Luego de la visita de Meryl Streep y Anne Hathaway a México, protagonistas de ‘El diablo viste a la moda 2′, las principales cadenas de cine anunciaron la fecha en que arrancará la preventa de boletos en nuestro país.

Como parte de la promoción de esta segunda entrega del filme, las actrices visitaron México el pasado lunes 30 de marzo para ofrecer eventos y pasarelas en relación al filme que se estrena próximamente.

La presencia de las ganadoras del Premio Oscar causó mucha emoción entre los fans de las actrices, así como de los que esperan la película en las salas de cine en México.

Cabe destacar que el estreno de ‘El diablo viste a la moda 2′ está programado para este jueves 30 de abril de 2026.

Antes de su lanzamiento oficial en todo México y luego de la visita de Meryl Streep y Anne Hathaway, los principales complejos cinematográficos en el país anunciaron la fecha oficial en que comenzará la preventa de boletos de segunda parte de la historia de Miranda Presley y Andrea Sachs.

Fecha oficial de preventa de boletos en cines de México para el ‘El diablo viste a la moda 2’

De acuerdo con lo indicado por las principales cadenas de cine en México, la preventa de boletos para ‘El diablo viste a la moda 2′ será el jueves 9 de abril.

Desde las 00:00 horas de la fecha mencionada anteriormente, arrancará la preventa de boletos para que el público que así lo decida sea el primero en ver la segunda parte de este filme de comedia.

Fue el pasado miércoles 1 de abril cuando los complejos de cines en México revelaron la fecha oficial en que arrancará la preventa de boletos.

Es importante checar los horarios y días para que todas las personas que decidan verla en pantalla grande no se confundan y pierdan su lugar apartado.

Hasta el momento no se han dado a conocer más detalles del inicio de preventa de boletos, es decir, si será lanzada en diferentes formatos como VIP, IMAX, entre otros más.

Es importante estar al pendiente de las cadenas de cine y sus sitios oficiales en México para saber si habrá un cambio de fecha para el inicio de la preventa de boletos.

Visita de Meryl Streep y Anne Hathaway en CDMX para promocionar El diablo viste a la moda 2

Meryl Streep y Anne Hathaway visitaron la Ciudad de México para promocionar ‘El diablo viste a la moda 2′, cuya gira internacional inició en la capital mexicana.

• Durante su estadía, recorrieron la Casa Azul de Frida Kahlo y el Museo Anahuacalli, destacando la conexión entre arte, moda y cultura mexicana.
• Ambas participaron en una pasarela con diseñadores locales y realizaron encuentros con medios, donde Streep celebró el liderazgo femenino y la elección de una presidenta en México.
• Hathaway agradeció la calidez del público y la inspiración que brinda México para la creatividad y el cine.

El punto de partida fue la emisión de una parodia dentro del segmento ‘Gato Encerrado’, donde Cristorata fue incluido como parte del contenido humorístico del programa. La recreación no pasó desapercibida para la audiencia digital, especialmente porque el streamer es una figura activa en plataformas en línea, donde mantiene una relación directa con sus seguidores. A partir de ello, se construyó una narrativa en la que el joven aparentemente habría reaccionado con incomodidad ante su representación televisiva.

¿Fue un sketch?

En ese contexto, el propio Cristorata hizo su aparición en el set de JB Noticias, en lo que parecía ser un reclamo directo hacia Jorge Benavides. Durante el desarrollo del sketch, se planteó que el streamer había dado un ultimátum de “14 horas” para que el comediante se rectificara por la parodia emitida. La escena fue presentada con un tono de tensión inicial, generando expectativa entre los televidentes sobre la reacción del humorista frente a esta exigencia.

Al tomar la palabra, Jorge Benavides respondió con su característico estilo frontal y sarcástico, dejando en claro su postura dentro del espacio humorístico.

“Yo le digo una cosa con sinceridad, yo Jorge Benavides Gastelo no me voy a rectificar. Acá el joven debería agradecerme de rodillas que yo lo haya incluido en una de mis parodias”, expresó, marcando distancia frente a cualquier posibilidad de disculpa. Sus declaraciones no solo reforzaron el tono del sketch, sino que también evidenciaron la línea editorial del programa, donde la sátira y la exageración forman parte esencial del contenido.

Lejos de suavizar su respuesta, el comediante añadió un comentario que elevó aún más el tono humorístico del segmento. “A mí me causa mucha gracia que un mocoso, que ahí parece un piraña, me esté dando 14 horas (para rectificarme). Cuando vi el video, no he dejado de parar de reírme una semana”, señaló, provocando reacciones diversas entre la audiencia, que oscilaban entre la risa y la sorpresa.

A medida que avanzaba el sketch, la tensión aparente se mantenía como eje narrativo, llevando a muchos a preguntarse si realmente se produciría una disculpa pública por parte del conductor del programa. La escena parecía encaminada a un desenlace en el que Jorge Benavides reconsideraría su posición, alimentando la expectativa de quienes seguían atentos el desarrollo del segmento.

Sin embargo, el giro final cambió por completo la percepción del público. En los últimos minutos, se reveló que toda la situación formaba parte de un recurso humorístico: la supuesta disculpa no era real, sino que correspondía a un sueño de Cristorata dentro del sketch. Este recurso narrativo dejó en evidencia que el conflicto nunca existió en términos reales, sino que fue construido como parte del guion para generar impacto y entretenimiento.

Scary Movie 6 está causando muchas impresiones y reacciones entre sus fans, desde el anuncio de que habría una nueva cinta, luego de varios años de espera para una entrega de la saga de estos filmes.

Desde el estreno de Scream VII en México, se reveló el tráiler oficial de esta cinta de comedia y, desde finales de febrero, se han dado a conocer diferentes avances, detalles y posters oficiales de esta cinta.

Este miércoles 25 de marzo, Paramount Pictures México reveló un nuevo póster de la sexta entrega de esta cinta, que ironiza a los filmes de terror contemporáneos.

En el póster se pueden apreciar a personajes que vuelven a esta nueva entrega y cintas que serán parodiadas como: Terrifier, Megan, Scream V y VI, así como series: El juego del calamar y Merlina.

El regreso de los Wayans (Marlon, Shawn y Keenen Ivory) como guionistas y productores marca el retorno del equipo original, junto con actores como Anna Faris, Regina Hall y Marlon Wayans, quienes retoman sus papeles clásicos.

La película contará con cameos y personajes recurrentes de la saga, manteniendo el estilo irreverente y paródico que caracteriza a la franquicia.

¿De qué trata la saga de ‘Scary Movie’?

La saga de Scary Movie es una serie de películas de comedia y parodia que se burla de los principales clichés y escenas icónicas del cine de terror, suspenso y, en las entregas posteriores, también de otros géneros populares. La franquicia comenzó en el año 2000 y cuenta con cinco películas.

En cada entrega, la saga utiliza una trama central inspirada en alguna película de terror famosa, combinando elementos de otras películas y eventos culturales del momento.

Los personajes principales suelen encontrarse en situaciones absurdas y exageradas, enfrentando a asesinos enmascarados, fenómenos paranormales o catástrofes ficticias. El humor se basa en la parodia, las referencias directas a escenas conocidas, los chistes visuales y el absurdo.

A lo largo de las películas, la saga parodia títulos como Scream, El aro, La maldición, Señales, El exorcista, Saw, Actividad Paranormal, Matrix y Misión Imposible, entre otros. Los personajes suelen ser recurrentes, aunque la historia y el contexto cambian en cada entrega.

Scary Movie es reconocida por su estilo irreverente y su capacidad para mezclar distintos géneros en una sola película, manteniendo siempre el enfoque en la comedia y la crítica a los tópicos del cine comercial.

¿De qué tratará ‘Scary Movie 6′?

Scary Movie 6 es la nueva entrega de la saga de comedia y parodia que se estrenará el jueves 4 de junio de 2026.

En esta película, el grupo de amigos encabezado por Cindy Campbell y Brenda Meeks se reúne después de muchos años, cuando el mismo asesino enmascarado de la primera cinta vuelve a aparecer y los enfrenta a una serie de situaciones absurdas y terroríficas.

La trama combina elementos y referencias de las películas de terror más populares de los últimos años, como Get Out, Scream V, Scream VI, Longlegs, M3GAN, Smile, Halloween (2018) y Terrifier 3, entre otras.

Al igual que en las entregas anteriores, la película utiliza el humor absurdo, los chistes visuales y las parodias para burlarse de los clichés del cine de terror y de la cultura pop actual.

Para este proyecto, Gurry reunió un elenco explosivo con Sean Penn, Susan Sarandon y Matthew Fox y una trama que se mueve entre el absurdo, la crítica social y el humor más filoso. En seis episodios vertiginosos, la serie plantea un interrogante que resuena en la industria: qué sucede cuando la viralidad y el espectáculo se cruzan con la política y el caos de los conflictos internacionales. El estreno de la producción marca un nuevo capítulo en la carrera de Gurry y la llegada de la ficción australiana a las pantallas latinas.

En entrevista con este medio, Gurry cuenta que parte de su entusiasmo por el estreno en Argentina y la región tiene que ver con su propia vida cotidiana. “Hay muchísimos argentinos en Bondi Beach, donde vivo. Todos los domingos, los brasileños y los argentinos tocan tambores y hacen música. Cada domingo a la tarde hay miles y miles de personas bailando, pasándola increíble. Es una parte muy especial de la cultura de Bondi. En Australia vivimos en una sociedad muy multicultural. Poder hacer una serie y compartirla con esas culturas, y tratar de devolverles un poco de nuestra magia, es una experiencia especial para mí”, asegura.

Consultado sobre cómo logró equilibrar temas tan densos como la guerra y la viralización con el humor, Gurry explica: “Mi filosofía personal siempre fue que, como seres humanos, tratamos de encontrar el humor dentro de la oscuridad en la vida real. Algunos de los momentos más graciosos que viví, y más ridículos, fueron en reuniones después de funerales. El funeral es muy triste en la iglesia, todos lloran, están angustiados. Y después vas al encuentro posterior y la gente empieza a beber, especialmente en Australia, seguro también en Argentina, y al final de la noche todo es una locura. Todos cuentan historias divertidísimas sobre la persona que murió”. Para él, la serie “no se trata tanto de equilibrar oscuridad y luz, sino de fusionarlas en una misma situación. El equilibrio es más como una receta: poner la cantidad justa de cada cosa y lograr que todo sea una sola”.

Cabe destacar que la historia sigue a cuatro soldados australianos enviados a una misión secreta en un país devastado por la guerra. Un error de identificación lo cambia todo: son capturados al ser confundidos con soldados estadounidenses, y el video de su secuestro se vuelve viral. Así, pasan de ser combatientes anónimos a celebridades internacionales, obligados a lidiar no solo con la incertidumbre y el encierro, sino también con el escrutinio global, la manipulación mediática y las consecuencias de una fama tan inesperada como peligrosa.

“El humor”, admite, “es mucho más que un recurso: es un remedio y una herramienta para atravesar el caos del mundo actual. Especialmente en este momento, donde parece que todo se está incendiando, creo que necesitamos encontrar el humor y la risa entre nosotros. Siento que las redes sociales tienen un poder corrosivo que genera indignación en mucha gente, pero yo tengo muchos grupos de mensajes y chats privados en Instagram donde solo nos mandamos cosas graciosas con mis amigos. No hablamos de nada serio. Creo que ese es el pegamento que nos une: nos gusta la gente que se ríe de las mismas cosas que nosotros. Así que tengo la esperanza de que el lunes en Argentina se rían de las mismas cosas que nosotros en Australia”, dice, con una sonrisa,

Sobre el origen de la serie, Gurry reconoce que nació de sus años como actor cerca de grandes estrellas y de su fascinación por el fenómeno de la fama. “Durante unos 20 años, como actor, estuve cerca de personas muy famosas. Tuve la suerte de hacer Edge of Tomorrow con Tom Cruise, un pequeño papel con Brad Pitt, y hace muchos años trabajé en Buffalo Soldiers con Joaquin Phoenix. Y al estar cerca, vi cómo el mundo reacciona ante ellas, tanto en la vida real como en su vida como celebridades. Sentí que tenía una mirada única, muy afortunada, sobre la fama en su punto más intenso. Pensé que era una historia que podía contar, una perspectiva propia por haber estado expuesto a ese entorno”. A eso se sumó el recuerdo de los mineros chilenos atrapados: “Vi a uno de ellos en el programa de David Letterman semanas después del rescate. Todo el mundo estaba mirando. Era un momento terrible para ellos, pero el mundo lo vivía como un espectáculo”.

El espíritu de MASH, la serie sobre médicos en la guerra de Corea, también fue una gran inspiración. “Crecí viéndola en Australia. A mis padres les encantaba. Siempre pensé que la manera en que llevaban el humor a un contexto de guerra era increíble. Los episodios que más me gustaban eran los que tenían emoción y vulnerabilidad. MASH probablemente fue la inspiración principal para CAUGHT”, cuenta.

Si tuviera que definir la serie en una palabra para el público argentino, Gurry elige una expresión bien australiana: “bonkers”. “Significa completamente desquiciado, ridículo, absurdo, no sabés qué va a pasar después, caótico. Siempre usé ‘bonkers’ para describir CAUGHT”, resume.

A lo largo de sus seis episodios, CAUGHT despliega una trama donde el absurdo y la crítica social se dan la mano. El primer episodio muestra a los soldados secuestrados llegando a un acuerdo con sus captores para grabar los videos de rehenes más elaborados del mundo. A partir de ahí, la historia escala en viralidad, con la intervención de una periodista desacreditada, mercenarios, intentos de cancelación y hasta la aparición de Sean Penn interpretándose a sí mismo.

El elenco internacional, que incluye a figuras como Penn, Sarandon, Fox y Travis Fimmel, es uno de los grandes atractivos de la serie. Para Gurry, trabajar con ellos fue “un privilegio y una oportunidad para aprender de los mejores”, y destaca que la química en el set ayudó a empujar la serie a un nivel de delirio y creatividad único.

El desembarco de CAUGHT en AMC Latinoamérica no solo expande el alcance de la ficción australiana, sino que inaugura una nueva etapa en la carrera de Gurry. La serie promete conquistar al público argentino con una mezcla de humor negro, sátira política, estrellas internacionales y una crítica feroz a la cultura de la viralidad. Frente a un mundo cada vez más caótico y polarizado, Gurry apuesta por la risa y la reflexión como antídotos y, sobre todo, como un recordatorio de que, aun en los momentos más oscuros, la comedia puede ser el mejor refugio.

Durante su intervención en el programa 'La Revuelta', Grison compartió detalles sobre los motivos personales y fiscales que impulsaron su decisión de casarse, desatando reacciones de sorpresa y humor entre los asistentes. De acuerdo con información publicada por el medio que cubrió el programa, el músico anunció sin aviso previo que contraerá matrimonio al día siguiente, lo que tomó desprevenido tanto al presentador David Broncano como al público congregado en el Teatro Príncipe Gran Vía de Madrid.

El medio detalló que Grison, conocido por su discreción sobre asuntos privados, reveló su inminente boda en la emisión de este martes 17 de marzo. "Mañana me caso", afirmó frente a las cámaras, lo que generó una respuesta inmediata del presentador, quien evidenció su sorpresa ante la espontaneidad del anuncio. David Broncano, amigo cercano de Grison y conductor del programa, señaló que desconocía completamente los planes de boda, pese a la relación que mantienen desde hace años. “¿Pero estás diciendo la verdad? Que contigo nunca sé si estás en serio”, preguntó Broncano, recibiendo como respuesta una mezcla de bromas y sinceridad por parte del músico, quien señaló que, aunque lo decía en tono humorístico, la razón del anuncio era que le habrían mencionado la posibilidad de unos días de baja laboral. “No lo iba a contar, pero me han dicho que me corresponden 15 días de baja. Es broma, pero casi te lo estoy diciendo medio en serio”, respondió Grison, según consignó el medio.

La atención se centró entonces en los motivos que impulsaron a Grison a formalizar su relación tras más de dos décadas junto a su pareja, Raquel, con quien tiene dos hijos en común. Ante la pregunta de Broncano sobre por qué decidió dar ese paso en ese momento, el músico respondió durante el programa: “Me caso por amor… y también un poquito por Hacienda. Paso muchas horas en la carretera. Hay riesgos, si me pasa algo…”, frase que generó risas entre los presentes.

En medio de la conversación, Grison añadió: “Después de tres hijos es lo que toca”, lo que generó sorpresa en Broncano, ya que es conocida públicamente la existencia de solo dos hijos en la familia. Ante la confusión, el músico aclaró que considera a su perro también como un hijo, despejando así la duda sobre la cantidad de descendientes. A raíz de preguntas sobre la posibilidad de aumentar la familia, Grison lanzó una broma en la que involucró al presentador: “Si tú me das el dinero, puedo tener cinco o seis”, provocando el aplauso del público presente, de acuerdo con lo reportado por el medio.

Según publicó el medio, Grison ha mencionado en otras ocasiones, como en el podcast ‘Tómatelo con vino’, su preferencia por mantener aspectos familiares fuera del espacio público. En esa oportunidad, el músico indicó que prefiere mantenerse alejado de los focos cuando se trata de su vida íntima: “No me gusta enseñar mi vida. Ni mis hijos ni mi mujer lo quieren, y yo tampoco quiero que estén ellos ahí. A nadie le importa. Llevo una vida muy normal”.

El anuncio de la boda, por tanto, no solo generó sorpresa entre los asistentes y el presentador, sino que también supuso una excepción en la postura discreta de Grison con respecto a su privacidad y la de su entorno. Durante la emisión, la mezcla de motivos personales y consideraciones fiscales para formalizar su unión quedó en evidencia a través de sus declaraciones, sumando elementos de humor y cercanía en una confesión que rompió con la tónica habitual del músico.

¿Quién no ha repetido en voz alta el “no, no, no… bueno, sí” de Homer Simpson o el famoso “tenemos” de Bugs Bunny? Los memes se han convertido en una forma habitual de comunicación entre los jóvenes, del mismo modo que los stickers o los emoticonos. De hecho, muchos de esos memes terminan transformándose en stickers que circulan por aplicaciones de mensajería, mientras que algunas frases nacidas en internet acaban integrándose en el lenguaje cotidiano.

Este tipo de humor ha ido evolucionando con el paso de los años. Muchos recuerdan fenómenos virales como el mítico “ola k ase”, las imágenes de la web Desmotivaciones o los memes de Cuánto Cabrón. Aunque algunos de estos formatos parecen haber quedado en el recuerdo, aunque el humor digital sigue siendo una forma de comunicación muy presente. Con el objetivo de estudiarlo y conservarlo, la Universidad de Granada ha puesto en marcha un archivo digital que recopila más de mil memes en español.

Este corpus, denominado Humnet, ha sido diseñado y creado por Doina Repede, profesora del Departamento de Lengua Española de la Universidad de Granada. La plataforma reúne una amplia variedad de formatos humorísticos, como memes, desmotivaciones, chistes o publicaciones humorísticas en redes sociales. Estos contenidos pueden presentarse en distintos formatos, como imágenes, GIF, vídeos o textos. El material procede de diversas redes sociales y plataformas de vídeo, entre ellas X (antes Twitter), Instagram, Facebook, Reddit, Tumblr, Bluesky y YouTube.

El archivo abarca un periodo de más de 25 años, desde el año 2000 hasta la actualidad, e incluye ejemplos procedentes de más de veinte países, tanto de España como de Hispanoamérica. Su objetivo es permitir a investigadores y a cualquier persona interesada analizar la evolución del humor en español en internet. La plataforma, de acceso gratuito, reúne más de un millar de muestras de contenido humorístico. Además, este proyecto comenzó en enero de 2026 y ofrece una herramienta inédita para comprender cómo se construye el humor y cómo es la comunicación en la era digital.

La base de datos está diseñada para facilitar la consulta. El contenido puede buscarse mediante distintos criterios, como el tipo de muestra (meme, chiste, etc.), el formato (vídeo, imagen…), la plataforma de difusión, la temática, el país de origen o el año de publicación. Cada una de las más de mil muestras incluye el archivo original, un código identificador y diversos metadatos sobre su procedencia.

Según las estadísticas del archivo, el corpus reúne 1.012 muestras, de las cuales 930 son memes. En cuanto a su procedencia, España concentra el 27,3% del material, seguida de México con 14,6%. Por años, 2025 es el periodo con mayor número de ejemplos, con un 12%, seguido de 2024, con un 11%. No obstante, también existen registros anteriores, con muestras de 2004 y 2007, y desde 2010 hay contenido correspondiente a todos los años hasta la actualidad.

Un estudio del humor

Una de las principales novedades de Humnet es la incorporación de un diccionario integrado. Esta herramienta recoge y explica expresiones coloquiales, modismos regionales y términos propios del argot de internet presentes en las muestras. Según explican, el objetivo es facilitar la comprensión de los contenidos, especialmente para investigadores o lectores que no estén familiarizados con determinadas jergas o variedades dialectales del español.

Humnet se integra en una iniciativa académica más amplia dedicada a documentar y estudiar el humor en todas sus manifestaciones. Junto a este archivo se encuentran Humcor, un corpus que recoge 125 años de humor oral en las distintas variedades del español de España, Hispanoamérica y Guinea Ecuatorial, y Humtext, que reúne muestras de humor publicadas en textos escritos desde 1495 hasta la actualidad.

John Franklin Candy nació el 31 de octubre de 1950 en el seno de una familia trabajadora de Ontario, Canadá. Durante su juventud se destacó como un excelente jugador de fútbol americano. Por aquel entonces, mantenía la esperanza de continuar practicando ese deporte a nivel universitario. Sin embargo, una temprana lesión sufrida en la rodilla truncó de manera definitiva sus aspiraciones atléticas, obligándolo a buscar un nuevo rumbo.

Tras aquel revés, tomó la decisión de matricularse en el Centennial College con la intención de estudiar periodismo. A pesar de ese intento, su vocación emergió de manera irrefrenable cuando, en 1972, fue aceptado como integrante de la compañía de comedia de improvisación Second City de Toronto.

Su talento rindió frutos rápidamente. Para 1977 ya se desempeñaba como intérprete habitual y guionista del programa televisivo SCTV. El éxito fue tan rotundo que la compañía lo envió a Chicago, Estados Unidos, para entrenar oficialmente con las figuras más consagradas del ambiente teatral.

Para 1981, el ciclo logró dar un enorme salto al conseguir un codiciado espacio en la programación nocturna de la cadena estadounidense NBC. Durante esa etapa televisiva, Candy brilló creando personajes inolvidables como el presentador Johnny LaRue y el maestro del cine de terror, el doctor Tongue; además de realizar aclamadas imitaciones de personalidades como Orson Welles, Julia Child y Luciano Pavarotti. Demostró que era bueno para eso, lo que le valió ganar dos premios Emmy por su labor como guionista en los años 1981 y 1982.

Mientras aún formaba parte del elenco estable de SCTV, el comediante comenzó a incursionar en el ámbito cinematográfico con pequeñas pero destacadas participaciones en largometrajes, como el recluta inadaptado en Stripes junto a Bill Murray, sumado a roles en la comedia bélica 1941, dirigida por Steven Spielberg, y en la taquillera The Blues Brothers junto a John Belushi y Dan Aykroyd.

Tras abandonar definitivamente el ciclo televisivo en 1983 para abocarse de manera exclusiva al cine, inició su camino hacia el estrellato internacional con su participación en la película Splash, al año siguiente. En ese exitoso film, dirigido por Ron Howard, interpretó al despreciable hermano del personaje protagónico encarnado por Tom Hanks. Logró un éxito rotundo que lo posicionó como una estrella de la pantalla grande, a pesar de actuar luego en producciones que fueron fracasos de recaudación como Brewster’s Millions, Summer Rental y Armed and Dangerous.

Su carrera en los cines experimentó un vigoroso resurgimiento comercial en 1987 gracias a la popular comedia Planes, Trains & Automobiles, en la que compartió el cartel principal con Steve Martin, sumado a una breve pero muy memorable aparición en la parodia galáctica Spaceballs, del director Mel Brooks. En los años subsiguientes Candy cosechó grandes éxitos de audiencia protagonizando la comedia Uncle Buck, del director John Hughes, en 1989 y participando en un rol menor en el absoluto fenómeno global Home Alone (Mi pobre angelito) en 1990.

Aunque su imponente físico y generosa estatura lo encasillaban habitualmente en roles orientados a papales cómicos, tuvo la oportunidad de demostrar su versatilidad actoral al asumir un atípico papel protagónico de carácter romántico en Only the Lonely, junto a Maureen O’Hara y Ally Sheedy. Y también al encarnar un pequeño papel estrictamente dramático en el tenso thriller político JFK, del cineasta Oliver Stone. Candy disfrutó de una última gran ola de éxito mundial de recaudación con Cool Runnings en 1993. Un año más tarde moriría.

El sorpresivo final de Candy, a la temprana edad de 43 años, estuvo signado desde su infancia por un profundo sentido de fatalismo biológico. Su padre había fallecido súbitamente a causa de un ataque cardíaco a los 35, un hecho traumático ocurrido cuando el actor apenas tenía cinco años. Esa desoladora pérdida familiar, sumada a los graves antecedentes coronarios que también padecía su hermano mayor, instaló en su mente la convicción de que su destino final estaba trágicamente sellado.

El aclamado director Carl Reiner, quien lo dirigió en la película Summer Rental (1985), relató que el comediante sentía que portaba una verdadera “espada de Damocles” en su genética. Según Reiner, Candy creía que, sin importar lo que hiciera, el desenlace fatal era ineludible.

Su cuñado, Frank Hober, y su hijo Christopher confirmaron posteriormente ese agudo miedo a una falla coronaria que acompañó siempre a Candy. Ambos aseguraron que este temor letal estaba presente en los pensamientos de la familia y del propio comediante, a pesar de sus esfuerzos por contratar entrenadores personales e intentar dietas para cuidar su salud.

A lo largo de su vida, el actor batalló silenciosamente contra una severa ansiedad y crueles ataques de pánico crónicos. Para lograr lidiar con esa inmensa agitación psicológica, desarrolló una serie de hábitos de consumo profundamente tóxicos que minaron su sistema cardiovascular. Desde los 18 años fumaba un atado de cigarrillos por día, y recurría a la ingesta compulsiva de comida como mecanismo inmediato para aplacar su malestar interno.

Su hijo Christopher señaló en retrospectiva que las dolorosas heridas derivadas de su difícil infancia se manifestaban de forma directa en su frágil estado mental y corporal. Christopher también destacó que su padre siempre procuraba ocuparse de los demás antes de atender sus propias necesidades.

Sumado a la severa obesidad y al tabaquismo incesante, Candy enfrentó su adicción a la cocaína. El actor confesó que su consumo desmedido de sustancias prohibidas por las autoridades sanitarias se había intensificado durante su estadía formativa en Chicago.

En aquel entonces, se rodeó de figuras como Bill Murray, Gilda Radner y John Belushi, quienes también eran consumidores de drogas. Durante aquella época de excesos, según sus palabras, aprendió a quedarse despierto hasta muy altas horas de la madrugada, a beber en cantidad y a deletrear la palabra “d-r-o-g-a-s”. Fue justamente la trágica muerte de su íntimo amigo John Belushi por sobredosis lo que lo sacudió profundamente y lo impulsó a abandonar el consumo de drogas duras. No obstante, jamás logró erradicar por completo su consumo de tabaco ni su dependencia alimentaria.

La muerte lo sorprendió repentinamente durante el exigente rodaje de Wagons East, una comedia que parodiaba al género western, grabada en los alrededores de la ciudad de Durango, en México.

Candy se encontraba inmerso en la filmación de ese proyecto desde enero de 1994. El jueves 3 de marzo, durante la que sería su última jornada de trabajo frente a las cámaras, el equipo de producción y el elenco actoral coincidieron unánimemente en que el comediante entregó una de las actuaciones más descollantes de su carrera.

Sin embargo, pese a la brillantez de su interpretación, el agotamiento físico que arrastraba resultaba inocultable. Según el relato del coprotagonista del filme, el actor Richard Lewis, transmitido posteriormente a Christopher Candy, el comediante se mostró divertido en la locación, pero su rostro reflejaba un cansancio inusual, evidenciando que el desgaste crónico y sus malos hábitos lo estaban afectando duramente.

Al concluir esa extensa jornada, el actor se trasladó al hotel donde estaba alojado. A modo de celebración por el excelente nivel de trabajo alcanzado, decidió preparar —a altas horas de la noche— con sus propias manos una abundante fuente de fideos para agasajar a sus asistentes. Poco después de la medianoche, tomó la iniciativa de comunicarse telefónicamente con los otros protagonistas de la película, Robert Picardo y Lewis.

El motivo exclusivo de la llamada fue agradecerles profundamente por la camaradería compartida en el set. Robert Picardo describió la actitud de Candy durante esa comunicación como la de un niño pequeño y exultante que acababa de disfrutar de un maravilloso día en un campamento de verano, impulsado por una enorme necesidad de retribuir afecto.

Esa misma madrugada, antes de acostarse a dormir, el actor también realizó llamadas para hablar con sus dos hijos, Jennifer y Christopher. Obviamente ninguno de los dos menores sospechaba que esa sería la última vez que escucharían su voz.

Christopher, que entonces tenía nueve años, rememoró que las últimas palabras que su padre le dedicó desde México fueron simples pero devastadoras: “te amo y buenas noches”.

En tanto la última charla con la hija mayor, Jennifer, quien había cumplido 14 en febrero, se vio empañada por un detalle doméstico. La adolescente se encontraba estudiando para un examen. Ese compromiso académico la llevó a mantener una actitud ligeramente distante e impaciente cuando recibió la llamada de su padre, algo de lo que se arrepentiría amargamente al enterarse del triste final. Una vez finalizadas las comunicaciones, Candy cerró sus ojos y se dispuso a descansar.

Cerca de las seis de la mañana, John Candy experimentó una insuficiencia cardíaca. Su castigado corazón falló mientras se encontraba dormido en su cama. La causa formal de su repentina muerte, que lo alcanzó a los 43 años, fue catalogada como falla cardíaca. Fue el 4 de marzo de 1994, hace exactamente 32 años.

Horas más tarde, con la llegada del amanecer, un productor tuvo la ingrata labor de reunir formalmente a todo el equipo de filmación en Durango para notificarle la muerte de Candy. La noticia cayó como una piedra; los actores Richard Lewis y Robert Picardo colapsaron emocionalmente en el acto, rompiendo en llanto frente a sus colegas. En su familia el panorama era idéntico. Frank Hober aseguró a los medios que la situación en su hogar era como un terremoto.

El procedimiento escogido para dar la noticia a sus hijos revistió características sumamente dolorosas. Ambos menores fueron apartados súbitamente del servicio religioso que se llevaba a cabo durante esa mañana de viernes en su colegio católico, la institución St. Martin de Tours, para ser informados de la muerte de su padre.

Jennifer relató que, al comprender la magnitud de la tragedia, estalló en un llanto agudo y completamente histérico que se prolongó durante cinco minutos. Pasada esa tempestad inicial, se detuvo y logró mantener la entereza. No obstante, ese intento de privacidad chocó de forma inmediata con el morbo ajeno; la familia debió enfrentarse sin previo aviso a lo que definirían como una tormenta mediática, viéndose abrumados por los insistentes flashes y cámaras de los paparazzi que se agolpaban buscando capturar el sufrimiento de los deudos.

Tiempo después de la muerte ocurrida en México, sus restos fueron trasladados para recibir descanso final. La sepultura se llevó a cabo en los jardines del Cementerio de Holy Cross, un predio ubicado en la localidad urbana de Culver City, en California.

Durante la ceremonia de entierro, su antigua compañera, la actriz Catherine O’Hara, pronunció un ingenioso y sentido elogio de Candy ante los asistentes. El acto de despedida contó con una conmovedora presentación vocal en vivo, a cargo de la cantante Mary Margaret O’Hara, quien entonó con absoluta maestría la canción titulada Dark, Dear Heart/ Oscuro, corazón querido.

El cómico Joaquín Reyes (Albacete, 51 años), nunca exento de polémica, ha visitado La Revuelta como invitado. Preguntado por el presentador, David Broncano, se ha posicionado firmemente con algunos temas de actualidad, además de promocionar su nueva función teatral, La verdad, dirigida por Juan Carlos Fisher. El cómico manchego comparte cartel en el escenario con Alicia Rubio, Raúl Jiménez y Natalie Pinot.

La primera de las ideas que tiene claras el también actor es la tributación en España. Su firme postura se distancia de quienes optan por domiciliar sus ingresos en el extranjero para reducir el pago de impuestos. El humorista ha defendido abiertamente que abona todos sus tributos en territorio nacional: “Yo pago todos aquí, no como esos mierdecillas que se van a su jaula de oro; yo soy un patriota de verdad”.

Reyes ha aprovechado su intervención para incidir, con su habitual ironía, en que se encuentra “en el rango más alto de pagar impuestos, todo lo que se puede” y ha vinculado esta cuestión con su experiencia profesional como autónomo, afirmando que sus relaciones con el sexo “son como el IVA, porque soy autónomo”, en referencia a la periodicidad trimestral de sus relaciones.

Las debilidades de Joaquín Reyes: el gusto francés por la moda y sus calzoncillos

Durante el programa, se ha destacado de forma distendida el gusto de Reyes por la moda y los detalles en su vestuario, con guiños al zapato francés hecho a mano, calcetines naranja, chaqueta denim japonesa y hebilla navaja, entre otros rasgos. La colaboradora Candela Peña ha manifestado su admiración hacia el humorista y actor, asegurando en antena: “En calzoncillos está espectacular” y calificándolo de “actor excelente”, una consideración que el propio Reyes ha matizado en tono de broma, refiriéndose a sí mismo como una persona “nívea”.

Durante la conversación, el cómico ha compartido anécdotas con Broncano relacionadas con su vida personal y profesional, entre ellas la existencia de un grupo de WhatsApp en el que participan perfiles como Hugo Silva, Mario Casas y el alcalde de Madrid, José Luis Martínez Almeida, bajo el nombre “No juzgues un libro por su portada”, haciendo referencia —con humor— al estigma de ser consideradas “caras bonitas”.

Además, Reyes ha desvelado que uno de los momentos más curiosos de su visita ha sido descubrir un billete de 10 euros en el camerino, gesto que el programa le ha explicado deriva de una estrategia para compensar las carencias en el servicio de cáterin respecto a otros espacios televisivos, como El Hormiguero.

La apuesta por la divulgación con humor: “Sois tontísimos”

Más allá del éxito teatral, Joaquín Reyes ha anunciado su regreso a RTVE con un nuevo formato: Aprobado en Historia, un panel show de divulgación histórica con grandes dosis de humor. La iniciativa, producida por Mediacrest para La 2, plantea una aproximación distinta a los contenidos históricos, buscando un enfoque desenfadado sin perder rigor. Así lo ha explicado el propio Reyes en la presentación del programa: “Lo mío es la divulgación de la chorrada, pero aquí, acompañada de historia, es un reto divertido”. Por este motivo, el cñomico ha subrayado que quiere “presentar la historia de otra manera”.

El humorista ha confirmado que el concurso contará con la participación de distintos cómicos, como Miguel Maldonado, Ana Morgade, Victoria Martín, Aitziber Garmendia, Álex Clavero y Juan Sanguino, entre otros. La mecánica incluye penalizaciones simpáticas ante los errores, como la frase “sois tontísimos”, que según Reyes se ha convertido en un distintivo del formato, hasta el punto de estamparse en camisetas y provocar las carcajadas de David Broncano.

Durante la emisión, la interacción entre los presentadores, los invitados y el propio Reyes ha estado marcada por la ironía y la complicidad. La conversación también ha abordado cuestiones de cultura popular, como la teoría de la conspiración de los chemtrails, desmentida por Jacob Petrus en directo y abordada con humor, incluyendo una referencia irónica a Pedro Sánchez. El clima de confianza ha permitido que Joaquín Reyes comparta detalles tanto de su faceta personal como de sus planes profesionales, siempre desde el prisma de la comedia y el ingenio verbal.

Miguel Maldonado, con quien Facu Díaz codirige actualmente el pódcast "Quieto todo el mundo", formó parte de un exitoso recorrido profesional que ahora suma una nueva cita: el sábado 14 de marzo a las 21:00 horas, el humorista uruguayo ofrecerá en el Teatro López de Ayala de Badajoz su espectáculo "Esto no es Culpa de Nadie". De acuerdo con lo informado en una nota de prensa por el propio Teatro López de Ayala, la actuación propone un formato cargado de sátira y análisis crítico, donde se exploran desde el humor las situaciones políticas y sociales más relevantes de la actualidad global.

Facu Díaz, nacido en Montevideo en 1993, ha consolidado una trayectoria que comenzó en "Tuerka News", parte del programa "La Tuerka", emitido a través de Público TV, según detalló el Teatro López de Ayala. Allí logró notoriedad con un estilo directo y mordaz frente a la actualidad, lo que posteriormente le permitió avanzar hacia otros espacios relevantes en el ámbito del humor político.

Uno de sus proyectos más destacados fue la dirección, junto con Miguel Maldonado, de "No te metas en política", un programa teatral retransmitido en directo en YouTube y que alcanzó los 21 millones de visualizaciones, de acuerdo con la información difundida por el Teatro López de Ayala. Gracias a la repercusión lograda por este formato, ambos presentadores fueron incorporados a la cadena La Sexta, donde ofrecieron una sección con el mismo nombre dentro del espacio "Al Rojo Vivo", manteniendo su propuesta de análisis humorístico y crítico sobre la coyuntura política y social del país.

El recorrido de Díaz incluye también una colaboración con "Late Motiv", programa dirigido por Andreu Buenafuente, según consignó el Teatro López de Ayala en su comunicado. El humorista, además, mantiene contacto diario con el público a través de "Buenos días in the morning", espacio que emite cada mañana por YouTube y Twitch y en el que ya suma más de 100.000 suscriptores.

En relación con la nueva función en Badajoz, el Teatro López de Ayala remarcó que las entradas para "Esto no es Culpa de Nadie" tienen un precio único de 18 euros. En ese espectáculo, la sátira y la crítica social aparecen como protagonistas principales y facetas constantes dentro de la propuesta del comediante. Tal como destaca la propia sala teatral, Díaz invita a reflexionar al público sobre el panorama contemporáneo -particularmente el escenario político- desde una óptica ingeniosa y ácida, fiel a la línea que caracteriza toda su carrera.

La función en Badajoz refleja el camino ascendente seguido por Facu Díaz desde sus primeras experiencias en televisión hasta consolidarse como uno de los referentes en el humor crítico en lengua española. Su acercamiento a los problemas actuales, planteado desde una perspectiva personal y cargada de ironía, se presenta ahora en el escenario del López de Ayala, aportando a la agenda cultural de la ciudad un evento centrado tanto en el entretenimiento como en la reflexión sobre temas contemporáneos.

El comediante y payaso Platanito ofreció detalles de su próxima presentación ‘Sinfonía de la risa’, la cual será una combinación de orquesta sinfónica con el humor al que estamos acostumbrados de este personaje.

Al destacar que es el único comediante en toda América Latina en presentar un show de este tipo, Platanito dio detalles de este evento que está programado en la Ciudad de México para este mes de febrero de 2026.

Cabe destacar que el evento se realizará para celebrar los 50 años de trayectoria en los escenarios de Sergio Alejandro Verduzco Rubiera, quien al ponerse maquillaje da vida a Platanito.

En una entrevista, Platanito dio a conocer los detalles de esta presentación.

Detalles para la ‘Sinfonía de la Risa’, con la cual Platanito festejará sus 50 años de trayectoria

Platanito señaló que hace 10 años, es decir, en el 2016, para festejar cuatro décadas de carrera, se hizo un evento de este tipo con 40 músicos.

Por lo tanto, volverá a repetir la misma dinámica para estos 50 años en este 2026.

Destacó que, al igual que en este año, se presentó en el Teatro Metropolitan y el resultado fue maravilloso, destacó.

Indicó que se dedicó a que cada participante de la orquesta sinfónica le escribiera su partitura.

Sinfonía de la risa es un reto, destaca Platanito Show

Platanito indicó que no es imposible realizar un espectáculo de este tipo, pero representa un reto, ya que es tardado y complejo, por lo que únicamente realizará la ‘Sinfonía de la risa’ una sola vez, es decir, habrá una única presentación tanto en la Ciudad de México como en el resto del país.

Destacó que, entre escritores, staff y demás, hay un total de 70 personas involucradas para el proyecto.

Platanito invita a no perderse la ‘Sinfonía de la Risa’

El Teatro Metropolitan de la Ciudad de México será el escenario del espectáculo “Sinfonía de la risa”, encabezado por Platanito.

Este evento especial está programado para el viernes 20 de febrero de 2026 a las 20:00 horas y promete una noche única en la que el humor y la música se unirán para ofrecer entretenimiento a asistentes de todas las edades.

Durante la función, el público podrá disfrutar de una experiencia diferente, ya que Platanito estará acompañado por una orquesta en vivo, lo que dará un toque especial a su presentación.

Como se mencionó anteriormente, el evento se realizará por los 50 años de carrera del comediante que le ha dado vida a Platanito en diferentes presentaciones.

Detalles del evento:

• Lugar: Teatro Metropolitan, Ciudad de México
• Espectáculo: “Sinfonía de la risa”
• Protagonista: Platanito Show
• Fecha: Viernes 20 de febrero de 2026
• Hora: 20:00 horas
• Acompañamiento de una orquesta en vivo

En esta ocasión, la bailarina compartió un desopilante video en el consultorio de su esteticista. La escena, grabada y compartida en redes sociales, muestra a Lourdes durante una visita a su dermatóloga, la doctora Agustina Buenader. El video se convirtió en una pieza viral gracias al humor y la naturalidad de la actriz. Lourdes se sienta frente a la profesional y, con gestos y palabras, exagera sus inquietudes estéticas en un tono paródico que despierta sonrisas. El intercambio arranca con la frase de la esteticista: “Cuando viene la detallista”. Lourdes, sin dudar, responde: “¡Ay, qué feo! ¡Sí, un montón! Te necesito”. El tono de complicidad entre ambas domina la escena desde el primer segundo.

La doctora la saluda y Lourdes, ya en el personaje de paciente autoexigente, dice: “Estoy bien, bien, bien”. La esteticista ofrece el primer halago: “Yo te veo hermosa, pero ¿qué querías?”. Entonces, Lourdes despliega su catálogo de detalles: “Bueno, yo creo que... ¿viste acá las arruguitas? Cuando me río tengo una, dos, tres, cuatro, cinco arruguitas como que ahí, y después cuando me enojo ya tengo como muchas arruguitas ahí”. El registro parodia la obsesión por imperfecciones mínimas. Su relato avanza: “Y después, ya que estamos, no sé cómo lo ves el tema de la luminosidad de la piel. Ay, mirá qué lindas arruguitas. Ves que esta ceja está como más redondita y esta tiene como una puntita que va para acá. Y por ahí deberíamos equilibrar esta ceja con esta ceja”.

El juego sigue cuando Lourdes señala: “¿Viste abajo del ojo, acá, que se hacen como unas arruguitas muuuy, muy pequeñitas? Tengo una... No sé qué pensás. ¿Doc? ¿Doc?”. Luego, llega una pausa de tres segundos. Lourdes insiste: “Bueno, yo creo que las arruguitas de acá abajo sí se ven”. En ese instante, la doctora Buenader se aleja y cierra la puerta, mientras Lourdes la llama insistentemente. Este remate visual corona la broma y refuerza la complicidad entre ambas. El video recorre redes y genera comentarios por la frescura y el tono, un reflejo del costado lúdico de Lourdes en la vida cotidiana.

El humor aparece como un sello en su vida. La actriz, bailarina e influencer elige compartir estas situaciones simples y cotidianas, logrando empatía y cercanía con el público. A través de gestos, frases y complicidad con su esteticista, Lourdes construye un momento viral, alejado de tensiones, que la muestra espontánea y divertida. La interacción se vuelve un espejo de aquellas inquietudes frecuentes en quienes buscan tratamientos estéticos, pero aquí llevadas al extremo y al absurdo, sin perder el tono afectuoso y cómplice.

Además de su costado humorístico, Lourdes acaba de encarar un nuevo desafío. A pocos días de finalizar el 2025, asumió la presidencia del Instituto de Cultura de Corrientes. La designación llegó de la mano del flamante gobernador Juan Pablo Valdés, del partido Vamos Corrientes. El acto de asunción tuvo lugar el jueves 11 de diciembre en el Salón Amarillo de la Casa de Gobierno, en el marco de la jura del gabinete, donde Valdés sucedió a su hermano, Gustavo Valdés.

Tras dejar la dirección del Teatro Vera, Lourdes recibió el cargo en un contexto de transición institucional. En sus primeras declaraciones públicas, la artista expresó entusiasmo y compromiso: agradeció la confianza depositada y afirmó sentirse orgullosa y responsable ante el desafío. A través de sus redes sociales, publicó imágenes del acto oficial y ratificó su amor por Corrientes. En una entrevista radial, Lourdes destacó los avances logrados con la gestión anterior y manifestó su deseo de continuar y ampliar el trabajo en la cultura provincial.

La trayectoria de Lourdes Sánchez combina la exposición mediática con la gestión pública. Después de su paso por el Bailando de Marcelo Tinelli y colaboraciones en programas como LAM, Lourdes inició su camino en la administración en septiembre de 2024 al frente del Teatro Vera. Durante su gestión, el teatro reabrió tras una etapa de restauración y presentó una cartelera variada. Nacida en Corrientes, Lourdes mantiene un fuerte vínculo con la provincia, alternando su labor artística con la dirección institucional. Su paso al Instituto de Cultura marca un nuevo escalón en su carrera y un desafío a mayor escala en el que apunta a sumar, desde su impronta, nuevas propuestas para la provincia.

Hablar de escapes de pis todavía resulta incómodo para gran parte de la población. El tema suele quedar fuera de charlas cotidianas, consultas públicas y contenidos de entretenimiento. En ese marco, el humor aparece como vía eficaz para habilitar diálogos difíciles y convertirlos en conversaciones más cercanas.

El escenario, la comedia y el intercambio con audiencia permiten tratar asuntos sensibles sin solemnidad. La risa opera como puente hacia charlas necesarias. Recientemente, una acción artística unió divulgación, espectáculo y cercanía con figuras populares. La propuesta tuvo lugar en una función de Dalia Gutmann, que se realizó en el Teatro Astros.

Una conversación que generó carcajadas

Durante la función, el cruce surgió de forma orgánica dentro del guion. “Es una edad que si te reís mucho, te podés mear en la ropa. No sé si alguna se meó. ¿Cathy Fulop, estás meada?”, lanzó Gutmann desde el escenario hacia la actriz, quien se encontraba entre el público y respondió sin rodeos: “Me pasa, me pasó bailando”.

Luego recordó una escena reciente: “En la fiesta de mi hija, del casamiento. Estuve todo el tiempo en el pogo”. El remate de la humorista —“Cathy Fulop se meó”— terminó de sellar un momento que la platea celebró con carcajadas. La naturalidad del diálogo permitió abordar la incontinencia desde la identificación y la experiencia cotidiana, sin incomodidades ni solemnidad.

Humor y cultura como puerta de entrada

La iniciativa formó parte de la plataforma “No te contengas”, impulsada por Plenitud, marca experta en incontinencia urinaria de Kimberly-Clark. La estrategia busca abrir diálogo público, derribar prejuicios y ofrecer información accesible. El enfoque mezcla educación, complicidad y lenguaje directo.

“La elección de estos espacios no es casual: creemos que el humor es una de las formas más efectivas de derribar barreras, estereotipos y prejuicios, y de abrir conversaciones reales sobre temas que muchas veces se evitan”, explicó Claudia Cassella, Gerente de Marketing para Cono Sur de Kimberly-Clark.

Por su parte, Cathy Fulop se sumó como embajadora del proyecto comunicacional. Su perfil público, asociado a frescura y espontaneidad, aporta identificación con diversas franjas etarias. Esa cualidad facilita un abordaje sin vergüenza ni dramatismo.

Según datos difundidos por Plenitud, una de cada cuatro mujeres mayores de 35 años experimenta pérdidas de orina en Latinoamérica, una afección que afecta principalmente al género femenino, representando el 75% de los casos. También aparecen en varones desde cierta edad. La prevalencia resulta alta, aunque la charla pública aún es limitada.

El desconocimiento y, en ciertos casos, la negación de esta condición, junto con la falta de recursos adecuados, agravan el problema. Se ha identificado que el 60% de las mujeres que padecen incontinencia usan productos de higiene menstrual, mientras que el 18% no utiliza ningún tipo de suministro. Solo un 22% emplea productos diseñados específicamente para la condición.

En línea con ese diagnóstico, la plataforma sostiene un mensaje central: esta condición no debería marcar límites en rutinas ni vínculos. La comunicación apunta a derribar estigmas en torno a la incontinencia y promover que quienes estén atravesando la condición puedan vivir su vida de manera plena. El concepto creativo invita a expresar necesidades sin freno simbólico.

Amplificación digital y respaldo profesional

Luego de la presentación teatral, la iniciativa siguió con extensión en entornos digitales. Se publicaron piezas para redes, materiales audiovisuales y colaboraciones con creadores de lifestyle. También participó una médica ginecóloga, quien realizó aportes técnicos.

“La incontinencia urinaria es una condición médica frecuente que puede presentarse en distintas etapas de la vida, especialmente después de embarazos, partos o durante la menopausia. Muchas veces se vive en silencio por vergüenza, pero es importante saber que existen tratamientos, ejercicios específicos para fortalecer el piso pélvico y soluciones que permiten mejorar significativamente la calidad de vida. Consultar con un especialista a tiempo es la clave para vivir sin restricciones”, explica la Dra. Lorena Pacienza, médica ginecóloga (MN 111.074).

De este modo, la campaña combinó voces del entretenimiento con mirada clínica. La mezcla permitió sostener tono cercano sin perder rigor informativo. Cada pieza priorizó claridad, datos útiles y orientación práctica.

Cabe recordar que la marca ya impulsó acciones previas con fuerte eco cultural. Entre ellas, la campaña “Se me escapó un chorrito”, que instaló la frase coloquial, irrumpiendo la alfombra de los premios Martín Fierro y generando conversación sobre una problemática históricamente silenciada.

Ahora, esta nueva etapa amplía recursos, espacios y protagonistas. La presencia de Fulop junto a Gutmann expande alcance y diversidad de público. El cruce entre espectáculo y contenido de salud propone otra vía para tratar bienestar cotidiano.

Por otra parte, la elección del teatro como escenario aportó cercanía emocional. La experiencia en vivo genera empatía inmediata y reacción directa de la platea. Ese clima favorece la recepción positiva ante mensajes sensibles.

También resulta clave el uso de lenguaje claro y tono descontracturado. La comunicación evita tecnicismos excesivos y prioriza ejemplos simples. Esa decisión facilita comprensión general y proximidad con la audiencia.

Sin dudas, la acción con Dalia Gutmann y Cathy Fulop funcionó como disparador social sobre una problemática extendida. El uso del humor, la cercanía de ambas figuras y el soporte educativo de la plataforma generaron empatía, especialmente entre mujeres que atraviesan escapes de orina, y un marco propicio para hablar sin pudor.

Para más información sobre incontinencia, hacer clic acá.

En el imaginario de la sabiduría oriental, el paso del tiempo suele pensarse como un proceso de depuración: los años ordenan el carácter, moderan las pasiones y le dan al cuerpo un ritmo más lento, acorde a una mirada supuestamente más justa sobre las cosas. Esa idea instala la expectativa de que envejecer implica ganar criterio y distancia emocional.

Esa expectativa también la tuvo el historietista y escritor Roberto Fontanarrosa, aunque su experiencia con los años, el fútbol fue por otro lado.

“Yo pensaba que con el paso del tiempo me iba a convertir, como esos ancianos orientales, en una persona sabia, criteriosa. ¡Y es mentira! Cuando pasé a jugar en Veteranos y Superveteranos, nunca vi agarrarse a trompadas a tantos tipos como a los tipos grandes, porque ya entra la impotencia, los vicios, las manías, ya el cuerpo no te responde. Y ahora, como hincha, también suponía que iba a tomar cierta lejanía, y en cada clásico envejezco cinco años. Y sufro más la derrota de lo que disfruto de la alegría del triunfo.”

“Soy un imbécil, ¿viste? Porque yo me considero un intelectual esclarecido”, decía, riéndose de sí mismo mientras admitía que todo su entorno —hinchas y no hinchas— medía su estado de ánimo según cómo hubiera salido Rosario Central.

Ahí aparecía el punto. Para Fontanarrosa, el fútbol no admitía una explicación lógica. Esa idea solía apoyarla en una frase que le había escuchado a Claudio Morresi, exvolante habilidoso de River, cuando decía que si uno no entiende que el fútbol es una pasión, no entiende nada.

El fútbol real del Negro en los picados de Universitario

Para conocer al Fontanarrosa futbolista, fuimos a buscar a sus compañeros de potrero, a quienes compartieron con él la cancha lejos de los reflectores y de cualquier forma de competencia organizada.

Ese recorrido lleva a la Quinta del Club Universitario de Rosario, una institución nacida en la década de 1920, vinculada al mundo universitario, que con el paso de los años se convirtió en un espacio donde el deporte conserva un tono amateur, sostenido más por la continuidad que por los resultados.

Los sábados en la Quinta de Universitario tenían sol, polvo, mates, chicanas, rodillas vendadas y una organización tan precaria como eficaz. Se arrancaba a las dos de la tarde y se terminaba cuando caía el sol. Equipos de siete, edades mezcladas, jugadores que entraban y salían. A veces tantos que hubo que inventar un bolillero para sortear turnos.

Ahí llegó Roberto Fontanarrosa, después de dejar ligas más competitivas. Llegaba en un Citroën 3CV verde loro y se sumaba a un fútbol decididamente recreativo, donde el rival de un sábado podía ser tu compañero al siguiente. Un fútbol sin tabla, sin premios y sin testigos, salvo los propios protagonistas. Jugó durante 25 años.

“Jugaba de volante por derecha, prolijo, pensante, de buena pegada”, dice Luis Curti. Con los años, cuando la rodilla ya no dio más, Fontanarrosa se paró cerca del área contraria, displicente, como si estuviera ahí por error. Nadie lo marcaba demasiado. Recibía solo. Y convertía goles. Muchos. Generalmente —aclaran sus compañeros— ante arqueros no muy duchos en el puesto.

En ese mismo período, cuando alternaba partidos con ausencias cada vez más frecuentes, también ejerció el rol de árbitro. Y cuando ya no pudo ir a la cancha, pidió que le mandaran los resúmenes por correo electrónico. El fútbol seguía entrando por otro lado.

El fútbol antes de Uni

Antes de Universitario, antes de los sábados, antes del Negro con la camiseta transpirada y la rodilla a medias, estuvo el barrio. Luis Curti lo escribió en un texto autobiográfico donde el fútbol aparece como una forma temprana de ocupar el mundo. Baldíos ganados a los yuyos, canchitas armadas a fuerza de trabajo infantil y acuerdos precarios con adultos poco sociables. El juego era también una forma de organización, de pertenencia y, a veces, de revancha.

En ese relato, cuando el baldío es clausurado y la bronca se acumula, la infancia se convierte en épica. El permiso para jugar había estado atado a una única condición: “respetar unos frutales que había en el fondo”. Cuando la puerta apareció otra vez cerrada con cadena y candado, la venganza se planificó en secreto, con serrucho, ropa oscura y una misión nocturna narrada como si fuera cine bélico: “emulando a Lee Marvin, Charles Bronson, Telly Savalas, John Cassavetes en ‘Los doce del patíbulo’, durante la segunda guerra mundial, en su incursión dentro mismo de la Alemania nazi”.

Ese mismo hilo —del potrero al club, del baldío a la cancha marcada con cal— llega décadas después a Universitario. Cambian los cuerpos, se acumulan lesiones, aparecen los silencios. Pero el sábado a la tarde sigue funcionando como un punto de encuentro. Entre mezclas improbables de edades, talentos y humores, Roberto Fontanarrosa vuelve a ser uno más. No el escritor, no el humorista célebre. El Negro que juega, observa, dice poco y deja una frase justa flotando en el aire.

De ese espacio habla el ingeniero civil jubilado, Luis Curti. De esa liturgia. De esos sábados que, como el barrio, nunca terminan de irse.

—Muchos lo imaginan como un tipo permanentemente gracioso, muy expansivo. ¿Era así en la cancha?

—No, para nada. Eso es algo que siempre me gusta aclarar. Él era un tipo muy serio. La imagen que tiene la gente es la del Fontanarrosa dicharachero, y no. En el partido no hablaba casi nada. Por ahí, antes, en la previa, o después, en el pospartido, largaba algún comentario. Pero era muy sutil. Decía algo y vos decías: mirá este tipo. Te hacía reír o te dejaba pensando. No necesitaba decir mucho.

—¿Cómo era esa previa de los sábados?

—Más distendida. Nadie estaba cansado todavía, no estaba el partido encima. Se charlaba un poco más. Después él llegaba, se cambiaba, jugaba y muchas veces ni se quedaba al pospartido. Era metódico. Muy de ir, cumplir y listo.

—¿Y como jugador?

—Había jugado mucho. En ligas comerciales, cuando era más joven, jugaba bien. Con nosotros ya era más grande, te hablo de hace veinte años, pero igual se las arreglaba. El tema es que tenía la rodilla muy jodida. Entonces nadie lo marcaba mucho, se quedaba cerquita del área rival y siempre algún gol hacía. Siempre. Era un tipo valioso para tener en el equipo.

—¿Te acordás cuándo empezó a ir a Uni?

—Más o menos cuando empecé yo. Al principio iba esporádicamente, cuando no tenía otro partido. Después se hizo habitué de los sábados. Y cuando se le despertó la enfermedad y ya no podía jugar, igual iba. Hacía de árbitro, como para seguir integrado. Eso dice mucho de él.

—Nunca se fue del todo...

—No. Nunca. Incluso en la época en que viajaba con la selección argentina, cuando hacía esas columnas de Doña Rosa… ¿te acordás?

—Sí, claro.

—Iba a Colombia, por ejemplo, y escribía desde allá. Una vez volvió con unas hormigas gigantes bañadas en chocolate como souvenir. Fue desopilante. Todos decíamos: ¿qué trajo este tipo?, ¿comen eso allá? Pero más allá de esas anécdotas, era un tipo muy querible. Jamás lo viste enojado por una discusión del partido. Estaba más allá de todo eso.

—Así como El Cairo y la Mesa de los Galanes aparecen en sus textos, ¿algo de Uni también se le coló en los cuentos?

—Alguna vez sí. No muy seguido. Había un arquero nuestro, un grandote, De León. En un cuento aparece un arquero De León, un mastodonte. Era él. Eso pasaba: algo del fútbol se filtraba.

Los mails, la cancha paralela

Luis Curti guardó los correos electrónicos que se enviaban con el Negro. Un intercambio epistolar en una era digital 1.0. Los convirtió en una semblanza. Son, en sí mismos, una obra epistolar de Fontanarrosa: humor, exageración, amistad y una épica deliberadamente ridícula.

El libro Historia de una pasión. Centenario del Club Universitario de Rosario registra ese desplazamiento: y en esos mails, Fontanarrosa siguió jugando.

De: Roberto Fontanarrosa

Para: Luis Curti Enviado: 12/09/2006 5:10 p.m.

Asunto: Re: Futbol sábados en Universitario (Cabezón Curti)

¡Cabezón! Para un exiliado como yo, recibir noticias del fútbol local es siempre una alegría. Debería haber algún medio, radial o televisivo, tipo área 18, que notificara al pueblo sobre las actividades del fútbol de Uni.

De todos modos, se hace difícil de creer que jugadores como el Zorro, el Bichi o el Ingeniero, no ya sigan jugando sino, incluso, que continúen con vida. Yo recuerdo haber estado (era muy chico) cuando aquel famoso gol de tiro libre del Rábano. Estoy entrenando para ver si puedo volver, al menos, a los asados. Con respecto a tu amigo escritor, dale sin problemas mi dirección de mail, esperando que su cuento no exceda las 4000 carillas. Saludos a toda esa brava gente. Volveré y seré millones. Patria o muerte.

El negro.

En otra oportunidad, los correos iban y venían para recordar anécdotas, historias e incluso goles. Y el Negro no podía quedar afuera.

De: Roberto Fontanarrosa

Para: Luis Curti

Enviado: 13/11/2006 12:49 p.m.

Asunto: Re: Saludos del Cabezón Curti

Estimado Cabeza: Según la gente de mi Administración, en mi larga carrera deportiva, he anotado la friolera de 327.412 goles. Habría que consultar con las estadísticas de Miguelito para ver si se me contabilizó un gol, también de volea, que por impactar en el marcapasos del Chino Solís fue anulado, concediendo el árbitro un bote a tierra.

Por lo tanto, lamentablemente, no me es fácil recordar el tanto al cual vos hacés referencia. De todos modos me enorgullece que engroses la lista de arqueros a los que he sometido y donde figuran nombres de la talla del Negro Ochoa o el colosal Rábano. Un abrazo.

El negro.

En Universitario, incluso el reglamento podía convertirse en motivo de discusión. Y Fontanarrosa también participó de ese intercambio.

De: Roberto Fontanarrosa

Para: Alejo Vercesi

Enviado: 05/01/2007 5:58 p.m.

Asunto: Re: El tiro penal en UNI (2)

Estimado Vercesi: Desde mi condición de árbitro Natural y Tribunal Superior no me extenderé sobre las medidas tomadas. Pero le digo: tenga mano dura con esas despreciables bestias. Solo conocen el rigor y la máxima disciplina. Es el único camino para que se conviertan en ciudadanos dignos. Tenga usted mi ilimitado apoyo. Hasta la victoria siempre.

Negro Fontanarrosa.

La lista de correos continuó hasta julio de 2007. En medio de los intercambios para organizar el asado posterior al partido y celebrar el Día del Amigo, una noticia empezó a circular por los medios. El asunto del mail cambió.

De: Luis Rivas

Para: Lista de mails

Enviado: 19/07/2007

Asunto: Día del amigo con mucha tristeza

Acabo de enterarme por la radio que nuestro querido “Negro” no está más. Juntarnos en un asado y por el fútbol es una gran excusa con la que él estaría totalmente de acuerdo. Un abrazo a todos.

Luis.

La despedida y una Copa en su nombre

Roberto Alfredo Fontanarrosa nació en Rosario el 26 de noviembre de 1944 y murió en la misma ciudad el 19 de julio de 2007. Fue humorista gráfico, dibujante, guionista y escritor, una de las figuras centrales del humor y la narrativa argentina, con una obra que cruzó la historieta, el cuento, la crónica y el fútbol.

Hincha fanático de Rosario Central, escribió algunos de los textos más recordados sobre ese deporte y sostuvo, sin metáforas, que si su vida tuviera música de fondo sería una transmisión radial de un partido.

En 2003 le diagnosticaron esclerosis lateral amiotrófica. Con el avance de la enfermedad fue perdiendo movilidad y, en los últimos años, dejó de dibujar. Murió a los 62 años, víctima de un paro cardiorrespiratorio, después de ingresar a un hospital con un cuadro de insuficiencia respiratoria aguda. El día de su entierro, el cortejo fúnebre pasó frente al Gigante de Arroyito antes de seguir camino al cementerio.

Un año después de su muerte, el sábado 19 de julio de 2008, la Quinta del Club Universitario volvió a reunir a sus compañeros de los sábados. Lo recordaron como mejor sabían hacerlo: jugando al fútbol. Organizaron la Copa Roberto Fontanarrosa, con equipos armados para la ocasión, medallas para los participantes y una inscripción que llevaba su nombre. Ese sábado hubo pelota, reencuentro y esa forma de amistad que se sostiene en el tiempo, aun cuando el cuerpo ya no está.

Jugar al fútbol no es solo jugar al fútbol

El partido homenaje había terminado, pero no muchos recuerdan los resultados exactos. Como casi siempre, el fútbol seguía un rato más afuera de la cancha. En la charla, en la risa, en la excusa de estar juntos. No era solo jugar: era todo lo que venía alrededor.

A eso apuntaba Roberto Fontanarrosa cuando, en una entrevista con TyC Sports, intentaba explicar por qué el fútbol no se reemplaza tan fácilmente.

“Lo que pasa es que es muy difícil reemplazar el programa del fútbol. Porque la descarga viene a través del fútbol, ¿no? No solo el hecho de patear, sino de estar con los muchachos, de la joda, de reírse, de hablar. Casi esa es la parte más linda antes de jugar.”

Con los años, el cuerpo ya no respondía igual. Y Fontanarrosa lo decía con su sello:

“Después salís a la cancha y yo decía: ‘Qué lindo sería este juego si no hubiera que correr’. Porque ya no puedo con la cruz, como dicen los muchachos, ¿no? Lo que me ha resultado muy beneficioso es que así como perdí velocidad, fuerza, agilidad, perdí el amor propio. Entonces eso te beneficia mucho, porque antes me preocupaba cuando me pasaba uno, perdía una pelota, erraba un gol. Ahora ya no me preocupa nada. Y uno está en ese nivel de edad y de fútbol. Que los compañeros no te reclaman nada, es muy triste. Viste, es como si perdés una pelota fácil, se miran entre ellos como diciendo: ‘No le digas nada’”.

El uso de razón apareció temprano. De muy joven aceptó que no iba a ser jugador de fútbol.

“Bastante prematuramente me di cuenta de que no iba a poder ser jugador de fútbol. Porque si hay una evidencia acá es que por tradición, por cultura, por contagio, se juega muy bien al fútbol. Es la actividad que tiene más competencia que cualquier otra. De diez chicos, hay dos que quieren ser médicos, uno astronauta, otro abogado, y hay nueve que quieren ser jugadores de fútbol.”

Lo que quedaba, entonces, era el juego. El gusto puro.

“Parte de la pasión arranca por el gusto por el juego, porque el juego es bellísimo. El fútbol es un juego que está muy bien pensado y, lógicamente, es antojadizo, es caprichoso.”

Ese mismo tono, entre la ironía y la precisión, reaparecía cuando Fontanarrosa se cruzaba con el humorista Luis Rubio, en una entrevista en la que Rubio estaba personificado como Eber Ludueña, el jugador más rústico de la historia argentina. Hizo foco en que el Negro, al trabajar de noche, solo había madrugado dos veces en su vida.

—Solo madrugaste dos veces en la vida… a eso de las nueve, nueve y media de la mañana. Dos veces, ante dos grandes tragedias que tuvo el país. Una fue la invasión a Malvinas y la otra fue cuando Newell’s compró a Maradona (risas).

—Sí, efectivamente, está en lo cierto, Eber, pero realmente trataría de no volver sobre esos temas porque me hacen muy mal.

—Te hacen muy mal, exacto. Entonces quiero rescatar esta frase que también recuerdo: que de muy, muy temprana edad descubriste que las dos cosas más redituables eran el sexo y el humor, y que como un tarado ya habías elegido el humor (risas).

—Exactamente. Y ya no estoy en condiciones físicas de cambiar de opinión.

El acto final

La obra de Fontanarrosa sigue viva en la memoria de Rosario y de toda Argentina. Une humor, literatura y fútbol. Su talento para transformar lo cotidiano en extraordinario quedó patente tanto en las páginas de Inodoro Pereyra y Boogie, el aceitoso, como en sus cuentos y columnas, un territorio de lenguaje popular como espejo propio y ajeno, como maquinaria casera de reflexión y alegría.

El Negro convirtió a Rosario en un escenario compartido. Sus historias y chistes, sus personajes y sus reflexiones, forman parte del entramado de la ciudad, tanto como los cafés, las canchas y los encuentros familiares. Su legado no es solo literario o gráfico: es una manera de mirar la vida, de encontrar en lo simple una chispa de humanidad, de humor y de verdad.

Entre fútbol y narrativa, entre carcajadas y letras, el Negro sigue presente: no solo en los libros o en los murales, sino en la memoria colectiva que celebra su ingenio, su sensibilidad y su inquebrantable amor por su ciudad y su gente. Y hoy lo descubrimos como un enganche con llegada, con goles y un fútbol que no solo viaje de hacia la literatura, sino que se vestía de gala y pantalones cortos todos los sábados a la tarde.

La ciudad de París rinde homenaje a la trayectoria de Martin Parr con una retrospectiva monumental que, al volverse póstuma, adquiere una carga simbólica inesperada sobre la vigencia del trabajo del fotógrafo británico. La exposición, titulada Global Warning, se puede visitar hasta el 24 de mayo en el Jeu de Pomme, y ofrece un recorrido exhaustivo por cincuenta años de mirada crítica y análisis antropológico de la sociedad de consumo. La muestra, concebida originalmente con Parr, queda marcada por la paradoja de celebrarlo en ausencia: el fotógrafo falleció el 6 de diciembre de 2025 en su residencia de Bristol a causa de un cáncer.

Según relató Quentin Bajac, curador de la exposición y director del Jeu de Pomme, trabajaron juntos durante un año y medio para construir un relato fotográfico que atravesara la persistencia de los temas que inquietaron a Parr durante cinco décadas: “Quería hacer una exposición alrededor de los temas que él había tratado durante 50 años. Mezclamos imágenes más conocidas con algunas menos evidentes. La idea era mostrar que en cinco décadas ha tratado siempre los mismos asuntos. Estaba preocupado por cómo se leería su trabajo después de su muerte. Deseaba que, además del humor, se sintiese la dimensión documental de su trabajo. Alguien que documentó la civilización del ocio pese a darle una dimensión ligera y humorística”.

En el tramo final del recorrido expositivo, la última sección aborda la transformación de las adicciones sociales, desde el consumo desenfrenado en supermercados hasta el impacto de la tecnología en el comportamiento humano. Las fotografías revelan, entre otros elementos, paisajes en Irlanda donde carrocerías de Morris Minor oxidadas contaminan el entorno, así como las primeras escenas de grupos humanos absorbidos por los teléfonos móviles en los años noventa. Entre los detalles destacados figura el registro de palos-selfi, que se multiplicaron en enclaves icónicos como el Louvre y Venecia. “Su extinción, hoy está claro, no fue la consciencia sobre lo idiota que podía llegar a parecer un humano, sino a la mejora de las ópticas”, según se explica en la exposición.

Para Bajac, la coherencia de Parr radicaba en su capacidad de sostener la crítica sin deslizarse en el juicio moralista, desmarcándose a la vez del heroísmo habitual en el fotorreportaje. A pesar de que su estilo suscitó incomodidad y la acusación de frivolidad tanto en colegas como en críticos de la agencia Magnum —cuyo consejo presidió entre 2013 y 2017—, la perspicacia de su análisis nunca respondía a un afán de superioridad social: “Martin nunca quiso realizar juicio moral de quienes fotografiaba. Era crítico, pero aceptaba que él formaba parte del mismo problema. Y, sobre todo, rechazó cualquier tipo de heroísmo del fotorreportero clásico”, sostuvo Bajac a El País mientras recorría los espacios de la retrospectiva.

La muestra reúne más de 180 obras que atraviesan más de medio siglo de ejercicio fotográfico, desde los inicios en blanco y negro hasta los trabajos en color de las últimas dos décadas. Distribuidas en cinco salas temáticas, las imágenes exploran el impacto del ocio en la transformación del entorno, el turismo de masas, el consumo, la presencia de animales y el avance de la tecnología. Todo queda vinculado directa o indirectamente a la problemática del calentamiento global, eje conceptual de la muestra y de la elección del título.

La obsesión de Parr por desmenuzar la relación entre la sociedad y el ocio emerge desde sus primeros proyectos, como la serie para The last resort, realizada en la playa de New Brighton en 1972. Escenas de cuerpos enrojecidos, comida rápida, abuelas hipnotizadas por las luces de las máquinas tragaperras y niños revolcándose en la moqueta sucia funcionan, en palabras de la crítica, como un espejo deformante que expone la cara sórdida de los sueños de prosperidad. “Comprar hasta morir” sintetizaba el eslogan de una época cuya banalidad Parr retrató con un sentido del humor corrosivo.

Las playas, tanto en Benidorm como en destinos lejanos como la Playa artificial en el Seagaia Ocean Dome en Miyazaki (Japón) —captada por Parr en 1996—, se convierten en escenarios privilegiados para la observación de ritos contemporáneos: colas interminables para helados, tabaco, bebida, residuos y la perpetuación de comportamientos en entornos pretendidamente paradisíacos. La cámara, en vez de exaltar una comunión con la naturaleza, subraya los gestos mecánicos del consumo y los detalles irreverentes del tiempo malgastado.

El ojo de Parr trazó también un mapa global del turismo contemporáneo, registrando la erosión de lugares emblemáticos como Stonehenge, las pirámides de Chichén Itzá, el Machu Picchu y paisajes italianos del Renacimiento, despojados de su significado sagrado por el flujo interminable de visitantes. Su obra, señaló Bajac, pone de manifiesto la conciencia del propio fotógrafo sobre la huella ambiental que conllevaban sus viajes: “Él decía que formaba parte de ese problema. Tenía una gran huella de carbono de sus viajes en avión; le gustaba ir a la playa, aunque no supiese ir a nadar, y hacer shopping. Pero, a pesar de ello, reconocía ese problema y lo documentaba”.

La sección titulada One day trip ilustra la dinámica de familias y jóvenes británicos que cruzaban el Canal de la Mancha para abastecerse de alcohol en Francia, atraídos por impuestos más bajos. En sus imágenes, Parr logra plasmar la ambivalencia entre el deseo de prosperidad y la resignación social: “Si puedo, tan pobre no seré”, es el mensaje triste que sugieren las miradas de los retratados.

La retrospectiva recupera por completo la ambigüedad entre ligereza y gravedad que caracterizó la fotografía de Parr. Su interés por el supermercado como “la primera línea del frente de una guerra por la atención de los consumidores que degeneró luego en las adicciones tecnológicas”, según él mismo defendía, ofrece una perspectiva ineludible sobre los hábitos contemporáneos.

El itinerario vital y artístico de Martin Parr —de sus días en Epson a su consolidación internacional como miembro de Magnum Photos— queda así retratado en esta exposición, concebida entre la autocrítica y el humor. Global Warning propone la última mirada lúcida y despiadada sobre la sociedad del ocio, el turismo masificado y la fragilidad del planeta, un legado que el propio Parr temía que sería reinterpretado tras su muerte y que hoy, en palabras de Bajac, se lee desde “la dimensión documental” que persiguió durante toda su carrera.

Vicente Haro, representante de Fernando Esteso durante más de una década, conversó por teléfono con Andrés Pajares tras conocerse el fallecimiento del actor. Según informó el medio, Haro compartió que Pajares se encontraba profundamente afectado por la pérdida y no pudo trasladarse a Valencia para participar del homenaje. La noticia de la muerte de Fernando Esteso, ocurrida en la madrugada del domingo tras varios días de ingreso hospitalario por una insuficiencia respiratoria agravada, conmocionó a su entorno y a gran parte del mundo de la interpretación española.

De acuerdo con lo publicado, Fernando Esteso murió a los 80 años en el Hospital Universitario La Fe de Valencia. La capilla ardiente se instaló el lunes en el Tanatorio Funeraria Mémora de la ciudad, donde se congregaron familiares, amigos, colegas y admiradores para despedirlo y rendir tributo a una de las figuras más emblemáticas del humor y el cine español. Entre quienes tomaron la palabra figuró Vicente Haro, quien actuó como portavoz de la familia y resaltó el dolor que atraviesan sus seres queridos. “Son momentos muy duros, muy duros para la familia. Gracias a Dios ha sido una cosa rápida. Bueno, tenía 80 años, pero obviamente hemos perdido a un gran maestro", expresó Haro, citado por el medio, enfatizando la impronta de Esteso en múltiples facetas: actor, cantante, bailarín y referente afectuoso dentro y fuera de su profesión.

La extensa trayectoria de Fernando Esteso dejó huella, sobre todo por el dúo cómico que formó junto a Andrés Pajares. Ambos integraron una de las parejas artísticas más recordadas del cine español en las décadas de 1960, 1970 y 1980. El medio detalló que Pajares, muy afectado, eligió pronunciarse públicamente a través de su hija Maricielo: “Hoy se ha muerto parte de mi vida, mi hermano, amigo y compañero”. La hija del actor confirmó la imposibilidad de su padre de desplazarse hasta Valencia debido al estado de ánimo en el que se encontraba, enfatizando el golpe que supuso la pérdida para quien consideraba a Esteso su “otra mitad”.

Durante la apertura al público de la capilla ardiente, se destacó la presencia de su hijo, Fernando Esteso Jr., y el acompañamiento de un nutrido grupo de seguidores y figuras vinculadas al mundo del espectáculo, según consignó el medio. Haro relató que mantenía comunicación frecuente con Esteso, al igual que con Pajares, y subrayó que los últimos años fueron especialmente satisfactorios para el comediante: “Yo le he visto feliz estos últimos años y yo personalmente estoy muy tranquilo porque yo creo que conseguí un poco también resucitarle un poco cara a la profesión y he intentado cuidarle tanto profesionalmente como a nivel particular porque era mi amigo”, expresó Haro en declaraciones recogidas por el medio.

El representante también relató episodios que muestran la cercanía de Esteso con el público, describiéndolo como alguien siempre dispuesto a interactuar con quienes se acercaban a solicitarle una fotografía, y recordando su actitud accesible y generosa. “Era una maravilla y no sabéis cómo trataba la gente. O sea, si alguien quería hacerse una foto con él, decía, '¿y yo? ¿Me dejas que yo me haga una foto contigo?'", compartió Vicente Haro.

El homenaje al actor continuará el martes, momento en el que el cuerpo de Esteso será trasladado a Zaragoza, su tierra natal, donde recibirá sepultura en una ceremonia de carácter íntimo, tal como confirmó Haro en nombre de la familia. La despedida en Valencia permaneció abierta durante todo el día para que quienes desearan rendirle homenaje pudieran hacerlo, congregando a una multitud afectada por la pérdida, según publicó el medio.

El mundo del espectáculo, conmocionado por la noticia, ha mostrado constantes muestras de apoyo a la familia y allegados de Fernando Esteso. La despedida al intérprete se da en un clima de recogimiento y agradecimiento por la herencia artística que deja, vinculada tanto a sus contribuciones en el ámbito profesional como al trato cálido y cercano que mantuvo con colegas y admiradores.

Las visitas para rendir homenaje a Fernando Esteso comenzarán a las 11:00 horas de este lunes en el Tanatorio Funeraria Mémora de València, donde familiares y amigos lo recordarán durante toda la jornada. La despedida llega después del fallecimiento del actor y cómico a los 80 años, ocurrido de madrugada en el Hospital Universitario La Fe de València, según informó Europa Press. El artista llevaba ingresado en ese centro médico debido a problemas respiratorios.

Según detalló el representante de Esteso a Europa Press, el intérprete murió después de permanecer en situación delicada en el hospital, rodeado de un entorno familiar y allegados. La noticia movilizó tanto a la industria del entretenimiento española como a seguidores que por décadas reconocieron la prolífica carrera de Esteso en cine, televisión y teatro.

Fernando Esteso nació en Zaragoza el 14 de enero de 1945, en el seno de una familia de tradición jotera. Su primer contacto con los escenarios se produjo a los seis años, cuando debutó como ‘el Niño de la Jota’ y se incorporó tempranamente al teatro de variedades, el cual facilitaría su posterior evolución artística. El medio Europa Press señaló que a los diecinueve años, Esteso se mudó a Madrid, donde inició una etapa de crecimiento en escenarios teatrales y, posteriormente, en la televisión nacional, construyendo así la base de su popularidad.

El debut cinematográfico de Fernando Esteso ocurrió en 1973 con la cinta ‘Celos, Amor y Mercado Común’. Un año más tarde asumió su primer papel protagonista en ‘Onofre’ (1974), junto a Luisa María Delgado, Bárbara Rey y Ágata Lys, dentro del género de comedia. Sin embargo, fue a finales de los años setenta cuando alcanzó mayor notoriedad al formar dúo con Andrés Pajares. Este tándem produjo nueve películas y se consolidó como uno de los binomios más emblemáticos y rentables del cine español, tanto en la gran pantalla como en televisión.

Según publicó Europa Press, bajo la dirección de Mariano Ozores, Esteso y Pajares protagonizaron producciones que alcanzaron niveles masivos de éxito, tales como ‘Los bingueros’ (1979) y ‘Yo hice a Roque III’ (1980). El dúo se separó después de casi una década de actividad conjunta, época en la que Esteso interpretó numerosos personajes cómicos que obtuvieron una significativa respuesta comercial en las taquillas.

En 1991, tras una etapa prolífica en el cine, participó en la película ‘El amor sí tiene cura’, dirigida por Javier Aguirre. A partir de 1993, Esteso se alejó casi por completo del mundo cinematográfico y se incorporó a la programación televisiva, presentando espacios como ‘La ruleta de la fortuna’ y participando en ‘Veraneando’ con Bertín Osborne y Remedios Cervantes, según consignó Europa Press.

Aunque su origen era aragonés, Fernando Esteso residía en Torrevieja, Alicante, desde hacía décadas. Su amistad con esa región se reflejó en su presencia habitual tanto en las Fallas de València como en la programación artística de los teatros locales, donde era considerado un invitado recurrente. El medio Europa Press destaca que, pese a su retiro parcial del cine, Esteso mantuvo una trayectoria estable, especialmente en eventos culturales y sociales de la Comunidad Valenciana.

El legado de Fernando Esteso abarca varias décadas y comprende múltiples géneros dentro del espectáculo español, desde sus inicios en la jota y el teatro de variedades, hasta su etapa de popularización en televisión y cine comercial. La despedida este lunes en València representa un homenaje a una figura reconocida entre el público de distintas generaciones, tal como subraya el seguimiento mediático realizado por Europa Press.

Mari Cielo Pajares relató en sus redes sociales la dificultad de compartir la noticia con su padre, Andrés Pajares, luego de enterarse de la muerte de Fernando Esteso. Según consignó el medio, este impacto familiar ha marcado los primeros momentos tras el fallecimiento del actor, generando una oleada de mensajes de condolencia y peticiones de respeto por la privacidad en estos momentos difíciles para la familia Esteso y su círculo cercano.

De acuerdo con el medio, Andrés Pajares utilizó su perfil de Instagram para difundir un mensaje en el que manifestó el dolor que atraviesa: “Hoy se ha muerto parte de mi vida, mi hermano, amigo y compañero. Te quiero mucho Fernando, que Dios te tenga en su gloria”. Pajares añadió que, debido a la magnitud de su sufrimiento, no se siente “en condiciones de hablar” con los medios de comunicación y solicitó comprensión por este motivo. Expresó además que no asistiría a Valencia, lugar donde falleció Esteso, indicando: “Prefiero recordarle vivo y mando mis condolencias a su familia”.

En esa misma línea, Mari Cielo Pajares emitió un mensaje público cargado de emoción en el que calificó a Fernando Esteso como “un hermano para su padre” y, por extensión, como un miembro más de su propia familia. Explicó que enfrentarse al hecho de decir adiós a Esteso resulta irracional, como si fuera algo que nunca ocurriría, según recogió el medio. Para ella, su figura se asocia con recuerdos de infancia, las primeras risas y momentos memorables que perduran con especial aprecio.

Mari Cielo destacó en su mensaje que la relación entre su padre y Fernando Esteso sobrepasó cualquier vínculo profesional o fraternal: “No han sido compañeros, no han sido hermanos, han sido dos gemelos de espíritu libre”, escribió. En su publicación, elogió la capacidad de ambos para superar temores y defender la libertad durante una época donde enfrentar la censura y dedicarse al humor en toda su expresión implicaba riesgos significativos.

El medio detalló también que Mari Cielo admitió no poder contener las lágrimas al recordar a Esteso, a quien profesaba admiración y afecto por haber acompañado su infancia. “He crecido admirando y queriendo a Fernando, quien ha estado ahí durante toda mi infancia”, relató, al tiempo que solicitó que su memoria permanezca asociada a la alegría y la sonrisa que lo caracterizaban.

Los mensajes compartidos por Andrés Pajares y su hija reflejan el vínculo estrecho que existía entre las familias y la huella profunda que la figura de Esteso deja en su entorno más cercano. Según publicó el medio, la conmoción generada por la noticia derivó también en llamamientos públicos a respetar el dolor de los allegados y a mantener el recuerdo del humorista como parte de una vida entregada al espectáculo y a la amistad.

Asimismo, la decisión de Andrés Pajares de no desplazarse a Valencia, argumentando su deseo de conservar el recuerdo de Esteso con vida, reveló la dimensión personal de la pérdida. El medio enfatizó la petición de respeto tanto por el duelo de los amistades cercanas como por el proceso de despedida que afronta la familia, sostenida en la memoria de momentos compartidos que trascienden la relación profesional mantenida durante años.

En los comunicados citados por el medio, se remarcó la importancia de valorar el legado de Fernando Esteso, quien junto a Andrés Pajares conformó una de las duplas más emblemáticas dentro de la comedia española, desafiando barreras y consolidando una amistad que, según los hijos de Pajares, puede calificarse de fraternal y singular. Los mensajes difundidos en redes sociales alcanzaron una amplia audiencia, consolidando el sentir general de pesar en el panorama artístico español.

De este modo, según informó el medio, tanto amigos, familiares como seguidores, se sumaron a las muestras de apoyo y solidaridad, reforzando la petición de privacidad en el proceso de duelo. La noticia de la muerte de Fernando Esteso ha intensificado las muestras públicas de afecto, y ha puesto de manifiesto la relevancia de su figura, especialmente en el círculo más íntimo, según consignaron las fuentes citadas por el medio.

En el Espacio de Arte AMIA se inauguró No Discriminarás, una muestra de arte del Combat Antisemitism Movement (CAM). La exposición reúne 23 ilustraciones del humorista gráfico y caricaturista “Pati” Adrián Franco, que utiliza el humor para desarmar prejuicios y exponer lo absurdo de los discursos de odio, en especial los vinculados a estereotipos antijudíos. Apoyada en ejemplos de la Definición de Antisemitismo de la Alianza Internacional para la Memoria del Holocausto (IHRA), la muestra ofrece una mirada didáctica sobre las formas en que la discriminación se manifiesta a diario, al tiempo que aspira a despertar conciencia y promover una actitud activa frente al antisemitismo.

Elio Kapszuk, Director de Arte y Producción de AMIA, expresó que la exhibición coloca al arte “al servicio de una causa urgente”. Sostuvo: “A través del humor gráfico, que interpela de manera directa y accesible, se invita a reflexionar, a tomar conciencia y hasta incomodarse frente a prácticas discriminatorias que muchas veces se naturalizan”. Kapszuk remarcó que el combate contra todas las formas de odio constituye una responsabilidad ética y social, y señaló el aporte central del arte como generador de debate, canal de sensibilización y promotor de justicia en la sociedad.

Desde el Combat Antisemitism Movement (CAM), Shay Salamon —Director Ejecutivo de Asuntos Hispanos— destacó la intención de la muestra de ir más allá de la mera denuncia. Según Salamon, el propósito es inspirar a las personas a comprometerse activamente en la erradicación del antisemitismo. Detalló: “Queremos seguir denunciando y educando sobre este odio en todas sus formas, e inspirar a más personas a sumarse a esta lucha, que hoy se expresa desde múltiples espacios. No Discriminarás no es solo una exposición artística, sino una herramienta de conciencia y acción”. Agregó que el arte puede interpelar y suscitar el diálogo, haciendo visible una problemática que persiste en la actualidad.

La exposición puede visitarse sin costo en el Espacio de Arte AMIA —entrepiso de Pasteur 633—, de lunes a jueves entre las 10 y las 19, y los viernes hasta las 16. El acceso requiere la presentación del DNI.

La IHRA es una organización internacional establecida en 1998, con sede en Berlín, que reúne a más de 30 gobiernos, países observadores y entidades asociadas. Su labor consiste en salvaguardar la memoria del Holocausto, impulsar la educación sobre este suceso, y definir estándares para la prevención y el enfrentamiento del antisemitismo y otros tipos de odio. La Definición de Trabajo de Antisemitismo de la IHRA, base conceptual de la muestra No Discriminarás, sirve de referencia a naciones y municipios en la elaboración de políticas destinadas a combatir la discriminación contra los judíos.

[Fotos: prensa AMIA]

Entre risas y complicidad con el panel, Lizy fue directa: “Yo soy una persona fiel, pero si un día me ven bajando de un camión... Les conté, es mi talón de Aquiles. Bajarme de un camión y esos hombres fornidos que le pegan a la rueda. Yo me imagino a Sebastián, camionero, todo tatuado que diga Lizzy“. Y ante las risas en el estudio, continuó: ”Así, todo en el pecho, inflando a la goma del camión. Y yo bajando frágil y débil, que me tienen que ayudar para bajar del escalón. Me paro en la puerta del camión y me agarran así de las axilas para ayudarme a bajar”.

Pero la humorista no se detuvo ahí. “No así con el rubro de los colectiveros, que los amo. Tampoco me descarten por lo que voy a decir, porque ya estoy en una edad donde no puedo elegir tanto. Imaginate que Sebastián me deje, se va de mi casa y bueno, ¿qué voy a hacer? El colectivero tiene que lidiar con la gente, con el tránsito”, explicó, sumando una cuota de autocrítica y guiños a los desafíos de la vida cotidiana.

La charla siguió con la participación de los compañeros del panel, que mencionaron la presencia creciente de mujeres al volante en algunas líneas de colectivos, como la 111 y la 130. Lizy, siempre rápida para la ironía, acotó: “Ay, sí, pero ¿no ves todos los accidentes que hay todos los días?“. Y, usando las creencias antiguas a modo de broma, sumó: ”Mujeres, Dios mío, porque nosotras tenemos que irnos a hacer las empanadas el domingo. Las mujeres nacimos para hacer las ensaladas cuando los hombres hacen el asado. Hay que dejar al hombre que sea hombre”.

Sin embargo, no todo es humor en la vida de la conductora. A comienzos de enero, Tagliani compartió uno de los momentos más emotivos de sus vacaciones familiares en Miramar: el primer encuentro de Tati con el mar. El video que subió a sus redes mostraba al niño, de la mano de sus padres, reaccionando con asombro y alegría al tocar el agua por primera vez. Además, quedó retratada una caminata familiar sobre la arena y el instante exacto en que Tati se animaba a sumergir los pies en el océano. Fascinado, el niño observa el movimiento de las olas y lanza un grito de felicidad, provocando la risa y la emoción de todos los presentes.

El video rápidamente se llenó de comentarios de seguidores y amigos de la conductora, que celebraron la espontaneidad y la ternura del momento. Junto a las imágenes, Lizy reflexionó sobre la importancia de los primeros descubrimientos en el crecimiento de una familia. “De las cosas más bellas que tiene esta vida son las sorpresas, esa sensación de descubrir algo nuevo, algo que no sabemos si nos va a gustar o no, y de repente para nuestro pequeño llegó el momento de conocer el mar”, escribió. Y agregó: “Verte crecer es lo más hermoso que nos pudo pasar a papá y a mí. No cambiaste nuestras vidas, nos trajiste una nueva. Te amamos hijo”.

En cada aparición pública y cada posteo, Lizy deja en claro que la maternidad y el amor de pareja son hoy el centro de su vida. Ya sea hablando desde el humor más desfachatado o mostrando la emoción de los momentos únicos junto a Tati y Sebastián, la conductora logra conectar con su público desde la honestidad y la empatía. Su historia es la prueba de que la felicidad se construye en los pequeños grandes gestos: una broma al aire, una confesión inesperada, una tarde en la playa, el descubrimiento del mar y, sobre todo, el valor de compartir cada paso con quienes uno más ama.

Carlos Alcántara volvió a colocarse en el centro de la conversación digital tras compartir una fotografía que rompió con las expectativas habituales de su contenido en redes sociales. El actor y comediante peruano publicó una imagen en la que aparece sin ropa, una decisión que generó impacto inmediato entre sus seguidores.

La publicación fue replicada, comentada y debatida en cuestión de minutos, con reacciones que oscilaron entre el humor, la incredulidad y la admiración. Figuras del espectáculo y usuarios anónimos se sumaron a la conversación, aportando mensajes que potenciaron la viralización del contenido.

El episodio abrió una discusión sobre los límites de la exposición personal, el uso del cuerpo como mensaje y el tono irreverente que caracteriza la trayectoria pública del artista.

Una publicación inesperada que encendió las redes

La imagen difundida por Carlos Alcántara se alejó de los registros habituales asociados a su carrera actoral y humorística. En la fotografía, el intérprete aparece completamente desnudo, con un encuadre que dejó poco a la imaginación y que fue acompañado por un mensaje irónico. El gesto fue interpretado por muchos como una provocación deliberada, alineada con su estilo directo y su historial de intervenciones públicas cargadas de sarcasmo.

La reacción fue inmediata. En pocos minutos, la publicación acumuló miles de interacciones, entre comentarios, reacciones y compartidos. Usuarios de distintas plataformas replicaron la imagen, generando debates paralelos sobre el sentido de la exposición y el impacto de este tipo de acciones en figuras públicas con alta visibilidad. El nombre del actor comenzó a circular con fuerza en tendencias digitales, impulsado por la sorpresa que causó la fotografía.

Algunos seguidores destacaron el carácter humorístico del gesto, mientras otros manifestaron desconcierto ante la decisión. La falta de un contexto explícito amplificó las interpretaciones, desde una crítica social hasta una simple broma visual. La ambigüedad funcionó como motor del alcance, al permitir lecturas diversas sin una explicación cerrada por parte del protagonista.

El episodio también evidenció la rapidez con la que un contenido puede escalar en la conversación pública cuando involucra a una figura reconocida. En cuestión de horas, la imagen ya formaba parte del debate mediático, con menciones en programas de espectáculos y espacios de análisis sobre cultura digital.

Reacciones de colegas y seguidores

Los comentarios de personajes conocidos del medio artístico contribuyeron a reforzar el impacto de la publicación. La actriz Ebelin Ortiz reaccionó con un breve “Aaah, buenos”, un mensaje que fue interpretado como una respuesta jocosa al atrevimiento mostrado. Oscar López Arias acompañó su reacción con emojis de fuerza y un símbolo alusivo al cuerpo, reforzando el tono distendido de la conversación.

Entre los mensajes que más circularon destacó uno firmado como “UnPotoCalato”, que escribió: “Por un mejor país muestra tu poto feliz”. La frase se convirtió rápidamente en uno de los comentarios más compartidos, al sintetizar el espíritu irreverente que dominó gran parte de las respuestas. Gabo Villarreal Pe aportó el término “Potoclaun”, un juego de palabras que reforzó la asociación entre el gesto y la faceta humorística del actor.

Jean Paul Santamaría sumó una reacción cargada de ironía al escribir: “Ahora que te pelaste ya no sé si es poto o cabeza 😂😂😂😂 abrazo crack”. El comentario fue ampliamente celebrado por otros usuarios, que replicaron la frase y añadieron sus propias variaciones. Adolfo Aguilar se limitó a una secuencia de risas, un gesto que también fue interpretado como respaldo al tono ligero del intercambio.

Estas reacciones evidenciaron una complicidad entre colegas del espectáculo, que optaron por el humor como respuesta frente a una acción inesperada. La dinámica reforzó la percepción de que la publicación formaba parte de un juego comunicacional más amplio, en el que la exageración y la burla funcionan como códigos compartidos.

Miguel Martín tenía 7 años y no imaginaba ser el Oficial Gordillo, ese humorista que fue moldeando con humor y perseverancia y que conquista la cartelera de Carlos Paz cada temporada. Por aquel entonces, en su Famaillá natal, las aventuras se transitaban lejos de los escenarios y en torno a las pequeñas cosas. Y lo extraordinario estaba reservado para el terreno de las fantasías.

Por eso, todavía recuerda su asombro cuando lo invitaron por primera vez al cine, cortesía de la madre de un amigo, “el más potentado de la barra”, evoca en esta charla con Teleshow. La cartelera anunciaba el estreno de Volver al futuro, pero para él ese título no significaba nada; podría haber sido cualquier otra película, obnubilado como estaba por el paisaje y las luces de la capital provincial. Pero cuando dejó la sala y encaró la vuelta a sus pagos, ya no era el mismo. “Salí maravillado, no solo porque me encantaba la temática de viajes en el tiempo, sino por la trama”, rememora. Otra vez, el arte transformando la vida de las personas, no importa cuándo leas esto.

Además de la facilidad para trasladarse en el tiempo, Miguel quedó atrapado al notar cómo en la constitución de los McFly se reflejaban muchos rasgos cotidianos de su familia. “Mi papá vivía una situación parecida a la de George McFly: tenía un jefe que no lo trataba tan bien y a él no le gustaba confrontar”. Sus ojos de niño veían cómo sus padres discutían a menudo por un tema sin solución aparente, salvo la que le ofrecía la película: “Cómo me gustaría volver al pasado, tener la misma edad de mi viejo y decirle: ‘Loco, vos podés’”, pensaba, ante cada atropello del malvado Biff Tanner.

Sin un Delorean a mano para viajar en el tiempo, ni un científico amigo con ideas alocadas, Miguel debió conformarse con un mensaje que hizo bandera: “Las cosas que hagas hoy van a repercutir en el futuro. No hay imposibles. Me puse ese objetivo, y creo que no me fue tan mal”, reflexiona.

La frase, pronunciada a casi exactos 40 años de esa revelación, suena convincente en voz de Miguel, ya constituido como el Oficial Gordillo. Lejos en el tiempo, pero no en esencia, de aquel niño que se maravillaba por la capital, es un hombre que camina por Carlos Paz con la familiaridad de quien se siente en casa. “La verdad es que me han adoptado acá. Capaz les sale una oveja negra, pero ya no hay vuelta atrás”, afirma con orgullo y la dosis justa de humor que lo acompaña en cada frase. Doce veranos consecutivos en la villa serrana le dieron no solo un público fiel, sino también una relación entrañable con la ciudad y su gente, que se explica, en parte, por no perder nunca aquella inocencia de los siete años.

Desde sus primeras funciones en teatros pequeños hasta la consagración en el imponente Luxor, el humorista tucumano repasa en esta charla su historia, sus inspiraciones y el detrás de escena de Choriando al futuro, su nuevo espectáculo que juega con el tiempo y la memoria. Con funciones diarias de lunes a miércoles en el Teatro Luxor, y el sostén afectivo y artístico de su esposa Soraya y de sus hijos Juan Pablo y Lucía, Miguel entra y sale del traje del oficial que lo hizo famoso, para abrir la puerta a su intimidad sin perder la magia del personaje.

—¿Cómo surge la idea de construir un show a partir de Volver al Futuro?

—Por dos motivos. Uno, porque me gusta mucho la película y toda la temática de viajar en el tiempo. Y otro, porque siempre hablo del pasado y quería hablar de otras cosas. Un poco del presente, porque me toca ser padre y marido. Y del futuro, que ya es más un juego poético y una ficción. Hay tres Gordillos en el escenario. El primero sale con la indumentaria de la primera temporada, la camisa celeste y el pantalón oscuro, y cuenta que en el pasado no existían el pistacho ni las cafeterías para pedir frappuccino mocha caramel, y empieza ese juego de las comparaciones.

—¿Cómo está armado el show sobre el escenario?

—Todo el escenario es una línea del tiempo, con una cabina que representa el pasado y otra el futuro. Y está el del presente también, un Gordillo más tirando a jefe de policía, con una corbata de raso, muy elegante. Ahí hablo de mi señora y de mis hijos. Ella es muy bonita, aparece en la pantalla gigante y tiro la famosa ley del embudo. Cuento que los humoristas tenemos mujeres lindas, y los que somos feos tenemos que hacerlas reír hasta que se olviden que somos feos. También juego con que mis hijos son los dos abanderados: salieron a la madre. Mi señora es arquitecta, medalla de oro, posgrado en Barcelona, y yo el único certificado que tengo es de nacido vivo, para que te des una idea (risas).

—¿Y el Gordillo del futuro?

—Ese aparece y empieza a dar noticias, siempre en tono de broma. Anuncia una nueva pandemia por exceso de pistachos, por ejemplo. Es todo muy desopilante, y la verdad que yo me divierto, no sé los demás.

—Aparentemente el público también, porque la sala siempre está llena, se agregan funciones. Y pienso en aquel actor más del off, que llegó a Carlos Paz para actuar en los márgenes. ¿Cuándo notaste que pasaba algo con el personaje de Gordillo?

—Fue muy paulatino. Primero me di cuenta en las fiestas familiares, cuando se reían de lo que hacía. Después, en la escuela, mis compañeros también se reían de mis payasadas. Y más tarde me di cuenta de que me gustaba mucho hacerlo. Yo soy analista de sistemas, pero cuando salí de la secundaria había hecho cursos de teatro medio escondido porque a mi viejo no le gustaba; decía que era cosa de vago. En un momento empecé a vender computadoras, y una clienta, después de una instalación, me pidió que contara unos chistes en su cumpleaños con la excusa de ser el sobrino de la dueña de casa. Después de esa fiesta, otras personas empezaron a invitarme a sus reuniones. Al principio repetía chistes clásicos, pero al final hacía un monólogo sobre cómo hablan los policías en Tucumán, y ahí la gente se enganchaba mucho. Entonces se me ocurrió ponerme el traje, la camisa celeste —que era mi uniforme de laburo— y una gorra que decía “Polesía”, con “s”. Así empezó todo. Me llamaban para fiestas, después para pubs, luego para teatros cada vez más grandes en Tucumán. Cuando se me agotaron las ideas, subí el material a YouTube y ahí explotó: me empezaron a llamar de Córdoba y empecé las temporadas acá.

—¿Te siguen confundiendo como un falso origen cordobés por tu tonada y tu identificación con la provincia?

—Absolutamente. Cuando estoy en Córdoba, saben que soy tucumano, pero cuando voy a Buenos Aires, algunas personas todavía piensan que soy de Córdoba, sobre todo quienes no identifican la diferencia entre las tonadas. Los entiendo, y siempre les digo: “Es un honor que me digan cordobés, pero soy tucumano y a mucha honra”.

—¿En qué momento decidiste involucrar a tu familia en el espectáculo?

—Lo hago desde siempre y lo fui adaptando a medida que mis hijos crecían. Cuando eran bebés, contaba anécdotas sobre lo difícil que era criar chicos chiquitos; ahora que son adolescentes, cuento cosas propias de esta edad y de cómo cambió la relación con los padres. Antes éramos los cuatro más unidos; ahora cada uno va encontrando su lugar. Mi mujer y yo ya nos conocemos: ella es toda fina, yo todo lo contrario. Sabemos cómo es cada uno y ahora estamos en nuestro mejor momento.

—¿Cómo ves la temporada teatral en Carlos Paz?

—Yo la veo bastante bien. Al principio de enero estaba un poco parada la cosa, porque todavía no llegaba la gente, pero ahora Carlos Paz está repleto. Lo que noto es que la gente ya no va a ver todas las obras; ahora elige una o dos por la situación económica, pero igual la peatonal está llena y casi todos los teatros tienen buenas convocatorias.

—Jugando con el título de tu obra y poniéndonos un poco serios, en la medida de lo posible: ¿cómo te imaginás en el futuro, de acá a diez años? ¿Siempre haciendo humor o te gustaría dedicarte a otra cosa?

—De aquí a diez años me gustaría en algún momento encontrar la manera y el presupuesto para hacer películas de humor en el estilo de Will Ferrell, Owen Wilson, Ben Stiller, pero con tonada provinciana, antihéroes como Gordillo. Estoy hablando con productores y directores para cuando baje un poco la efervescencia de la gira y poder encararla. Mientras tanto, la voy escribiendo.

—¿Y tus hijos? ¿Te gustaría que sigan el camino del padre artista y humorista, o el de la madre arquitecta universitaria?

—Ya se están inclinando por el lado de la madre. A Lucía le gusta mucho la decoración y la arquitectura, y Juan Pablo va más por la matemática y la ingeniería, porque mi suegro, mi cuñado y mi hermano son ingenieros. Yo siempre les digo que hagan lo que los haga felices, no como nuestros padres que decían “vos vas a hacer esto” y quedaba ahí. Obviamente, me encantaría que se dedicaran al humor, pero si no se da, que hagan lo que les guste y sean felices.

Ya de chico Tute dibujaba sin parar. Tenía con qué. Su padre, Caloi, era historietista; su madre, María Cristina Marcón, artista plástica. Pero también de chico hablaba sin parar. Él y sus dos hermanos. Decían cosas que para sus padres eran absurdas, delirantes, geniales. Un día su madre llegó con un regalo. Un libro forrado en papel escocés y hecho enteramente a mano, con letra de ella pero también de Caloi. Cinco, en realidad: uno para cada integrante de la familia. En la tapa dice Niños.

“Ella fue escribiendo todas las cosas divertidas que decíamos mis hermanos y yo desde que empezamos a hablar hasta la preadolescencia. Lo hicieron mi vieja y mi viejo, pero sobre todo mi vieja: fue la ideóloga. Está separado en tres capítulos: cada capítulo un hermano. Y además de todas las cosas que decíamos están nuestros dibujos y los dibujos que mi viejo nos hacía a nosotros, muchos con Clemente, para los cumpleaños”, recuerda el dibujante del otro lado del teléfono, en entrevista con Infobae Cultura.

“Un material extraordinario donde uno tiene la posibilidad de visitarse con dos años, tres, cinco, siete años. Ver lo que decían mis hermanos, las similitudes, las grandes diferencias... Un libro extraordinario con un original y mi vieja después hizo fotocopias para quintuplicar el libro”, agrega quien acaba de publicar un nuevo título, La Niñez, editado por Siglo Veintiuno. En la tapa, un hombre tatuado mira a su hijo que decidió no dibujar en la hoja, sino en su propio cuerpo, para parecerse a su padre.

“La niñez fue una invitación que me hizo Javi Rollo a participar en una serie para Siglo Veintiuno de distintos temas. Les di dos opciones: uno era la infancia, el otro el amor. Ellos escogieron la niñez. Me pareció bien porque no tenía ningún libro temático sobre la infancia. El trabajo más fino fue de Javi, del editor, porque yo mandé todo el material que tenía sobre la infancia. Eran muchísimos dibujos, cerca de quinientos. Ellos hicieron una selección que es lo que hoy está en el librito", cuenta.

Tute camina entre dos vías. Él le llama paisajes. “Uno es el paisaje del mundo que me rodea: los hijos de uno, pero también los hijos de los amigos, los piberíos desconocidos, lo que uno puede observar. Y después, el paisaje interno, que es donde están las preguntas que uno se hacía cuando era pibe. Un mundo más íntimo, más de la filosofía personal, de las angustias y los entusiasmos más personales. Muchas veces surgen a partir de memorias, de recuerdos, de sensaciones, de pensamientos”.

Es la hora de la siesta pero Tute no piensa dormir. Su casa está en obra. Mientras conversamos, se escuchan, a lo lejos, algunos ruidos: el timbre cada tanto, muebles que se mueven, hombres que hablan de albañilería, de carpintería, de para cuándo pueden terminar tal parte de tal trabajo. El artista se despoja del costumbrismo y viaja al pasado: “De muy chico ya decía que iba a ser dibujante, que iba a ser humorista gráfico. Hacía dibujos y decía: ‘solo falta que me paguen’”, recuerda.

Nació en cuna de artistas, en Buenos Aires, año 1974, y se crio en José Mármol. Estudió diseño gráfico, también cine, y antes de que el portón del nuevo siglo se abra publicó sus dibujos en La Nación. Desde entonces puso un pie, además del que tenía en los medios, en la industria editorial. Tute de bolsillo, El amor es un perro verde, Batu, Mabel & Rubén, Diario de un hijo, Superyó, Yodo es político! y Ensayo para mi muerte, son algunos de sus tantos libros publicados.

“Mi primera lectura fue Mafalda”, confiesa ahora. Muchísimo tiempo después, en el año 2014, cuando publicó su primera novela gráfica, Dios, el hombre, el amor y dos o tres cosas más, Quino le escribió el prólogo. “Yo aprendí a leer con Mafalda y, por supuesto había tiras que no comprendía, pero muchas otras que sí. Y en una segunda lectura comprendí una parte que antes no comprendía. Así suelen ser las obras complejas: tienen muchas capas de lectura y permiten relecturas a lo largo de la vida".

“Nunca pienso en chiquitos leyendo mis dibujos, después aparecen”, asegura. “Me gusta que sea así. Nunca forcé un dibujo o una idea pensando en que lo tiene que leer alguien que tiene menos información o que hay que ser más explícito. Me gusta la idea de que un pibito se vuelque a leer algo que no fue pensado para él, pero que perfectamente puede ser leído por él. Como a mí me pasó con Mafalda, que no era una tira producida para ser leída por niños, y sin embargo tuvo infinidad de lectores niños y jóvenes".

“Nunca hice ningún libro ni ningún dibujo pensando en un público infantil”, subraya. En muchas ferias de libros, Tute suele poner sentarse a recibir a sus lectores y una larga cola de gente se forma para que le firme un ejemplar. Esa firma es un dibujo. Y ahí ve muchísimos chicos. “Me encanta eso porque siento que hacen lo que yo hacía cuando era chico, que era leer a Fontanarrosa, leer a Quino, gente que hacía humor para adultos, no para niños. No leía libros infantiles", explica.

“Me parece medio raro lo del libro infantil. Entiendo que uno pueda hacer un libro pensando en niños que recién empiezan a leer, pero a mí me gusta más la idea de un adulto que simplemente hace libros y un pibe que puede leerlos. Tan sencillo como eso”, dice y agrega: “Un pibe no entiende del todo el dibujo va a hacer su propia interpretación provisoria. Después hará una relectura y lo entenderá de otra forma. Todo eso es más enriquecedor que un adulto que dibuja pensando en un pibe que no entiende nada”.

Tute señala que existe un problema serio en subestimar al público infantil: “Ahí hay que ser absolutamente obvio, muy claro, con una subestimación total de los pibes cuando no hace falta. Al revés es más atractivo: que el pibe sienta la exigencia de tener que entender algo, de hacer su propia interpretación y eventualmente de no entenderlo por un tiempo. Después volverá al material y lo entenderá de otra forma. Todo eso me parece mucho más enriquecedor que la subestimación del público infantil”.

“La infancia sigue siendo una etapa muy poderosa, a pesar de las pantallas en demasía y cierta cuestión del no permitirse el aburrimiento”, asegura. “Ese tipo de cosas atentan contra esa potencia creadora, pero yo estoy seguro de que eso está. Es una etapa absolutamente fundamental en la vida. Diría que la primera infancia es la que te forma para el resto de tu vida en muchos sentidos, sobre todo por lo que se inscribe en el inconsciente. Como en las casas, es la base sobre la que se apoya la edificación”.

Tute vuelve al recuerdo al libro que le hicieron sus padres: “Ahí está la potencia de la imaginación”. “La infancia es una etapa naturalmente muy poderosa donde se alojan muchos temores, donde se empiezan a formar las identidades apoyadas sobre las identificaciones. Aparecen las marcas: lo que dice un padre, con lo que dice una madre. La infancia es una etapa de mucha absorción. Todos los pibes son esponjas. Lo estás viendo con tus hijos. Una etapa muy potente y muy delicada a la vez: eso es la niñez”.

En un verano donde la oferta teatral de Mar del Plata desborda de propuestas y nombres consagrados, la llegada de Alfredo Casero y Rodolfo Alacrán Samsó con Cha Cha Cha – Edición verano se posicionó rápidamente como uno de los grandes atractivos de la temporada. El histórico ciclo de humor, símbolo de varias generaciones, aterrizaba por primera vez en la ciudad balnearia con la promesa de revivir una mística que marcó una época. Sin embargo, el entusiasmo y la expectativa se vieron alterados abruptamente por la sorpresiva salida de Casero, que dejó al público y al equipo con más preguntas que certezas. Frente a este panorama, Alacrán decidió dar un giro y redefinir su propio verano artístico.

En medio de la suspensión de los shows y la incertidumbre sobre el destino de Cha Cha Cha, Alacrán optó por mirar hacia adelante y redefinir su participación sobre los escenarios. El humorista eligió continuar con su propio recorrido por la Costa Atlántica junto al humorista Alfredo Silva, con quien ya inició una serie de espectáculos en diferentes localidades. Consultado por Teleshow sobre el proyecto con Casero, fue claro: “Lejos estoy de ser quien lo decide. Pero hasta donde sé no parece que sigue. Yo ya estoy haciendo funciones en otra compañía”.

Esta nueva etapa, que comenzó recientemente, no es un salto al vacío para Samsó, sino el resultado de una amistad y una química de años con Silva. “Nosotros hace 20 años que contamos chistes juntos, cuando recién arrancaba Silva, que se hizo un fenómeno viral por WhatsApp. Sus chistes empezaron a circular por todos lados. Él surgió en Crónica TV con Anabela Ascar, lo llevaba asiduamente y él contaba chistes ahí. Después siguió en Polémica en el bar y ahora está en Telefe. Pero sobre todo, haciendo eventos y shows”, relató el capocómico a este medio.

La conexión entre ambos va más allá del escenario: “Cuando él surge, nosotros ya nos conocíamos porque yo navegaba y él estaba en San Fernando. Empezamos navegando juntos, después contando chistes juntos. Y ahora, somos como esos jugadores de fútbol que sin levantar la cabeza saben dónde está el compañero y se hacen los pases“. Y ahondó: ”Subimos al escenario y le dije: ‘No, arrancás vos’, porque originalmente es la obra de él, la gente lo va a ver a él. Arrancó, hizo 20 minutos, me hizo pasar a mí, y después juntos tenemos como un pimpón de chistes. Un chiste le hace acordar a otro y la gente va pidiendo, y se arma algo muy dinámico y fresco, donde siempre sale distinto”.

La respuesta del público no tardó en llegar. Tras su primera función juntos el lunes pasado en San Bernardo, la experiencia fue tan positiva que decidieron repetirla y expandir la gira por toda la temporada. “Alfredo y su productor quisieron que yo me sume al show, que ya me quede y que haga toda la gira juntos. Es más, quieren que cuando volvamos a Buenos Aires, sigamos juntos”, reveló Samsó.

El humorista, que quedó abruptamente sin proyecto en Mar del Plata tras la salida de Casero, ve con buenos ojos este nuevo rumbo. “En este momento de cambio, donde todo el mundo está expectante de Cha Cha Cha, pero que eso ya no está, a mí me viene muy bien que se enteren de este cambio, que estoy haciendo funciones con Silva. Y seguramente vamos a agregar más funciones, pero lo importante es que se sepa que estoy embarcado en esto. Es algo muy lindo y que disfruto mucho”, aseguró, emocionado, por este proyecto.

La agenda de la dupla para el resto del verano ya está en marcha: los lunes en San Bernardo a las 23, los miércoles en el Teatro Ocean de Mar de Ajó a las 22 y los viernes en San Clemente en el mismo horario. Cada función suma capítulos a la larga trayectoria de Samsó y refuerza su vigencia en el humor nacional, aun cuando la cancelación del proyecto con Casero no haya sido confirmada oficialmente por la producción.

Así, en medio de la sorpresa y la reconfiguración de la temporada teatral, Alacrán apuesta por un verano de risas y nuevas aventuras, mientras el público de la Costa Atlántica celebra la oportunidad de reencontrarse con una dupla que hace de la química y la improvisación una fiesta sobre las tablas. La historia de Cha Cha Cha tendrá que esperar su próximo capítulo; por ahora, el show sigue, de la mano de quienes no pierden nunca las ganas de hacer reír.

La segunda edición de los Premios SGAE de Humor Miguel Gila tiene previsto celebrar su gala el próximo lunes 26 de enero en los Teatros Luchana de Madrid, con la conducción del humorista Goyo Jiménez, primer ganador de la categoría de honor en la edición de 2024. Según informó la SGAE, los reconocimientos de este año han recaído en tres figuras destacadas del humor español: Leo Harlem, Manu Sánchez y Javier Corral, en las categorías de honor a la trayectoria, mejor espectáculo y revelación, respectivamente.

De acuerdo con la información aportada por la SGAE, Leo Harlem ha sido distinguido con el Premio de honor Miguel Gila 2025. El jurado ha subrayado su manera particular de observar la vida cotidiana, acreditándolo como referente del humor costumbrista en España. Destacan su habilidad para dotar de comicidad a lo cotidiano y cotidiano y su estilo accesible para múltiples públicos. Leo Harlem, con larga trayectoria en los escenarios y la televisión, se suma así a la lista de figuras reconocidas por el legado de Miguel Gila, considerado uno de los grandes renovadores del monólogo humorístico en España.

En la categoría de Mejor espectáculo de monólogo, el galardón ha correspondido a Manu Sánchez por su obra 'Entregamos'. El medio SGAE detalló que la selección se tomó de manera unánime por parte del jurado compuesto por Manu Badenes, Eva Cabezas, Goyo Jiménez, Manel Lucas y Marta Martínez, nombres vinculados de lleno al ámbito del humor y la escena. Manu Sánchez, al recibir la distinción, expresó: “Estoy tremendamente feliz y muy orgulloso por el equipo, el proceso y el público que está llenando cada teatro. Es un regalazo”. El cómico también hizo referencia directa a la inspiración de Miguel Gila en su trabajo, mencionando: “Sin lugar a dudas, el espíritu de Miguel Gila ha estado presente en toda la confección de Entregamos. Él es un referente, el espejo en el que nos miramos todos los comediantes”.

En cuanto a la categoría de Mejor espectáculo revelación, Javier Corral se ha alzado con el premio gracias a su monólogo 'Abrazolamp! 2 (Acorralado)'. Según consignó la Fundación SGAE, la propuesta ha destacado no solo por su aproximación humorística a un tema delicado como el suicidio, sino por la capacidad de abrir espacio para el humor en ámbitos tradicionalmente silenciados. El jurado ha resaltado el trabajo de Corral al abordar el estigma desde una perspectiva cómica que integra sensibilidad, honestidad y un elemento de riesgo no habitual en el género.

Los Premios SGAE de Humor Miguel Gila, instaurados en 2024, tienen como propósito reconocer el aporte y el legado de los profesionales que han dejado huella en el monólogo humorístico. Desde su primera edición, estos premios aspiran a mantener vivo el tributo a Miguel Gila, quien revolucionó el género con una visión propia sobre el humor y su función en la sociedad. SGAE reportó que la segunda edición buscó nuevamente honrar ese legado, seleccionando a creadores y espectáculos que destacan por originalidad, innovación y un impacto notorio en la escena nacional.

El jurado de la presente edición se compuso de figuras con amplio recorrido en la escena, la televisión y otros formatos vinculados al humor: Manu Badenes, Eva Cabezas, Goyo Jiménez, Manel Lucas y Marta Martínez. Según publicó la SGAE, su criterio ha sido fundamental para evaluar los distintos matices de la comedia y el impacto de los monólogos en el público y la sociedad.

Tal como subraya la propia organización, los Premios SGAE de Humor Miguel Gila tienen la intención de no solo galardonar trayectorias consolidadas, sino también destacar la innovación y la frescura en la escena del monólogo. De este modo, la edición de 2025 ha puesto de relieve las distintas facetas desde las que el humor puede realizarse: desde la consolidación profesional de Leo Harlem, pasando por el éxito de público y crítica de Manu Sánchez, hasta la vertiente más arriesgada y novedosa representada por Javier Corral.

La gala de entrega, según confirmó la SGAE, se llevará a cabo ante un público conformado por colegas de profesión, representantes institucionales y seguidores del género, manteniendo el carácter anual que distingue a estos premios dentro del panorama cultural español.

Miguel Pang ha manifestado que asumir la autoría del cartel oficial de la próxima Feria del Libro de Madrid representa un desafío artístico específico, así como un “privilegio enorme”. El ilustrador pretende crear una imagen ligera que inspire alegría y se centre en los lectores, a quienes identifica como el corazón de este evento literario. Con la intención de reflejar el entusiasmo y la motivación que emana de la celebración, Pang se enfrenta al compromiso de retratar el eje temático del humor escogido para esta 85ª edición, que se desarrollará del 29 de mayo al 14 de junio de 2026 en el Parque de El Retiro, según informó la institución organizadora.

De acuerdo con la información divulgada por la Feria del Libro de Madrid, la presentación pública de la imagen oficial está prevista para comienzos de abril del próximo año. La elección de Miguel Pang como autor del cartel responde, según palabras de Eva Orúe, directora de la feria, no solo a su reconocida creatividad visual, sino también a su estilo narrativo distintivo, que destaca por su capacidad para poblar el papel de figuras imaginativas y dotadas de humor. Orúe remarcó que el artista logra crear personajes tan extraordinarios que despiertan en el espectador el deseo de descubrir siempre “al más raro todavía”. Además, destacó la afinidad con el mundo del libro del ilustrador, así como su sensibilidad para captar el espíritu de la celebración.

Según detalló la organización, la imagen seleccionada aspira a acompañar a quienes recorran la feria y a presentar la literatura como una fuente de alegría y punto de encuentro. “Quiero que el cartel transmita amor por la lectura y acompañe a los paseantes como una pequeña celebración de la literatura”, expresó Pang en declaraciones recogidas por la convocatoria oficial. El artista puntualizó que su objetivo se enfoca en hallar el equilibrio entre una imagen visualmente ligera y una que posea profundidad emocional y capaz de provocar una sonrisa espontánea.

Tal como publicó la Feria del Libro de Madrid, la edición de 2026 tendrá al humor como eje central en todas sus actividades y muestras. La decisión de incorporar este enfoque responde, según consignó Orúe, al interés de renovar la mirada sobre la literatura, destacar el ingenio como forma de acercamiento a los lectores y resaltar la actualidad del humor en la producción editorial contemporánea. El cartel busca ser una extensión visual de esta propuesta temática, colocando a los lectores y su alegría en el centro de la narrativa gráfica.

A propósito de la selección de Pang, la directora destacó su cualidad de “creador colorista, luminoso y ocurrente”, subrayando la manera en la que sus ilustraciones parecen sacar a la superficie criaturas de la imaginación, en ocasiones “como si estuviera actualizando la nómina de personajes de El Bosco”. La dirección de la feria enfatizó que confiar en el trabajo de Pang obedece al reconocimiento de su habilidad para conectar con el público y representar la diversidad de lectores que caracteriza a la Feria del Libro de Madrid.

En cuanto a la relevancia de la imagen oficial, la organización expuso que el cartel desempeña una función simbólica y práctica: no solo identifica visualmente a la feria, sino que también actúa como invitación y punto de partida para las actividades temáticas que se llevarán a cabo durante cerca de dos semanas en el recinto del Retiro. La publicación de la obra marcará el inicio de la campaña de comunicación de la edición y servirá como inspiración para los contenidos digitales y materiales promocionales asociados a la cita literaria.

La Feria del Libro de Madrid anticipa que la edición 85 combinará el homenaje al humor con el desarrollo de debates, presentaciones y otras propuestas centradas en el fomento de la lectura y el disfrute del libro en clave lúdica. Según publicó el comité organizador, la implicación de Miguel Pang en este proyecto refuerza la apuesta por integrar a creadores visuales de prestigio en la evolución de la feria, contribuyendo a reforzar el carácter festivo y participativo que define la cita anual.

En su carrera reciente, Dani Rovira ha participado en espacios tan variados como el videopodcast “Un día de perros” para RTVE Play, dedicado al cuidado y la educación canina, y en la conducción de la gala de los Premios Goya durante tres años consecutivos. Ahora, tal como detalló RTVE, el intérprete regresa a la pantalla de La 1 para encabezar un nuevo programa humorístico semanal: “Al margen de todo”. Esta nueva colaboración, fruto de la alianza entre RTVE y El Terrat (The Mediapro Studio), lo posiciona nuevamente en el primer plano del entretenimiento televisivo nacional.

Según informó el medio público, Rovira asumirá la presentación de este nuevo show en el horario de mayor audiencia, acompañado por figuras del humor y la interpretación, con el objetivo de reforzar la oferta de comedia propia en la parrilla de la televisión estatal. La conducción de “Al margen de todo” implica que Rovira desplegará su experiencia como comediante y presentador frente a la audiencia de La 1, consolidando el vínculo que mantiene con RTVE desde hace varios años.

La trayectoria de Dani Rovira en la televisión española se ha desarrollado tanto en formatos de ficción como en espacios de entretenimiento y humor. RTVE recordó que el actor participó anteriormente en producciones como la serie de antología “Historias para no dormir”, así como en las dos primeras temporadas del programa humorístico “La Noche D” entre 2021 y 2022. La Corporación también precisó que Rovira compartió recientemente pantalla en “La Revuelta”, otro de los formatos de La 1, y visitó dos veces en el último año el programa conducido por David Broncano, primero el 4 de diciembre de 2024 para presentar el proyecto “Playa de lobos”, y más tarde el 22 de enero de 2025 con motivo de su espectáculo “Vale la pena”.

En el plano cinematográfico, tal como detalló RTVE, la carrera de Rovira tuvo un impulso considerable tras su debut en 2013 con “Ocho apellidos vascos”, comedia que se convirtió en una de las más exitosas en la historia del cine español y con la que obtuvo el premio Goya al Mejor Actor Revelación en 2015. Desde entonces, su filmografía abarca una decena de títulos populares, entre los que se cuentan: “Ahora o nunca”, “Ocho apellidos catalanes”, “100 metros”, “Superlópez”, “Mediterráneo”, “El bus de la vida” y próximos estrenos como “Cuando nadie nos ve” y “Playa de lobos”.

Además de su presencia en cine y televisión, Rovira ha mantenido una actividad continua sobre los escenarios nacionales, con espectáculos propios de monólogo que se han estrenado y representado en distintas ciudades. Entre estos se destacan el monólogo “Mi familia y yo” dentro del formato televisivo de “El Club de la Comedia”, así como las giras de “¿Quieres salir conmigo?” y “Odio”. Actualmente, y según consignó RTVE, se encuentra viajando con su último montaje titulado “Vale la pena”.

RTVE también puso de relieve el compromiso social y ambiental de Rovira, quien impulsa proyectos solidarios en el ámbito de la Fundación Ochotumbao. Desde esta organización, promueve iniciativas vinculadas a distintas causas sociales y medioambientales, consolidando una imagen pública orientada tanto a la cultura como a la responsabilidad social.

La apuesta por “Al margen de todo” refuerza, según publicó RTVE, la relación de Dani Rovira con la televisión pública, integrándolo entre los rostros más reconocibles del sector audiovisual español en el inicio de esta temporada. El programa, que cuenta con la participación de destacados invitados del humor nacional, buscará consolidarse como una propuesta relevante dentro de la oferta de entretenimiento de La 1 y situar de nuevo a Rovira en el foco de la comedia televisiva en España.

Por eso, Castillo decidió iniciar el verano 2026 con una apuesta en su carrera: su primera obra de teatro, y para hacerlo eligió nada más ni nada menos que la ciudad cordobesa, que todos los veranos se convierte en una meca de teatro y de arte. Días antes de su tan esperado estreno, Pablito habló con este medio y contó como fue el proceso, lo que siente y las expectativas que tiene para su primera temporada teatral de verano.

—Vos arrancaste haciendo videos en Facebook con tu mamá y ahora tenés una obra en Carlos Paz. ¿Cómo te sentís con eso?

—Me siento muy bien. Siento que llegué a lo que soñaba. Haciendo contenidos en redes, el paso lógico para mí, después de lo que hago de humor y comedia, era una obra de teatro o apuntar a una serie. Uno sueña con una película, sería tocar el cielo con las manos. Siempre perseguí esto. Lo mío siempre fue en plataformas, en aplicaciones, pero hoy pasar todo eso al teatro es otro mundo y estoy muy feliz y contento. Quiero que mi mamá llegue el día del estreno y me vea en el escenario.

—¿Ella te está acompañando en este proceso?

—Mirá qué loco todo esto. Mi mamá en este caso me dijo: “No quiero ver nada, no quiero adelantarme”. Siempre está presente, acompañándome en todo, en llamadas y en todo esto. Yo estoy en Carlos Paz, ella en Buenos Aires, y me dice: “Quiero ir a sentarme en el espectáculo y verlo completo”. No quiso ver nada, quiere llevarse la sorpresa y sabe que mucho de lo que va a pasar en la obra la incluye.

—¿Y cómo fue este desafío de preparar la obra, de pasar tu contenido de redes al escenario?

—Tengo un equipo que se encargó de armar todo y yo también tuve que cambiar el chip. En redes sociales es mucho más fácil: podés editar, recortar, corregir errores, agregar brillo, sonido de fondo. El teatro te da otras herramientas, pero no podés equivocarte. O sí, podés equivocarte y jugar con eso, pero es distinto. Pasar de los videos a la obra es diferente, no va a ser lo mismo que en redes. La gente va a ver a Pablito con los personajes, pero se va a encontrar con sketches y un guion de mi historia, desde que era chico, cuando fui adolescente, cuando trabajé de bachero, de delivery, cada etapa con sus personajes. Va a estar la Pelo, que es un personaje principal, el Sugar, un hombre grande que la gente detesta en redes pero a la vez le llama la atención. Pasar todo eso al escenario es increíble. Lo veo superlogrado con el equipo y la gente que viene a ver los ensayos. Dicen: “Está increíble”. Ya tengo muchas ganas de estrenar.

—Son ochenta minutos de vos solo arriba del escenario con tus personajes

—En este caso, van a ver dos personas más arriba del escenario que cumplen un rol muy importante. En la parte principal estoy yo contando todo con los personajes, pero tengo dos compañeros de escenario que hacen de técnicos y son actores también. Me ayudan, aunque a veces parece que no. Uno es torpe, el otro serio. No me siento tan solo, estoy acompañado por dos personas increíbles que hacen todo mucho más fácil.

—¿Cómo esperás que sea el recibimiento del público en tu primera temporada veraniega?

—Cuando acepté hacer la obra fue para conectar más con el público. Uno como creador de contenido tiene ese ida y vuelta, pero a través de redes. Siempre falta ese contacto más cercano con el fandom. Esta oportunidad es para poder conectarme más de cerca, ver cómo reaccionan con los personajes, verlos a ellos. Deseo que la mayoría de la gente que me sigue pueda venir a ver la obra y disfrutarla. También tocamos un tema muy importante, que es la salud mental. Voy a dejar un mensaje importante en la obra y siento que va a llegar a muchos adolescentes y personas de todas las edades. Va a ser una experiencia diferente desde que entran: angelitos, burbujas, humo, regalos. Eso la hace diferente.

—¿En algún momento te imaginaste que tu carrera iba a despegar así?

—No, realmente me sorprende. Cuando lo hablo con amigos o mi familia, a veces les pregunto: “¿Ves lo mismo que yo?” y la mayoría me responde lo mismo: “Sos una persona muy transparente, siempre mostrás lo que te pasa, lo que hacés. Vimos todo tu crecimiento, cómo fuiste creciendo hasta llegar ahora a una obra de teatro”. Eso hace sentir cerca a la gente, son parte de mi crecimiento. Es un poco de todo: el crecimiento, que nunca me metí en problemas, siempre firme en mis convicciones, nunca traté de hacer nada malo. La gente sabe todo eso y me acompaña.

—Yendo al tema de salud mental, vos en septiembre del año pasado decidiste contar en primera persona y abrir tu corazón. ¿Por qué decidiste hacerlo?

—Lo decidí contar porque lo tenía guardado como algo personal, con mi familia y mis amigos. Y en un momento pensé: “Cuando me pasaba esto no tenía alguien que me comentara del tema o si vivió algo similar. ¿Por qué no contarlo?” Aunque tenía mucha vergüenza, pensé que podía ayudar a muchos chicos, adolescentes, gente grande. Me animé a hacer ese video saliendo del gimnasio, lo grabé, no lo edité y lo subí. Me sorprendió la cantidad de mensajes de chicos que se lo mostraron a un familiar o a un amigo, diciéndole que les pasaba algo similar. Fue como una puerta para poder contarlo, porque a ellos no les salía decirlo con sus palabras. Leer esos mensajes me emocionó muchísimo.

—¿Y por eso decidiste incluirlo en la obra como parte de la narración?

—Sí, también por eso. Además de contar todo este recorrido y que la gente no se tiene que dar por vencida, está ese mensaje. Después de tantas cosas lindas, también vienen cosas feas en la vida. No por eso tenemos que bajar los brazos. Es muy importante hablar. Muchas personas no pudieron decir sus cosas y quedaron en el intento. Es un buen momento, ya que viene mucha gente al teatro, para dejar este mensaje y que también la gente se vaya con una sonrisa, con un momento lindo en familia, y también con un mensaje de que se puede salir adelante y que la salud mental es una enfermedad que tiene cura.

—¿Tenés ganas de llevar la obra a calle Corrientes?

—Sería un sueño poder hacerlo allá, sentirme de local en Buenos Aires. Sería algo muy lindo, muy mágico. Siempre soñé con estar en calle Corrientes, pero siento que todo es paso a paso. Toda mi carrera fue de a poquito. Tiene que ser de esa manera: arrancar por acá y cuando tenga que ser en calle Corrientes, será. Si es en Mar del Plata o en Carlos Paz, será así. Todo a su tiempo y lo que Dios quiera.

—Si tenés que soñar bien grande el 2026 y esta temporada, ¿cómo querés que termine?

—Deseo, primero, que nos vaya bien, pero no solo por mí, sino por todos los chicos que están trabajando en el teatro. Me encontré con personas acá que son operadores y gente de técnica que están luchando hace mucho tiempo y necesitan que los teatros se llenen porque viven de eso. Deseo que sea un éxito para todos, que puedan disfrutar, irse de vacaciones, traer un plato de comida a la casa. Que el éxito sea para todos, no solo para Pablito Castillo. Eso deseo, lo mejor para ellos y para mí.

Sus monólogos no pierden vigencia. El dólar, la corrupción, la inflación, los políticos... Hace ya 30 años que Tato Bores no está en este plano. Y, sin embargo, salvo por algunos detalles como el teléfono de línea con el cable rulo, es difícil saber de qué etapa de la historia argentina está hablando en sus soliloquios. O si está haciendo referencia a la época actual.

“Desde que era chiquitito que vengo escuchando que hay que sacrificarse en aras del futuro. El lema nacional siempre ha sido: ‘Jódanse hoy para disfrutar mañana’. Y uno pone el hombro, pero el futuro por definición se pianta y uno jamás lo puede alcanzar”, decía a fines de los ‘80. Para muchos, él fue el gran analista político y económico del país. Pero él prefería definirse, simplemente, como un “artista cómico”.

Su nombre real era Mauricio Borensztein. Había nacido el 27 de abril de 1927 en Buenos Aires y se crio en el seno de una familia judía de bajos recursos. Era muy inteligente, pero no le gustaba el estudio así que nunca terminó el colegio secundario. Decía que lo habían echado por “burro”, aunque la realidad es que había quedado libre por inasistencias. Y, como en aquellos tiempos el mandato indicaba que eran “los libros o el trabajo”, siendo un adolescente empezó a ganarse el mango como plomo (persona encargada de las tareas pesadas y de logística) en la orquesta de Luis Rolero y René Cóspito. El resto, fue obra del destino.

Uno de los músicos, llamado Santos Lipesker, había anunciado su casamiento y sus compañeros decidieron hacerle la clásica despedida de soltero. En medio de la celebración, el joven se animó a subirse al escenario del local en donde estaban tomando unos tragos para contar unos chistes. Y dio la casualidad que entre los presentes se encontraba Pepe Iglesias, El Zorro, quien rápido de reflejos lo convocó para que se sumara a su programa de Radio Splendid.

Fue el guionista de la emisora, Julio Porter, quien decidió rebautizarlo. Por aquellos años era normal que los artistas utilizaran pseudónimos. Máxime, cuando sus nombres no eran lo suficientemente pegadizos o fáciles de pronunciar. De manera que, desde entonces, pasó a ser Tato. Tato Bores. Así de simple, así de corto y así de impactante. Y comenzó a desarrollar una carrera en radio, cine, teatro y televisión, medio en el que se convirtió en una estrella en poco tiempo.

Pero claro, se presuponía que un hombre que se dedicaba al espectáculo no estaba en condiciones de hacerse cargo de una familia. Por eso, cuando pidió la mano de Berta Szpindler, el padre de la muchacha le advirtió que debería buscarse “un trabajo digno”. Tato se casó con la muchacha el 12 de mayo de 1954, la llevó de luna de miel a La Falda, Córdoba, y luego se instaló con ella en un departamento de la Capital Federal ubicado en Juncal y Rodríguez Peña, que le había prestado una amiga. A ella su familia le dio la espalda por elegirlo. Pero él nunca cambió de rubro. Ni necesitó buscar ningún rebusque extra como para poder mantener a su esposa y a sus hijos, Alejandro, Sebastián y Marina.

Para entonces, ya había empezado a demostrar su talento como monologuista desde 1956. Pero fue en 1957, cuando debutó con el ciclo Caras y morisquetas que contaba con libretos de Landrú, donde por primera vez se mostró con el clásico frac, la peluca despeinada y el habano, accesorios con los que el público lo sigue identificando hasta el día de hoy. Tato, siempre en domingo, Dígale sí a Tato, Déle crédito a Tato, Tato por ciento, Tato diet, Tato, que bien se tv...fueron algunos de los nombres que fue teniendo el programa a lo largo de los años. Se despidió en 1993, con Good Show, por Telefe. Y nunca se quedó sin tema de qué hablar.

Entre otros, han colaborado en los guiones de Bores escritores como César Bruto, Jordán de la Cazuela, Aldo Cammarotta, Juan Carlos Meza, Jorge Guinzburg, Carlos Abrevaya, Santiago Varela y sus propios hijos. Pero la realidad es que solo él podía recitarlos con esa gracia y con esa intensidad. ¿Por qué hablaba tan rápido? Él decía que era porque le daba vergüenza estar frente al público. “Tengo el miedo de torero: quiero terminar la faena rápido. El torero que le tiene miedo al toro hace rápido todas las morisquetas que el público espera para matar al toro e irse”, explicaba.

Por el mismo motivo, una suerte de pánico escénico, Tato jamás improvisaba. Tenía la capacidad de memorizar cada una de las palabras y repetirlas, sin furcios, el día de la grabación. Pero para eso estudiaba toda la semana. Los textos le llegaban en moto a su casa los días lunes, en sobres con seis carillas y un total de 10.000 caracteres. Y los viernes, él estaba listo para decirlos frente a la cámara tal como habían sido escritos, sin una coma de menos ni una letra de más.

Además de los patines de cuatro ruedas con los que entraba al estudio, algo insólito en la televisión, los musicales y los supuestos llamados a los presidentes y funcionarios de turno, estaban los clásicos tallarines con los que Tato cerraba cada programa. Figuras de la talla de Susana Giménez y Mirtha Legrand, así como casi todos los funcionarios de turno, han aceptado el convite de Bores para sentarse a su mesa. Porque estaba claro que, además de un grande del espectáculo, era un formador de opinión único.

Él decía, con humor, lo que muchos no se animaban a decir en serio. Aseguraba que en el país había que estar siempre listo por si le tocaba un cargo, teniendo en cuenta los incesantes cambios de gobiernos y ministros. Por eso se vestía de gala. Y no tenía miedo, aunque en más de una oportunidad le tocó experimentar en carne propia lo que era la censura. “Por eso, mis queridos orejones del tarro, a seguir laburando, la neurona atenta, vermouth con papas fritas… y ¡Good Show!”, era el remate con el que cerraba su descarnada crítica.

Tato murió el 11 de enero de 1996, a los 70 años, luego de una larga lucha contra el cáncer. Tiempo después, El Trece emitió un especial llamado La Argentina de Tato, en el que hizo una recopilación de sus mejores monólogos. “No me enorgullece que los textos todavía sirvan. Habla de lo mal que estamos nosotros porque estamos repitiendo las cosas. Lo que más siento es que se repiten las mismas situaciones y a veces hasta casi con la misma gente”, había dicho Bores en una de sus últimas entrevistas. Pero la realidad lo excedía. Y lo sigue excediendo.

Roberto Moldavsky era un comerciante como tantos otros del barrio de Once cuando se anotó en un curso de stand up y empezó a grabar videos para eventos familiares. Lo hacía en colaboración con su hijo Eial, con quien sigue trabajando hasta hoy, sin saber del todo bien lo que quería. Pero al ver la reacción de la gente se dio cuenta de que algo pasaba. “Nosotros no estamos lejos de los medios, del teatro, de todo eso, lo que pasa es que nadie nos vio”, repetía, entre el optimismo y la resignación. No pasó demasiado tiempo y estaba estrenando su unipersonal en el teatro Apolo de calle Corrientes. Y antes de que se abriera el telón, Eial lo miró y largó la frase que sintetiza todo este tiempo: “Bueno, nos vieron...”.

A casi diez años de aquella escena, Roberto Moldavsky recibe a Teleshow en un enero porteño y ciclotímico. Entre asfaltos bochornosos, notorios descensos de temperatura y lluvias que gambetean a los pronosticadores, el actor vive su propio microclima al compás de Salud, Moldavsky y Amor, el reestreno de su espectáculo en el Apolo de siempre. Durante, al menos, los próximos tres meses, y con funciones de jueves a domingo, su foco pasará por la relectura de un ciclo en permanente construcción, permeable a correcciones de último momento. “Como sabrán, en los últimos días pasaron algunas cosas en el mundo, así que el show va a estar bastante variado”, explica sin perder ironía. Y no se trata de un truco de un vendedor del Once. La caída de Nicolás Maduro en Venezuela no puede quedar afuera de alguien que, como pocos, supo surfear la grieta del humor político. Y esa es apenas una de las puertas de ingreso a su espectáculo.

Mientras Roberto construye con su equipo casi en tiempo real, ya piensa en lo que vendrá. El show se sostiene en un esqueleto sólido que permite una ventana a la improvisación y a una versión libre de la observación participante. “Cada función es distinta”, asegura, y acá el vendedor se fusiona con el sociólogo de la mirada aguda. Cuando las luces se apagan, Moldavsky está escondido, escudriñando el lenguaje gestual de su público. “Sabemos qué pareja tiene su primera cita y cuáles son matrimonios que llevan años”, dice, revelando algunos trucos, desoyendo la máxima de los magos, sabiendo que en este ejercicio no tiene competencia.

Es que en el relato zigzagueante por su vida que propone el humorista –por momentos apasionado, por otro más reflexivo- uno cae en la cuenta de que en el escenario, como en la vida, conviven todos los moldavskys posibles. “El standapero tiene mucho de sociólogo, del tipo que trata de ver lo que pasa en las personas, los grupos o las parejas y transmitirlo de otra manera. Y el vendedor es un gran actor o actriz, que tiene que seducir a cada cliente, que además es un desconocido. Es un oficio que aprendí de mi viejo, a quien vi vender de todo”.

Así abre la puerta a la familia, otro de los pilares que aparecen en este recorrido. Sobre todo a sus hijos, Eial y Galia, su gran orgullo, quienes hace rato ya que vuelan con alas propias. Son apoyo y fuente de consulta –en él a la hora de armar y corregir un show, en ella como suerte de consejera generacional y feminista- pero también hábiles espadachines para poner a prueba el disenso. “En muchas cosas no pensamos distinto, y eso está bueno”, corrobora.

Así, de entrecasa, en chancletas y con una amabilidad al servicio de cada detalle, Moldavsky se dispone a hablar de todo. "Confesiones del top top top del humor" podría ser un título tentativo, solo para ingresar a la charla a uno de sus mentores, Gustavo Yankelevich. Un apelativo que en un momento le daba pudor y que aprendió a hacerse cargo. Y aquí aparece la gratitud, otra línea innegociable en su vida. Una galería de ilustres desfilan también Jorge Schussheim, Fernando Bravo, Gerardo Rozín, Jorge Lanata, entre tantos otros.

“Yo soy convencido que a veces tenés que estar en el momento exacto, en el lugar exacto y necesitás suerte”, recapitula recostado en el sillón de su living. “Yo me crucé con Gustavo Yankelevich y me cambió la vida. Es verdad que tenés que aportar tu talento y trabajo, pero también tenés que tener la suerte de que pasen cosas inesperadas que te llevan a donde no pensabas”, dice el joven que vivía en un Kibutz y se enamoró de la Sociología casi por accidente. O el humorista de entrecasa que se permitió soñar a lo grande. O el vendedor que se sentía asfixiado en el frenético mundo del Once y sin saberlo se estaba preparando para conquistar la calle Corrientes.

—¿Por qué reestrenar ahora en Buenos Aires? Si bien ya no es la ciudad desierta de otra época y es también un destino turístico, tiene mucho menos movimiento. Late en otra sintonía.

—Nosotros hicimos esta aventura hace unos años, con la gente del Teatro Apolo con quien trabajo hace nueve años y tenemos una relación de hermandad. Como dice Riquelme, es el patio de mi casa. Hacíamos temporada en Mar del Plata o Punta del Este y un año surgió esta idea de probar en Buenos Aires con ese público que viene del interior, con el que por ahí no le dio para irse y quiere darse un gusto. Y nos fue increíble y ahora tengo muy buenas expectativas con lo que pueda pasar.

—¿Recordás cuál fue ese momento inesperado en el que te volviste masivo? Las biografías te ubican en la tele en 2016, diez años que parecen mucho o poco según se lo mire.

—Sí, en 2016 con Gerardo Rozin que me lleva a Morfi. Pero el primero que me ve es Jorge Schusseim, un genio. Yo era el último de doce de un video de stand up, mirá lo que vio el tipo. Y consigue mi teléfono y me llama. El segundo fue Gustavo Yankelevich, que dijo que lo mío era para calle Corrientes. También Seba Wainraich me iba a ver y me decía: “Dejá el Once y dedicate a esto”, así que siempre le echo la culpa a él. Pero ya lo estaba pensando. Tenía 50 años, dos hijos, un negocio que funcionaba. Tenía que encontrar el motivo para dejarlo y arriesgar. Y ahí aparece otro personaje clave, que es Fernando Bravo, que me lleva a la radio.

—¿Te costó tomar la decisión?

—Yo no lo tenía en mi radar. Sí necesitaba algo para salir del Once y olvidarme del comercio, del cheque rechazado, de la campera con una manga más corta que la otra, del cierre que no sube. Y en esa búsqueda, a veces sin querer, aparecen las cosas, como en este caso apareció un curso de stand up y después vino todo lo demás.

—No sé cómo lo veías vos, pero era un momento particular del humor. El auge del stand up, la reescritura de los códigos y los límites, la grieta política ya instalada. Y da la sensación de que vos transitaste bien esas aguas bastante tormentosas. ¿Hay una fórmula?

—Desde el punto de vista del cambio al nuevo mundo, imaginate que yo soy generación dictadura militar. Vengo una cabeza partida, de revisiones, de censura, de no ver ni hablar, de mucho machismo. Con esto no me excuso, pero tenés que hacer una movida con los años para ir entendiendo los cambios que se dan. En eso tus hijos te ayudan siempre, y siempre le pido a Galia que vea la primera función y me diga si tengo que tener cuidado con algo. Por otro lado, yo sé que no voy a hablar con la e. Yo no soy amigues, tengo una capacidad de adaptación hasta ahí. De todas maneras, como lo que está pasando me parece bueno, no me cuesta tanto acompañarlo y me puedo adaptar con gusto porque entiendo que el chiste de la suegra ya no va. Y está bueno que así sea.

—¿Y con el humor político cómo te llevás? Trabajaste con Jorge Lanata por ejemplo, otro de estos nombres importantes que marcaron tu carrera.

—Sí, tuve la suerte de poder decir que laburé con Jorge. Cuando él ya hacía el programa en la casa, iba media hora antes para hablar de cualquier tema. Lanata arrancó en Página/12 y terminó en Radio Mitre, y esto lo hablé con él, porque muchos le echaban en cara esa vuelta periodística. Pero eso es lo rico de este tipo que conoció los dos lados del mostrador, y que como periodista era una bestia. Yo hago humor político y una vez me vino a ver Pinti y me dijo una frase que me quedó grabada: “Si de algún lado no te putean, estás haciendo algo mal”. Yo paso de kuka a gorila, a genocida por lo de Israel, pero me entra una idea y yo le pego a todos, no estoy esperando si tiene que ver con lo que yo pienso o no. Eso es el humor político.

—Contaste que te van a ver muchos políticos.

—Sí, es que el problema no son los políticos, son los seguidores, que son más papistas que el papa. Yo en una época la bardeaba a Patricia Bullrich con una cosa rarísima que había dicho de los aviones, y ella estaba en el teatro matándose de risa. Pero después un seguidor de Patricia, cuando escucha el spot en la radio, me escribe: “Kuka...” y viene la puteada. Y al revés pasa lo mismo.

—¿Y qué te pasa con Javier Milei y ese perfil histriónico, su pasado mediático? Te da mucha letra imagino.

—Siempre los que están en el poder te dan más letra porque actúan, hablan, tiran discursos. Pero Milei es una bendición. Ojalá que le vaya bien al país, que la gente le vaya bárbaro, pero sacando eso, este hombre y su banda de políticos trajeron una renovación. Los humoristas más grandes me dicen que desde Menem que no aparecía alguien que deje tanto material. Igual es un ratito del show, son unos minutos, porque me gusta y, como también me dijo Pinti, el humor es una manera de cerrar la grieta.

—¿Cómo te llevás con las críticas y las agresiones?

—Siempre hay gente que te acomoda en la palmera. Una vez, durante un reportaje radial con Fernando Bravo y uno de los hijos de Tato Bores, yo me quejaba de los haters. Y él me dijo algo que me acuerdo bien claro: “A Tato le pusieron una bomba en la ventana de la casa, lo prohibieron los militares, y vos te calentás por 20 boludos anónimos que te putean?”. Esas cosas me van fortificando para entender que, por más que me pegan, tengo que seguir por ahí. La mayoría del show es sobre otros temas, pero me gusta ese rato donde descubro que la gente se ríe de lo mismo que votó.

—¿Tuviste que trabajar esa indiferencia?

—Hablé mucho del tema con otros famosos que te dicen que no hay que darle bola y después los veo contestar (risas). Lo que sí hay que hacer, y es algo que hablo mucho con mis hijos, es ver que la mayoría de la gente te trata bien. Se ha dicho mil veces lo mismo, te putean en las redes, pero después, cuando te ven en la calle, te dicen que sos un genio. Sí me llevó tiempo entender que no todos se tienen que reír de lo que yo digo, así como a mi no me da risa todo lo que veo. Otra cosa es el agresivo de las redes, el que te dice “gordo, judío”, ese no quiere hablar de tu trabajo, quiere tratar de herirte.

—¿Y qué te pasa cuando son tus hijos los que reciben las agresiones? Que muchas veces tienen que ver con que son hijos tuyos más que por lo que dicen o hacen en sus respectivos trabajos.

—Justo lo hablamos el otro día en una cena. Cualquier cagada que se mande alguno de los tres, la pagamos los tres. O es “el boludo de tu papá” o son “los boludos de tus hijos”. Porque ahí se mezclan varias cosas, y hasta cierta envidia natural que pueda tener una persona. Yo conozco a mis hijos, son buena gente, que pueden hacer alguna cagada, pero gente de buen corazón. A veces, el contexto se arma para que vos quedes medio atrapado. Por ahí no dijiste nada, pero te ponen la música, te arman el recorte y es un combo fatal. O los programas tienen códigos internos que entienden los oyentes pero todos los demás no. Es muy complicado. En esa charla les dije: “Este es el pack. Decidamos si lo compramos o no, pero viene todo junto”.

—Y están los tres de acuerdo en eso.

—Sí, viene todo. Y a ninguno nos gusta pasarla mal. Galia tuvo un tema cuando estaba en Blender, que se bajó de uno de los programas por los haters, que eran mayoría de chabones bardeándola. Lo que digo es que tampoco es gratis esto.

—¿Y aún en ese caso de Galia, que fue más grave que algún insulto ocasional, lograste mantener esa postura de no engancharte?

—Me da ganas de escribirle a uno: “Hijo de puta, te quiero ir a buscar y matar”. Claro que me da ganas, pero después ves que cuando los buscás a ver quiénes son, no tienen nombre. Son números. El tema de los haters se viene manejando a nivel político hace años y de distintos gobiernos, y parece que están todos esperando que el que votó distinto que vos se mande una cagada.

—Para volver al principio de la charla y al presente de tu trabajo, te quiero preguntar por el título de la obra. ¿Por qué Moldavsky ocupa el lugar del dinero en la típica frase del brindis?

—Nosotros lo planteamos desde el lugar de que salud y amor es lo que necesitás y el dinero es un comodín. Ponele lo que quieras. Puede ser dinero, como también sexo, viajes, familia, que cada uno elija su Moldavsky y arme la frase que quiera.

—Y en esta vida que acabamos de recorrer, con tantos vaivenes y reinvenciones. ¿Qué lugar ocupa el dinero?

—Cuando estudiaba Sociología, había una materia optativa que se llamaba así: El dinero. Y me abrió la cabeza. En ese momento vivía en un kibutz en Israel, que es como una sociedad cooperativa donde todos teníamos lo básico: casa, comida, luz, gas, pero no teníamos guita. Una especie de clase media, pero compartida. Entonces, aprendí una vida sin tanto componente material, porque se creó con la idea de que si le corrés la variable económica, la gente puede ser feliz. Yo te soluciono esta parte, vos laburá, sé creativo. Antes vivía en Argentina, una familia de clase media muy tranquila. Después en el negocio y en la vida me fue mejor. Pero salvo que no llegues a fin de mes, porque eso ya es otra cosa, sé que el dinero en sí no hace la felicidad. Conozco tipos de mucha guita, pero de mucha guita, que son unos infelices. A mí me parece que el dinero es un método de cambio, sirve para comprarte algo, para hacer un viaje, para ir a comer a un lugar, para ayudar a alguien, Pero en sí mismo no vale nada. Entonces, me llevo bien con la guita, me va bien, soy cuidadoso, pero la disfruto. Entiendo que no es un tema de guardarla eternamente o estar en una carrera detrás de no sé qué. Y eso es lo que aprendí en la universidad, porque venía de una sociedad muy cooperativa y después pasé al Once, donde el dinero era el único tema de conversación. Y llegué mejor armado.

Beatriz Rico recordó en tono humorístico que, con la cantidad de decoración navideña y luces en su casa, esta parecía el barrio rojo de Ámsterdam, la ciudad donde vive su hijo. La actriz relató cómo estos días de fiesta estuvieron marcados por la visita de su hijo, quien regresó temporalmente de los Países Bajos para reunirse con la familia. Tal como publicó el medio del que surge la información, Rico destacó el sabor agridulce de estas fechas, en las que la alegría del reencuentro se mezcla con la inminente despedida, ya que su hijo debía partir hacia Ámsterdam al día siguiente.

Según consignó la fuente, la intérprete compartió que durante estas Navidades se sintió "muy, muy contenta", ya que pudo convivir con su hijo, quien reside fuera de España, y por quien había esperado con gran ilusión desde septiembre. Tras varios meses de espera y expectativa, la despedida resultaba inevitablemente difícil, algo que Rico no dudó en confesar ante los medios durante una mañana de teatro en la que acudió en apoyo a 'El Langui'. Explicó entonces que necesitaba que la hicieran reír en el teatro para animarse tras la partida de su hijo.

En el relato recogido por el medio, Rico se definió como una persona "muy navideña", mostrando una sensibilidad especial hacia estas celebraciones. Mencionó que le entristece tener que recoger los adornos y dar por cerrada una época que vive con intensidad y detenimiento en los detalles. La importancia de la familia durante las festividades quedó patente: la actriz describió una Navidad hogareña y tradicional, en la que cada año su hogar acoge el árbol y el Belén, junto a la abundancia de espumillones y luces. Según detalló el medio, Rico atribuye a su marido el entusiasmo por cubrir la vivienda de decoraciones, lo que transforma la casa en un epicentro familiar durante los días festivos.

El regreso de su hijo desde Ámsterdam no sólo acaparó la atención dentro de la familia, sino que se convirtió también en un tema recurrente en las conversaciones, como reflejó la actriz en sus declaraciones. La celebración navideña adquirió un significado especial este año para ella, ya que el reencuentro familiar estuvo acompañado de una atmósfera de celebración en la que se valoraron los momentos compartidos y la convivencia cercana, aunque temporal.

De acuerdo con la información publicada por la fuente, Rico expresó su deseo para el futuro con una petición sencilla y directa: "Solamente salud y virgencita que me quede como estoy". La actriz afirmó encontrarse en una etapa serena de su vida y no consideró que el año hubiese sido especialmente difícil. Más bien, señaló que se siente afortunada, por lo cual prefiere conservar la estabilidad y la tranquilidad actual. En sus palabras, justificó este deseo con humor, al considerar que "seguramente vendrán peores" años, por lo que valora la posibilidad de continuar disfrutando de la seguridad y el bienestar actuales. Su deseo para 2026 se resume, según el medio que informó sobre el encuentro, en salud y bienestar, sin cambios sustanciales frente a lo vivido en los últimos tiempos.

Durante el mismo evento, Rico también abordó públicamente la polémica sobre la vestimenta de Cristina Pedroche en televisión. Como publicó la fuente, defendió el derecho de Pedroche a escoger libremente su atuendo, y criticó que aún persista el juicio social sobre el cuerpo y la ropa de las mujeres. Expresó con firmeza que quienes critican a la presentadora lo hacen sin conocerla realmente, y la describió como alguien accesible y agradable, según transmitió en sus declaraciones recogidas por el medio.

Además, Rico confesó su admiración por la cantante Chenoa. Pese a las discusiones mediáticas que suelen rodear a figuras públicas durante las fechas navideñas, la actriz dejó claro que para ella lo más importante de la Nochevieja y las fiestas es la cercanía de sus seres queridos. Reiteró que valora especialmente poder compartir estas fechas con su marido y su hijo cuando es posible, y mantiene como deseo constante pedir salud y estabilidad en cada ciclo festivo, tal como relató la fuente que recoge sus palabras y experiencias durante el cierre de las festividades.

La participación de Rico en actividades públicas durante las fiestas, como su asistencia al teatro para apoyar a colegas del medio, también formó parte de este periodo marcado por la convivencia familiar y la reflexión personal. La actriz abordó los temas de actualidad desde su perspectiva y utilizó el humor y el optimismo para afrontar la despedida temporal de su hijo y la transición hacia el inicio del próximo año, según detalló el medio que recogió sus declaraciones.

Durante las últimas semanas, la ausencia de Andreu Buenafuente en la programación especial de Fin de Año ha generado comentarios en el ámbito de la televisión española. José Mota, humorista habitual de esta fecha, expresó su respeto hacia la decisión del presentador catalán. Según informó el medio, Mota explicó que Buenafuente necesitaba un descanso y consideró que la decisión de priorizar la salud y el bienestar personal resulta comprensible, incluso tratándose de una noche tan significativa como la Nochevieja.

José Mota vuelve a ser responsable del especial humorístico previo a las campanadas en Televisión Española, un puesto que ha ocupado en numerosas ocasiones, tal como publicó el medio. Esta edición se produce en un contexto en el que la comedia experimenta debates intensos sobre sus límites y la influencia de la corrección política. Mota reflexionó en torno a estos cambios, enfatizando que el humorista debe disponer de plena libertad creativa. En sus palabras, el cómico "tiene que poder hacer la comedia que cada uno sienta y quiera", y aseguró apostar por esa libertad "al 100%".

El medio detalló que, para Mota, la sociedad se encuentra en permanente transformación, y tanto el humor como los estilos de los propios artistas evolucionan en consecuencia. El humorista remarcó que los tiempos cambian, que existen nuevas maneras y formas de abordar la comedia y que la adaptación resulta necesaria para quienes se dedican a este género sin perder su esencia.

Además, Mota abordó el debate que surge en torno al juicio de actuaciones pasadas de otros compañeros. Según consignó el medio, considera un error evaluar obras del pasado bajo los parámetros sociales y culturales actuales, pues se trataba de contextos muy distintos a los de hoy. Desde su perspectiva, revisar el humor antiguo con la mirada del presente solo sirve para distorsionar la función y el impacto que tuvieron muchos comediantes en su época, cuando las "reglas del juego" eran otras.

En referencia a los rumores sobre la posibilidad de que presentara la transmisión de las Campanadas este año, el humorista despejó las dudas. Señaló que, si hubiera sido elegido para ese puesto, lo habría comunicado sin rodeos, pues sería negativo negar su participación llegado el caso. Según reportó la fuente, finalmente serán la cantante Chenoa y el grupo Estopa quienes despedirán el año desde la Puerta del Sol.

El regreso de Mota a la programación de Nochevieja en la televisión pública ocurre mientras la figura del humorista sigue bajo la observación de la sociedad y los medios. Los debates en torno a la corrección política y los límites del humor marcan el contexto de una edición considerada tradicional en la última noche del año, detalló la publicación. Mota, sin embargo, insiste en la necesidad de respeto hacia los cambios sociales y hacia el bienestar tanto personal como profesional de quienes se dedican a la comedia.

En las horas posteriores al anuncio presidencial del incremento del salario mínimo en Colombia, las redes sociales se convirtieron en el principal escenario en el que cientos de usuarios expresaron su reacción a través de memes y mensajes humorísticos.

La noticia, que generó debate en sectores políticos y económicos, también motivó una oleada de creatividad digital, dejando a la vista cómo la subida del salario mínimo desató una avalancha de memes que rápidamente se viralizaron en plataformas como X, Facebook e Instagram.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

El presidente de Colombia, Gustavo Petro, informó el lunes 29 de diciembre en una alocución nacional que el salario mínimo alcanzará los $2.000.000 para el 2026, cifra que incluye el auxilio de transporte legal.

El mandatario especificó que la cifra representa un aumento del 23,7% respecto al salario anterior, que estaba en $1.423.500 sin el auxilio. Según datos oficiales, el salario mínimo base quedará en $1.746.882.

El anuncio se registró luego de que no se lograra consenso entre empresarios y trabajadores en la mesa de concertación, por lo que el Gobierno optó por decretar el aumento. La medida fue defendida por Petro, que afirmó: “no le estamos quitando un peso a nadie”. También resaltó que Colombia registra la tasa de desempleo más baja del siglo, argumento que utilizó para justificar la viabilidad del incremento.

La noticia generó de inmediato una reacción polarizada en la sociedad colombiana. Mientras algunos sectores económicos advirtieron sobre posibles impactos negativos en la empleabilidad y los precios, una amplia porción de la ciudadanía prefirió enfocarse en el lado humorístico de la situación. Las redes sociales se llenaron de imágenes que ironizaban sobre el efecto del aumento en la economía cotidiana y el costo de vida.

Uno de los memes más compartidos utilizó la imagen de Beatriz Pinzón Solano, protagonista de la telenovela Betty, la fea. En la caricatura digital, el personaje aparece soñando con lujos y abundancia, acompañada por la leyenda: “Yo con el aumento del salario mínimo”.

Otros usuarios recurrieron a frases como: “El único país donde un aumento del salario mínimo no se celebra, sino que ofende a algunos”, reflejando el tono irónico que predominó entre los internautas.

En plataformas como X, los mensajes se diversificaron entre quienes celebraron el incremento y quienes señalaron las posibles consecuencias en el sector laboral. “Ya me veo pidiendo fiado hasta el 15”, escribió un usuario, mientras que otro compartió una imagen de billetes que desaparecen: “El aumento solo durará dos días en la billetera”.

Estas expresiones ilustran la percepción de que el ajuste salarial podría verse rápidamente absorbido por el alza en los precios de bienes y servicios.

El contexto económico de Colombia ha sido tema de debate constante. La propuesta del Ejecutivo busca “democratizar la riqueza” y aumentar el consumo de las familias, según palabras del propio presidente Petro.

El mandatario insistió en que el Gobierno no permitirá que los empresarios trasladen el aumento del salario a los precios de los productos finales. “Sus ganancias aumentarán no por precios mayores sino por mayores ventas y más productividad”, aseguró Petro a través de su cuenta oficial de X.

A pesar de la controversia, la creatividad de los usuarios colombianos se impuso. En Facebook, circuló una imagen de una calculadora con el mensaje: “Sumando el salario mínimo con la esperanza de que rinda hasta fin de mes”. En Instagram, surgieron reels donde actores simulan conversaciones con jefes que prometen “grandes aumentos”, solo para luego entregar cuentas de cobro infladas por servicios básicos.

El debate también alcanzó a quienes trabajan por cuenta propia. Algunos memes mostraban a trabajadores informales exclamando: “Subió el salario, pero nadie me contrata”. Otros ironizaban sobre el poder adquisitivo real: “Con el nuevo mínimo, ahora puedo comprar dos cafés en vez de uno”.

En sus declaraciones, Gustavo Petro reiteró que “aumentar el salario mínimo no es un costo”, refiriéndose a la medida como un impulso para reducir la pobreza y dinamizar el empleo. El mandatario mencionó que el país debe avanzar hacia el aumento de la productividad junto con los ingresos, con el objetivo de reducir la jornada laboral y mejorar la calidad de vida.

El proceso de reconciliación, narrado por Spade en su pódcast Fly on the Wall junto a Dana Carvey, culminó con un reencuentro durante la celebración de los 50 años del popular programa televisivo.

Spade relató cómo pasó de admirar profundamente a Murphy a convertirse en blanco de su rechazo tras la emisión de la broma. “Fue extraño pasar de ser un superfan a que me odiara de la noche a la mañana, e intentar que me perdonara durante los últimos 25 años”, afirmó Spade.

El humorista explicó que la relación vivió varios altibajos, especialmente en los primeros años posteriores al incidente.

El origen del conflicto: una broma memorable en SNL

La disputa comenzó el 9 de diciembre de 1995, durante la sección Weekend Update de SNL. En ese momento, Spade era nuevo en el programa y tenía la tarea de satirizar a celebridades. Al referirse a Murphy y su película Vampire in Brooklyn, que tuvo una baja recaudación en taquilla, Spade comentó: “Miren, niños, es una estrella fugaz. ¡Pidan un deseo! Cuando haces una tortilla de un minuto en Hollywood, rompes algunos huevos”.

El comentario provocó el enfado inmediato de Murphy, quien llamó a Spade poco después. “En realidad, fue él quien se descargó. Yo no respondí demasiado porque sentía cierta culpa, y tenía razón en algunos puntos. No me gustó admitirlo porque él era un héroe para mí”, explicó Spade. Este episodio marcó el inicio de un prolongado distanciamiento entre ambos.

Durante años, Murphy se negó a regresar a SNL. En el documental de Netflix Being Eddie, señaló que la broma fue aprobada por todos los filtros del programa antes de salir al aire, lo que aumentó su malestar.

“El chiste pasó por todos los filtros que debe pasar, y luego él estaba al aire diciendo: ‘Atrapen una estrella fugaz’. Así que no fue como ‘que se joda David Spade’. Fue más bien: ‘Que se joda SNL. ¿Eso es lo que piensan de mí? Qué sucios’. Por eso no volví durante años”, señaló Murphy, según Variety.

Reencuentro en SNL y cierre de una etapa

El regreso de Murphy a SNL no se produjo hasta 2019, cuando fue invitado como presentador. Su participación le valió un Emmy al Mejor Actor Invitado en una Serie de Comedia.

Spade contó en su pódcast que el reencuentro definitivo ocurrió durante el especial SNL50. “Lo vi una o dos veces. Luego nos encontramos en el cincuenta aniversario, conversamos un poco y todo está bien. Después le preguntaron a él y dijo: ‘Sí, todo está bien’. Así que sí, todo está bien”, concluyó Spade.

Después de 25 años de distanciamiento, una llamada tensa y un reencuentro en el escenario de SNL resumen una de las rivalidades más comentadas dentro del humor estadounidense. La reconciliación entre Spade y Murphy simboliza la capacidad de dejar atrás viejas diferencias, incluso entre figuras icónicas de la comedia.

El episodio evidencia el peso de las palabras en la industria del entretenimiento y cómo una broma puede tener efectos inesperados y duraderos.

Hoy, ambos humoristas dejaron atrás el conflicto, cerrando un capítulo que marcó tanto sus carreras como la historia de SNL.

Como subraya Rolling Stone, la paz entre Spade y Murphy es un recordatorio de que, detrás del humor, existen historias de admiración y reconciliación que atraviesan décadas.

Cada año, el 28 de diciembre marca una fecha singular en el calendario de diversas sociedades hispanohablantes: el Día de los Santos Inocentes. Esta jornada, reconocida principalmente en países de tradición católica, reúne manifestaciones populares que la han convertido en un día dedicado al humor.

El interés sobre el origen, el significado y las formas de conmemoración de este día se intensifica en cada aniversario, reflejándose en el aumento de búsquedas en Google relacionadas con el Día de los Inocentes.

La celebración trasciende fronteras y adopta características propias en cada país, aunque el denominador común suele ser la realización de bromas conocidas como “inocentadas”.

Las consultas más frecuentes en Google abordan el motivo de su existencia, su simbología y las tradiciones asociadas, lo que confirma el interés permanente por comprender tanto el trasfondo histórico como las costumbres actuales que rodean esta fecha.

Por qué se celebra el Día de los Inocentes

Según la tradición católica, la raíz de esta festividad surge de un episodio narrado en el Evangelio de Mateo, donde el rey Herodes I ordenó la matanza de todos los niños menores de dos años en Belén, con el objetivo de eliminar al recién nacido Jesús de Nazaret.

Este hecho, conocido como la “Matanza de los Inocentes”, constituye el origen religioso de la jornada. La Iglesia Católica recuerda a estos niños como los primeros mártires cristianos y les dedica el 28 de diciembre como fecha de conmemoración.

No obstante, a lo largo de los siglos, la solemnidad inicial de la fecha se fue diluyendo. La influencia de celebraciones medievales y paganas propició una evolución hacia un día marcado por la inversión de roles sociales y la permisividad de comportamientos humorísticos.

Qué significado tiene el Día de los Inocentes

El Día de los Santos Inocentes posee un significado dual, donde la memoria histórica convive con la expresión lúdica. Por un lado, la fecha mantiene su carácter de homenaje a las víctimas de la matanza ordenada por Herodes I.

Por otro lado, se ha constituido como un espacio para la creatividad y la distensión social, en el que las bromas funcionan como válvula de escape frente a las rigideces cotidianas. La evolución del significado responde a la hibridación de prácticas religiosas y tradiciones profanas.

Por qué se hacen bromas cada 28 de diciembre

La tradición de realizar bromas en el Día de los Santos Inocentes proviene de la fusión entre la conmemoración religiosa y las festividades de origen pagano.

Durante la Edad Media, las jerarquías sociales se invertían y las personas se permitían comportamientos satíricos y cómicos, lo que influyó directamente en la transformación de la jornada en un día para las bromas.

Actualmente, las bromas conocidas como “inocentadas” se han consolidado como el elemento más visible de la fecha. Medios de comunicación, empresas y particulares participan elaborando noticias falsas, chistes o situaciones inesperadas.

El objetivo suele ser poner a prueba la credulidad de los demás, manteniendo siempre el carácter inofensivo de la burla. Las bromas del 28 de diciembre buscan sorprender sin causar daño real.

Cómo se celebra el Día de los Inocentes en distintos países del mundo

La forma de conmemorar el Día de los Santos Inocentes varía según la región, aunque la esencia permanece constante. En España, la jornada se distingue por bromas entre amigos, familiares y compañeros de trabajo.

Asimismo, una de las celebraciones más emblemáticas es la “Fiesta de los Enharinados” en Ibi, provincia de Alicante, donde los participantes se enfrentan con harina y huevos en un espectáculo de humor masivo.

En América Latina, el espíritu festivo se replica con matices locales. En países como México, Argentina y Colombia, los medios de comunicación suelen difundir noticias falsas, mientras que la población general recurre a las “inocentadas” en el ámbito personal.

En contraste, en Estados Unidos y Reino Unido, la tradición equivalente se celebra el 1 de abril bajo el nombre de “April Fools’ Day”, manteniendo el espíritu de las bromas pero en una fecha diferente.

El 28 de diciembre es una fecha muy señalada en el calendario donde todo puede pasar y a la vez nada está pasando. Durante el Día de los Santos Inocentes, las bromas y mentiras mantienen a todo el mundo alerta y dudando de cualquier relato. La forma de conmemorar el día ha cambiado en los últimos años, especialmente con el auge de las redes sociales y los medios digitales. Si antes las bromas se limitaban a los entornos familiares, escolares o laborales, la tecnología ha permitido que estas se amplifiquen y lleguen a un público mucho más amplio.

Las redes sociales se han convertido en el escenario principal donde compartir noticias inventadas, imágenes manipuladas y anuncios falsos, que buscan sorprender o divertir a los usuarios. Las celebridades suelen ser las principales víctimas, con memes, vídeos o titulares donde diferenciar la verdad de las mentiras se convierte en un verdadero reto. Los “santos inocentes” van variando cada año, Mónica Carillo o Belén Rueda protagonizaron algunas de las bromas en redes en 2024.

Ahora, este 28 de diciembre de 2025, los más creativos han hecho tendencia nombres como los de Aitana, Plex, Rufían o Rosalía. Además de estos, también ha habido grandes sustos como actuaciones especiales, reestrenos cinematográficos o amistades imposibles, poniendo así el broche de humor a la época navideña.

La coalición de izquierdas de Rufían

Entre las bromas más mediáticas de este año se encuentra el portavoz de ERC en el congreso, Gabriel Rufián. La web de encuestas electorales, Electomania, ha lanzado a primera hora la noticia de que el político formaría un nuevo partido llamado “Izquierdas de Frente” (IdF). Además de ser la cabeza principal del partido, contaría con la coalición entre Podemos, Bildu, BNG, ERC, IU y Sumar. El anuncio estaba dotado de muchos detalles para hacer que la historia pareciese lo más real posible.

“Según un documento interno filtrado por personas cercanas a las conversaciones, el acuerdo prevé listas conjuntas en 38 de las 52 circunscripciones, con la posibilidad de candidaturas diferenciadas en territorios con fuerte implantación local, como Galicia (BNG), Euskadi (Bildu) y Cataluña (ERC).” Poco a poco, ha ido haciéndose eco de la noticia y causando opiniones de todo tipo, que han servido como baremo para ver que pasaría si esto fuese realidad.

Rosalía y su actuación por Nochevieja

Rosalía está en uno de los mejores momentos de toda su carrera después del lanzamiento de su álbum Lux. Con una gira recién anunciada y agotada al instante, la catalana acumula miles y miles de fanáticos allá donde va. Por todo esto, su nombre ha sido uno de los protagonistas del día con la noticia de su participación en la gala de Nochevieja de RTVE. Después de su entrevista en La Revuelta, los usuarios no ven tan disparatado que pueda volver a aparecer en la cadena, esta vez con una gran actuación.

Amaia Romero, Lola índigo, Rosario Flores o el regreso de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero son nombres reales de la gala de año nuevo. Un evento donde cada artista tendrá como escenario lugares emblemáticos de su tierra, como La Alhambra o el Museo Reina Sofía. Rosalía que no se ha pronunciado y no aparece en ninguna lista oficial ha revolucionado las redes. “El gran fichaje” aparece en muchos titulares aportando datos de la posible actuación, como que ya ha sido grabado en el Monasterio de Monserrat. La gran sorpresa de la cadena parece estar ligada a una inocentada más donde Rosalía se queda al margen de la lista de artistas confirmados.

La ruptura de Aitana Y Plex

Otra cantante que suele estar envuelta en polémicas amorosas y noticias falsas es Aitana. La catalana mantiene una relación con el influencer Daniel Alonso, más conocido como Plex. Aprovechando el día de los inocentes, muchos usuarios han compartido imágenes donde aparecía que Aitana había dejado de seguir a Plex en redes sociales. En tan solo unos segundos la publicación se ha llenado de comentarios de tristeza, mostrando la cantidad de fanáticos que tienen ambos como pareja desde que lo confirmaron a mediados de 2025.

Después de haber comprobado que se trata de una inocentada, las redes siguen creando nuevas tramas donde cuesta distinguir la verdad de la mentira. Aitana, Rosalía o Rufián son solo tres ejemplos de la larga lista de inocentadas mediáticas que protagonizan los famosos españoles cada 28 de diciembre.

Para quienes disfrutaron de su humor, su muerte marcó el final de una era: la del humor artesanal, íntimo e improvisado, nacido en la privacidad de un teléfono de línea y multiplicado en los casetes que circularon de forma clandestina durante décadas. Para otros, fue la despedida de un artista popular que había logrado algo casi imposible: hacer reír a todos, desde oficinistas aburridos hasta taxistas, adolescentes, hinchas de fútbol y figuras de la cultura. El 26 de diciembre de 2013, a los 97 años, la voz de Julio Victorio Tangalanga De Rissio se apagó para siempre.

Su arte tenía algo de seriedad, travesura y un diccionario de insultos que, más que hacer enojar a quienes lo escuchaban (porque no era bien visto hablar de esa manera), los hacía estallar de risas. ¿Qué hacía? Llamaba por teléfono de línea a un número que elegía, ponía voz seria, primero, y luego fingía enojo, sorpresa, incredulidad o indignación. Del otro lado estaba la reacción genuina de personas que jamás sospechaban que estaban a segundos de convertirse en protagonistas involuntarios de un clásico del humor. El resultado: esos intercambios se convertían en una radiografía social del país donde la conversación iniciaba con cordialidad y respeto, pero se convertía en una muestra de picardía, bronca y hasta agresividad.

Detrás de ese humor explosivo, había un hombre de gestos mínimos, reservado, casi tímido. De Rissio nunca buscó la fama. De hecho, la evitó durante años. Su personaje nació en la intimidad de un chiste entre amigos y terminó convertido en un fenómeno cultural que sobrevivió a tecnologías, modas y generaciones. Fue un hombre silencioso que se transformó en la voz más estruendosa del humor argentino.

El origen de un personaje memorable

Para entender a Tangalanga hay que volver a Julio Victorio De Rissio. Hijo de inmigrantes italianos, nació en 1915 en el barrio porteño de Balvanera y fue el menor de siete hermanos. Se casó joven, a los 25 años, y llevó durante décadas una vida tan discreta como previsible: trabajó como empleado administrativo y también en un taller de zapatos, siempre lejos del espectáculo y de cualquier ambición artística. Era un hombre de perfil bajo, más observador que protagonista, con un humor fino que encontraba su lugar natural en la charla íntima, no en los escenarios.

El nacimiento de Tangalanga no respondió a un plan ni a una vocación, sino a un gesto amistoso y profundamente humano. En 1958, un amigo muy cercano, Sixto, atravesaba una enfermedad que lo obligaba a pasar días enteros en cama. Para distraerlo y levantarle el ánimo, Julio comenzó a grabar bromas telefónicas caseras y se las hacía escuchar. No pensaba en un público ni en la risa ajena sino en una forma de acompañarlo, ofrecerle alivio y de sostener con humor lo que la vida imponía con dolor.

Aquellas grabaciones se interrumpieron en 1965, tras la muerte de ese amigo. Durante años, el personaje quedó en silencio. Recién en 1980, mientras le tocaba a Julio recuperarse de una hepatitis que lo obligaba a guardar reposo, fueron sus propios amigos quienes lo empujaron a retomar las llamadas bromistas. Para eso, le llevaban los avisos clasificados —que salían en los diarios— y lo desafiaban a llamar a desconocidos. Era casi como un juego para ellos. Así, sin proponérselo, el bromista volvía a nacer.

Ese personaje tenía tres elementos imprescindibles: un teléfono, una agenda y un grabador. Con eso en mano, lo que siguió fue un fenómeno tan artesanal como imparable. Cada llamada era grabada en casetes, que comenzaron a copiarse con la llegada de los grabadores de doble casetera (un hito tecnológico) y a circular de mano en mano: primero entre amigos, luego entre desconocidos, hasta construir un circuito informal que recorrió todo el país. Cada persona que recibía uno de esos casetes, los grababa y así, continuaba el recorrido. Durante años, su voz fue omnipresente y su rostro, invisible. Se convirtió en “el más famoso de los desconocidos y el más desconocido de los famosos”.

En ese proceso también nació el nombre. No buscó algo elegante ni sofisticado, sino deliberadamente absurdo. Así apareció el “Doctor Tangalanga”, identidad que durante años convivió con otros apellidos que él mismo inventaba —Tarufetti, Tahretti, Rabufetti— y que le permitió moverse con libertad entre lo pomposo y lo ridículo. El apellido no escondía ninguna genealogía ni un mensaje cifrado: era, simplemente, un sonido destinado a hacer reír. Y para De Rissio, eso bastaba.

El humor telefónico

El arte de Tangalanga se sostenía sobre una premisa tan simple como difícil de ejecutar: la improvisación absoluta. No había guiones ni frases preparadas. Cada llamada era una construcción en tiempo real, basada en la escucha atenta y en la capacidad de detectar, con rapidez notable, el punto exacto en el que una conversación cotidiana podía deslizarse hacia el absurdo.

El comienzo casi siempre era amable. Una consulta, un reclamo menor, una pregunta formulada con tono educado, distinguido, incluso condescendiente. Esa normalidad inicial funcionaba como una trampa invisible. A partir de allí, Tangalanga hilvanaba lo que el otro decía, exageraba una contradicción, introducía una observación incómoda o lanzaba, de pronto, una palabra fuera de lugar. El quiebre era inesperado. Y una vez producido, ya no había retorno.

El objetivo no era la agresión inmediata, sino el desconcierto. Respuestas ilógicas, nombres sin sentido, números de teléfono interminables, direcciones o referencias absurdas, como “Carabobo del lado de la sombra...”; silencios calculados y cambios bruscos de humor iban empujando al interlocutor fuera de su zona de control. Cuando la conversación entraba en ebullición, aparecían los insultos —muchas veces tan creativos como poéticos; otras, irreproducibles— como remates inevitables de una ficción sostenida hasta el límite.

Lo notable es que el humor nunca estaba en la víctima, sino en él: en su forma de hablar, en la cadencia de la voz, en la seriedad con la que pronunciaba frases que llegaban al colmo, en la invención de parientes, sobrinos, tíos lejanos o reclamos delirantes que partían, muchas veces, de problemas reales llevados al extremo, como quejarse con un peluquero por el corte del pelo de un sobrino cuarentón, fotocopiadoras que copiaban con errores de ortografía, taxis que hacían ruido en todas partes menos en la bocina o placares donde había neblina.

Su obra fue, en ese sentido, profundamente argentina. Tiene algo del humor de café, del lunfardo, de la exageración barrial y de la picardía sin solemnidad. Pero también tenía un rasgo único: la sorpresa. Cada llamada funcionaba como un experimento social irrepetible, sostenido por la improvisación y por la imposibilidad —para quien atendía del otro lado— de anticipar lo que estaba por venir. Y, sobre todo, porque casi nadie lograba frenarlo.

Un éxito clandestino

El fenómeno Tangalanga explotó sin que él lo buscara. En plena era analógica, sus casetes se grababan y regrababan hasta desgastarse. No se vendían: circulaban. Pasaban de mano en mano, de oficina en oficina, de taxi en taxi. De Rissio no ganaba dinero ni fama. Era, literalmente, una voz sin cuerpo, un fantasma cómico que atravesaba talleres mecánicos, universidades, kioscos y sobremesas familiares. En los años 80 y 90, cualquier argentino que tuviera un equipo para reproducir casetes conocía la frase “Habla el Doctor Tangalanga”.

Su popularidad se expandió de manera transversal y silenciosa sin que él mismo lo supiera. Sus grabaciones llegaron a Uruguay, Paraguay, Chile y hasta a España en valijas de emigrantes. Con el tiempo, algunas comenzaron a comercializarse y él, ya mayor, empezó a aceptar presentaciones ocasionales en público.

Lo notable es que el éxito tardó en alcanzarlo de frente. Durante buena parte de su vida siguió trabajando como empleado y llevando una existencia discreta. No se dejaba fotografiar, no daba entrevistas, evitaba exponerse. Era un artista escondido en la vida común. Recién en los años 90 empezó a mostrarse: el país ya lo conocía, aunque todavía no lo conociera. Los medios lo invitaron y él aceptó, siempre con una timidez estructural, con una humildad que contrastaba con la estridencia de su personaje. Para millones era una figura explosiva; para él, seguía siendo un gesto doméstico: levantar el teléfono y llamar.

El vínculo con el público se consolidó en sus presentaciones en vivo. Allí recreaba llamados clásicos, improvisaba nuevas conversaciones, leía algunas de sus frases más celebradas. El público lo ovacionaba como a una estrella de rock. Y él, casi incómodo, agradecía con esa misma voz áspera y rítmica que había hecho historia.

Con el paso del tiempo, Tangalanga dejó de ser solo un humorista telefónico para convertirse en un mito popular. Su obra —primero en casetes, luego en CD, DVD y archivos digitales— generó una cultura propia. Frases, insultos, entonaciones, silencios: todo pasó a integrar un repertorio compartido. Había quienes lo imitaban, quienes memorizaban sus mejores llamados, quienes los repetían en reuniones como si fueran cuentos tradicionales transmitidos de boca en boca.

Pero más allá de la risa, su figura contenía algo más profundo. En sus llamadas había una radiografía mínima de la sociedad argentina: el comerciante desconfiado, el empleado paciente, el vendedor insistente, el portero curioso, el hincha efusivo. En cada intercambio había humanidad, incluso cuando la conversación estallaba en insultos. Había verdad.

El 26 de diciembre de 2013, Julio murió a los 97 años, por causas naturales. Sus restos descansan en el Cementerio del Pilar. Su fallecimiento no apagó el mito sino que lo consolidó. Las nuevas generaciones lo descubrieron en YouTube, donde circulan llamados completos, compilaciones y homenajes. La tecnología solo confirmó lo que ya era evidente desde hacía décadas: su humor era atemporal. No necesitaba contexto político ni modas. Necesitaba apenas una voz y alguien dispuesto a escuchar. En esa simpleza está su permanencia.

Siempre de traje. El saco: cruzado. La corbata: con detalles. Sobre el hombro izquierdo, un poncho de guarda pampa que subraya su representación folklórica, su adherencia a lo regional. Una mano en el bolsillo que sale cada tanto para gesticular junto a la otra alguna efusividad. La mirada serena, la boca floja. Verborrágico y medido, frente a un micrófono de pie, Luis Landriscina erigió con paciencia, como escribe Vidal Mario en su libro biográfico, “un estilo único e irrepetible”. Hoy cumple 90 años.

Una nueva masividad

“Su rara virtud de cuentista magnetizaba multitudes, porque cada cuento suyo era un compendio de imágenes costumbristas, de acentos y de tonadas incomparablemente reproducidas con ingenio y delicadeza”, escribe Vidal en Landriscina: un mundo de amor y de humor, su única biografía hasta el momento, publicada en 2022. Actor, cuentista y humorista, según Wikipedia. Su presencia ahora irrumpe en las redes. Un aura familiar y lejana lo envuelve. Nueva masividad para el poeta del humor.

El video del show de 1994, 30 años de sonrisas, tiene más de cinco millones de vistas en YouTube. Cuentos de campo tiene 4.2; Como dentrando a salir, 3.6; Las fiestas y los parientes (un cuento solo, doce minutos y pico), tres millones. El show Es mundial de 1990 y Venga y le cuento de 1995 tienen 2.3. La mayoría, sin imagen: tapa del disco y audio original. Estos son los videos del canal oficial de Landriscina, hay que agregar todos los demás, y los shorts, lo que hay en Sportify, Instagram, Tik Tok, etcétera.

Son números. No dicen mucho. Hablan de una popularidad que perdura, sí, pero también de una novedad que puede ser efímera, quién sabe. Lo que sí está claro es que el lugar que ocupa Luis Landriscina en eso que podríamos llamar humor argentino, y que quizás valdría estirar la categoría a literatura oral, es enorme. Porque el objetivo de reír está en primer plano, pero en sus historias hay algo más: la búsqueda de un tono, la construcción de una atmósfera, el hallazgo de una poética, el extrañamiento ante una sensibilidad.

Casi gringo

Le pusieron Luigi, como su padre. Pero no era el primero. Luigi padre y Filomena, italianos emigrados a la Argentina, tuvieron ocho hijos, dos de aquel lado del Atlántico, seis de este. Luigi, que es Luis Landriscina, que nació en Colonia Baranda, Chaco, en 1935, perdió a su madre en el último parto. Aún no había cumplido los dos años. Por eso lo criaron sus padrinos, españoles ellos, en la ciudad de Villa Ángela. Las historias que le contaba su madrina, escribe Vidal Mario, “lo inclinaron hacia la narrativa oral”.

A fines de los cincuenta y principios de los sesenta, tuvo una banda de folklore, Los Cardinales, donde recitaba entre canción y canción. También escribía poesía, ya había publicado. Pero fue en enero de 1964 el acontecimiento que inicia todo: representó a su provincia en el Festival Nacional del Folklore de Cosquín contando cuentos y recitando el poema “Casi gringo”, una autobiografía en verso que recorre la herencia migrante, la muerte de su madre y la relación con su tierra. Ganó el Premio Revelación.

“Yo soy del Chaco argentino, / nacido en ésta región, / soy tan hijo de esta tierra, / que me siento emparentado / al quebracho colorado / y al capullo de algodón”, comienza el poema. Después de eso vinieron los viajes: recorrer el país contando historias. También hizo televisión y cine. Poco a poco se fue agigantando un mito en presente. Hoy pasa sus días en su casa de Olivos, junto a su esposa. Sigue viajando, visitando lugares. Hace unos meses estuvo en Uruguay para despedir a un viejo amigo enfermo: Pepe Mujica.

Narración extendida

“Como soy provinciano, soy de narración extendida”, dice en una de sus grabaciones en vivo. “No soy muy proclive al chiste, sino al cuento. Y el cuento, lo deben saber los que han estudiado algo de literatura, tiene planteo, desarrollo y epílogo. Y el chiste no, porque es de zonas apuradas, que son las grandes ciudades, los grandes conglomerados humanos que son las ciudades de cualquier lugar del mundo, que tienen pautas de vida distintas a los puebleros. No es ni mejor ni peor... es distinto”, continúa.

El ejemplo es muy clarificador. “Si yo fuera contador de chistes de teatro de revista, le diría: ‘Una vez un tipo le dijo al otro...’ Y acá ya está marcada la pauta de vida de la ciudad. Ya le dije ‘un tipo’, no le puse nombre, ni le dije cómo era, ni qué rostro tenía, ni de dónde venía, ni para dónde iba. Era un tipo. Así es la ciudad. Usted se puede atropellar con mil personas, dos mil personas, cruzarse en un subterráneo, pero no sabe quiénes son. Son miles de personas, son tipos”, explicó.

“Y eso trasladado a cuento, ¿cómo sería? Y ahí está la cosa“, y poco a poco empieza a dotar de características al personaje, para que deje de ser un mero cono en la calle y pasa a tener presencia, matices y ser eso: un personaje. Cómo se llama, cómo viste, dónde vive, cómo vive, cómo piensa, de dónde viene, adónde va. ”Y a usted le puede caber el derecho de decirme: ‘está bien, sí, está pintoresco el relato, pero muy largo...’ Y yo lo único que quería con esta pintura es demostrar la diferencia de pautas de vida“.

La vida en comunidad

Visto al calor del tiempo, Landriscina no confronta con las grandes ciudades en sí sino con lo que representaban en ese momento: la sombra sorpresiva de un mundo que no solo estaba terminando de formarse, sino que estaba anunciando su forma definitiva. Un mundo hecho de anonimatos aislados, de velocidad —y por consiguiente de brevedad—, pero también de una frialdad que enmascara el ensimismamiento, la soledad, el egoísmo, el desinterés, la apatía, la indiferencia, el destrato, el individualismo.

Su universo narrativo está centrado en la vida en comunidad. Una comunidad que no reniega de su malicia ni escatima bondades; que no es endogámica, sino diversa, hecha de pequeñas comunidades complejísimas lo suficientemente cerradas como para no desdibujarse en el océano y lo suficientemente abiertas como para someterse a la fricción nacional. No es casualidad que la mayoría de sus cuentos no sean suyos, sino historias que le contaron en algún paraje. Como una literatura anónima y popular.

Una fuga hacia el detalle

Si los productos culturales se enmarcan en determinadas tecnologías, a Landriscina se lo puede asociar a esta escena. Hubo un tiempo, no hace tanto, en que los autos tenían algo llamado estéreo. Se ponían CDs, también casetes, y se escuchaban, no solo canciones, también cuentos, historias, monólogos, diálogos, chistes. Similar al podcast. En los noventa y en los tempranos 2000, Landriscina contaba sus relatos en la intimidad de las familias que salían a la ruta en vacaciones. En total, grabó 36 discos.

En el boom del chiste frenético en las rondas de humor de la televisión, de las columnas humorísticas en las radios, de la picaresca radical, Landriscina caminaba a un costado —lo venía haciendo desde hacía tiempo— con narraciones “para toda la familia”, con historias sin la pomposidad sexual de entonces, sin puteadas ni exabruptos, abriendo el mundo en una perspectiva tempranamente diversa en lo cultural, donde reflejaba acentos y tradiciones de las provincias argentinas y de las comunidades inmigrantes.

Al humor se le carga la responsabilidad de ser efectivo. Como al terror. Hacer reír, asustar, cumplir expectativas, eficiencia, etcétera. En Landriscina hay una reticencia al impacto. Por eso el extravío, la historia que fuga hacia el detalle, las fabulosas tonadas regionales, cosmovisiones a un par de kilómetros de distancia, observaciones milimétricas que de tan singulares acarician lo universal, la ocurrencia popular, la pilla picardía, la narración extendida en un mundo cada vez más breve y compacto.

Iker Casillas ha vuelto a llamar la atención fuera de los terrenos de juego. Esta vez no ha sido por una entrevista ni por una aparición pública, sino por una imagen compartida en sus redes sociales. El exguardameta publicó en su cuenta de Instagram, @ikercasillas, una fotografía en la que aparece leyendo el libro Se tiene que morir mucha gente, de la cómica y guionista Victoria Martín.

La imagen iba acompañada de una frase escrita por el propio Casillas: “Quien tenga miedo a morir que no nazca”. Es la única declaración que acompaña a la publicación y la que ha dado pie a la noticia. El mensaje aparece junto al libro y ha generado reacciones entre sus seguidores, que no esperaban ver al exfutbolista con una obra firmada por una de las voces más reconocidas del humor actual.

La publicación se difundió rápidamente y fue comentada por usuarios que destacaron tanto el título del libro como la elección de lectura. Casillas, que cuenta con millones de seguidores en Instagram, suele compartir imágenes relacionadas con su vida personal, el deporte o actos públicos. En esta ocasión, la atención se ha centrado en el contenido cultural de la fotografía.

El humor en tiempos de incertidumbre social

Se tiene que morir mucha gente es un libro escrito por Victoria Martín, conocida por su trabajo como cómica, actriz y creadora de contenido. La autora ha desarrollado gran parte de su carrera en el ámbito del humor, con presencia en plataformas digitales. El libro recoge reflexiones personales con un tono irónico, una línea habitual en su trabajo.

La humorista publicó esta novela como parte de una trayectoria en la que combina humor y observación cotidiana. El libro se suma a otros proyectos en los que la autora aborda temas personales con un lenguaje sencillo y sin rodeos. La aparición de su obra en la cuenta de una figura tan conocida ha ampliado su alcance en redes sociales.

En consecuencia, la obra aborda temas como el paso del tiempo, las relaciones personales o el miedo, siempre desde un tono irónico y directo. El uso del humor funciona como una herramienta para hablar de asuntos que suelen generar incomodidad, sin caer en el dramatismo. En un contexto marcado por la incertidumbre social, el humor se ha convertido en una vía frecuente para interpretar la realidad. No se trata de restar importancia a los problemas, sino de ofrecer una mirada distinta que permita tomar distancia. En ese sentido, el enfoque de Martín conecta con una generación acostumbrada a utilizar la ironía como lenguaje común para expresar inquietudes compartidas.

La aparición del libro en la cuenta de Casillas ha servido para dar visibilidad a la obra, aunque el exjugador no añade ningún comentario adicional sobre su contenido ni sobre la autora. La imagen se limita a mostrar el ejemplar y la frase que acompaña al titular de esta noticia.

Casillas se retiró del fútbol profesional en 2020, tras una carrera marcada por su etapa en el Real Madrid y la selección española. Desde entonces, mantiene una presencia constante en redes sociales, donde comparte distintos aspectos de su día a día. Sus publicaciones suelen generar repercusión por el interés que sigue despertando su figura pública.

El exdelantero de la Selección Colombia, conocido por su estilo irreverente, utilizó el humor para referirse a la vigilancia estadounidense en la región, convirtiendo una anécdota personal en un fenómeno viral.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Durante la grabación, Asprilla se dirigió directamente a la cámara y lanzó una frase que sintetiza el tono de su intervención: “Soy yo. No me vayas a pelar todavía, Donald Trump”, dijo Faustino Asprilla mientras que uno de los acompañantes del exfutbolista registró en video las palabras, con tono sarcástico del también comentarista deportivo.

La referencia al presidente de Estados Unidos y a las operaciones antinarcóticos en el Caribe marcó el inicio de un intercambio cargado de sarcasmo.

La persona que acompañaba a Asprilla en la lancha intervino para profundizar en la broma: “Mira aquí, ¿Donald Trump qué?”, preguntó, buscando una reacción del exfutbolista.

Asprilla respondió con una mezcla de desparpajo y picardía: “¿Donald Trump? no, soy yo, voy cargado, pero de papa y de trago, eso no es un delito todavía. No me vas a pelar, Donald Trump”, afirmó Faustino Asprilla, reforzando la idea de que su travesía no tenía nada que ver con actividades ilícitas.

El diálogo continuó con la insistencia del acompañante: “Donald Trump, no dispares”, frase que mantuvo el tono lúdico de la conversación.

Finalmente, Asprilla cerró su intervención mirando al cielo, como si esperara una respuesta de la inteligencia estadounidense: “Tírelo, suavecito, así despacito, que yo lo alcanzo a ver”, concluyó Faustino Asprilla haciendo referencia a algún disparo de balas o misiles que pudiera venir por parte de las tropas estadounidenses que se encuentran en el mar Caribe, dejando en claro que su humor sigue siendo tan afilado como en sus días de gloria deportiva.

El “Tino” Asprilla destacó la importancia de un buen inicio para Colombia en el Mundial 2026

El “Tino” Asprilla considera que la selección Colombia debe enfocarse en iniciar con fuerza el próximo Mundial y asegurar su clasificación a la segunda fase, un objetivo que, según su análisis, marca el rumbo de la participación nacional en la cita global.

En cuanto a las expectativas para el equipo nacional, Asprilla fue claro al señalar que la prioridad es avanzar a la siguiente ronda. “La meta de Colombia en el mundial es arrancar bien y clasificarse a la segunda fase”, sostuvo el exjugador, quien participó en dos ediciones de la Copa del Mundo.

A partir de ese punto, el objetivo se convierte en avanzar partido a partido, buscando superar la histórica actuación de cuartos de final alcanzada en Brasil.

El exfutbolista también hizo hincapié en la importancia de que los jugadores lleguen en óptimas condiciones al inicio del torneo. Según Asprilla, el rendimiento colectivo será determinante: “La idea es que los jugadores estén en un nivel alto cuando arranque esto, que es en seis o siete meses. Ellos, cuando están unidos, cuando juegan como equipo, pueden conseguir cosas importantes”, afirmó.

Respecto a la logística del mundial de 2026, que se celebrará en México, Canadá y Estados Unidos, Asprilla minimizó el impacto de las largas distancias entre sedes.

Explicó que los equipos dispondrán de ocho días entre partidos para recuperarse y trasladarse, y que la FIFA proporcionará aviones privados para las delegaciones. Según su visión, aunque los viajes pueden resultar exigentes, el tiempo de descanso es suficiente, a diferencia de lo que ocurriría si los encuentros se disputaran con solo cuatro días de intervalo.

La disputa se desarrolló tras declaraciones de Díaz en sus redes sociales, donde afirmó sentirse ofendida por lo ocurrido y señaló a Salem como responsable de las palabras hirientes hacia su familia.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel.

Según Díaz, que se hizo viral por sus críticas al trato hacia turistas en Cartagena y actualmente lidera un emprendimiento en el sector de comercio de fajas, Salem dirigió comentarios hirientes en un evento público acerca de la condición genética de su hija, que padece una enfermedad huérfana.

A través de un mensaje difundido en redes sociales, la empresaria sostuvo que no tolera ningún tipo de burla relacionada con miembros de su núcleo familiar.

La respuesta de Ibrahim Salem

Por su parte, Salem se defendió asegurando en publicaciones en su cuenta de Instagram que sus bromas fueron dirigidas a la propia Díaz en medio del ambiente humorístico del evento, negando haber lanzado comentarios hacia la menor.

El comediante insistió en que, durante el espectáculo, él también fue objeto de bromas, al igual que familiares fallecidos, e indicó que la polémica escaló hasta desencadenar una serie de amenazas en su contra.

“La señora Toche quejándose de odio y vean lo que generó. Yo no dije nada que no fuera mentira. Yo fui a hacer chistes a gente que me hizo también chistes de mi madre fallecida, de mi aspecto físico!”, dijo el humorista.

En capturas de pantalla compartidas públicamente, Salem expuso mensajes donde una persona le advertía: “Papi ojo que en un show le puede caer bala o cuchillo y hablo en serio”. En otro fragmento, el mismo usuario le escribió: “Sea varón porque en la calle lo ven y ácido en la cara recibe”.

Ante la serie de mensajes intimidatorios, el humorista responsabilizó a Díaz por incitar al odio, según su versión, por sus “quejas” públicas sobre lo ocurrido en el show.

“La gente de @porlaventanap me invito igual que a ella. Así que es hermoso ver como se quejan de agresion y me amenazan así. Gracias a doña Toche y los suyos por darme más reconocimiento! Gracias! (sic)”, señaló Salem.

Y finalizó: “Por favor, cómprenle fajas! Que al parecer estaba suave el negocio”.

En efecto, la publicación reavivó las críticas de usuarios en redes sociales contra el humorista, que señalan que el artista insiste en culpar a terceros por sus comentarios reprochables.

“Él que te escribió también es humorista, relax que todo es un chiste”; “En serio está culpando a la señora por esto? Woooww…“; ”¿Lo que generó ella? O lo que generó usted incomodando con sus discursos chimbos, que por cierto no es la primera vez" ; “No se supone que usted aguanta el humor negro?😂" ; “Y ahora la víctima? Esa psicólogia inversa no funciona aquí. Asuma sus responsabilidades. La vez que se le burló al humorista Iván Marín por un atentado 🫩🤨 (sic)“, fueron algunos comentarios en contra.

¿Quién es Ibrahim Salem?

El guionista y comediante Ibrahim Salem, nacido en Palestina hace 30 años, creció en Colombia, donde ha alcanzado notoriedad por un humor ácido y un estilo crítico.

Dentro de su trayectoria en medios audiovisuales destaca la grabación de un monólogo para el ciclo Comedy Central Presenta: Stand Up 2025 y su aparición en Drunk History: El lado borroso de la historia en 2017, consolidándose como una figura singular en el panorama de la comedia colombiana.

En la competencia por ser el séptimo participante a la Casa de los Famosos 3, le ganó Maiker Smith.

El grupo teatral Los Macocos presentará su espectáculo de despedida ¡Chau, Macoco! los días 10, 11 y 12 de diciembre en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín a las 20:30. Estos eventos, que marcan el cierre del año y el aniversario de cuatro décadas de actividad ininterrumpida, ofrecen entradas a $10.000.

La obra, escrita y dirigida por Mariana Chaud, en colaboración con los integrantes del grupo —Daniel Casablanca, Martín Salazar, Gabriel Wolf y Marcelo Xicarts—, propone un recorrido por la historia y el imaginario de la compañía. En la puesta en escena, se muestra a cuatro viudas de Los Macocos reunidas en un teatro para esparcir las cenizas de sus esposos, donde surgen disputas vinculadas al dinero, al reconocimiento y a engaños del pasado. Durante la función, se reconstruyen los momentos de la trayectoria del grupo desde sus inicios, reflejados en una clave documental y abordando las etapas desde la infancia hasta la actualidad.

“Ser macoco es como estar con uno mismo, pero mejorado. Son cuarenta años de trabajo interrumpido, pero al mismo tiempo continuo. Queremos compartir algunos sitios de este mapa a lo largo de los años. En este espectáculo vamos a contar cómo es sostener y disfrutar el trabajo en grupo durante cuatro décadas”, expresan los integrantes del grupo al reflexionar sobre el aniversario en el manifiesto escrito con este motivo.

La propuesta combina episodios biográficos y ficcionales y utiliza el humor como recurso para examinar el pasado del grupo y el funcionamiento de la memoria compartida. La narración alterna recuerdos, anécdotas y exageraciones, planteando interrogantes sobre la relación entre la verdad y el relato construido de manera colectiva.

Junto con las funciones en la sala principal, se podrá recorrer la muestra Macocos de colección: 40 años de teatro y buen humor en el Hall de la Sala Martín Coronado. La exposición reúne materiales y objetos que documentan la trayectoria y el trabajo del grupo durante estas cuatro décadas en la escena teatral.

¡Chau, Macoco!: gran final en la sala mayor del Teatro San Martín

Fuente y fotos: Departamento de Prensa CTBA.

El filósofo griego Crisipo de Solos perdió la vida en una escena que parece tan insólita como documentada: murió en el siglo III a.C., en Grecia, tras un episodio de risa descontrolada provocado por una broma propia durante un banquete.

Durante el encuentro, ofreció vino a un burro y, al ver al animal intentar comer higos, no logró contener las carcajadas. Poco después cayó al suelo y falleció, según relatan las crónicas históricas.

La noticia de su final trascendió porque Crisipo era reconocido como una figura esencial dentro del estoicismo, además de haber escrito más de 700 obras y ser considerado el padre de la gramática en Grecia.

De acuerdo con Daily Stoic, personas que presenciaron el hecho nunca explicaron qué hizo tan graciosa la escena, pero el evento quedó registrado como un ejemplo insólito de los límites del humor.

Diversos testimonios ofrecen razones para pensar que estos casos no son exclusivos de la antigüedad griega. De acuerdo con History Extra, a lo largo de los siglos, otros individuos hallaron el final de sus días durante episodios de risa incontrolable.

En ese sentido, los documentos señalan a la risa excesiva como un detonante atípico, pero real, para situaciones de riesgo extremo.

Otras muertes históricas asociadas al humor

Uno de los relatos más conocidos ocurrió en 1975, cuando Alex Mitchell, un albañil británico, falleció en Lincolnshire, Reino Unido, después de reír durante 25 minutos mientras veía el programa televisivo The Goodies.

Según detalló BBC, su esposa, presente durante el incidente, envió una carta de agradecimiento al elenco, manifestando gratitud a pesar de la tragedia. El caso fue ampliamente difundido en la prensa local y atrajo la atención de especialistas en medicina forense.

Más atrás en el tiempo, en 1782, Mrs. Fitzherbert sufrió un colapso fatal tras experimentar una crisis de risa durante una función teatral de The Beggar’s Opera en Londres.

De acuerdo con History Extra, la literatura también registra la muerte del poeta renacentista Pietro Aretino, quien perdió la vida al reaccionar ante una broma subido de tono, así como el episodio de Thomas Urquhart, erudito escocés, cuyo fallecimiento ocurrió tras recibir la noticia del regreso de Carlos II al trono en 1660 y reír incesantemente, según reportó History Extra.

La figura del pintor griego Zeuxis representa otro caso emblemático. Según los relatos, difunfidos por Brittannica, murió después de que una anciana solicitara retratarla como Afrodita, hecho que generó tal hilaridad en el artista que terminó siendo letal.

Además, documentos indican que en 1410, el rey Martín de Aragón falleció combinando indigestión y risa intensa. Estos sucesos han generado debates en la comunidad médica y filosófica, tanto en Europa como en otras regiones.

El fenómeno de morir de risa, aunque extremadamente inusual, presenta una serie de coincidencias alrededor de la historia. De acuerdo con History Extra, estos incidentes suelen involucrar a individuos expuestos a episodios de risa violenta, lo que puede desencadenar afecciones respiratorias, cardíacas o síncopes mortales si la persona tiene alguna condición previa.

Por su parte, los expertos consideran que la risa excesiva puede afectar el ritmo cardíaco y producir hipoxia o arritmias severas en personas con predisposición. No obstante, los casos documentados siguen siendo una rareza y, en la mayoría de las situaciones, la risa mantiene un efecto positivo en la salud general.

El uso de la expresión “morirse de risa” permanece como un giro figurado en la actualidad, aunque la historia conserve ejemplos sobre el potencial peligro de un exceso de alegría inesperada.

Las biografías vinculadas a alguno de los episodios antes mencionados coinciden en señalar que la muerte por risa suele sorprender en contextos distendidos y en presencia de testigos, lo que facilita la difusión y el mito.

El legado de Crisipo confirma que el humor, motor de la filosofía y la creatividad, puede adquirir en ocasiones un desenlace tan extraordinario como su vida intelectual.

Los registros se repiten en diferentes épocas y culturas. Desde la antigua Grecia, la Inglaterra del siglo XVIII, hasta la televisión británica del siglo XX, la risa desempeña un papel central en episodios de insólito desenlace, trascendiendo su rol habitual de alivio emocional.

Las probabilidades de fallecimiento debido a la risa son bajas, pero las historias reales cumplen una función de advertencia sobre el peso que pueden adquirir las emociones intensas.

Así, la historia de la muerte de Crisipo y de otros personajes ilustres que sucumbieron ante el humor, continúa generando asombro en la cultura popular y el ámbito científico.

Durante décadas, Leslie Nielsen caminó por los pasillos de Hollywood como un hombre hecho de solemnidad: mandíbula perfecta, porte de héroe, voz profunda y una presencia dramática que parecía destinada a interpretar comandantes, capitanes, doctores o caballeros rectos como un mástil. Nadie –ni siquiera él mismo– sospechaba que aquel actor imperturbable terminaría convertido en uno de los mayores iconos del humor absurdo del siglo XX.

El giro llegó tarde, casi como una broma del destino: después de toda una vida intentando que lo tomaran en serio, Nielsen descubrió que su verdadero talento residía en exactamente lo contrario. Le bastó entrar en ¿Y dónde está el piloto? (Airplane!) con un estetoscopio en el cuello y luego decir, sin un músculo moviéndose en su rostro: “No me llame Shirley”, para cambiar la historia de la comedia para siempre.

Pero detrás del inspector Frank Drebin y sus catástrofes gloriosamente ridículas de La pistola desnuda, había un hombre silencioso, disciplinado, amable, y sorprendentemente tímido; un canadiense hijo de un policía severo, una madre que soñaba con el mundo artístico y un tío ejemplar. Leslie llegó a Hollywood sin imaginar que, algún día, su cara sería suficiente para provocar carcajadas antes de abrir la boca.

La infancia en Canadá y la disciplina rígida

Leslie William Nielsen nació en 1926, en Regina, Saskatchewan (Canadá). Su infancia, lejos de los reflectores, fue austera y marcada por momentos difíciles. Su padre, Ingmar Nielsen, un estricto oficial de la Real Policía Montada de Canadá, era un hombre tan severo que, muchas veces no dudaba en golpearlo para calmar su furia. En ese ambiente, Leslie aprendió muy pronto que había una forma de suavizar el clima en casa: hacerlo reír antes de que se desatara la tormenta. Años más tarde lo resumiría con brutal sinceridad: “Cuando la gente se ríe, no te pega”.

Su madre, Elizabeth, inmigrante galesa, aportaba sensibilidad y equilibrio a ese hogar que Leslie describiría como un territorio de disciplina casi militar. Allí perfeccionó por necesidad la capacidad que luego sería su arma cómica más poderosa: la cara seria en medio del caos.

Su salud se volvió frágil cuando la familia se mudó a los Territorios del Noroeste, cerca del círculo polar ártico. Allí, padeció raquitismo de niño —las piernas arqueadas y una característica forma de caminar— y quedó sordo de un oído. Eso fue usado en su contra en la escuela y lo convirtieron en blanco de burlas, pero también esa escasa audición le enseñó a observar, a escuchar con atención y a medir los tiempos. El humor –como él mismo diría después– depende del ritmo, y Leslie terminó desarrollando un radar interno que, más tarde, sería su brújula en la comedia.

Su hermano mayor, Erik, siguió el camino estricto del padre y llegó a ser vicepresidente de Canadá. Leslie, en cambio, le contó a la familia que su deseo era otro, ser actor de cine, idea que fue tomada como descabellada; pero gracias al consejo de su tío, el reconocido actor de Hollywood Jean Hersholt, célebre por su papel del abuelo en Heidi (1937) no escuchó las críticas. Él le sembró la idea de que ser actor no solo era posible, sino respetable.

Cuando llegó la Segunda Guerra Mundial, por deseo de su familia (y la “esperanza” de que cambiara de opinión), Leslie se alistó en la Fuerza Aérea canadiense. Recibió entrenamiento como artillero, pero nunca llegó a combatir: la guerra terminó antes. Y cuando la vida parecía empujarlo a un futuro convencional, su tío Jean volvió a intervenir y lo alentó a perseguir su vocación.

Así, sin dinero pero con determinación, Nielsen hizo dedo desde Canadá hasta Hollywood. Era un joven flaco, prácticamente desconocido, que llegaba a la meca del cine con menos de un dólar en el bolsillo y muchos sueños encima.

De galán de cine a capitán serio

Hollywood no lo recibió con alfombra roja. Llegó sin formación formal, sin contactos y sin dinero, y chocó de frente con la realidad. Frustrado, volvió a Canadá decidido a prepararse mejor: estudió actuación, trabajó en radio y aprendió a dominar su voz grave y su dicción impecable. Luego regresó a Estados Unidos —esta vez a Nueva York—, donde obtuvo una beca en una prestigiosa escuela de teatro. Allí se codeó con jóvenes prodigios como Marlon Brando y empezó a ganar confianza en su potencial.

Sus primeros trabajos en televisión fueron breves, pero cada uno significaba un paso adelante. Y cuando finalmente debutó en cine en 1956 con El ladrón del rey y, sobre todo, con Planeta Prohibido, quedó claro que Hollywood lo veía como un actor serio. Su figura limpia, su porte elegante y ese rostro esculpido lo convertían en candidato perfecto para encarnar capitanes rectos, comandantes honorables y galanes disciplinados: era el prototipo ideal del héroe clásico de los años 50.

En 1957 coprotagonizó Tammy y el soltero junto a Debbie Reynolds, reforzando aún más esa imagen de caballero impecable. En fotos promocionales de la época, Nielsen apenas sonríe: parece hecho para dramas grandilocuentes, no para chistes absurdos ni tropiezos cómicos. Y sin embargo, ya entonces llegaba a los rodajes con un accesorio que traicionaba su espíritu real: su inseparable fart machine, el pequeño dispositivo que imitaba flatulencias y que él accionaba en reuniones formales, entrevistas solemnes o sets tensos. Era su forma secreta de recordarse que no era tan rígido como los papeles que interpretaba.

Ese contraste —el hombre de una seriedad de mármol con alma de bufón— tardaría casi treinta años en revelarse al mundo. Hollywood aún no lo sabía, pero tenía entre manos un diamante cómico sin pulir.

A medida que avanzaban los años 60, su presencia en el cine empezó a reducirse. Había sido encasillado en un molde tan rígido que, cuando esos papeles se volvieron menos frecuentes, la industria dejó de encontrarle un lugar. Pero lo que perdió en la pantalla grande lo recuperó (y con creces) en la televisión.

Durante la década del 70, Leslie se convirtió en el rostro de los dramas policiales, thrillers y películas televisivas. Con su aura autoritaria y su voz grave, era el antagonista perfecto: villanos de frialdad elegante, detectives ambiguos, hombres con secretos. Llegó a aparecer tanto que algunos espectadores bromeaban diciendo que Nielsen era “el sospechoso automático” de cualquier producción de la época. Aun así, su carrera seguía siendo irregular. Trabajaba mucho, pero sin un rol que lo consagrara; seguía siendo “el actor serio confiable”, nunca la estrella indiscutida.

En 1971 logró un papel destacado en La aventura del Poseidón, donde interpretó al capitán del barco que se hunde en uno de los grandes éxitos de taquilla de la década. Pero, para su sorpresa, ni siquiera ese logro relanzó su carrera. Mientras otros actores del elenco despegaban, él continuó en un discreto segundo plano. Era como si Hollywood no supiera qué hacer con él. O, más bien, como si aún no hubiera descubierto el verdadero tesoro que llevaba adentro.

¿Y dónde está el piloto? y el nacimiento del mito

A finales de los años 70, el destino de Nielsen estaba a punto de cambiar para siempre, aunque él aún no lo sabía. Los directores David y Jerry Zucker y Jim Abrahams buscaban algo muy específico para ¿Y dónde está el piloto?: actores que no supieran (o que fingieran no saber) que estaban en una comedia. El humor, decían, debía construirse sobre la misma solemnidad que había encasillado a Nielsen durante décadas. Era un experimento extraño, casi una travesura cinematográfica… y era perfecto para él.

Lo convocaron para interpretar al doctor Rumack: un hombre serio, técnico, profesional, sumido en un caos del que parecía no darse cuenta. Nielsen apareció en el set con su habitual aplomo, y cuando pronunció su célebre línea —“No me llame Shirley”— sin que un solo músculo de su rostro se inmutara, los directores comprendieron que habían descubierto oro puro. Ese instante fue una epifanía. No para él, que solo estaba haciendo aquello que había hecho toda su vida sino para el mundo, que por fin vio el potencial cómico escondido.

A los 54 años, cuando la mayoría de los actores consolidan su estilo, Nielsen hizo el movimiento más inesperado: abrazó la comedia. Y no cualquier comedia, sino la más difícil de todas: la parodia absurda. No necesitó transformarse, ni exagerar, ni reinterpretarse. Simplemente usó su misma seriedad como arma. Ese contraste entre su porte dramático y el ridículo circundante era tan perfecto que Airplane! (título original) no solo lo revitalizó sino que lo reinventó.

Pero el verdadero fenómeno llegaría unos años después, con el personaje que lo convertiría en leyenda: el inspector Frank Drebin en La pistola desnuda (The Naked Gun).

Drebin era, en esencia, la culminación de todo lo que Nielsen había construido sin querer: caminaba hacia el caos con la convicción heroica de alguien que cree estar salvando al mundo cuando, en realidad, está incendiando la mitad de la ciudad. Los directores decían que el secreto de Nielsen era no actuar como comediante, sino como un héroe trágico. Drebin nunca se reía: él creía en lo que decía, en lo que hacía y en su misión. Y justamente ese compromiso radical con la tontería convertía cada escena en un estallido de humor. Su torpeza se volvía épica: las caídas, los choques, la destrucción accidental de patrullas, las entradas gloriosas en edificios equivocados... Era una mezcla perfecta entre torpeza física y convicción emocional.

La trilogía de La pistola desnuda lo elevó a la categoría de icono mundial. El contraste entre su seriedad inmutable y el desastre permanente que lo rodeaba se volvió parte de la cultura popular. Y fuera de cámara, lejos de cualquier actitud estelar, Nielsen seguía siendo un hombre amable, tímido y juguetón, que llevaba su fart machine a todos lados. Hay una anécdota memorable: en una entrevista en vivo, cada vez que el conductor intentaba hacerle una pregunta seria, Nielsen accionaba el aparatito sin mover un músculo de la cara. El periodista quedó desconcertado; el público, fascinado. Él, imperturbable, mientras los sonidos de las flatulencias invadían los estudios.

En un mundo donde muchas estrellas buscaban llamar la atención a través de la exageración, Nielsen lo hacía con una ceja levemente levantada. Era el mismo actor serio que Hollywood había moldeado durante treinta años, pero al fin utilizado en el rol para el que parecía haber nacido. El hombre supo como nadie convertir la solemnidad en su mayor chiste y la torpeza en un arte.

Los últimos años, Scary Movie y el legado eterno

Fuera de cámara, Leslie Nielsen era casi lo opuesto a los personajes que lo volvieron inmortal: un hombre sereno, tímido, amante de la música, los animales y la vida doméstica tranquila. Fue embajador de UNICEF en Canadá y colaboró con numerosas organizaciones benéficas. Su humildad era tan profunda como su talento: jamás se consideró una estrella, aunque el mundo entero lo tratara como tal.

En los años 90 siguió brillando con Drácula: muerto pero feliz y Duro de espiar, parodias que con el tiempo se volvieron de culto. Y ya entrados los 2000, vivió un inesperado renacimiento con Scary Movie 3 y Scary Movie 4, donde interpretó al presidente de los Estados Unidos. A sus más de 75 años, compartía pantalla con comediantes jóvenes como Anna Faris y Charlie Sheen y se destacaba en cada escena con su estilo atemporal capaz de desafiar cualquier moda.

Su última aparición cinematográfica llegó en 2009 con Spanish Movie, un cameo breve pero suficiente para recordar que Nielsen podía provocar carcajadas con apenas entrar en cuadro. Con esa película cerró una carrera de más de cuatro décadas y más de cuarenta títulos, un recorrido tan improbable como inolvidable.

En lo personal, atravesó un camino sentimental lleno de cambios y reinvenciones. Se casó cuatro veces: primero con la actriz Mónica Boyer; luego con Alisande Ullman —madre de sus dos hijas, Thea y Maura—; más tarde con Brooks Oliver; y finalmente con Barbaree Earl, el gran amor de su vida. Fue con ella, a partir del 2000, cuando encontró una paz afectiva que había demorado décadas en llegar.

En noviembre de 2010, Nielsen fue hospitalizado en Florida debido a una neumonía que se agravó rápidamente. Tras doce días internado, el 28 de noviembre, murió mientras dormía, rodeado de su familia y amigos. Tenía 84 años. Su despedida fue serena, pero dejó una resonancia profunda: se iba el hombre que transformó la solemnidad en arte, que convirtió una frase absurda en un hito cultural y que demostró que, a veces, la mejor comedia nace de la absoluta seriedad.

Y aún entonces hizo un último chiste. En su lápida dejó grabada la frase “Let ’er rip”. Puede traducirse como “déjalo salir”… pero también como “tírate un pedo”. El broche perfecto para una vida que, voluntaria o involuntariamente, siempre tuvo la misión de hacernos reír.

Patricio Barton, reconocido conductor, periodista y productor argentino, acaba de publicar su primer libro de cuentos, No importa cuándo leas esto, cuyo subtítulo es “Historias contemporáneas autopercibidas eternas”, editado por Marea.

El prólogo, a cargo de Alejandro Dolina, elogia del autor “su astuto manejo de las contradicciones, de los tropos clásicos, de las cosas que son y no son al mismo tiempo, de las continuas contravenciones a la lógica”.

En la tradición de Osvaldo Soriano, Leo Maslíah o Hernán Casciari, el libro narra historias con la destreza del que sabe que la risa es una de las maneras más lúcidas de leer el mundo. “Como si la literatura se hubiera levantado de buen humor”, se lee en la contratapa. A continuación, uno de sus cuentos.

Todo es eterno, pero no se nota

La muerte de alguien es una oportunidad para que los vivos se comporten un rato como inmortales.

“Nunca te olvidaremos”, escribe un deudo sobre una piedra que lo sobrevivirá. ¿A quién le habla? Se apura a decir algo, antes de que su DNI también sea dado de baja y aquel número de ocho dígitos –único en la multitud– pase a nutrir la amplia estadística de lo ausente. Lo que más hay en el mundo es todo lo que no está.

La industria funeraria tiene hace años una clientela fija que, sin embargo, cambia todo el tiempo. El arte de la sepultura y la poesía del epitafio se apropian del lenguaje de los vivos. Pero a los muertos les dan vergüenza sus lápidas, las pavadas que les escriben los que se quedan un rato más. Quizás, lo más molesto sea ese tono pretencioso e impostado, tan clásico del que no sabe qué decir, pero igual dice.

Me lo explicó así: hay más gente muerta que viva.

Estar vivo es de las cosas más improbables que se puedan concebir. Por eso, en estas circunstancias, la gente aprovecha la oportunidad para llorar un rato y condolerse con palmaditas en la espalda con sus pares de sangre caliente. Frente al cadáver son unos vivos bárbaros. Se las saben todas. Logran un entendimiento tan súbito como provisorio sobre todos los asuntos de la vida, y hasta creen ver paz en el rostro del muerto, que apenas tiene el único gesto posible e involuntario que el rigor mortis le permite. Hay que escuchar cada boludez.

Es cierto, nunca había estado de este lado del mostrador. Desde acá no se distingue si la vida es lo que ya pasó o lo que está por venir. Da miedo esa incertidumbre. Al final todo se parece.

–No crea. Se lo digo como regla general, no crea –me advirtió.

Hay dos hechos que son el mismo según desde dónde se los mire: nacer y morir. Los vivos se despiden de los muertos tanto como los muertos despiden a los que van a nacer. Allá van, unos y otros, sin saber hacia dónde. Nadie se queda. Lo único permanente es la partida.

Da lo mismo si me muevo. Cualquiera que se quede quieto también aparece en otra parte. Entonces no es una cuestión de voluntad, el movimiento es una condición de este lugar. Y de allá también.

–Depende de cómo se lleve con La Pendiente –sentenció.

Aquella fue la primera vez que mencionó el asunto. En verdad, no recuerdo si fue la primera vez, pero eso acá no importa. Lo recuerdo así, con el peso de la primera vez; es un vicio que me quedó de allá, contar las veces y después de la tercera, olvidarlas.

Creo que supuse que La Pendiente era una especie de catálogo de cosas que no había hecho y que, de algún modo, estaban en una lista incumplida de deseos y deberes. Quizás en dos listas diferentes. Pero no. Nada que ver. En tal caso, sería más preciso hablar de deseo y antideseo. Claro que con el diario del lunes cualquiera predice el domingo. La Pendiente no era eso. Lo entendí recién cuando sentí la caída.

Todo lo que está abajo es más fácil de ver. En cambio, lo que está arriba hay que imaginarlo. Lo de abajo es lo que hay, lo de arriba es una aspiración. Por eso hay gente que escala montañas. Cualquier protuberancia del terreno parece un desafío. Nadie emprende una travesía hacia la profundidad de los pozos. El apetito de trascendencia es más bien convexo, nunca cóncavo. Después, ¿quién sabe? La vida sigue siendo la misma, lo que cambia es el paisaje.

–¡Qué soberbios insoportables que son los vivos! –me había dicho cuando desde el balcón de mi epifanía derramé esa huevada geométrica sobre los montañistas.

Después creo que me ofreció un trago, o algo así. Ya dije que no me acuerdo, porque no sé si los recuerdos están antes o después de las cosas que ocurren. Pero sí puedo repetir cada una de las palabras que me dijo.

–La verdad es que se merecen todo lo que les pasa. ¿A quién le ganaron? Y encima hacen todo ese circo del “último adiós” que es más inverosímil que los partidos despedida de los jugadores de fútbol.

Las últimas palabras de un vivo que está al borde del último aliento casi nunca son lúcidas. Por razones de fuerza mayor se trata de frases cortas: “me duele”, “no doy más”, “no me mates” y cosas por el estilo. Pero el cine nos consuela con parlamentos esclarecidos y máximas para la posteridad. La ceremonia de la despedida es un privilegio que sucede mucho más en las películas que fuera de ellas. También en los libros, por suerte.

Cuando murió mi padre, el dolor, que todavía no había macerado en tristeza, parecía también un gesto de bronca. Mi único reproche: por qué se fue sin saludar, era un reclamo mudo. Por mucho tiempo me aferré a un saludo que había pronunciado solo una vez, la única: “Chau, hijo”.

Fue una noche en su casa. Él se iba a dormir y yo iba a comprar helado. Ninguna otra vez me había dicho “hijo”. Desde entonces vengo ocupándome de nombrar lo que acontece.

Cualquier frase puede ser rescatada del olvido como la única madera que flota en el río turbio de la memoria. Todo lo trivial cobra sentido cuando el final es definitivo, nadie sabe si será un domingo a la mañana o un martes al mediodía. Pero, cuando el momento llega, solo acuden los gestos simples, alguna palabra suelta, un segundo cualquiera subestimado por el reloj y el calendario, el brillo de unos ojos queridos. Nada más.

Esto tampoco es exactamente lo que está pasando en este preciso momento. El presente es imposible de nombrar. Cuando lo digo ya no está. Las reglas del juego son claras: el que relata no vive, y viceversa. Ya conté demasiado.

–Bueno, bueno, gracias campeón de la vida –me dijo.

–¿Todavía siguen pidiendo la partida de nacimiento para hacer cualquier trámite? –me preguntó, sin ningún interés por recibir una respuesta y continuó:

–¿Hasta cuándo los vivos tienen que demostrar que han nacido? Esa es la misma burocracia que después otorga el certificado de defunción. Todo un papelerío inú-til que solo sirve para juntar roña y darles de comer a los escribanos. Puro relato. Lo único real es sentir el cuerpo.

Ahora me duelen las piernas, pero no las siento. Solo sé que me duelen. Es la certeza de un dolor, una idea. Es extraña la sensación de hacer fuerza para mantenerse en el mismo lugar y no caer.

–Es extraña porque es imposible. Acá todos suben cayendo –me dijo, mientras atendía otro asunto, no sé cuál.

En La Pendiente el único descanso es la demora, después de todo, es una forma noble de resistirse a lo inevitable. Los inmortales no se levantan del sillón ni para agarrar el control remoto. Igual caen, como todos. Creen que no, pero sí. Creen que lo hacen más lento, pero no. Todo es eterno, pero no se nota.

–Termínela con eso de creer o no creer –me dijo, cuando vi que el otro asunto del que estaba ocupándose era de un nudo. Estaba desmarañando un cordón o algo así.

Tener en la mano la punta de un hilo no es suficiente para desenredarlo. Los nudos tienen la forma de un misterio, y los más persistentes no se desatan jamás. Pero, a este lo desenredaba sin esfuerzo, con la displicencia clásica con la que se repite una rutina.

A veces escucho cosas. Me dijo que era normal, que no me asustara, que tratara de recordar el silencio porque, después, no podría dejar de oír. Cuando el mundo se apaga, hay un eco que sigue sonando.

Voy por La Pendiente, la misma pero más pronunciada ahora. Me pareció ver que el cordón ya no tenía nudos cuando me dijo lo último que llegué a escuchar.

–Vaya, vaya. Yo tengo para un rato más.

Ya no lo veo. No puedo darme vuelta, pero sé que quedó atrás; más arriba. Debe ser por acá, hay más ruido. Aunque no es el mismo sonido de antes, algo nuevo me acecha y me convoca.

Ahora que nadie me llora, ensayo un llanto propio. Lo preparo como el primer gesto de una secuencia impuesta por el protocolo. Será la primera causa que moldeará mi cadena de efectos. Olvido todo, también esto. No escucho lo que me dice. Solo un zumbido grave. Sé que el relato está a punto de terminar. Ahí voy. Siento sobre mi cara las manos heladas de la partera. Y, por fin, lloro.

La ciudad de Rosario volverá a rendir homenaje a uno de sus máximos referentes culturales: el segundo Festival Fontanarrosa se celebrará entre el 26 y el 29 de noviembre, según anunció el intendente Pablo Javkin mediante un video difundido durante la Semana del Humor Latinoamericano en Barcelona, en una jornada especialmente dedicada a Roberto Fontanarrosa.

El anuncio, realizado en el marco de la décima edición de la Semana del Humor Latinoamericano organizada por Casa América Cataluña, reunió a destacadas figuras del humor y la cultura, entre ellas Joan Manuel Serrat —amigo cercano de Fontanarrosa— y Tute. El evento incluyó charlas, actividades y performances que celebraron el humor latinoamericano y, en particular, la obra y el legado del recordado escritor, dibujante y humorista rosarino.

Durante su mensaje, Javkin expresó: “El año que viene, en 2026, del 26 al 29 de noviembre, vamos a realizar la segunda edición del Festival Fontanarrosa”. El intendente subrayó la importancia de este encuentro para la vida cultural de la ciudad y añadió: “Queremos que, en nuestra múltiple producción cultural como ciudad, este festival —que honra al Negro, por supuesto— siga honrando también la amistad, el amor, la lucidez, y la idea de comunicarnos de una manera distinta a la agresividad o al odio que hoy vemos tanto”.

El jefe comunal también evocó una de las frases más emblemáticas de Fontanarrosa para resaltar la vigencia de su pensamiento: “El Negro siempre decía que el humor es una forma de amor. Y la verdad es que son dos cosas que hoy necesitamos mucho: necesitamos humor, necesitamos amor. Ojalá el mundo aprendiera más de las lecciones de nuestro querido Negro”.

La primera edición del Festival Fontanarrosa tuvo lugar en noviembre de 2024 y contó con la presencia de Serrat, quien viajó a Rosario para celebrar su amistad con el humorista. Ambos comparten una esquina emblemática de la ciudad, Fontanarrosa-Serrat, situada en la intersección del histórico bar El Cairo, un espacio que se ha consolidado como símbolo de la vida cultural rosarina.

La continuidad de este festival no solo reafirma la identidad cultural de Rosario, sino que también fortalece el vínculo entre la ciudad y sus referentes populares, proyectando el legado del humor rosarino en el ámbito internacional.

El jubilado Manolo ha decidido celebrar la jubilación de un amigo de una manera muy original: organizando una fiesta con temática de hadas. Lejos de optar por una celebración tradicional, Manolo ha querido darle un toque mágico y divertido a la ocasión, disfrazándose él mismo de hada y planificando todos los detalles con esmero.

Con cada paso de la preparación, Manolo ha ido compartiendo imágenes y momentos en redes sociales (@manolo.influ), mostrando desde la decoración y los disfraces hasta los pequeños detalles que busca capturar en la esencia de la fiesta. La propuesta ha generado risas y admiración entre sus seguidores, quienes no han dejado de comentar sobre la creatividad y el entusiasmo del jubilado.

La iniciativa de Manolo demuestra que la edad no es un límite para la diversión ni para la originalidad. La fiesta, que promete ser inolvidable, combina elementos clásicos de la jubilación con un giro inesperado: un mundo de hadas lleno de color, brillo y buen humor.

Una planificación muy sofisticada

A modo de diario, Manolo ha comenzado a documentar los pequeños avances de la celebración. Con un estilo que recuerda al lenguaje de la Generación Z, inicia sus vídeos con un enérgico: “hi besties”. Tras presentarse, continúa: “Necesito vuestra ayuda para montar una fiesta top”. Sus seguidores en redes han quedado fascinados al ver a un jubilado adoptando un estilo tan cercano, lleno de humor y espontaneidad.

Con motivo de la jubilación de su amigo, Manolo dispone de 30 días para organizar un evento inolvidable. Entre sus requisitos, ha dejado claro que “la decoración debe ser aesthetic, el dress code original y el lugar, nada de cringe“. Cada día comparte avances, ideas y desafíos, mostrando cómo incluso los detalles más pequeños son importantes para lograr la fiesta perfecta.

La naturalidad con la que mezcla su entusiasmo con el lenguaje pop y los guiños a memes ha hecho que sus publicaciones se viralicen, inspirando a personas de todas las edades a atreverse con ideas creativas y poco convencionales. Asimismo, ha incorporado en sus publicaciones algunos de los famosos trends de TikTok, donde aparece bailando con sus amigos.

Una temática llena de magia

En uno de sus vídeos más recientes, Manolo pide ayuda para elegir la temática de la fiesta. Se encuentra indeciso entre tres opciones. En primer lugar, temática Generación Z: bambas y camiseta oversize. En segundo lugar: temática hadas. A lo que añade, haciendo referencia a un famoso meme de internet: “la jubil-hada, la agot-hada y la estres-hada. La última explica es una recomendación previa de sus seguidores: temática Òscar. Ante lo que reacciona diciendo: ”ojalá mi mujer salga disfrazada de Marilyn".

Gracias a esta dinámica, Manolo no solo involucra a su audiencia en la planificación de la fiesta, sino que también genera un espacio de interacción lleno de ironía. Lo que comenzó como una celebración privada se ha transformado en un pequeño fenómeno en redes, donde la imaginación se mezclan para dar vida a un evento único. Todo a punto a que la fiesta será un evento extraordinario, lleno de disfraces, magia y buen humor.

“Aquí yace alguien que alguna vez hizo reír a un niño”. Así reza su lápida. Él solicitó que eso dijera y su familia cumplió. El pedido se hizo cuando su enfermedad avanzaba allá por 2013. Finalmente, el que hizo reír no solo a un niño, Juan Carlos Calabró, murió el 5 de noviembre, hace doce años.

A lo largo de su extensa trayectoria, Juan Carlos Calabró logró consolidarse como una figura esencial en el espectáculo argentino, distinguiéndose por su capacidad para reunir a diferentes generaciones en torno a su humor y la creación de personajes entrañables.

Su última aparición pública ocurrió el 5 de agosto de 2013, cuando, acompañado por sus hijas Iliana y Marina, recibió un homenaje en el Teatro Colón durante la ceremonia de los Martín Fierro, mientras su esposa Coca observaba desde uno de los palcos. En esa ocasión, rodeado por referentes del ambiente artístico nacional, fue distinguido por la Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas (APTRA) por su carrera, dejando entrever su proximidad al retiro al confesar, con ironía: “Después de acompañarlos 50 años en sus hogares, hoy se hizo justicia”. Las palabras surgieron dificultosamente, a causa de los problemas de salud que ya enfrentaba y de la emoción provocada por el reconocimiento.

Los aplausos, que incluyeron los de personalidades como Mirtha Legrand y Susana Giménez, marcaron ese momento como un símbolo del cariño que el público y sus colegas sentían por él.

Nacido el 3 de febrero de 1934, y famoso por ser actor y humorista, en la adolescencia también se orientó al deporte. Demostró condiciones destacadas para el ciclismo, siendo federado rápidamente y obteniendo premios que luego exhibía en su hogar. Sin embargo, el cigarrillo lo forzó a abandonar la alta competición y buscar otros horizontes. Decidido a mantener una conexión con el público, inició sus estudios de locución en el ISER, enfrentando la timidez mediante la práctica en la lectura de publicidades en la radio, experiencia que le permitió perder el miedo escénico.

En 1962 ingresó a la televisión con el ciclo Telecómicos, el primero de numerosos pasos en la pantalla que construyeron su reputación de humorista versátil. Años después, convencido de su potencial, ideó su propio ciclo La vida en Calabromas, que se transformó en Calabromas. Allí, exhibió una galería de personajes perdurables, cuyas frases y gestos pasaron al uso cotidiano y se enraizaron en la cultura popular.

Entre sus creaciones más celebradas se destaca el personaje de Johny Tolengo, un extravagante cantante pop vestido con trajes blancos y tapados de piel, siempre utilizando anteojos oscuros y desplazándose con un característico paso lateral. Ese personaje, que acaparó la admiración de los niños de la época, condensó el concepto de humor familiar que Calabró encarnó en su carrera. Sus canciones y ocurrencias trascendieron la pantalla, y es posible evidenciar la popularidad de Tolengo en los cantitos de las hinchadas de fútbol en Argentina que repetían el “Estás para ganar” que caracterizaba al personaje. La masividad de Tolengo se reflejó también en discos, películas y presentaciones que abarcaron públicos de todas las edades.

Otro personaje inolvidable fue Aníbal, un pelotazo en contra, un galán de barrio que, con pretensiones de sofisticación, se autodenominaba el “namber uan” e intentaba seducir utilizando frases en inglés y conduciendo su auto Topolino. La figura de Aníbal se caracterizó además por su camiseta blanca y su saludo singular con la mano sobre la cabeza, además de haber dejado frases recordadas como “Tu ruta es mi ruta” o “Cuidado con el Bobero”. La popularidad alcanzada por Aníbal derivó en tres recordadas películas junto a otro de los grandes del espectáculo, Juan Carlos Altavista: “Mingo y Aníbal, dos pelotazos en contra”, “Mingo y Aníbal contra los fantasmas” y “Mingo y Aníbal en la mansión embrujada”.

La construcción de personajes distintivos continuó con El Contra, una de sus invenciones más celebradas, surgida en principio como un sketch dentro del ciclo Telecómicos y que alcanzó tal repercusión que dio lugar a un programa propio en 1989: “Toda estrella tiene contra”.

El esquema era simple. Había un conocido que oficiaba de presentador (entre ellos Marcos Zucker, Gerardo Sofovich, Fernando Bravo y especialmente Antonio Carrizo) que estaba en la barra de un bar a la espera de alguien famoso al que debía entrevistar. Y entonces aparecía Renato, un vecino de Banfield despistado y testarudo que desconocía y confundía a las celebridades argentinas, por más que fueren Diego Maradona o Susana Giménez. Eso generaba situaciones de incomodidad y enredos forzados, además de desconcierto tanto en el anfitrión como en el invitado.

Un detalle interesante del proceso creativo dentro de sketch fue el surgimiento de Pedro, el mozo, personaje que nació cuando Calabró olvidó su libreto e improvisó pidiendo ayuda a un camarero ficticio, gesto que se incorporó definitivamente al programa y acabó generando la frase: “Pedro, mirá quién vino”, que el público adoptó espontáneamente como muletilla para saludar a recién llegados.

Esos aportes ejemplificaron cómo el trabajo de Calabró trascendió el ámbito televisivo y artístico para convertirse en parte integral de la cultura argentina, influyendo incluso en el lenguaje y la interacción cotidiana. Sus personajes, lejos de limitarse a la ficción, lograron insertarse en la realidad a través de las frases, gestos y canciones repetidas por diversas generaciones.

La historia personal de Calabró estuvo marcada, además, por una vida familiar intensa y visible, junto a su esposa Coca y sus hijas Iliana y Marina, quienes frecuentemente participaron de sus shows y homenajes. No menos relevante fue el vínculo con su barrio de origen, Banfield, y su afecto declarado al club Villa Dálmine, de la ciudad de Campana, elementos que contribuyeron a construir la imagen de un artista profundamente ligado a sus raíces, sencillo y accesible pese a la fama.

Si bien la carrera de Calabró se sostuvo principalmente en la televisión, su presencia en radio y cine también fue relevante. Su capacidad para articular el humor visual, la actuación y los elementos sonoros hizo que, en todas las plataformas, su trabajo tuviera igual repercusión. No solo abordó el humor en clave familiar, sino que exploró también la ironía y la autorreflexión, como lo expresó en su despedida de los Martín Fierro.

La evolución de Calabró como artista fue acompañada siempre por una renovación de sus recursos expresivos. La adaptación de su repertorio a los cambios generacionales aseguró la vigencia de su figura, manteniendo el interés del público a lo largo de los años. La combinación de innovación y tradición quedó de manifiesto durante toda su carrera, desde sus inicios en la radio leyendo avisos, su audaz diseño de personajes en televisión y su paso por el cine junto a figuras como Altavista, hasta su experiencia en sketches junto a actores y actrices de distintas épocas.

La pulcritud en el lenguaje y el porte de algunos personajes, como el célebre Antonio Carrizo en Toda estrella tiene contra , establecieron contrapuntos en el humor que potenciaban la comicidad del formato y evidenciaban la atención que Calabró prestaba a los matices escénicos y actorales. De modo similar, la convivencia entre la ingenuidad de algunos personajes y las alusiones más sofisticadas posibilitó captar audiencias diversas.

A lo largo de su camino, Calabró cosechó el reconocimiento tanto dentro como fuera del escenario. La reinvención constante de su labor, la ductilidad para explorar formas inéditas de hacer reír y la generosidad hacia colegas, amigos y su familia le otorgaron una posición singular en la historia de los espectáculos en Argentina.

La multitud de frases, sketches, películas y participaciones televisivas configuran una obra múltiple, difícil de contener en una sola definición. Sus aportes se advierten no solo en la continuidad de personajes y recursos, sino en una manera de entender el humor como vehículo de encuentro entre familias, barrios y generaciones. Cada guiño, cada remate y cada ocurrencia aportaron nuevos colores a un paisaje cultural en permanente transformación.

Lejos de circunscribirse a una época, los personajes de Juan Carlos Calabró continuaron vigentes, con frases y expresiones que todavía circulan en ámbitos públicos y privados, desde escuelas y hogares hasta canchas de fútbol y escenarios teatrales.

“El humor es una forma de llevar la vida adelante, que no sea tan dura”, afirma Andy. En esta entrevista, comparte su mirada sobre la risa como herramienta de vínculo, la necesidad de adaptación cultural al “exportar” su humor a otros países y la logística que exige coordinar cada función con la precisión de una cadena de suministro.

¿Qué claves encontrás para “exportar” tu humor y conectar con públicos extranjeros?

Primero, ser auténtico. Cuando voy a otro país, la gente quiere ver a un argentino, no a un imitador local. Ya saben lo que significa “che” o “boludo”, y eso genera empatía.

Después, investigo cada lugar: cómo se mueven, qué expresiones usan, cómo le dicen al colectivo o al metro. Son pequeños detalles que muestran interés y hacen que el público se sienta incluido.

Mi humor es universal, porque habla de vínculos, emociones y situaciones que todos vivimos. Pero siempre agrego algo local. En El Salvador, por ejemplo, hice un chiste sobre lo difícil que es dibujar su bandera. Dije: “fíjense, es azul, blanca, azul… pero en el medio tiene… ¿qué es eso? ¡El Guernica de Picasso!”. Y estallaron de risa.

Son cosas simples, pero que conectan. La clave está en observar, adaptarse y mantener tu esencia.

¿Qué importancia tiene la logística en tu trabajo como comediante?

Es enorme. De hecho, lo más fácil de mi trabajo es el show; lo más difícil es la logística para que ese show suceda.

A veces tengo tres o cuatro funciones en una noche, en distintos puntos del país. Calculo rutas, tiempos, distancias, tráfico, condiciones climáticas, armado de sonido y todo eso es planificación pura.

Trabajo con la misma lógica de una operación logística: coordino recursos, priorizo tiempos y evalúo contingencias. Mando mis pistas por mail a los sonidistas con anticipación, numeradas y ordenadas; coordino con los técnicos para que el equipo esté listo antes de que yo llegue; y, si sé que puedo demorarme, tengo plan B.

Una vez, sabiendo que el evento era lejos y el margen de tiempo era mínimo, mandé un pianista de backup para que arranque antes de que yo llegue. Así evito que el público se impaciente. Esa previsión es lo que te salva: si algo falla, tenés que tener un plan alternativo.

¿Qué consejos darías a quienes buscan “llegar” a su público, sea en un escenario o en una empresa logística?

Primero, hay que saber a quién le hablás. Conocer al público o al equipo. No es lo mismo hablar con jóvenes que con gente mayor, ni con un grupo relajado que con uno tenso.

Después, hay que leer el contexto. Si la gente está comiendo, no arranques con los chistes, porque la milanesa le gana a cualquiera. Ni Mick Jagger puede competir con una milanesa. Si están con cubiertos, no pueden aplaudir, y si están masticando, no se pueden reír. Entonces, arranco cantando hasta que se despabilen y después meto el humor.

En las empresas pasa igual: hay que elegir el momento justo para comunicar. Si hablás cuando todos están saturados o distraídos, el mensaje no llega. La comunicación, como la logística, tiene su propio timing.

¿Sentís que tu trabajo tiene algo en común con la logística?

Totalmente. Mi trabajo es una operación logística completa: tengo que coordinar recursos humanos (mi equipo), recursos técnicos (el sonido, la iluminación), transporte, horarios, tiempos y clientes —que en este caso son los públicos—.

Cada función tiene su hoja de ruta, sus imprevistos y su deadline. Si una parte falla, el resto se retrasa. Es exactamente lo mismo que pasa con un embarque o una entrega: el éxito depende de que todo fluya con precisión.

La diferencia es que, en mi caso, el “producto final” es la risa. Y cuando todo sale bien y la gente se ríe, siento que la operación fue un éxito total.

¿Qué significa el humor para vos?

El humor es un estilo de vida. Es una terapia. La vida es una decisión: podés vivirla con optimismo o con pesimismo, y los dos te van a costar el mismo esfuerzo. Para mí, el humor es la decisión de que la vida no sea tan dura. Pero también es tragedia, porque sin tragedia no hay humor. Están conectados.

¿Y cómo influye el humor en la forma de vincularte con la gente?

El humor siempre sirve para vincularte, hasta en lo más simple. Si vas al banco o al peaje con una sonrisa, descolocás a todos. La gente no está acostumbrada a la gente feliz. Creo que el humor descontractura, te acerca, te permite negociar mejor. Si nos tomáramos la vida con más humor, habría muchos menos problemas.

¿Cada público reacciona igual o hay diferencias según el lugar?

Cada público es distinto. Cada show también. Yo puedo decir el mismo monólogo cien veces y cada vez sale diferente. La variable es el público, la energía del momento, el clima, si están comiendo, si hay ruido de fondo. Todo influye.

El humor, a diferencia del canto, tiene una exigencia inmediata: si no se ríen, fracasaste. Yo puedo cantar y que nadie aplauda hasta el final, pero en el humor el silencio se siente. Por eso, cada función es única.

Ben Stiller ha dejado de analizar qué lo atrae de los proyectos. Durante casi cuatro décadas de carrera como actor y cineasta, ha liderado la taquilla o capturado el zeitgeist, ideando —con una cremallera atascada, un puchero o Robert De Niro como suegro— algunos de los momentos más pegajosos del cine pop.

Cuando empezó a grabar en el departamento familiar, pocas semanas después de la muerte de su padre, Jerry Stiller, en 2020, no estaba seguro del motivo exacto. “Fue solo un instinto”, dice. En parte, se trataba de preservar: el piso de cinco habitaciones en el Upper West Side era su casa de la infancia y iba a venderse. Hasta el último momento, grabó recorridos en video por los rincones llenos de recuerdos, y luego vacíos, donde él y su hermana mayor, Amy Stiller, crecieron, haciendo sketches, tareas, peleando y celebrando, junto a Jerry y su madre, Anne Meara, quien falleció en 2015.

También quería rendir homenaje a Jerry y Anne — o Stiller y Meara, como eran conocidos en su apogeo. Un dúo cómico cuya química los catapultó del circuito de clubes a la fama nacional en la era de Ed Sullivan; también funcionaban como puente entre el estilo de comedia de la tradición judía y uno adaptado a la televisión. Para una audiencia de 30 millones de espectadores, interpretaron sus identidades reales como pareja casada de culturas y religiones diferentes, cuando las uniones interreligiosas todavía eran poco comunes. En casa, trabajaban constantemente en sus rutinas, perfeccionando la sincronización aguda que su hijo, quien cumplirá 60 años en noviembre, absorbió y proyectó en su propio trabajo.

Ben Stiller pronto se dio cuenta de que debía hacer un documental sobre ellos. La película, Stiller & Meara: Nothing Is Lost (Stiller y Meara: Nada se pierde) que está disponible desde esta semana en Apple TV, explora su herencia cómica, un legado que Stiller transformó como protagonista de series de gran éxito como Una noche en el museo y La familia de mi novia (filma su cuarta entrega), y como director y coguionista de sátiras como Una guerra de película y Zoolander.

También es parte historia familiar, o terapia, porque Stiller y sus allegados exploran cómo era crecer entre bastidores o en sets, con padres a veces ausentes. Pero el mensaje subyacente del documental resulta aún más elemental: trata sobre el significado de llevar una vida artística —ambiciosa y a menudo absorbente — y ser parte de una familia. Es una tensión que el actor y director solo ha enfrentado completamente en tiempos recientes. Y lo hizo filmando, junto a su familia. El momento cuando su hijo adolescente le dice, en pantalla, que no sentía que la paternidad fuera la principal prioridad en la vida tiene el impacto de un golpe inesperado.

“Como cineasta pensé, este es un buen momento para la película”, declaró Stiller luego del estreno del documental en el New York Film Festival. “Pero como persona, fue duro”.

El proyecto es casi dolorosamente personal — “es un territorio en el que no había incursionado antes”, dice Stiller en una entrevista en Manhattan. Hacer el documental le llevó cinco años, en parte porque evitaba los detalles más vulnerables y después dudó sobre qué hubieran pensado sus padres. Tampoco sabía qué recepción tendría la cinta, reconoció. Pero “en realidad no importa. Es algo que necesitaba hacer”.

Ben Stiller ha transitado la comedia y el drama, y sus películas y series han influido en la cultura pop de las últimas tres décadas, desde Generación X, su debut como director en 1994, hasta Severance, la aclamada serie que produce y dirige frecuentemente. Supervisa la tercera temporada, aunque otros proyectos le impedirán dirigir.

Su amigo Chris Rock, compañero en la saga animada Madagascar y que lo conoce desde los 90, lo llama “mi héroe”: “Es uno de los más grandes actores cómicos”. Como director, lo inspira: “Estoy tratando de llegar a donde él está. Es tan adelantado que ni siquiera lo veo”.

Como capítulos de carrera, Generación X y Severance difieren en estilo. La serie le interesó, dijo, porque es un thriller de ciencia ficción: una corporación cuyas empleados escinden a sus “innies” (en la oficina) y “outies” (en casa), contenido bajo una farsa laboral.

¿Cómo valorar un trabajo? ¿Cuál es el lugar de las personas que nos rodean? Son temas recurrentes para Stiller. Incluso el éxito masivo de la saga La familia de mi novia profundiza en si el personaje serio de De Niro acepta la enfermería como una profesión digna para un hombre. Sus sátiras más exitosas, como Zoolander, se burlan de industrias con valores distorsionados.

Y en Generación X, cuando el personaje de Winona Ryder duda sobre avanzar como cineasta o elegir pareja, reafirma la pregunta central de Stiller sobre sus propios padres: ¿Cómo construir una vida productiva como artista y pareja?

Los padres de Stiller estuvieron casados 61 años. Su unión sobrevivió a las tribulaciones del espectáculo, sus diferentes impulsos creativos y el alcoholismo de ella y cómo esto afectó a la familia. Stiller dudó sobre incluir este aspecto, pero, según él, “ella lo comentaba a menudo, y evolucionó”.

“Fueron muy buenos padres”, comenta.

La devoción y la duración de su relación fue una lección que él absorbió tarde. “El tema laboral pasa a segundo plano. Envejeces, y te quedas con lo real. Ellos estuvieron ahí el uno para el otro. Y eso es lo que quiero”.

Esa reflexión llegó en la última década, poco después de superar un cáncer agresivo de próstata. En 2017 anunció su separación de la actriz Christine Taylor. Pero durante la pandemia, se reconciliaron y retomaron la convivencia en Nueva York para estar con su hijo, Quinlin Stiller, hoy con 20 años y en la universidad, y su hija, Ella Stiller, de 23, actriz formada en Juilliard. (Dice Chris Rock: “Recomponer un matrimonio es más difícil que hacer una película de 600 millones de dólares”).

Stiller comprendió —por impulso de sus hijos— que, aunque prometió estar más presente que sus padres, en realidad no lo estaba. Incluir esto en la película revela un grado de franqueza poco común en las grandes figuras de Hollywood: “Lo admito porque es verdad”.

Se emociona. “Ahora tengo una relación verdadera con ellos. Me siento muy afortunado, porque tardé en entender el trabajo que requiere lograr eso”.

Cuando está en pantalla, Stiller —a menudo como un hombre común atribulado— guía a la audiencia sobre grandes preguntas con una vulnerabilidad reconocible. “Hace que equivocarse luzca bien”, cuenta Adam Scott, protagonista de Severance y coprotagonista en La vida secreta de Walter Mitty (2013), el proyecto más personal de Stiller. “Espero que mis errores se vean tan bien como los suyos”.

Eso sucede, en parte, porque suele convertirlos en comedia. Cuando empezaron Severance, tanto Scott como Stiller sobrellevaban la muerte de un progenitor. La serie también trata el duelo, dice Scott. Pero sin el sentido del humor de Stiller, “sería difícil de ver”. Y aquello que le provoca risa “es realmente único”.

La escena más “Ben Stiller” de la serie, agregó, ocurre en el final de la segunda temporada, cuando el encargado Milchick conversa con una versión animatrónica del fundador, Keir. “El ritmo está mal y la cabeza hace un ruido raro”. Stiller dirigía y controlaba los movimientos.

“Creo que realmente le hace gracia el robot Abraham Lincoln en Disneylandia”, dice Scott. “Nunca lo vi tan feliz”.

Que Stiller cambió la comedia es un hecho. Su influyente programa de sketches, The Ben Stiller Show, que ganó un Emmy al mejor guion en 1993 tras ser cancelado tras una temporada, elevó a Bob Odenkirk —guionista entonces— y dio a Judd Apatow su primer gran empleo. Las parodias tan fieles se volvieron modelo para otros y Apatow más tarde lo mencionó como influencia en su estilo improvisado. Incluso Dr. Cable, malsonada secuela detrás de Generación X como director, ha sido revalorada: ayudó a popularizar la comedia del bochorno.

Aunque su esposa se burle, Stiller siempre repite que no se considera comediante. “Si alguien pregunta, ¿Quién es más gracioso, mi padre o yo? Mi padre lo era más”, dice, evocando la comparación mientras hablamos en un café de la villa deportiva Chelsea Piers. Viste completamente de negro, con gesto serio. Hacerlo sonreír o reír fue un pequeño triunfo.

Jerry Stiller, dice su hijo, era “genuinamente gracioso”, aunque siempre perfeccionaba cada línea. Incluso cuando el mayor se volvió favorito del público, en sus 60, al interpretar al padre de George Costanza en Seinfeld, sus libretos “tenían notas minuciosas en los márgenes”, cuenta Journey Gunderson, directora ejecutiva del National Comedy Center, donde Stiller donó los papeles parentales. “Nunca iba solo, decía lo que había escrito”.

Por contraste, Meara, que inició en teatro, resolvía los remates con fluidez, según su hijo en el documental. Pero se volcó al drama y terminó como dramaturga. (También actuó como la madre de Steve en Sex and the City.) Como ella, Stiller sostiene que el humor “nunca fue mi mayor motivación”.

Aun así, sí sabe cómo hacer reír. Fue clave en su infancia: imitaciones, improvisaciones. (En una, Ben era un duro maestro de actuación y su padre, el alumno más viejo). Cuando sus padres trabajaban, Stiller y su hermana estaban al cuidado de su niñera, Hazel Hugh, y montaban grandes producciones en la sala: algún número de Shenandoah o Jesus Christ Superstar, algo de Shakespeare, un acto de club nocturno. El regreso de mamá y papá era la noche de estreno: la ovación, segura.

Cuando tenía 13, Ben recibió una cámara de su padre y una suscripción a la revista American Cinematographer. “Filmaba películas sangrientas con los chicos del barrio y asesinatos en el parque”, cuenta Amy.

Pero las ausencias de Stiller y Meara también pesaron. “Recuerdo que le oí decir: ‘A veces solo veía a mis padres cuando estaban en The Ed Sullivan Show’”, revela su amigo Jerry Stahl, novelista y guionista.

Stiller y Meara aparecieron 36 veces en ese programa, siempre con material nuevo. De niño, Stiller apenas comprendía el alcance de la carrera de sus padres. Pero al hacer el documental, que utiliza grabaciones de archivo de sus actuaciones y cientos de horas de cintas familiares y de trabajo registradas por su padre, lo sorprendió: “Mira lo que lograron; qué esfuerzo fue”. Crear sketches, como pareja, cada cinco o seis semanas, para una enorme audiencia en vivo, era algo que no imagina hacer. A eso hay que sumarle “criar dos hijos y lograr que funcione, porque todo dependía de que saliera bien: si triunfaban en el programa, se les abrían otras puertas”.

Lograron tener éxito y, además, reescribieron el modelo. Muchos dúos de comedia parten de una jerarquía, con un payaso y un acompañante serio, explica Gunderson del National Comedy Center. Pero el equipo de Stiller y Meara “estaba construido sobre un equilibrio. Ambos podían generar risas y llevar el ritmo del sketch”.

Redefinieron roles de género y cultura —al mostrar su matrimonio interreligioso (Stiller era judío y Meara católica, luego convertida al judaísmo), y al no hacer de lo judío un chiste, sostiene Gunderson. “Mostraron su realidad en la televisión nacional: la volvieron no solo normal, sino cálida y divertida. Se transmite empatía en sus rutinas”.

Christopher Walken, actor de Severance, conoció a Stiller y Meara cuando empezaba en Nueva York. “Los veías juntos y sabías que disfrutaban estar en familia”, dice. “Jerry y Anne daban una fiesta maravillosa por año nuevo. Veías actores por doquier y una montaña de abrigos en la cama. Conocían a todo el mundo”.

Se hizo amigo de Jerry, “un hombre hermoso, amable, generoso”, y tenía algo de miedo de Anne: “Siempre sentía que sabía todo sobre mí. Era algo salvaje”.

Actuó junto a Ben Stiller en su debut en Broadway, The House of Blue Leaves, en 1986, y quedó impresionado. “No era solo su ambición; era su talento. Hay jóvenes en quienes ves que lo tienen todo”.

Como director, Stiller se ganó fama de intenso, perfeccionista, conocido por sesiones maratónicas de corrección de guion y llamadas a cualquier hora para ajustar detalles. “Se lo pone difícil a sí mismo”, dijo Stahl, a quien Stiller interpretó como escritor adicto en Doble vida (1998). “Logra algo milagroso e imposible y luego elige algo aún más arduo”.

Es una ética de trabajo heredada. “Mi madre tenía un estándar muy alto sobre lo bueno o lo mediocre, y lo absorbí”, afirma Stiller. En el documental hay imágenes de Jerry antes de entrar a escena, concentrado. Era, según Scott, “un espejo de Ben en el set, cuando intenta resolver algo”.

Stiller sigue siendo exigente como cineasta, repitiendo toma tras toma. Pero ahora es más consciente del impacto. Hace unos años, “no era tan consciente del efecto que causaba en otros”, confiesa. Lo aprendió por la experiencia y porque se lo dijeron. La edad ayudó, “y también haber sido algo humillado en la vida”. (Zoolander 2, que se estrenó en 2016, marcó un antes y un después tras su fracaso).

Durante casi toda su carrera, Stiller “encontró refugio en el trabajo”. Sigue feliz, confiesa, cuando se involucra en proyectos. Pero ha cambiado, según varios amigos y colegas. “Ha dado un giro”, dice Stahl. “Ahora su prioridad es la familia”.

Revisar la vida de sus padres modificó su visión propia —más de lo que esperaba y seguramente se verá en pantalla. “Eso es lo que creativamente quiero hacer”, dijo Stiller. “Quiero explorar más esos recuerdos. Porque siento que de verdad merece la pena descubrir eso en mí mismo”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Thea Traff/The New York Times]

Emiliana Artagaveytia, una joven uruguaya que actualmente está viviendo en Valencia, se ha vuelto viral en TikTok gracias a un video en el que ha compartido con humor las cosas que más le sorprenden de los españoles. Con un estilo cercano y divertido, esta influencer repasa algunos detalles de la vida cotidiana en España que, para alguien de fuera, resultan curiosos e incluso desconcertantes.

La primera gran sorpresa para ella fueron las croquetas, uno de los platos más queridos de la gastronomía española. “Existen las croquetas de jamón, las croquetas de carne, pero es que también existen las croquetas de cocido”, explica entre risas. “Yo no sé cómo pueden llegar al punto de hacer un cocido y volverlo en una croqueta. ¿Cómo metes un cocido en una croqueta?”, se pregunta divertida. Aunque para los españoles esta transformación culinaria es algo completamente normal, para Emiliana resulta un misterio que combina ingenio con un gusto particular por aprovecharlo todo en la cocina.

El “footing” y el inglés inventado

Pero su asombro no solo se limita a la comida. También ha encontrado llamativo el uso peculiar del inglés en España. Según relata Emiliana Artagaveytia, muchos españoles “se inventan el inglés” añadiendo terminaciones como “ing” que suenan extranjeras. “Un ejemplo es la palabra ‘footing’. En realidad, eso no existe en inglés, pero acá lo usan como si fuera lo más normal del mundo”, cuenta entre carcajadas. Lo mismo ocurre con expresiones como “efectiviwonder”, que, aunque incomprensibles fuera del país, forman parte del humor y la naturaleza de los españoles.

En su repaso, Emiliana también ha querido destacar lo creativos y resolutivos que son los españoles a la hora de inventar objetos prácticos. “La mopa es un invento español”, explica con sorpresa. “Imagínate que Javier estaba cansado de agacharse con el trapo al suelo, le pone un palo al trapo y resuelto”, comenta con humor.

Otro invento que menciona es el famoso Chupa Chups, que, como recuerda, también nació en España en los años 50. “Le ponen un palo al caramelo y listo. Yo creo que es porque queda cool y además evitas el ahogamiento”. Lo que para Emiliana parece un gesto sencillo, en realidad fue una idea que conquistó al mundo y convirtió a esta golosina en un icono internacional.

Su video no tardó en recibir miles de reacciones en TikTok. Muchos usuarios españoles se lo tomaron con humor y confirmaron que, en efecto, la tendencia de añadir “-ing” a cualquier palabra es algo muy nuestro: “Nosotros tenemos nuestro espaninglish”, bromeaba una usuaria. Otros defendieron con orgullo las croquetas de cocido: “mi madre las hace de morcilla matachana cuando sobra en las barbacoas y están...”

Españoles: resolutivos y creativos

Más allá de las risas, el video de Emiliana refleja muy bien la capacidad de los españoles para reírse de sí mismos y para mostrar al mundo cómo pequeños detalles de la vida cotidiana pueden convertirse en símbolos culturales. Y es que, como concluye la tiktoker, los españoles son sobre todo “resolutivos, prácticos y muy creativos”.

La decisión de Estados Unidos de revocar la visa al presidente Gustavo Petro marcó un capítulo relevante en la relación bilateral. El hecho quedó vinculado a la participación de Petro en una protesta en Nueva York y a sus declaraciones instando a soldados estadounidenses a desobedecer órdenes de su jefe de Estado.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Este contexto fue aprovechado rápidamente por Jhovanoty, quien transformó la controversia diplomática en un espectáculo humorístico que ha circulado ampliamente en escenarios y redes sociales.

El show: sátira y ocurrencias

En su espectáculo, Jhovanoty encarnó una versión exagerada de Gustavo Petro para responder al episodio con Donald Trump y abordar medidas ficticias de respuesta diplomática y comercial. El comediante empezó lanzando frases en inglés y haciendo énfasis en los tropiezos idiomáticos de Petro: “Señor Donald Trunks, your piss out of the tires. O sea, está meando fuera el tiesto”.

Retomando el tono de burla, el humorista propuso acciones imaginarias para “saboteo” de intereses estadounidenses: “Insto a todos los colombianos... ¡a que saboteemos a Estados Unidos!”. Sumó otras medidas como: “Que el puente de Brooklyn sea bloqueado por vendedores de Vive cien” y “Abajo Netflix, arriba Magis TV”.

La burla sobre la guerra de sanciones ocupó un momento central del monólogo. Jhovanoty ironizó sobre la posibilidad de subir impuestos a plataformas de alojamiento y a ciertos servicios: “Usted le sube aranceles a Colombia y yo le subo a los Airbnb en Medellín. Le pongo IVA a las prepago”. De este modo, trasladó el debate diplomático al terreno cotidiano y popular.

Referencias a Vin Diesel y Elon Musk

El show mantuvo un ritmo ágil incorporando nuevas referencias culturales. Jhovanoty desvió la atención a celebridades estadounidenses, continuando: “Ahora que me quitó la visa, que su amigo este, el que tiene nombre de perfume, Elon Musk… hasta que no me devuelvan la visa, se prohíbe el estreno de películas de Hollywook”.

El humorista empleó el cine para acentuar el tono burlón: “Y el señor Toretto, Dominic Toretto, si quiere estrenar Rápido y furioso, primero tiene que protagonizar El paseo 15”. Con esto, la parodia mezcló la figura de Vin Diesel con un requisito imposible para exagerar el sinsentido de una represalia diplomática basada en el entretenimiento.

La burla alcanzó una nueva dimensión cuando propuso: “Que el señor Vin Diesel, si quiere entrar a Colombia, primero tiene que cambiarse el apellido. Tiene que llamarse Vin Bioetanol. Porque el diésel es contaminante”. De esta forma, Jhovanoty logró llevar el humor político al absurdo, usando juegos de palabras y combinando temas ambientales con diplomacia.

Crítica al consumo y sanciones simbólicas

El discurso del comediante amplió el alcance de la parodia hacia productos estadounidenses reconocidos en la vida diaria de los colombianos. En tono irónico, planteó dejar de usar marcas tradicionales: “Insto a todos los colombianos, pero que todos los colombianos dejemos de bañarnos con Head and Shoulders”. Esta frase, junto a las propuestas de impedir la entrada de algunas figuras y productos, sirvió para reforzar el absurdo de una guerra comercial o política entre ambos países.

Durante el show, el público reaccionó con risas ante las ideas cada vez más descabelladas que planteaba el personaje. La rutina logró trasladar el conflicto diplomático a un lenguaje cotidiano, reconocible para la audiencia, y evidenció la capacidad del humor para intervenir en debates públicos complejos.

Comentarios finales de la rutina y recepción social

La puesta en escena de Jhovanoty generó eco en redes sociales y portales digitales, convirtiéndose en tendencia por la forma en que abordó uno de los incidentes diplomáticos más comentados de los últimos meses. La rutina cerró recordando las tensiones entre los países, mientras la figura del presidente colombiano y la reacción estadounidense sirven de inspiración para la sátira y la reflexión humorística.

El episodio puso en primer plano el rol de los comediantes como observadores sociales y su habilidad para explorar las fronteras entre humor, política e identidad nacional. La parodia de Jhovanoty resume así, desde el escenario, una coyuntura internacional que sigue generando debate tanto en Colombia como fuera de sus fronteras.

En tiempos de corrección política y discursos de odio -todo a la vez, y con igual intensidad-, la libertad de expresión se ha convertido en un tema recurrente en el debate cultural contemporáneo, y Woody Allen opinó al respecto en una entrevista publicada por el diario El País.

El cineasta estadounidense, que acaba de publicar su primera novela ¿Qué pasa con Baum?, subrayó que el humor solo puede florecer en sociedades donde se respeta el derecho a opinar sin restricciones. “Mientras haya libertad de expresión, habrá humor”, afirmó. “No importa lo mal que se pongan las cosas, la gente siempre hará chistes. Incluso en la Alemania nazi se hacían en voz baja”, declaró.

También fue sobre otro tema candente, vinculado con la intervención israelí en Gaza y las distintas reacciones que despierta, dividiendo opiniones en el ámbito cultural de Occidente. “No tengo nada inteligente para aportar”, se atajó. Aunque luego sostuvo que “siempre habrá antisemitismo porque, como dice esa cita de Einstein, somos un ‘grupo lastimoso’”. Para el director, la discriminación no se limita a un solo colectivo: “Siempre habrá prejuicios contra los judíos, las mujeres, los negros, las minorías, eso ya lo sabemos”.

Al abordar la situación en Oriente medio, Woody Allen describe el escenario como “un punto de conflicto y un problema desde hace décadas”, subrayando la dificultad de encontrar soluciones incluso cuando “gente muy inteligente, escritores muy finos y políticos listos han tratado de solventarlo y no han podido”. La confusión y la falta de consenso se reflejan en su observación sobre el debate público: “Leo en los periódicos algo que una persona muy inteligente escribió y al día siguiente hay otra cosa de otra persona distinta, también muy inteligente. Hay cruce de acusaciones”.

A pesar de la dificultad para abordar el tema, expresa su deseo de que la situación se resuelva: “Es difícil hablar de esto aunque, evidentemente, quiero que esto se resuelva pacífica y rápidamente, con el menor daño posible, pero mira lo que está pasando”.

Consultado sobre otro tema espinoso, alrededor de su participación en un festival de cine en Moscú -lo que generó críticas por haber roto un boicot cultural al régimen de Vladimir Putin-, Allen respondió: “realmente no le he dado mucha importancia”. Aclaró que su intervención fue virtual y sin implicaciones políticas: “No viajé a Rusia, participé por videoconferencia en un debate después de ver una película. Es muy importante que la gente de buena voluntad, artistas y público, se comunique y hable. No nos bombardeamos ni disparamos, hablamos de arte, no había ningún propósito…”, afirmó Allen al referirse a su presencia en el evento.

Al abordar la posibilidad de que su participación pudiera interpretarse como un respaldo al régimen ruso, Woody Allen fue enfático al separar el arte de la política. “Ahí se hablaba de películas, y no tenía nada que ver con apoyar a un gobierno. Luego dejé claro que pienso que Putin es responsable de la guerra completamente. Pero esa es mi postura política, el festival era gente del cine hablando de cine".

A través de un nuevo comunicado, la recién creada Asociación de Brayans de Colombia (A.B.C.) dejó en claro sus intenciones y lanzó una campaña que ya ha dado de qué hablar en redes sociales: “Abraza a un Brayan”.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

El detonante de esta inusual, pero significativa movilización social fue una frase del presidente Petro durante un Consejo de Ministros televisado el 15 de septiembre de 2025. En su intervención, el mandatario afirmó: “Muchachos perdidos en la vida, yo les llamo ‘Brayans’. En todo barrio popular hay un Brayan que se lleva a las mujeres quién sabe a dónde, y después las deja embarazadas y botadas.”

Estas palabras, acompañadas por la afirmación de que “los Brayans son hombres vampiros que no protegen a la mujer ni a sus crías”, generaron una fuerte oleada de reacciones. Para muchos, se trató de una declaración cargada de prejuicio y clasismo, que redujo un nombre común en Colombia a un estereotipo social negativo.

La respuesta no se hizo esperar. El creador de contenido Brayan Mantilla, conocido como El Brayan, viralizó un video en el que, con tono humorístico, pero mensaje serio, dio vida a la supuesta Asociación de Brayans de Colombia.

“No somos un chiste”: la asociación responde

En las últimas horas, la A.B.C., liderada por el creador de contenido, publicó un comunicado oficial con el objetivo de aclarar la intención original de su pronunciamiento y responder a las múltiples interpretaciones que se han generado en medios y redes sociales.

“Nuestro reciente comunicado nació como un ejercicio de humor e ironía sobre los estigmas sociales que cargamos los Brayans. Nos alegra que haya generado conversación y risas, pero queremos dejar claro que no tiene ninguna afiliación política ni representa apoyo a partidos, candidatos o movimientos”, se lee en el documento compartido en el Instagram de El Brayan.

Lejos de tratarse de una protesta partidista, los Brayans dejan claro que su objetivo es más simbólico: usar la creatividad y el humor para resignificar un nombre que, por años, ha sido blanco de burlas, memes y estereotipos.

“El mensaje original buscaba reírnos de nosotros mismos y reflexionar un poco sobre cómo los nombres no definen a las personas. Hablamos también por las Valentinas, Lauras, Camilas, Sneyders…”, continúa el comunicado.

Y como cierre, lanzaron una propuesta abierta que busca transformar la burla en afecto: “Abraza a un Brayan”, lema de su campaña.

De memes a mensajes de dignidad

Desde que se publicó el video de “El Brayan”, en el que varios jóvenes con ese nombre aparecen presentando sus profesiones —enfermero, ingeniero mecánico, profesor, fotógrafo, administrador— el impacto en redes no se ha detenido.

“Durante años se nos ha señalado injustamente, nos han convertido en meme y nos han negado el derecho a ser tomados en serio en nuestra vida laboral y personal”, expresó el influenciador con tono firme, pero sin perder el estilo satírico que lo caracteriza.

El video, que ya supera el millón de reproducciones, fue acompañado por peticiones simbólicas como la creación del “Día Nacional del Brayan” con festivo incluido, en nombre del respeto y la dignidad.

Redes divididas entre el apoyo y la burla

Como suele ocurrir en el ecosistema digital colombiano, la reacción pública fue mixta. Algunos usuarios aplaudieron la creatividad de la iniciativa, señalando que “es hora de dejar de estigmatizar a las personas por su nombre”, mientras que otros replicaron con sarcasmo y memes.

Comentarios como “Así se ven once demandas de alimentos” o “Tan lindos los Brayans con sus carreras como la Barbie: sé lo que quieras ser” circularon ampliamente. A varios de estos, El Brayan respondió con humor: “Estaban en su papel jaja, los quiero mucho”.

Murillo, conocido por su estilo humorístico, publicó un videoclip en su cuenta de X, en la que burlonamente señalaba a Peñalosa por “dañar” la ciudad de Miami (Estados Unidos) con el mismo modelo de metro elevado que se construye en la capital colombiana.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel.

En su video, grabado en la ciudad del estado de Florida, Murillo expresó: “Oiga, ustedes no me lo van a creer, pero aquí en Miami, Peñalosa también les puso metro elevado. ¿Ah? Se tiró Miami, se la tiró. ¿Cómo le va a poner metro elevado a Miami? Señor, y es inquieto, fastidioso. Qué fastidio, el señor no puede ver una ciudad porque ya sea ponerle metro elevado a todo el mundo. ¡Eh! Cansón ese Peñaloza, así jode, hace daño, daño a Miami, se la tiró, se la tiró”.

Este comentario, claramente humorístico y exagerado, hace referencia a la principal crítica que enfrenta el exalcalde de Bogotá y es la elección de un metro elevado sobre el modelo subterráneo. Esta decisión provocó un debate intenso en la capital colombiana, tanto a nivel político como técnico.

A lo largo de los últimos años, Peñalosa ha defendido la viabilidad de su propuesta, mientras que sus opositores resaltan el impacto urbanístico y estético de este tipo de infraestructura.

Lo que nadie esperaba era que el propio Enrique Peñalosa respondiera a la crítica de Murillo en la misma red social, mostrando una vez más su carácter irónico.

En una publicación que rápidamente se hizo viral, Peñalosa escribió: “Perdón!!!!🙈 También me tiré a Londres, Tokio, Nueva York, Berlín y otras cuantas con metros elevados😩”.

Este mensaje, cargado de humor, fue interpretado como una respuesta sarcástica a las críticas del comediante, y generó una ola de reacciones entre sus seguidores y detractores.

Como suele ocurrir en muchos temas, especialmente en este que afecta directamente la movilidad de Bogotá, aunque él dejó la Alcaldía hace dos periodos, el proyecto sigue adelante y lo cierto es que esta situación generó cientos de comentarios, tanto a favor como en contra.

Varios usuarios comentaron que no era justo comparar ciudades desarrolladas con Bogotá, especialmente considerando las diferencias en las vistas y en los tramos del recorrido. Por otro lado, algunos resaltaron que, dada la crisis de seguridad que afecta a la capital colombiana, un sistema subterráneo podría generar aún más problemas.

Algunos de los comentarios expresaban: Si vamos a comparar con ciudades extranjeras, seamos justos. Los principales tramos elevados del metro de Lima o de Santiago están ubicados en zonas deprimidas, sucias y peligrosas. Lo he visto con mis propios ojos, incluso en Paris.Esto no es Miami, es LATAM"; “Cuál era el chiste ?”; “Usted ha sido el mejor alcalde que hemos tenido en Bogotá y ojalá lo tengamos dirigiendo el país que está sumido en el caos”.

La batalla por el metro de Bogotá: Peñalosa frente a sus críticos

La polémica sobre el metro elevado en Bogotá se centra en diversas diferencias técnicas, financieras y urbanísticas, así como en un fuerte componente político. Peñalosa y sus seguidores defienden la opción elevada por su menor costo, mayor rapidez en la construcción y la viabilidad técnica, debido al tipo de suelo en Bogotá. Además, destacan la mejor experiencia para los pasajeros y la integración con el sistema de transporte existente, como TransMilenio.

Sin embargo, las críticas se centran en el impacto visual y urbanístico del metro elevado, especialmente en la Avenida Caracas, además de la pérdida de oportunidad para una renovación urbana más integral que traería un metro subterráneo. También se cuestiona la viabilidad a largo plazo, debido a los riesgos técnicos y la falta de estudios completos.

A pesar de todos los comentarios políticos y populares sobre este tema, Peñalosa insiste en que si el metro elevado no fuera viable, no existiría en ciudades como Nueva York, Londres, París, Berlín, Tokio, Chicago, Vancouver, Dubái y Shanghái. En América Latina, ciudades como Medellín y Lima son referentes en sistemas elevados, mientras que São Paulo tiene un monorriel elevado y Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey cuentan con tramos elevados en sus redes de metro.

El cómico Leo Harlem (Matarrosa del Sil, León, 1962) se retira de los escenarios. Tras más de dos décadas de carrera humorística, el también actor se despide a finales de año con un espectáculo especial en Madrid que llevará por título Hasta luego Leo. El adiós tendrá lugar en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío entre los días 17 y 21 de diciembre.

El anuncio lo hizo el propio Harlem en su cuenta de Instagram: “Lo dejo. Profesionalmente, claro”, bromeó este viernes, como no podía ser de otra forma. Para ejecutar su despedida, Leonardo González, su nombre de pila, pondrá un broche de oro con sus mejores monólogos. “Tras 20 años sobre el escenario quiero despedirme por todo lo alto a final de año… y me encantaría que estuvierais conmigo. Gracias por haberme acompañado hasta este momento”, añadió.

Para ello, el cómico ofrecerá un ciclo de despedida que constará de cinco actuaciones el 17, 18, 19, 20 y 21 de diciembre. Las entradas ya están a la venta en las páginas oficiales www.leoharlem.net y www.laestacion.com. Además, las funciones de los días miércoles 17 y jueves 18 se grabarán para un especial que emitirá Movistar Plus+, permitiendo que el adiós de Harlem llegue también a la pantalla.

Según la productora, este espectáculo será un repaso por los mejores monólogos de su trayectoria y, aunque se plantea como una despedida, también constituye “una oportunidad para que el público le muestre de nuevo el cariño, la pasión y la confianza que han depositado en Leo Harlem durante todos estos años sobre los escenarios y los platós de televisión”.

Un recorrido que nació a comienzos de los 2000

Harlem es uno de los humoristas que mejor plasman el humor costumbrista en España. Sin embargo, su salto a la fama fue casi fortuito. Trabajó de panadero, inició estudios en Arquitectura. Lo dejó. Más tarde, en Derecho, pero también lo dejó. Durante muchos años trabajó en el bar Harlem, para, después, oficialmente dar el salto a la comedia. Con él también se llevaría su nombre artístico. “Al cerrar mi bar por la noche, me iba a otro que estaba justo debajo de mi casa, y la última copichuela antes de marcharme me la tomaba ahí”, recuerdó en una entrevista El País en 2018. “Allí se hacían espectáculos, y el dueño me dijo un día: ‘Yo me río mucho contigo, así que tienes que venir a actuar’”. Y ahí empezó todo.

Con una grabación de sus primeros monólogos llegaron a las pruebas de El Club de la Comedia, donde alcanzó la final en 2002 en el del Tercer Certamen de Monólogos. Participó en el programa hasta 2016. Desde sus comienzos, le han llegado otros programas como La hora de José Mota; Sé lo que hicisteis; El Club del Chiste, o Leo Talks, entre muchos otros.

Además, desde hace unos años también aparece en cine. Su debut fue en 2014, en Torrente 5: Operación Eurovegas. En 2018 protagonizó El Mejor Verano de Mi Vida, y desde 2019 cuenta con un papel secundario en la saga Padre no hay más que uno, de Santiago Segura. Aunque por ahora del cine no promete bajarse.

Sobre este asunto, pasaron a conversar por el streaming de Infobae el historietista, humorista gráfico e ilustrador Max Aguirre y el editor y organizador del festival Diego Rey. ¿Es un género, un lenguaje, una mezcla? ¿Qué particularidades tiene la historieta? ¿Existe una historia de la historieta argentina? ¿Cuál es su potencia?

“La historieta pasó de ser un entretenimiento para todo el mundo, porque aparecieron otros entretenimientos, a ocupar un lugar más autoral entre los propios interesados”, aseguró Aguirre. “La historieta es una gran herramienta de aprendizaje”.

Cuando se pasó del diario al libro emergieron las editoriales independientes, explicó Rey, lo que permitió “llegar a las librerías generales, tener su propio público a través de eventos y festivales en todo el país, y la emergencia de autores contemporáneos que hacen obras geniales”.

El ¡FAH! se propone como un espacio de encuentro y celebración para especialistas y público general, con entrada libre y gratuita. La cita no solo destaca por la magnitud de su convocatoria, sino también por su objetivo de consolidar la relevancia cultural de la historieta y fomentar su diálogo con otras disciplinas artísticas.

El ¡FAH! 2025 se inscribe en el marco del Día Nacional de la Historieta, que se conmemora el 4 de septiembre en homenaje a la publicación del primer número de El Eternauta en 1957, un hito que marcó el inicio de una tradición narrativa y gráfica de enorme influencia en el país. Es la puerta de entrada a un mundo fascinante.

Desde su cuenta, Wainraich festejó lo que para muchos puede parecer apenas una trivialidad, pero que para él y sus seguidores más obsesivos representa una verdadera alegría: un mes “perfectamente ordenado”.

“Empieza septiembre. Empieza con un lunes uno, martes dos, miércoles tres, jueves cuatro, viernes cinco. Es una alegría, es una fiesta para los obsesivos”, comenzó su video, enumerando los días como si fueran motivo de celebración nacional. No conforme, fortaleció la idea: “¿Entendés que el lunes uno, martes dos, miércoles tres? La fiesta del TOC”.

La experiencia de Wainraich con el calendario no quedó solo ahí. Siguió con su análisis, celebrando la “prolijidad” inusual de este período: “Y el mes debería terminar en un viernes. Así que hoy se da, festejémoslo. La alegría es inmensa. Lunes uno, martes dos, miércoles tres... Abrazo a todos”.

Su tono, divertidamente serio, encontró eco en cientos de seguidores que no dudaron en sumarse a un festejo inesperado. En el hilo de comentarios se multiplicaron las celebraciones: “Es lo mejor. Encima agosto terminó un domingo”; “Súper ordenado y prolijo. Es un mes para organizar todo”; “Por fin llegó este mes. A festejar todo ordenado por día y fecha”; “Qué paz mental me da septiembre”; “Estructurado el mes como signo de Virgo”.

Cabe recordar que el conductor mantiene desde hace tiempo una relación fluida con la viralización en redes. Ya sea desde la radio, la televisión o los streams, el artista sabe cómo provocar reacción y empatía inmediata. Un ejemplo reciente sucedió en junio, cuando hizo gala de su fanatismo por el Club Atlético Atlanta, el histórico equipo de Villa Crespo. En ese caso, la protagonista fue su pareja, Dalia Gutmann, quien se prestó involuntariamente para otro momento inolvidable.

El conductor arrancó su jugada dejando claro el objetivo: sorprender a Dalia con un pedazo del estadio León Kolbowski en el living de su propia casa. “La conmovedora reacción de Dalia a la sorpresa de su vida”, tituló el posteo, alimentando la expectativa. Frente a la cámara, explicó: “Sí, tengo parte de la platea vieja de Atlanta en casa y Dalia todavía no sabe nada. Ahora se va a enterar. Me imagino su emoción, su alegría”. El ánimo y cierta picardía se mezclaron mientras la conducía, tapándole los ojos, hacia el rincón elegido.

El momento clave no se demoró. Wainraich descubrió el asiento, pintado con los colores de Atlanta, y exclamó: “Uno, dos, tres, ¡la platea del León Kolbowski!”. La reacción de Gutmann rompió todo idealismo. La actriz, más divertida que emocionada, retrucó: “Está podrida, llevala a la radio, ¡está podrida!”. El contrapunto entre ambos exhibió la química humorística con la que conviven. Dalia, lista para negociar, fijó condiciones claras: “Ayudame a sacarla. Te doy diez días para decidir cómo llevarla”. El clásico tira y afloje de pareja se transformó en sketch, con la ironía de fondo.

El comediante no se rinde. “No, pará, la casa es de los dos. Entonces sacá el mandarinero”, propuso, buscando la reciprocidad. Lejos de llegar a un acuerdo, apostó a la creatividad y la catarsis: “Es un espacio para hacer catarsis. Cada vez que estás enojada, subís acá, y hacés de cuenta que tenés un juez de línea”. Se subió en el asiento para imitar a un hincha frustrado, gritando: “¿Qué cobrás? ¿Qué cobrás?”. Rápida de reflejos, su pareja se sumó al acting: “¡Es injusto!”, gritó desde el improvisado palco, arrancando carcajadas a Sebastián y a la audiencia virtual.

La escena concluyó con la corrección infaltable del humorista: “Nadie grita ‘es injusto’ en la cancha”. Así, la negociación doméstica y el homenaje a Atlanta terminaron en una catarsis compartida, con risas y la dinámica particular que los une: una complicidad en la que la pasión futbolera y el desorden cotidiano encuentran siempre un lugar para el humor.

La música y el humor han sabido fusionarse de tal manera que, a lo largo de la historia del arte, lograron encantar a audiencias de todo el mundo. Las tablas del teatro, sin dudas, fueron uno de los escenarios predilectos para que figuras únicas tomen la posta y desaten carcajadas, emoción y creatividad. Ahora, ese espíritu vuelve a sentirse bien cerca: Yayo Cáceres, el director argentino que conquistó Europa, regresó al país del mítico grupo español Ron Lalá, que lleva treinta años mezclando teatro, humor y música en vivo de una manera que no se parece a ninguna otra. En diálogo exclusivo con Teleshow, el artista se animó a repasar sus comienzos, su presente y la emoción de volver a la Argentina.

Radicado en Madrid, formado entre su Curuzú Cuatiá natal y Buenos Aires, Yayo se fue abriendo camino desde los trece años, sumándose a talleres del pueblo, actos escolares y luego al circuito porteño: primero en la compañía Teatro Andamio 90 y en distintos proyectos teatrales y fílmicos, hasta que la vida lo llevó fuera del país. Atravesó fronteras para instalarse en España y de a poco se convirtió en el director de Ron Lalá, una troupe con historia, formada por músicos y actores como Juán Cañas, Miguel Magdalena, Daniel Rovalher, Iñigo Echavarría y Álvaro Tato, este último además encargado de todos los textos.

La espera llegó a su fin y el reencuentro ya está en proceso: tras una década sin presentarse en conjunto en el país, Ron Lalá desembarcó en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín con tres funciones únicas. El viernes 29, sábado 30 y domingo 31 de agosto, presentan 4X4 Un viaje a las 4 primeras obras, espectáculo que propone un recorrido por escenas y momentos esenciales de Mi misterio del interior, Mundo y final, Time al tiempo y Siglo de Oro, siglo de ahora, los espectáculos que consolidaron a la compañía como una de las más premiadas y queridas por el público y la crítica.

—¿Cómo comienza tu pasión por la actuación y la música?

—Fue de durante mi niñez. Vi un corto de Charles Chaplin en lo de un tío y eso me marcó. Era muy chico y lo que sentí ahí fue clave. A partir de eso, empecé con teatro en el grupo vocacional del pueblo, a los 14 años. Y también empecé a tocar la guitarra porque mi mamá me enseñó, con una guitarra que había en casa. Desde ahí fue algo que no paró más.

—¿La música era algo habitual en tu vida familiar o descubriste eso a partir de la experiencia?

—Siempre estuvo presente. Tenía un primo referente que tocaba, mamá nos hacía dormir sentada en el borde de la cama, cantando con la guitarra. Es algo que está en el ADN, ya venía de familia. Y otro detalle: tenía una tía abuela que tocaba el piano. En esa época, en casi todas las familias se aprendía piano, sobre todo las mujeres.

—¿Cuándo fue la primera vez que sentiste el impacto del escenario?

—Mi debut profesional fue en 1985 con Teresa Parodi. Me invitaron a tocar el acordeón una noche en un club de San Miguel. Toqué en un concierto de ella y después seguí. Empecé a armar mis grupos, mis cosas. En teatro, el debut fuerte fue en Buenos Aires, en 1994, en Los que vienen, en el Andamio 90. Ahí yo estudiaba y se armó un proyecto en el que mezclaban estudiantes con directores y actores profesionales.

—¿Cómo fue que te encontraste con Ron Lalá?

—Eso fue porque me fui de gira con Mabel Manzotti a España. Allá me contrató un grupo para un show de improvisación. Estando en Madrid conocí a los chicos de Ron Lalá, ellos ya hacían poemas con música. Yo buscaba formar un grupo de actores-músicos, ellos querían formarse como actores, así que lo sumamos todo y lo llevamos al teatro. Vi mucho talento ahí, en todos. Y a partir de ese momento, estuvimos 25 años sin parar.

—¿Fue difícil transformar el grupo original en lo que es hoy?

—Fue paulatino. Hacíamos jornadas de entrenamiento, sesiones de trabajo regular, mejorando. Ellos ya eran muy buenos músicos. Cuando hay que planear los espectáculos, ahí sí hace falta más estrategia y mirar bien qué vamos a hacer. Cada proceso de estreno demanda casi un año desde la concepción hasta la puesta en escena. Tenemos a Miguel Magdalena de director musical, Álvaro Tato escribe los textos, Juan Cañas, Daniel Rovalher y yo componemos la música, como también dirijo. Es un equipo multidisciplinario y completo.

—Vos que viniste de Argentina, ¿cómo te adaptaste al humor y al público español?

—No fue tan complicado porque ellos eran muy fans del humor argentino, de Les Luthiers en especial. A mí me interesaba el humor europeo, sobre todo el inglés, pero también humoristas españoles como Gila. Siento que el humor argentino va mucho más por la segunda intención, la vuelta, el “pensamiento lateral”, y el español tiene un surrealismo impresionante. Encontramos un punto en común, y también nos llevamos bien a nivel personal, lo que siempre ayuda.

—¿La jerga española te jugó alguna vez una mala pasada?

—Sí. Exige adaptación. Cuando llevamos espectáculos a la Argentina, siempre hay ajustes y cosas que retocar. Algunos chistes o referencias hay que adaptarlas para que se entiendan aquí.

—¿Se consideran herederos de Les Luthiers o sienten que lo de ustedes viene por otro lado?

—No lo veo así. Si vas al hecho de que tocamos y cantamos todos en escena, puede parecer similar. Pero nuestros espectáculos son más teatrales; hemos hecho obras completas como una versión de Don Quijote. Nuestro formato es obra, música en vivo, trama teatral. Les Luthiers trabajan con sketches y su viaje es siempre de la música culta a la popular; nosotros de la popular. Ellos van de frac, nosotros tenemos otro look. Es distinto, aunque a veces por fuera la gente confunda el estilo.

—¿Ves diferencias entre la escena teatral argentina y la española?

— Sí, diría que la presencia del teatro independiente argentino es potentísima. En España prevalece lo institucional. Allá la tradición teatral es mucho más larga, siglo XVI, el Siglo de Oro español. Nuestro recorrido es más corto, pero cada vez que vengo me sorprende la fuerza y la calidad del teatro independiente y sus actores en Argentina. Acá el teatro es un verdadero motor social. En España también hay teatro, continuamente, pero la gente lo vive distinto y hay subvenciones y apoyos estatales importantes, eso marca mucha diferencia a nivel de producción. La cultura es la identidad de un pueblo. Es cuestión de voluntad política. Ni más ni menos.

—¿Qué te pasa con este regreso, después de quince años, al San Martín y al público argentino?

– Estoy ilusionado, pero también nervioso. No veníamos desde 2010, la última fue en el ex Teatro de la Comedia, en Córdoba, que ahora es un gimnasio. Ahora llegamos con mucha ilusión y esa mezcla de ansiedad y nervios, por ver qué pasa, cómo nos reencuentra el público después de tanto tiempo. El martes tuvimos el primer encuentro en la sala para ensayar. Los días previos fueron de prensa, pero ahora sí nos metimos de lleno en la obra.

—¿Qué esperás que viva la gente con este espectáculo?

—Quiero que se diviertan, que se rían, que encuentren algo de alivio y de reflexión. El humor es algo sanitario, necesario; es la única forma de aliviar la tragedia de la vida. Me gusta pensar que nuestro espectáculo moviliza, filosóficamente: que el público se lleve algo, que se vaya renovado.

—¿Volvés seguido a Argentina?

—Vengo todos los años, sí. Y me quedo mucho tiempo en Buenos Aires, es una ciudad que adoro y a la que le debo muchísimo.

—¿Qué te gustaría que deje esta visita?

—Que deje la semilla para volver. Ojalá podamos venir todos los años, no perder nunca más el contacto con Buenos Aires, que es una capital del teatro mundial.

—¿Qué importancia le das a la música y el humor en la cultura?

—Es fundamental. No existe ninguna escena trascendente en la vida de una persona que no tenga su música y humor propio de fondo.

—¿Después del San Martín, a dónde siguen?

—Volvemos a España, donde seguimos en gira, y luego iremos a un festival en Loja, Ecuador, en noviembre. Allá seguimos combinando el espectáculo que traemos acá, 4X4, con el nuevo, La Desconquista, con el que me encantaría volver a Buenos Aires dentro de poco.

El regreso de Yayo y Ron Lalá al país no es solo una cita con el teatro, el humor y la música: es el reencuentro con una historia de pasión y raíces que supo cruzar fronteras. Sobre el escenario del Teatro San Martín, lo que vibra es mucho más que un espectáculo consagrado en Europa; es la emoción de volver a casa, el deseo de compartir risas, canciones y aplausos con un público que nunca olvidó. Cada función será, al fin, una fiesta para la memoria y el presente: la certeza de que el arte, cuando se hace con el corazón, siempre encuentra el camino de regreso.

Danilo Zuluaga es un creador de contenido colombiano que está creciendo en redes sociales, especialmente, por realizar videos en los que retrata las distintas situaciones de la vida real, incluso problemáticas, de los bogotanos con una perspectiva de humor y, en algunos casos, con el formato de documental de canales investigativos como History Channel.

Pero a su canal le realizó un cambio de nombre y lo llama Habichuela History. También realizó algunos ajustes en el logo, para que no quede igual a canal norteamericano.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Su video más reciente se trató de los problemas viales de la capital. Y como si se tratara de un video investigativo, el influenciador hizo una locución con voz de experto en inglés y agregó el doblaje, en imitación al tono que usan los intérpretes.

“Los trancones de Bogotá. Lo que tenemos aquí es uno de los trancones más violentos del mundo entero. Las personas aquí pueden durar hasta setenta y dos horas atrapadas, sin comida y sin ningún tipo de ayuda de la ONU. Estas personas están sufriendo. Mira sus caras tristes. Dios mío. Ni siquiera puedo mirarlos. Es tan deprimente. Estos son los trancones de todos los días a toda hora, en todas partes, en Bogotá”, dijo en el video.

“¿Cómo pueden estas personas vivir así todos los días? El Pentágono de Bossa y el gobierno de los Estados Unidos ha optado por construir un metro elevado en la ciudad para salvar a estas personas. El metro de Bogotá. Decidí continuar con mi investigación. Estas son las primeras estructuras. Pero esto no es suficiente. Las personas podrían seguir atrapadas en los trancones. Así es, hermano. Los trancones son una basura", continuó en su video de humor.

Estudio advierte sobre el impacto de los trancones en la salud mental de los conductores en Bogotá

La congestión vehicular en Bogotá afecta mucho más que la movilidad diaria. Un estudio de la Universidad Manuela Beltrán publicado a principios de 2025, reveló que el 57,3% de los conductores en la ciudad se siente estresado por los trancones, mientras que el 26,7% experimenta frustración y el 8% ansiedad.

Esta investigación, citada por Colprensa, expuso la dimensión del problema al analizar a 518 conductores entre agosto y septiembre del 2024.

El informe indica que el 85% de los participantes enfrenta trancones todos los días, y el 44% permanece más de una hora a diario en el tráfico. Un 28% pierde entre 30 y 60 minutos y el 22,7% de 15 a 30 minutos cada jornada. Estos datos reflejan cómo el tráfico dejó de ser un inconveniente de desplazamiento para convertirse en un fenómeno que deteriora la salud mental y la calidad de vida en la capital.

La Universidad Manuela Beltrán identificó que las estrategias personales de los conductores tienen un alcance limitado. El 68,9% utiliza aplicaciones de navegación en busca de rutas alternativas y el 16,2% ajusta sus horarios para evitar las horas pico.

A pesar de estos esfuerzos, el estudio advierte que “las medidas individuales para sortear el tráfico no han logrado contrarrestar los efectos emocionales ni el caos urbano”, según la información recogida por Colprensa.

Respecto al programa Pico y placa, el 66,2% de los encuestados lo considera efectivo, mientras un 33,8% manifiesta su desacuerdo con la medida.

El análisis precisó que el 54,8% de los participantes respalda el fortalecimiento del transporte público, y el 50,7% sugiere ampliar la infraestructura vial.

Otras propuestas incluyen operativos constantes contra el parqueo indebido (53,4%), aceleración de obras viales (53,4%), fomento del teletrabajo (28,8%), aumento de agentes de tránsito (31,5%), incremento del uso de bicicletas (12,3%) y estímulo a los vehículos compartidos (6,8%).

El tiempo perdido en los embotellamientos afecta no solo la jornada laboral, sino también la vida privada. La investigación determinó que el 50% de los consultados dedicaría ese tiempo a estar con su familia, un 38,9% lo emplearía en ejercicio, el 29,2% optaría por descansar y el 25% lo invertiría en trabajo, estudio o desarrollo personal.

ChatGPT se ha convertido en una herramienta muy utilizada en la cotidianeidad de las personas. Este auge tecnológico, si bien es cierto que, puede ayudar a la optimización de diferentes tareas, está comprobado que aún presenta un gran margen de error y que no puede sustituir a la inteligencia humana. El problema no es utilizarla para determinadas labores: el resumen de un texto o de largos informes, una puntual aclaración sobre temas complejos, sino considerar, de forma inescrutable, que se trata de una especie de dios capaz de dar una respuesta real a todo lo que le preguntamos.

Es importante concienciar que, ChatGPT (y otras inteligencias artificiales), como las conocemos hoy en día, aunque puedan ayudar a resolver muchos problemas, son incomparables con respecto a las extraordinarias posibilidades del cerebro humano, y lo que es más importante, las posibilidades intelectuales de aquellos que dedican gran parte de su vida a informarse, investigar y contrastar la información de un tema específico. Hablamos, por supuesto, de los especialistas.

La inteligencia artificial: el oráculo de un mundo sumido en la inmediatez

Esta conciencia ciega en la tecnología es producto de la aceleración masiva de las formas de consumo de la información. Ahora va todo mucho más rápido. Las redes sociales, la cotidianeidad, la proliferación de noticias y sucesos, la globalización. La IA es una forma más de automatización acelerada. El problema no es su uso. Un uso consciente y responsable puede traer muchos beneficios. El problema viene cuando se deposita una confianza excesiva. La frustración puede ser enorme.

Esto le sucedió a un turista en la isla de San Simón (Vigo). Informa sobre ello Peldanyos (@peldanyos), un creador de contenido en su perfil de TikTok. Se encontraba en un barco haciendo una visita guiada junto a un mediador cultural, que guiaba el itinerario para los turistas. Mientras el experto hablaba - profundizando en las raíces y cultura - uno de los turistas contrastaba todo lo que decía mediante ChatGPT. Con una confianza absoluta en el sistema de IA, en un momento determinado, las declaraciones de la máquina no coincidieron con las del experto. El turista, sumido en su sistema de creencias, no dudó en incriminar al mediador que lo que decía no era verdad. El mediador cultural, convencido de que sus palabras eran ciertas, retó al turista a que preguntase a la IA si había algún error en sus declaraciones. Enseguida, ChatGPT, reconoció su error.

La historia es el ejemplo perfecto de cómo la IA presenta un gran margen de error. Muchas veces, al intentar reconstruir hechos pasados, se enfrenta a sesgos y profundas limitaciones en su perspectiva. De ahí surge la importante reflexión de que a la IA no se la debe ver como una fuente de información veraz, sino como una herramienta que, pese a sus beneficios, requiere contraste. El verdadero valor de las cosas y del conocimiento reside, después de todo, en la capacidad humana de investigar, analizar, conectar con el pasado histórico y cultural, que como parte de nuestra genealogía, aún nos involucra y nos retumba en la intimidad.

El desenlace de la historia, sin embargo, fue gracioso y lleno de humor. “¿Hay que poner un nombre a todo aquel que usa ChatGPT para todo?" le dijo el creador de contenido al guía turístico. A lo que él respondió: “gepetos”. El comentario despertó las risas de todos los allí presentes.

En la vida cotidiana, el sarcasmo se filtra en conversaciones familiares, mensajes de WhatsApp, programas de televisión y debates políticos. Esta ironía aguda, capaz de provocar una sonrisa cómplice o una incomodidad sutil, fascina a psicólogos y lingüistas por igual.

Aunque el sarcasmo suele considerarse una muestra de ingenio y perspicacia social, también es una de las formas de comunicación más susceptibles de generar equívocos y heridas invisibles. ¿Por qué este humor peculiar a veces fortalece la confianza y otras levanta barreras? La psicología aporta respuestas cada vez más completas sobre cómo el sarcasmo puede unir o separar a las personas, y por qué representa una herramienta tan poderosa como riesgosa en las relaciones humanas.

Más que un juego de palabras

Una simple frase como “buen trabajo” puede transformarse, según el tono y la relación entre las personas, en un gesto de complicidad o en una daga disfrazada. El sarcasmo, definido como ironía verbal que expresa lo contrario de lo dicho, es un elemento central en la vida social moderna. Psychology Today analiza cómo esta modalidad puede fortalecer lazos o erosionar la confianza, y por qué en la era digital resulta especialmente difícil de interpretar.

No se trata solamente de lo que se dice, sino de cómo se dice. El sarcasmo se diferencia de la ironía simple por la intención y el contexto en que se emplea.

Los psicólogos Raymond Gibbs y Herbert Colston, citados por Psychology Today, señalan que el sarcasmo suele emplearse para expresar burla o desaprobación y se acompaña de señales no verbales como una expresión seria, una voz inexpresiva o una sutil exageración.

El cerebro y la sofisticación del sarcasmo

Desde la neurociencia, estudios recientes revelan que entender el sarcasmo involucra áreas cerebrales asociadas con la empatía, la teoría de la mente y el pensamiento abstracto. Trabajos publicados en el Journal of Neuroscience indican que la región prefrontal y el área de Broca se activan cuando una persona procesa un comentario sarcástico, en contraste con mensajes literales. Esta activación refleja el proceso de descifrar intenciones ocultas, anticipar respuestas del otro y evaluar los riesgos sociales de cada intervención.

La interpretación del sarcasmo también se ve afectada cuando hay lesiones cerebrales o enfermedades neurodegenerativas. Pacientes con daño en la corteza prefrontal, como quienes desarrollan demencia frontotemporal, muestran una notable reducción en la capacidad de captar la ironía y el sarcasmo, lo cual complica su integración social y genera frecuentes malentendidos.

Sarcasmo, señalización social y teoría de la mente

Desde la perspectiva evolutiva, el sarcasmo puede verse como una estrategia comunicativa costosa y ambigua, pero es precisamente esa ambigüedad la que lo vuelve una señal social sofisticada. Psychology Today resalta que entender y emplear sarcasmo exige lo que los psicólogos llaman “teoría de la mente”, es decir, la habilidad de inferir los pensamientos e intenciones de los demás.

Esta destreza resulta fundamental para la vida en comunidad porque permite transmitir críticas, poner a prueba normas grupales o incluso desafiar jerarquías sin recurrir a confrontaciones evidentes. Así, un “bien hecho” irónicamente pronunciado puede servir para reforzar reglas sin necesidad de una reprimenda abierta.

En la historia y la literatura, el sarcasmo siempre ha ocupado un lugar destacado. Desde los diálogos de Sócrates hasta el humor ácido de The Simpsons, la ironía verbal funciona como termómetro social y lubricante para la convivencia o, en ocasiones, como mecanismo de exclusión.

El contexto lo es todo: cultura, confianza y relaciones

El impacto social del sarcasmo varía según la confianza existente entre los interlocutores y el contexto cultural. Investigaciones de Penny Pexman y Melanie Glenwright, recogidas por Psychology Today, demuestran que el sarcasmo puede funcionar como “fuego amigo” en círculos de confianza, donde fortalece lazos y actúa como señal de complicidad. Sin embargo, en relaciones frágiles o ante verdades incómodas, puede dejar heridas más profundas que una crítica directa, tal como observaron Albert Colston y Chui Lee.

Las diferencias culturales también condicionan el uso y la interpretación del sarcasmo. Mientras en el noreste de Estados Unidos y el Reino Unido se emplea a diario, en regiones de Asia o Oriente Medio suele considerarse inadecuado, y en países latinoamericanos su frecuencia depende mucho del grado de formalidad y cercanía. Lo que en un grupo puede percibirse como un chiste ingenioso, en otro puede entenderse como una ofensa directa.

Consecuencias emocionales y sociales

El sarcasmo puede ser refrescante en una conversación informal, pero su uso excesivo implica riesgos emocionales. Cuando se convierte en la principal herramienta de interacción, puede percibirse como signo de amargura o desapego.

Psychology Today advierte que el sarcasmo constante puede ocultar insatisfacción, funcionar como mecanismo de defensa o terminar minando la confianza en relaciones personales y profesionales.

A nivel emocional, investigaciones en el Journal of Social and Personal Relationships muestran que recibir sarcasmo de manera reiterada puede incrementar los niveles de estrés y ansiedad. Incluso en los vínculos de pareja o de amistad, un uso mal calibrado erosiona la cercanía y fomenta resentimientos.

El delicado equilibrio entre ingenio y vínculo emocional

En definitiva, el sarcasmo es una herramienta poderosa y ambivalente. Su uso puede enriquecer la comunicación y fortalecer relaciones, pero también puede ser fuente de heridas profundas o de distanciamiento.

Como concluye Psychology Today, emplear sarcasmo exige tacto, inteligencia emocional y consciencia plena de sus posibles efectos: tras cada ironía, siempre queda la duda de si una expresión fue una ingeniosa broma o una verdad incómoda disfrazada. De la habilidad para calibrar este delicado equilibrio depende, muchas veces, la calidad de nuestros vínculos.

Hay presencias difíciles de olvidar y Andrea Politti es, sin dudas, una de ellas. Desde el primer encuentro, su energía combina la calidez de los afectos heredados y la determinación de quienes saben que el arte fue escrito en su destino. Hija del inolvidable Luis Politti, actor de una sensibilidad excepcional, y de María Teresa Rubio, pianista de enorme talento, Andrea creció en un hogar donde el humor era parte de la vida cotidiana y la creatividad una forma de abrazar el mundo. En diálogo con Teleshow, se permite abrir la puerta a esos recuerdos, a los días de aprendizajes y adversidades que la formaron en la artista integral que es hoy.

A lo largo de los años, Andrea construyó un camino único, combinando la brillantez sobre las tablas con la frescura de la televisión. Desde sus inicios en obras como América de Franz Kafka y Confesiones de mujeres de 30, hasta la conducción de éxitos como 12 corazones y Cuestión de peso, nunca tuvo que elegir entre actuar o conducir. En la actualidad, el escenario también es espacio familiar, compartido con su hijo Galo, sumando una dimensión entrañable a la experiencia profesional y personal que lleva en sus genes.

La emoción de un nuevo proyecto se encarna en Tirria, la comedia negra escrita por Lucas Nine y Nancy Giampaolo, dirigida por Carlos Branca y bajo la producción de Damián Sequeira. El próximo 14 de agosto, en el Teatro Metropolitan sobre la icónica calle Corrientes, Andrea subirá a escena junto a figuras como su propio hijo, Diego Capusotto y su hija Eva, Rafael Spregelburd, Juano Arana y Daniel Berbedes. Una nueva oportunidad para reconectar con el público y confirmar que el teatro, incluso con todos los cambios de época, sigue siendo el lugar donde la emoción y la magia se encuentran.

—¿De qué manera influye el humor en tu vida cotidiana?

—Si voy a mis orígenes, el humor siempre estuvo en mi familia; mi mamá y mi papá tenían muchísimo humor. Es algo que requiere mucha rapidez mental, mucho aquí y ahora, y permite decir muchas cosas que de otra forma no se podrían decir. Tiene un lenguaje propio. Es más amable, siempre y cuando no dañe a nadie ni haga sentir mal a otros, porque ahí está el límite. Con el paso de las décadas, por suerte, se ha tomado conciencia sobre qué cosas nos podemos reír y sobre cuáles no.

—¿Considerás que sos una persona que se ríe de todo, o descubriste una manera diferente de relacionarte con el humor actualmente?

—Soy una persona que tiene muchísimo humor en la vida, y sobre todo me río de mí misma. Eso me alivia, me hace asumir más como persona llena de oportunidades que a veces no toma y de defectos que a veces no quiere que se vean.

—¿Eso fue lo que te llevó a aceptar esta propuesta?

—Este proyecto me llegó a raíz de un llamado que tuve por parte de Damián Sequeira, un productor que respeto mucho. Hace años que me venía llamando para hacer proyectos, desde 2011, proponiéndome comedias, pero nunca se daba por diferentes motivos. En este último llamado, me dijo: “Tengo el proyecto que es para vos, estoy seguro que te va a encantar y que es el estilo de teatro que querés hacer”. Cuando lo leí, tenía razón: es algo distinto, un desafío, y eso me atrae. Con tantos años de experiencia y oficio en el teatro, soy cuidadosa, y dije: “Sí, me gusta”. Acepté enseguida, apenas me lo propusieron. Después se fue gestando el proyecto y coincidiendo los tiempos y la sala en el Metropolitan, que me parece preciosa y tiene una cartelera muy variada.

—¿Desde el primer momento conociste a tu personaje o lo fuiste construyendo durante los ensayos y al leer el guion?

—Cuando tomás un texto de teatro, tenés que leer toda la obra porque tu personaje se relaciona con todo lo que sucede. Desde el comienzo, me pareció atractivo porque es una familia con estética de los años cuarenta, de las películas argentinas que adoraba mi abuela. Es una familia de alta alcurnia que tuvo que empezar a vender todo para poder subsistir y se esconde en baúles para fingir que viaja por Europa. Eso me enganchó absolutamente. El personaje siempre se va creando, está en una construcción constante, incluso cuando comienzan las funciones. Aunque tengas una base y sepas por dónde va, en cada función se descubre algo nuevo.

—¿Qué es lo que hoy te inspira al momento de elegir un proyecto?

—Que tenga algo original, algo que no haya hecho antes, o que me haga reír. Me atraen especialmente las obras que me hacen reír, aunque después hay que ver si el público comparte ese humor. Cada proyecto es único, tiene una especie de nacimiento, nunca se repite ni en el tiempo ni en el lugar.

—Además de actriz, también sos conductora. ¿Cómo apareció esa faceta en tu vida profesional?

—La conducción llegó cuando ya tenía una carrera fuerte en teatro y televisión como actriz. Mucha gente empezó a decirme que tenía que ser conductora y llevar adelante un programa. En ese momento había mucho prejuicio hacia la conducción, no se consideraba un trabajo importante. Como me gustan los desafíos, hice un casting para El Trece, más que nada para ver cómo me sentía yo misma. La verdad es que no sabía qué hacer, estaba muy acostumbrada al texto y al trabajo actoral, y de golpe ahí sos más vos misma llevando adelante el programa. Tuve mi debut hace bastantes años y todo salió bien. Me decían: “Esto es como si lo hubieras hecho siempre”. Fue un lenguaje nuevo donde podía divertirme y poner mi personalidad en los programas. Sentí que era otra puerta que se me abría. Ahora hace mucho que no hago conducción y estoy disfrutando mucho el teatro, pero la televisión tiene lo agradable de que entrás a la casa de la gente, por ahí te escuchan, te ven y es como si fueras parte de la familia. Tiene algo muy atractivo, cotidiano, inmediato y fugaz. El cine, en cambio, queda en el tiempo.

—¿Sentiste en algún momento que tenías que elegir entre actuar y conducir, o lograste integrar ambas facetas?

—Nunca sentí que tenía que elegir entre una u otra, las integro todas en mi trabajo. Me gustan todas las labores. Me han preguntado muchas veces si prefiero el cine, la tele o el teatro, y la verdad es que cada uno tiene su atractivo. Podría hacerlos tranquilamente en simultáneo, y así lo he hecho. No siento que deba elegir.

—En esta obra compartís escenario con artistas muy conocidos y de estilos marcados. ¿Cómo fue ensamblar todo el proceso en escena?

—No lo sentimos como una dificultad. Al contrario, disfrutamos los ensayos; todo fue creativo y nutritivo. Tampoco fue como si juntáramos personas muy distintas, sino como algo que fluyó y disfrutamos.

—¿Habías trabajado previamente con Diego Capusotto o fue una experiencia nueva?

—Con Capusotto no había trabajado nunca. Es prácticamente de mi generación, tiene mi edad, y su humor tiene mucho que ver con nuestra generación. Así que, en esta oportunidad que tenemos de coincidir ambos, fue algo que se dio de manera natural.

—En esta obra también actuás con tu hijo, Galo. ¿Cómo vivís la experiencia de ser mamá y colega al mismo tiempo?

—Es un proyecto familiar también, porque está la hija de Diego, el hijo de un compañero muy importante en la escena nacional, Juano Arana (hijo del recordado Hugo), y lo siento como una obra familiar. Es muy lindo compartir escenario y, como dije antes, cada proyecto siempre se encara de una forma nueva, sin red. Es muy interesante y lindo compartir esto con la familia.

—¿Descubrís cosas nuevas en tu hijo al trabajar juntos en el escenario?

—Todos los días, porque son generaciones diferentes. Como hablábamos antes sobre el humor, con las generaciones el humor va cambiando, y eso aporta mucha frescura. La forma de trabajar de una persona joven y una más grande se complementan y le dan otra visión a lo que estás haciendo.

—Esta obra retoma clásicos del cine argentino y la estética de los años cuarenta. ¿Pensás que estos temas pueden conectar con el público actual y hacerlo reflexionar?

—No sé qué le va a pasar a la gente. Lo único que pretendo es que se dé esa magia de que vengan al teatro, se desconecten de los celulares y estén entretenidos desde un lugar diferente. Cuando entrás a un teatro y te dicen: “Apagá el celular y entregate a esto que vamos a representar”, se da una comunión maravillosa entre espectador y actor. Es mágico, es muy lindo.

— ¿Considerás que la gente sigue apostando por el teatro, a pesar del avance de la tecnología?

— En Buenos Aires hay muchísimos espectáculos. Creo que el límite entre teatro off y comercial está cada vez más difuso. Esto pasa porque hay mucho público que disfruta del teatro; si no, no sucedería. Recuerdo que, en la época de mi papá, estaban el teatro de culto, el comercial y el de Calle Corrientes. Ahora esos límites ya se borraron y el teatro es teatro donde vayas y a la hora que sea. Fui a ver obras a distintas horas, y siempre hay mucho público. Aunque a veces las entradas pueden ser caras por los tiempos que se viven, pero siempre hay opciones, el público argentino no falla. Para nosotros es importante, porque nos juntamos para disfrutar y salir de la cotidianeidad, entrar como en otro universo. Siempre fue así y eso es muy interesante.

—¿Hay otros trabajos o planes próximos que puedas compartir?

— Estoy con otros que fui generando siempre desde lo laboral. Hace poco filmé una película con una productora que todavía no se estrenó, así que no puedo hablar mucho, pero fue un placer hacer cine con Ricardo Darín nuevamente. También me junto con actores y autores para generar un texto que ojalá podamos estrenar, aunque tampoco puedo hablar mucho de eso todavía. Pero sí, tengo cosas aparte para disfrutar como actriz.

La escena artística sigue transformándose, pero hay algo que no cambia: la entrega total de Politti cada vez que se anima a un nuevo desafío. Con la memoria viva de sus padres, el humor como refugio y la pasión intacta, logra que cada proyecto tenga el sabor del primer día. Sea en las cámaras, en los escenarios o en un simple encuentro familiar, la actriz confirma que su carrera es, ante todo, una celebración de la autenticidad y la emoción, en la que nada parece detenerla. El arte la eligió y ella lo honra en cada paso, dejando claro que, para algunas personas, el escenario nunca se apaga.

Crédito de fotos: @joynixmedia y @agenciacoralok.

“Perder a tus padres te lleva a un verdadero autodescubrimiento porque hay mucha sanación involucrada en ese tipo de proceso de duelo”, admitió el reconocido actor y comediante estadounidense Marlon Wayans, resumiendo el impacto que tuvo la muerte de sus seres queridos en su vida y carrera.

Durante una reciente conversación en el podcast Baby, This is Keke Palmer, el artista compartió cómo el dolor de la pérdida y la experiencia de criar a un hijo trans transformaron su visión sobre la paternidad, la genuinidad y el papel del humor en la sanación personal.

Wayans, miembro de una de las familias más influyentes en la comedia estadounidense, abordó el duelo por sus padres a través de su especial “Good Grief”. Según relató, este trabajo representa su obra más profunda, ya que le permitió explorar las facetas más íntimas de su dolor y convertirlas en una fuente de alegría y conexión con el público.

“La comedia es como las capas de una cebolla. Hasta que llegas al centro, donde están las cosas que te hacen llorar, y encuentras alegría y humor en eso, puedes ayudar a otros a sanar”, explicó. El especial centrado en el proceso de duelo, se convirtió en una herramienta para que otros pudieran identificarse y encontrar alivio en sus propias pérdidas.

La experiencia de criar a un hijo trans

La conversación avanzó hacia uno de los temas más personales para Wayans: la crianza de su hijo trans, Kai. El comediante describió este proceso como un viaje que lo llevó a atravesar las cinco etapas del duelo —negación, ira, negociación, depresión y aceptación— hasta alcanzar una comprensión más profunda de sí mismo y de su papel como padre. “Tengo un hijo trans y fue un viaje... las cinco etapas del duelo hasta llegar a la aceptación”, compartió.

El intérprete anunció que está preparando un nuevo especial de comedia titulado “Somewhere Under the Rainbow” (En algún lugar bajo el arcoíris), en el que abordará con honestidad y humor su experiencia como padre de un hijo trans. Planea grabar este especial en verano, convencido de que su historia puede resonar y servir de apoyo a otras familias que atraviesan procesos similares.

Sumado a que, el impacto de estas vivencias fue decisivo en la manera en que el actor de 53 años entiende la paternidad y la autenticidad. Reconoció que, al principio, el proceso de aceptación no era sobre su hijo, sino sobre su propio crecimiento personal. A propósito de esto, reflexionó: “Dios me puso en este viaje y mi hijo fue solo un vehículo para mi crecimiento”.

Para Wayans, la verdadera lección fue comprender que el papel de un padre no es juzgar, sino acompañar y aprender. “Si crees que eres Dios y vas a juzgar a tu hijo, estás equivocado. Dios solo te da ese espejo para que te mires a ti mismo y veas dónde necesitas sanar”, afirmó. Además, esta transformación personal se entrelazó con el duelo por sus padres, generando un proceso de sanación paralelo.

Legado familiar y función social de la comedia

La familia Wayans, con una trayectoria que abarca décadas en la industria del entretenimiento, fue un referente de colaboración y legado. El humorista recordó cómo su hermano mayor, Kenan, sirvió de ejemplo y guía para las nuevas generaciones, inculcando valores de trabajo, disciplina y amor.

“No busco reconocimiento, estoy demasiado ocupado plantando nuevos árboles para recoger flores”, señaló Wayans, apuntando a que el verdadero legado radica en el trabajo constante y en el ejemplo para sus hijos y sobrinos, quienes ya comienzan a destacar en áreas como la música, la producción y la dirección.

En la entrevista, también reflexionó sobre la función social de la comedia y la sátira. Criticó la superficialidad de la sátira actual y la falta de profundidad en los mensajes, atribuyéndolo en parte a la influencia de las redes sociales y a la autocensura en la industria. Con respecto a ello, sostuvo: “La comedia es el remedio para las conversaciones que queremos tener”.

Desde su postura defiende la importancia de abordar temas difíciles a través del humor y de mantener una voz auténtica y valiente en el escenario. De acuerdo con Marlon Wayans, la comedia no solo es entretenimiento, sino una herramienta para provocar reflexión y cambio social.

Proyectos actuales y visión de futuro

En cuanto a sus proyectos actuales, confirmó que está trabajando en “Scary Movie 6”, junto a sus hermanos y colaboradores habituales, con el objetivo de devolver la risa a las salas de cine. Además, se prepara para el estreno de “Him!”, una película de terror psicológico ambientada en el mundo del fútbol americano, donde explora nuevos registros actorales.

Por otra parte, también destacó la importancia de la colaboración intergeneracional y la construcción de marca familiar, animando a las nuevas generaciones a apostar por la autenticidad y el trabajo duro en un entorno cada vez más competitivo y cambiante.

A lo largo de los años, La que se avecina se ha consolidado como una de las comedias más emblemáticas y populares de la televisión española. Creada por los hermanos Caballero, la serie debutó en 2007 como sucesora de Aquí no hay quien viva. El secreto de su éxito radica en la combinación de un humor, un reparto carismático y personajes variopintos, que reflejan de forma exagerada muchos aspectos de la sociedad española. Esta comunidad de vecinos ficticia ha sabido evolucionar con el tiempo, manteniéndose relevante para audiencias de distintas generaciones. Sus diálogos y referencias aún perduran en el imaginario colectivo del país afianzándose como parte de la cultura popular.

El testimonio del interprete Carlos Areces

El fenómeno intergeneracional que representa La que se avecina no solo ha conquistado a millones de espectadores, sino que también ha servido como trampolín profesional para muchos de los actores que han pasado por su reparto. De esta manera han tenido trabajo, visibilidad y han formado parte de una de las series más relevantes del país. Entre los grandes afortunados se encuentra Carlos Areces. En una reciente entrevista para el pódcast Mister Chaise Longue, conducido por Nacho Guerreros, el actor reveló cómo fue su incorporación al elenco. Durante la charla, el actor compartió los detalles desconocidos sobre cómo se gestó su entrada en una de las ficciones más icónicas de la televisión española.

Todo fue gracias, según él, a que su representante, también llevaba a otro actor que trabajaba en la serie. Hablamos de Víctor Palmero, que interpretaba a Alba Recio en la serie. Víctor habló con los hermanos Caballero y así, debido a su intermediación, Carlos consiguió un papel en la entrañable comunidad. Sin embargo, a esta alegría le acompañó mas adelante la frustración de que la serie ya había empezado a rodarse y que su personaje solo aparecería en un capítulo.

A pesar de que Carlos estaba muy agradecido por la oportunidad, terminó declinando la oferta debido a la poca extensión de su personaje en la serie. Alberto Caballero le correspondió en su decisión diciéndole que lo entendía. En consecuencia, le ofreció un personaje propio para la próxima temporada. También explicó que tenían una serie nueva El pueblo, y que quizás habría una oportunidad para él en esa producción. Ante la urgencia de trabajar como actor, el interprete se decantó por esta segunda serie en la que también actuaban Nathalie Seseña y Jordi Sánchez. Sin embargo, el director, terminó ofreciéndole un personaje en ambas series lo que fue una sorpresa para Carlos. “De repente, estuve en las dos”, confesó el actor alegre, recordando la felicidad que la confianza de Alberto ocasiono en él.

Esta inesperada doble oportunidad marcó un punto de inflexión en la carrera de Carlos Areces, quien supo aprovechar al máximo el respaldo recibido. Su participación tanto en La que se avecina como en El pueblo no solo reafirmó su versatilidad como actor, sino que también fortaleció su vínculo con el universo creado por los hermanos Caballero. A día de hoy, Areces se muestra agradecido y orgulloso de formar parte de dos ficciones que han dejado una huella profunda en la comedia televisiva española, y reconoce que aquella decisión, nacida de la pasión por su oficio, le abrió puertas que jamás imaginó.

El material audiovisual, captado mientras el autobús iba con pasajeros, despertó el asombro, la risa y la crítica de los usuarios al ver cómo el espacio público en el sistema de transporte masivo se convierte en un escenario para las situaciones más inesperadas.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

Barbería en TransMilenio

El video, que acumula numerosas reproducciones y comentarios en TikTok, provocó debates en torno al comportamiento dentro de TransMilenio, el límite entre lo peculiar y lo inapropiado, y las normas de convivencia ciudadana. Varios internautas bromearon sobre lo ocurrido, mientras otros apuntaron que, aunque la escena no representa un riesgo para la seguridad física de los pasajeros, sí desafía los códigos de utilización de un medio de transporte tan saturado y fundamental para la ciudad.

Los comentarios retratan la dualidad de opiniones respecto a la vida en espacios compartidos: “La nueva barbería móvil”, se lee en tono jocoso, junto a observaciones sobre la creatividad y el desparpajo característicos de la cotidianidad bogotana.

Esta historia, que rápidamente se posicionó entre los videos virales de las diferentes plataformas digitales, es solo una de las tantas situaciones insólitas que la comunidad inmortalizó en internet desde distintos puntos de la ciudad. El sistema TransMilenio, clave para el desplazamiento de millones de ciudadanos, suele funcionar también como retrato del carácter y el humor urbano, lo que da lugar a episodios donde la sorpresa y la inventiva se mezclan en igual proporción.

Anécdotas en TransMilenio

A lo largo de los años, se documentaron hechos que parten desde lo excéntrico hasta lo imprudente.

• El joven que se desplazó sobre el techo de un articulado: las imágenes de esta temeraria hazaña circularon ampliamente, acompañadas de la frase del protagonista, que calificó su experiencia como “demasiado premium”. La administración de TransMilenio condenó de inmediato este acto, en el que recordó el grave peligro que supone para la vida del usuario y el funcionamiento del servicio.
• El ingreso de una mujer ataviada solo con una toalla a una de las estaciones: la usuaria sorprendió a testigos del momento, que no dudaron en debatir sobre los motivos personales o protestas detrás de su decisión. Las explicaciones nunca quedaron claras, pero el evento intensificó las discusiones acerca del uso y los límites del espacio público, y de la exposición voluntaria en la era digital.
• Una mesa con mantel y vino durante el trayecto: un grupo de personas convirtieron el vagón en una especie de restaurante efímero donde compartieron alimentos y bebidas durante el viaje. La escena generó comentarios sobre la creatividad colectiva y la necesidad de resignificar el tiempo de viaje en la ciudad.
• Cocinar dentro de los buses: uno de los registros más comentados muestra a un hombre que, munido de una sartén y un encendedor, trató de preparar huevos en pleno movimiento. La situación asombró a los presentes y desencadenó opiniones encontradas sobre la tolerancia y los límites en el uso compartido del espacio, así como sobre el cumplimiento de las normas establecidas para el transporte público.

Finalmente, una de las escenas que ganó popularidad en redes y que no es específicamente de humor, mostró a un grupo de pasajeros que, ante una avería mecánica, se organizó para empujar colectivamente el bus varado, por lo que consiguieron avanzar y llegar a una estación cercana. La colaboración, filmada y divulgada en video, fue celebrada por la comunidad como reflejo de la capacidad de los bogotanos para unirse ante la adversidad cotidiana.

El método: seriedad ante el absurdo

De acuerdo con Rolling Stone, la aproximación de Neeson a la comedia fue una decisión consciente que prioriza la autenticidad. Su método consiste en abordar cada escena con absoluta seriedad, incluso cuando domina el absurdo.

“No interpreto para la risa, esa es una regla que me impuse. No actúo la comedia. Espero que eso se note con los compañeros de reparto”, afirmó Neeson. Para el actor, la clave es que el público crea en cada palabra sin forzar intenciones humorísticas.

Leslie Nielsen, un referente inevitable

La postura de Neeson conecta de forma natural con el legado de Leslie Nielsen, protagonista original de Frank Drebin tanto en las películas previas como en la serie “Police Squad!”. Nielsen procedía del drama pero supo convertir su seriedad en el motor de la comedia absurda que dio identidad a la saga.

Neeson reconoció la influencia de su antecesor y destacó la capacidad de Nielsen para mantener la compostura en situaciones ridículas, logrando un “humor inocente y escolar” que, a juicio de Neeson, todavía resulta efectivo, detalló Rolling Stone.

Experiencia previa en la comedia

Aunque la comedia no fue una constante en su carrera, Neeson ya había mostrado su potencial en este terreno través de la serie “Life’s Too Short” de Ricky Gervais. En esa oportunidad, interpretó una parodia de sí mismo: ansioso por hacer reír pero incapaz de lograrlo.

“La gente pensó que era improvisado, pero cada coma y punto y coma estaba escrito por Ricky. Yo estaba nervioso porque creía que no podría contener la risa, pero al final era Ricky quien no paraba de reír”, relató Neeson a Rolling Stone. Esa experiencia le dio confianza para asumir proyectos cómicos más ambiciosos.

Influencias: del cine clásico a la cultura pop

En cuanto a sus referentes del género, Neeson expresó admiración por los clásicos del cine mudo y la comedia de los años veinte y treinta. “De niño, iba mucho a las matinés de los sábados y adoraba a Laurel y Hardy, esos cortos de veinte minutos que hacían. También Bud Abbott y Lou Costello”, recordó.

Entre sus gustos contemporáneos mencionó películas como “Tropic Thunder” de Ben Stiller, cintas de Will Ferrell, “Austin Powers” de Mike Myers y “Napoleon Dynamite”. Además, la música y la literatura ocupan un lugar esencial en su vida, con preferencias como Pink Floyd, Dire Straits y la novela negra nórdica de Henning Mankell.

Infancia, disciplina y el valor del cine

La infancia de Neeson en Irlanda del Norte estuvo marcada por la violencia de los “Troubles”. El actor describió el cine como un refugio fundamental durante aquellos años complejos, más allá del género. Asimismo, señaló que el boxeo amateur le proporcionó disciplina y preparación física, herramientas que traslada a su trabajo actoral.

“La preparación y mantenerse en forma son esenciales, sobre todo para los papeles protagónicos. El trabajo es exigente y los días son largos, así que conviene estar en buena forma”, explicó Neeson a Rolling Stone.

Desmintiendo los rumores sobre el fútbol

Durante la entrevista, el actor aprovechó para aclarar rumores sobre una supuesta relación con el fútbol profesional. Ante la pregunta sobre una prueba con Bohemian F.C., fue enfático: “No sé de dónde salió esa historia, ¡no es verdad! Soy un desastre con el fútbol”.

Trabajo en equipo y profesionalismo en el set

En el rodaje de “The Naked Gun”, Neeson compartió escenas con un elenco variado y elogió especialmente a Pamela Anderson: “Es sobresaliente en la película: sexy, divertida y estupenda compañera de trabajo”.

Subrayó la importancia del trabajo en equipo y la confianza en el director y el editor, tanto en la comedia como en la acción, afirmando que el ritmo y la sincronización son cruciales.

A lo largo de su carrera, Neeson detacó la importancia de dos valores: autenticidad y puntualidad. “Siempre intento ser real. Y llegar a tiempo. Eso es muy importante”, señaló a Rolling Stone. Considera que la impuntualidad es una falta de respeto para todo el equipo de trabajo.

Para el actor, cumplir con los horarios no solo refleja profesionalismo, sino también consideración hacia quienes sostienen una producción. Según su visión, el esfuerzo colectivo comienza estando presente y dando el mismo compromiso que se espera de los demás.

Con este enfoque, Liam Neeson afronta su incursión en la comedia con la misma seriedad y entrega que marcó su trayectoria. Su trabajo en “The Naked Gun” abre una nueva etapa donde la precisión y el humor conviven, aportando una propuesta fresca y genuina al público.

“Lo que se aprende por medio de la risa, jamás se olvida”, sostiene Emilio Lovera con la convicción de quien ha hecho del humor no solo un oficio, sino una forma de resistencia y libertad. Esta afirmación, dirigida a los docentes en una entrevista para Guao, resume la filosofía vital de un artista que ha sobrevivido a la adversidad y ha convertido la risa compartida en un refugio y un motor de vida. El comediante venezolano regresa a Bogotá para presentar su espectáculo unipersonal “Emilio Lovera presenta a Emilio Lovera”, una propuesta que trasciende el entretenimiento y se erige como una celebración de la identidad latinoamericana a través del humor.

El próximo 7 de agosto de 2025, a las 8 de la noche el Teatro Cassia de la capital colombiana será el escenario donde Lovera desplegará su repertorio de ingenio, música y sátira. La cita, organizada por La comedia local bajo la dirección de Johanna Moya, marca el retorno de un referente del humor a una ciudad que siempre ha recibido con calidez su particular mirada sobre el mundo.

El espectáculo, que ha recorrido con éxito ciudades de Estados Unidos, España, Venezuela, Perú, Panamá y Medellín, se presenta como una síntesis de más de cuatro décadas de carrera. Durante 90 minutos, Lovera alterna rutinas cómicas, imitaciones vocales, canto y relatos personales, en una puesta en escena que combina la autenticidad de su humor con la destreza de un intérprete versátil. El público asiste a un desfile de personajes entrañables y parodias de figuras internacionales como Andrea Bocelli, Martha Sánchez, Plácido Domingo y Simón Díaz, demostrando por qué el venezolano es considerado el comediante más versátil de su país y uno de los más respetados del ámbito hispanohablante.

“Este show es un viaje por todo lo que soy y he vivido como artista. Es una conversación con el público, una fiesta de humor con identidad”, explica Lovera, quien ha sabido transformar su biografía en materia prima para la comedia.

Nacido en Caracas el 31 de agosto de 1961, Emilio Alejandro Lovera Ruiz enfrentó una infancia marcada por la pérdida de su madre a los cuatro años y una relación paterna dominada por la violencia y la humillación. El encierro doméstico lo llevó a refugiarse en la literatura y en la imitación de figuras de la música y la televisión, habilidades que pronto se convirtieron en su pasaporte para ganarse el respeto de compañeros y profesores, incapaces de reprimir la risa ante su talento.

La adolescencia de Lovera transcurre entre instituciones educativas diversas, incluido un colegio militarizado, y un entorno familiar que lo impulsa a buscar la libertad a los 17 años, cuando abandona el hogar tras culminar el bachillerato. La precariedad de la vida en la calle, los trabajos ocasionales en fábricas y como mensajero, y un breve paso por la Escuela de Comunicación Social de la UCAB, configuran el escenario previo a su ingreso en el mundo del espectáculo. A los 21 años, se casa con su primera novia, con quien tendrá dos hijos y compartirá más de dos décadas de vida.

El salto profesional llega en 1982, cuando Lovera se incorpora al elenco de Radio Rochela, el emblemático programa humorístico de Radio Caracas Televisión (RCTV). Allí permanecerá 23 años, consolidando una figura que desafía los límites del género y descubre que la comedia, a menudo relegada en presupuesto y reconocimiento frente a los dramas televisivos, puede convertirse en un espacio de dignidad y creatividad. “El humor suele fabricarse con los desechos del drama”, reflexiona el artista, quien junto a otros colegas contribuyó a elevar el estatus de la comedia en la televisión venezolana.

La trayectoria de Lovera abarca colaboraciones con el comediante mexicano Carlos Villagrán en programas como Federrico y Kiko Botones, la conducción de espacios propios como Gavimán y Humor a Primera vista (junto a Laureano Márquez), y la participación en series como Emilio Punto Combo, La cámara indiscreta y Las mil caras de Emilio Lovera. En 2010, se asocia con los creadores de El Chigüire Bipolar para lanzar la serie animada Isla Presidencial, donde dobla la voz de todos los personajes, y en 2011 estrena el programa Misión Emilio en el canal Televen, que se mantiene al aire hasta 2014.

El declive de los espacios de humor en la televisión venezolana impulsa a Lovera a intensificar sus presentaciones en vivo, tanto dentro como fuera del país, consolidando una conexión directa con una audiencia que colma sus espectáculos y refuerza su proyección internacional. Su incursión en el cine, con títulos como Papita, maní, tostón, Er relajo del loro y Paquete #3, amplía el alcance de un humor que se caracteriza por la limpieza, la inteligencia y la capacidad de describir la realidad sin recurrir a la vulgaridad.

Sobreviviente de la adversidad, ha encontrado en la risa una herramienta para amortiguar el dolor y ejercer la libertad de pensamiento. Su consejo a los profesores, “porque lo que se aprende por medio de la risa, jamás se olvida”, sintetiza una visión en la que el humor no solo entretiene, sino que educa y libera. La cita en Bogotá promete una noche de carcajadas, recuerdos y una celebración de la identidad latinoamericana a través de la mirada de un maestro del género.

En el nuevo episodio de La Conversación, el ciclo audiovisual de Infobae, dos referentes de distintas generaciones y estilos se sientan cara a cara para reflexionar —entre risas, ironías y confesiones— sobre los bordes del humor en la Argentina. Roberto Moldavsky, ícono del stand up nacional y figura de la Avenida Corrientes, y Anacleta Chicle, comediante emergente de las redes sociales y el streaming, se encuentran por primera vez para hablar de su oficio, sus contradicciones y las tensiones que surgen cuando hacer reír se vuelve un terreno delicado. La charla, moderada por el periodista Gonzalo Sánchez, ya está disponible en el canal de YouTube de Infobae.

Uno de los momentos más provocadores de la charla ocurre cuando Anacleta Chicle recuerda una noticia cruda y dolorosa: en Salta, hay niños menores de diez años que inhalan nafta. Frente a la brutalidad del dato, su primer reflejo fue lanzar un chiste: “Pásenlos a gasoil”. El comentario, entre el absurdo y el cinismo, despierta una incomodidad inmediata. ¿Se puede hacer humor con algo así? ¿Hay que cancelarla por insensible? ¿Dónde está la línea entre la crítica y la burla?

La reacción abre un dilema que atraviesa a todo el episodio: ¿qué función cumple el humor en un mundo lleno de desigualdades, heridas abiertas y realidades tan duras que cuesta siquiera nombrarlas? ¿Sirve para aliviar, para incomodar, para señalar lo injusto, o solo para disfrazar la violencia con una risa?

“No se trata de reírse de la pobreza”, aclara Moldavsky, con tono sereno pero firme, “sino de usar el humor para decir cosas que de otro modo nadie querría escuchar”. Y ahí aparece una de las claves más potentes del encuentro: el humor como forma de resistencia simbólica, como lenguaje que permite nombrar lo innombrable. Cuando lo real se vuelve insoportable, la risa puede funcionar como válvula, pero también como herramienta política. No para burlarse del vulnerable, sino para exponer el cinismo estructural de una sociedad que convive con esa realidad sin hacer nada.

¿De qué se ríe cada generación?

Desde el comienzo, el intercambio entre Moldavsky y Anacleta expone una brecha tan divertida como reveladora. Facebook, Instagram, Twitter: cada red aparece como territorio de una edad, una clase social y un tipo de humor. “Facebook es como Termas de Río Hondo”, bromea Moldavsky, mientras Anacleta responde que ella es una “nativa de redes” que nació en Twitter e hizo del stream su escenario.

¿El humor cambia con el tiempo? ¿O cambia solo el envoltorio? Ambos coinciden en que el disparador casi siempre es la experiencia personal: lo cotidiano, lo absurdo, lo compartido. “Si el chiste nace de una experiencia, con algo me voy a identificar”, dice Anacleta. Y lo ejemplifica con una situación típica: padres que, sin entender del todo cómo funciona, reenvían códigos de Mercado Pago y caen, una y otra vez, en la misma estafa. Al final, son esas escenas simples y cercanas las que más nos hacen reír, porque todos nos vemos reflejados de algún modo.

¿El humor puede sobrevivir a las redes?

En un mundo hiperconectado, los comediantes no sólo hacen reír: también navegan la exposición, el hate, la corrección política y el juicio inmediato. “Los buenos no escriben, los que te putean sí”, dice Moldavsky. Y Anacleta lo confirma: “A veces tiro algo que sé que va a enojar, porque sé que igual va a generar algo. Es parte del juego”.

¿Nos ofendemos más que antes? ¿O simplemente ahora todo queda registrado? Para Moldavsky, “el humor está más vigilado que nunca”. No importa si se trata de un chiste sobre el mate o sobre la inflación: siempre hay alguien dispuesto a escandalizarse, muchas veces desde el anonimato. Pero también hay otra parte —menos ruidosa, más valiosa— que agradece la risa como una forma de alivio y de comprensión compartida.

Ambos coinciden en que vivimos tiempos de etiquetas rápidas: “Kuka” o “gorila”, “correcto” o “cancelado”. “Si te putean de los dos lados, vas bien”, recordaba Enrique Pinti, y tanto Moldavsky como Anacleta lo toman como mantra. Porque clasificar parece más urgente que entender, pero el humor siempre exige lo contrario: detenerse, mirar de nuevo, incomodarse un poco.

Entre risas, el episodio deja en claro que el humor no sólo sobrevive: se transforma, se adapta y resiste. El humor, dicen, no tiene por qué caer bien: tiene que hacer algo. En tiempos de etiquetas rápidas y ofensas inmediatas, esta conversación invita a recuperar el valor de la risa como espacio de encuentro, crítica y humanidad.

Este episodio de La Conversación ya está disponible en el canal de YouTube de Infobae. Nuevos episodios todos los jueves.

La Tiendita de los Horrores es una obra de teatro con una trama divertida, la cual mezcla diferentes géneros desde el humor con un poco de terror para contar la historia en un musical.

Infobae México estuvo presente en la puesta en escena del pasado sábado 26 de julio, donde disfrutó de esta maravillosa aventura. La obra se presenta en el Teatro Hidalgo, ubicado en la alcaldía Cuauhtémoc de la Ciudad de México.

Un elenco extraordinario compone esta obra de teatro. Chantal Andere como una de las protagonistas junto con Lorena D’ la Garza y Óscar Acosta.

También en esta lista se encuentra: Juan Fonsalido, Sergio Jurado, Jair Campos, Crisanta Gómez, Felipe Álvarez, Scarlett Chico, Enrique Maddox, Leonora Enríquez, Itzel Gaitán y Alexa Hidalgo.

Estos artistas, por poco más de hora y media, mostraron actuaciones sensacionales durante el escenario para poder atrapar al público, el cual mostró mucho entusiasmo, emoción, risas y demás.

La música e interacción no podía faltar, así como la disciplina y habilidades que contaba cada uno de ellos para poderle dar vida a esta historia, la cual se centra en una planta que desata el caos.

Un poco de humor negro y de horror son otras de las características que la historia cuenta.

La Tiendita de los Horrores se encuentra en sus últimas semanas de presentaciones, por lo que, antes de cerrar esta temporada, si todavía no has visto esta puesta dirigida por Ricardo Díaz, no te la puedes perder.

17 de agosto es la fecha límite para acudir al Teatro Hidalgo de la Ciudad de México y poder disfrutar de la obra.

¿De qué trata La Tiendita de los Horrores?

La Tiendita de los Horrores presenta una historia singular en torno a una planta carnívora y extraterrestre que pone en peligro a la humanidad.

Con una banda sonora inspirada en el rock & roll y un elenco con amplia experiencia, la obra ofrece una combinación de humor, tensión y una propuesta escénica distinta para el público.

La narrativa se centra en Seymour, un joven reservado que trabaja en una florería en dificultades económicas.

Todo cambia para él cuando encuentra una planta inusual, a la que denomina “Audrey II”, en homenaje a su colega y amor no declarado.

El camino de Seymour hacia la fama avanza de forma acelerada pero plantea riesgos considerables, ya que “Audrey II” tiene una naturaleza oculta: necesita alimentarse de sangre humana.

Entre los aspectos más importantes de la reforma, con esta se regulará el procedimiento disciplinario, se amplía la protección contra la discriminación de género y la creación del programa “cre-empleo”, un subsidio de hasta el 25% de un salario mínimo por seis meses para empleadores que generen nuevos puestos para mujeres, jóvenes y mayores de 50 años.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel

En otros cambios, desde el 1 de julio el recargo dominical y festivo para los trabajadores formales en Colombia es del 100%, también ratifica las disposiciones de una ley anterior con la que la semana laboral será de 42 horas con disminuciones graduales.

Estos y los demás puntos que incluye la reforma han provocado que en el país se mantenga un debate sobre los aspectos positivos y negativos de esta, lo que fue aprovechado por un reconocido humorista, que aprovechó los señalamientos contra el presidente para sumar una imitación al show.

Beneficios para los amantes

Cabe recordar que algunos opositores del Gobierno nacional han indicado que algunas de las propuestas que buscaba incluir el presidente Gustavo Petro en la reforma eran para tener un comportamiento populista y sumar seguidores para las elecciones del 2026.

En el fragmento de una de sus rutinas, el comediante oriundo del Huila Jhovany Ramírez, más conocido como Jhovanoty, se hizo viral por una imitación en la que afirmó que el mandatario está a punto de hacer que tener amante en el trabajo sea legal.

De manera sarcástica, el comediante indicó, imitando al presidente Gustavo Petro, que el Gobierno nacional debería garantizar que todos los colombianos puedan tener mozo o moza en el trabajo, cabe mencionar que esta palabra es utilizada en algunas ciudades del país para reemplazar el término amante.

“Vamos a legalizar las mozas en el trabajo. Vamos a tener la habitación mozera en todas las oficinas, que contará con Netflix, para ver diferentes series, en esa habitación habrá buen internet para que sigan siendo productivos”.

En su rutina, el huilense afirmó que no debe ser sorpresa que en sus próximas alocuciones el presidente afirme que diferentes comportamientos son “progresistas”.

“Sepa que si usted tiene mozo o moza en el trabajo, ya todos saben. Qué, cómo, qué. Pues vamos a legalizar las mozas en los trabajos. Todos tienen derecho a tener moza y mozo, en un gobierno progresista como el mío nadie los va a juzgar”.

De la misma forma, bromeó sobre una de las críticas más constantes contra el presidente, que es la forma con la que cambia de tema drásticamente en medio de sus pronunciamientos.

“Por eso los vamos a formalizar. Todos saben lo de los amantes. Por eso siempre creo en el amor eterno, el amor eterno que alguna vez Goku le profeso a su esposa. Sepan ustedes que Goku es progresista, era un libertario”.

Además de ser tendencia en redes sociales, en los comentarios de la publicación de Jhovanoty, algunos usuarios lo felicitaron por su imitación, mientras que otros se mostraron preocupados por tener que darle la razón a un comediante sobre los comportamientos que tiene el presidente en público.

“Insisto, usted lo hace muy bien, pero el verdadero lo sobrepasa“, ”Ahora hay que entender las matemáticas cuánticas y como favorecerán al pueblo resistente” y “Aunque es gracioso, lo que no es chistoso es que de verdad podría ser un discurso del presidente”, son algunos de los comentarios registrados hasta el momento.

Jorge Portilla, filósofo mexicano nacido en 1918 y fallecido en 1963, escribió uno de los ensayos más influyentes para entender algunos aspectos del comportamiento social en México, el cual se titula “Fenomenología del relajo”.

El texto, publicado originalmente en 1949, analiza el fenómeno del relajo como una actitud característica de la sociedad mexicana y propone una reflexión sobre su significado y sus implicaciones filosóficas.

El relajo, según Portilla, no es simplemente un sinónimo de diversión o esparcimiento, pues no sólo se trata de una broma o un chiste, sino de una forma de relacionarse con el mundo, la cual está marcada por la suspensión de reglas, límites y formas institucionalizadas.

El relajo según Portilla

Para el autor, el relajo evidencia una disposición a desestabilizar el orden, a relativizar las reglas y a subvertir la seriedad que imponen las convenciones sociales.

El relajo tiene como uno de sus núcleos la negación de los significados fijos y la burla hacia todo aquello que pretenda ser establecido o solemne. De acuerdo con Portilla, el relajo se distingue de otros fenómenos sociales como el juego, el chiste o la ironía.

Si en el primero existen reglas claras y todos los participantes las aceptan, en el relajo, por el contrario, esas reglas pueden romperse en cualquier momento. Mientras que la ironía puede implicar un distanciamiento crítico, en el relajo predomina una especie de desafecto hacia los significados y valores establecidos.

La fenomenología del relajo parte de la experiencia concreta de quienes participan en él. Portilla busca describir las estructuras esenciales de este fenómeno a partir de cómo se presenta en la vida cotidiana.

Sostiene que el relajo se observa en conversaciones informales, en celebraciones, en el trato con la autoridad y, en general, en la manera en que muchos mexicanos afrontan las dificultades. Desde su perspectiva, este fenómeno responde a una actitud existencial ante la adversidad, la injusticia o la imposibilidad de transformar la realidad de manera efectiva.

En su ensayo, Portilla recalca que el relajo funciona como una válvula de escape ante la opresión, la rigidez o el sinsentido percibido en la vida social. Permite sobrellevar situaciones adversas al recubrirlas de algo parecido a la liviandad, pero al mismo tiempo implica una crítica, una forma de desenmascarar las contradicciones de la vida cotidiana.

Además, resalta que en el relajo hay tanto resignación como rebeldía, pues se acepta que ciertas cosas no pueden cambiarse, pero también se les niega la solemnidad o el respeto absoluto, reduciéndolas a objeto de burla.

Portilla advierte que el relajo, lejos de ser neutral, puede tener consecuencias profundas. En algunos casos, ayuda a cuestionar la rigidez de las normas y a propiciar una visión más flexible e inclusiva de la vida social. Sin embargo, también puede convertirse en una trampa que impida la acción transformadora, porque todo lo relativiza y nada lo toma suficientemente en serio.

El filósofo expone que, cuando el relajo se vuelve habitual y extendido, corre el riesgo de erosionar la confianza en los ideales y en la posibilidad de construir significados compartidos.

Otra idea de Portilla es que el relajo puede ser síntoma de una cierta desconfianza hacia las autoridades o hacia cualquier forma de poder instituido. Al poner en duda cualquier palabra solemne y cualquier mandato, el relajo exhibe una distancia respecto al discurso oficial.

En este sentido, el relajo puede poner en jaque a la autoridad, pero también puede acabar siendo cómplice de la inercia social, dado que el escepticismo radical puede desembocar en apatía.

Portilla considera que la fenomenología del relajo toca problemas centrales de la cultura mexicana, como la relación con la autoridad, la prevalencia de la informalidad y el recurso constante a la broma como forma de convivencia y defensa.

El relajo, entonces, no es solo un rasgo anecdótico o pintoresco, sino una categoría filosófica que ayuda a poner en palabras fenómenos mucho más amplios: la dificultad para asumir compromisos sólidos, la inclinación a relativizar valores y la tendencia a evadir el conflicto directo.

La Banda de Teatro Los Macocos presenta ¡Chau, Macoco!, un espectáculo dirigido por Mariana Chaud, que marca el inicio de una serie de celebraciones por el 40.° aniversario del grupo teatral independiente. El estreno tendrá lugar el sábado 19 de julio, a las 20:30, en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín –Avenida Corrientes 1530, de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires–.

La propuesta, definida por sus creadores como un “viudrama”, se presenta como un biodrama apócrifo y atípico. Los Macocos exploran la reconstrucción de la épica de estos cuarenta años de trayectoria a través de una narrativa en la que las viudas de los integrantes del grupo se reúnen en un teatro para esparcir las cenizas de sus maridos. Ese encuentro, marcado por disputas económicas, ambiciones y engaños, sirve de excusa para repasar biografías y pasajes esenciales del colectivo teatral, desde sus orígenes hasta el presente, en el que se combinan elementos del humor y la exageración como sello distintivo.

El recorrido incluye una mirada documental sobre los integrantes, atravesando distintos momentos de la vida teatral y personal del grupo. Los Macocos proponen un juego entre memoria e invención, donde los recuerdos constituyen una versión posible de la historia común. La obra utiliza el humor característico del grupo para distorsionar y fantasear sobre el pasado, abordando la fragilidad de la memoria como parte vital del proceso colectivo.

La propuesta de Los Macocos no se limita al escenario. En el marco de estos festejos, el Centro Cultural Ricardo Rojas –Avenida Corrientes 2038, C. A. B. A.–, espacio clave en la historia del grupo, será sede de la muestra Colección Macocos, con fotos y objetos que repasan la trayectoria de estas cuatro décadas. La exposición, curada por Guadalupe Bervih y María Ana Tapia Sasot, abrirá al público el 20 de agosto, y se extenderá hasta el 10 de septiembre.

Paralelamente, se publica el libro Atlas Macocos, editado por EUDEBA y escrito por la doctora en Letras Laura Cilento, que documenta el itinerario del grupo. La inauguración de la muestra y la presentación del libro serán el miércoles 27 de agosto a las 18:30, en ese centro cultural.

Fundada en 1985 por Daniel Casablanca, Martín Salazar, Gabriel Wolf y Marcelo Xicarts, Los Macocos se formaron en la Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy UNA). El grupo intervino en múltiples circuitos teatrales, tanto comerciales como oficiales y alternativos, y acumuló veinte espectáculos en escena. Su trabajo, marcado por un humor singular y una visión sobre el presente, atrajo un público fiel que acompaña cada nueva producción.

Entre sus obras más reconocidas figuran La fabulosa historia de los inolvidables Marrapodi, Los Albornoz, Supercrisol, Androcles y el león, ¡Todo a la basura!, Don Juan de acá, Don Quijote de las Pampas, Maten a Hamlet, Continente viril y Fábula de la princesa Turandot. Algunas de sus producciones, como La fabulosa historia de los inolvidables Marrapodi, son materia de estudio en universidades nacionales e internacionales. Su trayectoria incluyó giras nacionales e internacionales, reconocimientos como los premios A.C.E., María Guerrero y Teatro del Mundo, y la participación en festivales internacionales en Barcelona, Washington y Rumania, entre otros destinos.

El estreno de ¡Chau, Macoco! inaugura una serie de actividades con las que Los Macocos celebran cuatro décadas de actividad teatral, apostando una vez más a un humor que cuestiona, reinventa y resignifica su propio recorrido.

Este montaje cuenta con la participación de Ariel Vaccaro y Paola Delgado en el diseño escenográfico, Analía Morales en vestuario, Eli Sirlin en iluminación, Francisco Toia como asistente de iluminación, Tomi Rodríguez en música original, diseño sonoro y arreglos musicales, Francisco Chiapparo a cargo de video, Luciana Acuña en coreografía y Jimena Morrone en asistencia de dirección y producción. La producción cuenta con el acompañamiento de Fundación Santander Argentina mediante el Régimen de Promoción Cultural (Mecenazgo) del Ministerio de Cultura porteño.

Las funciones se realizarán de miércoles a domingos, a las 20:30. Las entradas tendrán un valor de $17.000 y los días miércoles, $10.000. La obra cuenta con una duración de 90 minutos.

Fotos: Gentileza Departamento de Prensa CTBA.

La Comisión Permanente del Consejo de Gobierno del Poder Judicial (CGPJ) ha decidido esta semana archivar la queja que se presentó contra el juez Carlos Valle Muñoz-Torreo por sus polémicos comentarios en el curso del interrogatorio al humorista Héctor de Miguel, más conocido como Quequé, que fue investigado por un delito de odio que finalmente fue archivado por la Audiencia Provincial de Madrid.

El juez Valle, titular del Juzgado de instrucción número 38 de Madrid, instruyó una querella presentada por el colectivo ultracatólico Abogados Cristianos contra el humorista después de que este afirmase en uno de sus programas: “¡Abogados Cristianos! Toda esta gente que estamos aquí tenemos un deseo, que es llenar de dinamita la cruz del Valle de los Caídos y volarla por los aires. Si puede ser un domingo, mejor, para que vaya más gente”.

Quequé añadió a continuación: “Y luego lo que queremos hacer es coger todos los pedacitos que salgan de la Cruz del Valle de los Caídos y, de la misma manera que vosotros vais a las clínicas abortivas a acosar a las mujeres que van a abortar, nosotros iremos con esas piedrecitas a las puertas de las iglesias y los monasterios a tirárselas a los curas que se hayan follado a algún niño... O sea, a todos. Sí, igual nos faltan piedras. ¡Igual necesitamos volar también la Almudena!”.

El juez Valle procesó el pasado enero al cómico al considerar que sus palabras tenían una “naturaleza ofensiva” y no estaban amparadas por la libertad de expresión. Su interrogatorio a Quequé no estuvo exento de polémica al comparar Cuelgamuros con la plaza de Pedro Zerolo, en el barrio madrileño de Chueca, un lugar referencial de la lucha LGTBIQ+. “A ver si a usted le parece, aunque fuera en un programa de humor, que se dijera: ‘Vamos a ver si volamos la plaza de Pedro Zerolo y con las piedrecitas llegamos a un día, el Día del Orgullo, y se las tiramos a todos los que estén allí, homosexuales que hayan abusado de niños. Es decir, todos los homosexuales. ¿Qué le parecería a usted en esa situación? Incluso en un programa de humor ¿Puede entenderse que no tiene un sentido mendaz, ofensivo?”, planteó el juez.

Queja de la Fundación Pedro Zerolo

A raíz de la divulgación de los comentarios del juez, la Fundación Pedro Zerolo y la Plataforma Trans pidieron a la Fiscalía que actuase de oficio (ante un posible delito de odio), además de solicitar al CGPJ que valorase la apertura de un expediente disciplinado al juez Valle. Este martes, la Comisión Permanente se reunió y decidió el archivo de la queja. “Lo que ha hecho la Comisión Permanente es tomar conocimiento del acuerdo de archivo dictado por el promotor de la acción disciplinaria, que ha entendido que las palabras del juez Valle no tenían el ánimo de vejar al humorista, sino plantear una simple analogía”, explica un portavoz del CGPJ: El archivo ha salido adelante con seis votos a favor y dos en contra. Entre los votos a favor del archivo llama la atención el del vocal progresista Bernardo Fernández.

Al final, la Audiencia Provincial de Madrid decidió a principios de mayo archivar la causa abierta contra Quequé por sus comentarios sarcásticos en el programa ‘Hora Veintipico’. Los magistrados estimaron los recursos presentados tanto por el cómico como por la Fiscalía contra la resolución del juez Carlos Valle Muñoz-Torrero de procesar a De Miguel y ponerle a un paso del banquillo. La Audiencia dictaminó, en contra del criterio del juez Valle, que los comentarios de De Miguel “no son delito” ni “fomentan directa o indirectamente un clima de hostilidad al hecho religioso o a aquellos que practican la religión católica”.

Si algo maravilloso tiene internet es que puede conectar dos mundos aparentemente opuestos. Karol G, cantante colombiana internacional, con éxitos musicales como “Si antes te hubiera conocido”, hit del verano pasado que consiguió que toda la familia cantase a coro. Y Belén Esteban, la reina de la televisión de entretenimiento, una versión pop de la que, podría considerarse, la Lady Di española, desafiante y polémica.

Juntas conforman un unión explosiva para el público, que pudo verlas ayer en la Revuelta, el programa de la 1 presentado por David Broncano que desde principios de año se ha establecido como el principal competidor del Hormiguero, de Pablo Motos.

La colombiana se encontraba en nuestro país promocionando su nuevo álbum de estudio, Tropicoqueta, cuando de forma inesperada y para sorpresa de todos, apareció Belén, “la princesa del pueblo”, una habitual del programa que por nada del mundo se iba a perder la oportunidad de conocer a la cantante.

“Este crossover no se lo esperaba nadie”, bromeaba Grisson, músico y colaborador del programa, cuando la aparición estelar de Belén sumergió al Teatro Príncipe de Madrid en la euforia.

Belén Esteban, rendida ante Karol G

“David, te voy a decir una cosa. Yo a Karol G la quiero mucho”, explicó Belén desde el palco de invitados. “Gracias a mi hija Andrea he conocido su música y soy superfan”.

Primero fue Rosalía, ahora es Karol G. La celebrity española no deja de sorprendernos. Manteniéndose en el centro de la cultura pop, consume los mismos productos culturales que su hija y dice disfrutarlos como una auténtica fan.

Una mirada evolutiva a su carrera en televisión nos demuestra como el vínculo con su hija Andrea siempre ha sido uno de los pilares fundamentales de su vida. Algunas frases icónicas de su tiempo en Sálvame fueron: “yo por mi hija mato”, que aún perdura en el imaginario pop colectivo de la televisión de entretenimiento.

Ahora más que nunca se mantiene al frente de un fenómeno intercultural extraordinario donde sigue siendo conocida, tanto por los adultos como por los jóvenes, y en el que destaca por formar un dúo implacable con su compañera de plató María Patiño.

Pero no era solo Belén la que conocía a Karol. Para sorpresa de la reina del cotilleo, la cantante Colombiana estaba al tanto de la existencia de Belén, aunque nunca habían coincidido en un mismo espacio. “Es un personaje muy querido”, dijo la artista muy receptiva a los piropos de la celebrity sobre su música.

De esta manera, una vez más, el carismático acercamiento de Belén a la cantante levantó pasiones entre los asistentes haciendo de la ya maravillosa velada, un programa ecléctico, fortuito, lleno de humor e ironía al clásico estilo español donde la espontaneidad fue el eje vertebrador de las interacciones sociales.

Karol G responde a las icónicas preguntas del programa

La cantante no solo promocionó su álbum, sino que también se tuvo que enfrentar a las dos grandes preguntas que, de forma directa y sin tapujos, Broncano formula a todos sus asistentes: ¿Cuánto dinero tienes en el banco? ¿Cuántas relaciones sexuales has tenido en el último mes?

La artista colombiana, divertida por las preguntas, dio una respuesta muy sofisticada, sin revelar ningún dato que comprometiera su intimidad.

“Puedo vivir como cuatro vidas sin trabajar, solo con mis regalías”, explicó con elegancia.

En lo que se refiere al sexo hizo lo mismo: “hace 13 días que no veo a mi novio, pero en dos días nos vemos y somos muy buenos poniéndonos al día”, bromeó con desenvoltura.

Radiante y seductora, la Bichota, concluyó su participación en el programa regalando 300 entradas a los asistentes para su próximo tour. Además, como ya vienen haciendo otros artistas en programas anteriores, deleitó a los españoles con dos canciones en directo de su nuevo álbum. Con esta actuación llena de energía, cerró el programa dejando una huella imborrable y la promesa de un espectáculo que nadie querrá perderse.

“Desde mañana, 1 de julio 2025, Ediciones de la Flor dejará de publicar los libros de Quino, el emblemático autor de nuestro sello”. Con esta frase se inicia un sorpresivo posteo en la cuenta de Facebook de la editorial que desde hace más de 50 años publica la obra de Joaquín Salvador Lavado, el gran dibujante argentino que falleció en septiembre de 2020. Según pudo saber Infobae Cultura, Penguin Random House será el grupo editorial que publicará su obra.

“Lamentamos que, por decisión de sus sobrinos herederos, no podamos continuar cuidando su obra como lo hemos hecho desde que nos eligió como su casa, hace más de medio siglo. De todas formas, tenemos la certeza de que la historia mantendrá indisolublemente unidos nuestros nombres, como hasta ahora”, se completa el texto del sello que durante décadas fue liderado por Daniel Divinsky y Ana María “Kuki” Miller.

Este revés ocurre luego de una larga historia afectiva entre Quino y Ediciones de la Flor. En esta casa editorial está alojada su gran personaje, Mafalda, aquella niña que durante largas décadas supo gritar verdades ocultas y cotidianas.

“Nos invade una enorme tristeza”, le dice a Infobae Cultura Kuki Miller. “Me cuesta entender el motivo por el cual los sobrinos tomaron esta decisión. Más de una vez cuando hablábamos con Quino del tiempo que llevábamos publicándolo me decía: ‘En Argentina Ediciones de la Flor dejará de editarme cuando vos lo decidas’”, agrega.

El gran cambio se produjo con la prematura e inesperada muerte de Julieta Colombo, sobrino del artista, a quien él le legó de por vida el manejo de su obra. Tal es así que al morir Quino, el grupo editorial se acercó para mudar la obra de Quino y ella se negó. Pero ahora la situación cambió: “Eso impidió seguir respetando fielmente la voluntad de Quino en todos los aspectos derivados de su obra, como sí lo hizo ella durante los dos años y medio que lo sobrevivió”, cuenta Miller.

“Al morir Julieta, las decisiones quedaron en manos de los sobrinos, propietarios de toda la obra. Quiero creer que ellos no conocían realmente lo que su tío aceptaba o no hacer con su creación, dado que sí siempre estuvieron cerca afectiva pero no laboralmente”, agrega la editora.

Todo empezó en 1962, cuando el dibujante aceptó la propuesta del escritor Miguel Brascó para crear una historieta como publicidad encubierta. El objetivo era promocionar los electrodomésticos Mansfield de Siam Di Tella mediante una tira cómica en los diarios. Aunque presentaron el proyecto al diario Clarín, la idea fue rechazada porque la intención publicitaria se notaba demasiado.

A pesar del rechazo, Quino no abandonó la historieta. Decidió seguir mejorándola hasta que, en 1964, el director de la revista Primera Plana, Julián Delgado, aceptó publicarla. De esta forma, Mafalda comenzó a aparecer en el mundo de las historietas y a ganar sus primeros lectores.

Y en 1966 la historieta dio el salto de las revistas a los libros gracias a la editorial Jorge Alvarez, que publicó los primeros volúmenes. Ese sello también tenía una librería, que se ubicaba en Talcahuano 485. En aquel local se conocieron Daniel Divinsky y Quino, y se hicieron amigos.

Con el tiempo, Jorge Álvarez afrontó dificultades económicas y dejó de pagarles los derechos al artista. Tras la encrucijada legal, en 1970 Quino le propuso a Divinsky y a Miller publicar Mafalda a partir del número seis en Ediciones de la Flor. Este acuerdo impulsó tanto a la editorial como a la obra y comenzó una etapa en la que la línea entre la creatividad y la amistad se volvió cada vez menos clara.

“¿Sabés cuál fue la tirada de la primera publicación que hicimos nosotros? ¡200 mil ejemplares! Son cifras que ahora no existen, pero en ese momento volaban, duraban muy poco”, decía Kuki Miler en una entrevista con Infobae en el año 2019. “Es imposible calcular los millones de ejemplares que hemos hecho en estos cincuenta años”, agregaba.

Ahora, del otro lado del teléfono, cuenta que desde que anunciaron que Quino ya no estaría en Ediciones de la Flor, “no han de dejado de llegar mensajes de clientes, lectores y más lamentando profundamente que nos hayan separado de los libros de Quino. El golpe va más al corazón que lo que nos impacta el vacío de sus libros en el depósito”.

La risa es un lenguaje universal. Ya sea por broma o cordialidad, compartir la risa indica conexión. Pero no se trata de un gesto propio del ser humano, otras especies también comparten este rasgo. Investigaciones recientes revelaron que son más de 60 las especies animales que emiten sonidos similares a la carcajada humana.

Desde los primeros meses de vida, los seres humanos muestran una predisposición innata a sonreír y reír, incluso antes de comprender las complejidades sociales que los rodean. Estudios han demostrado que los bebés sonríen hacia el primer mes y comienzan a reír alrededor de los tres meses, lo que sugiere que la risa no depende de la experiencia social previa. Este carácter innato se refuerza con la observación de personas sordociegas, quienes, sin haber visto ni escuchado nunca una risa, también la experimentan de manera espontánea.

Pero la risa no es exclusiva de la especie humana. Según detalló la BBC, son al menos 65 las especies animales, entre ellas vacas, loros, perros, delfines y urracas, que emiten sonidos similares a la risa durante el juego o cuando reciben cosquillas. En simios y ratas, estos sonidos se producen en contextos lúdicos, lo que sugiere una función evolutiva compartida.

Las carcajadas de los simios al jugar podrían ser el origen evolutivo de la risa humana, diferenciándose del habla, que requiere un lenguaje complejo. La risa, en cambio, surge de manera instintiva y resulta contagiosa. Asimismo refuerza el sentimiento de pertenencia del grupo.

Los científicos consideran que la función social de la risa pudo haber surgido con el Homo ergaster hace aproximadamente dos millones de años, lo que facilita la cohesión grupal sin necesidad de lenguaje articulado. Esta hipótesis se apoya en la capacidad de la risa para generar vínculos y aliviar tensiones dentro de los grupos sociales, un rasgo que perdura y evoluciona hasta la actualidad.

La pregunta sobre qué nos provoca risa intrigó a la ciencia durante décadas. La gelotología, disciplina dedicada al estudio de la risa, propuso más de veinte teorías para explicar el humor, aunque no existe un consenso definitivo. No obstante, la mayoría de los modelos actuales coinciden en tres factores clave: la percepción de una violación de expectativas (incongruencia), la evaluación de esa violación como inofensiva y la simultaneidad de ambos procesos. El informe de BBC News Mundo explica que la risa aparece cuando algo desafía nuestras expectativas de forma repentina pero inofensiva, y lo procesamos de manera inmediata.

Un ejemplo clásico ilustra este mecanismo: si una persona tropieza con una cáscara de plátano y se levanta riendo, el cerebro registra la sorpresa y, al comprobar que no existe peligro, libera la tensión con una carcajada de alivio. Este proceso explica por qué un chiste sin sorpresa no resulta gracioso o por qué un accidente real no provoca risa, ya que la situación deja de ser inofensiva.

El humor, sin embargo, no es universal. Las diferencias culturales, personales y contextuales influyen profundamente en lo que cada individuo considera gracioso. Un mismo chiste puede provocar risa en una cultura, resultar ofensivo en otra o pasar desapercibido en un tercer contexto. Esta variabilidad subraya la complejidad del humor y la risa como fenómenos sociales y culturales.

Desde el punto de vista neurocientífico, el procesamiento del humor involucra múltiples regiones cerebrales. La corteza prefrontal dorsolateral detecta la incongruencia, mientras que la unión temporo-occipital evalúa si la situación es inofensiva. Una vez confirmada la ausencia de riesgo, se producen cambios en la sustancia gris periacueductal y se activa el circuito de recompensa. Así, libera el neurotransmisor dopamina. Este proceso culmina en la risa, que no solo es una respuesta emocional, sino también fisiológica.

No todas las risas son iguales. La risa emocional, ligada a un placer genuino, es innata y espontánea. Así se activan principalmente estructuras cerebrales asociadas a la recompensa emocional, como el núcleo accumbens y la amígdala. Por otro lado, la risa voluntaria se aprende y funciona como una herramienta social para imitar o reforzar vínculos emocionales, lo que depende de áreas cerebrales responsables de movimientos conscientes. Así, cada tipo de risa refleja mecanismos neuronales distintos: lo automático frente a lo social.

La edad también influye en la experiencia de la risa. Los jóvenes muestran una mayor activación en las zonas cerebrales vinculadas al placer emocional, lo que se traduce en una experiencia más intensa y primaria del humor. En los adultos, en cambio, predominan las áreas relacionadas con el procesamiento complejo, la reflexión asociativa y la memoria autobiográfica. Esto explica por qué los adultos tienden a preferir estilos de humor más complejos, como el sarcasmo, mientras que los jóvenes se inclinan por estímulos inmediatos, como el humor físico o absurdo.

Más allá de su dimensión emocional y social, la risa posee un potente efecto terapéutico. Cuando reímos, el sistema opioide endógeno se activa y promueve la liberación de neurotransmisores como la dopamina y la serotonina, sustancias claves para el bienestar psicológico y la reducción del estrés. Diversos estudios avalan la eficacia de la risa para mejorar la calidad de vida, especialmente en personas mayores, donde la frecuencia de la risa se asocia a un menor riesgo de discapacidad funcional.

La risoterapia, una técnica que utiliza la risa como herramienta terapéutica, demostró reducir los niveles de cortisol (hormona del estrés), aliviar la depresión y la ansiedad, mejorar la calidad del sueño e incluso aumentar la tolerancia al dolor. En el ámbito hospitalario, la presencia de payasos en procedimientos médicos con niños y adolescentes redujo significativamente la ansiedad, el dolor y el estrés.

La risa, por tanto, no solo transforma la biología y la mente, sino que también fortalece las relaciones sociales. El humorista Victor Borge resumió este poder al afirmar que la risa es la distancia más corta entre dos personas. La ciencia moderna, a través de la gelotología y la neurociencia, desentraña los misterios de este fenómeno. Al mismo tiempo que confirma su papel esencial en la salud y el bienestar social.

Santiago Segura es uno de los actores del cine español (familiar y de comedia) que mayor éxito ha tenido en la última década. Con icónicos títulos de humor como Torrente o Padre no hay más que uno, se ha consolidado como una de las figuras públicas más conocidas, presente en los programas de la televisión generalista y en la cotidianeidad cultural española.

Ahora, llega a los cines su nueva película. Se trata de la quinta y última entrega de Padre no hay más que uno, una saga que ha entretenido a cientos de familias en España y que ha sido reconocida en múltiples medios.

Una mina de oro

Es sin duda, como dice Cinemanía, el rey de la taquilla en España. Un análisis del dinero recaudado por sus anteriores películas, entre las que también se encuentran: A todo tren. Destino Asturias (2021) y Vacaciones de verano (2023), estima 9,5 millones de espectadores en los cines y un total aproximado de 50 millones de euros. Según las estadísticas, con el estreno de su nueva obra, esta cifra crecerá considerablemente en 2025.

La primera película de la saga se estrenó en agosto de 2019 como un remake de la comedia argentina Mamá se fue de viaje (2017), protagonizada por Diego Peretti. La película de Segura recaudó 13,7 millones de euros, lo que aseguró la grabación de una segunda parte.

En julio de 2020 se lanzó la secuela Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra, en un contexto complicado por las restricciones sanitarias derivadas de la pandemia de Covid-19. A pesar del difícil panorama para las salas de cine, la película logró una recaudación superior a los 11 millones de euros y atrajo a cerca de 1,9 millones de personas. Este notable desempeño la convirtió en el título más exitoso del año en taquilla, liderando tanto el listado nacional como el internacional.

El estreno de la tercera, Padre no hay más que uno 3, la consagración de la saga ya fue una realidad. Tuvo una recaudación impresionante: 2,6 millones de espectadores y 15,1 millones de euros de recaudación.

Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda (2024) concluyó su paso por los cines con una taquilla que alcanzó los 13,2 millones de euros y logró convocar a 2,1 millones de espectadores.

Padre no hay más que uno 5

La quinta entrega de la saga llegará a los cines el 26 de junio. Promete ser una experiencia familiar extraordinaria con risas aseguradas en la que todos los miembros de la familia se podrán sentir representados.

Además, es una manera de pasar tiempo de calidad y evitar el calor de la calle. Los cines resguardarán a las familias de la ola de calor ofreciéndoles una experiencia familiar y multicultural maravillosa.

Santiago Segura, por su parte, se compromete a dar un final digno a una saga que tantas sonrisas ha sacado a los espectadores.

La industria del entretenimiento global tiene grandes exponentes en cuanto a comedia, entre ellos destacan David Spade y Conan O’Brien. Ambos artistas compartieron recuerdos y anécdotas en una conversación emitida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, donde abordaron desde sus inicios en la industria hasta sus vivencias junto a figuras icónicas como Chris Farley y Norm Macdonald.

O’Brien, quien fue guionista en Saturday Night Live (SNL) durante los años 90, recordó cómo presenció la audición de Spade para el programa, un momento inusual en el que Lorne Michaels, creador y productor de SNL, pidió que se observara a los nuevos talentos.

“Recuerdo que al final hiciste tu imitación de Michael J. Fox y fue un éxito total. Lorne dijo: ‘Me gusta el chico de Michael J. Fox’”, relató el presentador del podcast.

Por su parte, Spade admitió que la llegada a SNL fue abrumadora, y que el entorno competitivo lo llevó a desarrollar una actitud sarcástica como mecanismo de defensa. “Era como estar en un lugar donde todos eran mejores que yo, y solo trataba de sobrevivir”, aseguró.

Inicios en SNL y el ambiente competitivo

El comediante explicó que sus primeros años en el show de SNL fueron complejos, debido a la dificultad de destacar en un elenco que incluía a talentos emergentes como Adam Sandler, Chris Farley, Chris Rock y Rob Schneider.

A propósito de la comparación con colegas, expresó: “Sandler despegó muy rápido, tenía muchos personajes y todo sucedía a gran velocidad. Yo solo era un comediante que podía escribir cosas graciosas, pero me tomó tiempo encontrar mi lugar”.

Spade también detalló que cada año debía esperar confirmación sobre su permanencia en el programa, lo que generaba incertidumbre y ansiedad. “Durante 6 años, cada temporada era una incógnita. No sabía si podría quedarme con mi apartamento en Nueva York”, recordó.

Desde el exterior se pensaba que los miembros de SNL eran celebridades consolidadas, pero la realidad era mucho más inestable. Sobre esto, O’Brien remarcó: “La gente ve a alguien en SNL y piensa que ya lo logró, pero por dentro uno siente que todo puede terminar en cualquier momento”.

Amistad y legado con Chris Farley

Uno de los momentos más emotivos de la charla se centró en Chris Farley, compañero cercano de Spade y figura clave en la historia del programa. O’Brien recordó la primera vez que lo vio, describiéndolo como “un cachorro lleno de energía”. La química entre Farley y Spade, según este último, surgió de forma natural y fue reconocida tanto por el equipo creativo como por el público.

“Creo que fue Lorne (Michaels) o los guionistas quienes vieron que teníamos algo especial juntos. Yo me burlaba de Chris, él se reía y así nació la dinámica”, relató el entrevistado. Ambos protagonizaron películas como Tommy Boy y Black Sheep, convertidas en referentes de la comedia estadounidense.

La muerte de Farley dejó una marca profunda en su entorno. Spade recordó que Farley no quería ser recordado como “el gordo gracioso”, sino como “el gracioso gordo”, una diferencia que reflejaba su deseo de que se valorara su talento más allá del aspecto físico. O’Brien destacó su entrega física en el escenario y lo comparó con John Belushi por su energía y capacidad atlética.

Valor de la camaradería y el humor en el espectáculo

Durante el episodio, ambos reflexionaron sobre la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en la industria del entretenimiento. O’Brien comentó que los funerales y homenajes a comediantes se transforman en espacios donde sus colegas intentan destacar con su humor. “Es un fenómeno extraño: cuando un comediante muere, sus amigos, que también son comediantes, sienten la presión de ser los más divertidos en el homenaje”, indicó.

Spade coincidió en que esos eventos, aunque tristes, también permiten recordar la alegría que sus compañeros aportaron. Sobre esto, mencionó: “A veces, cuando la tristeza es demasiada, simplemente salgo a despejarme”.

Durante la conversación también se mencionaron otros momentos destacados y colegas como Norm Macdonald, Dana Carvey, John Lovitz y Nikki Glaser, así como anécdotas sobre la vida cotidiana y referencias a la cultura pop estadounidense.

Actualidad y reconocimiento profesional

El capítulo concluyó con una mención a Dandy Line, el especial de David Spade disponible en Prime Video. O’Brien elogió el espectáculo, destacando su capacidad para improvisar y encontrar humor en situaciones espontáneas. Debido a esto, expresó: “Eres un comediante muy divertido, pero lo que más me gusta es cuando improvisas sobre algo que ocurre en el momento. Eres uno de mis favoritos en eso”.

Spade agradeció el comentario y compartió que, en sus presentaciones en vivo, los momentos improvisados suelen generar una mejor respuesta. “Siempre funciona mejor lo que surge en el momento, la gente lo aprecia más”, señaló.

La charla compartida por el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, ofreció así un retrato personal de dos figuras clave en la comedia estadounidense, subrayando la relevancia de la memoria, el humor y los lazos que persisten más allá del escenario.

Al igual que muchas familias estadounidenses que luchan por la unidad en un Estados Unidos polarizado, Los Simpson han decidido evitar los chistes políticos, declaró a AFP el creador de la serie, Matt Groening. A pesar del potencial para las historias y el humor, Groening descartó adentrarse en la tóxica política estadounidense para provocar risas.

“No hacemos humor político porque el humor político es muy limitado. Pasa de moda muy rápido”, declaró durante una entrevista en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, en los Alpes franceses. Producir una temporada de Los Simpson lleva al menos de seis a nueve meses, lo que aumenta el riesgo de que los chistes se vuelvan obsoletos, explicó Groening.

El programa, transmitido por la cadena estadounidense Fox TV y Disney Plus, ahora propietario de la serie, en ocasiones ha parecido predecir eventos reales, como la elección de Donald Trump, a la que se hizo referencia por primera vez en un episodio del año 2000. También ha presentado parodias de numerosos políticos, desde Bill Clinton hasta Barack Obama, George W. Bush y Arnold Schwarzenegger.

“Simplemente tenemos que ser fieles a nuestros personajes, a su espíritu y a sus relaciones. Y cuando se enfrentan a la tristeza del mundo, la gente se siente brevemente conectada con ellos”, declaró a la AFP el guionista y productor Matt Selman. A pesar de que Homero, Marge, Bart, Lisa y Maggie permanecen congelados en el tiempo desde su debut en 1989, los guionistas se han asegurado de que las tramas se adapten a los nuevos tiempos.

Un episodio reciente parodió la inteligencia artificial cuando se le pidió a un chatbot que escribiera el final. “En la trama de ese episodio, a la IA se le encomendó la tarea de escribir el final perfecto. Y, por supuesto, simplemente regurgitó y escupió todos los demás finales de las demás series de formas muy poco originales y absurdas que, por supuesto, serían terribles”, dijo Selman.

“Fue nuestro intento de contrarrestar a la IA, de oponernos a que la serie terminara alguna vez”. El entorno natural sigue siendo una rica fuente de inspiración, incluso en Los Simpson: La Película de 2007, donde se presentó un desastre causado por Homero que llevó a Springfield a quedar sellada bajo una cúpula gigante. “El entorno no se va a limpiar pronto”, añadió Groening.

Los Simpson: La Película recaudó 536,4 millones de dólares en todo el mundo, pero los creadores descartaron hacer una secuela, por el momento. “Todavía nos estamos recuperando de la primera película”, bromeó Groening. “Y la triste realidad es que no tenemos tiempo suficiente para hacer la serie y la película a menos que decidamos que queremos trabajar muy, muy duro”.

Los Simpson se han traducido a 26 idiomas y se han emitido en unos 100 países. El episodio número 800 se emitirá a principios de 2026.

Fuente: AFP

En uno de los momentos más tranquilos de su vida y disfrutando como nunca de su faceta de abuelo, Jorge Sanz no se ha querido perder este lunes la gala de los IV Premios Berlanga al Humor. Una cita en la que se ha reencontrado con numerosos compañeros como Antonio Resines, Adriana Torrebejano, Eva Soriano, o Toni Acosta, y en la que ha opinado sin filtros sobre la faceta de actriz teatral de Terelu Campos, revelando si la considera una "intrusa" en la profesión o si, por el contrario, estaría dispuesto a trabajar con ella en su próximo proyecto.

"Estoy viviendo una etapa muy bonita, soy abuelo ya. Tengo dos nietos, soy un señor respetable. Y aunque no lo parezca es maravilloso ser abuelo tan joven, yo lo disfruto mucho la verdad" nos ha contado, reconociendo que tras años volcado en su carrera cinematográfica ahora compagina a la perfección su profesión con su vida personal.

Asegurando que conoce a Terelu y que le parece "una cachonda", Jorge no ha dudado ni un segundo en responder con un "claro que sí, lo que haga falta" a que no importaría en absoluto trabajar con la hija de María Teresa Campos, dejando claro que él no la considera en absoluto una intrusa por su debut sobre los escenarios a los 59 años: "A ver, aquí estamos todos, no se sabe por qué, y yo no creo en el intrusismo. Yo creo que o te gusta y trabajas bien, y a gusto, y vienen los compañeros, o no. Y eso es la misma profesión a la que te acabas echando, si no sirve".

El video, compartido en la cuenta de la madre, muestra un intercambio tan espontáneo como hilarante. La escena comienza con una llamada inesperada a su expareja, sin una razón aparente. Desde el primer momento, la sorpresa del hombre es evidente: “Me asusta este llamado, ¿qué pasa?”, responde con un tono mezcla de desconcierto y sospecha.

Sin ofrecer demasiadas explicaciones, la mujer le pregunta qué está haciendo, a lo que él responde que está viendo un partido en su departamento. La conversación da un giro aún más peculiar cuando ella, con tono ambiguo, simplemente le desea "buenas noches". Ante la desconcertante situación, él lanza una frase que desata las carcajadas: “Estás borracha”.

El clip concluye con las carcajadas contagiosas de la madre y su hija, celebrando juntas el resultado de la broma. En ese sentido, muchos usuarios se unieron a las risas y destacaron la autenticidad del vínculo que se percibe entre los protagonistas, incluso después de la separación.

La publicación se volvió viral en TikTok, alcanzando cerca de 600.000 visualizaciones y sumando aproximadamente 35.000 “me gusta”. Asimismo, la Tana recibió cientos de comentarios por el humor y la pizca de locura compartida.

“Se puede sentir el terror en la voz del pobre hombre”, “Se dio cuenta que era una joda, ya la conoce”, “Tu carita dice que aún hay amor”, “Ella en el fondo si quería saber si quedaba algo ahí”, “Seguramente le alegraste la noche” y “La risa de la hija me dio años de vida”, son algunos de los mensajes de los usuarios.

Un joven, conocido en la plataforma como @mateoravasio, compartió una travesura que rápidamente superó el medio millón de reproducciones y sumó más de 85.000 “me gusta”.

El clip, que dura apenas unos segundos, muestra a un grupo de amigos viajando en auto. Todo parece transcurrir con normalidad, hasta que la cámara enfoca a uno de los pasajeros que está profundamente dormido en el asiento trasero. Es ahí donde comienza la estrategia.

De manera inesperada, los demás ocupantes del vehículo gritan como si estuvieran por chocar, simulando una situación de emergencia. Lo que sigue es una reacción digna de una comedia: el joven dormido abre la boca, los ojos desorbitados y pone cara de susto, completamente desorientado por el falso accidente.

Lo que más llamó la atención de los usuarios no fue tanto la broma, sino la forma en la que reaccionó el chico. Su expresión de terror auténtico, con la boca abierta como si estuviera a punto de gritar, se convirtió en el alma del video.

“Estaba paralizado, con mucho miedo, no se podía mover”, “No dale, no le hagas eso”, “¿Y el cinturón de seguridad?“, ”Necesito el sticker de esa reacción", “Para qué enemigos con esos amigos” y “De los mejores videos que vi en TikTok”, son algunos de los mensajes en la sección de comentarios de la publicación.

Aunque la mayoría de los comentarios fueron positivos y se centraron en lo gracioso del momento, algunos usuarios también señalaron los posibles riesgos de este tipo de bromas, especialmente si alguien se asusta fácilmente. Sin embargo, en este caso, todo quedó en una anécdota divertida entre amigos.

En esta nueva aventura, Mortadelo y Filemón reciben el encargo de luchar contra unas redes de distribución de narcotráfico, para lo cual el Súper dispone de información sobre algunas de las rocambolescas vías usadas por los traficantes, como el suministro a través de falsos cochecitos de bebés o el uso de instrumentos musicales.

El reto de los dos agentes, con la ayuda de Ofelia y el doctor Bacterio, será desarticular la banda de malhechores.

Con esta última y única joya inédita, Bruguera inicia 'Ibáñez mítico', una nueva colección comisariada por Jordi Canyissà, que recuperará obras fundamentales del historietista barcelonés acompañadas de aparato crítico y material extra.

El primer volumen de 'Ibáñez mítico' contempla un formato similar al de la colección 'Magos del humor' (21x29 cm, tapa dura cartoné) y contiene 64 páginas que incluyen la historia inédita y contenido extra.

Presenta, además, una sobrecubierta con acabados metalizados y, en el interior, sobre el cartoné, aparece impresa la cubierta original de la obra inédita, tal cual la concibió Ibáñez para su publicación.

'Hachís... ¡Salud!' no solo presenta una historia inédita, sino que también incluye guiones originales escaneados, materiales extra y un prólogo y notas detalladas que desvelan las claves del universo de Ibáñez.

Francisco Ibáñez siempre fue un cronista de su tiempo, reflejando en sus obras los debates y temas candentes de la sociedad, y en el caso de 'Hachís... ¡Salud!' aborda con humor el tema de la legalización de la marihuana, un debate de total actualidad en la España de 2014 y que se traslada a la actualidad.

Esta obra, aunque trata un tema aparentemente controvertido, lo hace de manera inofensiva y humorística, fiel al estilo de Ibáñez.

Este estilo le permitió reírse de la corrupción urbanística en 'El señor de los ladrillos' (2005), la crisis económica y la pérdida de empleos en '¡Por Isis, llegó la crisis!' (2009), los bajos salarios en 'Sueldecitos más bien bajitos...' (2016), el temor a los okupas en '¡Okupas!' (2002), los decretos antitabaco en 'Prohibido fumar' (2005), las tensiones entre partidos y la corrupción política en 'El Tesorero' (2015), o el dopaje en el deporte de élite en 'El dopaje... ¡qué potaje!' (2007). EFE

Que no hay nada que una madre no haría por sus hijos es una realidad.

En Barranquilla se vio a una mujer persiguiendo durante varias cuadras a un camión de basura para recuperar la tarea de su hijo, que dejaron secando en la entrada de la casa.

Así lo dio a conocer un conductor local, que grabó la persecución con su teléfono ea finales de mayo y la compartió en redes, al enterarse de qué se trataba.

Ahora puede seguirnos en Facebook y en nuestro WhatsApp Channel.

“No joda (risas) la señora puso a secar a la maqueta a las 4:00 de la mañana, ve, pa’ la tarea del hijo y paso el carro del aseo y se llevó esa vaina (risas) no, qué vaina buena que pasan en mi pueblo y ahí va, no joda”.

Luego de varias cuadras, finalmente, logró alcanzarlo en moto y, aprovechó una parada en la que recolectaban la basura, para explicarles a los trabajadores del aseo lo que había ocurrido.

Apurada por la hora en la que iniciaban las clases, tomó la maqueta y se dio vuelta para regresar a su casa, en donde el menor se llevaría una sorpresa, al ver que logró recuperar su trabajo.

“Es un acto de amor. Felicitaciones, mi señora, (es) una super mamá que se preocupa x la educación de su hijo. Admirable”, “Me da risa, pero me pongo en su lugar y no sé que habría hecho”, “Lo bueno es que hay evidencia de que sí se hizo la tarea”, se lee en algunas de las reacciones a la publicación del video, que se hizo viral.

Basureros a cielo abierto preocupan a la administración barranquillera:

Barranquilla enfrenta un desafío significativo relacionado con la gestión de residuos sólidos, ya que las autoridades locales han identificado 51 puntos críticos de acumulación de basura a cielo abierto durante el segundo semestre de 2024. Estos lugares representan un problema complejo que afecta tanto al medio ambiente como a la salud pública. Dina Luz Pardo, jefa de la Oficina de Servicios Públicos, destacó en entrevista con Caracol Radio la urgencia de implementar medidas efectivas para abordar esta problemática, que se ha convertido en una preocupación creciente para la ciudad.

De acuerdo con Pardo, muchos de estos basureros se encuentran cerca de las cajas estacionarias instaladas por la empresa Triple A para facilitar la recolección de desechos. Sin embargo, gran parte de la población opta por arrojar la basura fuera de estos contenedores, lo que agrava la situación. En declaraciones a Caracol Radio, la funcionaria explicó que esta conducta refleja la necesidad de estrategias integrales que incluyan tanto la gestión adecuada de residuos como la educación comunitaria.

La metodología utilizada para identificar estos puntos críticos se basa en el Plan de Gestión Integral de Residuos Sólidos, que permite localizar las áreas más afectadas por la acumulación irregular de basura. Pardo señaló como ejemplo el caso del barrio Lucero, específicamente en el sector de Ciledco, donde, a pesar de la instalación de una caja estacionaria solicitada por la comunidad, los desechos continúan siendo arrojados fuera del contenedor. “Tú vas a ese sector y encuentras que la gente bota la basura afuera de la caja”, afirmó.

Además de los problemas estéticos y ambientales, estos puntos críticos representan un riesgo significativo para la salud pública. Según detalló Pardo, en muchos de estos lugares se depositan animales muertos, y son frecuentados por habitantes de calle que buscan entre los desechos objetos o alimentos que puedan consumir. Estas condiciones también fomentan actividades como el consumo y la venta de drogas, lo que añade una dimensión social al problema. “Son problemáticas ambientales y sociales”, destacó la funcionaria.

Para enfrentar esta situación, Pardo destacó la importancia de trabajar en la educación continua de la comunidad, promoviendo el reciclaje y la disposición adecuada de los residuos. Según explicó, es fundamental que las personas cumplan con las normativas vigentes en materia de gestión de desechos sólidos para reducir el impacto negativo en la ciudad.

En este contexto, la Alcaldía de Barranquilla, en colaboración con la empresa Triple A, lleva a cabo jornadas periódicas de limpieza en los puntos más afectados. Estas acciones buscan no solo eliminar la basura acumulada, sino también generar conciencia en las comunidades sobre la importancia de mantener los espacios públicos libres de desechos. Según informó Pardo, estas iniciativas forman parte de un esfuerzo conjunto para abordar el problema desde múltiples frentes, combinando medidas operativas con campañas de sensibilización ciudadana.

Ya sea que lo conocieras inicialmente como uno de los “Two Wild and Crazy Guys” en Saturday Night Live o como uno de los pódcasters investigadores en Only Murders in the Building, es probable que hayas visto de alguna forma el talento cómico de Steve Martin en pantalla.

Sin embargo, lo que las audiencias más jóvenes quizá no aprecien es la profundidad de Martin como escritor de humor, con un repertorio de obras escritas que se remonta a varias décadas. Steve Martin Writes the Written Word es una colección, acertadamente titulada, y una excelente introducción a los mejores escritos del comediante, que incluye también material nuevo.

El libro destaca la versatilidad de Martin como escritor, especialmente al incluir su novela debut de 2000, Shopgirl. En ese libro, Martin utiliza un humor sutil para describir el desamor y la soledad que experimentan sus personajes, independientemente de su edad.

El libro también incluye selecciones publicadas previamente en su columna Shouts & Murmurs de The New Yorker. Es muy apropiado que sus mejores obras breves en esta colección se centren en la escritura y la palabra escrita, incluyendo una pieza narrada desde la perspectiva de las propias palabras.

En otra pieza, convierte una lista de los 100 mejores libros que ha leído en algo desternillante con títulos ficticios como Tortilla: Olga — Dispositivos mnemotécnicos para recordar los nombres de meseras y Marihuana: Totalmente inofensiva (no recuerdo el autor).

Algunas piezas pueden no resonar con audiencias más jóvenes, como una titulada El error del Y3K que se basa en la histeria del Y2K previa al año 2000. Pero la colección en su conjunto demuestra un carácter atemporal en el humor de Martin que ayuda a explicar su éxito duradero.

Quién es Steve Martin

Steve Martin, nacido en Texas en 1945, es un actor estadounidense que ha dejado una huella indeleble en la comedia cinematográfica. Comenzó su carrera en los años 60 como guionista y comediante en programas de televisión como The Smothers Brothers Comedy Hour, obteniendo reconocimiento por su humor peculiar y creativo. Su estilo y su habilidad para combinar el absurdo con el entretenimiento lo llevaron rápidamente a la gran pantalla.

En las décadas de los 70 y 80, Martin se convirtió en una de las principales figuras de la comedia en Hollywood, protagonizando películas icónicas como El tonto (1979) y Mejor solo que mal acompañado (1987). Su capacidad para interpretar personajes únicos y su enfoque innovador le aseguraron un lugar en el corazón del público y la crítica. Además, su obra en teatro y sus colaboraciones en el mundo de la música subrayaron su versatilidad y amor por las artes.

Además de su éxito cinematográfico, Martin es un autor prolífico y un reconocido músico. Ha escrito varias novelas y memorias aclamadas, como An Object of Beauty y Born Standing Up”, mostrando su talento narrativo y su ingenio característico. Como músico, destaca su habilidad con el banjo, lo cual le ha permitido ganar premios Grammy. La combinación de estos talentos demuestra el alcance de su influencia en la cultura pop y su constante evolución como artista polifacético.

Fuente: AP

Mientras se acerca al mostrador para mostrar su pasaje, el protagonista del clip se percata del tamaño poco habitual del boleto para abordar. La escena genera desconcierto entre los presentes, quienes no pueden evitar reír ante lo inusitado de la situación, desafiando la rutina organizada del aeropuerto.

Según lo observado en TikTok, la música utilizada intensifica el efecto cómico al sugerir solemnidad mientras se presenta una escena claramente absurda. La combinación de estos elementos visuales y sonoros refuerza el impacto emocional del video.

Pese a la broma, el empleado del aeropuerto pudo escanear el código correctamente y la inocente víctima de sus amigos pudo pasar sin problemas para subir al avión. “Lo mejor es que si funcionó”, escribió el creador del video.

Aunque la escena parece espontánea, requiere una planificación meticulosa. La impresión de un pasaje de tamaño exagerado implica una preparación previa, además de la coordinación entre quienes participan en la entrega y quienes graban la reacción, quienes no pudieron contener las carcajadas.

El video, que rápidamente se viralizó en TikTok, ha acumulado más de 28 millones de reproducciones y alrededor de dos millones de “me gusta”. Asimismo, los usuarios compartieron sus reacciones en la sección de comentarios.

“El se rió, los amigos se rieron, el que escanea se rió, todos nos reímos. Broma 10/10″, “Estaba abriendo el mapa para llegar al avión”, “Cada vez que desdoblaba la hoja se avergonzaba más”, “Lo escanean con el láser de la torre de control” y “Ese boleto ya paga pasaje”, son algunos de los mensajes.

El incidente comenzó cuando la joven asumió la responsabilidad de lidiar con el mal funcionamiento del servicio de internet de su hogar.

Como parte del proceso de revisión, un técnico de la empresa de internet solicitó de manera clara una fotografía de la ubicación del módem y un video que mostrara las luces del equipo, para determinar si algo estaba obstruyendo la señal.

Sin embargo, en un malentendido que rápidamente captó la atención del público, la joven interpretó mal las instrucciones dadas por el técnico. Completó con éxito la tarea de enviar la fotografía del módem, pero cuando llegó el momento de grabar las luces, filmó las del techo de su habitación en lugar de las del dispositivo de internet.

Este lapsus provocó una simpática aclaración por parte del técnico, quien le explicó con calma y paciencia que el video requerido debía enfocarse en las luces del módem, no en la iluminación general de la habitación.

Este episodio de confusión se convierte en un caso perfecto de cómo la tecnología, incluso en situaciones de reparación, puede llevar a interacciones cómicas y, en este caso, a la creación de contenido viral que resonó con muchos en las redes sociales.

La hermana de la protagonista publicó el hilarante episodio en TikTok, uniendo el texto: “Nos andaba mal el WiFi y mi hermana, que no se saca un turno ella sola, se hizo cargo. Vale cada segundo”, capturando la esencia del momento que rápidamente resonó con miles de usuarios.

La publicación no tardó en ganar popularidad, superando los 10.000 likes y atrayendo más de 100.000 reproducciones en un corto período de tiempo. La simplicidad y la autenticidad del error cometido conectaron con una amplia audiencia, generando una atmósfera de simpatía y risas alrededor del incidente.

Una de las respuestas más comunes fue el humor compartido, con muchos usuarios destacando lo hilarante del momento. “Yo creo que el chico se rió por media hora y después sí le mandó el último audio”, mencionó una usuaria, señalando la paciencia y posible diversión del técnico tras la confusión.

Otros comentarios hicieron referencia a personajes populares de la televisión, como una usuaria que sugirió: “Paola Argento estaría orgullosa de ella jajajaja”, conectando el episodio con el personaje cómico de una serie de televisión.

Luego de que le preguntaran cómo suele ir al banco, comienza a caminar lentamente, encorvado, con expresión de dolor, como si cada paso le costara demasiado.

El video no muestra una trampa maliciosa, sino un gesto que para muchos fue simplemente una muestra de viveza criolla. “Hola, ¿qué tal? Buen día, ¿qué novedades hay?“, dice durante su actuación, mientras se escuchan risas de fondo.

La transformación fue tan evidente que el video se viralizó, acumulando más de 4,2 millones de reproducciones y generó más de 10.000 comentarios en cuestión de días.

Las reacciones no tardaron en explotar. Comentarios como “estos abuelitos ya no son confiables jajajaja” o “le dijiste que camine normal y por poco sale corriendo” reflejan la mezcla de sorpresa, humor y ternura que despertó la escena. Muchos usuarios destacaron el talento actoral del protagonista y no dudaron en bromear con que merece un premio Oscar por su interpretación improvisada.

Además, el clip abrió un pequeño debate: ¿cómo percibimos a los adultos mayores? Muchas veces se los asocia con fragilidad, lentitud o dependencia, pero este abuelo rompió ese molde con una actuación que descolocó a todos. Lejos de la imagen pasiva, mostró iniciativa, astucia y sentido del humor.

Familiares y amigos han despedido este miércoles a Mariano Ozores en la capilla ardiente que se ha instalado en el Tanatorio de la Paz (Madrid), para despedir al cineasta que, tal y como ha desvelado su hija Teresa Ozores, ha fallecido "dormidito y sin enterarse de nada" y al que han calificado como un hombre "cachondo y maravilloso".

"Ha fallecido tranquilo, dormidito, no se ha enterado de nada. Con lo cual, pues le doy gracias a Dios, porque es una manera bastante buena de morir. Y ya eran casi 99 años", ha afirmado Teresa Ozores a los medios de comunicación congregados en el Tanatorio La Paz de Madrid.

Las primeras en acudir al Tanatorio alrededor de las 17.00 horas han sido su hija Teresa Azores y su sobrina Emma Ozores, quienes se han fundido en un abrazo en cuanto se han visto. Teresa Ozores ha desvelado que su padre ha fallecido tranquilo mientras dormía y ha recordado que era "una gran persona, muy divertido y muy ingenioso" y ha elogiado los "valores" que le inculcó. "No se ha enterado de nada, con lo cual, le doy gracias a Dios porque es una manera bastante buena de morir. Y ya eran casi 99 años", ha reconocido.

"Ha tenido una vida muy llena, con mucho cariño, ha conocido a sus bisnietos, ha tenido el cariño del público y de todos nosotros que le adorábamos", ha manifestado. Además, se ha deshecho en elogios hacia su padre, "la persona más buena del mundo, la más honrada y la más honesta" "Y eso es un orgullo mayor que el que haya sido alguien en el cine, que también lo ha sido. Denostado muchas veces por la crítica, pero el público lo adora siempre y con eso me quedo", ha asegurado.

Por su parte, su sobrina, la actriz Emma Ozores ha destacado que le parecía "impresionante" ver cómo trabajaba su tío porque "daba todas las herramientas para que el trabajo saliese lo mejor posible".

"Me quedo con el cariño de la gente, que creo que es lo más importante en estos momentos, que es lo que te puedes llevar en el alma y no lo que dejas material sino lo que te enriquece como persona. Él ha podido hacer feliz a mucha gente y doy las gracias desde aquí a toda esa gente y también a vosotros porque siempre habéis apoyado", ha afirmado la actriz antes de emocionarse.

En torno a las 18.00 horas ha llegado Manuel Velasco, hijo de Concha Velasco, que ha recordado que "la gran mayoría" de las películas que protagonizó su madre fueron dirigidas por Mariano Ozores, un cineasta "maravilloso" y una persona "estupenda". "Toda mi familia le quiere muchísimo y le debemos mucho. Es un día de pena, pero también de agradecimiento a la carrera de un cineasta maravilloso", ha indicado.

"Tengo recuerdos muy bonitos porque los Ozores y los Velasco son dos familias que han estado siempre muy unidas, entonces todos los recuerdos que tiene mi madre con Mariano, con Antonio, con Emma, con Adriana son siempre recuerdos muy divertidos y muy bellos", ha afirmado.

Pasados unos minutos de las 18.00 ha llegado el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco, que ha enfatizado el humor y la comedia que desarrolló el cineasta en sus películas. "La familia Ozores es una familia de artistas, una familia de profundísimo talento y que viene de esa saga que él inicia siendo patrimonio cultural, siendo un artífice de nuestro patrimonio, pero también de nuestra industria cinematográfica. Con lo cual, es una gran pérdida, pero su legado va a quedar siempre presente entre nosotros y seguro que es bueno para las generaciones venideras", ha comentado.

El cuerpo de Mariano Ozores será incinerado este jueves en el mismo Tanatorio, en una ceremonia privada. Ozores cosechó un total de 96 películas que vieron alrededor de 90 millones de personas y, aunque la crítica nunca estuvo de su lado, al cineasta madrileño lo único que le importó siempre fue conectar con el público.

SEGUNDO DIRECTOR EN ESPAÑA CON MÁS PELÍCULAS A SU NOMBRE

Nacido en Madrid en 1923, fue el segundo hijo de Luisa Puchol y Mariano Ozores, actores de teatro. A los 17 años comenzó a trabajar en la compañía teatral de sus padres, haciendo de tramoyista, ayudante, apuntador o representante cuando hacía falta e intentaría también seguir el camino de su familia e iniciarse en la interpretación, pero a diferencia de sus hermanos Antonio y José Luis Ozores, este no era el campo en el que Mariano se sentía más cómodo.

La profesión de sus padres hizo que Ozores conviviera con las risas del público desde joven, despertando en él una gran curiosidad acerca de cómo conseguirlas. Así, comenzaría a encaminar sus pasos a la escritura: "Soy autodidacta. Ir de teatro en teatro, visitando pueblos y ciudades, me hizo ver como el público se reía, de qué se reía y cómo lo hacía".

A partir de 1952 se aventura en el cine cuando es contratado por Benito Perojo para escribir el guion de 'Ché, que loco'. Durante casi una década entera trabajó en la productora de Perojo de la mano de Alfonso Paso con quien escribe Los amantes del desierto, Susana y yo y La noche y el alba, entre otras.

Coincide además con el inicio de las emisiones de TVE, donde llega ser nombrado director de programación, presentando y dirigiendo series, documentales y programas como 'Aeropuerto Telefunken', en 1959. Su debut como director de cine llega ese mismo año con Las dos y media y veneno, protagonizada por sus dos hermanos y su cuñada Elisa Montes.

Trabajador incansable, Mariano Ozores tiene agenciado el título del segundo director en España con más películas a su nombre, 96 en total, todas ellas encargadas por productoras que buscaban la rentabilidad de sus películas.

Solo en 1982 llegó a rodar un total de seis cintas: 'Padre no hay más que dos',' Cristobal Colón de oficio descubridor', 'El primer divorcio', Todos al suelo', 'El hijo del cura' y '¡Qué vienen los socialistas!'.

Durante cinco décadas trabajó con los actores más famosos de cada época. Además de sus hermanos José Luis y Antonio, Mariano Ozores hizo películas con José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Concha Velasco, Lina Morgan, Gracita Morales, Florinda Chico, Manolo Escobar, José Sacristán. Junto a al productor José María Reyzabal, vio el potencial que podían tener Fernando Esteso y Andrés Pajares como dúo cómico.

Coincidiendo con "el destape", se formó un trío imparable que comenzó con el éxito de 'Los bingueros' en 1979 y que llegó a conseguir más de un millón de espectadores por cada una de las nueve películas que hicieron juntos. Incluso su tercera colaboración, 'Yo hice a Roque III' consiguió que retrasasen dos semanas el estreno de 'El Imperio contraataca' en España porque la distribuidora sabía que la película de Irvin Kershner no podría competir contra el trío.

Fue uno de los primeros nombres en formar parte de la Academia de Cine- su número de carnet es el 18- y en 2016 se le concedió el Goya de Honor, galardón con el que recordó a todos los actores con los que había trabajado y, en especial, a sus dos hermanos. Estuvo acompañado de sus sobrinas las actrices Adriana y Emma Ozores, y en su discurso de agradecimiento también le hizo una dedicatoria a, "ese ente misterioso al que se lo debo todo, el público, el respetable público".

Uno de los directores más prolíficos de la historia del cine español, Ozores se convirtió en un experto en provocar la risa de los españoles, con un total de 96 películas que vieron alrededor de 90 millones de personas. EFE

Uno de los directores más prolíficos de la historia del cine español, Ozores se convirtió en un experto en provocar la risa de los españoles, con un total de 96 películas que vieron alrededor de 90 millones de personas.

"Soy autodidacta. Ir de teatro en teatro, visitando pueblos y ciudades, me hizo ver como el público se reía, de qué se reía y cómo lo hacía", dijo en sus memorias el cineasta, Goya de Honor en 2016 y miembro de una familia dedicada a la actuación, entre ellos su hermano Antonio Ozores.

Nacido en Madrid en 1923, fue el segundo hijo de Luisa Puchol y Mariano Ozores, actores de teatro. A los 17 años comenzó a trabajar en la compañía teatral de sus padres, haciendo de tramoyista, ayudante, apuntador o representante cuando hacía falta. EFE

El encuentro fue uno de los más trascendentales de la temporada para ambos equipos. El Barcelona necesitaba ganar para asegurar prácticamente el título liguero, mientras que el conjunto madrileño buscaba mantener vivas sus opciones en la recta final. Las emociones estaban al límite, y eso quedó reflejado en el lenguaje del aficionado retratado en el video.

La protagonista es la tiktoker @cristinagarciaespona, quien compartió un video donde muestra un cuaderno con una lista de frases típicas del lenguaje futbolero.

A medida que avanzaban los minutos del encuentro, Cristina iba tachando cada expresión que efectivamente pronunciaba su pareja.

El primero en aparecer fue el clásico “¡Vamos!”, gritado tras el gol de penal de Kylian Mbappé. Luego vinieron otras como “eso es fuera de juego”, “coño”, “madre mía” y “qué malo eres”, reflejando la tensión del partido y la frustración del aficionado madridista.

Frases como “abre”, utilizada para pedir que el balón se juegue hacia los costados, y “me cago en los muertos”, una expresión muy común en el habla coloquial española, también se confirmaron.

Finalmente, la palabra “robo” fue la última en ser dicha por su pareja, y con ella, la usuaria completó todas las casillas de su particular bingo futbolero.

El video se volvió viral: superó el millón de reproducciones y los 50,000 me gusta. Asimismo, la publicación generó empatía entre los usuarios, especialmente entre quienes comparten los partidos con familiares o parejas que viven el fútbol con intensidad.

Uno de los comentarios más destacados decía: “Mi padre, mi hermano y mi novio dicen exactamente lo mismo”, mientras que otro señalaba: “Este bingo es igual al que podría hacer con mi marido”.

Madrid, 15 may (EFE).- El español Juan Dávila pasó de salir a la calle para pedir a gritos que la gente fuera a ver su espectáculo a vender en pocos minutos miles de localidades a personas deseosas de verlo. 'La senda del pecado' es un documental que cuenta este viaje de la nada al todo: "la fórmula Juan Dávila".

Dirigido por Alberto Utrera, el audiovisual se estrena este jueves en España y la expectación es alta: muchísima gente conoce y admira al artista (tiene más de cinco millones de seguidores en redes sociales), pero no mucha conoce al Juan Dávila que había antes del de ahora.

En una entrevista a EFE, el cómico (Madrid, 1978) reconoce que él mismo no sabe verbalizar la clave de su éxito, a pesar de que ha pensado mucho en ello.

"Si hubiera una fórmula, la repetiríamos todo el tiempo. ¿Es la improvisación con el público? Todo el mundo lo hace, y eso no es. No sé. Se han juntado muchas cosas", reflexiona.

Y prosigue: "Está también lo de los límites del humor... Muchas personas enfermas vienen a mi 'show' y yo las trato como a las demás, lo he hecho siempre. Supongo que esto, amplificado por las redes sociales, ha despertado todo".

Y sobre los límites del humor, el director Utrera responde. "Hace poco (Juan Dávila) hizo una broma en un espacio televisivo y se montó revuelo... Resulta que una de las personas que más se alarmó dijo después que a él, en realidad, le gustaba Juan. Es flipante". Eso es "la fórmula Juan Dávila".

Los videos en redes sociales con fragmentos de su espectáculo 'La capital del pecado' son virales. Uno con los hermanos Iñaki y Nico Williams, futbolistas del club español Athletic de Bilbao, de raza negra; otro con una mujer con discapacidad; otro con una persona con movilidad reducida... En todos, una relación al límite con lo políticamente correcto.

Dávila atraviesa un campo de minas. O no, en su opinión. "Las minas estaban al principio -asegura-, pero ahora, con tanta repercusión, poca gente públicamente, a lo mejor un cargo político o televisivo, critica. Les parece bien. Tienen la validación de millones de personas".

Las personas que, por ejemplo, llenarán el pabellón Movistar Arena de Madrid en enero de 2026 para verlo, un recinto con capacidad máxima de 15.500 espectadores para espectáculos como conciertos.

Y el documental de Utrera sobre el cómico cuenta el éxito, pero también el fracaso. Porque la vida de Juan Dávila, hasta triunfar, fue un camino lleno de fracasos y de muchos 'noes'.

Porque en procesos de selección de personal para películas y series, una y otra vez la respuesta fue 'no'.

"Llegas a un grado de desesperación tal que piensas que no es racional. Me han llegado a decir 'no' incluso después de haberme escogido para una película e ir al ensayo de la primera escena", lamenta.

Y ahora, apunta Dávila, que va a cumplir 20 años desde que empezó a hacer comedia, el documental que se estrena es "interesante". ¿Por qué? "Porque muestra -responde- todo el curro (trabajo) que hay detrás" de su carrera. EFE

(foto) (vídeo)

Cuando comienza un nuevo año, muchas personas se proponen llevar una vida más sana, lo que incluye hacer más ejercicio. Por eso los gimnasios se llenan de nuevos miembros contantemente. Sin embargo, a medida que pasan los meses, no todos mantienen la constancia, y empiezan a faltar más, ya que cambiar a un estilo de vida más saludable requiere tiempo y esfuerzo.

En este contexto de búsqueda de una vida más saludable, suele haber momentos peculiares que llaman la atención, tal como lo evidencia un video que recientemente se ha vuelto viral. En él, se observa a un grupo de cuatro mujeres compartiendo un pastel dentro del gimnasio.

Fue un usuario de TikTok (@andressanchez_official) quien decidió compartir este insólito momento, capturando la escena durante su visita al gimnasio. En el video, las mujeres lucen felices y risueñas, disfrutando de lo que parece una pequeña celebración.

Este particular evento capturado en video resonó rápidamente en las redes sociales, acumulando miles de reproducciones en TikTok. La comunidad online no tardó en reaccionar, y los comentarios se sucedieron, mayoritariamente con una dosis de humor.

Algunos usuarios señalaron que no es raro ver celebraciones de fechas especiales, como cumpleaños o aniversarios, dentro de los gimnasios. Expresiones como “Para que la culpa sea comunitaria JAJAJAJA” o “Así voy a celebrar mi primer mes en el gym”, ejemplifican el tono irónico que predomina entre los comentarios.

Además, hubo quienes indicaron que tal acción simboliza una percepción más relajada sobre la alimentación, reconociendo que disfrutar de la comida es parte de una vida equilibrada y saludable.

El incidente anecdótico de las mujeres comiendo pastel en el gimnasio genera una interesante discusión sobre la cultura del bienestar y el equilibrio. En la sociedad actual, existe una creciente conciencia sobre la importancia de mantener un estilo de vida saludable que no solo quiere decir asistir al gimnasio, sino también disfrutar de la vida.

El video subrayó una perspectiva sobria y equilibrada hacia la nutrición y el ejercicio: reconocer que ocasiones especiales, como los cumpleaños, son momentos que pueden ser celebrados incluso en espacios que normalmente no se asocia con el consumo de alimentos indulgentes.

Madrid, 15 may (EFE).- Juan Dávila pasó de salir a la calle para pedir a gritos que la gente fuera a ver su espectáculo a vender en pocos minutos miles de localidades a miles personas deseosas de ver su espectáculo. 'La senda del pecado' es un documental que cuenta este viaje de la nada al todo: "la fórmula Juan Dávila".

Dirigido por Alberto Utrera, el documental se estrenará este jueves y la expectación es alta: muchísima gente conoce y admira a Juan Dávila (tiene más de cinco millones de seguidores en redes sociales), pero no mucha gente conoce al Juan Dávila que estaba antes del de ahora.

En una entrevista a EFE, el cómico (Madrid, 1978) reconoce que él mismo no sabe verbalizar la clave de su éxito a pesar de que ha pensado mucho en ello.

"Si hubiera una fórmula, la repetiríamos todo el tiempo. ¿Es la improvisación con el público? Todo el mundo lo hace, y eso no es. No sé. Se han juntado muchas cosas. Está también lo de los límites del humor... Muchas personas enfermas vienen a mi 'show' y yo las trato como a las demás, lo he hecho siempre. Supongo que esto, amplificado por las redes sociales, ha despertado todo", reflexiona.

¿Límites del humor? Utrera interviene. "Hace poco hizo una broma en un espacio televisivo y se montó revuelo... Resulta que una de las personas que más se alarmó dijo después que a él en realidad le gustaba Juan. Es flipante. ¿Te ofende o no te ofende, o se trata de una corriente a la que te subes? Hay una fórmula, sí: 'la fórmula Juan Dávila'".

Los videos en redes sociales con fragmentos de su espectáculo 'La capital del pecado' son virales. Uno con los hermanos Iñaki y Nico Williams, futbolistas del Athletic de raza negra; otro con una mujer con discapacidad; otro con una persona con movilidad reducida... En todos, una relación al límite con lo políticamente correcto.

Dávila está atravesando un campo de minas. O no, en su opinión. "Las minas estaban al principio -afirma-, pero ahora, con tanta repercusión, poca gente, públicamente, a lo mejor un cargo político o televisivo, critica. Les parece bien. Tienen la validación de millones de personas".

Las personas que, por ejemplo, llenarán el Movistar Arena de Madrid en enero de 2026.

El documental de Utrera cuenta el éxito, pero también el fracaso. Porque la vida de Juan Dávila, hasta el éxito, fue un camino lleno de fracasos y de muchos 'noes'.

Porque en 'castings' para películas y series una y otra vez la respuesta fue 'no'.

"Llegas a un grado de desesperación tal que piensas que no es racional. Me han llegado a decir 'no' incluso después de haberme cogido para una película e ir al ensayo de la primera escena", añade.

Ahora vive Dávila en un 'sí' enorme, a lo que se refiere Utrera. "Las puertas del éxito y del fracaso están al lado y no tienen cartel. Lo que a Juan le pasó es que se alinearon los astros; sí, porque en esta profesión hay que tener suerte, pero sobre todo es la consecuencia de los diez años que ha estado tirando, empujando, empujando... Ha sido así siempre".

Un tipo, apunta el cineasta acto seguido, que ha llegado a ir a un 'casting' con el talón de aquiles roto, en silla de ruedas, o que ha llegado a hacer un show entero a pesar de un apagón, equipado solo con una linterna.

Apunta Dávila: "Ahora que voy a cumplir 20 años desde que empecé a hacer comedia, el documental es interesante".

¿Por qué? "Porque muestra todo el curro que hay detrás", responde. EFE

(foto) (video)

Barcelona, 14 may (EFE).- Eduardo Mendoza, novelista que inauguró una nueva etapa de la narrativa española durante la Transición, ha demostrado que se puede ser un magnífico escritor y un profundo conocedor de la sociedad de su tiempo sin renunciar a un acentuado sentido del humor, un rasgo que impregna sus novelas y del que hizo gala en su discurso al recibir el Premio Cervantes.

"Seguiré siendo el que siempre he sido: Eduardo Mendoza, de profesión, sus labores", proclamó el barcelonés ante el rey al recibir el mayor galardón de las letras españolas. En el mismo tono confesó que, "al contrario que Don Quijote", él cree ser "un modelo de sensatez y que los demás están como una regadera".

"Por este motivo vivo perplejo, atemorizado y descontento de cómo va el mundo", añadió.

Defensor del humor

Este artesano de la palabra ha considerado siempre que el humor "lo impregna todo y todo lo transforma”, una máxima que ha aplicado desde sus inicios a sus obras y que atraviesa 'El misterio de la cripta embrujada' y 'El laberinto de las aceitunas', una parodia del género negro que hace una sátira social de la España de la Transición.

Nacido en 1943, en plena Segunda Guerra Mundial, Mendoza se considera a sí mismo un hombre del siglo XX, al igual que su alter ego literario, Rufo Batalla, un personaje que en la trilogía 'Las tres leyes del Movimiento' transita por la segunda mitad de la centuria y cuyas andanzas finalizan el 31 de diciembre 1999.

A Mendoza, el siglo XXI le resulta extraño y complicado, y considerándose un mero espectador de un tiempo que no es el suyo, ha preferido no diseccionarlo como hizo con el XX e incluso con las postrimerías del XIX.

 Cronista de Barcelona

Autor de una de las grandes novelas sobre Barcelona, 'La ciudad de los prodigios', escrita cuando vivía en Nueva York en los años 70, y cronista de la ciudad en distintas épocas de la metrópolis catalana, la presión turística y también el deseo de recuperar el anonimato le llevaron a refugiarse durante largos períodos en un apartamento en Londres a partir de 2009, una ciudad que adora y donde su semblante de caballero británico le convierte en un londinense más.

Mendoza desvinculó ese alejamiento de Barcelona del ambiente que se vivía en Cataluña a consecuencia del 'procés', sobre el que se mostró escéptico y pesimista, unas opiniones que reflejó en el libro 'Qué está pasando en Cataluña'.

Como escritor catalán que escribe habitualmente en castellano, Eduardo Mendoza no ha sido ajeno a algunas de las polémicas surgidas en Cataluña sobre si sus obras pueden enmarcarse dentro de la literatura o cultura catalanas.

Su incontestable figura literaria hizo que finalmente en el año 2013 la Generalitat le concediera el Premio Nacional de Cultura, convirtiéndose en el primer autor en lengua castellana que recibía este galardón desde que el gobierno catalán lo instaurara en 1995.

De Mendoza, el jurado del premio destacó que sus novelas "crean un vínculo biográfico y estético entre el autor y su ciudad de origen, Barcelona", y que amplió "los márgenes de la narrativa actual con ironía y sentido de la parodia". EFE

A Mendoza (Barcelona, 1943) se le deben títulos ya clásicos de la literatura española como 'La verdad sobre el caso Savolta' (1975), 'El misterio de la cripta embrujada' (1979), 'El laberinto de las aceitunas' (1982), 'La ciudad de los prodigios' (1986), 'Sin noticias de Gurb' (1991) o 'El asombroso viaje de Pomponio Flato' (2008), que han cautivado a millones de lectores.

El autor catalán, uno de los que más ha retratado desde la ficción la Ciudad Condal, siempre ha sido una voz crítica e independiente de los poderes y en su escritura nunca faltan el realismo, el humor, un sarcasmo inteligente o una mirada aguda.

De tradición cervantina, es licenciado en Derecho, residió en Nueva York donde trabajó como traductor simultáneo para la ONU y fue profesor en la Facultad de Traducción e Interpretación de la Universidad Pompeu Fabra.

Posee desde 2016 el Premio Cervantes, máximo galardón de las letras hispanas, entre otros reconocimientos, como el Planeta, el Premio de Novela Fundación José Manuel Lara, el premio Terenci Moix, el Premio Nacional de Cultura de la Generalitat, el Premio Franz Kafka y el Premio Internacional de Novela Histórica Barcino. EFE

(Foto) (Vídeo)