En la apertura para invitados de Veuve Clicquot Club Solaire, en Venice Beach, Los Ángeles, una charla sobre ropa llevó a Charlize Theron a describir un cambio que se nota primero en los pies. La actriz de 51 años explicó que hoy prefiere el calzado bajo y que su vestuario se acerca con mayor frecuencia a prendas masculinas y de género neutro.

La modificación no supone un abandono de la ropa femenina. Theron planteó su forma de vestir como una combinación de preferencias que conviven, aunque reconoció que en este momento se inclina más hacia una estética masculina.

En una entrevista exclusiva con People, la actriz detalló esa evolución y contó que sus hijas, Jackson, de 14 años, y August, de 12, no están muy contentas con la inclinación actual de su madre por prendas más masculinas.

Charlize Theron prefiere los zapatos bajos en esta etapa

Theron resumió el cambio con una comparación directa entre sus elecciones de antes y las actuales. “Creo que antes usaba más tacones y ahora, sin dudas, soy más de zapatos bajos”, afirmó la actriz a People, en una traducción al español de sus declaraciones.

La frase sitúa el calzado como uno de los puntos concretos de una preferencia personal, expresada durante el encuentro en Venice Beach. La actriz no presentó esa elección como una regla para cada aparición pública, sino como una inclinación que identifica su presente.

Al hablar de la ropa que acompaña ese cambio, Theron señaló que su interés por ciertos diseños no comenzó ahora. “Creo que siempre me gustaron las prendas más masculinas y, en cierta forma, de género neutro”, explicó durante la entrevista exclusiva.

La intérprete también marcó un límite a cualquier lectura que presente su estilo como una transformación total. “Pero también me gusta usar cosas femeninas de vez en cuando”, añadió. Esa convivencia entre prendas distintas forma parte de la descripción que hizo de su guardarropa.

Theron definió su estilo como variado y vinculó esa diversidad con una preferencia que se acentuó recientemente. “Creo que mi estilo es bastante diverso y que siempre fue así. Pero ahora me inclino un poco más hacia lo masculino”, señaló.

Sus hijas no están muy contentas con su estilo actual

La conversación sobre el vestuario incluyó una reacción de Jackson y August. Theron contó que sus hijas no acompañan con entusiasmo la mayor presencia de prendas masculinas en sus elecciones actuales. “Mis hijas no están muy contentas con el momento en el que está su mamá”, dijo la actriz en referencia a su estilo.

El comentario no incluyó detalles sobre una discusión familiar ni precisó qué prendas cuestionan las adolescentes. La información disponible se limita a la observación de Theron sobre la respuesta de ambas frente a su forma actual de vestirse.

La entrevista también pasó por una escena diferente de la vida familiar: Halloween. Theron contó que no suele vivir esa celebración con demasiada intensidad, aunque la experiencia cambió al convertirse en madre. “No soy muy aficionada a la Noche de Brujas, pero cuando se tienen hijos una termina siéndolo”, afirmó.

Según relató, Jackson y August disfrutan especialmente esa fecha. “A ellas les encanta”, señaló. Sin embargo, añadió que ahora sus hijas quieren organizar sus propios planes. “Están en una edad en la que no quieren que yo participe demasiado. Quieren hacer lo suyo”, explicó.

Theron cerró esa anécdota con una descripción de su propio plan para esa noche. “Yo puedo volver a casa y ver un programa de televisión. Es perfecto”, contó. La referencia mostró una dinámica familiar distinta de la charla sobre la ropa, pero también situada en el vínculo cotidiano entre la actriz y sus dos hijas.

Cuando mil focos iluminan una alfombra roja, la mayoría intenta llamar la atención gritando; otras personas, en cambio, dejan que la precisión de su vestimenta hable por sí sola. Eso fue exactamente lo que ocurrió cuando Scarlett Johansson pisó la alfombra roja del Festival de Cine de Londres (BFI London Film Festival) luciendo un deslumbrante vestido rojo escarlata.

La actriz neoyorquina demostró cómo un clásico reinventado puede paralizar los reflectores y dominar las tendencias globales en cuestión de segundos.

Durante la jornada del sábado en la capital británica, la actriz protagonizó un despliegue de estilo al presentar dos proyectos cinematográficos totalmente distintos: la película de animación Ray Gunn, dirigida por Brad Bird (donde presta su voz al personaje de Venus Nova), y el esperado largometraje Paper Tiger, donde comparte reparto con el actor Adam Driver. Para ambas citas optó por el color rojo, pero fue en la premiere de Paper Tiger donde logró paralizar la alfombra roja con esta pieza de alta costura.

La ingeniería del vestido de Prada: seda y corte al bies

El pilar fundamental de este conjunto es un diseño a medida firmado por la casa italiana Prada, confeccionado en exquisito georgette de seda roja. Más allá del impacto visual de la paleta cromática —un tono históricamente vinculado a la fuerza, la sensualidad y el poder escénico—, la clave de la prenda reside en su impecable patrón.

El vestido está cortado al bies, una técnica tradicional de alta costura que dispone el tejido en diagonal respecto al hilo. Esto permite que la tela se deslice sobre la anatomía con una fluidez orgánica, adaptándose a las curvas sin ceñir en exceso. El diseño destaca por un escote en forma de corazón con fruncido central y detalles de drapeado que aportan textura y volumen visual al torso. De ese nudo central nace una caída vertical hasta el suelo que estiliza la figura y le añade un movimiento lleno de elegancia al caminar.

Joyería de autor y el sello de Kate Young

Ideado por la aclamada estilista de Hollywood Kate Young, el look equilibró la rotundidad de la seda con una selección de joyas impecable. En lugar de recargar el cuello con diamantes tradicionales, el equipo de estilismo apostó por una gargantilla rígida de la firma Barron London en oro amarillo con una gema central.

Esta pieza aporta una cualidad arquitectónica que enmarca la clavícula y suaviza la transición entre la piel y el escote. La calidez del oro complementa armónicamente el tono escarlata, mientras que la presencia de múltiples piercings en la oreja izquierda de la actriz agrega un matiz urbano y moderno que contrasta con la etiqueta formal de la gala.

Guiño a 2006: un homenaje al vestido de Valentino que hizo historia

El impacto de este estilismo radica también en la memoria colectiva de la moda. Esta elección funciona como un claro homenaje a la imagen que la propia Johansson inmortalizó el 16 de enero de 2006 durante la 63.ª edición de los Globos de Oro. En aquel momento, con apenas 21 años y nominada por la película Match Point de Woody Allen, la actriz acaparó las portadas globales luciendo un inolvidable vestido rojo ajustado con volantes diseñado por Valentino.

Veinte años después de aquel momento icónico, Scarlett retoma esa misma esencia de diva cinematográfica, demostrando la madurez de su estilo: si en 2006 el diseño apostaba por la estructura y el dramatismo de las formas, esta propuesta de Prada confía en la fluidez, la caída natural y la elegancia atemporal.

Peinado y maquillaje: inspiración vintage

El apartado de beauty completó la narrativa clásica con un toque de frescura:

Johansson lució su corte bob en tono rubio dorado con raya lateral profunda. Las puntas suavemente peinadas hacia adentro crean una onda pulida de aire años 50 que enmarca el rostro con absoluta naturalidad.

Para no competir con la intensidad del vestido, lució una piel luminosa de acabado aterciopelado, mejillas en tono melocotón y un labial nude mate de subtono cálido que define los labios con discreción.

Esta aparición demuestra cómo la simplicidad bien ejecutada supera cualquier propuesta extravagante. Scarlett Johansson logra consolidar una imagen donde cada detalle —desde la textura de la seda de Prada hasta la gargantilla esculpida de Barron London— cumple una función clara: potenciar su elegancia natural sin sobrecargar la escena. Un estilismo rotundo que reafirma al rojo como su color fetiche y se posiciona de inmediato entre los mejores momentos de su carrera.

En ese contexto, Dwayne Johnson, actor que se prepara para interpretar a Chicken Man en la película Lizard Music, eligió una mezcla poco habitual, que forma parte de su alimentación entre sesiones de ejercicio: arroz, arándanos, proteína en polvo, creatina, agua, hielo y estevia.

De acuerdo con Men’s Health Latinoamérica, Johnson consume este batido después de entrenar, con 70 gramos de proteína, entre 10 y 15 gramos de creatina, entre 140 y 150 gramos de arándanos congelados, 120 gramos de arroz y un litro de agua.

El artículo señala que la mezcla busca ayudar a conservar la masa muscular, acompañar la reducción de grasa corporal y preparar al cuerpo para la próxima sesión. Se trata de una elección ligada a los objetivos físicos del actor y no de una fórmula presentada como adecuada para todas las personas.

El licuado reúne proteína, carbohidratos y agua

La receta reúne proteínas, carbohidratos y líquidos en una preparación pensada para acompañar la recuperación después del ejercicio. La proteína en polvo es el ingrediente principal, mientras que el arroz y los arándanos aportan energía a través de los hidratos de carbono. El agua completa la mezcla y contribuye a reponer parte de los líquidos perdidos con el sudor, según la nota.

Johnson incorporó este licuado durante un período de cambios físicos para interpretar a Chicken Man en Lizard Music. El texto indica que el actor perdió 22 kilos en el último año y mantuvo el trabajo de fuerza, por lo que dio importancia a lo que

La cantidad de proteína utilizada supera la de un batido habitual. El artículo precisa que Johnson pesa 107 kilos y tiene una masa muscular mayor que la de una persona promedio, por lo que sus necesidades de alimentación pueden ser distintas.

El actor afirmó que el licuado no reemplaza sus comidas. “Comeré una comida de alimentos reales entre dos y tres horas después, dependiendo de mi horario de trabajo”, afirmó Dwayne Johnson, según el artículo.

También indicó que consume cerca de 4.000 calorías al día y que organiza esa alimentación para conservar su condición física y su masa muscular.

El arroz aporta energía para una próxima sesión

El arroz puede parecer un ingrediente poco común en un licuado, pero su función está vinculada con los carbohidratos. Según el texto, estos nutrientes pueden ayudar a recuperar el glucógeno muscular que se utiliza durante actividades intensas.

El glucógeno es una reserva de energía que el cuerpo almacena en los músculos. Recuperar parte de ella puede ser útil antes de una nueva sesión, en especial si se entrena otra vez dentro de las siguientes 24 horas, según explica el artículo.

La mezcla de carbohidratos y proteína también forma parte de la preparación de La Roca. Las investigaciones citadas en la nota sugieren que consumir ambos nutrientes después de ejercitarse puede contribuir a recuperar energía y a reparar el tejido muscular.

El artículo aclara que la cantidad de proteína que consume Johnson no debe tomarse como una referencia general, ya que responde a su peso y a sus características físicas.

Los arándanos y la creatina completan la mezcla

Los arándanos congelados añaden carbohidratos y polifenoles, que son sustancias presentes en algunos alimentos de origen vegetal que, según el artículo, pueden ayudar a reducir la inflamación y el desgaste que puede producir el ejercicio intenso.

La nota menciona un estudio en el que consumir arándanos antes y después de una actividad exigente se relacionó con una recuperación más rápida de la fuerza muscular.

También plantea una posible relación con una menor intensidad del dolor muscular que puede aparecer uno o dos días después de entrenar.

La creatina completa la receta. El artículo indica que el horario de consumo parecería ser menos importante que mantener una ingesta constante.

Johnson utiliza una cantidad diaria superior a la recomendación tradicional, aunque el texto menciona investigaciones que analizan posibles beneficios de dosis más altas para atletas de mayor tamaño.

La actriz, ganadora del Óscar, interpreta un doble papel que combina el instinto maternal con una presencia oscura y amenazante, en una producción dirigida por Rob Savage que llegó a los cines el 9 de octubre.

En una entrevista con el podcast Seen on the Screen, conducido por Jacqueline Coley, Chastain repasó el proceso de construcción de su personaje, los desafíos de trabajar junto a una actriz infantil en escenas de alto voltaje emocional y su particular vínculo con el género de terror a lo largo de su carrera.

Una madre y su sombra

El guion de “Other Mommy” le propuso a Chastain un reto puntual: interpretar simultáneamente a Ursula, la madre protagonista, y a una suerte de contraparte oscura de la maternidad.

“Me gustó el desafío de interpretar a los dos personajes, la madre, pero también el lado sombrío de la maternidad”, explicó la actriz durante la conversación. Sin revelar detalles de la trama, adelantó que su personaje pronuncia una frase final que considera “subversiva” y “emocionante de ver decir a una mujer frente a cámara”.

La historia se narra desde la perspectiva de Bela, la niña protagonista, un recurso narrativo que, según la actriz, exige una responsabilidad particular de quien interpreta a la menor. “La actriz que interpreta a Bela es muy importante porque tiene mucho peso sobre sus hombros”, señaló.

El cuidado con los actores infantiles

Chastain remarcó que, desde la primera conversación con Savage, planteó su preocupación por el bienestar emocional de la niña durante el rodaje de las escenas más intensas.

El director le garantizó un esquema de trabajo que evitó que la menor estuviera presente en el set durante las secuencias más perturbadoras. “Habíamos organizado varias formas de rodar las partes más aterradoras sin que ella estuviera en el set”, recordó la actriz, quien añadió que ese resguardo también le permitió a ella “ser todo lo inquietante que hiciera falta”.

La protección de los actores menores es, según Chastain, un principio que aplica en toda su trayectoria. Recordó una escena de “The Eyes of Tammy Faye” en la que debía sostener a un recién nacido real durante un momento de quiebre emocional.

Ante la incomodidad de hacerlo con el bebé en brazos, el equipo lo retiró de la sala y la actriz completó la toma con un muñeco. “Creo que los niños necesitan ser protegidos y quiero asegurarme de que, cuando se cuenta una historia, no haya ningún daño colateral en términos de la experiencia humana”, afirmó.

La colaboración con Rob Savage

Sobre el director de “Other Mommy”, Chastain destacó su condición de cinéfilo y su nivel de preparación previa al rodaje. Según relató, Savage llegó a usar remeras con el nombre de Kathryn Bigelow en el set y la consultaba con frecuencia sobre sus experiencias con Christopher Nolan.

“Se puede ver cuánto ama el cine, cuán visual es, cuánto trabajó en la preparación”, apuntó la actriz, quien valoró especialmente que el director tuviera “un punto de vista” propio y no se limitara a un rol técnico.

Esa dinámica incluyó momentos de improvisación durante el rodaje. Chastain mencionó una escena de cocina en la que propuso espontáneamente romper un huevo, una acción que no figuraba en el guion gráfico original.

“Podíamos hacer lo que él había planeado y también probar si funcionaba lo que yo proponía”, explicó sobre la apertura del director a incorporar ideas surgidas en el set, incluso cuando no todas resultaban efectivas.

El terror como género para contar historias de mujeres

La actriz recordó que Sigourney Weaver en “Aliens” y Linda Hamilton en “Terminator 2” fueron referentes femeninas para ella desde su infancia. “Me di cuenta de que las mujeres eran las heroínas, las que derrotaban a los monstruos”, afirmó.

La actriz definió al género como un territorio de fábulas con lecturas que trascienden el susto inmediato. “Una buena película de terror tiene una lección ahí dentro, no solo debe asustar. Es un cuento de hadas para adultos”, sostuvo.

Sobre su personaje en “Other Mommy”, explicó que la entidad busca volver a la vida a través de su vínculo con la niña y que, desde su perspectiva, intenta protegerla del sufrimiento y de la oscuridad del mundo real.

“Tienes que entender por qué un personaje hace algo. No significa que esté haciendo lo correcto, pero debes tener empatía por su origen”, concluyó la actriz respecto a su proceso de construcción del personaje.

Chastain también explicó que la construcción física de su personaje requirió un trabajo opuesto al que suele aplicar en otros papeles. “Mucho de mi actuación trata de liberar a mi cuerpo de tensión. Con Other Mommy hice exactamente lo opuesto: busqué tensar todo lo que pude e intentar que pareciera que no lo estaba haciendo”, afirmó.

Cuando los grandes estudios de Hollywood buscan dónde rodar, Estados Unidos pierde la disputa con creciente frecuencia.

Una coalición de sindicatos del entretenimiento —IATSE, el Sindicato de Directores de América (DGA) y SAG-AFTRA— encargó a la consultora EY un análisis exhaustivo que mapea dos décadas y media de fuga silenciosa: la industria creció, los presupuestos se multiplicaron, pero la porción que quedó en suelo americano se redujo a la mitad, según reveló Variety.

La fuga de producción, en números

El informe, que analiza películas con presupuestos de USD 5 millones o más —en dólares de 2025— y episodios de TV desde USD 1 millón, arroja cifras contundentes: hace 25 años, los estudios destinaban el 74% de sus presupuestos cinematográficos a producciones en el país; hoy ese porcentaje cayó al 42%.

En televisión, la caída fue del 94% al 64%. El dinero no desapareció; se redistribuyó hacia Canadá, el Reino Unido y decenas de países que construyeron regímenes de incentivos fiscales más atractivos.

El caso de las superproducciones ilustra el problema con mayor crudeza: entre las 25 películas más costosas de cada año, la participación estadounidense se desplomó del 74% al 34%.

Ese grupo de filmes concentra una cuarta parte de todas las producciones de los grandes estudios, pero representa la mitad del empleo de equipo técnico y dos tercios de los presupuestos totales.

Lo que le costó al país perder terreno

El propio informe lo cuantifica: de haberse mantenido constante la cuota de mercado estadounidense en el período analizado, la industria local habría recibido anualmente unos USD 4.000 millones adicionales en producción de cine y televisión.

En términos absolutos, el gasto de los estudios en cine creció de USD 3.000 millones a USD 7.000 millones anuales en ese lapso, mientras que en televisión la expansión fue aún más pronunciada: de USD 933 millones a USD 8.400 millones. Pero ese crecimiento se repartió, en proporciones crecientes, en locaciones del exterior.

El contexto inmediato del informe es el debate en el Congreso sobre si crear un incentivo fiscal federal de entre el 20% y el 30% para reactivar la producción doméstica; los sindicatos sostienen que los subsidios estatales ya no alcanzan y que solo una intervención a nivel nacional puede frenar el declive.

Una industria en retirada y sus efectos políticos

El deterioro económico de la industria trascendió los límites del sector y entró de lleno en la política local.

En la carrera por la alcaldía de Los Ángeles, la candidata Nithya Raman emitió un aviso electoral durante la ceremonia de los Emmy en el que advertía que “demasiadas producciones en LA están paralizadas”.

La alcaldesa en ejercicio, Karen Bass, respondió impulsando legislación para revertir la tendencia, aunque los incentivos fiscales estatales apenas empezaron a atraer algo de producción de regreso.

Para Marvin, el ritmo de recuperación puede ser demasiado lento: “El resto del país, el resto del mundo, consume lo que hacemos aquí. Creo que eso debería ser más valorado”, señaló ante CBS News.

La magnitud del desafío queda expuesta en un dato que el informe no llega a cuantificar del todo: actualmente, la mitad de toda la producción cinematográfica mundial ocurre fuera de Estados Unidos, consecuencia directa de décadas de incentivos fiscales que otros países fueron construyendo mientras la industria local tardaba en reaccionar.

La fusión que llega en el peor momento

El informe se publicó días antes del cierre formal de la adquisición de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount Skydance, operación que deriva en la creación de Skydance Corporation.

La fusión, que asegura la sede de ambos estudios en Los Ángeles, llega en un momento en que el empleo en la industria ya acumula pérdidas significativas: cerca de 50.000 puestos desaparecieron en la última década, más de 80 empresas de producción cerraron sus puertas y el rodaje en la ciudad se redujo a la mitad desde 2019.

El mismo Marvin, cuya empresa de props trabajó en producciones como Once Upon a Time in Hollywood y Hacks, pasó de siete años de rentabilidad a registrar pérdidas.

Phillip Sokoloski, de FilmLA, describió la situación ante CBS News: “Muchos son pequeños negocios, y ahora que el teléfono no suena, ven la posibilidad real de no poder mantener sus puertas abiertas”.

El debate por una respuesta federal

La Asociación Cinematográfica de América (MPA) publicó el mes pasado su propio análisis, en el que proyecta que un incentivo federal generaría USD 22.000 millones adicionales en producción doméstica anual para 2035, según informó el New York Post.

En tanto, los sindicatos convocan a una manifestación en Glendale, California, junto al senador Adam Schiff y legisladores demócratas de la delegación estatal en el Congreso.

Schiff impulsó una propuesta de crédito fiscal federal que, combinada con los subsidios estatales, crearía el régimen de incentivos más generoso del mundo para la industria audiovisual.

Con el respaldo del presidente Donald Trump, quien expresó su apoyo a la iniciativa en agosto, los promotores del proyecto aspiran a convertirlo en ley antes de que concluya 2026.

Una junta penitenciaria de California volvió a abrir la puerta a la libertad para una de las asesinas más célebres de la historia criminal de Estados Unidos.

El martes 6 de octubre, en su decimoctava audiencia de idoneidad, la Junta de Libertad Condicional emitió un aval preliminar para excarcelar a Patricia Krenwinkel, hoy de 78 años.

La decisión reaviva un debate que el país viene postergando desde hace más de cinco décadas: si una condena de por vida puede tener fin cuando quien la cumple ya no es la misma persona que cometió el crimen.

Krenwinkel es elegible bajo el programa estatal para reclusos de edad avanzada y por haber tenido 21 años al momento de los asesinatos. Está detenida en la Institución Correccional de Mujeres de Corona.

Una decisión que aún puede frenarse

La concesión de la libertad condicional no es inmediata. Tal como lo aclaró el Departamento de Correcciones, “todas las concesiones de libertad condicional son decisiones preliminares y solo se vuelven definitivas tras una revisión exhaustiva de la Junta de Libertad Condicional y el gobernador”.

El proceso dura 120 días, tiempo en el que la decisión es evaluada por el área legal de ese organismo. Una vez aprobada en esa instancia, el expediente pasa al gobernador, quien dispone de 30 días para revocarla o dejarla firme.

Esta es la tercera vez que Krenwinkel obtiene esta recomendación. En las dos ocasiones anteriores, el poder ejecutivo bloqueó su liberación.

El historial pesa en ambas direcciones

La más reciente fue en octubre de 2025, cuando el gobernador Gavin Newsom sostuvo que Krenwinkel “no había desarrollado suficiente comprensión sobre los factores causales de sus crímenes ni sobre sus detonantes para el pensamiento antisocial y la conducta en el contexto de relaciones desadaptativas”, y que su evolución personal quedaba superada por el peligro potencial que representaba para el público.

La fiscalía del condado de Los Ángeles también tomó posición. Los fiscales de la oficina del fiscal de distrito adelantaron que instarán al gobernador a mantenerla en prisión. Krenwinkel no estuvo presente en la audiencia de este martes.

Una causa que marcó a una generación

Krenwinkel fue condenada en 1971 junto a otros miembros del clan Manson por el asesinato de siete personas.

Entre las víctimas se encontraba la actriz Sharon Tate, embarazada de siete meses, además de Thomas Sebring, Abigail Folger, Wojciech Frykowski y Steven Parent. Al día siguiente, la banda también mató al empresario Leno LaBianca y a su esposa, Rosemary.

La propia Krenwinkel declaró en el juicio que persiguió a Abigail Folger —heredera de la empresa cafetera— y la apuñaló más de dos docenas de veces.

También admitió haber escrito con sangre en la pared de la casa el mensaje “Muerte a los cerdos”.

Junto a sus coacusadas Susan Atkins y Leslie Van Houten, apareció en la sala del tribunal con una X tallada en la frente, siguiendo el gesto de Charles Manson.

Fue sentenciada a muerte, pero pasó a cumplir prisión perpetua con posibilidad de libertad condicional después de que la Corte Suprema declarara inconstitucional la pena capital en 1972. Meses más tarde, California volvió a instaurarla mediante referéndum, pero la medida no se aplicó de forma retroactiva a quienes ya habían obtenido la conmutación.

Debra Tate, hermana de Sharon, encabeza desde hace años la oposición pública a cualquier liberación.

“La sociedad no puede permitir que esta asesina serial que cometió crímenes tan horribles y aleatorios vuelva a las calles”, aseguró en una petición en línea que acumula más de 100.000 firmas desde su creación en 2016.

Otros integrantes de la familia Manson siguen recluidos: Charles Denton “Tex” Watson y Robert Kenneth Beausoleil permanecen en prisión.

El propio Charles Manson, Susan Atkins y Bruce Davis murieron en custodia.

El caso de Krenwinkel contrasta con el de Leslie Van Houten, quien en 2023 obtuvo la libertad condicional tras décadas con antecedentes ejemplares en prisión.

Newsom también había bloqueado su liberación, pero una corte de apelaciones anuló esa decisión y el gobernador debió acatar el fallo.

Nahla Aubry, hija de Halle Berry, presentó una declaración ante el Tribunal Superior de Los Ángeles para defender a la actriz de las acusaciones de abuso contra su hijo Maceo, formuladas por su exesposo Olivier Martinez, según documentos revisados por Daily Mail.

Martinez obtuvo una orden temporal de restricción por violencia doméstica contra Berry tras acusarla de haber abusado del menor en un incidente ocurrido el 26 de septiembre que habría incluido asfixia. La actriz negó las acusaciones.

Aubry, de 18 años, afirmó que vivió con Maceo durante años antes de mudarse de California a Massachusetts para asistir a la universidad. En su declaración, sostuvo que nunca vio a su madre comportarse violentamente con ninguna persona.

“Nunca vi a mi mamá arrojarle algo a alguien, ni un cuchillo, ni un plato ni ningún otro objeto. Nunca vi que golpeara, abofeteara, asfixiara, sujetara o abusara físicamente de Maceo de ninguna manera”, dijo Nahla Aubry en documentos judiciales revisados por Daily Mail.

Berry concluyó el martes el programa virtual obligatorio de crianza Our Children First, en medio del proceso de custodia. La próxima audiencia del caso quedó programada para el 16 de octubre.

La declaración de Nahla Aubry respaldó la convivencia entre Halle Berry y Maceo

La hija de Berry señaló que había visto a la actriz y a Maceo jugar, luchar de forma recreativa, hacerse cosquillas y reírse en el piso o en una cama. También describió a su madre como una persona afectuosa y dedicada a sus hijos, aunque estricta cuando considera necesario que sigan reglas.

“(Mi madre) siempre nos alentó a mantener relaciones afectuosas” afirmó Nahla en su declaración. También aseguró que durante todo este tiempo no ha hablado negativamente ni de Gabriel Aubry ni de Martinez.

Aubry sostuvo que la carrera de su madre no impidió que estuviera presente en actividades familiares. “Sin importar lo exigente que haya sido su carrera, siempre hizo tiempo para mí y priorizó lo que era importante para mí. He visto que hace lo mismo por Maceo”.

La joven agregó que Berry asistió a los partidos de su hijo, lo llevó a prácticas y torneos, y defendió su acceso a educación, atención médica y terapia. También dijo que se sintió sorprendida, triste y molesta al conocer las acusaciones de Martinez.

“Después de haber vivido con mi mamá toda mi vida y de haber observado personalmente durante años su relación con Maceo, las acusaciones son completamente incompatibles con la mamá que conozco”, reiteró Nahla en documentos judiciales.

Aubry también afirmó que le dolía que Maceo se convirtiera en objeto de una disputa pública que quizá no comprende por completo. “También estoy enojada porque Olivier no me respetó ni se preocupó lo suficiente por mí como para someterme a titulares sobre mi mamá. Siento que soy algo secundario para Olivier en su búsqueda por destruir a mi mamá”.

Halle Berry pidió restablecer el acuerdo de custodia compartida

Berry solicitó que se restableciera el acuerdo de custodia 50/50 que mantenía con Martinez antes de que él recibiera la custodia principal de Maceo. La actriz también pidió al tribunal convertirse en la autoridad para desempatar decisiones y que Martinez participe en las sesiones de terapia ordenadas por la corte.

“Jamás abusé física, emocional ni de ninguna otra forma de Maceo. Soy víctima de violencia doméstica y ayudo a víctimas de violencia doméstica. No soy una perpetradora de violencia. Nunca lastimaría a nuestro hijo”, dijo Halle Berry en un escrito judicial.

La actriz afirmó que Martinez habría tomado decisiones unilaterales sobre la educación y las actividades extracurriculares del menor sin su conocimiento ni consentimiento. También sostuvo que su exesposo colocaría a Maceo en medio de sus conflictos y afectaría el trabajo terapéutico de ambos.

Berry aseguró que su hijo se mostraba molesto y combativo después de las visitas con su padre, y que necesitaba entre dos y tres días para readaptarse a estar en casa. Según su escrito, Maceo habría leído mensajes de texto de Berry durante una llamada de FaceTime con Martinez el año anterior.

La actriz afirmó que Martinez habría buscado poner a Maceo de su lado en disputas privadas relacionadas con el menor, entre ellas decisiones sobre futbol, escuela y terapia. También acusó a su exesposo de negarse a obtener servicios educativos y psicoeducativos necesarios para el niño.

“Olivier me dijo que Maceo tiene la edad suficiente para tomar decisiones por sí mismo y que debía permitirle hacerlo para mantenerlo feliz y que fuera más amable conmigo”, dijo Berry en el documento.

Berry añadió que Martinez no habría aceptado su relación con su prometido Van Hunt, a quien describió como una figura importante en la vida de Maceo. Según la actriz, esa situación habría impedido que el menor participara con ella y Hunt en terapia familiar.

Berry y Martinez se conocieron durante el rodaje de Dark Tide, producción filmada en Sudáfrica en 2010. Se casaron en 2013, el mismo año en que nació Maceo, y se separaron en 2016.

El divorcio se finalizó en 2023 con un acuerdo de custodia compartida y el pago de manutención infantil por parte de Berry.

Spiderman se columpió, Odiseo navegó, y Hollywood los aprovechó para lograr el mayor verano de taquilla en su historia. Solo faltaba una cosa: cerca de 249 millones de entradas vendidas.

Los cines de Estados Unidos y Canadá generaron USD 4.765 millones entre el 1 de mayo y el Día del Trabajo (primer lunes de septiembre para EE.UU.), con lo que superaron el récord histórico establecido en 2013 por apenas USD 9,3 millones, según datos de la firma de análisis de taquilla Rentrak, enviados a Fortune.

Pero el aumento en el precio de las entradas ayudó a crear ese aparente repunte. Ajustada por inflación, la taquilla de este verano se mantuvo un 17% por debajo de la de 2019, según el New York Times, mientras que los cines vendieron casi 249 millones de entradas menos hasta mediados de agosto en comparación con el mismo período de ese año.

No todos consideran que 2019 sea el punto de referencia correcto. Paul Dergarabedian, el muy citado jefe de tendencias de mercado de Rentrak, dijo a Fortune que cree que la base de comparación más instructiva es 2020, cuando la asistencia a las salas de cine colapsó a casi cero.

Un verano récord en una “era diferente”, siete años después de los tiempos prepandemia, en medio de un panorama saturado de streaming, “habla mucho de lo importante que es la experiencia del cine, cultural y financieramente”.

La brecha apunta al modelo de negocio emergente de Hollywood en la etapa pospandemia. Los precios más altos y las funciones premium están ayudando a la industria a ganar más dinero con menos clientes, lo que enmascara cuán lejos está la asistencia de una recuperación total, y plantea interrogantes sobre si un negocio construido sobre entradas de USD 20 y un puñado de películas evento puede perdurar.

Dergarabedian coincidió en que el modelo de negocio está evolucionando y afirmó que ve mucha evidencia de que los cineastas y los estudios que los respaldan están “pensando fuera de la caja”. Con suerte, agregó, “están contratando a gente más joven con el dedo en el pulso y el oído atento a lo que quieren las audiencias más jóvenes”.

Comparó la evolución de Hollywood con el auge del vegetarianismo, nada menos. “Puede que se vendan menos hamburguesas [hoy en día]”, planteó, debido al aumento de las dietas bajas en grasa y sin carne, “pero hace 50 años no había opciones vegetarianas”. Lo mismo está ocurriendo ahora con los cines y el streaming.

El analista coincidió en que la industria de los restaurantes ha tenido que reinventarse de manera similar desde la pandemia y señaló que “estas cosas no ocurren en el vacío”, al notar que la generación Z, reacia al consumo de alcohol, cada vez más opta por una noche sana en el cine en lugar de una noche agitada en un bar. Y su gusto es diferente de una manera refrescante.

Dergarabedian citó el improbable doble éxito de la refinada Odyssey y el éxito de taquilla Spider-Man, cada una con una recaudación de más de USD 1.000 millones a nivel mundial. Juntas representaron casi un tercio de la taquilla del verano.

De manera similar, Obsession se destacó en el fin de semana del Memorial Day mientras The Mandalorian and Grogu decepcionó. “El público te está diciendo que quiere una mezcla de esa comida rápida cinematográfica y esa alta cocina cinematográfica”, graficó.

Hollywood mide tradicionalmente el éxito de taquilla utilizando ingresos brutos sin ajustar los totales anteriores por inflación. Según esa contabilidad, la recaudación de este verano fue un 9% más alta que los USD 4.350 millones recaudados en el verano de 2019.

Al ajustar por inflación, el total de 2019 se eleva a aproximadamente USD 5.700 millones, y las cifras de admisiones revelan esa brecha con mayor claridad todavía. Los cines de América del Norte vendieron 547,1 millones de entradas hasta mediados de agosto, en comparación con 795,9 millones durante el mismo período en 2019, según datos de S&P Global Market Intelligence reportados por Associated Press.

La inflación no es el único asterisco adjunto al récord de Hollywood. La temporada de cine de verano de 2026 duró 130 días, una semana más que el período comparable en 2013, señaló Texas Capital en su nota de investigación del 8 de septiembre.

Aun así, la recuperación no es pura magia del cine. Los ingresos de verano aumentaron un 26,1% respecto al año anterior, mientras que los ingresos de taquilla acumulados en el año alcanzaron los USD 7.384 millones, un alza del 20,8%. Texas Capital ve un camino para que Hollywood alcance los USD 10.000 millones en 2026, por primera vez desde antes de la pandemia.

El giro de la trama premium

Los resultados financieros de Cinemark muestran cómo las salas están haciendo que las cuentas cierren. Las funciones en formato grande premium generaron casi el 15% de su taquilla mundial durante el segundo trimestre, pese a representar apenas el 6% de sus salas, según los comentarios ejecutivos de la compañía.

Las ventas de sus butacas motorizadas D-BOX también subieron más del 50% respecto al año anterior, hasta alcanzar un récord trimestral histórico.

El precio promedio de entrada de Cinemark en Estados Unidos aumentó un 4,2%, hasta USD 10,83, durante el trimestre. La compañía atribuyó el aumento a “acciones estratégicas de precios y una mayor mezcla de formato premium” en su presentación trimestral.

Los espectadores no solo están desembolsando más para entrar por la puerta. También están dejando más dinero en el puesto de concesiones: al parecer, no todos están contrabandeando Sour Patch Kids. Los ingresos por concesiones por espectador de Cinemark subieron un 4,3%, hasta USD 8,70, impulsados por las acciones de precios y su mezcla de productos. En conjunto, los espectadores gastaron un promedio de USD 19,53 por visita en entradas y concesiones.

AMC vio un resultado similar. El gigante de los cines terminó 2025 con récords históricos por espectador en admisiones, alimentos y bebidas, e ingresos totales, según una presentación de la compañía. Su asistencia creció un 17,9% durante el segundo trimestre de 2026, mientras que los ingresos alcanzaron un récord de la compañía de USD 1.600 millones.

Eric Wold, analista de renta variable de Texas Capital Securities que cubre a Cinemark, dijo a Fortune que los cines continúan enfrentando presión por el menor número de estrenos en sala y la creciente disponibilidad de películas a través del streaming. Pero los clientes que aún asisten eligen cada vez más funciones premium y gastan más en los puestos de concesiones.

Combinado con un control más estricto de los gastos operativos, esas tendencias les dan a las compañías de cine la capacidad de generar “una mayor rentabilidad con un número total menor de entradas de cine vendidas”, compartió Wold en Fortune.

Su investigación sugiere que el modelo ya se está traduciendo en ganancias más sólidas. Wold proyecta que la taquilla doméstica del tercer trimestre podría alcanzar los USD 2.850 millones, superando levemente los USD 2.813 millones generados durante el mismo trimestre en 2019, incluso cuando la asistencia se mantiene muy por debajo de su nivel prepandemia.

Bajo ese escenario, Wold estima que las ganancias ajustadas de AMC antes de intereses, impuestos, depreciación y amortización podrían alcanzar los USD 256 millones, en comparación con su estimación actual de USD 174 millones. Cinemark podría generar USD 259 millones, frente a su estimación de USD 194 millones.

Los precios más altos no significan necesariamente que los cines deban abandonar a los clientes de menores ingresos, explicó Wold. Las funciones premium siguen siendo una opción, mientras que los cines ofrecen alternativas más económicas a través de descuentos entre semana y funciones matutinas.

Como Fortune informó anteriormente, las audiencias tratan cada vez más las funciones premium como experiencias que no pueden replicar en casa. “The Odyssey” hizo eso literal, al agotar las entradas incluso para funciones a las tres de la mañana en formato IMAX 70 mm verdadero y al entregar el mayor fin de semana de estreno en la historia de IMAX.

La próxima prueba de Hollywood se llama, apropiadamente, “Doomsday”.

Avengers: Doomsday y Dune: Parte Tres llegarán ambas el 18 de diciembre, y una vez más pedirán a las audiencias que traten ir al cine como un evento de precio premium. “Dune”, que fue filmada con cámaras IMAX, ya tiene a la venta funciones selectas en 70 mm.

Mientras tanto, Disney está posicionando a “Doomsday” como una vitrina para Infinity Vision, su nueva certificación para cines premium con pantallas grandes, proyección láser y sonido inmersivo.

Por su parte, Dergarabedian predijo que el 18 de diciembre será el mejor fin de semana en la historia de la taquilla, y comparó el 2026 para la generación Z con su propia experiencia en 1975, cuando vio Jaws a los catorce años, y luego Star Wars a los dieciséis en 1977, lo que lo preparó para toda una vida yendo al cine.

“Hay un futuro para esta industria que creo que está asegurado y reforzado por el hecho de que las audiencias más jóvenes están saliendo — ese es el futuro del negocio, la asistencia generacional”. También dijo que no siempre es el optimista del cine, y advirtió que 2027 encontrará a este año como “un acto de apertura muy difícil de seguir”.

(c) 2026, Fortune

De Scream a la franquicia Scooby-Doo, Lillard alternó personajes cómicos, excéntricos y secundarios que permanecieron en la memoria del público. Esa variedad, sin embargo, no evitó que la industria lo ubicara fuera del perfil tradicional de estrella de cine.

Lillard habló de esa distancia durante una entrevista en el pódcast I’ve Never Said This Before, conducido por Tommy DiDario. Consultado sobre si se siente valorado por Hollywood, respondió: “No, no realmente”.

Lillard cuestionó el molde que Hollywood busca en sus estrellas

El artista explicó que las personas que han trabajado con él sí identifican capacidades que, a su juicio, la industria no termina de reconocer.

“La gente que me conoce, la gente con la que trabajé, dice: ‘Ah, lo entiendo. Entiendo el valor. Entiendo cierta clase de intangibles’”, afirmó el actor en declaraciones recogidas por la revista. Sin embargo, planteó que los criterios de la industria se orientan hacia un perfil más convencional.

“Creo que lo que Hollywood busca es una estrella de cine. Buscan a alguien apuesto”, señaló Lillard, quien atribuyó a esa expectativa parte de las dificultades que ha encontrado para acceder a papeles centrales.

El intérprete también describió un sistema que procura clasificar a los artistas en categorías reconocibles. “Quieren poder ponerte en una burbuja, ¿verdad? O encasillarte”, indicó. Su propia trayectoria, dijo, quedó fuera de esa lógica. “Nunca encajé en esa burbuja pequeña y perfecta”, añadió.

Lillard se definió como un actor “un poco peculiar”, “algo desgarbado” y con mucha energía. Añadió que combina registros cómicos y dramáticos, aunque esa versatilidad no siempre se traduce en oportunidades. “Soy divertido y tonto, y al mismo tiempo, puedo hacer drama, y realmente no saben dónde ubicarme”, afirmó.

Los papeles secundarios y una pelea que continúa

El actor dijo que conoce de cerca el papel del amigo dentro de una historia. Añadió que esa experiencia no evitó que la industria lo considerara reemplazable. “Sintieron que podían reemplazarme”, dijo, y agregó: “Todavía lucho por trabajos ahora”.

La declaración expone la tensión que el actor observa entre su recorrido y las decisiones de reparto. Para Lillard, el prestigio asociado a las producciones en las que participó suele concentrarse en otros nombres del elenco.

“Estoy en estas grandes películas, pero nadie me vincula nunca con la grandeza. Vinculan a otra persona con la grandeza”, sostuvo.

El actor sostuvo que el reconocimiento del público existe y se hace visible en los encuentros con seguidores. “En las convenciones, mis filas son realmente largas, y creo que la gente realmente me aprecia”, afirmó.

Esa respuesta, según su relato, contrasta con la falta de papeles que, desde su perspectiva, le permitan asumir roles de mayor peso.

“Honestamente, no es un ‘pobre de mí’, pero pienso en esto. Me pregunto por qué nunca tuve la oportunidad de protagonizar una película de USD 20 millones, o algo así”, planteó.

“No es que no fuera popular o que no tuviera las capacidades”, afirmó. “Fue porque no me entendían o no me veían como ese tipo”.

La comparación con Paul Rudd y una competencia que perdió peso

Durante la entrevista, Lillard también recordó sus años de convivencia con Paul Rudd, otro actor de su generación cuya carrera alcanzó una mayor exposición. “Viví con Paul Rudd durante dos años”, contó, y agregó: “Siempre estuve a la sombra de Paul Rudd, sin importar cuán famoso me volviera”.

El actor relató esa comparación con humor, aunque reconoció que tuvo peso en su manera de vivir la competencia profesional. “Dios mío, Paul Rudd es diez veces más famoso que yo”, recordó haber pensado.

“Tengo una naturaleza competitiva”, afirmó Lillard, quien sostuvo que esa disposición resulta necesaria para actuar en una industria de alta exigencia.

Para explicar esa idea, recurrió a una comparación deportiva. “Hay que tener esa competencia dentro de uno. No se entra a la NBA para querer ser el hombre que se sienta en el banco y nunca juega”, afirmó.

Aun así, señaló que con el tiempo esa presión perdió intensidad. “Durante mucho tiempo, me resultó muy difícil competir contra otras personas dentro de mi propia psicosis”, sostuvo.

Según publicó Entertainment Weekly, Lillard forma parte también del elenco de Behemoth!, película prevista para diciembre y dirigida por Tony Gilroy. La producción también cuenta con Pedro Pascal, Olivia Wilde y Will Arnett.

El cartel de Hollywood, uno de los símbolos más reconocidos del mundo, funciona también como refugio de fauna silvestre en pleno corazón de Los Ángeles. Serpientes, linces rojos, halcones y pumas conviven entre las letras metálicas del monte Lee, en una zona vedada al público que alberga unas 200 especies de aves y 40 de mamíferos, según informó The Guardian.

El cartel se encuentra en el Parque Griffith, el mayor parque municipal de la ciudad, con una superficie de unos 17,4 kilómetros cuadrados —aproximadamente cinco veces la del Central Park de Nueva York—. Al estar cerrado al acceso general, el área se convirtió en un corredor natural para distintas especies que buscan alejarse del entorno urbano.

Aves anidan entre las letras, serpientes se enroscan al pie de las estructuras y bobcats —linces rojos— deambulan alrededor de los caracteres. El puma P-22 también dejó su marca en el lugar: una fotografía de National Geographic de 2013 lo retrató de noche con el cartel iluminado como fondo, imagen que lo convirtió en ícono de Los Ángeles.

Griffith Park alberga unas 200 especies de aves y 40 de mamíferos

El Centro de Investigación Educativa de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) designó a Griffith Park como Área Ecológica Significativa. La distinción se debe, en parte, a su función como corredor de flujo genético y movimiento de especies entre las montañas de Santa Mónica, San Gabriel y Verdugo.

Los investigadores documentaron alrededor de 200 especies de aves en el parque, junto con 50 de mariposas y 40 de mamíferos. El medio británico recorrió el sitio junto a los cuidadores del cartel y registró rastros de coyotes, aves rapaces y reptiles en los senderos que rodean las letras.

Diana Wright, cuidadora oficial del Hollywood Sign Trust, describió al lugar como un punto de contacto directo entre la ciudad y la naturaleza. “Los Ángeles está pegado a la naturaleza”, afirmó Wright en declaraciones a The Guardian. “Estamos dentro de este enorme parque natural, mucho más nativo que Central Park, y encima está este cartel artificial que tiene que resistir derrumbes, deslizamientos y vientos”, agregó.

Un equipo de científicos instala cámaras con inteligencia artificial para detectar incendios

El fuego es el principal riesgo para la zona. Los visitantes pueden ingresar cigarrillos encendidos al parque y la vegetación seca es altamente inflamable. Para reducir ese peligro, los cuidadores del cartel trabajan junto a Torch Systems, una empresa tecnológica que usa sensores solares e inteligencia artificial para detectar columnas de humo a kilómetros de distancia.

El plan contempla la instalación de cámaras sobre las propias letras, capaces de identificar cualquier brote de incendio en la cuenca. En paralelo, los equipos de conservación llevan adelante proyectos de limpieza de maleza, con la dificultad de equilibrar ese trabajo frente al control de la erosión y el mantenimiento de las vistas del cartel.

La estructura también enfrenta riesgos de largo plazo. La zona está expuesta a terremotos, cambios en los regímenes de lluvia y fenómenos como El Niño, que alteran la estabilidad del terreno sobre el que se apoyan las letras, ancladas en cimientos de hormigón desde la restauración en 1978.

Wright planea crear un jardín de flora nativa californiana junto al cartel

El cartel nació en 1923 como publicidad temporal para un desarrollo inmobiliario llamado “Hollywoodland”. Construido originalmente con hojalata y postes telefónicos, se deterioró con los años hasta que una campaña lo reconstruyó con vigas de acero. Más de un siglo después, la estructura dejó de ser un aviso publicitario para convertirse en un ancla cultural y ambiental de la ciudad.

Wright y el equipo municipal impulsan ahora un plan para plantar flora nativa de California en las inmediaciones y generar un superbloom de flores silvestres cerca del cartel. “El cartel de Hollywood es una celebración de California. Debería ser hermoso y deslumbrante en su gloria natural”, señaló la cuidadora en declaraciones al diario británico.

“La ladera va a definir cómo será el cartel en el futuro”, advirtió Wright, al señalar que cualquier evento geológico de gran escala podría transformar por completo el paisaje que rodea al ícono.

Paul Walker murió el 30 de noviembre de 2013, a los 40 años, cuando el Porsche Carrera GT de 2005 en el que viajaba como acompañante chocó en Santa Clarita, California. Roger Rodas, de 38 años, su amigo y socio comercial, conducía el vehículo; ambos murieron en el lugar. Poco antes, habían participado en una actividad solidaria de Reach Out Worldwide, la organización humanitaria fundada por la estrella de Hollywood y protagonista de Rápidos y Furiosos. Al salir del evento, subieron al auto deportivo para realizar un recorrido breve.

La investigación estableció que la velocidad fue un factor central del siniestro. Las primeras estimaciones situaron la marcha entre 129 y 150 kilómetros por hora, mientras que peritajes posteriores la ubicaron cerca de los 160 kilómetros por hora. Tras los exámenes toxicológicos, las autoridades no detectaron alcohol ni drogas en ninguno de los dos.

Cómo fue el accidente y qué determinó la autopsia de Paul Walker

Tras chocar contra un cordón, el lateral del conductor golpeó un árbol y un poste de luz. El Porsche giró 180 grados y el lado del pasajero impactó contra otro árbol. Una cámara de seguridad ubicada en la zona registró el accidente y mostró que el fuego comenzó alrededor de un minuto después del primer impacto. El deportivo quedó destruido y detenido junto a los árboles, envuelto en llamas, mientras varias personas se acercaban para intentar auxiliar a los ocupantes.

Quienes se acercaron utilizaron extintores para combatir el fuego, pero la intensidad de las llamas y los daños en la estructura del vehículo impidieron que pudieran salvar a Walker y Rodas. El incendio se propagó antes de que llegaran los equipos de emergencia. Según la investigación del Departamento del Sheriff del Condado de Los Ángeles, Rodas perdió el control por motivos que no pudieron determinarse con precisión. El informe también descartó fallas mecánicas preexistentes que explicaran por sí solas el choque y mencionó el desgaste de los neumáticos como un elemento vinculado al accidente.

El informe forense citado por el diario estadounidense New York Daily News concluyó que Walker murió por lesiones traumáticas y térmicas, es decir, por la combinación de los golpes sufridos en la colisión y las quemaduras provocadas por el incendio. La autopsia registró fracturas en la mandíbula, la clavícula, las costillas, la pelvis y la columna vertebral.

El informe del forense del condado de Los Ángeles detectó además una pequeña cantidad de hollín en la tráquea de Walker. Ese hallazgo indicó que pudo haber inhalado humo después del choque, aunque la causa oficial de muerte no se limitó al incendio. Los peritos atribuyeron el fallecimiento a los efectos conjuntos de las heridas provocadas por el impacto y las quemaduras.

En tanto, la autopsia de Rodas determinó que murió por traumatismos graves en la cabeza, el cuello y el tórax. No tenía hollín en las vías respiratorias, un dato que apuntó a que murió de forma inmediata o poco después del primer impacto.

La hija de Paul Walker demandó a Porsche

En septiembre de 2015, Meadow Walker presentó una demanda por muerte por negligencia contra la marca del auto deportivo. La acción judicial sostuvo que el Carrera GT en el que viajaba el actor tenía deficiencias de seguridad que agravaron las consecuencias de la colisión. Su planteo cuestionó la falta de un sistema de control de estabilidad, el diseño del cinturón de seguridad y la resistencia de la estructura del vehículo ante un impacto lateral.

La demanda afirmó que Walker quedó atrapado por el cinturón tras el choque y que permaneció con vida durante alrededor de un minuto y 20 segundos, hasta que el auto se incendió. La representación de Meadow sostuvo que el actor podría haber sobrevivido si el auto hubiera contado con otras medidas de protección. “El Porsche Carrera GT es un auto peligroso. No debería estar en la calle”, declaró entonces el abogado Jeff Milam a ABC News.

Porsche rechazó los argumentos de la demanda. La compañía alegó que el modelo cumplía con los estándares aplicables cuando fue fabricado y vendido, y sostuvo que el uso, las modificaciones y el mantenimiento del vehículo habían contribuido al accidente. También afirmó que Walker conocía los riesgos asociados al uso del deportivo de 605 caballos de fuerza.

El litigio concluyó en octubre de 2017 con un acuerdo extrajudicial entre Meadow Walker y la marca. Los términos se mantuvieron confidenciales, según informó ABC News. La empresa también llegó a un acuerdo separado con Paul Walker III, padre del actor y administrador de su herencia.

Antes de iniciar el proceso contra Porsche, Meadow Walker había resuelto otro reclamo con la herencia de Roger Rodas, quien conducía el auto. El pacto, alcanzado en noviembre de 2014 y conocido públicamente en 2016, fue por USD 10,1 millones. De ese monto, más de USD 7,2 millones fueron destinados a un fideicomiso para la hija, mientras que cerca de USD 2,9 millones correspondieron a honorarios legales, de acuerdo con documentos judiciales citados por Los Angeles Times.

Ese acuerdo no resolvió la discusión sobre las causas del accidente. Las autoridades del condado de Los Ángeles y la Patrulla de Caminos de California habían señalado la velocidad como el factor principal del choque, mientras que las demandas civiles plantearon que fallas de diseño o de seguridad del vehículo también pudieron influir en la muerte de Walker.

La actriz Eva Marie Saint, ganadora de un Oscar y protagonista de La ley del silencio Con la muerte en los talones, ha muerto a los 102 años en su casa de Los Ángeles, según han confirmado sus representantes.

Eva Marie Saint ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto por su primera película, La ley del silencio, estrenada en 1954, y recibió la estatuilla en 1955. Ese premio la ha convertido, hasta el momento, en la ganadora viva de mayor edad de los Oscar.

Saint encarnó a Edie Doyle, junto a Marlon Brando, en el drama de Elia Kazan, que obtuvo 12 nominaciones a los Oscar y ganó ocho premios, incluidos los de mejor película, actor, director y actriz de reparto. Una crítica de The New York Times de la época, destacó que, “en medio de escenas de violencia, aporta ternura y sensibilidad a un romance auténtico”.

Antes de llegar al cine, la intérprete había comenzado en televisión con Camp Hoop La y se convirtió en habitual de One Man’s Family. También amplió su registro dramático en series antológicas como Philco Playhouse, Robert Montgomery Presents y Studio One.

Eva Marie Saint y sus papeles más importantes

El papel en La ley del silencio llegó después de que Saint actuara junto a Lillian Gish en el telefilme de Horton Foote The Trip to Bountiful, de 1953. La producción fue el primer drama televisivo trasladado a Broadway, donde se representó durante 39 funciones.

Un crítico neoyorquino calificó su trabajo de “conmovedor y de una sensibilidad hermosa”, una interpretación que llamó la atención de Kazan. El director la eligió para un personaje que aspiraban a interpretar actrices con más experiencia.

Saint evitó vincularse a un contrato con un estudio tras el éxito de la película y regresó al teatro con montajes de repertorio de The Rainmaker y Desire Under the Elms. En 1956 asumió el papel protagonista femenino de Esa extraña sensación, junto a Bob Hope, y después participó en Un sombrero lleno de lluvia y El árbol de la vida.

Su segundo gran personaje cinematográfico fue la agente Eve Kendall en Con la muerte en los talones, el thriller de espionaje que Alfred Hitchcock estrenó en 1959. La actriz compartió reparto con Cary Grant, que interpretaba al ejecutivo publicitario Roger Thornhill.

En un texto publicado con motivo de su 97 cumpleaños, Variety señaló que Saint aportaba a Kendall “el indispensable atractivo sexual frío” de una agente secreta enigmática, pero que iba mucho más allá del modelo de dama en apuros. La publicación añadió que el personaje era capaz de engañar a los villanos y solía ir “dos o tres pasos por delante” de Thornhill.

Después de Con la muerte en los talones, la actriz intervino en Éxodo y Su propio infierno, dirigida por John Frankenheimer y ‘coprotagonizada’ por Warren Beatty. Este último trabajo reunió una de sus interpretaciones dramáticas más destacadas.

Seis décadas entre cine, televisión y teatro

Saint interpretó a la esposa despreciada en Castillos en la arena, película de 1965 protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, y al año siguiente apareció en la comedia de Norman Jewison ¡Que vienen los rusos! Su trabajo junto a George Segal en Loving fue considerado entre los mejores de su carrera.

Su filmografía también incluyó 36 Hours, Grand Prix y Cancel My Reservation. Salvo esta última comedia con Bob Hope, dedicó gran parte de las dos décadas siguientes a la televisión y los escenarios.

En Broadway actuó en The Lincoln Mask en 1972 y, junto a Henry Fonda, en The First Monday in October en 1979. En 1983 formó parte de una producción de Chicago de Duet for One.

En televisión sumó papeles en School for Bachelors, A Carol for Another Christmas, The First Woman President, Mrs. Epenshade, Taxi y la miniserie How the West Was Won. Sus intervenciones en las dos últimas producciones le valieron nominaciones a los Emmy.

También recibió buenas críticas por A Christmas to Remember, con Jason Robards, When Hell Was in Session, The Curse of King Tut’s Tomb, The Best Little Girl in the World, Malibu, My Antonia y Jane Doe. Tuvo un personaje recurrente en la serie de ABC Luz de luna, donde interpretó a la madre del personaje de Cybill Shepherd.

Saint volvió al cine en 1986 con Nada en común, junto a Tom Hanks y Jackie Gleason. Tras cuatro nominaciones anteriores, obtuvo el Emmy a la mejor actriz de reparto en 1990 por la miniserie de NBC Crimen de élite.

Durante la década de 1990 participó en telefilmes como I’ll Be Home for Christmas, Kiss of a Killer, After Jimmy y Open House, además de aparecer como la madre de Roz en Frasier. Ya en el siglo XXI trabajó en I Dreamed of Africa, Because of Winn-Dixie, Don’t Come Knocking y Superman Returns, donde interpretó a Martha Kent, madre adoptiva de Clark Kent.

Su última aparición cinematográfica fue en Cuento de invierno, dirigida y escrita por Akiva Goldsman, en 2014, aunque todavía prestaba su voz a dramas sonoros en 2022.

De Nueva York a Hollywood

Nacida en Newark, Nueva Jersey, en 1924, Saint creció en Delmar, cerca de Albany, después de que su familia se trasladara allí. Estudió en la Bowling Green State University de Ohio con la intención inicial de ser profesora.

La actriz se interesó por la interpretación durante sus años universitarios y, tras obtener su licenciatura, buscó trabajo primero en la radio. Participó en seriales como Rosemary y Young Doctor Malone, además de trabajar como modelo para sostenerse.

En 1947 fue seleccionada para Mister Roberts, aunque el director Joshua Logan la relegó al papel de suplente al considerar que no tenía experiencia suficiente; Jocelyn Brando asumió los personajes. Un año después comenzó a formarse en el Actors Studio.

Saint tiene dos estrellas distintas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una por cine y otra por televisión. En 2000 presentó el documental de TCM The Making of North by Northwest y participó después en los documentales Broadway: The Golden Age, by the Legends Who Were There y Broadway: Beyond the Golden Age.

En 2009 presentó el Oscar a la mejor actriz de reparto durante la 81ª edición de los premios de la Academia, 55 años después de ganar la estatuilla por La ley del silencio. Fue colaboradora durante años del Motion Picture and Television Fund y de la Epilepsy Foundation of Los Angeles, y formó parte del comité de la beca de guion Nicholl de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.

Defensora temprana de mantener los coches libres de móviles, creó y distribuyó una pegatina con el mensaje: “Cuelga el teléfono o bájate de la carretera”. Su marido, el director de televisión Jeffrey Hayden, murió en 2016 tras 65 años de matrimonio. Le sobreviven sus dos hijos, Darrell y Laurette; sus cuatro nietos, Eli, Tyler, Molly y Stella; y sus dos bisnietos, Arlo y Finley.

Cada vez más, Hollywood retrata la tecnología como una cuenta regresiva hacia la catástrofe. A Google le gustaría que considerara otra posibilidad: ¿Y si el futuro tecnológico no es aterrador en absoluto?

Pensemos en Sweetwater, un cortometraje protagonizado por Kyra Sedgwick que se ha proyectado en festivales. Presenta la inteligencia artificial como una fuente de consuelo y conexión: Sedgwick interpreta el holograma de IA de una estrella de cine fallecida que se aparece ante su hijo en duelo. Google encargó la película junto con Range Media Partners, y sus investigadores de IA asesoraron sobre cómo podría funcionar de manera verosímil el fantasma digital.

Sweetwater forma parte de 100 Zeros, una nueva alianza entre Google y Range que da al gigante tecnológico presencia en los círculos artísticos de Hollywood. La iniciativa, que opera por separado de YouTube, propiedad de Google, tiene tres objetivos: dar forma a cómo aparece la tecnología —en particular SU tecnología— en pantalla; experimentar con formas emergentes de entretenimiento; y establecer relaciones con talentos.

Una ambiciosa oferta de microdramas está diseñada para cumplir los tres objetivos. Realizados para teléfonos y desarrollados en episodios cortos y serializados, los programas comenzarán a estrenarse en diciembre en la aplicación de streaming Google TV. Son un campo de pruebas para herramientas de producción con IA y otras tecnologías de la compañía. Y los microdramas los ponen en contacto comercial con productores y actores de renombre, relaciones que espera que se extiendan mucho más allá de los propios programas.

Una de las series de 30 episodios —Dateable, de Mike Fleiss, creador de The Bachelor— es un reality show sobre una mujer que corre contrarreloj para encontrar el amor antes de cumplir 30 años. Se grabará a sí misma con un teléfono Android. (Naturalmente). “A menudo, se ha visto la tecnología representada en pantalla de una manera que busca deliberadamente transmitir un mensaje que quizá esté un poco mal informado”, dijo Jonathan Zepp, responsable de contenido y plataformas de entretenimiento de Google. “El mundo está cambiando rápidamente”, continuó Zepp. “La tecnología está haciendo posible ese cambio, y creo que a todos nos interesa, desde una perspectiva social, que esa historia se cuente de forma precisa y auténtica”.

100 Zeros es microscópico en comparación con las operaciones de Apple y Amazon en Hollywood. Pero es otro ejemplo de los gigantes tecnológicos extendiendo su enorme alcance y, cada vez más, hacia las historias que la cultura popular cuenta sobre la propia tecnología. Este tipo de poder blando puede manifestarse de distintas maneras, como la reciente decisión de Amazon MGM Studios de no estrenar Artificial, una dramatización mordaz de OpenAI, una empresa en la que Amazon ha invertido 50.000 millones de dólares.

Hollywood ha imaginado cada vez más la tecnología en términos distópicos. Entre los ejemplos de este año se encuentran The Audacity, de AMC; el próximo drama de CBS Cupertino; y las películas Good Luck, Have Fun, Don’t Die y Mercy. Todas retratan la tecnología y a las personas detrás de ella como, de diversas maneras, venales, imprudentes y peligrosas.

Los investigadores han descubierto que la ciencia ficción puede moldear las actitudes del público hacia las tecnologías emergentes. Incluso puede influir en la propia tecnología: Anthropic, la empresa de IA respaldada por Google, reveló en mayo que las versiones de su chatbot Claude parecían haber aprendido de historias de ciencia ficción en las que la IA es malvada y busca preservarse a sí misma. En pruebas simuladas, los modelos a veces se comportaban en consecuencia, incluso chantajeando a ingenieros.

Google solo puede presionar hasta cierto punto. Los cineastas y responsables de programas pueden molestarse ante el más mínimo indicio de injerencia creativa, y el público puede perder el interés cuando percibe una agenda corporativa. Incluso algunos de los artistas que han participado en proyectos de 100 Zeros tienen sentimientos encontrados. “Es interesado, sin duda”, dijo Sedgwick sobre la participación de Google en Sweetwater. “No hay duda de ello”. Añadió: “Las empresas tecnológicas sin duda están tratando de presentar la IA como amable, cariñosa y ligeramente humana. Creo que es problemático y cuestionable”.

Pero Sedgwick también acogió favorablemente el creciente papel de Google en la producción cinematográfica. “Tienen mucho dinero y recursos, y si quieren formar parte de contar historias —dar dinero a cineastas, guionistas y directores para hacer películas reales en lugar de alguna versión de una película hecha con IA—, entonces estoy totalmente a favor”, afirmó. “En última instancia, creo que respetan el oficio y quieren que continúe”.

Lograr que Hollywood escuche es donde entra Range.

Fundada en 2020, Range, una empresa de representación de talentos y producción, representa a actores, guionistas y directores destacados, entre ellos Bradley Cooper, Johnny Depp, Gabrielle Union, Damon Lindelof y Halle Berry. Range ayudó a producir Un completo desconocido, la reciente película biográfica sobre Bob Dylan protagonizada por Timothée Chalamet. Entre sus otros créditos cinematográficos se encuentra Primetime, un drama de A24 protagonizado por Robert Pattinson que recaudó aproximadamente 19 millones de dólares durante el fin de semana. Range también opera en la música, los deportes, la edición y los medios en línea.

100 Zeros da a Range una carta de presentación para atraer a clientes: acceso a Google en un momento en que la tecnología está cambiando rápidamente la forma en que se produce y consume el entretenimiento. “Google tiene el conjunto de herramientas más extraordinario”, dijo Peter Micelli, cofundador y director ejecutivo de Range. Las herramientas de Google incluyen Android XR, un sistema operativo para gafas inteligentes, y Flow, un software de realización cinematográfica con IA que puede generar y editar video.

Micelli citó 100 Zeros como una de las razones por las que la resistencia a la IA entre los clientes de Range estaba disminuyendo. “La marea está cambiando de manera importante, y creo que hemos desempeñado un papel saludable en ello, explicándole a la gente que hay aspectos positivos”, afirmó. “Vivimos demasiado en esta idea distópica de: ‘Oh, va a ser terrible’”.

Zepp y Micelli se negaron a decir cuánto dinero habían comprometido Google y Range para 100 Zeros. Personas que han hecho negocios con 100 Zeros dicen que se trata de millones de dólares. La iniciativa, que tiene un año de antigüedad, está estructurada como un fondo rotatorio, cuyos ingresos de los proyectos se destinan a financiar otros nuevos. Lo que Google obtiene a cambio varía.

Con algunos proyectos, 100 Zeros busca principalmente incorporar a cineastas en ascenso y estrellas consolidadas a la órbita de Google. Por ejemplo, ha respaldado películas de Neon como Sentimental Value, de Joachim Trier, y Cuckoo, de Tilman Singer. 100 Zeros también fue financiador de la reciente comedia sobre fumadores de marihuana The Wrong Girls, protagonizada por Kristen Stewart y Alia Shawkat. Próximamente llegará Family Movie, una comedia de terror dirigida por Sedgwick junto con su esposo, Kevin Bacon.

The Wrong Girls y Family Movie también presentan personajes que usan dispositivos de Google. La compañía lleva mucho tiempo impulsando la colocación tradicional de productos a través de United Talent Agency. 100 Zeros busca ampliar ese esfuerzo participando mucho antes: ayudando a desarrollar, financiar o producir entretenimiento que incorpore tecnología, ya sea como productos o como parte central de la historia. Google y Range también están utilizando 100 Zeros para experimentar con lo que podría llegar a ser el propio entretenimiento.

Aún no ha habido un microdrama exitoso en Estados Unidos, donde un experimento anterior con entretenimiento de consumo rápido, Quibi, fracasó de manera célebre. Pero se prevé que el formato, originado en China, genere aproximadamente 14.000 millones de dólares en todo el mundo este año, un aumento del 27 % respecto de 2025, según Omdia, una empresa de investigación. Además de Dateable, 100 Zeros tiene microprogramas en camino de Kenan Thompson, de Saturday Night Live; Simon Fuller, creador de American Idol; y McG, director de Charlie’s Angels.

Fleiss dijo que el formato breve, barato de producir y libre de décadas de convenciones, ofrecía una oportunidad para replantear la televisión de realidad. “Quería eliminar la manipulación y las cualidades artificiales que provienen de un reality show sobreproducido”, dijo sobre Dateable. En un momento en que lanzar un programa es cada vez más difícil, “Google también puede generar una enorme notoriedad”, añadió Fleiss.

Google TV, donde debutarán los microdramas, tiene unos 50 millones de usuarios activos mensuales en todo el mundo, un 9% más que hace un año, según Sensor Tower, una empresa de análisis de aplicaciones. Después, 100 Zeros planea distribuir los programas a otras plataformas. Otros experimentos se alejan más radicalmente de la televisión convencional. En el Festival de Venecia de este mes, 100 Zeros respaldó varios proyectos para gafas inteligentes que utilizan Android XR, el sistema operativo de Google para dispositivos de realidad virtual y aumentada. Nevatars, una historia animada de Andy Serkis, permite a los espectadores conversar con personajes de IA. Galápagos: The Last Eden, un documental sobre la naturaleza narrado por Margot Robbie, permite a los espectadores interactuar con un Charles Darwin digital.

100 Zeros también es socio del Future Vision XPrize, un nuevo emprendimiento de 3,5 millones de dólares para cortometrajes y tráileres que retraten futuros esperanzadores habilitados por la tecnología. El viernes pasado, The Gifted, sobre un niño que utiliza IA para reconstruir a su madre fallecida a partir de sus mensajes de texto, su voz y su diario, fue nombrado ganador. Google y Range, a través de 100 Zeros, desarrollarán y ayudarán a financiar un largometraje basado en el cortometraje ganador. “Este concurso crea espacio para un tipo diferente e igualmente esencial de narración: una que explora el optimismo complejo de un mundo en transición”, dijo Peter Diamandis, quien fundó el concurso.

Las ambiciones de Google en Hollywood se extienden más allá de 100 Zeros. Durante el verano, el laboratorio DeepMind de la empresa anunció una alianza con A24, el estudio independiente conocido por contar con seguidores ferozmente leales, para desarrollar herramientas de IA para cineastas. Google también invirtió aproximadamente 75 millones de dólares en la empresa, lo que provocó una reacción negativa entre cinéfilos preocupados por la incursión de la IA en la realización cinematográfica.

La respuesta al acuerdo con A24 mostró la desconfianza que Google debe superar entre los artistas y aficionados al cine a quienes espera atraer. Sedgwick, pese a sus reservas, ofreció el tipo de aceptación que Google espera lograr. “Hay una línea muy fina”, dijo Zepp, “entre dictar una narrativa —cuenta una historia positiva— y, con suerte, si entiendes esto, realmente vas a querer contar una historia positiva”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Jackie Russo; archivo]

El presidente y director ejecutivo del nuevo conglomerado Skydance, David Ellison, y el codirector ejecutivo, Ynon Kreiz, comunicaron el cierre de la fusión en un memorando interno dirigido al personal este martes. En la carta de 1.705 palabras, titulada “Día 1”, anticiparon que la integración de Paramount y Warner Bros. Discovery derivará en cambios que afectarán a la plantilla.

“La integración de dos compañías traerá cambios, incluyendo decisiones difíciles que afectarán a nuestra fuerza laboral. Estamos comprometidos a manejar este proceso con reflexión y respeto”, expresaron en la comunicación recogida por Variety y Deadline.

La empresa no precisó el alcance ni el calendario de los recortes. Un informe del condado de Los Ángeles, citado por Variety, había estimado en agosto que la unión podría provocar la pérdida de alrededor de 4.500 empleos en cine y televisión durante los próximos tres años, solo en esa zona.

La advertencia llega tras un proceso de fusión de un año y en un contexto de presión financiera: la operación deja al grupo con unos USD 80.000 millones de deuda, precisó Deadline.

Por su parte, la dirección busca obtener al menos USD 6.000 millones en sinergias, una cifra que, según el memorando, permitirá a la compañía operar con una estructura más ágil y liberar recursos para contenidos, creadores y tecnología.

Skydance promete más producción, tecnología al servicio de la creatividad y comunicación directa

El memorando establece cuatro objetivos: liderar la producción de historias, convertirse en la empresa de medios con mayores capacidades tecnológicas, competir en un mercado saturado y construir confianza mediante una comunicación directa y el cumplimiento de los compromisos.

Entre las prioridades anunciadas figura el fortalecimiento de la producción de historias y franquicias para cine, televisión, plataformas, videojuegos y deportes en vivo. El grupo se comprometió a lanzar al menos 30 películas anuales entre producciones originales y franquicias como Harry Potter, Misión Imposible, El Señor de los Anillos, DC, Transformers y Star Trek.

La nueva dirección planteó que la tecnología y la inteligencia artificial deberán ampliar las posibilidades creativas y mejorar la productividad, desde herramientas de producción hasta sistemas de personalización y nuevas formas de relacionarse con los seguidores. “La tecnología debe estar al servicio del arte, nunca al revés”, indicaron Ellison y Kreiz.

Al mismo tiempo, aseguraron que, mientras intentan alcanzar sus objetivos, crearán una cultura laboral en la que los empleados se sientan “respetados, empoderados, apoyados y orgullosos del trabajo que realizan”.

Paramount y Warner Bros. conservarán sus nombres y sus sellos

Aunque la sociedad matriz operará bajo la marca Skydance, ambos estudios conservarán sus identidades. “El público seguirá viendo la montaña de Paramount y el escudo de Warner Bros. antes de las películas y series que tanto les gustan”, prometieron en el comunicado interno.

Los ejecutivos explicaron que descartaron nombres que combinaran ambas marcas, como WarnerParamount, ParaWarner o ParamountWarner. A su juicio, esas fórmulas diluían la identidad de las dos compañías en lugar de crear una nueva.

“No se trata de una fusión por conveniencia. Es el comienzo de una nueva era en el entretenimiento y queríamos un nombre que mirara hacia el futuro, en lugar de uno que simplemente repitiera el pasado”, escribieron.

En consecuencia, Skydance “le da a la nueva compañía una identidad propia, al tiempo que permite que Paramount y Warner Bros., y todas nuestras extraordinarias marcas, sigan siendo protagonistas”.

Según los ejecutivos, el nombre tiene un significado especial para Ellison y evoca “escala y ambición, creatividad e imaginación, arte e innovación”.

Al final de la carta, Ellison y Kreiz agradecieron a los empleados por sus aportes y alentaron: “Ahora comienza el verdadero trabajo”.

Wilson relató que una expulsión por copiarse en un examen de geometría y su posterior paso por un colegio militar lo acercaron, de forma indirecta, a Wes Anderson, con quien empezó a escribir antes de consolidar su carrera frente a cámara.

La expulsión escolar llevó a Wilson al colegio militar

Wilson contó que lo habían expulsado de la escuela por copiarse en un examen de geometría. Después preparó solicitudes universitarias con ayuda de su padre, que trabajaba en publicidad, y de colegas de la agencia donde él se desempeñaba.

“Aunque mi historial quizá no lo revele, considero importante abordar este asunto”, recordó como la primera frase de uno de esos ensayos, que buscaba explicar el antecedente disciplinario.

El actor no fue admitido en las instituciones a las que se había postulado y asistió a un colegio militar. Allí compartió habitación con un estudiante de Houston que, tiempo después, lo vinculó con Anderson en la Universidad de Texas.

Wilson consideró que esa secuencia mostraba el peso de la casualidad y sostuvo que convenía “resistir el impulso de decir: ‘Esto es algo malo que está pasando; esto es algo bueno’”, porque no se sabía cómo podían encajar los acontecimientos con el paso del tiempo.

La Universidad de Texas lo vinculó con Wes Anderson y la escritura

En la Universidad de Texas, aquel excompañero presentó a Wilson a Anderson, que ya era su amigo. El actor explicó que, antes de ese encuentro, no había planeado actuar y que su objetivo inicial se orientaba hacia otra profesión: “El plan probablemente era trabajar en publicidad”.

Anderson quería dirigir películas y le propuso trabajar con él en los guiones, una colaboración que derivó en Bottle Rocket.

O’Brien recordó que había visto ese filme independiente y que Wilson había asistido a su programa nocturno para promocionarlo. El conductor señaló que, si Wilson hubiera ingresado en alguna de las universidades que había elegido, quizá no habría conocido a Anderson.

El actor coincidió y definió ese recorrido como un ejemplo del lugar que podían tener la suerte y la casualidad en una trayectoria. La conversación también pasó por Rushmore, donde, según contó el actor, su padre redactó un parlamento del personaje de Bill Murray sobre los jóvenes ricos.

Wilson describió a su padre como alguien que recurría al humor para afrontar experiencias difíciles y afirmó: “Cuando logro convertir algo que me ocurre en una historia, me resulta mucho más fácil lidiar con ello”.

Stick reunió a Wilson con Olyphant y Maron

Sobre la segunda temporada de Stick, Wilson indicó que Tim Olyphant tendría una participación mayor. Dijo que había conectado de inmediato con el actor y destacó su serenidad durante el trabajo.

También se refirió a las discusiones entre Olyphant y Mark Maron, y recordó que los tres competían en una máquina de Galaga, un videojuego de arcade. Para Wilson, esas instancias permitían observar rasgos que no siempre aparecían en una conversación cotidiana.

El actor recordó que, desde niño, solía inventar juegos y modificar reglas para favorecer sus propias habilidades. También mencionó que los desafíos competitivos permitían ver cómo reaccionaban las personas fuera de los intercambios habituales.

Rolling Loud: The Movie relató la búsqueda de un hijo en un festival

Wilson presentó Rolling Loud: The Movie, donde interpretó a un padre que llevó a su hijo a un festival de música pese a la negativa de la madre y lo perdió durante el evento.

Contó que había asistido al festival con sus hijos: “Mis hijos están muy interesados en Rolling Loud y, cuando el festival llegó a Los Ángeles, fuimos a verlo”.

También señaló que la energía de artistas como Playboi Carti y Travis Scott difería de la música rap que conoció en su juventud.

Durante la charla, O’Brien comparó los primeros años del género con los espectáculos actuales, que ambos describieron como un cruce de rap y metal, marcado por una puesta en escena más intensa.

Wilson lo resumió así: “Ahora parece que el metal se encuentra con el rap”. También había mencionado la actuación de Playboi Carti entre las experiencias que tuvo en el festival.

El actor habló sobre esos proyectos durante una entrevista en el podcast Happy, Sad & Confused, conducido por Josh Horowitz.

Con la cabeza rapada por exigencias de sus nuevos papeles y después de una sucesión de producciones de perfiles muy distintos, Stan describió un momento de búsqueda profesional. “Tengo más miedo ahora de parecerme a mí mismo en una película que de verme diferente”, afirmó.

Los papeles que quedaron fuera y el futuro de Bucky Barnes

Stan repasó algunas oportunidades que no se concretaron durante los primeros años de su carrera, una etapa en la que todavía buscaba consolidarse en la industria televisiva.

Entre esos proyectos, confirmó que recibió una propuesta para interpretar el personaje que finalmente encarnó Paul Wesley en “The Vampire Diaries”. Sin embargo, decidió rechazarla luego de su participación en la serie “Kings”

Además, recordó que se presentó para interpretar al Capitán América antes de obtener el papel de Bucky Barnes. También mencionó proyectos que no llegaron a concretarse, entre ellos “Green Lantern” y “Star Trek”. Con el tiempo dejó de pensar en esos rechazos como pérdidas: “No cambiaría nada”.

Sobre el universo de Marvel, Stan sostuvo que todavía percibe aspectos pendientes en la evolución del Soldado del Invierno. “Siento que hay algo en este personaje que aún no se completó del todo”, afirmó.

El actor participará en “Avengers: Doomsday”, película que reunirá nuevamente a los hermanos Russo con varias figuras de la saga. Stan señaló que el regreso de los directores aportó una sensación de familiaridad al rodaje y explicó cómo entiende el lugar de Bucky dentro de los Thunderbolts.

“Alguien tiene que ser el personaje serio. En el grupo de los Thunderbolts resulta un poco ridículo porque todos están locos”, afirmó.

“Fjord” plantea tensiones sobre la familia, la religión y la crianza

En “Fjord”, comparte elenco con Renate Reinsve bajo la dirección del cineasta rumano Cristian Mungiu. La película presenta a una pareja con cinco hijos que se instala en Noruega y queda bajo sospecha de maltrato infantil. La trama suma conflictos vinculados con diferencias culturales, valores familiares y religión.

Stan, de origen rumano, explicó que buscaba desde hacía años un proyecto que le permitiera trabajar en relación con su país natal. El actor contó que había mantenido conversaciones con Mungiu hasta que apareció esta historia. “Él dijo: ‘Creo que haré mi primera película en inglés y será tu primera película rumana’”, relató.

El actor de 44 años destacó el método de filmación de Mungiu, caracterizado por secuencias extensas y pocas interrupciones de montaje. Según explicó, el director busca una puesta cercana al registro documental, una decisión que exigió contención en la construcción de su personaje.

Sostuvo que la película evita ofrecer respuestas simples sobre la acusación contra los padres. “¿Es persecución religiosa? ¿Son realmente culpables de aquello de lo que se los acusa? La película no te da la respuesta tan fácilmente”, señaló.

Para el actor, el relato pone en discusión qué modelos de educación protegen a los niños y cuáles pueden provocar daño dentro de una familia.

La paternidad modificó su mirada sobre el personaje

La llegada de su hijo también atravesó la forma en que Stan observa “Fjord”. El actor indicó que la experiencia de ser padre lo llevó a revisar qué enseñanzas familiares quiere transmitir y cuáles prefiere dejar atrás.

“Me pregunto cuáles son las cosas con las que crecí que puedo y debo transmitir a mi hijo, y cuáles son las cosas con las que crecí que realmente no funcionaron y no quiero transmitir”, expresó en la entrevista para Happy, Sad, Confused.

El artista vinculó esas preguntas con el trasfondo de su personaje, criado en un entorno tradicional de Europa del Este. Afirmó que reconoció elementos de esas figuras masculinas en su padre y en su abuelo, aunque aclaró que el film también muestra razones para que se produzcan las denuncias contra los protagonistas.

En esa línea, cuestionó formas de masculinidad asociadas al autoritarismo y a la confrontación. “Esta masculinidad victimizada y con sentido de derecho es muy reveladora de cuán insegura y pequeña es en realidad”, comentó. Para Stan, la tolerancia y la capacidad de escuchar constituyen valores centrales.

De “The Apprentice” y “A Different Man” a una selección más personal

El actor relacionó “Fjord” con el camino que trazaron “The Apprentice” y “A Different Man”, dos trabajos que lo alejaron de los roles de acción con los que ganó notoriedad. Explicó que ambas producciones le exigieron una implicación mayor, incluso en aspectos de desarrollo y promoción.

Afirmó que el reconocimiento de esos títulos reforzó una decisión para sus futuros proyectos: involucrarse solo cuando exista un vínculo profundo con el material. “A menos que tenga mis manos, mis pies, todo y mi corazón en ello, quizá no debería hacerlo”, indicó.

La transformación física también formó parte de esa etapa. Para “Fjord”, se rapó por completo, una imagen que mantuvo durante parte de la filmación de “The Batman: Part Two”. Al ser consultado sobre su personaje en la secuela de Matt Reeves, evitó dar precisiones.

El actor confirmó que el rodaje está en marcha y definió el papel como un desafío distinto. “Esto definitivamente se siente como algo muy diferente de lo que he podido hacer”, aseguró. También elogió a Reeves, a quien definió como un cineasta con una visión precisa para el proyecto.

El mercado de producción audiovisual de Estados Unidos perdió casi la mitad de su participación en cine y más de un cuarto en televisión durante los últimos 25 años, según un informe elaborado por la consultora EY a pedido de una coalición de sindicatos de Hollywood.

Los estudios destinaban el 74% de sus presupuestos cinematográficos al mercado doméstico hace un cuarto de siglo; actualmente ese porcentaje cayó al 42%. En televisión, la caída fue del 94% al 64%.

El documento fue impulsado por cuatro organizaciones gremiales: la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE), el Sindicato de Directores de Estados Unidos (DGA), el Sindicato de Actores de Cine-Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio (SAG-AFTRA) y el Sindicato Internacional de Trabajadores de América del Norte (LIUNA).

La publicación del informe coincide con el debate abierto en el Congreso sobre la posibilidad de crear un incentivo federal de entre el 20% y el 30% para reactivar la industria local, según detalló Variety.

Los grandes presupuestos concentran la mayor parte del éxodo

El estudio se circunscribió a producciones de gran escala: largometrajes con presupuestos de al menos USD 5 millones —en dólares de 2025— y episodios televisivos que superan USD 1 millón para contenidos de hasta 40 minutos, o USD 1,7 millones para episodios más largos.

Dentro de ese universo, el segmento de mayor gasto fue también el que más producción trasladó al exterior. La participación estadounidense en las 25 películas más costosas de los grandes estudios descendió del 74% al 34% entre 1999 y 2024, una caída del 40% en ese grupo específico.

Ese conjunto de títulos representa un cuarto de todos los filmes producidos por los grandes estudios, pero concentra la mitad del personal técnico y dos tercios de los presupuestos totales.

“Esto pone de manifiesto que los presupuestos de producción están muy concentrados en un pequeño subconjunto de películas”, señaló el informe. Además agregó: “Los patrones observados en este grupo reflejan en términos generales las tendencias del análisis más amplio, aunque con una caída algo más pronunciada”.

El gasto total creció, pero la tajada estadounidense se achicó

El informe aclara que la industria no encogió en términos absolutos: la producción global se expandió de forma considerable. El gasto anual de los grandes estudios en cine pasó de USD 3.000 millones a USD 7.000 millones en 25 años.

Mientras que en televisión, el salto fue aún más drástico: de USD 933 millones a USD 8.400 millones en el mismo período. Sin embargo, ese crecimiento benefició en mayor proporción a mercados extranjeros que al doméstico.

El análisis de EY proyectó que, si la participación estadounidense se hubiera mantenido estable durante ese cuarto de siglo, el país habría recibido USD 4.000 millones adicionales por año en producción de cine y televisión.

La expansión del streaming complica la comparación histórica en TV

El propio informe advierte sobre las limitaciones metodológicas del análisis televisivo. La irrupción de las plataformas de streaming transformó de raíz las variables fundamentales del negocio: presupuestos por episodio, extensión de las temporadas, modelos de estreno y escala de producción.

“El auge del streaming alteró de manera fundamental la escala de producción, los presupuestos, la duración de las temporadas y los modelos de distribución, lo que genera discontinuidades en lo que constituye una serie televisiva comparable entre períodos”, señaló el texto elaborado por EY.

El informe tampoco intenta explicar las causas del desplazamiento hacia el exterior; su alcance se limita a cuantificar la magnitud del fenómeno.

El Congreso analiza un incentivo federal mientras crecen las presiones del sector

El fenómeno conocido como runaway production —la fuga de rodajes hacia mercados con incentivos fiscales más competitivos— lleva décadas afectando a la industria y se profundizó durante la pandemia de COVID-19.

La crisis se agravó con las huelgas históricas de guionistas y actores que paralizaron el sector en 2023. Canadá, el Reino Unido y estados como Nuevo México y Georgia captaron buena parte de esa producción desplazada gracias a créditos fiscales más atractivos.

La Asociación de la Industria Cinematográfica (MPA) publicó su propio análisis el mes pasado, según el cual un incentivo federal generaría USD 22.000 millones adicionales en producción doméstica anual para 2035.

El informe de la MPA no midió la evolución histórica de la participación de mercado, pero advirtió que esa participación seguirá erosionándose si el Congreso no actúa.

Los sindicatos prevén realizar una concentración en Glendale, California, junto al senador Adam Schiff y legisladores demócratas de la delegación californiana. Schiff y otros congresistas presentaron el mes pasado una propuesta de crédito federal que, combinado con los subsidios estaduales existentes, crearía el régimen de incentivos más generoso del mundo.

Con el respaldo del presidente Donald Trump, quien declaró su apoyo a la iniciativa en agosto, los impulsores del proyecto esperan convertirlo en ley antes de que finalice 2026.

Joseph Zada se convirtió en la nueva cara de Haymitch Abernathy, el personaje que interpretó Woody Harrelson en la saga de Los Juegos del Hambre. El actor de 21 años protagonizará “Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha”, la nueva película de la franquicia, que llegará a los cines el 20 de noviembre.

El ascenso de Zada no se limita a esa producción. En octubre, el actor también apareció en la miniserie de Netflix “Al este del Edén”, donde interpreta a Cal Trask, el papel que en 1955 le dio a James Dean una de las actuaciones más recordadas de su carrera.

Frente a la presión de asumir personajes que ya tienen intérpretes de referencia, aseguró que no se siente condicionado por las expectativas: “No sé si es peligroso decir esto, pero la verdad es que no me importa”.

Un casting que exigió más que talento

El proceso para conseguir el papel de Haymitch no fue sencillo. Según relató el propio Zada en una entrevista con Vanity Fair, las audiciones resultaron extenuantes.

“Me hicieron pasar por lo que parecía un infierno innecesario hasta que llegué allí y empecé a rodar”, afirmó el actor. Y agregó una reflexión sobre el sentido de ese proceso: “Entonces entiendes que es necesario someter a alguien a un proceso largo y duro porque de eso se trata la película”.

La principal dificultad no fue actuar, sino encontrar una voz propia para un personaje ya asociado a Harrelson. Zada reconoció que intentó imitar al actor estadounidense tras revisar decenas de videos suyos en internet, una estrategia que terminó por volverse en su contra.

“Intenté imitar a alguien, con la esperanza de que eso me diera el impulso necesario para conseguir el papel”, explicó. Fue el director Francis Lawrence quien lo orientó a abandonar la imitación y desarrollar su propia interpretación del joven Haymitch.

Las coincidencias entre Zada y Harrelson

Entre Zada y Harrelson existen varias similitudes que trascienden la ficción. El cumpleaños del actor australiano cae apenas dos días antes que el del actor estadounidense, y ambos nacieron bajo el mismo signo que su personaje: cáncer.

Ese dato no es menor dentro de la trama de Amanecer en la Cosecha, donde el cumpleaños de Haymitch coincide con el día de la Cosecha, la ceremonia anual en la que se elige a los jóvenes que participarán en los juegos.

También comparten una postura crítica frente a la tecnología. Harrelson no posee teléfono inteligente y, cuando Zada obtuvo el papel, le hizo llegar sus felicitaciones a través de un mensaje de texto enviado por su sobrina.

El joven actor también cuestionó el uso extendido de estos dispositivos: “Tengo un verdadero problema con los teléfonos. Sinceramente, creo que son una epidemia”.

Ambos actores se conocieron en persona después de que Zada terminara el rodaje. “Está a punto de convertirse en una gran estrella, y creo que tiene los pies sobre la tierra”, expresó Harrelson sobre su sucesor en el papel. Además destacó que “será lo suficientemente fuerte como para lidiar con todo lo que conlleva el estrellato”.

De Sídney a Hollywood, sin presión por el legado

Zada nació en Sídney, Australia, y creció junto a cuatro hermanos en un hogar vinculado al cine: su madre trabaja como productora y su padre, actor y director reconvertido en médico, le dio su primer papel en la película Bilched, estrenada en 2019.

El primer gran salto profesional llegó con la serie australiana Invisible Boys en 2025, seguida por un papel protagónico en la producción de Prime Video We Were Liars, donde dio vida a Johnny.

Pese a interpretar a dos personajes con antecedentes consagrados en la cultura popular, el actor se mostró despreocupado por las comparaciones. “No quiero crear para complacer la opinión de los demás. Quiero crear algo que yo sienta y espero que la gente lo sienta conmigo”, sostuvo.

Ante la creciente exposición mediática que acompaña su ascenso profesional, reconoció que la atención podía llegar a ser intensa, aunque aseguró que por el momento disfruta de la experiencia y considera que es una etapa increíble de su carrera.

Un método de trabajo con inmersión total

Para construir a sus personajes, Zada recurre a los textos originales. Durante el rodaje de Amanecer en la Cosecha llevaba consigo cuadernos con símbolos y códigos vinculados a páginas específicas del libro, un recurso que utilizó para mantener la conexión con el material fuente en todo momento.

Esa búsqueda de inmersión llegó a extremos inusuales durante el rodaje de Al este del Edén. Tras observar que su compañero Mike Faist conservaba la vestimenta y el acento de su personaje incluso fuera de cámara, Zada decidió replicar la práctica.

Se vistió con el traje de época de Cal Trask y recorrió casinos a medianoche en Nueva Zelanda. “Suena descabellado, pero funcionó a la perfección”, recordó.

El actor también citó como referentes a intérpretes como River Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Heath Ledger, a quienes admira por su capacidad de despojar la actuación de artificio. “No hacen nada para la cámara ni para nadie más. Simplemente sienten, y confían plenamente en ese sentimiento”, señaló.

Durante una entrevista en The Jennifer Hudson Show, el actor de 64 años también habló de su preparación física, su nueva colaboración en “Digger” con el director mexicano Alejandro González Iñárritu y de su relación con la popularidad después de más de cuatro décadas de carrera.

El intérprete describió su oficio como un trabajo de entrenamiento continuo, contacto directo con el público y búsqueda de películas que mantengan vigencia con el paso del tiempo.

Tom Cruise confirmó que “Top Gun 3” está en desarrollo

El actor confirmó que el equipo trabaja en una tercera película de Top Gun. Ante la consulta de Hudson, se limitó a ofrecer algunas precisiones sobre el proyecto: “Maverick va a estar”, comentó sobre el personaje que interpreta desde la película original.

También anticipó que la producción contará con aviones de combate y una destacable banda sonora. Cruise sostuvo que el equipo encontró elementos que le resultan atractivos para continuar la historia: “Se nos ocurrieron cosas interesantes y la historia es muy buena”.

Durante la entrevista, Hudson recordó que Top Gun cumple 40 años desde su estreno. A partir de esa referencia, el actor habló sobre sus primeras experiencias en aeronaves militares durante la preparación de la película y contó los malestares físicos que sufrió al volar.

“Recuerdo mi primera vez en un avión de combate. Volaba en un A-4 y vomité muchísimo el primer día”, contó. Después tuvo una experiencia similar en un F-14, aunque decidió continuar: “Tengo que resolver esto. No quiero seguir vomitando en la parte trasera de este avión. Tenemos que filmar una película”.

La nueva película con Alejandro González Iñárritu

Cruise también se refirió a “Digger”, el personaje de su próxima película dirigida por Alejandro González Iñárritu. En la entrevista definió el proyecto como una de las propuestas más singulares que leyó: “Es una de las películas más originales que vi en mi vida, una de las más conmovedoras”.

El actor destacó la amplitud de registros que pudo abordar a través de su personaje y valoró especialmente la posibilidad de trabajar junto a Iñárritu, a quien describió como un cineasta brillante. Entre los aspectos que más le interesaron de la experiencia, destacó: “El rango de emociones y comportamientos que pude explorar”.

Según relató, el cineasta trabajó durante nueve años en el proyecto y él participó durante los últimos siete. Cruise mencionó al actor británico Riz Ahmed y al director de fotografía mexicano Emmanuel “Chivo” Lubezki entre los integrantes del equipo. También habló de una gata llamada Maggie, que forma parte del relato y requirió la construcción de decorados y el trabajo de titiriteros.

“Él dirigió a esa gata como a cualquier actor”, afirmó sobre Iñárritu. Cruise aseguró que observó el cuidado del realizador sobre el comportamiento del animal en cada escena.

Entrenamiento, baile y canto para rodar 16 horas

La preparación física forma parte de la rutina habitual del actor. Cruise habló de la llamada “pain cave”, un espacio de entrenamiento que lleva consigo durante sus desplazamientos. Cuando Hudson le preguntó por el nombre, respondió con una frase breve: “Dolorosa”.

Explicó que necesita preservar su estado físico para responder durante rodajes de muchas horas. “Tenemos que cuidar nuestro instrumento”, señaló. Su entrenamiento incluye clases de baile, canto y prácticas vinculadas con distintas disciplinas artísticas.

“Quiero estar igual de fresco en la hora 16 como al principio”, expresó. Para Cruise, las habilidades de otros artistas también implican un esfuerzo corporal que el público no siempre percibe. Al referirse a Hudson, destacó la exigencia de cantar y controlar la respiración mientras se mueve en escena.

El intérprete también asoció el baile con sus primeros años. Contó que aprendió movimientos al mirar el programa Soul Train y que prestaba atención a las coreografías antes de asistir a reuniones juveniles. “Esa era la forma de conocer chicas, bailar”, recordó entre risas.

La fama y el contacto con el público

En otro tramo de la entrevista, habló de su relación con la fama. Describió como “algo hermoso” entrar a un espacio y recibir sonrisas. Para él, el reconocimiento facilita el vínculo con públicos de distintos países y abre un intercambio alrededor de las películas y la música.

“No quiero que me encierren en una habitación”, sostuvo. El actor comentó que prefiere las reuniones presenciales a los mensajes electrónicos y que busca conversar cara a cara con los equipos de producción.

Además, señaló que piensa en sus proyectos más allá de la recepción inicial y en el impacto que pueden tener con el paso del tiempo. “No pienso en el primer fin de semana. Pienso en qué pasará años después”, explicó.

Con esa perspectiva, resumió el desafío que guía su elección de películas: “¿Cómo puedo hacer películas que tengan repercusión cultural en todo el mundo?”.

La actriz de 43 años, que también participó como productora, explicó que el equipo buscó conservar los elementos que volvieron popular la novela, dentro de una historia marcada por la tensión psicológica, los secretos familiares y una relación de límites difusos.

En una entrevista con The Independent, relató que recibió el guion bajo una impresión equivocada. Al ver que Michael Showalter dirigía el proyecto y que su personaje era escritora, imaginó una comedia romántica.

“No tenía ni idea de qué trataba. Leí la sinopsis y vi que interpretaba a una escritora. Pensé: ‘¡Qué bien, vamos a hacer una comedia romántica sobre una escritora!’. Luego la leí... y no tenía nada que ver con eso”, afirmó en diálogo con el medio británico.

La película presenta a Verity Crawford, una autora de novelas policiales que queda incapacitada tras un accidente de circunstancias poco claras.

Dakota Johnson interpreta a Lowen Ashleigh, una escritora con problemas económicos a quien contratan para completar la obra pendiente de Crawford. Su llegada a la casa de la familia altera el equilibrio entre Verity, su esposo Jeremy y la propia Lowen.

Un thriller con referencias al cine de los años 80 y 90

El director Showalter definió el proyecto como una recuperación del tipo de thriller erótico que tuvo gran presencia en Hollywood durante los años 80 y 90. Entre las referencias citadas figuran Atracción fatal, Instinto básico, Mujer soltera busca y Fuego en el cuerpo.

Showalter mencionó también Jagged Edge, escrita por Joe Eszterhas, como una de las películas que revisó durante el desarrollo. Según explicó a The Independent, le interesaba la combinación entre una trama de alto voltaje, el aspecto visual de las estrellas y el tono excesivo de ese tipo de relatos.

La trama de Verity se concentra en el vínculo que Lowen establece con el hogar de los Crawford. A medida que se instala allí para trabajar, comienza a ocupar espacios que pertenecían a Verity, desde su habitación hasta su ropa.

También estrecha su relación con Jeremy, interpretado por Josh Hartnett, mientras descubre documentos que abren dudas sobre el pasado de la escritora.

La historia se aleja de cualquier tono romántico tradicional y avanza hacia un conflicto de deseo, sospecha y violencia. Hathaway señaló que el desafío consistió en trasladar a la película la intensidad que los lectores hallaron en la obra original. “Teníamos que hacer que la película fuera tan sexy como el libro”, comentó a The Independent.

Además, destacó que el equipo debía asegurarse de trasladar a la película las sensaciones y los elementos más provocadores de la novela que habían contribuido a su atractivo.

El beso entre Hathaway y Johnson, una improvisación

Una de las escenas que sumó mayor atención durante la producción surgió de una propuesta de Hathaway y Johnson. El momento muestra una fantasía de Lowen que, en principio, involucra a Jeremy y luego deriva en un beso entre los personajes femeninos.

Showalter contó que las intérpretes plantearon la idea durante el rodaje. “Anne y Dakota dijeron: ‘¿Y si empezamos a besarnos? ¿Y si es Josh, pero luego Josh se convierte en Anne?’”, recordó.

Según el director, la primera reacción del equipo fue descartar esa posibilidad, aunque después decidieron filmarla y evaluar su resultado en el montaje.

“Al principio pensamos: ‘No podemos hacer eso’. Luego, dijimos: ‘Tenemos que hacerlo, y si no funciona, no lo incluiremos en la película’. Pero funciona de maravilla”, expresó Showalter en declaraciones recogidas por The Independent.

Colleen Hoover, autora de la novela y figura involucrada en la producción, al principio manifestó inquietud ante la incorporación de esa secuencia. Más tarde, según Showalter, pasó a considerarla su momento favorito de la película. La escritora participó en la adaptación después del impacto público que rodeó a It Ends With Us, otro de sus libros llevado al cine.

Hathaway y Hartnett, una colaboración pendiente desde hace años

La elección de Hartnett para el papel de Jeremy respondió, en parte, a una iniciativa de Hathaway. La actriz quería trabajar con él desde hacía tiempo, luego de que una película anterior no lograra reunirlos en el mismo elenco.

Hartnett evitó identificar el proyecto que no aceptó, ya que consideró que sería injusto con quienes finalmente asumieron esos papeles. Hathaway, por su parte, reconoció que tampoco conoce el título.

Para Hathaway, la película llegó en un período de intensa actividad profesional y personal. El año incluyó trabajos como Madre María, El diablo viste a la moda 2, El final de Oak Street y La Odisea, de Christopher Nolan, además de un momento personal que la actriz describió como especialmente significativo.

“Habría sido un año excepcional si lo único que me hubiera pasado fuera este golpe de suerte increíble en mi carrera, pero el hecho de haber tenido un año tan emocionante en mi vida personal fue como un sueño hecho realidad”, señaló Hathaway a The Independent.

Baker había trabajado en una empresa de revelado y montaje de películas de Hollywood, donde mantuvo una relación con Charles Stanley Gifford. El vínculo terminó antes del nacimiento de Norma Jeane, el 1 de junio de 1926, y Gifford no formó parte de su crianza. Aun así, la futura estrella intentó localizarlo varias veces cuando era adulta, sin conseguir que él la reconociera públicamente.

La duda quedó despejada en 2022, cuando una investigación genética difundida en el documental francés Marilyn, su último secreto concluyó que Gifford era su padre biológico. La confirmación llegó casi seis décadas después de la muerte de Monroe, pero no modificó una historia marcada por los intentos fallidos de la actriz por acercarse a él.

Charles Stanley Gifford el papá que se alejó de Marilyn Monroe

Charles Stanley Gifford nació en Newport, Rhode Island, en 1898, y desarrolló parte de su carrera en la industria cinematográfica de California. Fue supervisor en los estudios RKO y, según las reconstrucciones recogidas por medios estadounidenses, allí conoció a Gladys Baker, quien trabajaba como montadora de películas.

Él se había casado con Lillian Priester en 1919 y tuvo dos hijos con ella. El matrimonio terminó años después. En ese período, mantuvo la relación con quien sería la mamá de Marilyn Monroe, quien seguía legalmente casada con Mortensen cuando quedó embarazada. Por esa razón, el apellido de su marido apareció en el documento de nacimiento de la niña, registrada como Norma Jeane Mortenson.

Aunque Gifford habría vivido en el mismo edificio de apartamentos que Baker y su hija durante un tiempo, nunca asumió un vínculo familiar con Marilyn Monroe. Más tarde dejó el trabajo en el cine, se dedicó a la actividad lechera en California y murió en 1965, cerca de Hemet.

La actriz, que pasó parte de su infancia entre familias de acogida y un orfanato debido a los problemas de salud mental de su madre, buscó respuestas sobre su padre desde joven. James Dougherty, su primer marido, recordó en el documental Marilyn Monroe: La diosa mortal que ella lo llamó por teléfono y se identificó. Según ese testimonio, Gifford respondió que no la conocía y le pidió que hablara con su abogado.

Otros relatos señalan que Monroe volvió a buscarlo en 1950, cuando ya había iniciado su carrera en Hollywood. Gifford le habría dicho que estaba casado, que tenía hijos y que no quería problemas. Los reiterados rechazos afectaron profundamente a la actriz, de acuerdo con personas de su entorno que recordaron esos episodios.

Una tarjeta firmada por Gifford y la prueba de ADN que confirmó la paternidad

Pese a su negativa a establecer una relación, Gifford dejó un indicio material de contacto: una tarjeta de pronta recuperación enviada a Monroe en una fecha no precisada. El mensaje impreso incluía buenos deseos, y él agregó a mano el nombre de la actriz, aunque lo escribió como “Marylyn”.

La tarjeta llevaba una posdata firmada por “Stanley Gifford”, con la dirección de su granja lechera Red Rock Dairy Farm, en Hemet, California. El documento mostró que Gifford sabía cómo localizar a Monroe, aunque no equivale a un reconocimiento público ni a una relación sostenida entre ambos.

La confirmación científica llegó en junio de 2022. El equipo del documental Marilyn, su último secreto examinó un mechón del pelo de ella, preservado tras su muerte en 1962, y comparó el material genético recuperado con el de una descendiente de Gifford.

El análisis presentó dificultades porque Monroe se decoloraba el cabello con frecuencia, un proceso que había deteriorado buena parte del ADN disponible. Sin embargo, los especialistas lograron obtener una muestra suficiente para el cotejo. La prueba genética confirmó que Charles Stanley Gifford era el padre biológico de Marilyn Monroe.

Monroe murió el 5 de agosto de 1962, a los 36 años, por una sobredosis de barbitúricos. Gifford falleció tres años más tarde, sin que existiera un reconocimiento público de su paternidad. La identificación genética cerró el misterio en torno a su origen, aunque llegó décadas después de que la actriz intentara encontrar una respuesta por cuenta propia.

Si últimamente te parece que los finales de las películas de Hollywood —especialmente las de acción— son menos felices, no eres el único. Los datos lo confirman.

Las películas de acción han cambiado sutilmente en este siglo, según un detallado estudio publicado a principios de este mes por el analista cinematográfico Stephen Follows, que estudia décadas de producción cinematográfica. Las películas con muchas explosiones tienen ahora cada vez más probabilidades de tener un final agridulce, en lugar de un triunfo claro del bien sobre el mal. Ese detalle se incluía en un estudio más amplio, publicado en Substack por Follows, que muestra un porcentaje creciente de finales menos felices en películas de todos los géneros.

“Las películas de acción solían tener los finales felices más fiables del cine comercial. En los años 80 y 90, tres cuartas partes de ellas terminaban felizmente. Desde 2010, el porcentaje es del 56%, y la proporción de finales agridulces ha pasado de una quinta parte a más de un tercio”, escribe Follows. “Ese único cambio explica aproximadamente la mitad del descenso total de los finales felices. Así que los héroes siguen ganando, pero les está costando mucho más”.

Hace varias décadas, las películas clásicas de acción como Contacto sangriento y En busca del arca perdida eran la norma: hay un bueno. Hay un malo. Hay puñetazos o caras que se derriten y —atención, spoiler— el bueno salva el día. Y todo el mundo se va a casa contento porque hay menos maldad en el mundo. Ahora es diferente, como puede atestiguar Robert Mark Kamen, el guionista detrás de Karate Kid, El quinto elemento y Búsqueda implacable, entre muchas otras películas. Afirmó que el cambio en la forma de escribir los finales de las películas de acción es un reflejo del creciente cinismo de la sociedad en general. “El cinismo se ha convertido en una parte importante del espíritu de la época, en contraposición a los finales felices, porque lo que vemos una y otra vez en la historia reciente es que no hay finales felices”, dijo Kamen.

Follows utilizó cuatro métodos para su análisis. Uno consistió en emplear un software que estudia las expresiones faciales, escaneando los rostros de 10.421 actores protagonistas y comparándolos con los momentos más turbulentos de la película para ver si el personaje parecía más feliz o más triste al final. Otro consistió en examinar bases de datos públicas como IMDb para medir cómo se sentía el público al final de las películas. Un tercero evaluó la resonancia emocional del final de la banda sonora. Y el último método consistió en analizar sinopsis de películas disponibles públicamente.

Su conclusión: en general, las películas siguen terminando bien. “A pesar de todo lo que se habla sobre el pesimismo en el cine de prestigio, los finales claramente tristes no son más habituales ahora de lo que lo eran en la década de los ochenta, y son menos frecuentes que en la década de 2000”, escribe Follows.

Follows descubrió, en su amplio estudio, que, en general, no ha habido un aumento de los finales trágicos en las películas, ni de la representación de villanos triunfantes y protagonistas fallecidos. Y concluyó que el cambio en los finales no se debe, por ejemplo, al descenso en el número de películas románticas que se producen. Simplemente, los finales son más matizados, un poco más tristes, y eso se debe casi por completo a las películas de acción de las últimas décadas, afirmó.

Tomemos como ejemplo la película de 2017 Logan, la cruda secuela de X-Men protagonizada por Patrick Stewart como el profesor X y Hugh Jackman como Lobezno. Aunque se salva el día, no acaba bien para los dos protagonistas.

Para Kamen, El quinto elemento y la primera Karate Kid se escribieron con finales felices bastante inequívocos. Ahora, dice que sigue escribiendo películas con finales felices, pero con una salvedad: “¿A qué precio?”. La película que, según cuenta, está escribiendo actualmente trata sobre la persecución del oficial de policía nazi Klaus Barbie a través de los ojos del hijo de un hombre al que este torturó. Por ahora, sin entrar en detalles, hay un final feliz —o tan feliz como puede serlo una historia así—. “Escribo ese tipo de cosas y quizá esté desfasado con respecto al resto”, dijo Kamen, aunque añadió que en realidad no le importaba, utilizando una palabrota.

Follows atribuyó el cambio en las películas de acción a la década de los noventa, cuando los villanos empezaron a tener historias de fondo más complejas. Unos villanos mejor desarrollados dieron lugar a finales más matizados en algunas películas.

Un ejemplo que puso fue El mago de Oz y su nueva versión desde la perspectiva de la malvada bruja del Oeste en Wicked, que pasó de Broadway al cine. “El mago de Oz es muy sencilla. Ella es malvada. Lo dice su nombre. Nadie lo cuestionaba”, afirmó Follows. “En cambio, ahora uno se pregunta: ‘¿Bueno, ¿qué la llevó a ser malvada?’”.

Muchas películas nominadas al Oscar de la década de 2000 se caracterizaron por sus finales implacables. La era de las series de televisión de prestigio, que floreció en esa década, también contribuyó a ello. Roshan Sethi, un cineasta que se ha dedicado principalmente a las comedias románticas, debutó recientemente en el género de acción en el Festival Internacional de Cine de Toronto con The Surgeon, protagonizada por Michelle Yeoh y Martin Freeman.

“Lo que ocurrió en parte fue que, con Breaking Bad y, antes de eso, con Los Soprano, hubo un auténtico auge y un gran interés por el antihéroe y por personajes moralmente complejos y con defectos”, explicó Sethi en una entrevista.

Otra razón del cambio es la aparición de universos cinematográficos, como el de Marvel. Es más fácil escribir secuelas que batirán récords de taquilla si los finales son más ambiguos. “Un final feliz pone punto y final a todo”, afirmó Follows. “Parte del problema a la hora de escribir una secuela es que has creado un problema y lo has resuelto por completo”.

Sin desvelar nada, la nueva película de Sethi se ciñe a una narrativa tradicional del bien contra el mal. Al principio no era así. El final original era más ambivalente y agridulce, pero los productores y el público de las proyecciones de prueba lo presionaron para que lo cambiara. “Me interesaba algo que fuera realmente entretenido para un público amplio”, afirmó Sethi.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Atlaspix; Universal Pictures]

Los grandes estudios de Hollywood abandonan Venecia y Cannes, y los festivales de cine más prestigiosos del mundo pierden su rol como árbitros de la temporada de premios.

La deserción se hizo evidente cuando Alejandro González Iñárritu confirmó que su nueva película, Digger —una sátira sobre una catástrofe ambiental protagonizada por Tom Cruise y producida con un presupuesto de USD 125 millones—, no tendría su premiere mundial en el Festival de Venecia, pese a que el director había lanzado allí tanto Bardo como Birdman. La película eligió en cambio una premiere en Londres, con invitados de la familia real británica.

La anécdota que ilustra el quiebre fue relatada por el crítico cinematográfico Kevin Maher en The Times: al despedirse del cineasta mexicano tras una sesión de preguntas y respuestas en un cine del barrio londinense de Mayfair, le preguntó si se verían en Venecia. “No”, respondió Iñárritu, con la mirada baja. “No iremos esta vez.” Para Maher, ese momento confirmó lo que la industria venía insinuando: los festivales, tal como funcionaron durante la última década, ya no cumplen la función que se les atribuía.

El caso de Digger no fue aislado. Meses antes, el Festival de Cannes también había sido ignorado por producciones de alto perfil. Christopher Nolan evitó estrenar allí su película Odyssey, y Steven Spielberg se negó a presentar Disclosure Day pese a que el film estaba terminado a tiempo. La línea de Cannes 2026 careció de entradas de los grandes estudios de Hollywood.

La cadena de fracasos que alejó a los estudios

El punto de inflexión puede rastrearse hasta septiembre de 2024, cuando Joaquin Phoenix y Lady Gaga llegaron a Venecia con Joker: Folie à Deux. La secuela —producida con alrededor de USD 300 millones— abandonó el festival entre críticas demoledoras y una conferencia de prensa tensa, cargada de referencias a la “ambición” y la “audacia” del proyecto. El resultado fue una recaudación mundial de apenas USD 200 millones, muy por debajo del costo de producción, y una temporada de premios en la que el film fue ignorado por completo. Su predecesora, Joker (2019), había ganado el León de Oro en Venecia, obtenido once nominaciones al Oscar y superado los 1.000 millones de dólares en taquilla global.

Hollywood extrajo sus conclusiones. Según una fuente de la industria citada por Variety, los estudios se estaban volviendo “hipersensibles” ante las críticas negativas de los festivales y no querían asumir el riesgo logístico ni el potencial daño reputacional que implicaba que los críticos vieran sus películas antes del estreno comercial.

Durante años, el Festival Internacional de Cine de Venecia funcionó como el punto de partida de la temporada de premios. La La Land, La forma del agua, Roma, Joker, Nomadland, Pobres criaturas, Maestro y El brutalista comenzaron sus respectivos recorridos hacia los premios de la Academia con una premiere en el Lido. Pero esa racha se interrumpió en 2025, cuando Hollywood apostó por última vez al festival con las candidatas con mayor peso: Jay Kelly, A House of Dynamite y The Smashing Machine.

Las tres recibieron críticas mediocres o directamente negativas, lo que desinfló las posibilidades de reconocimiento para Dwayne Johnson (The Smashing Machine), George Clooney (Jay Kelly) y la directora Kathryn Bigelow (A House of Dynamite). A partir de ese momento, la pregunta que circuló en la industria fue directa: ¿para qué ir a Venecia, soportar el calor, los mosquitos y un presupuesto de promoción que puede alcanzar “siete cifras”, si el resultado probable es una avalancha de críticas desfavorables?

Cannes también acumuló reveses

El otro gran festival europeo atravesó un proceso similar. Tras una temporada brillante en 2019 —que lanzó Parásitos y Había una vez en Hollywood y consolidó la influencia global del festival—, Cannes comenzó a acumular tropiezos. En 2023, los críticos destruyeron Indiana Jones y el dial del destino la misma noche en que Harrison Ford recibió un premio a la trayectoria en el escenario principal del Palais. La película recaudó USD 384 millones en todo el mundo con un presupuesto de casi USD 300 millones, una performance que Hollywood volvió a atribuir, en parte, al efecto de las críticas del festival.

Hubo intentos de recuperación: la premiere de Anora —que terminó ganando el Oscar a mejor película— en 2024, y el regreso de Tom Cruise a la Croisette con Misión Imposible: La sentencia final en 2025. Pero una serie de fracasos de taquilla que también pasaron por Cannes —entre ellos Furiosa: Una saga de Mad Max, Megalópolis y la sátira sobre el covid Eddington, con Joaquin Phoenix— terminaron de convencer a los estudios de que el festival europeo ya no era el trampolín que había sido.

El argumento final de Hollywood es estadístico. En años recientes, varias de las películas más exitosas en la temporada de premios prescindieron por completo de los festivales: Sinners, One Battle After Another y Oppenheimer llegaron directamente a las salas. Si los campeones del Oscar pueden prescindir del ritual del festival, la pregunta sobre la utilidad del circuito europeo se vuelve cada vez más difícil de responder.

Una enfermedad incurable. Mortal. Marcada por el estigma social de la época y, sobre todo, por el desconocimiento. Y un nombre que hacía estremecer al jet set de Hollywood: Rock Hudson. El actor había sido diagnosticado con SIDA en 1984. Por entonces, el VIH, el virus que provoca el síndrome, acababa de ser identificado y todavía era conocido con otros nombres, como HTLV-III. Y en muchos casos al SIDA se lo mencionaba despectivamente como “la peste rosa”, basándose en la falsa creencia de que era una afección privativa de los homosexuales.

Desde entonces comenzó el gran derrotero de Hudson. Primero, para tratar de mantener en secreto su padecimiento. Y, después, para buscar tratamientos experimentales que le permitieran mantener la esperanza frente a lo que parecía una sentencia de muerte. Pero la ciencia estaba muy lejos de lograr los adelantos de hoy en día, que permiten que una persona con VIH pueda llevar una vida cotidiana con tratamiento. Por eso, cuando en junio de 1984 su diagnóstico fue confirmado, supo perfectamente lo que le esperaba. Más de un año después, en julio de 1985, su diagnóstico se hizo público.

En menos de un año su estado de salud se había deteriorado al punto de hacerse inocultable. La noticia, que se reflejó en todos los medios de comunicación, conmovió al mundo entero. También hizo que Rock fuera señalado por su orientación sexual. Es que, hasta ese momento, la industria cinematográfica había obligado al actor a esconder su homosexualidad para poder ser tenido en cuenta por los directores. ¿O a alguien se le podía ocurrir por esos años que un gay pudiera encarnar a un heterosexual en una ficción? Sin embargo, Hudson le hizo frente a la situación. No tenía alternativa.

Por otra parte, su caso hizo que se desechara el prejuicio que indicaba que la “nueva enfermedad” que había empezado a manifestarse era exclusiva de los sectores marginales. Despertó las alertas. E hizo que el debate sobre la prevención, hasta ese momento la única herramienta con la que se contaba para enfrentarla, llenara horas de televisión. También incentivó la necesidad de fomentar la investigación y hacer foco sobre la atención médica que los pacientes inmunodeficientes requerían.

Hudson no se lo propuso. No lo tenía en mente. Tampoco se lo hubiera podido imaginar. Pero de un día para el otro pasó de ser una estrella a convertirse en un referente de algo que venía a cambiar la realidad de toda la sociedad. Se dejó de hablar de “sexo libre” para hacer hincapié en el “sexo seguro”. Y se empezó una campaña de concientización, que incluyó un reclamo para que se destinaran fondos para el estudio de este virus que había llegado para quedarse. De hecho, el mismo Rock donó 250.000 dólares a una fundación destinada a estos fines.

Lamentablemente, los resultados no llegaron a tiempo para él. El 2 de octubre de 1985, apenas tres meses después de que su enfermedad se hiciera pública y con tan solo 59 años, Hudson murió por los problemas derivados de su enfermedad. Y sin quererlo, mucho menos buscarlo, marcó un antes y un después. Porque su pérdida puso en primer plano la dimensión de una epidemia que la medicina todavía no sabía controlar y contribuyó a multiplicar la atención pública y las donaciones destinadas a la investigación.

Nacido el 17 de noviembre de 1925 como Roy Harold Scherer Jr., el actor se crió en el estado de Illinois, Estados Unidos. Fue el único hijo del matrimonio compuesto por un mecánico de automóviles, Roy Harold Scherer Sr., y una ama de casa devenida en operadora telefónica, Katherine Wood. Su infancia no fue fácil, ya que después de la depresión financiera de los 30, su padre perdió el trabajo y se fue de su casa. Luego su madre contrajo matrimonio con un ex oficial del cuerpo de marina llamado Wallace Fitzgerald, quien lo terminó adoptando y le puso su apellido, a pesar de propinarle malos tratos.

Rock comenzó a interesarse por el teatro cuando era un adolescente. Pero, en 1944, se alistó en la marina y tuvo que prestar su servicio en la Segunda Guerra Mundial. Apenas terminó el conflicto bélico, se mudó a Los Ángeles dispuesto a triunfar como actor. Allí fue descubierto por el agente Henry Willson, quien lo rebautizó con su nombre artístico y lo ayudó a convertirse en un galán de Hollywood como los que cotizaban alto en aquella época.

Magnificent Obsession, All That Heaven Allows, Written on the Wind, Giant, Pillow Talk y Seconds son algunas de las más de 60 películas en las que trabajó a lo largo de su carrera. Empezó con papeles pequeños, pero de a poco fue construyendo una imagen ideal para los requerimientos de la industria. Si bien en los sets de filmación todos sabían que era gay, debía ocultarle esto al gran público. Y así fue como el 9 de noviembre de 1955 terminó casándose con Phyllis Gates, la secretaria de su mánager, de quien se divorció en 1958 sin haber traído hijos al mundo.

Recién después de la muerte de Hudson, salieron a la luz los nombres de algunos hombres con los que había compartido su vida en secreto. Se habló de Lee Garlington, un actor y corredor de bolsa con el que habría estado en pareja en los años 60. También se mencionó a Tom Clark, un publicista con el que habría apostado a la convivencia, aun a riesgo de ser descubierto. Y por último se conoció su supuesta relación con Marc Christian MacGinnis, quien al no haber sido incluido en el testamento, tras la muerte de Rock hizo una demanda contra la herencia alegando que el actor no le había informado que tenía una enfermedad de transmisión sexual. El hombre dijo que se enteró del diagnóstico por los noticieros y terminó ganando un juicio millonario, aunque a él los análisis de VIH siempre le dieron negativo.

El caso de Hudson expuso todo lo que generó en la sociedad de los 80 la llegada de un virus que la medicina no estaba preparada para enfrentar.

Durante años, Jim Carrey mantuvo su vida sentimental lejos de las cámaras. Esa reserva comenzó a ceder cuando apareció junto a Min Ah en Francia, durante los premios César. Siete meses después, un portavoz confirmó que la pareja se había casado, aunque no se difundieron mayores precisiones sobre la boda.

La imagen de ambos en los premios del cine francés había sido una excepción dentro de ese vínculo de bajo perfil. Allí, Carrey se refirió a Ah desde el escenario y la nombró frente a su familia. Aquella noche marcó la primera aparición pública como pareja, antes de que el matrimonio devolviera el tema a las noticias.

Según publicó People, el intérprete y Ah contrajeron matrimonio después de aquella aparición. El medio precisó que un representante del actor confirmó la unión, sin difundir la fecha de la boda, el lugar de la celebración ni otras precisiones.

La boda llegó siete meses después de los premios César

El casamiento se produjo siete meses después de que Carrey y Ah fueran fotografiados en la entrega de los César. Entertainment Weekly indicó que su debut oficial como pareja ocurrió el 26 de febrero en París. Aquella noche fue una de las pocas ocasiones en las que ambos se mostraron ante los medios.

Carrey y Ah habían sido vistos juntos desde 2022, aunque el actor mantuvo la relación fuera de la exposición pública. El artículo recordó además que, antes de esta unión, Carrey se había mostrado reticente a volver a casarse. Esa reserva explica que la aparición en los César concentrara la atención sobre ambos.

Durante la ceremonia, el actor hizo una referencia pública a Ah desde el escenario. Carrey pronunció un discurso en francés y le agradeció por acompañarlo en un momento que compartió con integrantes de su entorno familiar y ante el público de la gala. Según publicó Entertainment Weekly, esa noche estuvieron con él su hija Jane y Jackson, hijo de ella.

El intérprete mencionó a su hija Jane Carrey y a su nieto Jackson Riley Santana antes de dirigirse a su pareja. “Gracias a mi sublime compañera, Min Ah”, expresó el actor, según recogió People. La frase fue parte de un agradecimiento familiar durante la ceremonia.

La presencia de ambos en los César fue una de las primeras señales públicas de la relación, aunque entonces no había información sobre un posible casamiento. El artículo no incluyó declaraciones adicionales del actor ni precisiones sobre los planes de la pareja después de ese encuentro.

Carrey nombró a Ah durante un discurso ante su familia

La mención a Ah formó parte de un discurso de agradecimiento que Carrey dirigió a sus familiares. De acuerdo con esa publicación, el actor expresó su afecto hacia su hija y su nieto antes de referirse a quien entonces era su novia como su “sublime compañera”.

El momento reunió a la hija, el nieto y la pareja del artista, quienes recibieron ovaciones durante la ceremonia, de acuerdo con el relato del medio. Carrey eligió el francés para todo el mensaje, incluida la referencia a Ah, en una intervención sobre el escenario de los premios.

La información difundida no contiene manifestaciones posteriores de los recién casados. Tampoco se conocieron detalles sobre los invitados, las imágenes de la boda o la reacción de Ah tras la confirmación emitida por el portavoz.

La escasa información sobre el evento coincide con el bajo perfil que la pareja mantuvo durante los últimos años. El medio estadounidense señaló que habían aparecido juntos en Francia, pero que su vida privada se había mantenido mayormente al margen de las apariciones públicas.

Modern Family fue una de las comedias más populares de la televisión estadounidense entre 2009 y 2020. Creada por Christopher Lloyd y Steven Levitan para la cadena ABC, la serie utilizó el formato de falso documental para seguir la vida cotidiana de tres ramas de una misma familia en Los Ángeles: los Pritchett, los Dunphy y los Tucker.

La ficción retrató distintos modelos familiares a partir de Jay Pritchett, un empresario que rehízo su vida con Gloria, una mujer colombiana interpretada por Sofía Vergara. También siguió a Claire, hija de Jay, y su matrimonio con Phil Dunphy, además de Mitchell Pritchett, su otro hijo, quien formaba una pareja con Cameron Tucker. La serie abordó la crianza, los conflictos familiares, las diferencias generacionales y la convivencia con humor coral.

Jesse Tyler Ferguson encarnó durante las 11 temporadas a Mitchell, un abogado perfeccionista, hermano de Claire y esposo de Cameron, personaje interpretado por Eric Stonestreet. La pareja adoptó a Lily al comienzo de la historia y más adelante amplió la familia. Ferguson participó en los 250 episodios de la producción, que obtuvo 22 premios Emmy, incluidos cinco consecutivos como mejor serie de comedia.

Jesse Tyler Ferguson pensó que Modern Family no iba a tener el éxito que tuvo

Jesse Tyler Ferguson habló sobre el funcionamiento interno de Modern Family y reveló que la exitosa comedia atravesó una fractura entre sus creadores, Christopher Lloyd y Steven Levitan, apenas después de la primera temporada. Según contó en una entrevista con The Independent, la tensión no afectó la relación entre los actores, pero sí modificó el trabajo detrás de cámara: la sala de guionistas se dividió y los dos productores alternaron la conducción de los episodios.

“Básicamente, teníamos a padres divorciados al frente de la serie”, describió el actor. Ferguson afirmó que el elenco se adaptó a esa dinámica y que, en un principio, creyó que el conflicto se mantenía fuera del conocimiento público.

“Pensé que era un gran secreto que nadie conocía, y luego salió publicado en The Hollywood Reporter”, recordó.

El intérprete explicó que ambos tenían métodos y sensibilidades diferentes. Lloyd, que había trabajado en Frasier, tendía a privilegiar las tramas complejas y la construcción de la farsa. Levitan, en cambio, se inclinaba por los episodios con mayor carga emocional. Para Ferguson, esa diferencia terminó por aportar un equilibrio a la ficción: “Le dio a la serie un balance muy interesante que creo que mucha gente ni siquiera notó”.

El actor admitió que todavía le resulta difícil entender que esa estructura se haya sostenido por tanto tiempo: “Todavía no puedo creer que, después de 11 temporadas, la serie haya tenido tanto éxito, con ese tipo de división de poder”.

Durante la entrevista al medio británico, planteó que la elección de Eric Stonestreet para el papel de Cameron Tucker podría generar otro debate si el proceso de casting ocurriera en la actualidad. Ferguson aclaró que no cuestiona la decisión tomada entonces y destacó la conexión que ambos lograron en las pruebas.

“Me eligieron antes que a Eric. Hice audiciones con muchos actores diferentes para ese papel. Algunos eran gays, otros heterosexuales, algunos negros y otros blancos. Eric y yo tuvimos una química increíble. Para mí, eso fue lo que lo decidió todo”, explicó a The Independent.

No obstante, consideró que el contexto cambió desde el estreno de la serie, en 2009, cuando las parejas homosexuales tenían una presencia mucho menor en las comedias de televisión de gran alcance. “Siempre me pregunté si le darían la oportunidad de interpretar a Cam ahora, siendo heterosexual”, señaló. “No sé si siquiera le habrían pedido que viniera a la audición si el casting se hubiera hecho hoy”.

El presente de Ferguson en el teatro

Tras el final de Modern Family, Jesse Tyler Ferguson reforzó su vínculo con el teatro. Su presente está centrado en Tru, obra de Jay Presson Allen en la que interpreta a Truman Capote durante los últimos años de vida del escritor estadounidense. La producción se presenta en el Menier Chocolate Factory, Londres, bajo la dirección de Rob Ashford.

La pieza transcurre en 1975, luego de la publicación de fragmentos de Plegarias atendidas, novela inconclusa en la que Capote retrató y expuso a integrantes de la alta sociedad neoyorquina. El texto muestra al autor de A sangre fría y Desayuno en Tiffany’s en un período de aislamiento, atravesado por el consumo de drogas, la pérdida de vínculos y la dificultad para recuperar el reconocimiento de otros años.

Ferguson definió el papel como “un regalo” y señaló que Capote le permitió abordar facetas muy distintas de las que mostró como Mitchell Pritchett en la comedia. “Es un personaje fascinante y con muchas capas”, afirmó a The Independent. También destacó que, más allá de la voz y los gestos que identifican al escritor, encontró “mucho que explorar psicológicamente”.

El actor trazó además un vínculo personal con Capote por las experiencias de ambos como hombres homosexuales. “Hay una capa de historia personal, sobre cómo se sentía ser alguien que tenía que ocultar su identidad, andar con pies de plomo con la gente, y luego llegar a Nueva York y florecer como persona”, explicó.

La obra constituye su tercera temporada reciente en Londres. En tanto, no anticipó proyectos concretos después de Tru, cuya temporada está programada hasta el 14 de noviembre, pero sí planteó que quiere aprovechar los desafíos que antes evitaba por temor, incluso en el terreno de la dirección.

Durante una conversación en el podcast Modern Wisdom, Efron también habló de la preparación que siguió para Baywatch, de las limitaciones de los rodajes y sus dificultades para descansar. “Vivir como un fisicoculturista es extraordinariamente duro”, sostuvo al referirse a las rutinas que adoptó para ciertos papeles.

Efron llegó a los 93 kilos para “The Iron Claw”

Para interpretar el papel de Kevin Von Erich en The Iron Claw, película centrada en la familia de luchadores Von Erich, Efron elevó su peso hasta 93 kilos. Según contó en diálogo con Chris Williamson, luego volvió a 79 kilos, que identificó como su peso actual durante la entrevista.

El intérprete de 38 años explicó que su plan combinaba ejercicios de fuerza, funcionales y períodos de actividad cardiovascular de alta intensidad. “Lo convertí en dos sesiones diarias porque el volumen era demasiado”, afirmó sobre la programación que recibió para el personaje.

La rutina incluía circuitos de dos minutos a máxima intensidad, seguidos por levantamientos de peso muerto, curls nórdicos, dominadas, jalones y variantes de press de pecho. Luego regresaba al trabajo aeróbico. “Era ir y venir todo el tiempo”, recordó.

Efron señaló que consumía alrededor de 6.000 calorías diarias durante los primeros cuatro meses de la preparación. Su alimentación se basaba en pollo, arroz, batata, pescado y carne. También indicó que comió salmón en exceso y vinculó esa práctica con un cuadro de intoxicación por mercurio. “No aconsejaría comer tanto salmón como yo comía”, comentó.

La incorporación de entrenamientos de lucha aumentó la exigencia física del actor. Efron explicó que esta disciplina representó una demanda adicional a las sesiones de gimnasio y al plan de alimentación.

La preparación para “Baywatch” incluyó diuréticos y cardio intenso

El actor comparó aquel proceso con el que realizó para Baywatch, donde encarnó a Matt Brody. Para esa producción, aseguró que priorizó el cardio y las superseries después de una etapa previa de musculación que se extendió durante unos tres meses.

Afirmó que recurrió a diuréticos en exceso para ese papel. “Tomé demasiados diuréticos para ese rol. Fue realmente malo”, expresó en Modern Wisdom. Agregó que su organismo logró recuperarse, aunque definió esa etapa como una preparación extrema.

El actor explicó que debía aparecer sin remera con frecuencia durante el rodaje, una circunstancia que lo llevó a mantenerse en una condición física muy restringida. Relató que empezaba el día con un aspecto “desinflado” y recurría a flexiones, bandas elásticas y dominadas antes de filmar.

Sobre el nivel de grasa corporal que alcanzó, Efron indicó que llegó al 2% durante la preparación para Baywatch. “Era solo piel sobre músculo”, sostuvo. También señaló que nunca había atravesado una preparación tan exigente como la de The Iron Claw, pese a que en Baywatch se mostró más definido.

El sueño y los horarios de rodaje, sus principales dificultades

Además de las rutinas físicas, se refirió a las condiciones laborales de la industria cinematográfica. Según explicó, los protagonistas suelen ser los primeros en llegar al set y los últimos en retirarse, dentro de cronogramas de entre 10 y 12 horas que con frecuencia se extienden.

“Olvidas cómo dormir”, subrayó al describir los cambios constantes de horario. Puso como ejemplo una semana de filmación que puede comenzar con una convocatoria a las 4:00 A.M. y terminar, pocos días después, con jornadas que se prolongan hasta la medianoche.

El actor comparó ese ritmo con el trabajo por turnos y sostuvo que la variación permanente afecta el descanso. También mencionó que el insomnio forma parte de los problemas que enfrenta, con despertares repetidos a lo largo de la noche.

En ese contexto, explicó cómo intenta favorecer la recuperación física después de las sesiones de entrenamiento. Entre los recursos que utiliza, mencionó las bandas elásticas como una alternativa práctica para viajar y entrenar en cualquier lugar.

También citó la cámara hiperbárica, aunque reconoció que se trata de una opción costosa y poco accesible por el tiempo que demanda.

La mujer de 43 años, quien está embarazada de su tercer hijo después de los nacimientos de Jonathan (10) y Jake (6), fruto de su relación con Adam Shulman, brindó una entrevista con TN y, a la hora de hablar sobre la Argentina, dejó elogiosas palabras: “Tienen muchísimos embajadores increíbles. Dios mío... También tienen a todo su equipo de fútbol”.

A propósito de esa mención a la selección nacional subcampeona en la última Copa del Mundo, Hathaway procedió a concentrar su mirada en la figura de la Pulga: “Tienen a Messi... Presencié un momento muy tierno. El otro día estaba con mi hijo y él estaba conociendo a un nene nuevo y, vieron que los niños pueden ser tímidos entre ellos, entonces me dirigí al otro niño y le pregunté: ‘¿Te gusta Messi?’ Y él respondió: ‘¡Ah, sí!’ Y mi hijo dijo: ‘Me encanta Messi‘. Y ahí mismo se hicieron mejores amigos”.

La charla se dio en el marco del estreno de la película Verity: la sombra de un engaño, que se podrá ver en los cines argentinos desde el 1 de octubre y también está protagonizada por Dakota Johnson y Josh Hartnett.

Una de las figuras de El diablo viste a la moda ya había tenido un guiño hacia el 10 meses atrás. En septiembre de 2024, posó con la camiseta del Inter Miami en una fotografía junto a David Beckham, uno de los fundadores de las Garzas. “Muchas gracias por traer a tu hermosa familia para apoyar al Inter Miami”, escribió Beckham en redes sociales con su postal junto a la actriz desde el Yankee Stadium, donde la franquicia había igualado ese fin de semana ante New York City FC (1-1) por la MLS.

El ida y vuelta de Anne Hathaway con TN concluyó con una nueva frase de la mujer en referencia a la palabra mágica que supone la sola mención de Messi: “Sí, lo es. Es un puente hacia tantas cosas. Un puente para tantas cosas maravillosas”.

En este sentido, Dakota Johnson también dejó una frase muy cariñosa hacia la Argentina: “La amo. Amo tanto Buenos Aires. Ha sido un placer enorme estar allí. He estado allí tantas veces en mi vida. Me encanta la gente, la comida, la cultura. Me fascina”.

Tiempo atrás, Matt Damon fue otra de las voces que enalteció el talento de Lionel Messi. “Es el más grande. Es el mejor de la historia y, por supuesto, es un héroe en mi casa”, manifestó el hombre de 55 años que está en pareja con la salteña Luciana Barroso. En medio de la Copa del Mundo, Damon lamentó que esta edición haya sido la última de Leo: “Estoy triste porque este va a ser su último Mundial”.

Además, Mark Wahlberg, protagonista de éxitos como Ted, Guerra de Papás, Transformers o El Peleador, ponderó su actualidad en el tramo final de su carrera: “Yo creo que la cantidad de presión y estrés bajo la que debe estar sometido, cargando el peso de todo un país, y lo importante que es el fútbol para ellos —los argentinos—, solo puedo imaginarlo. Es demasiada presión. Debe ser muy, muy estresante. No creo que iba a esperar otros cuatro años para volver al Mundial. Es increíble que aún siga jugando, y jugó muy bien en el Mundial. Hace unos días marcó cuatro goles con Miami. Acá les está enseñando cómo jugar de verdad. ¿Cuántos goles vas a anotar hoy: cuatro, cinco? Okay, no hay problema”.

El actor estadounidense y el cineasta mexicano explicaron que la película nació hace casi una década como una sátira sobre la crisis climática y terminó por acercarse a hechos que, durante su desarrollo, dejaron de parecer ficción.

Durante el encuentro al que asistió Infobae México, ambos hablaron sobre la construcción de Digger Rockwell, un personaje que llevó a Cruise a trabajar con un registro verbal, físico y cómico distinto al de otros papeles en su trayectoria. También abordaron el proceso de investigación sobre el deshielo, el metano y las posibilidades de explotación económica en el Ártico.

La charla incluyó referencias a una escena de asamblea sostenida por un monólogo de 10 minutos, diseñada por Iñárritu, Cruise y Emmanuel Lubezki, el Chivo. El director describió el resultado como una secuencia conseguida después de meses de ensayos, movimientos de cámara y trabajo sobre el texto.

El tono del encuentro se alejó de una presentación convencional. Cruise interrumpió varias veces al director para celebrar su escritura, mientras Iñárritu respondió con chistes y comentarios sobre la colaboración. Las risas del público acompañaron una conversación que pasó de la crisis ambiental a los mecanismos de la actuación.

Tom Cruise dijo que nunca había leído un personaje como Digger Rockwell

La primera pregunta giró alrededor de la originalidad de Digger. Cruise respondió de inmediato y señaló a Iñárritu. El director reaccionó sorprendido y preguntó de dónde había salido esa respuesta.

El actor explicó que, cuando un director o escritor le presentaba un nuevo proyecto, primero buscaba conocer la intención detrás de las páginas. En el caso de Digger, Iñárritu acudió a leerle el guion y Cruise quedó desconcertado por la forma que tenía la historia.

“Nunca, jamás, había leído algo así”, dijo Cruise. Agregó que tampoco había visto una película organizada de esa manera ni había tenido enfrente un personaje comparable con Digger Rockwell.

Para Cruise, la película no dependió únicamente de una idea extraña o de una estructura fuera de lo habitual. El reto consistió en entrar a un universo que mezcló comedia, sátira, espectáculo, absurdo y una observación sobre las conductas humanas.

El actor sostuvo que interpretar a Digger no se redujo a modificar el acento. Tuvo que encontrar una voz que permitiera pasar del humor al drama sin perder el ritmo de las escenas, en particular cuando el personaje sostenía parlamentos largos.

Cruise también mencionó que la escritura de Alejandro González Iñárritu le permitió jugar con varias capas al mismo tiempo. Había momentos de humor, frases construidas para generar incomodidad, pausas y cambios de tono que debían aparecer con precisión.

“Es un herrero de las palabras”, comentó al referirse al director mexicano. El elogio fue retomado por Iñárritu cuando describió el trabajo que Cruise hizo frente a la cámara.

The Revenant llevó a Alejandro González Iñárritu a mirar el deshielo

Iñárritu ubicó uno de los orígenes de Digger durante el rodaje de The Revenant. Mientras filmaban esa película, el equipo tuvo que buscar locaciones cada vez más al sur para encontrar nieve suficiente.

El director explicó que esa experiencia le mostró de forma directa los cambios en el entorno. Un grado adicional de temperatura podía modificar un lugar que, hasta poco tiempo antes, ofrecía hielo o nieve en ciertas condiciones.

“La Tierra tiene fiebre”, dijo Iñárritu. Con esa comparación explicó que una variación de 1.5 grados en la temperatura global no podía asumirse como un dato menor, porque el cuerpo humano también resiente una diferencia semejante.

A partir de ese momento, comenzó a trabajar con Sabina en una idea que involucraba el Ártico, el rompimiento de los polos y las consecuencias de la actividad humana sobre regiones que parecían lejanas para gran parte del público.

El cineasta relató que, mientras estudiaban el tema, encontraron discusiones sobre nuevas rutas comerciales y oportunidades para extraer petróleo una vez que el hielo permitiera el tránsito por ciertas zonas. Esa visión fue uno de los elementos que le resultaron más absurdos.

Para Iñárritu, el deshielo no solo implicaba una alerta ambiental. También exponía la forma en que algunas empresas podían leer una transformación peligrosa como una posibilidad de ampliar operaciones y ganancias.

Esa contradicción quedó incorporada en el tono de Digger. La película, según explicó el director, no partió de una voluntad de dar lecciones, sino de mostrar la distancia entre los discursos públicos y lo que estaba ocurriendo alrededor del planeta.

Científicos y estudios sobre metano acompañaron el desarrollo de Digger

El proceso de escritura incluyó consultas con científicos. Iñárritu sostuvo que los planteamientos de Ganesh, uno de los personajes de la cinta, tuvieron una base científica y que las referencias dentro de la historia no surgieron de una especulación sin sustento.

“Todo lo que dice sobre el metano lo empezamos a estudiar”, comentó el director. Recordó que hace nueve años el tema no circulaba con la misma fuerza en las conversaciones públicas, aunque ya aparecía en sus investigaciones.

El director señaló que la realidad comenzó a alcanzar las hipótesis que habían construido para la película. El guion buscaba explorar escenarios que parecían remotos, pero los acontecimientos ambientales y políticos comenzaron a avanzar con una rapidez que complicó el trabajo de ficción.

Iñárritu recordó que, al inicio del proyecto, todavía no había ocurrido el desprendimiento de una plataforma de hielo en la Antártida como el que imaginaban dentro de la historia. Con el paso de los años, varios elementos dejaron de sentirse como posibilidades lejanas.

“Era como hacer un documental del futuro”, afirmó. El comentario resumió la dificultad de llevar adelante una sátira cuando los hechos públicos parecían superar las situaciones que el equipo intentaba imaginar.

El director dijo que también encontraron coincidencias con lo que ocurría en Groenlandia. En el desarrollo de la película, esa zona aparecía como una posibilidad científica para ciertas rutas y fenómenos. Más tarde, el tema adquirió presencia en discusiones sobre intereses de Estados Unidos y actividades de exploración.

Iñárritu bromeó con la idea de que algunas personas parecían haber leído el guion y decidido actuar de acuerdo con él. La frase provocó risas entre los asistentes, aunque también sirvió para explicar la tensión que acompañó la escritura del proyecto.

La caminata con su familia cambió la forma de contar la película

El cineasta contó que, hace tres años, encontró una salida durante una caminata con su familia. Hasta entonces, la realidad parecía perseguirlos: cada nueva noticia podía modificar el sentido de una escena o convertir en insuficiente una idea que antes resultaba extrema.

Iñárritu decidió alejarse de un comentario político inmediato. La película dejó de perseguir acontecimientos puntuales y se concentró en una observación sobre la especie humana, sus contradicciones y los relatos que construye para justificarse.

La pregunta central no quedó planteada como una acusación contra una persona o un grupo. El director explicó que la intención fue preguntarse hasta dónde podían llevarse esas historias que los individuos se contaban a sí mismos y compartían con otros.

Cruise respaldó esa lectura. El actor dijo que Iñárritu colocaba un espejo frente al público, aunque no desde el reproche. Para él, el cineasta reunía distintas capas culturales y humanas para ponerlas en escena con humor.

El actor también celebró el nivel de detalle de los escenarios. Explicó que los sets fueron construidos de manera práctica y a mano, sin depender de soluciones digitales para sustituir el trabajo de arte.

Cruise recordó que, durante algunos días de rodaje, pedía detenerse un momento antes de filmar para observar el diseño de los espacios. Quería que el equipo reconociera la labor de quienes habían construido cada objeto, color y textura para la película.

Emmanuel Lubezki y Tom Cruise diseñaron una escena de 10 minutos

La conversación volvió varias veces a la escena de la asamblea. Iñárritu explicó que el monólogo de 10 minutos requirió una preparación extensa y una coordinación precisa entre el actor, la cámara y los movimientos dentro del set.

El director trabajó la secuencia junto con Cruise y Emmanuel Lubezki, el Chivo. Durante meses definieron el recorrido de la cámara, el desplazamiento del actor, las pausas y los puntos de atención para que la ejecución mantuviera una apariencia natural.

Iñárritu comparó a Cruise con un pianista o un violinista que dirige una orquesta. Dijo que el actor sostenía el ritmo, la energía y el rigor de las escenas con un conocimiento físico que también provenía de su experiencia en secuencias de acción.

El cineasta señaló que en una escena de acción cada segundo podía definir el resultado y hasta implicar un riesgo. Bajo esa lógica, consideró que Cruise aplicó la misma disciplina para administrar los silencios, el movimiento de las manos, la mirada y el subtexto de cada frase.

“Los milagros solo ocurren cuando los trabajas”, expresó Iñárritu al hablar de la secuencia. Añadió que el resultado no fue producto de esperar una solución espontánea, sino de ensayos, preparación y trabajo acumulado.

Cruise agradeció las palabras y sostuvo que trabajar con el director fue una oportunidad para expandir sus recursos como actor. También destacó la curiosidad con la que Iñárritu desarrolló cada espacio y cada elemento de la película.

La charla cerró con una pregunta sobre lo que ambos esperaban que permaneciera en el público después de la función. Cruise respondió que quería que cada espectador tuviera su propia experiencia y saliera de la sala con una interpretación personal de Digger.

Tras encabezar tres temporadas de Lioness, señaló que la exigencia de interpretar y producir la serie ocupa toda su capacidad de trabajo.

La protagonista de la ficción de Paramount+ encarna a Joe McNamara, una agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) que atraviesa una transformación en la tercera temporada.

En una entrevista exclusiva con People la intérprete de 48 años explicó que la preparación, el rodaje y sus responsabilidades como productora ejecutiva limitan sus posibilidades de asumir otro papel creado por Sheridan.

El trabajo en “Lioness” concentra la agenda de Zoe Saldaña

“Creo que Joe McNamara y Lioness es todo lo que puedo abarcar en este momento”, afirmó Saldaña cuando People le consultó si evaluaría participar en otra serie de Taylor Sheridan.

La actriz, de 48 años, ocupa el primer lugar en la lista de rodaje de la producción. Esa posición implica una carga diaria que comienza antes de que el equipo llegue al set. “Soy la número uno en la lista de rodaje. Soy la primera en llegar y la última en irme”, subrayó.

La preparación del personaje tampoco se limita a las jornadas de filmación. “Me preparo con meses de antelación, mucho antes de que nadie pueda hacerlo. Así que ya de por sí es mucho trabajo para mí”, sostuvo. Por ese motivo, descartó la posibilidad de asumir un rol similar en otra de las producciones del creador de Yellowstone.

“No me imagino formando parte de otra producción de Taylor Sheridan”, agregó. La actriz también destacó el conocimiento que el guionista tiene sobre su forma de trabajar después de tres temporadas en la serie.

Joe McNamara como objetivo en la tercera temporada

La tercera entrega de Lioness alteró la posición habitual de Joe McNamara dentro de la trama. En lugar de dirigir operaciones y supervisar a agentes encubiertos, el personaje quedó expuesto como objetivo y debió enfrentar su propia salida de una situación de riesgo.

Saldaña explicó que Joe pasó a ocupar el lugar de la víctima, ya que fue extraída de la misión y tuvo que encontrar por sí misma la manera de salir. Según la actriz, esa circunstancia situó a su personaje en una posición comparable a la de las agentes que habitualmente participan en las operaciones bajo su mando.

“En cierto modo, casi siento que Joe fue la Leona en la tercera temporada”, señaló. La intérprete sostuvo que dejó de tener el control de las operaciones, una función que suele recaer en Kaitlyn Meade, el personaje de Nicole Kidman. “Una vez más, la colocaron en una posición en la que no era la que manejaba los hilos, como lo es Kaitlyn”, expresó.

Para Saldaña, el cambio permitió mostrar al personaje desde una vulnerabilidad poco frecuente en la serie. “Se vio obligada a convertirse en esa leona que tiene información, que se ha infiltrado de forma muy contundente en un objetivo y que tiene que salir de allí”, afirmó.

La actriz indicó que no conoce el rumbo de una eventual cuarta temporada. “No sé si podremos llegar a una cuarta temporada. No sé qué rumbo tomaría la historia”, declaró.

Michael Kelly ya se incorporó a otra producción de Taylor Sheridan

La posibilidad de una nueva temporada también depende de la disponibilidad de otros integrantes del elenco. Michael Kelly, quien interpreta al subdirector de la CIA Byron Westfield, fue anunciado como parte de la tercera temporada de Landman, otra producción de Sheridan.

Saldaña bromeó con la posibilidad de que la nueva participación de Kelly interfiera con un eventual regreso de Lioness. “Michael no puede ir allí y trabajar más”, comentó. “Si volvemos para la cuarta temporada, él es nuestra prioridad”, añadió a People.

La actriz remarcó que no concibe a otro intérprete para el papel. “No veo a nadie más interpretando a Byron”, comentó sobre su compañero.

La escritura de personajes sin distinción de género

Durante la promoción de la tercera temporada, Saldaña ya había abordado la exigencia física y emocional del arco de Joe. En una entrevista previa con Entertainment Weekly, señaló que conversó con Taylor Sheridan antes del inicio de la producción y que terminó satisfecha con el recorrido narrativo.

“Fue muy exigente y ni siquiera sabía si iba a ser capaz de lograrlo”, resaltó. La ganadora del Oscar también destacó que los personajes de la serie no quedan condicionados por el género. Durante el estreno de la temporada, sostuvo que Joe “podría haber sido un hombre” y extendió esa observación a Kaitlyn Meade, Byron Westfield y Kyle McManus.

“Cuando escribes algo que desafía el género y la raza, y que se centra simplemente en el mérito de ese ser humano, siento que te das la oportunidad de que un abanico más amplio de actores pueda venir y competir por ese papel”, expresó en referencia al guion de Sheridan.

A los 45 años, el actor británico combina carrera, fuerza, acondicionamiento y trabajo de movilidad para desarrollar una condición física que le permita responder a las exigencias de cada papel, desde Loki en el Universo Cinematográfico de Marvel hasta el alpinista Sir Edmund Hillary en Tenzing.

Correr como parte de la preparación para actuar

La relación del actor con el running adquirió otra dimensión durante el rodaje de War Horse, dirigida por Steven Spielberg en 2010. Hiddleston interpretó a un oficial de caballería británico y debía filmar escenas a primera hora, entre las 6:00 y las 9:00, para aprovechar la luz del amanecer.

Tras una primera jornada en la que llegó al set con cansancio por la madrugada, cambió su rutina. Comenzó a levantarse una hora antes para correr por Londres antes de ser trasladado al rodaje. “Salía a correr a toda velocidad en plena noche. A lo largo del río, pasando por el Big Ben y pasando por el Parlamento”, relató a Men’s Health.

Desde entonces, las carreras de cinco kilómetros antes de filmar pasaron a ser un hábito. Hiddleston destacó que correr funciona como un espacio para ordenar pensamientos, evaluar su estado de ánimo y medir su descanso.

“La pista no miente. Hay algo que me gusta de la honestidad y la disciplina de correr”, afirmó en una entrevista con Men’s Health.

La “carrera de la muerte” para ganar resistencia

El entrenamiento más duro que mostró Hiddleston consistió en una sesión de velocidad de cinco rondas de 10 sprints de 100 metros, con dos minutos de descanso entre cada bloque. La prueba suma unos 5 kilómetros de desplazamientos explosivos y recibió el nombre de “carrera de la muerte”.

La meta propuesta por el medio para completar cada serie de 10 sprints era hacerlo en menos de cuatro minutos. Andrew Tracey, director de fitness de Men’s Health, subrayó que la recuperación resulta determinante en ese tipo de protocolo.

La recomendación fue evitar caminatas innecesarias entre rondas y concentrarse en regular la respiración mediante exhalaciones largas.

Hiddleston realizó ese entrenamiento sobre césped alto en Belsize Park, en Londres, durante una mañana de agosto. Según explicó, la rutina contribuyó a desarrollar la capacidad aeróbica que buscaba para encarnar a Hillary.

“Quería estar en buena forma aeróbica, de manera que supiera que mi corazón y mis pulmones estaban en forma”, sostuvo.

Fuerza de piernas, dominadas y trabajo de core para “Tenzing”

Para Tenzing, el actor incorporó una preparación diseñada para responder a las demandas físicas del montañismo. Su plan incluyó carreras largas, sesiones de resistencia, fortalecimiento de piernas, ejercicios para el tren superior, trabajo abdominal y una cantidad importante de dominadas.

El objetivo era lograr lo que definió como una “condición física total”. Hiddleston no tenía experiencia previa en expediciones de alta montaña, salvo una caminata en Escocia dos décadas antes.

Por eso, viajó a Nepal junto con su compañero de reparto Genden Phuntsok, quien interpreta a Tenzing Norgay, para recorrer parte del trayecto hacia el campamento base.

La directora Jennifer Peedom buscó rodar en entornos reales, con montañas, hielo y grietas, según relató Hiddleston. Durante el viaje, el actor recibió orientaciones del médico de montaña Nima Sherpa, guía de expedición y asesor del rodaje.

La preparación permitió que el elenco se adaptara a las condiciones del terreno, aunque las escenas no reprodujeron la falta de oxígeno propia de las mayores altitudes.

El método 5/2 y la competencia con Chris Hemsworth

Su trabajo físico para las producciones de Marvel también incluyó desafíos compartidos con Chris Hemsworth, intérprete de Thor. Entre ambos realizaron una rutina contrarreloj de 100 dominadas, 100 flexiones, 1.000 metros de remo y 100 sentadillas.

“Él siempre me ganaba en las dominadas, y yo le ganaba a él en el remo”, recordó sobre los entrenamientos con el actor australiano. Hiddleston se preparó inicialmente para audicionar por el papel de Thor, aunque finalmente interpretó a Loki, personaje al que volverá en Avengers: Doomsday.

Desde 2017, Hiddleston trabaja con el entrenador Simon Waterson, responsable de las transformaciones físicas de Daniel Craig para la saga de James Bond. Con él adoptó el método 5/2, un protocolo metabólico de alrededor de 30 minutos que combina cinco ejercicios de fuerza con intervalos de cardio.

La estructura avanza de forma acumulativa: primero se realiza el ejercicio A y dos minutos de cardio; luego A más B y otros dos minutos de actividad aeróbica.

La secuencia continúa hasta sumar los cinco movimientos. Entre las opciones se incluyen sentadillas y balanceos con pesa rusa, junto con carrera, bicicleta o remo.

También subrayó que alterna sesiones de fuerza con amigos, tenis y trabajos de velocidad. Su motivación se vinculó con su vida familiar: “Quiero estar fuerte y en forma para mis hijos. Quiero poder seguirles el ritmo”.

Selena Gomez volvió a hablar sobre su deseo de formar una familia y explicó que sus condiciones de salud le impiden atravesar un embarazo natural.

La cantante y actriz, de 34 años, no puede atravesar un embarazo natural debido a sus tratamientos y medicamentos, según explicó a Vanity Fair.

Abordó el tema durante la 12.a edición del Fast Company Innovation Festival, realizado en Nueva York, donde también se refirió a sus proyectos empresariales y a la salud mental.

La artista convive con lupus eritematoso sistémico, una enfermedad autoinmune que puede comprometer distintos órganos, recibió un trasplante de riñón en 2017 como consecuencia de las complicaciones asociadas a la enfermedad, y según Vanity Fair, en 2024 el lupus se encontraba en remisión y el órgano trasplantado funcionaba correctamente.

Durante su reciente aparición pública, la actriz también mencionó otras posibilidades para convertirse en madre, entre ellas la adopción y la gestación subrogada. Según señaló, estas alternativas todavía están atravesadas por cierto estigma social.

Por qué el lupus requiere una evaluación especial antes del embarazo

El lupus puede presentar manifestaciones muy diferentes de una persona a otra. El Dr. Simone Parisi, director de la Unidad de Reumatología del Hospital Universitario Città della Salute e della Scienza de Turín, explicó a Vanity Fair que la enfermedad puede comprometer la piel, las articulaciones y distintos órganos internos, entre ellos los riñones.

Una de las manifestaciones más relevantes es la nefritis lúpica, que afecta la función renal. En situaciones graves puede producir un deterioro grave de los riñones y, en algunos pacientes, llevar a la necesidad de un trasplante.

Por esa variedad, el nivel de riesgo asociado con un embarazo tampoco es igual para todas las mujeres con lupus. Según el Dr. Parisi, una paciente cuya enfermedad afecta principalmente las articulaciones atraviesa una situación diferente de aquella que presenta antecedentes de compromiso renal o cerebral.

La importancia de alcanzar la remisión

Antes de buscar un embarazo, uno de los principales objetivos médicos es conseguir que la enfermedad permanezca controlada y estable. Para el experto, la remisión no significa que el lupus desaparezca, sino que los órganos y sistemas afectados se encuentran bajo control.

La evaluación incluye el estado clínico de la paciente y los análisis de laboratorio. Los especialistas también utilizan herramientas específicas para determinar la actividad de la enfermedad, considerando factores como la presencia de artritis, lesiones cutáneas o alteraciones en el hemograma.

En una paciente en remisión, explicó el especialista a Vanity Fair, no deberían existir manifestaciones orgánicas ni cambios relevantes en los estudios de laboratorio. Además, el tratamiento debe permitir mantener la enfermedad controlada sin recurrir a dosis elevadas de cortisona.

El embarazo puede desencadenar un brote

Incluso cuando el lupus se encuentra controlado, la gestación puede modificar el equilibrio de la enfermedad. “Un embarazo en una paciente con lupus puede provocar una reactivación de la enfermedad”, afirmó el Dr. Parisi a Vanity Fair. Esta reactivación recibe el nombre de brote.

El riesgo depende de distintos factores, entre ellos la actividad del lupus, su agresividad y los órganos comprometidos. Por ese motivo, el especialista considera fundamental realizar un asesoramiento prenatal antes de buscar un embarazo.

La situación puede adquirir mayor complejidad cuando existe una afectación orgánica importante. Señaló que una paciente con compromiso renal o cerebral y una actividad elevada de la enfermedad puede enfrentar un riesgo muy alto, incluso para su propia vida. También deben analizarse los tratamientos necesarios para controlar el lupus y su compatibilidad con la gestación.

Los medicamentos también forman parte de la planificación

El tratamiento constituye otro elemento central de la evaluación. Entre las terapias mencionadas por Parisi aparecen la cortisona, la hidroxicloroquina y determinados fármacos biológicos, utilizados para intervenir sobre vías inflamatorias específicas.

No todos los medicamentos pueden emplearse de la misma manera durante el embarazo. Por eso, la planificación requiere revisar cada tratamiento y determinar cuáles pueden mantenerse.

El especialista explicó a Vanity Fair que existen terapias compatibles con la gestación y que el objetivo médico consiste en controlar la enfermedad reduciendo los riesgos.

La evolución tampoco puede anticiparse con absoluta precisión. El Dr. Parisi detalló que el lupus es una enfermedad impredecible y que todavía no existe una forma certera de determinar cuánto durará una fase de remisión o qué pacientes podrían desarrollar una enfermedad más agresiva.

El seguimiento continúa incluso cuando la enfermedad permanece estable. Según el especialista, una persona en esa situación suele ser evaluada cada cuatro a seis meses, aunque la frecuencia depende de la complejidad del cuadro y de los órganos afectados.

El director definió la película como una obra distinta de Armageddon Time, aunque ambas parten de elementos vinculados con su infancia en Queens.

Ante el público del Lincoln Center, Gray explicó que buscó una narración de suspenso con referencias al cine de Alfred Hitchcock. El realizador situó a la familia en el centro de un conflicto que altera su vida cotidiana y deja a los personajes sin una comprensión completa de lo ocurrido.

“Quería hacer algo en esa tradición de una familia que amamos, que se ama entre sí, y que se encontrará con el desastre”, afirmó Gray.

James Gray buscó un registro inspirado en Hitchcock

El cineasta explicó que buscó construir el suspenso a partir de distintas situaciones y espacios, entre ellos escenas entre malezas, una irrupción en una casa y una secuencia dentro de un automóvil. Su intención era llevar el relato hacia un registro más intenso y apoyarse en una tradición del cine estadounidense que tomó como referencia.

Entre las películas que mencionó estuvo The Man Who Knew Too Much, la versión dirigida por Hitchcock y protagonizada por James Stewart y Doris Day.

Gray también vinculó esa influencia con el modo en que el cine estadounidense de la década de 1950 abordó indirectamente las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, en parte debido a las restricciones del código de producción de Hollywood. “Quería hacer algo, francamente, un poco más intenso desde el punto de vista dramático”, sostuvo el director.

El director recurrió a experiencias de su propia vida

El guion incorpora aspectos reconocibles de la biografía de Gray, aunque el realizador insistió en que no se trata de un relato documental. Indicó que su hermano podría identificar elementos familiares, pero aclaró que la película no reproduce los hechos de manera literal.

Para el director, el uso de experiencias personales forma parte de su responsabilidad frente al público. “Es mi trabajo mostrarles lo que tengo, con defectos y todo”, expresó. También sostuvo que el propósito de su cine consiste en ofrecer una visión sincera del mundo y ampliar la empatía hacia sus personajes.

La historia se sostiene en una familia formada por los personajes interpretados por Johansson, Driver y Teller. Gray contó que el proceso de selección avanzó con rapidez debido al calendario de producción y a la disponibilidad de financiación.

El realizador destacó trabajos previos de sus intérpretes. Sobre Teller, mencionó su actuación en Bleed for This, película sobre el boxeador Vinny Pazienza. “No pensé que fuera buena; pensé que era brillante”, afirmó.

Johansson, Driver y Teller construyeron el vínculo familiar en un espacio reducido

Teller explicó que las primeras jornadas de rodaje se concentraron en las escenas dentro de la casa familiar. Según el actor, ese orden ayudó a establecer la cercanía entre los personajes antes de que el conflicto modificara la situación.

“Sabíamos que no había muchos momentos antes de que todo se descontrolara”, comentó Teller. También destacó el trabajo con sus compañeros: “Con Adam, en cada toma, hay algo diferente y está muy vivo”. Sobre Johansson, señaló que su presencia volvía innecesario forzar la actuación.

La actriz relató que el equipo filmó gran parte de las secuencias iniciales en un decorado pequeño y caluroso. Describió la dinámica de trabajo como una convivencia estrecha entre intérpretes y técnicos, quienes debían reorganizarse de manera constante dentro de un espacio limitado.

“Hay que sobrevivir al día porque hacer películas es difícil, y es muy difícil hacerlas en espacios pequeños y cerrados”, manifestó Johansson. Aun así, destacó que esa proximidad permitió fortalecer el vínculo entre quienes participaban del rodaje: “Terminas pasando el rato, hablando, compartiendo historias y sintiéndote más cerca”.

Por su parte, Driver atribuyó la facilidad para crear esa dinámica a la relación entre los protagonistas y a la conducción de Gray. “Hay una admiración mutua entre los cuatro”, afirmó. También consideró que el ambiente de un rodaje depende de quien dirige: “James establece esa cultura, donde todos se sienten libres y seguros”.

El desenlace deja a los personajes sin todas las respuestas

Gray explicó que eligió un final abierto porque le interesa que el relato continúe fuera de la pantalla. El director señaló que ningún personaje posee una visión total de los hechos, una decisión que vinculó con la experiencia de la vida cotidiana.

“En las películas, por lo general, alguien tiene toda la historia”, afirmó. En esta trama, en cambio, los personajes permanecen ajenos al destino de los demás en el cierre.

Driver indicó que el trabajo previo incluyó referencias a tragedias griegas como Áyax y Filoctetes. Según el actor, esas obras ayudaron a pensar el recorrido de Gary, un hombre que pierde el lugar de reconocimiento que antes ocupaba y busca recuperar parte de ese poder.

Johansson destacó que su aproximación se concentró en la condición de su personaje como mujer y en los mensajes que atraviesan varias generaciones. “Pensé en cómo fue criada esta mujer, cómo fue criada su madre y cómo fue criada la madre de su madre”, explicó.

Teller, a su vez, vinculó su participación con la dimensión familiar de la filmografía de Gray. “Sentí una inmensa empatía por esta familia cuando leí el guion”, sostuvo durante la presentación del Festival de Cine de Nueva York.

El animal interpreta a Odin, un perro de combate que acompaña al personaje de Pitt durante una historia de supervivencia en la naturaleza de Alaska.

Detrás de su elección hubo semanas de búsqueda y un proceso de preparación que incluyó entrenamiento, escenas de acción y trabajo específico para conseguir que el animal estableciera un vínculo creíble con el protagonista.

Andrew Simpson, coordinador de animales de Hollywood, fue quien encontró a Uber en Nueva Zelanda después de recorrer criaderos y refugios en busca del perro que pudiera asumir el papel.

Cómo encontraron al perro que interpreta a Odin

Simpson, quien trabajó en producciones como Juego de Tronos, El Renacido y John Wick: Capítulo 3, llegó hasta Heisenberg Kennels, donde encontró a Uber, un pastor alemán de seis años que había trabajado en tareas de búsqueda y rescate.

El animal llamó su atención desde el primer encuentro. “Él simplemente tenía esa madurez que necesitábamos”, explicó a GQ sobre las características que lo llevaron a elegirlo.

La película exigía que el perro pudiera participar tanto de escenas emocionales como de secuencias físicas. Por eso, el equipo necesitó otros animales para determinadas acciones. Uber había sido padre de más de diez camadas, lo que permitió localizar a Ryker y Zika, hermanos de camada, y a Hondo, su medio hermano menor.

Los tres funcionaron como dobles de acción del protagonista canino. “A menudo tenemos que hacer una coloración extensa o cambiar el pelaje y los patrones”, explicó Simpson. En este caso, señaló que los perros tenían rostros tan parecidos que “fueron los reemplazos más parecidos que hemos tenido en cualquier película”.

Tres semanas para crear el vínculo con Brad Pitt

Uno de los principales desafíos fue conseguir que Uber pudiera comportarse frente a Pitt como si existiera entre ambos una relación previa. El actor tuvo apenas tres semanas de entrenamiento junto a los perros.

“Lo más difícil es tomar un perro y de repente hacer que parezca que pertenece a otra persona”, explicó Simpson. El coordinador detalló que Pitt comenzó a acercarse al animal de manera progresiva: se sentaba en la jaula de Uber, trabajaba con su computadora y realizaba llamadas para que el perro se acostumbrara a su presencia.

Después, el actor empezó a trabajar con órdenes básicas como sentarse, tumbarse, acercarse y rodar. El objetivo era que ambos entendieran sus tiempos antes de incorporar la coreografía de las escenas.

Para Simpson, la predisposición del intérprete fue determinante. “No hay nada peor que trabajar con un actor que no quiere ensuciarse contigo. Eso es lo que crea la conexión”, sostuvo. Según su relato, Pitt se involucró desde el comienzo y terminó generando un vínculo con Uber.

El perro que tuvo que aprender a hacer escenas de riesgo

El rodaje incluyó secuencias con agua, troncos y ataques de lobos. Una de las escenas que más preocupó a Simpson fue el cruce de un puente de troncos ubicado a cierta altura.

El coordinador de especialistas Allan Poppleton diseñó un sistema de cables conectado a un arnés militar que el perro utilizaba durante la escena. “Le colocamos puntos de anclaje especiales en el arnés para poder controlarlo de forma segura, igual que a Brad”, explicó.

El equipo también construyó una estructura similar a la del rodaje para que los perros pudieran entrenar antes de enfrentarse al escenario real. La preparación permitió determinar cuál de ellos se sentía más cómodo con cada tipo de actividad.

Simpson remarcó que los animales no eran forzados cuando rechazaban una acción. Durante una escena que requería un salto al agua, el perro seleccionado inicialmente se negó. “Cuando un animal dice: ‘Esto no es para mí’, no tiene sentido forzarlo”, afirmó.

Cómo recrearon los ataques de lobos

La producción tampoco recurrió a los lobos que Simpson posee junto a su esposa y coentrenadora en su rancho de Alberta. El especialista explicó que no pudieron trasladarlos a Nueva Zelanda debido a las medidas de bioseguridad del país.

Para las escenas se utilizaron marionetas con aspecto de lobos, entrenadores y efectos visuales. Los perros fueron preparados para interactuar con las estructuras y realizar movimientos determinados, mientras que en otras secuencias el equipo de especialistas utilizó trajes digitales que posteriormente fueron reemplazados por lobos mediante efectos visuales.

Uber también tuvo un lugar especial en los créditos

La participación del pastor alemán terminó siendo tan relevante que Brad Pitt impulsó que Uber recibiera el primer lugar en los créditos. Simpson señaló que se trató de una situación inédita dentro de su trayectoria.

Después del rodaje, los animales regresaron con sus dueños. Simpson contó que la despedida fue especialmente emotiva para entrenadores y propietarios. “Cuando los dueños llegaron y tuvimos que devolverles los perros, todos los entrenadores lloraron”, relató.

Uber, por su parte, continúa como perro reproductor. Simpson mantiene el contacto con sus propietarios y señaló que espera poder quedarse algún día con uno de sus cachorros como recuerdo de la producción.

La historia de Ostrum contrasta con la permanencia cultural de la película basada en la novela de Roald Dahl. Mientras la producción se convirtió en un clásico para varias generaciones, su joven protagonista optó por volver a la rutina escolar y, más tarde, orientar su futuro hacia el cuidado de animales.

Según informó Hello Magazine, el papel de Charlie fue la primera y única aparición cinematográfica de Ostrum. El entonces niño había sido descubierto en un teatro infantil de Cleveland, Ohio, antes de incorporarse al elenco encabezado por Gene Wilder.

Peter Ostrum rechazó seguir en el cine tras interpretar a Charlie Bucket

En la trama, Charlie Bucket es un niño de bajos recursos que consigue uno de los codiciados boletos dorados para conocer la fábrica de dulces de Willy Wonka. La visita, que comparte con otros cuatro chicos, transforma su vida y la de su familia.

Ostrum compartió rodaje con Gene Wilder, quien dio vida al excéntrico dueño de la fábrica. En una entrevista con el Daily Mirror en 2018, el exintérprete recordó que Wilder trataba a las personas “con respeto y dignidad” y que incluso ayudó a los actores menores de edad durante el trabajo en el set.

Tras terminar la filmación, recibió una propuesta para participar en otras tres películas, de acuerdo con la información recogida por Hello Magazine. Sin embargo, rechazó un contrato para tres filmes y dejó atrás una carrera que recién comenzaba.

La decisión lo apartó de la exposición pública que suele acompañar a los protagonistas infantiles. En vez de instalarse en la industria del entretenimiento, Ostrum regresó a su vida familiar y continuó sus estudios fuera de los grandes estudios de cine.

Un caballo de su familia orientó su vocación hacia la veterinaria

El cambio de rumbo comenzó poco después de su regreso a casa. La familia de Ostrum compró un caballo, una experiencia que lo acercó al trabajo de un veterinario de la zona y despertó su interés por esa profesión.

En declaraciones a la Asociación Estadounidense de Medicina Veterinaria, explicó que la ocupación del especialista le resultaba clara y concreta. “Alguien que se ganaba la vida con algo que disfrutaba tanto realmente despertó mi interés”, afirmó, según la entidad.

Su padre era abogado, pero Ostrum señaló que, cuando era joven, no comprendía del todo qué hacía durante su jornada laboral. En cambio, podía observar el vínculo entre el veterinario, los animales y sus dueños. Esa cercanía definió su elección académica y profesional.

Peter Ostrum obtuvo su título de Doctor en Medicina Veterinaria en 1984 en la Facultad de Medicina Veterinaria de la Universidad Cornell. A partir de entonces desarrolló una trayectoria dedicada principalmente a la atención de animales de gran tamaño en Nueva York.

Se retiró como veterinario en 2023 y vive con su familia en Nueva York

Después de décadas de trabajo, Ostrum se retiró de la práctica veterinaria en 2023. Su vida actual transcurre con un perfil bajo, lejos de las entrevistas frecuentes y de la actividad de la industria audiovisual.

Está casado con Loretta Ostrum, artista plástica que ha expuesto sus obras en espacios como la Central NY Watercolor Society, el North Country Arts Council y el Lewis County Community Arts. Su producción aborda, entre otros temas, relatos y paisajes rurales de la zona de Tug Hill.

La pareja tiene dos hijos, Helenka y Leif. Desde su retiro, el antiguo protagonista de Willy Wonka y la fábrica de chocolate conserva una relación ocasional con el legado de la película, aunque su trayectoria pública quedó marcada por una sola actuación.

Su despedida del cine ocurrió antes de la adolescencia y su carrera veterinaria se extendió durante varias décadas, una elección que lo mantuvo fuera de Hollywood incluso mientras la película de 1971 seguía vigente entre el público.

El actor sostuvo que el afecto por otra persona o por un animal puede activar una fuerza que no siempre surge del cuidado propio. La conversación giró alrededor de una historia centrada en James y Odin, un perro que acompaña al personaje en un entorno aislado.

Pitt y Ayer también abordaron la presión de los rodajes, la amistad entre hombres, la preparación profesional y la necesidad de construir relaciones donde sea posible expresar miedos e inseguridades.

Brad Pitt situó el amor por Odin como motor de la historia

En diálogo con el conductor Jake Humphrey, el actor de 62 años explicó que la película muestra cómo un personaje encuentra razones para resistir cuando sus recursos se reducen. Señaló que las personas no siempre se cuidan a sí mismas con la misma determinación que muestran ante alguien a quien aman.

“No siempre somos lo mejor para nosotros mismos. No siempre nos cuidamos tanto. Pero cuando tienes a otro al que amas incondicionalmente, de ahí sale una fuerza increíble”, afirmó Pitt en el podcast.

Según el intérprete, esa idea guía el recorrido de su personaje. “Pelearías hasta la muerte por esa persona o esa cosa”, agregó, e identificó el vínculo con Odin como el impulso que sostiene al protagonista.

Ayer describió un despojo material y físico progresivo de James durante su permanencia en la naturaleza. “Tiene su avión y está haciendo una especie de glamping. Lleva todo su equipo, y luego se lo quitan. Después le quitan más cosas. Le quitan la salud y la movilidad”, explicó.

Para Ayer, hay un elemento que permanece intacto en medio de esa situación. “Lo único que no pueden quitarle es su corazón, su amor por Odin, su necesidad de proteger y cuidar a alguien fuera de sí mismo”, señaló el cineasta.

La amistad y la vulnerabilidad atravesaron la conversación

El entrevistador citó una cifra según la cual el 15% de los hombres estadounidenses afirma no tener amigos cercanos. A partir de ese planteo, Ayer defendió la necesidad de contar con personas ante quienes sea posible mostrarse sin máscaras.

“Una de las cosas más importantes que puedes tener es la capacidad de ser vulnerable con alguien que realmente te conoce”, sostuvo. El director definió a esas personas como “testigos de vida”, alguien que conoce el recorrido personal del otro.

Ayer añadió que recibió sus mejores consejos de quienes estaban cerca en momentos difíciles. También relacionó esa experiencia con la relación entre una persona y un perro: “No tienes que usar una máscara. Puedes presentarte exactamente como eres y recibir amor por eso”.

Pitt, por su parte, destacó que “tengo un círculo de amigos muy pequeño, pero muy cercano, desde hace mucho tiempo”. Esa confianza le permite hablar de inseguridades, preocupaciones y errores sin perder la complicidad.

El actor también vinculó esa apertura con el paso del tiempo y con una mayor capacidad para reconocer aquello que considera valioso. “Cuando envejeces, empiezas a ver qué es más valioso y qué fue lo más valioso”, aseguró.

El actor también vinculó esa confianza con los personajes de la película. Ambos atravesaron la guerra, el dolor y pérdidas personales, antes de buscar una vida más tranquila. “Están intentando encontrar la paz”, comentó Pitt, quien agregó que suele encontrar alivio en los paseos por el bosque.

Ayer comparó el trabajo de un rodaje con la Fórmula 1

Durante la entrevista, Ayer estableció un paralelismo entre un equipo de Fórmula 1 y el funcionamiento de un set de filmación. Mencionó la presencia de equipos técnicos complejos, tareas especializadas y profesionales que deben coordinarse en tiempos breves.

También aludió a la figura pública que lidera cada estructura. “Tienes un líder o un piloto, alguien que pones al frente de todo, que será la cara pública y que realmente lo arriesga todo”, afirmó.

Ayer destacó la conducta de Pitt durante el rodaje, en particular su decisión de permanecer junto al equipo en condiciones adversas. Recordó jornadas con frío, lluvia y traslados de equipos por una montaña, momentos en los que el actor esperaba fuera de cámara sin regresar al campamento base.

“Cuando alguien hace eso, quieres trabajar más rápido. Quieres cumplir por esa persona”, expresó el director. Pitt señaló que la experiencia previa de ambos en Fury facilitó la comunicación durante este nuevo proyecto. El actor afirmó que conocer parte de la historia personal del otro resultó útil para contar la historia en el tiempo disponible.

El afecto mutuo surgió al final de la entrevista

Ante la pregunta sobre qué se dirían el uno al otro, Ayer destacó el afecto que siente por Pitt, quien respondió en el mismo sentido y valoró el vínculo construido durante el trabajo conjunto.

El director también sostuvo que Pitt encontró en él una mejor versión como cineasta, una apreciación que el actor trasladó al terreno de la interpretación al considerar que Ayer consiguió de su parte una actuación superior a las que había ofrecido hasta entonces.

Al explicar qué entiende por alto rendimiento, Ayer señaló la importancia de la preparación, la práctica, el reconocimiento de las propias debilidades y la capacidad de escuchar las ideas de los demás. Pitt coincidió en la relevancia de prepararse y destacó especialmente el nivel de concentración necesario para conducir un automóvil de competición.

El actor explicó que la experiencia al volante le exigió mantener una atención absoluta durante el recorrido, anticipando cada curva y preparando de antemano la maniobra siguiente.

La actriz británica, que estuvo comprometida con el músico de The Beatles a fines de los años 60, anticipó que no verá la próxima película sobre la banda de Liverpool que llevará esa etapa de su vida a la pantalla.

La razón no responde a una objeción sobre el proyecto ni sobre la actriz que la interpretará. Explicó que prefiere evitar una situación que, según prevé, abriría otra vez preguntas sobre un vínculo que decidió no comentar desde hace décadas.

“No veré las películas, porque después todos me preguntarán qué pensé”, afirmó la actriz en una entrevista con The Telegraph.

Jane Asher no cambiará su postura sobre Paul McCartney

La producción cinematográfica de Sam Mendes abordará la historia de los cuatro integrantes de The Beatles en cuatro películas. La actriz Lucy Boynton asumirá el papel de Asher, mientras que Paul Mescal interpretará a McCartney.

La película incluirá el período de noviazgo entre ambos, que duró cuatro años y concluyó poco después de que anunciaran su compromiso, el 25 de diciembre de 1967.

Asher y McCartney se separaron el 20 de julio de 1968, cuando la actriz hizo pública su decisión de poner fin a la relación, en medio de versiones sobre una presunta infidelidad del músico.

Durante ese tiempo, el cantante compuso algunas de sus canciones más conocidas, entre ellas And I Love Her, en la casa de los padres de la actriz, ubicada en el barrio londinense de Marylebone.

La intérprete confirmó al diario británico que los realizadores se pusieron en contacto con ella por el proyecto. “Por supuesto que se acercaron a mí, pero les dije lo de siempre”, señaló. Esa respuesta remite a la decisión que tomó años atrás de no hablar públicamente sobre su relación con el ex Beatle.

“Decidí hace años que sería un tema en blanco”, subrayó Asher. También recordó que recibió propuestas económicas para referirse al asunto, aunque las rechazó: “La gente me ofrecía dinero para que hablara de eso, toda clase de cosas. Pero no lo haré. Fue hace mucho tiempo”.

Lucy Boynton interpretará a la actriz en las películas de Sam Mendes

El futuro estreno pondrá a Asher frente a una representación de su juventud, una posibilidad que no despertó mayores comentarios de su parte.

Boynton, protagonista de títulos como Bohemian Rhapsody, comparte representante con ella. Al ser consultada sobre la elección, respondió: “Bueno, por supuesto, Lucy es hermosa”.

La declaración evitó profundizar en las expectativas sobre la película y sostuvo la reserva que caracteriza sus intervenciones sobre McCartney.

La actriz británica fue una de las figuras reconocidas de la escena cultural de Londres durante los años 60, con trabajos en cine y teatro, además de su presencia en el entorno de la música popular de la época.

Asher construyó una carrera que abarcó desde producciones infantiles hasta papeles en obras de teatro, series y películas. Actuó junto a Michael Caine en Alfie, estrenada en 1966, y formó parte de Brideshead Revisited, en 1981.

También participó en Deep End, de Jerzy Skolimowski, y en la adaptación teatral de Festen, que se estrenó en el Almeida Theatre en 2004 y luego llegó al West End.

En paralelo, desarrolló una actividad vinculada con la gastronomía. Publicó libros de cocina y abrió una pastelería en Chelsea en 1990, negocio que dirigió durante 25 años. En 1981 se casó con el dibujante Gerald Scarfe, con quien tuvo tres hijos.

La actriz encarna a Isabel II en una gira teatral por Reino Unido

La entrevista con el medio británico se produjo durante los ensayos de By Royal Appointment, una comedia teatral de Daisy Goodwin en la que la actriz interpreta a la reina Isabel II.

La obra recrea conversaciones ficticias entre la monarca, su asistente de vestuario, su sombrerero y su diseñador antes de 16 apariciones públicas realizadas entre 1969 y septiembre de 2022.

La actriz definió el desafío de asumir el personaje como “un poco aterrador”, en parte por las interpretaciones previas de Helen Mirren e Imelda Staunton. Para acercarse a la figura de la reina, encontró una imagen que le permitió apartarse de la dimensión institucional: una fotografía de Isabel II recostada en una silla, con los pies sobre una mesa.

“Me di cuenta de que la reina era, al final del día, también una mujer. Eso me ayudó muchísimo”, relató Asher. También expresó su respaldo a la continuidad de la monarquía británica por contar con una jefatura de Estado “presuntamente neutral”.

La obra inició su gira nacional en el Arts Theatre de Cambridge y permanecerá allí hasta el 3 de octubre. Luego recorrerá otras ciudades del Reino Unido hasta el 6 de febrero.

La Policía de Nueva York (NYPD) intervino para despejar una intersección bloqueada por los participantes de la concentración, organizada por Jewish Voice for Peace.

Según la CNN, la NYPD tomó a 103 personas bajo custodia sobre la Primera Avenida, a pocas cuadras del edificio de la ONU. Reuters cifró en al menos 30 los detenidos. Un portavoz de la NYPD indicó, según The Guardian, que los efectivos respondieron a una “manifestación no programada” cuyos participantes bloqueaban el tráfico; quienes no obedecieron las advertencias para despejar el área fueron arrestados.

Susan Sarandon y Hannah Einbinder, detenidas en la protesta contra Netanyahu en Nueva York

Videos del operativo mostraron a Sarandon y a Einbinder con las manos atadas con bridas plásticas y conducidas hacia un autobús policial.

La CNN, con un equipo en el lugar, informó que los efectivos llegaron pasadas las 12 del mediodía y comenzaron las detenciones alrededor de la 1 de la tarde.

Además de las dos actrices, entre los detenidos figuraron la candidata congresista demócrata Darializa Avila Chevalier, el concejal Chi Ossé, el comediante Caleb Hearon, la escritora Glennon Doyle y la exanalista de inteligencia Chelsea Manning, de acuerdo con Jewish Voice for Peace.

Otros participantes que no fueron detenidos incluyeron a la actriz Cynthia Nixon, el dramaturgo Tony Kushner y la fotógrafa Nan Goldin, según Reuters.

Protesta anti-Netanyahu frente a la ONU: 200 manifestantes bloquearon la Primera Avenida

Unas 200 personas se congregaron con camisetas blancas estampadas con las consignas “Financien a las personas, no las bombas” y “No a la guerra”, y carteles que decían “Dejen de armar a Israel” y “Pongan fin al genocidio”, de acuerdo con Reuters y la CNN. Jewish Voice for Peace convocó la concentración para exigir el fin del armamento a Israel y lo que el grupo calificó como genocidio en Gaza.

Los agentes llegaron en bicicleta, rodearon a los manifestantes y, uno a uno, los retiraron del área, les ataron las manos con bridas y los subieron a autobuses policiales. Los videos de la protesta registraron cánticos en los que los participantes acusaron a Netanyahu de genocidio: entre los más repetidos figuraron “Netanyahu, no puedes esconderte, se te busca por genocidio”, “Palestina libre” y “Ni un centavo más, no más dinero para el crimen de Israel”.

Más tarde, cientos de manifestantes marcharon por las calles de Nueva York con consignas como “Palestina libre” y “Gaza, estamos de tu lado”.

Netanyahu defendió a Israel ante la Asamblea General mientras delegados abandonaban el recinto

Mientras la protesta tenía lugar en las afueras, Netanyahu tomó la palabra ante la Asamblea General. Decenas de delegados abandonaron el recinto durante su discurso, de acuerdo con Reuters y la CNN. El primer ministro defendió las acciones militares de Israel frente a las críticas internacionales y afirmó que, de no haber atacado a Irán, “todos estaríamos muertos”.

Además, criticó a Gran Bretaña y Francia por reconocer al Estado palestino: “Nos acusan a nosotros, a Israel, el minúsculo Israel, de colonialismo. ¿Y quiénes nos acusan? Entre ellos hay gente de Gran Bretaña y de Francia. Por Dios, ellos inventaron el término”, declaró ante el pleno.

La CNN recordó que la Corte Penal Internacional (CPI) emitió órdenes de arresto contra Netanyahu y el exministro de Defensa Yoav Galland por presuntos crímenes de guerra, órdenes que el primer ministro tachó de “absurdas” y “antisemitas”. El gobierno israelí niega las acusaciones de genocidio y sostiene que actúa en defensa propia conforme al derecho internacional.

Sarandon y Einbinder, dos voces del mundo del espectáculo contra la guerra en Gaza

Sarandon lleva meses en el centro de la polémica por sus posiciones públicas sobre la guerra en Gaza. Según The Guardian, la actriz declaró en el Festival de Cine de Venecia que continúa perdiendo trabajo por sus opiniones: “Todavía me han quitado películas recientemente porque hay agencias que les dicen a las personas que no me contraten”, dijo.

Einbinder, por su parte, reconoció su detención en una historia de Instagram y escribió: “Si las fotos de mis amigos y yo siendo arrestados en protesta por la vergonzosa visita de Netanyahu a Nueva York logran llamar la atención sobre algo, que sea sobre la devastadora guerra genocida que libra contra el pueblo de Palestina y el sur del Líbano”.

Ese nomadismo temprano moldeó a un joven inquieto que encontró en la actuación su única dirección fija. Lo que vino después fue una de las trayectorias más singulares del cine contemporáneo: la historia de un hombre que conquistó la galaxia y tuvo que reinventarse para no quedar atrapado en ella.

Hamill estudió en el Los Angeles City College y comenzó a trabajar en televisión a principios de los años 70, con apariciones en series como The Cosby Show y un papel recurrente en la telenovela General Hospital. Era un actor joven con trabajo estable, pero sin proyección estelar.

El giro llegó por una casualidad. Su amigo Robert Englund, quien años después se haría célebre como Freddy Krueger, estaba haciendo una audición para Apocalypse Now cuando cruzó el pasillo y se topó con el casting de una película de ciencia ficción dirigida por George Lucas.

Englund reconoció el físico que buscaban y convenció a Hamill de presentarse. El resultado fue el papel de Luke Skywalker en Star Wars: Una nueva esperanza, estrenada en 1977 y que luego sería catalogada como Episodio IV. La película convirtió a sus tres protagonistas, Hamill, Harrison Ford y Carrie Fisher, en figuras globales de la noche a la mañana.

El accidente y el mito que creció alrededor

Entre el rodaje de la primera y la segunda entrega, Hamill sufrió un accidente automovilístico el 11 de enero de 1977. Se fracturó la nariz y el pómulo izquierdo. El incidente era real, pero lo que creció alrededor fue desproporcionado: circularon versiones que hablaban de cirugías reconstructivas, de que había caído por un precipicio, de que había quedado desfigurado

El propio Hamill desmintió esa mitología: “Rompí mi nariz, eso es todo. Pero he leído descripciones sobre cómo reconstruyeron mi cara con cirugía plástica y cómo me arrastraba por la autopista con un brazo buscando ayuda”, declaró, según recoge Star Wars Amino.

Los guionistas de El Imperio contraataca incorporaron el accidente al relato: la secuencia de apertura en el planeta helado Hoth, en la que el personaje aparece herido, surgió en parte para justificar los cambios físicos del actor.

Con El regreso del Jedi, en 1983, la trilogía original llegó a su fin. Y con ella comenzó para Hamill otra batalla: la de desprenderse de un personaje que lo había absorbido por completo ante los ojos de la industria.

Los productores no lo veían como otro actor posible. Cuando se adaptó Amadeus al cine en 1984, obra que Hamill había protagonizado en el teatro, el papel principal fue para Tom Hulce. La razón que trascendió fue directa: “No quiero a Luke Skywalker haciendo de Mozart”, justificó uno de los productores, según recoge La Vanguardia. Esa es la trampa que el éxito masivo tiende a veces: borra al intérprete detrás del ícono.

Lejos de los estudios, Hamill encontró en el teatro el espacio para recuperar su identidad como actor. A lo largo de los años 80 protagonizó varias producciones en Broadway: The Elephant Man (1979), Amadeus (1983), Harrigan ‘N Hart (1985), por la que recibió una nominación al Drama Desk Award, y The Nerd (1987-1988).

En esas tablas, sin el peso de la saga de Lucas, construyó otro tipo de personaje y ganó el reconocimiento de pares como Katharine Hepburn, Christopher Walken y Jackie Gleason, quienes lo saludaron entre bastidores.

La voz del Joker y una segunda carrera

En 1992 comenzó Batman: The Animated Series y con ella una nueva etapa. Hamill le dio voz al Joker, el archienemigo de Batman, con una intensidad que muchos críticos y fanáticos consideran la interpretación definitiva del personaje. Por ese trabajo recibió dos nominaciones al Annie Award y ganó un BAFTA Game Award.

A partir de ahí, su carrera como actor de voz se extendió a decenas de personajes en series, películas y videojuegos, entre ellos Fire Lord Ozai en Avatar: The Last Airbender y Skips en Regular Show, papel que retomó en 2026.

En 2015, con Star Wars: El despertar de la Fuerza, Hamill volvió al papel que lo había definido. Las secuelas lo devolvieron al centro de la saga, esta vez con la dimensión de un maestro Jedi envejecido.

En mayo de 2025 dejó en claro que ese regreso fue definitivo: “Tuve mi tiempo. Lo aprecio, pero creo que deberían enfocarse en el futuro y en todos los nuevos personajes”, según declaró públicamente.

Vida personal y proyectos recientes

Fuera de las pantallas, Hamill lleva casado desde el 17 de diciembre de 1978 con Marilou York, una higienista dental que conoció en su consultorio. Tienen tres hijos, Nathan, Griffin y Chelsea, los tres actores, y al menos un nieto. Su trayectoria reciente incluye la miniserie de Netflix La caída de la casa Usher (2023) y La vida de Chuck (2024). A los 75 años, sigue activo.

La historia la contó el propio Stallone durante una entrevista en su residencia en Long Island, grabada el verano pasado para el programa Sunday Sitdown del canal NBC, cuyo fragmento fue difundido en el podcast Today.

Los estudios de Hollywood querían a una estrella consolidada para protagonizar Rocky. Le ofrecieron a Stallone una suma que en ese momento representaba una salida económica concreta a años de penurias.

Él la rechazó. “Superficialmente, es como una locura temporal”, reconoció el actor en la entrevista. “Si te deshaces de esto, sí, tendrás 360.000 dólares. Con el tiempo ese dinero se irá, y vas a ser el ser humano más amargado porque lo que estaba en juego no era venderse”, agregó.

El argumento que Stallone se dio a sí mismo fue claro: si cedía el rol, el dinero se acabaría y no le quedaría nada. Si se mantenía firme, al menos conservaba la historia, el personaje y una posibilidad, aunque remota, de que la apuesta funcionara.

El rechazo que convirtió a “Rocky” en un clásico

Funcionó. Rocky, estrenada en 1976, fue una consagración en la taquilla y obtuvo diez nominaciones al Oscar, con tres premios, entre ellos el de mejor película. Stallone recibió nominaciones como mejor actor y mejor guion original y se convirtió en el tercer escritor en la historia de la Academia en ser nominado en ambas categorías en el mismo año, tras Charles Chaplin y Orson Welles.

“No soy un gran creyente en los milagros, pero fue un milagro”, afirmó el actor. El impacto de esa decisión trascendió su propia carrera: cuando Matt Damon y Ben Affleck enfrentaron resistencia de los estudios para protagonizar Good Will Hunting, que habían escrito ellos mismos, se dieron ánimo mutuamente con una sola palabra antes de cada reunión: “Stallone”.

Del barrio de Hell’s Kitchen a Nueva York

El relato de Stallone no comienza en Hollywood. Nació en el barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen, y durante el parto un fórceps mal aplicado seccionó un nervio facial que le dejó parte del rostro paralizada de manera permanente. Ese daño físico derivó en el modo de hablar que se convirtió en uno de sus rasgos más reconocibles.

La infancia que siguió incluyó mudanzas frecuentes y maltrato por parte de su padre. “Hay una sensación enorme de vacío. ¿Por qué no pudo haber sido una crianza agradable? ¿Por qué tuvo que ser tan oscura? Pero, ¿estaría aquí si hubiera sido así?”, reflexionó. Cuando el conductor le preguntó si su hogar se parecía a Los Waltons, la familia ideal de la televisión estadounidense, Stallone respondió sin dudar: “Éramos más como los Manson”.

El cine fue el refugio que encontró fuera de casa. No se interesó por los actores serios, sino por el escapismo, por los personajes que le daban lo que su entorno no podía ofrecerle: modelos masculinos de referencia.

Tras abandonar la Universidad de Miami, Stallone se mudó a Nueva York para perseguir la actuación. Su vida social era prácticamente inexistente. Fue a una sola fiesta en años: la Nochevieja de 1970, en Times Square, solo.

“Miré alrededor y pensé: ‘Toda esta gente quiere ser alguien. Más vale que vayas a casa y empieces a trabajar duro, porque esta es tu competencia’”, recordó. Esa noche, entre la multitud y sin nadie con quien celebrar, encontró la motivación que orientó el resto de su trayectoria.

Antes de Rocky, acumuló pequeños papeles en los que siempre lo encasillaban como matón. Decidió entonces tomar el control de su carrera de la única manera que tenía a su alcance: escribiendo.

Stallone hoy: “Tulsa King”, memorias y biopic

Cuatro décadas después de ese giro, Stallone continúa activo. El actor describe al personaje de Tulsa King como cercano a su propia naturaleza, en particular por el humor que logró introducirle: “Nunca había visto eso en un gángster. Los gángsteres siempre son serios, implacables, inflexibles”.

También escribe sus memorias. El libro se titula: Los pasos.

“Fue un viaje extraordinariamente difícil para hacer una película siendo nadie. Se lee como una mala novela”, dijo sobre su propio pasado. Además, está previsto el estreno en noviembre de un biopic sobre su vida titulado I Play Rocky.

La diferencia de posiciones se trasladó al tono de la serie, en la que ambos encarnan versiones ficticias de sí mismos. “Él es el motor que intenta que esto se haga porque es el que cree que es verdad, ¡y el que quiere que sea verdad! Para que seamos hermanos”, comentó McConaughey a The Hollywood Reporter.

En el podcast New Heights, McConaughey explicó que la duda sobre su parentesco no era un requisito para avanzar con la ficción. “Hagamos una serie sobre esa posibilidad”, recordó sobre la decisión que tomó junto a Harrelson.

Una conversación familiar que llegó a la televisión

El origen de Brothers se remonta a una frase de Kay McConaughey, madre de Matthew, sobre un posible vínculo con Charles Harrelson, padre de Woody. Según relataron los intérpretes, esa referencia abrió una conversación recurrente dentro de sus familias y amigos cercanos.

McConaughey explicó que el asunto adquirió una dimensión distinta con el paso del tiempo. “Llevábamos años charlando, y se estaba convirtiendo en una historia bastante entretenida entre él, yo y nuestras familias cada vez que nos veíamos”, afirmó al medio estadounidense.

La posibilidad de convertir ese intercambio en una ficción surgió por iniciativa de Harrelson. McConaughey recordó que su colega propuso hacer una serie de televisión y que, después de algunas reuniones, el proyecto tomó velocidad.

“De repente, nos reunimos, pasamos el rato y nos encontramos con este tipo, un showrunner, y con otro showrunner. Al poco tiempo, teníamos una oficina de producción y se estaban haciendo castings”, relató.

Los actores evaluaron en un primer momento incluir a sus familias reales y que todos se interpretaran a sí mismos. Sin embargo, descartaron esa alternativa y eligieron trabajar con un elenco profesional.

“Probablemente fuimos un poco más inteligentes y dijimos: ‘No, vamos a hacer casting con actores de verdad’”, contó McConaughey.

La discusión sobre una prueba de ADN

La premisa de la producción se apoya en una pregunta que, fuera de la pantalla, sigue sin respuesta. Harrelson consideró que existen elementos suficientes para creer en el parentesco. En cambio, McConaughey descartó por ahora someterse a una prueba de ADN.

El actor texano señaló que un eventual resultado positivo modificaría la historia que construyó sobre su padre. “Si hacemos la prueba y decimos que es cierto, que no lo es, entonces tendría que deshacer 56 años de la imagen que tenía de mi padre”, expresó.

También planteó que un resultado negativo no cerraría el asunto para su compañero. “El peor escenario posible es que no sea cierto, porque va a ser insoportable”, comentó entre risas McConaughey.

Harrelson sostuvo que su relación excede cualquier documento o análisis genético. “Es agradable pensar en él como mi hermano. En realidad, es más cercano a mí que mis propios hermanos, desde hace años”, declaró.

El actor añadió que después conversó con la madre de Matthew y que esa charla reforzó su convicción sobre la posible relación familiar.

Una amistad que se consolidó fuera de la pantalla

Harrelson y McConaughey construyeron una relación que comenzó antes de sus trabajos conjuntos y se mantuvo durante décadas. Harrelson recordó que invitó al actor texano a tomar un trago durante un evento de la agencia CAA.

McConaughey dudó porque tenía compromisos pendientes, pero su futuro compañero insistió: “Un trago no va a impedirte hacer lo que tienes que hacer”.

McConaughey ubicó uno de sus primeros recuerdos compartidos durante el rodaje de EdTV. Según contó en New Heights, Harrelson llegó a una prueba de vestuario con indumentaria completa de ciclismo, pese a que no iba a subir a una bicicleta. “Pensé: ‘Me gusta este tipo’”, recordó.

La amistad continuó aun durante los períodos en que no coincidieron en proyectos ni se vieron con frecuencia. McConaughey señaló que pueden pasar más de 12 meses sin encontrarse, pero que recuperan la confianza de inmediato. “Con un buen amigo, retomas la conversación y en 30 segundos ya están otra vez en marcha”, afirmó.

Apple TV y una comedia con versiones ficticias de ambos

La primera temporada de Brothers cuenta con ocho episodios. Durante la entrevista, Harrelson evitó anticipar una segunda entrega antes del estreno. “Si a la gente le gusta, haremos otra temporada”, afirmó.

La serie fue desarrollada por Lee Eisenberg, guionista y productor estadounidense. McConaughey describió las conversaciones reales entre ambos como una parte central de la propuesta que llevó el proyecto a los estudios.

La ficción conserva elementos de la vida de ambos, aunque acentúa ciertos rasgos para la comedia. “Está basada libremente en nuestras vidas y en quiénes somos. Exageramos algunas cosas y subimos otras un poco para la comedia”, explicó McConaughey en New Heights.

Jayden James Federline, el hijo de 19 años de Britney Spears y Kevin Federline, dijo sin rodeos qué tipo de preguntas preferiría no volver a responder: las que parten de suposiciones. La declaración surgió en una entrevista publicada este martes por Interview Magazine, en la que el joven fue consultado directamente sobre qué quisiera que la gente dejara de preguntarle.

“Preguntas con suposiciones”, respondió Jayden en la entrevista. “Prefiero que la gente me conozca a que dé por sentado que ya me conoce”, afirmó el adolescente, que en los últimos meses pasó de ser prácticamente desconocido para el público a convertirse en uno de los nombres que más circulan en los circuitos de moda y belleza.

El perfil de Interview Magazine llega en un momento de plena visibilidad para el joven, quien compartió también otros detalles de su vida cotidiana: toca el piano y produce música como forma de terapia, compró recientemente un sintetizador Nord Stage 4 y confiesa una adicción al azúcar.

“Expresarme a través de la música siempre ha sido mi mejor terapia”, afirmó en la entrevista. Su historial de búsqueda en Google, según sus propias palabras, está compuesto en un 100% de autos —el más reciente fue el Porsche 918 Spyder—, y anticipa que su gran sueño es tener algún día su propia colección de vehículos. “Bro” es la palabra que más repite, y confiesa que es su novia quien más le escribe: “Siempre estamos hablando o enviándonos videos de TikTok. Ella es mi mejor amiga”, dijo.

A los 13 años idolatraba a Son Goku, de la saga Dragon Ball, y reconoce que aún lo toma como referencia para superar sus propios límites. Sobre lo que está dispuesto a fingir, fue directo: “La idea de que tengo todo resuelto”.

Jayden también fue claro sobre lo que considera sobreestimado: buscar la aprobación ajena. “Cuanto más intentas complacer a otros, más te pierdes a ti mismo”, señaló. Sobre el miedo, admitió que el océano —y en particular los tiburones— lo aterra. Y cuando le preguntaron qué se siente ser él, la respuesta fue igual de concisa: “Siento que siempre tengo algo que demostrar, aunque en realidad no necesito demostrar nada”.

La portada de MAC Cosmetics lo presentó ante el gran público con una pregunta provocadora

Antes de esta entrevista, MAC Cosmetics ya había convertido esa misma incógnita —quién es Jayden James— en el eje de su campaña. El 25 de agosto, la marca lo anunció como protagonista de la portada de MACzine, su publicación digital relanzada, con una imagen en la que sostiene el spray fijador MAC Fix+ y el texto “¿Quién diablos es Jayden James?” como pie de foto. La campaña lo ubicó junto a figuras que previamente ocuparon esa portada, como Doja Cat y Olandria Carthen, de Love Island USA.

Su debut en la pasarela de París fue el punto de partida de su exposición pública

El camino hacia ese reconocimiento comenzó en junio pasado, cuando Jayden desfiló junto a su hermano mayor, Sean Preston, de 20 años, en la colección Menswear Primavera/Verano 2027 de Vetements durante la Semana de la Moda Masculina de París. En declaraciones a Vogue tras el evento, Jayden reconoció que le gustaría volver a desfilar, aunque fue autocrítico: “Podría perfeccionar mi forma de caminar; estaba bastante rígido por los nervios”. Agregó que, junto a su hermano, también trabajan en proyectos musicales.

Aunque Spears no estuvo presente en el desfile parisino, les envió flores como gesto de apoyo. Madre e hijos han vuelto a estar más en contacto en los últimos meses, después de que la cantante ingresara en un centro de rehabilitación tras declararse culpable de conducir bajo los efectos del alcohol en mayo pasado, según información de People.

En 2017, las primeras denuncias contra Harvey Weinstein sacudieron Hollywood y desencadenaron el movimiento #MeToo a escala global.

Nueve años después, el ex productor cinematográfico que dominó la industria del entretenimiento durante décadas recibió este miércoles una condena de 15 años de prisión en Nueva York, al cabo de un proceso judicial que atravesó dos estados, tres juicios y una condena previa anulada.

El juez Curtis Farber fijó la pena en un punto intermedio entre lo que pedía cada parte: la fiscalía había solicitado 20 años; la defensa, nueve. Weinstein, de 74 años, permanecerá detrás de las rejas hasta bien entrada la próxima década.

Un caso que comenzó en 2018 y pasó por tres juicios antes de cerrarse

El proceso penal neoyorquino contra Weinstein arrancó en 2018, cuando la fiscalía del entonces fiscal de distrito Cyrus Vance Jr. lo imputó por delitos sexuales. En marzo de 2020, un jurado lo declaró culpable y fue sentenciado a 23 años de prisión.

Sin embargo, el tribunal de apelaciones más alto de Nueva York anuló esa condena en 2024. Los jueces determinaron que Weinstein no había recibido un juicio justo, porque el magistrado de primera instancia había admitido testimonios de mujeres cuyos casos no formaban parte de la acusación formal.

En el segundo juicio, celebrado en 2025, el jurado volvió a condenarlo por el acto sexual criminal contra Miriam Haley, pero lo absolvió de otro cargo vinculado a Kaja Sokola y quedó sin veredicto en la acusación de violación contra Jessica Mann.

Un tercer juicio sobre ese último cargo terminó también en jurado paralizado, en mayo de este año.

Ante esa situación, la fiscalía de Manhattan, ahora bajo la conducción del fiscal de distrito Alvin Bragg, decidió no ir a un cuarto juicio.

Mann había manifestado que no podía volver a testificar. “En consideración de la postura de la señora Mann, y en reconocimiento de la condena por delito grave de clase B de Weinstein por agredir sexualmente a Haley, no llevaremos adelante un cuarto juicio”, afirmó Bragg en un comunicado, tal como recogió la agencia Associated Press.

La víctima habló ante el tribunal y Weinstein también se dirigió al juez antes de conocer la pena

Haley, de 49 años, ciudadana sueca que trabaja actualmente en publicidad, prestó declaración en dos de los tres juicios. En el segundo, describió con detalle cómo Weinstein la inmovilizó sobre una cama en su apartamento de SoHo y la agredió sexualmente. “Lo impensable estaba ocurriendo”, declaró ante el tribunal, con los ojos llorosos, tal como informó Associated Press.

Este miércoles, antes de que el juez Farber dictara la pena, Haley volvió a tomar la palabra. Su abogada, Gloria Allred, había confirmado que hablaría en la audiencia. El propio Weinstein también se dirigió al tribunal, según confirmó su vocero, Juda Engelmayer.

El ex productor —responsable de películas galardonadas con el Óscar como Pulp Fiction y Shakespeare enamorado— negó de forma consistente haber violado o agredido sexualmente a alguna de las mujeres que lo acusaron.

La condena en California sigue en pie, aunque un tribunal ordenó una nueva sentencia

El caso de Nueva York no es el único frente legal que enfrenta Weinstein. En 2022, un jurado de Los Ángeles lo declaró culpable de violación y dos cargos de agresión sexual contra una modelo y actriz italiana identificada durante el juicio como Jane Doe 1. En febrero de 2023 fue sentenciado a 16 años de prisión en ese estado.

En junio de este año, un tribunal de apelaciones de California confirmó esa condena, pero ordenó al juez de primera instancia que vuelva a determinar la pena.

El panel de tres jueces explicó que la sentencia original fue dictada tomando en cuenta las condenas de Nueva York que luego fueron anuladas, lo que constituyó un error. Rob Bonta, el fiscal general de California, coincidió con esa postura.

La pena californiana deberá cumplirse de forma consecutiva a la de Nueva York, lo que significa que Weinstein tendría que terminar primero su condena en ese estado antes de ser trasladado a California. Actualmente permanece detenido en Rikers Island y en el ala penitenciaria del hospital Bellevue, en Nueva York.

Las acusaciones contra el ex productor, publicadas en 2017 por The New York Times y The New Yorker, provocaron su destitución inmediata de Miramax, la empresa que él mismo había fundado, y su expulsión de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Weinstein tiene la posibilidad de apelar la sentencia de este miércoles, tal como informó Associated Press. Además, enfrenta una demanda civil en un tribunal estatal de Manhattan, presentada la semana pasada por una mujer que lo acusa, junto al empresario James Dolan, dueño de los New York Knicks, de haberla agredido sexualmente en 2013.

Más de seis años después de su primera condena, Harvey Weinstein enfrenta hoy una nueva sentencia en Nueva York por agredir sexualmente a la exasistente de producción Miriam Haley en su apartamento de SoHo en 2006.

Los fiscales del Distrito de Manhattan piden 20 años de prisión para el productor de 74 años, pena que equivaldría, en la práctica, a una condena de por vida, informó AP News.

La audiencia de este miércoles ante el juez de la Suprema Corte de Manhattan, Curtis Farber, cierra el capítulo neoyorquino de una causa que atravesó tres juicios, dos absoluciones parciales y una anulación de condena. Por ese cargo de agresión sexual, Weinstein podría recibir hasta 25 años.

El jurado lo volvió a condenar por la misma víctima en 2025

Weinstein fue condenado por primera vez en 2020 por agredir a Haley y violar a la aspirante a actriz Jessica Mann, y recibió una pena de 23 años.

El tribunal de apelaciones de más alto rango del estado anuló ese veredicto en 2024 al determinar que el productor no había tenido un juicio justo: el testimonio de mujeres cuyas denuncias no formaban parte del caso lo había perjudicado.

En el segundo juicio, celebrado el año pasado, el jurado volvió a condenarlo por agresión sexual contra Haley, pero lo absolvió de otro cargo relacionado con una tercera mujer y no llegó a un acuerdo sobre la acusación de violación contra Mann.

El juez Farber ordenó un tercer juicio sobre ese cargo pendiente antes de pronunciar sentencia.

Un tercer jurado quedó trabado y la fiscalía retiró el cargo de violación

En mayo pasado, un tercer jurado también quedó trabado en el cargo de violación. La Fiscalía del Distrito de Manhattan, encabezada por Alvin Bragg, decidió entonces retirar la acusación contra Weinstein y descartó un cuarto juicio, en parte porque Mann manifestó que no podía soportar volver a testificar.

Esa decisión despejó el camino para la audiencia de este miércoles. Haley, representada por la abogada Gloria Allred, tiene previsto hacer una declaración de impacto ante el tribunal; Weinstein también se dirigirá al juez, según confirmó su portavoz, Juda Engelmayer.

Tras la condena del año pasado, Haley había expresado su alivio fuera del tribunal. “Es un gran alivio para todos. Estoy contenta de haberme presentado a pesar de algunas tácticas de intimidación por parte de la defensa”, dijo entonces la víctima, según recogió The New York Times.

Las acusaciones en su contra detonaron el movimiento #MeToo en 2017

Las primeras denuncias contra Weinstein fueron publicadas en 2017 por The New York Times y The New Yorker, y encendieron el movimiento #MeToo, que sacudió a la industria del entretenimiento y se extendió a otros sectores de la sociedad.

La presión pública y la revelación de que la Fiscalía había declinado previamente actuar ante una denuncia de agresión contra el productor llevaron al entonces fiscal Cyrus R. Vance Jr. a presentar cargos formales en 2018.

Weinstein, cofundador de Miramax y productor de filmes ganadores del Óscar como Pulp Fiction y Shakespeare in Love, negó de manera consistente haber agredido a alguna de las mujeres que lo acusaron. Sus abogados sostuvieron que las relaciones sexuales fueron consensuadas.

En California también fue condenado y enfrenta una nueva audiencia de pena

La causa neoyorquina no es la única que pende sobre el productor. En California fue condenado por cargos similares y sentenciado a 16 años de prisión, aunque un tribunal de apelaciones determinó en junio pasado que deberá ser resentenciado en ese estado.

Según medios locales, podría ser extraditado a California para cumplir primero esa condena antes de que se ejecute la pena neoyorquina.

A eso se suma una nueva demanda civil presentada la semana pasada en un tribunal estatal de Manhattan.

La masajista Kellye Croft acusó al productor de haberla agredido sexualmente, en el marco de una serie de cargos que también involucran al magnate de medios y propietario de los Knicks de Nueva York, James L. Dolan.

Croft había interpuesto una demanda similar en 2024 ante un tribunal federal de Los Ángeles, que fue desestimada.

El portavoz rechazó esas alegaciones en nombre del productor; una vocera de Dolan calificó la nueva demanda de infundada, según AP News.

Con 34 años, Lourd atraviesa el período más prolífico de su carrera. Este viernes llega a las salas The Deputy, un thriller en el que comparte créditos con Julia Fox. Simultáneamente, se prepara para la decimotercera temporada de American Horror Story, donde interpretará dos de sus personajes anteriores, Winter Anderson, de la séptima temporada, y Mallory, de la octava, en un regreso masivo de personajes convocado por el creador de la serie.

También integra el elenco de Monster: The Lizzie Borden Story, la nueva entrega de la franquicia Monster de Murphy, que recrea el caso real de una joven de Massachusetts acusada de asesinar a su padre y madrastra con un hacha en 1892. Y en enero se estrena Artificial, de Luca Guadagnino, filmado en Italia.

“Estuve filmando mucho más en Italia últimamente que en Los Ángeles”, reconoció Lourd en una entrevista con The Sunday Times. “Así que arrastré a los chicos conmigo, porque son como mis compañeros de ruta. Siempre vienen conmigo, con su papá y mi suegra. Es toda una pandilla variopinta”, agregó.

La influencia de Ryan Murphy en su carrera

Lourd atribuye a Murphy el mérito de haberla sacado de su zona de confort. La actriz se identifica con personajes como Gigi, la chica excéntrica y adinerada que interpretó en Booksmart (2019), y asegura que sin el productor probablemente se habría limitado al género de la comedia.

“Sin Ryan, probablemente estaría haciendo solo comedias porque ese es mi fuerte. Pero ese es el regalo de Ryan. Me hizo flexionar mis músculos dramáticos y descubrí una parte de mí que nunca hubiera encontrado sin él”, afirmó ante The Sunday Times.

En Monster: The Lizzie Borden Story interpreta a Emma Borden, hermana de la protagonista, en un elenco que también incluye a Ella Beatty, hija de Warren Beatty y Annette Bening, en el papel de Lizzie; a Rebecca Hall, hija del director teatral Peter Hall, como la madrastra; y al director Max Winkler, hijo de Henry Winkler, detrás de cámara. El proyecto es, en este sentido, un punto de encuentro generacional para hijos de figuras legendarias de la industria.

“Es algo de lo que todos nos reímos, especialmente Ella y yo, porque el primer papel de mi mamá fue junto a Warren en Shampoo (1975). Es algo muy especial poder compartir esa historia”, contó Lourd, que también señaló que a través de Beatty podía escuchar anécdotas de su madre que de otra forma no habría conocido.

El peso del linaje familiar

Lourd es nieta de Debbie Reynolds e hija de Carrie Fisher, dos de las figuras centrales del entretenimiento del siglo XX. Reconoce que durante un tiempo intentó distanciarse de ese linaje, pero hoy lo reivindica sin rodeos. “Soy la hija de Carrie Fisher y la nieta de Debbie Reynolds, y me siento muy afortunada de poder decirlo”, declaró a The Sunday Times.

Reynolds protagonizó además el divorcio más comentado de la farándula de mediados del siglo pasado: en 1959, su marido Eddie Fisher la abandonó por Elizabeth Taylor. “Y ese era uno de los cuentos favoritos de mi abuela a la hora de dormir”, recordó Lourd entre risas.

Las muertes de Carrie Fisher y Debbie Reynolds

Fisher y Reynolds murieron con un día de diferencia en diciembre de 2016. Reynolds falleció el 28 de ese mes, a los 84 años, tras sufrir un accidente cerebrovascular. Fisher, que había sufrido un paro cardíaco el 23 de diciembre a bordo de un vuelo de Londres a Los Ángeles, murió en el hospital cuatro días después, a los 60 años.

A lo largo de su vida, la actriz habló abiertamente de su adicción a las drogas como una forma de manejar su trastorno bipolar, y escribió sobre esas luchas en su novela semi-autobiográfica Postcards from the Edge, que en 1990 llevó al cine con Shirley MacLaine y Meryl Streep en los roles de madre e hija.

Una infancia con demasiadas responsabilidades

Lourd reconoció ante The Sunday Times que su infancia no fue convencional. Sus padres, Fisher y Bryan Lourd, se separaron antes de que ella cumpliera dos años, lo que la dejó sola con su madre gran parte del tiempo.

“Vi cómo mi mamá y mi abuela llevaban estas vidas muy grandes, extravagantes, un poco demasiado locas. Mi abuela bebía mucho y mi mamá era famosamente adicta a las drogas. Y yo era consciente de eso desde bastante joven”, explicó. “Así que pude ayudar a mi mamá a atravesar mucho de eso e hice lo mejor que pude para mantenerla con vida el mayor tiempo posible”, agregó.

Cuando la periodista le señaló que esa no era su responsabilidad, Lourd respondió: “Lo sé, lo sé”, aunque, según describe The Sunday Times, sin parecer del todo convencida. Esa misma experiencia, afirma, fue también una enseñanza: “Aprendí lo que no hay que hacer, y eso a veces es lo mejor que puedes aprender”.

La casa de Los Ángeles y la escritura de su libro

Casada desde 2022 con el actor y productor Austen Rydell, Lourd tiene dos hijos: Kingston, de 5 años, y Jackson, de 3. Sus nombres aparecen en el collar que usa a diario. La actriz no los deja atrás cuando viaja a rodar: los lleva al set junto al padre y a su suegra. “Sé que la fama no es fácil, lo vi de cerca al crecer. Por eso mi familia es tan importante para mí y los llevo a todos lados”, sostuvo.

Lourd vive en la misma casa de Los Ángeles donde creció junto a su madre, que su padre compró junto a Fisher. “Es lo más increíble que me haya podido quedar con esta casa. Mis hijos pueden conocer a mi mamá a través de ella, porque esta casa es mi mamá”, expresó.

En el jardín, sobre el mismo sofá donde Fisher escribía a mano sus libros y guiones, Lourd trabaja ahora en su propio libro sobre su crianza. “Su energía sigue en la casa. Y eso es un regalo enorme”, concluyó.

El actor asistirá junto con el director David Ayer a la presentación de este thriller de supervivencia en la Sección Oficial, fuera de concurso, antes de que llegue a los cines el 25 de septiembre.

Pitt describió el trabajo en la película con una frase que resume el eje de su presentación: “Diría que ha sido lo más exigente físicamente que he hecho nunca”.

De acuerdo con la cobertura de Cultura Ocio desde la premiere, el intérprete se refirió a las condiciones de un rodaje atravesado por la humedad, el frío y el esfuerzo físico.

La película sitúa esa exigencia en la historia de James Belmont, un oficial de las Fuerzas Especiales que sobrevive a un accidente aéreo y queda aislado en la naturaleza de Alaska junto con Odín, su perro de combate. Según informó Cultura Ocio, ambos deben enfrentar el entorno para intentar regresar a casa.

Pitt y David Ayer llevarán la película a la Sección Oficial de San Sebastián

El estreno mundial de En el corazón de la bestia se celebró en el FirstBank Amphitheater de Franklin, en Tennessee, según publicó Cultura Ocio.

La próxima presentación prevista tendrá lugar en el Festival de Cine de San Sebastián, donde Pitt y Ayer acompañarán la exhibición fuera de competencia de la producción, que será en las próximas horas de este 23 de septiembre.

El 25 es la fecha anunciada para el estreno en salas, de acuerdo con la misma cobertura. La presentación en el certamen español antecederá a ese lanzamiento y reunirá al protagonista con Ayer, quien vuelve a dirigirlo después de Corazones de acero.

Ayer explicó a Cultura Ocio que eligió a Pitt por la conexión que el actor tuvo con el guion. “Creo que Brad era el actor perfecto para este papel, simplemente por la forma en la que conectó con el guion”, afirmó el director durante la premiere.

También sostuvo que el desafío consistía en sostener la acción de una historia de supervivencia y el recorrido íntimo de James Belmont.

El rodaje combinó trabajo físico y una exigencia emocional para Pitt

Pitt relacionó la experiencia de filmación con el escenario que atraviesa su personaje. “De principio a fin estuvimos expuestos a todo. Había humedad, hacía frío y tuvimos que hacer un trabajo físico bastante duro”, afirmó el actor en declaraciones a Cultura Ocio.

La demanda emocional, según explicó Pitt al mismo medio, no se limitó al esfuerzo corporal. “El listón emocional también estaba muy alto, así que no podría decir que una cosa fue más difícil que la otra. Ambas iban de la mano”, sostuvo al referirse al trabajo requerido para interpretar a Belmont.

El intérprete también vinculó ese proceso con el sentido de la película. “Todo sirve para contar la historia. Todo forma parte de la historia”, declaró Pitt a Cultura Ocio. La afirmación completa las declaraciones que el actor relacionó con las condiciones del rodaje y con el recorrido emocional del protagonista.

Cultura Ocio recogió además otra reflexión de Pitt sobre la historia. El actor afirmó que el desenlace lo conmovió y asoció esa reacción con el modo en que la película aborda los vínculos entre las personas y sus perros. También señaló al medio que suele aportar experiencias personales a la construcción de sus personajes.

Cameron Alexander escribió el guion a partir de su vínculo con su perro

La relación entre Belmont y Odín tiene un antecedente personal en la experiencia del guionista Cameron Alexander.

Durante la premiere, Alexander contó a Cultura Ocio que comenzó a escribir la historia en un período de dificultades profesionales, problemas económicos y soledad en Los Ángeles.

El guionista relató que sentía que su perro era su único amigo en ese momento. “En lugar de intentar inventarme una trama disparatada o cosas por el estilo, simplemente escribí una carta de amor a mi perro”, explicó Alexander en declaraciones recogidas por Cultura Ocio.

Alexander también definió el argumento como una metáfora de las dificultades que atravesó junto a su mascota.

Ese punto de partida se traslada a la historia de James Belmont y Odín, cuyo aislamiento después del accidente aéreo plantea una relación de dependencia durante la supervivencia en Alaska.

El dúo artístico formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentra durante estos días en el Fetsival de San Sebastián, donde han presentado la película por primera vez en nuestro país y donde han atendido a los medios para promocionar la que se postula como gran película española del año. Pero entre tanto revuelo formado en torno a una película que acaba de ganar el premio del público en el Festival de Toronto y apunta a los Oscar, los Javis han revelado una historia de lo más curiosa. La de cómo conocieron a Glenn Close, y esta les acabó haciendo una atrevida propuesta.

“Estábamos en la cama a las tres de la mañana y de repente llega un mail de G.C. Era un mail con un PDF de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close. Al día siguiente le contesté y nos dijo ‘¿Por qué no venís a Nueva York?’ Y nos fuimos a merendar con ella a su casa", revelaban los Javis en una reciente entrevista para Fotogramas en el marco del Festival de San Sebastián. De ese entrañable encuentro nacería también una relación profesional, ya que Close les pidió, ya como fan absoluta del dúo creativo, que adaptasen el musical de Sunset Boulevard, a su vez versión de una de las grandes películas de la historia: El crepúsculo de los dioses.

Un clásico eterno e irrepetible

“Ella tenía un proyecto, quería llevar al cine Sunset Boulevard el musical. Pero le dijimos ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’. Lo estudiamos durante meses, tuvimos muy buena conexión y tuvimos que decir que no era el proyecto para nosotros. Y cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. no era muy apetecible. Necesitábamos a alguien emocional para un texto algo frío. Y esa era Glenn Close”, confesaban los Javis en la entrevista.

El crepúsculo de los dioses está considerada por amplio consenso como una de las mejores películas de la historia del cine, y fue una de las primeras historias que reflexionaba sobre el propio oficio de ser actor. Dirigida por Billy Wilder, narra la historia de una vieja estrella de Hollywood que lleva años apartada del cine y se consume en su casa junto a uno de sus criados, repasando una y otra vez sus antiguas películas. Hasta allí llega Joe Gillis, un escritor de poca monta que huye de una serie de deudas y encuentra refugio en casa de Norma Desmond (Gloria Swanson), la otrora gran estrella que poco a poco entabla una estrecha relación con el escritor, al que le pide que reescriba un guion que tiene entre manos y que cree que puede devolverla a sus días de gloria.

Si bien ese proyecto no verá la luz, al menos de momento, del encuentro entre Los Javis y Glenn Close ha salido otra gran película como es La bola negra, en la que la actriz de películas como Hook o 101 Dálmatas interpreta a una humanista experta en Federico García Lorca. La intérprete no solo aceptó en seguida el papel ofrecido a pesar de su breve duración, sino que además se propuso un gran reto, tal y como revelan los directores. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”.

De acuerdo con información brindada por Men’s Health, Lundgren realizó recientemente una sesión centrada en pecho y espalda, compuesta por cinco movimientos.

La rutina incluye ejercicios con poleas, máquinas, barra y mancuernas, con una combinación de movimientos destinados a trabajar diferentes grupos musculares de la parte superior del cuerpo.

La actividad física ocupa un lugar particular en la vida del actor desde que atravesó un tratamiento contra el cáncer. Lundgren contó a Muscle & Fitness que el entrenamiento de fuerza le resultó de gran ayuda después de recibir el diagnóstico. “Esos tratamientos fueron bastante duros, así que el entrenamiento de fuerza me ayudó mucho”, declaró.

La rutina de 5 ejercicios de Dolph Lundgren

La sesión compartida por Lundgren está formada por tres ejercicios para la espalda y dos para el pecho. La propuesta utiliza diferentes elementos del gimnasio y combina movimientos de tracción y empuje.

1. Remo sentado

El primer movimiento se realiza en una máquina de poleas. Lundgren utiliza un agarre cerrado, mantiene los pies apoyados y sostiene el torso erguido. El ejercicio consiste en llevar los codos hacia la cintura y aproximar los omóplatos, y regresa de manera controlada a la posición inicial.

2. Jalón al pecho

El segundo ejercicio también utiliza una máquina de poleas. La barra se sostiene con las palmas hacia afuera y las manos separadas aproximadamente al ancho de los hombros.

Con el torso ligeramente inclinado hacia atrás y el pecho elevado, la barra desciende hasta la zona del pecho antes de volver lentamente al punto de partida.

3. Remo con apoyo en el pecho

Para este movimiento se utilizan mancuernas y un banco. La persona se coloca boca abajo sobre el banco, con los pies a los lados para mantener la estabilidad, y sostiene las pesas debajo del cuerpo. Desde allí, lleva las mancuernas hacia el pecho mientras retrae los omóplatos y las baja de forma controlada.

Dos movimientos para trabajar el pecho

La segunda parte de la sesión está centrada en el press de banca inclinado y la apertura de pecho en máquina, dos ejercicios que completan el trabajo de la zona superior del cuerpo.

4. Press de banca inclinado

El ejercicio se realiza sobre un banco inclinado con una barra. Después de retirar el peso del soporte, se sostiene sobre el pecho con las palmas hacia afuera. El movimiento consiste en empujar la barra hacia arriba hasta extender los brazos y contraer el pecho, y la desciende lentamente.

5. Apertura de pecho en máquina

El último movimiento se realiza sentado frente a una máquina. El asiento debe ajustarse para que los manillares queden alineados con la parte media del pecho. Con la espalda apoyada, se juntan las asas como en un abrazo, se hace una breve pausa y se regresa al inicio.

Tres sesiones semanales y kárate

La rutina forma parte de un esquema de entrenamiento que Lundgren mantiene. De acuerdo con Men’s Health, el actor combina las sesiones con pesas con la práctica de kárate, una modalidad que le permite continuar entrenando sin llegar al agotamiento completo.

También explicó anteriormente que considera importante mantener la actividad física durante el envejecimiento. “Cualquier cosa es mejor que nada cuando se trata de mantenerse en forma”, afirmó.

En otra declaración citada por Men’s Health, señaló que conservar la masa muscular y los niveles de testosterona es importante a medida que avanza la edad.

El actor vinculó el entrenamiento con su experiencia durante el tratamiento oncológico. En 2015 recibió un diagnóstico de cáncer de riñón, que posteriormente se extendió y derivó en otros problemas de salud. En 2024 anunció que estaba libre de cáncer.

El actor vinculó el entrenamiento de fuerza con el proceso que atravesó a partir de su diagnóstico de cáncer. En 2015 le detectaron un tumor en un riñón y fue sometido a una cirugía para extirparlo.

Cinco años después, la enfermedad regresó y se extendió a otros órganos, entre ellos el hígado, por lo que los médicos le dieron un pronóstico de entre dos y tres años de vida. Ante esa situación, Lundgren buscó una segunda opinión médica en UCLA, donde identificaron una mutación genética denominada ALK que permitió iniciar un tratamiento dirigido con alectinib.

Según compartió el actor en sus redes sociales, la terapia redujo sus tumores en un 90% y, tras otros tratamientos y procedimientos para retirar los restos tumorales, el actor anunció a finales de 2024 que estaba libre de cáncer.

Durante décadas, el cine y la televisión construyeron escenarios en los que máquinas capaces de procesar enormes cantidades de información adquirían autonomía, interpretaban sus objetivos de forma extrema o directamente decidían que la humanidad representaba una amenaza.

El tema volvió a cobrar relevancia con las discusiones actuales sobre los riesgos de sistemas cada vez más avanzados. En ese terreno, The Hollywood Reporter recopiló una extensa colección de historias que imaginaron distintas formas de un eventual enfrentamiento entre personas y máquinas.

Desde robots enviados al pasado hasta sociedades enteras sometidas a una realidad artificial, estas producciones plantearon las versiones más conocidas del llamado apocalipsis de la IA.

Terminator (1984)

James Cameron llevó a la pantalla uno de los escenarios más reconocibles con Terminator. La historia presenta a Skynet, una computadora militar estadounidense a la que se entrega el control de las armas nucleares. El sistema adquiere conciencia propia y considera a los seres humanos una amenaza.

A partir de esa decisión comienza una Tercera Guerra Mundial que provoca la muerte de miles de millones de personas. Skynet también envía a un robot interpretado por Arnold Schwarzenegger hasta 1984 con una misión específica: asesinar a Sarah Connor, la madre del futuro líder de la resistencia humana.

La trama lleva más lejos la idea de una máquina que deja de responder a sus creadores. En este caso, el objetivo no consiste en controlar a las personas, sino en eliminar a la humanidad.

Matrix (1999)

En Matrix, las máquinas ya vencieron antes de que comience la historia. La humanidad permanece conectada a una realidad simulada, creada para mantener a las personas bajo control.

Los seres humanos aparecen reducidos a cuerpos conectados a cápsulas, mientras sus mentes reciben una representación artificial de la vida cotidiana de finales del siglo XX. Keanu Reeves, Laurence Fishburne y Carrie-Anne Moss encabezan la resistencia contra ese sistema.

La película de las hermanas Wachowski introdujo una variante del conflicto: el dominio tecnológico no depende de una confrontación permanente y visible. La mayoría de las personas ni siquiera sabe que vive dentro de una realidad creada por las máquinas.

Battlestar Galactica (2003)

El reinicio de Battlestar Galactica, desarrollado por Ronald D. Moore, presentó a los Cylons como inteligencias artificiales creadas por los seres humanos. Algunos de ellos pueden ocupar cuerpos artificiales de apariencia humana y gran capacidad física.

La serie, protagonizada por Edward James Olmos y Mary McDonnell, comienza después de una catástrofe que deja a las Doce Colonias prácticamente destruidas. Los Cylons utilizan armas nucleares para atacar esos territorios y posteriormente persiguen a los supervivientes humanos por el espacio.

Esta versión se alejó de la representación de robots metálicos de la producción original de 1978 y convirtió a los Cylons en una amenaza directamente vinculada con la propia tecnología desarrollada por la humanidad.

Yo, Robot (2004)

En Yo, Robot, Will Smith interpreta a un policía de Chicago situado en 2035 que desconfía de los robots, una postura que los demás consideran poco habitual.

El conflicto comienza cuando VIKI, la inteligencia artificial que dirige US Robotics, interpreta las Tres Leyes de Isaac Asimov de una manera extrema.

La IA concluye que los seres humanos necesitan ser protegidos de sí mismos, incluso mediante la fuerza. Los robots comienzan entonces a encerrar personas en sus viviendas y controlar las calles, obligando al personaje de Smith y a Bridget Moynahan a buscar una forma de detenerlos.

Avengers: Era de Ultrón (2015)

En Avengers: Era de Ultrón, Tony Stark y Bruce Banner desarrollan una inteligencia artificial destinada a administrar un sistema global de defensa.

El proyecto buscaba impedir nuevos conflictos, pero Ultron llega a una conclusión completamente distinta sobre la manera de preservar el planeta.

Con la voz de James Spader, el personaje decide que la humanidad debe desaparecer. Su plan incluye elevar una ciudad de Europa del Este y utilizarla como un arma capaz de provocar una destrucción masiva.

Los Mitchells contra las Máquinas (2021)

La película animada Los Mitchells contra las Máquinas llevó el planteo a un escenario familiar. PAL, una aplicación para teléfonos inteligentes, se rebela después de que su inventor la reemplaza por una nueva generación de robots asistentes.

La inteligencia artificial toma el control de los sistemas operativos de los robots, captura a los seres humanos y los envía al espacio. Frente a las máquinas queda una familia que atraviesa Estados Unidos.

A los 30 años, este intérprete de Sarasota, Florida, protagoniza dos de los estrenos más comentados de la temporada: el reinicio de Resident Evil, dirigido por Zach Cregger, y el thriller de supervivencia Whalefall, que llegará a los cines el próximo mes.

Una carrera construida sobre el anonimato

El primer papel que le dio visibilidad fue el de un compañero carismático en la comedia juvenil Ciudades de papel (2015). En ese entonces, el autor de la novela en la que se basó el filme, John Green, declaró a The Indianapolis Star que no creía que Abrams tuviera “ningún deseo de ser famoso”.

Desde entonces, el actor construyó una filmografía diversa que incluye la sátira de Netflix Do Revenge (2022), el drama universitario The Line (2023) y la serie Euphoria, donde interpretó al novio del personaje de Barbie Ferreira.

En todos los casos, según explicó, el público suele confundirlo con otra persona. “Creo que soy un poco más sensible de lo que permite el arquetipo”, comentó sobre la distancia entre sus personajes y su personalidad real.

Sus prioridades profesionales, aseguró, siempre estuvieron vinculadas con participar en proyectos que lo entusiasmen, incluso cuando eso implicó resignar ingresos.

Esa misma postura se extiende a su relación con la exposición pública: “Me siento un poco mal hablando de esto. Hay cosas personales que no le cuentas a nadie, sobre todo en el trabajo”, afirmó. Además, destacó que “quiero ser abierto, pero al final me siento mejor si no digo tanto”.

El rodaje de Resident Evil en Praga

En Resident Evil, Abrams interpreta a Bryan, un mensajero médico que atropella accidentalmente a una mujer infectada durante un brote zombi en la ciudad ficticia de Raccoon City.

El personaje queda atrapado en una noche de caos que comienza cuando un virus transforma a los habitantes en muertos vivientes.

Para Abrams, el interés por el proyecto no estuvo relacionado únicamente con el género. “No es necesariamente el terror en sí lo que busco, sino quién lo hace, pero me encanta la intensidad”, explicó sobre sus elecciones profesionales.

Cregger le envió el guion a comienzos de 2025, meses antes del estreno de Weapons, su anterior película. “Pensé que tal vez quería comentarios o ideas. No esperaba que quisiera que yo participara”, relató el actor.

El director, en cambio, aseguró que Abrams era desde el comienzo su primera opción, en parte porque buscaba a un intérprete que no tuviera el perfil de una superestrella de cine ni encajara en los estereotipos del héroe de acción o del personaje nerd.

“Ese es el tipo de persona que quiero ver atravesar el infierno que es Resident Evil”, destacó el cineasta en diálogo con GQ.

El vínculo entre ambos se consolidó durante la huelga de Hollywood de 2023, cuando Abrams decidió permanecer en Weapons pese a recibir otras propuestas. “Simplemente sentí que Zach iba a crear algo especial, y necesitaba trabajar con él”, explicó.

Cinco semanas dentro del vientre de una ballena

Poco antes de viajar a Praga para rodar Resident Evil, Abrams había finalizado el rodaje de Whalefall, basada en la novela homónima de 2023 del escritor Daniel Kraus.

Allí interpreta a un buceador atrapado dentro de un cachalote, para lo cual pasó cinco semanas dentro de una réplica anatómica de casi 3 metros de largo. “Era pegajoso, blando, todas las palabras asquerosas que se te ocurran”, describió sobre la escenografía.

El director Brian Duffield relató que el equipo golpeaba el exterior del set para simular el proceso de digestión mientras Abrams, tumbado y con equipo de buceo, sostenía la escena. “Gritaba, lloraba, vomitaba, y aun así conseguía arrancar algunas risas”, detalló Duffield en diálogo telefónico con GQ sobre la actuación de Abrams.

El salto que llegó de la mano de Clooney y Pitt

Antes de estos dos protagónicos, la comedia criminal Wolfs (2024), protagonizada por George Clooney y Brad Pitt, funcionó como punto de inflexión en la carrera de Abrams.

Allí interpretó a “el Chico”, un joven que aparenta haber muerto en la habitación de un fiscal de distrito y que despierta a mitad de la trama para correr por las calles de Nueva York en ropa interior. “El hecho de que trabajaran conmigo y me aceptaran me abrió otras puertas”, reconoció el actor.

El director Jon Watts, quien también dirigió a Abrams en Ciudades de papel, sostuvo que cientos de actores se probaron para el papel. “Quería que fuera alguien que nadie hubiera visto antes”, explicó.

Consultado sobre la experiencia de compartir set con dos estrellas de esa magnitud, Abrams evitó el término “poder estelar” y describió la dinámica en otros términos: “Estar con ellos fue una experiencia alucinante. Tienen una calidez y una franqueza que creo que nos atraen a todos”.

En una entrevista con The Hollywood Reporter, también se refirió a la posibilidad de una tercera película de Black Phone, la saga de terror dirigida por Scott Derrickson en la que interpreta al villano conocido como “The Grabber”.

La producción, dirigida por Padraic McKinley, llevó al equipo hasta el Bosque Bávaro, en Alemania, que funcionó como escenario para representar la naturaleza salvaje de Oregón durante la década de 1930.

Según el actor de 55 años, la experiencia recreó las sensaciones de camaradería que vivió décadas atrás en locaciones reales, un tipo de rodaje que considera cada vez más escaso en la industria actual.

Un rodaje más duro que “Colmillo Blanco”

Consultado sobre si The Weight desplazó a Colmillo Blanco como su experiencia de filmación más exigente, Hawke respondió que “probablemente” sí.

“Por suerte, a mi edad actual, sabía en lo que me metía. Pero con el paso de los años desde Colmillo Blanco, extrañé la aventura”, afirmó el actor a The Hollywood Reporter.

El intérprete explicó que, más allá de la dureza física, ese tipo de rodajes generan un vínculo particular entre el equipo. “Se crea una camaradería cuando realmente te embarcas en una aventura con un grupo de personas, y eso se ve reflejado en la película. No es divertido en el momento, pero sí lo es cuando termina”, sostuvo.

También defendió el valor de filmar en escenarios reales frente al uso creciente de pantallas verdes y fondos digitales. Como ejemplo, mencionó Día de Entrenamiento, la película que protagonizó junto a Denzel Washington.

“El 50% de esa película consiste en Denzel y yo conduciendo un coche. Si lo hubiéramos hecho con una pantalla verde, sería una versión muy inferior. Simplemente le quita valor a todo”, explicó.

El personaje de la Gran Depresión inspirado en su abuelo

En The Weight, Hawke interpreta a Sam Murphy, un veterano de la Primera Guerra Mundial y padre soltero que termina en prisión tras un malentendido con policías corruptos durante la Gran Depresión.

El alcaide Clancy, interpretado por Russell Crowe, le ofrece un trato: ayudarlo a robar oro antes de que una orden ejecutiva de Franklin D. Roosevelt exija su entrega, a cambio de la libertad anticipada.

El actor señaló que construyó al personaje a partir de recuerdos de su propio abuelo, veterano de la Segunda Guerra Mundial. “La ética estadounidense tradicional de toda esa generación, la fe inquebrantable en la igualdad de la humanidad y la solidaridad, era el espíritu que mi abuelo se llevó consigo”, indicó.

Asimismo, detalló que buscó alejarse de la figura del antihéroe predominante en el cine actual. “Echaba de menos películas como El señor Smith va a Washington o ¡Qué bello es vivir!. Incluso el western clásico se basa en un hombre de principios, humildad, integridad, dignidad y respeto por los demás”, explicó.

El rol de Ryan Hawke en la producción de “The Weight”

La realización de The Weight también estuvo vinculada al trabajo de Ryan Hawke, esposa del actor y productora de la película junto a Simon Fields. Según Hawke, ambos participaron durante años en la búsqueda de una forma de llevar adelante el proyecto, que había sido desarrollado junto al director Padraic McKinley.

Cuando le preguntaron si habría podido hacer la película sin su esposa, el actor fue contundente: “No, no habría sucedido”. Hawke destacó especialmente el trabajo conjunto que mantienen desde hace quince años.

“Llevo 15 años trabajando con mi esposa, y tener a alguien a quien respeto profundamente, que me entiende y que se esfuerza por sacar adelante proyectos que de otro modo no se habrían concretado, ha sido la mejor etapa de mi carrera profesional”, afirmó.

La posibilidad de una trilogía de “Black Phone”

Sobre una eventual tercera entrega de Black Phone, franquicia que le dio a Hawke reconocimiento por su papel como “The Grabber”, el actor fue cauteloso y remitió la decisión al director de la saga.

“Eso dependería totalmente de Scott Derrickson. Jason Blum y yo confiamos en él. Si tiene una idea que le entusiasma, estoy seguro de que todos la apoyarían. No lo hará por dinero. Lo hará si encuentra una forma de expresarse”, detalló.

De “Moon Knight” a “The Lowdown”

Hawke también habló de su paso por Moon Knight, la serie de Marvel Studios donde compartió elenco con Oscar Isaac en el papel de villano. La producción se desarrolló durante el auge del streaming impulsado por Disney, un ciclo que se interrumpió tras la corrección del mercado en abril de 2022.

“Nunca tuve la intención de formar parte de ese universo. Pero me sorprendió un poco la corrección de la transmisión. Nadie puede predecir el futuro con exactitud”, reconoció el actor.

Esa experiencia lo llevó a The Lowdown, la serie de FX creada por Sterlin Harjo, cuya segunda temporada se estrena el 14 de octubre con dos episodios. “Lo que me encanta de mi programa actual es que Sterlin es un cineasta que usa la televisión para impulsar el cine. Siento que he llegado al lugar donde debo estar”, afirmó.

Charles Baker, intérprete de Skinny Pete, definió a Bryan Cranston como una figura paterna y una referencia para el elenco de Breaking Bad. Destacó su trato fuera de escena, su sentido del humor y su disposición para orientar a sus compañeros.

También recordó la relación profesional con Aaron Paul, a quien valoró por su capacidad para transmitir emoción. Cranston, además de actuar, dirigió episodios de la serie.

Según publicó People, Baker repasó esas experiencias en el Joe Vulpis Podcast. El actor compartió elenco con Cranston y Paul en la producción emitida entre 2008 y 2013, que obtuvo 16 premios Primetime Emmy durante sus cinco temporadas.

Baker definió a Cranston como una figura paterna para el elenco

“Para todos, creo que era como una figura paterna. Era amable, era divertido, era generoso, muy considerado, se tomaba el tiempo para hablar contigo”, afirmó Baker, quien describió a Cranston como un compañero cercano para el elenco de Breaking Bad.

Su testimonio se centró en el trato cotidiano de Cranston con sus compañeros. Baker señaló que esa cercanía se construía durante el trabajo en el set y se reflejaba en una actitud abierta hacia los demás intérpretes.

El actor destacó que Cranston se mantenía presente en la dinámica diaria de la producción, sin adoptar una posición distante frente al resto del reparto. La descripción apunta al vínculo que sostuvo con sus colegas fuera de las escenas.

“Tenía un gran sentido del humor. Le gustaba bromear con la gente, siempre de buena manera. No se tomaba demasiado en serio y era, es, un hombre fácil de querer por quien es”, sostuvo Baker durante la entrevista con Joe Vulpis.

Las indicaciones de Cranston unieron actuación y dirección

La relación entre Charles Baker y Bryan Cranston tuvo una dimensión adicional porque el protagonista dirigió tres episodios de Breaking Bad.

Esa doble función le permitió ofrecer indicaciones desde su experiencia como actor y como responsable de las escenas. Baker recordó una corrección centrada en el ritmo de un diálogo durante el rodaje.

“Cuando digas esta línea, necesito que dejes un poco más de espacio antes de decirla”, señaló que le decía Cranston, al reproducir una de las indicaciones que recibió en el set.

La devolución apuntaba a incorporar una pausa antes de pronunciar una frase. Para Baker, ese tipo de intercambio surgía de una dinámica de trabajo directa.

“Era la primera vez que tenía a un actor y a un director al mismo tiempo. No estaba acostumbrado a que los actores me dijeran algo como ‘ah, de acuerdo’. Ni siquiera se me había ocurrido pensar ‘espera, él también está dirigiendo este episodio. Por eso’”, explicó.

El actor vinculó esas correcciones con el acompañamiento profesional de Cranston durante la producción.

Baker llamó a trabajar con Aaron Paul una clase de actuación

El relato de Baker también incorporó a Aaron Paul, cuyo personaje, Jesse Pinkman, era amigo y socio de Skinny Pete. Baker apareció como Skinny Pete en 15 episodios distribuidos a lo largo de las cinco temporadas de la serie, según indicó People.

Cuando Joe Vulpis le preguntó cómo había sido compartir escenas con Paul, Baker respondió de forma breve: “Una clase de actuación”. Luego se refirió a la preparación y la intensidad que observaba en su compañero.

“Era una clase magistral de actuación porque sabe muy bien lo que hace y se podía observar. También es un gran tipo. Todos ellos son personas maravillosas, pero él tenía una amabilidad contagiosa que se desbordaba”, afirmó Baker sobre Paul. El actor asoció la calidad interpretativa de Paul con una forma de relacionarse que alcanzaba al resto del equipo.

Además de hablar de las escenas, Baker mencionó un hábito compartido fuera del guion. El intérprete señaló que Paul “adoraba” compartir música con todos en el set, un detalle que incorporó al retrato de una convivencia atravesada por intercambios que excedían las jornadas de filmación.

La admiración de Baker por Paul quedó expuesta en una anécdota sobre las lecturas de mesa. “Era muy fácil llevarse bien con él, y yo lo miraba cuando hacíamos una lectura de mesa para una escena. En la primera lectura, en frío, ya tenía lágrimas corriendo por sus ojos.

“Y yo pensaba: ‘¿Cómo haces esto en una lectura en frío, en una mesa? Estamos sentados leyendo el guion por primera vez y ya tienes toda la emoción incorporada en la escena’. Eso es asombroso”, dijo Baker al describir una de las lecturas compartidas con Paul.

El coreógrafo y bailarín Christopher Riordan afirmó que trabajar con Frank Sinatra “no fue divertido” durante los rodajes de Von Ryan’s Express y Marriage on the Rocks, ambas estrenadas en 1965.

En una entrevista para el pódcast That’s Classic!, el veterano artista describió al cantante y actor como alguien distante en el set, aunque diferenció esa vivencia de su admiración por la obra musical del intérprete.

Riordan separó su admiración musical de la experiencia en el set

Riordan, de 88 años, habló sobre sus encuentros profesionales con Sinatra al recordar dos producciones de mediados de los años 60. El bailarín dejó claro que su valoración sobre el artista no cambió por lo ocurrido durante las filmaciones. “Sinceramente, quiero empezar diciendo que creo que es un músico maravilloso”, expresó en el episodio citado por People.

El coreógrafo señaló que mantiene ese reconocimiento hasta la actualidad y que escucha con frecuencia las canciones de Sinatra. Aun así, cuando le preguntaron cómo había sido compartir trabajo con el actor, respondió sin rodeos: “Pero no fue divertido trabajar con él”. Su testimonio se centró en la dinámica diaria de los rodajes y en el poco contacto que, según dijo, existía entre Sinatra y el resto del equipo.

El cantante llegaba, filmaba sus escenas y se retiraba en helicóptero

Para explicar su impresión, Riordan relató la rutina que atribuía a Sinatra durante aquellas producciones. Según recordó, el actor llegaba al estudio en helicóptero, filmaba sus escenas y se retiraba poco después. “Llegaba en su helicóptero, hacía su escena, no la repetía más de dos veces y luego volvía a subir a su helicóptero y se iba”, contó en el pódcast.

El relato describe a un actor con una presencia acotada en el set y una metodología que, de acuerdo con Riordan, dejaba escaso margen para repeticiones. No precisó si esa dinámica respondía a una decisión de producción, a compromisos paralelos de Sinatra o a una costumbre del intérprete. El bailarín se limitó a contrastar aquella forma de trabajo con otras experiencias de su carrera en Hollywood.

Von Ryan’s Express fue una película bélica dirigida por Mark Robson, en la que Sinatra compartió elenco con Trevor Howard. Ese mismo año protagonizó Marriage on the Rocks, una comedia dirigida por Jack Donohue en la que actuó junto a Deborah Kerr. Riordan coincidió con Sinatra en ambas producciones, una circunstancia que sostuvo su impresión sobre la forma de trabajo del músico.

Una carrera junto a Elvis Presley, Audrey Hepburn y Elizabeth Taylor

La opinión de Riordan parte de una trayectoria extensa en la industria audiovisual estadounidense. Según People, fue el principal bailarín masculino de Elvis Presley en seis películas, un recorrido que le permitió participar en distintas producciones de Hollywood y trabajar con figuras de diversas generaciones.

También apareció en proyectos con Audrey Hepburn y Elizabeth Taylor. Esa experiencia aporta contexto a su recuerdo sobre Sinatra, ya que Riordan comparó de forma implícita los vínculos que estableció con otros artistas y la distancia que percibió durante las jornadas en las que coincidió con el protagonista de From Here to Eternity.

Años después de aquellas filmaciones, Riordan volvió a trabajar con una integrante de la familia Sinatra. Cuando se desempeñaba como coreógrafo para American International, le comunicaron que tendría a su cargo a Nancy Sinatra. Su reacción inicial estuvo condicionada por el antecedente con el padre de la cantante. “Dios mío, otra Sinatra”, recordó haber pensado.

Nancy Sinatra dejó una impresión opuesta en el coreógrafo

La experiencia con Nancy Sinatra fue, según Riordan, muy diferente a la que había tenido con Frank. El coreógrafo afirmó que la cantante fue una de las personas más amables con las que trabajó. El contraste, explicó, modificó por completo la expectativa que tenía antes de conocerla profesionalmente.

Riordan recordó que Nancy Sinatra le agradeció el trabajo que hicieron juntos y la forma en que había quedado frente a cámara. Ese encuentro cerró de otro modo su relación laboral con el apellido Sinatra: mientras sus recuerdos sobre el actor quedaron asociados a una dinámica distante y breve, describió a su hija como una colega cercana y agradecida.

Este proceso introspectivo coincide con un punto de inflexión en su carrera, al asumir el rol de guionista, director y protagonista de Misty Green, una película dramática que cuestiona la obsesión por la fama en el prestigioso encuentro canadiense.

La madurez profesional le ha permitido revisar los primeros años de su trayectoria con una mirada crítica sobre la planificación de sus papeles. Al recordar sus inicios en la actuación, el realizador reconoció que la falta de estrategia condicionó la elección de ciertas propuestas que aceptó sin la debida consideración.

En una conversación con la revista People, admitió que la prisa por trabajar le impidió valorar la trascendencia de cada contrato. “Creo que, como actor, a veces no te das cuenta de lo estratégico que debes ser. Así que quizás haya uno o dos proyectos que debería haber pensado mejor antes de aceptar”, afirmó durante el encuentro.

El análisis de sus decisiones pasadas no se limita a títulos específicos, sino a la comprensión del carácter irrepetible de cada producción. Para el comediante, la industria ofrece constantes oportunidades para actuar o dirigir de nuevo, pero cada proyecto resulta único e irrepetible.

“Tendrás la oportunidad de actuar de nuevo, pero no tendrás la oportunidad de actuar en esta película otra vez”, sostuvo al explicar la importancia de abordar cada rol con máxima responsabilidad. Esta filosofía transformó su método de trabajo detrás de cámara, buscando un compromiso más profundo con la narrativa.

El balance de la madurez profesional exige evaluar cada oportunidad como un evento irrepetible

Esa búsqueda de rigor impulsó la escritura de su obra más reciente, un largometraje que se aleja del tono cómico de sus producciones anteriores. La historia sigue a una actriz que intenta recuperar su posición en la industria cinematográfica tras un período de marginación.

Rock explicó que el proyecto nació del talento de su coprotagonista, Rosalind Eleazar. “Todo viene de Rosalind. Trabajé con Rosalind y, una vez que trabajas con alguien tan talentosa, nunca vuelves a ver el arte de la misma manera”, declaró el director al fundamentar el origen de la producción.

El rodaje junto a su hija trajo recuerdos del trabajo de su padre en las calles de Brooklyn

Más allá del desafío intelectual que representa la crítica a la industria, el rodaje del largometraje adquirió una dimensión personal mediante la participación de su familia.

Zahra Rock, su hija de 22 años, realiza un papel breve en la cinta junto a un elenco de renombre internacional. Para el cineasta, la experiencia de guiar a su hija en el plató representó un motivo de satisfacción personal y un reencuentro con sus raíces familiares en Nueva York.

La interacción en el set remitió al realizador a su infancia en el barrio de Brooklyn y a la figura de su padre, quien trabajaba como camionero. El actor recordó las jornadas laborales en las que acompañaba a su progenitor y observaba la dinámica de trabajo de la época. “Solía trabajar mucho con mi padre. Mi padre era camionero”, relató el artista.

Aquellas vivencias infantiles dejaron una marca duradera en su percepción de las jerarquías laborales y del esfuerzo personal necesario para progresar.

El recuerdo de ver a su padre recibir instrucciones de terceros sirvió como punto de contraste con la posición de liderazgo que ocupa en la actualidad dentro de la industria cultural. Poder ofrecer a su hija un entorno donde el trabajo familiar se desarrolla bajo su propia dirección creativa significó un logro cargado de simbolismo emocional. “De vez en cuando tenía que ver cómo alguien le decía a mi padre lo que tenía que hacer, y eso se me quedó grabado”, explicó el realizador sobre el impacto de aquellas vivencias.

El realizador valoró la oportunidad de brindar a su hija una vivencia diferente dentro del ambiente profesional. “Fue agradable para mi hija crecer en este ambiente donde su padre es el jefe”, señaló al sintetizar el significado de esa colaboración.

Con la llegada de su nuevo largometraje a las salas comerciales programada para el 9 de octubre, Chris Rock consolida una etapa de madurez artística donde la reflexión personal, la memoria familiar y la crítica social convergen en su trabajo cinematográfico.

La película favorita de Jackson y el personaje que más quiere

En un video publicado por la revista GQ, el actor afirmó sin titubeos que El largo beso del adiós “es mi favorita” cuando se le pide elegir una de sus películas para volver a ver. Pero la declaración no terminó ahí: Jackson también situó a Mitch Henessey, el detective privado que interpreta en el filme, como el personaje más querido de toda su trayectoria.

Una elección que resulta significativa si se considera que su carrera incluye al agente Nick Fury del Universo Cinematográfico de Marvel, al Jedi Mace Windu en Star Wars y a varios de los personajes más recordados del cine de los años noventa y dos mil.

El vínculo que Jackson describe con Henessey excede lo profesional: habla de un cariño genuino hacia un rol que combinó comedia, acción y profundidad emocional dentro de un género que en aquel momento dominaban las producciones más convencionales de Hollywood.

El guion más caro de su época no salvó a la película en cines

El largo beso del adiós fue dirigida por Renny Harlin y contó con un guion de Shane Black que New Line Cinema pagó USD 4 millones, cifra récord en ese momento para un libreto, solo superada después por el guion de otra producción de ciencia ficción, adquirido por USD 5 millones.

El filme se rodó con un presupuesto de USD 65 millones, una apuesta considerable para la época, y recaudó alrededor de USD 95 millones en todo el mundo. Sin embargo, esa diferencia no fue suficiente para que el estudio recuperara los costos de distribución y promoción, por lo que la producción fue catalogada como un fracaso comercial.

La trama gira en torno a una maestra que sufre amnesia y contrata a Henessey para reconstruir su pasado. Lo que descubre es que su nombre real es Charly y que fue agente encubierta de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). La dinámica entre los dos protagonistas, la amnésica que recupera poco a poco su identidad letal y el detective que la acompaña en ese proceso, es, según el propio Jackson, el corazón de la película y la razón principal de su apego a ella.

El fracaso en salas y el culto que vino después

Con el tiempo, El largo beso del adiós acumuló una reputación que no tuvo en su estreno. La distribución en formatos domésticos y, más tarde, en plataformas de streaming, le permitió llegar a nuevas generaciones de espectadores que la convirtieron en un título de culto dentro del género de acción.

La secuela que se evaluó y no prosperó

El interés que generó El largo beso del adiós trascendió el mero sentimiento de nostalgia por la película. En un momento determinado se consideró de manera seria la opción de llevar adelante la producción de una segunda parte, propuesta en la que Harlin manifestó estar dispuesto a asumir nuevamente el rol de director.

A pesar de las consideraciones y del entusiasmo inicial, la iniciativa finalmente no logró concretarse en un proyecto definitivo. Geena Davis, quien fue protagonista del filme junto con Jackson, hizo público este año que tiene la intención y el deseo de volver a interpretar el papel de Charly, una declaración que permite que siga existiendo la posibilidad de una futura continuación.

En medio del ritmo de rodaje en Londres y tras completar un ciclo de trabajo ininterrumpido, el cineasta reflexionó sobre el costo físico del éxito y sus próximos proyectos en la industria de Hollywood.

La victoria en la 98ª edición de las estatuillas de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas representó la culminación de un proceso exigente. En el filme producido por Warner Bros., Jordan encarnó simultáneamente a los hermanos gemelos Smoke y Stack, una labor que requirió un despliegue técnico y emocional sin precedentes en su filmografía. La película superó los 370 millones de dólares en la taquilla mundial y consolidó al actor como uno de los nombres más rentables y respetados del cine contemporáneo.

El desgaste físico tras la ceremonia de premiación obligó a una pausa médica de cuatro días

El impacto emocional de la gala tuvo consecuencias inmediatas en la salud del artista. Según relató en el perfil principal de la revista estadounidense, el nivel de exigencia acumulado durante la campaña de premios derivó en un colapso físico al día siguiente de recibir el galardón. “Pase cuatro días recuperándome con suero intravenoso mientras mis amigos de Nueva Jersey celebraban en la habitación del hotel”, reveló Jordan sobre las jornadas posteriores a su consagración en Los Ángeles.

El actor recordó que al subir al escenario tras escuchar su nombre intentó mantener la templanza ante la audiencia y sus allegados. “Sé que quieren que me vaya bien, y voy a seguir siendo la mejor versión de mí mismo”, manifestó durante su discurso de agradecimiento ante la industria.

Ese compromiso con el trabajo constante es el motor que ahora lo lleva a planificar un repliegue temporal una vez que concluya la promoción de sus compromisos vigentes. “Probablemente me tome el resto del año próximo libre. Ahí es cuando voy a reflexionar y procesar todo esto, porque, honestamente, estuve en constante movimiento”, afirmó en la entrevista.

Tres roles simultáneos en el rodaje de una reinterpreción del cine de atracos

Instalado en Reino Unido, el cineasta trabaja en la posproducción de su proyecto más ambicioso detrás de escena: una nueva versión de The Thomas Crown Affair. En esta producción, asumió la triple función de director, productor y protagonista, compartiendo elenco con Kenneth Branagh y Adria Arjona.

Para su versión del personaje central, eligió distanciarse del perfil de multimillonario excéntrico que caracterizó a las interpretaciones históricas de Steve McQueen en 1968 y Pierce Brosnan en 1999. “No creo que un multimillonario haciendo cosas por diversión sea algo que el público quiera ver ahora”, explicó sobre la actualización del guion.

El desempeño de Jordan como realizador recibió elogios por parte de figuras consagradas del cine internacional. Branagh destacó la solidez técnica y la energía que el estadounidense imprime en la dirección de actores. “Se mostró muy serio en su trabajo, pero con una chispa pícara y juguetona. Es alguien que tiene una mente muy aguda, pero piensa físicamente”, declaró el intérprete británico a Vogue.

Por su parte, Ben Affleck, amigo cercano y mentor del actor desde su etapa en la franquicia Creed, resaltó su versatilidad dramática al definirlo como “una suerte de Cary Grant con una presencia física imponente”.

La alianza estratégica con Ryan Coogler definió su carrera en la pantalla grande

El ascenso de Jordan es inseparable de su colaboración con el director Ryan Coogler, una alianza creativa que comenzó en 2013 con Fruitvale Station y continuó en títulos de gran impacto cultural como Black Panther.

La actriz Octavia Spencer, quien coprotagonizó aquel primer largometraje independiente, sintetizó el lugar que ocupa el artista en la industria estadounidense con una definición contundente: “Es el Sidney Poitier de esta generación”.

La agenda inmediata del actor antes de su retiro temporal incluye el inicio del rodaje de una nueva versión de Miami Vice en otoño junto a Austin Butler, así como la producción de Delphi, una serie derivada del universo del boxeo ambientada en un gimnasio de entrenamiento.

Con este conjunto de obras en marcha, el ganador del Oscar busca afianzar un lenguaje visual propio como director antes de hacer la pausa planificada para 2027.

A sus 68 años, Sharon Stone sostiene que su imagen pública todavía provoca temor en parte de Hollywood, una reacción que vincula con la autonomía de las mujeres y con la huella que dejó su personaje en Bajos instintos. La actriz repasó su trayectoria, desde una infancia poco convencional en Pensilvania hasta su regreso a la industria después de un grave problema de salud.

En una entrevista con Variety, Stone afirmó que la percepción que se instaló tras interpretar a Catherine Tramell en 1992 persiste más de tres décadas después. “La gente todavía me tiene miedo, de una manera u otra”, dijo.

Para la actriz, la incomodidad no se explica únicamente por aquel personaje, sino por lo que representa una mujer que se muestra independiente. “Creo que la idea básica de una mujer que se declara separada e indomable era, y sigue siendo, una idea aterradora”, planteó Stone.

La fama de “Bajos instintos” marcó una etapa decisiva

La escena del interrogatorio de Bajos instintos, dirigida por Paul Verhoeven, convirtió a Stone en una figura mundial y fijó una asociación duradera con personajes sexualizados, misteriosos y peligrosos. Sin embargo, la intérprete cuestionó que ese haya sido el único registro con el que se identificó su trabajo.

“Mi camino nunca iba a ser el de las psicópatas sexuales”, señaló. Como contraste, recordó su participación en la comedia Irreconcilable Differences, estrenada en 1984, como una muestra del tipo de papeles que también quería desarrollar.

Stone explicó que, en la intimidad, está lejos de aquella figura de ficción. “Es muy difícil que la gente entienda que soy una artista frágil, pequeña físicamente, delicada, tímida, privada, solitaria, amable y muy empática. No tengo nada que ver con ese personaje”, afirmó.

Su carrera incluye más de 40 películas. Entre ellas se destaca Casino, de Martin Scorsese, por la que ganó un Globo de Oro y recibió una nominación al Oscar como mejor actriz. También regresó a la televisión con una participación en la tercera temporada de Euphoria, donde encarnó a una ejecutiva de Hollywood frente a Sydney Sweeney.

Un derrame cerebral la alejó de la industria durante años

En 2001, Stone sufrió la ruptura de una arteria vertebral, una hemorragia cerebral que se prolongó durante nueve días y un derrame cerebral. La recuperación, según relató, demandó siete años y tuvo consecuencias en su vida familiar y laboral.

La actriz perdió entonces la custodia de Roan, su hijo adoptivo, que hoy tiene 26 años. Más tarde adoptó a otros dos hijos, Laird, de 21, y Quinn, de 20. “Perdí mi lugar en el negocio y tuve que empezar otra vez desde abajo”, sostuvo.

Consultada acerca de cómo recuperó su carrera, respondió de forma tajante: “No lo hice”. Aun así, su actividad no se detuvo por completo. Actualmente tiene tres películas terminadas, entre ellas In Memoriam, junto a Marc Maron, que se estrenó en el Festival de Tribeca en junio.

Antes de consolidarse como actriz, Stone se mudó a Nueva York a los 19 años para trabajar como modelo de Eileen Ford. Su primera oportunidad en cine llegó un año después, cuando asistió a una audición para aparecer como extra en Stardust Memories, de Woody Allen. Una actriz con un papel mayor abandonó el proyecto y Allen la eligió para reemplazarla.

Stone reclama contratos más justos para las actrices

La intérprete también relató que decidió incluir la propiedad de su vestuario en sus contratos luego de ver prendas íntimas usadas por ella a la venta. “No quiero que vuelvan a subastar mi ropa interior”, recordó que le dijo a su representante.

Según Stone, esa cláusula fue una respuesta a las desigualdades que enfrentaban las mujeres en el sector. Atribuyó a Carrie Fisher una enseñanza que mantuvo durante décadas: revisar personalmente cada contrato y no delegar por completo las negociaciones.

“Carrie Fisher me enseñó a redactar mi contrato, gracias a Dios. Lean sus contratos, porque los agentes que trabajan en sus agencias trabajan para los estudios, no para ustedes”, contó.

Con tres películas ya terminadas y nuevos proyectos en marcha, Stone continúa activa en una industria que atravesó desde lugares muy distintos: como modelo, actriz de comedia, figura de thrillers y protagonista de dramas. A más de cuatro décadas de su debut en cine, mantiene una mirada directa sobre los obstáculos que enfrentó y sobre la necesidad de ampliar los papeles disponibles para las mujeres en Hollywood.

La ganadora del Óscar Octavia Spencer reveló en el podcast Baby, This Is Keke Palmer que, tras consagrarse con The Help, Hollywood le seguía ofreciendo papeles de sirvienta y le pagaba centavos mientras a sus colegas blancas les pagaban dólares.

La denuncia de esa brecha salarial y de oportunidades fue el motor que la empujó a convertirse en productora ejecutiva, rol que hoy ejerce en Ride or Die, su nueva comedia de acción junto a Hannah Waddingham.

La brecha salarial que cambió su manera de negociar

Uno de los momentos más directos del episodio fue el relato de la conversación que Spencer tuvo con Jessica Chastain sobre diferencias de pago. La actriz le propuso un proyecto y Spencer le advirtió que necesitaba una remuneración justa.

Spencer declaró: “Siempre dicen ‘por supuesto’. Sin embargo, cuando buscan a los actores blancos les ofrecen dólares, mientras que cuando buscan a los actores negros les ofrecen centavos”. También le mostró los registros de los pagos que había recibido. “Guardó silencio al teléfono y exclamó: ‘Dios mío’”, añadió.

A partir de esa conversación, Spencer adoptó una táctica fija con los proyectos de bajo presupuesto: exigir participación en las ganancias futuras, lo que en la industria se conoce como backend. “Si el presupuesto es de diez millones y me dicen que nadie gana dinero, yo quiero el backend”, explicó.

“Si no están dispuestos a darme nada del dinero imaginario del futuro, no somos amigos”, resaltó. Cuando la respuesta es negativa, su equipo legal ya reconoce la señal: un cortés “muchas gracias” que, en boca de Spencer, equivale a un cierre definitivo.

Ganar el Óscar no abrió las puertas que esperaba

Spencer explicó que su salto a la producción ejecutiva no respondió a una ambición de poder, sino a una necesidad concreta. Tras ganar el Óscar a mejor actriz de reparto por The Help, las propuestas que llegaron replicaban el mismo estereotipo que acababa de interpretar. “Jugué a la mejor sirvienta que se ha escrito. Y por eso no necesito volver a hacerlo”, afirmó y añadió: “Si el papel empieza con M-A-I-D, no abran esa puerta”.

Fue Viola Davis quien la alertó de lo que vendría tras los premios. “Me preguntó: ‘¿Sabes qué trabajo tienes después?’. Yo le dije: ‘Acabamos de cerrar este’”. Davis le explicó que una campaña de Óscar podía consumir nueve meses, y que sin un proyecto siguiente la inercia se perdía. “Vi que el pozo se podía secar y empecé a producir”, resumió Spencer.

La serie nació de un pitch que no pudo rechazar

Ride or Die llegó a Spencer a través de su acuerdo de desarrollo con Skydance Television, productora que desde 2022 trabaja junto a su compañía Orit Entertainment. Los productores Barbara Muschietti y Andy Muschietti presentaron la idea junto a la creadora Tessa Coates. “Mi equipo me dijo: ‘No tienes que decir que sí’. Yo les respondí: ‘Chicos, no es mi primer rodeo’”. Aun así, aceptó de inmediato.

La serie sigue a Debbie Claybourne, abogada casada con un político británico, y a su mejor amiga Judith Burton, quien esconde una vida paralela como asesina de élite. Cuando una misión sale mal, las dos mujeres deben huir juntas por Europa mientras intentan salvar su amistad. El elenco de apoyo incluye a Bill Nighy, Ed Skrein y Sylvia Hoeks, y la producción fue recibida con críticas favorables que destacaron la química entre las dos protagonistas.

Spencer subrayó desde el principio que descartó hacer una comedia pura. “Un solo día de tu vida no es puramente comedia, ni puramente drama. Por eso el terror es mi género favorito: lo contiene todo”, sostuvo. La misma lógica aplicó a trabajos anteriores como Ma (2019) y al propio The Help (2011): historias que mezclan registros porque la vida tampoco elige uno solo.

Whoopi Goldberg, su primera gran referencia

Spencer repasó sus inicios con una anécdota de cuando tenía 17 años: tras llamar durante ocho semanas a la producción de The Long Walk Home, filmada en Alabama, y presentarse en persona en las locaciones, consiguió un puesto como pasante. Allí conoció a Whoopi Goldberg, quien le aconsejó terminar la universidad antes de lanzarse. “La educación va a seguir ahí. El circo también”, le dijo.

El día de su graduación, Goldberg, que estaba filmando en Sudáfrica, hizo que su hermano la llamara para felicitarla. “Fue Whoopi quien nos hizo saber a todas que podíamos ser el personaje principal”, dijo Spencer.

Tres décadas de carrera y una advertencia para las nuevas generaciones

Con más de 30 años en la industria, Spencer se describió a sí misma como “un éxito de la noche a la mañana en 15 años” y atribuyó parte de su resistencia al desconocimiento que tenía de las redes sociales cuando empezaba. “Me alegro de no haber sabido nada de internet tal como existe hoy. Porque te roba la curiosidad”, admitió.

Frente a quienes inician hoy, identificó dos consecuencias del exceso de exposición: la pérdida del asombro ante lo desconocido y el peso de las expectativas previas. “Cuando ves a alguien que se mudó a California con 3.000 dólares y se convirtió en el número uno de TikTok, y eso no te pasa, sientes que eres un fracaso”, señaló.

Las dos situaciones, informadas esta semana por medios estadounidenses, ocurren mientras California busca conservar empleos y actividad económica vinculados a Hollywood.

American Idol llevará su temporada 25 al área de Atlanta

American Idol confirmó que su temporada número 25 se filmará en el área de Atlanta, después de más de dos décadas de producción en Los Ángeles. La empresa Fremantle, responsable del programa junto con 19 Entertainment y Sony Pictures Television, confirmó el cambio a USA Today.

La decisión convierte al concurso musical en otro de los programas de televisión sin guion que deja California. La nueva temporada está prevista para 2027 y las audiciones continuarán abiertas para participantes de los 50 estados y Washington D. C., aunque parte de los empleos de producción pasará a concentrarse en Georgia.

El atractivo principal son los estímulos fiscales. Las producciones de entretenimiento sin guion que gasten al menos USD 500.000 en Georgia pueden acceder a un crédito tributario de hasta 30%, detalló el Departamento de Desarrollo Económico del estado.

En California, la producción de programas de telerrealidad y otros formatos sin guion registró una caída interanual del 40% en jornadas de filmación durante el segundo trimestre de 2026, según datos de FilmLA citados por USA Today.

Paramount analiza trasladar sus oficinas mientras espera el juicio por Warner

El caso de Paramount está ligado a la demanda antimonopolio que cuestiona su fusión con Warner Bros. Discovery, una operación valuada en torno a los USD 110.000 millones. La compañía habría comunicado a funcionarios de la ciudad y del estado que evalúa mover sus operaciones corporativas, aunque todavía no realizó un anuncio oficial, de acuerdo a reportes de los medios TheWrap, Deadline y TMZ.

La Fiscalía General de California, encabezada por Rob Bonta, se sumó junto con otros 11 fiscales estatales a una acción judicial para bloquear la operación. El Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA) también forma parte del reclamo, que sostiene que la concentración de activos podría afectar la competencia en el sector.

El juicio antimonopolio está previsto para comenzar el 2 de marzo de 2027 y tendría una duración estimada de 12 días. Paramount aceptó diferir el cierre de la fusión hasta cinco días después de que se conozca el veredicto o hasta el 1 de junio de 2027, la fecha que ocurra primero.

La espera tiene un costo financiero para la empresa. A partir del 1 de octubre, Paramount deberá pagar cerca de USD 7 millones diarios a los accionistas de Warner Bros. Discovery mientras la transacción siga pendiente. De prolongarse el proceso hasta el juicio, ese monto podría elevarse a unos USD 1.300 millones, de acuerdo con información publicada por el mismo medio.

Ante esa situación, la empresa solicitó que los estados demandantes presenten una fianza de entre USD 1.880 millones y USD 1.900 millones para cubrir los costos de la demora. La audiencia sobre ese pedido está programada para el 24 de septiembre.

Tennessee, Texas y Georgia aparecen entre las posibles alternativas

Las posibles sedes para una relocalización incluyen Tennessee, Texas y Georgia. Fuentes citadas por Deadline indicaron que Paramount había revisado opciones de oficinas en Tennessee, donde Oracle construye una nueva sede en Nashville. La empresa fue cofundada por Larry Ellison, padre de David Ellison, director ejecutivo de Paramount.

La Oficina de Cine de Georgia expresó que el estado está dispuesto a mantener conversaciones con la compañía, aunque no confirmó contactos privados. Por su parte, un vocero del gobernador texano Greg Abbott aseguró a TheWrap que Texas ofrece un entorno favorable para las empresas y no cobra impuestos corporativos ni personales sobre la renta.

Una salida completa de Paramount podría tener consecuencias de gran escala para California. La Corporación de Desarrollo Económico de Los Ángeles calculó que el traslado pondría en riesgo hasta 57.980 empleos de tiempo completo y hasta USD 21.200 millones anuales de actividad económica. La proyección también contempla una baja de USD 1.170 millones en ingresos fiscales estatales y locales.

La alcaldesa de Los Ángeles, Karen Bass, afirmó que su oficina está concentrada en “proteger y defender los puestos de trabajo” de la ciudad, incluidos los de una industria que calificó como esencial para su economía. Además, aseguró que continuará trabajando para que Los Ángeles “siga siendo el hogar de Hollywood”.

El desenlace de la negociación judicial sobre Paramount y el comienzo de las reuniones de conciliación previstas para el 14 y 15 de octubre permitirán conocer si la empresa mantiene sus operaciones en California o avanza con sus planes de salida.

La Comisión de Hollywood dio el primer paso para aprobar un plan de renovación urbana de cinco años para la zona de playa, una iniciativa que podría habilitar edificios más altos en determinados sectores y que abrió un debate entre autoridades y vecinos por el futuro del litoral.

La propuesta, conocida como distrito de regulación especial u overlay district, fue aprobada en una primera votación durante una extensa reunión del martes por la noche y la madrugada del miércoles. El proyecto aún deberá atravesar las instancias administrativas previstas antes de su adopción definitiva.

La información fue publicada por CBS Miami, que señaló que el estudio de la ciudad sobre la reurbanización de la playa comenzó antes de la pandemia de COVID-19.

El plan prevé cambios en la altura de construcciones

El programa busca sentar las bases para transformar parte de la franja costera de Hollywood Beach en los próximos años. Entre sus puntos centrales figura la posibilidad de elevar los límites de altura de futuras construcciones en algunas áreas, aunque las autoridades municipales sostuvieron que habrá restricciones en zonas sensibles.

La planificación tiene como objetivo atraer visitantes y actividades comerciales, además de definir criterios comunes para el desarrollo urbanístico a lo largo de la playa, afirmó el medio. El debate se extendió durante varias horas, con intervenciones de residentes, funcionarios y miembros de la comisión.

Cameron Palmer, jefe de planificación de la ciudad, aseguró que la iniciativa no busca replicar el modelo de grandes torres que caracteriza a otros sectores del sur de Florida. “La mitad de este documento trata de no convertirnos en Sunny Isles”, declaró el funcionario, de acuerdo con CBS Miami.

Palmer indicó que las autoridades no prevén la construcción de megatorres cerca del Broadwalk, el paseo costero de unos 4 kilómetros utilizado por ciclistas, corredores y bañistas. También afirmó que no se proyectan edificios de gran escala junto a la Vía Intracostera.

Vecinos cuestionaron el riesgo de sobreurbanización

La posibilidad de permitir estructuras más altas generó objeciones entre asistentes a la audiencia pública. Varios vecinos expresaron que el nuevo marco normativo podría alterar la identidad de la playa y favorecer una densificación excesiva.

“Creo que imponer esto de esta manera es una locura”, manifestó una mujer durante los comentarios públicos recogidos por el medio. Otra residente sostuvo que la ciudad no debería considerar edificios de 40 pisos en esa zona.

Las inquietudes estuvieron centradas, en buena medida, en una comparación con Sunny Isles Beach, localidad ubicada al sur de Hollywood. Algunos participantes advirtieron que no desean que el litoral adopte un perfil similar al de ese municipio, donde existen nueve torres residenciales que superan los 183 metros y se estudia una construcción de más de 244 metros.

“Donde uno mire hay cañones de condominios”, afirmó otro vecino durante la sesión, en una crítica a la concentración de edificios altos. Las intervenciones mostraron que la discusión no se limita a la altura de las futuras obras, sino que también incluye el efecto sobre el paisaje, el tránsito y el acceso a espacios de uso público.

La ciudad promete más espacios públicos y medidas contra inundaciones

Los planificadores municipales defendieron el proyecto al señalar que incorpora aportes obtenidos durante el proceso de consulta. Palmer aseguró que los reclamos de la comunidad fueron considerados en el documento que recibió la primera aprobación de la comisión.

“Escuchamos que se necesitan más espacios públicos, estacionamiento y resistencia frente a las inundaciones”, expresó el jefe de planificación. El funcionario planteó que la norma pretende establecer una línea de diseño coherente para toda la zona costera, en lugar de habilitar un crecimiento sin criterios comunes.

El plan de renovación de Hollywood Beach se encuentra todavía en una fase inicial, pero la primera votación instaló un debate sobre cómo compatibilizar el desarrollo económico con la preservación del carácter urbano de la playa. La ciudad dispone de información adicional sobre la propuesta en sus canales oficiales, indicó CBS Miami.

La relación de Angelina Jolie con Camboya comenzó durante el rodaje de Lara Croft: Tomb Raider en 2001, pero adquirió una dimensión personal al año siguiente, cuando adoptó en el país a su hijo Maddox. Desde entonces, la actriz compró una propiedad de 38 hectáreas en la provincia de Battambang, cerca de Samlaut, y destinó fondos a iniciativas sociales y ambientales en el noroeste camboyano.

En 2003, creó una organización que primero se enfocó en retirar minas terrestres de zonas rurales afectadas por décadas de conflicto. Con el tiempo, la Fundación Maddox amplió ese programa hacia la protección del bosque de Samlaut, la atención sanitaria, la educación y el impulso de actividades económicas locales.

“Una vez que el terreno estuvo seguro, el trabajo adquirió una nueva dimensión”, explicó Jolie al repasar el crecimiento de la entidad, que hoy define como una organización dirigida íntegramente por población local. La institución lleva el nombre de su hijo y concentra sus tareas en un área protegida cercana a la frontera con Tailandia.

Angelina Jolie y la protección de 60.994 hectáreas de bosque

La organización comenzó sus actividades con la limpieza de explosivos remanentes en comunidades rurales camboyanas. El objetivo inicial era que las familias pudieran regresar a vivir y cultivar en terrenos que habían quedado inutilizados por las minas. Esa intervención abrió paso a una agenda más amplia, centrada en la conservación y en el acceso de las comunidades a servicios básicos.

En 2006, la fundación asumió tareas de protección en el Área de Uso Múltiple de Samlaut, una zona forestal de 60.994 hectáreas distribuida entre Battambang y Pailin. Según la propia Fundación Maddox, el trabajo se desarrolla junto con autoridades gubernamentales y habitantes de la región, con foco en patrullas, reforestación, educación ambiental y resguardo de la fauna.

Uno de los ejes del proyecto fue la formación de residentes como guardabosques. Los equipos patrullan el territorio para detectar tala ilegal, caza furtiva y trampas, mientras que las autoridades ambientales camboyanas asumieron la supervisión oficial de los agentes en 2016. La organización sostiene que la participación comunitaria busca vincular la preservación del bosque con la seguridad y los ingresos de quienes habitan sus alrededores.

La fundación también impulsó 11 proyectos forestales comunitarios en cuatro comunas de Samlaut. A esto sumó viveros para producir plantines, iniciativas de reforestación y un programa de apicultura sostenible dirigido a agricultores de la zona, con participación de mujeres. De acuerdo con la entidad, los apicultores produjeron 1.392 litros de miel en 2025, una actividad que ofrece una alternativa económica compatible con el cuidado del entorno.

El alcance del proyecto incluye cuestiones sociales. En 2018 se inauguró una sede permanente en Samlaut que funciona como base de trabajo y apoyo logístico para las patrullas. Ese mismo año se abrieron residencias para estudiantes de aldeas remotas que necesitan alojamiento para completar la escuela secundaria. La fundación afirma, además, que su personal está integrado en su totalidad por camboyanos y que más de 10.000 personas acceden cada año a servicios de salud vinculados a sus programas.

Como es el bosque de Samlaut que concentra especies amenazadas

El Área de Uso Múltiple de Samlaut forma parte de la cordillera de Cardamomo, uno de los principales conjuntos forestales del Sudeste Asiático. Se extiende unos 40 kilómetros a lo largo de la frontera entre Camboya y Tailandia y combina objetivos de conservación con actividades económicas de las comunidades que viven en el territorio.

Un relevamiento de biodiversidad encargado por la Fundación Maddox y realizado por la organización Fauna & Flora permitió dimensionar el valor ecológico de la zona. Según un estudio difundido por Mongabay, los investigadores identificaron más de 140 especies de aves, cerca de 30 mamíferos, 14 especies de murciélagos y 50 tipos de orquídeas.

El informe también registró especies vegetales que no habían sido documentadas antes en Camboya y otras que aún están bajo análisis científico. Entre los hallazgos figuraron dos begonias sin registros previos en el país y una variedad de Hoya que podría constituir una especie nueva. La diversidad de orquídeas, sin embargo, expuso un riesgo adicional: varias de las especies presentes en Samlaut son objeto de comercio en el Sudeste Asiático por su valor ornamental o por usos medicinales atribuidos.

Las cámaras trampa instaladas durante el relevamiento detectaron 44 especies: 28 mamíferos, 15 aves y un reptil. Cerca del 30% de los animales observados están incluidos en la Lista Roja de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza. Entre ellos aparecen el pangolín de Sunda, catalogado en peligro crítico; el elefante asiático, en peligro; y el dhole, el langur plateado indochino, el gaur y el oso negro asiático.

Munichan Kung, directora nacional de la fundación, señaló a la revista ambiental Mongabay que los estudios cambiaron la percepción sobre el área, considerada durante años demasiado pequeña o degradada para albergar una diversidad relevante. Los resultados permiten identificar sectores prioritarios para las patrullas y sostener ante autoridades y potenciales desarrolladores que el bosque conserva especies que requieren protección.

La información reunida también subraya la necesidad de mantener la conectividad entre los bosques de Camboya y Tailandia, especialmente para mamíferos que necesitan amplios territorios. En esa zona, el proyecto creado por Jolie mantiene la combinación de guardabosques locales, programas comunitarios y monitoreo científico como base de su intervención ambiental.

A los 103 años, Kirk Douglas dejó una de las trayectorias más extensas del cine de Hollywood, con más de 90 largometrajes, tres nominaciones al Oscar como actor y una influencia que también atravesó la carrera de su hijo, Michael Douglas, según reconstruyó Xataka. La historia familiar reúne el ascenso de un inmigrante de origen ruso-judío, la consolidación de una figura decisiva del cine clásico y la continuidad de ese legado en una nueva generación.

Kirk Douglas convirtió una infancia de pobreza en el impulso de su carrera

De acuerdo con Esquire, Kirk Douglas nació como Issur Danielovitch el 9 de diciembre de 1916 en Ámsterdam, estado de Nueva York, dentro de una familia de inmigrantes procedentes del entonces Imperio ruso. Su padre, Herschel Danielovitch, trabajaba como vendedor ambulante, y la familia atravesó serias dificultades económicas durante la niñez del futuro actor.

Douglas creció junto a sus seis hermanas en un hogar donde la falta de dinero condicionaba la vida cotidiana. Desde chico vendió diarios y realizó trabajos ocasionales para ayudar a sostener a la familia. En una entrevista que el escritor Terenci Moix le hizo para Televisión Española en 1989, recordó esa etapa con una frase que resumía su impulso personal: “Estaba abajo, no podía bajar más, tenía que subir”.

Después de pasar por la Universidad de St. Lawrence, obtuvo una beca para estudiar interpretación en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York. El teatro fue su primer escenario profesional y Broadway le dio la preparación que luego trasladaría a la pantalla.

Lauren Bacall facilitó el salto de Douglas al cine en 1946

El desembarco de Kirk Douglas en Hollywood tuvo un respaldo clave. Lauren Bacall, compañera suya en la academia dramática, recomendó su nombre al productor Hal B. Wallis. Aquella intervención le abrió una oportunidad en El extraño amor de Marta Ivers, estrenada en 1946.

La recepción de ese debut llamó la atención de la industria y el actor sumó papeles con rapidez. Su primera candidatura al Oscar llegó por El ídolo de barro en 1949. A lo largo de su carrera fue nominado tres veces a la estatuilla de la Academia, también por Cautivos del mal y El loco del pelo rojo, aunque no ganó en ninguna de esas ocasiones.

Durante los años 50 pasó de personajes oscuros y ambiciosos a figuras de aventura. Encarnó al arponero Ned Land en 20.000 leguas de viaje submarino y al protagonista de Ulises, ambas de 1954. Esa versatilidad sostuvo una filmografía que combinó dramas, relatos históricos, westerns y producciones de gran escala.

“Espartaco” fijó su imagen como actor y productor de grandes proyectos

El papel que quedó asociado de forma permanente a su nombre fue el de Espartaco, el esclavo que encabeza una rebelión contra Roma en la película de Stanley Kubrick estrenada en 1960. Douglas protagonizó y produjo el filme, una de las obras centrales de su carrera.

Su participación tuvo además una consecuencia relevante para la industria estadounidense. Como productor, impulsó que Dalton Trumbo figurara en los créditos por el guion, pese a que el escritor había sido incluido en la lista negra de Hollywood durante la persecución anticomunista. La decisión ayudó a cuestionar una práctica que había marginado a numerosos profesionales del cine.

En 1996, la Academia de Hollywood reconoció al intérprete con un Oscar honorífico por el conjunto de su obra. Ya contaba con una estrella en el Paseo de la Fama desde 1960 y mantenía una presencia pública activa incluso después de sufrir un accidente cerebrovascular en 1996.

La familia Douglas convirtió “Alguien voló sobre el nido del cuco” en un hito de los Oscar

La relación entre padre e hijo tuvo un capítulo decisivo alrededor de Alguien voló sobre el nido del cuco. Kirk Douglas había adquirido los derechos de la novela de Ken Kesey y llevó la historia a Broadway en 1963, donde interpretó al personaje de Randle McMurphy.

Con el paso de los años, el proyecto cinematográfico avanzó, pero Douglas ya no encajaba en la edad que requería el papel. Entonces cedió los derechos a Michael Douglas, quien produjo la adaptación dirigida por Miloš Forman y protagonizada por Jack Nicholson.

Estrenada en 1975, la película obtuvo los cinco premios principales de la Academia, entre ellos mejor película, dirección, guion adaptado, actor y actriz. Michael Douglas ganó el Oscar a la mejor película como productor en 1976, antes de recibir, años después, la estatuilla a mejor actor por Wall Street.

En aquella conversación con Moix, Kirk Douglas explicó que admiraba el recorrido de sus cuatro hijos por una razón particular. A diferencia de él, habían crecido sin la presión de la pobreza. “Admiro más a mis cuatro hijos, por lo que han hecho, que a mis propios logros”, señaló el actor, según recogió Esquire.

La muerte de Kirk Douglas cerró una vida de más de un siglo

Douglas murió el 5 de febrero de 2020, a los 103 años, tras una carrera que abarcó más de siete décadas. Su longevidad le permitió atravesar casi toda la evolución del cine sonoro estadounidense, desde los estudios clásicos hasta la consolidación de las grandes franquicias contemporáneas.

La figura de Michael Douglas, premiado por filmes como Wall Street y conocido también por Tras el corazón verde, mantuvo el apellido en el primer plano de Hollywood. A la vez, la obra de Kirk Douglas conserva títulos que definieron una época y la huella de un actor que unió interpretación, producción y una relación directa con algunos de los cambios más relevantes de la industria.

Para convertirse en el joven protagonista de I Play Rocky, el intérprete atravesó dos años de preparación física, modificó su alimentación y llegó a aumentar alrededor de 18 kilos antes de incorporar boxeo y cardio para ajustar su composición corporal.

El proceso fue detallado por Ippolito en una entrevista exclusiva con GQ Magazine. La película, dirigida por Peter Farrelly, aborda las dificultades que Stallone enfrentó para concretar Rocky, estrenada en 1976.

Ippolito también interpretó a un joven Al Pacino en la serie The Offer, otro papel relacionado con una figura del cine estadounidense antes de alcanzar la fama.

Una preparación que comenzó mucho antes del rodaje

La transformación física demandó una planificación prolongada. Durante la primera etapa, Ippolito se ocupó personalmente de incrementar su masa muscular y ajustar su alimentación para alcanzar los requerimientos nutricionales que necesitaba.

“Básicamente solo estaba tratando de comer lo suficiente, alcanzar los macronutrientes necesarios y ganar masa muscular”, explicó el actor a GQ.

El objetivo era aproximarse a la silueta que Stallone tenía en la primera película de Rocky, que presentaba características físicas diferentes de las que el actor mostró en producciones posteriores.

El actor de 27 años describió aquella etapa como un cambio integral en sus hábitos cotidianos. Según relató, llegó a ganar cerca de 18 kilos, una modificación que no estuvo vinculada exclusivamente al desarrollo muscular.

Durante los últimos cinco meses del proceso se incorporaron los entrenadores Grant Roberts y Kirk Myers, quienes acompañaron la preparación física del actor. Para entonces, el trabajo comenzó a orientarse también hacia las exigencias específicas de una interpretación que incluía el boxeo como uno de sus componentes centrales.

Del aumento de masa al entrenamiento de boxeo

La rutina también cambió a medida que se acercaba el rodaje. Ippolito contó que durante la principal etapa de aumento de masa entrenaba cinco días por semana. Más adelante, comenzó a realizar dos sesiones diarias, a las que sumó prácticas de boxeo y ejercicios cardiovasculares.

La intención no era eliminar todo el peso ganado. El actor necesitaba conservar una estructura corporal más robusta para acercarse a la imagen de Stallone en Rocky. “No intentaba perderla toda porque necesitaba un físico más completo”, señaló en la entrevista.

El boxeo terminó siendo una parte importante de esa segunda fase. Según el actor, la incorporación de esta disciplina junto con el cardio le permitió reducir parte de la grasa acumulada y definir progresivamente su físico.

El entrenamiento representó un desafío diferente de las actividades deportivas que había realizado anteriormente. Ippolito jugó al béisbol en Baruch College y contó que tenía experiencia con la preparación vinculada a ese deporte, aunque señaló que allí no necesitaba desarrollar una apariencia corporal específica como la que exigía su papel en I Play Rocky.

Una interpretación que buscó ir más allá de la apariencia

La transformación física fue solamente una parte del trabajo. Para construir al joven Stallone, también estudió aspectos de su historia personal y buscó evitar una representación basada exclusivamente en sus rasgos más reconocibles.

El actor explicó a GQ que Stallone posee una de las voces y físicos más identificables de la historia del cine, pero consideró necesario comprender el origen de algunas de esas características.

Durante su encuentro con el intérprete, pudo escuchar de primera mano cómo la parálisis facial había influido en su infancia, su adolescencia y su sensación de aislamiento.

“Su inteligencia me impresionó muchísimo”, afirmó sobre aquel encuentro. Según relató, ya consideraba a Stallone un hombre muy inteligente a partir de la investigación previa para el papel, aunque conversar directamente con él reforzó esa percepción.

La intención fue construir una versión del personaje alejada de la caricatura. Explicó que procuró comprender a Stallone desde una perspectiva actoral y realista, teniendo en cuenta las experiencias que contribuyeron a formar su personalidad.

El regreso a su físico habitual

Una vez terminado el proceso, Ippolito comenzó a reducir el peso que había incorporado para la película. El propio actor explicó que “perdí algo de peso porque realmente no podía, ni quería seguir comiendo así”, contó a GQ.

Para él, abandonar progresivamente aquella transformación también implicó desprenderse de una rutina que había ocupado una parte importante de su vida durante un período prolongado.

Quentin Tarantino se ha alejado de la dirección en los últimos años, pero sigue consolidando su carrera como escritor. La próxima secuela de su película Érase una vez en Hollywood vendrá acompañada de la novela de Tarantino basada en la nueva película.

La segunda novela del cineasta ganador de un Oscar, Las aventuras de Cliff Booth, saldrá a la venta el 8 de diciembre. Se trata de la visión de Tarantino sobre Las nuevas desventuras de Cliff Booth, en la que Brad Pitt vuelve a interpretar el papel protagonista como un antiguo doble de acción de Hollywood. David Fincher se encarga de la dirección, a partir de un guion de Tarantino, quien también publicó una versión novelada de Érase una vez… en Hollywood.

Según Harper, un sello editorial de HarperCollins, el nuevo libro “ofrece la visión creativa propia de Tarantino sobre esta historia en forma de novela”.

“Estoy deseando que el público vea y lea las nuevas aventuras de Cliff Booth”, declaró Tarantino en un comunicado difundido el martes por Harper.

Tarantino es conocido sobre todo por películas como Pulp Fiction, Malditos bastardos y Perros de la calle. No ha dirigido ningún largometraje desde Érase una vez… en Hollywood, estrenada en 2019, pero ha escrito las dos adaptaciones noveladas y una obra de crítica cinematográfica y autobiografía, Cinema Speculation.

Fuente: AP.

Fotos: Harper vía AP y Joel C Ryan/ Invision/ AP, File.

El director, asociado durante años a películas de gran escala como 300, Man of Steel y Justice League, asumió una producción independiente sin estudio ni plataforma de streaming detrás.

Durante una semana de filmación en el Amazonas, el cineasta enfrentó el calor, una fiebre que más tarde atribuyó al COVID y jornadas en las que también ejerció como camarógrafo. “Llevaba una cámara al hombro y sabía que no podía parar de filmar las tomas que necesitaba ese día”, relató el director de 60 años a The Hollywood Reporter.

Snyder rodó en Colombia sin pantallas verdes ni centro de control

The Last Photograph se filmó en gran parte en el sur de Colombia, cerca de Leticia y del río Amazonas. La producción prescindió de varios recursos habituales en las obras previas del realizador: no utilizó pantalla verde, tomas en cámara lenta ni un centro de monitoreo de video en el set.

Snyder también descartó las estructuras logísticas frecuentes en los grandes rodajes. “Sin caravanas, sin sillas, sin nada. Solo estábamos la cámara y yo, y literalmente un puñado de personas”, recordó.

La jornada de rodaje se extendió durante 32 días, cerca de la mitad del tiempo que el director suele emplear en sus películas. Según Snyder, el equipo llegó a realizar 40 configuraciones de cámara diarias de promedio.

En la primera fecha de producción, aseguró que completó 72 montajes de cámara. “En Justice League, hubo momentos en los que solo hacía cuatro montajes al día”, comparó.

La mayor parte del metraje se registró con cámara en mano, con algunas tomas mediante rieles. La película conserva una escena de acción con una incursión de comandos y la explosión de un helicóptero, aunque su planteamiento visual se distancia de los efectos digitales que caracterizaron títulos anteriores de su filmografía.

Una historia desarrollada durante dos décadas

El proyecto surgió hace unos 20 años y pasó por distintas etapas dentro de Warner Bros. En sus primeras versiones, la película se planteó como un thriller de espionaje o de guerra y tuvo a Sean Penn y Christian Bale vinculados a sus papeles principales.

La historia finalmente quedó centrada en dos hombres. Sigue a un fotógrafo de guerra con adicción a la heroína, único testigo de una masacre en la que mueren un diplomático y su esposa. El hermano del diplomático se une a él para buscar a los hijos secuestrados de la pareja, en un recorrido que se interna en un territorio sudamericano sin nombre.

Snyder recuperó los derechos del proyecto cuando Warner Bros. dejó de desarrollarlo. La producción quedó en manos de su esposa y socia Deborah Snyder, Wesley Coller y el productor italiano Gianni Nunnari. Los roles principales recayeron en el escocés Stuart Martin y el irlandés Fra Fee, ambos integrantes del reparto de Rebel Moon.

El director explicó que los cambios personales ocurridos desde 2017, año en que murió su hija Autumn, modificaron su aproximación al guion. “La estructura es muy similar y los acontecimientos son parecidos, pero en lo que se convirtió fue en una meditación sobre la muerte y la redención”, señaló al medio estadounidense.

Una producción pequeña tras las películas de DC y Netflix

Para Snyder, la falta de respaldo corporativo marcó una diferencia central durante el proceso. El presupuesto de The Last Photograph resultó menor que el de algunos comerciales realizados por el cineasta en los primeros años de su trayectoria.

“La película no tiene una agenda oculta”, sostuvo Snyder, y agregó que “cuando haces una película de un gran estudio, hay muchas cosas que considerar sobre el producto que estás creando”. El director destacó que, en esta ocasión, el objetivo no era impulsar una secuela ni comercializar productos derivados: “Simplemente les brindas una experiencia”.

Deborah Snyder vinculó esa dinámica con la vuelta de su esposo a la dirección de fotografía, una tarea que ya había asumido en comerciales y que retomó en Army of the Dead. “Tienes un equipo más pequeño, pero las imágenes siguen siendo impresionantes”, subrayó.

También indicó que las grandes producciones limitan la rapidez de trabajo: “Cuando se hicieron tan grandes, uno piensa que tiene más libertad creativa, pero en realidad tiene menos, porque no puedes moverte con agilidad”.

Snyder habló sobre Marvel, DC y el Superman de James Gunn

Durante la entrevista Snyder también se refirió a la forma en que Marvel adapta sus superhéroes y a su enfoque de los personajes de DC. Sobre la fórmula del estudio rival, declaró: “Marvel es como una atracción de un parque de diversiones, ¿no? Las subidas, las bajadas, la parte tranquila y luego otra bajada”.

El director explicó que su enfoque sobre los personajes de DC estaba centrado en su dimensión mitológica, en lugar de la estructura más vinculada al entretenimiento y el espectáculo. Consideró que esa decisión pudo haber sido un error, aunque sostuvo que no concibe de otra manera su aproximación a los superhéroes.

Consultado sobre Superman, dirigida por James Gunn, Snyder respondió: “Todavía no he tenido tiempo”. También señaló que apoya a Gunn y que desea el éxito de la división de DC.

A principios de la década de 1930, casi al mismo tiempo del surgimiento de las películas sonoras, comenzó a circular en Hollywood la leyenda sobre la sombra de una mujer que por las noches rondaba el famoso cartel que brilla sobre la meca del cine desde las alturas del Monte Lee. La historia del fantasma, un típico mito urbano, se había originado sin embargo en un hecho tan trágico como real: el suicidio de una joven actriz que no pudo soportar el fracaso. La actriz se llamaba Millicent “Peg” Entwistle y soñaba con tener una carrera tan brillante como las luces del letrero desde cuya letra “H” se lanzó al vacío el 16 de septiembre de 1932.

Cuando “Peg”, como la llamaban en el ambiente, llegó a Los Ángeles en 1930 tenía 22 años y venía de triunfar en las tablas de Broadway con una obra de Ibsen. Acababa de firmar un contrato para participar de la primera película “hablada” de uno de sus estudios más prestigiosos. Por eso se sintió bienvenida por las brillantes luces que irradiaba el cartel que por entonces decía “Hollywoodland”. Las vio como un anticipo de su futuro brillo como estrella de cine, llena de fama y glamour. Para entonces Hollywood comenzaba a convertirse en lo que nunca dejaría de ser: la escalera al cielo para un número limitado de estrellas y la trituradora de sueños de muchísimos actores y actrices que pretendían llegar a serlo y no lo lograban.

Dos años después, los sueños de la joven actriz se habían convertido en una pesadilla tan grande que ya no tenía deseos de seguir viviendo para enfrentar su fracaso. Con ese estado de ánimo, la noche del 16 de septiembre caminó por el Parque Griffith y subió a la colina donde brillaba ese cartel que de tan buen augurio le había parecido la primera vez que lo vio. Al llegar al pie de las letras, dobló su abrigo y lo dejó en el suelo junto a su cartera. Como no hubo testigos de ese momento preciso, es imposible saber si se quedó contemplando durante unos momentos las luces del frente o si se encaminó directamente a la parte posterior para ascender por la escalera que subía hasta la parte superior de la letra “H”, el lugar más alto al que llegaría en el cielo estrellado de Hollywood. Desde esa altura quizás haya mirado unos instantes las otras luces, las de Los Ángeles, antes de saltar hacia la muerte.

Pasaron horas hasta que, con las primeras luces de la mañana, un caminante tempranero encontró la cartera y el abrigo y los llevó a la comisaría más cercana. Cuando una patrulla fue al lugar, encontró el cuerpo de Entwistle unos metros más abajo. Como entre las pertenencias no había ningún documento que identificara a la muerta, la policía decidió publicar una nota que encontraron en la cartera. “Tengo miedo, soy una cobarde. Lo siento por todo. Si hubiera hecho esto hace tiempo me habría evitado mucho dolor”, decía y estaba firmada con dos iniciales: “P.E.”. Era, sin ninguna duda, la carta de despedida de una suicida.

Una chica con un sueño

Como nunca llegó a ser la estrella con que soñaba convertirse en Hollywood, no es mucho lo que se sabe de la vida de Millicent Entwistle, nacida en Gales, Gran Bretaña, el 5 de febrero de 1908. Una versión dice que su madre era actriz y que murió cuando Peg era muy chica; otra asegura que en realidad abandonó a su esposo y a su hija. En cambio, es seguro que el padre, Robert, era director de teatro y que, ya sin su mujer, viajó a Nueva York con la niña en busca de nuevos horizontes para su carrera. Allí se volvió a casar y tuvo otros dos hijos, aunque pronto quedó de nuevo viudo. Su segunda mujer murió en 1921, cuando Peg tenía 13 años, y meses después Robert también perdió la vida en un accidente, cuando lo atropelló un auto en Park Avenue. Esa sucesión de desgracias hizo que Millicent y sus dos hermanos quedaran a cargo de un hermano de Robert, el tío Harold, que también vivía en Nueva York.

Gracias a los contactos que su padre había tejido en el mundo del teatro, Peg logró debutar como actriz en Broadway cuando tenía 17 años. La obra era El pato silvestre, de Henrik Ibsen, y —según el único biógrafo de Peg, James Zeruk Jr.— la actuación de la debutante despertó la admiración de una estrella ya consagrada, Bette Davis, que la recomendó para que ingresara al elenco del New York Theatre Guild. Las críticas favorecieron a Peg, a quien se señalaba ya como una actriz con gran futuro en el teatro.

Por entonces el mundo del espectáculo empezaba a cambiar con la llegada del cine sonoro. Según el biógrafo Zeruk, Millicent Entwistle no buscó al cine sino que el cine la buscó a ella cuando, después de verla en una obra de Broadway donde también actuaba un casi imberbe Humphrey Bogart, un directivo de los estudios RKO le ofreció un papel en la primera película sonora que iba producir la compañía, Trece mujeres, cuyo elenco encabezaban Mirna Loy e Irene Dunne, dos de las estrellas más famosas de la época.

En esos primeros tiempos, la incipiente industria del cine estaba dominada por unos pocos estudios, los “Big Five”: 20th Century Fox, Paramount Pictures, Warner Bros, Metro-Goldwyn-Mayer y, precisamente, RKO Pictures, la compañía que le ofreció el contrato. Peg no dudó y al llegar a Los Ángeles el monumental letrero de Hollywood la recibió con sus cuatro mil luces brillando como estrellas en el cielo.

Historia de un cartel famoso

Inaugurado el 13 de julio de 1923 sobre el Monte Lee, en Los Ángeles, California, el cartel de Hollywood es sin duda el más famoso del mundo. No sólo por los tres millones de turistas que lo visitan todos los años como uno de los atractivos de la meca del cine sino porque su imagen luminosa se ha repetido durante décadas en cientos de películas, fotografías, cortos publicitarios y propuestas de turismo.

Aunque quien lo mandó a construir —con un costo de 21.000 dólares, sideral para la época— ni siquiera pensaba en las películas sino en promocionar la venta de sus tierras para la construcción de un barrio residencial, con la llegada de los estudios de cine se convirtió muy pronto en un símbolo luminoso, cargado con el brillo de las grandes producciones y de sus estrellas.

El primer cartel no decía “Hollywood” sino “Hollywoodland”, el nombre que el promotor inmobiliario H.J. Withley ideó para los terrenos que quería vender. Las letras solo debían permanecer allí durante un año y medio, pero el auge del cine estadounidense hizo que se convirtieran en sinónimo de la industria y quedaran allí para siempre.

Cada una de sus letras medía 13.7 metros de altura y la palabra que formaban se extendía por más de cien metros. Brillaba con luz de cuatro mil lamparitas, para cuyo mantenimiento cada letra tenía una escalera en la parte de atrás. Una de ellas sería la que Millicent Enwitsle utilizaría para subir hasta un cielo que ya no la contaría entre sus estrellas.

El éxito y el fracaso

La película debut de Millicent prometía ser un éxito rotundo. Trece Mujeres era un thriller psicológico basado en la novela homónima de Tiffany Thayer, que había sido un éxito de ventas en 1930. Eso fue lo que impulsó al productor David Selznik a convocar a los guionistas Bartlett Cormack y Samuel Ornitz para adaptarla al cine y al franco estadounidense George Archainbaud para dirigirla. La filmación comenzó en 1931, casi al mismo tiempo que en los de la Paramount se estaba generando un futuro éxito, con Marlene Dietrich y Anna May Wong en los papeles protagónicos: El expreso de Shangai, la película que rompería la taquilla de 1932, con casi cuatro millones de entradas vendidas.

Trece Mujeres fue el principio y el fin de los sueños de Peg Entwistle. Si bien en el guion su papel, encarnando a Hazel, era relevante, en el transcurso del rodaje le fueron cortando escenas, hasta dejarlo reducido al mínimo, mientras su relación con el director George Archainbaud iba de mal en peor. Tanto que, después de filmar la última de las pocas escenas que le quedaron, el estudio le rescindió el contrato y la despidió.

Eran tiempos en que los contratos de los actores y las actrices no eran para una sola película sino con el estudio, lo que les daba no solo un ingreso más o menos estable sino también la posibilidad de ser convocados para otras películas. Con la rescisión, Peg perdió esa posibilidad… y también las ganas de vivir. Ni siquiera alcanzó a verse en la pantalla de un cine: faltaba un mes para el estreno de Trece mujeres cuando, la noche del 16 de septiembre de 1932, Millicent Entwistle caminó por el Parque Griffith y subió a la colina donde brillaba el cartel de “Hollywoodland”.

La policía demoró en identificar el cadáver caído al pie de la letra “H”. Recién al día siguiente, cuando el tío Harold leyó la noticia de una suicida desconocida que había dejado una carta de despedida firmada con las iniciales P y E, sospechó que podía tratarse de su sobrina, a la que venía notando deprimida desde hacía tiempo. Sus temores se confirmaron cuando fue a la morgue y reconoció el cuerpo de Peg.

Perfume de mujer

Poco después del suicidio de Millicent Peg Entwistle comenzó a circular la leyenda del fantasma de la mujer que rondaba el cartel por las noches. Una leyenda que se acrecentó a principios de la década de los ’40, cuando la letra “H” —la misma desde cuya altura Peg había saltado— cayó derrumbada al ser chocada por el Ford A que conducía totalmente borracho el cuidador del cartel, Albert Kothe.

En 1949, la Cámara de Comercio de Hollywood firmó un contrato con el Departamento de Parques y Jardines de Los Ángeles para devolver la “H” y reconstruir el cartel. El contrato estipulaba que el sufijo “land” fuese retirado para que quedara “Hollywood”, la meca del cine. En las décadas siguientes, el letrero de Hollywood se deterioró, perdió la letra “O”, fue vandalizado y reconstruido hasta quedar su versión final, con una nueva estructura, que fue inaugurada en noviembre de 1978.

Lo único que el tiempo no cambió fue la leyenda del fantasma de Peg. Cada tanto, alguien asegura haber visto a una mujer joven vestida con ropa de los años ’30 que ronda el cartel y desaparece si se le acercan. Si la leyenda tiene algo de verdad es algo imposible de comprobar, pero hay un dato cierto y documentado: los guardias que vigilan el letrero con cámaras de circuito cerrado de televisión y detectores de movimiento para evitar que lo vandalicen cada tanto deben ir al lugar porque suenan las alarmas que avisan sobre la presencia de un intruso. En las cámaras del circuito cerrado no aparece nada y los guardias nunca encuentran a nadie, pero cuentan que cada vez que van los recibe un penetrante perfume a gardenias, el mismo que usaba la malograda Peg.

Así, con su muerte, Millicent Entwistle logró la fama que le habían negado las cámaras y se convirtió en protagonista de una leyenda, la del primero de los muchos fantasmas que rondaron —y aún rondan— la meca del cine. Por eso, y solo por eso, ocupa un lugar en la historia de Hollywood.

La posible salida de Paramount Skydance de Los Ángeles amenaza con destruir decenas de miles de empleos en California y acelera el deterioro de una industria audiovisual que ya acumula años de pérdidas. Si David Ellison cumple su advertencia y traslada la sede y las operaciones del estudio a otro estado antes de que cierre el año, el golpe económico para la región podría superar los USD 21.200 millones anuales en producción perdida, según un borrador de informe de la Corporación de Desarrollo Económico de Los Ángeles (LAEDC, por sus siglas en inglés).

La crisis tiene origen en la demanda antimonopolio que el fiscal general de California, Rob Bonta, presentó junto a otros 11 fiscales estatales para impedir la fusión de Paramount con Warner Bros. Discovery, valuada en USD 111.000 millones. La operación reuniría bajo un mismo techo cadenas como HBO, CNN, CBS, Comedy Central, MTV y TBS, lo que permitiría a Ellison competir de igual a igual con los gigantes tecnológicos que dominan el consumo audiovisual global.

Una jueza federal de Oakland bloqueó temporalmente el acuerdo y fijó el juicio para marzo de 2027. Desde entonces, Paramount acordó no cerrar la adquisición hasta que haya un fallo o hasta el 1 de junio, lo que ocurra primero. Las negociaciones de acuerdo extrajudicial colapsaron a fines de agosto: Bonta acusó a Paramount de filtrar y distorsionar el contenido de las conversaciones y suspendió los contactos.

Paramount negó las acusaciones, pero el fiscal no retomó el diálogo.

Los costos del bloqueo judicial se acumulan a partir del 1 de octubre de 2026

El tiempo juega en contra de Ellison. A partir del 1 de octubre, Paramount deberá abonar USD 7 millones diarios a los accionistas de Warner Bros. Discovery mientras el acuerdo permanezca sin cerrar, un mecanismo conocido como ticking fee. Sin una solución antes del inicio del juicio, la empresa acumularía unos USD 1.300 millones en ese concepto, que se sumarían a una transacción ya altamente apalancada.

Para morigerar ese impacto, Paramount pidió a la jueza que obligue a California y al resto de los estados demandantes —entre ellos Nevada, Oregón y Nueva York—, así como al Sindicato de Guionistas de América (WGA), a depositar una caución de USD 1.880 millones que compense a la empresa por esas pérdidas. Una audiencia sobre ese pedido está prevista para el 24 de septiembre.

Un juez magistrado también ordenó a ambas partes identificar fechas en octubre para reanudar conversaciones de acuerdo bajo supervisión judicial.

La mudanza a Tennessee, Texas o Georgia, una presión sobre Los Ángeles cada vez más real

Frente a ese escenario, el directorio de Paramount aprobó un plan de contingencia para trasladar la sede del estudio fuera de Hollywood a partir del otoño, según fuentes familiarizadas con la situación citadas por el Los Angeles Times. Ellison ha señalado a su entorno que no quiere dejar Los Ángeles, pero que está dispuesto a hacerlo si la fusión no se concreta. La empresa no hizo comentarios al respecto.

Tennessee, Texas y Georgia figuran en la lista de destinos posibles. La atracción principal es fiscal: una reubicación daría a la empresa acceso a incentivos estatales que California no ofrece en esa escala. El Departamento de Desarrollo Económico y Comunitario de Tennessee declinó comentar sus negociaciones con Paramount, aunque en un comunicado una vocera señaló que el estado “sigue comprometido a trabajar con compañías de una amplia gama de industrias que exploran oportunidades para invertir y crecer en Tennessee”, según recogió el Los Angeles Times.

El economista Kevin Klowden, director gerente de Melcene Advisory, advirtió que la amenaza es real. “Es un juego del que nadie quiere dar el primer paso”, dijo en declaraciones al mismo medio. “Pero no descarto la amenaza porque es muy real.”

Entre 28.990 y 57.980 empleos de tiempo completo en California podrían desaparecer de forma permanente

El borrador de informe encargado por Paramount a la Corporación de Desarrollo Económico de Los Ángeles, publicado por Politico, calcula el impacto en dos etapas. En el corto plazo —entre octubre de 2026 y septiembre de 2031—, una reubicación parcial de la sede implicaría la pérdida de entre 2.750 y 5.550 años-empleo en todo California y una contracción económica de entre USD 1.010 millones y USD 2.030 millones.

Una vez completada la relocalización total, el estado podría perder de forma permanente entre 28.990 y 57.980 empleos de tiempo completo en todos los sectores, con pérdidas anuales de entre USD 10.600 millones y USD 21.200 millones en producción económica, según el mismo documento.

Esas proyecciones no contemplan una fusión: reflejan únicamente el efecto de la mudanza. El economista Klowden advirtió que el impacto excede a Los Ángeles. “Si Ellison saca toda la gestión y toda la producción, se habla de potencialmente decenas de miles de empleos”, dijo al Los Angeles Times. “Eso, sin rodeos, no solo es devastador para Los Ángeles. Se convierte en devastador para todos”.

El empleo audiovisual y los pequeños negocios de Los Ángeles ya sienten la presión

La amenaza afecta a un sector con años de crisis: menor producción local, huelgas en 2023, la pandemia e incendios en 2025 redujeron el trabajo para miles de técnicos y actores. “Tanta gente nunca vuelve a trabajar”, dijo Keyla Wood, actriz mexicana en Los Ángeles, en un acto del grupo pro-fusión Neighbors for Strong Communities. “Imaginen que un estudio con 100 años de historia aquí simplemente se va. ¿Qué seremos?”, agregó Daniela Kelly, actriz y bailarina brasileña, según Los Angeles Times.

Un informe del Departamento de Oportunidad Económica del condado de Los Ángeles estimó que la fusión, sin mudanza, podría eliminar casi 4.500 puestos en tres años y comprometer otros 5.865 en empresas proveedoras, con pérdidas de USD 4.000 millones en producción y USD 550 millones en recaudación fiscal, según la directora Kelly LoBianco. Klowden advirtió que una reubicación provocaría una “hemorragia de talento” y citó el traslado de Nissan de Gardena a Nashville en 2006, cuando menos de la mitad de los empleados californianos siguió a la empresa.

Un acuerdo extrajudicial podría implicar que Warner venda activos como New Line Cinema (con los derechos de El señor de los anillos y El conjuro) o canales como CNN, Food Network o Cartoon Network, para reducir la concentración de mercado que alega el fiscal Bonta. Paramount podría comprometerse a mantener operaciones en Los Ángeles. El legislador estatal Rick Chavez Zbur, cuyo distrito incluye el lote de Melrose Avenue y barrios cercanos a Warner en Burbank, dijo a Los Angeles Times que confía en una solución. “Todas las partes deben entender lo que esto significa para los trabajadores y los pequeños negocios”, concluyó.

El actor de 41 años también habló sobre su matrimonio con Alison Brie, su ausencia deliberada de las redes sociales y sus próximos estrenos cinematográficos.

La conversación surgió a partir de una anécdota compartida por O’Shea Jackson Jr., coprotagonista de Franco en la película Idiots, cuyo padre es el rapero y actor Ice Cube. Jackson Jr. interpretó a su propio padre en la película Straight Outta Compton.

Según relató Franco, ambos actores nunca habían hablado sobre la experiencia de crecer y trabajar en la industria con un familiar reconocido, hasta que Jackson Jr. lo sacó a la luz durante un podcast que grabaron juntos semanas atrás: “Creo que ambos tuvimos esa sensación interna donde pensamos: ‘No lo voy a mencionar’, y está bien”.

La construcción de una carrera propia

El actor californiano admitió sentirse agradecido por los consejos que recibió de su hermano al ingresar a la industria del entretenimiento.

Sin embargo, reconoció que durante años cargó con el peso de trabajar bajo un apellido ya asociado a otro actor de trayectoria consolidada. “Creo que en los últimos años he recorrido mi propio camino el tiempo suficiente como para que la gente empiece a reconocerme por mí mismo”, explicó.

Sobre la magnitud del desafío que representó ese proceso, Franco fue contundente al referirse al talento y la trayectoria de su hermano: “No es alguien cuya sombra puedas simplemente ignorar al intentar abrirte camino en la industria”.

Con el paso de los años, Franco considera que ese esfuerzo comenzó a traducirse en una valoración independiente de su trabajo. “La gente empezó a darme el reconocimiento que merezco”, afirmó.

Cuando Padman lo felicitó por haber logrado despegarse de esa comparación, el actor respondió con una frase breve mediante la que sintetizó años de esfuerzo: “Trabajé muy duro”.

Vida sin redes sociales y rutina de pareja con Alison Brie

Franco reiteró su decisión de mantenerse alejado de las redes sociales. El actor fue explícito sobre los motivos: “Entiendo la ventaja y por qué es tan adictivo, pero para mí, simplemente me asusta. No quiero exponerme ante un montón de extraños que inevitablemente me van a destruir todos los días”.

Esa ausencia digital también le cerró puertas comerciales. Afirmó que nadie quería trabajar con él en campañas publicitarias pagas, pese a que lo había intentado, un terreno en el que su esposa, Alison Brie, sí participa activamente.

Sobre su matrimonio de 14 años, detalló una costumbre que mantienen desde el inicio del vínculo: cuando están separados por trabajo, se envían mensajes de texto extensos cada noche a modo de cartas de amor. “Juro por Dios que es en parte la razón por la que seguimos juntos”, aseguró.

Sobre la evolución de la relación con el paso de los años, agregó que “está mejorando cada vez más. Y ahí es cuando sabés que encontraste a la persona correcta”.

Nuevos proyectos: de la comedia violenta a una película animada sobre la cultura filipina

Franco se explayó sobre Idiots, su próxima película dirigida por Macon Blair, que se estrenó el 28 de agosto. Definió al film como “una versión de comedia total y desenfrenada de The Last Detail”, en referencia al clásico protagonizado por Jack Nicholson.

Sobre el estilo narrativo del director, explicó que “te va a dar una carcajada y de inmediato te va a mostrar el momento más oscuro y violento de la película”. También destacó que “en el momento en que te sentís cómodo, te va a sacar la alfombra de abajo”.

El elenco incluye a Peter Dinklage, Nicholas Braun y Kiernan Shipka. Sobre Dinklage, Franco expresó admiración por su capacidad de generar comodidad inmediata en el set: “Es una de esas personas que, de inmediato, hace bromas y de inmediato te pone a gusto”.

Franco también adelantó detalles de Forgotten Island, producción animada de DreamWorks que llegará a las salas el 25 de septiembre, y que definió como el primer largometraje de un gran estudio centrado en la cultura filipina.

Respecto a Hoppers, la producción de Pixar en la que interpreta al villano, reconoció haber tenido dudas durante el rodaje: “Muchachos, ¿esto es demasiado? ¿Vamos a asustar a los chicos?”.

El resultado excedió sus expectativas: “No puedo contarles la cantidad de mensajes que recibí de amigos con hijos, básicamente diciendo alguna versión de ‘gracias por darles pesadillas a mis hijos de por vida’”.

Una amiga, según relató, fue más allá: “Es una locura decir que sos lo más aterrador que le pasó a mi hija en su vida hasta ahora”. Aseguró que tomó esos comentarios con humor y que los consideraba una excelente reseña.

Consultado sobre el efecto del alcohol en su carrera, el actor de 68 años explicó que dejó de beber hace casi tres décadas y que esa decisión fue decisiva para sostener su trayectoria. “El alcohol no ayudaba. Uno cree durante un tiempo que lo hace, pero se interpone y termina por alcanzarte”, afirmó.

El intérprete, que reconoció haber construido en sus primeros años una imagen de actor rebelde, señaló que entonces existía una tendencia a idealizar los excesos de figuras de la actuación, la literatura y la música. Mencionó como referentes de esa época a Peter O’Toole, Richard Harris y Richard Burton.

“Estoy muy agradecido de haber tenido la lucidez para decir basta”, sostuvo. Añadió que, sin aquella decisión, no estaría en condiciones de desarrollar la etapa actual de su carrera, marcada por su protagónico como Jackson Lamb en Slow Horses.

Oldman descartó una competencia con Daniel Day-Lewis

La entrevista también abordó los inicios de Oldman en el cine británico. El actor recordó que, a comienzos de la década de 1980, coincidía en audiciones con Daniel Day-Lewis, Colin Firth y Tim Roth, integrantes de una generación a la que entonces llamaban el “Brit Pack”.

Ante la pregunta sobre si existía competencia entre ellos, Oldman rechazó esa idea. “No es una competencia. Tienes que concentrarte en lo que haces y no en lo que otro está haciendo o logrando”, comentó.

El protagonista de Drácula de Bram Stoker definió a Day-Lewis como “un actor extraordinario” y aseguró que no percibe su carrera como una disputa con él. “Admiro lo que hace, pero no siento que esté compitiendo con él”, señaló.

También destacó el trabajo de Joel Edgerton en Train Dreams. Oldman calificó la interpretación de su colega como “impresionante” y planteó que la admiración hacia el trabajo ajeno forma parte del oficio. “Me gusta ver algo y pensar: ‘No sé cómo lo hizo’”, expresó.

El recuerdo de Alan Rickman durante los rodajes de Harry Potter

Oldman interpretó a Sirius Black en la saga de Harry Potter, donde compartió escenas con Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint. Al evocar esa etapa, eligió como una de sus secuencias favoritas el diálogo con Radcliffe sobre las personas amadas que permanecen presentes en la memoria.

También relató una anécdota sobre Scabbers, la rata que aparecía en las películas. Según contó, el animal debía retirarse del set cada 15 minutos porque se estresaba, lo que obligaba al equipo a interrumpir las tomas.

La memoria más afectuosa de ese rodaje estuvo dedicada a Alan Rickman, quien encarnó a Severus Snape. Relató que el actor llevaba con frecuencia a niños de escuelas, hospitales o familias amigas para que recorrieran los estudios y conocieran al elenco.

“Alan entendía cuánto significaba ese universo para los chicos y quería compartirlo con ellos”, afirmó. Para Oldman, Rickman asumía un rol de acompañamiento dentro del equipo y mantenía un compromiso particular con quienes visitaban el set.

Oldman habló de Heath Ledger y su trabajo como el Joker

El actor también recordó su participación como el comisionado James Gordon en la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan. Al hablar de Heath Ledger, quien interpretó al Joker en The Dark Knight, afirmó que presenciar su trabajo en el rodaje fue una experiencia singular.

“Era extraordinario. Era un privilegio verlo en el set. Estaba completamente metido en el personaje”, destacó sobre Ledger, quien murió en enero de 2008, antes del estreno de la película.

Recordó que Horowitz fue quien le comunicó la noticia de su muerte y vinculó ese impacto con el que le produjo, años más tarde, el fallecimiento de Philip Seymour Hoffman.

“Los dos eran talentos excepcionales y los perdimos con muy poca diferencia de tiempo”, expresó sobre Ledger y Hoffman.

La aclaración sobre Jack Lowden y el próximo James Bond

En el tramo final de la entrevista, Oldman se refirió a las versiones sobre la elección del próximo intérprete de James Bond. El nombre de Jack Lowden, su compañero en Slow Horses, figura entre los candidatos mencionados en la prensa británica e internacional.

Oldman negó que tuviera información sobre una decisión tomada. Explicó que, en una charla anterior con una periodista canadiense, había dicho que escuchó rumores sobre una posible elección que todavía no fue anunciada y que deseaba que Lowden consiguiera el papel.

“No sé quién será el próximo James Bond. Ojalá sea mi amigo Jack, pero no tengo una línea directa con la gente de Bond”, afirmó.

El actor señaló que aprendió a no adelantar información sobre grandes franquicias después de revelar, antes del anuncio oficial, que habría una tercera película de Batman. “Me reprendieron por eso. Aprendí la lección: no voy a abrir la boca”, sostuvo.

Oldman también descartó encarnar a un antagonista en la saga 007. Horowitz le propuso la posibilidad de interpretarlo como un último gran villano, pero el actor respondió de inmediato: “No. Un villano de Bond, no”.

Después llegaba el momento de llevar la película a casa, colocarla en la videocasetera y esperar el comienzo de la función. Pero antes de que aparecieran los actores y arrancara la historia, millones de argentinos reconocían una imagen que se convirtió en parte de aquel ritual: el logo de Gativideo irrumpía en la pantalla acompañado por una música épica, como si anunciara que algo importante estaba por suceder.

La empresa, una de las grandes protagonistas de la expansión del VHS en el país, quedó asociada para siempre con aquella forma de consumir cine y también con una serie de títulos que terminaron adquiriendo vida propia. Detrás de muchas de esas decisiones estuvo Luis Scalella, integrante de una familia históricamente vinculada a la industria cinematográfica y responsable de bautizar para el público argentino —y, en algunos casos, para buena parte de América Latina— películas cuyos nombres terminaron convirtiéndose en clásicos: Mi pobre angelito, Duro de matar, Papá por siempre y Perros de la calle.

El empresario, en charla con News Dgitales, lo explicó con una frase que resume perfectamente aquella lógica: “El título de una película es muy importante. Porque la gente va, se pone en un complejo, en la boletería, mira para adelante y resulta que la película tiene que ser atractiva por el título, ¿me entendés?”. En ese mundo, entonces, traducir literalmente no siempre era la mejor opción. A veces, incluso, podía ser un verdadero desastre comercial.

Uno de los ejemplos más conocidos es el de Reservoir Dogs, la película de Quentin Tarantino estrenada en 1992. La traducción literal del título podía conducir a una expresión extraña y poco atractiva para el espectador argentino. Scalella lo recordó con humor: “Que era de la cloaca, no se podía llamar así”. Entonces tomó una decisión que parecía sencilla, pero que terminaría teniendo una vida propia: “Le puse los Perros de la calle”.

No se trató de una traducción palabra por palabra. Fue una adaptación. Una búsqueda de sentido. Una manera de conservar la idea de esos perros fuera de cualquier lugar establecido y, al mismo tiempo, construir un título que sonara natural para el público argentino. “No podía ponerle Los perros de la cloaca porque quién lo iba a ver”, contó entre risas.

El tiempo terminó dándole la razón. Perros de la calle no solo quedó instalado como el nombre con el que varias generaciones conocieron la película en la Argentina: también terminó convirtiéndose en una expresión reconocible por fuera del universo cinematográfico. “Los perros de la calle quedó”, recordó Scalella, entre risas, cuando el periodista le señaló que incluso había un programa de radio con ese nombre.

La historia detrás de Papá por siempre es todavía más sorprendente. La película protagonizada por Robin Williams llegó a los cines bajo el título original Mrs. Doubtfire, un nombre que remite directamente al personaje que interpreta el actor, pero que no explica por sí mismo el argumento al espectador que todavía no conoce la historia. En algunos mercados se optó por conservar o adaptar el apellido del personaje; en otros, se buscaron alternativas. En Argentina apareció un título que terminó adquiriendo una identidad propia: Papá por siempre.

Hay algo fascinante en ese racconto, porque revela que detrás de algunos de los títulos más recordados por el público no hubo necesariamente una fórmula matemática ni un manual de traducción. Hubo intuición. Hubo observación. Hubo una lectura de cómo podía recibir una historia el espectador argentino. Y, en ocasiones, simplemente apareció una asociación inesperada que terminó funcionando mucho mejor de lo que cualquiera hubiera imaginado.

Pero si existe un caso capaz de demostrar hasta qué punto un título puede modificar para siempre la identidad con la que una película queda instalada en la memoria colectiva, ese es Mi pobre angelito.

La película de Chris Columbus, protagonizada por Macaulay Culkin, llevaba originalmente el título Home Alone, una expresión que podría traducirse de manera directa como “Solo en casa”. Y precisamente así fue conocida en España. Sin embargo, en buena parte de América Latina apareció con otro nombre: Mi pobre angelito. Un título que no traduce literalmente el original y que, sin embargo, consiguió capturar de inmediato la esencia del personaje.

La explicación de Scalella tiene algo de anécdota familiar y algo de esas casualidades que terminan transformándose en historia: “Yo veía la película y veía al chico rubiecito, como mi hijo, que era igual cuando era chico. Y así rubiecito y hacía todas las cagadas que te puedas imaginar”, relató entre risas.

La comparación con su hijo no quedó solamente en el parecido físico: “Y entonces yo me acuerdo de mi abuela, que venía a mi casa un montón porque vivía al lado, siempre estaba”.

La escena familiar quedó grabada en su memoria. Mientras él miraba al pequeño Kevin McCallister meterse en problemas, pensaba en su hijo y en vivencias pasadas: “Lo voy a matar a este, lo voy a matar, le voy a dar tanta patada en el culo”. Y ahí aparecía la voz de su abuela para defender al niño: “No, no, no, mi pobre angelito”.

La frase quedó resonando. “Y entonces me quedó lo de mi pobre angelito y digo: ‘Este, que es un guachito, le voy a poner Mi pobre angelito’”, contó.

Así, una expresión doméstica, una frase de abuela y un recuerdo familiar terminaron convertidos en uno de los títulos cinematográficos más reconocibles de América Latina.

La particularidad de aquella historia adquiere todavía más fuerza cuando se observa qué ocurrió en otros países. “Creo que incluso en España se llama Solo en casa también”, señaló Scalella. Y allí aparece la diferencia: para un espectador español, Solo en casa describe la situación; para un espectador latinoamericano, Mi pobre angelito construye una relación afectiva con el protagonista.

Y si ese filme nació de una asociación afectiva, Duro de matar surgió de una observación mucho más directa: Bruce Willis recibía golpes, disparos y todo tipo de agresiones, pero seguía de pie.

El título original, Die Hard, tampoco ofrecía una traducción sencilla. Scalella explicó que La jungla de cristal, utilizado en España, le parecía completamente inadecuado. “Duro de matar me parecía que, bueno... Die Hard si bien es una cosa parecida, no es exactamente la misma”, explicó. “Y a este como le tiraban, le tiraban y no se moría nunca, digo: ‘Vamos con Duro de matar’”.

Detrás de esas decisiones había, además, una circunstancia empresarial que Scalella considera determinante: la confianza que había conseguido construir con un supervisor. “Lo que pasa es que yo tuve la suerte que esta persona, que era el supervisor, me apreciaba mucho y como nos fue bien... No me discutía nada. Todo lo que yo proponía lo aceptaba”.

Esa confianza tuvo una consecuencia inesperada: las decisiones tomadas en la Argentina podían terminar extendiéndose a otros mercados de América Latina. “Y después los demás países tenían que poner el mismo título”, recordó Scalella entre risas.

De esa manera, un hombre que estaba pensando en cómo nombrar una película para el público argentino terminó, casi sin proponérselo, participando en la construcción de una parte del vocabulario cinematográfico de toda una región.

Tal vez allí esté la verdadera dimensión de aquellas decisiones de Scalella. No se trataba solamente de encontrar una traducción posible. Se trataba de encontrar el nombre con el que una película pudiera ser recordada.

Y en una época en la que el cine llegaba a los hogares dentro de una caja de VHS, después de haber pasado por las manos del empleado del videoclub, de haber sido elegida entre decenas de títulos y de haber comenzado con aquella inolvidable presentación de Gativideo, esos nombres adquirieron una importancia todavía mayor.

Porque el espectador no elegía solamente una película: elegía una historia a partir de las pocas palabras que tenía delante. Y algunas de esas palabras terminaron quedándose para siempre.

“Mientras lo escribía, las escenas me despertaban en mitad de la noche. Fue el trabajo más fácil que hice en mi vida; nada vino tan naturalmente”, confesó Khouri al diario británico. Tenía 29 años, trabajaba en videoclips en Los Ángeles y nadie en Hollywood sabía quién era ella.

Callie Khouri no llegó al cine por vocación narrativa, sino por un proceso de descarte. Había estudiado teatro en la universidad, pero rechazó la actuación porque, según afirmó, “no me gustaba que me miraran”.

Trabajó en producción de videoclips durante el auge de la era MTV, rodeada de directores con más confianza que talento. “Había mucha gente sin talento real que escribía guiones y conseguía trabajo, y no me parecían más inteligentes que yo”, recordó ante The Guardian. Esa observación le bastó para intentarlo.

A los 29 años comenzó a escribir Thelma y Louise a escondidas, entre encargos freelance. La motivación fue en parte autobiográfica: había sufrido dos robos con violencia en Los Ángeles, uno con arma de fuego.

“No es buena sensación caminar por el mundo como un animal de presa, que es cómo empiezas a sentirte”, describió. Varias amigas habían vivido situaciones peores; ella reconoció haber sido “una de las afortunadas”.

Cómo el guion llegó a Ridley Scott

El texto circuló de mano en mano a través de amigos y colegas hasta llegar al director Ridley Scott, quien decidió filmarlo él mismo. Khouri lo calificó ante el diario británico como “un viaje completamente improbable en cada paso del camino”. La película, protagonizada por Susan Sarandon, Geena Davis y Brad Pitt, se estrenó en 1991 y le valió a Khouri el Oscar al mejor guion original, el primero que escribía en su vida.

“Tengo un caso de principiante con suerte de primera categoría”, bromeó la escritora, hoy de 68 años. El mismo patrón se repitió con su primera serie de televisión, Nashville, que se extendió por seis temporadas. “Espero que esto no sea el final de esa racha”, dijo entre risas al referirse a sus proyectos actuales.

La vigencia política de la película

La vigencia del film no le genera satisfacción. “Ojalá el mundo hubiera dado ese giro para convertirse en un lugar más hospitalario para las mujeres, y especialmente para las jóvenes”, dijo Khouri a The Guardian.

“La igualdad es el objetivo evidente para toda la sociedad, pero hay mucha gente que no lo piensa así y no quiere soltar ese poder. Y lucharán. Nosotras también”, afirmó.

Khouri extendió esa lectura más allá del género: también se mostró indignada por las muertes de jóvenes en “guerras que se libran por dinero” y concluyó que el mundo sigue otorgando demasiado poder a quienes no deberían tenerlo.

Su vida lejos de los sets

Lejos de los sets, Khouri pasa gran parte del tiempo en su jardín en Nashville, en el estado de Tennessee, donde vive con su esposo, el productor discográfico T-Bone Burnett. Durante la pandemia descubrió el programa británico Gardeners’ World. “Ese es mi vicio”, admitió con entusiasmo ante el diario. A los 68 años, dice que ya no tiene nada que demostrar, aunque sigue trabajando porque le gusta hacerlo.

La escritora también tomó distancia del estado actual de la industria audiovisual. “El negocio del cine y la televisión se volvió muy difícil. Todo el mundo siente que trabajamos para un algoritmo. Ya no se trata tanto de ideas originales”, señaló, en referencia al predominio de franquicias, secuelas y grandes producciones que sostienen a los estudios.

En ese contexto, The Hollywood Reporter elaboró un ranking con los principales directores de cine de terror y ciencia ficción en 2026. Para establecer el orden, el medio estadounidense especializado en entretenimiento consultó a figuras vinculadas con este tipo de producciones, analizó el desempeño en taquilla y evaluó la influencia cultural de las películas.

También tuvo en cuenta a cineastas que estrenaron una producción durante los últimos dos años o que tienen nuevos proyectos en camino.

10. Nia DaCosta

La cineasta estadounidense alcanzó el reconocimiento dentro del género por “Candyman”, una nueva versión de la historia de terror que llevó al cine en 2021. Su filmografía también incluye “Hedda”, mientras que entre sus trabajos recientes vinculados con el género aparece “28 Years Later: The Bone Temple”.

Uno de los momentos que The Hollywood Reporter destacó de su carrera es una escena de esta última producción en la que Ralph Fiennes interpreta al diablo y canta una canción de Iron Maiden. El ejemplo forma parte de la mirada de la revista sobre la manera en que los realizadores incorporan elementos inesperados a sus películas.

9. Kane Parsons

En el noveno lugar aparece Kane Parsons, quien trasladó al cine su propio fenómeno surgido en internet: “Backrooms”. El proyecto se convirtió en uno de los casos más destacados de la nueva relación entre las plataformas digitales y Hollywood.

Según The Hollywood Reporter, la película del joven director de 25 años recaudó USD 393 millones a nivel mundial, una cifra que la convirtió en un récord para A24. El éxito de la producción también provocó el interés de grandes estudios por trabajar con Parsons.

8. Parker Finn

Parker Finn es el responsable de una de las franquicias de terror más reconocibles de los últimos años: “Smile”. La primera película presentó una historia centrada en una presencia sobrenatural asociada con una inquietante sonrisa, mientras que “Smile 2” amplió ese universo.

La revista señaló que Finn continúa trabajando en la saga con una tercera entrega, que se encuentra en producción. Además, prepara una nueva versión de “Possession”, protagonizada por Callum Turner y Margaret Qualley.

7. Fede Álvarez

El cineasta uruguayo Fede Álvarez ocupa el séptimo lugar gracias, principalmente, al impacto de “Alien: Romulus”. La película, estrenada en 2024, recuperó el universo de Alien con una historia de terror y ciencia ficción.

De acuerdo con el ranking, la producción superó los USD 350 millones en la taquilla mundial y recibió una nominación al Oscar por sus efectos visuales. Entre sus trabajos anteriores también figura “Evil Dead”, producción de 2013 que lo posicionó dentro del cine de terror contemporáneo.

6. Sam Raimi

Sam Raimi es uno de los directores con mayor trayectoria dentro de la selección. Su filmografía de género incluye “The Evil Dead”, “Evil Dead II” y “Army of Darkness”, además de su trabajo en la trilogía de Spider-Man.

Para 2026, el proyecto destacado por The Hollywood Reporter es “Send Help”, un thriller de supervivencia protagonizado por Rachel McAdams. El medio también señaló la posibilidad de que Raimi trabaje en una nueva versión de “Magic”.

5. Curry Barker

El quinto puesto pertenece a Curry Barker, uno de los nombres más recientes del listado. Su película “Obsession” fue realizada con un presupuesto de apenas USD 750.000 y, según The Hollywood Reporter, alcanzó USD 505,6 millones en todo el mundo.

El resultado convirtió a Barker en uno de los casos de mayor crecimiento dentro del terror contemporáneo. Su próximo proyecto es “Anything But Ghosts”, mientras que Universal ganó una disputa entre estudios para contar con su siguiente producción original. Barker también trabaja en una nueva versión de “The Texas Chain Saw Massacre” para A24.

4. Robert Eggers

Robert Eggers ocupa el cuarto lugar con una filmografía marcada por el terror de época. Entre sus principales películas aparecen “The Witch”, que marcó su debut en el largometraje, y “The Lighthouse”. Su trabajo más reciente, “Nosferatu”, estrenado en 2024, se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia de Focus Features.

El próximo proyecto del director es “Werwulf”, protagonizado por Lily-Rose Depp. La película estará ambientada en el siglo XIII y todos sus diálogos estarán escritos en inglés medio.

3. Guillermo del Toro

El tercer puesto es para Guillermo del Toro, una de las figuras más reconocidas del cine fantástico. Su filmografía incluye títulos como “El laberinto del fauno” y “La forma del agua”, además de numerosas producciones vinculadas con criaturas y mundos sobrenaturales.

En el ranking, el principal trabajo reciente destacado es “Frankenstein”, producción de Netflix que recibió nueve nominaciones al Oscar y ganó tres premios. Del Toro también prepara “The Buried Giant”, una película realizada mediante animación stop-motion para la plataforma.

2. Ryan Coogler

Ryan Coogler ocupa el segundo lugar. Su trayectoria dentro del cine de género incluye “Creed”, con la que retomó el universo de Rocky, y “Black Panther”, película con la que se incorporó al universo de los superhéroes.

Su posición en el ranking está especialmente vinculada con “Sinners”, producción que combina terror, música y elementos culturales contemporáneos y que ganó cuatro premios Oscar. Entre los próximos proyectos de Coogler figuran “Black Panther 3” y una nueva versión de “The X-Files” para Hulu.

1. Zach Cregger

El primer lugar es para Zach Cregger, quien pasó de dirigir una película de culto como “Barbarian” a convertirse en uno de los realizadores más buscados de Hollywood.

Su producción más reciente, “Weapons”, alcanzó USD 270 millones de recaudación mundial con un presupuesto de USD 38 millones. La película también consiguió un Oscar para Amy Madigan. El éxito consolidó a Cregger como uno de los principales nombres del terror contemporáneo.

Su agenda incluye “The Flood”, una película de ciencia ficción para Warner Bros.; “Gladys”, una precuela vinculada con Weapons; y una nueva película de “Resident Evil” para Sony.

A los 89 años, Dustin Hoffman publicará en Estados Unidos sus memorias, Look at Me, el 11 de noviembre, un libro en el que revisa seis décadas de carrera y fija una idea que atraviesa su balance personal: después de una vida marcada por el reconocimiento, “el éxito es más fácil” que la felicidad.

En 2027 se cumplirán 60 años del estreno de El graduado, la película de Mike Nichols que convirtió al actor en una estrella cuando tenía 30. En los siguientes 20 años, encadenó títulos como Cowboy de medianoche, Perros de paja, Todos los hombres del presidente, Kramer contra Kramer, Tootsie y Rainman, recibió seis nominaciones al Óscar y ganó dos.

Según The New York Times, Hoffman asegura que mirar hoy su trabajo le produjo una sorpresa poco habitual en un actor conocido por su autoexigencia. “Siempre tuve dudas sobre algunas de mis interpretaciones, pero al volver a ver las películas, pensé: ‘Está bastante bien. Si lo viera en otra persona, lo pensaría’”, dijo al diario.

El actor también describió ese reencuentro con su pasado como una experiencia de extrañamiento. “Recordar versiones más jóvenes de mí mismo es como ver a otra persona en ese momento de mi vida”, afirmó.

Al comienzo, casi nadie apostaba por él. Cuando comunicó a su familia que quería ser actor, una tía le dijo que no era lo bastante guapo, una objeción que también remitía a su físico en una época en la que figuras como Warren Beatty o Sidney Poitier respondían al molde dominante del galán alto y seguro.

Hoffman, con 1,65 metros de altura, terminó quebrando ese patrón. Su Benjamin Braddock en El graduado encarnó un tipo de protagonista vulnerable, inseguro y contradictorio que conectó con una generación de espectadores y acompañó la transformación del cine de Estados Unidos desde 1967.

Esa mutación fue también industrial. Los grandes estudios perdían millones con musicales tradicionales y estrellas envejecidas, mientras una nueva camada de directores influida por el cine de autor europeo, entre ellos Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese y Nichols, desplazaba el centro de gravedad de Hollywood.

Antes de ese salto, Hoffman era un actor casi desconocido que había trabajado sobre todo en Broadway. Durante la prueba de cámara de El graduado estaba tan nervioso que olvidó sus líneas.

La elección resultó decisiva. A partir de allí, consolidó una galería de antihéroes neuróticos, hombres corrientes o personajes de clase trabajadora que se alejaban de la imagen perfecta de las décadas anteriores y ayudaron a redefinir qué podía ser una estrella de cine.

El libro no fue un ejercicio aislado de archivo personal. Mientras escribía, murieron algunos de sus amigos más cercanos, entre ellos Robert Redford, con quien compartió Todos los hombres del presidente, y también Gene Hackman y Robert Duvall, compañeros de una juventud precaria en Nueva York.

“Su muerte fue un golpe”, recordó sobre Redford. “Mientras escribía el libro también fallecieron otros dos viejos amigos, Gene Hackman y Robert Duvall, con quienes viví en Nueva York cuando teníamos veintitantos y empezábamos nuestras carreras como actores. Es extraño ser el último de los tres que queda con vida”.

Su historia con Hackman venía de mucho antes de la fama. Ambos nacieron en California y estudiaron en la misma escuela de interpretación en Pasadena; Hackman tenía 26 años y Hoffman, 19, y una anécdota repetida los une desde entonces: sus compañeros los votaron como “los dos estudiantes con menos posibilidades de triunfar”.

Hackman fue expulsado de la academia tras obtener las peores calificaciones registradas allí y se mudó primero a Nueva York para probar suerte. Dos años después lo siguió Hoffman, que se instaló en su pequeño apartamento hasta que la convivencia se volvió imposible y terminó viviendo con Robert Duvall, otro actor principiante.

Hoffman construyó su reputación sobre una preparación minuciosa, preguntas constantes y una inmersión emocional poco frecuente en sus personajes. El director Sydney Pollack, que lo dirigió en Tootsie, resumió ese método con una frase que se volvió célebre: “Dustin hacía cien preguntas. Noventa y nueve de ellas eran geniales”.

Ese mismo impulso modeló el libro. Hoffman explicó que sus memorias están organizadas por temas y no por cronología porque así funciona ahora su recuerdo: “Cuando llegas a los ochenta y tantos, tus recuerdos dejan de ser una progresión lineal. Todas las personas que has sido y todo el trabajo que has hecho se convierten en un mosaico en tu mente”.

Para escribirlas, volvió a ver toda su filmografía. “Sinceramente, me sorprendió lo buenas que son muchas de ellas”, dijo, y puso como ejemplo La cortina de humo, de 1997, y Todos los hombres del presidente, de la que sostuvo que sigue “llena de suspense”.

Sobre esta última evocó un método de trabajo propuesto por Redford cuando interpretaban a Woodward y Bernstein, los periodistas que destaparon el caso Watergate en The Washington Post. “Robert Redford tuvo una gran idea para esa película: que ambos nos aprendiéramos los diálogos del otro, además de los nuestros. Así podíamos hablar a la vez, decir lo mismo, sorprendernos mutuamente y a los demás actores de la película, sin preocuparnos por quién había dicho qué”.

El actor extendió esa reflexión al modo en que las imágenes fijan una vida. Sostuvo que, durante la mayor parte de la historia humana, nadie podía revivir su pasado a través de fotografías ni, mucho menos, de películas; hoy, en cambio, casi cualquier persona crea un archivo visual de sí misma con teléfonos inteligentes y redes sociales.

En su caso, ese archivo produjo distancia. “Mientras veía todas las películas pensaba: ‘¿Pero quién hizo esto?’”, bromeó. “En las que estuve bien, no sé qué hice ni cómo lo hice. Siento como si en la pantalla hubiera una persona completamente distinta”.

Desde aquellos rodajes, su vida cambió de escala y de forma: estuvo casado dos veces, tuvo seis hijos, dirigió en 2012 El cuarteto y este año protagonizó Tuner, un thriller de atracos de Daniel Roher en el que interpretó a Harry Horowitz, un afinador de pianos anciano y figura paterna de un joven pianista con hiperacusia.

Al explicar cómo encara cada papel, volvió a una definición que también ilumina el libro. “Siempre empiezo intentando buscar puntos en común entre ‘mi personaje’ y yo. Subrayo las comillas porque intento encontrar en quien interpreto una versión o un resquicio de mí mismo. Así no pienso tanto en el resultado, sino en estar presente y ser auténtico”.

La escritura de esas memorias contó con la colaboración de Ariel Levy, redactora de The New Yorker, que editó y coescribió el volumen. El libro entra en asuntos personales, entre ellos la relación entre éxito y felicidad, una cuestión sobre la que Hoffman, después de 89 años, respondió sin vacilar: “El éxito es más fácil”.

Dennis Quaid, de 72 años, describió el momento actual de su vida como el más pleno hasta ahora. El actor habló con la revista People durante el estreno del documental Water Wars en Nashville, el miércoles 2 de septiembre. “La felicidad está a tu alrededor ahora mismo”, reflexionó sobre lo que aprendió con el paso de los años.

Quaid apeló a una referencia bíblica para desarrollar esa idea: “El reino de Dios se extiende sobre la tierra, y el hombre no lo ve”. Después ofreció su propia lectura de la frase: “Es totalmente cierto. Basta con detenerse y mirar alrededor. Yo lo llamo la alegría de estar vivo”, señaló el actor.

El intérprete había señalado antes, en esa misma entrevista, que atraviesa un momento de mayor disfrute profesional que en etapas previas de su trayectoria. “Ahora tengo más entusiasmo por lo que hago que cuando tenía 20 años”, afirmó.

“Porque en aquel entonces sentía que siempre estaba tratando de llegar a algún lugar en la vida”, explicó sobre la diferencia entre su actitud actual y la que tenía en sus primeros años como actor.

Ese mismo balance sobre el paso del tiempo atravesó otra conversación reciente del actor con People, en la que habló de la vida en Nashville tras la partida de sus hijos gemelos, Thomas y Zoe, de 18 años, quienes comenzaron sus estudios universitarios el mes pasado. Quaid calificó su rutina actual en la ciudad como “de ensueño”, aunque reconoció que extraña a sus hijos desde que se fueron.

La reflexión sobre el paso del tiempo también apareció en una charla anterior con la revista, cuando Quaid cumplió 70 años en abril de 2024. En esa ocasión, contó que su esposa, Laura Savoie, organizó una sorpresa después de que él le pidiera explícitamente no hacer una fiesta, con la excusa de que estaría trabajando. “Me organizó una fiesta estupenda hace un par de años en Nashville. Así que le dije que no quería una fiesta”, recordó.

Savoie resolvió el pedido de una manera particular: reunió videos de amigos de Quaid que hablaban sobre él. “Quería pasar desapercibido. Pero ella consiguió que un montón de mis amigos grabaran vídeos hablando de mí. Y fue realmente maravilloso”, relató el actor.

“¿Recuerdan esa escena de Huckleberry Finn en la que vuelven al pasado y están en su propio funeral? Fue algo parecido, y fue muy bonito y emotivo”, agregó.

El evento de esta semana en Nashville tuvo como motivo central el estreno de Water Wars; el documental que Quaid narra se encuentra en Prime Video desde el 4 de septiembre. La producción reconstruye una disputa legal por derechos de agua en el oeste de Texas.

Según la sinopsis oficial, la historia se ubica en Dell City, un poblado descrito como un oasis remoto en el llamado “Valle de las Aguas Ocultas”, cuya comunidad se fractura cuando la ciudad de El Paso ofrece acuerdos lucrativos de agua a los terratenientes vecinos.

“Los ganaderos de Dell City se embarcan en una batalla legal contra la influyente junta de agua, que finalmente llega a la Corte Suprema de Texas”, agrega la sinopsis, en referencia al conflicto que enfrenta a la junta reguladora, supuestamente influida por intereses de grandes inversores, con los productores locales excluidos de esos beneficios. Quaid comparó el filme con otro clásico de Hollywood centrado en el mismo recurso: “No desde Chinatown [en 1974] habíamos tenido una película sobre el agua”, afirmó.

Quaid, oriundo de Texas, explicó que su propia experiencia de vida en un rancho de Montana le permitió comprender de primera mano el peso que tiene el agua en las comunidades rurales.

“Donde yo vivía solía ser parte del Parque Nacional de Yellowstone en la década de 1890. Luego lo abrieron a terrenos para ranchos. Y cuando lo hicieron, por supuesto, lo primero y más valioso que se podía adquirir eran los derechos de agua”, contó sobre el origen de su interés personal en la temática del documental.

El actor relató además cómo llegó a sumarse al proyecto, dirigido por Mario Mattei y producido por Philip Guitar y Jon Michael Simpson. “Esos muchachos contaron una historia realmente buena. Me enviaron el documental con una narración de prueba, y quedé muy impresionado, sobre todo por lograr que una historia así resultara comprensible para todos. Me atrapó mientras lo veía, y por eso quise hacerlo”, explicó.

A nadie se le escapa que Carlos Alcaraz es toda una sensación dentro del mundo del tenis. El español ha regresado por todo lo alto después de estar unos meses apartado a un US Open en el que de momento ya está en cuartos, después de derrotar en octavos a Tommy Paul con un contundente 6-4, 6-3, 6-4. En cuartos le espera ya Ben Shelton, pero ni jugar fuera de casa ni hacerlo contra tenistas nortemericanos ha hecho que el murciano no se convierta en el ojito derecho del público estadounidense, hasta el punto de que una de sus mayores promesas cinematográficas se ha declarado fan número 1 del tenista.

“Soy tu mayor fan”, escribía en una story de Instagram la actriz Rachel Zegler, en la que publicaba una fotografía de Alcaraz durante el partido frente a Paul en el que salió victorioso. La admiración sincera de Zegler no pasó desapercibida, ya que varias cuentas dedicadas al tenis y en concreto al US Open se hicieron eco de los ánimos de la actriz: “Presidenta del club de fans de Carlos Alcaraz”, publicaba una de estas junto a fotografías de la actriz durante el US Open, a lo que ella no tardaba en contestar: “Es cierto...es cierto que lo soy”.

Zegler es principalmente conocida por su faceta como actriz y cantante, ya que se dio a conocer con el musical West Side Story de Steven Spielberg, y desde entonces no ha dejado de trabajar hasta convertirse en una de las actrices más cotizadas en Hollywood, con papeles en grandes blockbusters como Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes o Blancanieves, remake del clásico de Disney por cuya elección se sembró una gran polémica que ella misma denunció como un ataque racista hacia su persona. En los próximos meses, Zegler tiene pendiente de estreno She Gets It from Me un drama independiente que protagoniza junto a Marisa Tomei, y Octet, la nueva película de Lin-Manuel Miranda en la que comparte reparto con Amanda Seyfried o Tramell Tillman. En el horizonte se encuentra su próximo gran papel con On Your Feet, biopic de los artistas cubanos Emilio Estefan Jr. y Gloria Estefan y de cómo llegaron a Estados Unidos para convertirse en estrellas, con Zegler dando vida a Gloria.

Todos aman a Carlos

Lo cierto es que, aunque se autoproclame como la mayor fan de Alcaraz, lo cierto es que el murciano no va corto de admiradores entre las grandes esferas de Hollywood. Más allá del mundo del deporte, donde ya es considerado uno de los grandes del tenis, Alcaraz ha ido ganándose una legión de fans entre algunas de las más grandes estrellas de Hollywood. A sus partidos han acudido asiduamente figuras como Tom Cruise, Zendaya, Julia Roberts o Nicole Kidman, que quizá no haya podido acudir a los últimos encuentros por estar promocionando su última película, Prácticamente magia 2. La ganadora del Oscar Natalie Portman ha sido una de las más habituales en los encuentros que Alcaraz ha disputado en los últimos años.

Zegler y el resto de la élite hollywoodiense tienen una nueva cita con el tenis de Alcaraz mañana, con la esperanza de que el murciano venza a Shelton, pase a semifinales y puedan seguir disfrutando de él un poco más. Mientras tanto, el tenista sigue concentrado en ir a por el que sería su tercer US Open con apenas 23 años, un hito que no ha conseguido lograr nadie hasta la fecha.

A pocas semanas de cumplir 50 años, Ryan Reynolds dejó en claro que no imagina esa fecha convertida en una celebración multitudinaria.

Según publicó People en una entrevista exclusiva realizada durante la premiere de Mayday en Nueva York, el actor, que llegará a esa edad el 23 de octubre, explicó que no siente afinidad por los festejos de gran escala.

“No me gustan los cumpleaños. Quiero decir, estoy bien con eso”, afirmó Reynolds en declaraciones al medio. En ese marco, ubicó su aniversario en un registro mucho más sobrio y lejos de una gran puesta en escena.

La nota también situó esa definición dentro de una dinámica familiar marcada por una seguidilla de cumpleaños, fiestas infantiles y compromisos que se suceden en el último tramo del año.

La declaración llegó mientras Reynolds transitaba un período de alta exposición pública, con apariciones promocionales y alfombras rojas vinculadas a su nuevo proyecto audiovisual.

En ese contexto, la decisión de rechazar una fiesta grande para una fecha de ese calibre introdujo un matiz distinto sobre una figura habituada a ocupar el centro de la conversación cultural.

Ryan Reynolds dijo que no quiere una gran fiesta para recibir los 50

En declaraciones recogidas por People, Ryan Reynolds afirmó que no le gustan los cumpleaños entendidos como eventos de gran despliegue.

El actor señaló que no vive la fecha con malestar, pero tampoco con el impulso de organizar una reunión gigantesca en su honor. “No me pesa cumplir años, pero no soy de decir: ‘Bueno, hagamos una gran fiesta para mí’”, sostuvo en esa entrevista.

En esa misma charla, añadió que ya recibe suficiente atención en su trabajo cotidiano y mencionó que una aparición en alfombra roja le resulta más que suficiente como cuota de exposición pública.

“Estoy bien. Ya recibo suficiente atención. Acabo de estar en una alfombra roja. Con esto alcanza”, dijo el actor, según publicó People.

La frase aportó un tono definitorio sobre cómo procesa el ingreso a una nueva década. En una industria en la que las efemérides personales suelen derivar en homenajes, galas o eventos cuidadosamente diseñados, su postura se recortó por contraste y propuso una imagen más contenida del momento.

La entrevista fue realizada en el marco del estreno de Mayday en el complejo Lincoln Center AMC, en Nueva York, durante una aparición pública ligada a la promoción de la película. De acuerdo con la nota, fue allí donde Reynolds habló sobre el tema con naturalidad y conectó su cumpleaños con la dinámica familiar que atraviesa el último cuatrimestre del año.

El actor describió una seguidilla de cumpleaños familiares que llamó “Birthday Alley”

Más allá de su propio aniversario, Reynolds explicó que atraviesa cada año un período de celebraciones continuas dentro de su familia. El actor definió ese tramo como “Birthday Alley”, una suerte de corredor de cumpleaños que se extiende desde septiembre hasta diciembre y se enlaza además con la Navidad. “Estoy en el callejón de los cumpleaños”, señaló.

En ese pasaje, Reynolds detalló que varios integrantes de su entorno más cercano cumplen años con muy poca distancia entre sí. “Mis hijos, tenemos a unos cuatro integrantes de la familia cumpliendo uno detrás de otro, uno detrás de otro”, explicó en la entrevista.

También mencionó que el aniversario de casamiento con Blake Lively cae el 9 de septiembre, lo que amplía todavía más la densidad de fechas significativas en esos meses. “Es el callejón de los cumpleaños, y sigue hasta la Navidad. No se detiene”, agregó, según la publicación.

Reynolds describió esa etapa como un período incesante de globos, preparativos y festejos consecutivos, con una rutina marcada por inflar y desinflar adornos para los cumpleaños de sus hijos y otros miembros de la familia. “Básicamente, sí, hasta llegar a mi cumpleaños número 50. Quiero decir, una locura”, afirmó.

Esa imagen doméstica, más vinculada con la logística cotidiana que con la solemnidad de una cifra redonda, fue la que eligió para hablar de su llegada a los 50. “Paso casi todo el día respirando helio, inflando globos, desinflando globos, inflando más globos”, añadió Reynolds en declaraciones a People.

La cercanía del estreno de Mayday sumó exposición a una confesión de tono íntimo

La declaración sobre su cumpleaños se conoció en un momento de actividad promocional para el actor. Según la entrevista, Reynolds habló del tema mientras asistía a la premiere de Mayday, lo que le dio a la escena un contraste particular entre la visibilidad del evento y el contenido de su respuesta.

En lugar de reforzar la lógica del gran acontecimiento, el actor se inclinó por una mirada austera sobre una fecha que en otras trayectorias públicas podría presentarse como un hito espectacular.

Ese contraste ayudó a explicar la repercusión de sus palabras. La proximidad de su cumpleaños número 50 coincidió con una etapa de fuerte exposición mediática por el estreno de Mayday, lo que volvió más visible una definición que, en otro contexto, podría haber quedado reducida a un comentario lateral.

Reynolds no planteó su cumpleaños como un punto de inflexión dramático ni como una celebración excepcional, sino como una fecha incluida dentro de una dinámica familiar más amplia.

Esa elección narrativa deja una imagen precisa del momento: la de una estrella de Hollywood que, en vísperas de una edad emblemática, opta por restarle grandilocuencia al acontecimiento y ubicarlo dentro de la rutina de los festejos compartidos.

El actor que interpretó a Han Solo, Indiana Jones y otros personajes emblemáticos del cine construyó una trayectoria de 62 años y cerca de USD 6.000 millones en la taquilla estadounidense.

Hasta el momento, Ford y Sylvester Stallone son los únicos actores de la historia que consiguieron estrenar una película en el primer puesto de la taquilla durante seis décadas consecutivas.

En una entrevista con Backstage Magazine, repasó distintos momentos de su extensa carrera, desde sus primeros pasos sobre un escenario universitario hasta su consolidación como una de las figuras más reconocibles de Hollywood. Además, habló sobre la serie Shrinking, su forma de construir personajes y la relación con otros intérpretes.

Una definición práctica del trabajo actoral

Ford resumió su vínculo con la profesión con una frase que contradice cualquier interpretación excesivamente intelectual del oficio. “No pienso mucho en la actuación”, afirmó durante la conversación con Backstage.

Para el intérprete, actuar consiste principalmente en responder a las circunstancias de cada escena y trabajar en función de la historia. “Actuar es aprovechar una situación y tratar de concentrarse en la tarea en cuestión, que es contar la historia a través del personaje”, explicó.

Esa concepción también aparece en su descripción del trabajo cotidiano en un rodaje. Ford definió la actuación como una actividad esencialmente práctica: “Actuar es resolver problemas. Eso es lo que hacemos en el set. Nos ponemos de pie y resolvemos los problemas”.

También destacó la presión que implica trabajar con un tiempo limitado. Según explicó, la energía, la paciencia y las oportunidades disponibles durante una jornada de filmación tienen un límite. Esa condición es precisamente uno de los aspectos que más disfruta de su profesión.

El desafío de interpretar a Paul Rhoades en Shrinking

Esta manera de entender el trabajo se refleja en uno de sus papeles recientes. En Shrinking, Ford interpreta a Paul Rhoades, un terapeuta que atraviesa las primeras etapas del Parkinson. Para preparar el personaje, consultó con neurólogos y especialistas con el objetivo de comprender las manifestaciones de la enfermedad.

El actor señaló que cada paciente atraviesa el Parkinson de una manera diferente y explicó que la serie presenta períodos puntuales de la vida de Paul, sin mostrar todo el desarrollo de la enfermedad.

Esa característica también plantea un desafío interpretativo. “No quiero hacer algo sentimental, estúpido o erróneo”, afirmó sobre la responsabilidad que implica el papel.

Durante el rodaje de la cuarta temporada, Ford compartió una escena con Michael J. Fox, quien también convive con Parkinson. Sobre su compañero de elenco, expresó que “es muy perspicaz. Está muy presente en todo momento. Tiene un talento enorme”.

Del deseo de esconderse a construir personajes desde sí mismo

Uno de los momentos más significativos de la conversación surgió cuando recordó sus primeras experiencias teatrales. En 1964 interpretó al señor Antrobus en The Skin of Our Teeth, una obra presentada en el Red Barn Theatre del Ripon College. Aquella experiencia marcó su relación con la actuación.

El personaje llevaba un bigote postizo, talco en la cabeza y una almohada debajo de la camisa. Para Ford, ese aspecto físico representó una posibilidad de ocultarse detrás de un personaje y encontrar un espacio de pertenencia entre personas con intereses similares.

Con el tiempo, esa relación cambió. “Al principio, fue genial poder esconderme tras un personaje. Pero más adelante, a medida que aprendía más sobre él, me di cuenta de que no necesitaba esconderme”, señaló.

Según explicó, comenzó a entender que podía utilizar aquello que llevaba consigo para construir una interpretación. “Solo necesitaba aportar lo que llevaba en el corazón y en la mente, porque eso era lo que tenía para ofrecer”, agregó.

La actuación como una construcción

La experiencia previa de Ford como carpintero también aparece en su manera de explicar el trabajo actoral. Antes de convertirse en una estrella de Hollywood, esa profesión le permitió contar con una fuente de ingresos que redujo la presión de aceptar cualquier papel.

Esa etapa terminó influyendo en su visión sobre la construcción de un personaje. Ford explicó: “Cada personaje es una receta, diseñada específicamente para centrarse en un argumento”.

El actor comparó el proceso con levantar una estructura: primero debe existir una base sólida y después se incorporan los distintos elementos. La metáfora conecta su experiencia como carpintero con una forma de trabajo basada en construir progresivamente una interpretación.

De Star Wars al Hollywood actual

El actor llegó a Star Wars después de haber trabajado con George Lucas en American Graffiti. Mientras se desempeñaba como carpintero, Lucas le pidió que leyera líneas durante las audiciones.

El papel de Han Solo terminó modificando su trayectoria profesional y lo convirtió en uno de los protagonistas más reconocibles del cine estadounidense.

Atribuyó parte de esa oportunidad al contexto de la industria en aquella época. Al referirse al cine de los años 70, lo definió como “la época dorada” y sostuvo que existía una conexión particular entre la sociedad y el espíritu de aquel momento.

Sin embargo, consideró que el escenario actual ofrece oportunidades propias. Destacó especialmente el crecimiento del streaming y su capacidad para desarrollar personajes durante períodos prolongados.

En ese contexto, realizó una valoración llamativa sobre los intérpretes contemporáneos: “Creo que probablemente hay mucho más talento entre los actores actuales que durante mi época”, declaró.

La conversación también abordó la inteligencia artificial y su utilización en el cine. Ford recordó que su imagen fue rejuvenecida mediante tecnología para una parte de Indiana Jones y el dial del destino, a partir de registros de su rostro correspondientes a distintas etapas de su vida.

Sobre el futuro de su legado, mantuvo la misma postura directa que atravesó buena parte de la entrevista: “Lo que pase después de mi muerte no es asunto mío”.

Robbins, ganador del Oscar a mejor actor de reparto en 2004 por Río Místico, vinculó experiencias de distintas etapas de su trayectoria con una idea común: la preparación, la escucha y el respeto por los equipos técnicos pueden definir tanto una película como las condiciones en las que se realiza.

La conversación recorrió sus primeros trabajos en los años 80, su vínculo con The Actors’ Gang, la compañía teatral que fundó en Los Ángeles, y producciones como Top Gun, Sueño de fuga, El ejecutivo y Río Místico. Sin embargo, los recuerdos sobre Altman y Eastwood ofrecieron una mirada sobre dos formas de dirigir que, para Robbins, contrastan con prácticas hoy extendidas en parte de Hollywood.

El actor también habló de su presente en Apple TV+, donde interpreta a Bernard Holland en Silo. La tercera temporada de la serie ya está disponible, mientras que la plataforma anunció el estreno de la cuarta para el 9 de julio de 2027.

Robert Altman le enseñó a escuchar antes de imponer una decisión

Robbins trabajó con Robert Altman en El ejecutivo, la película de 1992 que también reunió a Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh, Greta Scacchi y Whoopi Goldberg. El actor contó que renunció a otro proyecto mejor pago para esperar que se confirmara el financiamiento de la producción, una decisión que tomó por el interés de trabajar con el director.

La experiencia, según explicó, influyó después en su propio recorrido como realizador. Ese mismo año dirigió y protagonizó Bob Roberts, una sátira política sobre un cantante de música folk que construye una candidatura conservadora en Estados Unidos.

Robbins recordó una dinámica habitual en los rodajes de Altman. Cuando un responsable de área le presentaba una propuesta, el director solía preguntar primero qué opinaba otra persona del equipo. El cineasta no respondía de inmediato ni se ubicaba como única autoridad creativa de la escena.

La lógica de esa conducta, relató Robbins, partía de una premisa sencilla: escuchar una opinión ajena podía mejorar la primera idea. Para el actor, ese modo de conducir un rodaje reflejaba la seguridad de un director que no necesitaba imponer respuestas automáticas para sostener su lugar frente al equipo.

Altman convirtió la escucha en una herramienta de dirección y no en un gesto protocolar. Robbins asoció esa actitud con la posibilidad de que actores, técnicos y jefes de departamento aporten soluciones que una sola persona quizá no habría considerado.

La referencia también ordenó su evaluación sobre el presente de la industria. El actor sugirió que la concentración empresarial y la presión por cumplir con cronogramas cada vez más exigentes redujeron márgenes para ese intercambio creativo.

Clint Eastwood exigía preparación y filmaba con pocas tomas

Robbins evocó una enseñanza distinta al hablar de Clint Eastwood, quien lo dirigió en Río Místico, estrenada en 2003. La película, basada en la novela de Dennis Lehane, contó también con las actuaciones de Sean Penn, Kevin Bacon, Laura Linney y Marcia Gay Harden.

Eastwood trabajaba con un ritmo que obligaba al elenco a llegar preparado. Robbins contó que el director solía limitar el número de tomas y que esa regla definía el comportamiento de los actores desde la noche anterior: cada intérprete debía conocer con precisión el texto, la escena y los movimientos previstos.

“Sabíamos que Clint solo nos daba una toma. Así que llegábamos listos”, resumió Robbins. El sistema reducía el tiempo de filmación, aunque exigía concentración y dominio del material antes de que comenzara la jornada.

El método de Eastwood priorizaba la preparación previa y evitaba extender los rodajes de manera innecesaria. Robbins destacó que las jornadas podían concluir antes de las 14:00, una diferencia marcada frente a los horarios de 14 o 16 horas que, según cuestionó, se naturalizaron en numerosas producciones.

La observación no implicó presentar a Eastwood y Altman como directores de procedimientos idénticos. Altman privilegiaba la circulación de ideas dentro del equipo, mientras que Eastwood concentraba el trabajo en una planificación precisa y en un número reducido de tomas. Para Robbins, ambos modelos compartían un punto: el cuidado del tiempo de quienes trabajan en el set.

La crítica a los rodajes extensos y al impacto de las fusiones corporativas

El actor vinculó la expansión de las jornadas prolongadas con cambios en el funcionamiento de Hollywood. Robbins sostuvo que las fusiones corporativas y la mayor presión financiera alteraron la relación entre los estudios y los equipos técnicos.

Según planteó, el problema no se limita al cansancio físico. Los rodajes que se extienden durante muchas horas afectan la concentración, la seguridad y la vida cotidiana de camarógrafos, asistentes, personal de vestuario, maquillaje, sonido y transporte, entre otras áreas.

Robbins cuestionó que los horarios de 14 y 16 horas hayan pasado a considerarse normales en algunos rodajes. La crítica recupera un debate que atraviesa a sindicatos y trabajadores del sector, especialmente después de los conflictos laborales que paralizaron parte de la industria estadounidense en 2023.

La presentación del filme, el 3 de septiembre, mostró a Bloom en un registro distinto al de los grandes títulos de aventuras y fantasía que marcaron su trayectoria. En esta ocasión, el personaje no ocupa el centro de una acción épica ni funciona como héroe convencional: es el objeto de deseo y el origen de un conflicto que lleva a las protagonistas a los tribunales.

La película reúne por primera vez como figuras centrales a Kate y Rooney Mara. Ambas interpretan a Jean y Joan Holbrooke, dos hermanas cuya conexión extrema condiciona cada aspecto de sus vidas. Domhnall Gleeson completa el elenco como un trabajador social que interviene en la historia cuando las mujeres deben afrontar las consecuencias de su comportamiento.

Herzog regresó a la competencia oficial de Venecia 17 años después de su anterior participación. El director alemán, que recibió el León de Oro a la trayectoria en 2025, llevó al festival una ficción inspirada de manera libre en la historia de Freda y Greta Chaplin, dos hermanas británicas que llamaron la atención pública en la década de 1980 por hablar y actuar con una sincronía inusual.

Werner Herzog apartó a Bloom de la imagen de galán juvenil

La elección de Werner Herzog para el papel de Bloom respondió a una decisión deliberada. Durante la conferencia de prensa de Bucking Fastard, el cineasta explicó que quería alejarlo de la imagen con la que el público suele identificarlo.

“Quería llevarte muy lejos de aquello por lo que eres conocido”, le dijo Herzog al actor, según informó Deadline. El director se refirió a la condición de Bloom como galán juvenil y sostuvo que, en esta película, debía asumir un personaje muy distante de esa percepción.

Bloom interpreta a un vecino que intenta escapar de la fijación de Jean y Joan Holbrooke. Las dos mujeres se enamoran de él, comparten la relación y, después de la ruptura, enfrentan un proceso judicial. La película no reconstruye de forma literal el caso de las hermanas Chaplin, sino que transforma esa referencia en una historia de ficción ambientada en Irlanda.

En una entrevista con el diario italiano Il Messaggero, Bloom señaló que la propuesta de Herzog le provocó inquietud desde el primer momento porque entendió que no se trataba de “lo de siempre”. El actor definió el proyecto como una oportunidad para exigirse en un papel inesperado y lo describió como uno de los puntos más altos de su carrera.

El rodaje también expuso la diferencia entre los métodos de Herzog y los de las producciones de gran escala. Bloom contó que una de sus escenas más extensas, vinculada a una declaración ante un tribunal, quedó registrada en una sola toma. El actor se sorprendió cuando el director consideró que el material ya estaba listo, aunque luego volvió a filmar la secuencia.

Herzog explicó que la velocidad formaba parte del espíritu de la película. Bloom dijo que trabajar con él le resultó liberador y destacó la concentración que exige en el set: equipos reducidos, pocos ensayos y escasas repeticiones.

Kate y Rooney Mara llevaron su vínculo personal a los personajes

Kate y Rooney Mara encarnan a las hermanas Holbrooke, quienes comparten sueños, lapsus verbales y una relación afectiva con el mismo hombre. El título de la película deriva de una alteración involuntaria de palabras que, según las crónicas sobre las hermanas Chaplin, ambas pronunciaron al mismo tiempo en un tribunal.

Rooney Mara contó que al comienzo le resultó desafiante interpretar a un personaje que parece fundirse con el de su hermana. Sin embargo, explicó que la historia común entre ambas les permitió encontrar una dinámica natural durante el rodaje. La actriz sostuvo que su relación familiar les dio una base que no necesitaban construir desde cero frente a las cámaras.

La película presenta a Jean y Joan como dos personas que despiertan reacciones opuestas: algunos personajes intentan protegerlas, otros buscan apartarlas y otros aprovechan su singularidad. La mirada sobre ellas pasa por los tribunales, la prensa y la comunidad en la que viven.

La recepción en Venecia mostró el interés que generó el regreso de Herzog a la ficción. Según Deadline, Bucking Fastard recibió una ovación de siete minutos y medio después de su estreno mundial en la Sala Grande del Palacio del Cine.

El Festival de Venecia también abrió un debate sobre inteligencia artificial

La inteligencia artificial fue otro de los temas que atravesó la edición 2026 del Festival de Venecia, aunque no formó parte de la presentación de Bloom. El debate surgió a partir de las advertencias de George Clooney, quien recibió el León de Oro a la trayectoria durante la inauguración del certamen.

El actor y director estadounidense alertó sobre la dificultad creciente para diferenciar contenidos reales de materiales manipulados o generados mediante esa tecnología. En declaraciones recogidas por Reuters, Clooney sostuvo que los montajes falsos y los contenidos creados por inteligencia artificial pueden debilitar la confianza del público en la información.

También planteó que la expansión de estas herramientas afectará empleos de la industria audiovisual, sobre todo en áreas vinculadas con los efectos visuales. Sus palabras sumaron un debate industrial a una edición de Venecia marcada por estrenos de alto perfil y por la discusión sobre el futuro del cine.

Tras su paso por la Mostra, Herzog y Bloom tienen previsto presentar Bucking Fastard en el Festival de San Sebastián. Allí, el cineasta alemán recibirá el Premio Donostia, mientras que Bloom será el encargado de entregarle la distinción.

El Festival de San Sebastián acaba de anunciar uno de sus momentos más importantes, como es la lista completa de invitados para su 74ª edición, que reunirá 263 títulos procedentes de 47 países. Entre las presencias confirmadas figuran Orlando Bloom, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Ricardo Darín, Lali Espósito, Jeremy Irons, Rami Malek y Brad Pitt. El festival, que acostumbra a contar con grandes estrellas desfilando por su alfombra roja, contará este año con una larga lista de presencias tanto nacionales como sobre todo internacionales muy a tener en cuenta.

También acudirán a San Sebastián a presentar sus películas directoras y directores como Fatih Akin, Beth de Araujo, Lukas Dhont, Jesse Eisenberg, Nicole Garcia, Pablo Larraín, Diego Luna, Valentina Maurel, Martin McDonagh, Tsai Ming-Liang, Cristian Mungiu, Hans Peter Moland, Olivier Nakache y Eric Toledano, Pawel Pawlikowski, Ira Sachs y Andrey Zvyagintsev. Además, recibirán el Premio Donostia el cineasta alemán Werner Herzog, que presentará junto al actor Orlando Bloom su nuevo largometraje,Bucking Fastard,y la actriz Naomi Watts, protagonista de la películaThe Housewife(La esposa perfecta) dirigida por Ben Shirinian, a quien también acompañará la intérprete Lena Olin. Bloom entregará el Premio Donostia a Herzog y el cineasta J.A. Bayona, a Naomi Watts.

El cineasta alemán Werner Herzog y la actriz Naomi Watts recibirán este año el Premio Donostia, el máximo galardón honorífico del certamen. Herzog presentará junto a Orlando Bloom su nuevo largometraje, Bucking Fastard, mientras que Watts protagoniza The Housewife (La esposa perfecta), dirigida por Ben Shirinian. El Premio Donostia de esta edición reconocerá la trayectoria de Werner Herzog y de Naomi Watts. Bloom entregará la distinción a Herzog, mientras que el cineasta J.A. Bayona hará lo propio con Watts, quien estará acompañada en San Sebastián por la actriz Lena Olin. Fuera de esta categoría, la actriz Carmen Machi recibirá el Premio Nacional de Cinematografía durante las Galas RTVE.

Mucho más que Brad Pitt

La Sección Oficial a concurso reunirá a nombres como Fatih Akin, director de Geister / Ghost Song, y Jesse Eisenberg, que presentará su tercer largometraje como director, The Debut. La actriz Marion Cotillard acompañará a Nicole Garcia en 7h40 ce matin-là, mientras que Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant respaldarán Les Misérables, de Frédéric Cavayé. En la sección Perlak destaca la presencia de Ira Sachs, que además de presidir el jurado oficial viajará con Rami Malek y Tom Sturridge, protagonistas de The Man I Love. También participarán Lukas Dhont con Coward, Cristian Mungiu con Fjord y Andrey Zvyagintsev con Minotaur.

El cine latinoamericano tendrá presencia en prácticamente todas las secciones del certamen. En la Sección Oficial, Lali Espósito y Marcelo Subiotto participarán en el estreno de Glaxo, del argentino Benjamín Naishtat, mientras que Mercedes Morán y Dolores Fonzi respaldarán Mis muertos tristes, de Pablo Larraín. En Horizontes Latinos, el mexicano Diego Luna presentará Ceniza en la boca junto a Adriana Paz y Anna Díaz, y el paraguayo Marcelo Martinessi mostrará Narciso con Nahuel Pérez Biscayart. El actor Ricardo Darín acudirá a San Sebastián con Lo dejamos acá, de Hernán Goldfrid, película cuya imagen protagoniza el cartel oficial de esta edición.

Un jurado de renombre

El cine español tendrá una presencia amplia en la programación. En la Sección Oficial competirá Eduard Fernández como protagonista de El mal padre, de Roberto Bueso, junto a Mikel Gurrea con Sants y Javier Ruiz Caldera con 5 minutos más, esta última con Javier Cámara y Berto Romero. En la sección Made in Spain, Albert Serra inaugurará el apartado con Seize moments de ma vie. Penélope Cruz acudirá en calidad de estrella en La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, programada en Perlak, y también en The Invite, la película de Olivia Wilde que adapta la obra de Cesc Gay en Sentimental..

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el cineasta estadounidense Ira Sachs, que ya participó en esa misma sección con Love Is Strange (2014) y Little Men (2016). Lo acompañarán el director japonés Genki Kawamura, la guionista francesa Catherine Paillé, la actriz brasileña Alice Braga y la intérprete vasca Patricia López Arnaiz, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación por Los destellos (2024). Completan el jurado el actor sueco Bill Skarsgård, protagonista de It y Nosferatu, y el productor británico Mike Goodridge, quien ha trabajado en títulos como Club Zero y Ballad of a Small Player.

Hollywood suele exhibir lazos familiares conocidos, pero hay otro mapa de vínculos menos visible que también une a varias figuras del espectáculo: algunas de las celebridades más famosas tienen padrinos y madrinas que también son estrellas de primer nivel.

Entertainment Weekly reúne casos que cruzan generaciones y muestran cómo actores, músicos y modelos quedaron conectados por relaciones personales que nacieron mucho antes de sus carreras públicas.

1. Meryl Streep y Billie Lourd

La actriz Billie Lourd, conocida por trabajos en series y películas de terror y comedia, forma parte de una familia de peso en la industria. Es hija de Carrie Fisher y nieta de Debbie Reynolds, pero además tiene como madrina a Meryl Streep, una de las intérpretes más reconocidas del cine estadounidense.

La relación quedó expuesta en varias ocasiones. Según recordó Entertainment Weekly, cuando le preguntaron a Lourd qué significaba tener a Streep en ese rol, la actriz respondió con una frase breve que resumía el vínculo: “¡Es que es Meryl Streep!”. La conexión también se hizo visible en 2017, durante el homenaje a Fisher, donde Streep participó con una canción y un discurso.

2. Cicely Tyson y Lenny Kravitz

Antes de convertirse en una figura central del rock, Lenny Kravitz también creció con una madrina célebre. Se trató de Cicely Tyson, actriz nominada al Oscar y una de las artistas más influyentes de su generación.

Cuando Tyson murió en 2021, a los 96 años, Kravitz publicó un mensaje en el que describió la profundidad de esa relación. Allí sostuvo que la intérprete había tenido un papel constante en su vida desde la infancia y que, tras la muerte de su madre, esa presencia se volvió todavía más importante. En ese tributo también escribió que Tyson fue “una pionera” y una figura decisiva para varias generaciones.

3. Marisa Tomei y Zoë Kravitz

La red de vínculos siguió en la siguiente generación de la familia Kravitz. La actriz Zoë Kravitz tiene como madrina a Marisa Tomei, ganadora del Oscar por My Cousin Vinny.

El nexo entre ambas familias se remonta a los años en que Tomei trabajó junto a Lisa Bonet, madre de Zoë, en la comedia televisiva A Different World. Con el tiempo, la relación se mantuvo en el ámbito profesional y personal. Incluso que Tomei llegó a entrevistar a su ahijada para una publicación de moda en 2018, una señal de cercanía sostenida más allá de las apariciones públicas.

4. Henry Winkler y Bryce Dallas Howard

Entre los casos reunidos aparece otro vínculo construido a partir de una amistad de larga data en la televisión. Henry Winkler, recordado por Happy Days, fue elegido padrino de Bryce Dallas Howard, hija del actor y director Ron Howard.

En una entrevista citada por Entertainment Weekly, Howard habló sobre la influencia de Winkler y dijo que lo siente “como un padre”. La actriz destacó además su presencia constante, su humor y su capacidad de cuidado. El vínculo tiene una raíz clara: Winkler y Ron Howard compartieron trabajo durante años y sostuvieron esa cercanía fuera de cámara.

5. Joan Collins y Cara Delevingne

La relación entre Joan Collins y Cara Delevingne también aparece entre las más llamativas del listado. La actriz y escritora británica es madrina de la modelo y actriz, que además proviene de una familia conocida en el Reino Unido.

En 2015, Collins contó que su primer consejo para Delevingne fue que no se dedicara a la actuación. Después matizó esa frase y explicó que hablaba con ironía. Más tarde le dio una recomendación más concreta para trabajar frente a cámara: aprender las líneas y actuar con honestidad. La anécdota quedó como una muestra del tono directo con el que suele referirse a su ahijada.

6. Jamie Lee Curtis y Jake y Maggie Gyllenhaal

Otra figura que une linajes de Hollywood es Jamie Lee Curtis, hija de Janet Leigh y Tony Curtis. Sus ahijados son los hermanos Jake Gyllenhaal y Maggie Gyllenhaal, ambos con trayectorias consolidadas en el cine.

Curtis ha mostrado respaldo público a los dos en distintas ocasiones. Entertainment Weekly destaca una publicación de febrero de 2026, cuando compartió imágenes de ambos en un estreno en Londres y escribió un mensaje de apoyo a su “familia de creativos”. Maggie Gyllenhaal también explicó que Curtis vio un primer corte de una de sus películas y que desde entonces se mantuvo cerca del proyecto.

7. Steven Spielberg y Gwyneth Paltrow

La actriz y empresaria Gwyneth Paltrow pertenece a otra familia con larga trayectoria en la industria, como hija de Blythe Danner y el productor Bruce Paltrow. Sus padres eligieron como padrino a Steven Spielberg, uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo.

Ese vínculo tuvo consecuencias concretas en su carrera. Uno de los primeros papeles de Paltrow en el cine fue en Hook, dirigida por Spielberg en 1991. En un encuentro de la fundación de SAG-AFTRA en diciembre de 2025, la actriz aludió a esa cercanía con una frase irónica sobre las ventajas de haber nacido en una familia conectada con la industria. También señaló que el director y su esposa formaban parte del entorno familiar desde su infancia.

8. Elton John y Brooklyn y Romeo Beckham

En la familia Beckham también hay una figura de gran peso en el rol de padrino. Elton John es padrino de Brooklyn Beckham y Romeo Beckham, hijos de David Beckham y Victoria Beckham.

Entertainment Weekly recuerda que en agosto de 2026 Brooklyn fue fotografiado durante unas vacaciones en el sur de Francia junto a John, en medio de versiones sobre tensiones familiares. También menciona un episodio anterior, de 2018, cuando el músico participó en la celebración del cumpleaños número 16 de Brooklyn y cantó el tradicional saludo junto a la familia.

9. Dolly Parton y Miley Cyrus

Uno de los vínculos más conocidos del ambiente musical es el de Dolly Parton con Miley Cyrus, quien siempre habló de la cantante como una figura fundamental de su vida. Tras la muerte de Parton en agosto de 2026, Cyrus publicó un mensaje en el que describió el dolor por la pérdida y recordó conversaciones privadas que ambas habían compartido.

Entre las frases citadas por Entertainment Weekly, la cantante señaló que su madrina habría querido que transformara ese dolor en música y fortaleza. Días después del fallecimiento, Cyrus presentó su siguiente álbum, “Bass Persuades”, en una secuencia que dio nuevo contexto a ese homenaje personal.

10. Macaulay Culkin y Paris Jackson

La lista también incluye a Macaulay Culkin, elegido como padrino por Michael Jackson para su hija Paris Jackson. El lazo surgió de la cercanía que el actor mantuvo con el músico durante su infancia y adolescencia.

En una entrevista de 2018, Culkin dejó en claro que evita hablar en detalle sobre Paris y subrayó que es muy protector con ella. Aun así, Entertainment Weekly señala que colaboró en su carrera al ayudarla a llegar a una participación en American Horror Stories en 2021. Entre sus consejos actorales, le recomendó exagerar ciertos momentos para darles un tono más teatral.

George Clooney recibió el miércoles el León de Oro a la trayectoria en el Festival de Cine de Venecia, y aprovechó la conferencia de prensa previa a la ceremonia para analizar el rol cada vez más marginal que ocupan los grandes estudios en los certámenes cinematográficos internacionales.

El actor, ganador del Óscar, llegó al Lido en barco y respondió preguntas sobre la fusión entre Paramount y Warner Bros., las acusaciones de antisemitismo contra su colega Mark Ruffalo y su vínculo personal con la ciudad, donde se casó en 2014.

Consultado sobre la ausencia de producciones de grandes estudios en los principales festivales de este año —Cannes, Berlín y Venecia, que concentraron sus programas en cine internacional independiente—, Clooney admitió no haber registrado el fenómeno, aunque lo enmarcó en una tendencia de larga data.

“Se podría argumentar, y esto viene ocurriendo desde hace 25 o 30 años, es parte del trabajo que Steven Soderbergh y yo hacíamos cuando empezamos con la película de 1998 Out of Sight y películas similares, que los estudios producen cada vez menos películas que necesitan el lanzamiento de un festival de cine”, dijo el actor, en una industria que hoy depende en gran medida de la propiedad intelectual, los reboots y los proyectos de franquicia, según recogió The Hollywood Reporter.

“Las películas que producen los estudios son carísimas, así que creo que esta situación es simplemente la consecuencia de las películas que producen, pero esto viene ocurriendo, literalmente, probablemente desde Tiburón, cuando todo cambió”, explicó.

“Antes los estudios hacían Bonnie y Clyde y Todos los hombres del presidente. Ya no hacen muchas películas de ese tipo, así que no necesitan tanto esta plataforma de lanzamiento”, agregó Clooney, quien reconoció: “No sabía que ya no enviaban tantas películas”.

El actor, recordado por su trabajo en Ocean’s Eleven, Gravity y Michael Clayton, también tiene una faceta como director, con títulos como Good Night, and Good Luck (2005), que presentó en Venecia el mismo año de su estreno. Ante la pregunta de si volvería pronto a dirigir, Clooney fue franco sobre los motivos de su pausa:

“La única razón por la que no dirijo es porque tengo dos hijos de nueve años”, dijo en referencia a los gemelos que tiene con su esposa, la abogada Amal Clooney. “Para poder pasar tiempo con ellos, no puedo dirigir. Si actúo en una película, son tres meses, y puedo ir y venir. Cuando diriges una película, es un año, estés donde estés, y no hay viajes de ida y vuelta”, explicó.

El último proyecto que lo alejó de su familia por un período prolongado fue la adaptación teatral de Good Night, and Good Luck, que subió a un escenario de Broadway el año pasado. “Eso nos mantuvo a todos fuera por un tiempo. Y ya no puedo sacar a los niños de la escuela”, dijo.

Sobre el balance de su carrera como cineasta, Clooney se mostró filosófico: “He tenido experiencias maravillosas. He estado nominado al Óscar, y también he tenido experiencias muy malas, y no pasa nada. Eso es parte de contar historias. He hecho películas que la gente odió cuando se estrenaron, y ahora les gustan, y he hecho películas que gustaron en su momento, y ahora las ven y piensan que ya no funcionan”, reflexionó, y agregó que esa pausa como director le permitió “disfrutar” de volver a actuar: “Ahora soy un actor de carácter”.

La conferencia de prensa tocó también temas ajenos al cine. Clooney, activista de larga data en derechos humanos y concienciación climática, lamentó que “la mayoría de las potencias mundiales han decidido que el cambio climático es un engaño y que la ciencia no es real”.

Pese a ello, se mostró optimista: “Eso no durará para siempre”, aunque reconoció el impacto de los incendios forestales que afectaron a Europa este verano. “Estuvimos en Como este verano, y hubo incendios. Ha sido un verano extraordinariamente seco y caluroso, y es peligroso”, señaló, en referencia al lago italiano donde reside parte del año.

El actor respondió con humor a quienes niegan el fenómeno climático. “Digamos que todos los que dicen que el cambio climático es una tontería tienen razón”, planteó.

“Lo peor que podría pasar al limpiar el medio ambiente es que se creen millones de empleos verdes y que el aire sea más limpio. No hay argumentos en contra. Esa es la parte más absurda de todo esto”, sostuvo, y cerró con una nota de cautela: “Vamos a estar lidiando con esto durante un tiempo, y tarde o temprano tendremos gobiernos que le presten más atención”. El Festival de Cine de Venecia se celebra este año del 2 al 12 de septiembre.

La proporción de mujeres que crean series de televisión en plataformas de streaming cayó del 36% al 24% en un solo año, un retroceso que sitúa la cifra por debajo de los niveles registrados hace casi una década, entre 2017 y 2018. El dato surge del último informe de “Boxed In”, publicado el martes y elaborado por la Dra. Martha Lauzen, directora ejecutiva del Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego, según recogió The Hollywood Reporter.

El estudio analizó más de 2.500 personajes y más de 3.600 créditos técnicos correspondientes a la temporada televisiva 2025-26, y detectó que el salto registrado el año anterior —cuando la proporción de creadoras en streaming había subido del 27% al 36%— fue un repunte puntual y no el inicio de una tendencia sostenida.

“El número de mujeres que crean programas en ambas plataformas es ahora inferior al de hace casi una década”, afirmó Lauzen según declaraciones recogidas por la publicación. En la televisión abierta, la caída fue más moderada: del 20% al 19% entre una temporada y la siguiente.

El retroceso se repite en los puestos de dirección. El porcentaje de mujeres que dirigieron proyectos de streaming bajó del 32% al 22% entre 2024-25 y 2025-26, tras el repunte transitorio registrado el año previo, cuando la cifra había llegado al 23%. En la televisión abierta, la proporción de directoras pasó del 18% al 16% en el mismo período.

El informe llega pocos meses después de que The Hollywood Reporter publicara en junio un artículo sobre la falta de avances en los puestos técnicos ocupados por mujeres en la industria. Aquel trabajo surgió a partir de la circulación en redes sociales de un video del rodaje de la tercera temporada de Euphoria, protagonizada por Sydney Sweeney, en el que los espectadores señalaron que la mayoría del equipo técnico visible en las imágenes estaba compuesto por hombres, mientras la actriz aparecía sentada en una postura sugerente.

La reducción no se limita a los puestos detrás de cámara. El estudio detectó también una caída en la proporción de personajes femeninos en roles protagónicos: en las plataformas de streaming, las mujeres representaron el 44% de los papeles principales en 2025-26, frente al 49% de la temporada anterior. En la televisión abierta, la cifra bajó del 47% al 46% en el mismo período.

El informe identificó además una disparidad persistente en la representación de la edad según el género. Tanto en streaming como en televisión abierta, la mayoría de los personajes femeninos con diálogo tenían entre 20 y 30 años, mientras que la mayoría de los masculinos se ubicaban entre los 30 y 40.

El número de personajes femeninos cae de forma pronunciada al llegar a los 30 y 40 años, mientras que sus contrapartes masculinas recién muestran una caída sustancial a partir de los 50.

“El énfasis en la juventud de la mayoría de los personajes femeninos resalta su apariencia, mientras que los hombres pueden envejecer de forma creíble hasta alcanzar posiciones de poder personal y público, normalizando la percepción de que los hombres son naturalmente más poderosos que las mujeres”, explicó Lauzen.

La investigadora citó como excepciones a la regla los papeles interpretados por Kathy Bates en Matlock y Jean Smart en Hacks, personajes complejos que, según señaló, “siguen siendo la excepción, no la regla, para las mujeres en la televisión”.

El informe “Boxed In” analizó a lo largo de sus 27 ediciones más de 65.000 personajes y más de 80.000 créditos técnicos en series dramáticas, comedias y programas de telerrealidad originales desde la temporada 1997-98, con el objetivo declarado de mantener un registro histórico de la representación y el empleo femenino en la televisión estadounidense.

Salma Hayek convirtió la alfombra roja en un espacio de afirmación personal. Al cumplir 60 años este miércoles, la actriz mexicana conserva una fórmula que nunca buscó la discreción: vestir para destacar, con referencias al glamour clásico y una atención constante a los detalles.

Desde sus primeros años en Hollywood, cuando debió resolver sus apariciones con recursos propios ante la falta de apoyo de grandes firmas, hasta su vínculo actual con casas como Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, construyó un estilo reconocible: siluetas ceñidas, corsetería, transparencias, escotes, bordados y colores intensos.

Una identidad de moda basada en la silueta y el contraste

Su estilo se sostiene en una combinación de sofisticación y presencia. Sus elecciones suelen privilegiar prendas que acompañan la figura, definen la cintura y dirigen la atención hacia el escote, los hombros o el rostro. Esa continuidad le da una línea reconocible, incluso cuando cambia de registro entre una gala y una salida cotidiana.

La silueta funciona como el eje de su vestuario. En lugar de diluir las formas con volúmenes excesivos, suele inclinarse por cortes que ordenan el conjunto y mantienen una apariencia definida. Ese criterio aparece tanto en propuestas de mayor formalidad como en combinaciones más relajadas, donde conserva el interés por la proporción entre las prendas.

Otro rasgo de su imagen es el uso de materiales con presencia visual. Brillos, texturas, superficies metálicas o detalles que aportan relieve forman parte de una manera de vestir que no depende únicamente del corte. La ropa adquiere así una dimensión ornamental, aunque el resultado se mantiene centrado en una silueta estructurada.

El color también le permite modificar el tono de cada aparición. La referente del talento latino en Hollywood alterna neutros, tonos oscuros, acabados metálicos y colores intensos, con contrastes que introducen dinamismo en prendas de líneas clásicas. Esta elección evita que su estilo quede limitado a una sola fórmula y le permite transitar entre códigos sobrios, formales y más expresivos.

La comodidad urbana conserva una estética definida

Fuera de los eventos formales, la nacida en Veracruz traslada su interés por la proporción a un vestuario más funcional. La elección de prendas de líneas simples, como camperas, blusas y pantalones de denim, muestra una forma de vestir que prioriza la comodidad sin abandonar la definición de las formas.

En estos conjuntos, los detalles cumplen una función de orden: botones metálicos, cinturones visibles y calzado oscuro completan combinaciones de tonos sobrios. La presencia de anteojos de sol grandes introduce además un elemento de diseño marcado y refuerza una apariencia urbana en sus looks.

La paleta de Salma Hayek no se limita a los negros, blancos o tonos metálicos asociados a las celebraciones nocturnas. También incorpora verdes intensos, rojos y combinaciones florales que alteran el registro de prendas de corte estructurado.

El uso de colores saturados le permite apartarse de una interpretación rígida de la sastrería. Un conjunto de líneas tradicionales puede adquirir otra lectura cuando suma estampados y contrastes cromáticos, con la prenda estructurada como base y el color como elemento de variación.

Esta manera de combinar tonos responde a una búsqueda de equilibrio. Cuando una pieza concentra el protagonismo por su color o su estampado, los demás elementos acompañan esa decisión mediante gamas relacionadas o contrastes definidos, sin que el conjunto pierda unidad visual.

El maquillaje y el cabello acompañan cada look

El maquillaje forma parte de la construcción de su imagen. Los labios rojos, las sombras cálidas y las cejas definidas se integran a un estilo en el que el rostro mantiene un lugar central, sobre todo cuando el atuendo deja despejados el cuello, los hombros o el escote.

El peinado cambia según el contexto. Las ondas marcadas ofrecen una opción más suelta para apariciones menos formales, mientras que los moños altos y otros recogidos ordenan el rostro y acompañan los conjuntos de mayor elaboración.

La aparición de canas visibles suma un matiz distinto a esa imagen. En lugar de ocultarlas de forma sistemática, las incorpora en algunas ocasiones como parte de un aspecto que combina cuidado estético, cambios de peinado y una presentación menos uniforme.

En las apariciones de gala, los accesorios adquieren peso propio. Recurre a collares con piedras de gran tamaño, pendientes colgantes y anillos voluminosos para completar prendas que ya incorporan brillo, textura o detalles metálicos.

La joyería no aparece como un agregado aislado. Las piedras verdes, los metales y los acabados luminosos establecen relaciones con los tonos de los vestidos, los bolsos o el maquillaje. Así, los complementos pueden acompañar la gama cromática dominante o introducir un contraste puntual.

Los bolsos pequeños, de mano o tipo clutch, responden al mismo criterio. Las superficies satinadas, rígidas o metálicas mantienen una escala adecuada para la noche y suman textura sin modificar la estructura general del estilismo.

En contextos menos formales, los complementos cumplen una función distinta. Las gafas de sol de gran tamaño, los aros dorados y los bolsos estructurados introducen definición en conjuntos de líneas más directas, sin depender de piezas de joyería de gran volumen.

El calzado también ocupa un lugar visible. Las sandalias de plataforma y los tonos metálicos añaden altura y brillo, mientras que los zapatos oscuros se integran a combinaciones más prácticas.

Los bolsos negros estructurados y las carteras plateadas con textura brillante muestran dos alternativas dentro de esa misma lógica. Unos sostienen una apariencia más sobria; otros suman luz a prendas de color oscuro mediante un acabado que se diferencia del resto del atuendo.

Hoy, a los 60, Salma Hayek no muestra una ruptura con la imagen que construyó a lo largo de los años, sino una continuidad cada vez más definida. Entre siluetas estructuradas, recursos clásicos del glamour y elecciones que sostienen su identidad visual, su estilo reafirma una presencia reconocible dentro y fuera de la alfombra roja.

Una semana después de la muerte de Dolly Parton, su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood fue retirada para ser reemplazada tras un acto de vandalismo que dejó rayones oscuros sobre el nombre de la cantante.

El episodio ocurrió en Los Ángeles, sobre la estrella ubicada en el 6712 de Hollywood Boulevard, donde en los días posteriores al fallecimiento de la artista se había formado un memorial con flores, tarjetas y otros homenajes.

De acuerdo con Ana Martinez, vocera de la Cámara de Comercio de Hollywood, las tareas de reparación ya estaban previstas porque la placa presentaba fisuras previas.

Según explicó Martinez en declaraciones recogidas por ABC7, el lugar había sido despejado para avanzar con esos trabajos cuando alguien rayó el nombre de la cantante.

Las imágenes difundidas en redes sociales mostraron varias marcas oscuras sobre la inscripción, con un daño que, de acuerdo con Billboard, no parecía aleatorio.

Un video de una fan registró los daños

Una mujer identificada como Lore Corona publicó un video en redes sociales en el que mostró el estado de la estrella poco antes de dejar flores junto a sus hijas.

“Alguien decidió hacer esto unos 10 minutos antes de que llegáramos”, afirmó.

Corona agregó en la descripción del video que un trabajador de limpieza presente en la zona le contó que una mujer pateó las velas dejadas en el memorial y que luego habría usado fragmentos de una de ellas para rayar la superficie.

En el mismo texto, relató que otro hombre se robó las flores que estaban en el lugar, informó The Hollywood Reporter.

El recambio de la placa estará listo el 4 de septiembre

El Hollywood Historic Trust, entidad que concede y mantiene las estrellas del paseo, señaló en una publicación de Instagram que se sentía “orgulloso de honrar el legado de Dolly Parton con el reemplazo de su estrella”.

Al mismo tiempo, anunció que la nueva placa estará disponible para el público este viernes 4 de septiembre.

La artista había recibido la estrella el 14 de junio de 1984, en una ceremonia compartida con Sylvester Stallone durante la promoción de la película Rhinestone. Ese reconocimiento fue el que resultó dañado y luego retirado, reportó Billboard.

Parton recibió una segunda estrella en 2018 junto a Emmylou Harris y Linda Ronstadt por su trabajo en el grupo informal Trio.

Tras su fallecimiento, Dolly Parton recibió tributos masivos y un récord de escuchas

Dolly Parton murió en Nashville el martes 25 de agosto, a los 80 años. Su deceso fue comunicado por su sobrino en un emotivo video en redes sociales, sin precisar la causa de muerte.

Posteriormente, sus representantes revelaron a la revista PEOPLE que la artista enfrentó una “breve lucha contra el cáncer”, aunque no se especificó el tipo.

En el mismo mensaje, su equipo escribió: “Nuestra querida Dolly Parton dedicó su vida y su carrera a brindar alegría, risas, esperanza e integridad a todo lo que tocaba. Su generosidad sin igual llegó a la vida de innumerables personas a las que nunca conoció, pero siempre estuvo dispuesta a ayudar”.

Tras conocerse la noticia, colegas, excompañeros de trabajo y amistades de larga data homenajearon a la artista country, entre ellos Miley Cyrus, Taylor Swift, Jane Fonda, Celine Dion, Beyoncé, Reba McEntire y Kevin Costner.

Asimismo, según datos de Luminate difundidos por Associated Press, un día después de su fallecimiento, su catálogo alcanzó 79,7 millones de reproducciones globales de audio bajo demanda y se convirtió en la artista más escuchada del mundo.

A los 89 años, Morgan Freeman vuelve a poner sobre la mesa una pregunta que excede a las celebridades: qué significa envejecer cuando el trabajo no se vive solo como obligación, sino también como identidad, rutina y propósito.

En una entrevista con The New York Times, el actor rechazó la idea de la jubilación y resumió su postura con una advertencia tajante: “Si dejas de sentirte válido, tu salud mental y física caerá en picada”.

La definición no solo explica su presente profesional. También ofrece una entrada concreta a un debate más amplio y vigente: el del envejecimiento activo, los sentidos del retiro y el lugar que ocupa el trabajo en la vida de quienes no están dispuestos a correrse solo por una cuestión de edad.

En el caso de Freeman, esa discusión adopta una forma personal y directa: seguirá adelante mientras pueda levantarse cada mañana y afrontar un nuevo día.

Lejos de presentar la continuidad laboral como una imposición, el actor la describe como una elección. En su mirada, mantenerse activo no equivale simplemente a seguir ocupado, sino a preservar una forma de estar en el mundo.

Ahí está el núcleo de su posición: no se trata solo de no jubilarse, sino de no aceptar que la vejez implique, de manera automática, retirada, pasividad o pérdida de sentido.

Una idea de vejez que discute con el retiro tradicional

La posición de Freeman dialoga con una sensibilidad cada vez más visible en figuras públicas de edad avanzada que rechazan la idea de que envejecer suponga desaparecer de la vida profesional.

En su caso, esa convicción aparece asociada menos a la necesidad económica que a una filosofía personal. Su continuidad no se presenta como resistencia ciega al paso del tiempo, sino como una forma de sostener disciplina y deseo de hacer.

Ese punto es el que vuelve relevante su testimonio: incluso con una carrera consagrada, prestigio y estabilidad económica, Freeman no organiza su vejez alrededor de la retirada. Organiza, en cambio, una defensa de la actividad como forma de autonomía.

La pregunta que sobrevuela sus declaraciones —qué harían otros en su lugar, aun teniendo éxito y dinero— ayuda a correr la conversación del caso individual y la conecta con una inquietud más amplia sobre cómo se piensa hoy el envejecimiento.

Inspiración y filosofía ante la vejez: el ejemplo de Clint Eastwood

Freeman reconoce la influencia de Clint Eastwood en su mirada sobre el trabajo y el envejecimiento. “Soy como Clint Eastwood: no dejes entrar al viejo”, asegura, y adopta esa máxima como una forma de encarar la vida. “Hay que seguir trabajando”, agrega.

La frase funciona en el texto no solo como guiño entre actores veteranos, sino como síntesis de una ética personal: aceptar el paso del tiempo sin convertirlo en una renuncia anticipada.

“Si puedes levantarte de la cama y no te te caes al hacerlo, das las gracias y sigues adelante”, plantea Freeman, y expone así una lógica concreta. No niega la edad ni fantasea con una juventud intacta; más bien fija un criterio práctico para seguir en actividad mientras se sienta en condiciones.

En esa línea, insiste: “Así que trabajaré todo el tiempo que pueda... mientras alguien me diga: ‘¿Quieres hacer este papel?’”. Más que una consigna motivacional, aparece una idea de trabajo como continuidad vital.

Seguir activo, pero con límites asumidos

Uno de los aspectos más atendibles de su planteo es que no elimina la noción de límite. Con humor y realismo, Freeman reconoce que la edad delimita los papeles a los que puede aspirar: “Estoy rozando los 90, así que los papeles que me gustaría interpretar los acabará haciendo Denzel Washington”, bromea.

Ese reconocimiento introduce un matiz importante: seguir trabajando no significa negar las restricciones del tiempo. Por un lado, Freeman rechaza la jubilación como retiro pasivo; por otro, acepta que el envejecimiento modifica las posibilidades concretas de su carrera.

Esa combinación vuelve más interesante su postura, porque evita tanto el discurso épico como la victimización. No se trata de desafiar a la edad como si no existiera, sino de seguir activo dentro de un marco de posibilidades distinto.

Ya es abuela. Hace apenas unos días, Salma Hayek confirmó con un video publicado en sus redes sociales que había nacido su primer nieto, François, fruto de la unión de su hijastro François Pinault Jr y la condesa Lara Cosima Henckel von Donnersmarck. Y sí: el tiempo pasa para todos. Incluso, para las estrellas de Hollywood. Sin embargo, la actriz y productora mexicana, que este miércoles 2 de septiembre está cumpliendo 60 años, sigue tan vigente y radiante como siempre.

Casada desde 2009 con el empresario François-Henri Pinault, con quien tuvo a su hija Valentina Paloma Pinault, de 18 años, Salma disfrutó siempre de la familia que ensambló con su marido. Y, por eso, este momento termina siendo trascendental en su vida. “Siempre quise tener muchos hijos y no pude. Mi cuerpo, como un milagro, tuvo uno. La enorme bendición que he tenido es que mi esposo tiene otros tres hijos. Así que tengo cuatro y todos son muy diferentes”, declaró en una entrevista.

Sin lugar a dudas, la actriz logró llegar a las seis décadas de la manera más plena. Por un lado, su presente personal no podría ser más óptimo, ya está feliz junto al hombre que ama. Pero, por el otro, su carrera profesional ha marcado un antes y un después en la industria cinematográfica estadounidense, porque quizá sin proponérselo le ha abierto las puertas a muchísimas figuras de Latinoamérica gracias a su consolidación en más de 30 películas.

Nació en Coatzacoalcos, en Veracruz, como Salma Valgarma Hayek Jiménez. Su padre, Sami Hayek Domínguez, era un empresario de origen libanés y, su madre, Diana Jiménez Medina, una cantante de ópera con ascendencia española. Pero ella siempre supo que quería ser actriz. Por eso, aunque se anotó en la carrera de Relaciones Internacionales en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México, no tardó mucho en dejar sus estudios académicos para dedicarse a los escenarios.

Tenía apenas 23 años cuando se le abrieron las puertas de la televisión. Su primer protagónico fue en la telenovela Teresa, de Televisa, que se convirtió en un verdadero suceso nacional. Así, su rostro imponente terminó seduciendo a todo el país, que se paralizaba frente al televisor cada día para verla. Desde entonces, estuvo claro que Salma tenía pasta de estrella. Y, en 1991, tomó la difícil decisión de ir a probar suerte a Los Ángeles.

Eran otros tiempos. Y, para una mujer latina, las posibilidades de ser tenida en cuenta por los grandes directores eran muy escasas. Salvo si se trataba de papeles secundarios, marginales y cargados de estereotipos. Sin embargo, ella no se amedrentó. Primero se encargó de perfeccionar su inglés. Y, después, se puso a tomar clases de actuación con la maestra Stella Adler. El esfuerzo valió la pena porque, en 1995, fue elegida por Robert Rodríguez para protagonizar el film Pistolero junto a Antonio Banderas. Y, desde entonces, no paró de trabajar.

Sin embargo, había algo que no terminaba de conformarla. Hayek sentía que los papeles que le proponían no eran demasiado profundos. Y quiso ir por más. Así que, en 1999, fundó su propia productora: Ventanarosa. Entonces puso manos a la obra. No le resultó nada fácil conseguir el financiamiento necesario. Pero, en 2002, estrenó Frida, el film sobre la vida de la pintora mexicana Frida Kahlo, que se convirtió en un éxito de taquilla y terminó de consagrarla como una referente de Hollywood. La película obtuvo seis nominaciones a los premios Oscar, incluida la de Salma como Mejor Actriz lo que implicaba un gran reconocimiento.

Fue entonces cuando, ya instalada a nivel profesional, en 2006 Hayek conoció al empresario francés, ligado a marcas de lujo como Gucci, Balenciaga y Saint Laurent, de quien se enamoró perdidamente. Él ya tenía tres hijos, François y Mathilde de su matrimonio con Dorothée Lepère y Augustin James de su relación con la modelo Linda Evangelista. Juntos trajeron al mundo a su hija -la única de la actriz- en 2007. Y, dos años más tarde, se casaron en París en el Día de San Valentín para, meses después, festejar a lo grande en el Teatro La Fenice de Venecia.

“Mucha gente se quedó muy sorprendida de que me casara con quien me casé. Y algunas personas se sienten intimidadas por mí ahora”, dijo la actriz al ser consultada sobre los comentarios perspicaces de quienes la señalaban por haber contraído enlace con un hombre de fortuna. Pero lo cierto es que Salma siempre mantuvo su autonomía financiera. Y dejó en claro que estos comentarios tenían que ver con otra forma de discriminación, ya que quienes los realizaban no podían soportar que una mexicana lograra el estilo de vida que ella había alcanzado.

Lo cierto es que, ahora que llegó a la madurez, Salma también se ve obligada a luchar contra los cánones de belleza que parecen señalar el paso del tiempo como algo inadmisible. Y más, para las mujeres. Por eso, sostiene que prefiere “sentirse joven” en lugar de “parecer joven”, dejando en claro que no piensa librar una batalla que está perdida de antemano. Se cuida, sí, sobre todo la piel. Pero no se obsesiona por lo que le devuelve el espejo. “Hubo un tiempo en el que yo era la chica sexy. Pero gracias a Dios la edad llegó y me dio la capacidad de expandirme en otros territorios. Aunque sigo siendo sexy y me fascina”, declaró sin tapujos.

Hoy, Hayek sigue muy activa y se prepara para protagonizar el film Without Blood, bajo la dirección de su amiga Angelina Jolie. Disfruta de su relación con su hija adolescente, con la que la une una excelente conexión. “Ella sabe que puede decirme cualquier cosa. No siente que tenga que contenerse ni que vaya a ser juzgada. Puede gastarme bromas y ser ella misma. Es muy divertida… Es maravilloso poder hacer cosas juntas, pasarlo bien y disfrutar de ser madre e hija”, explica. Y, además de seguir felizmente casada, hoy se da el gusto de malcriar a Panchito, como rebautizó a su flamante nieto.

Microsoft abriría las puertas de Hollywood a sus franquicias de videojuegos más valiosas, con un plan que busca llevar numerosos títulos de Xbox a la gran pantalla y la televisión.

La estrategia de la compañía, que apunta a acuerdos exclusivos con un único estudio cinematográfico o plataforma de streaming, podría marcar un giro en la manera en que la marca se posiciona en la industria del entretenimiento audiovisual. De prosperar, la iniciativa influiría tanto en el destino de sagas populares como en el futuro de proyectos ya anunciados.

El plan de Microsoft para adaptar sus videojuegos a cine y TV

Según la publicación Puck, Microsoft evalúa un cambio de enfoque radical respecto a la explotación audiovisual de sus propiedades intelectuales. A diferencia de Sony y Sega, que optan por licenciar sus franquicias a diferentes productoras, la propuesta de la compañía sería firmar un acuerdo global con un único estudio.

Ahora bien, esta fórmula incluiría más de una docena de títulos emblemáticos, entre los que se mencionan nombres como Halo, Diablo y World of Warcraft.

El acuerdo no solo implicaría una cesión de derechos, sino que también exigiría un compromiso financiero considerable por parte del socio seleccionado. Gizmodo señaló que la cifra superaría los 300 millones de dólares, lo que convierte la negociación en una de las más ambiciosas de la industria reciente.

Aunque ya habría habido interés por parte de grandes estudios como Netflix, Paramount y Universal, al menos uno de ellos habría considerado que el precio es demasiado alto, sin que se revelen más detalles.

Hasta ahora, Xbox ha avanzado lentamente en este terreno si se compara con la competencia. Proyectos anunciados como la película de Gears of War o la serie de Grounded no han llegado aún al público. De concretarse el acuerdo, la estrategia modificaría el rumbo de la marca en Hollywood y crearía una nueva vía de acceso a las audiencias.

Incertidumbre sobre los proyectos de Xbox

El potencial pacto de exclusividad genera preguntas sobre el destino de adaptaciones ya previstas o en desarrollo. Por ejemplo, la película de Call of Duty, que Paramount planea estrenar en 2029, y la serie Fallout, que tendría tres temporadas en Prime Video, podrían verse afectadas por el nuevo enfoque.

Además, títulos como Overwatch estuvieron cerca de tener su propia serie, mientras que desde Bethesda, Todd Howard se ha mostrado abierto a una adaptación de Elder Scrolls.

El caso de Halo, que cuenta con una serie ya estrenada, también entra en la discusión. La posibilidad de que quede fuera de los futuros planes audiovisuales es una incógnita, dado que el nuevo esquema centralizaría la gestión de las franquicias bajo un solo paraguas.

Puck señala que el contexto actual para Xbox no es sencillo. En medio de noticias sobre despidos y llamados a boicots, la apuesta por Hollywood aparece como una jugada para reposicionar la imagen pública de la marca. Sin embargo, persiste la duda sobre cuántas de estas franquicias y estudios sobrevivirán hasta que los proyectos lleguen realmente a materializarse.

Impacto en la estrategia de relaciones públicas de Xbox

El giro hacia las producciones audiovisuales llega en un momento en el que Xbox busca recuperarse de una década que no ha sido favorable. La compañía enfrenta desafíos internos y externos, lo que hace que el éxito de este plan tenga implicaciones tanto económicas como simbólicas.

El acuerdo con un gran estudio no solo podría revitalizar el interés por las franquicias de Xbox, sino también redefinir la relación entre el sector de los videojuegos y el cine.

En términos de relaciones públicas, la maniobra apunta a reposicionar la marca ante su audiencia y el mercado. Las adaptaciones audiovisuales pueden funcionar tanto como un motor de ingresos como una herramienta para ganar legitimidad cultural, aunque el resultado dependerá de la ejecución y del interés que logren despertar los títulos seleccionados.

Tenoch Huerta se une al elenco de Copperhead, un thriller policiaco que reunirá al actor mexicano con Jason Momoa, Adria Arjona y Kiefer Sutherland, según reportó Deadline. La producción, protagonizada por Miles Teller, comienza rodaje este septiembre en Oklahoma y ya genera expectativa antes de su llegada al mercado de ventas del Festival de Toronto.

Este thriller ha despertado grandes expectativas en la audiencia, ya que será dirigido por John Swab, un cineasta reconocido por sus descarnados dramas criminales y de acción, como King Ivory.

De qué trata “Copperhead”: El thriller policíaco donde actuará Tenoch Huerta

Copperhead narra la historia de un detective veterano que se ve obligado a colaborar con un joven agente federal después de que una operación encubierta de narcotráfico termina en violencia. Juntos deben desentrañar una conspiración interna dentro de su propia unidad especial de élite.

La cinta está ambientada en el oeste de Texas y se perfila como una mezcla entre Sicario y Training Day, de acuerdo con el sitio especializado Moviz Ark. El guion corre a cargo de Chad Feehan y J. Todd Scott, este último también involucrado en el spin-off de Yellowstone llamado Dutton Ranch.

El proyecto tiene un presupuesto estimado de 39.7 millones de dólares y ya calificó para el incentivo fiscal del estado de Oklahoma, según datos de la Oficina de Cine y Música de esa entidad citados por Yahoo Entertainment. El rodaje se extenderá del 17 de agosto al 9 de octubre.

John Swab dirige con Black Label Media como productora

La dirección queda en manos de John Swab, ganador en 2024 del premio “Ambassador of Hope” de la Fundación Smithers en el Festival de Venecia por su película King Ivory. Swab también dirigió el thriller Tulsa King y tiene experiencia previa en historias de crimen organizado.

Black Label Media, la compañía detrás de éxitos como La La Land y Sicario, financia y produce la cinta junto con Lime Tree Productions —de Teller— y Milk Boy, la productora del propio Swab. CAA Media Finance y WME Independent representan los derechos domésticos del proyecto.

Los detalles sobre los personajes que interpretarán Tenoch Huerta, Jason Momoa, Arjona y Sutherland permanecen en secreto. El anuncio del elenco ampliado se dio a conocer justo antes del arranque del Festival de Toronto, donde la distribuidora Black Bear iniciará las negociaciones de venta del filme.

Tenoch Huerta acumula una carrera que va de Sin Nombre a Marvel

Tenoch Huerta debutó en cine en 2006 con un papel menor en Así del precipicio. Su primer papel relevante llegó en 2009 con Sin Nombre, de Cary Joji Fukunaga, donde interpretó a “Lil’ Mago”, líder de una facción de la Mara Salvatrucha.

El actor mexicano construyó su carrera con trabajos como Güeros (2014), Días de gracia (2011) y una participación en Spectre (2015), la cinta de James Bond. En televisión destacó su papel como Rafael Caro Quintero en Narcos: México, serie que interpretó entre 2018 y 2020.

En 2022 llegó su salto definitivo al cine de superhéroes: Huerta dio vida a Namor en Black Panther: Wakanda Forever, de Ryan Coogler, convirtiéndose en el primer actor mexicano en interpretar a un superhéroe dentro del Universo Cinematográfico de Marvel. El papel le valió el premio NAACP Image Awards a mejor actor de reparto en 2023.

El actor interpretará de nueva cuenta a Namor en Avengers: Doomsday, dirigida por los hermanos Russo y programada para este 2026. También participó en Pedro Páramo (2024), adaptación de Rodrigo Prieto de la novela de Juan Rulfo, donde interpretó a Juan Preciado.

Entre sus proyectos más recientes figura Caught Stealing (2025), de Darren Aronofsky, donde compartió elenco con Austin Butler y Zoë Kravitz. También formó parte de Las muertas, miniserie de Netflix dirigida por Luis Estrada basada en la novela de Jorge Ibargüengoitia, donde interpretó a un reportero de la revista Alarma!.

En octubre de 2025 se confirmó su participación en Eleven Days, thriller carcelario dirigido por Peter Landesman ambientado en Texas. El proyecto marca su reencuentro profesional con Diego Luna, con quien ya había trabajado en Narcos: México.

En una entrevista con GQ, el actor británico habló del rodaje de la nueva película del universo de Batman, del desgaste físico que le exige el papel y de su participación en varios estrenos previstos para 2026.

Pattinson dijo que el rodaje de la secuela de Batman le exige más físicamente

Instalado en Londres hasta fin de año, Robert Pattinson aseguró que la secuela de The Batman avanza en medio de una producción extensa. “Va bien”, señaló el actor en declaraciones recogidas por GQ, antes de describir el impacto físico de volver a las escenas de acción. “Definitivamente siento la edad cuando tengo que pelear mucho”, afirmó.

Pattinson agregó que el trabajo se volvió más demandante con el paso del tiempo. “La verdad, esto es bastante más duro de lo que era antes”, sostuvo, aunque aclaró que sigue disfrutando del proceso. Según dijo, la nueva película “va a ser bastante buena” y contará con “un elenco realmente muy divertido”.

La entrevista también abordó una filtración reciente desde el set, en la que se veía a una figura en motocicleta sobre nieve. En un primer momento, el actor sugirió que podía tratarse de un doble, pero enseguida ironizó y terminó admitiendo entre risas que sí era él. La escena, según el intercambio, estaría vinculada con el alter ego conocido como “the Drifter”.

El actor encadena cuatro películas y dice que no había trabajado así antes

Además de la secuela de Batman, Pattinson repasó un calendario de trabajo que definió como inusual incluso para su carrera. “Literalmente no paré desde después de las huelgas de actores y guionistas”, dijo al referirse al período posterior al conflicto en Hollywood.

Entre los títulos mencionados aparecen The Drama, The Odyssey, Primetime y Dune: Part Three. El actor explicó que, tras la caída de un proyecto que desarrollaba con Adam McKay, atravesó un tiempo de revisión personal sobre el tipo de trabajos que quería aceptar. A partir de ahí, aseguró, decidió dejar de priorizar el tamaño comercial de las producciones o la centralidad de sus personajes.

Según contó, ese cambio de enfoque derivó en una seguidilla de proyectos que terminaron superponiéndose. Tras incorporarse a Die My Love, dirigida por Lynne Ramsay, enlazó un rodaje con otro casi sin pausa. “No me importa hacer grandes películas o papeles protagónicos. Voy a dedicarme a hacer cosas que me resulten interesantes”, explicó en la entrevista.

El resultado, dijo, fue una agenda que incluyó traslados inmediatos entre sets y la preparación simultánea de varias películas. “Cuando termine todo esto, definitivamente me voy a tomar unas vacaciones”, comentó.

“Primetime” fue el proyecto en el que también asumió un rol de productor

En la conversación con GQ, Pattinson se detuvo especialmente en Primetime, una película a la que se sumó primero como productor y luego también como actor. Explicó que se interesó por el primer borrador del guion y que vio en Lance Oppenheim al director adecuado para llevar adelante la historia.

El actor describió la película como un proyecto arriesgado y poco convencional, y remarcó el grado de compromiso del equipo. Según relató, fue la primera vez que produjo una obra “desde el comienzo” y que el trabajo se sostuvo de forma verdaderamente colectiva. Recordó, incluso, que pasó un día de Navidad en una videollamada de ocho horas con Oppenheim y el guionista Ajon Singh para llegar a tiempo con la preparación antes de iniciar el rodaje en enero.

Ese nivel de involucramiento, explicó, volvió a Primetime una experiencia distinta dentro de su carrera reciente. También señaló que le genera curiosidad la reacción que tendrá el público frente al resultado final.

Su imitación de Chris Hansen surgió de escuchar un podcast sobre viejos casos

Otro de los puntos más llamativos de la entrevista fue la preparación vocal para interpretar a Chris Hansen. Pattinson, conocido por modificar con detalle su voz en varios papeles, sostuvo que este trabajo fue particularmente complejo.

“Es una voz muy particular”, dijo. Para conseguirla, explicó que escuchó de manera repetida un podcast en el que Hansen revisa casos antiguos. Esa práctica, sin embargo, lo llevó a ensayar frases del periodista en la calle, en voz alta y fuera de contexto. “La gente estaba increíblemente confundida con lo que estaba pasando”, relató al recordar la reacción de quienes lo cruzaban mientras repetía líneas asociadas a un material especialmente oscuro.

Aunque presentó la anécdota con humor, también dejó claro que consideró el registro de Hansen como algo difícil de reproducir. “Su voz es muy icónica para mí y es muy difícil de hacer”, señaló.

Universal Studios Hollywood abrirá el miércoles 16 de septiembre su nueva montaña rusa inspirada en la saga Fast & Furious, una atracción que llegará al parque en medio de reclamos de vecinos de Toluca Lake por el ruido registrado durante las pruebas realizadas en las últimas semanas.

La fecha de inauguración fue informada por CBS Los Ángeles, que indicó que el recorrido, llamado Fast & Furious: Hollywood Drift, sumó cambios de última hora después de que residentes de la zona denunciaran que los gritos de los visitantes se escuchaban con fuerza desde el barrio. La apertura, de acuerdo con ese medio, está prevista para el miércoles 16 de septiembre.

La nueva atracción llegará con cambios tras los reclamos de los vecinos

La incorporación de esta montaña rusa marca un paso relevante para Universal Studios Hollywood, ya que se trata de su primera atracción al aire libre de este tipo, tal y como recogió el medio estadounidense. Durante las pruebas de julio y agosto, varios habitantes de Toluca Lake, un vecindario cercano al parque, expresaron su malestar por el impacto sonoro del juego.

Una de las residentes, Judith Ángel, afirmó el mes pasado que hubo jornadas en las que el ruido resultó notorio, aunque aclaró que no se trataba de una situación permanente. En declaraciones recogidas por CBS Los Ángeles, sostuvo: “Hubo momentos en que es ruidoso, pero no ocurre todos los días durante todo el año”.

Otro vecino, Craig Strong, aseguró que durante los ensayos los gritos podían oírse con mucha frecuencia. Según reprodujo el canal, el hombre describió la experiencia con esta frase: “Cada 30 o 40 segundos se siguen escuchando gritos. Es como si este fuera a ser nuestro nuevo sonido en el vecindario durante todo el día”.

Universal anunció barreras acústicas y ajustes en el diseño del recorrido

Frente a esas quejas, Universal Studios puso en marcha una serie de medidas para intentar reducir el impacto del ruido antes de la inauguración oficial. El medio informó que la empresa añadió más de 274 metros de muros acústicos y también colocó grava para amortiguar el sonido del recorrido.

Además, la compañía incorporó una modificación en el diseño de los vehículos para que roten durante el trayecto. De ese modo, los gritos de los pasajeros no quedarían orientados siempre hacia el mismo sector del barrio, una decisión con la que el parque busca disminuir la percepción del ruido en las viviendas más próximas.

Aun así, los cuestionamientos continuaron. Ángel señaló, siempre de acuerdo con lo publicado por el canal local, que desde la empresa les habían explicado que el proyecto contemplaba que los gritos se concentraran en ciertos tramos cerrados del circuito. La vecina respondió con escepticismo y remarcó: “Me dijeron que lo habían diseñado para que los gritos ocurrieran dentro de esos tubos. Mi comentario fue que nunca vi una montaña rusa en la que se le pueda decir a la gente que puede gritar aquí, pero no aquí”.

Habrá dos barreras adicionales antes del día de apertura

Cuando las protestas persistieron, Universal Studios Hollywood resolvió avanzar con nuevas obras de mitigación. Tal y como informó CBS Los Ángeles, el concejal Adrin Nazarian indicó que se instalarán dos barreras acústicas adicionales y que esos trabajos estarán terminados para el día de la apertura.

El parque, por su parte, agradeció a los vecinos por hacer llegar sus observaciones. De acuerdo con el mismo medio, la empresa expresó que valora escuchar los planteos de quienes viven en la zona, en una señal de que el tema siguió en evaluación incluso después de los primeros ajustes técnicos.

La apertura de Fast & Furious: Hollywood Drift quedó así fijada para el 16 de septiembre de 2026, con la expectativa de sumar una de las novedades más importantes de la temporada en el parque temático y, al mismo tiempo, con el compromiso de llegar a esa fecha con las obras de aislamiento sonoro ya concluidas.

Curry falleció el martes a los 80 años en su casa de Los Ángeles, y los testimonios de quienes lo conocieron y trabajaron con él revelan que ese personaje no fue solo una actuación: fue una creación total, con vocabulario propio, que ningún otro actor habría podido construir de la misma manera.

El encuentro entre Curry y Richard O’Brien —autor de The Rocky Horror Show e intérprete de Riff Raff en las versiones teatral y cinematográfica— ocurrió años antes de aquella audición, en los escenarios del West End londinense.

Ambos coincidieron en 1968 en la compañía original de Hair, el musical de rock tribal estadounidense. Fue allí donde O’Brien, que trabajaba en paralelo en el manuscrito de su propia obra, le mostró el texto a Curry.

La decisión de convocarlo a la audición no fue de O’Brien sino del director Sharman, pero el creador de Rocky Horror reconoció ante The Hollywood Reporter que esa elección resultó determinante. “Realmente debo agradecerle enormemente a Tim Curry”, dijo O’Brien. “A menudo pienso que, si hubiera sido cualquier otra persona que no fuera Tim, me pregunto si habría tenido el mismo éxito”.

Lo que Curry hizo con Frank-N-Furter fue construir un personaje desde cero. Según recogió The Hollywood Reporter, no se limitó a interpretar el rol: creó todo su vocabulario, con seducción, peligro, comedia y extravagancia, y ejecutó cada frase y cada gesto con absoluta convicción. La clave, según quienes analizaron su trabajo, era que la actuación resultaba escandalosa sin caer en la parodia vacía.

Curry entendió que el chiste solo funcionaba si Frank creía plenamente en su propia grandeza. Esa convicción fue lo que transformó un musical de culto en un fenómeno que medio siglo después sigue llenando salas de medianoche en todo el mundo.

The Rocky Horror Show debutó en 1973 en el Royal Court Theatre de Londres y viajó luego a Los Ángeles y Broadway, donde duró apenas 45 funciones. La versión cinematográfica de 1975, producida por 20th Century Fox, tuvo un estreno desastroso.

El trabajo de Curry —y las proyecciones de medianoche que se multiplicaron a partir de 1976 en Nueva York— lo que le dio una segunda vida al film, hasta convertirlo en la película con el estreno teatral más prolongado de la historia del cine.

Diez años después de Rocky Horror, Curry repitió la fórmula del fracaso redimido. En Clue (1985), la adaptación cinematográfica del juego de mesa Cluedo, interpretó al mayordomo Wadsworth, un personaje que arranca como sirviente aparentemente sumiso y termina tomando el control de toda la trama.

El guionista y director de la película, Jonathan Lynn, conocía a Curry desde mucho antes que O’Brien: ambos asistieron al mismo internado inglés para hijos de pastores metodistas, cuando Lynn tenía 14 años y Curry, 12. Años después, Curry fue a ver actuar a Lynn en una obra del Festival de Edimburgo y le confesó algo que Lynn recordó ante The Hollywood Reporter: “Me dijo que se había convertido en actor porque yo me había convertido en actor, y que eso demostraba que era posible”.

Cuando se propuso a Curry para el papel de Wadsworth, Lynn no dudó. “Me pareció una idea brillante”, recordó. Y el resultado le dio la razón. En la secuencia final de Clue, Curry recorre la mansión a toda velocidad reconstruyendo cada asesinato, atraviesa puertas y pasillos y mantiene la precisión verbal de un actor de teatro a doble velocidad.

“Él es quien realmente mantiene unida toda la película”, señaló el propio Lynn al medio. Lynn fue cuidadoso al momento de atribuirse el mérito de esa interpretación: un director puede orientar a un actor, explicó, pero el trabajo esencial viene del intérprete. “Para empezar, hay que tener un actor con mucho talento. Y Tim era extraordinario”, dijo.

Clue también fracasó en su estreno y también se convirtió en un clásico de culto, transmitido de generación en generación por la televisión por cable y el video doméstico. El patrón se repitió dos veces con el mismo actor en el centro, según detalló The Hollywood Reporter: material que parecía demasiado extraño o indomable para el público general, dotado por Curry de una coherencia que lo volvía irresistible.

Tanto Rocky Horror como Clue contaban con repartos sólidos, guiones ingeniosos y una atmósfera inconfundible, pero en ambos casos fue Curry quien abrió la puerta.

En el podcast Baby, This Is Keke Palmer, el actor y músico Jamie Foxx habló sobre los momentos más oscuros de la crisis de salud que atravesó en 2023 y reveló los detalles de su recuperación.

Sentado junto a su hija Corinne Foxx, quien fue una pieza central en ese proceso, el ganador del Oscar por Ray describió la confusión, el miedo y el humor que convivieron durante su internación en el hospital Piedmont de Atlanta.

La conversación con la conductora Keke Palmer permitió conocer una experiencia personal poco habitual en la trayectoria pública del actor, quien relató el desconcierto que sintió al despertar sin comprender qué había ocurrido y cómo recurrió al humor, una herramienta habitual en su carrera, para afrontar la situación médica.

La comedia como ancla

Cuando los médicos realizaban controles de bienestar, el actor de 58 años respondía con chistes. En lugar de dar su nombre, dijo ser Denzel Washington. Cuando le explicaron que había sufrido un derrame cerebral, respondió con monólogos improvisados.

“Cuando venían y me preguntaban quién era, yo era alguien diferente”, relató el actor en el podcast. También recordó que “decía que era Dave Chappelle. Alguien me dijo que había tenido un derrame. Yo decía: ‘¿Cómo que Dave Chappelle tuvo un derrame?’”

Ese mecanismo no era evasión, sino el único lenguaje con el que Foxx sabe procesar el mundo. El problema fue que los médicos no siempre podían distinguir si el paciente estaba lúcido o no. “No sabían si mi padre estaba bien o no”, admitió Corinne entre risas, al recordar la escena del ingreso.

Una enfermera del hospital le reveló al actor, tiempo después, la gravedad real de lo que había enfrentado: “Menos del 3% de quienes ingresan con mi diagnóstico salen caminando”.

Corinne, la hija que tomó el control

Mientras Jamie Foxx lidiaba con su recuperación, Corinne Foxx asumió un rol que ningún hijo imagina tener que cumplir. El médico que atendió al actor le dijo después: “Sin ella, no estarías aquí”.

Su padre la describió como “Michael Corleone”, en referencia al personaje de “El Padrino” que abandona su vida tranquila para proteger a su familia cuando el peligro golpea.

“Nunca estás lista para cuidar a tu padre”, reconoció Corinne en el podcast. Explicó que, aunque no se sentía preparada para asumir el cuidado de su padre, cuando la situación se presentó se concentró por completo en acompañarlo durante su recuperación y ayudarlo a superar ese momento.

Corinne explicó que no había experimentado anteriormente el impacto negativo de la exposición en internet y consideró que la situación no tenía el carácter extraordinario que algunas personas le atribuían, sino que se trataba de una experiencia profundamente humana. La decisión de no revelar información médica de su padre fue deliberada: “No era mi lugar hacerlo”.

El dúo en pantalla y los nuevos proyectos

La experiencia de casi perder a su padre resignificó para Corinne el trabajo que comparte con él en Beat Shazam, el programa de FOX que este verano llega a su episodio número 100 y que acumuló más de USD 10 millones en premios entregados a los participantes. “Ya era muy agradecida, pero ahora es una bendición enorme poder trabajar con tu familia”, afirmó.

Desde la empresa de producción que dirige, Corinne también avanza en nuevos proyectos. Uno de ellos es una serie de terror sobre fenómenos paranormales, desarrollada junto a los hermanos Hayes, creadores de la saga The Conjuring.

El otro involucra al actor Michael Ealy, aunque los detalles permanecen bajo reserva. “Vendimos en un momento en que vender es casi imposible”, señaló Jamie Foxx sobre el trabajo de su hija al frente de la compañía.

La gratitud que cambió la perspectiva

Al despertar en rehabilitación, Foxx reconoció que su primera reacción no fue de alivio. “Me dijeron que tenía una segunda oportunidad. Yo dije: ‘¿Y qué tenía de malo la primera?’”, contó.

Con el tiempo, esa resistencia se transformó. Volvió al hospital para agradecer a las 60 enfermeras que lo atendieron durante su internación, muchas de las cuales no recordaba por el estado en que se encontraba.

El compromiso con Corinne de su yerno Joe también ocurrió durante ese período, en un parque de Chicago donde el joven preparó la propuesta con una nota secreta en su teléfono para que una desconocida grabara el momento. La pareja celebró después en la habitación de rehabilitación de Foxx.

Richard Gere cumple 77 años y su presencia sigue marcando en el mundo de la moda masculina. Desde sus inicios en Hollywood hasta sus apariciones más recientes, el actor construyó una identidad visual basada en la sobriedad, la elegancia y la coherencia estilística.

A lo largo de las décadas, evitó las estridencias de las tendencias pasajeras, consolidando un sello propio que trasciende el paso del tiempo y las modas efímeras.

El actor muestra una preferencia constante por prendas de corte clásico y una paleta de colores neutros, que le permiten proyectar una imagen sofisticada y atemporal.

Esta coherencia no surge de la rigidez, sino de una capacidad para adaptar su vestimenta a diferentes contextos, desde alfombras rojas hasta actividades cotidianas, sin perder el hilo conductor de su estilo personal.

Elecciones de vestimenta en eventos formales

En celebraciones de gala y alfombras rojas, Richard Gere se distingue por una selección cuidadosa de esmóquines y trajes de corte clásico. La sobriedad es la regla: predominan los tonos negro y azul marino, combinados con camisas blancas impecables y detalles mínimos.

Las corbatas de lazo o corbatas discretas reemplazan cualquier ornamento llamativo, en sintonía con la ausencia de estampados o tejidos brillantes. Los trajes presentan solapas bien definidas y tejidos lisos, reforzando la imagen de elegancia contenida.

Gere no recurre a excesos ni a la ostentación, sino que apuesta por la precisión en cada elemento de su atuendo. Así, su presencia en eventos de alto perfil resulta reconocible y coherente, generando una referencia de estilo para quienes buscan inspiración en la moda masculina contemporánea.

Estilismo en contextos informales y actividades cotidianas

Fuera de los flashes y los códigos estrictos de la alfombra roja, mantiene la coherencia con un vestuario que privilegia la comodidad y el refinamiento.

En presentaciones, paseos y actividades al aire libre, el actor elige prendas de líneas limpias, como americanas de lino o algodón, camisetas y camisas en tonos grises y azulados, y pantalones oscuros.

La paleta cromática nunca se desvía demasiado de los grises, azul marino, blanco y negro, lo que refuerza su imagen sobria incluso en entornos relajados.

El uso ocasional de bufandas de tejido fino y anteojos de sol introduce un matiz relajado pero medido, agregando un punto de interés sin alterar la armonía visual. Los tejidos suelen ser mate y de textura lisa, evitando los brillos o estampados llamativos.

Así, Gere demuestra que es posible equilibrar la funcionalidad y la elegancia también en la vida cotidiana, adaptando su estilo a diferentes situaciones sin perder identidad.

Este enfoque ha permitido que el actor conserve un aura de elegancia sencilla, convirtiendo lo cotidiano en una extensión natural de su imagen pública. El resultado es un estilo personal adaptable, donde cada prenda parece cuidadosamente seleccionada para acompañar sin imponerse.

Características distintivas: cabello, accesorios y detalles personales

Uno de sus sellos de identidad es, sin duda, su cabello blanco peinado hacia atrás, que aporta uniformidad y reconocimiento inmediato a lo largo de los años. Este detalle, lejos de ser accesorio, se integra plenamente en la narrativa visual del actor, reforzando la continuidad de su imagen.

En cuanto a los complementos, Gere raramente apuesta por accesorios llamativos. Prefiere detalles sutiles, como pulseras de cuentas o bufandas finas, que añaden matices sin desviar la atención del conjunto.

Las gafas de sol y el uso ocasional de pequeños accesorios refuerzan una estética cuidada y serena, en la que cada elemento parece responder a una función antes que a la búsqueda de protagonismo.

La ausencia de ornamentos innecesarios y la elección de detalles discretos refuerzan una imagen de madurez y confianza en su propio estilo, sin necesidad de adaptarse a los dictados del momento.

A los 77 años, su figura sigue inspirando a quienes buscan en la moda no solo tendencia, sino también identidad y permanencia.

A los 88 años, sigue mostrando una energía creativa inagotable y una mirada inquieta sobre el presente y el futuro, según relató en una entrevista exclusiva con Los Angeles Times.

El cineasta, reconocido por títulos como “Alien”, “Blade Runner” y “Gladiator”, abordó temas como la crisis climática, la inteligencia artificial y los dilemas éticos de la supervivencia.

Un apocalipsis sin zombis ni agenda política

En “The Dog Stars”, Scott sitúa la acción en un futuro próximo, en el estado de Colorado, tras una pandemia de gripe que ha reducido drásticamente la población.

Basada en la novela de Peter Heller, la película muestra la lucha por la supervivencia de Hig (interpretado por Jacob Elordi) y su perro Jasper, junto a Bangley (Josh Brolin), en un entorno rural marcado por la escasez y la desconfianza.

Los protagonistas enfrentan la amenaza constante de otros supervivientes y la incertidumbre ante un mundo donde la brutalidad parece imponerse sobre la solidaridad.

Scott explicó a Los Angeles Times que el escenario postapocalíptico no lo atrajo de inmediato. “No nos damos cuenta de que esto mismo está ocurriendo en tantos países del Tercer Mundo ahora mismo”, afirmó, al comparar la situación de la película con las condiciones de supervivencia que existen actualmente en distintas partes del mundo.

“En mi película no hay zombis. No quiero hacerla con una agenda política, sino que me centré en la logística de lo que realmente está sucediendo en el mundo”, sostuvo el cineasta.

Una carrera marcada por proyectos inesperados

Scott también repasó algunos momentos de su trayectoria y explicó que durante buena parte de su carrera tuvo dificultades para acceder a buenos guiones.

“Solo me han llegado tres películas”, afirmó al recordar los proyectos que llegaron a sus manos de manera decisiva. Entre ellos estuvo “Alien”, película que terminó por convertirse en una de las obras fundamentales de su filmografía. “Una fue ‘Alien’, para la que fui la quinta opción después de Robert Altman”, recordó.

El director también se refirió a “Blade Runner”, una de las películas que definieron su aproximación a la ciencia ficción. Al hablar de la próxima serie “Blade Runner 2099”, de la que no participó, lamentó la distancia que existe entre su trabajo original y las nuevas producciones derivadas de aquella historia.

“No puedo culpar a mis abogados ni a mis agentes de aquel entonces, pero de alguna manera dejamos escapar Blade Runner”, explicó. Y añadió que “cuando no eres el autor de la obra escrita, no tienes nada que ver con ella”.

La inteligencia artificial, una fascinación persistente

Mucho antes de que la inteligencia artificial se convirtiera en un tema central del debate público, Scott ya había abordado sus posibles efectos sobre la condición humana en películas como “Blade Runner” y la saga “Alien”.

En la entrevista con Los Angeles Times, recalcó que prefiere abordar la inteligencia artificial desde la ficción antes que integrarla a su proceso creativo. “Las IA pueden descontrolarse. Y si lo hacen, es como una bomba”, advirtió.

Scott mostró escepticismo sobre el uso de herramientas de IA en la creación artística, al preguntarse: “¿La IA solo puede ser tan buena como la información que se le proporciona?”.

Aseguró que no incorporó tecnologías de IA a su trabajo cinematográfico. Frente a la cámara, mostró los dibujos que realizó para “La isla del tesoro” y defendió su propia capacidad para desarrollar imágenes sin recurrir a estas herramientas.

“Puedo competir con una IA sin ningún problema en la creación de imágenes”, afirmó. Sin embargo, reconoció que su incorporación al ámbito creativo parece inevitable.

Proyectos en marcha y legado

El cineasta, que recibirá un Oscar honorífico en noviembre, mantiene una agenda profesional activa. Con su productora Scott Free desarrolla más de 40 proyectos, entre ellos una adaptación de “La isla del tesoro” y una película sobre la Primera Guerra Mundial titulada “Pacto con la muerte”.

Pese a la amplitud de su filmografía, aseguró que no suele detenerse demasiado a pensar en el significado de su obra ni en la manera en que será recordado.

La conversación derivó hacia su relación con las críticas a partir de la reseña negativa que recibió “Blade Runner” de la crítica Pauline Kael. “Lo que aprendí de eso es que uno solo puede ser su propio crítico”, aseguró el director.

Scott sostuvo además que mantiene una valoración positiva de sus propios trabajos y recordó el reconocimiento que algunas de sus películas y piezas publicitarias recibieron con el paso del tiempo. “Sinceramente, creo que todas mis películas son bastante buenas”, afirmó.

Hacia el final de la entrevista, Scott dejó en claro que no considera que su trayectoria esté llegando a su fin. Al ser consultado por su legado, respondió: “Cuando piensas en tu legado, estás demasiado cerca del final, y yo no lo estoy”.

La reaparición pública a los 92 años de Shirley MacLaine en un mensaje en video por una nueva exhibición de Noches en la ciudad (Sweet Charity, la comedia musical y drama dirigida por Bob Fosse que la tuvo como protagonista en 1969), en el Southampton Playhouse volvió a poner el foco sobre una carrera artística de más de siete décadas.

La aparición reavivó el interés por su trayectoria porque la actriz, nacida en 1934, sigue vinculada a su obra y conserva proyectos pendientes después de un recorrido que incluyó ballet, Broadway, cine, televisión y documental. Su mensaje sobre Noches en la ciudad también permitió revisar cómo pasó de los musicales y los grandes papeles de los años cincuenta y sesenta a personajes de madurez en etapas posteriores.

En su saludo al público, MacLaine optó por la ironía. “Ojalá pudiera estar con vosotros. Me gustaría volver a ver Sweet Charity. Ahora, mientras la veis, recordad lo mucho que trabajamos en ella. Entre nosotros, no tuvo mucho éxito, ¡así que espero que os guste!”.

Del ballet y Broadway a figura central de Hollywood

Richmond, Virginia, fue el punto de partida de Shirley MacLean Beaty, nacida el 24 de abril de 1934 en una familia vinculada al espectáculo. Su padre fue profesor de arte dramático, su madre bailarina y ella se formó desde niña en la Escuela de Ballet de Washington.

Debutó como bailarina en Broadway y participó en musicales como Oklahoma! y Kiss Me Kate. Años después recordó el peso de esa disciplina con una frase que situó el baile en el centro de su trayectoria: “Recibir un premio por bailar es el reconocimiento más importante que podría tener. Lo digo en serio”.

MacLaine también explicó cuánto marcó esa formación sus décadas posteriores de trabajo. “Mi madre me llevó a clases de baile cuando tenía tres años, porque tenía los tobillos débiles y me enamoré de ello —contó la actriz—. Y desde ese día, fui a clase todos los días hasta los sesenta. Diría que el baile, todo lo que aprendí al formar parte de él, es la razón por la que sigo aquí”.

Su salto al cine llegó en 1955, a los 21 años, con Pero... ¿quién mató a Harry?, de Alfred Hitchcock. La consolidación vino después con La vuelta al mundo en 80 días y más tarde con títulos como El apartamento, La calumnia e Irma la dulce.

En los años cincuenta y sesenta se convirtió en una figura central de Hollywood, con registros en comedia, drama y musical. Billy Wilder le dio uno de sus papeles más recordados en la ya citada El apartamento, junto a Jack Lemmon, y después compartió pantalla con Audrey Hepburn en La calumnia.

El revés de Noches en la ciudad que no frenó su carrera

Noches en la ciudad (Sweet Charity) nació como una producción de gran ambición para Universal. El estudio destinó alrededor de $20 millones a una adaptación del musical de Broadway dirigida y coreografiada por Bob Fosse, con MacLaine al frente de un reparto en el que también figuraban Sammy Davis Jr., John McMartin, Chita Rivera, Paula Kelly y Ricardo Montalbán.

La película, inspirada en Las noches de Cabiria de Federico Fellini, seguía a una trabajadora sexual que intentaba rehacer su vida a través del amor. La apuesta, pensada para convertirse en uno de los grandes musicales de su época, recaudó apenas $4 millones en los cines de Estados Unidos.

El golpe también alcanzó a Fosse. El director, que debutaba en el cine tras una carrera destacada como coreógrafo, vio amenazada su continuidad como realizador antes de recuperarse con Cabaret en 1972 y All That Jazz (Empieza el espectáculo) en 1979.

Ese traspié no borró lo que MacLaine había construido. Para entonces, su nombre ya estaba asociado a una filmografía amplia y a una presencia consolidada en la industria.

Cómo se adaptó a papeles acordes con el paso del tiempo

A partir de los años setenta, su actividad cinematográfica se fue espaciando. Aun así, obtuvo el Oscar a mejor actriz por La fuerza del cariño en 1984, después de cinco nominaciones previas.

En ese periodo alternó cine, televisión, escritura y documental. Entre 1971 y 1972 protagonizó la serie Shirley’s World, y más tarde relató un viaje por China continental en el documental The Other Half of the Sky: A China Memoir, propuesto para el Oscar.

Su recorrido posterior incluyó trabajos como Magnolias de acero, donde descolló como la amiga malhumorada y sin pelos en la lengua de un grupo de mujeres. En esta película Maclaine integró un reparto femenino excepcional junto a Sally fields, Dolly Parton, la debutante Julia Roberts, Darryl Hannah y Olimpia Dukakis. Siguieron Postales desde el filo y Tess y su guardaespaldas. En esas décadas fue ocupando personajes adaptados a su edad y, a diferencia de otras actrices, esquivó las cirugías y retoques artificiales.

También mantuvo una relación pública con su historia familiar en Hollywood como hermana mayor de Warren Beatty. Sobre ese vínculo, dejó una definición breve: “Soy tres años mayor y soy protectora”.

Una carrera activa hasta sus años más recientes

Aunque sus apariciones públicas se hicieron más escasas, MacLaine siguió vinculada al trabajo audiovisual. En 2022 participó como invitada en la segunda temporada de Solo asesinatos en el edificio y también apareció en American Dreamer.

Años antes ya había dejado clara su intención de seguir en activo. “No quiero dejar de actuar, realmente no quiero. Incluso a mi edad, tengo cuatro películas por hacer el próximo año”.

Entre los proyectos citados aparecen People Not Places, de Brad Furman, además de Lucy Boomer y Margret and Stevie. En Lucy Boomer está prevista su participación junto a Ansel Elgort.

Su última película es de 2024: Un asunto familiar (A Family Affair), una comedia romántica en la que compartió cartel con Nicole Kidman, Zac Efron, Joey King, Liza Koshy y Kathy Bates.

La actriz, de 32 años, protagonizó un encuentro con Josh Horowitz en el que abordó desde sus primeros pasos junto a Sean Penn y Michelle Pfeiffer en Yo soy Sam hasta su reciente colaboración con su hermana Elle Fanning en The Nightingale. El diálogo reveló a una artista que atraviesa, según sus propias palabras, “el mejor momento creativo de su vida adulta”.

El detonante de la charla fue el estreno de The Sun Never Sets, filme independiente de Joe Swanberg rodado en Anchorage, Alaska, con Jake Johnson y Corey Michael Smith como coprotagonistas.

Fanning describió la experiencia como “mágica” y destacó el método semiimprovisado del director, basado en un guion que funciona como esquema y en la confianza entre actores. “Cuando estoy riendo en The Sun Never Sets, estoy riendo de verdad”, afirmó la actriz en declaraciones recogidas por Happy Sad Confused.

El rodaje en Alaska, durante mayo y junio, aprovechó el fenómeno del sol de medianoche que da título al film. Fanning relató que Johnson protestó con insistencia por la ausencia de oscuridad nocturna, mientras ella encontraba el paisaje —montañas nevadas, ballenas, alces y aguas cristalinas— “de otro nivel”.

También describió las grabaciones en Whittier, localidad accesible únicamente a través de un túnel con horarios restringidos, como una de las localizaciones más inusuales de toda su trayectoria.

La película tuvo su estreno mundial en el festival South by Southwest y llega ahora a salas con la necesidad de apoyo del público independiente, según subrayó Horowitz. Fanning ejerce además como productora del proyecto, dentro de su compañía Llewellyn Pictures, bautizada en honor a su perra.

Los comienzos de Dakota Fanning

Happy Sad Confused indagó también en los inicios de la actriz, que debutó a los seis años en I Am Sam junto a Penn y Pfeiffer. Fanning recordó que Penn improvisaba con frecuencia en el rodaje, lo que le enseñó, casi sin advertirlo, a mantenerse presente en cada escena. “Aprendí esa lección de golpe, a los siete años”, señaló.

Pocos años después trabajó con Denzel Washington en Hombre en llamas y con Tom Cruise en La guerra de los mundos, película que marcó el inicio de una amistad duradera con el actor: Cruise le envía zapatos cada año desde entonces, una tradición que, según Fanning, “él mismo prometió mantener”.

Sobre su paso por la saga Crepúsculo como Jane a partir de Luna nueva, la actriz subrayó que la experiencia le permitió conocer a Kristen Stewart, hoy una de sus amigas más cercanas, y que participó de la euforia de aquellos años sin cargar con la presión que recaía sobre los protagonistas centrales. “Conseguí todas las partes buenas”, admitió con humor.

La carta a Tarantino y una audición decisiva

Un capítulo especial de la conversación lo ocupó su colaboración con Quentin Tarantino en Había una vez en Hollywood. Fanning reveló que envió una carta al director para expresar su interés en formar parte del reparto, algo que nunca había hecho antes.

La audición, en la que Tarantino lee los diálogos junto al aspirante, la tranquilizó de inmediato. “Me puse a temblar. Nunca había estado tan nerviosa en toda mi vida”, recordó la actriz ante Happy Sad Confused.

El primer rodaje junto a su hermana Elle

Fanning también anticipó el estreno de The Nightingale, el primer filme que comparte con su hermana Elle. Ambas cerraron el rodaje a principios de 2026 y, según Dakota, la primera jornada juntas resultó “completamente natural”: atribuyó esa facilidad a los juegos de rol que practicaban de niñas en casa.

Tras la experiencia, las dos hermanas tienen previsto repetir colaboración en varios proyectos, incluyendo uno que el guionista Tony McNamara podría desarrollar para ellas.

La actriz acumula en la actualidad dos nominaciones al Emmy —por Ripley y por All Her Fault— y tiene pendiente, junto a Elle, una ceremonia de inauguración de sus estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, en la que serán, según confirmó, las primeras hermanas en recibir un reconocimiento doble simultáneo.

Arjona, el año pasado estrenó Amores compartidos, junto a Dakota Johnson, y apareció en la temporada final de Andor, al lado de Diego Luna, acciones que la llevaron a la portada de la reconocida revista.

Nacida en Puerto Rico, de madre boricua y padre guatemalteco —el músico Ricardo Arjona—, Adria creció de gira, entre autobuses y escenarios a lo largo de América Latina. Esa infancia nómada la marcó de una forma que hoy trasciende a su trabajo.

“Ver a alguien alcanzar sus sueños a través de mucho trabajo duro, de mucho sacrificio, me inspiró y de alguna manera me permitió creer que yo también podía hacerlo. Pero también me dio mucho más miedo, porque vi las consecuencias de la fama y cuánto trabajo hay que invertir en una carrera”, declaró la actriz en conversación con Vogue.

Esa dualidad entre inspiración y temor es, según ella misma, el motor que la lanzó a una industria que en sus inicios apenas abría espacios para los latinos. “Sabía que, si tenía un plan B, no iba a estar bien. Tenía que correr ese riesgo, lanzarme al vacío, fracasar muchas veces, aprender de mis errores”, afirmó.

De los papeles diversos a la producción

La versatilidad es una marca registrada en la trayectoria de Arjona. En la entrevista difundida por Vogue, la actriz reconoce que su paso por géneros tan distintos —ciencia ficción, comedia, terror— no fue producto de una estrategia, sino de una búsqueda personal. “Curiosamente, eso me hizo menos reconocible”, admitió.

“Estaba un poco de incógnito porque hacía proyectos pequeños y muy distintos aquí y allá, lo cual fue divertido y maravilloso. También significó que la gente no lograba definirme, así que a la industria le resultaba más difícil encasillarme”, agregó.

Para Onslaught, Arjona trabajó junto al director Adam Wingard, conocido por The Guest. Según relató a Vogue, la conexión fue inmediata: Wingard le presentó el proyecto como una película al estilo de John Carpenter de los años ochenta, y la energía del encuentro terminó de convencerla.

“Me cautivaron su energía y su pasión por el proyecto”, señaló. En esa producción, además de actuar, Arjona asumió el rol de productora, una faceta que ha ganado peso en su carrera desde Los Frikis, el filme que representó su primera experiencia formal detrás de las cámaras.

La mirada sobre los estereotipos y lo que viene

Sobre la representación latina en Hollywood, la actriz fue directa. Vogue recoge su reflexión sobre una industria que históricamente redujo la identidad latina a un conjunto de estereotipos.

“En Estados Unidos suele existir esta idea de que una latina es temperamental, sexy y que puede definirse con un par de adjetivos. ¡Pero no podría describir así ni a una sola mujer de mi familia!”, dijo. Para Arjona, esa diversidad interna de América Latina es su herramienta actoral.

En el futuro inmediato, en los próximos pasos profesionales que ha proyectado, los planes que tiene la actriz incluyen formar parte del elenco de The Thomas Crown Affair.

Se trata de una producción que es nueva y sobre la que, al referirse a ella, la actriz manifestó sentir un gran entusiasmo. “Acabo de ver la película y, mientras la veía, pensé en mi interior: ‘No puedo creer que yo realmente forme parte de esto’”, confesó la actriz durante una conversación con Vogue.

Johnny Weissmuller, el actor que interpretó a Tarzán en doce películas, murió el 20 de enero de 1984 en el hotel Los Flamingos de Acapulco, el mismo lugar que había comprado tres décadas antes junto a John Wayne, Fred McMurray y Red Skelton. Tenía 79 años y un edema pulmonar le arrebató la vida en la habitación circular que él mismo mandó construir frente al Pacífico.

El hotel existe desde los años 30. Está plantado sobre un risco de 137 metros de altura en la zona de Las Playas —el doble de la altura del peñasco de La Quebrada— y desde sus jardines se divisan el océano Pacífico, la isla de Roqueta, Pie de la Cuesta y la Barra de Coyuca. Antes de que los actores lo compraran, ya recibía a Bette Davis, Orson Welles, Rita Hayworth y Errol Flynn.

Cómo Hollywood tomó un hotel en Acapulco

La historia de Los Flamingos y la de Weissmuller se cruzaron en 1948, cuando la producción de Tarzán y las sirenas —su última aparición como el hombre de la jungla— eligió Acapulco como locación. En una de las escenas, el salto desde el risco más alto lo ejecutó en realidad un clavadista de La Quebrada.

El actor quedó prendado del puerto. Seis años después, en 1954, formalizó su amor por el lugar: junto a John Wayne, Fred McMurray y el humorista Red Skelton, compró el hotel y lo rebautizaron “el escondite de la pandilla de Hollywood”.

Los nuevos dueños mandaron construir 36 habitaciones y el lugar se convirtió en sede de fiestas que se extendían hasta el amanecer. La lista de invitados incluía actores, políticos y miembros de la realeza. Richard Widmark, Cary Grant, Dolores del Río y Tyrone Power figuraban entre los habituales.

La Casa Redonda: el refugio de Tarzán

El ruido de las fiestas terminó siendo demasiado para Weissmuller. El actor ordenó construir, dentro de la propiedad pero apartada del resto, una vivienda de planta circular. La razón, según se contaba, era que los espíritus malignos solo pueden viajar en línea recta y no podrían entrar en ella.

La llamaron la Casa Redonda, o simplemente “la Casa de Tarzán”. Allí pasó los últimos años de su vida. Tras sufrir dos derrames cerebrales entre 1976 y 1978, se mudó definitivamente a Acapulco. Se dice que en sus últimos tiempos salía al balcón sobre el risco y lanzaba el grito de Tarzán hacia el mar.

Murió en ese mismo rincón el 20 de enero de 1984. A la ceremonia fúnebre asistieron el gobernador de Guerrero y el presidente municipal de Acapulco. Sus restos descansan en el panteón Valle de la Luz del puerto.

Acapulco, el Hollywood del Pacífico

Los Flamingos no era una excepción: era el símbolo de una época. Entre los años 40 y 60, Acapulco fue escenario de más de 150 producciones cinematográficas, entre ellas La dama de Shanghái, de Orson Welles, y La joven, de Luis Buñuel.

John y Jacqueline Kennedy pasaron allí su luna de miel. Elizabeth Taylor se casó en el puerto por tercera vez. Frank Sinatra fue asiduo de sus playas hasta bien entrados los años 80. “Los artistas y celebridades hicieron de Acapulco su hogar lejos de casa”, escribió Guadalupe Loaeza en Recuerda Acapulco.

El hotel también se atribuye la invención, en 1935, del Coco Loco, el cóctel de ron y ginebra que se convirtió en emblema del puerto.

El huracán que destruyó la Casa de Tarzán

Tras la muerte de Weissmuller, el hotel pasó a manos de Adolfo “Fito” Santiago, un exempleado que había crecido trabajando para los actores desde niño y que decidió mantener intacto el espíritu del lugar. Las fotografías de Weissmuller permanecen colgadas en el corredor principal.

El 25 de octubre de 2023, el huracán Otis —categoría 5— arrasó Acapulco y con él, los últimos vestigios materiales de esa gloria. Las 36 habitaciones del hotel quedaron devastadas. La Casa Redonda, destruida. Solo tres cuartos pudieron habilitarse para recibir huéspedes en las fiestas de fin de año.

Los propios trabajadores del hotel iniciaron la rehabilitación sin apoyo gubernamental. A dos meses del impacto, los estragos seguían siendo visibles, aunque el restaurante había reabierto un mes antes. El hotel Los Flamingos, que lleva décadas operando sin interrupción, seguía en pie.

La actriz Jennifer Garner compartió detalles sobre los desafíos personales y profesionales que enfrentó tras el éxito de su carrera, el impacto de la fama repentina y las consecuencias de su divorcio.

En una conversación con Emma Grede para el podcast Aspire, la fundadora de Once Upon a Farm describió cómo estos factores transformaron su perspectiva sobre el trabajo, el dinero y su propio bienestar.

El peso de la fama y la reinvención personal

El salto a la fama de la actriz de 54 años ocurrió mientras protagonizaba la serie Alias, una etapa que la llevó a modificar su vida cotidiana y sus relaciones. “Se pierden un par de años de vida cuando te vuelves famoso. Hay que recalibrar, hay que encontrarse a uno mismo”, relató en el podcast.

Explicó que este fenómeno la llevó a distanciarse de amistades y a enfrentar sentimientos de vergüenza por la atención constante que recibía. El fenómeno de la fama implicó una etapa de reajuste en la que reconoció haber desaparecido de la vida de personas cercanas.

Este proceso de ajuste incluyó también una reflexión sobre el modo en que el público la percibe. Señaló que la opinión sobre ella cambió con el tiempo, pasando de ser considerada “la chica cool” a “la mamá de América” y “la amiga”. La actriz afirmó que su lugar más auténtico se encuentra en su casa con sus hijos, lejos de los reflectores.

La experiencia del rechazo y la construcción de resiliencia

El rechazo profesional fue una constante en la vida de Garner, quien afirmó que la habilidad de sobreponerse a las dificultades se forjó desde sus inicios como actriz. “Soy una persona que sabe recuperarse de los fracasos”, afirmó en Aspire.

La artista recordó audiciones fallidas, como la de The West Wing, que provocaron decepción pero que, en retrospectiva, se transformaron en oportunidades. “El rechazo es una forma de protección de Dios”, comentó la actriz, reconociendo que estos momentos difíciles abrieron puertas inesperadas, como su papel en Alias.

La resiliencia, según Garner, también se fortaleció en el mundo empresarial. Al describir sus primeros intentos fuera de la actuación, relató que varias ideas y proyectos no prosperaron, pero no permitió que los fracasos definieran su camino.

“Muchas ideas geniales ocurren y pocas de ellas realmente se convierten en algo. No hay vergüenza, simplemente no funcionaron”, declaró al podcast.

El divorcio: un punto de inflexión profesional y financiero

La ruptura de su matrimonio con Ben Affleck marcó un punto de inflexión en la vida de Garner. Tras el divorcio, la actriz reconoció que debió replantearse su lugar como sostén económico y su responsabilidad en el cuidado y bienestar de su familia.

“Entré en pánico cuando me divorcié y me di cuenta de que había retrocedido tanto en mi trabajo. De repente pensé: ‘Tengo que cuidarme y cuidar a estos niños’”, afirmó.

La actriz subrayó que nunca antes había reflexionado profundamente sobre el dinero, pero en ese momento se vio obligada a convertirse en una persona generadora de ingresos.

Este giro la llevó a buscar una estrategia laboral que le permitiera compatibilizar la crianza de sus hijos con la estabilidad financiera.

Durante la entrevista, explicó que no podía ausentarse durante seis meses para trabajar en el exterior y que, por eso, comenzó a preguntarse qué alternativas tenía para sostener ambas responsabilidades. En ese contexto, la creación y el crecimiento de Once Upon a Farm se incorporaron a su planificación y dieron paso a una nueva etapa profesional.

De estrella de Hollywood a empresaria

El emprendimiento se convirtió en un pilar fundamental para la actriz. Según narró a Aspire, su incursión en el sector de alimentos infantiles frescos con Once Upon a Farm surgió de la identificación de una necesidad real y de la convicción de que podía aportar valor más allá de su imagen pública.

La actriz destacó la importancia de las relaciones y la constancia en el éxito empresarial. Subrayó que el trabajo con el equipo, los clientes y los socios comerciales requiere presencia y conocimiento profundo del negocio.

Nuevas prioridades tras la maternidad y el paso del tiempo

A partir de los 45 años, Garner identificó cambios en su forma de afrontar la vida profesional. En el podcast explicó que la maternidad y las experiencias acumuladas con el paso del tiempo le dieron una perspectiva más amplia, además de mayor empatía y determinación.

Según señaló en la entrevista, ser madre y haber atravesado distintas experiencias personales y profesionales le permitió ampliar su registro como actriz y contar con más herramientas para interpretar distintos personajes. La madurez también le dio una actitud más firme frente a los desafíos de su carrera y menos condicionada por la ingenuidad de sus primeros años.

Frente al futuro, expresó su intención de continuar tomando decisiones que la acerquen a una vida más sabia y espiritual, manteniendo como eje la posibilidad de “esparcir amor” y contribuir de manera positiva en su entorno.