Todo ocurrió mientras Gamboa hablaba de la experiencia de tener a Suar como director y como su pasado como actor lo hace entender las dificultades que pueden encontrarse a lo largo de la interpretación, le consultó: “¿Vos actuaste alguna vez?“. Y sin dudarlo ni un segundo Mario, respondió: ”Sí, muy mal“.

Díaz le recordó su participación en Poliladron, la tira protagonizada por Adrián, sin embargo, Mario eligió hacer referencia a su paso por Floricienta, la novela que estrenó Cris Morena en el año 2004. Allí le tocó un papel pequeño, pero que en su momento no fue bien recibido por los pequeños espectadores.

“Hice de Dios en Floricienta“, recordó el presentador, lo que generó la sorpresa de sus invitadas, por lo que tuvo que explayarse un poco más en lo que fue su papel. “Iba por la calle y justo se había muerto el protagonista y yo era Dios que lo recibía”, detalló acerca del papel que tuvo que llevar adelante, vestido completamente de blanco y se encargó de darle el recorrido por el cielo al personaje de Juan Gil Navarro.

La muerte de Federico Fritzenwalden fue un golpe para los seguidores de la serie, que esperaban que termine junto a la Floricienta el personaje de Florencia Bertotti. Por eso, las niñas reaccionaban de la peor manera en su presencia: “Las chicas chiquititas me pateaban en la calle diciendo que tenía la culpa”.

“Siempre le agradecí a Cris el papel. Soy un chico Cris Morena”, cerró Pergolini, provocando las risas de las tres mujeres sentadas frente a él. 20 años pasaron de esta participación y el presentador aceptó que actuar no es para él y que no se sintió cómodo haciéndolo: “Lo veo y digo ‘Dios mío’. Me es muy difícil no ser yo, la verdad que lo que admiro en el artista es cuando puede prescindir tanto de él”, aseveró.

Es al día de hoy que muchos de los que crecieron viendo la novela de Morena no le perdonan haber matado al Frezeer. En agosto del año pasado, durante el Cris Morena Day, la productora finalmente confesó que no fue decisión de ella ponerle fin a la participación de Gil Navarro.

“¡Yo no lo maté! El señor actor lo confesó, por fin, que no podía seguir porque no sé qué le pasaba", recordó Cris acerca de lo que sucedió dos décadas atrás. Por otro lado, Gil Navarro también le puso fin al misterio y reveló que él tomó la decisión de dejar el éxito detrás para no quedar toda su carrera estigmatizado como “el príncipe”.

“Me daba vergüenza y me parecía estúpido esta idea de decir: ‘Hola, ¿qué tal? Soy el príncipe’. Me daba mucha vergüenza también salir vestido de celeste en el Gran Rex, parecía Ben Stiller", contó en De vuelta TV (América).

“Tenía 30 años cuando me fui. No les gustó nada, nada…me dijeron que nadie se bajaba de un éxito y que era un desagradecido”, confesó revelando la reacción del equipo de producción. A pesar de haber hecho tan solo una temporada, se convirtió en uno de los favoritos de la novela y hasta el día de hoy es recordado por su rol. Y también por aquellas niñas que veinte años después siguen llorando su muerte.

Este fin de semana La Noche de Mirtha y Almorzando con Juana reunirán a destacadas figuras del espectáculo, el periodismo y la actualidad en la tradicional pantalla de El Trece. El sábado a las 21.30, Mirtha Legrand abrirá su emblemática mesa, que mantiene su vigencia a lo largo de los años, convocando a invitados que aportarán variedad de miradas y experiencias. Por su parte, el domingo al mediodía, será el turno de Juana Viale, quien seguirá la costumbre familiar al frente del clásico ciclo de entrevistas y encuentro.

La reunión del sábado contará con presencias de peso y diferentes trayectorias. Raúl Lavié, cantante emblemático de la escena nacional y uno de los artistas con mayor reconocimiento en el tango, compartirá mesa con Silvia Fernández Barrio, periodista de extensa carrera y actualmente panelista en el programa de María Belén Ludueña. Entre quienes aportarán actualidad televisiva y renovación figura Jey Mammón, que retorna a la televisión tras un tiempo alejado de la pantalla, generando expectativa por sus próximos proyectos.

A este grupo se sumará el actor Juan Gil Navarro, recordado por numerosos papeles en televisión y teatro, y Rocío Marengo, quien atraviesa una etapa especial en su vida personal: espera a su primer hijo junto a Eduardo Fort y confesó que se enteró de la noticia en el programa de Juana. La elección de los invitados combina figuras de reconocida trayectoria artística y personalidades que actualmente se encuentran en el centro de atención mediática.

El domingo, Juana Viale se pondrá al frente de una nueva emisión de Almorzando con Juana en el clásico espacio del mediodía. En esta ocasión, recibirá a Mariano Martínez, actor con una sólida carrera en televisión y teatro, y a Marita Ballesteros, actriz distinguida por su versatilidad en diversos géneros dramáticos y comedias. Mica Riera, joven actriz que suma protagonismo gracias a sus trabajos recientes, también formará parte de la mesa, junto a Fernando Flaco Pailos, actor y músico de prominente actividad, especialmente en la provincia de Córdoba.

El panel del domingo incluirá además al Dr. Javier Baños, abogado reconocido por su labor dentro del equipo legal de Fernando Burlando y quien representó a Julieta Prandi en el juicio contra Claudio Contardi. Su presencia aportará una visión desde el ámbito jurídico y las cuestiones de actualidad que involucran al mundo del derecho y el espectáculo.

Durante el programa del sábado pasado, Lucía Galán estuvo como invitada y le dio a Mirtha detalles de su salud, luego de ser operada por un quiste premaligno en el páncreas. Durante la noche, Mirtha se mostró interesada en conocer el estado actual de integrante del dúo Pimpinela. Ante la pregunta de la anfitriona en el ciclo La noche de Mirtha, la cantante se sinceró: confirmó que ese episodio quedó atrás y que pudo retomar sin contratiempos tanto su vida personal como su carrera artística. “Hacía mucho que no hacía una fiesta pero después del año pasado, que fue bastante complicado para mi salud, me pareció que hay que celebrar la vida”, remarcó Lucía ante la atenta escucha de todos.

La respuesta conmovió especialmente a Chiquita, quien además aprovechó la oportunidad para contar que ambas comparten el mismo kinesiólogo. “Te repusiste muy bien”, la halagó la diva. Galán contó, a modo de balance, que “hace un año y dos meses que me operé en el Mater Dei. Entonces dije: ‘bueno, voy a celebrar’”.

Por esa razón, decidió festejar su cumpleaños número 64 de una manera especial. “Más que nada por eso, porque uno pasa por situaciones extremas y cree que siempre va a estar todo bien, y en un segundo la vida te cambia con una noticia”, compartió la artista.

El argumento de Nieve Roja se adentra en el thriller psicológico y la ciencia ficción, siguiendo a siete empleados seleccionados por un magnate billonario para participar en un misterioso programa en una base de última generación en la Antártida. Bajo la vigilancia de una inteligencia artificial llamada AGATHA, los protagonistas se ven envueltos en una dinámica de aislamiento y desconfianza, donde comienzan a desaparecer uno a uno en circunstancias cada vez más inquietantes. Lo que inicia como un experimento corporativo sobre calentamiento global, ecologismo y sostenibilidad, pronto se transforma en una lucha por la supervivencia, la identidad y el poder, mientras salen a la luz secretos sobre el origen y la conexión genética de los participantes, así como el verdadero propósito de la evaluación.

El elenco principal está encabezado por Nazareno Casero y Justina Bustos, acompañados por Juan Gil Navarro. El reparto se completa con Micaela Riera, Gastón Cocchiarale, Ariel Pérez De María y la participación especial de Alfredo Casero. Uno de los aspectos más destacados de la serie es el regreso a la actuación de Mariano Martínez, conocido por su trayectoria en telenovelas como “Son de Fierro”, “Valientes”, “Los únicos”, “Camino al amor” y “Esperanza mía”. Su incorporación a Nieve Roja marca un retorno significativo a la pantalla chica.

La dirección de la serie recae en David Bisbano, quien también firma el guion junto a Andrés Gelós y Natacha Caravia. La producción ejecutiva está a cargo de Diego Palacio y Nacho Viale, mientras que Lorena Bruquetas y Micaela Montero lideran la dirección y coordinación de producción, respectivamente. La dirección de fotografía corresponde a Pacho Geraghty. Este equipo técnico y artístico refuerza la apuesta de Flow y StoryLab por propuestas visuales innovadoras y narrativas complejas, consolidando una colaboración que ya ha dado lugar a varias coproducciones de éxito.

Durante una presentación, Palacios describió la serie como una combinación de la novela “Y no quedó ninguno” de Agatha Christie y el videojuego “Among Us”, situando la acción en una instalación tecnológica avanzada donde la camaradería inicial entre los participantes, motivada por la militancia ecologista, se ve abruptamente interrumpida por la desaparición de uno de ellos y el descubrimiento de un sabotaje en la central energética de la base. Siete perfectos extraños se ven así atrapados en una trama de sospechas, alianzas y traiciones, mientras la inteligencia artificial AGATHA supervisa cada uno de sus movimientos.

“Para Nieve Roja no viajamos a la Antártida”, aclaró Diego Palacios, director de contenidos de StoryLab, al referirse a la innovadora producción que, lejos de los paisajes helados reales, recurrió a la tecnología Virtual World Production y al motor Unreal Engine para recrear una base polar en estudio. Este enfoque técnico, desarrollado junto a la productora peruana Golem, permitió construir un entorno antártico hiperrealista sin abandonar Buenos Aires, marcando un hito en la forma en que la industria audiovisual argentina aborda los desafíos logísticos y creativos de las series de alto presupuesto.

Adaptada de la aclamada película danesa dirigida por Thomas Vinterberg, Druk (traducida en español como Otra Ronda) plantea una premisa provocadora: ¿puede el consumo controlado de alcohol mejorar la vida de las personas? La historia sigue a cuatro profesores de secundaria que deciden poner a prueba una teoría según la cual los seres humanos nacen con un déficit de 0,5% de alcohol en la sangre y que mantener ese nivel podría hacerlos más creativos, seguros y felices.

“El problema es cuando nos enamoramos del experimento y queremos ir más allá”, advierte Osqui Guzmán, señalando el punto de quiebre de la historia. Lo que comienza como un juego y una liberación, pronto se convierte en un desafío a los propios límites, con consecuencias inesperadas.

“Fue un proceso hermoso de trabajo”, dice Echarri sobre el montaje de la obra, que se estrena con la intención de generar debate en el público. “No es una apología del alcoholismo, sino una exploración sobre sus efectos en la vida de las personas”, expresa el actor.

La historia detrás de Druk

En el escenario, Pablo Echarri, Osqui Guzmán, Juan Gil Navarro y Carlos Portaluppi interpretan a cuatro profesores de secundaria. “Son cuatro amigos, compañeros de trabajo, que están apagados, con dificultades para abrirse. Y en una de esas charlas, uno de ellos trae la teoría de un filósofo noruego que dice que para vivir mejor hay que compensar ese déficit bebiendo”, explica Echarri sobre el punto de partida de la obra.

Al principio, el experimento parece dar resultados positivos. “Martín, mi personaje, tiene problemas en el colegio. Sus alumnos tienen miedo de que los aplace porque está amargado, huraño. Cuando empieza a probar la teoría, todo parece mejorar”, cuenta Echarri, quien encarna a un docente rígido y frustrado que, bajo el influjo del alcohol, comienza a conectar mejor con sus estudiantes.

Sin embargo, lo que empieza como una experiencia controlada pronto se descontrola. “Si con 0,5% de alcohol en sangre te sentís más valiente, más lúcido, entonces la tentación es seguir subiendo. Pero cuando cruzás la línea, las consecuencias no son las mismas”, advierte Osqui Guzmán, marcando el giro dramático de la historia.

Este punto es clave para el mensaje de la obra: “No es una apología del alcoholismo”, reitera Echarri, consciente de que la propuesta puede generar controversia. “Lo que plantea el autor es: tomemos un poco para ver qué sucede, para ver si recuperamos la musicalidad en nuestras vidas. Pero cuando el alcohol deja de ser un catalizador y se convierte en una solución a los problemas, ahí es donde todo se desmorona”.

“El teatro tiene eso maravilloso: nos permite explorar los límites de la experiencia humana en vivo, cara a cara con el espectador”, concluye Guzmán.

La relación entre el alcohol y el arte

A lo largo de la historia, el alcohol ha estado ligado a la creatividad, la inspiración y la expresión artística. Desde los poetas malditos hasta los grandes escritores y pintores, su influencia ha sido innegable. Osqui Guzmán, reflexionando sobre este vínculo, lo describe con pasión: “El arte y el alcohol van de la mano por su hermandad sagrada, por la propuesta de abrirnos a algo más grande”.

Para Guzmán, su relación con el alcohol tuvo una transformación personal. “Hasta los 21 años no tomaba nada. Ni cerveza, ni vino, nada. Tenía familiares con problemas de alcoholismo y me negaba a esa experiencia”, confiesa. Pero todo cambió cuando un amigo lo convenció de probar un whisky de alta calidad. “No te puedo explicar el nivel de revelación que sentí esa noche. Me sentía un poeta, con una agudeza en la conversación que nunca había experimentado”, recuerda el actor a Teleshow.

Esta percepción del alcohol como un medio para desbloquear la creatividad y la sensibilidad no es nueva. Grandes figuras como Edgar Allan Poe, Charles Bukowski y Ernest Hemingway hicieron de la bebida un compañero constante en su proceso creativo. “¿Si ellos bebían tanto, será que escribían mejor por eso?”, se pregunta Guzmán, planteando un dilema que atraviesa a muchos artistas.

Sin embargo, tanto Guzmán como Pablo Echarri coinciden en que el alcohol no puede ser una solución a los problemas personales. “El vino está presente desde el comienzo de la historia. Ha sido un catalizador de unión, de apertura de conciencia, de aflojar corazas”, sostiene Echarri, pero también advierte: “Si lo usás para resolver conflictos internos, ahí es donde se vuelve peligroso”.

La obra Druk juega precisamente con esa línea difusa entre el disfrute y el exceso, entre el descubrimiento y la autodestrucción. “Los personajes se enamoran de su experimento. Primero prueban, ven que funciona y, como en las grandes tragedias, se dejan arrastrar por la pasión”, explica Guzmán.

En ese sentido, la propuesta teatral no solo abre el debate sobre el consumo de alcohol, sino también sobre sus usos y significados en la sociedad. “Tomarse un vino con un amigo es como un ritual, una comunión”, dice Guzmán, pero aclara que eso no es lo mismo que depender de él para sentirse bien.

Finalmente, Echarri concluye con una observación contundente: “El problema es cuando el alcohol pasa de ser una herramienta de disfrute a un escape constante. Ahí deja de ser arte y se convierte en algo destructivo” afirma a Teleshow.

El trabajo en equipo en el escenario

Para Pablo Echarri y Osqui Guzmán, formar parte del elenco de Druk ha sido una experiencia tan enriquecedora como desafiante. Junto a Juan Gil Navarro y Carlos Portaluppi, han dado vida a cuatro personajes complejos, atravesados por crisis personales y la tentación de llevar un experimento hasta sus últimas consecuencias.

“Fue un proceso hermoso de trabajo”, confiesa Echarri, destacando la química entre los actores. “Nos conocíamos de antes, pero nunca habíamos compartido escenario los cuatro juntos. Fue un placer descubrirnos en la dinámica del teatro”.

Más allá del talento individual de cada actor, el éxito de la obra depende de la conexión entre ellos. “Sabemos qué clase de intérpretes somos porque nos hemos visto en el cine, en la televisión, en el teatro. Pero compartir escena es otra cosa. Es como una danza donde todos tenemos que estar sincronizados”, explica Guzmán.

El encargado de lograr esa cohesión fue el director Javier Daulte, quien también estuvo a cargo de la adaptación del guion. “Él es un constructor metódico. No solo arma la puesta en escena, sino que nos da herramientas a cada uno como actores para que encontremos los puntos más importantes de la historia”, cuenta Echarri.

Además del desafío interpretativo, la obra exigió un profundo entendimiento del tono y el ritmo narrativo. “La historia transcurre en un juego constante, con humor y ligereza, hasta que de golpe aparece el drama. Ahí el aire se corta y el peso de la historia cae sobre nosotros y sobre el público”, describe Pablo a Teleshow.

Ese equilibrio entre comedia y tragedia es clave para el impacto emocional de la obra. “Nos divertimos muchísimo arriba del escenario. Pero cuando llega el momento del quiebre, el silencio lo dice todo. Es la maravilla del teatro en su máxima expresión”, agrega Guzmán.

Más allá del montaje y la dirección, lo que destaca el elenco es la calidad humana del equipo. “Sabía que me iba a encontrar con tres grandes talentos, pero también con tres grandes personas. Eso hace que todo el proceso sea aún más especial”, concluye Echarri.

El impacto y la recepción del público

Desde su estreno en cine, Druk generó un intenso debate sobre los límites entre el consumo recreativo de alcohol y la dependencia. La versión teatral no es la excepción. “Cuando la película se estrenó, hubo quienes la vieron como una apología del alcoholismo. Pero si fuera así, la historia terminaría bien para los personajes. Y no es el caso”, advierte Osqui Guzmán, subrayando que la obra pone en evidencia las consecuencias de cruzar ciertos límites.

Para Pablo Echarri, la puesta en escena tiene la capacidad de interpelar al público de una manera única. “El teatro nos obliga a estar cara a cara con el espectador. No hay pantalla de por medio, no hay edición. La reacción de la gente es inmediata y eso lo vuelve un ejercicio de reflexión colectivo”, sostiene.

Uno de los aspectos más atractivos de la obra es su capacidad para generar identificación. “Todos, en algún momento, hemos sentido que nos falta algo, que nos cuesta conectar con la gente o con nuestras emociones. Y el alcohol, en muchas ocasiones, aparece como un atajo”, reflexiona Echarri.

Sin embargo, la obra deja claro que ese atajo no es una solución. “Los personajes descubren que, al principio, el alcohol los ayuda a soltarse, a ser más valientes. Pero cuando quieren más, cuando cruzan la línea, todo empieza a derrumbarse”, explica Guzmán.

El proceso de adaptación de la obra fue meticuloso y contó con la supervisión de los creadores originales. “Javier Daulte hizo una versión muy personal y libre del guion, pero siempre respetando la esencia de la historia. Enviamos la adaptación a la oficina de Thomas Vinterberg, quien dio su aprobación”, detalla Echarri.

Con una propuesta tan potente y provocadora, el elenco espera que Druk no solo entretenga, sino que también genere conversaciones. “El teatro tiene la capacidad de hacernos reír y, al mismo tiempo, dejarnos pensando. Y esta obra logra justamente eso”, concluye Guzmán.

La adaptación de Druk al lenguaje teatral

Javier Daulte explica a Teleshow que “La adaptación teatral de Druk es otro espectáculo, pero conserva su espíritu” El director y dramaturgo argentino se enfrentó al desafío de trasladar al teatro una historia que, en su versión cinematográfica, recorría múltiples locaciones y situaciones, algo que en escena debía resolverse con un enfoque completamente distinto.“No es que concentramos todo en una sala de profesores, sino que el espacio va mutando, recorriendo distintos lugares. La obra no intenta copiar a la película, sino que se convierte en otra cosa”, explica el director.

Para el director, una de las claves de esta adaptación fue encontrar el equilibrio entre la picardía inicial de la historia y la profundidad emocional de sus personajes. “Empieza con esta teoría un poco disparatada, pero después los personajes van enfrentándose a sus propios demonios. Es una obra sobre la crisis de los 50, sobre el intento de recuperar algo que creen haber perdido”, señala.

La primera idea fue reducir el número de personajes y convertir al público en parte activa de la obra, como si fueran los alumnos de los profesores protagonistas. Sin embargo, esa versión inicial fue evolucionando hasta encontrar su propia identidad. “La adaptación no se limita a concentrar a los cuatro profesores en una sala de profesores o algo por el estilo”, explica Javier Daulte. “La puesta en escena muta constantemente, nos movemos por distintos espacios, y eso le da un ritmo muy distinto a lo que suele ser una obra de teatro convencional”.

El espíritu de la historia sin intentar replicar la película de manera literal. “Es otro espectáculo. Hay muchas diferencias, pero la esencia sigue ahí. Conserva ese tono que empieza con una picardía, con esta supuesta teoría del déficit de alcohol en sangre, pero después los personajes se sumergen en sus propios tormentos, enfrentándose a sus demonios”, relata a Teleshow.“El teatro tiene sus propias reglas y su propia magia”, reflexiona el dramaturgo Daulte. “No se trata de imitar lo que el cine puede hacer, sino de encontrar la manera teatral de contar la misma historia con otros recursos”.

La teoría del déficit de alcohol y la crisis de los 50

“La obra empieza en un tono casi lúdico, como un experimento: qué pasaría si uno pudiera mejorar su vida manteniendo siempre un nivel de alcohol en sangre. Pero después, esos personajes empiezan a enfrentarse a sus propios demonios. Se sumergen en sus propios tormentos”, explica Daulte. Esos cuatro profesores que en un principio buscan recuperar la chispa de sus vidas, terminan transitando un camino que los confronta con sus propias crisis personales.

El director enfatiza que el montaje teatral de Druk pone el foco en el momento vital de estos hombres: “Comparten una franja etaria importante, porque estamos hablando de la crisis de los 50”. Para Daulte, esa etapa de la vida ofrece una complejidad única. “Es ese momento en que uno empieza a preguntarse qué quedó atrás y qué queda por delante. Los personajes buscan recuperar algo que sienten perdido, pero el camino que eligen es peligroso, porque lo que está en juego es mucho más profundo de lo que parece al principio”.

Desde la dirección, Daulte trabajó en subrayar esa transición que va del entusiasmo inicial al derrumbe emocional. La obra plantea un recorrido emocional de ida y vuelta, donde los protagonistas exploran sus límites y se enfrentan a las consecuencias. “Es una historia sobre la amistad, sobre los vínculos, pero también sobre cómo cada uno enfrenta su propio vacío”, resume.

La elección del elenco: cuatro tonos distintos

Desde el principio, Javier Daulte supo que la elección del elenco sería fundamental para que la obra tuviera el impacto emocional necesario. “Nos importaba mucho que fueran actores muy distintos entre sí, que cada uno aportara una tonalidad particular. Creo que eso es lo que logramos”, asegura. Aunque los personajes comparten una franja etaria y atraviesan una crisis similar, cada uno lo hace desde un lugar único, y esa diversidad debía reflejarse en los intérpretes.

El primero en sumarse al proyecto fue Pablo Echarri, cuyo entusiasmo inicial impulsó el resto del proceso. “Pablo fue la primera persona en mostrar interés por la obra, y a partir de ahí empezamos a pensar en el resto del elenco”, recuerda Daulte. Luego llegó Carlos Portaluppi, y finalmente se incorporaron Juan Gil Navarro y Osqui Guzmán, completando un cuarteto con personalidades y estilos bien marcados.

El proceso de selección fue largo y minucioso. “Fue un trabajo de sentarse, pensar, analizar qué combinación de actores podía funcionar mejor. Nos interesaba que hubiera un contraste entre ellos, que no fueran cuatro versiones de lo mismo, sino que cada uno trajera algo diferente a la mesa”, explica el director.

La construcción del vínculo entre los actores

Más allá del talento individual de cada integrante del elenco, Javier Daulte sabía que uno de los mayores desafíos de la puesta en escena de Druk sería construir una relación de fraternidad creíble entre los cuatro protagonistas. En la historia, los personajes han compartido años de amistad, experiencias y frustraciones, pero en la realidad, los actores no tenían un vínculo previo tan estrecho. “Entre ellos se conocían, pero no es que eran amigos de toda la vida. Algunos habían coincidido trabajando, otros apenas se habían cruzado en un hall de teatro”, cuenta Daulte.

La clave estuvo en el proceso de ensayos, “una parte importante del trabajo fue crear ese lazo desde la nada. Teníamos que encontrar la manera de que esa química surgiera naturalmente, que el público realmente creyera que estos personajes han estado juntos durante décadas” explica el director.

“No todos los actores llegan al resultado por el mismo camino ni en el mismo tiempo. Parte del desafío era respetar esos procesos individuales y, al mismo tiempo, lograr que la armonía del grupo nunca se rompiera”, reflexiona. Con el correr de los ensayos, el equipo fue encontrando su equilibrio, hasta que la conexión entre los actores trascendió el escenario. “Se dio una armonía impresionante. Es un placer ir cada noche al teatro o haber estado cada tarde en los ensayos. Cuando eso sucede, cuando el trabajo se convierte en disfrute, se nota en el escenario”.