Una bilogía estrenada entre 2003 y 2004 que supuso uno de los cúlmenes de su carrera por su originalidad, por su capacidad por jugar con los géneros y espíritu pop, sangriento y chispeante que pasó a integrarse de forma inmediata dentro de la cultura popular.

Ahora, Kill Bill se estrena de forma unificada en lo que se ha hecho llamar Kill Bill: The Whole Bloody Affaire, una experiencia de 275 minutos en la que se exponen las dos partes de la manera en la que el creador las había configurado, como una parte integral sin cortes, lo que la eleva, sin duda, como una auténtica epopeya contemporánea.

Cuáles fueron los grandes aciertos de ‘Kill Bill’

Sin duda, uno de los grandes aciertos de Kill Bill continúa siendo la icónica interpretación de Uma Thurman como Beatrix Kiddo (La Novia). La actriz imprimió en su personaje una determinación absoluta y transitó de forma convincente entre la frialdad asesina y la vulnerabilidad interna. Especialmente en el segundo volumen, los flashbacks ahondaban en las motivaciones de Beatrix, permitiendo que la audiencia accediera a capas emocionales inéditas gracias tanto al guion como al trabajo de Thurman.

Visualmente, la película destacó, incluso entre la ya reconocida estética de Tarantino. La diversidad geográfica de los escenarios, el tratamiento cromático y la edición elaborada contribuyeron a que cada secuencia ofrezciera un atractivo visual particular. Escenas como el enfrentamiento en la Casa de las Hojas Azules (el clímax de la primera entrega) se han consolidado como referentes del cine de acción, por su coreografía y brutalidad controlada.

La combinación de géneros es otro factor clave. Kill Bill amalgama el cine de artes marciales, el spaghetti western y la narrativa contemporánea. Así, mientras el primer volumen privilegia los duelos de katanas y el humor negro, el segundo opta por la introspección, los duelos dialécticos y una atmósfera de western moderno. Esta dualidad, apoyada también en la evolución de los decorados y el homenaje explícito a referentes como Lady Snowblood, refuerza la riqueza estilística de la obra.

Junto a la protagonista, David Carradine encarnó al antagonista, Bill, quien apenas se deja ver en la primera parte, pero gana relevancia y matices en la segunda. Los extensos diálogos entre ambos, en el desenlace, sustituyeron la acción física por una tensión emocional palpable y supusieron uno de los clímax más recordados del director.

Musicalmente, la banda sonora de Kill Bill (que incluyó composiciones de Ennio Morricone, Nancy Sinatra, Isaac Hayes, Bernard Herrmann o Johnny Cash) aportó un rango de géneros tan variado como la propia historia, y ajustaba cada pieza musical al ritmo narrativo y las emociones de cada escena.

La estructura de la película, que avanzaba de forma no lineal y utilizaba el flashback para expandir la historia de la protagonista, permitió que el espectador reconstruyera tanto el pasado como las motivaciones de los personajes. Este recurso multiplicaba el impacto de determinadas escenas: así, buena parte del primer volumen es, en sí mismo, una rememoración de los hechos, mientras que en el segundo los recuerdos completan la formación de la protagonista y su relación con el antagonista.

En qué sobresalió en Volumen 1

Kill Bill: Volumen 1 sobresalía por su efecto catártico y su articulación del deseo de revancha. La escena inicial presentaba a una novia embarazada, que sobrevivía a un ataque brutal de la Deadly Viper Assassination Squad, formada por personajes femeninos como O-Ren Ishii (Lucy Liu), Elle Driver (Daryl Hannah), Vernita Green (Vivica A. Fox) y Budd (Michael Madsen), bajo las órdenes de Bill. Tras cuatro años en coma, la protagonista despertaba en el hospital y descubría la pérdida de su bebé, comenzando así una implacable campaña de represalias.

Este retrato de la venganza, tenía una dimensión de cumplimiento del deseo: la protagonista era un personaje femenino central, invulnerable a las limitaciones habituales impuestas por la narrativa o el contexto social. Tanto los enemigos masculinos como los femeninos la subestimaban y recibían una respuesta implacable y, a menudo, exagerada en clave de cómic.

Elementos como el traje amarillo, la katana o las secuencias imposibles (tales como montar una moto por Tokio o pasar una katana por el control de seguridad del aeropuerto sin que nadie intervenga) subrayaban el tono de fábula extrema y el carácter lúdico de la violencia.

La película integraba numerosas referencias al cine asiático y occidental, en particular homenajes al propio Bruce Lee y a filmes de samuráis. Los personajes femeninos de Kill Bill superaban la visión objetual habitual, ya que eran guerreras, jefas y guardianas con tanta o más eficacia que los personajes masculinos y, cuando eran infravaloradas u objetivadas, la respuesta narrativa resultaba directamente satisfactoria.

Las secuencias de acción, la banda sonora y la estructura visual han convertido Kill Bill en un fenómeno cultural con una impronta visual tan inolvidable como su fórmula narrativa, en la que integró toda una serie de elementos inéditos, como las películas de kung-fú, los westerns de Sergio Leone, la cultura y la iconografía japonesas, la estructura de los cómics o una banda sonora que agrupaba todos los estilos posibles.

Un cóctel de homenajes explícitos

Así, más de veinte años después de su estreno, Kill Bill conserva plenamente su capacidad de asombro y homenaje, consolidándose como el mayor experimento formal en la filmografía de Tarantino, una pieza que desborda referentes y ‘revisita’ géneros con una mirada lúdica y ‘autorreferencial’.

Kill Bill construyó una poética visual y narrativa en base a la apropiación y el homenaje explícito a múltiples tradiciones cinematográficas. Destaca el tributo inicial a los célebres hermanos Shaw del cine de kung-fu, cuyo logotipo y fanfarria abren la película, y la música Funky Fanfare de Keith Mansfield acompaña a una cabecera de reminiscencias ‘grindhouse’. La elección de pistas musicales acompañaba otros momentos clave, como el uso de Bang Bang de Nancy Sinatra en los títulos iniciales, y las colaboraciones de RZA, quien seleccionó temas tan dispares como The Lonely Shepherd de Zamfir tras escucharlo en un restaurante tailandés.

El universo de Kill Bill se caracterizó visualmente por una hipercoloración exacerbada, con elementos que subrayan el carácter hiperbólico de la propuesta: los verdes saturados del césped de Vernita, los amarillos brillantes del atuendo de La Novia (inspirado en el mono de Bruce Lee en Juego con la muerte) y el “Pussy Wagon”, un Chevrolet distintivo que acabaría en manos del propio Tarantino, se han convertido en iconos recurrentes para el público.

La película integraba secuencias que alternaban la acción real con la animación. El tercer capítulo de Vol. 1, El origen de O-Ren Ishii, narraba en anime la infancia de la antagonista, una secuencia originalmente planeada como mucho más extensa (hasta treinta minutos) y desarrollada por el estudio japonés Production I.G.

La selección minuciosa de actores reforzaba la mirada de Tarantino hacia figuras homenajeadas de la cultura popular, como Sonny Chiba (leyenda del cine de acción japonés) en el papel del forjador de katanas Hattori Hanzo, y la participación de Michael Parks como el ranger tejano Earl McGraw, ampliando su presencia recurrente en la filmografía del director.

Las coreografías corrieron a cargo de Yuen Woo-ping, figura esencial del cine de artes marciales de Hong Kong y responsable de la estilización acrobática de secuencias como la batalla de la Crazy 88, donde la destreza y la violencia se sublimaban en una danza de sangre coreografiada, reforzada por el trabajo de la especialista Zoë Bell como doble de Uma Thurman.

A lo largo del metraje, la película introducía numerosos elementos de culto y potenciales lecturas, entre los que destacaba la ‘contabilización’ explícita de los globos oculares arrancados: tres en total, siendo célebre la pelea entre Beatrix Kiddo y Elle Driver, donde la violencia se elevaba a cotas de ‘cartoon’ físico con la mutilación ocular como rúbrica. Este recurso gráfico ha pasado a formar parte de la iconografía Kill Bill, así como la referencia al archiconocido “Five Point Palm Exploding Heart Technique”, una maniobra mortal heredera del cine de los Shaw Brothers.

El uso del montaje y la cámara es otra constante destacada: el largo plano secuencia en la “Casa de las Hojas Azules” exploraba el decorado como si de una casa de muñecas se tratase, mientras la alternancia entre planos cenitales y ‘travelings’ enfatizaba la coreografía espacial de personajes y acción.

El ritmo impreso por la variedad de géneros y recursos narrativos permitía que la película transitara del espectáculo a la introspección. El segmento de la entrega de la katana de Hattori Hanzo tienía un carácter ritual y espiritual, mientras que el desenlace en México introducía un clima íntimo y doméstico a pesar de la inminencia del clímax de venganza entre Beatrix y Bill. Destaca el empleo de monólogos (como la reflexión sobre superhéroes de Bill) y el cambio de tono al reunir a la protagonista con su hija, un giro emotivo que investigaba el daño emocional tras la violencia.

En sus últimas secuencias, Tarantino se alejó de la acción espectacular y optó por una resolución sosegada pero catártica: tras ejecutar la técnica letal enseñada por Pai Mei (otro histórico cameo, el de Gordon Liu), Beatrix lograba su venganza y se reencontraba con su libertad, en una imagen final que representaba la culminación de su “feliz desenlace” tras un camino de sangre y redención.

La proyección unificada presenta un montaje que supera las cuatro horas de duración y elimina las recapitulaciones y transiciones pensadas para la ‘serialización’. El metraje incorpora escenas inéditas, destaca por exhibir sin restricciones la masacre de los Crazy 88 en color (originalmente en blanco y negro por razones de censura) y culmina con una secuencia animada adicional titulada La venganza de Yuki, en la que se narra la búsqueda de venganza de la hermana de Gogo Yubari.

Estas modificaciones marcarían una diferencia que va más allá de lo conceptual y transforman el pulso emocional de la historia haciéndola mucho más física y continua.

Qué propone esta nueva experiencia

La restauración de Kill Bill: The Whole Bloody Affair ha supuesto la recuperación del planteamiento original del director, permitiendo que la trama avance desde la furia pop y visual del primer volumen hasta un desenlace en tono de western introspectivo, sin verse interrumpida por artificios comerciales.

El mencionado intermedio, inspirado en la tradición de las grandes epopeyas cinematográficas como Lawrence de Arabia, permite una transición que convierte la historia en una caída libre en vez de un simple “continuará”, dotando a la experiencia de una continuidad anímica que la distingue de las entregas separadas.

El corte completo permite apreciar con una nueva perspectiva el repertorio de antagonistas de la saga: la jefatura japonesa de O-Ren Ishii, la violencia doméstica enmascarada en Vernita, la decadencia crepuscular de Budd, el perfil de villana de cómic de Elle Driver y un Bill que, en esta versión, se revela más humano y menos presente como mera amenaza, sin dejar de ser una figura dominante y compleja.

Además, se expande la secuencia animada del origen de O-Ren Ishii con material adicional, subrayando la naturaleza ecléctica de Tarantino como DJ cinematográfico que mezcla géneros como el kung-fu setentero, el spaghetti western, el anime y el melodrama con una banda sonora a cargo de RZA y Robert Rodríguez.

Mucha más violencia explícita

La desaparición de las estrategias de censura visuales otorga un carácter mucho más explícito a escenas emblemáticas; por ejemplo, la mencionada masacre de los Crazy 88, que ahora se ofrece con todo el gore en tecnicolor, tal como pretendía originalmente Quentin Tarantino. El resultado amplifica el efecto de las coreografías de Yuen Woo-ping y realza la interpretación de Uma Thurman, a la que siempre se le ha atribuido el papel más emblemático de su carrera.

El tono general de la película en este montaje extensivo evita seguir una curva clásica de acción ascendente para adoptar una secuencia de variaciones estilísticas y narrativas, prolongando la experiencia durante más de cuatro horas. La cinta conserva la participación de figuras míticas del cine asiático, como Gordon Liu, quien interpreta un doble papel como Johnny Mo y Pai Mei, y Sonny Chiba, encargado de dar vida al fabricante de katanas Hattori Hanzo, mientras permanece la impronta de la televisión de los años setenta por medio de la presencia de actores como Michael Parks.

Una maratón de más de cuatro horas

La apuesta por esta restauración descarta la idea de versión extendida convencional y la reemplaza por una experiencia integral y ‘autorreferencial’. Tarantino compone así una obra que funciona a modo de museo autobiográfico de la venganza, utilizando todos los lenguajes fílmicos y televisivos que han influido en su carrera. Los nuevos añadidos, como la secuencia final animada, amplían aún más los registros de género y consolidan la narrativa como un ejercicio de estilo y homenaje cultural sin precedentes para los aficionados al cine de acción y al pastiche referencial.

El metraje unificado de más de cuatro horas exige del público una disposición diferente, más cercana a un maratón en una sala de cine que a la visualización de dos estrenos independientes. Este formato, junto con la inclusión de material inédito y el regreso de fragmentos que antes se consideraban perdidos, produce la sensación de una restauración largamente esperada y de una propuesta que se atreve a revestirse de una autenticidad no alcanzada por las versiones separadas.

El principal atractivo de esta reedición reside en su naturaleza de experiencia completa, sangrienta y ‘autoconsciente’. El cierre de la película opta por el diálogo y la reflexión sobre la venganza y los superhéroes, en lugar del éxtasis de acción, una decisión más comprensible dentro del ensamblaje total. Así, la obra logra acercarse a las promesas contenidas en su subtítulo y refuerza su posición como un fenómeno fílmico singular tanto en la filmografía de Tarantino como en la historia reciente del audiovisual.

Recién llegada a las salas de cine argentinas, Kill Bill: The Whole Bloody Affair, la versión original, sin censura y con escenas inéditas concebida por Quentin Tarantino, se posiciona como uno de los hitos cinematográficos del año. Veinte años después de su proyección en Cannes, esta edición digitalmente restaurada y ampliada se estrena en 72 salas del país y brinda al público la película tal como fue pensada: una experiencia intensa, sin filtros ni divisiones, con la violencia estilizada y el homenaje a diversos géneros transformados en la marca estética del director.

El lanzamiento no solo despierta el interés de los fanáticos de Tarantino, sino que redefine la manera de experimentar una saga que originalmente se presentó en dos volúmenes, en 2003 y 2004. La película incluye material que había sido censurado o modificado en versiones anteriores: secuencias animadas extendidas que narran el traumático origen de O-Ren Ishii, interpretada por Lucy Liu, y escenas originalmente forzadas al blanco y negro que ahora fluyen en un rojo intenso restaurado. Además, la conocida secuencia animada incorpora por primera vez una escena tensa y prolongada que profundiza en el trasfondo emocional del personaje.

Concebida como un tributo a la cultura pop, Kill Bill: The Whole Bloody Affair fusiona géneros como el western, el manga, el cine de samuráis y el thriller yakuza, sin perder nunca la ironía y el exceso que caracterizan a Tarantino. La banda sonora, que alterna clásicos de Nancy Sinatra y la energía de The 5.6.7.8’s, sirve como hilo conductor en escenas clave, como el preludio de la masacre en la Casa de las Hojas Azules, uno de los momentos más destacados y restaurados en todo su color en esta versión.

Una experiencia continua para una historia de venganza

Con la eliminación de la división original en dos volúmenes, la historia de La Novia, interpretada por Uma Thurman, adquiere una nueva intensidad narrativa. La venganza avanza sin interrupciones, desde la primera escena hasta el icónico duelo final con Bill. El público sigue así una travesía emocional que logra mantener la tensión y el ritmo, gracias a la estructura interna de los capítulos, que no están ordenados cronológicamente. La violencia gráfica se convierte en un lenguaje visual propio y estilizado, con el gore funcionando tanto como estética como como catarsis dentro del relato.

La organización en capítulos también altera las percepciones de los espectadores, produciendo un efecto de choque temporal y sensorial que invita a revisitar la película desde una perspectiva más madura y nostálgica. Los recuerdos de la primera vez que se vio Kill Bill se entrelazan con los descubrimientos que trae esta edición, reforzando la idea de conectar a distintas generaciones de espectadores a través de una misma obra.

Exploración de influencias y apropiaciones de género

Uno de los mayores aportes de Kill Bill: The Whole Bloody Affair es la celebración explícita de las influencias culturales y cinematográficas que Tarantino absorbe y remezcla. Desde el famoso traje amarillo inspirado en Bruce Lee, hasta las coreografías de combate heredadas del cine clásico de artes marciales y las historias de honor propias del bushido japonés, la película condensa referencias que trascienden el simple homenaje y se transforman en un lenguaje propio.

Los entusiastas del cine notarán en la música, el vestuario y cada encuadre una declaración de amor hacia el cine de género. Tarantino no solo cita, sino que reinventa, apropiándose de la tradición para dotarla de una identidad personal, reconocible y valorada por la crítica internacional. La restauración del color en escenas antes censuradas intensifica el contraste y la saturación visual, haciendo que la experiencia se perciba como un espectáculo sensorial tanto brutal como coreográfico.

Reacciones del público y contrastes históricos

El estreno de esta versión integral de Kill Bill en Argentina ha generado un impacto inmediato tanto en los aficionados como en quienes experimentan la película por primera vez. La proyección invita a reflexionar acerca de la censura y los límites del relato audiovisual: escenas durante mucho tiempo suprimidas por motivos de clasificación ahora se presentan sin restricciones, cuestionando los criterios en torno a la violencia artística frente al entretenimiento comercial.

Resulta relevante que, a pesar del impacto cultural y la popularidad que la saga obtuvo desde su lanzamiento, Uma Thurman quedó fuera de las nominaciones al Oscar, lo que sigue generando controversia dos décadas después. La reedición unificada permite apreciar en mayor dimensión el trabajo actoral y los matices emocionales que sostienen la historia de venganza, maternidad y reconstrucción de identidad de La Novia. Así, se evidencia la brecha entre el reconocimiento institucional y una película que, para gran parte del público, continúa siendo un clásico de culto.

El regreso de “Kill Bill” a los cines mexicanos se perfila como uno de los eventos cinematográficos más esperados del año. Por primera vez en México, la versión extendida y definitiva de la saga, titulada “Kill Bill: The Whole Bloody Affair”, será proyectada.

La noticia ha generado entusiasmo entre fanáticos del cine de acción, quienes llevan años esperando ver el clásico dirigido por Quentin Tarantino en una obra íntegra tal como fue concebida por su director.

El anuncio de este estreno exclusivo, que llegará el 19 de febrero a la cadena Cinépolis, vino acompañado con la noticia de que además habrá una postal conmemorativa que vendrá con la preventa de entradas el 4 de febrero.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair: una versión como nunca antes en pantalla grande

"Kill Bill: The Whole Bloody Affair" es la edición definitiva que Tarantino imaginó desde un inicio, uniendo los volúmenes 1 y 2 en una experiencia continua y extendida. Esta función especial traerá consigo varias novedades para el público mexicano:

• Duración total: 4 horas y 41 minutos, con un intermedio programado para comodidad de los asistentes.
• Secuencia animada inédita: Más de siete minutos de animación que no aparecieron en los estrenos comerciales.
• Batalla de los “Crazy 88” a color: La icónica escena se proyectará completamente a color, distinta a la original en blanco y negro.
• Narrativa integral: Se eliminan resúmenes y fragmentos añadidos, manteniendo la estructura y ritmo pensados por el director.

Esta versión maratónica permitirá a los espectadores adentrarse en el universo de Tarantino, disfrutando de una historia de venganza y acción en su máxima expresión.

Qué esperar de la experiencia

El estreno de esta versión extendida representa una oportunidad única tanto para quienes son fanáticos de Quentin Tarantino como para quienes buscan descubrir la saga completa por primera vez en pantalla grande.

La cadena ha destacado el carácter especial del evento y la posibilidad de vivir la historia de La Novia, interpretada por Uma Thurman, tal como fue concebida desde el inicio.

Los asistentes podrán disfrutar de una sesión ininterrumpida que potencia la intensidad dramática, las coreografías de acción y la música emblemática de la película.

De esta manera, la llegada de “Kill Bill: The Whole Bloody Affair” responde a una tendencia creciente en México por los eventos especiales en salas, donde los clásicos se revalorizan y encuentran nuevas audiencias.

Un evento imperdible para los amantes del cine

Con la expectativa puesta en la fecha tentativa de estreno y el entusiasmo que ha despertado en redes sociales, “Kill Bill: The Whole Bloody Affair” se perfila como una cita obligada para los amantes del cine de acción y el estilo inconfundible de Tarantino.

La oportunidad de redescubrir una de las historias más icónicas del cine contemporáneo, ver la saga completa, extendida y sin censura en pantalla grande representa un homenaje tanto a la película como a su público fiel.

Cuando Kill Bill: Volume 1 llegó a los cines en octubre de 2003, Uma Thurman ya era una actriz reconocida, pero no una estrella de acción. Había alcanzado fama mundial con Pulp Fiction (1994), el filme que la consagró como musa de Quentin Tarantino y le valió una nominación al Oscar por su papel de Mia Wallace. Sin embargo, fue Kill Bill el proyecto que transformó radicalmente su carrera.

En el papel de Beatrix Kiddo, “La Novia”, Thurman encarnó a una heroína feroz, delineada por la violencia y la venganza, en una epopeya cinematográfica de varios ingredientes: artes marciales, exploitation setentero, anime y western.

Su interpretación exigió meses de entrenamiento físico extremo, coreografías de combate complejas y un compromiso corporal absoluto. El resultado fue uno de los personajes femeninos más icónicos del cine moderno y una nueva inyección de vitalidad a la carrera de Thurman, que había pasado por varios tropiezos en la taquilla.

El proyecto, concebido originalmente como una sola película de más de cuatro horas, terminó dividido en dos partes: Volume 1 (2003) y Volume 2 (2004). Para Tarantino, fue una obra maestra; para Thurman, un desafío artístico que la llevó al límite.

El día del accidente

El rodaje de Kill Bill: Volume 2 se acercaba a su final cuando ocurrió el accidente que puso en la cuerda floja la relación entre la actriz y el director. Fue en México, en 2004, durante una escena en la que Thurman debía conducir un auto descapotable por una carretera rural.

Según relató la propia actriz en una entrevista con The New York Times publicada en 2018, ella había expresado su incomodidad antes de filmar.

“Quentin vino a mi tráiler y no le gustó escuchar un no, como a cualquier director. Estaba furioso porque yo les había hecho perder mucho tiempo. Pero yo tenía miedo”, contó Thurman.

La actriz recordó que Tarantino intentó convencerla asegurándole que no había peligro: “Me dijo: ‘Te prometo que el auto está bien. Es un tramo recto. Acelera hasta 65 kilómetros por hora o tu cabello no va a volar bien y voy a hacer que lo hagas otra vez’”.

Pero la realidad era muy distinta. “Eso era una caja de muerte”, dijo sobre el tipo de automóvil que estaba conduciendo. “El asiento no estaba bien atornillado. Era un camino de arena y no era una carretera recta”.

Durante la toma, Thurman perdió el control del vehículo y se estrelló contra una palmera. El impacto fue violento.

“El volante estaba a la altura de mi abdomen y mis piernas quedaron atrapadas debajo de mí. Sentí un dolor abrasador y pensé: ‘Dios mío, nunca voy a volver a caminar’”, relató.

El accidente le provocó una conmoción cerebral, lesiones en el cuello y daños en las rodillas. Cuando regresó del hospital, aún con collarín, pidió revisar el auto.

“Quentin y yo tuvimos una pelea enorme, y lo acusé de haber intentado matarme”, declaró Thurman. “Él estaba muy enojado por eso, supongo que comprensiblemente, porque no sentía que hubiera sido a propósito”.

Ella había confiado en el cineasta; sin embargo, las circunstancias posteriores al accidente solo empeoraron las cosas.

Durante años, la actriz intentó obtener el video de la colisión. Según The Hollywood Reporter, su abogado envió una carta a Miramax apenas dos semanas después del choque, reservándose el derecho de iniciar acciones legales. El estudio accedió a mostrarle el material solo si firmaba un documento que los liberaba de “cualquier consecuencia por mi dolor y sufrimiento futuro”, algo que Thurman se negó a aceptar.

La filmación permaneció oculta durante 15 años.

Se revelan las imágenes

La historia del accidente volvió a la luz pública en 2018, en pleno estallido del movimiento #MeToo. En su entrevista con The New York Times, Thurman vinculó el choque con otro hecho decisivo: las denuncias de abuso sexual contra Harvey Weinstein, productor de Kill Bill y colaborador habitual de Tarantino.

Thurman reveló que ella le había contado al director que Weinstein la había agredido sexualmente años antes, durante la época de Pulp Fiction. A ese contexto de tensión se sumó la negativa del estudio de entregar las imágenes del accidente.

Cuando por fin obtuvo el material, Thurman cuestionó la intención de ocultar lo sucedido por parte de Miramax.

“Las circunstancias de este evento fueron negligentes hasta el punto de la criminalidad. No creo, sin embargo, que hubiera intención maliciosa, a diferencia del encubrimiento”, escribió en Instagram.

Un testimonio valioso en el caso fue proporcionado por Keith Adams, coordinador de escenas de riesgo en Kill Bill. Él aseguró que su equipo no fue convocado y, por ende, no estuvieron presentes el día del accidente.

“En ningún momento fui notificado ni consultado sobre que la señorita Thurman condujera un auto frente a cámara ese día”, afirmó. De haber participado, “habría insistido no solo en poner a un conductor profesional al volante, sino también en asegurarme de que el auto fuera apto y seguro para circular”, argumentó.

El vehículo, un Karmann Ghia de 1973, carecía de barras antivuelco, cinturones y apoyacabezas. Para el veterano coordinador Andy Armstrong, consultado por la misma publicación, todos esos elementos incrementaban el riesgo de la maniobra.

“Podría haberla llevado a una muerte por decapitación. Fue una irresponsabilidad a un nivel enorme”, explicó sobre el efecto del impacto en la zona cervical de la actriz.

“Uno de los mayores arrepentimientos de mi vida”

Ante la repercusión del caso, Quentin Tarantino habló públicamente y asumió su responsabilidad por la seguridad de su set. Admitió que el permitir que Thurman condujera ese día fue “uno de los mayores arrepentimientos” de su vida.

El director explicó que había probado el auto en una dirección, pero decidió filmar en sentido contrario por cuestiones de luz. “Pensé que una carretera recta era una carretera recta y no creí necesario recorrerla de nuevo para asegurarme de que no hubiera diferencias”, dijo. “Ese fue uno de mis errores más horrendos”.

Tarantino además dijo comprender el quiebre personal por lo sucedido. “Ella se subió al auto porque confió en mí. Y yo le dije que era seguro. Y no lo fue. Estaba equivocado”, admitió. “Afectó a Uma y a mí durante los siguientes dos o tres años. La confianza se rompió”.

Tomó tiempo, pero la relación de actriz y director se recompuso después. Ese 2018, fue el propio Tarantino quien le cedió a la actriz el video del accidente.

“Quentin Tarantino lamentó profundamente y sigue arrepentido por este lamentable suceso”, escribió en Instagram. “Me entregó las imágenes para que pudiera sacarlas a la luz, a pesar de que probablemente sea un caso en el que nunca se hará justicia. Además, lo hizo sabiendo perfectamente que podría causarle un perjuicio personal, y estoy orgullosa de él por haber hecho lo correcto y por su valentía”.

Algunos meses después, en mayo, la actriz reiteró que no guardaba resentimiento contra el cineasta y que podría considerar volver a trabajar con él en el futuro.

“¿Tengo un problema crónico en el cuello? Sí“, dijo Thurman. ”¿Me enfadé por cómo se gestionó y cómo me trataron? Sí. Pero, ¿significa eso que no me importa alguien con quien tengo 25 años de historia? ¡No! Soy capaz de perdonar y estas cosas pasan. El accidente en sí fue un error, pero intenté explicar que lo que más me dolió fueron las circunstancias del hecho".

El pasado noviembre, ambos aparecieron juntos en la premiere de The Lost Chapter: Yuki’s Revenge, un proyecto vinculado al universo de Kill Bill que formará parte de Fortnite Chapter 7. Thurman posó feliz, vistiendo una camiseta de Kill Bill, una muestra más de que la amistad sobrevivió.

En el tramo final de la historia, el guion no lineal de Tarantino, que alterna pasado y futuro, retiene información clave hasta el último momento, culminando en un giro que redefine la trama: cuando La Novia finalmente enfrenta a Bill, descubre que su hija está viva y tiene cuatro años. La confrontación con Bill, interpretado por David Carradine, se extiende durante cuarenta minutos y revela la complejidad de los motivos del antagonista, transformando el relato en una tragedia amorosa de tintes oscuros. Tarantino, según se aprecia en esta versión, homenajea a los géneros que marcaron su formación: el manga japonés, el cine de samuráis, las producciones de kung-fu de Hong Kong, el cine blaxploitation y los recursos visuales de Brian De Palma, todo ello al servicio de la reivindicación de las películas de serie B como clásicos incomprendidos.

La trama central es directa: tras recibir un disparo en la cabeza durante el ensayo de su boda, La Novia, embarazada y dada por muerta, despierta de un coma y emprende una búsqueda implacable contra los responsables: cuatro asesinos profesionales y su mentor, Bill. Una de sus adversarias, con su propio historial de venganza y un ejército de secuaces armados con espadas, añade complejidad a la persecución. La película despliega una violencia estilizada y exuberante: se decapita a personajes, los “Crazy 88” pierden decenas de extremidades y la sangre brota en todas direcciones, como fuentes de un hotel de Las Vegas. Tarantino, siguiendo la tradición de los cineastas de género, convierte la violencia simulada en un espectáculo fascinante, donde el dolor solo parece real cuando afecta a la heroína.

El personaje de Beatrix Kiddo, nombre real de La Novia, se erige como una figura legendaria dentro del cine de acción. Su determinación y la justicia de su causa generan una empatía inusual en el público, que la acompaña en cada enfrentamiento. La película subraya la importancia del honor en la batalla: la indignación surge cuando intentan asesinarla con una inyección letal mientras está en coma, pues su destino, si debe morir, debe ser el de una guerrera. Este código de honor se refleja también en los antagonistas, salvo en los dos hombres del hospital que, al intentar abusar de ella, quedan retratados como excepciones despreciables.

Uno de los momentos más intensos de la película ocurre cuando una asesina traiciona a otra por negarle a La Novia la posibilidad de una muerte honorable, al drogarla y enterrarla viva. Este giro da paso a una secuencia de veinticinco minutos, incluyendo un extenso flashback, en la que Tarantino desarrolla el personaje con tal profundidad que la desesperación del público se transforma en júbilo ante el triunfo final. Esta escena, considerada uno de los puntos más altos de la filmografía del director, demuestra su capacidad para elevar el drama más allá del simple homenaje o pastiche.

La influencia de La Novia trasciende la propia saga, inspirando a numerosos personajes en el cine de Hollywood, aunque pocos alcanzan su temple y complejidad. En un diálogo con Bill, la protagonista pregunta: “¿Me estás llamando superheroína?”, a lo que la historia responde que su figura va más allá, convirtiéndose en un mito moderno. La colaboración entre Tarantino y Uma Thurman logra, en palabras de la crítica, una elevación emocionante y electrizante de este arquetipo femenino.

La película combina Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004) en un solo largometraje, que por primera vez se estrenará de manera comercial y nacional en salas de Estados Unidos el 5 de diciembre.

La duración total es de 281 minutos, incluyendo un intermedio de 15 minutos, y ofrecerá a los espectadores una experiencia inédita de más de cuatro horas que incorpora una secuencia de anime nunca antes vista.

La distribución estará a cargo de Lionsgate, que confirmó que el lanzamiento abarcará todos los principales mercados de Norteamérica.

El plan de exhibición contempla, además de funciones convencionales, proyecciones especiales en 35 mm y 70 mm, para las cuales se prepararon nuevas copias físicas de la película.

El film reunirá en pantalla grande por primera vez y de manera continua las dos partes originales, que habían sido concebidas, rodadas y montadas inicialmente como un solo largometraje antes de dividirse debido a su duración.

El elenco principal sigue encabezado por Uma Thurman, quien interpreta a La Novia, personaje que sobrevive a un ataque letal durante su ensayo de boda perpetrado por su antiguo jefe y pareja, Bill (interpretado por David Carradine).

Tras ser dejada en estado crítico y perder a su hija, el personaje de Thurman inicia una búsqueda de venganza que incluye a los cuatro miembros restantes del escuadrón Deadly Viper Assassination Squad y culmina en un enfrentamiento final con Bill.

En declaraciones recogidas por EW, Quentin Tarantino recapituló la trama de la saga. La Novia busca justicia luego de que Bill le dispara en la cabeza y le arrebata a su hija por nacer.

La misión de venganza incluye el seguimiento y confrontación con cada miembro implicado en su tragedia, hasta llegar al propio Bill.

El estreno de Kill Bill: The Whole Bloody Affair marca la primera vez que la edición completa se distribuye a gran escala y de modo continuo fuera de proyecciones evento limitadas.

Hasta ahora, la versión se había presentado únicamente en contadas ocasiones: su primera aparición fue en el Festival de Cannes de 2006, utilizando una copia personal de Tarantino subtitulada en francés; años más tarde, el director proyectó esta versión en su cine New Beverly de Los Ángeles en 2011.

El verano pasado, la película regresó brevemente al Vista Theater, propiedad del propio Tarantino, como evento especial.

La creación de Kill Bill fue originalmente pensada como una sola película, pero la producción se dividió en dos entregas debido a su extensión. Las dos partes se estrenaron con seis meses de diferencia y sumaron una recaudación mundial de más de 330 millones de dólares.

En cuanto a futuras entregas de la saga, Quentin Tarantino ha mostrado a lo largo de los años interés en la posibilidad de una tercera parte. El realizador barajó la idea de retomar la historia dos décadas después de los sucesos de Kill Bill: Vol. 2, mostrando un periodo de paz entre La Novia y su hija, B.B. Kiddo.

Según declaraciones del propio Tarantino, la idea incluía el deseo de contar con Uma Thurman y su hija en la vida real, Maya Hawke, para los papeles principales. Además, personajes como Elle Driver (interpretada por Daryl Hannah) y Sophie Fatale (interpretada por Julie Dreyfus), así como una posible aparición de la hermana gemela de Gogo (Chiaki Kuriyama), también formarían parte del relato.

A pesar de esas reflexiones sobre una posible secuela, el galardonado cineasta contó a EW que, por ahora, no hay expectativas reales de desarrollar Kill Bill Vol. 3.

Por otro lado, Tarantino manifestó públicamente su intención de concluir su filmografía con un décimo, aún no anunciado, proyecto que no retomará el universo de Kill Bill.

¿Tiene Quentin Tarantino una película favorita de Quentin Tarantino? Es uno de los directores más influyentes y controvertidos del cine contemporáneo. Ganador de dos Premios Oscar y una Palma de Oro en el Festival de Cannes, el cineasta nacido en Knoxville, Tennessee, en 1963, ha escrito y dirigido numerosas joyas. De Pulp Fiction a Django desencadenado, ha rodado un total de nueve películas. El pasado viernes, en el pódcast Church of Tarantino, dedicado a las películas del director, ha revelado cuáles de todas sus cintas considera su obra maestra, su favorita y la que nació para hacer.

No sorprende que su hija predilecta sea Érase una vez en… Hollywood (2019), como ha ya dicho en varios ocasiones. ¿Pero es su mejor película? No. “Érase una vez en… Hollywood es mi favorita, Malditos bastardos es mi mejor película, pero creo que Kill Bill es la película más ‘Quentin’ que he hecho”, ha confesado Tarantino. La cinta protagonizada por Uma Thurman y dividida en dos partes en 2003 y 2004 es la más especial para él. “Nadie más la podría haber hecho. Todos los aspectos de la película son tan particulares, como los tentáculos y los tejidos ensangrentados. Todo parte de mi imaginación, de mi identidad, mis amores, mis pasiones, mis obsesiones. Creo que Kill Bill es la película que nací para hacer".

¿Cuál es su mejor guion?

También durante la conversación, que tiene dos horas de duración, debatió sobre sus guiones, que él mismo escribe. “Creo que Malditos bastardos es mi mejor guion, y creo que Los odiosos ocho y Érase una vez en Hollywood le siguen muy de cerca", apuntó. “Kill Bill es un guion muy bueno, pero se trata solo de la filmación, de la realización de la película”, añadió. Sin embargo, destacó que Los odiosos ocho representa quizá su mejor labor como director sobre un material ya sólido, lo que le permitió enfocarse en la ejecución sin tener que inventarlo todo desde cero, como sí ocurrió con Kill Bill. “Hay algo en Los odiosos ocho que considero probablemente mi mejor dirección de mi propio material”, explicó.

A pesar de su apego a Once Upon a Time in Hollywood, Tarantino decidió no dirigir la secuela, The Adventures of Cliff Booth, que estará a cargo de David Fincher para Netflix y que ya se está rodando, con Brad Pitt retomando su papel. “Creo que David Fincher y yo somos los dos mejores directores. La idea de que quiera adaptar mi obra para mí demuestra una seriedad que creo que debe tenerse en cuenta”. El motivo, según el director, fue su falta de entusiasmo por realizar un proyecto que consideraba un paso sobre terreno ya conocido. “Amo este guion, pero caminar por el mismo terreno que ya he recorrido no me entusiasma. Esta última película tiene que ser un territorio desconocido”, afirmó.

Tarantino también despejó las dudas sobre la que iba a ser su décima y última película, The Movie Critic. El proyecto fue descartado el año pasado porque se parecía demasiado a trabajos anteriores. “No me entusiasmaba mucho dramatizar lo que había escrito durante la preproducción”, confesó. Tarantino recordó que en Érase una vez en… Hollywood (2019) se había enfrentado al desafío de reconstruir la ciudad de Los Ángeles de 1969 sin recurrir a efectos digitales: “Teníamos que lograrlo. No era seguro que pudiéramos. Con The Movie Critic no había nada que resolver. Ya sabía, más o menos, cómo convertir Los Ángeles en una época anterior. Se parecía demasiado a la última”.

Durante una extensa entrevista en el pódcast The Church of Tarantino, Quentin Tarantino hizo un repaso de su filmografía y compartió su visión personal sobre sus logros detrás de la cámara.

Incluso, el cineasta de 61 años aseveró que de todos sus proyectos tiene una cinta que considera como su obra maestra. “Bastardos sin gloria es mi obra maestra, pero Érase una vez en Hollywood es mi favorita", expresó.

Sin embargo, el artista reconoció que “Kill Bill” está en la cima de todas sus películas. “Creo que Kill Bill es la película definitiva de Quentin Tarantino. Nadie más podría haberla hecho", declaró.

Y añadió: “Cada aspecto está arrancado, con tentáculos y tejido sangriento, de mi imaginación, mi id, mis pasiones y mis obsesiones. Creo que Kill Bill es la película que nací para hacer”.

Por otra parte, Quentin Tarantino también aprovechó la conversación para reflexionar sobre su trabajo como guionista. Según dijo, Bastardos sin gloria es su mejor guion, pero consideró que "The Hateful Eight y Once Upon a Time in Hollywood están justo detrás”.

Sin embargo, destacó un matiz importante en relación con The Hateful Eight.

“Hay un aspecto en esa película que creo que es probablemente mi mejor dirección de mi propio material. El guion era sólido, no tenía que inventar nada como en Kill Bill, simplemente estaba ahí, y creo que es donde mejor serví a mi material como director”, expresó.

El supuesto retiro de Quentin Tarantino

A pesar de su cariño por Once Upon a Time in Hollywood, Tarantino habló sobre su negativa a dirigir la esperada secuela, titulada The Adventures of Cliff Booth.

Cabe recordar que el filme estará a cargo de David Fincher y se estrenará en Netflix. El director explicó que declinó dirigirla porque no quería que su décima y supuestamente última película fuera una secuela.

“Me encanta este guion, pero siento que estoy recorriendo un terreno que ya exploré. Simplemente no me entusiasmaba. En esta última película necesito no saber lo que estoy haciendo, debo estar en territorio inexplorado”, explicó.

Otro de los temas que abordó fue la cancelación de The Movie Critic, el proyecto que durante meses se pensó que sería su décima película. Según el propio cineasta, la razón fue que el guion resultaba demasiado parecido a lo que ya había hecho en Once Upon a Time in Hollywood.

“No estaba realmente emocionado de dramatizar lo que escribí durante la preproducción. En parte porque estaba usando las mismas habilidades que aprendí con Once Upon a Time in Hollywood: cómo convertir Los Ángeles en el Hollywood de 1969 sin CGI", admitió.

Y añadió: “Era un reto, algo que no sabíamos si podíamos lograr. Pero con The Movie Critic ya tenía la fórmula. No había nada nuevo que descubrir. Se parecía demasiado a la anterior”.

Aunque Tarantino ha reiterado en varias ocasiones que se retirará tras su décima película, el interés por su obra y sus declaraciones sigue generando expectación.

Según informó la Oficina del Sheriff del Condado de Los Angeles a The Hollywood Reporter, Madsen fue hallado inconsciente por los equipos de emergencia que llegron a su casa de Malibú tras ser alertados por una llamada al 911.

Fue declarado muerto a las 8:25 de la mañana. Su representante, Ron Smith, confirmó a los medios que el actor sufrió un paro cardíaco.

Las autoridades no encontraron signos de violencia o acto delictivo en el lugar.

La noticia marca el cierre de una carrera intensa y prolífica en la que acumuló más de 346 créditos en IMDb desde su debut en los años 80.

Llegó a ser conocido un actor de carácter inconfundible y presencia intimidante.

Su equipo de mánagers y su publicista, Susan Ferris, firmaron un comunicado conjunto recordando que Madsen tenía varios proyectos en camino.

“Michael estaba trabajando en películas independientes como Resurrection Road, Concessions y Cookbook for Southern Housewives, y esperaba con entusiasmo esta nueva etapa de su vida”. Además, preparaba la publicación de un libro titulado Tears for My Father: Outlaw Thoughts and Poems.

La brillante carrera de Madsen en el cine

En la pantalla grande, Madsen se especializó en darle vida a los tipos duros, seres que a menudo desbordaban violencia y misterio.

Su historia comenzó el 25 de septiembre de 1957, fecha de su nacimiento en Chicago. Fue hijo de un bombero y de una madre documentalista ganadora de un Emmy.

El teatro Steppenwolf fue el escenario de su primer encuentro con la actuación. Allí fue aprendiz de John Malkovich y actuó en obras como Of Mice and Men.

Su debut en el cine llegó con WarGames (1983) y The Natural (1984), pero fue en los años noventa cuando dio el salto a la fama gracias a su papel del sádico Mr. Blonde en Perros de la calle (Reservoir Dogs, 1992), la ópera prima de Quentin Tarantino.

La brutal escena en la que corta la oreja a un policía mientras baila Stuck in the Middle With You le aseguró un lugar entre los grandes villanos del cine.

A partir de entonces, Madsen se convirtió en un colaborador recurrente de Tarantino. Participó en Kill Bill: Vol. 1 y 2 (2003-2004) como Budd, exmiembro del escuadron asesino y hermano de Bill.

Más tarde apareció en Los ocho más odiados (2015) y Érase una vez en Hollywood (2019).

Sin embargo, también se encontró con oportunidades perdidas: rechazó el papel de Vincent Vega en Pulp Fiction (que finalmente fue para John Travolta), por aceptar un rol en Wyatt Earp.

Además de sus trabajos con Tarantino, participó en películas como Thelma & Louise, Donnie Brasco, The Doors, Free Willy, Species, Die Another Day, Sin City y Scary Movie 4.

También fue actor de voz en videojuegos como Grand Theft Auto III, Dishonored y Crime Boss: Rockay City.

Sobre su arquetipo de maleante, Madsen lamentó que fuese “más creíble de lo que debería”.

“Creo que la gente realmente me teme. Me ven y piensan: ‘¡Mierda, es ese tipo!’ Pero no soy ese tipo. Solo soy un actor. Soy padre, tengo siete hijos. Estoy casado desde hace 20 años. Cuando no estoy filmando, estoy en casa, en pijama, viendo The Rifleman en la tele, ojalá con mi hijo de 12 años preparándome una hamburguesa”, dijo a The Hollywood Reporter en 2018.

Problemas familiares y luchas personales

Michael Madsen tuvo una vida personal agitada. Estuvo casado tres veces. Su primera esposa fue Georganne LaPiere, media hermana de Cher, con quien se casó en 1984 y se divorció en 1988.

Luego, con Dana Mechling tuvo a su hija Jessica, nacida en 1979. Entre 1991 y 1995 estuvo casado con Jeannine Bisignano, con quien tuvo dos hijos, Christian y Max, ambos actores.

Finalmente, en 1996 contrajo matrimonio con DeAnna Morgan, con quien tuvo tres hijos más: Luke, Kalvin y Hudson.

La tragedia golpeó duramente a Madsen en 2022, cuando su hijo Hudson se suicidó.

Ese mismo año, el actor fue arrestado por allanamiento, y en 2024 volvió a ser detenido por agresión tras un altercado doméstico. Su fianza fue fijada en 20 mil dólares.

Ese año, se informó que Madsen había solicitado el divorcio a su esposa. Los documentos fueron presentados a la corte, con lo que se hizo pública la noticia. No obstante, unos meses después el actor desmintió cualquier conflicto con su esposa relacionado a la muerte de su hijo. En su publicación de Instagram, también parecía retractarse de su divorcio.

Uma Thurman compartió que su regreso al cine de acción no solo responde a una oportunidad profesional, sino también a la posibilidad de explorar un nuevo tipo de personaje en la pantalla.

La actriz, reconocida por su papel en la saga de Kill Bill, explicó que decidió alejarse de las películas de acción tras el éxito de esa franquicia para proteger su legado en el género.

Ahora, tras años de ausencia en este tipo de producciones, vuelve a la acción como antagonista en La vieja guardia 2, donde comparte créditos con Charlize Theron.

La estrella de 55 años abordó este tema durante su participación en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon el pasado 17 de junio. Thurman detalló que, tras el impacto de Kill Bill: Volume 1 (2003) y Kill Bill: Volume 2 (2004), optó por no encasillarse en papeles similares.

“Nunca seguí Kill Bill con más acción porque no quería terminar en un montón de películas de acción de serie B”, explicó. Según consignó el medio, la presión por elegir el siguiente proyecto tras un éxito tan rotundo la llevó a buscar otros caminos en su carrera.

La propuesta de La vieja guardia 2 representó para ella una oportunidad de “volver a probar el género de acción”, según relató en la entrevista.

Además, la historia y los personajes de la película le resultaron atractivos y diferentes a lo que había hecho antes.

“Charlize fue simplemente épica en [La vieja guardia de 2020]”, comentó la artista, quien también expresó su deseo de apoyar a Theron en esta nueva entrega.

“Pensé, ‘Bueno, puedo hacer esto por ella en esa película. Ella está llevando el género a otro lugar. Iré a apoyarla, a enfrentarme y a luchar con ella’”, afirmó.

En esa misma línea, Uma Thurman elogió el trabajo de Theron, describiéndola como “fenomenal” e “increíble”.

“Me pareció fantástica en esa película. Y pensé que era un tipo de película de acción única. Tenía mucho carácter y profundidad, y realmente era conmovedora”, señaló.

En la secuela, la actriz interpreta a la villana, un rol que consideró “divertido”, especialmente por la posibilidad de encarnar a “malos particularmente graciosos”.

A pesar de que han pasado años desde que Thurman empuñó una espada en pantalla, la actriz reveló que no tuvo tiempo para entrenar antes de rodar La vieja guardia 2.

“Ojalá hubiera podido entrenar”, confesó en el programa de Fallon. “No, llegué para hacerlo casi al final. Así que no tuve entrenamiento. Fue como, ‘Oh sí, una espada. Creo que se sostiene así’”, relató entre risas.

Por otro lado, destacó una anécdota curiosa sobre las dificultades de comer durante las escenas.

“Comer cuando actúas es... Primero, tienes que hacer muchas tomas. Segundo, no eliges lo que hay en el menú. Y a veces tienes que hablar y tragar, y entonces empiezas a preocuparte por atragantarte porque no quieres estar masticando cuando dices esa línea”, explicó.

Thurman bromeó sobre su experiencia, diciendo: “Muchos actores hacen escenas comiendo. Una buena escena comiendo debería estar en mi lista de cosas pendientes”.

Consultada sobre la posibilidad de una tercera entrega de La vieja guardia, se mostró reservada. “Hay rumores”, insinuó. “Creo que lo dejaremos en manos de los fans”.

El panorama para una tercera película de la saga parece más prometedor que el de un posible Kill Bill: Volume 3.En una aparición previa en The Jess Cagle Show de SiriusXM en febrero de 2022, Thurman se refirió a la posibilidad de retomar su icónico papel en la franquicia.

“Se ha discutido a lo largo de los años. Hubo una verdadera intención de hacerlo, pero fue hace mucho tiempo”, recordó.

Y agregó: “No lo veo como algo que vaya a suceder pronto. Odio decepcionar a la gente. Todos desearían que fuera así, pero creo que no está en el horizonte inmediato”.

La vieja guardia 2 se estrenará en Netflix el 2 de julio, marcando el regreso de Uma Thurman al cine de acción y su primer enfrentamiento en pantalla con Charlize Theron.

Han pasado más de 20 años desde que Chiaki Kuriyama cautivó al mundo con su inolvidable interpretación de Gogo Yubari en Kill Bill: Vol. 1 (2003).

Con su uniforme escolar, mirada letal y una bola con cadena como arma, la actriz se consolidó como una figura icónica del cine de acción internacional.

Sin embargo, lejos de quedarse anclada a ese personaje, la artista japonesa ha construido una carrera versátil y respetada en su país natal, explorando con éxito otras facetas como la música, la moda y el activismo.

La elección de Chiaki Kuriyama para el filme de Quentin Tarantino no fue casual, pues el director la descubrió por su papel en Battle Royale (2000) y la consideró perfecta para encarnar a Gogo con tan solo 18 años.

Para el papel, Chiaki se sometió a intensos entrenamientos de combate durante tres meses.

“Comenzamos con lo básico: patadas y puñetazos, luego trabajamos con armas... una vez golpeé a Quentin en la cabeza con mi bola con cadena”, recordó la actriz en una entrevista.

Esa dedicación fue recompensada, ya que ganó el premio a la Mejor Pelea en los MTV Movie Awards de 2004 y su personaje aún es uno de los más recordados del universo Tarantino.

Tras ese éxito internacional con Kill Bill: Vol. 1, Chiaki Kuriyama decidió regresar a Japón y continuar su carrera allí. Ha participado en más de 80 producciones audiovisuales, tanto en cine como en televisión.

Entre sus trabajos más destacados se encuentran Azumi 2: Death or Love, The Great Yokai War, y más recientemente, la serie 24 Japan y la película Fullmetal Alchemist: The Final Alchemy (2022), donde interpretó a Olivier Mira Armstrong.

Además de su carrera actoral, la famosa incursionó en la música en 2010. Su sencillo debut, “Ryūsei no Namida”, fue elegido como tema de cierre del anime Mobile Suit Gundam Unicorn. En 2011 lanzó su álbum Circus, en el que colaboró con reconocidos artistas.

“Sentía que ya no había nuevos papeles para mí como actriz... alguien me sugirió cantar. Siempre me ha encantado la música, y fue una oportunidad para hacer algo completamente nuevo”, confesó.

A lo largo de los años, Kuriyama también se ha desempeñado como modelo y figura de estilo en Japón. Desde su infancia ha sido imagen de campañas publicitarias y continúa activa en el mundo de la moda, así como en causas sociales, como la defensa de los derechos de los animales.

Aunque muchos esperaban que siguiera una carrera en Hollywood tras Kill Bill, ella ha explicado que su dominio limitado del inglés fue un obstáculo.

“Siento que debo ganarme el reconocimiento en Japón, de parte de mis compatriotas, antes de trabajar en el extranjero”, dijo.

Hoy, con 40 años, Chiaki Kuriyama se mantiene vigente como una artista multifacética y respetada. Gogo Yubari fue el punto de partida de una carrera que ha sabido renovarse sin perder autenticidad.

Actualmente, Kuriyama continúa protagonizando series de gran audiencia en Japón, como CSI: Crime Scene Talks (Iryu Sosa e su idioma original) y Ōoku.

Charlize Theron no ocultó su entusiasmo al hablar sobre su experiencia compartiendo escena con Uma Thurman en The Old Guard 2, la nueva entrega de acción de Netflix que llegará el 2 de julio.

Durante su visita a Jimmy Kimmel Live! el pasado jueves 7 de mayo, la actriz sudafricana reveló que trabajar junto a la estrella de Kill Bill fue un momento muy especial en su carrera.

“Nos conocíamos de pasada, pero yo la conocía por ser una gran fan, simplemente viéndola trabajar, y siempre quise hacer algo con ella porque cuando entré al mundo de la acción, para mí ella era como la sensei. Era la OG”, confesó.

Esta admiración hizo que Charlize Theron se sintiera con miedo durante el rodaje de The Old Guard 2, pese a su experiencia en el género. De acuerdo con la actriz, Uma Thurman es verdaderamente increíble actuando, por lo que admitió que siempre espero compartir créditos con ella.

“Estaba asustada de actuar con ella. Desde que trabajo en películas de acción, me he preguntado: ‘¿Con quién quiero trabajar y hacer una secuencia de acción?’. Siempre ha sido con Uma Thurman. Siempre”, dijo.

Por si fuera poco, la artista destacó además el carácter de su colega y dijo que su presencia se hacía notar cuando llegaba al set, aunque admitió que tiene una personalidad muy suave.

“Tiene una presencia imponente, es muy alta, y puede parecer intimidante, pero ella es realmente dulce, amable y considerada, y muy trabajadora”, señaló.

Incluso, Charlize Theron contó una anécdota del rodaje que revela el estilo decidido de Uma Thurman para grabar las escenas de acción.

“Definitivamente me sentí intimidada por ella, especialmente cuando apareció y le dieron una espada y habíamos trabajado toda esta secuencia y ella dijo: ‘Creo que quiero dos espadas’”, recordó entre risas.

Durante la entrevista, tanto la artista de 49 años como el presentador Jimmy Kimmel coincidieron en que Uma Thurman merecía el Oscar por protagonizar la exitosa cinta Kill Bill.

“Debería haber ganado el premio de la Academia por Kill Bill, ¿verdad?“, dijo el presentador. “Cien por ciento”, afirmó Theron.

Es así que Charlize Theron, quien es ganadora de un Premio Oscar por Monster (2003), reconoció que la actriz de 55 años ha sido una figura determinante en el cine de acción liderado por mujeres.

”Lo que hizo en esa película (Kill Bill) fue simplemente increíble. Creo que los hombres reciben mucho crédito por este tipo de películas”, reflexionó.

The Old Guard 2 marca el regreso de Andy (Theron) y su equipo de guerreros inmortales, con nuevos desafíos y aliados inesperados.

Bajo la dirección de Victoria Mahoney —que toma el relevo de Gina Prince-Bythewood— la secuela promete más acción, traiciones y dilemas personales.

La sinopsis oficial anticipa que Andy “lidia con su recién descubierta mortalidad mientras surge una misteriosa amenaza que podría poner en peligro todo por lo que ha trabajado durante miles de años”.

Uma Thurman aseguró que la gente podría pensar que es “asquerosa” por este hábito

Uma Thurman expresó en una entrevista con la revista People su preocupación por el legado ecológico que dejaremos a las próximas generaciones.

“Personalmente, me pregunto: ‘Dios mío, ¿cómo podemos decepcionar a las próximas generaciones?’. Quiero que los niños del futuro vivan momentos de emoción auténtica en la naturaleza, como los que yo he tenido”, dijo.

Esa motivación ha llevado a la estrella de Hollywood a adoptar lo que ella misma llama un estilo de vida como “ecologista de microcambio”.

Su filosofía consiste en realizar pequeños cambios en nuestra forma de consumir. Una de estas acciones consiste en lavar y reutilizar las bolsas Ziploc.

“La gente podría pensar que soy asquerosa. Pero si están un poco sucias, las lavo con agua y jabón y las cuelgo para que se sequen. No intento envenenar a nadie ni dañar a mi comunidad”, admitió.

“Cuando entré al mundo de la acción, ella era, para mí, como la sensei. Ella era la original”, expresó la actriz durante una entrevista en Jimmy Kimmel Live!

El encuentro entre ambas estrellas ocurre por primera vez en esta secuela de Netflix, donde sus personajes se enfrentan en un intenso duelo físico.

“Siempre quise hacer algo con ella”, confesó en el mismo programa. “Desde que estoy en películas de acción, he pensado: ‘¿Con quién quiero trabajar y tener una secuencia de acción?’ Siempre ha sido Uma Thurman. Siempre”.

Theron no dudó en señalar la injusticia que, en su opinión, ha sufrido Uma Thurman por su trabajo en Kill Bill, los icónicos filmes dirigidos por Quentin Tarantino en 2003 y 2004.

“Ella debería haber ganado el Oscar por Kill Bill, ¿verdad?”, preguntó Jimmy Kimmel. A lo que Charlize respondió con firmeza: “Cien por ciento”.

La protagonista de Mad Max: Fury Road enfatizó que debía existir mayor reconocimiento hacia la interpretación que Uma hizo de La Novia.

“Generalmente, son los hombres quienes reciben mucho crédito por estas [clases de] películas. Lo que ella hizo en esa película fue simplemente increíble”, acotó.

El regreso de La vieja guardia

La secuela de La vieja guardia, relato que fue lanzado originalmente en 2020 y visto por 72 millones de hogares en su primer mes, se estrena este 2 de julio por Netflix.

Dirigida esta vez por Victoria Mahoney, quien toma la posta de Gina Prince-Bythewood, la nueva entrega reúne nuevamente a Andy (Theron) con sus compañeros inmortales: Nile (KiKi Layne), Joe (Marwan Kenzari), Nicky (Luca Marinelli), Booker (Matthias Schoenaerts) y James Copley (Chiwetel Ejiofor).

La historia parte del desenlace del primer filme, con Quynh (Veronica Ngô), rescatada de su prisión submarina, de regreso y sedienta de venganza.

En este contexto, aparece un nuevo personaje: Discord, la villana interpretada por Uma Thurman. Su identidad se revela en el tráiler como “la primera de los inmortales”, una figura poderosa que conoce los secretos del grupo y que representa una amenaza directa al liderazgo de Andy.

“Durante siglos te he visto luchar por proteger a la humanidad, mientras abandonabas a los tuyos”, dice su voz intimidante en el adelanto. “Te destruiré a ti y todo lo que representas con un poder que ni siquiera puedes imaginar”.

El tráiler oficial, lanzado por Netflix el 7 de mayo, muestra una secuencia de pelea entre Thurman y Theron con espadas incluidas que recuerda inevitablemente a Kill Bill.

Para Mahoney, directora del filme, el duelo entre ambas actrices va más allá del espectáculo visual: “Para mí, en cualquier escena de pelea tiene que haber un oponente digno. Los oponentes dignos elevan fácilmente las coreografías de combate, y también elevan los momentos dramáticos”.

En el programa de Jimmy Fallon, Theron recordó el entusiasmo de su colega por dicha escena. “Cuando ella llegó y le dieron una espada, ya habíamos ensayado toda esta secuencia, y dijo: ‘Creo que quiero dos espadas’”.

Respecto a la trama, Greg Rucka, creador del cómic original y guionista de la película, explicó el cambio de tono con respecto a la primera entrega: “La primera película surge del hallazgo de un propósito por parte de Andy. Así que la segunda debía desafiar eso. Ese desafío se encarna en Discord”.

“Hay algo para todos en esta película. Para los fans que amaron la primera, los fans de las novelas gráficas originales, y nuevos espectadores que buscan acción, personajes realistas, locaciones hermosas y un elenco global de superestrellas”, agregó Charlize para Tudum de Netflix.

Este estilo musical anacrónico y ecléctico es parte esencial de lo que define la estética de Tarantino, creando una atmósfera única que se convirtió en una de sus señas de identidad dentro del cine.

En una entrevista con la revista Uncut, Tarantino compartió una lista de sus proyectos musicales favoritos, revelando cómo la música influyó en su vida y su obra.

Entre sus elegidas se encuentran compositores célebres como Bernard Herrmann y artistas del folk como Phil Ochs, además de las primeras grabaciones de Elvis Presley. “La música no solo complementa, transforma lo que toca”, expresó en esa ocasión el reconocido cineasta.

El disco favorito: “Blood on the Tracks” de Bob Dylan

El disco que Tarantino considera su favorito es Blood on the Tracks de Bob Dylan, lanzado en 1975. Este álbum, que fue un cambio radical en la carrera de Dylan, representa un punto de inflexión en la vida del propio cineasta.

Durante sus años de juventud, especialmente entre los 18 y 25 años, Tarantino se sumergió en la música vieja, desde el rockabilly hasta el folk. Fue a los 25 años cuando descubrió a Dylan, un hallazgo que, como él mismo menciona, le “voló la cabeza”.

Blood on the Tracks es considerado por muchos como la obra maestra del segundo periodo de Dylan, y es precisamente esa transición entre sus primeros discos complejos y sus composiciones más limpias y directas la que Tarantino valora especialmente.

Según el director, este álbum es la culminación de esa evolución, un disco que se adapta a su momento personal, encarnando la maestría de un artista maduro.

La canción favorita: “Tangled Up in Blue”

Además de su amor por el disco completo, Tarantino tiene una relación muy especial con una canción en particular de Blood on the Tracks: Tangled Up in Blue. Esta canción, que abre el disco, se ganó el lugar de su favorita absoluta.

Lo interesante de esta elección es que, a pesar de que Tarantino admite que puede parecer una “trampa” por estar incluida en su álbum preferido, lo cierto es que considera que es la pieza que más lo impacta. “Es una canción cuya letra te invita a escribir tu propia interpretación, un juego constante entre el oyente y el autor”, afirmó el director.

Aunque al principio Tarantino pensaba que otras canciones de Blood on the Tracks, como If You See Her, Say Hello, tenían mayor poder, con el paso del tiempo llegó a la conclusión de que Tangled Up in Blue le ganaba por su capacidad para ser disfrutada una y otra vez.

Un vínculo inquebrantable entre el cine y la música

La conexión de Tarantino con la música es tan fuerte como la que mantiene con sus propias películas. En muchas de ellas, la música no es solo un complemento, sino un personaje más que da forma a la narrativa y a la atmósfera. Desde Pulp Fiction hasta Kill Bill, cada banda sonora es un reflejo de su visión cinematográfica, donde la música no es solo un telón de fondo, sino una extensión de su propio estilo artístico.

En este sentido, su admiración por un álbum como Blood on the Tracks no es solo una cuestión de gustos personales, sino un reflejo de cómo la música se fusiona con sus historias.

Al igual que Dylan, Tarantino tiene la habilidad de hacer que sus obras, ya sean visuales o sonoras, sean el resultado de una conversación constante entre los elementos que las componen.

“La música y el cine son dos lenguajes universales que, cuando se combinan, pueden contarte la historia de un alma”, concluyó el artista.

En definitiva, la elección de Tarantino de Blood on the Tracks y Tangled Up in Blue como sus favoritos es más que una simple preferencia. Es un testimonio de cómo la música, al igual que el cine, tiene el poder de transformar, de generar conexiones profundas con momentos cruciales en la vida, y de seguir siendo una fuente de inspiración y reflexión durante toda una carrera artística.

El escritor Stephen King es una de las figuras más influyentes de la literatura contemporánea. Con más de medio siglo de carrera, sus novelas definieron el género del terror y trascendieron el papel impreso para convertirse en hitos del cine. Desde Carrie (1976) hasta It (1990), sus historias dieron forma a algunas de las producciones más memorables de Hollywood.

Sin embargo, su rol en la industria no se limitó a la ficción, dado que también fue un observador crítico del séptimo arte. En 2007, una reseña generó controversia por su visión mordaz sobre el trabajo de Quentin Tarantino. La revista Fotogramas repasó aquel episodio entre ambas personalidades.

King y su relación con el cine

Más allá de la constante adaptación de sus novelas, Stephen King mantuvo un vínculo estrecho con la industria del cine. No solo apoyó financieramente diversas producciones basadas en sus obras, sino que también participó en la escritura de guiones y fungió como consultor en distintas adaptaciones.

Esta legitimidad como crítico se evidenció en 2007, cuando publicó una reseña en Entertainment Weekly sobre Kill Bill Vol. 1 (2003). En ella, King no escatimó en descalificaciones para la película de Tarantino, a la que describió como “insulsa” y “narcisista”. Su postura contrastó con la recepción entusiasta que la cinta había tenido entre críticos y cinéfilos.

Una crítica feroz a “Kill Bill”

Para Stephen King, Kill Bill Vol. 1 carecía de sustancia y era una obra pretenciosa. “Steve dice que no te lo creas. Steve dice que debes recordar que los críticos de cine ven las películas gratis”, escribió en su análisis, sugiriendo que la opinión favorable de la crítica se debía a la falta de perspectiva que genera la comodidad de ver cine sin pagar.

El novelista cuestionó la construcción de la protagonista interpretada por Uma Thurman, a quien consideró desaprovechada en un papel sin profundidad. “Es lo mejor de la película, pero al final se queda con el papel de una mujer que es una etiqueta en lugar de un ser humano”, agregó el escritor.

También criticó la violencia estilizada de Tarantino, comparando las coreografías de lucha con una “rutina de natación de Esther Williams”, en referencia a la nadadora y estrella de cine de la época dorada de Hollywood.

La falta de un desenlace definido en Kill Bill Vol. 1 también fue un punto de conflicto para King. Sobre esto expresó: “Ni siquiera hay un final del que puedas presumir; simplemente nos dicen que estemos atentos para más”. Además, concluyó su reseña con una contundente afirmación: “Lo aburrido sigue siendo aburrido, ¿no?”.

Tarantino y la posibilidad de Kill Bill 3

A pesar de la visión negativa de King sobre Kill Bill, la saga sigue siendo una de las más emblemáticas del cine de acción. Quentin Tarantino manifestó en múltiples ocasiones su intención de continuar la historia de “La Novia”. En una entrevista con Andy Cohen, el director confirmó que tiene planes para una tercera entrega, aunque no de manera inmediata.

“Tengo una idea de lo que haría, qué le sucedió a ‘La Novia’ y qué quiero hacer. Porque no me gustaría inventar una aventura ridícula, ella no se lo merece”, explicó Tarantino, dejando claro que su intención es desarrollar una historia que haga justicia al personaje.

De igual manera, el cineasta también reconoció que el proyecto aún tardará en concretarse. “Yo sé que pasó (bastante tiempo). Pero definitivamente está sobre la mesa”, afirmó en el reportaje con Cohen, hace algunos años.

El impacto de Stephen King en el cine

La obra de Stephen King sirvió como inspiración para algunas de las adaptaciones más aclamadas del cine. Películas como El resplandor (1980) o Cadena perpetua (1994) fueron celebradas tanto por la crítica como por el público. Su universo narrativo demostró una versatilidad que le permitió explorar desde el terror psicológico hasta el drama carcelario.

Además de su relevancia en la literatura, King contribuyó directamente al cine como guionista y productor. Su amor por la gran pantalla lo llevó incluso a dirigir La rebelión de las máquinas (1986), un proyecto en el que intentó trasladar su visión del horror a un formato visual. Aunque su incursión como realizador no fue exitosa, su conocimiento del lenguaje cinematográfico lo consolida como una voz autorizada para analizar producciones.

• Fallout
• Sr. y Sra. Smith
• Rojo, blanco y sangre azul

Prime Video se ha consolidado como una de las plataformas más influyentes en el panorama actual del entretenimiento, destacándose con títulos relevantes como The Boys, El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder (The Lord of the Rings: The Rings of Power), My Lady Jane, Daisy Jones & The Six, y Historia del Loop. Este éxito no solo se refleja en el entusiasmo del público por sus producciones, sino también en el respaldo de la crítica, con varias de sus series siendo reconocidas en los premios Emmy 2024. Estos galardones celebran lo mejor de la televisión, destacando tanto el trabajo detrás de cámaras como las interpretaciones sobresalientes.

Mientras esperamos la entrega de los premios el próximo 15 de septiembre, es un buen momento para repasar producciones de Prime Video que han sido nominadas. Estas series no solo han capturado la atención por su calidad y originalidad, sino que también han sido elogiadas por su innovador enfoque y profundidad en la narrativa, reafirmando el compromiso de la plataforma con el contenido de primer nivel.

Fallout

La serie Fallout, estrenada el 10 de abril en más de 240 países, trae a la pantalla pequeña la icónica franquicia de videojuegos de Bethesda. La trama sigue a un grupo selecto de humanos que sobreviven en búnkeres tras una devastadora guerra nuclear, explorando la vida en un mundo post-apocalíptico. Su impacto fue inmediato, convirtiéndose rápidamente en una de las producciones más vistas del servicio de streaming, lo que subraya el éxito y la relevancia de la adaptación.

En la carrera por los premios Emmy, Fallout ha logrado un impresionante total de 17 nominaciones para su primera temporada. La competencia en la categoría de Mejor Drama es feroz, enfrentándose a grandes nombres como Slow Horses, The Crown, The Gilded Age, The Morning Show, El problema de los tres cuerpos, Mr. & Mrs. Smith, y Shōgun. Además, la serie está en la contienda por premios técnicos, incluyendo Mejor diseño de producción, Mejor maquillaje prostético, y Mejor edición de audio. Una de las sorpresas más destacadas fue la nominación de Walton Goggins (conocido por Sons of Anarchy y Los 8 más odiados) como Mejor actor protagonista de una serie de drama por su interpretación del Ghoul.

El elenco de Fallout no se limita a Goggins; también cuenta con actuaciones de Ella Purnell (Yellowjackets, Arcane), Aaron Moten (Emancipation), Moisés Arias (A dos metros de ti, El juego de Ender), y Kyle MacLachlan (Twin Peaks, Duna), entre otros.

Sr. y Sra. Smith - Mr. and Mrs. Smith

Seguimos con otra producción nominada, Sr. y Sra. Smith (Mr. and Mrs. Smith), que ofrece una dosis renovada de acción y suspense a los espectadores. Aunque el título recuerda a la icónica película de 2005 dirigida por Doug Liman (Al filo del mañana, El Duro) y protagonizada por Brad Pitt (El club de la pelea) y Angelina Jolie (Maléfica), esta serie es una reimaginación creada por Donald Glover (Community, Atlanta) y Francesca Sloane (Twenty Cigarettes). En esta nueva versión, la trama sigue a dos personas que son reclutadas por una agencia secreta para vivir como espías encubiertos, mientras fingen ser una pareja casada en su vida cotidiana.

Los protagonistas, interpretados por Donald Glover y Maya Erskine (Samurái de ojos azules), deben navegar entre misiones peligrosas y una vida doméstica que, en realidad, es solo una fachada. La serie combina acción vertiginosa con los desafíos personales y emocionales de mantener una relación bajo circunstancias inusuales, aportando un giro moderno al clásico concepto de espionaje.

Sr. y Sra. Smith ha sido aclamada con 16 nominaciones para los premios Emmy, destacando en categorías como Mejor elenco para una serie dramática, Mejor dirección en una serie dramática y Mejor actor. Estas nominaciones subrayan la calidad de la serie y su capacidad para resonar tanto con la crítica como con el público, estableciéndola como una de las producciones más destacadas del año.

Rojo, blanco y sangre azul - Red White and Royal Blue

Finalmente, Rojo, blanco y sangre azul (Red, White & Royal Blue) se destaca entre las nominadas a los Emmys 2024 en la categoría de Mejor Película para Televisión. La película compite con títulos como Mr. Monk’s Last Case: A Monk Movie, Quiz Lady, La gran exclusiva (Scoop - 2024) y Unfrosted: The Pop-Tart Story. Adaptada de la popular novela homónima, presenta una historia romántica que sigue a Alex Claremont-Diaz, hijo de la presidenta de los Estados Unidos, y al príncipe Henry de Gran Bretaña, quienes deben superar sus diferencias para mantener una buena relación entre sus países.

La trama se desencadena tras un incidente embarazoso en un evento oficial, lo que obliga a Alex y al príncipe Henry a encontrarse con mayor frecuencia para preservar las relaciones diplomáticas. A medida que pasan tiempo juntos, el conflicto inicial se transforma en una conexión romántica genuina, ofreciendo un giro emotivo y refrescante a la clásica narrativa de romance entre figuras prominentes.

Dirigida por Matthew López, conocido por su trabajo en The Newsroom, la película cuenta con un elenco joven y prometedor liderado por Nicholas Galitzine, quien interpretará a He-Man en una próxima adaptación en vivo. Junto a él, el reparto incluye a Taylor Zakhar Perez (El stand de los besos), Uma Thurman (Pulp Fiction, Kill Bill) y Clifton Collins Jr. (Babel). La combinación de una trama cautivadora y un elenco estelar hace de Rojo, blanco y sangre azul una fuerte candidata en los premios Emmy.

A sus 54 años, Uma Thurman ha acumulado una impresionante trayectoria en el cine, destacándose en una variedad de proyectos que han consolidado su estatus como una de las actrices más versátiles de Hollywood. Su carrera incluye papeles memorables en películas como Pulp Fiction y Kill Bill, donde su habilidad para combinar intensidad y sutileza ha sido ampliamente elogiada. Thurman ha demostrado una capacidad única para asumir roles desafiantes y diversificados, reafirmando su lugar en la industria cinematográfica.

En su próximo proyecto, la actriz protagonizará la película de acción independiente titulada Ballerina Overdrive. Aunque los detalles sobre la trama se mantienen en secreto, se sabe que la historia girará en torno a un grupo de bailarinas que deben enfrentar una serie de desafíos después de que su autobús quede varado mientras se dirigen a una competición de baile. La película promete combinar elementos de acción y drama en un contexto misterioso, ofreciendo a Thurman la oportunidad de explorar un nuevo rango de emociones y situaciones en su carrera.

Thurman no estará sola frente a la cámara en Ballerina Overdrive. El elenco que acompañará a la actriz en este proyecto incluye a una destacada selección de talentos jóvenes y prometedores. Entre ellas, destacan Lana Condor (A todos los chicos de los que me enamoré, Krakens y sirenas: Conoce a los Gillman), Iris Apatow (Siempre hay tiempo para reír, Ligeramente Embarazada), Millicent Simmonds (Un lugar en silencio), Maddie Ziegler (The Fallout, Amor sin barreras) y Avantika Vandanapu (Chicas Pesadas, Tarot de la muerte).

Con respecto al equipo creativo detrás del proyecto, sabemos que será una producción de 87North, conocidos por su trabajo en títulos de acción como Profesión peligro (The Fall Guy - 2024), Tren bala (Bullet Train - 2022) y Nadie (Nobody - 2021). La dirección estará a cargo de Vicky Jewson, reconocida por sus películas Born of War y Lady Godiva, mientras que el guión será escrito por Kate Freund (Doce por siempre, International Falls).

Actualmente, Ballerina Overdrive se encuentra en plena producción, por lo que debemos ser pacientes para obtener más novedades sobre sus primeras imágenes y su fecha de lanzamiento.

Michael Madsen, conocido por sus papeles en las películas de Quentin Tarantino como Perros de la calle y Kill Bill, está en el centro de una controversia después de su arresto por cargos de violencia doméstica.

El incidente, ocurrido en Malibú, California, en las primeras horas del 18 de agosto, involucra un enfrentamiento con su esposa DeAnna Madsen, de quien se encuentra separado.

El reconocido artista de 66 años fue arrestado cerca de la 1:40 a.m. en la estación de Malibu Lost Hills, luego de haber sido detenido previamente a las 12:15 a.m. por un presunto incidente de violencia doméstica menor.

Las autoridades acudieron inicialmente a un reporte de “disturbios familiares” en la lujosa residencia ubicada en el 31600 de Broad Beach Road en Malibu. Tras evaluar la situación, los oficiales procedieron con el arresto de Madsen aproximadamente 25 minutos después de la primera llamada al servicio de emergencias.

La defensa de Michael Madsen

Sin embargo, el abogado de Madsen, Perry Wander, asegura que DeAnna “irrumpió” en la casa de Michael en Malibú, provocando el incidente que llevó al arresto del actor.

“Él se enfrentó a ella y le pidió que se fuera”, explicó la defensa a The Hollywood Reporter y añadió que este comportamiento “ha sido un problema continuo”.

“Michael ha mostrado una inmensa compasión y moderación durante este período hacia su esposa separada”, afirmó Wander.

En una declaración a Variety, otro representante de Madsen añadió: “Fue un desacuerdo entre Michael y su esposa, que esperamos se resuelva positivamente para ambos”. Madsen fue liberado tras pagar una fianza de USD 20 mil dólares.

Asimismo, se menciona un arresto previo de Madsen en 2019 por un accidente de conducción bajo influencia, por el cual cumplió una condena de cuatro días en la cárcel y recibió cinco años de libertad condicional.

Por ahora, la investigación sobre el caso continúa y será remitida al Tribunal Superior de Van Nuys para su tramitación, según un comunicado de la Estación Malibu/Lost Hills, citado por la prensa internacional.

La muerte del hijo de Michael y DeAnna Madsen

La pareja se separó tras la muerte de su hijo Hudson en 2022. El joven, quien era sargento del ejército de EE.UU. y sirvió en Afganistán, tenía 26 años al momento de su fallecimiento. La causa de la muerte fue suicidio, de acuerdo a los informes de ese entonces.

El aclamado cineasta y constante colaborador de Madsen, Quentin Tarantino, era el padrino de Hudson. Además, los Madsen tienen otro hijo, Luke, de 18 años, quien aún vive en la casa de su padre.

En declaraciones a Los Angeles Times, Madsen compartió su conmoción: “Estoy en shock ya que mi hijo, con quien hablé hace unos días, dijo que estaba feliz - mi último mensaje de él fue ‘Te amo, papá’”.

Su papel en “Perros de la calle”, de Tarantino

Las acusaciones recientes contra Michael Madsen siguen llamando la atención debido a su renombrada carrera en el cine, especialmente en las películas de Quentin Tarantino, donde es recordado por su actuación como Mr. Blonde en Perros de la calle (1992).

En esta película, protagonizó una inquietante escena al ritmo de “Stuck In The Middle With You” de Stealers Wheel, mientras mutilaba la oreja de un oficial de policía capturado. Madsen reveló posteriormente que casi renuncia a ese papel porque no quería ser asesinado por su coestrella Tim Roth:

“Estaba como, ‘Hey, hombre, ¿quién es Tim Roth?’”, comentó. “Dejaría que Harvey Keitel me matara, pero no que Tim Roth lo haga”.

Desde que se conocieron en 1992 durante el Festival de Sundance, la relación entre Tarantino y Thurman fue especial. No era solo una simple conexión profesional; había una química que trascendía el set. La actriz, en ese entonces de 23 años, se convirtió rápidamente en la musa del director. Pulp Fiction, la película que catapultó a ambos al estrellato, fue solo el comienzo de una colaboración que prometía ser legendaria.

Sin embargo, esa relación especial tuvo un precio alto. En el set de Kill Bill: Volumen 2, Uma Thurman estuvo a punto de perder la vida en un accidente que pudo haberse evitado. Tarantino, conocido por su meticulosidad y por exigir lo mejor de sus actores, tomó una decisión que marcaría un antes y un después en su amistad con Thurman.

La escena que cambió todo

El sol comenzaba a ocultarse en un paraje desierto de México cuando Tarantino insistió en que Thurman debía realizar una escena de conducción peligrosa por sí misma. A pesar de que la actriz expresó su miedo y pidió que se utilizara una doble de riesgo, Tarantino se negó. Quería capturar el movimiento del cabello de Thurman al viento mientras conducía un Karmann Ghia descapotable a través de un camino serpenteante.

“Te prometo que el auto está bien, es un vehículo seguro”, insistió Tarantino, según relató Thurman en una entrevista con el New York Times. La confianza que la actriz había depositado en su director durante años la llevó a aceptar, a pesar de su intuición de que algo podría salir mal.

La cámara estaba lista, el equipo en posición, y Thurman detrás del volante. El director le indicó que debía mantener una velocidad de 64 kilómetros por hora para que el efecto deseado se lograra en una sola toma. Pero la carretera, que Tarantino había asegurado que era “una línea recta”, se convirtió en una trampa mortal. El auto, incapaz de mantener la estabilidad en la arena suelta, derrapó y se estrelló contra una palmera.

El impacto fue brutal. Thurman quedó atrapada en el interior del vehículo con el volante incrustado en su estómago y las piernas inmovilizadas. El dolor era insoportable. En esos momentos, la actriz pensó que no volvería a caminar. La escena, captada por una cámara montada en la parte trasera del auto, muestra a Thurman luchando por mantener el control antes de que la pantalla se vuelva negra con el choque.

El equipo corrió para rescatarla y fue trasladada de inmediato al hospital. Las lesiones fueron serias: daños en las rodillas y una lesión en el cuello que la afectaría de por vida. “Pensé que me había roto la espalda”, recordó Thurman tiempo después.

La traición de un amigo

Pero el dolor físico no fue lo único que dejó el accidente. Lo que siguió fue una traición que hirió profundamente a Thurman. Después del incidente, la actriz solicitó ver las imágenes del accidente, con la intención de tomar medidas legales si era necesario. Sin embargo, Tarantino y los productores de Miramax, Harvey Weinstein, Lawrence Bender y Bennett Walsh, se negaron a entregárselas. Temían que el material se convirtiera en una prueba en su contra en un juicio millonario.

“Mintieron, destruyeron evidencia y continúan mintiendo sobre el daño permanente que causaron”, escribió Thurman en su cuenta de Instagram en 2018, cuando finalmente decidió hacer público lo sucedido. El acto de ocultar el video no solo rompió la confianza entre la actriz y el director, sino que también desencadenó una batalla legal que duraría años.

El incidente fue un reflejo más de los abusos de poder en Hollywood, que años después saldrían a la luz con el movimiento #MeToo. Thurman fue una de las primeras en hablar sobre los abusos de Weinstein, pero el trauma de haber sido traicionada por Tarantino, un hombre al que consideraba un amigo cercano, fue devastador.

El director, por su parte, reconoció su error años después. “Le dije que estaría bien. Le dije que la carretera era toda recta. Le dije que sería seguro. Y no lo era. Estaba equivocado”, admitió Tarantino en una entrevista con Deadline.

A pesar de todo, Thurman ha demostrado una resiliencia admirable. En varias ocasiones ha insinuado que estaría dispuesta a trabajar nuevamente con Tarantino, aunque el dolor físico y emocional aún persisten. “El accidente estuvo mal, pero lo que más me lastimó fue la reacción de quienes me rodeaban”, dijo la actriz a Entertainment Weekly.

Chuck Norris, una auténtica leyenda del cine de acción, ha dejado una huella profunda en la industria gracias a su icónica presencia y habilidades en pantalla. Desde sus inicios en artes marciales hasta su consolidación como estrella de acción, Norris ha protagonizado una serie de películas que han marcado el género. Películas como Desaparecido en acción y Fuerza Delta han sido fundamentales para cimentar su estatus como ícono del cine de acción.

En este artículo, revisaremos cuatro de sus obras más emblemáticas. Analizaremos Desaparecido en acción, donde Norris interpreta a un veterano de guerra en busca de justicia; McQuade: El lobo solitario, en el que encarna a un agente de la ley con un estilo único; Fuerza Delta, una mezcla intensa de acción y estrategia militar; y Walker, Texas Ranger, la serie que lo catapultó a la fama televisiva.

McQuade: El lobo solitario - Lone Wolf McQuade (Dir. Steve Carver)

Comenzamos con McQuade: El lobo solitario (Lone Wolf McQuade), un destacable largometraje de 1983 que presenta al actor en uno de sus papeles más emblemáticos. La trama sigue al solitario y enigmático agente de la ley, J.J. McQuade, interpretado por Norris, quien se enfrenta a una peligrosa red de criminales mientras lucha por equilibrar su vida personal con su incesante búsqueda de justicia. La película es un brillante ejemplo del estilo característico de Norris, combinando acción intensa con una narrativa de justicia implacable y un fuerte sentido de independencia.

Dirigida por Steve Carver, conocido por sus trabajos en Capone y Ojo por ojo, la película también destaca por su elenco secundario estelar. Junto a Norris, el filme presenta actuaciones de David Carradine (Kill Bill: Volumen 1), Barbara Carrera (Atracción peligrosa), Leon Isaac Kennedy (Penitenciaría), Robert Beltran (Star Trek: Voyager), L. Q. Jones (Al filo del peligro) y Dana Kimmell (Friday the 13th: The Final Chapter). Cada uno de estos actores aporta una dimensión única a la historia, enriqueciendo la trama con sus interpretaciones y ayudando a solidificar el estatus de McQuade: El lobo solitario como una pieza clave en el género de acción de los años 80. Disponible en Prime Video, la película sigue siendo una referencia obligada para los aficionados al cine de acción clásico.

Desaparecido en acción - Missing in Action (Dir. Joseph Zito)

Desaparecido en acción (Missing in Action), dirigida por Joseph Zito en 1984, se ha consolidado como otro clásico del cine de acción de la década de los 80. Esta película narra la historia del coronel James Braddock, interpretado por Chuck Norris, quien regresa a Vietnam para rescatar a los prisioneros estadounidenses que aún están cautivos después de la guerra. La película, también disponible en Prime Video, combina intensas secuencias de acción con un argumento que refleja el fervor patriótico de la época.

En cuanto al reparto, Desaparecido en acción cuenta con un elenco destacado que complementa la actuación principal. Entre ellos, se encuentran M. Emmet Walsh (Libertad condicional), Lenore Kasdorf (Fly Me), David Tress (Xanadú), James Hong (Blade Runner, Todo en todas partes al mismo tiempo) y Erich Anderson (Obsesión Peligrosa).

Fuerza Delta - The Delta Force (Dir. Menahem Golan)

En tercer lugar, tenemos Fuerza Delta, lanzada en 1986 bajo la dirección de Menahem Golan, conocido por su trabajo en La justicia del Ninja. Esta película de acción nos presenta una historia basada en hechos reales, donde un equipo de élite de las Fuerzas Especiales de los Estados Unidos se enfrenta a un grupo terrorista que ha secuestrado un avión comercial. Con una guía que combina elementos de acción y suspenso, la trama gira en torno a la misión de rescate liderada por el coronel Nick Alexander.

Fuerza Delta cuenta con un elenco de actores que aportan profundidad a la historia. Además de Chuck Norris, que lidera el equipo como el comandante Alexander, la película incluye a Lee Marvin (El Salvaje, A quemarropa) en un papel destacado como el alcalde Scott, y Robert Forster, que ofrece una actuación memorable en el rol de uno de los antagonistas.

Walker, Texas Ranger (Creada por Christopher Canaan, Albert S. Ruddy, Leslie Greif, Paul Haggis)

En último lugar, nos alejamos del ámbito cinematográfico para adentrarnos en el mundo televisivo con la serie Walker, Texas Ranger, protagonizada por Chuck Norris. Creada por Christopher Canaan (Sin motivo aparente), Albert S. Ruddy (El padrino), Leslie Greif (Funny Money) y Paul Haggis (Golpes del destino), la serie debutó en 1993 y rápidamente se convirtió en un clásico de la televisión estadounidense. La trama sigue a Cordell Walker, interpretado por Norris, un ranger de Texas que combate el crimen con su habilidad en artes marciales y un fuerte sentido de justicia.

A lo largo de sus nueve temporadas, Walker, Texas Ranger se consolidó como una serie que no solo entretenía, sino que también ofrecía una visión sobre problemas sociales y legales. La narrativa presenta a Walker enfrentando diversos desafíos, desde casos de homicidio hasta tramas de corrupción, mientras mantiene su compromiso con el honor y la ética. La serie es conocida por sus secuencias de acción coreografiadas y sus momentos de reflexión, que, junto con la sólida actuación de Chuck Norris, han asegurado su lugar como un referente dentro del género de acción televisiva.

Michael Madsen, reconocido por sus papeles en las películas Kill Bill y Perros de reserva, fue arrestado en Malibú, California, el pasado 18 de agosto por un cargo de agresión doméstica.

Según un informe del Departamento del Sheriff de Los Ángeles, Estados Unidos, el actor de 66 años fue detenido a las 1:40 a.m. en la estación de Malibú/Lost Hills tras haber sido arrestado 25 minutos antes por un presunto delito menor de violencia contra su esposa, DeAnna Madsen.

El incidente se desarrolló cuando agentes de la estación de Malibú/Lost Hills respondieron a un reporte de “disturbios familiares” a las 12:15 a.m. en la dirección 31600 Broad Beach Road en Malibú. En un comunicado compartido por un representante de la estación al medio The Hollywood Reporter, se notificó que “el informante afirmó que una mujer adulta alegó que su marido la había empujado y dejado fuera de su residencia”.

Tras una investigación inicial, los agentes determinaron que Michael Madsen estaba involucrado en el conflicto, lo que llevó a su arresto. “La investigación está en curso y será remitida al Tribunal Superior de Van Nuys para su archivo”, concluyó el comunicado.

Luego de su detención, Madsen fue puesto en libertad bajo fianza de USD 20 mil dólares. Hasta el momento, no se ha proporcionado información sobre una fecha futura para su comparecencia ante el tribunal. El cargo de delito menor de violencia doméstica se aplica cuando se denuncia el uso de la fuerza contra un conviviente, y una condena podría conllevar desde tiempo en prisión hasta una orden de alejamiento preventiva.

El actor ya tiene antecedentes de comportamientos erráticos. En febrero de 2022 se hizo público su intento de allanamiento en su casa alquilada en Malibú, después de que el propietario de la vivienda llamara a la policía y lo detuviera mediante un arresto ciudadano.

Este incidente ocurrió apenas un mes después de la trágica muerte de su hijo Hudson, de 26 años, quien falleció en un aparente suicidio en Oahu, Hawái. Refiriéndose a la pérdida de su hijo en una entrevista con LA Times, el intérprete expresó: “Estoy en shock porque mi hijo, con quien hablé hace unos días, dijo que estaba feliz; su último mensaje de texto fue ‘Te amo papá’”.

¿Quién es Michael Madsen?

Michael Madsen es ampliamente conocido por su colaboración constante con el director Quentin Tarantino. El actor ganó notoriedad en el thriller debut del director en 1992, Perros de reserva, donde interpretó a Vic Vega, también conocido como Mr. Blonde. En esta película, protagonizó una de las escenas de tortura más recordadas del cine, en la que su personaje corta la oreja de su víctima al ritmo de “Stuck in the Middle With You” de Stealers Wheel.

Además, ha desempeñado papeles clave en otros filmes de Tarantino, como Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2, donde interpretó al asesino Budd, y en Los 8 más odiados, donde encarnó al vaquero tramposo Joe Gage. Más recientemente, hizo un cameo notable en la película Había una vez en Hollywood, dirigida también por el renombrado cienasta.

En una entrevista previa con Mlive, Madsen reflexionó sobre su carrera y la percepción pública de sus personajes: “He interpretado a muchos personajes malvados y la gente te confunde con los papeles que interpretas. La gente tiende a pensar que eres ese tipo o que eres así. Supongo que tengo que echarle la culpa a la buena actuación”.

A lo largo de su carrera, Madsen ha sido un actor prolífico en el género del thriller y la acción, con créditos en películas como Thelma y Louise, Brasco, La ciudad del pecado, Abuso de poder, Wyatt Earp, y La iguana.

• Top Gun: Maverick
• La sociedad literaria y del pastel de cáscara de papa de Guernsey
• Set It Up: El plan imperfecto

No hay dudas de que Glen Powell está en camino a convertirse en una estrella de Hollywood. El actor de 35 años ha estado conquistando la industria con una serie de proyectos prometedores y recientes éxitos. Entre sus títulos más destacados, encontramos la comedia romántica Con todos menos contigo (Anyone But You - 2023) y la recién estrenada Tornados (Twister), que ha estado arrasando en la taquilla. En esta última, Powell comparte protagonismo con Daisy Edgar-Jones (Normal People), mostrando su versatilidad y ganando reconocimiento en el proceso.

Mirando hacia el futuro, Powell tiene varios proyectos audiovisuales prometedores en el horizonte, como Huntington y el reboot de The Running Man, dirigido por Edgar Wright (Baby Driver, Scott Pilgrim vs. Los ex de la chica de sus sueños). Sin embargo, en esta oportunidad vamos a explorar tres proyectos que cuentan con la actuación de Powell y que actualmente están disponibles en la plataforma de Netflix. Estos títulos ofrecen una visión de la creciente carrera del actor y su capacidad para adaptarse a diversos roles.

Glen Powell en Top Gun: Maverick (Dir. Joseph Kosinski - Disponible en Netflix)

Aunque Glen Powell ha estado activo en la industria del cine durante varios años, fue su participación en Top Gun: Maverick la que realmente catapultó su carrera a nivel internacional. Estrenada en 2022, esta secuela del icónico film de 1986 sigue la historia del piloto de la Marina de los EE.UU interpretado por Tom Cruise (Misión imposible). En esta entrega, Powell se destaca como Hangman, un joven y talentoso piloto que desafía las normas y crea una dinámica tensa con el equipo de élite de Maverick.

Junto a Cruise y Powell, Top Gun: Maverick cuenta con un elenco destacado que incluye a Miles Teller (Whiplash), Jennifer Connelly (Laberinto), Jon Hamm (Mad Men), Charles Parnell (El asesino) y Monica Barbaro (Fubar), entre otros. Cada uno aporta su propio estilo y profundidad a la historia, contribuyendo a una experiencia cinematográfica dinámica y emocionante. La relación entre Powell y sus compañeros de reparto, especialmente con Teller, destaca la intensidad de las tensiones y la camaradería entre los pilotos de combate. La forma en que estos personajes interactúan en la película enriquece la narrativa, mostrando tanto los desafíos individuales como el espíritu de equipo que define a los aviadores en su misión.

La dirección de Joseph Kosinski, conocido por su trabajo en Oblivion y Tron: Legacy, fue clave para el éxito visual y narrativo de la película. Kosinski, quien actualmente trabaja en un largometraje sobre Fórmula 1 con Brad Pitt, demuestra un dominio excepcional en la creación de secuencias de acción vibrantes y visualmente impactantes. La habilidad del cineasta para capturar la emoción y el realismo de las maniobras aéreas contribuye a que Top Gun: Maverick no solo sea un homenaje a su predecesor, sino una experiencia cinematográfica innovadora.

Glen Powell en La sociedad literaria y del pastel de cáscara de papa de Guernsey - The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society (Dir. Mike Newell - Disponible en Netflix)

En La sociedad literaria y del pastel de cáscara de papa de Guernsey (The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society), lanzada en 2018, Glen Powell ofrece una destacada actuación en esta adaptación cautivadora de la novela de Mary Ann Shaffer y Annie Barrows. Ambientada en 1946, la historia sigue a Juliet Ashton, una escritora que, tras la Segunda Guerra Mundial, establece un vínculo especial con los residentes de la Isla de Guernsey.

La dirección de Mike Newell, conocido por su trabajo en El príncipe de Persia: las arenas del tiempo (Prince of Persia: The Sands of Time - 2010) y Harry Potter y el cáliz de fuego (Harry Potter and the Goblet of Fire - 2005), da vida a la narrativa con una sensibilidad que captura la esencia de la novela original. La película refleja el impacto de la guerra en la vida de las personas, mientras celebra la fuerza de la amistad y también del amor.

Junto a Powell, el elenco incluye a Lily James (Pam y Tommy, La Cenicienta), Michiel Huisman (El secreto de Adaline), Jessica Brown-Findlay (Downton Abbey), Katherine Parkinson (Los informáticos) y Matthew Goode (Abigail, El código enigma).

Glen Powell en Set It Up: El plan imperfecto - Set It Up (Dir. Claire Scanlon - Disponible en Netflix)

Antes de su rol en Con todos menos contigo, Glen Powell participó en Set It Up: El plan imperfecto, una comedia romántica que explora las divertidas aventuras de dos jóvenes profesionales sometidos a la constante presión de sus jefes exigentes. En la trama, ambos empleados diseñan un audaz plan para aliviar su carga de trabajo: unir a sus superiores en una relación amorosa, con la esperanza de que una conexión sentimental entre ellos reduzca las demandas sobre sus vidas laborales.

Con un enfoque cómico, la película también presenta a Zoey Deutch (Zombieland: tiro de gracia, Falsa influencer) en un papel central. Además de Deutch y Powell, el elenco se completa con la participación de Lucy Liu (Los ángeles de Charlie, Kill Bill), Taye Diggs (All American), Pete Davidson (The King of Staten Island) y Meredith Hagner (Amigos de las vacaciones, Palm Springs), quienes aportan su talento y carisma a esta divertida historia.

Quentin Tarantino es uno de los directores de Hollywood que se ha destacado por su particular sello en la industria y una de sus franquicias más exitosas ha sido Kill Bill. Es por ello que si tú eres fan de esta saga de películas, aquí te contamos cómo se ve actualmente la zona de Jalisco, México, en donde se grabó el Volumen 2 de esta cinta.

Esta segunda entrega se estrenó en 2004 y fue sólo unos meses después del lanzamiento de la primera, pues originalmente estaba concebida para ser una sola, pero debido a la duración, se decidió proyectar en dos partes.

La trama sigue a La Novia, interpretada por Uma Thurman, una ex asesina que busca vengarse de sus antiguos compañeros del Escuadrón de Serpientes Asesinas por haber arruinado su boda e intentar matarla. La dirección de Tarantino se distingue por rendir homenaje a diversos géneros cinematográficos, incluidos el cine de artes marciales hongkonés, películas de samuráis, spaghetti western y cine de venganza.

En este largometraje, La Novia, cuyo verdadero nombre es Beatrix Kiddo, se enfrenta a una serie de atentados organizados por Bill y sus hermanos del escuadrón, incluyendo una trama donde es enterrada viva.

¿Dónde se grabó Kill Bill 2 y cómo luce ahora?

De acuerdo con la Secretaría de Turismo de Jalisco, el lugar específico donde se grabó la cinta fue la hacienda Costa Alegre, que está ubicada al sur de Puerto Vallarta.

Este sitio habría fungido en la trama de la cinta como la ‘casa de Bill’ y es donde suceden algunos de los momentos más épicos de la cinta. De igual manera también se tienen registros de que algunas escenas se habrían realizado en Costa Careyes, que está muy cerca del inmueble anteriormente mencionado.

De acuerdo con el sitio James Edition, que es intermediario para vender casas, coches o artículos de lujo, la hacienda Costa Alegre estaría valuada en alrededor de 36 millones 609 mil pesos.

Se describe al sitio como un compuesto familiar con cuatro habitaciones, cinco baños, un mirador con vistas de 360 grados a la playa, el pueblo y las montañas. También cuenta con dos jardines.Actualmente luce en buen estado y según lo señalado por dicha página, se encuentra a la venta.

4 de junio de 2009. Faltaba poco para que llegara el mediodía en Bangkok. La mujer golpeó la puerta de la habitación 352 del Swissotel Nai Lert Park Hotel. Nadie respondió. Insistió. Después de unos minutos abrió con su llave. Apenas dio dos pasos y quedó inmóvil. No pudo gritar, tampoco salir de ahí para dar aviso a sus jefes. Sólo cerró los ojos y dejó caer al piso los elementos de limpieza que llevaba en la mano. Del placard de la habitación colgaba un hombre desnudo. Estaba muerto. La piel viraba del gris, a un morado pálido. Tenía las manos atadas y la cuerda que apretaba su cuello, también envolvía el miembro viril. La mujer no lo sabía todavía, pero ella conocía a ese hombre. Lo había visto muchas veces. En la televisión. A los 72 años, había muerto Kung Fu.

La policía tailandesa determinó que David Carradine había muerto al menos 12 horas antes del hallazgo de su cuerpo. Primero se especuló con que se había tratado de un suicidio. La puerta cerrada por dentro, el ahorcamiento, el historial de problemas del actor. Hasta se pensó en un asesinato. Pero los investigadores dijeron que no había rastros de una segunda persona en el lugar.

El final de Kung Fu

Luego de la autopsia, la conclusión fue otra: David Carradine había muerto mientras practicaba la autoasfixia erótica para incrementar su placer sexual. Ni suicidio ni asesinato. Un accidente de alguien que vivía al límite.

En la conferencia de prensa en la que informó los resultados de la pesquisa, el jefe de policía tailandés no recurrió a ningún eufemismo: “Carradine murió mientras se masturbaba”, dijo.

La familia Carradine envió un perito para que investigara el caso. El especialista llegó a una conclusión similar que la policía de Bangkok. No se había tratado de un suicidio. Aunque dejaba abierta la posibilidad de que no hubiera estado solo en el momento de su muerte. Se habló de unas huellas de calzado que no eran de David y de que las ataduras de las manos era imposible hacérselas a uno mismo.

Marina Anderson, la cuarta y penúltima esposa de David, años después publicó una memoir centrada en los años que compartió con el actor. Allí contó que a David le gustaba el bondage y que él le enseñó el poder de la asfixia para incrementar el placer pero que era una práctica que no realizaba solo.

David Carradine fue una gran estrella televisiva, protagonizó un éxito perdurable como Kung Fu, que tuvo mucha audiencia en sus primeras temporadas, y una larga vida en todo el mundo gracias a las repeticiones que se mantuvieron en el aire durante décadas. También actuó en películas de Martin Scorsese, Roger Corman e Ingmar Bergman. Pero nunca pudo terminar de afianzar su carrera. Después de su gran momento de esplendor, a excepción del regreso de Kung Fu a la televisión y su comeback cinematográfico con Kill Bill de la mano de Quentin Tarantino, un resucitador serial de carreras, realizó más de doscientas participaciones televisivas y cientos de películas menores y olvidables.

Sobre él pesaba la sombra de los excesos, del carácter inestable, del clima siempre incómodo en el set. Sin embargo, cada vez que aparecía en pantalla aportaba su prestancia, una rara potencia calma e inquietante, que funcionaba como un imán para la cámara y para el espectador.

David Carradine no era David. Su verdadero nombre era John pero, cuando, inició su carrera actoral un agente le recomendó que se lo cambiara para que no se confundiera con el del padre, John Carradine, actor de varias películas de John Ford.

La niñez de Carradine

Su infancia no fue sencilla. Alguna vez contó que se quiso suicidar cuando tenía 5 años; trató de ahorcarse según su versión. Sus padres se llevaban muy mal. Después del divorcio, John Carradine fue condenado por no pagar alimentos y hasta pasó unos días en prisión. Su hijo, sin embargo, un tiempo después se fue a vivir con él.

En su juventud, David tuvo algunas entradas en la policía por delitos menores y por posesión de drogas. Cuando recibió el llamado del ejército para alistarse, intentó no cumplir. Lo pusieron en la lista de desertores y no le quedó más remedio que presentarse. Estuvo dos años en el ejército. En algún momento lo acusaron de robar mercaderías y fue juzgado. A los pocos meses consiguió que le dieron la baja.

Quería ser músico y pintor. Pero no tenía ni el talento ni la disciplina necesarias para destacarse en ninguna de las dos actividades. Por lo tanto decidió seguir el camino del padre. Comenzó a estudiar actuación afines de los años cincuenta. Cuando a él lo asociaban con el movimiento hippie, aclaraba que él era anterior. Compartía algunos de los valores pero en realidad se consideraba un beatnik: en San Francisco pasó tiempo con varios de los máximos exponentes beatniks antes de la llegada de la década del 60.

En su segunda obra en Broadway consiguió un gran éxito interpretando a Atahualpa, el líder inca. Su compañero de escena era Christopher Plummer. Abandonó por una oferta muy tentadora ese suceso de crítica y de público escrito por Peter Shaffer. Ser el galán de una nueva serie televisiva. Era una adaptación del western Shane. La protagonista fue Jill Ireland. Pero la apuesta no resultó. Shane no llegó a la veintena de episodios.

David empezó a hacer pequeños roles en películas y programas de televisión. Se separó de su primera esposa y se puso de novio con una joven y talentosa actriz que conoció en una de sus obras teatrales: Barbara Hershey.

Estuvieron 7 años juntos. Tuvieron un hijo al que le pusieron Free (Libre). El chico, ya con los padres separados, logró que un juez le cambiara el nombre por uno más terrenal: Thomas.

Juntos actuaron en Boxcar Bertha, la película de Martin Scorsese. Allí en algunas escenas aparecen desnudos, aunque en pantalla poco se ve. La revista Playboy aprovechó y les pidió recrear esos desnudos en sus páginas. Sin embargo la aparición de mayor impacto mediático de la pareja fue en el programa de Dick Cavett. El conductor entrevistaba a Carradine por el éxito de King Fu, cuando invitó a sumarse a Hershey. Apenas la actriz se sentó se escucharon, desde bambalinas, unos llantos de bebé. Era Free que en ese entonces tenía 8 meses. Cavett le propuso a Heshey a que fuera a buscarlo. Barbara tenía 25 años, el pelo largo, la belleza que aún conserva y una frescura única. Se levantó corriendo, fue detrás del decorado y volvió con su bebé rollizo y rosado en sus brazos. Pero apenas se sentó e intentó responder las preguntas del conductor, el bebé retomó su llanto desesperado. Casi como un reflejo, Barbara bajo levemente la parte derecha de su blusa y le dio el pecho a su hijo que de inmediato se calló y se puso a comer. Cavett perdió su habitual desenvoltura, quedó petrificado y mandó a un corte comercial. Al regreso le preguntó a Hershey si le había dado la teta a su bebé (que ya estaba sentado a upa y tranquilo). Ella respondió que solía darle a su hijo lo que necesitaba. Cuando el consultado fue Carradine, David dijo que le pareció el movimiento más natural del mundo. Cavett cerró diciendo que “al menos el censor va a tener de qué ocuparse esta semana”. Del episodio se habló durante semanas en Estados Unidos y todas las revistas publicaron notas al respecto.

En 1972, a David Carradine lo convocaron para el casting de un telefilm. Era la historia de un hombre con sangre china y norteamericana, que convertido en un monje shaolin recorría el Oeste americano. Los productores estaban preocupados porque faltaban dos semanas para el comienzo del rodaje y todavía no tenían al actor protagónico. Habían probado a todos los intérpretes de origen asiático que conocían y ninguno los había convencido. También a varios americanos. Carradine se quedó con el rol tras la primera prueba.

“Apenas leí el guión, me encantó. Pero nunca pensé que pudiera funcionar en televisión. ¿Un western chino? ¿En serio? ¿Un hombre mitad chino y mitad monje budista americano, que recorre la ruta del oro, pero sin importarle el oro, y que trata de llevar paz y desarmar conflictos sin llevar un arma, que no mata ni un insecto porque respeta la vida y que casi no habla? Imposible”, escribió Carradine en sus memorias Endless Highway, publicadas a mediados de los noventa.

El telefilm fue emitido en 1972. La fecha fue muy oportuna. La cadena lo puso al aire justo después de la transmisión de un evento de Richard Nixon en su primera visita a China. Tuvo mucho rating.

Nace la leyenda de Kung Fu

Después lo volvieron a pasar y mandaron a convertirlo en serie. Kung Fu estuvo tres temporadas al aire. Fueron 63 capítulos, muchos de los cuales –sobre todo los de 1973- lideraron la medición de audiencia. Niños y jóvenes de todo el mundo querían ser Kwai Chang Cane (en estas tierras se pronunciaba: uanchankein) y muchos pasaron a ser llamados Pequeño Saltamontes.

Era la época en que el cine de artes marciales comenzaba a triunfar en Estados Unidos. Las películas chinas de Bruce Lee funcionaban muy bien y él ya estaba filmando la primera de las suyas en Hollywood.

Con Bruce Lee hubo una disputa en sordina que tomó estado público tras la muerte del luchador. Su hija dijo que la idea de la serie había sido de Bruce Lee y que Warner se la había robado. Es cierto que Lee tenía, en un estado bastante embrionario la idea de un programa de TV, pero los especialistas concluyen que no le robaron Kung Fu, que su creador venía trabajando el proyecto desde 1967.

Bruce Lee fue uno de los apuntados para interpretar a Kwai Chang Cane. Uno de los productores lo desechó: “Ningún espectador va a querer ver a un chino petiso que le cuesta hablar inglés”, dijo y sentenció la suerte de Bruce Lee.

Cualquier espectador puede saber de qué época es el capítulo de King Fu que está viendo por el pelo de Carradine. Empezó con el pelo corto y no se lo cortó casi hasta el final, cuando volvió a raparse.

“Yo era un bailarín, no sabía nada de artes marciales”, confesó alguna vez. Pero de a poco fue aprendiendo con maestros orientales y terminó siendo un impulsor de la cultura y diversas disciplinas orientales.

La serie dejó de emitirse en 1975. Los motivos fueron varios. Carradine estaba cansado y quería emigrar al cine. El programa había dejado los primeros lugares del ranking. Una de las causales fue que la cadena lo cambió de horario en diversas oportunidades. Pero la principal fue un incidente muy publicitado que afectó la manera en que David Carradine fue visto por el público.

Una tarde de 1975 salió de su casa en Laurel Canyon y paseó por el barrio. El problema fue que venía de experimentar con peyote, estaba desnudo y acosó a dos mujeres, se les tiró encima y las acusaba de ser brujas. También rompió los vidrios de una casa vecina e ingresó en ella. La policía lo encontró sentado en el piano de su casa, todavía desnudo y con todas las teclas ensangrentadas.

Carradine reconoció que el incidente erosionó su imagen y la del programa. Algunos compañeros lo acusaron de boicotear la serie.

Durante un tiempo pareció que nada podía salir mal. Su desembarco en el cine fue con Death Race 2000, la película de Paul Bartel, producida por Roger Corman. Además de su salario, arregló un porcentaje de la taquilla. Fue un gran negocio para él. Lo mismo sucedió con Cannonball, su continuación estrenada en 1976 (se podría decir que Carradine tiene tantas películas de autos como de artes marciales). Pero también encarnó a Woody Guthrie en This Land is Your Land de Hal Ashby y junto a Liv Ullmann hizo El Huevo de la Serpiente de Ingmar Bergman.

Carradine desembarca en el cine

La relación con el director sueco fue, cuando menos, tortuosa. Dos almas intrincadas en confrontación permanente. Carradine, otra vez en sus memorias, sostuvo que no volvió a actuar con Bergman porque maltrataba a los animales y que cuando él le reprochó hacer sufrir a un caballo, Bergman le respondió: “Soy un viejo malvado. Para mis películas ya maté a dos caballos, quemé a otro y estrangulé a un perro”.

Después su carrera decayó. Cientos de películas y programas de televisión sin mayor brillo ni ambición. Todas iguales (y descuidadas) como los anteriores o los posteriores. Era como si aceptara cualquier guión que le llegara. Sólo se necesitaba que su agente arreglara el dinero y siempre redujera las jornadas de rodaje que le exigían.

Iba de un lado al otro, de set en set. Sus jeans, las botas de cuero, cigarrillos, un Zippo, varias botellas. No parecía necesitar más para moverse continuamente.

Llegaba, creaba algún problema, trataba de seducir a la protagonista femenina –muchas veces lo conseguía-, tomaba bastante, hacía su trabajo muy por encima de las expectativas del director (en especial después de haber visto en las condiciones en las que había arribado) y cobraba. No mucho más. Su falta de interés desaparecía cuando se trataba de una escena de acción. No quería ser reemplazado por dobles ni por trucas. Él se encargaba de sus partes. Para eso le pagaban.

Kung Fu vs. Chuck Norris

En ese mar de películas olvidables, la mayoría de la categoría directo a video, tal vez pueda destacarse una escena que se viraliza cada tanto en las redes sociales: la pelea con Chuck Norris en McQuade, lobo solitario.

En 1993 regresó a la televisión con Kung Fu: la Leyenda Continúa. Fueron 88 episodios en cinco temporadas. En esos años fue arrestado varias veces. Peleas y drogas fundamentalmente.

En los rodajes para que creyeran que estaba en un periodo abstemio, solía tomar vodka para que cuando lo vieran de lejos pensaran que se trataba de agua. De lejos. Al acercarse el olor crudo lo delataba.

Una de sus hijas, entrevistada después de la muerte de David, remarcaba las virtudes de su padre. Cuando el periodista le preguntó por algo que hiciese mal, la mujer respondió: “La verdad es que mucho tiempo sobrio no estaba”.

A principios del nuevo siglo tuvo su nueva gran oportunidad de la mano de Quentin Tarantino. Las dos entregas de Kill Bill volvieron a poner en el candelero a Carradine. Parecía que, como había ocurrido con Travolta y Pulp Fiction, su carrera iba a renacer. Pero no sucedió. Otra vez Carradine volvió a aceptar cualquier proyecto y participar en películas que no merecían su presencia.

Las deudas, las adicciones, la necesidad de mantener muchos hijos y muchas ex esposas hicieron que no parara de filmar. A su muerte había un docena de proyectos en los que había participado y todavía no se habían estrenado.

Tal vez ni siquiera era su necesidad de actuar y de generar ingresos con lo que sabía hacer. Tal vez, ese escape vitalicio era una forma de lidiar con el desasosiego, una forma de paliar su insatisfacción perpetua.

En junio de 2009 había llegado a Tailandia para filmar Stretch, un thriller que hablaba del turf y del mundo de las apuestas. Murió en un hotel de Bankgok mientras practicaba un juego sexual. El New York Post, al día siguiente, utilizó uno de sus típicos títulos sensacionalistas pero ingeniosos: Hung Fu! (un juego de palabras con Hung: ahorcado)

A su entierro fueron más de 400 personas, entre ellas muchas celebridades. Su familia hizo tallar una lápida con este texto: “Bailarín, músico, artista, productor, director, escritor, compositor, contador de historias, poeta, filósofo, esteta, académico, artista marcial, maestro, profesor, Kung Fu”.

Y encima de esta enumeración, junto a su nombre y los años de nacimiento y muerte, tres palabras irrefutables: “Una leyenda descalza”.

“Es una ópera Rock and roll”. Así define la actriz argentina a la superproducción que tuvo su estreno en el circuito de festivales con críticas muy positivas y una ovación de ocho minutos en el Festival de Cannes.

A diferencia de lo que vimos en el film de 2015 con Charlize Theron, la precuela nos ofrece un marco mucho más completo de los distintos elementos que componen este mundo, en el que habitan distintas tribus y lugares como Citadel y Ciudad Gasolina.

La historia está contada a través de capítulos de la vida de Furiosa, desde que es pequeña y es secuestrada por The Warlord Dementus (un irreconocible Chris Hemsworth) hasta el momento en el que comienzan los sucesos que veremos en Mad Max: furia en el camino.

Pero más allá de los escenarios desérticos y de la recreación de este futuro distópico, esta es una película sobre venganza, en donde al igual que en Kill Bill, lo único que motiva a su protagonista es asesinar a quien le arrebató a su familia mientras intenta sobrevivir en el yermo post apocalíptico que nada lo perdona y que solo encuentra violencia a su alrededor.

Anya Taylor-Joy (La bruja, Gambito De Dama, El Menú) casi no tiene diálogos. Furiosa habla solo en los momentos en donde lo encuentra estrictamente necesario y solo se comunica cuando su vida depende de ello. De lo contrario, se expresa a través de la mirada y de las acciones de la actriz, que para el papel tuvo que aprender a manejar distintos vehículos y superar una secuencia de acción que fue rodada a lo largo de 78 días con un equipo de 200 especialistas.

La acción es una parte importantísima dentro de la saga de Mad Max y George Miller lo sabe muy bien: dedica todo el tiempo que considera necesario en hacer que una escena de persecución en el desierto con explosiones, motocicletas, autos y camiones grúa se diferencie de las otras quince secuencias que ocurren con el mismo paisaje arenoso.

El problema de Furiosa es que a veces se olvida de contarnos una historia dentro de una estructura narrativa coherente: el ejemplo más claro de esto es el de una voz en off que aparece en algunas ocasiones y que le otorga al film una impronta de fábula que solo se sostiene en esos escasos momentos.

Por su parte, Dementus (Chris Hemsworth) se convierte en un villano demasiado caricaturesco, incluso para los parámetros de Mad Max. No se terminan de entender sus motivaciones personales, más allá de estar ahí como un agente del caos que funciona para alimentar la furia de la protagonista.

También es extraña la elección de dividir la historia en capítulos de acuerdo a las distintas etapas que transita el personaje. Esto termina por perjudicar y contradecir el ritmo acelerado que necesita el cineasta para mantener a su espectador atrapado en las dos horas y media de duración de su superproducción.

En conclusión, Furiosa es una película que hay que ver en cines IMAX por sus impactantes escenas de acción, acompañadas de un diseño de sonido y de arte que logran recrear a la perfección el universo pretendido y transportarnos a una experiencia completamente inmersiva.

Si bien no logra estar a la altura de la fantástica -y en su momento transgresora- Mad Max: furia en el camino (quizás de las mejores del género del siglo XXI), el espectador va a poder formar parte de un mundo que se siente como estar en un juego adrenalínico dentro de un parque de diversiones.