La Cámara Argentino-Americana de Comercio de Florida (AACC) celebró este sábado 23 de mayo su gala anual, bautizada Costumbres argentinas, en el hotel JW Marriott Marquis del downtown de Miami. La velada conmemoró el 216 aniversario de la Revolución de Mayo de 1810, dos días antes del feriado patrio, y entregó la principal distinción de la institución al director, guionista y productor Juan José Campanella, ganador del Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2010 por El secreto de sus ojos.

La organización estuvo a cargo de Roberto Macho, presidente de la Cámara, y de Marcelo Bottini, secretario general. La conducción de la noche corrió por cuenta de Lisandro Carret, director del Centro Cultural Argentino de Miami, hijo del entrañable Pato Carret.

La velada abrió con los himnos: el argentino, entonado por el cantante Daniel Bouchet, y el de Estados Unidos, por la mezzosoprano Solange Merdinian

Encabezaron la velada Daniel Hadad, fundador y CEO de Infobae, junto a su esposa Viviana Zocco, y el propio Campanella acompañado por su esposa Cecilia Monti.

Cuatro décadas de vínculos entre dos países

Macho abrió el evento con un discurso de bienvenida que apuntó al carácter humano y comunitario de la institución, que el año próximo cumplirá cuarenta años. “Hace cuarenta años alguien pensó que era bueno generar una organización como esta para afianzar vínculos entre Estados Unidos y Argentina, y creo que a lo largo de los años lo ha logrado”, afirmó.

Pero el énfasis lo puso en otro plano. “Lo que seguramente logramos es que se generaron una cantidad de vínculos humanos como nunca nos hubiésemos imaginado antes”, señaló ante una sala que reunió a emprendedores, empresarios consolidados y recién llegados.

El presidente de la AACC convocó a los presentes alrededor de dos ideas: empatía y comunidad. “La empatía en un mundo tan difícil como el que estamos viviendo, tan fraccionado, tan agrietado, nos ayuda a pensar mejor y entender más”, dijo. “Y la comunidad hace que cuando alguien se tropiece, tenga un respaldo de gente que lo va a ayudar a levantarse y a poder ir a buscar el próximo éxito”.

Macho cerró su intervención con una frase que sintetizó el ánimo de la noche: “Nadie tiene derecho a criticar ni a Estados Unidos ni a Argentina si no hace algo para que las cosas estén mejor”.

El consulado y el peso de la distancia

A continuación tomó la palabra Marcelo Gilardoni, cónsul general de la República Argentina en Miami y director del Centro de Promoción Argentino.

Confesó al inicio que no acostumbra a leer sus discursos, pero esta vez prefirió hacerlo. “Me emocionan estos momentos. La verdad que la argentinidad se siente cuando cortamos la cinta y entramos con la hinchada y con los bombos, cuando cantamos el himno a la bandera, cuando cantamos el himno, cuando vemos entrar a la bandera”, dijo.

Gilardoni recordó que la Revolución de Mayo fue “el nacimiento de nuestro destino soberano” y “el momento exacto en que sopló con fuerza el viento de la libertad”. Dirigiéndose al auditorio, definió a la comunidad argentina en Florida como “un testimonio vivo de ese sentimiento de libertad: la libertad de soñar en grande, la libertad de cruzar fronteras para progresar y la libertad de crear valor a través del trabajo”.

El cónsul detalló que el consulado atiende a la comunidad argentina en el sur de Florida, Puerto Rico, las Islas Vírgenes estadounidenses y las Bahamas, y reconoció a la AACC como “un puente vital” de su misión diplomática.

Cerró con un brindis: “Por nuestra querida República Argentina, salud y viva la patria”.

Campanella recibió el Premio Manuel Belgrano y advirtió sobre el desánimo argentino

Macho subió al escenario para presentar al homenajeado. “A quien tengo el orgullo y el honor de presentar realmente no necesita presentación”, dijo, y repasó la filmografía: El mismo amor, la misma lluvia, El hijo de la novia, Luna de Avellaneda, El secreto de sus ojos y la reciente Parque Lezama. “Una persona que nos hizo reír, que nos hizo emocionar, que enorgullece a la República Argentina y que es uno de los talentos más grandes que tenemos en este momento dentro de la cultura argentina”, lo definió.

El Premio Dr. Manuel Belgrano, explicó Macho, reconoce a los argentinos que hayan hecho una contribución destacada en cualquier ámbito de la cultura y los negocios.

Campanella subió al escenario y abrió con humor. “Aviso que estoy más nervioso hoy que en lo del Oscar. Cada vez parece más inmerecido todo”. Después se puso serio. Habló de la emoción de escuchar el himno a la bandera, “el famoso himno al general Susbín”, que no cantaba desde la secundaria.

Y planteó lo que considera el problema central de Argentina hoy: “Nunca he vivido un momento como este en el que noté, noto que el problema principal que tiene la Argentina hoy en día es el desánimo, que a veces nos parece que no va a cambiar nunca”.

El director recordó una frase anónima que había leído en redes: “A los veinte años uno quiere cambiar la Argentina, a los treinta quiere que la Argentina cambie y a los cuarenta se da cuenta de que no va a cambiar nunca”.

Y agregó: “Me hizo reír en ese momento. Hoy se me atragantan las palabras cuando lo digo, porque a veces tengo miedo de que sea verdad”.

Pero cerró con una nota de esperanza. “Viendo reuniones como esta y viendo gente como ustedes y viendo gente que empuja tanto, pienso que la Argentina va a cambiar, va a cambiar para mejor en algún momento. Esperemos que seamos parte de ese cambio y no nos desanimemos tanto”.

Y remató, ya en clave de chiste: “Hay que seguir remando en dulce de leche, en mantequilla de maní, para los que estamos aquí”.

La cultura argentina como agenda permanente

Carret, en su rol de anfitrión, hizo del momento una plataforma para visibilizar el trabajo del Centro Cultural Argentino de Miami. “Estoy muy orgulloso de dirigir el Centro Cultural Argentino de Miami y representarlo en Argentina, para ser una pata en nuestro país”, dijo. Agradeció a su equipo, encabezado por la directora Mac Turturro, y a colaboradores como Marcelo Culotta, de Setlac Producciones, la actriz Constanza Espejo, la periodista Carolina Rech, Oscar Posedente, María Castro y Marcelo Novell.

Carret adelantó la semana cultural argentina que arrancaba con la gala y continuaría con stand up, microteatro y la presentación del libro Segundo tiempo y la película de Luque en el Cine Bistró de Doral. La idea, dijo, es expandir el alcance del Centro Cultural Argentino “a toda Iberoamérica, no que sea solamente de argentino a argentino, sino mostrar nuestra cultura, nuestras películas, nuestros libros, nuestra comida, idiosincrasia”. Y rescató una imagen: “Ese abrazo que te da un argentino que no se olvida nunca cuando te abre la puerta de la casa y te invita, que eso no se ve en todos lados y aquí todavía se sigue viendo”.

La gala incluyó iniciativas paralelas. Por un lado, Taste of Argentina, el ciclo gastronómico que la Cámara y el consulado lanzarán en octubre con restaurantes, cafés, panaderías y heladerías argentinas en Miami. Por otro, una serie de sorteos a beneficio de la Luis Cariola Foundation: una camiseta del Inter Miami firmada por Lionel Messi, pasajes aéreos, estadías y pelotas oficiales del Mundial 2026. Luis Cariola, expresidente de la Cámara, estuvo presente con su familia.

Entre los asistentes estuvieron también Luis Pulenta, operador de los hoteles Marriott en Miami y aliado histórico de la Cámara, junto a Judith Hofman, Leandro Barbuscio, Antonella Fredianelli, Constanza Espejo, Natalia Fridman, Ana Serrat, Teresa Guarracino, Mercedes Martí, Oscar Posedente, María Castro, Marcela Bottinelli, Romina Franco, Mónica Baldi, Sue Barbeito, Karina Delonga, Damián Najman, María Ester Graciano, James Harrison, Titi Camogli, Paula Venditti y Jonathan Hofman.

El salón se llenó con cientos de invitados distribuidos en mesas redondas decoradas con hortensias blancas y globos transparentes que flotaban hacia el techo iluminado en celeste.

La noche, en sintonía con el espíritu mundialista del lema “Vamos, vamos Argentina” que dio nombre a la gala 2026, cerró con una banda en vivo vestida con la camiseta de la Selección argentina, mientras una pantalla gigante proyectaba goles históricos del seleccionado en los Mundiales de 1978, 1986 y 2022.

La gala terminó con la promesa de Macho de un año cargado de novedades para los miembros de la Cámara y la apuesta a reencontrarse en 2027 con dos éxitos en la cuenta: el del Mundial y el de la comunidad argentina en Miami.

Faltan un par de horas para el estreno y la actriz Andrea Politti conversa con Teleshow acerca de HDP Hijos de Primera. Está encantada con su papel en la obra, donde hace a “la mala, malísima”, según sus propias palabras. Representa un giro respecto de sus intervenciones televisivas y teatrales anteriores. Con satisfacción, la actriz confirma: “Siento que funciona como un reloj, disfruto ser parte de este equipo”. Para el circuito, la polifuncionalidad de Politti y su exposición mediática potencian el atractivo comercial de la producción de Juan José Campanella, que se presenta en el Teatro Politeama de Buenos Aires.

La obra tiene una particularidad, es el debut teatral del director Martino Zaidelis, reconocido previamente por títulos cinematográficos como La extorsión y Re loca, lo que introduce en la cartelera una figura proveniente de la industria audiovisual con fuerte presencia en largometrajes nacionales.

El elenco combina talentos de diferentes perfiles y se completa con: Carna, Laura Cymer, Nacho Tosselli y Macarena Suárez, que le ponen el cuerpo al grupo familiar atrapado por una decisión de reparto anticipado de herencia bajo la premisa de la inminente muerte del patriarca, hasta que una recuperación inesperada desorganiza la convivencia y dispara el conflicto central.

—¿Cómo fue el proceso de ensayos antes del estreno de la obra?

—Lo que hace todo el equipo son unos ensayos generales con público, porque tienen el club de amigos del Teatro Politeama. Entonces aprovechan eso para probar las obras antes del estreno.

—¿Y la reacción de la gente en esos ensayos?

—La gente la recibió muy bien, y estamos muy contentos. La virtud es que ensayamos hasta hoy, y estrenamos muy tranquilos. Trabajamos mucho. Ya tenemos la obra bien probada y eso es fabuloso para todo el elenco y el equipo.

La trama y los personajes de la obra

—¿De qué trata la obra HDP?

—La obra es una comedia negra, de autor nacional, que trata el tema universal de la herencia, de cómo cuando se pudre todo, la gente saca lo peor de sí misma. En nuestra casa yo era la concubina, la pareja del que se está por morir. Y los tres hijastros son Carna, Laura Zimmer y Ignacio Toselli.

—¿Cómo se presenta el conflicto en la obra?

—La primera escena está buenísima: baja Ignacio de un cuarto de ver al moribundo, y dice: “¿Y? ¿Cómo está?” “Y mal”. “Bueno, era lo esperable, ¿no?” “No, se mejoró”. Ya habían vendido todo, habían dispuesto el tema del dinero y ya habían, no sé, como buitres. (se ríe).

—¿Te tocó vivir alguna situación parecida en la vida real?

—Sí, me ha pasado de familiares de amigos, de enterarme de cosas, incluso que aparecen hijos, que aparecen hermanos. Es muy común, incluso hay casos mediáticos muy conocidos.

El desafío de interpretar a la “mala”

—¿Cómo es tu personaje en la obra?

—Soy la villana, la más mala entre todos los personajes, soy yo. Y realmente fue una alegría recibir la posibilidad de hacer este papel. Me encantó porque dije: “Ay, qué lindo hacer una mala, me fascina”.

—¿Qué implica ser la “mala” en teatro?

—En una obra de teatro, ser el personaje de la mala me parece brillante. El libro me lo acercó Martino Zaidelis, que es el director, que es su primera obra de teatro, porque viene de una carrera cinematográfica enorme, de la mano de Juan José Campanella.

—¿Pero qué tan mala sos?

—No tengo escrúpulos. Es divertidísimo, por ejemplo, algo que yo jamás haría en la vida, que es lo que vas a ver en el escenario. Es una persona que no tiene límites, que no le importa nada, solo le importa la guita, que quiere pasar a todo el mundo, que es muy manipuladora y los utiliza.

—¿Te inspiraste en personas reales para este papel?

—Yo he conocido. Sí, sí, sí, quién no conoce. Y aparte, viste que uno se sorprende siempre de esas facetas que tienen algunos, que les encanta y que la disfrutan y todo.

—¿Cómo ves el presente y el futuro de la ficción y tus proyectos a futuro?

—Hay algunas cosas, pero como viste que está todo muy... tenemos un año, este particularmente, con la mirada en el mundial, así que estamos viendo. Como que aparecen las cosas, pero a la vez hay como una espera para ver qué onda. Pero estamos. Por suerte siempre trabajé.

—¿Qué significa para vos tu trabajo como actriz y conductora?

—La actoral ha sido mi vocación de toda la vida. Tuve la suerte de encontrar la conducción en la mitad de mi vida y eso también fue como una sorpresa que funcionó en un momento donde la tele estaba también en su mejor momento. Pude hacerlo desde ahí.

—Disfrutas de los desafíos...

—Soy inquieta y es muy bueno disfrutar, pero no disfrutar tontamente, porque todos los laburos tienen sus cosas buenas y malas. Sino que como de alguna forma ubicarse en un terreno de realidad, pero desde un lugar superamoroso y positivo, lo más que se pueda. Y que los inconvenientes sirvan para crecer y para plantearse cosas, para crecer como ser humano.

El primero en tomar la palabra fue Juan José Campanella, director multipremiado y referente de la ficción local. Consultado sobre el fenómeno, fue tajante. “No me gusta el formato vertical. Me parece bien para ver una cabeza hablando o un solo bailarín, pero para nada más”, sentenció. Si bien no descartó del todo la posibilidad de sumarse como actor al comentar que “podría ocurrir”, dejó en claro que su preferencia sigue estando con la pantalla horizontal y las historias tradicionales.

Otra voz relevante fue la de Griselda Siciliani, quien se mostró escéptica pero abierta al juego: “Creo que no, que son esas que duran diez segundos, algo así. Nunca digas nunca, pero el scrolleo ni siquiera lo hago yo. Ni siquiera soy de estar mirando cosas. No me imagino”, confesó la protagonista de Envidiosa, admitiendo que aún no conecta del todo con los nuevos hábitos de consumo, aunque no cierra las puertas a futuros desafíos.

Entre los que todavía ven con distancia el formato, Michel Brown planteó sus dudas sobre el desarrollo narrativo. “Me cuesta entender que se pueda desarrollar una historia tan rápido. Pero a lo mejor es mi cabeza, que vengo de otro lugar”, expresó, entre risas y sin ocultar su desconcierto ante la velocidad que impone la verticalidad.

El contrapunto lo dieron figuras como Nazarena Vélez, que celebró la llegada de la ficción vertical y la consideró una oportunidad tanto para el público como para los productores. “Me divierte todo lo que es ficción vertical, me parece que está buenísimo. Como productora me parece muy interesante. La gente se engancha, es un minuto y medio y ves una historia”, opinó la actriz y empresaria, destacando la inmediatez y el atractivo para las nuevas generaciones.

Una postura similar expresó Malena Solda, quien enfatizó la importancia de adaptarse a los nuevos tiempos: “Todos los formatos nuevos me parecen interesantes y bienvenidos sean. Vi muy, muy poquito y me llamó la atención y me parece que todo bueno”, aseguró la actriz, abierta a futuras participaciones. Gerardo Romano, por su parte, fue más crítico: “A mí ya breve ya... Me resulta difícil ver lo chiquitito y breve”, reconoció, dejando entrever su nostalgia por las historias largas y desarrolladas.

Leo Sbaraglia, una de las voces más respetadas del cine y la televisión, se mostró flexible, aunque con preferencias claras: “No lo descarto, nunca se sabe. Por ahora vengo con la ficción horizontal, que estoy haciendo bastante, gracias al cielo”, bromeó, aunque no cerró la puerta a experimentar en el futuro. Más pragmático, Gastón Sofritti puso el foco en la oportunidad laboral que representa la aparición de nuevas plataformas: “Todo lo que sea trabajo y generar cosas para actores a mí me parece que siempre está bueno, y que si se puso de moda también es por algo y porque hay alguien que lo consume. Lo importante es que haya más y mejor no matar una cosa con la otra”, reflexionó, celebrando la coexistencia de formatos y la ampliación de espacios para los artistas.

El debate dejó en claro que, más allá de la novedad técnica, la llegada de la ficción vertical genera curiosidad, entusiasmo y también incertidumbre entre los profesionales del medio. Mientras algunos ven en el formato la posibilidad de contar historias rápidas y adaptadas a los nuevos hábitos de consumo, otros extrañan la profundidad y el desarrollo de las series tradicionales. Lo cierto es que con Triángulo Amoroso, Telefe abrió un nuevo capítulo en la ficción argentina: uno en el que la pantalla se gira, los protagonistas se reinventan y el público tiene la última palabra. Y por ahora, el fenómeno no deja de crecer.

En la serie Nada, el irascible Manuel Tamayo Prats (personaje que interpreta Luis Brandoni), escritor y crítico gastronómico de larga trayectoria, se enfrenta a los desafíos del mundo moderno, que le son completamente incomprensibles, con una ferocidad asombrosa. Dependiente totalmente de la mujer que le soluciona la vida, su ama de llaves, secretaria, cocinera, administradora doméstica y tanto más, queda desamparado ante su pérdida, y deberá resignarse a regañadientes a contratar una sustituta, que ganará su confianza a fuerza de persistencia, prueba y error.

Caprichoso, maniático, inflexible, enfrentará a este nueva Buenos Aires, ciudad atrevida que parece resistirse a sus veleidades de viejo y excéntrico dandy porteño. Quién no se acuerda de la escena del supermercado, ante la atónita cajera, o la del café de las “vacas felices”. Mi personaje “no tiene filtro y eso lo hace muy atractivo”, decía el propio Brandoni en una entrevista que le hicieron cuando se lanzó la serie.

Es una de las características de las personas mayores: se les tolera que digan lo primero que se les viene a la mente, que digan cosas que otros no pueden decir, que hablen sin filtros. En esa tolerancia hay, desde ya, una buena cuota de condescendencia. “El abuelo es así…” o “está grande”, se dicen y siguen adelante.

Son un poco locos los viejos y por eso se toma lo que dicen con cierta indiferencia. Pero los escépticos deberían tener en cuenta que, si de boca de los niños sale la verdad, de boca de los viejos suele suceder lo mismo. Han vivido, y mucho, y eso les da derecho a dejar de lado las máscaras y hablar de frente.

Así, el personaje de Brandoni en Nada va por la vida exponiendo a los verseros y mofándose de las nuevas tendencias o poses pseudo revolucionarias, animal friendly, veganas y demás.

La serie también expone la arbitrariedad con la cual se nos impone hoy la digitalización de hasta el último rincón de nuestra intimidad, forzando a todo el mundo a poner sus datos a disposición de corporaciones y gobiernos.

Por otro lado, en la película Parque Lezama, Brandoni es León Schwartz, el militante comunista que exagera, inventa, seduce con sus relatos, y comparte el escenario con Eduardo Blanco, admirable en su composición de un veterano encargado de edificio del cual el consorcio quiere prescindir en pos de la modernización. De paso, cabe decir que lo de Blanco es superlativo, porque él no tiene la edad de su personaje y sin embargo lo representa a la perfección, al punto de que quien no lo conoce, puede perfectamente tomarlo por un octogenario.

Con un banco de plaza por todo escenario, no faltan los típicos diálogos entre gente grande:

— ¿De qué estábamos hablando?

— Usted estaba hablando…

En esta obra teatral llevada al cine, Brandoni vive de las glorias del pasado, sin dejar de luchar por todas las causas que considera justas en el presente, entre otras, la de no ser llevado a un hogar de ancianos por su hija, que ya no sabe qué hacer para cuidarlo.

Lejos del sofisticado Tamayo Prats, empeñado en seguir disfrutando de los privilegios que le reporta su pluma feroz ante el temor que suscita en los empresarios gastronómicos, este viejo militante añora los años de combate político y sindical, los años de la ilusión y la utopía, y se resiste a ser considerado como un anciano que debe ser preservado de los males que lo acechan. Sigue viviendo como un caballero andante, un Quijote listo para todas las batallas.

Parque Lezama es también una denuncia de la situación en que están muchos jubilados, descartados como si el retiro fuese nada más que una antesala de la muerte, privados de los medios suficientes para una vida digna luego de años de trabajo. Esas personas de edad, que con frecuencia la sociedad desprecia, son mostradas en la película en toda su humanidad: tienen sueños, convicciones e ideales, e incluso más coraje que muchos jóvenes y adultos menos mayores que ellos.

Brandoni encarna así a dos personajes entrañables como pocos. En uno, el dúo artístico tan logrado que forma con Robert De Niro, amigos en la vida real y en la ficción, del cual muchos recordarán la lección sobre pastelería clásica argentina que da Manuel Tamayo Prats a Vincent Parisi, “cañoncitos de dulce de leche, bolas de fraile”, que el neoyorkino repite con su inconfundible acento gringo. En el otro, las charlas sobre el banco de plaza, donde León intenta convencer a Antonio Cardozo, ya listo a resignarse, de la necesidad de seguir luchando.

En estos días de duelo por el actor multifacético, versátil como pocos, que encarnó con pasión todos los roles que le tocó jugar, una buena forma de recordarlo es volver a ver estas dos obras de gran repercusión, y no sólo para el público local. Nada, una serie que dejó con gusto a poco —pero de la que afortunadamente acabamos de enterarnos de que la segunda temporada ya está en post producción—, y Parque Lezama, un éxito teatral transformado en película por el celebrado realizador Juan José Campanella. Ambas en Netflix.

Y si se lo perdieron en su momento todavía está disponible en Flow y HBO Max la excelente serie Un gallo para Esculapio, donde un casi irreconocible Brandoni da vida a Chelo, jefe de una banda de piratas del asfalto. -se trata también de un silver, pero en este caso uno de los que, dicho en criollo, “se da la carmela”, o sea, se tiñe las canas. También este personaje está a disgusto con algunas imposiciones de los tiempos modernos, como las ridículas “nuevas masculinidades”.

Qué se puede decir de Luis Brandoni que no se esté diciendo ya en los medios de Argentina y del mundo hispano. Que fue un ejemplo de longevidad activa, ya que estamos en el auge de ese concepto. Que trabajó incansablemente hasta último momento, y que de no ser por una estúpida caída en su vivienda quizá seguiría hoy arriba del escenario o de vuelta en un set, y que nos dejó escenas memorables en cine, recordadas incluso por aquellos que no vieron la película o la obra en cuestión.

El germen de la serie animada nació mucho antes de que el proyecto fuera una realidad. Gorali recordó el clima de vértigo y creatividad que vivió el estudio durante la producción de Metegol, la película animada que revolucionó la industria local y que implicó una inesperada visita del padre de Mafalda. “El estudio estaba lleno de animadores, programadores, técnicos y artistas de todo el mundo. Cuando Quino entró, todos se pararon en una ovación. Fue conmovedor”, relató Gorali. El dibujante, acostumbrado al lápiz y el papel, se animó por primera vez a tomar un lápiz digital profesional. “Dijo: ‘Bueno, yo no sé si voy a poder dibujar así’”, recordó el animador, entre risas. Nadie imaginaba que, años más tarde, esa semilla de admiración mutua daría lugar a un proyecto que haría historia.

El vínculo con Mafalda siguió latente en el estudio. Gorali recordó que el libro completo de Mafalda, ese volumen que reúne diez años de la tira, siempre estuvo en la recepción del estudio, a disposición de invitados y del equipo. “Un día estoy caminando, pasando de un lado a otro del estudio y me quedo mirándolo... la tapa gastada en blanco por la cantidad de sol que le daba todos los días. Y digo: ‘Es esto, ¿cómo no estamos llevando esto a nuevas generaciones?’”, cuenta. De inmediato, llamó a Campanella, como había hecho años antes para Metegol, y le propuso la idea. “Me dice: ‘Sí, esto es lo primero que yo amé, lo primero que descubrí’.”

Gorali cuenta que, aunque Campanella después de Metegol había afirmado que nunca más dirigiría animación por lo agotador del proceso, el desafío de Mafalda fue irresistible. “Tengo un gran poder de convencimiento”, bromeó Gorali. Y agregó que la clave fue encontrar el proyecto adecuado para que Campanella volviera a la animación.

El proyecto Mafalda comenzó a gestarse hace tres años, mucho después de la visita de Quino. “No estaba el proyecto. Para nada”, aseguró el productor. El trabajo previo con Metegol, basado en un cuento de Roberto Fontanarrosa, otro gigante de la cultura argentina, sirvió de antecedente. A su vez, Gorali explicó que no es fanático del fútbol en sí, pero sí de las buenas historias, y que el cuento original de Fontanarrosa fue una inspiración desde lo narrativo, más allá del deporte.

La adaptación de Mafalda al formato de serie animada requirió un trabajo minucioso. “Tomamos las dos mil tiras que hizo Quino, las catalogamos todas en una base de datos y trabajamos por temáticas con cada una de las tiras y por supuesto, se crea por sobre eso. Juan es el showrunner, es el guionista principal. Somos un equipo de guionistas donde trabajó mucho talento de Argentina.” Y sumó: “Está en plena producción. Sale el año que viene la primera temporada de 10 capítulos”.

Sobre el fenómeno de la conocida historieta, Gorali destacó su universalidad: “Vos pensá en Mafalda, no había Internet, no había redes, no había nada. ¿Cómo hacían en todo Latinoamérica, en España, en Italia, en Francia para ser fanáticos? Eso habla de la calidad del material, de la vigencia y de la genialidad de la obra de Quino”.

En plena producción, la serie se perfila como uno de los lanzamientos más ambiciosos de la animación argentina contemporánea. Con Campanella como showrunner y un equipo de guionistas y artistas locales, el proyecto busca llevar el legado de Quino a nuevas generaciones y al público global, respetando el espíritu, la vigencia y la mirada única de la historieta original.

“Arrancamos con Fontanarrosa y estamos ahora cerrando con la obra de Quino, me parece que es un círculo para nuestro estudio y para la creación de Argentina para el mundo. No te olvides que Metegol se vio en más de cincuenta países", aseguró.

Mientras el público espera el estreno y las primeras imágenes ya circulan en redes, Mafalda, la serie se perfila como uno de los lanzamientos más ambiciosos y esperados de la animación argentina, preparada para conquistar a nuevas generaciones y reafirmar el legado de Quino en el siglo XXI. El equipo detrás del proyecto, con Gorali y Campanella a la cabeza, celebra el privilegio de llevar adelante una de las historias más queridas de la cultura argentina y demostrar, una vez más, que Mafalda está más viva que nunca.

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Durante una conversación desde Madrid, Eduardo Blanco se detuvo para emocionarse y no pudo evitar llorar, por momentos en silencio mientras rememoró a Luis Brandoni. Reveló el asombro que le generaba a Luis el legado artístico, la cultura “Qué país pensaron estos tipos”, decía cuando obserbaba algún teatro de nuestra Argentina, cuando estábamos de gira, con Parque Lezama.

Blanco relató que, al comenzar su carrera, ya sentía una profunda admiración por Luis Brandoni. Recordó cómo, siendo estudiante, iba a verlo actuar en teatro y lo definió como “un actor impactante”.

En esa época, Brandoni era también secretario general de la Asociación Argentina de Actores y tenía un rol central en la entrega del carnet profesional de actor, recibirlo de manos de Luis Brandoni marcó para Eduardo Blanco un momento profundamente emotivo y de alta exigencia personal.

Blanco destacó la impronta de Brandoni en su formación y el privilegio que representó para él compartir escenario y experiencias con alguien que, según sus palabras, es “el actor argentino”. Rememoró que Brandoni dedicó gran parte de su trayectoria al teatro de autores nacionales y que incluso soportó el exilio, aunque solo por once meses, por no querer estar lejos de Argentina.

Experiencias compartidas...

Blanco evocó los años de trabajo conjunto sobre el escenario y la emoción de haber realizado más de 1.300 funciones junto a Brandoni, incluyendo giras por el país y temporadas en Madrid. Señaló que, al recorrer diferentes ciudades, Brandoni solía sorprenderse por la majestuosidad de los teatros en localidades pequeñas de la Argentina y amaba recorrer cada una de las ciudades donde eran convocados.

El actor relató que la última gira que hizo con Brandoni comenzó en el teatro Astengo de Rosario, un hecho que le resultó especialmente emotivo al iniciar una nueva gira por ese mismo lugar. Para Blanco, estas experiencias compartidas no solo forjaron recuerdos entrañables, sino que también le dejaron enseñanzas profesionales y personales.

Reiteró su admiración por la carrera de Brandoni y la influencia que tuvo en su propia formación como actor. Blanco definió a Brandoni como un referente indiscutido del teatro argentino y lo comparó con grandes figuras internacionales. Destacó su capacidad tanto para la comedia como para el drama, y lo consideró como “el Nino Manfredi argentino”.

Para Blanco, el legado de Brandoni reside en su talento, su compromiso con el oficio y en la huella que dejó en quienes compartieron escenario con él.

Un momento cargado de sensibilidad marcó la conversación entre Eduardo Blanco y Teleshow, cuando el actor no pudo contener las lágrimas y se quebró visiblemente. La emoción lo desbordó al recordar una experiencia significativa junto a Luis Brandoni, lo que lo llevó a un instante de silencio antes de poder retomar la charla.

La figura de Luis Brandoni

Durante la entrevista, Blanco evocó con profunda admiración la figura de Brandoni. Este recuerdo no solo lo conmovió, sino que también resaltó el peso emocional que ciertas vivencias compartidas han dejado en quienes las protagonizaron. La evocación del compañero y maestro fue central en su testimonio, mostrando el respeto y cariño que siente por el actor.

Entre lágrimas, Blanco compartió una de las frases que le quedaron grabadas: “Qué responsabilidad que hay que tener en esto, ¿no? Porque vos fijate que la gente paga sin saber lo que le vamos a ofrecer”, decía Luis con una capacidad descripitiva impresionante, cuenta Eduardo Blanco a Teleshow. Además remarcó, como ese tipo de reflexiones por parte de Brandoni, sintetiza la conciencia que tiene que tener el actor sobre el compromiso al subirse a un escenario y el vínculo de confianza que se establece con el público.

Así, parado frente a la vejez como si se le pudiera ganar con fuerza, con imaginación, con descaro. Peléandole con la prepotencia de quien se ha cansado de perder y ahora no le queda otra que ganar un poco. Un viejo loco, inconformista, bocón, que se reencuentra con el joven idealista que fue. Así es León, el personaje que hizo Luis Brandoni en su última película, Parque Lezama, que dirigió Juan José Campanella.

León -en realidad hasta el final no sabemos cómo se llama, porque uno de sus trucos es ir cambiando de nombre e inventándose pasados- es molesto, incómodo. En el momento de la vida en que parece tan fácil de pasar, no se va a dejar pasar.

Es judío, tiene acento polaco, pero le ha dicho a un comerciante del barrio que es descendiente de comechingones para apelar así a la igualdad de trato y la discriminación. Y, digamos todo, León no es comechingón pero sí es viejo. ¿No tiene derecho a considerarse discriminado por eso? Hay algo real en el reclamo, después de todo.

En la película, el personaje de Luis Brandoni ha sido un militante comunista. Que tuvo que remar para vivir, pero que ahora tiene frescas esas ideas, esos recuerdos, esas convicciones como una manera de pararse en el mundo. Por eso cuando viene la hija y se lo quiere llevar a un geriátrico o a su casa en La Horqueta, León le cuenta por vez número quinientos mil que si ella ese llama Clara es por Clara Lemlich, dirigente de la huelga de las camiseras de Nueva York de 1909, una huelga que empezó el 23 de noviembre y que terminó en en febrero de 1910, cuando se acordaron mejores salarios y condiciones de trabajo. Una huelga triunfante.

A ella le fue bien, ¿quiere tener ese padre que un poco se avergüenza de su éxito, que desdeña La Horqueta, que se hace el matón cuando no tiene fuerza y a quien no se le puede creer, literalmente, ni el nombre?

Brandoni le habla a su hija del día, cuando era chico, en que el padre lo llevó a una asamblea, lo puso sobre sus hombros y le pidió que levantara la manito para votar por él. La hija sabe el cuento palabra por palabra, pero son esos cuentos los que nos hacen quienes somos.

Por eso, de algún lado saca León la audacia para enfrentarse a un dealer que lo cruza en la plaza, al que le vende “protección”. Por eso él, con sus dificultades para caminar, está decidido a proteger a una chica aunque la vaya a ligar.

Por eso, para defender a un amigo al que quieren despedir por viejo, inventa que forma parte de un sindicato combativo cuyas siglas se leen S.E.A.C.A.B.O. Sí, se acabó. Lo dice con convicción, con una carga de amenaza que lo hace convincente.

“Las ideas disfrutan de una juventud eterna”, dijo Brandoni en una entrevista, en los días en que se estrenaba la película.

Dan ganas de vivir su personaje aunque -no es Ciencia Ficción ni comedia rosada- no le vaya siempre todo bien. Hay una forma digna de pararse frente al maltrato que reconforta. Tal vez haya otros métodos para que los resultados sean mejores, pero a veces dar un paso al frente y levantar la cabeza mejoran el alma.

“Hoy ser viejo es una mala propuesta, una cosa no deseada. Lo que debiera ser un momento de relax, tranquilidad y serenidad, no es lo que lo que propone hoy la posibilidad de la jubilación”, le dijo en marzo Brandoni al diario Perfil, con los dos pies bien parados en la realidad.

Luis Brandoni se fue, León sigue por acá, montrando un camino -no EL camino, UN camino- para que valga la pena vivir hasta al final.

Quién hubiera dicho que, después de levantar el Oscar con El secreto de sus ojos en 2010, Juan José Campanella elegiría el camino más paciente, casi artesanal, para volver a filmar en la Argentina. Apenas tres películas en dieciséis años: Metegol, El cuento de las comadrejas y ahora Parque Lezama, esa criatura escénica que ya llevaba más de una década respirando sobre tablas, nacida a partir de I’m Not Rappaport, de Herb Gardner, y transformada en un fenómeno propio.

En el medio, Campanella se volcó a las series, pero había algo en esta historia que lo reclamaba de regreso. Quizás la certeza de que no se trataba solo de una adaptación, sino de una memoria viva: 1.170 funciones desde su estreno en 2013, primero en el Liceo, después en el Politeama, con Brandoni y Eduardo Blanco apropiándose de esos personajes hasta volverlos carne.

El salto al cine —estrenado el 19 de febrero y luego incorporado a Netflix el 6 de marzo— no traiciona ese origen teatral: lo potencia. Si en el escenario la palabra era todo, en la pantalla los primeros planos le agregan una dimensión nueva, casi íntima. Campanella no “abre” la historia, no la expande hacia lo cinematográfico convencional. La concentra. La respeta. La deja respirar en ese mismo banco del Parque Lezama donde León Schwartz y Antonio Cardozo discuten la vida como si el tiempo no existiera… o como si se estuviera terminando.

León, el militante comunista que exagera, inventa, seduce con sus relatos; Antonio, el hombre cansado que solo quiere transitar sus últimos años sin sobresaltos. Entre ellos, un duelo de miradas sobre el mundo, sobre la vejez, sobre lo que queda. Ese contrapunto fue siempre el corazón de la obra. Y lo sigue siendo acá.

Hoy, con la muerte de Brandoni todavía fresca, su León Schwartz adquiere otro peso. Hay algo en su mirada, en su forma de decir, en sus pausas, que ya no suena solo a interpretación. Suena a legado.

Sobre ese proceso, Verónica Pelaccini —su hija en la ficción en las tablas y en la pantalla grande— lo explicaba con precisión emocional: “Fue como un ejercicio con el mejor de los maestros, porque estamos hablando de Campanella. A veces uno tiende a pensar que la película es lo mismo que se vio en el teatro trasladado al cine y la verdad es que en este caso estamos ante una especie de juego donde se nos propuso algo distinto, una transposición total. Todo lo que pasaba en el teatro está super valorizado por la cámara, hay algo de la intimidad, del pensamiento y de las emociones que vistos a través del lente permite que el público sienta el hecho cinematográfico generando una complicidad aún mayor con el espectador...”

Y también: “Beto es el mejor compañero que podés tener. Es cómplice, conectábamos mutuamente, tiene mucho sentido del humor y es extremadamente generoso como compañero y como actor...”

Quizás ahí esté la clave de todo. En esa palabra: generoso. Brandoni lo fue en escena, con sus compañeros, con el público. Y Parque Lezama, sin haberlo buscado, termina funcionando como un testimonio. No solo de una obra que marcó un hito en el teatro argentino, sino de un actor que hizo de cada personaje una forma de quedarse un poco más.

Porque al final, mientras León sigue hablando en ese banco, mientras Antonio lo escucha con una mezcla de fastidio y ternura, lo que queda no es solo la historia. Es la sensación de que algunos diálogos no terminan nunca. Y de que ciertas despedidas, incluso cuando llegan, encuentran la manera de no ser del todo definitivas.

El estreno de The Opera Locos marcará la llegada a Buenos Aires de una de las propuestas escénicas más comentadas de los últimos años. El 16 de abril a las 20 horas, El Politeama albergará el debut local de la obra creada por la compañía española Yllana y presentada por Juan José Campanella. La producción, a cargo de 100 Bares Producciones y PAC – Performing Arts Content, suma a Buenos Aires a la lista de escenarios de España, Francia y Londres con gran éxito.

La puesta en escena reúne a cinco intérpretes que abordan un repertorio donde la ópera clásica y la música popular conviven. Durante la función, se interpretarán arias de títulos emblemáticos como La Traviata y Madama Butterfly, además de versiones de canciones asociadas a figuras como Whitney Houston, Mika, Frank Sinatra y Elton John. La narrativa se sostiene en personajes reconocibles dentro del universo lírico: Alfredo, tenor de trayectoria destacada; Enrique, barítono de precisión; Franelli, contratenor que se inclina por el pop; María, soprano de perfil soñador; y Carmen, mezzosoprano de temperamento fuerte.

De acuerdo con la información difundida por 100 Bares Producciones, The Opera Locos cuenta con dirección artística de Joe O’Curneen y David Ottone, y dirección musical de Marc Álvarez y Manuel Coves. El elenco está conformado por Constanza Díaz Falú, Duilio Smiriglia, Julián Molinero, Laura Pirruccio y Lucas Alvan. La obra ha realizado giras internacionales durante más de ocho años y ha recibido reconocimientos en varios países europeos.

[Fotos: prensa The Opera Locos]

El escenario de la primera fundación de Buenos Aires. Un mercado dedicado al tráfico de esclavos. La cuadra en la que flameaba una bandera británica para celebrar la derrota y el exilio de Juan Manuel de Rosas. Un jardín lujoso pero sobre todo exótico. Todo eso cabe sobre las espaldas del Parque Lezama, uno de los pulmones verdes más grandes y bellos de la Ciudad y el que por estos días asoma en pantallas de todo el mundo.

Es que el parque es el escenario conmovedor e ininterrumpido de la película homónima que Juan José Campanella acaba de estrenar en Netflix. Está basada en la obra teatral que, con ese mismo nombre, ya había dirigido con éxito y con los mismos protagonistas: Luis Brandoni y Eduardo Blanco.

Ni el de la obra ni el de la película son guiones originales: se trata de una adaptación que Campanella hizo de la comedia I’m not Rappaport, de Herb Gardner. Pero para la versión argentina, el Parque Lezama no sólo se convirtió en el escenario de la acción, sino también en el nombre de la producción. Así de importante es ese rincón porteño para el imaginario colectivo. Alcanza con nombrarlo para situarse en esos casi 46.000 metros cuadrados de verde que le hacen de frontera a San Telmo, La Boca y Barracas.

¿El nacimiento de Buenos Aires?

Durante varias décadas, se consideró al Parque Lezama como el punto exacto en el que Pedro de Mendoza había fundado el primer asentamiento de la que sería la primera versión de Buenos Aires, hacia 1536. “Puntas de Buenos Aires” se llamaba por ese entonces a esa zona, que era bañada por la orilla del Río de la Plata.

La teoría de que allí se había fundado Buenos Aires por primera vez fue aceptada por la Academia Nacional de la Historia en 1936, cuando se cumplían nada menos que cuatrocientos años desde esa primera fundación. Eso impulsó la construcción de un gran monumento a Pedro de Mendoza que se inauguró en el parque apenas un año después, en 1937.

Pero los avances científicos y tecnológicos de la arqueología pusieron en duda esa hipótesis hacia fines del siglo pasado. Entre 1988 y 1990, un equipo de arqueólogos encabezado por Daniel Schávelzon realizó una excavación sistemática y exhaustiva en la zona alta del parque y no encontró ni un solo fragmento metálico o cerámico de la primera parte del siglo XVI.

Las hipótesis más actuales apuntan a que el primer asentamiento de la ciudad pudo ubicarse en la parte menos elevada de la barranca, bien cerca de la orilla del Riachuelo, o en la zona de lo que hoy conocemos como Parque Patricios.

Esclavos y comerciantes

La segunda fundación de Buenos Aires fue en 1580 y estuvo encabezada por Juan de Garay. Él fue quien, en persona, entregó el terreno de lo que hoy es el Parque Lezama a Alonso de Vera, un capitán de tropas españolas involucrado en la Conquista que llegó a la zona desde el Alto Perú. En ese entonces, ese territorio quedaba fuera del casco urbano del flamante asentamiento y funcionaba como una enorme quinta.

En el siglo XVIII esos terrenos cobraron mayor centralidad porque se instaló allí una sede de la “Compañía de Filipinas”. En concreto, en ese espacio se traficaban esclavos: eran los años de la Colonia y esa mercantilización de personas que eran explotadas para trabajar se extendió durante décadas.

Pero ya durante el siglo XIX el destino de lo que hoy es el Parque Lezama cambió. Volvió a ser una residencia, como en los tiempos de Alonso de Vera, pero en vez de españoles se instalaron allí dos familias británicas encabezadas por Daniel Mackinlay y Charles Ridgley Horne, ambos comerciantes. Mackinlay fue el primero de los ocupantes de esa parte de la ciudad que dedicó especial atención y entusiasmo a la forestación de esas hectáreas.

En 1852, cuando Juan Manuel de Rosas fue derrotado en la Batalla de Caseros, esas familias hicieron ondear la bandera del Reino Unido sobre sus casonas de la calle Defensa para celebrar el exilio de quien había gobernado la Provincia de Buenos Aires por casi veinte años. Rosas se exiliaba, justamente, a territorio británico.

Un jardín exótico

Apenas cinco años después de la caída de Rosas en Caseros, el terrateniente salteño José Gregorio de Lezama, que poseía grandes extensiones de tierras en distintas zonas del país, compró esas hectáreas al sur del casco urbano. Lezama era aficionado a la botánica y decidió que convertiría ese predio en uno de los jardines más lujosos de la Argentina. Contrató a Charles Vereecke, un paisajista belga que importó y plantó especies exóticas de árboles de todo el mundo.

Lezama disfrutó de su jardín durante varias décadas hasta que murió en 1889. Hacia 1894, su viuda, Ángela Álzaga, vendió esas hectáreas a la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires por una suma simbólica. Había una sola condición: ese jardín debía convertirse en un jardín público y debía llevar el apellido de su marido.

La mano de Carlos Thays

En 1896, el talentoso paisajista francés Carlos Thays puso manos a la obra en ese parque que la Ciudad acababa de sumar a su patrimonio. Se había ocupado de muchos otros espacios verdes de una Buenos Aires que, por suerte, todavía disfruta de sus diseños paisajísticos y sus decisiones botánicas.

La Municipalidad demolió casas linderas al terreno donado y utilizó los escombros de esas demoliciones para elevar el nivel del suelo sobre la calle Brasil. A eso se sumó la barranca natural que esa parte de la ciudad ya tenía desde el principio. Esa barranca, de las elevaciones más pronunciadas del territorio porteño, es tal vez la característica más distintiva del Parque Lezama.

Thays decidió que usaría las variaciones de relieve para que el parque tuviera miradores, escalinatas y terrazas. En ese entonces el Río de la Plata todavía llegaba a lo que hoy es la Avenida Paseo Colón, así que esos miradores y terrazas estaban especialmente pensados para contemplar ese paisaje. Aunque el río se alejó, los rincones elevados del Lezama siguen regalando postales imperdibles, empezando por aprovechar uno de los rincones de Buenos Aires en los que se puede mirar verde y nada más que verde.

El arbolado del parque, que supera los trescientos ejemplares, combina tipas, jacarandás, palos borrachos, lapachos rosados, plátanos, talas, ceibos, casuarinas, palmeras, olmos, magnolias, cedros y olivos, entre muchas otras especies. A esa intención de jardín exótico que tuvo Lezama se le sumó luego la mirada urbanista de Thays, y el resultado es un parque que es un muestrario maravilloso de la vegetación nativa e importada que habita Buenos Aires.

Además de atraer por su vegetación, el parque es un paseo escultórico a cielo abierto. No sólo está el Monumento a Pedro de Mendoza, que llevó a cabo el artista Juan Carlos Oliva Navarro, sino que también se suma una placa de mármol con la figura de un indígena y un bajorrelieve que ilustra la llegada de la nave Magdalena, en la que De Mendoza arribó a estas costas.

Cuando se cumplían los cuatrocientos años de la primera fundación de Buenos Aires, en 1936, se instaló el Monumento a la Cordialidad Internacional, donado por la ciudad de Montevideo. Es una columna de unos 15 metros de altura hecha de bronce rescatado de una vieja embarcación. La columna muestra la posición de las constelaciones el día de esa primera fundación.

Además, en el parque hay una escultura de la Loba Romana amamantando a Rómulo y Remo: es un regalo que la capital italiana le hizo al país al cumplirse el primer centenario de la Revolución de Mayo, y evoca la mítica fundación de Roma. Y no falta una estatua que representa a Ceres, la diosa de la fertilidad según la mitología romana. Esa estatua sirve de punto de encuentro para Martín y Alejandra, protagonistas de la novela Sobre héroes y tumbas.

El Lezama es parte de la trama de esa obra literaria publicada por Ernesto Sabato en 1961 y, más de medio siglo después, es el escenario perfecto para que se encuentren los personajes interpretados por Brandoni y Blanco en la película de Campanella.

Fue la bajada ideal para los chicos que, cuando eso era una costumbre porteña, se tiraban desde la cima de la barranca en sus carritos con rulemanes y sigue siendo una aventura única en bicicleta.

El parque ya no aloja el sable curvo de San Martín, custodiado hasta hace algo más de un mes por el Museo Histórico Nacional, cuyo edificio está en el predio. Pero sigue alojando la feria de artesanos de cada fin de semana y una calesita desde los años sesenta. Es vecino de dos bares históricos de la Ciudad: el Bar Británico y El Hipopótamo. Desde sus mesas se ve perfecto ese pedacito porteño que alguna vez fue considerado la génesis de la gran metrópoli que creció a su alrededor y que hoy es uno de sus mejores remansos.

En una charla distendida con el equipo de Infobae al Regreso, integrado por Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos, Matías Barbería y Mica Mendelevich, el actor se mostró entusiasta por el estreno global de la película en Netflix: “Tengo ansiedad, ¿viste? De saber qué va a resultar. Son 190 países, yo qué sé. Nunca sé si una historia va a conmover o no fuera de casa, pero me da curiosidad”.

El fenómeno de “Empieza con D, siete letras” y la vigencia del contacto personal

Blanco, considerado uno de los grandes intérpretes de la escena nacional, recalcó la importancia de sostener el teatro aún en tiempos de plataformas. “Estamos hasta el 5 de abril. Después, a partir del 15 de mayo, salimos de gira”, precisó sobre el futuro cercano de la obra que encabeza en la calle Corrientes. “Creo que la obra reivindica un poco el contacto personal. En el mundo de Tinder, pensar en un contacto real es casi revolucionario”, lanzó.

El actor valoró el aporte de sus compañeros y la dirección de Juan José Campanella: “Campanella nos abrió a la posibilidad de una actriz nueva en el elenco. Nos adaptamos a su propuesta y eso nos enriqueció a todos. Es una linda historia con el humor y la emoción que tienen los productos de Campanella”. Más allá del guion, Blanco reconoció que cada función implica un desafío: “La gente a veces cree que uno es igual a sus personajes, pero cada uno tiene algo de mí, mi mirada”.

El cine argentino frente a la incertidumbre y el streaming

Consultado por el presente del cine nacional, Blanco no esquivó la preocupación: “Para mí es alarmante. No puedo entender cómo se construye confianza a los gritos o con insultos. La economía, como el arte, es una construcción de confianza”. Cuando le preguntaron por el futuro de “Parque Lezama” en la plataforma, admitió: “Tengo intriga. Antes, si una película funcionaba, ibas al cine y veías la reacción, te dabas cuenta. Ahora, la reacción es digital y global. Es otro mundo”.

Recordó una anécdota de “Luna de Avellaneda” que ilustra el alcance del cine argentino: “En la base argentina de la Antártida inauguraron un cineclub con la película. Vinieron coreanos de la base vecina y terminaron abrazados, emocionados. Eso me marcó: la esencia de nuestras historias puede cruzar cualquier frontera”.

La identidad argentina y la emoción como puente universal

En diálogo con el staff de Infobae al Regreso, Blanco se refirió a cómo sus personajes capturan la sensibilidad local: “A veces me dicen que sintetizo al argentino humano, sobre todo al de ciudad. El afecto, la simpleza, lo llevamos en los personajes y también en la vida”.

Respondiendo a una de las escenas emblemáticas de “El hijo de la novia”, remarcó: “Es emocionante ver cómo una conexión inesperada puede surgir incluso en el dolor, como con el personaje de Norma. La cabeza humana es misteriosa, y el cine puede tocar esos lugares”.

Sobre el legado de las películas que protagonizó, Blanco confesó: “No pienso en dejar un mensaje para la posteridad. Si lo hiciera, renuncio en ese momento. Uno cuenta una historia porque lo identifica, porque le gusta, porque lo emociona o porque le pagan, pero siempre desde la ilusión”.

El actor, que comparte cartel con figuras como Ricardo Darín y Luis Brandoni, celebró además que el cine argentino despierte interés internacional: “Con ‘El hijo de la novia’ hubo gente de países que ni imaginábamos que decía: ‘No conozco Argentina, pero después de la película me dan ganas de conocer’. Eso es hermoso”.

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La conversación surgió cuando Connie Ballarini contó detalles de la gira europea que realizó junto a Malena Guinzburg, Fernanda Metilli, Natalia Carulias y el equipo de “Las chicas de la Culpa”. “Hicimos once funciones, un montón”, relató, y explicó que recorrieron varias ciudades de España, además de Ámsterdam y Londres. El dato curioso no fue la cantidad de shows ni el fervor del público latino en Europa, sino el problema que tuvieron con el jamón ibérico.

“Estamos yendo a Londres y no podemos pasar jamón porque es ilegal a partir de hace... dos días”, explicó luego en un video que también compartieron en TikTok. La prohibición, según se detalló, responde a una medida del Reino Unido que impide el ingreso de carnes y productos lácteos procedentes de la Unión Europea para prevenir la fiebre aftosa, desde 2025. “Nada se salva”, dijo una periodista en el clip que se volvió viral, dejando en claro que ni siquiera el jamón comprado en free shop está permitido.

En la mesa de Juana Viale, la situación derivó en un intercambio hilarante. “No pudimos pasar el jamón”, lamentó Connie, mientras todos se reían. Fue entonces cuando Campanella intervino con su particular recomendación. “Antes de retirar la valija, vas al baño y te lo ponés en las medias”, disparó con total naturalidad, generando carcajadas inmediatas. “Es lo único que no pasa por el escáner”, agregó, convencido.

La conductora, entre divertida y sorprendida, remató: “Si quieren pasar jamón, escuchen al señor Campanella”. El director redobló la apuesta y explicó que, según su experiencia, el problema no es comprar en el free shop de otro país, sino creer que eso garantiza el ingreso sin impuestos o controles. “El único free shop que vos podés entrar es el de tu país. Es una engaña pichanga”, sostuvo. Y detalló que los locales en aeropuertos extranjeros venden productos que luego pueden ser retenidos al arribar al destino final.

Mientras tanto, el resto de los invitados aportaba sus propias estrategias. Julia Calvo confesó que alguna vez lo “camufló en las remeras”, doblando la ropa dentro de la valija, aunque luego recordó que había sido antes de la modificación. Connie sumó que evaluaron el riesgo de la multa y prefirieron no arriesgarse. “Si me van a poner una multa por todo lo que gané, me queda ahí y dije: ‘No, por un jamón no’”, reconoció.

El episodio tuvo un capítulo aparte en redes sociales, donde las comediantes mostraron el “operativo degustación” que improvisaron ante la imposibilidad de cruzar el producto. “No vamos a abandonar este jamón, lo vamos a comer porque compramos muy buenos”, dijo Connie en el video grabado en España. Malena Guinzburg detalló que había comprado marcas premium de jamón como Joselito y Cinco Jotas, consideradas entre las mejores del mercado.

La escena fue casi absurda: a las ocho de la mañana, probando distintas variedades para ver cuál era cuál, comparando colores y niveles de grasa, mientras debatían si realmente notaban la diferencia. “Este es el cinco jotas”, “Este es el Joselito”, “Este es el jamón Scarpino”, se escuchaba entre risas. Incluso bromearon con el jamón del desayuno del hotel, que fue incluido en la cata a ciegas.

La anécdota combinó información útil, humor y la espontaneidad de una sobremesa televisiva que se volvió viral. Campanella, ganador del Oscar y reconocido por su trayectoria cinematográfica, mostró su costado más descontracturado y se convirtió, por unos minutos, en el inesperado “experto” en maniobras aduaneras.

Juan José Campanella sabe lo que hizo y se lo ve convencido (y entusiasmado). Lo que hizo: filmó, con los mismos protagonistas y en 80 metros cuadrados, una película que es una versión de la obra teatral que él mismo dirigió durante 11 años: Parque Lezama. Con los mismos actores: Luis Brandoni y Eduardo Blanco. Lo hizo para el cine -se estrenó el jueves pasado- y para Netflix, donde arranca el 6 de marzo. Y lo hizo sin convertir esa obra en una superproducción sino manteniendo su espíritu teatral, aunque él sostenga que no es tan así. Tiene sus razones.

De eso habla Campanella, enfático, este mediodía soleado en un hotel elegante de Buenos Aires. Lo dice sentado a la mesa con Francisco Ramos, un mexicano sonriente al que todo el mundo por acá llama “Paco” pero que es el Vicepresidente de Contenido de Netflix para Latinoamérica. Un señor importante y, de hecho, el que levantó el pulgar para que Parque Lezama pasara de ser la idea que se le ocurrió a Campanella sentado en la fila 5 del teatro a ser este lanzamiento internacional.

Casi que Parque Lezama, como suele decirse, NO NECESITA PRESENTACIÓN. Once años de éxito, giras... su argumento es conocido. Dos hombres grandes conversan en un banco de la plaza, día tras día. Uno se llama Antonio Cardozo y es encargado de un edificio, aunque en cualquier momento deja de serlo. Su vida entera depende de ese trabajo, que también le da un techo, y del que debía haberse retirado hace muchos años. El otro, León Schwartz, le cuenta historias quijotescas, es un idealista, es comunista y está dispuesto a resistirle al mundo y al tiempo mismo. Y hasta a dar la cara por Cardozo, que no es exactamente su amigo.

El primero lo interpreta Eduardo Blanco y es ese tipo que sabe que, aunque se haya cambiado al turno noche y se la pase escondiéndose, el nuevo presidente del consorcio, Menéndez Roberts, un día lo va a encontrar y lo va a despedir. El segundo tiene la cara de Luis Brandoni, sueña con un mundo mejor, inventa lo que haya que inventar para salir de situaciones complicadas y, por ejemplo, cuando efectivamente Menéndez Roberts diga lo que sabemos que va a decir, sale con una amenaza: vamos a crear la palabra menendezrobertización para hablar de malos bichos que echan a un viejo a la calle. Y ya vas a ver.

En esta entrevista, Campanella va a decir que él se siente más León aunque a Cardozo lo tiene adentro. A los 66 años, va a hablar de la vejez. Y va a decir que firmó la carta para defender al cine frente a un artículo que lo afecta en la ley de reforma laboral, pero que lo que más lo preocupa es que ve un movimiento anticultura. Que dice que la cultura no es importante y que quienes la hacen son vagos.

-Entonces, ¿cómo fue lo de filmar teatro?

JCC: -Esto surgió así: ya estaba por bajar la obra, Beto hacía años que me venía diciendo: “Tenemos que hacer la película, tenemos que hacer la película”. Pero yo la veía como una obra de teatro. Cuando estaba terminando, un día digo: “la voy a ver de cerca”, y me fui a la fila cinco, la fila de los invitados. Y te juro que ahí dije: “Hay que hacer la película, porque nos estamos perdiendo algo sumamente cinematográfico”, Dos elementos: uno es el primer plano, que es el gran aporte del cine a la dramaturgia, y otro es poder mirar al que escucha, porque en esta obra lo que le está pasando al que escucha es fuertísimo, y en el teatro vos estás mirando siempre al que habla. En teatro vos ves siempre la película en plano general, desde un solo punto de vista. Acá ves lo que quiero yo, como director, que te muestro la cara del que no habla.

Ahí sentado, en la fila 5, Campanella empezó a filmar. A poner la cámara donde la quería. A editar. “Empecé a ver la película en mi cabeza. Al final del segundo acto, dije: “Estas actuaciones no pueden quedar en el olvido”. Ahí me comuniqué con Paco, que estaba por viajar a la Argentina. Vino a ver la obra y me llamó desde la puerta del teatro.

Era julio de 2024. “Hagamos la película”, dijo Ramos. Y acá estamos.

No fue fácil, sin embargo, conseguir los derechos. La obra de teatro era una adaptación de I’m Not Rappaport, escrita por Herb Gardner y estrenada en Broadway en 1985. ¿Por qué fue difícil? “Porque los tenía Universal”, dice Ramos. “Pero negociamos con ellos y los conseguimos. Entendieron que la interpretación que hace Juan del texto es muy diferente”.

-Entonces, Juan, en la fila 5 tomaste la decisión de mantener el tono teatral, por ejemplo, de no introducir flashbacks recreados sino de que lo que se cuenta, se narra con palabras es diálogo.

JCC: -Vamos a definir lo que quiere decir “teatral” porque, a veces se puede interpretar como que le baja el precio a la película. Doce hombres en pugna, por ejemplo, es una película que parece una obra de teatro y para mí es eminentemente cinematográfica. Acá hay subrayados de cámara muy sutiles, donde no se nota la mano del director, pero que cambian totalmente la interpretación. Respecto de los flashbacks, acá lo importante no es lo que pasó, sino cómo lo cuenta y cómo lo recuerda él. Hay una escena con la hija en la que ves a Brandoni transformarse en un chico de ocho años, que levanta su manito... eso es totalmente cinematográfico. Si acá tengo a Brandoni, que es uno de los grandes del mundo, contando algo, se trata de su cara. Y cortar al flashback no es más que una desilusión.

Ramos sonríe, asiente. ¿Cómo es para una plataforma como Netflix tener una pelicula así? Uno podría suponer que se ocupan de filmes de gran impacto, con mucho movimiento..

“Tener una película de Campanella es muy importante”, dice el directivo. Tenemos las películas de Juan y las de muchos otros de sus colegas y compañeros. Y luego, que hagan la película que ellos quieran hacer".

Lo dice y tal vez esté aludiendo, sin mencionarlo, a algo que contó hace un mes Matt Damon: que hay directivas en la plataforma, recetas que todas las películas deben cumplir.

“Hay un concepto de que nosotros tenemos unas reglas mágicas que les damos a los cineastas -dice Ramos- a partir de las cuales tienen garantizado el éxito y que la película viaje por todo el planeta”.

-¿No es así?

FR: -Que diga él.

JJC: -No, en mi caso, los comentarios han sido superatinados siempre, con mucho respeto siempre.

-Sos un usuario de Netflix que vive en Colombia. Esta versión es bastante local ¿Te interesan dos señores mayores argentinos charlando en una plaza?

FR: -El otro día leía una entrevista que le hicieron a Leonardo Padura en El País, de España, donde él decía que desentrañar lo local era la única forma de llegar a lo universal. Y si Padura dice esa frase, pues yo me voy a copiar. ¿Quién soy yo para decirle a Padura que lo local no es universal? La gran ventaja de Netflix y de nuestros competidores en el streaming es que pueden dar acceso a audiencias globales a contenido local: hasta hace muy pocos años estaban limitados al cine y a las series americanas.

-¿Y les va bien?

FR -Hay muchos ejemplos que podemos poner de cosas reargentinas, como dirían ustedes, que están teniendo muchísimo éxito a nivel mundial, pues dígase El Eternauta. ¡Y más porteño y más argentino que El Eternauta, pues, no creo que haya!

La vejez y los sueños

-La película, creo, tiene dos temas. Uno es evidente, la vejez y su fragilidad. El otro, las ilusiones, el sueño de hacer un mundo mejor. Empecemos por el primero: me preguntaba cuánto influye en tu mirada el hecho de que tengas 66 años. Y si ves una situación sin salida como la que aparece en la obra.

JJC- Vos sabés que yo vi la obra por primera vez a los veinticuatro, o veinticinco años. Para mí hay dos temas que están casados pero lo principal es el conformismo versus el compromiso. Por eso, en esta versión creció mucho el personaje de Cardozo, porque en la original, escrita por un judío neoyorquino, el héroe era el personaje de Brandoni. Y para mí, esas dos posiciones tenían que tener el mismo valor, porque no se trata solamente de dos personas distintas: todos nosotros tenemos esa lucha adentro. Y también me importó ver si a cierta altura, cuando te queda poco, sigue valiendo la pena tomar decisiones que pueden cambiar tu vida.

-Eso solo puede pasar en la vejez.

JJC-Esa era la circunstancia de la vejez, que hace todo más urgente. Uno puede entender más a Cardozo en la vejez. A los veinte años decís: “No, sos un tarado”. Pero, pero en la vejez decís: “Dejame quedarme hasta Navidad”. En cambio el otro dice; “No es así, hay que seguir viviendo”.

-¿Vos a cuál te parecés más?

JJC-Quiero creer que me parezco más a León. Tengo algunas pruebas, pero que no quiero contarlas...

-Bueno, una.

JJC: Elecciones de vida, que todo el mundo me decía en ese momento: “Estás loco”. Después De ganar el Oscar, especialmente: decidí venir a hacer Metegol cuando me venían ofreciendo Terminator 4.

-Una decisión difícil.

JCC: -Pero, igual, en mí Cardozo está presente permanentemente. Y, a veces, gana. En la película, cuando todo le sale mal, Cardozo le dice a León: “Pero seguime contando”. Es maravilloso. Yo lo cuento y me emociono.

-Dos jubilados en problemas... Vos, le ves una lectura política a Parque Lezama en este momento?

JCC: -Y sí, obvio, pero la obra es del 84.

-Es que yo la veo acá y ahora.

JCC: -También te muestra lo universales y atemporales que son los temas que toca. Se estrenó justo el día de un paro general, cuando el tipo está diciendo todo un monólogo del paro general. Sí, tiene una lectura y va a tener la misma lectura dentro de cinco años. Yo me, mira, yo veo Luna de Avellaneda ahora y digo: “Parece que la hubiéramos hecho este año”. Lamentablemente, eso habla mal de Argentina, no bien de las películas. Ccreo que, lejos de ir quedando vieja, está cada vez más actual esta obra, porque incluso la posición de, que es la más pragmática... Una posición así recién empezaba a mostrarse cuando se escribió la obra y ahora está naturalizada ahora. Muchos tiran la toalla a los veintipico de años.

-Y los idealistas parecen ser los más grandes.

JCC: -Y bueno, por ahí toca esa cuerda la obra. Es algo que se nota absolutamente.

-Es un momento difícil para el cine, partes de la nueva ley laboral afectan el financiamiento del INCAA. ¿Cömo lo ves?

JCC: -Nunca imaginé que iba a pasar esto: la gente está todo el tiempo online y muchos dejaron de ir al cine. Soy firmante de la carta de la gente del cine a los Senadores alertando por el financiamiento, pero tengo dos reflexiones: una, que el problema del cine no es tanto un problema de oferta, sino que es un problema de demanda. Y eso lo sufren las cinematografías de todos los países. Y también Hollywood. Yo he ido a ver allá películas de estreno y éramos diez, un domingo a las seis de la tarde.

-Te pregunto por la producción, porque el cine también se puede ver en plataformas.

JCC: -A mí lo que más me preocupa de todo esto es que noto un movimiento más grande, que es contra la cultura. Dicen que en la cultura somos todos mangueros, vagos, que no sirve, que es un gasto innecesario. Pero toda nuestra experiencia de vida dice lo contrario. Yo estoy mucho tiempo afuera y yo lo que extraño de Argentina es su cultura, es su música, sus cómicos, sus actores, sus teatros, sus películas, sus tipos de la radio, sus autores de libros. Es la cultura. Argentina, económicamente, debe ser uno de los peores países de Latinoamérica pero sigue siendo relevante por su cultura. Y por el fútbol, quizás, pero su cultura sigue siendo un faro de Argentina.

-¿En qué se ve?

JCC:- La gente viene acá a ver teatro. Parque Lezama se hizo en otros países de Latinoamérica por la versión argentina, no por la de Broadway. No hay ningún país occidental, capitalista e importante, que se tire en contra de su cultura. Es una locura. No lo hace España, ciertamente, no lo hace Estados Unidos, donde está el Fondo Nacional de las Artes, el National Endowment for the Arts, , donde cuidan su cine. Ni hablar de Francia, ni hablar de Inglaterra. Me preocupa este movimiento anticultura. Es importante que el argentino se sienta orgulloso de la cultura, porque es una de las pocas cosas, si no la única, de la que podemos estar orgullosos.

Es que Parque Lezama, por supuesto, fue una obra teatral de enorme éxito en la Argentina y en España. Con los mismos actores y el mismo director. Basada en la obra I’m Not Rappaport, que escribió el estadounidense Herb Gardner y se estrenó en Broadway en noviembre de 1985, con Judd Hirsch y Cleavon Little. Hay cosas que, se sabe, no pasan de moda. Conflictos, miedos, emociones que resisten el paso del tiempo. Es el caso.

La base de la historia se puede contar en pocas palabras. En un banco de Parque Lezama se encuentran ¿todos los días? dos hombres grandes. Uno -Antonio Cardozo, interpretado por Eduardo Blanco- ha sido en los últimos 52 años encargado de un edificio. Se ufana de ser el único que sabe manejar la vieja caldera y confía en que por eso conservará su puesto, que está en peligro porque ha pasado largamente la edad jubilatoria. Vive en un cuartito en el sótano, junto a la caldera. Se pasó al turno noche para no cruzarse con nadie. Cuanto menos lo vean, menos lo dejarán en la calle. Pero ahora hay una nueva administración, una nueva dirección del consorcio y... quién sabe.

El nombre del otro, el que hace Luis Brandoni, no lo sabremos hasta el final. Porque el personaje de Brandoni combate la vejez con garra, con imaginación, inventando mundos y esquivando a la hija, que lo quiere internar en un geriátrico o llevárselo con ella a La Horqueta. Exmilitante comunista, vecino de San Telmo: La Horqueta no es para él.

El personaje de Brandoni lo vuelve un poco loco al otro. Le cuenta historias que el otro ya sabe que son falsas, así como puede decirle a un comerciante del barrio que es descendiente de comechingones (pese a su acento polaco) y a un vecino que forma parte de un sindicato combativo cuyas siglas se leen S.E.A.C.A.B.O. Sí, se acabó.

Cardozo está a favor de ir negociando con la adversidad: le paga a un muchacho (Alan Fernández) para que lo acompañe así nadie -en particular él mismo- lo asalta, y considera la propuesta de retiro cuando le llega. Una indemnización, piensa, es mejor que ninguna.

El personaje de Brandoni es todo lo contrario: lo que está bien está bien y las injusticias, injusticias son. Si no tiene la fuerza tendrá el ingenio y la audacia; así va a enfrentar al joven abusador, a un dealer (Matías Alarcón), a un hombre moderno dispuesto a pasar por encima de la vida de quien corresponda con buenos modales y palabras técnicas.

Lo de Cardozo, claro, tambalea. Corren nuevos tiempos y el consorcio quiere sangre joven. ¿Y la caldera? Bueno, seguro que después de tantos años habrá algún equipo que se maneje de otra manera, ¿no? ¿Y el cuartito del sótano? Ni me pregunten: la respuesta me hizo acordar a cuando en Las viudas de los jueves las señoras del country deciden vender la ropa usada en vez de regalársela a las mucamas, que esperan la renovación de cada temporada.

Más que una trama

Por supuesto, y aunque el final es toda una opinión sobre la mejor manera de estar en el mundo, Parque Lezama no se hace en esta trama sencilla sino en los muchísimos diálogos que sostienen los personajes.

Ahí, está la gracia, ahí está la ternura, ahí está lo amargo. En cómo se hablan, en qué se dicen, en cómo se van haciendo cargo de una vejez que avanza y decide por ellos. No es la vida que eligiría cada uno, pero el tiempo ya no ha dejado mucho margen para elegir.

Hay momentos memorables. Me quedo con uno: cuando Brandoni le cuenta a su hija Clara (Verónica Pelaccini) el por qué de su nombre: es por Clara Lemlich, dirigente de la huelga de las camiseras de Nueva York de 1909, una huelga que empezó el 23 de noviembre y que terminó en que, en febrero de 1910, se acordaron mejores salarios y condicones de trabajo. Brandoni arranca a contar cuando era chico y el padre lo llevó a una asamblea, lo puso sobre sus hombros y le pidió que levantara la manito para votar por él. Y la hija lo sigue, al mismo tiempo, diciendo con él palabra por palabra. Miles de veces a lo largo de su vida habrá escuchado ese relato. Esos cuentos que nos hacen quienes somos.

Amamos, amé, al personaje de Brandoni, que hace una interpretación sutil y con muchos matices de ese viejo polaco que resiste. Cuando sueña, cuando se indigna, cuando se sienta con esa hija a la que ama y a la que ve como una amenaza. En ese clima de ahogo, el personaje de Brandoni refresca, trae aire. Aunque en alguno de esos embates termine en el piso y vuelva al parque con uno de esos andadores que ayudan a caminar cuando el equilibro falla.

Amé a Brandoni aunque la mayoría de nosotros seguramente somos más como Cardozo: aceptamos que el mundo es como es, nos acomodamos en el sótano y tratamos de verle el lado bueno a la indemnización.

¿Es una película la vejez? Claro que sí y claro que no. Lo es: la vejez está acá y es la espada que pone a los protagonistas contra la pared. Y no lo es: probablemente Cardozo siempre haya sido así; probablemente el polaco de Brandoni, también. Por eso sí, es la vejez, pero es, sobre todo, una película sobre la dignidad, sobre un mundo mejor, sobre la manera de pararse frente al mundo. Eso está en el centro. Ganar, perder, son circunstancias.

Ficha

Director: Juan José Campanella

Guionista: Juan José Campanella

Productores: Muriel Cabezas, Laura Eliosof

Elenco: Luis Brandoni, Eduardo Blanco, Verónica Pelaccini, Agustín Aristarán, Manuela Menéndez, Alan Fernández y Matías Alarcón.

La producción, a cargo de 100 Bares y con Muriel Cabeza como productora, adaptó la famosa obra homónima basada en I’m Not Rappaport de Herb Gardner. La filmación se desarrolló durante cinco semanas en locaciones reales y explicó: “Va a transcurrir en el Parque Lezama. Lo que quería lograr Campanella es que fuera en la época de los personajes centrales, que es en otoño”, afirmó su protagonista, Luis Brandoni.

Campanella, responsable de la dirección y el guion, subrayó la importancia de transformar el legado teatral en lenguaje cinematográfico. “En estos once años de representaciones, yo siempre vi la obra como director, desde el fondo de la sala y nunca ocupando una butaca. Y en 2024, como iba a ser el último año de la obra, me propuse verla en la fila 5, al medio. Fue algo impresionante. Me quedé superemocionado. Y mirá que vi la obra 500 veces. Ahí me dije: esta historia no puede terminar con la obra de teatro. Tiene que quedar en algún lugar el legado del trabajo de estos dos monstruos como Eduardo y Luis”, relató el cineasta.

La historia original, escrita por Gardner y estrenada en Broadway en 1985, ya había sido llevada al cine en 1996 por el propio autor, aunque esa versión nunca se exhibió en salas argentinas y pasó años siendo prácticamente inaccesible. La puesta local, dirigida y adaptada por Campanella, alcanzó más de 1.300 funciones y 600 mil espectadores entre Argentina y España. “En Parque Lezama había algunas funciones mejores que otras, pero el piso también era muy alto. A veces nos parecían flojas a nosotros y a la gente le encantaba”, recordó Blanco sobre el fenómeno en teatros antes de su salto a la pantalla.

El film mantuvo la estructura central del relato: la improbable amistad entre un militante comunista de larga data y un hombre conformista, quienes desde un banco del Parque Lezama compartieron charlas llenas de humor y emoción, enfrentando dilemas personales, familiares y sociales. Brandoni, tras cuatro temporadas haciendo de León Schwartz en el escenario, reconoció el cierre de una etapa: “Todo tiene un final en la vida. Y éste queremos hacerlo bien, como se lo merece, a toda orquesta. No queríamos que se deshilachara. Para nosotros se trata de una etapa importante de nuestras vidas, no son solo funciones. Yo sé que un día la voy a echar de menos”, declaró el acotrr de la serie “Nada”.

El impulso decisivo para el salto a Netflix ocurrió durante una visita de Francisco Ramos, ejecutivo de la plataforma, a Buenos Aires. Campanella contó: “Justo estaba Francisco Ramos [responsable del contenido de la plataforma producido en América Latina] en ese momento en Buenos Aires, le comenté el tema, vino a ver la obra al Politeama y a la salida me dijo: ‘Avanti, hagamos la película’”.

Ramos, por su parte, destacó la relación con el director y el ambicioso horizonte común: “La relación que tenemos con Juan es muy fuerte y queríamos desde el principio que fuera mucho más allá del proyecto de Mafalda. Llevar Parque Lezama al cine era algo que lo ilusionaba muchísimo a él y, por supuesto, también a los actores que participaron de la puesta. A todo esto se agrega haber sumado a nuestro catálogo las dos temporadas de Los enviados, una serie que adquirimos como licencia a Paramount y que recibió una muy buena respuesta de nuestros suscriptores. Con Juan estamos hablando de otras cosas que nos gustaría hacer juntos más adelante”, señaló el ejecutivo en declaraciones periodísticas.

La agenda de estrenos estableció una primera función en cines selectos de Argentina el 19 de febrero, seguida por el lanzamiento mundial en Netflix el 6 de marzo. El elenco lo completan Agustín Aristarán, Verónica Pelaccini, Manuela Menéndez, Matías Alarcón y Alan Fernández, entre otros.

Veinticinco años después, El hijo de la novia sigue encontrando espectadores en el mismo punto sensible. Cuando el cine nos habita por el solo hecho de recordar una escena, una palabra, un gesto. Como si el cine mismo fabricara nuestros recuerdos y no solo fuera una fábrica de sueños sino de pasados colectivos.

El hijo de la novia sigue funcionando como esas películas que nos exceden. Fue un éxito de taquilla, con casi 1.700.000 espectadores y una recaudación cercana a los 8,5 millones de dólares. También marcó un punto de inflexión: consolidó a Ricardo Darín después de Nueve reinas y volvió a reunir en la pantalla a Héctor Alterio y Norma Aleandro, protagonistas de aquella alegría que había sido La historia oficial.

Se estrenó en agosto de 2001. En la Argentina regía la convertibilidad y el desempleo superaba el 15%. Fernando de la Rúa ocupaba la Casa Rosada y la crisis todavía no había llegado a su punto de ruptura. En el mundo, George W. Bush llevaba pocos meses como presidente de Estados Unidos, los ataques terroristas del 11 de septiembre aún no habían ocurrido y el siglo XXI daba sus primeros pasos. Las Torres Gemelas seguían en pie en Manhattan.

Hoy, veinticinco años después, todo eso está dicho sobre esa película bisagra. Todo está escrito. Todo está digitalizado en fichas técnicas, reseñas, balances de industria y comparaciones cinéfilas. Pero lejos del periodismo que reúne datos, coteja argumentos y discute sobre la contemporaneidad, la técnica o el desarrollo narrativo, muy lejos de eso, cuando pienso en El hijo de la novia se me cruza una sola idea: si alguna vez me cruzo a Juan José Campanella, le doy un abrazo. Solo en el dolor se encuentra la hermandad con un extraño.

El cine no cura. El arte no cura. La música no cura. Pero el cine, el arte y la música acompañan. Ayudan a entender. Acercan, aunque sea por un rato, a una sensación de trascendencia humana. No solapan la desesperación, amortiguan el sentido de la cosas.

Rafael Belvedere es un hombre de cuarenta y tantos que vive corriendo. Heredó el restaurante de su padre y lo administra con una mezcla de obsesión y agotamiento. El trabajo lo desborda, su matrimonio quedó atrás y el vínculo con su hija es intermitente. Tampoco logra estar del todo presente con su nueva pareja.

En ese desorden cotidiano, hace tiempo que dejó de visitar a su madre, internada en una residencia y atravesada por el avance del Alzheimer. Cuando la enfermedad avanza y el tiempo empieza a achicarse, Rafael entiende que todavía queda algo por hacer: cumplir el viejo deseo de su madre de casarse por Iglesia con Nino, su padre. Es un acto de reparación, tardío e imperfecto, como casi todo en la vida adulta.

El hijo de la novia es el resultado de un gran equipo. Y el nacimiento parte de una sociedad creativa que venía afinándose. Fernando Castets y Juan José Campanella trabajaron el guion como se trabaja una conversación larga: volviendo una y otra vez sobre las mismas escenas, dudando, corrigiendo, descartando. Durante casi dos años, la película fue más una pregunta que una certeza. El primer borrador fue recibido con escepticismo incluso por amigos y maestros. No se trataba de una película “atractiva”, decían: había vejez, enfermedad, pérdidas.

Justamente ahí estaba el núcleo. Persistir fue parte del gesto. Reescribir, también. Como si la propia escritura acompañara, sin apurar, una historia que necesitaba tiempo para encontrar su forma.

Vi El hijo de la novia en un cine de Rosario, pocos meses después de la muerte de mi viejo. Roberto había fallecido el 10 de marzo del 2001. Meses antes ya había atravesado una dolencia prolongada. Demencia senil, diagnosticaron algunos psiquiatras. Eran tiempos de otro siglo, cuando las enfermedades vinculadas a la salud mental todavía formaban parte de un tabú espeso, casi innombrable. Y las sensaciones de desbordes convivían en la intimidad, casi sin palabras.

Mi viejo era médico de pueblo, en Colón, provincia de Buenos Aires. Le decían “el doctor de los pobres”, porque atendía a todo el mundo sin importar si tenían obra social o dinero. Una postal que evidenciaba ese gesto era que en la puerta de su consultorio había más bicicletas que en el hospital municipal.

Tenía una capacidad de escucha enorme. De chico, sentado muchas veces en la camilla, yo era una especie de testigo casi invisible de aquellas consultas donde primero se filosofaba sobre la vida y recién después, mucho después, se hablaba de diagnósticos. Porque el diagnóstico, decía, muchas veces formaba parte del encuentro entre médico y paciente.

Solía repetir una frase: si uno ve a alguien renguear por la calle, lo más probable es que se acerque a ayudarlo, a preguntarle si necesita cruzar. Pero una persona que está atravesando una depresión no tiene marcas visibles. No hay forma de saber qué le pasa, salvo que exista empatía y una escucha permanente.

Tenía veintiséis años y atravesaba los últimos días de un proceso de enfermedad largo, sin salida, que implicaba acompañar y ver cómo un padre, un ídolo, se iba apagando de a poco. Venía de una Navidad simulada —un brindis con ananá fizz sin alcohol, la medianoche adelantada a las siete— como si ese artificio fuera una forma posible de cuidado. Con dudas e interrogantes que todavía persistían, meses después llegué a ver El hijo de la novia.

Hay escenas que me acompañan hasta hoy. La película empieza en un baldío que se parece a nuestro propio baldío. Rafael y Juan Carlos tienen ocho años y levantan una choza de barro y pasto, como si ese pedazo de tierra fuera un mundo propio. Dura poco. Un grupo de chicos más grandes los empuja, se queda con la casa y deja una marca que no se olvida: un cigarrillo apagado en la mano. Los dos se van llorando.

Más tarde, Rafael vuelve disfrazado de El Zorro. La capa improvisada vuela con una épica desproporcionada para su tamaño. Hay una gomera, una emboscada torpe, una trampa que falla. Los persiguen, los alcanzan, vuelven los golpes. Hasta que aparece la madre. Norma se interpone, grita, ordena. Los chicos se van.

En la cocina, ya a salvo, hay leche chocolatada y polvorones. Rafael mira a su madre mientras come. Ella le sonríe. En esa mirada queda dicho algo que la película va a sostener hasta el final: la idea de refugio, de cuidado, de un amor que no necesita explicarse. Hay un brillo particular que solo lo encontramos cuando recordamos a nuestra propia madre.

La confusión y las idas y vueltas de Rafael, el personaje de Darín, son también las de cualquiera que intenta acompañar sin saber cómo. No hay decisiones claras ni caminos rectos cuando la enfermedad avanza. Está la amistad de Juan Carlos, interpretado por Eduardo Blanco, como una presencia constante, sin explicaciones ni discursos. En ese recorrido, la película construye una empatía silenciosa, reconocible para quienes alguna vez tuvimos que estar sin entender del todo qué hacer.

Veinticinco años después, El hijo de la novia sigue vigente. No explica la enfermedad, no la convierte en moraleja ni en golpe bajo. Muestra la confusión, el cansancio, la torpeza de quien acompaña. Esa experiencia —estar, aun cuando no hay respuestas— sigue siendo reconocible.

También es la confirmación de un camino que Juan José Campanella empezaba a trazar con claridad: un cine apoyado en los vínculos, en los pequeños gestos, el barrio, en escenas que parecen de construcción simple. Un cine que nunca subraya y que, por eso mismo, parece fácil.

Esa idea encuentra su forma en la escena final en el restaurante. Todo sucede al mismo tiempo. Rafael se cruza con su ex, ahora en otra relación. Le pide a Juan Carlos que se siente cerca, como si pudiera ‘ir a cargosearla’. Su hija lo interpela con una pregunta tan ingenua como filosa. Las mesas se mezclan, las conversaciones se superponen, el ruido crece. Y en medio de ese caos, Rafael levanta la vista. Mira a Nati, su pareja. Y detrás de ella ve a Nino dándole de comer un pedazo de torta a Norma, con una paciencia tranquila, casi coreográfica.

Rafael lo dice en voz baja como si se hablara a sí mismo:

“Es como ver bailar a Fred Astaire. Parece tan fácil”.

Después viene la foto. Norma en el centro, rodeada. Primero se resiste. Después sonríe. El flash congela ese instante, como había congelado, muchos años antes, otra imagen familiar. El tiempo pasó, el mundo cambió, la enfermedad avanzó. Pero algo queda.

Veinticinco años después, parece tan fácil.

La reflexión sobre identidad, arraigo y pertenencia ocupó el centro de esta charla entre el director Juan José Campanella y Teleshow. El cineasta planteó que el sentido de pertenencia no está atado exclusivamente a una nacionalidad, sino a factores culturales y personales de mayor complejidad.

Al ser consultado sobre su propio vínculo con los lugares, Campanella distinguió uno en particular: “Es Buenos Aires, obviamente. Más que Argentina, Buenos Aires. Pero uno no es solo geografía o edificios, sino la cultura del lugar”, subrayó. En ese sentido, explicó que cuando los referentes culturales cambian, surgen preguntas sobre el propio lugar en el mundo.

En cuanto a la idea de sintetizar su vida en una sola frase, Campanella reconoció la complejidad de encontrar un título adecuado: “Es la parte más difícil de todas mis películas, ponerle el título”, admitió riéndose. Y reveló la excepción que confirma la regla y cuya resolución llegó de manera excepcional: “El hijo de la novia fue el único filme que tuvo el nombre desde el principio, porque era como una joda al padre de la novia”.

La elección del título suele ser una tarea ardua, incluso en proyectos exitosos que llegan al Oscar: “Siempre fue problemático, y en El secreto de sus ojos, teníamos el título de la novela hasta último momento”.

Pero volvamos al presente. La obra Empieza con D, 7 letras fue declarada de interés cultural por la Legislatura porteña. El reconocimiento se entregó en el teatro Politeama, donde la legisladora Graciela Ocaña acudió personalmente durante un ensayo general para hacer oficial la distinción: “Este reconocimiento responde a la calidad artística y al valor humano que transmite la propuesta de Campanella”, afirmó Ocaña ante la mirada del elenco y el aplauso del público.

La comedia, dirigida y escrita por Campanella, marcó su regreso al teatro luego de El cuento de las comadrejas. El guionista sostuvo ante los presentes la relevancia de la escena local: “El teatro en Buenos Aires ocupa un lugar único y merece el apoyo constante de las instituciones”, expresó tras la entrega del diploma.

Eduardo Blanco encabezó el elenco en ambas temporadas; en la primera participó Fernanda Metilli y actualmente Victoria Almeida asumió ese rol. Además, Gastón Cocchiarale y Maru Zapata completan el reparto.

Campanella definió la pieza como un montaje capaz de equilibrar comedia y reflexión: “Prometemos risas, pero también espacios para preguntarnos sobre el amor, la soledad y el paso del tiempo”, indicó el director y guionista, y agrega una medalla que se cuelga con orgullo: “De las cinco obras más vistas del año pasado, es la única de origen argentino. Y eso es un empuje para nuestro teatro”.

—¿Qué podés contar sobre el elenco de la obra y el aporte de la nueva protagonista?

—Fer Metilli tenía compromisos pactados, por eso entró Vicky Almeida, que es tan graciosa como ella, pero de una manera distinta. Fer es como más guarra; Vicky es más sutil, pero son muy graciosas las dos. Vicky tiene una hondura emocional que es un poco lo que yo busco.

—¿En qué etapa está el proyecto de Mafalda en animación?

—Con Mafalda estamos en todas las etapas. Son veinte capítulos; ya hay capítulos en etapa de finish, que se están animando, otros en etapa de guion, y en el medio están todas las etapas: grabación de voces, animatics, storyboard…

—¿Se pueden adelantar detalles sobre las voces?

—No te lo puedo adelantar. Son actores y actrices fabulosos, pero nos gustaría que primero vean los personajes con las voces antes de ponerles caras reales.

—¿Cómo fue el casting de voces?

—Fue la etapa más larga. Escuché más de ochocientas voces. Lo que pedía era que no me manden ni videos ni el nombre de la persona, solo la voz. Es muy importante no tener la cara de la persona real, porque uno se la imagina a ella, y yo me tengo que imaginar a Mafalda.

—¿Cuándo apareció la voz de Mafalda?

—De pronto, empezamos a escuchar y no tuvimos dudas. Era Mafalda. Es una persona bastante conocida que está en un momento ascendente de su carrera. Pero no puedo revelarlo.

—¿Qué me podés contar de la grabación?

—Grabamos las voces como en Metegol: cada intérprete actúa su escena, no es como se hace generalmente en animación, que cada uno viene, graba sus bocadillos y se va. Acá interactuamos, porque hay mucho de ida y vuelta, las discusiones de los chicos son muy graciosas y es muy emocionante verlos y escucharlos.

—¿Cómo es el sistema de producción internacional en animación?

—Toda la parte creativa se hace en Argentina: los guiones, las grabaciones de las voces, los animatics, el storyboard y toda la animación principal. Pero hay rellenos de extras o texturas que necesitan mucho poder de computación y eso se hace en estudios en Francia, Canadá o la India.

—¿Eso es común en la industria?

—Sí, la animación es así. Todas las películas que ves están hechas un pedacito en diferentes partes del mundo. En Metegol, por ejemplo, el pasto de la cancha se hizo en la India. Nosotros usamos casi todas las computadoras de Argentina y no alcanzaban, tuvimos que alquilar computadoras de bancos.

—¿Cuándo se va a estrenar Mafalda?

—No te podría decir con exactitud, calculo que principios del 2027.

—¿En qué proyectos estás trabajando en Estados Unidos?

—En Estados Unidos estoy con La ley y el orden, que es como mi hogar lejos del hogar. Ya estoy haciendo la tercera temporada, somos muy amigos y ahora se ha decidido que quieren trabajar con los cuatro o cinco directores con los que mejor se llevan. Hacemos cinco capítulos por año, que es mucho, lo máximo que he hecho nunca en la serie. Se decidió eso porque es necesario profundizar, más que probar cosas distintas.

Pasado, presente y futuro

En el presente creativo de Juan José Campanella, la memoria y la emoción se entrelazan con proyectos que exploran historias reales y rinden homenaje a sus referentes. Mientras avanza la postproducción del documental sobre Matías Bagnato, reconoce que aún no hay fecha definida de estreno, ya que depende de la programación de HBO. Detalla que el proyecto es profundamente emotivo y que, aunque parte del crimen familiar que marcó la vida de Matías, el relato se extiende a la lucha de tres décadas de las víctimas, con testimonios inéditos y una carga emocional que trasciende el género true crime.

En ese panorama, un nombre se impone en la charla. El de Héctor Alterio, cuya huella permanece viva en su recuerdo. Campanella lo describe como un actor excepcional, dotado de una verdad y una emoción únicas, y, sobre todo, como un hombre generoso y profesional. Recuerda una anécdota durante el rodaje en Asturias, cuando Alterio recibió la noticia del fallecimiento de su hermana en Buenos Aires. A pesar del dolor, pidió solo una hora para estar a solas y luego retomó el trabajo, demostrando su entrega y su compromiso con el equipo.

—¿Vas a volver a trabajar con Ricardo Darín?

—Siempre estamos hablando, lo que pasa es que a veces ni siquiera nos cruzamos. Hace rato que decimos que nos gustaría, pero nuestro próximo proyecto hay que planearlo para dentro de un año y medio o dos años, porque estamos así de ocupados. En aquella época de El hijo de la novia, terminábamos la película y no teníamos nada que hacer. Ahora, el año que viene ya tengo “cartón lleno” con Mafalda, La ley y el orden y el teatro. Cualquier cosa que planeemos sería para el año 2027 o el 2028.

—¿Cuántos años de carrera tenés ya?

—Desde que empecé a trabajar en cine, mi primer meritorio... Cuarenta y cinco años. Tenía veintiuno. Fue Te rompo el rating, con Jorge Porcel, Moria Casán, Alberto Olmedo, la aparición de Diego Maradona. Todo el mundo sacándose fotos con él y yo decía: “¿Quién es este pibe?“. Yo no lo vi venir, la verdad.

Antes del cartel clásico del “Fin” y el paso a los créditos, la entrevista se termina con un pedido. ¿Cuál es un título posible para la película de la vida de Campanella? Con humor y cierta resignación, el cineasta propone una alternativa improvisada: “No tengo título para la película. Pongan ‘El nuevo proyecto de Juan Campanella’”, sugirió. La mejor síntesis posible para un hombre en permanente movimiento.

La entrega de los premios Rose d’Or Latinos 2026 celebrada en Miami destacó la presencia argentina en la industria audiovisual iberoamericana.

En la ceremonia, Susana Giménez, Juan José Campanella, la serie El Eternauta y la película Belén sobresalieron entre los galardonados.

Los Rose d’Or Latinos celebrron su tercera edición y reconocieron la excelencia del contenido de habla hispana y portuguesa. El evento, realizado en el marco de Content Americas, distinguió a lo más destacado en series, películas, programas de entretenimiento y formatos innovadores.

Susana Giménez fue premiada al mejor programa de entretenimiento de comedia o variedades por su ciclo homónimo. El programa sobresalió por la calidad de sus invitados, entrevistas destacadas y juegos millonarios, acompañados por una producción de primer nivel y el carisma de la conductora. La conductora, que se encuentra en Punta del Este, estuvo ausente de la ceremonia. El último viernes, tras su arribo a Punta del Este, la diva sorprendió a sus seguidores al compartir en Instagram imágenes prácticamente inéditas en Argentina de la película italiana “Il conto è chiuso”, filmada en 1979 junto aCarlos Monzón, quien era entonces su pareja y ex campeón mundial de boxeo.

En la misma velada, Juan José Campanella obtuvo el Rose d’Or Latino a la Trayectoria, un reconocimiento especial como guionista, director y productor argentino. Su aporte fue valorado tanto en el cine como en la televisión nacional e internacional. El laureado director, ganador de un premio Oscar a Mejor Película Extranjera por El Secreto de sus ojos en 2010, es un asiduo director además de la emblemática serie norteamericana La Ley y el Orden: UVE, protagonizada por Mariska Hargitay y es la más longeva en el rubro dramático de la televisión de su país, con veintiséis temporadas y una proyección internacional que la ha convertido en un fenómeno cultural. Campanella ha dirigido más de quince episodios, incluido el número quinientos y otros capítulos de alto impacto temático.

El éxito también acompañó a la productora K&S Films, que se alzó con dos distinciones importantes. El Eternauta, coproducida junto a Netflix, fue elegida mejor serie de drama. Considerada la primera serie global argentina, arrasó en todo el mundo desde su primera semana de exhibición. Según el sitio oficial de Netflix, la serie dirigida por Bruno Stagnaro se convirtió, en su segunda semana, en número 1 del segmento de habla no inglesa en 24 países. Además, estuvo en el top ten en 87 países.

Por otro lado, Belén, dirigida por Dolores Fonzi y desarrollada para Prime Video, se llevó el premio a la mejor película. El film, que obtuvo varios premios nacionales e internacionales, como la Mejor Interpretación de Reparto a Camila Pláate y el Premio RTVE Otra Mirada a Fonzi en San Sebastián; y el Premio del Público en Biarritz, y se encuentra en la lista corta de las 15 películas preseleccionadas para los premios Oscar 2026, cuyos finalistas se conocerán este 22 de enero.

La participación argentina fue sobresaliente en una competencia donde España fue el país más ganador con la obtención de seis galardones, Brasil cuatro y Argentina tres, quedando por delante de México y Chile, que consiguieron uno cada uno.

El certamen reunió a representantes de plataformas internacionales como Netflix, Prime Video, Disney+, y canales de televisión como Telefe y Canal 13. Estos reconocimientos evidencian la proyección internacional y el prestigio alcanzado por la industria argentina en el ámbito de los premios internacionales del entretenimiento y la ficción.

El liderazgo de figuras como Susana Giménez y Juan José Campanella y los éxitos de las producciones argentinas consolidan al país como referente clave en el contenido audiovisual de la región.

La proyección de “Bibas, asesinados por ser judíos” en el Festival de Cine Judío de Miami generó un fuerte interés internacional y un récord de asistencia, lo que perfila al documental como una obra central en el debate sobre el terrorismo y el antisemitismo contemporáneo. Tras agotar las 370 localidades disponibles en el evento inaugural, la película se convirtió en la más demandada del festival, considerado uno de los más reconocidos a nivel mundial. Además, la respuesta del público impulsó la disponibilidad inmediata de la obra en streaming, extendiendo su alcance de forma global.

El documental, dirigido por Alfredo Leuco, Mariana Bellini y Gabriel Ben Tasgal, reconstruye la masacre de más de 1.200 personas, en su mayoría civiles, poniendo el foco en el asesinato de cinco integrantes de la familia Bibas-Silberman, de los cuales cuatro eran argentinos.

Al finalizar la proyección, el reconocido cineasta Juan José Campanella, quien ganó el Oscar en 2010 por “El secreto de sus ojos”, compartió una reflexión ante los asistentes, moderados por el rabino Mario Rojzman. El director expresó: “No discuto con nadie sobre este tema que no haya visto esta película”, en referencia a los crímenes de guerra y a la invasión del territorio de Israel perpetrado por el grupo terrorista Hamas el 7 de octubre de 2023, hechos que forman el núcleo narrativo del film. Agregó: “Voy a seguir apoyando esta película para que todos la vean. Es una forma de tener argumentos ciertos para el debate y para tener la seguridad de dónde estamos parados nosotros”.

Campanella también aprovechó para cuestionar la proliferación de opiniones basadas en slogans, señalando: “Mucha gente habla con slogans sin saber nada”, y se lamentó por el crecimiento del antisemitismo en ciudades como Nueva York. También añadió: “Nunca había visto una ola de antisemitismo semejante incluso en ciudades impensadas como en Nueva York”, donde vivió muchos años y donde trabajan con gran regularidad dirigiendo series exitosas como “La Ley y el Orden”.

El interés desbordado en Miami llevó a que muchas personas quedaran fuera del estreno por falta de localidades. Ante ello, el equipo del festival, encabezado por su director ejecutivo Igor Shteyrenberg, optó por subir el filme de manera inmediata a plataformas de streaming.

A la fecha, más de 150 mil personas ya vieron “Bibas, asesinados por ser judíos” a través de Flow, Mercado Libre e Infobae, consolidándolo como un fenómeno de audiencia. Frente al impacto cosechado, festivales internacionales con sede en Berlín y Frankfurt han iniciado conversaciones para sumar este documental a sus respectivas programaciones.

“Eh, acabamos de terminar aquí un nuevo capítulo de la Ley y el Orden: Unidad de Víctimas Especiales y tengo una amiga que particularmente quiere darle un gran saludo a la Argentina. Así que por favor...”, introdujo Campanella, mientras Mariska Hargitay irrumpía con entusiasmo: “¡Holaaa!” Entre risas y el bullicio del set, el director animó: “¡Feliz Navidad! A ver, vamos, vamos. ¡Feliz Navidad!” Hargitay respondió con calidez: “¡Feliz Navidad! ¡Feliz Navidad!”.

El ambiente en el set, marcado por jornadas intensas y el frío invernal de Nueva York, no impidió que Campanella transmitiera su gratitud y admiración por el equipo de trabajo. “Posiblemente el mejor trabajo que he tenido en mi vida. ‘La Ley y el Orden: UVE’ es un lugar de trabajo duro y sonrisas constantes. Un equipo y un elenco que emana buenas vibras y buen humor. Así es un placer madrugar. Y como todo clima de trabajo nace desde arriba, va mi eterno agradecimiento a la Capitana Benson, la gran compañera Mariska Hargitay”, expresó el director, subrayando la camaradería y el espíritu positivo que caracteriza a la producción.

En medio de la vorágine laboral y tras sufrir un esguince de tobillo, Campanella no ocultó su deseo de regresar a la Argentina. “Hola, ¿qué tal? Soy Juan Campanella. Estoy aquí en el frío de Nueva York filmando otro capítulo de ‘La ley y el orden’. Estuvimos ensayando a full para mantenernos frescos para ustedes. Lamentablemente, me tuve que esguinzar el tobillo porque... No, no me tuve que esguinzar el tobillo, me esguincé el tobillo. Lamentablemente, no estoy en el calorcito de Buenos Aires, pero pronto voy a estar con ustedes en enero, porque en enero reponemos ‘Empieza con De siete letras’ en el Politeama. La obra que fue entre las cinco más vistas del 2025, ganadora del Martín Fierro a la mejor dramaturgia, con unas actuaciones espectaculares de Eduardo Blanco, Victoria Almeida, Gastón Kocharález. Los esperamos ahí desde el 9 de enero en el Politeama. Se van a reír, se van a emocionar y van a ver una buena historia de amor y que nos va a mostrar que las segundas oportunidades siempre fueron buenas.”

El director también destacó el impacto global de la serie y su experiencia personal dentro del equipo, en el que se involucró desde el año 2000 hasta hoy. “La verdad me siento un privilegiado de ser parte del equipo chico de la serie. Twitteo algo, cualquier cosa de la Ley y el Orden y la reacción es inmediata. Tiene fanáticos en todo el mundo. Es una serie histórica. Es un ícono, porque es la serie de más duración de la historia de la televisión.”

La Ley y el Orden: UVE continúa su recorrido como la serie dramática más longeva de la televisión, con veintiséis temporadas y una proyección internacional que la ha convertido en un fenómeno cultural. Campanella, ganador del Óscar, ha dirigido más de quince episodios, incluido el número quinientos y capítulos de alto impacto temático, consolidando su presencia en una producción que desafía las convenciones del género policial y mantiene su relevancia a través de historias que conmueven a la audiencia global.

Mientras la ciudad de Nueva York enfrenta el rigor del invierno, Campanella invitó a los argentinos a valorar el clima cálido y a esperar su regreso, con la promesa de reencontrarse pronto en los escenarios porteños.

El vestido, pieza central de su imagen, fue descrito por la propia Legrand como un diseño “Llantú, encaje colorado”, que destacaba por su color vibrante y su confección delicada. Un broche de cristales, colocado al costado, aportaba un toque de brillo al conjunto. La prenda, firmada por la diseñadora Iara, provenía de su local ubicado en la calle Peña 2829, un dato que la conductora compartió con entusiasmo al referirse a las “cosas divinas” que ofrece la boutique.

La elección de los accesorios acompañó la impronta lujosa del atuendo. Legrand mostró con orgullo los anillos y aros, piezas que resaltaban por su diseño, y también mencionó la pulsera, a la que calificó como “preciosa”. Todas estas joyas pertenecían a la firma Joyas Ricciardi, una elección que reforzó la imagen de distinción que caracteriza a la conductora. La manera en que lució cada elemento, deteniéndose en los detalles y compartiendo su entusiasmo con el público, evidenció la importancia que otorga a la presentación personal y al impacto visual de su imagen.

Más allá del vestuario y los accesorios, Legrand hizo una mención especial al cuidado de su piel, agradeciendo a la doctora Mabel Tamaruz, responsable de su rutina dermatológica. Este reconocimiento público subrayó el valor que la conductora otorga al bienestar y la estética, integrando el cuidado personal como parte fundamental de su presencia televisiva.

El entorno en el que se desarrolló la velada acompañó la impronta de gala. La noche de Mirtha mantiene su formato tradicional de los sábados a las 21:30, consolidándose como un clásico de la televisión argentina. El programa, conocido por su escenografía cuidada y su atmósfera de encuentro entre figuras destacadas, refuerza en cada emisión la expectativa por el look de su anfitriona, convertido en un sello propio y en un tema de conversación recurrente entre la audiencia.

En esta edición, la mesa reunió a invitados de renombre que aportaron diversidad y prestigio al encuentro. La actriz española Carmen Maura, reconocida internacionalmente, participó para promocionar su papel en “Vieja loca”, la ópera prima del director argentino Martín Mauregui, donde incursiona por primera vez en el género del terror psicológico. Maura compartió su experiencia en el rodaje, destacando el desafío físico y emocional que implicó el personaje, y relató anécdotas sobre su participación en el Festival de Sitges, especializado en cine de terror.

Junto a Maura, la mesa contó con la presencia del cineasta Juan José Campanella, el conductor Fernando Bravo y la actriz Julieta Cardinali, quienes aportaron sus perspectivas desde el cine, la televisión y el espectáculo. La selección de invitados reflejó la capacidad del programa para reunir a personalidades de distintos ámbitos, consolidando su reputación como espacio de referencia en la cultura y el entretenimiento.

La trayectoria de Mirtha Legrand, con más de cinco décadas al frente de la televisión, se manifestó tanto en la conducción del programa como en la elección de su imagen. Su rol como anfitriona de figuras emblemáticas y su atención al detalle en cada aparición la mantienen vigente como leyenda del espectáculo, capaz de reinventarse y de marcar tendencia en cada emisión.

En cada sábado, Legrand reafirma su lugar en la historia televisiva y en el imaginario colectivo, donde su presencia y su estilo continúan renovando la tradición de la pantalla argentina.

Llega el fin de semana, entonces llegan La noche de Mirtha (eltrece, sábado 21,30hs) y un día después continúa el rito en Almorzando con Juana (eltrece, 13,45hs), Viale, claro.

La Chiqui, como ya es habitual, tendrá una mesaza cargada de figuras. La diva recibirá en su programa a Carmen Maura, Juan José Campanella, Fernando Bravo y Julieta Cardinali.

La diva encabeza las mesas con las figuras y los invitados más representativos e importantes de la política, de la cultura, del deporte y del espectáculo. Sin dudas, Mirtha sigue haciendo historia como desde hace más de 50 años.

En esta oportunidad, la conductora tendrá una mesaza cargada de invitados de diferentes ámbitos, entre ellas, la renombrada actriz española, Carmen Maura, quien protagoniza Vieja loca, la ópera prima del guionista y director argentino Martín Mauregui, junto a Daniel Hendler. Se trata de la primera vez que la artista incursiona en el género del terror psicológico.

“Es una película para los que les gusta mucho el terror -explica la ex chica Almodóvar-. A mí me ha pasado algo muy curioso con esta cinta. Me la he pasado estupendamente haciéndola, pero fíjate no puedo verla. Es que no me gustan las películas de terror, pero haciéndola, me divertí como si estuviera en Disneylandia. Es que me la paso gritando, cargándome cosas, porque soy la mala, claro. Más que mala, diría includo. Entonces, insisto, es una película completamente para las gentes que aman las pelis de terror. De hecho, una de los placeres colaterales de esto es que me invitaron al Festival de Sitges, dedicado especialmente a las pelis de terror. Nunca me lo hubiera imaginado. Hombre, eso sí, acaba muy agotada porque tengo escenas donde hay que hacer mucha fuerza, tanto que he tenido que hacer pesas especialmente para este personaje”.

La noche cinéfila acompañará a La Chiqui con la participación de Juan José Campanella en la mesaza. También dirán presente el conductor Fernando Bravo y la actriz, Julieta Cardinali.

Por su parte, Juana recibirá en su programa Almorzando con Juana al presentador y periodista de TN y eltrece Federico Seeber y al cantante y músico argentino Manuel Wirzt.

También serán de la partida la bailarina y esposa de Christian Sancho, Celeste Muriegra, a los actores Manuel Vicente y Alejandra Radano, reconocida esta última por su interpretación en la obra Drácula y él por su rol en la serie El Encargado, la exitosa serie protagonizada por Guillermo Francella. Allí, Vicente encarna a Gómez, un encargado del edificio vecino donde trabaja Eliseo, la siniestra criatura compuesta por Francella. En definitiva, Vicente es de esos actores de reparto que el público viene viendo desde hace años (lo hemos visto en Casados con hijos, Hermanos y detectives, El puntero, Los simuladores entre muchos otros ciclos televisivos) y nunca decepciona.

Mirtha y la actualidad

Una semana atrás, Mirtha Legrand encabezó otra mesaza en la Noche del sábado en eltrece y emocionó a todos con una profunda reflexión sobre la situación actual y futura del país.

“Yo no quiero irme de este mundo sin ver florecer a mi país, mi Argentina, sin verla crecer. Un país con recursos, con gente inteligente… ¡Tenemos 5 Premios Nóbel!”, lanzó.

Frente a su declaración, Luciana Geuna indagó: “¿Tenés esperanza de verlo?”. Tras tomarse unos segundos para pensar, Mirtha expresó: “Sí, tengo esperanza, sí”.

“Yo soy optimista y lucho para que Argentina salga adelante. Trato de hacer mi trabajo lo mejor posible, de estar informada, de saber. Le he dado mi vida a este trabajo”, profundizó Legrand.

Y sumó: “Siempre le cuento a la gente que todo lo que soy se lo debo al público de mi país, pero también sepan que yo, Mirtha Legrand, les he dado mi vida. Es verdad. Me emociono cada vez que lo digo, pero es cierto”.

En esta oportunidad, el ex Caiga Quien Caiga recibió al director Juan José Campanella, reconocido director argentino, ganador de un Oscar por El secreto de sus ojos y con una gran presencia en el ámbito internacional a partir de su trabajo en series como La ley y el orden, entre otras. Durante la charla, se produjo un contrapunto en cuanto a uno de los productos de Campanella, sobre el cual Mario realizó una crítica en su momento y que el director parece no haber olvidado. Y tenía ganas de decírselo en la cara.

Todo comenzó cuando Pergolini realizó un breve repaso de la carrera de invitado, para poner en palabras la magnitud de su obra. “No hay tanto trabajo en la Argentina y la verdad que terminaste haciendo mucho más que eso. Hiciste un teatro, has escrito obras, las adaptaste al cine. Pudiste trabajar en Estados Unidos, que es donde te formaste, y terminaste viviendo en la ciudad de Nueva York, haciendo series icónicas. Eso es mucho más que ser, con todo respeto, un director de cine argentino“, analizó el conductor.

Sin embargo, la conclusión de Campanella sonó a corrección: “Pero las cosas más lindas son las películas argentinas. Y la tele. Vientos de agua es un trabajo que me gusta mucho”, expuso el director, sobre la serie original de 2006 que se emitió en España y en Argentina y que próximamente tendrá una reedición en Netflix con alta calidad. “Siempre nombrás esa serie, me parece que te dolió la crítica”, analizó Pergolini, y enseguida el director lo interrumpió: “Una crítica tuya. Y no la habías visto”.

Siempre en tono ameno, la charla siguió entre lamentos de Pergolini -“Yo dije que no había que invitarlo a Campanella- y sentencias del director, que tenía muy presente aquella cuestión pasada. ”Yo perdono, pero no olvido", aseguró antes de recapitular brevemente la trama. “La serie es sobre un inmigrante español que vino a Argentina en los años 30 y al mismo tiempo su hijo que va a España en el 2001. Es la historia de las dos inmigraciones y era una gran producción”, recapituló acerca de la ficción protagonizada por Ernesto Alterio, Eduardo Blanco, Héctor Alterio y un gran elenco a dos orillas.

Siempre según su relato, la serie se estrenó en Telecinco como la gran apuesta de la señal española. Era la noche de Reyes y en la pantalla del canal rival, Antena 3, decidieron proyectar la película La momia. “Nos reventaron. Una semana más y fue directo al DVD”, admitió Campanella, y retomó el hilo de la crítica. “Y vos dijiste ‘si la levantaron por algo habrá sido, debe ser un embole’. Y no la habías visto”.

Rápido de reflejos, el conductor aprovechó esta inminente reedición para comprometerse en persona a saldar esa deuda. “Ahora la voy a ver. Y cuando la termine de ver, te voy a dar mi verdadero veredicto”, aseguró. Y para demostrar que no había ningún tipo de rencor entre ellos, remató con una humorada fiel a su estilo mordaz: “Y después, vamos a ver La momia juntos”.

Sin temor a compartir su mochila personal, él se exhibe tal cual es, un actor atravesado por las emociones. Previo a iniciar su charla con Teleshow, y desandar los secretos de la obra Empieza con D, 7 letras, Eduardo Blanco reconoce el trabajo que hizo, a lo largo de los años, para abordar la vulnerabilidad y las relaciones en escena. “Hice muchos años de terapia, trabajé la culpa. En las grandes ciudades uno anda a una velocidad que no te permite parar a repensarte un poco”, confiesa.

Actualmente, Eduardo se encuentra protagonizando dicha comedia romántica llena de matices y humanidad, junto a la actriz Fernanda Metilli. En ese sentido, el artista desmenuzó los detalles del argumento, el tono y el inconfundible sello de Juan José Campanella en esta puesta.

Eduardo Blanco advierte sobre la importancia de encontrar espacios de respiro, teniendo en cuenta que el escenario profesional y lo íntimo aparecen trenzados a cada paso: “Primero acudí a terapia porque realmente me sentía conflictuado, con algunos temas que no había podido resolver, y fui por eso. Pero después, una vez que eso se acomodó, seguí mucho tiempo con esta intención, de tener un espacio donde poder detenerme y mirarme un poco”.

La conversación, calmada y profunda, transita desde el oficio actoral a la vida íntima con naturalidad: “Intento no perder eso de jugar en serio, porque me parece que es la base de lo que me gusta hacer: transmitir emociones y contar historias”, afirma convencido, conectando el arte con el lado más humano. Y acerca del amor, en la ficción y más allá, lanza una de esas frases tan suyas, plenas de sencillez y verdad: “Para esto no hay explicación, eso es el amor, en todo caso. El amor se encuentra, no se busca”.

El valor de la introspección y la terapia en la carrera actoral

—¿La terapia sirve para actuar?

—Creo que sirve siempre, en principio, no para actuar. Pero inevitablemente, si hacés una buena terapia, creo que adquirís un conocimiento mayor de vos mismo, y eso sí te sirve para la actuación. En la medida que puedas conocer tus resortes, que puedas investigar en las emociones humanas dentro tuyo, eso suma.

La búsqueda de la verdad en la actuación

—¿Qué pensás sobre lo que ocurre cuando un actor llora o vive una emoción en escena, para ser creíble?

—Yo intento hacerlo todo de verdad. Una verdad ficcional, claro. La pregunta que yo me hago muchas veces es: ¿Cuál es el límite de esa verdad? Porque por supuesto que hay un límite.

—¿Existe un punto donde la ficción se confunde con la realidad?

—Recuerdo hace años haber visto una película donde en una escena había una felatio real. Y yo me pregunté: ¿Cuál es el límite de esa verdad ficcional? Para mí ese es un límite. Yo no necesito ver en una película que no es por..., explícitamente un acto sexual, digamos. Hay millones de formas de contar sin mostrar todo. No lo digo desde ningún lugar moral.

—Para vos, ¿cuál es el rol del actor ante estos límites?

—Yo reflexiono sobre mi tarea, sobre la actuación. Para mí, estamos contando una verdad ficcional. Hay una generación donde no es el arte de la mentira sino la búsqueda de la verdad, y dentro de ese juego busco hasta dónde puedo llegar para que la gente se sienta identificada. Es jugar de verdad el juego ficcional.

—¿Y cómo cuidás de no quedarte “adentro” del personaje?

—Cuando era chico jugábamos a que la escoba era un caballo. Y mientras jugaba, era un caballo. Pero cuando terminaba, volvía a ser una escoba. Si seguía creyendo que era un caballo, estaba para internar.

Detrás de la comedia y las historias de amor

—¿Cómo describís Empieza con D...?

—Es una historia divina, impensada, como la vida. Si te gustan las historias de Campanella, vas a ver que la escribió con su mujer: hay una mezcla de hombre y mujer muy buena. Es la historia de una pareja rara, un señor recién jubilado, recientemente viudo, que conoce a una mujer veintipico de años más joven que él.

—¿Qué tiene de especial la mirada de Juan José Campanella en esta obra?

—Es una comedia dramática que tiene mucho humor. Juan, por lo menos en sus historias propias, no concibe la vida sin humor. Explora mucho los vínculos, y en esta obra hay otros personajes: el hijo de él, el exmarido de ella, las circunstancias que rodean a cada uno. Uno es lo que es en relación a sus circunstancias.

—¿Qué representa el amor en esta obra y cómo se diferencia de lo convencional?

—Son dos vulnerabilidades que se encuentran. Para esto no hay explicación, eso es el amor en todo caso. Se cruzan justo cuando tenía que ser, porque si no, tal vez nunca se encontraban. Es así: el amor no siempre es lógico.

—¿La trama dialoga con el presente de muchas personas?

—En la obra se habla mucho de vínculos actuales, hasta hay bromas sobre Tinder, pero la lectura final reivindica el contacto persona a persona. Por más que hablemos de aplicaciones, hay una reivindicación fuerte del encuentro real.

El amor en la vida real y en el escenario

—¿Cómo ves el regreso al amor después de los 40 o de una relación larga?

—Es cierto, que algunos casos para una mujer de cuarenta, después de una relación de diez años donde depositó muchas expectativas… volver a salir al “mercado” es otro escenario. No es lo mismo que tener treinta, pero… yo a mi mujer actual la conocí en Palermo, caminando.

—¿La diferencia de edad influye cuando se trata de un vínculo verdadero?

—Ella es mucho más joven que yo. Mi primera mujer era más grande que yo. No tengo tema con la edad. Los encuentros son humanos, por supuesto que el envase importa, pero si hay un encuentro humano, la relación prospera.

—¿Y sobre las aplicaciones y el “nuevo mercado” del amor?

—No entiendo ese tipo de aplicaciones, no las uso para eso. Pero la obra habla de eso y reivindica el contacto persona a persona.

—Y para que ese encuentro ocurra, ¿hace falta estar preparado?

—Yo creo que sí. Para encontrar el amor, hay que estar preparado para que eso suceda. Cuando estás muy obsesionado, no lo encontrás. Se pueden encontrar cosas circunstanciales, pero aquello que puede perdurar y construir algo, es otra cosa.

Entre el teatro y el cine: Proyectos, gira y el vínculo con el público

—¿Hasta cuándo siguen con Empieza con D?

—Hasta el siete de diciembre estamos este año.

—¿Y después? ¿Qué planes hay para el año que viene?

—No sabría decirte. Imagino que sí, pero no lo sé todavía. No sé si iremos a Buenos Aires o haremos gira, pero la obra no termina el año que viene. Seguramente haremos gira. Mi fantasía es también llevarla a España, vamos a ver.

—¿Cómo surgió la posibilidad de llevar la obra al cine?

—En la semana del estreno, un productor español que es coproductor de muchas películas de Juan (Campanella), Gerardo Herrero, vio la obra y enseguida nos ofreció hacer la película porque le fascinó. Nosotros recién la estábamos empezando en teatro y ya surgió esa chance.

El 17 de febrero de 1994, la vivienda de Matías Bagnato fue incendiada de manera premeditada, provocando la muerte de sus padres, sus dos hermanos menores y un amigo. La investigación determinó que el incendio no fue accidental, sino una trampa mortal. Fructuoso Álvarez González, un familiar de la víctima, fue identificado como el principal sospechoso y condenado a cadena perpetua. Sin embargo, un vacío legal permitió su liberación años después.

En el año 2009, exactamente a la misma hora en que ocurrió la tragedia, Matías Bagnato recibió una llamada inquietante: Álvarez González estaba en libertad y lo amenazaba con buscarlo. A partir de ese momento, comenzó una etapa de terror en la que Matías debió ocultarse mientras el asesino de su familia lo hostigaba con amenazas de muerte. Esta situación se prolongó hasta el fallecimiento de Fructuoso Álvarez González en 2023.

En conversación con Teleshow, Matías abre su corazón. “Sabía que para mí iba a ser muy fuerte hacerlo”, dijo al recordar el instante en que aceptó ser el rostro y el testimonio central de la serie documental sobre su tragedia familiar, dirigida por Juan José Campanella. “Me llamaron varios productores para hacer la serie cuando falleció el hdp hace dos años”, revela sin rodeos. “Le consulte a Juan José, que lo conozco desde hace muchos años, quería saber con quién me aconsejaba hacerlo”, aclara Matías.

“En ese momento, Campanella, me empezó a preguntar algunas cosas que quizás no sabía en detalle, y me dice: ‘Bueno, si querés lo hacemos en 100 Bares’. En ese momento le dije a Juan, que aceptaba su propuesta. Desde entonces hasta hoy caminamos juntos mi historia, un proceso muy extenso", relata.

La decisión de contar la historia

La génesis de La masacre de Flores como documental tiene mucho de búsqueda, dudas y temores. Para Matías Bagnato, poner en palabras la peor noche de su vida y todos los años de sufrimiento que siguieron no fue una elección impulsiva.

No fue únicamente el riesgo de revivir el horror lo que complicó la decisión, sino la responsabilidad de resguardar el entorno, de proteger a quienes lo arroparon en el camino. Porque, como dice Matías, “lo que necesitamos también es que hable gente que nunca habló y gente que me acompañó durante estos años y que para mi fueron un sostén, pero además por un tema de seguridad”

Esa mezcla de resguardo y honestidad fue parte de la conversación honesta que permitió el inicio del proyecto. “Se van a ver y escuchar testimonios que nunca aparecieron: mis amigos, otras personas que jamás hablaron”.

Su entrega fue gradual y solo posible en el marco de una confianza construida a lo largo de años. Matías deja claro que, aunque está acostumbrado a contar su historia innumerables veces, con el documental hubo otro nivel, una verdad más desnuda: “Una cosa era hablar en televisión... para no sufrir y porque tenía mucho miedo, yo ponía play y relataba sin sentir lo que decía, porque era imposible de tolerar“, cuenta a Teleshow.

El rodaje: revivir el horror y volver a empezar

El proceso de filmación del documental no fue solo una reconstrucción objetiva de hechos; para Matías Bagnato, significó volver a caminar por las calles de la memoria, enfrentarse cara a cara con el dolor y, a la vez, reencontrarse con la vida. Repasar todo frente a las cámaras junto a quienes compartieron la tragedia —y los pequeños destellos de luz en medio de la noche— se volvió un desafío tan conmovedor como sanador.

—Volviste a contar lo que sucedió esa noche pero esta vez frente a Juan José Campanella...

—Me costó mucho. Yo estaba acostumbrado a hablar de esto todo el tiempo. Y también la realidad es que fue desde otro lugar. Una cosa era hablar en televisión cuando yo tenía que contar. Inconscientemente, para no sufrir, repetía una y otra vez lo mismo, casi fríamente.

—La entrevista con Juan, ¿cómo fue?

—Fueron tres días que estuvo acá en mi casa y estuvimos hablando de todo. Es decir, repasar todo cronológicamente, día a día, noche por noche del calvario que viví, fue muy fuerte.

Testimonios inéditos y material de archivo: voces nuevas para una historia conocida

—¿El documental va a mostrar voces y archivos nunca vistos antes?

—Claro, testimonios y material de archivo también inéditos, porque hay un muchas cosas que encontraron después de todos estos años…treinta años atrás.

—¿Quiénes participan con sus testimonios?

—Mucho no puedo contar. Van a estar mis amigos, otras personas que jamás hablaron. Encontraron al juez que lo condenó en el juicio del año 1995. También buscaron al primer bombero que entró...

—¿Va a estar tu paso por Gran Hermano?

—Claro, ese fue un punto de inflexión en mi vida. Donde conté todo y más. También hay testimonios de periodistas reconocidos.

—¿La edición ya concluyó?

—No, esto recién comienza, se terminó de grabar ahora y empieza la etapa de edición, todo el trabajo de los productores, editores.

El papel de la abuela y la soledad del sobreviviente

La figura de la abuela emerge como uno de los ejes más emotivos en el relato de Matías Bagnato. Ella fue su ancla en la tormenta y la que lo alentó a seguir adelante tras la tragedia.

—El papel de tu abuela en todo este proceso es fundamental para contar...

—Hablo mucho de la abuela, muchísimo, de lo que fue ella como ser humano. No creo que haya… no porque era mi abuela, pero no creo que haya muchas personas con la entereza que tuvo, de enterrar a su única hija, nietos, quedarse con un adolescente solo y salir adelante como lo hizo.

—Sostenerte, impulsarte, decirte que la vida sigue…

—Por eso digo, quedarse con un adolescente solo, sin casa, sin nada. Ella me cuidó en todos los aspectos que se puede cuidar a una persona. Era terrible, yo muchas veces me enojaba en ese momento con ella, porque yo la veía tan fuerte, mientras yo lloraba en forma desesperada. Ella me secaba las lágrimas y me decía: ‘Dale, poné huevos...no ayudo a un nieto llorando... Vamos, arriba Matías’.

—Ella sufría en silencio...

—Sin duda. Ella, pobrecita, lloraba en el baño para que yo no la vea. Estaba destruida. Como me lo decía de grande, cuando después creció el vínculo, lloraba y me decía: “Yo volví a Buenos Aires porque me dijeron, Matías te está esperando. Si vos no hubieras estado, yo no hubiera vivido”, esa era mi abuela Norma.

—¿Cómo fue para vos quedarte completamente solo, hoy tu abuela no está?

—Estos dos años fueron duros, porque fue aprender a vivir de otra forma, empezar a vivir por mí. Ella me decía que yo tengo mucha culpa de vivir, que es lo típico del sobreviviente. Así que todo eso brotó ahora, el empezar a vivir por mí solo, ya no está la abuela, y por ellos ya no puedo hacer más nada (se le corta la voz)

La amenaza persistente y el cierre inesperado

Durante casi tres décadas, el miedo fue una constante en la vida de Matías Bagnato. El hostigamiento de Fructuoso Álvarez González, autor del crimen contra su familia, marcó profundamente su forma de vivir.

—¿Matías, la muerte de ese hombre fue un cierre?

—Sí, claro que sí. Primero fue aprender a vivir sin la palabra miedo. Yo estaba acostumbrado y tenía naturalizado un montón de situaciones que estaban terriblemente mal. Desde dormir con un antipánico en la mano hasta vivir con custodia, de no poder salir tanto de noche, de dormir siempre con un ojo abierto. Siempre alerta.

—La amenaza era permanente…

—Era constante. Viví prácticamente treinta años de esa forma. Empezar a vivir hoy la vida que estoy haciendo, sin miedo, sin esa palabra, que marcó mi vida. No por mí, porque el miedo no era conmigo, era con mi abuela y con toda la gente que va a aparecer ahora en este documental.

—Elegiste cuidar la exposición de tus afectos...

—Claro, nunca pude compartir y fijate que el único que habló siempre fui yo. Nadie de toda esta gente habló nunca, pero porque yo nunca quise, porque tenía este terror de que él los conociera, de que los viera y los matara.

El rol de los medios y la comunidad

—Sos muy agradecido por el acompañamiento de los medios...

—Para mí el rol de los medios en esta causa fue ciento por ciento lo que a mí me salvó y no es común, porque generalmente el periodismo cubre el caso de cuando pasa, el juicio y después ya está. Durante treinta años siempre estuvieron todos pendientes de mí. Se generó un vínculo con muchos que me vieron crecer y nunca me dejaron solo.

—¿Cómo vivías ese apoyo popular?

—Vos fijate que durante más de quince años, siempre estaba la posibilidad de que el tipo podía salir y la noticia era siempre la misma. Y sin embargo, nunca me dejaron solo. Cada vez que un juez tenía que decir si lo largaban o no, siempre estaban todos ustedes atrás, en las redes, la gente en todas partes. Soy un agradecido.

—¿El apoyo de la gente fue clave?

—Fue lo que me sostuvo de pie. Salir a la calle. El día que murió el hdp, yo salí a la calle, la gente llorando, abrazándome. Fue realmente para mí empezar a vivir.

Cambios de vida, superación y futuro

—¿Qué pasó finalmente con la casa?

—La casa la vendimos. Primero quedó cerrada, como cualquier crimen; hasta que no terminó el juicio, no me la dieron. Ahí nos entregaron la casa. De eso hablo mucho con Juan, cuando me la entregaron, cuando entré. La vacié con mis amigos y con la abuela y la vendimos como terreno. Ahí compramos un departamento y nos fuimos a vivir los dos a un departamento.

—¿Cambió mucho el barrio o la casa desde entonces?

—La casa está igual. La refaccionaron, la fachada de la casa está igual. Está al día de hoy, obviamente, yo no fui. Pero he pasado alguna que otra vez porque tengo muchos amigos de la infancia por ahí.

—¿Qué mensaje quisiste dejar con este documental?

—Yo no soy lo que me pasó nada más. Que puedan ver que me volví a reír de otra forma, que uno puede seguir adelante. Quiero dejar ese mensaje también.

De cara al futuro, Bagnato no descarta que su testimonio, después de tantos años de silencio y resistencia, pueda inspirar una nueva etapa, una serie de ficción basada en su vida y la de su abuela, una historia de resiliencia y amor en medio del horror.

El cierre del rodaje de La Masacre de Flores marca un hito en la reconstrucción audiovisual de uno de los crímenes más impactantes de la historia argentina. La serie documental, que se estrenará próximamente en HBO Max, explora los horrores y la capacidad de resistencia de Matías Bagnato, el único sobreviviente de un incendio intencional que acabó con la vida de su familia y lo convirtió en blanco de un acoso persistente por parte del autor del crimen.

La producción, desarrollada por Warner Bros. Discovery y 100 Bares Producciones, cuenta con la dirección de Augusto Tejada y la producción ejecutiva de Juan José Campanella, Ana Paula Bello y Martino Zaidelis por parte de 100 Bares, junto a Mariano César y Sergio Nakasone por Warner Bros. Discovery. A lo largo de tres episodios de 45 minutos, la serie no solo reconstruye los hechos de la denominada Masacre de Flores, sino que también profundiza en la historia de supervivencia y transformación de Bagnato, quien logró convertir el dolor en una fuerza vital.

El 17 de febrero de 1994, la vivienda de la familia Bagnato, situada en el barrio de Flores en Buenos Aires, fue incendiada de manera premeditada. El ataque, perpetrado por Fructuoso Álvarez González, un familiar político y exsocio del padre de Matías, provocó la muerte de José Bagnato (42 años), Alicia Plaza (40), Fernando Bagnato (14), Alejandro Bagnato (9) y Nicolás Borda (11), amigo de uno de los hermanos. Matías, que entonces tenía 16 años, logró escapar gracias a la ayuda de un vecino y un policía, mientras que sus padres y su hermano Fernando fallecieron asfixiados y los niños murieron carbonizados.

La investigación judicial determinó que Álvarez González, de origen español y esposo de la prima de Alicia, había amenazado reiteradamente a la familia antes del crimen. Según el expediente, ingresó a la casa a las 3:30 de la madrugada con dos bidones de combustible, roció el inmueble y lo prendió fuego. La motivación principal, de acuerdo con la Justicia, fue una deuda de USD180.000 que reclamaba a la familia tras el fracaso de una sociedad en una fábrica de zapatillas. El agresor incluso intentó forzar a Norma Calzaretta, madre de Alicia y propietaria del local donde funcionaba la fábrica, a firmar un documento por una suma mayor, llegando a agredirla físicamente, obligarla a consumir cocaína y abusar de ella.

Las amenazas de Álvarez González se volvieron habituales, con frases como “Uhhhh se quemaron todos. Están todos muertos”, que utilizaba para intimidar a la familia, y los niños lo apodaron “El Monstruo”. Tras la denuncia policial presentada por los Bagnato, el agresor cumplió sus amenazas la madrugada del 17 de febrero, estacionando su vehículo frente a la casa y provocando el incendio con el objetivo de eliminar a toda la familia. Solo la ausencia de Calzaretta y la supervivencia de Matías impidieron que la tragedia fuera aún mayor.

El responsable fue condenado a prisión perpetua en noviembre de 1995 por el Tribunal Oral en lo Criminal número 12. En 2004, fue extraditado a España para cumplir la condena, pero regresó a Argentina siete años después, tras reiteradas amenazas contra Matías y su abuela. En 2010, Matías relató uno de los episodios más aterradores: “Suena el teléfono en casa, atiendo y era esa misma voz distorsionada preguntando por mí. Cuando le dije que era yo, me dijo que me preparara que me iba a quemar como al resto de mi familia. Se me acabó la vida de nuevo en ese instante, no dormí más en toda la noche”, recordó Bagnato sobre la llamada que recibió cuando el asesino logró retornar al país.

Desde 2011, Álvarez González permaneció recluido en el Complejo Penitenciario Federal número 1 de Ezeiza, donde realizó varios intentos para obtener la libertad, incluso poco antes de su fallecimiento. El 30 de abril de 2023, murió a los 63 años en el Hospital Zonal General de Agudos Dr. Alberto Antranik Eurnekian, tras sufrir un “shock séptico” derivado de una complicación clínica.

La serie documental La Masacre de Flores incluirá material de archivo inédito de Matías Bagnato, su testimonio y el de allegados y actores clave en la causa, aportando una mirada profunda sobre un caso que conmocionó a la sociedad argentina. La producción cuenta con la participación de Muriel Cabeza, el guionista y director Augusto Tejada y la productora periodística Mariana Montero.

A lo largo de los años, Matías Bagnato ha relatado el impacto de la tragedia y el proceso de reconstrucción personal. En una entrevista reciente, reveló que Álvarez González “lo culpó indirectamente” por las muertes y nunca le pidió disculpas. También compartió que recurrió a la terapia para afrontar el trauma, describiendo como “indescriptible” la experiencia de presenciar un incendio y “más aún cuando salís con vida”.

Bagnato ha destacado la importancia de contar su historia en este formato, señalando: “Creo que contar mi historia en este formato puede ayudar a una generación a entender por lo que pasé. Hablé con Carlitos Páez Vilaró, sobreviviente de la Tragedia de los Andes, y lo sanador que es poder sacar estos temas a la luz. Coincidimos en que, salvando las diferencias, somos sobrevivientes y es una historia que te marca para toda la vida. Es importante para mí dar ese cierre final”, según expresó a comienzos de 1994, cuando se inició el proyecto.

El propio Bagnato confirmó el inicio de la producción a través de su cuenta oficial de Instagram: “Empieza el proyecto. Esta semana arrancó oficialmente la producción de la serie sobre mi vida”, y añadió: “Empezar este camino con este equipo humano y profesional me emociona profundamente. Contar mi historia no es fácil, pero sé que estoy rodeado de personas increíbles que van a tratarla con respeto, sensibilidad y compromiso”.

Tras la masacre, Matías, con solo 16 años, debió aprender a convivir con el temor de que el asesino pudiera quedar en libertad. Con el apoyo de su abuela, logró reconstruir su vida, se formó como tripulante de cabina, participó en una edición de Gran Hermano y formó una familia junto a Nicolás, algo que mantuvo en reserva hasta la muerte de Álvarez González.

“Van a ver a los personajes de Quino, es la creación de él, no van a ver un dibujo nuevo”. Con esta afirmación, Juan José Campanella subraya el compromiso de la nueva serie animada de Mafalda por preservar la esencia original de la historieta argentina.

El cineasta, encargado de dirigir el proyecto, enfatiza que el mayor reto ha sido mantener la fidelidad a los trazos y detalles que definieron a los personajes creados por Quino, como la boca de Felipe, cuya animación representó un desafío técnico particular. “Logramos que sean los personajes de Quino”, concluye Campanella, dejando claro que la adaptación busca honrar el legado del autor.

La noticia de la producción de esta serie animada fue anunciada por Netflix, que se propone trasladar al mundo audiovisual el espíritu y la profundidad de la tira cómica que ha marcado a generaciones en Argentina.

Campanella, en diálogo con la periodista Catalina Dlugi en Agarrate Catalina en La Once Diez/Radio de la Ciudad, compartió detalles sobre el proceso de adaptación y los desafíos que implica llevar a la pantalla una obra tan emblemática. El director explicó que el proceso de animación requiere una espera considerable.

“Para Mafalda vamos a tener que esperar mucho más porque el proceso de animación es más lento. Ya avanzamos sobre la grabación de las voces y llevamos varios capítulos. Los movimientos, los trazos, la coordinación, los estilos llevan muchos meses”, reveló, destacando la complejidad técnica y artística involucrada.

Más de 800 voces fueron escuchadas durante el casting, un proceso que se realizó sin conocer los nombres de los postulantes, ya que la prioridad era encontrar la voz adecuada para cada personaje, independientemente de la fama de los actores. “El casting de las voces yo lo hice sin ver los nombres, solo escuchaba las voces. Escuchamos más de 800, y encima como hacían voces de niños eran muy difíciles de reconocer. Pero acá no se juega por cartel, es ver a Mafalda. Hay actores más conocidos, con más renombre y otros con menos, pero hay de todo”, detalló el cineasta.

Respecto al elenco, Campanella expresó su satisfacción con el resultado: “Estoy muy conflictuado porque los actores y actrices son fabulosos, el desafío que había con las voces está totalmente zanjado, pero lo que más me gustaría es que primero la gente vea el dibujo, conocer a los personajes y después develar el artificio”.

El director remarcó que el objetivo es que el público se conecte primero con la animación y los personajes, antes de conocer a quienes les dan voz. La adaptación de Mafalda al formato animado representa un esfuerzo por trasladar la sensibilidad y el humor de la obra de Quino a una nueva generación de espectadores, sin perder la identidad visual que la hizo célebre. Campanella insistió en que la serie no presentará versiones alternativas ni rediseños, sino que respetará los detalles originales de los personajes, cuidando cada aspecto de la animación para que el resultado sea fiel al universo creado por Quino.

El desarrollo de la producción estará a cargo de la productora Mundoloco CGI, el estudio de animación que Campanella cofundó y con el que ya realizó títulos como Metegol y Mini Beat Power Rockers. La adaptación será “un tributo a Quino y a su capacidad de comentar sobre la complejidad humana a través de su mirada única”.

Mafalda nació a comienzos de los años 60, aunque la fecha exacta es motivo de debate: algunos la sitúan el 15 de marzo de 1962, mientras que su primera aparición como tira se produjo el 29 de septiembre de 1964. La creación de Quino se convirtió en un fenómeno que trascendió fronteras, con traducciones a más de 20 idiomas y un impacto profundo en América Latina y el mundo. Durante apenas nueve años, la niña irreverente, inteligente, aguda y tierna marcó a generaciones de argentinos y lectores internacionales, consolidando un legado que permanece vigente.

Los tres largometrajes serán exhibidos, junto con otras 47 películas como 'Boogie Nights', 'Maelström', 'Slumdog Millionaire', 'Roger & Me', 'The Fabelmans' o 'The Princess Bride', por TIFF entre el 13 de junio y el 27 de agosto para conmemorar el 50 aniversario del festival.

"Con la colaboración de muchos programadores y líderes del TIFF durante las pasadas cinco décadas, hemos consensuado los 50 filmes que cuentan la historia de las obsesiones, descubrimientos y duradera influencia de nuestro festival", declaró en un comunicado su director, Cameron Bailey.

La muestra canadiense, una de las más importantes del mundo y considerada el lugar ideal de lanzamiento de filmes que aspiran a los Óscar, añadió que las cinco decenas de filmes que fueron originalmente estrenados en el festival y han sido incluidos en la selección '50 años, 50 películas', "son un eco del espíritu" de su primera edición en 1976 cuando se llamaba Festival de Festivales.

Por ese entonces, sus fundadores, Bill Marshall, Henk Van der Kolk y Dusty Cohl, establecieron como objetivo que el festival tuviese "algo para todos. No todo para todos, pero algo".

La 50 edición de TIFF se celebrará este año del 4 al 14 de septiembre. El festival todavía tiene que anunciar los filmes seleccionados este año. EFE

Esther Rebollo

Buenos Aires, 17 ene (EFE).- Tras el gran éxito de ‘Parque Lezama’, el cineasta argentino y oscarizado Juan José Campanella y el popular actor Eduardo Blanco vuelven juntos a las tablas con una nueva obra colmada de humor sobre las segundas oportunidades en el amor: una comedia, entre romántica y dramática, que ha abierto la temporada 2025 de teatro en Buenos Aires.

Se trata de “Empieza con D. Siete letras”, un acertijo que lleva a la palabra 'destino', dirigida por Campanella, protagonizada por Blanco y Fernanda Metilli y con un trabajo actoral que es garantía de éxito.

“Es una nueva aventura que tengo la enorme alegría de volver a compartir con un amigo”, afirma a EFE Eduardo Blanco sobre su regreso a las tablas bajo la dirección de Campanella tras once años seguidos de éxito teatral con 'Parque Lezama', la obra que el oscarizado director argentino llevará este año a la pantalla.

“Cuando hay una historia que nos convoca a que él la dirija y yo la pueda actuar es como una doble alegría, primero porque me gustan sus historias, en general, me gustan los personajes, me invita a jugar y además es un amigo, así que fantástico”, argumenta el actor.

“Empieza con D. Siete letras” muestra que “la vida es un lugar de muchas oportunidades (...), en este caso hablamos del amor. Esto es una historia de amor”, añade.

En el encuentro de Blanco y Metilli, lleno de tópicos (él es un hombre de más de 60 años, viudo y jubilado tras una supuesta vida laboral exitosa y ella es una mujer joven que acaba de terminar una relación de pareja), saltan chispas y sobre todo risas por las situaciones absurdas y a la vez tan de la vida misma.

“En esta obra y, en general, en las historias que cuenta Juan (Campanella), a pesar de las raspaduras que te puede dar la vida, siempre hay una mirada positiva hacia lo que viene y hacia la vida misma”, argumenta el actor.

Campanella aparece en el lugar de las entrevistas pactadas, su teatro de Buenos Aires en Corrientes, justo cuando Blanco hace ese comentario, se ríe y espera su turno para responder.

“Es una historia de vida más que una comedia romántica (...). La anécdota parece chiquita pero después va para lados que se multiplican, para caminos que se bifurcan. Es una comedia dramática. Lo veo como muchas de las cosas que me gusta hacer y que me gusta ver, con mucho humor, con emoción, con momentos que son un poco más densos”, explica el director sobre su última creación teatral.

Preguntado sobre si Campanella y Blanco son un tándem inseparable en el teatro, sobre todo tras ‘Parque Lezama’, el director explica la razón por la cual siempre lo elige. Aún así, no quiere hablar de “actor fetiche”.

“Vos sabéis que se tiende a usar mucho la palabra fetiche, también en un momento la utilizaban conmigo y con Ricardo Darín, pero no me gusta esa palabra porque da la impresión de que es como un talismán, porque trae suerte”, afirma al respecto.

“Aquí es porque en cada proyecto se vuelve a renovar el interés en trabajar con esa persona, porque te entiende el sentido del humor, porque te llevas muy bien trabajando, porque nos encanta terminar de trabajar y tomar algo, y seguir la amistad", dice Campanella.

Y concluye: "Si hay un papel que pueda hacer Eduardo, el primero que lo va a recibir es Eduardo”.

A ambos se les volverá a ver juntos cuando el director ruede a lo largo de este año 'Parque Lezama", porque -según afirma Campanella- esa actuación teatral tiene que quedar registrada para siempre. EFE

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Esther Rebollo

Buenos Aires, 16 ene (EFE).- El cineasta argentino y ganador de un Oscar por ‘El secreto de sus ojos’, Juan José Campanella, afirmó en una entrevista con EFE que el problema del cine es “su muerte y su agonía” por la ausencia de público en las salas, y lo achaca a “la tendencia social al aislamiento”.

Campanella respondió así al ser preguntado por los recortes en la financiación con fondos púbicos del cine y otras expresiones artísticas en Argentina llevados a cabo por el presidente Javier Milei tras asumir el gobierno en diciembre de 2023.

Explicó sus palabras en el hecho de que el verdadero problema es que “las salas de cine están endeudadas porque no va la gente”.

“Yo prefiero no hablar de política. Hace un año, desde las elecciones generales, prometí a mi familia y a mis socios que quería vivir un poco más tranquilo”, argumentó cuando se le preguntó por la coyuntura argentina y la situación de las artes, en un país que ha sido referente internacional de la cultura en las últimas décadas.

“Yo me pliego a la quinta enmienda”, subrayó.

El cineasta, sin embargo, fue muy activo políticamente, sobre todo contra el kirchnerismo, durante el proceso electoral que llevó a Milei a la Presidencia, lo que entonces se interpretó como un apoyo velado al ahora presidente ultraderechista. Luego le criticó por los recortes a la cultura y al cine, y ahora prefiere guardar silencio.

“Lo que pasa en el cine es un problema mucho más serio, del cual acá no estamos hablando, que es su muerte y su agonía en todo el mundo. Las salas están endeudadas porque no va la gente, nadie va a ver las películas más de una vez (...) Si tienen el coraje de ir a verla una vez, la segunda la ven en la televisión”, afirmó.

Lamentó de forma especial “la muerte de la comedia”, al expresar que “en el cine ya no hay grandes cómicos, es la primera época sin grandes cómicos”.

“A mi, por supuesto, me tiene en una crisis muy grande porque (el cine) fue la pasión de mi vida y sencillamente veo que está desapareciendo frente a mis ojos. Me veía venir una cosa así, pero jamás pensé que iba a ser tan rápido”, apuntó.

El aislamiento social

Campanella cree que a esta situación se llegó por “una cosa social que se aceleró el año de la pandemia, que tiene que ver con una tendencia social al aislamiento”.

“Si vos tenés hijos o conocés chicos adolescentes, viste que lo que para nosotros era 100% de presencialidad ahora están juntos 15% del tiempo y el otro 85 están online, cada uno en su casa. Las relaciones ya no son más en el trabajo, están prohibidas, cayeron en desuso, entonces no hay más remedio que conocerse online. Es toda una problemática”, considera Campanella.

Preguntado si cree que aún se puede salvar el cine, dijo: “Puede haber un cambio cultural grande de nuevo, que reaccione (...), espero que en ese momento el cine haya sobrevivido, que las salas hayan seguido abiertas para que pueda volver la gente a querer divertirse junta”.

Aún así, a Campanella no le faltan proyectos con su productora 100 Bares en unión con Netflix.

Este año tiene previsto terminar una serie animada de diez capítulos sobre Mafalda y convertirá en película ‘Parque Lezama’, la exitosa obra teatral que ha dirigido durante once años en Argentina, y también en España, con Eduardo Blanco y Luis Brandoni como protagonistas. Ambas producciones se estrenarán en 2026 en esa plataforma de entretenimiento.

Con motivo del estreno, el 10 de enero, de su última comedia teatral ‘Empieza por D, siete letras’ en su teatro Politeama de Buenos Aires, Juan José Campanella reconoce a EFE que empezó a dirigir teatro después de su primer film animado ('Metegol' o 'Futbolín') para tomarse un descanso entre películas, pero terminó convirtiéndose “en una pasión”.

“En este momento de mi vida casi me interesa más que el cine”, dice el exitoso cineasta, director de teatro y productor argentino. EFE

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Esther Rebollo

Buenos Aires, 16 ene (EFE).- El cineasta, director de teatro y productor argentino Juan José Campanella reconoce haber superado el “desafío más grande” en su ambicioso plan de llevar Mafalda a la pantalla: elegir a la actriz que pondrá la voz a esa niña de cara redonda y melena alborotada que cuestiona la sociedad y que el dibujante Quino trajo al mundo.

“Capturar esa esencia de Quino en esa voz que nunca nadie oyó -o que oyó una vez y no le gustó- es el desafío más grande”, confiesa Campanella en una entrevista con EFE, donde afirma ser "plenamente consciente de que las voces pueden ser lo que hagan o destruyan el proyecto".

El director está convencido de que tras meses de pruebas, de un proceso exhaustivo y de escuchar "800 voces” ha encontrado, según sus palabras, “las voces correctas” y además "son excelentes".

Pero el director no desvela a EFE quién es la actriz y resto de actores que hacen hablar a los protagonistas de la serie: “Todavía no lo quiero decir, obviamente es una causa perdida porque el proyecto va a salir en 2026 y no sé cómo podremos mantener el secreto hasta ese momento".

"No me gustaría que se escuchen las voces antes de verlas con el personaje (...) También me parece injusto que los actores y las actrices no puedan decirlo”, explica.

Lo que sí confirma el oscarizado director por 'El secreto de sus ojos' y artífice de películas como 'Metegol' o 'El hijo de la novia', además de participar en la dirección de la serie estadounidense 'Ley y Orden', entre otras, es que su “Mafalda es argentina, por lo menos en el idioma español”, al vaticinar que la serie se emitirá en distintos idiomas.

Mafalda será moderna y hablará del presente

Y sobre la Mafalda que se encontrarán los espectadores en la pantalla, argumentó: “Va a ser una Mafalda actual, moderna (...), hay muchas cosas que son icónicas de Mafalda, muy de esa época, como el citröen, el auto del papá, y ciertas costumbres, como jugar en la plaza (...) Algunas de esas cosas vamos a mantenerlas, pero no es una pieza de época, no transcurre en los setenta”.

“Estamos introduciendo algunas cositas un poco más modernas, de las que estamos convencidos Quino hablaría si hubiera seguido con la tira (cómica). Va a transcurrir en el presente”, avanzó.

Campanella deja también claro que “ese presente no hay que cambiarlo mucho porque ella (Mafalda) ya cuestionaba los problemas de Medio Oriente, de China, el feminismo, el rol de la mujer, el rol de los genios”.

Con ironía dice a continuación: “Como verás, son todos temas que ya no figuran para nada a diario”, para afirmar después: “Mafalda es como si la leyeras hoy”.

Según Campanella, “Todos los problemas que le preocupaban a ella (Mafalda) en los 60 y los 70 siguen existiendo, así que serán los mismos”.

Mafalda se puede convertir en una de las grandes producciones del cine de animación latinoamericano y así es como Netflix concibe el proyecto, que se estrenará en 2026.

El cineasta argentino reconoce que “la animación es muy difícil y que el estilo de Quino trasladado a la animación tiene sus desafíos”. Por todo ello, Campanela sabe que es un gran reto dar vida a Mafalda más de 60 años después de su nacimiento. EFE

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En esta nueva etapa, Tarico lleva a escena un espectáculo que es tanto un recorrido histórico como una biografía emocional. “Vamos a hacer este mes de abril provincia de Buenos Aires. Vamos a ir a Valentín Alsina, La Plata, Banfield, 25 de Mayo, Chivilcoy… recorremos los teatros que nos faltaron el año pasado. Y hay mucha gente que nos sigue hace años y quiere vernos”, relata a Teleshow con entusiasmo.

Acompañado por David Rotemberg, su compañero de escena y música, Ariel propone un show que mezcla sátira política, recuerdos personales y guiños a la historia argentina reciente: “Arranca como siempre Nelson como maestro de ceremonia mostrando el salón de los bustos de Casa Rosada… están todos los presidentes desde el 83 hasta la actualidad. Es una recorrida por estos 41 años de democracia”.

El espectáculo, que nació como una puesta sencilla con guiones de radio en el teatro Politeama, fue evolucionando con el impulso creativo de Juan José Campanella. “Cuando debutamos en 2023 teníamos solo dos atriles y una escenografía prestada. Después Campanella dijo ‘los quiero ayudar con tecnología’. Y ahí empezó otro camino”, cuenta Ariel. Un camino en el que finalmente se permitió hablar como sí mismo: “Quiero empezar a hablar un poco yo. Ya sé hacer personajes, ahora quiero contar lo que me pasa”.

Una gira por la historia y las emociones

La gira que Ariel Tarico y David Rotemberg, “Tarico on the Rotemberg”, están realizando por la provincia de Buenos Aires no es solo una sucesión de funciones teatrales: es una experiencia escénica que cruza política, memoria, música y humor.

Para crear un “salón de los bustos”, contaron con el aporte técnico de Mundo Loco, el estudio de animación de Juan José Campanella, que trabajó en películas como Metegol. “Hicimos todos los bustos de los presidentes desde el 83 hasta la actualidad. Están todos juntos: Alfonsín, Menem, De la Rúa, Duhalde, Adolfo Rodríguez Saá, Puerta, Camaño, Kirchner, Cristina, Macri... incluso los vivos están ahí”, enumera Tarico, con una mezcla de ironía y fascinación.

Pero el espectáculo no se queda en la sátira política. Es también un viaje personal, casi íntimo, por las trayectorias de sus protagonistas. “Después vienen los recuerdos personales de cada uno. Las influencias musicales que tuvo David cuando empezó en los 80, y también mi historia de cómo me inicié en la radio en Santa Fe”, cuenta Ariel a Teleshow.

El show va y viene entre décadas, medios y formatos: “Recordamos programas de televisión que hicieron historia o que nos marcaron a nosotros, y que queremos contarles a las nuevas generaciones. Hablamos también de lo que nos pasa con las redes sociales”.

El resultado es una obra que no teme mostrarse vulnerable, que se permite mezclar lo político con lo sentimental. “Es como una especie de montaña rusa emocional”, resume Tarico.

Salir del personaje y mostrarse como Ariel

Durante años, Ariel Tarico fue sinónimo de voces ajenas. En la radio, en televisión y sobre el escenario, su arte se construía desde la imitación, el disfraz y la transformación. Pero en este nuevo espectáculo, por primera vez, el humorista se permite también ser él mismo.

Esa evolución lo llevó a correrse del lugar seguro del personaje. “Ahí yo dije: David tiene que tocar tanto el piano como la guitarra en vivo, y yo también empecé a despojarme de los personajes”, dice Tarico. Empezó a hablar de sus fracasos, de las temporadas en que no le fue bien, de las expectativas truncas. “Con el tiempo, viste que el humor siempre te dicen que es tragedia más tiempo. Esas anécdotas que fueron duras o dramáticas se transforman en graciosas, contadas así para la gente”.

Mostrarse como Ariel también implicó abandonar la coraza que durante años lo protegía. “Al principio me daba mucho pudor presentarme como Ariel, siempre arrancaba caracterizado, con una máscara o disfrazado”, reconoce. Fue un proceso de años: pasar de cambiarse detrás del escenario a hacerlo frente al público, hasta llegar al punto de integrar sus experiencias personales al show. “Me gusta mostrar esa habilidad de construir el personaje en el momento. Pero también ya quiero empezar a hablar un poco yo”.

Y es que para Tarico, este movimiento tiene que ver con un crecimiento profesional pero también vital. “En el teatro es un camino largo y todavía no encuentro un techo. Me faltan muchas cosas por hacer”, afirma. Esa apertura lo llevó incluso a hacer algo inédito: reírse de sí mismo sin intermediarios, sin máscaras. En ese gesto, tal vez, esté su transformación más honesta.

Fracasos que enseñan

Pocos artistas se animan a hablar con tanta franqueza sobre sus derrotas. Ariel Tarico lo hace sin rodeos y con una mirada madura que transforma el tropiezo en relato compartido. Entre sus recuerdos más duros, menciona una temporada que marcó un antes y un después en su carrera: la explosión de Stravaganza en Carlos Paz.

“Fue una temporada que nos marcó a todos”, recuerda. El año en que Flavio Mendoza desembarcó con su show de gran producción y capturó toda la atención del público, muchos otros espectáculos quedaron en la sombra. “Todo el mundo fue con una expectativa de decir ‘la vamos a romper’ y todo el mundo quiso ver a Flavio Mendoza nada más... el resto la tuvo que remar”.

Para Tarico, aquella experiencia no fue solo una cachetada de realidad, sino también un punto de inflexión. “En su momento fueron situaciones traumáticas... momentos donde vos apostás y no viene el público. Donde decís ‘esto va a funcionar’ y no funciona”, confiesa. Sin embargo, lejos de quedarse en la frustración, encontró en el fracaso una oportunidad de aprendizaje: “Obligó a elevar la vara. A decir: para competir hay que invertir, hay que esforzarse, hay que mejorar los teatros”.

Esa temporada dejó una marca en toda la escena teatral. “Fue un antes y un después. Sirvió para mucha gente. Todo el mundo se acuerda de ese verano”, asegura. Años después, Tarico la recuerda como un hito formativo, no solo en lo artístico sino en la manera de pensar su vínculo con el público y con el oficio.

En su show actual, esas anécdotas reaparecen resignificadas. “Con el tiempo esas situaciones se transforman en graciosas. Me río de eso arriba del escenario”, dice. Y así, lo que fue angustia se vuelve material humorístico, lo que fue derrota se convierte en puente con el espectador. La clave, tal vez, esté en esa frase que repite como mantra: “el humor es tragedia más tiempo”.

El impacto de la pandemia y el auge del humor en vivo

La pandemia modificó el paisaje del entretenimiento en todo el mundo, y Ariel Tarico lo vivió desde adentro. Para él, no solo cambió la forma de producir contenido, sino también la manera en que el público se vincula con el humor. “Lo que vino post pandemia fue como una explosión de los shows, sobre todo los de humor”, afirma. Después del encierro, la necesidad de reír fue urgente y colectiva.

“La gente dice: ’quiero ir a cagarme de risa, pero no a olvidarme de los problemas, sino a ver cómo proceso esos problemas a través del humor‘”, explica. Esa función terapéutica del humor, ese mecanismo de digestión emocional, es el corazón de su propuesta actual. No se trata solo de hacer reír, sino de resignificar lo vivido. “Cómo abordo la vida con humor. Por eso se han multiplicado los shows de stand up y de comedia todo el tiempo”.

Desde su perspectiva, los años de encierro también impulsaron nuevas formas de producir y consumir contenidos. “La pandemia produjo esto: mucha gente estaba todo el tiempo delante de una pantalla y muchos se inventaron un streaming o un programa de radio mezclado con televisión”, señala. Ese híbrido de formatos —entre lo casero y lo profesional, lo íntimo y lo viral— fue una de las características del período.

Sin embargo, Tarico distingue claramente entre la experiencia digital y la experiencia escénica. “Con el tema del show en vivo, de vivir la sensación, la experiencia de estar en un recital o en un espectáculo de humor... eso va a seguir estando eternamente”, sostiene. A diferencia del cine o las series, que ya se consumen pensando en qué plataforma se van a estrenar, el teatro mantiene su esencia: la conexión directa con el público.

Orígenes en la radio: de Santa Fe a Mitre

La historia de Ariel Tarico con la radio comenzó temprano, casi de forma instintiva, cuando apenas tenía 14 años. “Estaba en la secundaria”, recuerda, “y era un mundo de grandes que a mí me fascinaba estar”. Ese primer acercamiento ocurrió en su Santa Fe natal, y desde el inicio su interés estaba en hacer reír a través de las voces ajenas. “Hacía muchos personajes locales: periodistas y políticos de Santa Fe, el presidente del Club Unión, el de Colón, Jorge Obeid, Reutemann…”.

Desde chico imitaba, y con la influencia de figuras como Carlitos Russo, Rolo Villar o Freddy Villarreal, empezó a crear un repertorio nacional que incluía a Aldo Rico, Fernando de la Rúa, Menem, la Bolocco y Hugo Moyano, personaje que aún hoy forma parte de sus shows. “Este país es como una calesita: hay clásicos que siguen estando”, dice con humor.

Su salto a Radio Mitre consolidó su estilo y lo obligó a perfeccionarse. “Empecé como humorista y productor. Salía por teléfono desde la producción del programa porque el estudio era sagrado. Era muy difícil que te dejen estar frente a un micrófono, además era muy chico”. Pero esa limitación técnica se convirtió en una herramienta creativa. “Los personajes salían más creíbles por teléfono”, explica. Y en eso tuvo un aliado fundamental: Néstor Ibarra.

“En Radio Mitre, Ibarra decía que se imaginaba mejor una conversación con Aníbal Fernández por teléfono que si yo estaba cara a cara”, cuenta. Ese recurso potenciaba la ilusión. “Por teléfono, el tipo imaginaba que estaba hablando con el Aníbal de verdad. Me hacía preguntas en serio y me obligaba a estar informado y a contestarle medio en serio, medio en joda”, recuerda Ariel de su dupla con Ibarra.

Esa formación autodidacta, desde la trastienda, lo obligó a observar, estudiar y perfeccionar cada voz, cada latiguillo, cada giro discursivo. Y aunque su carrera después lo llevaría al teatro, al streaming y a las redes, la radio sigue siendo su casa de origen. “Nunca me sentí un bicho de televisión, por ejemplo”, reconoce. Su identidad se forjó en el sonido, en el anonimato de la voz, en esa mezcla de juego e imitación que hoy continúa reinventando sobre el escenario.

A los 40: elegir, disfrutar y soltar

Cumplir 40 años marcó un punto de inflexión para Ariel Tarico, no solo en su vida personal, sino también en su forma de pararse frente al trabajo, el escenario y el tiempo. “Recién ahora que cumplí 40, que pasé la edad en la que murió mi viejo, estoy disfrutando y también eligiendo”, cuenta con honestidad. Ese cruce entre madurez y memoria lo llevó a repensar su carrera con otra conciencia: la de saber decir que no.

“Estoy diciendo a qué cosas no, qué cosas no me gustan. Lugares donde siento que ya no puedo aportar más nada, digo ‘no puedo estar más acá‘. Me voy a aburrir, la voy a pasar mal y la van a pasar mal ustedes, mis compañeros”, afirma Ariel Tarico.

Ese disfrute encuentra un símbolo especial en el teatro, donde recientemente fue premiado con el Estrella de Mar en Mar del Plata. “Fueron momentos de mucho disfrute”, recuerda. Pero lo más valioso parece estar detrás de escena: “Viene mi hijo, se queda tras bambalinas, juega con los disfraces, le gusta estar presente”. La vida familiar se entrelaza con la artística, y eso le da otra dimensión a la gira.

Ese tipo de historias, como la suya, están cargadas de pasión, locura y amor por el oficio. Hoy, Tarico las mira desde otro lugar: con más pausa, con menos urgencia, pero con la misma vocación intacta. Porque si algo dejó claro en esta etapa es que el arte, como la vida, también necesita de decisiones conscientes: elegir, disfrutar, y saber cuándo correrse.

Ella es joven y, aunque viene de un golpazo —un divorcio, después de una pareja larga— , es un torbellino de energía. Él está transitando esa edad en la que se avecina el crepúsculo y también viene golpeado: enviudó hace unos meses, después de cuarenta años junto a su mujer, su compañera, la madre de su hijo. Le cuesta imaginar que todavía haya un futuro para su vida y sus sentimientos. Ella se llama Miranda Delgado, es profesora de yoga. Él se llama Luis Cavalli, es un cardiocirujano jubilado pero, como todo médico apasionado, lleva su profesión como marca de identidad. Ambos se conocen en una sala de espera del dentista y es ahí donde nace una nueva relación. Este es el comienzo de Empieza con D, 7 letras, la nueva obra de teatro de Juan José Campanella, una comedia romántica escrita por el propio Campanella y Cecilia Monti, y estrenada en enero pasado en el porteño teatro Politeama, de la calle Paraná.

Luis y Miranda son muy diferentes, eso queda claro desde el comienzo, aunque comparten la chispa del humor y el momento de crisis por el final de una pareja, independientemente de la forma en que se haya dado ese final. Son dos personas perdidas que intentan sobrevivir y recuperar vitalidad y en ese encuentro se da la inesperada sorpresa de un nuevo amor: la diferencia de edad es enorme, como la enciclopedia acumulada y la experiencia de vida en cada uno. No parece haber viento a favor para una pareja así, por lo que tanto el ex marido de ella como el hijo de él se incomodan, se ven molestos con esta relación y procuran hacerles entender que el romance que están iniciando es un viaje sin destino (esa palabra crucial que empieza con D y tiene 7 letras).

La pareja de la obra tiene como protagonistas a Eduardo Blanco (un actor entrañable y muy querido por el público, un clásico de los elencos de cine de Campanella y también de su teatro, con el exitazo de diez años de Parque Lezama) y a Fernanda Metilli (una muy buena comediante de stand up, teatro y TV, con gran destreza a la hora de caminar el escenario y picardía natural, lo que la hace irresistible). Como el ex marido de Miranda y también como el hijo de Luis —sí, un mismo actor representa ambos papeles, en un ida y vuelta exigente e intenso—, está Gastón Cocchiarale, conocido actor de televisión, cine y teatro.

Si el argumento de la pieza deja un abanico de puertas abiertas para pensar sobre las diferentes etapas de la vida, el amor, la adicción al trabajo, el egoísmo en los vínculos y la postergación de los deseos, entre otros temas existenciales, los diálogos –plenos de humor y picardía, pero también de impacto emocional–, despiertan en la audiencia expresiones de identificación de todo tipo, que van desde grititos a aplausos y desde risas fuertes a ojos húmedos que se advierten aún en la oscuridad de la sala. La obra es extensa, dura casi dos horas, pero el desarrollo de la puesta es ágil y muy entretenido. El comportamiento del público, compuesto por personas entusiastas de todas las edades, merecería una nota aparte: así de vibrante es la respuesta a esta nueva propuesta de Campanella.

Juan José Campanella está en estos momentos en Estados Unidos, una vez más filmando capítulos de la serie La ley y el orden. Desde Infobae le hicimos unas preguntas que, dándose tiempo para pensar y muy amablemente, respondió por audio. En rigor, la primera de esas preguntas fue finalmente respondida por Cecilia Monti -vestuarista, coreógrafa y guionista, quien además es la esposa del director de Luna de Avellaneda-, ya que el puntapié inicial de este proyecto partió de una idea suya.

La pregunta, en concreto, tenía que ver con el origen de Empieza con D, 7 letras y con si hubo alguna anécdota o alguna historia de vida que iluminó la idea del argumento. Lo que sigue fue la respuesta de Monti:

“Hace cinco años surgió la idea de escribir una obra de teatro sobre un tema que siempre me intrigó: los romances con una gran diferencia generacional, de entre 25 y 30 años. Quería explorar qué los une, qué los separa, cuáles son sus miedos y desafíos pero, sobre todo, qué los lleva a elegir estar juntos. La obra tuvo títulos provisorios en sus diferentes versiones: Almanaque fue el primero y Encuentros, el segundo, que lo mantuvimos hasta poco antes de empezar los ensayos, cuando surgió Empieza con D, siete letras. ¡Me encanta!”, dice Monti.

Cuenta además que en los primeros bocetos el escenario del primer encuentro no era un consultorio de dentista sino un grupo de terapia. Allí, y a raíz de un ejercicio sobre la cita ideal, Miranda y Luis comenzaban a meterse en la vida del otro, “a veces desde la empatía y otras desde el enojo”. En esos primeros momentos aún no estaban la figura del hijo de Luis ni la del ex marido de Miranda.

“Con el tiempo, la historia cambió”, explica Monti, “y decidí que su encuentro fuera en un consultorio dental, un lugar impensable para encontrar al amor de tu vida. La aparición del hijo de él y del ex-marido de ella surgió de manera natural y necesaria para completar el relato con la mirada del que ve lo que pasa desde afuera y que, por cercanía con los personajes, produce los cuestionamientos necesarios para reforzar su historia”.

La comedia tiene un gran despliegue de diálogos y tiene, también, espacios narrativos contados a través de recursos audiovisuales como un telón con fotos de los protagonistas durante un viaje que emprenden a poco de conocerse. Fotos y más fotos de una pareja reciente en la playa, en un viaje que es un volver a la vida y también un empezar a saber quién es el otro.

Ahora sí quien va a responder es Campanella:

— Me gusta el recurso de las fotos y, por lo que se advierte en el público, hay gran aceptación de esa idea. ¿Cómo se les ocurrió?

— Hace bastante, desde que me interesa mucho el teatro, que trato de ir mezclando recursos del cine pero sin perder de vista que el teatro es tracción a sangre y que es la presencia de los actores. La idea es incorporar recursos narrativos pero que no ahoguen la parte teatral. Ceci incluso había escrito un show de slides de los personajes para el final pero preferimos dejaron abierto, así. Es dificil contar cómo se nos ocurrió, pero uno va buscando formas de contar rápido cómo avanzò la historia, eso que pasa en el interín, y así, en vez de bajar simplemente el telón, optamos por las imágenes. Quizás porque tanto Ceci como yo venimos del cine, originalmente, y siempre tenemos eso en la cabeza. No es tanto la búsqueda conciente como el resultado inconsciente.

— ¿Siempre estuvo pensado que el personaje del hijo de Luis y el ex marido de Miranda fuera representado por el mismo actor? Hubo en ese recurso una búsqueda estética por fuera del género de la obra, que es, si se quiere, más tradicional?

— No, no estuvo siempre pensado así. Cuando estábamos hablando de los personajes, incluso existieron escenas con Elena, la esposa de Luis (Eduardo Blanco), ya mujer que falleció. Cuando uno está desarrollando la obra, escribe escenas. Ahora, lo que ocurrió es que cuando escribimos las escenas del ex marido de Miranda (Fernanda Metilli) y del hijo de Luis, decidimos quedarnos con esos personajes porque las escenas seguían un recurso, una curva energética y dramática similar. Entonces, al pasar de una a la otra, era como se repetía esa curva. Entonces fue ahí que empecé a trabajar lo de mezclar las dos escenas. Un poco eso de seguir en dos líneas es algo que ya había experimentado bastante eso en Vientos de agua y ni hablar en El secreto de sus ojos, donde los cruces eran entre dos tiempos distintos, pero que el pase a una nueva escena se alimentaba energéticamente de la anterior, así que el crescendo era uno solo. Cuando pasa esto, entonces, se nos ocurrió que fuera el mismo personaje (y actor), no tanto por una búsqueda estética sino porque iba a ser mucho más dinámico porque en realidad, si bien uno es el ex marido y el otro el hijo de un personaje, los dos representan los obstáculos, las presiones que puede poner el resto del mundo a una relación de este tipo. Ambos representan no al antagonista sino al antagonismo que puede sufrir esta relación.

— A lo mejor esto es muy elemental, pero pienso que muchos lectores pueden preguntarse algo así. ¿Cómo hace alguien como vos, que está inmerso en el mundo audiovisual y ahora en el teatro, para tener claridad de cuándo una historia o un relato que se propone llevar adelante es para cine y cuándo para teatro?

— La verdad es que el camino no es así, sino el contrario. Quiero decir, primero es: tengo ganas de escribir una obra de teatro… En este momento se me ocurre más eso, escribir teatro. A mí me gustó siempre el diálogo y la verdad es que en el cine siempre me frenaba para que las escenas no sean tan dialogadas, no sean tan largas. A mí me gusta mucho el diálogo, incluso me gustan mucho las películas dialogadas. Mis películas han sido criticadas por tener mucho diálogo, por ser, entre comillas, poco cinematográficas, una crítica con la que no estoy de acuerdo porque, viste, no estoy de acuerdo con el eslogan de que “el cine es imagen”. El cine es todo. El cine es imagen, más diálogo, más música, más todo, así que me gusta el diálogo y me gusta que el teatro me permite hacer una superproducción porque se juega con la imaginación de la gente y no tengo que ponerlo todo en imagen. Así que no es que se me ocurre primero la idea: primero nace el “quiero hacer una película con esto” o una obra de teatro, y después la idea se va desarrollando de diferente manera. No sé, quizás en estos últimos años estoy pensando más en términos de teatro que de cine.

Quedaba una pregunta por hacer a quien imaginó esta historia sobre el escenario. “¿Realmente pensás que es posible empezar de nuevo en cualquier momento de la vida?”, fue el mensaje para Cecilia Monti. Su respuesta se condice con el entusiasmo que transmite la obra. “La vida nos parece larga pero es muy breve. Vamos acumulando experiencias y por momentos nos dejamos engañar con pensamientos de etapas concluidas. Empezar de nuevo no solo es posible sino que es saludable y necesario. Sin miedo, con cautela y sabiduría. ¡Un lindo cóctel!”.

El actor, con una trayectoria que abarca el cine, el teatro y la televisión, confirmó que la exitosa serie de Disney+, Nada, tendrá una segunda temporada. Además, adelantó otro importante proyecto que lo tendrá como protagonista en la pantalla grande: la adaptación cinematográfica de Parque Lezama, bajo la dirección de Juan José Campanella.

“Lo hemos pedido muchas veces durante años, esto seguramente sea en mayo. Será a lo sumo un rodaje de cinco semanas y queremos que transcurra en otoño, como en la historia original”, explicó Brandoni sobre el largometraje basado en la obra teatral que interpretó con gran éxito. Con múltiples proyectos en puerta y un reencuentro con una leyenda de Hollywood, Luis Brandoni se prepara para un año de grandes desafíos.

El regreso de “Nada”: un nuevo encuentro con Robert De Niro

Después del gran éxito de Nada, la serie dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, Luis Brandoni confirmó que se viene una nueva temporada. El actor adelantó que la producción ya está en marcha y que el rodaje está previsto para la segunda mitad de 2025.Uno de los aspectos más destacados de la serie fue la participación especial de Robert De Niro, quien interpretó a un amigo y confidente del personaje de Brandoni.

Si bien la primera temporada tuvo como escenario principal la ciudad de Buenos Aires, esta vez la historia podría trasladarse a los Estados Unidos. “Es posible que vayamos nosotros para New York”, anticipó Brandoni, sugiriendo que su personaje, el crítico gastronómico Manuel Tamayo Prats, podría vivir nuevas aventuras en la Gran Manzana en Estados Unidos.

La participación de Robert De Niro en la serie generó gran expectativa a nivel internacional, ya que se trató de su primera incursión en la televisión en un papel de ficción. Brandoni destacó la experiencia de trabajar con él y elogió su profesionalismo: “Contamos con su participación, que fue muy encantador. Y, fue la primera vez que él hizo televisión”.

El regreso de Nada promete seguir explorando con humor e inteligencia la vida de su protagonista, un hombre solitario con un particular sentido del sarcasmo, ahora con la posibilidad de expandir su universo más allá de Argentina.

Parque Lezama: el salto del teatro al cine

Además de su regreso a la televisión con Nada, Luis Brandoni también llevará al cine una obra que marcó su carrera teatral: Parque Lezama. Dirigida por Juan José Campanella, la película adaptará la exitosa puesta en escena que Brandoni protagonizó junto a Eduardo Blanco, basada en la obra del dramaturgo estadounidense Herb Gardner.

Después de años de intentos por llevar la historia a la pantalla grande, el proyecto finalmente tiene fecha de rodaje. “Lo hemos pedido muchas veces durante años, esto seguramente sea en mayo”, reveló Brandoni. Según detalló, la filmación durará unas cinco semanas y se desarrollará en locaciones reales. “Va a transcurrir en el Parque Lezama. Lo que quería lograr Campanella es que fuera en la época de los personajes centrales, que es en otoño”, explicó.

En la obra, Brandoni interpreta a un viejo militante político que pasa sus días en el emblemático parque porteño, compartiendo conversaciones y reflexiones con un nuevo amigo, encarnado por Eduardo Blanco. La historia, cargada de humor y emoción, gira en torno a la amistad, la memoria y la resistencia a los cambios. Con la mirada de Campanella, quien ya dirigió a Brandoni en proyectos anteriores como El cuento de las comadrejas, la película promete capturar la esencia de la obra teatral mientras aprovecha los recursos del cine para expandir su universo narrativo. “Es un proyecto muy especial para mí. Después de tantas funciones en teatro, verlo en la pantalla grande va a ser una emoción enorme”, confesó el actor, entusiasmado por este nuevo desafío cinematográfico.

La pasión de Brandoni por el teatro y el cine

A lo largo de su carrera, Luis Brandoni ha sabido equilibrar su amor por el teatro, el cine y la televisión, tres espacios donde ha dejado una huella imborrable. A sus 83 años, sigue apostando por nuevos proyectos con la misma energía y entusiasmo de siempre. “El teatro es mi casa, mi lugar en el mundo. Pero el cine y la televisión me han dado experiencias inolvidables”, expresó en la entrevista con Catalina Dlugi.

Más allá del éxito y el reconocimiento, Brandoni sostiene que su compromiso con la actuación se mantiene intacto. “Lo más lindo de esta profesión es que nunca se deja de aprender. Siempre hay algo nuevo, una historia diferente que contar”, comentó.

El actor también reflexionó sobre el presente del cine y el teatro en Argentina, destacando la importancia de seguir generando contenido de calidad. “Hay que cuidar nuestra cultura, nuestras historias. A veces parece que el cine argentino tiene que justificar su existencia, y no es así”, afirmó Luis Brandoni.

“Tenemos un talento enorme y un público que quiere ver películas bien hechas.” Sobre el teatro, su gran pasión, enfatizó el valor del contacto directo con el público: “En el teatro no hay segundas tomas. Todo lo que pasa ahí es único e irrepetible, y eso lo hace maravilloso” concluyó el actor.

Tras el gran éxito de Parque Lezama, Juan José Campanella y Eduardo Blanco vuelven juntos a las tablas con una nueva obra colmada de humor sobre las segundas oportunidades en el amor: una comedia, entre romántica y dramática, que abre la temporada 2025 de teatro en Buenos Aires. Se trata de Empieza con D. Siete letras, un acertijo que lleva a la palabra ‘destino’, dirigida por Campanella, protagonizada por Blanco, Fernanda Metilli y Gastón Cocchiaralle, con un trabajo actoral que es garantía de éxito.

“Es una nueva aventura que tengo la enorme alegría de volver a compartir con un amigo”, afirma Eduardo Blanco sobre su regreso a las tablas bajo la dirección de Campanella tras once años seguidos de éxito teatral con Parque Lezama’, la obra que director ganador de un Oscar llevará este año al cine.

“Cuando hay una historia que nos convoca a que él la dirija y yo la pueda actuar es como una doble alegría, primero porque me gustan sus historias, en general, me gustan los personajes, me invita a jugar y además es un amigo, así que fantástico”, argumenta el actor. Empieza con D. Siete letras muestra que “la vida es un lugar de muchas oportunidades (...), en este caso hablamos del amor. Esto es una historia de amor”, añade.

En el encuentro de Blanco y Metilli, lleno de tópicos (él es un hombre de más de 60 años, viudo y jubilado tras una supuesta vida laboral exitosa y ella es una mujer joven que acaba de terminar una relación de pareja), saltan chispas y sobre todo risas por las situaciones absurdas y a la vez tan de la vida misma. “En esta obra y, en general, en las historias que cuenta Juan (Campanella), a pesar de las raspaduras que te puede dar la vida, siempre hay una mirada positiva hacia lo que viene y hacia la vida misma”, argumenta el actor.

Campanella aparece en el momento justo cuando Blanco hace ese comentario, se ríe y espera su turno para responder. “Es una historia de vida más que una comedia romántica (...). La anécdota parece chiquita pero después va para lados que se multiplican, para caminos que se bifurcan. Es una comedia dramática. Lo veo como muchas de las cosas que me gusta hacer y que me gusta ver, con mucho humor, con emoción, con momentos que son un poco más densos”, explica el director sobre su última creación teatral.

Preguntado sobre si Campanella y Blanco son un tándem inseparable en el teatro, sobre todo tras Parque Lezama, el director explica la razón por la cual siempre lo elige. Aún así, no quiere hablar de “actor fetiche”. “Vos sabes que se tiende a usar mucho la palabra fetiche, también en un momento la utilizaban conmigo y con Ricardo Darín, pero no me gusta esa palabra porque da la impresión de que es como un talismán, porque trae suerte”, afirma.

“Aquí es porque en cada proyecto se vuelve a renovar el interés en trabajar con esa persona, porque te entiende el sentido del humor, porque te llevas muy bien trabajando, porque nos encanta terminar de trabajar y tomar algo, y seguir la amistad”, dice Campanella. Y concluye: “Si hay un papel que pueda hacer Eduardo, el primero que lo va a recibir es Eduardo”.

De qué se trata “Empieza con D. Siete letras”

La historia se desarrolla en el lugar menos pensado para una conexión emocional: la sala de espera de un consultorio dental. Allí, dos personajes con vidas y experiencias completamente distintas se cruzan. Miranda Delgado, una profesora de yoga en sus 30 años, extrovertida y de lengua afilada, se encuentra con Luis Cavalli, un médico retirado en sus 60, viudo y todavía intentando descifrar las reglas del mundo moderno.

Lo que en un principio parece ser una conversación trivial entre dos desconocidos pronto se convierte en un intercambio cargado de ironía, risas y, sobre todo, momentos de profunda humanidad. A medida que la relación entre ambos avanza, la obra se transforma en un vaivén de emociones que revela las vulnerabilidades de sus protagonistas y los lleva a replantearse qué significa empezar de nuevo.

Campanella, reconocido por su capacidad para combinar humor y emoción, presenta una mirada fresca y realista sobre la posibilidad del amor en cualquier etapa de la vida. La comedia, con su estilo cotidiano y su toque de ternura, logra capturar la esencia de quienes, pese a las cicatrices del pasado, siguen apostando por los sentimientos. El humor es una pieza clave en la narrativa de la obra. Campanella utiliza el sarcasmo y la ironía para construir diálogos ágiles y mordaces entre sus personajes, lo que permite que el espectador se identifique con ellos y se ría de sus propias contradicciones.

* Empieza con D. Siete Letras se presenta de miércoles a viernes a las 20; los sábados a las 19 y 21.30, y los domingos a las 19 hs. en el Teatro Politeama (Paraná 353, C.A.B.A.).

Fuente: EFE

[Fotos: Matías Martin Campaya/EFE; gentileza Raquel Flotta Prensa & Comunicaciones]

Porque puede que Campanella —como contará en la entrevista— divida su año en partes iguales entre Argentina y los Estados Unidos. Pero es bien de acá. Solo un porteño de ley sabe que, pese a su magnitud, la avenida que aglutina a los teatros fue, es y será una calle.

Porque aquí está su corazón y hasta su pulso creativo: “Los proyectos que escribo se me ocurren acá, no en otro lado”, explica el responsable del último Oscar que ganó el país, con El secreto de sus ojos. Pero que también logró como nadie plasmar esa idiosincrasia tan nuestra —la mamá, el amor, los amigos, el barrio, la nostalgia— en las exquisitas El hijo de la novia y Luna de Avellaneda, entre otras películas con las que nos invitó a dejarnos sorprender.

Ahora, con sus 65 años, Campanella mantiene intacto el entusiasmo. Lo demuestra al hablar de Empieza con D, siete letras, la obra que estrenará el 10 de enero en su Teatro Polietama. Estará protagonizada por Eduardo Blanco y Fer Metilli (“Una pareja que tiene una química impresionante”), y acompañados por Gastón Cocchiarale (“¡Un actorazo!”).

“Es una historia de amor entre un hombre que a los 60 y pico de años queda viudo, y una chica más joven que también se separa. Y los dos están muy frágiles. Parece una cosa chiquita, pero después se empieza a desarrollar en muchas otras cosas”, dice Juan José, quien también exhibe su entusiasmo porque su serie Los enviados, con el español Miguel Ángel Silvestre, “está arrasando en Netflix, está gustando mucho. Por suerte, porque fue una reivindicación”.

—¿Por qué reivindicación?

—La guerra de las plataformas es como cuando salen las modas: al principio todo el mundo quiere hacer eso. Entonces hay mil canchas de pádel, mil videoclubes, mil Laverap y bueno... van quedando los que van quedando.

—Se viene la peli de Parque Lezama, la hermosa obra con Luis Brandoni y Eduardo Blanco.

—Sí. El teatro es mi pasión, pero tiene ese problema de la finitud: (la obra) baja y va pasando al olvido. En una de las últimas funciones quise verla desde la platea, como la ve el público, y el impacto fue enorme. Lo que hacían Eduardo y Beto es increíble. Y entendí esos aplausos de pie, esas ovaciones que recibían todas las noches. Hablé con Paco Ramos, que es el capo de ficción de Netflix, y justo estaba en Buenos Aires. Fue a ver la obra y a la salida me llamó: “Hagamos la película”, me dijo.

—¿Cuál es el plan?

—Filmar en mayo porque transcurre en otoño, y hacerlo en el verdadero Parque Lezama: la naturaleza nos tiene que dar el decorado.

—Decime qué es falso que es tu última película...

—La verdad es que uno nunca sabe. Me encantaría hacer una película para que la gente vuelva a ir al cine. Me duele bastante que la gente haya dejado de ir al cine. Es una crisis inesperada por la que estoy pasando. Lamentablemente se percibe como que lo único que vale la pena ver en pantalla grande es el espectáculo, como la acción, la ciencia ficción, Marvel, etcétera. Pero no.

—Hay películas que la rompen en taquilla, pero que podrían hacer el triple de lo que recaudan.

—Exacto.

—Y son muy costosas.

—Y el tipo de películas que hago yo, que no son el gran espectáculo de superhéroes y de acción, son las que más sufren.

—¿Hay algo de pérdida de la calidad cuando se hace una película para plataformas y televisión?

—No, para nada. Las plataformas son bienvenidas porque, a los que hacemos películas, nos han permitido liberarnos del horario, sacar la tanda, esa mosca molesta con el avisito del próximo programa que aparece enorme, en la cara del que está haciendo una escena dramática. Así que bienvenidas las plataformas. Pero no es el cine, no en cuanto al producto sino a la experiencia de la persona que está mirando sola en su casa, preparándose comida, interrumpiendo, mirando el teléfono cada tanto. Y es una experiencia distinta a la persona que está con otras 300 en un cine, con un impacto emocional muchísimo más grande: te reís, te emocionás y llorás más.

—Cuando volviste, ¿en qué situación encontraste al teatro?

—No puede escapar a las generales de la ley. Obviamente, la persona que se tiene que ajustar el cinturón, lo primero que ajusta es el entretenimiento, la salida, lo que no es fundamental para vivir. Así que han sufrido el teatro, el cine, todos las cosas que no son fundamentales. Han sufrido también las que son fundamentales, así que imagínate... En la Calle Corrientes ves mucha gente que pasea, y parecería que no hay un ajuste económico. Después se nota en el consumo.

—También está eso de decir: “Bueno, por un rato dejo la realidad afuera y me meto en este cuento”. Eso el público lo agradece mucho.

—Lo que te decía antes: estaba viendo las últimas funciones de Parque Lezama y oía esas carcajadas del teatro lleno y me daba cuenta de que en cine no las había oído hace años. Es la primera década que el cine no tiene un gran cómico a nivel internacional, no existe. No se hacen más comedias, y esa cosa catártica de una carcajada de 700 personas es algo que no se puede comparar con nada. Es droga absoluta. Para los actores ni te cuento.

—Leí que tuviste que renegociar la deuda del Teatro Politeama.

—Sí, sí.

—¿Cómo está eso?

—No, bueno... Es difícil, es difícil. Es un crédito UVAs. Y bueno, veremos qué pasa.

—¿Pero seguiremos teniendo Politeama?

—Por supuesto, por supuesto. Y ahora hay dos obras muy buenas, que ya están por terminar. Medida por medida, una sátira hecha payasesca, y Matar a mamá, una obra muy divertida de Laura Oliva, con María Rosa Fugazot, Florencia Raggi, Inés Estévez.

—¿Ahí estás también como programador o no te metés en eso y dejás que suceda?

—Es que el teatro no es una programación.

—Es decidir qué obra va.

—Claro. Pero es difícil programar con anticipación porque generalmente el productor trata de asegurarse un teatro. Ahora, un teatro nunca sabe cómo va a estar de acá a abril del año que viene. Si la obra anda, estará la obra; si la obra no anda, buscaremos otra. Entonces, es difícil programar un teatro.

—Empieza con D, siete letras, la escribiste junto con tu mujer, Cecilia Monti.

—Sí. Ella ya había escrito un capítulo de El hombre de tu vida, que estaba buenísimo: el de la chica virgen. Tiene muchísimo sentido del humor y me encanta trabajar con ella: ha sido la vestuarista de todas mis películas.

—¿Ella siempre va y viene con vos, en esta vida que hacés un poco en los Estados Unidos?

—Sí. O va y viene sin mí, porque tenemos familia, trabajo y un montón de situaciones personales. Esto se fue dando un poco por cuestión de trabajo. Nosotros somos medios gitanos.

—¿Pero tus bases, dónde están?

—En los dos lados, la verdad. Estoy en Nueva York y en Buenos Aires casi la mitad del tiempo.

—¿Hay casa en las ciudades?

—Casa hay acá. Allá hay un lugar más chico.

—Pero hay un lugar, no es que vas a un hotel.

—Si es ahí, no. Si es en otra ciudad, sí, por supuesto.

—¿Te gusta más vivir en Buenos Aires o en Nueva York?

—Mirá, hay cosas de la Argentina que son impagables. Y gracias a Dios la crisis parece no pegarle nada a un aspecto de la gente: acá te hacés amigos y conocidos enseguida. Vas a un bar dos veces y al segundo día ya te conocen, te dan la bienvenida, saben lo que pedís. Eso no existe en ningún lado del mundo. Por otro lado, los argentinos vivimos con un nivel de ansiedad, de estar pendientes permanentemente de lo que está pasando. No quiero hablar por toda la Argentina, pero desde hace muchos años Buenos Aires está en un nivel de sensibilidad que tenés la sensación de que si hubiera algún problema, puede explotar algo: una situación de gritos, de violencia. Como enojada, también. O sea, parece contradictorio, pero conviven esas dos características.

—¿Y Nueva York?

—Es una ciudad con mucha energía también. Hay mucho inmigrante, mucha persona que llega con ganas de hacer cosas. Y además, lo que ocurre no me toca tan de cerca. Ahora están con un problema con el intendente (el alcalde Eric Adams) por juicios por corrupción, coimas y todo. Pero no me pegan tantas cosas porque sigo siendo un visitante, entonces es más fácil aislarse de lo malo. Cualquier inmigrante toma lo bueno del país y le resulta más fácil ignorar lo malo.

—¿Tu hijo está acá o allá?

—Ahora está allá, por la escuela.

—¿Cómo es Campanella papá?

—No sé. Eso pregúntaselo a él. Me gustaría estar físicamente en casa más de lo que estoy por estos trabajos. Pero estamos en contacto todos los días.

—¿Por qué seguís eligiendo venir?

—Yo soy lo que soy gracias a esto. O sea, allá ofrezco una técnica, pero la cosa sentida, lo que genero yo, está en Argentina. Siempre. Es parte de mí. Los proyectos que escribo desde cero transcurren todos acá, no se me ocurren en otro lado.

—¿Cuando estás allá, seguís leyendo todo lo que pasa acá?

—Por supuesto. Es lo único que leo: lo que pasa acá.

—Dejaste de tuitear sobre política.

—Sí.

—¿Cuándo lo decidiste?

—Después de las elecciones generales del año pasado, de la primera vuelta. Me di cuenta de que las sociedades hacen lo que quieren, que no les interesa nuestra opinión, que sabiamente nos ha ubicado en un lugar. Que saben lo que nosotros tenemos que dar: una habilidad para contar desde una ficción, un entretenimiento, algo para pensar o lo que sea. Y me daba cuenta de que el costo era grandísimo. Mucha gente que por ahí no pensaba lo mismo que yo, también decía: “No quiero ver más a este tipo”. Esto pasa todo el tiempo con los actores.

—¿Eso pasó con vos?

—Seguramente. Claro que sí. Yo soy la nada misma comparado con el nivel de exposición y de éxito de Taylor Swift: salió en apoyo de Kamala (Harris), Trump ganó por un margen que no se esperaba nadie, y lo único que pasó con ella es que ahora no llena los estadios. Entonces, no sirvió para nada, porque la sociedad toma su decisión y es imposible competir con eso, influirlo. Hay movimientos mucho más grandes que tienen que ver con cosas más profundas, con experiencias de primera persona, de cada votante. Y cuando se llega a ese convencimiento, a mí no me importa lo que me diga nadie conocido, yo voto al que quiero. No solamente no es útil, sino que además genera un resentimiento en la gente.

—También hay una cuota de autocrítica en lo que estás diciendo.

—Una cuota no: es todo autocrítica.

—Estamos en un momento en el que todo es cuestionable: si opinás a favor de uno, del otro, si no opinás. Como que la gente tiene derecho de enojarse por lo que sea.

—Sí. Pero además, se incita. Es una especie de tormenta perfecta. En Twitter tenés que largar una idea en 280 caracteres: se ha simplificado toda la discusión. Los grises han muerto; es blanco o negro. Y realmente, es cada vez más simplona: cada vez podés debatir menos, cada vez la posición es más tomada, y es de mayor violencia hacia el otro. Está pasando en todo el mundo. Y yo quiero vivir un poco más tranquilo.

—¿Qué te pasa con los actores que trabajan con vos, que siguen eligiendo decir lo que opinan? ¿Te molesta que se manifiesten?

—No, no. Acá (en esta nota) hablamos de teatro, de cine y de esto. Si el título es sobre esta parte, ya tiñe toda la nota, y el que la lee, lo hace desde otro lugar. Entonces, el trabajo sufre. El espectador sufre, los productores, los actores, tus compañeros, tus colegas sufren. El teatro sufre. Sufre todo el mundo y no beneficia nada.

—¿Vos, sufriste?

—Sí, por supuesto, con esto que te digo de la división. Existe prácticamente con todo el que habla.

—¿Te trajo discusiones o distanciamientos con gente querida?

—Sí. Creo que a todo el mundo.

—¿Te puedo preguntar por el INCAA o preferís que no?

—Prefiero que no. Porque además, esto lo digo desde hace 20 años. Mi socia, la productora Muriel Cabeza, es la que está al tanto de las leyes cinematográficas. Yo no. Así que no, no...

—Salgamos de ahí entonces.

—Sí, salgamos de ahí.

—Salgamos de ahí. Y te propongo un juego para hacer. Traje consignas: “Cuestiones que quiero saber de Campanella”. Son muy tranquilas. Empiezo. ¿Te despertás con la primera alarma o sos de los que la posponen muchas veces?

—La primera alarma. Y necesito una hora tranquilo. No me gusta despertarme y salir corriendo a las apuradas.

—¿A qué hora te despertás?

—Depende del horario de filmación. Normalmente la pondría a las 8, 8.30. Pero sino, 5, 6, lo que sea. El horario de filmación siempre es antes.

—¿Sos puteador manejando?

—Manejando no. En general, en la vida, sí. Me causa gracia la puteada, me gusta, es graciosa. Así que sí, bastante.

—¿Último recital al que fuiste?

—Un año y pico, en Nueva York. John Fogerty: su retorno desde un juicio que le duró 40 años por los derechos de las canciones que él había compuesto con Creedence. A los 70 y pico de años, con su hijo y una banda que armaron, Fogerty hizo un recital con los clásicos de Creedence. Me lloré todo.

—¿Mejor horario para el sexo?

—Todos. Cualquiera.

—¿Te tiraste las cartas del Tarot alguna vez?

—Sí. En una época tenía una muy muy muy amiga que era una tarotista impresionante.

—¿Y le pegaba?

—En muchas cosas. Y concretas. Hubo una época en los 90 que estaba todo el tiempo. Me gustaba. Hasta empecé a aprender. Pero no sé nada.

—Si estuvieras obligado a entrar sí o sí en un reality, ¿preferís Love is blind, Gran Hermano o Bake Off?

—Al primero no lo conozco. El de la cocina, sí.

—¿Hay un buen cocinero?

—Algo robo... ¡En Gran Hermano ni loco! Me encerrás y la primera noche no como. Te encierran en serio. No soy gran cocinero, perdería en la primera ronda, pero por lo menos no sufriría tanto.

—Si te hago elegir, ¿trabajar siempre solo con Guillermo Francella o trabajar con cualquier actor menos con Francella? Horrible lo que te estoy haciendo...

—¡Pero claro! Siempre con Guillermo Francella. Me encanta. Trabajaría siempre con él.

—¿Qué actor podría interpretar la vida de Franco Colapinto?

—¿Vos sabés que no conozco a Colapinto? Ni siquiera vi una foto. Sé que es el corredor, pero la Fórmula 1 no me gusta, no la veo. Igual, no es tanto que no conozco a Colapinto, sino que tampoco conozco a la nueva camada de actores jovencitos de esa edad, de 20 años. Parezco un tarado que no sé ni quién es Colapinto ni nada...

—¿Te gustan los programas de espectáculos, de chismes?

—No. No los miro. Esas son las cosas que uno recibe por Instagram, los pedacitos. Y a veces, depende de quién está hablando, presto atención. No me gusta cuando se pelean, cuando se ponen violentos. Te juro por Dios: se me han caído todas las defensas a la violencia. Además no hay filtro en la tele y se dicen de todo. Ahí ya no me gusta. Aún en Instagram, lo saco rápido y hasta bloqueo.

—Si hacemos la vida de un político argentino, no por lo ideológico sino como una linda historia para contar, ¿con quién te quedás?

—Me gustaría hacer algo sobre San Martín en su vejez, en Boulogne-sur-Mer. Lo vengo pensando hace muchos años, pero es casi un imposible. Es muy difícil hacer una cosa así, de época.

—Juan, ¿cómo viene el 2025?

—Con mucho trabajo. Estamos ensayando Empieza con D, siete letras. Estamos haciendo Mafalda. A fin de enero y febrero tengo dos capítulos de La ley y el orden, y a la semana vuelvo para empezar con Parque Lezama.

—¿Cuántas temporadas van de La ley y el orden?

—26. Y se mantiene ahí arriba. El último capítulo que hice, me estaban diciendo ayer, fue un golazo. Me tocó en suerte porque tengo la fecha de episodios que todavía no están ni escritos, que ni ellos saben. Estoy desde la temporada dos. Entre la diez y la 20 no estuve, tuve un desvío de diez años. Pero ahora estoy de vuelta.

—¿Se gana muy bien ahí?

—Es una tarifa que pone el sindicato. O sea, yo ganaría lo mismo en esa serie que en cualquier otra.

—Acá hay tarifas por distintos sindicatos, pero uno puede negociar para arriba también. ¿En Estados Unidos, como es?

—En directores, no. En actores, sí.

—La última. ¿Qué le decís al Juan que ya hace mucho tiempo un día se animó y dejó Ingeniería?

—Que hizo bien. Y se lo digo también a mi hijo, siempre: “Tenés que hacer lo que te gusta hacer en tus ratos libres. Porque cuando vayas a trabajar, no vas a tener muchos ratos libres. Y todas las profesiones nos traen problemas, entonces tenemos que meternos en una cuyos problemas nos entretenga resolver”.

—Y a ese Juan también le decís qué bien salió.

—Pero también salió mal a veces... Y uno sigue tratando.

—Pero el balance da muy bien.

—Da bien, sí, sí. Estoy contento.

Netflix amplía su catálogo de producciones argentinas con el estreno de Campamento con mamá, una comedia que llegó a la plataforma este viernes 6 de diciembre de 2024. La película, dirigida por Martino Zaidelis y protagonizada por la actriz argentina Natalia Oreiro, narra la historia de Patri Peiró, una madre controladora que busca reconectar con su hijo adolescente, Ramiro.

De qué se trata la película

La trama se centra en el intento de Patri por demostrar a su hijo que puede ser una madre moderna y divertida. Ramiro, de 13 años, está decidido a vivir con su padre, lo que impulsa a Patri a aprovechar un viaje de campamento escolar para acercarse a él. La oportunidad surge cuando el conductor del autobús escolar no pasa una prueba de alcoholemia, y Patri se ofrece a llevar a los niños al campamento, con la esperanza de fortalecer su relación con Ramiro.

“Patri Peiró, una madre maniática del control y que cree ser más cool de lo que realmente es, lucha por conectar con su hijo Ramiro de 13 años, quien está decidido a irse a vivir con su padre”, adelanta la sinopsis de esta comedia.

La película, que tiene una duración de 93 minutos, cuenta con un elenco que incluye a Milo Lis, Pablo Rago, Dalia Gutmann, Sofía Morandi y Sebastián Arzeno, entre otros. El guion fue escrito por Natacha Caravia, Andrés Gelós, Martino Zaidelis y Andrés Pascaner, y la producción estuvo a cargo de 100 Bares Producciones.

Campamento con mamá aborda con humor la dinámica entre madre e hijo, explorando temas como la comunicación y la evolución de las relaciones familiares a medida que los hijos crecen. La película también ofrece una mirada a la maternidad moderna, presentando a Patri como una madre que intenta adaptarse al mundo de los adolescentes.

La película promete ser una opción entretenida para toda la familia, combinando momentos cómicos con una historia conmovedora sobre la importancia de la conexión familiar. Es un recordatorio de que, entre risas, malentendidos y momentos inesperados, siempre hay una oportunidad para reconectar. Natalia Oreiro se destaca en esta entrañable aventura, ideal para quienes buscan una historia que equilibre el humor y la ternura. ¿Podrá Patri ganar el corazón de Ramiro y demostrar que ser madre también puede ser una aventura llena de diversión? Solo queda un camino para averiguarlo: hacer las valijas y unirse a este campamento.

El documental se estrenará el martes 3 de diciembre, específicamente el Día Internacional de las Personas con Discapacidad. La producción, de 50 minutos de duración, narra la historia del restaurante y de los 40 jóvenes neurodiversos que encontraron allí un espacio para desarrollarse profesional y personalmente. El registro cubre desde las etapas iniciales hasta el día de la apertura.

La pieza fue creada por Campanella y la productora 100 Bares con la idea de ahondar en cómo este proyecto ha mutado de una idea innovadora a una referencia de inclusión social en muy poco tiempo. La producción estará disponible en Max.

Campanella compartió sus impresiones con Infobae: “Esta avant premiere es algo muy emocionante. Cada vez veo a alguien cuya vida no le dio las mejores cartas, pero trata de jugar su mejor mano, sin dejarse estar, y sigue adelante con una actividad como la de estos chicos, me emociono y me inspiro. Uno los adora”.

“Si bien con los estrenos siempre me pongo nervioso, hoy estoy tranquilo, porque es inviable que no te apasione la historia de estos chicos. Es buenísimo. El comienzo fue con Fernando Polack, quien tuvo la idea del restaurante. Me llamó para ver si podíamos multiplicarlo, porque su idea es que haya alguien en el mundo que tome esta iniciativa y la replique, porque esa es la verdadera manera de integrar”, explicó Campanella.

Y destacó el trabajo conjunto con su equipo de producción, en especial con el director Pablo Aulita. “Fue todo un placer y sin contratiempos”, concluyó.

Cómo fue la avant premiere de Alamesa

“Ya me compré un paquete de carilinas para llorar”, dijo uno de los presentes, mientras se preparaba para que comenzara el preestreno. Nadie en el ambiente parecía estar triste; por el contrario, las lágrimas que empezaban a asomar en algunos rostros eran de pura emoción. Era una alegría desbordante por las puertas que abrió Alamesa. Los chicos que trabajan en el lugar, antes de entrar a la sala, no pudieron evitar cantar al unísono, con la misma energía y ritmo de las hinchadas de fútbol: “¡Alamesa, Alamesa!”.

Luego, la efervescencia se sintió en el aire cuando el público, conmovido, observó las escenas en la pantalla. Campanella, como en cada una de sus aventuras, logró capturar la esencia de cada paso. La integración de inclusión y excelencia gastronómica se plasmó en cada fotograma, algo que dejó al público inspirado por la valentía y determinación de quienes forman parte de esta iniciativa.

La idea de Alamesa fue concebida por el infectólogo Fernando Polack, quien propuso que jóvenes neurodiversos realicen todas las tareas del restaurante, desde la cocina hasta la atención al público. El lugar abrió sus puertas el 1 de marzo de 2024 con el propósito de fomentar un ambiente laboral equitativo. La neurodiversidad es un término que engloba condiciones como el espectro autista, problemas madurativos y otras aún en proceso de estudio.

El local, ubicado en Maure 1600, ha logrado crear un espacio tan acogedor y saludable que invita a todos a participar de la experiencia. Los entrenamientos para el equipo del restaurante comenzaron más de dos años antes de la inauguración. Un grupo inicial de jóvenes entrenó en un espacio gastronómico ya existente. Durante este período, el equipo observó las reacciones de los trabajadores frente a materiales y sonidos, para identificar qué les resultaba cómodo y qué no. Esta información fue crucial para desarrollar un sistema de trabajo adaptado a las necesidades específicas de cada empleado.

Polack dio un breve discurso antes de la proyección del documental. “Es increíble todo lo que logramos, con el restaurante lleno diariamente y gente que sale contenta. Es un espíritu completamente distinto de compañerismo y generosidad que hace mucha falta en Argentina. En la pieza audiovisual varios integrantes de Alamesa —Juanpi, Lucía, Facu, Olivia y Raúl, el psicólogo del proyecto— compartieron sus testimonios. Juanpi, quien tiene Asperger, destacó la importancia del proyecto tanto para él como para sus compañeros.

El restaurante, explicaron, busca ser un lugar en el que los jóvenes no solo se sientan elegidos, sino también queridos. En este sentido, Ana, la madre de Juanpi, también tuvo la oportunidad de hablar, y subrayó el impacto personal y familiar de Alamesa en sus vidas. Nacho, otro de los jóvenes que trabaja en el restaurante, destacó que formaron una familia.

El documental también incluyó la presentación del proyecto a los padres de los empleados. En ese encuentro, se detalló cómo sería el trabajo diario en el restaurante, un espacio diseñado para darles una oportunidad laboral a estos chicos. Algunos de ellos, en el pasado, han sufrido bullying. Así, la apertura de Alamesa, narrada en el documental, mostró una experiencia cargada de emoción y de desafíos tomados con orgullo.

Por su parte, Takehiro Ohno, el chef que diseñó el menú y lidera la cocina, conversó con Infobae en la avant premiere y compartió su visión sobre el proyecto. “Vimos que ellos podían hacer estas cosas y lo hacen muy bien. Cuando encontramos eso, lo demás fue más fácil”, afirmó, y resaltó el trabajo en equipo y el potencial de los jóvenes neurodiversos que forman parte del restaurante.

El chef explicó cómo, con el tiempo, ha logrado visualizar un ambiente adecuado para los empleados, donde cada uno puede sentirse cómodo y feliz. “Ahora tengo momentos en los que imagino lo que va a venir, y ya tengo un ambiente. Entonces, sabemos cómo y cuándo los chicos van a estar cómodos y contentos. Eso es lo más importante”, dijo.

Ohno también expresó lo singular de esta experiencia para él: “Esto es único, porque es la primera vez que vivo una experiencia de aprendizaje como esta”, indicó. Para él, Alamesa no solo es un restaurante, sino un sueño hecho realidad, tanto por el concepto como por el menú, que busca ofrecer algo más que una comida: “Es para disfrutar, para que la gente tenga una experiencia única. Eso es algo que no se encuentra en muchos lugares”.

En tanto, días atrás, en conversación con Infobae, el doctor Polack le dijo a Infobae: “El balance de ‘Alamesa’ es maravilloso. Es una posibilidad no solo de ayudar a un montón de pibes a entrar al mercado laboral, a trabajar, a formar una comunidad y tener un grupo, sino también de mostrarles a ellos, a la sociedad y a todos los padres y madres de chicos que alguna vez se han encontrado con la discapacidad que otro futuro es posible. Eso es lo más impactante”.

Mientras que Alejandra Ferrari, directora de Relaciones Institucionales de Alamesa, apuntó ante la consulta de este medio: “Pensar que mi hijo, Nacho, iba a tener un grupo de trabajo y que, después de trabajar, saldría a tomar un café, a hacer la previa o a comer el fin de semana, es increíble. Y respecto al trabajo, este orden y propósito de vida que le dio es realmente increíble. Hoy puedo decir que, comparado con sus otros dos hermanos, mi hijo tiene una vida totalmente normal. Eso ya lo dice todo”.

Cómo es el trabajo diario en Alamesa

La organización de Alamesa incluye individuales codificados por colores y letras que indican dónde debe ir cada plato, y carritos que transportan la comida siguiendo este sistema. Estos elementos permiten una disposición eficiente en función de las mesas, asegurando precisión en el servicio.

El menú fue diseñado por el chef Takehiro Ohno e incluye platos como bondiola de cerdo a la cerveza con ceviche de mango, salmón al panko con papas rotas y fondant de chocolate con sal. Cada uno de estos platos utiliza vajilla cuyo color coincide con los frascos de ingredientes empleados en su preparación. Este enfoque refuerza la organización y la seguridad en la cocina, que está diseñada para no usar fuego, cuchillos ni balanzas.

El chef destacó la organización detrás del restaurante, algo que considera un ejemplo para el resto de la gastronomía. “Todos en gastronomía podemos aprender esto. Porque siempre pasamos por el caos en el despacho, pero Alamesa está organizada muy bien”, planteó.

Al tiempo que se mostró optimista sobre el futuro del lugar, ya que ve en el proyecto una “semilla” que podría crecer y convertirse en algo mucho más grande. “Este es solo un ejemplo pequeño, pero algún día podría ser algo mucho más grande, y eso es una locura. Los chicos que trabajan acá comenzaron intentando y ahora pueden hacerlo a la perfección”, concluyó.

El proceso de pedir comida en Alamesa también se distingue por su accesibilidad y simplicidad. Los comensales deben escanear un código QR con sus teléfonos móviles. Esto los lleva a un video que explica cómo hacer el pedido y proporciona recomendaciones sobre el comportamiento esperado en el local, como no levantarse de la mesa o evitar llamar al personal con gestos. Cada cliente encuentra una letra en su mantel individual, la cual corresponde a su posición en la mesa: las mesas de dos tienen A y B, las de cuatro incluyen A, B, C y D, y las de seis añaden E y F.

En ese sentido, en el documental, los creadores de Alamesa contaron cómo fue la búsqueda para reducir al mínimo el estrés propio de la vorágine de la gastronomía. Parte de ese objetivo puede verse diariamente en el minucioso proceso para preparar y servir platos.

Una vez ubicado en su asiento, cada cliente puede ingresar su nombre, seleccionar su comida, bebida y, opcionalmente, un postre o café. Además, a través de la misma plataforma, es posible solicitar otros servicios, como pedir sal, retirar platos o pedir la cuenta. Todo esto se gestiona directamente desde el celular.

Los empleados de Alamesa rotan en distintas tareas dentro del restaurante, siempre bajo sus preferencias personales. Por ejemplo, algunos pueden trabajar en la cocina si tienen una mayor sensibilidad al ruido. Desde su apertura, el restaurante ha recibido miles de currículums de personas interesadas en formar parte del equipo.

El restaurante también ha cosechado elogios por su atención al cliente, con una calificación de 4.9 sobre 5 en Google, lo que consolida su reputación como uno de los referentes gastronómicos en la ciudad. Celebridades como Abel Pintos han visitado el lugar, lo que ha generado gran entusiasmo entre los empleados.

El interior de Alamesa está diseñado para ofrecer una experiencia agradable. Grandes ventanales permiten la entrada de luz natural, mientras que las paredes blancas y las luces tenues crean una atmósfera tranquila. Una cocina vidriada permite a los comensales observar a los trabajadores en acción, lo que promueve una sensación de transparencia y conexión con el equipo. Además, el restaurante cuenta con dos patios: uno interno y otro al fondo, que aportan frescura y un ambiente relajado.

El proyecto tiene un fuerte componente personal para Polack. Su hija, Julia, de 25 años, forma parte del equipo. Polack expresó:

“Mi hija es una de las camareras de ‘Alamesa’. Ver cómo cambió la vida de Julia y la de todos los que la rodean es lo principal para mí. Nada tendría sentido si eso no estuviese pasando”. El impacto de Alamesa no se limita a ser un restaurante. Polack considera que el modelo que han creado es replicable en otros sectores.

Cannes (Francia), 23 oct (EFE).- La productora española Mediapro presentó este miércoles en Cannes su plan para redoblar su apuesta por el contenido en inglés para Estados Unidos y Canadá, un mercado muy competitivo pero "abierto hacer cosas diferentes", según explicó a EFE JC Acosta, director de la nueva rama norteamericana del estudio.

"En los Estados Unidos, en mi experiencia, estaba muy focalizado en su mercado", detalló Acosta en una entrevista durante la feria audiovisual Mipcom, en la que aseguró que ahora las cosas han cambiado y la discusión está abierta a nuevos modelos y formas de crear.

Esa ventaja es la que quiere aprovechar Mediapro, que ya cuenta con mucha experiencia internacional (sobre todo en Latinoamérica) y que ya antes había tenido experiencias en inglés, como por ejemplo con la coproducción de la aclamada miniserie de Paolo Sorrentino 'The Young Pope'.

Ahora busca un auténtico desembarco y para ello presentó este miércoles en la edición 40 del Mipcom de Cannes una batería de contenidos en el idioma de William Shakespeare que incluyen, entre otros, una adaptación a serie del filme 'El hijo de la novia', del oscarizado realizador argentino Juan José Campanella.

El gran reto que les quita actualmente el sueño sobre este proyecto, bromeó Acosta, es encontrar a un Ricardo Darín capaz de liderar la trama, que se desarrollará en Miami protagonizado por un personaje de origen cubano y que también estará escrito y dirigido por Campanella.

También se anunció en Cannes la serie 'Witness 36', escrita por Evan Katz ('24') y que desarrollará para la pantalla el también argentino Daniel Burman, sobre una creadora de identidades de testigos protegidos que se cruza fortuitamente con uno de esos personajes; o 'Is There No Place on Earth for Me?', escrita, dirigida y protagonizada por John Turturro.

En el terreno de los concursos de entretenimiento, Mediapro planea proponer al público norteamericano la adaptación de 'Atrápame si puedes', entre otros formatos.

La expansión se hará desde la nueva sede en Los Ángeles de la productora fundada en 1994 en Barcelona que lidera Acosta, con la intención de combinar la "estructura global" de la compañía -con sus células en Latinoamérica y Europa y un extenso catálogo de producciones que ya dieron buen resultado- con ejecutivos locales "de éxito" y con "reputación en el mercado".

"Si fuéramos un estudio de papel que nunca hemos hecho nada, en Estados Unidos nunca nos hubieran abierto una puerta", señaló Acosta.

La fórmula que planean aplicar es: historias que tengan "personajes icónicos", con potencial para enganchar con intensidad y que tengan un arco que permita desarrollarse a lo largo de diferentes temporadas.

Como ejemplos del mercado estadounidense a los que les gustaría aproximarse Acosta mencionó títulos como The Bear (FX) o Beef (Netflix), que cree "que tienen un sello muy similar a Mediapro". EFE

Cannes (Francia), 23 oct (EFE).- El director argentino Juan José Campanella, premio oscar en 2010 por 'El secreto de sus ojos', anunció este miércoles en la feria audiovisual Mipcom de Cannes la adaptación de su comedia 'El hijo de la novia' (2001) a una serie en inglés, de la mano de la productora española Mediapro.

El realizador nacido en Buenos Aires en 1959, que escribirá y dirigirá el proyecto, señaló en una conferencia magistral junto al equipo de Mediapro -que presentaba en esta 40 edición del Mipcom los detalles de su plan de expansión en Estados Unidos y Canadá- que como espectador echa de menos en las pantallas el tipo de comedia humana que él hace, que es "curativa" y "ayuda a sobrevivir".

"Hago lo que quiero, enciendo una vela y rezo para que la gente quiera lo mismo", bromeó en el Gran Teatro del Palacio de Festivales situado en la playa de la Croisette.

La adaptación de la película protagonizada originalmente por Ricardo Darín, Héctor Alterio y Norma Aleandro fue uno de los puntos fuertes de la batería de contenidos que Mediapro detalló para su asalto al mercado anglosajón, después de haber anunciado en mayo pasado la apertura de nuevas oficinas de la compañía para Estados Unidos y Canadá.

'El hijo de la novia' narra la historia de Rafael, divorciado y cuya vida está enteramente dedicada a su restaurante, sin apenas ver a su hija, sin amigos y evitando comprometerse con su pareja.

Tampoco visita a su madre, que se encuentra en un geriátrico porque tiene Alzheimer, pero todo cambia y se ve obligado a replantearse su vida cuando su padre se empeña en cumplir el viejo sueño de su madre de casarse por la iglesia.

El filme ganó numerosos premios internacionales y fue nominada al Oscar como Mejor película de habla no inglesa. EFE

El director argentino Juan José Campanella anunció la adaptación a una serie en inglés de su célebre película El hijo de la novia, durante su participación en la feria audiovisual Mipcom celebrada en Cannes. Esta noticia marca el paso significativo de Mediapro, la productora española, hacia los mercados anglosajones de Estados Unidos y Canadá.

En el evento, Campanella—premiado con un Oscar en 2010 por El secreto de sus ojos— detalló que escribirá y dirigirá esta nueva adaptación. El realizador expresó: “Hago lo que quiero, enciendo una vela y rezo para que la gente quiera lo mismo”, como un guiño al tipo de comedia humana que le gusta construir y que considera “curativa” y “ayuda a sobrevivir”. Campanella, quien nació en Buenos Aires en 1959, anhela que haya más de este tipo de contenido en pantalla.

La película original, que cuenta con las actuaciones de figures como Ricardo Darín, Héctor Alterio y Norma Aleandro, fue reconocida internacionalmente y fue nominada a los premios Oscar como Mejor película de habla no inglesa. La trama sigue a Rafael, un hombre divorcidiado dedicado en cuerpo y alma a su restaurante, quien apenas ve a su hija, carece de amigos y rechaza comprometerse con su pareja. Su vida toma un giro inesperado cuando su padre decide cumplir el antiguo sueño de su madre de casarse por la iglesia. “Todo cambia y se ve obligado a replantearse su vida”, narró sobre la esencia transformadora del guion.

Por otro lado, en la feria, Mediapro continuó presentando su plan de expansión, fortaleciendo su presencia en el continente americano con la apertura de nuevas oficinas. Esta iniciativa “fue uno de los puntos fuertes de la batería de contenidos” para su entrada al mercado anglosajón. En cuanto a la adaptación al inglés, esta es vista como una apuesta estratégica de Mediapro para conquistar nuevas audiencias y fortalecer su portafolio internacional.

El anuncio llega en un momento favorable para las producciones audiovisuales en inglés, con un auge de contenido global que busca historias genuinas y emotivas que conecten con el público. La expectativa generada por el anuncio de Campanella ha sido bien recibida en varios espacios, con críticas favorables hacia el potencial de la serie para capturar el mismo sentido entrañable que hizo de la película un éxito.

Por su parte, el director argentino ha compartido que su motivación no radica solo en el éxito comercial, sino en la capacidad del contenido para resonar profundamente en las vidas de los espectadores. El cineasta destacó que echa de menos en las pantallas ese tipo de comedia que es esencial y significativa.

Esta adaptación también es un ejemplo de cómo el cine iberoamericano sigue buscando oportunidades para encontrar su lugar en el consumo audiovisual global. La colaboración entre Mediapro y Campanella es vista como un hito, marcando la importancia de las coproducciones y el intercambio cultural en la industria actual.

Finalmente, la decisión de lanzar esta serie en inglés puede abrir puertas a más narrativas hispanohablantes siendo reinterpretadas y adaptadas para diferentes públicos, enriqueciendo así la diversidad cultural del contenido disponible a nivel mundial.

Por otra parte, esta semana Juan José Campanella ha llevado su talento a la pantalla chica con la serie Los enviados, que ahora se encuentra disponible en Netflix. Esta producción, que combina elementos de thriller y misterio, sigue la historia de dos sacerdotes que viajan a un remoto pueblo en México para investigar la existencia de un cura con supuestos poderes milagrosos. La serie, que consta de dos temporadas de ocho episodios cada una, fue inicialmente lanzada en Paramount+ en 2021, pero fue retirada de su catálogo en Argentina antes de ser adquirida por Netflix.

Fuente EFE

Mafalda nació en 1964, en un mundo en ebullición, cargado de tensiones políticas y sociales propias de la Guerra Fría. Aunque su creación fue inicialmente un encargo publicitario para promocionar electrodomésticos, en el que Mafalda tenía el objetivo de ser una integrante más de una familia argentina tipo, Quino pudo transformar ese personaje en una de las voces más influyentes de la historieta mundial. A través de la inocencia infantil logró exponer la crudeza del mundo adulto, haciendo emerger a Mafalda como una pequeña heroína que, sin pretenderlo, con la sencillez de sus palabras, y con esa capacidad mágica para sintetizar grandes ideas, podía cuestionar fenómenos políticos, sociales y culturales que se daban como naturales en su época.

Y no es casual que detrás de Mafalda estuviese Quino, quien en diversas entrevistas se describió a sí mismo no solo como un dibujante, sino como un “periodista que usaba el dibujo para comentar sobre el mundo” que lo rodeaba.

Quino siempre fue coherente con las preocupaciones de Mafalda. Su obra era un reflejo de las inquietudes que lo atormentaban. “A la historieta he pretendido darle un rol social”, dijo en más de una oportunidad. Mafalda, sin embargo, no fue un personaje autobiográfico.

Aunque Quino se identificaba más con Felipe, el niño tímido que temía no cumplir con las expectativas de los adultos, fue a través de Mafalda que pudo expresar su visión más crítica del mundo. A medida que el autor delineaba cada personaje, iba reconociendo en ellos arquetipos que habían estado presentes en la sociedad desde tiempos ancestrales.

“Mi intención es que la gente, leyendo Mafalda o lo que diablos sea, se avive de cómo es el asunto, pero estoy seguro que de que no se aviva porque hay tipos que opinan abiertamente lo contrario que yo, y les gusta Mafalda. Esto me deprime bastante”, le dijo Quino en una entrevista a Paco Urondo a sólo unos años de la publicación de Mafalda.

Hoy, a 60 años de su lanzamiento, podemos recuperar esa inquietud de Quino a partir de la novedad de la próxima serie de Netflix, producida y dirigida por Juan José Campanella. ¿Esta superproducción internacional mantendrá su espíritu abiertamente crítico de Mafalda o priorizará el entretenimiento por sobre todas las cosas?

Porque Mafalda es mucho más que una simple niña de historieta. Es una metáfora de la condición humana, una voz que siempre se encargó de poner en evidencia, según Quino, “la lucha por la libertad”. En ese sentido, desde el humor y la ironía, la historieta logró poner en cuestión tanto las grandes como las pequeñas injusticias cotidianas, dándole visibilidad a personajes que estaban siendo oprimidos por un sistema global, muchas veces sin siquiera darse cuenta.

Ese tal vez fue uno de los mayores motivos por el cual Mafalda trascendió las fronteras argentinas y latinoamericanas y se tradujo en decenas de idiomas, logrando ser adoptada por públicos diversos, de culturas disímiles, pero compartiendo una misma línea de pensamiento crítico: hay un sistema que perpetúa la desigualdad y los adultos no hacen lo suficiente para evitarlo.

“Me preocupo y amo a la humanidad, pero sufro mucho porque no encuentro un sistema que me parezca justo y en el que a mí me gustase vivir”, supo declarar Quino al ser consultado por el rol del artista y su vínculo con la política. Y esa legítima preocupación seguramente fue una de las principales motivaciones para crear a su personaje más emblemático.

La voz de esta eterna niña, a 60 años de su primera aparición, sigue tan viva como siempre. Su mirada atraviesa décadas y generaciones, recordándonos que en cada rincón donde hay injusticias, también hay lugar para la transformación. Ojalá que Mafalda siempre gane nuevos lectores y que su próxima serie nos invite a hacernos preguntas inteligentes –por incómodas que sean– que eleven el debate público poniendo en tensión buena parte de las verdades de nuestro tiempo.

Pronto ya era uno más de la pandilla de Mafalda. Puedo citar muchos chistes de memoria, pero como hoy enfrento este enorme desafío, no voy a empezar con los spoilers.

CORTE A décadas después, en plena producción de Metegol. El maestro Quino vino a visitar nuestra oficina de producción. Había casi 200 artistas de distintas generaciones y para todos nosotros había entrado Dios. Recuerdo que fue ese día que Quino intentó, por primera vez, dibujar con un lápiz digital. Un gigante como él que había inspirado a generaciones de dibujantes con su trazo, y a muchos más humoristas con su sentido de la ironía y el comentario agudísimo, le iba dando forma a un trazo, pero como nunca antes, sin tinta ni papel. Su entusiasmo era el de un chico con un juguete nuevo, haciendo decenas de preguntas. El entusiasmo y la curiosidad del que nunca creyó saber todo.

Desde esa visita que nos fueron apareciendo preguntas. ¿Cómo podemos reconectar a las nuevas generaciones que no crecieron con Mafalda con esta gran obra? ¿Cómo podemos llevar su ingenio, su mordacidad, a los chicos que hoy crecen en plataformas digitales? ¿Cómo se puede, en fin, trasladar una de las obras más grandes de la historia del Humor Gráfico al lenguaje audiovisual?

Hoy, una docena de años después de esa inolvidable visita enfrentamos este desafío. Ni más ni menos que convertir a Mafalda en un clásico de la animación. Es nuestra la obligación de preservar el humor, el timing, la ironía y las observaciones de Quino. Sabemos que no podremos elevar a Mafalda, porque más alta no puede estar. Pero soñamos con que los que somos devotos de ella desde la primera hora podamos compartirla con nuestros chicos, y aunque haya cosas reservadas solo para adultos, podamos todos largar una carcajada en familia, y por qué no, ir al diccionario de vez en cuando.

Sin duda, y por lejos, el desafío más grande de mi vida.

Julio, 2024

El proyecto, encabezado por Campanella, quien ha sido reconocido internacionalmente por su trabajo en películas como El secreto de sus ojos, contará con el aporte de Gastón Gorali, que ocupará el rol de coguionista y productor general. Diversos medios especializados han destacado que esta puede ser la producción animada más significativa realizada en Latinoamérica hasta la fecha.

“¡La genialidad de Quino cobra vida! La icónica historieta Mafalda tendrá su propia serie animada en Netflix, de la mano del ganador del Oscar Juan José Campanella”, publicó la plataforma en su cuenta de Instagram. El anuncio estuvo acompañado de un video con imágenes animadas que presentaban un globo terráqueo y, al final, la figura inconfundible de elocuente y filosófica Mafalda.

El anuncio de este proyecto llega en un año clave, marcado por el 60 aniversario de la creación de Mafalda, quien debutó en 1964 y rápidamente se convirtió en un referente cultural tanto en Argentina como en todo el mundo hispanohablante y más allá. Mafalda es una niña curiosa e inconformista que aborda temas profundos y universales, con una mezcla de ironía y ternura que sigue resonando hoy en día.

La visión de Campanella

Campanella compartió un mensaje abierto donde expresó su profunda conexión personal con la historieta de Quino. “Yo tenía siete u ocho años cuando se publicó el primer compendio de tiras de Mafalda en forma de librito. Mis viejos leían la tira y me decían que yo no la iba a entender. Qué ofensa. Qué desafío. Fui corriendo a comprarlo y todavía me acuerdo venir subiendo la barranca de Melo mientras lo leía, largando carcajadas y admitiendo que, efectivamente, había tiras que no entendía,” relató el director.

El director rememoró también una visita de Quino a la producción de Metegol, donde el maestro del humor gráfico probó dibujar con un lápiz digital por primera vez. Campanella destacó “el entusiasmo y la curiosidad del que nunca creyó saber todo” de Quino como una fuente de inspiración para este proyecto tan ambicioso.

Un legado que trasciende generaciones

Quino, cuyo nombre real era Joaquín Salvador Lavado Tejón, nació en 1932 en Mendoza, Argentina, y falleció el 30 de septiembre de 2020, justo un día después del 56 aniversario de la primera publicación de Mafalda. Desde su creación, Mafalda ha sido un vehículo para reflexiones profundas sobre la vida, la política y la sociedad, todo desde la perspectiva ingenua pero audaz de una niña pequeña.

La nueva serie animada busca honrar este legado y conectar a las nuevas generaciones con los personajes inolvidables de la tira cómica. Los amantes de Mafalda podrán ver animados a personajes emblemáticos como Manolito, el materialista y mercantilista amigo de Mafalda; Susanita, obsesionada con el matrimonio y los hijos; Felipe, el soñador constante; y su propio hermano Guille.

Desafíos y expectativas

Para Campanella y su equipo, adaptar las icónicas historias y personajes al formato animado representa un desafío significativo. “Ni más ni menos que convertir a Mafalda en un clásico de la animación. Es nuestra la obligación de preservar el humor, el timing, la ironía y las observaciones de Quino. Sabemos que no podremos elevar a Mafalda, porque más alta no puede estar. Pero soñamos con que los que somos devotos de ella desde la primera hora podamos compartirla con nuestros chicos,” expresó.

La serie aún no tiene una fecha de estreno definida y los seguidores de Quino y Mafalda están ansiosos por ver cómo Netflix llevará a la pantalla a esta pequeña pero poderosa filósofa.

En conclusión, el proyecto de llevar Mafalda a las pantallas de Netflix trae consigo la promesa de una experiencia renovada para los viejos y nuevos fanáticos de la historieta. Esta serie animada no solo celebrará el legado del creador Quino, sino que también buscará arraigarse en el corazón del público moderno con su contenido relevante y atemporal. La dedicación de Campanella para mantener la esencia de Mafalda mientras se adopta un nuevo formato es un testamento del respeto y la admiración que la obra de Quino sigue generando décadas después de su creación.

La ley y el orden: Unidad de Víctimas Especiales (UVE), conocida en inglés como Law & Order: Special Victims Unit (SVU), es una icónica y longeva serie de televisión estadounidense que se estrenó el 20 de septiembre de 1999. Creada por Dick Wolf, forma parte de la franquicia Law & Order y se centra en una unidad de élite del Departamento de Policía de Nueva York que investiga delitos sexuales, abuso infantil y violencia doméstica. A lo largo de sus temporadas, la serie ha abordado temas complejos y sensibles con un enfoque realista y respetuoso sobre todas las cosas, logrando un equilibrio entre el drama policial y la narrativa humanística. Mariska Hargitay, quien interpreta a la teniente Olivia Benson, es una de las protagonistas más queridas de la serie, ganando múltiples premios por su actuación y convirtiéndose en un ícono de la televisión.

A lo largo de sus más de dos décadas en emisión, La ley y el orden: UVE ha contado con un reparto sólido donde se destacan la ya nombrada Mariska Hargitay, junto a Christopher Meloni, Richard Belzer, Dann Florek o Ice-T, entre tantos otros, y ha incluido numerosas apariciones especiales de actores renombrados. La serie se ha destacado no solo por su capacidad de entretener, sino también por su impacto social al abordar y sensibilizar al público sobre temas de gran relevancia, muy complicados de encarar a nivel narrativo pero con sólidos resultados. Ha sido elogiada por su representación de las víctimas y su enfoque en la justicia y la empatía (tal como comenta el director en esta entrevista), inspirando incluso cambios en la legislación y prácticas policiales. La persistencia y el éxito continuo de la serie son testimonio de su calidad y de la conexión profunda que ha establecido con su audiencia.

El director argentino Juan José Campanella ha dejado una marca significativa en la serie La ley y el orden: Unidad de Víctimas Especiales al dirigir varios episodios a lo largo de los años. Campanella, conocido por su trabajo en el cine con películas aclamadas como El secreto de sus ojos, ha aportado su distintiva visión y habilidades narrativas a la serie (como bien menciona Romina Pereyra, quien lleva adelante la entrevista), enriqueciendo la profundidad y el impacto emocional de los episodios que dirigió. Su participación en La ley y el orden: UVE no solo resalta su versatilidad como director, capaz de moverse entre el cine y la televisión, sino también su capacidad para abordar temas complejos y sensibles con una mirada humanística y un enfoque detallado en la construcción de personajes y atmósferas. El episodio número 550 llamado “Marauder” que dirige Juan José Campanella se puede ver en exclusiva mediante Universal TV este 18 de junio.

Te invitamos a ver nuestra entrevista en video, o a leer debajo una transcripción.

—Bueno, mucho gusto, Juan. ¡Un placer! No solamente es un honor enorme, sino que es un placer poder charlar con vos. Primero, por la admiración total como director y además “La Ley y el Orden” es de mis series favoritas.

Juan José Campanella: —¡Vamos todavía! Muy bien.

—He sido criada en base a “La Ley y el Orden”... Así que, tenemos para charlar un ratito. Vamos a ir por una cuestión cronológica, porque quiero hablar después, un poco, de los cambios que tiene ahora la temporada 25, ya que se vienen viendo en “La Ley y el Orden”, un poco, en la temática. ¿Cómo fue que empezaste?

Juan José Campanella: —Yo empecé en el capítulo cuatro de la segunda temporada... Cómo empecé en “La Ley y el Orden”, ¿no?

—Claro, sí, sí.

Juan José Campanella: —El capítulo cuatro, de la segunda temporada, justo, justo 15 días después de filmar eso, empecé a filmar “El hijo de la novia”, así que son recontra paralelas las dos carreras... Y empecé porque estaban una asistente de dirección, tenían directores que estaban demorando mucho en filmar. Terminaban de filmar el sábado al mediodía, la semana... Y la segunda asistente de dirección había trabajado conmigo en unos programas de fuera del sindicato, que yo hacía en Nueva York en ese momento, y les dice, “tienen que traer a este tipo que nos va a sacar... Nos va a sacar de acá el viernes a la noche”. Así que, por eso entré, por ese motivo...

Pero bueno, se creó una comunión con Mariska, con Chris Meloni en ese momento... Y, sobre todo con el jefe de directores, en ese momento, el director - productor que era Ted Kotcheff, el director de “Rambo” y de tantas otras que... Un genio, fue un mentor para mí. Está jubilado ahora y... Y la verdad que, bueno, ahí empezó la historia.

—Pasaron más de 20 años ya desde ese momento, me imagino que arrancar en la segunda temporada tiene sus beneficios, que justamente estaban en medio del caos, también de no llegar bien con las filmaciones, los personajes que se están recién empezando a crecer. No creo que sea lo mismo retomar tanto tiempo después. Si bien has estado en varios capítulos a lo largo de la historia de “La Ley y el Orden”, hay un salto temporal importante. ¿Cómo fue regresar a la serie? Y después hablaremos, pero hay cambios notorios en cómo se ven los personajes.

Juan José Campanella: —Sí, yo dejé, yo dirigí... Esta fue en el 2000, ¿no? La primera, del 2000 al 2010 trabajé. Y en el 2010 empecé “Metegol” y ahí tuve, fue mi último capítulo, fue dos meses antes de empezar “Metegol”... Y ahí “Metegol” fueron tres años y bueno, y ya... Argentina me absorbió completamente. Y volví en el 20, en... Sí, en el 20.

Y mirá los cambios eran, al principio era estrictamente un “procedural”, se llama, ¿viste? Que era: Había un crimen en el teaser, famoso, ¿viste esa cosa famosa de que alguien que no tenía nada que ver pasaba y encontraba un cadáver en algún lado...

—Sí, y ahí arrancaba todo.

Juan José Campanella: —Y ahí arrancaba el capítulo y era encontrar al tipo. Y eso fue así durante años. Fue lentamente, creo yo que sirvió mucho para la longevidad de la serie, que fueron cambios lentos. Como el crecimiento de una persona. ¿Viste? Que no te das cuenta mientras la estás viendo todos los días, pero que si volvés diez años después, decís “Upa, cómo creció...”

—¡Me pasa! Es una serie de confort, aunque no lo es, realmente...

Juan José Campanella: —Sí, pero es así, es así. Sí. Sí, es el auto... Son los zapatos que te quedan bien, ¿viste?

—Sí.

Juan José Campanella: —Después de probar, después de probar el vestido rojo, finalmente te ponés el vestido que te queda cómodo...

—Claro.

Juan José Campanella: —Y eso es también... una gran cosa... Gran mérito de Mariska, de hacerte sentir que es una amiga tuya. Tiene un... de un carisma, de mucha empatía. Y sí, lentamente fueron agregando elementos personales, incluso la salida de los actores, como la salida de Meloni, se vivió como un drama que... Fue durante un tiempo... Cuando volvió años después fue como volver a un viejo amigo. Creo que yo no trabajé en nada nunca que hubiera tenido tanta expectativa como ese capítulo. El retorno de Meloni. Y... Y... Y bueno, es eso, es que vos volvés a una familia y volver al set es lo mismo. Es volver a una familia, porque hay gente... En nuestro trabajo es casi imposible trabajar toda la vida en lo mismo.

Y ahí hay gente que toda su carrera fue “La Ley y el Orden”. Toda su carrera fue “La Ley y el Orden: UVE”, así que... Llegás y “¡Ey, Juan!”, después de 10 años, abrazos como...

—Siguen recordando.

Juan José Campanella: —Claro, claro.

—Bueno, está bien, no es que no sos una persona conocida, digamos, así que...

Juan José Campanella: —No, pero a ellos no les importa, no. Están, claro, están en otro mundo.

—Tal cual. Bueno, algo que me llama mucho la atención es ¿cómo hace un director...? Porque estas series necesitan tener directores diferentes a lo largo de todos los capítulos. ¿Cómo hace un director para entrar a formar parte y que ese capítulo también forme parte de lo que es él y su visión como director, pero a la vez mantener el código que maneja la serie? Porque uno no puede entrar y cambiar para siempre el paradigma por un episodio. ¿Cómo hacés para que Juan José Campanella sea Juan José Campanella?

Juan José Campanella: —Mirá, también depende del capítulo, ¿no? Porque hay capítulos, yo... A mí me gustan más los capítulos que, cuando me tocan capítulos que tienen drama intenso en la reacción de las víctimas, de las familias, de los queridos, de las víctimas... Que cuando es solamente de encontrar al tipo, ¿no? Pero eso es lo que me gusta a mí de la televisión, que no siempre es lo que uno quiere, todo el tiempo y cada escena y te mantiene... Encontrando las cosas que uno puede hacer bien y cómo hacer bien y cómo llevarlas a tu campo.

Las cosas que normalmente... Nosotros hay escenas que se arman “shoe leather”, ¿viste? “cuero de zapato”. Son las escenas en la que se juntan los policías y dicen “Bueno, el tipo fue de acá a acá....” Es donde explican el caso. Bueno, y hay que encontrar maneras de mantener las dinámicas y... Y con algún tipo de subtexto y de drama y todo eso. Y eso, bueno, eso es en gran medida el director. Y, como decís vos, el... El chiste está en... En que los que trabajan en la serie noten la diferencia de los directores, pero que el público no lo note.

—Claro.

Juan José Campanella: —Así que bueno, cada uno es cada uno. Viste que nadie hace más de cuatro capítulos por año.

—¿Sí o sí ese es el límite?

Juan José Campanella: —Sí, sí, exacto. También eso la mantiene impredecible. ¿Viste? A la serie. Pero somos ya tres directores que hacemos, somos tres solamente los que hacemos cuatro, los demás hacen menos...

—Perdón, sí, adelante.

Juan José Campanella: —No, los tres, en este momento son Norberto Barba, que es el director - productor, que es un capo. Jean de Segonzac, que fue el que dirigió el primer capítulo además, o sea que, la recontra maneja, y yo. Y después se va probando gente nueva y eso, ¿viste? Y bueno, se prueban, se descartan, se vuelven, etcétera, etcétera.

—Vuelven en el tiempo... A mí me gustó mucho este episodio, que es el episodio 12 “Marauder”, de la temporada 25, para quienes están viendo esta entrevista, a mí me gustó mucho, lo pude ver en anticipada. Hay una escena en particular, sin entrar en spoilers, que es un interrogatorio y a mí me gustó mucho porque lo sentí muy vos. No sé si para vos fue así. El cómo estaban filmados los planos, tan cerca de las personas, las miradas, sobre todo de Mariska, cómo estaba el plano hacia ella, la iluminación. Lo sentí muy vos, o por ahí era una cercanía. No sé si está por ahí pensado, también es como tu...

Juan José Campanella: —Te voy a decir un halago, cuando sale, cuando Mariska ve el capítulo, el corte me llama y me dice “Pero yo te estoy mirando a vos que estás en el coso, hablando con Argentina, con los WhatsApp y con todo eso... Y después, no sé que estás haciendo, y después veo el capítulo y veo esos planos, que... ¡Ni idea tenía lo que estábamos haciendo!” Lo que pasa es que... Así que fue un, “¿Cómo hiciste, cómo elegiste?” Porque ella dirige también, ¿viste? “¿Cómo elegiste ese plano...?” Lo que pasa es que había un... Bueno, claro, tenemos que entrar en spoiler un poquito, ¿viste? Pero había... Hay un cambio, hay un cambio en el interrogado...

—Sí.

Juan José Campanella: —Que no estaba... Que era interno. Que era interno y que solamente podía estar ocasionado por la presión de la presencia de Mariska ahí. No era por el texto, no era por la cosa, entonces tenía que había que... Enfatizar, o sea, como que el diálogo iba por otro lado y enfatizar ese choque de miradas. Bueno, esa fue la decisión. Así fue.

—Muy bien logrado.

Juan José Campanella: —Funcionó, funcionó.

—Y eso me quedó marcado. Me encantaron los planos que se usaron en esa escena. Última pregunta, así ya te puedo dejar libre, me encantaría quedarme hablando horas, pero bueno...

Juan José Campanella: —Sí, sí.

—¿Actor o actriz argentino que te gustaría o que sentís que podría participar, no te digo fijo, pero de un capítulo de “La Ley y el Orden”?

Juan José Campanella: —Ah, no, ¡un montón, un montón! Un montón de los que yo trabajé, puf, un montón. Bueno... Prácticamente todos los que yo... Todos los que están en “El secreto de sus ojos”, por lo pronto. Así que...

—Podría ser tranquilamente...

Juan José Campanella: —Tranquilamente. Todos, todos, sí. Hay un hay un montón, porque es una serie que no actúan como policías, actúan muy real. Entonces, sí, sería injusto, pero por lo pronto, “El secreto de sus ojos” es un... Un capítulo glorificado, como decían ellos cuando la vieron.

—Bueno, es un glorificado de “La Ley y el Orden” con todo el drama que corresponde. Y por eso se merece un Oscar. Y se lo mereció. Juan, un placer hablar con vos, ha sido un gusto. Espero volver a hacerlo en algún momento. La verdad que ha sido una increíble charla. Y felicitaciones por todo tu labor como director y también acá participando de “La Ley y el Orden: UVE”.

Juan José Campanella: —Bueno, muchas gracias, Romina.

—Adiós.