El look que eligió para la ocasión no dejó dudas sobre el guiño a la Albiceleste. Mirtha apareció con un vestido largo de crepé celeste, bordado con cristales, que en las imágenes del programa se veía largo hasta los pies, con escote cuadrado y saco a juego de manga larga. El celeste, el color de la camiseta argentina, funcionó como un homenaje silencioso al equipo nacional en una noche en que el fútbol y el prime time compartieron protagonismo.

El vestido es de Iara, una marca con local en la calle Peña 2829. Mirtha no solo lo lució: lo recomendó con entusiasmo y precisión. “Tiene cosas divinas a buenos precios”, dijo sobre el local, en uno de esos momentos en que la conductora convierte el aire televisivo en algo cercano a una conversación de amigas.

Y fue justamente en ese momento cuando soltó una de las frases de la noche con la picardía que la caracteriza: “Tengo bolsillos acá”, dijo, mientras señalaba el vestido con una sonrisa. El detalle —un vestido de gala con bolsillos— generó risas en el estudio y confirmó que la elección no había sido solo estética sino también práctica.

Los accesorios completaron un conjunto de noche sin fisuras. Mirtha exhibió con orgullo ante las cámaras los anillos y aros que eligió para la ocasión, pidiéndole al público que se fijara bien en cada pieza. En las fotos se aprecia un anillo de gran volumen con diseño floral y piedras engarzadas en plata, combinado con aros a juego de igual factura: redondos, con destellos y de un tamaño generoso que enmarcó su rostro a la perfección.

El maquillaje siguió la línea de sus apariciones más cuidadas: ojos ahumados en tonos oscuros con delineado marcado, labios en un rojo coral que contrastó con el celeste del conjunto, y un rubor suave que aportó luminosidad al rostro. Las uñas, en rojo intenso, sumaron un punto de color adicional visible en las imágenes.

El cabello, rubio platinado con ondas suaves hacia atrás, se mantuvo con el volumen y el estilo que la conductora sostiene como parte de su identidad en pantalla. El conjunto —vestido, joyas, maquillaje y peinado— conformó una apuesta coherente y elegante para una noche que, por el horario del partido, tenía más peso simbólico que un sábado cualquiera.

La mesa de este sábado reunió perfiles bien distintos. Juan Gil Navarro llega en plena actividad teatral: protagoniza Misery junto a Julia Calvo en el Teatro Metropolitan, aunque la función prevista para este sábado fue reprogramada al 8 de agosto, también por el partido de la selección. A sus 52 años, el actor combina el trabajo en las tablas con un romance que lo tiene ilusionado: su relación con Rosario Páscolo, una joven de 27 años.

Marta González se presenta con una agenda cargada y una historia de vida que va mucho más allá de los escenarios. La actriz forma parte de Tango Para Tres, comedia que protagoniza junto a Arnaldo André y Romina Fernandes, con texto y dirección de Hernán Krasutzky y producción general de Damián Sequeira, actualmente en gira. Pero lo que promete generar mayor repercusión es su testimonio sobre la lucha que sostiene desde hace años contra el cáncer, enfermedad que enfrenta con una actitud de optimismo permanente.

Gabriela Sari también llega desde el teatro. La actriz integra el elenco de El Secreto, obra que se presenta en el Teatro Multitabaris junto a Gerardo Román, Ana María Picchio y Rodrigo Noya.

El cuarto invitado es el Dr. Mario Maurice, cardiólogo, director del Instituto Nacional de Diseño de Áreas Cardioasistidas (INADEA), profesor universitario y ex jefe de la sección de arritmias del Hospital Rivadavia. Maurice llega al programa con una historia personal que lo marcó: le realizó maniobras de RCP a su propio padre durante 35 minutos. En la mesa pondrá el foco en una estadística que sacude: en la Argentina se registra una muerte súbita cada quince minutos, y abordará la necesidad de contar con espacios “cardioprotegidos” y de extender el conocimiento de la reanimación cardiopulmonar entre la población.

Este sábado 11 de julio, La Noche de Mirtha tendrá un horario especial: el programa arrancará a las 20:00 para adaptarse al partido de la selección argentina ante Suiza, que se jugará a las 22:00. La mesa de Mirtha Legrand recibirá a Juan Gil Navarro, Marta González, Gabriela Sari y el cardiólogo Mario Maurice. Al día siguiente, el domingo 12, Juana Viale recibirá en su horario habitual de las 13:45 a Gabriel Corrado, Diego Reinhold, Yuyito González, Muni Seligmann y Benicio Gravier.

Invitados a cenar

Juan Gil Navarro llega a la mesa de Mirtha en un momento de plena actividad teatral. El actor protagoniza Misery junto a Julia Calvo en el Teatro Metropolitan, aunque la función prevista para este sábado fue reprogramada para el 8 de agosto, también por el partido de la selección. A sus 52 años, Gil Navarro atraviesa un presente que combina el trabajo en las tablas con un romance que lo tiene ilusionado: su relación con Rosario Páscolo, una joven de 27 años.

Marta González se presentará en la mesa con una agenda cargada y una historia de vida que va mucho más allá de los escenarios. La actriz forma parte de Tango Para Tres, comedia que protagoniza junto a Arnaldo André y Romina Fernandes, con texto y dirección de Hernán Krasutzky y producción general de Damián Sequeira, actualmente en gira. Pero lo que promete generar mayor repercusión es su testimonio sobre la lucha que sostiene desde hace años contra el cáncer, enfermedad que enfrenta con una actitud de optimismo permanente.

Gabriela Sari también llega desde el teatro. La actriz forma parte del elenco de El Secreto, obra que se presenta en el Teatro Multitabaris junto a Gerardo Román, Ana María Picchio y Rodrigo Noya. Su presencia en la mesa de Mirtha servirá de vitrina para una propuesta teatral que reúne a varias figuras del espectáculo local.

El cuarto invitado del sábado es el Dr. Mario Maurice, cardiólogo, director del Instituto Nacional de Diseño de Áreas Cardioasistidas (INADEA), profesor universitario y ex jefe de la sección de arritmias del Hospital Rivadavia. Maurice llegará al programa con una historia personal que lo marcó: le realizó maniobras de RCP a su propio padre durante 35 minutos. En la mesa hablará sobre una estadística que sacude: en la Argentina se registra una muerte súbita cada quince minutos, y pondrá el foco en la necesidad de contar con espacios “cardioprotegidos” y de extender el conocimiento de la reanimación cardiopulmonar entre la población.

Llegan para el almuerzo

El domingo, la mesa de Juana Viale tendrá cinco invitados con perfiles bien distintos. Gabriel Corrado, actor, conductor, productor y escritor, llega con el impulso de Estamos en una, el programa que conduce de lunes a viernes de 15:00 a 16:30 por la TV Pública, un ciclo que combina el formato televisivo tradicional con la dinámica del streaming. A sus 65 años, Corrado mantiene una rutina de entrenamiento que incluye salidas diarias a correr por Palermo y una dieta sin harinas. Casado desde 1989 con Constanza Feraud, el actor fue distinguido por el gobierno italiano con el título de Cavaliere dell’Ordine della Stella d’Italia.

Diego Reinhold se sienta a la mesa con dos proyectos simultáneos. Como actor, protagoniza La función que sale mal, adaptación argentina de la exitosa comedia británica que se presenta en el Multiteatro Comafi sobre la calle Corrientes, trabajo por el que recibió una nominación como Mejor Actor de Comedia en los Premios Pinti. Como director, lleva adelante Mi amiga y yo, comedia protagonizada por Sebastián Presta y Flor Torrente, y Los Raviolis (Piyama Party), espectáculo de música y humor infantil en el Paseo La Plaza. Además de su actividad artística, Reinhold sigue al frente del Hogar Mariposa en Caballito, el espacio solidario que fundó para asistir a niños judicializados de entre 0 y 6 años.

Yuyito González llega al almuerzo del domingo con novedades en su vida profesional y personal. La conductora está al frente de Yuyito a la tarde, su nuevo ciclo diario que se emite de lunes a viernes a las 17:30 por Net TV. Desde que se separó del presidente Javier Milei, se declaró en “celibato” y en las últimas semanas sorprendió al revelar públicamente un antiguo e inesperado romance con el músico Pappo.

Muni Seligmann se presenta con su espectáculo infantil Soy Muni en Vivo, una propuesta interactiva que combina música, baile y juegos lúdicos para toda la familia, con una gira activa por Buenos Aires y el Gran Buenos Aires. La artista también alimenta de forma constante su canal de YouTube Soy Muni, con videoclips, canciones educativas y contenido bilingüe para la primera infancia. En el plano personal, Seligmann podrá hablar de su alivio familiar tras la recuperación de su hijo Vicente luego de un accidente doméstico que los tuvo en vilo durante semanas.

El más joven de la mesa del domingo será Benicio Gravier, hijo de la modelo Valeria Mazza. El joven actor integra el elenco de la segunda temporada de Margarita, la producción de Cris Morena para la plataforma Max, donde interpreta a Torino, un ídolo del rock con raíces en la alta sociedad italiana. En paralelo a su trabajo actoral, Gravier debutó como cantante solista con el videoclip Sin permiso, canción que integra la banda sonora oficial de la serie. El modelo también tiene presencia en las pasarelas internacionales: participó en la Semana de la Moda de Milán convocado por Giorgio Armani.

Todo comenzó cuando un notero del ciclo lo abordó para conocer detalles sobre su presente sentimental. Lejos de esquivar el tema, el actor respondió con una sonrisa: “Estoy muy bien. Muy contento y muy cuidado. Y sí, muy acompañado”. La declaración, breve pero contundente, dejó en claro que Gil Navarro se siente en equilibrio y agradecido por el presente que comparte con Rosario.

El periodista fue más allá y planteó el tema de la diferencia de edad, un aspecto que suele despertar comentarios y curiosidad en el público. Juan, sin dudarlo, destacó la madurez y las virtudes de su pareja: “Es mucho más grande que yo en muchísimos aspectos. Así que, eso para empezar. Digo, una de las primeras cosas que me han seducido es su capacidad de pensar y de razonar. Y para mí la inteligencia es un coeficiente que involucra otras cosas, como la sensibilidad, el humor, la compasión por los demás. Eso para mí es muy importante”.

Lejos de reducir la relación a una cuestión numérica, Gil Navarro profundizó sobre lo que realmente pesa en el vínculo: “¿Es solo un número? Qué sé yo. Sí, puede ser. No, no lo sé. De verdad que no lo sé. No te lo estoy sanoteando. Creo que al final tiene que ver con estar a gusto con alguien. Es compartir una decisión y compartir un camino. Y tiene que ver con entregarse. Creo que es eso. Más que con el número, tiene que ver con una entrega”.

La historia de amor entre Juan y Rosario había comenzado a captar la atención a principios de junio, cuando la joven, licenciada en Terapia Ocupacional, compartió en sus redes sociales una foto de su festejo de cumpleaños. En la imagen, Rosario aparece sentada en un sillón, rodeada de amigos y seres queridos, entre los que se encontraban los exintegrantes de las ficciones de Cris Morena, Mariano Bertolini y Esteban Pérez, además del propio Gil Navarro, que posó abrazándola y con una sonrisa amplia y sincera.

El actor no solo le puso “me gusta” a la publicación, sino que dejó un comentario que no pasó desapercibido y terminó de confirmar el gran momento que atraviesan como pareja. “Qué curioso es que sea tu cumpleaños y mi regalo seas vos. Te amo con todo mi corazón y te deseo un hermoso nuevo año. Sos mi orgullo y mi alegría”, escribió Gil Navarro, despertando la reacción y los elogios de sus seguidores, que no tardaron en celebrar la felicidad de ambos.

Mientras sigue apostando a nuevos desafíos en su carrera, con el gran estreno de Misery el pasado jueves, Gil Navarro elige disfrutar de un presente donde la plenitud personal y profesional se entrelazan. La relación con Rosario Páscolo se consolida en un marco de respeto y admiración mutua, y el actor se muestra agradecido por poder compartir su vida con alguien a quien valora no solo por su juventud, sino por su inteligencia, sensibilidad y capacidad de acompañar.

En tiempos en los que los prejuicios y las miradas ajenas muchas veces ponen el foco en los números, Gil Navarro apuesta por dejar que hable el corazón y prioriza lo que realmente importa: la conexión genuina, la complicidad y la decisión de caminar juntos, sin importar la edad. Así, el actor continúa escribiendo un nuevo capítulo en su historia, celebrando el amor y el crecimiento personal, y demostrando que las diferencias no siempre separan, sino que pueden ser el punto de partida para una relación auténtica y duradera.

Pergolini sorprendió al admitir que su decisión de interpretar a Dios en el final de Floricienta no estuvo motivada por aspiraciones actorales ni por un interés en la ficción televisiva. “No soy actor, me daba vergüenza”, reconoció, y agregó en tono jocoso que nunca imaginó encontrarse en ese rol frente a las cámaras.

Durante la conversación, Juan Gil Navarro fue directo con su pregunta: “¿Vos hiciste casting para Dios?”. Con humor, Pergolini descartó cualquier proceso de selección tradicional para ese papel especial: “Para Dios, no. ¿Vos sabés por qué yo acepté ese papel? Ya es hora de saberlo”.

La respuesta reveló una motivación inusual, alejada de los convencionalismos del mundo del espectáculo. El conductor recordó que su relación con la productora y guionista Cris Morena no era cercana. “Yo no me llevo muy bien con Cris, no tenía buena relación y me convoca para el final de Floricienta”, relató Pergolini, durante la conversación con Gil Navarro, quien interpretó a Federico Fritzenwalden, apodado El Freezer por Floricienta.

El motivo verdadero de la participación de Mario Pergolini fue un regalo inesperado. Tal como lo contó, la productora le ofreció algo que pocas personas habían logrado descifrar: “Me compró mi primera PlayStation. No tenía PlayStation”, confesó, generando risas y complicidad en el estudio de Otro día perdido.

La experiencia actoral, reconoció, resultó tan atípica como su justificación para aceptar el desafío. Pergolini repasó la sensación de incomodidad que le generaba actuar, dejando en claro que no se sentía en su ambiente: “Me daba vergüenza”, reiteró, enfatizando que su incursión en la ficción fue tan breve como singular, en unas de las ficciones de Cris Morena de más éxito.

Protagonizada por la actriz Florencia Bertotti y un enorme elenco de niños, adolescentes y adultos. Se hicieron dos temporadas de la historia, la primera fue el año 2004 y el útlmo episodio fue transmitido el 2 de diciembre del año 2005. Gil Navarro fue el galán del primer año y su controvertida muerte provocó el encuentro con el Dios de Pergolini.

En el intercambio, el conductor no sólo compartió la anécdota sino que también se permitió bromear sobre el episodio: “¿Te imaginás hacer de Dios solo porque te regalan una consola?”, deslizó entre risas, dejando en evidencia la distancia entre su perfil mediático y la actuación.

En otra oportunidad, el conductor de Vorterix se había referido a su actuación y a las repercusiones de su papel en el público más chico. La muerte de Federico Fritzenwalden fue un golpe para los seguidores de la serie, que esperaban que termine junto a Floricienta, el personaje de Florencia Bertotti. Por eso, las niñas reaccionaban de la peor manera cuando se lo cruzaban: “Las chicas chiquititas me pateaban en la calle diciendo que tenía la culpa”.

Allí también había ensayado una autocrítica: “Lo veo y digo ‘Dios mío’. Me es muy difícil no ser yo, la verdad que lo que admiro en el artista es cuando puede prescindir tanto de él”.

La inesperada confesión de Pergolini aportó una mirada distinta sobre los mecanismos internos de la televisión y las relaciones entre figuras del medio. No fue el deseo de sumar experiencia actoral ni la búsqueda de reconocimiento lo que pesó en su balanza, sino un gesto simple y personal que terminó marcando un episodio único en su carrera.

Antes que enfermera, antes que salvadora, Annie Wilkes es mucho más que un simple personaje del género de terror: es una lectora capaz de convertir la admiración en amenaza. En el universo de Misery, su figura emerge como algo más que la mujer que rescata a un escritor accidentado: es la guardiana feroz de una historia que considera propia, la fanática que no negocia ni olvida. Aislada en una casa perdida entre la nieve, sostenida por una lógica inquietante y una ternura perversa, Annie lleva el cuidado al extremo del control y convierte la devoción en obsesión. Ese universo, cargado de tensión y de ecos psicológicos, se prepara para saltar de la página a las tablas, con Juan Gil Navarro y Julia Calvo como la icónica dupla destinada a perturbar y fascinar a nuevas generaciones de espectadores. En diálogo exclusivo con Teleshow, Calvo revela el vértigo y la fascinación de ingresar en la mente de una villana tan temida como profundamente humana.

En el barrio porteño de Villa Crespo, dentro de una habitación donde la luz tenue se cuela entre los libros y los pósters teatrales, Julia recibe a este medio. Afuera, un sol tímido no logra disipar el frío; adentro, la actriz irradia entusiasmo, contagia energía y anticipa, con cada gesto, la pasión con la que asumió el desafío de estrenar el próximo 18 de junio bajo la dirección de Manuel González Gil. El ambiente parece un eco del universo de Misery: cálido y a la vez cargado de una tensión latente, como la calma antes de la tormenta. Lejos de abordar la obra como un compromiso más, Calvo se sumerge en Annie con una entrega total, sabiendo que el rol exige transitar emociones extremas, contradicciones y el vértigo de poner el cuerpo y la voz que supo prestar en grandes ficciones televisivas como arriba del escenario.

No es un reto menor. En esta adaptación, donde se entrelazan la obsesión, el terror psicológico y el debate sobre salud mental, Wilkes se instala como el eje del relato, la figura que inquieta y magnetiza a partes iguales. En ese clima que bascula entre la calidez y la incomodidad, muy parecido al que reina en las grandes historias de suspenso, Calvo comparte su mirada sobre la obra, los matices de su proceso creativo y las preguntas que la acompañan en cada ensayo. Cuando la puesta llegue al Teatro Metropolitan, en plena calle Corrientes, el público será invitado a sumergirse en una experiencia que promete tanto vértigo como reflexión, con una apuesta renovada, lista para desafiar los límites entre amor, locura y devoción.

—¿Qué te sorprendió o qué te llamó la atención de este personaje tan icónico del género de terror?

—Cuando me convocaron, lo primero que me apareció fue la leyenda. No había visto la película ni la obra, pero recordaba el evento de su estreno con Alicia Bruzzo y Rodolfo Bebán, el cartel negro con esos ojos. Pensé que tenía que abordar algo que suponía por dónde iba. Ya en los ensayos, me relajé, me conecté con mi compañero, escuché al director, y la experiencia tomó una temperatura más cálida y hermosa de transitar.

Al principio me pregunté si lo iba a poder hacer, pero cuando te apoyás en los otros y ellos en vos, todo se vuelve más amable. Es un género en el que nunca había incursionado a este nivel, el terror psicológico. Sí interpreté villanas y personajes muy oscuros, casi sádicos, pero no desde el género. Así lo fuimos entendiendo y abordando juntos con Juan y Manuel. Hay tiempos, ríos subterráneos, y la técnica es importantísima.

—¿Qué fue lo primero que se te vino a la cabeza ante el personaje de Annie y su historia?

—Me subyugó. Annie y el escritor, más allá del género y lo que propuso Stephen King, hablan de una problemática muy actual. No es solo la relación fan-ídolo, sino la salud mental, que puede atravesar a cualquiera: madre, esposa, hija, hermana. En este caso la relación es con su ídolo, pero para mí es importante hablar del descuido social, de la negación de la salud mental, de la esclavitud emocional. Nos conmueve mucho. Con Juana charlamos sobre todo esto y nos pega porque nos sentimos parte de una sociedad atravesada por estos temas. Ojalá la obra haga reflexionar, sobre todo a mi generación, que vivió la opresión, el encierro, la falta de libertad.

—¿Sentís que es una forma de llamar a la reflexión y poner temas que hoy en día tal vez no están tan presentes?

—Ojalá ese haya sido el motivo central de Stephen King, lo pienso yo. Creo que él buscó hacer terror psicológico, pero algo debió movilizarlo. En el montaje de Manuel y en los textos, me surge esa pregunta: ¿por qué quiso escribir esto? ¿Por qué exponer este tema en otra época? Está lleno de intrigas interesantes y eso me encanta.

—Cuando te metés en la psicología de Annie, ¿la ves más como villana o como víctima?

—A veces termino un ensayo y me pongo a llorar. Los chicos me cargan, pero no puedo creer que exista gente así, porque existe gente así.

—¿Te pasó alguna vez una situación similar, aunque sea en menor escala?

—Mucho más leve, pero sí. Tiene que ver con la cercanía que da la cámara o la pantalla. Una vez, en un locutorio, una señora me saludó como si me conociera. Me dijo: “Entrás a mi casa todas las noches”. Estaba haciendo Soy gitano. Fue una sorpresa y una conmoción, porque entendí que para ella yo era parte de su vida cotidiana. Por suerte, mis personajes han sido muy queridos y eso ayuda a que la gente también me quiera. Pero esa línea entre la ficción y la realidad es muy fina.

—¿Cómo manejás esa línea tan fina entre la ficción y la realidad?

—No sé si es solo separar la ficción de la realidad, sino entender que el actor tiene su ámbito laboral y su vida personal. En el caso de Annie, ella admira al escritor, se devoró sus novelas, pero en algún punto quiere que él sea suyo, y ahí se cruza una línea peligrosa. Además, él mata a su personaje favorito y para ella es algo personal. Cuando mataron a mi personaje en ATAV, en la calle me decían: “¿Cómo van a matar a la mamá?” A esta le pasa algo similar. Porque ella es fanática del escritor, pero sobre todo de ese personaje.

—¿Cómo construiste el personaje a nivel psicológico y corporal?

—Con un compañero como Juan y la guía del director uno puede trabajar con tranquilidad. Además, Manuel hizo la obra antes, la conoce y seguro se hizo muchas de las preguntas que nos hacemos ahora. Lo construí porque mi compañero me daba la derecha y porque el trabajo fue en equipo.

—¿Cómo fue reencontrarte con Juan? ¿Qué te aportó ese vínculo en escena?

—Nos conocimos en Soy gitano, donde tuvimos un duelo de bruja a diablo en cámara. Después compartimos Las alegres mujeres de Shakespeare y Las brujas de Salem. Tenemos un código de trabajo y nos llevamos muy bien. Eso es lo más importante.

—¿Te sorprendiste alguna vez en un ensayo haciendo algo que no esperabas?

—Al principio pensé que era un personaje trágico, pero descubrí que hay momentos de mucho humor. No es que busque ser graciosa, pero aparece y lo dejamos ser. Todavía no llegamos a la parte técnica más física, pero sé que me voy a encontrar con situaciones nuevas. Es muy corporal, muy intensa, y cada vez que termino un ensayo, termino agotada.

—En los últimos tiempos alternaste proyectos muy variados: MasterChef, Ellas son tango, Margarita… ¿Cómo encontrás el equilibrio entre personajes cálidos y uno tan disruptivo como Annie?

—Pensé que iba a poder hacer otras funciones mientras ensayaba, porque ahora vuelve Ellas son tango y tenía la posibilidad de hacer algunas funciones mientras ensayaba. Pero hoy te digo que no hubiera podido. Es de mucha demanda y está buenísimo. Pero primero dije: “Ay, yo hubiera querido ir a cantar”. Igual seguimos con las chicas conectadísimas.

Pero está bueno también eso, saber dónde desapegar tranquilo y soltar por algo nuevo que además me demanda mucho y está buenísimo. Y hablando del reality, tenemos un chat con los chicos y me decían: “Julia, avisá cuando Misery, te queremos”. Porque recibí la noticia estando en MasterChef. Me decían: “Boluda, eso es genial”. Walas me dijo: “¿No viste la película? Es tremenda”. Y cuando la leí por primera vez ya tenía todo el CD ese, y es tal cual me lo dijo Walas. Es tremendo.

—¿Te asustaste alguna vez por la exposición que genera mostrar tu vida personal en los medios?

—Sí. Recuerdo que una vez, para un programa en Israel, me pidieron un mensaje para un niño fan de Casi Ángeles. Cuando vi cómo mostraban mi casa, sentí que había expuesto de más mi espacio personal. Hoy soy mucho más cauta. Es muy común querer mostrarse más humano, pero la exposición tiene consecuencias. Todavía hoy me preguntan por el Martín Fierro que me robaron hace 25 años. A veces uno quiere contar una cosa y termina quedando marcada por otra.

—¿Sentís que mostrarte más cercana o más humana puede ser un arma de doble filo?

—Sí. En MasterChef era yo, no un personaje, y la gente en la calle me decía: “Cómo nos reímos con vos”. Pero muchas veces estaba llorando. Es una situación rara y difícil de manejar.

—¿Qué te dicen los fans que te haya quedado grabado y que tal vez uses en escena?

—Muchas cosas que me dicen los fans las uso. Cuando me dicen: “Ay, me muero”, yo les respondo: “No, no se muera”. Pero hay que entender que el personaje está atravesado por una salud mental frágil, y eso puede llevar a cualquier lado.

—¿Sentís que hay una responsabilidad social en cómo se abordan estos temas desde el arte?

—Sí, hay que cuidar mucho eso. Los que damos el material, ya sea el escritor o el actor, tenemos esa responsabilidad. Y también la sociedad. Hay que estar atentos, sobre todo con los jóvenes. Hoy en día, las familias, específicamente los padres, no tienen en quién sostenerse como en el pasado. A mí me sostuvieron mi mamá, mi papá y un póster de Robert Redford.

—¿Qué es lo que más te gusta del teatro hoy?

—La posibilidad de vivir una historia por un tiempo, de contar un cuento y de sentir cómo lo recibe el público. Me encanta el silencio, la expectativa, la risa, el llanto, pero sobre todo transitar la función. Ahora que estamos haciendo pasadas, todo el tejido de la obra aparece y siguen surgiendo cosas.

—¿Qué te gustaría que el público se lleve de la obra?

—Me gusta que el público reciba una historia y que le pase lo que le tenga que pasar. El mensaje de salud mental o cualquier otro estará en cada espectador, como lo estuvo en mí. Siempre me pregunto, junto a Juan, qué es lo que alimenta la locura del personaje. Hoy las redes achican la distancia entre el artista y el público, y eso puede resultar peligroso. Hay público que solo quiere escuchar historias y otros, como Annie, quieren comulgar con el otro. El trabajo de uno no permite que te invadan.

Crédito: RSFotos.

En una cabaña perdida entre la nieve, donde el silencio pesa tanto como el temor, Paul Sheldon despierta a un destino incierto. Afuera, la tormenta es paisaje; adentro, cada palabra escrita puede sellar su suerte. Sobre las tablas, esa tensión se traslada a la piel de Juan Gil Navarro, quien junto a Julia Calvo dará vida a los inolvidables protagonistas de Misery, la obra de Stephen King que desafía los límites entre la admiración y la obsesión. En exclusiva con Teleshow, el actor revela los secretos de un proyecto que lo saca de su zona de confort y lo enfrenta a un género pocas veces explorado en su carrera.

El encuentro tuvo lugar en el corazón de Villa Crespo, en una habitación luminosa y repleta de libros, pósters de obras y fotos. Como si el clima de encierro y desvelo de la ficción se filtrara en la vida real, Gil Navarro se mueve con la soltura de quien ha transitado escenarios y sets diversos: desde el drama intenso de Las brujas de Salem y Druk, hasta los desafíos corales de Votemos y los fenómenos televisivos que lo convirtieron en un rostro familiar para el público.

No se trata solo de protagonizar una historia de encierro, fijación y locura. El rol de Paul Sheldon lo enfrenta con dilemas que trascienden la ficción y lo invitan a reflexionar sobre los límites de la admiración, la salud mental y el poder de la palabra. Como si la atmósfera de la sala donde transcurre la entrevista, invadida de recuerdos, guiños teatrales y futuros posibles, fuera la antesala de la obra que en pocos días cobrará vida bajo las luces del Teatro Metropolitan, y nuevamente con la dirección Manuel González Gil, en la emblemática calle Corrientes, el próximo 18 de junio. Allí, el reconocido actor se prepara para provocar, inquietar y conmover a un público que busca mucho más que un simple sobresalto.

—¿Qué te sedujo en primer lugar para aceptar un proyecto tan desafiante y en un género como el terror psicológico?

—Justamente eso, el diferencial. El drama tiene sus reglas y la comedia tiene sus reglas. Esto, que es más suspenso y terror psicológico, también tiene una manera distinta de ensayar y de ejecutarse en el escenario. Requiere mucha precisión. Incorpora elementos muy fuertes para la narración, como la incidencia de la luz y la música, que en otros géneros pueden estar más o menos presentes, pero acá son decisivos.

—¿Habías leído alguna obra de Stephen King o visto la adaptación cinematográfica?

—No soy fanático del terror o del suspenso psicológico. En general me han gustado otros géneros. Recuerdo haber visto la película hace muchos años, cuando se estrenó. También recuerdo haber visto esta obra en 1999.

—¿Cuál fue el primer pensamiento que tuviste al ver tu personaje y leer sobre él?

—Siempre me pareció interesante la figura del escritor, como un testigo del mundo que habita, alguien que tiene algo para decir. Hay escritores con los que sentí una atracción por su pensamiento, más allá de lo que escribían. Es la primera vez que me toca contar la historia de un escritor. Además, el personaje es muy narcisista, un poco omnipotente al principio de la historia, hasta que se encuentra sujeto a algo en lo cual su omnipotencia no lo ayuda. Lo que lo va a ayudar es su ingenio, su sentido del humor y su ironía.

Un amigo me dijo hace poco: “Esto de alguna manera habla de la esclavitud, ¿no?”. No lo había pensado desde ese lugar, pero tiene que ver con lo que hacemos ahora, tanto mundial como localmente, para encontrar posturas y salidas frente a la estupidez, la locura y el maltrato. Eso fue lo que me sedujo.

—¿Cómo fue la construcción de tu personaje? ¿Investigaste sobre él o viste escenas de versiones anteriores?

—No quise ver nada. Si me tocara hacer Hamlet, tampoco vería nada del trabajo de otros. Me divierte mucho encontrar mi propia visión respecto a esto.

—¿Cuál fue el primer desafío que encontraste al encarar este personaje en los primeros ensayos?

—El desafío siempre es constante. No se diferencia de otro proceso. Todo parte de un caos y de algo muy general, y después se va ciñendo de a poco hasta que, por conveniencias y convenciones, uno va encontrando algo. Cuando ya tenés eso, pasas al escenario y otra vez todo se vuelve caótico y lo moldeas hasta llegar a un punto de partida, porque la obra siempre está viva y cada vez que se representa tiene matices. No es lo mismo ver la función número uno que la número cuarenta o la noventa. Siempre hay algo que va creciendo. El desafío es ese: producir un descubrimiento, llegar a un acuerdo y entender que todas las noches puede ser diferente, con más o menos matices.

—¿Cómo fue reencontrarte con Julia y con estos personajes tan fuertes?

—Conocí a Julia haciendo teatro en una obra que se llamaba Las alegres mujeres de Shakespeare hace muchos años. Luego trabajamos juntos en Soy gitano, en Las brujas de Salem y ahora aquí. Es un placer. Julia es una rockstar, una actriz con mucho trabajo hecho detrás. Tiene una mirada sobre el oficio que me encanta y respeto mucho. Comulgo con esa idea de tomarse muy en serio el trabajo, pero no a uno mismo.

—¿En algún momento durante los ensayos, más allá del vínculo entre ustedes, empezaste a sentir miedo por las interpretaciones?

—No, es un juego. Tengo muy claro que lo es y lo juego intensamente. Puede que alguien de afuera pregunte si estoy bien, pero es un truco de magia. El trabajo del actor es un truco de magia. La paloma no sufre cuando la agarra el mago; nadie sale lastimado y la gente ve cosas espantosas, pero es un truco.

—Has trabajado recientemente en En el barro y en Druk. ¿Qué tiene de distinto este proyecto que te hizo elegirlo?

—No me gusta repetirme. En este momento de mi vida, tengo una postura más vehemente respecto a varios temas y necesito encontrar cosas que acompañen esa visión. Antes me relajaba más con algunos proyectos, pero ahora busco que lo que hago esté en línea con lo que quiero contar y cómo quiero contarlo.

—En esta obra se tratan temas como la obsesión y la salud mental. ¿Sentís que puede ayudar al público a reflexionar sobre estos temas?

—No lo sé, honestamente. Lo único que sé es que nosotros podemos hacer algo y ponerlo en escena. Luego, depende de cada espectador y de su sensibilidad si quiere llevarse algo. Hay gente que se para frente a Guernica y no le pasa nada; depende mucho de cada uno. No es una pastilla salida de un laboratorio para que alguien la tome y diga: “Ahora me di cuenta de esto”. Espero que quien tenga ganas y se acerque a ver esto pueda, además de pasar un buen rato, pensar que la obra habla de otras cosas y que tenga una segunda lectura.

—¿Alguna vez viviste una situación en la que un fan se haya sobrepasado o hecho algo fuera de lugar?

—No, no me acuerdo. Siempre hay alguien que tiene alguna expectativa, pero en general he tenido suerte. Tampoco soy John Lennon para que alguien quiera matarme. O eso espero.

—¿Qué tiene el teatro para vos que lo diferencia de otros formatos y lo seguís eligiendo?

—El teatro tiene corazón. Todo bien con el cine y las series, pero las escenas en lo audiovisual son cada vez más flojas a nivel de diálogo. Crecí con una televisión donde había escenas de cuatro o cinco páginas, y eso se ha perdido bastante. Cada tanto lo encuentro en algo extranjero, como si en otros lugares se permitiera explorar más. Las cosas que suelo ver acá me parecen muy básicas.

—Y en la actualidad, ¿cómo te sentís con el hecho de que no existe la ficción en la televisión y todo pasa a plataformas o a este fenómeno conocido como “novelas verticales”?

—Es difícil. Cuando apareció el streaming, había cosas que superaban a la televisión. Luego, el streaming pasó a ser la televisión, pero no la buena televisión, sino la mala. Ahora llega el formato vertical. La velocidad le quita el sentido a las cosas. No es lo mismo mirar el paisaje a 50 kilómetros que a 250. Me pregunto dónde puede estar el sentido en tres minutos.

—Hoy se dice que la capacidad de atención se redujo por las redes sociales y los nuevos formatos. ¿Qué opinás?

—Eso se llama lobotomía en medicina. Es una lobotomía digital.

—Si te propusieran participar en un proyecto de ese tipo, ¿aceptarías?

—No, prefiero hacer teatro en una plaza con una alfombra. No por prejuicio, sino porque no es lo que quiero. Cuando el cine dejó de ser mudo, mucha gente resistió el cambio, pero aun así surgieron cosas interesantes. Esto me parece distinto, una consecuencia de la velocidad de los tiempos. No quiero ser cómplice de las lobotomías digitales.

—A lo largo de tu carrera hiciste miles de papeles y proyectos. Últimamente has estado muy activo y, al menos para nuestra generación, se te recuerda mucho por el Freezer de Floricienta. ¿Te molesta o intentás separarte de ese personaje para que la gente se fije en tus nuevos proyectos?

—No, porque cada uno ve lo que quiere ver. Yo no puedo convencer a nadie.

—¿Recordás con cariño ese personaje?

—Sí, claro. Sí, con cariño y con gratitud.

—Ahora que incursionás en el terror psicológico, ¿qué tiene este género que no tuvieron tus proyectos anteriores?

—En teatro es muy raro escenificar el suspenso. Las últimas dos obras que hice eran más comerciales, como Votemos o Druk, que iban por otra línea. Esto plantea otra cosa, no solo es entretenimiento. Votemos hablaba de la salud mental, Druk sobre lo que pasa cuando uno no dice lo que quiere y por qué se supone que uno necesita un poco de alcohol para animarse a vivir mejor. Esto plantea qué pasa cuando uno es rehén de la estupidez y la locura. La pregunta es qué hace uno para salir de esa situación.

—Si estuvieras en una situación similar, ¿qué harías o qué le aconsejarías a alguien que la viva?

—Probablemente haría lo mismo que hace este escritor: tratar de conservar la vida de la manera más ingeniosa posible y pensar que siempre hay una salida.

—¿Podrías adelantar algún proyecto en el que estés trabajando?

—Además de esto, terminé una serie que se llama Sanamente, que produce Adrián Suar y escribió Ariadna Asturzzi. Saldrá el año que viene por TNT. También, a fin de año o para febrero del próximo año, se estrenará una película, ópera prima de Nicolás Lanusse, llamada El refugio, que está excelentemente escrita. Cuenta la historia de un padre al que le matan el hijo y, en vez de vengarse, toma al asesino y trata de reincorporarlo, porque sabe que matarlo no lo ayuda a transitar el duelo. Me pareció fantástica esa visión.

—Si tuvieras que resumir Misery en una frase o palabra para invitar al público, ¿cuál sería?

—Había un actor, Alejandro Urdapilleta, que en una serie llamada Tumbero decía: “Si pensás, salís”. Esa frase la recordé mucho durante la pandemia y la anotaba cada mes en 2020: “Si pensás, salís”. Creo que es aplicable a Misery y a este momento. Si pensás, salís.

Crédito: RSFotos.

Todo ocurrió mientras Gamboa hablaba de la experiencia de tener a Suar como director y como su pasado como actor lo hace entender las dificultades que pueden encontrarse a lo largo de la interpretación, le consultó: “¿Vos actuaste alguna vez?“. Y sin dudarlo ni un segundo Mario, respondió: ”Sí, muy mal“.

Díaz le recordó su participación en Poliladron, la tira protagonizada por Adrián, sin embargo, Mario eligió hacer referencia a su paso por Floricienta, la novela que estrenó Cris Morena en el año 2004. Allí le tocó un papel pequeño, pero que en su momento no fue bien recibido por los pequeños espectadores.

“Hice de Dios en Floricienta“, recordó el presentador, lo que generó la sorpresa de sus invitadas, por lo que tuvo que explayarse un poco más en lo que fue su papel. “Iba por la calle y justo se había muerto el protagonista y yo era Dios que lo recibía”, detalló acerca del papel que tuvo que llevar adelante, vestido completamente de blanco y se encargó de darle el recorrido por el cielo al personaje de Juan Gil Navarro.

La muerte de Federico Fritzenwalden fue un golpe para los seguidores de la serie, que esperaban que termine junto a la Floricienta el personaje de Florencia Bertotti. Por eso, las niñas reaccionaban de la peor manera en su presencia: “Las chicas chiquititas me pateaban en la calle diciendo que tenía la culpa”.

“Siempre le agradecí a Cris el papel. Soy un chico Cris Morena”, cerró Pergolini, provocando las risas de las tres mujeres sentadas frente a él. 20 años pasaron de esta participación y el presentador aceptó que actuar no es para él y que no se sintió cómodo haciéndolo: “Lo veo y digo ‘Dios mío’. Me es muy difícil no ser yo, la verdad que lo que admiro en el artista es cuando puede prescindir tanto de él”, aseveró.

Es al día de hoy que muchos de los que crecieron viendo la novela de Morena no le perdonan haber matado al Frezeer. En agosto del año pasado, durante el Cris Morena Day, la productora finalmente confesó que no fue decisión de ella ponerle fin a la participación de Gil Navarro.

“¡Yo no lo maté! El señor actor lo confesó, por fin, que no podía seguir porque no sé qué le pasaba", recordó Cris acerca de lo que sucedió dos décadas atrás. Por otro lado, Gil Navarro también le puso fin al misterio y reveló que él tomó la decisión de dejar el éxito detrás para no quedar toda su carrera estigmatizado como “el príncipe”.

“Me daba vergüenza y me parecía estúpido esta idea de decir: ‘Hola, ¿qué tal? Soy el príncipe’. Me daba mucha vergüenza también salir vestido de celeste en el Gran Rex, parecía Ben Stiller", contó en De vuelta TV (América).

“Tenía 30 años cuando me fui. No les gustó nada, nada…me dijeron que nadie se bajaba de un éxito y que era un desagradecido”, confesó revelando la reacción del equipo de producción. A pesar de haber hecho tan solo una temporada, se convirtió en uno de los favoritos de la novela y hasta el día de hoy es recordado por su rol. Y también por aquellas niñas que veinte años después siguen llorando su muerte.

Este fin de semana La Noche de Mirtha y Almorzando con Juana reunirán a destacadas figuras del espectáculo, el periodismo y la actualidad en la tradicional pantalla de El Trece. El sábado a las 21.30, Mirtha Legrand abrirá su emblemática mesa, que mantiene su vigencia a lo largo de los años, convocando a invitados que aportarán variedad de miradas y experiencias. Por su parte, el domingo al mediodía, será el turno de Juana Viale, quien seguirá la costumbre familiar al frente del clásico ciclo de entrevistas y encuentro.

La reunión del sábado contará con presencias de peso y diferentes trayectorias. Raúl Lavié, cantante emblemático de la escena nacional y uno de los artistas con mayor reconocimiento en el tango, compartirá mesa con Silvia Fernández Barrio, periodista de extensa carrera y actualmente panelista en el programa de María Belén Ludueña. Entre quienes aportarán actualidad televisiva y renovación figura Jey Mammón, que retorna a la televisión tras un tiempo alejado de la pantalla, generando expectativa por sus próximos proyectos.

A este grupo se sumará el actor Juan Gil Navarro, recordado por numerosos papeles en televisión y teatro, y Rocío Marengo, quien atraviesa una etapa especial en su vida personal: espera a su primer hijo junto a Eduardo Fort y confesó que se enteró de la noticia en el programa de Juana. La elección de los invitados combina figuras de reconocida trayectoria artística y personalidades que actualmente se encuentran en el centro de atención mediática.

El domingo, Juana Viale se pondrá al frente de una nueva emisión de Almorzando con Juana en el clásico espacio del mediodía. En esta ocasión, recibirá a Mariano Martínez, actor con una sólida carrera en televisión y teatro, y a Marita Ballesteros, actriz distinguida por su versatilidad en diversos géneros dramáticos y comedias. Mica Riera, joven actriz que suma protagonismo gracias a sus trabajos recientes, también formará parte de la mesa, junto a Fernando Flaco Pailos, actor y músico de prominente actividad, especialmente en la provincia de Córdoba.

El panel del domingo incluirá además al Dr. Javier Baños, abogado reconocido por su labor dentro del equipo legal de Fernando Burlando y quien representó a Julieta Prandi en el juicio contra Claudio Contardi. Su presencia aportará una visión desde el ámbito jurídico y las cuestiones de actualidad que involucran al mundo del derecho y el espectáculo.

Durante el programa del sábado pasado, Lucía Galán estuvo como invitada y le dio a Mirtha detalles de su salud, luego de ser operada por un quiste premaligno en el páncreas. Durante la noche, Mirtha se mostró interesada en conocer el estado actual de integrante del dúo Pimpinela. Ante la pregunta de la anfitriona en el ciclo La noche de Mirtha, la cantante se sinceró: confirmó que ese episodio quedó atrás y que pudo retomar sin contratiempos tanto su vida personal como su carrera artística. “Hacía mucho que no hacía una fiesta pero después del año pasado, que fue bastante complicado para mi salud, me pareció que hay que celebrar la vida”, remarcó Lucía ante la atenta escucha de todos.

La respuesta conmovió especialmente a Chiquita, quien además aprovechó la oportunidad para contar que ambas comparten el mismo kinesiólogo. “Te repusiste muy bien”, la halagó la diva. Galán contó, a modo de balance, que “hace un año y dos meses que me operé en el Mater Dei. Entonces dije: ‘bueno, voy a celebrar’”.

Por esa razón, decidió festejar su cumpleaños número 64 de una manera especial. “Más que nada por eso, porque uno pasa por situaciones extremas y cree que siempre va a estar todo bien, y en un segundo la vida te cambia con una noticia”, compartió la artista.

El argumento de Nieve Roja se adentra en el thriller psicológico y la ciencia ficción, siguiendo a siete empleados seleccionados por un magnate billonario para participar en un misterioso programa en una base de última generación en la Antártida. Bajo la vigilancia de una inteligencia artificial llamada AGATHA, los protagonistas se ven envueltos en una dinámica de aislamiento y desconfianza, donde comienzan a desaparecer uno a uno en circunstancias cada vez más inquietantes. Lo que inicia como un experimento corporativo sobre calentamiento global, ecologismo y sostenibilidad, pronto se transforma en una lucha por la supervivencia, la identidad y el poder, mientras salen a la luz secretos sobre el origen y la conexión genética de los participantes, así como el verdadero propósito de la evaluación.

El elenco principal está encabezado por Nazareno Casero y Justina Bustos, acompañados por Juan Gil Navarro. El reparto se completa con Micaela Riera, Gastón Cocchiarale, Ariel Pérez De María y la participación especial de Alfredo Casero. Uno de los aspectos más destacados de la serie es el regreso a la actuación de Mariano Martínez, conocido por su trayectoria en telenovelas como “Son de Fierro”, “Valientes”, “Los únicos”, “Camino al amor” y “Esperanza mía”. Su incorporación a Nieve Roja marca un retorno significativo a la pantalla chica.

La dirección de la serie recae en David Bisbano, quien también firma el guion junto a Andrés Gelós y Natacha Caravia. La producción ejecutiva está a cargo de Diego Palacio y Nacho Viale, mientras que Lorena Bruquetas y Micaela Montero lideran la dirección y coordinación de producción, respectivamente. La dirección de fotografía corresponde a Pacho Geraghty. Este equipo técnico y artístico refuerza la apuesta de Flow y StoryLab por propuestas visuales innovadoras y narrativas complejas, consolidando una colaboración que ya ha dado lugar a varias coproducciones de éxito.

Durante una presentación, Palacios describió la serie como una combinación de la novela “Y no quedó ninguno” de Agatha Christie y el videojuego “Among Us”, situando la acción en una instalación tecnológica avanzada donde la camaradería inicial entre los participantes, motivada por la militancia ecologista, se ve abruptamente interrumpida por la desaparición de uno de ellos y el descubrimiento de un sabotaje en la central energética de la base. Siete perfectos extraños se ven así atrapados en una trama de sospechas, alianzas y traiciones, mientras la inteligencia artificial AGATHA supervisa cada uno de sus movimientos.

“Para Nieve Roja no viajamos a la Antártida”, aclaró Diego Palacios, director de contenidos de StoryLab, al referirse a la innovadora producción que, lejos de los paisajes helados reales, recurrió a la tecnología Virtual World Production y al motor Unreal Engine para recrear una base polar en estudio. Este enfoque técnico, desarrollado junto a la productora peruana Golem, permitió construir un entorno antártico hiperrealista sin abandonar Buenos Aires, marcando un hito en la forma en que la industria audiovisual argentina aborda los desafíos logísticos y creativos de las series de alto presupuesto.

Adaptada de la aclamada película danesa dirigida por Thomas Vinterberg, Druk (traducida en español como Otra Ronda) plantea una premisa provocadora: ¿puede el consumo controlado de alcohol mejorar la vida de las personas? La historia sigue a cuatro profesores de secundaria que deciden poner a prueba una teoría según la cual los seres humanos nacen con un déficit de 0,5% de alcohol en la sangre y que mantener ese nivel podría hacerlos más creativos, seguros y felices.

“El problema es cuando nos enamoramos del experimento y queremos ir más allá”, advierte Osqui Guzmán, señalando el punto de quiebre de la historia. Lo que comienza como un juego y una liberación, pronto se convierte en un desafío a los propios límites, con consecuencias inesperadas.

“Fue un proceso hermoso de trabajo”, dice Echarri sobre el montaje de la obra, que se estrena con la intención de generar debate en el público. “No es una apología del alcoholismo, sino una exploración sobre sus efectos en la vida de las personas”, expresa el actor.

La historia detrás de Druk

En el escenario, Pablo Echarri, Osqui Guzmán, Juan Gil Navarro y Carlos Portaluppi interpretan a cuatro profesores de secundaria. “Son cuatro amigos, compañeros de trabajo, que están apagados, con dificultades para abrirse. Y en una de esas charlas, uno de ellos trae la teoría de un filósofo noruego que dice que para vivir mejor hay que compensar ese déficit bebiendo”, explica Echarri sobre el punto de partida de la obra.

Al principio, el experimento parece dar resultados positivos. “Martín, mi personaje, tiene problemas en el colegio. Sus alumnos tienen miedo de que los aplace porque está amargado, huraño. Cuando empieza a probar la teoría, todo parece mejorar”, cuenta Echarri, quien encarna a un docente rígido y frustrado que, bajo el influjo del alcohol, comienza a conectar mejor con sus estudiantes.

Sin embargo, lo que empieza como una experiencia controlada pronto se descontrola. “Si con 0,5% de alcohol en sangre te sentís más valiente, más lúcido, entonces la tentación es seguir subiendo. Pero cuando cruzás la línea, las consecuencias no son las mismas”, advierte Osqui Guzmán, marcando el giro dramático de la historia.

Este punto es clave para el mensaje de la obra: “No es una apología del alcoholismo”, reitera Echarri, consciente de que la propuesta puede generar controversia. “Lo que plantea el autor es: tomemos un poco para ver qué sucede, para ver si recuperamos la musicalidad en nuestras vidas. Pero cuando el alcohol deja de ser un catalizador y se convierte en una solución a los problemas, ahí es donde todo se desmorona”.

“El teatro tiene eso maravilloso: nos permite explorar los límites de la experiencia humana en vivo, cara a cara con el espectador”, concluye Guzmán.

La relación entre el alcohol y el arte

A lo largo de la historia, el alcohol ha estado ligado a la creatividad, la inspiración y la expresión artística. Desde los poetas malditos hasta los grandes escritores y pintores, su influencia ha sido innegable. Osqui Guzmán, reflexionando sobre este vínculo, lo describe con pasión: “El arte y el alcohol van de la mano por su hermandad sagrada, por la propuesta de abrirnos a algo más grande”.

Para Guzmán, su relación con el alcohol tuvo una transformación personal. “Hasta los 21 años no tomaba nada. Ni cerveza, ni vino, nada. Tenía familiares con problemas de alcoholismo y me negaba a esa experiencia”, confiesa. Pero todo cambió cuando un amigo lo convenció de probar un whisky de alta calidad. “No te puedo explicar el nivel de revelación que sentí esa noche. Me sentía un poeta, con una agudeza en la conversación que nunca había experimentado”, recuerda el actor a Teleshow.

Esta percepción del alcohol como un medio para desbloquear la creatividad y la sensibilidad no es nueva. Grandes figuras como Edgar Allan Poe, Charles Bukowski y Ernest Hemingway hicieron de la bebida un compañero constante en su proceso creativo. “¿Si ellos bebían tanto, será que escribían mejor por eso?”, se pregunta Guzmán, planteando un dilema que atraviesa a muchos artistas.

Sin embargo, tanto Guzmán como Pablo Echarri coinciden en que el alcohol no puede ser una solución a los problemas personales. “El vino está presente desde el comienzo de la historia. Ha sido un catalizador de unión, de apertura de conciencia, de aflojar corazas”, sostiene Echarri, pero también advierte: “Si lo usás para resolver conflictos internos, ahí es donde se vuelve peligroso”.

La obra Druk juega precisamente con esa línea difusa entre el disfrute y el exceso, entre el descubrimiento y la autodestrucción. “Los personajes se enamoran de su experimento. Primero prueban, ven que funciona y, como en las grandes tragedias, se dejan arrastrar por la pasión”, explica Guzmán.

En ese sentido, la propuesta teatral no solo abre el debate sobre el consumo de alcohol, sino también sobre sus usos y significados en la sociedad. “Tomarse un vino con un amigo es como un ritual, una comunión”, dice Guzmán, pero aclara que eso no es lo mismo que depender de él para sentirse bien.

Finalmente, Echarri concluye con una observación contundente: “El problema es cuando el alcohol pasa de ser una herramienta de disfrute a un escape constante. Ahí deja de ser arte y se convierte en algo destructivo” afirma a Teleshow.

El trabajo en equipo en el escenario

Para Pablo Echarri y Osqui Guzmán, formar parte del elenco de Druk ha sido una experiencia tan enriquecedora como desafiante. Junto a Juan Gil Navarro y Carlos Portaluppi, han dado vida a cuatro personajes complejos, atravesados por crisis personales y la tentación de llevar un experimento hasta sus últimas consecuencias.

“Fue un proceso hermoso de trabajo”, confiesa Echarri, destacando la química entre los actores. “Nos conocíamos de antes, pero nunca habíamos compartido escenario los cuatro juntos. Fue un placer descubrirnos en la dinámica del teatro”.

Más allá del talento individual de cada actor, el éxito de la obra depende de la conexión entre ellos. “Sabemos qué clase de intérpretes somos porque nos hemos visto en el cine, en la televisión, en el teatro. Pero compartir escena es otra cosa. Es como una danza donde todos tenemos que estar sincronizados”, explica Guzmán.

El encargado de lograr esa cohesión fue el director Javier Daulte, quien también estuvo a cargo de la adaptación del guion. “Él es un constructor metódico. No solo arma la puesta en escena, sino que nos da herramientas a cada uno como actores para que encontremos los puntos más importantes de la historia”, cuenta Echarri.

Además del desafío interpretativo, la obra exigió un profundo entendimiento del tono y el ritmo narrativo. “La historia transcurre en un juego constante, con humor y ligereza, hasta que de golpe aparece el drama. Ahí el aire se corta y el peso de la historia cae sobre nosotros y sobre el público”, describe Pablo a Teleshow.

Ese equilibrio entre comedia y tragedia es clave para el impacto emocional de la obra. “Nos divertimos muchísimo arriba del escenario. Pero cuando llega el momento del quiebre, el silencio lo dice todo. Es la maravilla del teatro en su máxima expresión”, agrega Guzmán.

Más allá del montaje y la dirección, lo que destaca el elenco es la calidad humana del equipo. “Sabía que me iba a encontrar con tres grandes talentos, pero también con tres grandes personas. Eso hace que todo el proceso sea aún más especial”, concluye Echarri.

El impacto y la recepción del público

Desde su estreno en cine, Druk generó un intenso debate sobre los límites entre el consumo recreativo de alcohol y la dependencia. La versión teatral no es la excepción. “Cuando la película se estrenó, hubo quienes la vieron como una apología del alcoholismo. Pero si fuera así, la historia terminaría bien para los personajes. Y no es el caso”, advierte Osqui Guzmán, subrayando que la obra pone en evidencia las consecuencias de cruzar ciertos límites.

Para Pablo Echarri, la puesta en escena tiene la capacidad de interpelar al público de una manera única. “El teatro nos obliga a estar cara a cara con el espectador. No hay pantalla de por medio, no hay edición. La reacción de la gente es inmediata y eso lo vuelve un ejercicio de reflexión colectivo”, sostiene.

Uno de los aspectos más atractivos de la obra es su capacidad para generar identificación. “Todos, en algún momento, hemos sentido que nos falta algo, que nos cuesta conectar con la gente o con nuestras emociones. Y el alcohol, en muchas ocasiones, aparece como un atajo”, reflexiona Echarri.

Sin embargo, la obra deja claro que ese atajo no es una solución. “Los personajes descubren que, al principio, el alcohol los ayuda a soltarse, a ser más valientes. Pero cuando quieren más, cuando cruzan la línea, todo empieza a derrumbarse”, explica Guzmán.

El proceso de adaptación de la obra fue meticuloso y contó con la supervisión de los creadores originales. “Javier Daulte hizo una versión muy personal y libre del guion, pero siempre respetando la esencia de la historia. Enviamos la adaptación a la oficina de Thomas Vinterberg, quien dio su aprobación”, detalla Echarri.

Con una propuesta tan potente y provocadora, el elenco espera que Druk no solo entretenga, sino que también genere conversaciones. “El teatro tiene la capacidad de hacernos reír y, al mismo tiempo, dejarnos pensando. Y esta obra logra justamente eso”, concluye Guzmán.

La adaptación de Druk al lenguaje teatral

Javier Daulte explica a Teleshow que “La adaptación teatral de Druk es otro espectáculo, pero conserva su espíritu” El director y dramaturgo argentino se enfrentó al desafío de trasladar al teatro una historia que, en su versión cinematográfica, recorría múltiples locaciones y situaciones, algo que en escena debía resolverse con un enfoque completamente distinto.“No es que concentramos todo en una sala de profesores, sino que el espacio va mutando, recorriendo distintos lugares. La obra no intenta copiar a la película, sino que se convierte en otra cosa”, explica el director.

Para el director, una de las claves de esta adaptación fue encontrar el equilibrio entre la picardía inicial de la historia y la profundidad emocional de sus personajes. “Empieza con esta teoría un poco disparatada, pero después los personajes van enfrentándose a sus propios demonios. Es una obra sobre la crisis de los 50, sobre el intento de recuperar algo que creen haber perdido”, señala.

La primera idea fue reducir el número de personajes y convertir al público en parte activa de la obra, como si fueran los alumnos de los profesores protagonistas. Sin embargo, esa versión inicial fue evolucionando hasta encontrar su propia identidad. “La adaptación no se limita a concentrar a los cuatro profesores en una sala de profesores o algo por el estilo”, explica Javier Daulte. “La puesta en escena muta constantemente, nos movemos por distintos espacios, y eso le da un ritmo muy distinto a lo que suele ser una obra de teatro convencional”.

El espíritu de la historia sin intentar replicar la película de manera literal. “Es otro espectáculo. Hay muchas diferencias, pero la esencia sigue ahí. Conserva ese tono que empieza con una picardía, con esta supuesta teoría del déficit de alcohol en sangre, pero después los personajes se sumergen en sus propios tormentos, enfrentándose a sus demonios”, relata a Teleshow.“El teatro tiene sus propias reglas y su propia magia”, reflexiona el dramaturgo Daulte. “No se trata de imitar lo que el cine puede hacer, sino de encontrar la manera teatral de contar la misma historia con otros recursos”.

La teoría del déficit de alcohol y la crisis de los 50

“La obra empieza en un tono casi lúdico, como un experimento: qué pasaría si uno pudiera mejorar su vida manteniendo siempre un nivel de alcohol en sangre. Pero después, esos personajes empiezan a enfrentarse a sus propios demonios. Se sumergen en sus propios tormentos”, explica Daulte. Esos cuatro profesores que en un principio buscan recuperar la chispa de sus vidas, terminan transitando un camino que los confronta con sus propias crisis personales.

El director enfatiza que el montaje teatral de Druk pone el foco en el momento vital de estos hombres: “Comparten una franja etaria importante, porque estamos hablando de la crisis de los 50”. Para Daulte, esa etapa de la vida ofrece una complejidad única. “Es ese momento en que uno empieza a preguntarse qué quedó atrás y qué queda por delante. Los personajes buscan recuperar algo que sienten perdido, pero el camino que eligen es peligroso, porque lo que está en juego es mucho más profundo de lo que parece al principio”.

Desde la dirección, Daulte trabajó en subrayar esa transición que va del entusiasmo inicial al derrumbe emocional. La obra plantea un recorrido emocional de ida y vuelta, donde los protagonistas exploran sus límites y se enfrentan a las consecuencias. “Es una historia sobre la amistad, sobre los vínculos, pero también sobre cómo cada uno enfrenta su propio vacío”, resume.

La elección del elenco: cuatro tonos distintos

Desde el principio, Javier Daulte supo que la elección del elenco sería fundamental para que la obra tuviera el impacto emocional necesario. “Nos importaba mucho que fueran actores muy distintos entre sí, que cada uno aportara una tonalidad particular. Creo que eso es lo que logramos”, asegura. Aunque los personajes comparten una franja etaria y atraviesan una crisis similar, cada uno lo hace desde un lugar único, y esa diversidad debía reflejarse en los intérpretes.

El primero en sumarse al proyecto fue Pablo Echarri, cuyo entusiasmo inicial impulsó el resto del proceso. “Pablo fue la primera persona en mostrar interés por la obra, y a partir de ahí empezamos a pensar en el resto del elenco”, recuerda Daulte. Luego llegó Carlos Portaluppi, y finalmente se incorporaron Juan Gil Navarro y Osqui Guzmán, completando un cuarteto con personalidades y estilos bien marcados.

El proceso de selección fue largo y minucioso. “Fue un trabajo de sentarse, pensar, analizar qué combinación de actores podía funcionar mejor. Nos interesaba que hubiera un contraste entre ellos, que no fueran cuatro versiones de lo mismo, sino que cada uno trajera algo diferente a la mesa”, explica el director.

La construcción del vínculo entre los actores

Más allá del talento individual de cada integrante del elenco, Javier Daulte sabía que uno de los mayores desafíos de la puesta en escena de Druk sería construir una relación de fraternidad creíble entre los cuatro protagonistas. En la historia, los personajes han compartido años de amistad, experiencias y frustraciones, pero en la realidad, los actores no tenían un vínculo previo tan estrecho. “Entre ellos se conocían, pero no es que eran amigos de toda la vida. Algunos habían coincidido trabajando, otros apenas se habían cruzado en un hall de teatro”, cuenta Daulte.

La clave estuvo en el proceso de ensayos, “una parte importante del trabajo fue crear ese lazo desde la nada. Teníamos que encontrar la manera de que esa química surgiera naturalmente, que el público realmente creyera que estos personajes han estado juntos durante décadas” explica el director.

“No todos los actores llegan al resultado por el mismo camino ni en el mismo tiempo. Parte del desafío era respetar esos procesos individuales y, al mismo tiempo, lograr que la armonía del grupo nunca se rompiera”, reflexiona. Con el correr de los ensayos, el equipo fue encontrando su equilibrio, hasta que la conexión entre los actores trascendió el escenario. “Se dio una armonía impresionante. Es un placer ir cada noche al teatro o haber estado cada tarde en los ensayos. Cuando eso sucede, cuando el trabajo se convierte en disfrute, se nota en el escenario”.