La agrupación sinaloense compartió una nueva publicación que reavivó las reacciones entre sus seguidores.

Banda El Recodo compartió una nueva historia desde Londres

La nueva publicación apareció en las historias de la cuenta oficial de Banda El Recodo. En la fotografía se observa a varios integrantes con sus instrumentos mientras interpretan música en un espacio ubicado junto a la estructura del puente londinense.

La escena fue captada con luz de día y muestra una bandera mexicana colocada detrás de los músicos. En las imágenes se distinguen clarinetes y otros instrumentos propios de la banda sinaloense.

Sobre la imagen, la agrupación escribió: “Como buenos mexicanos lo seguimos intentando y no nos rajamos para lograrlo”. El mensaje incluyó las banderas de México y Reino Unido.

La historia se difundió después de que el grupo compartiera las imágenes de la actuación que las autoridades locales detuvieron.

La publicación posterior presentó otra faceta de la visita de los músicos a Londres y dejó ver que el intento de tocar fuera de los recintos formales continuó durante su estadía.

La imagen también contrastó con el episodio anterior, ocurrido de noche. En aquella ocasión, el público que caminaba por la zona se acercó a escuchar, grabar y bailar al ritmo de la agrupación.

La banda también compartió un clip de Ricky Yocupicio y Geovanni Mondragón entonando la melodía Dios bendiga nuestro amor y de fondo se observaba el Big Ben.

Los comentarios en redes sociales no tardaron en aparecer y los fans aplaudieron al Recodo.

La policía interrumpió la presentación nocturna cerca del Tower Bridge

La actuación callejera ocurrió después del concierto que Banda El Recodo ofreció en KOKO, un recinto de Camden High Street. El grupo se presentó allí el domingo 20 de septiembre como parte de su gira europea.

Más tarde, los músicos llevaron trompetas, clarinetes, tambora y otros instrumentos hasta la zona del Tower Bridge. La intención era realizar una presentación espontánea ante turistas y habitantes de Londres.

Las imágenes de esa noche mostraron cómo varias personas se detenían para observar a los integrantes. La música regional mexicana transformó durante unos minutos el lugar en un punto de reunión para quienes transitaban por la zona.

La actuación terminó cuando un elemento de seguridad se acercó al grupo y solicitó que suspendiera la interpretación. Los integrantes acataron la indicación y comenzaron a retirarse del sitio.

El episodio se difundió en las redes sociales de la propia agrupación. La banda explicó que buscaba tocar en uno de los espacios emblemáticos de la ciudad, aunque no pudo completar la presentación como había previsto.

La publicación nocturna generó comentarios entre los seguidores del grupo, que siguieron el paso de los músicos por Reino Unido. La nueva historia diurna retomó ese momento desde un mensaje de persistencia, sin hacer referencia directa a la intervención de las autoridades.

La visita a Londres forma parte de una gira internacional con fechas en varias ciudades europeas. Antes de su llegada a Inglaterra, la agrupación tenía programado un concierto en Dublín, Irlanda.

El itinerario también contempla actuaciones en Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich. La presentación londinense combinó el concierto programado en KOKO con los videos grabados en espacios públicos de la ciudad.

El intento recuerda una experiencia de la banda en Japón

La situación registrada en Londres no fue la primera ocasión en que Banda El Recodo intentó tocar de manera espontánea en un sitio turístico fuera de México. En 2024, la agrupación realizó una acción similar durante una gira en Japón.

En aquella oportunidad, los músicos buscaron interpretar música en la explanada de Odaiba, Tokio. La policía también les pidió que dejaran de cantar.

Los dos casos ocurrieron en espacios públicos y terminaron antes de que la banda concluyera sus presentaciones. Aun así, los videos permitieron que las actuaciones circularan en redes sociales entre el público mexicano y los seguidores de la agrupación en otros países.

La banda fue fundada en Sinaloa en 1938 por Cruz Lizárraga y ha mantenido una trayectoria internacional durante décadas. Su paso por Londres sumó un concierto formal y dos momentos difundidos desde las inmediaciones del Tower Bridge.

La historia publicada durante el día dejó una nueva señal de esa visita: la agrupación volvió a aparecer con sus instrumentos, una bandera mexicana y un mensaje que resumió su decisión de insistir.

Banda El Recodo suspendió una presentación callejera cerca del Tower Bridge en Londres el pasado martes 22 de septiembre de 2026, después de que un agente les pidió retirarse del lugar.

El hecho generó dudas entre seguidores sobre posibles multas, aunque hasta ahora no hay evidencia pública de que la agrupación recibiera una sanción.

La regulación británica permite ciertos actos musicales sin amplificación, pero los consejos locales y la policía pueden intervenir si detectan obstrucción peatonal, ruido que cause molestias o incumplimiento de normas en el espacio público.

El grupo sinaloense se presentó el domingo 20 de septiembre en KOKO, recinto de Camden, como parte de su gira europea. Dos días después circularon videos de los músicos con trompetas, clarinetes y tambora frente a turistas en las inmediaciones del puente.

De acuerdo con los videos difundidos en redes sociales, el agente pidió a los integrantes detener la música y retirarse. Los músicos atendieron la solicitud y guardaron sus instrumentos, sin que se reportara una confrontación ni una detención.

La policía pidió a Banda El Recodo retirarse del área

Las grabaciones muestran que la actuación reunió a personas que se detuvieron para escuchar y grabar. Ese punto es central para entender la intervención: una presentación callejera no se regula únicamente por los instrumentos o el volumen, también por el espacio que ocupa y por el flujo de peatones que puede generar.

Los músicos abandonaron el sitio tras la indicación de los agentes. El medio precisó que no existe información pública para establecer que la agrupación hubiera cometido una infracción concreta o que careciera de un permiso exigible para ese punto.

Las publicaciones en redes sociales describieron el hecho como que la Banda El Recodo fue “corrida” de Londres. Esa versión exagera lo que muestran los videos y los reportes disponibles. La instrucción fue dejar de tocar y retirarse de esa zona, no una expulsión de la ciudad ni del Reino Unido.

La agrupación continuó con su gira por Europa después del episodio. Su itinerario contempla fechas en ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich, según la información difundida alrededor de la gira.

La Ley de Licencias de 2003 no prohíbe toda música callejera

La legislación nacional británica no establece que toda interpretación musical en la calle requiera una licencia. La guía oficial del gobierno del Reino Unido sobre la Ley de Licencias de 2003 señala que una actuación pública de música en vivo sin amplificación, realizada entre las 08:00 y las 23:00 horas, no requiere licencia bajo esa norma.

El mismo documento define el busking como la práctica de actuar en espacios públicos a cambio de dinero. Aclara que esta actividad suele quedar fuera de los requisitos de licencia, porque ocurre en sitios que no están destinados formalmente al entretenimiento y porque, en muchos casos, la música acompaña actividades como el turismo o las compras.

La excepción está en las reglas específicas de cada autoridad local. La guía del gobierno británico advierte que los consejos municipales pueden imponer códigos de conducta, sistemas de permisos, ordenanzas o medidas particulares para regular las presentaciones callejeras.

Esto significa que tocar instrumentos acústicos no equivale, por sí solo, a una autorización ilimitada. Las condiciones cambian según el sitio exacto, la propiedad del terreno, el horario, la cantidad de participantes y los efectos de la actuación sobre el tránsito de personas.

Tower Bridge conecta zonas con autoridades distintas

El Tower Bridge cruza el río Támesis entre áreas administradas por distintos boroughs de Londres. Del lado norte se encuentra Tower Hamlets y del lado sur está Southwark. A esto se suman las condiciones de los accesos, banquetas, áreas turísticas y espacios que podrían tener administración propia.

Por esa razón, no basta con afirmar que “en Londres” se puede o no se puede tocar música en la calle. La regla aplicable depende de la ubicación exacta donde se instala una agrupación y del tipo de presentación que realiza.

En el caso de Banda El Recodo, los videos no permiten confirmar el punto jurídico preciso de la actuación ni identificar una ordenanza que los agentes hubieran citado al intervenir. Tampoco hay un comunicado de la Policía Metropolitana o de los consejos locales que detalle el motivo administrativo de la solicitud.

El dato disponible es que el grupo usó instrumentos de viento y percusión, reunió a personas en una zona de alta afluencia turística y acató la orden de retirarse. Esa combinación puede ser suficiente para que una autoridad priorice el paso peatonal, aun cuando no se acredite una multa.

El volumen, las aglomeraciones y la venta de mercancía pueden activar sanciones

Las presentaciones con bocinas, micrófonos o equipos de sonido tienen un nivel distinto de revisión frente a los actos acústicos. La guía británica establece que la música en vivo amplificada puede requerir autorización en determinadas circunstancias, sobre todo si no se desarrolla en un recinto habilitado o si rebasa los límites previstos para eventos con público.

El ruido no es el único elemento que puede provocar una intervención. Las autoridades locales pueden actuar si una actuación impide el libre tránsito, provoca una concentración que afecta la circulación o genera molestias para residentes, comercios y visitantes.

La venta de discos, playeras u otros productos también puede requerir una licencia de comercio callejero. Recibir propinas voluntarias no es necesariamente lo mismo que vender mercancía, pero esa diferencia depende de la norma local y de las condiciones del espacio ocupado.

Los seguidores de Banda El Recodo no tienen elementos para afirmar que el grupo recibió una multa. Los reportes disponibles describen una advertencia y el retiro voluntario de los músicos. La consecuencia económica dependería de que la autoridad documentara una infracción y decidiera iniciar un procedimiento conforme a la regulación del área donde ocurrió la presentación.

Londres celebra el regreso del Tapiz de Bayeux, que ha vuelto temporalmente a suelo británico después de alrededor de un milenio en Francia. Y los londinenses afrontan el regreso a casa de una forma muy británica: discutiendo sobre la gestión adecuada de las largas colas para verlo.

Poco después de que la exitosa exposición del tapiz en el Museo Británico abriera el 10 de septiembre, los responsables advirtieron que las personas que se detenían a fotografiar la obra restringían el flujo y retrasaban el movimiento de los visitantes.

Así que el museo siguió el ejemplo de la Capilla Sixtina y anunció una prohibición de hacer fotografías en la exposición, una medida imperdonable para algunos en la era de Instagram, pero una bendición para otros.

En cambio, los visitantes tendrán que atesorar sus recuerdos del Tapiz de Bayeux, que, para ser precisos, es un bordado porque no está tejido. (Si los visitantes del museo tienen que volver a casa con fotos, pueden ir a la tienda de regalos).

Babette Lucas-Marriott, profesional del patrimonio y creadora de contenido radicada en Cheshire, inicialmente se sintió decepcionada por la prohibición, pero comprendió su valor cuando visitó la exposición.

«Una vez que estuve allí, descubrí que había algo especial en experimentar el tapiz sin que todos tuvieran sus teléfonos en alto», dijo.

La delicada tela del objeto está detrás de un cristal, por lo que la prohibición de fotografías tenía menos que ver con protegerlo de la amenaza del flash que con controlar a la multitud. Tampoco se permite hacer bocetos ni dibujos.

«Nuestra prioridad es garantizar que todos los visitantes tengan la mejor experiencia posible», dijo el museo en un comunicado el lunes, citando el «enorme interés».

Por supuesto, hacer cola es un pasatiempo nacional en Gran Bretaña.

Los aficionados al tenis acampan regularmente afuera para conseguir entradas para Wimbledon, y miles de británicos esperaron afuera durante la noche para ver a la reina Isabel II en capilla ardiente, aunque solo fuera durante unos momentos. Aquella maratón de dolientes se conoció simplemente como La Cola, sin necesidad de más explicación.

En el Museo Británico, la cola «se sintió muy tranquila y cordial, con incluso cierta animación y expectación en el ambiente», dijo Maxwell Blowfield, escritor de arte. Añadió: «Hacer cola realmente merece la pena cuando por fin llegas al tapiz y puedes pasar toda la visita justo a su lado, acercándote tanto que puedes ver cada puntada».

El Tapiz de Bayeux probablemente fue realizado en Canterbury, en el sur de Inglaterra, poco después de la invasión de la isla por Guillermo el Conquistador en 1066, y luego transportado al norte de Francia. Está de vuelta en Gran Bretaña en préstamo por primera vez en casi 1.000 años. Los críticos de arte han publicado críticas entusiastas, y las entradas para la muestra, que estará abierta hasta el 11 de julio de 2027, están agotadas hasta el próximo año.

El Museo Británico ha intentado gestionar las expectativas, aunque algunos ávidos aficionados al Tapiz de Bayeux quizá quieran pasar horas con la antigua e intrincada pieza.

El museo ha advertido a los visitantes que solo tendrán unos 40 minutos en la exposición. Cada pocos minutos, anuncios de audio en inglés y francés instan a las personas a seguir avanzando. También hay un pájaro animado que guía a los visitantes por la sala de exposición oscurecida, donde el tapiz está extendido horizontalmente en una vitrina.

No hay textos dentro de la vitrina que expliquen las 58 escenas del tapiz. En su lugar, imágenes animadas y texto aparecen en pantallas detrás de la vitrina. El pájaro avanza por las pantallas, como una señal no demasiado sutil para acelerar el paso.

Si los visitantes siguieran exactamente el movimiento del pájaro, podrían observar el tapiz durante unos 19 minutos y 30 segundos.

En las redes sociales durante la última semana, varios poseedores de entradas dijeron que querían pasar más tiempo examinando minuciosamente la tela del siglo XI, que mide unos 67 metros (220 pies) de largo.

«¿Nos hicieron avanzar frente al tapiz un poco más rápido de lo que me habría gustado?», dijo Barendina Smedley, escritora británica, en una publicación en redes sociales. «Inevitablemente».

Pero, dijo, no se está quejando: es maravilloso que tanta gente esté interesada. Y, de hecho, Smedley —que no respondió de inmediato a una solicitud de comentarios— dijo que le gustaba la cola. Casi se sintió meditativa, como un prólogo que le permitió sumergirse de verdad en la muestra.

«Cada vez más, nuestros mundos se reducían a lo que estaba inmediatamente delante de nosotros», escribió Smedley. «Al menos para mí, la experiencia habría sido menos poderosa sin ella».

Fuente: The New York Times

Un anillo de sello de oro del siglo XIV, posiblemente perteneciente a Matilda de Lancaster, condesa de Úlster, fue hallado por dos aficionados a la detección de metales en un campo de labranza del condado de Suffolk, en el este de Inglaterra. La pieza quedó estimada entre £10.000 y £12.000 (unos USD 13.000 y 16.000), según informó The Telegraph.

El hallazgo tuvo lugar cerca de la localidad de Stoke Ash, cuando Aaron Pizzey, de 30 años, y James Race, de 39, decidieron probar suerte en un tercer campo tras dos búsquedas infructuosas esa misma mañana. Pizzey, docente de ingeniería en el oeste del condado, relató al diario que su auricular estaba fallando y estuvo a punto de abandonar.

Fue su compañero quien lo persuadió de continuar. Treinta segundos después, el detector emitió una señal potente y, al excavar, vio el destello dorado de la joya entre la tierra. “¡Oro!”, le gritó a Race, quien al principio creyó que era una broma.

El anillo lleva una inscripción lombarda que lo vincula con la nobleza medieval inglesa

La pieza presenta una piedra de cornalina tallada con la imagen de un grifo caminando hacia la izquierda, engastada en un bisel ovalado con un borde plano que rodea la inscripción en escritura lombarda: “GRIFFVnMATILIELEMATILIOVR”. Según los expertos consultados, ese texto podría traducirse como “grifo Matilda la condesa materna”, una lectura que abrió la puerta a una fascinante hipótesis histórica.

Nigel Mills, consultor de la casa de subastas Noonans Mayfair, explicó que la combinación de la inscripción con la iconografía heráldica “podría sugerir que el anillo perteneció a Matilda de Lancaster, quien se convirtió en condesa de Úlster”. Mills precisó que, entre 1347 y 1348, Matilda ingresó como canonesa del priorato agustino de Campsey, ubicado a tan solo 32 kilómetros del sitio donde apareció la joya. El animal mitológico grabado, añadió, era un símbolo heráldico de uso frecuente entre la nobleza medieval europea, asociado al poder y al linaje.

La cercanía al priorato de Campsey refuerza la hipótesis de atribución histórica

La proximidad geográfica entre el lugar del descubrimiento y el priorato agustino es uno de los indicios más sólidos que los especialistas utilizan para vincular la joya con la condesa. El período en que ella residió en ese convento —justo cuando la Peste Negra llegó a Inglaterra— coincide con el contexto histórico que rodea a la pieza.

No obstante, Noonans presenta esa conexión como una posibilidad y no como una certeza: los registros disponibles no permiten establecer la atribución de manera definitiva. La casa de subastas califica al objeto como “extremadamente raro”, lo que subraya su singularidad más allá del posible vínculo nobiliario.

Conforme a la legislación del Reino Unido sobre objetos de valor histórico encontrados en terrenos privados, el descubrimiento fue reportado al oficial de enlace local y quedó registrado dentro del programa Portable Antiquities Scheme (PAS, por sus siglas en inglés), que documenta los objetos arqueológicos recuperados por particulares en suelo británico. Los ingresos obtenidos quedarán distribuidos entre los dos detectoristas y el dueño del terreno.

Noonans Mayfair lo incluyó en su subasta de joyería y objetos de valor en Londres

La firma incluyó el sello de oro en su subasta de joyería, relojes, plata y objetos de valor, que se lleva a cabo este martes en su sede de Mayfair. La estimación parte de entre £10.000 y £12.000 (unos USD 13.000 y 16.000). Los ingresos, tal como establece la normativa británica, se repartirán entre los detectoristas y el propietario del terreno.

El descubrimiento se suma a una serie de hallazgos medievales significativos registrados en Suffolk en los últimos años. La región es reconocida por su riqueza arqueológica, y la detección amateur —regulada dentro del programa— sigue siendo una vía relevante para recuperar piezas que de otro modo permanecerían enterradas.

Para los jóvenes, aquella mañana que parecía destinada al fracaso terminó con uno de los hallazgos más notables de la arqueología aficionada británica reciente.

La agrupación sinaloense se presentó el domingo 20 de septiembre en KOKO, recinto ubicado en Camden High Street, Londres. El evento comenzó a las 19:00 horas y formó parte de la agenda internacional de la agrupación.

El concierto permitió que los seguidores de la música regional mexicana disfrutaran en Inglaterra del repertorio de una de las agrupaciones más reconocidas de la música de banda.

Sin embargo, el momento que llamó la atención en redes sociales ocurrió fuera del escenario.

El Recodo sorprende a turistas en Londres

Durante su estancia en la capital británica, los integrantes de El Recodo decidieron llevar sus instrumentos a las inmediaciones del Tower Bridge, uno de los lugares más reconocidos de Londres, para realizar una presentación espontánea.

Con trompetas, clarinetes, tambora y otros instrumentos característicos de la banda sinaloense, los músicos comenzaron a interpretar una pieza mientras turistas y personas que transitaban por la zona se acercaron para observar, bailar y grabar el momento.

La escena convirtió por unos minutos un espacio turístico de Londres en un punto de encuentro para la música mexicana. Pero la presentación no pudo continuar.

En las imágenes difundidas sobre el episodio, un elemento de seguridad se acercó a los músicos y les pidió detener la actuación y retirarse del lugar. Los integrantes de El Recodo acataron la indicación y comenzaron a caminar a petición de uno de los músicos para retirarse.

La propia agrupación compartió el momento en sus redes sociales y explicó que buscaba llevar su música hasta uno de los sitios emblemáticos de la capital inglesa, aunque en esta ocasión no pudo completar la presentación como estaba previsto.

Una gira de El Recodo por Europa

La visita a Londres forma parte de una gira internacional de Banda El Recodo que contempla distintas ciudades europeas. Antes de llegar a la capital británica, la agrupación tenía programada una presentación en Dublín, Irlanda, el 19 de septiembre, un día antes de su concierto en Londres.

El recorrido europeo también contempla ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich, de acuerdo con información difundida sobre la gira.

La presencia de El Recodo en Reino Unido representa otra parada internacional para una agrupación cuya historia se remonta a 1938, cuando fue fundada por Cruz Lizárraga en Sinaloa.

KOKO, el recinto donde se realizó el concierto, tiene una larga trayectoria como espacio musical en Londres y actualmente recibe presentaciones de artistas de distintos géneros.

El Recodo busca llevar la banda mexicana por el mundo

La agrupación ha mantenido durante décadas una estrategia de internacionalización de la música de banda, con presentaciones fuera de México y recorridos por distintos países.

En Londres, esa intención quedó reflejada en la decisión de salir del escenario formal y tocar frente a turistas y habitantes de la ciudad.

“Nos la volvieron a hacer… La misión era llevar nuestra música hasta uno de los lugares más emblemáticos de Londres, pero hoy no se pudo. Así que, por hoy, no se logró la misión. Seguimos buscando el momento y la forma de llevar la música de banda por los rincones de Europa y el mundo. Por hoy no se pudo… pero la misión continúa".

Este episodio recuerda que, en 2024, en una gira por Japón, la agrupación sinaloense, intentó hacer lo mismo en la explanada de Odaiba, Tokio, sin embargo, la policía llegó y les pidió que dejaran de cantar.

Aunque las presentaciones callejeras fueron detenidas por las autoridades, los episodios rápidamente llamaron la atención en redes sociales y permitieron que el sonido de la banda sinaloense llegara, aunque fuera durante unos minutos, a uno de los puntos turísticos más reconocidos de la capital británica y japonesa.

Así, la visita de Banda El Recodo a Inglaterra dejó dos momentos: un concierto formal en KOKO y una presentación espontánea cerca del Tower Bridge que terminó antes de lo previsto, pero que generó imágenes y reacciones en redes sociales.

Apple inauguró Apple Music Hall, un nuevo recinto para conciertos en Londres diseñado para combinar presentaciones en vivo, sonido espacial y producción audiovisual. El espacio, ubicado en la histórica Battersea Power Station, tiene capacidad para 600 espectadores y permitirá que los conciertos realizados allí puedan convertirse en producciones audiovisuales y transmitirse en directo a audiencias de todo el mundo.

La compañía busca así ampliar su presencia en la industria musical más allá de los audífonos, los teléfonos y su plataforma de streaming. El recinto está pensado para ofrecer conciertos de formato íntimo, pero con la infraestructura necesaria para producir contenido con estándares profesionales de audio y video.

Un escenario para 600 personas con sonido espacial

Apple Music Hall cuenta con un escenario de aproximadamente 11,6 metros de ancho que puede configurarse de distintas maneras. El público puede situarse frente a los artistas o rodear parcialmente el escenario, según el tipo de presentación.

Uno de los elementos tecnológicos más destacados es su sistema de sonido espacial, compuesto por 48 altavoces distribuidos alrededor de la audiencia. Esta configuración permite crear una experiencia envolvente, en la que los sonidos pueden percibirse desde diferentes direcciones.

La tecnología está relacionada con la apuesta que Apple ha desarrollado en Apple Music, donde ofrece canciones y álbumes mezclados en audio espacial con Dolby Atmos. En el nuevo recinto, esta tecnología podrá aplicarse directamente a presentaciones en vivo.

El diseño del espacio también incorpora referencias a la historia de Battersea Power Station, con muros de ladrillo, arcos y balcones de bronce. Una gran pared de cristal conecta la sala con el edificio histórico y permite observar el entorno del río Támesis.

Un concierto puede convertirse en una producción completa

La propuesta de Apple Music Hall no termina cuando acaba una presentación. Detrás del escenario existe un centro de producción audiovisual que permitirá registrar los conciertos y convertirlos en contenido para su distribución digital.

El recinto dispone de dos estudios profesionales de grabación y mezcla, capaces de registrar las actuaciones mediante pistas de audio independientes. Esto permite producir versiones con sonido espacial tanto durante el concierto como posteriormente.

También cuenta con infraestructura para conectar al menos 16 cámaras a una sala de control de transmisión. De esta manera, una misma presentación puede registrarse desde múltiples ángulos para crear una producción audiovisual.

Apple incluso contempla combinar cámaras profesionales con imágenes captadas mediante iPhone dentro de una misma producción. Así, un concierto para 600 personas puede generar una grabación de audio espacial, una mezcla preparada para transmisión y un video multicámara.

La compañía confirmó que los espectáculos realizados en el recinto podrán transmitirse en vivo a nivel mundial. Por el momento, Apple no ha anunciado una programación completa ni ha revelado qué artistas protagonizarán las primeras presentaciones.

Apple Music Radio también tendrá nuevos estudios

La inauguración de Apple Music Hall coincide con la apertura de nuevos estudios de Apple Music Radio en Battersea Power Station. Desde estas instalaciones se emitirán en directo los programas de los presentadores de Apple Music Radio que trabajan en Londres.

Los estudios permitirán realizar entrevistas con artistas, estrenos musicales, programas especiales y actuaciones sorpresa. La infraestructura también facilita que las actividades de radio, los conciertos y las producciones audiovisuales se desarrollen dentro del mismo complejo.

Apple Music Radio funciona las 24 horas y sus transmisiones pueden escucharse gratuitamente en todo el mundo, sin necesidad de contratar una suscripción a Apple Music.

Apple recupera su tradición de conciertos en Londres

Apple Music Hall también representa una continuación de la relación de la compañía con los eventos musicales en Londres. La ciudad fue sede del iTunes Music Festival, posteriormente conocido como Apple Music Festival, que reunió a artistas internacionales durante varias ediciones.

Ahora Apple apuesta por un modelo diferente: disponer de un espacio permanente desde el que pueda organizar conciertos exclusivos y producir contenido audiovisual para una audiencia internacional.

La compañía lanzó Apple Music en 2015 y actualmente ofrece un catálogo de más de 100 millones de canciones. Con Apple Music Hall, Apple suma una dimensión presencial a esa estrategia, conectando los conciertos físicos con el sonido espacial, la producción audiovisual y las posibilidades de distribución global mediante internet.

Marina Borensztein celebró los 27 años de su hija Malena con un álbum familiar que cruzó Madrid, Londres y varias generaciones. La escritora eligió las redes sociales para acompañar a la distancia a la joven, a quien llama Poupe, y reunió postales de su infancia, de los afectos que marcaron su historia y de los vínculos que construyó con el paso de los años.

Malena vive en Londres, mientras que Marina reside en Madrid, España, junto a su pareja, Oscar Martínez. La distancia no impidió el festejo: la hija de Tato Bores publicó un carrete de imágenes para homenajear a su única hija en el día de su cumpleaños y también adelantó que viajará la próxima semana a la capital inglesa para compartir la celebración en persona.

Las fotos trazaron un recorrido íntimo. Hubo postales de Malena bebé junto a una Marina mucho más joven, tardes de playa, paseos por un parque y escenas que dejaron ver la complicidad entre madre e hija. En cada imagen se asomó una parte de la vida que ambas compartieron antes de que los kilómetros separaran sus rutinas cotidianas.

Entre las fotografías apareció una postal especialmente significativa: un atardecer frente al mar con Berta Szpindler, la madre de Marina y esposa de Tato Bores. Berta, que murió en 2020, formó parte central de la familia Borensztein y su recuerdo volvió a estar presente en esta fecha especial para Malena.

La publicación también incluyó una imagen de la joven con su padre, Jorge Leyba, expareja de Marina. A ese retrato se sumaron varias fotos junto a Oscar Martínez, quien ocupa un lugar importante en el entorno familiar. Malena y el actor consolidaron un vínculo cercano, que quedó reflejado en distintas escenas de la intimidad compartida.

“¡Feliz cumpleaños mi Poupé! Te deseo todo lo mejor de la vida en este nuevo comienzo y más coraje para seguir construyendo. Te admiro y te felicito por todo lo que estás haciendo con tu vida que es vivir la vida que querés. Te amo hasta el más “finito y más allá”…”, dejó plasmado Marina al lado del carrete de fotos.

Lejos de las grandes declaraciones, Marina eligió una frase breve para resumir lo que siente por su hija. En una historia de Instagram la definió como “toda mi vida”. El mensaje acompañó el cumpleaños número 27 de Malena y puso en palabras el lazo que las une, aun cuando cada una transita su día a día en una ciudad diferente.

El apodo Poupe, que remite a muñeca en francés, también forma parte de esa intimidad. Con ese nombre cariñoso, Marina suele referirse a Malena, fruto de su relación anterior a Oscar Martínez. Madre e hija compartieron distintos momentos públicos a lo largo de los años, aunque en esta oportunidad el foco estuvo puesto en las imágenes familiares y en los recuerdos que eligió rescatar.

La cercanía de Malena con Martínez se construyó desde el afecto y la convivencia. Marina y el actor llevan casi dos décadas juntos y conformaron una familia ensamblada entre Buenos Aires, Madrid y los viajes que impone la vida profesional y afectiva de cada uno. En agosto, la escritora celebró 19 años de relación con el intérprete mediante una carta en la que lo llamó “mi compañero, mi amigo, mi maestro, mi familia, mi amante, mi amor”.

Ahora, el cumpleaños de Malena volvió a reunir esas historias en una misma publicación: la presencia de su padre, el recuerdo de su abuela Berta, las fotos con Oscar y la mirada de una madre que eligió revivir momentos de distintas etapas. La próxima semana, Marina viajará a Londres para sumarse al festejo y abrazar a Poupe en su nuevo año.

Antes del viaje, Marina seguirá cerca de Malena a través de las llamadas, los mensajes y las fotos que se intercambian. El encuentro en Londres permitirá que madre e hija celebren juntas, lejos de Madrid, una fecha que ambas guardarán entre los recuerdos familiares compartidos de este año.

Una mayoría de británicos mantiene percepciones erróneas sobre Londres en asuntos como la delincuencia, la religión, la calidad de vida y las finanzas públicas, según un estudio del Policy Institute del King’s College de Londres basado en encuestas de YouGov. El informe concluye que esas distorsiones suelen seguir divisiones partidistas y se relacionan con una visión más negativa o más favorable de la capital.

El trabajo, elaborado a partir de dos encuestas de YouGov realizadas entre el 23 y el 27 de marzo de 2026, indica que la población británica tiende a sobrestimar la delincuencia en la capital, exagerar el peso de la población musulmana, infravalorar la posición internacional de la ciudad y desconocer que Londres paga más impuestos de los que recibe en gasto público.

Delincuencia: la percepción triplica la realidad

La estimación media sobre cuántos londinenses sufrieron un delito entre octubre de 2024 y septiembre de 2025 asciende al 30%, frente a una cifra real del 12,2%. Entre los propios residentes de la capital, la estimación baja al 25%, pero también duplica el dato real.

La mitad de la población cree que Londres tuvo la tasa más alta de delitos violentos de Inglaterra y Gales en el año terminado en septiembre de 2025, y el 37% piensa lo mismo sobre los delitos sexuales. En realidad, la ciudad registró la tasa más baja en ambas categorías.

La percepción también falla al medir la evolución general del delito: el 62% cree que la delincuencia total subió entre 2019 y 2025, cuando en realidad bajó un 1,4%, y el 40% piensa que los homicidios aumentaron, pese a una caída de alrededor del 15%.

La opinión pública sí identifica algunos aumentos concretos. El 79% acierta al señalar una subida de los hurtos en tiendas y el 71% hace lo mismo con los arrebatos y hurtos a transeúntes, ambas categorías en más del doble del nivel de 2019. El 58% también identifica correctamente que los delitos sexuales y la violencia contra las personas aumentaron.

En cuanto a la seguridad cotidiana, la población calcula que el 60% de los londinenses no se siente segura al caminar sola por su barrio de noche, frente al 37% real. Siete de cada diez comparten la idea de que no es prudente usar un reloj de lujo en la ciudad por riesgo de robo; en 2023 se denunciaron alrededor de 2.000 robos de ese tipo.

Demografía y calidad de vida

En demografía, la estimación media sitúa a la población musulmana de Londres en el 35%, cuando la cifra real es del 15%. El 34% cree además que existen zonas vedadas donde rige la ley islámica y a las que los no musulmanes no pueden acceder.

La imagen de la ciudad también sale peor parada en calidad de vida y prestigio exterior. Londres ocupa el primer lugar en el índice World’s Best Cities de 2025, pero solo el 6% la coloca entre las mejores de las ocho grandes ciudades analizadas y el 17% la sitúa en el último puesto. Los niveles de dióxido de nitrógeno cayeron casi a la mitad entre 2016 y 2023, aunque solo el 32% sabe que la calidad del aire mejoró.

En finanzas públicas, el 69% reconoce que la capital recibe más gasto público que otras regiones, pero solo el 30% sabe que además aporta más impuestos de los que recibe. Londres fue una de las dos únicas partes del Reino Unido con superávit fiscal en 2022/23.

Cómo se reparten los errores según el voto

La fractura partidista aparece con fuerza en casi todos los indicadores. Los simpatizantes de Reform UK son quienes más se apartan de la realidad en delincuencia y en el tamaño de la población musulmana: calculan que el 50% de los londinenses es musulmán —más de tres veces la cifra real— y que el 40% sufrió un delito en un año, también más de tres veces por encima del 12,2% real. El 87% de ese grupo cree por error que la delincuencia total ha aumentado desde 2019, y estiman que el 70% de los londinenses no se siente seguro de noche, frente al 37% real. Entre los conservadores, la estimación de población musulmana llega al 40%.

El estudio también detecta errores en electorados de izquierda y centroizquierda. Laboristas y verdes sobrestiman la proporción de población blanca británica —50% frente a una realidad del 37%— y menos de la mitad reconoce las subidas de los delitos sexuales y de la violencia contra las personas, categorías donde los simpatizantes de Reform UK y los conservadores sí predominan en respuestas correctas.

La relación entre creencias falsas y la visión de la capital

El estudio no presenta esos errores solo como fallos de cálculo. Entre quienes creen por error que el 70% o más de los londinenses fue víctima de delitos en el último año, el 75% piensa que Londres ha empeorado desde 2016, frente al 54% del conjunto de la población. Entre quienes creen que ese mismo porcentaje de londinenses es musulmán, el 62% sostiene que existen zonas vedadas regidas por la ley islámica, frente al 34% general.

En el terreno económico, quienes saben que Londres paga más impuestos de los que recibe muestran una relación más favorable con la capital: el 54% dice sentir orgullo por la ciudad, frente al 36% de quienes creen que esa afirmación es falsa.

El profesor Bobby Duffy, director del Policy Institute del King’s College de Londres, afirmó que la ciudad se ha convertido en “un foco de atención en nuestro debate nacional” y que la idea de que “Londres ha caído” se repite en la política, los medios y las redes sociales. Sostuvo que los simpatizantes de Reform UK y los conservadores tienden a imaginar una ciudad “mucho más peligrosa, violenta y en decadencia de lo que realmente es”, mientras que laboristas, liberaldemócratas y verdes también arrastran errores de percepción. A su juicio, cada persona acaba viendo “el Londres que se ajusta a la historia que ya creemos”.

El estudio se apoya en dos encuestas nacionales representativas de 2.164 y 3.969 adultos, incluidas 563 personas residentes en Londres, realizadas por YouGov para la serie Mistaken Britain. Para contrastar las respuestas con la realidad, el informe remite a fuentes oficiales como la Oficina Nacional de Estadística, la Policía Metropolitana, el censo de 2021, el Observatorio de Migración, la Biblioteca de la Cámara de los Comunes y la Asamblea de Londres.

La marca de 1:56.40 en el estadio StoneX, al norte de Londres, quedó poco más de dos segundos por encima de su récord británico (1:54.33) que logró en junio de este año. La competencia del viernes fue la primera edición del evento fuera de Estados Unidos, después de las realizadas en Nueva York en 2024 y 2025.

La atleta más rápida de la historia británica en 800 metros resumió la experiencia: “La velocidad y el estilo se unieron”, escribió en Instagram. Su atuendo se viralizó y fue comparado con las prendas llamativas que usaron Serena Williams y Naomi Osaka, dos tenistas que trasladaron su influencia más allá de las canchas, según The Athletic.

El diseño cubría todo el cuerpo y tenía una abertura en la capucha para que saliera la cola del peinado de Hodgkinson, una condición que la atleta consideraba innegociable. La británica trabajó durante unos 12 meses con el equipo de innovación de la marca de indumentaria estadounidense que la viste para definir cada aspecto del traje.

Después de la carrera, explicó que quería “sentirse un poco sexy”, aunque el propósito no era solo estético. Describió el resultado como “una mezcla de moda, velocidad y ciencia unidas” y sostuvo que podía beneficiar al atletismo en el futuro. “Mitad ninja asesina y mitad estilo Gatúbela”, tituló el diario británico The Guardian.

Dan Farron, vicepresidente de diseño de indumentaria innovadora de la marca, le presentó la idea con una premisa directa: “Podemos hacerte más rápida si cubrimos más piel”. El traje busca reducir la resistencia aerodinámica, regular la temperatura corporal y favorecer la velocidad. La decisión de dejar el cabello al viento implicaba aceptar una desventaja técnica. “La ciencia decía que, técnicamente, con la resistencia del aire eres más lenta si llevas el pelo suelto, pero yo dije: ‘Eso no se negocia. Mi pelo se queda fuera’”, dijo Hodgkinson.

La pieza incorpora pequeños elementos distribuidos en distintas zonas que resultan casi imperceptibles a simple vista. Se denominan generadores de vórtices: microestructuras triangulares impresas en 3D y colocadas con orientaciones diferentes según el sector del cuerpo. Estos relieves alteran el comportamiento del aire alrededor de la corredora. La solución parte de un principio aplicado en otros deportes: una superficie completamente lisa no siempre es la más rápida, porque en determinadas condiciones resulta más eficiente controlar el flujo de aire que atraviesa el cuerpo.

Para Hodgkinson, la apariencia forma parte del rendimiento: “Soy muy de ‘si te ves bien, te sientes bien’, y de ese equilibrio mental y físico”. La espalda abierta del traje ayudó a mantenerla fresca, mientras que la tela ajustada le dio una sensación de ligereza. “Para ser sincera, siento que no llevo nada puesto”, afirmó. La corredora entrenó con la prenda en Sudáfrica bajo 37 °C y aseguró que la temperatura no representó un problema.

Athlos fue elegido como escenario para el estreno porque se trata de una competencia exclusivamente femenina que busca combinar deporte, espectáculo y visibilidad. “Un evento solo para mujeres, dedicado al brillo, al glamour y a poner los ojos sobre las mujeres, era el momento perfecto para terminar la temporada”, dijo Hodgkinson.

La serie fue creada por Alexis Ohanian, cofundador de Reddit y esposo de Serena Williams, ganadora de 23 títulos de Grand Slam en individuales. Su objetivo es dar a las atletas de pista y campo una exposición más frecuente que la que permiten los Juegos Olímpicos.

El antecedente más recordado sobre trajes para corredoras pertenece a Cathy Freeman, la atleta australiana que ganó el oro olímpico en los 400 metros de Sídney 2000 con un traje verde y dorado de cuerpo entero. La prenda incorporaba telas distintas en cada zona corporal para reducir la resistencia al aire y una capucha destinada a aplanar el cabello.

El traje de Freeman surgió de una colaboración entre la marca deportiva que era su sponsor, el diseñador de ropa Eddy Harber y el especialista canadiense en aerodinámica Len Brownlie, autor de una tesis titulada “Características aerodinámicas de la indumentaria deportiva”. La corredora admitió que al principio tuvo “una reserva” sobre cómo se veía, pero concluyó que disfrutaba de cómo se sentía al correr.

Harber interpretó esa elección como una protección simbólica ante una carrera cargada de expectativas. “Creo que, al mirarlo en retrospectiva, ella lo veía como una armadura, en cierto modo”, dijo sobre la actuación que la convirtió en campeona olímpica ante el público australiano.

A diferencia de la natación, donde los trajes de cuerpo entero no están permitidos, las reglas del atletismo permiten que velocistas y fondistas compitan con monos de una pieza, calzas cortas o camisetas sin mangas. La condición es que las prendas sean ajustadas y respeten las normas oficiales de uniformes y patrocinio.

Hodgkinson sugirió que su aparición en Londres fue una prueba antes de una posible expansión. “Puede que sepamos algunas cosas que los demás no saben. Fue una prueba ahí afuera”, afirmó. “Esto no es algo que no hayamos visto antes. Cathy Freeman y otras atletas de hace tiempo hicieron algo parecido. Esta es la versión actualizada con la nueva tecnología”.

Georgia Hunter Bell, también británica y segunda en la milla de Athlos, dijo que el traje estará disponible como alternativa para los atletas británicos en los Juegos de Los Ángeles 2028. “Es muy interesante porque dentro de unos años será lo normal, aunque ahora parezca una locura”, señaló. La corredora anticipó que los integrantes de Team GB podrán elegir esa clase de equipo cuando reciban la indumentaria para los Juegos. “Es emocionante poder mostrarlo ahora”, agregó.

El uso de indumentaria tecnológica dependerá de que las marcas demuestren una ventaja suficiente para volverla indispensable, por encima de las preferencias personales y la comodidad de cada deportista. Sin una prueba concluyente de ese beneficio, los trajes de velocidad seguirán siendo una alternativa junto a las calzas y camisetas tradicionales.

Hace 13 años, cuando esta pequeña panadería del mercado gastronómico londinense Borough Market abrió sus puertas, apenas vendía 20 barras de pan al día. Hoy, colas y colas de británicos y turistas se acercan a su puesto para probar sus donuts. Bread Ahead, la panadería fundada por Matthew Jones, se ha convertido en una de las referencias más importantes de la ciudad en lo que a panes y bollería se refiere. Ahora, se encuentra en una batalla legal con el mercado que le vio nacer, ya que, según el fundador, Borough Market ha decidido no renovar su contrato de alquiler.

La razón tras esta decisión es simple: han tenido demasiado éxito. “Borough Market nos ha comunicado que Bread Ahead debe abandonar el recinto. La razón que nos ha dado la organización benéfica es que hemos tenido demasiado éxito y nos hemos expandido internacionalmente mediante franquicias”, explicaba James a través de la cuenta de Instagram de la panadería.

La marca nació en 2013 como un pequeño puesto de Borough Market que vendía solo un puñado de productos: dos panes de masa madre, un brownie y algunas galletas. La viralidad llegó de la mano de sus donuts: “Simplemente funcionaron. Hicimos 60, luego 100 y después 200, y la cosa no paró”. Borough Market fue también el lugar donde Bread Ahead abrió su primera escuela de repostería. El crecimiento permitió a la empresa instalarse también en King’s Cross, South Kensington y Wembley.

Este conflicto se produce precisamente cuando la empresa prepara su llegada a Nueva York el próximo noviembre y acaba de anunciar una panadería en Harpenden, Hertfordshire, su primera sucursal británica fuera de Londres. Bread Ahead cuenta ya con 12 tiendas franquiciadas en Arabia Saudí y Emiratos Árabes Unidos, además de establecimientos en Dubái, Estados Unidos, Tailandia y Filipinas. La salida del mercado londinense que les vio nacer, dice Jones, pondría en riesgo 83 puestos de trabajo.

“Pensaba que tener éxito era precisamente el motivo principal para abrir un negocio”, aseguraba el panadero a través de su denuncia en redes sociales. “Dejé la escuela a los 15 años. Fui chef y trabajé durante 30 años. Construí un negocio desde la nada, desde cero. Nunca he pedido prestado ni un centavo en mi vida; he levantado esto por mis propios medios. El efecto devastador, si llevan esto a cabo, sería la pérdida de 83 empleos en Londres y la desaparición de un negocio allí”.

“Sinceramente, nunca imaginé que el éxito podría poner en peligro nuestro hogar. No nos ha comprado ninguna multinacional. No nos hemos convertido en una cadena impersonal. Seguimos bajo la dirección de sus fundadores. Seguimos horneando, enseñando y dando empleo, y mantenemos nuestras raíces firmemente asentadas en Borough Market. Sí, hemos crecido. Pero eso debería ser motivo de celebración, no una razón para pedirnos que nos vayamos”, añadía en declaraciones recogidas por Time Out.

Aunque el mercado no se ha querido posicionar públicamente, un portavoz de Borough Market ha defendido en declaraciones a la BBC que las renovaciones se resuelven mediante un procedimiento establecido y que la fundación que gestiona el recinto mantiene contacto con Bread Ahead. El representante ha señalado: “Nuestro enfoque consiste en aplicar estos procesos de forma justa y coherente, al tiempo que garantizamos que Borough Market siga evolucionando como uno de los principales destinos gastronómicos de Londres, donde los negocios independientes puedan prosperar”.

Un negocio con 65 años de vida

La exitosa panadería no es la única que se ve forzada a decir adiós al mercado en contra de su voluntad. La cafetería Maria’s Market Cafe, especializada en desayunos y con más de sesenta años de vida y trayectoria en Borough Market, ha recibido una noticia similar.

“Se nos ha informado de que no se renovará nuestro contrato de alquiler. Esta decisión se tomó sin explicaciones ni previo aviso, dejándonos a nosotros y a nuestros fieles clientes desolados”, escribe el restaurante en su petición de change.org, donde recopila firmas para tratar de quedarse en el mercado. “Esta medida repentina amenaza no solo a un negocio familiar, sino también a una parte de la vibrante historia de Londres”.

Las calles de Londres se convirtieron en el escenario de una de las postales más comentadas del año cuando la alta costura de la televisión estadounidense y la velocidad de la Fórmula 1 caminaron del brazo a la salida del emblemático restaurante Estiatorio Milos, en Regent Street. Tras compartir veladas en el Lago de Como y en el restaurante Ferdi en París, Kim Kardashian y Lewis Hamilton fueron fotografiados saliendo de una cena en la capital británica.

Aunque mantenían una amistad desde hace más de una década, su vínculo se transformó en un romance a comienzos de 2026 tras una escapada privada a Estelle Manor, en los Cotswolds, antes de hacer oficial su relación en Instagram durante el mes de junio.

El atuendo nocturno captado por las cámaras destaca por una cuidada armonía visual fundamentada en la oposición de formas. Mientras ella apostó por la tensión, el ajuste extremo y las líneas orgánicas ceñidas al cuerpo, él equilibró la composición mediante volúmenes amplios, prendas estructuradas y capas de alta densidad textil.

La clave para que ambos universos convivan sin competir radicó en una paleta cromática neutra, donde predominaron los tonos beige, gris melange, marengo y negro. Esta elección de color permitió que las proporciones sean las verdaderas protagonistas del conjunto.

El vestido escultura de Kim Kardashian y la ilusión óptica

En esta aparición en Regent Street, Kardashian reafirmó su dominio del minimalismo arquitectónico luciendo un vestido largo de manga larga confeccionado en tejido elástico semitransparente en tono beige claro (nude). La prenda actuó como una segunda piel que se moldeó a su anatomía, prolongando su figura hasta el suelo.

El elemento visual más impactante del diseño fueron dos franjas negras horizontales y gruesas ubicadas estratégicamente en el torso y la cintura. Estas bandas crearon un efecto de ilusión óptica similar al cut-out, acentuando la clásica silueta de reloj de arena y añadiendo un toque futurista.

Para no romper la continuidad de la prenda, Kim eligió stilettos de punta fina alineados al tono del vestido, logrando una línea vertical limpia que estiliza sus piernas. En esta ocasión estrenó un flequillo acompañado por un recogido alto de acabado despeinado, lo que aporta una frescura idónea para una cita nocturna. Completó el estilismo con unas gafas de sol extragrandes y oscuras que reforzaron esa estética imponente que caracteriza sus salidas públicas.

El volumen urbano y la sastrería monocromática de Lewis Hamilton

Por su parte, Lewis Hamilton desplegó su faceta como referente indiscutible del streetwear de lujo mediante un estilismo completamente gris de proporciones holgadas e inspiración vanguardista.

La pieza central de su atuendo fue una chaqueta corta con cremallera confeccionada en lana gruesa de tono gris melange. Destacó por el corte acampanado de sus mangas, las cuales cayeron de forma fluida y holgada sobre sus manos, aportando un dramatismo estilístico poco convencional en la moda masculina tradicional.

En la parte inferior, el piloto lució pantalones plisados de tiro alto y pierna ancha con estampado de raya diplomática en tono gris marengo. La prenda generó un movimiento sofisticado a cada paso que complementó con la soltura de la chaqueta.

Para darle peso y carácter al conjunto, incorporó calzado de suela gruesa (chunky) en color negro. Sus accesorios estuvieron meticulosamente seleccionados: una gorra de terciopelo colocada hacia atrás, gafas de sol rectangulares y pendientes de diamantes que cerraron una propuesta urbana impecable.

La fuerza de esta imagen a la salida de Estiatorio Milos no radicó en vestirse iguales, sino en entender cómo complementar las siluetas. La fluidez y el volumen de Lewis equilibraron la rigidez ceñida de Kim, creando un impacto visual limpio, moderno y de alta sofisticación que redefine la vestimenta de pareja en la cultura popular contemporánea.

La actriz que vendió naranjas en los teatros de Londres antes de convertirse en amante del rey fue, según investigaciones recientes, una operadora política de primer orden en la Inglaterra de la Restauración, hábil en el ejercicio del poder informal en un entorno donde las mujeres tenían pocas vías de participación institucional.

En febrero de 1671, Nell Gwyn se mudó a una mansión de ladrillo en el número 79 de Pall Mall, propiedad de la Corona y cedida por Carlos II. Lo que comenzó como residencia privilegiada de una favorita real se convirtió, según señala la historiadora Sophie Shorland en un artículo publicado en abril de 2026 por HistoryExtra Magazine, en un espacio donde se gestionaban asuntos diplomáticos y de gobierno lejos de los espías de Whitehall. Gwyn recibió allí a embajadores, políticos y visitantes extranjeros, ejerciendo una función de anfitriona que, según la historiografía de la época, era prerrogativa casi exclusiva de la reina.

Desde ese mismo año, el rey le asignó una pensión de 4.000 libras anuales —incrementada luego a 5.000— y siguió transfiriéndole propiedades y rentas durante más de una década, lo que indica la centralidad de Gwyn en la vida pública de la corte más allá de su rol como favorita.

Gwyn fue promovida como herramienta política contra la influencia de otra amante del rey

La entrada de Gwyn en la vida de Carlos II no fue casual. George Villiers, segundo duque de Buckingham, la presentó deliberadamente al monarca en el invierno de 1667-68 con el propósito de desplazar a Barbara Palmer, condesa de Castlemaine, que ejercía entonces una influencia dominante en la corte.

Buckingham, descrito por sus contemporáneos como un hombre que no podía “guardar ningún secreto ni ejecutar ningún plan sin arruinarlo”, necesitaba una aliada de confianza. Gwyn cumplió ese papel.

La maniobra resultó efectiva. En enero de 1668, el diarista Samuel Pepys anotó que “el rey mandó llamar varias veces a Nelly”. Para la primavera de 1669, Gwyn acompañaba al monarca a las carreras en Newmarket y frecuentaba sus aposentos privados en el palacio de Whitehall. Su primer hijo en común, también llamado Carlos para que no hubiera dudas sobre su paternidad, nació el 8 de mayo de 1670.

Su rivalidad con Louise de Kérouaille tuvo dimensión religiosa y geopolítica

La llegada a Inglaterra en 1670 de Louise de Kérouaille, enviada por el rey francés Luis XIV para reportar sobre los asuntos de Carlos II e inclinar la política inglesa hacia Francia, instaló una tensión que iba mucho más allá de la rivalidad personal. Mientras Kérouaille era católica y francesa, Gwyn era protestante e inglesa, y ambas condiciones tenían enorme peso político en un reino sacudido por la desconfianza hacia el catolicismo.

Según la investigación académica citada en la tesis Pamphleteers and Promiscuity (Universidad de Akron), los panfletistas whigs convirtieron a Gwyn en una heroína popular precisamente por su protestantismo, al tiempo que atacaban a Kérouaille como amenaza extranjera. En noviembre de 1678, Gwyn organizó en su casa una fiesta de quema de efigies del papa —práctica común en la Inglaterra protestante de la época— que subrayó públicamente su posicionamiento confesional.

En una anécdota recogida por Shorland, cuando una multitud en Oxford la confundió con Kérouaille y la increpó, Gwyn asomó la cabeza por el carruaje y declaró: “Sed corteses, por favor: soy la p... protestante”, lo que arrancó vítores de la multitud.

Gwyn fue corredora de patronazgo y mediadora en los conflictos de sucesión

Los documentos de la época revelan que Gwyn también operó como intermediaria de patronazgo entre el rey y quienes buscaban su favor. En 1680, Lady Ann Baker escribió que el rey había cedido en un asunto “por mediación de madame Gwyn o de alguna otra persona influyente”. Dos años después, el conde de Yarmouth le ofrecía explícitamente sus servicios a cambio de los favores que su esposa había recibido a través de ella.

Su vínculo con James Scott, primer duque de Monmouth —hijo ilegítimo mayor de Carlos II y aspirante protestante al trono—, la situó en el centro de la crisis de exclusión que sacudió al reino entre 1679 y 1681. Monmouth se hospedó en su casa al regresar del exilio en La Haya, y cuando cayó en desgracia ante su padre, le escribió cartas desesperadas pidiéndole que intercediera por él. Gwyn lo apoyó, aunque sin dejar de evaluar sus limitaciones: fue ella quien le puso el apodo burlón de “Príncipe Perkin”, mote que el duque recibió con furia.

Su influencia alcanzó también al Tesoro. Junto con Buckingham, participó en el proceso que llevó a la caída del lord tesorero, el conde de Danby. Uno de los seguidores del funcionario escribió a su padre: “Todo esto viene fraguándose desde aquellas reuniones en casa de Nelly”. El sucesor de Danby fue Laurence Hyde, amigo cercano de Gwyn y uno de los ejecutores de su testamento.

Gwyn murió en 1687 sin título nobiliario, pero con una pensión garantizada por el sucesor del rey

A diferencia de Kérouaille y de Palmer, Gwyn nunca recibió un título de nobleza de Carlos II, lo que en parte sostuvo su imagen de favorita ajena a las intrigas. Sin embargo, las sumas y propiedades que el rey le transfirió a lo largo de los años —incluyendo la mansión de Pall Mall, Windsor House en Burford y rentas sobre los ingresos aduaneros— reflejan una relación sostenida y políticamente significativa.

Cuando el rey murió en febrero de 1685, Gwyn quedó tan endeudada que sus acreedores la proscribieron. Carlos II, en su lecho de muerte, le pidió a su hermano: “No dejes morir a la pobre Nelly”. Jaime II, que la había visto actuar políticamente durante años, cumplió el encargo: saldó sus deudas y le concedió una pensión anual de 1.500 libras.

Gwyn murió el 14 de noviembre de 1687, a los 37 años, y fue enterrada en la iglesia de St. Martin-in-the-Fields en Londres. Su casa de Pall Mall permaneció como referencia histórica del poder informal que las mujeres podían ejercer en la corte del siglo XVII.

British Airways confirmó que mantendrá durante todo el año su conexión directa entre Londres y Costa Rica a partir de octubre de 2026, una decisión que transformará la ruta de un servicio estacional a una operación regular dentro de la programación de la aerolínea.

Según informó el Instituto Costarricense de Turismo (ICT), la compañía británica operará cinco frecuencias semanales entre octubre de 2026 y marzo de 2027, mientras que entre abril y septiembre de 2027 ofrecerá tres vuelos por semana.

El anuncio también contempla el traslado de la operación desde el aeropuerto de Gatwick hacia Heathrow, considerado la principal base de operaciones de British Airways en Londres y uno de los centros de conexiones aéreas más importantes de Europa.

Este cambio permitirá a los pasajeros procedentes de Costa Rica tener acceso a más de 130 destinos con vuelos directos operados por la compañía británica, además de mejorar las posibilidades para el transporte de carga aérea entre Costa Rica y distintos puntos del continente europeo.

La ampliación de la operación es resultado de negociaciones desarrolladas entre el ICT, AERIS y British Airways, dirigidas a incrementar tanto las frecuencias como la disponibilidad de asientos entre Costa Rica y uno de sus principales mercados turísticos europeos.

Marcos V. Borges, presidente ejecutivo del ICT, aseguró que la permanencia de la conexión durante los doce meses del año completa el proceso de negociación desarrollado con la aerolínea.

“Luego de haber concluido nuestras negociaciones con British Airways para aumentar frecuencias y pasar el vuelo al Aeropuerto de Heathrow; logramos concretar con éxito la última parte de la negociación que, precisamente, consistía en la permanencia del vuelo desde el Reino Unido todo el año”, destacó Borges.

El jerarca agregó que “este anuncio representará un aumento significativo en asientos y frecuencias desde Londres”.

Heathrow amplía las posibilidades de conexión

El traslado desde Gatwick hacia Heathrow representa uno de los principales cambios de la ruta.

Al operar desde su principal centro de conexiones, British Airways podrá facilitar a los viajeros provenientes de Costa Rica continuar hacia una mayor cantidad de destinos europeos e internacionales sin necesidad de trasladarse entre aeropuertos dentro de Londres.

Ricardo Hernández, director ejecutivo de AERIS, señaló que la ampliación responde al trabajo realizado entre las diferentes entidades involucradas para fortalecer la conectividad aérea del país.

“La permanencia de British Airways durante todo el año es resultado del trabajo articulado entre AERIS, el Instituto Costarricense de Turismo y la aerolínea para continuar fortaleciendo la conectividad de Costa Rica con mercados estratégicos”, afirmó.

Hernández agregó que la medida permitirá “consolidar la conexión directa con el Reino Unido y fortalecer las oportunidades de conectividad con Europa”.

Horarios y capacidad de los vuelos

Durante el horario de invierno europeo, la conexión sin escalas saldrá de Londres a las 11:10 a. m. y llegará al Aeropuerto Internacional Juan Santamaría a las 4:40 p. m.

El vuelo de regreso despegará de Costa Rica a las 6:40 p. m. y aterrizará en Heathrow a las 10:50 a. m. del día siguiente.

La aeronave prevista para operar la ruta durante todo el año será un Boeing 787, con una capacidad total de 204 pasajeros.

El avión contará con 31 asientos en Club, la clase ejecutiva de British Airways; 37 espacios en World Traveller Plus, correspondiente a turista premium; y 136 asientos en World Traveller, la clase económica.

La combinación de una mayor frecuencia y la permanencia anual de la ruta incrementará la oferta de asientos entre ambos países y dará mayor estabilidad a operadores turísticos, agencias de viajes y empresas que comercializan Costa Rica en el mercado británico.

Reino Unido, tercer mercado europeo para Costa Rica

El anuncio se produce pocas semanas antes de la World Travel Market 2026 (WTM), una de las principales ferias internacionales del sector turístico, que se celebra precisamente en Londres.

Para Borges, la confirmación de la operación anual podría generar nuevas oportunidades comerciales para las empresas costarricenses que participen en la feria.

“Sin duda alguna las empresas que participarán en este evento recibirán con mucho entusiasmo esta noticia que abre un sinnúmero de posibilidades de negociaciones y ventas hacia nuestro país”, señaló.

Según cifras del ICT, Reino Unido ocupa el tercer lugar entre los mercados emisores de turistas hacia Costa Rica desde Europa.

Entre enero y agosto de 2026, el país recibió por vía aérea a 47,753 turistas británicos.

En el mismo periodo, 319,552 viajeros procedentes de Europa ingresaron por vía aérea a Costa Rica, lo que representó un crecimiento del 8.8% frente al mismo periodo del año anterior.

Los estudios de mercado del ICT muestran que el turista británico tiene particular interés en actividades vinculadas con playas, observación de aves, volcanes, caminatas en entornos naturales y gastronomía local.

Con la ampliación del servicio, British Airways consolida así una conexión aérea que permitirá mantener durante los doce meses del año un enlace directo entre Costa Rica y Londres, al tiempo que incrementa las posibilidades de conexión con otros destinos europeos a través de Heathrow.

La cinta, dirigida por Georgia Oakley y producida por Focus Features, llega a las pantallas del Reino Unido el 25 de septiembre y a las de Estados Unidos el 16 de octubre. El evento transcurrió sobre una alfombra cubierta de césped, con flores de colores pastel y un cellista en vivo como telón de fondo.

La novela que inspiró la película es el debut literario de Austen, publicado en 1811

Sentido y Sensibilidad fue la primera novela de Jane Austen en ver la luz, publicada en octubre de 1811 de forma anónima, bajo la firma “By a Lady” (Por una dama). La historia sigue a las hermanas Dashwood —Elinor y Marianne— tras quedar en la pobreza después de la muerte de su padre, cuya herencia recae en el hijo de un matrimonio anterior.

Las dos protagonistas encarnan valores opuestos: Elinor representa la razón y la contención, mientras que Marianne personifica la sensibilidad y la pasión. A través de sus desventuras amorosas, Austen explora temas como el matrimonio, la clase social y el papel de la mujer en la sociedad inglesa de finales del siglo XVIII. La obra se convirtió en un clásico de la literatura universal y ha sido adaptada en numerosas ocasiones para el cine y la televisión.

MacKay apostó por una interpretación propia, sin el peso del clásico de 1995

El intérprete de 1917 confesó al The Hollywood Reporter que decidió conscientemente no ver la aclamada versión de 1995 protagonizada por Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman —con la que Thompson ganó el Oscar a mejor guion adaptado—, ni tampoco leer la novela antes de incorporarse al proyecto.

“Dejé que mi interpretación fuera la mía propia, guiado por el guion que escribió Diana Reid, así que al final la presión no fue tanta”, declaró MacKay, quien interpreta a Edward Ferrars. El actor confirmó que verá la película de Ang Lee tras el estreno.

Por otro lado, Daisy Edgar-Jones, conocida por Normal People y Twisters, respondió con humor cuando se le pidió un consejo al estilo Austen para asuntos del corazón. “La persona que está enamorada es siempre la que gana, porque sentir amor es cuando más viva te sientes y eso es magia”, citó la actriz, atribuyendo la frase al actor Ethan Hawke. Añadió que ese mensaje resume lo que Elinor aprende a lo largo de la película.

Asimismo, Georgia Oakley, cuyo debut fue Blue Jean, destacó que su versión se distancia de la de Lee principalmente en la dinámica entre las hermanas Dashwood: en su adaptación, Elinor y Marianne son más cercanas en edad. “El lenguaje visual también es muy diferente. Los escenarios son muy diferentes”, señaló la cineasta, quien guionizó el proyecto junto a Diana Reid.

Sobre la vigencia de Austen, Oakley fue directa: “Seguimos viviendo en un mundo donde las reglas han sido hechas por hombres para hombres, y creo que en ese sentido es una historia realmente atemporal”, afirmó en declaraciones recogidas por The Hollywood Reporter.

La trama sigue de cerca la novela original, con un reparto renovado

La película narra las peripecias de las hermanas Dashwood tras la muerte de su padre, que deja a su viuda —interpretada por Caitríona Balfe— y a sus tres hijas con una renta anual de apenas 500 libras. La herencia recae en John, hijo del primer matrimonio del difunto, cuya esposa Fanny —Stacy Martin— ocupa de inmediato la mansión familiar.

Elinor, a cargo de Edgar-Jones, ve despertar el interés de Edward Ferrars, mientras Marianne, interpretada por Creed-Miles, oscila entre el seductor John Willoughby —Dillane— y el reservado coronel Brandon —Nordrum—. Fiona Shaw presta vida a la extrovertida señora Jennings, personaje que la actriz describió como “una de las criaturas más benévolas de la literatura”.

La cinta está producida por Tim Bevan y Eric Fellner, de Working Title Films, junto a India Flint, de November Pictures, y Jo Wallett. Focus Features y Working Title ya colaboraron en la adaptación de Orgullo y Prejuicio en 2005 y en Emma en 2020.

El acto se realizó como parte del 216 aniversario de la Independencia, en el marco de la presentación del Grupo Cañaveral, que ofreció un concierto.

El embajador ondeó la bandera tricolor desde el balcón principal del recinto, bajo un candelabro de cristal, y se dirigió a la multitud con un megáfono de mano. Lo flanquearon oficiales de la Marina y del Ejército mexicanos en uniforme de gala, entre ellos los identificados como Cruz y Bustos, quienes lo escoltaron.

El evento reunió música, gastronomía y baile

El acto se realizó en un tipo teatro decorado con papel picado y banderas mexicanas colgadas de balcones y columnas. Abajo, cientos de asistentes —muchos con playeras de la selección mexicana y sombreros— sostuvieron banderines mientras coreaban la arenga patria.

La celebración formó parte del programa de presentación del Grupo Cañaveral, agrupación que ofreció un concierto. También hubo mariachi. La embajada organizó, además del acto central, actividades relacionadas con la cultura nacional, entre ellas gastronomía y bailes folclóricos.

“Una celebración que cada año nos reúne para recordar nuestra historia, honrar nuestras raíces y reafirmar la identidad que compartimos las y los mexicanos, dentro y fuera de nuestro país”, señaló la representación diplomática en su cuenta de X.

“Desde Londres, Inglaterra celebramos con orgullo y emoción: ¡VIVA MÉXICO!”, expresó la embajada tras la ceremonia.

Cabe apuntar que durante la celebración no se registró ningún incidente, sin embargo, la cuenta de la embajada de México en Reino Unido limitó los comentarios en la red social X.

El embajador llegó a Londres en medio de la polémica

La celebración ocurrió meses después de la polémica que ha acompañado a Gertz Manero desde su nombramiento como embajador. El extitular de la Fiscalía General de la República (FGR) renunció a finales de noviembre de 2025, dos años antes de que concluyera el periodo de nueve años para el que había sido designado por el Senado en 2019.

En la carta enviada al Congreso, el exfiscal argumentó que la presidenta Claudia Sheinbaum le ofreció encabezar una embajada en “un país amigo” y que aceptaba para “continuar sirviendo” a México.

Trascendieron versiones sobre tensiones con la mandataria por el manejo de investigaciones de alto perfil, que el gobierno nunca confirmó oficialmente.

El 7 de enero de 2026, Sheinbaum confirmó que el destino diplomático sería el Reino Unido: “Ya fue aprobado el beneplácito, va a Gran Bretaña”, dijo la presidenta en su conferencia matutina. El nombramiento sustituyó a Josefa González-Blanco, embajadora que arrastraba al menos 16 denuncias por acoso laboral y señalamientos de mala gestión de la relación diplomática con el país europeo.

El 22 de enero, Gertz Manero compareció ante la Comisión Permanente del Congreso. Su explicación pública sobre la salida de la FGR fue escueta: “consideré que había que hacer un cambio en mi vida pública”.

El senador de Movimiento Ciudadano, Luis Donaldo Colosio Riojas, fue la única voz crítica en la comparecencia: “Experiencia no es lo mismo que especialización, una trayectoria no es lo mismo que formación específica, y un currículum amplio no necesariamente garantiza las competencias que requiere un puesto diplomático”, señaló. Colosio también cuestionó que no se documentara una causa grave, como exige la Constitución, para justificar la renuncia anticipada de un fiscal general.

MC votó en abstención en la comisión. El PAN y el PRI faltaron a la sesión como acto de crítica. El bloque oficialista de Morena, PVEM y PT ratificó el nombramiento el 26 de enero de 2026.

Su gestión al frente de la FGR también fue señalada por opacidad en el manejo de investigaciones sensibles, como el secuestro de Ismael “El Mayo” Zambada,, el estancamiento del caso Ayotzinapa y acusaciones de posible tráfico de influencias. Gertz Manero llegó finalmente a la embajada en Londres el 17 de abril de 2026, casi tres meses después de su ratificación en el Senado.

Amy Winehouse habría cumplido años este 14 de septiembre, pero su influencia estética no pertenece al pasado.

A más de una década de su muerte, su imagen conserva vigencia en pasarelas, editoriales y tendencias que recuperan el encanto imperfecto de lo vintage, el maquillaje dramático y la actitud como declaración de estilo.

La cantante británica dejó una marca que excedió a la música. Con una identidad visual inconfundible, desafió los códigos pulidos que dominaban el pop de comienzos del siglo XXI y convirtió cada aparición en una extensión de su universo artístico: intenso, retro, callejero y sin concesiones.

Una trayectoria intensa y determinante

Nacida en Reino Unido, Winehouse construyó una estética propia a partir de su fascinación por los años 50, el rockabilly y la cultura pin-up. No siguió las tendencias de temporada ni buscó una imagen perfecta. Su estilo transmitía personalidad, referencias musicales y una autenticidad que contrastaba con la producción calculada de muchas figuras de la industria.

El peinado beehive, elevado hasta convertirse en una de sus marcas registradas, y el delineado negro, grueso y alargado, inspirado en figuras como Cleopatra, definieron una silueta de belleza reconocible al instante. A eso sumó tatuajes, accesorios llamativos y una impronta desafiante que rompía con los moldes establecidos.

Su vestuario también reflejó ese cruce de épocas y códigos. Faldas ajustadas, vestidos de inspiración pin-up, zapatos de ballet, prendas vintage y detalles grunge componían un guardarropa que combinaba el glamour de otra década con la energía desordenada de Camden, el barrio londinense que formó parte de su identidad pública.

Al principio, buena parte de la industria de la moda evitó asociarse con Winehouse por la exposición de sus conflictos personales y sus adicciones. Esa distancia la acercó aún más a las marcas independientes, las tiendas de segunda mano y las piezas vintage. Lejos de debilitar su imagen, esa elección consolidó su aura de rebeldía.

Amy Winehouse no necesitó una estrategia corporativa para convertirse en referente. Su estilo nació de una mirada personal y de una forma de habitar la moda que todavía inspira: menos perfección, más carácter.

De todas formas, figuras como Karl Lagerfeld pronto reconocieron en ella una musa contemporánea. El legendario director creativo de Chanel llegó a integrar elementos de su estética, como el volumen característico de su cabello y el maquillaje marcado, en sus presentaciones para la colección Pre-Fall 2008, validando su impacto artístico.

Asimismo, Jean Paul Gaultier dedicó una colección completa de alta costura en 2012 a la cantante, rindiendo homenaje a su feminidad angular y a su capacidad para desafiar las convenciones de género y belleza.

Estas colaboraciones, junto con la línea desarrollada en conjunto con Fred Perry, demostraron que su influencia iba mucho más allá de su voz.

Su habilidad para hacer que elementos aparentemente poco refinados funcionaran con total coherencia y clase fue uno de los aspectos más valorados por los críticos de moda, quienes veían en ella un fenómeno de brillo efímero pero intenso.

Un impacto cultural que desafía al tiempo

La relevancia de Amy Winehouse en la cultura popular contemporánea se mantiene vigente años después de su fallecimiento.

Exposiciones como Beyond Black: The Style of Amy Winehouse, organizada por el Grammy Museum en Los Ángeles, Estados Unidos, han permitido documentar y analizar minuciosamente las piezas clave que compusieron su guardarropa.

Estas exhibiciones funcionan como un archivo histórico que preserva su esencia, desde los vestidos que utilizó en ceremonias de premiación hasta los accesorios más sencillos de su vida cotidiana.

El impacto de su imagen se refleja en el hecho de que sus prendas y accesorios, como el icónico bolso en forma de corazón de la firma Moschino, son hoy considerados objetos de culto con un valor histórico significativo.

La propuesta de la artista sigue resonando con fuerza debido a su honestidad brutal y su vulnerabilidad expuesta. Su capacidad para mantener una coherencia absoluta entre su sonido, una mezcla magistral de jazz, soul y R&B, y su indumentaria, la sitúa como una de las figuras más auténticas de la historia reciente.

Situado al oeste de Londres, Richmond está a unos 20 minutos en tren del centro de la capital británica. El distrito era conocido por su parque, sus edificios históricos y su ribera sobre el río Támesis. Desde el estreno de la comedia dramática, en agosto de 2020, sus calles se sumaron a los recorridos de seguidores que buscan reconocer los lugares de filmación.

La serie sigue a Ted Lasso, un entrenador estadounidense contratado para dirigir al AFC Richmond, un club ficticio de fútbol inglés. La trama combina la evolución deportiva del equipo con los vínculos entre sus jugadores, la propietaria Rebecca Welton y el resto del club.

La serie llevó visitantes a las calles y comercios de Richmond

Uno de los sitios más visitados es Paved Court, la calle donde se filmaron las escenas exteriores de la vivienda del entrenador. Allí funciona la tienda oficial del Richmond, que vende camisetas del equipo ficticio y las galletas que el personaje entrega a su jefa en la serie.

Al final de la calle está The Prince’s Head, un pub del siglo XVIII que en la ficción se llama Crown and Anchor. Frente al local se ubica el banco asociado a Ted Lasso, uno de los puntos elegidos por los visitantes para tomarse fotografías.

Del otro lado se encuentra Richmond Green, un espacio público arbolado que aparece en varios episodios. En el pasado albergó torneos de justas cuando la realeza pasaba temporadas en la zona; hoy integra los paseos dedicados a la serie.

La ribera del Támesis también forma parte de esos recorridos. Allí se filmó una cita entre Roy Kent, interpretado por Brett Goldstein, y Keeley Jones, personaje de Juno Temple. Entre los lugares identificables figuran el Richmond Theatre, inaugurado en 1899 y usado para una gala benéfica en la primera temporada, y Richmond Bridge.

El estadio del Richmond, en cambio, no está en el suburbio. Los partidos de la ficción se ruedan en Selhurst Park, al sur de Londres, donde juega el Crystal Palace. Aun así, Richmond se consolidó como el principal punto turístico para los seguidores de la producción.

Las visitas guiadas y los hoteles reflejan el impacto de la serie

El aumento de visitantes impulsó recorridos especializados. Ted Lasso Tours, fundada en 2022 por la residente local Emmy Mac, ofrece visitas privadas y grupales por 27 lugares de filmación.

Mac contó a CNN que la mayoría de sus clientes llega desde Estados Unidos, aunque también recibió personas de India, Singapur y México.

El fenómeno también alcanzó al sector hotelero y comercial. De acuerdo con los datos citados por The New York Times, los hoteles de Richmond registraron el doble de turistas estadounidenses desde el estreno de la serie. La tienda temática, los pubs y otros negocios del barrio reciben parte de ese flujo de viajeros.

No todos los vecinos celebran el incremento de personas que se detienen en las calles para sacar fotos. Steve Lloyd, residente de Richmond desde 1992, dijo a CNN que aparece con frecuencia de fondo en las imágenes de los turistas. Aunque no comparte el entusiasmo por la ficción, afirmó que no objeta las visitas y sugirió a los fanáticos probar otro pub cercano.

La cuarta temporada de Ted Lasso mantiene así el vínculo entre la ficción y el suburbio londinense. Los visitantes recorren los lugares que aparecen en pantalla, compran camisetas del Richmond y buscan el banco vinculado a la frase más reconocida del entrenador: “Believe”.

Cuando el presidente Javier Milei barajó meses atrás la posibilidad de viajar a Londres para participar de un evento empresarial en busca de inversiones, la relación entre la Argentina e Inglaterra estaba en un buen momento, sin mayores tensiones más allá de las que históricamente hubo entre ambas naciones por las Islas Malvinas que, en ese entonces, no estaba en la agenda prioritaria de la Casa Rosada.

Fue en julio pasado que trascendió esa noticia y las versiones hablaban desde un posible encuentro con Nigel Farage, líder de la derecha en ese país, hasta un saludo con Mick Jagger, a quien el mandatario idolatra desde que era niño.

Lo cierto es que la administración libertaria estaba planeando la visita que hubiera tenido un fuerte impacto simbólico por el antecedente de la guerra en el Atlántico Sur y que solamente tiene como antecedente la de Carlos Menem en 1998.

Hasta ese entonces, las autoridades argentinas sostenían una estrategia de continuar reclamando por la soberanía de las Malvinas ante la ONU y manteniendo un diálogo abierto con el Reino Unido.

Por ese motivo, desde julio la Cámara de Comercio Argentino Británica (BritCham) comenzó a trabajar en la organización de un evento lo suficientemente importante como para que ameritaba la presencia del jefe de Estado.

La fecha tentativa para el viaje era en octubre, cuando se realizará un encuentro minero que se lleva adelante todos los años en Londres y reúne a funcionarios e importantes referentes del sector empresarial.

Sin confirmación por parte de la Casa Rosada, la BritCharm decidió armar para esta ocasión una suerte de “Argentina Week”, como a la que Milei fue en Nueva York y a la que asistirá en París, con la idea de que finalmente estuviera también allí.

Sin embargo, todo cambió repentinamente cuando el Gobierno, aprovechando también las declaraciones del mandatario estadounidense, Donald Trump, decidió cambiar su postura respecto del reclamo por Malvinas.

El Presidente realizó una cadena nacional que generó mucha expectativa en la previa y en la que anunció un paquete de medidas para aumentar el presupuesto en defensa y endurecer las sanciones contra las empresas que explotan recursos naturales en el archipiélago.

Desde entonces, casi todas las comunicaciones oficiales estuvieron vinculadas a las denuncias que el Estado argentino presentó contra esas compañías, así como también contra sus ejecutivos y directivos.

Esto motivó la reacción del Reino Unido y principalmente de su primer ministro, Andy Burnham, quien advirtió en la Cámara de los Comunes que será “implacable” en la defensa del supuesto derecho de los isleños a ser británicos.

En este escenario tan complejo, Milei volvió a analizar con su círculo íntimo el viaje a Londres que tenía previsto para tan solo dentro de unas semanas: “Acordamos que era mejor suspenderlo”, explicó a Infobae una fuente del Gabinete.

Por su parte, la BritCham ya tiene casi definido que la Argentina Week no se haga y que el formato vuelva a ser el de la London Metal Exchange (LME), con invitados puramente vinculados al mundo de la minería.

Según pudo saber este medio, entre los confirmados están los gobernadores de Jujuy, Carlos Sadir, y de Catamarca, Raúl Jalil, quienes hasta el viernes sí mantenían este evento en sus respectivas agendas.

Por el lado de la Casa Rosada, el único que ya había aceptado la invitación, y al menos por el momento no se bajó, es el secretario de Minería, Luis Lucero. “No creo que vaya a venir nadie más”, reconocían desde la organización.

Mientras tanto, en Buenos Aires, este lunes el Presidente enviará al Congreso el proyecto de Ley de Defensa de la Soberanía Nacional, a partir del cual se agravarán las penas contra las compañías que están desarrollando actividades hidrocarburíferas en la Plataforma Continental Argentina, incluido el territorio de Malvinas.

Asimismo, la Oficina del Presidente comunicó que se creará el Sistema de Articulación de la Política Exterior, con el objetivo de implementar mecanismos de información, coordinación y asesoramiento para actividades estatales que puedan afectar los intereses del país.

“Asimismo, permitirá a la Cancillería asegurar que toda actividad vinculada a las relaciones exteriores de la República Argentina sea coherente, compatible y uniforme con los lineamientos generales de la política exterior, en lo relativo a los derechos soberanos sobre las Islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur y los espacios marítimos e insulares correspondientes”, se informó.

El lunes, antes de enviar el proyecto de ley, Milei recibirá en la Casa Rosada a los legisladores de La Libertad Avanza para hablar de esa iniciativa y del Presupuesto 2027, que también está vinculado, ya que establece aumentos en las partidas para defensa.

Al terminar, la secretaria general, Karina Milei, en su rol de titular del partido, cenará con todos los diputados y senadores en el nuevo local que el espacio tiene en el barrio porteño de San Telmo, el cual se inauguró hace algunas semanas.

Londres se convirtió en la primera ciudad del Reino Unido en contar con un servicio comercial de taxis autónomos, después de que Uber y la empresa tecnológica británica Wayve incorporaran vehículos con inteligencia artificial a la aplicación de la compañía estadounidense. El despliegue inicial contempla menos de 20 unidades, según indicó Sarfraz Maredia, director de movilidad autónoma de Uber, y se ampliará de forma progresiva.

El servicio arrancó con vehículos eléctricos Ford Mustang Mach-E equipados con la tecnología de conducción autónoma desarrollada por Wayve.

Según datos recogidos por The Guardian, hasta el momento solo hay 15 automóviles con licencia en circulación, una cifra que contrasta con los más de 100.000 vehículos de transporte privado que operan actualmente en la capital británica. Esa magnitud resulta similar a la cantidad de usuarios de Uber que ya se han registrado para acceder a los servicios de transporte autónomo.

Transport for London autorizó el mes pasado a Uber y Wayve a utilizar estos vehículos modificados como automóviles de alquiler con conductor, bajo condiciones que todavía exigen la supervisión de un conductor de seguridad.

Un conductor humano permanecerá al volante durante los trayectos

A diferencia de los servicios que ya operan sin supervisión humana en Estados Unidos y China, en Londres cada vehículo contará con una persona sentada en el asiento delantero, con capacidad para tomar el control o frenar en caso de que surja algún inconveniente. El conductor se presentará al pasajero mediante un mensaje robótico, en el que explicará que no hablará durante el viaje, aunque el cliente podrá solicitar que tome el mando del vehículo si lo prefiere.

Bajo el marco piloto del gobierno británico, los operadores de robotaxis necesitan una autorización adicional para funcionar sin conductor de seguridad. Ese proceso, gestionado por la Agencia de Normas para Conductores y Vehículos, avanza de manera independiente y se considera improbable que se conceda este año. “Ese proceso aún está en marcha”, señaló Maredia al medio británico.

Wayve apunta a una plataforma de fabricación industrial

Alex Kendall, director ejecutivo y cofundador de Wayve, expresó su satisfacción por presentar en Londres, “nuestra ciudad natal y uno de los entornos de conducción más complejos del mundo”, la tecnología de inteligencia artificial de la compañía. Kendall reconoció que el sistema “aún está en desarrollo” y evitó fijar una fecha para el lanzamiento de un servicio totalmente autónomo, aunque aseguró: “Estamos trabajando lo más rápido que podemos”.

El directivo explicó que la empresa se concentra en “vehículos fabricados a escala industrial”, en referencia a los futuros robotaxis Nissan Leaf equipados con su tecnología, y que aún necesita “validar los parámetros de seguridad en esa plataforma” además de obtener la aprobación regulatoria correspondiente. “Estamos trabajando en los tres proyectos en paralelo. En cuanto estén listos, lanzaremos servicios totalmente autónomos”, afirmó.

A diferencia de competidores como Waymo, que emplean sistemas de mapas predefinidos, la tecnología de Wayve se basa en un modelo de aprendizaje de inteligencia artificial.

Londres, un mercado clave en la expansión europea

El lanzamiento posiciona a Uber a la vanguardia entre las tecnológicas que compiten por introducir taxis sin conductor en la capital británica, considerada un mercado determinante para la expansión del sector en Europa. Tanto Waymo como la china Baidu realizan pruebas de sus propios robotaxis en las calles londinenses.

Las estrechas y complejas vías de la ciudad, sumadas al tránsito de autobuses, bicicletas y bicicletas eléctricas de alquiler, representan un desafío particular para estos vehículos. A esto se añade que, en Londres, cruzar la calle fuera de los pasos peatonales no constituye una infracción.

Los clientes de Uber no podrán solicitar de forma específica un robotaxi: la aplicación los emparejará de manera automática con un vehículo de Wayve al pedir un viaje, opción que podrán aceptar o rechazar. Los precios no diferirán de los de un trayecto convencional y la empresa indicó que no se solicitará propina al finalizar el recorrido.

A sus cuatro años, Hugo fue reconocido como el caballo vivo más alto del mundo tras alcanzar los 1,99 metros de alzada. El ejemplar de raza Shire, que vive en Towcester, en el condado inglés de Northamptonshire, fue incorporado al libro de Guinness World Records 2027 después de una medición oficial realizada por un veterinario.

El animal, adquirido cuando tenía 18 meses, ya llamaba la atención por su tamaño, aunque su tutor, Brett Masters, no esperaba que terminara por encima de los parámetros habituales de una raza conocida por sus grandes dimensiones. Sus cuidadores avisaron que todavía puede crecer.

Cómo se hizo la medición

La medición oficial se realizó sin herraduras, un criterio que permitió establecer con precisión la altura del animal hasta la cruz, la zona situada en la base del cuello.

Hugo mide 199 centímetros, equivalentes a unas 19,2 manos en la unidad tradicional de medición ecuestre. Con esa marca, superó a cualquier otro caballo vivo registrado por la organización.

“Todavía le quedan tres años de crecimiento. Es solo un bebé”, afirmó Masters a la BBC. El tutor estimó que el caballo podría continuar su desarrollo físico hasta los ocho años y medio.

El criador explicó que esa etapa exige controles frecuentes, ya que el crecimiento acelerado puede afectar la salud de un animal de este tamaño. “Puede causarle problemas, así que tenemos que tener mucho cuidado con él”, señaló.

Masters dirige Tove Valley Shire Horses, un centro dedicado a la cría y exhibición de caballos Shire. Hugo se convirtió en una figura conocida en la zona antes de obtener el récord, debido a que su presencia atraía a visitantes y vecinos cada vez que salía de su predio.

Cómo es la rutina de Hugo: veterinario, dentista y masajes

El tamaño de Hugo obliga a mantener una rutina de atención que incluye controles veterinarios, revisiones odontológicas cada seis meses, tratamientos de quiropráctica y masajes. Masters sostuvo que las placas de crecimiento del animal son muy activas, una expresión que alude a las zonas de los huesos donde se forma tejido nuevo durante el desarrollo.

“Tiene un quiropráctico, recibe masajes con regularidad y el veterinario lo revisa todo el tiempo”, detalló el tutor.

Además, Hugo recibe suplementos y sigue un régimen alimentario controlado. Un caballo Shire adulto puede consumir entre 15 y 20 kilos de heno diarios, además de pasto fresco. La cifra responde a su contextura: los ejemplares de esta raza suelen pesar cerca de 850 kilos, aunque algunos superan la tonelada.

“Lleva una vida de cinco estrellas, no le falta de nada”, resumió Masters al describir los cuidados que recibe el animal. También dijo que el reconocimiento de Guinness no incluyó una compensación económica y bromeó con que Hugo aceptaría zanahorias si algún productor quisiera enviárselas.

Pese a su altura, el propietario lo definió como un caballo dócil. “Es el más amable y tranquilo que hay”, comentó. Hugo participa en demostraciones de tiro tradicional y aprende a llevar jinetes, una actividad que se suma a las exhibiciones sobre las tareas que los Shire realizaban en el pasado.

Shire, los caballos fundamentales en las granjas y el transporte industrial británico

La raza Shire surgió en Inglaterra y fue seleccionada durante el siglo XVIII para trabajos agrícolas que requerían potencia. Su gran capacidad de tracción llevó a que estos caballos fueran utilizados para mover aperos de labranza, es decir, las herramientas destinadas al trabajo de la tierra.

Con la expansión de la Revolución Industrial, los Shire también trasladaron cargas pesadas entre canales, fábricas y molinos de Reino Unido. Tiraban de barcazas y de grandes carros, una labor que los convirtió en animales habituales dentro de la logística británica del siglo XIX.

La Shire Horse Society señala que los caballos de la raza llegaron a ser un medio de transporte relevante para los canales, ya que podían desplazar cargas de gran volumen con un costo menor que el de equipos humanos.

La alzada promedio de los Shire se ubica entre 1,65 y 1,92 metros. Hugo excede ese rango, aunque todavía se encuentra lejos del récord histórico absoluto. Sampson, un Shire criado por Thomas Cleaver en Toddington Mills, Bedfordshire, alcanzó los 2,19 metros en 1850. Más tarde recibió el nombre de Mammoth.

La raza Shire enfrenta una caída de ejemplares desde la mecanización agrícola

El reemplazo de los caballos de tiro por vehículos y maquinaria redujo la población de Shire durante el siglo XX. El Rare Breeds Survival Trust, una organización británica dedicada a preservar razas autóctonas de animales de granja, considera que la situación de la raza es crítica.

Solo quedan 212 caballos. La cifra refleja la disminución de una raza que, durante décadas, fue parte de la actividad agrícola y el transporte en Inglaterra.

La conservación depende de criadores, asociaciones y centros especializados como Tove Valley Shire Horses. En ese contexto, la notoriedad de Hugo también permite visibilizar a los Shire fuera de los ámbitos ecuestres.

Por ahora, el caballo récord seguirá bajo observación durante sus próximos años de desarrollo. Si mantiene el ritmo de crecimiento previsto por sus cuidadores, su altura final se conocerá recién cuando complete esa etapa, cerca de los ocho años y medio.

La Ciudad de México tiene 197 museos, de acuerdo con el Sistema de Información Cultural (SIC) de la Secretaría de Cultura, con datos de agosto de 2026.

Londres tiene más de 200 recintos museísticos, de los cuales 143 museos cuentan con acreditación oficial, según el Consejo de las Artes de Inglaterra.

París tiene 50 museos con el sello de gobierno “Musée de France”. Cada país cuenta sus museos de forma distinta, por eso las cifras no se pueden comparar de manera directa.

París tiene más museos por habitante que la Ciudad de México y Londres

La Ciudad de México tiene 9 millones 209 mil 944 habitantes, según el SIC.

El Gran Londres tiene 9 millones 122 mil 909 habitantes, de acuerdo con la Oficina Nacional de Estadísticas del Reino Unido (ONS), con datos publicados en julio de 2026.

París, en cambio, tiene solo 2 millones 103 mil 778 habitantes, según el Instituto Nacional de Estadística de Francia (INSEE).

Eso quiere decir que París tiene mucha menos gente que las otras dos ciudades, pero mantiene 50 museos oficiales.

En proporción a su población, tiene más museos por persona que México o Londres, aunque en número total tenga menos.

El propio gobierno mexicano no se pone de acuerdo en cuántos museos tiene su capital

El Instituto Nacional de Estadística y Geografía INEGI, el instituto de estadística del gobierno mexicano, da otra cifra para la capital: 166 museos, según su reporte de junio de 2026.

Hay una diferencia de 31 museos entre esta cifra y la del SIC. Dos oficinas del mismo gobierno no coinciden en cuántos museos hay en la ciudad.

Conteos de Museos en Francia: por región y no por ciudad

El Ministerio de Cultura de Francia no lleva un registro de museos por ciudad.

Su base de datos, llamada Muséofile, agrupa a París dentro de un área más grande llamada “departamento”. Ahí aparecen 50 museos con el sello “Musée de France”, según el portal Regions et Departements, especializado en estadísticas de Francia.

El ayuntamiento de París, en su página oficial Ville de Paris, dice que administra directamente solo 14 museos.

Londres admite que no puede dar un número exacto

La Greater London Authority, el gobierno de la ciudad de Londres, publicó en julio de 2026 un reporte con datos del Arts Council England: 143 museos con acreditación o en proceso de tenerla, hasta mayo de 2026.

El mismo reporte dice algo importante: “determinar un conteo exacto de museos es difícil”, porque los museos abren, cierran o cambian de estatus todo el tiempo.

Ese mismo reporte menciona otro estudio, hecho por un grupo de investigadores llamado Mapping Museums Lab, que calcula 252 museos en Londres para 2026.

La diferencia con la cifra del gobierno es de 109 museos. La causa es la misma que en México: no hay una sola definición de qué cuenta como museo.

Solo el 13% de quienes visitan los museos mexicanos son turistas extranjeros

La Secretaría de Turismo (Sectur) reportó 3.87 millones de visitantes a museos y zonas arqueológicas del país entre enero y febrero de 2026.

Esto representa un aumento de 4.2% respecto al mismo periodo de 2025.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) detalla que, de 2.2 millones de personas que visitaron museos en ese periodo, el 87% eran mexicanos y solo el 13% extranjeros.

El museo más visitado del país, el Museo Nacional de Antropología, recibió 5 millones 48 mil 893 personas durante 2025, según cifras del propio INAH.

El dato viral que compara a las tres ciudades

Ningún gobierno de México, Francia o Reino Unido ha comparado directamente a las tres ciudades.

La idea de que la Ciudad de México tiene más museos que París pero menos que Londres no proviene de ningún gobierno. Esa comparación circula en publicaciones de turismo que usan sus propias metodologías, distintas a los conteos oficiales de cada país.

La senadora nacional Juliana Di Tullio acusó al presidente del Banco Central, Santiago Bausili, de haberle mentido al Senado sobre el destino de las reservas de oro enviadas al exterior. Aseguró que los lingotes están depositados físicamente en Londres, aunque vinculados a una cuenta del Banco de Pagos Internacionales (BIS), con sede en Basilea, Suiza.

“Bausili le mintió al Senado. El oro está en Londres, en el Bank of England”, sostuvo la legisladora en diálogo con Infobae. La controversia se generó después de que el titular del BCRA afirmara ante los senadores que el oro había sido depositado en el BIS “en Suiza, donde sigue estando”.

Di Tullio anticipó dos medidas a partir de la documentación que recibió de la Auditoría General de la Nación (AGN): ampliará una denuncia penal presentada contra Bausili por el caso del oro y promoverá una nueva citación del funcionario a la Cámara alta.

“Vamos a ampliar la denuncia que ya le hicimos a Bausili”, afirmó la senadora. Precisó que se trata de una presentación penal realizada hace aproximadamente dos años, que será complementada con la nueva documentación de la AGN.

También adelantó: “Vamos a pedir la citación porque, según la Carta Orgánica del Banco Central, se puede pedir. Quiero que venga y que me diga en la cara otra vez lo que me dijo”.

La AGN aún analiza la trazabilidad de las reservas de oro

El nuevo elemento de la disputa es una nota oficial que el presidente de la AGN, Juan Manuel Olmos, le envió este jueves a Di Tullio en respuesta a dos consultas sobre el estado de los balances del Banco Central y el avance de la auditoría específica sobre la trazabilidad del oro colocado en el extranjero.

El documento establece que la AGN aprobó los estados contables de 2023 y 2024 mediante las resoluciones 100/2024 y 40/2026. En cambio, el balance de 2025 “se encuentra en proceso de análisis” y todavía no fue tratado por el Colegio de Auditores Generales.

La nota agrega que el BCRA entregó toda la información solicitada para la evaluación específica sobre la trazabilidad de las reservas de oro del Estado colocadas en el exterior.

Sin embargo, Olmos aclaró que la revisión no terminó: “La información remitida por el BCRA se encuentra aún en proceso de análisis por la demora —más de un año— incurrida por la autoridad monetaria en dar acceso a la misma”.

“A pesar del carácter reservado de la información, no ha concluido el análisis pertinente de la documentación remitida por el BCRA”, completó el presidente de la AGN.

Para Di Tullio, esa respuesta contradice uno de los argumentos de Bausili durante su exposición en el Senado: que la operación había sido auditada y que no existían observaciones.

La senadora marcó una diferencia entre la auditoría de los estados contables generales del Banco Central de 2024 y la revisión específica que el Congreso encomendó a la AGN sobre los movimientos y la trazabilidad del oro.

“La de 2024 es solamente sobre los balances del Banco Central. No tiene nada que ver con el oro”, explicó. Según reconstruyó, la AGN no pudo completar durante más de un año el trabajo específico por las dificultades para acceder a la información requerida.

“Por eso me mintió. Nos mintió”, afirmó.

Di Tullio sostiene que los lingotes están bajo custodia en Londres

El punto central de la controversia es la ubicación física de los lingotes. Bausili sostuvo ante los legisladores que el oro había sido trasladado y depositado en el Banco de Pagos Internacionales, cuya sede se encuentra en Basilea.

Di Tullio afirma, en cambio, que la ubicación física es Londres. “Vos no me podés decir que está en Basilea cuando está en Londres. Vos lo que me podés decir es: está en el BIS, pero con asiento en Londres”, sostuvo.

“Nunca estuvo en Basilea, siempre estuvo en Londres”, añadió.

Según pudo saber Infobae de fuentes con acceso a la información vinculada con la auditoría, la diferencia radicaría entre la titularidad o cuenta bajo la cual están registrados los activos y su custodia física. La trazabilidad analizada ubicaría el recorrido de los lingotes desde la Argentina hacia Londres, y no hacia Basilea.

Es decir, los activos pueden estar vinculados operativamente al BIS, pero el oro físico estaría depositado en el Bank of England. Ese es el punto que Di Tullio sostiene que Bausili omitió cuando respondió en el Senado.

La legisladora vinculó la forma en que el Gobierno presentó la información con el reciente endurecimiento del discurso oficial alrededor de la cuestión Malvinas. “Lo que yo creo es que con esta sobreactuación malvinera repentina no quieren decir que el oro no está en Basilea, sino que está en Londres”, dijo.

“No quieren decir que está en Londres”, insistió. Y agregó: “Que el oro tuyo lo tenga tu colonizador no está muy bueno”.

Durante su presentación ante el Senado, Bausili explicó que el Central mantuvo bajo reserva determinados detalles de la operación para impedir que otros participantes del mercado operaran contra la entidad.

“Cuando el Banco Central expone sus posiciones financieras, está invitando al resto de los agentes a operar en contra; le hace más difícil y costoso al Banco Central, entonces se resguarda cierta información para que no le operen en contra, se publica con rezago por los controles”, sostuvo.

El titular del Central aseguró que los movimientos estaban registrados y auditados. También explicó que el BCRA tenía distintos tipos y calidades de lingotes, algunos fundidos décadas atrás, y que a comienzos de 2024 surgió una oportunidad para mejorar esos activos a un costo inferior al habitual.

“En el mercado, cuando hay más o menos escasez, ese costo se achica o agranda. A nosotros se nos dijo que había alta demanda por lingotes de oro y, en ese contexto, se bajaron costos de aceptación de lingotes viejos de menor calidad. Al final, todos se analizan”, afirmó.

Luego dio la explicación que originó la nueva controversia: “Era óptimo aprovechar esa ventana de oportunidad y, a un costo más bajo que el histórico, convertir ese oro de calidad más baja en oro de calidad más alta. Entonces se trasladó y depositó en el BIS de Suiza, donde sigue estando”.

Di Tullio cuestionó esa descripción y el argumento de que la operación buscaba mejorar la calidad de los lingotes. “¿Por qué no traés el oro? Si ya hiciste el negocio”, planteó.

Según la senadora, si el objetivo era cambiar o certificar lingotes de menor calidad y ese procedimiento ya finalizó, el BCRA debería explicar por qué el metal permanece fuera del país. “Traelo”, resumió.

La reforma de la Carta Orgánica abrió otra discusión sobre las garantías

La discusión coincide con el tratamiento legislativo de la reforma de la Carta Orgánica del Banco Central, que ya obtuvo media sanción en Diputados. Di Tullio puso especial atención sobre el artículo 13 de la iniciativa y las modificaciones relacionadas con las garantías que puede otorgar la autoridad monetaria.

La senadora sostiene que la normativa vigente prohíbe utilizar el oro como garantía y considera que el nuevo texto modificaría esa situación. “Hoy está prohibido usar el oro como garantía”, señaló.

Di Tullio planteó como hipótesis que los activos ya podrían haber sido utilizados para respaldar una operación financiera. “Yo creo que es lo que hicieron, obviamente”, afirmó. Luego aseguró: “Efectivamente, usaron el oro como garantía. Cosa que está prohibida”.

Ese último punto constituye una acusación de la senadora y no surge acreditado en la carta enviada por la AGN. Según explicó, será uno de los aspectos sobre los cuales buscarán profundizar tanto en sede judicial como en el Senado.

Di Tullio relacionó esa sospecha con el proceso de análisis y certificación de los lingotes. “Para eso, necesitás ver la calidad del oro, si no, ¿para qué va al Bank of England?”, sostuvo.

La utilización de las reservas como garantía fue uno de los temas planteados durante el debate parlamentario de la reforma. La oposición busca determinar si las modificaciones propuestas por el Poder Ejecutivo habilitarían únicamente operaciones futuras o si podrían estar vinculadas con decisiones adoptadas desde 2024.

El traslado del oro había sido reconocido públicamente en julio de ese año por el ministro de Economía, Luis Caputo, después de una serie de pedidos de información del Congreso. “Es mucho mejor tenerlo custodiado afuera, donde te pagan algo”, sostuvo entonces para justificar la decisión.

Desde entonces hubo pedidos para conocer la cantidad trasladada, el destino de los lingotes, las empresas involucradas, las condiciones de custodia y el eventual rendimiento obtenido por el Central.

La controversia se profundizó porque la auditoría específica encargada por el Congreso no pudo completarse durante más de un año. La carta de Olmos establece ahora que el BCRA entregó toda la información solicitada, pero también que el análisis continúa y que la evaluación específica de la trazabilidad del oro todavía no concluyó.

Di Tullio considera que esa precisión alcanza para cuestionar la afirmación de Bausili de que el tema ya había sido auditado sin observaciones. “Bausili le mintió al Senado”, insistió.

La senadora exige que el funcionario vuelva al Congreso y responda sobre tres cuestiones: dónde están físicamente los lingotes, por qué siguen fuera del país y qué utilización tuvo el oro desde que salió de la Argentina.

La respuesta será reclamada por dos vías: la judicial, mediante la ampliación de la denuncia penal ya existente, y la parlamentaria, a través de un pedido formal para que el presidente del Banco Central vuelva a presentarse ante el Senado. “Quiero que venga y que me diga en la cara otra vez lo que me dijo”, resumió Di Tullio.

Los vecinos de Brick Lane, el corazón de la comunidad bangladesí en Londres, se oponen al proyecto de construcción de un centro de datos en una antigua fábrica de cerveza, un caso que ilustra la tensión entre el sector digital y las poblaciones locales.

El barrio fue durante mucho tiempo una arteria emblemática de los barrios populares londinenses. Los turistas aprecian sus comercios de ropa de segunda mano, las tiendas de discos y sus locales de bagels abiertos día y noche.

Faysal Ahmed, concejal del distrito de Tower Hamlets, cuenta que sus padres tenían un restaurante debajo de la vivienda familiar.

Aún quedan algunos locales tradicionales, pero el concejal lamenta la progresiva transformación del barrio en beneficio de la vecina City, el distrito financiero.

El proyecto del centro de datos forma parte de la reconversión, valorada en varios millones de libras, de la Truman Brewery, un recinto de 4 hectáreas que también albergará oficinas y comercios.

Una evolución que sus detractores consideran absurda.

La proliferación mundial de centros de datos, especialmente con el auge de la inteligencia artificial, suscita la oposición de los vecinos, preocupados por su huella energética y las consecuencias para el urbanismo.

Patrimonio

En Brick Lane, Faysal Ahmed lamenta que el proyecto aprobado por el gobierno ocupe un terreno que podría contribuir a dar alojamiento a una parte de los 31.000 hogares del distrito inscritos en la lista de espera de viviendas sociales.

De los 44 pisos previstos en el plan de remodelación, solo seis serán viviendas sociales, una situación que ha llevado a los vecinos a manifestarse el viernes.

A Susanna Kow, miembro de la campaña “Salva a Brick Lane”, le preocupa “la necesidad de viviendas sociales asequibles para los jóvenes y la conservación del patrimonio y el carácter” del barrio.

Según los documentos urbanísticos, el Gobierno laborista alegó la necesidad de responder a la creciente demanda de tecnología como la inteligencia artificial.

La AFP contactó con el Ministerio de Vivienda y la Truman Brewery pero han declinado pronunciarse sobre las críticas.

“Llevamos años haciendo campaña sobre temas urbanísticos y, en términos más generales, sobre la invasión de la City” en el barrio, explica Jonathan Moberly, que lidera la protesta local.

El proyecto ilustra “un problema nacional cada vez mayor: la cantidad de electricidad que consume “puede impedir que vean la luz otros proyectos, como viviendas”, añade.

Según la Agencia Internacional de la Energía, la demanda mundial de electricidad de los centros de datos se disparó un 17% el año pasado y se duplicará entre 2025 y 2030.

“Con los pies por delante”

“Todo lo que hacemos hoy en el ámbito digital proviene de un centro de datos”, responde a la AFP el consultor Mark Acton, para quien la proximidad de una instalación como la prevista en Brick Lane es crucial para Londres.

Si el Reino Unido quiere garantizar su soberanía, especialmente en materia de inteligencia artificial, “hay que ubicar (estos centros de datos) en algún sitio”, añade.

La asociación medioambiental Global Action Plan, que aboga por que se tenga más en cuenta la opinión de los vecinos, estima sin embargo que la normativa británica no contempla suficientemente el coste medioambiental de estas instalaciones.

“Ha sido una especie de caballo de Troya para un mal desarrollo”, declaró a la AFP Owen Espley, un directivo del grupo.

Un poco más lejos en la calle, Carol Burns, nacida y criada en el barrio, no tiene la intención de marcharse a otro sitio.

Sentada en la tienda que su familia dirige desde el siglo XIX, con las paredes cubiertas de fotos, se siente orgullosa de pertenecer a la comunidad del East End de Londres.

“La gente siempre intenta comprar este local, pero ni hablar. Tendrán que sacarme de aquí con los pies por delante”, afirma con su marcado acento cockney.

(AFP)

Una exposición itinerante sobre Renoir reabre el debate sobre si el impresionismo puede ser, a la vez, genial y misógino. Pierre-Auguste Renoir lleva más de un siglo dividiendo a la crítica, pero una muestra que recorre tres continentes vuelve a poner sobre la mesa una pregunta incómoda: ¿era realmente un gran pintor?

La exposición “Renoir y el amor”, que debutó este verano en el Museo de Orsay de París, llegará en octubre a la National Gallery de Londres y en primavera al Museo de Bellas Artes de Boston, informó Artnet News.

El recorte temporal no es casual: excluye deliberadamente las obras más tardías de Renoir, las que más polémica han generado. Son esas pinturas de la última etapa —desnudos de trazo descuidado, figuras de muslos voluptuosos y expresiones vacías— las que alimentaron, hace una década, la campaña “Renoir pinta fatal”, liderada por el artista Max Geller. El movimiento llegó a organizar protestas frente a museos de distintas ciudades y hoy pervive como cuenta de Instagram, según el medio especializado en arte.

Geller describió su rechazo ante “manos que parecen tentáculos” y “fondos que parecen vegetación podrida”, y atribuyó la presencia masiva de esas obras en colecciones estadounidenses a un fenómeno de mercado: “Las obras de mala calidad fueron enviadas por miles a través del Atlántico” para satisfacer el apetito de los nuevos ricos, afirmó en declaraciones recogidas por el medio.

Los detractores de Renoir tienen antecedentes de peso en la historia del arte

Las críticas no son nuevas. Édouard Manet llegó a declarar que Renoir “no tiene ningún talento” e instó a quienes lo conocían a que le dijeran que dejara de pintar. Mary Cassatt habló de “cuadros de mujeres enormemente pelirrojas con cabezas diminutas”. El crítico Clement Greenberg escribió que un día lo encontraba “poderoso” y al siguiente “casi débil”, incapaz de definirlo con precisión, según Artnet News.

La visita a la Fundación Barnes de Filadelfia —que alberga 181 obras del pintor— ilustra bien esa incomodidad: obras de Claude Monet y Paul Cézanne conviven con una cantidad abrumadora de Renoirs que, según muchos visitantes, acaban diluyendo el impacto de las grandes piezas.

Martha Lucy, subdirectora de investigación del Museo Barnes, sostuvo que Renoir tiene una habilidad particular para capturar la cercanía entre amantes y amigos. “Sus pinturas son accesibles. Son muy bonitas y sus personajes son agradables”, afirmó en declaraciones recogidas por Artnet News.

Uno de los ejemplos que la institución ha prestado para la muestra itinerante es El almuerzo (1875), una escena de café que, según Lucy, “muestra dos personas que se conectan en medio del tumulto de la vida urbana” con un dominio técnico del color que merece ser reconocido.

El fundador del museo, Albert Barnes, ya elogió en su momento la capacidad de Renoir para transmitir “la alegría de pintar la vida real de la gente común”. Esa accesibilidad, sin embargo, también ha sido leída como superficialidad: un crítico de los años ochenta la llamó “Pollyanna con un pincel”.

La discusión sobre su obra se cruza con señalamientos por antisemitismo y misoginia

El debate estético no está desvinculado del ético. El antisemitismo de Renoir lo llevó a rechazar públicamente al pintor Camille Pissarro. Y su forma de representar a las mujeres ha generado un cuestionamiento creciente entre historiadores del arte.

Karen Leader, profesora asociada de historia del arte en la Universidad Atlántica de Florida, elogió la obra temprana de Renoir como “compleja” y “técnicamente lograda”, pero advirtió que las pinturas posteriores resultan “impactantes” por estar “hechas para el puro placer de la mirada masculina”, según declaraciones recogidas por Artnet News. Lucy, por su parte, admitió que “la forma en que pinta a las mujeres puede resultar desagradable para mucha gente”.

El movimiento anti-Renoir plantea una pregunta más amplia sobre el canon museístico

Para Leader, “el valor de ‘obra maestra’ de una colección de Renoirs es una construcción patriarcal que alimenta una hegemonía de ‘grandes artistas’ impulsada por el mercado”. Citó a la historiadora del arte feminista Linda Nochlin para argumentar que la historia del arte debería ser “una disciplina crítica, no positiva”, y llamó a los museos a usar sus recursos para educar en lugar de entretener.

Geller coincidió en el fondo: “Los museos tienen un espacio limitado en las paredes. Tenemos magníficas pinturas de genios de comunidades marginadas”, planteó. Aun así, reconoció que el movimiento que fundó va más allá del rechazo a un pintor en particular. “No se trata de odiar a un pintor en particular. Nos mueve el amor por el arte y el deseo de tener museos que reflejen su riqueza”, dijo en declaraciones al medio.

La muestra puede visitarse en la National Gallery de Londres del 3 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027, y luego en el Museo de Bellas Artes de Boston del 20 de febrero al 13 de junio de 2027.

Hay noches que en una ciudad se recuerdan durante décadas. Y otras que terminan convirtiéndose en parte de la memoria de una nación. La tarde del 7 de septiembre de 1940, Londres comenzó a arder. Desde el otro lado del Canal de la Mancha llegaban formaciones de aviones alemanes. Primero aparecieron sobre los muelles del East End. Después llegaron las explosiones, los incendios, las columnas de humo y el estruendo que durante horas convirtió a la capital británica en un campo de batalla.

La población ya conocía las sirenas. Desde hacía meses, Gran Bretaña vivía esperando la invasión alemana. Pero aquella tarde la naturaleza de la guerra cambió. La Luftwaffe –fuerza aérea de la Alemania nazi- dejó de concentrar sus ataques principalmente sobre los aeródromos de la Royal Air Force y lanzó una ofensiva masiva contra Londres. Había comenzado el Blitz -guerra relámpago-.

El primer gran ataque reunió unos 350 bombarderos escoltados por alrededor de 600 cazas. Las incursiones comenzaron durante la tarde y continuaron en la noche. Se lanzaron cientos de toneladas de explosivos y una enorme cantidad de bombas incendiarias. Al amanecer, Londres había sufrido una de las jornadas más devastadoras de su historia moderna. Ese día, conocido como “Black Saturday”, murieron alrededor de 430 londinenses y unos 1.600 resultaron heridos, según el Imperial War Museums -Museo Imperial de la Guerra-. Pero aquello no era el final de una batalla, sino apenas el comienzo.

Durante los meses siguientes, la capital británica y numerosas ciudades del país eran atacadas una y otra vez. Las bombas caerían sobre barrios residenciales, fábricas, estaciones, puertos, hospitales y edificios públicos. Los incendios iluminarían el cielo nocturno y miles de personas aprenderían a distinguir, por el sonido, el tipo de avión que se aproximaba. Para los británicos, la Segunda Guerra Mundial había dejado de ser algo que ocurría en el continente. Ahora estaba sobre sus casas.

Una Gran Bretaña al borde del abismo

El Blitz no puede entenderse sin retroceder unos meses. En la primavera de 1940, Alemania lanzó una ofensiva fulminante sobre Europa occidental. Polonia había caído el año anterior y, en pocos meses, las fuerzas de Adolf Hitler ocuparon Dinamarca, Noruega, Bélgica, Países Bajos y Francia.

En junio, las tropas inglesas fueron evacuadas de Dunkerque. Francia había quedado fuera de la guerra. Gran Bretaña estaba prácticamente sola frente a la Alemania nazi. El nuevo primer ministro, Winston Churchill rechazó cualquier posibilidad de capitulación. Pero una pregunta comenzaba a dominar Londres: ¿podría Alemania invadir las islas? Hitler preparó entonces la Operación León Marino, el plan para desembarcar tropas en Gran Bretaña.

Pero para que una invasión fuera posible, Alemania necesitaba primero dominar el cielo. La Luftwaffe debía destruir o neutralizar a la RAF. Por eso, durante el verano de 1940, la batalla se concentró sobre los aeródromos, las instalaciones de radar y las posiciones de Fighter Command -Comando Militar de Caza-.

La Royal Air Force estaba sometida a una presión enorme. Los pilotos combatían casi sin descanso. Los aviones eran derribados y reemplazados. Las bases eran atacadas. Los técnicos trabajaban contra reloj para reparar las máquinas dañadas y devolverlas al aire. Pero los británicos resistían. Y entonces Alemania cometió uno de los cambios estratégicos más discutidos de toda la guerra.

El giro que llevó la guerra a Londres

La RAF había sufrido pérdidas importantes, pero no estaba derrotada. La Luftwaffe tampoco consiguió destruir la capacidad británica de defensa. El 7 de septiembre, el mando alemán cambió el foco de la ofensiva. En lugar de continuar concentrando el esfuerzo sobre los aeródromos, comenzó una campaña de grandes ataques diurnos y nocturnos contra Londres.

La decisión tenía una lógica militar y política. Los alemanes esperaban que el bombardeo de la capital obligara a los británicos a concentrar sus cazas en su defensa y, al mismo tiempo, provocara un colapso de la moral de la población. El objetivo era doble: destruir instalaciones importantes y quebrar la voluntad de resistencia.

Pero el cálculo tenía un problema. Los británicos no estaban dispuestos a rendirse. Las instalaciones dañadas podían ser reparadas con rapidez y la industria británica continuaba produciendo aviones. El cambio de objetivo permitió a los pilotos recuperar parte de la presión que habían sufrido durante las semanas anteriores.

La batalla por el cielo continuó. Y debajo de ella comenzó otra, mucho más silenciosa: la de los civiles. Así, los muelles de Londres se convirtieron en uno de los principales objetivos. Las instalaciones portuarias del East End estaban llenas de depósitos, almacenes, combustible y mercancías. Pero alrededor de esa infraestructura militar e industrial vivían miles de personas.

Las bombas no distinguían. Los edificios comenzaron a derrumbarse y los incendios se extendieron. Las sirenas de alarma se mezclaron con el sonido de las explosiones y el rugido de los aviones. Entonces, los bomberos entraron en acción. Los miembros de Air Raid Precautions -servicios de defensa civil- empezaron a recorrer las calles. Había que orientar a quienes buscaban refugio, atender heridos, apagar incendios, rescatar personas atrapadas y localizar a quienes quedaron sepultados. La guerra había transformado a los civiles en protagonistas. Un hombre que durante el día trabajaba en una oficina podía pasar la noche buscando sobrevivientes entre los restos de una casa. Una enfermera podía terminar atendiendo a decenas de heridos. Y hasta un niño debía aprender a dormir vestido porque en cualquier momento sonaba la alarma.

Los refugios y la vida bajo las bombas

El gobierno británico había comenzado a prepararse para los ataques antes de que llegara el Blitz. Se construyeron refugios, se distribuyeron máscaras antigás y se organizó la evacuación de niños desde las grandes ciudades hacia zonas rurales. Muchos fueron enviados fuera de Londres para alejarlos de los bombardeos.

Pero ningún plan podía eliminar el miedo. Cuando se oían las sirenas, las familias tenían que decidir dónde refugiarse. Algunos utilizaban los públicos. Otros bajaban a sótanos. Y muchos buscaban protección en las estaciones del subte de Londres, que terminó convirtiéndose en uno de los grandes símbolos del Blitz. Durante la noche, miles de personas descendían bajo tierra con colchones, mantas, comida y pequeños objetos personales. Allí intentaban dormir mientras sobre sus cabezas la ciudad era bombardeada. Para muchos londinenses, el metro dejó de ser simplemente un medio de transporte.

La rutina diaria se transformó completamente. El cielo podía estar despejado durante el día y convertirse en un infierno al anochecer. Las ventanas permanecían cubiertas por el apagón obligatorio y la oscuridad era una forma de defensa. Cualquier luz ayudaba a los bombarderos alemanes a localizar un objetivo.

Aunque el nombre Blitz quedó especialmente asociado con Londres, los ataques se extendieron a otras ciudades. Birmingham, Bristol, Liverpool, Manchester, Coventry y zonas industriales y portuarias fueron alcanzadas. A mediados de noviembre de 1940 comenzó una nueva etapa especialmente destructiva.

La noche del 14 al 15 de noviembre, Coventry sufrió uno de los bombardeos más potentes de toda la campaña, quedó gravemente destruida y su histórica catedral fue devastada. Los ataques respondían a una estrategia concreta: golpear la producción británica, sus puertos, sus fábricas y las redes de transporte.

Pero también buscaban producir un efecto psicológico. La idea alemana era que una población sometida durante semanas y meses a los bombardeos terminaría exigiendo a su gobierno que pusiera fin a la guerra. Pero eso no ocurrió. El miedo existía y la muerte estaba presente. Pero la sociedad británica no se derrumbó.

El fuego como arma

Las bombas de alto explosivo podían destruir edificios y abrir enormes cráteres en las calles. Pero las incendiarias tenían otro propósito, provocaban incendios. En una ciudad densamente poblada como Londres, un ataque generaba cientos de focos simultáneos. Los bomberos tenían que combatirlos mientras continuaban cayendo bombas. Las llamas podían saltar de un edificio a otro y el humo cubrir calles enteras.

En la noche del 29 de diciembre de 1940, Londres sufrió uno de los ataques más destructivos del Blitz. Grandes sectores quedaron destruidos por los incendios. La catedral de San Pablo sobrevivió y su silueta se convirtió en una de las imágenes más recordadas de aquella noche. Pero detrás había una realidad mucho más dura: personas muertas, familias separadas, casas destruidas, barrios enteros transformados en montañas de ladrillos y madera.

El Blitz no era solamente una campaña militar, también una guerra psicológica. Hitler y sus comandantes esperaban que el bombardeo constante debilitara la moral británica. Pero sucedió algo que los alemanes no habían previsto en toda su dimensión. La población comenzó a adaptarse. Eso no significaba que desapareciera el miedo. Los londinenses seguían corriendo hacia los refugios cuando sonaban las sirenas y llorando a sus muertos.

Pero también volvían a trabajar. Los comercios reabrían cuando podían y los trenes y hospitales intentaban mantener sus servicios. Los equipos de rescate retiraban los escombros. La ciudad trataba de reconstruir en el día lo que las bombas destruían durante la noche. Esa resistencia cotidiana se convirtió en una parte esencial de la batalla. No era una victoria militar espectacular, sino algo mucho más elemental: seguir adelante.

La RAF resiste

Mientras Londres sufría, la batalla en el aire continuaba. El objetivo alemán de destruir Fighter Command no había sido alcanzado. Los pilotos británicos, apoyados por una red de radares, observadores y control de operaciones, continuaban interceptando a los bombarderos alemanes. La Fuerza Aérea alemana sufrió pérdidas importantes y tampoco logró obtener la superioridad necesaria para una invasión.

La Batalla de Gran Bretaña fue oficialmente reconocida en el Reino Unido como desarrollada entre el 10 de julio y el 31 de octubre de 1940. El 15 de septiembre quedó especialmente señalado como un momento decisivo, cuando la Luftwaffe sufrió pérdidas importantes y quedó claro que no había conseguido derrotar a la Royal Air Force. Y entonces Hitler terminó postergando la invasión. Pero eso no significó que los bombardeos cesaran. El Blitz continuó.

Los ataques nocturnos se convirtieron en una rutina. En Londres se llegaron a registrar 57 noches consecutivas de bombardeos, además de incursiones diurnas. Entre septiembre de 1940 y mayo de 1941, más de 20.000 londinenses murieron y alrededor de 1,4 millones de personas quedaron sin vivienda como consecuencia de los bombardeos. Eso significaba que aproximadamente uno de cada seis habitantes de la capital había perdido su hogar. Para El Blitz la población era un objetivo directo de la guerra.

La noche del 10 al 11 de mayo de 1941 llegó uno de los ataques más devastadores. Más de 500 bombarderos alemanes atacaron Londres. La Cámara de los Comunes fue destruida y grandes sectores de la capital quedaron dañados. Según el Imperial War Museums, esa noche murieron 1.436 civiles y más de 155.000 familias quedaron sin gas, agua o electricidad.

Pero también fue una señal de que aquella etapa de la guerra estaba llegando a su fin. Hitler preparaba entonces una nueva operación. Su mirada se dirigía hacia el este. La invasión de la Unión Soviética estaba a punto de comenzar. Y la presión alemana sobre Gran Bretaña disminuyó. El Blitz había terminado y pese a todo, la ciudad seguía en pie.

El precio de sobrevivir

Alemania no había conseguido su objetivo fundamental. La RAF no pudo ser destruida y la superioridad aérea nunca llegó. La invasión de Gran Bretaña no se produjo. Y su población no obligó a Winston Churchill -primer ministro del Reino Unido- a pedir la paz. El plan de Hitler había fracasado en uno de sus objetivos esenciales: quebrar la resistencia del enemigo desde el aire.

Aquel 7 de septiembre de 1940 comenzó con una ciudad en llamas. Hitler apostó a que sus bombas podían destruir no sólo edificios, sino también la voluntad de un pueblo. Ocho meses después, cuando las últimas grandes incursiones del Blitz terminaron, quedó una certeza para el resto de la guerra: Gran Bretaña sobrevivió al ataque desde el cielo, y la Alemania nazi descubrió que una campaña de bombardeos devastadora podía destruir una ciudad sin conseguir doblegar a una nación.

El ministro de Finanzas del Reino Unido, John Healey, expondrá este lunes las principales líneas de su agenda económica ante el primer presupuesto del primer ministro Andy Burnham, previsto para el 28 de octubre, con el objetivo de avanzar en medidas destinadas a aliviar el costo de vida y estimular el crecimiento fuera de Londres.

Healey ofrecerá su primer gran discurso como ministro de Finanzas en un contexto marcado por las dificultades económicas del país, el elevado costo de vida, el desempleo juvenil y el aumento de los precios de la energía como consecuencia de la guerra entre Estados Unidos e Irán. Pese a este escenario, el funcionario prevé presentar una perspectiva cautelosamente optimista sobre las posibilidades de recuperación de la economía británica.

Según un comunicado del Tesoro, Healey planteará la necesidad de construir “una nueva historia sobre Gran Bretaña. Una historia optimista. Una historia de resiliencia”, como parte de una agenda orientada a fortalecer la actividad económica y respaldar a las empresas.

Entre las medidas previstas figura una reducción de la burocracia estatal y la creación de un fondo de 150 millones de libras esterlinas, equivalente a unos 200 millones de dólares, destinado a impulsar la innovación empresarial en el norte de Inglaterra.

La iniciativa se encuentra alineada con el objetivo de Burnham de transferir mayor poder económico y político a las regiones situadas fuera de Londres. El Gobierno busca así promover un crecimiento más distribuido territorialmente, con especial atención a las empresas y a la actividad económica de las zonas del norte del país.

“Quiero ver creación de riqueza en este país. Quiero ver que las empresas obtengan beneficios”, afirmará Healey durante su discurso, según el texto difundido por el Tesoro. El ministro también reiterará el principio defendido por Burnham de lograr “crecimiento en cada código postal”.

El Tesoro señaló además que Healey remarcará que el crecimiento económico debe estar acompañado por una gestión prudente de las cuentas públicas. “El ministro de Finanzas también dejará claro que un buen crecimiento es inseparable de la disciplina fiscal en cualquier momento, pero especialmente en un momento de incertidumbre global”, indicó el comunicado.

Poco margen fiscal

El presupuesto del 28 de octubre será el principal escenario para definir las próximas medidas económicas del Gobierno. Healey declaró durante el fin de semana al diario Financial Times que utilizará esa instancia para crear un “colchón contra la incertidumbre”.

El ministro mantiene el compromiso con las reglas fiscales establecidas por su antecesora, Rachel Reeves, que fijan como objetivo cubrir el gasto corriente del Estado con los ingresos públicos.

Sin embargo, Healey todavía no definió de forma pública si el presupuesto incluirá aumentos de impuestos o nuevas ayudas económicas para los hogares. Las decisiones deberán tomar en cuenta el deterioro de las condiciones financieras y el elevado nivel de endeudamiento del Estado británico.

Desde su llegada al Gobierno en julio, Burnham impulsó varias medidas destinadas a reducir algunos costos para los ciudadanos. Entre ellas se encuentran tarifas de autobús más baratas y una reducción del impuesto sobre las facturas de electricidad.

El primer ministro también decidió reducir un impuesto aplicado a los pubs y a otros establecimientos del sector de la hostelería, con el objetivo de aliviar la carga sobre esos negocios.

Al mismo tiempo, los rendimientos de los bonos soberanos británicos alcanzaron niveles máximos en varias décadas, mientras que el volumen de deuda pública limita el margen de maniobra del Ejecutivo para asumir nuevos compromisos de gasto.

Las restricciones fiscales generan dudas sobre la capacidad del Gobierno para financiar algunas de las principales promesas de Burnham. Entre ellas figuran un mayor control público de los servicios públicos, el objetivo de terminar con el sinhogarismo y la necesidad de cubrir un importante déficit de financiación en materia de defensa.

La situación también coloca a Healey ante una cuestión especialmente sensible: el gasto militar. Antes de asumir su actual cargo, el funcionario renunció como ministro de Defensa del Gobierno del ex primer ministro Keir Starmer y cuestionó la financiación destinada al área militar por parte del Tesoro.

Ahora, Healey enfrenta presión para reafirmar el compromiso de elevar el gasto en defensa hasta el 3% del producto interno bruto para 2030.

(Con información de AFP)

La cifra sobresale incluso dentro de los parámetros habituales del rock en vivo. Distintas referencias ubican a muchos recitales del género en una franja que puede ir de 110 a 120 dB, por lo que el nivel atribuido a The Who quedó por encima de ese rango. Más que un detalle técnico, el dato ayuda a dimensionar la magnitud del sonido que podía alcanzar una de las bandas más potentes de su época sobre el escenario.

El récord no se estableció en un espacio cerrado ni en un club pequeño, sino en un estadio de fútbol. La lectura se realizó a 50 metros de distancia durante un show en el estadio del Charlton Athletic FC, en Londres. Ese punto de medición también resulta relevante: no se trató de un registro tomado al lado de los parlantes, sino a una distancia suficiente como para ofrecer una referencia más amplia sobre el volumen general del concierto.

La marca de 126 dB y por qué Guinness dejó de medirla

El Libro Guinness dejó asentada la marca de 126 dB como récord oficial del concierto más ruidoso. Sin embargo, con el paso del tiempo la organización decidió discontinuar esa categoría.

La explicación fue concreta: seguir premiando niveles extremos de presión sonora podía estimular prácticas capaces de poner en riesgo la audición del público y de quienes trabajaban en los espectáculos.

La decisión transformó ese registro en una especie de récord congelado. No necesariamente porque después no hayan existido recitales igual o más intensos, sino porque Guinness optó por dejar de certificarlos.

De esa manera, la marca de The Who quedó como una referencia histórica, pero también como el cierre administrativo de una era en la que el volumen podía presentarse casi como una credencial de prestigio dentro del rock.

Dónde y cuándo se registró el concierto más ruidoso

El show que quedó vinculado a la medición formó parte de Who Put The Boot In, una gira de tres fechas por el Reino Unido realizada en mayo de 1976. La parada londinense en el estadio del Charlton Athletic FC fue la que quedó asociada al récord. El dato de los 50 metros no es menor, ya que permite entender en qué condiciones fue tomada la lectura que luego recogió Guinness.

Ese breve recorrido incluyó además otros dos conciertos importantes: uno en Celtic Park, en Glasgow, y otro en el estadio Vetch Field del Swansea City FC, en Gales. En ese contexto, la fecha de Londres terminó destacándose por encima del resto, no sólo por el impacto musical del grupo, sino porque quedó inmortalizada en el libro de los récords.

La banda británica que Guinness coronó como la más ruidosa

La publicación identificó al cuarteto londinense como el grupo más ruidoso certificado por Guinness. Aunque con el tiempo circularon versiones sobre otras bandas capaces de superar ese umbral, lo cierto es que la marca oficial continuó ligada a The Who.

Entre los nombres mencionados habitualmente en esa conversación aparecen Led Zeppelin, AC/DC y Kiss, todos asociados a puestas en escena de enorme potencia sonora.

Esa comparación también ayuda a ubicar el lugar de The Who en la historia del rock. No se trataba solamente de una banda exitosa o influyente, sino de un grupo que construyó parte de su identidad en torno a la energía del directo, la intensidad de sus shows y una presencia escénica que dejó huella en varias generaciones.

Quiénes fueron The Who

The Who surgió a comienzos de los años 60 en Londres, primero en pubs y escenarios pequeños, antes de convertirse en una de las formaciones centrales del rock británico. Antes de adoptar su nombre definitivo, la banda pasó por las denominaciones The Detours y luego The High Numbers.

Su formación clásica estuvo integrada por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon. Con ese núcleo, el grupo desarrolló una identidad propia basada en canciones de alto impacto, una actitud desafiante y conciertos que se volvieron parte de su leyenda.

El récord de 1976, en ese sentido, no aparece como una rareza aislada, sino como una prolongación lógica de una reputación escénica que ya era parte esencial de su historia.

Unos 2000 años separan la tragedia de Sófocles, Electra, del drama psicológico de Ingmar Bergman, Persona, pero la primera encierra la clave para comprender la segunda. En la película de Bergman, una actriz de teatro enmudece durante una representación de Electra porque la ruptura filial retratada en la obra de Sófocles evoca sucesos clave de su propia vida: la inquietante representación de la identidad fragmentada en Persona tiene su origen en un trauma materno.

Las resonancias entre estas dos obras canónicas se exploran en una ambiciosa obra de teatro nueva protagonizada por Cate Blanchett y Nina Hoss, que se estrenó esta semana en el Teatro Nacional de Londres.

La producción, titulada Electra/Persona y en cartelera hasta el 10 de octubre, supone un reencuentro triangular para su guionista y director australiano, Benedict Andrews, y sus dos actrices principales: Andrews dirigió a Hoss en El jardín de los cerezos y a Blanchett en Las criadas; y Hoss interpretó a la esposa de Blanchett en la película Tár de 2022.

La obra no es una simple mezcla, sino que consta de dos partes distintas y yuxtapuestas, conectadas únicamente por ecos sugerentes y una constante preocupación por la interpretación y la naturaleza escurridiza de la identidad. En consonancia con este tema, Blanchett y Hoss intercambian papeles en noches alternas. En la noche del estreno, Blanchett interpretó a Clitemnestra, la madre despectiva y frívola de la irascible Electra de Hoss.

Incapaz de perdonar a su madre por haber matado a su padre, Agamenón, y por haberse acostado con Egisto, su rival, Electra está tan sumida en el dolor que ha dejado de comer y de bañarse. Se enfurece amargamente blandiendo un martillo de plata. Pero Clitemnestra tenía sus razones: Agamenón había sacrificado a su hija Ifigenia para asegurar vientos favorables para una expedición militar.

La Clitemnestra de Blanchett expone sus argumentos con convicción, aunque su preocupación resulta inquietantemente falsa. Dice estar muy preocupada por Electra y añade, volviéndose hacia el público: «Todos lo estamos».

El tema de la representación se hace explícito cuando Clitemnestra propone una recreación de la muerte de Ifigenia mediante un juego de roles terapéutico. Electra se pone la chaqueta militar de su difunto padre, mientras que su hermana, Crisótemis (Ella Lily Hyland), se viste con un vestido que perteneció a Ifigenia. Es un momento extraño.

Más tarde, Electra canaliza el espíritu de su hermano perdido, Orestes, tras ponerse su vieja chaqueta deportiva, y se venga de Egisto (Patrick Robinson) de una manera sorprendentemente estilizada. El martillo ni siquiera lo alcanza; en cambio, Electra le escupe varios chorros de sangre falsa en la cara, y él cae muerto. Esto resulta, de alguna manera, más ignominioso que cualquier golpe contundente.

Hoss guarda silencio y la acción se detiene durante unos minutos. Los tramoyistas limpian la sangre mientras los actores se retocan el maquillaje con indiferencia, y la escena se reanuda con Hoss interpretando a Elisabeth, la actriz muda, recuperándose al cuidado de Alma, la enfermera interpretada por Blanchett. Una gran pantalla desciende del techo, sincronizada con una cámara de mano que los actores se apuntan entre sí por turnos para crear impactantes primeros planos en blanco y negro. Nos encontramos ahora en el mundo del cine de Bergman.

Se perciben ecos del enfrentamiento entre Clitemnestra y Electra en la servil y deslumbrada Alma, interpretada por Blanchett, quien mantiene un diálogo unilateral con su muda protegida. Su intento de despertar preocupación se topa con una hermetismo absoluto. El forzado profesionalismo de Alma da paso a una familiaridad ingenua, seguida de resentimiento y enfado. Mientras tanto, Elizabeth, interpretada por Hoss, se comunica mediante sugerentes microexpresiones, sonrisas apenas contenidas y gestos fugaces e inescrutables.

Este singular pas de deux es magníficamente modulado por Blanchett y Hoss, quienes suben y bajan descalzos por la inmensa escalera que ocupa todo el ancho del escenario. (La escenografía es de Magda Willi).

Las alusiones a la guerra y al desastre ambiental sugieren el efecto agravante de los acontecimientos mundiales, pero el origen de la difícil situación de Elisabeth es personal, como finalmente descubrimos: dio a luz a un hijo pero no sintió nada por él.

Cuando las identidades de Alma y Elisabeth parecen fundirse en una sola, evocando el espectro de la locura, recordamos el comentario anterior y significativo de Crisótemis sobre el gran parecido entre Electra y su madre: “A veces no puedo distinguir dónde termina ella y dónde empiezas tú”.

Últimamente, los clásicos están de moda en los escenarios londinenses. Dos millas más adelante, a orillas del Támesis, en el Bridge Theatre, los espectadores pueden disfrutar de una versión muy diferente de la tragedia griega a cargo de otro director australiano, Simon Stone. Su modernización de La Orestíada de Esquilo retrata la tensa relación entre padres e hijos en un thriller al estilo de Succession, repleto de sangre, suspense y acción trepidante. Es sumamente entretenida, pero bien podría haber sido una serie de televisión. En contraste, el minucioso enfoque psicológico de Electra/Persona, magistralmente interpretado por la elegante interpretación de Blanchett y Hoss, parece hecho a medida para el teatro.

Fuente: The New York Times

Entre el 23 y el 27 de abril de 2026, una secuencia audiovisual de sesenta segundos se proyectó en 53 espacios culturales de 16 ciudades. Desde Londres hasta Buenos Aires, pasando por Nueva York, Ciudad de México, Milán, Lisboa y Berlín, el proyecto CAOS Global: SIGNAL 01 apostó por una circulación artística descentralizada y simultánea. “SIGNAL 01 surgió de una incomodidad frente a la sobreabundancia. Vivimos en un ecosistema cultural saturado de imágenes, mensajes y explicaciones que compiten permanentemente por visibilidad”, dice Sofía Cruz en diálogo con Infobae Cultura.

“Sentíamos que no hacía falta producir más contenido, sino ensayar otra forma de hacerlo circular”, continúa Cruz, quien es Provocadora de Caos Regional en CAOS Global, la organización artística internacional, independiente y anónima con base en Londres, detrás de esta movida. Ella vivió varios años en el Reino Unido, donde trabajó en proyectos de arte contemporáneo junto a artistas, galerías y espacios culturales.

“Nos preguntamos qué ocurriría si, en lugar de sumar ruido, creábamos una señal mínima y permitíamos que viajara a través de vínculos directos. Así apareció una obra de un minuto que, sin una sede central, una inauguración principal ni una campaña que la organizara, fue transmitida durante los mismos cinco días en 53 espacios de 16 ciudades. Más que llenar un vacío temático, buscamos recuperar algo que sentíamos debilitado: la pausa, la curiosidad, el encuentro y la posibilidad de enfrentarse a una imagen sin recibir de antemano instrucciones sobre cómo interpretarla. La cultura global no carece de imágenes; quizás carece de suficientes espacios para relacionarnos con ellas de otra manera”, dice.

Tras SIGNAL 01, la iniciativa avanza hacia SIGNAL 01 / ECOS, una etapa en la que la señal se convierte en instalación física y analógica: inaugura el 18 de septiembre en MACBA, hasta el 4 de octubre. También quisimos invertir el movimiento habitual: que el público no tuviera que trasladarse hacia la obra, sino que la obra viajara hacia el público y apareciera en medio de contextos muy diferentes", agrega.

La propuesta partió de una lógica inversa a la habitual: la obra no esperaba al público, sino que iba hacia él. Durante cinco días, librerías, galerías, cafeterías, escuelas de arte e instituciones culturales exhibieron esta pieza en loop, sin campaña digital ni inauguración central. La red incluyó espacios como El Ámbito Cultural de El Corte Inglés, en Madrid; EnPomme, en Lisboa; Nube y Feliza, en Buenos Aires; y Leake Street Arches y Central Saint Martins, en Londres.

“Lo que los vinculó fue una disposición: alojar una obra sin intentar controlar completamente su significado y participar por un interés genuino en la propuesta, sin una promesa de visibilidad, prestigio o retorno comercial a cambio”, dice y agrega: “No buscamos un perfil determinado por la trayectoria, la nacionalidad, la disciplina o la posición dentro del mercado. Nos interesan la sensibilidad, el rigor, la curiosidad y la capacidad de trabajar con procesos abiertos, entendiendo que una obra puede transformarse cuando cambia de contexto y que su circulación también forma parte de su lenguaje”.

Cruz sostiene que “no existe un límite formal: pueden convivir técnicas analógicas y digitales, imágenes, sonido, instalación, animación o formatos todavía difíciles de clasificar. Pero la apertura no significa ausencia de criterio. El límite es ético, no estilístico. No nos interesan prácticas que reproduzcan discriminación, desinformación o discursos que anulen al otro como interlocutor, ni aquellas que pretendan imponer una única lectura posible. La apertura no significa ausencia de criterio”.

“No buscamos una incidencia entendida como persuasión ni como impacto publicitario. Tampoco queremos indicarle al público qué debe pensar. Nos interesa producir un pequeño desplazamiento en la manera de mirar, sentir y relacionarse con una imagen”, agrega.

En un presente atravesado por la saturación, la desinformación y los discursos polarizados, la reacción inmediata muchas veces reemplaza a la reflexión. CAOS intenta abrir un intervalo dentro de esa dinámica: un espacio en el que cada persona pueda detenerse, asociar, interpretar y construir una lectura propia. La incidencia también sucede entre los espacios. SIGNAL 01 puso en relación lugares que normalmente no compartirían una misma obra, un mismo público ni una misma conversación. Demostró que puede construirse una experiencia global sin borrar las diferencias entre los contextos", continúa.

El objetivo, asegura, es “recuperar sensibilidad y pensamiento crítico para generar vínculos que no estén definidos únicamente por algoritmos y para recordar que una experiencia común no tiene que producir una interpretación idéntica”.

Países Bajos trasladó 86 toneladas de sus reservas de oro desde Estados Unidos y Canadá a Londres entre marzo y agosto, en una operación con la que el banco central neerlandés reordenó el 14% de sus existencias para contar con una disponibilidad más rápida del metal en caso de crisis, en medio de un escenario de inestabilidad geopolítica.

La decisión fue comunicada por el Banco de Países Bajos este miércoles. La entidad explicó que el oro depositado en Londres ofrece mayores facilidades para ser utilizado con rapidez en los mercados internacionales que el almacenado en Nueva York y Ottawa, dos plazas que hasta ahora concentraban una porción mayor del total neerlandés.

Antes de la operación, Países Bajos mantenía 31,3% de su oro en Nueva York y 19,7% en Ottawa. Tras el movimiento, ambas ciudades quedaron con 18,5% cada una, mientras que la participación de Londres subió de 18,1% a 32,1%. Dentro del territorio neerlandés permanece 30,8% de las reservas.

El DNB indicó que el volumen total de oro bajo su propiedad asciende a 612,4 toneladas, con un valor de 72.200 millones de euros al cierre de 2025. De ese total, las 86 toneladas trasladadas equivalen a cerca del 14% de las reservas.

La entidad sostuvo que esta nueva distribución busca mejorar la capacidad de movilización de sus reservas. Según explicó, el oro alojado en Londres cumple con los estándares comerciales internacionales más altos y puede ser colocado en el mercado con más rapidez si se presenta una situación de emergencia financiera o geopolítica.

El traslado no se realizó de una sola forma. El banco central neerlandés informó que parte de la operación se concretó mediante compraventa de oro y otra parte a través del movimiento físico de lingotes. Ese esquema permitió reducir los riesgos asociados a un transporte masivo de metal precioso y evitó, además, la necesidad de fundir los lingotes para adaptarlos a otros formatos.

El DNB vendió en Nueva York cerca de 59 toneladas de oro y luego utilizó esos recursos para adquirir en Londres una cantidad equivalente de metal que cumpliera con las condiciones exigidas por el mercado internacional. A eso se sumó el traslado material de más de 27 toneladas desde Estados Unidos y Canadá hacia Zeist, donde el banco neerlandés dispone de un centro de efectivo con fuertes medidas de seguridad.

Desde Zeist salió después una cantidad similar con destino a Londres. La secuencia permitió completar el reequilibrio sin concentrar todo el procedimiento en un único desplazamiento transatlántico. El banco señaló que ese método hizo la operación más eficiente y también más conveniente en términos de costos.

El presidente del Banco de Países Bajos, Olaf Sleijpen, sostuvo que el cambio fortaleció la capacidad operativa de las reservas. En la comunicación oficial, señaló que la institución no prevé tener que utilizar ese oro, pero consideró necesario reforzar la preparación del país frente a escenarios adversos.

Fuera de la explicación oficial, la operación se conoció en un momento de preocupación creciente por la evolución del escenario político internacional y por la seguridad de las reservas estratégicas mantenidas fuera de las fronteras nacionales. En ese contexto, la decisión neerlandesa volvió a poner el foco sobre la ubicación de los activos de respaldo de los bancos centrales.

(Con información de AP, AFP, EFE y Euro News)

Antes de que Londres conociera el nombre de Jack el Destripador, de que los diarios llenaran sus páginas con historias de un asesino que desaparecía entre las sombras, y de que Scotland Yard recibiera cientos de cartas de supuestos autores de los crímenes, hubo una mujer que terminó sola, sin dinero y tendida sobre el pavimento de una calle de Whitechapel –barrio del este de dicha ciudad-. Se llamaba Mary Ann Nichols. Tenía 43 años.

En la madrugada del 31 de agosto de 1888, un hombre que caminaba por Buck’s Row -una calle estrecha y poco iluminada del East End londinense- descubrió algo que al principio creyó que podía ser una persona dormida. Cuando se acercó comprendió que era un cadáver. Poco después de las 3.40 horas, un policía confirmó el hallazgo. Nichols había sido asesinada.

Tenía profundas heridas en el cuello y el abdomen: había sido brutalmente mutilada. La violencia del ataque llamó inmediatamente la atención de los investigadores, pero todavía no existía ningún motivo para pensar que aquel homicidio iba a convertirse en el primer capítulo de una de las investigaciones criminales más famosas de todos los tiempos.

La aparición de Jack el Destripador

La prensa aún no había convertido al homicida en un personaje. Y nadie podía imaginar que, apenas una semana después, otra mujer aparecería asesinada a pocos minutos de distancia. Pero aquella madrugada de agosto comenzó una historia que todavía, casi 140 años después, continúa sin una respuesta definitiva.

La historia de Mary Ann Nichols quedó durante décadas reducida a una palabra: víctima. “Polly” era el apodo por el que era conocida. Detrás aparecía una vida mucho más compleja. Había nacido en Londres en 1845, hija de Edward Walker, un herrero, y Caroline Webb. En 1864 se casó con William Nichols, y el matrimonio tuvo cinco hijos. Durante un período llevó una vida familiar relativamente estable. Pero la relación se deterioró.

La pareja terminó separándose y Mary Ann comenzó a atravesar una existencia cada vez más precaria. Pasó por distintos alojamientos y empleos y, como muchas mujeres pobres del Londres victoriano, quedó expuesta a una realidad en la que conseguir unas pocas monedas podía determinar dónde dormiría esa noche.

El problema no era únicamente la falta de dinero, también la ausencia de una red de protección. En el Whitechapel de 1888, sin un salario estable y sin vivienda propia podía quedar rápidamente al borde de la indigencia.

Los registros históricos muestran precisamente eso: las mujeres que después fueron relacionadas con Jack el Destripador no eran simplemente personajes marginales surgidos de la nada. Habían tenido trabajos, parejas, hijos y distintas formas de subsistencia antes de quedar atrapadas en las condiciones de extrema pobreza.

El Archivo Nacional británico advierte que la tradicional descripción de las víctimas como prostitutas simplificó sus vidas y estuvo influida por los prejuicios sociales de la época. Mary Ann Nichols no fue una excepción.

La última noche

El 30 de agosto, la mujer había estado en Whitechapel intentando conseguir dinero. No era una cuestión menor, necesitaba pagar su alojamiento. En los llamados “lodging houses” o casas de alojamiento común, los pobres podían alquilar una cama por una noche. En muchos casos se trataba de dormitorios compartidos, con condiciones extremadamente precarias.

La noche de su muerte, Nichols había bebido. También estaba sin plata suficiente para asegurarse un lugar donde dormir. En algún momento regresó a su alojamiento y se encontró con un problema que, visto desde hoy, parece insignificante frente a lo que ocurriría pocas horas después: no tenía las monedas necesarias para pagar. La mujer encargada del lugar, Emily Holland, no podía permitirle entrar gratuitamente.

Necesitaba solucionarlo y volvió a salir. Poco después, Holland se encontró nuevamente con ella en la calle. Mary Ann le habría explicado que esperaba conseguir lo suficiente para poder regresar y pagarle. Esa conversación sería uno de los últimos testimonios conocidos sobre ella.

Después siguió caminando. En algún momento de aquella madrugada apareció en Buck’s Row. Y allí se cruzó con el hombre que iba a matarla. Buck’s Row era una calle de Whitechapel que hoy se conoce como Durward Street. En 1888 era un lugar oscuro, cercano a establos y depósitos, alejado del movimiento de las principales calles. Aproximadamente a las 3.40 de la madrugada, el policía John Neil realizaba su ronda cuando encontró el cuerpo.

La escena era inquietante. Mary Ann Nichols estaba tendida boca arriba. Tenía el vestido levantado y las piernas extendidas. Había sangre. Pero el aspecto más perturbador eran las heridas. Su garganta había sido cortada profundamente. El ataque no terminó allí, presentaba varios cortes en el abdomen.

El doctor Rees Ralph Llewellyn llegó poco después y examinó el cuerpo. La violencia indicaba que no había muerto simplemente como consecuencia de una agresión común. Las lesiones mostraban que el asesino utilizó el cuchillo de una manera deliberada. El médico estimó que la muerte se produjo pocos minutos antes del hallazgo. El homicida probablemente había abandonado el lugar poco antes de que el policía encontrara el cuerpo. La diferencia podía haber sido de minutos. Y ese detalle se convertiría en una de las grandes frustraciones de la investigación.

Una ciudad acostumbrada al crimen

Londres era, en aquellos años, una de las ciudades más grandes del mundo que presentaba enormes contrastes. En el West End se encontraban el poder, la riqueza, los grandes teatros, los hoteles y las residencias de las clases acomodadas. En el East End, en cambio, millones de personas vivían en condiciones mucho más duras.

Whitechapel era un territorio de hacinamiento, pobreza, enfermedades, alcohol, prostitución y delincuencia. Había gente por todas partes. Trabajadores que comenzaban sus jornadas, vendedores ambulantes, personas que regresaban de los bares, vecinos que entraban y salían de sus alojamientos, inmigrantes, niños, policías, de todo.

Sin embargo, las calles secundarias podían quedar prácticamente desiertas durante determinadas horas. Y esa combinación -una ciudad enorme, una población vulnerable y una zona donde mucha gente podía pasar inadvertida- convirtió la investigación en una tarea complicada.

La investigación

La muerte de Nichols movilizó inmediatamente a la policía. Pero Scotland Yard todavía no estaba frente al monstruo criminal que la historia recordaría. La primera hipótesis fue la de un asesinato individual. Había que encontrar a alguien que la hubiera visto y reconstruir sus últimos movimientos, saber dónde había estado y determinar quién pudo acompañarla. Y, sobre todo, hallar el arma homicida.

El problema era que el asesino parecía haber desaparecido. No había sido visto claramente, tampoco aparecía un sospechoso. Y las técnicas de investigación criminal estaban todavía muy lejos de las actuales, por ejemplo, no existía el ADN, ni cámaras de seguridad, ni perfiles criminales científicos. Las huellas digitales todavía no formaban parte de la investigación policial de rutina.

La escena del crimen podía ser examinada, pero la cantidad de información que se podía extraer era infinitamente menor que la disponible para un investigador moderno. Y para colmo, el asesino había elegido una ciudad en la que podía confundirse con cientos de personas.

Así las cosas, la prensa encontró una historia irresistible. El crimen comenzó a ocupar espacio en los periódicos. Las noticias sensacionalistas sobre violencia vendían. Pero este asesinato tenía algo diferente. La brutalidad de las heridas sugería que el responsable podía ser algo más que un asesino común.

La muerte de Nichols también ocurrió en un contexto de enorme preocupación social por la inseguridad de Whitechapel. La población empezó a preguntarse si una mujer podía caminar sola durante la noche sin convertirse en una víctima. Y entonces ocurrió algo que cambiaría completamente la historia. El 8 de septiembre otra chica apareció muerta. Se llamaba Annie Chapman. Había sido asesinada en el patio trasero de una casa de Hanbury Street.

Su cuerpo presentaba mutilaciones todavía más severas. Y la posibilidad de que ambos crímenes estuvieran relacionados comenzó a tomar forma. Entonces, la policía dejó de investigar simplemente el crimen de Mary Ann Nichols y comenzó a buscar a un asesino serial. En las primeras comunicaciones policiales, el responsable fue denominado “Whitechapel Murderer”.

El nombre que terminaría haciéndolo famoso surgió en medio de una avalancha de cartas. En octubre de 1888, una recibida por la policía llevaba una firma que se convertiría en legendaria: “Jack the Ripper”. No existe certeza de que haya sido escrita por el verdadero asesino. De hecho, los Archivos Nacionales británicos señalan que se conservan cientos de misivas atribuidas al supuesto criminal y que no existe evidencia sólida que permita afirmar que alguna fue realmente redactada por él. Pero el apodo ya estaba creado. Y era perfecto para la prensa. Desde entonces, el homicida dejó de ser solamente un criminal desconocido y se convirtió en un personaje.

Cinco víctimas y un verdadero desconcierto

La policía terminó vinculando oficialmente cinco asesinatos con el mismo autor: Mary Ann Nichols, Annie Chapman, Elizabeth Stride, Catherine Eddowes y Mary Jane Kelly, todas en aproximadamente tres meses. Dos de ellas, Stride y Eddowes, murieron la misma noche del 30 de septiembre. En todos los casos existieron similitudes que llevaron a los investigadores a considerar que podían ser obra de una misma persona: los ataques al cuello y, en cuatro, mutilaciones posteriores.

La investigación policial fue enorme. Se tomaron declaraciones, registros, pistas, testimonios. Se recibieron cartas y se interrogó a sospechosos. La presión sobre Scotland Yard aumentó con cada asesinato. Pero nada funcionó. El responsable conocía las calles, sabía moverse, atacaba rápidamente y lograba desaparecer en una zona densamente poblada.

El caso también mostró las limitaciones de la Policía Metropolitana, que era relativamente joven y estaba intentando adaptarse a una ciudad que crecía a una velocidad extraordinaria. No tenían una herramienta que permitiera unir de manera concluyente las escenas del crimen con una persona. Por eso, después del último de los cinco asesinatos, el misterio quedó abierto. No hubo arresto, ni juicio, ni condena.

Eso sí, surgieron sospechosos que alimentaron el mito, decenas de nombres: médicos, carniceros, comerciantes, trabajadores, integrantes de la nobleza. Incluso miembros de la familia real fueron incluidos en algunas teorías. Pero ninguna hipótesis consiguió demostrar quién era el asesino.

Uno de los documentos más famosos es el denominado informe Macnaghten, elaborado años después, en 1894, que mencionaba a tres sospechosos. El paper forma parte de los archivos de la Policía Metropolitana conservados por el Archivo Nacional. Pero tampoco resolvió el caso.

El nombre de Jack el Destripador quedó suspendido en el tiempo. Sin rostro ni identidad comprobada. Sin tumba ni sentencia. Y Mary Ann quedó detrás del mito. Existe una paradoja en toda esta historia. El asesino se convirtió en una celebridad macabra y las calles donde mató en lugares turísticos.

Se escribieron libros, se hicieron películas y surgieron nuevas teorías en las que se discutieron nuevos sospechosos. Pero las mujeres asesinadas quedaron siempre relegadas a un segundo plano. El propio Archivo Nacional señala que la fascinación pública se concentró desde el comienzo en el homicida y que las víctimas fueron frecuentemente reducidas a estereotipos. Mary Ann Nichols merecía algo más que ser recordada como “la primera presa”.

Después de su asesinato, el miedo se instaló en Whitechapel. Las mujeres pobres quedaron todavía más expuestas. Los periódicos encontraron en el caso una historia capaz de alimentar durante semanas la imaginación de sus lectores. Y un desconocido pasó a ocupar un lugar permanente en la historia criminal. Así, Jack el Destripador nunca fue identificado y durante casi un siglo y medio logró escapar de la justicia y se llevó ese secreto a su propia tumba.

El presidente francés, Emmanuel Macron, viajará a Londres el miércoles 2 de septiembre para inaugurar en el Museo Británico una exposición del Tapiz de Bayeux , la obra del siglo XI que representa la conquista de Inglaterra por parte de Guillermo el Conquistador, según informó el Elíseo. Además, el presidente francés también mantendrá el jueves un “primer intercambio en profundidad” con el nuevo primer ministro británico Andy Burnham, según informó la presidencia. Se espera que tenga “la oportunidad de saludar al rey Carlos”, agregó un asesor presidencial, sin dar más detalles.

El objetivo principal de la visita es “la inauguración de la exposición que conmemora el préstamo del Tapiz de Bayeux al Museo Británico”, que un asesor presidencial describió como “un momento particularmente significativo” para las relaciones franco-británicas y que Macron ha impulsado personalmente. El líder francés espera destacar el “préstamo excepcional” de la obra, que salió de Francia por primera vez en más de 900 años cuando fue trasladada a Londres bajo estrictas medidas de seguridad. Este viernes, el Museo Británico reveló algunas secciones de la obra que representan la batalla de Hastings de 1066 y la invasión del ejército normando de Guillermo el Conquistador.

La exhibición estará abierta al público desde el 10 de septiembre hasta el 11 de julio de 2027, y ya se han vendido 100 mil entradas para los primeros cuatro meses de la exposición. Macron, quien estará acompañado por su esposa, Brigitte Macron, está “muy ansioso” por ver el tapiz expuesto “en condiciones óptimas”, extendido en toda su longitud sobre la mesa donde se exhibirá. La visita del líder francés será la primera de un líder de la Unión Europea desde que Burnham asumió el cargo el mes pasado, tras la renuncia de Keir Starmer, quien había trabajado en estrecha colaboración con Macron y había forjado una cálida relación personal con él.

“El presidente había desarrollado una relación muy amistosa y sumamente eficaz, particularmente en lo referente a Ucrania y el Medio Oriente, con el primer ministro Starmer”, dijo un funcionario presidencial. Se esperaba que la coordinación con Burnham fuera “igual de importante y regular”. “Se estableció contacto de inmediato” con Burnham, agregó la presidencia, señalando también los primeros pasos de Burnham en el cargo, incluido un viaje temprano a Kiev para mostrar apoyo a Ucrania.

Una promesa de 2018 que tardó años en materializarse

Macron comprometió el préstamo del Tapiz de Bayeux en 2018, durante una cumbre política, como símbolo de amistad franco-británica tras el Brexit. “Podemos hacer un nuevo tapiz juntos”, declaró entonces el mandatario. Sin embargo, la promesa quedó en suspenso durante años: a mediados de 2021 el acuerdo estaba “en el congelador”, según la ex embajadora británica en Francia, Menna Rawlings, y para la primavera de 2025 el proyecto parecía definitivamente inviable. En una reunión en el Ministerio de Cultura francés, altos funcionarios insistieron en que “no era posible. El tapiz es demasiado frágil. Los científicos lo dicen”.

El desbloqueo llegó en el Festival de Cannes del año pasado, en un episodio que los negociadores recuerdan con humor. El funcionario británico de cultura Chris Bryant se reunió con la entonces ministra de Cultura francesa, Rachida Dati, quien llegó 25 minutos tarde. Cuando apareció, anunció que traía buenas noticias, pero exigió que Bryant se arrodillara para pedirle la mano. Bryant respondió que ya tenía esposo. “Yo también”, contestó Dati: “¿Qué tiene de malo el poliamor?”. Bryant se arrodilló, y semanas después Macron anunció formalmente el préstamo. El gobierno británico aseguró el proceso por más de mil millones de dólares, y el rey Carlos III también respaldó la gestión.

El traslado se ejecutó el 9 de julio en una operación confidencial durante la noche. A las 18:15, un camión amarillo transportó la obra sellada en un contenedor con control de clima y vibraciones desde Bayeux. Escoltado por agentes de seguridad franceses, el vehículo cruzó el Canal de la Mancha en un tren Eurostar y avanzó hasta el Museo Británico, donde el tapiz salió de Francia por primera vez en más de 900 años. La pieza no había abandonado el país ni para la coronación de Isabel II en 1953, ni para el 900° aniversario de la batalla de Hastings en 1966, ni en ninguna de las otras ocasiones en que el Reino Unido lo solicitó formalmente.

Fuente: AFP

Cuatro jóvenes británicos se declararon culpables este viernes ante la justicia del Reino Unido por su participación en el incendio de ambulancias de la comunidad judía de Londres, en un caso vinculado a una cadena de ataques antisemitas registrados tras el inicio del conflicto con Irán.

En la madrugada del 23 de marzo, cuatro unidades de Hatzola —organización benéfica judía de voluntarios que opera en el barrio de Golders Green, al noroeste de Londres— fueron quemadas en un estacionamiento contiguo a una sinagoga. Los vehículos, valuados en aproximadamente 250.000 libras esterlinas (USD 340.000 dólares) cada uno, estaban completamente equipados. La explosión de las bombonas de gas en su interior también dañó apartamentos cercanos y el propio templo.

Hamza Iqbal, de 20 años; Rehan Khan, de 19; Judex Atshatshi y Saif Ali, ambos de 18, enfrentaban cargos de “destrucción o daños a la propiedad actuando con imprudencia temeraria, poniendo en peligro la vida de otras personas”. Al admitir los hechos ante el Tribunal Penal Central de Old Bailey, evitaron el desarrollo de un juicio oral.

Tres de los imputados participaron en la audiencia por videoconferencia, mientras que Ali estuvo presente en sala. Los cuatro permanecerán en prisión preventiva hasta la lectura de sentencia, programada para la primavera de 2027, según informó la Policía Metropolitana de Londres (Met Police) en un comunicado.

La fiscal Emma Harraway había calificado el hecho ante el tribunal como “un ataque premeditado y dirigido contra la comunidad judía”. El fiscal Leo Seelig apuntó, además, a una posible “conexión terrorista”, aunque no se mencionó en sala la participación directa de ningún grupo externo.

Un quinto implicado, Subhan Ahmed, de 18 años, se declaró no culpable del cargo de encubrimiento. Según lo expuesto en el proceso, habría colaborado en deshacerse del automóvil empleado durante el operativo. Quedó en libertad bajo fianza con condiciones estrictas y será juzgado el 27 de enero de 2027 ante el mismo tribunal.

Los hechos formaron parte de una serie de incidentes contra lugares vinculados a la comunidad judía en la capital británica, registrados en las semanas posteriores a los primeros ataques de Estados Unidos e Israel contra Irán, el 28 de febrero. La mayoría fueron reivindicados en línea por Harakat Ashab al-Yamin al-Islamiya (HAYI), también identificado como el Movimiento Islámico de los Compañeros de la Derecha.

La policía antiterrorista investigó la posible implicación de estructuras afines a Teherán en ese conjunto de episodios. El gobierno del Reino Unido señaló a integrantes de la Fuerza Al Quds —rama de los Guardianes de la Revolución iraní dedicada a operaciones fuera de sus fronteras— como posibles articuladores de HAYI. La embajada iraní en Londres rechazó de forma categórica cualquier responsabilidad en dichos actos.

Los abogados de los cuatro condenados negaron que sus clientes tuvieran vínculo alguno con grupos proscritos de carácter terrorista. El incendio de Golders Green se produjo seis meses después del ataque contra una sinagoga de Mánchester, en el que murieron 2 personas.

(Con información de AFP, AP y EFE)

En el corazón de Londres, el estreno de “Practical Magic 2″ reunió a dos de las actrices más emblemáticas de Hollywood, quienes demostraron que el estilo tiene tantas facetas como la magia misma. Sandra Bullock (62) y Nicole Kidman (59) protagonizaron en la alfombra roja del Odeon Luxe Leicester Square una dualidad visual que captó todas las miradas y marcó el inicio de la gira promocional de la esperada secuela.

Ambas optaron por estilos radicalmente opuestos, logrando una sinergia que no solo acompañó la narrativa mística de la saga, sino que reafirmó su lugar como referentes internacionales de la moda.

Bullock y Kidman regresan a la pantalla grande en la piel de las hermanas Owens con la misma fuerza con la que irrumpieron en 1998, pero ahora con una madurez estilística que evidencia la evolución del glamour en las premieres internacionales.

En esta ocasión, la alfombra roja fue el escenario de una elección estética cuidadosamente orquestada. Mientras Bullock apostó por un look animal print de Givenchy, Kidman eligió un vestido de lentejuelas de Chanel, confirmando que la moda y el cine pueden dialogar desde la diferencia.

Nicole Kidman: brillo etéreo y sofisticación contemporánea

La propuesta de la actriz de “Kill Bill” evocó la sofisticación propia de las divinidades clásicas y la visión moderna de la alta costura francesa. Su vestido, confeccionado en un tono menta helado o plateado, funcionó como una segunda piel luminosa gracias a la cobertura integral de micro-lentejuelas. El diseño partió de un corsé ajustado que definió su silueta, mientras que el escote strapless, protagonista arquitectónico de la prenda, permitió que cayeran múltiples cadenas doradas en cascada sobre los hombros y el pecho.

La falda rectilínea y fluida contrastó con la densidad de las lentejuelas, ofreciendo ligereza y movimiento. Una abertura lateral destacó la verticalidad de la figura de Kidman y exhibió unas sandalias doradas de tiras finas. Para complementar, la actriz eligió accesorios metálicos y una pulsera de diamantes, aliando plata y oro en un juego cromático que enriqueció el resultado final.

El estilismo se completó con una melena rubia suelta, dividida con raya al medio y ondas suaves, y un maquillaje natural en tonos rosados, logrando una imagen limpia que permitió que el vestido y los accesorios brillaran por sí mismos. La sencillez en el beauty look fue clave para no competir con el impacto visual del atuendo.

Sandra Bullock: fuerza felina y volumen escultórico

La actriz de “La Propuesta” optó por el camino contrario, con un estilismo donde la estructura y el volumen fueron protagonistas. Su elección recayó en un vestido animal print de leopardo, firmado por Givenchy para la colección ready-to-wear Fall/Winter 2026. El diseño, de corte strapless y escote cóncavo, incluyó un corsé interior que ciñó la cintura y un lazo de gran tamaño en la cadera derecha, creando una silueta tridimensional de fuerte impronta editorial.

La abertura frontal del vestido permitió ganar ligereza y dinamismo, dejando a la vista unas sandalias negras de tiras en forma de T. Como complemento, Bullock eligió una superposición de cadenas doradas con dijes, aportando un contraste desenfadado al estampado. El peinado, con melena castaña suelta y ondas naturales, y un maquillaje con suave ahumado en tonos cálidos, reforzaron la apuesta por una presencia magnética y terrenal.

Contraste y complicidad: una narrativa visual en la alfombra roja

El contraste entre ambas propuestas no solo respondió a decisiones de moda, sino que estableció un diálogo visual que rinde homenaje a la dualidad de sus personajes. Kidman encarnó la faceta más luminosa y etérea, mientras Bullock apostó por la solidez de los tonos cálidos y el volumen vanguardista. Esta combinación de estilos construyó una narrativa visual donde glamour, magia y complicidad confluyeron en una misma escena.

Así, la premiere de ”Practical Magic 2″ en Londres anticipó una gira promocional donde la moda seguirá desempeñando un papel fundamental en la narrativa de la película y la imagen de sus protagonistas.

Neurocirujanos del Hospital Nacional de Neurología y Neurocirugía (NHNN), en Londres, realizaron la primera operación cerebral exitosa asistida por inteligencia artificial de la historia, según confirmaron autoridades sanitarias el pasado jueves. La intervención preservó la visión de un hombre de 48 años al que el tumor le hubiera causado ceguera permanente.

De acuerdo con el medio británico The Guardian, la cirugía se practicó en mayo en el NHNN, parte del University College London Hospitals NHS Foundation Trust, pero los detalles permanecieron bajo reserva mientras el paciente, Rhys Hibbert, completaba su recuperación. El hospital fue fundado en 1859 y es considerado el primer centro neuroquirúrgico del mundo.

Una operación de milímetros

El tumor de Hibbert medía 11 milímetros (0,4 pulgadas) y estaba ubicado sobre su glándula pituitaria, una zona del cerebro donde los nervios ópticos y los vasos sanguíneos convergen en un espacio sumamente reducido. La glándula pituitaria regula funciones hormonales esenciales del organismo, lo que añade complejidad a cualquier intervención en esa área. Las autoridades sanitarias advirtieron que “equivocarse un milímetro puede marcar una diferencia crítica”, con consecuencias que van desde la ceguera hasta un derrame cerebral o la muerte.

Durante la intervención, el sistema de IA procesó en tiempo real las imágenes captadas por la cámara quirúrgica. El software identificó y codificó con colores las estructuras anatómicas clave —nervios, vasos sanguíneos y tejidos sensibles— para orientar a los cirujanos, quienes mantuvieron el control total del procedimiento. Antes de esta operación, la tecnología se empleaba exclusivamente como herramienta de investigación dentro del propio hospital.

La doctora Sophia Bano, profesora asociada en robótica e inteligencia artificial del University College London (UCL) y directora técnica del sistema, explicó a The Guardian que la herramienta fue entrenada con cientos de videos de cirugías previas. “Está diseñado para reconocer anatomía crítica, instrumentos quirúrgicos e interacciones con los tejidos en tiempo real, apoyando al cirujano durante procedimientos de alta delicadeza”, declaró. La especialista precisó que ese volumen de exposición a casos quirúrgicos tomaría muchos años en acumularse mediante la práctica clínica convencional.

Del diagnóstico a la recuperación

Hibbert, oriundo de Bedfordshire, recibió su diagnóstico en 2024. Desde entonces presentó un desequilibrio hormonal severo y una pérdida de visión progresiva que, de no mediar una intervención quirúrgica, lo hubiera dejado ciego de forma permanente, según precisaron las autoridades sanitarias. El cuadro clínico se manejó inicialmente sin cirugía, pero el agravamiento sostenido de los síntomas llevó al equipo médico a optar por la operación.

Al despertar de la anestesia, el paciente notó una mejoría inmediata. “Cuando volví en mí… podía ver todo con claridad en la habitación”, declaró en declaraciones recogidas por el medio británco. En menos de una semana caminaba sin asistencia ni anteojos, y poco después retomó su trabajo como gerente de atención al cliente.

“Siento que tengo una vista panorámica de 360 grados de todo lo que me rodea”, afirmó el paciente, también señaló que el NHNN era el lugar indicado para protagonizar este hito médico, dado su lugar en la historia de la neurocirugía mundial.

Financiamiento y perspectivas

La operación contó con el financiamiento del Instituto Nacional de Investigación en Salud y Atención (NIHR) en el marco de un ensayo clínico. El profesor Mike Lewis, director científico de innovación del NIHR, calificó la intervención de “cirugía pionera” y subrayó el potencial de la inteligencia artificial avanzada para mejorar la atención a los pacientes, según consignó The Guardian.

El ensayo clínico permanece abierto para evaluar los resultados de la tecnología en futuros procedimientos y determinar el alcance de su aplicación en otras especialidades quirúrgicas. Los investigadores del UCL prevén que, de validarse los datos, el sistema podría extenderse a otros hospitales del sistema de salud pública británico en los próximos años.

Un cuadro de Piet Mondrian realizado en 1920 con el título Composition III saldrá a la venta este próximo otoño en Londres, en una subasta organizada por la casa Christie’s.

La subasta, que se cerrará el 14 de octubre, aspira a recaudar por este cuadro una cifra de entre 20 y 30 millones de libras (27-40 millones de dólares).

Composition III es uno de los ejemplos más característicos del llamado neoplasticismo de Mondrian, y consiste en una serie de cuadrados y rectángulos de diferentes tamaños, algunos coloreados con tonos uniformes y separados por claras líneas negras.

Christie’s destaca que esta obra no ha salido nunca antes a la venta, y que durante 25 años tampoco ha sido expuesta en público, lo que puede avivar el interés del mercado.

Siendo el año 1920 uno de los ‘picos’ de la carrera de Mondrian, varias de sus obras realizadas ese año se encuentran en destacados museos de reconocida fama mundial como el MoMA neoyorquino o la Tate de Londres.

Pese al valor estimado de la tela, Composition III no será la más cara de las producidas por Mondrian: el récord lo tiene Composition II, vendida en 2022 en Nueva York por 51 millones de dólares; tres años después, otra obra del mismo estilo se acercó a esa cifra al venderse por 47,6 millones de dólares, también en Nueva York.

Fuente: EFE

La llegada de los robotaxis a Londres no ha podido concretarse debido a retrasos y diferentes desafíos regulatorios, a pesar de los anuncios de empesas como Uber y Wayve, que ya estaban listas para un lanzamiento.

Paralelo a lo que sucede en esta ciudad, en otros países de Europa la movilidad autónoma comienza a mostrar avances concretos en otras ciudades, señalando que la carrera por el dominio de este mercado apenas comienza.

Cuáles son los obstáculos regulatorios y técnicos que frenan los robotaxis en Londres

El despliegue de los robotaxis en la capital británica parecía estar al alcance este año. En junio, Uber y la startup local Wayve recibieron las primeras licencias de minicab para ofrecer viajes autónomos a clientes, aunque bajo la condición de que un conductor humano permanezca al mando como medida de seguridad.

Sin embargo, el proceso se ha visto ralentizado por la falta de directrices claras por parte de Transport for London (TfL), la autoridad encargada de regular el sector, según reporta The Guardian.

Christina Calderato, directora de estrategia de TfL, manifestó ante el comité de transporte de la asamblea londinense que el organismo “no está en condiciones de comenzar a aceptar solicitudes durante algún tiempo”. Según la funcionaria, “hay una enorme cantidad de trabajo detrás de escena”.

La ausencia de un marco regulatorio específico se ha convertido en el principal reto. Sin la publicación de las pautas que deben seguir las empresas interesadas, resulta imposible avanzar en la aprobación definitiva de los servicios. Esta situación ha generado frustración entre los operadores, que ven cómo el cronograma inicial se desvanece y la competencia internacional avanza.

Cómo es el proceso de autorización y las exigencias del gobierno británico

Para operar taxis sin conductor en Londres, las compañías deben superar un proceso de aprobación doble. Por un lado, es necesario obtener el denominado “automated passenger services permit”, un permiso gestionado por la Agencia de Normas de Conductores y Vehículos (DVSA, por sus siglas en inglés), dependiente del ministerio de Transporte. Hasta el momento, ningún vehículo ha superado este filtro.

Sólo después de obtener este permiso es posible solicitar la autorización de TfL. Una vez que la autoridad publica las directrices y recibe una solicitud formal, dispone de seis semanas para dar una respuesta.

El retraso en la publicación de los requisitos ha descolocado tanto a empresas como a potenciales usuarios. Más de 100.000 londinenses figuran en la lista de espera de Uber y Wayve para probar el servicio. No obstante, la falta de definiciones ha postergado cualquier posibilidad de lanzamiento masivo en 2024.

En este contexto, la postura política también ha influido. Si bien la secretaria de Transporte, Heidi Alexander, había acelerado el calendario oficial para los ensayos comerciales, el nuevo primer ministro, Andy Burnham, se muestra menos entusiasta respecto a la promoción de la tecnología autónoma. Según algunos expertos, esta falta de impulso desde el gobierno central ha contribuido a la ralentización del proceso.

Qué está pasando en el resto de Europa

Mientras Londres enfrenta trabas regulatorias, países como Estados Unidos, China y varias ciudades de Oriente Medio ya cuentan con robotaxis en funcionamiento. En Europa, Uber y Pony.ai iniciaron operaciones en Zagreb y planean expandirse a más ciudades, sumando más de 2.000 vehículos.

Waymo, por su parte, se prepara para lanzar su servicio en Múnich, aprovechando la legislación avanzada de Alemania, con el objetivo de operar robotaxis sin intervención humana una vez cumplidos los requisitos regulatorios.

Expectativas y desafíos para el futuro de los robotaxis en Londres

La llegada de los robotaxis a Londres sigue rodeada de incertidumbre. Empresas como Waymo, Uber y Wayve han expresado su interés en lanzar servicios autónomos para 2026, pero no ofrecen fechas firmes.

La complejidad del tráfico y la infraestructura londinense supone retos adicionales frente a otras ciudades. La sociedad tampoco muestra consenso: el 42 % de los londinenses rechaza los robotaxis, principalmente por dudas sobre seguridad y el futuro laboral de los taxistas, mientras solo el 29 % apoya la innovación.

Uber y Wayve planean pilotos limitados con conductores de seguridad, y Wayve renovará su flota con Nissan Leaf equipados de fábrica. Baidu, en cambio, recién comenzó pruebas y prevé operar en 2025. Todo avance depende de que Transport for London publique las normas y la DVSA apruebe los vehículos.

Emilia Mernes sorprendió a sus seguidores con una publicación que lo tuvo todo: un viaje a Londres, una sucesión de looks cuidados al detalle y, en el centro de cada imagen, el cambio que nadie esperaba. El cabello negro azabache, largo y ondulado, reemplazó al morocho con el que la cantante venía siendo reconocida. El pie de foto fue escueto y críptico, apenas unas palabras que funcionaron como cuenta regresiva sin número final.

La primera imagen del carrusel lo dijo todo antes de que el ojo terminara de recorrerla. Emilia posó frente al espejo del baño de la habitación de hotel, con el brazo izquierdo extendido hacia arriba y el teléfono en la mano derecha. Llevó puesto un catsuit de manga larga con estampado efecto denim desgastado y la inscripción “Gia” en letras cursivas color menta sobre el pecho. El cabello, negro intenso y con ondas amplias, cayó sobre los hombros y contrastó con sus ojos claros, verdes. No fue una selfie casual: fue una presentación.

En todas las tomas, el pelo negro ocupó el centro del cuadro. El camarín —con su mesa de maquillaje llena de productos, las planchas, los pinceles y el característico enchufe inglés de tres patas en la pared— ubicó la escena sin necesidad de palabras: Londres, detrás de escena. “TIC TAC TIC TAC TIC TAC”, escribió la cantante en el pie de foto de la publicación, un guiño a una nueva era en su carrera musical.

Otra selfie del mismo espacio sumó un detalle que no pasó inadvertido: Emilia sostuvo el teléfono con la pantalla hacia la cámara mientras con la otra mano sujetó el cable de los auriculares. El pelo cayó lacio hacia un lado. La expresión fue seria, casi estudiada.

La reacción de Duki, su pareja, llegó directo a los comentarios en mayúsculas: “UNAS GANAS DE SER PELO NEGRO PARA ACOMPAÑAR ESOS OJOS VERDES”. La actriz Valentina Zenere también dejó su marca: “¿cooooomo mi amor?”, con la sorpresa de quien vio algo que no esperaba.

El contraste entre el adentro y el afuera del hotel estructuró buena parte del álbum. En una de las imágenes más llamativas, la cantante apareció fotografiada con la cámara girada 180 grados: el resultado fue una toma invertida donde pareció suspendida sobre las calles de Londres, con el conjunto de tul color vino y los tacones negros apuntando hacia el cielo. Los edificios de ladrillo rojo y un vehículo estacionado quedaron colgados boca abajo.

Ese mismo conjunto —un catsuit de tul color vino con detalles de strass y corset de cordones— fue el que Emilia eligió para recorrer el centro londinense. Apareció con él en dos tomas sobre la misma calle de arquitectura victoriana: en una bajó una escalera con cartera negra en mano y tacones de tiras; en la otra, parada en el medio de la calzada de Kean Street, en el barrio de Covent Garden, posó de perfil con los edificios de ladrillo rojo como fondo.

Para los paseos por el Támesis, apostó por otro registro. Campera de cuero negra, short blanco con ojales y cordones, medias blancas cortas y borcegos negros. La cartera: una Chanel acolchada con cadena plateada. En una foto posó de espaldas frente al London Eye; en otra, con el Big Ben al fondo y el cielo en pleno atardecer anaranjado, el pelo negro lacio se recortó contra la luz del río.

La habitación del hotel sumó dos registros más íntimos. En uno, Emilia apareció recostada sobre la cama con una pijama negra con detalles en rojo y miró a cámara con una sonrisa. En otro, apoyó la cabeza sobre una almohada blanca con el pelo negro desparramado y los ojos verdes al frente. El maquillaje fue mínimo: rubor en las mejillas, gloss en los labios, pestañas marcadas.

El desayuno también tuvo su lugar en el carrusel. Una mesa con tres platos y tres tazas de café: un croissant, un cinnamon roll con glasé blanco y una cookie de chips de chocolate. No hubo figura humana en la foto, pero el plural de los platos sugirió compañía.

El recorrido urbano se extendió más allá de Kean Street. Una imagen nocturna mostró una esquina clásica de Westminster: un edificio de piedra con ornamentos victorianos, chimeneas en el techo y el letrero rojo de Leon en la planta baja. Un bus de dos pisos rojo pasó por el cuadro. Una postal clásica de Londres. Y una nueva era musical y estética para Emilia Mernes.

Roger recordó una anécdota que la marcó. Entre risas, relató: “Veníamos caminando con el Perón, con Michael Cerveris, que era el Perón de Broadway, y atrás unas chicas dicen en inglés: ‘Ay, qué bueno, Ricky Martin va a hacer acá Evita. Ay, sí, ¿y ella quién es? Nadie’, le dijo la otra”. La escena, vivida en plena calle neoyorquina, la enfrentó de golpe con la percepción del público local. “Nos agarró un ataque de risa porque era fuertísimo. Pero por otro lado era real. O sea, no era nadie yo para la gente que estaba yendo a ver esa obra”, reconoció en diálogo con Luis Novaresio para su programa de A24.

La llegada de la argentina a Broadway coincidió con el desembarco de Ricky Martin, figura central de la producción. “Yo había sido líder de la compañía en Londres y la estrella de Evita en Londres, pero cuando fui a Broadway yo no era la estrella, era Ricky Martin”, explicó Roger. El contraste entre ambas experiencias fue evidente desde el primer día.

A diferencia de la recepción europea, en Nueva York el foco mediático giró de inmediato hacia Martin. “Mi problema no era con Ricky Martin, pero era importante saber que yo no iba a hacer tantas notas como él”, admitió. La artista supo enseguida que, en esa temporada, su nombre no encabezaría las marquesinas ni acapararía los flashes de la prensa. “No one”, llegó a decir, refiriéndose a sí misma desde la perspectiva del público local.

Durante su temporada en Broadway, Roger interpretó a Eva Perón junto a dos figuras consagradas: Ricky Martin, en el papel de Che, y Michael Cerveris como Perón. La cantante y actriz argentina aportó su experiencia previa en Londres, pero fue testigo de cómo la lógica del espectáculo estadounidense privilegiaba la presencia y el carisma del puertorriqueño, convertido en fenómeno de taquilla.

A pesar de la fría bienvenida mediática, Roger recibió críticas de todo tipo. “Sí, hubo variadas. A mí creo que me criticaron la nasalidad, no la nariz”, recordó entre risas, mostrando su capacidad de autocrítica y humor frente al escrutinio de la prensa especializada. La artista reconoció que la reacción de los críticos fue diversa y que algunos aspectos de su interpretación no terminaron de convencer a los cronistas neoyorquinos.

La actriz reflexionó sobre el peso de la tradición en Broadway y la resistencia a los cambios de paradigma. “No estaban preparados para dejarnos el trono a Ricky y a mí, que éramos latinos, y sacárselo a Patti Lupone y a Mandy Patinkin, que son los grandes de la comedia musical allá”, sostuvo Roger. El desembarco de dos intérpretes latinoamericanos en los papeles centrales de Evita representaba una novedad para el público y los medios estadounidenses, acostumbrados a figuras locales de renombre en ese tipo de producciones.

La experiencia de Elena Roger en Broadway fue, según sus propias palabras, tanto un desafío profesional como una lección de humildad. Si bien en Londres había alcanzado el reconocimiento, en Nueva York debió reinventarse y aceptar las reglas de una industria que no siempre valora de igual manera el talento foráneo.

El desenlace de su paso por los teatros neoyorquinos dejó en claro que el éxito internacional no siempre garantiza el aplauso inmediato en todos los escenarios. Roger supo que, para muchos asistentes, su nombre era entonces una incógnita, y que el brillo de un astro como Ricky Martin podía opacar cualquier trayectoria previa.

Durante su estadía en Nueva York, Roger aprendió a convivir con la sombra y el anonimato, pero también con el privilegio de compartir escenario con artistas de talla internacional. La risa ante el comentario casual de dos espectadoras anónimas fue, en sus palabras, un recordatorio de la distancia entre la fama y el reconocimiento real en territorios ajenos.

Esta experiencia ilustra la complejidad de los cruces culturales y el peso de las figuras mediáticas en la industria del espectáculo de Estados Unidos. Aunque su talento había sido celebrado en Europa, en Nueva York debió enfrentar el reto de abrirse camino en una plaza donde el nombre propio, muchas veces, pesa tanto como la voz.

En ese marco, Valentina Cervantes compartió un video de sus hijos andando en monopatín y jugando al aire libre, en una escena distendida registrada en las afueras de la casa familiar. La secuencia empieza cuando la modelo le pide a Olivia que lo llame y le hace una pregunta a modo de pie para que haga su gracia: “¿Él se hace el que es bueno?“.

La respuesta de la niña asiente y responde con una frase sobre su hermano que rápidamente marca el tono del momento. “Él es malito”, dice la nena. Después insiste: “Un diablo es”. Entre risas, Benjamín llega a la escena con su monopatín a gran velocidad para su edad. “Qué rápido que andás”, observa su madre sigue el intercambio y le pregunta: “¿Sos grande o sos pequeño?”.

Sobre el final, Olivia se suma con una propuesta para continuar el juego: “¿Hacemos una carrera?”. Su hermano acepta de inmediato y la niña lanza una advertencia: “Se va a enojar”, anticipando la conducta del pequeño ante una eventual derrota.

El protagonismo de Benjamín en las publicaciones de su madre no es nuevo. Con el tiempo, el nene fue ganando un lugar propio en las redes por sus travesuras, sus respuestas espontáneas y las escenas cotidianas que Valentina suele compartir con sus seguidores. En una oportunidad, por ejemplo, la modelo mostró que el chico había ensuciado con salsa una de sus carteras y que fue él mismo quien se acercó para enseñarle lo que había pasado, en una secuencia atravesada por una mezcla de picardía y culpa.

En otra ocasión, el hijo menor de la pareja volvió a llamar la atención durante una charla con su mamá sobre Enzo Fernández. “¿Cómo le dice mamá a papá?”, le preguntó ella. “Amor”, respondió Benjamín. Después, cuando Valentina quiso saber cómo le decía a él, la respuesta fue “Mi bebé”, en otro intercambio que volvió a poner en primer plano la naturalidad con la que se muestran ese tipo de escenas familiares.

A eso se sumó también un video en el que el nene esperaba a su padre con ansiedad. Sentado en el auto y mirando hacia afuera, repetía “¡Papi! No viene”, hasta que finalmente se produjo el reencuentro. Ante una pregunta de su madre sobre qué estaba haciendo Enzo, Benjamín respondió: “Está jugando al gol”, con una asociación inmediata a la profesión del futbolista.

Esa sucesión de episodios acompaña algo que la propia Valentina Cervantes ya explicó al hablar sobre la exposición de sus hijos. Según contó en una entrevista, nunca dejó de mostrar aspectos de su vida cotidiana por la repercusión que pudieran tener en redes y siempre intentó atravesar esa situación con naturalidad. En ese sentido, sostuvo que no le gusta dejar de hacer cosas y que busca sentirse “una más, como cualquier otra persona”, además de agradecer el cariño que reciben sus hijos por parte de la gente.

Un nuevo estudio reveló que los pulmones de los niños que viven en el centro de Londres crecen más rápido desde que la ciudad redujo los niveles de contaminación del tráfico. La investigación, publicada en The Lancet Public Health, fue realizada por científicos de la Universidad Queen Mary de Londres y marca la primera vez que se demuestra una asociación directa entre una zona de aire limpio y una mejora en el desarrollo pulmonar infantil, informó Euronews.

El trabajo siguió a más de 3.400 niños de entre seis y nueve años a lo largo de varios años. Los investigadores aprovecharon la puesta en marcha de la zona de emisiones ultrabajas (ULEZ, por sus siglas en inglés) como un “experimento natural”: compararon a los menores del centro de la capital británica con un grupo similar en Luton, ciudad al norte de Londres donde no existe ninguna restricción de ese tipo.

Cómo midieron el impacto

Cada año, el equipo aplicó una prueba respiratoria para cuantificar cuánto aire podían espirar con fuerza los niños en un segundo, un indicador estándar de la función pulmonar. Antes de la introducción de la ULEZ, los menores del centro de la metrópolis presentaban un crecimiento pulmonar más lento en comparación con los de Luton.

Esa tendencia comenzó a revertirse en un plazo de cinco años. Los niveles de dióxido de nitrógeno (NO₂), un contaminante vinculado directamente a los gases de escape vehiculares, cayeron alrededor de 3,8 microgramos por metro cúbico al año en la capital, frente a 1,8 en Luton. La reducción fue más del doble en el centro de la ciudad, según detalló Euronews.

A medida que bajó la contaminación, la función pulmonar de los niños de la capital aumentó un promedio de 233 mililitros por año, frente a 223 mililitros en Luton. Tras cuatro años de seguimiento, la brecha entre ambos grupos desapareció: los menores londinenses habían alcanzado a los del grupo de control.

Menos niños con la función pulmonar reducida

Los resultados tienen implicaciones concretas para la salud pública. Los niños cuyos pulmones no se desarrollan por completo enfrentan un mayor riesgo de padecer asma y otras enfermedades respiratorias en etapas posteriores de la vida.

En el centro de Londres, la proporción de menores con la función pulmonar por debajo de los valores normales cayó del 14 % al 9 % a medida que descendieron los niveles de contaminación. Ese dato, recogido por el portal de noticias, ilustra el alcance concreto que puede tener una política de calidad del aire sobre la salud de la población más joven.

Los investigadores subrayan que este es el primer estudio en demostrar que mejorar la calidad del aire mediante una zona de emisiones restringidas se asocia a un crecimiento pulmonar más acelerado en niños. El hallazgo constituye un antecedente concreto para otras ciudades que evalúen políticas similares.

La ULEZ: expansión y polémica

La zona de emisiones ultrabajas en la capital británica restringe o grava a los conductores de vehículos más contaminantes para fomentar el transporte más limpio. Desde su implementación inicial en el centro, la ULEZ se amplió al interior de la ciudad en octubre de 2021 y a todos los distritos londinenses en agosto de 2023.

Esa última expansión generó resistencia: varios ayuntamientos de la ciudad la impugnaron ante los tribunales. El Tribunal Superior dictaminó que la medida podía seguir adelante. Además, la Policía Metropolitana informó que numerosas cámaras del sistema fueron vandalizadas o robadas durante el período de controversia.

La zona cubre hoy la totalidad de los 33 distritos de la ciudad y representa uno de los esquemas de restricción vehicular por calidad del aire más amplios del mundo.

La demo, titulada ‘Today’, será incluida en The Shel Talmy Recordings, un lanzamiento de Parlophone previsto para septiembre, y revela el paso inicial de Bowie en la escena londinense.

Primeros años y la búsqueda de identidad

En 1965, Bowie tenía 18 años y aún no había adoptado el nombre artístico con el que alcanzaría la fama mundial. La demo, grabada en los Central Sound Studios de Denmark Street, documenta el proceso de un joven artista en busca de una voz propia en el efervescente Londres de los sesenta.

Según RockFM, la ciudad funcionaba como centro neurálgico de la música popular, reuniendo a músicos y productores que marcarían el rumbo del rock británico.

La elección del nombre Davie Jones respondía a una necesidad de diferenciarse en un entorno saturado de talentos emergentes.

En esa etapa, el músico se encontraba muy lejos de los personajes y conceptos que luego definirían su carrera, como Ziggy Stardust o el Thin White Duke. La grabación de ‘Today’ refleja este periodo de experimentación e incertidumbre creativa.

El papel de Shel Talmy y la producción

La dirección de la sesión estuvo a cargo de Shel Talmy, productor conocido por su trabajo con The Who y The Kinks. RockFM subraya el valor documental de estas piezas, situando a Bowie en un contexto de colaboraciones que resultaron decisivas para la consolidación del sonido británico de la época.

El lanzamiento de The Shel Talmy Recordings incluirá veinte canciones, diez de ellas inéditas hasta ahora, y será editado por Parlophone el 18 de septiembre.

Esta recopilación busca rescatar material poco explorado, ampliando la perspectiva sobre los comienzos de varios artistas que pasaron por los estudios londinenses bajo la dirección de Talmy.

Características de ‘Today’

‘Today’ destaca como una balada de desamor, en la que Bowie muestra una faceta introspectiva y vulnerable. Según RockFM, la canción retrata las limitaciones y aspiraciones de un compositor que apenas comenzaba a definir su estilo.

En la letra se percibe la distancia respecto a los rasgos experimentales y teatrales que dominarían su obra posterior.

Esta grabación no presenta aún las características sonoras ni la sofisticación visual que convertirían a Bowie en un ícono cultural. El registro permite escuchar a un joven músico en pleno proceso de formación, navegando un entorno competitivo y cambiante, en el que la búsqueda de identidad era un desafío constante.

Músicos que participaron en la grabación

La sesión de ‘Today’ reunió a varios músicos que más tarde se convertirían en figuras fundamentales del rock.

Entre los participantes destaca Jimmy Page, quien luego sería parte de The Yardbirds y fundador de Led Zeppelin. Su participación en la demo es uno de los atractivos principales para los coleccionistas y aficionados al género.

También intervinieron miembros de The Yardbirds y el pianista Nicky Hopkins, reconocido por su aporte en grabaciones emblemáticas del rock británico. RockFM señala que la presencia de estos músicos permite entender mejor el entorno creativo en el que se movía Davie Jones antes de transformarse en David Bowie.

Un testimonio de la escena londinense de los sesenta

La publicación de ‘Today’ y de otros registros inéditos incluidos en el próximo lanzamiento de Parlophone representa una oportunidad para explorar el proceso de gestación artística de Bowie y su entorno.

El rescate de estas grabaciones permite reconstruir el ambiente musical de Londres en los años sesenta, cuando nuevos talentos y productores forjaban una escena que tendría impacto internacional.

El lanzamiento de The Shel Talmy Recordings está programado para el 18 de septiembre y promete acercar al público material desconocido de una época clave para la música popular, en la que Londres se consolidaba como un polo de innovación y creatividad juvenil.

Whitechapel Mount, una colina artificial del este de Londres, sigue sin una explicación definitiva sobre su origen. El montículo, que dominó durante décadas el paisaje del East End y desapareció en el siglo XIX, figura en mapas antiguos, relatos de viajeros y estudios posteriores que lo vinculan con un vertedero, un cementerio de peste, las defensas de la Guerra Civil Inglesa y los escombros del Gran Incendio de Londres.

Ubicado entre las áreas actuales de Whitechapel y Shadwell, el montículo alcanzaba entre 21 y 24 metros de altura sobre el nivel del terreno circundante. Esa elevación resultaba inusual en una zona mayormente llana de Londres. Documentos de los siglos XVIII y XIX lo describen con árboles en sus laderas y una pequeña construcción en la cima. También lo mencionan como un punto de referencia visible para quienes transitaban por el sector oriental de la ciudad y como un lugar desde el cual se podía observar el río Támesis y la expansión portuaria.

De acuerdo con Amusing Planet, la falta de una investigación arqueológica integral impide establecer con certeza una única explicación. En cambio, el registro disponible sugiere que Whitechapel Mount pudo haberse formado por la superposición de usos y depósitos a lo largo de varios siglos, en una secuencia que combina descarte urbano, entierros, movimientos de tierra y obras defensivas.

La teoría del vertedero y los escombros urbanos

La hipótesis más difundida identifica al lugar como un laystall, nombre que recibían en la Inglaterra de los siglos XVI y XVII los sitios destinados al depósito de residuos urbanos. Según el repaso de Amusing Planet, Whitechapel figura en registros históricos como una de esas áreas de descarga. Allí se acumulaban desechos humanos, basura doméstica, residuos de limpieza de calles y restos procedentes de otras actividades urbanas.

La lógica de esa teoría parte del crecimiento de Londres durante la Edad Moderna. Una ciudad en expansión generaba volúmenes cada vez mayores de residuos, y la acumulación sostenida de ese material podía levantar una elevación artificial de gran tamaño. A eso se sumaba el trabajo de recuperación de materiales reutilizables por parte de sectores empobrecidos, que clasificaban la basura y separaban elementos con valor comercial.

Entre esos materiales aparecía la ceniza de carbón, utilizada en la fabricación de ladrillos. El artículo señala que, hacia fines del siglo XVIII, la demanda de ladrillos aumentó por el crecimiento urbano. En ese contexto, la extracción de ceniza del montículo habría reducido parte de su volumen. Un caso judicial del Old Bailey de 1809, citado por Amusing Planet, menciona que la remoción de ese material para la industria ladrillera había achicado de forma visible la colina.

Otra línea de explicación conecta el sitio con el Gran Incendio de Londres de 1666, que destruyó buena parte de la ciudad medieval. La teoría sostiene que una porción de los escombros generados por el desastre pudo haber sido trasladada hacia el este y depositada en la zona de Whitechapel Mount. La idea no excluye la función de vertedero, sino que la complementa con un episodio de descarte masivo vinculado a la reconstrucción de la capital inglesa.

Cementerio de peste y posible vínculo militar

Una de las versiones más debatidas sostiene que el montículo funcionó como lugar de enterramiento de víctimas de la peste. Londres atravesó varios brotes epidémicos en los siglos XVI y XVII, con un punto extremo en la Gran Peste de 1665. Durante esas crisis se excavaron fosas comunes en distintos sectores de la ciudad, y una tradición posterior ubicó una de ellas en el área de Whitechapel.

Según esa interpretación, el terreno habría recibido primero cuerpos de víctimas de la epidemia y más tarde capas de tierra y escombros, incluso procedentes del incendio de 1666. La nota de Amusing Planet recupera un testimonio de Joseph Moser, quien en 1803 dijo haber observado, tras una excavación parcial realizada el año anterior, una gran cantidad de huesos humanos mezclados con restos de animales, ladrillos y tejas.

Ese relato no resuelve el enigma, aunque aporta un indicio a favor de la hipótesis funeraria. Moser describió huesos incrustados en una tierra compacta de color azulado, similar a la arcilla, y vinculó esa disposición con remociones sucesivas del terreno. La presencia de restos humanos, de todos modos, tampoco prueba por sí sola que el sitio completo haya sido una gran fosa de peste, ya que el área pudo haber tenido distintos usos funerarios en etapas diferentes.

La cuarta gran hipótesis remite a la Guerra Civil Inglesa de la década de 1640. Durante ese conflicto, el Parlamento ordenó construir una red de defensas alrededor de Londres para frenar eventuales ataques realistas. Esas obras incluían fuertes de tierra, zanjas y terraplenes distribuidos a lo largo de un anillo de unos 29 kilómetros de circunferencia. Algunos investigadores propusieron que Whitechapel Mount pudo haber sido parte de ese sistema.

Un pasaje del viajero y comerciante escocés, William Lithgow, describió un fuerte en el sector de Whitechapel durante la construcción de las defensas. Aun así, la documentación conocida no permite identificar de manera concluyente al montículo con una estructura militar específica. Las defensas existieron y pasaron por esa zona, pero el vínculo directo con la colina sigue en discusión.

Las excavaciones, la desaparición y qué se sabe hoy

Durante el siglo XIX, el crecimiento urbano alteró por completo el paisaje del East End. El valor del suelo aumentó y el montículo fue excavado, rebajado o absorbido por nuevas obras. En ese proceso aparecieron objetos que alimentaron nuevas especulaciones. Según Amusing Planet, entre los hallazgos reportados figuraron monedas romanas, una jarra de plata y una cabeza de jabalí tallada con colmillos de plata que se relacionó con la antigua posada Boar’s Head Inn, destruida en el incendio de 1666.

La ausencia de una investigación arqueológica directa sobre Whitechapel Mount mantiene abiertas casi todas las interpretaciones. Hubo, no obstante, observaciones vinculadas a intervenciones en el entorno del Royal London Hospital. Un trabajo publicado en 1994 describió una zanja profunda atribuida al trazado defensivo de la guerra civil, con un foso de 5,5 metros de ancho y 1,4 metros de profundidad, además de materiales posmedievales en el relleno.

Esa lectura perdió fuerza con estudios posteriores. Una investigación de comienzos de los 2000 no encontró evidencia clara de estructuras defensivas de la Guerra Civil en Front Green. En cambio, identificó sótanos posmedievales rellenos, señales de extracción de materiales y restos de entierros con disposición este-oeste, una orientación habitual en prácticas cristianas. Ese patrón sugiere la existencia de un espacio funerario organizado, anterior al cementerio conocido al sur del hospital.

Con los datos disponibles, la interpretación más prudente indica que Whitechapel Mount no respondió a un solo origen. El lugar pudo reunir, en distintos momentos, funciones de basural, zona de entierro, depósito de escombros y área afectada por obras militares o urbanas. Esa combinación explica por qué la colina ocupó durante generaciones un sitio reconocible en el mapa de Londres y por qué, al desaparecer físicamente, dejó detrás una pregunta histórica que todavía no tiene respuesta cerrada.

En el número 22 de Hyde Park Gate, una calle sin salida a pocos metros de Hyde Park en el barrio londinense de South Kensington, una propiedad del cuarto piso de la casa victoriana donde nació y creció la escritora Virginia Woolf acaba de ponerse en venta por unos 2,6 millones de dólares (1,9 millones de libras esterlinas). La operación la gestiona la agencia DDRE Global, y el inmueble llega al mercado cargado de una historia literaria sin parangón en el mercado inmobiliario británico.

El edificio es uno de los pocos en Londres que exhibe tres placas azules de English Heritage superpuestas en su fachada —cuando una sola ya indica un edificio de relevancia histórica—. Las placas recuerdan a la propia Woolf, a su hermana, la pintora Vanessa Bell, y a su padre, el crítico literario Sir Leslie Stephen, primer editor del Dictionary of National Biography.

“Esta propiedad es una pieza viva de la historia cultural británica: es el hogar de infancia donde sus hijas, Virginia Woolf y Vanessa Bell, crecieron”, declaró Stine Kaus, asesora de DDRE Global, en declaraciones recogidas por House Beautiful.

Stephen adquirió la casa a finales de la década de 1870 y la compartió con su segunda esposa, Julia Duckworth. Ambos eran viudos y llevaron al hogar a los hijos de sus matrimonios anteriores. Para 1883, Julia había tenido cuatro hijos más con Stephen, lo que llevó el total de residentes a ocho. Virginia Woolf nació allí el 25 de enero de 1882, séptima de los hijos de la familia, y pasó los primeros años de su vida en ese ambiente que ella misma describió más tarde como opresivo.

En su ensayo autobiográfico que lleva el mismo nombre que la dirección, Woolf retrató la casa como “una vivienda de innumerables habitaciones pequeñas y de formas extrañas, construida para acomodar no a una familia, sino a tres”. La escritora recordó un hogar excéntrico y sombrío, sin electricidad, con las paredes cubiertas de terciopelo y papel pintado de William Morris. Pese a ese ambiente, fue allí donde Woolf desarrolló sus primeros impulsos literarios: escribía en un pequeño cuarto lateral mientras su hermana Vanessa pintaba en otra habitación.

Tras la muerte de Leslie Stephen en 1904, los hijos ya adultos vendieron la propiedad y se trasladaron a Gordon Square, en el centro de Londres. Ese cambio de dirección tuvo consecuencias que trascendieron lo doméstico: en las reuniones del nuevo hogar, Woolf y Bell reunieron a un círculo de escritores, artistas e intelectuales que dio origen al Grupo de Bloomsbury, uno de los movimientos culturales más influyentes del siglo XX en lengua inglesa. Entre sus integrantes figuraron el biógrafo Lytton Strachey, el economista John Maynard Keynes, los escritores E. M. Forster y Leonard Woolf —con quien Virginia contrajo matrimonio en 1912— y los pintores Duncan Grant y Roger Fry.

Fue en ese período de efervescencia intelectual donde Woolf forjó la obra que la convirtió en una de las figuras centrales del modernismo literario. Sus novelas, Mrs. Dalloway (1925), To the Lighthouse (1927) y The Waves (1931) son consideradas los pilares de su legado, junto al ensayo A Room of One’s Own (1929), un texto fundacional del pensamiento feminista.

Junto a James Joyce y William Faulkner, Woolf es reconocida como una de las tres grandes experimentadoras del monólogo interior en la literatura anglosajona. Sus obras han sido traducidas a más de 50 idiomas y permanecen como referencia obligada en los estudios literarios del siglo XX y XXI.

El apartamento que sale a la venta ocupa el cuarto piso de la casa victoriana, hoy dividida en varias unidades residenciales. La propiedad cuenta con dos dormitorios, dos baños, una cocina y una amplia sala de estar. Tras una reforma integral, el inmueble incorpora carpintería a medida, suelos de madera de la firma danesa Dinesen y dos ventanas de guillotina originales con orientación al oeste. DDRE Global lo describe como “un hogar bellamente equilibrado, elegante y discretamente contemporáneo”.

La vivienda no es la primera del edificio que llega al mercado en años recientes. En 2024, el apartamento de la planta baja, que incluye el jardín del edificio, se listó por 2,5 millones de libras (3,3 millones de dólares).

La venta se produce en un momento en que otro inmueble ligado a Woolf también genera controversia. El Consejo de Cornwall aprobó este año un permiso de construcción para un edificio de cinco plantas en St. Ives que bloqueará las vistas sobre la bahía desde la casa de veraneo que la escritora frecuentaba y que inspiró los paisajes de To the Lighthouse, su novela de 1927. La familia pasaba los veranos en la localidad costera de Cornwall, y esa experiencia dejó una huella directa en la geografía emocional de su obra.

Woolf murió el 28 de marzo de 1941, a los 59 años, en Rodmell, East Sussex, donde ella y Leonard Woolf poseían una casa de campo conocida como Monk’s House, hoy propiedad del National Trust.

Simon Levy fue condenado a cadena perpetua sin opción a libertad condicional, lo que hizo que integrara la lista de los delincuentes más conocidos del Reino Unido. El hombre, de 40 años, fue encontrado culpable del asesinato de dos mujeres y de la violación de una tercera tras haber sido liberado, lo que le permitió cometer estos crímenes.

De acuerdo con Daily Mirror, un jurado lo declaró culpable la semana pasada por los crímenes de Carmenza Valencia-Trujillo, de 53 años, y Sheryl Wilkins, de 39.

La primera era abuela y la segunda madre de cuatro hijos. Los crímenes ocurrieron en 2025, en marzo y agosto, en un contexto en el que la conducta del agresor había escalado desde ataques sexuales en el metro de Londres hasta causar la muerte.

Una de las condenas más severas del sistema británico

La cadena perpetua es la pena más severa prevista por el sistema penal británico. Actualmente, alrededor de 70 condenados cumplen este tipo de sentencia, algunos de ellos en hospitales de alta seguridad. La liberación solo puede contemplarse en circunstancias humanitarias excepcionales.

El artículo sitúa a Simon Levy dentro de una lista que incluye nombres ampliamente conocidos en la crónica criminal británica. Entre ellos figuran Lucy Letby, condenada por el homicidio de siete bebés; Wayne Couzens, responsable de la muerte de Sarah Everard; David Fuller, sentenciado por dos crímenes y por abusar sexualmente de más de 100 cadáveres femeninos; y Ali Harbi Ali, penado por matar al diputado Sir David Amess.

Actualmente, Levi Bellfield, responsable del crimen de Milly Dowler, se encuentra cumpliendo dos condenas de por vida. Una de ellas corresponde por quitarle la vida a Dowler, mientras que la otra es por haber asesinado a Marsha McDonnell y Amelie Delagrange, y por el intento de homicidio de Kate Sheedy.

Dentro de esa lista figuran el asesino en serie Stephen Port; Thomas Mair, condenado por el asesinato de la diputada Jo Cox; Mark Bridger, responsable de la muerte de April Jones, de 5 años; y Khairi Saadallah, autor del ataque terrorista perpetrado en la ciudad inglesa de Reading, en el que murieron tres hombres.

Casos recientes incorporados a la lista

La nómina de presos creció en el último tiempo. David Taylor recibió esa condena por asesinar a Kyle Bevan en la prisión de Wakefield mientras esperaba juicio por otro homicidio, el de Alisha Apostoloff-Boyarin, de 24 años, así como por haber intentado matar a un detective en una sala de entrevistas de la cárcel.

Jamie Varley recibió una pena de este tipo en junio por el asesinato y abuso sexual de su hijo adoptivo, Preston Davey, de 13 meses. En marzo, Sharaz Ali fue declarado culpable por matar a la hermana de su expareja, a dos sobrinas y a un sobrino al incendiar una vivienda en Bradford en 2024.

Otro de los casos es el de Shaine March, cuya condena inicial de 42 años fue anulada después de que jueces del Tribunal de Apelación consideraran que había sido “indebidamente indulgente”.

A partir de esa revisión, March pasó a cumplir cadena perpetua por el asesinato de su novia mientras se encontraba en libertad condicional por un homicidio previo.

Mujeres condenadas y antecedentes históricos

La nota subraya que solo cuatro mujeres recibieron cadena perpetua. En esa lista aparecen Lucy Letby, Rose West, Joanna Dennehy y Myra Hindley, que murió en 2002 y había sido pareja de Ian Brady en los asesinatos de Moors.

Letby fue sentenciada en agosto de 2023, en donde el juez describió sus actos como “una campaña cruel, calculada y cínica” de ataques mortales hacia bebés en el hospital donde trabajaba como enfermera.

Ese mismo castigo lo habían recibido antes de su muerte Ian Brady, Peter Sutcliffe —conocido como el Destripador de Yorkshire— y el doctor Harold Shipman, señalado como uno de los asesinos seriales más prolíficos de Gran Bretaña.

En el pasado, este tipo de sanción podía ser fijada por los ministros del Interior, aunque ahora la decisión corresponde a los jueces.

La enumeración incluye además a Louis De Zoysa, condenado en julio de 2023 por matar a tiros al sargento Matt Ratana dentro de una celda policial mientras estaba esposado, y a Damien Bendall, sentenciado en diciembre de 2022 por asesinar a su pareja, Terri Harris, de 35 años; a los hijos de ella, Lacey Bennett, de 11, y John Paul Bennett, de 13; y a Connie Gent, amiga de la menor, también de 11 años.

Cambios legales y límites de aplicación

La legislación británica amplió el uso de estas penas a partir de la Ley de Policía, Delincuencia, Condenas y Tribunales, que entró en vigor en 2023. Esa reforma extendió la posibilidad de imponer perpetua a los casos de asesinato premeditado de un menor.

La normativa también habilitó a los jueces a aplicar esta pena máxima a personas de entre 18 y 20 años en casos excepcionales, incluidos actos terroristas con grandes pérdidas de vidas. Aun así, la sanción sigue limitada legalmente según la edad del autor.

Por esa razón, Hashem Abedi fue sentenciado por conspirar con su hermano Salman Abedi en el atentado de Manchester Arena de 2017, evitó una prisión de por vida porque tenía 21 al momento de los hechos.

En el caso de Axel Rudakubana, condenado por el asesinato de tres niñas en Southport durante una clase de baile, la ley impidió imponerle esa pena porque cometió los crímenes 9 días antes de cumplir 18. Tras alcanzar la mayoría de edad, recibió en enero del año pasado una pena con un mínimo de 52 años de prisión.

Jason Arday, el ex profesor de la Universidad de Cambridge que renunció a su cargo la semana pasada en medio de una polémica por plagio, fue encontrado muerto este viernes en Londres.

El académico de 41 años fue hallado inconsciente por la tarde en una vivienda del barrio de Battersea, al sur de la capital británica. El Servicio de Ambulancias alertó a la Policía Metropolitana, cuyos agentes confirmaron su muerte en el lugar y notificaron a su familia. Las autoridades consideraron el fallecimiento como inesperado y descartaron causas sospechosas; el caso quedó a cargo de la Unidad de Mando Central Sur, que preparará un expediente forense.

La vicerrectora de Cambridge, Deborah Prentice, expresó en un comunicado que la institución estaba “profundamente entristecida” por la noticia y extendió sus condolencias a quienes lo rodeaban. La secretaria de Educación del Reino Unido, Lucy Powell, también manifestó estar “profundamente conmocionada” e instó a respetar la privacidad de sus seres queridos durante ese período.

Arday se había convertido en 2023 en el profesor negro más joven en incorporarse a Cambridge. Su recorrido académico comenzó a ser cuestionado en julio pasado, cuando Nathan Cofnas —un investigador estadounidense que se autodefine como “realista racial” y cuya vinculación con la universidad concluyó en 2024 entre señalamientos de racismo— difundió acusaciones sobre su obra, entre ellas que varias secciones de su tesis doctoral habrían sido copiadas de otros trabajos.

Los diarios The Times y The Telegraph ampliaron las acusaciones con artículos que abarcaron tanto su producción académica como aspectos de su vida personal. Entre las afirmaciones cuestionadas figuraba que habría corrido 30 maratones en 35 días y recaudado millones de libras para organizaciones benéficas.

En una entrevista con The Times a comienzos de agosto, Arday admitió haber cometido “errores” en su obra, pero negó haber tenido motivos para actuar de esa forma. En ese sentido, sostuvo que la campaña para destituirlo tenía motivaciones raciales y que había sido “injustamente retratado como un mentiroso, un fantasioso y un fraude”.

El 5 de agosto anunció su dimisión como profesor universitario y como miembro del Jesus College, días después de que se iniciaran investigaciones formales. En una carta difundida en línea, describió esa decisión como “la única manera” de cerrar un “periodo difícil”, aunque fue enfático en que no debía leerse como una aceptación de las narrativas que circulaban sobre él.

El día anterior a su muerte, sus memorias —tituladas Grandes y desafortunadas cosas— se publicaron en Estados Unidos, donde también atrajeron atención mediática; el lanzamiento en Gran Bretaña estaba previsto para más adelante en el mes.

Las acusaciones fueron adoptadas por periódicos y comentaristas de derecha británicos como argumento contra las políticas de diversidad, igualdad e inclusión (DEI), con el planteo de que el profesor se había beneficiado de ellas de forma indebida. La controversia fracturó al campus y un grupo de colegas le escribió a la vicerrectora para cuestionar su incorporación y exigir un organismo externo de investigación, mientras otros suscribieron cartas en su defensa.

El miércoles, Prentice calificó la presunta mala conducta como una “aberración” y se comprometió a llevar adelante una investigación con participación de especialistas ajenos a la institución. Advirtió que el expediente no debía instrumentalizarse para poner en duda a otros docentes de minorías étnicas.

(Con información de AFP)

Él, también protagonista de Doogie Howser, MD —su primer papel, a los 12 años junto a la actriz Whoopi Goldberg—, reflexionó sobre cómo crecer en el ojo público lo privó de vivir la adolescencia con anonimato.

Criado en un pequeño pueblo de Nuevo México, Harris se inició en la actuación con apenas ocho años en el coro de su iglesia episcopal, sin imaginar que aquello derivaría en una carrera en Hollywood. “En cierto sentido lamento no haber tenido una etapa de anonimato donde poder explorar distintas versiones de mí mismo”, admitió.

Su salida del armario: “Me ofendí porque nadie se sorprendió”

Harris abordó con humor y franqueza su proceso de visibilización como hombre gay, que formalizó mediante un comunicado público antes de que filtraciones en blogs de internet se adelantaran a su propia historia.

Para ese entonces ya mantenía una relación sentimental con quien hoy es su esposo, David Burtka, aunque en los actos públicos ambos caminaban por separado para evitar preguntas. “David iba por el otro lado cuando yo posaba en las alfombras rojas”, recordó el actor.

Cuando finalmente publicó la declaración, el resultado lo desconcertó. “Me ofendí un poco porque más gente no se sorprendió. Esperaba que alguien dijera ‘¿él? ¡Pero si es tan masculino!’”, bromeó ante las carcajadas de Laing.

El actor reconoció que quienes salieron del armario antes que él facilitaron el terreno para que su revelación transcurriera sin incidentes mayores.

De Barney Stinson a la gran pantalla

Preguntado por cuánto de él mismo habita en el extrovertido y mujeriego Barney Stinson, Harris respondió con su característica ironía: “Seis”. Y ante la pregunta “¿de cuánto?”, completó: “De seis”.

Luego aclaró que el personaje era a la vez una expresión y una antítesis de su personalidad: “Era delirante en su entusiasmo por la aventura, y eso sí me representa; lo de las fiestas de Victoria’s Secret, no tanto”.

La serie, producida durante nueve temporadas para la cadena estadounidense CBS, permitió al actor filmar apenas 22 semanas al año, con ensayos cortos los lunes y martes y grabaciones de jueves a viernes. “Era el trabajo ideal”, resumió.

Sin embargo, la presión por no quedar encasillado lo llevó a buscar proyectos distintos, desde la conducción de los premios Tony y los Óscar hasta su papel en la película Gone Girl de David Fincher.

Sobre su experiencia como presentador de la gala de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Harris fue categórico: es una tarea “casi imposible de ejecutar con éxito”.

“Cuatro de los cinco nominados a mejor actriz tienen que aguantar sentadas, con un vestido del que no pueden salir, para volver a perder”, describió, para dar cuenta del clima peculiar que reina en el Dolby Theatre cada año.

Admitió que cada temporada de premios lee listas en Google que lo ubican entre los peores presentadores de la historia del certamen.

Sunny Dancer y el atractivo del cine independiente

El actor viajó a Londres para presentar Sunny Dancer, un filme de crecimiento personal —con tinte de comedia británica— dirigido por el joven George Jakes y protagonizado por Bella Ramsey, James Norton y Jessica Gunning, entre otros. Harris interpreta a Patrick, el fundador de un campamento de verano para niños y jóvenes sobrevivientes de cáncer.

La producción se rodó en Glasgow, Escocia, con un equipo reducido que convirtió los días libres en excursiones grupales y los imprevistos climáticos en ajustes de guion. “Todos confiaban entre sí, se cuidaban y eso se nota en la pantalla”, señaló el actor. Ese tipo de entorno colaborativo refleja sus dos pilares creativos: autenticidad y creatividad.

El intérprete también reveló su aspiración de afincarse profesionalmente en el Reino Unido, donde valora la tradición de actores que alternan Shakespeare, comedias y producciones independientes a lo largo de décadas.

“Hay una reverencia por las artes aquí que encuentro fantástica”, afirmó ante Great Company. Mencionó además que su norte creativo a largo plazo es la dirección cinematográfica. Sunny Dancer llega a las salas de cine este viernes.

La entrevista también repasa la trayectoria del actor británico, sus límites personales frente a ciertas rutinas del oficio y una vocación literaria que nunca dejó del todo. A los 76 años, Nighy habló desde el noroeste de Londres sobre el estreno, su rechazo a los almuerzos de trabajo, su distancia con Zoom y el presente de su podcast Ill-Advised.

Un regreso al cine con un papel atravesado por el conflicto

El estreno de & Sons vuelve a poner a Nighy en el centro de una historia familiar marcada por tensiones antiguas. En la película interpreta a AN Dyer, un novelista célebre y recluido que convoca a su familia para transmitir un anuncio decisivo. De acuerdo con The Guardian, la trama parte de una situación reconocible dentro del drama doméstico, aunque suma un elemento que desplaza el relato hacia una zona cercana a la ciencia ficción.

El reparto incluye a Johnny Flynn y George MacKay como los hijos mayores del protagonista, a Imelda Staunton como la exesposa y a Noah Jupe como un hijo menor nacido de otra relación. Ese entramado expone una red de vínculos atravesada por el resentimiento, la ausencia emocional y heridas que siguen abiertas.

La figura de Dyer organiza el conflicto central. Es un padre áspero, distante y convencido de que su talento literario puede colocarlo por encima de los daños que dejó en su entorno. Ese rasgo funciona como uno de los ejes de la película y también como una de las claves de la conversación que Nighy sostuvo.

La distancia con su personaje y sus propios límites

En la entrevista, Nighy marcó una diferencia nítida con la lógica de su personaje. El actor cuestionó la idea de que el talento sirva para justificar conductas dañinas dentro o fuera del ámbito artístico. “No creo eso en absoluto”, dijo al rechazar esa clase de excusas ligadas al genio creativo.

Esa observación cobra peso en una película donde Dyer sostiene que su objetivo como padre fue no causar daño, aunque la relación con sus hijos expone otra realidad. La distancia entre esa versión y los efectos concretos de su conducta empuja buena parte del relato.

Nighy vinculó ese punto con su propia experiencia familiar. Tiene una hija, Mary Nighy, fruto de su relación con la actriz Diana Quick. Consultado sobre si alguna vez tuvo una filosofía definida para la crianza, respondió con una frase directa: “Lo vas inventando sobre la marcha”. Luego explicó que ese camino incluye errores, correcciones y decisiones que cambian con el tiempo.

La charla también dejó definiciones sobre aquello que ya no está dispuesto a aceptar en su rutina laboral. Cuando habló de las videollamadas, su respuesta fue tajante: “¿Puedo retirarme de Zoom?”. La frase resume un tono entre el cansancio y la ironía que atraviesa buena parte de la entrevista publicada por The Guardian.

Esa misma claridad apareció al referirse a otra práctica habitual de la industria. Nighy sostuvo que “los almuerzos de trabajo están completamente descartados” en esta etapa de su vida profesional. Para él, esas reuniones mezclan planos que prefiere mantener separados.

También mencionó qué podría llevarlo a rechazar de inmediato una propuesta actoral. Su respuesta fue tan breve como precisa: “Togas”. El comentario, formulado con humor seco, refuerza la imagen de un actor que, tras décadas de carrera, fija sus condiciones con naturalidad.

Una ambición literaria que sigue en suspenso

Antes de consolidarse como intérprete, Nighy quiso ser novelista. El artículo detalló que ese deseo nació en la adolescencia, cuando un profesor de inglés de su escuela católica le sugirió que probara con la escritura. El actor recordó ese momento como un impulso decisivo en su forma de imaginar el futuro.

Más tarde trabajó en The Field, una revista dedicada a la caza y la pesca, y luego viajó a París con la intención de escribir. En ese período pasó tiempo en la librería Shakespeare & Company y evocó aquella etapa con una definición punzante sobre sí mismo: “Soy un cliché andante”.

Ese proyecto literario quedó en pausa cuando ingresó a una escuela de teatro, aunque nunca desapareció del todo. Nighy admitió que todavía piensa en escribir, aunque también reconoció una tendencia persistente a postergar ese plan. “Sigo pensándolo. Solo que soy muy bueno para procrastinar”, señaló.

Esa mezcla de memoria, ironía y deriva verbal encontró una nueva forma en Ill-Advised, el podcast en el que responde preguntas de los oyentes sobre ropa, vínculos y situaciones sociales. El programa iniciará su tercera temporada, suma más de 300.000 oyentes mensuales y recibió el premio a Podcast del Año 2026 de la Broadcasting Press Guild. & Sons llegará a los cines el 21 de agosto y la nueva temporada del podcast comenzará el 3 de septiembre.

Un equipo de King’s College London probó membranas de queratina extraída de lana para reparar defectos óseos y obtuvo resultados que colocan a ese biomaterial como una alternativa en estudio frente al colágeno, según informó ScienceDaily a partir de ensayos de laboratorio y pruebas en animales.

La investigación se centró en queratina, una proteína estructural natural presente en la lana. De acuerdo con el reporte, el material favoreció la regeneración de hueso en un modelo animal y produjo un tejido con una organización más parecida a la de un hueso sano que el observado con el material de referencia más usado en este campo.

Qué evaluó el equipo y por qué buscó otra opción

Durante años, el colágeno ocupó el lugar de andamio de referencia en varias aplicaciones de medicina regenerativa y odontología. Estas estructuras funcionan como barreras temporales durante la cicatrización y reservan espacio para que el hueso vuelva a formarse en la zona dañada.

El reporte de ScienceDaily indicó que ese material presenta límites. Entre ellos figuran una resistencia mecánica menor y una degradación que puede resultar demasiado rápida en lesiones que exigen soporte más prolongado. A eso se suma que su obtención puede implicar procesos complejos y costos más altos.

Frente a ese escenario, el grupo de Londres analizó si la queratina de la lana podía resolver parte de esos problemas. La lana, además, suele descartarse como residuo de la actividad agropecuaria, un dato que la convierte en una fuente natural con potencial de escala si el desarrollo avanza hacia aplicaciones clínicas.

El investigador Sherif Elsharkawy, de la Facultad de Odontología, Ciencias Orales y Craneofaciales de King’s College London, afirmó que el trabajo mostró por primera vez el uso exitoso de un material basado en lana para reparar huesos en un animal vivo, según declaraciones recogidas por ScienceDaily.

Cómo se hicieron las pruebas

Para el estudio, los científicos fabricaron membranas a partir de queratina extraída de lana y sometieron ese material a un tratamiento químico con el objetivo de mejorar su estabilidad y durabilidad. La meta fue crear un andamio capaz de mantenerse en el sitio lesionado durante el tiempo necesario para favorecer la reparación del tejido.

La primera etapa transcurrió en laboratorio con células óseas humanas. Según detalló ScienceDaily, esas células crecieron de forma adecuada sobre las membranas y mostraron señales asociadas con una formación saludable del hueso, un indicador clave antes de avanzar hacia pruebas en organismos vivos.

Después, el equipo implantó las membranas en ratas con defectos en el cráneo de un tamaño que no suele cerrarse por sí solo. A lo largo de varias semanas, los investigadores siguieron la respuesta del material en las áreas dañadas para medir su capacidad de guiar el crecimiento de nuevo hueso.

Ese paso permitió observar el desempeño del biomaterial en un sistema biológico completo. Para los autores, ese punto marca una diferencia respecto de los trabajos centrados solo en propiedades químicas o pruebas de laboratorio, ya que incorpora datos sobre integración con tejido circundante y estabilidad durante el proceso de reparación.

Qué diferencias aparecieron frente al colágeno

Los resultados mostraron una distinción entre ambos materiales. Las membranas de colágeno generaron una mayor cantidad total de hueso. Las de queratina, en cambio, dieron lugar a un tejido más organizado, con fibras mejor alineadas y una estructura más cercana a la del hueso natural.

El estudio también registró que las membranas basadas en lana se mantuvieron estables durante la reparación y se integraron de forma adecuada con el tejido vecino. Esa combinación de estabilidad e integración figura entre los aspectos que suelen evaluarse antes de pensar en un posible uso médico.

Elsharkawy sostuvo que el avance representa un hito para la investigación y ubica a la queratina como una posible nueva clase de biomaterial regenerativo que podría disputar el lugar que hoy conserva el colágeno, siempre según el reporte de ScienceDaily.

Agregó que la tecnología ya demostró su funcionamiento en un modelo animal, un paso que la acerca a una etapa más aplicada. El artículo difundido no precisó fechas para ensayos clínicos en humanos ni mencionó plazos para una llegada a hospitales.

El valor médico y ambiental de la lana

Además del interés biomédico, el trabajo pone sobre la mesa el uso de un insumo que hoy suele tratarse como descarte. La lana aparece en este estudio como una materia prima renovable y con potencial de escala para fabricar membranas destinadas a la regeneración ósea.

Ese punto añade una dimensión productiva y ambiental al desarrollo. Si futuras investigaciones confirman estos resultados en otras etapas, la queratina obtenida de lana podría entrar en la discusión sobre materiales alternativos para procedimientos de reparación ósea y dental.

Por ahora, la evidencia se limita a ensayos con células humanas y pruebas en animales. El próximo desafío para los investigadores será determinar si este biomaterial conserva el mismo desempeño en estudios posteriores y bajo exigencias más cercanas a la práctica clínica.

Tres intervenciones del artista callejero Banksy en Londres le generaron al Estado británico un gasto de casi 150 mil libras esterlinas (más de 200 mil dólares) en operativos de limpieza y seguridad, según informó el diario The Times. La cifra, obtenida a través de solicitudes de acceso a la información pública, incluye los costos acumulados desde septiembre de 2025 y continúa en aumento.

El caso más oneroso es el del mural pintado sobre la fachada del Royal Courts of Justice (Tribunal Supremo de Justicia), en la calle Carey Street, en el barrio de Westminster. La obra, realizada sobre el exterior del edificio catalogado como patrimonio de grado II, representa a un juez con toga y peluca atacando con un mazo a un manifestante desarmado. Según consignó The Times, el Ministerio de Justicia gastó 50 mil libras en intentos de eliminación de la pintura y otras 35.300 libras en custodia del lugar, lo que eleva la factura de esa sola obra a más de 85 mil libras, unos 114 mil dólares.

Los intentos iniciales de remoción fracasaron. Los contratistas recurrieron luego a tecnología láser, aunque los resultados tampoco han sido satisfactorios hasta el momento. Si el Ayuntamiento de Westminster no aprueba el resultado, se aplicará otro método. Como última opción, se contempla extraer y reemplazar las piedras dañadas del edificio.

Arte político o vandalismo

La obra del Tribunal de Justicia fue interpretada por grupos activistas como un comentario sobre la persecución judicial del colectivo Palestine Action bajo la Ley Antiterrorista del año 2000. La pieza, en blanco y negro con salpicaduras de rojo sangre sobre el cartel del manifestante, reavivó el debate sobre los límites entre el arte público y la destrucción de patrimonio. “Es un escándalo que decenas de miles de libras del erario público tengan que gastarse en limpiar tras Banksy, que parece creer que tiene derecho a desfigurar edificios públicos con impunidad”, declaró Nick Timothy, secretario de justicia en la oposición. Timothy exigió que sea el propio artista quien asuma los costos.

La crítica de arte Estelle Lovatt ofreció una perspectiva opuesta y señaló que la obra de Banksy convoca a personas de distintos orígenes de una manera que la política no logra, y que su trabajo democratiza el acceso al arte al prescindir de galerías y entradas pagas. “Puede ser intimidante que un mural aparezca en tu edificio, por las multitudes que genera, pero hace el arte accesible porque no hay precio de entrada”, afirmó.

La segunda obra más costosa fue una estatua instalada en Waterloo Place, cerca de Trafalgar Square en pleno centro de Londres, en abril de 2026. La pieza representa a un hombre trajeado que avanza sosteniendo una bandera que le cubre el rostro. El Ayuntamiento de Westminster atribuyó a esa instalación un gasto de casi 60 mil libras en barreras de seguridad, administración y custodia.

La tercera intervención data de agosto de 2024, cuando Banksy pintó pirañas sobre el lateral de una garita policial de la City of London, una estructura instalada en los años 90 como medida de seguridad contra el IRA. La garita fue retirada a un costo de 2.200 libras y nunca repuesta. Según informó The Times, está previsto que la obra se exhiba en el London Museum cuando el recinto reabra en noviembre próximo.

Cami Mayan regresó a Londres a más de tres años después de su separación de Alexis Mac Allister. La influencer, que vivió en Inglaterra durante tres años y medio mientras el mediocampista se desempeñaba en el Brighton, no había vuelto al país desde que la relación terminó en diciembre de 2022, tras el mundial de Qatar. El viaje llegó después de su entrevista con María Laura Santillán, en la que habló de la batalla judicial que lleva adelante contra el futbolista por una compensación económica, y luego de que el futbolista del Liverpool se mostrara de vacaciones junto a su pareja Ailén Cova y su hija Alaia.

Las primeras imágenes que compartió en sus stories mostraron una ciudad soleada y tranquila. En una de ellas, Mayan aparece de espaldas a la cámara en Bentinck Street W1, con un vestido largo a cuadros en tonos borravino y beige, una gorra beige de los Yankees y anteojos negros. Un pub de ladrillos rojos y un texto escueto pero significativo: “De los últimos días”.

Desde allí, el recorrido la llevó hasta Shoreditch. Una de las fotos mostró un puesto de antigüedades en Brick Lane: tazas, platos, cuadros con marcos dorados, figuritas de animales y objetos de todo tipo desplegados sobre mesas con manteles rojos y azules, con una fachada cubierta de grafitis detrás. La ciudad más despojada y callejera, lejos de la postal turística, y un recorrido alternativo al oficial.

En el colectivo rojo —uno de los símbolos más reconocibles de Londres— Mayan se sacó una selfie que condensó el espíritu del viaje. Gorra beige, anteojos oscuros de marco fino, auriculares blancos, trenzas y el mismo vestido a cuadros. La imagen tiene algo de cotidiano y algo de deliberado: la chica que conoció esa ciudad de la mano de otro, moviéndose ahora sola por sus líneas de transporte.

La story más comentada, sin embargo, no mostró ningún paisaje. Fue la pantalla de bloqueo de su teléfono: las 12:32 del domingo 9 de agosto, con “So Long, London” de Taylor Swift sonando. El texto que escribió encima fue: “La diferencia de moods entre la música y el fondo me destruye”.

La elección no fue casual. “So Long, London” es la canción con la que Swift se despidió de la ciudad que conoció de la mano de Joe Alwyn, el actor británico con quien estuvo en pareja durante siete años, y en la que decidió describir el dolor por el cierre de su relación y la vida que construyeron juntos en las callecitas de la ciudad. Mayan la escuchó en Londres, la ciudad donde ella también construyó una vida junto a otro, y la eligió para acompañar ese momento. El paralelo entre las dos historias quedó trazado sin necesidad de más palabras.

El resto del viaje tuvo un tono más apacible. Una de las stories mostró una taza de café y una porción de budín sobre una mesa de madera clara, con una persona trabajando en una laptop al fondo y plantas colgantes en la pared. Debajo, dos fotos de calles de ladrillo rojo, un local al paso y una frase que sintetiza sus días: “Cafecitos y caminatas”.

El cierre del álbum llegó desde el espejo del hotel. Mayan se fotografió lista para salir: top marrón semitransparente, pantalón cargo negro ancho, cartera marrón y el pelo lacio suelto. El texto sobre la imagen fue directo: “Prepararme para salir a comer sola”. Cuatro tics de verificación al lado, como quien tacha una tarea pendiente de una lista.

Con sus redes sociales como diario de viaje, Cami Mayan compartió sus seguidores las postales de su nueva vida. Volver a Londres, recorrerla sola, escuchar esa canción y documentarlo todo fue la forma que eligió para mostrar en qué punto está respecto a su pasado y a su futuro.

La National Portrait Gallery de Londres incorporó un retrato de Charli XCX tomado en 2023 por Harley Weir, una entrada que lleva a la cantante británica a los muros del museo y acompaña el desembarco de la imagen de su álbum Brat en la galería “History Makers”, poco después de la salida de su nuevo disco Music, Fashion, Film.

La compra se hizo dentro de la iniciativa “Collecting the Now” del museo, respaldada por una donación de £1 millón de la Bukhman Foundation, equivalente a USD 1,3 millones. Ese mismo fondo permitió adquirir obras de Barbara Walker, Linder, Sonia Boyce y Hew Locke.

El retrato presenta a Charli XCX contra una pared, con las caderas desplazadas hacia afuera, el cabello revuelto y el abdomen al descubierto bajo una camiseta corta. Brandei Estes, curadora principal de fotografías de la National Portrait Gallery, sostuvo que Weir desarrolló un lenguaje “que combina intimidad con una poderosa sensación de presencia”.

El ingreso de la obra a la colección conecta a una figura del pop reciente con una institución asociada a grandes retratos británicos de otras épocas. La fotografía fue descrita por la publicación como una imagen de cabello salvaje que condensó el espíritu rebelde de Brat, el álbum de la cantante.

Charli XCX alcanzó con Brat en 2024 la certificación de doble platino y una proyección global alimentada también por la circulación de memes. Weir también produjo otras imágenes de la etapa visual de Brat: en una, la cantante aparece recostada sobre un sofá; en otra, de pie en un umbral con una luz anaranjada. La fotógrafa ya había retratado a Charli XCX para la colección “Heaven” de Marc Jacobs en 2022, y el diseñador aparece en la portada de Music, Fashion, Film.

Nacida en Londres en 1988, Harley Weir construyó su nombre en la fotografía de moda con una estética sensual y artística. Trabajó para marcas de lujo como Balenciaga, Celine, Stella McCartney y Gucci, y expone de forma regular con las galerías londinenses Hannah Barry y Michael Hoppen.

La Bukhman Foundation, que sostiene el fondo de adquisiciones del museo, fue creada en 2023 por los multimillonarios de origen ruso Anastasia e Igor Bukhman. La organización con sede en el Reino Unido también apoyó la iniciativa educativa Art Block de la South London Gallery y el pabellón de Austria de Florentina Holzinger en la Bienal de Venecia.

La ola de calor en Europa no cesa. Una de las consecuencias se refleja claramente en el parque real más grande del centro de Londres. La capital inglesa atraviesa una sequía que volvió ocres sus sitios naturales y dejó a Hyde Park con aspecto de descampado, en un verano que ya marcó el julio más seco registrado en Inglaterra y Gales desde 1836 y que anticipa, según la Oficina de Meteorología del Reino Unido, veranos hasta 60% más secos hacia 2070 en comparación con la década de 1990.

Londres está considerada la ciudad europea con mayor volumen de espacios verdes, pero este verano sus praderas muestran hierba seca o directamente tierra agrietada. Caminar por antiguos terrenos de caza de la monarquía, como Hyde Park, supone hoy avanzar sobre superficies arcillosas, calvas y polvorientas donde cuesta imaginar que antes había césped. Las imágenes sorprenden. Y preocupan.

La reacción de los londinenses se extendió por redes sociales con fotos y videos del cambio de paisaje. “Bastante salvaje, Hyde Park parece un desierto”, escribió una usuaria de X. Otro mensaje fue aún más gráfico: “Se ha transformado en el desierto de Dubái”.

La ciudad dispone de unos 3.000 parques y espacios verdes públicos que ocupan cerca del 40% de su superficie total. Residentes y turistas siguen utilizándolos, pero el contraste con el verano pasado resulta visible incluso desde el aire.

Jason Hawkes, fotógrafo con más de 35 años retratando Londres desde el cielo, comparó imágenes tomadas en Hyde Park con un año de diferencia. La más reciente muestra un terreno amarillento y seco; la anterior, el mismo punto cubierto de verde.

La degradación de las áreas verdes expone un problema urbano y climático

La pérdida de vegetación preocupa en una metrópolis densa y contaminada como Londres, donde los parques cumplen una función directa para aliviar el calor y amortiguar la polución.

El cambio de color en jardines, áreas protegidas y superficies deportivas dejó de ser una anomalía visual para convertirse en una señal de presión ambiental sobre la ciudad.

La prensa británica convirtió esa transformación en una imagen recurrente de portada. Esta semana, un tabloide publicó una vista aérea de ganado desplazado sobre una extensión amarilla en el condado de Kent y planteó si la escena correspondía al oeste de Estados Unidos o a la región conocida históricamente como “el jardín de Inglaterra”.

La mitad de Inglaterra y toda Gales están oficialmente en sequía. Siete áreas tienen desde hace dos semanas restricciones al uso de mangueras que afectan a 23 millones de personas. La combinación de falta de lluvia, calor excepcional y niveles de sol sin precedentes transformó el verde habitual del sur de Inglaterra en superficies amarillas y polvorientas.

El mes pasado fue especialmente extremo. En la zona meridional de Inglaterra, julio terminó con apenas el 1% de la media de lluvia registrada a largo plazo, lo que lo convirtió en el mes más seco de su historia.

El calor aceleró la evaporación y agravó la falta de agua

La Oficina de Meteorología prevé que la crisis climática haga que los veranos del Reino Unido sean un 60% más secos hacia 2070 que en los años noventa del siglo pasado.

Inglaterra acumula cuatro olas de calor este año. Aunque no se repitieron los 40°C alcanzados por primera vez en 2022, la sucesión de jornadas con temperaturas inusualmente altas aceleró la evaporación del agua del suelo y de la vegetación.

En el sur del país, el patrón meteorológico fue especialmente brusco por el paso de un invierno muy húmedo a un verano de calor y sequedad inéditos.

Las temperaturas superaron los 30°C durante 12 días consecutivos: esa marca se siente con más dureza porque muchas viviendas e infraestructuras del Reino Unido están diseñadas para retener calor.

La ausencia de precipitaciones también afecta a ríos y lagos. En julio, Inglaterra recibió solo el 7% de la lluvia habitual y el Támesis, el río más largo del país, registró el menor caudal de su historia.

Por ahora no existe riesgo para el suministro de agua de consumo humano porque las lluvias récord de la primera mitad del año mantuvieron las reservas cerca de los niveles esperados para esta época.

El problema de fondo es la falta de nueva infraestructura: en el Reino Unido no se completa una presa desde 1992, una carencia que el sector agrícola señala como obstáculo para aprovechar los periodos húmedos.

Con su majestuosa fachada, el bloque de mansiones londinenses de los años 30 se parece a tantos otros. Pero una casa oculta una historia de uno de los capítulos más oscuros de la historia europea del siglo XX. El célebre escritor austriaco Stefan Zweig vivió en el departamento número 71, en el 49 de Hallam Street, durante tres años hasta 1939, tras huir de su país natal cuando el líder nazi Adolf Hitler comenzó su ascenso al poder.

En gran medida olvidado por los lectores modernos, Zweig —la inspiración para la película de Wes Anderson de 2014 El Gran Hotel Budapest— fue una importante figura literaria que, durante su vida, fue el autor más traducido del mundo.

En caso de una invasión de Gran Bretaña, el escritor habría sido uno de los objetivos de mayor perfil del llamado “libro negro” nazi. Las unidades de las SS habrían sido enviadas a Hallam Street para detener y “neutralizar” a Stefan Zweig. La dirección estaba incluida en la lista secreta Sonderfahndungsliste G.B. (“Lista Especial de Búsqueda Gran Bretaña”), la cual contenía los nombres de aproximadamente 2.820 políticos, escritores, científicos, refugiados, periodistas y otros considerados enemigos del régimen nazi.

Noventa años después de que Zweig se instalara en Hallam Street, admiradores británicos como el fallecido dramaturgo Tom Stoppard y el novelista Julian Barnes finalmente lograron su objetivo de que la dirección sea oficialmente conmemorada. Una placa redonda azul, recién colocada en el exterior del edificio, ahora alerta a los transeúntes sobre el famoso exresidente del inmueble.

“Stefan Zweig 1881-1942, escritor austriaco, vivió en el apartamento 71, 1936-1939”, dice la placa colocada como parte del programa Blue Plaques (Placas Azules) de la organización benéfica protectora del patrimonio English Heritage. El programa, que funciona desde 1866, busca honrar el vínculo entre figuras notables y los edificios del Reino Unido donde vivieron y trabajaron.

La historiadora de Blue Plaques, Susan Skedd, dijo que el estado mental de Zweig parecía fluctuar durante su estancia en la capital, donde también vivió en varias otras direcciones. “En sus cartas dice cuánto consuelo le aporta Londres, pero el hecho de que a los británicos en general no les afecte la guerra —eso le enfurece”, explicó.

Reunir material para su autobiografía El mundo de ayer también le hizo reflexionar sobre el mundo perdido de su vida pasada en Viena, señaló. Dejó la ciudad en 1933. “Siente que la civilización está perdida... lo cual es profundamente triste”, añadió. En septiembre de 1939, cuando estalló la guerra en Europa, Zweig pronunció el elogio fúnebre por el también exiliado, el psicoanalista Sigmund Freud, en el cementerio de Golders Green en Londres.

Pérdida cultural

Según English Heritage, otros 30 destinatarios de placas azules aparecían en la lista nazi, pero el apartamento de Zweig en Hallam Street fue uno de solo dos lugares mencionados explícitamente, siendo el otro el hogar del escritor británico de ciencia ficción H. G. Wells.

Las obras del escritor austríaco incluyen Carta de una desconocida (1922) y Veinticuatro horas en la vida de una mujer (1927), que fueron traducidas a decenas de idiomas. Su novela posterior Cuidado con la piedad (1939) fue escrita y publicada durante el tiempo que vivió en Hallam Street.

El cineasta Wes Anderson dijo en un mensaje en video para conmemorar la placa azul que “nunca había oído” hablar de Zweig hasta que se topó por casualidad con un ejemplar de Cuidado con la piedad, lo que le llevó a buscar inmediatamente otra de sus obras, La novela de ajedrez, publicada póstumamente en 1982. “En cierto modo robé elementos de ambos libros para El Gran Hotel Budapest”, afirmó, añadiendo que el personaje de Ralph Fiennes en el filme está ampliamente inspirado en el autor.

Aunque halló refugio en Londres, no hubo un final feliz para Zweig, cuyas obras posteriores se basaron en sus propias experiencias de desplazamiento y pérdida cultural. Se marchó a Nueva York en 1940 y luego se estableció en Brasil. Sin embargo, el empeoramiento de la situación en Europa lo dejó profundamente deprimido. El 23 de febrero de 1942, al día siguiente de terminar su autobiografía, Stefan Zweig, de 60 años, y su segunda esposa Lotte, de 33, tomaron cada uno una dosis mortal de barbitúricos.

Fuente: AFP

Una mujer fue acusada por el apuñalamiento de 4 hombres en Covent Garden, en el centro de Londres, en un caso ocurrido el miércoles 5 de agosto al mediodía.

Según informó la Policía Metropolitana de Londres, la acusada es Stella Gollovena, de 47 años, quien habría actuado con la intención de causar lesiones graves y otro por posesión de un arma ofensiva en un lugar público.

De acuerdo con el parte difundido por la Policía Metropolitana, los agentes acudieron a Endell Street, en Covent Garden, hacia las 12:27 horas tras recibir reportes sobre un ataque con arma blanca.

Antes de ser trasladados a un centro de salud, los hombres de 34, 39, 42 y 56 años presentaban lesiones que fueron consideradas no mortales y sin riesgo de provocar secuelas permanentes. Al día siguiente, confirmaron que todos habían recibido el alta médica.

De acuerdo con las autoridades, la acusada no tiene domicilio fijo, por lo que quedó bajo custodia y debía ante el Tribunal de Magistrados de Highbury.

La acusación formal y los primeros datos del caso

Un reporte de Euronews explicó que, en una primera etapa de la investigación, la policía consideró que el episodio podría estar vinculado con un problema de salud mental. Esa misma cobertura indicó que los agentes incautaron unas tijeras en la escena del hecho.

En la reconstrucción difundida, el ataque ocurrió en una zona turística muy transitada de la capital británica, conocida por su actividad comercial y gastronómica.

El Servicio de Ambulancias de Londres informó que atendió a los pacientes en el lugar y que todos fueron trasladados a un centro de trauma mayor para conocer la gravedad de las heridas.

Los testimonios recogidos

Medios locales lograron dar con la palabra de un testigo que trabajaba en un restaurante próximo, quien afirmó que la policía utilizó pistolas Taser para detener a la mujer.

“Fue la única manera de hacer que soltara el cuchillo”, declaró y sostuvo que la mujer era conocida en la zona y que solía frecuentar el área, aunque desconocía mucho más sobre su historia.

Otro testigo citado por Euronews aseguró que la sospechosa “siempre estaba en esta calle” y la describió como una persona sin hogar. Hasta el momento, las autoridades no informaron públicamente un posible vínculo entre la acusada y los heridos.

En Londres, el consejo local de Westminster desató una polémica al proponer restricciones al consumo de bebidas de pie en pubs y bares, una práctica arraigada en la cultura británica. El borrador de política de licencias generó el rechazo de la industria de la hospitalidad y de destacados políticos del país.

El documento, aún en fase de consulta pública, establece que los establecimientos que soliciten licencia deben desincentivar la “embriaguez excesiva” y ofrecer más asientos para que los clientes puedan sentarse y pedir comida en mesa, “en lugar de espacios de barra abiertos que atienden el consumo vertical de alto volumen”. El texto recomienda además que la venta de alcohol y comida se realice exclusivamente mediante servicio de camareros, eliminando la posibilidad de pedir directamente en la barra.

La medida afectaría al Soho y el West End, zona que concentra más establecimientos con licencia para vender alcohol que cualquier otra autoridad local del Reino Unido y uno de los distritos de ocio nocturno más concurridos de Europa. El borrador incluye además una restricción adicional: prohibir la apertura de nuevos locales en esa área, lo que abarcaría pubs, bares, establecimientos de comida rápida y espacios con música, baile o entretenimiento similar.

El líder del consejo, Paul Swaddle, calificó de “confusas” las versiones publicadas —la prensa local llegó a titular “¿Solo sentados en los pubs?”— y aclaró que la iniciativa no busca prohibir que alguien tome una cerveza de pie, sino reducir el ruido y el comportamiento desordenado. “Esto tiene que ver con la seguridad, no con impedir que alguien esté de pie en la barra con una cerveza en la mano”, afirmó. El consejo señaló además que su obligación es garantizar que Westminster sea “un gran lugar para vivir” para quienes residen allí.

Las críticas llegaron desde los niveles más altos del gobierno. El primer ministro Andy Burnham visitó el mes pasado el pub The Hare, en Harlow, Essex, donde declaró: “Los pubs que tenemos están en el corazón de las calles comerciales. Seré un defensor de ellos. Alzaré la voz por ellos y actuaré”. Un portavoz de su oficina añadió que compartir una cerveza de pie no es una molestia, sino parte de la “vida británica”, y que Burnham alienta a los líderes locales a trabajar con el sector para que pueda prosperar.

El alcalde de Londres, Sadiq Khan, anunció que usaría nuevas facultades previstas para su oficina para revisar la política de Westminster. “No se puede gestionar un distrito de vida nocturna mundialmente famoso con una mentalidad de salón comunal”, escribió en X. “La hospitalidad y la vida nocturna de Londres sostienen empleos, cultura y crecimiento”. Una legislación secundaria que se espera aprobar a finales de este año le otorgaría poderes para intervenir directamente en las decisiones sobre licencias de los ayuntamientos.

Lesley Lewis, que dirige el pub French House en el Soho desde hace 37 años, advirtió que la propuesta solo derivaría a los clientes hacia otras zonas de la ciudad. “Dependemos de esa gente de pie para los alquileres y las tasas que nos asignan”, dijo. “La gente quiere divertirse en Soho, quiere tomar algo afuera, quiere bailar. No quiere sentarse y quedarse simplemente donde está; quiere conocer gente y charlar”.

Desde la Asociación de Industrias del Ocio Nocturno, su director ejecutivo Michael Kill advirtió que reducir ese espacio alteraría el carácter de los locales, reduciría su capacidad y elevaría los costos operativos de empresas que ya atraviesan presión financiera en un sector que aún no termina de recuperarse de la pandemia.

(Con información de AP y The Guardian)

El médico contó 39 puñaladas distribuidas desde la garganta hasta el abdomen. Alguien había necesitado dos armas distintas para matarla. Ese alguien pasaría a la historia con un nombre que Londres nunca olvidaría: Jack el Destripador.

La mujer era Martha Tabram, nacida el 10 de mayo de 1849 en Southwark, al sur de Londres. Vendedora ambulante, prostituta ocasional, residente de casas de huéspedes que cambiaban de inquilino cada noche por cuatro peniques.

La noche anterior había estado bebiendo en el pub Angel and Crown junto a una compañera conocida como “Pearly Poll” —cuyo nombre real era Mary Ann Connolly— y dos soldados. A las 11:45 del 6 de agosto, las dos mujeres se separaron de sus clientes. Tabram se internó en el oscuro callejón de George Yard con el que le había correspondido. Nadie volvió a verla con vida.

El doctor Timothy Robert Killeen llegó a la escena pasadas las 5:00 de la mañana y estimó que llevaba muerta alrededor de tres horas. Su examen reveló que la mayoría de las heridas habían sido producidas por un cuchillo de bolsillo común, pero una profunda laceración en el esternón era diferente: solo podía haber sido obra de “un instrumento largo y fuerte, posiblemente una bayoneta de espada o un puñal”, según recoge Jack the Ripper Archive. Dos armas, un mismo cuerpo, ningún sospechoso.

El Whitechapel de 1888 era una zona de hacinamiento brutal. Decenas de miles de inmigrantes y desposeídos se apretujaban en callejones sin alumbrado, y cientos de mujeres en situación de extrema vulnerabilidad operaban cada noche expuestas a la violencia de clientes anónimos en la oscuridad, según consigna Whitechapel Jack. En ese escenario, la muerte de Tabram generó alarma, pero no pánico. Lo que vendría después sí lo haría.

La discusión sobre la primera víctima

El debate sobre si Martha Tabram fue realmente la primera víctima de Jack el Destripador persiste entre los especialistas en el caso, conocidos como Ripperologists. El argumento central en su contra es el método: el asesino del Destripador empleaba cortes con un instrumento de filo largo, mientras que Tabram fue acribillada a puñaladas.

Aun así, la brutalidad del ataque y su proximidad con los crímenes posteriores llevaron a numerosos investigadores a sostener lo contrario. Jack the Ripper Archive concluye que “es posible que Martha Tabram, asesinada en las primeras horas del 7 de agosto de 1888 en el oscuro primer rellano de George Yard Buildings, haya sido la primera víctima en morir a manos de Jack el Destripador”.

El crimen de Mary Ann Nichols

Apenas 24 días después, en la madrugada del 31 de agosto, un carretero llamado Charles Allen Cross descubrió a las 3:40 lo que creyó era una lona tirada frente a la entrada de un establo en Buck’s Row, una calle estrecha y sin luz de Whitechapel.

Al acercarse, comprendió que era el cuerpo de una mujer. Mary Ann Nichols —conocida en los lodging houses como “Polly”— yacía boca arriba con los ojos abiertos y las piernas estiradas. Tenía 43 años y la garganta abierta de oreja a oreja.

El doctor Rees Ralph Llewellyn llegó a las 4:00 de la mañana. La autopsia reveló el alcance total del ataque: dos cortes profundos en la garganta, el primero de aproximadamente 10 centímetros y el segundo de unos 20 centímetros, que había seccionado la arteria carótida hasta la columna vertebral.

En el abdomen, una cuchillada irregular y dentada desgarró el lado izquierdo inferior hasta casi el esternón, dejando los intestinos expuestos. Otras laceraciones cruzaban el lado derecho del torso. Dos pequeños hematomas en ambos lados de la mandíbula revelaban que el asesino había sujetado el cuello de la víctima antes de degollarla, según detalla The Jack the Ripper Tour.

“Polly” nació el 26 de agosto de 1845 en la City de Londres y se casó a los 18 años con William Nichols, un operario impresor. Tuvieron 5 hijos. La separación llegó en 1880: él la llamaba borracha; ella lo acusaba de infidelidad. A partir de ese quiebre, alternó entre workhouses —las casas de trabajo victorianas donde los indigentes intercambiaban labor por techo—, casas de huéspedes baratas y la calle.

En 1887 llegó a dormir a Trafalgar Square. En 1888 logró emplearse como sirvienta doméstica, pero abandonó el puesto a los tres meses robando ropa, según consigna Crime and Investigation.

La última noche de su vida quedó reconstruida con precisión a partir de varios testimonios. A las 12:30 del 31 de agosto salió del pub Frying Pan, en Brick Lane. A la 1:20 de la madrugada la rechazaron en su casa de huéspedes en Flower and Dean Street porque no tenía los 4 peniques del alquiler. Señaló su sombrero nuevo con confianza: “Enseguida consigo mi dinero para la cama. Miren qué bonete tan alegre tengo”.

Esa misma noche había gastado tres veces el precio de la cama en alcohol. A las 2:30, su conocida Emily Holland la encontró tambaleante en una esquina de Whitechapel Road. Fue la última persona en verla con vida. 70 minutos después, “Polly” Nichols estaba muerta en Buck’s Row con la garganta abierta.

El impacto en Londres

El inspector John Spratling, de la Policía Metropolitana de Londres, llegó a las 4:30 de la madrugada para iniciar las pesquisas. A las 5:20, el cuerpo fue trasladado al depósito de Old Montague Street. A las 7:30 de esa tarde, Mary Ann Monk, una conocida de la víctima, identificó formalmente el cadáver.

La prensa londinense, que ya cubría la muerte de Tabram con alarma creciente, encontró en el asesinato de Nichols —más mutilado, más deliberado, más sistemático— la confirmación de los peores temores: había un asesino serial actuando en las calles de Whitechapel.

Cuatro crímenes más atribuidos al mismo autor seguirían en las semanas posteriores: Annie Chapman el 8 de septiembre, Elizabeth Stride y Catherine Eddowes la madrugada del 30 de septiembre y Mary Jane Kelly el 9 de noviembre. Todos en el mismo radio de calles. Más allá de Martha, estas cuatro mujeres y Nichols fueron apodadas como las “5 canónicas”, por la similitud indiscutida de los asesinatos. Todos con la misma firma sobre el cuerpo.

La pista de Mitre Square

Pasaron 131 años para que el caso más frío de la era victoriana volviera a conmocionar al mundo. En 2019, Jari Louhelainen, bioquímico de la Universidad John Moores de Liverpool, extrajo ADN mitocondrial de un chal de seda con manchas de sangre y semen que el coleccionista Russell Edwards había comprado en una subasta en 2007. La prenda, según el vendedor, habría sido hallada junto al cuerpo mutilado de Catherine Eddowes en Mitre Square la madrugada del 30 de septiembre de 1888.

Las muestras coincidieron con el ADN de descendientes vivos de Eddowes, pero encontraron a alguien más: Aaron Kosminski, un barbero polaco de 23 años que los detectives victorianos ya tenían en su lista. Los resultados se publicaron en el Journal of Forensic Sciences; era la primera vez que una hipótesis sobre la identidad del Destripador tenía una base científica.

La prenda, sin embargo, nunca tuvo una cadena de custodia oficial que lo situara en Mitre Square aquella madrugada. Solo eran las argumentaciones del coleccionista. Y había algo más: el ADN mitocondrial podía corresponder a miles de londinenses de la época. De acuerdo con los detractores, citados por Science, los autores ni siquiera publicaron las secuencias completas del ADN. Eso provocó más dudas. Y, al final, de Jack el Destripador solo quedó su firma sangrienta.

Muertes como esa ocurrían casi todas las noches en las oscuras calles de Whitechapel, en el East End de Londres. A veces se trataba de un borracho apuñalado en una trifulca; otras, de una prostituta que tuvo la desgracia de elegir mal a su cliente; en ocasiones, se tratara de un hombre o de una mujer, la policía ni siquiera se preocupaba por identificar a la víctima. Por eso, el brutal crimen de la prostituta Martha Tabram parecía destinado a quedar para siempre en el olvido, como tantos otros, hasta que una serie de asesinatos que se inició poco después hizo que los investigadores volvieran sobre su caso para preguntarse si se trataba o no de la primera muerte perpetrada por Jack el Destripador, el primer criminal de la historia a quien se calificó como asesino en serie.

Eran poco menos de las cinco de la mañana del martes 7 de agosto de 1888 cuando, como todos los días, el estibador John Saunders Reeves salió de su bloque de departamentos de edificio George Yard en el East End londinense para encaminarse hacia los muelles y resbaló en un charco de sangre. No pudo conservar el equilibrio y cayó casi sobre el cuerpo inerte de una mujer. Se levantó como pudo y corrió hasta encontrar al policía Thomas Barrett, que patrullaba esas calles. La muerte no era algo extraño en ese barrio marginal de Londres, pero el cuerpo de la mujer que yacía en el piso enmarcado por su propia sangre daba cuenta de un crimen perpetrado con una brutalidad pocas veces vista.

El doctor Timothy Robert Killeen, que llegó media hora después para examinar a la víctima, contó 39 puñaladas en el cuerpo y en el cuello, incluyendo nueve incisiones en la garganta, cinco en el pulmón izquierdo, dos en el pulmón derecho, una en el corazón, cinco en el hígado, dos en el bazo, seis en el estómago, dos en los pechos, dos en la parte baja del abdomen y otras tantas en la zona genital. Por la temperatura del cuerpo, calculó que había muerto entre las dos y las tres de la madrugada. No se demoró mucho en identificar a la muerta, porque era muy conocida en el barrio. Se trataba de Martha Tabram, de 39 años, prostituta de profesión y alcohólica perdida para más datos.

Las últimas horas de Tabram tampoco fueron difíciles de reconstruir. La noche anterior, se había tomado hasta el agua de los floreros en la taberna Angel and Crown, cerca del lugar donde la encontraron muerta, en compañía de otra prostituta, Mary Ann Connelly —también conocida como “Pearly Poll”— y dos soldados. Minutos antes de la medianoche los cuatro salieron del tugurio y las mujeres se fueron cada una por su lado, en compañía de un soldado, para brindarles sus servicios en algún oscuro callejón del barrio. Martha y su cliente caminaron hacia George Yard, una calle estrecha que conectaba Wentworth Street y Whitechapel High Street. Fue la última vez que se la vio viva.

Una vecina le contó a la policía que había escuchado el grito de “¡Asesino!” alrededor de la una y media de la madrugada, pero que no le dio importancia, porque los gritos nocturnos eran cosa común en la zona. También hubo quienes vieron el cuerpo de la mujer tirado frente al bloque de edificios George Yard pero que siguieron de largo, porque los borrachos que se derrumbaban en la calle y los homeless que dormían a la intemperie no eran cosas que llamaran la atención en ese barrio.

En los archivos policiales quedó guardado el informe del doctor Killeen, donde señalaba que el arma mortal podía haber sido un cuchillo común, pero no descartaba la posibilidad de que el asesino hubiera utilizado una bayoneta. Todas las sospechas apuntaron entonces a los dos soldados que habían salido de la taberna con Martha y “Pearly Poll”. El inspector de la Policía Metropolitana Edmund Reid, de la División H de Whitechapel, pudo identificarlos como Leary y Law, pero debió descartarlos porque sus coartadas —confirmadas por otros militares— eran sólidas.

Hasta ahí llegó la pesquisa. Una semana después, el juez de South East Middlesex George Collier cerró el caso como un asesinato cometido por persona o personas desconocidas. Nadie se volvió a ocupar de la muerte de Martha Tabram hasta que unas tres semanas después se perpetró otro crimen cuyas características hicieron pensar que podía tratarse del mismo asesino, aunque la policía no se atrevía a asegurarlo.

El asesinato de Mary Ann Nichols

Los registros policiales de la época contabilizan, además del caso de Martha Tabram, once femicidios —un término que aún no existía— perpetrados en Whitechapel entre abril de 1888 y febrero de 1891, pero los investigadores coinciden en que, por sus características, solamente cinco se le pueden adjudicar con certeza a Jack el Destripador, todos ocurridos en el lapso de 70 días que va desde el 31 de agosto al 9 de noviembre de 1888. A las víctimas “oficiales” del misterioso asesino se las conoce como “las cinco canónicas”. Para la historia oficial, Tabram no está incluida entre ellas.

El primero de esos crímenes fue descubierto la madrugada del viernes 31 de agosto, poco más de tres semanas después de la muerte de Martha Tabram, en Buck’s, otra calle oscura de ese barrio miserable, cuando un chofer de nombre Charles Cross encontró el cuerpo de una mujer desparramado junto a un portal. La policía tampoco tardó en identificarla: se trataba de Mary Ann Nichols, una prostituta de 43 años, y estaba claro que la habían asesinado, porque tenía un par de cortes en la garganta, el abdomen parcialmente rasgado con una profunda hendidura en zigzag y varias incisiones hechas con el mismo cuchillo. Por esa muerte —en una sangrienta paradoja— el nombre de la pobre y hasta entonces anónima Mary quedaría escrito para siempre como el de la primera víctima del asesino más famoso de la historia: Jack the Ripper.

Durante los setenta días siguientes, otras cuatro mujeres aparecieron muertas de manera muy parecida. “Estos son los únicos hechos comprobados: todos los crímenes se cometieron tras el cierre de los bares; todas las víctimas eran de la misma clase —la más baja entre las bajas— y vivían no más lejos de un cuarto de milla unas de otras. Todas, además, fueron asesinadas del mismo modo”, explicaba el detective Reid, uno de los hombres de Scotland Yard encargados de investigar los casos y atrapar al autor de los crímenes.

El modus operandi del criminal se repetía con algunas variaciones: comenzaba por cortar de un lado a otro la garganta de la víctima para matarla y después le abría el abdomen. En algún caso se llevaba algún órgano como trofeo, en otros no. La existencia de un asesino en serie —aunque a fines del siglo XIX esa categoría criminal no había sido acuñada— aterrorizó a todo Londres y también dio lugar a ríos de tinta en los medios de la época, que lo bautizaron con el nombre que pasó a la historia. Jack el Destripador perpetró su raid criminal en apenas dos meses y una semana. Después desapareció para siempre. O quizás no.

Las cinco víctimas “oficiales”

Una semana después del crimen de Mary Ann Nichols, el asesino volvió a actuar. El sábado 8 de septiembre, a las 6 de la mañana, fue encontrada muerta Annie Chapman, otra prostituta, cerca de la entrada a un patio interior de la calle Hanbury. El cuadro con que se toparon los policías fue —si eso es posible— más truculento que el del primer crimen. El informe de la autopsia lo describió así: “El abdomen había sido completamente abierto: los intestinos (…) se habían sacado del cuerpo y colocado sobre el hombro del cadáver; (…) el útero, la parte superior de la vagina y dos tercios de la vejiga no estaban. No había rastro de estas partes, y las incisiones eran cuidadosas, evitando el recto (…). La manera en que se había utilizado el cuchillo parece indicar grandes conocimientos de anatomía”. No se encontraron rastros del autor del asesinato, pero un testigo aseguró haber visto a Annie media hora antes del hallazgo de su cadáver, acompañada por un hombre de pelo oscuro y con apariencia de un “gentil venido a menos”. Un sospechoso que fue imposible encontrar.

La madrugada del domingo 30 de septiembre, el asesino volvió a matar, esa vez por partida doble. El cuerpo de la primera víctima, Elizabeth Stride, fue descubierto a la una de la mañana en Dutfield’s Yard, con la carótida cortada. Sin embargo, el cadáver no tenía los ya típicos cortes en el abdomen, lo cual hizo pensar que el perpetrador tuvo que escapar antes de completar su obra. La policía encontró a algunos testigos, pero sus informaciones eran contradictorias: todos dijeron haber visto a Elizabeth acompañada por un hombre, pero unos aseguraron que era rubio mientras que otros dijeron que tenía el cabello oscuro; hubo quienes lo describieron como bien vestido, pero para otros vestía ropas andrajosas.

Una hora más tarde apareció el cadáver de Katherine Eddowes. Resultó evidente que, en este caso, el asesino había logrado completar su obra. La mujer tenía la garganta profundamente cortada, presentaba una incisión vertical, también profunda, en el abdomen, la habían eviscerado y colocado los intestinos por encima del hombro y, además, le faltaban el riñón izquierdo y casi todo el útero. Aquí también hubo testigos, pero tampoco sirvieron de mucho: Joseph Lawende, un vecino, dijo que, cuando caminaba con dos amigos por esa calle, había visto a Katherine acompañada por un hombre rubio, pero cuando fueron interrogados los otros dos hombres dijeron que no habían visto nada.

Otra posible pista fue el delantal ensangrentado de Katherine, encontrado a cierta distancia de donde había sido hallado el cadáver, cerca de la entrada de un edificio en cuya pared se leía una pintada referida a “los judíos”. Charles Warren, comisionado de la policía, pidió que retiraran el grafiti antes del amanecer bajo la sospecha de que habría incitado protestas antisemitas. Ninguna de las dos cosas dio indicios que llevaran al asesino, aunque le costaron caras a un zapatero judío que vivía cerca del lugar.

La quinta y última víctima “canónica” de Jack el Destripador apareció a las 10.45 de la mañana del viernes 9 de noviembre sobre la cama de una habitación alquilada en Miller’s Court. Se trataba de una prostituta ocasional llamada Mary Jane Kelly. Tenía un profundo corte que iba desde la garganta hasta la espina dorsal, el rostro hecho pedazos hasta quedar casi irreconocible y le habían extraído todos los órganos abdominales y el corazón. Después de ese crimen, el misterioso asesino desapareció sin dejar un solo rastro.

“Le envío medio riñón”

La policía no solo estaba frustrada por no encontrar a ese asesino tan sanguinario como escurridizo, sino que se sentía burlada por el criminal. Para cuando Mary Jane Kelly fue asesinada, los investigadores de Scotland Yard ya tenían en su poder por lo menos cuatro cartas supuestamente enviadas por el asesino, que firmaba con el nombre que le había dado la prensa, “Jack el Destripador”.

La primera fue recibida por George Lusk, presidente de un comité de vigilancia callejera de Whitechapel formado por voluntarios, después del asesinato de Katherine Eddowes, y estaba acompañada por medio riñón, que la policía no pudo determinar si pertenecía a un ser humano. La carta, escrita según su autor “desde el infierno”, decía: “Le envío medio riñón que tomé de una mujer. Lo he conservado para usted. La otra mitad la freí y me la comí. Estaba muy bueno. Si espera un poco más, quizá le envíe el cuchillo ensangrentado con el que lo saqué”. Y agregaba, a manera de firma: “Atrápeme si puede”.

Las otras tres eran similares, también firmadas por “Jack El Destripador”. En ellas, el autor se adjudicaba los crímenes de Whitechapel, se burlaba de la policía y prometía cometer más crímenes. Algunos registros de la época parecen indicar que hubo más cartas que las que se conocen, pero que desaparecieron misteriosamente de los archivos de Scotland Yard, quizás robadas para guardarlas como souvenir o para venderlas.

Cuando se conocieron esos textos, los diarios de la época los aprovecharon para escribir artículos sensacionalistas, lo que puso más presión a los hombres de Scotland Yard, incapaces de mostrar ningún avance en la investigación que apuntara a la identificación o la captura del asesino. No son pocos los criminólogos que sostienen que algunas de esas cartas supuestamente firmadas por Jack en realidad fueron escritas por periodistas ávidos de echar más leña al fuego del caso para generar nuevos artículos y vender más periódicos.

El primer perfil criminal

Mientras tanto, Scotland Yard seguía investigando a conciencia para tratar de identificar al asesino. Puso a trabajar a un centenar de agentes que entrevistaron a testigos y vecinos, casa por casa, mientras que el material forense era analizado con los métodos más avanzados de la época. Se sabe que se tomaron más de dos mil declaraciones, se investigó a unas trescientas personas como sospechosas y hubo ochenta detenidos, aunque ninguno de ellos resultó ser Jack.

El caso también dio lugar a la elaboración del primer perfil criminal de la historia policial, a cargo del médico forense Thomas Bond. Luego de analizar minuciosamente toda la información existente sobre los asesinatos, el experto rechazó la idea de que el asesino contara con conocimientos científicos o anatómicos, o “el entendimiento técnico de un carnicero o matarife”, y sostuvo que debía tratarse de un hombre solitario, sujeto a “ataques periódicos de manía homicida o erótica” e hipersexual dado el tipo de mutilaciones.

También señaló que “el impulso homicida podría haber surgido de alguna condición mental de venganza o melancolía, o una manía religiosa, aunque no creo que ninguna de estas hipótesis sea procedente”. Bond también confirmó la sospecha de que se trataba de un solo criminal y no de varios. “No cabe duda de que los cinco asesinatos fueron cometidos por la misma mano. En las primeras cuatro (víctimas), las gargantas parecen haber sido cortadas de izquierda a derecha y en la última, debido a la extensa mutilación, es imposible decir en qué dirección se hizo el corte fatal, aunque se encontró sangre arterial en la pared, salpicada cerca de donde la cabeza de la mujer debió haber estado. Las circunstancias en torno a los asesinatos me llevan a deducir que las mujeres estaban recostadas al momento de ser asesinadas, y en todos los casos (el asesino) cortó primero la garganta”, escribió.

Sospechosos en la mira

Scotland Yard tuvo decenas de sospechosos, una lista que siguió creciendo con el transcurso de los años y que llegó a incluir a nobles, médicos, artistas, marginales e, incluso, al autor de Alicia en el País de las Maravillas, Lewis Carroll. Se cuenta que la Reina Victoria seguía día a día la evolución de la investigación y que también tenía sus propias teorías sobre el asesino. No obstante, la mayoría de las hipótesis apuntan a seis personas.

El director del Departamento de Investigación Criminal de Scotland Yard en el momento de los crímenes sostenía que Jack era un barbero judío-polaco desequilibrado mentalmente que se llamaba Aaron Kominski. El hombre fue interrogado y desechado como posible asesino, pero más de un siglo después, en 2014, una investigación académica encontró coincidencias de ADN mitocondrial entre muestras de descendientes de Kominski y restos de sangre que contenía el chal de Katherine Eddowes descartado cerca del lugar del crimen. Sin embargo, no es una prueba concluyente porque no se tiene la certeza de que la prenda perteneciera a la víctima y, además, los rastros de sangre —posiblemente contaminados — tampoco eran fiables.

También se acusó al abogado Montague John Druitt, un joven de clase alta sobre el cual puso la mira uno de los investigadores de Scotland Yard, Melville Macnaghten, que sospechaba que podía ser el asesino porque era “sexualmente enfermo”, es decir, homosexual. Druitt se suicidó en diciembre de 1888 —un mes después del último crimen de Jack— lo cual reforzó las sospechas. Sin embargo, el inspector responsable del caso del Destripador, Frederick Abberline, aseguró después que no había una sola prueba que justificara esas sospechas.

El pintor Walter Sickert, de 28 años, fue también investigado a fondo debido a que la policía consideró que tenía un “desmesurado interés” sobre el caso y porque había pintado óleo titulado El dormitorio de Jack el Destripador. En su momento fue descartado por falta de pruebas, pero en 2014 se halló́ una coincidencia de ADN mitocondrial en una carta enviada por la esposa de Sickert y otra firmada por el Destripador. Tampoco es una prueba concluyente, porque hasta el 10% de los ingleses comparte el mismo tipo de ADN.

Además, hay indicios de que Scotland Yard llegó a sospechar de Alberto Víctor, duque de Clarence y nieto de la Reina Victoria, quien habría actuado en complicidad con el médico de cabecera de su majestad, William Gull. Ninguno de los dos fue interrogado, dadas las altas posiciones que ocupaban, pero esta hipótesis fue retomada en 1976 por el escritor británico Stephen Knight en su libro Jack the Ripper: The Final Solution, donde sostiene que los crímenes fueron en realidad una conspiración de la Casa Real para proteger al duque. Allí plantea que los asesinatos tenían como objetivo eliminar a las prostitutas que lo chantajeaban porque sabían que había tenido un hijo con una de sus colegas, y que el nieto de la reina, en complicidad con el médico, inventó a “Jack el Destripador” para encubrir su participación en esas muertes.

De todos los sospechosos, quien peor la pasó fue John Pizer, un zapatero a quien en Whitechapel todos conocían como “Leather apron”, porque andaba siempre por la calle con el delantal de cuero típico de su oficio. Lo detuvieron dos días después del asesinato de Mary Ann Nichols —la segunda víctima— porque otra prostituta lo acusó de haberla amenazado con un cuchillo la misma noche del 8 de septiembre. Lo interrogaron con métodos poco humanitarios, pero el hombre se mantuvo firme y después debieron descartarlo porque tenía una coartada irreprochable para el momento del crimen.

La “pista” argentina

Luego de perpetrar el asesinato de Mary Jane Kelly, el 9 de noviembre de 1888, Jack el Destripador desapareció abruptamente de la escena. Hubo quienes creyeron que había muerto y otros que había escapado a otro país. En 1929, el inglés Leonard Warburton Matters, autor del libro El misterio de Jack el Destripador, dio a conocer por primera vez lo que se conoce como “la pista de Buenos Aires”.

Matters, que trabajó durante años en The Buenos Aires Herald, asegura que el supuesto asesino en serie londinense llegó en barco a la capital argentina a principios de la década de 1890 para poner distancia de sus perseguidores. Según el periodista, Jack era un médico y maestro masón que había escapado de Londres con la ayuda de los hermanos de su fraternidad, y que adoptó en la Argentina la identidad de un tal “doctor Stanley”. También relata que, cuando trabajaba en el Herald, una fuente policial le confió que poco después de la llegada de Jack, habían desembarcado en Buenos Aires dos detectives de Scotland Yard para tratar de localizarlo y llevarlo a Londres para que fuera juzgado por sus crímenes.

Otro periodista británico, Daniel Farson, coincide con la versión de Matters. En 1972 escribió un artículo en el que aseguraba que Jack se instaló en Buenos Aires a fines del siglo XIX y que aquí “tuvo una tranquila existencia, habiendo sido el propietario de un bar sobre la calle 25 de Mayo, llamado “Sally’s Bar”. El “doctor Stanley” habría muerto en 1929 en un hotel del bajo y, antes de dar su último suspiro, le habría confesado a un sacerdote irlandés que era Jack el Destripador y que había asesinado a las mujeres de Whitechapel en venganza por la muerte de su hijo, que había fallecido aquejado por una enfermedad “venérea” contagiada por una prostituta.

Los rumores que ubican a Jack el Destripador pasando los últimos años de vida en la Argentina son tan incomprobables como todas las teorías que se construyeron sobre su identidad y los motivos que lo llevaron a matar. Lo único cierto es que, con el correr del tiempo, su supuesta llegada al Río de la Plata se ha convertido en uno de los muchos mitos urbanos de Buenos Aires. En cuanto al asesinato de Martha Tabram, los estudiosos del asesino en serie más famoso de la historia se dividen entre quienes sostienen que la mató Jack y quienes lo niegan. Estos últimos se basan en que fue un crimen “desprolijo” y apresurado que no coincide con su modus operandi; los primeros afirman que eso se debe a que fue uno de sus asesinatos iniciales, cuando aún no había perfeccionado su técnica.

En Londres, la regulación de la publicidad en espacios públicos es estricta, especialmente cuando se trata de imágenes que pueden ser vistas por menores de edad. Las autoridades locales y nacionales cuentan con organismos dedicados a velar por la protección del público frente a contenidos que puedan resultar perturbadores o inapropiados. Este control se refuerza en lugares de alta afluencia, como el transporte subterráneo, donde la exposición es masiva y la diversidad de edades es una constante. Unas reglas que ni una gran película puede romper.

Recientemente, los carteles promocionales de una de las películas de terror más comentadas del año, con permiso de Backrooms y Obsession, han sido retirados de circulación tras una decisión de la Advertising Standards Authority (ASA), el organismo regulador de la publicidad en el Reino Unido. La medida fue tomada después de recibir una treintena de quejas relacionadas con la campaña de La momia, dirigida por Lee Cronin, que se exhibía en estaciones del metro londinense. La polémica se originó por la imagen central del cartel: un primer plano de una figura femenina con aspecto momificado, la piel grisácea y labios secos y agrietados, un ojo cerrado e hinchado y el otro fijo, con una expresión vacía. Para la ASA, estos elementos ofrecían “una impresión realista de una niña muerta” y resultaban “demasiado angustiosos” para ser exhibidos en espacios donde pudieran ser vistos por niños.

Según el fallo del regulador de la capital inglesa, aunque los anuncios no se colocaron dentro de los 100 metros de ninguna escuela, al menos una de las vallas era visible desde una guardería infantil. Se consideró que el riesgo de que menores vieran la imagen era elevado y que el contenido era inadecuado para su difusión en la vía pública. “En cualquier caso, consideramos que la imagen era probable que causara angustia a los niños pequeños y que no era adecuada para su exhibición donde podía ser vista por ellos. Por lo tanto, concluimos que los anuncios eran inadecuados para su exposición exterior y que violaban el código”, afirmó la ASA en su resolución.

Argumentos y defensa de Warner Bros

La campaña de La momia incluía no solo carteles impresos, sino también escenas promocionales para televisión y plataformas digitales. Entre ellas, se mostraba el cuerpo de una mujer siendo retirado de un sarcófago y una escena en la que una madre, visiblemente angustiada, era tocada en la cara por una mano gris y de uñas quebradizas. El tráiler terminaba con la frase: “Solo quiero recuperar a mi hija”, pronunciada por el personaje materno. Esta versión, sin embargo, había sido aprobada por la agencia de control Clearcast para su emisión tras las 19.30 horas. La reacción social no se hizo esperar. Varias personas expresaron que tanto los carteles como los avances eran potencialmente perturbadores, no solo para niños sino también para adultos. Las quejas se centraban en el realismo de la imagen y la naturaleza inquietante de la trama sugerida en la publicidad.

Ante la controversia, Warner Bros defendió la campaña argumentando que se había elaborado con “la debida responsabilidad hacia los consumidores y la sociedad”. El estudio explicó que la figura mostrada en los carteles no era un cadáver, sino una “momia viviente” que regresa con su familia años después de haber sido secuestrada en la infancia. Aseguraron que se utilizó un rostro con expresión neutral y que se evitó intencionadamente cualquier elemento de violencia, amenaza o intimidación. Warner Bros también detalló que el diseño fue presentado y aceptado por el socio publicitario de Transport for London, Global, para su exhibición en la red del metro. En cuanto a los tráilers, el estudio subrayó que los elementos de terror estaban sugeridos y no mostrados de forma explícita: no había escenas de sobresaltos, violencia ni imágenes gráficas.

La resolución de la ASA expuso con detalle los motivos para el retiro de la campaña. En su análisis, el regulador destacó la apariencia cenicienta y sin vida de la figura, el deterioro visible en los labios y el rostro, y la mirada perdida, factores que, combinados, generaban un efecto perturbador y realista de muerte infantil. La proximidad de los anuncios a espacios frecuentados por menores reforzó la decisión de prohibir la exhibición al aire libre. La restricción no afecta las transmisiones en televisión o streaming en horarios autorizados, pero marca un precedente sobre los límites que enfrentan las campañas publicitarias de cine de terror en espacios públicos dentro del Reino Unido.

El secretario de Estado de Estados Unidos, Marco Rubio, sostuvo este miércoles una reunión con el ministro de Asuntos Exteriores del Reino Unido, Ed Miliband, en la que ambos gobiernos reafirmaron dos prioridades de su agenda sobre Medio Oriente: garantizar el tránsito seguro por el estrecho de Ormuz y evitar que Irán llegue a desarrollar o adquirir un arma nuclear. El encuentro también incluyó conversaciones sobre el papel que Europa deberá asumir en materia de seguridad.

De acuerdo con el Departamento de Estado, Rubio y Miliband coincidieron en la necesidad de reforzar la cooperación entre aliados frente a los desafíos de la región.

“Los dos reiteraron su compromiso compartido con el tránsito seguro en el estrecho de Ormuz y con garantizar que Irán nunca desarrolle ni obtenga un arma nuclear”, señaló el portavoz Tommy Pigott al resumir el contenido de la reunión. Además, ambas delegaciones abordaron “la importancia de que Europa asuma un papel más importante en su propia seguridad”.

La conversación se produjo en un momento de elevada tensión en el golfo Pérsico, donde la navegación comercial continúa condicionada por el conflicto entre Washington y Teherán y por las restricciones impuestas en torno al estrecho de Ormuz, un corredor marítimo clave para el comercio internacional de energía.

Durante los últimos meses, Estados Unidos ha incrementado su presencia militar en la zona con el objetivo de proteger el paso de embarcaciones comerciales. El Comando Central estadounidense (CENTCOM) informó este martes que sus fuerzas han asistido a más de 1.000 buques para completar con éxito su tránsito por el estrecho.

“En los últimos tres meses, las fuerzas de EE. UU. han asistido a más de 1.000 buques en su tránsito exitoso por el estrecho a pesar de la agresión iraní injustificada, y estos tránsitos continúan hoy en día”, indicó el CENTCOM. El organismo agregó que la ruta meridional del estrecho permanece abierta para el transporte marítimo internacional y detalló que, como parte del operativo, fueron desviados 45 buques mercantes, mientras que otros cuatro fueron inmovilizados o inspeccionados.

En paralelo a las operaciones militares, Washington impulsa una vía diplomática para reducir las tensiones. El propio Rubio explicó esta semana que Estados Unidos participa en gestiones destinadas a facilitar una mayor circulación de embarcaciones mientras se intenta avanzar hacia un entendimiento más amplio sobre el programa nuclear iraní.

“Creo que existe un proceso de diálogo y negociación entre Omán e Irán, en el que participamos, para determinar cómo lograr que más buques puedan transitar con seguridad a corto plazo, mientras avanzamos hacia conversaciones de mayor alcance sobre la desnuclearización”, afirmó el jefe de la diplomacia estadounidense.

Rubio sostuvo además que, pese a las dificultades, el tránsito marítimo no se encuentra completamente interrumpido. “Hay barcos y petróleo transitando por el estrecho en este preciso momento, por lo que la vía permanece abierta”, declaró, aunque reconoció que todavía no existe un acuerdo definitivo que garantice la normalización plena de la navegación.

Acuerdo entre Irán y Omán

Mientras tanto, Irán mantiene una versión diferente sobre las negociaciones. El portavoz del Ministerio de Exteriores iraní, Ismail Bagaei, informó que Teherán y Omán ya acordaron las coordenadas geográficas de una nueva ruta de navegación y trabajan en la redacción final de una declaración conjunta que recogerá los términos del entendimiento.

“Las coordenadas geográficas de la ruta propuesta han sido acordadas por ambas partes”, afirmó Bagaei. Sin embargo, aclaró que ese avance no implicará automáticamente la reapertura total del estrecho, al sostener que las condiciones de seguridad siguen afectadas por el bloqueo naval estadounidense y por las consecuencias del conflicto con Estados Unidos e Israel.

El régimen iraní también rechazó la afirmación de Washington de participar directamente en esas conversaciones. Según Teherán, el diálogo se limita exclusivamente a Omán e Irán y tiene como objetivo establecer un mecanismo técnico, jurídico y de seguridad que permita organizar el tránsito comercial en una de las rutas marítimas más sensibles del planeta.

El Shakhtar Donetsk disputará sus partidos de local en la Champions League 2026/27 desde Londres, en lo que representa una situación sin precedentes en la historia del fútbol europeo: un club extranjero utilizará estadios de la Premier League como sede oficial de sus encuentros en la competición más prestigiosa del continente.

La confirmación fue dada por el propio entrenador del equipo, Arda Turan, quien señaló a FourFourTwo que la decisión ya está prácticamente tomada.

La historia detrás de este caso excepcional se remonta a más de una década. Desde 2014, cuando fuerzas prorrusas tomaron el control de amplias zonas del Donbás y dejaron inutilizable el Donbás Arena —inaugurado para la Eurocopa 2012—, el club de Donetsk no ha podido jugar en su ciudad natal. En un principio, el equipo se desplazó dentro de Ucrania, pasando por Leópolis, Járkov y finalmente Kiev.

Pero la invasión rusa a gran escala lanzada en febrero de 2022 obligó al club a llevar también sus compromisos europeos al extranjero: Varsovia, Hamburgo y Gelsenkirchen fueron algunas de las ciudades que los alojaron en las últimas temporadas.

Más de una década de exilio forzoso

El periplo del Shakhtar es uno de los testimonios más elocuentes del impacto de la guerra en el deporte. Para los partidos de la Champions League, las dificultades logísticas también han resultado agotadoras. Los jugadores debían viajar desde Kiev hasta la frontera con Polonia en micro, cruzar a pie y recién entonces abordar un vuelo hacia el estadio neutral de turno.

“Desde Kiev, el viaje nos insumía dos días para llegar a destino. Cuando llegás, ya estás en desventaja respecto al rival, tanto física como mentalmente”, explicó el director ejecutivo del club, Serhiy Palkin, en declaraciones recogidas por BBC Sport.

Frente a ese escenario, la posibilidad de establecerse en Londres para toda la fase de grupos representa una mejora sustancial en términos de planificación deportiva. Turan lo ratificó con sus palabras tras el empate en un amistoso de pretemporada ante el Bursaspor: “Parece que jugaremos nuestros partidos europeos en Londres por ahora. Realmente queríamos venir a Turquía, pero las condiciones de la UEFA nos generan mucha presión. De todos modos, jugar ante las tribunas en Bursa, Göztepe o Eskişehir siempre fue magnífico. También esperamos a todos en Londres".

Stamford Bridge y Craven Cottage, en la carrera por ser sede

El club ucraniano se acercó a tres instituciones londinenses: el Chelsea, el Fulham y el Brentford, según informó The Athletic. Los tres quedaron fuera de toda competencia europea en la temporada 2025/26, lo que dejó sus respectivos estadios disponibles para los miércoles de Champions.

La posibilidad de ceder las instalaciones al Shakhtar representa además un ingreso adicional para el club anfitrión, dado que el equipo ucraniano abonará una tarifa por el uso de la cancha.

De acuerdo con información publicada por FourFourTwo, la opción del Gtech Community Stadium del Brentford —inaugurado en 2020 con capacidad para unos 17.000 espectadores— habría quedado descartada en las últimas horas, precisamente por su menor aforo. La definición se reduciría entonces a dos candidatos: el Stamford Bridge del Chelsea, con capacidad para alrededor de 40.000 espectadores, y el Craven Cottage del Fulham, que puede albergar unas 25.000 personas.

La capacidad del recinto fue el factor determinante en el proceso de selección, y Stamford Bridge se perfila como el favorito.

El Stamford Bridge lleva más de tres décadas siendo escenario habitual de noches europeas para el Chelsea, con títulos de Champions League incluidos. El Craven Cottage, por su parte, fue objeto de una profunda remodelación en los últimos años y ha albergado tres campañas europeas del Fulham desde el año 2000. Ninguno de los dos estará ocupado por competencias continentales propias la próxima temporada, lo que facilita la negociación.

Un precedente que refleja el impacto de la guerra en el deporte

Más allá de lo deportivo, el caso del Shakhtar Donetsk ilustra de forma concreta cómo el conflicto bélico en Ucrania reconfigura incluso las estructuras del fútbol organizado. La UEFA ha permitido al club disputar sus partidos de local en territorio neutral desde 2022, pero la elección de Londres marcaría un salto cualitativo: por primera vez, un club no inglés utilizaría estadios de la Premier League como sede oficial de sus partidos en la Champions League.

El propio club emitió un comunicado antes de que se conocieran los detalles finales: “El Shakhtar está negociando con varios estadios en el Reino Unido y en Alemania para asegurar una sede para sus partidos de la UEFA Champions League la próxima temporada. No haremos comentarios sobre el proceso hasta que se anuncie una decisión en los próximos días".

Un tribunal de Londres condenó a Johannes Kongsnes Natland, un adolescente noruego de 19 años, por viajar al Reino Unido con la misión de ejecutar un asesinato por encargo para una organización criminal internacional vinculada con Irán.

La decisión del jurado, tras más de 17 horas de deliberaciones, determinó que Natland viajó desde Stavanger, Noruega, en marzo del año pasado, con la promesa de recibir 25.000 euros a cambio de disparar a una persona cuya identidad nunca se logró identificar.

Según el veredicto, Natland llegó a Manchester con un pasaporte temporal y fue interceptado por la policía fronteriza, que le permitió regresar a Noruega en el siguiente vuelo. El joven, sin embargo, optó por trasladarse en taxi hasta Huddersfield, al norte de Inglaterra. Allí recogió dinero en efectivo, dos armas de fuego y municiones, además de recibir instrucciones detalladas a través de mensajes en redes sociales.

En la madrugada del 19 de marzo, agentes armados irrumpieron en su habitación de hotel y lo arrestaron. Durante el operativo, los oficiales incautaron una pistola semiautomática, un revólver y una bolsa con 19 balas.

La investigación reveló que fue reclutado por la Red Foxtrot, una banda sueca de crimen organizado con estrechos lazos con el régimen iraní. La organización, bajo la dirección de un individuo apodado “Agent 47”, coordinaba atentados y asesinatos en Europa y empleaba a jóvenes para ejecutar tareas violentas y de narcotráfico. Las autoridades británicas y estadounidenses sancionaron a la Red Foxtrot y a su líder, Rawa Majid, conocido como el “Zorro Kurdo”, quien permanece prófugo y se sospecha que reside en Irán.

El caso judicial expuso que no actuó de forma aislada. Un adolescente de 17 años, identificado como “Generalen”, resultó condenado en Noruega por intentar contribuir al asesinato, mientras que otro de 16 años espera juicio por su papel en la conspiración. Los investigadores determinaron que la Red Foxtrot utilizaba plataformas como Snapchat, Telegram y Signal para reclutar a menores y coordinar operaciones, una modalidad que Europol denominó “violencia como servicio”.

En los chats se publicaban ofertas para cometer asesinatos a cambio de dinero, y los reclutadores proporcionaban mapas, fotografías y videos para facilitar la ejecución de los crímenes.

Durante el juicio, admitió haber aceptado el encargo para obtener dinero y comprar drogas. Alegó que en un principio consideró la propuesta como una broma o una estafa, pero que, al verse atrapado, pensó en dispararse en el pie para evitar cumplir la orden. La policía británica recopiló pruebas que, según la fiscalía, evidenciaron que el joven comprendía plenamente la naturaleza del encargo.

En mensajes enviados a su novia desde Noruega, Natland describió la misión como “una locura” y anticipó que “sería genial matar a alguien”. Compartió fotografías en las que posaba con las armas y el dinero, y bromeó con amigos sobre la inminente ejecución. Tras su arresto, intentó persuadir a su novia para que no declarara en su contra durante llamadas realizadas desde prisión.

El tribunal escuchó el testimonio de amigos y familiares, quienes describieron a Natland como “un joven problemático” que había iniciado el consumo de drogas a los 13 años y pasó temporadas en un hogar de acogida. Su entorno más cercano relató que el joven buscaba impresionar a sus pares y, en ocasiones, presumía de su implicación en actividades criminales.

La fiscalía argumentó que, pese a sus problemas personales, representaba un “peligro real”, dispuesto a matar en el extranjero por dinero, mientras que la defensa sostuvo que su participación obedecía al temor y la presión ejercidos por la organización.

(Con información de AP)

Marianela Núñez, la gran bailarina argentina que el diario británico The Guardian presentó con el título ‘The Messi of ballet’: Marianela Núñez, the Buenos Aires bombshell shaking up British dance (La Messi del Ballet: Marianela Nuñez, la sensación de Buenos Aires que sacude la danza británica), protagoniza esta semana su primer espectáculo propio en el Royal Ballet de Londres, la compañía a la que pertenece desde hace 28 años. El medio inglés la califica como una de las grandes figuras de la danza mundial: “una artista que a los 14 años ya bailaba roles protagónicos en el Teatro Colón de Buenos Aires, que a los 15 audicionó para el Royal Ballet sin hablar inglés y que a los 20 alcanzó el rango de bailarina principal". Ganadora del Premio Laurence Olivier en 2013, cuatro veces distinguida como Mejor Bailarina por los Critics’ Circle National Dance Awards y condecorada en 2025 por el rey Carlos III con la Orden del Imperio Británico (OBE) por sus servicios a la danza, Núñez llega a los 44 años a un momento que ella misma define como “el camino perfecto”.

El espectáculo se llama Marianela: Timeless y se presenta desde este miércoles 29 de julio hasta el domingo 2 de agosto en el Royal Opera House. La nota de The Guardian menciona que en Argentina la llaman “la Messi del ballet”, aunque la propia bailarina sugiere que habría que darle la vuelta al apodo. “La verdad es que a él deberían llamarlo el Núñez del fútbol”, bromea en la entrevista con el diario inglés. La conexión con Lionel Messi no es solo un título honorífico: Núñez tiene un gato al que bautizó con el nombre del futbolista y, en su cuenta de Instagram, luce un maillot inspirado en la camiseta de la selección argentina. Cuando escucha a Messi hablar de su relación con el fútbol, reconoce algo propio. “Él dice: ‘Lo que pasa es que soy feliz pateando la pelota’. Yo me identifico totalmente. Dame mis zapatillas y me siento enamorada”, declaró.

La historia de Timeless, según cuenta en el artículo, arranca con una ausencia: Núñez nunca tuvo representante. Mientras otros bailarines de su nivel construyeron carreras con agentes, relaciones públicas y apariciones internacionales, ella eligió otro camino. “La gran Sylvie Guillem nunca tuvo un agente, y eso me bastó“, explicó. El resultado fue que su espectáculo propio tardó décadas en llegar, pero la bailarina no lo ve como una pérdida. “Estoy contenta de haber esperado tanto tiempo. Así que en realidad fue el camino perfecto”, afirmó.

Ahora tiene cinco noches en el Royal Opera House, con orquesta en vivo y un programa que ella misma diseñó. El criterio de selección no fue el repertorio, sino las personas. Núñez eligió a sus compañeros de escena —Vadim Muntagirov, Matthew Ball, William Bracewell y el nuevo bailarín principal del Royal Ballet, Patricio Revé— por lo que cada uno le aportó dentro y fuera del escenario. “Me dieron confianza, formas de salir de mi zona de confort para poder arriesgarme, tener libertad en el escenario, ser vulnerable. Y con estos cuatro me reía todo el tiempo en los ensayos. Cada uno de ellos, quizás sin saberlo, me ayudó mucho en momentos muy difíciles”, contó al medio británico. Según The Guardian, Núñez definió Timeless como “una carta de amor a la compañía y al público”.

El programa incluye In the Night de Jerome Robbins, sobre nocturnos de Chopin —“es tan simple y tiene tanta profundidad. Es muy elegante”, describió Núñez—, y Marguerite and Armand de Frederick Ashton, el drama creado originalmente para Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev.

La relación de Núñez con el ballet no admite distancias. Cada mañana comienza con clase, un ritual que describe como una forma de meditación. “La clase, para mí, lo es todo. Es donde puedo sentir el cuerpo en cada pequeño detalle. Tiene ese carácter de ritual. Tienes tu mismo lugar en la barra que tenías cuando entraste a la compañía”, explicó. Esa entrega no desaparece cuando el cuerpo no responde. “Hoy no me siento bien y sé que no voy a tener un gran ensayo, pero con solo estar aquí, estoy segura de que algo va a salir”, dijo. “El ballet no tiene que ser perfecto para ser bello.”

Un equipo de científicos del University College London publicó este martes un informe que advierte sobre el impacto de los problemas económicos en la salud cerebral. Según el trabajo, el estrés financiero crónico acelera el envejecimiento del cerebro, afectando la memoria y otras funciones cognitivas desde la mediana edad.

El estudio, citado por Euronews, analizó a 2.759 personas en el Reino Unido durante varias décadas. Los resultados muestran que quienes atravesaron dificultades económicas de forma persistente registraron una función cognitiva más baja a los 53 años y una mayor atrofia cerebral a los 71 años. Los hallazgos sugieren que la acumulación de adversidades económicas reduce los recursos mentales disponibles para tomar decisiones y mantener la concentración.

Efectos a largo plazo de la adversidad financiera

La investigación liderada por Jacques Wels, investigador de University College London, identificó que los adultos que vivieron con ingresos bajos o enfrentaron dificultades económicas constantes desde la juventud manifestaron peores resultados en pruebas cognitivas. Según explicó Wels, “la acumulación de dificultades a lo largo de muchos años se asocia con los peores resultados en salud cognitiva, más que los episodios puntuales de adversidad”, según recogió Euronews.

El grupo estudiado mostró que, a los 53 años, quienes atravesaron situaciones económicas desfavorables evidenciaron un deterioro más pronunciado en la memoria y otras funciones cerebrales comparados con quienes no sufrieron problemas de dinero. Además, la atrofia cerebral observada a los 71 años sugiere un proceso de envejecimiento acelerado. Los científicos advierten que estos efectos no se limitan a pérdidas temporales, sino que responden a la acumulación de estrés y a la presión constante sobre el sistema cognitivo.

Disparidades según género, infancia y predisposición genética

El informe señala que el impacto negativo del estrés financiero sobre el cerebro resulta más marcado en los hombres, en personas que tuvieron una infancia desfavorecida y en quienes presentan factores de riesgo genético para la enfermedad de Alzheimer. De acuerdo con el reporte de Euronews, los investigadores observaron que estos grupos muestran una mayor vulnerabilidad al deterioro cognitivo vinculado a la adversidad económica.

Los análisis también detectaron un ritmo más lento de deterioro de la memoria verbal entre los 53 y los 69 años en quienes sufrieron dificultades económicas, lo que indicaría que las principales pérdidas cognitivas ocurrieron antes de esa etapa. Según el equipo de University College London, la adversidad económica incrementa la carga cognitiva, limitando la capacidad para mantener la atención y realizar tareas complejas.

Implicancias para la salud pública y estrategias de prevención

La demencia continúa representando uno de los principales desafíos para la salud global. Según datos citados por el medio, en 2019 afectó a 57 millones de personas y se proyecta que los casos superarán los 150 millones en 2050. Por este motivo, la comunidad científica busca identificar factores modificables que permitan ralentizar el deterioro cognitivo y prevenir enfermedades asociadas a la edad.

La autora principal del estudio, la investigadora británica Praveetha Patalay, subrayó la importancia de apoyar a las personas económicamente vulnerables. “Nuestros resultados sugieren que apoyar a quienes afrontan dificultades económicas y reducir la pobreza crónica también podría ayudar a prevenir el deterioro cognitivo y los casos de demencia en el futuro”, explicó. El informe destaca que evitar que la adversidad económica se vuelva crónica podría proteger a la población frente a trastornos graves como la demencia.

En un contexto donde la crisis del coste de la vida afecta a una proporción creciente de hogares, los autores del estudio enfatizan la necesidad de políticas públicas orientadas a reducir la desigualdad y fortalecer la salud mental. La investigación recomienda considerar el bienestar financiero como un componente clave en la promoción de un envejecimiento saludable.

Ataque de perro y un plazo policial marcan el caso de Freddy Brazier, después de que su expareja Holly Swinburn afirmara que Pablo fue “maltratado” antes de morder al joven que terminó hospitalizado la semana pasada, según Mirror.

Swinburn escribió en Instagram: “Este es Pablo. Tuve que dárselo a otra persona porque me costaba cuidar al mismo tiempo de un bebé y de un perro; allí fue maltratado y los atacó para protegerse”.

En ese mismo mensaje, también defendió el carácter del animal. “Es el perro más bueno y esto no es propio de él. No le haría daño a nadie. Si alguien puede darle un buen hogar a Pablo, que me escriba. No quiero que lo sacrifiquen y no puedo cuidar sola de él y de un bebé”.

Según Mirror, el perro quedó bajo custodia policial y Brazier recibió un plazo de siete días, hasta el martes, para encontrarle un hogar adecuado o sería sacrificado.

Cómo relató Freddy Brazier el ataque y sus lesiones

Freddy Brazier, de 21 años, buscó primero atención en St Thomas’ Hospital, pero se marchó tras una larga espera y acudió al día siguiente al Royal London Hospital, detalló Mirror. Allí habló por primera vez en público sobre lo ocurrido. “Se me aferró al brazo. El perro colgaba de mí”, contó. Después describió la herida. “La abrí y vi un agujero de 3 cm en el brazo. Fue aterrador”.

Brazier dijo además que al principio no sentía el brazo derecho y que vio sangre salir de su ropa deportiva. Añadió que el perro parecía otro y que, cuando lo recogió en casa de su abuela y lo sacó de la habitación, sintió miedo.

En declaraciones a The Sun resumió ese momento: “Nunca le había tenido miedo a Pablo, pero estaba asustado”. También relató que vio cómo la policía se llevaba al animal y dijo que la escena le rompió el corazón.

El antecedente del ataque a Jackiey Budden y el futuro de Pablo

Tras el ataque a Brazier, la policía se llevó a Pablo y le comunicó por carta que debía encontrarle un lugar adecuado donde vivir en el plazo de una semana. Ese tiempo vencía el martes, según el periódico.

Pocos días antes, también se informó de un supuesto ataque a Jackiey Budden, la abuela de Freddy. Un vecino citado por el medio dijo haber oído gritos cuando el perro la sujetaba con los dientes.

Según esa versión, acudieron a London Fire Brigade y a la Policía Metropolitana, aunque no se presentaron cargos penales. Una fuente citada por Mirror describió esos días como “impactantes” y dijo que, en el primer incidente, Budden estaba sola en casa cuando un vecino alertó a los servicios de emergencia.

Qué se sabe sobre la raza del perro y la respuesta del entorno

El artículo de Mirror señala que los pocket bully son idénticos a los XL bully, pero están exentos de la prohibición de esa raza, que entró en vigor en 2024, porque son más bajos.

Brazier sigue decidido a recuperar a Pablo, aunque cree que es poco probable que eso ocurra. Fuentes citadas por el medio afirmaron que la situación es dura para el joven, que siente un fuerte apego por el perro y lo considera parte de su familia.

Desde su entorno señalaron que sigue en tratamiento y que informarán sobre su evolución. Mientras tanto, el futuro de Pablo depende de que consiga un nuevo hogar antes de que venza el plazo fijado por las autoridades.

En el Londres georgiano, los bailes de máscaras fueron mucho más que un entretenimiento de temporada: se convirtieron en un escenario donde sexo, dinero y poder se exhibían ante la alta sociedad, y donde una sola aparición, como la de 1749, podía redefinir una reputación y abrir las puertas del círculo íntimo del rey.

Aquella noche en el King’s Theatre, Chudleigh llegó disfrazada de Ifigenia con un atuendo que, según relata HistoryExtra Magazine, dejaba sus pechos a la vista bajo una gasa transparente y una falda larga, mientras el rostro permanecía oculto tras la máscara. El efecto fue inmediato: los asistentes comenzaron a preguntarse quién era aquella mujer y qué llevaba puesto.

Entre los testigos estuvieron la reformadora social Elizabeth Montagu y Horace Walpole, amigo de infancia de Chudleigh y habitual de las mascaradas. Walpole observó que estaba “tan desnuda que uno la habría tomado por Andrómeda”, mientras Montagu recordó que “el vestido de la señorita Chudleigh, o más bien su falta de vestido, fue notable”.

La princesa de Gales Augusta reaccionó con alarma y trató de cubrirla con un chal, que Chudleigh apartó de inmediato. Las otras damas de honor, añade la publicación, se sintieron tan ofendidas que no le dirigieron la palabra durante toda la velada.

La aparición de Elizabeth Chudleigh la convirtió en sensación y la acercó a Jorge II

La escena pudo haber arruinado su puesto como dama de honor en la casa de la princesa de Gales. Ocurrió lo contrario: un hombre mayor vestido con un “traje inglés a la antigua” se fijó en ella, y bajo la máscara estaba Jorge II, protector habitual de las mascaradas, que quedó cautivado por Chudleigh.

Esa atención tuvo consecuencias concretas. El rey la convirtió en una de sus amantes favoritas y le dio acceso a su círculo más cercano, mientras su aparición en el teatro la transformó en una celebridad de un día para otro.

En los días y semanas siguientes circularon por Londres historias, versos y al menos seis representaciones impresas de su atuendo. Ese episodio en el King’s Theatre le dio estatus, conexiones y fama duradera; más adelante sería conocida también como duquesa, condesa y bígama, después de volver a casarse mientras su primer marido seguía con vida.

Para entonces, las mascaradas ya se habían consolidado como una cita fija de la temporada londinense. Hacia 1749, no solo formaban parte de la vida elegante de la capital, sino que también habían penetrado en el teatro, la literatura, el arte y la cultura impresa británica.

El formato había tenido un comienzo vacilante a principios del siglo XVIII en la ribera sur del Támesis, pero encontró su gran plataforma en el King’s Theatre de Haymarket bajo la dirección del empresario suizo Johann Jakob Heidegger. Fue él quien convirtió un entretenimiento cortesano europeo en un negocio comercial basado en la venta de entradas para financiar sus producciones.

El acceso era teóricamente abierto, pero el precio reservaba el espectáculo a la élite

Las entradas podían comprarse y, en teoría, cualquier persona podía asistir. En la práctica, el precio elevado, sumado al costo del disfraz y del traslado en silla de manos o carruaje, dejaba la experiencia al alcance de los estratos más altos de la sociedad londinense.

Ese público estaba formado por la nobleza, la pequeña aristocracia terrateniente y un grupo selecto de actores, artistas y comerciantes a la moda. En ese espacio, la élite exhibía privilegio, riqueza y gusto, y usaba la mascarada como vitrina social.

La máscara era obligatoria y daba nombre al evento, pero el rasgo dominante no era el anonimato, sino el reconocimiento. Según HistoryExtra Magazine, el atractivo residía en descubrir quién estaba detrás del disfraz y en ser descubierto por los demás dentro de un marco de espectáculo, moda y consumo.

Quienes no podían pagar la entrada participaban de otras maneras. Podían agolparse en la ruta hacia la ópera antes del evento, observar desde la galería del teatro como espectadores de pago o comprar recuerdos producidos en masa, desde figuras de porcelana y pañuelos hasta grabados.

Ese auge también generó resistencia. El obispo de Londres Edmund Gibson, el escritor y magistrado Henry Fielding y el grabador satírico William Hogarth denunciaron las mascaradas como espacios de libertinaje capaces de empujar a la sociedad hacia el desorden y la inmoralidad nacional.

Hogarth atacó ese mundo en dos de sus primeros grabados por encargo propio: Masquerades and Operas, or, the Bad Taste of the Town y Masquerade Ticket. Más tarde volvió sobre el tema en obras como A Harlot’s Progress y Marriage A-la-Mode, donde utilizó entradas, máscaras y disfraces para asociar el entretenimiento con la prostitución y el vicio.

Los disfraces expusieron jerarquías de raza, género y poder colonial

La expansión del Imperio británico durante el siglo XVIII también se reflejó en los disfraces. A medida que nuevas culturas, personas, alimentos y modas llegaban a Londres, los asistentes adoptaron atuendos de inspiración global, muchas veces atravesados por estereotipos raciales y por la lógica colonial.

En la mascarada del rey de Dinamarca de 1768, por ejemplo, hubo participantes blancos vestidos como funcionarios de la Compañía de las Indias Orientales, “chinos”, personas esclavizadas y otros personajes. Miss Kitty Cambridge y su acompañante Agneta Yorke recordaron que una de las figuras más comentadas fue el actor Mr Mendez, que apareció como “esclavo negro”, con la piel ennegrecida, lana en la cabeza y un collar de diamantes.

De acuerdo con The Gentleman’s Magazine, Mendez iba vestido como Mungo, un trabajador esclavizado de la nueva ópera cómica The Padlock. Ese tipo de transgresión racial, sin embargo, operaba en una sola dirección: los asistentes blancos podían representar figuras de distintas partes del mundo, mientras que las personas de color quedaban confinadas a representar a otras personas de color o al dominó neutral.

Ese fue el caso de Julius Soubise, antiguo sirviente afrocaribeño esclavizado, que solía asistir caracterizado como Mungo. Esa reiteración, unida a su gusto por la ropa llamativa, lo convirtió en la cultura popular en el “Mungo Macaroni”.

Las mascaradas también pusieron en escena el cruce de género. Henry Seymour Conway era célebre por aparecer disfrazado de mujer mayor, y años antes había intentado estudiar los modales y el habla de la duquesa de Manchester para imitarla con mayor precisión.

Las mujeres, por su parte, podían vestirse de hombres, como ocurrió en 1771, cuando Mrs. Crewe y su amiga Mrs. Bouverie asistieron con sombreros masculinos prestados. La prensa de la época las describió como figuras tan masculinas como los propios hombres de su círculo político, una burla que alcanzaba a Charles James Fox y a sus colegas whigs.

En 1775, una pareja llevó esa inversión de papeles a una sátira visual más extrema en el King’s Theatre. Ella apareció con unos enormes calzones que iban desde los pies hasta la cabeza, coronados por plumas de avestruz, y él con una falda que cubría toda su figura y una corona ducal adornada con joyas.

El disfraz apuntaba al duque y la duquesa de Gordon, un matrimonio escocés cuya relación era vista como una inversión del orden patriarcal. La sátira sugería que era ella quien “llevaba los pantalones” en la relación.

A comienzos de la década de 1770, el King’s Theatre empezó a perder su posición dominante frente a Carlisle House en Soho Square y el Pantheon en Oxford Street. Para retener a la élite y atraer a sectores medios ambiciosos, redujo precios, organizó mascaradas de temática veneciana y ofreció comedores privados para los rangos superiores.

La estrategia solo funcionó durante un tiempo. Hacia el final del siglo, los gustos de la élite habían empezado a cambiar y las exhibiciones visuales de estatus perdieron atractivo, en parte porque la presencia de grupos considerados socialmente inferiores erosionaba, a ojos de algunos, el brillo de la nobleza y la aristocracia rural.

Durante la era victoriana, las mascaradas se replegaron a casas urbanas, evolucionaron hacia bailes de disfraces y pasaron a ser una práctica sobre todo de clase media, mientras la aristocracia buscaba diversión en otros espacios. Según el medio, su huella persistió en la cultura del disfraz, la celebridad y el espectáculo, que siguieron haciendo del reconocimiento, la moda y la exhibición sus mecanismos centrales.

Un adolescente de 16 años que no participó en ninguna pelea fue rodeado, golpeado y apuñalado 11 veces en las calles de Londres la madrugada del 29 de junio de 2008. Su nombre era Ben Kinsella, y su asesinato conmocionó al Reino Unido y reavivó el debate sobre la violencia juvenil con armas blancas.

Según recogió el canal Crime+Investigation, Ben había salido esa noche con amigos a festejar el fin de sus exámenes en el bar Shillibeers Brasserie, en el barrio de Islington. Allí se originó una discusión entre uno de sus acompañantes y un hombre llamado Osman Ozdemir.

El conflicto escaló cuando un amigo de Ozdemir, Jade Braithwaite, hizo comentarios amenazantes. “Decile a tu chico que si quiere pelea, tengo mi herramienta y te va a abrir”, dijo, según testimonios recogidos por Crime+Investigation. El grupo aparentó retirarse, pero regresó al lugar acompañado por dos jóvenes, identificados como Michael Alleyne y Juress Kika, con la intención de vengarse.

Ben y sus amigos decidieron irse a casa, pero durante el camino se dieron cuenta de que los seguían. Sus amigos corrieron. Ben no lo hizo: no había formado parte en la pelea y no creyó estar en peligro. Braithwaite, Kika y Alleyne lo rodearon. “¿Por qué vienen hacia mí? Yo no hice nada“, dijo, según testigos del caso.

Lo golpearon hasta tirarlo al suelo y lo apuñalaron 11 veces en la espalda y el pecho. Ben murió por pérdida de sangre a las 7:24 de la mañana del 29 de junio de 2008.

El juicio y las condenas

Los tres acusados se declararon no culpables ante la justicia. El juicio comenzó el 27 de abril de 2009 y se extendió durante 7 semanas. El 11 de junio de 2009, un jurado los declaró culpables de asesinato.

Los tres recibieron cadena perpetua con un mínimo de 19 años de prisión. Las pruebas en su contra incluyeron pruebas de circuito cerrado de televisión, declaraciones de testigos y manchas de sangre de Ben en la ropa de los condenados, según detalló Crime+Investigation.

El caso generó un impacto considerable dentro de la opinión pública de todo el Reino Unido durante un periodo en el que la violencia ejercida con armas blancas entre adolescentes ya había alcanzado niveles que eran altos para la sociedad. Antes de fallecer, Ben ya había advertido acerca de ese problema.

Quién era Ben Kinsella

Ben tenía 16 años, asistía como estudiante a la Holloway School, ubicada en el barrio de Islington, y tenía el sueño de dedicarse profesionalmente como diseñador gráfico. Había creado el diseño de un logotipo, que consistía en una letra “K” coronada, que varios años después se transformó en el símbolo oficial de la organización Ben Kinsella Trust.

Después de haber sido amenazado con un cuchillo mientras desempeñaba un empleo a tiempo parcial en un café, Ben redactó una carta dirigida al entonces primer ministro Gordon Brown, como parte de una tarea que le habían asignado en la escuela, en la que sugería medidas para abordar la situación: creación de clubes juveniles, aplicación de toques de queda y realización de cursos orientados a padres.

Brooke Kinsella, la hermana mayor de Ben, quien es conocida por haber interpretado un papel en la serie EastEnders, asumió el papel de principal promotora del Ben Kinsella Trust (BKT), una organización enfocada en trabajar contra la violencia provocada por armas blancas en el país.

El Ben Kinsella Trust diseñó talleres de concientización que recibieron reconocimiento en todo el país y organizó muestras itinerantes centradas en esa problemática. Este grupo continúa desarrollando actividades.

El intérprete británico, conocido por series como Happy Valley y Grantchester, fue el invitado del final de la 18.ª temporada del podcast Table Manners, conducido por Jessie Ware y su madre Lennie Ware. Durante el episodio, Norton habló sin filtros sobre los desafíos cotidianos que implica manejar la diabetes tipo 1 en entornos sociales y profesionales.

“Llegué a decirle ‘perdón, Jude’ en medio de un evento de GQ“, relató Norton en declaraciones recogidas por el podcast, en referencia a un episodio que protagonizó junto a Jude Law y Nicole Kidman. Había administrado su insulina anticipando pan en el entrante, pero el plato llegó sin carbohidratos.

Con el tiempo contado antes de sufrir una hipoglucemia, debió interrumpir discretamente los discursos para pedir comida al personal. El caos que desató en cocina tuvo un desenlace involuntariamente cómico: alguien le llevó una fuente humeante de papas en pleno discurso de Kidman.

El actor, que utiliza una bomba de insulina y un sensor continuo de glucosa, explicó durante el episodio el funcionamiento de su dispositivo frente a las anfitrionas, que le preguntaron si podía comer azúcar.

“Por favor, no le pregunten a un diabético si puede comer azúcar. Solo necesito decirle a mi dispositivo que voy a comer azúcar, y listo”, respondió Norton. La aclaración llegó justo antes de que Lennie sirviera un helado de pistacho con chocolate negro al 80%, receta de Alexandra Dudley.

La condición no le impidió completar la Maratón de Londres, aunque lo hizo con una infección de pecho que contrajo el día anterior. Norton corrió igualmente, motivado por los niños con diabetes tipo 1 que habían donado su dinero de bolsillo a Breakthrough T1D, la organización benéfica que apoya la investigación sobre esta enfermedad.

"No había manera de que me retirara“, dijo el actor al podcast. Cerca de la meta, con las piernas cediendo y el calor extremo, describió la recta final como “un campo de batalla”, con corredores tendidos en el suelo atendidos por equipos médicos.

Norton expresó su confianza en que los avances científicos permitan, en un plazo de entre 10 y 15 años, prescindir de la administración manual de insulina. “Estamos en el tramo final“, sostuvo.

La investigación en torno a la diabetes tipo 1 se aceleró en la última década, en gran parte gracias a fondos provenientes de Estados Unidos, donde la enfermedad concentra una inversión significativa en ensayos clínicos.

La relación de Norton con la comida y su familia

Más allá de la enfermedad, el episodio giró en torno a la relación de Norton con la comida, la familia y los proyectos que lo tienen ocupado este año. El actor creció en Yorkshire en el seno de una familia numerosa que se reunía cada verano en Cornualles bajo el mando de su abuela materna, a quien llama Granny Jean.

Fue en esas vacaciones multitudinarias —con 24 personas en una casa para diez— donde nació su ritual del baño matutino antes del desayuno, que él llama PBD (pre-breakfast dip). “Me sigo tirando al agua, llueva o haga sol”, contó.

Los proyectos que prepara el actor

Norton tiene la agenda repleta. Aparece como villano principal en House of the Dragon, la precuela de Game of Thrones, y describe la experiencia como inédita para él: “Nunca había estado en algo de esta escala”.

Reveló que los dragones en rodaje no son enteramente digitales: tres operadores vestidos de azul, al estilo del Blue Man Group, manipulan con varas la cabeza y las alas animatrónicas del animal ante una pantalla croma, mientras los efectos visuales completan la imagen en postproducción.

Paralelamente, encarna a Brian Epstein, el mánager de The Beatles, en el proyecto de Sam Mendes que abordará la historia de la banda en cuatro películas separadas. El rodaje lo llevó recientemente a Barcelona, donde las noches de filmación se alternaban con baños en hielo al amanecer junto al Mediterráneo.

El actor también produce. Su compañía, Rabbit Track, tiene en marcha Foxfinder, una película que se rodará en Baviera en agosto y en la que Norton no aparecerá como intérprete, lo que supone, según él, un paso de madurez para la empresa. El reparto incluye a Ebon Moss-Bachrach, conocido por The Bear.

Además, protagoniza Sunny Dancer, un filme independiente del director George Jakes en el que comparte pantalla con Bella Ramsey, Jessica Gunning y Neil Patrick Harris, y en el que da vida a un padre joven cuya hija adolescente se recupera de un cáncer.

Para 2027, Norton tiene previsto subir a las tablas con Hamlet, un proyecto que Jessie Ware celebró como el sueño de cualquier actor.

El primer ministro británico, Andy Burnham, recibe este lunes al presidente de Ucrania, Volodimir Zelensky, en la primera reunión con un líder extranjero desde que asumió el cargo. Durante la visita, el Gobierno británico compartirá con Kiev la propiedad intelectual de un sistema de interferencia electrónica para drones denominado Stone Cloak, mientras el mandatario ucraniano prepara su viaje del martes a Washington para reunirse con el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, en su intento por avanzar hacia el fin de la guerra con Rusia.

La visita de Zelensky a Londres precederá a su encuentro con Trump en la Casa Blanca. El presidente ucraniano también buscará reforzar los pedidos de apoyo en materia de defensa en un contexto marcado por la intensificación de los ataques con drones y misiles por parte de Rusia y Ucrania, mientras las negociaciones encabezadas por Estados Unidos para resolver el conflicto permanecen estancadas debido a que la atención de Washington se desvió hacia la guerra con Irán.

La oficina de Burnham en Downing Street informó el domingo por la noche que ambos líderes visitarán una base naval británica y escucharán a integrantes de las fuerzas armadas de ambos países que participan en el entrenamiento de militares ucranianos.

Según Downing Street, Burnham también prometerá “continuar el vínculo irrompible entre las dos naciones”, en línea con lo que transmitió a Zelensky durante una conversación telefónica mantenida el lunes pasado, pocas horas después de reemplazar a Keir Starmer como primer ministro.

En un comunicado, Burnham expresó: “Gran Bretaña está con Ucrania, hombro con hombro, y nuestro apoyo sigue siendo inquebrantable”. Además, sostuvo: “Rusia no debe tener ninguna duda sobre nuestra determinación y no retrocederemos hasta lograr una paz duradera y justa para Ucrania”.

Como parte de la cooperación bilateral, Londres anunció que compartirá con Kiev la propiedad intelectual de Stone Cloak, una capacidad de interferencia electrónica desarrollada en el Reino Unido y probada en combate.

De acuerdo con Downing Street, el dispositivo tiene el tamaño de una tableta electrónica y se instala en drones. Su función consiste en dificultar que los sistemas de defensa aérea rusos detecten y apunten contra esas aeronaves durante el vuelo.

El Gobierno británico señaló que esta tecnología surgió a partir de la “rápida innovación” desarrollada entre ambos países bajo el acuerdo de asociación por cien años firmado en enero del año pasado. Asimismo, precisó que miles de estos equipos ya fueron entregados a Ucrania para ayudar a sus fuerzas armadas a mantener las operaciones con drones.

Downing Street agregó que, tras su despliegue y una eventual producción a gran escala en Ucrania, Stone Cloak se incorporará a la próxima generación de capacidades británicas de ataque de largo alcance.

En ese contexto, Burnham afirmó: “Stone Cloak representa lo mejor de la innovación británica desarrollada en el país y probada en el frente, y será vital para proteger nuestra seguridad en ambos países”.

En otra señal de la cooperación en materia de defensa entre ambos países, Zelensky manifestó su intención de firmar un “acuerdo sobre drones” con el Reino Unido y construir una fábrica de drones en territorio británico.

En una entrevista difundida el domingo por Sky News, el mandatario declaró: “Queremos abrir una nueva página entre nuestras naciones”. También señaló: “Estamos preparados para compartir toda nuestra experiencia con el Reino Unido y espero que el Reino Unido haga lo mismo, por lo que necesitamos que este acuerdo sobre drones sea muy sólido”.

Durante la misma entrevista, Zelensky reconoció las dificultades que enfrenta Ucrania frente a los ataques rusos con misiles balísticos. “No tenemos suficientes misiles para defendernos”, afirmó.

Además, agregó: “(Moscú) puede aumentar la producción de misiles balísticos y por eso necesitamos defensa aérea lo antes posible”.

Durante la visita de este lunes, Burnham y Zelensky conocerán a parte de los aproximadamente 200 militares y marinos ucranianos que participaron durante las últimas tres semanas en un ejercicio de seguridad marítima y lucha contra minas organizado en el Reino Unido.

Según Downing Street, ese entrenamiento tuvo como objetivo preparar futuras misiones en el mar Negro.

El Gobierno británico indicó además que el apoyo total del Reino Unido a Ucrania desde el comienzo de la invasión rusa a gran escala supera los 25.000 millones de libras esterlinas (33.000 millones de dólares), de los cuales 16.000 millones de libras corresponden a asistencia militar directa.

Tras su visita a Londres, Zelensky viajará el martes a Washington para reunirse con Trump, según informó la semana pasada un funcionario de la Casa Blanca. El presidente ucraniano también tiene previsto asistir al funeral del senador estadounidense Lindsey Graham, partidario de Ucrania, quien murió a comienzos de este mes.

(Con información de AFP)

Allí, en la capital inglesa, una paella en concreto ha conseguido convertirse en el fenómeno viral del momento. Miles de personas acuden a diario al mercado gastronómico de Borough, uno de los más populares de Londres, para hacer cola y comprar una porción de paella en Bomba Paella, el puesto de arroces que causa furor entre los turistas y visitantes y donde se venden más de 1.000 raciones a diario.

Son las diez de la mañana y huele a aceite de oliva, ajo, cebolla, pimiento y tomate rallado, el tradicional sofrito de paella. También se escucha cómo las cucharas rascan el fondo de la paellera para obtener el característico ‘socarrat’. Los visitantes se acercan curiosos a observar, hacer fotos y ponerse a la cola para degustar un plato del emblemático arroz.

Darius Ashard, gestor del puesto, cuenta que siempre habían preparado platos de cuchara durante todo el año, como curry o distintos guisos, pero un día decidieron cocinar una paella que alguien grabó y se viralizó en redes sociales. Al día siguiente “había una cola que llegaba hasta la calle”, según dijo Ashard a la Agencia EFE. Esas largas colas se repiten ahora cada fin de semana, llueva o truene.

Una receta española en manos multiculturales

Ninguno de los cocineros en estos fogones londinenses es español. Algunos vienen de Cuba, y todos residen en la capital londinense. Los ingredientes que utilizan son una fusión entre España y Reino Unido: el arroz bomba se importa directamente desde Valencia, pero el marisco lo traen desde Shetland, en el mar del Norte.

Otra particularidad de la receta: no usan carne de conejo ni de cerdo y tampoco usan embutidos como el chorizo. De esta manera, pueden llegar a un público más amplio, superando así sensibilidades religiosas o de otro tipo. En su lugar, el arroz se acompaña de guisantes, mejillones y langostinos o langosta.

Existen dos precios distintos para las raciones: 24 libras (28 euros) si la porción incluye un langostino o 27 (32 euros) si se escoge la cola de langosta. Quienes consiguen su ración, comienzan a hincar la cuchara de inmediato, pues Borough Market no cuenta siquiera con un espacio con mesas y sillas donde sentarse a comer.

La fama de Bomba Paella ha venido de la mano de redes sociales como Instagram o TikTok. En ambas plataformas se encuentran varios vídeos que indican lo “deliciosas” que están estas paellas y aseguran: “Es una parada que no te puedes perder en tu visita por Londres”. Los turistas que se acercaban a comprar una de estas raciones afirmaban que querían corroborar lo que veían en redes. “Espectacular”, afirmaron una vez saborearon el arroz.

El intercambio entre Tenembaum y Pergolini giró en torno a las coincidencias físicas que muchos han señalado entre el periodista y la estrella de Hollywood. La conversación, cargada de humor y espontaneidad, derivó en la confesión de un encuentro fortuito que marcó a Tenembaum y a su entorno más íntimo.

La primera en notar el parecido fue Evelyn Botto, quien, al ver imágenes de Tenembaum de años anteriores, comentó: “En esa época me hacés acordar al de Notting Hill”. Su observación generó risas y asentimientos en el estudio.

La referencia de Botto no pasó desapercibida para Pergolini, que sumó: “Parece el de Notting Hill, tiene una cosa”. Así, la alusión a Hugh Grant se convirtió en el eje del diálogo durante varios minutos del programa.

ErnestoTenembaum no negó en ningún momento la comparación. Todo lo contrario, admitió que la similitud ha sido motivo de comentarios en distintas ocasiones: “Me lo han dicho muchas veces. Hay algo, hay una cosa...”, reconoció el periodista, dejando entrever que el tema es recurrente en su vida profesional y personal.

Encuentro inesperado en Londres

La historia tomó otro rumbo y sorependió a todos, cuando Tenembaum relató su experiencia en la capital británica. “Hace unos años estaba en Londres y, te juro, justo en una librería apareció el actor. Yo le dije a mi esposa: ‘Mirá quién es, es Hugh Grant’”, contó ante la mirada atenta y de sorpresa de Mario Pergolini, el resto del equipo y la tribuna que presencia la grabación del programa.

El periodista detalló el momento de incertidumbre que vivió junto a su pareja. “Y ella me dijo: ‘Es lo que estaba viendo y no me animé a pedirle una foto’. Fue el gesto de timidez más tonto. No sabés cuánto me arrepiento”, concluyó Tenembaum, entre risas y cierta nostalgia por la oportunidad perdida.

Durante su intervención, Tenembaum no solo relató el encuentro, sino que también dejó en claro que el parecido físico con el actor británico ha sido tema de conversación en distintos ámbitos. La anécdota, reveló la naturalidad con la que el periodista afronta las comparaciones y la simpatía que despierta en el público.

En síntesis, el periodista argentino Ernesto Tenembaum narró en televisión cómo una situación cotidiana en una librería de Londres se transformó en una anécdota memorable por la presencia de Hugh Grant, actor al que muchos asocian con su imagen. Aunque la oportunidad de la foto se perdió por timidez, el relato desató carcajadas y complicidad en el estudio, reafirmando el buen clima que caracteriza al programa.

La revelación del periodista Tenembaum se convirtió rápidamente en uno de los momentos más comentados del episodio. El público, tanto en redes sociales como en comentarios posteriores, celebró la espontaneidad del relato y la naturalidad con la que el periodista comparte detalles de su vida personal.

El episodio demuestra cómo una simple coincidencia física puede dar lugar a historias inesperadas y conectar a figuras públicas con el imaginario colectivo. La comparación con el consagrado actor Hugh Grant, lejos de incomodar a Tenembaum, parece haber sumado una dosis de humor y cercanía en su paso por el ciclo televisivo.

Así, la visita de Tenembaum al programa de Pergolini dejó más que una anécdota: ofreció la oportunidad de reírse, identificarse y recordar que, a veces, la timidez puede privarnos de momentos únicos, pero también regalarnos recuerdos imborrables.

La exministra británica Ann Widdecombe fue golpeada 21 veces en la cabeza con un martillo, según reveló este martes la fiscalía en Londres en la primera audiencia judicial contra el hombre acusado de su asesinato.

El fiscal Kashif Malik describió ante el Tribunal de Magistrados de Westminster cómo el acusado, Joshua Kerry, de 28 años, condujo más de 400 kilómetros desde su casa en el norte de Inglaterra hasta el domicilio de Widdecombe, en una zona rural del suroeste del país, el 8 de julio. Entró por la puerta principal mientras ella almorzaba.

Las cámaras de seguridad de la vivienda registraron el momento en que Kerry, con guantes negros y un martillo oculto a un costado, le preguntó: “¿No tendrá por casualidad tarjetas bancarias y un documento de identidad?”. Acto seguido la golpeó 21 veces en la parte superior de la cabeza, la empujó de la silla al suelo, tomó su cartera y abandonó la casa. El ataque duró aproximadamente dos minutos. La causa provisional del fallecimiento, según un patólogo, fue traumatismo craneoencefálico.

La alarma saltó cuando la política no se presentó a una entrevista en directo programada para ese mediodía con el periodista Matt Allwright. Los productores intentaron contactarla en reiteradas ocasiones y, al no obtener respuesta, se comunicaron con su asistente personal. Al día siguiente, el jardinero fue a su casa y la encontró tendida boca abajo en el suelo de la cocina. Los servicios de emergencia la declararon sin vida en el lugar.

El acusado fue identificado a partir de las imágenes de un vehículo visto frente a la vivienda poco antes del ataque. Fue arrestado tres días después del hallazgo del cuerpo. El caso fue transferido posteriormente a investigadores antiterroristas, quienes lo detuvieron por segunda vez bajo sospecha de comisión, preparación o instigación de actos terroristas.

Durante la audiencia, el procesado vestido con ropa deportiva gris solo habló para confirmar su identidad. No se le pidió declaración de culpabilidad. Más tarde compareció ante el Tribunal Penal Central, donde se le denegó la libertad bajo fianza y la próxima fecha judicial quedó fijada para el 9 de octubre, con juicio provisional previsto para el 8 de junio de 2027. La policía, por su parte, confirmó que ella fue el objetivo deliberado del ataque, aunque el móvil permanece bajo investigación.

Widdecombe fue diputada conservadora por la circunscripción de Maidstone durante más de dos décadas y ocupó el cargo de ministra de Prisiones en el gobierno de John Major en los años 90. Tras dejar el Parlamento en 2010, participó en los realities “Strictly Come Dancing” y “Celebrity Big Brother”.

En 2019 se incorporó al Partido del Brexit, con el que militó hasta la salida del Reino Unido de la Unión Europea en 2020. En su última etapa fue portavoz de inmigración y justicia de Reform UK, partido con el que aparecía con frecuencia en los medios. Era conocida por sus posiciones tradicionales en materia social, contrarias al aborto y a la ampliación de derechos LGBTQ+.

El caso reavivó la preocupación por la protección de figuras públicas en el país, reforzada tras los asesinatos de dos destacados parlamentarios en la última década. La diputada laborista Jo Cox fue tiroteada y apuñalada en 2016 por un extremista de ultraderecha, mientras que el conservador David Amess fue apuñalado en 2021 por un atacante vinculado al grupo Estado Islámico.

(Con información de AP, Reuters y The Guardian)

Josh Kerr volvió a conmocionar el atletismo mundial al establecer un nuevo récord mundial en la milla durante la Liga Diamante de Londres, según informó el medio británico The Independent. Sin dar tiempo a la celebración, el atleta comunicó que buscará superar la legendaria marca de los 1.500 metros, vigente desde hace casi tres décadas.

El pasado sábado, Kerr cruzó la meta con un tiempo de 3:42.66, borrando el registro de Hicham El Guerrouj de 3:43.13 que permanecía intacto desde 1999. El público del Estadio de Londres fue testigo de una actuación histórica, que, según el medio europeo, marca la consolidación del escocés entre los grandes nombres del mediofondo.

Un récord que reescribe la historia del atletismo

La hazaña de Josh Kerr en la capital británica no solo actualizó las listas de récords, también reavivó la conversación sobre los límites humanos en el atletismo. Kerr, campeón mundial de 1.500 metros en 2023, eligió este año, sin grandes campeonatos internacionales, para enfocarse en metas personales. De acuerdo con The Independent, el escocés había advertido en marzo su intención de perseguir marcas históricas.

El sábado, Kerr dominó la carrera desde el inicio, imponiéndose a rivales como Yared Nuguse (3:45.69) y Jake Heyward. El resultado obtuvo una repercusión inmediata, tanto por el tiempo logrado como por el hecho de destronar a El Guerrouj, considerado referente absoluto del mediofondo.

La marca del deportista no solo estableció un nuevo récord mundial en la milla, sino que también supuso un nuevo récord británico en el parcial de 1.500 metros, con 3:27.51. Esta cifra rebaja en tres centésimas la anterior mejor marca nacional, lo que refuerza su candidatura para atacar el récord mundial de la distancia, fijado por el mismo El Guerrouj en 3:26 desde 1998.

El próximo objetivo: los 1.500 metros

Tras la victoria, confirmó sus planes para intentar superar el récord mundial de los 1.500 metros, como publicó The Independent. “Pronto tuve un pequeño problema con mi esposa, Larimar, cuando se despertó y le dije ‘¡Esto se pone interesante!’, en referencia al récord mundial de 1500 metros de Hicham El Guerrouj, con un tiempo de 3 minutos y 26 segundos”, relató el atleta en una columna publicada en The Telegraph.

A sus 28 años, Kerr ya ocupa el séptimo lugar en la lista histórica de los 1.500 metros, pero considera que está en condiciones de acercarse a la marca del marroquí. “Todavía no hemos tomado ninguna decisión, y habría que concretar las cosas con la carrera de 1500 metros adecuada, pero creo que está en mis piernas”, afirmó. Según el medio británico, el escocés evaluará las opciones en las próximas etapas de la Liga Diamante, priorizando las condiciones óptimas para un intento serio.

Preparación y próximos desafíos

Antes de afrontar el reto de los 1.500 metros, Kerr centrará su atención en los Juegos de la Commonwealth, que tendrán lugar esta semana en Glasgow, su ciudad natal. El calendario competitivo y la elección de la prueba serán determinantes para definir cuándo y dónde buscará el récord.

El escocés subrayó la importancia de mantener la ambición en el deporte de alto nivel: “Creo que el momento en que dejas de soñar con nuevas metas es cuando empiezas a bajar el ritmo. Este deporte avanza muy rápido; el mundo siempre está en constante movimiento”, explicó en declaraciones recogidas por The Telegraph.

Por ahora, Kerr no descarta otros intentos de récord mundial, pero reconoce que la decisión final dependerá de múltiples factores, entre ellos la logística y el estado físico. Según The Independent, el entorno del atleta evalúa cada posibilidad con cautela, conscientes del desgaste físico y mental que implica cada desafío de esta magnitud.

El impacto en el mediofondo mundial

La actuación de Josh Kerr añade un nuevo capítulo a la rivalidad histórica del mediofondo, una especialidad que, desde los años noventa, vio marcas que parecían inalcanzables. Con esta nueva plusmarca y la ambición declarada de atacar el récord de los 1.500 metros, Kerr se posiciona como uno de los protagonistas principales del atletismo internacional.

El seguimiento de sus próximos pasos genera expectativa en todo el entorno deportivo, tanto por el peso de los récords involucrados como por lo que significa revivir la lucha por las grandes marcas del mediofondo. El atletismo británico observa con atención y esperanza el desarrollo de la carrera de Kerr, convencido de que su nombre puede quedar inscrito para siempre en la historia de la disciplina.

Estados Unidos respaldó este viernes la decisión de Reino Unido de incluir al Cuerpo de la Guardia Revolucionaria Islámica de Irán y al grupo terrorista Harakat Ashab al Yamin al Islamiya (HAYI) en el marco de su nueva Ley de Seguridad Nacional, al considerar que esta medida fortalece la respuesta internacional frente a las actividades atribuidas al régimen de Teherán.

El portavoz adjunto del Departamento de Estado de Estados Unidos, Tommy Pigott, afirmó en un comunicado: “Estados Unidos acoge con satisfacción la acción de Reino Unido para designar al Cuerpo de la Guardia Revolucionaria Islámica de Irán y a Harakat Ashab al-Yamin al-Islamiya bajo su nueva Ley de Seguridad Nacional”.

Pigott denunció que “los intentos de Irán de matar, secuestrar, acosar e intimidar en Estados Unidos, Reino Unido y en todo el mundo son deplorables y socavan la soberanía nacional y las normas internacionales”.

El portavoz subrayó que Washington mantendrá la cooperación con sus aliados para responder a las amenazas y exigir responsabilidades a Irán. “Continuaremos trabajando estrechamente con socios para promover la rendición de cuentas por el terrorismo respaldado por Irán en todo el mundo”, señaló Pigott.

El Gobierno británico propuso a comienzos de semana la inclusión de la Guardia Revolucionaria de Irán en una lista de organizaciones que podrán ser perseguidas con nuevos poderes, al quedar equiparadas a los servicios de inteligencia extranjeros en virtud de la Ley de Seguridad Nacional. Esta legislación otorga competencias ampliadas a las autoridades de Reino Unido para combatir amenazas estatales y acelerar la apertura de causas penales contra quienes ejecuten ataques en territorio británico.

Londres informó que los nuevos delitos de apoyo y asistencia a estas organizaciones podrían conllevar penas de hasta 14 años de prisión, y que los jueces ya no necesitarán probar en cada caso el vínculo directo con una potencia extranjera. Además, la legislación contempla la posibilidad de cadena perpetua según la gravedad de los delitos.

La decisión del Ejecutivo británico se produce tras ataques atribuidos a HAYI contra lugares vinculados a comunidades judía e israelí, así como contra la disidencia iraní en el Reino Unido. Las autoridades encuadran esta acción en el contexto de una serie de incidentes protagonizados por grupos respaldados por Irán o Rusia.

El régimen de Irán rechazó la medida, a la que definió como “injustificada” e “irresponsable”, y acusó a Londres de actuar “a partir de afirmaciones infundadas sobre seguridad” mientras “acoge y apoya a redes y grupos terroristas y violentos”. La administración iraní advirtió que se reserva el derecho de adoptar medidas en respuesta a la decisión británica.

A su vez, la Armada de la Guardia Revolucionaria de Irán advirtió este viernes que se acerca la “hora cero” para una posible operación contra las unidades navales del Comando Central de Estados Unidos (CENTCOM) desplegadas en aguas de la región, en el marco de una escalada militar que entra en su séptimo día consecutivo y que dejó al menos 38 muertos en territorio iraní. El aumento de las tensiones ha impactado también en los mercados, impulsando el precio del petróleo a máximos de las últimas semanas.

Según un comunicado difundido junto a la imagen de un portaaviones estadounidense y citado por la agencia Tasnim, el mando naval iraní señaló: “Los estadounidenses se acercan cada vez más a la hora cero de una operación contra las unidades navales del Centcom en las aguas de la región”. El mensaje finalizó con la advertencia: “Esperen...”.

El cuerpo militar de élite iraní aseguró que “los movimientos y el equipamiento del Ejército terrorista estadounidense están bajo la vigilancia de las unidades navales de la República Islámica”.

En un segundo comunicado, la Guardia Revolucionaria afirmó mantener el “control total” del estrecho de Ormuz y advirtió que, mientras persistan las operaciones estadounidenses en la zona, “ni una sola gota de petróleo o gas será exportada desde esta región”.

(Con información de Europa Press)

La calidad de la miel costarricense volvió a destacar en el escenario internacional. La miel multifloral producida por el Apiario Reserva Conchal, en alianza con Blue Zones Nicoya y Mieles Nicoyanas, obtuvo la medalla de oro en la categoría Calidad de los London Honey Awards 2026, una de las competencias más importantes del mundo para la industria apícola.

El reconocimiento posiciona nuevamente a Costa Rica entre los referentes internacionales en producción apícola de excelencia y marca el segundo año consecutivo en que la miel de Reserva Conchal recibe una distinción en este prestigioso certamen, donde participan productores de decenas de países.

Un reconocimiento entre los mejores del mundo

Los London Honey Awards premian cada año a las mejores mieles del planeta y son considerados una de las vitrinas más importantes para la industria apícola internacional.

En la edición 2026 participaron más de 340 mieles provenientes de más de 30 países, las cuales fueron sometidas a un riguroso proceso de evaluación que incluyó catas a ciegas realizadas por jueces especializados.

La categoría Calidad, en la que fue premiada la miel costarricense, evalúa aspectos como la apariencia, el aroma, la textura y el sabor del producto, características que permitieron que la miel desarrollada en Guanacaste se ubicara entre las mejores del mundo.

Para Costa Rica, el galardón representa una nueva oportunidad para fortalecer su imagen internacional como productor de alimentos sostenibles y de alto valor agregado, además de resaltar el potencial de iniciativas que combinan innovación con protección ambiental.

Una miel nacida en medio del bosque tropical seco

El producto premiado es resultado del Apiario Reserva Conchal, un proyecto creado en 2020 mediante una alianza entre Reserva Conchal, Blue Zones Nicoya y Mieles Nicoyanas.

Actualmente, la iniciativa alberga más de 2,5 millones de abejas distribuidas en alrededor de 50 colmenas, instaladas dentro de cientos de hectáreas de bosque tropical seco en Guanacaste.

Las condiciones naturales del entorno permiten obtener una miel multifloral con características diferenciadas, producto de la diversidad de especies vegetales presentes en la zona y del manejo responsable de las colmenas.

Gabriela Meza, gerente de Sostenibilidad de Reserva Conchal, aseguró que el reconocimiento refleja años de trabajo enfocados en demostrar que la protección de la biodiversidad puede traducirse en productos de calidad mundial.

La vocera indicó que conservar a los polinizadores significa fortalecer los ecosistemas, incrementar la resiliencia del bosque tropical seco y generar oportunidades para las comunidades que participan en el proyecto.

Mucho más que producir miel

Más allá de la producción apícola, la iniciativa tiene un fuerte componente de conservación ambiental.

Las organizaciones involucradas destacan que las abejas desempeñan un papel esencial para la seguridad alimentaria y el equilibrio de los ecosistemas, por lo que una de las principales políticas del proyecto consiste en reubicar las colmenas cuando estas representan algún riesgo, en lugar de destruirlas.

Además, el proyecto desarrolla un laboratorio genético destinado a fortalecer las poblaciones de abejas locales y aumentar su capacidad de adaptación frente a amenazas como el cambio climático y la presencia de especies invasoras.

Educación para proteger la biodiversidad

El impacto también alcanza a las comunidades vecinas mediante Simbiosis, un programa de educación ambiental impulsado por Reserva Conchal desde 2017.

A través de esta iniciativa, más de 3,700 estudiantes han participado en actividades relacionadas con biodiversidad, reforestación, conservación de ecosistemas y protección de fauna.

Como parte de las experiencias, los niños visitan el meliponario del proyecto, donde conocen cuatro especies de abejas nativas y aprenden sobre su importancia en la polinización de cultivos y la conservación de los ecosistemas.

Por su parte, Ignacio Segares, CEO de Blue Zones Nicoya, destacó que el premio representa un reconocimiento al trabajo conjunto realizado con apicultores locales y aliados estratégicos para producir mieles 100 % puras, con trazabilidad y bajo estrictos criterios de sostenibilidad.

Además de la miel de Reserva Conchal, la miel de origen Tamarindo también obtuvo una medalla de oro en la edición 2026 de los London Honey Awards, un resultado que fortalece el posicionamiento de Guanacaste como una región capaz de producir alimentos de excelencia con un profundo respeto por la naturaleza.

Con esta nueva medalla de oro, Costa Rica reafirma que la riqueza de su biodiversidad no solo es un atractivo turístico, sino también una ventaja competitiva capaz de convertir productos locales en referentes internacionales de calidad, sostenibilidad e innovación.

En Londres, la ciudad respira fútbol desde temprano. Las calles muestran poca actividad y los pubs permanecen llenos, reservados desde hace días por fanáticos ansiosos por ver el partido entre Inglaterra y Argentina. La expectativa se percibe en cada esquina: la televisión, la radio y las conversaciones públicas giran en torno al encuentro, que despierta un interés transversal en la sociedad británica.

Los comercios mantienen sus horarios habituales, pero la atención está puesta casi exclusivamente en el evento deportivo. Según explicó en Infobae en Vivo Silvia De Viet, periodista argentina residente en Londres, la cobertura mediática abarca desde programas académicos hasta debates populares.

“No podés prender un canal de televisión, nada que no esté hablando de esto”, relató. La jornada se desarrolla bajo temperaturas inusualmente altas para la ciudad, lo que añade una dimensión extra a la experiencia colectiva.

Sentimiento inglés: la mano de Dios pesa más que Malvinas

La expectativa en Londres se vincula directamente con el antecedente futbolístico de 1986 y la figura de Diego Maradona. De Viet enfatizó que el recuerdo de “la mano de Dios” domina la conversación pública, mucho más que la guerra de Malvinas.

“No hay nadie del público que hable de Malvinas. Es Diego Maradona, es la mano de Dios, es personal por el partido del 86”, subrayó. La periodista sostiene que la sociedad inglesa no asocia el partido con el conflicto bélico, sino con la herida abierta por aquella victoria argentina en el Mundial de México.

El sentimiento futbolero resulta visceral y el deseo de derrotar a Argentina supera cualquier otra motivación histórica. “Todo el mundo sabe quién es Maradona, todo el mundo sabe la mano de Dios, todo el mundo sabe que hay que ganarle a Argentina”, resaltó la entrevistada.

El partido adquiere un carácter personal para los ingleses, quienes consideran esta revancha como más importante que una final convencional. La emoción se manifiesta en la ansiedad por ganar y en la comparación constante con el pasado, pero la cuestión de Malvinas queda relegada en la conversación cotidiana.

Lionel Messi y la presión mediática en Inglaterra

Al mismo tiempo, la figura de Lionel Messi ocupa un lugar destacado en el análisis previo al partido, aunque su imagen no alcanza la magnitud simbólica de Diego Maradona. De Viet explicó que los medios británicos reconocen la calidad de Messi, pero no le atribuyen el mismo “aura” que a Maradona.

“Lo respetan enormemente a Messi, creen que puede hacer milagros”, señaló. La expectativa sobre el desempeño de Messi es alta, pero la presión recae tanto en el jugador como en la selección argentina.

De Viet describió la percepción inglesa: “Se espera demasiado de él, que lo ponen bajo presión, y que él querría ganar, por supuesto, que él a sí mismo se pone la presión”.

La periodista también señaló una cierta contradicción en la forma en que los ingleses reciben la personalidad de Messi: “Lo respetan como alguien que está muy bien entrenado en materia de medios. Al mismo tiempo se resiente un poco porque claro, como no habla, por un lado respetás que sea respetuoso y por el otro lado te molesta que no se, que sea respetuoso”.

Las imágenes y comentarios en los medios reflejan esta dualidad. “Si vos ves las fotos que hay, es que está la foto de Diego en una, con la camiseta argentina en una nube y después están los jugadores argentinos con Lionel Messi a la cabeza”, describió De Viet.

El respeto hacia Messi convive con la necesidad de neutralizar su influencia en el campo de juego, un sentimiento que se repite en las declaraciones de aficionados y comentaristas.

Clima social y comportamiento en Londres durante el partido

El ambiente previo al encuentro se percibe en todos los ámbitos, desde las oficinas hasta los supermercados. De Viet explicó que las oficinas suelen cerrar a las seis de la tarde y el partido comienza a las ocho, lo que favorece la concentración de personas en bares y pubs.

“Las oficinas en general terminan más temprano", describió la periodista. Los supermercados no han anunciado cambios en sus horarios, pero la mayoría de los clientes destina su atención al partido y no a las compras.

El calor inédito para la ciudad de Londres también modifica los hábitos. Las casas y los comercios carecen de aire acondicionado, y conseguir ventiladores resulta una tarea difícil.

“No hay aire acondicionado. Acá las casas están hechas para conservar calor, no para conservar frío”, narró De Viet. Los comercios informan a los clientes sobre el apagado de heladeras para mantener el funcionamiento básico de los equipos necesarios, evidenciando el impacto del clima en la vida cotidiana. Las alertas por altas temperaturas se mantienen activas, un hecho poco común para la capital británica.

Reunirse en pubs forma parte de la tradición inglesa, aunque las generaciones más jóvenes a veces prefieren encuentros en casas. La ola de calor influye en la elección de los lugares, ya que los pubs históricos dificultan la ventilación y el confort. La costumbre de juntarse en bares prevalece, pero el clima extremo lleva a algunos a optar por reuniones privadas.

Seguridad, confianza y reacción social ante el resultado

A diferencia de Buenos Aires, donde se implementan operativos especiales de seguridad, Londres no adopta medidas extraordinarias para el partido. De Viet aclaró que no existen anuncios oficiales sobre refuerzos en la seguridad, ni restricciones particulares en los puntos de encuentro de argentinos.

“Por ahora no hay ninguna, no hay ningún tipo de medida de seguridad extra, obvio”, indicó la periodista. La ausencia de operativos responde a la confianza en el comportamiento social y a la costumbre de celebrar en las calles.

La reacción ante el resultado se anticipa intensa, especialmente si Inglaterra obtiene la victoria. “Va a salir a la calle y no le va a importar nada porque esto es un partido personal. Es visceral el sentimiento de que hay que ganarle a Argentina”, sostuvo De Viet. La confianza predomina en el discurso público, aunque la periodista detecta cierto nerviosismo entre los ingleses, que prefieren no manifestar la posibilidad de perder.

El partido entre Inglaterra y Argentina en Londres se vive como un evento deportivo de alto voltaje emocional, marcado por recuerdos históricos y rivalidades futbolísticas. La mirada de los argentinos en la capital británica aporta una perspectiva directa sobre el ambiente, las costumbres y las emociones que rodean uno de los encuentros más esperados del fútbol internacional.

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La rivalidad futbolística entre Argentina e Inglaterra no impide que Londres se consolide como uno de los destinos europeos más atractivos para los viajeros senior: así lo planteó el periodista especializado en viajes Damián Umansky al describir por qué un país asociado en la memoria argentina al fútbol y a la Guerra de Malvinas sigue despertando admiración turística, cultural y emocional entre quienes hoy superan los 50 o 60 años.

Entre los argumentos concretos que explicó aparecen la accesibilidad y una oferta cultural concentrada en pocos kilómetros: el British Museum y el Museo de Historia Natural tienen entrada gratuita, Sky Garden y Horizon 22 permiten ver la ciudad sin costo con reserva previa, y los Uber Boat by Thames Clippers ofrecen recorridos por el Támesis desde muelles totalmente adaptados.

“Es una paradoja. Porque mientras el fútbol alimenta una rivalidad que se renueva cada vez que ambos seleccionados se enfrentan, la cultura británica sigue ejerciendo una fuerte atracción”, señaló Umansky al referirse a un vínculo marcado al mismo tiempo por la memoria, el dolor y el magnetismo cultural.

Umansky situó esa tensión en una experiencia generacional precisa: para varias generaciones, Inglaterra dejó de ser solo un rival deportivo y pasó a convertirse en un símbolo atravesado por el recuerdo de Malvinas, aunque el mismo país sigue concentrando experiencias culturales, musicales y urbanas que seducen a quienes vivieron esa historia de cerca.

Umansky vinculó ese interés con una biografía cultural compartida por muchos argentinos. “Muchos argentinos crecieron escuchando a The Beatles, Queen, Pink Floyd, Led Zeppelin, Elton John, Oasis o Coldplay. Aprendieron inglés cantando canciones que nacieron en Liverpool, Londres o Manchester. Para quienes hoy superan los 50 o 60 años, esa música forma parte de la banda sonora de sus vidas”.

A partir de esa marca generacional, el recuerdo no bloquea el viaje: le da una carga emocional más compleja. “Viajar a Inglaterra significa, para muchos, ponerle escenario a esos recuerdos. Es caminar por Abbey Road y esperar el momento justo para cruzar la famosa senda peatonal. Es recorrer los estudios donde grabaron los Beatles. Es entrar a un pub centenario y descubrir que allí el tiempo parece transcurrir a otro ritmo. Es emocionarse frente al Palacio de Buckingham, perderse por Covent Garden o contemplar el atardecer desde el Puente de Westminster”.

Londres suma accesibilidad, vistas gratuitas y recorridos pensados para un ritmo menos apurado

El atractivo no se agota en la nostalgia cultural. Umansky subrayó que Londres ofrece una concentración de propuestas que encajan con el ritmo de viaje de los mayores de edad: museos gratuitos, parques, conciertos, teatros y barrios con identidad propia.

A esa oferta se le agregan condiciones materiales favorables para el público senior. El British Museum y el Museo de Historia Natural cuentan con amplias zonas de descanso y recorridos planos, mientras que Sky Garden y Horizon 22 permiten obtener vistas panorámicas de la ciudad sin pagar entrada. En el río, los cruceros de Uber Boat by Thames Clippers aparecen como una alternativa relajada para observar monumentos desde embarcaderos adaptados.

Para Umansky, también hay un componente de experiencia cotidiana que pesa en ese perfil de visitante. “Los pubs merecen un capítulo aparte. No son simplemente bares: son espacios de encuentro, historia y conversación. Algunos funcionan desde hace varios siglos y conservan intacta esa atmósfera donde la cerveza, la madera oscura y las historias compartidas forman parte de la identidad británica. Para el viajero silver, acostumbrado a disfrutar de las experiencias más que de la velocidad, representan uno de los placeres del viaje”.

El viaje no borra la memoria, pero cambia la forma de mirar al país

El periodista extendió esa lectura más allá de la capital británica. Sostuvo que, cuando el viajero sale de Londres, aparecen pueblos de postal, castillos medievales, universidades centenarias y paisajes rurales que parecen detenidos en el tiempo.

Desde esa perspectiva, el viaje introduce un matiz que no elimina el peso de la historia, pero sí amplía la mirada. “El viaje ofrece otra perspectiva. Invita a conocer personas, comprender culturas y descubrir que detrás de las banderas existen sociedades mucho más complejas que los estereotipos”.

Esa experiencia, según describió, suele reflejarse en el regreso. “Los argentinos que viajan a Inglaterra suelen regresar hablando de la amabilidad de la gente, de la puntualidad del transporte, del respeto por el patrimonio histórico y de esa curiosa costumbre británica de hacer fila para absolutamente todo”.

El Tate Modern londinense, uno de los principales museos de arte moderno y contemporáneo del mundo, abre el miércoles la mayor retrospectiva dedicada hasta ahora en Reino Unido a la artista multidisciplinar cubano-estadounidense Ana Mendieta, con unos 120 de sus trabajos.

“La muestra ofrece una gran diversidad de obras. Creo que están representados prácticamente todos los medios con los que trabajó. Se pueden ver películas, esculturas, pinturas, dibujos y, por supuesto, una gran cantidad de fotografías”, explica a esta agencia una de las comisarias de la exposición, Valentine Umansky.

La práctica multidisciplinar de Ana Mendieta abarcó performance, body art, land art, fotografía, cine, dibujo, pintura, escultura e instalación.

La exposición, que estará abierta entre el 15 de julio de 2026 y el 17 de enero de 2027, recorre toda la obra de Mendieta, una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX.

Su obra exploró el cuerpo, la naturaleza, el exilio, la identidad, la memoria y las tradiciones ancestrales.

En la exposición han colaborado, según la comisaria, “44 prestadores”. Algunas piezas proceden de colecciones privadas y otras de museos y colecciones públicas.

Muerte trágica

Mendieta, creadora conceptual, escultora, pintora y videoartista, murió a los 36 años, en 1985, al caer desde su apartamento en Nueva York, en el piso 34, tras una discusión con su marido, el artista estadounidense Carl Andre, quien fue juzgado y absuelto.

La artista había llegado a Estados Unidos como refugiada en 1961, con 12 años, y regresó a Cuba en varias ocasiones para recuperar sus raíces.

“Creo que probablemente (ella) habría dicho que, ante todo, era cubana. Sin embargo, su experiencia vital estuvo marcada por el desplazamiento que sufrió cuando tenía 12 años, especialmente al formar parte de la Operación Pedro Pan, mediante la cual más de 10.000 niños fueron enviados a Estados Unidos tras la Revolución Cubana a través de misiones católicas”, explica Umansky.

Para la curadora, esa experiencia marcó “profundamente” su visión del mundo y también su práctica artística.

“El exilio está presente en gran parte de su obra”, recalca Umansky, quien piensa que su vínculo con Cuba “fue siempre fundamental”.

“Una y otra vez hablaba de regresar a lo que llamaba sus raíces. Incluso decía que había sido arrancada del vientre materno, y ese vientre simbolizaba Cuba”, afirma.

La artista comenzó a regresar a la isla caribeña a partir de 1980.

“Su primer viaje fue con el Centro de Cultura Cubana y actuó como puente entre ambos países, llevando a curadores y artistas estadounidenses a Cuba y estableciendo vínculos con la escena artística cubana”, señala la comisaria.

“Por eso diría que su identidad era ambas cosas, cubana y estadounidense. Pero, sin duda, nunca perdió el amor por su patria”, añade.

“Preocupaciones medioambientales”

Una exposición sobre Ana Mendieta vuelve a Reino Unido, después de que la South London Gallery le dedicara otra en 2013.

“Esta nueva exposición es especial porque reúne obras de su icónica serie Siluetas, realizada entre 1973 y 1980. También presentamos piezas que nunca antes se habían mostrado en el Reino Unido, en particular películas recientemente restauradas. Asimismo, se exhiben cuatro pinturas que realizó cuando aún era estudiante universitaria y que nunca habían sido expuestas aquí”, explica Umansky.

“Uno de los puntos culminantes es la recreación de Old Westbury Forest, una obra que realizó en 1978 en la Universidad de Nueva York y que nunca antes se había vuelto a montar en Reino Unido. Es una pieza realmente extraordinaria porque da la sensación de encontrarse inesperadamente con un bosque dentro del museo, algo muy poco habitual”, precisa.

A su juicio, “una de las razones por las que sigue siendo tan admirada es ese deseo constante de experimentar y probar cosas nuevas”, lo que hace que “su legado siga siendo tan vigente”.

“Aunque ella nunca utilizó el término ‘ecológico’, sus obras plantean preocupaciones medioambientales con las que hoy estamos mucho más familiarizados. En aquella época esas inquietudes apenas comenzaban a surgir entre el público general”, concluye la curadora.

Fuente: AFP.

Fotos: archivo y EFE/ Andy Rain.

De acuerdo con Wood, los miembros de The Rolling Stones buscan no pasar demasiado tiempo juntos fuera de los compromisos musicales. Cada uno lleva adelante su vida por separado y, cuando se reúnen para grabar o ensayar, la conexión se restablece de modo natural.

“Es como si no hubiera pasado el tiempo”, afirmó el guitarrista, quien describió esos reencuentros como el regreso de unos “niños traviesos” al patio de juegos.

El músico destacó la energía que persiste cada vez que la banda vuelve al estudio, señalando que parte de esa vitalidad se debe a la actitud de Mick Jagger. “Sigue empujando mucho hasta hoy”, remarcó Wood, aludiendo al papel activo del cantante en la dinámica grupal.

Para el guitarrista, esa distancia y el reencuentro posterior son claves en la longevidad del grupo.

Opiniones de Jagger y Richards sobre la relación interna

La conversación también incluyó reflexiones de Mick Jagger y Keith Richards. Este último definió en la entrevista su relación con el cantante como “una especie de matrimonio”, haciendo referencia a la complicidad musical y personal que los une desde hace décadas.

Para el guitarrista, compartir el mismo gusto y sensibilidad musical transforma el vínculo en algo mucho más profundo que una simple colaboración profesional.

Por su lado, Jagger reconoció que la convivencia en una banda con tantos años de historia no siempre resulta sencilla. Admitió que han atravesado conflictos y que no todos los integrantes son fáciles de tratar. Sin embargo, subrayó que la distancia física y los periodos separados ayudan a que los reencuentros sean más llevaderos, permitiendo refrescar el vínculo y evitar el agotamiento.

Vidas separadas y la duración del grupo

Uno de los factores señalados por Jagger como determinante en la perdurabilidad de la banda es que sus miembros no han compartido la vida diaria de manera constante. El cantante puntualizó que todos residen en distintas partes del mundo, lo que reduce el desgaste y la fricción habitual en las relaciones de trabajo prolongadas. “No hemos vivido metidos en la vida del otro”, dijo, sugiriendo que esa independencia ha sido fundamental para la supervivencia del grupo.

Jagger también hizo referencia a la longevidad de The Rolling Stones, que se formó en 1962. Aunque reconoció que no ve posible seguir de manera indefinida, evitó afirmar que Foreign Tongues, el nuevo álbum, sea el último trabajo del grupo. El cantante prefirió mantener abierta la posibilidad de futuros proyectos, aun cuando el paso del tiempo impone sus propios límites.

Foreign Tongues y el futuro de The Rolling Stones

El lanzamiento de Foreign Tongues, el 10 de julio, reavivó la conversación sobre el futuro de la banda. Durante la entrevista con Apple Music, Jagger aceptó que se puede pensar que este trabajo cierre una etapa, aunque insistió en que no hay nada definitivo.

Asimismo, recordó que ya había considerado el disco anterior, Hackney Diamonds, como probablemente el último, pero la dinámica del grupo sigue ofreciendo nuevas oportunidades para crear y presentarse ante su público.

Ronnie Wood, en tanto, sostuvo que la banda mantiene el impulso creativo y que cada nuevo proyecto eleva el nivel de exigencia. El guitarrista remarcó que, lejos de repetirse, la banda busca reinventar sus encuentros musicales en cada regreso al estudio.

Esta actitud, según explicó, es parte del ADN de The Rolling Stones y uno de los motores que les permite seguir produciendo música después de más de seis décadas de carrera.

Planes de conciertos y perspectivas para 2026

Keith Richards, consultado sobre la posibilidad de nuevas giras, comentó que está dispuesto a continuar “cada vez que suena el silbato”. Sin embargo, en una entrevista con Uncut en junio, el músico manifestó sus dudas respecto a emprender una gira mundial en 2026, atribuyendo esa limitación al desgaste físico que implican los viajes constantes.

Como alternativa a las largas giras, Richards planteó la posibilidad de ofrecer conciertos fijos en una ciudad, mencionando lugares emblemáticos como Londres, Nueva York, París o Roma.

Según el guitarrista, esta modalidad permitiría a la banda mantener la conexión con sus seguidores sin el desgaste de los desplazamientos, abriendo una nueva etapa en la historia de The Rolling Stones.

El actor confesó la anécdota a PEOPLE durante la premiere mundial celebrada el 6 de julio en Londres. “No sabía que ella estaba en el set el día en que filmaba”, dijo Pattinson al medio. La distancia entre ambos durante el rodaje fue tal que ni siquiera llegaron a saludarse. “Estábamos muy lejos el uno del otro y ni siquiera la reconocí; ni siquiera la saludé”, añadió.

Pattinson interpreta a Antínoo en la producción, mientras que Zendaya encarna a Atenea. El protagonista de la historia es Matt Damon, quien da vida a Odiseo, rey de Ítaca, en su travesía de regreso tras la Guerra de Troya. El camino incluye el enfrentamiento con Polifemo, las sirenas y Circe, entre otros obstáculos, antes de reunirse con Penélope y Telémaco.

El reparto reúne, además a Anne Hathaway, Tom Holland, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Charlize Theron, Jon Bernthal, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth, Benny Safdie y Corey Hawkins. Según PEOPLE, la película es la primera producción filmada por completo con cámaras IMAX de nueva generación y fue rodada íntegramente en película de 70 milímetros, con un uso de más de 600 kilómetros de material IMAX.

De qué trata La Odisea

La película adapta el poema épico de Homero y sigue a Odiseo durante los diez años que transcurren entre su partida de Troya y su regreso a Ítaca. El viaje, narrado de forma no cronológica según confirmó Nolan, sobre el mundo mítico de dioses, monstruos y fenómenos sobrenaturales que el director se propuso retratar.

Tras escapar de Troya, Odiseo y su tripulación enfrentan una serie de pruebas que los desvían del camino a casa. Entre ellas, el encuentro con Polifemo, el cíclope hijo de Poseidón, cuyo diseño Nolan inspiró en el cuadro Saturno devorando a su hijo de Francisco Goya y dio vida a través de marionetas, animatrónica y la actuación física del actor Bill Irwin. Más adelante, la bruja Circe transforma a los marineros en cerdos, las sirenas amenazan con arrastrar la nave al fondo del mar y la ninfa Calipso, interpretada por Charlize Theron, retiene a Odiseo durante siete años tras ofrecerle la inmortalidad.

Mientras tanto, en Ítaca, Penélope —encarnada por Anne Hathaway— resiste las presiones de cientos de pretendientes que buscan su mano, entre ellos Antínoo, el personaje de Pattinson. Telémaco, interpretado por Tom Holland, aguarda el regreso de su padre. Atenea, la diosa que da vida a Zendaya, intercede ante Zeus para que Odiseo pueda volver a casa.

Nolan optó por un enfoque alejado de los convencionalismos del péplum clásico: diálogos en lenguaje coloquial, acentos americanos y una banda sonora de Ludwig Göransson construida con instrumentos de bronce, aulós y lira. “Es la historia de aventuras definitiva”, afirmó el director en una entrevista con The Associated Press. Para darle veracidad al relato, la producción utilizó barcos reales en mares abiertos, entre ellos el Draken, una reconstrucción de un navío vikingo de mil años de antigüedad adaptado a la era micénica.

El rodaje de 91 días abarcó seis países y seis meses de trabajo. Troya se construyó en Marruecos, la cueva del Cíclope se encontró en las colinas de Grecia, las arenas negras de Islandia representaron el Hades y la isla de Favignana, cerca de Sicilia, hizo las veces de Ítaca. Para llegar al set principal, actores y equipo técnico subían a pie durante 45 minutos hasta un castillo del siglo XV a 314 metros de altura.

Primeras críticas muy favorables

Las primeras reseñas difundidas antes del estreno llegaron con elogios unánimes. Tras la premiere en Londres, periodistas especializados elogiaron la fotografía IMAX, la música de Göransson y las actuaciones del trío protagonista.

El presupuesto de la producción rondó los 250 millones de dólares. La expectativa comercial fue tal que IMAX y Universal Pictures pusieron a la venta entradas para funciones especiales un año antes del lanzamiento, y varias proyecciones en IMAX 70 mm agotaron localidades en pocas horas. Las proyecciones apuntan a una recaudación de hasta 120 millones de dólares en el fin de semana de apertura, lo que sería el mejor debut de Nolan en una película fuera de una franquicia.

La coincidencia entre Pattinson y Zendaya en 2026 no se limita a La Odisea. Ambos ya compartieron pantalla en The Drama, estrenada en abril, y volverán a coincidir en Dune: Part Three, prevista para el 18 de diciembre. Zendaya también aparecerá en Spider-Man: Brand New Day, con estreno el 31 de julio, mientras que Pattinson tiene en camino Primetime, Here Comes the Flood y The Batman: Part II.

La cifra oficial quedó fijada en 22.141 participantes, quienes fueron contabilizados antes del inicio del espectáculo. El propio Pitbull, conocido como “Mr. Worldwide”, recibió el certificado sobre el escenario y celebró junto a sus seguidores, a quienes cariñosamente llama los “Baldies”.

El intento de establecer el récord estuvo sujeto a un riguroso protocolo supervisado por Guinness World Records. Los asistentes fueron dirigidos a una zona frente al escenario para ser contabilizados por voluntarios entrenados bajo la supervisión del juez oficial Will Munford.

No bastaba con llevar una gorra color piel. Según explicó The Independent, el cabello debía quedar completamente oculto bajo la calva postiza, el accesorio debía cubrir correctamente la parte frontal y superior de la cabeza y permanecer colocado durante al menos un minuto. Incluso las personas calvas de forma natural debían usar una calva artificial para que su participación fuera válida.

“Necesitas una calva postiza en la cabeza para que esto cuente”, bromeó el presentador de BBC Radio 1, Greg James, desde el escenario. “Sé que eres calvo, sé que has pasado por mucho, pero esto no contará”.

El propio Pitbull también tuvo que colocarse una calva postiza para formar parte del récord. Además de los 400 voluntarios que verificaron la cifra, Guinness World Records utilizó un sistema de conteo respaldado por imágenes captadas con drones.

La emoción de Pitbull

Tras subir al escenario e interpretar éxitos como “Don’t Stop the Party”, “International Love” e “I Feel Good”, el rapero interrumpió el concierto para agradecer el histórico gesto de sus seguidores.

“Estoy asimilándolo todo. Es difícil para mí decir que me he quedado sin palabras. Pero lo único en lo que puedo pensar ahora es en todo lo que mi familia tuvo que pasar para que yo pudiera ser una persona libre”, dijo emocionado, en alusión a sus raíces cubanas.

“Poder perseguir mi sueño y estar en un escenario como este representando a todos los Baldies del mundo... esto no tiene precio. No hay forma de decir gracias. No existen palabras para expresar lo que siento en este momento”, añadió.

Pitbull también destacó el significado del logro colectivo. “Esto demuestra que si lo crees, lo sueñas, puedes lograrlo. Queremos darles las gracias. ¿Saben por qué, Baldies? ¡Porque lo logramos!”.

La idea de llevar calvas postizas a los conciertos de Pitbull, en realidad, se remonta a varios años atrás. En 2021 comenzaron a circular videos en redes sociales de algunos fans disfrazados como el popular artista durante sus recitales. Con el paso del tiempo, la práctica se convirtió en una tradición. El cantante terminó adoptando el movimiento, bautizó a sus fanáticos como los “Baldies” e incluso puso a la venta kits oficiales con calvas postizas y accesorios inspirados en su imagen.

El año pasado, el creador de contenido Jack Remmington propuso, en tono humorístico, que los asistentes al concierto de Pitbull intentaran romper un récord mundial vestidos como el cantante. La idea llamó la atención de Guinness World Records. Poco después, Greg James, conductor de BBC Radio 1 Breakfast, contactó al artista para preguntarle si apoyaría la iniciativa. Tras recibir una respuesta afirmativa, comenzó una campaña de ocho meses para difundir el intento oficial de establecer este récord.

A sus 21 años, Linda Noskova escribió la página más importante de su carrera al consagrarse por primera vez campeona de Wimbledon. La checa levantó el trofeo en la cancha central del All England Lawn Tennis Club tras imponerse a su compatriota Karolina Muchova por 6-2, 5-7 y 6-3 en dos horas y 27 minutos de competencia.

La final femenina se puso en marcha en el mítico club británico con una temperatura cercana a los 29 grados centígrados y ante la atenta mirada de Martina Navratilova, máxima campeona del certamen londinense con nueve títulos. En los primeros games, ambas jugadoras intentaron imponer su ritmo de juego. Sin embargo, Noskova, ubicada en el puesto 12 del ranking mundial, fue la primera en golpear: quebró el saque de Muchova (9°) en el cuarto y octavo game para adjudicarse el primer set por 6-2.

En el segundo parcial, Muchova salió a la cancha sabiendo que ya no había margen para los reproches y que debía elevar su nivel para intentar lastimar a su rival con sus golpes. Y así fue: en el tercer game dispuso de sus tres primeras oportunidades de quiebre, aunque no logró concretarlas. Aun así, comenzaban a aparecer señales alentadoras en su juego. A pesar de ello, Noskova no se desesperó y continuó desplegando uno de los mejores repertorios de su juego: golpes fuertes y profundos desde el fondo de la cancha, slices cruzados y drop shots que complicaron a su compatriota.

En el sexto game y por tercera vez en el partido, Noskova volvió a quebrarle el saque a Muchova para quedar a un paso del título. Sin embargo, cuando sacó para partido, desaprovechó un match point y, en la séptima oportunidad de quiebre que dispuso en el juego, Karolina logró romperle el servicio por primera vez. Al game siguiente Muchova nuevamente se quedó con el saque de su rival y terminó igualando la pizarra por 7-5.

En el set definitivo Noskova no mostró señales de decepción por las oportunidades desaprovechadas en el parcial anterior. La checa volvió a tomar el control del partido luego de ceder los últimos cinco games y se adelantó por 3-0. Esa diferencia la mantuvo y encaminó la victoria para quedarse con la tercera manga por 6-3 y consagrarse campeona de Wimbledon.

Gracias a su reciente conquista en Londres, la checa alcanzará el mejor ranking de su carrera: ascenderá al séptimo puesto del mundo.

En su camino al título derrotó en el debut a la alemana Ella Seidel; en la segunda ronda, a la colombiana Camila Osorio; en la tercera fase, a la rumana Sorana Cirstea; en los octavos de final, a la estadounidense Madison Keys; en los cuartos de final, a la belga Elise Mertens; en las semifinales, a la ucraniana Marta Kostyuk; y en la final, a la checa Karolina Muchova.

Con el trofeo entre sus manos, Noskova sostuvo. “Se siente increíble. Todos los partidos fueron muy luchados, especialmente el de hoy. Es muy difícil ganar el último punto. Estoy muy contenta de haber podido disputar esta primera final de Grand Slam junto a vos Karolina. Somos amigas y sé que toda la gente de nuestro país está muy orgullosa de nosotras”.

“Quiero agradecerle a mi equipo, a mi papá por venir a verme y a toda mi familia. Sé que no les gusta viajar en avión, así que gracias por estar acá. También quiero darle las gracias a mi entrenador. Llevamos seis años trabajando juntos y, sin vos, no estaría aquí. Nunca voy a olvidar estas dos semanas”, comentó la flamante campeona.

Por último, visiblemente emocionada, recordó a su madre, quien falleció en 2024, apenas un día antes del inicio de Wimbledon, torneo en el que la checa cayó en la segunda ronda de aquella edición. “Agradecerle mucho a mi mamá. No estaría aquí sin ella”, expresó entre lágrimas.

Por su parte, Muchova tuvo palabras de elogios para su compatriota. “Eres muy joven y esta fue tu primera final de Grand Slam. La manera en la que jugaste fue realmente increíble. Además, sos una gran persona. Felicitaciones a vos y a todo tu equipo, se lo merecen”.

Y admitió: “Gracias a todos los que hicieron posible que este torneo fuera tan espectacular. Es el mejor torneo del mundo. Ahora estoy un poco decepcionada, pero cuando miro a mi box y veo a mi familia, a mis amigos y a mi equipo, que me apoyó y me ayudó durante estas dos semanas, sé que voy a seguir luchando. Quiero levantar ese trofeo, voy a volver a Wimbledon y ojalá algún día pueda hacerlo mío”.

Noskova de apenas 21 años, disputó por primera vez una definición de Grand Slam en apenas su cuarta participación en el cuadro principal del All England Lawn Tennis Club. Hasta esta edición, su mejor actuación en Londres había sido la cuarta ronda alcanzada en 2025, mientras que su mejor resultado en un Major eran los cuartos de final del Abierto de Australia 2024.

Los resultados de Noskova confirman el gran salto que dio en esta temporada. En Wimbledon firmó una actuación histórica que la convirtió en la mujer más joven en alcanzar una final del torneo desde Eugenie Bouchard en 2014. Además, pasó a integrar un selecto grupo de jugadoras que estrenaron su presencia en una final de Grand Slam sobre el césped londinense desde 2020, junto con Elena Rybakina, Ons Jabeur y Amanda Anisimova.

El pasto se transformó en la superficie de mayor crecimiento para la checa. En 2026 presenta un registro de 12 victorias y apenas una derrota, luego de conquistar el WTA 500 de Berlín, donde levantó el primer título de su carrera sobre esta superficie tras vencer en la final a Jessica Pegula. Esa consagración, además, tuvo un valor extra, ya que también se quedó con el torneo de duplas. Desde el inicio de 2025 acumula 20 triunfos en césped, la mayor cantidad de cualquier tenista del circuito en ese período.

Su evolución también quedó reflejada en los grandes escenarios. A lo largo de su carrera ya suma 14 victorias sobre jugadoras ubicadas en el Top 10 del ranking mundial, entre ellas el reciente triunfo frente a Pegula en la final de Berlín y ante Muchova en la final de Wimbledon de este sábado.

Con el título logrado Noskova se convirtió en la campeona más joven de Wimbledon desde Petra Kvitova en 2011. Además, junto con Mirra Andreeva, campeona de Roland Garros, marcó la primera temporada desde 2003 en la que dos jugadoras de 21 años o menos conquistan Roland Garros y Wimbledon.

El cuadro masculino de Wimbledon ingresa en zona de definiciones. Este viernes se resolverán los dos finalistas del tercer Grand Slam de la temporada en una jornada que reunirá al campeón defensor, a una leyenda del tenis, uno de los mejores jugadores del circuito y la gran revelación del torneo.

La acción en el Centre Court del All England Club empezará con el duelo entre el alemán Alexander Zverev (3° del mundo) y el británico Arthur Fery (114° del ranking ATP). A continuación, se jugará el partido más esperado del certamen: el italiano Jannik Sinner (1°) frente al serbio Novak Djokovic (8°).

Alexander Zverev vs. Arthur Fery

El primer encuentro de la jornada está previsto para las 9:30 (hora de la Argentina) y uno de sus protagonistas será la sensación del torneo. Fery, que recibió una invitación para disputar el cuadro principal, arrancó el torneo fuera del Top 100 de la clasificación de varones y ya se aseguró un ascenso de 78 posiciones gracias a una campaña inolvidable.

Después de una sólida gira sobre césped, el jugador de 23 años eliminó en sets corridos en cuartos de final al italiano Flavio Cobolli, finalista de Roland Garros y uno de los 10 mejores del mundo, para convertirse en el primer británico en alcanzar las semifinales desde que lo lograra Cameron Norrie en 2022. Previamente había superado al bosnio Damir Dzumhur (105°), al finlandés Otto Virtanen (140°), al belga Zizou Bergs (37°) y al búlgaro Grigor Dimitrov (146°), todos ellos especialistas en pasto.

Del otro lado estará Zverev, quien atraviesa el mejor Wimbledon de su carrera. Impulsado por su reciente éxito en Roland Garros, que significó el primer título de Grand Slam en su carrera, el alemán rompió una barrera histórica al superar por primera vez los cuartos de final del All England Club tras vencer al estadounidense Taylor Fritz, un rival que le había ganado los siete enfrentamientos anteriores.

Camino a las semis, y antes del triunfo sobre su principal verdugo en el circuito, el 3 del mundo había derrotado sucesivamente al belga Alexander Blockx (36°), al francés Valentin Royer (75°), al estadounidense Marcos Giron (92°) y al checo Jiri Lehecka (14°).

Jannik Sinner vs. Novak Djokovic

Tras la finalización del primer cruce de semis, se enfrentarán el presente y la leyenda: Sinner vs. Djokovic. El italiano, actual número 1 del mundo y campeón defensor, volvió a instalarse entre los cuatro mejores del torneo y parece decidido a revalidar el título obtenido el año pasado en una final a cuatro sets frente al español Carlos Alcaraz, número 2 del mundo y su principal competidor en el circuito, que no jugó en esta edición en la Catedral del Tenis (tampoco había participado de Roland Garros semanas antes) debido a una lesión en la muñeca derecha.

Sinner tuvo un estreno complicado frente al serbio Miomir Kecmanovic (50°), a quien derrotó en cinco sets en un partido lleno de tensión: sufrió una caída que encendió alarmas en un principio y terminó con el pie ensangrentado, mientras los fantasmas de su colapso en Roland Garros frente a Juan Manuel Cerúndolo rondaban por el aire de Londres.

Sin embargo, Sinner elevó considerablemente su nivel y ganó todos sus partidos siguientes sin ceder un solo parcial: el portugués Nuno Borges (48°), el estadounidense Jenson Brooksby (81°), el japonés Shintaro Mochizuki (151°) y el alemán Jan-Lennard Struff (74°) -en ese orden- sufrieron el poderío del italiano.

Enfrente estará Djokovic, quien a los 39 años continúa desafiando el paso del tiempo. El serbio protagonizó uno de los partidos más intensos del torneo al superar en más de cinco horas al canadiense Felix Auger-Aliassime (número 4 del mundo) para clasificarse a una nueva semifinal en Wimbledon, donde ya levantó el trofeo en siete oportunidades.

Solo Roger Federer, con ocho títulos, supera al balcánico en la historia del certamen. Nole ya lo pasó en cantidad de triunfos en el All England (suma 107 contra 105 del suizo) y ahora busca igualarlo en cantidad de títulos.

Djokovic, además, buscará repetir la victoria que consiguió sobre el italiano en las semifinales del Australian Open a comienzos de este año. Antes de doblegar a Auger-Aliassime, en su camino a las semis había derrotado sucesivamente al chino Wu Yibing (102°), al griego Stefanos Tsitsipas (actual 87° y ex 3° del mundo), al francés Arthur Rinderknech (28°) y al ruso Roman Safiullin (132°).

Ambos partidos podrán verse en vivo en Argentina a través de ESPN y de la plataforma de streaming Disney+, que transmiten íntegramente el torneo.

El momento ocurrió durante la interpretación de “As It Was”: el cantante cayó de rodillas en el escenario y, al bajar la vista, advirtió que su bragueta estaba abierta.

Con calma, subió el cierre y se tomó unos segundos antes de retomar la actuación, mientras el público respondía con gritos.

La escena fue registrada por varios asistentes y se propagó con rapidez en redes sociales.

Las reacciones de usuarios en X y TikTok oscilaron entre el humor y la ternura.

“Cuando te embarga la emoción pero luego miras hacia abajo y te das cuenta de que casi le diste a más de 90.000 personas una vista gratuita de tu paquete premium”, escribió un usuario en X.

Otro apuntó: “No sería Harry si su bragueta no estuviera abierta en algún momento de la gira”. Un tercero añadió: “Además, esta era la última canción. Quién sabe cuánto tiempo llevaba así”.

En TikTok, las respuestas también abundaron. “Internamente está en pánico, preguntándose cuánto tiempo lleva la bragueta abierta”, escribió un usuario.

Otro comentó: “Estará pensando: ‘Dios mío, que no haya ninguna toma lateral comprometedora’”.

El percance se produjo en la última de las 12 noches de residencia que Harry Styles completó en Wembley como parte de su gira mundial Together, Together, con un aforo de 80.000 espectadores por velada.

El récord de Harry Styles en Wembley

Con esa residencia de 12 noches, Harry Styles se convirtió en el artista con más conciertos realizados en el Estadio de Wembley dentro de una misma gira.

El registro supera las 10 fechas que Coldplay acumuló en el mismo recinto el verano pasado y las ocho noches que Taylor Swift completó allí con su The Eras Tour en 2024.

La jornada de cierre coincidió con el día central del Orgullo LGTBI+ de Londres, y contó con la presencia de Gemma Styles, hermana del artista, quien pronunció un discurso ante el público y descubrió una pancarta conmemorativa instalada en la fachada del estadio para celebrar el récord de 12 noches.

Antes de concluir la velada, Styles dedicó unas palabras a sus excompañeros de One Direction.

“Quiero agradecer a Niall, Louis, Zayn y a mi querido amigo Liam por estas noches y por todo lo que aprendí en este tiempo, por la amistad, todo... Nada de esto sería posible, no estaría aquí sin ustedes. Muchas gracias", dijo desde el escenario.

Liam Payne falleció en octubre de 2024 tras caer desde el balcón de un tercer piso en un hotel de Buenos Aires, Argentina. Tenía 31 años.

La misma noche del viernes, un día antes del percance, Styles interpretó “Two Ghosts” —una canción de desamor de 2017— en Wembley, mientras Swift contraía matrimonio con el ala cerrada de los Kansas City Chiefs, Travis Kelce, en el Madison Square Garden de Nueva York.

Harry Styles y Taylor Swift tuvieron una relación entre 2012 y 2013. A la boda sí asistió Zoë Kravitz, prometida de Styles y amiga de la cantante.

El músico de 32 años saltó a la fama en 2010 tras quedar tercero en el programa The X Factor junto a One Direction, banda que entró en receso indefinido en 2016.

Su tercer álbum, Harry’s House (2022), le valió un Grammy y un Brit Award al Mejor Álbum del Año.

La gira Together, Together acompaña su cuarto disco de estudio, Kiss All The Time. Disco, Occasionally, publicado el 6 de marzo de 2026 tras más de tres años de pausa discográfica.

Tras Londres, la gira continuará en Brasil, México y Estados Unidos, antes de cerrar en Australia en diciembre.

El presidente Javier Milei tiene intenciones de viajar al Reino Unido para el último trimestre del año, afirmaron fuentes gubernamentales a Infobae. Se trata de una posibilidad que viene evaluando al menos desde el año pasado, cuando surgieron los primeros trascendidos de un posible encuentro con el primer ministro Keir Starmer.

Aun así, en la administración libertaria marcan que el sentido del viaje tendría un matiz respecto de versiones anteriores. Y es que en Casa Rosada reconocieron que está la idea de planificar un “Argentina Week” en Londres, similar al que se hizo en marzo de este año en Nueva York y al que se realizará en París a finales de septiembre.

“Está previsto que haya un viaje a Londres a fin de año”, afirmaron fuentes de la Casa Rosada a Infobae. Sobre la posibilidad de hacer una serie de jornadas empresariales en la capital londinense, una importante fuente del ámbito diplomático argentino marcó: “Entiendo que hay un proyecto de hacer algo en algún momento en Londres, pero es algo a definir. Lo de Londres es para una conferencia que no es argentina, específicamente”. Eso sí, no negaron que el Presidente busque encuadrar su viaje bajo un formato más económico y que pueda llevar a realizar un evento más grande. La embajadora en ese país es Mariana Plaza.

Por el momento, las prioridades están en la semana argentina en París, a la cual ya la describen como “potente”.

La base de un acuerdo comercial entre ambos países está desde el 2019 y el contexto político está en la declaración conjunta del 13/9/2016, el denominado “Acuerdo Foradori-Duncan”. Este fue dado por finaliazado por la Cancillería durante la administración de Santiago Cafiero bajo los argumentos de que el Reino Unido utilizó ese marco para realizar “actos unilaterales, que han sido oportuna y debidamente protestados por la República Argentina, a la vez de que “el Gobierno británico se ha negado sistemáticamente a reanudar las negociaciones de soberanía”. La gestión actual busca retomar esos lazos.

“La posible Argentina Week tiene si sentido la semana argentina, cuya agenda en materia de inversiones (London Metal Exchange -LME- y Stock Exchange) y comercio se vieron y generaron contactos durante las misiones comerciales que organizó la BritCham Argentina en años anteriores”, afirmó una fuente diplomática a Infobae. Es altamente probable que se estén evaluando acuerdos comerciales para los años próximos.

Milei viajará a París entre el 30 de septiembre y el 2 de octubre para encabezar la Argentina Week París, un evento que reunirá a ministros, gobernadores y los principales empresarios del país con inversores europeos, y en el que se espera que mantenga un encuentro bilateral con su par francés, Emmanuel Macron.

El anuncio más resonante en el marco de la Argentina Week París lo hizo el embajador argentino en Francia, Ian Sielecki, quien informó que Milei y el Premio Nobel de Economía 2025, Philippe Aghion, recibirán un reconocimiento del Paris Economic Forum como los dos economistas más influyentes del planeta.

En declaraciones a Radio Mitre, Sielecki describió la Argentina Week París como “una suerte de mundial de las inversiones para la Argentina”. El embajador explicó que la idea es reunir a los empresarios más relevantes de los sectores más dinámicos de la economía argentina —energía, minería, agroindustria, infraestructura— con los actores más pujantes de la economía francesa y europea, con el objetivo concreto de acelerar el flujo de inversiones hacia el país. “Son empresas que están llegando, que están desembarcando, que están creando empleo”, afirmó. A diferencia de la jornada en Nueva York, este evento en particular estaría más orientado a la economía real y la inversión industrial.

El viaje que Milei pretende hacer al Reino Unido no se produce en un vacío. El gobierno de Javier Milei intentó mejorar los vínculos con Londres a través de conversaciones informales sobre cooperación en defensa iniciadas en 2025, con el objetivo de levantar las restricciones británicas a la venta de armas a Argentina. No obstante, días atrás el medio británico Financial Times describió que esos acercamientos quedaron estancados por los sucesivos cambios de liderazgo en los ministerios de Relaciones Exteriores y Defensa argentinos.

El detonante más reciente de las fricciones bilaterales es el proyecto petrolero Sea Lion, ubicado a 220 kilómetros al norte de las Malvinas. Milei calificó en abril la iniciativa como un intento “unilateral e ilegítimo” de apropiarse de recursos que pertenecen a Argentina, y prometió acciones diplomáticas para frenarlo.

Algunos funcionarios argentinos advierten sobre una posible impugnación ante tribunales internacionales, respaldada en una resolución de la ONU que prohíbe modificaciones unilaterales del statu quo en las islas. Pesa el antecedente de 2011 —cuando Argentina logró que sus vecinos bloquearan buques con bandera malvinense— mantiene vivo el riesgo de presión regional.

Antes del lanzamiento de Foreign Tongues, Jagger, Richards y Wood describen una relación interna más cordial, un proceso creativo breve e intenso, un uso puntual de la inteligencia artificial limitado a la búsqueda fallida de títulos y la ausencia de gira en 2026.

En declaraciones recogidas por The Sunday Times, también hablan de la edad, de homenajes dentro del álbum y de una fama que ya no viven como una exigencia permanente.

Richards resumió ese equilibrio actual con una frase de admiración hacia su compañero: “Hay un hilo que recorre todo esto: ‘Se llama Mick Jagger’”. The Sunday Times sitúa esa definición frente a las décadas de choques entre ambos, en especial los años 80, cuando la banda estuvo cerca de quebrarse.

Ese clima no rebajó su disciplina. Jagger, que primero habló en la oficina de representación del grupo en Londres y después en un hotel de Knightsbridge, afrontó sus primeras conversaciones sobre el álbum con contención, aunque luego recuperó su registro habitual y dijo sobre la recepción del disco: “Parece que a todo el mundo le gusta”.

También explicó qué sigue guiando su método. “Hay que empezar por las canciones, y tienes que tener más de las que necesitas, porque nunca sabes cómo van a acabar saliendo”.

Cómo se grabó el álbum

Jagger presentó la grabación como un proceso rápido y concentrado. “Creo que nos resultó bastante fácil hacerlo”, dijo. “Quieres terminarlo en el estudio antes de que la gente se aburra. Quiero decir, en ese momento es muy intenso, pero solo durante un periodo corto”.

Sobre las letras, mostró un trabajo más instintivo. Al hablar de Mr. Charm, explicó: “Te viene esta idea y luego simplemente sigues tu flujo de conciencia, en realidad”.

También contó que alguna vez recurrió a un diccionario de rimas. “Lo he hecho, sí. Si de verdad te atascas a veces, es útil”, dijo Jagger, que recordó que quien le habló por primera vez de esa herramienta fue Lionel Bart.

Cuando surgió la pregunta sobre la inteligencia artificial, Jagger trazó una línea clara. “La inteligencia artificial es toda otra conversación”, afirmó.

Su única prueba, según detalló The Sunday Times, fue para buscar títulos en la época de Hackney Diamonds. “Volvió con semejante basura que no me ayudó en absoluto”, dijo, aunque añadió que ese recurso a veces permite destrabarse y confirmar que las ideas propias son mejores.

El álbum tomó forma en apenas un mes en Metropolis Studios, en el oeste de Londres, dentro de una sala pequeña con la banda y sus colaboradores casi hombro con hombro. “Está completamente lleno, pero funciona porque puedes ver a todo el mundo sin tener que girar la cabeza, casi”, dijo Jagger.

Richards atribuyó parte de ese empuje al productor Andrew Watt. “Andrew sabe cómo levantar del trasero a unos cuantos tipos mayores y decir: ‘Vamos, probemos’”, afirmó. Wood describió la continuidad entre este trabajo y el anterior con una imagen de movimiento. “Hackney Diamonds estaba rompiendo el hielo, y Foreign Tongues es el flujo que sale de ahí”.

Las canciones y los homenajes

El disco también funciona como autorretrato y como memoria. Hit Me in the Head, grabada en 2021 en Los Ángeles, incluye una parte de batería de Charlie Watts, fallecido ese mismo año.

Jagger dijo que intentaba llevar a todos a 150 pulsaciones por minuto, un ritmo que comparó con The Ramones. También precisó que era la pista más antigua del álbum y que provenía de la sesión que hicieron en Los Ángeles con Don Was.

Otra presencia invitada vuelve a ser Paul McCartney, que toca el bajo en Covered in You. Según Wood, el exbeatle ayudó antes a acercar a Watt a la banda al sugerir durante una cena que probaran con “ese tipo” con el que él trabajaba.

Entre las piezas más personales figura el tributo a Amy Winehouse con You Know I’m No Good. Wood, que la trató de cerca, recordó: “Ella decía: ‘Oh, Ronnie, ¿qué voy a hacer?’, y yo le decía: ‘Mira, todo el mundo sabe que tienes vodka en la botella de agua. Ponte en orden y sube al escenario’”.

Richards lamentó no haberla conocido mejor, aunque tocaron juntos una vez en 2007. “Siempre pensaba: ‘Seguro que me la encontraré más adelante’, y por desgracia no”, dijo al periódico.

“Pero para eso están los discos. Me alegra mucho y me honra haber tocado con ella al menos una vez”, añadió.

La fama, la edad y lo que viene

Por primera vez en más de 30 décadas de entrevistas con el grupo, a este álbum no le siguió de forma automática una gira mundial. Los planes en vivo de sin gira en 2026 se cancelaron oficialmente por la reticencia de Richards a comprometerse con los viajes, y los tres hablaron de esa pausa como algo extraño.

Jagger lo describió con humor físico. “Mi cuerpo va diciendo: ‘¿Qué estás haciendo?’”, contó entre risas al no estar, por una vez, preparándose para otra salida a la carretera.

Richards tampoco ocultó esa mezcla de costumbre y distancia. “La carretera siempre está ahí. El músculo es otra cosa”, dijo. Luego explicó que a veces, cuando trabaja, hasta olvida que está grabando un disco porque lo que le importa es el disfrute y no vivirlo como un empleo.

Jagger dejó abierta cualquier forma futura de ese impulso. “Ya he empezado a escribir canciones, pero para qué son, no lo sé, y la verdad es que no me importa”, afirmó.

La costumbre inglesa de besarse sorprende hoy tanto como asombró a varios viajeros europeos siglos atrás: en la Inglaterra de fines de la Edad Media y la dinastía Tudor, besar a conocidos, huéspedes e incluso desconocidos formaba parte de la vida social cotidiana.

La imagen moderna de una Inglaterra reservada contrasta con estos relatos. Entre los siglos XV y XVI, varios visitantes del continente describieron un trato mucho más físico y espontáneo del que suele asociarse con los ingleses.

En su análisis para History Extra, el historiador Ian Mortimer remarcó que esa práctica desentona con las ideas actuales sobre el carácter inglés. “No se nos conoce por ser particularmente amorosos en nuestro trato con los extraños”, sostuvo, aunque las pruebas históricas muestran una relación con el beso mucho menos incómoda.

Durante el siglo XVI, Londres recibía cada vez más visitantes extranjeros, sobre todo jóvenes europeos adinerados que viajaban por estudios, diplomacia o curiosidad. Recorrían sitios como la catedral de San Pablo y la Torre de Londres, y muchos anotaban sus impresiones.

Uno de ellos, Alessandro Magno, un veneciano que escribió sobre Inglaterra en 1562, quedó sorprendido al ver a hombres y mujeres ingleses besarse “en mitad de la calle como en casa”. Magno también describió un juego brusco entre jóvenes, en el que arrojaban a las mujeres al suelo y solo les permitían levantarse después de besarlas. Observó que “aquí se besan muchísimo”.

Lo que más llamó su atención fue que esa costumbre también alcanzara la hospitalidad doméstica. “Si un forastero entra en una casa y no besa antes que nada a la dueña en los labios, lo consideran maleducado”, escribió.

No se trataba de una rareza exclusiva de la época Tudor. Existen indicios de raíces más antiguas para estas costumbres en las islas británicas. Antes de convertirse en el papa Pío II, Enea Silvio Piccolomini viajó por Europa y pasó por Escocia en la década de 1430. En su autobiografía también describió las formas locales de besarse, aunque el matiz exacto depende de la traducción. Una versión moderna de ese pasaje resume su impresión así: en Escocia, “el beso de una mujer vale menos que un apretón de manos en Italia”. Esta comparación sugiere que el beso no siempre portaba el sentido afectivo o erótico que se le atribuiría después, sino que podía funcionar como gesto social rutinario.

Otro testimonio muy citado proviene de Erasmo, el humanista neerlandés que visitó Inglaterra hacia el cambio del siglo XVI. Quedó fascinado por la costumbre inglesa de recibir a las personas con besos. En una carta, describió a Inglaterra como un país donde los besos acompañaban llegadas, despedidas y encuentros casuales.

Según una traducción de 1901, escribió que en Inglaterra a uno lo recibían y despedían con besos, y que “dondequiera que hay un encuentro, abundan los besos”. Erasmo disfrutó tanto esa costumbre que animó a su amigo, el poeta Fausto Andrelinus, a viajar a Inglaterra para experimentarla.

La costumbre, no obstante, tuvo interrupciones puntuales. En 1439, el rey Enrique VI autorizó a sus súbditos a omitir un gesto ceremonial de gran carga simbólica: besar la mano real. Ese beso expresaba lealtad de forma visible, y prescindir de él podía generar sospechas sobre la fidelidad de quien lo evitara. La relajación de la norma se debió al regreso de la peste.

Inglaterra padeció repetidos brotes de peste negra y otras epidemias a lo largo de los siglos XIV y XV, y en 1439 la enfermedad se consideraba especialmente grave. Aunque la población no comprendía los gérmenes como hoy, tampoco ignoraba el contagio. La suspensión de ese beso de obediencia revela que, incluso en una sociedad habituada al contacto físico, una emergencia sanitaria podía modificar temporalmente las reglas aceptadas.

La peste no eliminó la costumbre. Un visitante alemán que pasó por Londres en la década de 1460 relató que entre los ingleses “ofrecer un beso es lo mismo que tender la mano derecha, porque ellos no se dan la mano”. El beso ocupaba entonces el lugar social que más tarde asumiría el apretón de manos: un gesto convencional y cotidiano de saludo.

El cambio de fondo llegó después. Uno de los factores fue la religión: a medida que Inglaterra abrazó el protestantismo en el siglo XVI, ciertas formas tradicionales de saludo físico comenzaron a despertar sospechas. El beso podía asociarse con el “beso de paz” católico intercambiado en la misa, además de vincularse a costumbres de países católicos como Francia e Italia. Al mismo tiempo, transformaciones morales y sociales más amplias alteraron la percepción de ese gesto.

La cultura inglesa absorbió valores más puritanos y besar pasó a verse como un acto íntimo. Ese cambio afectó tanto a las relaciones entre hombres y mujeres como entre hombres. Cuando la sexualidad se codificó y el deseo entre personas del mismo sexo comenzó a nombrarse y sancionarse de forma más explícita, formas de cercanía física antes admitidas socialmente empezaron a percibirse con desconfianza.

Quedaron ejemplos tardíos de que el beso no romántico no desapareció por completo. A Lord Nelson se le atribuye haber pedido al capitán Sir Thomas Hardy que lo besara mientras agonizaba tras la batalla de Trafalgar, aunque los historiadores debaten sobre el significado exacto de ese gesto.

Para entonces, el mundo descrito por Erasmo y Magno era casi un recuerdo. Besar con naturalidad a extraños, invitados y conocidos dejó de ser una conducta habitual en la vida social inglesa.

Las instituciones educativas del Reino Unido han tomado una decisión poco habitual tras el partido entre México e Inglaterra en el Mundial 2026: permitirán que los estudiantes ingresen más tarde a clases.

Esta medida busca responder al impacto del horario en el que se disputó el encuentro, que obligó a muchos jóvenes aficionados a trasnochar para apoyar a su selección.

El partido, originalmente reprogramado por una tormenta eléctrica, terminó jugándose en un horario que alteró la rutina escolar de miles de familias.

La situación generó interés no solo entre los seguidores del fútbol, sino también entre los padres, maestros y autoridades escolares, quienes debieron analizar cómo equilibrar el entusiasmo deportivo con el bienestar físico y mental de los estudiantes.

La experiencia vivida tras este partido abre un debate sobre el rol de las instituciones educativas ante eventos deportivos globales que capturan la atención de la sociedad.

El partido y su impacto en la rutina escolar

El encuentro entre México e Inglaterra inició a las 19:00 horas tiempo del centro de México, lo que implicó un horario poco habitual para los seguidores británicos.

En Londres, el partido comenzó a las 02:00 horas del día siguiente y finaliza cerca de las 04:00 horas.

Esta diferencia horaria generó que los jóvenes que desearon ver el partido debieran permanecer despiertos durante la madrugada.

Las autoridades escolares británicas reconocieron el efecto que este horario tendría en el descanso de los alumnos.

Por ello, varias escuelas anunciaron de manera oficial que permitirían la entrada tardía a clases al día siguiente, buscando proteger la salud física y mental de los estudiantes.

La decisión fue comunicada a padres y alumnos, quienes recibieron con alivio la posibilidad de recuperar algunas horas de sueño tras la jornada futbolística.

Medidas excepcionales para proteger a los estudiantes

La decisión de retrasar la entrada a clases no es común en el sistema educativo británico.

Sin embargo, el contexto del Mundial y la pasión que genera el fútbol justificaron la medida, según los directivos escolares.

El argumento central se basa en la necesidad de priorizar el bienestar de los jóvenes, quienes, tras una noche de desvelo, podrían ver afectado su rendimiento académico y su estado físico durante la jornada escolar habitual.

Los directivos recalcaron que la medida busca evitar consecuencias negativas derivadas de la falta de sueño, como la disminución de la concentración, el cansancio y la irritabilidad.

Permitir la entrada tardía otorga a los estudiantes la oportunidad de descansar unas horas adicionales, lo que puede ser crucial para su desempeño y salud general.

Contexto del cambio y reacciones de la comunidad

La reprogramación del partido debido a una tormenta eléctrica contribuyó a que el horario del encuentro resultara aún más desfavorable para los británicos.

Aunque en ocasiones anteriores se había optado por suspender clases en otras latitudes para favorecer la participación en eventos deportivos, en esta ocasión la medida adoptada en el Reino Unido se centró en flexibilizar el horario de entrada.

Las familias británicas agradecieron la sensibilidad de las escuelas ante la situación. Muchos padres reconocieron que, aunque el fútbol es una pasión nacional, la prioridad debe ser siempre el bienestar de los niños y adolescentes.

Las escuelas, por su parte, destacaron el valor de adaptar sus políticas a escenarios excepcionales, siempre que ello beneficie a la comunidad educativa en su conjunto.

A diferencia de lo ocurrido en Inglaterra, las autoridades mexicanas no anunciaron cambios en el calendario escolar tras el partido.

En los encuentros previos de la selección mexicana, sí se habían implementado suspensiones de clases en la Ciudad de México para que alumnos y trabajadores pudieran seguir los partidos, pero este no fue el caso con el duelo ante Inglaterra.

Implicaciones para el futuro de la convivencia entre deporte y educación

La experiencia registrada tras el México vs Inglaterra podría sentar un precedente sobre cómo las instituciones educativas pueden adaptarse a eventos de gran relevancia social.

Las escuelas británicas demostraron que es posible flexibilizar sus reglas en situaciones excepcionales, siempre que se mantenga como objetivo principal el bienestar de los estudiantes.

El caso invita a reflexionar sobre la importancia de considerar el contexto social y cultural en la toma de decisiones escolares.

Si bien el deporte es una parte importante de la vida de muchos jóvenes, el desafío está en equilibrar la pasión deportiva con las responsabilidades académicas y el cuidado de la salud física y mental.

El Mundial 2026, con su capacidad para movilizar a poblaciones enteras y alterar rutinas cotidianas, deja como lección la necesidad de políticas educativas flexibles y sensibles a las realidades de la comunidad.

La entrada tardía a clases tras el partido México vs Inglaterra se convierte así en un ejemplo de cómo la educación puede adaptarse, sin perder de vista sus principios esenciales.

Diferencias en la respuesta educativa entre México e Inglaterra

Mientras que en el Reino Unido se optó por permitir la entrada tardía a clases, en México las autoridades educativas no realizaron ningún cambio tras el encuentro contra Inglaterra.

Esta diferencia muestra que las respuestas ante eventos deportivos pueden variar considerablemente según el contexto, la tradición y las prioridades de cada país.

En ocasiones anteriores, la suspensión de clases en México durante partidos de la selección nacional había generado debate sobre la relación entre deporte y educación.

Sin embargo, al no repetirse la medida en esta ocasión, las familias mexicanas debieron ajustarse a la rutina escolar habitual tras el partido.

La decisión británica, en cambio, fue recibida como un gesto de comprensión hacia los estudiantes, y como una forma de reconocer el papel que el deporte puede jugar en la vida de los jóvenes.

El caso podría influir en futuras políticas educativas, no solo en el Reino Unido, sino también en otros países que enfrenten situaciones similares durante eventos deportivos internacionales.

La reciente aparición de Anne Hathaway en Londres, durante la promoción de la película The Odyssey, mostró cómo la moda puede adaptarse a diferentes etapas de la vida, manteniendo la sofisticación y la personalidad.

La actriz, que recientemente anunció que está esperando su tercer hijo, eligió un estilismo que marcó tendencia en el mundo fashion, integrando prendas de pasarela y accesorios exclusivos para componer un look moderno.

Vestido blanco: elegancia y referencias clásicas

El punto de partida del conjunto de Anne Hathaway fue un vestido blanco de la colección Blumarine Resort 2027 RTW.

La prenda, de corte mini y estructura fluida, destacaba por sus ruffles drapeados, el escote halter y las mangas caídas que evocaban siluetas propias de la Grecia clásica.

Este diseño, lejos de ser una elección casual, combinó directamente con el universo temático de “The Odyssey”, la película dirigida por Christopher Nolan.

La elección de un vestido con capas ligeras y movimiento permitió a Hathaway proyectar una imagen fresca y luminosa, ideal para la temporada estival y perfectamente adecuada para un evento al aire libre en la ciudad.

El blanco, color emblemático del verano y símbolo de pureza, reforzó el aire romántico del look mientras aportaba una dosis de modernidad a la propuesta clásica.

El largo asimétrico y la caída de los volantes dieron dinamismo a la silueta, evitando el estatismo y sumando un efecto envolvente.

Esta prenda, además, mostró cómo las colecciones de pasarela pueden adaptarse a la vida real de las celebridades, incluso en etapas tan especiales como la maternidad.

Uno de los grandes protagonistas del look fue un bolso blanco de Chanel en forma de corazón. Construido en piel acolchada y rematado con herrajes dorados, este accesorio aportó un guiño romántico y lúdico al estilismo general.

Para completar el look optó por unas botas altas de ante en tono arena, un calzado poco convencional para el verano pero que añadió un toque inesperado y sofisticado al conjunto.

Las botas, de caña amplia y textura suave, contrastaron con la ligereza del vestido y aportaron solidez visual, equilibrando el conjunto y evitando caer en lo previsible.

La combinación de tonos neutros y texturas contrastantes aseguró una coordinación equilibrada y coherente en todo el estilismo.

El trabajo de la estilista Erin Walsh fue clave para lograr la armonía de todos los elementos, seleccionando piezas que dialogan entre sí y que al mismo tiempo permiten a Hathaway lucir cómoda, moderna y fiel a su propia imagen pública.

Nuevas tendencias y visibilidad en alfombra roja

Más allá de la estética, el estilismo elegido por Anne Hathaway marca un punto de inflexión en la moda.

La actriz demostró que es posible vestir prendas de alta costura y adaptarlas a las necesidades de la etapa sin perder elegancia ni autenticidad.

El uso de vestidos sueltos, tejidos vaporosos y detalles románticos permite acompañar los cambios del cuerpo sin renunciar a la tendencia, desafiando los estereotipos de la ropa premamá tradicional.

En este contexto, la visibilidad de una figura pública como Hathaway contribuye a transformar la conversación en torno a la maternidad en la alfombra roja.

La moda se presenta como una herramienta de empoderamiento y autoexpresión, donde la elección de cada prenda y accesorio transmite mensajes sobre identidad, deseo y pertenencia.

La noticia de su tercer embarazo, integrada de manera natural en el marco del evento promocional, refuerza este enfoque: la maternidad no aparece como un paréntesis en la carrera o la vida pública, sino como una faceta que puede convivir con el despliegue de estilo y glamour.

De este modo, Hathaway se posiciona como referente para otras mujeres que buscan conciliar las demandas de la vida cotidiana y la pasión por la moda.

Novak Djokovic volvió a regalar una de esas escenas que explican por qué, a sus 39 años, sigue siendo uno de los grandes protagonistas del tenis mundial. Avanzó este viernes a los octavos de final de Wimbledon tras derrotar al francés Arthur Rinderknech por 7-5, 6-4, 1-6 y 7-6 (4), pero el resultado terminó siendo apenas una parte del espectáculo que ofreció sobre el césped del All England Club.

El momento más impactante llegó en el último punto del partido, en el tie-break del cuarto set. Rinderknech, número 28 del ranking ATP, intentó resistir con una defensa desesperada y ambos jugadores terminaron lanzándose al suelo. Djokovic alcanzó una pelota prácticamente imposible cerca de la red y resolvió el punto a su favor. El tenista galo también quedó tendido sobre el césped, sin posibilidades de responder al golpe definitivo del serbio, que selló la clasificación tras un match point memorable.

La ovación del público del Centre Court fue inmediata. Djokovic, siete veces campeón del tercer Grand Slam del año, celebró con una sonrisa y, enseguida, sumó un nuevo capítulo a su show: el serbio miró hacia uno de los palcos y comenzó a realizar una divertida coreografía. Del otro lado estaba Tara, su hija de ocho años, que imitó cada uno de los movimientos de su padre mientras ambos sonreían y bailaban frente a las cámaras.

La escena se volvió rápidamente viral en las redes sociales y ofreció una imagen muy distinta a la tensión vivida durante más de tres horas de partido. “Espero tener muchos más bailes en el torneo”, dijo luego del encuentro.

Djokovic debió esforzarse al máximo para doblegar a un rival que lo exigió en todo momento. El francés se quedó con el tercer set por 6-1 y llevó el cuarto parcial hasta un desempate, donde Nole volvió a mostrar la jerarquía que lo convirtió en uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.

El triunfo también tuvo, para Djokovic, un valor estadístico muy importante: el actual número 8 del mundo alcanzó los 105 partidos ganados en el cuadro masculino de Wimbledon e igualó el récord que hasta ahora pertenecía en soledad a Roger Federer, ocho veces campeón del torneo. La plusmarca absoluta es propiedad de Martina Navratilova, que ganó 120 partidos en el cuadro femenino y posee nueve títulos en Londres

Djokovic continúa en carrera en busca de un nuevo título sobre el césped londinense y del 25° trofeo de Grand Slam de su trayectoria. En los octavos de final se enfrentará al ruso Roman Safiullin (132°), una de las sorpresas del certamen y quien eliminó a Joao Fonseca (27°), la sensación del tenis brasileño, con un contundente 6-3, 6-3 y 6-3.

El domingo, además de ir en busca del pasaje a cuartos, Djokovic tendrá la chance de convertirse en el tenista con más victorias en la historia de Wimbledon.

“Poder hacer historia en este deporte es un gran honor y privilegio, particularmente en este torneo. Lo he dicho muchas veces: siempre ha sido el torneo de mis sueños durante mi infancia“, comentó el ex número 1 del mundo.

Y amplió: “No estoy pensando realmente si será 104, 105 o 106. Solo intento ganar el partido del día. Hoy fue más estresante de lo habitual”.

Además, Djokovic se acordó de Federer, a quien ahora tendrá la oportunidad de superar en el número de victorias sobre las canchas de césped más famosas del planeta. "Propongo un enfrentamiento entre Roger y yo por el 106. El que gane se lo queda. ¡Llamemos a Roger para que venga!“, sentenció.

Después de una primera semana marcada por las prematuras eliminaciones de los argentinos en los cuadros individuales, el tenis nacional encontró un motivo para ilusionarse en el dobles de Wimbledon. Horacio Zeballos, el mejor jugador de la historia argentina en esa especialidad, comenzó su participación con una sólida victoria junto al español Marcel Granollers en Londres, donde buscan saldar una cuenta pendiente.

El marplatense, de 41 años, y el catalán, de 40, derrotaron al estadounidense Robert Galloway y al australiano John Peers por 7-6 (5) y 6-3 en la cancha número 5 del All England Club. Así sacaron pasaje para la segunda ronda del tercer Grand Slam de la temporada.

El encuentro tuvo un primer set muy equilibrado y el mayor oportunismo de la dupla hispano-argentina inclinó la balanza en el tie-break. En el segundo parcial, Zeballos y Granollers impusieron el ritmo y dominaron la red para sellar el triunfo sin sobresaltos.

En la siguiente instancia enfrentarán al belga Sander Gille y al neerlandés Sem Verbeek, una pareja con experiencia en el circuito que buscará sorprender a los segundos preclasificados del torneo, que hace un mes conquistaron el título en Roland Garros por segundo año consecutivo.

Más allá del debut exitoso, la historia de Zeballos y Granollers en Wimbledon tiene un significado especial. La pareja ya sabe lo que significa llegar hasta la última instancia sobre el césped londinense. En 2021 alcanzaron la final, pero cayeron frente a los croatas Nikola Mektić y Mate Pavić. Dos años más tarde, volvieron a disputar el partido decisivo, aunque esa vez el título quedó en manos del neerlandés Wesley Koolhof y el británico Neal Skupski.

Durante mucho tiempo esas dos derrotas representaron una espina para la dupla. Sin embargo, todo cambió en las últimas dos temporadas: la consagración en Roland Garros 2025 les permitió conquistar el primer Grand Slam de su sociedad. Meses más tarde levantaron el trofeo del US Open y este año defendieron con éxito el título en París, con lo que ya suman tres coronas de Grand Slam.

Ahora, Zeballos y Granollers desembarcaron nuevamente en Londres convencidos de que pueden sumar el trofeo de Wimbledon a sus vitrinas. Además del título, persiguen otro objetivo importante: recuperar el número uno del ranking mundial de dobles, una posición que ambos ya supieron ocupar y que buscan reconquistar con una buena actuación en el All England.

En 2021 estuvieron a un partido de lograr el título. En 2023 volvieron a rozar la gloria. Con más experiencia, títulos grandes sobre el lomo y la tranquilidad que otorgan años de protagonismo en la élite, iniciaron una nueva búsqueda en esta edición. Wimbledon ya les abrió dos veces la puerta de la final. Esta vez, Zeballos y Granollers intentarán cruzarla definitivamente.

Wimbledon: los resultados de los argentinos en el cuadro de dobles

La jornada dejó además otros resultados positivos para el tenis argentino en el cuadro de dobles. Guido Andreozzi, junto al francés Manuel Guinard, derrotó a los españoles Pablo Carreño Busta y Jaume Munar por 6-4, 6-7 (8-6) y 6-1. En la segunda ronda enfrentarán al brasileño Fernando Romboli y al australiano John Patrick Smith.

También avanzó Marco Trungelliti. El santiagueño, formando pareja con el peruano Ignacio Buse, venció al indio Anirudh Chandrasekar y al japonés Takeru Yuzuki por 6-4, 6-7 (3-7) y 7-6 (10-7), en un partido muy ajustado que se definió en el match tie-break. Sus próximos rivales serán el portugués Francisco Cabral y el austríaco Lucas Miedler.

La cuarta buena noticia llegó sin necesidad de salir a la cancha. Román Burruchaga y Thiago Tirante avanzaron directamente a la segunda ronda tras la baja del belga Raphael Collignon y el croata Dino Prizmic. Su estreno será nada menos que ante los alemanes Kevin Krawietz y Tim Puetz, una de las parejas más fuertes del circuito.

La aparición de Kate Middleton en Wimbledon 2026 llamó la atención en el mundo de la moda gracias a un conjunto sastrero azul diseñado para los días más luminosos del verano londinense.

La princesa de Gales eligió un traje de dos piezas en color azul intenso, confeccionado en lino, que destacó por su corte clásico y la frescura de sus materiales, adaptados al clima veraniego.

La pieza central del atuendo fue la blazer “Stephanie”, de doble botonadura, amplias solapas y bolsillos, acompañada por los pantalones “Vesta”, de talle alto y pernera recta y ancha, ambos firmados por la diseñadora uruguaya Gabriela Hearst.

Bajo la chaqueta, Middleton lució una blusa blanca de tejido acanalado y escote recto que aportó un aire relajado y sofisticado al conjunto.

La princesa estuvo acompañada por el extenista y entrenador escocés Andy Murray, que lució una chomba clara.

La elección del traje azul no solo realzó la figura de Kate Middleton, sino que también creó un marcado contraste con la luz natural, acentuando la textura lisa del tejido y los tonos vibrantes del atuendo respecto al entorno.

El estilismo se completó con unos pendientes colgantes de forma circular, con detalles dorados y piedras de un azul intenso, pertenecientes a la firma británica Carousel Jewels, modelo “Stella”, más asequibles que las habituales piezas del joyero real.

La princesa añadió un bolso tote de Anya Hindmarch en tonos beige y naranja, así como unos tacos de Ralph Lauren en marrón tostado, logrando una armonía cromática sofisticada y veraniega.

El cabello de Kate Middleton fue recogido en una coleta alta con ondas suaves, dejando el rostro despejado y acentuando la elegancia sin esfuerzo.

Durante su recorrido por el recinto, portó unos anteojos de sol en la mano, elementos que completaron el look sin restar protagonismo al traje.

El conjunto se vio reforzado por el zafiro de su anillo de compromiso, herencia de la princesa Diana, que combinó a la perfección con la gama cromática elegida para la ocasión.

Otras celebridades presentes en Wimbledon 2026

Más allá de la princesa de Gales, diversas figuras del espectáculo, la música y el deporte asistieron a Wimbledon 2026. Como todos los años, la presencia de celebridades en las gradas del Grand Slam aporta un atractivo adicional al torneo.

Ellie Goulding y Beau Minniear

La cantante Ellie Goulding vistió una prenda negra con estampado de puntos blancos. Agregó a su look unos anteojos de sol negros ovalados llamativos. Su novio Beau Minniear llevó un traje azul claro, camisa blanca y corbata gris. Usó anteojos de sol negros de montura rectangular y un pendiente pequeño en la oreja izquierda.

David Beckham

Infaltable en toda cita deportiva, David Beckham optó por un traje cruzado de color gris claro confeccionado en tela de textura fina. El ex futbolista completó el conjunto con una camisa blanca clásica, corbata beige y un pañuelo a juego en el bolsillo del saco. Además, llevó un reloj metálico en la muñeca izquierda.

Storm Keating

La productora televisiva australiana Storm Keating optó por usar encaje en su look. Llevó un vestido en un tono crudo, de manga corta y con motivos florales. Además, tenía detalles semitransparentes que le dieron al total look un aire delicado y de verano. Para completar el look sumó unos anteojos claros.

Robert Peston

Robert Peston, periodista y presentador inglés, vistió un traje azul marino de corte clásico, camisa celeste y una corbata a rayas en tonos beige y marrón. Sumó a su look anteojos de montura marrón y varios anillos plateados en la mano derecha, logrando un look formal y con detalles distintivos.

Fiona Shaw

La actriz irlandesa Fiona Shaw eligió una camisa marrón de manga larga con botones, con el cabello corto y rojizo. No llevó accesorios visibles y su expresión fue espontánea y distendida durante el evento.

Naomi Osaka

Fuera del público, la tenista japonesa Naomi Osaka asistió a la cancha con un outfit de inspiración japonesa: un kimono blanco bordado con motivos florales de aves y un cinturón ancho a la cintura, combinado con una falda larga de tul en capas. Además, llevó zapatillas deportivas blancas con detalles verdes y el cabello recogido en moño alto.

(Fotos: Reuters/PA Images/PRESSE SPORTS)

La guerra en Ucrania está dejando una enseñanza que ya empezó a modificar la planificación militar de las principales potencias: el futuro del combate será cada vez menos tripulado. Con esa premisa, el Reino Unido decidió cancelar la construcción de su próximo destructor y redirigir buena parte de su presupuesto de defensa hacia drones, inteligencia artificial y embarcaciones autónomas, en uno de los cambios doctrinarios más importantes de las últimas décadas para una fuerza naval occidental.

Durante su columna en Infobae al Mediodía, el analista internacional Andrei Serbin Pont explicó que el nuevo Defense Investment Plan impulsado por el gobierno de Keir Starmer prevé una inversión superior a los USD 395.000 millones hasta 2030, de los cuales unos USD 6.600 millones estarán destinados exclusivamente a drones.

Sin embargo, sostuvo que el verdadero cambio no pasa por el volumen de recursos, sino por la decisión de abandonar progresivamente el modelo tradicional de grandes buques tripulados. En ese sentido, aseguró que la transformación británica difícilmente quede aislada: “Ahora lo van a hacer los británicos, pero después lo van a hacer todos. Es lo que se viene, es el mundo”.

El proyecto contempla el desarrollo de los llamados unmanned combat vessels, plataformas concebidas para operar sin tripulación y coordinar otros sistemas autónomos. Según explicó Serbin Pont, uno de los diseños más avanzados es el Tipo 91, un buque de unos 70 metros de eslora pensado para funcionar como “un arsenal flotante”, con capacidad para transportar hasta 130 misiles entre sistemas antiaéreos, armamento de ataque terrestre y armas láser.

Detrás de esa decisión también hay una cuestión económica y operativa. El especialista explicó que prescindir de una tripulación permite reducir costos, liberar espacio para armamento y disminuir el riesgo humano en combate. “Cuando eliminás eso de la ecuación, te ahorrás un montón de espacio, de recursos y de vidas”, señaló, antes de agregar que, incluso si una embarcación fuera destruida, “el impacto humano es mucho menor”.

A eso se suma otro problema que atraviesan varias fuerzas occidentales: la creciente dificultad para reclutar y retener personal militar.

Para Serbin Pont, esa transformación no puede entenderse sin mirar lo que ocurre desde hace más de tres años en Ucrania, donde el uso masivo de drones modificó la lógica del campo de batalla. Allí, explicó, se emplean alrededor de 200.000 drones por mes, una escala que supera ampliamente la capacidad humana para procesar información en tiempo real. “Los sensores y operadores humanos no dan abasto para tomar decisiones en ese espacio de combate”, resumió.

Eso no significa que las formas tradicionales de hacer la guerra hayan desaparecido. Por el contrario, sostuvo que ambos modelos hoy conviven. Mientras los drones concentran buena parte de las bajas, la artillería continúa teniendo un peso decisivo.

Según detalló, todavía se disparan unos 30.000 proyectiles diarios, una combinación que demuestra que la innovación tecnológica no reemplazó completamente a los métodos convencionales, sino que los potenció.

La consecuencia inmediata de ese escenario es el creciente protagonismo de la inteligencia artificial. Frente a un volumen de información imposible de procesar manualmente, los algoritmos comienzan a intervenir cada vez más en la identificación de amenazas y la selección de objetivos.

Como resumió el analista, “la persona no tiene tiempo hoy en día de tomar decisiones”, una limitación que explica por qué países como el Reino Unido ya no piensan únicamente en incorporar drones, sino en diseñar plataformas enteras orientadas a operar de manera autónoma.

Ese avance tecnológico abre, al mismo tiempo, un debate mucho más complejo que el puramente militar. Para Serbin Pont, la discusión ya no pasa por la capacidad de las máquinas, sino por los límites que las sociedades están dispuestas a aceptar. “Hoy la pregunta es: ¿a partir de qué punto estás cómodo con delegar decisiones que implican matar en una computadora?”, planteó.

El especialista recordó que el principio predominante sigue siendo mantener al human in the loop, es decir, que un operador conserve la decisión final antes del uso de la fuerza. Sin embargo, advirtió que el propio ritmo del combate empieza a poner esa regla bajo presión.

Como ejemplo mencionó operaciones recientes en Gaza, donde herramientas de inteligencia artificial participaron en la selección de objetivos y los oficiales disponían de apenas entre 30 y 90 segundos para autorizar un ataque. En ese contexto, sostuvo que el interrogante deja de ser únicamente quién ejecuta el disparo y pasa a ser quién decidió ceder esa responsabilidad a un algoritmo. “¿Qué pasa si el día de mañana el ser humano ya no tiene el botón rojo?”, se preguntó.

Para el analista, esa discusión debería darse antes de que la tecnología termine de consolidarse. Por eso cerró con una advertencia que excede el plano militar: “Definamos las reglas de juego ahora y que sean lo más parejas posible, porque después es tarde”.

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Madonna dijo que su nueva música de baile es un antídoto contra el aislamiento porque busca crear comunidad y conexión en una época en la que, según explicó a Vogue, los teléfonos inteligentes dan una ilusión de cercanía, pero no sustituyen el contacto real. Para la artista, la pista de baile ofrece una experiencia compartida que libera el cuerpo y la mente y abre paso a una conciencia más profunda.

En esa conversación con Vogue, la cantante presenta Confessions II como su 15º álbum y como la secuela, 20 años después, de Confessions on a Dance Floor. El proyecto marca además su reencuentro creativo con Stuart Price, que ya había trabajado en aquel disco y en el Celebration Tour como director musical.

“Por unos años quise trabajar con otras personas, hacer otras experiencias, pero luego nos reencontramos para mi Celebration Tour, del que Stuart era director musical, y ahí recordamos cuánto nos gustaba trabajar juntos, cuánto estábamos conectados no solo a nivel sonoro, sino también intelectual y emocional”, dijo Madonna desde su casa de Londres.

“Al principio no sabía si haría un nuevo Confessions, pero en el estudio se recreó enseguida nuestra sintonía casi telepática, que nos empujó a seguir. Y cuando decidí mudarme de Nueva York a Londres, donde vive él, lo interpreté como la señal de querer llevarlo hasta el fondo”, explicó.

Confessions II como respuesta al aislamiento

La tesis central del álbum, según la propia artista, gira alrededor de la conciencia, la libertad y la comunidad. En su diálogo con Vogue, Madonna rechaza la idea del baile como un gesto vacío y lo define como una experiencia de conexión: “Es un álbum que habla de conciencia y de libertad. Bailar no es un acto sin sentido, sino que permite crear un sentido de comunidad y de conexión”, afirmó.

“Hoy, con los teléfonos inteligentes, ya no entramos realmente en contacto, aunque nos hagamos la ilusión de que sí”, añadió.

La cantante describió además la pista de baile como un espacio con dimensión casi ceremonial: “Cada pista de baile es un lugar ritual en el que liberas el cuerpo y la mente; la ansiedad se va y tienes la posibilidad quizá de llegar a un estado de conciencia más profundo”.

Madonna añadió que esa relación con la danza sigue presente en su vida cotidiana: “Claro que bailo, lo hago por trabajo, pero también en la cocina, después de cenar, con mis hijos”.

La comunidad de la pista de baile frente a los algoritmos

El disco también mira a los orígenes de su carrera y a la cultura de club de Nueva York. Uno de los temas se titula Danceteria, en alusión al club donde, recordó, comenzó a abrirse camino y conoció a personas decisivas en su trayectoria.

“Ahí conocí a Martin Burgoyne y Debi Mazar, que se convirtieron en mis mejores amigos. Pero también a Mark Kamins, el primero en poner mi demo de Everybody, que me consiguió mi primer contrato discográfico”, recordó.

A partir de ese recuerdo, Madonna criticó al presente de la industria musical: “Antes estabas rodeada de pintores, músicos, bailarines, artistas, todos concentrados en un mismo lugar, y trabajaban con una cierta pureza. Valoro mucho esa experiencia, hoy no creo que muchos la vivan”.

“Hoy, para tener un contrato discográfico, se piensa en cuántos seguidores tienes. Por eso en Bring Your Love digo ‘Don’t try to distract me with numbers’, porque yo empecé sin pensar en las listas ni en las reproducciones en plataformas”, señaló.

La artista también retomó esa idea en I Feel So Free, donde canta “That’s why I like to go dancing / Safety in numbers”: “Es el concepto opuesto; en este caso el número te da seguridad, mucha gente entre la que no te sientes juzgada, entre la que puedes esconderte”.

Ese impulso de desaparecer por momentos, dijo, también forma parte de su proceso creativo. “Al 100%. Últimamente es difícil porque trabajo en el álbum y en todo lo que gira a su alrededor, pero a veces me gusta tomarme pausas, desaparecer un poco”.

“Solo así puedes alimentar tu imaginación. Necesito calma, conectarme con la naturaleza, mis hijos, mis caballos”, agregó.

La comunidad queer y las referencias personales

La dimensión comunitaria del álbum aparece también en su vínculo con la comunidad LGBTQIA+, a la que Madonna definió como un apoyo constante desde sus inicios: “Siempre fue mi primera aliada, desde mi profesor de danza en Michigan, que creyó en mí y me llevó a un club donde descubrí que se podía ser uno mismo libremente y sin prejuicios”.

La artista ligó esa relación a la crisis del sida y a una idea de reciprocidad: “Para mí, las personas queer siempre estuvieron ahí, y cuando estalló la pandemia de sida me dije que era mi turno apoyarlas a mi vez, y todavía lo hago frente a cada obstáculo de la sociedad. Quiero protegerlas como ellas siempre me protegieron a mí”.

En la parte más íntima de la conversación, la cantante abordó el tono introspectivo de varios pasajes del álbum, entre ellos Fragile, dedicada a su hermano Christopher, fallecido en 2024.

Al final, dejó una respuesta menos ligada al lanzamiento y más a su vida privada. “Creo que pocos están realmente interesados en mi espiritualidad. Es algo que mantengo muy privado, porque es precioso para mí. Pero es lo que me ayuda a poner todo en perspectiva, y sin eso no sé cómo habría llegado hasta aquí”, dijo.

Olivia Wilde reactivó la conversación sobre su imagen pública tras aparecer este miércoles en Londres en una proyección de The Invite, cuando un video de entrevista publicado por The Sunday Times Style desató comentarios de espectadores que dijeron estar “preocupados” por su apariencia.

El episodio ocurrió en el Picturehouse Central de Londres, en una función del proyecto que marcó su trabajo más reciente como directora. En redes, usuarios reaccionaron al clip y a fotografías de la alfombra con mensajes que especularon sobre su salud y mencionaron términos como “dismorfia corporal”, además de otros comentarios despectivos.

La discusión se conectó con el antecedente de abril, cuando un video de entrevista de alfombra roja con SF Gate se volvió viral y algunos observadores la compararon con Gollum de The Lord of the Rings. Wilde abordó esa comparación cuando el tema surgió en una conversación con The Cut: “Fue una imagen terrible”, dijo Olivia Wilde. “Sí me veía como Gollum”.

El clip difundido por The Sunday Times Style concentró comentarios de usuarios que dijeron sentirse alarmados por la delgadez de Wilde. Un espectador escribió que le gustaba la actriz y directora, pero que le “preocupaba” cómo se veía, y otra persona agregó que “no se veía saludable”.

Entre las reacciones también aparecieron mensajes que especularon sobre su alimentación y otros que mencionaron fármacos o exigieron que “alguien la ayudara”. En el mismo flujo de comentarios se leyeron expresiones como “aterrador”, “pareces un esqueleto” y “Chica, deja el Ozempic”.

A finales de junio, Wilde también apareció en el estreno de The Invite en Los Ángeles con un vestido que dejaba al descubierto parte de su abdomen. Entonces, también recibió críticas sobre lo mucho que sobresalían sus costillas.

Wilde también habló del episodio de abril en una entrevista reciente con Alex Cooper en el podcast Call Her Daddy, donde recordó cómo se volvió viral la imagen y cómo lo procesó en ese momento: “Estoy muy feliz de que saques esto”, dijo Olivia Wilde. “Me veía como un cadáver”.

La directora agregó que vio la foto y pensó que no tendría recorrido, pero después “se fue a todas partes”, y dimensionó el alcance con una cifra: “Imagínate que esté en cien millones de teléfonos. Y así no es como me veo en realidad”, dijo a Call Her Daddy.

La promoción de The Invite

Wilde estaba en plena ronda de promoción de The Invite, una película que coescribió con Rashida Jones y Will McCormack, coguionista y codirector del cortometraje ganador del Oscar If Anything Happens I Love You.

El proyecto se adaptó de una película española de 2020 titulada The People Upstairs. En el elenco, Wilde actuó junto a Penélope Cruz, Seth Rogen y Edward Norton.

En la historia, Wilde y Rogen interpretaron a una pareja con un matrimonio en crisis que lidió de forma constante con ruidos de sexo provenientes del departamento de arriba, ocupado por los personajes de Cruz y Norton.

Las inseguridades de Olivia Wilde

En ese contexto promocional, Wilde habló de forma directa sobre cómo sus inseguridades por su apariencia moldearon su imagen pública. En Call Her Daddy, explicó por qué aceptó posar para la portada de Maxim cuando la revista la colocó en el primer lugar de su lista Hot 100 en 2009.

“Recuerdo que mi publicista me llamó y me dijo: ‘Eres la número uno. ¿Quieres aceptarlo?’”, dijo Olivia Wilde a Call Her Daddy.

Wilde también reconoció que, aunque le incomodaba que su valor en la industria pareciera depender de una definición “caprichosa y subjetiva” de belleza, ese posicionamiento le abrió puertas de casting.

“Conseguí papel tras papel por eso. Me llevó a castings”, dijo Olivia Wilde a Call Her Daddy. “Tienes que hacerte responsable de tu participación en esa autoobjetificación”.

Más adelante, señaló que recibir el sello de ser “bonita” agregó presión por “mantener” esa imagen, y habló de la mecánica de la reacción pública ante etiquetas como “la más hot”.

“Y luego, inevitablemente, cada vez que alguien usa un superlativo para describirte, como: ‘Eres la más hot’, va a haber un montón de gente que diga: ‘Yo no lo creo. Yo creo que eres la más fea’”, dijo Olivia Wilde a Call Her Daddy. “Y eso es lo que la parte interna de ti va a aceptar, porque vas a pensar: ‘¿Ves? No soy la más bonita. Soy la más fea, yo lo sabía, lo ven, y ahora tengo que huir de eso’”.

Una periodista británica se infiltró en el metro de Londres durante dos meses para documentar el acoso sexual que sufren las mujeres en la red de transporte público, y lo que encontró superó sus propias creencias: fue acosada verbalmente unas ocho veces y agredida físicamente en una ocasión a lo largo de cuatro trayectos, tanto de noche como de día.

Mimi Yates, reportera del Daily Mail, viajó a todas horas por siete líneas del metro londinense —la Victoria, Piccadilly, District, Circle, Central, Jubilee y el DLR (Docklands Light Railway)— equipada con una cámara oculta y micrófonos, acompañada siempre por un productor que la seguía a distancia para garantizar su seguridad.

La investigación formó parte de la serie Underground UK del periódico. Yates se vistió con ropa holgada —camisa de cuadros abotonada, pantalones anchos y chaqueta vaquera— para ocultar los cables conectados al equipo de grabación. “No me estaba ofreciendo como cebo”, escribió en el Daily Mail.

La primera noche comenzó el 25 de abril a la 1.30 de la madrugada en la estación de Holborn. A los 15 minutos, un grupo de hombres jóvenes la observó fijamente en el tren de la línea District con dirección este. Al bajar en Dagenham East, ellos bajaron también. Caminaron delante de ella, despacio, girándose repetidamente como para comprobar que seguía allí. Solo se dispersaron cuando Yates dio media vuelta y volvió al andén.

Horas después, en la línea Piccadilly, un hombre de mediana edad la siguió durante 40 minutos sin apartar los ojos de ella. Cuando el vagón quedó casi vacío, se levantó del asiento de enfrente y se sentó a su lado. Yates bajó antes de su parada, pero él la siguió al siguiente tren, la línea Jubilee con dirección a Stratford, donde volvió a intentar entablar conversación. Solo consiguió perderlo entre los andenes y las escaleras mecánicas de la estación de North Greenwich.

Media hora después, ya en el andén de Green Park, otro hombre la llamó desde el banco donde esperaba el tren. Bien vestido, con gafas de moda y chaqueta estilo Barbour, le dijo: “La belleza necesita asiento. Ven, siéntate.” Yates se sentó con dos asientos de distancia. Él le dijo que tenía una hija de su misma edad. Luego empezó a preguntarle dónde vivía y, ante la falta de respuesta, pasó a las amenazas: “Voy a encontrar el pub o el restaurante de al lado de tu casa. Voy a ir a buscarte y te voy a encontrar.”

Le pidió el número de teléfono sin parar. Yates le dijo “no” 20 veces —las contó. Cuando llegó el tren, él la siguió al mismo vagón. Eran cerca de las 3 de la madrugada y el coche estaba lleno, pero eso no lo frenó. “Tienes que darme tu número, tienes que hacerlo. Te lo estoy pidiendo. Tienes que quedar conmigo”, le dijo, según recogió el Daily Mail. Luego extendió el brazo y le rozó el muslo. Una pareja que lo presenció no intervino.

Al llegar a casa, cerca de las 5 de la madrugada, Yates grabó su reacción en el teléfono. “Mi corazón todavía late muy rápido. Simplemente no esperaba que fuera tan malo”, dijo. Antes de levantarse del asiento para alejarse del hombre de las gafas, otro grupo de hombres ya la rodeaba. Uno de ellos, corpulento, se acercó tanto que ella pudo oler el ambiente del pub del que venía mientras le pedía el número nueve veces seguidas. “¿De qué tienes miedo?”, le preguntó.

En un momento señaló hacia una chica que dormitaba inconsciente contra la pared del vagón. “Mírate a ella”, le dijo. Yates pensó en lo que podría pasarle a esa joven si nadie estuviera cerca.

“Con cada incidente sentí que la carga recaía sobre mí: mantenerme tranquila, ser lo bastante educada para no escalar la situación, lo bastante firme para no alentarla y lo bastante alerta para saber si necesitaba ayuda”, escribió Yates en el Daily Mail.

El reportaje llega en un contexto de cifras que la Asamblea de Londres calificó en marzo de este año como “niveles inaceptables” de violencia contra mujeres y niñas en el transporte público de la capital. En 2025, la red de Transport for London (TfL) registró 4.593 delitos de carácter sexual contra mujeres y niñas, pero solo el 3% de esos casos derivó en cargos formales o citaciones judiciales. El 58% de los expedientes no identificó a ningún sospechoso, pese a la extensa red de cámaras de circuito cerrado y los datos de ticketing disponibles.

Dos casos recientes ilustran el patrón. En mayo, Salman Yousaf, de 46 años, fue condenado a prisión por ocho agresiones sexuales y un delito de ultraje al pudor en el Night Tube: atacaba a mujeres que se habían quedado dormidas en las líneas Central y Jubilee, y la policía solo lo vinculó a esos ataques cuando ya estaba preso por otro delito. En marzo, Craig Anderson, de 38 años, fue encarcelado tras agredir sexualmente a cuatro mujeres y acosar a otra en la red ferroviaria. La fiscalía lo describió como un hombre que “no aceptaba un no por respuesta”.

El Daily Mail también recoge el caso de Esme Rice, de 31 años, agredida sexualmente el 6 de junio en la línea Elizabeth cuando dos hombres le bloquearon la salida y la manosearon al bajar del tren. “No mostraron remordimiento”, dijo Rice al periódico. “Estaban satisfechos consigo mismos por haberme agredido sexualmente.”

Al llegar a Stratford, avisó a un empleado de la estación. No había policía presente. Le indicaron que enviara un mensaje al British Transport Police (BTP) al número 61016. Tardaron 13 horas en devolverle la llamada. “Me quedé despierta horas esperando esa llamada. Me acaban de agredir sexualmente. ¿Cómo es posible que no me respondan?”, declaró al Daily Mail.

No era la primera vez que Rice pasaba por algo así. En 2024 un hombre se masturbó sobre ella en la línea Jubilee durante la hora punta. Ella le gritó en el vagón, pero ningún pasajero intervino. El caso se cerró dos semanas después por falta de identificación positiva, pese a que la policía contaba con imágenes de circuito cerrado y fotos que ella misma había tomado del agresor. Desde entonces, Rice evita el metro cuando puede y escanea los rostros de los pasajeros en cada trayecto. “Las mujeres hemos sido sistemáticamente abandonadas... siento que no tengo voz ante las autoridades”, afirmó.

La investigación del Daily Mail pone también el foco en las fallas del sistema de videovigilancia. Cuando Yates denunció la agresión física que sufrió, un agente le informó que el circuito cerrado de la línea en cuestión “en realidad no tiene cámaras en los vagones”. Una investigación reciente de la BBC encontró que en más de 250 de 560 casos en los que la policía solicitó grabaciones, las imágenes no existían, había un fallo técnico, el material era inutilizable o ya había sido sobreescrito.

No existe ninguna obligación legal de que los trenes de pasajeros cuenten con cámaras operativas, lo que significa que la evidencia puede desaparecer antes de que la policía la solicite. TfL reconoce que tres líneas importantes carecen de cobertura de cámaras en los vagones por tratarse de trenes antiguos que no pueden soportar los sistemas requeridos para una eventual persecución judicial.

Susan Leadbetter, experta en diseño de transporte de la consultora de ingeniería WSP, lleva años investigando cómo hacer los espacios públicos más seguros para las mujeres. Según declaró al Daily Mail, el 20% de las mujeres que sufrieron algún tipo de agresión o acoso en el transporte aseguró que jamás volvería a denunciarlo debido a la forma en que fue atendida su denuncia. “Las mujeres me contaban cómo las habían manoseado, eyaculado encima en el metro, seguido hasta casa, mirado fijamente. Era desgarrador”, afirmó.

Leadbetter señala que el propio diseño del metro londinense amplifica la sensación de vulnerabilidad: espacios cerrados, ausencia de personal, cobertura de señal deficiente en algunas líneas. “Si algo ocurre, hay cierta incertidumbre sobre cómo denunciarlo”, explicó. Y advierte sobre un patrón que se repite: “Estos incidentes comienzan en un nivel bajo y evolucionan hacia casos más graves porque los agresores se salen con la suya en esas instancias menores de acoso y violencia.”

Camille Brown, graduada londinense de 22 años, ha impulsado una petición para la creación de vagones exclusivos para mujeres en el metro, respaldada por una encuesta de YouGov del año pasado que mostró mayoría de apoyo entre la población. Su propuesta, inspirada en los modelos de Tokio, Mumbai y Ciudad de México, contempla un vagón designado en el extremo del tren más cercano al conductor.

“Recuerdo a chicas que llegaban al colegio llorando por incidentes en el metro. Ocurría desde los 11 o 12 años”, declaró Brown al Daily Mail. Leadbetter prefiere priorizar soluciones inmediatas: personal visible, cámaras operativas, señal fiable y mejor iluminación en las estaciones. Señaló la línea Elizabeth como modelo: “Los andenes son muy anchos, la iluminación es muy buena y no te sientes apretada ni constreñida.”

El 9 de junio, el BTP obtuvo la primera condena en Inglaterra y Gales bajo la nueva legislación de acoso por razón de sexo en el transporte ferroviario. David Stroud, de 44 años, se declaró culpable de agarrar del pelo a una joven e intentar besarla en un tren de cercanías, y describió el hecho como “una broma”. Fue condenado a una orden comunitaria de 12 meses y 150 horas de trabajo no remunerado.

Para Rice, no es suficiente. Cuando Yates le describió lo que vivió durante su investigación y le preguntó si lo consideraba acoso sexual, Rice respondió: “He tenido gente que me dice ‘solo te agarró el trasero, no es una violación’. No importa, Mimi. El contacto no deseado, las interacciones no deseadas... un no es un no. Así de simple”.

Un portavoz de TfL declaró al Daily Mail que la conducta documentada por Yates es “indignante y totalmente inaceptable” y que trabajan con la policía para que la red sea “un lugar hostil para los agresores”. El BTP, por su parte, indicó que el número 61016 recibe más de 250.000 mensajes al año y que la confianza de los pasajeros a la hora de denunciar delitos históricamente infradeclarados, como los de carácter sexual, “continúa creciendo”.

En respuesta a la agresión sufrida por Yates, el cuerpo precisó que el 29 de junio recibió la denuncia de una agresión sexual ocurrida dos meses antes, en la madrugada del 26 de abril, y que el caso fue atendido por un agente de policía en Londres que contactó a la víctima por teléfono en menos de 90 minutos.

La estadounidense, ganadora de dos títulos de Grand Slam, ex número 2 y actual 7° del mundo, se llevó el triunfo por 6-3, 3-6 y 7-6 (7) en un partido cargado de emociones y que tuvo un desenlace tan dramático como cruel para la marplatense. Después de más de dos horas de batalla, Sol estuvo a apenas un paso de eliminar a una de las principales candidatas al título, pero terminó despidiéndose del All England Club entre el desconsuelo y la frustración.

El golpe fue especialmente duro por la forma en que se desarrolló el tercer set. Sierra había logrado revertir un comienzo adverso para llevar el encuentro a una manga decisiva y allí volvió a mostrar el tenis agresivo y valiente que la convirtió en una gran aparición para el tenis femenino argentino.

Con personalidad, la argentina se puso 5-4 arriba y dispuso de su servicio para cerrar el partido. Sin embargo, la estadounidense logró resistir la presión y se mantuvo con vida.

La definición llegó al súper tie-break, donde Sierra volvió a quedar muy cerca de la hazaña. Llegó a adelantarse 7-4 y parecía encaminar una victoria histórica, pero Gauff reaccionó en el momento justo, ganó los últimos puntos en forma consecutiva -incluido un ace en el match point decisivo- y terminó imponiéndose por 10-7 para sellar su clasificación a la tercera ronda.

Mientras la estadounidense celebraba con alivio, Sierra intentaba asimilar una derrota difícil de procesar. Durante largos pasajes del encuentro, la argentina obligó a Gauff a jugar incómoda, la llevó al límite y estuvo a centímetros de concretar el mejor triunfo de su carrera profesional. No pudo ser.

Tras el partido, la tenista norteamericana llenó de elogios a su adversaria, a quien ya había vencido en dos ocasiones anteriores en la presente temporada. “Creo que Solana está jugando un tenis increíble. Sabía que iba a ser un partido duro. Nunca había jugado un tie-break a diez en Wimbledon y estoy feliz de que haya sido así porque, si no, me hubiese ido a casa”, admitió Gauff, quien en la tercera ronda enfrentará a su compatriota Claire Liu (146°) en busca de un lugar en los octavos de final.

La Top 10 destacó la agresividad que mostró Sierra durante el encuentro. “Estoy feliz y orgullosa de mí misma. Solana jugó un gran partido. Ella estaba conectando tiros muy buenos. Sentí que muchas veces estaba a la defensiva e intenté ser agresiva cuando pude. Pero en general estoy feliz con mi servicio, creo que me ayudó a mantenerme en el partido y, obviamente, en el súper tie-break”, analizó.

Pese a la tristeza que la acecha por estas horas, la argentina confirmó el crecimiento que viene exhibiendo en el circuito internacional. Durante las últimas temporadas logró consolidarse dentro del tour de la WTA y en Wimbledon volvió a demostrar que puede competir de igual a igual frente a las máximas figuras del tenis femenino.

Paradójicamente, el resultado tendrá consecuencias negativas en el ranking. Debido a que defendía los puntos obtenidos en la edición 2025, cuando se convirtió en la primera lucky loser de la historia en alcanzar los octavos de final, Sierra perderá posiciones y caerá del puesto 56 al 82 del escalafón mundial.

Ese dato, sin embargo, no refleja lo ocurrido en la cancha ni el presente de Sierra, que venía de tener una destacada gira europea sobre polvo de ladrillo, donde, entre otros logros, derrotó a la italiana Jasmine Paolini -13° del mundo, ex 4° y finalista en 2024- en Roland Garros.

Este miércoles, frente a una campeona de Grand Slam, en uno de los escenarios más emblemáticos del tenis, Sierra mostró personalidad, carácter y recursos para poner contra las cuerdas a una de las favoritas del torneo. Por eso, aunque la imagen final haya sido la de una jugadora abatida por la oportunidad perdida, también quedó la certeza de que estuvo a la altura de un desafío enorme.

Según informó The Hollywood Reporter, el estudio organizará proyecciones para críticos a partir del 7 de julio, probablemente en funciones matutinas. El movimiento implica una apuesta directa por el juicio de los periodistas de cine frente al entusiasmo de los influencers digitales, un recurso que los grandes estudios han cultivado durante la última década como herramienta de preventa emocional.

Los pases para influencers —conocidos en la industria como word-of-mouth screenings— se han convertido en un estándar para los títulos que aspiran a instalarse como grandes éxitos comerciales. Blogueros de sitios de fans y creadores de contenido publican valoraciones breves, a menudo muy favorables, con el objetivo de generar expectativa antes de que aparezcan las críticas formales. Universal ha optado por saltarse ese escalón por completo.

Un contexto de creciente escepticismo

La decisión llega en un momento en que parte del público mira con mayor recelo la relación entre los departamentos de mercadotecnia de los estudios y los creadores de contenido. The Hollywood Reporter recogió varios casos que ilustran esa tensión: Disney recibió críticas por una acción viral en la que Pedro Pascal sorprendía a un grupo de fans en Disneyland, presentada en internet como si hubiera ocurrido de manera espontánea ante visitantes desprevenidos.

Warner Bros. también enfrentó cuestionamientos tras la campaña de Supergirl, donde uno de los mensajes de influencers la describió como “the best blockbuster of the summer!” mientras las críticas profesionales resultaron bastante más frías. La película promedió un 59% en Rotten Tomatoes.

El propio Universal no está exento de antecedentes. Con Disclosure Day, el estudio organizó pases para influencers de los que surgieron valoraciones muy positivas, entre ellas la frase “Spielberg’s best film in 20 years”, que después algunos detractores cuestionaron y que incluso apareció citada en un par de reseñas de críticos.

La obra que inspira la película

La Odisea es uno de los poemas épicos más antiguos de la literatura occidental, atribuido al poeta griego Homero y compuesto entre los siglos IX y VII a. C. Dividido en 24 libros, narra el regreso de Odiseo —conocido en latín como Ulises—, rey de Ítaca, tras diez años de guerra en Troya. El viaje de vuelta consume otros diez años, durante los cuales el héroe enfrenta monstruos, dioses y tentaciones que amenazan con apartarlo de su destino.

El poema no sigue una cronología lineal: comienza en Ítaca, donde la esposa de Odiseo, Penélope, y su hijo, Telémaco, aguardan su regreso rodeados de más de un centenar de pretendientes que compiten por la mano de ella, convencidos de que el héroe ha muerto. La estrategia de Penélope para ganar tiempo —tejer de día y destejer de noche un sudario— se convirtió en uno de los episodios más celebrados de la literatura universal.

Odiseo, retenido por la ninfa Calipso en la isla de Ogigia, es liberado por intervención divina. Su travesía incluye el encuentro con los lotófagos, el cíclope Polifemo —hijo del dios Poseidón, cuya ceguera desencadena la ira del mar—, la hechicera Circe, un descenso al inframundo para consultar al profeta Tiresias y el paso entre Escila y Caribdis.

A diferencia de La Ilíada, donde la grandeza se mide en el campo de batalla, La Odisea celebra la inteligencia y la astucia por encima de la fuerza bruta. El epíteto homérico para Odiseo es polytropos: “el de muchos giros”, el hombre que sobrevive por el ingenio.

El poema se articula en torno al concepto griego de nostos —el retorno al hogar—, y examina además el código de la xenia, la hospitalidad sagrada entre anfitrión y huésped. Los pretendientes que invaden el palacio de Odiseo representan la violación más extrema de ese código, lo que justifica moralmente la masacre final con la que el héroe recupera su reino.

El reparto de la adaptación de Nolan

Matt Damon encabeza el reparto como Odiseo. Tom Holland interpreta a Telémaco; Anne Hathaway, a Penélope; Charlize Theron, a Calipso, y Robert Pattinson da vida a Antínoo, el más agresivo de los pretendientes. Completan el elenco John Leguizamo como Eumeo y Jon Bernthal como Menelao, rey de Esparta y hermano de Agamenón.

La Odisea llegará a los cines el 17 de julio, con proyecciones en IMAX 70mm, IMAX estándar y otros formatos de gran pantalla. Si la apuesta de Universal recibe suficiente atención en la industria, otros estudios podrían reexaminar el peso que le otorgan a los pases para influencers en sus estrategias de lanzamiento.

Mariano Navone fue el último en caer. Y con su derrota se completó la racha negativa de los argentinos en el cuadro masculino de Wimbledon, segundo Grand Slam del año: los nueve representantes nacionales quedaron eliminados en la primera ronda.

La Nave, número 38 del mundo, no pudo revertir la situación ante el italiano Flavio Cobolli, 10° del ranking ATP, y perdió por 1-6, 7-6 (5), 6-3 y 7-6 (8) en un encuentro que había sido suspendido el martes por falta de luz natural cuando el europeo dominaba por dos sets a uno.

Navone había tenido un muy buen comienzo en la cancha 2 del All England Club. En apenas media hora se llevó el primer set por un contundente 6-1 y parecía encaminarse a una de las sorpresas de la jornada. Sin embargo, Cobolli reaccionó, se quedó con un ajustado tie-break en el segundo parcial y tomó el control del partido para imponerse también en el tercero por 6-3. En ese momento, la falta de luz obligó a postergar la definición para este miércoles.

En la reanudación, el argentino volvió a dar pelea. Dispuso de oportunidades para forzar un quinto set, pero el italiano resistió la presión, levantó varios set points y terminó cerrando el triunfo en otro tie-break muy reñido.

La derrota de Navone tuvo una consecuencia que excedió su actuación individual. Confirmó el pleno negativo para los argentinos en el cuadro masculino de Wimbledon: ninguno logró avanzar a la segunda ronda.

La eliminación colectiva comenzó el lunes con la caída de Sebastián Báez (57°) frente al alemán Jan-Lennard Struff (74°). El bonaerense, que no había tenido participaciones durante la gira sobre césped, volvió a sufrir sobre una superficie que históricamente le resultó esquiva.

Ese mismo día también quedaron afuera Camilo Ugo Carabelli (58°) y Juan Manuel Cerúndolo (42°). El primero se vio obligado a retirarse por una lesión en el tobillo izquierdo cuando enfrentaba a Daniel Mérida (84°). Tras ganar los dos primeros sets, el argentino sufrió una caída y, pese a que intentó continuar, el dolor fue más fuerte y lo obligó a dejar la cancha, con lo que el español se llevó el triunfo por 4-6, 3-6, 6-2, 3-0 y abandono. Juanma Cerúndolo, en tanto, perdió frente al español Alejandro Davidovich Fokina (23°) por 6-4, 6-4 y 7-6 (2) .

La lista de eliminados continuó con Thiago Tirante (55°) quien cedió ante el húngaro Fabián Marozsan (53°) por 7-5, 6-3 y 6-4, y con Marco Trungelliti (94°), derrotado por el estadounidense Martin Damm (106°) con parciales de 7-6 (5), 6-7 (5), 7-6 (2) y 7-6 (5).

El golpe más resonante fue la derrota de Francisco Cerúndolo (21°). El porteño llegaba como el argentino mejor ubicado en el ranking mundial y era la principal ilusión del contingente nacional: una semana atrás, además, se había consagrado en Queen’s Club, su primer ATP 500 y su segunda corona en césped. Sin embargo, tampoco pudo hacer pie en la Catedral del Tenis y el español Jaume Munar (44°) lo eliminó con un contundente 6-1, 6-4 y 6-3.

Tampoco logró avanzar Tomás Etcheverry (32°), otro de los habituales protagonistas del circuito ATP: quedó eliminado en su debut ante el italiano Lorenzo Sonego (72°) por 6-4, 6-4, 6-7 (2) y 7-6 (4).

La estadística resulta especialmente dura porque Argentina presentó una de sus delegaciones más numerosas de los últimos años. Sin embargo, el césped del All England Club volvió a convertirse en un obstáculo para los tenistas nacionales.

El grito desaforado, casi como una descarga a tierra, que lanzó Coco Gauff apenas cruzó ese último ace fue más que una celebración. La actual 7° del mundo, que llegó a tocar el 2° del ranking WTA, estuvo a un paso de marcharse anticipadamente de Wimbledon. La argentina Solana Sierra la tuvo contra las cuerdas hasta el final, pero no logró dar el campanazo final y quedó en la puerta de un triunfo histórico por la segunda ronda del Grand Slam sobre césped.

La marplatense, que en la edición 2025 de este torneo irrumpió en la escena internacional con una actuación memorable, estuvo muy cerca de conseguir el triunfo más importante de su carrera profesional. Finalmente cayó por 6-3, 3-6 y 7-6 (7), tras poco más de dos horas de juego, y dejó escapar una oportunidad inmejorable de avanzar a la tercera ronda, instancia en la que Gauff se medirá con su compatriota Claire Liu.

Sobre el verde césped del All England Lawn Tennis Club, Sierra (56° del Ranking WTA) expuso a pleno el proceso de maduración que atraviesa. En un deporte donde el aspecto mental resulta determinante, logró mantenerse enfocada durante todo el encuentro pese a la adversidad en el marcador. Así lo demostró tras quedar quiebre abajo, donde terminó cediendo el primer set por 6-3.

En el segundo parcial, la argentina salió decidida, consciente de que no había margen para los reproches si quería seguir en carrera en el major británico. Rápidamente tomó una ventaja de 4-1, mostró gran solidez desde el fondo de la cancha y, en su tercer set point, selló el 6-3 para igualar el marcador.

En el tercer set, Sierra caminó por la cornisa durante el primer tramo del parcial. En el sexto game salvó dos puntos de quiebre con su servicio y salió fortalecida de ese momento de máxima tensión. Ese envión anímico le permitió romper el saque de la estadounidense de 22 años para adelantarse 5-3 y quedar a un juego de la victoria.

Sin embargo, cuando todo parecía encaminado, la marplatense no logró cerrar el encuentro y Gauff recuperó el quiebre de inmediato para volver a meterse en partido. A partir de allí, ambas sostuvieron sus respectivos servicios y la definición se trasladó al súper tie break. En el desempate, la argentina volvió a tomar la iniciativa y llegó a disponer de tres puntos de partido con el marcador 7-4. No obstante, la estadounidense reaccionó en el momento más delicado, encadenó seis puntos consecutivos y dio vuelta el desenlace para quedarse con una ajustada victoria 7-6(7).

Por un lugar en los octavos de final, Coco se enfrentará a su compatriota Claire Liu (146°), proveniente de la clasificación y quien venció en la segunda ronda a la suiza Zeynep Sonmez (51°) por 7-5 y 6-3.

A pesar de su corta edad, Gauff ya construyó una carrera de élite en el circuito femenino. La estadounidense conquistó once títulos individuales, entre ellos dos de Grand Slam: el US Open 2023 y Roland Garros 2025. Además, se consagró en las Finales de la WTA en 2024 y suma otros diez trofeos en dobles, destacándose el obtenido en Roland Garros 2024 junto a la checa Katerina Siniakova.

Su irrupción en el tenis profesional fue en el WTA 1000 de Miami 2019 con apenas 15 años y, pocos meses después, se convirtió en la jugadora más joven de la historia en superar la clasificación de Wimbledon para ingresar al cuadro principal. En aquel torneo sorprendió al mundo al eliminar a Venus Williams en la primera ronda y alcanzar los octavos de final. Ese mismo año levantó su primer título en el WTA de Linz, transformándose, con 15 años, en la campeona más joven del circuito desde que la checa Nicole Vaidisova levantara los títulos en Vancouver y Taskent con 15 años en 2004.

Solana, que tiene su base de entrenamiento en la Rafa Nadal Academy y es considerada una de las grandes proyecciones del tenis femenino, atraviesa una etapa de crecimiento sostenido.

La temporada pasada conquistó los dos títulos más importantes de su carrera, ambos de categoría WTA 125, en Antalya y Mallorca. Además, firmó una actuación histórica en Wimbledon al convertirse en la primera jugadora en alcanzar los octavos de final tras ingresar al cuadro principal como lucky loser. Su participación concluyó frente a la alemana Laura Siegemund, por lo que no pudo cortar la sequía del tenis femenino argentino, que no tiene una representante entre las ocho mejores del Grand Slam británico desde la actuación de Paola Suárez en 2004.

La derrota ante Gauff también tendrá impacto en el ranking. Al no poder defender los puntos correspondientes a los octavos de final alcanzados en la edición anterior, la marplatense perderá al menos 26 posiciones y quedará ubicada, de manera provisional, en el puesto 82 del escalafón mundial.