La lista europea de 2025 reúne palacios, museos de historia, arte y ciencias naturales que sumaron millones de visitas. El Louvre encabezó la clasificación continental con 9.046.000 ingresos, según el índice anual de la Asociación de Entretenimiento Temático (TEA).

El estudio contabiliza visitas, no personas únicas, y amplía la categoría de museo a conjuntos históricos con colecciones curadas. Elaborado con los socios de investigación Entertainment + Culture Advisors y The Park Database, el TEA Global Experience Index situó al conjunto de los 20 museos mundiales en 161,4 millones de visitas en 2025, un 5,4% más que en 2024. Para Europa, el resultado combinó alzas pronunciadas, estabilidad y leves retrocesos.

1. El Museo del Louvre

El Museo del Louvre incrementó su afluencia un 3,5% frente a 2024 y quedó cuarto en la clasificación mundial. La institución conserva y documenta más de 500.000 obras junto con el Museo Nacional Eugène-Delacroix, de acuerdo con su base oficial de colecciones. El registro de TEA lo mantiene como el museo más visitado fuera de China.

2. El Palacio de Versalles

El Palacio de Versalles, incluido por el índice dentro de los sitios históricos con colecciones, ocupó el segundo puesto europeo y el quinto global. Sus 8.400.000 visitas supusieron una variación del 0,5%. El establecimiento público del Palacio de Versalles gestiona el palacio, jardines y dominio de Trianon.

3. El Museo de Historia Natural de Londres

El Museo de Historia Natural de Londres fue tercero en Europa, con 7.117.000 visitas. La cifra representó un aumento del 12,9%, uno de los avances destacados entre las instituciones británicas. Su sitio institucional describe una colección científica de especímenes y objetos dedicada a la investigación y divulgación de la historia natural.

4. Los Museos Vaticanos

Los Museos Vaticanos registraron 6.934.000 visitas, un 1,6% más que el año anterior. El complejo reúne colecciones de arte, arqueología y etnografía de la Santa Sede, además de espacios como la Capilla Sixtina. La información práctica y patrimonial es publicada por la Dirección de los Museos y Bienes Culturales.

5. El Museo Británico

Con 6.440.000 visitas, el Museo Británico ocupó el quinto lugar europeo, aunque su registro bajó un 0,6%. La institución londinense ofrece acceso gratuito a su colección permanente y mantiene una base digital de objetos que abarca desde la Piedra de Rosetta hasta piezas de distintas regiones, según su portal oficial.

6. El Museo Estatal Ruso

El Museo Estatal Ruso, en San Petersburgo, alcanzó 5.087.000 visitas y creció un 40,8%, la mayor variación positiva del grupo. El resultado lo ubicó sexto en Europa. La institución está dedicada al arte ruso y administra varios edificios históricos de la ciudad, según su sitio oficial.

7. La Reserva-Museo Estatal de Peterhof

La Reserva-Museo Estatal de Peterhof, también en San Petersburgo, quedó séptima con 5.049.000 ingresos y sin cambios porcentuales respecto de 2024. El conjunto agrupa palacios, parques y museos vinculados a la residencia imperial. La institución Peterhof presenta el sitio como un complejo museístico y paisajístico.

8. El Palacio de Topkapi

El Palacio de Topkapi, en Estambul, recibió 4.700.000 visitas, un 0,4% más que en 2024. TEA lo consideró dentro de la categoría museística por sus colecciones y su condición de recinto histórico. El complejo, antigua residencia de los sultanes otomanos, depende de la Dirección de Palacios Nacionales de Turquía.

9. Tate Modern

La Tate Modern fue novena con 4.514.000 ingresos, un descenso del 1,9%. El museo forma parte de la red Tate, que conserva arte británico desde 1500 y arte moderno e internacional. Su información institucional identifica la sede en la antigua central eléctrica de Bankside.

10. La National Gallery

La National Gallery de Londres completó los diez primeros puestos europeos con 4.148.000 visitas y un incremento del 29,5%. La galería custodia pinturas de la tradición europea occidental desde el siglo XIII hasta comienzos del XX, según su colección en línea. Melissa Ruminot, directora ejecutiva de TEA, sostuvo que el índice permite observar cómo el público se relaciona con los destinos culturales.

El Centro de Exportación e Inversión de la República Dominicana (ProDominicana) desarrolló una agenda de promoción comercial y captación de inversiones en Londres, en el marco de la XII Semana Dominicana en el Reino Unido. La institución expuso ante empresarios británicos las condiciones económicas, logísticas e institucionales del país y los sectores en los que busca ampliar la llegada de capital extranjero.

La delegación estuvo encabezada por el director ejecutivo de ProDominicana, Vladimir Pimentel Florenzán, quien participó en encuentros con representantes empresariales, autoridades dominicanas y miembros del sector financiero. La actividad tuvo como meta fortalecer los vínculos bilaterales y presentar a la República Dominicana como destino para inversiones y plataforma de acceso a otros mercados de América, Europa y el Caribe.

Según informó la Presidencia de la República Dominicana, Pimentel intervino en un encuentro organizado por el Banco Popular Dominicano, donde presentó la exposición “República Dominicana: Inversión, Negocios y Nuevas Oportunidades”.

Energía, tecnología, logística y zonas francas, entre los sectores priorizados

Durante su presentación, Pimentel detalló oportunidades para empresas interesadas en instalarse o ampliar operaciones en República Dominicana. Entre los rubros mencionados estuvieron el turismo, la energía, la manufactura avanzada, la minería, la logística, la tecnología, los servicios digitales y las zonas francas.

El director ejecutivo de ProDominicana señaló factores como la estabilidad macroeconómica, la conectividad logística, la disponibilidad de talento humano, los incentivos a la inversión y los acuerdos de acceso preferencial a mercados internacionales.

La estrategia incluyó la promoción de industrias de mayor valor agregado, transformación digital, innovación y sostenibilidad, además de las actividades tradicionales vinculadas al turismo. La institución planteó que el país busca diversificar los sectores receptores de inversión extranjera y ampliar su presencia comercial en el mercado británico.

El encuentro empresarial reunió a inversionistas del Reino Unido, autoridades dominicanas y representantes de entidades financieras. La programación incluyó un panel sobre la experiencia de invertir y hacer negocios en el país caribeño.

En esa conversación participaron Roberto Herrera, Josephine Maalouf, Encarna Piñero, Chris Bennett y Gustavo García Almánzar, quienes abordaron las condiciones operativas y comerciales para compañías que evalúan proyectos en territorio dominicano.

Comercio bilateral acumulado de USD 2.643 millones entre 2019 y 2025

Pimentel señaló que el intercambio económico entre ambos países cuenta con una base que permite ampliar las operaciones comerciales y de inversión. Entre 2019 y 2025, el comercio bilateral acumuló aproximadamente USD 2.643,1 millones, de acuerdo con los datos presentados durante la actividad.

Las exportaciones dominicanas al Reino Unido llegaron a USD 105,3 millones en 2025, el mayor valor anual del período comprendido entre 2021 y 2025, según la información divulgada por ProDominicana.

El flujo de inversión también formó parte de la exposición. Datos del Banco Central de la República Dominicana indican que el país recibió USD 318,68 millones en inversión extranjera directa procedente del Reino Unido entre 2017 y junio de 2026.

La presentación sostuvo que la ubicación geográfica del país y su infraestructura de transporte pueden favorecer a empresas británicas que busquen establecer cadenas de suministro para el Caribe, América y otros destinos internacionales.

Banco Popular, embajadas y empresarios en el encuentro de Londres

La actividad contó con la presencia de Christopher Paniagua, presidente ejecutivo del Banco Popular Dominicano, acompañado por una delegación de la entidad. También asistieron la embajadora dominicana ante el Reino Unido, Rosa Hernández de Grullón, y la embajadora británica en la República Dominicana, Carol Ann van der Walt.

El empresariado estuvo representado, entre otros, por Ryan Polanco, presidente de la Cámara Británica de Comercio de la República Dominicana (BritChamDR). Participaron además representantes de instituciones ligadas a la relación económica entre ambos países.

La Semana Dominicana fue organizada por BritChamDR y la Embajada de la República Dominicana en el Reino Unido. La apertura tuvo lugar en The Travellers Club, con Inicia como anfitrión, y reunió a figuras del ámbito empresarial, diplomático e institucional.

ProDominicana en la World Travel Market de Londres

Como parte de la programación, la delegación de ProDominicana asistió a la World Travel Market (WTM) London, celebrada en el recinto ExCeL London. El grupo incluyó a Maritza Bello, directora de Relaciones Internacionales de la institución.

La feria turística y un roadshow dirigido al mercado británico formaron parte de una agenda encabezada por el ministro de Turismo, David Collado. Esos espacios permitieron combinar la promoción del turismo dominicano con la difusión de oportunidades vinculadas a otros sectores productivos.

La participación en Londres se concentró en atraer inversiones, impulsar exportaciones y sostener el posicionamiento de la República Dominicana ante empresarios británicos interesados en desarrollar proyectos en el Caribe.

Costa Rica fue elegido como el destino turístico más deseado del mundo en los Wanderlust Reader Travel Awards 2026, uno de los reconocimientos internacionales otorgados por la revista británica especializada en viajes Wanderlust, cuyos lectores seleccionan mediante votación los países y destinos que más desean conocer.

El galardón, denominado Most Desirable Country (Worldwide) Gold, fue entregado durante una ceremonia celebrada en Londres, Reino Unido, y anunciado oficialmente por el Instituto Costarricense de Turismo (ICT).

La distinción coloca a Costa Rica en el primer lugar de la categoría mundial, después de que en la edición de 2025 obtuviera la medalla de plata, únicamente superado por Japón.

El reconocimiento fue celebrado por el presidente ejecutivo del ICT, Marcos V. Borges, quien se encuentra en Londres acompañado por una delegación de 45 empresarios turísticos costarricenses que participan en la feria internacional World Travel Market (WTM).

“Recibir el premio Most Desirable Country (Worldwide) Gold representa una oportunidad estratégica y un importante respaldo internacional para Costa Rica”, expresó Borges.

El jerarca destacó que la distinción reconoce los esfuerzos realizados en conjunto con el sector privado para desarrollar un modelo turístico sostenible, capaz de ofrecer experiencias vinculadas con la naturaleza, la cultura y las comunidades locales.

¿Cómo fue elegido Costa Rica?

Los Wanderlust Reader Travel Awards son organizados por la revista británica Wanderlust, una publicación especializada en turismo que cuenta con más de 30 años de trayectoria.

A diferencia de otros reconocimientos, sus ganadores son seleccionados mediante las votaciones de los lectores, quienes eligen sus destinos favoritos en categorías relacionadas con países, ciudades, islas, regiones y experiencias turísticas.

En su edición número 25, el certamen recibió aproximadamente 250,000 votos, según información divulgada sobre la premiación.

El reconocimiento no significa que Costa Rica sea el país más visitado del planeta, sino que encabezó las preferencias de los participantes en esta categoría específica.

Naturaleza y sostenibilidad destacan en la oferta turística

La riqueza natural constituye uno de los principales elementos que caracterizan la oferta turística costarricense.

Destinos como el Parque Nacional Manuel Antonio, el volcán Arenal, los bosques nubosos de Monteverde y la península de Osa ofrecen experiencias que combinan observación de fauna, caminatas, playas y turismo de aventura.

A estos atractivos se suman las iniciativas de turismo rural y comunitario, mediante las cuales visitantes internacionales pueden conocer tradiciones, gastronomía y actividades productivas de diferentes regiones.

En años anteriores, Costa Rica también ha recibido reconocimientos de Wanderlust por su oferta de naturaleza, vida silvestre y sostenibilidad, categorías que reflejan el interés de los lectores de la revista por las experiencias vinculadas con la conservación ambiental.

Más de 2,3 millones de visitantes durante 2026

El premio llega en un momento de crecimiento de las llegadas internacionales al país.

De acuerdo con cifras del ICT, entre enero y septiembre de 2026, Costa Rica recibió 2,310,320 visitantes, lo que representa un incremento del 4,8% respecto al mismo periodo del año anterior.

Estados Unidos se mantuvo como el principal mercado emisor, con 1,288,001 visitantes, seguido de Canadá, con 239,065.

Entre ambos países concentraron aproximadamente el 66% de las llegadas registradas durante los primeros nueve meses del año.

Costa Rica busca aprovechar el reconocimiento en Londres

La entrega del galardón coincidió con la participación costarricense en World Travel Market, una feria internacional que reúne a representantes de destinos turísticos, operadores y empresas del sector.

Durante esta actividad, los 45 empresarios nacionales mantienen reuniones comerciales y promueven distintas experiencias turísticas del país ante compradores internacionales.

Para el ICT, el premio representa una oportunidad de fortalecer la promoción de Costa Rica en mercados internacionales y ampliar las relaciones comerciales del sector.

En la misma premiación, España fue reconocida como el país más deseado de Europa, Tokio como la ciudad más deseada del mundo y Perú recibió una distinción en la categoría de aventura.

Con este reconocimiento, Costa Rica suma un nuevo galardón internacional a su oferta turística, mientras el sector enfrenta el desafío de convertir el interés de los viajeros en visitas que contribuyan al desarrollo económico y a la conservación de los atractivos naturales del país.

Una obra del pintor, grabador y dibujante alemán del Renacimiento Albrecht Altdorfer, oculta durante 70 años en una colección privada suiza, sale a subasta en Londres con una estimación de entre £ 3 millones (USD 4,02 millones) y £ 5 millones (USD 6,70 millones). El remate está previsto para el 9 de diciembre en Sotheby’s, y será la primera vez desde 1980 que una obra conocida del maestro alemán llega al mercado.

Según informó The Guardian, la pintura data de alrededor de 1520 y es considerada uno de los primeros paisajes puros del arte occidental en óleo. Antes de su identificación a principios de este año, solo se conocían otras dos obras de este tipo atribuidas al artista bávaro.

Los dos paisajes del maestro bávaro

Hasta el hallazgo, el catálogo de paisajes en óleo puro del pintor se limitaba a Landscape With a Footbridge, que se exhibe en la National Gallery de Londres, y Landscape of the Danube near Regensburg, alojado en la Alte Pinakothek de Múnich. La aparición de esta tercera obra amplía el corpus conocido del artista.

George Gordon, copresidente del Departamento Mundial de Antiguos Maestros de Sotheby’s, calificó el descubrimiento como “uno de los hallazgos más emocionantes imaginables en nuestro campo”. El experto destacó que la pieza, de apenas 23 por 20 centímetros, transmite “un estado de ánimo intenso que trasciende su escala”.

Según Gordon, el cuadro muestra un bosque denso sin figuras humanas, con un cielo cargado de nubes y un arco iris que captura la escasa luz del sol. “El sol lucha por hacerse sentir, y luego está el arco iris que atrapó su luz”, indicó el especialista.

La obra perteneció a la aristocracia vienesa antes de desaparecer del mercado

El padre del actual propietario adquirió la pintura en 1957, luego de que formara parte de la colección aristocrática de los condes de Harrach en el Palais Harrach de Viena. Desde entonces, permaneció fuera de la vista pública durante siete décadas.

La última vez que una obra del pintor llegó al mercado fue en 1980, cuando la National Gallery adquirió en forma privada Christ Taking Leave of His Mother por un precio estimado de £ 2,45 millones (USD 3,28 millones), una de las ventas más costosas de su época. La irrupción de este nuevo hallazgo es considerada un momento clave para el mundo del arte.

Gordon ubicó al maestro renacentista entre los artistas más importantes del Renacimiento alemán: “Después de Albrecht Dürer, y posiblemente de Lucas Cranach el Viejo, es el artista más significativo del período”, señaló el experto.

Pionero del paisaje puro y al servicio de emperadores

Nacido en 1480 en Regensburg, Baviera, el pintor comenzó su carrera con dibujos y grabados. Fue un viaje a los Alpes lo que lo llevó a volcarse al paisaje natural como tema pictórico autónomo, hacia 1511, cuando esa tradición aún no estaba consolidada en Europa.

Desde 1513, estuvo al servicio del Emperador Maximiliano I en Innsbruck. También recibió encargos de la nobleza bávara, entre ellos The Battle of Alexander at Issus, pintado en 1529 para el duque Guillermo IV de Bavaria y conservado hoy en la Alte Pinakothek. Regresó a Regensburg durante la Reforma y murió allí en 1538.

El reconocimiento institucional de su obra continuó siglos después: el Museo de Louvre en París, Francia le dedicó una exposición monográfica entre octubre de 2020 y enero de 2021. Antes del remate, la pintura se expondrá en Sotheby’s Nueva York desde este sábado hasta el 19 de noviembre, y luego se trasladará para ser presentada en la exposición de Sotheby’s Londres del 4 al 9 de diciembre.

Un jurado del Tribunal de la Corona de Southwark, en Londres, declaró culpable al actor y comediante Russell Brand de un cargo de violación y tres cargos de agresión sexual, tras dos días de deliberaciones que pusieron fin a un juicio que duró menos de cuatro semanas.

El juicio había comenzado el 12 de octubre en la corte londinense.

Brand, de 51 años, enfrentaba en total siete cargos: tres por violación, tres por agresión sexual y uno por intento de agresión deshonesta, basados en las denuncias de seis mujeres que declararon ante el tribunal con derecho a anonimato de por vida.

Tras conocerse el veredicto, el juez Mr. Justice Bennathan ordenó la prisión preventiva del actor y fijó la audiencia de sentencia para el lunes.

“Las consecuencias de esto son inevitablemente una pena de privación de libertad de cierta duración”, dijo Bennathan en la sala.

Brand fue trasladado a custodia de inmediato, con dos oficiales de seguridad en el estrado a su lado. Su esposa, Laura Brand, presenció el momento desde la galería pública.

El jurado lo encontró no culpable de los otros dos cargos de violación y del cargo de intento de agresión deshonesta.

Los cargos por los que Brand fue hallado culpable corresponden a hechos ocurridos entre 2004 y 2009.

La tercera denunciante alegó que Brand le tocó los pechos en una fiesta en el Nordic Bar de Londres en 2004 —cargo por el que fue declarado culpable—, mientras que el cargo de violación oral relacionado con esa misma noche resultó en un veredicto de no culpable.

La cuarta denunciante afirmó que Brand la empujó contra una pared y la besó de forma agresiva en una emisora de radio en 2004 o 2005.

La quinta denunciante declaró que Brand la penetró analmente sin consentimiento en su domicilio de Londres en 2009, en lo que constituyó el cargo de violación por el que fue hallado culpable.

La sexta denunciante, exempleada de Channel 4, alegó una agresión de carácter sexual en el lugar de trabajo también en 2009.

¿Qué cargos le impuso el jurado y cuándo será la sentencia?

Las seis mujeres tomaron la decisión de dar un paso adelante después de ver un documental emitido por Channel 4 en 2023 y de leer sobre el caso en The Times.

La defensa del actor sostuvo que ese material audiovisual “envenenó deliberadamente el pozo de la justicia” y “corrompió fundamentalmente” a las denunciantes.

La acusación, en cambio, argumentó que el documental no fue una “fuerza mágica” que llevó a seis mujeres distintas a “reinterpretar” sus recuerdos, sino que les dio el impulso para contar historias que las habían “perseguido durante años”.

Russell Brand tomó la palabra en el estrado el 28 de octubre. Declaró ante el jurado que las acusaciones habían sido “profundamente traumáticas” y tuvieron un impacto “devastador” en su vida.

Afirmó además que considera el consentimiento sexual como algo “fundamental”. Su abogado defensor señaló en su alegato final que no existía “ninguna prueba de que sea una especie de psicópata que viola a personas y lo considera normal”.

El período que abarca las denuncias coincide con la etapa en que Brand pasó de ser un actor poco conocido a alcanzar lo que él mismo describió como una “fama vertiginosa”, en parte impulsada por su relación con la cantante Katy Perry.

La sentencia se conocerá el próximo lunes 8 de noviembre en el Tribunal de la Corona de Southwark.

La embajadora del Reino Unido en República Dominicana, Carol Ann van der Walt, afirmó que crece el interés de los turistas británicos por viajar a República Dominicana y destacó que la XII Semana Dominicana en Londres ofrece un espacio para ampliar los lazos institucionales, comerciales y empresariales entre ambos países.

La actividad se desarrolla entre el 1 y el 5 de noviembre y coincide con la feria World Travel Market (WTM) London 2026, prevista del 3 al 5 de noviembre en el centro de exposiciones ExCeL London. La coincidencia permite reunir en la capital británica a funcionarios, empresarios y representantes de la industria turística internacional.

Van der Walt participó en la agenda de la Semana Dominicana y sostuvo, en una entrevista con Moisés González para el programa Despertar Nacional, que el encuentro puede impulsar una mayor presencia de instituciones y compañías de ambos países en iniciativas conjuntas.

“Creo que la Semana Dominicana es una semana maravillosa para fortalecer los lazos ya existentes entre las dos naciones”, manifestó la diplomática, de acuerdo con un anuncio difundido por el Ministerio de Turismo dominicano.

Aumento de visitantes británicos

La representante diplomática del Reino Unido vinculó el interés del mercado británico con la oferta de sol y playa y con la recepción que encuentran los visitantes en el país caribeño.

“Sé que los turistas británicos vienen cada año en más números a la República Dominicana”, dijo Van der Walt, quien mencionó las playas y la hospitalidad de los dominicanos entre los factores que influyen en la elección del destino.

La funcionaria también subrayó el crecimiento de la asistencia a la Semana Dominicana, que reúne a autoridades, diplomáticos, ejecutivos y representantes de entidades vinculadas al comercio, la inversión y el turismo.

La XII edición es organizada por la Cámara Británica de Comercio de la República Dominicana (BritChamDR), con la colaboración de las embajadas de República Dominicana y Reino Unido. La agenda busca facilitar contactos entre compañías, promover oportunidades de inversión y reforzar los intercambios económicos bilaterales.

La delegación dominicana en la WTM London 2026

El ministro de Turismo, David Collado, liderará la representación de República Dominicana en la WTM London 2026, acompañado por integrantes del sector turístico y empresarial.

La participación dominicana apunta a consolidar la presencia del país en el mercado europeo, ampliar la agenda de negocios con operadores internacionales y establecer vínculos con empresas de distintos segmentos de la industria.

La WTM London reúne a destinos turísticos, aerolíneas, cadenas hoteleras, operadores, agencias de viaje y prestadores de servicios, por lo que representa una plataforma para presentar la oferta de cada país ante actores vinculados con la comercialización de viajes.

La feria se celebrará en ExCeL London, recinto de exposiciones ubicado en el este de la capital británica, donde la delegación dominicana tendrá una agenda centrada en contactos con representantes de mercados emisores europeos y empresas de la cadena de valor turística.

Inversiones y comercio bilateral en el encuentro empresarial

La Semana Dominicana incluyó el lunes 2 de noviembre un encuentro empresarial auspiciado por el Banco Popular Dominicano, entidad financiera dominicana, encabezado por su presidente ejecutivo, Christopher Paniagua.

Durante la jornada se trataron asuntos relacionados con inversión, crecimiento económico y mecanismos para fortalecer los intercambios comerciales entre República Dominicana y Reino Unido, según informó el Ministerio de Turismo dominicano.

El programa cuenta además con la presencia de representantes del Banco de Reservas, grupos empresariales y sectores productivos. Entre los asistentes figuran integrantes del Grupo Rainieri, el empresario Manuel Estrella y el director ejecutivo del Centro de Exportación e Inversión de la República Dominicana (ProDominicana), Vladimir Camilo Pimentel Florenzán.

La programación continuará hasta el 5 de noviembre, en paralelo con las actividades de la WTM London 2026 y con encuentros dirigidos a promover vínculos comerciales, inversión y cooperación turística entre ambos países.

Un ciudadano colombiano identificado como Armet Cortés fue deportado del Reino Unido mientras cumplía una pena de 44 meses de prisión por integrar una banda que robó cerca de 64.000 libras esterlinas (más de 27 millones de pesos colombianos) a 14 personas, en su mayoría adultos mayores y víctimas vulnerables.

Cortés, de 55 años, había admitido el delito de conspiración para cometer robos y recibió su condena en septiembre de 2025.

El grupo al que pertenecía vigilaba cajeros automáticos y sucursales bancarias para identificar a personas que retiraban grandes sumas de efectivo, informó BBC.

Los hechos ocurrieron en ciudades del noreste de Inglaterra, entre ellas Sunderland, Newcastle y Hexham, aunque la organización también operó en Scarborough y Londres. De acuerdo con el proceso judicial que detalló como era el modus operanndi, la banda escogía a mujeres que estaban solas, personas mayores y personas con discapacidad.

La banda utilizaba distracciones para apoderarse del dinero de adultas mayores

Uno de los casos expuestos ante el Tribunal de la Corona de Newcastle involucró a una mujer que retiró £10.000 de un banco.

Los integrantes de la banda la siguieron en autobús hasta su domicilio. Allí, uno de ellos fingió una caída y una lesión; cuando la víctima se detuvo a ayudarlo, otros miembros ingresaron a la vivienda y se llevaron el bolso que contenía el dinero.

Otra víctima perdió £15.000 después de que los delincuentes arrojaran monedas al suelo y le preguntaran si le pertenecían.

La maniobra buscaba desviar su atención antes de tomar el efectivo que acababa de retirar.

Según el comunicado oficial emitido por parte del Ministerio del Interior británico, una de las personas afectadas tuvo que posponer su jubilación y volver a trabajar por las pérdidas sufridas.

Los acusados empleaban señales “silenciosas, hábiles y sutiles” para comunicarse una vez que detectaban a una posible víctima, según se conoció durante el juicio.

La fiscalía sostuvo que el grupo podía recurrir a la intimidación y a la fuerza para obtener el dinero.

El cómplice Willmer Guzman ya había sido expulsado

El cómplice de Cortés, Willmer Guzman, de 63 años, también colombiano, recibió la misma pena de 44 meses de prisión tras declararse culpable de conspiración para cometer robos.

La cartera del Interior indicó que Guzman fue deportado a comienzos de este año.

La ministra de Seguridad Fronteriza y Asilo, Anna Turley, afirmó que Cortés “atacó a ciudadanos vulnerables” y que su expulsión transmite “un mensaje claro” a quienes cometan delitos en el país.

La deportación de Cortes se concretó antes de que terminara su sentencia de prisión.

Otro colombiano en el Reino Unido fue condenado por doble homicidio

El caso de Cortés y Guzmán se suma a la lista de connacionales que tuvieron que vérselas con la justicia británica.

Además de Zulma Guzmán, otro de los colombianos que fue noticia en Reino Unido fue Yostin Andrés Mosquera, que recibió una doble cadena perpetua por asesinar y desmembrar a Paul Longworth, de 71 años, y Albert Alfonso, de 62.

El Tribunal de la Corona de Woolwich fijó un mínimo de 42 años de prisión antes de que pueda solicitar una revisión de su pena.

Mosquera, de 35 años y actor de cine para adultos, también fue condenado a 16 meses de cárcel por tres cargos de posesión de material de abuso sexual infantil. Esa pena se cumplirá de forma simultánea con la condena principal.

El caso quedó al descubierto la noche del 10 de julio de 2024, cuando Mosquera fue sorprendido en el puente Clifton, en Bristol, mientras intentaba desprenderse de restos de las víctimas.

En videos quedó cómo Mosquera llevó dos maletas pesadas de las que goteaba sangre, una situación que alertó a un ciudadano que observó su comportamiento.

El acusado abandonó el equipaje y huyó. Dentro de las maletas, la Policía encontró restos humanos de Alfonso y Longworth; una etiqueta permitió identificar la residencia de la pareja y, al llegar al lugar, los investigadores hallaron las cabezas y otras partes de los cuerpos en un congelador comprado por Mosquera.

Han pasado casi 100 años desde que Virginia Woolf escribió que “una mujer debe tener dinero y una habitación propia si quiere escribir novelas”. Sus palabras pasaron a formar parte de la historia de la literatura y el feminismo, aunque parece que, pese al paso del tiempo, las escritoras (y también los escritores) siguen teniendo el mismo problema: la incapacidad de resolver las cuestiones físicas más básicas para poder desarrollar su creatividad con las máximas garantías.

A raíz de esto, la famosa actriz, guionista y directora británica Phoebe Waller-Bridge, conocida por estar detrás de series como Fleabag o Killing Eve, ha comprado y donado un piso en Londres a la iniciativa Writers’ Block para que ese alojamiento se ofrezca de manera gratuita a escritores que inician su carrera y no pueden asumir el costo de vivir en la capital británica.

Se trata de una iniciativa que busca que dramaturgos de entornos desfavorecidos puedan permanecer en Londres para acceder a reuniones, ensayos, funciones y oportunidades de trabajo. La vivienda cedida por Waller-Bridge se entregará sin renta y quien la ocupe solo deberá cumplir una condición: cubrir las facturas de los servicios. La donación incluye el uso del inmueble y una contribución económica que el programa ha definido como generosa y cuyo objetivo es reducir una de las barreras que más condicionan la continuidad de quienes intentan abrirse paso en el mundo del teatro.

“Necesitamos escritores de todos los orígenes”

El proyecto Writers’ Block cuenta también con el respaldo financiero de Jack Thorne, cocreador de la exitosa serie de Netflix Adolescencia y guionista de películas como Wonder y Enola Holmes, además de partícipe en obras de teatro como Harry Potter y el legado maldito. En declaraciones recogidas por el diario británico Independent, ha recordado que él mismo pudo instalarse al comienzo de su trayectoria gracias a su hermano, que vivía en Croydon. Esa ayuda se prolongó durante cinco años, hasta que se mudó a Luton. Entonces, declaraba, su hermano pudo “descansar en paz”.

“Para muchos escritores, la necesidad de un techo hace imposible escribir, por eso este proyecto piloto es tan importante”, ha insistido Thorne. “Si queremos que se cuenten historias sobre nuestro complejo mundo, necesitamos escritores de todos los orígenes que las escriban. Si provienes de un entorno privilegiado, tu mayor problema es con qué llenar una página; si no, gran parte de tu lucha se centra en la necesidad de sobrevivir”. Entre el resto de patrocinadores de la iniciativa se encuentran otros grandes nombres del cine y el teatro, como Martin McDonagh, pareja de Waller-Bridge y autor de películas como Almas en pena de Inisherin o Tres anuncios a las afueras, o Peter Morgan, responsable de The Crown.

55 escritores ya se han beneficiado de la iniciativa

También está James Graham, guionista de la película Ink (todavía no estrenada en España) y de series como Brexit: Una guerra incivil o Sherwood. “La búsqueda urgente de representación por parte de la industria sigue fallando en el área más infrarrepresentada de todas, que es la clase social”, ha afirmado al citado medio. “Cada habitación libre que un programa como este puede ofrecer a los escritores que empiezan en Londres no solo les ayuda a escribir, sino que les evita abandonar por completo”. Porque, asegura, “no necesitamos grandes gestos, solo alguien que nos abra una puerta y nos ayude a seguir adelante”.

Writers’ Block surgió a partir del premio Adopt a Playwright (traducido como Adopta un dramaturgo), una iniciativa creada en 2008 para ofrecer alojamiento accesible a autores procedentes de entornos desfavorecidos. El programa se orientó a quienes debían trasladarse a Londres por motivos profesionales vinculados con el teatro. Hasta ahora, 55 escritores han recibido apoyo a través de esta iniciativa anterior, y Writers’ Block busca ampliar ese acompañamiento mediante una red de personas que dispongan de una habitación o una propiedad sin ocupar.

Antes de esas palabras, había transmitido una sola: “mayday”. Esa voz de socorro, que en la aviación civil y militar funciona como la alerta de mayor gravedad, tiene más de 100 años de historia y un origen que pocos conocen, según reconstruyó The New York Times: nació del francés, se probó en el Canal de la Mancha y se convirtió en norma global antes de que la aviación comercial cumpliera una década.

El origen de una señal que cambió la aviación para siempre

En 1923, los vuelos de pasajeros entre Londres y París llevaban apenas cuatro años de operación. Los aparatos —bombarderos de la Primera Guerra Mundial reconvertidos para uso civil— eran ruidosos, poco confiables y volaban sobre el Canal sin ningún sistema formal de rescate.

Si un piloto caía al agua, sus chances de ser rescatado dependían casi exclusivamente del azar.

La situación era urgente. En ese contexto, un funcionario británico propuso “mayday”, que suena como el francés m’aidez —“ayúdame”—, porque la letra S del código S.O.S. resultaba difícil de distinguir en las comunicaciones de radio habladas, según consignó The Gloucestershire Echo en 1923.

La prueba se realizó con un hidroavión de la Real Fuerza Aérea: el aparato transmitió una falla de motores y una embarcación, que desconocía del simulacro, llegó en 20 minutos.

Cómo funciona el sistema de alertas en la aviación actual

La Conferencia de Washington de 1927 elevó “mayday” a estándar internacional de radiocomunicaciones, posición que conserva hasta hoy.

Los pilotos están instruidos para repetirla tres veces consecutivas —“mayday, mayday, mayday”— para que la señal sea inconfundible en la frecuencia de radio.

La Administración Federal de Aviación (FAA) de Estados Unidos distingue además entre dos niveles de alerta: el “mayday” se reserva para situaciones de peligro inminente y grave, mientras que el menos urgente “pan-pan” —derivado del francés panne, avería— se utiliza cuando existe una preocupación de seguridad controlable, como una puerta entreabierta o un pasajero con problemas de salud. Una señal puede escalarse o degradarse según evolucione el cuadro.

Qué pasa a bordo y en tierra cuando se activa la señal

Un avión puede volar con normalidad y al mismo tiempo enfrentar una emergencia que comprometa vidas: un incendio a bordo, humo en la cabina o un pasajero en estado crítico son ejemplos reconocidos por la FAA para declarar la alerta máxima.

En todos esos casos, la transmisión desplaza a cualquier otra comunicación en la misma frecuencia, de modo que la torre de control y la tripulación puedan concentrarse en la emergencia.

La torre tiene autoridad para desviar otras aeronaves, gestionar un aterrizaje prioritario y activar a los servicios de emergencia en tierra. Sin embargo, la decisión sobre el curso de acción más seguro recae siempre sobre el piloto al mando.

Además, la FAA instruye a sus controladores a tratar cualquier circunstancia como una emergencia si consideran que lo es, incluso sin escuchar la palabra “mayday”.

El “Milagro en el Hudson” y una lección sobre los límites del protocolo

El 15 de enero de 2009, Chesley Sullenberger, capitán de un vuelo de US Airways, transmitió la señal tras impactar con una bandada de aves poco después de despegar del aeropuerto LaGuardia, en Nueva York.

Otro piloto transmitía en la misma frecuencia en ese momento, lo que impidió que la torre escuchara la llamada, según el informe de la Junta Nacional de Seguridad en el Transporte (NTSB).

Aun así, los operadores identificaron la emergencia y ofrecieron pistas alternativas a Sullenberger, quien determinó que ninguna era alcanzable y posó la aeronave sobre el río Hudson.

Los 155 ocupantes sobrevivieron en el episodio que se conoció como el “Milagro en el Hudson”, a pesar de que el llamado nunca llegó a oídos de los controladores, según el diario.

El episodio aceleró una serie de cambios regulatorios. La FAA convocó un grupo de trabajo que, en apenas dos semanas, elaboró ocho recomendaciones para reorganizar el espacio aéreo del corredor del río Hudson: se establecieron dos frecuencias de radio separadas —una para el Hudson y otra para el East River—, se fijó una altura de 1.300 pies (396 metros) como límite entre zonas controladas y no controladas, y se obligó a los pilotos a reportar su posición en puntos específicos del recorrido.

Las nuevas reglas, implementadas antes de fin de 2009, también establecieron velocidad máxima de 140 nudos y circulación obligatoria por el lado derecho del río según la dirección de vuelo.

El problema de fondo —la congestión de frecuencias— no tiene una solución perfecta, pero la separación por zonas y la obligación de reportar posición redujeron drásticamente el riesgo de que dos pilotos transmitan al mismo tiempo sin saberlo, según consta en documentos oficiales que el Departamento de Transporte presentó ante el Congreso.

Un comprador pagó USD 430.000 por 500 litros de un vino Barolo 2025 que recién estará disponible en 2029, cuando concluya su proceso de crianza obligatorio. La operación fue el punto más alto de la sexta edición de la subasta benéfica anual Barolo en Primeur, celebrada el 23 de octubre en el histórico Castillo de Grinzane Cavour, en la región italiana de Piamonte.

Según informó Forbes Argentina, la subasta duró poco más de una hora y reunió compradores desde Italia, Londres y Nueva York. En ese lapso se adjudicaron 22 lotes por un total de USD 1,3 millones, cifra que establece un nuevo récord para esta iniciativa que, desde su primera edición en 2021, acumuló más de 5,6 millones de euros destinados a proyectos sociales, educativos, sanitarios y culturales.

El vino y el viñedo detrás del precio récord

El lote más cotizado corresponde a un Barolo elaborado con Nebbiolo, la variedad emblemática de esta denominación del noroeste italiano. Los 500 litros adquiridos equivalen, en teoría, a 660 botellas, aunque la cantidad final dependerá de las mermas naturales durante la crianza y el embotellado.

Ese vino proviene de Vigna Gustava, un viñedo de casi cuatro hectáreas ubicado a los pies del castillo. Su historia se remonta a 1830, cuando Camillo Benso, conde de Cavour y figura clave de la unificación italiana, llegó a Grinzane para administrar propiedades agrícolas e impulsó la modernización de la vitivinicultura local. Hoy el predio pertenece a la Fondazione Cassa di Risparmio di Cuneo (CRC), una fundación privada sin fines de lucro con un patrimonio neto de 1.499 millones de euros que financia proyectos sociales y culturales en la provincia de Cuneo.

La producción está a cargo del enólogo italiano Donato Lanati, fundador de Enosis Meraviglia, centro de investigación vitivinícola ubicado en Fubine Monferrato que trabaja desde el suelo hasta el embotellado con metodología científica. Lanati dividió Vigna Gustava en parcelas según la exposición solar, la altitud y la edad de las plantas para vinificar por separado las uvas de cada sector.

La cosecha 2025 se realizó el 29 de septiembre e incluyó, además del tonel principal, 14 barricas individuales destinadas a producir aproximadamente 270 botellas cada una. Una decimoquinta barrica se ofrecerá el 8 de noviembre, durante la Subasta Mundial de la Trufa Blanca de Alba.

El comprador deberá esperar hasta 2029

El vino adquirido necesita años de evolución antes de poder circular comercialmente. Las normas de la denominación Barolo DOCG exigen un envejecimiento mínimo de 38 meses desde el 1° de noviembre del año de la cosecha, con al menos 18 de esos meses en madera.

Para los vinos de 2025, eso significa que no podrán salir al mercado antes del 1° de enero de 2029.

Qué es el sistema en primeur y cuáles son sus riesgos

La compra anticipada de grandes vinos mientras todavía están en crianza se conoce como en primeur, una expresión de origen francés que describe la venta de vinos antes de su embotellado y lanzamiento comercial. El comprador paga por adelantado a cambio de recibir una cantidad determinada de botellas meses o años después. Para las bodegas, es una forma de obtener ingresos antes de terminar la elaboración; para los coleccionistas, puede significar acceder a etiquetas muy demandadas, a veces por debajo de los precios que alcanzarán en el mercado.

Burdeos es la referencia histórica de este sistema. La modalidad moderna se consolidó en la segunda mitad del siglo XX, con la cosecha 1982 como punto de inflexión, impulsada por las evaluaciones del crítico Robert Parker. Desde entonces, châteaux como Château Lafite Rothschild, Château Margaux y Château Latour se convirtieron en referentes del segmento.

Sin embargo, el modelo no garantiza ganancias. En determinadas cosechas, los precios de lanzamiento fueron tan elevados que algunos vinos terminaron vendiéndose después por valores similares o inferiores. La operación en primeur implica, por tanto, asumir los riesgos de un mercado que depende de la oferta, la demanda y el comportamiento de los coleccionistas.

La edición de Barolo incorpora una diferencia respecto del modelo bordelés: el precio no responde únicamente al valor comercial del vino, sino también a su componente solidario. Toda la recaudación se destina íntegramente a proyectos benéficos, y los compradores reciben a cambio vinos únicos producidos en cantidades limitadas.

Dos estudiantes de la Universidad Hispanoamericana (UH) obtuvieron el primer lugar en un concurso nacional de arquitectura tras presentar una propuesta que busca transformar la manera de vivir en el centro de San José hacia el año 2100, mediante la construcción de edificios sostenibles que integren viviendas, comercios, áreas verdes y espacios públicos.

Las ganadoras son Maryann Palavicini Rivera y Daniela Lizano Castro, estudiantes de la Escuela de Arquitectura, quienes desarrollaron el proyecto “Ágora Vita: Mirar la ciudad sin dejar de pertenecer a ella”, bajo la supervisión de la arquitecta y docente Adriana Fuentes Fernández.

La propuesta obtuvo el primer lugar en la Primera Edición del Concurso Académico de Diseño Urbano Sostenible Ciudad a Prueba de Futuro: Madera en Masa, Vivienda Asequible y Habitabilidad Vertical, una competencia que reunió a casi 30 equipos universitarios.

El reconocimiento les permitió viajar con todos los gastos pagados a Londres, Inglaterra, para participar en la Cumbre Mundial de Urbanismo Vertical (VU Summit 2026), que se desarrolla del 26 al 29 de octubre en el Hotel Hilton Metropole.

El proyecto plantea una alternativa para enfrentar uno de los principales desafíos urbanos de la capital costarricense: recuperar espacios habitacionales en sectores donde cada vez viven menos personas, pese a mantener una importante actividad comercial y laboral.

Una propuesta para recuperar el centro de San José

De acuerdo con los organizadores del concurso, el desarrollo urbano de Costa Rica enfrenta importantes retos relacionados con la concentración de población y la transformación de sus ciudades.

Según los datos citados en la iniciativa, aproximadamente el 80 % de la población costarricense vive en la Gran Área Metropolitana (GAM), mientras algunos de los distritos históricos de San José presentan una disminución de residentes permanentes.

Entre los sectores mencionados figuran El Carmen, Merced, Hospital y Catedral, donde se ha identificado un proceso de abandono residencial, aunque la llegada diaria de trabajadores continúa manteniendo una importante actividad económica.

Ante esta situación, las estudiantes plantearon un proyecto que busca integrar la vivienda con la vida urbana, evitando que los edificios de gran altura funcionen como estructuras aisladas de las comunidades.

La propuesta Ágora Vita tiene como escenario el entorno del Parque Morazán, uno de los espacios públicos más reconocidos de la capital.

El diseño contempla una edificación vertical cuya planta baja estaría conectada con la ciudad mediante locales comerciales, recorridos peatonales, jardines y una plaza urbana, con el propósito de generar espacios de convivencia entre residentes y visitantes.

Viviendas sostenibles y espacios para adultos mayores

Uno de los elementos que distinguieron la propuesta fue la utilización de madera estructural, un material contemplado en el concurso como alternativa para desarrollar edificaciones sostenibles.

El proyecto también incorpora diferentes modalidades de vivienda, desde unidades pequeñas hasta espacios de mayor tamaño, adaptados a las necesidades de distintos sectores de la población.

La directora de Arquitectura de la Universidad Hispanoamericana, Amalia Jara Ocampo, explicó que los jueces analizaron especialmente las soluciones orientadas a mejorar la accesibilidad y sostenibilidad habitacional.

“Valoraron el diseño de edificios de madera estructural, soluciones innovadoras en vivienda asequible, inclusiva y sostenible para la clase media urbana”, señaló la arquitecta.

Entre los aspectos destacados por el jurado también figuraron las soluciones habitacionales para personas adultas mayores, el concepto de coliving y el diseño bioclimático, que busca aprovechar las condiciones ambientales para mejorar el funcionamiento de las edificaciones.

Ganadoras representan a Costa Rica en Londres

El concurso fue organizado por el Council on Vertical Urbanism Costa Rica, Capítulo San José, y se desarrolló entre enero y agosto de 2026.

Durante la competencia, los equipos participantes debieron presentar soluciones a desafíos relacionados con el crecimiento urbano, la vivienda, el transporte público y la preservación de los espacios comerciales y comunitarios.

Las propuestas fueron evaluadas por un jurado integrado por arquitectos nacionales e internacionales, quienes tomaron en cuenta la innovación, sostenibilidad y capacidad de integración de los proyectos con su entorno.

Gracias al primer lugar obtenido, Palavicini y Lizano participan en la cumbre internacional de Londres, donde se abordan nuevas tendencias relacionadas con el desarrollo de ciudades verticales.

La iniciativa pretende abrir una discusión sobre cómo aprovechar los espacios urbanos para facilitar el acceso a la vivienda y revitalizar la economía de San José, sin perder la relación entre las comunidades y los espacios públicos.

Aunque Ágora Vita es una propuesta académica y no una construcción anunciada, su reconocimiento plantea alternativas para imaginar una capital más habitable, sostenible e integrada hacia el próximo siglo.

La aerolínea British Airways inició una nueva etapa de operaciones en Costa Rica con la llegada de un vuelo procedente de Londres Heathrow, marcando un cambio importante en la conectividad aérea del país con Europa. La compañía dejará de operar únicamente por temporadas y mantendrá vuelos durante todo el año, una medida que busca facilitar los viajes y fortalecer la llegada de turistas internacionales.

El anuncio coincidió con el aterrizaje del vuelo BA233, que llegó al Aeropuerto Internacional Juan Santamaría el domingo 25 de octubre de 2026, a las 4:40 p. m., con más de 200 pasajeros procedentes de la capital británica.

La llegada también tuvo un significado especial para la compañía, que celebra 10 años de operaciones en territorio costarricense, desde el inicio de sus servicios el 27 de abril de 2016.

Uno de los principales cambios es el traslado de la operación al aeropuerto de Londres Heathrow, considerado uno de los centros de conexión aérea más importantes del mundo. Esta modificación permitirá ampliar las posibilidades de conexión de los pasajeros hacia otros destinos europeos.

Cinco vuelos semanales durante la temporada alta

Como parte de la nueva programación, British Airways ofrecerá cinco vuelos semanales entre San José y Londres, durante el periodo comprendido entre octubre de 2026 y marzo de 2027.

Los servicios estarán disponibles martes, miércoles, viernes, sábados y domingos, mientras que los lunes y jueves no habrá operaciones de esta ruta.

Posteriormente, entre abril y septiembre de 2027, la aerolínea mantendrá tres frecuencias semanales, garantizando la continuidad del servicio durante los meses en que anteriormente no operaba.

La compañía utilizará aeronaves Boeing 787-8, equipadas con tres tipos de cabina: Club World con Club Suite, World Traveller Plus y World Traveller, que ofrecen distintas alternativas para los pasajeros.

El director ejecutivo de AERIS, Ricardo Hernández, destacó que esta ampliación representa una oportunidad para fortalecer la competitividad turística y económica del país.

“El fortalecimiento de esta ruta refleja la importancia de la conectividad aérea para el desarrollo turístico y económico de Costa Rica”, afirmó Hernández.

El representante también señaló que la operación durante todo el año y la conexión desde Heathrow permitirán aprovechar la red internacional de destinos de British Airways.

Reino Unido entre los principales mercados turísticos europeos

La ampliación se produce en un momento de crecimiento del turismo procedente de Europa.

Según cifras del Instituto Costarricense de Turismo (ICT), entre enero y agosto de 2026, Costa Rica recibió 47,753 turistas británicos por vía aérea, lo que posicionó al Reino Unido como el tercer mercado emisor de visitantes desde Europa.

Durante ese mismo periodo, el ingreso de turistas europeos registró un crecimiento del 8.8 %, hasta alcanzar 319,552 viajeros.

Estas cifras reflejan la importancia de mantener conexiones directas con destinos europeos para fortalecer la actividad turística nacional.

El presidente ejecutivo del ICT, Marcos V. Borges, destacó que la nueva programación facilitará la llegada de visitantes durante diferentes épocas del año.

“Consolidar la operación de British Airways durante todo el año constituye un avance significativo para nuestra competitividad turística y nuestra proyección internacional”, expresó.

El jerarca agregó que el fortalecimiento de las conexiones aéreas puede generar nuevas oportunidades para el empleo, los negocios turísticos y los encadenamientos productivos en las comunidades costarricenses.

Por su parte, Neil Chernoff, director de Planificación y Estrategia de British Airways, resaltó que la ampliación permitirá ofrecer mayor flexibilidad a quienes viajan entre ambos países.

“Estamos encantados de ampliar nuestro servicio desde Costa Rica”, manifestó el representante de la compañía.

La nueva operación es resultado de un trabajo conjunto entre British Airways, AERIS y el Instituto Costarricense de Turismo, instituciones que buscan ampliar la conectividad internacional del país.

Actualmente, el Aeropuerto Internacional Juan Santamaría cuenta con conexiones hacia 40 destinos internacionales, mediante las operaciones de 28 aerolíneas comerciales internacionales, además de dos compañías domésticas.

Con la incorporación de vuelos permanentes hacia Londres, Costa Rica busca consolidar su posicionamiento como un destino turístico y empresarial atractivo para el mercado europeo.

Los jóvenes británicos gastaron en una hora 48 veces más de lo habitual en entradas al Museo Británico para ver el Tapiz de Bayeux, una cifra que duplica la recaudación de los estrenos cinematográficos más exitosos de 2026 y confirma que un bordado de casi mil años se ha convertido en el evento cultural del momento en el Reino Unido.

Datos del banco digital Monzo —que cuenta con 16 millones de clientes— revelaron que, durante los primeros 60 minutos de la segunda venta de entradas el miércoles pasado, sus titulares de tarjeta destinaron 14.100 libras esterlinas al museo londinense, y el 55 % de esos compradores tenía menos de 35 años. En apenas dos horas, el monto acumulado trepó a 30.500 libras.

Las comparaciones con la industria del cine resultaron inevitables. La suma inicial de 14.100 libras superó con creces las 7.000 libras que los clientes de Monzo destinaron al estreno de La Odisea, aclamada por la crítica, y las 6.300 libras del debut de Spider-Man: Un nuevo día, el mayor éxito de taquilla del año. El gasto promedio por comprador fue cinco veces superior al de una entrada de cine: 97 libras frente a 19, según los mismos registros del banco.

Las entradas cuestan 33 libras para adultos en hora punta y 27 en hora valle —muy por encima de los 12 euros que se cobran habitualmente en el museo de Bayeux, Normandía—, pero eso no desalentó la demanda.

Cerca de 300.000 personas se sumaron a la fila virtual cuando los boletos salieron a la venta a las 10 de la mañana, y todas las plazas para el período de enero a marzo de 2027 se agotaron en tres horas, según informó Evening Standard. La primera tanda, lanzada en julio, había generado 2,5 millones de libras en un solo día —récord absoluto para cualquier exposición del museo— con 100.000 entradas vendidas.

La muestra recibió elogios unánimes pero acumuló quejas por colas y aglomeración

El bordado de 70 metros que narra la conquista normanda de Inglaterra y la batalla de Hastings en 1066 llegó a Londres en julio de 2026, escoltado por la policía desde una ubicación secreta en el norte de Francia. La muestra abrió al público el 10 de septiembre y permanecerá hasta el 11 de julio de 2027, en lo que constituye el primer regreso de la pieza a suelo inglés desde que fue creada, hace casi un milenio.

La crítica fue entusiasta: The Guardian calificó la presentación como “una obra maestra asombrosa, emocionante y escalofriante que conmueve profundamente”, mientras que The Times la definió como “magnífica”. Sin embargo, la logística no estuvo a la altura del fervor. Visitantes con entrada y horario asignado reportaron esperas de hasta dos horas, y cientos fueron rechazados en la puerta cuando el museo cerró antes de lo previsto por un evento privado.

El director del Museo Británico, Nicholas Cullinan, pidió disculpas públicas. “Quien no tenga una buena experiencia… lo sentimos mucho y queremos corregirlo", declaró, según recogió The Sun. La institución anunció horarios extendidos, una audioguía adicional, señalización más clara, asientos para quienes esperan y la prohibición de tomar fotografías dentro de la sala, medida destinada a agilizar el flujo en la franja de 40 minutos asignada a cada visitante.

Un hombre ciego demandó al museo por falta de accesibilidad

La polémica escaló a los tribunales cuando Yusuf Ali Osman, un hombre ciego residente en Croydon, al sur de Londres, inició acciones legales contra el museo. Osman alegó que la institución violó la Ley de Igualdad (Equality Act) al no ofrecer visitas con audiodescripción para personas con discapacidad visual.

Según su representante legal del bufete, Leigh Day, el museo le había informado en julio de que las visitas autoguiadas tendrían prioridad sobre las guiadas, dado que las restricciones de horas de iluminación a las que puede exponerse el tapiz limitan la cantidad de visitantes.

“Quiero poder visitar el Tapiz de Bayeux y experimentarlo por mí mismo”, afirmó Osman en un comunicado difundido por sus abogados, de acuerdo con The Independent. El demandante exigió una indemnización, una declaración formal de discriminación y capacitación en accesibilidad para el personal del museo. Tras la presión legal, la institución anunció que incorporaría un recorrido presencial con audiodescripción y que evaluaría sumar esa opción a la aplicación de la exposición.

Residentes de Hastings denunciaron un sistema de venta “caótico” y visitas VIP para multimillonarios

Los habitantes de Hastings y sus alrededores, vinculados históricamente a la batalla de 1066, también protestaron. Aunque el museo les prometió acceso prioritario, la venta se realizó exclusivamente por teléfono y bajo el principio de orden de llegada. Vecinos como Jenny, de St Leonards, relataron a BBC Radio Sussex que estuvieron en espera durante horas antes de que la llamada se cortara.

La diputada por Hastings y Rye, Helena Dollimore, calificó el proceso de “caótico” y cuestionó por qué resultaba tan difícil para los residentes locales conseguir entradas mientras los multimillonarios accedían a visitas privadas exclusivas. “Como museo financiado con fondos públicos, el Museo Británico tiene la responsabilidad de garantizar que el arte sea para todos, no para unos pocos”, sostuvo la legisladora, según la BBC.

La referencia apuntaba al fundador de Palantir, Peter Thiel, quien recibió un recorrido privado el 18 de agosto —semanas antes de la apertura al público—, organizado por la directora de desarrollo del museo, Charlotte Appleyard. La visita generó malestar interno: empleados advirtieron sobre la percepción pública de dar trato preferencial a alguien cuya empresa enfrenta críticas por sus contratos de vigilancia y defensa, según informó The Guardian.

El presidente del museo, el excanciller George Osborne, admitió haber estado al tanto de la visita, pero dijo que no esperaba que se hiciera pública. “No era como si esperáramos que alguien se enterara”, reconoció a The Sun.

En Francia calificaron el préstamo como un “crimen patrimonial”

Antes de cruzar el canal de la Mancha, el préstamo ya era motivo de tensión diplomática. Una petición francesa lo calificó de “crimen patrimonial” y el artista David Hockney, antes de su muerte, se opuso públicamente al traslado. “Algunas cosas son demasiado preciosas para correr riesgos”, escribió, según recogió la BBC.

El presidente Emmanuel Macron impulsó el acuerdo pese a la resistencia interna, en lo que analistas interpretaron como una jugada de poder blando hacia el Reino Unido. La secretaria de Cultura británica,

Lisa Nandy, lo definió como “el acto de amistad más extraordinario por parte del gobierno francés”. El historiador David Musgrove, coautor de The Story of the Bayeux Tapestry, recordó que el Reino Unido solicitó el préstamo sin éxito en 1931, 1953, 1966, 1972 y 1980.

El tapiz viajó en una caja climatizada con amortiguadores de impacto, tras un ensayo previo con una réplica a lo largo de todo el recorrido en otoño de 2025. Dos hilos rotos fueron detectados durante las verificaciones de estado al llegar a Londres, pero el museo aseguró que la pieza se encontraba “prácticamente sin cambios”. El tercer y último lote de entradas saldrá a la venta a principios de 2027.

El futbolista de 33 años se impuso a Kylian Mbappé y Lamine Yamal en la votación final del galardón y se convirtió en el primer inglés que obtiene el premio desde Michael Owen, en 2001.

La celebración reunió a familiares y amigos del capitán de Inglaterra. Entre los invitados estuvieron Eric Dier, Ben Davies y Matt Doherty, quienes compartieron vestuario con Kane en Tottenham. Los reportes de medios británicos como The Sun también situaron a James Maddison en el festejo, junto con los padres del delantero.

Kane ingresó a Cirque Le Soir con el trofeo en sus manos y fue recibido con bengalas de champán. El delantero levantó un vaso de chupito ante quienes lo esperaban en el local, mientras el todo el grupo continuaba los festejos tras la ceremonia.

Durante su discurso en la entrega del premio, Harry Kane agradeció a quienes participaron de su carrera y recordó su recorrido desde las divisiones juveniles de Tottenham Hotspur hasta su presente en Alemania.

“Estoy casi sin palabras, por suerte tengo esta lista. En primer lugar, gracias al FranceFootball, el Balón de Oro, este increíble evento que se celebra en Londres, me pareció un buen presagio, así que muchas gracias”, dijo el jugador.

También se refirió a los futbolistas con los que compartió la temporada en Bayern de Múnich. “Gracias a todos los que votaron por mí. Me imagino que fue muy duro este año, con algunos de los jugadores increíbles contra los que competí, algunos de mis compañeros de equipo y jugadores de clase mundial presentes esta noche”, expresó.

Kane destacó el papel del grupo que dirige Vincent Kompany y mencionó a Dayot Upamecano al hablar de la competencia interna. “Mis compañeros del Bayern de Múnich, tengo a algunos aquí esta noche, sin ustedes no habría sido posible”, afirmó. Luego añadió: “La forma en que me han motivado, la forma en que competimos contra Upa [Dayot Upamecano] en los entrenamientos cada semana, simplemente me dan ganas de mejorar”.

El delantero también dedicó un tramo de su intervención al entrenador belga, quien, según declaró, permanecía hospitalizado. “Vincent [Kompany], sé que está en casa, todavía en el hospital, así que le deseo lo mejor. Espero que esto te haya dado un poco de energía a ti y a todo el personal”, señaló. Sobre su evolución desde su llegada al club alemán, Kane sostuvo: “Desde que estoy con ustedes he mejorado como jugador y como persona, como líder, gracias a su liderazgo”.

El atacante también habló de su vínculo con la selección inglesa, de la que es máximo goleador histórico y capitán. En ese tramo dirigió unas palabras a Bukayo Saka, presente en la ceremonia, y al seleccionador Thomas Tuchel. “A todos mis compañeros de la selección inglesa, Bukayo [Saka] está aquí representando a Inglaterra y, de nuevo, solo quería decir que tuvimos un año especial. No fue un año perfecto, pero tuvimos muchos buenos momentos”, manifestó.

Kane aseguró que la experiencia como capitán le produjo orgullo. “La unión en el hotel y el Mundial. Sí, fue un verdadero honor ser vuestro capitán, me llena de orgullo. Esto es para todos nosotros”, dijo. El futbolista dedicó un agradecimiento particular al club donde se formó. “Quiero agradecerle al Tottenham Hotspur. Sin duda, no estaría donde estoy hoy sin el Tottenham. Estuve aquí desde los 11 años”, expresó.

Tras la ceremonia y la fiesta en Londres, Kane publicó un mensaje en sus redes sociales: “Trabaja duro en silencio. Deja que el éxito sea tu ruido”. A primera hora del martes, tras la fiesta y todavía con el trofeo en sus manos, habló con Sky Sports sobre lo que representó el reconocimiento. “¡Suena descabellado, pero suena genial! ¡Qué noche tan especial, una sensación increíble!”, declaró.

“Todavía estoy asimilándolo todo. Realmente parece un sueño”, añadió. Al recordar el momento en que escuchó su nombre, explicó: “La emoción, alivio, alegría, felicidad, emoción... había tanta expectación por saber quién ganaría que en ese momento sentí muchos nervios”.

La alfombra roja de la 70ª edición del Balón de Oro 2026 reunió en el London Palladium de Londres a figuras del fútbol, la música y la televisión, con apuestas de gala entre la sastrería clásica, los vestidos estructurados y los accesorios protagonistas.

Con Lionel Messi y Lautaro Martínez entre los 30 candidatos al galardón masculino, la llegada de los protagonistas concentró la atención en los códigos de vestimenta elegidos para la ocasión.

Lamine Yamal

Lamine Yamal asistió a la gala con un traje negro de solapas satinadas. Combinó el conjunto con una camisa negra y una pajarita del mismo tono. El detalle distintivo fue un aplique floral en color rosa pálido sobre la parte frontal de la chaqueta.

Kylian Mbappé

Kylian Mbappé llevó un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa blanca y moño negro. Completó el conjunto con un pañuelo oscuro en el bolsillo del saco y zapatos negros de vestir. Lució el cabello corto, con los laterales rebajados y la parte superior peinada hacia arriba.

Luis Figo y Stella Figo

El exfutbolista portugués Luis Figo vistió un esmoquin negro con camisa blanca y moño del mismo color. Su hija Stella Figo llevó un vestido blanco de cuello alto y acabado satinado, con el cabello largo y lacio sobre los hombros. Completó el atuendo con pendientes circulares y sandalias negras de tiras.

Ronaldo

El exfutbolista brasileño Ronaldo apareció con un traje negro, camisa blanca y una corbata azul con un estampado geométrico en tonos claros. Llevó el cabello corto, con la parte superior peinada hacia arriba, y completó el vestuario con un pañuelo oscuro en el bolsillo del saco.

Harry Kane y Katie Goodland

El futbolista inglés Harry Kane optó por un esmoquin negro de solapas satinadas, camisa blanca y moño negro. En la solapa llevó un prendedor rojo, mientras que su esposa Katie Goodland se decantó por un vestido negro sin tirantes y de acabado satinado.

Luis Díaz y Geraldine Ponce

El futbolista colombiano Luis Díaz vistió un conjunto negro de corte amplio, con camisa del mismo color y el cuello abierto, sin corbata. Geraldine Ponce llevó un vestido negro de escote palabra de honor, acompañado por un collar de piedras brillantes y pendientes a juego.

Alex Greenwood

La futbolista inglesa Alex Greenwood lució un vestido negro de corte recto, con escote asimétrico y detalles fruncidos en la parte superior. Completó el conjunto con un bolso negro de textura brillante, un reloj metálico con esfera verde y varios anillos.

Ousmane Dembélé

El futbolista francés Ousmane Dembélé, delantero del Paris Saint-Germain, apareció con un traje color bordó compuesto por saco, camisa y corbata a juego. El conjunto monocromático se completó con gafas de sol negras de montura rectangular y un corte de cabello corto, con los laterales rebajados.

Vozinha

El arquero caboverdiano Vozinha, capitán de la selección de Cabo Verde y nominado al Trofeo Yashin, optó por un esmoquin negro con camisa blanca y moño negro.

Rodri y Laura Iglesias

Rodri, futbolista español, llevó un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa del mismo tono y moño. Su novia Laura Iglesias lució un vestido largo color fucsia, con escote en V y drapeado en la cintura.

Michael Owen y Louise Bonsall

El exfutbolista inglés Michael Owen y su esposa, Louise Bonsall, asistieron con looks elegantes y clásicos. Owen vistió un traje negro con camisa blanca y corbata del mismo color, mientras que Bonsall llevó un vestido negro sin mangas y el cabello suelto.

David Raya y Tatiana Trouboul

David Raya, arquero español del Arsenal, apareció con un esmoquin negro, camisa blanca y pajarita. Tatiana Trouboul lució un conjunto negro con chaqueta de solapas satinadas y una abertura frontal.

Mikel Arteta y Lorena Bernal

Mikel Arteta, entrenador del Arsenal, apostó por un esmoquin negro con camisa blanca y pajarita. La actriz y modelo Lorena Bernal eligió un vestido negro de tirantes, escote redondo y falda larga.

Scarlett Camberos

Con el cabello negro peinado hacia atrás, la futbolista mexicana Scarlett Camberos posó en la ceremonia. Llevó un vestido color bordó, de acabado brillante y con escote recto, y apoyó una mano sobre la cintura.

Kate Scott y Malik Scott

La presentadora deportiva Kate Scott y el exboxeador Malik Scott posaron juntos. Él llevaba un traje beige, gafas de sol y mostraba tatuajes en la cabeza, el cuello y el pecho; ella vestía de negro y tenía el cabello rubio y rizado.

Peter Schmeichel y Laura von Lindholm

El exarquero danés Peter Schmeichel apareció junto a la modelo y actriz Laura von Lindholm. Schmeichel llevaba un esmoquin negro con camisa blanca y moño, mientras que von Lindholm lucía un conjunto negro, el cabello rubio suelto y una cadena larga.

Rafael Benítez

Rafael Benítez, exentrenador de fútbol español, arribó con un traje negro de dos botones, camisa blanca y corbata negra de acabado satinado. Llevó el saco cerrado, las mangas a la altura de las muñecas y un pequeño prendedor dorado en la solapa.

Gabriel Magalhães y Gabrielle Figueiredo

Gabriel Magalhães, futbolista brasileño del Arsenal, vistió un esmoquin negro con camisa blanca, pajarita y zapatos de charol. A su lado, Gabrielle Figueiredo llevó un vestido negro de mangas largas, detalles de encaje y escote en los hombros.

Jorja Smith

La cantante y compositora británica Jorja Smith se presentó con un vestido negro de encaje floral y mangas transparentes. Llevó el cabello recogido en una coleta y completó el atuendo con pendientes largos.

Alan Shearer

El exfutbolista inglés y comentarista deportivo Alan Shearer asistió con un traje negro, camisa blanca, corbata negra y un pañuelo estampado en el bolsillo.

Lucy Bronze

Lucy Bronze, futbolista inglesa del Chelsea, posó ante el panel del Balón de Oro en el London Palladium. La defensora llevó un vestido bordó de cuello drapeado y tela fruncida en la cintura, con el cabello recogido y algunos mechones sueltos alrededor del rostro.

Burna

El cantante nigeriano Burna Boy llevó un traje negro de corte amplio, combinado con una camisa blanca y una corbata negra. Incorporó anteojos de sol oscuros de montura rectangular y mantuvo sus rastas largas sueltas a ambos lados del rostro.

Gary Lineker

El exfutbolista y comentarista británico Gary Lineker vistió un traje negro de dos piezas, camisa blanca y corbata negra. Llevó el cabello gris peinado hacia atrás, gafas de montura oscura y una barba corta canosa.

Alexia Putellas

La futbolista española Alexia Putellas llevó un vestido blanco satinado, de escote en V y mangas cortas decoradas con piezas de tela en forma de plumas. El diseño incorporó drapeados en la cintura y una falda de caída recta.

Lothar Matthäus y Theresa Sommer

Lothar Matthäus apareció con un traje negro de corte clásico, camisa blanca y corbata oscura. Theresa Sommer eligió un vestido negro satinado, con tirantes finos y escote recto. El conjunto incorporó un bolso acolchado con cadena, pulseras plateadas, anillos y sandalias de tiras con detalles brillantes.

*Fotos: Reuters

El otoño permite recorrer capitales europeas con parques, barrios históricos y museos en un ritmo distinto al del verano. La reducción de las horas de luz y una meteorología cambiante obligan a planificar trayectos flexibles, con alternativas bajo techo y atención al pronóstico.

La selección de Condé Nast Traveler reúne 12 ciudades donde los espacios verdes, la arquitectura y actividad cultural ofrecen recorridos propios de la estación. La propuesta evita establecimientos y se concentra en sitios públicos, paisajes urbanos y monumentos.

1. Londres combina parques urbanos con recorridos culturales

En Londres, los parques se cubren de hojas y la lluvia o la niebla pueden modificar una caminata. Hyde Park y las calles del centro permiten organizar paseos breves, con museos como alternativa cuando cambia el tiempo.

2. Estocolmo prolonga la vida exterior pese al frío

En Estocolmo, los parques y jardines conservan color mientras las temperaturas se vuelven más bajas. La vida en terrazas continúa con mantas y calefacción, de acuerdo con la selección, junto a refugios interiores como bibliotecas y salas de lectura.

3. Edimburgo enlaza jardines, barrios y miradores

Edimburgo concentra opciones de naturaleza dentro de la ciudad. Princes Street Gardens, Dean Village y Calton Hill permiten observar el cambio de estación, aunque la visibilidad, el viento y la lluvia deben definir el orden de esas paradas.

4. Ámsterdam recorre canales, parques y museos

En Ámsterdam, las hojas caen sobre los canales y los puentes se iluminan antes por el anochecer temprano. La combinación de museos, parques y paseos junto al agua permite ajustar el programa a las condiciones del día.

5. Bruselas reduce la presión turística del verano

En Bruselas, la Grand Place y el Atomium aparecen entre los puntos de visita durante una época con menor concentración de viajeros que en verano. Un abrigo y pausas en interiores permiten sostener el recorrido cuando baja la temperatura.

6. Florencia alterna arte y refugios ante la lluvia

Florencia mantiene un programa centrado en patrimonio y galerías, aunque noviembre puede traer precipitaciones. El Museo Bardini y Casa Buonarroti son dos opciones para ordenar el día si la lluvia interrumpe los trayectos entre el Duomo, San Lorenzo y Ponte Vecchio.

7. Praga resalta sus calles adoquinadas y bosques cercanos

En Praga, la luz de otoño cambia el aspecto de las calles adoquinadas y de los tejados del centro. Los bosques de los alrededores añaden contraste al paisaje urbano, una visita que requiere considerar las horas de luz disponibles.

8. Berlín suma follaje y programación cultural

Berlín combina hayas, tilos y robles con una agenda de arte y música. El Festival de Jazz figura entre las actividades asociadas a la estación, mientras las plazas empiezan a dar lugar a los mercadillos de fin de año.

9. Berna observa el casco viejo desde la rosaleda

En Berna, los bosques que rodean la capital suiza adquieren los tonos propios de la temporada. La rosaleda Rosengarten permite observar el casco antiguo y ofrece un punto de partida para recorrerlo sin alejarse de la ciudad.

10. Copenhague sostiene los desplazamientos en bicicleta

Copenhague afronta el otoño con frío, lluvia y viento, sin que la bicicleta desaparezca de las calles. Alyssa Woods, asesora de viajes citada por Parade, sitúa entre mediados y fines de octubre un período frecuente para ver follaje en jardines centrales.

11. Atenas facilita los recorridos arqueológicos sin el calor estival

En Atenas, el descenso de las temperaturas modifica las visitas a la Acrópolis y otros templos. La estación permite distribuir con mayor margen los trayectos a pie entre monumentos y barrios históricos, siempre con revisión de horarios y posibles lluvias.

12. Múnich aprovecha parques y bosques antes de las nevadas

Múnich queda rodeada por parques y bosques que cambian de color antes de la llegada de las primeras nevadas. Las plazas y espacios verdes son los ejes de una visita que puede alternar naturaleza y recorridos urbanos. Para organizar una escapada, conviene tener en cuenta tres variables:

• Consultar el pronóstico y ajustar los recorridos al aire libre cada día.
• Reservar museos y otros espacios interiores como alternativa ante la lluvia.
• Revisar calendarios culturales y horarios de monumentos, que pueden variar durante la temporada.

La guía de Lonely Planet también ubica al otoño entre el período de mayor concurrencia estival y la temporada invernal, un contexto que exige verificar con anticipación las condiciones de cada destino.

Un esqueleto de dinosaurio que salió al mercado en 2023 con un precio pedido de USD 20 millones perdió más de la mitad de su valor después de que la ciencia determinara que no pertenece a un Tyrannosaurus rex. El fósil, ahora bautizado Jodi, será rematado el próximo 27 de octubre en Sotheby’s Nueva York con una estimación de entre USD 6 millones y USD 9 millones.

Según informó Forbes, el ejemplar fue exhibido en Londres en 2023 bajo el nombre de Chomper y presentado como un posible T. rex juvenil. Sin embargo, una investigación publicada en 2025 trazó un debate paleontológico de más de 80 años: los restos más pequeños y estilizados hallados junto a estructuras óseas del gran carnívoro no corresponden a crías de esa especie, sino a un género distinto llamado Nanotyrannus.

Jodi pasó de ser un joven T. rex a integrar un linaje con solo tres especímenes conocidos

El dinosaurio fue descubierto en 2019 en un rancho de Montana, Estados Unidos, por Jodi Pierson, y excavado por el paleontólogo comercial Clayton Phipps. Tiene aproximadamente 67 millones de años, mide casi seis metros de largo y unos dos metros de alto, conserva alrededor del 70% de su estructura ósea y posee un cráneo casi íntegro con cerca de 50 dientes.

Cassandra Hatton, vicepresidenta y responsable mundial de Ciencia e Historia Natural de la casa de subastas, explicó que el Nanotyrannus convivió con el T. rex, pero ambos ocupaban nichos ecológicos diferentes. Según la especialista, se trataba de un animal más liviano y veloz, con extremidades más largas y una dentición distinta a la del depredador más célebre del Cretácico.

A pesar de la rebaja en su valuación, Jodi es extraordinariamente raro: pertenece a un linaje representado por apenas tres ejemplares en todo el mundo. Sin embargo, llega a la puja sin el reconocimiento masivo que acompaña al nombre T. rex, un dinosaurio instalado en la cultura popular a través de museos, libros y películas.

Un Tyrannosaurus rex se vendió por USD 50,13 millones y multiplicó el récord de la categoría

El coleccionismo de restos de dinosaurios atraviesa un momento de expansión sin precedentes. Tres meses atrás, Sotheby’s vendió a Gus, un esqueleto de T. rex considerado uno de los más grandes y completos ofrecidos hasta la fecha, por USD 50,13 millones. La cifra estableció una nueva marca mundial y superó ampliamente la estimación previa, que oscilaba entre USD 20 millones y USD 30 millones.

La plusmarca anterior también surgió de la misma firma. En julio de 2024, Apex, un Stegosaurus de unos 150 millones de años, alcanzó USD 44,6 millones. El comprador fue el multimillonario estadounidense Ken Griffin, fundador de Citadel, quien luego expresó su intención de evaluar un préstamo de la pieza a una institución del país.

La escalada resulta notable si se observa la trayectoria del segmento. Cuando la casa de subastas vendió en 1997 a Sue, uno de los T. rex más célebres, el precio fue de USD 8,2 millones. En menos de tres décadas, el techo de la categoría se multiplicó por más de seis.

La tensión entre coleccionismo privado e investigación científica crece con cada remate

El aumento sostenido de los precios genera una consecuencia directa: museos y universidades encuentran cada vez más difícil competir contra compradores particulares. La Society of Vertebrate Paleontology (SVP) sostiene que la venta de restos de vertebrados científicamente relevantes solo debería concretarse si las piezas permanecen bajo custodia pública, disponibles para investigación, educación y exhibición.

Un estudio publicado en 2025 contabilizó 61 fósiles de T. rex en colecciones públicas y 71 en manos privadas. De acuerdo con ese trabajo, si los especímenes captados por el circuito comercial estuvieran accesibles para la ciencia, la cantidad disponible para estudio se duplicaría.

Los defensores del mercado privado plantean el argumento inverso: buena parte de esos hallazgos nunca se habría concretado sin buscadores independientes y paleontólogos comerciales que exploran terrenos privados y financian excavaciones. El propio Jodi fue localizado y extraído por actores del ámbito comercial antes de convertirse en pieza clave de una discusión científica que llevaba décadas sin resolverse.

La venta del 27 de octubre permitirá medir cuánto pesa la diferencia entre un nombre con reconocimiento global y una rareza científica con apenas tres representantes conocidos. La ciencia ya modificó la identidad de Jodi y, al menos por ahora, también su cotización esperada.

Lady Kitty Spencer llevó un vestido rojo de Dolce & Gabbana y un conjunto de diamantes en el British Museum Ball, Londres. La modelo y aristócrata británica, hija mayor de Charles Spencer y sobrina de la princesa Diana, eligió una silueta de satén con capa para una gala cuyo código de vestimenta giró en torno al rojo.

El resultado puso el foco en una de las figuras más observadas de la nueva generación de la familia Spencer. El vestido, confeccionado en satén rojo, reunió varios recursos habituales de la alta costura de noche: escote de hombros descubiertos, drapeados en el cuerpo, falda de largo completo y una abertura que dejaba ver los zapatos de salón del mismo tono.

La capa en mismo tono extendía la línea del diseño y aportaba movimiento a la silueta. Spencer completó el conjunto con piezas de Chatila Jewels: un collar ancho de diamantes, pendientes con motivo floral y una pulsera a juego.

La cita congregó a alrededor de 850 invitados de los ámbitos del arte, la moda y la música en el museo londinense.

El collar de diamantes fue el eje del estilismo

La joyería concentró buena parte de la atención del atuendo. El collar, de dibujo calado y piedras engastadas sobre metal blanco, cubría la base del cuello sin convertirse en una pieza compacta. Esa estructura permitió que el diseño se recortara sobre la piel y acompañara el escote sin competir con el drapeado del vestido.

El uso de joyas de gran formato forma parte de la imagen pública de Lady Kitty Spencer. En sus apariciones nocturnas suele elegir pendientes de piedras de color, collares cortos de diamantes o piezas arquitectónicas que funcionan como el punto central de conjuntos de líneas limpias.

En esta ocasión, el rojo del vestido dejó el marco necesario para que el blanco de las piedras definiera el contraste.

El vestido rojo y un recuerdo de Diana

La elección invitó a comparaciones con Diana, princesa de Gales, quien llevó un vestido rojo de hombros descubiertos de Victor Edelstein en 1992.

Ambas propuestas comparten el color y la zona del escote, dos elementos que explican la asociación inmediata. Sin embargo, el diseño de Spencer construye una imagen distinta.

El vestido de Dolce & Gabbana Alta Moda incorpora un trabajo de drapeado, una caída más ceñida y una capa que modifica por completo el contorno.

La prenda de Diana respondía a los códigos de la moda de comienzos de los años noventa; la de su sobrina se inscribe en el lenguaje contemporáneo de la firma italiana, con volumen escénico y un protagonismo mayor de la joyería.

Esa distancia es relevante en la evolución estilística de Spencer. La relación con la princesa de Gales forma parte de su historia familiar y suele reaparecer en la conversación pública, pero su armario se ha desarrollado a partir de referencias propias.

Su estilo combina códigos aristocráticos británicos, formación internacional y una preferencia sostenida por casas italianas de espíritu ornamental.

La presencia de Dolce & Gabbana en el British Museum Ball prolonga una relación profesional de varios años. Spencer desfiló para la firma durante la Semana de la Moda de Milán en 2017 y, desde entonces, ha usado de forma recurrente sus vestidos de corsetería, encaje, estampados florales y siluetas de inspiración histórica. En febrero de 2021 fue presentada como embajadora global de la casa.

La asociación alcanzó una dimensión especial en su boda con el empresario Michael Lewis, celebrada en julio de 2021 en Villa Aldobrandini, cerca de Roma. Para los festejos de tres días, la modelo llevó cinco diseños a medida de la firma.

El vestido principal era una creación de encaje de inspiración victoriana, con cuello alto, mangas largas, botones forrados y una cola extensa.

Aquella prenda incluyó una referencia a Victoria Lockwood, madre de Spencer, que se casó con Charles Spencer en 1989 con un vestido de aire victoriano.

Kitty optó entonces por no usar la tiara Spencer, una decisión que reforzó la idea de una novia conectada con la tradición familiar, aunque alejada de una reconstrucción literal de las imágenes más conocidas de la familia.

Los otros conjuntos nupciales mostraron otra faceta de su estilo: tul azul con bordados florales, una falda pintada a mano con aplicaciones y cristales, un vestido de cóctel bordado en plata y oro y un diseño de seda Mikado con lentejuelas y flores aplicadas.

Esa sucesión confirmó su interés por la artesanía visible y las prendas concebidas para momentos concretos.

Su estilo combina sastrería, vestidos de ceremonia y alta joyería

A sus 35 años, Spencer construyó una imagen de moda marcada por los vestidos de ceremonia, los trajes de sastrería y los accesorios de alto valor.

Nació en Londres, creció en gran medida en Ciudad del Cabo y estudió psicología, política y literatura inglesa antes de completar estudios vinculados al arte, el italiano y la gestión de marcas de lujo. Ese recorrido internacional se percibe en la amplitud de sus referencias.

En el día a día, suele optar por prendas de cortes clásicos, abrigos estructurados, vestidos camiseros y conjuntos monocromáticos. Para las alfombras rojas, en cambio, aumenta la escala: emplea capas, faldas de volumen, corsés, transparencias de encaje y joyas de piedras preciosas.

El contraste entre ambos registros sostiene una imagen versátil, aunque coherente en su gusto por las terminaciones elaboradas.

A una semana de conocer el ganador del Balón de Oro 2026, la organización del evento reveló que Thierry Henry y Kate Scott conducirán en Londres la 70ª edición del galardón. La cita, que se celebrará el lunes 26 de octubre de 2026 en el Teatro London Palladium, contará con la dupla del histórico futbolista y la presentadora británica que son furor por su programa de la UEFA Champions League.

El ex Arsenal y Barcelona debutará como maestro de ceremonias y reemplazará al exfutbolista neerlandés Ruud Gullit, mientras que la presentadora de 45 años volverá a ocupar ese rol tras conducir las ediciones de 2014, 2015 y 2025. La gala entregará por primera vez el trofeo en la capital británica, elegida para conmemorar los 70 años del premio.

Henry mantiene un vínculo directo con la ciudad por su etapa como delantero del Arsenal, club en el que se convirtió en el máximo goleador histórico. El exfutbolista y Scott también comparten la mesa de Golazo, el programa de la Champions de CBS Sports, junto a Jamie Carragher y Micah Richards.

El francés explicó que la sede fue un factor determinante para aceptar la conducción: “Es un honor para mí presentar la ceremonia del Balón de Oro este año. Londres es mi hogar. Tengo una profunda conexión con esta ciudad, su cultura futbolística y sus apasionados aficionados”. A esto, sumó: “Por lo tanto, presentar la ceremonia aquí junto a mi colega y amiga Kate me parece la elección más lógica. Promete ser una velada excepcional para celebrar a los más grandes talentos del fútbol”.

Scott, por su parte, conducirá la ceremonia por cuarta vez, después de sus participaciones en 2014, 2015 y 2025. “El Balón de Oro es una noche emblemática en el calendario futbolístico y representa la culminación de una carrera. Es un placer ver al mundo del fútbol reunirse para celebrar a todos estos jugadores que inspiran a generaciones enteras. Me siento honrada de presentar este evento legendario una vez más”, comentó.

Nacida en Mánchester, Kate Scott desarrolló una carrera internacional que la llevó a convertirse en una figura habitual de las transmisiones futbolísticas en Estados Unidos. A los 17 años se mudó a Málaga para estudiar español y completar parte de su formación académica. También vivió en Francia y Alemania, experiencias que le permitieron dominar varios idiomas. Esa capacidad sería luego una herramienta central para entrevistar y traducir en directo a futbolistas y entrenadores de distintos países.

Su ingreso a los medios ocurrió en 2005, cuando realizó una pasantía como traductora en la cadena alemana Deutsche Welle. Scott pidió el traslado al área deportiva y, después de una audición interna, comenzó a presentar boletines en alemán. En 2009 fue contratada por CNN International para conducir World Sport. Dos años más tarde regresó a Alemania como rostro principal del lanzamiento de Sky Sport News.

Su carrera siguió en Sky Sports, en el Reino Unido, donde participó en coberturas de fútbol europeo, boxeo y cierres del mercado de pases. Durante ese período también condujo la Copa Mundial Femenina de 2015 para Fox Sports. La presentadora adquirió mayor proyección global al conducir galas como el Balón de Oro de la FIFA y al instalarse en Estados Unidos para trabajar en Fox Sports. Allí encabezó programas dedicados a la Champions League, la Europa League, la Bundesliga, los Mundiales y el boxeo.

Desde agosto de 2020, Scott conduce UEFA Champions League Today en CBS Sports. En 2023 firmó una renovación exclusiva por cuatro años con la cadena, que consolidó su lugar en las transmisiones de fútbol europeo para el mercado estadounidense. Además del fútbol, estuvo vinculada al boxeo, ámbito en el que conoció a su actual pareja, el exboxeador Malik Scott.

Thierry Henry, por su parte, dejó un legado en el fútbol. Debutó como profesional en 1994 bajo la dirección de Arsène Wenger en el AS Mónaco. Allí ganó la liga francesa en 1997 y se abrió camino en la selección de Francia. Integró el equipo que ganó el Mundial de 1998 como anfitrión y la Eurocopa de 2000.

Su paso por la Juventus en 1999 fue breve y no respondió a las expectativas, pero derivó en su llegada al Arsenal. Wenger lo llevó al club londinense y lo transformó definitivamente en delantero centro. Entre 1999 y 2007, Henry anotó 228 goles en 377 partidos con el Arsenal, registro que lo mantiene como el máximo anotador de la institución. Ganó las Premier League de 2002 y 2004, temporada en la que el equipo terminó invicto y quedó asociado al apodo de Los Invencibles.

El delantero también conquistó tres FA Cup y obtuvo dos Botas de Oro europeas consecutivas. En 2007 se incorporó al Barcelona, donde formó parte del conjunto dirigido por Pep Guardiola que logró el triplete de 2009: Liga española, Copa del Rey y Liga de Campeones. Con Francia, además del título en 1998, disputó la final del Mundial de 2006, que el seleccionado perdió ante Italia por penales. Cerró su carrera como jugador en los New York Red Bulls de la Major League Soccer y se retiró en 2014, tras un regreso a préstamo al Arsenal en 2012.

Después de retirarse, fue asistente técnico de Bélgica, entrenador del Mónaco y del Montreal Impact. También dirigió a la selección francesa sub-23 que obtuvo la medalla de plata en los Juegos Olímpicos de París 2024 y continúa como analista de la Liga de Campeones en CBS Sports.

El combate de peso pesado enfrentó al irlandés Olaniyan, invicto con cinco triunfos, contra Garber, boxeador de Bradford con 14 victorias y 10 derrotas. La diferencia entre ambos quedó expuesta desde los primeros minutos y se profundizó al comienzo del segundo asalto, cuando un derechazo de Olaniyan envió a Garber a la lona.

Garber reaccionó con frustración, golpeó el tapiz y se puso de rodillas para responder a la cuenta de protección de Pu antes de llegar a ocho. Su rincón, al advertir las condiciones del boxeador, arrojó una toalla para solicitar el final de la contienda. La árbitra se encontraba de espaldas a la esquina azul cuando cayó la primera toalla. El propio Olaniyan le tocó el hombro para advertirle de la señal. Pu tomó la prenda y la pateó fuera del cuadrilátero antes de ordenar que el combate continuara.

La decisión permitió que la pelea siguiera durante algunos segundos más. Garber volvió a caer luego de recibir otro golpe de derecha. Su equipo arrojó nuevamente la toalla y Pu completó la cuenta antes de detener el combate por nocaut técnico.

Tras la pelea, Garber recibió oxígeno junto al ring. El episodio provocó críticas en redes sociales y entre periodistas especializados, que cuestionaron la determinación de la árbitra de no aceptar la decisión de la esquina en el primer intento.

Louis Hart, de Ring Magazine, expresó su rechazo a la intervención de los árbitros ante las decisiones de los equipos de los boxeadores. “No me gusta nada ver a los árbitros tirar la toalla; la esquina siempre tiene razón”, escribió.

Danny Gilfillan, de Boxing News, también cuestionó la actuación de Pu y señaló que Garber necesitó asistencia después de la pelea. “Dan Garber recibe oxígeno después de que la árbitra Amy Pu, inexplicablemente, rechazara la toalla de la esquina y permitiera que Olaniyan le infligiera más daño”, afirmó. El periodista planteó además un cambio en la regulación de este tipo de combates. “Las reglas deberían cambiarse para que la aparición de la toalla en un combate dé por terminada automáticamente la pelea”, añadió.

De acuerdo con la normativa, la toalla arrojada desde una esquina no obliga por sí sola a detener una pelea. La determinación final corresponde al árbitro, que puede considerar que el participante todavía está en condiciones de continuar. Ese criterio reglamentario quedó en el centro de la discusión tras lo ocurrido en Londres. En diálogo con The Athletic, Robert Smith, secretario general de la Comisión Británica de Boxeo, respaldó esa potestad del oficial dentro del ring: “El árbitro es el único árbitro de un combate”.

La secuencia también reavivó las críticas que Pu había recibido más temprano en la cartelera, cuando consideró como caída una acción que algunos observadores interpretaron como un resbalón. Después de la pelea de Garber, las reacciones se concentraron en la decisión de mantener el combate en marcha tras la primera toalla.

Más allá de la controversia, Adam Olaniyan amplió su marca profesional a 5-0. El triunfo representó su quinta definición antes del límite en la categoría de los pesados, según los datos aportados en los textos.

Garber, de 41 años, no formuló cuestionamientos públicos contra Pu. En una reflexión publicada en sus redes sociales, se refirió a la posibilidad de que el combate haya sido el último de su carrera. “Tal vez este sea el final para mí ahora, el tiempo no espera a nadie... Compré dos casas gracias al boxeo y esta noche me da la tercera. Si es el final, qué manera de despedirse ante 20,000 personas”, escribió el púgil británico.

Durante décadas, los diccionarios biográficos del arte británico resumieron la vida de Winifred Knights con una sola línea: la primera esposa de sir Thomas Monnington. La obra de la pintora, ganadora a los 21 años del prestigioso Rome Scholarship y autora de una de las imágenes más perturbadoras sobre la Primera Guerra Mundial, quedó relegada al olvido hasta 2016, cuando la Dulwich Picture Gallery de Londres organizó la primera retrospectiva de su carrera, casi setenta años después de su muerte.

Knights nació en 1899 en Streatham, al sur de Londres, hija de una cantante de teatro y un administrador de una compañía azucarera. Estudió en la Slade School of Fine Art bajo la tutela de Henry Tonks y Fred Brown, en los mismos años en que los zepelines alemanes bombardeaban la capital británica.

La experiencia le dejó un trauma que describió por escrito: “He llegado a un estado en el que no puedo dejar pasar un avión sobre mi cabeza sin sentirme terriblemente mal y temblorosa”. A esa angustia se sumó la muerte de su primo Ted Murby en la batalla de Passchendaele y el impacto directo de la explosión de una fábrica de TNT en Silvertown, en enero de 1917, que la obligó a interrumpir sus estudios.

Ese cúmulo de experiencias desembocó en The Deluge, la obra con la que Knights ganó el Rome Scholarship en 1920 y se convirtió en la primera mujer en recibir esa beca de la British School at Rome. El ejercicio pedía representar el diluvio bíblico en un plazo de ocho semanas, en un lienzo de casi dos por dos metros y medio.

Knights entregó una composición de 21 figuras que huyen en diagonal hacia una montaña, mientras una ola se eleva detrás de ellas. La escena, pensada como una respuesta emocional a la memoria de la guerra, fue calificada por el Daily Graphic como la obra de un genio. Hoy integra la colección permanente de la Tate, en Londres.

La beca la llevó a instalarse en Anticoli Corrado, un pueblo al sur de Roma, donde vivió hasta 1925. Allí pintó su obra más ambiciosa, The Marriage at Cana, una reinterpretación del milagro bíblico en la que la propia artista aparece retratada tres veces, sentada a distintas mesas del banquete, un gesto que coincidió con el reconocimiento creciente que empezaba a recibir en los círculos artísticos romanos.

La pintura recorrió exposiciones internacionales, pero su gran tamaño hizo que ni la Tate ni el Fitzwilliam Museum de Cambridge aceptaran incorporarla a sus colecciones permanentes. Pasó años almacenada bajo una escalera en la oficina londinense de la British School at Rome, hasta que en 1958 fue donada al Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, en Wellington, donde se exhibe en la actualidad como una de las piezas más valoradas de la institución.

Knights incorporó su propia imagen en buena parte de sus composiciones, con el atuendo que la caracterizó durante toda su vida: una falda larga de inspiración campesina italiana, blusa abotonada, sombrero negro de ala ancha y aros de coral. Aparece como tercera figura desde la izquierda en The Deluge y, según documentó la historiadora Sacha Llewellyn, su rostro vuelve a identificarse en Santissima Trinita, pintada entre 1924 y 1930, considerada por buena parte de la crítica como su obra maestra. Se trata de una pieza de propiedad privada que rara vez se exhibe en público.

En 1924 se casó con Thomas Monnington, también becario de la Rome Scholarship, con quien había forjado una relación durante los veranos en la campiña umbra. La influencia de Knights sobre el trabajo de su marido fue tan marcada que algunos amigos de la pareja comenzaron a llamarlo “señor Knights”.

De regreso en Inglaterra, Knights recibió en 1928 el encargo de pintar un retablo para la capilla Milner Memorial, en la catedral de Canterbury. El resultado, Scenes from the Life of Saint Martin of Tours, le demandó cinco años de trabajo, marcados por desacuerdos con el arquitecto Herbert Baker, que estuvieron a punto de llevarla a abandonar el proyecto.

La obra combina tres episodios de la vida del santo: el momento en que comparte su capa con un mendigo, su visión de Cristo vestido con esa misma prenda y la resurrección milagrosa de un niño, una escena con resonancia personal para la artista, que había perdido a un hijo al nacer poco antes. El retablo permanece hoy en la cripta de la catedral.

En 1933, el matrimonio Courtauld contrató a Knights y a Monnington para trabajar en la decoración de Eltham Palace, junto al diseñador sueco Rolf Engströmer y el decorador italiano Peter Malacrida. El nacimiento de su hijo John, en 1934, marcó el final de su producción activa: a partir de ese momento, dedicó la mayor parte de su energía a la crianza y dejó inconcluso un encargo del conde de Crawford y Balcarres en el que había trabajado durante cinco años.

Murió en Londres en 1947, a los 47 años, a causa de un tumor cerebral que no había sido diagnosticado. Ningún periódico publicó entonces una necrológica sobre ella.

Del negro al oro, Jenna Ortega cambió de registro en la presentación de “Klara and the Sun” en el Festival de Cine de Londres. La actriz, que semanas atrás celebró sus 24 años, dejó por una noche las transparencias oscuras y los guiños góticos para llevar un vestido lencero de satén de seda color miel, firmado por Torlowei, con encaje negro sobre el escote y aplicaciones florales que recorrían la falda.

El gesto que terminó de definir el conjunto estuvo sobre su cabello: un tocado calado en tono amarillo mostaza enmarcó su rostro y sumó una referencia antigua a una silueta de líneas limpias. Detrás de la elección estuvo el estilista Enrique Melendez, colaborador habitual de la protagonista de Merlina.

El contraste con el turquesa y el tocado dorado completaron el look

La elección tuvo un efecto particular frente al fondo turquesa instalado para la premiere. El brillo del tejido cambió según el ángulo de los flashes y destacó los contrastes entre el vestido, los dibujos florales oscuros y la escenografía. La actriz completó el atuendo con anillos en ambas manos y mantuvo una presencia sobria, con los brazos a los costados durante buena parte de la sesión de fotos.

Su cabello castaño oscuro cayó suelto sobre los hombros, peinado con ondas suaves y una raya apenas centrada. Sobre la cabeza llevó una pieza dorada calada, de textura abierta, que sumó un aire romántico al conjunto sin competir con el encaje del vestido. La pieza dorada y los accesorios de manos completaron un estilismo de contrastes definidos.

El accesorio sobre el cabello fue uno de los elementos que separó el look de una fórmula clásica de vestido de noche. Su tono dorado reforzó la paleta del vestido y se integró con el resto de la propuesta. La combinación entre el peinado suelto y la estructura calada evitó una apariencia rígida.

La presencia de Jenna Ortega en Londres se produjo en el marco del estreno mundial de “Klara and the Sun”, adaptación de la novela homónima publicada en 2021 por el escritor británico Kazuo Ishiguro, ganador del Premio Nobel de Literatura.

Ortega interpreta a Klara, una compañera artificial que llega a la vida de Josie, una adolescente enferma encarnada por Mia Tharia. El elenco incluye a Amy Adams, Natasha Lyonne, Steve Buscemi y Aran Murphy.

Jenna Ortega y Amy Adams: un encuentro que reforzó el contraste cromático

En uno de los momentos de la noche, Amy Adams acompañó a Ortega frente al panel promocional de la película. Ambas actrices se ubicaron muy cerca, con una composición visual construida a partir del contraste entre sus elecciones de vestuario.

Adams lució un vestido negro largo de silueta recta y escote descubierto, cubierto en la parte superior por una pieza blanca drapeada que rodeaba hombros y brazos. Frente a ese conjunto de blanco y negro, el vestido dorado de Ortega introdujo una superficie más luminosa. El encuentro entre ambas actrices reforzó el contraste cromático de la alfombra roja. También estuvieron presentes Florence Pugh y Rachel Forman-

El estreno formó parte de la programación del Festival de Cine de Londres, que presentó la producción antes de su llegada a las salas. En declaraciones recogidas por Variety, Ortega explicó que espera que la película invite a las personas a alejarse por un momento de computadoras y teléfonos para prestar atención a quienes tienen cerca. La reflexión conecta con uno de los ejes de “Klara and the Sun”: la relación entre los seres humanos, la tecnología y la compañía artificial.

Por medio de sus redes sociales, la actriz mexicana, Andrea Legarreta, publicó una carta que conmovió a su público y especialmente a su hija Nina Rubín, quien estudia arte y actuación en Londres, donde cumple sus sueños tras un proceso que comenzó con solicitudes y pruebas desde México.

“Este es para ti… para tu magia, para tu valentía, para tus sueños, tu sonrisa, tus ojitos brillantes y hermosos, tu talento, tu arte, tu perseverancia, tus ganas, tu alegría, tu sensibilidad y tu resiliencia", compartió Andrea Legarreta.

“Este es para ti, mi niña, que es magia y luz, que ilumina el sitio y a las personas con las que esté. Te respeto, admiro y aplaudo enormemente. Te felicito por tu pasión y amor a lo que haces y a la vida. Te agradezco por todo lo que me has enseñado desde que naciste”.

“Tus ganas de aprender, crecer, ser mejor y superarte cada día… el orgullo por ti se me sale del pecho y se desborda por cada poro de mi ser. Amo verte y saberte feliz. Amo ver al hermoso diamante que eres irse puliendo para dar lo mejor de ti e iluminarnos con tu brillo tan especial", dedicó a su hija Nina.

Andrea Legarreta acepta que estar separada de su hija le provoca añoranza, sin embargo celebra que Nina Rubín gane su independencia durante su paso por Inglaterra. “Te extraño enormemente, sí, pero amo ver tus alas crecer y expandirse”, destacó.

Además, la conductora encomienda las conversaciones y risas que ambas comparten a diario y aunque vivan en países diferentes, Andrea Legarreta resalta que seguirá cerca de su hija Nina “en todas las formas posibles e imposibles”.

“Jamás dudes de ti. Jamás dudes de tu valor y tu talento. Mereces cada sueño hecho realidad y luchar por todo lo que te haga sentir feliz. Mereces todo lo maravilloso de la vida. Soy muy feliz de ser tu mamá. Te amo infinito, amor”, expresó la conductora del programa Hoy.

Y para finalizar, Andrea Legarreta le dejó un consejo a su hija: “Aprovecha todo. Aprende de todos y de todo. Equivócate. Si te caes, levántate con la gracia con la que naciste y sigue. Y jamás olvides que siempre, siempre, siempre seremos tu hogar, tu sitio seguro, el amor incondicional dispuesto a arroparte y apapacharte siempre”, indicó.

“Te amo, mi Nini hermosa. Siempre contigo, amor”, concluye el mensaje de Andrea Legarreta añadiendo una serie de fotografías de su hija durante su aventura por Londres, Inglaterra para seguir con su formación actoral.

¿Quién es Nina Rubín, hija de Andrea Legarreta y Erik Rubín?

Nina Rubín Legarreta nació el 5 de enero del 2007. Es hija de la conductora Andrea Legarreta y del exintegrante del grupo Timbiriche Erik Rubín. Desde niña ha estado vinculada con el medio artístico, aunque su carrera incluye créditos propios en televisión, cine, teatro y doblaje.

Uno de sus primeros trabajos fue en la película La vida inmoral de la pareja ideal estrenada en 2016. Más adelante participó en Mamá se fue de viaje, en la telenovela ¿Te acuerdas de mí? y en El precio de amarte.

Nina Legarreta también formó parte de la miniserie Chespirito: Sin querer queriendo, producción biográfica sobre Roberto Gómez Bolaños (1929-2014). Ahí interpreta a Marcela Gómez Fernández en su versión juvenil, un personaje vinculado con la historia familiar del creador de El Chavo del 8.

Su trayectoria comenzó con trabajos de teatro, entre ellos una participación en Anita la huerfanita. Dentro del doblaje, ha participado para producciones infantiles y ha manifestado interés por la música, aunque su actividad profesional se ha concentrado en la actuación.

La estancia de Nina Rubín por Inglaterra abre una etapa de formación después de varios años delante de las cámaras. Mientras continúa con sus estudios en Londres, Andrea Legarreta y Erik Rubín comparten sus decisiones profesionales y muestran su total admiración tanto por las redes sociales como por declaraciones.

Londres marca un nuevo paso en la carrera de Nina Rubín Legarreta

La hija de Andrea Legarreta y Erik Rubín se trasladó a Inglaterra luego de ser aceptada en una escuela de arte y actuación. Nina superó un proceso de selección que comenzó desde México con el envío de solicitudes y la realización de pruebas.

Su mamá, Andrea Legarreta, explicó que Nina realizó monólogos clásicos y contemporáneos en idioma inglés. Entre los ejercicios presentó un texto de William Shakespeare y posteriormente participó en entrevistas y evaluaciones de ingreso antes de viajar a Londres para la etapa presencial.

El último filtro incluyó un día de clases y evaluación con docentes de la institución actoral. Nina Rubín logró estar entre los 30 finalistas y recibió después la confirmación de su ingreso a la escuela de arte y actuación para seguir con su formación artística a sus 19 años de edad.

Mientras avanza en su preparación fuera de México, Nina mantiene el respaldo de Andrea Legarreta y Erik Rubín, quienes han expresado públicamente su orgullo por las decisiones y proyectos profesionales de su hija.

La industria de los productos que imitan a la carne enfrenta un límite difícil de resolver: reproducir su color y sabor sin usar carne de origen animal. Una investigación de Imperial College London logró que plantas de lechuga y tabaco fabriquen mioglobina, una proteína presente en los músculos de los vertebrados que interviene en esas características.

La incógnita era si un cultivo comestible podía producir esa proteína de manera estable y en cantidades útiles como ingrediente.

Hasta ahora, una vía habitual consistía en modificar microorganismos, como levaduras y bacterias, que crecen en biorreactores, equipos cerrados con condiciones controladas.

Un estudio publicado en la revista Frontiers in Plant Science describe la producción estable en plantas de lechuga y tabaco.

El resultado es una demostración inicial: prueba que esos cultivos pueden fabricar la proteína, pero todavía no confirma su utilidad en alimentos ni su viabilidad a escala comercial.

La proteína que aporta color y sabor a la carne

La mioglobina almacena oxígeno en el músculo de los animales. Contiene hemo, un compuesto con hierro que influye en el color rojo de la carne y aporta parte de su sabor intenso. Por esas propiedades, podría ayudar a que los productos vegetales reproduzcan algunos rasgos de la carne.

El equipo de Imperial College London introdujo genes de mioglobina de cerdo y ganado bovino en los cloroplastos de plántulas de tabaco y lechuga. Los cloroplastos son estructuras celulares que realizan la fotosíntesis. Para hacerlo, utilizó un cañón de genes, una técnica que impulsa ADN hacia las células.

Las pruebas confirmaron que algunas plantas integraron el gen en el material genético de sus cloroplastos. Según el comunicado de Imperial College London, esas plantas crecieron, florecieron y produjeron semillas que heredaron la modificación genética.

“Las plantas pueden modificarse para producir la proteína animal mioglobina en sus cloroplastos”, afirmó Alexia Groff, investigadora de Imperial College London y autora principal del trabajo, según el comunicado de la institución.

“Esto podría ofrecer una forma más sostenible de producir un ingrediente importante para los productos cárnicos de origen vegetal”, añadió Groff.

Los investigadores eligieron los cloroplastos porque sus múltiples copias por célula pueden favorecer la producción de proteínas frente al núcleo. Groff señaló que el tabaco fue la planta modelo y la lechuga, un posible ingrediente comestible.

La lechuga produjo 810 miligramos por kilogramo de materia seca

Los análisis de laboratorio detectaron 810 miligramos de mioglobina por kilogramo de materia seca de lechuga. La materia seca es el peso de una planta después de retirarle el agua.

En el tabaco, la cantidad fue de alrededor de 800 miligramos por kilogramo, según el comunicado de Imperial College London.

Para comparar los resultados, el equipo también introdujo el gen de la mioglobina en el núcleo de plantas de tabaco. En esa especie, la producción mediante cloroplastos fue al menos tres veces mayor, aunque el resultado corresponde a condiciones de laboratorio.

La distancia respecto de la carne sigue siendo amplia. Según se detalla en el estudio, el músculo animal contiene entre 8,1 y 11,2 miligramos de mioglobina por gramo de materia seca, una concentración aproximadamente diez veces superior a la registrada en las plantas analizadas.

El trabajo halló otro límite: cerca del 35 % de la mioglobina purificada de hojas de tabaco contenía hemo, frente al 80 % de una muestra producida con Escherichia coli, una bacteria empleada en laboratorio.

Como ese compuesto incide en el color, el sabor y las propiedades nutricionales de la proteína, los autores advierten que deben realizarse más pruebas para determinar su desempeño en alimentos.

El estudio propone una vía vegetal, no un producto listo para el mercado

La investigación no plantea que la lechuga modificada vaya a venderse como alimento final. Los investigadores analizan la posibilidad de extraer la proteína de las hojas, purificarla y emplearla como ingrediente en productos vegetales.

“La mioglobina podría extraerse de las hojas y purificarse mediante métodos industriales de purificación de proteínas”, sostuvo Groff, investigadora de Imperial College London, según el comunicado de la institución.

“Como es idéntica a la mioglobina animal, podría añadirse como ingrediente a productos cárnicos de origen vegetal para mejorar su color, sabor y valor nutricional”, agregó. En las pruebas, una parte de la proteína no incorporó hemo.

Según el equipo, las plantas modificadas podrían complementar los métodos basados en microorganismos cultivados en biorreactores, aunque la investigación no compara de manera directa sus costos, eficiencia industrial ni impacto ambiental.

Rodrigo Ledesma-Amaro, director del Bezos Centre for Sustainable Protein de Imperial College London, definió el resultado como “una prueba de concepto prometedora”, según el comunicado de la institución, y señaló que aún deben evaluarse la funcionalidad, la seguridad y el procesamiento del ingrediente.

Kyoko Morimoto, directora científica de Kyomei, empresa biotecnológica que participó en el estudio, indicó que una lechuga modificada para expresar mioglobina podría considerarse en el futuro un alimento enriquecido con hierro hemo, sujeto a las autorizaciones regulatorias necesarias.

Una planta capaz de crecer 10 metros de altura, resistir sequías, alimentar a una familia entera durante un año con solo 60 ejemplares y extenderse por gran parte del África subsahariana lleva siglos cultivándose en un rincón de Etiopía sin que el mundo lo advierta. Se llama enset, y los científicos que estudian sus propiedades señalan que su marginalidad global es tan desconcertante como su potencial.

A pesar de ser alimento básico para más de 20 millones de personas en el suroeste etíope, ocupa un lugar ínfimo en el mapa agrícola mundial, dominado por el trigo, el arroz y el maíz —los tres cultivos que proveen más de la mitad de las calorías globales—.

Investigadores del centro Royal Botanic Gardens, Kew, en el oeste de Londres, admitieron a CNN que ni siquiera conocían la planta cuando comenzaron a estudiarla en 2017, pese a que ese sitio alberga casi 17.000 especies vegetales.

El enset puede expandirse 12 veces y alimentar a millones más en África

La planta pertenece a la familia de las musáceas —la misma que la banana—, aunque su fruto es incomestible: está lleno de semillas duras y carece de pulpa aprovechable, lo que le valió el apodo de “falso plátano”.

Lo que sí se consume son su pseudotallo y su cormo, un tubérculo subterráneo carnoso. Ambos se pulverizan, fermentan en fosas durante entre tres meses y dos años, y dan lugar al kocho, un pan tradicional etíope, y a la bulla, un polvo blanco que se rehidrata para preparar albóndigas y gachas.

Sus atributos agronómicos son destacados. Es perenne —puede cultivarse más de dos años sin necesidad de replantarse—, tolera la sequía y las enfermedades, y ofrece alto rendimiento. Un estudio determinó que las áreas de cultivo actuales podrían ampliarse 12 veces para alimentar a hasta 111,5 millones de personas adicionales en el África subsahariana, región donde la inseguridad alimentaria crece pese al aumento de la producción agrícola global.

En abril de 2023, el falso plátano floreció por primera vez en el Invernadero Templado de Kew, una estructura de vidrio de 4.800 metros cuadrados, tras haber llegado al sitio como una plántula de apenas 30 centímetros cuatro años antes.

Barreras culturales, legales y técnicas frenan su expansión fuera de Etiopía

Una combinación de factores históricos, regulatorios y prácticos explica por qué la especie nunca cruzó las fronteras etíopes. El país regula de forma estricta la transferencia internacional de material vegetal para protegerse de la biopiratería.

Una disputa legal de alto perfil en 2019, relacionada con patentes neerlandesas sobre el teff —un grano nativo usado desde hace milenios para preparar injera, el pan plano característico del país—, tensó aún más la relación entre el Estado y la cesión de sus recursos botánicos.

Las variedades silvestres presentes en otros países africanos serían “bastante inútiles” para el consumo, frente a las domesticadas en Etiopía, según el equipo de Kew.

El Royal Botanic Gardens pudo importar dos ejemplares en 2019 gracias a cuatro décadas de vínculo con investigadores etíopes, una condición difícil de extender a terceros.

A eso se suma que la cosecha es físicamente extenuante —realizada en gran medida por mujeres— y que convertir el cultivo en alimento requiere conocimientos especializados desarrollados durante siglos. Las soluciones mecanizadas están en desarrollo en varias universidades etíopes, pero aún no se desplegaron a escala.

La caída del consumo interno en Etiopía amenaza la diversidad del cultivo

La paradoja es que, mientras el mundo desconoce la planta, dentro del propio país su cultivo retrocede. Un estudio de 2025 realizado por Kew y la Universidad Addis Abeba reveló que alrededor del 60% de más de 400 agricultores del suroeste entrevistados indicó que la superficie dedicada a la especie se redujo en las últimas décadas.

Muchos también registraron una baja pronunciada en el consumo doméstico, presionados por la urbanización y la globalización, que los empujan hacia variedades comerciales más rentables como el trigo, el maíz y la papa.

La dependencia de un conjunto reducido de cultivos vuelve a la agricultura más vulnerable ante plagas, enfermedades y variaciones climáticas. El falso plátano, por su amplio rango de tolerancia, está mejor posicionado que muchos cultivos mayores para enfrentar condiciones menos predecibles.

Con ese argumento, Kew lleva adelante proyectos que compensan a agricultores etíopes por mantener variedades en peligro, con el objetivo de preservar la diversidad genética de la especie.

La publicación estuvo acompañada por un mensaje que Giardina le dedicó a Espada, con quien mantiene una relación desde enero de 2024. “Londres, sos hermosa. Pero recorrerla con vos fue lo más lindo. Qué suerte tener un compañero para perdernos por el mundo y encontrarnos en la risa. Te elegiría en todos los viajes… aunque todavía no sepamos para qué lado mirar al cruzar jajajajajaj ti amo chanchito”, escribió la figura junto al álbum.

Las imágenes reflejaron una estadía que combinó turismo urbano, escenas cotidianas y muestras de afecto. En una de las primeras postales, Momi se retrató frente a un espejo antes de salir. Llevaba un conjunto negro compuesto por una camisa de mangas largas, pantalón ancho con cinturón y una cartera del mismo tono con herrajes dorados.

Uno de los momentos más personales del álbum tuvo lugar dentro de un ascensor. En la imagen, Sebastián besa a Momi en la mejilla mientras ella sostiene el celular para registrar la escena. La conductora aparece con los ojos cerrados y una expresión relajada, mientras que el productor carga un gran ramo de flores con rosas y otras especies en tonos rosa, amarillo, violeta y blanco.

La foto también deja ver el interior oscuro del ascensor, con superficies espejadas, iluminación cálida y un panel digital que marca el piso. El detalle del ramo funcionó como uno de los gestos que resumieron el tono romántico de la escapada. En otra toma, ambos se mostraron más distendidos frente al espejo: ella posó con una expresión seria para la cámara y él la abrazó desde atrás.

La salida nocturna tuvo otro capítulo en un pub londinense. Rodeados de gente, banderas y cartelería colorida, la pareja se fotografió con vasos en mano. En una de las postales, Momi sonríe mientras se apoya sobre Espada, que levanta su brazo izquierdo y mira a cámara. En otra, ambos aparecen frente a la fachada iluminada del Duke of York, un tradicional pub de la ciudad, rodeado por macetas y balcones cubiertos de flores.

La recorrida por Londres incluyó una visita al Tower Bridge. Desde allí, Momi y Sebastián se tomaron una selfie con uno de los accesos del puente de fondo. En la imagen se distinguen las estructuras celestes, el movimiento de peatones y vehículos, además de un colectivo rojo que atraviesa la zona. Ella usó anteojos de sol negros y una gabardina clara sobre una remera oscura; él, una campera azul marino y barba entrecana.

La pareja volvió a posar frente a una de las torres del puente y dejó otra imagen de cercanía: Espada besa a Giardina en la mejilla mientras ella sonríe a la cámara. El tránsito londinense, las vallas celestes y el flujo de turistas completaron el marco de una de las postales más reconocibles del viaje.

Las caminatas también los llevaron por calles residenciales del área de Chelsea, donde la conductora se detuvo a posar frente a edificios de ladrillo a la vista, ventanas blancas y rejas negras. En una de esas fotos, se alcanza a leer el cartel de Cadogan Gardens, mientras que en otra aparece la referencia a Boulton Street. La estética del barrio, con fachadas victorianas, faroles y macetas colgadas en las ventanas, fue parte del registro visual que compartió la pareja.

En esos paseos, Momi apostó por distintos looks. En una imagen eligió un sombrero verde de ala ancha, abrigo claro y una bufanda de cuadros en tonos grises. En otra, optó por una musculosa negra, pantalón sastrero oscuro con finas rayas verticales, un cinturón con una gran hebilla metálica, anteojos angostos y zapatos negros. Para completar el conjunto, llevó una cartera de hombro.

El álbum no estuvo compuesto solo por fotos posadas. También hubo imágenes tomadas desde ángulos bajos, selfies con gestos exagerados y postales que reflejan la dinámica de una pareja que se permite jugar frente a la cámara. En una de ellas, ambos miran hacia el lente con la boca entreabierta y los ojos muy abiertos, bajo las ramas de un árbol y entre edificios de ladrillo. En otra, ella inclina el rostro y él se apoya a su lado mientras caminan por una calle del barrio.

También asistieron a una noche en el Moulin Rouge, además de recorrer distintos puntos de la capital inglesa. La artista eligió compartir las postales de esa experiencia en pareja en la previa de su vuelta al trabajo, con un mensaje que volvió a dejar en primer plano la complicidad que construyó con Espada desde el inicio de su relación, en enero de 2024.

360 años atrás, en la madrugada del domingo 2 de septiembre, un gran incendio arrasó con gran parte de Londres. El núcleo medieval y comercial de la capital inglesa ardió en llamas luego de que el fuego iniciara en una panadería ubicada en una calle próxima al río Támesis. Aquel local pertenecía a Thomas Farriner, quien se desempeñaba como panadero del rey Carlos III.

Según los relatos de la época, la tragedia comenzó en la planta baja del edificio, donde funcionaba el horno de la panadería. La causa exacta nunca quedó establecida de forma definitiva, aunque la explicación más aceptada atribuye el inicio a brasas o chispas procedentes del horno, que alcanzaron materiales inflamables. La estrechez de las calles y la cercanía entre las construcciones de madera crearon las condiciones para que aquel foco inicial se convirtiera rápidamente en una emergencia de gran escala.

Cómo fue el Gran Incendio de Londres, la catástrofe que cambió todo

El foco comenzó durante la madrugada en la panadería dentro de Londres. Aquel sector era el corazón comercial de la capital inglesa de 1966: una zona de calles angostas, viviendas y talleres muy próximos entre sí, con edificios construidos en gran medida con madera y yeso.

Las primeras horas no anticiparon la magnitud del desastre. El alcalde de Londres, Thomas Bloodworth, desestimó inicialmente la posibilidad de demoler casas para abrir cortafuegos. Según los testimonios recogidos sobre su respuesta, consideró que el fuego era tan limitado que “una mujer podría orinarlo”. La demora resultó decisiva: el viento del este avivó las llamas y transportó brasas a otros puntos de la ciudad.

La expansión se explicó por las condiciones materiales de Londres en el siglo XVII. Un verano seco había dejado la madera expuesta; las casas se levantaban unas junto a otras y numerosos almacenes guardaban brea, cuerda, aceite, harina, lana y otras mercancías inflamables. La población intentó combatir el fuego con cubos de agua, mangueras rudimentarias y ganchos para derribar construcciones. Pero esas medidas no bastaron frente a un incendio que avanzaba por barrios enteros.

La BBC señala que, durante la noche del lunes y la madrugada del martes, muchos habitantes abandonaron los esfuerzos de contención para escapar con sus bienes. El fuego alcanzó edificios centrales, entre ellos la catedral de San Pablo. John Evelyn, escritor y testigo de la tragedia, describió que “las piedras de la catedral de San Pablo volaban como granadas”, mientras el plomo derretido caía por las calles.

Buena parte de lo que se conoce sobre el incendio procede de los diarios de Samuel Pepys y del propio Evelyn, dos observadores contemporáneos que dejaron descripciones de la propagación de las llamas, la evacuación de los habitantes y el estado de la ciudad. También existen documentos oficiales, órdenes de Carlos II y registros preservados por los Archivos Nacionales Británicos, que permiten reconstruir el desarrollo de la emergencia.

Ante el fracaso de las primeras medidas, Carlos II ordenó derribar viviendas y comercios situados en el trayecto de las llamas para crear cortafuegos. El miércoles 5 de septiembre, las autoridades utilizaron pólvora para demoler filas enteras de casas y abrir espacios más amplios. Esa intervención, sumada a la disminución del viento, permitió frenar el avance del fuego. Los últimos focos fueron extinguidos el 6 de septiembre, aunque el suelo y los escombros permanecieron calientes durante varios días.

Qué cambió en Londres a partir del gran incendio

El incendio obligó a reconstruir buena parte de Londres y llevó a introducir medidas para reducir el riesgo de una catástrofe similar. Carlos II dispuso pocos días después del desastre que las nuevas construcciones debían levantarse con ladrillo o piedra, en lugar de madera. También propuso calles más anchas y una reorganización del trazado urbano, aunque los proyectos más ambiciosos no llegaron a concretarse.

Christopher Wren, Robert Hooke y John Evelyn presentaron planes para transformar la ciudad mediante avenidas amplias, plazas y un diseño más ordenado. Sin embargo, la reconstrucción mantuvo en gran medida la red de calles medievales. La razón principal fue económica: una modificación total del plano habría requerido expropiaciones e indemnizaciones para propietarios que ni la Corona ni el gobierno de la ciudad podían afrontar.

Según la Universidad de Oxford, la primera Ley de Reconstrucción recibió la aprobación real el 8 de febrero de 1667. La norma fijó requisitos de edificación y reforzó el uso de materiales menos combustibles. Las leyes posteriores consolidaron esas reglas y aceleraron la renovación de viviendas, comercios e instituciones públicas.

La reconstrucción también exigió resolver miles de conflictos entre propietarios e inquilinos. Para ese fin, el Parlamento creó el Tribunal de Incendios, una instancia especial que definía cómo repartir el costo de las obras. El economista William Petty lo describió como un “poder legislativo para desatar todos los nudos”, por la rapidez con que resolvía disputas que, por la vía judicial ordinaria, podían demorarse durante años.

El proceso fue lento al comienzo. Hubo que ampliar la producción de ladrillos, incorporar trabajadores de la construcción y reorganizar el abastecimiento de materiales. Oxford estima que solo la sustitución de las casas destruidas requirió cerca de 400 millones de ladrillos. La actividad tomó impulso desde 1668: ese año se levantaron 1.450 viviendas y, hacia fines de 1670, unas 6.000 ya estaban terminadas.

La ciudad recuperó además sus principales edificios públicos y religiosos. Wren dirigió la reconstrucción de la catedral de San Pablo, que quedó terminada en 1711, y participó en el diseño de decenas de iglesias. También se levantó el Monumento al Gran Incendio cerca de Pudding Lane, como recordatorio del desastre.

El fuego tuvo consecuencias en la prevención. La BBC señala que, después de la catástrofe, surgieron compañías que ofrecían seguros contra incendios. Esas empresas contrataron equipos para proteger las propiedades aseguradas, una experiencia que contribuyó al desarrollo posterior de servicios organizados de extinción.

Alexander Skarsgård llegó a la proyección de Wicker con una respuesta poco habitual al protocolo de gala: dejar que un par de oxford transparentes revelara por completo sus pies. En el Festival de Cine de Londres, el actor sueco combinó el modelo de PVC con cordones de Saint Laurent con un traje dorado sin camisa, una fórmula que desplazó la atención desde la sastrería hacia el detalle más inesperado del conjunto.

El calzado fue el elemento más disruptivo de una aparición construida alrededor de contrastes. Skarsgård combinó los zapatos con un traje de dos piezas dorado, también de Saint Laurent, sin camisa.

La sastrería aportó estructura y una silueta reconocible; el material transparente del calzado quebró esa referencia con una decisión que trasladó la mirada desde el torso hasta el suelo.

En las alfombras rojas masculinas, el zapato suele operar como un cierre discreto: un mocasín, una bota pulida o un oxford negro terminan de ordenar el traje. En este caso ocurrió lo contrario.

Los zapatos transparentes sin medias desplazaron el centro del look y transformaron un accesorio habitualmente funcional en una declaración visual. La elección prescindió de la protección que ofrecen las medias y expuso un detalle que la moda formal suele ocultar.

El modelo pertenece a la propuesta masculina de primavera de 2027 de Saint Laurent. Su construcción en PVC transparente conserva la forma clásica de un oxford con cordones, pero altera por completo su función estética.

El diseño permite ver el pie, las uñas y el movimiento interno, una cualidad que introduce fragilidad y extrañeza en una pieza asociada históricamente con la sobriedad.

Saint Laurent presentó esta clase de zapatos como parte de una colección que trasladó materiales poco habituales a códigos de vestir tradicionales. En Skarsgård, el gesto tuvo un efecto más directo por la ausencia de medias.

La transparencia dejó de ser una textura o una insinuación y se volvió el tema principal del atuendo. El calzado no buscó disimularse bajo el ruedo del pantalón, sino que quedó planteado como una pieza de conversación.

El traje dorado reforzó esa estrategia. Su tono cálido dialogó con la piel visible dentro de los zapatos y evitó el contraste severo de una combinación en blanco y negro. A la vez, llevar la chaqueta sin camisa apartó el conjunto de la fórmula corporativa y lo acercó a una lectura de noche.

La piel visible funcionó como hilo conductor entre el escote y los pies, una decisión que dio continuidad a elementos que, en otro contexto, podrían parecer inconexos.

Su estilo combina sastrería, sensualidad y referencias

La aparición en Londres se integra en una línea que Skarsgård viene desarrollando en sus presentaciones públicas.

El actor suele tomar prendas vinculadas con el guardarropa masculino tradicional y someterlas a pequeñas alteraciones: prescindir de la camisa, acentuar el cuerpo con cuero, elegir botas de gran escala o recurrir a textiles que desplazan la atención hacia la textura.

Durante la promoción de Pillion, por ejemplo, incorporó looks de cuero y botas altas tipo pescador en el Festival de Cannes.

Esas decisiones no funcionan como disfraces aislados, sino como variaciones sobre una misma idea: vestir para la alfombra roja sin someterse a su expectativa de elegancia segura.

El cuero, las botas extremas y ahora el PVC aparecen como recursos para introducir tensión dentro de siluetas que conservan una base clásica.

Su forma de vestir se apoya en un equilibrio entre control y exceso. Hay una lectura precisa de las proporciones: los trajes suelen ser limpios, las líneas se mantienen nítidas y las prendas no compiten todas al mismo tiempo.

A partir de esa base, un detalle altera la escena. Puede ser la ausencia de camisa, una bota que avanza sobre la pierna o, como en Londres, un par de zapatos que vuelve visible aquello que el protocolo normalmente deja fuera de cuadro.

También hay una relación con las referencias de subcultura y con ciertas nociones de masculinidad performativa.

Las prendas de cuero, los cortes ajustados y los accesorios de aspecto fetichista forman parte de lenguajes que durante décadas circularon fuera de la indumentaria formal.

Skarsgård los introduce en premieres y festivales sin convertirlos en una caracterización completa. La sastrería actúa como marco para esos elementos de ruptura, y esa convivencia evita que el resultado se lea como una provocación sin dirección.

El hacha de efectos especiales que Jack Nicholson empuñó en la icónica escena “¡Aquí está Johnny!” de El resplandor saldrá a subasta en Bonhams, Londres, el próximo 3 de febrero, con una estimación de entre £ 30.000 y £ 50.000.

El arma es uno de los cientos de objetos del archivo personal del director Stanley Kubrick que la casa de subastas pondrá a la venta por primera vez.

El hacha pertenece a una de las secuencias más célebres del terror cinematográfico: el personaje de Jack Torrance la usa para derribar la puerta detrás de la cual se refugia su esposa Wendy —interpretada por Shelley Duvall— y también es el arma con la que asesina al personaje de Scatman Crothers, Dick Hallorann.

La venta abarca objetos de varias producciones del cineasta fallecido en 1999. Entre los lotes de El resplandor también figuran los dos vestidos azul celeste que lucieron Alexia y Alexa Grady, las gemelas que invitan al pequeño Danny a “jugar con nosotras” en los pasillos del Hotel Overlook. El triciclo del niño no integra la venta.

Cuatro claquetas originales completan la oferta de la subasta: una de El resplandor, otra de 2001: Una odisea del espacio (1968), una tercera del drama histórico Barry Lyndon (1975) y la última de Eyes Wide Shut (1999), la película con la que Kubrick cerró su carrera.

El lote con la estimación más alta es la maqueta del feto que aparece en la escena final de 2001: Una odisea del espacio, conocida como el “accesorio infantil estrella” (Star Child prop). Bonhams calcula que podría alcanzar hasta £ 800.000.

Claire Tole-Moir, directora de cultura popular de Bonhams, justificó el precio: “Es la imagen final y enigmática de una de las películas de ciencia ficción más influyentes del cine. Representa la evolución, los nuevos comienzos, la ingenuidad y la ambigüedad”, dijo en declaraciones recogidas por The Guardian. La directiva añadió que la subasta ofrece a “aficionados, coleccionistas e historiadores la oportunidad de poseer una pieza de esta extraordinaria colección”.

Entre sus piezas preferidas de la venta, Tole-Moir destacó los guiones de trabajo del director, cubiertos de anotaciones personales, dibujos y escenas alternativas. “Sus guiones son increíblemente especiales… nos brindan una visión fascinante del proceso creativo de Stanley mientras realizaba algunas de sus películas más famosas”, declaró al medio británico. La subasta incluye también el guion personal de Kubrick para Espartaco (1960) y su silla de director, valorada en hasta £ 12.000.

Otro objeto que Tole-Moir señaló como representativo de la personalidad del cineasta es su juego de ajedrez personal. Según explicó, Kubrick valoraba el juego “por su combinación de estrategia, paciencia, disciplina y precisión intelectual, cualidades que se convertirían en señas de identidad de su cine”. A lo largo de los rodajes, el director solía jugar con miembros del equipo durante los descansos.

Antes de la subasta del 3 de febrero en Londres, los objetos podrán verse en una serie de exposiciones públicas: primero en Bonhams Nueva York a partir de la próxima semana, luego en Los Ángeles, en París y finalmente en Londres a partir del 18 de enero.

Tole-Moir subrayó que el archivo de Kubrick es “verdaderamente único por su profundidad, calidad e intelecto”, y que abarca “no solo los extraordinarios objetos en sí, sino también décadas de investigación, documentación y una cuidadosa preservación”. Señaló asimismo que la influencia del director fue tan extensa que dio origen al adjetivo “kubrickiano”, definido por una “atención meticulosa al detalle, maestría técnica, precisión y un estilo visual o creativo distintivo”.

Tres ciudadanos iraníes comparecieron este martes ante un tribunal del Reino Unido, acusados de espiar por encargo de la inteligencia exterior de Irán con el fin de preparar un ataque contra periodistas disidentes radicados en Londres.

Mostafa Sepahvand (41 años), Farhad Javadi Manesh (46) y Shapoor Qalehali Khani Noori (57) se presentaron ante el Tribunal de la Corona de Woolwich acompañados de intérpretes y se declararon inocentes de los cargos que enfrentan, imputados en virtud de la Ley de Seguridad Nacional británica, normativa creada para enfrentar amenazas provenientes de Estados extranjeros. Los tres nacieron en Irán, aunque residían en Londres al momento de su detención.

El fiscal Bill Emlyn Jones relató ante el jurado que los acusados vigilaron a trabajadores de Iran International, un canal de televisión en persa crítico con el régimen iraní y calificado por Teherán como organización terrorista.

Según su exposición, el trío reunió información sobre al menos dos periodistas del medio entre agosto de 2024 y febrero de 2025, lapso en el que recorrió domicilios vinculados a distintas personas y dejó registro de esas visitas mediante fotografías y videos. Ninguno de los procesados niega haber estado en esos lugares ni haber producido ese material; la controversia del juicio pasa por las razones que explicarían esa conducta.

Eliminar las voces hostiles o críticas se ha convertido, de hecho, en una política habitual de la República Islámica de Irán, sostuvo el fiscal durante la audiencia. Añadió que la intención final era que uno o varios de los señalados sufriera actos de violencia grave, como represalia por sus críticas al régimen y con el propósito de disuadir a otros de manifestarse en igual sentido.

Respecto de sus motivos, los acusados difieren entre sí. Sepahvand admitió conocer la naturaleza de su colaboración con Teherán, aunque argumentó haber actuado bajo coacción y por temor. Manesh y Noori, en cambio, sostienen que ignoraban el verdadero propósito de las tareas que realizaban. El Ministerio Público rechazó la explicación de Sepahvand, a la que calificó de “falsa”, y lo presentó como un colaborador que se ofreció de manera voluntaria a cambio de 150.000 libras esterlinas (200.000 dólares) y de la posibilidad de que se revisara una condena previa por robo dictada en su contra en Irán.

Como prueba de cargo, se difundió ante el jurado la transcripción de una nota de voz atribuida a Sepahvand, en la que se quejaba de la escasa calidad de los datos que le entregaban sus “pagadores en Irán” para localizar a sus blancos, sin aludir en ningún momento a presiones o intimidaciones. En ese audio se lo citó diciendo: “Si la persona (el objetivo) está dentro (del domicilio), ellos (sus pagadores) pagan las 150.000 libras y yo acabo con él o ella”, frase a la que sumó que se trataba de un “negocio perverso”.

Según la acusación, a Sepahvand se le había reservado el papel de concretar un eventual atentado, mientras que sus dos compañeros habrían cumplido una función de rastreo orientada a que terceros ejecutaran ese tipo de agresiones.

Entre los objetivos del grupo también figuró Kambiz Hosseini, periodista y satírico político que, según se supo con anterioridad, ya había recibido amenazas de agencias de inteligencia iraníes. Registros de telefonía móvil ubicaron a los tres hombres cerca de su domicilio. La lista de señalados se completó con Mojtaba Pourmohsen, periodista del mismo medio y reconocido además como poeta y escritor, y con el abogado Jonathan Turner, fundador del grupo UK Lawyers for Israel.

El juicio transcurre en un clima de tensión creciente entre el Reino Unido e Irán, país al que la fiscalía atribuyó ataques reiterados contra disidentes dentro y fuera de su territorio. Se estima que las audiencias en el tribunal se extenderán por hasta seis semanas.

(Con información de AFP y Reuters)

Nueva York fue elegida como la mejor ciudad del mundo en 2026, por delante de Londres y París, en el Índice Global de Ciudades 2026 de Oxford Economics.

La clasificación analizó 1.000 urbes y situó a la metrópolis estadounidense en la cima por la escala de su economía, la solidez de su mercado laboral y su capacidad para concentrar talento y actividad empresarial.

El estudio, difundido por BBC Travel, evalúa cinco dimensiones: economía, capital humano, calidad de vida, ambiente y gobernanza.

El resultado busca medir las condiciones que permiten a una ciudad atraer residentes, profesionales, empresas y visitantes, más allá de su tamaño o de su oferta turística.

Nueva York obtuvo una puntuación general de 100 sobre 100, con el máximo registro en economía. Londres alcanzó 98,8 puntos y lideró la categoría de capital humano, mientras que París, tercera con 93,4, destacó por sus indicadores de calidad de vida. El podio se mantuvo sin cambios respecto de la edición anterior.

Nueva York encabezó la lista por su economía y su mercado laboral

Oxford Economics atribuyó el liderazgo de Nueva York y Londres a la dimensión de sus economías y a la fortaleza de sus mercados de trabajo.

La consultora sostiene que sus mercados de capitales, sus redes empresariales y la concentración de trabajadores especializados sostienen su posición frente a otras grandes áreas urbanas.

El índice permite consultar los resultados de cada ciudad y comparar hasta cuatro urbes en una escala de cero a 100.

Además de la clasificación general, incluye perfiles de las 50 primeras y una lista de ciudades con posibilidades de ganar peso en los próximos años.

La metodología parte de que las oportunidades económicas no se distribuyen de forma uniforme dentro de un país.

Por eso, algunas áreas urbanas superan el desempeño de sus economías nacionales gracias a su oferta laboral, sus instituciones y su capacidad de captar inversión.

Europa y América del Norte concentraron 78 de los primeros 100 puestos. Para Oxford Economics, esa presencia refleja una ventaja consolidada para captar empresas innovadoras y profesionales calificados, aunque el crecimiento global se desplaza de forma gradual hacia las grandes ciudades asiáticas.

Londres lideró en capital humano y París sobresalió en calidad de vida

Londres recibió la calificación más alta en capital humano. Casi el 40 % de sus residentes nació fuera del Reino Unido, según BBC Travel, un factor que incide en la diversidad de su mercado laboral y en una oferta cultural y gastronómica que se extiende desde Brick Lane hasta Borough Market.

La capital británica también tuvo un resultado ambiental destacado para una urbe de su escala. El cobro por congestión vehicular y la Zona de Emisiones Ultra Bajas contribuyeron a reducir el tránsito y la contaminación en el centro de la ciudad.

París completó el podio con una valoración elevada en calidad de vida. La esperanza de vida y el acceso a propuestas culturales figuraron entre los elementos que respaldaron su posición en la clasificación.

La capital francesa cuenta con cerca de 130 museos. Once museos municipales ofrecen acceso gratuito a sus colecciones permanentes desde 2001, sin distinción de nacionalidad o lugar de residencia, y otros espacios habilitan jornadas de entrada sin cargo al menos una vez al mes.

Seattle y San Francisco reforzaron el peso de Estados Unidos en el top 10

Detrás de las tres primeras ciudades se ubicaron Seattle, San Francisco, Dublín, Boston, San José, Tokio y Zúrich. Seattle, cuarta en la clasificación, sobresalió en calidad de vida y en ambiente, con una puntuación de 88,1 en esta última categoría.

La ciudad estadounidense terminó recientemente el Waterfront Park, un parque de 8,1 hectáreas (20 acres) construido en el espacio que dejó una autopista demolida. El lugar incorpora muelles de uso comunitario y carriles para bicicletas junto al estrecho de Puget.

San Francisco, quinta en la lista, recibió una evaluación ambiental favorable por su red de transporte. BBC Travel señaló que esa infraestructura ayuda a reducir la dependencia del automóvil, las emisiones y la contaminación atmosférica.

En el sexto lugar quedó Dublín, cuya fuerza laboral se nutre de instituciones como Trinity College Dublin. La presencia de graduados y profesionales especializados atrajo operaciones de compañías internacionales como Google, Meta, Microsoft y Accenture, e impulsó la renovación de los antiguos muelles y de los espacios públicos próximos al río Liffey.

Boston y San José reflejan el peso de la educación y la tecnología

Boston se ubicó séptima gracias, en parte, a su desempeño en capital humano. La concentración de universidades y centros de educación superior sostiene una economía basada en el conocimiento, asociada con algunos de los ingresos más altos del mundo.

Parte de esa transformación urbana se observa en la Rose Kennedy Greenway, un corredor de jardines, fuentes y arte público que ocupa el sitio donde antes había una autopista elevada.

San José quedó en el octavo puesto y registró el mayor producto interno bruto por habitante de todo el índice. Integrada a Silicon Valley, la ciudad alberga sedes de Alphabet —propietaria de Google—, Apple y Nvidia, y mantiene una fuerte presencia de compañías tecnológicas como Meta, Uber y Salesforce.

La proximidad con San Francisco hizo que la tecnología se incorporara a la vida cotidiana de la ciudad. Los vehículos sin conductor ya circulan como parte de la oferta de transporte, de acuerdo con BBC Travel.

Las ciudades asiáticas y de Medio Oriente aparecen entre las que podrían avanzar

Shanghái, Beijing y Delhi no ingresaron en los primeros 100 puestos, pero Oxford Economics las incluyó entre las ciudades que podrían registrar los mayores aumentos del producto interno bruto hasta 2050.

Sus poblaciones numerosas, junto con los avances en productividad e ingresos, pueden modificar el equilibrio urbano global durante las próximas décadas.

Dubái y Riad entraron por primera vez entre las 50 principales ciudades del índice. La consultora vinculó su avance con la atracción de trabajadores calificados y empresas innovadoras, aunque advirtió que el conflicto en Irán supone un obstáculo para la región.

El informe consideró que las ventajas estructurales de esas metrópolis y el respaldo de grandes fondos soberanos podrían favorecer nuevos ascensos.

Tallin, capital de Estonia, también fue incluida entre las Ciudades a Observar por el crecimiento de su industria tecnológica y por su adopción de inteligencia artificial.

Entre los proyectos de la ciudad figura Rail Baltica, una red ferroviaria que prevé conectar a los países bálticos antes de 2030. La iniciativa contempla energía renovable y sistemas de comunicación 5G sin señales físicas.

La Policía Antiterrorista del Reino Unido (CTP, por sus siglas en inglés) detuvo este jueves a un hombre de 27 años con doble nacionalidad, británica e iraní, por su presunta vinculación con el plan frustrado cerca de la base aérea de RAF Fairford, en Gloucestershire. Fue arrestado en el distrito londinense de Westminster por sospecha de preparar actos terroristas, conforme a la sección 5 de la Ley Antiterrorista de 2006, según el comunicado de la CTP.

Un segundo hombre, británico y de 26 años, fue interrogado bajo advertencia. Los agentes registraron además dos propiedades en la misma zona de Londres. La policía no ha revelado la identidad del detenido.

Vicki Evans, coordinadora nacional de la CTP, calificó la pesquisa de “muy compleja”. Dijo que los investigadores manejan varias líneas, entre ellas la “posible implicación de un Estado extranjero”.

El episodio comenzó en la madrugada del domingo 27 de septiembre. La policía de Gloucestershire recibió a las 00:45 h un aviso sobre tres furgonetas sospechosas que se dirigían a la base. Poco después, una vecina informó de la presencia de un grupo numeroso de hombres encapuchados y enmascarados. La CTP confirmó el martes que no se hallaron artefactos explosivos en los vehículos, pero sí una cantidad indeterminada de gasolina.

Ese día fueron detenidos cinco hombres de entre 23 y 25 años, sospechosos de delitos de explosivos y terrorismo. Quedaron en libertad bajo fianza y deben cumplir restricciones de movimiento mientras avanza la investigación.

La acusación política llegó el miércoles. Andy Burnham dijo a la BBC que existen “indicios sólidos” de que Irán participó en lo ocurrido, aunque subrayó que se trata de una investigación policial “compleja”. Fue la primera vez que un responsable británico vinculó públicamente a Irán con los hechos.

El canciller iraní, Abás Araqchí, respondió este jueves que Burnham “ladra al árbol equivocado”. La embajada de Irán en Londres había descartado el lunes “categóricamente” cualquier implicación. Ese mismo día, el secretario de Estado estadounidense, Marco Rubio, afirmó en Fox News que el incidente “claramente implica la mano de un actor extranjero”, también sin ofrecer pruebas.

La base explica el peso de la acusación. RAF Fairford es la principal base avanzada de bombarderos de la Fuerza Aérea de Estados Unidos en Europa. Es además una de las dos instalaciones europeas capaces de alojar los tres bombarderos estratégicos estadounidenses: el B-1, el B-2 y el B-52.

La guerra entre Washington, Israel e Irán empezó el 28 de febrero. El entonces primer ministro, Keir Starmer, negó al principio a Estados Unidos el uso de bases británicas y luego autorizó Fairford y Diego García, aunque limitó el permiso a ataques “defensivos” contra emplazamientos de misiles iraníes. En marzo, tres B-1B aterrizaron en Fairford tras lo que se consideró la primera misión de bombardeo contra Irán lanzada desde suelo británico.

Teherán respondió con advertencias. Su embajador en Londres, Seyed Ali Mousavi, dijo que Irán evaluaba si las bases británicas eran objetivos legítimos. Las represalias iraníes ya han alcanzado a países del Golfo y a una base británica en Chipre. El conflicto sigue sin cierre: cuando expiró una tregua de 60 días pactada en junio, Donald Trump dijo que no había conversaciones previstas y que el bloqueo naval continuaba.

Las autoridades británicas ya habían actuado contra supuestas redes iraníes. En mayo de 2025, tres iraníes fueron acusados de ayudar a un servicio de inteligencia extranjero, identificado como el iraní, entre agosto de 2024 y febrero de 2025. La acusación presentada ante el tribunal sostuvo que tenían como objetivo a periodistas de Iran International, cadena crítica con Teherán. El Gobierno británico colocó además a Irán en el nivel más alto de su registro de influencia extranjera.

Por ahora, el caso se sostiene en detenciones y sospechas. Nadie ha sido acusado formalmente, la policía no ha dicho qué pretendía el grupo y los indicios que cita Burnham no son públicos. Lo que revele la investigación en los próximos días decidirá si el incidente queda como un caso penal o se convierte en una crisis diplomática entre Londres y Teherán, en plena guerra.

Yusuf Ali Osman, una persona ciega de ambos ojos, presentó una demanda contra el Museo Británico por no contar con audioguías accesibles para la exposición del Tapiz de Bayeux, la obra medieval que visita Londres por primera vez en casi mil años. La acción legal fue impulsada por el bufete Leigh Day, que envió una carta al museo alegando el incumplimiento de la Ley de Igualdad del Reino Unido.

Antes de su visita, Osman llamó al museo para consultar si habría audioguías disponibles y le confirmaron que no. Según Leigh Day, el museo había decidido priorizar las visitas autoguiadas sobre las guiadas y los eventos programados, dado el alto volumen de demanda. Para gestionar el flujo de visitantes, el Museo Británico estableció franjas horarias de 40 minutos y prohibió la fotografía.

En un comunicado, un portavoz del museo señaló que la institución se comprometía a que la exposición fuera “lo más accesible posible” y que había trabajado con consultores especializados.

Entre las medidas mencionadas figuran un mapa sensorial y visitas guiadas con audiodescripción presencial. El museo también indicó que estudia incorporar una visita con audiodescripción independiente en la audioguía de la aplicación, aunque sin precisar plazos.

Osman reclama una indemnización económica y exige que el museo modifique sus políticas e imparta formación sobre discapacidad. “Espero que esta acción legal contribuya a garantizar que las personas ciegas y con discapacidad visual sean debidamente tenidas en cuenta al planificar grandes exposiciones”, declaró, según recogió The Telegraph.

La llegada del tapiz al Museo Británico no ha estado exenta de controversias. La obra —bordada sobre 70 metros de lienzo de lino y confeccionada en la década de 1070 en Inglaterra— regresó a su país de origen desde Normandía, Francia, para una exhibición de carácter excepcional.

Anteriormente, la institución dio marcha atrás en su política sobre fotografía de la pieza y los conservadores detectaron dos pequeñas averías tras su traslado.

La exposición también generó debate diplomático: el primer ministro griego rechazó una comparación propuesta por el museo entre el tapiz y los Mármoles del Partenón, conocidos también como Mármoles de Elgin, cuya devolución Grecia reclama desde hace décadas.

La obra narra la conquista normanda con una estética de poder masculino que sigue provocando análisis

Más allá de la controversia judicial, el tapiz continúa siendo objeto de estudio académico por su contenido. La obra relata la conquista normanda de Inglaterra, con la Batalla de Hastings y la muerte del rey Harold II como punto culminante.

Los investigadores han señalado que la pieza refleja una sociedad del siglo XI organizada en torno a la hipermasculinidad: un tercio de los hombres representados están armados, y las escenas de construcción de embarcaciones, tala de árboles y caza refuerzan ese clima previo al enfrentamiento entre Guillermo, duque de Normandía, y Harold Godwinson.

El historiador cultural Christopher Monk describió esas escenas como “difíciles de superar en cuanto a atmósfera cargada de testosterona”, según declaraciones recogidas por BBC Culture.

De los centenares de figuras representadas, apenas seis mujeres integran la trama central del tapiz. Los especialistas apuntan que su función es principalmente lo que Monk denomina “puntuación emocional”: la reina Edith llora la muerte de su esposo, Eduardo el Confesor, mientras una madre y su hijo huyen del avance normando.

La doctora Emily Joan Ward, de la Universidad de Edimburgo, señaló que la escasez de figuras femeninas responde a que “la narrativa gira en torno a la acción masculina” y a que el probable patrocinador de la obra, Odo de Bayeux, medio hermano de Guillermo, destinaba el tapiz a un círculo social “en gran medida homosocial masculino”.

Por otro lado, en la réplica elaborada en 1885 por 35 mujeres de la Leek Embroidery Society —hoy en el Museo de Reading—, los atributos equinos desaparecieron y la figura masculina desnuda de los bordes fue vestida con pantalones cortos. Esa versión, sin embargo, incorporó un borde adicional donde cada bordadora cosió su nombre, un gesto que reivindicó la autoría femenina de una obra sobre la que, como señaló Ramírez, “muy pocos comienzan a hablar pensando en las mujeres que lo hicieron”.

Apple inauguró el Apple Music Hall, su nuevo auditorio en en Londres, y Elton John fue el encargado de estrenar el recinto. Un espacio con capacidad para 600 personas que combina un escenario de música en vivo con un centro de producción audiovisual de última generación.

El Apple Music Hall se ubica a orillas del Támesis, dentro de la histórica central eléctrica de Battersea, junto a la oficina y la tienda de Apple en Londres. El diseño retoma elementos del edificio original: paredes de ladrillo visto, arcos acanalados y balcones de bronce que evocan las ventanas en voladizo de la planta. Un muro de cristal conecta visualmente el interior con la explanada exterior y con el río.

El escenario mide 11,5 metros de ancho y puede reconfigurarse: admite el formato tradicional, con el público de frente, o una disposición circular que acerca a los asistentes a los artistas. Con capacidad limitada a 600 personas, el recinto busca preservar una atmósfera íntima sin resignar infraestructura de gran producción.

Oliver Schusser, vicepresidente de Apple Music and International Content de Apple, definió la apertura como un paso decisivo para la compañía. “El profundo amor de Apple por la música se remonta a sus inicios, desde el lanzamiento del iPod”, señaló el directivo, quien agregó que el nuevo espacio representa “un gran paso adelante” en el compromiso con artistas y fans.

Cómo es la tecnología de sonido del Apple Music Hall

El auditorio incorpora un sistema de audio espacial compuesto por 48 altavoces distribuidos alrededor del público, que genera una experiencia sonora envolvente al ubicar instrumentos, voces y efectos en distintos puntos del espacio.

Detrás del escenario, el recinto funciona como centro de producción completo. Dos estudios de grabación y mezcla, diseñados con estándares profesionales, permiten registrar cada presentación en multipista y procesarla en Audio Espacial, ya sea en vivo o después del show.

El Apple Music Hall está preparado para operar con 16 cámaras o más, conectadas a una sala de control de transmisión diseñada a medida. Esa infraestructura combina cámaras profesionales con grabación en iPhone, lo que permite capturar cada concierto desde varios ángulos de forma simultánea.

El Apple Music Hall es un auditorio de Apple ubicado en la central eléctrica de Battersea, en Londres, con capacidad para 600 personas. Combina conciertos íntimos con tecnología de audio espacial, grabación multicámara y transmisión mundial.

En una sola presentación, un artista puede obtener así un concierto en vivo, una grabación terminada en Audio Espacial, una mezcla lista para transmitir y un video multicámara. Apple busca con esto acelerar la transformación de una actuación en directo en contenido listo para distribuirse en Apple Music y otros canales de la compañía.

Cuáles son las transmisiones en vivo que siguen en el escenario de Apple

Las actuaciones del Apple Music Hall se transmiten en directo a nivel mundial, lo que permite a fans fuera de Londres seguir los shows en tiempo real. Se requiere una suscripción a Apple Music para acceder a las transmisiones.

Zane Lowe, director creativo global de Apple Music y conductor de Apple Music 1, sostuvo que el proyecto busca “nuevas oportunidades para conectar a los artistas y a los fans” y calificó la apertura como una forma de “disfrutar de lo mejor de la música en un lugar increíble y compartirlo con el mundo”.

Tras el show inaugural de Elton John, el cartel confirmado incluye a Baby Keem el 2 de octubre y Skye Newman el 7 de octubre.

La agenda continúa con Troye Sivan el 13 de octubre, Arlo Parks el 22 de octubre y Burna Boy el 29 de octubre. Chase & Status se presentarán el 26 de noviembre, y Charli xcx cerrará la primera serie de conciertos anunciada el 2 de diciembre. Las fechas de venta para estos últimos shows se anunciarán más adelante.

Fue la primera fuerza policial moderna y profesionalizada del mundo. Por su nombre se podría creer que fue creada en Escocia, pero vio la luz en las neblinosas calles de la capital inglesa hace casi dos siglos. Su denominación oficial era –y es– Policía Metropolitana de Londres, aunque todo el mundo la conoce como Scotland Yard por el emplazamiento de su primera sede, en un viejo palacio ubicado en el número 4 de Whitehall Place donde había una puerta trasera que daba a la calle Great Scotland Yard, a orillas de Támesis.

La fuerza policial de Londres fue creada el 29 de septiembre de 1829 por una ley presentada en el Parlamento por el ministro del Interior, Sir Robert Peel, para reemplazar al antiguo y fragmentado sistema de vigilantes de la ciudad, que incluía a la Policía del Támesis y a las patrullas de Bow Street, un pequeño cuerpo policial organizado a mediados del siglo XVIII por el novelista y magistrado Henry Fielding y su hermanastro, Sir John Fielding.

Por el nombre de su fundador, los londinenses bautizaron como “bobbies” o “peeles” a sus primeros agentes, cuyos uniformes se hicieron una presencia constante en la ciudad. “Su función inicial era la de una fuerza de prevención del delito, porque si hay que investigar un crimen, este ya se ha cometido. Pero, por supuesto, dada la naturaleza misma del trabajo de Scotland Yard, termina llevando a cabo investigaciones bastante pronto”, cuenta Simon Read, autor de Scotland Yard: A History of the London Police Force’s Most Infamous Murder Cases, donde reúnes datos curiosos, hitos clave y los desafíos a los que se enfrentó la Policía Metropolitana de Londres en su historia.

Detectives de civil

Para poder investigar con más eficacia, en 1842 puso en servicio a sus primeros agentes de civil, una medida que al principio produjo un fuerte rechazo social y provocó protestas públicas en las que se los acusó de “espías”. La División de Detectives de Scotland Yard fue la primera del mundo y en un principio contaba solo con dos inspectores detectives, dos oficiales superiores y seis sargentos, que dependían de las comisarías locales de Londres y se movían con cierta independencia de la sede central.

Esa libertad de acción no fue lo beneficiosa que se esperaba, porque pronto algunos de esos agentes se vieron involucrados en casos de venta de protección policial y de corrupción. Cuando algunos de estos oficiales participaron en un escándalo de apuestas en 1877, se creó el nuevo Departamento de Investigaciones Criminales (CID). “Era un cuerpo más profesional, más estructurado y operaba centralmente desde la sede central. A partir de 1878, todos los detectives dependían de la sede central con una estructura de mando más ágil. Los agentes del CID eran considerados más capacitados y recibían un salario mayor. Realmente se los promovió como la élite y comenzaron a beneficiarse de los avances en las técnicas de lucha contra el crimen que la División de Detectives original no tenía a su disposición”, explica Read.

Adelantada en métodos forenses

En ese sentido, Scotland Yar también fue pionera en la utilización de métodos forenses que articulaban instrumentos científicos con el trabajo de los detectives. Fue una de las primeras fuerzas policiales en aplicar la balística para identificar las armas de fuego utilizadas para perpetrar crímenes y en realizar análisis de sangre y exámenes toxicológicos para esclarecer los asesinatos por envenenamiento, muy comunes en la segunda mitad del siglo XIX por la facilidad con que se podían adquirir sustancias letales como el arsénico, la estricnina y el cianuro.

También fue la primera fuerza de un país de habla inglesa en utilizar las huellas dactilares para identificar víctimas y victimarios, con una oficina específica cuyo jefe, Edward Henry, desarrolló un sistema de clasificación en función de sus características que luego fue adoptado internacionalmente y se utilizó hasta la década de 1990. Otra innovación fue la utilización de perros de rastreo en algunas investigaciones criminales. Decenas de curiosos se reunían en Hyde Park y Regent’s Park para ver los entrenamientos de los animales u observar como eran capaces de identificar a una persona por el olor de una prenda que le acercaban al hocico.

Jack y el primer perfil criminal

La imagen de Scotland Yard como fuerza policial eficiente sufrió el golpe más duro de su historia en 1888, cuando sus hombres no pudieron identificar y mucho menos capturar a Jack el Destripador, el asesino en serie que aterrorizó a todo Londres y dio lugar a ríos de tinta en los medios de la época cuando asesinó a por lo menos cinco prostitutas en menos de dos meses antes de desaparecer para siempre.

Sin embargo, pese a las críticas del público y la prensa, la fuerza llevó a cabo una minuciosa investigación para tratar de identificar al asesino. Dedicó un centenar de agentes al caso, que entrevistaron a testigos y vecinos, casa por casa, mientras que el material forense era analizado con los métodos más avanzados de la época. Se sabe se tomaron más de dos mil declaraciones, se investigó a unas trescientas personas como sospechosos y hubo ochenta detenidos, aunque ninguno de ellos resultó ser Jack.

El caso también dio lugar a la elaboración del primer perfil criminal de la historia policial, a cargo del médico forense Thomas Bond. Luego de analizar minuciosamente toda la información existente sobre los asesinatos, el experto rechazó la idea de que el asesino contara con conocimientos científicos o anatómicos, o “el entendimiento técnico de un carnicero o matarife”, y sostuvo que debía tratarse de un hombre solitario, sujeto a “ataques periódicos de manía homicida o erótica” e hipersexual dado el tipo de mutilaciones. También señaló que “el impulso homicida podría haber surgido de alguna condición mental de venganza o melancolía, o una manía religiosa, aunque no creo que ninguna de estas hipótesis sea procedente”.

El doctor Bond también confirmó también la sospecha de que se trataba de un solo criminal y no de varios. “No cabe duda de que los cinco asesinatos fueron cometidos por la misma mano. En las primeras cuatro (víctimas), las gargantas parecen haber sido cortadas de izquierda a derecha y en la última, debido a la extensa mutilación, es imposible decir en qué dirección se hizo el corte fatal, aunque se encontró sangre arterial en la pared, salpicada cerca de donde la cabeza de la mujer debió haber estado. Las circunstancias en torno a los asesinatos me llevan a deducir que las mujeres estaban recostadas al momento de ser asesinadas, y en todos los casos (el asesino) cortó primero la garganta”, escribió en su informe, que hoy es una pieza emblemática de la historia de las investigaciones criminales.

Entre los detectives que participaron de la fracasada investigación para capturar a Jack el Destripador hubo un joven que con el tiempo se convertiría en leyenda. Frederick Porter Wensley, alias “la comadreja”, se incorporó a la policía londinense precisamente en 1888 y su carrera de casi cuarenta años estuvo marcada por muchos casos resonantes que lo hicieron un personaje conocido y admirado por el público.

En noviembre de 1917 resolvió con una simple jugada el asesinato de la francesa Emilienne Gerard, de 32 años, cuyo torso fue encontrado por unos barrenderos junto con una nota que decía “Bélgica Sangrienta”, con un error ortográfico. Wensley interrogó al amante de Gerard, Louis Voisin, y le pidió que escribiera el mensaje “Bélgica Sangrienta”. Voisin cometió el mismo error ortográfico, lo que permitió identificarlo como el asesino.

Las manchas negras

En sus casi dos siglos de historia, la Policía Metropolitana de Londres fue acusada no pocas veces por sus excesos represivos. Un hecho que forma parte de sus páginas negras fue el comportamiento de sus hombres durante los disturbios del West End en 1886 cuando una multitud salió a las calles para protestar por el alto desempleo y la difícil situación económica. Los hombres de Scotland Yard reprimieron de manera salvaje, pero no pudieron impedir los destrozos de negocios y propiedades. “No nos sorprende la incapacidad de la policía para controlar a una turba. Hemos tenido demasiada experiencia con su aptitud e impotencia”, criticó en un editorial lapidario la Pall Mall Gazette. Como consecuencia, ese mismo año el Parlamento aprobó la Ley de Daños por Disturbios, que establecía que en casos de destrozos de propiedades o lesiones a personas las indemnizaciones debían pagarse con fondos destinados a la policía.

Otro duro golpe para la reputación de Scotland Yard fue el asesinato del electricista brasileños Jean Charles de Menezes. El 22 de julio de 2005, durante la investigación de los atentados de Londres de ese año, agentes de la fuerza confundieron a Menezes con un terrorista suicida, le dispararon y le causaron la muerte. Menezes vivía en uno de los pisos que la policía vigilaba, vestía ropa holgada debajo de la cual se podía suponer que escondía algún arma o explosivo y, según la policía, se parecía a un sospechoso etíope que posteriormente fue arrestado por los atentados.

La Policía Metropolitana de Londres fue declarada culpable en noviembre de 2007 por violar las leyes de seguridad e higiene laboral y le impuso una multa de 175.000 libras esterlinas (equivalentes a unos 350.000 dólares en ese momento), más los costos del proceso judicial. En cambio, ningún agente de la fuerza ni sus mandos superiores enfrentaron cargos criminales ni fueron procesado por el homicidio, lo que desató fuertes críticas en los medios de comunicación y en la opinión pública.

Personajes de novela

Más allá de sus logros y de sus fracasos en el combate contra el crimen, con el tiempo sus agentes se convirtieron también en personajes de la literatura policial. Charles Dickens solía acompañar las recorridas nocturnas de sus patrullas y se inspiró en uno de sus primeros oficiales, el inspector Charles Frederick Fields, para crear al perspicaz inspector Bucket, protagonista de su novela Casa Desolada.

El autor de David Copperfield contribuyó en gran medida a realzar la reputación de los detectives de Scotland Yard. Cuando era director del semanario Household Words invitaba a los miembros de la División de Detectives de la fuerza a su oficina, donde bebían brandy, fumaban puros y contaban historias. “Con ese material terminó publicando una serie de perfiles anónimos sobre ellos, además de entablar una gran amistada con Fields, a quien transforma en el inspector Bucket y lo retrata como un intelectual creativo, como un conocedor de arte que puede mirar un cuadro y saber que debe haber sido pintado por Monet”, relata Read. Sin embargo, esos perfiles de Dickens terminaron siendo un arma de doble filo para la imagen de Scotland Yard, porque sus hombres de carne y hueso, humanos y falibles al fin, nunca estaban a la altura de los protagonistas de los textos que publicaba en la revista.

Otros autores fueron mucho menos benévolos que Dickens con los agentes de Scotland Yard. Sir Arthur Conan Doyle no perdió la oportunidad de ponerlos en ridículo con novelas en cuyas tramas siempre terminaban superados el ingenio del infalible Sherlock Holmes. Lo mismo hizo años después Agatha Christie con su icónico detective Hércules Poirot, que resolvía todos los casos antes que su rival de Yard, el inspector Japp.

Cuando se cumplen 197 años de su creación, Scotland Yard es una de las fuerzas policiales ciudadanas más grandes del planeta con una dotación de 32.135 agentes uniformados e investigadores, a los que se suman 11.500 empleados civiles de apoyo, agentes comunitarios y oficiales especiales. Desde 2016 tiene su sede en el edificio Curtis Green, ubicado en el Victoria Embankment de Londres, en cuyo hall se puede leer el lema: “Working together for a safer London” (Trabajando juntos por un Londres más seguro).

El anuncio llega meses después de que el artista cancelara los tramos finales de su gira de despedida por Estados Unidos tras someterse a una intervención cardíaca. “El momento de despedirme de la vida en la carretera llegó. Después de más de seis décadas, The Final Encore será definitivamente mi última gira”, afirmó en un comunicado.

Luego agregó: “Llevo cantando la música que amo desde que tenía 19 años y tuve el privilegio de llevarla por todo el mundo. Me dio una vida más allá de lo que pude imaginar”, según recogió el diario británico.

La gira arranca en Irlanda en abril y cierra en Alemania en julio

El recorrido comenzará el 23 de abril de 2027 en el 3Arena de Dublín y recorrerá las principales ciudades del Reino Unido: Belfast, Glasgow, Birmingham, Mánchester y Londres, donde se presenta el 11 de mayo en The O2. Luego se extenderá por el continente con fechas en Ámsterdam, Amberes, Berlín, Düsseldorf, Copenhague, Helsinki, Suecia, Noruega, Budapest, Múnich, Pula y Praga.

El recorrido también incluye una parada en Cracovia, Polonia, antes del cierre definitivo el 24 de julio en el ZAG Arena de Hannover, Alemania. El músico prometió “un espectáculo de primera” y no descartó actuaciones puntuales fuera del tour. En su agenda figuran todavía dos conciertos en Red Rocks, Colorado, en septiembre de 2027, fechas reprogramadas desde junio de este año por una inflamación en las cuerdas vocales.

Una serie de contratiempos físicos marcó su despedida en Estados Unidos

Durante “One Last Time”, su gira de despedida por Estados Unidos, Stewart debió cancelar conciertos en 2025 por gripe, covid-19, faringitis estreptocócica y la necesidad de reposo vocal. En una actuación en Utah, detuvo el show para usar una máscara de oxígeno tras casi desmayarse en el escenario. Poco después, canceló el resto de la gira al someterse a una intervención cardíaca.

A pesar de esos contratiempos, el cantante cumplió con su presentación en el festival de Glastonbury, donde ocupó el espacio reservado para las “leyendas”. The Guardian lo describió “con buena voz, especialmente considerando las cancelaciones previas”, y lo destacó como “un intérprete físico, que se retuerce y se lanza por el escenario”. Esa actuación reafirmó su capacidad de conectar con el público pese a las dificultades de salud que marcaron ese tramo de su carrera.

Seis décadas de carrera con 29 álbumes de estudio y un reciente número uno

El músico comenzó a actuar desde adolescente, a principios de los años 60, cuando recorrió Europa junto al cantante folk Wizz Jones con una armónica. Ese viaje terminó con una deportación desde España por vagabundeo. Con el tiempo, pasó por agrupaciones como Jimmy Powell & the Five Dimensions, Steampacket y Shotgun Express, antes de integrarse al Jeff Beck Group y, más tarde, a Faces.

Su carrera solista despegó a finales de esa misma década y alcanzó su mayor impulso comercial con Every Picture Tells a Story (1971), álbum que encabezó las listas de ventas en el Reino Unido. El más reciente, Swing Fever (2024), una colaboración con el músico Jools Holland, alcanzó el número uno en ese mismo mercado.

Aunque el cierre de su vida como artista itinerante parece próximo, el cantante dejó abierta la posibilidad de nuevos proyectos en estudio. En el programa radial Desert Island Discs contó que trabaja en canciones junto a su excompañero en Faces, Ronnie Wood: “Tenemos un buen repertorio de canciones en marcha. Cuando tengamos la oportunidad de entrar al estudio, las terminaremos”, afirmó, según The Guardian.

Qantas confirmó este martes que su programa Project Sunrise tendrá una segunda ruta: vuelos directos entre Sídney y Nueva York a partir de mediados de 2028, una conexión que nunca existió en la historia de la aviación comercial.

El programa es una iniciativa de la aerolínea australiana para conectar Australia directamente con los grandes centros urbanos del mundo.

La primera ruta confirmada, entre Sídney y Londres, arrancará en octubre de 2027 y recortará hasta cuatro horas frente al tiempo de viaje actual con escala.

The New York Times recordó que la compañía opera vuelos a Nueva York desde 1958, siempre con escala en Auckland. La ruta directa eliminará esa parada y reducirá en más de tres horas el tiempo total de viaje.

El trayecto llevará aproximadamente 18 horas, a bordo de un avión capaz de permanecer en el aire hasta 22 horas sin repostar.

El A350-1000ULR, diseñado para volar casi un día entero sin parar, operará la ruta

Para estos vuelos, Qantas utilizará el Airbus A350-1000ULR, una versión de larga distancia equipada con un depósito de combustible adicional de 20.000 litros.

Esa modificación permite que la aeronave cubra más de 16.000 kilómetros (casi 10.000 millas) sin escalas.

Cada aparato contará con 238 asientos distribuidos en cuatro cabinas: 6 suites de primera clase, 52 de clase ejecutiva, 40 de clase económica premium —con un espacio entre asientos de 34 pulgadas— y 140 de clase económica estándar en disposición 3-3-3.

Los pasajes saldrán a la venta en agosto de 2027

La apertura de ventas para los vuelos Sídney–Nueva York está fijada para agosto de 2027, casi un año antes del inicio del servicio.

Los billetes para la ruta Sídney–Londres, en cambio, estarán disponibles desde febrero de 2027.

Vanessa Hudson, directora ejecutiva del Grupo Qantas, destacó el valor histórico del anuncio. “Alcanzar Nueva York sin escala completa una visión que nos planteamos hace muchos años, y es un momento de enorme orgullo para los miles de personas de nuestra compañía que han trabajado para hacer de Project Sunrise una realidad”, afirmó en declaraciones recogidas por ABC7.

El bienestar de los pasajeros, en el centro del diseño de cabina

El interior de los A350 incorpora una zona denominada Wellbeing Zone, un espacio dedicado al movimiento durante el vuelo.

Allí los pasajeros tendrán acceso a programas guiados de ejercicio en pantalla, manijas integradas para estiramientos y una selección de refrigerios.

En clase ejecutiva y primera clase, las camas planas alcanzan las 80 pulgadas de extensión. Los asientos de primera incluyen, además, un sillón reclinable independiente y un armario de longitud completa.

La primera aeronave llegará en abril de 2027 tras un retraso en las entregas

El primer A350-1000ULR de la flota será entregado a Qantas en abril de 2027, después de una demora vinculada a problemas en la cadena de suministros, informó el portal especializado AeroTime.

Las previsiones originales apuntaban a una entrega a fines de 2026. Las cuatro aeronaves siguientes llegarán en rápida sucesión, según la misma fuente.

La prueba de vuelo del prototipo concluyó con éxito en julio, cuando un A350 completó un trayecto de 24 horas y 24 minutos entre Melbourne y Toulouse.

La compañía ya inició la formación de sus equipos en el primer simulador de A350 instalado en Australia, con el objetivo de capacitar a más de 360 pilotos y 1.200 tripulantes de cabina antes de que llegue la última aeronave de la flota.

La programación, la venta de boletos y el inicio de las operaciones aún dependen de la certificación de las aeronaves y de las autorizaciones regulatorias, precisó AeroTime.

El medio australiano 9News indicó, por su parte, que Qantas había estimado que las tarifas de sus vuelos de ultra largo alcance podrían ser cerca de 20 % más elevadas que las de itinerarios con una escala. La empresa todavía no comunicó precios concretos para el trayecto a Nueva York.

Con esta segunda ruta confirmada, la aerolínea cierra el esquema central de Project Sunrise tal como fue planteado originalmente en 2017: vuelos directos desde la costa este de Australia hacia Londres y Nueva York, dos destinos que durante décadas permanecieron fuera del alcance de la aviación comercial sin escala.

El músico británico se presentará en formato solista ante una audiencia reducida.

En una conversación con Apple, señaló que Londres necesitaba un espacio de estas características, apto tanto para artistas nuevos como para figuras con trayectorias consolidadas que buscan tocar en salas de menor capacidad.

“Hace falta un lugar así en Londres”, afirmó Elton John. “Hay sitios como Union Chapel, que son encantadores, pero no teníamos un recinto nuevo con esta tecnología, donde puedan tocar artistas emergentes y también personas como yo, que disfrutamos de presentarnos ante públicos más pequeños e íntimos”.

La programación inaugural de 2026 continuará el 2 de octubre con Baby Keem. Luego se presentarán Skye Newman, el 7 de octubre; Troye Sivan, el 13 de octubre; Arlo Parks, el 22 de octubre; y Burna Boy, el 29 de octubre.

La primera temporada del recinto también incluirá a Chase & Status, el 26 de noviembre, y a Charli XCX, quien cerrará la lista de fechas anunciadas el 2 de diciembre.

El Apple Music Hall tendrá capacidad para 600 personas y transmisión global

El Apple Music Hall funcionará dentro de la histórica Battersea Power Station, a orillas del río Támesis. Tendrá una capacidad para 600 asistentes, una cifra que apunta a ofrecer conciertos de formato reducido y una mayor cercanía entre los artistas y el público.

El espacio contará con un escenario reconfigurable de 11,5 metros, equivalentes a 38 pies, y un sistema de sonido compuesto por 48 altavoces, compatible con Spatial Audio. Además, dispondrá de recursos para grabaciones profesionales con múltiples cámaras.

Apple transmitirá los conciertos en directo para el público internacional a través de Apple Music, con una programación que combinará artistas de distintos géneros y trayectorias.

Apple Music subió los precios de sus suscripciones

De $10,99 a $11,99 mensuales se elevó el plan Individual de Apple Music. El mayor ajuste correspondió al plan Familiar, cuyo precio pasó de $16,99 a $19,99, es decir, tres dólares más. A su vez, el plan Estudiantil subió un dólar: de $5,99 a $6,99.

Ante Music Business Worldwide, la empresa explicó el incremento mediante esta declaración: “Como resultado del aumento en los costos de licencias, Apple Music está incrementando su precio de suscripción a partir de hoy”.

Apple había dado la misma explicación en octubre de 2022, al elevar el precio del plan Individual de $9,99 a $10,99. En aquella ocasión, añadió que “los artistas y compositores ganarán más por el streaming de su música”.

Los precios actualizados rigen de inmediato para los nuevos usuarios. Apple trasladará a los suscriptores existentes al nuevo esquema tarifario durante su próximo ciclo de facturación, tras un aviso previo.

Los planes de Apple One también fueron alcanzados por el incremento: el paquete Familiar pasó a costar $27,95 al mes y el Premier, $39,95. No hubo modificaciones en el plan Individual de Apple One.

El alza trascendió el mercado estadounidense. En el Reino Unido, el plan Individual aumentó de £10,99 a £11,99 y el Familiar, de £16,99 a £19,99. Europa registró variaciones equivalentes: el plan Individual pasó a 11,99 euros, el Familiar a 19,99 euros y el Estudiantil quedó fijado en 6,99 euros.

La medida de Apple forma parte de una tendencia más amplia en la industria.

Durante años, las grandes discográficas han presionado a los servicios de streaming para elevar sus tarifas, al sostener que los precios no han acompañado la inflación y son bajos en comparación con plataformas de video como Netflix.

El partido tuvo además una particularidad: mientras Cerúndolo y Ruud protagonizaban un encuentro muy parejo, Carlos Alcaraz intervino desde el banco europeo para darle indicaciones a su compañero. El español, que integra el equipo capitaneado por Yannick Noah, le explicó al noruego qué golpes utilizar para incomodar al argentino.

“Juega a su derecha”, le señaló Alcaraz a Ruud en el descanso, cuando el actual 17° del mundo estaba 4-3 arriba en el primer set y Cerúndolo se disponía a sacar. Enseguida, Carlitos profundizó sobre la estrategia: “Intenta jugar algunos reveses paralelos, porque no es tan peligroso cuando juega la derecha desde ese lado”.

Los consejos del actual número 3 del mundo no terminaron allí. Alcaraz también le pidió a Ruud que utilizara drop shots para cambiar el ritmo y obligar a Cerúndolo a desplazarse hacia adelante. “Alguna dejada o algo así. Tienen que ser muy buenas, bien cerca de la red”, le explicó, y fue más allá: “Cuando sube a la red, no es su fuerte”, le dijo Alcaraz.

A Cerúndolo se le escapó en el final

El argentino, número 22 del ranking ATP, exhibió un mayor oportunismo en el tie break del set inicial y sacó la primera ventaja en un partido muy equilibrado.

Ruud reaccionó en el segundo parcial. El noruego logró imponer condiciones y se quedó con el set por 6-4, lo que llevó la definición al super tie-break a 10 puntos, el formato utilizado por la Laver Cup cuando un partido llega igualado a un set por lado.

En el desempate decisivo, Cerúndolo llegó a estar en posición de llevarse el encuentro, pero Ruud se hizo fuerte en los momentos clave y terminó imponiéndose 10-8.

El triunfo significó además el primer punto de la Laver Cup 2026 para Europa. Cada victoria del viernes otorga una unidad al equipo ganador; el sábado los triunfos valdrán dos y el domingo, tres. El primer equipo que llegue a 13 puntos se quedará con el trofeo.

Ruud y Cerúndolo ya habían protagonizado el partido inaugural de la Laver Cup 2024, en Berlín. En aquella oportunidad, en su debut en la competencia, el argentino se impuso en sets corridos, con parciales de 6-4 y 6-4.

Para Cerúndolo es su cuarta participación consecutiva en la Laver Cup: había sido parte de los equipos del Team World que conquistaron las ediciones de Vancouver 2023 y San Francisco 2025, y llegaba a Londres con un récord de 3-1 a favor en singles. Esta vez, sin embargo, Fran se quedó con las ganas. Ruud estuvo más certero en la definición y se llevó el triunfo.

Poncho Lizárraga explica que la Banda El Recodo intentó tocar gratis El Corrido de Mazatlán en el Tower Bridge de Londres cuando la policía interrumpió la presentación por falta de permiso.

El líder de la agrupación relató en entrevista con De Primera Mano de Imagen Televisión que se trata de una tradición del grupo cuando está de gira en el extranjero, y que un día después regresaron para completar la interpretación arriba de una embarcación en el río Támesis.

La tradición de la Banda El Recodo detrás del intento fallido

Poncho Lizárraga detalla que la banda mantiene la costumbre de interpretar El Corrido de Mazatlán en espacios públicos durante sus giras internacionales. Bajo esa lógica, los músicos decidieron ofrecer una presentación gratuita frente al Tower Bridge, uno de los puntos más reconocidos de la capital británica.

“Se nos hizo fácil querer armar la fiesta en pleno puente este de las torres, empezar a tocar El Corrido de Mazatlán como es tradición de la banda”, cuenta Lizárraga sobre la decisión del grupo de tocar sin gestionar previamente un permiso.

La policía detiene a la Banda El Recodo por falta de permiso

La intervención llegó de manera rápida. Según el relato del vocalista, agentes de la policía se acercaron a los músicos para indicarles que no podían tocar en ese espacio sin la autorización correspondiente.

“Hubo un pequeño detallito con la ley de allá de Londres [...] para pronto llegó la ley y nos dijeron que no podíamos hacer fiesta”, explicó el líder de la agrupación en la entrevista.

La versión confirma que el motivo de la intervención fue la falta de permiso para presentarse en la vía pública, y no exclusivamente el volumen de los instrumentos, como habían especulado algunos reportes previos.

Los integrantes de la banda atendieron la indicación sin confrontar a las autoridades y se retiraron del lugar con sus instrumentos.

El Recodo regresó al día siguiente para completar la tradición

La agrupación no se dio por vencida tras el primer intento. Poncho Lizárraga cuenta que, al día siguiente, decidieron buscar una alternativa para cumplir con la costumbre de interpretar el corrido durante la gira.

“Nos queríamos quitar la espinita de compartir nuestra música mexicana, nos fuimos al río y arriba de una embarcación nos aventamos el corrido de Mazatlán”, relata el músico sobre la solución que encontraron para evitar un nuevo conflicto con las autoridades locales.

Esta vez, los integrantes subieron a una embarcación que navegó por el río Támesis, con el Big Ben de fondo, y lograron completar la interpretación sin interrupciones. Banda El Recodo compartió después el registro del momento en sus redes sociales.

El episodio se suma a otros conflictos durante la gira

El caso de Londres no es el único incidente que ha marcado la gira internacional de la agrupación sinaloense. En agosto, durante un concierto oficial en Bogotá, Colombia, Lizárraga denunció que los organizadores del evento movieron el escenario giratorio veinte minutos antes de que terminara su presentación.

“Es una grosería, ni dieron la oportunidad de terminar la canción y despedirnos del público”, escribió el músico en aquella ocasión sobre lo ocurrido en la capital colombiana.

Un episodio similar se había reportado también durante una presentación del grupo en Japón. En ninguno de los tres casos —Japón, Colombia y Londres— se registraron confrontaciones físicas ni detenciones confirmadas contra los integrantes de la banda.

La gira europea de la Banda El Recodo continúa luego del incidente en Londres

Banda El Recodo se encuentra actualmente de gira por Europa. El recorrido comenzó el 18 de septiembre en Roma, Italia, y continuó el 19 de septiembre en Dublín, Irlanda. Después vino la presentación en Londres, donde ofrecieron un concierto oficial el 20 de septiembre en el recinto KOKO, en Camden.

Las próximas fechas confirmadas de la gira son:

• 24 de septiembre: Sevilla, España (Sala Custom)
• 25 de septiembre: Valencia, España
• 26 de septiembre: Madrid, España
• 27 de septiembre: Ámsterdam, Países Bajos
• 30 de septiembre: Múnich, Alemania
• 1 de octubre: Zúrich, Suiza

El tour cerrará en la capital suiza, con lo que la agrupación sinaloense completará su recorrido por al menos siete países europeos: Italia, Irlanda, Reino Unido, España, Países Bajos, Alemania y Suiza.

La Laver Cup 2026 comenzará este viernes en Londres con un argentino como protagonista. Francisco Cerúndolo enfrentará a Casper Ruud desde las 9 de la mañana (hora de Argentina), en el encuentro que pondrá en marcha la novena edición del torneo que enfrenta a un equipo de Europa con otro integrado por tenistas del resto del mundo.

La competencia se disputará hasta el domingo en el O2 Arena, el mismo escenario que recibió al torneo por última vez en 2022. Serán tres días de acción, divididos en cinco sesiones, con partidos de singles y dobles y un sistema de puntuación particular que hace que el valor de cada victoria aumente a medida que avanza el certamen.

Para Cerúndolo será su cuarta participación consecutiva en la Laver Cup. El argentino integra nuevamente el Team World, después de haber sido parte de los equipos que conquistaron las ediciones de Vancouver 2023 y San Francisco 2025. En sus tres participaciones anteriores acumula un récord de tres victorias y una derrota en singles.

El debut de Fran tiene un antecedente particular: él y Ruud también fueron los encargados de abrir la Laver Cup 2024, disputada en Berlín. Dos años después, volverán a enfrentarse en el partido inaugural, esta vez en Londres.

Europa contra el resto del mundo

La Laver Cup nació en 2017 y enfrenta a seis jugadores de Europa contra seis del resto del mundo. A diferencia de un torneo convencional del circuito, los tenistas compiten formando parte de un equipo y cada victoria aporta puntos para cada formación.

El Team Europe estará capitaneado por el francés Yannick Noah y contará con Carlos Alcaraz, Alexander Zverev, Casper Ruud, Flavio Cobolli, Jakub Mensik y Rafael Jódar. Arthur Fery será el suplente.

Del otro lado, el Team World tendrá como capitán a Andre Agassi y estará integrado por Taylor Fritz, Alex de Miñaur, Learner Tien, Brandon Nakashima, Alexander Bublik y Francisco Cerúndolo. Ignacio Buse será el suplente.

El torneo tendrá así varios de los nombres más importantes del circuito, con Alcaraz y Zverev como referentes del conjunto europeo y Fritz, De Miñaur y Cerúndolo entre las principales cartas del equipo del resto del mundo.

Cómo se juega la Laver Cup

La competencia se disputa durante tres días y cinco sesiones: dos jornadas -viernes y sábado- con una sesión diurna y otra nocturna, y una jornada final el domingo.

Cada partido de singles y dobles se juega al mejor de tres sets. Si los equipos quedan igualados en un set por lado, el tercer parcial se define mediante un match tie break a 10 puntos. Los partidos se disputan con el tradicional sistema de ad scoring -o sistema de ventaja-, que se activa cuando ambos jugadores empatan a 40 puntos en un juego, situación que se conoce como deuce o iguales

Hay además reglas específicas para la participación de los jugadores. Cada integrante debe disputar al menos un partido de singles durante los dos primeros días y ningún tenista puede jugar singles más de dos veces durante los tres días. En dobles, al menos cuatro de los seis jugadores de cada equipo deben participar.

La gran particularidad está en el sistema de puntuación:

• Viernes: cada triunfo entrega 1 punto.
• Sábado: cada triunfo entrega 2 puntos.
• Domingo: cada triunfo entrega 3 puntos.

El primer equipo que alcanza los 13 puntos se queda con la Laver Cup. Hay 24 puntos disponibles a lo largo de los 12 partidos previstos.

Si después de los 12 encuentros el marcador está igualado 12-12, se juega un dobles decisivo para definir al campeón. Ese encuentro se disputa a un set, con ad scoring y tie break en caso de ser necesario.

Cuándo juega Cerúndolo y cuál es el programa del viernes

La primera jornada comenzará a las 9 de Argentina y tendrá dos partidos de singles. Cerúndolo será el encargado de abrir la competencia.

Viernes 25 de septiembre

Sesión diurna — desde las 9 de Argentina

• Casper Ruud vs. Francisco Cerúndolo
• Jakub Mensik vs. Brandon Nakashima

Sesión nocturna — desde las 15 de Argentina

• Rafael Jódar vs. Alexander Bublik
• Carlos Alcaraz/Jakub Mensik vs. Taylor Fritz/Alexander Bublik

El horario de los partidos posteriores es estimativo, dado que cada encuentro comienza una vez terminado el anterior.

El sábado se repetirá el esquema de cuatro partidos: dos en la sesión diurna y dos en la nocturna. Los encuentros de esa jornada comenzarán a otorgar dos puntos.

El domingo será la jornada decisiva, con una sesión que comenzará a las 8 de Argentina. Está previsto inicialmente un partido de dobles y, si todavía no existe un equipo ganador, se disputarán hasta tres singles.

Dónde ver la Laver Cup en Argentina

Todos los partidos de la Laver Cup 2026 podrán seguirse en Argentina a través de ESPN y Disney+. La competencia se disputará sobre una cancha dura bajo techo del O2 Arena de Londres.

La Laver Cup es además un evento certificado dentro del calendario ATP: los partidos son oficiales, cuentan para los registros de los jugadores y son arbitrados bajo las reglas y procedimientos del circuito, aunque no otorgan puntos para el ranking ATP.

Cerúndolo, otra vez en el equipo del mundo

El argentino llega a Londres para disputar por cuarta vez una competencia que ya forma parte de su calendario habitual. Su presencia se produjo después de la baja de Tommy Paul, quien continúa recuperándose de una lesión en el codo sufrida durante el US Open.

Cerúndolo ya sabe lo que significa ganar la Laver Cup: fue parte del Team World campeón en Vancouver 2023 y San Francisco 2025. Ahora buscará repetir la historia en Londres, aunque el primer desafío será inmediato y conocido.

Banda El Recodo protagonizó un episodio inesperado en Londres el pasado martes 22 de septiembre, cuando un elemento de seguridad interrumpió su presentación improvisada cerca del Tower Bridge, realizada después de su concierto oficial en el recinto KOKO.

Los músicos atendieron la orden de las autoridades sin confrontar al agente abandonaron el lugar mientras caminaban con sus instrumentos.

Sin embargo, la escena quedó registrada en un video que circuló en redes sociales. La propia banda compartió las imágenes en su cuenta oficial de Instagram horas después del hecho.

La policía de Londres frenó a Banda El Recodo por ruido y obstrucción en la vía pública

De acuerdo con los hechos, un agente con chaleco amarillo fluorescente se acercó a los músicos mientras interpretaban una canción frente al puente. El oficial les

Las autoridades locales fundamentaron la intervención en el exceso de ruido que generaba la agrupación. La presencia de tambora, trompetas y clarinetes en plena vía pública también provocó una obstrucción en el paso de transeúntes por la zona.

La regulación británica permite ciertas actuaciones musicales sin amplificación entre las 08.00 y las 23.00 horas sin necesidad de licencia. Sin embargo, los consejos locales y la policía conservan la facultad de intervenir cuando detectan molestias o bloqueo del espacio peatonal.

En el video difundido se escucha la instrucción del agente. “Vámonos, caminando, caminando”, indicó la autoridad mientras los músicos recogían sus instrumentos.

Los integrantes de la banda no confrontaron al oficial en ningún momento durante el procedimiento. Los músicos suspendieron la interpretación de inmediato y comenzaron a alejarse del puente.

El público que se había reunido para escuchar la música reaccionó con abucheos. Varias personas pidieron “more” en referencia a que la banda continuara con la presentación pese a la orden policial.

No existe hasta ahora información pública que confirme una multa o sanción formal contra la agrupación. Los reportes disponibles describen únicamente una advertencia verbal y el retiro voluntario de los músicos del lugar.

La banda reaccionó con humor en su comunicado oficial tras el episodio. “Nos la volvieron a hacer... la misión era llevar nuestra música hasta uno de los lugares más emblemáticos de Londres, pero hoy no se pudo”, escribió la agrupación al compartir el video.

Banda El Recodo tocó cerca del Tower Bridge tras un concierto en Camden

La agrupación se presentó el domingo 20 de septiembre en KOKO, un recinto ubicado en Camden High Street. El evento comenzó a las 19.00 horas y formó parte de la agenda internacional del grupo.

Por ese escenario pasaron artistas como Amy Winehouse, Madonna y The Rolling Stones, según recordó la propia banda en redes sociales. Dos días después de ese concierto, los integrantes decidieron llevar sus instrumentos hasta las inmediaciones del Tower Bridge.

La actuación espontánea reunió rápidamente a un grupo de transeúntes y turistas al otro lado del puente. Varias personas bailaron y grabaron el momento con sus teléfonos celulares antes de la llegada del agente.

La presentación no formaba parte de la agenda oficial de la gira europea del grupo. La banda buscaba, según explicó después en redes sociales, llevar la música de banda a uno de los puntos turísticos más reconocidos de la capital británica.

La visita a Londres se dio en el marco de una gira que celebra los 90 años de trayectoria de la agrupación sinaloense. Antes de llegar a la capital británica, el grupo se había presentado en Dublín, Irlanda, el 19 de septiembre.

La gira contempla además presentaciones en Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich. La estrategia de tocar en espacios públicos forma parte de una práctica que la agrupación ha repetido en distintos países durante los últimos años.

Banda El Recodo enfrentó episodios similares en Japón y Colombia en 2024

El hecho de Londres no representa la primera vez que la agrupación enfrenta un contratiempo con autoridades o promotores en el extranjero. En mayo de 2024, la banda se presentó en un festival cultural en Tokio y decidió tocar de forma gratuita en las calles de Shibuya.

La policía japonesa llegó al lugar y pidió a los músicos que dejaran de tocar en la vía pública. En ese momento circularon versiones sobre una posible detención de los integrantes, pero no quedó confirmado que la agrupación hubiera sido arrestada.

Pese al incidente en Shibuya, los músicos continuaron activos durante su estancia en Japón. La agrupación incluso volvió a tocar en la vía pública días después, en esa ocasión desde un pequeño bote.

En agosto de ese mismo año, la banda tuvo otro conflicto durante un concierto oficial en Bogotá, Colombia. Poncho Lizarraga, líder de la agrupación, denunció en redes sociales que los organizadores movieron el escenario giratorio veinte minutos antes de que terminara su presentación.

El músico calificó lo ocurrido como una falta de respeto hacia el público y hacia la banda. “Es una grosería, ni dieron la oportunidad de terminar la canción y despedirnos del público”, escribió Lizarraga en su comunicado sobre el episodio en Bogotá.

Los tres episodios, en Japón, Colombia y ahora en Londres, comparten un mismo patrón de interrupción antes de que la agrupación decidiera concluir su presentación. En ninguno de los casos se reportaron confrontaciones físicas ni detenciones confirmadas contra los integrantes del grupo.

Pese a los tropiezos registrados en distintos países, la banda insistió en su intención de seguir llevando la música de banda a escenarios internacionales. “Seguimos buscando el momento y la forma de llevar la música de banda por los rincones de Europa y el mundo”, compartió la agrupación tras el episodio de Londres.

El intérprete, de 64 años, fue el gran protagonista de la cita, que transformó este martes la plaza Leicester Square de Londres en un gran plató, con gran parte del elenco principal.

Cruise fue el primero en llegar a la alfombra roja, enfundado en un esmoquin combinado con unas botas de estilo cowboy y dedicó cerca de dos horas a hablar con sus fans, antes de atender a la prensa presente en el evento, entre los que se encontraba esta agencia.

Cruise afirmó que, desde los inicios de su filmografía, se ha puesto en la piel de una amplia gama de personajes y géneros, pero nada parecido a su rol en Digger.

“Esta es, sin duda, la película más original que he visto, que he leído y una de las más conmovedoras que he presenciado”, aseguró el actor.

En la piel del magnate Digger Rockwell, Cruise se presenta irreconocible, envejecido con prostéticos y luciendo un registro cómico -y soez-, lejos de sus papeles habituales de héroe de acción.

Para el actor, es un “privilegio” haber podido llevar un personaje así a la pantalla, pues asegura que es muy consciente a la hora de escoger sus papeles y siempre está en busca de aprender habilidades nuevas y campos interpretativos diferentes para luego poder implementarlas en sus películas.

“Si miras la técnica, en términos de volar aviones, o danza o música, estoy constantemente estudiando estas cosas: arquitectura, arte, historia... ya sabes, y aplico todas esas cosas a cada película, y a veces lleva años”, reflexionó Cruise.

Precisamente, Digger, que llegará a los cines españoles el próximo 2 de octubre, es el resultado de siete años de trabajo conjunto de Cruise con Iñárritu, a quien define como un cineasta “único en su género”.

El poder y la ambición humana

La película se estrena rodeada de un enorme secretismo y solo se han desvelado detalles mínimos de la trama, pues según explica el realizador mexicano a esta agencia es una película que está hecha para que la gente la vea en el cine y la descubra.

“Es bien difícil decir de qué va sin arruinar la experiencia”, aseguró el mexicano.

Aun así, se atreve a adelantar que Digger habla sobre la narrativa; de cómo el poder y la ambición humana son “una cosa muy aterradora y divertida al mismo tiempo”.

Además, pone a la audiencia frente a un espejo satírico y con tintes políticos de la situación actual del mundo: “Cuando empezamos, el mundo era muy distinto... y la realidad nos fue alcanzando. Ese fue el reto”, comentó Iñárritu.

El cineasta regresa después de cuatro años de parón desde Bardo (2022), y lo hace muy bien rodeado.

Además de Cruise, el elenco se completa con nombres como el de la actriz alemana Sandra Hüller (Anatomía de una caída), Jesse Plemons, Riz Ahmed, John Goodman o Michael Stuhlbarg, entre otros.

Hüller, que vive uno de los momentos más dulces de su carrera, confesó a esta agencia que aceptó unirse a Digger porque “admiraba” el trabajo del cineasta mexicano.

“Lo conocí, tuvimos una conversación maravillosa. Sentí que era alguien en quien podía confiar y del que quería rodearme. Tiene una gran visión y todas las herramientas para hacer una buena película. Así que quería descubrir cómo trabajaba”.

El preestreno mundial de Digger estuvo enmarcado en la llamada Gala Real del Cine (Royal Film Performance), un evento benéfico con el patrocinio de la familia real británica, y contó con la presencia especial de los príncipes de Gales, Guillermo y Catalina.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Neil Hall.

A los 16 años, Twiggy era una adolescente de clase trabajadora en el norte de Londres que iba a la escuela, se maquillaba los fines de semana y salía a bailar a los clubes “mod” al ritmo de artistas emergentes como Eric Clapton.

Entonces, por pura casualidad, un fotógrafo la inmortalizó en un salón de peluquería de Mayfair y el mundo de la moda nunca volvió a ser el mismo. Sesenta años después, la modelo rememora ese accidente feliz en un nuevo documental que lleva su nombre.

La timidez fue la que cambió su destino

La historia del descubrimiento de Twiggy —cuyo nombre real es Lesley Lawson— comenzó en 1966 con una visita rutinaria a un salón de peluquería. Lejos de buscar un cambio radical, la joven de 16 años solo quería peinarse para salir de noche. Pero el estilista Leonard tenía otros planes.

“Leonard, el peluquero, me vio y dijo: ‘¿Puedo cortarte el pelo?’”, relató la modelo en declaraciones a People. “Lo curioso es que yo no quería cortarme el pelo, porque era una mod y me gustaba largo, partido en el medio”.

Lo que siguió fue una combinación de timidez y serendipia. “Como era tan tímida y estaba en ese elegante salón de Mayfair, no me animé a decirle que no”, recordó. El resultado fue el mítico corte pixie que la haría famosa en todo el mundo. Leonard entonces la llevó ante el fotógrafo Barry Luttigam para documentar su trabajo.

“El fotógrafo me puso frente a la cámara y me dijo: ‘Mira al lente’. Eso fue lo que hice”, contó Twiggy. Esa primera sesión se convertiría en la imagen más reconocida de su carrera.

Una jornalista de moda la conectó con Diana Vreeland y Richard Avedon

Poco después, una clienta de Luttigam —una periodista de moda— vio la fotografía colgada en el salón y contactó a la joven para que posara. La cadena de eventos llevó rápidamente a Diana Vreeland, entonces directora de Vogue, a tomar nota de la figura de la joven londinense y a recomendarla al legendario fotógrafo Richard Avedon.

“Ella dijo: ‘Esta es la nueva modelo’, y eso fue todo”, evocó Twiggy sobre el espaldarazo de Vreeland. “No me parecía a nadie más en ese momento, y creo que por eso sucedió todo”.

La modelo reconoció que jamás habría llegado a ese punto por la vía convencional: “Si hubiera ido a una agencia de modelos y hubiese dicho ‘quiero modelar’, me habrían rechazado. Era demasiado baja, demasiado pequeña. Simplemente no tenía las medidas”.

La fama global llegó junto a las críticas por su figura

El ascenso de Twiggy como “it girl” de la Swinging London no estuvo exento de controversia. Su figura extremadamente delgada generó constantes críticas y acusaciones de promover trastornos alimentarios entre las jóvenes.

“Tuve que defenderme mucho”, señaló. “Soy como mi padre, que siempre fue muy delgado. Era solo mi metabolismo. ¡Yo comía! No podría comer así ahora”.

Pese a los cuestionamientos, la modelo evitó los excesos que suelen acompañar a la fama temprana. Atribuye esa estabilidad al entorno familiar que la rodeaba y a las restricciones propias de su corta edad. “Tuve buenas personas cuidándome y estaba protegida. Como era tan joven, cuando iba a los estudios tenía que tener un acompañante”, explicó.

Después de la moda, construyó una carrera en la actuación y la música

Tras varios años como figura central de la industria de la moda, Twiggy decidió alejarse del modelaje y volcarse hacia la actuación y la música, ámbitos en los que también cosechó reconocimiento. “Entrar a un set de filmación era como entrar al Jardín Secreto. Pensé: ‘Esto es lo que quiero hacer’”, describió. Participó en películas como The Boy Friend y The Blues Brothers, y tuvo apariciones en series televisivas como The Nanny y Absolutely Fabulous.

El documental, dirigido por la exactriz Sadie Frost, también aborda los momentos más difíciles de su vida privada, entre ellos su primer matrimonio con Michael Witney y la muerte repentina de este, quien sufrió un infarto mientras cenaba junto a ella y a su hija Carly, que entonces tenía cuatro años.

A los 77 años, sigue activa en moda, televisión y podcasting

Hoy, con 77 años y casada desde hace 38 con el actor Leigh Lawson, Twiggy mantiene una agenda que abarca la actuación, el podcast Tea With Twiggy y colaboraciones de moda con marcas como QVC y Marks and Spencer, con nuevos proyectos en camino. Sobre los arrepentimientos, su respuesta es categórica.

“No creo que se pueda vivir con arrepentimientos. No podría haber planeado mi vida. Simplemente sucedió”, concluyó. El documental Twiggy está disponible en VOD y DVD.

La agrupación sinaloense compartió una nueva publicación que reavivó las reacciones entre sus seguidores.

Banda El Recodo compartió una nueva historia desde Londres

La nueva publicación apareció en las historias de la cuenta oficial de Banda El Recodo. En la fotografía se observa a varios integrantes con sus instrumentos mientras interpretan música en un espacio ubicado junto a la estructura del puente londinense.

La escena fue captada con luz de día y muestra una bandera mexicana colocada detrás de los músicos. En las imágenes se distinguen clarinetes y otros instrumentos propios de la banda sinaloense.

Sobre la imagen, la agrupación escribió: “Como buenos mexicanos lo seguimos intentando y no nos rajamos para lograrlo”. El mensaje incluyó las banderas de México y Reino Unido.

La historia se difundió después de que el grupo compartiera las imágenes de la actuación que las autoridades locales detuvieron.

La publicación posterior presentó otra faceta de la visita de los músicos a Londres y dejó ver que el intento de tocar fuera de los recintos formales continuó durante su estadía.

La imagen también contrastó con el episodio anterior, ocurrido de noche. En aquella ocasión, el público que caminaba por la zona se acercó a escuchar, grabar y bailar al ritmo de la agrupación.

La banda también compartió un clip de Ricky Yocupicio y Geovanni Mondragón entonando la melodía Dios bendiga nuestro amor y de fondo se observaba el Big Ben.

Los comentarios en redes sociales no tardaron en aparecer y los fans aplaudieron al Recodo.

La policía interrumpió la presentación nocturna cerca del Tower Bridge

La actuación callejera ocurrió después del concierto que Banda El Recodo ofreció en KOKO, un recinto de Camden High Street. El grupo se presentó allí el domingo 20 de septiembre como parte de su gira europea.

Más tarde, los músicos llevaron trompetas, clarinetes, tambora y otros instrumentos hasta la zona del Tower Bridge. La intención era realizar una presentación espontánea ante turistas y habitantes de Londres.

Las imágenes de esa noche mostraron cómo varias personas se detenían para observar a los integrantes. La música regional mexicana transformó durante unos minutos el lugar en un punto de reunión para quienes transitaban por la zona.

La actuación terminó cuando un elemento de seguridad se acercó al grupo y solicitó que suspendiera la interpretación. Los integrantes acataron la indicación y comenzaron a retirarse del sitio.

El episodio se difundió en las redes sociales de la propia agrupación. La banda explicó que buscaba tocar en uno de los espacios emblemáticos de la ciudad, aunque no pudo completar la presentación como había previsto.

La publicación nocturna generó comentarios entre los seguidores del grupo, que siguieron el paso de los músicos por Reino Unido. La nueva historia diurna retomó ese momento desde un mensaje de persistencia, sin hacer referencia directa a la intervención de las autoridades.

La visita a Londres forma parte de una gira internacional con fechas en varias ciudades europeas. Antes de su llegada a Inglaterra, la agrupación tenía programado un concierto en Dublín, Irlanda.

El itinerario también contempla actuaciones en Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich. La presentación londinense combinó el concierto programado en KOKO con los videos grabados en espacios públicos de la ciudad.

El intento recuerda una experiencia de la banda en Japón

La situación registrada en Londres no fue la primera ocasión en que Banda El Recodo intentó tocar de manera espontánea en un sitio turístico fuera de México. En 2024, la agrupación realizó una acción similar durante una gira en Japón.

En aquella oportunidad, los músicos buscaron interpretar música en la explanada de Odaiba, Tokio. La policía también les pidió que dejaran de cantar.

Los dos casos ocurrieron en espacios públicos y terminaron antes de que la banda concluyera sus presentaciones. Aun así, los videos permitieron que las actuaciones circularan en redes sociales entre el público mexicano y los seguidores de la agrupación en otros países.

La banda fue fundada en Sinaloa en 1938 por Cruz Lizárraga y ha mantenido una trayectoria internacional durante décadas. Su paso por Londres sumó un concierto formal y dos momentos difundidos desde las inmediaciones del Tower Bridge.

La historia publicada durante el día dejó una nueva señal de esa visita: la agrupación volvió a aparecer con sus instrumentos, una bandera mexicana y un mensaje que resumió su decisión de insistir.

Banda El Recodo suspendió una presentación callejera cerca del Tower Bridge en Londres el pasado martes 22 de septiembre de 2026, después de que un agente les pidió retirarse del lugar.

El hecho generó dudas entre seguidores sobre posibles multas, aunque hasta ahora no hay evidencia pública de que la agrupación recibiera una sanción.

La regulación británica permite ciertos actos musicales sin amplificación, pero los consejos locales y la policía pueden intervenir si detectan obstrucción peatonal, ruido que cause molestias o incumplimiento de normas en el espacio público.

El grupo sinaloense se presentó el domingo 20 de septiembre en KOKO, recinto de Camden, como parte de su gira europea. Dos días después circularon videos de los músicos con trompetas, clarinetes y tambora frente a turistas en las inmediaciones del puente.

De acuerdo con los videos difundidos en redes sociales, el agente pidió a los integrantes detener la música y retirarse. Los músicos atendieron la solicitud y guardaron sus instrumentos, sin que se reportara una confrontación ni una detención.

La policía pidió a Banda El Recodo retirarse del área

Las grabaciones muestran que la actuación reunió a personas que se detuvieron para escuchar y grabar. Ese punto es central para entender la intervención: una presentación callejera no se regula únicamente por los instrumentos o el volumen, también por el espacio que ocupa y por el flujo de peatones que puede generar.

Los músicos abandonaron el sitio tras la indicación de los agentes. El medio precisó que no existe información pública para establecer que la agrupación hubiera cometido una infracción concreta o que careciera de un permiso exigible para ese punto.

Las publicaciones en redes sociales describieron el hecho como que la Banda El Recodo fue “corrida” de Londres. Esa versión exagera lo que muestran los videos y los reportes disponibles. La instrucción fue dejar de tocar y retirarse de esa zona, no una expulsión de la ciudad ni del Reino Unido.

La agrupación continuó con su gira por Europa después del episodio. Su itinerario contempla fechas en ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich, según la información difundida alrededor de la gira.

La Ley de Licencias de 2003 no prohíbe toda música callejera

La legislación nacional británica no establece que toda interpretación musical en la calle requiera una licencia. La guía oficial del gobierno del Reino Unido sobre la Ley de Licencias de 2003 señala que una actuación pública de música en vivo sin amplificación, realizada entre las 08:00 y las 23:00 horas, no requiere licencia bajo esa norma.

El mismo documento define el busking como la práctica de actuar en espacios públicos a cambio de dinero. Aclara que esta actividad suele quedar fuera de los requisitos de licencia, porque ocurre en sitios que no están destinados formalmente al entretenimiento y porque, en muchos casos, la música acompaña actividades como el turismo o las compras.

La excepción está en las reglas específicas de cada autoridad local. La guía del gobierno británico advierte que los consejos municipales pueden imponer códigos de conducta, sistemas de permisos, ordenanzas o medidas particulares para regular las presentaciones callejeras.

Esto significa que tocar instrumentos acústicos no equivale, por sí solo, a una autorización ilimitada. Las condiciones cambian según el sitio exacto, la propiedad del terreno, el horario, la cantidad de participantes y los efectos de la actuación sobre el tránsito de personas.

Tower Bridge conecta zonas con autoridades distintas

El Tower Bridge cruza el río Támesis entre áreas administradas por distintos boroughs de Londres. Del lado norte se encuentra Tower Hamlets y del lado sur está Southwark. A esto se suman las condiciones de los accesos, banquetas, áreas turísticas y espacios que podrían tener administración propia.

Por esa razón, no basta con afirmar que “en Londres” se puede o no se puede tocar música en la calle. La regla aplicable depende de la ubicación exacta donde se instala una agrupación y del tipo de presentación que realiza.

En el caso de Banda El Recodo, los videos no permiten confirmar el punto jurídico preciso de la actuación ni identificar una ordenanza que los agentes hubieran citado al intervenir. Tampoco hay un comunicado de la Policía Metropolitana o de los consejos locales que detalle el motivo administrativo de la solicitud.

El dato disponible es que el grupo usó instrumentos de viento y percusión, reunió a personas en una zona de alta afluencia turística y acató la orden de retirarse. Esa combinación puede ser suficiente para que una autoridad priorice el paso peatonal, aun cuando no se acredite una multa.

El volumen, las aglomeraciones y la venta de mercancía pueden activar sanciones

Las presentaciones con bocinas, micrófonos o equipos de sonido tienen un nivel distinto de revisión frente a los actos acústicos. La guía británica establece que la música en vivo amplificada puede requerir autorización en determinadas circunstancias, sobre todo si no se desarrolla en un recinto habilitado o si rebasa los límites previstos para eventos con público.

El ruido no es el único elemento que puede provocar una intervención. Las autoridades locales pueden actuar si una actuación impide el libre tránsito, provoca una concentración que afecta la circulación o genera molestias para residentes, comercios y visitantes.

La venta de discos, playeras u otros productos también puede requerir una licencia de comercio callejero. Recibir propinas voluntarias no es necesariamente lo mismo que vender mercancía, pero esa diferencia depende de la norma local y de las condiciones del espacio ocupado.

Los seguidores de Banda El Recodo no tienen elementos para afirmar que el grupo recibió una multa. Los reportes disponibles describen una advertencia y el retiro voluntario de los músicos. La consecuencia económica dependería de que la autoridad documentara una infracción y decidiera iniciar un procedimiento conforme a la regulación del área donde ocurrió la presentación.

Londres celebra el regreso del Tapiz de Bayeux, que ha vuelto temporalmente a suelo británico después de alrededor de un milenio en Francia. Y los londinenses afrontan el regreso a casa de una forma muy británica: discutiendo sobre la gestión adecuada de las largas colas para verlo.

Poco después de que la exitosa exposición del tapiz en el Museo Británico abriera el 10 de septiembre, los responsables advirtieron que las personas que se detenían a fotografiar la obra restringían el flujo y retrasaban el movimiento de los visitantes.

Así que el museo siguió el ejemplo de la Capilla Sixtina y anunció una prohibición de hacer fotografías en la exposición, una medida imperdonable para algunos en la era de Instagram, pero una bendición para otros.

En cambio, los visitantes tendrán que atesorar sus recuerdos del Tapiz de Bayeux, que, para ser precisos, es un bordado porque no está tejido. (Si los visitantes del museo tienen que volver a casa con fotos, pueden ir a la tienda de regalos).

Babette Lucas-Marriott, profesional del patrimonio y creadora de contenido radicada en Cheshire, inicialmente se sintió decepcionada por la prohibición, pero comprendió su valor cuando visitó la exposición.

«Una vez que estuve allí, descubrí que había algo especial en experimentar el tapiz sin que todos tuvieran sus teléfonos en alto», dijo.

La delicada tela del objeto está detrás de un cristal, por lo que la prohibición de fotografías tenía menos que ver con protegerlo de la amenaza del flash que con controlar a la multitud. Tampoco se permite hacer bocetos ni dibujos.

«Nuestra prioridad es garantizar que todos los visitantes tengan la mejor experiencia posible», dijo el museo en un comunicado el lunes, citando el «enorme interés».

Por supuesto, hacer cola es un pasatiempo nacional en Gran Bretaña.

Los aficionados al tenis acampan regularmente afuera para conseguir entradas para Wimbledon, y miles de británicos esperaron afuera durante la noche para ver a la reina Isabel II en capilla ardiente, aunque solo fuera durante unos momentos. Aquella maratón de dolientes se conoció simplemente como La Cola, sin necesidad de más explicación.

En el Museo Británico, la cola «se sintió muy tranquila y cordial, con incluso cierta animación y expectación en el ambiente», dijo Maxwell Blowfield, escritor de arte. Añadió: «Hacer cola realmente merece la pena cuando por fin llegas al tapiz y puedes pasar toda la visita justo a su lado, acercándote tanto que puedes ver cada puntada».

El Tapiz de Bayeux probablemente fue realizado en Canterbury, en el sur de Inglaterra, poco después de la invasión de la isla por Guillermo el Conquistador en 1066, y luego transportado al norte de Francia. Está de vuelta en Gran Bretaña en préstamo por primera vez en casi 1.000 años. Los críticos de arte han publicado críticas entusiastas, y las entradas para la muestra, que estará abierta hasta el 11 de julio de 2027, están agotadas hasta el próximo año.

El Museo Británico ha intentado gestionar las expectativas, aunque algunos ávidos aficionados al Tapiz de Bayeux quizá quieran pasar horas con la antigua e intrincada pieza.

El museo ha advertido a los visitantes que solo tendrán unos 40 minutos en la exposición. Cada pocos minutos, anuncios de audio en inglés y francés instan a las personas a seguir avanzando. También hay un pájaro animado que guía a los visitantes por la sala de exposición oscurecida, donde el tapiz está extendido horizontalmente en una vitrina.

No hay textos dentro de la vitrina que expliquen las 58 escenas del tapiz. En su lugar, imágenes animadas y texto aparecen en pantallas detrás de la vitrina. El pájaro avanza por las pantallas, como una señal no demasiado sutil para acelerar el paso.

Si los visitantes siguieran exactamente el movimiento del pájaro, podrían observar el tapiz durante unos 19 minutos y 30 segundos.

En las redes sociales durante la última semana, varios poseedores de entradas dijeron que querían pasar más tiempo examinando minuciosamente la tela del siglo XI, que mide unos 67 metros (220 pies) de largo.

«¿Nos hicieron avanzar frente al tapiz un poco más rápido de lo que me habría gustado?», dijo Barendina Smedley, escritora británica, en una publicación en redes sociales. «Inevitablemente».

Pero, dijo, no se está quejando: es maravilloso que tanta gente esté interesada. Y, de hecho, Smedley —que no respondió de inmediato a una solicitud de comentarios— dijo que le gustaba la cola. Casi se sintió meditativa, como un prólogo que le permitió sumergirse de verdad en la muestra.

«Cada vez más, nuestros mundos se reducían a lo que estaba inmediatamente delante de nosotros», escribió Smedley. «Al menos para mí, la experiencia habría sido menos poderosa sin ella».

Fuente: The New York Times

Un anillo de sello de oro del siglo XIV, posiblemente perteneciente a Matilda de Lancaster, condesa de Úlster, fue hallado por dos aficionados a la detección de metales en un campo de labranza del condado de Suffolk, en el este de Inglaterra. La pieza quedó estimada entre £10.000 y £12.000 (unos USD 13.000 y 16.000), según informó The Telegraph.

El hallazgo tuvo lugar cerca de la localidad de Stoke Ash, cuando Aaron Pizzey, de 30 años, y James Race, de 39, decidieron probar suerte en un tercer campo tras dos búsquedas infructuosas esa misma mañana. Pizzey, docente de ingeniería en el oeste del condado, relató al diario que su auricular estaba fallando y estuvo a punto de abandonar.

Fue su compañero quien lo persuadió de continuar. Treinta segundos después, el detector emitió una señal potente y, al excavar, vio el destello dorado de la joya entre la tierra. “¡Oro!”, le gritó a Race, quien al principio creyó que era una broma.

El anillo lleva una inscripción lombarda que lo vincula con la nobleza medieval inglesa

La pieza presenta una piedra de cornalina tallada con la imagen de un grifo caminando hacia la izquierda, engastada en un bisel ovalado con un borde plano que rodea la inscripción en escritura lombarda: “GRIFFVnMATILIELEMATILIOVR”. Según los expertos consultados, ese texto podría traducirse como “grifo Matilda la condesa materna”, una lectura que abrió la puerta a una fascinante hipótesis histórica.

Nigel Mills, consultor de la casa de subastas Noonans Mayfair, explicó que la combinación de la inscripción con la iconografía heráldica “podría sugerir que el anillo perteneció a Matilda de Lancaster, quien se convirtió en condesa de Úlster”. Mills precisó que, entre 1347 y 1348, Matilda ingresó como canonesa del priorato agustino de Campsey, ubicado a tan solo 32 kilómetros del sitio donde apareció la joya. El animal mitológico grabado, añadió, era un símbolo heráldico de uso frecuente entre la nobleza medieval europea, asociado al poder y al linaje.

La cercanía al priorato de Campsey refuerza la hipótesis de atribución histórica

La proximidad geográfica entre el lugar del descubrimiento y el priorato agustino es uno de los indicios más sólidos que los especialistas utilizan para vincular la joya con la condesa. El período en que ella residió en ese convento —justo cuando la Peste Negra llegó a Inglaterra— coincide con el contexto histórico que rodea a la pieza.

No obstante, Noonans presenta esa conexión como una posibilidad y no como una certeza: los registros disponibles no permiten establecer la atribución de manera definitiva. La casa de subastas califica al objeto como “extremadamente raro”, lo que subraya su singularidad más allá del posible vínculo nobiliario.

Conforme a la legislación del Reino Unido sobre objetos de valor histórico encontrados en terrenos privados, el descubrimiento fue reportado al oficial de enlace local y quedó registrado dentro del programa Portable Antiquities Scheme (PAS, por sus siglas en inglés), que documenta los objetos arqueológicos recuperados por particulares en suelo británico. Los ingresos obtenidos quedarán distribuidos entre los dos detectoristas y el dueño del terreno.

Noonans Mayfair lo incluyó en su subasta de joyería y objetos de valor en Londres

La firma incluyó el sello de oro en su subasta de joyería, relojes, plata y objetos de valor, que se lleva a cabo este martes en su sede de Mayfair. La estimación parte de entre £10.000 y £12.000 (unos USD 13.000 y 16.000). Los ingresos, tal como establece la normativa británica, se repartirán entre los detectoristas y el propietario del terreno.

El descubrimiento se suma a una serie de hallazgos medievales significativos registrados en Suffolk en los últimos años. La región es reconocida por su riqueza arqueológica, y la detección amateur —regulada dentro del programa— sigue siendo una vía relevante para recuperar piezas que de otro modo permanecerían enterradas.

Para los jóvenes, aquella mañana que parecía destinada al fracaso terminó con uno de los hallazgos más notables de la arqueología aficionada británica reciente.

La agrupación sinaloense se presentó el domingo 20 de septiembre en KOKO, recinto ubicado en Camden High Street, Londres. El evento comenzó a las 19:00 horas y formó parte de la agenda internacional de la agrupación.

El concierto permitió que los seguidores de la música regional mexicana disfrutaran en Inglaterra del repertorio de una de las agrupaciones más reconocidas de la música de banda.

Sin embargo, el momento que llamó la atención en redes sociales ocurrió fuera del escenario.

El Recodo sorprende a turistas en Londres

Durante su estancia en la capital británica, los integrantes de El Recodo decidieron llevar sus instrumentos a las inmediaciones del Tower Bridge, uno de los lugares más reconocidos de Londres, para realizar una presentación espontánea.

Con trompetas, clarinetes, tambora y otros instrumentos característicos de la banda sinaloense, los músicos comenzaron a interpretar una pieza mientras turistas y personas que transitaban por la zona se acercaron para observar, bailar y grabar el momento.

La escena convirtió por unos minutos un espacio turístico de Londres en un punto de encuentro para la música mexicana. Pero la presentación no pudo continuar.

En las imágenes difundidas sobre el episodio, un elemento de seguridad se acercó a los músicos y les pidió detener la actuación y retirarse del lugar. Los integrantes de El Recodo acataron la indicación y comenzaron a caminar a petición de uno de los músicos para retirarse.

La propia agrupación compartió el momento en sus redes sociales y explicó que buscaba llevar su música hasta uno de los sitios emblemáticos de la capital inglesa, aunque en esta ocasión no pudo completar la presentación como estaba previsto.

Una gira de El Recodo por Europa

La visita a Londres forma parte de una gira internacional de Banda El Recodo que contempla distintas ciudades europeas. Antes de llegar a la capital británica, la agrupación tenía programada una presentación en Dublín, Irlanda, el 19 de septiembre, un día antes de su concierto en Londres.

El recorrido europeo también contempla ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid, Ámsterdam, Múnich y Zúrich, de acuerdo con información difundida sobre la gira.

La presencia de El Recodo en Reino Unido representa otra parada internacional para una agrupación cuya historia se remonta a 1938, cuando fue fundada por Cruz Lizárraga en Sinaloa.

KOKO, el recinto donde se realizó el concierto, tiene una larga trayectoria como espacio musical en Londres y actualmente recibe presentaciones de artistas de distintos géneros.

El Recodo busca llevar la banda mexicana por el mundo

La agrupación ha mantenido durante décadas una estrategia de internacionalización de la música de banda, con presentaciones fuera de México y recorridos por distintos países.

En Londres, esa intención quedó reflejada en la decisión de salir del escenario formal y tocar frente a turistas y habitantes de la ciudad.

“Nos la volvieron a hacer… La misión era llevar nuestra música hasta uno de los lugares más emblemáticos de Londres, pero hoy no se pudo. Así que, por hoy, no se logró la misión. Seguimos buscando el momento y la forma de llevar la música de banda por los rincones de Europa y el mundo. Por hoy no se pudo… pero la misión continúa".

Este episodio recuerda que, en 2024, en una gira por Japón, la agrupación sinaloense, intentó hacer lo mismo en la explanada de Odaiba, Tokio, sin embargo, la policía llegó y les pidió que dejaran de cantar.

Aunque las presentaciones callejeras fueron detenidas por las autoridades, los episodios rápidamente llamaron la atención en redes sociales y permitieron que el sonido de la banda sinaloense llegara, aunque fuera durante unos minutos, a uno de los puntos turísticos más reconocidos de la capital británica y japonesa.

Así, la visita de Banda El Recodo a Inglaterra dejó dos momentos: un concierto formal en KOKO y una presentación espontánea cerca del Tower Bridge que terminó antes de lo previsto, pero que generó imágenes y reacciones en redes sociales.

Apple inauguró Apple Music Hall, un nuevo recinto para conciertos en Londres diseñado para combinar presentaciones en vivo, sonido espacial y producción audiovisual. El espacio, ubicado en la histórica Battersea Power Station, tiene capacidad para 600 espectadores y permitirá que los conciertos realizados allí puedan convertirse en producciones audiovisuales y transmitirse en directo a audiencias de todo el mundo.

La compañía busca así ampliar su presencia en la industria musical más allá de los audífonos, los teléfonos y su plataforma de streaming. El recinto está pensado para ofrecer conciertos de formato íntimo, pero con la infraestructura necesaria para producir contenido con estándares profesionales de audio y video.

Un escenario para 600 personas con sonido espacial

Apple Music Hall cuenta con un escenario de aproximadamente 11,6 metros de ancho que puede configurarse de distintas maneras. El público puede situarse frente a los artistas o rodear parcialmente el escenario, según el tipo de presentación.

Uno de los elementos tecnológicos más destacados es su sistema de sonido espacial, compuesto por 48 altavoces distribuidos alrededor de la audiencia. Esta configuración permite crear una experiencia envolvente, en la que los sonidos pueden percibirse desde diferentes direcciones.

La tecnología está relacionada con la apuesta que Apple ha desarrollado en Apple Music, donde ofrece canciones y álbumes mezclados en audio espacial con Dolby Atmos. En el nuevo recinto, esta tecnología podrá aplicarse directamente a presentaciones en vivo.

El diseño del espacio también incorpora referencias a la historia de Battersea Power Station, con muros de ladrillo, arcos y balcones de bronce. Una gran pared de cristal conecta la sala con el edificio histórico y permite observar el entorno del río Támesis.

Un concierto puede convertirse en una producción completa

La propuesta de Apple Music Hall no termina cuando acaba una presentación. Detrás del escenario existe un centro de producción audiovisual que permitirá registrar los conciertos y convertirlos en contenido para su distribución digital.

El recinto dispone de dos estudios profesionales de grabación y mezcla, capaces de registrar las actuaciones mediante pistas de audio independientes. Esto permite producir versiones con sonido espacial tanto durante el concierto como posteriormente.

También cuenta con infraestructura para conectar al menos 16 cámaras a una sala de control de transmisión. De esta manera, una misma presentación puede registrarse desde múltiples ángulos para crear una producción audiovisual.

Apple incluso contempla combinar cámaras profesionales con imágenes captadas mediante iPhone dentro de una misma producción. Así, un concierto para 600 personas puede generar una grabación de audio espacial, una mezcla preparada para transmisión y un video multicámara.

La compañía confirmó que los espectáculos realizados en el recinto podrán transmitirse en vivo a nivel mundial. Por el momento, Apple no ha anunciado una programación completa ni ha revelado qué artistas protagonizarán las primeras presentaciones.

Apple Music Radio también tendrá nuevos estudios

La inauguración de Apple Music Hall coincide con la apertura de nuevos estudios de Apple Music Radio en Battersea Power Station. Desde estas instalaciones se emitirán en directo los programas de los presentadores de Apple Music Radio que trabajan en Londres.

Los estudios permitirán realizar entrevistas con artistas, estrenos musicales, programas especiales y actuaciones sorpresa. La infraestructura también facilita que las actividades de radio, los conciertos y las producciones audiovisuales se desarrollen dentro del mismo complejo.

Apple Music Radio funciona las 24 horas y sus transmisiones pueden escucharse gratuitamente en todo el mundo, sin necesidad de contratar una suscripción a Apple Music.

Apple recupera su tradición de conciertos en Londres

Apple Music Hall también representa una continuación de la relación de la compañía con los eventos musicales en Londres. La ciudad fue sede del iTunes Music Festival, posteriormente conocido como Apple Music Festival, que reunió a artistas internacionales durante varias ediciones.

Ahora Apple apuesta por un modelo diferente: disponer de un espacio permanente desde el que pueda organizar conciertos exclusivos y producir contenido audiovisual para una audiencia internacional.

La compañía lanzó Apple Music en 2015 y actualmente ofrece un catálogo de más de 100 millones de canciones. Con Apple Music Hall, Apple suma una dimensión presencial a esa estrategia, conectando los conciertos físicos con el sonido espacial, la producción audiovisual y las posibilidades de distribución global mediante internet.

Marina Borensztein celebró los 27 años de su hija Malena con un álbum familiar que cruzó Madrid, Londres y varias generaciones. La escritora eligió las redes sociales para acompañar a la distancia a la joven, a quien llama Poupe, y reunió postales de su infancia, de los afectos que marcaron su historia y de los vínculos que construyó con el paso de los años.

Malena vive en Londres, mientras que Marina reside en Madrid, España, junto a su pareja, Oscar Martínez. La distancia no impidió el festejo: la hija de Tato Bores publicó un carrete de imágenes para homenajear a su única hija en el día de su cumpleaños y también adelantó que viajará la próxima semana a la capital inglesa para compartir la celebración en persona.

Las fotos trazaron un recorrido íntimo. Hubo postales de Malena bebé junto a una Marina mucho más joven, tardes de playa, paseos por un parque y escenas que dejaron ver la complicidad entre madre e hija. En cada imagen se asomó una parte de la vida que ambas compartieron antes de que los kilómetros separaran sus rutinas cotidianas.

Entre las fotografías apareció una postal especialmente significativa: un atardecer frente al mar con Berta Szpindler, la madre de Marina y esposa de Tato Bores. Berta, que murió en 2020, formó parte central de la familia Borensztein y su recuerdo volvió a estar presente en esta fecha especial para Malena.

La publicación también incluyó una imagen de la joven con su padre, Jorge Leyba, expareja de Marina. A ese retrato se sumaron varias fotos junto a Oscar Martínez, quien ocupa un lugar importante en el entorno familiar. Malena y el actor consolidaron un vínculo cercano, que quedó reflejado en distintas escenas de la intimidad compartida.

“¡Feliz cumpleaños mi Poupé! Te deseo todo lo mejor de la vida en este nuevo comienzo y más coraje para seguir construyendo. Te admiro y te felicito por todo lo que estás haciendo con tu vida que es vivir la vida que querés. Te amo hasta el más “finito y más allá”…”, dejó plasmado Marina al lado del carrete de fotos.

Lejos de las grandes declaraciones, Marina eligió una frase breve para resumir lo que siente por su hija. En una historia de Instagram la definió como “toda mi vida”. El mensaje acompañó el cumpleaños número 27 de Malena y puso en palabras el lazo que las une, aun cuando cada una transita su día a día en una ciudad diferente.

El apodo Poupe, que remite a muñeca en francés, también forma parte de esa intimidad. Con ese nombre cariñoso, Marina suele referirse a Malena, fruto de su relación anterior a Oscar Martínez. Madre e hija compartieron distintos momentos públicos a lo largo de los años, aunque en esta oportunidad el foco estuvo puesto en las imágenes familiares y en los recuerdos que eligió rescatar.

La cercanía de Malena con Martínez se construyó desde el afecto y la convivencia. Marina y el actor llevan casi dos décadas juntos y conformaron una familia ensamblada entre Buenos Aires, Madrid y los viajes que impone la vida profesional y afectiva de cada uno. En agosto, la escritora celebró 19 años de relación con el intérprete mediante una carta en la que lo llamó “mi compañero, mi amigo, mi maestro, mi familia, mi amante, mi amor”.

Ahora, el cumpleaños de Malena volvió a reunir esas historias en una misma publicación: la presencia de su padre, el recuerdo de su abuela Berta, las fotos con Oscar y la mirada de una madre que eligió revivir momentos de distintas etapas. La próxima semana, Marina viajará a Londres para sumarse al festejo y abrazar a Poupe en su nuevo año.

Antes del viaje, Marina seguirá cerca de Malena a través de las llamadas, los mensajes y las fotos que se intercambian. El encuentro en Londres permitirá que madre e hija celebren juntas, lejos de Madrid, una fecha que ambas guardarán entre los recuerdos familiares compartidos de este año.

Una mayoría de británicos mantiene percepciones erróneas sobre Londres en asuntos como la delincuencia, la religión, la calidad de vida y las finanzas públicas, según un estudio del Policy Institute del King’s College de Londres basado en encuestas de YouGov. El informe concluye que esas distorsiones suelen seguir divisiones partidistas y se relacionan con una visión más negativa o más favorable de la capital.

El trabajo, elaborado a partir de dos encuestas de YouGov realizadas entre el 23 y el 27 de marzo de 2026, indica que la población británica tiende a sobrestimar la delincuencia en la capital, exagerar el peso de la población musulmana, infravalorar la posición internacional de la ciudad y desconocer que Londres paga más impuestos de los que recibe en gasto público.

Delincuencia: la percepción triplica la realidad

La estimación media sobre cuántos londinenses sufrieron un delito entre octubre de 2024 y septiembre de 2025 asciende al 30%, frente a una cifra real del 12,2%. Entre los propios residentes de la capital, la estimación baja al 25%, pero también duplica el dato real.

La mitad de la población cree que Londres tuvo la tasa más alta de delitos violentos de Inglaterra y Gales en el año terminado en septiembre de 2025, y el 37% piensa lo mismo sobre los delitos sexuales. En realidad, la ciudad registró la tasa más baja en ambas categorías.

La percepción también falla al medir la evolución general del delito: el 62% cree que la delincuencia total subió entre 2019 y 2025, cuando en realidad bajó un 1,4%, y el 40% piensa que los homicidios aumentaron, pese a una caída de alrededor del 15%.

La opinión pública sí identifica algunos aumentos concretos. El 79% acierta al señalar una subida de los hurtos en tiendas y el 71% hace lo mismo con los arrebatos y hurtos a transeúntes, ambas categorías en más del doble del nivel de 2019. El 58% también identifica correctamente que los delitos sexuales y la violencia contra las personas aumentaron.

En cuanto a la seguridad cotidiana, la población calcula que el 60% de los londinenses no se siente segura al caminar sola por su barrio de noche, frente al 37% real. Siete de cada diez comparten la idea de que no es prudente usar un reloj de lujo en la ciudad por riesgo de robo; en 2023 se denunciaron alrededor de 2.000 robos de ese tipo.

Demografía y calidad de vida

En demografía, la estimación media sitúa a la población musulmana de Londres en el 35%, cuando la cifra real es del 15%. El 34% cree además que existen zonas vedadas donde rige la ley islámica y a las que los no musulmanes no pueden acceder.

La imagen de la ciudad también sale peor parada en calidad de vida y prestigio exterior. Londres ocupa el primer lugar en el índice World’s Best Cities de 2025, pero solo el 6% la coloca entre las mejores de las ocho grandes ciudades analizadas y el 17% la sitúa en el último puesto. Los niveles de dióxido de nitrógeno cayeron casi a la mitad entre 2016 y 2023, aunque solo el 32% sabe que la calidad del aire mejoró.

En finanzas públicas, el 69% reconoce que la capital recibe más gasto público que otras regiones, pero solo el 30% sabe que además aporta más impuestos de los que recibe. Londres fue una de las dos únicas partes del Reino Unido con superávit fiscal en 2022/23.

Cómo se reparten los errores según el voto

La fractura partidista aparece con fuerza en casi todos los indicadores. Los simpatizantes de Reform UK son quienes más se apartan de la realidad en delincuencia y en el tamaño de la población musulmana: calculan que el 50% de los londinenses es musulmán —más de tres veces la cifra real— y que el 40% sufrió un delito en un año, también más de tres veces por encima del 12,2% real. El 87% de ese grupo cree por error que la delincuencia total ha aumentado desde 2019, y estiman que el 70% de los londinenses no se siente seguro de noche, frente al 37% real. Entre los conservadores, la estimación de población musulmana llega al 40%.

El estudio también detecta errores en electorados de izquierda y centroizquierda. Laboristas y verdes sobrestiman la proporción de población blanca británica —50% frente a una realidad del 37%— y menos de la mitad reconoce las subidas de los delitos sexuales y de la violencia contra las personas, categorías donde los simpatizantes de Reform UK y los conservadores sí predominan en respuestas correctas.

La relación entre creencias falsas y la visión de la capital

El estudio no presenta esos errores solo como fallos de cálculo. Entre quienes creen por error que el 70% o más de los londinenses fue víctima de delitos en el último año, el 75% piensa que Londres ha empeorado desde 2016, frente al 54% del conjunto de la población. Entre quienes creen que ese mismo porcentaje de londinenses es musulmán, el 62% sostiene que existen zonas vedadas regidas por la ley islámica, frente al 34% general.

En el terreno económico, quienes saben que Londres paga más impuestos de los que recibe muestran una relación más favorable con la capital: el 54% dice sentir orgullo por la ciudad, frente al 36% de quienes creen que esa afirmación es falsa.

El profesor Bobby Duffy, director del Policy Institute del King’s College de Londres, afirmó que la ciudad se ha convertido en “un foco de atención en nuestro debate nacional” y que la idea de que “Londres ha caído” se repite en la política, los medios y las redes sociales. Sostuvo que los simpatizantes de Reform UK y los conservadores tienden a imaginar una ciudad “mucho más peligrosa, violenta y en decadencia de lo que realmente es”, mientras que laboristas, liberaldemócratas y verdes también arrastran errores de percepción. A su juicio, cada persona acaba viendo “el Londres que se ajusta a la historia que ya creemos”.

El estudio se apoya en dos encuestas nacionales representativas de 2.164 y 3.969 adultos, incluidas 563 personas residentes en Londres, realizadas por YouGov para la serie Mistaken Britain. Para contrastar las respuestas con la realidad, el informe remite a fuentes oficiales como la Oficina Nacional de Estadística, la Policía Metropolitana, el censo de 2021, el Observatorio de Migración, la Biblioteca de la Cámara de los Comunes y la Asamblea de Londres.

La marca de 1:56.40 en el estadio StoneX, al norte de Londres, quedó poco más de dos segundos por encima de su récord británico (1:54.33) que logró en junio de este año. La competencia del viernes fue la primera edición del evento fuera de Estados Unidos, después de las realizadas en Nueva York en 2024 y 2025.

La atleta más rápida de la historia británica en 800 metros resumió la experiencia: “La velocidad y el estilo se unieron”, escribió en Instagram. Su atuendo se viralizó y fue comparado con las prendas llamativas que usaron Serena Williams y Naomi Osaka, dos tenistas que trasladaron su influencia más allá de las canchas, según The Athletic.

El diseño cubría todo el cuerpo y tenía una abertura en la capucha para que saliera la cola del peinado de Hodgkinson, una condición que la atleta consideraba innegociable. La británica trabajó durante unos 12 meses con el equipo de innovación de la marca de indumentaria estadounidense que la viste para definir cada aspecto del traje.

Después de la carrera, explicó que quería “sentirse un poco sexy”, aunque el propósito no era solo estético. Describió el resultado como “una mezcla de moda, velocidad y ciencia unidas” y sostuvo que podía beneficiar al atletismo en el futuro. “Mitad ninja asesina y mitad estilo Gatúbela”, tituló el diario británico The Guardian.

Dan Farron, vicepresidente de diseño de indumentaria innovadora de la marca, le presentó la idea con una premisa directa: “Podemos hacerte más rápida si cubrimos más piel”. El traje busca reducir la resistencia aerodinámica, regular la temperatura corporal y favorecer la velocidad. La decisión de dejar el cabello al viento implicaba aceptar una desventaja técnica. “La ciencia decía que, técnicamente, con la resistencia del aire eres más lenta si llevas el pelo suelto, pero yo dije: ‘Eso no se negocia. Mi pelo se queda fuera’”, dijo Hodgkinson.

La pieza incorpora pequeños elementos distribuidos en distintas zonas que resultan casi imperceptibles a simple vista. Se denominan generadores de vórtices: microestructuras triangulares impresas en 3D y colocadas con orientaciones diferentes según el sector del cuerpo. Estos relieves alteran el comportamiento del aire alrededor de la corredora. La solución parte de un principio aplicado en otros deportes: una superficie completamente lisa no siempre es la más rápida, porque en determinadas condiciones resulta más eficiente controlar el flujo de aire que atraviesa el cuerpo.

Para Hodgkinson, la apariencia forma parte del rendimiento: “Soy muy de ‘si te ves bien, te sientes bien’, y de ese equilibrio mental y físico”. La espalda abierta del traje ayudó a mantenerla fresca, mientras que la tela ajustada le dio una sensación de ligereza. “Para ser sincera, siento que no llevo nada puesto”, afirmó. La corredora entrenó con la prenda en Sudáfrica bajo 37 °C y aseguró que la temperatura no representó un problema.

Athlos fue elegido como escenario para el estreno porque se trata de una competencia exclusivamente femenina que busca combinar deporte, espectáculo y visibilidad. “Un evento solo para mujeres, dedicado al brillo, al glamour y a poner los ojos sobre las mujeres, era el momento perfecto para terminar la temporada”, dijo Hodgkinson.

La serie fue creada por Alexis Ohanian, cofundador de Reddit y esposo de Serena Williams, ganadora de 23 títulos de Grand Slam en individuales. Su objetivo es dar a las atletas de pista y campo una exposición más frecuente que la que permiten los Juegos Olímpicos.

El antecedente más recordado sobre trajes para corredoras pertenece a Cathy Freeman, la atleta australiana que ganó el oro olímpico en los 400 metros de Sídney 2000 con un traje verde y dorado de cuerpo entero. La prenda incorporaba telas distintas en cada zona corporal para reducir la resistencia al aire y una capucha destinada a aplanar el cabello.

El traje de Freeman surgió de una colaboración entre la marca deportiva que era su sponsor, el diseñador de ropa Eddy Harber y el especialista canadiense en aerodinámica Len Brownlie, autor de una tesis titulada “Características aerodinámicas de la indumentaria deportiva”. La corredora admitió que al principio tuvo “una reserva” sobre cómo se veía, pero concluyó que disfrutaba de cómo se sentía al correr.

Harber interpretó esa elección como una protección simbólica ante una carrera cargada de expectativas. “Creo que, al mirarlo en retrospectiva, ella lo veía como una armadura, en cierto modo”, dijo sobre la actuación que la convirtió en campeona olímpica ante el público australiano.

A diferencia de la natación, donde los trajes de cuerpo entero no están permitidos, las reglas del atletismo permiten que velocistas y fondistas compitan con monos de una pieza, calzas cortas o camisetas sin mangas. La condición es que las prendas sean ajustadas y respeten las normas oficiales de uniformes y patrocinio.

Hodgkinson sugirió que su aparición en Londres fue una prueba antes de una posible expansión. “Puede que sepamos algunas cosas que los demás no saben. Fue una prueba ahí afuera”, afirmó. “Esto no es algo que no hayamos visto antes. Cathy Freeman y otras atletas de hace tiempo hicieron algo parecido. Esta es la versión actualizada con la nueva tecnología”.

Georgia Hunter Bell, también británica y segunda en la milla de Athlos, dijo que el traje estará disponible como alternativa para los atletas británicos en los Juegos de Los Ángeles 2028. “Es muy interesante porque dentro de unos años será lo normal, aunque ahora parezca una locura”, señaló. La corredora anticipó que los integrantes de Team GB podrán elegir esa clase de equipo cuando reciban la indumentaria para los Juegos. “Es emocionante poder mostrarlo ahora”, agregó.

El uso de indumentaria tecnológica dependerá de que las marcas demuestren una ventaja suficiente para volverla indispensable, por encima de las preferencias personales y la comodidad de cada deportista. Sin una prueba concluyente de ese beneficio, los trajes de velocidad seguirán siendo una alternativa junto a las calzas y camisetas tradicionales.

Hace 13 años, cuando esta pequeña panadería del mercado gastronómico londinense Borough Market abrió sus puertas, apenas vendía 20 barras de pan al día. Hoy, colas y colas de británicos y turistas se acercan a su puesto para probar sus donuts. Bread Ahead, la panadería fundada por Matthew Jones, se ha convertido en una de las referencias más importantes de la ciudad en lo que a panes y bollería se refiere. Ahora, se encuentra en una batalla legal con el mercado que le vio nacer, ya que, según el fundador, Borough Market ha decidido no renovar su contrato de alquiler.

La razón tras esta decisión es simple: han tenido demasiado éxito. “Borough Market nos ha comunicado que Bread Ahead debe abandonar el recinto. La razón que nos ha dado la organización benéfica es que hemos tenido demasiado éxito y nos hemos expandido internacionalmente mediante franquicias”, explicaba James a través de la cuenta de Instagram de la panadería.

La marca nació en 2013 como un pequeño puesto de Borough Market que vendía solo un puñado de productos: dos panes de masa madre, un brownie y algunas galletas. La viralidad llegó de la mano de sus donuts: “Simplemente funcionaron. Hicimos 60, luego 100 y después 200, y la cosa no paró”. Borough Market fue también el lugar donde Bread Ahead abrió su primera escuela de repostería. El crecimiento permitió a la empresa instalarse también en King’s Cross, South Kensington y Wembley.

Este conflicto se produce precisamente cuando la empresa prepara su llegada a Nueva York el próximo noviembre y acaba de anunciar una panadería en Harpenden, Hertfordshire, su primera sucursal británica fuera de Londres. Bread Ahead cuenta ya con 12 tiendas franquiciadas en Arabia Saudí y Emiratos Árabes Unidos, además de establecimientos en Dubái, Estados Unidos, Tailandia y Filipinas. La salida del mercado londinense que les vio nacer, dice Jones, pondría en riesgo 83 puestos de trabajo.

“Pensaba que tener éxito era precisamente el motivo principal para abrir un negocio”, aseguraba el panadero a través de su denuncia en redes sociales. “Dejé la escuela a los 15 años. Fui chef y trabajé durante 30 años. Construí un negocio desde la nada, desde cero. Nunca he pedido prestado ni un centavo en mi vida; he levantado esto por mis propios medios. El efecto devastador, si llevan esto a cabo, sería la pérdida de 83 empleos en Londres y la desaparición de un negocio allí”.

“Sinceramente, nunca imaginé que el éxito podría poner en peligro nuestro hogar. No nos ha comprado ninguna multinacional. No nos hemos convertido en una cadena impersonal. Seguimos bajo la dirección de sus fundadores. Seguimos horneando, enseñando y dando empleo, y mantenemos nuestras raíces firmemente asentadas en Borough Market. Sí, hemos crecido. Pero eso debería ser motivo de celebración, no una razón para pedirnos que nos vayamos”, añadía en declaraciones recogidas por Time Out.

Aunque el mercado no se ha querido posicionar públicamente, un portavoz de Borough Market ha defendido en declaraciones a la BBC que las renovaciones se resuelven mediante un procedimiento establecido y que la fundación que gestiona el recinto mantiene contacto con Bread Ahead. El representante ha señalado: “Nuestro enfoque consiste en aplicar estos procesos de forma justa y coherente, al tiempo que garantizamos que Borough Market siga evolucionando como uno de los principales destinos gastronómicos de Londres, donde los negocios independientes puedan prosperar”.

Un negocio con 65 años de vida

La exitosa panadería no es la única que se ve forzada a decir adiós al mercado en contra de su voluntad. La cafetería Maria’s Market Cafe, especializada en desayunos y con más de sesenta años de vida y trayectoria en Borough Market, ha recibido una noticia similar.

“Se nos ha informado de que no se renovará nuestro contrato de alquiler. Esta decisión se tomó sin explicaciones ni previo aviso, dejándonos a nosotros y a nuestros fieles clientes desolados”, escribe el restaurante en su petición de change.org, donde recopila firmas para tratar de quedarse en el mercado. “Esta medida repentina amenaza no solo a un negocio familiar, sino también a una parte de la vibrante historia de Londres”.

Las calles de Londres se convirtieron en el escenario de una de las postales más comentadas del año cuando la alta costura de la televisión estadounidense y la velocidad de la Fórmula 1 caminaron del brazo a la salida del emblemático restaurante Estiatorio Milos, en Regent Street. Tras compartir veladas en el Lago de Como y en el restaurante Ferdi en París, Kim Kardashian y Lewis Hamilton fueron fotografiados saliendo de una cena en la capital británica.

Aunque mantenían una amistad desde hace más de una década, su vínculo se transformó en un romance a comienzos de 2026 tras una escapada privada a Estelle Manor, en los Cotswolds, antes de hacer oficial su relación en Instagram durante el mes de junio.

El atuendo nocturno captado por las cámaras destaca por una cuidada armonía visual fundamentada en la oposición de formas. Mientras ella apostó por la tensión, el ajuste extremo y las líneas orgánicas ceñidas al cuerpo, él equilibró la composición mediante volúmenes amplios, prendas estructuradas y capas de alta densidad textil.

La clave para que ambos universos convivan sin competir radicó en una paleta cromática neutra, donde predominaron los tonos beige, gris melange, marengo y negro. Esta elección de color permitió que las proporciones sean las verdaderas protagonistas del conjunto.

El vestido escultura de Kim Kardashian y la ilusión óptica

En esta aparición en Regent Street, Kardashian reafirmó su dominio del minimalismo arquitectónico luciendo un vestido largo de manga larga confeccionado en tejido elástico semitransparente en tono beige claro (nude). La prenda actuó como una segunda piel que se moldeó a su anatomía, prolongando su figura hasta el suelo.

El elemento visual más impactante del diseño fueron dos franjas negras horizontales y gruesas ubicadas estratégicamente en el torso y la cintura. Estas bandas crearon un efecto de ilusión óptica similar al cut-out, acentuando la clásica silueta de reloj de arena y añadiendo un toque futurista.

Para no romper la continuidad de la prenda, Kim eligió stilettos de punta fina alineados al tono del vestido, logrando una línea vertical limpia que estiliza sus piernas. En esta ocasión estrenó un flequillo acompañado por un recogido alto de acabado despeinado, lo que aporta una frescura idónea para una cita nocturna. Completó el estilismo con unas gafas de sol extragrandes y oscuras que reforzaron esa estética imponente que caracteriza sus salidas públicas.

El volumen urbano y la sastrería monocromática de Lewis Hamilton

Por su parte, Lewis Hamilton desplegó su faceta como referente indiscutible del streetwear de lujo mediante un estilismo completamente gris de proporciones holgadas e inspiración vanguardista.

La pieza central de su atuendo fue una chaqueta corta con cremallera confeccionada en lana gruesa de tono gris melange. Destacó por el corte acampanado de sus mangas, las cuales cayeron de forma fluida y holgada sobre sus manos, aportando un dramatismo estilístico poco convencional en la moda masculina tradicional.

En la parte inferior, el piloto lució pantalones plisados de tiro alto y pierna ancha con estampado de raya diplomática en tono gris marengo. La prenda generó un movimiento sofisticado a cada paso que complementó con la soltura de la chaqueta.

Para darle peso y carácter al conjunto, incorporó calzado de suela gruesa (chunky) en color negro. Sus accesorios estuvieron meticulosamente seleccionados: una gorra de terciopelo colocada hacia atrás, gafas de sol rectangulares y pendientes de diamantes que cerraron una propuesta urbana impecable.

La fuerza de esta imagen a la salida de Estiatorio Milos no radicó en vestirse iguales, sino en entender cómo complementar las siluetas. La fluidez y el volumen de Lewis equilibraron la rigidez ceñida de Kim, creando un impacto visual limpio, moderno y de alta sofisticación que redefine la vestimenta de pareja en la cultura popular contemporánea.

La actriz que vendió naranjas en los teatros de Londres antes de convertirse en amante del rey fue, según investigaciones recientes, una operadora política de primer orden en la Inglaterra de la Restauración, hábil en el ejercicio del poder informal en un entorno donde las mujeres tenían pocas vías de participación institucional.

En febrero de 1671, Nell Gwyn se mudó a una mansión de ladrillo en el número 79 de Pall Mall, propiedad de la Corona y cedida por Carlos II. Lo que comenzó como residencia privilegiada de una favorita real se convirtió, según señala la historiadora Sophie Shorland en un artículo publicado en abril de 2026 por HistoryExtra Magazine, en un espacio donde se gestionaban asuntos diplomáticos y de gobierno lejos de los espías de Whitehall. Gwyn recibió allí a embajadores, políticos y visitantes extranjeros, ejerciendo una función de anfitriona que, según la historiografía de la época, era prerrogativa casi exclusiva de la reina.

Desde ese mismo año, el rey le asignó una pensión de 4.000 libras anuales —incrementada luego a 5.000— y siguió transfiriéndole propiedades y rentas durante más de una década, lo que indica la centralidad de Gwyn en la vida pública de la corte más allá de su rol como favorita.

Gwyn fue promovida como herramienta política contra la influencia de otra amante del rey

La entrada de Gwyn en la vida de Carlos II no fue casual. George Villiers, segundo duque de Buckingham, la presentó deliberadamente al monarca en el invierno de 1667-68 con el propósito de desplazar a Barbara Palmer, condesa de Castlemaine, que ejercía entonces una influencia dominante en la corte.

Buckingham, descrito por sus contemporáneos como un hombre que no podía “guardar ningún secreto ni ejecutar ningún plan sin arruinarlo”, necesitaba una aliada de confianza. Gwyn cumplió ese papel.

La maniobra resultó efectiva. En enero de 1668, el diarista Samuel Pepys anotó que “el rey mandó llamar varias veces a Nelly”. Para la primavera de 1669, Gwyn acompañaba al monarca a las carreras en Newmarket y frecuentaba sus aposentos privados en el palacio de Whitehall. Su primer hijo en común, también llamado Carlos para que no hubiera dudas sobre su paternidad, nació el 8 de mayo de 1670.

Su rivalidad con Louise de Kérouaille tuvo dimensión religiosa y geopolítica

La llegada a Inglaterra en 1670 de Louise de Kérouaille, enviada por el rey francés Luis XIV para reportar sobre los asuntos de Carlos II e inclinar la política inglesa hacia Francia, instaló una tensión que iba mucho más allá de la rivalidad personal. Mientras Kérouaille era católica y francesa, Gwyn era protestante e inglesa, y ambas condiciones tenían enorme peso político en un reino sacudido por la desconfianza hacia el catolicismo.

Según la investigación académica citada en la tesis Pamphleteers and Promiscuity (Universidad de Akron), los panfletistas whigs convirtieron a Gwyn en una heroína popular precisamente por su protestantismo, al tiempo que atacaban a Kérouaille como amenaza extranjera. En noviembre de 1678, Gwyn organizó en su casa una fiesta de quema de efigies del papa —práctica común en la Inglaterra protestante de la época— que subrayó públicamente su posicionamiento confesional.

En una anécdota recogida por Shorland, cuando una multitud en Oxford la confundió con Kérouaille y la increpó, Gwyn asomó la cabeza por el carruaje y declaró: “Sed corteses, por favor: soy la p... protestante”, lo que arrancó vítores de la multitud.

Gwyn fue corredora de patronazgo y mediadora en los conflictos de sucesión

Los documentos de la época revelan que Gwyn también operó como intermediaria de patronazgo entre el rey y quienes buscaban su favor. En 1680, Lady Ann Baker escribió que el rey había cedido en un asunto “por mediación de madame Gwyn o de alguna otra persona influyente”. Dos años después, el conde de Yarmouth le ofrecía explícitamente sus servicios a cambio de los favores que su esposa había recibido a través de ella.

Su vínculo con James Scott, primer duque de Monmouth —hijo ilegítimo mayor de Carlos II y aspirante protestante al trono—, la situó en el centro de la crisis de exclusión que sacudió al reino entre 1679 y 1681. Monmouth se hospedó en su casa al regresar del exilio en La Haya, y cuando cayó en desgracia ante su padre, le escribió cartas desesperadas pidiéndole que intercediera por él. Gwyn lo apoyó, aunque sin dejar de evaluar sus limitaciones: fue ella quien le puso el apodo burlón de “Príncipe Perkin”, mote que el duque recibió con furia.

Su influencia alcanzó también al Tesoro. Junto con Buckingham, participó en el proceso que llevó a la caída del lord tesorero, el conde de Danby. Uno de los seguidores del funcionario escribió a su padre: “Todo esto viene fraguándose desde aquellas reuniones en casa de Nelly”. El sucesor de Danby fue Laurence Hyde, amigo cercano de Gwyn y uno de los ejecutores de su testamento.

Gwyn murió en 1687 sin título nobiliario, pero con una pensión garantizada por el sucesor del rey

A diferencia de Kérouaille y de Palmer, Gwyn nunca recibió un título de nobleza de Carlos II, lo que en parte sostuvo su imagen de favorita ajena a las intrigas. Sin embargo, las sumas y propiedades que el rey le transfirió a lo largo de los años —incluyendo la mansión de Pall Mall, Windsor House en Burford y rentas sobre los ingresos aduaneros— reflejan una relación sostenida y políticamente significativa.

Cuando el rey murió en febrero de 1685, Gwyn quedó tan endeudada que sus acreedores la proscribieron. Carlos II, en su lecho de muerte, le pidió a su hermano: “No dejes morir a la pobre Nelly”. Jaime II, que la había visto actuar políticamente durante años, cumplió el encargo: saldó sus deudas y le concedió una pensión anual de 1.500 libras.

Gwyn murió el 14 de noviembre de 1687, a los 37 años, y fue enterrada en la iglesia de St. Martin-in-the-Fields en Londres. Su casa de Pall Mall permaneció como referencia histórica del poder informal que las mujeres podían ejercer en la corte del siglo XVII.

British Airways confirmó que mantendrá durante todo el año su conexión directa entre Londres y Costa Rica a partir de octubre de 2026, una decisión que transformará la ruta de un servicio estacional a una operación regular dentro de la programación de la aerolínea.

Según informó el Instituto Costarricense de Turismo (ICT), la compañía británica operará cinco frecuencias semanales entre octubre de 2026 y marzo de 2027, mientras que entre abril y septiembre de 2027 ofrecerá tres vuelos por semana.

El anuncio también contempla el traslado de la operación desde el aeropuerto de Gatwick hacia Heathrow, considerado la principal base de operaciones de British Airways en Londres y uno de los centros de conexiones aéreas más importantes de Europa.

Este cambio permitirá a los pasajeros procedentes de Costa Rica tener acceso a más de 130 destinos con vuelos directos operados por la compañía británica, además de mejorar las posibilidades para el transporte de carga aérea entre Costa Rica y distintos puntos del continente europeo.

La ampliación de la operación es resultado de negociaciones desarrolladas entre el ICT, AERIS y British Airways, dirigidas a incrementar tanto las frecuencias como la disponibilidad de asientos entre Costa Rica y uno de sus principales mercados turísticos europeos.

Marcos V. Borges, presidente ejecutivo del ICT, aseguró que la permanencia de la conexión durante los doce meses del año completa el proceso de negociación desarrollado con la aerolínea.

“Luego de haber concluido nuestras negociaciones con British Airways para aumentar frecuencias y pasar el vuelo al Aeropuerto de Heathrow; logramos concretar con éxito la última parte de la negociación que, precisamente, consistía en la permanencia del vuelo desde el Reino Unido todo el año”, destacó Borges.

El jerarca agregó que “este anuncio representará un aumento significativo en asientos y frecuencias desde Londres”.

Heathrow amplía las posibilidades de conexión

El traslado desde Gatwick hacia Heathrow representa uno de los principales cambios de la ruta.

Al operar desde su principal centro de conexiones, British Airways podrá facilitar a los viajeros provenientes de Costa Rica continuar hacia una mayor cantidad de destinos europeos e internacionales sin necesidad de trasladarse entre aeropuertos dentro de Londres.

Ricardo Hernández, director ejecutivo de AERIS, señaló que la ampliación responde al trabajo realizado entre las diferentes entidades involucradas para fortalecer la conectividad aérea del país.

“La permanencia de British Airways durante todo el año es resultado del trabajo articulado entre AERIS, el Instituto Costarricense de Turismo y la aerolínea para continuar fortaleciendo la conectividad de Costa Rica con mercados estratégicos”, afirmó.

Hernández agregó que la medida permitirá “consolidar la conexión directa con el Reino Unido y fortalecer las oportunidades de conectividad con Europa”.

Horarios y capacidad de los vuelos

Durante el horario de invierno europeo, la conexión sin escalas saldrá de Londres a las 11:10 a. m. y llegará al Aeropuerto Internacional Juan Santamaría a las 4:40 p. m.

El vuelo de regreso despegará de Costa Rica a las 6:40 p. m. y aterrizará en Heathrow a las 10:50 a. m. del día siguiente.

La aeronave prevista para operar la ruta durante todo el año será un Boeing 787, con una capacidad total de 204 pasajeros.

El avión contará con 31 asientos en Club, la clase ejecutiva de British Airways; 37 espacios en World Traveller Plus, correspondiente a turista premium; y 136 asientos en World Traveller, la clase económica.

La combinación de una mayor frecuencia y la permanencia anual de la ruta incrementará la oferta de asientos entre ambos países y dará mayor estabilidad a operadores turísticos, agencias de viajes y empresas que comercializan Costa Rica en el mercado británico.

Reino Unido, tercer mercado europeo para Costa Rica

El anuncio se produce pocas semanas antes de la World Travel Market 2026 (WTM), una de las principales ferias internacionales del sector turístico, que se celebra precisamente en Londres.

Para Borges, la confirmación de la operación anual podría generar nuevas oportunidades comerciales para las empresas costarricenses que participen en la feria.

“Sin duda alguna las empresas que participarán en este evento recibirán con mucho entusiasmo esta noticia que abre un sinnúmero de posibilidades de negociaciones y ventas hacia nuestro país”, señaló.

Según cifras del ICT, Reino Unido ocupa el tercer lugar entre los mercados emisores de turistas hacia Costa Rica desde Europa.

Entre enero y agosto de 2026, el país recibió por vía aérea a 47,753 turistas británicos.

En el mismo periodo, 319,552 viajeros procedentes de Europa ingresaron por vía aérea a Costa Rica, lo que representó un crecimiento del 8.8% frente al mismo periodo del año anterior.

Los estudios de mercado del ICT muestran que el turista británico tiene particular interés en actividades vinculadas con playas, observación de aves, volcanes, caminatas en entornos naturales y gastronomía local.

Con la ampliación del servicio, British Airways consolida así una conexión aérea que permitirá mantener durante los doce meses del año un enlace directo entre Costa Rica y Londres, al tiempo que incrementa las posibilidades de conexión con otros destinos europeos a través de Heathrow.

La cinta, dirigida por Georgia Oakley y producida por Focus Features, llega a las pantallas del Reino Unido el 25 de septiembre y a las de Estados Unidos el 16 de octubre. El evento transcurrió sobre una alfombra cubierta de césped, con flores de colores pastel y un cellista en vivo como telón de fondo.

La novela que inspiró la película es el debut literario de Austen, publicado en 1811

Sentido y Sensibilidad fue la primera novela de Jane Austen en ver la luz, publicada en octubre de 1811 de forma anónima, bajo la firma “By a Lady” (Por una dama). La historia sigue a las hermanas Dashwood —Elinor y Marianne— tras quedar en la pobreza después de la muerte de su padre, cuya herencia recae en el hijo de un matrimonio anterior.

Las dos protagonistas encarnan valores opuestos: Elinor representa la razón y la contención, mientras que Marianne personifica la sensibilidad y la pasión. A través de sus desventuras amorosas, Austen explora temas como el matrimonio, la clase social y el papel de la mujer en la sociedad inglesa de finales del siglo XVIII. La obra se convirtió en un clásico de la literatura universal y ha sido adaptada en numerosas ocasiones para el cine y la televisión.

MacKay apostó por una interpretación propia, sin el peso del clásico de 1995

El intérprete de 1917 confesó al The Hollywood Reporter que decidió conscientemente no ver la aclamada versión de 1995 protagonizada por Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman —con la que Thompson ganó el Oscar a mejor guion adaptado—, ni tampoco leer la novela antes de incorporarse al proyecto.

“Dejé que mi interpretación fuera la mía propia, guiado por el guion que escribió Diana Reid, así que al final la presión no fue tanta”, declaró MacKay, quien interpreta a Edward Ferrars. El actor confirmó que verá la película de Ang Lee tras el estreno.

Por otro lado, Daisy Edgar-Jones, conocida por Normal People y Twisters, respondió con humor cuando se le pidió un consejo al estilo Austen para asuntos del corazón. “La persona que está enamorada es siempre la que gana, porque sentir amor es cuando más viva te sientes y eso es magia”, citó la actriz, atribuyendo la frase al actor Ethan Hawke. Añadió que ese mensaje resume lo que Elinor aprende a lo largo de la película.

Asimismo, Georgia Oakley, cuyo debut fue Blue Jean, destacó que su versión se distancia de la de Lee principalmente en la dinámica entre las hermanas Dashwood: en su adaptación, Elinor y Marianne son más cercanas en edad. “El lenguaje visual también es muy diferente. Los escenarios son muy diferentes”, señaló la cineasta, quien guionizó el proyecto junto a Diana Reid.

Sobre la vigencia de Austen, Oakley fue directa: “Seguimos viviendo en un mundo donde las reglas han sido hechas por hombres para hombres, y creo que en ese sentido es una historia realmente atemporal”, afirmó en declaraciones recogidas por The Hollywood Reporter.

La trama sigue de cerca la novela original, con un reparto renovado

La película narra las peripecias de las hermanas Dashwood tras la muerte de su padre, que deja a su viuda —interpretada por Caitríona Balfe— y a sus tres hijas con una renta anual de apenas 500 libras. La herencia recae en John, hijo del primer matrimonio del difunto, cuya esposa Fanny —Stacy Martin— ocupa de inmediato la mansión familiar.

Elinor, a cargo de Edgar-Jones, ve despertar el interés de Edward Ferrars, mientras Marianne, interpretada por Creed-Miles, oscila entre el seductor John Willoughby —Dillane— y el reservado coronel Brandon —Nordrum—. Fiona Shaw presta vida a la extrovertida señora Jennings, personaje que la actriz describió como “una de las criaturas más benévolas de la literatura”.

La cinta está producida por Tim Bevan y Eric Fellner, de Working Title Films, junto a India Flint, de November Pictures, y Jo Wallett. Focus Features y Working Title ya colaboraron en la adaptación de Orgullo y Prejuicio en 2005 y en Emma en 2020.

El acto se realizó como parte del 216 aniversario de la Independencia, en el marco de la presentación del Grupo Cañaveral, que ofreció un concierto.

El embajador ondeó la bandera tricolor desde el balcón principal del recinto, bajo un candelabro de cristal, y se dirigió a la multitud con un megáfono de mano. Lo flanquearon oficiales de la Marina y del Ejército mexicanos en uniforme de gala, entre ellos los identificados como Cruz y Bustos, quienes lo escoltaron.

El evento reunió música, gastronomía y baile

El acto se realizó en un tipo teatro decorado con papel picado y banderas mexicanas colgadas de balcones y columnas. Abajo, cientos de asistentes —muchos con playeras de la selección mexicana y sombreros— sostuvieron banderines mientras coreaban la arenga patria.

La celebración formó parte del programa de presentación del Grupo Cañaveral, agrupación que ofreció un concierto. También hubo mariachi. La embajada organizó, además del acto central, actividades relacionadas con la cultura nacional, entre ellas gastronomía y bailes folclóricos.

“Una celebración que cada año nos reúne para recordar nuestra historia, honrar nuestras raíces y reafirmar la identidad que compartimos las y los mexicanos, dentro y fuera de nuestro país”, señaló la representación diplomática en su cuenta de X.

“Desde Londres, Inglaterra celebramos con orgullo y emoción: ¡VIVA MÉXICO!”, expresó la embajada tras la ceremonia.

Cabe apuntar que durante la celebración no se registró ningún incidente, sin embargo, la cuenta de la embajada de México en Reino Unido limitó los comentarios en la red social X.

El embajador llegó a Londres en medio de la polémica

La celebración ocurrió meses después de la polémica que ha acompañado a Gertz Manero desde su nombramiento como embajador. El extitular de la Fiscalía General de la República (FGR) renunció a finales de noviembre de 2025, dos años antes de que concluyera el periodo de nueve años para el que había sido designado por el Senado en 2019.

En la carta enviada al Congreso, el exfiscal argumentó que la presidenta Claudia Sheinbaum le ofreció encabezar una embajada en “un país amigo” y que aceptaba para “continuar sirviendo” a México.

Trascendieron versiones sobre tensiones con la mandataria por el manejo de investigaciones de alto perfil, que el gobierno nunca confirmó oficialmente.

El 7 de enero de 2026, Sheinbaum confirmó que el destino diplomático sería el Reino Unido: “Ya fue aprobado el beneplácito, va a Gran Bretaña”, dijo la presidenta en su conferencia matutina. El nombramiento sustituyó a Josefa González-Blanco, embajadora que arrastraba al menos 16 denuncias por acoso laboral y señalamientos de mala gestión de la relación diplomática con el país europeo.

El 22 de enero, Gertz Manero compareció ante la Comisión Permanente del Congreso. Su explicación pública sobre la salida de la FGR fue escueta: “consideré que había que hacer un cambio en mi vida pública”.

El senador de Movimiento Ciudadano, Luis Donaldo Colosio Riojas, fue la única voz crítica en la comparecencia: “Experiencia no es lo mismo que especialización, una trayectoria no es lo mismo que formación específica, y un currículum amplio no necesariamente garantiza las competencias que requiere un puesto diplomático”, señaló. Colosio también cuestionó que no se documentara una causa grave, como exige la Constitución, para justificar la renuncia anticipada de un fiscal general.

MC votó en abstención en la comisión. El PAN y el PRI faltaron a la sesión como acto de crítica. El bloque oficialista de Morena, PVEM y PT ratificó el nombramiento el 26 de enero de 2026.

Su gestión al frente de la FGR también fue señalada por opacidad en el manejo de investigaciones sensibles, como el secuestro de Ismael “El Mayo” Zambada,, el estancamiento del caso Ayotzinapa y acusaciones de posible tráfico de influencias. Gertz Manero llegó finalmente a la embajada en Londres el 17 de abril de 2026, casi tres meses después de su ratificación en el Senado.

Amy Winehouse habría cumplido años este 14 de septiembre, pero su influencia estética no pertenece al pasado.

A más de una década de su muerte, su imagen conserva vigencia en pasarelas, editoriales y tendencias que recuperan el encanto imperfecto de lo vintage, el maquillaje dramático y la actitud como declaración de estilo.

La cantante británica dejó una marca que excedió a la música. Con una identidad visual inconfundible, desafió los códigos pulidos que dominaban el pop de comienzos del siglo XXI y convirtió cada aparición en una extensión de su universo artístico: intenso, retro, callejero y sin concesiones.

Una trayectoria intensa y determinante

Nacida en Reino Unido, Winehouse construyó una estética propia a partir de su fascinación por los años 50, el rockabilly y la cultura pin-up. No siguió las tendencias de temporada ni buscó una imagen perfecta. Su estilo transmitía personalidad, referencias musicales y una autenticidad que contrastaba con la producción calculada de muchas figuras de la industria.

El peinado beehive, elevado hasta convertirse en una de sus marcas registradas, y el delineado negro, grueso y alargado, inspirado en figuras como Cleopatra, definieron una silueta de belleza reconocible al instante. A eso sumó tatuajes, accesorios llamativos y una impronta desafiante que rompía con los moldes establecidos.

Su vestuario también reflejó ese cruce de épocas y códigos. Faldas ajustadas, vestidos de inspiración pin-up, zapatos de ballet, prendas vintage y detalles grunge componían un guardarropa que combinaba el glamour de otra década con la energía desordenada de Camden, el barrio londinense que formó parte de su identidad pública.

Al principio, buena parte de la industria de la moda evitó asociarse con Winehouse por la exposición de sus conflictos personales y sus adicciones. Esa distancia la acercó aún más a las marcas independientes, las tiendas de segunda mano y las piezas vintage. Lejos de debilitar su imagen, esa elección consolidó su aura de rebeldía.

Amy Winehouse no necesitó una estrategia corporativa para convertirse en referente. Su estilo nació de una mirada personal y de una forma de habitar la moda que todavía inspira: menos perfección, más carácter.

De todas formas, figuras como Karl Lagerfeld pronto reconocieron en ella una musa contemporánea. El legendario director creativo de Chanel llegó a integrar elementos de su estética, como el volumen característico de su cabello y el maquillaje marcado, en sus presentaciones para la colección Pre-Fall 2008, validando su impacto artístico.

Asimismo, Jean Paul Gaultier dedicó una colección completa de alta costura en 2012 a la cantante, rindiendo homenaje a su feminidad angular y a su capacidad para desafiar las convenciones de género y belleza.

Estas colaboraciones, junto con la línea desarrollada en conjunto con Fred Perry, demostraron que su influencia iba mucho más allá de su voz.

Su habilidad para hacer que elementos aparentemente poco refinados funcionaran con total coherencia y clase fue uno de los aspectos más valorados por los críticos de moda, quienes veían en ella un fenómeno de brillo efímero pero intenso.

Un impacto cultural que desafía al tiempo

La relevancia de Amy Winehouse en la cultura popular contemporánea se mantiene vigente años después de su fallecimiento.

Exposiciones como Beyond Black: The Style of Amy Winehouse, organizada por el Grammy Museum en Los Ángeles, Estados Unidos, han permitido documentar y analizar minuciosamente las piezas clave que compusieron su guardarropa.

Estas exhibiciones funcionan como un archivo histórico que preserva su esencia, desde los vestidos que utilizó en ceremonias de premiación hasta los accesorios más sencillos de su vida cotidiana.

El impacto de su imagen se refleja en el hecho de que sus prendas y accesorios, como el icónico bolso en forma de corazón de la firma Moschino, son hoy considerados objetos de culto con un valor histórico significativo.

La propuesta de la artista sigue resonando con fuerza debido a su honestidad brutal y su vulnerabilidad expuesta. Su capacidad para mantener una coherencia absoluta entre su sonido, una mezcla magistral de jazz, soul y R&B, y su indumentaria, la sitúa como una de las figuras más auténticas de la historia reciente.

Situado al oeste de Londres, Richmond está a unos 20 minutos en tren del centro de la capital británica. El distrito era conocido por su parque, sus edificios históricos y su ribera sobre el río Támesis. Desde el estreno de la comedia dramática, en agosto de 2020, sus calles se sumaron a los recorridos de seguidores que buscan reconocer los lugares de filmación.

La serie sigue a Ted Lasso, un entrenador estadounidense contratado para dirigir al AFC Richmond, un club ficticio de fútbol inglés. La trama combina la evolución deportiva del equipo con los vínculos entre sus jugadores, la propietaria Rebecca Welton y el resto del club.

La serie llevó visitantes a las calles y comercios de Richmond

Uno de los sitios más visitados es Paved Court, la calle donde se filmaron las escenas exteriores de la vivienda del entrenador. Allí funciona la tienda oficial del Richmond, que vende camisetas del equipo ficticio y las galletas que el personaje entrega a su jefa en la serie.

Al final de la calle está The Prince’s Head, un pub del siglo XVIII que en la ficción se llama Crown and Anchor. Frente al local se ubica el banco asociado a Ted Lasso, uno de los puntos elegidos por los visitantes para tomarse fotografías.

Del otro lado se encuentra Richmond Green, un espacio público arbolado que aparece en varios episodios. En el pasado albergó torneos de justas cuando la realeza pasaba temporadas en la zona; hoy integra los paseos dedicados a la serie.

La ribera del Támesis también forma parte de esos recorridos. Allí se filmó una cita entre Roy Kent, interpretado por Brett Goldstein, y Keeley Jones, personaje de Juno Temple. Entre los lugares identificables figuran el Richmond Theatre, inaugurado en 1899 y usado para una gala benéfica en la primera temporada, y Richmond Bridge.

El estadio del Richmond, en cambio, no está en el suburbio. Los partidos de la ficción se ruedan en Selhurst Park, al sur de Londres, donde juega el Crystal Palace. Aun así, Richmond se consolidó como el principal punto turístico para los seguidores de la producción.

Las visitas guiadas y los hoteles reflejan el impacto de la serie

El aumento de visitantes impulsó recorridos especializados. Ted Lasso Tours, fundada en 2022 por la residente local Emmy Mac, ofrece visitas privadas y grupales por 27 lugares de filmación.

Mac contó a CNN que la mayoría de sus clientes llega desde Estados Unidos, aunque también recibió personas de India, Singapur y México.

El fenómeno también alcanzó al sector hotelero y comercial. De acuerdo con los datos citados por The New York Times, los hoteles de Richmond registraron el doble de turistas estadounidenses desde el estreno de la serie. La tienda temática, los pubs y otros negocios del barrio reciben parte de ese flujo de viajeros.

No todos los vecinos celebran el incremento de personas que se detienen en las calles para sacar fotos. Steve Lloyd, residente de Richmond desde 1992, dijo a CNN que aparece con frecuencia de fondo en las imágenes de los turistas. Aunque no comparte el entusiasmo por la ficción, afirmó que no objeta las visitas y sugirió a los fanáticos probar otro pub cercano.

La cuarta temporada de Ted Lasso mantiene así el vínculo entre la ficción y el suburbio londinense. Los visitantes recorren los lugares que aparecen en pantalla, compran camisetas del Richmond y buscan el banco vinculado a la frase más reconocida del entrenador: “Believe”.

Cuando el presidente Javier Milei barajó meses atrás la posibilidad de viajar a Londres para participar de un evento empresarial en busca de inversiones, la relación entre la Argentina e Inglaterra estaba en un buen momento, sin mayores tensiones más allá de las que históricamente hubo entre ambas naciones por las Islas Malvinas que, en ese entonces, no estaba en la agenda prioritaria de la Casa Rosada.

Fue en julio pasado que trascendió esa noticia y las versiones hablaban desde un posible encuentro con Nigel Farage, líder de la derecha en ese país, hasta un saludo con Mick Jagger, a quien el mandatario idolatra desde que era niño.

Lo cierto es que la administración libertaria estaba planeando la visita que hubiera tenido un fuerte impacto simbólico por el antecedente de la guerra en el Atlántico Sur y que solamente tiene como antecedente la de Carlos Menem en 1998.

Hasta ese entonces, las autoridades argentinas sostenían una estrategia de continuar reclamando por la soberanía de las Malvinas ante la ONU y manteniendo un diálogo abierto con el Reino Unido.

Por ese motivo, desde julio la Cámara de Comercio Argentino Británica (BritCham) comenzó a trabajar en la organización de un evento lo suficientemente importante como para que ameritaba la presencia del jefe de Estado.

La fecha tentativa para el viaje era en octubre, cuando se realizará un encuentro minero que se lleva adelante todos los años en Londres y reúne a funcionarios e importantes referentes del sector empresarial.

Sin confirmación por parte de la Casa Rosada, la BritCharm decidió armar para esta ocasión una suerte de “Argentina Week”, como a la que Milei fue en Nueva York y a la que asistirá en París, con la idea de que finalmente estuviera también allí.

Sin embargo, todo cambió repentinamente cuando el Gobierno, aprovechando también las declaraciones del mandatario estadounidense, Donald Trump, decidió cambiar su postura respecto del reclamo por Malvinas.

El Presidente realizó una cadena nacional que generó mucha expectativa en la previa y en la que anunció un paquete de medidas para aumentar el presupuesto en defensa y endurecer las sanciones contra las empresas que explotan recursos naturales en el archipiélago.

Desde entonces, casi todas las comunicaciones oficiales estuvieron vinculadas a las denuncias que el Estado argentino presentó contra esas compañías, así como también contra sus ejecutivos y directivos.

Esto motivó la reacción del Reino Unido y principalmente de su primer ministro, Andy Burnham, quien advirtió en la Cámara de los Comunes que será “implacable” en la defensa del supuesto derecho de los isleños a ser británicos.

En este escenario tan complejo, Milei volvió a analizar con su círculo íntimo el viaje a Londres que tenía previsto para tan solo dentro de unas semanas: “Acordamos que era mejor suspenderlo”, explicó a Infobae una fuente del Gabinete.

Por su parte, la BritCham ya tiene casi definido que la Argentina Week no se haga y que el formato vuelva a ser el de la London Metal Exchange (LME), con invitados puramente vinculados al mundo de la minería.

Según pudo saber este medio, entre los confirmados están los gobernadores de Jujuy, Carlos Sadir, y de Catamarca, Raúl Jalil, quienes hasta el viernes sí mantenían este evento en sus respectivas agendas.

Por el lado de la Casa Rosada, el único que ya había aceptado la invitación, y al menos por el momento no se bajó, es el secretario de Minería, Luis Lucero. “No creo que vaya a venir nadie más”, reconocían desde la organización.

Mientras tanto, en Buenos Aires, este lunes el Presidente enviará al Congreso el proyecto de Ley de Defensa de la Soberanía Nacional, a partir del cual se agravarán las penas contra las compañías que están desarrollando actividades hidrocarburíferas en la Plataforma Continental Argentina, incluido el territorio de Malvinas.

Asimismo, la Oficina del Presidente comunicó que se creará el Sistema de Articulación de la Política Exterior, con el objetivo de implementar mecanismos de información, coordinación y asesoramiento para actividades estatales que puedan afectar los intereses del país.

“Asimismo, permitirá a la Cancillería asegurar que toda actividad vinculada a las relaciones exteriores de la República Argentina sea coherente, compatible y uniforme con los lineamientos generales de la política exterior, en lo relativo a los derechos soberanos sobre las Islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur y los espacios marítimos e insulares correspondientes”, se informó.

El lunes, antes de enviar el proyecto de ley, Milei recibirá en la Casa Rosada a los legisladores de La Libertad Avanza para hablar de esa iniciativa y del Presupuesto 2027, que también está vinculado, ya que establece aumentos en las partidas para defensa.

Al terminar, la secretaria general, Karina Milei, en su rol de titular del partido, cenará con todos los diputados y senadores en el nuevo local que el espacio tiene en el barrio porteño de San Telmo, el cual se inauguró hace algunas semanas.

Londres se convirtió en la primera ciudad del Reino Unido en contar con un servicio comercial de taxis autónomos, después de que Uber y la empresa tecnológica británica Wayve incorporaran vehículos con inteligencia artificial a la aplicación de la compañía estadounidense. El despliegue inicial contempla menos de 20 unidades, según indicó Sarfraz Maredia, director de movilidad autónoma de Uber, y se ampliará de forma progresiva.

El servicio arrancó con vehículos eléctricos Ford Mustang Mach-E equipados con la tecnología de conducción autónoma desarrollada por Wayve.

Según datos recogidos por The Guardian, hasta el momento solo hay 15 automóviles con licencia en circulación, una cifra que contrasta con los más de 100.000 vehículos de transporte privado que operan actualmente en la capital británica. Esa magnitud resulta similar a la cantidad de usuarios de Uber que ya se han registrado para acceder a los servicios de transporte autónomo.

Transport for London autorizó el mes pasado a Uber y Wayve a utilizar estos vehículos modificados como automóviles de alquiler con conductor, bajo condiciones que todavía exigen la supervisión de un conductor de seguridad.

Un conductor humano permanecerá al volante durante los trayectos

A diferencia de los servicios que ya operan sin supervisión humana en Estados Unidos y China, en Londres cada vehículo contará con una persona sentada en el asiento delantero, con capacidad para tomar el control o frenar en caso de que surja algún inconveniente. El conductor se presentará al pasajero mediante un mensaje robótico, en el que explicará que no hablará durante el viaje, aunque el cliente podrá solicitar que tome el mando del vehículo si lo prefiere.

Bajo el marco piloto del gobierno británico, los operadores de robotaxis necesitan una autorización adicional para funcionar sin conductor de seguridad. Ese proceso, gestionado por la Agencia de Normas para Conductores y Vehículos, avanza de manera independiente y se considera improbable que se conceda este año. “Ese proceso aún está en marcha”, señaló Maredia al medio británico.

Wayve apunta a una plataforma de fabricación industrial

Alex Kendall, director ejecutivo y cofundador de Wayve, expresó su satisfacción por presentar en Londres, “nuestra ciudad natal y uno de los entornos de conducción más complejos del mundo”, la tecnología de inteligencia artificial de la compañía. Kendall reconoció que el sistema “aún está en desarrollo” y evitó fijar una fecha para el lanzamiento de un servicio totalmente autónomo, aunque aseguró: “Estamos trabajando lo más rápido que podemos”.

El directivo explicó que la empresa se concentra en “vehículos fabricados a escala industrial”, en referencia a los futuros robotaxis Nissan Leaf equipados con su tecnología, y que aún necesita “validar los parámetros de seguridad en esa plataforma” además de obtener la aprobación regulatoria correspondiente. “Estamos trabajando en los tres proyectos en paralelo. En cuanto estén listos, lanzaremos servicios totalmente autónomos”, afirmó.

A diferencia de competidores como Waymo, que emplean sistemas de mapas predefinidos, la tecnología de Wayve se basa en un modelo de aprendizaje de inteligencia artificial.

Londres, un mercado clave en la expansión europea

El lanzamiento posiciona a Uber a la vanguardia entre las tecnológicas que compiten por introducir taxis sin conductor en la capital británica, considerada un mercado determinante para la expansión del sector en Europa. Tanto Waymo como la china Baidu realizan pruebas de sus propios robotaxis en las calles londinenses.

Las estrechas y complejas vías de la ciudad, sumadas al tránsito de autobuses, bicicletas y bicicletas eléctricas de alquiler, representan un desafío particular para estos vehículos. A esto se añade que, en Londres, cruzar la calle fuera de los pasos peatonales no constituye una infracción.

Los clientes de Uber no podrán solicitar de forma específica un robotaxi: la aplicación los emparejará de manera automática con un vehículo de Wayve al pedir un viaje, opción que podrán aceptar o rechazar. Los precios no diferirán de los de un trayecto convencional y la empresa indicó que no se solicitará propina al finalizar el recorrido.

A sus cuatro años, Hugo fue reconocido como el caballo vivo más alto del mundo tras alcanzar los 1,99 metros de alzada. El ejemplar de raza Shire, que vive en Towcester, en el condado inglés de Northamptonshire, fue incorporado al libro de Guinness World Records 2027 después de una medición oficial realizada por un veterinario.

El animal, adquirido cuando tenía 18 meses, ya llamaba la atención por su tamaño, aunque su tutor, Brett Masters, no esperaba que terminara por encima de los parámetros habituales de una raza conocida por sus grandes dimensiones. Sus cuidadores avisaron que todavía puede crecer.

Cómo se hizo la medición

La medición oficial se realizó sin herraduras, un criterio que permitió establecer con precisión la altura del animal hasta la cruz, la zona situada en la base del cuello.

Hugo mide 199 centímetros, equivalentes a unas 19,2 manos en la unidad tradicional de medición ecuestre. Con esa marca, superó a cualquier otro caballo vivo registrado por la organización.

“Todavía le quedan tres años de crecimiento. Es solo un bebé”, afirmó Masters a la BBC. El tutor estimó que el caballo podría continuar su desarrollo físico hasta los ocho años y medio.

El criador explicó que esa etapa exige controles frecuentes, ya que el crecimiento acelerado puede afectar la salud de un animal de este tamaño. “Puede causarle problemas, así que tenemos que tener mucho cuidado con él”, señaló.

Masters dirige Tove Valley Shire Horses, un centro dedicado a la cría y exhibición de caballos Shire. Hugo se convirtió en una figura conocida en la zona antes de obtener el récord, debido a que su presencia atraía a visitantes y vecinos cada vez que salía de su predio.

Cómo es la rutina de Hugo: veterinario, dentista y masajes

El tamaño de Hugo obliga a mantener una rutina de atención que incluye controles veterinarios, revisiones odontológicas cada seis meses, tratamientos de quiropráctica y masajes. Masters sostuvo que las placas de crecimiento del animal son muy activas, una expresión que alude a las zonas de los huesos donde se forma tejido nuevo durante el desarrollo.

“Tiene un quiropráctico, recibe masajes con regularidad y el veterinario lo revisa todo el tiempo”, detalló el tutor.

Además, Hugo recibe suplementos y sigue un régimen alimentario controlado. Un caballo Shire adulto puede consumir entre 15 y 20 kilos de heno diarios, además de pasto fresco. La cifra responde a su contextura: los ejemplares de esta raza suelen pesar cerca de 850 kilos, aunque algunos superan la tonelada.

“Lleva una vida de cinco estrellas, no le falta de nada”, resumió Masters al describir los cuidados que recibe el animal. También dijo que el reconocimiento de Guinness no incluyó una compensación económica y bromeó con que Hugo aceptaría zanahorias si algún productor quisiera enviárselas.

Pese a su altura, el propietario lo definió como un caballo dócil. “Es el más amable y tranquilo que hay”, comentó. Hugo participa en demostraciones de tiro tradicional y aprende a llevar jinetes, una actividad que se suma a las exhibiciones sobre las tareas que los Shire realizaban en el pasado.

Shire, los caballos fundamentales en las granjas y el transporte industrial británico

La raza Shire surgió en Inglaterra y fue seleccionada durante el siglo XVIII para trabajos agrícolas que requerían potencia. Su gran capacidad de tracción llevó a que estos caballos fueran utilizados para mover aperos de labranza, es decir, las herramientas destinadas al trabajo de la tierra.

Con la expansión de la Revolución Industrial, los Shire también trasladaron cargas pesadas entre canales, fábricas y molinos de Reino Unido. Tiraban de barcazas y de grandes carros, una labor que los convirtió en animales habituales dentro de la logística británica del siglo XIX.

La Shire Horse Society señala que los caballos de la raza llegaron a ser un medio de transporte relevante para los canales, ya que podían desplazar cargas de gran volumen con un costo menor que el de equipos humanos.

La alzada promedio de los Shire se ubica entre 1,65 y 1,92 metros. Hugo excede ese rango, aunque todavía se encuentra lejos del récord histórico absoluto. Sampson, un Shire criado por Thomas Cleaver en Toddington Mills, Bedfordshire, alcanzó los 2,19 metros en 1850. Más tarde recibió el nombre de Mammoth.

La raza Shire enfrenta una caída de ejemplares desde la mecanización agrícola

El reemplazo de los caballos de tiro por vehículos y maquinaria redujo la población de Shire durante el siglo XX. El Rare Breeds Survival Trust, una organización británica dedicada a preservar razas autóctonas de animales de granja, considera que la situación de la raza es crítica.

Solo quedan 212 caballos. La cifra refleja la disminución de una raza que, durante décadas, fue parte de la actividad agrícola y el transporte en Inglaterra.

La conservación depende de criadores, asociaciones y centros especializados como Tove Valley Shire Horses. En ese contexto, la notoriedad de Hugo también permite visibilizar a los Shire fuera de los ámbitos ecuestres.

Por ahora, el caballo récord seguirá bajo observación durante sus próximos años de desarrollo. Si mantiene el ritmo de crecimiento previsto por sus cuidadores, su altura final se conocerá recién cuando complete esa etapa, cerca de los ocho años y medio.

La Ciudad de México tiene 197 museos, de acuerdo con el Sistema de Información Cultural (SIC) de la Secretaría de Cultura, con datos de agosto de 2026.

Londres tiene más de 200 recintos museísticos, de los cuales 143 museos cuentan con acreditación oficial, según el Consejo de las Artes de Inglaterra.

París tiene 50 museos con el sello de gobierno “Musée de France”. Cada país cuenta sus museos de forma distinta, por eso las cifras no se pueden comparar de manera directa.

París tiene más museos por habitante que la Ciudad de México y Londres

La Ciudad de México tiene 9 millones 209 mil 944 habitantes, según el SIC.

El Gran Londres tiene 9 millones 122 mil 909 habitantes, de acuerdo con la Oficina Nacional de Estadísticas del Reino Unido (ONS), con datos publicados en julio de 2026.

París, en cambio, tiene solo 2 millones 103 mil 778 habitantes, según el Instituto Nacional de Estadística de Francia (INSEE).

Eso quiere decir que París tiene mucha menos gente que las otras dos ciudades, pero mantiene 50 museos oficiales.

En proporción a su población, tiene más museos por persona que México o Londres, aunque en número total tenga menos.

El propio gobierno mexicano no se pone de acuerdo en cuántos museos tiene su capital

El Instituto Nacional de Estadística y Geografía INEGI, el instituto de estadística del gobierno mexicano, da otra cifra para la capital: 166 museos, según su reporte de junio de 2026.

Hay una diferencia de 31 museos entre esta cifra y la del SIC. Dos oficinas del mismo gobierno no coinciden en cuántos museos hay en la ciudad.

Conteos de Museos en Francia: por región y no por ciudad

El Ministerio de Cultura de Francia no lleva un registro de museos por ciudad.

Su base de datos, llamada Muséofile, agrupa a París dentro de un área más grande llamada “departamento”. Ahí aparecen 50 museos con el sello “Musée de France”, según el portal Regions et Departements, especializado en estadísticas de Francia.

El ayuntamiento de París, en su página oficial Ville de Paris, dice que administra directamente solo 14 museos.

Londres admite que no puede dar un número exacto

La Greater London Authority, el gobierno de la ciudad de Londres, publicó en julio de 2026 un reporte con datos del Arts Council England: 143 museos con acreditación o en proceso de tenerla, hasta mayo de 2026.

El mismo reporte dice algo importante: “determinar un conteo exacto de museos es difícil”, porque los museos abren, cierran o cambian de estatus todo el tiempo.

Ese mismo reporte menciona otro estudio, hecho por un grupo de investigadores llamado Mapping Museums Lab, que calcula 252 museos en Londres para 2026.

La diferencia con la cifra del gobierno es de 109 museos. La causa es la misma que en México: no hay una sola definición de qué cuenta como museo.

Solo el 13% de quienes visitan los museos mexicanos son turistas extranjeros

La Secretaría de Turismo (Sectur) reportó 3.87 millones de visitantes a museos y zonas arqueológicas del país entre enero y febrero de 2026.

Esto representa un aumento de 4.2% respecto al mismo periodo de 2025.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) detalla que, de 2.2 millones de personas que visitaron museos en ese periodo, el 87% eran mexicanos y solo el 13% extranjeros.

El museo más visitado del país, el Museo Nacional de Antropología, recibió 5 millones 48 mil 893 personas durante 2025, según cifras del propio INAH.

El dato viral que compara a las tres ciudades

Ningún gobierno de México, Francia o Reino Unido ha comparado directamente a las tres ciudades.

La idea de que la Ciudad de México tiene más museos que París pero menos que Londres no proviene de ningún gobierno. Esa comparación circula en publicaciones de turismo que usan sus propias metodologías, distintas a los conteos oficiales de cada país.

La senadora nacional Juliana Di Tullio acusó al presidente del Banco Central, Santiago Bausili, de haberle mentido al Senado sobre el destino de las reservas de oro enviadas al exterior. Aseguró que los lingotes están depositados físicamente en Londres, aunque vinculados a una cuenta del Banco de Pagos Internacionales (BIS), con sede en Basilea, Suiza.

“Bausili le mintió al Senado. El oro está en Londres, en el Bank of England”, sostuvo la legisladora en diálogo con Infobae. La controversia se generó después de que el titular del BCRA afirmara ante los senadores que el oro había sido depositado en el BIS “en Suiza, donde sigue estando”.

Di Tullio anticipó dos medidas a partir de la documentación que recibió de la Auditoría General de la Nación (AGN): ampliará una denuncia penal presentada contra Bausili por el caso del oro y promoverá una nueva citación del funcionario a la Cámara alta.

“Vamos a ampliar la denuncia que ya le hicimos a Bausili”, afirmó la senadora. Precisó que se trata de una presentación penal realizada hace aproximadamente dos años, que será complementada con la nueva documentación de la AGN.

También adelantó: “Vamos a pedir la citación porque, según la Carta Orgánica del Banco Central, se puede pedir. Quiero que venga y que me diga en la cara otra vez lo que me dijo”.

La AGN aún analiza la trazabilidad de las reservas de oro

El nuevo elemento de la disputa es una nota oficial que el presidente de la AGN, Juan Manuel Olmos, le envió este jueves a Di Tullio en respuesta a dos consultas sobre el estado de los balances del Banco Central y el avance de la auditoría específica sobre la trazabilidad del oro colocado en el extranjero.

El documento establece que la AGN aprobó los estados contables de 2023 y 2024 mediante las resoluciones 100/2024 y 40/2026. En cambio, el balance de 2025 “se encuentra en proceso de análisis” y todavía no fue tratado por el Colegio de Auditores Generales.

La nota agrega que el BCRA entregó toda la información solicitada para la evaluación específica sobre la trazabilidad de las reservas de oro del Estado colocadas en el exterior.

Sin embargo, Olmos aclaró que la revisión no terminó: “La información remitida por el BCRA se encuentra aún en proceso de análisis por la demora —más de un año— incurrida por la autoridad monetaria en dar acceso a la misma”.

“A pesar del carácter reservado de la información, no ha concluido el análisis pertinente de la documentación remitida por el BCRA”, completó el presidente de la AGN.

Para Di Tullio, esa respuesta contradice uno de los argumentos de Bausili durante su exposición en el Senado: que la operación había sido auditada y que no existían observaciones.

La senadora marcó una diferencia entre la auditoría de los estados contables generales del Banco Central de 2024 y la revisión específica que el Congreso encomendó a la AGN sobre los movimientos y la trazabilidad del oro.

“La de 2024 es solamente sobre los balances del Banco Central. No tiene nada que ver con el oro”, explicó. Según reconstruyó, la AGN no pudo completar durante más de un año el trabajo específico por las dificultades para acceder a la información requerida.

“Por eso me mintió. Nos mintió”, afirmó.

Di Tullio sostiene que los lingotes están bajo custodia en Londres

El punto central de la controversia es la ubicación física de los lingotes. Bausili sostuvo ante los legisladores que el oro había sido trasladado y depositado en el Banco de Pagos Internacionales, cuya sede se encuentra en Basilea.

Di Tullio afirma, en cambio, que la ubicación física es Londres. “Vos no me podés decir que está en Basilea cuando está en Londres. Vos lo que me podés decir es: está en el BIS, pero con asiento en Londres”, sostuvo.

“Nunca estuvo en Basilea, siempre estuvo en Londres”, añadió.

Según pudo saber Infobae de fuentes con acceso a la información vinculada con la auditoría, la diferencia radicaría entre la titularidad o cuenta bajo la cual están registrados los activos y su custodia física. La trazabilidad analizada ubicaría el recorrido de los lingotes desde la Argentina hacia Londres, y no hacia Basilea.

Es decir, los activos pueden estar vinculados operativamente al BIS, pero el oro físico estaría depositado en el Bank of England. Ese es el punto que Di Tullio sostiene que Bausili omitió cuando respondió en el Senado.

La legisladora vinculó la forma en que el Gobierno presentó la información con el reciente endurecimiento del discurso oficial alrededor de la cuestión Malvinas. “Lo que yo creo es que con esta sobreactuación malvinera repentina no quieren decir que el oro no está en Basilea, sino que está en Londres”, dijo.

“No quieren decir que está en Londres”, insistió. Y agregó: “Que el oro tuyo lo tenga tu colonizador no está muy bueno”.

Durante su presentación ante el Senado, Bausili explicó que el Central mantuvo bajo reserva determinados detalles de la operación para impedir que otros participantes del mercado operaran contra la entidad.

“Cuando el Banco Central expone sus posiciones financieras, está invitando al resto de los agentes a operar en contra; le hace más difícil y costoso al Banco Central, entonces se resguarda cierta información para que no le operen en contra, se publica con rezago por los controles”, sostuvo.

El titular del Central aseguró que los movimientos estaban registrados y auditados. También explicó que el BCRA tenía distintos tipos y calidades de lingotes, algunos fundidos décadas atrás, y que a comienzos de 2024 surgió una oportunidad para mejorar esos activos a un costo inferior al habitual.

“En el mercado, cuando hay más o menos escasez, ese costo se achica o agranda. A nosotros se nos dijo que había alta demanda por lingotes de oro y, en ese contexto, se bajaron costos de aceptación de lingotes viejos de menor calidad. Al final, todos se analizan”, afirmó.

Luego dio la explicación que originó la nueva controversia: “Era óptimo aprovechar esa ventana de oportunidad y, a un costo más bajo que el histórico, convertir ese oro de calidad más baja en oro de calidad más alta. Entonces se trasladó y depositó en el BIS de Suiza, donde sigue estando”.

Di Tullio cuestionó esa descripción y el argumento de que la operación buscaba mejorar la calidad de los lingotes. “¿Por qué no traés el oro? Si ya hiciste el negocio”, planteó.

Según la senadora, si el objetivo era cambiar o certificar lingotes de menor calidad y ese procedimiento ya finalizó, el BCRA debería explicar por qué el metal permanece fuera del país. “Traelo”, resumió.

La reforma de la Carta Orgánica abrió otra discusión sobre las garantías

La discusión coincide con el tratamiento legislativo de la reforma de la Carta Orgánica del Banco Central, que ya obtuvo media sanción en Diputados. Di Tullio puso especial atención sobre el artículo 13 de la iniciativa y las modificaciones relacionadas con las garantías que puede otorgar la autoridad monetaria.

La senadora sostiene que la normativa vigente prohíbe utilizar el oro como garantía y considera que el nuevo texto modificaría esa situación. “Hoy está prohibido usar el oro como garantía”, señaló.

Di Tullio planteó como hipótesis que los activos ya podrían haber sido utilizados para respaldar una operación financiera. “Yo creo que es lo que hicieron, obviamente”, afirmó. Luego aseguró: “Efectivamente, usaron el oro como garantía. Cosa que está prohibida”.

Ese último punto constituye una acusación de la senadora y no surge acreditado en la carta enviada por la AGN. Según explicó, será uno de los aspectos sobre los cuales buscarán profundizar tanto en sede judicial como en el Senado.

Di Tullio relacionó esa sospecha con el proceso de análisis y certificación de los lingotes. “Para eso, necesitás ver la calidad del oro, si no, ¿para qué va al Bank of England?”, sostuvo.

La utilización de las reservas como garantía fue uno de los temas planteados durante el debate parlamentario de la reforma. La oposición busca determinar si las modificaciones propuestas por el Poder Ejecutivo habilitarían únicamente operaciones futuras o si podrían estar vinculadas con decisiones adoptadas desde 2024.

El traslado del oro había sido reconocido públicamente en julio de ese año por el ministro de Economía, Luis Caputo, después de una serie de pedidos de información del Congreso. “Es mucho mejor tenerlo custodiado afuera, donde te pagan algo”, sostuvo entonces para justificar la decisión.

Desde entonces hubo pedidos para conocer la cantidad trasladada, el destino de los lingotes, las empresas involucradas, las condiciones de custodia y el eventual rendimiento obtenido por el Central.

La controversia se profundizó porque la auditoría específica encargada por el Congreso no pudo completarse durante más de un año. La carta de Olmos establece ahora que el BCRA entregó toda la información solicitada, pero también que el análisis continúa y que la evaluación específica de la trazabilidad del oro todavía no concluyó.

Di Tullio considera que esa precisión alcanza para cuestionar la afirmación de Bausili de que el tema ya había sido auditado sin observaciones. “Bausili le mintió al Senado”, insistió.

La senadora exige que el funcionario vuelva al Congreso y responda sobre tres cuestiones: dónde están físicamente los lingotes, por qué siguen fuera del país y qué utilización tuvo el oro desde que salió de la Argentina.

La respuesta será reclamada por dos vías: la judicial, mediante la ampliación de la denuncia penal ya existente, y la parlamentaria, a través de un pedido formal para que el presidente del Banco Central vuelva a presentarse ante el Senado. “Quiero que venga y que me diga en la cara otra vez lo que me dijo”, resumió Di Tullio.

Los vecinos de Brick Lane, el corazón de la comunidad bangladesí en Londres, se oponen al proyecto de construcción de un centro de datos en una antigua fábrica de cerveza, un caso que ilustra la tensión entre el sector digital y las poblaciones locales.

El barrio fue durante mucho tiempo una arteria emblemática de los barrios populares londinenses. Los turistas aprecian sus comercios de ropa de segunda mano, las tiendas de discos y sus locales de bagels abiertos día y noche.

Faysal Ahmed, concejal del distrito de Tower Hamlets, cuenta que sus padres tenían un restaurante debajo de la vivienda familiar.

Aún quedan algunos locales tradicionales, pero el concejal lamenta la progresiva transformación del barrio en beneficio de la vecina City, el distrito financiero.

El proyecto del centro de datos forma parte de la reconversión, valorada en varios millones de libras, de la Truman Brewery, un recinto de 4 hectáreas que también albergará oficinas y comercios.

Una evolución que sus detractores consideran absurda.

La proliferación mundial de centros de datos, especialmente con el auge de la inteligencia artificial, suscita la oposición de los vecinos, preocupados por su huella energética y las consecuencias para el urbanismo.

Patrimonio

En Brick Lane, Faysal Ahmed lamenta que el proyecto aprobado por el gobierno ocupe un terreno que podría contribuir a dar alojamiento a una parte de los 31.000 hogares del distrito inscritos en la lista de espera de viviendas sociales.

De los 44 pisos previstos en el plan de remodelación, solo seis serán viviendas sociales, una situación que ha llevado a los vecinos a manifestarse el viernes.

A Susanna Kow, miembro de la campaña “Salva a Brick Lane”, le preocupa “la necesidad de viviendas sociales asequibles para los jóvenes y la conservación del patrimonio y el carácter” del barrio.

Según los documentos urbanísticos, el Gobierno laborista alegó la necesidad de responder a la creciente demanda de tecnología como la inteligencia artificial.

La AFP contactó con el Ministerio de Vivienda y la Truman Brewery pero han declinado pronunciarse sobre las críticas.

“Llevamos años haciendo campaña sobre temas urbanísticos y, en términos más generales, sobre la invasión de la City” en el barrio, explica Jonathan Moberly, que lidera la protesta local.

El proyecto ilustra “un problema nacional cada vez mayor: la cantidad de electricidad que consume “puede impedir que vean la luz otros proyectos, como viviendas”, añade.

Según la Agencia Internacional de la Energía, la demanda mundial de electricidad de los centros de datos se disparó un 17% el año pasado y se duplicará entre 2025 y 2030.

“Con los pies por delante”

“Todo lo que hacemos hoy en el ámbito digital proviene de un centro de datos”, responde a la AFP el consultor Mark Acton, para quien la proximidad de una instalación como la prevista en Brick Lane es crucial para Londres.

Si el Reino Unido quiere garantizar su soberanía, especialmente en materia de inteligencia artificial, “hay que ubicar (estos centros de datos) en algún sitio”, añade.

La asociación medioambiental Global Action Plan, que aboga por que se tenga más en cuenta la opinión de los vecinos, estima sin embargo que la normativa británica no contempla suficientemente el coste medioambiental de estas instalaciones.

“Ha sido una especie de caballo de Troya para un mal desarrollo”, declaró a la AFP Owen Espley, un directivo del grupo.

Un poco más lejos en la calle, Carol Burns, nacida y criada en el barrio, no tiene la intención de marcharse a otro sitio.

Sentada en la tienda que su familia dirige desde el siglo XIX, con las paredes cubiertas de fotos, se siente orgullosa de pertenecer a la comunidad del East End de Londres.

“La gente siempre intenta comprar este local, pero ni hablar. Tendrán que sacarme de aquí con los pies por delante”, afirma con su marcado acento cockney.

(AFP)

Una exposición itinerante sobre Renoir reabre el debate sobre si el impresionismo puede ser, a la vez, genial y misógino. Pierre-Auguste Renoir lleva más de un siglo dividiendo a la crítica, pero una muestra que recorre tres continentes vuelve a poner sobre la mesa una pregunta incómoda: ¿era realmente un gran pintor?

La exposición “Renoir y el amor”, que debutó este verano en el Museo de Orsay de París, llegará en octubre a la National Gallery de Londres y en primavera al Museo de Bellas Artes de Boston, informó Artnet News.

El recorte temporal no es casual: excluye deliberadamente las obras más tardías de Renoir, las que más polémica han generado. Son esas pinturas de la última etapa —desnudos de trazo descuidado, figuras de muslos voluptuosos y expresiones vacías— las que alimentaron, hace una década, la campaña “Renoir pinta fatal”, liderada por el artista Max Geller. El movimiento llegó a organizar protestas frente a museos de distintas ciudades y hoy pervive como cuenta de Instagram, según el medio especializado en arte.

Geller describió su rechazo ante “manos que parecen tentáculos” y “fondos que parecen vegetación podrida”, y atribuyó la presencia masiva de esas obras en colecciones estadounidenses a un fenómeno de mercado: “Las obras de mala calidad fueron enviadas por miles a través del Atlántico” para satisfacer el apetito de los nuevos ricos, afirmó en declaraciones recogidas por el medio.

Los detractores de Renoir tienen antecedentes de peso en la historia del arte

Las críticas no son nuevas. Édouard Manet llegó a declarar que Renoir “no tiene ningún talento” e instó a quienes lo conocían a que le dijeran que dejara de pintar. Mary Cassatt habló de “cuadros de mujeres enormemente pelirrojas con cabezas diminutas”. El crítico Clement Greenberg escribió que un día lo encontraba “poderoso” y al siguiente “casi débil”, incapaz de definirlo con precisión, según Artnet News.

La visita a la Fundación Barnes de Filadelfia —que alberga 181 obras del pintor— ilustra bien esa incomodidad: obras de Claude Monet y Paul Cézanne conviven con una cantidad abrumadora de Renoirs que, según muchos visitantes, acaban diluyendo el impacto de las grandes piezas.

Martha Lucy, subdirectora de investigación del Museo Barnes, sostuvo que Renoir tiene una habilidad particular para capturar la cercanía entre amantes y amigos. “Sus pinturas son accesibles. Son muy bonitas y sus personajes son agradables”, afirmó en declaraciones recogidas por Artnet News.

Uno de los ejemplos que la institución ha prestado para la muestra itinerante es El almuerzo (1875), una escena de café que, según Lucy, “muestra dos personas que se conectan en medio del tumulto de la vida urbana” con un dominio técnico del color que merece ser reconocido.

El fundador del museo, Albert Barnes, ya elogió en su momento la capacidad de Renoir para transmitir “la alegría de pintar la vida real de la gente común”. Esa accesibilidad, sin embargo, también ha sido leída como superficialidad: un crítico de los años ochenta la llamó “Pollyanna con un pincel”.

La discusión sobre su obra se cruza con señalamientos por antisemitismo y misoginia

El debate estético no está desvinculado del ético. El antisemitismo de Renoir lo llevó a rechazar públicamente al pintor Camille Pissarro. Y su forma de representar a las mujeres ha generado un cuestionamiento creciente entre historiadores del arte.

Karen Leader, profesora asociada de historia del arte en la Universidad Atlántica de Florida, elogió la obra temprana de Renoir como “compleja” y “técnicamente lograda”, pero advirtió que las pinturas posteriores resultan “impactantes” por estar “hechas para el puro placer de la mirada masculina”, según declaraciones recogidas por Artnet News. Lucy, por su parte, admitió que “la forma en que pinta a las mujeres puede resultar desagradable para mucha gente”.

El movimiento anti-Renoir plantea una pregunta más amplia sobre el canon museístico

Para Leader, “el valor de ‘obra maestra’ de una colección de Renoirs es una construcción patriarcal que alimenta una hegemonía de ‘grandes artistas’ impulsada por el mercado”. Citó a la historiadora del arte feminista Linda Nochlin para argumentar que la historia del arte debería ser “una disciplina crítica, no positiva”, y llamó a los museos a usar sus recursos para educar en lugar de entretener.

Geller coincidió en el fondo: “Los museos tienen un espacio limitado en las paredes. Tenemos magníficas pinturas de genios de comunidades marginadas”, planteó. Aun así, reconoció que el movimiento que fundó va más allá del rechazo a un pintor en particular. “No se trata de odiar a un pintor en particular. Nos mueve el amor por el arte y el deseo de tener museos que reflejen su riqueza”, dijo en declaraciones al medio.

La muestra puede visitarse en la National Gallery de Londres del 3 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027, y luego en el Museo de Bellas Artes de Boston del 20 de febrero al 13 de junio de 2027.

Hay noches que en una ciudad se recuerdan durante décadas. Y otras que terminan convirtiéndose en parte de la memoria de una nación. La tarde del 7 de septiembre de 1940, Londres comenzó a arder. Desde el otro lado del Canal de la Mancha llegaban formaciones de aviones alemanes. Primero aparecieron sobre los muelles del East End. Después llegaron las explosiones, los incendios, las columnas de humo y el estruendo que durante horas convirtió a la capital británica en un campo de batalla.

La población ya conocía las sirenas. Desde hacía meses, Gran Bretaña vivía esperando la invasión alemana. Pero aquella tarde la naturaleza de la guerra cambió. La Luftwaffe –fuerza aérea de la Alemania nazi- dejó de concentrar sus ataques principalmente sobre los aeródromos de la Royal Air Force y lanzó una ofensiva masiva contra Londres. Había comenzado el Blitz -guerra relámpago-.

El primer gran ataque reunió unos 350 bombarderos escoltados por alrededor de 600 cazas. Las incursiones comenzaron durante la tarde y continuaron en la noche. Se lanzaron cientos de toneladas de explosivos y una enorme cantidad de bombas incendiarias. Al amanecer, Londres había sufrido una de las jornadas más devastadoras de su historia moderna. Ese día, conocido como “Black Saturday”, murieron alrededor de 430 londinenses y unos 1.600 resultaron heridos, según el Imperial War Museums -Museo Imperial de la Guerra-. Pero aquello no era el final de una batalla, sino apenas el comienzo.

Durante los meses siguientes, la capital británica y numerosas ciudades del país eran atacadas una y otra vez. Las bombas caerían sobre barrios residenciales, fábricas, estaciones, puertos, hospitales y edificios públicos. Los incendios iluminarían el cielo nocturno y miles de personas aprenderían a distinguir, por el sonido, el tipo de avión que se aproximaba. Para los británicos, la Segunda Guerra Mundial había dejado de ser algo que ocurría en el continente. Ahora estaba sobre sus casas.

Una Gran Bretaña al borde del abismo

El Blitz no puede entenderse sin retroceder unos meses. En la primavera de 1940, Alemania lanzó una ofensiva fulminante sobre Europa occidental. Polonia había caído el año anterior y, en pocos meses, las fuerzas de Adolf Hitler ocuparon Dinamarca, Noruega, Bélgica, Países Bajos y Francia.

En junio, las tropas inglesas fueron evacuadas de Dunkerque. Francia había quedado fuera de la guerra. Gran Bretaña estaba prácticamente sola frente a la Alemania nazi. El nuevo primer ministro, Winston Churchill rechazó cualquier posibilidad de capitulación. Pero una pregunta comenzaba a dominar Londres: ¿podría Alemania invadir las islas? Hitler preparó entonces la Operación León Marino, el plan para desembarcar tropas en Gran Bretaña.

Pero para que una invasión fuera posible, Alemania necesitaba primero dominar el cielo. La Luftwaffe debía destruir o neutralizar a la RAF. Por eso, durante el verano de 1940, la batalla se concentró sobre los aeródromos, las instalaciones de radar y las posiciones de Fighter Command -Comando Militar de Caza-.

La Royal Air Force estaba sometida a una presión enorme. Los pilotos combatían casi sin descanso. Los aviones eran derribados y reemplazados. Las bases eran atacadas. Los técnicos trabajaban contra reloj para reparar las máquinas dañadas y devolverlas al aire. Pero los británicos resistían. Y entonces Alemania cometió uno de los cambios estratégicos más discutidos de toda la guerra.

El giro que llevó la guerra a Londres

La RAF había sufrido pérdidas importantes, pero no estaba derrotada. La Luftwaffe tampoco consiguió destruir la capacidad británica de defensa. El 7 de septiembre, el mando alemán cambió el foco de la ofensiva. En lugar de continuar concentrando el esfuerzo sobre los aeródromos, comenzó una campaña de grandes ataques diurnos y nocturnos contra Londres.

La decisión tenía una lógica militar y política. Los alemanes esperaban que el bombardeo de la capital obligara a los británicos a concentrar sus cazas en su defensa y, al mismo tiempo, provocara un colapso de la moral de la población. El objetivo era doble: destruir instalaciones importantes y quebrar la voluntad de resistencia.

Pero el cálculo tenía un problema. Los británicos no estaban dispuestos a rendirse. Las instalaciones dañadas podían ser reparadas con rapidez y la industria británica continuaba produciendo aviones. El cambio de objetivo permitió a los pilotos recuperar parte de la presión que habían sufrido durante las semanas anteriores.

La batalla por el cielo continuó. Y debajo de ella comenzó otra, mucho más silenciosa: la de los civiles. Así, los muelles de Londres se convirtieron en uno de los principales objetivos. Las instalaciones portuarias del East End estaban llenas de depósitos, almacenes, combustible y mercancías. Pero alrededor de esa infraestructura militar e industrial vivían miles de personas.

Las bombas no distinguían. Los edificios comenzaron a derrumbarse y los incendios se extendieron. Las sirenas de alarma se mezclaron con el sonido de las explosiones y el rugido de los aviones. Entonces, los bomberos entraron en acción. Los miembros de Air Raid Precautions -servicios de defensa civil- empezaron a recorrer las calles. Había que orientar a quienes buscaban refugio, atender heridos, apagar incendios, rescatar personas atrapadas y localizar a quienes quedaron sepultados. La guerra había transformado a los civiles en protagonistas. Un hombre que durante el día trabajaba en una oficina podía pasar la noche buscando sobrevivientes entre los restos de una casa. Una enfermera podía terminar atendiendo a decenas de heridos. Y hasta un niño debía aprender a dormir vestido porque en cualquier momento sonaba la alarma.

Los refugios y la vida bajo las bombas

El gobierno británico había comenzado a prepararse para los ataques antes de que llegara el Blitz. Se construyeron refugios, se distribuyeron máscaras antigás y se organizó la evacuación de niños desde las grandes ciudades hacia zonas rurales. Muchos fueron enviados fuera de Londres para alejarlos de los bombardeos.

Pero ningún plan podía eliminar el miedo. Cuando se oían las sirenas, las familias tenían que decidir dónde refugiarse. Algunos utilizaban los públicos. Otros bajaban a sótanos. Y muchos buscaban protección en las estaciones del subte de Londres, que terminó convirtiéndose en uno de los grandes símbolos del Blitz. Durante la noche, miles de personas descendían bajo tierra con colchones, mantas, comida y pequeños objetos personales. Allí intentaban dormir mientras sobre sus cabezas la ciudad era bombardeada. Para muchos londinenses, el metro dejó de ser simplemente un medio de transporte.

La rutina diaria se transformó completamente. El cielo podía estar despejado durante el día y convertirse en un infierno al anochecer. Las ventanas permanecían cubiertas por el apagón obligatorio y la oscuridad era una forma de defensa. Cualquier luz ayudaba a los bombarderos alemanes a localizar un objetivo.

Aunque el nombre Blitz quedó especialmente asociado con Londres, los ataques se extendieron a otras ciudades. Birmingham, Bristol, Liverpool, Manchester, Coventry y zonas industriales y portuarias fueron alcanzadas. A mediados de noviembre de 1940 comenzó una nueva etapa especialmente destructiva.

La noche del 14 al 15 de noviembre, Coventry sufrió uno de los bombardeos más potentes de toda la campaña, quedó gravemente destruida y su histórica catedral fue devastada. Los ataques respondían a una estrategia concreta: golpear la producción británica, sus puertos, sus fábricas y las redes de transporte.

Pero también buscaban producir un efecto psicológico. La idea alemana era que una población sometida durante semanas y meses a los bombardeos terminaría exigiendo a su gobierno que pusiera fin a la guerra. Pero eso no ocurrió. El miedo existía y la muerte estaba presente. Pero la sociedad británica no se derrumbó.

El fuego como arma

Las bombas de alto explosivo podían destruir edificios y abrir enormes cráteres en las calles. Pero las incendiarias tenían otro propósito, provocaban incendios. En una ciudad densamente poblada como Londres, un ataque generaba cientos de focos simultáneos. Los bomberos tenían que combatirlos mientras continuaban cayendo bombas. Las llamas podían saltar de un edificio a otro y el humo cubrir calles enteras.

En la noche del 29 de diciembre de 1940, Londres sufrió uno de los ataques más destructivos del Blitz. Grandes sectores quedaron destruidos por los incendios. La catedral de San Pablo sobrevivió y su silueta se convirtió en una de las imágenes más recordadas de aquella noche. Pero detrás había una realidad mucho más dura: personas muertas, familias separadas, casas destruidas, barrios enteros transformados en montañas de ladrillos y madera.

El Blitz no era solamente una campaña militar, también una guerra psicológica. Hitler y sus comandantes esperaban que el bombardeo constante debilitara la moral británica. Pero sucedió algo que los alemanes no habían previsto en toda su dimensión. La población comenzó a adaptarse. Eso no significaba que desapareciera el miedo. Los londinenses seguían corriendo hacia los refugios cuando sonaban las sirenas y llorando a sus muertos.

Pero también volvían a trabajar. Los comercios reabrían cuando podían y los trenes y hospitales intentaban mantener sus servicios. Los equipos de rescate retiraban los escombros. La ciudad trataba de reconstruir en el día lo que las bombas destruían durante la noche. Esa resistencia cotidiana se convirtió en una parte esencial de la batalla. No era una victoria militar espectacular, sino algo mucho más elemental: seguir adelante.

La RAF resiste

Mientras Londres sufría, la batalla en el aire continuaba. El objetivo alemán de destruir Fighter Command no había sido alcanzado. Los pilotos británicos, apoyados por una red de radares, observadores y control de operaciones, continuaban interceptando a los bombarderos alemanes. La Fuerza Aérea alemana sufrió pérdidas importantes y tampoco logró obtener la superioridad necesaria para una invasión.

La Batalla de Gran Bretaña fue oficialmente reconocida en el Reino Unido como desarrollada entre el 10 de julio y el 31 de octubre de 1940. El 15 de septiembre quedó especialmente señalado como un momento decisivo, cuando la Luftwaffe sufrió pérdidas importantes y quedó claro que no había conseguido derrotar a la Royal Air Force. Y entonces Hitler terminó postergando la invasión. Pero eso no significó que los bombardeos cesaran. El Blitz continuó.

Los ataques nocturnos se convirtieron en una rutina. En Londres se llegaron a registrar 57 noches consecutivas de bombardeos, además de incursiones diurnas. Entre septiembre de 1940 y mayo de 1941, más de 20.000 londinenses murieron y alrededor de 1,4 millones de personas quedaron sin vivienda como consecuencia de los bombardeos. Eso significaba que aproximadamente uno de cada seis habitantes de la capital había perdido su hogar. Para El Blitz la población era un objetivo directo de la guerra.

La noche del 10 al 11 de mayo de 1941 llegó uno de los ataques más devastadores. Más de 500 bombarderos alemanes atacaron Londres. La Cámara de los Comunes fue destruida y grandes sectores de la capital quedaron dañados. Según el Imperial War Museums, esa noche murieron 1.436 civiles y más de 155.000 familias quedaron sin gas, agua o electricidad.

Pero también fue una señal de que aquella etapa de la guerra estaba llegando a su fin. Hitler preparaba entonces una nueva operación. Su mirada se dirigía hacia el este. La invasión de la Unión Soviética estaba a punto de comenzar. Y la presión alemana sobre Gran Bretaña disminuyó. El Blitz había terminado y pese a todo, la ciudad seguía en pie.

El precio de sobrevivir

Alemania no había conseguido su objetivo fundamental. La RAF no pudo ser destruida y la superioridad aérea nunca llegó. La invasión de Gran Bretaña no se produjo. Y su población no obligó a Winston Churchill -primer ministro del Reino Unido- a pedir la paz. El plan de Hitler había fracasado en uno de sus objetivos esenciales: quebrar la resistencia del enemigo desde el aire.

Aquel 7 de septiembre de 1940 comenzó con una ciudad en llamas. Hitler apostó a que sus bombas podían destruir no sólo edificios, sino también la voluntad de un pueblo. Ocho meses después, cuando las últimas grandes incursiones del Blitz terminaron, quedó una certeza para el resto de la guerra: Gran Bretaña sobrevivió al ataque desde el cielo, y la Alemania nazi descubrió que una campaña de bombardeos devastadora podía destruir una ciudad sin conseguir doblegar a una nación.

El ministro de Finanzas del Reino Unido, John Healey, expondrá este lunes las principales líneas de su agenda económica ante el primer presupuesto del primer ministro Andy Burnham, previsto para el 28 de octubre, con el objetivo de avanzar en medidas destinadas a aliviar el costo de vida y estimular el crecimiento fuera de Londres.

Healey ofrecerá su primer gran discurso como ministro de Finanzas en un contexto marcado por las dificultades económicas del país, el elevado costo de vida, el desempleo juvenil y el aumento de los precios de la energía como consecuencia de la guerra entre Estados Unidos e Irán. Pese a este escenario, el funcionario prevé presentar una perspectiva cautelosamente optimista sobre las posibilidades de recuperación de la economía británica.

Según un comunicado del Tesoro, Healey planteará la necesidad de construir “una nueva historia sobre Gran Bretaña. Una historia optimista. Una historia de resiliencia”, como parte de una agenda orientada a fortalecer la actividad económica y respaldar a las empresas.

Entre las medidas previstas figura una reducción de la burocracia estatal y la creación de un fondo de 150 millones de libras esterlinas, equivalente a unos 200 millones de dólares, destinado a impulsar la innovación empresarial en el norte de Inglaterra.

La iniciativa se encuentra alineada con el objetivo de Burnham de transferir mayor poder económico y político a las regiones situadas fuera de Londres. El Gobierno busca así promover un crecimiento más distribuido territorialmente, con especial atención a las empresas y a la actividad económica de las zonas del norte del país.

“Quiero ver creación de riqueza en este país. Quiero ver que las empresas obtengan beneficios”, afirmará Healey durante su discurso, según el texto difundido por el Tesoro. El ministro también reiterará el principio defendido por Burnham de lograr “crecimiento en cada código postal”.

El Tesoro señaló además que Healey remarcará que el crecimiento económico debe estar acompañado por una gestión prudente de las cuentas públicas. “El ministro de Finanzas también dejará claro que un buen crecimiento es inseparable de la disciplina fiscal en cualquier momento, pero especialmente en un momento de incertidumbre global”, indicó el comunicado.

Poco margen fiscal

El presupuesto del 28 de octubre será el principal escenario para definir las próximas medidas económicas del Gobierno. Healey declaró durante el fin de semana al diario Financial Times que utilizará esa instancia para crear un “colchón contra la incertidumbre”.

El ministro mantiene el compromiso con las reglas fiscales establecidas por su antecesora, Rachel Reeves, que fijan como objetivo cubrir el gasto corriente del Estado con los ingresos públicos.

Sin embargo, Healey todavía no definió de forma pública si el presupuesto incluirá aumentos de impuestos o nuevas ayudas económicas para los hogares. Las decisiones deberán tomar en cuenta el deterioro de las condiciones financieras y el elevado nivel de endeudamiento del Estado británico.

Desde su llegada al Gobierno en julio, Burnham impulsó varias medidas destinadas a reducir algunos costos para los ciudadanos. Entre ellas se encuentran tarifas de autobús más baratas y una reducción del impuesto sobre las facturas de electricidad.

El primer ministro también decidió reducir un impuesto aplicado a los pubs y a otros establecimientos del sector de la hostelería, con el objetivo de aliviar la carga sobre esos negocios.

Al mismo tiempo, los rendimientos de los bonos soberanos británicos alcanzaron niveles máximos en varias décadas, mientras que el volumen de deuda pública limita el margen de maniobra del Ejecutivo para asumir nuevos compromisos de gasto.

Las restricciones fiscales generan dudas sobre la capacidad del Gobierno para financiar algunas de las principales promesas de Burnham. Entre ellas figuran un mayor control público de los servicios públicos, el objetivo de terminar con el sinhogarismo y la necesidad de cubrir un importante déficit de financiación en materia de defensa.

La situación también coloca a Healey ante una cuestión especialmente sensible: el gasto militar. Antes de asumir su actual cargo, el funcionario renunció como ministro de Defensa del Gobierno del ex primer ministro Keir Starmer y cuestionó la financiación destinada al área militar por parte del Tesoro.

Ahora, Healey enfrenta presión para reafirmar el compromiso de elevar el gasto en defensa hasta el 3% del producto interno bruto para 2030.

(Con información de AFP)

La cifra sobresale incluso dentro de los parámetros habituales del rock en vivo. Distintas referencias ubican a muchos recitales del género en una franja que puede ir de 110 a 120 dB, por lo que el nivel atribuido a The Who quedó por encima de ese rango. Más que un detalle técnico, el dato ayuda a dimensionar la magnitud del sonido que podía alcanzar una de las bandas más potentes de su época sobre el escenario.

El récord no se estableció en un espacio cerrado ni en un club pequeño, sino en un estadio de fútbol. La lectura se realizó a 50 metros de distancia durante un show en el estadio del Charlton Athletic FC, en Londres. Ese punto de medición también resulta relevante: no se trató de un registro tomado al lado de los parlantes, sino a una distancia suficiente como para ofrecer una referencia más amplia sobre el volumen general del concierto.

La marca de 126 dB y por qué Guinness dejó de medirla

El Libro Guinness dejó asentada la marca de 126 dB como récord oficial del concierto más ruidoso. Sin embargo, con el paso del tiempo la organización decidió discontinuar esa categoría.

La explicación fue concreta: seguir premiando niveles extremos de presión sonora podía estimular prácticas capaces de poner en riesgo la audición del público y de quienes trabajaban en los espectáculos.

La decisión transformó ese registro en una especie de récord congelado. No necesariamente porque después no hayan existido recitales igual o más intensos, sino porque Guinness optó por dejar de certificarlos.

De esa manera, la marca de The Who quedó como una referencia histórica, pero también como el cierre administrativo de una era en la que el volumen podía presentarse casi como una credencial de prestigio dentro del rock.

Dónde y cuándo se registró el concierto más ruidoso

El show que quedó vinculado a la medición formó parte de Who Put The Boot In, una gira de tres fechas por el Reino Unido realizada en mayo de 1976. La parada londinense en el estadio del Charlton Athletic FC fue la que quedó asociada al récord. El dato de los 50 metros no es menor, ya que permite entender en qué condiciones fue tomada la lectura que luego recogió Guinness.

Ese breve recorrido incluyó además otros dos conciertos importantes: uno en Celtic Park, en Glasgow, y otro en el estadio Vetch Field del Swansea City FC, en Gales. En ese contexto, la fecha de Londres terminó destacándose por encima del resto, no sólo por el impacto musical del grupo, sino porque quedó inmortalizada en el libro de los récords.

La banda británica que Guinness coronó como la más ruidosa

La publicación identificó al cuarteto londinense como el grupo más ruidoso certificado por Guinness. Aunque con el tiempo circularon versiones sobre otras bandas capaces de superar ese umbral, lo cierto es que la marca oficial continuó ligada a The Who.

Entre los nombres mencionados habitualmente en esa conversación aparecen Led Zeppelin, AC/DC y Kiss, todos asociados a puestas en escena de enorme potencia sonora.

Esa comparación también ayuda a ubicar el lugar de The Who en la historia del rock. No se trataba solamente de una banda exitosa o influyente, sino de un grupo que construyó parte de su identidad en torno a la energía del directo, la intensidad de sus shows y una presencia escénica que dejó huella en varias generaciones.

Quiénes fueron The Who

The Who surgió a comienzos de los años 60 en Londres, primero en pubs y escenarios pequeños, antes de convertirse en una de las formaciones centrales del rock británico. Antes de adoptar su nombre definitivo, la banda pasó por las denominaciones The Detours y luego The High Numbers.

Su formación clásica estuvo integrada por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon. Con ese núcleo, el grupo desarrolló una identidad propia basada en canciones de alto impacto, una actitud desafiante y conciertos que se volvieron parte de su leyenda.

El récord de 1976, en ese sentido, no aparece como una rareza aislada, sino como una prolongación lógica de una reputación escénica que ya era parte esencial de su historia.

Unos 2000 años separan la tragedia de Sófocles, Electra, del drama psicológico de Ingmar Bergman, Persona, pero la primera encierra la clave para comprender la segunda. En la película de Bergman, una actriz de teatro enmudece durante una representación de Electra porque la ruptura filial retratada en la obra de Sófocles evoca sucesos clave de su propia vida: la inquietante representación de la identidad fragmentada en Persona tiene su origen en un trauma materno.

Las resonancias entre estas dos obras canónicas se exploran en una ambiciosa obra de teatro nueva protagonizada por Cate Blanchett y Nina Hoss, que se estrenó esta semana en el Teatro Nacional de Londres.

La producción, titulada Electra/Persona y en cartelera hasta el 10 de octubre, supone un reencuentro triangular para su guionista y director australiano, Benedict Andrews, y sus dos actrices principales: Andrews dirigió a Hoss en El jardín de los cerezos y a Blanchett en Las criadas; y Hoss interpretó a la esposa de Blanchett en la película Tár de 2022.

La obra no es una simple mezcla, sino que consta de dos partes distintas y yuxtapuestas, conectadas únicamente por ecos sugerentes y una constante preocupación por la interpretación y la naturaleza escurridiza de la identidad. En consonancia con este tema, Blanchett y Hoss intercambian papeles en noches alternas. En la noche del estreno, Blanchett interpretó a Clitemnestra, la madre despectiva y frívola de la irascible Electra de Hoss.

Incapaz de perdonar a su madre por haber matado a su padre, Agamenón, y por haberse acostado con Egisto, su rival, Electra está tan sumida en el dolor que ha dejado de comer y de bañarse. Se enfurece amargamente blandiendo un martillo de plata. Pero Clitemnestra tenía sus razones: Agamenón había sacrificado a su hija Ifigenia para asegurar vientos favorables para una expedición militar.

La Clitemnestra de Blanchett expone sus argumentos con convicción, aunque su preocupación resulta inquietantemente falsa. Dice estar muy preocupada por Electra y añade, volviéndose hacia el público: «Todos lo estamos».

El tema de la representación se hace explícito cuando Clitemnestra propone una recreación de la muerte de Ifigenia mediante un juego de roles terapéutico. Electra se pone la chaqueta militar de su difunto padre, mientras que su hermana, Crisótemis (Ella Lily Hyland), se viste con un vestido que perteneció a Ifigenia. Es un momento extraño.

Más tarde, Electra canaliza el espíritu de su hermano perdido, Orestes, tras ponerse su vieja chaqueta deportiva, y se venga de Egisto (Patrick Robinson) de una manera sorprendentemente estilizada. El martillo ni siquiera lo alcanza; en cambio, Electra le escupe varios chorros de sangre falsa en la cara, y él cae muerto. Esto resulta, de alguna manera, más ignominioso que cualquier golpe contundente.

Hoss guarda silencio y la acción se detiene durante unos minutos. Los tramoyistas limpian la sangre mientras los actores se retocan el maquillaje con indiferencia, y la escena se reanuda con Hoss interpretando a Elisabeth, la actriz muda, recuperándose al cuidado de Alma, la enfermera interpretada por Blanchett. Una gran pantalla desciende del techo, sincronizada con una cámara de mano que los actores se apuntan entre sí por turnos para crear impactantes primeros planos en blanco y negro. Nos encontramos ahora en el mundo del cine de Bergman.

Se perciben ecos del enfrentamiento entre Clitemnestra y Electra en la servil y deslumbrada Alma, interpretada por Blanchett, quien mantiene un diálogo unilateral con su muda protegida. Su intento de despertar preocupación se topa con una hermetismo absoluto. El forzado profesionalismo de Alma da paso a una familiaridad ingenua, seguida de resentimiento y enfado. Mientras tanto, Elizabeth, interpretada por Hoss, se comunica mediante sugerentes microexpresiones, sonrisas apenas contenidas y gestos fugaces e inescrutables.

Este singular pas de deux es magníficamente modulado por Blanchett y Hoss, quienes suben y bajan descalzos por la inmensa escalera que ocupa todo el ancho del escenario. (La escenografía es de Magda Willi).

Las alusiones a la guerra y al desastre ambiental sugieren el efecto agravante de los acontecimientos mundiales, pero el origen de la difícil situación de Elisabeth es personal, como finalmente descubrimos: dio a luz a un hijo pero no sintió nada por él.

Cuando las identidades de Alma y Elisabeth parecen fundirse en una sola, evocando el espectro de la locura, recordamos el comentario anterior y significativo de Crisótemis sobre el gran parecido entre Electra y su madre: “A veces no puedo distinguir dónde termina ella y dónde empiezas tú”.

Últimamente, los clásicos están de moda en los escenarios londinenses. Dos millas más adelante, a orillas del Támesis, en el Bridge Theatre, los espectadores pueden disfrutar de una versión muy diferente de la tragedia griega a cargo de otro director australiano, Simon Stone. Su modernización de La Orestíada de Esquilo retrata la tensa relación entre padres e hijos en un thriller al estilo de Succession, repleto de sangre, suspense y acción trepidante. Es sumamente entretenida, pero bien podría haber sido una serie de televisión. En contraste, el minucioso enfoque psicológico de Electra/Persona, magistralmente interpretado por la elegante interpretación de Blanchett y Hoss, parece hecho a medida para el teatro.

Fuente: The New York Times

Entre el 23 y el 27 de abril de 2026, una secuencia audiovisual de sesenta segundos se proyectó en 53 espacios culturales de 16 ciudades. Desde Londres hasta Buenos Aires, pasando por Nueva York, Ciudad de México, Milán, Lisboa y Berlín, el proyecto CAOS Global: SIGNAL 01 apostó por una circulación artística descentralizada y simultánea. “SIGNAL 01 surgió de una incomodidad frente a la sobreabundancia. Vivimos en un ecosistema cultural saturado de imágenes, mensajes y explicaciones que compiten permanentemente por visibilidad”, dice Sofía Cruz en diálogo con Infobae Cultura.

“Sentíamos que no hacía falta producir más contenido, sino ensayar otra forma de hacerlo circular”, continúa Cruz, quien es Provocadora de Caos Regional en CAOS Global, la organización artística internacional, independiente y anónima con base en Londres, detrás de esta movida. Ella vivió varios años en el Reino Unido, donde trabajó en proyectos de arte contemporáneo junto a artistas, galerías y espacios culturales.

“Nos preguntamos qué ocurriría si, en lugar de sumar ruido, creábamos una señal mínima y permitíamos que viajara a través de vínculos directos. Así apareció una obra de un minuto que, sin una sede central, una inauguración principal ni una campaña que la organizara, fue transmitida durante los mismos cinco días en 53 espacios de 16 ciudades. Más que llenar un vacío temático, buscamos recuperar algo que sentíamos debilitado: la pausa, la curiosidad, el encuentro y la posibilidad de enfrentarse a una imagen sin recibir de antemano instrucciones sobre cómo interpretarla. La cultura global no carece de imágenes; quizás carece de suficientes espacios para relacionarnos con ellas de otra manera”, dice.

Tras SIGNAL 01, la iniciativa avanza hacia SIGNAL 01 / ECOS, una etapa en la que la señal se convierte en instalación física y analógica: inaugura el 18 de septiembre en MACBA, hasta el 4 de octubre. También quisimos invertir el movimiento habitual: que el público no tuviera que trasladarse hacia la obra, sino que la obra viajara hacia el público y apareciera en medio de contextos muy diferentes", agrega.

La propuesta partió de una lógica inversa a la habitual: la obra no esperaba al público, sino que iba hacia él. Durante cinco días, librerías, galerías, cafeterías, escuelas de arte e instituciones culturales exhibieron esta pieza en loop, sin campaña digital ni inauguración central. La red incluyó espacios como El Ámbito Cultural de El Corte Inglés, en Madrid; EnPomme, en Lisboa; Nube y Feliza, en Buenos Aires; y Leake Street Arches y Central Saint Martins, en Londres.

“Lo que los vinculó fue una disposición: alojar una obra sin intentar controlar completamente su significado y participar por un interés genuino en la propuesta, sin una promesa de visibilidad, prestigio o retorno comercial a cambio”, dice y agrega: “No buscamos un perfil determinado por la trayectoria, la nacionalidad, la disciplina o la posición dentro del mercado. Nos interesan la sensibilidad, el rigor, la curiosidad y la capacidad de trabajar con procesos abiertos, entendiendo que una obra puede transformarse cuando cambia de contexto y que su circulación también forma parte de su lenguaje”.

Cruz sostiene que “no existe un límite formal: pueden convivir técnicas analógicas y digitales, imágenes, sonido, instalación, animación o formatos todavía difíciles de clasificar. Pero la apertura no significa ausencia de criterio. El límite es ético, no estilístico. No nos interesan prácticas que reproduzcan discriminación, desinformación o discursos que anulen al otro como interlocutor, ni aquellas que pretendan imponer una única lectura posible. La apertura no significa ausencia de criterio”.

“No buscamos una incidencia entendida como persuasión ni como impacto publicitario. Tampoco queremos indicarle al público qué debe pensar. Nos interesa producir un pequeño desplazamiento en la manera de mirar, sentir y relacionarse con una imagen”, agrega.

En un presente atravesado por la saturación, la desinformación y los discursos polarizados, la reacción inmediata muchas veces reemplaza a la reflexión. CAOS intenta abrir un intervalo dentro de esa dinámica: un espacio en el que cada persona pueda detenerse, asociar, interpretar y construir una lectura propia. La incidencia también sucede entre los espacios. SIGNAL 01 puso en relación lugares que normalmente no compartirían una misma obra, un mismo público ni una misma conversación. Demostró que puede construirse una experiencia global sin borrar las diferencias entre los contextos", continúa.

El objetivo, asegura, es “recuperar sensibilidad y pensamiento crítico para generar vínculos que no estén definidos únicamente por algoritmos y para recordar que una experiencia común no tiene que producir una interpretación idéntica”.

Países Bajos trasladó 86 toneladas de sus reservas de oro desde Estados Unidos y Canadá a Londres entre marzo y agosto, en una operación con la que el banco central neerlandés reordenó el 14% de sus existencias para contar con una disponibilidad más rápida del metal en caso de crisis, en medio de un escenario de inestabilidad geopolítica.

La decisión fue comunicada por el Banco de Países Bajos este miércoles. La entidad explicó que el oro depositado en Londres ofrece mayores facilidades para ser utilizado con rapidez en los mercados internacionales que el almacenado en Nueva York y Ottawa, dos plazas que hasta ahora concentraban una porción mayor del total neerlandés.

Antes de la operación, Países Bajos mantenía 31,3% de su oro en Nueva York y 19,7% en Ottawa. Tras el movimiento, ambas ciudades quedaron con 18,5% cada una, mientras que la participación de Londres subió de 18,1% a 32,1%. Dentro del territorio neerlandés permanece 30,8% de las reservas.

El DNB indicó que el volumen total de oro bajo su propiedad asciende a 612,4 toneladas, con un valor de 72.200 millones de euros al cierre de 2025. De ese total, las 86 toneladas trasladadas equivalen a cerca del 14% de las reservas.

La entidad sostuvo que esta nueva distribución busca mejorar la capacidad de movilización de sus reservas. Según explicó, el oro alojado en Londres cumple con los estándares comerciales internacionales más altos y puede ser colocado en el mercado con más rapidez si se presenta una situación de emergencia financiera o geopolítica.

El traslado no se realizó de una sola forma. El banco central neerlandés informó que parte de la operación se concretó mediante compraventa de oro y otra parte a través del movimiento físico de lingotes. Ese esquema permitió reducir los riesgos asociados a un transporte masivo de metal precioso y evitó, además, la necesidad de fundir los lingotes para adaptarlos a otros formatos.

El DNB vendió en Nueva York cerca de 59 toneladas de oro y luego utilizó esos recursos para adquirir en Londres una cantidad equivalente de metal que cumpliera con las condiciones exigidas por el mercado internacional. A eso se sumó el traslado material de más de 27 toneladas desde Estados Unidos y Canadá hacia Zeist, donde el banco neerlandés dispone de un centro de efectivo con fuertes medidas de seguridad.

Desde Zeist salió después una cantidad similar con destino a Londres. La secuencia permitió completar el reequilibrio sin concentrar todo el procedimiento en un único desplazamiento transatlántico. El banco señaló que ese método hizo la operación más eficiente y también más conveniente en términos de costos.

El presidente del Banco de Países Bajos, Olaf Sleijpen, sostuvo que el cambio fortaleció la capacidad operativa de las reservas. En la comunicación oficial, señaló que la institución no prevé tener que utilizar ese oro, pero consideró necesario reforzar la preparación del país frente a escenarios adversos.

Fuera de la explicación oficial, la operación se conoció en un momento de preocupación creciente por la evolución del escenario político internacional y por la seguridad de las reservas estratégicas mantenidas fuera de las fronteras nacionales. En ese contexto, la decisión neerlandesa volvió a poner el foco sobre la ubicación de los activos de respaldo de los bancos centrales.

(Con información de AP, AFP, EFE y Euro News)

Antes de que Londres conociera el nombre de Jack el Destripador, de que los diarios llenaran sus páginas con historias de un asesino que desaparecía entre las sombras, y de que Scotland Yard recibiera cientos de cartas de supuestos autores de los crímenes, hubo una mujer que terminó sola, sin dinero y tendida sobre el pavimento de una calle de Whitechapel –barrio del este de dicha ciudad-. Se llamaba Mary Ann Nichols. Tenía 43 años.

En la madrugada del 31 de agosto de 1888, un hombre que caminaba por Buck’s Row -una calle estrecha y poco iluminada del East End londinense- descubrió algo que al principio creyó que podía ser una persona dormida. Cuando se acercó comprendió que era un cadáver. Poco después de las 3.40 horas, un policía confirmó el hallazgo. Nichols había sido asesinada.

Tenía profundas heridas en el cuello y el abdomen: había sido brutalmente mutilada. La violencia del ataque llamó inmediatamente la atención de los investigadores, pero todavía no existía ningún motivo para pensar que aquel homicidio iba a convertirse en el primer capítulo de una de las investigaciones criminales más famosas de todos los tiempos.

La aparición de Jack el Destripador

La prensa aún no había convertido al homicida en un personaje. Y nadie podía imaginar que, apenas una semana después, otra mujer aparecería asesinada a pocos minutos de distancia. Pero aquella madrugada de agosto comenzó una historia que todavía, casi 140 años después, continúa sin una respuesta definitiva.

La historia de Mary Ann Nichols quedó durante décadas reducida a una palabra: víctima. “Polly” era el apodo por el que era conocida. Detrás aparecía una vida mucho más compleja. Había nacido en Londres en 1845, hija de Edward Walker, un herrero, y Caroline Webb. En 1864 se casó con William Nichols, y el matrimonio tuvo cinco hijos. Durante un período llevó una vida familiar relativamente estable. Pero la relación se deterioró.

La pareja terminó separándose y Mary Ann comenzó a atravesar una existencia cada vez más precaria. Pasó por distintos alojamientos y empleos y, como muchas mujeres pobres del Londres victoriano, quedó expuesta a una realidad en la que conseguir unas pocas monedas podía determinar dónde dormiría esa noche.

El problema no era únicamente la falta de dinero, también la ausencia de una red de protección. En el Whitechapel de 1888, sin un salario estable y sin vivienda propia podía quedar rápidamente al borde de la indigencia.

Los registros históricos muestran precisamente eso: las mujeres que después fueron relacionadas con Jack el Destripador no eran simplemente personajes marginales surgidos de la nada. Habían tenido trabajos, parejas, hijos y distintas formas de subsistencia antes de quedar atrapadas en las condiciones de extrema pobreza.

El Archivo Nacional británico advierte que la tradicional descripción de las víctimas como prostitutas simplificó sus vidas y estuvo influida por los prejuicios sociales de la época. Mary Ann Nichols no fue una excepción.

La última noche

El 30 de agosto, la mujer había estado en Whitechapel intentando conseguir dinero. No era una cuestión menor, necesitaba pagar su alojamiento. En los llamados “lodging houses” o casas de alojamiento común, los pobres podían alquilar una cama por una noche. En muchos casos se trataba de dormitorios compartidos, con condiciones extremadamente precarias.

La noche de su muerte, Nichols había bebido. También estaba sin plata suficiente para asegurarse un lugar donde dormir. En algún momento regresó a su alojamiento y se encontró con un problema que, visto desde hoy, parece insignificante frente a lo que ocurriría pocas horas después: no tenía las monedas necesarias para pagar. La mujer encargada del lugar, Emily Holland, no podía permitirle entrar gratuitamente.

Necesitaba solucionarlo y volvió a salir. Poco después, Holland se encontró nuevamente con ella en la calle. Mary Ann le habría explicado que esperaba conseguir lo suficiente para poder regresar y pagarle. Esa conversación sería uno de los últimos testimonios conocidos sobre ella.

Después siguió caminando. En algún momento de aquella madrugada apareció en Buck’s Row. Y allí se cruzó con el hombre que iba a matarla. Buck’s Row era una calle de Whitechapel que hoy se conoce como Durward Street. En 1888 era un lugar oscuro, cercano a establos y depósitos, alejado del movimiento de las principales calles. Aproximadamente a las 3.40 de la madrugada, el policía John Neil realizaba su ronda cuando encontró el cuerpo.

La escena era inquietante. Mary Ann Nichols estaba tendida boca arriba. Tenía el vestido levantado y las piernas extendidas. Había sangre. Pero el aspecto más perturbador eran las heridas. Su garganta había sido cortada profundamente. El ataque no terminó allí, presentaba varios cortes en el abdomen.

El doctor Rees Ralph Llewellyn llegó poco después y examinó el cuerpo. La violencia indicaba que no había muerto simplemente como consecuencia de una agresión común. Las lesiones mostraban que el asesino utilizó el cuchillo de una manera deliberada. El médico estimó que la muerte se produjo pocos minutos antes del hallazgo. El homicida probablemente había abandonado el lugar poco antes de que el policía encontrara el cuerpo. La diferencia podía haber sido de minutos. Y ese detalle se convertiría en una de las grandes frustraciones de la investigación.

Una ciudad acostumbrada al crimen

Londres era, en aquellos años, una de las ciudades más grandes del mundo que presentaba enormes contrastes. En el West End se encontraban el poder, la riqueza, los grandes teatros, los hoteles y las residencias de las clases acomodadas. En el East End, en cambio, millones de personas vivían en condiciones mucho más duras.

Whitechapel era un territorio de hacinamiento, pobreza, enfermedades, alcohol, prostitución y delincuencia. Había gente por todas partes. Trabajadores que comenzaban sus jornadas, vendedores ambulantes, personas que regresaban de los bares, vecinos que entraban y salían de sus alojamientos, inmigrantes, niños, policías, de todo.

Sin embargo, las calles secundarias podían quedar prácticamente desiertas durante determinadas horas. Y esa combinación -una ciudad enorme, una población vulnerable y una zona donde mucha gente podía pasar inadvertida- convirtió la investigación en una tarea complicada.

La investigación

La muerte de Nichols movilizó inmediatamente a la policía. Pero Scotland Yard todavía no estaba frente al monstruo criminal que la historia recordaría. La primera hipótesis fue la de un asesinato individual. Había que encontrar a alguien que la hubiera visto y reconstruir sus últimos movimientos, saber dónde había estado y determinar quién pudo acompañarla. Y, sobre todo, hallar el arma homicida.

El problema era que el asesino parecía haber desaparecido. No había sido visto claramente, tampoco aparecía un sospechoso. Y las técnicas de investigación criminal estaban todavía muy lejos de las actuales, por ejemplo, no existía el ADN, ni cámaras de seguridad, ni perfiles criminales científicos. Las huellas digitales todavía no formaban parte de la investigación policial de rutina.

La escena del crimen podía ser examinada, pero la cantidad de información que se podía extraer era infinitamente menor que la disponible para un investigador moderno. Y para colmo, el asesino había elegido una ciudad en la que podía confundirse con cientos de personas.

Así las cosas, la prensa encontró una historia irresistible. El crimen comenzó a ocupar espacio en los periódicos. Las noticias sensacionalistas sobre violencia vendían. Pero este asesinato tenía algo diferente. La brutalidad de las heridas sugería que el responsable podía ser algo más que un asesino común.

La muerte de Nichols también ocurrió en un contexto de enorme preocupación social por la inseguridad de Whitechapel. La población empezó a preguntarse si una mujer podía caminar sola durante la noche sin convertirse en una víctima. Y entonces ocurrió algo que cambiaría completamente la historia. El 8 de septiembre otra chica apareció muerta. Se llamaba Annie Chapman. Había sido asesinada en el patio trasero de una casa de Hanbury Street.

Su cuerpo presentaba mutilaciones todavía más severas. Y la posibilidad de que ambos crímenes estuvieran relacionados comenzó a tomar forma. Entonces, la policía dejó de investigar simplemente el crimen de Mary Ann Nichols y comenzó a buscar a un asesino serial. En las primeras comunicaciones policiales, el responsable fue denominado “Whitechapel Murderer”.

El nombre que terminaría haciéndolo famoso surgió en medio de una avalancha de cartas. En octubre de 1888, una recibida por la policía llevaba una firma que se convertiría en legendaria: “Jack the Ripper”. No existe certeza de que haya sido escrita por el verdadero asesino. De hecho, los Archivos Nacionales británicos señalan que se conservan cientos de misivas atribuidas al supuesto criminal y que no existe evidencia sólida que permita afirmar que alguna fue realmente redactada por él. Pero el apodo ya estaba creado. Y era perfecto para la prensa. Desde entonces, el homicida dejó de ser solamente un criminal desconocido y se convirtió en un personaje.

Cinco víctimas y un verdadero desconcierto

La policía terminó vinculando oficialmente cinco asesinatos con el mismo autor: Mary Ann Nichols, Annie Chapman, Elizabeth Stride, Catherine Eddowes y Mary Jane Kelly, todas en aproximadamente tres meses. Dos de ellas, Stride y Eddowes, murieron la misma noche del 30 de septiembre. En todos los casos existieron similitudes que llevaron a los investigadores a considerar que podían ser obra de una misma persona: los ataques al cuello y, en cuatro, mutilaciones posteriores.

La investigación policial fue enorme. Se tomaron declaraciones, registros, pistas, testimonios. Se recibieron cartas y se interrogó a sospechosos. La presión sobre Scotland Yard aumentó con cada asesinato. Pero nada funcionó. El responsable conocía las calles, sabía moverse, atacaba rápidamente y lograba desaparecer en una zona densamente poblada.

El caso también mostró las limitaciones de la Policía Metropolitana, que era relativamente joven y estaba intentando adaptarse a una ciudad que crecía a una velocidad extraordinaria. No tenían una herramienta que permitiera unir de manera concluyente las escenas del crimen con una persona. Por eso, después del último de los cinco asesinatos, el misterio quedó abierto. No hubo arresto, ni juicio, ni condena.

Eso sí, surgieron sospechosos que alimentaron el mito, decenas de nombres: médicos, carniceros, comerciantes, trabajadores, integrantes de la nobleza. Incluso miembros de la familia real fueron incluidos en algunas teorías. Pero ninguna hipótesis consiguió demostrar quién era el asesino.

Uno de los documentos más famosos es el denominado informe Macnaghten, elaborado años después, en 1894, que mencionaba a tres sospechosos. El paper forma parte de los archivos de la Policía Metropolitana conservados por el Archivo Nacional. Pero tampoco resolvió el caso.

El nombre de Jack el Destripador quedó suspendido en el tiempo. Sin rostro ni identidad comprobada. Sin tumba ni sentencia. Y Mary Ann quedó detrás del mito. Existe una paradoja en toda esta historia. El asesino se convirtió en una celebridad macabra y las calles donde mató en lugares turísticos.

Se escribieron libros, se hicieron películas y surgieron nuevas teorías en las que se discutieron nuevos sospechosos. Pero las mujeres asesinadas quedaron siempre relegadas a un segundo plano. El propio Archivo Nacional señala que la fascinación pública se concentró desde el comienzo en el homicida y que las víctimas fueron frecuentemente reducidas a estereotipos. Mary Ann Nichols merecía algo más que ser recordada como “la primera presa”.

Después de su asesinato, el miedo se instaló en Whitechapel. Las mujeres pobres quedaron todavía más expuestas. Los periódicos encontraron en el caso una historia capaz de alimentar durante semanas la imaginación de sus lectores. Y un desconocido pasó a ocupar un lugar permanente en la historia criminal. Así, Jack el Destripador nunca fue identificado y durante casi un siglo y medio logró escapar de la justicia y se llevó ese secreto a su propia tumba.

El presidente francés, Emmanuel Macron, viajará a Londres el miércoles 2 de septiembre para inaugurar en el Museo Británico una exposición del Tapiz de Bayeux , la obra del siglo XI que representa la conquista de Inglaterra por parte de Guillermo el Conquistador, según informó el Elíseo. Además, el presidente francés también mantendrá el jueves un “primer intercambio en profundidad” con el nuevo primer ministro británico Andy Burnham, según informó la presidencia. Se espera que tenga “la oportunidad de saludar al rey Carlos”, agregó un asesor presidencial, sin dar más detalles.

El objetivo principal de la visita es “la inauguración de la exposición que conmemora el préstamo del Tapiz de Bayeux al Museo Británico”, que un asesor presidencial describió como “un momento particularmente significativo” para las relaciones franco-británicas y que Macron ha impulsado personalmente. El líder francés espera destacar el “préstamo excepcional” de la obra, que salió de Francia por primera vez en más de 900 años cuando fue trasladada a Londres bajo estrictas medidas de seguridad. Este viernes, el Museo Británico reveló algunas secciones de la obra que representan la batalla de Hastings de 1066 y la invasión del ejército normando de Guillermo el Conquistador.

La exhibición estará abierta al público desde el 10 de septiembre hasta el 11 de julio de 2027, y ya se han vendido 100 mil entradas para los primeros cuatro meses de la exposición. Macron, quien estará acompañado por su esposa, Brigitte Macron, está “muy ansioso” por ver el tapiz expuesto “en condiciones óptimas”, extendido en toda su longitud sobre la mesa donde se exhibirá. La visita del líder francés será la primera de un líder de la Unión Europea desde que Burnham asumió el cargo el mes pasado, tras la renuncia de Keir Starmer, quien había trabajado en estrecha colaboración con Macron y había forjado una cálida relación personal con él.

“El presidente había desarrollado una relación muy amistosa y sumamente eficaz, particularmente en lo referente a Ucrania y el Medio Oriente, con el primer ministro Starmer”, dijo un funcionario presidencial. Se esperaba que la coordinación con Burnham fuera “igual de importante y regular”. “Se estableció contacto de inmediato” con Burnham, agregó la presidencia, señalando también los primeros pasos de Burnham en el cargo, incluido un viaje temprano a Kiev para mostrar apoyo a Ucrania.

Una promesa de 2018 que tardó años en materializarse

Macron comprometió el préstamo del Tapiz de Bayeux en 2018, durante una cumbre política, como símbolo de amistad franco-británica tras el Brexit. “Podemos hacer un nuevo tapiz juntos”, declaró entonces el mandatario. Sin embargo, la promesa quedó en suspenso durante años: a mediados de 2021 el acuerdo estaba “en el congelador”, según la ex embajadora británica en Francia, Menna Rawlings, y para la primavera de 2025 el proyecto parecía definitivamente inviable. En una reunión en el Ministerio de Cultura francés, altos funcionarios insistieron en que “no era posible. El tapiz es demasiado frágil. Los científicos lo dicen”.

El desbloqueo llegó en el Festival de Cannes del año pasado, en un episodio que los negociadores recuerdan con humor. El funcionario británico de cultura Chris Bryant se reunió con la entonces ministra de Cultura francesa, Rachida Dati, quien llegó 25 minutos tarde. Cuando apareció, anunció que traía buenas noticias, pero exigió que Bryant se arrodillara para pedirle la mano. Bryant respondió que ya tenía esposo. “Yo también”, contestó Dati: “¿Qué tiene de malo el poliamor?”. Bryant se arrodilló, y semanas después Macron anunció formalmente el préstamo. El gobierno británico aseguró el proceso por más de mil millones de dólares, y el rey Carlos III también respaldó la gestión.

El traslado se ejecutó el 9 de julio en una operación confidencial durante la noche. A las 18:15, un camión amarillo transportó la obra sellada en un contenedor con control de clima y vibraciones desde Bayeux. Escoltado por agentes de seguridad franceses, el vehículo cruzó el Canal de la Mancha en un tren Eurostar y avanzó hasta el Museo Británico, donde el tapiz salió de Francia por primera vez en más de 900 años. La pieza no había abandonado el país ni para la coronación de Isabel II en 1953, ni para el 900° aniversario de la batalla de Hastings en 1966, ni en ninguna de las otras ocasiones en que el Reino Unido lo solicitó formalmente.

Fuente: AFP

Cuatro jóvenes británicos se declararon culpables este viernes ante la justicia del Reino Unido por su participación en el incendio de ambulancias de la comunidad judía de Londres, en un caso vinculado a una cadena de ataques antisemitas registrados tras el inicio del conflicto con Irán.

En la madrugada del 23 de marzo, cuatro unidades de Hatzola —organización benéfica judía de voluntarios que opera en el barrio de Golders Green, al noroeste de Londres— fueron quemadas en un estacionamiento contiguo a una sinagoga. Los vehículos, valuados en aproximadamente 250.000 libras esterlinas (USD 340.000 dólares) cada uno, estaban completamente equipados. La explosión de las bombonas de gas en su interior también dañó apartamentos cercanos y el propio templo.

Hamza Iqbal, de 20 años; Rehan Khan, de 19; Judex Atshatshi y Saif Ali, ambos de 18, enfrentaban cargos de “destrucción o daños a la propiedad actuando con imprudencia temeraria, poniendo en peligro la vida de otras personas”. Al admitir los hechos ante el Tribunal Penal Central de Old Bailey, evitaron el desarrollo de un juicio oral.

Tres de los imputados participaron en la audiencia por videoconferencia, mientras que Ali estuvo presente en sala. Los cuatro permanecerán en prisión preventiva hasta la lectura de sentencia, programada para la primavera de 2027, según informó la Policía Metropolitana de Londres (Met Police) en un comunicado.

La fiscal Emma Harraway había calificado el hecho ante el tribunal como “un ataque premeditado y dirigido contra la comunidad judía”. El fiscal Leo Seelig apuntó, además, a una posible “conexión terrorista”, aunque no se mencionó en sala la participación directa de ningún grupo externo.

Un quinto implicado, Subhan Ahmed, de 18 años, se declaró no culpable del cargo de encubrimiento. Según lo expuesto en el proceso, habría colaborado en deshacerse del automóvil empleado durante el operativo. Quedó en libertad bajo fianza con condiciones estrictas y será juzgado el 27 de enero de 2027 ante el mismo tribunal.

Los hechos formaron parte de una serie de incidentes contra lugares vinculados a la comunidad judía en la capital británica, registrados en las semanas posteriores a los primeros ataques de Estados Unidos e Israel contra Irán, el 28 de febrero. La mayoría fueron reivindicados en línea por Harakat Ashab al-Yamin al-Islamiya (HAYI), también identificado como el Movimiento Islámico de los Compañeros de la Derecha.

La policía antiterrorista investigó la posible implicación de estructuras afines a Teherán en ese conjunto de episodios. El gobierno del Reino Unido señaló a integrantes de la Fuerza Al Quds —rama de los Guardianes de la Revolución iraní dedicada a operaciones fuera de sus fronteras— como posibles articuladores de HAYI. La embajada iraní en Londres rechazó de forma categórica cualquier responsabilidad en dichos actos.

Los abogados de los cuatro condenados negaron que sus clientes tuvieran vínculo alguno con grupos proscritos de carácter terrorista. El incendio de Golders Green se produjo seis meses después del ataque contra una sinagoga de Mánchester, en el que murieron 2 personas.

(Con información de AFP, AP y EFE)

En el corazón de Londres, el estreno de “Practical Magic 2″ reunió a dos de las actrices más emblemáticas de Hollywood, quienes demostraron que el estilo tiene tantas facetas como la magia misma. Sandra Bullock (62) y Nicole Kidman (59) protagonizaron en la alfombra roja del Odeon Luxe Leicester Square una dualidad visual que captó todas las miradas y marcó el inicio de la gira promocional de la esperada secuela.

Ambas optaron por estilos radicalmente opuestos, logrando una sinergia que no solo acompañó la narrativa mística de la saga, sino que reafirmó su lugar como referentes internacionales de la moda.

Bullock y Kidman regresan a la pantalla grande en la piel de las hermanas Owens con la misma fuerza con la que irrumpieron en 1998, pero ahora con una madurez estilística que evidencia la evolución del glamour en las premieres internacionales.

En esta ocasión, la alfombra roja fue el escenario de una elección estética cuidadosamente orquestada. Mientras Bullock apostó por un look animal print de Givenchy, Kidman eligió un vestido de lentejuelas de Chanel, confirmando que la moda y el cine pueden dialogar desde la diferencia.

Nicole Kidman: brillo etéreo y sofisticación contemporánea

La propuesta de la actriz de “Kill Bill” evocó la sofisticación propia de las divinidades clásicas y la visión moderna de la alta costura francesa. Su vestido, confeccionado en un tono menta helado o plateado, funcionó como una segunda piel luminosa gracias a la cobertura integral de micro-lentejuelas. El diseño partió de un corsé ajustado que definió su silueta, mientras que el escote strapless, protagonista arquitectónico de la prenda, permitió que cayeran múltiples cadenas doradas en cascada sobre los hombros y el pecho.

La falda rectilínea y fluida contrastó con la densidad de las lentejuelas, ofreciendo ligereza y movimiento. Una abertura lateral destacó la verticalidad de la figura de Kidman y exhibió unas sandalias doradas de tiras finas. Para complementar, la actriz eligió accesorios metálicos y una pulsera de diamantes, aliando plata y oro en un juego cromático que enriqueció el resultado final.

El estilismo se completó con una melena rubia suelta, dividida con raya al medio y ondas suaves, y un maquillaje natural en tonos rosados, logrando una imagen limpia que permitió que el vestido y los accesorios brillaran por sí mismos. La sencillez en el beauty look fue clave para no competir con el impacto visual del atuendo.

Sandra Bullock: fuerza felina y volumen escultórico

La actriz de “La Propuesta” optó por el camino contrario, con un estilismo donde la estructura y el volumen fueron protagonistas. Su elección recayó en un vestido animal print de leopardo, firmado por Givenchy para la colección ready-to-wear Fall/Winter 2026. El diseño, de corte strapless y escote cóncavo, incluyó un corsé interior que ciñó la cintura y un lazo de gran tamaño en la cadera derecha, creando una silueta tridimensional de fuerte impronta editorial.

La abertura frontal del vestido permitió ganar ligereza y dinamismo, dejando a la vista unas sandalias negras de tiras en forma de T. Como complemento, Bullock eligió una superposición de cadenas doradas con dijes, aportando un contraste desenfadado al estampado. El peinado, con melena castaña suelta y ondas naturales, y un maquillaje con suave ahumado en tonos cálidos, reforzaron la apuesta por una presencia magnética y terrenal.

Contraste y complicidad: una narrativa visual en la alfombra roja

El contraste entre ambas propuestas no solo respondió a decisiones de moda, sino que estableció un diálogo visual que rinde homenaje a la dualidad de sus personajes. Kidman encarnó la faceta más luminosa y etérea, mientras Bullock apostó por la solidez de los tonos cálidos y el volumen vanguardista. Esta combinación de estilos construyó una narrativa visual donde glamour, magia y complicidad confluyeron en una misma escena.

Así, la premiere de ”Practical Magic 2″ en Londres anticipó una gira promocional donde la moda seguirá desempeñando un papel fundamental en la narrativa de la película y la imagen de sus protagonistas.

Neurocirujanos del Hospital Nacional de Neurología y Neurocirugía (NHNN), en Londres, realizaron la primera operación cerebral exitosa asistida por inteligencia artificial de la historia, según confirmaron autoridades sanitarias el pasado jueves. La intervención preservó la visión de un hombre de 48 años al que el tumor le hubiera causado ceguera permanente.

De acuerdo con el medio británico The Guardian, la cirugía se practicó en mayo en el NHNN, parte del University College London Hospitals NHS Foundation Trust, pero los detalles permanecieron bajo reserva mientras el paciente, Rhys Hibbert, completaba su recuperación. El hospital fue fundado en 1859 y es considerado el primer centro neuroquirúrgico del mundo.

Una operación de milímetros

El tumor de Hibbert medía 11 milímetros (0,4 pulgadas) y estaba ubicado sobre su glándula pituitaria, una zona del cerebro donde los nervios ópticos y los vasos sanguíneos convergen en un espacio sumamente reducido. La glándula pituitaria regula funciones hormonales esenciales del organismo, lo que añade complejidad a cualquier intervención en esa área. Las autoridades sanitarias advirtieron que “equivocarse un milímetro puede marcar una diferencia crítica”, con consecuencias que van desde la ceguera hasta un derrame cerebral o la muerte.

Durante la intervención, el sistema de IA procesó en tiempo real las imágenes captadas por la cámara quirúrgica. El software identificó y codificó con colores las estructuras anatómicas clave —nervios, vasos sanguíneos y tejidos sensibles— para orientar a los cirujanos, quienes mantuvieron el control total del procedimiento. Antes de esta operación, la tecnología se empleaba exclusivamente como herramienta de investigación dentro del propio hospital.

La doctora Sophia Bano, profesora asociada en robótica e inteligencia artificial del University College London (UCL) y directora técnica del sistema, explicó a The Guardian que la herramienta fue entrenada con cientos de videos de cirugías previas. “Está diseñado para reconocer anatomía crítica, instrumentos quirúrgicos e interacciones con los tejidos en tiempo real, apoyando al cirujano durante procedimientos de alta delicadeza”, declaró. La especialista precisó que ese volumen de exposición a casos quirúrgicos tomaría muchos años en acumularse mediante la práctica clínica convencional.

Del diagnóstico a la recuperación

Hibbert, oriundo de Bedfordshire, recibió su diagnóstico en 2024. Desde entonces presentó un desequilibrio hormonal severo y una pérdida de visión progresiva que, de no mediar una intervención quirúrgica, lo hubiera dejado ciego de forma permanente, según precisaron las autoridades sanitarias. El cuadro clínico se manejó inicialmente sin cirugía, pero el agravamiento sostenido de los síntomas llevó al equipo médico a optar por la operación.

Al despertar de la anestesia, el paciente notó una mejoría inmediata. “Cuando volví en mí… podía ver todo con claridad en la habitación”, declaró en declaraciones recogidas por el medio británco. En menos de una semana caminaba sin asistencia ni anteojos, y poco después retomó su trabajo como gerente de atención al cliente.

“Siento que tengo una vista panorámica de 360 grados de todo lo que me rodea”, afirmó el paciente, también señaló que el NHNN era el lugar indicado para protagonizar este hito médico, dado su lugar en la historia de la neurocirugía mundial.

Financiamiento y perspectivas

La operación contó con el financiamiento del Instituto Nacional de Investigación en Salud y Atención (NIHR) en el marco de un ensayo clínico. El profesor Mike Lewis, director científico de innovación del NIHR, calificó la intervención de “cirugía pionera” y subrayó el potencial de la inteligencia artificial avanzada para mejorar la atención a los pacientes, según consignó The Guardian.

El ensayo clínico permanece abierto para evaluar los resultados de la tecnología en futuros procedimientos y determinar el alcance de su aplicación en otras especialidades quirúrgicas. Los investigadores del UCL prevén que, de validarse los datos, el sistema podría extenderse a otros hospitales del sistema de salud pública británico en los próximos años.

Un cuadro de Piet Mondrian realizado en 1920 con el título Composition III saldrá a la venta este próximo otoño en Londres, en una subasta organizada por la casa Christie’s.

La subasta, que se cerrará el 14 de octubre, aspira a recaudar por este cuadro una cifra de entre 20 y 30 millones de libras (27-40 millones de dólares).

Composition III es uno de los ejemplos más característicos del llamado neoplasticismo de Mondrian, y consiste en una serie de cuadrados y rectángulos de diferentes tamaños, algunos coloreados con tonos uniformes y separados por claras líneas negras.

Christie’s destaca que esta obra no ha salido nunca antes a la venta, y que durante 25 años tampoco ha sido expuesta en público, lo que puede avivar el interés del mercado.

Siendo el año 1920 uno de los ‘picos’ de la carrera de Mondrian, varias de sus obras realizadas ese año se encuentran en destacados museos de reconocida fama mundial como el MoMA neoyorquino o la Tate de Londres.

Pese al valor estimado de la tela, Composition III no será la más cara de las producidas por Mondrian: el récord lo tiene Composition II, vendida en 2022 en Nueva York por 51 millones de dólares; tres años después, otra obra del mismo estilo se acercó a esa cifra al venderse por 47,6 millones de dólares, también en Nueva York.

Fuente: EFE

La llegada de los robotaxis a Londres no ha podido concretarse debido a retrasos y diferentes desafíos regulatorios, a pesar de los anuncios de empesas como Uber y Wayve, que ya estaban listas para un lanzamiento.

Paralelo a lo que sucede en esta ciudad, en otros países de Europa la movilidad autónoma comienza a mostrar avances concretos en otras ciudades, señalando que la carrera por el dominio de este mercado apenas comienza.

Cuáles son los obstáculos regulatorios y técnicos que frenan los robotaxis en Londres

El despliegue de los robotaxis en la capital británica parecía estar al alcance este año. En junio, Uber y la startup local Wayve recibieron las primeras licencias de minicab para ofrecer viajes autónomos a clientes, aunque bajo la condición de que un conductor humano permanezca al mando como medida de seguridad.

Sin embargo, el proceso se ha visto ralentizado por la falta de directrices claras por parte de Transport for London (TfL), la autoridad encargada de regular el sector, según reporta The Guardian.

Christina Calderato, directora de estrategia de TfL, manifestó ante el comité de transporte de la asamblea londinense que el organismo “no está en condiciones de comenzar a aceptar solicitudes durante algún tiempo”. Según la funcionaria, “hay una enorme cantidad de trabajo detrás de escena”.

La ausencia de un marco regulatorio específico se ha convertido en el principal reto. Sin la publicación de las pautas que deben seguir las empresas interesadas, resulta imposible avanzar en la aprobación definitiva de los servicios. Esta situación ha generado frustración entre los operadores, que ven cómo el cronograma inicial se desvanece y la competencia internacional avanza.

Cómo es el proceso de autorización y las exigencias del gobierno británico

Para operar taxis sin conductor en Londres, las compañías deben superar un proceso de aprobación doble. Por un lado, es necesario obtener el denominado “automated passenger services permit”, un permiso gestionado por la Agencia de Normas de Conductores y Vehículos (DVSA, por sus siglas en inglés), dependiente del ministerio de Transporte. Hasta el momento, ningún vehículo ha superado este filtro.

Sólo después de obtener este permiso es posible solicitar la autorización de TfL. Una vez que la autoridad publica las directrices y recibe una solicitud formal, dispone de seis semanas para dar una respuesta.

El retraso en la publicación de los requisitos ha descolocado tanto a empresas como a potenciales usuarios. Más de 100.000 londinenses figuran en la lista de espera de Uber y Wayve para probar el servicio. No obstante, la falta de definiciones ha postergado cualquier posibilidad de lanzamiento masivo en 2024.

En este contexto, la postura política también ha influido. Si bien la secretaria de Transporte, Heidi Alexander, había acelerado el calendario oficial para los ensayos comerciales, el nuevo primer ministro, Andy Burnham, se muestra menos entusiasta respecto a la promoción de la tecnología autónoma. Según algunos expertos, esta falta de impulso desde el gobierno central ha contribuido a la ralentización del proceso.

Qué está pasando en el resto de Europa

Mientras Londres enfrenta trabas regulatorias, países como Estados Unidos, China y varias ciudades de Oriente Medio ya cuentan con robotaxis en funcionamiento. En Europa, Uber y Pony.ai iniciaron operaciones en Zagreb y planean expandirse a más ciudades, sumando más de 2.000 vehículos.

Waymo, por su parte, se prepara para lanzar su servicio en Múnich, aprovechando la legislación avanzada de Alemania, con el objetivo de operar robotaxis sin intervención humana una vez cumplidos los requisitos regulatorios.

Expectativas y desafíos para el futuro de los robotaxis en Londres

La llegada de los robotaxis a Londres sigue rodeada de incertidumbre. Empresas como Waymo, Uber y Wayve han expresado su interés en lanzar servicios autónomos para 2026, pero no ofrecen fechas firmes.

La complejidad del tráfico y la infraestructura londinense supone retos adicionales frente a otras ciudades. La sociedad tampoco muestra consenso: el 42 % de los londinenses rechaza los robotaxis, principalmente por dudas sobre seguridad y el futuro laboral de los taxistas, mientras solo el 29 % apoya la innovación.

Uber y Wayve planean pilotos limitados con conductores de seguridad, y Wayve renovará su flota con Nissan Leaf equipados de fábrica. Baidu, en cambio, recién comenzó pruebas y prevé operar en 2025. Todo avance depende de que Transport for London publique las normas y la DVSA apruebe los vehículos.

Emilia Mernes sorprendió a sus seguidores con una publicación que lo tuvo todo: un viaje a Londres, una sucesión de looks cuidados al detalle y, en el centro de cada imagen, el cambio que nadie esperaba. El cabello negro azabache, largo y ondulado, reemplazó al morocho con el que la cantante venía siendo reconocida. El pie de foto fue escueto y críptico, apenas unas palabras que funcionaron como cuenta regresiva sin número final.

La primera imagen del carrusel lo dijo todo antes de que el ojo terminara de recorrerla. Emilia posó frente al espejo del baño de la habitación de hotel, con el brazo izquierdo extendido hacia arriba y el teléfono en la mano derecha. Llevó puesto un catsuit de manga larga con estampado efecto denim desgastado y la inscripción “Gia” en letras cursivas color menta sobre el pecho. El cabello, negro intenso y con ondas amplias, cayó sobre los hombros y contrastó con sus ojos claros, verdes. No fue una selfie casual: fue una presentación.

En todas las tomas, el pelo negro ocupó el centro del cuadro. El camarín —con su mesa de maquillaje llena de productos, las planchas, los pinceles y el característico enchufe inglés de tres patas en la pared— ubicó la escena sin necesidad de palabras: Londres, detrás de escena. “TIC TAC TIC TAC TIC TAC”, escribió la cantante en el pie de foto de la publicación, un guiño a una nueva era en su carrera musical.

Otra selfie del mismo espacio sumó un detalle que no pasó inadvertido: Emilia sostuvo el teléfono con la pantalla hacia la cámara mientras con la otra mano sujetó el cable de los auriculares. El pelo cayó lacio hacia un lado. La expresión fue seria, casi estudiada.

La reacción de Duki, su pareja, llegó directo a los comentarios en mayúsculas: “UNAS GANAS DE SER PELO NEGRO PARA ACOMPAÑAR ESOS OJOS VERDES”. La actriz Valentina Zenere también dejó su marca: “¿cooooomo mi amor?”, con la sorpresa de quien vio algo que no esperaba.

El contraste entre el adentro y el afuera del hotel estructuró buena parte del álbum. En una de las imágenes más llamativas, la cantante apareció fotografiada con la cámara girada 180 grados: el resultado fue una toma invertida donde pareció suspendida sobre las calles de Londres, con el conjunto de tul color vino y los tacones negros apuntando hacia el cielo. Los edificios de ladrillo rojo y un vehículo estacionado quedaron colgados boca abajo.

Ese mismo conjunto —un catsuit de tul color vino con detalles de strass y corset de cordones— fue el que Emilia eligió para recorrer el centro londinense. Apareció con él en dos tomas sobre la misma calle de arquitectura victoriana: en una bajó una escalera con cartera negra en mano y tacones de tiras; en la otra, parada en el medio de la calzada de Kean Street, en el barrio de Covent Garden, posó de perfil con los edificios de ladrillo rojo como fondo.

Para los paseos por el Támesis, apostó por otro registro. Campera de cuero negra, short blanco con ojales y cordones, medias blancas cortas y borcegos negros. La cartera: una Chanel acolchada con cadena plateada. En una foto posó de espaldas frente al London Eye; en otra, con el Big Ben al fondo y el cielo en pleno atardecer anaranjado, el pelo negro lacio se recortó contra la luz del río.

La habitación del hotel sumó dos registros más íntimos. En uno, Emilia apareció recostada sobre la cama con una pijama negra con detalles en rojo y miró a cámara con una sonrisa. En otro, apoyó la cabeza sobre una almohada blanca con el pelo negro desparramado y los ojos verdes al frente. El maquillaje fue mínimo: rubor en las mejillas, gloss en los labios, pestañas marcadas.

El desayuno también tuvo su lugar en el carrusel. Una mesa con tres platos y tres tazas de café: un croissant, un cinnamon roll con glasé blanco y una cookie de chips de chocolate. No hubo figura humana en la foto, pero el plural de los platos sugirió compañía.

El recorrido urbano se extendió más allá de Kean Street. Una imagen nocturna mostró una esquina clásica de Westminster: un edificio de piedra con ornamentos victorianos, chimeneas en el techo y el letrero rojo de Leon en la planta baja. Un bus de dos pisos rojo pasó por el cuadro. Una postal clásica de Londres. Y una nueva era musical y estética para Emilia Mernes.

Roger recordó una anécdota que la marcó. Entre risas, relató: “Veníamos caminando con el Perón, con Michael Cerveris, que era el Perón de Broadway, y atrás unas chicas dicen en inglés: ‘Ay, qué bueno, Ricky Martin va a hacer acá Evita. Ay, sí, ¿y ella quién es? Nadie’, le dijo la otra”. La escena, vivida en plena calle neoyorquina, la enfrentó de golpe con la percepción del público local. “Nos agarró un ataque de risa porque era fuertísimo. Pero por otro lado era real. O sea, no era nadie yo para la gente que estaba yendo a ver esa obra”, reconoció en diálogo con Luis Novaresio para su programa de A24.

La llegada de la argentina a Broadway coincidió con el desembarco de Ricky Martin, figura central de la producción. “Yo había sido líder de la compañía en Londres y la estrella de Evita en Londres, pero cuando fui a Broadway yo no era la estrella, era Ricky Martin”, explicó Roger. El contraste entre ambas experiencias fue evidente desde el primer día.

A diferencia de la recepción europea, en Nueva York el foco mediático giró de inmediato hacia Martin. “Mi problema no era con Ricky Martin, pero era importante saber que yo no iba a hacer tantas notas como él”, admitió. La artista supo enseguida que, en esa temporada, su nombre no encabezaría las marquesinas ni acapararía los flashes de la prensa. “No one”, llegó a decir, refiriéndose a sí misma desde la perspectiva del público local.

Durante su temporada en Broadway, Roger interpretó a Eva Perón junto a dos figuras consagradas: Ricky Martin, en el papel de Che, y Michael Cerveris como Perón. La cantante y actriz argentina aportó su experiencia previa en Londres, pero fue testigo de cómo la lógica del espectáculo estadounidense privilegiaba la presencia y el carisma del puertorriqueño, convertido en fenómeno de taquilla.

A pesar de la fría bienvenida mediática, Roger recibió críticas de todo tipo. “Sí, hubo variadas. A mí creo que me criticaron la nasalidad, no la nariz”, recordó entre risas, mostrando su capacidad de autocrítica y humor frente al escrutinio de la prensa especializada. La artista reconoció que la reacción de los críticos fue diversa y que algunos aspectos de su interpretación no terminaron de convencer a los cronistas neoyorquinos.

La actriz reflexionó sobre el peso de la tradición en Broadway y la resistencia a los cambios de paradigma. “No estaban preparados para dejarnos el trono a Ricky y a mí, que éramos latinos, y sacárselo a Patti Lupone y a Mandy Patinkin, que son los grandes de la comedia musical allá”, sostuvo Roger. El desembarco de dos intérpretes latinoamericanos en los papeles centrales de Evita representaba una novedad para el público y los medios estadounidenses, acostumbrados a figuras locales de renombre en ese tipo de producciones.

La experiencia de Elena Roger en Broadway fue, según sus propias palabras, tanto un desafío profesional como una lección de humildad. Si bien en Londres había alcanzado el reconocimiento, en Nueva York debió reinventarse y aceptar las reglas de una industria que no siempre valora de igual manera el talento foráneo.

El desenlace de su paso por los teatros neoyorquinos dejó en claro que el éxito internacional no siempre garantiza el aplauso inmediato en todos los escenarios. Roger supo que, para muchos asistentes, su nombre era entonces una incógnita, y que el brillo de un astro como Ricky Martin podía opacar cualquier trayectoria previa.

Durante su estadía en Nueva York, Roger aprendió a convivir con la sombra y el anonimato, pero también con el privilegio de compartir escenario con artistas de talla internacional. La risa ante el comentario casual de dos espectadoras anónimas fue, en sus palabras, un recordatorio de la distancia entre la fama y el reconocimiento real en territorios ajenos.

Esta experiencia ilustra la complejidad de los cruces culturales y el peso de las figuras mediáticas en la industria del espectáculo de Estados Unidos. Aunque su talento había sido celebrado en Europa, en Nueva York debió enfrentar el reto de abrirse camino en una plaza donde el nombre propio, muchas veces, pesa tanto como la voz.

En ese marco, Valentina Cervantes compartió un video de sus hijos andando en monopatín y jugando al aire libre, en una escena distendida registrada en las afueras de la casa familiar. La secuencia empieza cuando la modelo le pide a Olivia que lo llame y le hace una pregunta a modo de pie para que haga su gracia: “¿Él se hace el que es bueno?“.

La respuesta de la niña asiente y responde con una frase sobre su hermano que rápidamente marca el tono del momento. “Él es malito”, dice la nena. Después insiste: “Un diablo es”. Entre risas, Benjamín llega a la escena con su monopatín a gran velocidad para su edad. “Qué rápido que andás”, observa su madre sigue el intercambio y le pregunta: “¿Sos grande o sos pequeño?”.

Sobre el final, Olivia se suma con una propuesta para continuar el juego: “¿Hacemos una carrera?”. Su hermano acepta de inmediato y la niña lanza una advertencia: “Se va a enojar”, anticipando la conducta del pequeño ante una eventual derrota.

El protagonismo de Benjamín en las publicaciones de su madre no es nuevo. Con el tiempo, el nene fue ganando un lugar propio en las redes por sus travesuras, sus respuestas espontáneas y las escenas cotidianas que Valentina suele compartir con sus seguidores. En una oportunidad, por ejemplo, la modelo mostró que el chico había ensuciado con salsa una de sus carteras y que fue él mismo quien se acercó para enseñarle lo que había pasado, en una secuencia atravesada por una mezcla de picardía y culpa.

En otra ocasión, el hijo menor de la pareja volvió a llamar la atención durante una charla con su mamá sobre Enzo Fernández. “¿Cómo le dice mamá a papá?”, le preguntó ella. “Amor”, respondió Benjamín. Después, cuando Valentina quiso saber cómo le decía a él, la respuesta fue “Mi bebé”, en otro intercambio que volvió a poner en primer plano la naturalidad con la que se muestran ese tipo de escenas familiares.

A eso se sumó también un video en el que el nene esperaba a su padre con ansiedad. Sentado en el auto y mirando hacia afuera, repetía “¡Papi! No viene”, hasta que finalmente se produjo el reencuentro. Ante una pregunta de su madre sobre qué estaba haciendo Enzo, Benjamín respondió: “Está jugando al gol”, con una asociación inmediata a la profesión del futbolista.

Esa sucesión de episodios acompaña algo que la propia Valentina Cervantes ya explicó al hablar sobre la exposición de sus hijos. Según contó en una entrevista, nunca dejó de mostrar aspectos de su vida cotidiana por la repercusión que pudieran tener en redes y siempre intentó atravesar esa situación con naturalidad. En ese sentido, sostuvo que no le gusta dejar de hacer cosas y que busca sentirse “una más, como cualquier otra persona”, además de agradecer el cariño que reciben sus hijos por parte de la gente.

Un nuevo estudio reveló que los pulmones de los niños que viven en el centro de Londres crecen más rápido desde que la ciudad redujo los niveles de contaminación del tráfico. La investigación, publicada en The Lancet Public Health, fue realizada por científicos de la Universidad Queen Mary de Londres y marca la primera vez que se demuestra una asociación directa entre una zona de aire limpio y una mejora en el desarrollo pulmonar infantil, informó Euronews.

El trabajo siguió a más de 3.400 niños de entre seis y nueve años a lo largo de varios años. Los investigadores aprovecharon la puesta en marcha de la zona de emisiones ultrabajas (ULEZ, por sus siglas en inglés) como un “experimento natural”: compararon a los menores del centro de la capital británica con un grupo similar en Luton, ciudad al norte de Londres donde no existe ninguna restricción de ese tipo.

Cómo midieron el impacto

Cada año, el equipo aplicó una prueba respiratoria para cuantificar cuánto aire podían espirar con fuerza los niños en un segundo, un indicador estándar de la función pulmonar. Antes de la introducción de la ULEZ, los menores del centro de la metrópolis presentaban un crecimiento pulmonar más lento en comparación con los de Luton.

Esa tendencia comenzó a revertirse en un plazo de cinco años. Los niveles de dióxido de nitrógeno (NO₂), un contaminante vinculado directamente a los gases de escape vehiculares, cayeron alrededor de 3,8 microgramos por metro cúbico al año en la capital, frente a 1,8 en Luton. La reducción fue más del doble en el centro de la ciudad, según detalló Euronews.

A medida que bajó la contaminación, la función pulmonar de los niños de la capital aumentó un promedio de 233 mililitros por año, frente a 223 mililitros en Luton. Tras cuatro años de seguimiento, la brecha entre ambos grupos desapareció: los menores londinenses habían alcanzado a los del grupo de control.

Menos niños con la función pulmonar reducida

Los resultados tienen implicaciones concretas para la salud pública. Los niños cuyos pulmones no se desarrollan por completo enfrentan un mayor riesgo de padecer asma y otras enfermedades respiratorias en etapas posteriores de la vida.

En el centro de Londres, la proporción de menores con la función pulmonar por debajo de los valores normales cayó del 14 % al 9 % a medida que descendieron los niveles de contaminación. Ese dato, recogido por el portal de noticias, ilustra el alcance concreto que puede tener una política de calidad del aire sobre la salud de la población más joven.

Los investigadores subrayan que este es el primer estudio en demostrar que mejorar la calidad del aire mediante una zona de emisiones restringidas se asocia a un crecimiento pulmonar más acelerado en niños. El hallazgo constituye un antecedente concreto para otras ciudades que evalúen políticas similares.

La ULEZ: expansión y polémica

La zona de emisiones ultrabajas en la capital británica restringe o grava a los conductores de vehículos más contaminantes para fomentar el transporte más limpio. Desde su implementación inicial en el centro, la ULEZ se amplió al interior de la ciudad en octubre de 2021 y a todos los distritos londinenses en agosto de 2023.

Esa última expansión generó resistencia: varios ayuntamientos de la ciudad la impugnaron ante los tribunales. El Tribunal Superior dictaminó que la medida podía seguir adelante. Además, la Policía Metropolitana informó que numerosas cámaras del sistema fueron vandalizadas o robadas durante el período de controversia.

La zona cubre hoy la totalidad de los 33 distritos de la ciudad y representa uno de los esquemas de restricción vehicular por calidad del aire más amplios del mundo.

La demo, titulada ‘Today’, será incluida en The Shel Talmy Recordings, un lanzamiento de Parlophone previsto para septiembre, y revela el paso inicial de Bowie en la escena londinense.

Primeros años y la búsqueda de identidad

En 1965, Bowie tenía 18 años y aún no había adoptado el nombre artístico con el que alcanzaría la fama mundial. La demo, grabada en los Central Sound Studios de Denmark Street, documenta el proceso de un joven artista en busca de una voz propia en el efervescente Londres de los sesenta.

Según RockFM, la ciudad funcionaba como centro neurálgico de la música popular, reuniendo a músicos y productores que marcarían el rumbo del rock británico.

La elección del nombre Davie Jones respondía a una necesidad de diferenciarse en un entorno saturado de talentos emergentes.

En esa etapa, el músico se encontraba muy lejos de los personajes y conceptos que luego definirían su carrera, como Ziggy Stardust o el Thin White Duke. La grabación de ‘Today’ refleja este periodo de experimentación e incertidumbre creativa.

El papel de Shel Talmy y la producción

La dirección de la sesión estuvo a cargo de Shel Talmy, productor conocido por su trabajo con The Who y The Kinks. RockFM subraya el valor documental de estas piezas, situando a Bowie en un contexto de colaboraciones que resultaron decisivas para la consolidación del sonido británico de la época.

El lanzamiento de The Shel Talmy Recordings incluirá veinte canciones, diez de ellas inéditas hasta ahora, y será editado por Parlophone el 18 de septiembre.

Esta recopilación busca rescatar material poco explorado, ampliando la perspectiva sobre los comienzos de varios artistas que pasaron por los estudios londinenses bajo la dirección de Talmy.

Características de ‘Today’

‘Today’ destaca como una balada de desamor, en la que Bowie muestra una faceta introspectiva y vulnerable. Según RockFM, la canción retrata las limitaciones y aspiraciones de un compositor que apenas comenzaba a definir su estilo.

En la letra se percibe la distancia respecto a los rasgos experimentales y teatrales que dominarían su obra posterior.

Esta grabación no presenta aún las características sonoras ni la sofisticación visual que convertirían a Bowie en un ícono cultural. El registro permite escuchar a un joven músico en pleno proceso de formación, navegando un entorno competitivo y cambiante, en el que la búsqueda de identidad era un desafío constante.

Músicos que participaron en la grabación

La sesión de ‘Today’ reunió a varios músicos que más tarde se convertirían en figuras fundamentales del rock.

Entre los participantes destaca Jimmy Page, quien luego sería parte de The Yardbirds y fundador de Led Zeppelin. Su participación en la demo es uno de los atractivos principales para los coleccionistas y aficionados al género.

También intervinieron miembros de The Yardbirds y el pianista Nicky Hopkins, reconocido por su aporte en grabaciones emblemáticas del rock británico. RockFM señala que la presencia de estos músicos permite entender mejor el entorno creativo en el que se movía Davie Jones antes de transformarse en David Bowie.

Un testimonio de la escena londinense de los sesenta

La publicación de ‘Today’ y de otros registros inéditos incluidos en el próximo lanzamiento de Parlophone representa una oportunidad para explorar el proceso de gestación artística de Bowie y su entorno.

El rescate de estas grabaciones permite reconstruir el ambiente musical de Londres en los años sesenta, cuando nuevos talentos y productores forjaban una escena que tendría impacto internacional.

El lanzamiento de The Shel Talmy Recordings está programado para el 18 de septiembre y promete acercar al público material desconocido de una época clave para la música popular, en la que Londres se consolidaba como un polo de innovación y creatividad juvenil.

Whitechapel Mount, una colina artificial del este de Londres, sigue sin una explicación definitiva sobre su origen. El montículo, que dominó durante décadas el paisaje del East End y desapareció en el siglo XIX, figura en mapas antiguos, relatos de viajeros y estudios posteriores que lo vinculan con un vertedero, un cementerio de peste, las defensas de la Guerra Civil Inglesa y los escombros del Gran Incendio de Londres.

Ubicado entre las áreas actuales de Whitechapel y Shadwell, el montículo alcanzaba entre 21 y 24 metros de altura sobre el nivel del terreno circundante. Esa elevación resultaba inusual en una zona mayormente llana de Londres. Documentos de los siglos XVIII y XIX lo describen con árboles en sus laderas y una pequeña construcción en la cima. También lo mencionan como un punto de referencia visible para quienes transitaban por el sector oriental de la ciudad y como un lugar desde el cual se podía observar el río Támesis y la expansión portuaria.

De acuerdo con Amusing Planet, la falta de una investigación arqueológica integral impide establecer con certeza una única explicación. En cambio, el registro disponible sugiere que Whitechapel Mount pudo haberse formado por la superposición de usos y depósitos a lo largo de varios siglos, en una secuencia que combina descarte urbano, entierros, movimientos de tierra y obras defensivas.

La teoría del vertedero y los escombros urbanos

La hipótesis más difundida identifica al lugar como un laystall, nombre que recibían en la Inglaterra de los siglos XVI y XVII los sitios destinados al depósito de residuos urbanos. Según el repaso de Amusing Planet, Whitechapel figura en registros históricos como una de esas áreas de descarga. Allí se acumulaban desechos humanos, basura doméstica, residuos de limpieza de calles y restos procedentes de otras actividades urbanas.

La lógica de esa teoría parte del crecimiento de Londres durante la Edad Moderna. Una ciudad en expansión generaba volúmenes cada vez mayores de residuos, y la acumulación sostenida de ese material podía levantar una elevación artificial de gran tamaño. A eso se sumaba el trabajo de recuperación de materiales reutilizables por parte de sectores empobrecidos, que clasificaban la basura y separaban elementos con valor comercial.

Entre esos materiales aparecía la ceniza de carbón, utilizada en la fabricación de ladrillos. El artículo señala que, hacia fines del siglo XVIII, la demanda de ladrillos aumentó por el crecimiento urbano. En ese contexto, la extracción de ceniza del montículo habría reducido parte de su volumen. Un caso judicial del Old Bailey de 1809, citado por Amusing Planet, menciona que la remoción de ese material para la industria ladrillera había achicado de forma visible la colina.

Otra línea de explicación conecta el sitio con el Gran Incendio de Londres de 1666, que destruyó buena parte de la ciudad medieval. La teoría sostiene que una porción de los escombros generados por el desastre pudo haber sido trasladada hacia el este y depositada en la zona de Whitechapel Mount. La idea no excluye la función de vertedero, sino que la complementa con un episodio de descarte masivo vinculado a la reconstrucción de la capital inglesa.

Cementerio de peste y posible vínculo militar

Una de las versiones más debatidas sostiene que el montículo funcionó como lugar de enterramiento de víctimas de la peste. Londres atravesó varios brotes epidémicos en los siglos XVI y XVII, con un punto extremo en la Gran Peste de 1665. Durante esas crisis se excavaron fosas comunes en distintos sectores de la ciudad, y una tradición posterior ubicó una de ellas en el área de Whitechapel.

Según esa interpretación, el terreno habría recibido primero cuerpos de víctimas de la epidemia y más tarde capas de tierra y escombros, incluso procedentes del incendio de 1666. La nota de Amusing Planet recupera un testimonio de Joseph Moser, quien en 1803 dijo haber observado, tras una excavación parcial realizada el año anterior, una gran cantidad de huesos humanos mezclados con restos de animales, ladrillos y tejas.

Ese relato no resuelve el enigma, aunque aporta un indicio a favor de la hipótesis funeraria. Moser describió huesos incrustados en una tierra compacta de color azulado, similar a la arcilla, y vinculó esa disposición con remociones sucesivas del terreno. La presencia de restos humanos, de todos modos, tampoco prueba por sí sola que el sitio completo haya sido una gran fosa de peste, ya que el área pudo haber tenido distintos usos funerarios en etapas diferentes.

La cuarta gran hipótesis remite a la Guerra Civil Inglesa de la década de 1640. Durante ese conflicto, el Parlamento ordenó construir una red de defensas alrededor de Londres para frenar eventuales ataques realistas. Esas obras incluían fuertes de tierra, zanjas y terraplenes distribuidos a lo largo de un anillo de unos 29 kilómetros de circunferencia. Algunos investigadores propusieron que Whitechapel Mount pudo haber sido parte de ese sistema.

Un pasaje del viajero y comerciante escocés, William Lithgow, describió un fuerte en el sector de Whitechapel durante la construcción de las defensas. Aun así, la documentación conocida no permite identificar de manera concluyente al montículo con una estructura militar específica. Las defensas existieron y pasaron por esa zona, pero el vínculo directo con la colina sigue en discusión.

Las excavaciones, la desaparición y qué se sabe hoy

Durante el siglo XIX, el crecimiento urbano alteró por completo el paisaje del East End. El valor del suelo aumentó y el montículo fue excavado, rebajado o absorbido por nuevas obras. En ese proceso aparecieron objetos que alimentaron nuevas especulaciones. Según Amusing Planet, entre los hallazgos reportados figuraron monedas romanas, una jarra de plata y una cabeza de jabalí tallada con colmillos de plata que se relacionó con la antigua posada Boar’s Head Inn, destruida en el incendio de 1666.

La ausencia de una investigación arqueológica directa sobre Whitechapel Mount mantiene abiertas casi todas las interpretaciones. Hubo, no obstante, observaciones vinculadas a intervenciones en el entorno del Royal London Hospital. Un trabajo publicado en 1994 describió una zanja profunda atribuida al trazado defensivo de la guerra civil, con un foso de 5,5 metros de ancho y 1,4 metros de profundidad, además de materiales posmedievales en el relleno.

Esa lectura perdió fuerza con estudios posteriores. Una investigación de comienzos de los 2000 no encontró evidencia clara de estructuras defensivas de la Guerra Civil en Front Green. En cambio, identificó sótanos posmedievales rellenos, señales de extracción de materiales y restos de entierros con disposición este-oeste, una orientación habitual en prácticas cristianas. Ese patrón sugiere la existencia de un espacio funerario organizado, anterior al cementerio conocido al sur del hospital.

Con los datos disponibles, la interpretación más prudente indica que Whitechapel Mount no respondió a un solo origen. El lugar pudo reunir, en distintos momentos, funciones de basural, zona de entierro, depósito de escombros y área afectada por obras militares o urbanas. Esa combinación explica por qué la colina ocupó durante generaciones un sitio reconocible en el mapa de Londres y por qué, al desaparecer físicamente, dejó detrás una pregunta histórica que todavía no tiene respuesta cerrada.

En el número 22 de Hyde Park Gate, una calle sin salida a pocos metros de Hyde Park en el barrio londinense de South Kensington, una propiedad del cuarto piso de la casa victoriana donde nació y creció la escritora Virginia Woolf acaba de ponerse en venta por unos 2,6 millones de dólares (1,9 millones de libras esterlinas). La operación la gestiona la agencia DDRE Global, y el inmueble llega al mercado cargado de una historia literaria sin parangón en el mercado inmobiliario británico.

El edificio es uno de los pocos en Londres que exhibe tres placas azules de English Heritage superpuestas en su fachada —cuando una sola ya indica un edificio de relevancia histórica—. Las placas recuerdan a la propia Woolf, a su hermana, la pintora Vanessa Bell, y a su padre, el crítico literario Sir Leslie Stephen, primer editor del Dictionary of National Biography.

“Esta propiedad es una pieza viva de la historia cultural británica: es el hogar de infancia donde sus hijas, Virginia Woolf y Vanessa Bell, crecieron”, declaró Stine Kaus, asesora de DDRE Global, en declaraciones recogidas por House Beautiful.

Stephen adquirió la casa a finales de la década de 1870 y la compartió con su segunda esposa, Julia Duckworth. Ambos eran viudos y llevaron al hogar a los hijos de sus matrimonios anteriores. Para 1883, Julia había tenido cuatro hijos más con Stephen, lo que llevó el total de residentes a ocho. Virginia Woolf nació allí el 25 de enero de 1882, séptima de los hijos de la familia, y pasó los primeros años de su vida en ese ambiente que ella misma describió más tarde como opresivo.

En su ensayo autobiográfico que lleva el mismo nombre que la dirección, Woolf retrató la casa como “una vivienda de innumerables habitaciones pequeñas y de formas extrañas, construida para acomodar no a una familia, sino a tres”. La escritora recordó un hogar excéntrico y sombrío, sin electricidad, con las paredes cubiertas de terciopelo y papel pintado de William Morris. Pese a ese ambiente, fue allí donde Woolf desarrolló sus primeros impulsos literarios: escribía en un pequeño cuarto lateral mientras su hermana Vanessa pintaba en otra habitación.

Tras la muerte de Leslie Stephen en 1904, los hijos ya adultos vendieron la propiedad y se trasladaron a Gordon Square, en el centro de Londres. Ese cambio de dirección tuvo consecuencias que trascendieron lo doméstico: en las reuniones del nuevo hogar, Woolf y Bell reunieron a un círculo de escritores, artistas e intelectuales que dio origen al Grupo de Bloomsbury, uno de los movimientos culturales más influyentes del siglo XX en lengua inglesa. Entre sus integrantes figuraron el biógrafo Lytton Strachey, el economista John Maynard Keynes, los escritores E. M. Forster y Leonard Woolf —con quien Virginia contrajo matrimonio en 1912— y los pintores Duncan Grant y Roger Fry.

Fue en ese período de efervescencia intelectual donde Woolf forjó la obra que la convirtió en una de las figuras centrales del modernismo literario. Sus novelas, Mrs. Dalloway (1925), To the Lighthouse (1927) y The Waves (1931) son consideradas los pilares de su legado, junto al ensayo A Room of One’s Own (1929), un texto fundacional del pensamiento feminista.

Junto a James Joyce y William Faulkner, Woolf es reconocida como una de las tres grandes experimentadoras del monólogo interior en la literatura anglosajona. Sus obras han sido traducidas a más de 50 idiomas y permanecen como referencia obligada en los estudios literarios del siglo XX y XXI.

El apartamento que sale a la venta ocupa el cuarto piso de la casa victoriana, hoy dividida en varias unidades residenciales. La propiedad cuenta con dos dormitorios, dos baños, una cocina y una amplia sala de estar. Tras una reforma integral, el inmueble incorpora carpintería a medida, suelos de madera de la firma danesa Dinesen y dos ventanas de guillotina originales con orientación al oeste. DDRE Global lo describe como “un hogar bellamente equilibrado, elegante y discretamente contemporáneo”.

La vivienda no es la primera del edificio que llega al mercado en años recientes. En 2024, el apartamento de la planta baja, que incluye el jardín del edificio, se listó por 2,5 millones de libras (3,3 millones de dólares).

La venta se produce en un momento en que otro inmueble ligado a Woolf también genera controversia. El Consejo de Cornwall aprobó este año un permiso de construcción para un edificio de cinco plantas en St. Ives que bloqueará las vistas sobre la bahía desde la casa de veraneo que la escritora frecuentaba y que inspiró los paisajes de To the Lighthouse, su novela de 1927. La familia pasaba los veranos en la localidad costera de Cornwall, y esa experiencia dejó una huella directa en la geografía emocional de su obra.

Woolf murió el 28 de marzo de 1941, a los 59 años, en Rodmell, East Sussex, donde ella y Leonard Woolf poseían una casa de campo conocida como Monk’s House, hoy propiedad del National Trust.

Simon Levy fue condenado a cadena perpetua sin opción a libertad condicional, lo que hizo que integrara la lista de los delincuentes más conocidos del Reino Unido. El hombre, de 40 años, fue encontrado culpable del asesinato de dos mujeres y de la violación de una tercera tras haber sido liberado, lo que le permitió cometer estos crímenes.

De acuerdo con Daily Mirror, un jurado lo declaró culpable la semana pasada por los crímenes de Carmenza Valencia-Trujillo, de 53 años, y Sheryl Wilkins, de 39.

La primera era abuela y la segunda madre de cuatro hijos. Los crímenes ocurrieron en 2025, en marzo y agosto, en un contexto en el que la conducta del agresor había escalado desde ataques sexuales en el metro de Londres hasta causar la muerte.

Una de las condenas más severas del sistema británico

La cadena perpetua es la pena más severa prevista por el sistema penal británico. Actualmente, alrededor de 70 condenados cumplen este tipo de sentencia, algunos de ellos en hospitales de alta seguridad. La liberación solo puede contemplarse en circunstancias humanitarias excepcionales.

El artículo sitúa a Simon Levy dentro de una lista que incluye nombres ampliamente conocidos en la crónica criminal británica. Entre ellos figuran Lucy Letby, condenada por el homicidio de siete bebés; Wayne Couzens, responsable de la muerte de Sarah Everard; David Fuller, sentenciado por dos crímenes y por abusar sexualmente de más de 100 cadáveres femeninos; y Ali Harbi Ali, penado por matar al diputado Sir David Amess.

Actualmente, Levi Bellfield, responsable del crimen de Milly Dowler, se encuentra cumpliendo dos condenas de por vida. Una de ellas corresponde por quitarle la vida a Dowler, mientras que la otra es por haber asesinado a Marsha McDonnell y Amelie Delagrange, y por el intento de homicidio de Kate Sheedy.

Dentro de esa lista figuran el asesino en serie Stephen Port; Thomas Mair, condenado por el asesinato de la diputada Jo Cox; Mark Bridger, responsable de la muerte de April Jones, de 5 años; y Khairi Saadallah, autor del ataque terrorista perpetrado en la ciudad inglesa de Reading, en el que murieron tres hombres.

Casos recientes incorporados a la lista

La nómina de presos creció en el último tiempo. David Taylor recibió esa condena por asesinar a Kyle Bevan en la prisión de Wakefield mientras esperaba juicio por otro homicidio, el de Alisha Apostoloff-Boyarin, de 24 años, así como por haber intentado matar a un detective en una sala de entrevistas de la cárcel.

Jamie Varley recibió una pena de este tipo en junio por el asesinato y abuso sexual de su hijo adoptivo, Preston Davey, de 13 meses. En marzo, Sharaz Ali fue declarado culpable por matar a la hermana de su expareja, a dos sobrinas y a un sobrino al incendiar una vivienda en Bradford en 2024.

Otro de los casos es el de Shaine March, cuya condena inicial de 42 años fue anulada después de que jueces del Tribunal de Apelación consideraran que había sido “indebidamente indulgente”.

A partir de esa revisión, March pasó a cumplir cadena perpetua por el asesinato de su novia mientras se encontraba en libertad condicional por un homicidio previo.

Mujeres condenadas y antecedentes históricos

La nota subraya que solo cuatro mujeres recibieron cadena perpetua. En esa lista aparecen Lucy Letby, Rose West, Joanna Dennehy y Myra Hindley, que murió en 2002 y había sido pareja de Ian Brady en los asesinatos de Moors.

Letby fue sentenciada en agosto de 2023, en donde el juez describió sus actos como “una campaña cruel, calculada y cínica” de ataques mortales hacia bebés en el hospital donde trabajaba como enfermera.

Ese mismo castigo lo habían recibido antes de su muerte Ian Brady, Peter Sutcliffe —conocido como el Destripador de Yorkshire— y el doctor Harold Shipman, señalado como uno de los asesinos seriales más prolíficos de Gran Bretaña.

En el pasado, este tipo de sanción podía ser fijada por los ministros del Interior, aunque ahora la decisión corresponde a los jueces.

La enumeración incluye además a Louis De Zoysa, condenado en julio de 2023 por matar a tiros al sargento Matt Ratana dentro de una celda policial mientras estaba esposado, y a Damien Bendall, sentenciado en diciembre de 2022 por asesinar a su pareja, Terri Harris, de 35 años; a los hijos de ella, Lacey Bennett, de 11, y John Paul Bennett, de 13; y a Connie Gent, amiga de la menor, también de 11 años.

Cambios legales y límites de aplicación

La legislación británica amplió el uso de estas penas a partir de la Ley de Policía, Delincuencia, Condenas y Tribunales, que entró en vigor en 2023. Esa reforma extendió la posibilidad de imponer perpetua a los casos de asesinato premeditado de un menor.

La normativa también habilitó a los jueces a aplicar esta pena máxima a personas de entre 18 y 20 años en casos excepcionales, incluidos actos terroristas con grandes pérdidas de vidas. Aun así, la sanción sigue limitada legalmente según la edad del autor.

Por esa razón, Hashem Abedi fue sentenciado por conspirar con su hermano Salman Abedi en el atentado de Manchester Arena de 2017, evitó una prisión de por vida porque tenía 21 al momento de los hechos.

En el caso de Axel Rudakubana, condenado por el asesinato de tres niñas en Southport durante una clase de baile, la ley impidió imponerle esa pena porque cometió los crímenes 9 días antes de cumplir 18. Tras alcanzar la mayoría de edad, recibió en enero del año pasado una pena con un mínimo de 52 años de prisión.

Jason Arday, el ex profesor de la Universidad de Cambridge que renunció a su cargo la semana pasada en medio de una polémica por plagio, fue encontrado muerto este viernes en Londres.

El académico de 41 años fue hallado inconsciente por la tarde en una vivienda del barrio de Battersea, al sur de la capital británica. El Servicio de Ambulancias alertó a la Policía Metropolitana, cuyos agentes confirmaron su muerte en el lugar y notificaron a su familia. Las autoridades consideraron el fallecimiento como inesperado y descartaron causas sospechosas; el caso quedó a cargo de la Unidad de Mando Central Sur, que preparará un expediente forense.

La vicerrectora de Cambridge, Deborah Prentice, expresó en un comunicado que la institución estaba “profundamente entristecida” por la noticia y extendió sus condolencias a quienes lo rodeaban. La secretaria de Educación del Reino Unido, Lucy Powell, también manifestó estar “profundamente conmocionada” e instó a respetar la privacidad de sus seres queridos durante ese período.

Arday se había convertido en 2023 en el profesor negro más joven en incorporarse a Cambridge. Su recorrido académico comenzó a ser cuestionado en julio pasado, cuando Nathan Cofnas —un investigador estadounidense que se autodefine como “realista racial” y cuya vinculación con la universidad concluyó en 2024 entre señalamientos de racismo— difundió acusaciones sobre su obra, entre ellas que varias secciones de su tesis doctoral habrían sido copiadas de otros trabajos.

Los diarios The Times y The Telegraph ampliaron las acusaciones con artículos que abarcaron tanto su producción académica como aspectos de su vida personal. Entre las afirmaciones cuestionadas figuraba que habría corrido 30 maratones en 35 días y recaudado millones de libras para organizaciones benéficas.

En una entrevista con The Times a comienzos de agosto, Arday admitió haber cometido “errores” en su obra, pero negó haber tenido motivos para actuar de esa forma. En ese sentido, sostuvo que la campaña para destituirlo tenía motivaciones raciales y que había sido “injustamente retratado como un mentiroso, un fantasioso y un fraude”.

El 5 de agosto anunció su dimisión como profesor universitario y como miembro del Jesus College, días después de que se iniciaran investigaciones formales. En una carta difundida en línea, describió esa decisión como “la única manera” de cerrar un “periodo difícil”, aunque fue enfático en que no debía leerse como una aceptación de las narrativas que circulaban sobre él.

El día anterior a su muerte, sus memorias —tituladas Grandes y desafortunadas cosas— se publicaron en Estados Unidos, donde también atrajeron atención mediática; el lanzamiento en Gran Bretaña estaba previsto para más adelante en el mes.

Las acusaciones fueron adoptadas por periódicos y comentaristas de derecha británicos como argumento contra las políticas de diversidad, igualdad e inclusión (DEI), con el planteo de que el profesor se había beneficiado de ellas de forma indebida. La controversia fracturó al campus y un grupo de colegas le escribió a la vicerrectora para cuestionar su incorporación y exigir un organismo externo de investigación, mientras otros suscribieron cartas en su defensa.

El miércoles, Prentice calificó la presunta mala conducta como una “aberración” y se comprometió a llevar adelante una investigación con participación de especialistas ajenos a la institución. Advirtió que el expediente no debía instrumentalizarse para poner en duda a otros docentes de minorías étnicas.

(Con información de AFP)

Él, también protagonista de Doogie Howser, MD —su primer papel, a los 12 años junto a la actriz Whoopi Goldberg—, reflexionó sobre cómo crecer en el ojo público lo privó de vivir la adolescencia con anonimato.

Criado en un pequeño pueblo de Nuevo México, Harris se inició en la actuación con apenas ocho años en el coro de su iglesia episcopal, sin imaginar que aquello derivaría en una carrera en Hollywood. “En cierto sentido lamento no haber tenido una etapa de anonimato donde poder explorar distintas versiones de mí mismo”, admitió.

Su salida del armario: “Me ofendí porque nadie se sorprendió”

Harris abordó con humor y franqueza su proceso de visibilización como hombre gay, que formalizó mediante un comunicado público antes de que filtraciones en blogs de internet se adelantaran a su propia historia.

Para ese entonces ya mantenía una relación sentimental con quien hoy es su esposo, David Burtka, aunque en los actos públicos ambos caminaban por separado para evitar preguntas. “David iba por el otro lado cuando yo posaba en las alfombras rojas”, recordó el actor.

Cuando finalmente publicó la declaración, el resultado lo desconcertó. “Me ofendí un poco porque más gente no se sorprendió. Esperaba que alguien dijera ‘¿él? ¡Pero si es tan masculino!’”, bromeó ante las carcajadas de Laing.

El actor reconoció que quienes salieron del armario antes que él facilitaron el terreno para que su revelación transcurriera sin incidentes mayores.

De Barney Stinson a la gran pantalla

Preguntado por cuánto de él mismo habita en el extrovertido y mujeriego Barney Stinson, Harris respondió con su característica ironía: “Seis”. Y ante la pregunta “¿de cuánto?”, completó: “De seis”.

Luego aclaró que el personaje era a la vez una expresión y una antítesis de su personalidad: “Era delirante en su entusiasmo por la aventura, y eso sí me representa; lo de las fiestas de Victoria’s Secret, no tanto”.

La serie, producida durante nueve temporadas para la cadena estadounidense CBS, permitió al actor filmar apenas 22 semanas al año, con ensayos cortos los lunes y martes y grabaciones de jueves a viernes. “Era el trabajo ideal”, resumió.

Sin embargo, la presión por no quedar encasillado lo llevó a buscar proyectos distintos, desde la conducción de los premios Tony y los Óscar hasta su papel en la película Gone Girl de David Fincher.

Sobre su experiencia como presentador de la gala de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Harris fue categórico: es una tarea “casi imposible de ejecutar con éxito”.

“Cuatro de los cinco nominados a mejor actriz tienen que aguantar sentadas, con un vestido del que no pueden salir, para volver a perder”, describió, para dar cuenta del clima peculiar que reina en el Dolby Theatre cada año.

Admitió que cada temporada de premios lee listas en Google que lo ubican entre los peores presentadores de la historia del certamen.

Sunny Dancer y el atractivo del cine independiente

El actor viajó a Londres para presentar Sunny Dancer, un filme de crecimiento personal —con tinte de comedia británica— dirigido por el joven George Jakes y protagonizado por Bella Ramsey, James Norton y Jessica Gunning, entre otros. Harris interpreta a Patrick, el fundador de un campamento de verano para niños y jóvenes sobrevivientes de cáncer.

La producción se rodó en Glasgow, Escocia, con un equipo reducido que convirtió los días libres en excursiones grupales y los imprevistos climáticos en ajustes de guion. “Todos confiaban entre sí, se cuidaban y eso se nota en la pantalla”, señaló el actor. Ese tipo de entorno colaborativo refleja sus dos pilares creativos: autenticidad y creatividad.

El intérprete también reveló su aspiración de afincarse profesionalmente en el Reino Unido, donde valora la tradición de actores que alternan Shakespeare, comedias y producciones independientes a lo largo de décadas.

“Hay una reverencia por las artes aquí que encuentro fantástica”, afirmó ante Great Company. Mencionó además que su norte creativo a largo plazo es la dirección cinematográfica. Sunny Dancer llega a las salas de cine este viernes.

La entrevista también repasa la trayectoria del actor británico, sus límites personales frente a ciertas rutinas del oficio y una vocación literaria que nunca dejó del todo. A los 76 años, Nighy habló desde el noroeste de Londres sobre el estreno, su rechazo a los almuerzos de trabajo, su distancia con Zoom y el presente de su podcast Ill-Advised.

Un regreso al cine con un papel atravesado por el conflicto

El estreno de & Sons vuelve a poner a Nighy en el centro de una historia familiar marcada por tensiones antiguas. En la película interpreta a AN Dyer, un novelista célebre y recluido que convoca a su familia para transmitir un anuncio decisivo. De acuerdo con The Guardian, la trama parte de una situación reconocible dentro del drama doméstico, aunque suma un elemento que desplaza el relato hacia una zona cercana a la ciencia ficción.

El reparto incluye a Johnny Flynn y George MacKay como los hijos mayores del protagonista, a Imelda Staunton como la exesposa y a Noah Jupe como un hijo menor nacido de otra relación. Ese entramado expone una red de vínculos atravesada por el resentimiento, la ausencia emocional y heridas que siguen abiertas.

La figura de Dyer organiza el conflicto central. Es un padre áspero, distante y convencido de que su talento literario puede colocarlo por encima de los daños que dejó en su entorno. Ese rasgo funciona como uno de los ejes de la película y también como una de las claves de la conversación que Nighy sostuvo.

La distancia con su personaje y sus propios límites

En la entrevista, Nighy marcó una diferencia nítida con la lógica de su personaje. El actor cuestionó la idea de que el talento sirva para justificar conductas dañinas dentro o fuera del ámbito artístico. “No creo eso en absoluto”, dijo al rechazar esa clase de excusas ligadas al genio creativo.

Esa observación cobra peso en una película donde Dyer sostiene que su objetivo como padre fue no causar daño, aunque la relación con sus hijos expone otra realidad. La distancia entre esa versión y los efectos concretos de su conducta empuja buena parte del relato.

Nighy vinculó ese punto con su propia experiencia familiar. Tiene una hija, Mary Nighy, fruto de su relación con la actriz Diana Quick. Consultado sobre si alguna vez tuvo una filosofía definida para la crianza, respondió con una frase directa: “Lo vas inventando sobre la marcha”. Luego explicó que ese camino incluye errores, correcciones y decisiones que cambian con el tiempo.

La charla también dejó definiciones sobre aquello que ya no está dispuesto a aceptar en su rutina laboral. Cuando habló de las videollamadas, su respuesta fue tajante: “¿Puedo retirarme de Zoom?”. La frase resume un tono entre el cansancio y la ironía que atraviesa buena parte de la entrevista publicada por The Guardian.

Esa misma claridad apareció al referirse a otra práctica habitual de la industria. Nighy sostuvo que “los almuerzos de trabajo están completamente descartados” en esta etapa de su vida profesional. Para él, esas reuniones mezclan planos que prefiere mantener separados.

También mencionó qué podría llevarlo a rechazar de inmediato una propuesta actoral. Su respuesta fue tan breve como precisa: “Togas”. El comentario, formulado con humor seco, refuerza la imagen de un actor que, tras décadas de carrera, fija sus condiciones con naturalidad.

Una ambición literaria que sigue en suspenso

Antes de consolidarse como intérprete, Nighy quiso ser novelista. El artículo detalló que ese deseo nació en la adolescencia, cuando un profesor de inglés de su escuela católica le sugirió que probara con la escritura. El actor recordó ese momento como un impulso decisivo en su forma de imaginar el futuro.

Más tarde trabajó en The Field, una revista dedicada a la caza y la pesca, y luego viajó a París con la intención de escribir. En ese período pasó tiempo en la librería Shakespeare & Company y evocó aquella etapa con una definición punzante sobre sí mismo: “Soy un cliché andante”.

Ese proyecto literario quedó en pausa cuando ingresó a una escuela de teatro, aunque nunca desapareció del todo. Nighy admitió que todavía piensa en escribir, aunque también reconoció una tendencia persistente a postergar ese plan. “Sigo pensándolo. Solo que soy muy bueno para procrastinar”, señaló.

Esa mezcla de memoria, ironía y deriva verbal encontró una nueva forma en Ill-Advised, el podcast en el que responde preguntas de los oyentes sobre ropa, vínculos y situaciones sociales. El programa iniciará su tercera temporada, suma más de 300.000 oyentes mensuales y recibió el premio a Podcast del Año 2026 de la Broadcasting Press Guild. & Sons llegará a los cines el 21 de agosto y la nueva temporada del podcast comenzará el 3 de septiembre.

Un equipo de King’s College London probó membranas de queratina extraída de lana para reparar defectos óseos y obtuvo resultados que colocan a ese biomaterial como una alternativa en estudio frente al colágeno, según informó ScienceDaily a partir de ensayos de laboratorio y pruebas en animales.

La investigación se centró en queratina, una proteína estructural natural presente en la lana. De acuerdo con el reporte, el material favoreció la regeneración de hueso en un modelo animal y produjo un tejido con una organización más parecida a la de un hueso sano que el observado con el material de referencia más usado en este campo.

Qué evaluó el equipo y por qué buscó otra opción

Durante años, el colágeno ocupó el lugar de andamio de referencia en varias aplicaciones de medicina regenerativa y odontología. Estas estructuras funcionan como barreras temporales durante la cicatrización y reservan espacio para que el hueso vuelva a formarse en la zona dañada.

El reporte de ScienceDaily indicó que ese material presenta límites. Entre ellos figuran una resistencia mecánica menor y una degradación que puede resultar demasiado rápida en lesiones que exigen soporte más prolongado. A eso se suma que su obtención puede implicar procesos complejos y costos más altos.

Frente a ese escenario, el grupo de Londres analizó si la queratina de la lana podía resolver parte de esos problemas. La lana, además, suele descartarse como residuo de la actividad agropecuaria, un dato que la convierte en una fuente natural con potencial de escala si el desarrollo avanza hacia aplicaciones clínicas.

El investigador Sherif Elsharkawy, de la Facultad de Odontología, Ciencias Orales y Craneofaciales de King’s College London, afirmó que el trabajo mostró por primera vez el uso exitoso de un material basado en lana para reparar huesos en un animal vivo, según declaraciones recogidas por ScienceDaily.

Cómo se hicieron las pruebas

Para el estudio, los científicos fabricaron membranas a partir de queratina extraída de lana y sometieron ese material a un tratamiento químico con el objetivo de mejorar su estabilidad y durabilidad. La meta fue crear un andamio capaz de mantenerse en el sitio lesionado durante el tiempo necesario para favorecer la reparación del tejido.

La primera etapa transcurrió en laboratorio con células óseas humanas. Según detalló ScienceDaily, esas células crecieron de forma adecuada sobre las membranas y mostraron señales asociadas con una formación saludable del hueso, un indicador clave antes de avanzar hacia pruebas en organismos vivos.

Después, el equipo implantó las membranas en ratas con defectos en el cráneo de un tamaño que no suele cerrarse por sí solo. A lo largo de varias semanas, los investigadores siguieron la respuesta del material en las áreas dañadas para medir su capacidad de guiar el crecimiento de nuevo hueso.

Ese paso permitió observar el desempeño del biomaterial en un sistema biológico completo. Para los autores, ese punto marca una diferencia respecto de los trabajos centrados solo en propiedades químicas o pruebas de laboratorio, ya que incorpora datos sobre integración con tejido circundante y estabilidad durante el proceso de reparación.

Qué diferencias aparecieron frente al colágeno

Los resultados mostraron una distinción entre ambos materiales. Las membranas de colágeno generaron una mayor cantidad total de hueso. Las de queratina, en cambio, dieron lugar a un tejido más organizado, con fibras mejor alineadas y una estructura más cercana a la del hueso natural.

El estudio también registró que las membranas basadas en lana se mantuvieron estables durante la reparación y se integraron de forma adecuada con el tejido vecino. Esa combinación de estabilidad e integración figura entre los aspectos que suelen evaluarse antes de pensar en un posible uso médico.

Elsharkawy sostuvo que el avance representa un hito para la investigación y ubica a la queratina como una posible nueva clase de biomaterial regenerativo que podría disputar el lugar que hoy conserva el colágeno, siempre según el reporte de ScienceDaily.

Agregó que la tecnología ya demostró su funcionamiento en un modelo animal, un paso que la acerca a una etapa más aplicada. El artículo difundido no precisó fechas para ensayos clínicos en humanos ni mencionó plazos para una llegada a hospitales.

El valor médico y ambiental de la lana

Además del interés biomédico, el trabajo pone sobre la mesa el uso de un insumo que hoy suele tratarse como descarte. La lana aparece en este estudio como una materia prima renovable y con potencial de escala para fabricar membranas destinadas a la regeneración ósea.

Ese punto añade una dimensión productiva y ambiental al desarrollo. Si futuras investigaciones confirman estos resultados en otras etapas, la queratina obtenida de lana podría entrar en la discusión sobre materiales alternativos para procedimientos de reparación ósea y dental.

Por ahora, la evidencia se limita a ensayos con células humanas y pruebas en animales. El próximo desafío para los investigadores será determinar si este biomaterial conserva el mismo desempeño en estudios posteriores y bajo exigencias más cercanas a la práctica clínica.

Tres intervenciones del artista callejero Banksy en Londres le generaron al Estado británico un gasto de casi 150 mil libras esterlinas (más de 200 mil dólares) en operativos de limpieza y seguridad, según informó el diario The Times. La cifra, obtenida a través de solicitudes de acceso a la información pública, incluye los costos acumulados desde septiembre de 2025 y continúa en aumento.

El caso más oneroso es el del mural pintado sobre la fachada del Royal Courts of Justice (Tribunal Supremo de Justicia), en la calle Carey Street, en el barrio de Westminster. La obra, realizada sobre el exterior del edificio catalogado como patrimonio de grado II, representa a un juez con toga y peluca atacando con un mazo a un manifestante desarmado. Según consignó The Times, el Ministerio de Justicia gastó 50 mil libras en intentos de eliminación de la pintura y otras 35.300 libras en custodia del lugar, lo que eleva la factura de esa sola obra a más de 85 mil libras, unos 114 mil dólares.

Los intentos iniciales de remoción fracasaron. Los contratistas recurrieron luego a tecnología láser, aunque los resultados tampoco han sido satisfactorios hasta el momento. Si el Ayuntamiento de Westminster no aprueba el resultado, se aplicará otro método. Como última opción, se contempla extraer y reemplazar las piedras dañadas del edificio.

Arte político o vandalismo

La obra del Tribunal de Justicia fue interpretada por grupos activistas como un comentario sobre la persecución judicial del colectivo Palestine Action bajo la Ley Antiterrorista del año 2000. La pieza, en blanco y negro con salpicaduras de rojo sangre sobre el cartel del manifestante, reavivó el debate sobre los límites entre el arte público y la destrucción de patrimonio. “Es un escándalo que decenas de miles de libras del erario público tengan que gastarse en limpiar tras Banksy, que parece creer que tiene derecho a desfigurar edificios públicos con impunidad”, declaró Nick Timothy, secretario de justicia en la oposición. Timothy exigió que sea el propio artista quien asuma los costos.

La crítica de arte Estelle Lovatt ofreció una perspectiva opuesta y señaló que la obra de Banksy convoca a personas de distintos orígenes de una manera que la política no logra, y que su trabajo democratiza el acceso al arte al prescindir de galerías y entradas pagas. “Puede ser intimidante que un mural aparezca en tu edificio, por las multitudes que genera, pero hace el arte accesible porque no hay precio de entrada”, afirmó.

La segunda obra más costosa fue una estatua instalada en Waterloo Place, cerca de Trafalgar Square en pleno centro de Londres, en abril de 2026. La pieza representa a un hombre trajeado que avanza sosteniendo una bandera que le cubre el rostro. El Ayuntamiento de Westminster atribuyó a esa instalación un gasto de casi 60 mil libras en barreras de seguridad, administración y custodia.

La tercera intervención data de agosto de 2024, cuando Banksy pintó pirañas sobre el lateral de una garita policial de la City of London, una estructura instalada en los años 90 como medida de seguridad contra el IRA. La garita fue retirada a un costo de 2.200 libras y nunca repuesta. Según informó The Times, está previsto que la obra se exhiba en el London Museum cuando el recinto reabra en noviembre próximo.

Cami Mayan regresó a Londres a más de tres años después de su separación de Alexis Mac Allister. La influencer, que vivió en Inglaterra durante tres años y medio mientras el mediocampista se desempeñaba en el Brighton, no había vuelto al país desde que la relación terminó en diciembre de 2022, tras el mundial de Qatar. El viaje llegó después de su entrevista con María Laura Santillán, en la que habló de la batalla judicial que lleva adelante contra el futbolista por una compensación económica, y luego de que el futbolista del Liverpool se mostrara de vacaciones junto a su pareja Ailén Cova y su hija Alaia.

Las primeras imágenes que compartió en sus stories mostraron una ciudad soleada y tranquila. En una de ellas, Mayan aparece de espaldas a la cámara en Bentinck Street W1, con un vestido largo a cuadros en tonos borravino y beige, una gorra beige de los Yankees y anteojos negros. Un pub de ladrillos rojos y un texto escueto pero significativo: “De los últimos días”.

Desde allí, el recorrido la llevó hasta Shoreditch. Una de las fotos mostró un puesto de antigüedades en Brick Lane: tazas, platos, cuadros con marcos dorados, figuritas de animales y objetos de todo tipo desplegados sobre mesas con manteles rojos y azules, con una fachada cubierta de grafitis detrás. La ciudad más despojada y callejera, lejos de la postal turística, y un recorrido alternativo al oficial.

En el colectivo rojo —uno de los símbolos más reconocibles de Londres— Mayan se sacó una selfie que condensó el espíritu del viaje. Gorra beige, anteojos oscuros de marco fino, auriculares blancos, trenzas y el mismo vestido a cuadros. La imagen tiene algo de cotidiano y algo de deliberado: la chica que conoció esa ciudad de la mano de otro, moviéndose ahora sola por sus líneas de transporte.

La story más comentada, sin embargo, no mostró ningún paisaje. Fue la pantalla de bloqueo de su teléfono: las 12:32 del domingo 9 de agosto, con “So Long, London” de Taylor Swift sonando. El texto que escribió encima fue: “La diferencia de moods entre la música y el fondo me destruye”.

La elección no fue casual. “So Long, London” es la canción con la que Swift se despidió de la ciudad que conoció de la mano de Joe Alwyn, el actor británico con quien estuvo en pareja durante siete años, y en la que decidió describir el dolor por el cierre de su relación y la vida que construyeron juntos en las callecitas de la ciudad. Mayan la escuchó en Londres, la ciudad donde ella también construyó una vida junto a otro, y la eligió para acompañar ese momento. El paralelo entre las dos historias quedó trazado sin necesidad de más palabras.

El resto del viaje tuvo un tono más apacible. Una de las stories mostró una taza de café y una porción de budín sobre una mesa de madera clara, con una persona trabajando en una laptop al fondo y plantas colgantes en la pared. Debajo, dos fotos de calles de ladrillo rojo, un local al paso y una frase que sintetiza sus días: “Cafecitos y caminatas”.

El cierre del álbum llegó desde el espejo del hotel. Mayan se fotografió lista para salir: top marrón semitransparente, pantalón cargo negro ancho, cartera marrón y el pelo lacio suelto. El texto sobre la imagen fue directo: “Prepararme para salir a comer sola”. Cuatro tics de verificación al lado, como quien tacha una tarea pendiente de una lista.

Con sus redes sociales como diario de viaje, Cami Mayan compartió sus seguidores las postales de su nueva vida. Volver a Londres, recorrerla sola, escuchar esa canción y documentarlo todo fue la forma que eligió para mostrar en qué punto está respecto a su pasado y a su futuro.

La National Portrait Gallery de Londres incorporó un retrato de Charli XCX tomado en 2023 por Harley Weir, una entrada que lleva a la cantante británica a los muros del museo y acompaña el desembarco de la imagen de su álbum Brat en la galería “History Makers”, poco después de la salida de su nuevo disco Music, Fashion, Film.

La compra se hizo dentro de la iniciativa “Collecting the Now” del museo, respaldada por una donación de £1 millón de la Bukhman Foundation, equivalente a USD 1,3 millones. Ese mismo fondo permitió adquirir obras de Barbara Walker, Linder, Sonia Boyce y Hew Locke.

El retrato presenta a Charli XCX contra una pared, con las caderas desplazadas hacia afuera, el cabello revuelto y el abdomen al descubierto bajo una camiseta corta. Brandei Estes, curadora principal de fotografías de la National Portrait Gallery, sostuvo que Weir desarrolló un lenguaje “que combina intimidad con una poderosa sensación de presencia”.

El ingreso de la obra a la colección conecta a una figura del pop reciente con una institución asociada a grandes retratos británicos de otras épocas. La fotografía fue descrita por la publicación como una imagen de cabello salvaje que condensó el espíritu rebelde de Brat, el álbum de la cantante.

Charli XCX alcanzó con Brat en 2024 la certificación de doble platino y una proyección global alimentada también por la circulación de memes. Weir también produjo otras imágenes de la etapa visual de Brat: en una, la cantante aparece recostada sobre un sofá; en otra, de pie en un umbral con una luz anaranjada. La fotógrafa ya había retratado a Charli XCX para la colección “Heaven” de Marc Jacobs en 2022, y el diseñador aparece en la portada de Music, Fashion, Film.

Nacida en Londres en 1988, Harley Weir construyó su nombre en la fotografía de moda con una estética sensual y artística. Trabajó para marcas de lujo como Balenciaga, Celine, Stella McCartney y Gucci, y expone de forma regular con las galerías londinenses Hannah Barry y Michael Hoppen.

La Bukhman Foundation, que sostiene el fondo de adquisiciones del museo, fue creada en 2023 por los multimillonarios de origen ruso Anastasia e Igor Bukhman. La organización con sede en el Reino Unido también apoyó la iniciativa educativa Art Block de la South London Gallery y el pabellón de Austria de Florentina Holzinger en la Bienal de Venecia.

La ola de calor en Europa no cesa. Una de las consecuencias se refleja claramente en el parque real más grande del centro de Londres. La capital inglesa atraviesa una sequía que volvió ocres sus sitios naturales y dejó a Hyde Park con aspecto de descampado, en un verano que ya marcó el julio más seco registrado en Inglaterra y Gales desde 1836 y que anticipa, según la Oficina de Meteorología del Reino Unido, veranos hasta 60% más secos hacia 2070 en comparación con la década de 1990.

Londres está considerada la ciudad europea con mayor volumen de espacios verdes, pero este verano sus praderas muestran hierba seca o directamente tierra agrietada. Caminar por antiguos terrenos de caza de la monarquía, como Hyde Park, supone hoy avanzar sobre superficies arcillosas, calvas y polvorientas donde cuesta imaginar que antes había césped. Las imágenes sorprenden. Y preocupan.

La reacción de los londinenses se extendió por redes sociales con fotos y videos del cambio de paisaje. “Bastante salvaje, Hyde Park parece un desierto”, escribió una usuaria de X. Otro mensaje fue aún más gráfico: “Se ha transformado en el desierto de Dubái”.

La ciudad dispone de unos 3.000 parques y espacios verdes públicos que ocupan cerca del 40% de su superficie total. Residentes y turistas siguen utilizándolos, pero el contraste con el verano pasado resulta visible incluso desde el aire.

Jason Hawkes, fotógrafo con más de 35 años retratando Londres desde el cielo, comparó imágenes tomadas en Hyde Park con un año de diferencia. La más reciente muestra un terreno amarillento y seco; la anterior, el mismo punto cubierto de verde.

La degradación de las áreas verdes expone un problema urbano y climático

La pérdida de vegetación preocupa en una metrópolis densa y contaminada como Londres, donde los parques cumplen una función directa para aliviar el calor y amortiguar la polución.

El cambio de color en jardines, áreas protegidas y superficies deportivas dejó de ser una anomalía visual para convertirse en una señal de presión ambiental sobre la ciudad.

La prensa británica convirtió esa transformación en una imagen recurrente de portada. Esta semana, un tabloide publicó una vista aérea de ganado desplazado sobre una extensión amarilla en el condado de Kent y planteó si la escena correspondía al oeste de Estados Unidos o a la región conocida históricamente como “el jardín de Inglaterra”.

La mitad de Inglaterra y toda Gales están oficialmente en sequía. Siete áreas tienen desde hace dos semanas restricciones al uso de mangueras que afectan a 23 millones de personas. La combinación de falta de lluvia, calor excepcional y niveles de sol sin precedentes transformó el verde habitual del sur de Inglaterra en superficies amarillas y polvorientas.

El mes pasado fue especialmente extremo. En la zona meridional de Inglaterra, julio terminó con apenas el 1% de la media de lluvia registrada a largo plazo, lo que lo convirtió en el mes más seco de su historia.

El calor aceleró la evaporación y agravó la falta de agua

La Oficina de Meteorología prevé que la crisis climática haga que los veranos del Reino Unido sean un 60% más secos hacia 2070 que en los años noventa del siglo pasado.

Inglaterra acumula cuatro olas de calor este año. Aunque no se repitieron los 40°C alcanzados por primera vez en 2022, la sucesión de jornadas con temperaturas inusualmente altas aceleró la evaporación del agua del suelo y de la vegetación.

En el sur del país, el patrón meteorológico fue especialmente brusco por el paso de un invierno muy húmedo a un verano de calor y sequedad inéditos.

Las temperaturas superaron los 30°C durante 12 días consecutivos: esa marca se siente con más dureza porque muchas viviendas e infraestructuras del Reino Unido están diseñadas para retener calor.

La ausencia de precipitaciones también afecta a ríos y lagos. En julio, Inglaterra recibió solo el 7% de la lluvia habitual y el Támesis, el río más largo del país, registró el menor caudal de su historia.

Por ahora no existe riesgo para el suministro de agua de consumo humano porque las lluvias récord de la primera mitad del año mantuvieron las reservas cerca de los niveles esperados para esta época.

El problema de fondo es la falta de nueva infraestructura: en el Reino Unido no se completa una presa desde 1992, una carencia que el sector agrícola señala como obstáculo para aprovechar los periodos húmedos.

Con su majestuosa fachada, el bloque de mansiones londinenses de los años 30 se parece a tantos otros. Pero una casa oculta una historia de uno de los capítulos más oscuros de la historia europea del siglo XX. El célebre escritor austriaco Stefan Zweig vivió en el departamento número 71, en el 49 de Hallam Street, durante tres años hasta 1939, tras huir de su país natal cuando el líder nazi Adolf Hitler comenzó su ascenso al poder.

En gran medida olvidado por los lectores modernos, Zweig —la inspiración para la película de Wes Anderson de 2014 El Gran Hotel Budapest— fue una importante figura literaria que, durante su vida, fue el autor más traducido del mundo.

En caso de una invasión de Gran Bretaña, el escritor habría sido uno de los objetivos de mayor perfil del llamado “libro negro” nazi. Las unidades de las SS habrían sido enviadas a Hallam Street para detener y “neutralizar” a Stefan Zweig. La dirección estaba incluida en la lista secreta Sonderfahndungsliste G.B. (“Lista Especial de Búsqueda Gran Bretaña”), la cual contenía los nombres de aproximadamente 2.820 políticos, escritores, científicos, refugiados, periodistas y otros considerados enemigos del régimen nazi.

Noventa años después de que Zweig se instalara en Hallam Street, admiradores británicos como el fallecido dramaturgo Tom Stoppard y el novelista Julian Barnes finalmente lograron su objetivo de que la dirección sea oficialmente conmemorada. Una placa redonda azul, recién colocada en el exterior del edificio, ahora alerta a los transeúntes sobre el famoso exresidente del inmueble.

“Stefan Zweig 1881-1942, escritor austriaco, vivió en el apartamento 71, 1936-1939”, dice la placa colocada como parte del programa Blue Plaques (Placas Azules) de la organización benéfica protectora del patrimonio English Heritage. El programa, que funciona desde 1866, busca honrar el vínculo entre figuras notables y los edificios del Reino Unido donde vivieron y trabajaron.

La historiadora de Blue Plaques, Susan Skedd, dijo que el estado mental de Zweig parecía fluctuar durante su estancia en la capital, donde también vivió en varias otras direcciones. “En sus cartas dice cuánto consuelo le aporta Londres, pero el hecho de que a los británicos en general no les afecte la guerra —eso le enfurece”, explicó.

Reunir material para su autobiografía El mundo de ayer también le hizo reflexionar sobre el mundo perdido de su vida pasada en Viena, señaló. Dejó la ciudad en 1933. “Siente que la civilización está perdida... lo cual es profundamente triste”, añadió. En septiembre de 1939, cuando estalló la guerra en Europa, Zweig pronunció el elogio fúnebre por el también exiliado, el psicoanalista Sigmund Freud, en el cementerio de Golders Green en Londres.

Pérdida cultural

Según English Heritage, otros 30 destinatarios de placas azules aparecían en la lista nazi, pero el apartamento de Zweig en Hallam Street fue uno de solo dos lugares mencionados explícitamente, siendo el otro el hogar del escritor británico de ciencia ficción H. G. Wells.

Las obras del escritor austríaco incluyen Carta de una desconocida (1922) y Veinticuatro horas en la vida de una mujer (1927), que fueron traducidas a decenas de idiomas. Su novela posterior Cuidado con la piedad (1939) fue escrita y publicada durante el tiempo que vivió en Hallam Street.

El cineasta Wes Anderson dijo en un mensaje en video para conmemorar la placa azul que “nunca había oído” hablar de Zweig hasta que se topó por casualidad con un ejemplar de Cuidado con la piedad, lo que le llevó a buscar inmediatamente otra de sus obras, La novela de ajedrez, publicada póstumamente en 1982. “En cierto modo robé elementos de ambos libros para El Gran Hotel Budapest”, afirmó, añadiendo que el personaje de Ralph Fiennes en el filme está ampliamente inspirado en el autor.

Aunque halló refugio en Londres, no hubo un final feliz para Zweig, cuyas obras posteriores se basaron en sus propias experiencias de desplazamiento y pérdida cultural. Se marchó a Nueva York en 1940 y luego se estableció en Brasil. Sin embargo, el empeoramiento de la situación en Europa lo dejó profundamente deprimido. El 23 de febrero de 1942, al día siguiente de terminar su autobiografía, Stefan Zweig, de 60 años, y su segunda esposa Lotte, de 33, tomaron cada uno una dosis mortal de barbitúricos.

Fuente: AFP

Una mujer fue acusada por el apuñalamiento de 4 hombres en Covent Garden, en el centro de Londres, en un caso ocurrido el miércoles 5 de agosto al mediodía.

Según informó la Policía Metropolitana de Londres, la acusada es Stella Gollovena, de 47 años, quien habría actuado con la intención de causar lesiones graves y otro por posesión de un arma ofensiva en un lugar público.

De acuerdo con el parte difundido por la Policía Metropolitana, los agentes acudieron a Endell Street, en Covent Garden, hacia las 12:27 horas tras recibir reportes sobre un ataque con arma blanca.

Antes de ser trasladados a un centro de salud, los hombres de 34, 39, 42 y 56 años presentaban lesiones que fueron consideradas no mortales y sin riesgo de provocar secuelas permanentes. Al día siguiente, confirmaron que todos habían recibido el alta médica.

De acuerdo con las autoridades, la acusada no tiene domicilio fijo, por lo que quedó bajo custodia y debía ante el Tribunal de Magistrados de Highbury.

La acusación formal y los primeros datos del caso

Un reporte de Euronews explicó que, en una primera etapa de la investigación, la policía consideró que el episodio podría estar vinculado con un problema de salud mental. Esa misma cobertura indicó que los agentes incautaron unas tijeras en la escena del hecho.

En la reconstrucción difundida, el ataque ocurrió en una zona turística muy transitada de la capital británica, conocida por su actividad comercial y gastronómica.

El Servicio de Ambulancias de Londres informó que atendió a los pacientes en el lugar y que todos fueron trasladados a un centro de trauma mayor para conocer la gravedad de las heridas.

Los testimonios recogidos

Medios locales lograron dar con la palabra de un testigo que trabajaba en un restaurante próximo, quien afirmó que la policía utilizó pistolas Taser para detener a la mujer.

“Fue la única manera de hacer que soltara el cuchillo”, declaró y sostuvo que la mujer era conocida en la zona y que solía frecuentar el área, aunque desconocía mucho más sobre su historia.

Otro testigo citado por Euronews aseguró que la sospechosa “siempre estaba en esta calle” y la describió como una persona sin hogar. Hasta el momento, las autoridades no informaron públicamente un posible vínculo entre la acusada y los heridos.

En Londres, el consejo local de Westminster desató una polémica al proponer restricciones al consumo de bebidas de pie en pubs y bares, una práctica arraigada en la cultura británica. El borrador de política de licencias generó el rechazo de la industria de la hospitalidad y de destacados políticos del país.

El documento, aún en fase de consulta pública, establece que los establecimientos que soliciten licencia deben desincentivar la “embriaguez excesiva” y ofrecer más asientos para que los clientes puedan sentarse y pedir comida en mesa, “en lugar de espacios de barra abiertos que atienden el consumo vertical de alto volumen”. El texto recomienda además que la venta de alcohol y comida se realice exclusivamente mediante servicio de camareros, eliminando la posibilidad de pedir directamente en la barra.

La medida afectaría al Soho y el West End, zona que concentra más establecimientos con licencia para vender alcohol que cualquier otra autoridad local del Reino Unido y uno de los distritos de ocio nocturno más concurridos de Europa. El borrador incluye además una restricción adicional: prohibir la apertura de nuevos locales en esa área, lo que abarcaría pubs, bares, establecimientos de comida rápida y espacios con música, baile o entretenimiento similar.

El líder del consejo, Paul Swaddle, calificó de “confusas” las versiones publicadas —la prensa local llegó a titular “¿Solo sentados en los pubs?”— y aclaró que la iniciativa no busca prohibir que alguien tome una cerveza de pie, sino reducir el ruido y el comportamiento desordenado. “Esto tiene que ver con la seguridad, no con impedir que alguien esté de pie en la barra con una cerveza en la mano”, afirmó. El consejo señaló además que su obligación es garantizar que Westminster sea “un gran lugar para vivir” para quienes residen allí.

Las críticas llegaron desde los niveles más altos del gobierno. El primer ministro Andy Burnham visitó el mes pasado el pub The Hare, en Harlow, Essex, donde declaró: “Los pubs que tenemos están en el corazón de las calles comerciales. Seré un defensor de ellos. Alzaré la voz por ellos y actuaré”. Un portavoz de su oficina añadió que compartir una cerveza de pie no es una molestia, sino parte de la “vida británica”, y que Burnham alienta a los líderes locales a trabajar con el sector para que pueda prosperar.

El alcalde de Londres, Sadiq Khan, anunció que usaría nuevas facultades previstas para su oficina para revisar la política de Westminster. “No se puede gestionar un distrito de vida nocturna mundialmente famoso con una mentalidad de salón comunal”, escribió en X. “La hospitalidad y la vida nocturna de Londres sostienen empleos, cultura y crecimiento”. Una legislación secundaria que se espera aprobar a finales de este año le otorgaría poderes para intervenir directamente en las decisiones sobre licencias de los ayuntamientos.

Lesley Lewis, que dirige el pub French House en el Soho desde hace 37 años, advirtió que la propuesta solo derivaría a los clientes hacia otras zonas de la ciudad. “Dependemos de esa gente de pie para los alquileres y las tasas que nos asignan”, dijo. “La gente quiere divertirse en Soho, quiere tomar algo afuera, quiere bailar. No quiere sentarse y quedarse simplemente donde está; quiere conocer gente y charlar”.

Desde la Asociación de Industrias del Ocio Nocturno, su director ejecutivo Michael Kill advirtió que reducir ese espacio alteraría el carácter de los locales, reduciría su capacidad y elevaría los costos operativos de empresas que ya atraviesan presión financiera en un sector que aún no termina de recuperarse de la pandemia.

(Con información de AP y The Guardian)