Fue una de las figuras más influyentes y complejas de la cultura estadounidense. La madrugada del 25 de diciembre de 2006, el “Padrino del Soul” moría a los 73 años en el Emory Crawford Long Hospital de Atlanta debido a una neumonía, según la información de su agente a los medios estadounidenses.

La importancia de James Brown en la sociedad estadounidense trasciende su extraordinario aporte musical. A partir de los años 60, se convirtió en un referente del activismo afroamericano. El día posterior al asesinato de Martin Luther King Jr., Brown ofreció un concierto televisado en Boston, un gesto que fue decisivo para evitar disturbios en la ciudad. Ese mismo año, con la grabación de “Say It Loud – I’m Black and I’m Proud” (Decilo en voz alta, soy negro y estoy orgulloso), selló su condición de portavoz del orgullo negro y la lucha por los derechos civiles, en un contexto de segregación racial y violencia creciente.

La vida de Brown no se caracterizó por ser pacífica, sino más bien turbulenta a raíz de una infancia muy difícil. Su muerte no fue distinta: desencadenó una serie de disputas legales y familiares en torno a la herencia y el destino de su legado, que incluyó la creación de una fundación destinada a beneficiar a niños desfavorecidos y la administración de sus derechos musicales. El testamento, cuya apertura resultó sorpresiva para su entorno, excluyó a varios de sus hijos y a su última pareja, Tomi Rae Hynie, provocando una batalla judicial que persiste en la memoria pública, según Augusta Chronicle y The New York Times.

Su labor artística fue reconocida tanto por el Salón de la Fama del Rock and Roll como por la industria, que le concedió el premio Grammy honorífico a la trayectoria en 1992. En sus últimas apariciones, como la ceremonia en Alexandra Palace en Londres un mes antes de su muerte, Brown recibió homenajes que ratificaron su estatus de gran estrella de la música.

Los primeros años de vida de James Brown transcurrieron en condiciones de extrema pobreza en una zona boscosa a las afueras de Barnwell, Carolina del Sur. Nacido el 3 de mayo de 1933 en el seno de una familia sin recursos, Brown llegó al mundo en una choza de madera de una sola habitación, sin agua, electricidad ni ventanas. Su madre Susie tenía apenas 16 años cuando dio a luz. Su padre era un trabajador que solía viajar. El niño fue abandonado por sus padres antes de cumplir los cinco años. Fue entonces cuando su papá lo dejó en Augusta, Georgia, donde quedó bajo la tutela de su tía Honey (Miel). Esta mujer regentaba un hotel precario que funcionaba simultáneamente como prostíbulo y sala de juego clandestino.

La vivienda albergaba a numerosos niños de la familia, todos ellos inmersos en un ambiente de alcohol, drogas y prostitución, escenario que marcó profundamente la niñez del músico y condicionó sus perspectivas de futuro. Desde pequeño, debió ganarse la vida: trabajó como limpiabotas, jornalero en campos de algodón y hasta llegó a invitar a soldados a la casa para que consumieran los servicios de las prostitutas. La falta de recursos lo obligó a abandonar la escuela a los 12 años, por no disponer de ropa adecuada. En la calle, comenzó a involucrarse en actividades delictivas que lo llevaron a ser arrestado y enviado a un reformatorio juvenil cuando tenía 16.

En medio de ese contexto de abandono paterno y hostilidad, la música se transformó en su refugio. Encontró consuelo en los cantos de gospel en la iglesia y, de manera autodidacta, aprendió a tocar el piano, la guitarra y la armónica desde los siete años. A pesar de las adversidades, su innato amor por la música resultó fundamental para su supervivencia y su posterior proyección artística.

El ascenso de Brown en el universo musical estadounidense comenzó tras su liberación del reformatorio, cuando el músico Bobby Byrd lo invitó a unirse a su banda de gospel, que más tarde adoptaría el nombre de The Famous Flames. El grupo debutó en 1955 con el sencillo “Please, Please, Please”, una balada marcada por la repetición de la súplica y la poderosa interpretación vocal de Brown, que alcanzó el número 6 en las listas de R&B y vendió un millón de copias. Ese éxito le aseguró un contrato con el sello King/Federal y marcó el inicio de una carrera fundamental para el soul y el rhythm & blues.

A fines de los años 50 y durante la década siguiente, la estrella consolidó su posición mediante giras incesantes y conciertos en vivo reconocidos por su energía desbordante y una coreografía original, marcada por movimientos electrizantes, saltos, aperturas de piernas, pasos de gran equilibrista. Un showman absoluto.

La grabación de “Live at the Apollo” en 1962, costeada por el propio Brown, fue uno de los primeros grandes álbumes en vivo en convertirse en fenómeno comercial y un hito que reflejó tanto su visión artística como su apuesta por la innovación. Este disco, junto con éxitos como “Try Me”, “Night Train”, “I Got You (I Feel Good)” y “Papa’s Got a Brand New Bag”, consolidó su reputación como pionero del funk, estilo que él mismo definió al desplazar el énfasis de la melodía hacia el ritmo y que influyó decisivamente en la dirección futura de la música negra en Estados Unidos.

La experimentación rítmica alcanzó su máxima expresión en composiciones como “Cold Sweat” y “Sex Machine”, donde el uso de síncopas, líneas de bajo musculosas y la marcación del downbeat se convirtieron en rasgos distintivos del funk como género autónomo. La irrupción de The J.B.’s, banda formada tras la separación de Brown de The Famous Flames, permitió explorar aún más los límites de este lenguaje musical y contribuyó, junto con la colaboración de músicos como Bootsy Collins, Fred Wesley y Maceo Parker, a la gestación de un sonido que tendría un eco duradero en el rap, el disco y el hip-hop.

Mick Jagger, Michael Jackson y David Bowie, declararon públicamente su admiración y la inspiración tomada de su arte. Mick Jagger, por ejemplo, confesó a la revista Rolling Stone y a Time haber adoptado movimientos escénicos de Brown en sus primeros años con los Rolling Stones.

Su apodo de “el hombre más trabajador del mundo del espectáculo” y los reconocimientos institucionales sellaron una carrera marcada por la innovación incesante y la capacidad de reinventar la música popular.

Una vida turbulenta

La vida de James Brown estuvo atravesada por relaciones conflictivas y episodios de violencia, que dejaron en evidencia la complejidad de una figura que, puertas adentro, tuvo problemas tan notorios como sus triunfos en público.

Varios de sus matrimonios terminaron en escándalo y demandas; su hija Yamma Brown relató en el libro Cold Sweat: My Father James Brown and Me los episodios de maltrato físico y psicológico hacia su madre, Deirdre Jenkin, segunda esposa del cantante. También se registraron denuncias y acusaciones de violencia por parte de otras parejas, entre ellas Adrienne Rodríguez y Tomi Rae Hynie, con quienes mantuvo vínculos marcados por el conflicto. Entre 1987 y 1995, Brown fue arrestado en cuatro ocasiones por cargos relacionados a violencia doméstica, y en 2004 fue sancionado económicamente por la justicia

La controversia no se limitó a su vida de pareja. En 1988, Jacque Hollander lo denunció por violación a punta de pistola durante un viaje por ruta; aunque la demanda fue desestimada por prescripción, el caso volvió a la escena pública años después, volviendo a ensombrecer su trayectoria. Además de los problemas personales, la carrera de Brown acumuló episodios de consumo de drogas, tenencia ilícita de armas, fraude fiscal y repetidas estancias en prisión, incluida una condena de seis años en 1988 de la que salió en 1991. Dos de sus hijas llegaron a demandarlo por el uso de letras compuestas en la infancia en conjunto, y los conflictos por la herencia tras su muerte reavivaron las tensiones familiares.

Tras el fallecimiento de James Brown, la lectura de su testamento desató una batalla legal y mediática que puso de manifiesto las profundas divisiones entre sus herederos y allegados. Brown había creado en el año 2000 una fundación para administrar tanto los derechos de sus composiciones, como “Sex Machine” y “Please, Please, Please”, como su propiedad de casi 25 hectáreas en Beech Island, cerca de Augusta, Georgia. El documento, cuya apertura sorprendió al entorno familiar, destinó la mayor parte de su millonaria herencia a un hogar para niños, mientras que los seis hijos adultos solo recibieron objetos personales, como prendas de vestir, joyas y vehículos.

La exclusión de Tomi Rae Hynie, su última pareja, y de su hijo menor, James Brown II, de cinco años, profundizó las tensiones y motivó que todos los miembros de la familia se enfrentaran públicamente, según lo reportado por Augusta Chronicle y la agencia DPA.

Los hijos solicitaron la intervención de la justicia para reemplazar a los administradores de la herencia, acusándolos de mala gestión y presuntos desvíos de fondos. Albert Dallas, abogado de Brown y uno de los encargados de la fundación, defendió el cumplimiento de la voluntad del artista en declaraciones a The New York Times, al tiempo que recordó la relación distante que Brown mantuvo con parte de su descendencia.

La prolongada disputa impidió la sepultura del cuerpo de Brown durante más de dos meses, mientras se resolvían diferencias entre los herederos y se debatía el destino definitivo de su legado. Paralelamente, Tomi Rae Hynie y otros familiares continuaron su lucha en los tribunales por el reconocimiento de derechos sucesorios y por una mayor participación en la administración del patrimonio artístico y material del músico.

En los años posteriores a su muerte, la figura de James Brown fue objeto de un renovado interés a través de documentales y producciones audiovisuales que buscaron arrojar luz sobre facetas desconocidas de su vida. Mick Jagger y Ahmir “Questlove” Thompson produjeron la serie documental “James Brown: Say It Loud”, estrenada en A&E Network, en la que participaron también descendientes del artista. Jagger, líder de los Rolling Stones, describió en declaraciones a Time cómo Brown lo inspiró desde el comienzo de su carrera, reconociendo la influencia artística y escénica que mantuvo con el “Padrino del Soul”. El documental explora tanto el ascenso meteórico del cantante como las contradicciones y desafíos que marcaron su vida privada y pública, incluyendo la difícil relación con sus hijos, quienes relatan en la serie: “Durante una época, no me gustó mi padre”.

El influjo de James Brown trasciende géneros y generaciones: su música fue una de las más sampleadas de la historia, y su figura sigue siendo referencia ineludible para el funk, el soul, el rap y la cultura popular.

La historia de la música está tejida de encuentros, descubrimientos y admiraciones inesperadas. Uno de los capítulos menos conocidos del desarrollo de los Rolling Stones involucra la influencia decisiva de un artista estadounidense cuya propuesta musical y energía escénica cambiaron para siempre la manera en que las bandas británicas concibieron el rock.

Mick Jagger, voz líder de la banda, reveló en una entrevista con Time cómo la música de James Brown llevó a los Rolling Stones a explorar nuevos ritmos e incorporar una energía distinta en sus presentaciones, lo que redefinió su estilo y fue clave para su evolución y la de sus contemporáneos.

El álbum que cambió la perspectiva de los Rolling Stones

Antes de que los Rolling Stones viajaran a Estados Unidos por primera vez, había un disco fundamental en la escena británica.

Según relató Jagger, “todos teníamos el álbum Live at the Apollo. Ese fue el gran álbum antes de que los Rolling Stones llegaran a Estados Unidos. Era uno de mis favoritos, y su música era diferente a la que yo tocaba en ese entonces, que era principalmente blues y rock al estilo de Chicago“. La obra a la que se refiere es Live at the Apollo, lanzada por James Brown, el legendario “Padrino del Soul”.

La diferencia entre el repertorio original de los Rolling Stones y la propuesta de Brown fue radical. Mientras la banda británica basaba su sonido en el blues y el rock clásico de Chicago, la interpretación vibrante de Brown y su dominio del soul representaban un universo musical completamente distinto para los jóvenes músicos ingleses.

Jagger aclaró que la presencia de este álbum en la vida de los Stones sirvió como puerta de entrada a nuevas ideas, matices rítmicos y una potencia escénica singular que hasta ese momento era inusual en Europa.

De admirador a aprendiz: cómo impactó Brown en una generación

La admiración de Jagger por James Brown pasó del gusto a la formación. El líder de los Rolling Stones remarcó, siempre en diálogo con Time, que la influencia del artista estadounidense se extendió mucho más allá de su banda: “Casi todos los artistas de hip-hop reconocen su influencia en su música. Bruno Mars incluye en sus presentaciones en vivo secciones muy influenciadas por James. Y también artistas como yo. Yo no tocaba mucho ese tipo de música, la verdad, pero influyó en todas las bandas de rock que conozco".

El fenómeno se expandió al punto de que el álbum Live at the Apollo se transformó, según palabras de Jagger, en una referencia ineludible para cualquier músico británico o estadounidense que quisiera explorar nuevos géneros y desafiar límites sonoros.

La forma en que James Brown conjugaba técnica vocal, grooves potentes y una presencia escénica inconfundible, motivó a los Stones y a otros grupos de la llamada “invasión británica” a reinterpretar sus propios shows en vivo y grabaciones de estudio, integrando elementos del soul y el funk.

Influencia transversal: del soul al hip-hop y al pop global

La estela de James Brown no quedó confinada al circuito del soul o el funk. Según la visión de Jagger ante Time, la impronta del Padrino del Soul se extiende hasta los géneros urbanos más recientes.

Tal como señaló el líder de la banda britanica, artistas como Bruno Mars han incorporado explícitamente fragmentos inspirados en Brown dentro de sus actuaciones. Incluso en bandas que al principio no tenían relación con ese género, como los propios Rolling Stones, esa influencia terminó impregnando su música.

Hoy, el legado de Brown puede sentirse en la forma en que los músicos diseñan sus espectáculos en vivo, experimentan con la base rítmica y buscan romper esquemas tradicionales. Músicos de generaciones posteriores, incluidos productores de hip-hop y figuras del pop internacional, admiten el peso transformador del artista estadounidense.

Un nombre clave entre generaciones de músicos

Las declaraciones de Mick Jagger para Time demuestran que la huella de James Brown ha sido transversal y duradera; y no se resume a un solo disco o personalidad artística, sino que fue clave en la modificación del curso de la música popular mundial.

La obra de Brown, especialmente a partir de Live at the Apollo, sigue siendo citada como fuente de innovación tanto por figuras del rock clásico como por los exponentes contemporáneos del panorama musical.

De esta manera, el músico estadounidense se consolida, según Jagger, como el verdadero puente entre generaciones y estilos, mostrando que la creatividad y el atrevimiento artístico pueden cambiar no solo el destino de una banda, sino de toda una cultura musical.

Mick Jagger es reconocido mundialmente por su estilo inconfundible y su capacidad para dominar el escenario. Sus movimientos eléctricos y su presencia magnética han influido en generaciones de músicos y públicos por igual. Sin embargo, detrás de esa energía y expresividad, existe una inspiración fundamental que el propio cantante nunca ocultó.

La leyenda del rock, y líder de los Rolling Stones, confesó quién fue su verdadera musa para gestar su particular forma de bailar: el inigualable James Brown.

El encuentro con una leyenda: la huella de James Brown

El episodio que marcó a Jagger para siempre tuvo lugar durante The T.A.M.I. Show, un histórico concierto celebrado en el Auditorio Cívico de Santa Mónica en octubre de 1964. El evento reunió a iconos como Marvin Gaye, Chuck Berry, The Supremes y, por supuesto, los Rolling Stones. No obstante, quien robó todas las miradas fue James Brown, considerado uno de los mayores showmen de la historia de la música.

Gene Simmons, bajista de Kiss, recordó ese impactante momento en una entrevista citada por IndieHoy: “Los Stones estaban cerrando el concierto y mientras James Brown estaba en el escenario, había un primer plano de Mick Jagger observándolo y mordiéndose las uñas. Él la estaba rompiendo, como nadie que haya visto antes. Era asombroso cómo se movía, cómo contorsionaba su cuerpo”.

Aquella noche, unos estudiantes de una escuela secundaria local tuvieron el privilegio de asistir en vivo y gratuita a un espectáculo irrepetible. Pero para Jagger, el descubrimiento iba más allá del show: era la oportunidad de encontrar un estilo propio, tomando prestada la energía única de Brown.

Confesiones en primera persona sobre la gran influencia

A lo largo de su carrera, Mick Jagger nunca rehuyó hablar sobre sus referencias artísticas y cómo moldearon su desempeño escénico. En una entrevista concedida a la revista Rolling Stone en 1995, el cantante británico fue especialmente claro sobre cómo James Brown lo transformó: “Solía aspirar a ser como él [James Brown] en su manera de moverse, así que copié mucho de sus pasos en los primeros años. […] Ya no los hago actualmente”.

Estas palabras confirman que el líder de los Stones consideraba a Brown mucho más que un contemporáneo: fue un modelo a seguir, especialmente durante sus primeros años como intérprete. En diálogo con Time, Jagger amplió aún más su confesión: “Copié todos sus movimientos. Solía hacer su deslizamiento a través del escenario. No podía abrirme de piernas, así que ni lo intenté.” Esta sinceridad humaniza al ícono y revela que su estilo, aunque hoy parezca original e instintivo, fue minuciosamente estudiado y aprendido a partir de referentes precisos.

Revolución sobre el escenario y legado para futuras generaciones

El impacto de James Brown en Jagger no solo se tradujo en movimientos, sino en una filosofía de actuación. Para el cantante de los Rolling Stones, verlo significó comprender que la música, en vivo, debía vivirse con todo el cuerpo. La teatralidad, la comunicación con el público y la capacidad de electrizar el ambiente se transformaron en marcas registradas de cada show.

Aquella influencia no solo enriqueció su propia propuesta, sino que también inspiró a innumerables artistas que llegarían después. Jagger se convirtió así en un eslabón fundamental en la cadena de la historia del rock y el pop: desde Bowie hasta Michael Jackson, decenas de figuras han citado la combinación de audacia y expresividad del artista británico como referencia ineludible.

Jagger, Brown y la alquimia de la autenticidad

Si algo destaca en la autobiografía musical de Mick Jagger, es su reconocimiento abierto a los ídolos que lo precedieron. Su confesión sobre la influencia de James Brown, evidencia que, incluso en el pináculo del éxito, los artistas siguen aprendiendo y nutriéndose del talento de otros.

Actualmente, aquellos movimientos que nacieron de la observación atenta y la búsqueda de identidad han trascendido el tiempo. La figura de Jagger, tan salvaje como elegante sobre el escenario, es ya un símbolo de autenticidad y reinvención.

Se trataba de Bad, uno de los grandes éxitos de Michael Jackson, que en un principio fue concebido como un dueto con Prince. Sin embargo, diferencias artísticas y personales impidieron que este encuentro se materializara.

Cuando Jackson comenzó a trabajar en ella, su intención era contar con Prince como colaborador en la canción. La propuesta parecía ideal: dos de los artistas más influyentes del momento unidos en un tema que prometía ser un éxito. Sin embargo, Prince rechazó la idea.

Prince y los motivos detrás de su “no”

En una entrevista con Chris Rock en 1997, Prince explicó que no se sentía cómodo con la letra de la canción, en especial con la primera línea: “Your butt is mine” (Tu trasero es mío). Según el artista, esta frase generaba confusión sobre quién se la cantaba a quién: “Porque seguro no me lo estás cantando a mí y seguro no te lo estoy cantando a ti”, comentó con ironía.

Pero más allá de las cuestiones líricas, existía una razón aún más profunda para su negativa. Según Susannah Melvoin, miembro de la banda de Prince y su exprometida, el músico no solo no aceptó la colaboración, sino que grabó su propia versión de Bad con los arreglos que consideraba adecuados y se la envió a Jackson. Este gesto no fue bien recibido, y el proyecto en conjunto se descartó.

El resultado final fue que Bad se lanzó como un tema en solitario de Jackson y se convirtió en uno de los mayores éxitos de su carrera. Sin embargo, la historia detrás de esta fallida colaboración dejó en evidencia la compleja relación entre ambos artistas.

La rivalidad entre ambos

Más allá de la fallida colaboración, la relación entre Prince y Michael Jackson estuvo marcada por la rivalidad. Aunque ambos eran genios musicales, tenían personalidades muy diferentes y no siempre se llevaron bien.

La tensión entre ellos tuvo su origen en 1983, cuando participaron en un concierto de James Brown. Durante el evento, Brown invitó a Jackson al escenario, quien deslumbró al público con su característico moonwalk. Luego, llegó el turno de Prince, que intentó superar la actuación de Jackson con un solo de guitarra y un movimiento escénico arriesgado. Sin embargo, su presentación no salió como esperaba: perdió el equilibrio y cayó del escenario, arrastrando una lámpara en el proceso.

A partir de ese momento, comenzaron a circular rumores sobre la enemistad entre ambos. Uno de los más llamativos aseguraba que Prince intentó atropellar a Jackson con su limusina. Aunque la veracidad de esta historia es cuestionable, el productor Quincy Jones la mencionó en una entrevista con GQ, lo que alimentó aún más el mito de la rivalidad.

En su autobiografía Moonwalker, MJ también hizo comentarios críticos sobre su colega. En un fragmento, afirmó: “No me gusta ser comparado con Prince. He probado mi valor desde muy pequeño, no es justo”. Reflejando que, al menos desde la perspectiva de Jackson, la relación entre ambos estaba lejos de ser cordial.

Su enfrentamiento más recordado

Uno de los últimos episodios que alimentaron la narrativa de la rivalidad ocurrió en 2006. Según el periodista Steve Knopper de Rolling Stone, Will.I.Am de The Black Eyed Peas llevó a Jackson a un show de Prince en Las Vegas. Durante la presentación, Prince, al notar la presencia de Jackson entre el público, decidió interactuar directamente con él de una forma poco amistosa.

En un momento del espectáculo, Prince se acercó al sector donde estaba Jackson y comenzó a tocar el bajo de forma agresiva justo frente a él, “en lo que algunos interpretaron como un gesto desafiante”. Aunque Jackson no respondió públicamente a esta provocación, el incidente fue visto como una muestra de la tensión no resuelta entre ambos artistas.

Dos trayectorias que dejaron huella en la música

A pesar de su relación conflictiva, Prince y Michael Jackson dejaron una marca imborrable en la historia de la música. Mientras Jackson redefinió el pop con su capacidad para fusionar géneros y su dominio del espectáculo, Prince se destacó por su virtuosismo instrumental y su enfoque innovador en la producción musical.

Si bien Bad fue un éxito sin la participación de Prince, muchos seguidores han imaginado cómo habría sido la canción si la colaboración se hubiera concretado. La unión de dos artistas de semejante calibre podría haber generado un momento único en la historia del pop.

Al final, aunque nunca trabajaron juntos, la comparación entre ambos se mantuvo a lo largo de sus carreras. Su legado sigue vivo, y las historias sobre su rivalidad continúan alimentando el mito de dos de los músicos más influyentes del siglo XX.

En la suite presidencial del Hotel del Prado en Reforma, James Brown abrió la puerta en la madrugada del viernes 26 de marzo de 1976. Ese día, el icónico músico fue entrevistado por dos jóvenes periodistas de alrededor de 20 años.

Durante esta sesión, James Brown reveló diferentes aspectos como su fe en Dios y sus ideales que se ven reflejados en muchos temas; también mencionó que su principal intención en la música era levantar el ánimo de las personas aunque sufrieran la discriminación predominante en Estados Unidos.

De acuerdo con la nota del periodista Roberto Ponce, la oportunidad del encuentro con el “Rey del Funk” se presentó cuando llegó a México para dar tres presentaciones que se realizarían en el mismo hotel debido a que “las autoridades no habían permitido ni un concierto en el Auditorio Nacional”.

La entrevista al “Rey del Funk”

Los responsables de la entrevista fueron Roberto Diego Ortega y Roberto Ponce, quienes iban acompañados por David Ricardo como fotógrafo. Con esta sesión de preguntas al cantante hicieron dos notas, la primera fue titulada “Entrevista al gran James Brown” y la segunda fue “James Brown, Roberto D. Ortega y yo”.

Ponce trabajaba para la revista “Yo”, misma que era dirigida por Vicente Ortega Colunga, padre de Roberto Diego Ortega que era el jefe de redacción de esa publicación “para hombres”.

De acuerdo con la nota de Roberto Ponce, Roberto Diego, su amigo, era unos días menor y estudiaba en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM, su gusto por la música lo motivó a unirse a él para entrevistar juntos a Guadalupe Trigo y después lo acompañó aquella noche para conocer a una de las estrellas más importantes de la música: James Brown.

Aunque el cantante titubeó un poco al ver que más de una persona había llegado a su habitación, al final aceptó y les permitió realizar la entrevista.

Según lo señalado por Ponce, el afamado músico fue contratado por el empresario René León y sus tres presentaciones serían junto a “Los JB’s”, que era el grupo musical con el que siempre ofrecía conciertos, contaba con la participación de un cuerpo de baile y también estaría presente el saxofonista “Maceo Parker”, conocido por trabajar con el grupo Parliament-Funkadelic en la década de 1970 y más recientemente con Prince.

Ponce realizó la entrevista en inglés, tradujo a sus compañeros lo que decía el cantante y abarcó temas diferentes que iban desde sus gustos musicales hasta las creencias, pasatiempos o la motivación que lo llevó a escribir “Di fuerte: soy negro y estoy orgulloso”.

“Debes recordar que Estados Unidos estaba dividida por cuestiones racistas por discriminación contra los ‘negros’ sobre todo en el sur, y por ello, en lugar de cantar algo para lamentar nuestras desdichas sociales y de color, decidí gritar algo que levantara el ánimo, para hacernos sentir nuestro orgullo por ser ‘negro’ y ya ves, ahora los negros no tenemos que preocuparnos por tomar el sol. Tenemos la piel bronceada todo el año chicanos y ‘negros’” dijo el rey del funk a Ponce.

Luego de que le preguntara si consideraba que la música era un buen medio para expresar ideas políticas, el cantante de funk y soul mencionó que al decirle a la gente lo que pasa al mismo tiempo que se le entretiene, “las palabras comienzan a llegar a su mente, empiezan a vivirlas”.

También dijo que su lucha era la misma que la de los chicanos, por lo que los consideraba sus hermanos y señaló que necesitaba existir unión para conseguir un poder político importante con el que pudieran votar por quienes desearan.

“Si encumbramos a alguno de los nuestros, de nuestra raza, él puede comprendernos mejor que los blancos”, afirmó durante la entrevista.

El galardón que recibió James Brown

Además de considerar la música como una herramienta para mejorar la vida de las comunidades afroamericanas e hispanas, James Brown fue reconocido por reducir las tensiones raciales luego del asesinato de Martin Luther King enfocándose en la paz y la justicia social.

Este acto hizo que el presidente Lyndon B. Johnson lo condecorara con la medalla al mérito humanista y el cantante mencionó al periodista: “yo entendí a mis hermanos y hermanas negros mejor de lo que ellos se entendían a sí mismos. El camino está en la mente, no en la violencia. Después del asesinato de Luther King los negros comenzaron a exaltarse pero yo sé que la violencia sólo aleja aquello que uno desea conseguir y fue por eso que monté varios shows musicales en la televisión”.

Con esto, la música se convirtió en una herramienta con la que James Brown hacía bailar a la gente, transmitía sus ideales y a su vez reivindicaba algunos actos de su país, pues en palabras del propio artista “Estados Unidos no siempre tiene la razón pero es mi país así que nunca voy a tener miedo de manifestar cuando se equivoca. Prefiero morir de pie que vivir de rodillas.”

El lado violento que opacó su brillo

James Brown tuvo múltiples episodios que empañaron su carrera como acusaciones por violencia familiar, abuso e incluso violación.

De acuerdo con una nota del diario El País, en la década de 1980 recibió denuncias por violencia familiar de parte de su tercera esposa llamada Adrianne Rodriguez, quien hizo que lo arrestaran en múltiples ocasiones entre 1986 y 1995, cuando fue internada, luego de que el cantante la golpeara con un caño y le disparara a su auto mientras herida se alejaba de casa.

En 1998, Mary Simmons alegó que Brown la mantuvo cautiva durante tres días, Lisa Rushton, quien perdió su trabajo en el coro por no aceptar las demandas sexuales del cantante, y Lisa Agbalaya presentaron denuncias por intentos de abuso sexual y acoso laboral, pero los tres casos fueron desestimados.

Tomi Rae Hynie, su última esposa, también lo denunció en 2004 por empujarla y golpearla. Aunque el cantante admitió haberla agredido, nunca cumplió condena alguna por estos actos y tiempo después, su hija Yamma Brown escribiría el libro “Cold Sweat: My Father James Brown and Me” (Escalofrío: Mi padre James Brown y yo), donde habla de la violencia que ejerció sobre su madre.

En 2005, la publicista Jacque Hollander acusó a James Brown de haberla violado a punta de escopeta en 1988, pero su denuncia también fue desestimada y justificaron esta acción como ilegítima porque ya había transcurrido mucho tiempo desde el incidente