La filmografía de Pedro Almodóvar se encuentra conectada entre sí a través de una tupida red de vasos comunicantes que nos conducen sin descanso de una película a otra, ya sea a través de un insignificante detalle o de una referencia crucial que da sentido a todo el relato para terminar así configurando un corpus ‘autoral’ tan rico y diverso como profundamente cohesionado.

En ese sentido, hay una característica que entronca su última película, Amarga Navidad, con buena parte de su obra: la del protagonista narrador, en este caso interpretado por Leonardo Sbaraglia.

Sin embargo, es una tradición que se remonta a La ley del deseo. En ella, Eusebio Poncela encarnaba a un director de éxito, aunque la película no se centraba exclusivamente en su creación, sino en las relaciones que mantenía con sus amantes (Miki Molina y Antonio Banderas).

De Eusebio Poncela a Fele Martínez

En ese personaje ya establecían muchas de las bases de la representación del hombre atormentado que se mantendría en algunas de sus obras y ya incluía dos elementos que aparecerían de forma constante a lo largo de los años: la inclusión de obras de teatro que sirven para mostrar el estado de ánimo de sus creadores y las conexiones con trabajo venideros. En esta ocasión, se representaba un fragmento de La voz humana, de Jean Cocteau, que más tarde se convertiría en un mediometraje independiente protagonizado por Tilda Swinton. También se esbozaba el episodio ‘La visita’, que aparecería en La mala educación.

En ese sentido, La mala educación, que continúa siendo una de sus películas más arriesgadas, sobre todo a nivel de estructura, es quizás la que más se asemeja a Amarga Navidad en cuestión de guion ya que, a través de la figura del director (en este caso interpretado por Fele Martínez), se establece un juego de máscaras y toda una serie de capas superpuestas entre la realidad y la ficción, entre el presente y el pasado, entre lo imaginado y lo vivido.

“Fue la película que más me costó hacer, pero estaba empeñado. Me costó como catorce años”, contaba el propio Pedro Almódovar a Infobae a propósito de la entrevista publicada en torno a Amarga Navidad. “Era muy difícil encajarlo todo, porque eran tres estructuras que había que ir enlazando y que terminaban con una adaptación cinematográfica. Nunca me arriesgué tanto a nivel de guion”.

Alter-egos’ que culminan en ‘Dolor y gloria’

Después llegaría Lluis Homar en Los abrazos rotos, un director de cine que había perdido la vista y que había tenido que alejarse de su profesión, dejando inacabada una película, Chicas y maletas (trasunto de Mujeres al borde de un ataque de nervios), en la que su musa y amante, encarnada por Penélope Cruz había sido su gran amor trágico. En el final de Los abrazos rotos vemos al director ‘remontar’ esa película que nunca pudo estrenar, verbalizando una frase icónica dentro de la filmografía almodóvariana: “Las películas hay que terminarlas, aunque sea a ciegas”.

Sin embargo, su ‘alter-ego’ más claro antes de Amarga Navidad, había sido Antonio Banderas en Dolor y gloria. En ella, el personaje, llamado Salvador Mallo escribía dos textos testimoniales y autobiográficos a partir de los que se establece un mecanismo especular entre lo experimentado y lo figurado. En ese aspecto, también se incluía un monólogo que casi podríamos considerar independiente dentro de la película (como también lo era, por ejemplo, El amante menguante en Hable con ella).

En él se cambia la voz del narrador, de Salvado a Alberto Crespo (Asier Etxeandia), el actor con el que había dejado de hablarse treinta años atrás y que ahora será el encargado de desvelar sus secretos a través ese monólogo catártico recitado a la cámara en el que la palabra sustituye por una vez a la imagen mientras en el escenario solo encontramos una pantalla en blanco que adquiere una poderosa fuerza simbólica.

Se titulaba La adicción y hablaba de las drogas y de su poder destructivo. De Madrid como paraíso y también como callejón sin salida. De pasión y de dolor, de recuerdos de infancia y de cine. De cine como condena, pero también como refugio y en última instancia, como única salvación.

En todas las películas de Almodóvar protagonizadas por un director de cine hay una alusión directa a la pasión que siente cada uno por su oficio, sin el que no son capaces de vivir. En Dolor y gloria, Salvador Mallo se encuentra inmerso en una crisis personal creativa autodestructiva que lo llevará a bucear en sus recuerdos. Entre ellos, emergerá una imagen que dará sentido a todo, la de un niño de nueve años que se colapsa por la fiebre mientras suena en la radio Come Sinfonia, de Mina mientras ve por primera vez el cuerpo desnudo de un joven que un poco antes le había dibujado en una acuarela. Ese instante de pureza, de luz después de tanta oscuridad, será el detonante para reactivar en el director el motor de su vida para salir así del estancamiento, convirtiéndose en el germen de El primer deseo que, sin saberlo, habíamos visto en la pantalla a través de una serie de ‘flashbacks’ de carácter costumbrista y evocador a modo de representación cinematográfica.

A través de estas dos historias, de La adicción y de El primer deseo prácticamente se abarca todo el espectro de la vida del personaje, integrándose diferentes tiempos (infancia, juventud y madurez) de manera simultanea en el relato. Así, el final termina siendo en realidad el principio, cerrándose un círculo que evidencia, en el último plano, casi a modo de tableu vivant, que el cine y la vida para el director se han fusionado hasta tal punto que resulta imposible saber dónde empieza una cosa y termina la otra.

En muchos sentidos, Dolor y gloria podría considerarse la síntesis de toda su carrera, una película que aglutina todas las obsesiones del cineasta y en la que aparecen imágenes y recursos que remiten al pasado. Pero en esta ocasión, en esta revisión pretérita no hay demasiada nostalgia y sí mucho de confesión, como si el cineasta tuviera la necesidad de abrir paso a sus fantasmas para exorcizarlos en un ejercicio de desnudez confesional.

Leonardo Sbaraglia en ‘Amarga Navidad’

En Amarga Navidad el director va mucho más allá, convirtiéndose en un villano de la función a través de vampirizar la vida y el dolor de aquellos que tiene a su alrededor.

“No quería ser complaciente conmigo mismo y quería mostrar cómo los directores pueden convertirse en pequeños dioses a los que todo el mundo obedece y que, en el fondo, tienen un poder descomunal. El personaje se encuentra en una especie de sequía creativa, toma una idea y no la suelta, aunque le duela a las personas que hay a su alrededor. Creo que en el personaje de Sbaraglia he vertido mucho de mí mismo, por ejemplo, cuando le dicen: ”Eres más libre escribiendo que en la vida real", eso es totalmente cierto", dijo Almodóvar a Infobae.

En su nueva película, que estrena en cines este viernes, el director narra la alternancia de dos historias entre la realidad y la ficción que funcionan como un juego de espejos.

Elsa (interpretada por Bárbara Lennie) es, de algún modo, el alter ego de Raúl, que recurre a la autoficción como solución a una larga temporada de sequía creativa. Y este último, interpretado por Leonardo Sbaraglia, es a su vez un cierto reflejo del cineasta, relató Almodóvar.

“Yo no soy literalmente Raúl”, dice el director al respecto, pero sí que conoce “muy bien” a un personaje que pronuncia “muchas de las frases que yo digo”, señala, y con el que decide ser crítico hasta casi convertirlo en el villano de la película.

Es su manera de demostrar que “el escritor es un ser egoísta con respecto a las ideas que tiene” y de cómo puede imponerlas a otras personas. “Creo que los escritores somos peligrosos”, reconoce, aunque él, para evitar cualquier “efecto secundario adverso”, en una obra como Amarga Navidad, donde la inspiración viene “del dolor de los demás”, ha preferido dar a leer el guion a su entorno antes de rodarlo.

Respecto a por qué optó en este momento asumir ese riesgo y esa exposición, Almodóvar responde que es algo que no ha decidido él mismo. “Parece un poco paranormal, pero son las historias las que te eligen a ti. Para mí hubiera sido más cómodo no meterme con este personaje, pero bueno, todo empezó por la adaptación” de uno de sus relatos del libro El último sueño (2023).

¿Cómo perder el control?

Leonardo Sbaraglia, tras hacer el personaje que refleja al director, cree que Almodóvar está “muy interesado en revisar sus afectos”.

“Creo que hay un intento de parte de él de decir ¿en qué otro lugar me puedo poner que no sea ese lugar de jefe, ese lugar de creador, en ese lugar donde todo el mundo me tiene que hacer caso? ¿cómo puedo hacer para perder un poco el control?”, remarca el intérprete argentino.

Por su parte, Aitana Sánchez-Gijón reconoce que para su papel de una asistente del director de cine que también “es capaz de desarrollar una gran crueldad”, miró mucho a Marisa Paredes, porque cree que es un personaje que ella podría haber interpretado.

“Pedro también tiene una serie de personas a su alrededor que ocupan esos lugares que le acompañan desde hace mucho tiempo. Pero yo no he querido entrar en lo personal, es algo privado que Pedro habrá reflejado hasta un punto u otro en la historia”, ha concluido.

El deseo de ser cuidador

Almodóvar terminó dando rienda suelta a una historia llena de matices -interpretada también por Aitana Sánchez-Gijón, Patrick Criado, Victoria Luengo o Milena Smit- en la que todo acaba por encajar en un guion redondo que una vez más habla mucho de ser cuidador, un papel en el que cada vez él mismo se ve más ubicado.

“Sí, de hecho es algo que me está brotando sin que deliberadamente yo lo esté buscando”, destaca, y sobre lo que viene reflexionando desde hace años en películas como La habitación de al lado (2024), pero también en Julieta (2016) y en Hable con ella (2002).

Para Almodóvar, “realmente hay un momento en que lo máximo que podemos hacer por alguien que queremos es acompañar sin pedir nada a cambio, sin ni siquiera hablar, estar simplemente”, un ejercicio generoso pero no exento de egoísmo, advierte, porque ayudar puede ser también “muy balsámico”.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Mariscal.

Su trayectoria ha sido meteóricas tanto en Latinoámérica como en nuestro país y, ahora, estrena Amarga Navidad, su segunda colaboración junto a Pedro Almodóvar después de Dolor y gloria.

En ella interpreta al ‘alter-ego’ del cineasta, una especie de reverso oscuro para el que los límites entre la realidad y de la ficción se diluyen con tal de hacer una buena película, convirtiéndose en una especie de villano de la función capaz de vender a sus seres queridos para alcanzar sus objetivos.

Pregunta: En Dolor y gloria interpretabas al amante del protagonista (que no dejaba de ser el propio Almodóvar en la piel de Antonio Banderas) y ahora te conviertes en el ‘altor-ego’ del director

Respuesta: Creo que en Dolor y gloria Almodóvar intentaba contar su dolor corporal de forma muy visceral, entroncándolo con todas sus ansiedades y su pasado. En esta película habla sobre el límite de la creación y, de forma muy clara, de dónde está el punto entre la realidad y la ficción. Se habla de vampirizar y yo creo que es algo que en mi profesión nos hemos preguntado muchas veces.

P: Precisamente es algo que le ocurre a su personaje en Amarga Navidad, que se encuentra absolutamente obsesionado con su trabajo y se aprovecha de aquellos que le rodean para crear sus ficciones. ¿Hasta qué punto cree que eso genera un dilema moral?

P: Creo que no desvelo nada, ya que él mismo lo ha comentado, y nos hablaba mucho de Emmanuel Carrère, de la relación con la ‘autoficción’. Creo que él se encontraba en esa búsqueda, quería ponerse frente al espejo, para interpelarse.

Las exigencias de Pedro Almodóvar con sus actores

P: Cómo se sintió cuando se vio a sí mismo en la pantalla

R: Yo no soy muy objetivo cuando veo una película mía, siempre me fijo en los defectos (ríe). En este caso, la vi con mi madre y con mi pareja, que es muy crítica con respecto a lo que hago. Y las dos salieron conmocionadas. Creo que es una película que pone a un director frente a sí mismo, frente a sus miserias, y, aunque no sea ‘autoficción’ propiamente dicha, realmente impresiona.

P: ¿Hasta qué punto Pedro Almodóvar exige a sus actores?

R: Supongo que nos lleva a una especie de límite, que te empuja hasta llegar a él para encontrar lo que quiere. Y, en esa tensión, entre la propia exigencia del director y la del actor, se produce una especie de magia. En este caso, se trataba de una cuestión compleja, porque era una estructura de muñecas rusas, y dentro de una cosa, se encontraba la otra. Pero bienvenido que te lleven al límite cuando se sabe lo que se quiere. A mí me gustan los directores con los que aprendo, con los que me siento como un ingrediente más de algo grande. Uno tiene que aprender a separar los propios sentimientos o la propia identidad de la del personaje y entender qué está buscando. Pedro busca cosas muy concretas y yo, como actor, soy un instrumento, una materia moldeable.

P: Hubo algún momento en el que pensaste, “he entrado en el personaje”, lo tengo

R: Para mí, la escena que da sentido a todo es la que se desarrolla en el Retiro entre Aitana Sánchez Gijón y yo (para poner en contexto, es el clímax de la película, en la que su ayudante de toda la vida, le echa en cara al director ,que interpreta Sbaraglia que no se puede jugar con los sentimientos de los demás en la ficción).

Para empezar, dura muchísimo, como veinte minutos y es una escena que está tan bien escrita que es como que toda la película adquiere sentido en ese momento. Todo cuadra, como si las piezas del rompecabezas que estaban sueltas tomaran una dimensión diferente. Aitana y yo nos miramos y fue una especie de aquí y ahora, no nos soltemos nunca. Cuando uno logra conectarse así en el presente, de alguna manera, el tiempo se detiene.

P: Una de las frases de la película se refiere a que el autor tiene miedo a ser autocomplaciente consigo mismo. ¿Le ha pasado alguna vez como intérprete? ¿Quizás por esa razón ha intentado buscar caminos diferentes y a menudo kamikazes como el de ‘Ámame’?

R. Yo suelo ser muy exigente conmigo mismo. Me gusta que las películas me propongan un desafío. Me ha pasado muchas veces, en la película que mencionas, con Damián Szifrón, haciendo de Carlos Menem. No sé, hay personajes que te obligan a dar un salto al vacío. Y creo que eso también entronca con Amarga Navidad. Creo que Pedro Almodóvar se ha expuesto mucho y, lo primero que me dijo fue: no quiero que sea un retrato amable. Y eso siempre te pone las pilas como actor, porque te da la oportunidad de caminar hacia esa sombra, hacia esa oscuridad que no puedes controlar. Yo pienso muchas veces en la vulnerabilidad, en los lugares que te pueden generar incomodidad y en una falta de control sobre lo que estás haciendo.

P: ¿Es lo que te mueve como intérprete? Ir hacia ese vacío

R: Cuando veo las actuaciones que más me gustan, tienen que ver con eso. En parte, las cosas que interpretamos nos devuelven una mirada sobre nuestra propia vida. El actor no escribe, pero tiene una parte auroral en lo que hace, moldeando la historial, construyendo, expresando. Es un camino de búsqueda.

Una trayectoria repleta de éxitos

P: ¿Cómo definiría, en ese sentido, su trayectoria?

R: En general, tanto para los actores como para los directores y guionistas, es una profesión en la que cada uno hace lo que puede. Y más ahora que se terminó la televisión tal y como la conocíamos. Cuando yo era joven, y no tan joven, existía una televisión en abierto donde el público accedía a contenidos de calidad, y veía a sus actores favoritos, mientras los directores también hacían cosas muy interesantes. Yo mismo empecé haciendo televisión, en una serie que se llamaba Clave de sol y fue una de mis principales escuelas. Era la manera que teníamos de aprender. Después también estudié, claro, con Agustín Alezzo, con Fernando Piernas. He tenido profesores hermosos que me han enseñado mucho y he tenido la oportunidad de hacer muchas cosas y de equivocarme. Porque así es la experiencia como actor, prueba error, como si fuera un científico al que a veces la mezcla le sale bien y otras mal. Siento la responsabilidad de decirlo, que he tenido mucha suerte. También me he roto el alma para ir encontrando mi camino. Pero si la suerte y la fortuna no te acompañan, no se va a ningún sitio, así que me siento muy agradecido.

P: Hacía tiempo que no te veíamos en una producción española, la última vez fue la serie Todos mienten, pero en Argentina no has parados de trabajar, aunque sobre todo en películas para plataformas. ¿Cómo ves la situación en estos momentos en tu país?

R: Bueno, es un panorama difícil y tampoco es que lo diga solo yo, no es una cuestión partidaria. Seguramente había muchas cosas que revisar en nuestro instituto de cinematografía, también hay que hacer autocrítica, pero lo cierto es que antes se financiaban más de 30 películas y ahora solo 3. Esa es la realidad.

Así que es un momento delicado para el sector, lo que pasa es que hay que seguir adelante. Tengo la esperanza de que nuestros gobernantes se den cuenta de que nuestra cinematografía, además de ser muy necesaria a nivel de identidad, también es una industria que genera dinero, que da de comer a mucha gente. Así que es importante sostenerla y vamos a seguir luchando como se pueda.

P: En ese sentido, ¿son las plataformas las que están rescatando al cine argentino en estos momentos?

R: Sí, lo que pasa es que el cine argentino siempre se ha caracterizado por su estirpe ‘autoral’. Y hay muchos nuevos talentos que no tienen espacio, y eso es un problema. Porque las plataformas buscan algo seguro, algo que ofrezca garantías de mercado. Obviamente nadie asegura el éxito, pero los directores noveles lo tienen más difícil, así como las apuestas más arriesgadas.

P: Ahora toca disfrutar de Amarga Navidad. ¿Cómo esperas que sea recibida?

R: Por parte de la crítica las opiniones son muy positivas. Qué decirte, para mí es un sueño haber trabajado con Pedro Almodóvar. En Argentina es algo así como Bergman o Fellini. Un genio, vaya.

La visita de Leonardo Sbaraglia y Bárbara Lennie al plató de El Hormiguero, espacio donde presentaron la película Amarga Navidad, dirigida por Pedro Almodóvar, generó gran interés no solo por el impacto de la cinta, sino también por la forma en que ambos actores compartieron vivencias personales y profesionales.

Durante la entrevista, ambos ofrecieron detalles sobre su carrera, la experiencia de trabajar bajo la dirección de Almodóvar y el modo en que afrontan el paso del tiempo en la industria audiovisual. En el ámbito profesional, Sbaraglia y Lennie expusieron su visión sobre el método de trabajo del director manchego.

Sbaraglia subrayó la “gran precisión” con la que Almodóvar dirige, indicando que “busca un lenguaje, un estilo, una música muy concreta y eso es lo que quiere en todos sus actores y actrices y en todas sus películas. Parece que te observa con un microscopio, es como si se te metiera adentro cuando estás actuando”.

Lennie, por su parte, recordó la exigencia del director y cómo en ocasiones no concede segundas tomas: “A mí me costaba que me dejara hacer a veces una segunda toma, hasta que llegó un momento que iba como muy fluido”.

Edad, oportunidades y una confesión inesperada

Ambos intérpretes abordaron también cómo enfrentan el paso del tiempo en sus trayectorias y el impacto de la edad en el mundo del cine. Lennie, de 41 años, destacó que, en su experiencia, los hombres actores suelen encontrar más oportunidades a medida que cumplen años, algo que no suele trasladarse igual a las actrices.

“Estoy a favor del paso del tiempo, es maravilloso, significa que estamos vivas”, afirmó la actriz. Sbaraglia, por su parte, reivindicó la importancia de mantener hábitos saludables: “Las únicas armas que uno tiene es cuidarse con alimentación sana, tratar de hacer ejercicio y tener una vida sana”.

Dentro de este clima de sinceridad, Sbaraglia compartió una anécdota personal que rápidamente se convirtió en uno de los momentos más comentados de la emisión. El actor argentino, de 55 años, relató que fue expulsado de la aplicación Tinder tras modificar su edad y ser denunciado por un usuario que conocía su verdadera fecha de nacimiento.

Explicó que tomó esa decisión durante una etapa de soltería en España, donde consideraba más sencillo vivir experiencias anónimas en comparación con Argentina, país en el que es ampliamente reconocido. Pablo Motos, conductor del programa, no eludió la cuestión y preguntó directamente por el incidente, lo que permitió a Sbaraglia ofrecer una narración detallada de los hechos.

Según sus propias palabras: “Fue en un momento que estaba soltero y viviendo en España. Creo que lo que pasó fue que me bajé unos años, mentí sobre mi edad. Había hecho ‘match’ con alguien, la cosa no llegó a funcionar, esa persona me denunció por mentir sobre mi edad, porque conocía ese dato, y me echaron de la aplicación”.

Anonimato, redes y sinceridad en pantalla

Durante la conversación, Bárbara Lennie intervino con espontaneidad, subrayando la acción de su compañero: “Mentiste sobre tu edad”, insistió la actriz, lo que provocó algunas sonrisas entre los presentes.

Sbaraglia insistió en que su motivo principal para alterar la edad era vivir la experiencia con mayor anonimato, algo complicado en su país natal. “Lo que me terminó pasando es que medio rechacé a alguien y esa persona me terminó denunciando porque conocía ese dato. Yo puse mis fotos… Hice lo que pude”, explicó, visiblemente sonrojado.

El episodio ilustra cómo el uso de datos incorrectos en plataformas sociales puede derivar en la suspensión de cuentas. Sbaraglia explicó que descargó la aplicación mientras residía en España y, al sentirse menos reconocido que en su país de origen, optó por experimentar restándose algunos años en su perfil.

Posteriormente, una usuaria con la que había interactuado y que conocía su verdadera edad lo denunció ante los gestores de Tinder, lo que desembocó en la suspensión definitiva de su cuenta, consecuencia directa de su intento por preservar el anonimato.

Más allá de esta anécdota, ambos actores compartieron detalles sobre su vida y trayectoria. Sbaraglia, que inició su carrera siendo muy joven en producciones como Clave de sol, mantiene una actitud reservada respecto a su privacidad. El actor finalizó su educación secundaria a los 43 años, tras superar una asignatura pendiente de química.

Comienza el mes de marzo y dejamos atrás las películas que han protagonizado la temporada de premios, de la que todavía quedaban títulos por estrenar como No hay otra opción, de Park Chan-wook (director del que se ha sabido que será el presidente del jurado del próximo Festival de Cannes) o El agente secreto, la cinta brasileña de Kleber Mendoça Filho, que triunfó en los Globos de Oro con dos galardones: mejor película internacional y mejor actor para Walter Moura.

Este mes llega cargado de proyectos de Hollywood protagonizados por estrellas como Ryan Gosling, Christian Bale, Cillian Murphy, Jude Law o Jessie Buckley, favorita para ganar el Oscar por Hamnet.

En el terreno nacional, la esperada nueva película de Pedro Almodóvar, Mario Casas en un thriller de acción trepidante o la adaptación de una obra de teatro de Cesc Gay con reparto de lujo.

‘¡La novia!’

Tras Frankenstein de Guillermo del Toro, llega otra versión de la novela de Mary Shelley, remake de la película La novia de Frankenstein, que hizo James Whale en 1935 con Boris Karloff.

En esta ocasión, la acción se desarrolla en el Chicago de los años 30, cuando la criatura le pide ayuda al Dr. Euphronius para que le ayude a crear a una compañera inmortal. Entre los dos darán vida a una mujer asesinada, lo que desencadenará el interés de la policía mientras se desarrolla el romance entre ambos.

Tras la cámara encontramos a Maggie Gyllenhaal, y el reparto lo encabeza Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penelope Cruz, Annette Bening y Jake Gyllenhaal. Estreno en cines el 6 de marzo.

‘Pillion’

Una de las películas ‘indies’ más potentes del año, basada en la novela de Adam Mars-Jones y que supone el debut de Harry Lighton.

En ella se narra la relación entre un joven introvertido un el carismático líder de una banda de moteros. Entre ellos se establecerá un vínculo sadomasoquista en el que uno será el dominante y otro el sumiso.

Una historia de amor y juegos de poder que bascula entre la crudeza y la delicadeza, que nunca juzga a sus personajes y que nos sumerge en su intimidad para hablar del consentimiento, los límites del abuso o la identidad.

Magníficas interpretaciones de Alexander Skarsgård y Harry Melling. Estreno en cines el 6 de marzo.

‘El mago del Kremlin’

El director francés Oliver Assayas adapta la novela de Guilano Da Empoli (junto a Emmanuel Carrère) que aborda la figura de Vadim Surkov, que pasó de convertirse en productor de televisión en Rusia en los años 90, a asesor personal de Vladimir Putin, un agente de la KGB con un brillante porvenir.

Juntos formarán un tándem desde las entrañas del poder político que difuminará los límites entre la verdad y la mentira para dar forma a la nueva Rusia.

En los papeles principales, Paul Dano y Jude Law, Alicia Vikander, Tom Sturridge y Jeffrey Wright. Estreno en cines el 6 de marzo.

‘Proyecto Salvación’

Llega el esperado proyecto de ciencia ficción protagonizado por Ryan Gosling y dirigido por Phil Lord y Christopher Miller, responsables de Lluvia de albóndigas.

Basada en un libro de Andy Weir, del que ya se había adaptado Marte (The Martian), cuenta la historia de un profesor de ciencias que despierta en una nave espacial a años luz de su planeta sin recordar absolutamente nada.

Poco a poco irá recuperando la memoria y descubrirá que tiene una misión: impedir que se extinga el Sol. Se estrena el 23 de marzo en cines.

‘Amarga Navidad’

Pedro Almodóvar regresa con una nueva película después de su experiencia en lengua inglesa con La habitación de al lado.

En Amarga Navidad, el director regresa al terreno de la ‘metaficción’, de forma que las líneas entre el relato y la realidad, se funden y se confunden.

Se trata de una película profundamente personal, que dialoga en algunos aspectos con Dolor y gloria y, en cuanto a estructura, a La mala educación. De nuevo, la figura del creador vuelve a ser fundamental, en este caso interpretado por Leonardo Sbaraglia. Le acompañan Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez. Estreno en cines el 20 de marzo.

‘La hija pequeña’

Una joven de 17 años, procedente de una familia franco-argelina de los suburbios, mantiene una estupenda relación con los suyos hasta que comience a ir a la universidad y se distancie de sus tradiciones. Poco a poco se irá planteando cuestiones acerca de su identidad, tanto cultural, como sexual y religiosa, que hasta el momento le resultaban impensables.

Película de Hafsia Herzi basada en la novela de Fatima Daas que participó en la competición oficial del pasado Festival de Cannes, donde recibió el premio a la mejor actriz para la debutante Nadia Melliti. Una película naturalista y delicada que se estrena en cines el 13 de marzo.

‘Peaky Blinders: El hombre inmortal’

Netflix estrena en exclusiva el 20 de marzo la película basada en la exitosa serie Peaky Blinders, ambientada en la Segunda Guerra Mundial y en la que el personaje de Tommy Shelby (Cillian Murphy) regresa a una ciudad de Birmingham destrozada por las bombas. Allí se verá envuelto en una serie de misiones secretas que lo enfrentarán a nuevas amenazas mientras lidia con su pasado.

Una ampliación del universo mafioso creado por Stephen Knight al que ahora se añaden nuevos intérpretes como Rebecca Ferguson, Tim Roth o Barry Keoghan.

‘Zeta’

Dani De la Torre Prácticamente acaba de estrenar en Movistar Plus+ la serie Marbella: Expediente judicial y, a partir del 20 de marzo se estrena una película original para Amazon Prime Video. Se trata de Zeta, una especie de Jason Bourne a la española protagonizada por Mario Casas, Luis Zahera, Mariela Garriga y Nora Navas en la que un grupo de agentes del CNI tendrán que investigar la muerte de varios ex-oficiales de inteligencia asesinados que estuvieron implicados en un caso secreto.

Un film de espionaje y acción adictivo que recorre numerosos países, en el que hay peleas, persecuciones y todos los elementos de una excelente gran producción con el sello de De la Torre y con guion de Oriol Paulo.

‘Altas capacidades’

Regresa Víctor García León, responsable de títulos como Más pena que gloria, Vete de mí, Selfie o Los europeos. Lo hace con una película en la que vuelve a explorar su particular estilo asociado a la comedia con base crítica.

En ella, una pareja de clase media, tiene la oportunidad de matricular a su hijo en un colegio de élite, lo que supone hacer nuevas amistades dentro de las clases altas de la sociedad, algo que les interesa desde el punto de vista de su estatus y les llevará a enfrentarse a numerosas paradojas incómodas. En el reparto, Marián Álvarez, Israel Elejalde, Juan Diego Botto, Pilar Castro y Natalia Reyes. Se estrena en cines el 27 de marzo tras pasar por el Festival de Málaga.

‘53 domingos’

Cesc Gay adapta su propia obra teatral en esta película original de Netflix que se estrenará en la plataforma el 27 de marzo.

En ella, tres hermanos se reúnen para discutir qué hacer con su padre que tiene 86 años y que ha comenzado a dar síntomas de una posible demencia. ¿Lo llevan a un asilo de ancianos? ¿A vivir con uno de ellos? Una reunión familiar entre ellos, desencadenará el caos y el enfrentamiento.

En el reparto, Javier Cámara, Javier Gutiérrez, Carmen Machi y Alexandra Jiménez.

Leonardo Sbaraglia sorprendió a sus seguidores al compartir en redes sociales una serie de imágenes desde Brasil, donde disfruta de unas vacaciones en compañía de su novia, Rebeca Ricosta. El actor argentino, de 54 años, se mostró distendido y feliz en escenarios paradisíacos, dejando ver una faceta más personal y relajada lejos de los compromisos laborales y del bullicio porteño. Esta escapada, marcada por el relax y el romanticismo, permitió conocer un costado poco habitual de la vida del actor, quien suele mantener un perfil bajo respecto a su vida sentimental.

En una de las imágenes más comentadas, Sbaraglia aparece de espaldas, apoyado sobre la baranda de un balcón con vista al mar, rodeado de palmeras y con el torso desnudo y un short celeste. La foto, originalmente publicada por Rebeca y luego replicada por el actor en su Instagram, dejó ver el costado más sensual y relajado de Leo mientras contempla el océano. En otra postal, se lo ve bajo el sol, sonriente y distendido, disfrutando del clima cálido y el entorno natural que ofrece Brasil.

La pareja, que se conoció durante un rodaje y mantiene una relación de perfil bajo, compartió varias postales de su estadía. Desde playas de aguas cristalinas hasta momentos íntimos con vistas privilegiadas, los días de descanso alternaron entre relax, paseos y escapadas románticas. A pesar de mantener una discreción mediática, en esta ocasión Sbaraglia no dudó en dejar a la vista su conexión con la joven productora y mostrar a sus seguidores esta faceta personal.

La historia de amor entre ambos trascendió públicamente en marzo de 2025, cuando el panelista Pepe Ochoa reveló en LAM (América) que Sbaraglia había vuelto a apostar al amor: “Es una chica que labura en producción. Tiene que ver con el mundo en el que se mueve, que son las series y el cine”, contó al aire. “Es argentina y se conocieron grabando. La conoció y le empezó a arrastrar el ala”, agregó. Según se sabe por las redes sociales, Rebeca tiene 29 años y en los primeros meses de 2025 Leonardo ya había dado un paso clave en la relación: la presentó ante toda su familia en el cumpleaños de ella.

A pesar de la diferencia de edad entre ambos —Sbaraglia tenía 54 años y Rebeca acababa de cumplir 28—, la relación pareció atravesar un momento de plenitud. La pareja decidió dar un paso más al oficializar su vínculo dentro de su círculo íntimo, manteniendo, por el momento, un bajo perfil en redes y apariciones públicas.

A pesar de este avance, ambos optaron por seguir manteniendo un perfil bajo en redes sociales y en sus apariciones públicas, eligiendo resguardar su intimidad lejos del ruido mediático habitual. Las imágenes compartidas durante sus vacaciones en Brasil reflejaron esa armonía y complicidad, mostrando que, más allá de la exposición, la pareja priorizó el disfrute compartido y la solidez de su vínculo.

Desde entonces, la pareja se muestra cercana y afianzada, aunque elige mantener la privacidad y el bajo perfil lejos del ruido mediático. Sin embargo, estas vacaciones sirvieron de excusa para abrir una ventana a la intimidad y compartir postales que rápidamente cosecharon elogios y mensajes de admiración en las redes. Así, Sbaraglia celebró el amor y el descanso en Brasil, combinando relax, paisajes soñados y una complicidad que se refleja en cada imagen.

Así, Sbaraglia celebró el amor y el descanso en Brasil, combinando relax, paisajes soñados y una conexión auténtica que se refleja en cada imagen. Las postales de la pareja no solo muestran el costado romántico y familiar del actor, sino que también invitan a sus seguidores a compartir la alegría de una etapa marcada por la tranquilidad, el disfrute y el cariño genuino lejos de los flashes y el ruido de la ciudad.

Durante la función, Boneta y Notni disfrutaron de la actuación de Sbaraglia y del clima vibrante de uno de los teatros más emblemáticos de Buenos Aires, colmado de público y personalidades del espectáculo. Tras el final, la estrella mexicana no ocultó su admiración: “Qué locura cómo nos conocimos, cómo me contaste la historia y tal y que estemos aquí. Gracias por invitarnos. Felicidades. Bravo, bravo, bravo, enhorabuena”. Renata Notni también sumó su reconocimiento y dirigió un mensaje a la productora: “Juli, felicidades, espectacular. Qué honor ser parte de esta noche”.

Las imágenes del estreno muestran a Sbaraglia saludando al público desde el escenario, un Cervantes repleto y la calidez de los aplausos. La pareja posó sonrientes junto a Julieta Novarro, quien celebró la visita y compartió en redes: “Qué alegría que hayan venido”. El encuentro no solo fue un gesto de amistad y apoyo, sino también una muestra del intercambio cultural y el respaldo entre figuras del espectáculo latinoamericano.

La presencia de Boneta y Notni en la platea sumó brillo y repercusión al estreno, que se vivió como una verdadera fiesta para el teatro argentino. El propio Boneta destacó la importancia de estos espacios de encuentro: “Bravo, querido”, escribió en una de sus stories dedicadas a Sbaraglia, mientras celebraba la producción y la oportunidad de presenciar una obra que cruzó fronteras y reunió talentos de ambos lados.

Así, la noche en el Cervantes se transformó en una celebración compartida, donde la pasión por el arte, la amistad y la colaboración profesional fueron protagonistas, y donde Diego Boneta, Leonardo Sbaraglia, Julieta Novarro y Renata Notni reafirmaron el valor de los vínculos y el intercambio regional en la escena cultural actual.

Días atrás, el mexicano sorprendió con su presencia en Punta del Este. La sorpresiva llegada del actor mexicano y su pareja al balneario uruguayo agitó tanto la calma local como el universo digital, alimentado por rumores y miradas curiosas.

La pareja eligió el glamour de José Ignacio para recibir este 2026. El enclave, conocido por su aire de lujo discreto, se convirtió en un imán para celebridades que buscan la combinación de naturaleza y servicios de alta gama. Boneta y su novia compartieron una cena distendida en un exclusivo restó, rodeados de amigos, entre risas y brindis que parecían ajenos al bullicio mediático. La escena, sin embargo, no tardó en volverse noticia.

Horas después, la fiesta no se hizo esperar. Tras ello, tuvo lugar un evento anual, donde un selecto grupo de figuras posó para la foto de tapa: el propio Boneta con su pareja, Pampita, Valeria Mazza, Nicole Neumann, Evangelina Anderson y Luciana Salazar. El dress code imponía los tonos arena, prendas livianas y siluetas veraniegas, en sintonía con la identidad costera del lugar.

Entre los invitados también figuraban Karina Jelinek, Floppy Tesouro, Maru Botana, Dante Ortega, Uma Fabbiani, Sergio Goycochea, Evelyn Scheidl y Teresa Calandra - cabe destacar que estas dos últimas pasaron la tarde junto a Susana Giménez y su hija en La Mary. También, Elina y Eduardo Constantini sumaron otra cuota de presencia habitual en el círculo de la alta sociedad veraniega. La noche tuvo ausencias notorias: Wanda y Zaira Nara no asistieron.

Después de una exitosa temporada en el otoño de Madrid, Leonardo Sbaraglia trae al verano porteño el unipersonal Los días porteños, que se estrena este viernes y se presentará de miércoles a domingos hasta el 1 de febrero en el Teatro Cervantes. Bajo la dirección de Daniel Veronese, la adaptación de la novela de Jacobo Bergareche explora la intimidad de las relaciones humanas a través de un relato sobre el final del amor, impulsado por la lectura de cartas inéditas de William Faulkner.

En diálogo con Infobae Cultura en octubre de 2025 desde la capital española, Sbaraglia abordó el impacto del montaje sobre el público y la naturaleza universal del texto. “Creo que casi nadie no se puede sentir identificado con el tema. Si bien habla de cuestiones que tienen que ver con los vínculos, ¿no? Porque es una carta que este hombre le escribe a su amor, a su pareja, a su rutina de diecisiete años... Es algo que trasciende y resulta transversal a todas las relaciones: con uno mismo, con los padres, con los hijos o con amigos. Y la medida del tiempo. Cómo uno puede aprender a entender y valorar los buenos momentos de la vida”.

En aquella oportunidad, el actor argentino subrayó la relevancia del tiempo como recurso dramático central y relató cómo el texto conducía a los espectadores a un terreno de identificación genuina. Basó su interpretación en una directriz clara de Veronese: “Siempre me decía: ‘No quiero que parezcas un actor. Quiero que esto sea completamente llano y natural’. Esto entre comillas, ¿no? O sea, para ser natural también hay que hacer un laburo. Es difícil subirse a un escenario y no parecer que uno está actuando”, afirmó. Sobre el proceso interno del personaje, destacó el punto de inflexión que generan las cartas del escritor estadounidense que dieron lugar al relato de Jacobo Bergareche: “Estas cartas de Faulkner me iluminaron fatalmente todo aquello que yo no sabía que necesitaba”. Según Sbaraglia, las misivas desencadenan en el protagonista una cadena de reflexiones sobre el paso del tiempo y las transformaciones inevitables tras treinta años de vínculo amoroso.

El director Daniel Veronese, al explicar el eje conceptual de la obra, precisó: “Jacobo Bergareche escribió una historia sobre el amor y el desamor; un bello paisaje que invita a detenerse y a pensar sobre lo inevitable. Y no solo se trata de una hermosa historia literaria sino también de algo que bien puede ser imaginado para la mágica transmutación que nos permite el escenario. Los deseos en movimiento, las inseguridades en juego, los miedos del personaje narrador al alcance de la mano”.

Veronese también planteó la identificación inmediata que la obra provocó en el público: “Una de esas crónicas que peligrosamente se vuelven propias, que producen empatía, afinidad al instante. Porque, ¿quién no teme perder lo más valioso que posee? ¿Quién no ambiciona recuperar lo perdido? ¿Quién no desea volver a vivir esos días en los que la existencia se sentía plena y la felicidad posible?”.

Por su parte, el autor Jacobo Bergareche reveló cómo la versión teatral le demostró el potencial escénico de su texto. “Hace unos meses Leo Sbaraglia, a quien no conocía más que por su trabajo en la pantalla, me visitó en casa. Nos sentamos a comer una tortilla de papas y de repente entró Belén, mi mujer. Sin avisar, Leo empezó entonces a hablar con total naturalidad un fragmento de mi novela, que merced a esa prodigiosa capacidad memorística que desarrollan los buenos actores de teatro, había aprehendido en un par de tardes. Digo que hablaba la novela, porque no estaba recitando ni parecía que actuase, había hecho suyo el texto sin impostación y sin esfuerzo”.

El escritor describió el grado de fusión entre actor y personaje: “Hasta el punto de que mi mujer tardó un buen rato en entender que las palabras que salían de su boca ella ya las había leído en otro lugar, y que lo que estaba presenciando era una representación. Leo se había transformado en Luis inadvertidamente, y la persona que estaba ante nosotros había logrado encarnarse en un personaje que hasta entonces solo existía como un fantasma en la imaginación de los lectores y en la del escritor que primero lo pensó. No hizo falta más para convencerme de que esta adaptación era algo de lo que debía de alegrarme”.

[Fotos: archivo personal L.S.; Sergio Parra]

“Hace muchos años que no lo veía. La última vez fue cuando vino a Argentina, lo fui a ver al teatro, estaba ahí haciendo un unipersonal. Ahí también estaba su hija Malena. Tengo recuerdos de él, de muchas etapas de mi vida”, comenzó Sbaraglia, quien rememoró los primeros trabajos con Alterio.

“La primera vez fue con Tango Feroz, pero fundamentalmente con Caballos Salvajes, allí inicié una relación con él muy profunda. Tampoco es que nos hicimos confidentes. Él era siempre un tipo bastante introvertido... sobre todo cuando trabajaba, pero fuera del trabajo, era de una luz y de una generosidad maravillosa, relató el actor en diálogo con Teleshow.

El vínculo entre ambos trascendió lo laboral y se transformó en una relación de afecto y apoyo mutuo, especialmente cuando Sbaraglia se instaló en España. “Él fue de las personas que, cuando fui a España, me recibió, me abrió las puertas de su casa, de su familia. Cantábamos tangos, me llevó a pasear a Segovia con quien era en ese momento mi mujer, Guadalupe, y él, con Tita. Me dio la bienvenida, la bendición de llegar a España”, recordó el actor subrayando la hospitalidad y calidez de Alterio y su familia.

A lo largo de los años, compartieron rodajes y experiencias que marcaron a Sbaraglia de manera indeleble. “Antes habíamos hecho Cenizas del paraíso, después hicimos Plata quemada. Más tarde participó también en una película española que era Utopía. Tengo recuerdos que me quedaron en el alma para siempre”, confesó el actor con su voz entrecortada, invadida por la emoción al despedir a su gran compañero y maestro.

A la hora de recordarlo, eligió una anécdota para ilustrar la sensibilidad del maestro. “Me acuerdo una vez, cuando estábamos filmando Caballos salvajes, yo no había visto todavía La tregua. Estábamos viendo la película en un parate del rodaje, creo que con Cecilia Dopazo o algún compañero más, y le dije: ‘Vení, Héctor, ¿querés venir a verla?’. ‘No, dejame de joder’, decía. Él estaba ahí con los lentes negros que usaba en la película, iba y venía, y de vez en cuando pispeaba para ver diferentes cosas. De pronto lo veo que está mirando su película apoyado en la puerta de la combi y, debajo de los lentes, empecé a ver cómo se le caían las lágrimas. Me mató esa emoción de él viendo La tregua, con todo lo que significó para él”, relató Sbaraglia a Teleshow.

El actor también repasó el impacto que tuvieron en la carrera de Alterio películas como La Patagonia rebelde y La tregua, que lo catapultaron a la popularidad. “Hasta ese momento, si bien ya era un gran actor, no era conocido. Cuando tuvo esos dos grandes éxitos, fue al Festival de San Sebastián en España y ahí le dijeron que no podía volver al país porque estaba amenazado por la Triple A”, señaló.

“Es muy loco, porque en el momento en que empezó a ser reconocido y popular en Argentina, no pudo volver nunca más”, evocó Sbaraglia. También destacó la consagración de Alterio en España: “Hizo grandísimos trabajos. Recuerdo películas como El nido, A un dios desconocido, y tantas más".

En su reflexión final, Sbaraglia expresó la dimensión humana y artística de Alterio: “Yo creo que se nos fue no solo de las personas más impresionantes de nuestra cultura, no solo uno de los mejores actores que hemos tenido en nuestra historia, sino también un gran tipo”, afirmó en diálogo con Teleshow.

La noticia sorprendió a Sbaraglia en Córdoba, donde presenta la obra, Los días perfectos, un unipersonal basado en la novela de Jacobo Bergareche y adaptado por Daniel Veronese. Y ya decidió un homenaje tan urgente como necesario: “Le voy a dedicar las próximas funciones a la memoria de Héctor”. Una muestra de gratitud y reconocimiento a quien consideró un faro en su vida y en la escena cultural.

El anuncio de su nombre, a cargo de Teté Coustarot (quien condujo la gala junto a Luciano Cáceres), llegó después de una breve pausa dramática y luego repasó sus grandes títulos cinematográficos: La noche de los lápices, Caballos salvajes, Relatos salvajes. Mientras, el ganador saludó uno por uno a los compañeros que tenía a su alrededor, con besos y abrazos incluidos a cada uno, demostrando la emoción que le generó oír su nombre en la terna. Luego, se dirigió hacia el escenario, subió las escaleras enérgicamente y fue recibido con un aplauso ensordecedor y un reconocimiento generalizado de todos los colegas, técnicos y productores que se hicieron presentes en la Usina del Arte.

Apenas tomó el micrófono, el actor dejó en claro su sorpresa: “No lo puedo creer. Merecidamente El Eternauta se estaba llevando todo; dije: ‘Bueno, ya está, no es nuestra noche’”. Su comentario, lejos de la queja, generó risas y aplausos. Con humildad, agregó: “Varias veces uno ha ido a aplaudir a otros compañeros y compañeras con mucho gusto. Pero bueno, hoy me tocó a mí”.

En el tramo más emotivo , el artista reconoció el trabajo de quienes lo acompañaron en Menem, especialmente de Ariel Winograd, su director. “Sin vos esto no hubiese pasado”, aseguró, además de mencionar a los distintos responsables de la producción y el desarrollo artístico de ambas series.

También nombró a parte del elenco y algunos colegas que también estaban presentes: Juan Minujín, Marco Antonio Caponi, Mónica Antonópulos, Griselda Siciliani, Ricardo Darín, Alan Sabbagh y Daniel Hendler, entre muchos otros. “La terna es un montón. No se puede creer”, reconoció.

El actor dedicó una mención especial al trabajo técnico detrás de la reconstrucción de época de Menem, algo que definió como “impresionante” y clave para poder crear al personaje: “Todo lo que se hizo para la serie es increíble. Esto es de todos”.

Sobre el final, la atmósfera se volvió más íntima. El intérprete compartió el premio con su madre y con su hija —presentes en la sala—, y habló sobre el peso cultural y emocional de interpretar una figura tan controversial como Carlos Menem: “Para mí, este trabajo fue algo muy intenso, de mucho aprendizaje. Creo que se hizo cargo de nuestra Argentina, con todos sus bemoles, y también de nuestro humor y de nuestras heridas. Y compartir este premio con este equipo maravilloso que tenemos esta noche, y con ese otro equipo con el que trabajamos con tanta pasión y tanto amor, es muy especial. Porque esa es nuestra identidad: el amor, la pasión y la garra que cada una de las personas de este oficio le pone a su trabajo”.

Tras el análisis, el cierre devolvió el tono festivo: “Dani, Wino, Martín… Las maldiciones, Menem, Prime Video… ¡Vamos por la segunda! Vamos por la reelección, Prime Video, vamos por la reelección”. El chiste, inspirado en la lógica política del expresidente, funcionó como anuncio encubierto de lo que vendrá: la segunda temporada de Menem, ya en marcha.

Sbaraglia dejó el escenario entre música, ovación y saludos de colegas. Para una figura con más de tres décadas de trayectoria, el premio llegó en un momento de plenitud profesional, abrazado por dos proyectos fuertes, múltiples nominaciones y un personaje que, según él mismo confesó, “lo transformó”.

—¿En serio?

—Sí, es muy loco... Quizás hubo momentos de mi vida en que me pude haber confundido; pero, en general, siento que siempre estuve con los pies en la tierra. Y bueno, quizás por eso también se disfrutan más algunas cosas: la situación de estar trabajando en teatro, en otro país, en una sala tan importante y tan increíble como El Teatro La Latina. Como que no te lo podes terminar de creer, ¿viste?

Durante octubre, de miércoles a domingos -con doble función los fines de semana- Sbaraglia pone en escena Los días perfectos, una obra unipersonal dirigida por Daniel Veronese, con la producción ejecutiva de Julieta Novarro y basada en la novela homónima del autor español Jacobo Bergareche: la historia del final de un amor entrelazada con unas cartas de William Faulkner que invitan a una profunda introspección sobre el matrimonio, la rutina y la nostalgia. En un año de intensa actividad, cruzado por el estreno de la ruidosa serie Menem -por el personaje, el estilo y su propia personificación del polémico expresidente- y la filmación de la nueva película de Pedro Almodóvar, uno de los actores argentinos más relevantes de este siglo vive este momento con una intensa satisfacción y confiesa: “Tengo una amiga que me dice: ‘No digas que no lo podes creer. Celebra lo que te está pasando’”. Esa celebración es, en cierto modo también, una mirada retrospectiva sobre su vida profesional. “En 2026 va hacer cuarenta años que me dedico a esto y en muchos aspectos me siento como si hubiera empezado ayer”, comenta con una sonrisa.

“Supongo que cada quien tiene su propio aprendizaje y su propio camino en la vida y el mío, evidentemente, debe pasar un poco por ahí ¿no? Atesorar y a valorizar. Creo que parte de lo que me está pasando es parte de ese recorrido. Nadie me regaló nada. Y la verdad que lo que está sucediendo ahora, acá en el teatro y lo que yo creo que va a seguir sucediendo, me parece que es una hermosa oportunidad. Para ampliarme, para crecer, para seguir aprendiendo", dice y toma otro mate.

—¿Qué crees que transmitis en escena, por tu interpretación y por el texto?

—Creo que casi nadie no se puede sentir identificado con el tema. Si bien habla de cuestiones que tienen que ver con los vínculos, ¿no? Porque es una carta que este hombre le escribe a su amor, a su pareja, a su rutina de diecisiete años... Es algo que trasciende y resulta transversal a todas las relaciones: con uno mismo, con los padres, con los hijos o con amigos. Y la medida del tiempo. Cómo uno puede aprende a entender y valorar los buenos momentos de la vida. Aquellos momentos, como dice la obra, “para guardar”. Como si fueran melodías que nosotros tenemos para luego poder usarlas de base, como si fueran standards de jazz a los que podemos volver para improvisar en pareja, en otro momento.

En ese sentido el texto de Bergareche es muy poderoso y creo que Veronese hizo una versión magnífica. Eso es un poco lo que está pasando y lo que recibe la gente. Y también desde el lugar donde decidimos hacerlo con Daniel [Veronese], que es un lugar muy humano. Siempre me decía: “No quiero que parezcas un actor. Quiero que esto sea completamente llano y natural”. Esto entre comillas, ¿no? O sea, para ser natural también hay que hacer un laburo. Es difícil subirse a un escenario y no parecer que uno está actuando.

Eventualmente lo que este hombre cuenta, podría llamarse una crisis: una grieta que se abre en su mente, Como él dice en un momento: “Estas cartas de Faulkner me iluminaron fatalmente todo aquello que yo no sabía que necesitaba”. Entonces, él empieza a volverse loco con esas cartas y ve el paso del tiempo, porque se extienden a treinta años de una relación. Entonces, todo esto le genera una especie de advertencia que lo pone en un lugar donde él descarnadamente y a corazón abierto, quiere encontrar nuevos caminos para vincularse.

—Entiendo que es una dinámica distinta subirse a un escenario y recitar un monólogo en vivo, durante más de una hora. Muy diferente a los tiempos de filmación de una serie o una película.

— Y además estoy solo arriba del escenario: tengo que salir a la cancha y es como estar jugando un mundial. Tengo dos días de descanso y después vuelvo a ponerme frente a seiscientas, setecientas, ochocientas personas todas las noches, con su propia energía, con sus imprevistos... Obviamente requiere una dinámica muy diferente. Por suerte, hace muchos años que me mantengo en actividad teatral, aunque de manera un poco adyacente, periférica. No hacía teatro comercial desde el 2013, o sea, hace más de doce años. La última vez que me había subido a un escenario a nivel comercial había sido justamente con Daniel Veronese, haciendo Cock con la gran Eleonora Wetzler, el gran Diego Velázquez y el gran Jorge D’Elía. Un cuarteto precioso de compañeros.

Después de eso, bueno, mi agenda audiovisual no me dejó volver a hacer teatro. Pero sí junto con un grupo que formamos con Fernando Tarrés (un músico de jazz y un compositor maravilloso), hicimos durante más de diez años El territorio del poder, un espectáculo que armamos inspirados en algunas teorías de Foucault en relación al encierro y adaptaciones de algunos otros textos, de Elías Canetti y del subcomandante Marcos. Ahí me subí al escenario también como monologuista.

—El otro punto alto de tu año profesional ha sido volver a filmar con Pedro Almodóvar ¿Cómo fue esa experiencia? Hace poco estuvo Juan Gatti en Buenos Aires por un festival de cine, y hablamos de la nueva película...

—Bueno, Juan participó entre otras cosas en esta película porque... Mi personaje es un escritor y director: en mi escritorio, había una foto mía tomada por la mamá de mi hija, mi exmujer. Una foto preciosa que Juan intervino: quedó un cuadrito precioso, que por suerte me lo regalaron. Y que después Pedro me lo dedicó con un mensaje: “Yo, Juan Gatti y Warhol te queremos”,

Bueno, ¿qué decirte de filmar con Almodóvar? Puro agradecimiento. Para mí fue un sueño cumplido trabajar con Pedro y que, además, me haya vuelto a llamar. Por un lado, es cumplir un deseo brutal y, al mismo tiempo, trabajar con él es realmente una gran exigencia, porque es un director con las cosas tremendamente claras. Y te pide cosas milimétricas como actor. Está buenísimo y realmente es un gran aprendizaje trabajar con él. Mañana [N. de la R: se refiere a la noche del miércoles) me viene a ver al teatro...

—El título de la película (Amarga Navidad) me hace pensar... Últimamente, la verdad, las películas de Almodóvar me parecen muy tristes. El título lo es ¿Va por ahí?

—El título está basado justamente en una canción de Chavela Vargas. Y aparece en un momento como de quiebre muy importante dentro de la película. Yo sentí que era un guion con una búsqueda, como él dice, en relación a lo que quiere experimentar en este momento de su vida a través de la autoficción, a lo Carrère. Son historias donde él construye una ficción sobre sí mismo, sobre sus temas, sus asuntos, sus angustias. Entonces, mucho tiene que ver con esa especie de relación entre la realidad y la ficción: cómo el arte puede contar las propias vidas. Y no solo la propia, sino también las vidas de la gente que a uno lo rodea. Qué es más importante, ¿no? La vida propia, la vida de tu amor, la vida de tu amistad. Es una especie de hipótesis que la película maneja. Como dice Pedro, es un intento superdesafiante y además complejo, de contar y de transmitir. No es una historia lineal (tampoco sé hasta qué punto puedo adelantar tanto, no me quiero exceder). Pero lo interesante, me parece, es que él busca poner en el tablero este juego entre la ficción y la realidad. Algo que, cómo dice, le ha interesado siempre: una especie de ficción dentro de la realidad, que también es una ficción. Un juego de muñecas rusas, una cosa dentro de la otra. ¿Qué más te puedo decir? Él es realmente un tipo genial y me siento muy agradecido, y muy privilegiado de haberlo conocido y de haber hecho ya, ni más ni menos, que dos películas con él.

La entrevista concluye con algunos comentarios sobre su vida cotidiana en Madrid, con un par de días de descanso y con la presencia constante de amigos argentinos y españoles a quienes ver en Madrid. También sobre la distancia de su casa temporal hasta el teatro: “cuatro estaciones de metro, aunque casi siempre me vuelvo caminando para bajar un poco...”, cuenta. Y finalmente, algo que reveló el mismo día de este diálogo, entrevistado en un programa matutino de Radio Nacional de España. “Me he hecho varias fotos desde la boca del metro con el fondo del cartel de mi cara en los pastizales que retrató Sergio Parra”, contó en el programa Las mañanas de RNE. Justamente, una de esa imágenes cedidas gentilmente a Infobae Cultura, ilustra esta nota.

[Fotos: archivo personal L.S.; Sergio Parra]

“Él te pide algo tan preciso, tan preciso y algo que él quiere... Es un genio. O sea, realmente creo que es un genio total, eh. Y claro, él quiere ver esa pincelada que él sueña y que él necesita. Entonces, claro, no le puedes dar otra”, señaló el intérprete en el podcast español La Script, dedicado al cine y las series.

“Él no quiere otra, quiere esa. Entonces, claro, por momentos te sientes muy exigido y muy presionado. Bueno, ¿querías ser actor? Bueno, ahí tienes”, comentó, risueño. “Lo tienes que hacer, lo tienes que lograr. Tienes que tener esa especie de temple brutal”, se sinceró sobre el gran reto que toma al ser parte de un proyecto del creador de films como Todo sobre mi madre, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Hable con ella.

“Fue muy difícil. Nosotros los argentinos hacemos mucha terapia y mi terapeuta me dice: ‘Bueno, ¿que querías ser actor? Ahí tenés, ¿no?’“, compartió, entre carcajadas. ”Pedro te pide que hagas eso que es como casi pegar un salto mortal y pasar por el centro de una aguja, como de un ojal. Quizás tienes una oportunidad y tienes que en esa especie de pirueta mortal pasar por ahí“, comparó con gracia el ponerse a las órdenes del manchego.

El rodaje de Amarga Navidad, la nueva película de Pedro Almodóvar, comenzó en junio de este año entre Lanzarote y Madrid, según confirmó la productora El Deseo mediante un comunicado de prensa. Este proyecto, que cuenta con la participación de Warner y Movistar Plus+ para su estreno previsto en 2026, reúne un reparto encabezado por Leonardo Sbaraglia, Bárbara Lennie, Victoria Luengo y Patrick Criado.

La filmación llegó un año después de que el director recibió el León de Oro por La habitación de al lado, y reúne nuevamente a intérpretes que ya han trabajado con el director en anteriores producciones. Bárbara Lennie participó previamente en La piel que habito y La habitación de al lado; Victoria Luengo también intervino en la última cinta galardonada, mientras que Leonardo Sbaraglia fue parte de Dolor y Gloria. Patrick Criado se suma ahora por primera vez al elenco de un filme de Almodóvar y completan el reparto nombres como Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón y Quim Gutiérrez, este último debutando bajo la dirección del realizador.

En cuanto a la trama, la película relata la historia de Elsa, una directora de publicidad que, tras el fallecimiento de su madre durante un largo puente de diciembre, opta por refugiarse en el trabajo. “Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso”, informaron sobre el argumento de la película. Durante esa pausa, Elsa viaja a Lanzarote acompañada de su amiga Patricia, mientras su pareja, Bonifacio, permanece en Madrid y se convierte en un apoyo fundamental en este difícil proceso.

El guión intercala la vivencia de estos personajes con la del guionista y director de cine Raúl Durán, lo que, según el comunicado de El Deseo, “entremezcla ficción y realidad, porque Amarga Navidad desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones”, reflejando así el núcleo temático de la película.

En el comienzo de la primavera, el barrio de Palermo fue la locación de un acontecimiento que combinó moda, arte culinario y encuentros culturales en un mismo espacio. Se trató nada menos que de la inauguración oficial de Casa DEVRÉ, ubicada en Honduras 4801.

La iniciativa reunió a exclusivas celebridades argentinas, quienes visitaron este espacio y disfrutaron de una noche especial, que se destacó por ofrecer al público una experiencia sensorial.

Más que una tienda, el nuevo local de DEVRÉ se presenta como un punto de encuentro donde diseño, arquitectura y moda conviven de manera natural. La marca de indumentaria apunta a generar un espacio de pertenencia, abierto a la comunidad y pensado para valorar el estilo con autenticidad.

Un viaje a Italia desde el corazón porteño

Durante la velada, uno de los momentos más destacados fue la Master Class de pizza a cargo de Donato De Santis. Con anécdotas, técnicas y secretos de la cocina italiana, el reconocido chef logró transportar a los invitados hacia los sabores del Mediterráneo.

A la experiencia culinaria se sumó la participación de Leonardo Sbaraglia, embajador de DEVRÉ. Con su estilo cercano y versátil, el actor compartió la jornada y aportó un toque de complicidad que reforzó la esencia del encuentro.

Una comunidad reunida alrededor de la experiencia

Además de los anfitriones, participaron reconocidos referentes de la cultura y el espectáculo. Entre ellos se destacaron Esteban Lamothe, Felipe Colombo, Claudia Fontán, Chino Leunis, Emily Lucius, Noelia Marzol y Ramiro Arias.

La diversidad de figuras presentes evidenció el carácter transversal de la propuesta. Artistas, actores y comunicadores coincidieron en un mismo lugar para reafirmar la intención de que Casa DEVRÉ se convirtiera en un punto de encuentro abierto a múltiples expresiones.

Por otra parte, la puesta en escena se diseñó para transmitir cercanía y generar un clima relajado, donde cada detalle reforzó la idea de integración entre moda y estilo de vida.

La colección que marcó el inicio de temporada

En paralelo a la inauguración, la firma presentó su colección Verano 25.26, con una mirada fresca y contemporánea sobre el vestir masculino. El acento está puesto en las texturas y en la incorporación de tejidos livianos que acompañaron las altas temperaturas.

Remeras, chombas, camisacos y bombers en gamuzas livianas se sumaron a propuestas en hilados de punto especialmente pensados para la temporada. La paleta combina neutros claros como blancos rotos, grises suaves y celestes con tonos más saturados que siguieron las tendencias internacionales.

Como novedad, aparecieron los sets coordinados, que invitan a experimentar con camisas, camisacos, bermudas y pantalones. De esta manera, la marca busca aportar un aire relajado, pero sofisticado. A su vez, los accesorios completan los looks con versatilidad y la impronta urbana.

La sastrería, sello característico de la marca, también se adaptó al verano. Sacos y ambos se reinterpretaron en telas ligeras y colores luminosos que recorren desde arenas y beiges hasta los clásicos azules profundos.

Un concepto que trascendió la moda

Con Casa DEVRÉ, la marca pretende reafirmar su filosofía de acompañar al hombre contemporáneo en distintos momentos de su vida. Bajo el concepto LIFE WEAR, la propuesta integra estilo, funcionalidad y confort. Siempre, con una mirada accesible y actual.

Asimismo, la apertura del nuevo espacio en Palermo representó una apuesta por la innovación en la experiencia de compra. El evento se propuso vivir un recorrido donde el asesoramiento personalizado y el entorno arquitectónico reflejaron la identidad de la firma.

Al combinar moda, gastronomía y cultura, el evento #FATTOINCASA simbolizó la visión de un proyecto que apuesta a crear comunidad y generar vínculos más allá de la industria de la moda.

La inauguración de Casa DEVRÉ en Palermo significa el inicio de una etapa en la que el vestir se concibe como parte de una experiencia integral. La noche en Honduras 4801 reflejó una filosofía que une tradición y modernidad.

Netflix Latinoamérica sigue apostando por las ficciones de calidad, sobre todo en lo que se refiere a las adaptaciones, que nos llevan desde Cien años de soledad, a Pedro Páramo pasando por la reciente Las muertas.

Las maldiciones es una de esas propuestas que explora, sin concesiones, los mecanismos de manipulación, cinismo y doble moral que atraviesan la política argentina y sus repercusiones en el ámbito familiar.

La miniserie, dirigida por Daniel Burman y Martín Hodara, y protagonizada por Leonardo Sbaraglia y Gustavo Bassani, se basa en la novela homónima de Claudia Piñeiro publicada en 2017, aunque introduce cambios sustanciales respecto al texto original.

Con una estructura dividida en tres actos —“La ley” (35 minutos), “Normal” (43 minutos) y “La maldición” (48 minutos)—, la obra suma un total de 126 minutos de duración, lo que la sitúa en el límite entre una miniserie breve y un largometraje extenso.

Desde el viernes 12 de septiembre, la producción está disponible en la plataforma de streaming, tras haber tenido su estreno mundial en la sección Gala Presentations del Festival de Toronto.

De qué va ‘Las maldiciones’

La narrativa se despliega en un contexto político ficticio, donde Fernando Rovira (interpretado por Sbaraglia), ex juez federal y actual gobernador de una provincia del norte argentino, enfrenta la inminente votación de una Ley de Aguas.

Esta legislación, de ser aprobada, podría bloquear inversiones extranjeras millonarias en la explotación de litio. Aunque Rovira se opone a la ley, su partido, Pragma, ha otorgado libertad de acción a sus legisladores, lo que obliga al gobernador y a su círculo de operadores a negociar con la oposición para evitar que el oficialismo quede expuesto como contrario al medio ambiente.

La trama política se entrelaza con una compleja red de relaciones familiares y personales. La verdadera propietaria de las tierras en disputa es Irene (Alejandra Flechner), madre de Rovira y figura dominante en la sombra, cuya frialdad queda patente en su advertencia a su hijo: “no me tiemblan las manos para arreglar tus cagadas”. Este vínculo materno-filial añade una capa de tensión y poder que trasciende la esfera pública.

El relato se inicia con el secuestro de Zoe (Francesca Varela), hija de Rovira, a manos de Román Sabaté (Bassani). El desarrollo posterior revela que Zoe es, en realidad, hija biológica de Román, resultado de un acuerdo poco convencional: ante la imposibilidad de Fernando y su esposa Lucrecia (Monna Antonópulos) de concebir (él es impotente), solicitan a Román, colaborador cercano, que engendre un hijo con Lucrecia. Tras una inicial negativa y un proceso de dudas, Román accede, lo que expone las dos dimensiones morales que atraviesan la serie: la familiar, marcada por la intimidad y la ambigüedad de los lazos de sangre y de hecho, y la política, donde el cinismo y la violencia se manifiestan sin disimulo.

Adaptación de la novela de Claudia Piñeiro

La adaptación de Daniel Burman y su equipo de guionistas (Natacha Caravia, Martín Hodara, Andrés Gelos y Pablo Gelós) opta por eliminar casi por completo la faceta esotérica presente en la novela de Piñeiro, y traslada la acción desde la provincia de Buenos Aires a una región no identificada del norte argentino.

Además, el protagonista pasa de ser padre de un varón (Joaquín) en el libro a tener una hija en la serie, lo que modifica la dinámica familiar y los conflictos internos.

En el plano técnico, la miniserie destaca por su impecable factura visual, gracias al trabajo de los directores de fotografía Rodrigo Pulpeiro y Javier Juliá, y por una ambientación que oscila entre el thriller político, el drama familiar y una estética de western, especialmente visible en los escenarios áridos y los duelos finales.

La música de Hernán Segret y Nico Cota, junto con la edición de Eliane D. Katz y Andrea Kleinman, refuerzan la atmósfera tensa y opresiva que domina la narración.

El desarrollo de la historia, que transcurre entre un viernes y un lunes, utiliza el segundo capítulo como un extenso flashback que profundiza en los orígenes de los personajes y sus motivaciones.

La figura de Rovira se presenta como un exponente del poder manipulador y la hipocresía, mientras que su madre Irene encarna la verdadera maldad, secundada por personajes como Alberto Capardi (Osmar Núñez). En contraste, Román Sabaté aparece como el personaje más humano, sensible y vulnerable, aunque igualmente implicado en las negociaciones más oscuras, sobre quien se afirma: “nada peor que un resentido con información”.

Las maldiciones se consolida como un relato potente y eficaz sobre las prácticas más cuestionables de la política argentina y la contaminación ética que se extiende desde el poder hacia el conjunto de la sociedad, en un contexto donde la confianza en la moralidad de los líderes parece completamente erosionada.

Cansados de la vieja política. Así decían estar los protagonistas de Las maldiciones, la novela que Claudia Piñeiro publicó en 2017 y que traía un argumento que cada tanto vuelve. Un hombre “cansado-de-la-vieja-política” que se propone redirigir los destinos de sus conciudadanos. Y que se apoya en un asesor de extrema confianza, experto en marketing. ¿Suena conocido? Suena a muchas cosas, no hay que olvidar la fecha: salió en 2017. Y algo central: las maldiciones del título tienen que ver con la Provincia de Buenos Aires.

Entonces era empresario- se acercaba a Mauricio Macri. Piñeiro decía que no, que era ficción, que en todo caso su personaje -Fernando Rovira- le recordaba a otro empresario-político. El partido, en la ficción, se llama Pragma.

El punto es que en esa novela -que este viernes se estrena como miniserie en Netflix- el proyecto era dividir en dos ese enorme distrito electoral que es la provincia y gobernar una parte. Pero debe tener en cuenta la maldición que dice que quien estuvo al frente de esa Provincia nunca llegará al Sillón de Rivadavia. Esto es lo que le cuentan a una periodista de ficción dos personajes llamados Ricardo Alfonsín y Eduardo Duhalde, a quienes Piñeiro entrevistó en la realidad. Una maldición que hizo una bruja, “la Tolosana”, le dicen.

Escribe Piñeiro,habla uno de los personajes, la China Sureda: “No tenía más que el tema: la imposibilidad real e histórica para cualquiera que haya sido gobernador de la provincia de Buenos Aires de llegar a ser presidente de la República Argentina”.

Alguien dirá que se trata de la vieja antena de Claudia Piñeiro para captar la realidad, que justo la serie se estrena a días de que Buenos Aires cobrara una especial relevancia política. Sin embargo, quienes no sepan nada del libro no advertirán lo oportuno del estreno: en la serie -que dirige Daniel Burman y protagonizan Leonardo Sbaraglia, Gustavo Bassani, Alejandra Flechner y Monna Antonópulos- la acción transcurre en una provincia del norte argentino.

Anota la China Sureda en Las maldiciones: “La versión conspirativa dice que [la bruja] fue contratada por el presidente de la Nación, Julio Argentino Roca, en feroz interna con el gobernador bonaerense, Juan José Dardo Rocha, para que lo maldijera”.

Y aclara la autora en el comienzo del libro: " Los personajes de Las maldiciones sólo existen en la ficción. Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia. Ni el escritor más talentoso podría superar la imaginación de algunos asesores de imagen y jefes de campaña".

Piñeiro decía, en su momento, que había escrito esta novela como una añoranza, justamente, de una política menos pragmática y más cargada de ideología. Y que había pensado en esto cuando vio a su pareja llorar frente a un discurso de Raúl Alfonsín. Su pareja, hay que decirlo, es Ricardo Gil Lavedra, que fue el fiscal más joven del Juicio a las Juntas, secretario del Interior con Alfonsín, ministro de Justicia con De la Rúa: un radical.

En la novela, el político va a contratar a un chico joven, Román, como secretario y le va a pedir una de esas cosas que no se le piden a nadie y que tienen que ver con su vida privada. También para eso va a consultar a su equipo de asesores.

“La relación entre la política y la literatura es absoluta. Y a los políticos hoy alguien les construye el personaje también, ¿no? Pero se los construye desde el marketing", decía Piñeiro en 2017.

“Añoramos la ideología”, decía en ese momento. ¿Qué pasó, cómo cambiaron las cosas desde entonces? Piñeiro habló de esto con Infobae.

-¿Qué cambió entre el momento de la escritura del libro y éste? Entonces muchos lo leyeron como la “nueva política” que, se entendía, encarnaba el macrismo...

-Bueno, creo que cambió mucho el país desde cuando escribí la novela. Entonces, habían aparecido ciertos políticos que venían más del mundo empresarial, pero nada que ver con el estilo del actual presidente. Me refiero más a Mauricio Macri o a Francisco De Narváez, que claramente venían del mundo de los empresarios y armaban sus partidos políticos. Y escribí en ese contexto. Sobre todo, teniendo en cuenta esto de la maldición, ahora se pierde en la serie, pero que tiene que ver con que ningún gobernador de la provincia de Buenos Aires llegó a ser presidente de la República.

-¿Qué pensaste sobre eso? ¿Y cómo lo vinculás al presente, cuando el gobernador suena para candidato a presidente?

-En ese momento la gobernadora era María Eugenia Vidal, con lo cual podía ser que la maldición se rompiera porque era una mujer y no un varón, pero no se rompió y ahora nuevamente estamos en un escenario en el cual parecería que el gobernador de la provincia de Buenos Aires podría ser presidenciable así que también estamos en un momento muy distinto con respecto a la presidencia y en un momento en el que nuevamente hay una posibilidad de romper la maldición del cine veremos que sí se ve.

-Tu personaje tiene temas personales importantes. ¿Cuánto se cruza lo personal en las decisiones políticas? Las frustraciones, los rechazos... u otras circunstancias?

-A algunos políticos se les cruza mucho y a otros se les cruza menos, pero yo creo que naturalmente debes tender a que se te crucen y si tenés alma de estadista lo podés solucionar.

-¿Por ejemplo?

-Por ejemplo, yo entrevisté para un guion a las hijas de Alfonsín y ellas me contaban que, aunque la ley de divorcio se aprobó durante el gobierno de Alfonsín, él estaba absolutamente en contra del divorcio. Una de ellas me dijo que recién se pudo divorciar cuando el padre ya se había muerto, porque no se animaba a enfrentarlo con una situación así. ¿Y qué les decía? “En mi casa, en mi familia, el matrimonio es para toda la vida. Ahora, yo no voy a impedir que una persona que se quiera divorciar, se divorcie”. Entonces, eso es un estadista, alguien que no pone sus ideas personales por encima del bien común. Son pocos. En la Argentina, muy pocos.

-Sos de opinar y tomar posiciones, a veces difíciles. Venís de una familia con ideas políticas marcadas. ¿Cómo vivís eso hoy y cuánto se cruza con tu literatura?

-A mí me interesa mucho la política y me interesa mucho pensar cuestiones políticas, pero eso no quiere decir que me interese lo partidario, nunca pertenecí a un partido político. Los de un lado piensan que soy determinada cosa y los del otro piensan que soy determinada otra, simplemente porque critico cuando me parece que hay que criticar y apoyo cuando me parece que hay que apoyar, independientemente del partido político. Entonces, según lo que ven, te dicen: “ah, sos kuka” o “ah, sos antikuka”. Yo no tengo un partido con el cual me referencie totalmente, me gustan algunas cosas de algunos, me gustan otras de otros, no me gustan cosas de algunos, no me gustan cosas de otros, pero sí me interesa la política, que la vida de todos nosotros mejore haciendo política, creo en la política. Me da pena que haya tanta gente hoy que no cree en la política, pero bueno, son los tiempos. Y yo trato de que no se cruce con la literatura en cuanto a que los personajes tienen que tener su propia vida, que tienen que ser independientes del autor. Ahora, elegís contar una historia y no otra; hay millones de historias que uno puede contar y por algo elige contar una y ahí yo creo que es como inevitable en esa elección decir: “bueno, lo elijo quizás por cuestiones muy personales y sí, ahí se cruza la política, pero vuelvo a decir otra vez: tiene más que ver con intereses y no tiene nada que ver con lo partidario.

La tensión se dispara en el norte argentino cuando, en plena votación de una ley clave sobre la explotación del litio, la hija del gobernador desaparece. El responsable del secuestro no es un enemigo externo, sino su propio hombre de confianza, y el trasfondo de este acto revela una conspiración que se remonta trece años atrás.

Las maldiciones, la nueva miniserie de Netflix producida en Argentina, explora los límites del poder, la identidad y los lazos familiares a través de un thriller político de alto voltaje. El estreno global está programado para el 12 de septiembre, según informó la plataforma en un comunicado oficial.

La serie, basada en la novela homónima de Claudia Piñeiro y creada por Daniel Burman, se compone de tres episodios que sumergen al espectador en una atmósfera de suspenso psicológico y dilemas morales. La producción, a cargo de Oficina Burman y Cimarrón (ambas de The Mediapro Studio), se filmó en los paisajes áridos y vastos del norte argentino, un entorno que no solo aporta realismo visual, sino que también refuerza la tensión y la ambigüedad ética de la trama. El elenco principal lo integran Leonardo Sbaraglia, Gustavo Bassani, Alejandra Flechner, Monna Antonópulos y Francesca Varela.

La dirección recae en Daniel Burman y Martín Hodara, mientras que el guion fue desarrollado por Burman junto a Natacha Caravia, Martín Hodara, Andrés Gelos y Pablo Gelós. La narrativa se apoya en una estructura que combina el thriller político con elementos del western, aprovechando la geografía local para dotar a la serie de una identidad visual y temática distintiva. Según la información difundida por Netflix, la historia se adentra en las dinámicas familiares y las herencias, abordando el peso de las maldiciones que se transmiten de generación en generación y la dificultad de romper esos ciclos.

El argumento central se articula en torno al secuestro de la hija del gobernador, un hecho que ocurre mientras se define una legislación crucial para el futuro económico de la región. A medida que avanza la investigación, se revelan las verdaderas motivaciones del secuestrador y se expone una red de secretos que desafía la percepción de los personajes sobre el poder y la filiación. La serie plantea preguntas sobre la naturaleza de la lealtad, los límites del amor y la influencia de las raíces familiares en la construcción de la identidad.

El formato de miniserie, con solo tres capítulos, promete una experiencia intensa y concentrada, en la que cada episodio contribuye a desentrañar la compleja red de relaciones y traiciones que define la historia. Entre los datos destacados que ha compartido Netflix, sobresale la elección de un reparto de figuras reconocidas del cine y la televisión argentina, así como la apuesta por una adaptación fiel al espíritu de la novela original.

Las Maldiciones de Claudia Piñeiro se editó en 2017. Fue publicada por la editorial Alfaguara. Es una novela que explora el detrás de escena de la política argentina a través de la historia de Román Sabaté, un joven que comienza a trabajar como asistente de un carismático candidato político. A medida que Román se adentra en el círculo de poder, se enfrenta a situaciones éticamente ambiguas, secretos y tensiones que ponen a prueba sus valores.

La trama avanza mientras Sabaté debe tomar decisiones que impactan tanto en su vida personal como en el desarrollo político de su jefe. Piñeiro utiliza el relato para reflexionar sobre la corrupción, el abuso de poder y las consecuencias de sacrificar convicciones en pos del éxito político.

La serie se suma a la estrategia de Netflix de fortalecer su catálogo con producciones locales de alto impacto, buscando captar tanto al público argentino como internacional. La combinación de un guion sólido, dirección experimentada y un elenco de primer nivel posiciona a Las maldiciones como una de las apuestas más ambiciosas de la plataforma que se estrenará el 12 de septiembre.

Amarga Navidad tiene su estreno previsto en salas para 2026. El director español regresa a su idioma tras la incursión en el cine en inglés con The Room Next Door (La habitación de al lado), protagonizada por Julianne Moore y Tilda Swinton, obra con la que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia el año pasado.

El reparto de Amarga Navidad reúne a intérpretes que ya han trabajado bajo la dirección de Almodóvar. Bárbara Lennie participó en La piel que habito (2011), Leonardo Sbaraglia en Dolor y Gloria (2019), Victoria Luengo en La habitación de al lado (2024), mientras que Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit formaron parte de Madres Paralelas (2021).

Además, la presencia de la emblemática Rossy de Palma refuerza la continuidad del universo almodovariano. Por otro lado, Patrick Criado y Quim Gutiérrez se incorporan por primera vez a este entorno creativo, aunque Gutiérrez ya había colaborado en Mentiras pasajeras, una serie de la productora de la familia Almodóvar El Deseo.

La sinopsis adelantada describe a Elsa (Bárbara Lennie), una directora de publicidad que enfrenta la muerte de su madre durante un largo puente de diciembre. Incapaz de procesar el duelo, Elsa se sumerge en el trabajo como una forma de evasión, hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse y buscar un respiro. En ese momento, su pareja Bonifacio se convierte en un apoyo fundamental. Elsa decide entonces viajar a Lanzarote junto a su amiga Patricia, quien también necesita distanciarse de Madrid, mientras Bonifacio permanece en la ciudad.

La narrativa de Amarga Navidad alterna la historia de estos tres personajes con la de Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), un guionista y director de cine, entrelazando así los límites entre la ficción y la realidad. Así, la obra explora el duelo, la huida y la reconstrucción personal en un contexto donde la geografía y las emociones se entrelazan.

Con información de: EFE

[Fotos: El Deseo/EFE; Europa Press]

La última escena filmada en el rodaje de Amarga Navidad ha tenido un aire ceremonial cuando su director, Pedro Almodóvar, ha entregado ramos de flores a los principales miembros del elenco, gesto presenciado tanto en paisajes volcánicos de Lanzarote como en interiores madrileños. Entre abrazos y agradecimientos, la productora El Deseo anunciaba el fin de las grabaciones con un mensaje en redes sociales: “Terminó felizmente para todo el equipo el pasado día 12 de agosto en la isla canaria de Lanzarote. Gracias a todos y todas por el enorme esfuerzo y entrega durante este maravilloso e intenso viaje”.

Amarga Navidad viene a ser la vigésimocuarta película de Almodóvar. Un trabajo que ha conllevado varias semanas de trabajo en el set desde que se inició la producción el pasado mes de junio. Entre los obsequiados y obsequiadas con flores están Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez, así como otros colaboradores especiales: Rossy de Palma, Carmen Machi y Gloria Muñoz.

En un vídeo subido por la productora El Deseo, pueden verse diferentes imágenes en las que se recogen varios momentos que dan a entender lo vivido durante estos meses de trabajo, como el abrazo entre Machi y Almodóvar o las despedidas de cast en escenarios emblemáticos: desde las calles céntricas de Madrid hasta los exteriores del Matadero, pasando por los paisajes isleños.

Nuevos rostros y viejos conocidos

Amarga Navidad llegará a las salas de cine en 2026, consolidando el regreso del director al español tras el éxito internacional de La habitación de al lado, rodada en inglés y valedora del primer León de Oro (premio a la mejor película en el Festival de Venecia) de Almodóvar.

Muchos de los intérpretes participantes en la nueva película ya habían trabajado con el cineasta. Bárbara Lennie participó en La piel que habito en 2011, Sbaraglia en Dolor y Gloria, Luengo en el último largometraje internacional de Almodóvar y tanto Sánchez-Gijón como Milena Smit ya figuraron en Madres Paralelas. Por su parte, Patrick Criado y Gutiérrez se estrenan como chicos Almodóvar, si bien Gutiérrez había intervenido en la serie Mentiras pasajeras, producida por El Deseo. A lo largo de las imágenes de despedida, el reparto ha agradecido el gesto floral del director y ha celebrado el final de un rodaje descrito por la productora como “maravilloso e intenso”.

De qué va ‘Amarga Navidad’

La sinopsis ofrecida por la productora revela que Amarga Navidad sigue la historia de Elsa (Bárbara Lennie), una directora de publicidad que atraviesa el duelo por la muerte de su madre durante un largo puente de diciembre. En su intento por evadir el dolor, “trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso”, describe la sinopsis. La ayuda de su pareja, Bonifacio, se convierte en fundamental durante ese periodo crítico.

La narrativa se traslada de Madrid a Lanzarote, donde Elsa viaja junto a su amiga Patricia en busca de distancia y alivio, mientras Bonifacio permanece en la ciudad. Paralelamente, la trama introduce al personaje de Raúl Durán (Sbaraglia), un guionista y director de cine, que sirve para dar forma a una estructura en la película que hará difuminarse la línea entre la ficción y la realidad.

El trabajo de caracterización fue todo menos rutinario. No consistió en apenas pasar por el camarín y salir listo. El proceso duraba más de dos horas antes de encender las cámaras, con varias etapas que incluían desde lentes de contacto hasta la adaptación del color y la textura de la piel, consiguiendo que Sbaraglia se pareciera a Menem casi en cualquier ángulo de la toma. Este nivel de detalle fue decisivo para que la serie pudiera mostrar a un Menem reconocible, sobre todo para el público argentino.

La iniciativa de Sbaraglia de compartir estos momentos en redes sociales permitió ver la dedicación y el esfuerzo detrás de la transformación diaria. La producción apostó fuerte a que el parecido fuera total, y logró que esa apuesta jugara a favor del realismo de la biopic.

El trabajo de caracterización fue realizado por un equipo liderado por Marcos Cáceres y Loli Giménez. El ritual, como se vio en el reel, se iniciaba al rasurar completamente la cabeza y la cara de Sbaraglia, un paso fundamental para que todo lo que venía después se mantuviera en su lugar durante las largas jornadas de grabación. El siguiente paso era “borrar” el tono natural de su piel con productos especiales y, recién ahí, darle el color característico de la tez de Carlos Menem.

La perfección del trabajo dependía de detalles casi invisibles, como los lentes de contacto que modificaban el color de los ojos y un adhesivo específico en las comisuras externas que permitía bajar los párpados, dándole esa mirada tan particular al personaje. Para sumar autenticidad, no podían faltar las patillas y una peluca con formato cuidadosamente redondeado que hacía más ancho el rostro del actor, acompañadas por un peinado al milímetro.

Dentro del listado de artilugios estaba, además, un soporte en la nariz que lograba modificar el perfil y, probablemente, lo más singular del set: una prótesis especial que se colocaba dentro de la encía inferior, generando el famoso gesto labial de Menem. El maquillaje se completaba con líneas marcadas en la frente, surcos, ojeras bien medidas y una textura única en las manos, para que ni un plano cercano perdiera coherencia con el conjunto.

Según le contó el propio Sbaraglia a la agencia EFE sobre su interpretación, “siento realmente que entré dentro de él o él dentro mío”. Sobre la serie de seis capítulos, que dirigió Ariel Winograd y produjo Mariano Varela, explicó que “no le escapa a nada, no es light y se hace cargo de quiénes eran las personas que estaban en el poder en ese momento y de lo que fueron las heridas de esa Argentina”.

De acuerdo a lo que el propio Winograd le dijo a Infobae, la llegada de Leonardo Sbaraglia al rol de Menem se produjo “cuando estaba filmando la película “El gerente” con él, que era la segunda vez que trabajábamos juntos. Para ese momento estábamos avanzados con ‘Menem’ y pensando quién podría hacerlo. Siempre admiré a Leo, desde ‘Clave de sol’. Un día, filmando, le dije que me estaba sonando para el papel de Menem, le propuse la idea y Leo me dijo que sí entre una toma y otra. Una locura”. Pero además, lo que impresionó al director fue la inmersión que Sbaraglia logró para incorporar el papel: “Él tiene ese proceso de actuación, se mete en el personaje. Cuando filmábamos, y era momento de descansar para almorzar, comía como el personaje, no como Leo Sbaraglia. Así fue en toda la serie”.

El elenco, brillante, se completa en los roles principales con Griselda Siciliani (impecable) como Zulema Yoma, quien destacó su interpretación; Juan Minujín como el fotógrafo Olegario Salas; Marco Antonio Caponi como Silvio Ayala, una suerte de mano derecha de Menem; Guillermo Arengo como Ariel Silverman, el otro colaborador del ex presidente; Jorgelina Aruzzi como Amanda Salas, esposa del fotógrafo y modista; Alberto Ajaka como Emir Yoma, el hermano de Zulema; Agustín Sullivan como Carlos Menem Jr.; Cumelén Sanz como Zulemita Menem; Mónica Antonópulos como María Julia Alsogaray y Martín Campilongo como Domingo Cavallo.

El estreno en Amazon Prime Video el 9 de julio despertó preguntas que se disparan en este tipo de producciones: ¿Cuáles de estos rostros, frases y conflictos surgieron verdaderamente en la historia argentina, y cuáles solo en el set de rodaje?

Esa pregunta atraviesa toda la producción dirigida por Ariel Winograd, que mezcla archivos, escenografías y licencias dramáticas en un retrato anclado en la década de 1990 sobre el vértigo del poder.

Basta repasar los créditos para notar las dos zonas que la serie frecuenta: por un lado, la reconstrucción de los años turbulentos en torno a Carlos Saúl Menem; por otro, la invención necesaria para dotar de ritmo y sensibilidad a los episodios.

Dentro de la familia presidencial, la correspondencia entre elenco y la realidad es total: Leonardo Sbaraglia encarna a Carlos Saúl Menem, Griselda Siciliani a Zulema Yoma, Cumelén Sanz a Zulema María Eva (Zulemita) y Agustín Sullivan a Carlos Saúl Facundo. El episodio en el que Zulema Yoma y sus hijos son expulsados de la Quinta de Olivos, el 12 de junio de 1990, efectivamente ocurrió, y así lo recuerda la crónica y la propia Zulemita, quien compartió su asombro por la fidelidad de las actuaciones.

Entre los nombres que pueblan la televisión y los diarios de la época, la serie opta por el realismo: Martín Campilongo (Campi) interpreta a Domingo Cavallo, el omnipresente superministro de Economía; Monna Antonopulos traslada a la pantalla a María Julia Alsogaray, incluso recreando el episodio de la famosa foto vestida solo con un tapado de piel, aunque el fotógrafo que la retrata en la ficción no existió: en la vida real fue Osvaldo Dubini quien estuvo detrás de la lente y esa postal que cruzó generaciones.

Emir y Amira Yoma —hermanos de Zulema— aparecen bajo las pieles de Alberto Ajaka y Violeta Urtizberea. Osvaldo Djeredjian le da voz y gestos a Bernardo Neustadt, figura clave del periodismo político. Desde el lado radical, afectados por la recesión y la crisis social, el traspaso anticipado de mando a Carlos Menem se muestra en una escena tensa: Fernán Mirás es Raúl Alfonsín. Por su parte, el rol de Eduardo Duhalde queda en manos de Sebastián Almada.

Pero la serie no resiste únicamente con personajes sacados de la realidad. Su estructura depende también de las invenciones del guion: Juan Minujín, como Olegario Salas, interpreta a un fotógrafo ficticio cuya mirada recorre la historia y la narra, junto a su familia (Jorgelina Aruzzi como Amanda y Valentín Wein como Miguel). Marco Antonio Caponi (Gerónimo Ayala) y Guillermo Arengo (Silverman) componen también nombres inventados: son piezas que intentan transmitir el pulso y los dilemas del entorno presidencial, aunque su biografía pertenece a la dramaturgia.

El mundo alrededor de Menem se enriquece con otros personajes que contienen matices verídicos y licencias artísticas. Candela Vetrano interpreta a Victoria, una periodista de investigación diseñada a partir de figuras reales del periodismo, pero construida como ficción; lo mismo ocurre con Sandra, una vedette a la que da vida Virginia Gallardo, quien de todas maneras se inspira en episodios auténticos, como aquella célebre foto de Amalia Yuyito González sentada en las piernas del expresidente.

Así, el espectador camina por escenas en las que los nombres del poder —Menem, Cavallo, Alsogaray, Alfonsín, Neustadt, Duhalde, los Yoma— son historia documentada, y rostros como el de Olegario Salas, Gerónimo Ayala, Silverman, Victoria y Sandra representan la ficción, el eco y la licencia, el artificio de una época.

El guiño, que remite a una de las expresiones más recordadas del expresidente argentino, fue compartido por Zulemita en su cuenta oficial de X, donde posó abrazada al actor en un salón imponente con la bandera argentina de fondo. Con este gesto, la hija del exmandatario no solo se sumó al fenómeno mediático que rodea la ficción, sino que también aportó una dosis de humor y cercanía a la producción.

La serie, dirigida por Ariel Winograd, explora la vida de Carlos Menem y su círculo íntimo durante los dos períodos presidenciales que ejerció entre 1989 y 1999. La trama combina hechos reales con elementos dramáticos y reconstrucciones de época, lo que ha generado un intenso debate en redes sociales sobre la representación de personajes y acontecimientos históricos.

Leonardo Sbaraglia encarna al expresidente, mientras que Griselda Siciliani interpreta a Zulema Yoma. Desde su lanzamiento, la producción despertó tanto polémica como nostalgia, reavivando discusiones sobre una etapa clave de la política argentina. El posteo de Zulemita Menem no pasó inadvertido entre sus seguidores, quienes destacaron el humor y la naturalidad con la que se integró al furor generado por la serie. Muchos usuarios celebraron la manera en que la hija del exmandatario riojano validó públicamente la ficción, sumando una perspectiva familiar al relato.

La historia de Menem no solo revive episodios políticos y familiares, sino que también invita a nuevas generaciones a debatir sobre el legado y las controversias de una década fundamental en la historia reciente de Argentina.

El lanzamiento de la ficción, dirigida por Ariel Winograd y creada por Mariano Varela, llega tras la resolución de un conflicto judicial sobre los derechos de imagen del exmandatario, que finalmente permitió el estreno luego de que el juez civil Carlos Goggi confirmara que Menem había cedido esos derechos en vida.

La serie, que mezcla personajes reales y ficticios, explora el ascenso del entonces gobernador de La Rioja a la presidencia y se sumerge en los claroscuros de los años 90 en Argentina. El relato se articula en torno a una familia riojana, los Salas, interpretados por Juan Minujín (Olegario), Jorgelina Aruzzi (Amanda) y Valentín Wein (Miguel), cuya vida se entrelaza con el círculo íntimo del presidente.

Junto a ellos, el personaje ficticio de Gerónimo Ayala, encarnado por Marco Antonio Caponi, representa a los allegados de Menem y forma parte de su círculo de confianza.

En el elenco principal, Leonardo Sbaraglia da vida a Carlos Saúl Menem, mientras que Griselda Siciliani interpreta a Zulema Yoma y Cumelén Sanz a Zulema María Eva. Agustín Sullivan asume el papel de Carlos Saúl Facundo. En una entrevista, Zulemita Menem elogió la caracterización de sus padres en la ficción y relató el impacto que tuvo en su hijo menor: “Mi hijo menor tenía una conexión tremenda con su abuelo y cuando lo vio se impactó mucho, pensó que realmente lo estaba viendo a él”.

También destacó el trabajo de Griselda Siciliani en el rol de su madre. Entre los personajes históricos más destacados, Martín Campilongo (Campi) interpreta al superministro de Economía Domingo Cavallo, mientras que Mónica Antonópulos encarna a María Julia Alsogaray. Los hermanos de Zulema, Emir y Amira Yoma, están a cargo de Alberto Ajaka y Violeta Urtizberea. El periodista político Bernardo Neustadt, figura clave de la época, es interpretado por Osvaldo Djeredjian.

Además, dos dirigentes de peso de la década, Raúl Alfonsín y Eduardo Duhalde, son representados por Fernán Mirás y Sebastián Almada respectivamente.

La producción reconstruye una década marcada por la convertibilidad económica, los atentados a la Embajada de Israel y la AMIA, las tensiones familiares y el exhibicionismo propio de los 90. El eslogan de campaña de Menem, “Síganme, que no los voy a defraudar”, y su relación con la ciudadanía durante la campaña de 1989 también forman parte del retrato.

El universo de la serie se completa con personajes como Victoria, una periodista de investigación interpretada por Candela Vetrano, y Sandra, una vedette de la época a cargo de Virginia Gallardo. A lo largo de los capítulos, desfilan figuras que evocan amores, odios y controversias, sin dejar espacio para la indiferencia.

El estreno de la serie se produce tras varias polémicas que aumentaron la expectativa del público. La decisión judicial que destrabó el conflicto por los derechos de imagen involucró a los herederos del expresidente y permitió que la obra viera la luz. Menem, la serie promete abordar tanto los logros como los episodios más controvertidos y personales del exmandatario, en un retrato que abarca desde el poder político hasta la tragedia social.

La llegada de Leonardo Sbaraglia al rodaje de Menem implicó uno de los mayores desafíos profesionales de su carrera.

La serie de Prime Video, dirigida por Ariel Winograd, aborda la vida política y personal de Carlos Saúl Menem, presidente argentino entre 1989 y 1999, y explora los claroscuros del poder durante aquella década.

En diálogo con Página/12, Sbaraglia afirmó: “Para mí fue una experiencia top tres de aprendizaje y de dedicación en mi carrera. No sé si había trabajado tanto y había hecho tanta investigación para algún personaje alguna vez en mi vida… Y eso que ya estoy grandecito y tengo mi recorrido”.

De acuerdo al actor, el trabajo previo fue intenso y extendido. “Fue una apuesta full inmersiva, al 100 por ciento, lo di todo durante seis meses. Fueron tres meses prácticamente de preparación y desde marzo de 2023 hasta noviembre, estuve a full metido con eso”, agregó.

El abordaje del personaje, señala, requirió una metodología inédita en su trayectoria, pues ya había interpretado a Coppola y a un político cubano.

“Esto de pronto era como un montón, ¿no? Inconscientemente acepté la propuesta de hacer a Menem que me hizo Winograd, porque estábamos en el medio del entusiasmo de otro trabajo y de otra composición que venía saliendo bárbaro”.

Sobre el proceso de actuación, Leonardo Sbaraglia detalló a Página/12 que comenzó por la voz y la forma tan característica de hablar del expresidente, pero luego también hubo un esfuerzo físico:

“Después trabajé mucho su mirada, que también me parecía muy importante sujetar. Después fui entendiendo algo de su cuerpo, que sabía que era mucho más bajito que yo, entonces yo también me tenía que achicar”.

Y agregó: “Tenía una especie de curvatura en su columna, con el cuello hacia adelante que hacía que su voz saliera de una manera determinada, como una cosa medio nasal. Todo ese trabajo uno lo va alimentando a lo largo del rodaje, lo vas practicando, le vas queriendo dar verdad, darle organicidad”.

En otra entrevista con la agencia EFE, Leonardo Sbaraglia abordó el tono y la responsabilidad de la serie.

“Creo que la serie no le escapa a nada, no es light, y se hace cargo de quiénes eran las personas que estaban en el poder en ese momento y de lo que fueron las heridas de esa Argentina”, sostuvo.

“Siento realmente que entré adentro de él o él entró adentro mío”, añadió. “Yo nunca había hecho un trabajo tan completo para un personaje”.

La distancia con su opinión personal fue parte del proceso: “En su momento di mi opinión sobre él, pero acá me metí adentro del ser humano y traté de entenderlo y no juzgarlo. Es un personaje tremendamente variopinto”.

El reparto de Menem está encabezado por Leonardo Sbaraglia, quien logra una caracterización precisa del exmandatario tras someterse a dos horas y media diarias de maquillaje y peinado. Por su parte, Griselda Siciliani interpreta a Zulema Yoma, trabajando en su forma de hablar, modismos y entonaciones.

El primer episodio de la serie inicia con la muerte de Carlos Menem Jr. en un accidente de helicóptero, un hecho que marcó la historia reciente argentina. Zulema Yoma siempre sostuvo que se trató de un asesinato.

No todos los elementos de la serie tienen un correlato directo con la historia. Algunos personajes y situaciones fueron creados con fines narrativos o simbólicos.

El personaje de Sandra Silvestre, interpretado por Virginia Gallardo, es una vedette ficticia con la que Menem aparece en el episodio piloto.

Aunque se inspira en una foto real de Amalia Yuyito González sentada en las piernas del expresidente, no existe constancia de un romance ni de que ella haya sido su amante.

Entre personajes históricos y figuras inventadas, la ficción camina por una delgada línea entre el documento político y el drama familiar.

Pero, ¿qué tan real es lo que muestra la serie? ¿Qué hechos están documentados y cuáles fueron modificados por la narrativa? Y más aún, ¿por qué su estreno fue demorado por casi dos años? Repasamos los elementos clave de esta producción y distinguimos lo verdadero de lo ficcional.

Un estreno polémico

Desde su anuncio en 2023, Menem generó controversias. En medio de la disputa por la sucesión de bienes tras la muerte del expresidente en 2021, los abogados de Carlos Nair Menem solicitaron la suspensión del estreno, cuestionando la cesión de derechos para el uso de su imagen.

La serie, originalmente titulada Síganme, fue bloqueada judicialmente hasta que en mayo de 2025 los productores presentaron una autorización firmada por el propio Menem en 2020.

Según El País, el expresidente cedía de forma irrevocable el uso de su nombre imagen y testimonio. Dicho documento permitió levantar la medida cautelar y habilitar su lanzamiento global.

Hechos que ocurrieron (casi) tal como los muestra la serie

Pese al cartel de advertencia al inicio —“una ficción basada en hechos reales”—, varios de los momentos más llamativos de Menem están basados en la historia documentada.

1. Los Menemóviles: Carlos Menem recorrió el país durante su campaña presidencial en vehículos personalizados, conocidos como “Menemóviles”. No fueron uno ni dos: llegó a usar hasta un camión de basura refaccionado.

2. La asunción anticipada: Debido a la crisis económica que golpeaba a Raúl Alfonsín, el presidente dejó el poder antes de tiempo. Menem asumió el 8 de julio de 1989, dos días antes de la fecha prevista originalmente. La serie lo retrata como una carrera contrarreloj para consolidar apoyo.

3. El desalojo de Zulema Yoma: En uno de los episodios más dramáticos de la serie, Zulema Yoma y sus hijos son echados de la Quinta de Olivos. Este episodio fue real: ocurrió el 12 de junio de 1990, mientras Menem se encontraba en Italia por el Mundial. Según el portal OHLALÁ!, “mediante la firma de un decreto, habría dejado todo listo”, lo que derivó en la ruptura definitiva del matrimonio.

4. La relación con Seineldín: La ficción sugiere una amistad entre Zulema Yoma y el militar Mohamed Alí Seineldín, líder del levantamiento carapintada. Esta relación existió: ambos pertenecían a la comunidad árabe, y ella lo visitó en prisión. “Incluso se dice que Menem sospechaba que Zulema y Seineldín eran más que amigos”, según el mismo portal.

5. Las “brujas” de Menem: En la serie aparece una consejera esotérica. En la realidad, Menem tenía varias. La más conocida fue Azucena Agüero Blanch, quien le daba “miles de consejos” sin que él hiciera preguntas. También lo asesoraban la astróloga Hilda Evelia Romanelli y otras figuras del mundo místico.

6. La foto de María Julia Alsogaray: La icónica imagen de María Julia Alsogaray cubierta solo con un tapado de piel también se muestra en la serie. Pero el personaje que toma la foto en la ficción no existió. En la realidad, el autor fue Osvaldo Dubini. La imagen fue publicada en la revista Noticias en 1990 y se volvió un símbolo del menemismo.

7. La denuncia de Zulema por la muerte de su hijo: El primer episodio arranca con una escena que marcó la historia reciente: la muerte de Carlos Menem Jr. en un accidente de helicóptero. Zulema Yoma siempre sostuvo que fue un asesinato.

Lo que fue inventado o alterado

No todo en la serie tiene un correlato histórico directo. Algunas situaciones y personajes fueron creados con fines narrativos o simbólicos.

1. Sandra Silvestre, la vedette: El personaje de Virginia Gallardo, una vedette con la que Menem es visto en el episodio piloto, es ficticio.

Aunque se inspira en un hecho real —una foto de Amalia “Yuyito” González sentada en las piernas del expresidente—, no hay constancia de que existiera un romance ni que ella haya sido una amante. González lo calificó como “un mito que la persigue”.

2. Olegario Salas, el fotógrafo: Interpretado por Juan Minujín, es un personaje completamente ficticio que cumple el rol de narrador. Su historia junto a Amanda (Jorgelina Aruzzi), una costurera riojana, refleja cómo el menemismo atravesó la vida de muchos argentinos sin poder ni influencia directa.

3. Asesores inventados: Los personajes de Gerónimo Ayala (Marco Antonio Caponi) y Silverman (Guillermo Arengo) también son ficcionales, aunque están inspirados en arquetipos reales del poder. Arengo, por ejemplo, define a su personaje como “un judío neurótico, porteño, amigo de tipos que estaban locos, pero él no tanto”.

El reparto de Menem está liderado por Leonardo Sbaraglia, quien alcanza una caracterización perfecta del exmandatario tras pasar dos horas y media diarias en proceso de maquillaje y peinado.

Lo acompaña Griselda Siciliani en el rol de Zulema Yoma. La actriz trabajó en su forma de hablar, modismos y entonaciones.

Menem no pretende ser un documental. En palabras de Minujín a Los Andes, “incluso los personajes históricos lo son [ficcionales], porque al reconstruirlos se mezcla la investigación con la mirada actual sobre los años noventa”.

Los seis episodios de la serie están disponibles en Prime Video.

Menem, la serie, ya llegó a Prime Video luego de mucha espera. El lanzamiento coincide con el Día de la Independencia de Argentina, una fecha cargada de simbolismo para el estreno de una producción que ha generado controversia y expectativa a partes iguales. La plataforma decidió presentar finalmente esta ficción que explora la vida y el legado de Carlos Saúl Menem, uno de los presidentes más discutidos de la historia reciente del país sudamericano.

La serie, también conocida durante su desarrollo como Síganme, está protagonizada por Leonardo Sbaraglia en el papel de Menem y Griselda Siciliani como Zulema Yoma, la exesposa del dirigente riojano. El elenco se completa con figuras como Juan Minujín, Jorgelina Aruzzi, Marco Antonio Caponi, Violeta Urtizberea y Campi (como Domingo Cavallo), quienes dan vida a una narrativa que alterna episodios de alto impacto político con momentos personales e íntimos del exmandatario.

El guion recorre los principales hitos de la trayectoria de Menem, desde sus humildes orígenes en La Rioja hasta su llegada a la presidencia en 1989. La historia abarca sus campañas políticas, decisiones económicas, escándalos institucionales y tragedias personales y nacionales. Entre los momentos clave que aborda la serie se encuentran los atentados a la embajada de Israel en 1992 y a la sede de la AMIA en 1994, dos hechos que marcaron a la sociedad argentina y cuyos efectos aún se sienten. La producción también reconstruye el ascenso al poder de Menem, con consignas de campaña como “Si nadie me conoce, nadie me va a votar” y la célebre frase “Síganme, que no los voy a defraudar”.

La productora contaba además con la autorización de Zulemita Menem, quien sí colaboró con el desarrollo del proyecto y reconoció que algunas escenas la conmovieron profundamente.

La figura de Carlos Menem sigue generando debate en Argentina. Su mandato, que se extendió entre 1989 y 1999, estuvo marcado por reformas económicas de corte liberal, privatizaciones masivas, la convertibilidad monetaria, escándalos de corrupción, tensiones diplomáticas y decisiones judiciales polémicas. Su perfil político desafió las etiquetas tradicionales, oscilando entre el peronismo clásico, alianzas con sectores conservadores y un acercamiento estratégico a Estados Unidos.

La serie fue filmada entre junio y agosto de 2023 en locaciones de Buenos Aires y La Rioja, con el objetivo de recrear fielmente la atmósfera de los años 90. La ficción va a generar muchas expectativas y otras tantas controversias, anticipando un retrato que busca equilibrar el análisis político con la dimensión humana del personaje. Según la producción, el objetivo no es tomar partido, sino mostrar los hechos y humanizarlos, ofreciendo una mirada íntima y política sobre un período decisivo para el país.

Ariel Winograd, conocido por películas como El robo del siglo y Mamá se fue de viaje, lidera la dirección de esta ambiciosa producción. Según detalló Prime Video, Winograd insistió en realizar una narración equilibrada que no evitará los aspectos más controvertidos de la vida de Menem, explorando las dinámicas familiares, las alianzas políticas y los momentos de crisis que definieron su gestión.

Quién fue Carlos Saúl Menem

Carlos Menem, nacido en 1930 en Anillaco, La Rioja, fue gobernador de su provincia antes de asumir la presidencia de Argentina en 1989. Su mandato estuvo marcado por éxitos y controversias, así como por tragedias personales, como la muerte de su hijo Carlitos en un accidente de helicóptero. La serie busca capturar estos momentos y ofrecer una visión completa de un líder que dejó una marca en la historia del país.

Menem aspira a convertirse en uno de los lanzamientos más relevantes del año en Prime Video, al proponer una revisión de los años 90 en Argentina a través de la vida de un presidente que fue amado y odiado en partes iguales.

El proyecto, que ya despertó una gran expectativa e incluso estuvo rodeado de controversias judiciales, pretende retratar tanto los momentos de esplendor como las tragedias personales y las polémicas que marcaron la vida del líder político.

En las últimas horas, la señal difundió a través de sus redes sociales el trailer oficial de la serie, que se destaca por su tono dramático y su minuciosidad en la reconstrucción histórica. La ficción, creada y producida por Mariano Varela, se centra en los episodios más relevantes de la vida de Menem, que incluyen desde su ascenso al poder hasta las profundas transformaciones económicas y sociales que definieron su mandato.

El avance comienza con una de las escenas más emblemáticas de la campaña presidencial de 1989: el futuro presidente recorriendo el país casa por casa, en un intento de establecer un vínculo directo con los votantes, mientras repite la frase: “Si nadie me conoce, nadie me va a votar”. Esta estrategia de cercanía resultó fundamental para consolidar su imagen y su candidatura.

El trailer también resalta otro de los momentos más recordados de aquella campaña: el eslogan que se convertiría en un símbolo de la época, “Síganme, que no los voy a defraudar”. Esta consigna, repetida incansablemente, se transformó en una promesa que marcó el tono de su presidencia y quedó grabada en la memoria colectiva de los argentinos.

El elenco de la serie constituye otro de sus grandes atractivos. Griselda Siciliani interpreta a Zulema Yoma, la esposa de Menem, mientras que actores como Juan Minujín, Marco Antonio Caponi, Agustín Sullivan, Cumelén Sanz, Guillermo Arengo y Campi completan el reparto, dando vida a figuras clave del entorno del expresidente.

Martín Campilongo, conocido como Campi, se pone en la piel del recordado ministro de Economía Domingo Cavallo. En diálogo con Infobae, el humorista describió su papel: “Como actor no puedo prejuzgar a mis personajes, no los puedo juzgar, yo los tengo que hacer. Tuve la posibilidad de conocer a Cavallo en los 90 por una nota que le hice en Videomatch. Y ahora tuve la posibilidad de encontrármelo para estudiarlo. Pero no quise hacer ese trabajo porque ya pasó mucho tiempo y yo tenía que hacer el Cavallo de los 90 y preferí hacer aquel al que no le habían pasado todavía tantos años. Es decir, preferí quedarme con aquella imagen del Cavallo de los 90″.

La presencia de intérpretes reconocidos en el cine y la televisión argentina refuerza las expectativas de que la serie se convertirá en uno de los grandes éxitos de la plataforma digital.

El lanzamiento del trailer coincidió con la resolución judicial que habilitó el estreno de la serie. El juez civil Carlos Goggi firmó la autorización luego de haber suspendido previamente el estreno, a la espera de conocer los detalles sobre la cesión de derechos de imagen. Este aspecto podría incidir en la sucesión de bienes que disputan los hijos del exmandatario, quien falleció en 2021, tras haber asumido la Presidencia de la Nación en dos oportunidades, en 1989 y 1995.

Según informaron fuentes judiciales a Infobae, la productora responsable de la serie presentó ante la Justicia el contrato mediante el cual el propio Menem cedió gratuitamente el uso de su imagen. En su resolución, el juez Goggi afirmó que “la transmisión de los derechos para el desarrollo de la citada producción audiovisual habría sido realizada inter vivos por el propio causante (Carlos Menem), incluso gratuitamente” y que esto “excluiría, por lo menos en principio, que dichos derechos formen parte del acervo hereditario”. Esta documentación resultó clave para destrabar el conflicto legal que había puesto en pausa el estreno.

El rodaje de la nueva película de Pedro Almodóvar se desarrolla entre Madrid y Lanzarote, lugares que el cineasta ya ha explorado en anteriores trabajos, y en esta ocasión, el director vuelve a apostar por un reparto coral y femenino, recuperando el tono de sus primeras obras. La producción de Amarga Navidad ya está en marcha y su estreno en cines está previsto para 2026.

La cinta, producida por El Deseo en colaboración con Movistar Plus+, será distribuida por Warner Bros. Pictures Spain. De acuerdo con Fotogramas, el rodaje finalizará el 12 de agosto de 2025, y la película llegará a las salas el año siguiente. El elenco principal incluye a Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez. Varios de estos intérpretes ya han trabajado previamente con Almodóvar, como Lennie en “La piel que habito”, Smit y Sánchez-Gijón en “Madres paralelas”, y Luengo en “La habitación de al lado”. Sbaraglia, por su parte, repite tras su participación en “Dolor y gloria”, mientras que Criado y Gutiérrez debutan en el universo del director.

El título de la película, Amarga Navidad, hace referencia a la canción homónima interpretada por Chavela Vargas, cuya voz ha acompañado a Almodóvar en títulos como “Kika”, “Carne trémula”, “La flor de mi secreto” y “Julieta”. Además, el nombre coincide con uno de los relatos incluidos en el libro “El último sueño” del propio cineasta. La historia se centra en Elsa, una directora de publicidad que enfrenta la muerte de su madre durante un largo puente de diciembre. Incapaz de procesar el duelo, Elsa se sumerge en el trabajo hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse y buscar descanso.

La sinopsis oficial, difundida por Movistar Plus+, describe cómo Elsa encuentra apoyo en su pareja, Bonifacio, y decide viajar a Lanzarote junto a su amiga Patricia, quien también necesita alejarse de Madrid. Bonifacio permanece en la ciudad, mientras la trama explora las vivencias de estos personajes y las entrelaza con la historia de Raúl Durán, un guionista y director de cine. La película propone una reflexión sobre la relación entre la vida y la ficción, mostrando cómo ambas se entrelazan de manera inseparable y, en ocasiones, dolorosa.

El rodaje de Amarga Navidad marca el regreso de Pedro Almodóvar al cine en español tras su incursión en el idioma inglés con “La habitación de al lado”, película que le valió el León de Oro en el Festival de Venecia. En declaraciones recogidas por Fotogramas, el cineasta había anticipado: “La próxima película será en España y en español”, reafirmando su preferencia por el sistema de producción de El Deseo frente al modelo de Hollywood.

La película también explora la figura de Raúl Durán, guionista y director de cine, cuya historia se narra en paralelo a la de Elsa y sus allegados.

La elección de Lanzarote como uno de los escenarios principales remite a la relación de Almodóvar con la isla, donde ya rodó parte de “Los abrazos rotos”. La ambientación en Madrid y Lanzarote refuerza el carácter dual de la historia, que transcurre entre la ciudad y el aislamiento insular.

La estructura narrativa de Amarga Navidad alterna entre la historia de Elsa y la de Raúl Durán, explorando la frontera entre la realidad y la ficción. Este enfoque permite a Almodóvar profundizar en la relación entre la experiencia personal y la creación artística, un tema recurrente en su filmografía.

La expectativa en torno a Amarga Navidad crece a medida que avanzan los trabajos de producción. La película promete ofrecer un retrato íntimo y coral, en la línea de las obras más reconocidas de Pedro Almodóvar, y consolidar su legado en el cine español.

El argentino Leonardo Sbaraglia y las españolas Bárbara Lennie y Aitana Sánchez-Gijón protagonizan la nueva película de Pedro Almodóvar, Amarga Navidad, que se ha empezado a rodar entre Madrid y Lanzarote (España) para su estreno en 2026, informó este martes la productora El Deseo.

Los españoles Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez completan el reparto protagonista de este largometraje del director, el vigésimo cuarto de su carrera, en el que vuelve al español tras rodar en inglés La habitación de al lado, con Julianne Moore y Tilda Swinton, en 2024.

Los principales intérpretes de esta película ya han trabajado antes con Almodóvar. En el caso del argentino Leonardo Sbaraglia,tuvo un papel en Dolor y Gloria (2019).

Bárbara Lennie repite como ‘chica Almodóvar’ tras La piel que habito (2011). Hace unas horas Agustín Almodóvar compartió en sus redes una foto de la actriz junto a su hermano.

Victoria Luengo trabajó en La habitación de al lado (2024). Por su parte, Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit se pusieron a las órdenes del director español en Madres Paralelas (2021).

Se estrenan en este universo Patrick Criado (que coincidió con Luengo en Antidisturbios) y Quim Gutiérrez, aunque este último trabajó en Mentiras pasajeras, una serie producida por El Deseo, empresa de los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar.

La nueva película desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones. Según la sinopsis, Elsa (Bárbara Lennie) es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente festivo del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante.

Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis.

Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad.

La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, (Leonardo Sbaraglia), entremezclando ficción y realidad.

“Siempre me ha interesado la relación de la ficción y la vida. Por fin he conseguido que sea una parte orgánica de la trama” dice Sbaraglia, que da vida al personaje del cineasta mientras escribe a máquina en la escena en vídeo proporcionada a los medios.

También aparecen otras imágenes que aparentemente representan un casting, una escena en la que Lennie lee un libro y otra de Patrick Criado con lo que parece un casco de bombero.

Fuente: EFE

Pedro Almodóvar ha iniciado el rodaje de 'Amarga Navidad', su nuevo trabajo tras 'La Habitación de al lado', que llegará a los cines en 2026 y que está protagonizado por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez.

La película se ha empezado a rodar entre Madrid y Lanzarote y está producida por El Deseo, tal y como ha anunciado este martes la propia productora. El largometraje llegará a los cines de la mano de Warner Bros, Pictures Spain, y cuenta con la colaboración de Movistar Plus+.

En este nuevo filme, Almodóvar narra la historia de Elsa, una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Según la sinopsis, Elsa encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna.

Hasta que una crisis de pánico le obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad.

La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, entremezclando ficción y realidad. Porque 'Amarga Navidad' desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones.

La relación se habría consolidado recientemente, al punto de que Sbaraglia ya la presentó ante su familia. Actualmente, la pareja se encontraría en Europa, disfrutando de su vínculo lejos del ojo mediático, pero previamente ya habían realizado al menos un viaje juntos al exterior.

Quién es Rebeca, la mujer que conquistó a Leonardo Sbaraglia

El nuevo interés romántico del actor, según contó Pepe Ochoa, es una joven que trabaja en la industria del entretenimiento y habría conocido a Sbaraglia mientras él se encontraba en una grabación.

De acuerdo con lo revelado por el panelista en LAM, el actor quedó cautivado por Rebeca durante el rodaje y comenzó a acercarse hasta conquistarla. “Es una chica que labura en producción. Es argentina y se conocieron mientras él estaba grabando. La termina conquistando y hace 15 días que él se la presentó a toda su familia”, detalló en el ciclo de Ángel de Brito.

A pesar de la diferencia de edad entre ambos —Sbaraglia tiene 54 años y Rebeca acaba de cumplir 28—, la relación parecería estar en un momento de plenitud. La pareja decidió dar un paso más en la relación al oficializar su vínculo dentro de su círculo íntimo, manteniendo, por el momento, un bajo perfil en redes y apariciones públicas.

Un actor de perfil bajo en lo sentimental

Sbaraglia construyó una carrera sólida tanto en Argentina como en el exterior, pero su vida privada siempre se mantuvo lejos de los escándalos mediáticos. A lo largo de los años, fue vinculado sentimentalmente con figuras del espectáculo, como Cecilia Dopazo, Guadalupe Marin y María Campos, aunque nunca dio detalles sobre esas relaciones.

El presente de Sbaraglia: proyectos y nuevos desafíos

Mientras su vida amorosa acapara la atención, Sbaraglia sigue en un gran momento profesional. Recientemente, el actor se sumó al elenco de “Síganme!”, la serie biográfica sobre Carlos Menem producida por Prime Video. En este proyecto, interpreta al expresidente argentino, un rol que le demandó una transformación tanto física como gestual.

Sobre su preparación para el personaje, el actor detalló: “Llegó a ser presidente casi tres veces y para estar a la altura tuve que aprender un montón de cosas, que me han costado bajarlas al cuerpo e incorporarlas en la serie de forma no verbal. Desde miradas hasta formas de hablar, junto con palabras que él solía utilizar”.

En comunicación con Infobae el actor dijo explicó que trabajó en ajustar su interpretación para alejarse de una representación caricaturesca y ofrecer un retrato más realista del político en los años 90. La serie, es un drama de ficción basado en hechos reales que busca capturar tanto los momentos de gloria como las controversias y tragedias personales que definieron la vida del líder político.

Con una carrera consolidada en el cine, el teatro y la televisión, Sbaraglia sigue demostrando su versatilidad actoral y su capacidad para asumir desafíos complejos. Ahora, en el ámbito personal, parece estar apostando también a una nueva historia de amor.

Por el momento, el actor no se pronunció públicamente sobre su relación con Rebeca Ricosta, pero el tiempo dirá si esta nueva pareja decide oficializar su romance ante el público o si seguirá en la línea de la discreción que siempre lo caracterizó.

Carlos Saúl Menem, una de las figuras más emblemáticas y controvertidas de la política argentina, será el centro de una nueva serie dramática que se estrenará en Prime Video a principios de 2025. La producción, dirigida por Ariel Winograd, promete ofrecer una mirada profunda y compleja a la vida del expresidente, desde sus orígenes en La Rioja hasta su ascenso al poder, y los eventos que marcaron su mandato en los años 90.

Hoy salieron a la luz las imágenes de Campi en la piel de Domingo Felipe Cavallo, quien fue el ministro de Economía de Menem durante los años 90 y el artífice del Plan de Convertivilidad.

En comunicación con Infobae el actor dijo explicó que trabajó en ajustar su interpretación para alejarse de una representación caricaturesca y ofrecer un retrato más realista del político en los años 90.

La serie, es un drama de ficción basado en hechos reales que busca capturar tanto los momentos de gloria como las controversias y tragedias personales que definieron la vida del líder político. Según detalló Prime Video, la trama se centrará en la historia de una familia riojana cuya vida queda entrelazada con el círculo íntimo del entonces presidente. A través de esta narrativa, se abordarán temas como el poder, las tensiones políticas y las transformaciones sociales y económicas que marcaron una década crucial en la historia argentina.

-Cavallo generó amores y odios de igual manera, ¿cómo hiciste para djar en un cajón tu percepción para darle vida al ministro?

- Yo como actor no puedo prejuzgar a mis personajes, no los puedo juzgar, yo los tengo que hacer. Tuve la posibilidad de conocer a Cavallo en los 90 por una nota que le hice en Videomatch. Y ahora tuve la posibilidad de encontrármelo para estudiarlo. Pero no quise hacer ese trabajo porque ya pasó mucho tiempo y yo tenía que hacer el Cavallo de los 90 y preferí hacer aquel a que no le había pasado todavía tantos años. Es decir, preferí quedarme con aquella imagen del del caballo de los 90.

Campi también dió una definición personal sobre el ministro y dijo: “Yo calculo y espero que fue bien intencionado y trató de hacer las cosas bien. Pero bueno, la historia nos cuenta lo que nos cuenta”, concluyó el actor.

El elenco de la serie incluye a figuras destacadas del cine y la televisión argentina. Leonardo Sbaraglia interpreta a Carlos Menem, mientras que Griselda Siciliani da vida a Zulema Yoma, su esposa. Otros actores de renombre como Juan Minujín, Marco Antonio Caponi, Agustín Sullivan, Cumelén Sanz, Jorgelina Aruzzi, Violeta Urtizberea y Campi, completan el reparto, representando a personajes clave del entorno político y familiar del expresidente.

La dirección de la serie está a cargo de Ariel Winograd, conocido por éxitos como El Robo del Siglo y El Gerente. Winograd ha prometido una narración equilibrada que no esquivará los aspectos más controvertidos de la vida de Menem, incluyendo las dinámicas familiares, las alianzas políticas y los momentos de crisis que definieron su gestión. Además, comparte créditos en la dirección con Fernando Alcalde, quien ha trabajado en producciones como Argentina, 1985 y El Secreto de sus ojos.

El guion de la serie fue desarrollado por un equipo de escritores de renombre, entre ellos Mariana Levy, Federico Levín, Luciana Porchietto, Silvina Olschansky y Guillermo Salmerón, quienes han participado en proyectos como Maradona: Sueño Bendito y El Marginal. La producción estuvo a cargo de Claxson y Yulgok Media, con un exhaustivo trabajo de investigación para garantizar la precisión histórica y ofrecer una representación fiel de los eventos que marcaron la vida de Menem.

El primer adelanto de la serie, lanzado recientemente por Prime Video, incluye una frase icónica pronunciada por Sbaraglia en su papel de Menem: “Esas naves espaciales van a salir de la atmósfera. Se van a remontar a la estratosfera y desde ahí, elegir el lugar a donde ir”. Esta línea evoca uno de los discursos más recordados del expresidente y refleja el enfoque dramático y detallado de la producción.

La serie contará con ocho episodios y estará disponible en más de 240 países y territorios. Según destacó Camila Misas, responsable del equipo de Originales para Argentina, Chile y Colombia en Prime Video, esta producción es un ejemplo del compromiso de la plataforma por destacar historias locales que reflejen la riqueza cultural e histórica de cada territorio. “Estamos dedicados a mostrar la riqueza de los guionistas, directores y actores latinoamericanos al mundo, y Argentina es un gran ejemplo de un territorio en donde los estándares de producción de alta calidad y un gran enfoque en la narración nos dan películas y series increíbles”, afirmó Misas.

Quién fue Carlos Menem

Carlos Menem, nacido en 1930 en Anillaco, La Rioja, fue gobernador de su provincia antes de asumir la presidencia de Argentina en 1989. Su mandato, que se extendió hasta 1999, estuvo marcado por profundas transformaciones económicas, como la implementación de la convertibilidad, así como por tragedias personales, como la muerte de su hijo Carlitos en un accidente de helicóptero. La serie busca capturar estos momentos y ofrecer una visión completa de un líder que dejó una huella indeleble en la historia del país.

Con un elenco destacado, una dirección experimentada y un guion cuidadosamente elaborado, Menem se perfila como uno de los estrenos más esperados del próximo año. La producción no solo promete revivir un período crucial de la historia argentina, sino también generar debates sobre el legado de una figura que sigue despertando opiniones divididas.

Prime Video lanzó recientemente el primer tráiler de esta producción, que destaca por su enfoque dramático y su atención al detalle histórico. La serie, creada y producida por Mariano Varela, se centra en los eventos más significativos de la vida de Menem, incluyendo su llegada al poder y las transformaciones económicas y sociales que marcaron su mandato. El tráiler incluye una frase memorable pronunciada por Sbaraglia en su papel de Menem: “Esas naves espaciales van a salir de la atmósfera. Se van a remontar a la estratosfera y desde ahí, elegir el lugar a donde ir”, evocando uno de los discursos más emblemáticos del expresidente.

El elenco de la serie es otro de sus puntos fuertes. Griselda Siciliani interpreta a Zulema Yoma, la esposa de Menem, mientras que actores como Juan Minujín, Marco Antonio Caponi, Agustín Sullivan, Cumelén Sanz, Guillermo Arengo y Campi completan el reparto, representando a figuras clave del entorno del expresidente. Esta selección de actores de renombre en el cine y la televisión argentina refuerza las expectativas de que la serie será un éxito en la plataforma de streaming.

Ariel Winograd, conocido por películas como El robo del siglo y Mamá se fue de viaje, lidera la dirección de esta ambiciosa producción. Según detalló Prime Video, Winograd ha prometido una narración equilibrada que no evitará los aspectos más controvertidos de la vida de Menem, explorando las dinámicas familiares, las alianzas políticas y los momentos de crisis que definieron su gestión. Aunque aún no se ha confirmado una fecha exacta de estreno, se espera que la serie esté disponible a principios de 2025.

La serie sobre Carlos Menem se suma a la tendencia de producciones que exploran la vida de figuras emblemáticas de la política y el entretenimiento. Estas series no solo generan interés por sus historias, sino que también reavivan debates sobre los legados de sus protagonistas. En este caso, la serie promete ser una oportunidad para reflexionar sobre un período crucial de la historia argentina, abordando temas como el poder, la controversia política y la tragedia social.

Leonardo Sbaraglia, en declaraciones a Infobae, ha expresado que interpretar a Menem es uno de los retos más grandes de su carrera. El actor ha trabajado intensamente para capturar la esencia del expresidente, estudiando su acento y su manera de ser. Sbaraglia ha destacado la importancia de entender a Menem más allá de la caricatura política, señalando que la serie se distingue por su enfoque en el poder, pero también por su incorporación del humor.

La serie, que contará con ocho episodios, ha sido escrita por un equipo de guionistas que incluye a Mariana Levy, Federico Levín, Luciana Porchietto, Silvina Olschansky y Guillermo Salmerón. Laproducción ha contado con un exhaustivo trabajo de investigación para asegurar la precisión histórica y ofrecer una representación fiel de los eventos que marcaron la vida de Menem.

Quién fue Carlos Saúl Menem

Carlos Menem, nacido en 1930 en Anillaco, La Rioja, fue gobernador de su provincia antes de asumir la presidencia de Argentina en 1989. Su mandato estuvo marcado por éxitos y controversias, así como por tragedias personales, como la muerte de su hijo Carlitos en un accidente de helicóptero. La serie busca capturar estos momentos y ofrecer una visión completa de un líder que dejó una huella indeleble en la historia del país.

Con el respaldo de Prime Video y un equipo de producción de primer nivel, la serie sobre Carlos Menem se perfila como uno de los estrenos más esperados del próximo año. La combinación de un elenco destacado, una dirección experimentada y un guion cuidadosamente elaborado promete ofrecer una experiencia televisiva que capturará la atención tanto del público argentino como internacional.

La inauguración oficial de este sitio tuvo lugar el miércoles 4 de diciembre, en un cóctel exclusivo que reunió a figuras destacadas como Pampita, La China Suárez, Esteban Lamothe, Nicole Neumann, Marta Fort, Leonardo Sbaraglia, Paloma Herrera, Analia Maiorana y Flor Torrente, entre otras.

Los asistentes disfrutaron de una serie de performances artísticas y un impactante mapping que realzó la belleza histórica del edificio. Inspirado en la tradición europea, este nuevo sector es un refugio de calma y estilo, en un entorno histórico y sofisticado.

Experiencias sensoriales y marcas exclusivas

Quienes deseen visitar este espacio son recibidos por un ambiente cuidadosamente diseñado para despertar los sentidos. Aromas envolventes, música ambiente y un diseño visual imponente preparan el escenario para una experiencia completa.

Cabe destacar que forman parte de esta propuesta diez tiendas de reconocidas marcas nacionales e internacionales, como Furla, Liu Jo, AKIABARA, Édition Privée, Portsaid, Paruolo, Jackie Smith y Bath & Body. “Queríamos que La Place reflejara el espíritu cosmopolita de Buenos Aires, ofreciendo marcas que combinan calidad y estilo”, explicaron desde Galerías Pacífico.

Gastronomía que cautiva

La oferta culinaria es otro de los pilares de este nuevo espacio. Dos propuestas se destacan por su refinamiento: Amaretti Restaurante, con una barra especializada en alta cocina mediterránea, y Maison Dorée, que ofrece platos exquisitos junto con una selección de tés y croissants que evocan las mejores casas parisinas.

“La idea es que nuestros clientes encuentren un lugar donde la gastronomía sea una experiencia, no solo un servicio”, comentó el chef de Amaretti. Además, el rincón floral de Coqué aporta frescura y naturaleza al entorno, sumando un toque de vida y color al espacio.

Un epicentro para la cultura y los negocios

Más allá del lujo y la gastronomía, La Place está diseñado para ser un punto de encuentro. Con la capacidad de albergar eventos exclusivos como desfiles, exposiciones de arte y happy hours, el espacio busca posicionarse como un referente cultural y social en la ciudad.

“La visión detrás de La Place es ir más allá de lo comercial; queremos ser un espacio donde sucedan cosas que enriquezcan a nuestros visitantes”, explicaron desde Galerías Pacífico.

Historia y modernidad

La Place cobra vida dentro de un edificio emblemático de 1889, declarado Monumento Histórico Nacional, y cuya arquitectura remite a la icónica Galleria Vittorio Emanuele II de Milán. Las líneas modernas y la luminosidad natural se combinan con la riqueza histórica del lugar, para ofrecer un entorno que destaca por su doble altura y techos vidriados.

Este diseño permite la entrada de luz natural, a la vez que evoca las plazas europeas, convirtiéndose en un espacio de conexión entre el exterior y el interior. “Este nuevo sector no solo resalta la elegancia del edificio, sino que también transforma la experiencia de compra y ocio en Buenos Aires”, destacó uno de los arquitectos del proyecto.

Si bien está ubicado en un punto estratégico del centro porteño, La Place invita a los visitantes a desconectarse del ruido de la ciudad para disfrutar de un ambiente que equilibra tradición y modernidad.

Proyección y expansión

Con la apertura de La Place, Galerías Pacífico invita a disfrutar de una experiencia de compras y gastronomía de excelencia. Se trata de una nueva forma de vivir el lujo: a través de experiencias que combinan historia, diseño y sofisticación en cada detalle.

Para quienes buscan redescubrir la ciudad con una mirada fresca, este espacio es un punto de encuentro donde el tiempo parece detenerse, dándole a cada visitante la oportunidad de conectarse con la belleza, la calma y el buen gusto en pleno centro porteño.

Un famoso de rostro desconocido. Un partenaire a la altura de las circunstancias. Algo así como un ladero digno de ser comparado con Sancho Panza, aunque en sus aventuras no había molinos de viento sino presunta vida alienígena. Los ojos de un país entero. El hombre que obedecía una instrucción inolvidable: “¡Seguime, Chango!”.

Todo eso fue Carlos “Chango” Torres, el camarógrafo que hizo equipo con José De Zer en los ochenta y los primeros noventa, y que murió hace ocho años. Sus crónicas televisivas llevaron a Nuevediario a una gloria equivalente a 45 puntos de rating a través de una especie de periodismo al que hacían a caminar por la cornisa entre la ficción y la realidad. Son sus aventuras las que dan vida a la película El hombre que amaba los platos voladores, protagonizada por Leonardo Sbaraglia y estrenada este viernes en Netflix.

Carlos había nacido en Claypole, en el partido de Almirante Brown, y había empezado a trabajar en el Canal 9 de Alejandro Romay cuando tenía nada más que 16 años. Lo primero que hizo fue cadetería, después se convirtió en ayudante de compaginación, más tarde en ayudante de archivista y, para seguir creciendo, fue ayudante de cámara. Cuando ya llevaba casi una década en el canal saltó del banco de ayudantes al equipo titular y se convirtió en camarógrafo. A principios de los 80 llegaría la dupla que cambiaría la historia de la televisión: “Chango” quedaría a cargo de la cámara en las notas de De Zer.

Por esos años, el periodista -que no había terminado el secundario pero crecía a fuerza de oficio y de contactos sólidos- pendulaba entre las crónicas policiales y las entrevistas con figuras del espectáculo. Detrás de cada uno de sus relatos estaba el “Chango”. Y detrás de cada una de sus ocurrencias, también.

La revolución empezó en una mesa de café en Villa Carlos Paz. De Zer y Torres cubrían una temporada teatral de verano en la que no pasaba nada resonante. José, que para esa altura ya había participado de las fuerzas israelíes durante la Guerra de los Seis Días y había sufrido el accidente automovilístico que lo volvió adicto a los calmantes, vio una noticia en un diario local que le llamó la atención: cerca del cerro Uritorco, en el cerro El Pajarillo, había aparecido una gran mancha sobre la tierra. Una especie de “huella quemada” a la que los medios zonales no le encontraban explicación.

“¿Y si vamos a ver?”, propuso De Zer en esa mesa de café. Ese, aunque ninguno de los dos los supiera, fue el primer “¡Seguime, Chango!” de todos los que vendrían. “Se decía en la nota que allí había aterrizado un plato volador y por eso estaba quemado todo el pasto. Entonces a José se le ocurrió ir a ver qué se podía hacer en ese lugar, y fuimos esa mañana”, le explicó hace algunos años el camarógrafo, fallecido en 2016, a la revista Sudestada.

Llegaron y planearon cómo trabajar: grabaron las primeras imágenes, investigaron a través del testimonio de los lugareños y De Zer “pensaba cómo darle un poco más de vida a la noticia”, recodaba el “Chango”. La solución apareció mirando para abajo: juntaron cascarudos de la ruta, secos y vacíos tras morir. “Tiramos los bichos sobre la mancha y en la nota nos sorprendíamos de lo secos que estaban. José decía ‘hay algo que les chupó la energía’ en la nota”, confesaba el camarógrafo, que recién reveló los secretos detrás de la construcción de sus crónicas tras la muerte de De Zer, ocurrida en 1997, cuando tenía apenas 56 años.

Así como ese viaje a la mancha de El Pajarillo fue el primer “¡seguime, Chango!” de todos, los cascarudos fueron la primera fake news de una dupla que recién había empezado a desplegar sus dotes a la hora de “construir” la noticia. Torres no era solo el camarógrafo, sino muchas veces el encargado de construir la escenografía que entre los dos habían ideado para sostener las crónicas que Nuevediario reproducía noche a noche, cada vez con más éxito.

“La mancha era real, pero todo lo demás era pura ficción”, le dijo el “Chango” a Página/12 en 2002. Al cuento de la energía “robada” a los cascarudos se sumó el testimonio de dudosa credibilidad de algunos lugareños, y las piedras pintadas con esmalte de uñas a las que De Zer, en su crónica, “vendió” como “jeroglíficos” encontrados en una cueva durante la búsqueda de vida extraterrestre en los cerros cordobeses.

De Zer y el “Chango” no lograban dar con señales irrefutables de esa vida alienígena, pero sí construían un camino de “pistas” posibles de esa presencia en nuestro país. No transmitían una noticia, sino la posibilidad de que esa noticia existiera y sus aventuras en busca de confirmarla.

A los señuelos que iban dejando para luego “descubrir” durante la grabación, se sumaba un efecto narrativo inolvidable: el jadeo de De Zer, que respiraba bien cerca del micrófono y que fumaba tres atados de cigarrillos diarios, era una manera de decir que aquello que estaban viviendo era excitante, movedizo, con el mismo potencial de generar miedo o euforia. De Zer se agitaba y avanzaba y el “Chango”, claro, lo seguía. Los televidentes, con la vista clavada en aquello que ese vecino de Claypole enfocaba para que ellos devoraran a la hora de la cena.

Juntos, Torres y De Zer montaron un supuesto campamento protagonizado por ellos en un cerro en el que, en realidad, acampaban unos baqueanos a los que el “Chango” enfocó de lejos para que nadie los reconociera. Para grabar luces “sospechadas de vida extraterrestre”, el “Chango” aprovechó una zona rural en la que la ruta atraviesa una cuesta: las luces de los autos sirvieron de “posibles naves”.

“Todo lo hacíamos con placer. Realmente nos fascinaba estar a medianoche en un pueblito, planificando el día después”, le dijo Torres a Página/12. Las crónicas paranormales, un plato fuerte en el menú De Zer - Torres, tuvieron posible vida alienígena, presuntos gnomos y péndulos que se movían solos. Una vez, en una de sus coberturas más famosas en las afueras de La Plata, la dupla tuvo que irse del lugar en un patrullero porque muchos de los que se habían sentido estafados por sus relatos sobre un pozo de “vida intraterrestre” que “absorbía gente” estaban dispuestos a lincharlos.

También se ocuparon de asuntos más “terrenales”, aunque sin perder su espectacularidad. Con consentimiento de la Gendarmería o de la Policía, y siempre según el “Chango”, la dupla logró que las fuerzas de seguridad reprodujeran para su cámara algún enfrentamiento con bandas narco o algún cruce durante los copamientos carapintadas. Sobre el motín de Monte Chingolo, “Chango” contó: “Me tuve que tapar con un muerto para que no me maten”.

José y Carlos nunca se dejaban solos. Construían ideas, guiones y escenografías juntos. Conseguían los recursos que sus historias precisaban. Cuando volaban balas, permanecían juntos para correr el mismo riesgo. Todos esos años de mirar la realidad con los ojos del rating bien alto los hizo entrañablemente cercanos. Después de que De Zer muriera, el “Chango” lo definió como “un ídolo”. Paula, la hija del cronista, definiría al camarógrafo como “un tío”.

Los dos fueron alejados de Canal 9 cuando fue vendido y se convirtió en Azul TV. El “Chango”, después de más de treinta años en la señal, fue despedido y se descolgó la cámara para siempre. Volvió a Claypole y abrió la agencia de remises que tuvo hasta el final, en la zona en la que los vecinos del barrio Don Orione en el que había nacido lo despidieron cariñosamente tras su muerte. De Zer hizo un arreglo económico y dejó la televisión. Murió poco después, deprimido y desorientado.

“En las notas nosotros nos mirábamos y no hacía falta hablar. Éramos casi la misma persona. Los dos sabíamos lo que teníamos que hacer, a veces no había ni diálogo porque se decía con la mirada. Hacíamos un muy buen equipo. Nos divertíamos mucho. Era muy sacrificado, pero nos divertíamos. No sé qué buscaba la gente con nuestras notas. Por ahí conocer, distraerse. Pero les gustaba a todos, porque vos caminabas por la calle y en todos lados escuchabas la música de Nuevediario”, dijo alguna vez el “Chango”. Y se sinceró: “En ciertos casos uno hacía cosas que cuando las pensás decís ‘está mal’. Pero nosotros nunca sentimos estar haciendo mal porque son historias que en realidad no hacen daño a nadie. Hacés ficción, igual que un mago”.

Se miraban y no hacía falta hablar. Y aún así, José le hablaba a Carlos. “¡Seguime, Chango!”, le decía. Y el truco de esos dos magos era que en realidad al que le estaban diciendo “seguinos” era a cada uno de esos televidentes que se apilaban como ladrillos en esos 45 puntos de rating de cada noche. Esos a los que De Zer y el “Chango” les hacían sentir que estaban a punto de ser testigos de algo increíble. Literalmente increíble.

La película sigue la historia de José de Zer, un periodista de espectáculos que, junto a su camarógrafo de confianza, “El Chango” (interpretado por Sergio Prina), se embarca en una misión para cubrir un supuesto fenómeno extraterrestre en la localidad de Capilla del Monte, en la Córdoba de los años 80. Lo que comenzó como una simple noticia termina por convertirse en un fenómeno mediático de grandes proporciones, cambiando para siempre la forma en que se narran los eventos paranormales en la televisión.

El mito de José de Zer y los ovnis

Leonardo Sbaraglia reveló en un comunicado emitido por Netflix cómo fue su acercamiento al personaje. “No conocía mucho de José de Zer, aunque lo había visto en los medios. Me llamó la atención su capacidad para fabular, su alma de actor. Era un hombre que, sin duda, sabía cómo crear magia en la televisión”, comentó el actor. Para preparar su rol, Sbaraglia tuvo que sumergirse en la mente del excéntrico periodista. “Vi muchas de sus cintas una y otra vez. Lo fascinante era que cada vez descubría algo nuevo en su manera de moverse, en su energía. José era un hombre que hacía sentir que todo era posible”.

Por su parte, el director Diego Lerman confesó que la idea de hacer esta película nació hace cinco años. “Yo suelo vacacionar en Córdoba y me fascinan las historias de extraterrestres que circulan por la zona. Recordé a José de Zer y comencé a investigar sobre él, su trabajo en televisión y su vida pública. Lo que más me interesó fue el fenómeno mediático que surgió de la nada en un lugar donde no había demasiado. José se encontró creando una ficción que se le escapó de las manos”, explica Lerman.

Una fábula sobre creencias y verdades a medias

El hombre que amaba los platos voladores no es simplemente una biografía de José de Zer; es una película que aborda un tema mucho más amplio: el poder de las creencias. “Esta película trata sobre las creencias humanas. Desde los ovnis hasta lo que no podemos ver ni tocar. La posverdad y las fake news son también un tema central. La pregunta es: ¿qué decide la gente creer, y desde dónde toma esa decisión?”, reflexiona Lerman.

A través de la lente de José de Zer, el film explora la delgada línea entre la verdad y la ficción. “José empezó como un escéptico cubriendo un evento que pensaba era puro humo, pero poco a poco comenzó a creer en su propia creación. Esto refleja el dilema de creer o reventar. Es una comedia dramática con elementos de ciencia ficción, pero sobre todo es una reflexión sobre la realidad y la ficción en los medios”, añade el director.

La transformación de Sbaraglia

El compromiso de Leonardo Sbaraglia con su personaje fue total. El actor se sumergió por completo en la transformación física y emocional de José de Zer. “Trabajamos mucho en su energía, su postura, su forma de hablar. Por momentos, parecía irreconocible”, cuenta Lerman. Además, destaca la relación entre José y Chango, su camarógrafo. “Hay algo del arquetipo de Don Quijote y Sancho Panza en ellos. José era el loco que iba al frente, mientras que Chango era el cable a tierra”.

La magia de los 80

La recreación de la época fue uno de los grandes retos de la producción. “Buscábamos locaciones que representaran a la Argentina de los 80, con esa estética que marcaba la televisión de la época”, comenta Lerman. Para lograrlo, el equipo de filmación se trasladó a La Carolina, un pueblo minero que parecía detenido en el tiempo. “Cuando vi ese lugar, supe que era ahí. Tuvimos que hacer ajustes en el guion, pero valió la pena”, admite el director.

El film también hace uso de tecnología ochentera, como la famosa cámara U-Matic, que era utilizada por los camarógrafos de esa época. “Era una pesadilla en el rodaje porque se rompía todo el tiempo, pero al mismo tiempo nos daba esa textura tan particular”, recuerda Lerman con una sonrisa.

El hombre que amaba los platos voladores, no solo rescata a una figura icónica de la televisión argentina como lo fue José de Zer, sino que también invita a una reflexión profunda sobre el poder de las creencias, el rol de los medios y los límites entre la verdad y la ficción. Con una narrativa que mezcla comedia, drama y ciencia ficción, la película logra captar la esencia de una época, reviviendo el fenómeno mediático de los 80 y llevándonos de la mano en un viaje hacia lo desconocido.

En este panorama, Sbaraglia compartió un video a través de su cuenta de Instagram, donde tiene más de 400 mil seguidores, y se mostró muy alegre bailando en un automóvil al ritmo de la canción “That’s The Way I Like It de KC & The Sunshine Band. “Acá con Nico Avruj yendo a la premiere mundial de la hermosa peli El hombre que amaba los platos voladores en competencia oficial en San Sebastián. Creo que nunca me sentí tan elegante”, escribió el actor que lució un impecable smoking.

Tal como se mencionó anteriormente, el filme cuenta la historia de José de Zer, un periodista argentino que alcanzó la fama en los años ochenta con sus participaciones en Nuevediario y que terminó convirtiéndose en una estrella popular gracias a un espacio donde se encargó de investigar (a su manera) una serie de ‘avistamientos’ de OVNIS en el Cerro Uritorco, en la provincia de Córdoba.

En diálogo con Infobae España, Leo expresó cómo se sintió al interpretar al periodista, que promete sumar a la lista de sus papeles más reconocidos. “Le estoy cogiendo el gusto a esto de las caracterizaciones. En los últimos tres años he sido el representante de Maradona, un director, el expresidente de Argentina y todas han sido buenísimas experiencias que, de alguna manera me han sacado de mi zona de confort”, contó.

“Siempre están bien los desafíos y, en este caso, implicaba una transformación. Es curioso porque con estos personajes he tenido más libertad de la que me esperaba. Los puedes investigar, analizar cómo se mueven, sus gestos, pero después también hay un espacio grande para el juego”, agregó el actor.

Uno de los temas que aborda la película es la invención de los circos mediáticos a través de la utilización de la mentira. Un asunto que resuena inevitablemente en nuestros días a través de las fake news. En este sentido, el director de la película expresó que “José de Zer fue un adelantado a su época, un visionario porque, de alguna manera, introdujo en la televisión argentina el concepto de la posverdad, la manipulación informativa que ha derivado en la crisis del periodismo”.

“Creo que, en ese aspecto, este hombre marcó un punto de inflexión para la sociedad argentina y estableció un dilema ético al pasar a televisar hechos un poco dudosos”, le comentó Lerman a este medio.

Para lograr una caracterización lo más acabada posible, el equipo encabezado por Sbaraglia, Lerman y el productor Nicolás Avruj visitó a Paula, la hija del periodista, para vivir de primera mano el universo mágico de de Zer. “Vimos fotos, videos y ropa de mi padre, para conocer sus gestos y averiguar diferentes aspectos de su vida. Porque el filme trata un poco de la vida laboral de mi padre y otro de la vida personal”, le contó Paula a Teleshow, además de elogiar al protagonista: “La caracterización de Leo me pareció maravillosa. Él se metió mucho en el personaje, consultó por sus gestos, los movimientos de las manos, cómo agarraba el micrófono, cómo se vestía, mandó copiar los sacones que usaba. Es una gran persona, se involucró muchísimo y eso me dio una enorme satisfacción”.

En las últimas horas, la película El hombre que amaba los platos voladores, dirigida por Diego Lerman, fue presentada en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, para cuyo evento se dieron cita en el lugar no sólo el realizador sino algunos de los actores que fueron parte de la cinta, como Leo Sbaraglia y Mónica Ayos. La actriz argentina, radiante como nunca, fue una de las estrellas indiscutibles del Festival. Ella, que supo construir una carrera con fuerza y decisión, llegó a España para el estreno del filme que evoca la televisión de los años ‘80 y resonó entre el público con una emotiva recepción que quedó marcada por un aplauso sostenido durante largos minutos.

En charla exclusiva con Teleshow, luego de la movilizante jornada, recordó que la propuesta para ser parte de esta cinta le llegó en un momento clave de su carrera. “Yo estaba en 2023 grabando en Televisa Vencer la Culpa, cuando recibí un llamado de Vero Souto para esta película, a través de mi representante en Argentina, Ale Vannelli. Hicimos un zoom con Vero y con (Diego) Lerman para conversar sobre el guión, lo leí y lo amé”.

Ayos no dudó ni un segundo en aceptar el papel: “En cuanto lo leí supe que lo haría. Me enamoré de la historia que navega por la televisión de los 80 con la mirada de Diego, que ya me parecía muy interesante. Haber elegido un personaje tan entrañable de aquella época fue un gran acierto”.

La película se sitúa en 1986 y narra cómo José de Zer, junto a su camarógrafo Carlos Chango Torres, emprenden un viaje hacia La Candelaria, Córdoba, tras recibir una propuesta extraña de dos personajes sospechosos. Al llegar, encuentran un pastizal quemado en medio de los cerros, pero lo que sigue es la creación audiovisual de una presencia alienígena, considerada la más recordada en la historia de la televisión argentina.

Según destacó el director del filme, que el próximo 18 de octubre llegará a Netflix, “al tomar como base estos sucesos me propuse crear una ficción lejanamente inspirada en aquellos personajes y acontecimientos. Esta película aborda el funcionamiento de la maquinaria de la creación de ficción, el inicio de las fake news, la vigencia del poder de los medios de comunicación para hacer creíble lo increíble, la locura mesiánica de un personaje que se siente “el elegido” y, por supuesto, los fenómenos paranormales”.

Para la actriz, la nostalgia de esos años fue un ancla emocional que la conectó profundamente con el proyecto: “En la época de José de Zer, yo era una niña, pero recuerdo perfectamente la muletilla ‘seguime chango’ y el noticiero Nuevediario, que paralizaba el país cuando José investigaba misterios del más allá. La peli es una locura hermosa”, relató emocionada.

El Festival de San Sebastián, que albergó algunas de las producciones más destacadas del cine internacional, se convirtió entonces en el escenario ideal para el debut de esta producción. “La gente amó la película, hubo un aplauso fuerte y cerrado durante largos minutos. Fue emocionante ver cuántas personas se conmovieron y lo expresivas que fueron. También fue hermoso reencontrarme con mis compañeros, con el director y con la producción”.

Ayos, quien ya había pisado alfombras rojas de renombre, como en el Festival de Valladolid por su participación en la película Tres de corazones –por la que fue nominada al Premio Cóndor de Plata– y el prestigioso Festival de Cannes, describió su experiencia en San Sebastián como “inolvidable”. “Realmente me ilusionó mucho venir”, expresó visiblemente conmovida.

La preparación para la alfombra roja, un momento crucial en cada evento de esta magnitud, fue otra experiencia que la intérprete disfrutó al máximo. Desde Miami, donde se encontraba antes de viajar a España, seleccionó un vestido negro de la diseñadora italiana que tiene su colección en la reconocida calle Lincoln Road, Thirty Nine. Por su parte, la jornada anterior también dejó su huella en la alfombra y, para esa oportunidad, se volcó por un vestido rojo de seda italiana de la diseñadora Marcella Acosta, también radicada en Miami. “Su colección es divina”, aseguró la actriz.

Sobre su trabajo en el filme, destacó la química que ya compartía con Leonardo Sbaraglia, con quien había trabajado previamente en una serie para Amazon: “Volvimos a hacer cine juntos y fue una experiencia muy genial. Leo no solo tiene una trayectoria maravillosa, sino que es un tremendo actor, que compone desde una pasión que desborda”.

A la vez, destacó que trabajar por primera vez con Diego Lerman fue un auténtico privilegio: “Él es de un talento superlativo a la hora de contar emociones. Tiene siempre muy claro el desarrollo de lo que busca en su cabeza. Fue un privilegio que me haya pensado para su película”.

Reflexionando sobre su carrera, se mostró satisfecha con el camino recorrido: “Sigo agradeciendo cada día por el privilegio de poder haber elegido a lo largo del tiempo todo lo que sí y todo lo que no para llegar hasta mi presente. Construí una carrera con anhelos y desafíos que superaban mi propia marca, y el hecho de haber podido saber por dónde van mis sueños, y escuchar mis deseos, es lo que hoy me sigue permitiendo disfrutar de cada nuevo logro. Me siento muy agradecida”.

Con su participación en El hombre que amó los platos voladores, Mónica Ayos reafirmó su lugar en el mundo del cine, y su paso por San Sebastián quedará en la memoria como una noche donde el talento, el arte y la emoción se encontraron en perfecta sintonía.

Pronto lo veremos encarnando a Carlos Menem, el controvertido presidente argentino, en una serie autobiográfica en la que también participan Juan Minujín y Griselda Siciliani y ahora se transfigura de El hombre que amaba los platos voladores, producción de Netflix dirigida por Diego Lerman que se ha presentado en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Qué cuenta ‘El hombre que amaba los platos voladores’

Se trata de la historia de José de Zer, un periodista argentino que alcanzó la fama en los años setenta y que terminó convirtiéndose en una estrella popular gracias a un espacio donde se encargó de investigar (a su manera) una serie de ‘avistamientos’ de OVNIS en el Cerro Uritorco, en la provincia de Córdoba.

“Le estoy cogiendo el gusto a esto de las caracterizaciones. En los últimos tres años he sido el representante de Maradona, un director, el ex presidente de Argentina y todas han sido buenísimas experiencias que, de alguna manera me han sacado de mi zona de confort”, cuenta el actor a Infobae España.

“Siempre están bien los desafíos y, en este caso, implicaba una transformación. Es curioso porque con estos personajes he tenido más libertad de la que me esperaba. Los puedes investigar, analizar cómo se mueven, sus gestos, pero después también hay un espacio grande para el juego”.

Reconoce que, en este caso, el cambio físico se encontraba implícito, no solo por el pelo canoso y repeinado que lleva el personaje. Cuenta Sbaraglia que en la época de máximo esplendor de José de Zer, él no estaba muy pendiente de su programa, pero sí recuerda que era una figura bizarra y un tanto esperpéntica que generaba una cierta fascinación. “Era un tipo llamativo”, cuenta. “Lo investigamos mucho y fuimos a todos sus medios a hablar con sus colegas. Era muy admirado, algunos los consideran un mito y eso era curioso de explorar”.

Uno de los temas que aborda la película es la invención de los circos mediáticos a través de la utilización de la mentira. Un asunto que resuena inevitablemente en nuestros días a través de las ‘fake news’.

Diego Lerman, el director de la película, cree que, en ese aspecto, José de Zer fue un adelantado a su época, un visionario porque, de alguna manera, introdujo en la televisión argentina el concepto de la posverdad, la manipulación informativa que ha derivado en la crisis del periodismo. “Creo que, en ese aspecto, este hombre marcó un punto de inflexión para la sociedad argentina y estableció un dilema ético al pasar a televisar hechos un poco dudosos”, ha comentado.

La crisis del cine argentino

La situación del cine argentino ha sido protagonista de la jornada porque, además del estreno internacional de El hombre que amaba los platos voladores, también ha tenido lugar un acto de apoyo a la industria del país que vive unos momentos delicados después de la ‘desmantelación’ del Instituto de Cinematografía (INCAA) por parte del gobierno de Javier Milei.

“Son importantes estos actos de apoyo, sobre todo por parte de un festival que históricamente siempre ha tendido lazos con el cine de mi país. Cuando el año pasado estuve presentando Puan, ya se vislumbraba la crisis y bueno, todo se cumplió. Ahora mismo, la realidad del cine argentino es una total incertidumbre. El apoyo estatal se ha suspendido y eso ha hundido la producción local. Entonces, no se están haciendo películas, solo un par que están autofinanciadas. Y esa es la realidad. Tenemos las plataformas, pero no todos los directores pueden acceder a ellas, ya que no todas las películas se insertan dentro del negocio del cine”.

“El cine también es identidad, es cultura, es arte. Y dentro del discurso populista, los recortes en educación, salud o ciencia, se encuentran alineados en el mismo sentido, para engañar a la gente diciendo que el cine le quita el pan de la boca a los pobres. Están situándonos en un terreno de conflicto cuando nosotros solo queremos hacer nuestro trabajo y representar a Argentina en el mundo, como lo hemos hecho durante tanto tiempo. Pero bueno, ha habido un cambio de timón radical y creo que todavía estamos un poco en shock, sin saber exactamente cómo reorganizar las nuevas coyunturas”, ha dicho el actor.

Hace un año que la mayor parte de la delegación argentina que participaba en la anterior edición del Festival de San Sebastián se concentró en las escaleras del Kursaal para manifestarse en contra de los recortes dentro de la industria del cine que el candidato a la presidencia, Javier Milei, iba a poner en marcha si ganaba las elecciones.

Los peores augurios se cumplieron y el ya presidente no tardó en tomar medidas y, entre otras cosas, desmantelar el Instituto de Cinematografía, el INCAA, dejando al cine de su país sin ningún tipo de ayudas públicas. Por eso, el certamen donostiarra ha decidido mostrar su apoyo a través de un acto de protesta en el que se han podido leer una serie de comunicados por parte de algunos de los equipos de las películas que este año se encuentran presentes en las diferentes secciones.

Una cinematografía en peligro

En ese sentido, la dramaturga Lola Arias se ha mostrado rotunda en el acto: “En esta edición hay 26 películas argentinas y, en la próxima, probablemente haya dos o ninguna”. En esos mismos términos hablaba Leonardo Sbaraglia para Infobae España sobre la situación del cine en su país.

“Las películas que se pueden ver este año estaban hechas antes de la hecatombe, ahora no se está rodando en Argentina, solo hay casos esporádicos que han conseguido una financiación privada”, contaba el intérprete, que precisamente ha presentado esta mañana en la Sección Oficial, El hombre que amaba los platos voladores, de Diego Lerman, una producción de Netflix.

Si antes las plataformas eran el enemigo, quizás ahora sean las únicas que puedan salvar el cine argentino, aunque eso, por ejemplo, genere muchas incertidumbres y suspicacias, como las que se planteaba Nahuel Pérez Biscayart también en conversación con Infobae España. “Está cambiando la lógica de la producción. Mi miedo es que si se deja la regulación al mercado, las cuatro grandes plataformas determinen el estado de la cuestión. Y eso impondría una determinada estética, un lenguaje en nombre del capitalismo”, decía el actor, que vino junto a Úrsula Corberó y el director Luis Ortega a la presentación de El Jockey, película que ha sido seleccionada para representar a Argentina en los Oscar.

“Pero los argentinos somos resilientes, y haremos lo que sea para salir adelante. Aunque a veces, si todo va muy a la contra, genera mucho esfuerzo, es agotador”, continuaba.

En el acto, que ha tenido de nuevo lugar en las escaleras del Kursaal, todos los presentes han sujetado una enorme bandera argentina y han catado La patria no se vende. El director del festival, José Luis Rebordinos, también ha sido contundente: “El Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos”.

Otros títulos que se pasarán por esta edición nos llevan de Los domingos mueren más personas, de Iair Said a El aroma del pasto recién cortado, de Celina Murga o La llegada del hijo, de Cecilia Atán y Valeria Pivato.

La 72 edición del Festival de San Sebastián está lista para empezar y lo hace con una de las programaciones más contundentes de los últimos años.

En la sección oficial encontramos títulos tan esperados como Cónclave, la nueva película del ‘oscarizado’ director de Sin novedad en el frente, Edward Berger, que se sumerge en el Vaticano para contar desde dentro las reuniones que llevan a cabo los líderes más poderosos de la Iglesia Católica para elegir a un nuevo Papa. Está protagonizada por Ralph Fiennes y Stanley Tucci.

También encontramos nombres históricos, como el del especialista en thrillers políticos Costa Gavras, que presentará El último suspiro, basado en el libro de Régis Debray y Claude Grange que habla de cómo acompañar el final de una vida. Un tema que también se convierte en la espina dorsal de Los destellos, la película de Pilar Palomero, protagonizada por Patricia López Arnaiz y Antonio De la Torre, que habla del reencuentro de una ex pareja durante los últimos días de uno de ellos, que se encuentra en fase terminal después de una larga enfermedad.

Presencia de cine en español

Entre las presencias españolas destaca Soy Nevenka, en la que Icíar Bollaín pone en imágenes el mediático caso de Nevenka Fernández, que sentó un precedente judicial al denunciar a su jefe, el alcalde de Ponferrada por violencia machista. A su lado, una ópera prima que se inserta dentro del género de terror, El llanto, protagonizada por Ester Expósito y que habla de una maldición que persigue a varias mujeres en diferentes líneas temporales.

Siguiendo con la variedad de propuestas, nos encontramos con el documental taurino que ha hecho Albert Serra, Tardes de soledad, que sigue al torero Andrés Roca Rey durante un día de corrida, desde que se viste hasta que se quita el traje de luces. Un trabajo que ya ha empezado a generar polémica por la violencia que se supone que incluyen sus imágenes hacia los animales.

Dentro del espectro latinoamericano encontramos la película que representará a Chile en los Oscar, El lugar de la otra, la primera obra de ficción de Maite Alberdi, responsable de títulos tan galardonados como El agente topo y que aquí se basa en la historia real de una escritora que asesinó a su amante en los años cincuenta.

Otro documentalista experto que se pasa a la ficción es Joshua Oppenheimer, que tras obras tan contundentes como The Act of Killing, compone un musical con Tilda Swinton llamado The End que también es una ‘distopía’ apocalíptica.

Desde Argentina llega El hombre que amaba los platos voladores, producción de Netflix que se centra en la figura del periodista José de Zer (encarnado por Leonardo Sbaraglia), que a finales de los años ochenta se convirtió en una figura televisiva y que creó toda una mitología en torno a la presencia alienígena.

Además, la Gia Coppola trae la que supone la película de reivindicación como actriz de Pamela Anderson, titulada La última showgirl, en la que una veterana bailarina debe replantearse su vida después de treinta años de profesión.

La apuesta por las series de calidad

También encontramos dos series dentro de la sección oficial: Querer, de Alauda Ruiz de Azúa, que tras Cinco lobitos se sumerge en la ficción televisiva para abordar la violación dentro del matrimonio, y Yo, adicto, de Javier Giner, basada en su propio libro en el que narraba cómo fue su proceso de desintoxicación para salir de las drogas. Además, Diego San José, presentará Celeste, la historia de una inspectora de hacienda (interpretada por Carmen Machi), que se dedicará en cuerpo y alma a la tarea de demostrar que una estrella de la música latina está estafando millones en nuestro país.

La programación de las secciones paralelas es inabarcable. En ‘Perlak’ encontramos algunos de los hits de la temporada que han pasado por otros certámenes, desde la Palma de Oro del pasado Festival de Cannes, Anora, de Sean Baker, a otras sensaciones valientes e indescriptibles como La sustancia, de Coralie Fargeat o Emilia Pérez, de Jacques Audiard.

Entre los Premios Donostia de este año, se le entregará a Javier Bardem el que le correspondía de la pasada edición (que no pudo recoger por la huelga de actores), a Cate Blanchett y a Pedro Almodóvar, que presentará por primera vez en España La habitación de al lado, después de ganar el León de Oro de Venecia.

El cineasta Adolfo Aristarain, primer argentino condecorado con la Medalla de Oro de la Academia del Cine español, recogerá la distinción en una ceremonia que se celebrará en Buenos Aires el próximo día 12 de septiembre.

Según ha informado este lunes la Academia de Cine español en una nota, el acto tendrá lugar a las 20:00 hora local (23:00 GMT), en una ceremonia que se celebrará en el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) de Buenos Aires y estará conducido por el actor argentino Leonardo Sbaraglia.

Aristarain recibirá el galardón, concedido “por ser uno de los nombres fundamentales de la historia del cine en español” y destacado representante del cine argentino más importante en la historia del cine español, rodeado de su familia y amigos, además de un nutrido grupo de directores e intérpretes argentinos que le arroparán en la ceremonia.

“Es el premio que más me honra recibir, no era algo que esperara. Cuando lo recoja me acordaré de toda la gente amiga”, declaró al conocer la noticia el ganador de dos Premios Goya, a Mejor Guion Adaptado por Lugares comunes y a Mejor Película Iberoamericana por Un lugar en el mundo. España es la segunda casa de este prolífico hombre de cine, que estuvo ‘yendo y viniendo’ de Argentina a España durante buena parte de su carrera.

Cinco coproducciones y numerosos años como ayudante de dirección, además de series para Televisión Española, acreditan al cineasta porteño como viejo conocido de la industria de España, donde ha trabajado con intérpretes como José Sacristán, Mercedes Sampietro, Eusebio Poncela y Aitana Sánchez-Gijón, entre otros.

Aristarain (Buenos Aires, 1943) se convertirá así en el primer director argentino en recibir la Medalla de Oro, distinción de la que recoge el testigo de la actriz Carme Elias, premiada en 2023.

Fuente: EFE

El actor argentino Leonardo Sbaraglia opinó este lunes que, en medio de los recortes que sufre el cine en Argentina desde la llegada al Gobierno de Javier Milei, el mundo del celuloide debe “luchar” y “seguir conmoviendo”, en lugar de “llorar”.

“No es el momento de llorar, sino el momento de luchar y seguir haciendo en la medida de lo posible: seguir actuando, seguir conmoviendo, seguir ilusionando, seguir inspirando, en donde sea, a través de las salas, en los teatros, en las calles y eso es lo que vamos a seguir haciendo”, declaró a EFE el intérprete de Caballos salvajes, Plata quemada o Dolor y gloria.

Sbaraglia acudió este lunes a la ceremonia de entrega de los Premios Sur, además de por su nominación como mejor actor de reparto en Puan, por ser uno de los intérpretes de Relatos salvajes, película de Damián Szifron que acaba de cumplir diez años desde su estreno y que, por ese motivo, iba a ser objeto de homenaje durante la gala.

También iban a recibir similar reconocimiento La tregua, de Sergio Renán, que cumplió recientemente cincuenta años, y Camila, de María Luisa Bemberg, cuarenta.

El también actor de El gerente y Las viudas de los jueves resaltó que, pese a que “hay una crispación” en la sociedad, algo que se percibe especialmente en las redes sociales, “hay mucha gente que no” y, por eso, él quiere “seguir apostando a lo mejor de las personas y muchas veces por eso uno trabaja”.

“El barómetro para elegir un guion u otro tiene que ver mucho con eso, con apostar a seguir construyendo un mundo que uno siempre apuesta que sea más lindo, más amoroso y más esperanzador”, afirmó el actor de 54 años.

Sbaraglia no quiso discutir sobre si debe haber “más Estado, menos Estado o dónde está el Estado”, ya que consideró que eso son disquisiciones “ideológicas” y pidió “apostar propositivamente en el hacer para que las cosas en las cuales uno confía se sigan haciendo”.

La Academia de Cine de Argentina celebró este lunes la decimoctava edición de los Premios Sur, en los que, además de rendir tributo a esos tres históricos filmes del país suramericano, entregó un premio de honor a Ricardo Darín.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Juan Ignacio Roncoroni y archivo.

• Parpadea dos veces
• El cuervo
• Tipos de gentileza
• Relatos salvajes
• La maldición de Cenicienta

Agosto continúa brindándonos una amplía gama de propuestas en materia cinematográfica que van desde comedias oscuras y dramas, a reimaginaciones de clásicos. Esta semana a Romper el círculo y Alien: Romulus, dos de los lanzamientos destacados del jueves pasado, se le suman el regreso a las salas de Relatos salvajes, lo nuevo de Yorgos Lanthimos con Emma Stone, El cuervo y Parpadea dos veces, el debut como directora de Zoë Kravitz.

¡Acompáñanos a repasar los títulos que se incorporan a la cartelera en los próximos días!

Parpadea dos veces - Blink Twice (Dir. Zoë Kravitz)

Zoë Kravitz, la actriz conocida por la serie Big Little Lies y The Batman, debuta como directora con Parpadea dos veces, un enigmático thriller que propone retratar el lado oscuro de la riqueza y el poder.

Esta película que tiene a Channing Tatum (Deadpool & Wolverine) y Naomi Ackie (I Wanna Dance with Somebody) como protagonistas, sigue los pasos de un magnate tecnológico que, en plena gala de recaudación de fondos, queda flechado por una joven camarera. A raíz de una química instantánea entre ambos, este la invita a unirse a él en unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Sin embargo, paulatinamente las cosas comienzan a tomar un curso extraño, haciendo que la invitada llegue a cuestionarse su propia cordura.

Además de Tatum y Ackie, Kravitz logró reclutar un reparto de lujo para su primera película como realizadora. El elenco se completa con Geena Davis (Beetlejuice), Haley Joel Osment (Sexto sentido), Christian Slater (Las crónicas de Spiderwick), Alia Shawkat (Big Mouth), Kyle MacLachlan (Fallout) y Adria Arjona (Andor).

El cuervo - The Crow (Dir. Rupert Sanders)

Un reboot del clásico de culto de 1994 protagonizado por Brandon Lee en su último papel en el cine llega a las salas esta semana, esta vez con Bill Skarsgård (It: capítulo uno) en el rol principal. Su historia seguirá a Eric Draven y Shelly Webster, una pareja que resulta brutalmente asesinada cuando los demonios del oscuro pasado de ella los alcanzan. Ante la oportunidad de salvar a su verdadero amor sacrificándose a sí mismo, Eric se dispone a vengarse sin piedad de sus asesinos, atravesando los mundos de los vivos y los muertos para arreglar lo que está mal.

Esta nueva adaptación de la novela gráfica homónima de James O’Barr estuvo a cargo del director Rupert Sanders, responsable de la película con Scarlett Johansson, Ghost in the Shell a partir de un libreto de Zach Baylin (Creed III).

Tipos de gentileza - Kinds of Kindness (Dir. Yorgos Lanthimos)

Tras el éxito de Pobres Criaturas (Poor Things, 2023) que consiguió un total de 11 nominaciones en la última edición de los Premios Oscar y se convirtió en una de las grandes favoritas del 2023, Yorgos Lanthimos vuelve a hacer equipo con Emma Stone para Tipos de gentileza. Este proyecto, que también cuenta con Jesse Plemons (Civil War), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood) y Willem Dafoe (El faro), se trata una antología que explora las complejidades y matices de la bondad humana en diversas circunstancias.

La película se describe como una comedia absurda y se compone de tres historias interconectadas. Estas, protagonizadas por figuras conocidas de la galería de Lanthimos, siguen a un hombre que intenta retomar el control de su vida, un policía que se reencuentra con su esposa después de que esta haya desaparecido, e incluso, a una mujer destinada a convertirse en una líder espiritual prodigiosa.

Relatos salvajes – reestreno (Dir. Damián Szifron)

A una década de su lanzamiento, Relatos salvajes, una de las películas argentinas más vistas de toda la historia, regresa a los cines. La obra de Damián Szifron (Los simuladores) que ganó más de 40 premios internacionales e incluso una nominación al Oscar, combina seis relatos independientes que abordan temas de venganza, injusticia y los límites de la paciencia humana, a través de una narrativa que refleja las tensiones y frustraciones de la vida cotidiana.

Además de la dirección de Szifron, Relatos salvajes cuenta con un reparto que incluye a figuras como Ricardo Darín (El secreto de sus ojos), Érica Rivas (Los sonámbulos) y Leonardo Sbaraglia (Puan).

La maldición de Cenicienta - Cinderella´s curse (Dir. Louisa Warren)

Siguiendo los pasos de Winnie the Pooh, Peter Pan e incluso Bambi, llega a las salas de cine una reimaginación en clave de terror y de bajo presupuesto de La Cenicienta, el clásico de Charles Perrault. Esta adaptación, que se lanzará en Latinoamérica con el título de La maldición de Cenicienta, le da un vuelco gore a la historia clásica para presentar a una protagonista mucho más cercana a Carrie de Stephen King que a la típica princesa de Disney.

Dirigida por Louisa Warren a partir de un guion de Harry Boxley, la película cuenta con los protagónicos de Kelly Rian Sanson, Chrissie Wunna y Danielle Scott.

• Maxxxine
• La trampa
• Borderlands
• Alien: Romulus
• Relatos salvajes
• Tipos de gentileza
• El cuervo
• Longlegs: Coleccionista de almas

Finalmente dejamos atrás julio y le damos la bienvenida a agosto con una emocionante variedad de estrenos que llegarán a la gran pantalla. Este mes, la cartelera se llenará de películas de terror como MaXXXine, Longlegs y La trampa (Trap), junto con adaptaciones de videojuegos y reestrenos de clásicos argentinos como Relatos Salvajes. También veremos una serie de estrenos destacados que prometen actualizar y enriquecer la oferta cinematográfica. En esta ocasión, repasamos algunas de las películas más esperadas que estarán disponibles en los cines.

MaXXXine (Dir. Ti West - Estreno 01 de agosto)

Comenzamos el mes con una emocionante propuesta para los amantes del género del terror: la nueva entrega de la trilogía X. Dirigida por Ti West y protagonizada por Mia Goth (High Life, Emma, Muerte infinita), esta película promete cerrar la saga que comenzó en 2022 con X y continuó con Pearl, la cual funcionó como precuela.

En esta entrega, seguimos a Maxxxine Minx, una joven que busca abrirse camino como actriz en Hollywood. Su objetivo es dejar atrás su pasado en la industria cinematográfica para adultos, pero el camino hacia la fama no es sencillo. En su lucha por alcanzar sus sueños, Maxxxine se enfrenta a numerosos desafíos, incluyendo la dura competencia y las trampas de la industria. Sin embargo, su determinación y talento la impulsan a seguir adelante, a pesar de las adversidades.

Mientras la joven persigue su sueño, Los Ángeles se ve sacudida por la presencia de un asesino en serie. Este peligroso escenario obliga a la protagonista a enfrentar sus propios demonios del pasado mientras navega por el ambiente vibrante y caótico de los años 80. Junto a Goth, el largometraje contará con las actuaciones de Halsey (Sing 2), Elizabeth Debicki (The Crown), Lily Collins (Emily en París), Sophie Thatcher (Yellowjackets), Kevin Bacon (Footloose) y Giancarlo Esposito (Breaking Bad).

La trampa - Trap (Dir. M. Night Shyamalan - Estreno 08 de agosto)

En segundo lugar, tenemos La trampa (Trap), la nueva entrega cinematográfica de M. Night Shyamalan, el reconocido director detrás de éxitos como El sexto sentido (The Sixth Sense - 1999), Fragmentado (Split - 2016) y La aldea (The Village - 2004), entre otros.

En esta ocasión, la trama sigue a un padre y su hija mientras planean asistir a un concierto de la estrella pop del momento para disfrutar de un tiempo especial juntos. Sin embargo, el esperado evento es en realidad una trampa orquestada por la policía para atrapar a un temido asesino en serie conocido como el carnicero. En cuanto al reparto, La trampa cuenta con las actuaciones de Josh Hartnett (Oppenheimer, Pearl Harbor) y Ariel Donoghue (Un lobo como yo).

Borderlands (Dir. Eli Roth, Tim Miller - Estreno 08 de agosto)

En agosto también llega Borderlands, el proyecto que adapta el exitoso videojuego de Gearbox lanzado en 2009. Dirigida por Eli Roth (Viernes Negro) y Tim Miller (Love, Death & Robots, Deadpool), la película narra la historia de Lilith, una cazarrecompensas con un misterioso pasado que regresa a su planeta natal para intentar encontrar a la hija desaparecida del villano de la película. A lo largo de su viaje, ella se unirá a un inesperado grupo de aliados para concluir su misión.

En cuanto al elenco, la película cuenta con intérpretes como Cate Blanchett (Carol, El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo), Kevin Hart (Jumanji: En la selva), Jamie Lee Curtis (Todo en todas partes al mismo tiempo), Jack Black (Escuela de rock), Haley Bennett (La chica del tren), Ariana Greenblatt (Love and Monsters), Gina Gershon (Contracara) y Édgar Ramírez (Punto de quiebre).

Alien: Romulus (Dir. Fede Álvarez - Estreno 15 de Agosto)

Alien: Romulus, dirigida por el cineasta uruguayo Fede Álvarez (No respires, La chica en la telaraña, Posesión infernal), promete revitalizar una de las franquicias más icónicas de la historia del cine. Con su estreno programado para el 15 de agosto, esta nueva entrega busca ofrecer una visión fresca y aterradora de los infames xenomorfos, manteniendo la esencia que hizo de Alien una saga legendaria. Álvarez, conocido por su capacidad para crear tensiones palpables y horrores intensos, parece ser la elección perfecta para llevar esta nueva historia a la gran pantalla.

En este proyecto, seguiremos a un grupo de jóvenes exploradores que, en su búsqueda de investigar una estación de la Weyland Corporation, se toparán con un peligroso encuentro con xenomorfos. La trama promete una gran dosis de horror, fiel al estilo que ha definido la saga Alien desde su inicio. Con respecto al elenco, este proyecto estará protagonizado por Cailee Spaeny (Priscilla, Civil War), Isabela Merced (Dora y la ciudad perdida, Madame Web), Archie Renaux (Ascenso, Shadow and Bone) y David Jonsson (Rye Lane).

Relatos salvajes (Dir. Damián Szifron - Estreno 22 de Agosto)

Seguimos con el reestreno de Relatos salvajes, la película argentina que se estrenó en el año 2014. Este largometraje, la película argentina más vista de la historia, regresa a los cines en su décimo aniversario y no solo conquistó la taquilla sino también a la crítica, ganando más de 40 premios internacionales e incluso una nominación al Oscar. Esta obra combina seis relatos independientes que abordan temas de venganza, injusticia y los límites de la paciencia humana, presentando una narrativa cautivadora que refleja las tensiones y frustraciones de la vida cotidiana.

Bajo la dirección de Damián Szifron (Los simuladores, Tiempo de valientes), este audiovisual contó con un elenco de renombre que incluye a Ricardo Darín (La odisea de los giles, El secreto de sus ojos), Érica Rivas (Los sonámbulos, El prófugo) y Leonardo Sbaraglia (Puan, Plata quemada).

Relatos salvajes ofrece una visión mordaz y entretenida de situaciones extremas que llevan a los personajes al borde de la cordura.

Tipos de gentileza - Kinds of Kindness (Dir. Yorgos Lanthimos - Estreno 22 de agosto)

El 22 de agosto también llega a la cartelera Tipos de gentileza (Kinds of Kindness), una historia que explora las complejidades y matices de la bondad humana en diversas circunstancias. La película entrelaza varias narrativas que destacan actos de generosidad, tanto pequeños cómo grandes, y cómo estos gestos afectan profundamente a las vidas de los personajes involucrados.

Tipos de gentileza fue dirigida por Yorgos Lanthimos, el cineasta detrás de Langosta (The Lobster - 2015) y El sacrificio del ciervo sagrado (The Killing of a Sacred Deer - 2017). Con respecto al elenco, Lanthimos vuelve a dirigir a Emma Stone luego de su trabajo en conjunto en Pobres criaturas (Poor Things - 2023) y La favorita (The Favourite - 2018). Junto a ella, el elenco se completa con Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Jesse Plemons (Civil War) y Willem Dafoe (El faro), entre otros.

El cuervo - The Crow (Dir. Rupert Sanders - Estreno 22 de agosto)

Después de varios retrasos, parece que El cuervo finalmente se estrenará en los cines el próximo 22 de agosto. En esta nueva adaptación, los personajes de Shelly Webster y Eric Draven sufren un asesinato brutal a manos de fuerzas que arrastran los demonios del pasado de Shelly. Eric, al enfrentar la oportunidad de redimir a su amor verdadero a través de un sacrificio personal, se embarca en una implacable misión de venganza.

La dirección del largometraje estuvo a cargo de Rupert Sanders (Blancanieves y el cazador). Con respecto al elenco, El cuervo cuenta con las actuaciones de Bill Skarsgård (Barbarian, It, Contra todos) y FKA Twigs (Honey Boy: un niño encantador)

Longlegs: Coleccionista de almas - Longlegs (Dir. Oz Perkins - Estreno 29 de agosto)

Por último, llega otro emocionante largometraje de terror con Longlegs. Este proyecto, dirigido por Oz Perkins (La enviada del mal, Gretel y Hansel), sigue a Lee Harker (interpretada por Maika Monroe), una agente novata del FBI que enfrenta un enigmático caso de asesinatos en serie donde las pistas parecen desvanecerse en el misterio. A medida que profundiza en la investigación, Harker descubre que las evidencias ocultan un vínculo personal con el asesino (encarnado por el galardonado Nicolas Cage), llevándola a una desesperada carrera contrarreloj para evitar otro trágico crimen.

Una publicación de Netflix en sus redes sociales causó sorpresa y admiración. Allí se podían observar las primeras imágenes de la película El hombre que amaba los platos voladores, en la que se narra la vida del periodista José de Zer. Y más allá de su trama, un hecho en el que se centraron los comentarios es en la caracterización de Leonardo Sbaraglia, que sólo cosechó opiniones favorables.

Es que el filme dirigido por Diego Lerman, próximo a estrenarse, fue seleccionados para competir en la sección oficial del prestigioso Festival de Cine de San Sebastián, que se celebrará del 20 al 28 de septiembre. Así, el director regresa al festival español tras el éxito de su anterior película, El suplente, del año 2022.

Participan, además de Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Núñez, Guillermo Pfening, María Merlino, Mónica Ayos, Norman Briski, Eva Bianco, Daniel Aráoz y Renata Lerman, la hija del director que ganó la Concha de Plata del festival a “mejor actriz de reparto” por El suplente en 2022.

Esta vez, la historia que promete capturar tanto el misterio como la nostalgia, narra la vida de De Zer, un periodista recordado de Nuevediario (Canal 9) durante los años ‘80, conocido por sus informes diarios sobre la posible presencia de ovnis en la Argentina, logrando captar audiencias masivas y obteniendo hasta 50 puntos de rating. “Cuando me enteré no lo podía creer. La verdad me dio un orgullo enorme”, le dice a Teleshow Paula, la hija del recordado periodista, que firmó las autorizaciones correspondientes para la biopic.

El equipo encabezado por Sbaraglia, Lerman y el productor Nicolás Avruj visitó a Paula en su casa para vivir de primera mano el universo mágico de de Zer. “Vimos fotos, videos y ropa de mi padre, para conocer sus gestos y averiguar diferentes aspectos de su vida. Porque el filme trata un poco de la vida laboral de mi padre y otro de la vida personal”, explica la hija, que está ansiosa por ver la película finalizada. “Todavía están en postproducción terminando algunos arreglos y cuando esté lista voy a ser de las primeras en verla”

Lo que sí vio Paula es a Sbaraglia como su padre en las fotos que circularon, y solo tiene palabras elogiosas: “La caracterización de Leo me pareció maravillosa. Él se metió mucho en el personaje, consultó por sus gestos, los movimientos de las manos, cómo agarraba el micrófono, cómo se vestía, mandó copiar los sacones que usaba. Es una gran persona, se involucró muchísimo y eso me dio una enorme satisfacción“.

Una vida de película

La trama de El hombre que amaba los platos voladores, prevista para estrenarse antes de fin de año, remite a un suceso específico en 1986. El periodista, acompañado de su camarógrafo conocido como Chango, viajó a La Candelaria, en Córdoba, para investigar un presunto avistamiento de objetos no identificados. Encontraron únicamente un pastizal quemado en medio de los cerros, pero De Zer convirtió esta mínima pista en un fenómeno mediático.

Uno de los momentos más icónicos de su carrera llegó cuando un vidente de La Plata envió dos fotografías a la redacción de Nuevediario. En una de las imágenes, se veía a un gnomo adentrándose en un pozo, mientras que en la otra, un gnomo asomaba su barba entre unos pastizales. El vidente afirmaba haber capturado las imágenes gracias a su péndulo mientras caminaba por una casa abandonada en el barrio Aeropuerto. Además, aseguró que los gnomos amaban los flashes y que su cámara pocket se había disparado dos veces.

Junto con su inseparable compañero Chango, De Zer decidió investigar el caso trasladándose al lugar mencionado por el vidente. Durante cinco noches, se alojaron en la casa abandonada con la esperanza de obtener imágenes de los supuestos gnomos. En la primera noche, el vidente se cayó en el pozo, alegando que una “fuerza maligna” lo devoraba. Para añadir dramatismo a la situación, el equipo de compaginación del noticiero insertó voces en off que simulaban a los gnomos jurando que atraparían a quienes los invadieran.

Este tipo de cobertura provocó una creciente afluencia de vecinos curiosos que se acercaban para presenciar las filmaciones. Sin embargo, al final de las cinco noches no obtuvieron ninguna evidencia de la existencia de los gnomos.

Estos reportajes no sólo ayudaron a consolidar la audiencia de Nuevediario, sino que también transformaron al Cerro Uritorco y Capilla del Monte en verdaderos centros de turismo paranormal. La región comenzó a ser conocida como un lugar de avistamientos de ovnis y fenómenos inexplicables, atrayendo a miles de turistas interesados en lo desconocido y lo sobrenatural.

Otro momento increíble de su carrera fue cuando en la Semana Santa de 1987 sucedió el levantamiento militar conocido como la rebelión carapintada. El general Ernesto Alais tenía la misión de poner fin al acuartelamiento de los sublevados bajo las órdenes de Aldo Rico y según diversos reportes de la época, mientras el resto de los colegas periodistas observaban con inquietud, De Zer mantuvo una prolongada charla con el general. La entrevista se realizó a puertas cerradas y el periodista, al salir, comunicó a sus compañeros que Alais no había proporcionado ningún detalle concreto acerca del desenlace del levantamiento militar. Lo curioso, relató, es que el tema que inquietaba al brigadier general era la veracidad del tema del pozo y los gnomos.

Diego Lerman y la chilena Maite Alberdi competirán en la sección oficial del de cine de San Sebastián, del 20 al 28 de septiembre, con las películas El hombre que amaba los platos voladores y El lugar de la otra, respectivamente.

Lerman vuelve a participar en el festival español, esta vez con la historia de José de Zer, el recordado periodista de Nuevediario de Canal 9 que es interpretado por Leonardo Sbaraglia. Gracias a sus informes diarios que paralizaban al país a las 20 hs, mayormente sobre la presencia de ovnis pero también sobre otros casos misteriosos, el programa se convirtió en el noticiero más visto de la televisión argentina por amplio margen, alcanzando marcas de 50 puntos de rating.

La película de Lerman remite a un episodio puntual: en 1986, junto a su camarógrafo (el famoso “Chango”), de Zer viaja a La Candelaria (Córdoba) y al llegar al pueblo no encuentra mucho por investigar, salvo un pastizal quemado en medio de los cerros. Con ese pequeño elemento, generó una creación audiovisual de presencia alienígena que generó un verdadero fenómeno de rating. Participan, además de Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Núñez, Guillermo Pfening, María Merlino, Mónica Ayos, Norman Briski, Eva Bianco, Daniel Aráoz y Renata Lerman, la hija del director que ganó la Concha de Plata del festival a “mejor actriz de reparto” por El suplente en 2022.

Debut de Maite Alberdi en la ficción

La chilena Maite Alberdi, doble nominada al Oscar por sus documentales El agente topo y La memoria infinita se presenta por vez primera en San Sebastián con su primer largometraje de ficción, El lugar de la otra, adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas’, un ensayo de su compatriota, la narradora y abogada Alia Trabucco Zerán sobre la historia de la escritora María Carolina Geel, quien mató a tiros a su amante.

En 1955, Geel fue condenada a cinco años de prisión por el homicidio de su amante, el periodista Roberto Pumarino. Las circunstancias de aquel suceso generaron gran controversia y atención mediática en Chile. Durante su tiempo en prisión, Geel continuó escribiendo y publicó varias obras. Su obra más conocida es Cárcel de mujeres un libro que relata sus experiencias y refleja la dura realidad de la vida carcelaria femenina. Tras cumplir su condena, Geel retomó su vida pública y continuó con su carrera literaria hasta su muerte en 1996.

El guion de Inés Bortagaray y Paloma Salas se centra en el punto de vista de Mercedes (interpretada por Elisa Zulueta), la secretaria del juez asignado al caso. “Mercedes es un personaje ficticio pero nos representa a todas las mujeres. Al igual que nosotras, busca encontrar su propio espacio para evolucionar y crear”, reflexionó Alberdi a la revista Variety, y agregó: “La película también reflexiona sobre el clasismo y el patriarcado que continúan prevaleciendo en la sociedad chilena.”

Fuente: EFE

[Fotos: prensa Netflix]

Producida por Hugo Sigman (K&S Films) junto a Pedro y Agustín Almodóvar (El Deseo) y en colaboración con Telefe, Corner Producciones y Warner Bros. Pictures, la película incluye un elenco destacado con actores de la talla de Ricardo Darín, Oscar Martínez, Érica Rivas y Darío Grandinetti. La banda sonora es obra de Gustavo Santaolalla, compositor argentino y ganador de dos premios Oscar, que participó por primera vez en una película argentina de ficción con esta producción.

Ricardo Darín interpreta a un ingeniero especializado en demoliciones, mientras que Julieta Zylberberg y Rita Cortese encarnan a una moza y una cocinera en una historia que se desarrolla en un parador de mala muerte. Por otro lado, Darío Grandinetti protagoniza un episodio que se desarrolla exclusivamente dentro de un avión, aportando una dimensión enigmática a la narrativa. Érica Rivas da vida a una novia impredecible en un casamiento que se desmorona, Oscar Martínez personifica a un magnate que enfrenta una negociación oscura tras una tragedia familiar, y Leonardo Sbaraglia se ve involucrado en una intensa historia de acción en la ruta.

La película ha sido reconocida no solo en festivales de cine, sino también mediante premios otorgados por diversas instituciones internacionales. A lo largo de los diez años desde su estreno, Relatos Salvajes consiguió más de 40 premios, entre ellos diez premios Sur. Esta serie de logros ha reafirmado la película como un fenómeno cultural tanto a nivel nacional como internacional, logrando situarse entre las producciones más relevantes del cine argentino.

La colaboración de productores como Hugo Sigman, los Almodóvar, y la participación de Warner Bros. Pictures en la distribución, fueron elementos cruciales para llevar Relatos Salvajes a un público global. Estrenada en países de todo el mundo, la película tuvo una recepción positiva en lugares tan diversos como Biarritz, Lima, Karlovy Vary, La Habana y Nueva Zelanda.

El impacto en el público y la crítica fue notable. La narrativa de la película se compone de seis episodios que exploran los límites de la conducta humana y las situaciones extremas que llevan a los personajes al borde de la desesperación. Esta estructura permitió a los espectadores explorar una variedad de emociones y reacciones, consolidando el éxito de la película.

Damián Szifron logró articular una narrativa que capturó la esencia de la condición humana, desmitificando las relaciones y las normas sociales a través de situaciones extremas y a menudo trágicas. Uno de los elementos clave del éxito de la película fue la habilidad del director para equilibrar la tensión dramática con momentos de humor oscuro, una característica que fue ampliamente apreciada por la crítica.

En conclusión, Relatos Salvajes no solo es un ícono del cine argentino, sino también una ventana a las complejidades de la condición humana, presentada de manera accesible y entretenida. La oportunidad de ver nuevamente esta película en el cine representa una ocasión imperdible para los amantes del cine y para aquellos que desean revisitar una obra maestra del cine contemporáneo argentino. A diez años de su estreno podrás volver a disfrutarla en las salas de cine de Argentina.

Lleva casi treinta años en la profesión y ahora se ha decidido a dar un paso más allá poniéndose detrás de las cámaras. Su ópera prima se llama Blondi y es un soplo de frescura por la libertad que transmite, por capacidad que tiene de romper con los estereotipos y construir una historia sobre relaciones materno-filiales muy original, honesta y transparente.

Además de dirigirla y escribirla, Dolores Fonzi también la protagoniza junto a un elenco en estado de gracia en el que destaca la revelación Santiago Rovito, Carla Peterson, Leonardo Sbaraglia y la veterana Rita Cortese.

¿Cómo surge Blondi y cuándo decidió el paso de dirigir esta historia?

Había leído un libro que contenía una idea que me gustaba mucho, la imagen de una madre y un hijo solos en el mundo. Le conté la idea a Laura Paredes (guionista y protagonista de películas fundamentales del nuevo cine argentino como Trenque Launquen o La flor, de Mariano Llinás) y decidimos ponernos a escribir juntas. De hecho, ahora hemos empezado el guion de otra película. En realidad, todo comenzó de forma muy ingenua sobre 2017 y decidimos rodar después de la pandemia. Me preguntaron, ¿quieres dirigirla? ¿Quieres interpretarla? Y, al final, lo hice todo, no quería que hiciera nadie nada (ríe).

¿Por curiosidad, qué libro fue el que le dio la idea?

El mundo según Garp, de John Irving. También hay una película que protagonizó Robin Williams. Es una novela espectacular de la que se podrían sacar 80 historias independientes. Hay una parte donde la madre tenía sexo con un moribundo en la guerra, y engendraba un hijo, porque ella lo que quería era ser madre soltera. Así que están los dos solos, sin un padre que existiera, sin que nadie preguntara por él, y eso me parecía fenomenal.

Mujeres libres y sin prejuicios

En ese sentido, me da la sensación de que buena parte de la película gira en torno a la maternidad muy libre, sin prejuicios, sin lecciones morales

La gente siempre juzga. Seguramente muchos dirán que es una mala madre porque fuma porro. Solo es una madre que se sale un poco de lo convencional porque, al final, la relación entre una madre y un hijo tiende siempre hacia los vínculos verticalistas, porque eres la que guía, la que acompaña, la que enseña. Pues ella tiende más hacia lo horizontal, y creo que resulta sano para los hijos, para que no tengan miedo a la frustración, para que estén cerca de la realidad, porque no hay una madre que esté intentando ser perfecta para él, sino que está siendo honesta, auténtica. En realidad, es algo que se puede aplicar a todo tipo de relaciones. Ella es feliz con la vida que tiene, porque su desarrollo personal no tiene que ver con lo que le impone la sociedad, ni con el éxito, ni con el dinero.

La sociedad cuestiona más a las mujeres y, en ese sentido, esta película se encarga de dinamitar ese mal endémico. Supongo que era una de vuestras intenciones.

Sí, claro. Muchos han comentado que el personaje parece muy infantil, que no parece una mujer adulta, y, precisamente, para mí ahí está el valor, porque justamente no se ha encorsetado a las normas que impone la sociedad.

Esta película se hizo en un momento en el que todavía existía en INCAA (Instituto de Cinematografía Argentina) que ahora se ha desmantelado y, además, contó con un buen presupuesto. ¿Podría haberse hecho ahora?

No, claro que no. No se están haciendo películas.

¿Y cómo lleváis eso los creadores?

Hay algunos privilegiados que podemos seguir trabajando a través de fondos privados, pero la industria está muerta. Hay mucha gente sin trabajo, muchas familias. En realidad, no solo está muerta la industria del cine, sino todas, todas están desguazadas. Creo que no es la primera vez que pasa, es un ciclo que repetimos con las ultraderechas. ¿Y después? Nunca se sabe si se logra balancear del todo. Creo que es una política de Estado desalmada, pero que no logrará quitarnos el alma tampoco. Ahora es su momento, y después nos rearmaremos.

Combatir desde la resistencia

El año pasado, antes de que Javier Milei ganara las elecciones presidenciales, la comitiva argentina ya se manifestó en el Festival de San Sebastián

Ahora hay que resistir y esperar, porque estoy segura de que esto no va a durar mucho. O sea, durará lo que dure, pero volveremos a levantarnos.

No sé si sabe que Javier Milei estuvo hace poco en nuestro país y recibió una medalla por parte de la Presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso

Me parece increíble que se ensalce su figura, sobre todo porque generó un conflicto diplomático con España. Yo lo viví de cerca porque estaba yendo a la Embajada de España porque iban a darle un premio a Adolfo Aristarain en Argentina y se suspendió porque tuvieron que venir acá. Y después de eso, esta señora le da una medalla, como para validar su comportamiento, y se hacen esa foto espantosa. Es terrible, es una locura demente. Como me decía Mariana Enríquez, lo grave es la desesperación que tuvo que tener la población para que él ganara, la desesperación que habrá sentido el 55% de las personas para pensar que él era la salvación.

Antes hablaba de una rueda cíclica. ¿Encuentra algún paralelismo con lo que ocurrió durante ‘el corralito’? En ese momento, hubo una fuga de talentos de su país

Obvio, puede pasar. Aunque creo que lo del corralito fue como una explosión más sorpresiva y radical. En el sentido de que explotó todo y explotó. Esto es diferente, porque es una cosa que nadie puede creerse que esté sucediendo y como que va paulatinamente hacia la vergüenza total y la ignominia. Porque es una locura que esta persona sea el presidente de un país. Y, al mismo tiempo, no creo que nada explote como ocurrió en el corralito, no sé qué es lo que va a pasar, esa es la verdad. En cualquier caso, todo da pánico, porque jamás creí que llegaría a ser posible. La indignación tampoco sirve para mucho porque no cambia nada, lo que hay que hacer es seguir haciendo películas.

¿Cómo?

Por lo privado, de forma independiente, con las plataformas.

De hecho, las salas de cine siguen funcionando bien a nivel de público

Claro, pero no quieren darle lugar. El otro día leí una estadística y un estudio que hablaba de que el PBI (Producto Interno Bruto) que han recortado del cine no significa nada para el PBI nacional, absolutamente nada. Por eso, es un gesto político para dejar a la gente de la cultura en la calle. Es como una pequeña dictadura, con pasitos representativos, como que esperaran al Día de la Mujer para cerrar el Salón de las Mujeres de la Casa Rosada y el abrir el Salón de los Próceres.

¿Cree que se atreverán con el aborto?

No creo que se metan con eso ahora, pero nunca se sabe. Precisamente por eso mi siguiente película irá sobre eso. Si hubiera estado otro gobierno la habría hecho igual, pero ahora es más importante que nunca. Hay que militar a través de las historias y la creación artística.

Usted es una estrella en su país y en toda Latinoamérica, pero ha demostrado ser luchadora y reivindicativa. ¿Cómo se siente dentro de la industria por decir lo que piensa?

Siempre fui así con temas menos serios, pero he sido alguien que siempre ha estado a favor de las libertades individuales. La película Blondi habla, en realidad, de eso. He estado a favor del aborto, de la legalización del consumo de marihuana.

Lo que sé es que desde que decidí poner mi propia voz al servicio de causas que para mí son importantes, me ha ido mejor en todos los sentidos. Por supuesto, recibes dosis de odio a través de las redes sociales. Cuando hice un vídeo contra Milei antes de las elecciones me amenazaron de muerte. Pero yo creo que desde la popularidad hay que mojarse. Al menos yo no puedo evitarlo.

El protagonista de películas como Relatos salvajes, Plata quemada y Errante corazón estuvo como invitado de Solar, Solar, el programa de Picnic extraterrestre, donde también tiene su programa Moria Casán, donde terminó entonando “Provócame”, una de las canciones más populares del cantante puertorriqueño que le abrió las puertas al artista a varios países gracias a su melodía como a sus pasos de baile.

En un estilo entre zamba norteña y balada romántica, Leo le puso su sello personal al hit de los 90 que es un infaltable en las radios y listas de pop latino de las plataformas digitales y el video se volvió viral. Una muestra está en los comentarios que acumulan los posteos donde elogian su interpretación, su originalidad y, por su puesto, su belleza.

“Basta Leonardo terminala, te lo pido por favor. Estás dejando la vara altísima”, “cómo convertir un hit bailantero en una dulzura, se llamaba la obra”, “¡es lindo Leo por dónde lo mires!”, “tiene Una sonrisa encantadora”, “Leo es como el vino”, “nunca me gustó esta canción hasta hoy”, “tremenda la versión”, “el verdadero ‘viejo sabroso’”, “nadie tiene el carisma de Leo, qué maravilla que es”, “lo quiero llenando un Vélez con Lali”, fueron algunas de las reacciones que generó.

No es la primera vez que interpreta el tema. En 2014 Leonardo había grabado la canción junto a Celeste Cid para la película Aire libre, dirigida por Anahí Berneri. Allí interpretan a una pareja con un hijo pequeño que decide mudarse a una casa a las afueras de la ciudad intentando escaparle a una fuerte crisis que atraviesan. Sin embargo, las presiones familiares pondrán aun más su vínculo.

Uno de los desafíos que enfrentó este último tiempo fue ponerse en la piel del presidente Carlos Menem para la serie Menem, que todavía no tiene fecha de estreno y se verá por Amazon Prime Video. “Es el reto más grande de mi vida”, se sinceró a Infobae. “Eso que he tenido retos, ¿no? Pero creo que es el más grande de mi vida. Es un personaje muy difícil y muy fascinante”, contó.

“Por suerte tuvimos el lujo de poder trabajar en la Casa Rosada los feriados que no estaba el presidente. El hecho de que nos prestasen la Casa Rosada fue también un lujo enorme porque se siente la energía en esas paredes. Quiero decir, ¿y qué pasa en el cuerpo de un presidente? Eso solo lo sabe un tipo que está entre esas paredes y que tiene ese nivel de poder y de dominio”, detalló, sobre su proceso de composición del exmandatario.

En la ficción está acompañado de Griselda Siciliani, que encarna a Zulema Yoma, y cuenta con la dirección de Ariel Winograd (El robo del siglo, Permitidos, El gerente). “Aprendí que Menem era un tipo con una gran capacidad de autodeterminación, un gran magnetismo y un gran misterio”, aseguró, sobre cómo encarnó a una figura que, aun hoy, divide aguas.

El protagonista de El encargado había expresado sus opiniones favorables a la actual gestión, lo que provocó críticas por parte de otros artistas como Dolores Fonzi, Nancy Dupláa, Julieta Zylberberg y María Valenzuela. Sin embargo, Sbaraglia no dudó en respaldar el derecho de Francella a expresar su punto de vista, independientemente de la controversia que pueda generar.

“¿Qué te pasa cuando escuchás actores contra actores?”, le preguntó el cronista Santiago Sposatto al artista. “Eso es un error porque no creo que exista tal grieta entre los actores, es un error meterse con las opiniones de tal. Cada cual tiene que poder opinar lo que quiere porque vivimos en un mundo con democracia y eso me parece totalmente legítimo y respetable. No me parece que haya que salir a atacar a alguien que piensa de una manera u otra”.

“¿Te parece que fueron injustos con Francella?”, le consultó el periodista. “Absolutamente. El tema no es Francella porque él puede opinar y decir lo que él quiera. Es un error completamente salir a atacar, insisto, sea quien fuere. Lo que pasa es que estamos viviendo al mismo tiempo una especie de fragmentación terrible en las redes sociales, en los medios y hay que desmarcarse de eso, porque si no vamos a terminar comiéndonos unos a los otros. Somos todas personas que cuando nos vemos a la cara y nos vemos de verdad compartimos un montón de cosas para intercambiar y salir a pisar y a golpear”.

En este mismo sentido, Sbaraglia insistió: “Mucho de lo que ocurre es cierta fragmentación y cómo se van manejando los medios y las redes sociales, sobre todo se fragmenta mucho la información, se saca mucho de contexto y se construyen cápsulas donde no existe, hasta de esta conversación que no estoy diciendo nada malo de nadie probablemente se pueda sacar algo que lastime a alguien y no estoy lastimando a nadie. Por eso digo: ‘es muy difícil en este momento salir a decir ‘A’ porque se transforma en otra cosa”.

Consultado sobre si la culpa de esta situación donde hay mucha desinformación es culpa de los editores, el actor señaló: “No digo que sea de los editores porque detrás de ellos hay decisiones, pero en esas decisiones me parece que hay una responsabilidad de empezar a cambiar. Quizás es algo ingenuo lo que digo porque la pelea está en otro lado y uno no participa de esa pelea. Nosotros somos personas comunes que la vemos pasar, pero te hacen creer que uno está en otro lugar y desgraciadamente los que están manejando las cosas están en otro lado. Esperemos que esas personas que tienen el poder de cambiar algo lo puedan estar haciendo porque si no nos vamos a ir a un desastre seguro”.

Leo Sbaraglia habló sobre la crisis de la ficción

Consultado por LAM sobre la falta ficción en la televisión abierta, el artista manifestó: “Hay una crisis fuerte de la ficción, sobre todo en este año. La Asociación Argentina de Actores viene diciendo que desde, no sé qué fecha, no hay ficción en la televisión abierta y esto es un fenómeno, y es un problema que está ocurriendo, desgraciadamente.

“¿Sentís que hay un culpable?” le consultó el periodista. “No lo sé, porque es un tema muy complejo y son decisiones… El mercado fue cambiando y los contenidos fueron desembarcando en las plataformas. Da pena por la gente que no tiene plataformas y no tiene acceso a la ficción maravillosa que se podría hacer en este país, pero quizás en algún momento vuelva. Hay que confiar en eso”, concluyó.