cantante compite en categorías como Video del año, Artista del año, Canción del año, Mejor colaboración, Mejor dance, dirección, dirección de arte, cinematografía, edición, coreografía y efectos visuales.

Cabe destacar que la artista acumula 19 victorias competitivas en los VMAs hasta el momento y ha sido nominada en todas las décadas de su carrera. Asimismo, en 1986 se convirtió en la primera solista femenina en recibir el Video Vanguard Award. Si ganara las 11 categorías en las que compite, igualaría a Beyoncé y Taylor Swift como las artistas con más VMAs de la historia, con 30 cada una.

Swift, por su parte, ocupa el segundo lugar entre las más nominadas, con nueve candidaturas. La cantante ya posee el récord de 30 Moon Persons y podría convertirse en la artista más premiada en la historia de los VMAs si consigue al menos una victoria este año. Entre sus nominaciones figuran Video del año y Artista del año.

Después de ellas aparecen Ariana Grande y Sabrina Carpenter, con siete nominaciones cada una. Bruno Mars, PinkPantheress y Zara Larsson tienen cinco, mientras que LISA, de BLACKPINK, suma cuatro. Shakira, Tate McRae, GENER8ION y Yung Lean cuentan con tres nominaciones cada uno.

¿Quiénes compiten por Artista del año?

Una de las categorías principales reúne a Madonna, Taylor Swift, Ariana Grande, Sabrina Carpenter, Bruno Mars y Morgan Wallen. Grande obtiene su sexta nominación en esta categoría, un récord desde su creación en 2017, mientras que Swift llega a su quinta candidatura.

Entre los datos llamativos de esta edición destaca que 26 artistas reciben su primera nominación a los VMAs. Entre ellos están GENER8ION, Yung Lean, CORTIS, Stella Lefty, Don Toliver, Kali Uchis, Noah Kahan, Olivia Dean, Tucker Wetmore y Sienna Spiro.

Además, la categoría Mejor video de dance regresa después de siete años. Madonna, Harry Styles, Lady Gaga y Doechii, Tate McRae, PinkPantheress y Zara Larsson, Bebe Rexha y Faithless, y Slayyyter figuran entre sus nominados.

La votación del público comenzó el 18 de agosto en 13 categorías y permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre a las 6 p. m. ET. La categoría Mejor artista nuevo continuará recibiendo votos durante la ceremonia.

La lista completa de nominados

Video del año

• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• Bruno Mars – “I Just Might”
• GENER8ION – “STORM”, con Yung Lean
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• Sabrina Carpenter – “Tears”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Artista del año

• Ariana Grande
• Bruno Mars
• Madonna
• Morgan Wallen
• Sabrina Carpenter
• Taylor Swift

Canción del año

• BTS – “Swim”
• Ella Langley – “Choosin’ Texas”
• HUNTR/X: EJAE, Audrey Nuna, REI AMI – “Golden”
• Madonna y Sabrina Carpenter – “Bring Your Love”
• Olivia Dean – “Man I Need”
• PinkPantheress y Zara Larsson – “Stateside”
• RAYE – “WHERE IS MY HUSBAND!”

Mejor artista nuevo

• Bella Kay
• CORTIS
• Magnus Ferrell
• Malcolm Todd
• Myles Smith
• Sienna Spiro
• Stella Lefty

Mejor colaboración

• Clipse, Kendrick Lamar, Pusha T y Malice – “Chains & Whips”
• French Montana y Max B – “Ever Since U Left Me”
• Madonna y Sabrina Carpenter – “Bring Your Love”
• PinkPantheress y Zara Larsson – “Stateside”
• Shakira y Burna Boy – “Dai Dai”
• Teyana Taylor y Lucky Daye – “Hard Part”

Mejor pop

• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• Charli xcx – “SS26”
• LISA – “Dream”, con Kentaro Sakaguchi
• Olivia Rodrigo – “drop dead”
• Sabrina Carpenter – “House Tour”
• Tate McRae – “Nobody’s Girl”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Mejor hip-hop

• Cardi B, con Kehlani – “Safe”
• Don Toliver – “E85”
• Drake – “Janice STFU”
• Megan Thee Stallion – “LOVER GIRL”
• Travis Scott – “DUMBO”
• Tyler, The Creator – “SUGAR ON MY TONGUE”

Mejor R&B

• Bruno Mars – “I Just Might”
• Chris Brown – “It Depends/Obvious”
• Dave y Tems – “Raindance”
• Justin Bieber – “YUKON”
• Kehlani – “Folded”
• Mariah the Scientist y Kali Uchis – “Is It a Crime”

Mejor alternativa

• Geese – “Taxes”
• mgk y Fred Durst – “FIX UR FACE”
• Noah Kahan – “The Great Divide”
• Olivia Rodrigo – “the cure”
• SOMBR – “Homewrecker”
• Tame Impala – “Dracula”
• twenty one pilots – “Drag Path”

Mejor dance

• Bebe Rexha y Faithless – “New Religion”
• Harry Styles – “Aperture”
• Lady Gaga y Doechii – “RUNWAY”
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• PinkPantheress y Zara Larsson – “Stateside”
• Slayyyter – “DANCE…”
• Tate McRae – “Nobody’s Girl”

Mejor latino

• Anitta con Shakira – “Choka Choka”
• Bad Bunny – “NUEVAYoL”
• Fuerza Regida – “TU SANCHO”
• KAROL G – “Papasito”
• Rosalía, con Yahritza y Su Esencia – “La Perla”
• Ryan Castro, Kapo y GANGSTA – “LA VILLA”
• Shakira y Burna Boy – “Dai Dai”

Mejor K-pop

• BLACKPINK – “JUMP”
• BTS – “SWIM”
• CORTIS – “REDRED”
• KATSEYE – “PINKY UP”
• LE SSERAFIM, con j-hope de BTS – “SPAGHETTI”
• LISA – “Dream”, con Kentaro Sakaguchi

Mejor country

• Ella Langley – “Choosin’ Texas”
• Kacey Musgraves – “Dry Spell”
• Lainey Wilson – “Somewhere Over Laredo”
• Luke Combs – “Back in the Saddle”
• Shaboozey – “Cowgirl”
• Stella Lefty – “Boston”
• Tucker Wetmore – “Brunette”

Mejor dirección

• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• Bruno Mars – “I Just Might”
• GENER8ION – “STORM”, con Yung Lean
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• Sabrina Carpenter – “House Tour”
• Taylor Swift – “Opalite”

Mejor dirección de arte

• Charli xcx – “SS26”
• Lady Gaga y Doechii – “RUNWAY”
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• PinkPantheress – “Stateside”, con Zara Larsson
• SOMBR – “My Body Isn’t Ready”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Mejor cinematografía

• A$AP Rocky – “PUNK ROCKY”
• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• LISA – “Dream”, con Kentaro Sakaguchi
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• Shaboozey – “Cowgirl”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Mejor edición

• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• Bruno Mars – “I Just Might”
• LISA – “Dream”, con Kentaro Sakaguchi
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• Sabrina Carpenter – “House Tour”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Mejor coreografía

• GENER8ION – “STORM”, con Yung Lean
• Harry Styles – “Dance No More”
• KATSEYE – “PINKY UP”
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• Tate McRae – “Nobody’s Girl”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Mejores efectos visuales

• Ariana Grande – “hate that i made you love me”
• JISOO y ZAYN – “Eyes Closed”
• Madonna – “Confessions II – The Film”
• PinkPantheress – “Stateside”, con Zara Larsson
• RAYE, con Hans Zimmer – “Click Clack Symphony.”
• Taylor Swift – “The Fate of Ophelia”

Madonna cumple este domingo 68 años y su vigencia como referente indiscutida de la moda y la cultura pop permanece intacta. Desde sus inicios en la década de los 80, la artista revolucionó la música y construyó una narrativa visual única. Cada cambio de imagen anticipa tendencias y desafía las convenciones. Su estilo, lejos de responder a una lógica estática, se ha transformado en un manifiesto de autonomía, irreverencia y experimentación.

A lo largo de su carrera, la cantante y compositora estadounidense entendió la moda como una extensión de su identidad artística. La constante renovación de su imagen y la apropiación de códigos diversos la convirtieron en un fenómeno cultural que trasciende generaciones.

El núcleo del estilo de la diva reside en su capacidad para conjugar elementos de distintas épocas, subculturas y expresiones artísticas, generando así una imagen siempre en sintonía con el presente, pero con guiños al pasado y anticipos del futuro.

En eventos, conciertos y presentaciones, la artista despliega conjuntos que evidencian una apropiación de códigos provenientes tanto del streetwear como de la alta costura, así como referencias directas a la cultura pop, el arte y el cine.

Uno de los registros más recurrentes es el look deportivo y urbano: pantalones anchos, sudaderas con capucha, prendas deportivas con logos visibles y materiales sintéticos. Los pantalones deportivos de tiro bajo, combinados con piezas oversize y detalles rotos o intervenidos, aparecen como emblemas de su faceta más desenfadada.

En contraste, la estética retrofuturista ocupa un lugar central en su repertorio visual. El uso de materiales metálicos, gafas de sol de gran tamaño y botas altas con acabados brillantes define una línea que enfatiza el carácter experimental de su imagen.

La paleta cromática, en este caso, recurre a tonos plateados, lilas y azules, así como combinaciones monocromáticas que refuerzan la intensidad de los conjuntos.

La inspiración lencera y la corsetería han sido también un sello distintivo en la estética de Madonna. Corsés de satén, encajes, ligas y medias de red han protagonizado tanto shows como apariciones públicas, resignificando la lencería como prenda exterior y dotando de sensualidad y fuerza a la figura femenina.

Otro de los códigos que ha explorado es la sastrería masculina reinterpretada: trajes de corte clásico en tonos claros, camisas blancas, pajaritas, corbatas y prendas estructuradas, siempre adaptadas a siluetas femeninas. La incorporación de accesorios como puros o gafas de montura gruesa refuerza una imagen andrógina y transgresora.

Por otro lado, la teatralidad ocupa un rol protagónico en su estilismo. Vestidos largos, tocados de gran tamaño y elementos escénicos como capas y sombreros escultóricos acentúan la dimensión performática de sus apariciones, donde la ropa se convierte en parte fundamental de la narrativa visual.

Detalles, materiales y accesorios en su vestimenta

El manejo de los detalles constituye uno de los recursos más sofisticados del estilo de Madonna. El calzado llamativo —botas altas de cuero, plataformas y botas metálicas— ocupa un lugar destacado. En ocasiones, estos elementos incorporan cordones largos, cierres visibles y texturas brillantes.

Los accesorios predominantes refuerzan la personalidad de cada look: gafas de sol, aros grandes, collares gruesos y guantes largos. Los bolsos de mano y carteras pequeñas suelen acompañar sus estilismos, siempre alineados cromáticamente con el conjunto principal.

Otro aspecto clave es la intervención de prendas. Chaquetas y sudaderas con aplicaciones, parches, estampados gráficos y mezclas de materiales reflejan una inclinación hacia la experimentación y la personalización, tanto artesanal como industrial.

El uso del layering, o superposición de capas, permite la yuxtaposición de texturas y volúmenes, aportando dinamismo y profundidad a los conjuntos.

Paleta de colores y composición visual de sus looks

La selección cromática de Madonna oscila entre tonos metálicos, pasteles y el clásico binomio blanco-negro. El color opera como herramienta para destacar bloques visuales, generar contrastes y captar la atención.

En escenarios con iluminación artificial intensa, las texturas satinadas y brillantes de muchas de sus prendas adquieren un protagonismo especial, potenciando la experiencia visual del público.

La composición de cada estilismo responde a una lógica de impacto inmediato: ya sea a través de volúmenes amplios, como pantalones anchos o chaquetas oversize, o mediante prendas ajustadas al cuerpo, como corsés y vestidos tubo.

Las siluetas alternan entre la sensualidad explícita, la androginia y la teatralidad, otorgando versatilidad y profundidad a su figura.

Elementos identitarios y legado en la moda

El estilismo de Madonna opera como un manifiesto visual de independencia y control sobre su propia imagen. Su capacidad para resignificar prendas históricamente femeninas y masculinas, así como para integrar elementos del streetwear y la cultura queer, la posicionan como referencia de la moda inclusiva y disruptiva.

La constante renovación de su imagen no responde solo a una estrategia estética, sino a una declaración sobre la resistencia al envejecimiento y a las categorías fijas de belleza y género.

Así, Madonna utiliza la moda como herramienta para desafiar convenciones, proponiendo una identidad mutable y siempre en diálogo con las tendencias globales. Su legado se expresa en la libertad para experimentar, en la apropiación de símbolos y en la capacidad para transformar cada conjunto en una extensión de su narrativa artística y personal.

William Orbit, músico y remezclador cuya maestría en la electrónica de finales de los años noventa —house, trance, ambient, trip-hop— lo convirtió en uno de los productores más cotizados de su generación, creando discos exitosos para Madonna, Blur y All Saints, falleció en su casa en Londres el 23 de julio. Tenía 69 años. Su muerte fue anunciada el viernes 7 de agosto en su sitio web y en su página de Instagram. No se proporcionó la causa.

Orbit, cuyo verdadero nombre era William Wainwright, pasó casi dos décadas trabajando en campos poco conocidos de la música electrónica, desarrollando un pequeño grupo de seguidores y colaborando en alguna que otra película olvidable. La canción “White Night”, que grabó con su banda Torch Song, apareció en The Texas Chainsaw Massacre 2” (1986). En la década de 1990, se hizo conocido en los círculos de clubes por sus remezclas de baile de artistas como Peter Gabriel y Depeche Mode, pero hacer remezclas no es precisamente un pase a la fama.

Su suerte cambió cuando tenía casi 40 años, cuando recibió una llamada de Madonna. Ella misma había estado luchando, con dos álbumes mediocres —Erotica (1992) y Bedtime Stories (1994)— y una reputación creciente de haber quedado en el pasado. Ella buscaba un sonido nuevo, más arriesgado. ¿Podía ayudar William Orbit? Se reunieron en el departamento de ella en Nueva York para compartir ideas. Hubo química. El resultado, tras meses de trabajo, fue Ray of Light, lanzado en 1998 y considerado ampliamente como su mejor álbum.

Orbit trabajó en cada pista, infundiendo a cada una sintetizadores exuberantes y ritmos complejos que recordaban a la escena de clubes londinenses. El álbum generó varios éxitos, entre ellos “Frozen”, “The Power of Good-Bye” y la canción homónima, y recibió seis nominaciones a los premios Grammy. Ganó cuatro, de los cuales Orbit compartió dos, por mejor álbum pop y mejor grabación dance. Él y Madonna ganaron otro Grammy, por mejor canción escrita para medios visuales, en el año 2000 con “Beautiful Stranger”, que grabaron para la película Austin Powers: El espía seductor (1999). También colaboraron en tres canciones para el siguiente álbum de Madonna, Music (2000), y en seis temas para su álbum MDNA (2012).

Tras su éxito con Madonna, produjo otro álbum aclamado por la crítica, 13 (1999), para la banda británica Blur. Pero la mayor parte de su trabajo posterior fue en pistas individuales: era la persona a la que las bandas o los productores ejecutivos llamaban si querían que una canción tuviera un sonido lujoso pero bailable. Entre sus singles se incluyen “Making Out”, de No Doubt, del álbum Rock Steady (2001); “Don’t Wake Me Up”, de Chris Brown, de su álbum Fortune (2012); y “Alien”, de Britney Spears, de su álbum Britney Jean” (2013).

Muchas de sus canciones aparecieron en bandas sonoras: “Pure Shores”, de All Saints, para La playa (2000); “Feel Good Time”, de Pink, para Los Ángeles de Charlie: Al Límite (2003); y “The Hands That Built America”, de U2, que se incluyó en la película Pandillas de Nueva York de 2002 y en la recopilación de la banda irlandesa The Best of 1990-2000 (2002). A lo largo de todo este tiempo, Orbit hacía su propia música. Tras grabar tres álbumes electrónicos en los años ochenta con Torch Song, lanzó cinco discos en solitario bajo el título de la serie Strange Cargo, de estilos muy variados pero unidos por su singular vocabulario tonal.

A mediados de los años noventa comenzó a incorporar influencias clásicas, especialmente de compositores minimalistas y de vanguardia como Henryk Gorecki, Arvo Part y Erik Satie. La versión con sintetizador del “Adagio for Strings” de Samuel Barber, en su álbum Pieces in a Modern Style (1995), se convirtió en un éxito inesperado cuando el DJ neerlandés Ferry Corsten le dio un remix dance en 1999.

Quién fue William Orbit

William Mark Wainwright nació el 15 de diciembre de 1956 en Londres. Sus padres eran profesores. Dejó la escuela a los 16 años y, según declaró en varias entrevistas, pasó gran parte de los años setenta como un “post-hippie”, desempeñando trabajos ocasionales —recogiendo fruta, mudando muebles— y viviendo de ocupa en una zona deteriorada de Londres. Su dieta diaria consistía en “una barra Mars y un ácido”.

Adoptó el nombre Orbit, explicó, debido a su amor por la astronáutica y la astronomía, aunque a veces añadía que también era porque sus amigos lo consideraban un poco “espacial”. Cuando un compañero de vivienda empezó a recopilar equipos de grabación y discos para montar un estudio, Orbit descubrió su vocación. Aprendió a tocar el sintetizador y, en 1980, se unió a Laurie Mayer y Grant Gilbert para formar Torch Song. Publicaron tres álbumes en los años ochenta, se separaron alrededor de 1987 y luego se reunieron en 1995 para lanzar un cuarto trabajo.

Estuvo casado brevemente y tuvo una hija. También mantuvo una relación con la cantante de electrónica Beth Orton.

Alrededor de 1990, ayudó a fundar Guerilla Records, que se convirtió en una incubadora de nuevos talentos y de proyectos paralelos como Bassomatic, una banda con un pequeño éxito con el sencillo “Fascinating Rhythm” en 1990. Luego de trabajar en Ray of Light, se mudó a Los Ángeles, donde intentó trabajar como productor y compositor por encargo. Pero descubrió que era difícil hacerse un sitio en la industria musical estadounidense. Cayó en depresión y empezó a consumir drogas. Regresó a Londres en 2017, pero su adicción continuó, lo que derivó en dos episodios psicóticos. Fue hospitalizado brevemente.

Una vez dado de alta, se desintoxicó y volvió a enfocarse en su propia música. En 2022, lanzó The Painter, que incluyó una colaboración con Beth Orton, “I Paint What I See”. El título del álbum reflejaba un renovado interés por la pintura, una vocación tardía que, según dijo, le ayudó a centrarse y a reconectarse con su faceta creativa. “Tanto la pintura como la música vienen de la misma fuente creativa: yo”, dijo al sitio web Clash en 2022. “Muchos de los procesos creativos que utilizas están relacionados. Pensar en el color, la forma, la textura, la repetición, por ejemplo. Se aplican a ambos medios”.

Fuente: The New York Times

La cantante canadiense no llegó a la música desde un entorno privilegiado, sino desde una infancia marcada por la pobreza extrema, el abuso de su padrastro y un miedo escénico que debió aprender a dominar. Durante una entrevista en Fashion Neurosis, repasó esos años y explicó cómo terminaron dando forma a su séptimo álbum, publicado el 24 de julio de 2026.

"Mi madre me veía como una salida a ese ciclo de dificultades económicas“, relató Twain en Fashion Neurosis. La cantante describió una infancia en Timmins, una ciudad de 40.000 habitantes en el norte de Ontario, donde la electricidad se cortaba por falta de pago, el alimento dependía de la caza y la pesca, y el frío podía alcanzar los -40°C.

Su madre, que no era músico, reconoció el talento vocal de su hija desde muy pequeña y comenzó a llevarla a actuar en bares a los ocho años, a medianoche, para recaudar dinero para la familia. “No había alegría real en cantar en esos bares”, afirmó Twain. “Estaban llenos de hombres borrachos, había humo por todas partes y al día siguiente tenía que ir a la escuela”, agregó.

La artista también abordó la figura de su padrastro, Jerry, quien la adoptó junto a sus hermanos cuando tenía pocos años. “Era un hombre que realmente intentaba darlo todo por nosotros, que nos llevaba de caza y hacía todo lo posible por mantenernos juntos. Pero tenía sus propios problemas mentales”, dijo en el programa.

Twain confirmó que sufrió abusos por parte de él, físicos y sexuales, y señaló que, aun así, lo veía como una persona con conflictos internos antes que como a alguien exclusivamente malvado: “Incluso de niña sentía empatía. Notaba que algo en él no funcionaba bien”.

El punto de inflexión llegó a los 13 años. Con su padre fuera de casa, Twain organizó la huida de la familia: cargó a sus hermanos en el coche, convenció a su madre de subirse y no olvidó el reloj de péndulo de la abuela —tan alto como uno de los niños— ni el crucifijo irlandés que colgaba sobre la puerta.

La música como sustento y el miedo escénico

Tras la muerte de sus padres en un accidente de tráfico cuando Twain tenía 22 años, la artista asumió la tutela de sus hermanos menores para evitar que los servicios sociales los separaran. Fue entonces cuando la música dejó de ser una obligación y se convirtió en su único sustento real. “Sentía que nunca iba a dejarme ir. Estaba destinada a ser intérprete”, admitió en el programa.

El miedo escénico, sin embargo, la acompañó durante décadas. Twain describió el ritual que la mantenía en pie antes de salir al escenario: silencio absoluto, concentración y preparación. “Cada vez que salgo al escenario es como dar a luz. No hay vuelta atrás. Tienes que salir ahí, pase lo que pase”, afirmó. Fue recién a los 50 años cuando reencuadró esa experiencia. “Ya no lo veo como miedo. Es un desafío que aprendí a manejar”, agregó.

Moda, cuerpo e identidad

La conversación en Fashion Neurosis también exploró la relación de Twain con la moda. La artista recordó cómo de adolescente usaba ropa de hombre y se ponía dos corpiños para no llamar la atención. “Me sentía maldita por tener ese cuerpo. Los hombres me miraban más de lo que debían y eso creaba situaciones incómodas constantemente”, sostuvo.

Fue durante sus primeros videoclips cuando descubrió que la ropa podía ser una forma de apropiarse de su propia imagen. “Fue una gran liberación. Me di cuenta de que podía usarla para verme como yo quería verme, no para esconderme ni para exhibirme”, aseguró.

Sus referentes en ese terreno fueron Dolly Parton y Madonna. De la primera destacó el humor con el que respondía a las críticas y la forma en que adaptaba hasta su guitarra a su estética: “Desafinaba la guitarra para poder tocar con las uñas largas. ¿Cómo no admirar eso en una músico?”.

De Madonna valoró la fusión entre glamour y practicidad que le exigía su condición de bailarina. En cuanto a Harry Styles, a quien citó como influenciado por su trabajo, Twain participó como artista invitada en su residencia de 12 noches en el estadio de Wembley, en Londres, en junio de 2026.

Un disco atravesado por su historia

Little Miss Twain, producido por Zach Dawes —conocido por su trabajo con Lana Del Rey—, reúne 15 canciones que recorren el período que va desde su infancia hasta la firma de su primer contrato discográfico.

El álbum cuenta con colaboraciones de Tanya Tucker —a quien la madre de Twain señalaba como el modelo a seguir para su hija—, el guitarrista Josh Homme de Queens of the Stone Age, The War & Treaty, T Bone Burnett, Ronnie Wood y David Paich de Toto.

El título proviene del apodo con el que la presentaban en los bares de Timmins cuando era niña. “Toda esa vida ya había sido vivida antes de que el mundo supiera quién era Shania Twain”, dijo en Fashion Neurosis.

Mientras el mundo aguardaba el espectáculo de medio tiempo de la final del Mundial de Fútbol 2026, una guerra silenciosa entre Madonna y Justin Bieber se libraba entre bastidores del MetLife Stadium.

Según fuentes cercanas a la producción consultadas por el Daily Mail, la pugna entre ambos artistas puso en riesgo la armonía del evento más visto en la historia del fútbol.

El show, previsto para el 19 de julio en el estadio ubicado en Nueva Jersey durante el partido entre Argentina y España, fue concebido por Chris Martin, vocalista de Coldplay, quien ofició como curador oficial del primer espectáculo de medio tiempo de la FIFA en un Mundial.

El plantel de artistas incluyó a Shakira y el grupo surcoreano BTS, además de Madonna y Bieber. Pero lo que prometía ser un despliegue de estrellas se convirtió en un duelo de egos.

“Ninguno quiere irse sintiendo que tocó un papel secundario”, reveló una fuente al Daily Mail antes del espectáculo.

Y añadió: “Sus enfoques distintos han generado una tensión real entre bastidores”, dejando a Martin en la difícil posición de “tratar de resolverlo antes de que se salga de control”.

El nudo del conflicto era conceptual. Bieber, de 32 años, llegaba al escenario del Mundial con una estrategia conservadora: recuperar credibilidad tras su actuación en Coachella en abril pasado, ampliamente criticada.

Aquella presentación, su primera gran aparición desde que canceló su gira de 2022 por el síndrome de Ramsay Hunt, fue recibida con dureza en redes sociales.

Los espectadores la calificaron de “perezosa” y señalaron que el público se veía desconectado durante la transmisión en vivo.

La comparación con Sabrina Carpenter, quien encabezó el festival la noche anterior con una puesta en escena de alto impacto —y por la mitad del monto que habría cobrado Bieber, según se reportó—, agudizó las críticas.

“Su mentalidad es simple”, explicó la fuente al Daily Mail. “No complicarlo, no correr riesgos innecesarios y, sobre todo, no tener una actuación que se convierta en historia por las razones equivocadas”.

El canadiense, de acuerdo al informante, “quiere que esto sea sobre la música. Limpio, controlado, sin distracciones”.

Madonna, de 67 años, opera desde una lógica opuesta. Con cuatro décadas de carrera construida sobre la provocación y el impacto visual, la artista considera que un escenario de esta magnitud exige algo que vaya más allá de lo convencional.

“Ella cree que un escenario tan masivo requiere algo de lo que la gente hable por años”, señaló la fuente. “En su mente, una actuación en la final del Mundial debe ser inolvidable, no segura”.

El tabloide británico también recogió que Madonna no tiene intención de quedar a la sombra de nadie. “Respeta a Justin y quiere que el show sea un éxito enorme, pero no permitirá que se convierta en ‘El Show de Justin’”, indicó el informante.

“Si siente que él lleva las cosas hacia un terreno demasiado seguro, no ha sido ni será tímida en hacer valer su posición”, agregó el insider sobre la perspectiva creativa de la “Reina del Pop”.

Esa fricción convirtió cada decisión de producción en una negociación. “Encontrar el equilibrio entre el instinto de Madonna hacia el espectáculo y el deseo de Justin de mantenerse en lo básico ha sido el mayor desafío de toda la producción”, admitió la fuente. “Será interesante ver quién termina obteniendo los resultados que busca”.

Chris Martin, atrapado entre ambas posturas, tuvo además sus propias responsabilidades escénicas: participó en la actuación junto al coro infantil Public School 22 Chorus, de Staten Island.

El show también incorporó personajes de Plaza Sésamo y The Muppets, en lo que la FIFA describió como “una celebración histórica en la intersección del deporte, la música y el impacto global”.

El montaje y desmontaje del escenario directamente sobre el campo se realizó en tiempo récord.

A todo esto se suma que los artistas no recibieron ningún pago por la actuación, pues la organización corrió a cargo de Global Citizen como parte de una iniciativa humanitaria.

El presidente de la FIFA, Gianni Infantino, afirmó antes del evento que Coldplay “desempeñará un papel clave en transmitir un poderoso mensaje de unidad y esperanza a miles de millones de personas en todo el mundo”.

El Mundial 2026 no solo quedará en la memoria por el duelo entre España y Argentina, también por haber marcado un antes y un después en los espectáculos de medio tiempo. Por primera vez en la historia del campeonato, la final ofreció un show global con estrellas como Madonna, Shakira, BTS, Justin Bieber, Burna Boy y más, en una producción que desbordó creatividad, ritmo y diversidad cultural.

Si no lograste verlo en vivo, la FIFA ha puesto a disposición el espectáculo completo y sus mejores momentos en alta definición a través de su canal oficial de YouTube.

La importancia de este evento trasciende lo deportivo: el medio tiempo de la final reflejó la magnitud del Mundial como fenómeno cultural, combinando música, tecnología y mensajes de unidad. Para quienes buscan revivir o descubrir esta experiencia, existen opciones sencillas y legales para acceder a la transmisión en cualquier momento y desde cualquier dispositivo.

Cómo ver el show de medio tiempo del Mundial 2026 en HD

La FIFA ha subido el espectáculo completo en su canal oficial de YouTube (@FIFA), facilitando el acceso global a una de las producciones más ambiciosas y comentadas del año. El proceso es directo y seguro, sin necesidad de recurrir a enlaces dudosos ni plataformas no oficiales.

Guía paso a paso para acceder al video

1). Abre YouTube en tu dispositivo móvil, tablet, smart TV o computadora, o ingresa directamente a youtube.com.

2). Utiliza el buscador oficial: Escribe “FIFA World Cup 2026 Final Halftime Show”.

3). Verifica el canal: Asegúrate de seleccionar el video publicado por el canal oficial de la FIFA (identificado con la insignia gris de verificación) o por Global Citizen, coproductores del espectáculo.

4). Acceso directo: Si lo prefieres, puedes ingresar directamente a través de este enlace: (https://www.youtube.com/watch?v=B7hIiaXBpco).

5). Elige tu formato de reproducción:

• Show completo: Busca el video titulado “The FIFA World Cup Final 2026 Topps Halftime Show” (11-12 minutos).
• Segmentos individuales: La FIFA ha subido los momentos destacados por artista, como “BTS | FIFA World Cup 2026 Final Halftime Show | Full Performance” o las actuaciones de Shakira y Burna Boy.

¿Qué ocurrió en el espectáculo de medio tiempo?

La puesta en escena fue un repaso por diferentes géneros y culturas, con una realización técnica impecable y un ritmo trepidante:

• Apertura espectacular con Madonna: La Reina del Pop inauguró el show con “Music”, acompañada por las leyendas brasileñas Ronaldo y Ronaldinho, que hicieron su entrada en un jeep con la placa “Maestro”.
• Gustavo Dudamel y orquestas: El venezolano dirigió la Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar en una versión dramática de “Seven Nation Army”, sumando colores y la presencia de los Muppets.
• BTS y el momento K-Pop: Vestidos de rojo, los surcoreanos encendieron el estadio con “Dynamite” y una coreografía vibrante.
• Shakira y Burna Boy: El toque latino y africano llegó con “Dai Dai”, el tema oficial del torneo, acompañado por los Ghetto Kids y la energía única de la colombiana.
• Justin Bieber y el cierre coral: Ted Lasso (Jason Sudeikis) presentó a Justin Bieber, quien interpretó una versión acústica de “Everything Hallelujah” junto a Gustavo Dudamel, Chris Martin, el coro PS22 y los Muppets. El final, con un tableau de “LOVE” y fuegos artificiales, selló el mensaje de unidad global.

El espectáculo de medio tiempo demostró que el Mundial no es solo fútbol, también entretenimiento, inclusión y cultura global. La apuesta por una producción a la altura de los grandes eventos musicales posiciona el torneo como un referente de innovación y espectáculo en vivo.

El debut del show de medio tiempo en la final del Mundial 2026 redefinió las expectativas para los eventos deportivos. El despliegue de artistas, la combinación de géneros y la producción visual dejaron claro que la cultura pop y el deporte pueden convivir y potenciarse mutuamente en un mismo escenario.

La final del Mundial 2026 enfrenta a Argentina y España en uno de los escenarios más esperados por los fanáticos del fútbol. El partido se juega en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, Estados Unidos, un recinto con capacidad para más de 80.000 personas y tecnología de última generación. El encuentro comenzará a las 14:00 horas de Perú y reunirá a millones de espectadores en todo el mundo, atentos tanto al desenlace deportivo como a las novedades que trae esta edición del torneo.

El duelo entre argentinos y españoles marca el cierre de un campeonato que mantuvo en vilo a aficionados de todos los continentes. Ambos equipos muestran planteles con figuras de renombre y trayectorias destacadas, lo que eleva la expectativa de una final intensa y disputada. El evento adquiere una relevancia especial no solo por lo que sucede en la cancha, sino también por la innovación en el espectáculo para el público global.

Quiénes son los artistas del show de medio tiempo de la final

Por primera vez en la historia de los mundiales, la final contará con un show de medio tiempo similar al formato de la NFL, pensado para cautivar tanto a los asistentes en el estadio como a quienes siguen la transmisión desde sus hogares. El cartel de artistas incluye a algunas de las estrellas más influyentes de la música actual y de las últimas décadas.

Shakira regresa al escenario mundialista, consolidando su vínculo con los eventos deportivos tras sus actuaciones en ediciones anteriores y su reconocimiento global. La cantante colombiana compartirá el escenario con el grupo surcoreano BTS, fenómeno del pop internacional que ha logrado trascender fronteras y culturas gracias a su impacto en la música y las redes sociales.

El canadiense Justin Bieber suma su presencia como uno de los artistas más populares de la última década, aportando su repertorio de éxitos y su gran capacidad de convocatoria. A este elenco se une Madonna, figura icónica del pop que ha sido referente en la industria musical durante más de cuarenta años y que aporta una cuota histórica y vanguardista a la puesta en escena.

El espectáculo también contará con la actuación de Burna Boy, artista africano reconocido por su fusión de ritmos y su proyección internacional, además del director de orquesta Gustavo Dudamel, quien dirigirá a músicos de la Filarmónica de Nueva York y de la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela. La propuesta coral estará representada por el PS22 Chorus, que actuará junto a Coldplay, mientras que los Ghetto Kids, el cantante Emmanuel Kelly y personajes emblemáticos de los Muppets aportarán diversidad y atractivo para públicos de todas las edades.

La curaduría del show quedó en manos de Chris Martin, líder de Coldplay, quien diseñó una experiencia que integra géneros, culturas y estilos para ofrecer un espectáculo único.

El entretiempo de la final fue especialmente extendido a 17 minutos para permitir el desarrollo de esta producción, con 11 minutos dedicados exclusivamente a las presentaciones musicales y el resto destinado a tareas técnicas y de logística en el campo de juego.

Dónde ver la final y el show de medio tiempo en Perú

El evento será transmitido en vivo para Perú a través de América TV, que ofrece señal abierta para todo el país, asegurando acceso gratuito a la final y al espectáculo. La plataforma digital DGO es otra alternativa para quienes prefieren seguir la transmisión desde dispositivos móviles, televisores inteligentes o computadoras, brindando flexibilidad y alcance a diferentes tipos de audiencia.

A quienes cuentan con televisión por cable, la cobertura por DirecTV Sports permitirá disfrutar del partido y del show con una señal dedicada al deporte internacional. Estas opciones garantizan que los espectadores en Perú puedan vivir la experiencia completa de la final del Mundial 2026, desde la previa hasta el cierre, sin perder ningún detalle del fútbol ni del espectáculo musical.

La final del Mundial 2026 representará un hecho inédito en el fútbol con la incorporación de un show de medio tiempo, lo que llevará la pausa reglamentaria a 17 minutos.

Esta decisión de la FIFA responde a una estrategia que busca acercar el espectáculo futbolístico a las audiencias estadounidenses, donde el fútbol americano se caracteriza por pausas extendidas y presentaciones musicales de alto perfil.

El partido, que incluirá presentaciones de artistas de talla internacional como Justin Bieber, Madonna, Shakira y BTS, evidenciará cómo el evento deportivo más importante del planeta incorpora elementos de otras tradiciones para atraer a nuevos públicos, afirmó NBC News.

Un descanso más largo y con espectáculo: ruptura del esquema clásico

La modificación en el entretiempo, que supera el límite reglamentario de 15 minutos que impone la normativa internacional, permitirá montar un escenario sobre el campo para los artistas principales. Replicando el formato de los espectáculos musicales del Super Bowl, el evento deportivo más visto en Estados Unidos.

De acuerdo con NBC News, la duración extra del descanso genera debate entre entrenadores y jugadores, quienes advierten sobre el impacto físico de una pausa extensa en el rendimiento de los futbolistas.

NBC News destaca que el debate no es nuevo. Durante la final de la Copa América 2024, la CONMEBOL ya había implementado un show de medio tiempo, lo que generó críticas de parte de quienes consideran que estos cambios afectan la esencia del fútbol.

El entrenador de Colombia, Néstor Lorenzo, cuestionó en voz alta la conveniencia de extender el entretiempo, advirtiendo que “esos minutos de recuperación en el vestuario pueden alterar la preparación física y mental de los jugadores”.

Para el técnico, modificar tiempos tradicionales por un espectáculo externo puede tener consecuencias deportivas difíciles de cuantificar.

Pausas de hidratación: el partido ahora se juega en cuatro tramos

Otra innovación que distingue a este Mundial es la incorporación obligatoria de pausas de hidratación en la mitad de cada tiempo, con una duración de tres minutos cada una.

Esta medida, que según NBC News ya se había utilizado de manera excepcional en el Mundial de Brasil 2014 por condiciones climáticas extremas, ahora se transformó en una constante de todos los partidos.

Así, los encuentros dejan de dividirse en dos tiempos para estructurarse en cuatro tramos, lo que para varios entrenadores representa una alteración significativa del ritmo y la identidad del fútbol.

El entrenador de Inglaterra, Thomas Tuchel, expresó que estas interrupciones “modifican la identidad de un partido mucho más de lo que imaginaba”.

Por su parte, Marcelo Bielsa, seleccionador de Uruguay, sostuvo que “jugar cuatro períodos en vez de dos altera la concepción culturalmente construida de cómo interpretar el fútbol”.

Para Bielsa, la medida “no agrega nada y quita mucho”, ya que nadie consideró el impacto que podría tener sobre la naturaleza cautivante del juego.

No todas las voces coinciden. El técnico de Estados Unidos, Mauricio Pochettino, si bien no apoyó la idea en un principio, luego decidió aprovecharla para realizar ajustes tácticos durante los partidos.

Así lo hizo en un amistoso disputado en Charlotte, Carolina del Norte, cuando mostró a sus jugadores cambios de estrategia en una computadora portátil durante una de estas pausas.

En cuanto a los futbolistas, el defensor estadounidense Sergiño Dest opinó que la pausa “también es una oportunidad para calmarse y conversar con los compañeros”, considerando que puede resultar positiva bajo ciertas circunstancias.

Tradiciones estadounidenses se trasladan al fútbol global

NBC News asegura que el giro hacia los formatos estadounidenses no se limita al show de medio tiempo ni a las pausas de hidratación. Este año, la FIFA anunció que, por primera vez en la historia del torneo, los jugadores del equipo campeón recibirán anillos de campeón junto con el trofeo y las medallas de oro.

Se trata de una costumbre profundamente arraigada en el fútbol americano y otros deportes estadounidenses, donde los anillos simbolizan el logro máximo de una temporada.

En el comunicado oficial, la entidad organizadora explicó que busca “llevar una de las tradiciones más reconocibles del deporte estadounidense al juego global”.

Para NBC News, la final del Mundial refleja un proceso de adaptación en el que el fútbol internacional incorpora elementos de espectáculos y ceremonias propias de otras culturas deportivas.

Estas transformaciones abren nuevas discusiones sobre los límites entre el deporte y el entretenimiento, así como sobre el impacto de estos cambios en la experiencia de jugadores, técnicos y aficionados.

El Mundial de este año no solo coronará a un campeón, sino que también dejará huella como el torneo que dio un paso decisivo hacia el modelo de show global, fusionando el deporte tradicional con el espectáculo al estilo estadounidense.

La final del Mundial 2026 entre la selección argentina y España tendrá este domingo 19 de julio el primer show de medio tiempo en la historia del torneo. La FIFA informó que en el MetLife Stadium de Nueva York habrá una ceremonia de clausura que iniciará 90 minutos antes del arranque oficial del partido —15.00 hora local, 16.00 de Argentina y 21 de España— y un espectáculo musical durante el entretiempo, el cual excederá el límite de 15 minutos de descanso. Ambas fiestas estarán protagonizadas por figuras internacionales.

Antes del inicio de la final habrá una ceremonia de clausura que comenzará 90 minutos antes del saque inicial: 13.30 hora local, 14.30 de Argentina y 19.30 de España. Ese bloque abrirá la jornada en el mismo estadio donde luego se enfrentarán la Albiceleste y la Roja. Hay que recordar que los tres shows de apertura en el arranque de la Copa del Mundo tuvieron una duración aproximada de 20 minutos.

El número principal de la ceremonia de cierre estará a cargo del artista Post Malone. También fueron anunciadas las actuaciones de Laura Pausini, Nicole Scherzinger, Robbie Williams y el reconocido streamer IShowSpeed, junto con una aparición especial del actor Tom Cruise.

En la previa del partido, Jennifer Hudson, ganadora de los premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony, interpretará una versión especial del himno nacional de Estados Unidos. La puesta de apertura fue desarrollada en colaboración creativa con Balich Wonder Studio. Según la información difundida por la FIFA, la idea es combinar entretenimiento global y fútbol en la antesala del partido que consagrará al próximo campeón del mundo.

La novedad central de esta final no pasa solo por el título en juego. Por primera vez, la FIFA incorporará un show de medio tiempo en una Copa del Mundo, con producción a gran escala, artistas internacionales y una estructura pensada para no extender el descanso mucho más allá del formato habitual.

En los días previos se hablaba de una pausa cercana a la media hora, en línea con los espectáculos del Super Bowl e incluso con antecedentes recientes como la Copa América 2024 y el Mundial de Clubes de 2025. A falta de confirmación oficial, según informó el portal español Marca, el entretiempo tendrá apenas dos minutos más que un descanso tradicional. El margen de 17 minutos de entretiempo se dividirá en seis minutos previstos para el armado y desarmado del escenario, además del segmento musical central que ocupará 11 minutos.

El espectáculo estará curado por Chris Martin. La producción correrá por cuenta de Global Citizen, Live Nation y Done + Dusted. La lista de artistas del show de medio tiempo incluye a Justin Bieber, Madonna, Shakira y BTS como principales figuras. También participarán Burna Boy, Plaza Sésamo, Los Muppets y el coro PS22 Chorus, integrado por alumnos de cuarto y quinto grado de una escuela primaria de Staten Island, que actuará junto a Coldplay.

El objetivo del espectáculo también tiene una dimensión solidaria. El show apoyará al Fondo de Educación FIFA Global Citizen, una iniciativa que busca reunir USD 100 millones para ampliar el acceso a la educación de calidad y al fútbol para chicos de todo el mundo. Entre los nombres mencionados para ese segmento también aparece Gustavo Dudamel en la información oficial.

LOS ARTISTAS QUE PARTICIPARÁN DE LOS ESPECTÁCULOS DE LA FINAL DEL MUNDIAL 2026

Ceremonia de clausura:

• Post Malone
• Laura Pausini
• Nicole Scherzinger
• Robbie Williams
• IShowSpeed
• Tom Cruise

Show de medio tiempo

• Justin Bieber
• Madonna
• Shakira
• BTS
• Gustavo Dudamel
• Burna Boy
• Coro PS22 Chorus
• Coldplay
• Plaza Sésamo
• Los Muppets

A QUÉ HORA SERÁ CEREMONIA DE CLAUSURA DEL MUNDIAL 2026

Horarios: 14:30 horas (Argentina) / 19:30 horas (España) / 13:30 (Nueva York, Estados Unidos)

Horarios en América: 14:30 horas (Brasil, Uruguay y Paraguay) / 13:30 horas (Chile, Bolivia, Venezuela y Miami, Estados Unidos) / 12:30 horas (Ecuador, Perú, Colombia y Panamá) / 11:30 horas (México, El Salvador, Honduras y Costa Rica)

Horarios en Europa: 19:30 (Italia, Francia y Alemania) / 18:30 (Gran Bretaña)

A QUÉ HORA SE JUGARÁ LA FINAL DEL MUNDIAL 2026 ENTRE ARGENTINA Y ESPAÑA

Horarios: 16:00 horas (Argentina) / 21:00 horas (España) / 15:00 (Nueva York, Estados Unidos)

Horarios en América: 16:00 horas (Brasil, Uruguay y Paraguay) / 15:00 horas (Chile, Bolivia, Venezuela y Miami, Estados Unidos) / 14:00 horas (Ecuador, Perú, Colombia y Panamá) / 13:00 horas (México, El Salvador, Honduras y Costa Rica)

Horarios en Europa: 21:00 (Italia, Francia y Alemania) / 20:00 (Gran Bretaña)

CÓMO VER EN VIVO LA FINAL DEL MUNDIAL 2026 ENTRE ARGENTINA Y ESPAÑA

Televisación en Argentina: TV Pública, Telefé, DSports, Disney+, Paramount+ y TyC Sports (Argentina)

Televisación en España: DAZN y LA1 de RTV (España)

Televisación en otros países: DSports y Disney + (Sudamérica) / Unitel, Tigo, EntelTV y Red Uno (Bolivia) / Cazé TV, TV Globo, SporTV, GETV y SBT (Brasil) / ViX, TUDN, Canal 5, Las Estrellas, TV Azteca y Nueve (México) / DSports y Canal 5 (Uruguay) / DSports y Teleamazonas (Ecuador) / DSports, RCN, Caracol y Win Sports (Colombia) / DSports (Perú) / Dsports y Televen (Venezuela) / Universo, Telemundo, Fox y Peacock (Estados Unidos) / Fox+, TDMax y Teletica 7 (Costa Rica) / Tigo Sports, Fox y Canal 4 (El Salvador) / BeinSports y M6 (Francia) / BBC, STV e ITV 1 (Gran Bretaña) / Tigo Sports, FOX y Canal 7 (Guatemala) / Tigo Sports, TVC y Fox (Honduras) / DAZN y Rai (Italia) / RPC, Fox, Tigo Sports y TV Max (Panamá)

EL ESTADIO EN EL QUE SE JUGARÁ LA FINAL DEL MUNDIAL 2026 ENTRE ARGENTINA Y ESPAÑA

La final del Mundial 2026 entre España y Argentina marcará un antes y un después en la historia de la Copa del Mundo. Por primera vez, la FIFA incorporará un espectáculo musical durante el medio tiempo del partido por el título, siguiendo un formato similar al que se realiza en otros grandes eventos deportivos internacionales, como el Super Bowl.

El encuentro se disputará el domingo 19 de julio en el Estadio Nueva York-Nueva Jersey, en East Rutherford, y además de definir al nuevo campeón del mundo, contará con un espectáculo que reunirá a artistas de talla internacional y extenderá la duración habitual del descanso.

¿A qué hora inicia y cuánto dura el medio tiempo?

El silbatazo inicial del partido está programado para las 13:00 horas, tiempo del centro de México. Si el desarrollo del primer tiempo transcurre sin interrupciones importantes, el descanso comenzará aproximadamente entre las 13:50 y las 14:00 horas, aunque el horario dependerá del tiempo agregado y de las pausas de hidratación.

A diferencia de las finales mundialistas anteriores, el medio tiempo no durará los tradicionales 15 minutos. En esta ocasión, el descanso se extenderá cerca de media hora para permitir el montaje del escenario, la presentación musical y el desmontaje de la infraestructura antes del inicio de la segunda mitad.

El espectáculo tendrá una duración aproximada de 11 minutos, mientras que el resto del tiempo será utilizado para preparar el terreno de juego y garantizar la transmisión del evento a nivel internacional.

Los artistas que participarán en el show de la final del Mundial 2026

La FIFA y Global Citizen confirmaron que Madonna, Shakira, Justin Bieber y BTS encabezarán el primer espectáculo de medio tiempo en una final de la Copa del Mundo.

Además, el evento contará con la participación de Burna Boy, el director de orquesta Gustavo Dudamel, Coldplay y el PS22 Chorus, quienes formarán parte de una producción diseñada especialmente para la final.

La dirección artística estará a cargo de Chris Martin, vocalista de Coldplay, mientras que la producción correrá por cuenta de Global Citizen, Live Nation y Done + Dusted, organizaciones responsables de llevar este formato por primera vez al escenario de una final mundialista.

¿Quiénes interpretarán los himnos en la final del Mundial 2026?

La ceremonia previa a la final de la Copa Mundial 2026 contará con un protocolo especial que incluirá la interpretación de tres himnos nacionales antes del silbatazo inicial.

La primera interpretación será el himno de Estados Unidos, al tratarse del país sede de la gran final, y estará a cargo de la cantante y actriz Jennifer Hudson. Posteriormente, se entonarán los himnos de Argentina y España, las selecciones que buscarán quedarse con el título mundial.

Hasta el momento, la FIFA no ha confirmado quiénes serán los artistas encargados de interpretar los himnos de las selecciones finalistas.

Además del protocolo tradicional, la final del torneo internacional tendrá un espectáculo musical especial con el estreno del nuevo himno oficial de la FIFA, “Desire”, interpretado en vivo por el británico Robbie Williams y la italiana Laura Pausini.

La organización prepara una ceremonia con una producción de gran escala, efectos visuales y actuaciones musicales que acompañarán el cierre de una Copa del Mundo histórica por ser la primera edición organizada por tres países: México, Estados Unidos y Canadá.

El video es obra de Tutanka, un artista argentino anónimo que opera bajo la cuenta @nosoytutanka y que desde 2016 produce contenido en el que mezcla cultura pop con política. Con 141.000 seguidores, sus creaciones trascienden las redes: algunas de sus obras en blanco y negro aparecen en las calles de Buenos Aires. El clip ya supera el millón de reproducciones, acumula más de 34.000 “me gusta” y más de 5.300 réplicas.

La producción utiliza técnicas de deepfake —imágenes alteradas con inteligencia artificial— para insertar a los futbolistas argentinos dentro del videoclip oficial de “Danceteria”, publicado a principios de junio como parte de la promoción de Confessions II, el nuevo álbum de Madonna (67). En el original, la cantante ingresa a un baño donde la espera, entre otros, la modelo Kate Moss, y luego se mezcla con bailarines y figuras como los actores Benedict Cumberbatch y Odessa A’zion.

En la versión con IA, Messi ocupa el lugar de Madonna e ingresa al baño, mientras que Scaloni reemplaza a Cumberbatch en el centro de la pista. Emiliano “Dibu” Martínez baila con su vestimenta de arquero, y Claudio “Chiqui” Tapia, presidente de la Asociación del Fútbol Argentino (AFA), sale de uno de los cubículos. El titular de la FIFA, Gianni Infantino, también aparece en esa escena, junto a Tapia, en una secuencia que en el video original protagonizan los actores Gwendoline Christie y Richard Grant.

Entre los momentos que más comentarios generaron se destacan el beso entre Enzo Fernández y Julián Álvarez —que dura apenas unas décimas de segundo—, la aparición de Lautaro Martínez caracterizado como bailarín de ballet y la de Giovani Lo Celso con un trago en la mano. Lisandro Martínez, Cristian “Cuti” Romero, Alexis Mac Allister y Nicolás Tagliafico también tienen escenas propias, varios de ellos con prendas de cuero. El clip cierra con Fernández, Lo Celso, Nicolás Otamendi y Rodrigo De Paul de espaldas a la cámara, frente a una fila de mingitorios.

Al descubrir que Madonna había compartido su trabajo, Tutanka reaccionó en sus propias historias de Instagram con una captura de pantalla de la réplica y escribió: “No la vi venir”. Luego subió un video de María Becerra en los Latin American Music Awards 2022, en el que la cantante pronunció la frase “No preparé nada, no me tenía ni fe”.

El álbum Confessions II —cuyo título remite a Confessions on a Dance Floor (2005)— es el primer lanzamiento de Madonna en siete años, tras Madame X (2019). Con este disco, la artista alcanzó su décimo álbum número uno en el ranking Billboard 200, convirtiéndose en la primera artista en liderar esa lista durante cuatro décadas distintas. Además, Confessions II registró la semana de streaming más grande en la historia de la artista y la mejor semana de ventas de álbumes en más de una década.

El gesto de Madonna cobra mayor dimensión por el contexto: la cantante participará junto a Shakira, BTS, Justin Bieber, Coldplay y Burna Boy en el show de medio tiempo de la final de la Copa del Mundo 2026, el próximo 19 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey. Ese día, Argentina enfrentará a España con el objetivo de conquistar el bicampeonato mundial.

El 27 de julio de 1990, el estadio Vicente Calderón fue el escenario en el que, por primera vez en España, cantó la que probablemente sea la diva del pop más grande de todos los tiempos. La ambición rubia, tal es el nombre con el que se empezó a concoer a Madonna a partir de aquel Blond Ambition World Tour con el que asombró al mundo, hizo vibrar a la capital de España al ritmo de himnos como Like a Prayer o Material Girl.

Han pasado 36 años desde entonces, más de cuarenta si tenemos en cuenta la primera vez que un álbum de la cantante, Like a virgin, consiguió ser el más vendido de España. Sin embargo, ahora Madonna ha logrado volver al primer lugar de la lista oficial de álbumes más vendidos en España, gracias a su nuevo trabajo Confessions II, con el que ha logrado incluso desplazar al cantante canario Quevedo al segundo puesto, tras una larga racha dominante del artista en los rankings nacionales.

La semana comprendida entre el 3 y el 9 de julio, según el recuento oficial de Promusicae, consagró a la “ambición rubia” con un nuevo número uno en España, igualando sus recientes éxitos en Estados Unidos y otros países europeos. Sin embargo, no es este el único logro del disco, que también ha logrado estupendas críticas por parte de los especialistas tras la regular recepción de sus anteriores discos, Madame X o Rebel Heart.

Así está la lista de los discos más vendidos

Según los datos de Promusicae, la lista nacional de álbumes más populares deja en segundo puesto a Quevedo con El baifo, que había recuperado momentáneamente el liderazgo tras haber sido superado por Olivia Rodrigo y su álbum You Seem Pretty Sad For A Girl So In Love. Rodrigo, que mantiene su disco entre los más escuchados, ostenta ya la certificación de oro en España, una distinción otorgada tras superar las 20.000 unidades vendidas.

Entre los diez primeros puestos destacan también Bad Bunny con Debí tirar más fotos en el tercer lugar, Omar Courtz en el quinto con Por si mañana no estoy, BTS en sexto con Arirang, así como los nombres de Bad Gyal, Aitana, Rosalía y Dellafuente. En cuanto a los sencillos, La graciosa y Al golpito siguen siendo los más exitosos, seguidos de Dai Dai de Shakira y colaboraciones como la remezcla de De lejitos de Jay Wheeler y Omar Courtz, así como Pa ti toa<3 de Ana Mena y Lola Índigo.

En cuanto a ventas de vinilos, el decimoquinto álbum de estudio de Madonna se ha posicionado también como el más vendido durante su semana de lanzamiento. En esa categoría, Olivia Rodrigo y Rosalía ocupan el segundo y tercer lugar respectivamente, mientras que la británica Sienna Spiro ha debutado cuarta con Visitor, pese a contar con menos seguimiento en España.

Lo único que falta por saber es si Confessions II tendrá una nueva gira de la artista estadounidense, que de momento solo ha celebrado un concierto íntimo y anunciado con muy poca antelación (Club Confessions) para agradecer la buena recepción que ha tenido su nuevo disco, el décimo en conseguir también un número uno en la lista Billboard 200.

La cantante Madonna relató cómo logró adquirir uno de los autorretratos más emblemáticos de Frida Kahlo tras años de admiración y búsqueda.

En entrevista reciente con la revista Vogue -para sus redes sociales-, la intérprete de “Like a Virgin” compartió que su vínculo con la artista mexicana comenzó en su adolescencia, cuando visitaba el Instituto de Artes de Detroit, y culminó en 1980, cuando compró el “Autorretrato con mono” por un millón de dólares en una subasta.

El interés de Madonna por la obra de Kahlo se consolidó a partir de su identificación con la figura de la pintora y su historia de superación.

Frida Kahlo en la vida de Madonna: una admiración desde la adolescencia

Madonna explicó que durante sus años de preparatoria en Michigan, el único museo accesible era el Instituto de Artes de Detroit. Ahí, entre murales de Diego Rivera, la cantante quedó cautivada por pequeñas fotografías de una mujer mexicana de mirada intensa y presencia única. Según Madonna, la imagen de Frida Kahlo la impactó por el aplomo y la belleza poco convencional que proyectaba.

La cantante describió a Kahlo como “una especie de musa eterna” y recordó que, al mudarse a Nueva York, encontró una postal del autorretrato en una feria callejera. Este hecho reforzó su convicción de que, algún día, esa obra formaría parte de su colección personal.

El camino hacia la adquisición del “Autorretrato con mono”

El deseo de poseer una obra de Frida Kahlo se mantuvo presente durante los primeros años de carrera de Madonna. “Desde ese momento me prometí que algún día tendría ese cuadro. Once años después esa pintura salió a subasta y pasó a ser mía”, relató la intérprete.

En 1980, Madonna pudo concretar la compra del “Autorretrato con mono” por un millón de dólares, cifra que en ese momento representó una de las transacciones más altas para una obra de la pintora mexicana. La cantante subrayó que la historia de vida de Kahlo, marcada por la adversidad y la voluntad de superación, la llevó a identificarse profundamente con la artista.

Madonna señaló: “Ella simplemente transmite un aire de ‘no te metas conmigo’, así que me da mucha fuerza”. Reconoció a Kahlo como “una artista en apuros”, cuya lucha por el reconocimiento y el lugar en el arte mundial resuena con quienes se sienten marginados o fuera de lugar.

Restricciones legales y protección del patrimonio mexicano

La relevancia de la obra de Frida Kahlo no se limita al mercado internacional del arte. El pasado viernes 10 de julio, la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, respaldó la decisión del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) de impedir la exportación definitiva de una obra de Kahlo, protegida como parte del patrimonio cultural de México.

La defensa institucional ocurre en medio de un debate jurídico que llegó a la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN), donde se discute la validez de un decreto presidencial de 1984. Dicho decreto declaró monumento artístico toda la obra de Kahlo, lo que ha motivado litigios sobre la posibilidad de que piezas en colecciones privadas sean exportadas de manera definitiva.

La controversia más reciente involucra el “Autorretrato con medallón” (1948), obra protegida por el decreto y motivo de un amparo promovido por el Banco Ve Por Más. Los ministros de la SCJN reasumieron la competencia para determinar si el decreto puede restringir la exportación de obras de Kahlo más allá de lo que establece la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

Madonna y el valor simbólico de Frida

La historia de Madonna con el autorretrato de Kahlo es un ejemplo del impacto internacional de la pintora mexicana y del valor simbólico que su obra tiene para coleccionistas y artistas de otras latitudes. Para la cantante, el cuadro es más que una pieza de arte: representa fuerza, resiliencia y la posibilidad de encontrar inspiración en figuras que trascienden fronteras y épocas.

Bob Geldof y su novia, Paula Yates, estaban haciendo lo mismo que hacían todas las noches: mirar la BBC. Un informe de cuatro minutos sobre la grave situación humanitaria en Etiopía captó la atención de él. Las imágenes daban cuenta de la hambruna de ese país en un continente al que el mundo trataba como si fuera otro planeta, distante y desconocido. Esos cuatro minutos iban a cambiar la historia de la música.

Geldof, irlandés, cantante, compositor y, por ese entonces, líder de The Boomtown Rats, llamó a su amigo Midge Ure, el frontman de Ultravox. Acababa de tener una idea que, a la luz de cómo terminó ese impulso, resultaría demasiado modesta: escribir una canción, convocar a artistas importantes para grabarla, y donar las regalías a Etiopía.

La idea era novedosa y también era riesgosa. El rock no tenía aceitado ningún mecanismo enfocado en la solidaridad. Más bien era un género que, en algunos casos, denunciaba y miraba con cinismo al sistema, aunque nunca tanto como el punk. Pero no actuaba colectivamente sobre eso que denunciaba. No sólo porque no había construido sus herramientas para hacerlo, sino también porque el mundo del rock no debía verse como un mundo empático, frágil, conmovido. Y porque cada estrella cuidaba lo suyo: la guerra de egos era una constante.

Dos canciones y un plan

Pero aunque el rock era todo eso, Geldof insistió y el plan se puso en marcha. Sting, Phil Collins, Bono, Boy George y George Michael fueron algunos de los que le pusieron la voz al single “Do they know it’s Christmas?”, que alcanzó el primer lugar en los rankings en los días previos a la Navidad de 1984.

Meses después, el modelo fue replicado en Estados Unidos: Michael Jackson y Lionel Richie escribieron nada menos que la histórica “We are the world”, y junto al emblemático productor Quincy Jones convocaron a Bob Dylan, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Cindy Lauper, Paul Simon, Billy Joel y otras grandes estrellas para grabarla en una sola sesión tras la entrega de los Grammy de 1985.

Esa noche, Quincy Jones, un trompetista virtuoso y el histórico productor que acompañó a Michael Jackson a convertirse en el rey del pop, le presentó a su plantel de súper estrellas al inspirador del proyecto: Bob Geldof. Geldof no dudó y dio un discurso estremecedor sobre el hambre en África. Habló del hambre, dio cifras insoportables y llamó a todos esos artistas a accionar en contra de esa masacre. Lo aplaudieron y parecían convencidos de hacerlo.

Unas horas después, el líder de The Boomtown Rats, volvió a hacerse del micrófono sin que nadie se lo diera y gritó. Empezó a quejarse del lujoso catering que estaban consumiendo. Alguien lo interrumpió para aclararle que el catering era una donación. Geldof no volvió a usar el micrófono esa noche. Y se quedó pensando. Ambos singles, el grabado en Inglaterra y el que se había editado en Estados Unidos, habían recaudado decenas de millones de dólares. Estaba seguro de que podía hacerse más.

El hombre que insistió hasta que le dijeron que sí

En marzo de 1985, cada vez más enfocado en lograr un cambio más grande para ese país que lo había desvelado en el informe de la BBC, Geldof se reunió con Harvey Goldsmith, el promotor de rock más importante del Reino Unido.

Le propuso algo que Goldsmith consideró directamente imposible: un recital simultáneo en dos continentes, con los mayores artistas del mundo de la música sobre el escenario. Goldsmith intentó disuadirlo: juntar a tanta gente era inviable, la coordinación entre Europa y Estados Unidos sería dificultosísima, y los egos de los artistas más grandes terminarían de imposibilitar el plan.

Geldof asintió con la cabeza y cuando Goldsmith terminó de hablar le dijo: “Creo que el 13 de julio es una buena fecha. Ya averigüé y Wembley está disponible”. El histórico Live Aid ya era una idea imparable.

Esa misma tarde, una discográfica le cedió una oficina y Geldof se puso a trabajar. Lo primero fue contactar a Bill Graham, el mítico promotor musical norteamericano, que sería el hombre clave al otro lado del Atlántico. Después vino el obstáculo más difícil: convencer a los artistas y lidiar con sus aires de grandes estrellas.

El éxito de los singles benéficos había ablandado a algunas de las grandes figuras. Pero, aunque hoy parezca increíble, en ese entonces nadie quería excederse en sus demostraciones de empatía y fragilidad. El rock, el verosímil con su público y el negocio que llevaba implícito, consistía en ser “chicos malos”.

Geldof utilizó un recurso muy simple y muy eficaz. A cada nombre importante que contactaba le aseguraba que otras grandes estrellas ya habían aceptado, y remataba siempre con la misma pregunta: “¿Vos te vas a quedar afuera?”. A Sting le dijo que Elton John y Billy Joel ya se habían sumado. Cuando habló con Elton, le informó que los primeros en aceptar habían sido Sting y Billy Joel.

El mismo método funcionó con las cadenas televisivas. NBC y CBS rechazaron la propuesta. ABC era la última opción. Al iniciar esa reunión, Geldof explicó que no podía comprometerse porque había prometido a NBC comunicarle cualquier oferta superior. ABC aceptó.

Reducir costos, agrandar la marquesina

El problema dejó de ser conseguir artistas y pasó a ser rechazar propuestas de grupos con enorme convocatoria sin destruir relaciones: ya no había lugar para tantos. El presupuesto original bajó de 20 millones de dólares a 4 gracias a donaciones, ahorros y presiones para abaratar los costos. Cuando llegó una factura de 15 mil dólares por placas conmemorativas de agradecimiento, Geldof amenazó con despedir a todo el equipo de producción norteamericano. En apenas un rato, esa misma factura bajó a 5 mil.

La recaudación se estructuró en cuatro rubros: las casi 200 mil entradas de ambos estadios —que se agotaron en horas—, los derechos televisivos vendidos a 150 países, el merchandising y las maratones televisivas que se organizaron para poder recibir donaciones por esa vía.

Geldof exigió que en cada país importante de Europa, Asia y América hubiera centros de recaudación simultáneos al show. Cuando algunos países se resistieron, amenazó con retirarles los derechos de transmisión. Hubo 22 maratones televisivas alrededor del mundo.

Wembley y Philadelphia

El estadio de Wembley, en Londres, era el escenario más grande que el Reino Unido podía ofrecer y estaba preparado para 72 mil personas. El estadio JFK de Philadelphia, elegido para la pata estadounidense del enorme evento solidario, tenía capacidad para 99 mil. El 13 de julio de 1985 los dos estaban repletos.

A las doce del mediodía en Londres —las siete de la mañana en Philadelphia— una voz anunció: “Son las 12 en punto en Londres, las 7 de la mañana en Estados Unidos, y en todo el mundo, es hora del Live Aid”. Llegaron nada menos que los príncipes de Gales, Carlos y Diana. La banda Coldstream Guards tocó el saludo real. Y a continuación salió a escena Status Quo, que abrió el show con “Rockin’ All Over The World” ante 72 mil personas que llevaban horas en las tribunas, esperando por los primeros acordes.

Lo que siguió fue una sucesión de presentaciones que, en total, duraron dieciséis horas imparables y que batieron todos los records. Ni la final del Mundial de 82 ni los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 84 habían llegado a los 1.500 millones de espectadores televisivos de todo el mundo que tuvo ese día el Live Aid. Algunos artistas encontraron sobre esos escenarios su consagración definitiva. Y algunos otros hicieron algo entre una presentación mediocre y un papelón.

Un desconocido ante el micrófono

La apertura del show en el estadio JFK fue una de las perlas de la jornada. El primer artista en subir al escenario norteamericano fue un chico de 18 años con rulos, una armónica colgada al cuello y una guitarra. Se presentó como Bernard Watson. Su nombre real era David Weinstein y sus antecedentes artísticos eran prácticamente nulos.

Cuando escuchó en la radio que se realizaría el concierto en Philadelphia, consideró, sin motivos artísticos pero sí con mucha determinación, que él era el indicado para abrirlo. Se instaló en el estacionamiento del estadio JFK y durmió ahí durante varios días esperando cruzarse con el productor Bill Graham para convencerlo.

Antes de llegar al promotor, lo encontraron algunos periodistas que publicaron su historia como una curiosidad en un recuadro de la sección de espectáculos del diario local. A media mañana, Graham mandó a un emisario con un cassette para conocer su música. Diez minutos después, el propio Graham bajó al estacionamiento con una bandeja de comida y le dijo: “Comé que tenés que estar bien para el sábado. Parece que vas a abrir el show… ¿o pretendés ser el que lo cierre?”.

Bernard Watson abrió el Live Aid en Estados Unidos y, después de su presentación, le cedió el escenario al actor Jack Nicholson, que leyó un discurso sobre el escenario del hambre en África y especialmente en Etiopía. “Nunca estuve tan nervioso en mi vida, por suerte traje anotado todo lo que quería decir”, dijo el actor de El resplandor tras dirigir sus palabras a casi 100.000 personas. Lo que siguió fue la presentación de Joan Baez, que le dijo al público: “Disfruten, este es su Woodstock”.

Luces y sombras

En Wembley, Geldof tocó con sus Boomtown Rats y en el momento en que la letra decía “and the lesson today is how to die” (“y la lección de hoy es cómo morir”), levantó el puño izquierdo e hizo una pausa. El estadio estalló. Midge Ure tocó con Ultravox. Sade fue el primer gran deslumbramiento en el estadio.

Elvis Costello subió solo con una guitarra eléctrica y tocó un himno a la unión de los seres humanos: “All you need is love”, de los Beatles. Sting y Phil Collins hicieron un set conjunto que incluyó una versión acústica de “Every breath you take”.

Phil Collins tuvo el día más agitado de todos. Fue el único artista en tocar en los dos escenarios. Después de su actuación en Wembley, una moto lo llevó al aeropuerto, cruzó el Atlántico sobre un Concorde —usó esas tres horas de vuelo para repasar las canciones de Led Zeppelin— y subió al escenario en Philadephia.

U2 todavía no era una de las bandas más importantes del planeta. El Live Aid les valió esa consagración.. Tocaron “Sunday bloody sunday” y el público enloqueció. En la segunda canción de su show, “Bad”, Bono empezó a hacerles señas a los encargados de seguridad: les marcaba una zona del público.

Como no lo entendieron, bajó del escenario y se acercó a una chica de 15 años que estaba siendo asfixiada por la presión de la multitud. La abrazó, bailó unos segundos con ella y volvió al escenario para terminar una versión de más de diez minutos de la canción del disco “The unforgettable fire”.

No tuvieron tiempo para la tercera canción pero no importó: la presentación de U2 había sido extraordinaria en todos los sentidos posibles, y la chica del público contaría en 2005 que Bono le había salvado la vida.

Led Zeppelin fue quizás el momento más esperado del show en Estados Unidos. Se presentaron como Page, Plant y Jones —sin John Bonham, muerto en 1980, no podían llamarse formalmente Led Zeppelin— con Tony Thompson de Chic en la batería y Phil Collins como segunda batería, en una combinación que casi no habían ensayado.

La presentación fue desastrosa. Page, el eximio guitarrista de la banda, estaba en pésimo estado. Plant desafinaba. John Paul Jones intentaba mantener la estructura de las canciones con su bajo, pero era un trabajo imposible. Los propios Page y Plant se opusieron a que su actuación fuera incluida en el DVD del evento que se editó años después: había sido un papelón.

Madonna también tuvo una mala noche en Philadelphia. Antes de salir al escenario, alguien le dijo que en los pasillos se rumoreaba que lo más poderoso de sus shows era que se sacaba la ropa y no mucho más. Salió a escena enojada y desconcentrada: dio un espectáculo correcto pero sin toda la potencia y el histrionismo de los que es es capaz.

Bob Dylan fue el encargado de cerrar el show en Estados Unidos. Keith Richards y Ron Wood fueron sus acompañantes. La falta de ensayo y un Dylan disperso hicieron que la presentación fuera bastante olvidable. Durante “Blowin’ in the wind”, Dylan rompió las cuerdas de su guitarra. Ron Wood, en un gesto de amistad, le dio la suya y se quedó sin instrumento hasta que le trajeron uno de repuesto.

Del otro lado del océano, Paul McCartney cerró la presentación en Wembley con “Let it be” al piano. El micrófono falló durante los primeros dos minutos. El público reclamaba a gritos. McCartney tuvo que repetir versos y estrofas mientras los técnicos intentaban arreglar el sonido.

Sus acompañantes —David Bowie, Pete Townshend, el mismísimo Geldof— se equivocaron repetidamente en la letra. Fue un final incluso más caótico que el de Dylan, su guitarra rota y su desgano. McCartney tuvo que volver a grabar su voz para la edición en DVD del show.

Queen, veinte minutos para la historia

Todos los artistas tenían veinte minutos para estar sobre el escenario. Pero nadie los aprovechó como Queen. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon salieron al escenario de Wembley y tocaron algunas estrofas de “Bohemian Rhapsody”. Siguieron “Radio Ga Ga”, “Hammer to fall”, “Crazy little thing called love”, “We will rock you” y “We are the champions”. Fue una avalancha de hits, una presentación arrolladora en la que Freddie Mercury se adueñó del público, de sus voces, de sus estados de ánimo.

No era el mejor momento de Queen en términos de popularidad. La prensa norteamericana no los trataba bien y la banda venía de años complicados, sobre todo en cuanto al vínculo entre ellos.

Pero en Wembley nada de eso importó. Aprovecharon su oportunidad y dieron el show de sus vidas. En una encuesta hecha a nivel global varios años después, la actuación de Queen en el Live Aid fue elegida el mejor concierto de rock de todos los tiempos, con el 79% de los votos.

100 millones de dólares y denuncias

Mientras Queen tocaba, el festival ya había recaudado más de un millón de libras esterlinas. La recaudación total del Live Aid superó los 100 millones de dólares. Fue transmitido en directo en más de 72 países. El dinero fue administrado por la fundación Band Aid Trust, creada por Geldof y destinada a la lucha contra el hambre en África.

Años después surgieron denuncias de que parte de los fondos enviados a Etiopía habían sido utilizados por el gobierno de ese país para comprar armas y financiar traslados forzosos de población en el marco de un programa de “reasentamiento” que dejó miles de muertos.

La BBC realizó una investigación al respecto. Geldof salió a desmentirlo con dureza y la BBC terminó publicando una disculpa antes de cada informativo luego de que se demostrara que las acusaciones contra Band Aid eran falsas.

Veinte años después del Live Aid, Geldof organizó el Live 8, otro mega concierto con fines benéficos. En el camino fue nombrado Caballero de la Corona y nominado varias veces al Premio Nobel de la Paz. Cada tanto se queja amargamente de que su labor filantrópica opacó su carrera como músico. Dijo, textualmente: “De no ser por el Live Aid yo hoy sería como Sting”

Después de aquel histórico 13 de julio de 1985, esa fecha se convirtió en el Día Mundial del Rock. Es que, aunque ese género musical parecía no querer saber nada con mostrarse solidarios, frágiles y empáticos, finalmente se brindaron a un objetivo común que iba más allá de todos los egos. Mostraron el corazón en vez de los dientes.

Madonna continúa sumando logros a su trayectoria musical. La cantante, de 67 años, alcanzó el primer lugar de la lista Billboard 200 con su nuevo álbum Confessions II, convirtiéndose en su décimo lanzamiento en llegar a la cima de este ranking.

De acuerdo con información publicada tras el lanzamiento, el disco registró más de 134 mil unidades vendidas durante su primera semana en Estados Unidos.

Con este resultado, Madonna se une a The Beatles como una de las únicas artistas que han conseguido colocar 10 álbumes en el número uno tanto del Billboard 200 estadounidense como de la lista oficial de álbumes del Reino Unido.

El nuevo material representa la continuación de Confessions on a Dance Floor, álbum publicado en 2005 que marcó una etapa importante dentro de la discografía de la artista.

La llegada de Confessions II generó expectativa entre sus seguidores y fue acompañada por distintas actividades promocionales, entre ellas apariciones sorpresa y presentaciones especiales.

El 11 de julio, la famosa realizó una aparición sorpresa durante el evento Club Confessions en el Knockdown Center de Brooklyn, Nueva York, una presentación que se sumó a actividades previas realizadas en ciudades como West Hollywood, París y Londres.

El álbum aborda temas personales relacionados con distintas experiencias de vida de la cantante. Entre sus canciones se encuentran referencias a la pérdida, la recuperación emocional y momentos de su trayectoria profesional.

En el tema “Fragile”, Madonna realiza un homenaje a su hermano Christopher, quien falleció en 2024.

Por otra parte, en “The Test”, interpreta una colaboración con su hija mayor, Lola León, en la que aborda una relación familiar y un proceso de reconciliación. La canción “Danceteria” incluye referencias a personas que acompañaron a la artista durante sus primeros años en la escena musical.

Durante una entrevista en el programa británico The Graham Norton Show, Madonna habló sobre el proceso creativo detrás de Confessions II. La cantante explicó que muchas de sus ideas musicales surgen de manera espontánea cuando no intenta forzar el proceso de composición.

“Es como si me poseyeran las ideas. Llegan cuando no me esfuerzo demasiado”, comentó durante la conversación. También señaló que canciones como “One Step Away” surgieron a partir de una conexión personal con la música.

Antes del lanzamiento del álbum, la intérprete realizó diversas actividades para presentar el proyecto al público. Entre ellas estuvo una presentación sorpresa en Times Square, Nueva York, además de su participación en el Festival de Tribeca, donde presentó un cortometraje relacionado con la nueva etapa musical.

La producción audiovisual fue descrita como una historia que sigue a la cantante durante una experiencia nocturna de carácter surrealista.

Madonna explicó durante el evento que la idea del cortometraje surgió con la inspiración de su representante de larga trayectoria, Guy Oseary, y señaló que ella y los directores trabajaron durante seis meses en el proyecto.

La artista también compartió un mensaje dirigido a sus seguidores sobre su visión actual de la creatividad y la vida pública. Durante una de sus apariciones, recomendó mantenerse abiertos a nuevas experiencias, observar el entorno y establecer conexiones personales más allá de los dispositivos electrónicos.

El actor, ganador de dos premios Oscar, repasó en una entrevista para el podcast de Louis Theroux los pormenores de aquel trabajo en el que compartió pantalla con la estrella del pop, en un contexto donde la presión mediática y la exposición pública alcanzaron su punto máximo.

Según explicó en la entrevista Sean Penn, la experiencia en Aventuras en Shanghai estuvo atravesada por el peso de la fama y la atención constante de la prensa. Rolling Stone recordó que, para la prensa de la época, la pareja era sinónimo de conflicto y magnetismo: la prensa sensacionalista documentó cada paso y cada incidente dentro y fuera del set, alimentando una narrativa de tensión.

Durante la conversación con Louis Theroux, periodista británico, Penn repasó con ironía el rodaje, la convivencia con Madonna y las críticas que recibió la película. El actor señaló que la presencia de la cantante y actriz en el proyecto marcó también el pulso del ambiente.

“Tenemos que mencionarlo, porque ese pudo haber sido mi mayor delito”, bromeó sobre el hecho de compartir escena y vida con la estrella. Esta referencia, recogida por Rolling Stone, da cuenta del tono distendido con el que Penn observa hoy ese pasado, aunque no oculta las dificultades de trabajar bajo la presión constante de los reflectores.

Las tensiones durante el rodaje

El rodaje de Aventuras en Shanghai se caracterizó por sus múltiples complicaciones, tanto técnicas como personales. Según lo relatado por Penn, la dinámica entre ambos protagonistas estuvo influida por la mirada externa y la injerencia de terceros vinculados al proyecto.

La expectativa sobre el filme y la pareja incrementó la tensión en el set, lo que derivó en situaciones de alta exposición y en episodios que, según el propio actor, “te hará daño si la ves”, en referencia a la calidad de la película.

La relación entre Sean Penn y Madonna durante el rodaje quedó marcada por la dificultad de mezclar la vida personal con la profesional bajo el escrutinio público. El matrimonio, que atravesaba una etapa de alta visibilidad pública, se convirtió en materia de debate tanto en los medios especializados como en la prensa de espectáculos.

Según el testimonio de Penn, recogido por Rolling Stone, la interacción diaria en el set osciló entre la colaboración y el roce, una dinámica que terminó impactando en el resultado final del largometraje.

Las críticas a la película

La crítica no fue benévola con Aventuras en Shanghai. Esta autocrítica revela el distanciamiento actual del actor respecto a aquel episodio y refuerza la idea de que el filme, más allá de su argumento, quedó asociado a la compleja relación entre sus dos protagonistas.

De acuerdo con lo publicado por Rolling Stone, el estreno de la película fue seguido de inmediato por una cobertura mediática que subrayó tanto los desacuerdos en el set como los problemas en la relación. La prensa internacional documentó las diferencias creativas y el desgaste emocional de Penn y Madonna durante la filmación.

Además, la repercusión negativa de la cinta acentuó la presión sobre la pareja, que ya enfrentaba rumores constantes y la atención de los tabloides. La recepción adversa terminó por convertir a Aventuras en Shanghai en un ejemplo de cómo las expectativas puestas en una dupla famosa pueden jugar en contra, afectando no solo el resultado artístico, sino también la vida personal de sus protagonistas.

Es una historia de origen que Madonna ha intentado llevar al cine durante años. Dijo que la película planeada se canceló por recortes presupuestarios. Una vida tan grande como la suya, contó a Interview Magazine el mes pasado, “necesitaba un gran presupuesto”. (Según se informa, las negociaciones de Hollywood serán material para la próxima temporada de The Studio, la serie de Apple TV).

Ante el rechazo, Madonna volvió a esos primeros años, a las heridas y logros que vinieron después, en su nuevo álbum de estudio Confessions II, sucesor espiritual del eufórico Confessions on a Dance Floor de 2005. Ahora, como entonces, Madonna regresa a la discoteca como santuario, pero donde el álbum anterior celebraba la fiesta en sí misma, esyet expone los problemas que ha exorcizado en la pista de baile.

Comienza con el techno burbujeante de “I Feel So Free”, donde Madonna crea una cámara de eco vocal, susurrando: “Me cuesta mucho confiar en la gente / Por eso me gusta bailar: seguridad en la multitud”. En lugar de absolver sus pecados, el productor británico Stuart Price sube gradualmente la intensidad.

Al reunirse con Price, su principal colaborador en Confessions on a Dance Floor, el dúo construye el impulso de forma familiar. La mezcla continua del álbum —las canciones fluyen una en otra— simula una sesión de DJ, mientras Madonna expone su teología de liberación en la pista a través de diferentes subgéneros de la música dance. El trance de “Good for the Soul” da paso al EDM enérgico de “One Step Away”, cuya letra (“Nadie es libre hasta que está roto”) parece hecha a medida para comunidades de recuperación.

Madonna y Price figuran como los únicos autores de nueve de los dieciséis temas del disco, un enfoque centrado que faltó en los álbumes que lanzó en las dos décadas entre sus colaboraciones. En ese lapso, Madonna firmó con las empresas Live Nation e Interscope y produjo una serie de discos saturados de productores e ideas que a veces resultaron defensivos (como Rebel Heart de 2015). Confessions II evita esas desviaciones y mantiene el foco en la trascendencia.

En “Good for the Soul”, Madonna expone la cosmología de un rave; con su voz doblada sobre bases electrónicas, afirma: “Todo comienza en la conciencia”. Sobre la atmósfera disco de “Love Sensation”, tranquiliza: “¡No hay nada que no podamos hacer!”. El álbum podría haberse titulado “Affirmations” por su mensaje positivo y sudoroso.

El disco sigue elevándose incluso cuando Madonna explora el pasado. La progresión de acordes house en “Bring Your Love”, un dueto con Sabrina Carpenter, recuerda la cadencia de “Vogue”. Interpretaron ambas canciones en la presentación de Carpenter en Coachella en abril. En vez de aprovechar el sonido de éxito de la artista más joven, como pudo haber hecho en el pasado, el tema y la actuación —con corsés de satén y encaje de la era Confessions on a Dance Floor— invitan a reflexionar sobre la influencia de Madonna en las provocaciones de Carpenter.

En la segunda mitad del álbum, aborda los conflictos que la hicieron volver una y otra vez al club. El drum and bass de “Fragile”, con cuerdas sintéticas atmosféricas, aporta un cierre emotivo a la relación con su hermano menor Christopher, con quien se reconcilió antes de su muerte en 2024. “The Test”, coescrita y grabada con su hija Lola, fusiona synth-pop animado y downtempo mientras ambas enfrentan sus diferentes relaciones con la fama.

Menos interesante resulta “Betrayal”, que repite un sample ominoso de trompeta y teclados de “Gnossienne No. 1” de Erik Satie para construir una provocación a su madrastra: “Nunca ocuparás el lugar de mi madre”. La balada “L.E.S. Girl” cierra el álbum con una nota excesivamente dulce.

Antes del lanzamiento, adelantó el diso con una película de casi 14 minutos dirigido por David Toro y Solomon Chase, conocidos como Torso. Es una fantasía cyberpunk con cameos de celebridades —Julia Garner (quien iba a ser la protagonista del biopic), Odessa A’zion, Honey Dijon— que deambulan por clubes, baños y salones, a veces perseguidas por robots y disparando rayos láser desde sus vaginas. Presentó el filme en el Tribeca Film Festival y luego actuó en Times Square en un evento patrocinado por la app de citas gay Grindr, bailando limitada por una lesión persistente en la rodilla. Estas visualizaciones parecen estar ancladas en un pasado fetichizado y anticipar un futuro sádico.

Ninguna de las promociones visuales de Confessions II se acerca a la construcción de mundo cinematográfica de “Danceteria”, un tema del álbum que homenajea uno de los clubes donde ella se inició. A lo largo de la canción, menciona amigos que marcaron su camino hacia la pista de baile: Debbie Harry, Debi Mazar, Mark Kamins, Fab 5 Freddy, Jean-Michel Basquiat. Sabemos que la joven narradora se convertirá en Madonna, en muchas de las versiones que definieron la cultura pop. Pero en la exuberancia disco donde “todos aquí son una obra de arte”, encuentra una cuna para todas esas grandes ideas.

Fuente: The New York Times

Justin Bieber se unió a Madonna, Shakira y BTS como cabeza de cartel del espectáculo de medio tiempo de la final del Mundial 2026, según anunciaron la Federación Internacional de Fútbol Asociación (FIFA) y la organización Global Citizen.

La actuación tendrá lugar el domingo 19 de julio en el New York New Jersey Stadium y marcará el primer espectáculo de entretiempo en la historia de una final mundialista.

El elenco del show incluye además a Burna Boy, al venezolano Gustavo Dudamel —director musical y artístico de la Filarmónica de Nueva York— y al coro PS 22, ganador del premio Webby, junto a Coldplay. El espectáculo fue comisionado por Chris Martin, líder de la banda británica, quien en un video de anuncio reveló el cartel completo y adelantó que el show girará en torno a la unidad.

“La Copa Mundial de la FIFA une al mundo como ninguna otra cosa. Me siento agradecido de formar parte de este espectáculo del medio tiempo, y aún más agradecido de saber que ya está ayudando a ampliar el acceso a la educación para niños de todo el mundo”, declaró Justin Bieber en el comunicado difundido por la FIFA y Global Citizen.

El evento también tendrá una dimensión social. El espectáculo de medio tiempo apoyará el Fondo de Educación Global Citizen de la FIFA, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a una educación de calidad y a oportunidades futbolísticas para niños en comunidades desfavorecidas. Hasta la fecha, la iniciativa ya acumuló más de 50 millones de dólares, e incluye la donación de 1 dólar por cada entrada vendida en los partidos del torneo.

“En lo que respecta a las necesidades del mundo, no hay nada más importante que la educación. Nos enorgullece que Justin Bieber se una a Madonna, Shakira y BTS para apoyar el Fondo Global de Educación Ciudadana de la FIFA y nuestra misión de ampliar el acceso a una educación de calidad y a oportunidades futbolísticas para niños de todo el mundo”, afirmó el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, en declaraciones recogidas por la organización.

Burna Boy, cuyo tema “Dai Dai” en colaboración con Shakira continúa en lo alto de las listas globales, también destacó el peso simbólico de su participación. “Representar a África en el primer espectáculo de medio tiempo de la final de la Copa Mundial de la FIFA es un privilegio y una responsabilidad que me tomo muy en serio. Me siento honrado de formar parte de un espectáculo que no solo celebra el fútbol y la cultura, sino que también ayuda a crear mayores oportunidades para los niños a través de la educación en todo el mundo”, señaló el artista nigeriano.

El show será producido por Global Citizen en colaboración con Live Nation y Done + Dusted. Entre los elementos del espectáculo figurarán personajes de Barrio Sésamo y Los Muppets, cuya presencia busca reforzar el mensaje educativo de la iniciativa.

En cuanto a lo estrictamente deportivo, los cuartos de final del certamen comenzarán este jueves 9 de julio con el cotejo entre Francia y Marruecos. Del otro lado de la llave esperan España y Bélgica, que jugarán el viernes por un lugar en las semifinales. De esos cuatro elencos, uno llegará al duelo decisivo del 19 de julio.

En la otra parte del cuadro aguardan Noruega e Inglaterra, que se medirán el sábado, el mismo día que lo hará Argentina contra Suiza.

Madonna deslumbró en la tapa de Vogue Italia con una producción fotográfica que fusiona pasado y presente, reafirmando su vigencia absoluta en el universo de la moda a los 67 años.

La artista, reconocida por su capacidad para reinventarse y desafiar los límites, eligió para la portada de la edición de julio un estilismo que evoca el glamour vintage y la estética boudoir, pero reinterpretado con un aire contemporáneo y teatral.

En esta sesión, la imagen de Madonna se transforma en un puente visual entre distintas etapas de su carrera. La elección de prendas y accesorios no es casual: cada elemento dialoga con referencias a sus propios archivos personales y a momentos icónicos de su trayectoria.

El equipo detrás del concepto estuvo liderado por IB Kamara y Raw Materials, quienes asumieron la dirección creativa y el estilismo, combinando piezas históricas del guardarropa de la cantante con elementos modernos y de alta costura.

Estilismo y prendas clave en la portada de Vogue Italia

El look central que acaparó la atención partió de un corset nude de silueta estructurada, que realza la cintura y aporta una impronta escultórica.

Por debajo, Madonna luce un sujetador de Maison Close y un body de manga larga en tono nude, generando capas de transparencias y texturas.

Esta superposición se ve reforzada por la incorporación de calentadores en brazos y piernas, también en colores claros, sobre los que se dispone un tul rosa translúcido. Las medias largas de red en rosa nude de Capezio remiten al universo de la danza clásica y subrayan el carácter performático del estilismo.

La selección de accesorios redondea el conjunto con guiños directos a la iconografía de la propia artista. Madonna recurre a pendientes, grillz y stilettos dorados de acabado brillante, piezas extraídas de su archivo personal y de marcas contemporáneas como Skims.

El culotte de esta firma, sumado a los zapatos de tacón alto cubiertos de lentejuelas doradas, aporta un contraste de texturas y destellos que acentúan la teatralidad de la imagen.

Producción visual y referencias artísticas

La producción fotográfica potencia este despliegue de moda con una puesta en escena sobria y cromáticamente delicada. El fondo liso de color lila y la luz suave enmarcan la figura de Madonna, cuyo cabello rubio platinado, dispuesto con ondas voluminosas y extendido sobre el suelo, crea un efecto etéreo.

La pose, con una pierna elevada y la otra extendida hacia abajo, transmite movimiento y energía, mientras que el rostro inclinado hacia atrás mantiene una expresión neutra, casi enigmática.

Para el maquillaje, se optó por un estilo romántico y actual: piel luminosa, sombras en tonos champagne y rosados, delineado sutil, pestañas bien definidas y labios nude con acabado satinado.

El resultado es una interpretación sofisticada del clásico estilo pop de Madonna, adaptado a la sensibilidad estética contemporánea.

Moda como manifiesto y declaración artística

La aparición de Madonna en la tapa de Vogue Italia no solo marca el lanzamiento de su decimoquinto álbum de estudio, Confessions II, sino que funciona como una declaración de principios en torno a la moda y la autoexpresión.

La artista utiliza el vestuario para narrar su propio recorrido, retomando la estética de Confessions on a Dance Floor el disco que redefinió su carrera veinte años atrás y adaptándola a una nueva etapa creativa.

El estilismo, lejos de ser un mero accesorio, se convierte en un lenguaje visual que refuerza los ejes conceptuales del álbum: conciencia, libertad y comunidad.

En la entrevista con Vogue, Madonna subrayó que el disco es “un álbum sobre la consciencia y la libertad. Bailar no es un acto sin sentido, sino que te permite crear un sentido de comunidad y conexión”.

Esta visión encuentra su correlato visual en cada detalle del estilismo: la elección de prendas vinculadas a la danza, la mezcla de referencias históricas y actuales, y la apuesta por una estética lencera que evoca intimidad y empoderamiento.

El diálogo entre moda, baile y libertad

La dimensión performática del look también dialoga con la reflexión de Madonna sobre el mundo digital y la necesidad de experiencias genuinas de conexión.

“Hoy, con los smartphones, ya no nos conectamos de verdad, aunque nos engañemos pensando que sí. En cambio, cada pista de baile es un espacio ritual donde liberas tu cuerpo y tu mente; la ansiedad desaparece y tienes la oportunidad de alcanzar, quizás, un estado de consciencia más profundo”, expresó en la charla.

El estilismo propuesto para Vogue Italia, entonces, trasciende la función ornamental y se instala como un manifiesto estético y simbólico. Madonna recupera elementos de su archivo y los resignifica en clave actual, demostrando que la moda es, para ella, tanto una herramienta de transformación personal como un medio para celebrar la diversidad y la libertad de ser.

La pregunta que sobrevuela cada reseña publicada en las últimas 48 horas —en The Guardian, en Rolling Stone, en Pitchfork, en Mojo— no es si el álbum es bueno. Es si Madonna tenía todavía algo genuino que decir. La respuesta, según el consenso crítico, es sí, y con una contundencia que no se esperaba. “La pista de baile no es solo un lugar. Es un umbral, un espacio ritual donde el movimiento reemplaza al lenguaje”, declara ella al inicio del disco, y esa frase funciona como el manifiesto de todo lo que viene después.

Confessions II es, ante todo, un acto de memoria. La génesis del proyecto se remonta a la gira Celebration de 2024, en la que repasó cuatro décadas de carrera y salió de ese ejercicio con algo inesperado: las ganas de mirar hacia atrás sin nostalgia paralizante, sino con la lucidez de quien ya sabe lo que construyó. Grabado en el estudio londinense de Notting Hill del productor Stuart Price —el mismo arquitecto del Confessions on a Dance Floor original de 2005—, el álbum retoma el formato: 16 canciones encadenadas sin cortes, como una sesión de DJ que dura 64 minutos. Nueve de esos temas fueron escritos exclusivamente por Madonna y Price, una concentración creativa que la siempre caústica revista online Pitchfork lee como la prueba más clara de que la artista recuperó el control que perdió durante sus años bajo contrato con gigantes del negocio musical como Live Nation e Interscope, período que ella misma describió públicamente como el nadir de su carrera.

El disco no persigue las tendencias del momento. Donde sus últimas entregas —Rebel Heart (2015) y Madame X (2019)— intentaron asimilar el trap, el reggaeton y el pop latino con resultados desiguales y por momentos desconcertantes, Confessions II vuelve al house de Chicago, al techno de Detroit y al post-disco de los clubes de Nueva York de los años ochenta. The Guardian señaló que Madonna “parece mucho más cómoda que cuando incorporaba trap en Rebel Heart o cantaba con Maluma en los intentos de Madame X por pegarse al vogue latinoamericano”. Mojo le otorgó cuatro estrellas y subrayó que este regreso “parece haberle concentrado la mente”: menos experimentación global, más pulso electrónico.

Esa decisión de volver al centro de gravedad de su obra no suena a rendición. La escritura del álbum surgió en paralelo al guión del biopic que Madonna desarrollaba para Universal Pictures y que finalmente fue cancelado por diferencias presupuestarias. Algo de esa energía autobiográfica quedó en las canciones. “Danceteria” es el ejemplo más celebrado: una pieza de spoken word —al modo del rap de “Vogue”— que reconstruye las noches de la joven Madonna en el club homónimo del Lower East Side, con menciones a Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Fab Five Freddie y al DJ Mark Kamins, el primero en poner su demo de “Everybody” en una cabina. Rolling Stone describió la canción como “saturada de distintas generaciones de glamour neoyorquino, traducido a la democracia sudorosa de la pista de baile”. El cierre del álbum, “L.E.S. Girl”, es el reverso exacto de esa escena: una balada de guitarra y caja de ritmos que retrata a la artista en sus años de penurias en la Avenida B, con una fragilidad que Pitchfork calificó de inédita en su discografía.

Esa vulnerabilidad atraviesa también los momentos más personales del disco. “Fragile” es una elegía a su hermano Christopher, con quien tuvo una relación turbulenta y finalmente se reconcilió antes de su muerte en 2024. “The Test”, dueto con su hija Lourdes Leon, es una disculpa materna que dialoga directamente con “Little Star”, la canción de cuna que le dedicó en Ray of Light en 1998. “No pediste todas esas luces de flash”, le canta al personaje de su hija, y la frase condensa décadas de una maternidad ejercida bajo el escrutinio público más implacable. The Guardian apuntó que ambas canciones son las más conmovedoras del álbum.

El promocionado dueto con Sabrina Carpenter, “Bring Your Love” —presentado en Coachella en abril—, opera en una frecuencia distinta: es provocación y juego generacional, con samples de “Good Life” de Inner City y una dinámica entre las dos artistas que Mojo leyó como un guiño a la misma estrategia con la que Madonna trazó el mapa del pop durante los años noventa. La colaboración con el rapero belga Stromae en “My Sins Are My Savior” y la presencia del productor puertorriqueño Tainy en “Read My Lips” completan un elenco de invitados que no busca capturar mercados sino ampliar el universo sonoro del disco.

Las únicas reservas aparecen en los márgenes. The Guardian observó que el álbum supera en casi diez minutos al original de 2005 y que algunos temas —“Love Sensation”, “School”— podrían prescindirse sin que el conjunto perdiera fuerza. Tampoco hay un single de la magnitud de “Hung Up”. Pero esas observaciones se formulan desde un contexto de valoración general alta: “La pista de baile no es solo un lugar de escape, sino de emociones más profundas”, le dijo Price a Mojo en mayo, y esa idea es la que sostiene el álbum de principio a fin.

Confessions II, el decimoquinto álbum de estudio de Madonna, llegó a las plataformas digitales el 3 de julio de 2026 y convirtió a México en uno de los primeros territorios donde los fans pudieron escucharlo, conforme al horario habitual de disponibilidad en el país. El disco cierra un silencio discográfico de siete años y marca el regreso de la artista a Warner Records.

La publicación supone el lanzamiento de estudio más esperado de su carrera reciente. Madonna anunció en octubre de 2024 que había entrado al estudio en Londres junto al productor Stuart Price, quien ya había estado detrás de Confessions on a Dance Floor (2005) y dirigido musicalmente el Celebration Tour de 2023-2024. El resultado es un disco de 12 canciones en su edición estándar y 16 en las versiones deluxe, construido como una mezcla de DJ continua —igual que su predecesor— con raíces en el house de Detroit y Chicago.

La campaña de promoción antes del estreno

La presentación del álbum comenzó el 17 de abril con una aparición sorpresiva de Madonna en el Festival de Coachella, donde interpretó Bring Your Love junto a Sabrina Carpenter ante el público del desierto californiano.

El 4 de junio, sin anuncio previo, la cantante tomó Times Square en Nueva York para mezclar canciones nuevas con clásicos de su carrera. Un día después llevó al Festival de Cine de Tribeca un cortometraje de 13 minutos que adelantó seis temas del disco, con participaciones de Carpenter, Feid, Benedict Cumberbatch, Kate Moss y la cantante venezolana Arca.

Read My Lips, grabada con Feid, se publicó tres días antes del lanzamiento oficial como anticipo final del álbum.

Las colaboraciones y el peso biográfico del repertorio

El disco reúne a Madonna con varios artistas en distintos momentos del repertorio. Bring Your Love la une a Carpenter; The Test suma a su hija mayor, Lourdes León, quien desarrolla su carrera musical bajo el nombre artístico Lolahol.

Dos canciones concentran el contenido autobiográfico más explícito. Fragile está dedicada a Christopher Ciccone, hermano de la cantante, fallecido en 2024, con quien mantuvo una relación complicada a lo largo de los años. La letra incluye el verso: “Cuando estoy a solas, te veo ahí de pie, y me siento completa”.

Bizarre, por su parte, contiene líneas que varios medios estadounidenses interpretan como una referencia a su primer marido, Sean Penn: “estrella de cine, ojos azul intenso. En Hollywood éramos el premio perfecto” y “extienden la alfombra para nosotros pero no la compartes”.

Qué dicen las críticas internacionales

La recepción inicial en medios británicos y especializados ha sido mayoritariamente favorable. The Guardian describe el trabajo como su disco “más vital” en 20 años, aunque advierte que el álbum corre casi 10 minutos más que su predecesor y que podría prescindir de algunos cortes house menos memorables, como Love Sensation y School. El rotativo reconoce que no hay un himno pop de la magnitud de Hung Up, pero concede que Danceteria —coescrita y coproducida con Andrew Watt— se aproxima a ese territorio.

La BBC introduce un matiz al consenso: califica los primeros 30 minutos de “impecables” y llenos de ritmos de club, pero señala que el disco pierde fuerza a mitad del recorrido antes de recuperarse con los cortes autobiográficos. Entre ellos destaca I Feel So Free, al que atribuye un aire que remite a Donna Summer.

Variety lo sitúa directamente como “su mejor álbum en décadas” y subraya que Price construye la producción con subbajos pulsantes y una tensión que avanza sin perderse en detalles. The Telegraph, por su parte, sostiene que Madonna “reclama su corona” con este lanzamiento.

El vínculo con México y el peso del Celebration Tour

En México, donde la artista mantiene una de sus bases de fans más sólidas en América Latina, el estreno del álbum tiene un antecedente concreto: durante el Celebration Tour, Madonna llenó cinco veces el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México, una cifra que pocos artistas internacionales han alcanzado en ese recinto.

Confessions II llega así como continuación directa del disco de 2005 que devolvió a Madonna al centro de las pistas de baile, y lo hace con la misma dupla creativa que lo hizo posible hace dos décadas.

Esta unión entre la denominada reina del pop y uno de los referentes actuales de la música urbana en español representa un momento de alto impacto para la trayectoria del artista latino, al integrarse a un proyecto global y de alto perfil. El tema fusiona elementos del pop bailable con sonidos característicos de la música latina, en una dinámica en la que Feid interpreta sus líneas en español y Madonna responde en inglés.

Confessions II es el decimoquinto álbum de estudio de Madonna y se concibe como una secuela directa de su aclamado Confessions on a Dance Floor, lanzado en 2005. El nuevo disco, producido junto a Stuart Price, retoma la esencia de la pista de baile con una selección de dieciséis canciones, entre las que sobresalen colaboraciones con otros invitados internacionales como Stromae y Sabrina Carpenter.

La presencia de Feid refleja el interés de la artista estadounidense por conectar con nuevas audiencias y actualizar su propuesta musical con uno de los referentes latinos más escuchados de los últimos años, además de una estrategia que ha incluido alianzas con plataformas como Grindr y el despliegue de una campaña de promoción centrada en el público Lgbtq+.

El impacto para Feid va más allá de la exposición mediática. Ingresar en la discografía de una figura con el alcance y la historia de Madonna sitúa al colombiano en una posición de reconocimiento global, abriendo puertas a nuevos mercados y reforzando su presencia en el circuito internacional del pop. El tema Read My Lips apuesta por una producción más acústica y matices tradicionales del género latino, en contraste con el sonido electrónico predominante del álbum.

La letra de Read My Lips plantea una confrontación directa entre dos personas que ya no confían entre sí. Feid adopta un tono desafiante y crítico al señalar que la otra parte manipula la verdad y recurre a discursos convenientes: “Bebé, usted cuenta lo que le conviene, yo solo creo la mitad”.

Feid transmite cansancio ante la actitud insistente de una mujer y cuestiona su comportamiento con ironía: “Tan bonita, tan loquita, me manda pa’ la mier’, ¿y eso es dónde?”. El concepto de la canción gira en torno a la desconfianza mutua y la necesidad de poner límites en una relación marcada por la falta de sinceridad.

El lanzamiento de Confessions II generó expectativa en redes sociales y medios internacionales. La producción fue descrita como una celebración de la historia de la música bailable, en la que Madonna reivindica su papel como figura central del género.

Letra completa de ‘Read my lips’ de Madonna y Feid

Madonna:

I don’t believe a word that you say

A word that you say, a word that you say

You’re giving leading actor

You wanna steal the show (bebé)

Shut your mouth (shut your mouth, shut your mouth)

You lie when you don’t have to

They’re gonna find you out

Shut your mouth (shut your mouth)

I don’t believe a word that you say

I wonder if you like it this way

I know, I know, I know, I know

You are not my friend, never were

Read my lips, Tell it to my face, And you cut me with your lies, ‘Cause you hurt me with your kiss and I realize You’re just broken

Broken up inside (broken up inside, yeah) And I ate the poisoned fruit (ate the poisoned fruit) Yeah, it knocked me off my feet, but I will survive

Tell it to my face, yeah

You like to be a bully, you like to always win

Shut your mouth, shut your mouth, shut your mouth,

You have to be the hero, you make a mess and go

Shut your mouth (shut your mouth)

I don’t believe a word that you say

I wonder if you like it this way

I know, I know, I know, I know

You are not my friend, never were

Read my lips (yeah) Tell it to my face (tell it to my face, yeah) And you cut me with your lies (with your lies, your lies)

‘Cause you hurt me with your kiss and I realize You’re just broken (yeah) Broken up inside (broken up inside, inside)

And I ate the poisoned fruit (ate the poisoned fruit) Yeah, it knocked me off my feet, but I will survive

(Tell it to my face)

(Tell it to my face, to my face, to my face)

(Tell it to my face, to my face, to my face)

(Tell it to my face, to my face, to my face) woo

(Read my lips) (Shut your mouth)

Feid:

Uno calla’o y usted dele, dele y dele (Read my lips) (Shut your mouth) Uh

Bebé, usted cuenta lo que le conviene (oh-oh)

Yo solo creo la mitad (read my lips)

¿Por qué enreda al nene?

Mejor venga, hablemo’, pero no se ponga a alegar

Mami, deje ese enrosque que usted mantiene (shut your mouth)

Do-Don’t say sorry, no me llore’ (read my lips)

Vos creés tu verdad, hágale, ome

Tan bonita, tan loquita

Me manda pa’ la mier’, ¿y eso es dónde?

I don’t believe a word that you say

Eso es lo que siempre me dices, bebé

I wonder if you like it this way

No me gusta, pero ¿qué hago pues?

I know, I know, I know, I know

Read my lips (yeah) (oh-oh-oh)

Dímelo a la cara (what you mean? Yeah) (oh-oh-oh)

And you cut me with your lies (your lies, your lies, yeah)

‘Cause you hurt me with your kiss and I realize

You’re just broken (yeah) (oh-oh-oh)

Broken up inside (broken up inside, inside) (oh-oh-ooh)

And I ate to poisoned fruits (me dejé llevar)

Corazón, me diste duro, pero I will survive

Uno calla’o y usted dele, dele y dele

Shut your mouth (shut your mouth, shut your mouth, shut your mouth)

(Shut your mouth, shut your mouth, shut your mouth, shut your mouth)

Madonna se prepara para estrenar Confessions II, su nuevo álbum de estudio producido junto a Stuart Price, secuela del emblemático Confessions on a Dance Floor que conquistó las pistas del baile den el año 2005. La reina del pop no ha lanzado álbum desde el 2019, por lo que el estreno es uno de los más esperados de su carrera.

En México, Madonna tiene una de sus bases de fans más solidas del mundo. Durante el Celebration Tour, la cantante logró llenar cinco veces el Palacio de los Deportes. El país ha sido constante en su apoyo a la reina del pop , y todo parece indicar que sucederá lo mismo con Confessions II.

El álbum de Madonna se estrena en México a primera hora de este viernes 3 de julio del 2026, es decir, a medianoche. A partir de las 12:00 se podrá escuchar en todas las plataformas digitales.

El álbum reúne 12 canciones en su edición estándar y 16 en las versiones deluxe. Algunos de los temas que se convertirán en favoritos de los fans son Good for the soul, One step away, Danceteria, Bizarre, Love without words, School, My sins are my savior y Fragile.

Qué dice la crítica sobre Confessions II

NME asegura que “esta gran dama del pop sigue sabiendo cómo hacernos mover”. The Guardian lo describe como su disco “más vital” en 20 años. The Telegraph va más lejos y sostiene que con este material la cantante “reclama su corona”.

La BBC matiza ese consenso elogioso: “los primeros 30 minutos son impecables”, señala el medio, aunque advierte que el disco pierde fuerza a mitad de camino antes de recuperarse con los cortes autobiográficos. Entre los temas que el medio destaca figura I feel so free, al que le atribuye un aire que remite a Donna Summer.

El productor Stuart Price —quien ya estuvo detrás de Confessions on a Dance Floor y dirigió musicalmente el Celebration Tour de 2023-2024— explicó a la prensa británica que el proyecto toma como base ritmos house de Detroit y Chicago. El trabajo llega después de casi año y medio desde que Madonna anunció en octubre de 2024 que entraba a estudios en Londres junto a Price.

El 4 de junio Madonna ofreció un concierto sin anunciar en Times Square, en Nueva York, donde mezcló canciones nuevas con clásicos de su carrera. Al día siguiente llevó al Festival de Cine de Tribeca un cortometraje de 13 minutos que adelantó seis canciones del álbum, con apariciones de Carpenter, Feid, Benedict Cumberbatch, Kate Moss y la cantante venezolana Arca.

Las colaboraciones: Carpenter, Feid y Lourdes León

El disco reúne a Madonna con varios artistas en distintos momentos del repertorio. Bring Your Love la une a Sabrina Carpenter, tema que la cantante presentó el 17 de abril durante una actuación sorpresiva en el Festival de Coachella. Read my lips fue grabada con Feid y se publicó tres días antes del lanzamiento oficial.

The Test reúne a Madonna con su hija mayor, Lourdes León, quien desarrolla su carrera musical bajo el nombre artístico Lolahol.

Las canciones más personales del álbum

Dos temas del disco tienen un peso biográfico explícito. Fragile está dedicado al hermano de la cantante, Christopher Ciccone, fallecido en 2024, con quien sostuvo una relación complicada. La letra incluye el verso: “Cuando estoy a solas, te veo ahí de pie, y me siento completa”.

El otro tema, Bizarre, contiene versos que varios medios estadounidenses interpretan como una referencia a su primer marido, Sean Penn: “estrella de cine, ojos azul intenso. En Hollywood éramos el premio perfecto” y “extienden la alfombra para nosotros pero no la compartes”.

Madonna dijo que su nueva música de baile es un antídoto contra el aislamiento porque busca crear comunidad y conexión en una época en la que, según explicó a Vogue, los teléfonos inteligentes dan una ilusión de cercanía, pero no sustituyen el contacto real. Para la artista, la pista de baile ofrece una experiencia compartida que libera el cuerpo y la mente y abre paso a una conciencia más profunda.

En esa conversación con Vogue, la cantante presenta Confessions II como su 15º álbum y como la secuela, 20 años después, de Confessions on a Dance Floor. El proyecto marca además su reencuentro creativo con Stuart Price, que ya había trabajado en aquel disco y en el Celebration Tour como director musical.

“Por unos años quise trabajar con otras personas, hacer otras experiencias, pero luego nos reencontramos para mi Celebration Tour, del que Stuart era director musical, y ahí recordamos cuánto nos gustaba trabajar juntos, cuánto estábamos conectados no solo a nivel sonoro, sino también intelectual y emocional”, dijo Madonna desde su casa de Londres.

“Al principio no sabía si haría un nuevo Confessions, pero en el estudio se recreó enseguida nuestra sintonía casi telepática, que nos empujó a seguir. Y cuando decidí mudarme de Nueva York a Londres, donde vive él, lo interpreté como la señal de querer llevarlo hasta el fondo”, explicó.

Confessions II como respuesta al aislamiento

La tesis central del álbum, según la propia artista, gira alrededor de la conciencia, la libertad y la comunidad. En su diálogo con Vogue, Madonna rechaza la idea del baile como un gesto vacío y lo define como una experiencia de conexión: “Es un álbum que habla de conciencia y de libertad. Bailar no es un acto sin sentido, sino que permite crear un sentido de comunidad y de conexión”, afirmó.

“Hoy, con los teléfonos inteligentes, ya no entramos realmente en contacto, aunque nos hagamos la ilusión de que sí”, añadió.

La cantante describió además la pista de baile como un espacio con dimensión casi ceremonial: “Cada pista de baile es un lugar ritual en el que liberas el cuerpo y la mente; la ansiedad se va y tienes la posibilidad quizá de llegar a un estado de conciencia más profundo”.

Madonna añadió que esa relación con la danza sigue presente en su vida cotidiana: “Claro que bailo, lo hago por trabajo, pero también en la cocina, después de cenar, con mis hijos”.

La comunidad de la pista de baile frente a los algoritmos

El disco también mira a los orígenes de su carrera y a la cultura de club de Nueva York. Uno de los temas se titula Danceteria, en alusión al club donde, recordó, comenzó a abrirse camino y conoció a personas decisivas en su trayectoria.

“Ahí conocí a Martin Burgoyne y Debi Mazar, que se convirtieron en mis mejores amigos. Pero también a Mark Kamins, el primero en poner mi demo de Everybody, que me consiguió mi primer contrato discográfico”, recordó.

A partir de ese recuerdo, Madonna criticó al presente de la industria musical: “Antes estabas rodeada de pintores, músicos, bailarines, artistas, todos concentrados en un mismo lugar, y trabajaban con una cierta pureza. Valoro mucho esa experiencia, hoy no creo que muchos la vivan”.

“Hoy, para tener un contrato discográfico, se piensa en cuántos seguidores tienes. Por eso en Bring Your Love digo ‘Don’t try to distract me with numbers’, porque yo empecé sin pensar en las listas ni en las reproducciones en plataformas”, señaló.

La artista también retomó esa idea en I Feel So Free, donde canta “That’s why I like to go dancing / Safety in numbers”: “Es el concepto opuesto; en este caso el número te da seguridad, mucha gente entre la que no te sientes juzgada, entre la que puedes esconderte”.

Ese impulso de desaparecer por momentos, dijo, también forma parte de su proceso creativo. “Al 100%. Últimamente es difícil porque trabajo en el álbum y en todo lo que gira a su alrededor, pero a veces me gusta tomarme pausas, desaparecer un poco”.

“Solo así puedes alimentar tu imaginación. Necesito calma, conectarme con la naturaleza, mis hijos, mis caballos”, agregó.

La comunidad queer y las referencias personales

La dimensión comunitaria del álbum aparece también en su vínculo con la comunidad LGBTQIA+, a la que Madonna definió como un apoyo constante desde sus inicios: “Siempre fue mi primera aliada, desde mi profesor de danza en Michigan, que creyó en mí y me llevó a un club donde descubrí que se podía ser uno mismo libremente y sin prejuicios”.

La artista ligó esa relación a la crisis del sida y a una idea de reciprocidad: “Para mí, las personas queer siempre estuvieron ahí, y cuando estalló la pandemia de sida me dije que era mi turno apoyarlas a mi vez, y todavía lo hago frente a cada obstáculo de la sociedad. Quiero protegerlas como ellas siempre me protegieron a mí”.

En la parte más íntima de la conversación, la cantante abordó el tono introspectivo de varios pasajes del álbum, entre ellos Fragile, dedicada a su hermano Christopher, fallecido en 2024.

Al final, dejó una respuesta menos ligada al lanzamiento y más a su vida privada. “Creo que pocos están realmente interesados en mi espiritualidad. Es algo que mantengo muy privado, porque es precioso para mí. Pero es lo que me ayuda a poner todo en perspectiva, y sin eso no sé cómo habría llegado hasta aquí”, dijo.

Madonna convirtió Confessions II en un ajuste de cuentas público: en Bizarre apuntó contra su exesposo Sean Penn y en Betrayal contra su difunta madrastra Joan, quien murió en 2024. El álbum también incluyó referencias a su hija Lourdes y a la crisis médica que sufrió en 2023.

En Bizarre, la cantante de 67 años escribió sobre un “actor de cine con ojos azul profundo” y lo vinculó a una dinámica de poder dentro de la fama: lo acusó de sentirse amenazado por su nivel de exposición y de no querer “compartir la alfombra roja”.

La canción incluyó dos referencias específicas: el Shelby GT500 convertible de 1968 que ella le regaló como obsequio de boda y la condena de Penn por conducción temeraria en 1987.

Bizarre: alfombra roja, resentimiento y un regalo de boda

El retrato que hizo Madonna en Bizarre mezcló nostalgia y confrontación. En un fragmento, cantó: “El amor es la cosa más extraña. Justo cuando crees que por fin lo soltaste, vuelve a ti… Actor de cine, ojos azul profundo. En Hollywood somos un premio perfecto”.

Luego, la letra pasó a un tono de reclamo directo sobre el estatus y el espacio mediático: “Desenrollen la alfombra para nosotros, pero tú no la compartes. Solo porque te sientes amenazado por mí, no lo admites”.

Más adelante, la narración se centró en el resentimiento y la ruptura: “Sé que te dejé atrás y me guardas rencor… Supongo que nunca sabrás mi pequeño secreto sucio”.

El texto fuente recordó que Madonna describió su relación con Penn como intensa y turbulenta, aunque también señaló que en años recientes habló de él con calidez. En una gala benéfica de 2016 para el trabajo de alivio en Haití del actor, ella le dijo desde el escenario: “Te amo desde el momento en que te vi. Y todavía te amo igual”, según el pasaje citado.

Betrayal y The Test: duelo familiar y colaboración con Lourdes

En otro track, Betrayal, Madonna dirigió su enojo hacia su madrastra Joan, quien murió mientras el álbum se realizaba. La letra incluyó: “Esta es una historia de traición… Toma el martillo, clava el clavo. Nunca vas a ocupar el lugar de mi madre”, además de la línea: “Me traicionaste, me esclavizaste”.

El texto también ubicó el trasfondo familiar: Madonna perdió a su madre a los cinco años por cáncer de mama y, tres años después, su padre Silvio se volvió a casar. También señaló que Madonna no asistió al funeral de Joan.

La otra línea personal del álbum apareció en The Test, canción en la que participó su hija Lourdes, de 29 años. Madonna cantó: “Me volviste completa cuando yo también estaba rota. Espero y rezo poder hacer lo mismo por ti”, y Lourdes respondió con un verso que funcionó como tributo: “Eres mi razón de ser… sigo la línea de lo que has cosido”.

Madonna habló del proceso con Lourdes en Madonna & Graham, el programa de la BBC conducido por Graham Norton, y dijo que su hija fue “muy distante” al trabajar juntas. “Se acercó a mí; ha sido muy renuente a trabajar conmigo. No quiere que la perciban como mi hija, aprovechándose de su privilegio”, dijo Madonna a Madonna & Graham.

Cuando Norton le preguntó si se sintió como trabajar con una profesional o como una madre orgullosa, respondió: “Fue un poco ninguna de las dos. Ha sido muy distante y trabajando a su propio ritmo, y lo respeto profundamente. Es una gran compositora y tiene una voz mucho mejor que la mía”, dijo Madonna a Madonna & Graham.

La crisis médica de 2023: coma inducido, sepsis y regreso al escenario

Madonna también cantó y habló sobre su experiencia cercana a la muerte en 2023, cuando fue hallada inconsciente en su departamento en Nueva York y la colocaron en un coma inducido después de que una infección derivó en sepsis potencialmente mortal, según el texto fuente.

El mismo material agregó que la llevaron a terapia intensiva, la intubaron y la indujeron a un coma por dos días; además, atravesó insuficiencia pulmonar y renal. En ese período, pausó su gira y volvió al escenario meses más tarde.

En una entrevista en video con Vogue Italy, grabada en su casa en Londres, Madonna presentó a Octavia, un pulpo de peluche morado con el que dijo que dormía cada noche. “Hace un par de años estuve muy enferma en el hospital. Estaba en coma y esta hermosa enfermera que me cuidaba se llamaba Olivia… Me gritaba todos los días, diciéndome que tenía que levantarme, que tenía que salir de terapia intensiva, y me dio mucho valor y esperanza”, dijo Madonna a Vogue Italy.

La cantante explicó que, cuando salió del hospital, una de sus hermanas le regaló el pulpo, aunque no especificó cuál de sus tres hermanas: Paula, de 66; Melanie, de 64; o Jennifer, de 58. “Ha estado conmigo desde entonces”, dijo a Vogue Italy.

En 2024, durante un show de su Celebration Tour en Los Ángeles, Madonna retomó el episodio ante el público y describió la carga emocional del espectáculo por contar su historia de vida. También reveló cuál habría sido su primera palabra al despertar del coma de 48 horas: “¡No!”.

Esa misma noche, recordó que uno de los doctores que la atendió estuvo entre el público y que ella lo llamaba cada dos días después de recibir el alta para preguntarle cuándo regresaría su energía y cuándo podría volver de gira. “Todo lo que decía era: ‘Sal al sol’”, contó, antes de admitir que incluso caminar al patio le resultó difícil.

Madonna atribuyó a sus seis hijos el impulso para regresar a los escenarios. “Mis hijos fueron lo que de verdad me ayudó a salir adelante… No quería decepcionarlos, así que fijé una fecha. Y esa fecha se volvió realidad”, dijo en el pasaje citado.

Confessions II llegará a todas las plataformas este 3 de julio.

Madonna confesó que sentía celos de Kylie Minogue porque su entonces marido tenía un flechazo con la cantante australiana, según reveló la artista en una entrevista con el presentador Graham Norton en el club londinense Koko.

“Era un poco celosa de ti”, le dijo a Minogue, quien participó por sorpresa en la conversación.

Ante la pregunta de Norton sobre el motivo, la intérprete de “Material Girl” fue directa: “Porque era muy mona. Creo que mi exmarido de entonces, Guy Ritchie, tenía un flechazo con ella, y yo pensaba: ‘¡Nunca seré tan guapa como Kylie!’“.

La anécdota cobró mayor dimensión al remontarse a los MTV Europe Music Awards del año 2000, celebrados en Estocolmo, Suecia, cuando Madonna apareció en la gala con una camiseta con el nombre de Minogue escrito en pedrería.

Norton le preguntó cómo se originó esa idea, y la cantante lo explicó durante la entrevista: “Estaba en mi etapa western, poniendo pedrería en todo, e intentaba pensar en cantantes de las que estoy un poco enamorada. Pensé en Kylie y mandé hacerme una camiseta con su nombre”.

Kylie Minogue, presente en el estudio, recordó su reacción al ver aquella prenda hace 26 años. “No hubo ningún aviso”, dijo la artista australiana. “No sé qué hice, probablemente me quedé a punto de desmayarme. Fue increíble”.

La reunión de ambas artistas en el programa de Norton también sirvió para repasar su actuación conjunta durante el Celebration Tour de Madonna en 2024, donde interpretaron “I Will Survive”, de Gloria Gaynor, y “Can’t Get You Out of My Head”, de Minogue.

En aquella ocasión, Minogue invirtió el gesto original y salió al escenario con una camiseta con el nombre de Madonna en pedrería.

“Qué momento. Me encantó absolutamente”, recordó Minogue ante Norton.

La entrevista, emitida en BBC One y disponible en BBC iPlayer, también giró en torno al próximo álbum de Madonna, Confessions II, previsto para el 3 de julio.

Cuando Norton preguntó si Minogue aparece en el disco —“¿Me estás confirmando ese rumor?“—, las dos artistas se miraron en silencio con una sonrisa, sin confirmar ni desmentir nada. “¿Por qué tienes que saberlo todo? Eres muy chismosa”, respondió finalmente Madonna.

El álbum, decimoquinto de su carrera, es una secuela espiritual de Confessions on a Dancefloor (2005). Incluye un dueto con su hija Lourdes “Lola” León, quien se acercó a su madre para proponerle escribir juntas una canción sobre las fricciones entre ambas.

“Había pasado su adolescencia lidiando con esos sentimientos durante mucho tiempo. Luego vino a mí y me dijo: ‘Escribamos una canción juntas, creo que será una experiencia muy sanadora’”, relató Madonna durante la entrevista. “Yo le dije: ‘De acuerdo, trato hecho’”.

El disco también contiene “Fragile”, una canción dedicada a su hermano Christopher, fallecido de cáncer en 2024, con quien Madonna se había reconciliado tras años de distanciamiento.

La artista escribió el tema después de que Christopher la llamara al estudio en un momento de gran dolor. “Sabía que el final estaba cerca. Subí y escribí una canción”, dijo. “Es catártico. La mejor forma de soltar a alguien que quieres es escribir sobre ello. Es como un exorcismo”.

Kylie Minogue, por su parte, acudió a la entrevista con un vinilo original del álbum debut homónimo de Madonna, publicado en 1983.

“Mi hermana y yo le dimos mucho a ese disco. El amor nació, y fue eterno”, afirmó la cantante.

Madonna no pasó desapercibida en la Semana de la Moda de París con un atuendo transparente que dejó poco a la imaginación. La cantante estadounidense, de 67 años, apareció sin sostén en un minivestido azul de tela translúcida durante su paso por la capital francesa, según fotografías difundidas por Daily Mail.

De acuerdo con el tabloide, este miércoles la artista salió del hotel Ritz de París tras participar en un evento que coorganizó junto a Charli XCX. Para su look, eligió un vestido ligero que dejaba ver que no llevaba sujetador. El estilismo se completó con botas altas metálicas plateadas hasta la rodilla, una chaqueta del mismo acabado, guantes sin dedos y gafas de sol.

Charli XCX, de 33 años, acompañó a Madonna en varios eventos durante la semana. Ambas coincidieron en la salida del Ritz y también en el desfile masculino de Saint Laurent en París, donde ocuparon la primera fila.

En dicho desfile, las dos artistas fumaron cigarrillos largos mientras posaban para la prensa. Madonna lució un minivestido rojo de encaje con tacones bicolores y gafas oscuras. Charli optó por un vestido rojo con detalles de encaje, medias negras y tacones de punta estilizada.

Después del desfile, ambas asistieron a una fiesta posterior y bailaron juntas al ritmo de canciones como “Hung Up” y “Thief Of Hearts”, temas de Madonna.

Del rumor de conflicto a los gestos de cercanía

En las semanas previas surgieron rumores de tensión entre ambas artistas. El origen estuvo en la letra del sencillo “Rock Music” de Charli XCX, donde canta: “I think the dancefloor is dead, so now we’re making rock music”. Algunos interpretaron la frase como una crítica al legado dance de Madonna.

La respuesta de Madonna llegó en Instagram con una frase breve y enigmática: “If your dance floor feels dead, maybe you’re playing the wrong music” (“Si tu pista de baile se siente muerta, quizá estás poniendo la música equivocada”).

Sin embargo, la propia Charli XCX ha intentado rebajar el tono de la controversia. En declaraciones a Rolling Stone, explicó que la letra de su canción está relacionada con su experiencia personal y su vínculo con el álbum Brat, además de su interés por la evolución reciente de la música electrónica y de baile.

Pese a la especulación, las apariciones en París mostraron otra escena. Según Daily Mail, Madonna y Charli XCX se saludaron con un beso en la mejilla durante el evento de Saint Laurent y compartieron varios momentos públicos sin señales de tensión.

Charli XCX ya ha expresado en otras ocasiones su admiración por Madonna, especialmente por su documental Truth or Dare (1991), al que ha calificado como una referencia por su puesta en escena y coreografías.

Madonna, por su parte, prepara el lanzamiento de su álbum Confessions on a Dancefloor: Part II, previsto para el 3 de julio, un trabajo que retoma su vínculo con la música dance.

La cantante estadounidense Madonna enfrenta una etapa decisiva en su carrera tras confirmar que padece una lesión crónica en la rodilla, causada por años de actividad física exigente y el uso constante de tacones altos en sus presentaciones.

La artista de 67 años comunicó que la falta de cartílago en la articulación la obligó a modificar su rutina de entrenamiento y a buscar nuevas formas de preservar su salud y seguir en actividad profesional.

El origen de una lesión permanente

La situación que atraviesa Madonna tiene como raíz décadas de trabajo sobre escenarios y entrenamientos intensos. Según declaraciones recogidas por The New York Times, la intérprete reconoció que el desgaste en su rodilla se debe, en gran parte, a la combinación de baile con calzado inadecuado, carreras sobre superficies duras y una disciplina física sostenida, como el yoga ashtanga.

La acumulación de estos factores desencadenó una pérdida total de cartílago, condición que la artista describió con claridad: “No tengo cartílago en ella, gracias a bailar durante tanto tiempo con tacones altos, correr sobre pavimento y hacer yoga ashtanga”.

Este diagnóstico llevó a Madonna a suspender ejercicios de alto impacto que formaban parte de su vida diaria. Hasta hace poco más de un año, la cantante mantenía rutinas que incluían saltos en trampolín y cardio de baile, actividades que, según sus propias palabras, ya no puede sostener.

La transformación de la disciplina física

El cambio no solo implicó dejar atrás movimientos de alto riesgo, sino también buscar alternativas que permitieran mantener su estado físico sin agravar la lesión. Madonna optó por ejercicios de bajo impacto y fortalecimiento controlado.

Actualmente, su entrenamiento se centra en bicicletas estáticas tipo Peloton, el uso de la máquina Versa Climber y circuitos de alta intensidad adaptados a sus posibilidades.

“Ahora hago bicicletas Peloton, Versa Climber y entrenamiento en circuito de alta intensidad”, detalló en entrevista con Rolling Stone.

A pesar de las nuevas limitaciones, la artista continúa incorporando el baile y la bicicleta al aire libre en su rutina. La frecuencia, sin embargo, se ajustó para evitar sobrecargar la articulación afectada. El objetivo central es preservar la movilidad y la capacidad de presentarse en el escenario, sin exponer la rodilla a un deterioro mayor.

Presentaciones interrumpidas y ajustes en la agenda

El impacto de la lesión no se restringió a su vida cotidiana. Durante 2019, Madonna se vio forzada a aplazar y, en algunos casos, cancelar funciones de la gira Madame X. Según informó The Guardian, la cantante debió tomarse días de descanso y suspender espectáculos por recomendación médica, lo que generó un cambio imprevisto en su agenda internacional.

“Necesito tres días para recuperarme completamente de la rodilla”, comunicó en Instagram en ese momento, reconociendo la dificultad de aceptar esa pausa.

La suspensión de shows representó un desafío emocional y profesional para la artista. “Es muy difícil para mí detenerme, pero es necesario”, explicó ante sus seguidores, según Rolling Stone. Estas decisiones pusieron de manifiesto la seriedad del cuadro y la urgencia de adaptar sus compromisos a una nueva realidad física.

Estrategias para el manejo del dolor y la recuperación

El proceso de recuperación incluyó tratamientos médicos y métodos de alivio para enfrentar el dolor persistente. Madonna compartió en redes sociales imágenes de su terapia, como baños de hielo, que describió como parte de su rutina habitual para mitigar los efectos de lesiones acumuladas.

Aunque no reveló detalles específicos sobre el origen del malestar en esas publicaciones, la cantante subrayó la importancia de seguir las recomendaciones de los especialistas para continuar con su carrera.

El caso de Madonna ilustra cómo una figura emblemática de la música internacional adapta su disciplina y redefine su relación con el cuerpo para sostener su trayectoria. La lesión se transformó en un límite claro, pero también en un punto de partida hacia una etapa donde la protección de la salud resulta prioritaria frente a las demandas del espectáculo.

Madonna reveló que su esperada película biográfica naufragó por diferencias irreconciliables con Universal Studios en torno al presupuesto y al reparto, un proceso que la mantuvo paralizada creativamente durante años antes de redirigir su energía hacia la música.

La cantante de 67 años lo contó en una extensa entrevista publicada por la revista Interview Magazine.

“Se suponía que iba a hacer una película sobre mi vida. Trabajé dos años en el guion y pasé otros dos años en Universal Studios con los productores de línea haciendo presupuestos y casting“, declaró Madonna al editor de Interview Magazine, Mel Ottenberg.

Y agregó: "Tuvimos una ruptura, Universal y yo, por el presupuesto, porque necesitaba —he tenido una vida extraordinaria, una vida enorme, así que necesitaba un presupuesto grande".

La artista dejó en claro que el proyecto nunca iba a ser una producción modesta. “No va a ser una película indie”, dijo, y señaló que los ejecutivos del estudio no lograron asimilar esa escala.

Ante el impasse, Madonna exploró una alternativa: rodar en Serbia para reducir costos. La propuesta no prosperó.

“No creo que estuvieran muy entusiasmados con la idea. No sé. Quizás simplemente no creyeron en mí”, afirmó. “Una de sus primeras reacciones fue: ‘No creemos que te quedes en Serbia más de cuatro días’. Y yo les dije: ‘¿Leyeron el guion? Toda mi vida ha sido supervivencia. No voy allí de vacaciones’”.

Posteriormente, Netflix se acercó con una propuesta para desarrollar una serie. Ese camino tampoco resultó sencillo.

La cantante explicó a Interview Magazine que no podía utilizar el guion que había escrito para Universal sin comprárselo a la compañía a un precio que describió como “extorsionador”, a pesar de ser ella su autora. “Eso es simplemente como van las cosas. No pregunten”, dijo con ironía.

La búsqueda de un showrunner para la serie se extendió entre ocho y nueve meses sin resultado. “Pensé: ‘Menos mal que tengo otro trabajo, porque necesito trabajar, necesito crear. Necesito hacer lo que vine a hacer a este mundo’”, relató la artista.

Fue en ese punto cuando retomó el contacto con el productor Stuart Price, con quien había colaborado en el álbum original Confessions on a Dance Floor (2005) y más recientemente en la gira Celebration Tour, aunque reconoció que entre medias habían pasado unos 15 años sin verse ni hablar con frecuencia.

La decisión de volver a la música no fue solo profesional. Madonna atravesaba un período de pérdidas personales: su hermano estaba gravemente enfermo —y posteriormente falleció— y su madrastra, con quien mantuvo una relación que definió como “traumática” a lo largo de toda su infancia, también murió en ese período.

“Es difícil para mí escribir una canción sobre nada. Tengo que contar una historia”, explicó a Interview Magazine.

El resultado de ese proceso es Confessions on a Dance Floor: Part II, un álbum que la cantante describe como una hora y cinco minutos de música concebida para el baile y la catarsis.

Uno de los momentos más personales del disco es una canción escrita junto a su hija Lola, quien se acercó a su madre con la propuesta de componer juntas como vía para sanar su relación. “Fue un momento realmente importante y solidificó la idea de que ahora es el momento de hacer este disco”, dijo Madonna en la entrevista publicada por Interview Magazine.

La artista también adelantó que, en paralelo a la presentación del álbum, retomó el proyecto de la serie, esta vez con un escritor que finalmente convenció a ambas partes, aunque el hallazgo llegó cuando el disco ya estaba casi terminado, con más del 75% del trabajo concluido.

Andrew “Andy” Lewis, deportista extremo y figura del show de medio tiempo de Madonna en el Super Bowl de 2012, murió durante un intento de salto BASE en tándem en Mineral Bottom, una zona remota del Condado de Grand, en Utah, informaron The New York Times, ABC News y CBS News.

En el mismo incidente también murió Danny Joe Kregle, padre y abuelo de 68 años. Cuando los rescatistas llegaron al cañón, Kregle estaba sujeto a Lewis, murió por el impacto y Lewis sobrevivió cerca de tres horas, mientras los equipos de emergencia intentaban salvarle la vida.

Según The New York Times, la oficina del alguacil aún investiga la causa de las muertes y no explicó públicamente cómo se conocían Lewis y Kregle.

Mineral Bottom es una zona frecuente para saltos BASE y de difícil acceso

El incidente ocurrió el domingo 14 de junio en Mineral Bottom, un sector desértico aislado dentro de un cañón en el sureste de Utah. El alguacil del Condado de Grand Jamison Wiggins indicó a The New York Times que la zona es muy popular entre quienes practican salto BASE, pero carece de cobertura de telefonía móvil y el acceso desde Moab puede demorar hasta una hora.

El salto BASE consiste en lanzarse en paracaídas desde objetos fijos elevados, como indica su sigla: edificios, antenas, puentes y tierra (“buildings, antennas, spans and earth”), explicaron ABC News y CBS News.

Esta modalidad en tándem aumenta el riesgo porque une a una persona con experiencia con otra que por lo general no la tiene, aunque el instructor John McEvoy, instructor de salto BASE en Idaho, que saltó con Lewis, sostuvo que dentro de ese deporte esos saltos suelen estar entre los más básicos.

Asimismo, McEvoy afirmó que Andrew tenía “un nivel increíble de atletismo y habilidad” desarrollado durante años, pero que asumía “una cantidad increíble de riesgo”.

No existe un registro oficial global de muertes por salto BASE, sin embargo, una lista compilada por el sitio BASEaddict.com, citada por CBS News, contabiliza 540 fallecimientos en el mundo desde 1981, incluidos 30 el año pasado.

El mismo medio añadió que un estudio publicado en 2007 en una revista médica, centrado en la práctica en Noruega, estimó que el riesgo de lesión o muerte era entre 5 y 8 veces mayor que en el paracaidismo.

Lewis llevó el slackline a la televisión mundial con Madonna

Lewis tenía 39 años y residía en Moab. Se hizo conocido por sus exhibiciones de slacklining y tricklining, variantes del funambulismo que incluyen acrobacias sobre cintas tensadas a gran altura.

De acuerdo con The New York Times, su mayor exposición llegó a los 25 años con su participación en el show de medio tiempo de Madonna en el Super Bowl de 2012. Vestido con una toga dorada y blanca, rebotó e hizo volteretas hacia atrás sobre una cinta suspendida a 1,2 metros del escenario mientras la cantante actuaba.

Después del show, declaró a ABC News: “Cuando tienes a tanta gente en directo, se te transmite una energía a la que no puedes acceder de ninguna otra forma, y ​​es increíble. La música, los flashes, las luces, el momento... Es simplemente espectacular”.

Al recordar esa presentación, Lewis expresó a The New York Times: “Si alguna vez estuve a punto de sufrir un ataque epiléptico por culpa de las luces estridentes, fue en ese momento”.

Frankie Najera, profesional del slackline, dijo entonces al mismo medio sobre esa aparición: “Eso fue, por mucho, lo más importante que le ha pasado a este deporte”.

El deportista había sido cuatro veces campeón mundial y dirigía una empresa de saltos

Andrew era propietario de BASE Jump Moab, una empresa que ofrece excursiones de salto BASE en Utah, además de paseos en globo, columpios de cuerda guiados y escalada en la zona de Moab, precisó The New York Times.

Según ABC News, era copropietario de Moab Swingers, un negocio que afirma tener el columpio de cuerda más largo de Estados Unidos. Su socio, Jimmy Peterson, escribió en redes sociales: “Me duele mucho decir esto, pero uno de nuestros dueños, Andy Lewis, falleció ayer practicando salto BASE. Seguiremos operando, solo necesitamos un par de días”.

A su vez, Lewis fue campeón mundial de slackline en 2008 y retuvo ese título en los tres años siguientes. También obtuvo un récord Guinness de “surf en slackline” tras balancearse 143 veces sobre una cuerda suspendida frente a una cascada en China. En 2014 cruzó una slackline tendida entre dos globos aerostáticos a más de 1.200 metros sobre el desierto de Nevada, detalló CBS News.

El inicio de la Copa Mundial FIFA 2026 estará marcado por la presentación en vivo de Shakira en la ceremonia inaugural, que se transmitirá para todo el Perú el 11 de junio a las 12:30 p.m. La estrella colombiana encabezará el espectáculo musical en el Estadio Azteca de México, dando inicio a una edición histórica que, por primera vez, se disputará en tres países.

La ceremonia inaugural en el Estadio Azteca incluirá a Shakira interpretando junto a Burna Boy el tema oficial “Dai Dai”. El evento contará también con actuaciones de Belinda, Danny Ocean, J Balvin, Lila Downs, Los Ángeles Azules y Maná, quienes animarán la antesala del primer partido entre México y Sudáfrica.

¿Dónde ver el show inaugural de Shakira?

La transmisión comenzará a las 12:30 p.m. (hora de Perú) por la señal abierta de América TV, canal que emitirá algunos partidos, mientras que los aficionados disponen también de alternativas de televisión por cable, como DSPORTS y la plataforma de streaming DGO.

El Estadio Azteca se convertirá en el primer recinto en acoger tres inauguraciones de mundiales de fútbol, consolidando su relevancia histórica en el deporte.

Canadá y Estados Unidos completan la fiesta

La fiesta de apertura de la Copa Mundial FIFA 2026 no se limitará a México. El 12 de junio, a la misma hora, Canadá será sede de su propia ceremonia en el estadio de Toronto con la participación de Alanis Morissette, Michael Bublé y Alessia Cara. El mismo día, pero a las 6:30 p.m., Estados Unidos ofrecerá su espectáculo en el SoFi Stadium de Los Ángeles, encabezado por Katy Perry, junto a artistas de talla internacional como Future, Anitta, LISA, Rema y Tyla.

Ambos eventos podrán verse en vivo por la señal de DSPORTS y la plataforma de streaming DGO, disponibles para los suscriptores de DIRECTV en Perú y otros países de Sudamérica.

DSPORTS, parte de la tecnomedia latinoamericana Waiken ILW, será la única señal deportiva en transmitir los 104 partidos del torneo. La cobertura incluirá más de 900 horas de contenido original y la participación de 80 enviados especiales. El servicio estará disponible a través de DSPORTS, DSPORTS 2 y DSPORTS+, con programación en vivo las 24 horas y acceso a través de DGO.

Para el público peruano, existen varias formas de acceder a la cobertura completa:

• DGO: plataforma de streaming y TV en vivo
• DIRECTV: servicio de TV paga, con acceso sin costo adicional a DGO para clientes
• ZAAZ: servicio de internet de fibra óptica que ofrece paquetes con acceso a DGO

¿Cuándo es el histórico show de Shakira, BTS y Madonna?

La edición 2026 del Mundial marcará un hito con la realización del primer show de medio tiempo en una final, protagonizado por Shakira, BTS y Madonna. El evento tendrá lugar el domingo 19 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, Estados Unidos.

La final comenzará a las 2:00 p.m. (hora de Perú), mientras que el esperado halftime show iniciará cerca de las 3:00 p.m.. La transmisión exclusiva estará disponible en los canales 610 y 1610 HD de DIRECTV, así como en todos los dispositivos compatibles con DGO.

La presentación de Shakira, BTS y Madonna será el punto culminante de una final que reunirá a 48 selecciones, la mayor cantidad en la historia del torneo. El show de medio tiempo, además de su valor artístico, tendrá un fin solidario: buscará recaudar fondos para el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa educativa impulsada por la organización.

El anuncio del cartel generó entusiasmo entre los fanáticos peruanos, especialmente entre los seguidores del grupo surcoreano BTS, cuyo regreso a los escenarios tras el servicio militar ha sido esperado a nivel mundial. Madonna también aprovechará la plataforma para estrenar material de su próximo álbum, y Shakira consolidará su vínculo con la Copa del Mundo, tras haber presentado el tema oficial “Dai Dai” y haber participado en tres ediciones anteriores.

La curaduría artística del halftime show estará a cargo de Chris Martin, líder de Coldplay, quien también participará junto a los personajes de The Muppets. El evento promete una experiencia única, fusionando fútbol y música en una escala sin precedentes.

Datos clave para el público peruano:

• Fecha y hora de la final: Domingo 19 de julio, 2:00 p.m. (hora de Perú)
• Inicio del halftime show: 3:00 p.m. aproximadamente
• Dónde ver: DSPORTS (DIRECTV, canales 610/1610 HD) y DGO en streaming

Con este despliegue, la FIFA apuesta por una final que trasciende el deporte y convierte al Mundial en un evento integral con acceso exclusivo para los espectadores en Perú y toda Latinoamérica.

Jack Schlossberg, nieto del expresidente John F. Kennedy, participó en una entrevista en el pódcast Andy Cohen Live, donde fue consultado sobre declaraciones recientes de Madonna relacionadas con su tío, John F. Kennedy Jr.

En el transcurso de la entrevista, Cohen mencionó un comentario atribuido a la cantante en el que la cantante describía al fallecido periodista como una de sus mejores experiencias personales en el pasado.

“Cuando oyes a alguien como Madonna decir: ‘JFK Jr. fue el mejor sexo que he tenido’, ¿te ríes?“, preguntó Cohen, a lo que Schlossberg tartamudeó antes de responder: ”Me presento a las elecciones. Lo único que puedo decir es que apuesto a que tenía razón“.

Las declaraciones se producen después de que la cantante, de 67 años, mencionara a John F. Kennedy Jr. en un video reciente para la aplicación de citas Grindr, donde compartió sus propias confesiones amorosas junto a Ivy Mugler, Raul Lopez, Jeremy O. Harris , Bob the Drag Queen y Marcelo Gutierrez.

La Reina del Pop les preguntó al grupo su opinión sobre recibir fotos sensuales de su pareja, la mejor iluminación para crear el ambiente adecuado y si el tamaño realmente importa. Luego le preguntaron sobre el mejor sexo que había tenido.

“Solo voy a mencionar nombres de personas fallecidas”, dijo, antes de susurrar: “John Kennedy Jr.”.

La propuesta inédita que John F. Kennedy Jr. le hizo a Madonna

A mediados de la década de 1990, John F. Kennedy Jr. asumió la dirección editorial de la revista George, una publicación que buscaba combinar contenidos políticos con elementos de cultura popular.

Su nombramiento generó atención debido a su limitada experiencia en el ámbito periodístico. Durante su gestión, participó de manera directa en la definición de contenidos y propuestas editoriales.

Entre las ideas planteadas durante ese periodo destacó una portada para una edición de 1996, vinculada a Madonna, con quien Kennedy Jr. había mantenido una relación años antes.

La propuesta consistía en que la cantante apareciera caracterizada como Jacqueline Kennedy Onassis, madre del editor.

Según recordó su asistente personal, RoseMarie Terenzio en una entrevista con el Dayli Mail, “John tenía esta idea de que Madonna posara en la portada como su madre. La vestiríamos con un traje, sus característicos lentes oscuros y un sombrero tipo pillbox, sentada sobre una pila de libros”.

Sin embargo, la propuesta no prosperó, ya que Madonna respondió mediante un fax en el que rechazó la invitación.

En el mensaje escribió: “Querido Johnny, gracias por pedirme que sea tu madre, pero me temo que nunca podría hacerle justicia. Mis cejas no son lo suficientemente gruesas para eso”.

En el mismo texto añadió: “Cuando quieras que interprete a Eva Braun o a Pamela Harriman, quizá diga que sí. Espero que estés bien. Con cariño, Madonna”.

El vínculo entre el también abogado y la cantante se remonta a la década de 1980, cuando ambos coincidieron en el entorno social de Nueva York. De acuerdo con el biógrafo Christopher Andersen, el primer encuentro ocurrió tras un concierto en el Madison Square Garden en 1985.

Madonna presentó un nuevo proyecto audiovisual para promocionar su próximo álbum, Confessions II, una producción que reúne varias canciones inéditas y que incorpora una narrativa cinematográfica de aproximadamente diez minutos de duración.

El lanzamiento corresponde a un cortometraje musical que acompaña los primeros seis temas del álbum y que cuenta con la participación de diversas figuras del entretenimiento.

Entre los invitados que aparecen en el proyecto se encuentran Kate Moss, Benedict Cumberbatch, Odessa A’zion y Julia Garner, quien además ha sido vinculada al desarrollo de una futura película biográfica sobre la artista.

El video incluye secuencias ambientadas en distintos escenarios, entre ellos una fiesta en una discoteca. Una de las escenas muestra a Madonna interactuando con otro personaje dentro de un baño del establecimiento, en una secuencia coreográfica que forma parte de la narrativa visual del proyecto.

El material ha generado comentarios entre seguidores y medios especializados debido a la estética y puesta en escena elegidas para acompañar las nuevas canciones.

En una de las escenas, la cantante arrastra a un joven a un cubículo de baño para un encuentro subido de tono.

La reina del pop inicialmente se arrodilla mientras otra persona la observa por encima del cubículo con una expresión de total asombro. El hombre entonces toma a Madonna y la levanta para que ella pueda montarlo.

“En una época en la que lo visual apenas importa, Madonna aparece con un vídeo completo para seis canciones. Esto es lo que solía significar la cultura de los videoclips: ¡nos demuestra una vez más por qué es la última VERDADERA ESTRELLA DEL POP", expresó un fan en redes sociales.

Confessions II representa el regreso de Madonna al universo musical que exploró previamente en Confessions on a Dance Floor, álbum publicado en 2005 y considerado uno de los trabajos más destacados de su catálogo orientado a la música dance.

En esta nueva producción vuelve a colaborar con el productor y DJ británico Stuart Price, quien participó en la creación del disco original y actualmente figura como uno de los responsables de la producción del nuevo proyecto.

El lanzamiento oficial de Confessions II está previsto para el 3 de julio. Como parte de la promoción del álbum, la artista ha interpretado algunas de las nuevas canciones en presentaciones recientes.

Entre los temas incluidos en sus actuaciones figuran “I Feel So Free”, “Bring Your Love” y “Love Sensation”, además de canciones pertenecientes a su repertorio anterior, como “Hung Up”, “Get Together” e “I Love New York”.

Días antes de la difusión del cortometraje musical, Madonna participó en las celebraciones del Orgullo LGBTQ+ realizadas en la ciudad de Nueva York. Durante su presentación interpretó varias canciones frente al público y compartió escenario con Stuart Price.

El espectáculo incluyó una escenografía elevada sobre los asistentes y fue transmitido mediante plataformas digitales. Durante uno de los momentos de la actuación, la cantante realizó movimientos cerca de una barandilla de seguridad instalada en la estructura del escenario.

Madonna ha abordado en diversas ocasiones las reacciones que generan sus decisiones artísticas y su imagen pública.

En publicaciones realizadas anteriormente en redes sociales, la cantante se refirió a temas como la representación de las mujeres en la industria del entretenimiento y las expectativas asociadas a la edad de las artistas.

La artista e quejó de que vivimos en un “mundo que se niega a celebrar a las mujeres mayores de 45 años y siente la necesidad de castigarla si sigue siendo una persona decidida, trabajadora y aventurera”.

En uno de esos mensajes, expresó que continuará tomando decisiones creativas de acuerdo con su visión artística y profesional.

Jennifer Lopez habló sobre sus influencias musicales y parte de su trayectoria artística durante una reciente participación en el programa Track Star, emitido el 5 de junio. En el episodio, la actriz y cantante recordó su admiración por Madonna y explicó cómo esa figura influyó en sus primeras etapas de formación artística.

Durante la dinámica del programa, a Lopez se le pidió identificar distintas canciones, entre ellas el tema “Ray of Light”, interpretado por la cantante. Al reconocer el tema, la artista reaccionó mencionando directamente a la “Reina del pop”.

Posteriormente, la estrella de Hollywood recordó la influencia que la intérprete tuvo en su juventud y en su interés por el mundo del entretenimiento.

La artista señaló que, durante su infancia, buscaba imitar el estilo de Madonna. Según explicó, esa admiración la llevó a inspirarse en su forma de vestir y en su presencia escénica.

“Cuando era pequeña, quería ser como ella. Por eso empecé a venir al pueblo. Quería vestirme como ella. Cortaba mi ropa para parecerme a ella”, afirmó y añadió que esa etapa estuvo marcada por un interés en replicar elementos visuales asociados a la artista.

En su intervención, Jennifer Lopez también habló sobre la evolución de su carrera y la importancia de mantenerse activa en distintos ámbitos del entretenimiento. Señaló que, desde sus inicios, ha procurado diversificar sus proyectos y asumir diferentes roles dentro de la industria.

“Siempre me dije a mí misma: no quiero estancarme. Siempre quise seguir evolucionando. Siempre quise seguir haciendo cosas nuevas”, dijo.

El episodio también incluyó preguntas relacionadas con otros artistas como Janet Jackson, Salt-N-Pepa y Selena Quintanilla. En este último caso, la conversación derivó hacia la participación de la actriz en la película Selena, estrenada en 1997, donde interpretó a la cantante.

Durante el programa, la conductora hizo referencia a la relevancia de esa figura en la carrera de Lopez. La artista respondió recordando que su participación en la película representó un punto importante dentro de su desarrollo profesional.

“Eso fue como el punto de partida de mi carrera, y la gente me decía: ‘No puedes dedicarte a cantar’. Y yo les decía: ‘No’“, recordó.

Asimismo, explicó que el proyecto tuvo un impacto en su decisión de continuar su carrera musical. Según comentó, el proceso de interpretar a Selena Quintanilla reforzó su determinación de seguir adelante con sus propios objetivos en la industria.

“Hay que aprovechar el momento. Solo se vive una vez, y el hecho de que muriera tan joven... me impulsó a decir: ‘¡Al diablo con todo! ¡A por ello! ¡Haz lo que quieras en esta vida!’“, indicó.

Actualmente, Jennifer Lopez continúa promocionando su nueva película Office Romance, producida por Netflix. En la cinta comparte reparto con el actor Brett Goldstein, con quien interpreta una historia centrada en una relación sentimental dentro del entorno laboral.

En declaraciones realizadas durante la presentación del filme, Lopez habló también sobre aspectos de la producción cinematográfica, incluyendo su experiencia en escenas románticas.

Según explicó, este tipo de secuencias puede generar cierto nivel de nerviosismo, incluso después de años de experiencia en la industria.

“Llevo mucho tiempo haciendo esto. Quisiera decir que estuve bien, pero siempre es algo así. Es como, ‘Bueno, tengo que besar a esta persona que no conozco, y apenas la estoy conociendo’. Te pones un poco nerviosa, eso es todo”. afirmó.

La película presenta a Jennifer Lopez en el papel de una directora ejecutiva que inicia una relación con un empleado recién incorporado a la empresa. La historia sigue el desarrollo de ese vínculo mientras ambos personajes toman decisiones relacionadas con su entorno profesional y personal.

La cantante Madonna volvió a manifestar su rechazo al uso de teléfonos móviles durante los conciertos y cuestionó la creciente necesidad de registrar cada momento en lugar de vivirlo. La artista hizo estas declaraciones durante el estreno de Confessions II – The Film, el cortometraje que acompaña a las primeras canciones de su próximo álbum Confessions II, presentado el viernes en el Festival de Tribeca de Nueva York.

Tras la proyección en el histórico Beacon Theatre de Manhattan, la llamada “Reina del Pop” participó en una conversación moderada por el periodista Anderson Cooper junto a los directores David Toro y Solomon Chase, conocidos como TORSO. Durante el encuentro, Madonna reflexionó sobre cómo la tecnología ha transformado la experiencia de los espectáculos en vivo y lamentó que los teléfonos se hayan convertido en una barrera entre los artistas y el público.

El comentario surgió después de que Cooper destacara que todos los asistentes al evento habían guardado sus dispositivos en fundas especiales Yondr, que permanecieron bloqueadas durante toda la actividad. La medida impidió el acceso a teléfonos móviles hasta el final de la noche.

Según relató la cantante, las personas sienten hoy una necesidad constante de documentar todo lo que ocurre a su alrededor, una costumbre que, a su juicio, ha cambiado profundamente la forma en que se relacionan entre sí y con el entorno.

“Vine a este mundo para hacer, no para observar”, afirmó Madonna durante la conversación, una frase que resumió su postura frente a quienes prefieren grabar experiencias en lugar de vivirlas.

La artista utilizó como ejemplo reciente su participación en el festival Coachella, donde compartió escenario con Sabrina Carpenter. Aunque aseguró que disfrutó de la actuación, confesó que hubo un aspecto que le resultó particularmente incómodo: al mirar hacia el público se encontró con una multitud de pantallas iluminadas en lugar de rostros.

Durante el diálogo, Madonna explicó que bailar constituye una experiencia colectiva de gran valor emocional. En sus palabras, se trata de una experiencia “tribal” que conecta a las personas entre sí y con algo más grande que ellas mismas. Sin embargo, considera que esa conexión se ve afectada cuando los asistentes están más preocupados por grabar que por participar en el momento.

“Los teléfonos celulares se interponen entre las personas”, sostuvo. Para concluir su presencia en el evento, la estrella lanzó un consejo final: “¡Guarden sus jodidos celulares y conecten!”.

Un estreno rodeado de celebridades

Las declaraciones sobre los teléfonos móviles tuvieron lugar en medio de la presentación de Confessions II – The Film, una producción audiovisual de más de diez minutos concebida como complemento de las seis primeras canciones de Confessions II, álbum en el que Madonna ha trabajado durante aproximadamente un año y medio.

El cortometraje, dirigido por TORSO, cuenta con la participación de numerosas figuras reconocidas, entre ellas Benedict Cumberbatch, Kate Moss, Julia Garner, Gwendoline Christie, Richard E. Grant y Sabrina Carpenter. Según The Hollywood Reporter, también aparece su hija, Lourdes Leon, quien además colaboró en la composición de una canción del nuevo disco.

Durante el encuentro con el público, Madonna explicó que decidió desarrollar el proyecto cinematográfico mientras esperaba avances relacionados con su largamente comentada película biográfica. La cantante señaló que el cine siempre ha sido una de sus grandes fuentes de inspiración y que consideró más atractivo acompañar la música con una propuesta audiovisual de este tipo.

Confessions II – The Film se estrenará oficialmente en YouTube el 8 de junio, mientras que el álbum Confessions II llegará el 3 de julio bajo el sello Warner Records.

El nombre de Feid ha irrumpido con fuerza en la conversación global sobre el inminente lanzamiento de Confessions II, el nuevo álbum de estudio de Madonna.

A través de publicaciones virales en redes sociales y foros especializados, se ha popularizado la versión según la cual el artista colombiano participaría en la pista seis del disco, titulada Read My Lips, una colaboración que sumaría a la producción al reputado productor Tainy.

Aunque hasta el momento, Madonna, Feid y Warner Records no han confirmado oficialmente la noticia; la sola posibilidad de esta alianza ha encendido la expectativa entre fanáticos de ambos artistas y la prensa musical internacional.

La especulación se alimentó aún más cuando se reportó la presencia de Feid en la premiere de la película que acompaña el lanzamiento del álbum en el Tribeca Festival de Nueva York, un evento en el que Madonna presentó un cortometraje exclusivo dirigido por David Toro y Solomon Chase. La participación del colombiano en la gala, aunque no confirma por sí sola la existencia de una colaboración musical, sirvió de base para que los rumores sobre Read My Lips se multiplicaran en plataformas sociales.

El interés en una posible colaboración entre la llamada Reina del Pop y Feid no es casual. El artista paisa (cuyo nombre de pila es Salomón Villada Hoyos) ha forjado en la última década una de las carreras más sólidas y globales de la música urbana y del pop latino.

Feid es reconocido por su capacidad para fusionar géneros, su sensibilidad melódica y su éxito en las listas internacionales, en las que ha colocado sencillos como Feliz Cumpleaños Ferxxo, Porfa o Normal. Su impacto trasciende el mercado latino: ha colaborado con figuras como Bad Bunny, Karol G y J Balvin, y ha sido nominado a los premios Grammy Latinos y a los Billboard, consolidando su perfil como uno de los referentes de la nueva música urbana mundial. El gran alcance de su base de seguidores —que supera los 20 millones solo en Instagram— y su habilidad para conectar con distintas generaciones hacen de Feid un socio atractivo para cualquier proyecto internacional.

La información confirmada hasta ahora sobre el álbum es amplia y ofrece el contexto para entender el entusiasmo por la posible aparición de Feid. Confessions II será el décimo quinto trabajo de estudio de Madonna y verá la luz el 3 de julio de 2026 bajo Warner Records, marcando su regreso a la compañía discográfica con la que firmó algunos de los mayores éxitos de su carrera. La producción está a cargo de Stuart Price, el mismo detrás del legendario Confessions on a Dance Floor de 2005. Para esta secuela, Madonna reutilizó el micrófono original de aquel disco, buscando recrear la esencia dance y electrónica de una era que le valió un Grammy y el reconocimiento global.

La lista oficial de canciones, difundida en medios internacionales, incluye 16 títulos. Entre ellos, Read My Lips ocupa el sexto lugar y es la pista señalada en los rumores sobre la colaboración con Feid y la producción de Tainy, actualmente es uno de los productores más influyentes en la música urbana global.

Otros temas destacados son I Feel So Free, Good for the Soul, Bring Your Love (junto a Sabrina Carpenter), Everything, Love Sensation y Les Girls. El primer adelanto del álbum, I Feel So Free, ya está disponible en plataformas digitales y ha sido recibido como un regreso de Madonna al universo sonoro que la consolidó como referente del pop electrónico.

El lanzamiento de Confessions II está acompañado de una agenda internacional de alto perfil. Además del evento en Tribeca, Madonna será una de las figuras principales del show de medio tiempo de la final de la Copa Mundial FIFA 2026 en Nueva Jersey, donde compartirá escenario con Shakira y BTS sólo semanas después del estreno del disco. Esta visibilidad global refuerza la relevancia de cualquier artista invitado en el proyecto, especialmente uno como Feid, cuya carrera va en ascenso constante.

La expectación es máxima, no solo por el regreso de Madonna al sonido dance y a su colaboración con Stuart Price, sino por la posibilidad de que Read My Lips una dos generaciones y dos estilos musicales que dominan la escena actual.

En la secuencia, Madonna aparece sin sostén bajo un vestido de seda de pronunciado escote y con aberturas altas que dejan al descubierto gran parte de sus piernas y caderas. El look se complementa con largos guantes de ópera, un llamativo collar de diamantes y un maquillaje glamuroso que contrasta con la atmósfera del video.

La cámara capta a la artista agachada en el suelo mientras fuma y envía un beso. Debido a que el ángulo dejaba ver más de la cuenta, el clip fue editado con barras negras digitales. La autocensura evitó que su video violara las normas comunitarias de Instagram.

Junto a la publicación, la intérprete escribió: “Nada como el amor de una madre... Feliz Mes del Orgullo. ¡Nos vemos pronto!”.

La frase final despertó especulaciones entre sus seguidores, quienes interpretaron el mensaje como una posible referencia a futuros conciertos, apariciones públicas o anuncios relacionados con su carrera musical.

Como suele ocurrir con las publicaciones de Madonna, las reacciones no tardaron en aparecer. Numerosos seguidores celebraron el gesto de apoyo a la comunidad LGBTQIA+ y destacaron el papel que la artista ha desempeñado durante décadas como una de las voces más visibles en favor de los derechos y la representación de las diversidades sexuales.

Desde los inicios de su carrera en la década de 1980, la artista ha utilizado su plataforma para defender causas relacionadas con la diversidad sexual y la lucha contra la discriminación. Su activismo se hizo especialmente visible durante los años más duros de la crisis del VIH/Sida, cuando numerosas figuras públicas evitaban pronunciarse sobre el tema.

No obstante, también hubo detractores que cuestionaron el tono del video y criticaron algunos aspectos de la publicación. Parte de los comentarios se centró en el hecho de que la artista apareciera fumando, mientras que otros expresaron desconcierto por la puesta en escena.

La promoción de “Confessions II”

La aparición del video coincide con una etapa clave para la cantante, que actualmente se encuentra promocionando Confessions II, su próximo álbum de estudio.

El proyecto será la continuación de Confessions on a Dance Floor, el exitoso disco publicado en 2005 que incluyó éxitos como “Hung Up” y que es considerado por muchos seguidores como una de las producciones más importantes de su catálogo.

Según la información difundida por diversos medios, el nuevo álbum tiene previsto estrenarse el 3 de julio. Además, Madonna ya ha comenzado a lanzar adelantos del proyecto y a participar en entrevistas destinadas a promocionar el esperado regreso discográfico.

El lanzamiento marca un momento significativo en su carrera. La artista vuelve a la primera línea musical tras varios años sin publicar un nuevo álbum de estudio y después de superar una compleja etapa personal y de salud.

En 2023, Madonna sufrió una grave infección bacteriana que la obligó a permanecer durante 48 horas en una unidad de cuidados intensivos de un hospital de Nueva York, situación que encendió las alarmas entre sus seguidores alrededor del mundo.

Posteriormente logró recuperarse y retomar sus actividades profesionales, incluyendo la exitosa gira “The Celebration Tour”, que recorrió Europa, Norteamérica y Sudamérica entre 2023 y 2024.

Un video promocional grabado con amigos logró extraer una confesión inédita de Madonna sobre el mejor amante que tuvo en su vida. La revelación ocurrió en el marco de un spot comercial para su nuevo álbum, Confessions II, producido en colaboración con la plataforma Grindr.

En lugar de realizar una gira de prensa convencional, Madonna optó por grabar un video junto a un grupo de personalidades creativas, entre ellos el dramaturgo Jeremy O. Harris, la drag queen Bob The Drag Queen, la bailarina Ivy Mugler, el diseñador Raul Lopez y el editor Marcello Gutierrez, de la revista ID. Fue precisamente Lopez quien, sin pelos en la lengua, lanzó la pregunta del millón.

“¿Quién fue el mejor sexo de tu vida?”, le preguntó Lopez a la intérprete de "Papa Don’t Preach". La respuesta de Madonna no se hizo esperar, aunque vino acompañada de una condición: “Solo voy a nombrar a los muertos”, dijo la cantante, antes de taparse la boca y susurrar el nombre: “John Kennedy Jr.”

Según Page Six, la reacción del grupo fue inmediata: un coro de gritos de incredulidad y euforia. Lopez añadió un comentario sobre el personaje mencionado: “Todo el mundo dice que tenía un miembro impresionante y que era muy buen amante”. Madonna, con una sonrisa inconfundible, confirmó con un rotundo: “Mmm hmm”. Lopez remató la anécdota señalando que era la tercera persona que le escuchaba decir algo así sobre Kennedy.

El video, revisado por Page Six antes de su estreno, estará disponible en el hub de contenidos de Grindr, Grindr Presents, así como en las cuentas de YouTube e Instagram de la aplicación. La compañía también lanzará ediciones limitadas del nuevo disco en formato vinilo de picture-disc.

Un romance breve e intenso

La historia de Madonna y JFK Jr se remonta a fines de los años ochenta, aunque las circunstancias que rodearon su vínculo lo hacen peculiar. Según el libro JFK Jr.: An Intimate Oral Biography, de Rosemarie Terenzio y Liz McNeil, publicado en 2024, la relación entre ambos fue más una aventura fugaz que un romance formal.

“Madonna fue completamente una aventura de una noche”, dijo un amigo cercano de Kennedy citado en el libro. “Nada más. Apenas eso”. La misma fuente relata que en aquel momento, Kennedy mantenía una relación con la actriz Christina Haag, mientras que Madonna aún estaba casada con Sean Penn, aunque su matrimonio se encontraba en sus últimas etapas.

Según el mismo libro, fue Madonna quien tomó la iniciativa: “Ella se le insinuó, y fue un halago para él. Ella estaba en la cima de su carrera. Adoraba el cuerpo de ella. Fue todo atracción física; no iba a ser algo más allá de eso”.

El libro añade, sin embargo, un detalle llamativo considerando la reciente declaración de la artista: al parecer, Kennedy ganó el reconocimiento de Madonna sin llegar al acto sexual propiamente dicho.

“No tenían medidas de protección y ella estaba muy atenta a la prevención del VIH”, explicó el amigo de Kennedy. Eso no impidió que la pareja “se divirtiera de otras maneras”, y que Kennedy llegara a comentar que Madonna tenía “uno de los cuerpos más hermosos que había visto en su vida”.

La historia tiene incluso un epílogo diplomático: años después, Sean Penn apareció en la portada de la edición de diciembre de 1998 de la revista George, fundada por el propio Kennedy. Los dos hombres cenaron juntos aquella noche, y Kennedy le aseguró a Penn que “nunca conoció a Madonna en el sentido bíblico”.

Por otro lado, la relación tampoco contaba con la simpatía de Jackie Kennedy. Según el libro Jackie: Public, Private Secret, del autor J. Randy Taraborrelli, la ex primera dama tenía sus propias razones para desaprobar el vínculo.

“El problema de Jackie con Madonna era que estaba casada. La desconcertaba la afición de Madonna por la atención. Jackie había pasado toda su vida de celebridad huyendo de los paparazzi, mientras que Madonna los buscaba. Y Jackie simplemente no podía entender nada de eso”, escribió Taraborrelli. A pesar de ello, la matriarca de los Kennedy asistió de incógnito a una obra en la que participaba Madonna, y aunque reconoció que la cantante actuó bien, no hizo ningún esfuerzo por saludarla tras bambalinas.

La final de la Copa Mundial FIFA 2026 marcará un antes y un después en la historia del fútbol y el espectáculo internacional. Por primera vez, el partido más importante del torneo contará con un show de medio tiempo que reunirá a tres de los artistas más influyentes del planeta: Shakira, BTS y Madonna. El Mundial 2026 contará con 48 selecciones participantes, en lugar de las 32 ediciones anteriores, lo que representa la mayor expansión en la historia del torneo.

¿Cuándo y dónde ver la final del Mundial 2026?

El evento se realizará el domingo 19 de julio de 2026 en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, Estados Unidos, y será transmitido en vivo para Perú y el resto de Sudamérica por la señal de DSPORTS y la plataforma de streaming DGO.

La gran final está programada para las 2:00 p.m. (hora de Perú), mientras que el esperado halftime show comenzará aproximadamente a las 3:00 p.m., durante el entretiempo del partido. DSPORTS (canales 610 y 1610 HD de DIRECTV) y DGO ofrecerán una transmisión exclusiva, con opción de seguir el evento en vivo desde cualquier dispositivo, tanto en televisión como en streaming.

La cobertura de DSPORTS incluye además los shows inaugurales en México, Estados Unidos y Canadá, así como los 104 partidos del torneo, mosaicos interactivos y opciones de audio que permiten una experiencia a medida para el público futbolero y musical.

Shakira presentó tema oficial

La artista colombiana Shakira ha presentado el tema oficial del Mundial, “Dai Dai”, en colaboración con el nigeriano Burna Boy. Con esta nueva canción, Shakira suma su cuarta participación en la banda sonora de la Copa del Mundo, tras sus recordadas presentaciones en Alemania 2006, Sudáfrica 2010 y Brasil 2014. “Waka Waka” continúa siendo uno de los himnos más emblemáticos del torneo y consolidó la conexión entre la cantante y el público internacional.

En 2026, la fiesta será aún mayor. El torneo, que por primera vez se celebra en tres países (Estados Unidos, México y Canadá), incluirá ceremonias inaugurales en cada sede. El 11 de junio, en el Estadio Azteca de México, actuarán Alejandro Fernández, Belinda, Danny Ocean, J Balvin y Maná. Al día siguiente, la ceremonia en Canadá contará con Alanis Morissette, Michael Bublé y Alessia Cara. En Estados Unidos, Katy Perry liderará el espectáculo de apertura en el SoFi Stadium, acompañada por Future, Anitta, Lisa, Rema y Tyla.

La FIFA confirmó que el halftime show de la final reunirá en el escenario a Madonna, BTS y Shakira y que, además, el evento tendrá un doble propósito: no solo entretener a millones de espectadores, sino también recaudar fondos para el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa educativa impulsada por la organización.

Un “halftime show” histórico

El anuncio del show de medio tiempo con Shakira, BTS y Madonna desató una ola de entusiasmo en Perú y en todo el mundo. Redes sociales y foros se llenaron de expresiones de alegría, asombro y orgullo, especialmente entre los seguidores de BTS —el ARMY peruano es uno de los más grandes de Sudamérica—, pero también entre los fans de Shakira y Madonna. La noticia fue vista como un reconocimiento a la diversidad cultural y musical que caracteriza al Mundial.

El propio Chris Martin, líder de Coldplay, fue designado curador artístico del halftime show y anunció la noticia junto a los personajes de The Muppets en un video viral, aumentando la expectativa global. Además de los tres artistas centrales, Coldplay también participará como banda invitada, sumando aún más atractivo al espectáculo.

La inclusión de BTS marca el regreso triunfal del grupo surcoreano a los escenarios internacionales tras la pausa por el servicio militar. Por su parte, Madonna presentará material inédito de su próximo álbum y Shakira consolidará su estatus como la artista latina más emblemática de la historia del Mundial.

Un evento global con acceso exclusivo en Perú

La transmisión en vivo del partido final y el show de medio tiempo estará disponible únicamente a través de DSPORTS y DGO, tanto en televisión como en streaming. La cobertura especial de DSPORTS incluirá enviados a cada sede y un despliegue técnico que permitirá a los espectadores peruanos no perderse detalle del evento más esperado del año.

Datos clave para el público peruano:

• Fecha del evento: Domingo 19 de julio de 2026
• Hora de inicio de la final: 2:00 p.m. (hora de Perú)
• Hora del halftime show: Aproximadamente 3:00 p.m.
• Dónde ver: DSPORTS (DIRECTV, canales 610/1610 HD) y DGO en streaming

Con esta apuesta, la FIFA busca transformar la final de la Copa Mundial en un espectáculo integral donde el fútbol y la música se fusionan como nunca antes. Perú, a través de DSPORTS, tendrá acceso en tiempo real al evento deportivo y musical más grande del año.

El anuncio oficial de que BTS, Shakira y Madonna encabezarán el primer show de medio tiempo en la historia de una final de la Copa del Mundo de la FIFA ha causado un verdadero furor a nivel global y, en Perú, la noticia generó una ola de reacciones entre fanáticos y usuarios en redes sociales.

La FIFA confirmó que el evento se realizará el próximo 19 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey, como parte de la final del Mundial 2026 en Estados Unidos, marcando un antes y un después en la historia del torneo.

Un ‘halftime show’ sin precedentes

Por primera vez, la final de la Copa del Mundo contará con un espectáculo de medio tiempo al estilo del Super Bowl, un formato que hasta ahora no formaba parte de la tradición futbolística. La organización designó al líder de Coldplay, Chris Martin, como curador artístico de esta edición. El propio Martin anunció la noticia en un video acompañado por personajes icónicos de The Muppets, como Elmo, Cookie Monster, Kermit the Frog y Miss Piggy, lo que sumó aún más expectativa al anuncio.

El show tendrá un doble propósito: además de entretener a millones de espectadores alrededor del mundo, recaudará fondos para el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que busca garantizar el acceso a una educación de calidad y fomentar el fútbol entre niños de diferentes partes del mundo.

El entusiasmo en Perú

Las redes sociales peruanas se llenaron de mensajes de alegría, sorpresa y orgullo. Los seguidores de cada uno de los artistas, especialmente los fanáticos de BTS —conocidos como ARMY—, celebraron la noticia. La presencia de Shakira tampoco pasó desapercibida, ya que la cantante colombiana mantiene un lazo especial con el público latinoamericano y, particularmente, con el peruano, desde su recordada participación en el Mundial de Sudáfrica 2010 con “Waka Waka”.

En foros y comunidades de fanáticos, los seguidores resaltaron la relevancia de que artistas de diferentes culturas y estilos musicales compartan el escenario en el evento deportivo más visto del planeta. Para muchos peruanos, la inclusión de figuras como Madonna y BTS representa un reconocimiento al impacto global de la música pop y el K-pop.

“Realmente no puedo creerlo”, “Madonna, Shakira y BTS juntos”, “Contando los días”, “Ese show romperá esqueñas”, “¿Es un sueño?“, son algunos de las tantas reacciones que se pueden leer en redes sociales.

BTS y su regreso triunfal

La participación de BTS marca el regreso del grupo surcoreano a los escenarios internacionales tras la pausa obligada por el servicio militar obligatorio de sus integrantes. En marzo de este año, lanzaron su sexto álbum de estudio, “Arirang”, y en abril iniciaron una gira mundial que incluyó tres noches con entradas agotadas en el Raymond James Stadium de Tampa, Florida.

La expectativa en Perú es alta, ya que el país cuenta con una de las comunidades ARMY más activas de Sudamérica, que ya celebran la nueva edición de Rolling Stone Argentina con BTS en la portada, disponible en Colecciones La Nación.

Shakira y Madonna: vigencia y novedades

Shakira, por su parte, lanzó a comienzos de mes la canción oficial del Mundial 2026, “Dai Dai”, junto al artista nigeriano Burna Boy. Este tema se suma a su legado musical vinculado a la Copa del Mundo, tras el éxito de “Waka Waka (This Time for Africa)”. La noticia de su participación en el show de medio tiempo fue recibida con entusiasmo en Perú, donde la cantante goza de gran popularidad.

Madonna también atraviesa un momento destacado en su carrera. La artista presentará este verano boreal un nuevo proyecto cinematográfico en el Tribeca Festival, vinculado a su próximo álbum de estudio “Confessions II”, que verá la luz el 3 de julio. En abril, Madonna debutó en vivo con el sencillo principal del disco, “Bring Your Love”, durante el show principal de Sabrina Carpenter en Coachella, reforzando su presencia en la agenda musical internacional.

La apuesta por un show de medio tiempo en la final del Mundial se suma a la estrategia de la FIFA de convertir el torneo en un espectáculo integral. La semana pasada, la organización anunció la presencia de artistas como Katy Perry, Future, Anitta, Lisa, Rema y Tyla en la ceremonia de apertura del primer partido en Estados Unidos el 12 de junio en el SoFi Stadium de Inglewood, donde el país anfitrión se enfrentará a Paraguay.

En Canadá, nombres como Alanis Morissette, Alessia Cara y Michael Bublé animarán el partido inaugural entre Canadá y Bosnia y Herzegovina, mientras que en México, J Balvin, Tyla, Lila Downs, Los Ángeles Azules y Maná serán parte de la ceremonia previa al encuentro entre México y Sudáfrica en el Estadio Azteca.

La final del Mundial de 2026 marcará un hito en la historia del fútbol y el entretenimiento global. Por primera vez, el partido más visto del planeta contará con un espectáculo musical durante el descanso, al estilo Super Bowl. FIFA ha confirmado que Shakira, Madonna y BTS serán las figuras centrales de este show, que se celebrará el 19 de julio en el New York New Jersey Stadium.

La noticia fue anunciada a través de un vídeo difundido en redes sociales. En el clip, Chris Martin, líder de Coldplay y designado curador artístico del espectáculo, aparece junto a personajes de los Muppets, como Elmo, quienes sugieren a los artistas invitados. En una videollamada incluida en el vídeo, los miembros de BTS responden a Martin con un “We’ll be there, Chris”, confirmando su participación. De esta manera, la FIFA reúne en un mismo escenario a tres referentes de la música pop internacional. Por primera vez en la historia, la final de la Copa del Mundo incluirá un “halftime show” con un despliegue escénico inspirado en la Super Bowl estadounidense. El espectáculo tendrá una duración aproximada de quince minutos y estará pensado tanto para la audiencia presente como para la televisión global y las redes sociales.

La FIFA ya experimentó con este formato en la pasada edición del Mundial de Clubes, donde Doja Cat, Tems y J Balvin actuaron durante el descanso del partido decisivo. En aquella ocasión, Chris Martin también fue responsable de la selección artística. El organismo presidido por Gianni Infantino busca así transformar la final en un evento que trascienda lo deportivo, integrando la música y el espectáculo en vivo como parte central de la experiencia. El objetivo es convertir el encuentro en un fenómeno cultural de alcance global, sumando a la tradicional expectación futbolística una propuesta de entretenimiento que reúna a artistas de diferentes generaciones y estilos.

Un formato inédito para la final del Mundial

El anuncio de los artistas fue cuidadosamente orquestado por la FIFA. Chris Martin, como curador del show, utilizó la colaboración con los Muppets para dar un tono lúdico y familiar al lanzamiento. En el vídeo difundido, los personajes sugieren los nombres de Madonna, Shakira y BTS, y la confirmación llega directamente de los miembros del grupo surcoreano en una videollamada. La elección de los artistas responde al deseo de ofrecer un espectáculo inclusivo y representativo de la diversidad musical global. Madonna es reconocida como una de las grandes figuras del pop internacional, mientras que Shakira ha estado históricamente vinculada a los mundiales de fútbol gracias a canciones como “Waka Waka”. BTS, por su parte, representa el auge del K-pop y el fenómeno musical juvenil de la última década.

La presencia de Shakira en la final de 2026 supone su regreso al escenario mundialista tras el éxito de “Waka Waka” en Sudáfrica. En esta ocasión, la cantante colombiana presentará “Dai Dai”, el tema oficial de la edición. Madonna, con décadas de trayectoria y numerosos hits, aportará su sello personal a la cita. BTS, símbolo del K-pop y fenómeno global, completa el trío de estrellas internacionales. La combinación de estas figuras responde al propósito de la FIFA de crear un momento único y memorable para millones de espectadores en todo el mundo. La participación de artistas de distintos continentes y estilos pretende reforzar el carácter inclusivo y universal del evento.

Además de su dimensión musical, el show del descanso tendrá un fin benéfico. Según informó la FIFA, la recaudación generada por el espectáculo se destinará al FIFA Global Citizen Education Fund o a otro fondo educativo ligado al organismo. El objetivo es alcanzar 100 millones de dólares para financiar proyectos educativos y de fútbol base infantil a escala internacional. De esta forma, la final del Mundial se convierte no solo en una cita deportiva y musical, sino también en una plataforma de impacto social. El despliegue escénico y la repercusión global del evento buscan movilizar recursos y atención hacia la educación y el desarrollo de la infancia a través del deporte.

La apuesta por el entretenimiento no se limitará al partido final. La FIFA ha preparado una extensa agenda de espectáculos para el inicio del torneo en los países anfitriones. La ceremonia de apertura, prevista para el 12 de junio en Los Ángeles, contará con artistas como Katy Perry, Future, Anitta, LISA, Rema y Tyla. Con esta estrategia, la FIFA aspira a consolidar el Mundial de 2026 como el mayor evento de fútbol y entretenimiento a nivel global, integrando deporte, música y acción social bajo un mismo escenario y ampliando el alcance del torneo a nuevas audiencias.

La Met Gala, celebrada cada año en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, reunió este 2026 a figuras clave de la moda y el arte bajo un tema central. Madonna, una de las invitadas más recurrentes y comentadas desde 1997, volvió a ser protagonista en la nueva edición al presentarse con un atuendo inspirado en Leonora Carrington y rodeada de siete modelos.

La cantante eligió a cada integrante de su séquito, destacando la selección de la modelo Charlie Nishimura tras un riguroso proceso de revisión de imágenes y aprobación personal. La artista supervisó todos los detalles del vestuario y la puesta en escena.

Cuando Charlie Nishimura recibió el mensaje de su agente preguntándole si quería asistir a la Met Gala junto a Madonna, pensó que se trataba de una broma.

La propuesta, inesperada, marcó el inicio de una experiencia que la modelo aún describe con asombro: “No esperas que algo así te pase”. Tras días de incertidumbre, llegó la confirmación: “Madonna te ha elegido”.

La elección de Nishimura no fue fruto del azar. Según la propia modelo, la cantante fue meticulosa en cada detalle, exigiendo ver fotografías de todas las candidatas y aprobando personalmente el vestuario y la presencia de quienes la escoltarían.

“Ella misma hizo el casting, lo cual es algo muy especial de escuchar”, destacó Nishimura en diálogo con Vogue, subrayando el carácter selectivo de la artista. “Se siente especial ser elegida, pero probablemente es todavía más especial cuando quien te elige es Madonna”, agregó.

La cantante, de 67 años, no solo supervisó la selección, sino que se involucró en los ensayos y preparativos previos. Tres días antes del evento, Madonna reunió en su casa de Manhattan a Nishimura y a las otras seis modelos para reproducir la escena central de la pintura La tentación de San Antonio de Leonora Carrington, de 1945.

Allí se conocieron por primera vez y, según Nishimura, la artista se mostró “sumamente cordial, una profesional consumada y una verdadera diva en el sentido positivo”.

El proceso de preparación y la implicación de Madonna

Madonna fue una de las invitadas más aplaudidas por su interpretación literal de la obra surrealista de Carrington, un despliegue visual que combinó moda, arte y performance en la alfombra roja.

Durante la etapa de ensayos, la cantante y su equipo asignaron posiciones a cada modelo y practicaron la coreografía en cuatro ocasiones antes del evento. El sombrerero Philip Treacy participó en los preparativos mediante videollamada para ajustar el tocado central del atuendo.

La atmósfera en la casa de la cantante era de entusiasmo y complicidad, con todas las participantes admirando los vestidos de sus compañeras antes de partir hacia el Met.

El día de la gala, el grupo se preparó en el espacio de ensayo de Madonna, desde donde una van las trasladó directamente al Metropolitan Museum of Art. A su llegada, evitaron la fila de celebridades y diseñadores, accediendo sin demora a la alfombra roja.

Para Nishimura, la experiencia resultó menos intimidante de lo esperado: “El momento no era sobre nosotras, sino sobre el colectivo, lo que hace que todo sea mucho menos aterrador”.

La propuesta estética de Madonna recreó fielmente el cuadro de Carrington, donde una figura real, la Reina de Saba, aparece con un instrumento de viento y un vestido sostenido por asistentes. Madonna trasladó esa imagen al mundo real portando un vestido largo de satén y encaje negro, cubierto por una capa de organza violeta translúcida. Sobre su cabeza, un sombrero negro con herrajes plateados sostenía una maqueta de barco fantasma, cubierto por un velo gris semitransparente.

Siete modelos, cada una con un vestido largo de encaje en un tono pastel distinto y un accesorio ocular translúcido, sostenían los extremos del velo, replicando la escena de la pintura. El look se completaba con botas de plataforma de cuero negro, guantes de ópera hasta el codo y dos anillos llamativos. Madonna portaba un instrumento de viento dorado, elemento central en la pintura original y en su interpretación.

El maquillaje, realizado por Marcelo Gutierrez con productos de KIKO Milano, y la peluca semipersonalizada, de textura larga y caída natural, añadieron matices que evocaban las raíces italianas de Madonna y la estética onírica del surrealismo.

El diseñador Anthony Vaccarello, director creativo de Yves Saint Laurent, supervisó la confección del conjunto en colaboración con la artista.

La entrada de Madonna a la Met Gala destacó por la originalidad y fidelidad conceptual de su atuendo, así como por la puesta en escena: la cantante tuvo las escaleras del museo para sí durante una breve performance, acompañada de una banda sonora personalizada.

Madonna recurrió en otras ocasiones a la obra de Carrington como fuente de inspiración; según Vogue, la pintora británica-mexicana también influyó en el videoclip de Bedtime Story (1994).

La Met Gala 2026 convirtió la alfombra roja del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en una muestra de creatividad, donde la alta costura dialogó con el arte bajo el lema “la moda es arte”, según BuzzFeed y The Conversation.

La gala reunió a figuras de la talla de Kendall Jenner, Anne Hathaway, Gracie Abrams, Hunter Schafer, Naomi Watts, Ben Platt, Gwendoline Christie, Lauren Sánchez, Hailey Bieber y la inconfundible Madonna, quienes convirtieron la alfombra roja en una exhibición de creatividad y referencias artísticas, siendo que las redes sociales fueron el campo ideal para que los usuarios más avezados explicaran las razones detrás de cada outfit.

Cada aparición reafirmó el papel de la Met Gala como escenario donde la moda y el arte se fusionan en propuestas tan audaces como conceptuales. Además, la controversia, y algo de picardía, terminó convirtiendo a las redes sociales en un museo donde el conocimiento del arte ganó terreno.

A lo largo del evento, las celebridades vistieron atuendos inspirados en obras de arte icónicas, recreando desde esculturas neoclásicas y lienzos puntillistas hasta motivos barrocos y detalles cubistas.

Cada vestuario rindió homenaje a piezas históricas, fusionando moda contemporánea y movimientos artísticos trascendentales como el cubismo, el puntillismo y la secesión vienesa.

Heidi Klum y la estatua Vestal Velada

Heidi Klum sorprendió al personificar la “Vestal Velada”, una estatua neoclásica del escultor italiano Raffaele Monti. Su atuendo empleó materiales que emulaban mármol, reproduciendo el efecto de velo característico de la pieza, detalló The Conversation.

La elección resaltó cómo la moda puede convertir el cuerpo en escultura, inspirándose en el ilusionismo visual del siglo XVIII.

Hailey Bieber y la elegancia minimalista de Agnes Martin

Hailey Bieber se presentó con un vestido firmado por Saint Laurent, inspirado en las composiciones geométricas de Agnes Martin.

El diseño destacó por sus líneas limpias y el juego sutil de tonos neutros, evocando la serenidad y el rigor visual de la artista estadounidense. BuzzFeed subrayó cómo la elección de Bieber tradujo la abstracción minimalista a un lenguaje de moda sofisticado y contemporáneo.

Anne Hathaway y la inspiración clásica de Keats

Anne Hathaway deslumbró con un vestido de Michael Kors Collection, pintado por Peter McGough, que evocaba figuras y símbolos presentes en el poema “Oda a una urna griega” de John Keats.

La creación fusionó referencias míticas y arte clásico, transformando a Hathaway en una figura con aire de deidad griega.

Ben Platt y el puntillismo de Seurat

Ben Platt eligió un traje pintado y bordado por Tanner Fletcher, cuyo diseño evocó “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” del artista francés Georges Seurat.

Esta pintura de 1884 es pilar del puntillismo, técnica basada en minúsculos puntos de color. El atuendo homenajeó este método innovador que marcó la Francia de finales del siglo XIX.

Miles Chamley-Watson y el cubismo hecho moda

El esgrimista Miles Chamley-Watson desfiló enfundado en un traje con motivos pintados al modo del cubismo. Este movimiento, impulsado por Pablo Picasso y Georges Braque, descompone figuras y objetos en múltiples perspectivas.

Según The Conversation, el diseño reflejó la experimentación abstracta característica del arte del siglo XX.

Kendall Jenner y la Victoria Alada del Louvre

Kendall Jenner lució un vestido diseñado por Zac Posen para Gap Studio, inspirado en la Victoria Alada de Samotracia, estatua que preside el Louvre de París.

El efecto se logró mediante un corsé de cuero generado digitalmente, combinando moda accesible y confección escultórica. El medio citado precisó que Posen modificó y plegó una camiseta blanca para evocar la monumentalidad clásica de la pieza griega.

Hunter Schafer y el universo de Klimt

La actriz Hunter Schafer llevó un vestido de Prada inspirado en el retrato “Mäda Primavesi” de Gustav Klimt, parte de la colección del Met. La obra, reconocible por sus líneas doradas y formas suaves, retrata a una niña vienesa y sirve de ejemplo de los retratos de Klimt.

Ambas fuentes destacan cómo el atuendo trasladó la singularidad cromática y ornamental de la pintura modernista austriaca al ámbito textil.

Gracie Abrams y la dama de oro de Klimt

La cantante Gracie Abrams eligió un vestido dorado de Chanel basado en el “Retrato de Adele Bloch-Bauer I”, conocido como “La dama de oro”, de Klimt, exponente de la Secesión de Viena.

The Conversation subraya que esta obra fue confiscada por los nazis, dotando al homenaje de una fuerte carga simbólica.

Lauren Sánchez y el homenaje a Tamara de Lempicka

Lauren Sánchez desfiló con un vestido de escote geométrico firmado por Oscar de la Renta, inspirado en los retratos art déco de Tamara de Lempicka. El atuendo incorporó líneas angulares y detalles metálicos que evocaban la estética sofisticada y moderna de la artista polaca.

Tanto BuzzFeed como Fashionista destacaron que el conjunto tradujo la elegancia del art déco a la pasarela del Met, reforzando el diálogo entre la moda contemporánea y la pintura de entreguerras.

Dree Hemingway y el cuello isabelino reinventado

Dree Hemingway optó por un diseño de Valentino, mostrando un cuello isabelino de gran tamaño, acompañado de diamantes de Pandora hechos en laboratorio.

El atuendo reinterpretó el vestuario renacentista, llevándolo a una escala actual y resaltando la conexión entre opulencia histórica y moda vanguardista, en palabras de BuzzFeed.

Gwendoline Christie y la teatralidad de John Singer Sargent

Gwendoline Christie sorprendió con un vestido de Giles Deacon que evocó los retratos dramáticos de John Singer Sargent. El diseño, de silueta escultural y mangas voluminosas, rememoró la teatralidad y elegancia propias de la pintura de finales del siglo XIX.

Los medios señalaron que la elección de Christie tradujo la sofisticación pictórica de Sargent al lenguaje de la alta costura, convirtiendo la alfombra roja en un escenario de arte viviente.

El espíritu experimental de la gala quedó reflejado en figuras como Klum, quien reafirmó su prestigio al asumir transformaciones extremas que la consolidan como referente en eventos de moda creativa.

La cantante Madonna irrumpe en la Met Gala 2026 con una performance dedicada a Leonora Carrington, artista surrealista que marcó el arte mexicano del siglo XX.

La aparición de la diva del pop, acompañada por música etérea y un tocado en forma de barco fantasma, responde al lema “la moda es arte”, que guía la edición de este año en el Museo Metropolitano de Nueva York.

Un performance en honor a Carrington

La obra elegida por Madonna para su homenaje se titula “La tentación de San Antonio”, pintada por Carrington en 1947. El tocado de Madonna reproduce elementos de la pieza, donde un San Antonio monumental aparece rodeado de símbolos alquímicos y figuras femeninas, mientras un cerdo añade una carga mística al conjunto.

La cantante camina sobre la alfombra roja acompañada de jóvenes de diferentes razas, todas vestidas con túnicas transparentes y velo en los ojos.

Las asistentes sujetan una tela que las une a la estrella, generando una imagen ritual que remite a las escenas de la obra de Carrington. Madonna mira desafiante a la prensa, pero no responde preguntas. El performance ocurre ante decenas de fotógrafos y asistentes al evento benéfico del Instituto de Moda del museo.

Características de “La tentación de San Antonio”

La pintura, realizada en óleo sobre lienzo, mide 120 por 90 centímetros y pertenece a una colección privada. El cuadro muestra a San Antonio en mantos blancos, en medio de un escenario con elementos fantásticos y alquímicos. Carrington, de origen británico-mexicano, incorpora figuras femeninas en actitud ritual junto a un río, así como un caldero y un cerdo, elementos que forman parte del simbolismo recurrente de la artista.

La pieza es considerada una de las más representativas de la etapa mexicana de Carrington, quien residió en el país desde la década de 1940. La selección de la obra por parte de Madonna subraya el interés de la cantante por el surrealismo y, en particular, por la obra de mujeres artistas, algo que ya había mostrado en el video de “Bedtime Story”.

Madonna y el arte mexicano en la Met Gala

Madonna es una asistente regular a la Met Gala. En ediciones anteriores ha optado por diseños de alta costura, pero en 2026 decide rendir homenaje a la escena artística de México. El performance, basado en una pintura de Carrington, resalta la influencia del arte surrealista y la relevancia de las mujeres artistas en la cultura contemporánea.

La cantante elige no dar declaraciones, pero su aparición se interpreta como un reconocimiento a la aportación de Carrington al arte mexicano. La temática del evento, “la moda es arte”, inspira a varios invitados a portar obras conocidas o reinterpretaciones libres en sus vestuarios.

El legado de Carrington en la cultura visual

Leonora Carrington, nacida en Inglaterra en 1917 y naturalizada mexicana, es una figura central en el surrealismo internacional y una de las artistas más influyentes en México. Su producción destaca por la presencia de lo fantástico, lo alquímico y la exploración de lo femenino en contextos rituales. Obras como “La tentación de San Antonio” figuran en colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

La referencia de Madonna a Carrington en la Met Gala 2026 se suma a los homenajes recientes que ha recibido la artista, fallecida en 2011. El gesto de la cantante genera comentarios entre críticos de arte y moda, quienes enfatizan la conexión entre la cultura mexicana y las expresiones contemporáneas en escenarios internacionales.

Había expectativa, había color, había escándalo. Y luego llegó Madonna. La cantante de 67 años protagonizó uno de los momentos más memorables de la Met Gala 2026 con un conjunto personalizado de Saint Laurent que era, al mismo tiempo, un cuadro hecho vestido. La pieza fue una recreación literal de La Tentación de San Antonio. Fragmento II, una pintura de la artista surrealista Leonora Carrington.

El evento anual del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art, celebrado el lunes 4 de mayo, giró este año en torno al tema “Fashion Is Art”, inspirado en la exposición de primavera del Met, Costume Art, y la Reina del Pop fue una de las invitadas que salió airosa en la ejecución del dress-code.

La cantante portó un vestido largo de satén y encaje negro de corte lencero, sobre el que lucía una imponente capa en organza violeta translúcida. Las botas de plataforma de cuero negro y una larga peluca de color castaño oscuro completaron la silueta. Pero el verdadero protagonismo se lo llevaron los accesorios: sobre la cabeza, un sombrero negro con herrajes plateados del que emergía la maqueta de un barco fantasma, cubierto por un velo gris semitransparente de proporciones monumentales.

Siete mujeres, tal como en la pintura, acompañaron a Madonna, mientras sostenían los extremos del velo gris. Cada una de las acompañantes vestía un largo traje de encaje en un tono pastel diferente, y lucía un accesorio ocular translúcido.

En la mano, Madonna llevó un instrumento de viento dorado. Guantes de ópera negros hasta el codo y dos llamativos anillos sobre ellos completaron el look. El diseñador Anthony Vaccarello, director creativo de Yves Saint Laurent, estuvo presente en la alfombra roja junto a la artista.

El glam corrió a cargo del artista de maquillaje Marcelo Gutierrez, quien trabajó con la marca italiana KIKO Milano, quizá un guiño a las raíces italianas de Madonna, según señaló Vogue. El cabello, en tanto, fue una peluca semipersonalizada creada a partir de un modelo que Madonna encontró en un rodaje: extremadamente largo, de textura rica y caída orgánica, con puntas que se difuminan como si llevaran años creciendo sin cortes.

La pintura que lo inspiró todo

La obra que sirvió de base es La Tentación de San Antonio, pintada en 1945 por Leonora Carrington (6 de abril de 1917 – 25 de mayo de 2011), artista de origen británico que vivió la mayor parte de su vida adulta en México y fue una de las últimas participantes del movimiento surrealista de los años 30, según su biografía.

No es la primera vez que Madonna acude a Carrington como fuente de inspiración: de acuerdo con Vogue, la pintora fue también uno de los referentes del videoclip de “Bedtime Story” (1994), un clásico visual de la artista. El vínculo entre ambas mujeres como dos figuras rebeldes que desafiaron las normas de su tiempo desde el arte, resulta todavía más elocuente.

Madonna es una figura recurrente en la Met Gala. De acuerdo con People, hizo su debut en la gala en 1997 y ha regresado en numerosas ediciones. En 2025, bajo el tema “Tailored for You”, llegó en un traje de completamente blanco de Tom Ford (diseñado por Haider Ackermann), con boutonniere, camisa con corbata lazo, guantes de encaje y un puro sin encender.

La experiencia de Luis Solanas con Madonna durante la filmación de Evita combinó exigencia profesional, intensidad en los ensayos y gestos personales que marcaron su vida. Al ser elegido como bailarín principal, participó en sesiones privadas y coreografías junto a la estrella internacional, lo que le permitió descubrir un costado humano y solidario de la cantante poco conocido fuera del set.

Las lecciones de tango y un gesto inolvidable de Madonna

Según Solanas, el primer ensayo con Madonna se realizó en un hotel de Puerto Madero bajo estrictas medidas de seguridad. “Siempre controlado por, viste, los dos custodios que te revisaban todo al entrar”, contó el bailarín sobre el ambiente, destacando la privacidad que rodeaba a la artista.

En medio del trabajo, Madonna le hizo una pregunta inesperada sobre su situación económica. “Me preguntó: ¿cuánto ganás? Yo pensé que si te preguntan eso es porque viene algo. Ya sabía lo que iba a ganar, todo. Esto se me pagaba menos, eh, por el ensayo, pero se me pagaba". Solanas dudó, entonces Madonna lo apuró: “¿Y?... hablá“.

Y ahí se produjo el gesto de la Reina del Pop hacia él: “Le digo la cantidad y me dice: ‘Bueno, quiero que me des quince clases y yo te voy a pagar lo mismo que ganás cuando filmás’”. Solanas recuerda esa actitud como un momento clave: “Debía un departamento, lo estaba pagando como podía y me estaba costando mucho en ese momento. Lo terminé de pagar y era importante”.

Aquella actitud de Madonna, además de profesional, dejó una huella por la sencilla razón que dio al ayudarlo. Cuando Solanas quiso saber el motivo, la cantante respondió: “Porque vos venís de abajo como yo y se nota”.

Detrás de cámaras: momentos íntimos durante la filmación de Evita

Durante los dos meses que duró el rodaje, Solanas y Madonna compartieron cenas y largos diálogos, que permitieron al bailarín conocer más allá del exigente carácter laboral. “Yo iba a cenar con ella, por ahí íbamos a comer y esto, y hablábamos y demás”, resume Solanas, resaltando la confianza que construyeron fuera de los ensayos.

Estos encuentros reflejan el vínculo que se formó entre dos artistas provenientes de realidades distintas, unidos por su pasión por el tango y el cine. La convivencia diaria, las conversaciones y el ambiente generado en el proceso acercaron a Solanas a una faceta más auténtica de la estrella de Evita.

Madonna en Buenos Aires: polémicas y un sueño cumplido

La llegada de Madonna a Argentina en enero de 1996 para interpretar a Eva Duarte de Perón bajo la dirección de Alan Parker generó controversia desde el inicio. Las calles de Buenos Aires lucían pintadas como “¡Viva Evita! ¡Fuera Madonna!”, reflejando el rechazo de algunos sectores a que una extranjera asumiera tal papel.

Pese a la polémica, Madonna arribó al país el 20 de enero de 1996 con su equipo, lista para comenzar el rodaje. Uno de los momentos más recordados fue la gestión para filmar en el balcón de la Casa Rosada, sede del gobierno argentino. Para ello, la cantante se reunió con el entonces presidente Carlos Menem. Según narra Madonna en su diario personal, el encuentro se dio en un ambiente cordial y de curiosidad mutua: “Era como un cuento de hadas. Estaba rodeado de unos hombres de aspecto sospechoso y una mujer mayor, hermosa y formal que fue nuestra traductora”.

El permiso finalmente fue concedido y el 9 de marzo de 1996, tres días antes de marcharse del país, Madonna pudo cumplir su sueño: grabar la emblemática escena en el balcón de la Casa Rosada delante de cuatro mil extras.

A través de sus cuentas de Instagram, Sabrina Carpenter y Madonna anunciaron el lanzamiento oficial de su colaboración titulada “Bring Your Love”, cuya publicación está prevista para el jueves 30 de abril a las 15:00 horas (tiempo del Pacífico).

Cabe recordar que el tema fue presentado por primera vez durante la participación de Madonna en el segundo fin de semana del festival Coachella, donde realizó una aparición especial en el espectáculo principal de Carpenter.

En esa ocasión, ambas artistas interpretaron una versión en vivo de la canción, que hasta entonces no tenía título oficial, junto con otros temas del repertorio de la cantante de 67 años como “Vogue” y “Like a Prayer”.

De acuerdo con reportes, la colaboración formaría parte del próximo álbum de Madonna, Confessions II, cuyo lanzamiento está previsto para julio.

Este material se plantea como una continuación de Confessions on a Dance Floor, disco publicado en 2005 que consolidó una etapa enfocada en la música dance dentro de la trayectoria de la artista.

Durante su aparición en el festival, Madonna hizo referencia a su historia con Coachella, recordando una presentación previa.

“Hace 20 años me presenté en Coachella. Estaba en la carpa de baile y fue la primera vez que interpreté ‘Confessions on a Dance Floor Pt. 1’ en Estados Unidos, y eso fue muy emocionante para mí”, señaló.

Y agregó: “Pueden imaginar lo que significa para mí volver 20 años después con el mismo vestuario, es un momento de ciclo completo”.

El anuncio del lanzamiento se produce días después de otra aparición pública de Madonna en el club The Abbey, donde participó en una presentación nocturna. En ese evento también estuvo presente Addison Rae, quien interactuó con el público desde la cabina del DJ.

Durante la actuación, se generó un momento que circuló ampliamente en redes sociales, cuando la famosa tomó nuevamente el micrófono mientras Rae animaba a los asistentes. Posteriormente, Rae se refirió a lo ocurrido en sus redes personales, donde escribió: “Estaba ebria. Te quiero, Madonna”.

Hasta el momento, no se han dado a conocer detalles adicionales sobre la producción completa de Confessions II ni sobre otras posibles colaboraciones incluidas en el disco.

De hecho, en diciembre de 2024, la artista mostró un poco de lo que ha sido su proceso creativo para su próximo disco.

La intérprete de “Like a Prayer” compartió un video, en el que aparecen varios clips de de ella y su productor Stuart Price bailando, riendo y muy concentrados en la computadora, mientras pasan sus días trabajando en un nuevo disco.

Además. el novio de la artista Akeem Morris, su manager Guy Oseary y sus gemelas Stella y Estere, también se unieron en algunos momentos del video, que tuvieron lugar en el estudio de grabación.

Incluso, a las hijas de la estrella se les puede ver tocando el piano y cantando, así que se puede esperar que sus voces aparezcan en algunos coros de las futuras canciones.

Asimismo, en el pie de la publicación que ya acumula más de 76 mil “me gusta”, la famosa se tomó un momento para expresar lo mucho que disfruta de escribir y componer música porque, según ella, es en lo único que le permite sentirse completamente libre, sin tener que darle explicaciones a alguien sobre sus decisiones.

“Trabajando en nueva música con Stuart Price. Estos últimos meses han sido medicina para mi ALMA. Escribir canciones y hacer música es la única área en la que no necesito pedirle permiso a nadie. Estoy tan emocionada de compartirlo contigo. ¡Quién quiere escuchar música nueva en 2025!”, redactó.

Madonna denunció el robo del vestuario histórico que utilizó durante su presentación sorpresa en el festival Coachella, realizada el viernes por la noche junto a Sabrina Carpenter, y ofreció una recompensa a quien lo devuelva.

La artista de 67 años compartió el mensaje a través de sus historias de Instagram. “Todavía volando alto desde el viernes por la noche en Coachella”, comenzó el mensaje de la cantante, antes de abordar la pérdida.

Y añadió: “Gracias a Sabrina y a todos los que lo hicieron posible. ¡Traer Confessions II de vuelta a donde empezó fue una emoción enorme! ¡Un momento en la historia que nunca olvidaré! ¡Me siento tan libre!”.

Sin embargo, la celebración pronto se vio opacada por un contratiempo. “Esta alegría de cierre de ciclo se sintió diferente cuando descubrí que las piezas vintage que usé desaparecieron: mi vestuario sacado de mis archivos personales, chaqueta, corsé, vestido y todas las demás prendas”, detalló Madonna en el mismo mensaje.

“Estas no son solo ropa, son parte de mi historia. Otros artículos de archivo de la misma época también desaparecieron”, sostuvo.

La artista apeló entonces a la solidaridad de sus seguidores: “Espero y rezo para que algún alma bondadosa encuentre estos artículos y se comunique con mi equipo a: Infomaverick2026@gmail.com. Estoy ofreciendo una recompensa por su devolución segura. Gracias con todo mi corazón", concluyó.

Durante su presentación, Madonna vistió lencería, guantes, medias y botas en color morado. Señaló en el escenario que el corsé, las botas y la chaqueta de Gucci eran los mismos que había usado en su actuación en Coachella en 2006.

También estrenó una nueva canción de su próximo álbum, Confessions on a Dance Floor: Part II, previsto para el 3 de julio, tal como lo había hecho dos décadas atrás en la carpa de baile del festival para presentar el original Confessions on a Dance Floor.

Representantes del Departamento de Policía de Indio señalaron al medio TMZ que el sábado 18 de abril se presentó un reporte de propiedad desaparecida.

Las autoridades indicaron que las prendas y joyas fueron vistas por última vez en un carrito de golf en el Empire Polo Grounds, poco después de la 1:30 a.m. del sábado.

De acuerdo con la misma fuente, las dos bolsas con los artículos podrían haber caído del carrito mientras el personal se dirigía a cargarlas en un autobús. La policía aclaró que no hay evidencia de que las bolsas hayan sido robadas de manera intencional.

Carpenter, por su parte, agradeció a su mentora a través de las redes sociales. “La noche pasada fue como sacada de un sueño. Pasar tanto tiempo riéndonos juntas y luego, sobre todo, compartir el escenario contigo es un privilegio que nunca olvidaré”, escribió la estrella de 26 años.

Fans defienden a Madonna tras las críticas en redes sociales

La aparición de Madonna en Coachella también suscitó una ola de cuestionamientos en redes sociales que sus seguidores no tardaron en rebatir. Las críticas apuntaron principalmente a su edad y a acusaciones de que la “Reina del Pop” habría utilizado playback durante la actuación.

“Madonna está genial. Solo la gente edadista, misógina e insegura, que tiene problemas con las mujeres de cierta edad que siguen haciendo lo que quieren en la vida, se molesta”, escribió un seguidor en X.

“Si no te gusta, simplemente no la escuches, no hagas streaming de sus canciones, no compres sus entradas. Ella está bien sin ti”, añadió.

Otro usuario citado por el mismo medio sostuvo: “Madonna es un ícono, una leyenda, una superestrella. Se ve increíble, su actuación es increíble, puede seguirle el ritmo a una chica de 25 años”.

Un tercer seguidor sumó: “Sigue llenando estadios. Las leyendas son leyendas hasta que mueren”.

En cuanto al playback, algunos usuarios en X aseguraron que la voz de la cantante estuvo “acompañada” por una pista de respaldo a alto volumen, mientras que otros defendieron la interpretación.

Seguidores de Madonna salieron a defender a la artista luego de que su aparición sorpresa en el festival Coachella desatara una ola de críticas en redes sociales, incluidos comentarios que la instaban a retirarse de los escenarios.

La cantante de 67 años se presentó como invitada durante el show estelar de Sabrina Carpenter, de 26, en la segunda semana del festival californiano, durante su segundo fin de semana.

Vestida con lencería morada, interpretó fragmentos de sus clásicos “Vogue” (1990) y “Like a Prayer” (1989), además de un tema nuevo de su próximo álbum, Confessions II, previsto para el 3 de julio.

La actuación, sin embargo, generó reacciones encontradas. Mientras algunos usuarios de la red social X aplaudieron el momento, otros la criticaron con dureza, cuestionaron su vigencia e incluso la acusaron de hacer playback.

Ante esa avalancha, sus seguidores respondieron con contundencia. “Madonna está genial. Solo la gente edadista, misógina e insegura, que tiene problemas con las mujeres de cierta edad que siguen haciendo lo que quieren en la vida, se molesta”, escribió un seguidor en X.

Y agregó: “Si no te gusta, simplemente no la escuches, no hagas streaming de sus canciones, no compres sus entradas. Ella está bien sin ti”.

Otro usuario defendió a la artista en términos similares: “Madonna es un ícono, una leyenda, una superestrella. Se ve increíble, su actuación es increíble, puede seguirle el ritmo a una chica de 25 años”.

El mismo medio citó a otro seguidor que agregó: “Pensé en revisar X, pero todo lo que la gente hace es atacar a Madonna. ¡Dejen en paz a la Reina! Se ha ganado el derecho a vivir su vida como quiere".

Las defensas también incluyeron referencias a su trayectoria vigente. “Sigue llenando estadios, así que no todo el mundo cree que debería retirarse. Creo que lo hizo increíble. Solo espero verme tan bien a los 67”, sostuvo otro seguidor.

Y continuó en su comentario: “Las leyendas son leyendas hasta que mueren. Ningún fan de Madonna piensa que debería retirarse".

Las críticas apuntaron principalmente a dos frentes: el etarismo y las acusaciones de playback. En cuanto al primero, varios comentarios en X se refirieron a su edad de manera despectiva y pidieron su retiro. En cuanto al segundo, distintos usuarios aseguraron que la cantante no interpretó sus temas en vivo.

“Madonna fue ‘ayudada’ por una pista de voz de respaldo a un volumen muy alto. Alguien podría argumentar que es playback. Yo no lo desmentiría”, escribió un usuario en X.

Otro añadió: “Madonna hace playback y Sabrina canta en vivo sobre la pista de respaldo. Sabrina suena genial".

Un tercer comentario fue más directo: “Madonna siempre ha sido una cantante terrible. Si no hubiera usado vestuario escandaloso y actitudes llamativas, nunca habríamos oído hablar de ella”.

El asunto del playback trajo a la superficie una vieja disputa. Varios usuarios recordaron los dichos de Elton John en 2004, cuando llamó a Madonna “fraudulenta” por sus supuestas playbacks.

En 2012, el artista británico la describió como una “stripper de feria” y una “pesadilla”, iniciando una enemistad que se prolongó hasta 2023, cuando ambos hicieron las paces.

La actuación en sí tuvo momentos destacados. Madonna emergió desde debajo del escenario mientras Sabrina Carpenter interpretaba “Juno”, justo en el instante en que la cantante entona la frase “¿Has probado este?”.

La música dio paso al medley de “Vogue” y ambas lo interpretaron juntas. Luego vino el dueto de “Like a Prayer” y la presentación del nuevo tema.

Antes de eso, Madonna hizo una broma sobre la estatura de su anfitriona: “Lo emocionante que debo señalar ahora mismo es que probablemente es la primera vez que actúo con alguien más baja que yo”, dijo. Carpenter respondió: “¡Amén!”.

Madonna también evocó su actuación en Coachella de hace dos décadas. “Hace 20 años actué aquí. Estaba en la carpa de baile, y fue la primera vez que presenté Confessions on the Dance Floor Part One en Estados Unidos”, expresó ante el público.

Y añadió en su declaración: “Fue una emoción enorme, así que pueden imaginarse lo que es estar de vuelta 20 años después, con las mismas botas, el mismo corsé, la misma chaqueta de Gucci. Un momento que cierra el círculo, muy importante para mí”.

El relato sobre Jean Duverger y su vínculo con Madonna se ha convertido en uno de los episodios más comentados de su carrera, aunque la versión que circula suele estar basada en interpretaciones erróneas.

En una reciente emisión de Sale el Sol, el propio Duverger aclaró los hechos y detalló cómo fue realmente el proceso que lo relacionó con la artista estadounidense y su posterior ingreso a Timbiriche.

Jean Duverger desmiente el mito sobre su supuesto rechazo a Madonna

El propio Jean Duverger relató en el programa de matutino cómo fue el momento en que su vida profesional se cruzó con la posibilidad de trabajar para Madonna y, al mismo tiempo, la invitación para sumarse a Timbiriche.

En sus palabras, nunca existió una negativa formal a la cantante estadounidense, sino que los procesos se superpusieron, y la elección estuvo marcada por el contexto de su carrera y juventud en ese momento.

Duverger reconstruyó así el episodio: “Yo estaba, en mis épocas de bailarín, trabajando en Estados Unidos en una compañía de danza y hacíamos giras, cuestiones así de danza. De repente ahí te grababan, tenías un representante, allá todo el mundo tiene representante, pero de bailarines. Y entonces mandan mi video a una audición para uno de los shows de Madonna”.

El artista explicó que la oportunidad con Madonna nunca fue una oferta definitiva, sino un avance en el proceso de selección: “Me regreso a México, entro a Timbiriche y ya estoy como a punto de estrenar con Timbiriche y me hablan de Los Ángeles y me dicen: ‘Te quedaste en un callback para el próximo show de Madonna’”.

Frente a quienes lo interrogan sobre la decisión de no acudir a la llamada, Duverger respondió con honestidad y humor: “Por estúpido”, bromeó, “porque si no, no estaría aquí sentado contigo”.

Añadió que en ese momento era muy joven, con solo dieciocho años, y se encontraba ya inmerso en su nueva etapa con el grupo mexicano. “Pues dije: ‘Ay, ya estoy en Timbiriche y ahora acá, pues de cantante’”.

Duverger fue enfático al aclarar que nunca existió una oferta formal por parte de la estrella estadounidense: “Solo quiero aclarar que era callback, no me había quedado. Todavía tenía que ir a hacer otra audición”. De este modo, desmitifica el relato popular que lo coloca en la encrucijada de elegir entre dos caminos seguros.

Así, el bailarín y cantante subrayó que su historia ha sido malinterpretada: el supuesto rechazo a Madonna fue en realidad parte de un proceso de audiciones, mientras que su consolidación artística se dio en México a través de Timbiriche.

El propio Duverger concluyó con una reflexión sobre su trayectoria, agradecido por el rumbo que tomó su vida profesional y la oportunidad de desarrollarse en su país.

El salto de bailarín a cantante y el azar en la carrera de Duverger

La trayectoria de Jean Duverger antes de llegar a Timbiriche ofrece detalles sobre el azar y las oportunidades en el mundo artístico. En repetidas ocasiones, Duverger ha explicado que su formación original fue como actor: “Yo empecé como actor, me capacitaron para eso, me dieron clases de actuación y como añadido me dieron baile y canto”.

Fue en ese contexto cuando Yuri, considerada “la Madonna mexicana”, solicita bailarines afrodescendientes para su videoclip Hombres al borde de un ataque, según relata Duverger. “Yo no era bailarín, fui a hacer el video, hice la audición y me quedé”, reconoce, subrayando que su adaptación y disciplina lo llevan a destacarse dentro del equipo.

De esa primera experiencia pasa rápidamente a entrenar con mayor dedicación. “Empecé a entrenar más que los demás, ahí ya era todo un señor bailarín”, cuenta durante su visita a Faisy Nights.

Al final, la historia de Jean Duverger y Madonna ilustra cómo una oportunidad internacional y una decisión tomada en la juventud pueden moldear toda una carrera.

Aunque su paso por Timbiriche no lo llevó a consolidarse como estrella musical, esa experiencia resultó fundamental para su formación y proyección en la televisión mexicana.

Cada semana, la industria musical presenta una serie de estrenos que captan la atención del público y marcan tendencias en distintos géneros. Artistas consolidados y emergentes lanzan producciones que abarcan desde el pop y el rock hasta la música urbana y electrónica.

Entre los estrenos más destacados durante la última semana, varias figuras a lo largo y ancho del globo se reportaron con lanzamientos ligados al género urbano, el regional, o la música de cantautor, así como al pop o el rock alternativo.

Con ese panorama, Infobae Colombia hace un repaso por lo más destacado en materia de estrenos musicales a nivel nacional e internacional durante la tercera semana de abril de 2026.

Nico Hernández publica “Me Niego”, con un videoclip imponente

El artista colombiano lanza una canción que pone en palabras uno de los sentimientos más universales: la dificultad de dejar ir un amor cuando ha sido verdadero. Con una interpretación cargada de emoción, el sencillo se posiciona como una apuesta honesta dentro de la música regional colombiana, conectando con quienes han atravesado despedidas que aún duelen.

El videoclip, grabado en el imponente Salar de Uyuni, en Bolivia, eleva la narrativa de la canción a un plano visual poderoso y simbólico.

Andrés Cortés presenta su EP ‘A Corazón Abierto’

El artista de regional colombiano lanza un EP de seis canciones que rinde homenaje a los clásicos que marcaron su identidad musical, siendo elegido como corte promocional su versión de Tarde La Conocí, compuesta por Omar Geles y popularizada por Patricia Teherán.

Juan Pablo Navarrete le da un giro a “Como La Flor”

El bogotano también apostó por darle su voz a una versión, en este caso a un tema que popularizó Selena en los 90. Grabada y producida en Pereira en los estudios de Apolo Music, presenta una incursión donde a la base del regional colombiano le suma elementos de la cumbia villera.

Ysa C y Yexel presentan “BCN”, un afrobeats inspirado en la energía de Barcelona

La artista colombiana se unió al artista cubano en este sencillo que hace referencia al código del aeropuerto de la Ciudad Condal, proponiendo un afrobeats que busca capturar la energía y los contrastes de la ciudad.

Gusi reúne leyendas del vallenato en su ambicioso proyecto ‘Vallenato Social Club’

El cantautor y productor colombiano de pop tropical, presenta el que es descrito como el primer álbum original 100% colaborativo del vallenato, en el que asume el rol de anfitrión para reunir a distintas generaciones de artistas en un mismo espacio creativo.

Concebido como un punto de encuentro entre estilos, trayectorias y visiones musicales, este trabajo marca un hito en la historia reciente del vallenato al celebrar, honrar y proyectar el sonido que define a Colombia.

El álbum cuenta con la participación de Elder Dayán Díaz, Alfredo Gutiérrez, Jean Carlos Centeno, Luifer Cuello, Iván Villazón, Jorge Celedón, Karen Lizarazo, Rafa Pérez, Diego Daza, José Martín Bernier, Felipe Peláez y Peter Manjarrés, quienes se suman a Gusi en un ejercicio artístico que trasciende la colaboración para convertirse en un testimonio cultural.

“Pude cerrar un círculo en mi vida, que le hacía falta ese último eslabón a la cadena con este álbum del Vallenato Social Club, porque puedo de una vez por todas amarrar todo mi sentimiento familiar. Mi abuelo viene de Villanueva, tierra de cantores, de compositores, y cómo este mundo lo descubrí a través de su legado, pero no personalmente, porque lo conocí cuando él ya estaba muy viejo. Y esta música como que me lleva a amarrar ese sentimiento de amor y de identidad que tengo por mis venas, que es tener sangre villanuevera", comentó el cantante en diálogo con Infobae Colombia.

La Banda del 5 reafirma su identidad con su EP ‘Vallenato’

La agrupación que se viene proyectando como abanderada de lo que describen como “bandanato”, presenta su nuevo EP con la que siguen fieles a su estilo, mezclando la raíz del vallenato con elementos contemporáneos, influenciados por la calle, la parranda y la mezcla natural de sonidos que han marcado su camino.

“El bandanato es nuestra forma de hacer música sin pedir permiso. Es vallenato con calle, con influencia, con lo que somos hoy. No es un disfraz, es identidad”, afirma la banda en un comunicado de prensa.

Duplat y Esteman unen fuerzas en “El Observador”

Dos de las figuras que le dieron un sentido renovado a la manera de hacer y presentar el pop en Colombia se juntan en esta pista que refleja el interés en una nueva manera de entender las canciones, desde una mirada romántica (aunque no necesariamente optimista), acústica y sutil, contrastando con lo mostrado por Duplat hasta el momento. De igual modo, representa un cambio de registro para Esteman, que venía de grabar con Daniela Spalla su LP colaborativo Amorío.

“La canción aborda un triángulo amoroso desde la perspectiva del vértice solitario, ese que observa, que desea, que espera… pero que no es elegido. Es una narrativa íntima y contenida que transforma el silencio en lenguaje y la distancia en emoción”, expresó Duplat en un comunicado de prensa.

Maca y Gero publican su EP ‘Lo Que Queda En El Aire’

Paralelo a su gira nacional por Colombia, los artistas bogotanos presentan una colección de temas orientados a contar una historia a través de lo invisible y lo emocional, explorando los vacíos y el silencio como herramientas para generar un impacto más profundo en el oyente.

“Es la forma en que la luz y el silencio guardan la memoria de lo que ocurrió entre dos personas. No vemos acciones ni escenas obvias; vemos la atmósfera que queda después de cada momento: el calor suave del coqueteo, la calma del amor, la tensión suspendida de la duda, el frío de la distancia y el vacío casi quieto de la ruptura”, manifestó el dúo en un comunicado de prensa.

Maluma y Ryan Castro presentan “Pa’ la seca”

El tercer sencillo del año por parte de Maluma es nuevamente una colaboración, esta vez con otra de las figuras consolidadas del urbano, que incursionan en un híbrido entre reguetón y dancehall con vibras nocturnas.

El videoclip, dirigido por Stillz, amplifica la narrativa llevando la historia a Estados Unidos, donde ambos artistas interpretan a dos colombianos que “josean” en las calles vendiendo flores. A lo largo de su recorrido, interactúan con diferentes personajes mientras reúnen, poco a poco, el dinero necesario para cumplir un objetivo claro: regresar a casa.

Nanpa Básico presenta su LP ‘Que Tin Y Que Tan’

El proyecto de 22 temas reúne la historia, el sonido y lo visual de lo que significa “hogar” para el rapero, llevando al oyente por un universo marcado por barrios, códigos, humor, emoción y las contradicciones que lo han formado.

Los artistas invitados incluyen a Kapo, Camilo, DFZM, Miky La Sensa, Maisak y Kris R. Todos aparecen en la portada del álbum, reunidos alrededor de una mesa de dominó frente a una bodega, en una escena que captura la cotidianidad y celebra sus raíces compartidas.

“Que Tin y Que Tan nació de la forma en que hablamos en Colombia, donde las palabras pueden significar cualquier cosa dependiendo del momento. Este álbum es mi hogar, mi historia y todo lo que me ha formado. Es una celebración de nuestra colombianidad, nuestra creatividad, resiliencia, lenguaje de calle y orgullo. Estoy bien emocionado de que este álbum finalmente sea suyo y espero que lo disfruten”, manifestó el artista en un comunicado de prensa.

Greeicy retrata la picardía en “Discúlpeme Señor”

La caleña presenta una mezcla de afrobeats, merengue y reguetón que formará parte de su próxima larga duración, CANDELA, explorando la fuerza y el empoderamiento de las mujeres, una faceta que ha estado presente en las canciones que ha lanzado desde el 2025.

Adicionalmente, llega acompañado de un videoclip, dirigido por Sebastián Villota y codirigido por la propia Greeicy, donde la artista muestra su faceta actoral junto a Luces Velásquez. Inspirado en la estética vintage de los cabarets de mediados del siglo XX, el video la presenta como una bailarina bajo el control de una Madame, interpretada por Velásquez.

Yami Safdie une fuerzas con Alejandro Sanz en “Cuéntame”

La prometedora cantautora argentina presenta su nuevo y muy esperado sencillo con la participación de la estrella del pop latino, con la que coincidió en los Premios Lo Nuestro 2025 y a la que, sin dudarlo, le envió una canción que pronto cambiaría el rumbo de su carrera. No pasó mucho tiempo para que Sanz enviara su parte vocal grabada y compartieran escenario en Argentina, donde grabaron el videoclip oficial.

Baby Rasta y Gringo le apuestan a reversionar sus clásicos en ‘Antes del Romance… [Unplugged]’, desde Colombia

La dupla de Puerto Rico presenta un proyecto donde reversionan seis de sus canciones románticas más importantes en formato acústico junto a una banda en vivo, llevándolas a un sonido más orgánico que conecta con sus raíces y con la influencia del reggae presente desde sus inicios.

Las elegidas fueron Mañana Sin Ti, Cafuné, Amor de Lejos, Cupido Me Mintió, Mi Nena y Qué Será de Mí, esta última grabada junto a Andy Rivera, quien compartió su emoción por formar parte del proyecto y su admiración por el dúo.

Bunbury presenta su nuevo álbum de estudio, ‘De un siglo anterior’

Con su LP número 14, el zaragozano prosigue con su exploración de los ritmos latinoamericanos, y particularmente los más ligados a su estilo poético y despojado a la vez de abordar la composición, como el bolero o el tango.

“El paso del tiempo es la mejor de las opciones. La otra sería que el tiempo dejara de pasar porque tu vida quedara interrumpida o no tuvieras mucho más que decir o que hacer. Así que tengo una visión muy positiva de la mirada hacia el pasado y el futuro, quizás porque estoy en un lugar intermedio en el que, aunque tengo un largo historial, considero que me quedan muchas cosas por decir”, manifestó el cantante en diálogo con Infobae Colombia.

Anitta presenta ‘EQUILIBRVM’

La brasileña publica en plataformas digitales su esperada producción discográfica en la que explora una faceta más reflexiva y aborda temas como la espiritualidad, el amor, la fe y el empoderamiento femenino, al tiempo que explora diversos sonidos de la música brasileña.

El álbum cuenta con colaboraciones de Shakira, Liniker, Marina Sena, Luedji Luna, Ebony, Papatinho, Rincon Sapiência, King Saints, Melly, Os Garotin, Los Brasileros, Ponto de Equilíbrio y Emanazul.

“Es un álbum con intenciones muy claras, pero expresadas de manera sutil. No estoy cantando sobre religiones o dogmas, sino sobre el amor, la sanación y la cultura brasileña. Más que hablar de orixás, santos u otras figuras religiosas, quiero enfocarme en los valores que representan”, manifestó la cantante en un comunicado de prensa.

Tokischa lanza su primer LP ‘Amor & Droga’

La artista dominicana nominada presenta su esperado debut discográfico, compuesto de 17 temas y presentado por primera vez durante una listening party en Nueva York, con una puesta en escena impactante que comenzó a generar conversación incluso antes de su estreno oficial.

Es una producción en la que, oscilando entre R&B, dembow, reguetón y rap, la cantante se adentra en las emociones más intensas del amor, explorando su lado más oscuro, construyendo una narrativa donde el amor y la dependencia conviven, revelando cómo una relación tóxica puede impactar la identidad, las emociones y la percepción propia.

La Perversa presenta ‘Scorpion’, su nuevo álbum

La también dominicana en una sesión privada de escucha realizada en las oficinas de Spotify en Miami junto al equipo editorial de la plataforma.

Durante la sesión, la artista tuvo la oportunidad de compartir el trasfondo creativo del álbum, explicar los códigos culturales presentes en sus letras y presentar su evolución dentro de la música urbana, en un momento donde enfoca todas sus energías en plasmar su visión del dembow dominicano.

Trueno, lanza “X UNAS LLANTAS”, primer adelanto de su próxima producción

El lanzamiento del sencillo se produce días después de que el rapero argentino sacudiera las redes sociales con el anuncio de TURR4ZO, su cuarto álbum de estudio, previsto para el 24 de abril.

La revelación llegó tras tres meses de ausencia en redes sociales, sorprendiendo a sus millones de seguidores en Instagram con un clip en el que se muestra un nuevo look mientras baila a los pasos del clásico de la década de 2010, Tírate Un Paso, de Los Wachiturros.

Rosalía publica la edición de lujo de ‘LUX’

Aclamado y generando conversación a su alrededor, el tercer larga duración de la española presenta esta semana su versión extendida con temas adicionales, Jeanne, Novia Robot y Focu’Ranni

Junto con el lanzamiento, se presenta un impresionante videoclip de Focu’Ranni, dirigido por Petra Collins, quien aporta una estética de fantasía moderna inspirada en La novia a la fuga.

Siloé presenta “Búfalo”, el último adelanto de su próximo álbum

La agrupación española decidió presentar un nuevo sencillo, más guitarrero y ligado a su sonido en vivo, con el que deja todo listo antes del estreno de su cuarta larga duración.

"Queríamos enseñárosla porque sentimos que nos representa mucho ahora mismo: es directa, intensa y nace desde lo más visceral. Tiene ese carácter y esa emoción que tanto buscamos cuando hacemos música. Para nosotros es una forma de deciros por dónde va todo lo que viene. Gracias por estar siempre al otro lado", comentó la banda en un comunicado de prensa.

Madonna anuncia ‘Confessions II’, su próximo álbum, y su primer sencillo

La reina del pop volvió a unir fuerzas con el productor Stuart Price para la realización de la segunda parte de su aclamado álbum de 2006, Confessions On A Dance Floor. El primer adelanto, I Feel So Free, ya está disponible en plataformas digitales y presenta una faceta de la norteamericana que, además de mantenerse fiel a la estética mostrada 20 años atrás, oscila entre lo bailable y lo atmosférico.

Fans y medios captaron a la estrella de 67 años bailando con total libertad durante la presentación del DJ Anyma en las primeras horas del sábado, acompañada de su novio, Akeem Morris.

Según reportó TMZ, Madonna llegó al set de Anyma con un look completamente distinto al de su actuación sorpresa: cambió su bodysuit lavanda con medias de red por un llamativo abrigo de piel blanco combinado con botas de combate negras. Así, sin protocolo ni poses, se entregó a la música como una asistente más del festival.

Las imágenes que circularon en redes mostraron a una Madonna completamente entusiasmada, moviéndose de pies a cabeza al ritmo de la música. Su novio, Akeem Morris, de 29 años, presentó una actitud mucho más relajada: se mantuvo quieto a su lado, asintiendo levemente con la cabeza.

La noche antes: el momento que paralizó Coachella

Horas antes de ese instante de diversión, Madonna había protagonizado una de las apariciones más comentadas en la historia reciente del festival.

Surgió en pleno set de Sabrina Carpenter, quien encabeza el cartel de esta segunda semana, en el momento icónico de su canción “Juno”, cuando la melodía se cortó abruptamente para dar paso a los primeros acordes de “Vogue”.

En ese instante, Madonna emergió con un vestuario a juego con el de su colega: botas altas y corset de encaje.

Juntas interpretaron el clásico de 1990, y luego estrenaron un tema inédito que sería parte del próximo álbum de Madonna. Antes de continuar con la actuación, la artista tomó el micrófono para dirigirse a la multitud con un emotivo discurso.

“Hace exactamente 20 años actué en Coachella. Estaba en la carpa de música dance y fue la primera vez que interpreté ‘Confessions on a Dance Floor Pt. 1’ en América, y eso fue algo muy emocionante para mí. Así que pueden imaginarse lo que significa estar de regreso 20 años después, con las mismas botas, el mismo corsé, la misma chaqueta Gucci. Es como un momento que cierra el círculo. Muy significativo para mí”.

Madonna también aprovechó el momento para compartir una reflexión astrológica que se volvió viral por su espontaneidad.

“También quiero destacar que es luna nueva en Tauro. Siete planetas alineados en Aries… eviten las confrontaciones. En todas las circunstancias, durante el resto del mes, intentemos llevarnos bien, intentemos estar juntos, intentemos evitar los desacuerdos”. Sabrina Carpenter, presente a su lado, respondió entre risas: “Ella me está señalando a mí porque soy Tauro”.

El cierre del número llegó con “Like a Prayer”, acompañadas por bailarines vestidos con hábitos religiosos que descendieron desde el fondo del escenario.

La presentación en Coachella coincidió con el anuncio formal de Confessions II, el nuevo álbum de Madonna previsto para el 3 de julio a través de Warner Records.

El disco marcará su primer trabajo de larga duración en siete años y su reencuentro con Stuart Price, el productor del disco original Confessions on a Dance Floor de 2005.

El mismo viernes, horas antes de subir al escenario, Madonna estrenó en iHeartRadio Pride Radio el sencillo “I Feel So Free”, el primer adelanto del álbum. La canción fue lanzada oficialmente con un visualizer a las 12:30 a.m. hora del Pacífico, minutos después de que concluyera su actuación con Carpenter.

La colaboración entre Madonna y Sabrina Carpenter en Coachella 2026 desató una auténtica euforia en redes sociales, con el público mexicano como protagonista de una ola de emociones y creatividad digital.

La aparición sorpresa de Madonna junto a Carpenter en el escenario principal fue el detonante de una noche que ya se perfila como uno de los momentos más icónicos del pop reciente.

El show incluyó duetos de clásicos como Vogue y Like a Prayer, además de un tema inédito que dejó a todos los presentes sin aliento.

Las reacciones no se hicieron esperar: la ovación fue tal que se reporta que “se escuchó hasta las afueras de California”.

El instante en que ambas divas compartieron el escenario no tardó en viralizarse, y miles de post comenzaron a circular en cuestión de minutos.

Así reaccionaron los fans mexicanos:

La comunidad mexicana se volcó completamente a las redes para expresar su asombro, nostalgia y orgullo por el encuentro generacional entre Madonna y Sabrina Carpenter.

El hashtag #MadonnaEnCoachella rápidamente lideró las tendencias y los comentarios dejaron claro que el público mexicano siente la actuación como propia.

Algunas de las reacciones más representativas recogen tanto la emoción como el sentido del humor y la creatividad local:

“👏😁🤍😍”

“Sabrina y Madonna respetando el balance OMG.”

“Sabrina llevó a Madonna y mañana algunos van a estar diciendo que poner videos de YouTube es un mejor show que esto”.

“Dios creó a los hombres y luego nos mandó a Madonna, Taylor Swift y Sabrina Carpenter como disculpa”.

“La Niña, la Pinta y la Santa María”. “La trinidad de las showgirls ✨”.

“Neta no puedo dejar de ver el video de Sabrina y Madonna cantando ‘Like a prayer’ 🥲”.

“Ese público no es nada, Sabrina regresa a México para que conozcas lo que es un público de verdad y no tendrás ni 1 segundo de silencio de nuestra parte, por ti me desgarro la garganta para hacerte coros”.

“Wey 😭🤍 HA SIDO DE LO MEJOR QUE HE VISTO 😭😭😭😭😭 ES COMO SI MI YO DE NIñA Y MI YO ACTUAL ESTUVIERAN JUNTAS Y LLORANDO, ESA CANCIóN ES MI PUTA CANCIóN FAVORITA, Y SABRINA...ES SABRINA WEY NMMS 😭😭😭 Y MADONNA...ES MADONNA 😭😭😭 NO HAY PALABRAS, Y YO ME SIENTO UNA BERRINCHUDA”.

Las frases reflejan desde la nostalgia y la catarsis hasta el ingenio popular. Para muchos, ver juntas a dos generaciones del pop en una canción tan emblemática fue una experiencia personal y colectiva, capaz de unir al “yo de niña” y el “yo actual” en un mismo grito de emoción.

Madonna y Sabrina: leyenda, herencia y pop a la mexicana

En México, Madonna mantiene el estatus de leyenda viva, mientras que Sabrina Carpenter es vista como la heredera natural del trono pop.

El regreso de Madonna a Coachella, dos décadas después de su primera actuación, fue interpretado como prueba de su vigencia y capacidad de reinventarse. La alianza escénica con Carpenter fue celebrada como un pase de antorcha entre generaciones.

Sabrina no solo fue reconocida por compartir escenario con una figura histórica, sino también por su entrega y carisma, que lograron conquistar tanto a veteranos del pop como a nuevas audiencias. La conversación digital mexicana no dudó en elevar a ambas a la categoría de “divas de dos generaciones”.

El show más viral: impacto y comentarios que cruzan fronteras

El espectáculo de Madonna y Sabrina Carpenter se consolidó como el momento más viral de Coachella 2026. Especialistas en música y entretenimiento no tardaron en analizar la importancia simbólica y mediática de esta unión, vista por muchos como un mensaje de empoderamiento y continuidad en el pop femenino internacional. La actuación fue replicada en medios y redes, reafirmando el impacto global y el lugar del público mexicano en la celebración de este hito musical.

La última vez que la cantante de 67 años había estado en un escenario de Coachella fue en 2015, como invitada durante el show de Drake, en una presentación que se volvió viral en redes sociales.

La legendaria artista apareció en el escenario mientras sonaban los primeros acordes de “Vogue”, justo después de que Carpenter interpretara “Juno”. Con estéticas coordinadas (cabellos rubios y corsés de encaje), ambas cantantes iniciaron un número conjunto que repasó algunos de los mayores éxitos de Madonna.

El repertorio incluyó “Vogue”, “Like a Prayer” y una canción inédita vinculada al próximo álbum de la artista. Se trata de Confessions II, el esperado proyecto que la cantante lanzará en julio y que funciona como secuela de su influyente disco de 2005 Confessions on a Dance Floor.

“Muchas gracias por invitarme a tu show”, dijo la Reina del Pop tras completar la primera canción. A lo que Carpenter respondió: “No hace falta agradecer, Madonna. Puedes tener lo que quieras”.

El número continuó con una canción inédita, identificada por People como “I Feel So Free”, antes de cerrar con una interpretación conjunta de “Like a Prayer”, uno de los clásicos más emblemáticos del repertorio de Madonna.

La actuación del viernes tuvo un significado especial para la artista: coincidió con el aniversario de su primera presentación en el festival.

“Hace 20 años, en este mismo día, actué en Coachella. Estaba en la carpa de dance y fue la primera vez que interpreté ‘Confessions On A Dance Floor: Part I’ en Estados Unidos, y eso fue muy emocionante para mí”, dijo ante el público.

“Así que pueden imaginar lo emocionante que es para mí estar de vuelta 20 años después… es como un momento de círculo completo, muy significativo para mí”, añadió.

“Lo otro emocionante que tengo que señalar ahora mismo es que probablemente es la primera vez que actúo con alguien que es más baja que yo”, bromeó en alusión a la estatura de su compañera.

Carpenter respondió con un breve “¡Amén!”.

Madonna también hizo un comentario sobre astrología, con alusión a la luna nueva en Tauro, y recomendó al público evitar conflictos y mejorar la comunicación en esta etapa.

“Lo mejor de la música es que une a la gente”, afirmó.

La aparición en Coachella se produjo pocos días después de que Madonna confirmara el lanzamiento de Confessions II. El nuevo álbum, previsto para el 3 de julio, retoma el universo sonoro de Confessions on a Dance Floor (2005), uno de los discos más celebrados de su carrera. También es su primer material original desde Madame X (2019).

Madonna no fue la única invitada en el set SABRINAWOOD, de la intérprete de “Manchild”. Carpenter también sumó cameos de Terry Crews y Geena Davis durante el segundo fin de semana. En la primera semana, la cantante había convocado a Will Ferrell y Susan Sarandon para esos roles.

El espectáculo apostó por una narrativa inspirada en el Hollywood clásico e incluyó varios temas de sus álbumes Man’s Best Friend y Short n’ Sweet.

El rumor sobre una posible Madonna como invitada especial en el segundo fin de semana de Coachella 2026 ha intensificado la expectativa entre seguidores y medios.

La especulación apunta a un posible dueto en el escenario con Sabrina Carpenter, lo que reforzaría una supuesta colaboración musical entre ambas para el álbum Confessions on a Dance Floor: Part II.

El cartel oficial de Coachella ya está definido, pero fuentes citadas por medios internacionales como The Sun señalan que Madonna podría acompañar a Carpenter durante su presentación principal.

Hasta ahora, ninguna de las dos artistas ni los organizadores del festival han confirmado esta información. Esto ocurre mientras usuarios en redes sociales destacan un dato puntual: el set de Carpenter se habría extendido varios minutos más de lo normal, lo que incrementa la posibilidad de una sorpresa en el escenario.

Sabrina Carpenter estará en el escenario de Coachella a las 22:00, hora del centro de México, y podrás ver el show a través del canal oficial de Youtube del festival.

Madonna y su historia en Coachella: de la carpa en 2006 al dueto con Drake en 2015

Madonna ya cuenta con antecedentes en Coachella. En 2006, durante la época de Confessions on a Dance Floor, participó en una de las carpas del festival, actuación que sigue consolidándose como uno de los momentos más recordados de ese año.

Nueve años más tarde, en 2015, la cantante regresó como invitada sorpresa en el espectáculo de Drake, lo que reavivó su reputación como protagonista de colaboraciones impredecibles en este festival. La dinámica de apariciones sorpresas ha sido una constante en la historia reciente de Coachella.

Hasta este momento, no existe confirmación oficial sobre la presencia de Madonna en el festival de 2026, ya sea como invitada de Sabrina Carpenter o como parte de otro acto. Las especulaciones continúan alimentando la expectativa entre el público y la industria musical.

Madonna trae de regreso su “Confessions on a dance floor”

Madonna anunció ya el lanzamiento de un nuevo disco titulado ‘Confessions II’, para el próximo 3 de julio.

Siete años después de su último álbum (Madame X), la cantante regresa con una secuela directa de ‘Confessions On a Dancefloor’, publicado en 2005,.

El disco anterior, ‘Confessions On a Dancefloor’, vendió 4 millones de copias y alcanzó el número uno en más de 40 países. Entre las canciones destacadas de aquel material figuran ‘Hung Up’, ‘Sorry’ y ‘Future lovers’.

Aunque Madonna no ha compartido detalles adicionales sobre la producción, publicó en Instagram la portada del nuevo álbum, donde aparece posando con un velo rosa que cubre su rostro. La expectativa por el nuevo álbum de Madonna es alta y se ha mantenido como tema viral en las redes sociales.

El próximo sábado 18 de abril, las discotiendas independientes y los coleccionistas de música en Colombia celebran el Record Store Day 2026, una jornada que impulsa la vigencia del formato físico en un mercado dominado por el consumo de plataformas digitales y su tendencia a priorizar las canciones solas en perjuicio de la experiencia inmersiva de un álbum de larga duración.

Más allá de las ventas, la cita anual logra consolidar a las discotiendas como espacios culturales y fortalece la presencia de los catálogos locales gracias a lanzamientos exclusivos en los que discotiendas de todo el mundo participan. Colombia no es la excepción, y gracias a su creciente estatus como bastión musical en América Latina, existen listas con lanzamientos especialmente planificados para la ocasión.

Uno de los más significativos involucra a Estados Alterados, que hace unos días anunció el lanzamiento de Sinfónico, un álbum grabado con la Filarmónica Metropolitana del Valle de Aburrá en el que reinterpretan varios temas de su catálogo, siendo Seres De La Noche el primer adelanto.

El tracklist anunciado para esta producción en su formato físico incorpora 10 canciones, agrupadas en dos lados: el lado A contendrá La Fiebre de Marzo, Mantra, Muévete, Pueblo y Contenme, mientras que el lado B incluye Seres de la Noche, Animal, Miedo, Opulencia y El Velo.

Otro lanzamiento destacado a nivel nacional incluye a Under Threat, agrupación de bogotana de death metal melódico de las más destacadas en su género, que publicará el EP de 10 pulgadas Ashes From Paradise/The Missing Point, que reúne sus sencillos de 2025 editados manualmente.

Otros lanzamientos exclusivos listados por el Record Store Day incluyen Moon Safari - The Athens Concert, de los franceses Air, interpretando su álbum más reconocido internacionalmente, Live A L’olympia de Jeff Buckley en una colección de dos LPs, rarezas de David Bowie durante su etapa del álbum Outside a mediados de los 90, Confessions Tour - Live From London de Madonna en dos vinilos (justo la semana en que anunció la secuela de su emblemático Confessions On A Dance Floor), el 7 pulgadas Cumbia Lenta/Ven A Bailar de Amantes Del Futuro, y el debut de Maria Daniela y Su Sonido Lasser, editado por primera vez en formato vinilo, en edición limitada.

La inclusión de estos títulos garantiza que el evento trascienda la mera exhibición de catálogos: apoya la creación contemporánea y propicia el diálogo entre tradiciones y futuros sonoros.

El Record Store Day y su papel en la industria musical

El evento funciona como una herramienta de visibilización especialmente utili para los artistas independientes, y activa una red que conecta tiendas independientes, sellos discográficos y comunidades de oyentes a través de la experiencia de la escucha mediada por el objeto musical.

La estructura del Record Store Day en Colombia se distingue por adaptar un modelo global, creado en 2008, a una realidad local donde las discotiendas encontraron un nicho de mercado suficientemente importante para que se generen espacios y experiencias dedicadas a la escucha. No es casualidad que en tiempos recientes cobraran fuerza las listening party, eventos donde los artistas brindan al oyente una escucha exclusiva de sus álbumes, previo a su estreno en plataformas de streaming.

En la última década, el aumento sostenido de estos comercios en distintas ciudades evidencia un cambio de lógica: mientras antes el disco era un producto de masas, hoy se valora como objeto de culto, como símbolo de identidad y como un elemento de colección ya sea por lo estético o por su calidad sonora.

El significado de la jornada se mide en su capacidad para fortalecer prácticas como la escucha profunda y el coleccionismo, y en la revalorización de los objetos musicales frente a la digitalización global, severamente cuestionada en los últimos años por artistas y consumidores debido a los pocos réditos que genera en concepto de regalías.

Madonna anunció el lanzamiento de su nuevo álbum Confessions II, una secuela de Confessions on a Dance Floor (2005).

El proyecto marca su regreso a la música de pista de baile y su reencuentro con el productor británico Stuart Price, quien ya había trabajado en el disco original.

Su publicación está prevista para el 3 de julio de 2026 a nivel global. El álbum fue presentado como una exploración del dancefloor entendido como “un espacio ritualista donde el movimiento reemplaza al lenguaje”.

Aunque aún no se han dado a conocer todos los detalles, la icónica cantante compartió un manifiesto que orienta el concepto del trabajo.

En ese texto, explicó la idea central del álbum junto a Price: “Debemos bailar, celebrar y rezar con nuestros cuerpos. Estas son cosas que hemos estado haciendo durante miles de años — realmente son prácticas espirituales”.

Y agregó: “Después de todo, la pista de baile es un espacio ritualista. Es un lugar donde conectas con tus heridas, con tu fragilidad. Ravear es un arte. Se trata de llevar tus límites al extremo y conectar con una comunidad de personas afines”.

La artista añadió que “el sonido, la luz y la vibración transforman nuestras percepciones, nos arrastran a un estado similar al trance. La repetición del bajo no solo la escuchamos, sino que la sentimos, alterando nuestra conciencia y disolviendo el ego y el tiempo”.

Como parte del anuncio, también se difundió un adelanto musical vinculado al sencillo principal “One Step Away”.

En ese sentido, incluyó un fragmento de la letra: “La gente piensa que la música dance es superficial, pero están completamente equivocados. La pista de baile no es solo un lugar, es un umbral: un espacio ritualista donde el movimiento reemplaza al lenguaje”.

El teaser publicado en YouTube presenta una base deep house sobre la que Madonna recita un monólogo.

“Gracias por venir. A veces, me gusta esconderme en las sombras, crear una nueva personalidad, una identidad diferente”, afirma la intérprete en el fragmento. “Puedo ser quien quiera ser, crear una nueva personalidad. Honestamente, me gustaría poder ser como otras personas y simplemente no preocuparme, pero aquí, en la pista de baile, me siento tan libre”.

El nuevo álbum retoma el enfoque musical de Confessions on a Dance Floor, disco que incluyó canciones como “Hung Up” y “Sorry”.

Tras ese lanzamiento, Madonna trabajó en otros estilos en producciones como Hard Candy, MDNA y Rebel Heart, con influencias del pop, R&B y hip hop, antes de publicar Madame X en 2019, un trabajo con referencias al fado portugués.

Este será su primer álbum de estudio en siete años y coincide con su regreso a Warner Records, sello con el que desarrolló gran parte de su carrera.

“Desde ser una artista en dificultades en Nueva York hasta firmar un contrato discográfico para lanzar solo tres sencillos, parecía que mi mundo nunca volvería a ser el mismo y, de hecho, así fue”, sostuvo la estrella pop.

Y continuó en su declaración: “Desde el principio, Warner Records ha sido un verdadero socio para mí. Estoy feliz de reunirme y espero con ansias el futuro, hacer música, hacer lo inesperado y quizás provocar algunas conversaciones necesarias”.

El anuncio de Confessions II se produce en un periodo activo para la cantante. En los últimos años, ha revisado su catálogo con lanzamientos como Veronica Electronica, centrado en remezclas de la era Ray of Light, y Bedtime Stories: The Untold Chapter, con material inédito.

También participó en la canción “Popular” junto a The Weeknd y Playboi Carti para la serie The Idol.

Además, tras una infección bacteriana grave en 2023, Madonna llevó a cabo la gira Celebration Tour, un espectáculo que recorrió distintas etapas de su carrera y que finalizó con un concierto en Río de Janeiro ante 1,6 millones de personas.

Por el momento, no se comunicaron detalles sobre una posible gira vinculada a Confessions II, pero el proyecto ha sido presentado como un regreso a la pista de baile con una propuesta centrada en la experiencia colectiva y física de la música.

Madonna volvió a colocar en el centro de la atención su próximo proyecto musical tras ofrecer nuevas pistas sobre una posible secuela de su álbum Confessions on a Dance Floor.

La cantante modificó de forma simultánea su presencia digital al eliminar todas las publicaciones de su cuenta de Instagram, actualizar su biografía y compartir una nueva imagen de perfil desenfocada, mientras que en su página web oficial aparecieron referencias directas a “Confessions II”.

La eliminación total del contenido en Instagram fue detectada rápidamente por sus seguidores, quienes interpretaron el movimiento como una señal de un anuncio cercano.

La nueva fotografía de perfil, de carácter borroso, reforzó la idea de una nueva etapa estética vinculada al proyecto.

Además, la biografía de la cuenta fue modificada para incluir la frase “Time goes by so slowly…”, una línea de la canción “Hung Up”, sencillo principal del álbum original lanzado en 2005.

En paralelo, su sitio web oficial comenzó a mostrar el texto “Confessions II” acompañado de lo que aparenta ser el arte del nuevo disco, aunque hasta el momento no se ha confirmado un título definitivo ni una fecha de lanzamiento.

Estos cambios forman parte de una serie de adelantos que la artista viene realizando desde 2024, cuando comenzó a mencionar la existencia de una continuación de su trabajo de estudio.

La posibilidad de una secuela de Confessions on a Dance Floor no es nueva. En diciembre de 2024, la intérprete publicó un video en estudio junto al productor Stuart Price, quien participó en el álbum original.

La colaboración volvió a dar impulso a las versiones sobre un nuevo material que retomaría el sonido de aquel proyecto. A esto se suma el regreso de la cantante a Warner Records, sello con el que editó sus discos desde su debut en 1983 hasta 2008.

La propia artista se refirió a esta reunificación en términos positivos: “Desde el comienzo, Warner Records ha sido un verdadero socio para mí. Estoy feliz de reunirme y espero con entusiasmo el futuro, hacer música, hacer lo inesperado y quizás provocar algunas conversaciones necesarias”.

En los últimos años, la actividad discográfica de Madonna ha estado centrada en reediciones y colaboraciones.

Desde el lanzamiento de Madame X en 2019, la cantante publicó recopilatorios de remixes como Finally Enough Love y proyectos vinculados a etapas anteriores de su carrera, como Veronica Electronica, centrado en material relacionado con Ray of Light.

También trabajó con artistas como Beyoncé, Fireboy DML y Sam Smith, y presentó una nueva versión de “Hung Up” junto a Tokischa.

La artista también compartió recientemente un fragmento instrumental acompañado de una imagen conceptual.

El adelanto, sin título, presenta una base de sintetizadores y se suma a la estrategia de crear expectativa sin revelar detalles concretos.

En ese contexto, ya había anticipado el regreso a este universo musical al señalar: “Casi dos décadas después — y se siente como en casa con Warner Records. De vuelta a la música, de vuelta a la pista de baile, de vuelta a donde todo comenzó. COADF – Pt. 2 2026”.

Hasta ahora, no se han confirmado más detalles sobre el contenido del álbum ni su fecha de publicación.

Sin embargo, los movimientos recientes en redes sociales y plataformas oficiales han sido interpretados como parte de una campaña previa al lanzamiento.

El álbum original, Confessions on a Dance Floor, debutó en el primer lugar de las listas e impulsó una etapa orientada al pop electrónico y la música de pista de baile, con temas como “Hung Up”, “Sorry” y “Jump”.

La posible secuela sería su primer lanzamiento de estudio desde 2019 y su regreso formal a una de las etapas más reconocidas de su carrera.

Por el momento, las señales difundidas por la propia artista mantienen la expectativa entre sus seguidores, a la espera de un anuncio oficial que confirme el alcance y la fecha de este nuevo proyecto.

La aparición de Madonna en la segunda temporada de la serie The Studio marca su regreso a la pantalla tras dos décadas alejada de la actuación. La cantante fue vista en Venecia mientras filmaba escenas para la producción de Apple TV+, acompañada por figuras como Julia Garner y Donald Glover. La participación de Madonna no solo representa un acontecimiento mediático, sino que también pone en primer plano las dificultades que enfrentó para llevar a cabo su propio biopic, un proyecto que finalmente fue cancelado.

La última vez que Madonna apareció en televisión fue en 2003, con una breve intervención en Will & Grace. Su rol protagónico más reciente en cine data de 2002, en el remake de Swept Away. Por ello, la presencia de la artista en The Studio constituye un logro sensible para Seth Rogen y el equipo creativo de la serie, que ya había convocado a celebridades como Martin Scorsese, Charlize Theron y Ted Sarandos durante su primera temporada. En el centro del interés está el biopic que Universal Pictures planeaba sobre la vida de Madonna. En 2021, el estudio ganó una subasta entre productoras para desarrollar el largometraje. Amy Pascal figuraba como productora y la propia Madonna asumiría la dirección y el guion. El proceso de audiciones fue calificado como extenuante, con actrices como Florence Pugh sometiéndose a pruebas intensivas de canto y baile. Finalmente, Julia Garner, ganadora del Emmy por Inventing Anna y Ozark, obtuvo el papel protagónico en 2022.

El guion del biopic proponía un recorrido desde los orígenes humildes de Madonna en Michigan, su formación artística en la Nueva York de los años 80, hasta el lanzamiento de Ray of Light en 1998, álbum que marcó una transformación en su carrera y consolidó su estatus global. Sin embargo, múltiples reescrituras del libreto y cambios en la dirección creativa antecedieron a la suspensión definitiva del proyecto en 2023. Según fuentes cercanas, Guy Oseary, mánager de Madonna, la persuadió para priorizar una gira mundial y abandonar temporalmente sus planes como directora. Al final, los derechos sobre su vida y catálogo musical expiraron en Universal.

El futuro de Madonna (y el de ‘The Studio’)

Actualmente, Netflix desarrolla una serie autobiográfica sobre Madonna, bajo la dirección de Shawn Levy y un acuerdo exclusivo con la plataforma. Julia Garner no está vinculada a esta nueva producción. La serie The Studio incorpora y parodia estos hechos reales a través de una trama en la que el ficticio Continental Studios, encabezado por personajes interpretados por Seth Rogen, Kathryn Hahn, Bryan Cranston, Ike Barinholtz y Chase Sui Wonders, produce una película sobre la vida de Madonna. En el argumento, el equipo viaja a Italia para presentar el biopic en el Festival de Venecia, con la presencia tanto de Madonna como de Garner, generando expectativas y rumores sobre posibles nominaciones al Oscar.

En la ficción, Madonna no interpreta a la directora de su biopic, sino que asume un rol diferente dentro del universo creado por la serie. Fotógrafos captaron también a Donald Glover en el set junto a Madonna y Garner, aunque no se han precisado detalles sobre su personaje. Fuentes próximas a la producción indican que los episodios donde aparece Madonna dedican especial atención al debate sobre la duración de las ovaciones en festivales, fenómeno que suele medirse para anticipar el éxito de las películas en el circuito internacional.

La filmación en Venecia generó un momento viral entre los seguidores de Madonna. Tanto ella como Garner recrearon imágenes emblemáticas del videoclip Like a Virgin de 1984, posando frente a la cámara y navegando en góndola por los canales de la ciudad. La incorporación de Madonna a The Studio implicó negociaciones complejas para Seth Rogen y Evan Goldberg, quienes lograron convencer a una figura celosa de su imagen para sumarse a una trama que revive un proyecto inconcluso de su carrera. Hasta el momento, ni Netflix ni Apple TV+ han emitido declaraciones oficiales sobre la participación de Madonna o el futuro de la serie.

En plena promoción de la biografía ‘Buscando a Rosalía’, el autor Oriol Rodríguez abordó la reciente polémica vinculada al comentario de Rosalía sobre Pablo Picasso, matizando que la cantante reconoció su error y pidió disculpas públicas tras recibir críticas. Según informó Europa Press, Rodríguez destacó que la artista suele convertirse en blanco fácil de cuestionamientos en España, ya sea por su creciente proyección internacional o por su condición de mujer. El periodista recalcó la necesidad de permitir el derecho al fallo y a la rectificación para figuras que, como Rosalía, marcan pauta más allá de las fronteras nacionales.

El medio Europa Press detalló que, en una conversación sobre la publicación del libro, Oriol Rodríguez identificó a Rosalía como una creadora que avanza un paso adelante respecto a sus contemporáneos en la industria musical, comparándola con artistas como Madonna y Björk. Rodríguez pronosticó que la trayectoria de la cantante catalana irá mucho más lejos tras el impacto mediático de su proyecto más reciente, ‘Lux’. Según el autor, Rosalía ya ha demostrado un talento singular y continuará sorprendiendo por su capacidad de innovación y libertad creativa dentro del sistema, tal y como lo han hecho otras figuras relevantes a nivel global.

Rodríguez resaltó que el trato a las grandes figuras nacionales en España resulta contradictorio, pues, a su juicio, existe una tendencia social a criticar antes que a elogiar. El periodista considera que el país ejerce con severidad la autocrítica hacia sus propios referentes culturales, lo que termina influyendo en la percepción pública de artistas de renombre internacional nacidos en territorio español. “Somos un país poco grato con nuestras grandes estrellas y tenemos tendencia, como una estrella puede ser el vecino o la vecina de al lado, a esa cosa tan nuestra de machacar. De machacar antes que elogiar”, expresó Rodríguez durante la entrevista citada por Europa Press.

Europa Press consignó que el autor considera necesario que las personalidades públicas españolas adopten posturas claras frente a distintos temas, a pesar de los riesgos que esto pueda implicar para su imagen pública. El propio caso de Rosalía y la controversia generada a partir de sus declaraciones acerca de la figura de Picasso ejemplifica, según Rodríguez, la exigencia y la presión que reciben los artistas para posicionarse y, a la vez, las dificultades asociadas al juicio público. La cantante admitió públicamente que, aunque admiraba al pintor, desconocía los casos reales de maltrato asociados a su figura, reconociendo su “falta de sensibilidad” y pidiendo perdón por sus palabras iniciales.

En respuesta a la polémica, Rosalía compartió un video en la red social TikTok para ofrecer su explicación y aclarar lo sucedido, acto que Rodríguez consideró una muestra de autocrítica. El periodista defendió que el error y la corrección pública no deben convertirse en motivo de linchamiento social, insistiendo en que la reacción contra Rosalía ha sido desproporcionada en comparación con otras figuras públicas. Comparó la situación con el modo en que otros artistas internacionales como Taylor Swift han optado, en ocasiones, por posiciones “muy neutras” para evitar controversias y proteger su imagen ante el gran público.

Durante la entrevista con Europa Press, Rodríguez subrayó que la evaluación de las estrellas nacionales a menudo se encuentra marcada por un clima en el que la crítica se confunde con el ataque personal, dificultando el análisis objetivo de las trayectorias artísticas. El biógrafo sugirió que en el universo cultural y musical de España prevalece una actitud de crítica pero también de cautela, ya que “nos conocemos todas y todos en el mundo de la cultura y musical”, y el temor a las consecuencias personales influye en la naturaleza de los comentarios públicos.

El proceso de escritura de ‘Buscando a Rosalía’ arrancó en 2019, poco después de la publicación de ‘El mal querer’, segundo álbum de la artista, que ganó reconocimiento como su trabajo de fin de proyecto en la ESMUC en Barcelona y recibió matrícula de honor. Rodríguez explicó a Europa Press que la gran cantidad de eventos y noticias relacionados con Rosalía dificultó la finalización del libro, lo que obligó a demorar la publicación a la espera de consolidar una visión completa sobre la cantante. La biografía se nutre de documentación proveniente de medios especializados y generalistas, además de vídeos, experiencias personales y entrevistas a personas cercanas al entorno de la propia artista.

La edición definitiva de la obra se cerró tras la publicación de ‘Lux’. Pese a ello, una nueva aparición inesperada de Rosalía en el Concert-Manifest x Palestina en el Palau Sant Jordi a finales de enero motivó que ese episodio se agregara al contenido del libro antes de su impresión. El periodista admitió que Rosalía se mantiene como un protagonista constante en la actualidad informativa debido a la atención mediática nacional e internacional que acapara.

En el texto, Rodríguez e Iborra estructuraron la biografía en torno a tres enfoques: informativo, analítico y con una aspiración de cierto atractivo literario. Según explicaron a Europa Press, la intención fue ofrecer una perspectiva completa basada en hechos, análisis y narrativa. A lo largo de la obra, los autores señalaron la ausencia de una crítica objetiva y constructiva hacia Rosalía, citando la falta de valoraciones fundamentadas en algunos de los comentarios de prensa que siguieron a sus primeras actuaciones con el disco ‘Los Ángeles’ en 2018.

El título de la biografía, ‘Buscando a Rosalía’, intenta capturar la idea del proceso inacabado de comprender y analizar la evolución de la artista, una labor que Rodríguez considera permanente, ya que, incluso después de varios años de investigación, reconoce que la figura de la cantante continúa renovándose y transformándose.

A mediados de la década de 1990, John F. Kennedy Jr. asumió la dirección editorial de la revista George, una publicación que buscaba combinar contenidos políticos con elementos de cultura popular.

Su nombramiento generó atención debido a su limitada experiencia en el ámbito periodístico. Durante su gestión, participó de manera directa en la definición de contenidos y propuestas editoriales.

Entre las ideas planteadas durante ese periodo destacó una portada para una edición de 1996, vinculada a Madonna, con quien Kennedy Jr. había mantenido una relación años antes.

La propuesta consistía en que la cantante apareciera caracterizada como Jacqueline Kennedy Onassis, madre del editor.

Según recordó su asistente personal, RoseMarie Terenzio en una entrevista con el Dayli Mail, “John tenía esta idea de que Madonna posara en la portada como su madre. La vestiríamos con un traje, sus característicos lentes oscuros y un sombrero tipo pillbox, sentada sobre una pila de libros”.

Sin embargo, la propuesta no prosperó, ya que Madonna respondió mediante un fax en el que rechazó la invitación.

En el mensaje escribió: “Querido Johnny, gracias por pedirme que sea tu madre, pero me temo que nunca podría hacerle justicia. Mis cejas no son lo suficientemente gruesas para eso”.

En el mismo texto añadió: “Cuando quieras que interprete a Eva Braun o a Pamela Harriman, quizá diga que sí. Espero que estés bien. Con cariño, Madonna”.

El vínculo entre el también abogado y la cantante se remonta a la década de 1980, cuando ambos coincidieron en el entorno social de Nueva York. De acuerdo con el biógrafo Christopher Andersen, el primer encuentro ocurrió tras un concierto en el Madison Square Garden en 1985.

En ese momento, la “Reina del Pop” estaba casada con el actor Sean Penn, aunque la relación atravesaba dificultades.

“John, que no era ajeno a la admiración por las estrellas, quedó deslumbrado por la idea de salir con Madonna, la mujer más glamurosa, célebre y, según todos los indicios, emocionante de su generación”, escribió Andersen.

Testimonios de personas cercanas describen el interés inicial de Kennedy Jr. hacia la artista. La bailarina Erika Belle señaló: “Se podía ver en sus ojos la primera vez que se conocieron; John estaba totalmente impresionado”.

Según distintas versiones, la relación se desarrolló de manera discreta, evitando apariciones públicas conjuntas y privilegiando encuentros en espacios privados.

Una fuente cercana al entorno de Kennedy Jr. señaló: “Madonna fue totalmente una aventura. Nada más. Apenas una aventura”.

El entorno familiar de John F. Kennedy Jr. también reaccionó a la relación. Se ha documentado que Jacqueline Kennedy Onassis expresó reservas respecto a la figura pública de Madonna, en un contexto en el que la cantante había generado controversia por el uso de símbolos religiosos en su obra.

Durante esos años, Kennedy Jr. mantenía otras relaciones sentimentales con estrellas de Hollywood, entre ellas Christina Haag, Daryl Hannah y Sarah Jessica Parker. Más adelante, en 1996, contrajo matrimonio con Carolyn Bessette.

El momento exacto en que finalizó la relación entre el periodista y la cantante no ha sido establecido con precisión. Algunas versiones indican que fue breve, mientras que otras sugieren que se extendió de manera intermitente.

La espera ha terminado. La reina indiscutible del pop mundial, Madonna, ha confirmado que posee la camiseta que vistió el 29 de julio de 1990 durante su histórico concierto en el estadio de Estadio Municipal de Balaídos. La prenda, desaparecida durante décadas, se encuentra en el archivo personal de la artista, quien asegura que la luce “en espíritu”.

La respuesta de Madonna llegó a través de la red social X este sábado 7 de marzo, apenas 72 horas después de que la presidenta del club, Marián Mouriño, publicara una carta abierta solicitando su colaboración para recuperar la mítica elástica.

En su mensaje, la cantante fue contundente: “Esta camiseta es parte de mi historia. La llevo puesta y represento a tu equipo con todo mi espíritu“ La declaración pone fin a años de incógnitas sobre el paradero de la prenda más icónica de la historia reciente del RC Celta de Vigo.

Una historia que nació en 1990

Todo comenzó la noche del 29 de julio de 1990, cuando Vigo vivió su primer gran concierto internacional con Madonna como protagonista. Ante unos 20.000 espectadores, la artista presentó su legendaria gira Blond Ambition.

Durante la tercera canción, “Causing a Commotion”, Madonna sorprendió al público al enfundarse, sobre su icónico corsé rosa de Jean Paul Gaultier, una camiseta Umbro del Celta de la temporada 1989-1990 con el dorsal 5 a la espalda, el número del defensa toledano José Manuel Espinosa, fallecido en octubre del año pasado.

La imagen fue capturada por el fotógrafo Víctor de las Heras y se convirtió con el paso del tiempo en un icono del club y de la ciudad. Sin embargo, la prenda desapareció tras el concierto y su paradero permaneció desconocido durante décadas.

35 años de búsqueda silenciosa

El Celta intentó localizar la camiseta durante años de manera discreta, sin éxito. “La investigación se estancó”, reconoció el propio club. Ante la falta de resultados, se optó por la vía pública: vallas en las principales calles de Vigo, una campaña en redes sociales y finalmente la carta abierta de Marián Mouriño, redactada en gallego e inglés: “¿A ti te suena? Si sabes dónde puede estar o quieres ayudarnos, por favor, contacta por mensaje privado".

El club habilitó un buzón para recibir pistas de cualquier aficionado que pudiera tener información sobre la prenda. Aunque hubo una masiva respuesta del celtismo, nadie más la reclamó, apuntando a una única protagonista: Madonna.

El desenlace llegó el viernes 5 de marzo, horas antes del partido entre Celta y Real Madrid (1-2). La Orquesta Folk de Galicia Sondeseu, que celebraba su 25º aniversario, interpretó en el césped del estadio una versión de “Like a Prayer” arreglada para instrumentos tradicionales gallegos, entre llamas y juegos de luces.

El club compartió el vídeo en redes con un mensaje: “Un gesto de cariño con la artista estadounidense”. Madonna vio el vídeo, lo compartió y aprovechó para zanjar definitivamente el misterio. La respuesta del Celta no se hizo esperar: “We love you, Madonna. Gracias por responder y mantener viva una pieza de la historia del Celta“.

En el próximo encuentro que el equipo disputará frente al Real Madrid, el Real Club Celta ha decidido rendir homenaje a la famosa fotografía de Madonna luciendo la camiseta celeste, planteando de manera pública la pregunta sobre el paradero de la prenda. Según publicó el club en sus redes sociales, la presidenta de la entidad, Marián Mouriño, firmó una carta dirigida a la artista en la que destaca el sentido histórico y emocional de aquel momento vivido el 29 de julio de 1990, durante el concierto de Madonna en el estadio de Balaídos. Esta comunicación busca tanto apelar a la colaboración de la cantante como a la de los seguidores de la agrupación gallega y de la propia artista.

De acuerdo con la información consignada por el club y recogida en sus plataformas oficiales, el recuerdo de la actuación de Madonna permanece presente entre la afición celeste. El medio Digital detalló que Mouriño escribió a la cantante: “Tu imagen con nuestra camiseta se convirtió en un mito y forma parte de esa historia del Celta que también se escribe fuera del terreno de juego”. La carta sostiene que, con el paso del tiempo, el significado de la instantánea ganó valor para los aficionados, ya que se interpretó como un símbolo de cuestionar las normas y enfrentarse a quienes intentan imponer límites, en línea con la actitud de la artista sobre el escenario y el mensaje que transmitía entonces.

La presidenta del Celta apuntó en su misiva que dentro del club reconocen y comparten esa forma de afrontar el mundo: una visión con la que buscan identificarse desde la institución. En esta línea, Mouriño aclaró que la búsqueda de la camiseta no responde a un interés superficial, sino que persigue la recuperación de un fragmento del patrimonio sentimental del club. “La búsqueda no es un capricho, es un acto de memoria, es patrimonio emocional de nuestro club”, expresó la presidenta en el comunicado divulgado en redes sociales.

La iniciativa se anunció de manera pública a través de una carta abierta, donde el club invita tanto a Madonna como a cualquier persona que disponga de información sobre la ubicación actual de la camiseta. El texto urge a quienes puedan aportar datos a ponerse en contacto mediante mensaje privado, demostrando así la voluntad de la entidad de involucrar a la comunidad y a los fanáticos en la labor de localizar la prenda.

Tal como reportó el propio Real Club Celta, la acción de homenaje tendrá lugar durante el partido contra el Real Madrid, fijado para el viernes en Balaídos. El club dedicará un gesto especial a la cantante estadounidense, reforzando la invitación a cooperar en la recuperación del objeto. En el mensaje que cierra la carta, Mouriño dirige a Madonna una pregunta directa: “¿La tienes tú?”, con la intención de facilitar la reapertura del diálogo sobre el destino de la camiseta y su posible regreso a Vigo.

El concierto de Madonna, celebrado el 29 de julio de 1990, marcó un momento recordado tanto para el club gallego como para los asistentes, debido a la repercusión mediática que tuvo la imagen de la artista vistiendo la equipación del Celta durante su actuación en el estadio, que entonces reunió a miles de personas.

Según publicó el club celeste, la prenda ha alcanzado la categoría de mito, al representar una conexión entre la entidad deportiva y la cultura pop de las décadas pasadas. La implicación directa de la presidencia evidencia el carácter emblemático que reviste la búsqueda y la importancia que el acontecimiento mantiene para la memoria colectiva de la ciudad.

La campaña pretende de este modo aprovechar la visibilidad global de la artista, así como el impacto generado por el evento hace más de tres décadas, para intentar recabar información que lleve a la localización de la elástica. El llamado puesto en marcha por la institución se apoya en la participación activa de la comunidad y de la propia Madonna, consolidando el objetivo de recuperar un elemento considerado ya parte del patrimonio emotivo y simbólico del Real Club Celta.

“Billy fue un tesoro para Estados Unidos, un alma pura y encantadora que nos dio algunas de las letras más poéticas, capaces de conmover a millones de personas en todo el mundo”, declaró Soriano.

Su familia también lo despidió con un mensaje en el que lo describieron como “un letrista visionario, esposo devoto, padre amoroso y uno de los compositores más influyentes de su era”, destacando que su vida fue “un testimonio del poder de una canción bien escrita”.

Billy Steinberg deja a su esposa Trina, a sus hijos Ezra y Max, y a varios hermanos y familiares.

El arquitecto de grandes himnos del pop

Billy Steinberg fue una figura central en la historia del pop contemporáneo. Su nombre quedó asociado de manera indeleble a canciones que definieron una era como “Like a Virgin”, interpretada por Madonna, y “True Colors”, popularizada por Cyndi Lauper.

Su etapa más prolífica se registró junto a su socio creativo Tom Kelly, con quien escribió una serie de éxitos número uno en el Billboard Hot 100. Además de “Like a Virgin” y “True Colors”, el dúo firmó canciones como “Eternal Flame” de The Bangles, “So Emotional” de Whitney Houston y “Alone” de Heart, todas ellas convertidas en fenómenos globales.

Según recordó Variety, Steinberg solía encargarse casi por completo las letras, mientras Kelly componía la música. “Cada uno tenía un rol muy claro”, explicó el propio compositor en una entrevista citada por el medio. “Con el tiempo se hizo evidente que yo era principalmente letrista”, afirmó.

Antes de conquistar los rankings, Steinberg inició su carrera a fines de los años 70 como líder de la banda new wave Billy Thermal, firmada por el sello Planet, de Richard Perry.

Aunque el grupo no alcanzó un éxito masivo, fue un paso decisivo para su desarrollo artístico. Uno de los temas que compuso en esa etapa, “How Do I Make You”, fue versionado por Linda Ronstadt y se convirtió en un hit del Top 10 en 1980.

El momento que lo cambió todo llegó en 1983 cuando escribió la letra de “Like a Virgin” a partir de una experiencia personal. “Estaba escribiendo sobre una situación muy íntima de mi vida”, explicó Steinberg en una entrevista citada por la BBC. “Había salido de una relación difícil y conocí a alguien nuevo. Estaba eufórico, y empecé a contar esa historia”.

Aunque inicialmente el título generó resistencia en la industria, Steinberg se negó a cambiarlo. “Sabía que podía resultar chocante, pero me gustaba la idea de escribir algo que no se había hecho antes”, sostuvo.

El tema terminó en manos de Madonna y fue producido por Nile Rodgers. El furor del público por este track lo llevó a ser el primer número uno de la cantante en Estados Unidos y en un emblema de su carrera.

Reconocimientos y legado

A lo largo de más de cuatro décadas, Steinberg escribió canciones para una lista impresionante de artistas, entre ellos Celine Dion, Tina Turner, Rod Stewart, Pat Benatar, Bette Midler, Demi Lovato y JoJo, entre muchos otros.

En 1997 ganó un premio Grammy por su trabajo en el álbum Falling Into You de Celine Dion, que fue elegido Álbum del Año. En 2011, Steinberg y Kelly fueron incorporados al Songwriters Hall of Fame, un reconocimiento que selló su lugar en la historia de la música.

Tras conocerse la noticia de su muerte, Cyndi Lauper lo recordó con afecto en redes sociales: “Siento mucho saber que mi amigo Billy Steinberg falleció. Era un tipo muy amable y siempre fue muy solidario. Pienso mucho en su familia, sus seres queridos y en Tom en este momento tan triste”, escribió la cantante en Instagram.

Rosanna Arquette compartió recientemente un recuerdo relacionado con uno de los proyectos más reconocidos de su trayectoria.

Durante una entrevista emitida el 10 de febrero en el programa de radio Andy Cohen Live, la intérprete relató que no fue invitada al estreno en Hollywood de Desperately Seeking Susan, la película que marcó su consolidación en la industria cinematográfica.

En conversación con el conductor Andy Cohen, la artista explicó que la estrategia de promoción del filme se modificó a medida que Madonna adquiría una mayor notoriedad pública.

Según relató, el crecimiento acelerado de la figura de la cantante influyó en que la campaña publicitaria se centrara principalmente en ella. En ese contexto, la actriz señaló que no recibió invitación para asistir al estreno oficial en Hollywood.

“Cuando [Madonna] se hizo tan famosa, decidieron hacer la película sobre ella. Lo cual, por supuesto, tenía sentido para ganar dinero, ¿no? Pero no me invitaron al estreno en Hollywood“, contó.

Desperately Seeking Susan, estrenada en 1985, es una comedia ambientada en Nueva York que narra la historia de Roberta, una ama de casa de Nueva Jersey que se obsesiona con una mujer de espíritu libre llamada Susan tras leer anuncios personales en un periódico.

Rosanna Arquette interpretó a Roberta, personaje que se ve envuelto en una confusión de identidades que la conduce a una serie de situaciones inesperadas en la ciudad. Madonna, por su parte, dio vida a Susan, un personaje enigmático y carismático que se convirtió en uno de los elementos más recordados del filme.

Durante la entrevista, Arquette recordó que en el momento del estreno se encontraba en Nueva York cumpliendo compromisos promocionales relacionados con la película.

Fue entonces cuando advirtió que no figuraba entre los invitados al evento de Hollywood. Según explicó, la decisión estuvo vinculada a cuestiones de manejo y representación, y se produjo en un momento en el que el enfoque mediático había cambiado.

A pesar de ese episodio, la interpretación de Arquette fue bien recibida por la crítica. Su trabajo en la película le valió, entre otros reconocimientos, el Premio BAFTA a la mejor actriz en un papel secundario, consolidando su presencia en el cine de la década de 1980.

El filme, además, se mantuvo como un referente cultural de la época y continúa siendo citado como una de las producciones más representativas de su carrera temprana.

Rosanna Arquette pertenece a una familia ampliamente conocida en el ámbito artístico. Es la mayor de los hermanos Arquette y ha participado en numerosas producciones cinematográficas a lo largo de las décadas.

Entre sus trabajos posteriores se encuentran títulos como Pulp Fiction, dirigida por Quentin Tarantino. Su nombre también trascendió el cine al asociarse con la canción “Rosanna” de la banda Toto, inspirada en ella, según se ha señalado en distintas ocasiones.

En la actualidad, a los 66 años, Arquette atraviesa una etapa distinta tanto a nivel personal como profesional. Tras un periodo que incluyó un divorcio de John Sidel y un cambio de residencia a la Costa Este de Estados Unidos, la actriz ha descrito este momento como uno de reorganización personal.

En declaraciones recientes a la revista PEOPLE, señaló que vive sola, aunque precisó que no se siente aislada.

En enero de 2026, Arquette regresó a la pantalla con un proyecto de características diferentes a sus trabajos anteriores. Participó en The Moment, un falso documental ideado por Charli xcx que toma elementos del clásico This Is Spinal Tap.

Alan Parker, reconocido director, escritor y productor de cine, nació en Islington, Londres, el 14 de febrero de 1944. Su trayectoria profesional comenzó en el mundo de la publicidad, donde inició como redactor antes de graduarse en la escritura y dirección de comerciales.

A finales de la década de 1960, formó parte de un pequeño grupo de directores británicos que revolucionaron la publicidad mundial, recibiendo en 1980 el Premio del Presidente de Oro de la reconocida organización D&AD, que destaca la labor de los creativos en el mundo. Sin embargo, los cimientos de su visión artística se establecieron mucho antes, en los años de su infancia en el norte de Londres.

Parker ofrece un relato detallado de aquel entorno de posguerra que moldeó sus primeros años. “Crecí en un edificio de pisos en un barrio de clase trabajadora de Islington, al norte de Londres, donde las bombas alemanas habían destruido muchos de los cines durante la Segunda Guerra Mundial”.

Lejos de ver eso como una tragedia, su perspectiva infantil transformó el paisaje: “Curiosamente, esta devastación era bastante maravillosa para un niño pequeño que crecía entre los escombros de la posguerra”.

La relación de Parker con lo rodeaba era de exploración intrépida. Según sus propias palabras: “Los edificios bombardeados eran nuestros patios de recreo y, aunque los letreros decían muy claramente ‘Edificio Peligroso. Prohibido el Paso’, nosotros, por supuesto, ignorábamos esto y, después de escalar una valla o dos y esquivar a la policía local, las iglesias, casas y fábricas quemadas y desmoronadas se convirtieron en nuestra propia Disneylandia privada".

Entre esas ruinas, el cine comenzó a manifestarse de formas peculiares. Parker recuerda un sitio específico: “Un lugar favorito era un cine bombardeado llamado el ‘Blue Hall’ que todavía tenía la mayoría de los asientos, pero alguien había desatornillado el equipo de proyección y probablemente se fue a la chatarra durante la guerra — podrías construir un Spitfire entero con uno de esos monstruos — o tal vez simplemente lo encerraron para su custodia”. La imaginación suplantaba la falta de tecnología: “Solíamos sentarnos en los asientos y fingir ver películas a pesar de que la pantalla y las paredes traseras del edificio faltaban”, recordó.

Con el tiempo, aquel lugar fue parcialmente restaurado, aunque mantenía su carácter precario. Parker describe: “Después de un tiempo, renovaron el cine un poco, pero todavía era bastante andrajoso en comparación con los ‘palacios de imágenes’ más elegantes cercanos que mostraban las películas en ‘Technicolor’, en su mayoría estadounidenses”. La programación del Blue Hall tenía características muy particulares que Parker detalla: “El ‘Blue Hall’ solo mostraba películas de ‘segunda vuelta’ — esas películas que no estaban actualizadas, frecuentemente horribles, siempre terriblemente rayadas y, a veces, bastante maravillosas ya que una gema ocasional a veces se deslizaba sin lógica intelectual”.

Ese espacio se transformó en un lugar formativo fundamental para él: “Se convirtió en mi cinemateca — aunque nadie lo llamaba así. Era conocido principalmente como el ‘pulguero’ local, pero yo consumía tres películas a la semana. A veces parecía que mis amigos y yo éramos los únicos mirando, junto con algunos jubilados”.

Entre las películas que vio allí, una dejó una marca indeleble, aunque con una confusión infantil en el título. Parker relata: “El Pequeño Fugitivo fue una película que vi inadvertidamente en el Blue Hall, Islington. Me encantó esta película sobre un niño pequeño a la fuga en Coney Island. En ese momento no sabía que era una mini obra maestra (de Ruth Orkin). Durante años, solía llamarla erróneamente El Pequeño Joditivo”.

Una experiencia que sería clave ocurría los fines de semana. Parker narra: “Mi otra gran pasión cinematográfica eran las ‘Películas de los Sábados por la Mañana’ en el Odeon local. Diseñadas especialmente para niños después de la guerra, mostraban maravillosos continuado de vaqueros en blanco y negro antiguos con finales de suspenso ‘¡continuará la próxima semana!’ y cualquier cortometraje espantoso que pudieran conseguir sobre temas como ‘Cómo ser un bombero’”.

El ambiente en esas proyecciones era caótico. Parker recuerda la rutina: “Para comenzar el espectáculo todos cantábamos una canción ‘Venimos el sábado por la mañana, saludando a todos con una sonrisa’. Sin embargo, había más lágrimas que sonrisas. Era un manicomio absoluto; la audiencia más ruidosa que podrías imaginar con peleas por todas partes; niños apilados unos encima de otros con asistentes adolescentes tacleando vanamente al estilo rugby a los niños más pequeños mientras corrían arriba y abajo por los pasillos, completamente ajenos a las películas en la pantalla".

En el ámbito familiar, la influencia visual provenía de su papá. Parker señala: “Mis padres no estaban especialmente interesados en las películas, aunque mi papá era un entusiasta fotógrafo aficionado. Para ser precisos, su pasatiempo era la impresión fotográfica”. La creatividad y la inventiva eran necesarios en ese contexto: “Él era muy ingenioso haciendo cosas con trozos y piezas disponibles, como era la moda en la Inglaterra de la posguerra, y había hecho una máquina ampliadora fotográfica completa, comenzando con una lata de dulces ‘Fox’s Glacier Mint’”. Y se había armado el cuarto para revelar con una ampliadora de fotos.

El proceso fotográfico fascinaba al joven Parker: “Mi papá pasaba muchas horas y noches en su ‘cuarto oscuro’, emergiendo finalmente con una sola impresión desenfocada hecha en su precioso papel fotográfico que había ‘tomado prestado’ de su trabajo de entonces en el periódico Daily Sketch. A menudo me unía a él en el maravilloso mundo rojo brillante mientras él hacía aparecer mágicamente las imágenes. Luego se sentaba en la mesa de la cocina y coloreaba minuciosamente las impresiones en blanco y negro con tintas de colores”.

Sin embargo, esa afición condujo a un incidente doméstico peligroso. Parker cuenta: “Un día, mientras me cepillaba inocentemente los dientes, noté dos botellas debajo de la pileta. Eran botellas de limonada ‘R. Whites’. No podía creer mi suerte — la Inglaterra de la posguerra estaba severamente racionada y la limonada era extremadamente rara — y así que tomé un trago considerable de una de las botellas hasta que me di cuenta de que era bastante venenoso — la botella contenía los productos químicos reveladores fotográficos de mi padre“.

Las consecuencias físicas fueron inmediatas y tuvieron un efecto duradero en la dinámica familiar: “Tuve dolores de estómago severos y diarrea durante una semana. Después de eso, mi madre desalentó el pasatiempo de mi papá y la ampliadora nunca se volvió a ensamblar”. Parker añade una observación, no sin ironía, sobre aquel evento: “A menudo se ha señalado que esa infusión química en mi torrente sanguíneo podría haber dado alguna causa a mi futura profesión”.

Su incursión práctica inicial en la dirección ocurrió cuando era un niño. Parker relata: “Mi primera prueba de ‘dirigir’ fue en mi escuela primaria. Tenía unos diez años. Acabábamos de ir a ver a Jack Palance y Jeff Chandler en la película Sign of the Pagan en el cine Odeon de mi barrio".

La recreación de la película se trasladó a la escuela: “En el recreo dividí a toda la escuela en ‘Romanos’ y ‘Hunos’, mientras los paganos cargaban contra los baños exteriores defendidos por los ‘Romanos’. Fue todo un espectáculo y se repitió cada recreo, hasta que los moretones y las rodillas sangrantes resultantes se salieron de control y fui arrastrado ante el director como el cabecilla”. El resultado fue contundente: “Las batallas fueron prohibidas“.

Tras estos años formativos y su paso por la publicidad, Parker comenzó su carrera cinematográfica profesional en 1974 dirigiendo la película para la televisión de la BBC, The Evacuees, escrita por Jack Rosenthal. Esa obra ganó el Premio Emmy Internacional y un Premio BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) a la dirección, siendo ese el primero de los siete premios BAFTA que Parker recibiría personalmente.

En 1975, Parker escribió y dirigió su primer largometraje, Bugsy Malone. La película fue un pastiche musical de películas de gánsteres de la década de 1920 con un elenco compuesto enteramente por niños. La cinta recibió ocho nominaciones a los Premios de la Academia Británica y ganó cinco. Además, Parker escribió el libro superventas basado en su propio guion de Bugsy Malone, publicado por HarperCollins.

Su segunda película fue la exitosa y recordada película Midnight Express (1977), que ganó dos premios Oscar y obtuvo seis nominaciones a los Premios de la Academia, incluida una para Parker como Mejor Director. La película recibió seis Globos de Oro y cuatro premios de la Academia de Cine Británica.

A eso le siguió, en 1979, Fame, una celebración de la juventud y las artes en Nueva York que ganó dos premios Oscar, seis nominaciones y cuatro nominaciones a los Globos de Oro, siendo adaptada posteriormente en una exitosa serie de televisión.

En 1981, dirigió su película más personal, el poderoso drama familiar Shoot the Moon, protagonizado por Diane Keaton y Albert Finney. En el mismo año, realizó la célebre Pink Floyd – The Wall, la adaptación cinematográfica del fenomenalmente exitoso álbum de rock, que se ha convertido en un clásico del género.

La producción de Parker continuó en 1984 con Birdy, basada en la novela de William Wharton y protagonizada por Nicolas Cage y Matthew Modine, que ganó el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1985. Ese mismo año, para celebrar el “Año del Cine Británico”, Parker escribió y dirigió el provocativo documental A Turnip Head’s Guide To The British Cinema, en el cual subrayó sus opiniones ferozmente independientes y francas al arremeter contra el “establishment” cinematográfico británico y los críticos de cine. Este documental ganó el Premio del Gremio de Prensa Británica al mejor documental del año.

Sin ser ajeno a la controversia, su siguiente película, Angel Heart, escrita y dirigida por Parker en 1986 y protagonizada por Mickey Rourke, Robert De Niro y Lisa Bonet, se estrenó en los Estados Unidos en medio de una tormenta causada por la calificación ‘X’ impuesta inicialmente por la Motion Picture American Association (MPAA).

En 1988 dirigió el drama sobre la violación de derechos civiles Mississippi Burning, protagonizado por Gene Hackman y Willem Dafoe. La película fue nominada a siete Premios de la Academia, incluyendo Mejor Director para Parker, y ganó a Mejor Fotografía. Parker también fue galardonado con el Premio D.W. Griffith a la dirección por la Junta Nacional de Revisión. La película fue nominada a cinco Premios de la Academia Británica, ganando tres, y también ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín.

En 1989, Parker escribió y dirigió Come See the Paradise, sobre la situación de una familia de japoneses estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, protagonizada por Dennis Quaid y Tamlyn Tomita. Al año siguiente, en 1990, realizó The Commitments, una historia de una joven banda de soul de clase trabajadora irlandesa. Esta película fue galardonada con una nominación al Globo de Oro a la Mejor Película y le valió a Parker el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Tokio, así como Premios de la Academia Británica por Edición, Guion, Director y Mejor Película.

En 1993, Parker escribió y dirigió la anárquica y satírica The Road to Wellville, basada en la novela de T. Coraghessan Boyle, y protagonizada por Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack y Dana Carvey.

Posteriormente, en 1996, dirigió, escribió y produjo Evita, basada en el exitoso espectáculo teatral de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, y protagonizada por Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce. La película ganó tres Globos de Oro, incluyendo Mejor Película. La película se filmó en Argentina. Y Parker recuerda cómo fue recibido hace unos 30 años cuando el país era gobernado por Carlos Menem, y había sectores del peronismo en contra de la filmación sobre Eva Duarte de Perón. “Cuando llegué a Argentina para empezar a rodar Evita, en el camino desde el aeropuerto de Buenos Aires, todas las paredes estaban cubiertas de grafitis gigantes que proclamaban “Fuera Madonna”. Eran enormes carteles coloridos con letras pintadas de tres metros de alto, que se extendían doce metros por cada puente que pasábamos por debajo. ´¡Qué amables de su parte darnos la bienvenida!´, dije desde la parte trasera de la camioneta que nos llevaba. Nuestro director de producción local me explicó, nervioso, que los grafitis eran poco acogedores, y que se traducían como “¡Que se vaya Madonna!“. Una pared fuera de nuestro hotel, como muchas otras, también tenía la frase alentadora: “Muerte a Alan Parker y a su Fuerza de Tareas (Task Force) Inglesa”. Todos los grafitis furiosos pintados con aerosol estaban firmados por un grupo llamado “Comandos del Peronistas”. Observé que las letras de las docenas de carteles eran muy similares y que siempre escribían Taks Force (con un error de tipeo). Con optimismo, me aventuré a pensar que tal vez todo ese odio dirigido hacia nosotros podría ser obra de un solo comando disléxico. En Argentina, para los fieles peronistas, María Eva Ibarguren Perón era una santa. Para la oposición al peronismo, era una prostituta avariciosa, déspota y conspiradora: material perfecto para una película”.

Angela’s Ashes, basada en las memorias ganadoras del Premio Pulitzer y superventas de Frank McCourt, fue escrita y dirigida por Alan Parker en 1999, protagonizada por Emily Watson y Robert Carlyle. Su película más reciente, The Life of David Gale, un thriller cuya trama es sobre la política de la pena capital en los Estados Unidos, fue protagonizada por Kevin Spacey, Kate Winslet y Laura Linney y fue lanzada en 2003. En total, sus películas han ganado 19 premios BAFTA, diez Globos de Oro y diez Oscars.

Más allá de la dirección, Parker ha cultivado otras facetas creativas. Además de Bugsy Malone, sus novelas incluyen Puddles In The Lane (1977) y The Sucker’s Kiss (2003). También es un caricaturista consumado, habiéndose publicado tres colecciones de sus caricaturas satíricas: Hares in the Gate (1982), Making Movies (1998) y Will Write and Direct for Food, un compendio de 20 años de sus caricaturas sobre la realización de películas y la industria cinematográfica, publicado en octubre de 2005.

Alan Parker fue miembro fundador del Gremio de Directores de Gran Bretaña y ha dictado conferencias en escuelas de cine de todo el mundo. En 1984 fue honrado por la Academia Británica con el prestigioso Premio Michael Balcon por Contribución Sobresaliente al Cine Británico. En 1998 recibió el Premio a la Trayectoria del Gremio de Directores de Gran Bretaña y la Medalla Lumiere de la Real Sociedad Fotográfica. También ha recibido premios a la trayectoria en Chicago, Múnich, Praga, Varsovia y Lodz, y posee doctorados honorarios de la Universidad de Sunderland, la Universidad de East Anglia, la Universidad Southampton Solent y el Consejo Universitario de Artes de España.

En el ámbito institucional, en enero de 1998, Parker asumió su cargo como Presidente de la Junta de Gobernadores del Instituto de Cine Británico (BFI) y en agosto de 1999 fue nombrado primer Presidente del Consejo de Cine del Reino Unido, una posición que ocupó durante cinco años. En noviembre de 1995, Parker fue galardonado con un CBE por la Reina Isabel II por sus servicios a la industria cinematográfica británica y recibió el título de caballero en 2002. También es Oficial de las Artes y las Letras, otorgado por el Gobierno Francés. Finalmente, en 2013 fue galardonado con la Beca BAFTA y también sucedió a István Szabó como Presidente de la Federación Europea de Directores de Cine (FERA).

Aquel niño que jugaba entre ruinas producidas por la Segunda Guerra Mundial, dirigió su última película en 2003. Se casó dos veces y tuvo cinco hijos. Fue nombrado “Sir” en 2002 y murió el 31 de julio de 2020. Alan Parker había nacido hace 82 años.

Fotos: www.alanparker.com/ Agencias

El Super Bowl se ha consolidado como uno de los mayores escenarios de la cultura pop, pero también como un foco de controversias que trascienden el ámbito deportivo.

Los espectáculos de medio tiempo, seguidos por millones en todo el mundo, han generado debates intensos sobre política, sociedad y cultura, según The New York Times.

A lo largo de casi seis décadas, el espectáculo de medio tiempo ha pasado de ser un intervalo musical sencillo a un espacio que refleja transformaciones sociales en Estados Unidos. La inclusión progresiva de artistas de diferentes géneros es reflejo de la evolución social y de la búsqueda de una mayor representatividad.

Algunas presentaciones han sido escenario de momentos que aún resuenan en la memoria colectiva.

“Nipplegate”: Janet Jackson y Justin Timberlake (2004)

El episodio conocido como “Nipplegate” supuso un punto de inflexión en la historia del Super Bowl. Durante el espectáculo de 2004, Janet Jackson y Justin Timberlake compartieron el escenario con invitados como Nelly, Diddy y Kid Rock.

En el momento más recordado, Timberlake retiró parte del vestuario de Jackson, dejando al descubierto su pecho durante un instante. Este fallo originó una protesta nacional y el término se incorporó al vocabulario cotidiano estadounidense.

Jackson no acudió a los Grammy de ese año y la controversia afectó la imagen de ambos artistas, avivando debates sobre censura, decoro y las exigencias hacia las mujeres en el mundo musical.

M.I.A. y el gesto obsceno (2012)

Durante la actuación de Madonna en 2012, en Indianápolis, M.I.A. participó junto a Nicki Minaj y, al final de su intervención, realizó un gesto obsceno mostrando el dedo medio a la cámara, según la reconstrucción de The New York Times.

La NFL (Liga Nacional de Fútbol Americano) reclamó a M.I.A. un pago de $ 16,6 millones por su “gesto ofensivo”, un caso que finalmente concluyó con un acuerdo confidencial.

Beyoncé y la iconografía de las Panteras Negras (2016)

En 2016, Beyoncé empleó el espectáculo de medio tiempo para lanzar un mensaje político al incorporar iconografía de las Panteras Negras. Vestida de negro, junto a un grupo de bailarinas con boinas, levantó el puño recordando al movimiento por los derechos civiles, como describe The New York Times.

Esta actuación provocó protestas entre sectores conservadores y motivó la creación del llamado “boicot a Beyoncé”, presente tanto en redes sociales como en mercadería vinculada a la gira de la artista.

Beyoncé se consolidó como referencia en la reivindicación de causas sociales.

Eminem y el homenaje a Kaepernick (2022)

En 2022, el debate social volvió a escena cuando Eminem se arrodilló en el escenario del Super Bowl, en señal de protesta y homenaje a Colin Kaepernick, quien años antes había iniciado esta forma de protesta contra la brutalidad policial.

Eminem fue el único artista de tez blanca en una presentación liderada por Dr. Dre, Snoop Dogg, 50 Cent y Kendrick Lamar.

La NFL reconoció que estaba “al corriente” del gesto, y la Comisión Federal de Comunicaciones recibió un nivel bajo de quejas, según The New York Times.

El hecho reavivó el debate sobre la institucionalización de las protestas y la presencia de discursos reivindicativos en eventos de gran visibilidad.

Bad Bunny y el debate sobre el idioma (2026)

Para 2026, la organización del Super Bowl anunció a Bad Bunny como cabeza de cartel en la primera presentación íntegramente en español.

El grupo conservador Turning Point USA anunció un concierto alternativo en protesta por la elección del idioma. La controversia previa a la presentación puso en el centro la discusión sobre inclusión cultural y el papel de la lengua en los eventos internacionales de mayor audiencia.

En el video, la cantante luce un bustier negro, medias de red, un abrigo de estampado animal y gafas oscuras. Cerca de ella, sobre una mesa, se pueden ver un pequeño cofre de madera y varios libros, elementos que acompañan la escena y refuerzan la atmósfera íntima del clip.

La publicación de Madonna en Instagram incluyó la frase: “Los corazones están hechos para romperse……”. Esta línea funcionó como declaración de intenciones y como guiño al dramatismo que atraviesa su obra.

Las respuestas de quienes la siguen no tardaron en aparecer. Entre los mensajes más destacados se encuentran: “Digan lo que digan, Madonna siempre será la reina del pop”, una afirmación que se repite de distintas formas en la sección de comentarios.

Otros mensajes expresan el entusiasmo por el regreso a la etapa de Erotica: “Vuelvan a traer Erotica, amo este álbum. Infravalorado. Para mí, uno de los mejores”. y “Bueno, esta definitivamente va en el próximo repertorio”.

Desde el momento de la publicación, “Thief of Hearts” experimentó un aumento notable en las reproducciones diarias en Spotify, alcanzando niveles inéditos para la canción desde su lanzamiento original.

Numerosos usuarios de TikTok e Instagram escogieron el tema para musicalizar sus propios videos y publicaciones, lo que llevó la canción a nuevos públicos y permitió que personas jóvenes se acercaran a la obra de Madonna.

El video remite, tanto en su estética como en su actitud, a la época de Erotica. Este proyecto no solo consistió en el disco, sino que también incluyó el libro fotográfico Sex, desarrollado junto a Steven Meisel Studio y Fabien Baron.

Muchas de las imágenes del libro se inspiraron en la escena punk de Nueva York durante los años setenta, especialmente en los trabajos de Robert Mapplethorpe.

El cruce de música, fotografía y provocación visual marcó un momento clave en la carrera de Madonna y sigue siendo tema de conversación y análisis entre quienes estudian la cultura pop.

En la sección de comentarios del video, las declaraciones de los seguidores muestran una combinación de entusiasmo, nostalgia y reconocimiento. Frases como “La única reina” y “Este álbum está infravalorado. Para mí es de los mejores”. se repiten, reafirmando el vínculo especial que existe entre la artista y su audiencia.

Mientras el video circulaba en las plataformas digitales, otras publicaciones recientes de Madonna aportaron detalles sobre su vida personal.

A principios de enero, la cantante subió fotos de unas vacaciones familiares en Marruecos, donde aparece con sus hijos Rocco Ritchie, David, Mercy, Stella y Estere, y su pareja Akeem Morris.

Las imágenes muestran distintos momentos de la convivencia: desde selfies y retratos grupales hasta celebraciones donde Madonna aparece tocando un tambor.

En el texto que acompaña esa galería, la artista escribió: “Habibi, cobra vida… es 2026 ♥️🇲🇦”, una dedicatoria afectuosa que suma una capa extra de intimidad a su perfil público.

En paralelo, la figura de Madonna sigue presente en espacios vinculados al arte y la creatividad.

La artista documentó hace poco una visita a la localidad inglesa de Margate, donde acompañó a su amiga y artista visual Dame Tracey Emin en un programa de residencia artística destinado a jóvenes de distintas partes del mundo.

En su publicación sobre esta experiencia, Madonna compartió: “Este es mi paraíso. Siempre que voy, siento que entro en un sueño”. Además, bromeó sobre su restaurante favorito en la ciudad: “No voy a decir el nombre porque solo tiene una mesa y si todos lo saben, nadie va a dejarme sentar allí”.

La relación entre Madonna y Emin se sostiene en una amistad de más de veinticinco años y se basa en el apoyo mutuo a proyectos culturales.

Emin agradeció públicamente la visita de la cantante y destacó su interés por las exposiciones independientes de Margate.

Un video protagonizado por Madonna y Alberto Guerra se ha llevado todas las tendencias en las redes sociales.

Las imágenes, pertenecientes a la campaña de la icónica fragancia The One de Dolce & Gabbana, muestran a Alberto Guerra y la “Reina del pop” en situaciones de alta carga sensual, lo que llevó a usuarios a cuestionarse si pasa algo en la relación del actor con Zuria Vega.

Así es el provocativo video de Madonna con Alberto Guerra

En el video, que rápidamente se difundió en diversas plataformas, Madonna y Alberto Guerra aparecen recostados en una cama. Sus cuerpos están próximos, las miradas resultan intensas y la atmósfera es sugerente, con la aparición de un tercer hombre que refuerza la narrativa provocadora.

Estas secuencias han dado lugar a afirmaciones de que “el actor mexicano ya le habría sido infiel a Zuria Vega con la reina del pop”, una idea alimentada por la circulación fuera de contexto de los fragmentos audiovisuales.

No es la primera vez que Alberto Guerra y Madonna son relacionados

El revuelo alcanzó tal magnitud que muchos internautas recordaron episodios recientes donde Madonna y Guerra fueron vistos juntos en diversos países desde 2024, en conciertos, desfiles y sesiones fotográficas, lo que avivó aún más las sospechas.

En reacción a las versiones que circulan desde marzo de 2024 sobre una presunta crisis con Zuria Vega, el propio Alberto Guerra aseguró que con Madonna “No hay una amistad, hicimos una colaboración de unas fotos, pero definitivamente una amistad no hay”. Con ello, descartó cualquier relación personal fuera del ámbito profesional.

Más allá del escándalo suscitado por la campaña, la información confirma que no existe romance ni traición más allá del guion publicitario, y que tanto Alberto Guerra como Madonna han mantenido su interacción dentro del marco estrictamente profesional.

Las canciones más “sensuales” de Madonna

1. Justify My Love

Lanzada en 1990, la canción y su videoclip generaron polémica por su letra directa y su estética cargada de erotismo.

2. Erotica

Este sencillo de 1992 forma parte de un álbum conceptual centrado en el deseo y la sexualidad. Su sonido y letra exploran el placer sin tapujos.

3. Like a Virgin

El tema de 1984 desafió tabúes y se convirtió en un himno por su manera de abordar el despertar sexual desde la perspectiva femenina.

4. Human Nature

Incluida en el álbum “Bedtime Stories” de 1994, la canción defiende la libertad de expresión y la sexualidad sin culpa.

5. Secret

Una balada de 1994 que explora la atracción y el misterio, con una atmósfera sugerente.

6. Physical Attraction

Parte de su primer disco, muestra desde sus inicios la inclinación de Madonna por la sensualidad en la música pop.

La industria musical internacional inicia 2026 con una ola de lanzamientos que anticipa un año repleto de novedades y retornos esperados. Entre los artistas que lideran esta etapa se encuentran BTS, A$AP Rocky, Olivia Rodrigo y Madonna, cuyos trabajos se perfilan como momentos destacados del calendario.

La programación reúne los álbumes más anticipados y una diversidad de proyectos orientados a captar la atención de seguidores del pop global, corrientes alternativas y sonidos internacionales.

El esperado regreso de figuras centrales del pop internacional

Tras una pausa motivada por el servicio militar en Corea del Sur y actividades individuales, BTS anunció oficialmente su regreso: el grupo surcoreano lanzará su nuevo álbum el 20 de marzo, confirmó su agencia Big Hit Music.

La banda trabajó en el estudio desde mediados de 2025, y su próximo disco, según el medio, reflejará las ideas y experiencias personales de cada integrante.

En el ámbito del pop estadounidense, Olivia Rodrigo inicia una nueva etapa tras concluir su gira mundial y publicar un documental junto a un álbum en vivo. Aunque no hay fecha definida para su siguiente material, la artista confirmó un intenso trabajo en el estudio.

“No diré demasiado, pero creo que 2026 será un año ocupado para mí”, afirmó Olivia Rodrigo a Rolling Stone, generando expectativas sobre la evolución de su propuesta musical.

Madonna también ha dado señales de retorno al estudio junto al productor Stuart Price, con quien creó Confessions on a Dance Floor en 2005. Este nuevo álbum —considerado una continuación de su clásico— se publicará en algún momento de 2026.

La artista anunció además su regreso al sello discográfico (Sire Records) que impulsó su carrera, calificando este trabajo como un momento de pleno significado.

Entre los lanzamientos femeninos destaca Hilary Duff, quien publicará Luck ... or Something el 20 de febrero, su primer disco de estudio en diez años. En ese sentido, explicó a la revista especializada en música, que el título surge de reflexionar sobre las experiencias que la han marcado en la industria: “Es suerte, pero también hay mucho significado en ese ‘…o algo’. Muchas de las cosas que he vivido están allí, y creo que en última instancia eso es lo que me ha formado”.

Hip hop y pop alternativo: nuevos álbumes y colaboraciones

En el hip hop, el rapero neoyorquino A$AP Rocky abrirá el calendario con Don’t Be Dumb, su cuarto álbum, previsto para el 16 de enero y el primero en ocho años. El proyecto llega tras un periodo de cambios personales y profesionales, con la participación de colaboradores como Metro Boomin’, Tyler, the Creator, Mike Dean, Pharrell Williams y Danny Elfman. Sobre sus aspiraciones, A$AP Rocky señaló: “Quiero hacer el mejor álbum de todos”.

El pop alternativo se ve marcado por el lanzamiento de “Wuthering Heights”, la banda sonora conceptual creada por Charli XCX para el filme homónimo que se estrenará en febrero.

Charli XCX afirmó en sus plataformas que este proyecto le permitió explorar universos creativos intensos inspirados en la narrativa británica.

La alemana Kim Petras también planea nuevo material este año; aunque no se han anunciado título ni fecha, la artista ha incrementado la expectativa con sencillos recientes y comentarios sobre el rumbo de su carrera.

Rock, punk y emo: innovaciones y colaboraciones globales

En el panorama del rock destaca el séptimo álbum de Joyce Manor, I Used to Go to This Bar, disponible el 30 de enero y producido por Brett Gurewitz. El grupo californiano reelabora sus raíces punk y alt-rock bajo la influencia de la escena local.

En tanto, Tigers Jaw regresará el 27 de marzo con Lost on You, producido por Will Yip, la banda mantiene la esencia reflexiva de su sonido mientras explora nuevas facetas.

En febrero, Gorillaz lanzará The Mountain, su noveno proyecto discográfico. Damon Albarn y Jamie Hewlett, quienes perdieron recientemente a sus padres, canalizan esas vivencias a través del álbum, influido además por tiempo pasado en India. Entre los invitados figuran Asha Bhosle, Omar Souleyman, Idles, Bizarrap y De La Soul. Jamie Hewlett explicó a la revista: “Se debe escuchar de principio a fin… y perderse en esta historia”.

My Chemical Romance mantiene la atención pese a la ausencia de anuncio oficial de nuevo material, impulsado por una agenda internacional de conciertos en 2026.

Evanescence prevé un lanzamiento para principios de año. La vocalista Amy Lee confirmó a Rolling Stone que aún trabaja en las letras y voces del álbum, describiendo este proceso como uno de los más inspiradores de su trayectoria reciente.

Música latina y colaboraciones internacionales: expectativas en alza

El repertorio latino suma protagonismo con figuras como Peso Pluma, quien, tras publicar un proyecto conjunto con Tito Double P a finales de 2025, confirmó que desarrolla nuevo material en el estudio. Aunque la fecha de lanzamiento no está definida, medios especializados anticipan que su regreso representará otro hito para la música mexicana y de fusión.

La dominicana Tokischa, reconocida por su estilo disruptivo y colaboraciones con Rosalía y Madonna, lanzará su primer álbum a lo largo de 2026. Según el medio, su proceso creativo responde a la intuición, lo que añade incertidumbre sobre la dirección de este debut esperado.

Entre los nombres latinos, destaca Bizarrap, quien participa en la nueva producción de Gorillaz. En el pop internacional, la estadounidense Megan Moroney lanzará Cloud 9 el 20 de febrero y subrayó a Rolling Stone que este disco representa un proceso de crecimiento y confianza: “Mis pies se sienten firmemente plantados en mi arte y fue divertido experimentar sonoramente, sin abandonar lo que mis fans y yo amamos”.

Rumores, fechas por confirmar y la vigencia de la expectativa

El año 2026 está marcado por rumores y expectativas en torno a álbumes sin fecha oficial de publicación. Madonna y Olivia Rodrigo sobresalen entre los artistas cuyo alcance y calendario permanecen sujetos a especulación, mientras la autenticidad y versatilidad de Tokischa mantiene el interés de la industria y su público.

Por su parte, la constante presencia de My Chemical Romance en grandes escenarios alimenta la ilusión de una nueva producción discográfica.

El panorama internacional de lanzamientos musicales de 2026 oscila entre sorpresas confirmadas y proyectos envueltos en misterio. Aunque varias fechas siguen sin concretarse, cada lanzamiento será recibido con la expectativa de que la espera haya valido la pena para los aficionados a la música global.

Sin radares, ni comunicación por radio, la industria musical apuesta por la diversidad, creatividad y renovación. La temporada 2026 promete escenarios vibrantes y colaboraciones inesperadas. La atención global se concentra en cada anuncio, alimentando la ansiedad de los seguidores ante cada estreno.

Madonna compartió con sus seguidores una serie de imágenes íntimas de su vida personal durante la celebración de Janucá, en las que apareció con un aspecto natural y acompañada de su pareja, Akeem Morris, y algunos de sus hijos.

La cantante, de 67 años, utilizó sus historias de Instagram el sábado para mostrar tanto un retrato personal como momentos del festejo familiar.

En una de las imágenes más comentadas, la intérprete de “Material Girl” posó frente a la cámara con poco o ningún maquillaje visible. Vestía un top de seda con apariencia de lencería y mostró un look relajado, con los labios rosados y ligeramente fruncidos.

La fotografía contrastó con la estética glamorosa que suele caracterizar a la artista en alfombras rojas y presentaciones públicas, y se sumó a otras publicaciones recientes en las que ha optado por una imagen más cotidiana en redes sociales.

Además del autorretrato, Madonna compartió una imagen de la celebración de Janucá en compañía de su novio Akeem Morris, de 29 años, y de sus hijas gemelas Stella y Estere, de 13 años.

En la fotografía, se observa una mesa servida con comida y dos menorás encendidas, mientras el futbolista y las adolescentes sonríen sentados alrededor del comedor. La escena reflejó un ambiente familiar y tranquilo, alejado de los escenarios y giras que han marcado gran parte de la vida pública de la artista.

En esta ocasión no aparecieron otros hijos de la cantante. Lourdes, de 29 años; Rocco, de 25 años; David, de 20 años; y Mercy, de 19 años, no estuvieron presentes en las imágenes compartidas.

Madonna es madre de seis hijos, a quienes suele mostrar de manera intermitente en sus redes sociales, ya sea en celebraciones privadas, viajes o eventos importantes.

La relación entre Madonna y Akeem Morris comenzó a llamar la atención pública a mediados de 2024. En julio de ese año, la cantante publicó una fotografía junto al atleta, lo que dio pie a las primeras especulaciones sobre un vínculo sentimental.

Un mes después, en agosto, compartió otra imagen en la que posaba sin camisa mientras Morris sonreía detrás de ella. La publicación fue acompañada por el mensaje: “Hot Fun in The Summer Time”, lo que incrementó los rumores sobre un romance.

En diciembre, ambos fueron fotografiados caminando juntos por las calles de Nueva York. Aunque en ese momento no mostraron gestos explícitos de afecto en público, las apariciones conjuntas continuaron.

Para el 26 de diciembre, la relación quedó confirmada cuando celebraron juntos Navidad y Janucá, compartiendo imágenes que los mostraban cercanos.

Desde entonces, la cantante y el futbolista han sido vistos en diversas ciudades, tanto en Estados Unidos como en Europa. La pareja ha viajado con frecuencia y ha asistido a eventos de moda y actividades cotidianas, como paseos y compras.

En septiembre de 2025, fueron captados juntos en París, y también se les vio asistiendo a desfiles y recorriendo la ciudad.

La cantante no ha evitado mostrar fragmentos de su relación en redes sociales. A lo largo de los últimos meses, ha publicado fotografías y videos en los que aparece bailando, sonriendo o compartiendo momentos con Morris.

En agosto, Madonna celebró su cumpleaños número 67 en Italia acompañada por él, ocasión que también documentó con imágenes difundidas en línea.

Varios artistas reconocidos de la música y el cine sufrieron acoso y hostigamiento de personas que cruzaron los límites entre admiración y obsesión. Figuras como Taylor Swift, Madonna, Eminem, Keira Knightley y Harry Styles fueron víctimas de episodios documentados de persecución y amenazas en distintas partes del mundo. Estos hechos ocurrieron entre 1996 y 2025 e implicaron riesgos concretos para la seguridad y la salud mental de las celebridades afectadas.

Los casos más notorios incluyeron agresiones físicas, entradas ilegales a domicilios privados y el envío reiterado de mensajes o cartas con contenido perturbador. Las autoridades intervinieron y los tribunales dictaron restricciones de acercamiento y condenas penales. Orden judicial, vigilancia privada y asistencia policial fueron las respuestas más frecuentes ante estos incidentes.

Ningún perfil o estatus protegió completamente a las víctimas. Desde músicos internacionales hasta actrices del cine británico y estadounidense experimentaron situaciones de vulnerabilidad en sus hogares y espacios laborales.

Los casos más destacados de acoso en el ámbito artístico

Según Crime+Investigation, Taylor Swift obtuvo una orden de restricción de cinco años contra Brian Jason Wagner, un hombre de Colorado que la acosó con cientos de cartas y correos electrónicos.

Wagner entró sin autorización a la propiedad de Swift en Los Ángeles y cambió la dirección de su licencia de conducir para coincidir con la de la artista. El tribunal también le prohibió poseer armas de fuego o chalecos antibalas.

Madonna vivió un episodio crítico en 1996, cuando Robert Dewey Hoskins escaló el muro de su casa en Hollywood Hills. Según la cantante, el hombre la amenazó de muerte porque creía que debía casarse con ella.

Ese mismo año, un guardia de seguridad lo detuvo al dispararle e impedir que ingresara al hogar. Hoskins recibió una condena de diez años de prisión y, posteriormente, fue internado en un hospital psiquiátrico, donde debió regresar tras nuevos incidentes.

Uma Thurman aportó testimonio en 2008 sobre el acoso de Jack Jordan, cuya conducta incluyó la entrega de tarjetas, dibujos y afirmaciones perturbadoras dirigidas a la actriz y su familia.

Jordan afirmó que él y Thurman estaban “predestinados” a estar juntos e incluso aseguró que los hijos de la actriz no existían. Un tribunal le impuso tres años de libertad condicional en esa ocasión, pero fue arrestado nuevamente en 2010 tras intentar volver a contactar a la celebridad.

De acuerdo a registros judiciales, Eminem sufrió varios actos de acoso de parte de Matthew David Hughes, quien ingresó en dos ocasiones a su residencia en Detroit.

La más grave se produjo en 2020, cuando Hughes rompió una ventana y confirmó la presencia de Eminem para matarlo. El acosador recibió condenas por invasión de hogar y acoso agravado; asimismo, el rapero relató durante el juicio el impacto emocional de lo vivido.

El caso de la cantante británica Sophie Ellis-Bextor también generó fuerte repercusión. Según el informe, Nishil Patel la acosó mediante cientos de mensajes en redes sociales y el envío de regalos no solicitados.

Patel, además, hostigó a miembros del entorno íntimo de la artista y utilizó insultos agresivos en sus comunicaciones. La justicia emitió una orden que prohíbe cualquier contacto durante cinco años y prevé penas de prisión en caso de reincidencia.

Consecuencias psicológicas y respuestas judiciales

Cheryl Tweedy, exintegrante de Girls Aloud y jurado de un famoso concurso televisivo, experimentó acoso persistente por parte de Daniel Bannister.

Según la declaración judicial de Tweedy, Bannister acudió repetidas veces a su domicilio a pesar de restricciones previas. En septiembre de 2025, la justicia británica impuso al acosador una condena de 12 meses de prisión por violar la orden de alejamiento.

Harry Styles padeció un acoso de carácter psicológico y emocional por parte de Myra Carvalho. De acuerdo con la sentencia, la mujer le envió más de 8.000 tarjetas en menos de un mes. Esto tuvo un severo impacto en la tranquilidad del cantante, quien declaró sentirse inseguro.

Como respuesta, Carvalho fue condenada a 14 semanas de prisión y deberá mantenerse alejada del cantante durante una década.

El actor Mark Revill mantuvo en vilo a Keira Knightley y a su esposo a través de un prolongado acoso que incluyó visitas reiteradas a su domicilio en Londres, el envío de postales y material con referencias a gatos, y mensajes en redes sociales, incluso después de haber recibido una orden de restricción indefinida.

Ante la gravedad de la situación, un tribunal británico dispuso su internación en 2017, tras constatar la existencia de problemas psiquiátricos y conductas ilícitas.

Los casos documentados muestran que la fama expone a artistas a situaciones de acoso graves. Las víctimas recurrieron a la justicia, la seguridad privada y el acompañamiento psicológico. Las historias revelan el impacto emocional y social de un fenómeno que afecta tanto a músicos como a actores y que continúa representando un reto para la protección y el bienestar del mundo del espectáculo.

De acuerdo con registros periodísticos de 1994, recogidos por Indie Hoy, Madonna respondió sin rodeos: “Eso suena a música para hombres. No puedo identificarme con eso. Es muy masculina”. Estas palabras reflejan su percepción sobre ciertos estilos musicales. La intérprete considera que algunas propuestas artísticas mantienen una energía y narrativa con un marcado enfoque masculino, lo que dificulta el acceso y la identificación de muchas mujeres.

Según la cantante en otras declaraciones públicas, la industria musical operó históricamente bajo restricciones de género. Madonna señaló que los espacios relevantes para las mujeres suelen estar mediados por reglas no escritas y parámetros de imagen.

Asimismo, insistió en varias ocasiones en que el camino al reconocimiento incluye desafíos distintivos para las artistas femeninas, vinculados tanto a la representación visual como al contenido lírico de las canciones.

La perspectiva de género en la experiencia de Madonna

A lo largo de su carrera, denunció la presencia de machismo y criticó la presión sobre el envejecimiento femenino en el ámbito musical. Resaltó la falta de apertura que enfrentó en géneros considerados exclusivos para los hombres. De acuerdo con la artista, esa discriminación no solo afecta la trayectoria laboral, sino también la legitimidad sobre ciertos discursos y posiciones artísticas.

En su discurso en los Billboard Women in Music Awards de 2016, Madonna expuso: “Si eres una chica, tienes que jugar el juego. Se te permite ser bonita y sexy, pero no actúes demasiado inteligente. No tengas una opinión que esté fuera de línea con el statu quo”. Esta intervención ejemplificó el tipo de mensajes que las mujeres reciben dentro de la industria musical y evidenció cómo determinadas exigencias condicionan el alcance creativo y profesional.

En declaraciones recogidas por The Hollywood Reporter, la cantante manifestó la importancia de tomar el control sobre la propia narrativa. Defendió la autonomía artística y subrayó la necesidad de que las mujeres puedan construir relatos propios, desde sus experiencias y puntos de vista. Reiteró la idea de que resulta indispensable visibilizar las dificultades particulares que enfrentan las artistas en un entorno competitivo y predominantemente masculino.

La elección de Madonna de distanciarse de bandas como Pink Floyd se traduce en una reflexión más amplia sobre el entorno de la música. La intérprete sostiene que las mujeres deben exigir espacios para explorar estilos diversos y, de esa manera, ampliar su influencia en diferentes géneros. Propone una revisión crítica sobre los roles asignados y la posibilidad de una mayor inclusión artística.

Durante las últimas décadas, Madonna se convirtió en un símbolo de autogestión en la industria. Abogó por el empoderamiento de las mujeres, tanto en la construcción de su imagen como en el contenido musical y la dirección de sus carreras. Según reportes de Netflix y The Hollywood Reporter, la artista participa actualmente en el desarrollo de una serie en torno a su vida, junto al productor Shawn Levy. Este proyecto, todavía en etapa temprana, promete detallar varias dimensiones de su trayectoria y sus luchas por la equidad en el sector.

La expectativa por la serie suma interés respecto a la forma en que Madonna retratará sus experiencias con los estándares de género y las barreras culturales. El anuncio de este trabajo ha reavivado debates sobre el lugar de la mujer en la música masiva. Observadores y especialistas aguardan detalles sobre el enfoque narrativo de la producción y los episodios clave que abordará.

En definitiva, la postura pública de Madonna hacia agrupaciones como Pink Floyd evidencia las tensiones históricas sobre la pertenencia y representación en el mundo musical. La artista sostiene la importancia de repensar los límites tradicionales y dar voz a nuevas perspectivas. Su historia personal, sus declaraciones y sus proyectos actuales refuerzan un mensaje que sigue vigente: el reclamo de igualdad y diversidad dentro de la música global.

Alberto Guerra enfrentó de manera directa los rumores que, desde 2024, apuntaban a una supuesta relación cercana con Madonna. Las especulaciones crecieron luego de que circularan imágenes en las que ambos aparecían juntos, lo que detonó versiones sobre una amistad e incluso sobre un posible vínculo más allá de lo profesional.

Sin embargo, el actor de Me late que sí dejó claro que no existe tal cercanía. “No, no hay una amistad. Hicimos una colaboración de unas fotos, pero no, definitivamente una amistad no hay”, afirmó con contundencia.

Las declaraciones surgieron tras confirmarse que Guerra y Madonna protagonizarán la campaña internacional 2026 del perfume The One, de Dolce & Gabbana, proyecto que alimentó nuevamente las teorías sobre un romance o un distanciamiento con su esposa, la actriz Zuria Vega.

Alberto Guerra niega una crisis marital con Zuria Vega

Cuestionado sobre quienes han puesto en duda la solidez de su matrimonio pese a más de una década juntos, el actor respondió con naturalidad y sin rodeos: “Siguen y seguirán dudando. El ser humano duda siempre del otro ser humano, es normal”, expresó, cerrando cualquier insinuación de conflicto derivado de su colaboración con la cantante.

Guerra también relató cómo vivió su primer encuentro con la estrella pop durante la alfombra roja de los Premios Platino Xcaret 2024. Al ser consultado por Ventaneando sobre si la presencia de Madonna intimida, el actor explicó: “Intimida la idea dé, antes, después hay una parte de uno que no puedes dejar que el miedo te quite la oportunidad de disfrutar algo tan padre y de poder estar en el momento, ella es todo lo contrario de alguien intimidante”, dijo.

Además, destacó el carácter humano de la artista: “Es increíblemente humilde, amable, educada y sensible”, compartió, antes de agregar que experiencias así tienen un valor especial en su vida: “Son esas experiencias en la vida… yo quiero retacar mi cabeza de grandes experiencias, para el día que me vaya, sea muy feliz”.

Un matrimonio que enfrenta polémicas

La pareja también ha lidiado con otras controversias recientes. En enero, un video difundido por la agencia Kadri mostró a Zuria Vega y Alberto Guerra discutiendo afuera de un establecimiento en Ciudad de México durante el cumpleaños 36 de la actriz.

De acuerdo con el canal de YouTube, Vega relató a sus amigos que un joven de aproximadamente 19 años intentó bailar con ella, situación que la incomodó. Aunque la actriz lo tomó con humor, el lenguaje corporal de Guerra en el video evidenció molestia.

Pese a estos episodios, su historia de amor—con más de 10 años juntos y dos hijos—sigue mostrándose como una relación que supera tanto dudas ajenas como rumores mediáticos.

La revelación de Wendy Guevara sobre su experiencia junto a Madonna en el escenario de la Ciudad de México en 2024 ha generado comentarios, pese al tiempo transcurrido.

La influencer mexicana, reconocida por su carisma y popularidad, compartió recientemente detalles inéditos sobre el trato que recibió de la llamada Reina del Pop durante el tercer concierto de la artista en la capital mexicana, un episodio que hasta ahora permanecía oculto tras la euforia del momento.

Durante una entrevista en el podcast Pipiris Nights, conducido por Apio Quijano, Wendy Guevara relató cómo vivió la preparación previa a su aparición en el espectáculo: eligió cuidadosamente su vestuario, se maquilló y preparó un obsequio mexicano especialmente pensado para Madonna.

La expectativa era alta y la emoción palpable, como lo reflejó en sus redes sociales al describir la invitación como “un sueño hecho realidad gracias a Madonna”. Sin embargo, la experiencia sobre el escenario distó de ser la fantasía que muchos imaginaron.

La reina del Pop imponiendo su presencia frente a La Perdida

Según narró Wendy Guevara, el primer incidente ocurrió cuando sostenía un abanico, parte del espectáculo, y Madonna se lo arrebató de las manos sin previo aviso. Para la influencer, este gesto fue una clara demostración de autoridad, una manera de dejar en claro quién era la figura central del show.

La situación se tornó aún más tensa cuando, al intentar seguir las indicaciones que le habían dado previamente y ponerse de pie, la cantante estadounidense reaccionó con molestia y le ordenó de forma tajante:

“Sit down, sit down” (siéntate, siéntate). Acto seguido, Madonna la tomó del brazo y la obligó a sentarse con brusquedad, un momento que Wendy describió como uno de los más desconcertantes que ha vivido en un escenario.

En palabras de la propia ‘Perdida’: “Ella llega y me arrebata el abanico, como que dijo ‘yo soy aquí la protagonista’ [...] Así me jaló y me jaló fuerte y me sentó... Ay, y me quedé así”, relató la influencer, evidenciando el impacto emocional que le provocó el episodio.

Salma Hayek, otra ‘víctima’ de Madonna, según Wendy

La ganadora de La Casa de los Famosos México también aseguró en la entrevista que no fue la única invitada que recibió un trato áspero por parte de Madonna.

Según su testimonio, la cantante habría actuado de manera similar con Salma Hayek durante la misma presentación, aunque ese incidente pasó prácticamente inadvertido y no generó la controversia pública que sí rodeó el caso de Wendy.

A pesar de las críticas que recibió en redes sociales tras el concierto, la influencer subrayó que lo que permanece en su memoria es la sensación de haber sido sujetada con fuerza por la artista, un recuerdo que definió como un auténtico sobresalto.

Wendy Guevara confesó a Pipiris Nights que acudió al evento con la intención de disfrutar y brillar, pero terminó enfrentándose a una situación inesperada y profundamente incómoda.

La escena, espontánea y natural, fue registrada frente a un espejo por la propia Flor, que grabó con su celular mientras se dejaba llevar al ritmo de “La isla bonita”, el hit de Madonna. Entre movimientos y gestos plenos de energía, Nico se animó a sumarse, intentando seguir los pasos de su novia y agregando el toque de humor que tanto los caracteriza. El resultado: risas, miradas de complicidad y ese “frente de pareja” que rápidamente conquistó a quienes los siguen día a día.

El video se viralizó en cuestión de minutos y alcanzó su máximo eco en la red social X, donde una oleada de fanáticos y usuarios anónimos reaccionaron con mensajes que demuestran la llegada de la dupla. “Son dos papás de country que lograron deshacerse de las bendiciones un sábado a la noche”, bromeó un usuario; “Me encanta cómo se divierten estos dos”; “Ellos me hacen creer en el amor”; “Nico está re duro al intentar bailar”, y hasta “Son mis padres”, fueron algunos de los mensajes que más circulaban, reflejando la identificación y el cariño de quienes ven en ellos una pareja real e imperfecta, que no tiene miedo de mostrarse vulnerable, torpe o absolutamente feliz.

Pero no todo son bromas y bailes improvisados entre ambos. Flor y Nico también han regalado a sus fans instantes románticos que, lejos del espectáculo, marcan la diferencia. Uno de los más recordados ocurrió en septiembre pasado, durante una emisión de La Voz Argentina (Telefe), donde Occhiato se desempeñaba como host digital. Mientras escuchaba las devoluciones del jurado a los participantes, una suave luz azul comenzó a brillar en su muñeca: era la pulsera que compartía con Flor y que, a la distancia, le permitía enviar señales silenciosas de amor y compañía. Él no necesitó palabras: una mirada cómplice y una sonrisa bastaron para que millones de seguidores entendieran la complicidad que hay detrás del romance.

El detalle de la pulsera no es menor. Se trata de un accesorio especial: al presionarlo, uno de los dos puede hacer vibrar la pulsera de la pareja y enviar, en cualquier momento del día, un “te pienso”, “te extraño” o simplemente “te quiero”, aunque el trabajo o los compromisos los tengan en lugares distintos. La tecnología les permite “tomarse de la mano” a la distancia y reforzar el lazo allí donde la presencialidad se vuelve imposible. Cada destello, dicen, es una muestra más de cariño y de conexión.

Las redes no tardaron en replicar el entusiasmo del momento viral y llenaron de comentarios las publicaciones de la pareja. “¡Ojalá todos encontremos un Nico o una Flor en nuestra vida! Enamorados al mil”, “Me muero, no puede ser tan lindo este amor”, “La carita de amor de Nico es todo”, y “La pareja más hermosa” resumieron el sentir de un fandom que celebra el costado más genuino de la relación.

Entre historias virales, desafíos de baile y secretos compartidos, Flor Jazmín Peña y Nico Occhiato logran conectar con el público a través de la autenticidad. Su vínculo traspasa la pantalla, conquista las redes e inspira a una generación que, entre likes y comentarios, también busca diversión, ternura y el tipo de complicidad que sobrevive fuera de escena. Así, la pareja demuestra que la felicidad está tanto en los pequeños gestos como en los grandes gestos públicos, y que el mejor baile es aquel que se baila —literalmente— a dúo.

A veces la historia de la cultura popular está llena de casualidades y fatalidades, como que el día que cumple 33 años el videoclip de la canción de Madonna Deeper and Deeper se haya conocido el fallecimiento del protagonista de esa pieza, el actor Udo Kier.

Madonna siempre se ha caracterizado por ‘reformularse’ en cada uno de sus trabajos, en ofrecer una faceta distinta a través de su música. Quizás por esa razón, después de uno de los álbumes más exitosos de su carrera, Like a Prayer (que incluía el tema homónimo y hits como Express Yourself), decidió cambiar totalmente de estilo con Erotica, que se inscribiría dentro de la línea del sencillo Vogue, que marcó una auténtica revolución conceptual.

En esa época la artista dio un paso decisivo en su trayectoria al fundar Mavericks, una compañía de entretenimiento que abarcaba un sello de entretenimiento, una productora cinematográfica y otras divisiones editoriales. A pesar de la ambición del proyecto, para ella era una forma de acercarse a los modelos de trabajado de factorías artísticas como las de la Bauhaus o la de Andy Warhol.

Una oda al underground y la cultura ‘clubbing’

De hecho, la influencia de Warhol estuvo de forma manifiesta en toda esa época a través del homenaje a la cultura ‘clubbing’ a la comunidad LGTIB y al ambiente de libertad que se vivió antes de la pandemia de SIDA. Los dos primeros proyectos de la compañía fuera el álbum Erótica y el libro de fotografías Sex.

En un primer momento, Madonna estaba satisfecha con el sonido inicial de las canciones, ya que buscaba una producción más «cruda», alejada de los arreglos pulidos. En el caso de Deeper and Deeper, la artista insistió en incorporar una guitarra flamenca en el puente, a pesar de las reticencias de sus colaboradores, además de añadir también castañuelas para reforzar el carácter experimental del tema. La grabación de Deeper and Deeper tuvo lugar el 16 de junio de 1992 en los Sound Work Studios de Astoria, Nueva York, con la participación de Robert Pettibone, Shimkin, Paul Pesco en las guitarras y un equipo de ingenieros.

El tema, de estilo dance pop, fusionaba elementos de disco, house y el sonido Filadelfia, e incorporaba guitarra acústica y las mencionadas castañuelas.

La estructura musical se caracteriza por la repetición inicial de Deeper and deeper and deeper and deeper y un estribillo que expresa la imposibilidad de evitar enamorarse. El primer verso hace referencia al tema Do-Re-Mi de Sonrisas y lágrimas. Según la partitura publicada por Alfred Publishing, el tema está en compás de 4/4, con un tempo de 120 pulsaciones por minuto y una progresión armónica específica. Al final, Madonna recita un verso de Vogue, lo que fue calificado como un giro ‘posmoderno’.

El vídeo musical: homenaje y referencias culturales

El vídeo de Deeper and Deeper se rodó los días 7 y 8 de noviembre de 1992 en Los Ángeles, bajo la dirección de Bobby Woods. Madonna interpreta a una especie de Edie Sedgwick, musa de Andy Warhol, y el vídeo cuenta con la participación de figuras como Sofia Coppola, Debi Mazar, Chi Chi LaRue, Joey Stefano, Seymour Stein, Ingrid Casares y, sobre todo, Udo Kier, quien se erige en el co-protagonista.

Joe Dallesandro, antiguo colaborador de Warhol, rechazó la invitación a participar. Woods explicó que Madonna quería un vídeo inspirado en la estética de Warhol y Sedgwick, estableciendo un paralelismo entre los años veinte y la era disco de los setenta en Estados Unidos. Las escenas de baile fueron espontáneas, con la discoteca llena de gente bailando al ritmo de la canción.

El vídeo comienza con Udo Kier en un cuarto oscuro pronunciando en alemán: «Nuestros ídolos y demonios tendrán la decisión de perseguirnos hasta que nosotros lo permitamos. ¡Dejémoslos ir!». Madonna llega a la discoteca en un Mercedes-Benz W-111 convertible y busca a su amante, también interpretado por Kier. Durante la noche, se suceden escenas de baile, fotografías y secuencias entre amigas. El vídeo concluye con Kier cortando el último de los globos que Madonna había dejado en la barra.

En el libro The Resistance: Ten Years of Pop Culture that Shook the World, Armond White señaló que Madonna fusionó el historicismo con el arte pop en Deeper and Deeper, evocando la decadencia de la era disco y la influencia de Warhol, con influencias del underground, así como referencia visual al álbum The Velvet Underground & Nico. La inclusión de Stefano y La Rue supusieron la consolidación del estatus de Madonna como icono gay.

La memoria de Ozzy Osbourne permanece vigente tras su reciente fallecimiento, y un dato inédito sobre su carrera ha captado la atención de los seguidores de la música. Louis Osbourne, uno de los hijos del legendario cantante británico, reveló que el artista realizó una inesperada colaboración con uno de los íconos de la música a nivel mundial.

Durante el podcast Trying Not to Die, donde compartió detalles sobre los gustos musicales de su familia, dio a conocer la existencia de una grabación inédita. No fue solo por el calibre de ambos artistas, sino porque también unía dos polos opuestos en el mundo de las melodías. En la década de los 80, el rockero grabó un dueto con Madonna, una contribución que nunca llegó a publicarse.

La colaboración con Madonna que nunca vio la luz

“Was (Not Was) hizo un dueto con Madonna y mi papá”, expresó en primer lugar Louis en la entrevista. La historia de la canción “Shake Your Head” se remonta a la época en la que tanto Ozzy Osbourne como Madonna se encontraban en la cima de sus carreras. Según su hijo, el tema fue escrito para la cantante y el dúo Was (Not Was), y Ozzy participó en la grabación original a principios de los 80.

“Fue cuando mi padre estaba en la cima de su carrera a principios de los 80, y ella también, pero luego ella realmente triunfó y después no dio su aprobación para el disco”, explicó sobre los motivos que llevaron a la canción a quedar en el olvido. La negativa, que aún se desconoce si fue de la considerada reina del pop o de su equipo, provocó que la colaboración quedara archivada

En su lugar, la actriz Kim Basinger fue convocada para grabar las partes vocales que originalmente correspondían a la estrella del pop. De este modo, Louis Osbourne mencionó que la decisión del reemplazo respondió a un intento de la industria para lanzar a Basinger como la futura protagonista del género.

Según agregó, en su casa posee un vinilo de 12 pulgadas muy raro, lo que sugiere que la versión inédita podría conservarse en colecciones privadas.

Una colaboración que no llevó su nombre

Jack Osbourne, hermano de Louis, recordó que la versión finalmente publicada de “Shake Your Head” fue promocionada como una colaboración entre Was (Not Was) y Kim Basinger, sin destacar la participación de Ozzy. “Nadie lo sabe realmente, porque comercialmente se promocionó así. No hicieron hincapié en que mi padre también participaba. No le dieron crédito como el otro vocalista. No sé por qué. Quizás la discográfica pensó así”, señaló en el mismo podcast.

La existencia de la grabación original fue confirmada por Don Was, integrante de la banda que participó del dueto. En diálogo con Rolling Stone, el vocalista reveló que Madonna grabó su parte vocal y confirmó que el cantante de heavy metal participó de la colaboración: “Unos ocho años después nos dimos cuenta de que teníamos a Ozzy y Madonna en pistas paralelas. Así que se lo dimos a un remezclador se convirtió en un dueto de Ozzy y Madonna”. Sin embargo, este remix nunca se publicó en Estados Unidos, aunque sí logró notoriedad en otros mercados internacionales.

La versión oficial de “Shake Your Head”, que finalmente vio la luz en 1992, incluyó las voces de Kim Basinger y Ozzy Osbourne, y se convirtió en uno de los mayores éxitos de la banda en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto número 4 en las listas de popularidad. La participación del músico en la versión publicada no fue promocionada de manera destacada, lo que contribuyó a que este capítulo de su carrera permaneciera en la sombra durante décadas.

La posible existencia de la grabación original con Madonna añade un nuevo misterio al legado de Ozzy Osbourne y mantiene viva la expectativa entre los fanáticos de ambos artistas, que siguen atentos ante la posibilidad de que este dueto inédito salga algún día a la luz.

Tras el estreno de Juegos peligrosos en 1993, estalló un ida y vuelta explosivo entre Abel Ferrara y Madonna. El cineasta comandó la película y la estrella pop encarnó a Sarah Jennings, un rol clave dentro del relato.

Pero lo que prometía ser una colaboración potente terminó en escándalo: Madonna salió a criticar abiertamente el resultado final y sus declaraciones desataron un clima de tensión que rápidamente escaló a conflicto público.

Durante la promoción, Madonna sorprendió a los medios al declarar: “No creo que deba llamarse Juegos peligrosos, sino El mal director”. Esta afirmación marcó un quiebre en la relación profesional entre ambos, ya que Ferrara había elogiado previamente el trabajo de la artista en el rodaje.

El director, conocido por obras como Ms. 45, manifestó su decepción tras las declaraciones de la cantante. Y el conflicto se intensificó porque Madonna realizó sus críticas antes del estreno.

En tanto, Ferrara afirmó que la artista tomó esa actitud para anticiparse a posibles comentarios negativos, en especial después de las poco favorables reseñas que recibió su actuación en Body of Evidence.

El enojo del director quedó en evidencia durante una entrevista con The A.V. Club, en la que sostuvo que la cantante “decidió destrozar la película anticipándose a la crítica”.

Un desencuentro marcado por la opinión pública y las críticas

De acuerdo con lo expuesto por Ferrara, Madonna se mostró especialmente dura con el film pese a que obtuvo mejores críticas respecto a otros trabajos anteriores de la cantante.

El director consideró paradójico que Madonna denostara el proyecto cuando la prensa especializada no la había tratado con tanta dureza esta vez. Esta situación profundizó el desencuentro entre ambos protagonistas del largometraje.

Ferrara recalcó que Madonna “jamás recibió una buena crítica de The Voice ni de The New York Times en su vida, pero sí recibió buenas críticas por esta película, la cual destrozó”.

El director concluyó sus declaraciones afirmando: “Nunca se lo perdonaré”, lo que confirma que la tensión permanece vigente años después del estreno.

La relación profesional entre Madonna y Ferrara no tuvo continuidad tras el estreno de “Juegos peligrosos”. El film cuenta la historia de un director de cine neoyorquino que, mientras trabaja en Los Ángeles, comienza a replicar las acciones de su película en la vida real, especialmente durante un romance con la actriz principal.

Madonna y su recorrido en el cine: éxitos y desafíos

La carrera cinematográfica de Madonna generó reiterados debates dentro de la crítica y el público. Si bien la artista alcanzó notoriedad mundial por su carrera musical, no logró los mismos resultados en la pantalla grande.

Participó en películas como Dick Tracy, Evita —dirigida por Alan Parker— y el episodio de Four Rooms junto a Quentin Tarantino. Sin embargo, acumuló varias nominaciones a los premios Razzie, que destacan lo peor del cine.

El caso de Juegos peligrosos refleja una tendencia en la que la cantante- actriz se mostró sin temores a la hora de declarar su opinión sobre los proyectos en que participó. Su postura frente a la película de Ferrara profundizó la distancia entre sus colaboradores en la industria.

El episodio, según fuentes de prensa y declaraciones recogidas por The A.V. Club, sigue siendo motivo de comentarios en el círculo cinematográfico.

Madonna adoptó a lo largo de su carrera una actitud desafiante frente a la crítica. Sus declaraciones generaron tanto adhesiones como controversias en la comunidad artística. Por su parte, Ferrara mantiene su postura crítica frente a la actitud de la artista y no muestra señales de reconciliación con la cantante.

Actualmente, Juegos peligrosos se considera un título de culto entre los seguidores de Ferrara, aunque la relación entre el director y Madonna se mantiene sin reconciliación. El film permanece como una referencia dentro de la filmografía de la cantante, marcada por diferentes opiniones y críticas encontradas.

Acá el volvió quiere decir que volvió a encabezar programa propio. Fue este lunes, por eltrece, cuando se puso en marcha La Mañana con Moria. Lo contábamos hace un rato nomás: la primera escena de esta esperada vuelta fue puramente Moria: desde una imponente pantalla led en el estudio, apareció interrogándose a sí misma con ese humor ácido que la caracteriza. “¿Qué hacés a las nueve de la mañana, mami, en la televisión? Si todos dicen que vos no te levantás temprano, please”, lanzó Moria.

Así empezaba. Pero acá el foco es cómo terminaba. El regreso de un gesto icónico marcó el final del primer episodio de La mañana con Moria en eltrece, cuando Moria Casán y Graciela Alfano sorprendieron a la audiencia al reeditar el beso en la boca que protagonizaron en los años ‘90. Este instante, cargado de complicidad y nostalgia, evocó uno de los momentos más recordados de la televisión argentina.

Antes de repetir el gesto, Moria Casán anticipó la escena con una frase que remite a su historia compartida: “Vamos a hacer lo que hicimos hace treinta años, mi amor. Lo que hicimos siempre”, expresó la conductora en el cierre de su primer ciclo en eltrece. La referencia no solo apuntaba al pasado, sino que también subrayaba la continuidad de una relación mediática que ha atravesado décadas.

Para no perderse I: la carita que, tras el polémico y futuro viral pico, pone Justin Timberlake, por entonces ex pareja de Britney Spears.

Graciela Alfano aportó su propia perspectiva al recordar la audacia de aquel beso original. “Una leonina, Madonna, y otra sagitariana, Britney Spears, lo hicieron pero después de nosotras”, comentó Alfano, estableciendo un paralelismo entre su gesto y el famoso beso entre las estrellas del pop internacional, pero reivindicando la primacía de su propio episodio en la televisión local.

Rewind: el piquito entre Madonna y Britney Spears ocurrió en los MTV Awards de 2003. En la icónica presentación, las dos cantantes actuaron junto a Christina Aguilera, y durante el show, Madonna besó a ambas. Este momento se convirtió en uno de los más polémicos y recordados de la cultura pop.

El momento culminante llegó tras los agradecimientos de Moria Casán al equipo del canal y al público, que convirtió el estreno en trending topic. Fue entonces cuando la conductora tomó la iniciativa y besó a Alfano, repitiendo el gesto que en su momento generó gran repercusión.

No es la primera vez que recrean este momento. En 2007, en pleno ShowMatch (eltrece), ambas también lo hicieron durante uno de los programas del Bailando. Se trató de un revival al pico que ambas compartieron en el ciclo La noche de Moria en América, producido a finales de la década del ‘90. En aquel programa, las dos figuras sellaron una de sus reconciliaciones con un beso en vivo, un acto considerado osado para la época y que quedó grabado en la memoria televisiva.

Para no perderse II: la carita que, tras el polémico y futuro viral pico, pone Matías Alé, por entonces pareja de Graciela Alfano.

Volviendo al debut del presente, la interacción de Moria consigo misma no quedó ahí. Su propia imagen virtual intentó ponerle presión: “Entonces arranquemos, que está toda la Argentina esperándonos. Vamos a darle a la gente el mejor show de la mañana”. Pero Casán, sin perder ni por un segundo el control de la situación, interrumpió de inmediato: “Pero, por favor, tomatelá que One solo hay una. Ahora solo faltaba que yo misma me cuelgue de mí, ¿quién sos? No te registro, ¡te vas!”.

Luego de sus palabras de apertura, Casán fue recibida tanto por su equipo como por la producción entre aplausos y gritos llenos de emoción. “¿Qué decirles, gente? Gracias a El Trece, gracias a esta bienvenida y a esta vibra. De esto se trata traspasar la pantalla. Es impresionante. Yo debuté en este canal 55 años atrás con el gran José Marrone y esta casa tiene un valor impresionante para mí. Y volver por primera vez con un programa mío, ya que estuve 10 años como jurado en el Bailando, es fabuloso”.

A 48 horas de que salga LUX, el nuevo disco de Rosalía ya despierta reacciones de todo tipo tanto por parte de quienes han escuchado sus primeros adelantos, Berghain y Reliquia, como de quienes ya han podido acceder al álbum completo. Entre ellas, una de las voces más destacadas en alabar el trabajo de la cantante catalana ha sido Madonna, quien a través de una historia de Instagram ha manifestado su entusiasmo por el álbum y ha calificado a Rosalía como una “auténtica visionaria”. “No puedo dejar de escucharlo”, asegura la leyenda del pop mientras se ve la portada de LUX, con Rosalía envuelta en una tela blanca similar a una camisa de fuerza y una cofia que recuerda a la de las monjas.

Por su parte, Rosalía ha respondido a la mención compartiendo la publicación en su propia cuenta y escribiendo “la reina” en homenaje a Madonna. No es la primera vez que sus nombres aparecen vinculados en los titulares internacionales: en 2018, Madonna compartió detalles sobre su intento por contratar a la entonces emergente Rosalía para que actuara en su fiesta de 60 aniversario. “Hace un año la descubrí y traté de todas las formas posibles que viniera a Marruecos por mi cumpleaños para que actuara para mí. En ese momento nadie sabía quién era. Pensaba que yo era la única persona que la conocía”, relataba la cantante en una entrevista con El Mundo.

Sin embargo, el proceso terminó frustrándose por cuestiones logísticas y económicas: “Apareció un mánager, luego un agente... y de repente ya había cinco personas que querían cobrar una cantidad extraordinaria de dinero. Me informaron de que el equipo de Rosalía lo componían treinta y seis personas. Así que finalmente no vino”, contó la cantante estadounidense.

Todo lo que sabemos de LUX, el nuevo disco de Rosalía

El cuarto álbum de estudio de Rosalía, que ve la luz tras tres años desde su exitoso Motomami, llega rodeado de grandes expectativas y, a la vez, de polémica tras las múltiples filtraciones que ha sufrido. El disco ha sido grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Londres y presenta colaboraciones con figuras como Björk (a la que ya hemos escuchado junto a Yves Tumor en Berghain), Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, además de los coros de la Escolanía de Montserrat y L’Orfeó Català. En palabras de la cantante obtenidas en una entrevista reciente para el programa Radio Noia de Primavera Sound, este trabajo ha sido “realizado por primera vez sin miedo al fracaso”. El álbum explora, según detallan los adelantos y materiales promocionales, “la mística femenina, la transformación y la espiritualidad trazando el arco entre la ilusión y la pérdida, la fe y la individualidad”.

La estructura de LUX es singular: cuatro movimientos, donde destacan títulos de canciones como Sexo, Violencia y Llantas, Berghain (que ya suma dos millones de reproducciones en YouTube y veintitrés millones en Spotify) y De Madrugá, tema adelantado en conciertos ligados a El mal querer. También está el tema Reliquia, publicado por error en Spotify el 4 de noviembre y retirada a la hora sin explicaciones por parte de la cantante o su equipo.

La opinión de Madonna, con más de 400 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera y una de las figuras más influyentes de la industria, resuena como una valiosa promoción global para LUX en las horas clave antes de su estreno. Sin embargo, esta no ha sido la única voz dentro de la industria musical que ha ensalzado las composiciones de Rosalía. En España, artistas como Coque Malla también se han sumado al reconocimiento de la creatividad de Rosalía, destacando su capacidad de “revolucionar” la música y reinventar géneros como el flamenco y el pop.

El cruce entre la música y la literatura ha permitido a artistas destacados explorar nuevas formas de expresión, llevando sus voces a terrenos inesperados.

En este recorrido, Elton John, Tupac Shakur y Madonna ampliaron sus trayectorias al incursionar en la escritura, utilizando el libro como plataforma para revelar dimensiones inéditas de su arte y conectar con públicos diversos.

Cada uno optó por un formato literario diferente —autobiografía, poesía y literatura infantil—, consolidando su versatilidad como creadores y expandiendo su legado mucho más allá de los escenarios.

Letras y relatos: nuevos lenguajes para viejos talentos

La música y la literatura comparten una inclinación natural por la narrativa y la transmisión de emociones universales. Si bien componer una canción o escribir un poema logra impactar de manera inmediata, la estructura de un libro exige un abordaje distinto: requiere mayor desarrollo y reflexión sobre los hechos relatados o imaginados.

En el caso de figuras como John, Shakur y Madonna, esa transición provocó la aparición de obras en formatos muy diversos, que exploran desde la introspección hasta la enseñanza moral. El deseo de registrar sus vivencias o canalizar inquietudes personales a través del texto llevó a estos artistas a elegir géneros literarios que se adaptaran a sus historias.

Ya fuese a partir de la crudeza del testimonio de vida, la sensibilidad de la poesía o el encantamiento del cuento infantil, cada libro refleja el carácter de su autor y revela una búsqueda deliberada por consolidar una voz fuera del ámbito musical. Es así como, lejos de repetir el esquema narrativo de sus canciones, estos escritores ampliaron recursos y decidieron ocupar un lugar en la historia contemporánea de la literatura.

Elton John: confesiones a través de la autobiografía

Elton John decidió abrir su vida al público en el libro “Me”, editado por Macmillan Publishers y lanzado el 15 de octubre de 2019. Esta autobiografía, escrita junto al periodista Alexis Petridis, recorre su infancia, sus inicios musicales, el reconocimiento internacional y la despedida de los grandes escenarios con la gira “Farewell Yellow Brick Road”.

Más allá de sus logros, John aborda episodios de vulnerabilidad que marcaron su vida: su lucha contra la adicción, períodos de depresión, momentos difíciles en lo personal y las alegrías y desafíos de formar una familia a través del matrimonio y la paternidad. En las páginas de “Me”, el artista no evade controversias ni momentos dolorosos, y tampoco priva al lector del humor y la ironía que lo caracterizan.

Este relato permite descubrir la complejidad del hombre tras el personaje público y conocer la filosofía de vida que lo ha sostenido en la adversidad. Su testimonio sirve como fuente de inspiración para quienes buscan comprender cómo la creatividad puede surgir incluso en los momentos más oscuros.

Tupac Shakur: poesía como protesta y testamento juvenil

A diferencia de Elton John, Tupac Shakur optó por plasmar sentimientos y visiones en poemas, reunidos en “The Rose That Grew from Concrete”, publicado póstumamente el 1 de noviembre de 1999 por Pocket Books. En su juventud, Shakur escribió 72 poemas en los que expresa preocupaciones sociales, reflexiones sobre la injusticia, críticas a la discriminación y una profunda necesidad de esperanza.

La colección revela un costado íntimo y menos conocido: el del joven capaz de transformar el dolor de la experiencia urbana y la lucha diaria en versos honestos y contundentes. El lenguaje poético le permitió a Shakur comunicar ideas que, a menudo, desbordaban los formatos tradicionales del rap.

Así, sus textos ofrecen una mirada plural sobre su creatividad y dejan constancia de su compromiso con problemáticas que trascendieron su contexto. La lectura de estos poemas permite acceder a la sensibilidad de un artista que no solo pensaba en rimar estrofas, sino en dejar un legado literario para las nuevas generaciones.

Madonna: historias infantiles y valores universales

“The English Roses”, publicado el 15 de septiembre de 2003 por la editorial Callaway, marcó el ingreso de Madonna al universo de la literatura infantil. Esta obra, ilustrada por Jeffrey Fulvimari, fue la primera de una serie de cuentos para niños donde la artista explora temas como la amistad, los celos, la empatía y la superación personal.

Su interés en la literatura para un público infantil se refleja en la adaptación de relatos sencillos y personajes cercanos, capaces de transmitir enseñanzas morales a través de situaciones cotidianas y diálogos realistas.

Madonna, al igual que en su música, apostó por mensajes claros y de fácil identificación, logrando que los lectores jóvenes encontraran en sus libros herramientas para comprender sus propias emociones. La autora logra de este modo ampliar su influencia más allá de los escenarios y conciertos, formando parte de la educación emocional de los niños mediante propuestas literarias.

Trascendiendo la música: impacto editorial y público renovado

El paso de Elton John, Tupac Shakur y Madonna por el mundo editorial reformuló la percepción pública de los músicos como creadores multidisciplinarios.

Cada uno encontró en la escritura literaria un modo distintivo de prolongar su huella en la cultura contemporánea, presentándose ante lectores que quizás nunca acudieron a sus conciertos, pero que sí encontraron valor en sus relatos, reflexiones o cuentos.

La experiencia de estos artistas evidencia que la creatividad puede desbordar fronteras y que un libro puede ser tan transformador o revelador como cualquier gesto artístico sobre el escenario. La recepción positiva de sus obras, tanto en ventas como en reconocimiento crítico, habla de la universalidad de algunas narrativas y de la permanente curiosidad del público por descubrir nuevas facetas de quienes admira.

Nuevas dimensiones: legado artístico y futuro literario

La incursión de estos íconos en los caminos de la literatura constituye solo una muestra de cómo las figuras consagradas buscan reinventarse y desafiarse más allá del formato original que les dio fama.

Sus historias, poemas y cuentos, lejos de ser meras anécdotas derivadas de sus carreras musicales, representan aportes genuinos a la producción cultural y a la formación de la sensibilidad colectiva.

Elton John, Tupac Shakur y Madonna demostraron que el lenguaje escrito puede ser una poderosa herramienta para expandir el potencial del arte y dejar huellas que atraviesen generaciones. Así, consolidan un legado integral que se proyecta en el tiempo y en la memoria de quienes los leen.

El miércoles 22 de octubre, los actores Blanca Suárez y Manu Ríos acudieron al programa de Pablo Motos para presentar la segunda temporada de la serie Respira, que se estrenará en la plataforma Netflix el próximo 31 de octubre.

Durante la conversación, los protagonistas compartieron detalles del rodaje, la preparación de las escenas médicas y también algunas anécdotas personales que llamaron la atención.

La serie, ambientada en un hospital español ficticio, trae de vuelta a Suárez y Ríos y suma novedades en esta temporada, entre ellas la incorporación de Pablo Alborán, quien da el salto a la interpretación tras su trayectoria musical.

Aprendizaje y rodaje

Los actores explicaron que para dar verosimilitud a sus personajes sanitarios debieron llevar a cabo una preparación práctica: Blanca Suárez comentó que “he operado pollos y sandías para aprender a suturar”. Por su parte, Manu Ríos detalló que en el rodaje usaban prótesis que simulan el cuerpo humano.

En la conversación también se refirió el hecho de que durante una de las grabaciones, Manu Ríos reconoció que confundió una prótesis con la barbilla real de un extra y lo pinchó por accidente, obligando a parar la escena para comprobar que todo estaba bien.

Estos detalles muestran el nivel de compromiso de los actores por lograr una representación lo más realista posible en el contexto de un drama médico, lo que añade un factor de autenticidad al producto televisivo.

La anécdota de la fiesta de Madonna

Una de las revelaciones que generó mayor sorpresa en el set fue la narración de Manu Ríos sobre una fiesta organizada por Madonna. Según el actor, “no me invitó ella directamente, fui el +1 de alguien. Fue lo más surrealista del mundo, de repente estaba bailando con Sharon Stone”.

Además, agregó que en dicha fiesta no había móviles permitidos, lo que permitió que las conversaciones fluyeran de forma más natural: “No había ni un móvil y siempre es guay cuando en una fiesta tienes conversaciones con la gente”, afirmó.

El suceso ocurrió después de la asistencia del actor a una fiesta posterior a la ceremonia de los Premios Óscar, tras su éxito en la serie Élite, y refleja un momento inesperado en su carrera que mezcla entretenimiento y prestigio internacional.

Las fiestas y tatuajes según Blanca Suárez

Blanca Suárez, por su parte, relató que no ha coincidido con Madonna en esas fiestas de alto perfil y, entre risas, admitió que ha asistido a otro tipo de encuentros —que el presentador etiquetó como “tattoos parties” — donde se puede combinar la fiesta con hacerse tatuajes.

Comentó que “sí, nunca he mezclado esas dos cosas [en emborracharse y hacerse un tatuaje], siempre lo hago al principio, pero he visto mezclas duras. He sido testigo de noches alegres, mañanitas tristes, de ‘wow, mañana cuando te despiertes y veas lo que te acabas de hacer…’”.

Expectativas para la nueva temporada de Respira

La segunda temporada de Respira llega con el aliciente de ver al elenco ya conocido en una nueva fase de sus personajes, y la llegada de Pablo Alborán como nueva incorporación. Según los actores, el cambio implica nuevas tensiones en el hospital ficticio y evoluciones personales de los médicos protagonistas.

La serie se ha ambientado en un centro hospitalario español ficticio, y los medios destacan que el rodaje supuso una gran tarea: se recrearon instalaciones, se utilizó material técnico especializado y los actores se sumergieron en procedimientos realistas para dar cuerpo a sus roles.

Con el estreno fijado para el próximo 31 de octubre en Netflix, la producción espera captar tanto a los seguidores de la primera temporada como a nuevos espectadores interesados en el género de drama médico.

Miley Cyrus reabrió el debate sobre la cultura de la cancelación tras afirmar que fue “la primera persona en ser cancelada”, según una entrevista para CBS Sunday Morning recogida por Complex.

La artista, conocida por su salto a la fama en “Hannah Montana”, reflexionó sobre el intenso escrutinio y las críticas recibidas al evolucionar hacia una imagen mucho más provocadora con el lanzamiento del álbum Bangerz en 2013.

Ahora, a los 32 años, reconoce que en aquel momento “no entendía la magnitud del rechazo”. Con el paso del tiempo, ha adquirido una perspectiva más clara sobre el impacto que esas reacciones tuvieron tanto en su vida como en la de su entorno.

Del éxito infantil al ojo del huracán mediático

El periodo vinculado al álbum Bangerz marcó un punto de quiebre en la carrera de Cyrus y le impuso un nivel de escrutinio pocas veces visto. Su transformación de estrella infantil a figura del pop adulto, acompañada por presentaciones y letras sexualmente explícitas, la colocó en el centro de la controversia pública y desató una ola de críticas de sectores conservadores y de la prensa internacional.

La propia artista señaló que, si bien en su juventud vivió esa etapa como una experiencia emocionante, la verdadera dureza de la situación solo la comprendió al crecer.

“No supe hasta que fui mayor lo brutal que fue. Para mí, parecía divertido y lo fue. Solo ahora entiendo lo duro que fue para los demás”, relató Cyrus. Sus palabras revelan cómo la perspectiva que otorga el tiempo modifica la interpretación de los episodios más polémicos en la vida pública.

El impacto en el núcleo familiar

Más allá de los titulares, la repercusión del escándalo alcanzó a la familia de la cantante. Durante el podcast “Reclaiming With Monica Lewinsky”, relató que el entorno mediático afectó profundamente a sus cinco hermanos, en especial a los más pequeños, quienes llegaron a sentirse tan “avergonzados” que evitaban ir a la escuela.

Uno de sus hermanos le expresó sin rodeos la dificultad de sobrellevar ese nivel de presión social, a lo que Cyrus replicó de manera franca que ambos lidiaban con las consecuencias a su manera.

La artista manifestó que comprender el sufrimiento de sus hermanos fue “muy doloroso” y la llevó a reflexionar sobre la dimensión familiar de la cultura de la cancelación. El costo emocional no solo atañe a la figura pública; el círculo cercano también enfrenta una presión inclemente y poco visible para los demás.

Precedentes previos a la era digital

Aunque Cyrus sostiene que fue pionera en experimentar la “cancelación” en la era de internet, hay antecedentes de figuras femeninas que también padecieron sanciones sociales. Complex destaca el caso de Madonna, quien recibió duras críticas por el contenido sexual de ‘Like a Virgin’ en los 80, así como el de Sinéad O’Connor, duramente hostigada tras rasgar una foto del Papa Juan Pablo II en Saturday Night Live en 1992.

Estos episodios demuestran que el escrutinio público y la censura hacia las mujeres en la industria musical preceden con creces la era digital, aunque el concepto de “cultura de la cancelación” haya adquirido peso en los últimos años.

Lejos de tratarse de hechos aislados, estos antecedentes evidencian que las mujeres artistas históricamente enfrentan barreras vinculadas a la autoexpresión y a la ruptura de convencionalismos. La presión social se ejerce con particular fuerza sobre quienes desafían los parámetros tradicionales del entretenimiento y la moral. La novedad en el caso de Cyrus radica en la instantaneidad y la escala global que aportan las redes sociales y la cultura digital.

Una mirada madura y nuevas perspectivas

Hoy, Cyrus analiza su pasado con una visión distinta. Asume que la madurez le permitió comprender las dimensiones de las reacciones que generó.

Este cambio de mirada no solo atañe a su experiencia individual, sino que sirve como termómetro de la evolución de la discusión pública en torno a la autoafirmación y el derecho a la diferencia.

El caso de la cantante ilustra la manera en que, en la actualidad, el escrutinio público se intensifica y se multiplica por el alcance de los medios digitales. La cultura de la cancelación se ha convertido en un fenómeno que pone en jaque la libertad de expresión, la privacidad y la resiliencia emocional de las figuras públicas.

“Mi vida espiritual me salvó”, confesó Madonna en una de sus conversaciones más íntimas y reveladoras. En la entrevista que concedió a Jay Shetty para su pódcast On Purpose, la artista y su maestro de Kabbalah, Eitan Yardeni, exploraron cómo la espiritualidad y el estudio de la Kabbalah se convirtieron en el eje central que la guió para superar crisis personales, reinventar su arte y encontrar equilibrio en su faceta de madre.

Lejos de promocionar un nuevo trabajo, Madonna se abrió para compartir la sabiduría que, según declaró, le dio sentido y estabilidad durante casi tres décadas.

Un testimonio alejado de intereses comerciales

Desde el inicio de la charla, recogida en la entrevista de Jay Shetty a Madonna en On Purpose, la cantante enfatizó que su motivación no respondía a intereses comerciales. “No estoy aquí para vender nada. Quiero compartir algo que, aunque suene dramático, me salvó la vida”, expresó.

Durante los años, muchos le preguntaron cómo consiguió mantenerse firme mientras otros colegas sucumbieron ante la presión de la fama. Su respuesta fue clara: la espiritualidad fue su ancla y refugio.

Para Madonna, la espiritualidad superó los límites de una religión o dogma. “Estudié Kabbalah desde 1996, pero antes de eso busqué respuestas en distintas tradiciones”, relató. En sus inicios en Nueva York, la convivencia con una compañera budista despertó su curiosidad por los rituales y la serenidad interior.

Más adelante, el yoga y el estudio del sánscrito le enseñaron la importancia de la introspección y de los rituales cotidianos. Sin embargo, el encuentro con la Kabbalah marcó un antes y un después: “Nada de esto tuvo que ver con religión. Fue una filosofía de vida que me dio coraje para ser quien era y me hizo pensar en la intención y el propósito real de mis actos”, subrayó.

Maternidad y creatividad atravesadas por la espiritualidad

La entrevista profundizó en la manera en que la espiritualidad impregnó cada aspecto de la vida de Madonna.

La maternidad fue un detonante que la llevó a cuestionarse qué valores transmitir y cómo guiar a sus hijos en un mundo repleto de distracciones externas. “Cuando supe que iba a ser madre, entendí que no sabía nada y que era esclava de la opinión ajena, aunque desde afuera pareciera segura y audaz”, reconoció.

Asimismo, la espiritualidad resultó esencial en su proceso creativo: el álbum Ray of Light, que creó poco después de iniciar sus estudios de Kabbalah, reflejó esa transformación interior.

Madonna describió el acto creativo de manera contundente: “No soy dueña de mi talento, solo la administradora. Cuando te das cuenta de que eres un canal para la luz, todo cambia”.

La guía de Eitan Yardeni y el propósito de la Kabbalah

La relación con su maestro, Eitan Yardeni, fue esencial en el camino de Madonna. Yardeni estuvo presente en la entrevista y definió la Kabbalah como una herramienta para comprender el propósito vital y los desafíos internos. “La mayor luz se reveló en los momentos de mayor oscuridad”, subrayó Madonna, una idea que Yardeni reforzó al señalar que los obstáculos y el sufrimiento representaron oportunidades para crecer y revelar el verdadero potencial del alma.

Yardeni destacó la perseverancia de Madonna y su constancia para nutrir su vida espiritual, incluso en los periodos más complejos, y consideró esto esencial para mantener la conexión con el propósito personal.

Lecciones de aceptación y perdón

En la conversación, resultó recurrente el tema de la aceptación radical y el perdón. Madonna explicó cómo la espiritualidad le permitió transformar el dolor en lecciones de vida. “El peor sufrimiento es no aceptar lo que sucede y quedarse en el papel de víctima”, afirmó.

Relató que atravesó momentos de profunda desesperación, como la batalla por la custodia de su hijo o la enfermedad grave que la llevó a la Unidad de Cuidados Intensivos (UCI).

En esos episodios, la práctica espiritual y el acompañamiento de su maestro la ayudaron a encontrar sentido y a dejar de interpretar los acontecimientos como castigos, para verlos como oportunidades de aprendizaje. “El perdón es liberador, incluso cuando se trata de quienes más nos han herido”, sostuvo, y compartió que la reconciliación con su hermano antes de su fallecimiento le permitió soltar un peso que la acompañó durante años.

Yardeni recomendó un proceso en cuatro pasos ante los desafíos vitales: hacer una pausa y reconocer la oportunidad, aceptar la dificultad sin intentar resolverla de inmediato, afirmar que la luz necesaria está en el interior y preguntarse cuál es la lección a aprender.

Madonna enfatizó: “La transformación es un trabajo diario. Hay que detenerse, reflexionar y preguntarse qué se ha hecho para ayudar a otros, no solo para uno mismo”.

Al concluir la conversación, resumió su propósito: revelar luz en el mundo en cada uno de sus roles, ya sea madre, artista o amiga. “La mayor transformación ocurre cuando generamos luz para otros, no solo para nosotros mismos”, aseguró la artista, dejando una invitación a considerar la espiritualidad como un aliado permanente en el camino hacia el sentido y el equilibrio.

La cantante Madonna reveló nuevos detalles de la infección bacteriana que derivó en sepsis y la obligó a permanecer en cuidados intensivos con respiración asistida durante cuatro días. La artista, que hoy tiene 67 años, relató la experiencia en una entrevista con el podcast On Purpose, conducido por Jay Shetty, donde habló con franqueza sobre el episodio más crítico de su salud en las últimas décadas.

Una emergencia médica que paralizó su carrera

En junio de 2023, Madonna fue trasladada de urgencia a un hospital de Nueva York tras presentar un cuadro infeccioso grave mientras se preparaba para el Celebration Tour, la gira mundial que marcaría el repaso de sus 40 años de carrera musical. La cantante explicó que pasó de estar “ensayando y bailando” a perder la consciencia y despertar días después conectada a un respirador.

“Un minuto estaba viva y bailando, y al siguiente estaba en la UCI, inconsciente durante cuatro días. Salí del hospital, me desconectaron del respirador, empecé a respirar por mí misma y tuve algo llamado sepsis, que puede ser mortal”, relató la artista.

La gravedad de la situación obligó a suspender temporalmente la gira, lo que generó gran preocupación entre sus seguidores alrededor del mundo. En ese momento, la propia cantante publicó en sus redes sociales un mensaje agradeciendo el apoyo y asegurando que estaba “en camino a la recuperación”.

La lucha contra la sepsis y sus secuelas

La sepsis es una condición médica grave que ocurre cuando el organismo reacciona de forma extrema a una infección, liberando sustancias químicas que pueden dañar órganos y tejidos. En casos severos, puede provocar insuficiencia orgánica múltiple y muerte si no se trata a tiempo.

Según datos de la Organización Mundial de la Salud, esta enfermedad afecta a más de 49 millones de personas cada año y causa cerca de 11 millones de muertes, muchas de ellas evitables con diagnóstico temprano y atención médica inmediata.

En Australia, por ejemplo, se estima que la sepsis mata a entre 5.000 y 9.000 personas anualmente, una cifra que supera en cuatro veces las muertes por accidentes de tránsito. Los especialistas advierten que los síntomas iniciales pueden confundirse con una gripe o una gastroenteritis, lo que dificulta su detección.

Entre los signos de alarma se encuentran fiebre alta o temperatura baja, confusión, respiración acelerada, piel moteada o descolorida, dolor muscular extremo y dificultad para orinar.

Un proceso de recuperación complejo

Madonna confesó que tras recibir el alta hospitalaria experimentó una sensación de debilidad extrema, que la dejó postrada en cama durante varias semanas. Reconoció que, aunque se veía a sí misma como una “supermujer”, el proceso de recuperación fue más largo y desafiante de lo que esperaba.

“No tenía fuerzas, ni energía, no podía levantarme de la cama y no sabía cuándo iba a terminar. Cada uno se recupera a un ritmo diferente, y eso fue muy difícil de aceptar para mí”, declaró en el podcast.

La intérprete también reveló que, en medio de la emergencia, los médicos recurrieron al uso de Narcan, un medicamento normalmente empleado para revertir sobredosis, pero que en este caso se utilizó para contrarrestar el shock séptico.

El regreso a los escenarios

A pesar de la crisis de salud, Madonna logró retomar su Celebration Tour meses después, comenzando en octubre de 2023 en Europa y reprogramando las fechas norteamericanas. En sus redes sociales, agradeció a sus seguidores por las oraciones y mensajes de aliento: “Gracias por su energía positiva, he sentido su amor. Estoy en camino a la recuperación y estoy increíblemente agradecida por todas las bendiciones”.

Su primer pensamiento al despertar, aseguró, fueron sus seis hijos, seguido por la preocupación de no decepcionar a su público ni al equipo creativo que había trabajado en el espectáculo.

Espiritualidad y propósito de vida

Más allá de lo médico, la cantante también habló sobre cómo su espiritualidad la ayudó a enfrentar la adversidad. Madonna contó que desde mediados de la década de 1990, con su acercamiento a la Cábala, ha mantenido prácticas espirituales que considera esenciales para sobrellevar tanto el éxito como los momentos difíciles.

“El éxito es tener una vida espiritual, y punto. No estaría aquí si no la tuviera. La sabiduría espiritual no es útil cuando todo te sale bien, sino cuando enfrentas desafíos”, afirmó.

Asimismo, subrayó la importancia de la “aceptación radical”, es decir, comprender que lo que ocurre está destinado a suceder y confiar en que “todo va a estar bien”.

Madonna está lista para levantar el telón sobre su espiritualidad en su primera entrevista para un podcast.

La artista de 67 años se sentará este lunes con el reconocido conductor Jay Shetty en un nuevo episodio de On Purpose, en lo que representa una de las conversaciones más íntimas y reveladoras de su trayectoria, según confirmó PEOPLE.

Durante el diálogo, Shetty explorará la extensa trayectoria espiritual de la cantante, que comenzó poco antes del nacimiento de su primera hija, Lourdes Leon, y que ha influido en cómo entiende el éxito, el perdón y su vida en general.

“Necesitas ser espiritual para ser exitoso. El éxito es tener una vida espiritual, punto. No estaría aquí si no la tuviera”, aseguró la cantante, quien descubrió la Cábala en 1996, marcando un antes y un después en su enfoque personal y profesional.

La artista, ganadora de siete premios Grammy, ha sido reconocida durante décadas por romper barreras y utilizar su voz para la defensa de los derechos humanos, un compromiso que considera esencial para su propósito de vida.

“¿Qué he hecho por los demás? Esa es realmente la única forma de tener éxito en la vida. La mayor cantidad de luz se revela donde hay oscuridad. Cuando estás en una habitación oscura, enciendes la luz. Si ya hay luz, ¿qué haces? No hay esfuerzo. Entonces, ¿debemos buscar la oscuridad?”, dijo.

Por si fuera poco, Madonna enfatizó que su misión espiritual es compartir luz con el mundo a través de todas sus acciones. “Lo quiero todo, pero quiero que sea para compartirlo, no para guardarlo solo para mí”, agregó.

Esta filosofía, según la cantante, ha guiado cada decisión en su carrera y en su vida personal, desde sus proyectos musicales hasta sus causas humanitarias.

En el episodio, la “Reina del pop” también reflexiona sobre cómo fue “esclava o víctima de la opinión de los demás” en el pasado. Sin embargo, con el tiempo ha aprendido que no encajar puede ser liberador.

“No encajar es lo que te salva”, aseguró. Esta aceptación de sí misma ha sido clave para enfrentar los desafíos de la vida y la industria del entretenimiento.

Su maestro de Cábala, Eitan Yardeni, quien se unirá a ella en la conversación, colabora con Madonna en un nuevo curso titulado The Mystical Studies of the Zohar, que se lanzará el 29 de septiembre.

La cantante reconoce que la espiritualidad no solo la ha guiado en los momentos de éxito, sino que se vuelve aún más valiosa en los desafíos.

“La sabiduría espiritual no es útil cuando todo va bien, sino cuando te enfrentas a dificultades y también en los momentos de felicidad. Es útil recordar que en cualquier momento todo puede desaparecer. Así que no lo des por sentado. Ten humildad”, afirmó.

Además, Madonna subraya la importancia de la aceptación radical, la idea de que todo lo que nos sucede está destinado a suceder y que, al final, estaremos bien.

Esta perspectiva, explica, le ha permitido navegar por décadas de fama, críticas y presiones sin perder el enfoque de su propósito: iluminar el mundo.

“El propósito de mi alma es revelar luz en el mundo a través de lo que haga”, dijo la estrella. Para Madonna, el verdadero éxito no se mide por premios, ventas o reconocimientos, sino por la capacidad de impactar positivamente la vida de otros mientras se mantiene fiel a su esencia.

Con esta entrevista, Madonna ofrece una mirada rara y profunda a su mundo interior, mostrando que detrás de su icónica carrera hay una persona profundamente comprometida con la espiritualidad, la reflexión y la búsqueda constante de significado.

Tim Rice, el inglés que compuso las letras de algunas de las obras musicales más importantes del planeta, iba escuchando la radio mientras manejaba su auto. Eran los primeros años de la década del 70 y algo, o todo, de la historia que contaban en la FM que solía escuchar lo cautivó.

El locutor narraba, con épica y con detalle, la vida de Eva Perón. Esa mujer de la que hablaban en la radio había nacido en la pobreza y, sobre todo, en la vergüenza: pertenecía a la familia no reconocida por su padre. Había dejado el pueblo chico atrás y había conquistado la ciudad. Se había convertido en la mujer que partió en dos la historia de un país, desde el balcón en el que les hablaba a sus “descamisados”. Y había hecho todo eso rápido: un cáncer de cuello de útero la había matado cuando apenas tenía 33 años.

Esa, más que todos los demás datos por aplastantes que fueran, fue la punta del ovillo del que empezó a tirar la imaginación de Rice. Eva había muerto a la misma edad que Jesucristo. Y Rice y su socio artístico, el compositor Andrew Lloyd Webber, acababan de revolucionar la escena teatral con su musical Jesucristo Superstar, que contaba la vida de ese hombre anónimo que había partido la historia de Occidente en dos y que había muerto tan joven. Eva Perón era, para Rice, la protagonista del musical que empezó a imaginar arriba de su auto y que se estrenó en Broadway hace exactamente 46 años.

Una fuente de dudosa credibilidad

Para saber más sobre esa mujer de la que Rice había escuchado en la radio, la dupla artística se nutrió especialmente de una fuente principal. Se trataba de la primera biografía de Eva que tuvo trascendencia, un retrato que, como supuestas fuentes, citaba rumores, trascendidos y ninguna voz concreta.

El libro se llamaba nada menos que La mujer del látigo, publicado en 1952 fuera de la Argentina, durante el año de la muerte de Eva. Su autora, una anglo-argentina radicada desde los años 40 en Estados Unidos, primero firmó la obra como María Flores y luego reveló su verdadera identidad, Mary Main. Cuando la obra llegó al país, fue odiada por quienes adherían al peronismo, proscripto desde 1955 tras la autoproclamada Revolución Libertadora.

Main partía del hecho de que Eva y sus hermanos fueran los hijos que Juan Duarte no reconocía como su familia. Sobre ese hecho, montó en su libro la teoría de que Evita había actuado durante su corta y potente vida con resentimiento y sed de revancha y venganza.

En su intento de biografía, la autora nombró “rumores” de que, a través de la fundación que llevaba su nombre, Eva mandaba a mucamas que se presentaban a buscar trabajo a que espiaran en las casas de opositores al peronismo. De esa forma, decía Main, la Primera Dama podía conocer sus movimientos.

La mujer del látigo cuenta también que Evita se ocupaba de clausurar los negocios en los que se hablaba mal de ella y, sobre todo, que las obras e inauguraciones en nombre de su fundación eran puro montaje para la foto, pero que después no había allí un servicio concreto a la comunidad, especialmente a las clases más bajas. Que los hospitales se inauguraban y después no atendían la salud de nadie.

Según Main, el magnetismo entre los descamisados y Eva venía de la identificación entre sus seguidores y la propia historia de su líder, en quien veían la vida de alguien nacido en el seno de la pobreza y que había logrado volverse un sujeto político de absoluto protagonismo.

Un disco para empezar

Sobre esa Evita que describió Main sin citar la voz de nadie en particular y desde una mirada tan inexacta como antiperonista, Tim Rice y Andrew Lloyd Webber construyeron a su Evita. Lo primero que hicieron fue componer una ópera-rock que la tuviera como protagonista y en la que se narrara la vida de esa mujer nacida en Los Toldos y velada por millones de argentinos en corazón político del país.

El disco, una obra conceptual que imitaba la forma en la que habían lanzado Jesucristo Superstar, se editó en 1976, y allí asomaba una Evita que buscaba revancha, que “trepaba” socialmente a través de sus conquistas amorosas y que, una vez en pareja con Juan Domingo Perón, dominaba absolutamente la relación. Sin matices.

En el disco hace su aparición “Che”, un narrador de la obra que mira críticamente a Eva, desconfía de sus acciones y de sus intenciones y al que Lloyd Weber y Rice bautizaron e incluso intentaron identificar con Ernesto “Che” Guevara, aunque el cruce entre ambas figuras históricas no tuviera absolutamente ningún asidero en los hechos reales. La London Philharmonic Orchestra fue la encargada de grabar la obra, que inmediatamente se convirtió en un éxito en el Reino Unido y en otros países.

El suceso fue tal que el lanzamiento superó las ventas del disco que contaba la versión teatral de la vida de Jesucristo. Y ese éxito tuvo una punta de lanza: “Don’t cry for me Argentina” fue lanzada como single y rápidamente alcanzó el número uno en los rakings británicos. Esa canción en la que Eva le jura a su pueblo que nunca va a abandonarlos se volvió un hit en lengua inglesa y del otro lado del Atlántico.

Eva sube al escenario

Subidos a ese éxito y envalentonados por el antecedente de Jesucristo Superstar, Lloyd Webber y Rice sabían que el paso siguiente y definitivo sería subir su creación a los escenarios. El primer estreno de Evita, el musical fue el 21 de junio de 1978 en el Prince Edward Theatre del West End de Londres, el distrito teatral más importante de la capital británica y uno de los más destacados del mundo.

El director encargado de la puesta en escena fue Harold Prince, el mismo que dirigió Cabaret. Elaine Paige, desconocida hasta ese entonces, fue la elegida para interpretar a Eva: se convirtió inmediatamente en una estrella.

Las críticas acompañaron al estreno, y la obra estuvo en cartel, en esa ocasión, casi ocho años. Paige ganó el premio más prestigioso del West End como intérprete y la creación de Rice, Lloyd Webber y Prince se llevó el galardón al Mejor Musical.

Detrás del gran éxito en la capital británica, y con enormes expectativas, el 25 de septiembre de 1979 Evita se subió a los escenarios de Broadway, en Nueva York. Patti LuPone interpretó a la “Abanderada de los Descamisados”, y Mandy Patinkin fue “Che”.

La crítica no tuvo piedad. “Una pésima manera de escribir un musical”, decía la crítica de The New York Times. El argumento principal del texto periodístico era que la historia de Eva se narraba pero no se mostraba en escena. Otros críticos neoyorquinos dijeron que la obra era “aburrida” y “vacía”.

Pero las críticas no hicieron mella ni en el público ni en la temporada de premios. El boca a boca fue potente y la obra agotaba completamente las entradas cada vez que salían a la venta. Y tras su estreno el musical ganó siete premios Tony, incluyendo el de Mejor Musical, Mejor Música Original y el que premiaba a LuPone como mejor actriz.

La consagración en Nueva York, sumada a la que se había dado en Londres, hizo de Evita un producto promisorio para escenarios de todo el mundo: se estrenó en España, en México, en Alemania y en Israel entre 1980 y 1981. El musical que contaba esa vida argentina recorría el mundo y tenía destino de clásico.

Sin embargo, el musical estrenado en 1978 nunca pisó un escenario argentino. La construcción de esa Evita que quiere vengar su herida primaria y que “trepa” a través de sus relaciones con hombres, un estereotipo muy apoyado en el libro de Mary Main, generó un rechazo contundente en el país en el que nació la verdadera protagonista de la historia.

Madonna se vuelve Eva

El éxito en los teatros de tantos países del mundo abrió un camino que tardó en concretarse pero detrás del que se abriría un nuevo capítulo de ganancias millonarias: la película. Tras varias idas y vueltas para ver quién encabezaría la adaptación al cine, Alan Parker fue elegido como director del proyecto.

Para el rol de Eva se consideró a Meryl Streep y a Michelle Pfeiffer, entre otras actrices. Pero después de años de pelear por ese papel, lo consiguió Madonna, que ya se había consagrado como la Reina del Pop. “Che” sería encarnado por Antonio Banderas, pero ya no se lo identificaría en absoluto con Guevara, sino que su voz representaría a algo así como una especie de argentino crítico del peronismo promedio, si tal cosa existiera.

El estreno en Broadway había presentado una versión de Eva cargada de la imagen negativa que la prensa estadounidense había construido de ella. Era entre difícil e imposible que el público sintiera algo de simpatía por esa “antiheroína” que protagonizaba el musical. La adaptación al cine se tiñe bastante de esa mirada, aunque no del todo.

Madonna, ya elegida para el papel más importante que hizo en el cine, llegó a Buenos Aires en 1996. La intención de Alan Parker era rodar en el lugar de los hechos y, tras una reunión entre la artista, el director y el entonces presidente Carlos Menem, el titular del Poder Ejecutivo autorizó el uso del balcón de la Casa Rosada para grabar. Allí se sitúa la famosa escena en la que Eva le canta a su pueblo que no la llore, que ella nunca los va a abandonar.

La visita fue repudiada por distintos sectores del peronismo, que sabían cómo estaba caracterizada la Evita del musical. “¡Fuera Madonna!“, decían las pancartas que repudiaron su presencia y también las pintadas en puentes y autopistas. Pero las escenas se rodaron igual y la película se estrenó en todo el mundo.

En 1997, cuando llegó a los cines argentinos, hubo un llamado para boicotearla. Además, para responderle a Hollywood, se filmó Eva Perón: la verdadera historia, protagonizada por Esther Goris, con guión de José Pablo Feinmann y centrada en los últimos años de la vida de Evita.

Esa mirada resultaba mucho más reivindicativa de su figura, algo que también había pasado con el estreno de Eva, el gran musical argentino, una obra protagonizada por Nacha Guevara para contraponerse a la creación de Rice y Lloyd Webber que recorría el mundo.

Ningún contrapunto argentino pudo frenar el éxito arrollador de la película de Parker, que tuvo un presupuesto de 55 millones de dólares y recaudó 141 millones en todo el mundo. El estreno de “You must love me”, una canción deliciosamente interpretada por Madonna y hecha para mostrar a una Eva más frágil y vulnerable, fue un éxito en sí mismo. El tema ganó el Óscar y el Globo de Oro, premio que también obtuvieron el musical y Madonna.

El éxito de la película, creada por impulso de los musicales teatrales, realimentó a la vez la curiosidad del público por ir al teatro a ver esa obra que había consolidado la carrera actoral de Madonna. Rice y Lloyd Webber habían construido un círculo virtuoso que se sostiene hasta hoy. Ahora mismo, el musical que alguna vez protagonizaron Elena Roger y Ricky Martin en Broadway, se exhibe en el West End londinense de nuevo, como en 1978.

Todo empezó con un hombre escuchando la radio hace más de cincuenta años. Un hombre al que esa vida le pareció tan extraordinaria que decidió que, después de contar la historia de Jesucristo, era el turno de hablar de Eva.

En una era de polarización y violencia, se vuelven necesarias voces que propaguen mensajes de paz. Bajo la crisis que vive el mundo, la música de Madonna recobra relevancia.

Es por eso que la cantante anunció esta semana que volvió con su antigua disquera, Warner Records, para producir un nuevo material discográfico titulado: Confessions of a Dance Floor Part2, el cual se estrenará en 2026.

“Desde el inicio, Warner Records ha sido un verdadero aliado para mi”, así anunció la interprete su regreso con el sello discográfico.

Agregó que espera “con ilusión, un futuro haciendo música, haciendo lo inesperado, y provocando algunas conversaciones necesarias”, dijo.

También compartió una publicación en Instagram donde afirma volver con Warner se siente como “volver a casa”.

“De vuelta a la música, de vuelta a la pista de baile, ¡De vuelta al lugar donde todo comenzó!“, compartió con emoción.

Madonna recordó su pasado cuando era una artista buscando pagar las cuentas en la ciudad de Nueva York, cuando de pronto Warner le ofreció un contrato para grabar tres sencillos: “Lucky Star”, “Holiday” y “Borderline”.

La reina del pop dijo que en ese momento sintió que su mundo nunca volvería a ser el mismo, y ahora luego de más de 40 años de carrera, siente que “no puede ser más cierto”. Esto se debe a su regreso con la disquera con la que pasó más de 25 años de su carrera y ahora está por reinventarse dentro del mismo sello con el que firmo grandes éxitos.

Confessions of a Dance Floor Part2

El nuevo álbum es la continuación de Confessions on a Dance Floor del 2005. Para garantizar la progresión del sonido a 20 años del lanzamiento de la primera parte, vuelve el productor Stuart Price que se encargó en aquel entonces del concepto sonoro.

Madona ha estado trabajando con Price por más de dos décadas, anteriormente la cantante reconoció la contribución del productor, especialmente en sus presentaciones, por ejemplo la aclamada gira Celebration Tour.

La gira recibió cinco estrellas de NME además la revista describió el concierto de apertura en el O2 de Londres como: “Una serie de puestas en escena que hacen referencia a los momentos más emblemáticos del reinado de Madonna”

Cabe mencionar, que la diva del pop ya había adelantado que trabajaba junto a Price en la creación de nueva música, la noticia llegó por un video publicado en Instagram donde se ve al productor y a Madona, que baila mientras Price edita música.

En la publicación se lee: “Trabajar en nueva música con Stuart Price estos últimos meses ha sido un bálsamo para mi alma. Componer canciones y hacer música es el único ámbito en el que no necesito pedir permiso a nadie...”, continúa.

Warner celebra el regreso de la reina del pop

Los copresidentes de Warner Records, Tom Carson y Aaron Bay, dijeron que se sentían “honrados” de dar la bienvenida “de vuelta a casa” a Madonna.

“Este fichaje representa un momento histórico, un círculo que se cierra, que la devuelve a la discográfica donde todo comenzó y reafirma su influencia sin igual, preparando el escenario para una nueva y emocionante era de creatividad e impacto”, finalizaron.

Jennifer Lopez está lista para conquistar el cine musical con su próxima película Kiss of the Spider-Woman, pero esta no es la primera vez que soñó con una gran oportunidad en este género.

Durante una sesión de preguntas y respuestas posterior a una proyección especial del filme el pasado miércoles 10 de septiembre, la actriz y cantante de 56 años compartió una anécdota poco conocida: su audición fallida para Evita, el clásico musical de 1996 dirigido por Alan Parker.

“Fui a hacer una audición para Evita, para Alan Parker. Había estado practicando durante semanas, canté con todo mi corazón y me dijo: ‘Eres increíble. ¿Sabes que Madonna ya tiene el papel, verdad?”, recordó.

Entre risas, Jennifer Lopez añadió: “Le dije, ‘Ah, ok. Bye bye. Encantada de conocerte’”.

Madonna, ahora de 67 años, fue quien finalmente interpretó a Eva Perón en la cinta, un rol que le trajo elogios de la crítica y que le permitió brillar en la ceremonia de los Premios Oscar de 1997, donde Evita recibió cinco nominaciones y ganó el premio a Mejor Canción Original.

La anécdota no es nueva para los seguidores más fieles de Lopez, pues ya había hablado de su audición para Evita a comienzos de este año durante el Festival de Sundance, donde también confesó que había probado suerte en otros musicales cinematográficos como Chicago y Nine.

“Estuve muy cerca de Nine. Hubo muchas cosas que siempre esperé poder hacer, pero simplemente no era el momento. Pero esto —esto sí es lo correcto”, dijo.

Ahora, casi tres décadas después de haber perdido la oportunidad de interpretar a Evita, Jennifer Lopez protagoniza por primera vez un largometraje musical: Kiss of the Spider-Woman, una adaptación de la obra de Broadway de 1993.

En la película, la artista interpreta a Ingrid Luna, una glamurosa estrella ficticia del cine clásico de Hollywood que habita en la imaginación de dos prisioneros: un revolucionario marxista (Diego Luna) y un escapista diseñador de vitrinas (Tonatiuh), encarcelados en una prisión sudamericana.

La historia entrelaza elementos políticos, dramáticos y musicales, con una estética que recuerda a los grandes musicales del pasado. Lopez reveló que muchas de sus escenas fueron filmadas en una sola toma.

“Como se hacían antes los musicales auténticos. Es increíble cuando lo ves y dices: ‘Wow, todo eso fue una sola toma’. Luego ves el corte, pero es fascinante, ¿sabes? Uno no se da cuenta de eso cuando veía musicales de niña”, explicó a PEOPLE durante su paso por Sundance.

Y añadió: “Es un reto extra, pero también algo emocionante. Tienes que hacerlo bien. Y cuando lo logras, todo el mundo grita: ¡aah!”.

El filme marca un momento clave en la carrera de Jennifer Lopez, quien, a pesar de haber brillado en múltiples géneros —desde el drama hasta la comedia romántica—, nunca había protagonizado un musical en toda regla.

Kiss of the Spider-Woman llega a los cines el próximo 10 de octubre, y los fanáticos de la artista ya esperan con entusiasmo ver a J.Lo en una faceta que soñó desde los inicios de su carrera.

Julia Garner, actriz de Ozark y más recientemente en el filme Weapons, despejó las dudas sobre uno de los proyectos más esperados en Hollywood: el biopic oficial de Madonna.

En una entrevista con W Magazine, la actriz de 30 años confirmó que continúa vinculada al proyecto y que será la encargada de dar vida a la “Reina del Pop” en la gran pantalla.

“No puedo decir demasiado al respecto, pero sí, es un trabajo en proceso”, declaró, sin dar más detalles sobre los tiempos de rodaje o el estado actual de la producción.

La artista también compartió cuáles son sus canciones favoritas de la cantante de 67 años, dejando claro que es una admiradora de su legado.

“Me encantan tantas. Amo básicamente todo de Madonna. Creo que ‘Borderline’ es probablemente mi favorita. También amo ‘Papa Don’t Preach’. Amo ‘Burning Up’. Amo Confessions on a Dance Floor. Crecí con ese álbum. Obviamente ‘Vogue’ y ‘Ray of Light’”, señaló.

Por si fuera poco, Julia Garner explicó que siente una conexión especial con algunos temas. “Simplemente adoro la voz de Madonna en ‘Papa Don’t Preach’. Hay muchas emociones en esa canción y me encanta”, agregó.

El exigente proceso de audición

Esta no es la primera vez que la actriz habla sobre el proyecto, pues en el pódcast SmartLess recordó lo desafiante que fue su audición para conseguir encarnar a Madonna.

Según contó la artista, no era una bailarina entrenada, pero tuvo que demostrar frente a la propia cantante que podía moverse al ritmo y cantar en vivo junto a ella.

“Básicamente tenía que convencerla de que podía bailar y cantar. Ensayé pensando: ‘¿Qué haría Madonna?’ Y la respuesta fue: convencerte de que merece estar en esa sala. Así que me adueñé del momento y fue como: ‘Puedes aceptarlo o dejarlo, pero si me dejas ir, eso ya es tu decisión’”, relató.

Este nivel de entrega impresionó a la interprete de “Vogue”, quien desde el inicio se mostró decidida a elegir personalmente a la actriz que la interpretaría.

Para Julia, interpretar a la estrella del pop representa un reto mayor: no solo deberá reflejar la personalidad de una de las mujeres más influyentes en la música, sino también encarnar a un ícono cultural que ha marcado generaciones.

Sin embargo, la actriz parece dispuesta a asumir la presión con la misma confianza que mostró en su audición.

“Con Madonna no hay medias tintas. O lo das todo, o no estás en la conversación”, dijo en una charla anterior sobre lo que aprendió de la artista.

Un proyecto con pausas y reinicios

Cabe destacar que el camino hacia el biopic de Madonna ha sido largo y lleno de incertidumbre. En enero de 2023 trascendió que Universal Pictures había decidido cancelar la película.

La propia “Reina del pop” había asumido la dirección del proyecto, además de coescribir el guion junto a Diablo Cody y Erin Cressida Wilson.

Tras meses de silencio, en julio de 2024 la intérprete de “Like a Prayer” insinuó en redes sociales que había retomado la escritura del guion, reavivando la ilusión de los fans.

Julia Garner, mientras tanto, mantuvo la discreción sobre su participación hasta ahora, cuando vuelve a confirmar que sigue adelante como protagonista.

La noticia coincide con otro movimiento estratégico de la artista. A inicios de este año, Deadline informó en exclusiva que Madonna había cerrado un acuerdo con Netflix para desarrollar una serie sobre su vida en colaboración con Shawn Levy, productor de Stranger Things.

Esta producción televisiva no reemplaza al biopic, pero confirma que la cantante está decidida a contar su historia en múltiples formatos.

Mientras los detalles de la producción aún se mantienen bajo reserva, lo cierto es que la confirmación de Julia Garner devuelve esperanza a los seguidores de la cantante, que esperan ver finalmente materializada en cine la historia de este ícono musical.

Madonna acaba de cumplir 67 años, pero lejos de esconder su edad, la estrella del pop parece estar viviendo una segunda juventud. Parte de ese renacer —dicen fuentes cercanas— se debe a Akeem Morris, su novio 38 años menor, quien no solo la acompaña en sus vacaciones en Italia, sino que ha transformado su manera de verse a sí misma.

Pero más allá del glamour, Akeem ha influido en decisiones más íntimas de la estrella. El modelo 29 años ha influido en la decisión de la cantante de dejar las cirugías estéticas.

“Ella ha empezado a escucharlo a él, que le dice que es hermosa. Madonna normalmente no escucha a nadie, pero a él sí”, comentó un amigo de la cantante al diario Page Six.

En lugar de los tratamientos invasivos que hicieron que su rostro luciera “congelado” en los Grammy 2023, ahora opta por opciones menos agresivas.

“Está haciendo cosas como luces LED, faciales de oxígeno y drenajes linfáticos. Quiere que su rostro se vea como el suyo, más natural y con movimiento. Akeem ha sido clave en ese cambio”, explicó la fuente.

Y es que, después de una hospitalización en 2023 que la llevó a estar en coma inducido por una infección bacteriana, y tras la muerte de su hermano Christopher en diciembre pasado, Madonna ha buscado nuevas formas de sanación. Akeem ha sido una de ellas.

Morris, un exjugador de fútbol nigeriano convertido en modelo, fue visto por primera vez junto a Madonna en 2024, durante una sesión de fotos. Desde entonces, su relación ha sido discreta pero constante, y según quienes los conocen, profunda y sincera.

“Ella no busca un juguete ni está en una fantasía tipo ‘cougar’. Lo que necesita es compañía, alguien que esté con ella a medianoche cuando no puede dormir. Ese alguien es Akeem”, continuó la fuente.

Durante las celebraciones de su cumpleaños este 16 de agosto, Madonna se dejó ver junto a Akeem Morris, y cuatro de sus hijos en Italia. Estuvieron hospedados en una villa del siglo XVI propiedad de Sting, asistieron al famoso Palio de Siena y celebraron con un pastel en forma de Labubu, decorada con el icónico sostén cónico de Madonna y el mensaje “Happy birthday Madudu”.

“Él le da risa, ligereza, la escucha. Ella organiza viajes, fiestas y hasta graba videos tontos con él. Esa capacidad de hacerla reír es lo que más valora”, dijo su círculo íntimo.

Y añadió: “No se trata de un amor eterno. Ella misma lo dice: no necesita una gran historia de amor, necesita alguien que esté ahí. Y él lo está”.

Incluso mientras trabaja en su próximo álbum —una secuela del exitoso Confessions on a Dance Floor de 2005—, Akeem se mantiene a su lado. “Puede que no opine mucho sobre su música, pero la escucha hablar con entusiasmo, y eso es suficiente. A Madonna le encanta tenerlo cerca”.

El disco, tentativamente titulado Confessions 2, no tiene aún fecha de lanzamiento, pero según fuentes, representa un proceso de catarsis para la artista. “Ella dice que este álbum es medicina, que se trata de bailar a través del dolor”, explicaron.

Mientras tanto, también continúa desarrollando una serie limitada de Netflix basada en su vida, en la que espera que la actriz Julia Garner la interprete. Un proyecto en el que Madonna quiere tener control total y por ello se ha retrasado su estreno.

El documental disponible en la plataforma de streaming se centra en la etapa en la que, con 19 años, la artista dejó Michigan para buscar su lugar en la escena musical y convertirse en una figura de vanguardia.

De qué trata el documental de Madonna en Universal+

La propuesta de “Becoming Madonna” abarca el periodo comprendido entre 1978 y 1982, justo antes del lanzamiento de su primer álbum de estudio. El documental reconstruye el ambiente desafiante y conservador de la ciudad en aquellos años, mostrando cómo la joven artista enfrentó obstáculos y críticas mientras forjaba su identidad musical y personal.

A través de imágenes de archivo y testimonios, la producción retrata la lucha de Madonna por abrirse paso en una escena dominada por el escepticismo hacia las propuestas innovadoras.

Uno de los puntos destacados del documental es la inclusión de material inédito, como el proceso de grabación del sencillo “Everybody”, editado en octubre de 1982. Esta canción anticipó el potencial de la artista y marcó el inicio de una carrera caracterizada por la innovación y la capacidad de reinventarse.

Además, la película explora su faceta de bailarina, su formación académica en la Gran Manzana y su incursión en bandas como Breakfast Club y Emmy and the Emmys, donde participó como guitarrista y baterista. El relato también aborda su interés por la actuación y su posterior incursión como realizadora.

Cuál fue la influencia de Madonna en la cultura pop: esto cuenta el documental

La influencia de Madonna trasciende la música. El documental subraya su impacto en la moda y la cultura pop, desde los estilismos de la “era Vogue” hasta su reciente aparición en la Met Gala, donde lució un esmoquin blanco de Tom Ford. Su vigencia quedó patente el 4 de mayo de 2024, cuando ofreció un concierto gratuito en Copacabana, Brasil, ante 1,6 millones de personas, como parte de su gira “The Celebration Tour”.

A sus 65 años, la artista repasó sus grandes éxitos y demostró que su legado sigue vigente. Además, se anticipa el lanzamiento de un nuevo disco, producido por Stuart Prince, que dará continuidad al exitoso “Confessions on a Dance Floor”, editado hace dos décadas.

La realización de “Becoming Madonna” estuvo a cargo de Optomen, en colaboración con All3Media International y Sky Documentaries. El equipo de producción incluye a Poppy Dixon, directora de documentales de Sky, y a los productores ejecutivos Tom Barry, Bruce Fletcher y Gilberte Phanor por parte de Sky, junto a Eliana Capitani, Tina Flintoff y Nick Hornby por Optomen.

A lo largo de su carrera, Madonna desafió las normas establecidas y se mantuvo a la vanguardia, una actitud que el material inédito de este documental logra reflejar con contundencia.

Cuánto cuesta la suscripción a Universal+

Universal+ es un paquete de canales de televisión premium y un servicio de streaming que ofrece contenido de NBCUniversal. Su disponibilidad y costo varían considerablemente según el país, ya que no se vende como una suscripción independiente, sino que suele ser un complemento de otros servicios de televisión de pago o telecomunicaciones.

• Colombia

En Colombia, Universal+ se adquiere principalmente a través de operadores de cable y telecomunicaciones. Un ejemplo es Claro, que ofrece el paquete Universal+ a un costo mensual adicional a los planes de televisión. El precio aproximado es de $24.900 pesos colombianos por mes.

• México

En México, al igual que en otros países, la suscripción a Universal+ se gestiona mediante distintos proveedores de televisión por cable. No hay un precio único, ya que cada operador (como Totalplay, Izzi, Sky, etc.) lo incluye como un paquete adicional a sus planes. El costo dependerá del paquete que se elija con el proveedor, pero el costo mensual ronda los $159 pesos mexicanos.

• Perú

En Perú, Universal+ también se ofrece como un paquete de canales premium. Por ejemplo, con Claro, el servicio puede tener un costo de alrededor de S/30 soles peruanos mensuales.

• Argentina

En Argentina, una de las principales formas de acceder a Universal+ es a través de servicios como Flow. El costo del paquete adicional de Universal+ es de aproximadamente $7.790 pesos argentinos mensuales. Es común que los operadores ofrezcan promociones especiales para nuevos suscriptores, como meses bonificados o descuentos por tiempo limitado.

• España

A diferencia de los países de Latinoamérica, la situación de Universal+ en España es diferente. El servicio no se comercializa como una suscripción separada. En su lugar, el contenido de Universal+ se integra y está disponible de forma automática para los clientes de Movistar+ que tengan contratado un paquete que incluya las series y películas del servicio.

Por lo tanto, no hay un costo de suscripción adicional y la disponibilidad está vinculada directamente al plan de televisión de Movistar.

Madonna cumplió 67 años y lo hizo a su manera con un viaje cargado de simbolismo, lujo y cercanía familiar. La “Reina del Pop” eligió como destino Siena, en Italia, para cumplir un sueño que había tenido durante años: presenciar en vivo el Palio, la histórica carrera de caballos que se celebra cada 16 de agosto desde 1482.

Acompañada por su novio, el exfutbolista Akeem Morris, de 28 años, así como por sus hijas Lourdes y Mercy la intérprete de “Holiday” compartió con sus seguidores detalles de la experiencia a través de un reel en Instagram publicado el lunes 18 de agosto.

“No hay palabras para describir la emoción, la tensión y la pompa. ¡Un ritual verdaderamente sagrado, al presenciar a miles de personas guardar silencio antes de que inicie la carrera! La competencia misma es imposible de describir. Grazie mille! ¡Los sueños se hacen realidad!”, escribió.

Cabe destacar que el viaje no solo fue la oportunidad de cumplir un deseo personal, sino también de celebrar en grande su cumpleaños.

El reel compartido por la artista mostraba momentos junto a locales en animados bailes, imágenes de la familia recorriendo el campo toscano y un espectáculo de fuegos artificiales que iluminó la celebración.

En otros fragmentos se veía a Mercy tocando el piano y al grupo explorando tiendas de antigüedades, en una mezcla de turismo y vida íntima.

Uno de los instantes más comentados fue la llegada de un pastel gigante de color rosa inspirado en Labubu, el popular personaje de colección asiático. Sobre él se leía “Happy Birthday Madudu”, y Madonna, vestida con un corsé satinado blanco, sopló las velas rodeada de sus seres queridos.

El cumpleaños de la estrella no pasó desapercibido entre sus colegas. En los comentarios de la publicación destacaron figuras como el presentador Andy Cohen, quien escribió “Happy birthday Queen”.

Asimismo, Katy Perry, que dejó un efusivo “MY QUEEN”. También sorprendió la felicitación del ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, con un simple “Happy happy birthday”.

Un año de homenajes familiares

Este celebración llegó pocos meses después de otro festejo significativo en la vida de la cantante. En junio, Madonna rindió tributo a su padre, Silvio Ciccone, al celebrar sus 94 años con una emotiva publicación en redes sociales.

“Ha sobrevivido a muchas guerras y pérdidas, y aún conserva su sentido del humor y sus ganas de levantarse cada día”, escribió entonces la artista, recordando también su espíritu incansable.

“Cuando le preguntan cuándo se retirará, siempre responde lo mismo: ‘Seguiré hasta que las ruedas se caigan’. Lo mismo digo yo”, añadió la cantante, reflejando el vínculo con su progenitor, dueño del Ciccone Vineyard and Winery en Michigan.

Madonna hizo una petición al Papa León XIV para ayudar a los niños de Gaza

En un mensaje publicado en redes sociales el lunes 11 de agosto, “La reina del pop” subrayó que el pontífice es la única persona a quien no se le puede negar la entrada al territorio que vive lo que la Organización Mundial de la Salud (OMS) ha descrito como una “hambruna masiva provocada por el hombre”.

En su carta al pontífice, la interprete de “Vogue” escribió: “Santísimo Padre, por favor vaya a Gaza y lleve su luz a los niños antes de que sea demasiado tarde. Como madre, no puedo soportar ver su sufrimiento. Los niños del mundo pertenecen a todos. Usted es el único de nosotros que no puede ser rechazado en la entrada”.

Y añadió: “Necesitamos que las puertas humanitarias estén completamente abiertas para salvar a estos niños inocentes. No hay más tiempo. Por favor, diga que irá. Con amor, Madonna.”

Por si fuera poco, la cantante, criada en el seno del catolicismo romano, explicó que su súplica estaba motivada por el cumpleaños de su hijo Rocco.

“Siento que el mejor regalo que puedo darle como madre es pedir a todos que hagan lo que puedan para salvar a los niños inocentes atrapados en el fuego cruzado en Gaza”, escribió.

Madonna insistió en que su petición no busca señalar culpables ni tomar partido. “Todos están sufriendo. Solo trato de hacer lo que puedo para evitar que estos niños mueran de hambre”, señaló.

Las cifras divulgadas recientemente por UNICEF pintan un panorama devastador: “Más de 18.000 niños han sido asesinados en Gaza en los últimos 22 meses”, tuiteó la agencia de Naciones Unidas la semana pasada. “En Gaza, un promedio de 28 niños al día —el tamaño de un salón de clases— han sido asesinados”.

Según la información difundida por Universal+, Becoming Madonna se distingue por el acceso a material inédito que documenta los primeros pasos de la cantante nacida en Michigan, quien a los 19 años se trasladó a Nueva York con el objetivo de convertirse en una estrella de vanguardia. El documental reconstruye el ambiente disruptivo de la ciudad a finales de los años 70, mostrando cómo Madonna enfrentó el escepticismo del establishment conservador y desafió las convenciones de la industria musical.

El film de Ogden no solo se detiene en su faceta de cantante, sino que también aborda su formación como bailarina y su incursión en distintos géneros musicales, desde el rock hasta el punk, lo que la llevó a integrar bandas como Breakfast Club y Emmy and the Emmys, además de explorar su interés por la actuación y la dirección.

Uno de los momentos clave del documental es la reconstrucción del proceso de grabación de “Everybody”, el sencillo editado en octubre de 1982 que anticipó el potencial de Madonna para redefinir el pop. El trabajo audiovisual también destaca el carácter innovador de la artista, que acompañó sus canciones con coreografías provocadoras y una estética que desafiaba las normas de género, lo que le valió tanto admiradores como detractores. En palabras citadas por The Guardian, “este documental triunfa en mostrar cuán decidida estaba Madonna en llegar a la cima”, una afirmación que resume el enfoque de Ogden al retratar la determinación y la visión de la artista en sus años formativos.

Becoming Madonna, producido por Optomen en asociación con All3Media International y Sky Documentaries, bajo la supervisión de Poppy Dixon y un equipo de productores ejecutivos de Sky y Optomen, se presenta como un documento imprescindible para comprender la influencia de Madonna en la cultura contemporánea. El film no solo revisa sus logros y controversias, sino que también ofrece una mirada sobre la pasión de la cantante por la experimentación artística y su capacidad para reinventarse a lo largo de las décadas.

Madonna es una cantante, compositora y actriz estadounidense considerada una de las figuras más influyentes de la música pop. Inició su carrera en los años ochenta en Nueva York y alcanzó fama internacional con éxitos como “Like a Virgin” y “Material Girl”. Su estilo provocador y su capacidad para reinventarse la mantuvieron vigente a lo largo de las décadas. Además de su impacto musical, fue pionera en temas de sexualidad y derechos de las mujeres. En la actualidad, continúa produciendo música, realizando giras y participando en proyectos artísticos y sociales.

El fenómeno Madonna se mantiene vigente en la actualidad, como lo demuestran tanto su reciente show multitudinario en Brasil como la expectativa generada por el anuncio de un nuevo disco, que según Universal+ será producido por Stuart Prince y funcionará como una secuela de Confessions on a Dance Floor, el álbum que hace 20 años le valió el Grammy® a Mejor Disco Dance/Electrónico. Además, su aparición en la Met Gala con un esmoquin blanco de Tom Ford reafirmó su estatus como referente de la moda y la transgresión estética.

El estreno de Becoming Madonna está programado para el 23 de agosto en exclusiva por Universal+, y promete ofrecer a los espectadores una visión inédita de los años decisivos en los que Madonna forjó su identidad artística y sentó las bases de una carrera que sigue marcando el pulso del pop mundial.

Madonna hizo un llamado urgente al Papa León XIV para que viaje a la Franja de Gaza y lleve “su luz a los niños antes de que sea demasiado tarde”.

En un mensaje publicado en redes sociales el lunes 11 de agosto, “La reina del pop” subrayó que el pontífice es la única persona a quien no se le puede negar la entrada al territorio, que vive lo que la Organización Mundial de la Salud (OMS) ha descrito como una “hambruna masiva provocada por el hombre”.

En su carta al pontífice, la interprete de “Vogue” escribió: “Santísimo Padre, por favor vaya a Gaza y lleve su luz a los niños antes de que sea demasiado tarde. Como madre, no puedo soportar ver su sufrimiento. Los niños del mundo pertenecen a todos. Usted es el único de nosotros que no puede ser rechazado en la entrada”.

Y añadió: “Necesitamos que las puertas humanitarias estén completamente abiertas para salvar a estos niños inocentes. No hay más tiempo. Por favor, diga que irá. Con amor, Madonna.”

Por si fuera poco, la cantante, criada en el seno del catolicismo romano, explicó que su súplica estaba motivada por el cumpleaños de su hijo Rocco.

“Siento que el mejor regalo que puedo darle como madre es pedir a todos que hagan lo que puedan para salvar a los niños inocentes atrapados en el fuego cruzado en Gaza”, escribió.

Madonna insistió en que su petición no busca señalar culpables ni tomar partido. “Todos están sufriendo. Solo trato de hacer lo que puedo para evitar que estos niños mueran de hambre”, señaló.

Las cifras divulgadas recientemente por UNICEF pintan un panorama devastador: “Más de 18.000 niños han sido asesinados en Gaza en los últimos 22 meses”, tuiteó la agencia de Naciones Unidas la semana pasada. “En Gaza, un promedio de 28 niños al día —el tamaño de un salón de clases— han sido asesinados”.

De hecho, la intervención de Madonna fue celebrada por el director general de la OMS, Tedros Adhanom Ghebreyesus, quien respondió a su mensaje en X (antes Twitter).

“Gracias, Madonna, por tu compasión, solidaridad y compromiso con el cuidado de todos los atrapados en la crisis de Gaza, especialmente los niños. Esto es muy necesario. La humanidad y la paz deben prevalecer”, escribió.

Desde que asumió el papado en mayo, el Papa León XIV ha pedido reiteradamente un alto el fuego en Gaza, el regreso de los rehenes y el respeto al derecho humanitario.

En julio, expresó su preocupación por “la grave situación humanitaria en Gaza, donde la población civil sufre hambre severa y sigue expuesta a la violencia y la muerte”.

En esa ocasión, renovó su “sentido llamado a un alto el fuego, la liberación de los rehenes y el pleno respeto de la ley humanitaria”.

Madonna se suma así a otras voces del mundo de la música que han alzado la voz en favor de los palestinos. El domingo, los cuatro integrantes de la banda irlandesa U2 emitieron comunicados individuales sobre la crisis humanitaria en Gaza y la urgencia de tomar medidas.

Una de las hipótesis más difundidas fue que la letra de la canción rendía homenaje a San Pedro, localidad ubicada en Ambergris Caye, Belice, en América Central. Esta idea fue reforzada en parte por la promoción turística local, que quiso capitalizar el éxito internacional de la canción. El resort Victoria House, ubicado en San Pedro, expone en su página web este vínculo con Madonna: “San Pedro, en Ambergris Caye, fue apodado ‘La isla bonita’ desde el lanzamiento del hit de Madonna en los 80. Ya sea que la canción hable o no de la isla, definitivamente tienen cierto parecido”, sostiene el sitio.

Sin embargo, la propia artista desestimó esa teoría poco después del lanzamiento del tema. En una conversación con la revista Rolling Stone, la cantante declaró: “No sé dónde está San Pedro”. Aclaró también: “En esa época yo no era una persona que fuera de vacaciones a islas hermosas. Pude haber estado camino al estudio y haber visto una rampa de salida para San Pedro.” Estas declaraciones pusieron en duda cualquier referencia directa a una ubicación geográfica específica y sumaron un halo de ambigüedad sobre el verdadero significado de la canción.

Más allá de las especulaciones turísticas y de la cultura pop, la artista dio su propia interpretación del tema. Explicó en una entrevista concedida al periódico The New York Times en 1986 que concebía la canción como un “tributo a la belleza y el misterio de los latinoamericanos”. Esa intención puede apreciarse en la melodía y la atmósfera general del tema, que difiere notablemente del resto de su repertorio hasta ese momento, apostando a un innovador sonido latino-pop y combinando elementos rítmicos hispanoamericanos.

La génesis de La Isla Bonita se encuentra en la creatividad del compositor Patrick Leonard, quien originalmente concibió la pieza para Michael Jackson. Según destacó la revista Rolling Stone, el Rey del Pop prefirió dejarla pasar, lo que le abrió el camino a Madonna. La cantante aceptó el material y trabajó codo a codo con Leonard y el guitarrista Bruce Gaitsch en la reescritura de la letra y algunos pasajes melódicos. El resultado fue incluido en el álbum True Blue, editado en 1986 y considerado uno de los discos más celebrados de la artista.

El video refuerza la estética y el tributo mencionado por Madonna, aunque mantiene el misterio sobre una ubicación real. En el clip, la cantante interpreta dos personajes contrastantes: por un lado, una joven que reza ante un altar con un rosario; por el otro, una bailarina de flamenco que destaca por sus movimientos y vestuario típicamente españoles. La puesta en escena incluye, además, personas de rasgos latinos bailando y músicos tocando guitarra y congas, brindando al video un marcado carácter latinoamericano. El entorno visual es genérico y no revela datos concretos sobre la calle o ciudad donde se desarrolla la acción.

La canción no solo se transformó en un himno para los seguidores de Madonna, sino que también potenció la imagen internacional de destinos turísticos que se identificaron con “La Isla Bonita”, aunque fuese solo desde la imaginación colectiva. A pesar de todas las teorías y de los guiños en sus presentaciones en vivo, la artista optó por mantener el enigma sobre el verdadero significado geográfico de la icónica isla, invitando a sus oyentes a proyectar sus propios sueños y recuerdos sobre esa tierra desconocida que evoca la canción.

Julia Garner no ha renunciado a su sueño de interpretar a Madonna. A pesar de los retrasos y los cambios de planes, la actriz de Inventing Anna y actual estrella de The Fantastic Four: First Steps aseguró que el proyecto biográfico sobre la reina del pop “todavía se supone que va a suceder”.

Durante su participación en el pódcast SmartLess, conducido por Sean Hayes, Will Arnett y Jason Bateman, la artista habló con franqueza sobre su conexión con el largamente gestado biopic y sobre cómo consiguió formar parte del ambicioso proyecto.

“Simplemente surgió... sabía que estaban haciendo un proyecto, una película sobre ella, y entonces fui a audicionar. Simplemente quería ver si podía lograrlo”, relató.

La actriz de 31 años, que no cuenta con formación previa en danza, tuvo que aprender a bailar especialmente para la audición. Y no solo eso: tuvo que hacerlo frente a la mismísima Madonna.

Para prepararse, Julia Garner se preguntó a sí misma: "¿Qué haría Madonna?“. Su respuesta fue tan contundente como inspiradora: “Lo que haría es convencerte de que merece estar en esta sala”, dijo.

Y añadió: “Y me adueñé de ese momento. Fue como: ‘Puedes aceptarlo o dejarlo, pero si lo dejas, si yo me voy, entonces es tu pérdida’”.

Cabe destacar que Garner ha estado vinculada al proyecto desde al menos 2022, cuando venía de protagonizar la exitosa miniserie de Netflix Inventing Anna.

Ese mismo año, una fuente confirmó a la revista People que Madonna la había elegido como su favorita para interpretarla en la cinta que ella misma estaba dirigiendo.

En enero de 2023, Variety dio a conocer que Universal Pictures ya no seguiría desarrollando la película. Aun así, ni Garner ni Madonna abandonaron del todo el proyecto.

En mayo de ese año, ambas posaron juntas en la fiesta de cumpleaños del fotógrafo Steven Klein, y en diciembre Garner subió al escenario durante una parada del Celebration Tour de la cantante en Brooklyn.

Lejos de rendirse, Madonna retomó la escritura del guion en 2024 y reveló un título provisional: Who’s That Girl, en homenaje a su película y canción de 1987.

En mayo de 2025, Deadline informó que la artista se había asociado con Shawn Levy, director de Deadpool & Wolverine, para convertir la historia en una miniserie limitada para Netflix.

Por si fuera poco, Madonna ha mostrado interés en formatos más experimentales, y una miniserie podría ofrecer la libertad creativa que no encontró en el formato cinematográfico tradicional.

Durante la entrevista, Julia Garner también reflexionó sobre los tiempos de producción de proyectos ambiciosos como este: “He aprendido que todo lo bueno tarda en hornearse”, dijo.

Mientras tanto, la actriz continúa expandiendo su repertorio. Actualmente se la puede ver en cines como la Surfista Plateada en The Fantastic Four: First Steps, una nueva entrega del universo Marvel. Su próximo proyecto, Weapons, llegará a las salas el 8 de agosto.