Algunas de las más emblemáticas criaturas, memorabilia y piezas de utilería de la fantástica colección del creador de los Muppets, Jim Henson, irán a subasta por primera vez la próxima semana en Estados Unidos.

Entre las piezas en subasta están un par de zapatos que la Cerdita Peggy usó en una película, marionetas de la serie Los Fraguel (1983-1987) y personajes de la serie de Netflix El cristal encantado: la era de la resistencia (2019), e incluye el propio cristal de la verdad.

La muestra comprende más de 400 objetos que los fanáticos podrán comprar el 25 de noviembre en persona o a través del portal de Julien’s Auctions, a cargo de la subasta.

“Esta es la primera vez que podrán comprar una pieza de memorabilia de Jim Henson Company autorizada y auténtica”, dijo Roy Parker, especialista de cultura pop de la famosa casa de subastas.

Henson, fallecido en 1990, revolucionó el mundo de los títeres al volver más manejables las rígidas figuras con la ayuda de su propio taller en Nueva York, y después con su Fábrica de Criaturas.

El artista creó personajes que están hoy enraizados en la cultura pop, como la Rana René, así como universos enteros que cobraron vida en cintas como Laberinto (1986) o El cristal oscuro (1982).

Sus personajes, dijo Parker, “generan mucha nostalgia porque les recuerdan a todos su infancia, de cuando vieron por primera vez a la Rana René en la pantalla”.

La subasta, que se realizará en Los Ángeles, conmemora el 70º aniversario de la Jim Henson Company, y espera recaudar decenas de miles de dólares.

Fuente: AFP.

Fotos: AP Photo/Burnett, File y Kaitlin Newman/ The Baltimore Banner vía AP, Archivo.

Ya transformado en Freddie Mercury y luego de convertirse en miembro de Queen, le comentó al guitarrista Brian May sobre esa canción que le fascinaba y desconcertaba en igual medida, describiéndola como un “rompecabezas cuyas piezas no encajaban del todo”, según relató May en una entrevista del año 2008.

Al lograr el reconocimiento con el disco Sheer Heart Attack (Certero ataque al corazón), Mercury tuvo la libertad suficiente para perseguir ese viejo proyecto. Su título provisional cambió primero a Real Life (Vida real) . Una tarde, llegó a la sala de ensayos con un manojo de pequeños papeles —hojas para mensajes telefónicos tomadas del trabajo de su padre— y los pegó sobre el piano. Sentado, golpeó las teclas con una energía inusual. “Tocaba el piano como la mayoría de la gente toca la batería”, detalló Brian May. Allí presentó a la banda la idea general: cortes abruptos, armonías ideadas en su cabeza y la intención de entrelazar fragmentos muy diferentes en un solo tema.

Ese desafío creativo culminó en la gestación de Rapsodia bohemia, una canción de estructura singular y una duración de 5:55 minutos que se apartó de cualquier estándar de la época.

El lanzamiento de Rapsodia Bohemia fue el 31 de octubre de 1975, hace exactamente medio siglo. Se presentó como el lado A de un disco simple. El lado B de ese simple era I’m in Love with My Car (Estoy enamorado de mi auto), la canción, escrita e interpretada por el baterista Roger Taylor. Fue un adelanto del álbum llamado A Night at the Opera (Una noche en la Ópera) y el simple se transformó marcó el primer número uno del grupo en Estados Unidos y estuvo nueve semanas consecutivas en la cima del ranking británico.

En palabras de Brian May, “Freddie era una persona muy compleja: se mostraba frívolo y divertido en la superficie, pero ocultaba inseguridades y problemas. Nunca nos explicó la letra de Rapsodia Bohemia, pero creo que puso mucho de sí en esa canción”, declaró en un reportaje.

Mercury aportó no solo su voz, sino también su visión como productor musical. La canción fusionó balada, rock, glam, elementos del metal y pasajes de ópera, concluyendo con el sonido de un gong.

Muy pocos antecedentes se encontraban en la historia del rock en términos de audacia conceptual y técnica. Si bien existían temas como Good Vibrations de The Beach Boys —o A Day in the Life de The Beatles— nada igualaba la ambición de lo que Queen pretendía lograr cuando, en 1975, se encerró en los Rockfield Studios en Gales. Previamente, los exigentes ensayos ocurrieron en Ridge Farm, Surrey, a mediados de ese año.

El grupo enfrentó las limitaciones tecnológicas del momento. En 1975 la grabación analógica sólo permitía una cantidad reducida de pistas. Para fusionar tantas armonizaciones y capas instrumentales, la banda debió ingeniárselas apelando al método de reducción de pistas: mezclaban varias en una sola cinta, recortaban segmentos y los unían físicamente con adhesivo. El resultado final compactó 180 pistas originales en dos cintas de 24 canales.

Los desgastes por el uso excesivo de las cintas llegaron a tal punto que, al verlas a contra la luz, “la música casi se había esfumado”, recordó May. La parte operística, célebre por sus arreglos corales y agudos, demandó 70 horas de grabación. Los registros vocales en total les llevaron jornadas de entre 10 y 12 horas diarias por tres semanas.

El productor Roy Thomas Baker recordó qué pensó cuando Queen finalizó la tarea: “Me quedé al fondo del cuarto de control y sin más supe que estaba escuchando por primera vez algo que sería una gran página en la historia”.

Respecto al contenido y significado de la canción, el misterio en torno a la lírica de Rapsodia bohemia persiste. Mercury nunca explicó abiertamente su contenido. Se tejieron varias hipótesis: algunas voces consideran que la frase inicial, “Mamma, just killed a man” (“Mamá, maté a un hombre”), refiere a la novela El extranjero de Albert Camus, en la que el protagonista asesina a una persona. Otras teorías interpretan que la canción refleja la transformación personal del propio Mercury. Roger Taylor, baterista de Queen comentó que el verdadero significado de la pieza es: “claramente de autoexposición, con sólo unas pequeñas partes sin sentido, en el medio”. También fueron halladas alusiones religiosas en términos como “Bismillah” y “Belcebú”, pero el propio Mercury la reducía a “tonterías al azar con rima”.

En una entrevista May expresó: “No creo que alguna vez sepamos de qué se trata Rapsodia bohemia, y si yo lo supiera probablemente no querría decirlo, porque ciertamente no le cuento a la gente de qué van mis canciones. Siento que eso las destroza, de algún modo”.

Lejos de la fascinación artística, la discográfica EMI se opuso tajantemente al lanzamiento de un simple de casi seis minutos. La costumbre dictaba que los singles para promoción radiofónica no excedieran los tres minutos y medio. Los ejecutivos argumentaban que el público y los programadores de radio no aceptarían semejante extensión. Ellos insistieron: “Pensamos ‘bueno, podríamos cortarlo, pero no tendría sentido. Se perderían todos los diferentes ánimos de la canción. Así que dijimos que no’”, afirmó Taylor. El grupo sí grabó una versión abreviada de 3:18 minutos para su comercialización en Francia, pero la historia recuerda únicamente el track original íntegro de 5:55 minutos.

Con la resistencia del mercado, la entrada del tema a la radio fue forzada. El DJ Kenny Everett, amigo de Mercury, la emitió en la emisora Capital y afirmó socarronamente que “podría durar una hora. Va a ser un número uno durante siglos”. En el fin de semana de lanzamiento, la emitió catorce veces. El furor llevó a que todas las radios británicas la incorporasen enseguida a su rotación. El éxito fue inmediato, rotundo y aún perdura.

A escala técnica, la grabación de la canción devoró recursos sin precedentes para la banda. Una noche en la Ópera se convirtió en el álbum más costoso de la historia del rock hasta ese momento, una inversión desmesurada que contrastaba con el coste del video promocional. El clip dirigido por Bruce Gowers tuvo un costo de 3.500 libras y se rodó en tan solo tres horas. Tras el rodaje, músicos y técnicos se dirigieron a un pub local a celebrar lo que estaba por venir. Es, sin dudas, uno de los videos más recordados de la historia.

Luego de la muerte de Freddie Mercury, sucedida el 24 de noviembre de 1991, el single fue reeditado —compartiendo lado B con These Are The Days of Our Lives (Los días de nuestras vidas) — y retornó al primer puesto en los charts. La película Wayne’s World (1992) revivió el éxito, y el sencillo escaló hasta el número dos.

En 2002, una encuesta internacional realizada por Guinness la nombró la canción favorita de todos los tiempos en el Reino Unido, por encima de Imagine de John Lennon y Hey, Jude de The Beatles. Más aún, la revista Rolling Stone eligió la interpretación de Mercury como “la mejor de la historia”. En los años siguientes, fue versionada por artistas y agrupaciones tan diversas como Elton John con Axl Rose, Panic! at the Disco, The Braids, Molotov, The Flaming Lips, Pink, Kanye West, e incluso Los Muppets.

El propio Mercury llegó a describir el tema como “una experimentación con el sonido”, reconociendo que su mayor reto fue plasmar en la grabación los arreglos y sonoridades que imaginaba.

La película llamada Rapsodia bohemia que cuenta la vida de Mercury, dirigida por Bryan Singer, con Rami Malek como protagonista, lanzada en 2018, superó los 900 millones de dólares de recaudación mundial y Malek obtuvo el Oscar a mejor actor. Ese éxito volvió a despertar la curiosidad por la canción, que tuvo más de 1.600 millones de reproducciones en distintas plataformas digitales. Un éxito analógico del siglo XX fue un suceso digital en el siglo XXI. Y todo comenzó hace cincuenta años.

• La música de John Williams
• Jim Henson: El hombre y las ideas
• Los hermanos Menéndez
• María Soledad: El fin del silencio
• Beatles ‘64
• Soy Céline Dion
• Ángel Di María: Romper la pared
• Einstein y la bomba
• Juicio al Diablo
• Super/Man: la historia de Christopher Reeve

A medida que el 2024 llega a su fin, es el momento ideal para hacer un repaso de los documentales que han dejado huella en el año. Desde Malditos Nerds, en esta ocasión nos adentramos en los más destacados, explorando temas que van desde la música con John Williams hasta la conmovedora historia de Céline Dion. También nos acercamos a la vida de figuras como Ángel Di María y el legado de Jim Henson, mientras que otros documentales se centran en sucesos históricos y criminales, como el caso de los hermanos Menéndez y el Juicio del Diablo. Con títulos como Einstein y la bomba y Super/Man: la historia de Christopher Reeve, este recorrido a través de los mejores audiovisuales del año revela historias fascinantes y conmovedoras que no podés dejar de ver.

La música de John Williams - Dir. Laurent Bouzereau

Comenzamos este repaso con La música de John Williams (Music by John Williams), un vistazo al genio detrás de las melodías que han marcado generaciones enteras de cinéfilos. Este proyecto, dirigido por Laurent Bouzereau (Faye: Entre luces y sombra), es mucho más que un recorrido cronológico; es un viaje emocional que captura el alma de un artista cuyo legado ha definido el lenguaje musical del cine moderno. Desde sus primeros pasos en el universo del jazz hasta convertirse en el compositor que dio vida a epopeyas como Harry Potter, Mi pobre angelito (Home Alone), Star Wars y La lista de Schindler (Schindler’s List - 1993), el documental nos invita a adentrarnos en el proceso que hizo que su música trascendiera más allá de la pantalla grande.

Este proyecto profundiza en su proceso creativo, en ese delicado equilibrio entre la técnica y la emoción que ha hecho de sus composiciones algo universalmente reconocible. En una industria donde a menudo la imagen se lleva toda la atención, es fascinante cómo este largometraje nos demuestra que la música no solo acompaña, sino que las eleva, otorgándoles una profundidad y trascendencia que perduran en la memoria de los espectadores.

A lo largo de casi dos horas, La música de John Williams ofrece entrevistas con amigos cercanos y colaboradores del artista, como Seth MacFarlane (Ted), Ron Howard (El Grinch), George Lucas (Star Wars), Yo-Yo Ma, Ke Huy Quan (Todo en todas partes al mismo tiempo) y Kathleen Kennedy (Las aventuras de Tintín). Sin embargo, pone un enfoque especial en su relación con Steven Spielberg, una de las más duraderas y exitosas en la historia del cine. Juntos, han creado algunos de los momentos más icónicos del séptimo arte, siendo responsables de películas como E.T., Jurassic Park, Tiburón (Tiburón, 1975) y Los Fabelman (The Fabelmans, 2022).

Jim Henson: El hombre y las ideas - Dir. Ron Howard

Las ideas y su insaciable deseo de crear son algunas de las propuestas que explora Jim Henson: El hombre y las ideas, un documental que se adentra en la mente de uno de los mayores innovadores del entretenimiento infantil y juvenil. Este proyecto nos invita a conocer la vida de Jim Henson, responsable de Los Muppets (The Muppets), Plaza Sésamo (Sesame Street) y la creación de personajes emblemáticos como Miss Piggy, la rana Kermit y Fozzie Bear. Aunque estos personajes son ampliamente reconocidos, poco se sabe acerca de la historia de su creador. A lo largo de este audiovisual, disponible en Disney+, se narra la historia de Henson, un artista inquieto y apasionado por la televisión, que dedicó su vida entera a innovar en este campo.

Ron Howard (Una mente brillante, El Grinch) se encargó de la dirección de este proyecto, rindiendo homenaje a Henson no solo a través de su contenido, sino también de la manera en que eligió contar su historia. Conocido por su ética de trabajo y su actitud alegre, el titiritero inspira un enfoque visual vibrante. El documental destaca por su paleta de colores vivos, animaciones en stop-motion (animación cuadro a cuadro) y la integración de pantallas interactivas, alejándose de la solemnidad que suele asociarse a este tipo de producciones.

Finalmente, la cinta no solo detalla su influencia en el mundo del entretenimiento, sino también en la vida de sus familiares y amigos, quienes participan a lo largo del proyecto. Figuras como Rita Moreno (Amor sin barreras), Jennifer Connelly (Top Gun: Maverick), Fran Brill (Muppet Guys Talking) y Frank Oz (El show de los Muppets), entre otros, comparten su experiencia con el artista y cómo les dejó una huella importante en sus vidas.

Los hermanos Menéndez - Dir. Alejandro Hartmann

El true crime, un género que explora historias de crímenes reales, ha sido especialmente popular este año, y uno de los casos que más atención ha recibido es el de los hermanos Menéndez. A lo largo de la historia del cine y la televisión, se han llevado a la pantalla numerosas historias trágicas sobre asesinos y criminales. En este contexto, además de la serie Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez (Monsters: The Lyle and Erik Menendez), creada por Ryan Murphy (American Horror Story, Glee, Scream Queens), Netflix lanzó el documental Los hermanos Menéndez, que se enfoca en el caso desde una perspectiva más profunda y real.

Dirigido por el realizador argentino Alejandro Hartmann, conocido por sus trabajos en El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas (2022) y Carmel: ¿Quién mató a María Marta? (2020), este audiovisual ofrece entrevistas inéditas con los propios hermanos Menéndez, quienes por primera vez en casi 30 años revelan su versión de los hechos y las razones detrás del asesinato de sus padres en 1989, un crimen que les costó una condena perpetua. A través de un exhaustivo trabajo de archivo, que incluye recortes de periódicos, entrevistas y extractos de programas de televisión, el documental ofrece una nueva perspectiva sobre este caso tan mediático.

María Soledad: El fin del silencio - Dir. Lorena Muñoz

María Soledad: El fin del silencio es un proyecto que aborda el trágico asesinato de María Soledad Morales, una estudiante de 17 años de Argentina en 1990. Dirigido por Lorena Muñoz, quien ha trabajado anteriormente en La hija de Dios: Dalma Maradona, El Potro, lo mejor del amor y Gilda, no me arrepiento de este amor, este proyecto revela los detalles de un caso que conmovió a toda la nación. A través de entrevistas con los seres queridos de María Soledad, el documental presenta la conmovedora lucha por justicia y cómo este crimen dejó una profunda huella en la sociedad argentina.

Las amigas de la adolescente se reunieron para rendir homenaje a su memoria y recordar la lucha que perdura en la historia del país. Además, se destaca el papel de la religiosa Martha Pelloni, quien, junto a otras personas, organizó las recordadas ‘Marchas del Silencio’. Mediante material de archivo y testimonios actuales, María Soledad: El fin del silencio conecta este caso con la lucha contra la violencia de género y la impunidad, mostrando cómo el dolor por la pérdida de María Soledad se transformó en una potente voz de resistencia.

Beatles ‘64 - Dir. David Tedeschi

Beatles ‘64 nos transporta al fascinante mundo de la música con uno de los documentales más esperados de este año, centrado en la histórica llegada de la banda a Estados Unidos. A menudo, se piensa que las historias sobre The Beatles ya han sido contadas por completo, pero este audiovisual llega para demostrar lo contrario. Disponible en Disney+, la cinta nos muestra a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr en pleno apogeo de la Beatlemania, capturando su impacto en la cultura popular. Sin embargo, uno de los aspectos más interesantes es que el enfoque también recae sobre los fanáticos y las fanáticas, desde las jóvenes que se encontraban en el hotel Plaza durante su visita, hasta artistas como Danny Bennett, David Lynch (Mulholland Drive, Twin Peaks), el fotógrafo Harry Benson y la cantante Ronnie Spector, quienes fueron influenciados por la banda.

La dirección de Beatles ‘64 estuvo a cargo de David Tedeschi, conocido por su trabajo en Vinyl y George Harrison: Living in the Material World. La producción estuvo bajo la supervisión del renombrado cineasta Martin Scorsese (Taxi Driver), quien ya había explorado el universo de los Beatles en el documental George Harrison: Living in the Material World (2011). Juntos, logran capturar la esencia de la banda en un momento crucial de su carrera, revelando facetas inéditas que permiten a los espectadores adentrarse en su mundo de una manera única. Este proyecto no solo resalta el legado musical de los Beatles, sino que también ofrece una ventana a los años 60, una época marcada por cambios sociales y políticos significativos, como la muerte del presidente John F. Kennedy.

Además de su enfoque en los músicos, Beatles ‘64 es una inmersión en una era en la que lo analógico predominaba, con vinilos y radios siendo los medios principales de difusión de la música. A través de las imágenes y testimonios, se transporta a los espectadores a un Estados Unidos convulsionado por diversos sucesos, pero también a un momento en el que el fenómeno de la Beatlemania transformó la forma en que las personas se conectaban con la música y la cultura.

Soy Céline Dion - Dir. Irene Taylor Brodsky

Seguimos ahondando en el universo de la música con Soy Céline Dion (I Am: Celine Dion), un documental que se centra en la vida de la cantante canadiense Céline Dion. En él, se aborda su lucha contra el Síndrome de la Persona Rígida, una enfermedad neurológica poco común que ha transformado profundamente su vida y su carrera. Esta obra ofrece una perspectiva íntima de la artista, mostrando cómo enfrenta los efectos de la enfermedad mientras continúa con su camino profesional.

A pesar del éxito arrollador que ha tenido a lo largo de los años, con emblemas como My Heart Will Go On, It’s All Coming Back to Me Now y The Power of Love, el largometraje presenta una visión cruda y honesta de los desafíos diarios que enfrenta Dion. Dirigido por Irene Taylor Brodsky (Árboles y otras ramificaciones), Soy Céline Dion combina entrevistas, material de archivo y un seguimiento de su vida actual, logrando mostrar no solo las dificultades personales, sino también la resistencia y la fortaleza de una artista que continúa dejando una huella innegable en el mundo de la música.

Ángel Di María: Romper la pared - Dir. Juan Baldana

Este 2024, Netflix presentó Ángel Di María: Romper la pared, una serie documental de tres episodios que explora la vida del futbolista argentino conocido mundialmente como “Fideo” Di María. A través de esta producción, el espectador es llevado a un recorrido profundo por su carrera, desde sus humildes comienzos en Rosario hasta convertirse en una de las figuras más emblemáticas del fútbol internacional. La serie comparte aspectos poco conocidos del jugador, combinando imágenes de archivo con testimonios personales que muestran su lucha, sacrificios y triunfos.

Lo más emotivo del documental es cómo aborda las raíces familiares del futbolista y su camino hacia el éxito en medio de adversidades. También nos permite ver el impacto de las críticas que recibió durante su carrera, tanto de algunos fanáticos como de ciertos periodistas deportivos. Esta narrativa incluye testimonios de sus padres, sus amigos, su esposa Jorgelina Cardoso y sus hijas, quienes comparten cómo enfrentan las constantes presiones mediáticas y los cuestionamientos hacia Di María. Esta perspectiva íntima humaniza al ídolo y muestra el lado menos visible de su vida personal.

A lo largo de tres horas, también revela sus relaciones dentro del mundo del fútbol, destacando su conexión con colegas y amigos como Lionel Messi, Neymar Jr., Emiliano “Dibu” Martínez y Rodrigo De Paul. Estas interacciones, combinadas con los logros y desafíos de su carrera, hacen de Ángel Di María: Romper la pared una experiencia imperdible para los fanáticos del deporte y aquellos que buscan conocer más sobre la vida detrás del astro argentino.

Einstein y la bomba - Dir. Anthony Philipson

Tras el fenómeno global de Oppenheimer de Christopher Nolan, donde Albert Einstein aparece como una figura clave en la vida de J. Robert Oppenheimer, llega Einstein y la bomba (Einstein and the Bomb), un documental que explora el papel del célebre científico en los antecedentes teóricos que llevaron a la creación de la bomba atómica. Bajo la dirección de Anthony Philipson (Our Girl, The Day of the Jackal), esta obra combina recreaciones interpretadas por Aidan McArdle con imágenes de archivo reales, proporcionando una mirada más profunda a las contribuciones de Einstein a la física moderna. Aunque sus interacciones con Oppenheimer fueron limitadas, su influencia en los fundamentos científicos que hicieron posible la bomba resulta innegable, y el documental se adentra en esos aspectos con detalle.

Más allá de sus aportes científicos, también ahonda en los dilemas éticos y personales que enfrentó Einstein. Desde su exilio forzado debido al ascenso del nazismo hasta su preocupación por el uso militar de los avances científicos, la producción destaca momentos cruciales, como su decisión de advertir a Franklin D. Roosevelt sobre los esfuerzos alemanes para desarrollar armas nucleares.

Juicio al Diablo - Dir. Chris Holt

Nos adentramos en el terror con Juicio al Diablo (The Devil on Trial), un proyecto de Netflix dirigido por Chris Holt (Uncanny, The Crossing) que analiza uno de los casos legales más controvertidos de Estados Unidos. La obra se centra en el juicio de Arne Cheyenne Johnson, conocido por ser el primer caso en el país donde la defensa alegó posesión demoníaca como justificación para un homicidio. A través de dramatizaciones, archivos históricos y entrevistas con las personas involucradas, reconstruye los eventos previos y posteriores al crimen. También aborda el papel clave que desempeñaron Los Warren, quienes no solo investigaron el caso, sino que lo llevaron al ojo público, generando un debate entre escepticismo y creencias sobrenaturales.

Con un enfoque que combina lo espeluznante con lo judicial, el documental examina tanto los aspectos legales como los elementos personales y culturales de este caso único. Su narrativa, llena de tensión, explora no solo las afirmaciones de posesión demoníaca, sino también las complejas dinámicas familiares y la influencia mediática que rodeó el juicio. Juicio al Diablo logra captar la atención de quienes buscan desentrañar los misterios detrás de eventos inexplicables, mientras invita a reflexionar sobre los límites entre la fe, la ley y la ciencia.

Super/Man: la historia de Christopher Reeve - Dir. Ian Bonhôte y Peter Ettedgui

Nos acercamos al cierre de este breve recorrido por los mejores documentales del año con Super/Man: La historia de Christopher Reeve, una conmovedora exploración sobre la vida del actor que definió al icónico Superman. Dirigido por Ian Bonhôte (McQueen) y Peter Ettedgui (Rising Phoenix), la cinta ofrece una mirada introspectiva y honesta no solo sobre su ascenso a la fama, sino también sobre las batallas personales que enfrentó después de un accidente que cambió su vida para siempre. A través de entrevistas con quienes lo conocieron más de cerca y material nunca antes visto, la producción revela los aspectos más humanos y desconocidos de un hombre que supo redefinir el concepto de heroísmo.

Lejos de ser una simple crónica de su carrera cinematográfica, el filme se sumerge profundamente en su vida personal, mostrando su evolución como defensor de los derechos de las personas con discapacidad tras el accidente que lo dejó cuadripléjico. Super/Man no solo resalta su valentía en pantalla, sino también su lucha incansable para mejorar la vida de quienes enfrentan adversidades similares, dejando un legado de resiliencia y esperanza que perdura hasta el día de hoy.

Este año, el catálogo de Disney+ es el lugar para encontrar algunas de las series que han logrado ubicarse como favoritas en los premios Emmy. Es que, a través de sus diferentes marcas y estudios, la compañía logró superar su propio récord con 183 nominaciones, ostentando algunos de los títulos con mayores reconocimientos.

Shōgun, El oso y Only Murders in the Building, son tres de las series que se posicionan como las grandes competidoras de este 2024, que juntas suman un total de 70 nominaciones. Además, la plataforma de streaming también aloja en su catálogo a Jim Henson: el hombre de las ideas, el documental más nominado del año, y producciones animadas aclamadas por la crítica como X-Men ‘97.

Hoy en Malditos Nerds repasamos los títulos destacados de Disney+ que se encuentran en competencia para los Emmy 2024.

Shōgun – 26 nominaciones

La adaptación de Shōgun, basada en la novela épica de James Clavell, fue una de las grandes sorpresas de este año. No solo lidera la lista de Disney+, sino que es la serie más nominada de esta edición los Emmy destacándose en un total de 26 categorías. Ambientada en el Japón feudal del siglo XVII, justo en el umbral de una inminente guerra civil, su trama sigue a John Blackthorne, un navegante inglés que llega a tierras japonesas viéndose envuelto en las intrigas políticas y culturales de un mundo desconocido para él. Con paisajes majestuosos y una recreación histórica impecable, cada episodio de Shōgun es un viaje inmersivo a una era de samuráis, traiciones y códigos de honor.

Entre las nominaciones destacadas se encuentran la de Mejor Serie Dramática, diseño de producción y vestuario, así como reconocimientos a las impresionantes actuaciones de su elenco, encabezado por Hiroyuki Sanada y Anna Sawai.

El oso (The Bear) – 23 nominaciones

El oso es otro de los dramas que más ha resonado en la audiencia este año, obteniendo 23 nominaciones a los premios Emmy. La serie sigue la vida de Carmy Berzatto (interpretado por Jeremy Allen White), un joven chef de alta cocina que regresa a Chicago para hacerse cargo del restaurante familiar tras la muerte de su hermano.

La serie original de FX, presente en el catálogo de Disney+, fue aclamada por su enfoque realista y crudo, sobre las relaciones y el estrés que se vive en el mundo de la cocina profesional. Las nominaciones abarcan desde Mejor Serie Dramática hasta reconocimientos individuales para su elenco, destacando las interpretaciones de Jeremy Allen White y Ayo Edebiri.

El oso también estableció un nuevo récord en la categoría de comedia con 23 nominaciones en una misma edición, superando las 22 nominaciones que antes ostentaba la sitcom 30 Rock.

Only Murders in the Building – 21 nominaciones

Detrás de Shōgun y El oso, se encuentra Only Murders in the Building que, para esta edición 2024, obtuvo un total de 21 nominaciones a los Emmy. La comedia de misterio, protagonizada por Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez, sigue a tres residentes de un edificio en Nueva York que, obsesionados con los podcasts de crímenes reales, deciden investigar un asesinato que ocurre en esas instalaciones.

Los reconocimientos para Only Murders in the Building incluyen categorías como Mejor Serie de Comedia, así como nominaciones para el trabajo actoral de Martin y Short. Esto tampoco resulta una sorpresa ya que la química entre el trío protagonista es uno de los pilares que sostiene la serie que recientemente fue renovada para una quinta temporada.

Ahsoka, X-Men ‘97 y más nominados en Disney+

Otros contenidos de Disney+ que obtuvieron nominaciones para la edición número 76 de los premios Emmy fueron la serie de Ahsoka, Loki, Echo y X-Men ‘97. Esta última se encuentra en competencia para la categoría de Mejor Programa de Animación.

A su vez, Jim Henson: el hombre de las ideas, consiguió ocho nominaciones, incluyendo las categorías mejor documental o programa de no ficción, convirtiéndose en el documental más nominado del año. El audiovisual estrenado en mayo pasado retrató la vida y obra del famoso titiritero, director, guionista y empresario estadounidense, conocido principalmente por ser el creador de Los Muppets.

Se ha confirmado el desarrollo de una película live-action basada en la historia de Grendel, extraída de la novela del autor John Gardner. Este proyecto, que ha generado gran expectativa entre los seguidores del género de monstruos, no solo revela la adaptación cinematográfica del personaje, sino también los nombres de los actores principales y el equipo creativo involucrado en la producción.

El enfoque de la película se centrará exclusivamente en Grendel, explorando su perspectiva acerca de los humanos. Robert D. Krzykowski (El hombre que mató a Hitler y después a Bigfoot) dirigirá esta ambiciosa producción y ha expresado su entusiasmo diciendo: “Grendel representa todo lo que amo del cine. La loca obra maestra de John Gardner aborda inteligentemente lo que es ser humano a través de la lente de ojos desorbitados de un monstruo. Es un honor trabajar con un grupo tan extraordinario de narradores, todos los cuales buscan traer algo maravilloso e inesperado a las audiencias ahora”.

El elenco estará encabezado por reconocidos talentos de la industria, incluyendo a Dave Bautista (Duna, Guardianes de la Galaxia), quien interpretará a Beowolf, Jeff Bridges (El gran Lebowski, The Old Man) en el papel de Grendel y Bryan Cranston (Breaking Bad, Malcolm in the Middle) como el Rey Hrothgar. Complementando el reparto, figuran nombres como Sam Elliott (Frente a frente con la muerte, Nace una estrella), Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit), T Bone Burnett (Loco Corazón) y Aidan Turner (El hobbit: la desolación de Smaug), entre otros.

La producción estará a cargo de Palisades Park Pictures en colaboración con The Jim Henson Company, una entidad conocida por su trabajo en la creación de personajes a través de títeres y efectos visuales innovadores. Fundada por Jim Henson, creador de Los Muppets (The Muppets) y Plaza Sésamo (Sesame Street), la compañía ha dejado un legado en la industria cinematográfica con proyectos como Laberinto (Labyrinth - 1986), Pinocho de Guillermo del Toro (Guillermo del Toro’s Pinocchio - 2022) y la reciente adaptación del videojuego Five Nights at Freddy’s (2023).

The Jim Henson Company emitió un comunicado oficial mostrando su pleno compromiso con el proyecto: “The Jim Henson Company es internacionalmente reconocida por nuestra creación de mundos y personajes. Y nos sentimos más inspirados cuando un personaje tiene una personalidad rica y auténtica, y puede ser sofisticado, estimulante y creíble. Grendel es el personaje definitivo, y será llevado a la vida utilizando las técnicas prácticas de vanguardia de nuestra Creature Shop en combinación con los increíbles efectos digitales de Dennis Berardi [La forma del agua]”.

El proyecto está en sus primeras etapas, por lo que aún debemos ser pacientes para obtener nuevas actualizaciones sobre el largometraje.