Arjona, el año pasado estrenó Amores compartidos, junto a Dakota Johnson, y apareció en la temporada final de Andor, al lado de Diego Luna, acciones que la llevaron a la portada de la reconocida revista.

Nacida en Puerto Rico, de madre boricua y padre guatemalteco —el músico Ricardo Arjona—, Adria creció de gira, entre autobuses y escenarios a lo largo de América Latina. Esa infancia nómada la marcó de una forma que hoy trasciende a su trabajo.

“Ver a alguien alcanzar sus sueños a través de mucho trabajo duro, de mucho sacrificio, me inspiró y de alguna manera me permitió creer que yo también podía hacerlo. Pero también me dio mucho más miedo, porque vi las consecuencias de la fama y cuánto trabajo hay que invertir en una carrera”, declaró la actriz en conversación con Vogue.

Esa dualidad entre inspiración y temor es, según ella misma, el motor que la lanzó a una industria que en sus inicios apenas abría espacios para los latinos. “Sabía que, si tenía un plan B, no iba a estar bien. Tenía que correr ese riesgo, lanzarme al vacío, fracasar muchas veces, aprender de mis errores”, afirmó.

De los papeles diversos a la producción

La versatilidad es una marca registrada en la trayectoria de Arjona. En la entrevista difundida por Vogue, la actriz reconoce que su paso por géneros tan distintos —ciencia ficción, comedia, terror— no fue producto de una estrategia, sino de una búsqueda personal. “Curiosamente, eso me hizo menos reconocible”, admitió.

“Estaba un poco de incógnito porque hacía proyectos pequeños y muy distintos aquí y allá, lo cual fue divertido y maravilloso. También significó que la gente no lograba definirme, así que a la industria le resultaba más difícil encasillarme”, agregó.

Para Onslaught, Arjona trabajó junto al director Adam Wingard, conocido por The Guest. Según relató a Vogue, la conexión fue inmediata: Wingard le presentó el proyecto como una película al estilo de John Carpenter de los años ochenta, y la energía del encuentro terminó de convencerla.

“Me cautivaron su energía y su pasión por el proyecto”, señaló. En esa producción, además de actuar, Arjona asumió el rol de productora, una faceta que ha ganado peso en su carrera desde Los Frikis, el filme que representó su primera experiencia formal detrás de las cámaras.

La mirada sobre los estereotipos y lo que viene

Sobre la representación latina en Hollywood, la actriz fue directa. Vogue recoge su reflexión sobre una industria que históricamente redujo la identidad latina a un conjunto de estereotipos.

“En Estados Unidos suele existir esta idea de que una latina es temperamental, sexy y que puede definirse con un par de adjetivos. ¡Pero no podría describir así ni a una sola mujer de mi familia!”, dijo. Para Arjona, esa diversidad interna de América Latina es su herramienta actoral.

En el futuro inmediato, en los próximos pasos profesionales que ha proyectado, los planes que tiene la actriz incluyen formar parte del elenco de The Thomas Crown Affair.

Se trata de una producción que es nueva y sobre la que, al referirse a ella, la actriz manifestó sentir un gran entusiasmo. “Acabo de ver la película y, mientras la veía, pensé en mi interior: ‘No puedo creer que yo realmente forme parte de esto’”, confesó la actriz durante una conversación con Vogue.

Johnny Weissmuller, el actor que interpretó a Tarzán en doce películas, murió el 20 de enero de 1984 en el hotel Los Flamingos de Acapulco, el mismo lugar que había comprado tres décadas antes junto a John Wayne, Fred McMurray y Red Skelton. Tenía 79 años y un edema pulmonar le arrebató la vida en la habitación circular que él mismo mandó construir frente al Pacífico.

El hotel existe desde los años 30. Está plantado sobre un risco de 137 metros de altura en la zona de Las Playas —el doble de la altura del peñasco de La Quebrada— y desde sus jardines se divisan el océano Pacífico, la isla de Roqueta, Pie de la Cuesta y la Barra de Coyuca. Antes de que los actores lo compraran, ya recibía a Bette Davis, Orson Welles, Rita Hayworth y Errol Flynn.

Cómo Hollywood tomó un hotel en Acapulco

La historia de Los Flamingos y la de Weissmuller se cruzaron en 1948, cuando la producción de Tarzán y las sirenas —su última aparición como el hombre de la jungla— eligió Acapulco como locación. En una de las escenas, el salto desde el risco más alto lo ejecutó en realidad un clavadista de La Quebrada.

El actor quedó prendado del puerto. Seis años después, en 1954, formalizó su amor por el lugar: junto a John Wayne, Fred McMurray y el humorista Red Skelton, compró el hotel y lo rebautizaron “el escondite de la pandilla de Hollywood”.

Los nuevos dueños mandaron construir 36 habitaciones y el lugar se convirtió en sede de fiestas que se extendían hasta el amanecer. La lista de invitados incluía actores, políticos y miembros de la realeza. Richard Widmark, Cary Grant, Dolores del Río y Tyrone Power figuraban entre los habituales.

La Casa Redonda: el refugio de Tarzán

El ruido de las fiestas terminó siendo demasiado para Weissmuller. El actor ordenó construir, dentro de la propiedad pero apartada del resto, una vivienda de planta circular. La razón, según se contaba, era que los espíritus malignos solo pueden viajar en línea recta y no podrían entrar en ella.

La llamaron la Casa Redonda, o simplemente “la Casa de Tarzán”. Allí pasó los últimos años de su vida. Tras sufrir dos derrames cerebrales entre 1976 y 1978, se mudó definitivamente a Acapulco. Se dice que en sus últimos tiempos salía al balcón sobre el risco y lanzaba el grito de Tarzán hacia el mar.

Murió en ese mismo rincón el 20 de enero de 1984. A la ceremonia fúnebre asistieron el gobernador de Guerrero y el presidente municipal de Acapulco. Sus restos descansan en el panteón Valle de la Luz del puerto.

Acapulco, el Hollywood del Pacífico

Los Flamingos no era una excepción: era el símbolo de una época. Entre los años 40 y 60, Acapulco fue escenario de más de 150 producciones cinematográficas, entre ellas La dama de Shanghái, de Orson Welles, y La joven, de Luis Buñuel.

John y Jacqueline Kennedy pasaron allí su luna de miel. Elizabeth Taylor se casó en el puerto por tercera vez. Frank Sinatra fue asiduo de sus playas hasta bien entrados los años 80. “Los artistas y celebridades hicieron de Acapulco su hogar lejos de casa”, escribió Guadalupe Loaeza en Recuerda Acapulco.

El hotel también se atribuye la invención, en 1935, del Coco Loco, el cóctel de ron y ginebra que se convirtió en emblema del puerto.

El huracán que destruyó la Casa de Tarzán

Tras la muerte de Weissmuller, el hotel pasó a manos de Adolfo “Fito” Santiago, un exempleado que había crecido trabajando para los actores desde niño y que decidió mantener intacto el espíritu del lugar. Las fotografías de Weissmuller permanecen colgadas en el corredor principal.

El 25 de octubre de 2023, el huracán Otis —categoría 5— arrasó Acapulco y con él, los últimos vestigios materiales de esa gloria. Las 36 habitaciones del hotel quedaron devastadas. La Casa Redonda, destruida. Solo tres cuartos pudieron habilitarse para recibir huéspedes en las fiestas de fin de año.

Los propios trabajadores del hotel iniciaron la rehabilitación sin apoyo gubernamental. A dos meses del impacto, los estragos seguían siendo visibles, aunque el restaurante había reabierto un mes antes. El hotel Los Flamingos, que lleva décadas operando sin interrupción, seguía en pie.

La actriz Jennifer Garner compartió detalles sobre los desafíos personales y profesionales que enfrentó tras el éxito de su carrera, el impacto de la fama repentina y las consecuencias de su divorcio.

En una conversación con Emma Grede para el podcast Aspire, la fundadora de Once Upon a Farm describió cómo estos factores transformaron su perspectiva sobre el trabajo, el dinero y su propio bienestar.

El peso de la fama y la reinvención personal

El salto a la fama de la actriz de 54 años ocurrió mientras protagonizaba la serie Alias, una etapa que la llevó a modificar su vida cotidiana y sus relaciones. “Se pierden un par de años de vida cuando te vuelves famoso. Hay que recalibrar, hay que encontrarse a uno mismo”, relató en el podcast.

Explicó que este fenómeno la llevó a distanciarse de amistades y a enfrentar sentimientos de vergüenza por la atención constante que recibía. El fenómeno de la fama implicó una etapa de reajuste en la que reconoció haber desaparecido de la vida de personas cercanas.

Este proceso de ajuste incluyó también una reflexión sobre el modo en que el público la percibe. Señaló que la opinión sobre ella cambió con el tiempo, pasando de ser considerada “la chica cool” a “la mamá de América” y “la amiga”. La actriz afirmó que su lugar más auténtico se encuentra en su casa con sus hijos, lejos de los reflectores.

La experiencia del rechazo y la construcción de resiliencia

El rechazo profesional fue una constante en la vida de Garner, quien afirmó que la habilidad de sobreponerse a las dificultades se forjó desde sus inicios como actriz. “Soy una persona que sabe recuperarse de los fracasos”, afirmó en Aspire.

La artista recordó audiciones fallidas, como la de The West Wing, que provocaron decepción pero que, en retrospectiva, se transformaron en oportunidades. “El rechazo es una forma de protección de Dios”, comentó la actriz, reconociendo que estos momentos difíciles abrieron puertas inesperadas, como su papel en Alias.

La resiliencia, según Garner, también se fortaleció en el mundo empresarial. Al describir sus primeros intentos fuera de la actuación, relató que varias ideas y proyectos no prosperaron, pero no permitió que los fracasos definieran su camino.

“Muchas ideas geniales ocurren y pocas de ellas realmente se convierten en algo. No hay vergüenza, simplemente no funcionaron”, declaró al podcast.

El divorcio: un punto de inflexión profesional y financiero

La ruptura de su matrimonio con Ben Affleck marcó un punto de inflexión en la vida de Garner. Tras el divorcio, la actriz reconoció que debió replantearse su lugar como sostén económico y su responsabilidad en el cuidado y bienestar de su familia.

“Entré en pánico cuando me divorcié y me di cuenta de que había retrocedido tanto en mi trabajo. De repente pensé: ‘Tengo que cuidarme y cuidar a estos niños’”, afirmó.

La actriz subrayó que nunca antes había reflexionado profundamente sobre el dinero, pero en ese momento se vio obligada a convertirse en una persona generadora de ingresos.

Este giro la llevó a buscar una estrategia laboral que le permitiera compatibilizar la crianza de sus hijos con la estabilidad financiera.

Durante la entrevista, explicó que no podía ausentarse durante seis meses para trabajar en el exterior y que, por eso, comenzó a preguntarse qué alternativas tenía para sostener ambas responsabilidades. En ese contexto, la creación y el crecimiento de Once Upon a Farm se incorporaron a su planificación y dieron paso a una nueva etapa profesional.

De estrella de Hollywood a empresaria

El emprendimiento se convirtió en un pilar fundamental para la actriz. Según narró a Aspire, su incursión en el sector de alimentos infantiles frescos con Once Upon a Farm surgió de la identificación de una necesidad real y de la convicción de que podía aportar valor más allá de su imagen pública.

La actriz destacó la importancia de las relaciones y la constancia en el éxito empresarial. Subrayó que el trabajo con el equipo, los clientes y los socios comerciales requiere presencia y conocimiento profundo del negocio.

Nuevas prioridades tras la maternidad y el paso del tiempo

A partir de los 45 años, Garner identificó cambios en su forma de afrontar la vida profesional. En el podcast explicó que la maternidad y las experiencias acumuladas con el paso del tiempo le dieron una perspectiva más amplia, además de mayor empatía y determinación.

Según señaló en la entrevista, ser madre y haber atravesado distintas experiencias personales y profesionales le permitió ampliar su registro como actriz y contar con más herramientas para interpretar distintos personajes. La madurez también le dio una actitud más firme frente a los desafíos de su carrera y menos condicionada por la ingenuidad de sus primeros años.

Frente al futuro, expresó su intención de continuar tomando decisiones que la acerquen a una vida más sabia y espiritual, manteniendo como eje la posibilidad de “esparcir amor” y contribuir de manera positiva en su entorno.

El regreso de Andrew Garfield a la primera línea del cine internacional se produce en un momento de transformación para el actor británico-estadounidense. Con 43 años, Garfield protagonizará este año dos proyectos de alto perfil que exploran tanto la historia como la actualidad tecnológica.

Según la revista Esquire UK, el intérprete asume papeles que lo llevan a indagar en su propio oficio y en la naturaleza del poder en la sociedad contemporánea.

The Uprising, la nueva película de Paul Greengrass, y Artificial, el esperado drama de Luca Guadagnino sobre la crisis en OpenAI, marcan una etapa en la que Garfield desafía los límites de su repertorio. En una entrevista con el medio británico, el actor reflexionó sobre el alcance de estos personajes y la exigencia emocional que implican.

Un actor en busca de nuevos retos

La carrera de Andrew Garfield se caracteriza por un compromiso con papeles de gran carga emocional y relevancia social. Su interpretación de Eduardo Saverin en The Social Network y de Desmond Doss en Hasta el último hombre lo posicionaron como un referente de sensibilidad y profundidad.

En The Uprising, bajo la dirección de Paul Greengrass, el actor encarna a Ploughman, un campesino medieval que desafía al poder tras perder a su familia por la peste.

Según detalló Esquire, la cinta examina el abuso de poder y la dignidad de los oprimidos, temas que Garfield considera vigentes: “La realidad de aquella época era que existían condiciones brutales para la clase trabajadora, impuestos abusivos tras la peste, incompetencia gubernamental y prácticas abusivas”.

El desafío de la inteligencia artificial y el poder

Uno de los papeles más comentados de la agenda de Garfield es el de Sam Altman, fundador de OpenAI, en el film Artificial dirigido por Luca Guadagnino. El proyecto aborda la crisis interna de la compañía tecnológica tras la destitución y posterior reincorporación de Altman.

El actor describió a Esquire el método que utilizó para dar vida a este personaje: “Mi proceso de ‘adentro hacia afuera’ como actor implica encontrar la esencia del personaje en mi interior”.

La interpretación de Altman supuso un acercamiento a dilemas éticos y emociones intensas: “Con Altman, todo es un juego y todo se vuelve muy simple”.

El actor reconoció que, para entender la motivación del personaje, se basó en documentación y testimonios: “No lo conozco. Nunca lo he visto. Me basé en el guion, las transcripciones judiciales, las entrevistas y la investigación”.

En este contexto, reflexionó críticamente sobre la responsabilidad que implica dirigir una empresa tecnológica: “Creo que cualquiera que asuma ese nivel de responsabilidad por una empresa o una tecnología que sabe que va a causar un daño tremendo al alma de la humanidad debe tener cierta capacidad de disociarse”.

El peso de los personajes y la evolución personal

El trabajo con Guadagnino implicó para Garfield una ruptura con las expectativas que el público asocia a su carrera. El propio actor subrayó que “Luca es uno de esos directores a los que les gusta romper con las expectativas que rodean a un actor”.

En Artificial, Garfield interpreta a un líder carismático y polémico, motivado por una lógica de competencia: “Es: ‘Sé que tengo que ganar este juego, porque soy la persona más ‘buena’, y si no gano este juego, gana Elon Musk’”.

El rodaje de papeles moralmente ambiguos no resulta sencillo. Admitió el impacto de estos proyectos en su vida personal: “Me siento agradecido por la experiencia de interpretar a esos personajes. Pero no me encanta. Al final pienso: ‘Gracias a Dios que se acabó’. Sentí lo mismo con Sam y con Hank”.

Técnica, instinto y equilibrio

Para el actor, la construcción de personajes implica un trabajo introspectivo: “Lo que Jung llamaría ‘el lado oscuro’. Los aspectos de nosotros mismos que negamos. Hay algo ahí que debo integrar, porque me da mucho miedo serlo”. Esta búsqueda de autenticidad también atraviesa su relación con la actuación y la vida cotidiana.

En declaraciones a Esquire, destacó la necesidad de libertad en la interpretación: “A veces tengo que dejar mi espíritu competitivo en casa para poder equivocarme sin miedo”.

El vínculo entre su oficio y lo personal también aparece en sus palabras sobre el futuro: “Voy a recordar que no siempre tengo que estar ‘activo’, actuando. Y voy a pensar en cómo vivir”.

A pesar de los cambios en su perfil profesional, sostiene el deseo de mantener vivo su compromiso con la actuación: “Nunca quiero perder mi capacidad interpretativa”.

Próximos pasos y nuevos horizontes

Mientras la industria espera el estreno de Artificial tras el cambio de distribuidora, Garfield se prepara para una etapa de descanso tras una intensa seguidilla de rodajes. El actor planea dedicarse a su entorno más cercano y alejarse temporalmente de la exposición mediática.

La agenda del intérprete incluye también Wild Things, una miniserie sobre el dúo Siegfried y Roy, donde comparte pantalla con Jude Law. Estos proyectos confirman la versatilidad y el interés de Garfield por abordar personajes complejos y entornos en transformación.

La frase condensa una filosofía de trabajo que Scott sostuvo a lo largo de casi 50 años de carrera. El director, nacido en el condado de Durham, Inglaterra, en 1937, encabeza un currículum que incluye Alien - El octavo pasajero, Blade Runner, Thelma y Louise, Gladiador y La caída del halcón negro, entre otras.

“Nunca quiero repetirme y todas mis películas dieron en el blanco”, afirmó en declaraciones recogidas por The Sunday Times. “Cada vez eres vulnerable”, agregó al describir su proceso creativo.

Este noviembre, Scott recibirá un Oscar honorífico por su trayectoria, distinción que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (AMPAS) entrega a figuras que la ceremonia anual suele pasar por alto. El director, que acumula cuatro nominaciones sin haber ganado el galardón competitivo, se mostró agradecido con cautela.

“Ya tengo dos caballerías”, dijo con una leve ironía, fue nombrado caballero en 2003 y ascendido a Knight Grand Cross en 2024. Al tiempo que agregó: “Pero estoy conmovido. Nunca lo despreciaría”. Ante la pregunta de si merecía haberlo ganado antes, optó por la discreción: “Fui un colaborador. Este es un buen reconocimiento”.

Tarantino, Tony Scott y los recuerdos personales

La entrevista también giró hacia Quentin Tarantino, quien el año pasado calificó La caída del halcón negro (2001) como la mejor película del siglo. La reacción de Scott fue de humor antes que de orgullo.

“Me pregunto qué estaba tomando, porque lo que sea, yo también quiero”, dijo al medio. Luego, el tono se volvió más íntimo: la amistad entre Tarantino y su hermano Tony Scott —director de La Fuga, escrita por el propio Tarantino— afloró en la conversación. Tony Scott murió el 19 de agosto de 2012, a los 68 años, tras arrojarse desde el puente Vincent Thomas en Los Ángeles.

Ridley Scott trabaja en sus memorias y, según contó a The Sunday Times, ese proceso lo tiene inmerso en recuerdos de infancia. Nació en el seno de una familia de clase trabajadora: su madre era hija de un minero y su padre, oficial del Ejército Real de Ingenieros, llevó a la familia a Alemania cuando Scott tenía diez años para participar en la reconstrucción de posguerra. El traslado implicó pasar por diez escuelas distintas.

“Era un rezagado”, admitió. “Porque en aquella época a los padres no les importaba. Te decían: ‘Ya te pondrás al día’. Claro que no me puse. Saqué un solo GCE”. Fue un maestro, identificado como el señor Crowther, quien lo derivó a dos escuelas de arte; terminó en el West Hartlepool Art College y luego en el Royal College of Art de Londres.

Allí conoció a David Hockney, de quien conserva una pintura en su casa de Provenza. “David murió recientemente y, aunque no había hablado con él en unos 20 años, siempre fue divertido”, dijo Scott. “Era el Matisse de hoy”. El director mencionó que retomó la pintura como actividad paralela “por si el trabajo del día a día se acaba”.

De la publicidad al estilo visual

Su formación visual también pasó por la publicidad. Scott afiló su mirada en la industria publicitaria británica de los años 60 y 70, donde filmó piezas que se convirtieron en referentes del género, entre ellas un anuncio de la marca de pan Hovis rodado en una colina de Dorset.

Esa sensibilidad para la imagen se tradujo luego en secuencias que marcaron la historia del cine: el xenomorfo irrumpiendo desde el pecho de John Hurt en Alien, los paisajes urbanos de Blade Runner o la escena final de Thelma y Louise lanzándose al vacío.

Sobre Gladiador (2000) y su protagonista Russell Crowe, Scott reveló un episodio poco conocido del rodaje. La escena en que el personaje de Maximus roza con la mano un campo de trigo en la Toscana —que se convirtió en el símbolo de la película— fue filmada sin el actor, quien se negó a desplazarse hasta allí.

Scott recordó que le dijo: “Nunca vas a usarla”. Se sintió, según él, aliviado por haberse alejado de esa situación. Al observar el corte definitivo, Crowe se percató del ardid. Dijo: “‘Un momento, yo no estaba ahí’”. El director relató a The Sunday Times: “Bueno, es que no quisiste venir”, fue mi respuesta.

Los próximos proyectos

Con tres proyectos futuros ya en mente —una adaptación de La isla del tesoro con Hugh Jackman, un musical y un filme sobre el elefante africano—, Scott no da señales de ralentizar el ritmo.

También tiene pendiente Gladiador III, según anticipó en declaraciones previas. A los 88 años, con dos reemplazos de rodilla producto de su afición al tenis, el director reflexionó sobre el tiempo observando la reciente derrota de Novak Djokovic en Wimbledon. “Lo vi con tristeza”, dijo. “No puedo imaginar tener que retirarme a los 40”, añadió.

Siete anécdotas de citas románticas fallidas entre celebridades, cuyos protagonistas describieron en programas de televisión, entrevistas y memorias, fueron reunidas por Entertainment Weekly. En este recuento figuran situaciones incómodas, equívocos y momentos que, tras cierto tiempo, se convirtieron en historias conocidas públicamente dentro del mundo del espectáculo.

Este tipo de testimonios rara vez se difunden por boca de celebridades muy reconocidas. La causa es clara: varias de esas citas tuvieron lugar entre colegas, eventuales colaboradores o figuras con carreras que terminaron cruzándose más tarde en Hollywood.

Con todo, hubo celebridades que igualmente eligieron explicar cómo fue la experiencia cuando, al invitar a otra personalidad famosa, las cosas no resultaron según lo planeado.

1. Sara Foster y George Clooney

La actriz y productora Sara Foster recordó en enero de 2026 una salida frustrada con George Clooney, a quien definió como un “no” rotundo desde el comienzo. De acuerdo con Entertainment Weekly, el encuentro surgió a partir de una presentación organizada por Rande Gerber y Cindy Crawford, cuando Foster tenía alrededor de 24 años.

En el podcast que conduce junto a su hermana, Foster dijo que la experiencia le resultó apagada y sin química. “Oh, es tan viejo”, recordó haber pensado entonces sobre Clooney.

El testimonio quedó ligado a una observación más amplia sobre las diferencias de edad en las relaciones, un tema sobre el que la productora también se explayó durante esa conversación.

2. Nicole Kidman y Jimmy Fallon

Uno de los relatos más recordados de esta lista tiene como protagonistas a Nicole Kidman y Jimmy Fallon. Durante una visita de la actriz a The Tonight Show en 2015, ambos reconstruyeron un encuentro previo que cada uno había interpretado de manera distinta.

Según el repaso de Entertainment Weekly, Kidman creyó que iba a una cita, mientras Fallon entendió que la reunión tenía relación con una película. La actriz sostuvo que, al llegar al departamento del conductor, lo encontró callado, con escasa iniciativa para conversar y más interesado en encender un videojuego.

“Esto es terrible”, recordó haber pensado durante esa visita. Tras alrededor de una hora y media, concluyó que no había interés del otro lado y dejó el lugar con la idea de que no existía ninguna química entre ambos.

3. Matthew Perry y Cameron Diaz

En sus memorias, el fallecido actor Matthew Perry incluyó una cita poco feliz con Cameron Diaz. El episodio ocurrió, según su relato, poco después de la separación de la actriz y Justin Timberlake en 2007. Entertainment Weekly detalló que la salida tuvo lugar en una cena con varias personas, más cerca de una reunión social que de un encuentro a solas.

Perry escribió que percibió desinterés de parte de Díaz casi desde el inicio. Más tarde, durante un juego que identificó como Pictionary, la situación derivó en un momento incómodo cuando la actriz intentó golpearlo en el hombro y terminó pegándole en la cara. “Cameron Diaz me acababa de dar un puñetazo en la cara”, resumió el actor en su libro al reconstruir aquella noche.

4. Katie Couric y Larry King

La periodista Katie Couric contó en 2013 una salida incómoda con Larry King, también figura destacada de los medios en Estados Unidos. Según relató en Jimmy Kimmel Live!, aceptaba entonces distintas invitaciones con la idea de conocer gente nueva, y en ese contexto salió con el histórico presentador.

La cena transcurrió sin mayores sobresaltos hasta el regreso. Couric advirtió que el auto no avanzaba hacia su departamento, sino hacia la casa de King. Al llegar, describió un escenario cargado de señales del reconocimiento público del conductor, con paredes cubiertas de distinciones. Luego relató un intento de acercamiento que la tomó por sorpresa.

“Me gustaría conocer a alguien un poco más cercano a mi edad”, dijo que le respondió. Más tarde, Entertainment Weekly recordó que King dio otra versión del episodio cuando visitó el programa de Couric.

5. Jennifer Aniston y Jon Stewart

El caso de Jennifer Aniston y Jon Stewart quedó marcado por una diferencia de interpretación sobre lo que había sido aquella salida. Durante una entrevista en The Daily Show en 2010, Stewart recordó una cena en un restaurante italiano y la describió como una cita. Aniston, en cambio, planteó que había sido más bien una salida grupal.

De acuerdo con Entertainment Weekly, el conductor rememoró la escena con humor y dijo que la actriz había llegado acompañada por varios amigos. Desde su punto de vista, eso había vuelto confuso el plan original.

Aniston respondió que, según su recuerdo, se trataba de una invitación abierta a sumarse a un grupo. La anécdota no dejó un conflicto público, aunque sí expuso cómo una misma noche puede quedar grabada de formas muy distintas.

6. Heather Locklear y Tom Cruise

En 2024, Heather Locklear sumó otra historia a este inventario de citas fallidas. Durante una aparición en 90s Con Florida, la actriz habló de una salida con Tom Cruise en los comienzos de sus carreras, cuando ambos todavía buscaban abrirse paso en la industria.

Locklear contó que Cruise llegó a su casa junto a Sean Penn y lo describió como muy correcto en el trato, aunque alejado del tipo de personalidad que le interesaba en ese momento.

La escena más recordada ocurrió en una salida a bailar, cuando el actor se deslizó de rodillas sobre la pista, un movimiento que años después quedaría asociado a Risky Business. Para Locklear, aquel gesto no mejoró la noche. Según Entertainment Weekly, la actriz resumió que Cruise “no fue suficiente”.

7. Shia LaBeouf y Hilary Duff

La lista también incluye a Shia LaBeouf e Hilary Duff, aunque con menos detalles públicos que en otros casos. Durante la promoción de Transformers: Dark of the Moon en 2011, LaBeouf habló con la revista Details sobre distintos aspectos de su vida personal y mencionó una cena de sushi con la exestrella de Disney Channel.

El actor definió aquel encuentro como “probablemente la peor cita que cualquiera de los dos haya tenido jamás”. Entertainment Weekly señaló que Duff no respondió públicamente a esa descripción.

A falta de una versión complementaria, la historia quedó registrada apenas como una referencia breve dentro de una entrevista más amplia, aunque alcanzó para integrarse a este repaso de malentendidos y citas sin futuro entre figuras conocidas.

La noticia recorrió las redes sociales del Perú en cuestión de horas y provocó una oleada de comentarios que revelaron algo inesperado: para el público peruano, Tim Curry no era solo Pennywise. Muchos lo recordaron, con afecto y humor, como el conserje entrometido del hotel Plaza en ‘Mi pobre angelito 2: perdido en Nueva York’.

“Lo recuerdo más por ser el botones en ‘Mi pobre angelito’”, escribió un usuario. Otro añadió: “Descansa en paz Tim Curry, te recordaré por ser Pennywise en los 90 y por esta escena graciosísima de ‘Mi pobre angelito 2’”.

La frase que convirtió al Perú en protagonista de sus memorias

En octubre de 2025, Curry publicó su autobiografía, titulada ‘Vagabond’, donde repasó con franqueza episodios de su vida personal y profesional: desde sus primeros años en Cheshire, Inglaterra, hasta el derrame cerebral que transformó su existencia. Entre las anécdotas más comentadas figura su paso por Nueva York, una etapa marcada por el exceso y la compañía de figuras como Andy Warhol y Truman Capote.

Con el humor negro que lo caracterizó a lo largo de su vida, el actor describió esa época con una frase que hoy circula en redes peruanas: “Para cuando salí de Nueva York, ya me había esnifado casi todo Perú”. La referencia al país, utilizada como metáfora de la cantidad de cocaína que consumió durante aquellos años, sorprendió a lectores y periodistas por igual.

‘Vagabond’ también aborda el proceso de recuperación tras el accidente cerebrovascular, la pérdida de movilidad y el largo camino para volver a hablar. “Todavía no puedo caminar”, declaró Curry en una entrevista posterior a la publicación del libro. A pesar de las secuelas, el actor rechazó la autocompasión y canalizó el dolor a través del humor y el trabajo en doblaje.

De Dr. Frank-N-Furter a Pennywise: seis décadas de personajes que marcaron generaciones

Tim Curry nació el 19 de abril de 1946 y construyó una carrera de más de seis décadas sobre la base de personajes excéntricos, villanos carismáticos y figuras de culto. Su primer gran salto al reconocimiento mundial llegó con el papel del Dr. Frank-N-Furter en ‘The Rocky Horror Picture Show’ (1975), un científico alienígena que se convirtió en símbolo de la libertad de expresión y la estética transgresora.

La película fue un fracaso en taquilla al momento de su estreno, pero el fenómeno de las funciones de medianoche la transformó en un referente de la cultura pop y la comunidad LGBTQ+ durante las décadas siguientes. Quince años después, en 1990, Curry encarnó a Pennywise en la miniserie televisiva ‘It’, basada en la novela de Stephen King. La interpretación se convirtió en una de las más recordadas del género de terror en la televisión.

El propio King que, si Curry no hubiera logrado ser terrorífico, la miniserie no habría funcionado. La paradoja es que el actor confesó años después que nunca disfrutó el papel: detestaba a los payasos y la experiencia fue emocionalmente agotadora. Entre sus otros papeles memorables figuran el mayordomo Wadsworth en ‘Clue’ (1985), el Señor de la Oscuridad en ‘Legend’ (1985), el villano Rooster Hannigan en ‘Annie’ (1982), el Cardenal Richelieu en ‘Los tres mosqueteros’ (1993) y el conserje del hotel Plaza en ‘Mi pobre angelito 2’ (1992).

En Broadway, recibió tres nominaciones al premio Tony. Fue también actor de voz recurrente en series animadas, rol que mantuvo incluso tras el derrame cerebral de 2012.

Hollywood y el público peruano se despiden con humor y nostalgia

Las reacciones al fallecimiento de Curry llegaron desde todos los frentes. La actriz Carol Burnett, su compañera en ‘Annie’, escribió en Instagram: “Nadie podía interpretar a los villanos adorables mejor que él. Era un querido amigo. Fue una bendición conocerlo”.

Su compañero de reparto en ‘Clue’, Michael McKean, publicó en X: “Mi última conversación con Tim Curry fue sobre la vida, el amor y la risa. El sombrío estado físico en el que se encontraba ha terminado, una bendición. Nuestra bendición fue tener a Tim Curry en nuestras vidas. Descansa en paz, amigo mío.” El director Guillermo del Toro se limitó a escribir en la misma red: “Buenas noches, dulce mito...”.

Los Muppets, con quienes Curry compartió pantalla en ‘Muppet Treasure Island’ (1996), publicaron un tributo en Instagram: “Pocos humanos se han ganado el título de Muppet honorario más que el legendario Tim Curry. Como intérprete fue inigualable: ingenioso, encantador, inquietante y profundamente gracioso”.

El actor Luke Evans, quien interpretó al Dr. Frank-N-Furter en el escenario de Broadway, escribió: “Era una llama brillante y feroz, un encanto exquisito y esa rica voz. Fue una inspiración para mí y para tanta gente”.

En el Perú, la despedida tuvo un tono propio. Los comentarios en redes mezclaron el duelo con la nostalgia por películas de infancia. “El científico de ‘Scary Movie 2’”, “Yo solo lo conozco por el personaje del hotel de ‘Mi pobre angelito 2’”, “Gracias por traumarme con los payasos”, escribieron usuarios peruanos.

Varios recordaron también su papel en ‘Congo’ (1995), donde interpretó al capitán Homolka. “Que año de mier, todos mis ídolos están muriendo”, resumió otro comentario que concentró decenas de respuestas. El equipo de Curry** difundió un comunicado en el que destacó que su mayor legado, para quienes lo conocieron, no fueron sus personajes sino “su mente curiosa y expansiva, y su corazón generoso y gentil, ambos abiertos y llenos de expectativa hasta su último aliento”.

Así lo reveló Hatosy en el podcast Warner Bros. A Lot More, conducido por Jonathan Buckley. El actor, con más de 30 años de trayectoria, describió cómo su incorporación al drama médico de Max ocurrió en un contexto de urgencia colectiva: la producción arrancaba inmediatamente después de la huelga de guionistas de Hollywood, y era una de las pocas series que retomaba actividad tras un largo parate.

“Porque era John, no importaba qué era el personaje. Yo iba a estar ahí”, reconoció Hatosy en el programa. Su vínculo con el productor John Wells se remonta a 2006 o 2007, cuando el actor audicionó para un episodio de ER dirigido por el propio Wells, una oportunidad que —según admitió— estuvo a punto de rechazar por estar enfocado en el cine en ese momento.

Desde entonces, ambos han trabajado juntos en cinco proyectos: ER, Southland, Animal Kingdom, Rescue High Surf y The Pitt.

El personaje del Dr. Abbott tiene una construcción narrativa poco convencional para una serie médica de formato procedimental: aparece en el primer episodio, entrega el mando al Dr. Robbie y desaparece, pero permanece presente a través de una carta que escribe sobre un veterano fallecido y una acción que realiza en favor de una adolescente. “Cuando él no está, vos seguís ahí, lo cual es algo inusual”, dijo el actor.

La construcción de Abbott y el salto a la dirección

Hatosy también se refirió a la escena de apertura de su personaje, parado sobre el techo del hospital, una imagen que generó un fuerte impacto en la audiencia. Reconoció que llegó a ella sin demasiada preparación ni información sobre el pasado del personaje, incluyendo cómo perdió su pierna. Aun así, sostuvo que la experiencia en The Pitt le enseñó que la falta de respuestas puede generar resultados valiosos: “No siempre tener las respuestas puede crear magia”.

Además de actuar, Hatosy dirigió el episodio nueve de la segunda temporada, su primera experiencia al frente de la cámara en una producción de semejante repercusión. Describió el proceso como “aterrador”, en especial después de que la primera temporada de The Pitt ganara el Emmy a la mejor serie dramática.

“Wells me mandó una canasta de frutas cuando empecé, y la tarjeta decía: ‘No la arruines’”, contó entre risas. Para la tercera temporada, ya confirmada, el actor volverá a dirigir un episodio, pero esta vez sin aparecer como intérprete, algo que aún no había hecho en su carrera.

Los inicios de Hatosy en la actuación

El actor vinculó su vocación artística a un recuerdo de infancia: a los diez u 11 años, sus padres lo llevaron a un espectáculo de Sha Na Na en Atlantic City, y la reacción del público ante los artistas lo marcó de forma inmediata.

De regreso a la escuela, su madre lo anotó en el coro. Años después, consiguió un agente a través de un vecino y comenzó a hacer trabajos de extra en producciones filmadas en Baltimore y Washington, entre ellas Avalon, del director Barry Levinson, y True Lies, con Arnold Schwarzenegger.

Su primera oportunidad con diálogo llegó con un papel en la serie Homicide, que se rodaba en Baltimore. Desde entonces, Hatosy acumuló créditos en Southland, Animal Kingdom, Chicago PD y La próxima víctima, entre otros proyectos.

En Animal Kingdom, donde interpretó durante seis temporadas al perturbador Pope, señaló que la llegada de la serie a Netflix le abrió una audiencia completamente nueva, al punto de que él mismo revisó la primera temporada cuando empezó a estar disponible en la plataforma.

Lo que anticipó sobre la tercera temporada

Sobre el futuro de The Pitt, Hatosy fue prudente, pero anticipó que la tercera temporada —de 15 episodios— tomará un camino diferente al de las anteriores. “El primer episodio es un poco inesperado en cómo se desarrolla”, adelantó. También dejó abierta la posibilidad de que la historia avance hacia el turno de noche: “¿Quién dice que cuando termina el turno de día no podemos seguir hacia la noche?”

En la ceremonia de los Emmy, Hatosy recibió su estatuilla de manos del director y productor Ron Howard, a quien siguió desde pequeño, primero como actor de televisión y luego como realizador de cine.

En su discurso, agradeció a John Wells y reconoció públicamente el sacrificio de su esposa durante los últimos dos años, un período de trabajo casi ininterrumpido entre The Pitt, Chicago PD, una película y la temporada de premiaciones. “Ha sido un torbellino”, resumió.

La negociación por la compra de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount Skydance quedó en suspenso, después de que el fiscal general de California Rob Bonta cancelara una reunión prevista para este lunes y acusara a la compañía de filtrar y tergiversar conversaciones confidenciales sobre un posible acuerdo.

Esta cita iba a marcar el inicio formal de conversaciones para intentar resolver la demanda con la que California y otros 11 estados buscan bloquear la operación, valuada entre USD 110.000 y 111.000 millones según se difundió. La oficina de Bonta sostuvo que el encuentro se levantó después de una reunión previa celebrada el viernes y de la aparición de detalles en reportes periodísticos.

La reunión se frustró porque Bonta atribuyó a Paramount Skydance una filtración sobre el contenido de las conversaciones reservadas. El funcionario afirmó que la empresa no actuó de buena fe y dejó en claro que solo retomará el diálogo si considera que existe una disposición genuina para negociar.

En contraparte, la compañía negó haber divulgado esa información y aseguró que mantiene su voluntad de alcanzar una salida pactada.

Bonta expuso que la empresa filtró “la supuesta sustancia de las conversaciones de conciliación” y además la presentó de forma incorrecta. “Tan pronto como Paramount deje de jugar y participe con sinceridad, mi oficina estará feliz de volver a reunirse”, señaló el fiscal general californiano.

La demanda que mantiene congelada la operación

El conflicto judicial es el último gran obstáculo para una fusión que ya obtuvo autorizaciones regulatorias en más de 60 territorios fuera de Estados Unidos, entre ellos Australia, China y la Unión Europea.

De igual manera, en el plano interno persisten dos frentes: la demanda impulsada por 12 fiscales estatales y una causa paralela presentada por el Writers Guild of America (Gremio de Guionistas de Estados Unidos).

Desde los estados involucrados sostienen que la operación daría lugar a un grupo con demasiado poder en áreas sensibles del negocio audiovisual. La demanda alega un daño potencial para la competencia en la distribución de películas de gran estreno, en el segmento de filmes de alta recaudación y en la televisión por cable básica.

La tesis oficial indica que la unión de ambas compañías podría traducirse en más capacidad para subir precios y concentrar mercado en cine y televisión.

Además, según esta visión, la compra uniría dos grandes estudios de cine, varias plataformas de streaming, canales de cable y activos informativos de primer nivel, entre ellos CNN y CBS News. Para Los Ángeles y el sur de California, la discusión tiene además un componente laboral por el peso de ambas firmas en la actividad de Hollywood.

David Ellison, director ejecutivo de Paramount Skydance, sostuvo que la fusión aumentaría la competencia y la producción. Entre sus compromisos figura el lanzamiento de 30 películas por año y una permanencia exclusiva de 45 días en salas de cine antes de su paso a otras ventanas.

La empresa insiste en que la demanda de los estados se equivoca tanto en los hechos como en la interpretación legal.

El costo del tiempo y la presión política

La disputa no solo abre un frente legal. También amenaza con encarecer de forma severa la operación. Si el acuerdo no se cierra antes del 1 de octubre, Paramount deberá empezar a pagar a los accionistas de Warner Bros. Discovery una tarifa diaria de USD 7 millones, una carga que equivale a unos 650 millones por trimestre, según reportaron NBC News y CNN.

Ese calendario explica por qué la empresa empuja una salida negociada antes del juicio previsto para marzo. También, la continuidad del litigio elevaría comisiones y costos para mantener viva la transacción.

La presión política también creció en las últimas semanas. La alcaldesa de Los Ángeles, Karen Bass, pidió una resolución rápida al advertir que la incertidumbre alrededor de la fusión ya afecta producciones y empleo en Hollywood. Mientras que el gobernador Gavin Newsom también expresó inquietud por el posible impacto sobre la reputación del estado y sobre su industria audiovisual.

En este contexto, la posibilidad de abrir conversaciones era vista como una señal de avance. The New York Times indicó que no existían garantías de que la reunión derivara en una negociación sustantiva, pero sí se la consideraba un movimiento relevante después de que Paramount amenazara con abandonar California y desde el entorno político crecieran los llamados a destrabar el caso.

Qué tipo de acuerdo exige California

Antes de levantar la reunión, Bonta ya había dejado entrever que no le alcanzaría con promesas de conducta futura. El fiscal general manifestó en varias ocasiones su preferencia por remedios estructurales, es decir, cambios concretos en la forma de la empresa resultante. Ese criterio abre la puerta a ventas de activos, escisiones o límites operativos permanentes.

Según publicó The Wall Street Journal, una de las posibilidades bajo análisis consistía en exigir que Paramount se desprendiera de algunos canales de cable y mantuviera separado su estudio cinematográfico del de Warner Bros.. Esa clase de condiciones alteraría la lógica financiera del acuerdo y podría afectar el diseño industrial que defendió la dirección de la empresa.

Diversos analistas advirtieron que esas medidas podrían vaciar parte del sentido económico de la operación. También señalaron que vender canales de cable no luce simple en un mercado con pocos compradores dispuestos a pagar valuaciones altas.

Con un juicio antimonopolio fijado para marzo y la fecha de vencimiento del acuerdo en junio de 2027, la distancia entre lo que pide California y lo que está dispuesta a aceptar Paramount Skydance sigue abierta.

Guiones terminados, elencos definidos, diseños de producción y trabajos de preproducción pueden quedar sin efecto por decisiones de los estudios, diferencias creativas o dificultades surgidas durante el proceso.

La historia del cine está llena de proyectos que quedaron suspendidos en ese punto. Entertainment Weekly recopiló nueve secuelas que despertaron expectativas entre los espectadores y que, por distintos motivos, nunca llegaron a las salas.

Algunas franquicias tuvieron que reiniciarse; otras perdieron a sus principales responsables y ciertos proyectos todavía conservan alguna posibilidad de regresar bajo una nueva versión.

1) “Spider-Man 4”: la película que Sam Raimi decidió no hacer

Después del desempeño de “Spider-Man 3″ (2007), Sony abandonó la cuarta entrega protagonizada por Tobey Maguire y dirigida por Sam Raimi. El proyecto se encontraba avanzado: los guiones gráficos estaban terminados y el reparto comenzaba a definirse.

Raimi explicó a Vulture en 2013 que no consiguió desarrollar una historia al nivel que pretendía. “No quiero hacer una película que no sea excelente, así que creo que no deberíamos hacer esta”, señaló.

El estudio optó entonces por reiniciar la franquicia con The Amazing Spider-Man, protagonizada por Andrew Garfield. La película también habría contado con Anne Hathaway como Felicia Hardy, Gata Negra.

2) Guerra Mundial Z: el proyecto de David Fincher

La continuación de “Guerra Mundial Z” (2013), protagonizada por Brad Pitt, avanzó durante años. J.A. Bayona fue elegido inicialmente como director y luego reemplazado por David Fincher, quien desarrolló una propuesta que finalmente quedó detenida en 2019.

En 2023, Fincher explicó a GQ que su versión tenía similitudes con The Last of Us: “Me alegra que no hayamos seguido con lo que teníamos planeado, porque The Last of Us ofrece mucho más margen para explorar esos mismos temas”.

Mireille Enos, integrante del elenco original, sostuvo ante TheWrap que el proyecto contaba con un guion que consideraba excelente. En abril de 2026, Paramount anunció una nueva película de Guerra Mundial Z, aunque todavía no se confirmó si incluirá a Pitt o Fincher.

3) Alien 5: el regreso de Sigourney Weaver como Ripley

En 2015, Neill Blomkamp comenzó a desarrollar una nueva entrega de “Alien” que retomaría la historia después de Aliens. Sigourney Weaver estaba vinculada al proyecto para volver como Ellen Ripley.

En 2016, la actriz contó durante la Comic-Con de San Diego que existía un guion que consideraba muy bueno, pero Fox pidió postergar la producción para que Ridley Scott pudiera trabajar en otra película de Prometheus.

Blomkamp declaró posteriormente que el proyecto estaba “totalmente muerto”. En 2025, Weaver reveló que había leído parte de otro guion relacionado con Ripley y que mantuvo conversaciones con Disney sobre un posible regreso.

4) Elf: 29 millones de dólares no fueron suficientes

La comedia navideña protagonizada por Will Ferrell tampoco tuvo continuación. En 2021, el actor contó a The Hollywood Reporter que rechazó una oferta de USD 29 millones para regresar porque no estaba convencido por la historia propuesta.

Ferrell explicó: “Habría tenido que promocionar la película desde la honestidad, es decir, ‘Oh, no, no es buena. Simplemente no podía rechazar tanto dinero’”.

El director Jon Favreau también expresó sus dudas sobre una continuación. En declaraciones a Variety en 2023, afirmó: “Esa película en particular, no sé qué historia se podría contar después. Es una historia muy completa”.

5) El club de los cinco: una reunión décadas después

Más de cuatro décadas después del estreno de “The Breakfast Club” (1985), surgió un dato desconocido sobre una posible continuación. Anthony Michael Hall contó en The Rich Eisen Show, en agosto de 2026, que John Hughes había considerado reunir nuevamente a los cinco protagonistas.

La idea contemplaba reencontrarlos años después, cuando ya fueran adultos con alrededor de 30 años y tuvieran trabajos. Hall aclaró que desconocía si Hughes llegó a escribir el proyecto.

6) Los infiltrados: una secuela demasiado costosa

El éxito de Martin Scorsese, protagonizado por Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Jack Nicholson también tuvo planes para continuar. El guionista William Monahan imaginó una historia situada antes, durante y después de los acontecimientos de la primera película.

El productor Roy Lee explicó a Collider en 2016 que aquella propuesta habría resultado muy costosa y que Scorsese no quería realizar una continuación. Ese mismo año surgieron planes para una serie inspirada en la película, aunque tampoco avanzaron de manera significativa.

7) 10 cosas que odio de ti: una producción que quedó inconclusa

A comienzos de la década de 2010 se desarrolló “10 Things I Hate About Life”, proyecto relacionado con la comedia adolescente 10 cosas que odio de ti. Hayley Atwell fue elegida inicialmente y luego reemplazada por Evan Rachel Wood.

La producción se interrumpió en 2013 y posteriormente los productores demandaron a Wood por más de USD 30 millones, acusándola de negarse a regresar. Sus representantes calificaron la demanda de absurda y la película nunca terminó.

El director Gil Junger trabaja actualmente en otra propuesta: 10 Things I Hate About Dating, concebida como el inicio de una posible trilogía.

8) Los Cuatro Fantásticos: una secuela que nunca despegó

El reinicio de “Los Cuatro Fantásticos” dirigido por Josh Trank debía funcionar como punto de partida para una segunda película. El fracaso crítico y comercial de la producción de 2015 terminó prácticamente con esas posibilidades.

Trank había imaginado una continuación más aventurera y divertida, con los personajes adaptándose a sus poderes. La secuela nunca avanzó y el director reconoció posteriormente el profundo impacto que tuvo en su carrera la recepción de aquella película.

9) Halloween 3D: el proyecto detenido en plena preparación

Después de “Halloween” (2007) y “Halloween II” (2009), Dimension Films impulsó una tercera película titulada “Halloween 3D”. Patrick Lussier y Todd Farmer fueron contratados para desarrollarla y la preproducción comenzó en 2009.

Rob Zombie decidió no continuar involucrado en la franquicia. El estudio finalmente frenó el proyecto por preocupaciones relacionadas con su desarrollo acelerado.

Scout Taylor-Compton, quien interpretó a Laurie Strode, contó años después a SYFY Wire que la producción le parecía desorganizada y que el presupuesto había sido reducido aproximadamente a la mitad.

Se puede decir, sin temor a equivocarse, que Rodolfo Valentino fue el primer sex symbol del mundo. Eran tiempos de cine mudo e imágenes en blanco y negro. Sin embargo, su mirada intensa lograba traspasar la pantalla como un rayo, que terminaba encendiendo el corazón de todas las mujeres que lo veían brillar en cada película. Y él lo sabía. Sin embargo, la vida no le dio tiempo como para disfrutar demasiado de su éxito. Porque el 23 de agosto de 1926, cuando tenía apenas 31 años de edad, cayó fulminado por una peritonitis seguida de una úlcera sangrante mientras caminaba hasta su auto. Y murió antes de llegar al hospital.

Solo siete películas le alcanzaron para lograr el reconocimiento de Hollywood: las que filmó entre 1921 y 1926. Pero había llegado a la meca del cine en el momento más ostentoso, cuando los cachets eran elevados y las excentricidades eran condición sine que non para las estrellas. Y, casi de un momento para el otro, había dejado atrás una vida de lucha que nunca imaginó que algún día pudiera derivar en semejante opulencia.

Rodolfo Alonso Guglielmidi Valentine, tal su nombre completo, había nacido el 6 de mayo de 1895 en Castellaneta, en el golfo de Taranto, al sur de Italia. Su familia era muy pobre. Y él no era un alumno muy aplicado. Sin embargo, a instancias de su madre, logró obtener un título de agricultor. Con 17 años, en tanto, se subió a un barco con destino a Francia buscando un futuro mejor. Pasó por Marbella y recaló en Paris, pero no logró subsistir por mucho tiempo. Y se vio obligado a volver a su tierra de origen con la cabeza gacha y los bolsillos vacíos.

Sin embargo, con el tiempo, tuvo la suerte de que unos tíos le pagaran un pasaje a los Estados Unidos. Suponía que allí lograría las oportunidades que tanto andaba buscando. Y no se equivocó, pero le costó bastante. Por eso, cuando se quedó sin dinero, tuvo que aceptar lo que fuera para poder sobrevivir. Y “lo que fuera” incluía changas como jardinero, empleos de mozo, actuaciones como bailarín y, aprovechando sus cualidades físicas, comportamientos de gigoló. Así fue como Valentino protagonizó su primer escándalo de polleras.

Rodolfo comenzó un amorío clandestino con la aristócrata chilena Blanca Errázuriz, esposa del empresario estadounidense John de Saulles. Y la mujer terminó perdiendo la cabeza por el italiano. A tal punto, que se divorció de su marido alegando infidelidad por parte de él y aportando como testigo al propio Valentino. Pero, no conforme con esto, al tiempo la dama decidió asesinar a su esposo. Y las crónicas de la época no dejaron de mencionar a este joven inmigrante de pasado desconocido, dando a entender que tendría alguna relación con este crimen.

Fue el actor Norman Kerry, a quien conoció de gira con una compañía de opereta por San Francisco, el que le recomendó que intentara hacer cine. Y, como era de esperar, la industria le abrió sus puertas. Al principio, le tocaron papeles pequeños, del montón. Hasta que la guionista June Mathis decidió que tenía el fisic du rol perfecto para el film que estaba preparando el director Rex Ingram en base al libro del escritor español Vicente Blasco Ibáñez. Los cuatro jinetes del Apocalipsis se estrenó en 1921. Batió récords de recaudación. Y, a partir de ese momento, Valentino se convirtió en una especie de Dios del Olimpo entre las celebridades.

Algunas críticas de los especialistas no eran favorables para Rodolfo. Decían que atentaba contra “la virilidad americana”, mostrando su torso desnudo, bailando tango y remarcando sus facciones con maquillaje. Pero el público dio su veredicto y fue positivo para el italiano sexy. Así que los directores lo convirtieron en su fetiche. Y a la película que lo catapultó a la fama, le siguieron Camille, El Sheik, Sangre y arena, Monsieur Beaucaire, Águila negra y El hijo del Sheik. Así, en tiempos en los que los actores mimados ganaban fortunas, el hombre pudo amasar un gran patrimonio.

En cuanto a sus amores, siguió siendo noticia por sus desprolijidades y por sus visitas, por aquellos años muy mal vistas, a reductos gays. En 1919 se casó con la actriz Jean Acker, supuesta amante de su colega, Alla Nazimova quien habría amenazado a la mujer frente a la abrupta ruptura. Pero el matrimonio no duró más que un mes, ya que Valentino cayó rendido ante los encantos de la bailarina Natacha Rambova. Y mientras su ex trataba de dañar su imágen tildandolo de “impotente”, ella no sólo se entrometió en su corazón, sino también en su carrera. Y le hizo ganar varios millones. Hasta que el actor fue contratado por el sello United Artists, que le prohibió a su pareja acercarse a los sets.

Pero semejante boom no fue fácil de digerir para el italiano. Y llegó un momento en el que ni las joyas, ni la ropa caras, ni las armas antiguas lo conformaban. Entonces comenzó a coquetear con las ciencias ocultas. Sin embargo, nunca descuidó su carrera y siempre se esforzó por mejorar desde el punto de vista actoral. También escribió un libro de poemas, From Days Dreams. Y grabó un disco, Valentino´s Renditions, que se agotó en pocas horas. Aunque claro, su máxima valía seguía siendo su belleza. Y, en 1925, fue declarado como “el hombre más deseado de América”.

Al año murió. Y un centenar de mujeres, vestidas de estricto luto, marcharon para despedirlo mientras Douglas Fairbanks y Samuel Goldwyn llevaban su ataúd. Pero fueron muchas más las que, en distintos lugares del mundo, lloraron por su partida como si hubieran perdido al amor de sus vidas. Nunca le escucharon la voz, ya que el cine sonoro comenzó un año después de su fallecimiento. Pero Rodolfo no necesitó hablar para transmitir lo que quería decir con sus movimientos, sus gestos y, sobre todo, con esa mirada que nadie más pudo igualar.

El Concejo de Los Ángeles aprobó esta semana la derogación de 12 prohibiciones de acampar para personas sin techo en sectores de Hollywood, Echo Park y Silver Lake. La moción tuvo 10 votos a favor y 3 en contra.

El debate se centró en la ordenanza municipal de la Sección 41.18, que permite imponer restricciones de acampe cerca de escuelas y guarderías.

A su vez, el Concejo conserva la facultad de fijar otras zonas de exclusión en lugares específicos, como bibliotecas, centros para adultos mayores, pasos bajo autopistas y áreas de “uso sensible”.

La medida alcanzó zonas del distrito del concejal Hugo Soto-Martinez, quien impulsó la iniciativa y la defiende desde su campaña electoral. Las restricciones vigentes en el resto de la ciudad no se modifican, reportó ABC 7.

Posturas enfrentadas dentro del Concejo

Durante el debate, Soto-Martinez argumentó que desplazar campamentos de una cuadra a otra no resuelve el problema de fondo y que dificulta el acceso de las personas sin techo a la ayuda pública, precisó Los Angeles Times.

“En la mayoría de los casos, dificulta mucho nuestra ayuda, ya que pierden sus pertenencias, reciben multas y, a menudo, son arrestados. En mi opinión, esta política no funciona”, aseveró.

Al mismo tiempo, el concejal aseguró que el respaldo vecinal era mayoritario: “En mi distrito, el 96% de las personas con las que hablamos estaban de acuerdo con la eliminación de las zonas o no tenían opinión al respecto”.

No obstante, una consulta callejera realizada al día siguiente de la votación discrepó con lo afirmado por Soto-Martinez. De 22 residentes consultados en el distrito, 12 se manifestaron en contra de la medida, mientras el resto se repartió entre apoyos e indecisos.

La votación expuso diferencias entre miembros del Concejo. De acuerdo con Los Angeles Times, las concejalas Imelda Padilla, Traci Park y Monica Rodriguez votaron en contra.

Padilla cuestionó lo que describió como un “doble criterio” de Soto-Martinez al pedir que se atendieran “sus deseos” en su distrito, mientras rechaza zonas de exclusión promovidas por otros colegas.

Por su parte, Park, quien representa parte del Westside, contó que recurre a zonas libres de campamentos para impedir la reapertura de antiguos asentamientos e incluso planteó que la aplicación de la 41.18 debería extenderse a todos los sitios sensibles.

“Realizamos labores de asistencia. Ofrecemos camas y servicios. Ayudamos a las personas a salir de la calle. Pero después de hacer ese trabajo, esperamos que, tras todo el tiempo, el dinero y los recursos invertidos en una operación, la zona siga siendo segura, limpia y accesible”, explicó.

El concejal Bob Blumenfield votó a favor de la medida, pese a considerar que la sección 41.18 era una herramienta eficaz. “Si yo representara el área de Soto-Martinez, no creo que tomaría algunas de las mismas decisiones con respecto a la ubicación de estas secciones 41.18. Pero no he realizado ese trabajo y no es mi distrito”, expresó.

Qué opinan los activistas y residentes tras la medida

Kris Rehl, organizador de LA Street Care y de la campaña Abolir 41.18, sostuvo que las zonas sin campamentos solo trasladan a la población sin hogar de un punto a otro de la ciudad.

“La única manera de cambiar la situación habitacional de una persona sin techo es alojarla. Multarla con sanciones de hasta USD 2.500 o encarcelarla por poco tiempo no cambia el hecho de que siga sin vivienda”, manifestó.

El activista añadió que su grupo había presionado al concejal para que cumpliera su promesa de campaña de eliminar esas zonas dentro de su distrito.

Al mismo tiempo, hubo críticas de residentes. Shane Swerdlow, consultor en uso de suelo y residente de una zona cercana al Centro para Adultos Mayores de Las Palmas, uno de los lugares donde se levantó la prohibición, advirtió que la medida puede afectar la seguridad y el funcionamiento de ese espacio.

A su juicio, la ciudad necesita soluciones permanentes, como vivienda asequible, tratamiento de salud mental y atención para adicciones, pero en el corto plazo debe mantener despejadas las veredas cercanas a esos servicios.

Daniel Cortez, otro residente citado por CBS News, criticó la decisión: “Esta es una zona turística, donde vienen muchos turistas a visitar Hollywood. Si hay mucha gente acampando aquí, no se verá muy bien”.

Una mujer sin hogar, en cambio, valoró el levantamiento de las restricciones y expuso que la medida puede hacer más llevadera la situación de quienes necesitan ayuda: “Creo que una persona merece descansar y si estás descansando en medio de la acera o en algún lugar al lado de un estacionamiento, deberías tener permitido hacerlo”.

Otro residente, que se mostró indeciso, señaló que la decisión no es tan simple como aparenta: “Creo que tiene que haber mejores maneras de ayudar a las personas que no tienen dónde alojarse, pero permitirles acampar donde quieran no es una buena solución”.

En qué zonas se levantaron las restricciones

Según CBS News, las 12 zonas donde el Concejo Municipal de Los Ángeles dejó sin efecto las restricciones son las siguientes:

• 1820 N. Las Palmas Avenue
• Bronson x 101 Freeway
• Hollywood Recreation Center
• Barnsdall Art Park
• Sunset/Myra
• 464 N. Madison Avenue
• Silver Lake x 101 Freeway
• Silver Lake/Sunset
• Sunset/Glendale
• Alvarado x 101 Freeway
• Vendome x 101 Freeway
• Verdugo x 2 Freeway

La actriz Michelle Pfeiffer salió al cruce de las versiones sobre su futuro profesional y negó que esté cerca del retiro, después de que una frase suya sobre el tipo de proyectos que prefiere alimentara especulaciones en Hollywood. La aclaración llegó durante una entrevista televisiva y puso fin, al menos por ahora, a la idea de un adiós definitivo al cine.

Según informó Entertainment Weekly, la intérprete explicó en The Tonight Show que sus declaraciones previas fueron leídas de manera incompleta. Ante una consulta de Jimmy Fallon, Pfeiffer rechazó de plano los rumores: “No... Quiero decir, es la cosa más ridícula”. La actriz sostuvo que nunca planteó dejar de actuar, sino modificar la clase de producciones que le interesa encarar en esta etapa.

El origen de la confusión estuvo en una aparición de Michelle Pfeiffer en el evento “Leading the Narrative: The Women of Apple TV”, organizado por The Hollywood Reporter y Apple TV. Allí había dicho: “No quiero volver a protagonizar otra película, lo juro por Dios. Solo quiero hacer trabajos de elenco. Es mucho más divertido, me gusta muchísimo”. Esa definición abrió una ola de interpretaciones sobre un posible retiro de la pantalla grande.

Más tarde, la actriz precisó que el comentario había sido sacado de contexto. Según detalló Entertainment Weekly, Pfeiffer le dijo a Fallon que sigue dispuesta a aceptar papeles protagónicos si aparece un proyecto que la convenza. “Por supuesto que quiero protagonizar otra película”, afirmó en el programa, una frase que funcionó como desmentida directa de las versiones que circularon durante las últimas semanas.

Una carrera con títulos centrales del cine de las últimas décadas

La reacción ante esos rumores no resultó casual si se toma en cuenta el peso de Michelle Pfeiffer en la industria. Con tres nominaciones al Oscar, la actriz construyó una filmografía extensa y diversa, con presencia en dramas, comedias, musicales, filmes de acción y adaptaciones de cómics. Entertainment Weekly remarcó que su permanencia en la pantalla sigue siendo un punto de interés para los seguidores del cine estadounidense.

Entre sus trabajos más recordados figura Scarface (1983), donde interpretó a Elvira Hancock, un papel que amplificó su proyección internacional. A ese título se sumó Dangerous Liaisons (1988), película por la que consolidó su prestigio dramático en una historia de intrigas y manipulación ambientada en la aristocracia francesa. En Married to the Mob (1988), en cambio, mostró un registro de comedia que amplió su perfil dentro de la industria.

Otro de sus personajes más citados es el de Catwoman en Batman Returns (1992), una actuación que quedó asociada de forma permanente a su nombre. La versión de Selina Kyle que compuso en esa película de Tim Burton se convirtió en una de las representaciones más reconocidas del personaje en cine.

Un año después, participó en The Age of Innocence (1993), bajo la dirección de Martin Scorsese, dentro de un elenco que reforzó su lugar entre las figuras más visibles de su generación.

Del cine a la televisión y el peso de los elencos corales

En años más recientes, Michelle Pfeiffer alternó entre cine y televisión con proyectos de perfil distinto. Su participación en Hairspray y en la saga de Ant-Man la mantuvo ligada a producciones de amplia circulación comercial, al tiempo que sus trabajos televisivos abrieron una nueva etapa en su carrera. Según Entertainment Weekly, ese recorrido reciente ayuda a entender por qué hoy prioriza las historias corales.

La actriz viene de participar en The Madison y Margo’s Got Money Troubles, dos series que reforzaron su presencia en la pantalla chica. Por este último trabajo recibió una nominación al Emmy como actriz de reparto en comedia, un reconocimiento que volvió a situarla en la conversación sobre premios.

En relación con The Madison, donde interpreta a la viuda y madre Stacy Clyburn, Pfeiffer destacó el valor del formato televisivo para profundizar en un personaje a lo largo del tiempo.

“Es maravilloso poder convivir con un personaje durante un período tan largo y así encontrar realmente todas sus capas”, señaló la actriz sobre esa experiencia. Y añadió: “Pero también es maravilloso, y lo más importante para mí, poder trabajar con todo este talento”.

Hailey Bieber apostó por un giro inesperado en su último look, fusionando la nostalgia de los años 2000 con una tendencia cromática otoñal. La empresaria y modelo de 29 años fue fotografiada en West Hollywood donde destacó con un top lencero de un color poco habitual en su repertorio de Dolce & Gabbana.

La elección del color fue el amarillo ácido y sorprendió no solo por lo atrevido de la tonalidad, sino por cómo supo actualizar la estética lencera, sumándose a la corriente que marcó el pulso de la temporada.

Durante esa salida nocturna, la esposa del cantante canadiense Justin Bieber recuperó varios códigos visuales de principios de milenio. Llevó unos auriculares con cable, elemento icónico del Y2K, y una cinta de cabello en zigzag, ambos guiños a la era previa a los dispositivos inalámbricos y accesorios minimalistas.

Completó el estilismo con anteojos de sol estrechos, consolidando el aire retro sin perder el toque contemporáneo que caracteriza su imagen pública.

El top presentaba una silueta de tirantes finos, escote asimétrico y ribetes de encaje, en sintonía con la tendencia lencera que resurgió con fuerza en las pasarelas recientes.

Combinó el top con pantalones negros acampanados, sandalias a juego y un bolso de cuero, logrando que el color protagonista resaltara aún más sobre una base neutra.

Este color se viene consolidando como tendencia fuerte de cara al otoño norteamericano. En todos los casos, el amarillo ácido funcionó como símbolo de audacia y renovación dentro de la paleta cromática estacional.

El estilismo de Hailey Bieber

El estilo de Hailey Bieber siempre se caracterizó por una fusión meticulosa de elementos sofisticados y desenfadados, articulando tendencias internacionales con guiños a la moda de los noventa y principios de los 2000.

Su imagen proyectó un equilibrio constante entre el minimalismo y la sensualidad, visible tanto en sus elecciones para eventos formales como en sus apariciones urbanas y cotidianas.

A nivel visual, recurrió de manera recurrente a vestidos de tirantes delgados, tejidos satinados, prendas de encaje y transparencias, alternando entre tonos neutros, metálicos y acentos vibrantes.

En los looks de noche, predominó la influencia lencera, con vestidos largos o cortos en seda, malla y encaje, a menudo acompañados de detalles como aberturas o superposiciones translúcidas.

Para las alfombras rojas, prefirió piezas de corte arquitectónico, como corsés de acabado metálico y capas de tul, que aportaron un aire contemporáneo y artístico a su presencia.

En el contexto urbano y casual, Bieber optó por prendas de inspiración deportiva y retro: tops cortos, pantalones de algodón amplios, chaquetas con estampados y gafas de sol de formato estrecho.

Estas combinaciones reforzaron una estética relajada pero cuidadosamente calculada, en la que piezas básicas se mezclaron con elementos llamativos, como chaquetas de animal print sobre conjuntos monocromáticos.

Los accesorios en su estilismo tendieron a ser discretos pero efectivos. Anillos dorados, pendientes pequeños y gafas geométricas se convirtieron en sus señas de identidad.

El maquillaje, por su parte, se mantuvo en una línea natural, con piel luminosa, cejas definidas y labios en tonos neutros, mientras que su peinado alternó entre ondas suaves y recogidos pulidos, adaptándose al contexto de cada aparición.

Las prendas más emblemáticas de su armario incluyeron vestidos lenceros en diferentes largos, conjuntos de malla o encaje y piezas metálicas o satinadas.

La preferencia por tirantes finos, cortes que realzaban la silueta y superposiciones transparentes consolidó su imagen como referente de una sensualidad sofisticada y coherente con las tendencias más influyentes del panorama internacional.

A través de la alternancia entre looks pulidos para eventos y combinaciones urbanas relajadas, se posicionó como una figura central en la difusión de tendencias como el “naked dress”, el minimalismo sofisticado y la reinterpretación contemporánea del estilo noventero, consolidando una identidad visual clara y reconocible tanto en escenarios cotidianos como de alta moda.

Andrew Garfield celebra este jueves 20 de agosto sus 43 años consolidado como un referente de elegancia contemporánea.

Cada aparición pública del actor y productor británico-estadounidense, conocido mundialmente por interpretar a Peter Parker en las películas The Amazing Spider-Man (2012-2014) y por su regreso en Spider-Man: No Way Home (2021), despierta expectativa entre críticos, seguidores y diseñadores, ya que su vestuario revela la capacidad de reinventar los códigos clásicos del traje masculino.

La pareja de la actriz estadounidense Monica Barbaro se ha convertido en un modelo a observar por quienes buscan inspiración en el vestir formal, demostrando que la sofisticación puede dialogar con la comodidad y la individualidad.

Más allá de su faceta como superhéroe, su prestigio en la industria del cine y su aporte constante a la evolución del estilo masculino lo posicionan como uno de los referentes actuales en materia de moda y elegancia.

El traje, protagonista en clave contemporánea

La base del estilo de Garfield reside en el traje, reinventado a partir de siluetas relajadas y detalles modernos. Alejado de la rigidez tradicional, elige chaquetas cruzadas o de doble botonadura acompañadas por pantalones de tiro alto y pierna ancha.

Este enfoque, más allá de la comodidad, aporta una imagen dinámica y segura, alejándose del convencionalismo y permitiendo mayor libertad de movimiento.

La paleta cromática es otro de los puntos distintivos. El actor evita el negro absoluto y opta por colores tierra como el beige, el marrón o el verde olivo, así como azules y grises medios.

En ocasiones, apuesta por la monocromía, vistiendo camisa, saco y pantalón en la misma gama cromática o en matices muy próximos, logrando así una cohesión visual que resalta la silueta y actualiza el concepto de elegancia masculina.

Materiales y texturas: sobriedad y control visual

Garfield privilegia tejidos de caída suave y acabado mate, como la lana ligera y el algodón, a menudo enriquecidos con fibras sintéticas. Esta selección responde a una búsqueda deliberada de sobriedad visual y textura controlada, evitando brillos o materiales demasiado llamativos.

La elección de camisas estampadas o con texturas diferenciadas bajo el traje añade interés visual y rompe la monotonía formal.

En eventos menos formales, el actor recurre a piezas de punto grueso en tonos pasteles, como un suéter celeste de ochos combinado con pantalón claro.

Esta alternativa amplía el espectro de registro en el guardarropa masculino, integrando el confort sin perder sofisticación y demostrando que es posible jugar con prendas tradicionalmente casuales en espacios públicos.

Detalles y accesorios: equilibrio entre discreción y personalidad

La selección de accesorios en la imagen de Garfield responde a una lógica de equilibrio. Prefiere anillos, relojes de caja grande y gafas de sol de montura cuadrada, elementos que aportan carácter sin saturar el conjunto. Las camisas, en ocasiones, se llevan abiertas varios botones, reforzando una masculinidad relajada y natural.

El calzado es otro elemento diferenciador: alterna entre mocasines, botas clásicas y, en ocasiones especiales, zapatillas deportivas blancas que introducen un matiz desenfadado incluso en looks formales.

Esta atención al detalle permite que cada aparición pública sea una lección de estilo: Garfield enseña que la clave está en la medida justa, evitando excesos y apostando por la coherencia visual. Así, se mantiene fiel a una estética contemporánea y adaptable, donde cada elemento cumple una función precisa.

Referencias retro y herencia setentera

Uno de los sellos más reconocibles en su vestuario es la influencia de la moda de los años 70. Las siluetas holgadas, las chaquetas con solapas anchas y el predominio de colores neutros o terrosos remiten directamente a esa época.

El actor refuerza este guiño retro con camisas de cuello abierto, ausencia de corbata y, en ocasiones, estampados de inspiración vintage. Esta referencia, lejos de ser una copia literal, se reinterpreta bajo una óptica actual, dotando a cada conjunto de una identidad única.

Contrastes entre formalidad y desenfado

Aunque Garfield recurre al esmoquin negro tradicional en galas de alto perfil, su aproximación general es suavizar la formalidad a través de detalles casuales.

Camisas sin corbata, mangas remangadas, botones abiertos y posturas relajadas son recursos frecuentes. El resultado es una imagen sofisticada pero accesible, alineada con la tendencia del “soft tailoring”, que redefine el traje como una prenda versátil y adaptable a distintos registros sociales.

Elementos distintivos y toques personales

Entre los elementos más característicos del actor destacan las camisas estampadas, utilizadas en eventos selectos para aportar un toque lúdico y diferenciador.

Las gafas de sol oscuras, empleadas tanto en interiores como exteriores, acentúan el tono contemporáneo de sus apariciones. La preferencia por colores sólidos y materiales mates refuerza la búsqueda de sobriedad y control visual, alejándose de lo ostentoso.

A lo largo de su trayectoria reciente, Garfield ha demostrado que la moda masculina puede ser terreno de experimentación y personalidad.

Su capacidad para reinterpretar el traje clásico, arriesgar con colores y detalles, e integrar referencias históricas y contemporáneas, lo ha posicionado como un referente indiscutido de elegancia en el siglo XXI.

Cada aparición suya es un ejemplo de cómo evolucionar en la moda sin perder coherencia ni autenticidad.

El largometraje, dirigido por Adam Meeks, nativo de Ohio, sigue a Cody, un joven en situación de calle que da sus primeros pasos hacia la sobriedad dentro del sistema de tribunales de recuperación de drogas de Bellefontaine, una pequeña ciudad del estado.

A diferencia de la mayoría de las producciones de Hollywood sobre adicciones, el filme integra al reparto actores no profesionales que comparten sus propias experiencias de recuperación, muchas de ellas dolorosas y no lineales.

“Desde el principio quedó claro que Adam no estaba interesado en hacer una película sobre una comunidad, sino dentro de ella”, declaró Poulter en declaraciones recogidas por el diario británico The Guardian. “Lo primero era no interferir con el proceso de recuperación ni invadir el camino que los participantes estaban recorriendo”, agregó.

Poulter, quien comenzó su carrera como actor infantil en 2007 con la comedia británica El hijo de Rambow, construyó desde entonces una filmografía que combina grandes producciones (¿Quién &$%! son los Miller?, Maze Runner: correr o morir, Guardianes de la Galaxia Vol. 3) con proyectos de autor como Midsommar: el terror no espera la noche de Ari Aster, Detroit: zona de conflicto de Kathryn Bigelow y Revenant: el renacido de Alejandro G. Iñárritu. No obstante, Union County representa para él algo diferente.

El programa real de recuperación que el filme retrata tiene una tasa de éxito superior al 50%, cifra que los participantes deben sostener a lo largo de 18 meses de tratamiento con controles diarios de sobriedad. En declaraciones recogidas por The Guardian, el actor dijo: “Lo que aprecié del enfoque de Adam fue que ponía más peso en los logros del programa”.

A nivel personal, el rodaje fue exigente. “Fue muy emotivo. No sé cómo Annette hace ese trabajo a diario”, dijo Poulter en referencia a Annette Deao, consejera de dependencias de drogas cuya figura se convierte en un sostén materno para Cody a lo largo del relato.

“Como actor, yo simulaba esas experiencias y volvía a casa cada noche, mientras que los participantes reales están en un programa de 18 meses del que nunca se sale completamente. Todo lo que yo viví palidece frente a lo que ellos vivieron”, agregó.

El estreno y lo que viene

Luego de que la película se estrenara en salas de cine de Estados Unidos, Poulter y Meeks emprendieron un viaje en automóvil durante el cual visitaron distintos cines independientes en el estado de Ohio. Durante este recorrido, pasaron por ciudades como Akron y Dayton, donde realizaron proyecciones especiales del filme con el objetivo de exhibir la obra ante comunidades locales residentes en esas áreas.

“Me hace pensar en lo importantes y sagrados que son esos espacios para mí”, expresó el actor.

Mirando hacia el futuro, tiene en perspectiva dos proyectos televisivos que lo involucran dentro de poco tiempo: por un lado, el drama centrado en rehenes Rabbit, Rabbit, que está producido por Netflix, la reconocida plataforma de streaming, en el que compartirá el elenco con Adam Driver y Regina Hall; y por otro lado, la serie de comedia dramática Beat the Reaper que será lanzada a través de Apple TV, también una plataforma de streaming. Union County se estrenó en Estados Unidos el 15 de agosto de 2026.

Bruce Dern, de 90 años, presentará su nueva película, Northbound, en el Festival de Cine de Edimburgo, donde tendrá su premiere mundial el 17 de agosto. En una entrevista con el diario británico The Guardian, el actor aseguró que mantiene su rutina diaria de caminatas y trote y que no piensa bajar el ritmo.

La clave, según él mismo explicó, la aprendió en la pista de atletismo. Dern fue corredor serio en su juventud y encontró en el maratón una metáfora que aplicó a su carrera: “Cuando corres un maratón aprendes que las primeras 16 millas no importan. Son realmente las últimas 10 las que cuentan”, señaló en declaraciones recogidas por el medio británico.

Ese mismo principio, dijo, rigió su trayectoria en Hollywood, donde casi nunca fue la primera elección para un papel y siempre tuvo que remontar desde atrás. En su nueva película, Northbound, interpreta a Arthur, un anciano que escapa de un geriátrico en Estados Unidos para refugiarse en la cabaña de su infancia a orillas de un lago canadiense.

El proyecto, el cual no dispone de un tráiler por el momento, se filmó en Canadá en 30 días con un presupuesto de USD 1,6 millones, durante los Juegos Olímpicos de hace dos años.

The Guardian describió el film como una película “áspera en la superficie y sentimental por dentro”, emparentada con Nebraska, el drama de Alexander Payne que le valió a Dern el premio al mejor actor en el Festival de Cannes a los 77 años.

Su regreso a Cannes este año, esta vez como protagonista del documental tributo Dernsie, fue igualmente emotivo. Tras la proyección, el público lo aplaudió durante seis minutos. El director del festival, Thierry Frémaux, le preguntó qué significaba ese momento para él.

“Lo que significa es que Cannes se preocupa. Me pasé toda la vida tratando de encontrar gente que se preocupe por Bruce Dern. Y lo encontré dos veces, las dos en Cannes”, respondió el actor, según consignó The Guardian.

Dern es el padre de Laura Dern, actriz de prolífica carrera con títulos como Terciopelo Azul, Rambling Rose y la muy taquillera Jurassic Park.

Seis décadas de carrera en Hollywood

La carrera de Dern abarca más de seis décadas y una galería de colaboraciones que va de Alfred Hitchcock (con quien actuó en Marnie) a Quentin Tarantino (que lo incluyó en los repartos de Django desencadenado y Érase una vez en Hoollywood), de John Wayne a Tom Hanks, pasando por Jane Fonda, Sean Connery o Robert Redford, entre los muchos con los que compartió cartel. Hitchcock solía bromear con que, si los actores son ganado, “entonces Bruce es el becerro de oro”.

Su compañero de generación, Jack Nicholson, lo ubicó entre los mejores intérpretes surgidos de la camada del cine independiente de finales de los años 60, la del Busco mi destino.

Pese a ese reconocimiento, Dern admitió que tardó décadas en sentir que pertenecía al medio: fue la nominación al Oscar por Coming Home (1978)—donde interpretó a un militar entusiasta de Vietnam que regresa muy afectado psicológicamente de la guerra— la que le dio, aunque apenas en parte, esa certeza.

Sus comienzos fueron más bien discretos. Formado en el Actors Studio de Nueva York, Estados Unidos bajo la tutela de Elia Kazan y Lee Strasberg, pasó años en el taller sin apenas pronunciar una línea. Su debut en Broadway, en la obra La sombra de un pistolero, consistió en una escena, seis líneas y 52 segundos sobre el escenario.

Fue el propio Kazan quien finalmente lo empujó a cruzar el país: en un partido de béisbol del estudio, el Memorial Day de 1960, le preguntó por qué todavía no estaba en California. Al día siguiente, Dern tomó el camino al oeste y no regresó.

En Hollywood encontró su base. Trabajó en el programa televisivo de Hitchcock, hizo películas B con Roger Corman y obtuvo su primer papel de peso en They Shoot Horses, Don’t They? (1969).

Décadas después, su Dernsie —su costumbre de improvisar y apartarse del guion— quedó inmortalizada en Había una vez en Hollywood (2019), cuando su personaje confundió el nombre de Brad Pitt con el del asesino John Wilkes Booth.

La oferta que rechazó en Gandhi

Entre las anécdotas que Dern desplegó ante The Guardian figura también la razón por la que rechazó trabajar en Gandhi (1982): Sir Richard Attenborough lo convocó para interpretar al periodista estadounidense, pero el actor condicionó su participación a poder correr cada mañana sin cruzarse con encantadores de serpientes.

Cuando Attenborough le confirmó que eso era probable, Dern declinó. El papel lo tomó finalmente Martin Sheen.

La rivalidad entre Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone marcó una era del cine de acción y llegó incluso al terreno físico: según contó el primero en el especial de TMZArnold And Sly…The Truth Is Out, ambos competían por quién alcanzaba el menor porcentaje de grasa corporal, una disputa que reflejaba la tensión que mantuvieron durante años.

La disputa entre las dos estrellas de acción no se limitó a los sets de filmación ni a las cifras de taquilla. De acuerdo con el especial de TMZ, la rivalidad comenzó de manera oficial en 1977, cuando Rocky ganó el Globo de Oro a Mejor película.

Schwarzenegger, frustrado ante la victoria de su contrincante, arrojó un ramo de flores sobre la mesa donde estaba sentado el italoamericano. Stallone lo interpretó como una declaración de guerra y decidió superarlo en todo lo que pudiera.

Esa noche Schwarzenegger también se llevó un galardón: el Globo de Oro a la Nueva estrella del año por su papel en El gran guardaespaldas. Los dos actores habían ganado, aunque ninguno lo vivió así en ese momento.

La competencia por los salarios

La brecha salarial también alimentó la rivalidad. Schwarzenegger contó a TMZ que, al comienzo de su carrera, le frustraba que Stallone cobrara hasta diez veces más: mientras uno recibía USD 2 millones por película, el otro ganaba alrededor de USD 200.000.

Cuando Stallone alcanzó los USD 10 millones por producción, Schwarzenegger se obsesionó con igualarlo. Esa brecha económica, combinada con la lucha por los mismos papeles en Hollywood, alimentó durante años un choque de egos.

Ese límite también fue físico. La obsesión por superar al otro derivó en una carrera por moldear sus cuerpos hasta cifras extremas. Schwarzenegger persiguió los porcentajes de grasa que marcaba Stallone y los convirtió en un nuevo campo de batalla.

“Era como: ‘¿Cuál era tu grasa corporal?’. Y yo estaba en un 7%, y el otro decía que estaba en un 10%, así que se convirtió en una competencia con el cuerpo”, reveló Schwarzenegger, de 79 años, según recogió SensaCine.

La revista detalló que esta competencia corporal llegó a su punto máximo cuando, por casualidad, ambos actores terminaron en camillas del mismo hospital al mismo tiempo, a la espera de ser operados del hombro.

Del enfrentamiento a la admiración mutua

A lo largo de los años y conforme fueron transcurriendo las décadas, aquella rivalidad que los había unido y enfrentado se fue modificando de forma gradual. El especial producido por TMZ mostró a dos hombres que ya habían dejado atrás el impulso y la necesidad constante de medirse y compararse entre sí, y que, en cambio, habían logrado encontrar una admiración que es completamente mutua.

Con el paso del tiempo, la rivalidad dio lugar al reconocimiento mutuo: Schwarzenegger destacó la sensibilidad de Stallone para escribir y actuar, mientras este valoró en su colega la disciplina mental y la capacidad de controlar el temperamento, una cualidad que admite que a él mismo le cuesta mantener.

La amistad entre ambos quedó sellada también con colaboraciones concretas. Schwarzenegger y Stallone compartieron pantalla en varias producciones, entre ellas la saga Los indestructibles y el filme Escape imposible, proyectos que terminaron de transformar la vieja tensión en una sociedad profesional.

Ambos reconocieron que aquella competencia terminó funcionando como un estímulo profesional. Schwarzenegger admitió en el especial de TMZ que su rival le dio “algo que perseguir”, mientras Stallone sostuvo que esa presencia también lo impulsó a superarse.

La actriz, hoy de 79 años, recordó ante Entertainment Weekly que aquella oportunidad llegó después de una larga etapa de rechazos y terminó convirtiéndose en un punto de inflexión profesional. Ese trabajo abrió el camino hacia registros más dramáticos, una transformación que poco después se consolidaría con Sybil.

Tras protagonizar la sitcom La Monja Voladora entre 1967 y 1970, las puertas de Hollywood se cerraron ante ella de forma casi total. “No podía conseguir que me dejaran entrar a una sala de audiciones. No podía entrar en las listas. Pensaban que ya sabían todo lo que yo era. ‘No, gracias. No queremos nada de eso’”, declaró la actriz en entrevista con la revista People.

Ese período de sequía se extendió por años. Field llegó al Actors Studio —la institución neoyorquina fundada en 1947 y asociada al método de actuación de Lee Strasberg— con el fin de reforzar su formación y alejarse de la imagen frívola que le había dejado la televisión. Fue precisamente allí donde Jack Nicholson la vio trabajar.

El actor quedó impresionado con su nivel y la recomendó ante Crittenden y Rafelson como “un talento aún no reconocido”, según detalló Entertainment Weekly. Esa gestión le abrió la puerta a su primera entrevista formal desde Gidget, la sitcom en la que había debutado en 1965, once años antes.

La hostilidad que percibió al llegar al lugar no la detuvo. “Tuve que usar esa ira como mi combustible”, afirmó la actriz, de acuerdo con el artículo de Entertainment Weekly. Pese a los gritos que escuchó del otro lado de la pared, siguió adelante con la audición y obtuvo el papel de Mary Tate Farnsworth, el rol femenino protagónico del film. Bob Rafelson, el mismo director que minutos antes la quería fuera del edificio, terminó por elegirla.

El papel que cambió su carrera

El gran guardaespaldas es una película que combina elementos de comedia y drama y cuyo desarrollo transcurre en un gimnasio ubicado en el estado de Alabama. Esta producción cinematográfica logró reunir en su elenco a Field, quien actuó junto a Jeff Bridges y también compartió escenas con Arnold Schwarzenegger, quien por esa época todavía no era conocido por el gran público.

El estreno oficial de este filme tuvo lugar en 1976 y representó, según la propia actriz, “el comienzo del cambio” en su vida profesional, ya que fue un punto de inflexión hacia una carrera que tendría posteriormente un mayor peso dentro de la industria cinematográfica.

En ese mismo año, Field asumió un papel protagónico en Sybil, la miniserie para la televisión que fue clave, ya que le valió el Emmy a la Mejor Actriz Protagonista en un Programa Especial. “Luché duro por Sybil”, reconoció la actriz durante declaraciones que fueron reunidas por Entertainment Weekly.

Tanto El gran guardaespaldas como Sybil fueron proyectos que sirvieron para cimentar su paso de los formatos televisivos más ligeros hacia papeles que le exigían atravesar y construir personajes con una carga dramática mucho más compleja.

La trayectoria posterior de Field incluyó títulos como Dos pícaros con suerte (1977), Norma Rae (1979) —que le valió su primer premio Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS)— y En un lugar del corazón (1984), con el que obtuvo su segunda estatuilla.

Su carrera en el cine fue, en gran parte, producto de haber resistido aquella tarde de 1976 en la que un director la quiso expulsar antes de que tuviera la oportunidad de demostrar de qué era capaz.

El reinado actual de Tom Holland y Zendaya reabrió una vieja discusión en Hollywood: quiénes fueron las parejas más influyentes de la historia del cine.

Con ese punto de partida, Newsweek elaboró un ranking de diez dúos a partir de cinco variables: fama individual, fuerza conjunta en taquilla, premios, influencia cultural y permanencia de sus carreras y relaciones.

10. Goldie Hawn y Kurt Russell

La relación entre Goldie Hawn y Kurt Russell figura en el décimo puesto y se apoya, ante todo, en su duración. La pareja permanece unida desde 1983, después de reencontrarse durante la producción de Swing Shift, película que llegó a las salas en 1984. Más tarde compartieron pantalla en Overboard y en las dos entregas de The Christmas Chronicles.

Hawn obtuvo el Oscar como actriz de reparto por Cactus Flower y sumó una nominación como actriz principal por Private Benjamin. Russell, por su parte, construyó una carrera con títulos como Escape From New York, The Thing y Tombstone.

Newsweek destacó que nunca se casaron y que esa decisión formó parte de un modelo de vínculo que, con más de cuatro décadas, permanece entre los más extensos entre figuras de primer nivel en la industria.

9. Javier Bardem y Penélope Cruz

En el noveno lugar aparece la pareja formada por Javier Bardem y Penélope Cruz, dos intérpretes con recorrido en el cine español y en el mercado internacional. Su primer trabajo conjunto fue Jamón Jamón, estrenada en 1992, aunque la relación comenzó años después. El matrimonio se concretó en 2010.

El peso de ambos en la lista surge de un historial de premios y nominaciones que los mantuvo en la primera línea durante años. Bardem ganó el Oscar como actor de reparto por No Country for Old Men, mientras Cruz obtuvo la misma distinción por Vicky Cristina Barcelona.

8. Ryan Reynolds y Blake Lively

El octavo puesto quedó para Ryan Reynolds y Blake Lively, una pareja asociada al cine comercial reciente y a una fuerte presencia pública fuera de la pantalla. Se conocieron durante el rodaje de Green Lantern en 2011 y se casaron al año siguiente.

Reynolds alcanzó su mayor rendimiento en taquilla con la franquicia Deadpool, mientras Lively sumó títulos como The Sisterhood of the Traveling Pants, The Town y The Age of Adaline.

7. Bruce Willis y Demi Moore

La séptima posición corresponde a Bruce Willis y Demi Moore, una unión que coincidió con la etapa más rentable de ambas trayectorias. Se casaron en 1987, se divorciaron en 2000 y tuvieron tres hijas, aunque mantuvieron una relación cercana después de la separación.

Durante esos años, Willis encabezó películas como Die Hard, Die Hard 2 y The Last Boy Scout. Moore protagonizó Ghost, A Few Good Men y Indecent Proposal.

La fortaleza de esta pareja residió en una capacidad de taquilla muy alta durante la década de 1990, con ambos convertidos en rostros centrales de los grandes estudios. Moore siguió integrada a la vida familiar de Willis tras el anuncio de su diagnóstico de demencia frontotemporal.

6. Tom Holland y Zendaya

La presencia de Tom Holland y Zendaya en el sexto lugar responde a un fenómeno actual más que a una historia extensa. Los dos comenzaron a compartir pantalla en Spider-Man: Homecoming en 2017 y regresaron después en Far From Home, No Way Home y Brand New Day.

Fuera de esa saga, Zendaya participó en las películas de Dune y en Challengers, además de ganar dos premios Emmy por Euphoria. Holland, a su vez, encabezó Uncharted.

Newsweek sostuvo que el lugar alcanzado por la pareja se apoya en el impacto comercial de 2026, aunque su ubicación futura dependerá de la evolución de sus carreras y de la permanencia de ese dominio en la industria.

5. Humphrey Bogart y Lauren Bacall

En el quinto puesto quedaron Humphrey Bogart y Lauren Bacall, una de las asociaciones más recordadas de la era dorada del cine estadounidense. Se conocieron durante la filmación de To Have and Have Not, estrenada en 1944, y se casaron en 1945. El vínculo terminó con la muerte del actor en 1957.

La pareja trabajó también en The Big Sleep, Dark Passage y Key Largo. Bogart ganó el Oscar como mejor actor por The African Queen, mientras Bacall mantuvo una carrera extensa en cine y teatro y recibió un Oscar honorario en 2009.

4. Ben Affleck y Jennifer Lopez

La cuarta posición fue para Ben Affleck y Jennifer Lopez, una pareja cuya influencia mediática excedió su rendimiento artístico conjunto. El vínculo comenzó tras el trabajo en Gigli, estrenada en 2003, y su nivel de exposición pública dio origen al apodo “Bennifer”, uno de los primeros nombres compuestos de celebridades que alcanzó uso masivo.

La pareja rompió su primer compromiso en 2004, volvió a reunirse en 2021 y se casó en 2022. Lopez pidió el divorcio en agosto de 2024 y la separación quedó formalizada en 2025. Affleck ganó premios Oscar por el guion de Good Will Hunting y como productor de Argo, mientras Lopez encabezó películas como Selena, Out of Sight y The Wedding Planner, al mismo tiempo que sostenía una carrera musical.

3. Michael Douglas y Catherine Zeta-Jones

El tercer lugar corresponde a Michael Douglas y Catherine Zeta-Jones, una pareja que combina premios, permanencia y visibilidad industrial. Se conocieron en 1998 y contrajeron matrimonio en noviembre de 2000. Tienen dos hijos y atravesaron una breve separación en 2013 antes de retomar la convivencia.

Douglas ganó un Oscar como productor de One Flew Over the Cuckoo’s Nest y otro como actor por Wall Street. Entre sus títulos más conocidos figuran Romancing the Stone, Fatal Attraction y Basic Instinct. Zeta-Jones se consolidó como estrella internacional con The Mask of Zorro, Entrapment y Traffic, y obtuvo el Oscar como actriz de reparto por Chicago.

2. Brad Pitt y Angelina Jolie

La segunda posición quedó para Brad Pitt y Angelina Jolie, una pareja cuya gravitación se extendió mucho más allá del cine. Trabajaron juntos en Mr. & Mrs. Smith, lanzada en 2005, y su relación se hizo pública después del estreno. Se casaron en 2014 tras casi una década en pareja.

Jolie ya había ganado un Oscar por Girl, Interrupted y Pitt más tarde obtuvo una estatuilla como actor por Once Upon a Time in Hollywood y otra como productor por 12 Years a Slave.

Su visibilidad internacional también se apoyó en actividades humanitarias. Jolie colaboró durante más de 20 años con la agencia de la ONU para los refugiados, mientras la pareja impulsó la Fundación Jolie-Pitt para financiar proyectos de salud, conservación y ayuda humanitaria. El divorcio se inició en 2016.

1. Elizabeth Taylor y Richard Burton

El primer lugar del ranking fue para Elizabeth Taylor y Richard Burton, una dupla cuya vida privada y trabajo en común concentraron atención mundial durante años. Se conocieron en el rodaje de Cleopatra, estrenada en 1963, se casaron en 1964, se divorciaron en 1974, volvieron a casarse en 1975 y se separaron otra vez en 1976.

Compartieron 11 películas, entre ellas The V.I.P.s, The Sandpiper y The Taming of the Shrew. Taylor ganó dos premios Oscar como mejor actriz, por Butterfield 8 y Who’s Afraid of Virginia Woolf?. Burton recibió siete nominaciones actorales, aunque no consiguió una estatuilla.

El director de cine Mark Rydell falleció a los 97 años tras una prolífica carrera en Hollywood. El deceso ocurrió el jueves 13 de agosto de 2026 en una comunidad de retiro para trabajadores del espectáculo en Woodland Hills, Los Ángeles. Su hija, Amy Rydell, confirmó que la muerte se produjo por causas naturales.

Mark Rydell, el cineasta nominado al Oscar por la película On Golden Pond, murió el 13 de agosto de 2026 a los 97 años. El fallecimiento ocurrió por causas naturales en Woodland Hills, Los Ángeles. Rydell destacó en la industria por dirigir a leyendas como Henry Fonda y Katharine Hepburn en producciones de gran éxito comercial y crítico.

Trayectoria y éxitos en la gran pantalla

La obra más reconocida de su filmografía fue On Golden Pond, estrenada en 1981. Este largometraje obtuvo 10 nominaciones a los premios de la Academia. Según informó AP News, la cinta recaudó más de USD 119 millones y fue la segunda película más taquillera de aquel año.

Henry Fonda y Katharine Hepburn ganaron los premios a mejores actores por sus papeles en esta producción. Rydell recibió una nominación como mejor director, aunque el galardón quedó en manos de Warren Beatty. El filme representó el último papel cinematográfico de Henry Fonda antes de su muerte.

La carrera de Rydell incluyó otros títulos que recibieron la atención de la crítica. Entre ellos figuran The Fox en 1967, The Reivers con Steve McQueen en 1969 y Cinderella Liberty en 1973. También dirigió a Bette Midler en The Rose en 1979 y a Mel Gibson en The River en 1984.

Formación académica y faceta como actor

El cineasta nació bajo el nombre de Mortimer Harold Rydell el 23 de marzo de 1929 en la ciudad de Nueva York. Durante su juventud estudió con el pianista de jazz Teddy Wilson en la Juilliard School of Music. Después sirvió dos años en el Ejército en Japón, donde organizó entretenimientos para las tropas.

Su transición a la actuación ocurrió tras obtener una beca en el Neighborhood Playhouse de Nueva York. Sus primeros pasos profesionales se dieron en las telenovelas de la cadena CBS tituladas The Edge of Night y As the World Turns. En 1956 debutó en el cine en la película Crime In The Streets.

A pesar de su éxito detrás de cámara, Rydell nunca abandonó por completo la actuación. Participó en filmes como The Long Goodbye en 1973 y Hollywood Ending en 2002. En la televisión dirigió episodios de series clásicas como Gunsmoke, The Fugitive y I Spy.

Reconocimientos y despedida de la industria

Sus colegas lo apodaron el “susurrador de actores” por su capacidad para guiar las interpretaciones. Bette Midler expresó en sus redes sociales: “Solo bastaban unas pocas palabras para entender lo que se necesitaba”. La actriz atribuyó sus dos nominaciones al Oscar al trabajo realizado con el director.

Rydell y Sydney Pollack fundaron Sanford Productions en 1971. A través de esta empresa impulsaron proyectos como Jeremiah Johnson y Scarecrow, esta última ganadora de la Palma de Oro en Cannes. En sus últimos años, Rydell compartió su conocimiento en talleres cinematográficos en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).

El director ejerció como co-director artístico de The Actors Studio West junto a Martin Landau. Además de su labor docente, Rydell dejó un legado familiar compuesto por sus hijos Amy, Christopher y Alexander. Le sobreviven también su hermana Judy Wagner, tres nietos y dos bisnietos.

Lilly Wachowski, una de las cineastas detrás de The Matrix, enfrenta dificultades para llevar a la pantalla su nuevo proyecto, The Hunted. La directora y guionista asegura que, pese a que el guion ha recibido una respuesta positiva entre quienes lo han leído, no a logrado avanzar con el financiamiento de la producción que tendrá un reparto predominantemente transgénero. El thriller tiene un presupuesto estimado de US$10 millones y fue escrito por Wachowski junto a su pareja, Mickey Ray Mahoney.

La cineasta habló sobre el proyecto en una entrevista con el pódcast The Business, de KCRW, donde explicó que The Hunted nació como una respuesta personal a la situación que atraviesan las personas trans. Para Wachowski, el guion también fue una manera de canalizar “toda la ira, rabia y frustración” que le provocaba ese contexto.

“Este es un guion que era extremadamente importante de escribir para mí”, afirmó. La propuesta aborda problemáticas de la comunidad transgénero desde la propia experiencia de la cineasta.

El principal obstáculo no estaría en la recepción del guion. Wachowski contó que, cuando lo presenta a posibles interesados, la reacción suele ser positiva, pero el respaldo económico no llega. “A la gente le gusta, pero realmente no quieren hacerla porque tiene un elenco trans de principio a fin”, señaló. Por esa razón, agregó: “Tengo que ser creativa y encontrar diferentes maneras de poner esto frente a la gente”.

La falta de financiación llevó a la directora a buscar una alternativa para que la historia pudiera llegar al público. El 7 y 8 de agosto organizó una lectura del guion en el teatro Dynasty Typewriter, en Los Ángeles, junto a parte de sus amigos y colaboradores. De esa manera, pudo experimentar con la historia sin depender de los millones de dólares que requeriría convertirla en una producción cinematográfica.

“¿Por qué hacemos arte?”, planteó Wachowski durante la entrevista. “Hago arte porque quiero sentir alegría. Hago arte para decir la verdad sobre mí misma o para decir la verdad sobre el mundo”. La directora explicó que, aunque la lectura no representa el formato que había imaginado originalmente para The Hunted, le permite alcanzar el mismo propósito creativo.

“Voy a salir y voy a atrapar esa alegría trans con todos mis amigos”, expresó sobre la experiencia. “No es lo que había imaginado, pero el resultado final es el mismo”.

De ‘The Matrix’ a una nueva etapa

Wachowski alcanzó reconocimiento internacional junto a su hermana Lana Wachowski con The Matrix, estrenada en 1999. Ambas estuvieron al frente de sus dos secuelas, The Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions, además de dirigir películas como Speed Racer, Cloud Atlas y Jupiter Ascending. También fueron creadoras de la serie Sense8.

Sin embargo, después de su trabajo en Sense8, Lilly Wachowski llegó a plantearse la posibilidad de abandonar definitivamente la dirección. Ese era el plan, pero reconsideró la decisión tras conocer Anarchists United Foundation, una organización impulsada por artistas para desarrollar películas y series de género con presupuestos inferiores a US$10 millones.

La iniciativa busca funcionar al margen del sistema tradicional de estudios y apoyar “voces subrepresentadas y puntos de vista marginados”, según explicó.

Después de alcanzar la fama internacional como Emmett Cullen en la saga Crepúsculo, Kellan Lutz tomó una decisión que cambió su vida familiar: dejó California y se mudó a Tennessee. El actor, de 41 años, reside desde 2023 en Franklin, cerca de Nashville, junto a su esposa Brittany Lutz y sus dos hijos, Ashtyn Lilly, de cinco años, y Kasen Lane, de cuatro.

En una entrevista para el podcast Inside of You, presentado por Michael Rosenbaum, recordó por qué su familia tuvo que mudarse de Hollywood luego de que naciera su segundo hijo. “Nunca quise irme de California”, afirmó. “Amo California, de verdad”.

La razón principal estuvo relacionada con la familia de Brittany, quien nació y creció en Orange County. Después de la pandemia, los parientes de su esposa dejaron California y se instalaron en Tennessee. Para la pareja, seguirlos significaba que Brittany podía contar con una red de apoyo mientras Kellan debía viajar por motivos laborales.

Esa fue una variable que no pudieron ignorar cuando uno de sus hijos enfermó. Brittany se encontraba sola con los dos niños y sintió que no podía manejar la situación. “Ella sentía que estaba perdiendo el control y simplemente se sentía impotente. Entonces me dijo: ‘¿Podemos mudarnos?’. Y yo le dije: ‘Sí, por supuesto’”, recordó Lutz.

Así comenzó una nueva etapa para la familia en Franklin. El actor asegura que, aunque inicialmente pensaban probar durante un par de años, la experiencia ha resultado positiva. Uno de los aspectos que más destaca es la comunidad cristiana que encontraron en la zona.

“Tenemos algo de terreno, participamos en excelentes estudios bíblicos, tenemos excelentes iglesias y una gran comunidad”, señaló Lutz.

Una vida familiar y marcada por la fe

La religión ocupa un lugar importante en la vida actual del actor, quien desde hace años se ha identificado públicamente como cristiano. Su esposa también comparte contenido relacionado con su fe y la maternidad. En publicaciones citadas por Movieguide, Brittany ha hablado sobre la importancia de poner a sus hijos en el centro de sus prioridades y de entender la maternidad como parte del propósito que Dios tiene para su vida.

Para Lutz, ese entorno religioso es uno de los elementos que hacen atractiva su nueva residencia. Sin embargo, la vida en Franklin también le ha permitido seguir conectado con el mundo audiovisual. “Hay muchos actores. Probablemente he ido a más estrenos de películas en Franklin, Tennessee, que en Los Ángeles en los últimos años desde que vivo allí”, comentó.

Su carrera tampoco quedó detenida tras Crepúsculo. Después de interpretar a Emmett Cullen en las cinco películas de la saga, Lutz continuó trabajando principalmente en producciones de acción. Entre sus trabajos recientes figuran Come Out Fighting y Due Justice, ambas de 2023, además de Desert Dawn (2025), donde interpretó a Luke Easton, un sheriff de un pequeño pueblo.

“En cuanto a la fama, no me imaginaba lo que llegaría a ser Crepúsculo”, confesó en el podcast. “Agradezco mucho haber probado un poco de ese éxito... porque mucha gente lucha por conseguirlo. Todavía tengo amigos que, por desgracia... renunciaron a sus familias. Siguen estancados ahí. Han sacrificado demasiado —de formas muy destructivas— para seguir persiguiendo ese espejismo de la fama”.

Pese a los cambios, California sigue teniendo un lugar especial para el actor y su esposa. Brittany incluso ha expresado su deseo de regresar algún día a Orange County o tener una vivienda en ambos estados. Lutz también reconoce que hay aspectos de su antigua vida que extraña.

La familia todavía debe acostumbrarse al clima de Tennessee, especialmente a los tornados. “No somos gente de estaciones”, bromeó el actor, antes de admitir que su esposa entra en “alerta roja”, sobre todo porque tienen niños. También hay una ausencia mucho más cotidiana: “Extrañamos el buen sushi y la buena comida mexicana”.

“Solo se te concede una pequeña chispa de locura. No debes perderla”. Esta frase, pronunciada por Robin Williams en su primer especial televisivo, se convirtió en un emblema de su carrera y personalidad, marcando un hito en la forma en que Hollywood interpreta el humor, la autenticidad y la creatividad artística.

El origen de una frase emblemática

Robin Williams lanzó esta reflexión en 1978 durante su actuación en Off the Wall, su primer especial de monólogos para HBO, grabado en el Roxy Theatre de Los Ángeles. La cita surgió en un contexto en el que la comedia en vivo comenzaba a ganar un lugar central en el entretenimiento televisivo.

Ese especial representó el primer gran salto del actor a la televisión como protagonista absoluto de un espectáculo de stand-up. Fue allí donde Williams consolidó su figura como referente de la comedia en vivo, presentando una energía inusual y un estilo que rompía con los moldes tradicionales del humor televisivo.

Una frase que trasciende el escenario

La famosa frase no solo definió aquel momento, sino que atravesó toda la trayectoria de Williams. Esa “pequeña chispa de locura” es el hilo conductor que une sus múltiples personajes, desde la Sra. Doubtfire hasta Sean Maguire en El indomable Will Hunting, pasando por el inolvidable John Keating en El club de los poetas muertos.

La influencia de Williams fuera de la pantalla también resultó notoria. Actores y actrices lo recuerdan por su generosidad y bondad, cualidades que cobraron aún mayor relevancia tras su fallecimiento en 2014. El reconocimiento a su figura se relaciona con esa capacidad de transformar la locura en una fuente de creatividad y conexión con el público.

El humor como refugio y herramienta

La biografía de Williams revela que el humor fue una constante en su vida desde la infancia. El actor creció en un entorno solitario, acompañado principalmente por una empleada doméstica encargada de su cuidado. Hacer reír a su madre se convirtió en un modo de buscar atención y afecto, desarrollando desde temprano una sensibilidad especial para la comedia.

Durante sus años escolares, el humor también funcionó como mecanismo de defensa frente al acoso y la incomprensión. Williams encontró en la comicidad un refugio frente a las dificultades personales y, más tarde, ante los desafíos de la adultez. La frase pronunciada años después refleja ese vínculo profundo entre creatividad, vulnerabilidad y una forma única de reinventarse a través de la risa.

Off the Wall: un punto de inflexión

Off the Wall no solo marcó el inicio de Williams en los especiales televisivos, sino que evidenció una forma innovadora de hacer humor. A lo largo de una hora y 37 minutos, el actor desplegó una rapidez mental y una versatilidad poco frecuentes, situándose como uno de los comediantes más destacados de su generación.

En el especial, Williams invitó al escenario a John Ritter, con quien improvisó durante nueve minutos. Ambos comenzaban entonces a abrirse camino en la industria del entretenimiento: Williams era parte del elenco de Mork & Mindy, mientras que Ritter formaba parte de Apartamento para tres. Esta interacción mostró la capacidad de adaptación y el talento de Williams para conectar con otros artistas y con el público en tiempo real.

El legado de una “chispa de locura”

Esa “pequeña chispa de locura” no solo identificó a Williams, sino que se transformó en la esencia de su aporte a la cultura popular. La frase encierra el secreto de su éxito: una combinación de ingenio, autenticidad y una visión única sobre la vida.

El legado de Robin Williams continúa vigente a través de sus películas, sus actuaciones en vivo y las huellas que dejó en colegas y seguidores. Su capacidad para transformar la locura en arte y en una forma de conectar emocionalmente con millones de personas sigue inspirando y generando admiración.

El repunte se explicó por una cartelera sostenida en franquicias, secuelas y estrenos con resultados mejores a los previstos. Según informó Forbes, películas como “Spider-Man: Brand New Day”, “Toy Story 5”, “La Odisea”, “Backrooms”, “Obsession” y “El diablo viste de Prada 2” concentraron buena parte de los ingresos en salas.

Spider-Man encabezó la taquilla del verano

La película de mayor recaudación en Estados Unidos fue “Spider-Man: Brand New Day”, con USD 655 millones desde su estreno del 31 de julio. Detrás quedaron “Toy Story 5”, con USD 470 millones, y “La Odisea”, con USD 461 millones. Ese volumen todavía le dejaba margen para avanzar posiciones entre los títulos más exitosos del período.

De acuerdo con Forbes Argentina, los analistas proyectaban que la industria alcanzaría los USD 4.000 millones recién a comienzos de septiembre y por una diferencia reducida. El desempeño de “Spider-Man: Brand New Day” y “La Odisea” modificaron esa previsión y aceleraron la recuperación de la taquilla.

Entre los aportes destacados también aparecieron dos producciones de terror. “Obsession” sumó USD 263,3 millones en mayo dentro del mercado estadounidense, mientras “Backrooms” llegó a USD 197,4 millones con la dirección de una figura de YouTube de 20 años.

A ese grupo se agregó “El diablo viste de Prada 2”, que obtuvo USD 220,5 millones en Estados Unidos. Ese resultado completó el bloque de lanzamientos más fuertes del verano y mostró que la cartelera combinó marcas consolidadas con proyectos de menor escala que lograron ampliar su alcance comercial.

La industria se acerca a sus niveles previos a la pandemia

La marca de este verano solo tenía un antecedente reciente desde la crisis sanitaria. La última vez que la recaudación estival en Estados Unidos superó los USD 4.000 millones fue en 2023, impulsada por “Barbie” y “Oppenheimer”.

Antes de 2020, ese umbral aparecía con frecuencia en el negocio. La temporada de verano lo superó en 11 de los 12 años previos a la pandemia. La única excepción fue 2017. Luego llegó el cierre de salas y la alteración de los hábitos de consumo audiovisual.

Según detalló el informe, en 2020 la recaudación de verano cayó por debajo de USD 100 millones, un nivel que expuso el impacto sobre la exhibición cinematográfica. El regreso por encima de los USD 4.000 millones ocurrió en 2023 y volvió a repetirse en la temporada actual.

El ranking anual también reflejó el peso de esos meses. De las 20 películas con mayor recaudación en el mercado estadounidense, 17 se estrenaron entre mayo y agosto. Las únicas excepciones fueron “Michael”, con USD 242,5 millones, “The Super Mario Galaxy Movie”, con USD 39,2 millones, y “Project Hail Mary”, con USD 34,3 millones.

Franquicias, figuras repetidas y el objetivo de fin de año

La temporada también dejó una presencia repetida de actores en varios de los títulos de mayor rendimiento. Tom Holland, Zendaya y Jon Bernthal participaron tanto en “Spider-Man: Brand New Day” como en “La Odisea”. Anne Hathaway también tuvo papeles centrales en “La Odisea” y “El diablo viste de Prada 2”.

En total, cuatro intérpretes formaron parte de al menos dos de los principales éxitos del verano. Ese cruce de nombres volvió a mostrar una estrategia habitual de los estudios, apoyada en figuras reconocidas y universos narrativos con audiencias ya establecidas.

Otro dato señalado por Forbes fue la presencia de Christopher Nolan en dos ciclos fuertes de la taquilla reciente. El director estuvo al frente de “Oppenheimer” en 2023 y de “La Odisea” en la temporada actual.

Ahora, Hollywood apunta a superar los USD 10.000 millones de recaudación anual por primera vez desde la pandemia. Para alcanzar ese objetivo, el mercado espera el aporte de estrenos previstos para los próximos meses, entre ellos “Avengers: Doomsday”, “Dune: Part Three” y “The Hunger Games: Sunrise on the Reaping”, que pueden incidir en el cierre del año para las salas.

A los 57 años, la experiencia de entrenamiento de piernas de Hugh Jackman volvió a poner el foco en cómo cambia la exigencia física con el paso del tiempo. El actor, asociado durante años a la preparación extrema que demandó su papel como Wolverine, mostró ahora una rutina que ya no se apoya solo en ganar músculo o mover cargas altas.

La sesión fue diseñada por su entrenadora Beth Lewis e incluye fuerza, trabajo de core y equilibrio, con dos ejercicios de piernas que se apartan de la lógica más clásica del gimnasio.

De acuerdo con un artículo de Men’s Health Latinoamérica, el cambio permite observar cómo evolucionó el enfoque del actor hacia cualidades que también incluyen estabilidad, coordinación y potencia.

La publicación del actor aportó el tono de esa sesión: “Cuando Beth decide que es día de pierna, con un poco de core y equilibrio”, escribió Hugh Jackman en Instagram. Luego agregó: “Por suerte, el banco estaba ahí para atraparme. La seguridad es lo primero”.

De Wolverine a otro enfoque físico

Interpretar a Wolverine durante más de veinte años obligó a Hugh Jackman a sostener un nivel de preparación física asociado con fuerza y masa muscular.

El entrenamiento actual del actor muestra una evolución que ya no se limita a ese objetivo. La rutina que difundió no plantea solo cuánto peso puede mover, sino qué capacidades entrena a los 57 años.

Ese cambio también modifica la lectura sobre el esfuerzo físico en esta etapa de su carrera. La secuencia que mostró pone el acento en la tensión muscular, la estabilidad y la respuesta del cuerpo ante movimientos explosivos.

En lugar de repetir la lógica del entrenamiento ligado a su personaje más conocido, el actor exhibió una búsqueda más amplia sobre rendimiento y control.

Qué destacó el análisis sobre la rutina

El análisis estuvo a cargo de Andrew Tracey, director de Fitness de Men’s Health. El especialista señaló que las contracciones isométricas aplicadas de ese modo están subestimadas, sobre todo cuando se combinan con el segundo ejercicio de la secuencia.

En su explicación, Tracey comparó esta variante con otras sentadillas isométricas más habituales. “Con frecuencia, las sentadillas isométricas se realizan de manera similar a una plancha, simplemente manteniendo la posición durante el mayor tiempo posible hasta que se acumula suficiente fatiga como para obligarte a detenerte”, explicó el especialista.

El punto que distinguió en la rutina de Hugh Jackman fue la forma de aplicar la fuerza. “Al anclar la correa debajo de los pies y trabajar activamente contra una fuerza inamovible, justo en el punto medio de una sentadilla, Jackman está generando fuerza activamente durante todo el ejercicio, reclutando una enorme cantidad de fibras musculares y alcanzando el punto de fatiga mucho, mucho antes”, afirmó Andrew Tracey.

La combinación con potencia y equilibrio

La segunda parte de la secuencia incorpora un cambio de ritmo. Después del trabajo isométrico, Hugh Jackman pasa a un movimiento dinámico con mancuernas livianas, en el que alterna desplantes con salto.

Según indicó Andrew Tracey en ese análisis, esa transición responde a una fórmula clásica del entrenamiento de contraste. “Pasar de una contracción isométrica de máximo esfuerzo a un movimiento dinámico como los desplantes con salto es una combinación clásica”, explicó Tracey.

Luego precisó el fundamento de ese método: “Es una forma de ‘entrenamiento de contraste’, que aprovecha un efecto conocido como potenciación del rendimiento postactivación PAPE: comenzar con una contracción isométrica máxima para preparar el sistema nervioso antes de realizar un movimiento explosivo”, indicó.

La sigla PAPE alude a una mejora transitoria en la capacidad de responder con potencia después de una activación intensa. Ese método permite aumentar la activación muscular sin depender de cargas pesadas y agotadoras.

Tracey también vinculó esta parte de la rutina con el equilibrio. “Jackman también menciona el equilibrio, que necesitará para controlar el aterrizaje durante esas breves pausas entre cada salto”, añadió el especialista.

Luego planteó una lectura más amplia: “Estas tres cualidades —producción de fuerza, dinamismo y equilibrio— suelen quedar fuera de muchos programas de entrenamiento. Además, todas son fundamentales para conservar nuestras capacidades a medida que envejecemos, por lo que tiene sentido combinar estos movimientos”.

Los ejercicios que mostró Hugh Jackman

La rutina de piernas que compartió el actor incluyó estos movimientos:

• Sentadilla isométrica con correa

Jackman usó una correa ISO-Rack Strap de ZeroRM, anclada debajo de los pies y alrededor de la cintura. Desde una posición de sentadilla, con el cuerpo sostenido apenas por encima de un banco, empujó contra una resistencia fija sin que hubiera desplazamiento. El ejercicio exigió generar tensión máxima en un punto intermedio del movimiento y sostener ese esfuerzo durante la ejecución.

• Desplantes con salto y mancuernas livianas

Con una mancuerna ligera en cada mano, descendió a una posición de desplante y luego se impulsó de forma explosiva hasta cambiar de pierna, en repeticiones alternadas. La secuencia sumó velocidad, control del cuerpo y estabilidad en cada aterrizaje, ya que el ejercicio requiere recuperar el equilibrio antes de pasar al siguiente cambio de apoyo.

El día que miles de personas bloquearon una autopista de Hollywood para impedir que una película se estrenara, el director Martin Scorsese ya sabía que había tocado un nervio que iba mucho más allá del cine.

Era el 11 de agosto de 1988. Al día siguiente, La última tentación de Cristo se exhibiría por primera vez en nueve ciudades de Estados Unidos y Canadá. Pero antes de que el primer espectador comprara su entrada, la controversia había tomado una enorme temperatura.

Todo empezó mucho antes. En 1961, un compañero de Scorsese en la Universidad de Nueva York le habló de una novela publicada en 1955 por el escritor griego Nikos Kazantzakis. El director no la leyó entonces. La vida se la volvió a poner delante una década después, en el rodaje de Boxcar Bertha, cuando la actriz Barbara Hershey le regaló un ejemplar y le dijo, con una claridad que no dejaba margen para la duda, que él tenía que llevarla al cine y que ella tenía que protagonizar a María Magdalena.

Scorsese leyó el libro y quedó, en sus propias palabras, envuelto por la belleza de su lenguaje. Compró los derechos a fines de los 70 y le encargó la adaptación a Paul Schrader, el guionista de Taxi Driver y Raging Bull, quien venía de una formación calvinista y había estudiado teología. El guion estuvo listo en 1981.

El proyecto llegó a los estudios Paramount en 1983 con un presupuesto de 14 millones de dólares y locaciones en Israel. Scorsese se reunió con Eleni Kazantzakis, viuda del autor, y con su albacea literario. Ambos les dieron su apoyo incondicional, conscientes de que la novela ya había sido condenada por la Iglesia Católica y le había valido la excomunión a Kazantzakis por parte de la Iglesia Ortodoxa Griega.

Pero el infierno llegó antes de lo esperado. Una organización protestante comenzó a distribuir un boletín instando a sus seguidoras a escribir cartas de protesta a Gulf+Western, la empresa madre de Paramount. Las cartas llegaron a contabilizarse a razón de quinientas por día. El presupuesto crecía. A fines de 1983, el estudio canceló el proyecto.

Scorsese hizo After Hours y El color del dinero mientras esperaba. Fue Universal Studios quien resucitó el proyecto, pero con una condición: el director también tendría que hacer una película comercial para el estudio, compromiso que cumplió en 1991 con Cabo de miedo.

Para el papel de Jesús, Scorsese había pensado primero en Robert De Niro, quien declinó con respeto. Luego quiso a Christopher Walken, pero el estudio no estuvo de acuerdo. Después consideró al joven Aidan Quinn, opción que Paramount había aprobado antes de la cancelación. Cuando el proyecto volvió a la vida, solo Harvey Keitel y Barbara Hershey seguían disponibles. Sting, que iba a interpretar a Poncio Pilato, fue reemplazado por el cantante y actor David Bowie. Para el papel principal llegó Willem Dafoe.

Dafoe había intentado conseguir una audición sin éxito. Cuando finalmente Scorsese lo llamó, el encuentro fue breve y directo. “Por supuesto que habría hecho cualquier papel en esa película. Es Scorsese”, declaró el actor tiempo después.

El rodaje se realizó en Marruecos en el otoño boreal de 1987, en apenas 58 días y con un presupuesto de 6,5 millones de dólares, una cifra exigua para la envergadura del proyecto. Las condiciones fueron duras: se hacían apenas dos o tres tomas por escena. No había suficientes maquilladores, así que Hershey debía retocarse ella misma los tatuajes de mehndi de su personaje una y otra vez. Una cámara resultó defectuosa y nadie lo supo hasta que se reveló el material. El desperfecto produjo un destello blanco involuntario en el momento exacto de la muerte de Jesús. Scorsese lo dejó.

La última tentación de Cristo no está basada en los Evangelios. Su prólogo lo aclara desde el primer fotograma: es una exploración ficcional del conflicto espiritual eterno, tal como Kazantzakis definió el tema de su novela: “la batalla entre el espíritu y la carne”.

La película presenta a un Jesús profundamente humano, confundido, atormentado por su doble naturaleza. Willem Dafoe lo construye desde la torpeza y la duda: su Sermón de la Montaña empieza con un “lo siento” que descoloca, y avanza a tientas, convencido de que Dios hablará por él. Es un hombre que rescata a María Magdalena de la lapidación, que vaga por el desierto enfrentando representaciones del bien y del mal, y que solo después de ese tránsito se convierte en un guerrero contra Satán, finalmente convencido de ser el Hijo de Dios.

La escena que desató la mayor parte de la furia pública es la secuencia del sueño final. En ella, Satán tienta a Jesús con una vida ordinaria: bajar de la cruz, casarse con María Magdalena, tener hijos, envejecer. Pero en el clímax, Jesús despierta de esa alucinación y elige con alegría la crucifixión para cumplir su destino. La tentación es resistida. No hay apostasía, sino una afirmación de la fe a través de la renuncia.

El elenco que rodea a Dafoe es notable. La revista Variety, en su momento, señaló que Harvey Keitel “transmite la ferocidad y la lealtad de Judas”, aunque señaló que su acento neoyorquino ocasionalmente resquebrajaba la credibilidad. Hershey, cubierta de tatuajes, compone una María Magdalena física e intensa. De David Bowie como Poncio Pilato, la misma publicación apuntó que era “contenidamente racional” y que se lo hubiera querido ver más.

Mucho antes de que el film llegara a las salas, los grupos cristianos conservadores ya habían montado una campaña de proporciones. La Asociación Americana de la Familia (AAF), liderada por el reverendo Donald Wildmon, y la Cruzada Universitaria por Cristo (CUC), encabezada por Bill Bright, recibieron proyecciones privadas anticipadas por parte de Universal, que había contratado a un cristiano renacido como enlace con la comunidad religiosa. La reacción fue de indignación.

Bright fue más lejos que cualquiera: ofreció reembolsarle a Universal cada centavo invertido en la película a cambio de todos los negativos existentes, con el compromiso de destruirlos. Universal rechazó la oferta y publicó una carta abierta en diarios de todo Estados Unidos argumentando que ceder a esas presiones violaría la Primera Enmienda de la Constitución de ese país, que entre otros derechos protege el de la libertad de expresión.

El mismo día en que apareció esa carta, más de 600 manifestantes patrocinados por una radio cristiana de Los Ángeles se reunieron frente a la sede de MCA. Unas 1.200 estaciones de radio cristianas en California denunciaron la película. Mastermedia International llamó al boicot contra la empresa madre. La cadena Edwards Theaters, con 150 salas en todo el país, anunció que no la proyectaría. United Artists y General Cinemas, con 3.500 salas entre ambas, hicieron lo mismo.

El director italiano Franco Zeffirelli retiró su película Young Toscanini del Festival de Venecia en protesta por la presencia de La última tentación en la programación, y la calificó de “verdaderamente horrible y completamente delirante” sin haberla visto.

El 12 de agosto de 1988, hace 38 años, la película se estrenó en nueve ciudades: Los Ángeles, Nueva York, Washington, San Francisco, Chicago, Minneapolis, Seattle, Toronto y Montreal. Las funciones se llenaron. Las colas para comprar entradas en Manhattan llegaron a las dos o tres horas de espera bajo una humedad agobiante y 32 ℃ de temperatura. En el teatro de 1.200 butacas del centro de Nueva York, las cuatro funciones del día se vendieron completas.

Frente al Cineplex Odeon de Century City, en Los Ángeles, la policía estimó entre 300 y 400 los manifestantes que desfilaban a última hora de la noche para protestar contra la película. Adentro, cuando apareció el nombre de Scorsese en los créditos, el público aplaudió. Afuera, jóvenes y señoras mayores repartían folletos de contenido bíblico. Un hombre de traje negro que se identificó como Bobby Bible, de Long Beach, interrumpió la función a los gritos desde la platea. El personal de seguridad lo sacó del cine sin arrestarlo, consignaron las crónicas de aquel día.

En Chicago, bajo un calor similar al de Nueva York, un grupo inicial de manifestantes creció hasta 400 personas al caer la tarde, en su mayoría miembros de la comunidad ortodoxa griega que coreaban “¡Detengan la blasfemia!”. En Washington, unos 100 manifestantes rodeaban un maniquí vestido como Cristo. La policía había usado un perro entrenado para revisar el cine en busca de explosivos antes de abrir las puertas, luego de que una amenaza de bomba telefónica obligara a extremar los controles.

Tom Pollock, presidente del grupo cinematográfico de MCA, asistió a la primera función en Century City para medir la reacción del público. Ante los periodistas fue directo: “A medida que más gente vea esta película, la controversia disminuirá. Verán que no es lo que otros han dicho que es. Es una película verdaderamente religiosa”.

Las reseñas de la prensa especializada fueron dispares, aunque en general favorables. La crítica del Los Angeles Times, Sheila Benson, la describió como “una pieza de arte intensa, absolutamente sincera y frecuentemente fascinante, en la que el mensaje de la vida de Jesús tiene inmediatez y significado”. Variety la definió como “una reinterpretación poderosa y muy moderna de Jesús como un hombre atormentado por la angustia y la duda”. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó a Scorsese una nominación al Oscar como mejor director.

Los líderes religiosos, en cambio, estuvieron lejos de la unanimidad. El reverendo William Boggs, pastor de la Iglesia Metodista Unida de Wilshire en Los Ángeles, dijo no haberse sentido ofendido por la secuencia del sueño porque “fue presentada como una fantasía, no como una realidad”, y agregó que la Iglesia siempre sostuvo que Jesús era simultáneamente humano y divino. El reverendo Frank Eiklor, en cambio, salió furioso de la proyección privada: “Cuando ves a Jesús retratado de esta manera, cuando ves a Jesucristo convertido en un pusilánime, solo puedo salir indignado”.

La Conferencia Nacional de Obispos Católicos le asignó una calificación “O”, de moralmente ofensiva. La Mayoría Moral llamó al boicot. El grupo Sociedad Americana para la Defensa de la Tradición, la Familia y la Propiedad publicó avisos de página entera en varios diarios acusando a Universal de difamar a Cristo.

La controversia no se apagó con el estreno. Cuando la película llegó al circuito más amplio en septiembre, varias ciudades intentaron prohibirla: Savannah, Nueva Orleans, Oklahoma City y Santa Ana lo lograron. En 1989, Blockbuster Video decidió no incluirla en su catálogo de alquiler. A mediados de los 90, cuando se emitió por televisión en Canadá y Rusia, las protestas volvieron a encenderse.

En Milwaukee, donde un colectivo organizado por docentes de la Universidad de Marquette llevó a estudiantes a verla en el cine Downer Theater, la película estuvo dos meses en cartel y superó el récord histórico de asistencia de la sala, con más de 20.000 espectadores.

La película que nadie quería que existiera terminó siendo una de las más vistas de su temporada en las salas donde se animaron a exhibirla.

La reconocida actriz estadounidense Lin Shaye, ícono del cine de suspenso y terror, llegó a Lima para promocionar la nueva entrega de la saga Insidious. La visita, que forma parte de la gira internacional de “Insidious: Out of the Further” (“La noche del demonio: Están entre nosotros”), convirtió a Perú en el único país fuera de Estados Unidos incluido en el recorrido de presentación previo al estreno programado para el 20 de agosto.

La llegada de Shaye al país generó entusiasmo tanto entre los fanáticos del género como en la comunidad artística local. En videos difundidos en redes sociales, la actriz fue recibida en el aeropuerto internacional Jorge Chávez con aplausos y muestras de admiración. Con una carrera de más de cinco décadas y más de 250 créditos en cine y televisión, Shaye es reconocida mundialmente como una de las figuras más emblemáticas del terror, gracias a su participación en títulos como Insidious, “La maldición”, “Ouija” y “Pesadilla en Elm Street”. Además, ha formado parte de producciones de comedia como “Loco por Mary”.

Recorrido turístico

Durante su estadía, Lin Shaye dedicó parte de su tiempo a explorar algunos de los lugares más emblemáticos de Lima. Uno de los momentos destacados fue su recorrido por la Vía Expresa, donde se detuvo en un puente para observar un cartel publicitario de la nueva película que promociona. Posteriormente, visitó la Huaca Pucllana, el sitio arqueológico preincaico ubicado en el distrito de Miraflores. En sus redes sociales, la actriz compartió su asombro por el valor histórico del lugar, calificando el recorrido como una de las experiencias más memorables de su viaje. “¡Me encantó este increíble recorrido histórico por la Huaca Pucllana en Miraflores! ¿Pueden creer que construyeron esto? ¡Qué genial! ¡Qué final para un hermoso día!”, escribió la actriz, acompañando el mensaje con una imagen de la puesta de sol limeña.

El contacto con la cultura peruana también se reflejó en sus visitas a tiendas de artesanía, donde posó con un peluche de pingüino de Humboldt y mostró simpatía por un muñequito de alpaquita. Un grupo de seguidores le obsequió un chullo, prenda tradicional andina, que la actriz recibió con gratitud.

La experiencia culinaria fue otro de los puntos altos del paso de Lin Shaye por la capital peruana. Según publicó en sus redes sociales, la actriz quedó gratamente sorprendida por la oferta gastronómica local. Uno de los restaurantes que visitó fue Maido, dirigido por el chef Mitsuharu “Micha” Tsumura, considerado uno de los mejores del mundo. “Increíblemente divertido y comida exquisita en Maido, el restaurante número uno del mundo. ¡Postre!”, comentó la actriz, quien compartió imágenes de su experiencia y de un postre preparado con nitrógeno líquido, técnica que llamó su atención.

La actriz también expresó su entusiasmo por el lomo saltado, uno de los platos emblemáticos de la cocina peruana. “Este delicioso plato se llama lomo saltado, que comimos en el restaurante Casa Tambo. Un lugar que debes visitar en Perú”, recomendó Shaye, resaltando la calidad y el sabor de la gastronomía local.

El itinerario de Lin Shaye incluyó además una visita a la Fortaleza del Real Felipe, histórica construcción en el Callao, donde la actriz se mostró interesada por la historia y el patrimonio del país. Las interacciones con el público continuaron en cada una de sus paradas, con seguidores que le pidieron autógrafos y se fotografiaron con ella.

La reacción de los usuarios en redes sociales fue inmediata. Comentarios como “Tremenda actriz”, “Qué afortunados los peruanos de recibir tantos famosos” y “Perú es clave”, reflejaron el orgullo de los fanáticos y el impacto positivo de la visita en la opinión pública local. La presencia de Lin Shaye en Lima no solo sirvió para fortalecer el vínculo entre el cine internacional y la audiencia peruana, sino que también evidenció la capacidad del país para recibir figuras de talla mundial y ofrecer experiencias culturales y gastronómicas de alto nivel.

Con la expectativa en aumento por el estreno de “Insidious: Out of the Further”, la visita de Lin Shaye consolidó su vínculo con el público peruano y dejó testimonio de su aprecio por la cultura, la historia y la gastronomía del país.

Durante dos décadas, Zoe Saldaña sostuvo una rutina marcada por el pilates y el ejercicio cardiovascular. Con el paso del tiempo, la actriz que protagonizó películas como Avatar y Guardianes de la Galaxia decidió modificar ese esquema y sumar un tipo de entrenamiento que durante años había considerado innecesario: el trabajo con pesas.

El cambio en la preparación física comenzó hace dos años, cuando incorporó el entrenamiento de fuerza a su rutina. Según publicó Women’s Health, desde entonces trabaja varias veces por semana junto con la entrenadora Elena Ferretti, con sesiones adaptadas a su ritmo de vida y orientadas a fortalecer distintas zonas del cuerpo.

Por qué Zoe Saldaña incorporó el entrenamiento con pesas

La actriz explicó al Wall Street Journal que durante aproximadamente 20 años fue una gran aficionada al pilates. Su perspectiva sobre el entrenamiento cambió al entrar en los cuarenta, etapa en la que comenzó a interesarse por el uso de pesas entre las mujeres de esa edad.

“Hace veinte años, me habría opuesto. Pensaba que no lo necesitábamos si ya hacíamos cardio”, declaró Saldaña al Wall Street Journal. En esa misma conversación, señaló que su cuerpo necesitaba un estímulo mayor y mucha más atención.

La nueva estrategia también se incorporó a su vida cotidiana. La actriz procura entrenar temprano, antes de que sus hijos y el resto de su familia comiencen el día. Cuando tiene que acudir a un rodaje, puede levantarse a las 4:30 o 5 de la mañana; en jornadas habituales, comienza alrededor de las 6 o 6:30.

La entrenadora Ferretti también destacó la importancia de mantener sesiones posibles de sostener dentro de una agenda exigente. En la descripción de uno de los videos publicados en Instagram, explicó que el ejercicio puede desarrollarse entre llamadas, caos y la vida real y remarcó que incluso una sesión corta cuenta cuando se realiza con intención.

Los 6 ejercicios que forman parte de su entrenamiento

La rutina difundida por Ferretti en Instagram reunió movimientos destinados a trabajar diferentes grupos musculares. Los ejercicios pueden realizarse sin máquinas y combinan mancuernas, una pesa rusa, una banda elástica y el propio peso corporal.

1. Sentadilla sumo con mancuernas elevadas

Para realizarla, se colocan los pies separados sobre dos plataformas bajas, con las puntas orientadas hacia afuera. La persona sostiene una mancuerna entre las piernas, desciende hasta la posición de sentadilla y luego vuelve a incorporarse mediante un impulso desde los talones.

2. Zancada de reverencia con pesa rusa

Este movimiento comienza de pie, sujetando una pesa rusa por el asa con una mano. La pierna contraria se lleva hacia atrás y en diagonal, generando una posición similar a una reverencia. Después, se utiliza el talón de la pierna delantera para recuperar la postura inicial antes de cambiar de lado.

3. Pulsos de estocada de reverencia

La posición de reverencia se mantiene mientras se realizan pequeños movimientos verticales. El ejercicio consiste en descender y efectuar varios pulsos controlados antes de completar las repeticiones correspondientes y trabajar el otro lado.

4. Puente de glúteos con banda elástica a una sola pierna

Para este movimiento se coloca una banda elástica por encima de las rodillas. La persona se acuesta boca arriba, apoya un pie sobre un banco o escalón y mantiene la otra pierna extendida hacia arriba. El movimiento consiste en elevar las caderas mediante el talón apoyado y regresar lentamente a la posición inicial.

5. Curl de bíceps con mancuernas

De pie y con una mancuerna en cada mano, las palmas quedan orientadas hacia adelante. Los brazos se flexionan para acercar las pesas a los hombros mientras los codos permanecen próximos a las costillas. Luego, las mancuernas descienden de manera controlada.

6. Press de tríceps con mancuernas

El último ejercicio se realiza sosteniendo una mancuerna con ambas manos por encima de la cabeza. Con la parte superior de los brazos inmóvil, se flexionan los codos para llevar el peso detrás de la cabeza. Después, los brazos se extienden hasta recuperar la posición inicial.

La combinación de estos seis movimientos forma parte del entrenamiento que la actriz más taquillera de la historia realiza junto con Ferretti varias veces por semana. De acuerdo con Women’s Health, esta preparación también contribuye a las exigencias físicas de su trabajo en “Lioness”, serie de acción en la que interpreta a la agente de la CIA Joe McNamara.

El recorrido de Jeffrey Dean Morgan en la industria audiovisual no responde a la fórmula tradicional de éxito en Hollywood. Mientras muchos actores alcanzan la fama durante los veinte, Morgan enfrentó años de dificultades y trabajos secundarios antes de consolidarse como un actor de televisión y cine.

Durante una extensa charla en el podcast Happy, Sad and Confused, el intérprete de 60 años repasó su trayectoria, desafíos profesionales y su presente lleno de proyectos.

Compartió anécdotas y reflexiones sobre su papel en el universo de los cómics, el fenómeno de The Walking Dead y su vida lejos de las cámaras.

Una irrupción tardía en la industria

El camino de Morgan hacia el reconocimiento estuvo lejos de ser inmediato. El propio actor recordó que sus años de juventud transcurrieron lejos de la popularidad, señalando dificultades sociales y una adolescencia marcada por la timidez.

En la adultez, encontró una oportunidad real en la industria. Según explicó en Happy, Sad, Confused, sus primeros papeles de relevancia llegaron alrededor de los 38 años, cuando fue convocado casi simultáneamente para Supernatural, Grey’s Anatomy y Weeds.

“Fue casi después de 15 años de intentarlo, de hacer episodios sueltos, de hacer pilotos que no prosperaban”, relató. La incertidumbre económica lo llevó a desempeñarse en oficios como la construcción y el diseño gráfico para sobrevivir, antes de obtener aquellos papeles que modificarían su carrera.

Negan y el impacto de The Walking Dead

La llegada de Morgan al universo de The Walking Dead marcó un antes y un después en su proyección internacional. El actor relató que la propuesta original fue para interpretar al “gran villano” en un arco limitado de dos años. “Sabía exactamente dónde estaban en la historia, así que supe de inmediato que era Negan”, recordó sobre el ofrecimiento inicial.

El impacto de Negan traspasó la pantalla, y Morgan comentó que “todavía recibo odio. Hay personas que me detestan porque maté a Glenn. Nunca entendí cómo no sabían que eso iba a pasar, porque Glenn muere en los cómics”. Asimismo, resaltó que “me sorprendió cuánto afectó a la gente y cuánto odiaron a Negan”.

La reacción del público alcanzó niveles insólitos, como cuando una señora mayor lo agredió con un bolso en un café de Georgia. “Norman Reedus me dijo: ‘Tenemos que irnos’. Era serio”, relató.

También abordó los cambios narrativos que vivió la serie y el spin-off Dead City, donde la dinámica entre Negan y Maggie adquirió matices diferentes.

El actor explicó que, tras sentir que el personaje había perdido carisma en la segunda temporada, se comunicó con los productores para exigir un cambio de rumbo: “No puedo seguir así”.

Su recorrido por el universo de los cómics

El vínculo de Morgan con el mundo del cómic no se limita a The Walking Dead. El actor formó parte de producciones como Watchmen, The Boys e Invincible, consolidando una imagen asociada al género y al fandom internacional.

En la entrevista, rememoró su experiencia con Zack Snyder durante el rodaje de Watchmen, donde el director priorizó la fidelidad al material original: “Nunca miramos un guión, solo el cómic. Yo quería pararme y moverme como el personaje de las viñetas”.

En cuanto a su participación en Batman vs. Superman, Morgan reconoció que el director le insinuó planes más ambiciosos para el personaje de Thomas Wayne, aunque nunca llegaron a concretarse. También mencionó propuestas para otros papeles en el género, como el antihéroe Lobo, que finalmente no se materializaron.

Detalló su experiencia reciente en la animación con Invincible, donde interpreta a Conquest. El guion de su personaje incluyó un monólogo escrito especialmente por Robert Kirkman, creador del cómic, quien buscó humanizar un poco al villano para confundir a la audiencia.

Vida personal y nuevos proyectos fuera de la pantalla

Lejos de los sets de filmación, Morgan lleva adelante una rutina marcada por la vida familiar y el contacto con la naturaleza. Reside en una granja, convive con perros y animales rescatados, y mantiene una relación cercana con sus hijos, uno de los cuales lleva el nombre de Gus en homenaje a un personaje de Lonesome Dove.

En el plano profesional, amplió su espectro con proyectos como la serie Sterling Point en Amazon Prime, plataforma de streaming y el reality Destination X. Sobre el primero, expresó entusiasmo por el talento del elenco joven y la calidad de la producción. “Pensé que era una serie juvenil que nunca vería, pero realmente funciona para un público más grande”, afirmó.

Finalmente, la entrevista abordó el impacto de la fama y el reconocimiento tardío. “No fue un shock, solo estaba feliz de poder pagar el alquiler”, resumió Morgan sobre la época en la que su vida cambió radicalmente gracias a la popularidad de “Grey’s Anatomy” y “Supernatural”.

Según un reporte de Men’s Health España, Pitt recordó que la preparación para encarnar al guerrero griego alteró por completo su rutina, desde el entrenamiento hasta la alimentación y los hábitos personales.

El valor actual de esa confesión no está solo en la trastienda de una superproducción, sino en lo que revela sobre un patrón consolidado en la industria.

Los grandes papeles de acción convirtieron el cuerpo de los protagonistas en parte del espectáculo y, con eso, instalaron exigencias físicas que muchas veces se presentan como prueba de compromiso profesional, aunque impliquen niveles de desgaste difíciles de sostener.

Proceso de entrenamiento y dieta bajo la guía de Duffy Gaver

De acuerdo con el medio, Pitt asumió el papel con la obligación de construir una figura capaz de transmitir fuerza, velocidad y precisión en pantalla.

Para eso trabajó con Duffy Gaver, exintegrante de los Navy SEAL y entrenador asociado a preparaciones físicas de alto nivel. El esquema, según el medio, no apuntó solo a la apariencia, sino también a un rendimiento que volviera creíbles las escenas de combate.

El actor entrenaba cerca de dos horas por día con una rutina orientada a fuerza, agilidad y resistencia. La lógica del plan se alejaba del fisicoculturismo clásico y buscaba un cuerpo funcional para la acción. Esa preparación incluyó también cambios fuera del gimnasio.

Pitt dejó de fumar, reorganizó sus horarios y sostuvo una disciplina diaria que convirtió la construcción del personaje en una actividad central de su vida.

La alimentación siguió la misma línea. El reporte indica que el plan priorizaba proteínas y reducía al mínimo los hidratos de carbono, sin margen para desvíos frecuentes. Pitt explicó que el objetivo era llevar el cuerpo al límite de lo que el papel requería.

“Se supone que Aquiles es el mejor guerrero de todos los tiempos; tenía que poner mi cuerpo en forma y perfecto. Así que cambié mi vida por completo”, afirmó el actor en declaraciones citadas por el medio.

Desgaste físico y mental sufrido durante el rodaje

El punto más significativo del testimonio aparece cuando Pitt se aleja del resultado visual y describe el costo del proceso. El problema no era solo la exigencia de cada jornada de entrenamiento, sino la necesidad de repetir esa rutina durante meses sin interrupciones.

Ahí la transformación dejó de ser un objetivo físico puntual y pasó a convertirse en una forma de vida regida por horarios, restricciones y control permanente.

“Hubo días en los que simplemente no quería levantar una pesa más”, contó el actor, según el medio español. En otra de las citas reproducidas, definió esa etapa como “un trabajo de 24 horas al día, los 7 días de la semana”.

La frase resume el núcleo informativo de la historia: no se trató únicamente de una preparación intensa, sino de una exigencia absorbente que ocupó cada aspecto de la rutina.

Ese tipo de relato encaja con una tendencia más amplia del cine de acción. En las últimas dos décadas, las transformaciones físicas de actores para papeles de guerreros, superhéroes o peleadores pasaron a ser parte central de la narrativa promocional de las películas.

Rutinas extremas, dietas estrictas y cambios corporales acelerados dejaron de circular como dato secundario y se integraron al marketing de cada estreno. La experiencia de Pitt, vista con distancia, muestra el reverso de ese fenómeno.

Confesión de Brad Pitt sobre las dificultades y su reacción tras finalizar el rodaje

La dimensión más reveladora del recuerdo aparece en la reacción posterior al rodaje. Pitt contó que, cuando terminó Troya, el agotamiento era tal que abandonó de inmediato la lógica que había sostenido durante la preparación. “Miras el resultado y dices: ‘Vale, me veo genial’. Pero el proceso fue brutal”, señaló. La frase corre el foco desde la imagen final hacia el costo de producirla.

El actor también relató cómo cortó de manera abrupta con esa disciplina. “Lo primero que hice al terminar fue ir a comprar una hamburguesa y volver a fumar”, recordó, en una escena que el medio español destacó como síntesis del hartazgo acumulado.

Más que una anécdota de color, esa reacción funciona como indicador del límite entre el cuerpo exigido por una superproducción y la imposibilidad de sostenerlo en la vida cotidiana.

A más de 20 años del estreno, la confesión vuelve a circular en un contexto distinto al de 2004. Las exigencias físicas de la industria hoy reciben más atención pública, y los testimonios sobre dietas extremas o entrenamientos extenuantes ya no se leen solo como curiosidades de rodaje.

En ese marco, el caso de Brad Pitt deja de ser apenas un recuerdo sobre Aquiles y ofrece una entrada más amplia a un debate persistente en Hollywood: cuánto cuesta construir, para la pantalla, un ideal físico que luego resulta inviable fuera del set.

La noticia de la cadena CBS fue devastadora: “Muere Robin Williams a los 63 años en su residencia de California: la policía investiga un posible suicidio”. Hubo una llamada al 911 a las 11:55 de la mañana desde su casa en Tiburon, California. Minutos después, los médicos constataron su fallecimiento. En pocas horas, la noticia ocupó las portadas de los principales medios internacionales y confirmó la muerte de una de las figuras más queridas del espectáculo.

Era el 11 de agosto de 2014. Esa misma tarde, su esposa, Susan Schneider, emitió un comunicado en el que pidió que el foco de las noticias no estuviera puesto en su partida, sino en los millones de momentos de alegría que el actor le había regalado al público a lo largo de más de cuatro décadas de carrera.

Pese a ese pedido, lo inevitable fue contar qué había sucedido. El informe de la oficina del sheriff del condado de Marin, cerca de la bahía de San Francisco, confirmó que el actor había sido encontrado en su casa, “parcialmente suspendido en el aire, con un cinturón enganchado a la parte superior de un armario”. Tenía 63 años y, días antes, le había confesado a Susan que ya no podía más. Ella no pudo creerlo: “Ya no soy yo. No sé qué me pasa, pero ya no soy yo”.

Durante las primeras horas, la explicación parecía sencilla: se habló de depresión, de sus antiguos problemas con el alcohol y las drogas, y de etapas de oscuridad detrás de una carrera extraordinariamente luminosa. Sin embargo, meses después, los estudios realizados tras su muerte revelaron que Williams padecía una grave enfermedad neurodegenerativa: demencia con cuerpos de Lewy, una patología que había comprometido seriamente su cerebro.

Robin Williams había pasado buena parte de su vida haciendo de la improvisación una forma de libertad. Pero, al final de sus días, comenzó a perder el control sobre su propia mente. Detrás de él quedaron películas que trascendieron la pantalla: historias que hicieron reír, llorar y reflexionar a millones de personas, y que hoy permanecen como el legado de un artista capaz de transformar el humor en humanidad.

El hombre que descubrió que podía hacer reír

Robin McLaurin Williams nació el 21 de julio de 1951 en Chicago, Illinois. Creció en una familia acomodada y durante buena parte de su infancia fue un niño introvertido. En 1967, cuando tenía 16 años, su familia se mudó a California. Ese cambio marcaría un antes y un después: allí encontró en la actuación un espacio donde podía dejar atrás su timidez y transformarse en cualquier personaje.

Al terminar la escuela, estudió Ciencias Políticas en el College of Marin, pero abandonó esa carrera para dedicarse al teatro. En 1973, con 22 años, ingresó en la Juilliard School de Nueva York, una de las instituciones teatrales más prestigiosas de Estados Unidos. Allí compartió formación y amistad con Christopher Reeve. También en esa etapa descubrió que su mayor talento no era solo la actuación sino su extraordinaria capacidad para improvisar, cambiar de voz, crear personajes en cuestión de segundos y convertir cualquier situación en un torrente de humor.

En 1976, a los 25 años, regresó a California y comenzó a actuar en clubes de comedia de San Francisco y Los Ángeles. Su aparición como el extraterrestre Mork en Happy Days, en 1978, fue determinante en su carrera. El personaje tuvo tanto éxito que ese mismo año derivó en Mork & Mindy, la serie que lo convirtió, con apenas 27 años, en una estrella de la televisión estadounidense. Williams interpretaba a aquel visitante de otro planeta con una energía desbordante, una velocidad verbal casi imposible de seguir, una expresividad física que hacía inolvidable cada escena y el memorable saludo: nanu nanu.

Lo que para otros actores podía ser un recurso, en él se convirtió en su identidad artística. Saltaba de una voz a otra, imitaba personajes, improvisaba diálogos y era capaz de llenar cualquier silencio. Sin embargo, detrás de esa imagen coexistía un hombre que durante años luchó contra el consumo problemático de alcohol y drogas.

A comienzos de los años 80, cuando rondaba los 30 años, la muerte de su amigo John Belushi, víctima de una sobredosis en 1982, marcó un punto de inflexión. Williams abandonó las drogas y logró mantenerse sobrio durante muchos años. En 2006, después de más de dos décadas sin consumir, volvió a internarse para recibir tratamiento por su adicción al alcohol. No escapó al tema y al salir de esa experiencia habló públicamente de las adicciones y contó ante miles de personas que nunca desaparece por completo, sino que puede permanecer latente incluso después de largos períodos de recuperación.

De la carcajada al drama

A los 31 años, Robin dio su primer gran paso hacia el cine. En 1982 protagonizó The World According to Garp (El mundo según Garp), adaptación de la novela de John Irving. Un año después, a los 32, llegó Moscow on the Hudson (Moscú en el Hudson), donde interpretó a un músico soviético que decide desertar durante una gira por Estados Unidos. Eran personajes muy diferentes del Mork que lo había convertido en una estrella y empezaban a demostrar que detrás del comediante había un actor capaz de interpretar personajes complejos, vulnerables y profundamente humanos.

El gran salto llegó en 1987, cuando tenía 36 años, con Good Morning, Vietnam (Buenos días, Vietnam). Allí interpretó al disc-jockey Adrian Cronauer, un locutor de las Fuerzas Armadas estadounidenses destinado a Saigón durante la guerra de Vietnam. Williams llevó al personaje buena parte de su propia capacidad para la improvisación y construyó una actuación en la que la velocidad, el humor y la irreverencia convivían con momentos de enorme sensibilidad. Por ese trabajo recibió su primera nominación al Oscar como mejor actor.

Dos años después, a los 38, volvió a sorprender con Dead Poets Society (La sociedad de los poetas muertos). Encarnó al profesor John Keating, un docente que alentaba a sus alumnos a pensar por sí mismos, a mirar la vida desde una perspectiva diferente y valorar la libertad. En él, Williams encontró la manera de encarnar un personaje inolvidable capaz de emocionar sin perder magnetismo. La película se convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera y le valió una nueva nominación al Oscar como mejor actor.

En 1990, protagonizó Awakenings (Despertares), donde interpretó al doctor Malcolm Sayer, un neurólogo que descubre que un grupo de pacientes catatónicos puede recuperar temporalmente la conciencia gracias a un tratamiento experimental. La película le permitió mostrar una faceta mucho más contenida y sensible, y anticipó al actor dramático que poco después volvería a sorprender en The Fisher King (Pescador de ilusiones). Ese mismo año también participó en Dead Again (Muerto otra vez), un thriller de Kenneth Branagh que volvió a alejarlo de la comedia pura.

En 1991, con 40 años, se convirtió en Peter Pan en Hook (Hook: El regreso del Capitán Garfio), una aventura que le permitió recuperar el espíritu juguetón que había caracterizado buena parte de sus primeros personajes. Al año siguiente, le puso voz al Genio en Aladdin (Aladdín), un personaje construido alrededor de su capacidad para improvisar, cambiar de voz y disparar referencias a una velocidad admirable.

Y en 1993, llegó Mrs. Doubtfire (Papá por siempre), donde interpretó a un padre que se disfraza de mujer para poder mantenerse cerca de sus hijos. Williams podía pasar de la fantasía al humor físico y de allí a la ternura sin perder su identidad.

En 1995, protagonizó Jumanji, una aventura fantástica que se convirtió en otro de los grandes éxitos de su carrera. Pero su filmografía de esa década también mostró una creciente disposición a explorar personajes más complejos. En The Birdcage (La jaula de las locas, 1996), ya con 45 años, volvió a la comedia, esta vez desde un humor más adulto y sofisticado.

Un año después, regresó al drama con Good Will Hunting (En busca del destino), en la que interpretó al psicólogo Sean Maguire, un hombre marcado por sus propias heridas que intenta ayudar a un joven prodigio a enfrentarse a las suyas. La actuación le permitió mostrar una faceta mucho más contenida y vulnerable, lejos del vértigo verbal que había caracterizado buena parte de su carrera. Ese papel le permitió mostrar una faceta contenida y vulnerable y finalmente le dio el Oscar al mejor actor de reparto en 1998.

A los 47 años, protagonizó What Dreams May Come (Más allá de los sueños, 1998), una historia fantástica sobre el amor, la muerte y la posibilidad de reencontrarse después de la vida. Ese mismo año interpretó al médico Hunter “Patch” Adams en Patch Adams (Patch Adams), basado en la historia real de un profesional que defendía una medicina más humana y cercana a los pacientes. En 1999, volvió a explorar la relación entre humanidad y tecnología en Bicentennial Man (El hombre bicentenario), donde encarnó a Andrew Martin, un robot que durante dos siglos busca ser reconocido como ser humano. Hoy, ese personaje fantástico y humanizado no está lejos de lo que la inteligencia artificial busca crear.

Ya en el nuevo siglo, Williams comenzó a utilizar su imagen de hombre amable y cómico para construir personajes mucho más inquietantes. En 2002, a los 50 años, apareció en Insomnia (Insomnio), de Christopher Nolan, como Walter Finch, un hombre acusado de asesinato que se convierte en el centro de una investigación policial. Ese mismo año, en One Hour Photo (Retratos de una obsesión), interpretó a Seymour “Sy” Parrish, un empleado de un laboratorio fotográfico cuya obsesión con una familia comienza a desbordar todos los límites. Eran personajes alejados del Robin Williams que el público asociaba con la comedia y demostraban que su registro dramático todavía podía sorprender.

A mediados de la década, recuperó parte de su faceta más popular con Night at the Museum (Una noche en el museo, 2006), donde interpretó al presidente Theodore Roosevelt. Pero incluso en esa etapa continuó buscando papeles menos convencionales. En 2009, protagonizó World’s Greatest Dad (El mejor papá del mundo), una comedia negra en la que interpretó a un profesor cuya vida cambia radicalmente después de la muerte de su hijo.

En los últimos años de su carrera participó también en películas como The Butler (El mayordomo, 2013), The Angriest Man in Brooklyn (El hombre más enojado de Brooklyn, 2014) y Boulevard (Boulevard), estrenada en 2015 después de su muerte.

A lo largo de más de cuatro décadas de carrera, Williams participó en unas 80 películas de ficción y protagonizó más de 45. También lideró como actor principal dos series de televisión, Mork & Mindy y The Crazy Ones, y acumuló quince grandes premios internacionales. Más allá de las cifras, su filmografía, Williams había conseguido construir una carrera en la que la risa y el drama no competían entre sí, sino que se potenciaban. Podía llenar una escena con una catarata de voces y gestos y, apenas unos minutos después, reducirlo todo a una mirada o a un silencio. Esa capacidad para pasar de la carcajada a la emoción terminaría convirtiéndose en una de las marcas más reconocibles de su carrera.

El hombre detrás del actor

Fuera de los escenarios y los sets de filmación, Robin también construyó una parte importante de su legado a través de la solidaridad. Durante años apoyó organizaciones como St. Jude Children’s Research Hospital y la Christopher & Dana Reeve Foundation, a la que permaneció vinculado desde el accidente que dejó paralizado a su amigo Christopher Reeve. También fue una de las figuras centrales de Comic Relief, el proyecto benéfico que reunió a Williams con Billy Crystal y Whoopi Goldberg para recaudar fondos destinados a personas sin hogar. La iniciativa llegó a recaudar más de 80 millones de dólares.

En el año 2000, esa faceta más espontánea quedó registrada durante una visita a la Gorilla Foundation, en California. Allí conoció a Koko, la famosa gorila que había aprendido a comunicarse mediante el lenguaje de señas. El encuentro fue filmado y mostró a Williams jugando con ella, haciendo gestos y compartiendo momentos de cariño y emoción.

La escena parecía una extensión natural de lo que había hecho durante toda su carrera: encontrar una forma de comunicarse a través del humor y el juego. Tras su muerte, en 2014, integrantes de la fundación le contaron a Koko que su amigo Robin murió y reaccionó con tristeza e, incluso, lloró al comprender la noticia.

Su compromiso con los demás tampoco se limitó a las grandes organizaciones. Según contó años después su hija Zelda, Williams solía contratar a personas sin hogar para trabajar en algunos de sus proyectos y giras, una manera concreta de ofrecerles una oportunidad laboral. En paralelo, participó durante décadas en eventos benéficos y utilizó su popularidad para recaudar fondos y llamar la atención sobre distintas causas.

La enfermedad que nadie había visto

En 2014, a los 62 años, Robin comenzó a atravesar una serie de problemas de salud que resultaban difíciles de explicar. Tenía dificultades para dormir, episodios de ansiedad, alteraciones del movimiento y cambios emocionales que empezaron a afectar su vida cotidiana. En mayo de ese año recibió el diagnóstico de enfermedad de Parkinson.

Mientras intentaba continuar con su trabajo, él y su esposa, Susan Schneider Williams, consultaron a distintos especialistas en busca de respuestas. Lo que todavía no sabían era que detrás de aquellos síntomas había una enfermedad neurológica mucho más compleja.

El 11 de agosto, Williams fue encontrado muerto en su casa de California. La investigación determinó que había muerto por suicidio y los análisis toxicológicos no encontraron alcohol ni drogas ilícitas en su organismo. Pero la autopsia reveló un dato que cambiaría la comprensión de sus últimos meses: presentaba una extensa patología de cuerpos de Lewy, depósitos anormales de proteínas asociados con una enfermedad neurodegenerativa conocida como demencia con cuerpos de Lewy.

La enfermedad puede provocar parkinsonismo, deterioro cognitivo, alteraciones del sueño, fluctuaciones de la atención, alucinaciones y cambios importantes en el estado de ánimo y la conducta. En el caso de Williams, la afección cerebral era particularmente grave.

Aunque ya era demasiado tarde, conocer el diagnóstico permitió a su familia comprender mejor algunos de los síntomas que hasta entonces los habían desconcertado, especialmente durante sus últimos meses. Lo que parecía ser únicamente ansiedad, depresión o un problema psicológico también podía estar relacionado con una enfermedad que avanzaba silenciosamente en su cerebro.

Para Susan, saber qué estaba ocurriendo después de la muerte de su marido permitió darle un nuevo sentido a aquellos meses. “Me sentaron y me dijeron que básicamente Robin murió de demencia con cuerpos de Lewy. Empezaron a hablar de la neurodegeneración. No estaba en sus cabales. Me sentí aliviada de que tuviera un nombre. Robin y yo habíamos pasado por esta experiencia juntos, siendo realmente perseguidos por un monstruo invisible”.

Quizás esa revelación también permitió mirar de otra manera al hombre que, durante décadas, había sido capaz de llevar al público de la risa a la emoción más profunda en cuestión de segundos. Detrás de aquella energía desbordante había una lucha que casi nadie pudo ver.

Juliano Valdi tiene 12 años e interpreta a Michael Jackson durante su infancia en Michael, la película dirigida por Antoine Fuqua que repasa las primeras tres décadas de la vida del Rey del Pop. Tras el impacto de la producción, el joven ya piensa en su próximo desafío cinematográfico.

En una entrevista exclusiva con Entertainment Weekly, Valdi contó que existe un personaje de Marvel al que le gustaría interpretar en el futuro: Miles Morales, la identidad de Spider-Man que protagoniza las películas animadas de Spider-Verse.

El actor también explicó de dónde surgió su interés por el superhéroe y expresó su deseo de incorporarse al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

El próximo desafío que Valdi imagina para su carrera

Después de encarnar a una figura histórica de la música, Valdi ya tiene en mente otro personaje popular. Durante la conversación con Entertainment Weekly reveló que Miles Morales es el papel que espera interpretar cuando llegue el momento de dar el salto al cine de superhéroes.

“Estoy llegando a la edad en la que realmente quiero interpretar a Miles Morales, así que espero poder hacerlo”, afirmó el actor. En la misma declaración, agregó: “Todavía no tengo 15 años, pero me encantaría unirme al UCM”.

Miles Morales es actualmente el protagonista de las películas animadas de Spider-Verse, donde cuenta con la voz de Shameik Moore. El personaje también aparece como una de las posibilidades para una futura adaptación en acción real dentro del universo de Marvel.

Según la información citada por Entertainment Weekly, Kevin Feige, jefe de Marvel, y Tom Holland, protagonista de Spider-Man: Brand New Day, manifestaron públicamente su interés en llevar a Miles Morales al formato de acción real. Holland incluso planteó la posibilidad de acompañar al futuro intérprete del personaje.

“Sin duda, tengo muchas ganas de llevar a Miles Morales a la pantalla y guiar al joven afortunado que consiga el papel, tal como Robert Downey Jr. lo hizo conmigo”, declaró Holland recientemente a Associated Press. El actor también resaltó que “sería una forma fantástica de poner fin a mi etapa como Spider-Man”.

La admiración de Valdi por Spider-Man

El interés de Valdi por Miles Morales no surgió recientemente. El actor explicó que su vínculo con Spider-Man comenzó durante su infancia, cuando descubrió las películas protagonizadas por Tobey Maguire.

“Mi afición por Spider-Man surgió desde muy pequeño”, contó a Entertainment Weekly. Como parte de ese recuerdo, destacó el impacto que tuvo en él la película protagonizada por Maguire: “Recuerdo cuando vi la primera película de Spider-Man, y fue el mejor film de acción que he visto en mi vida”.

La transformación profesional de Valdi tras interpretar a Michael Jackson

El papel en Michael significó un cambio importante para Valdi. La película comienza con el personaje de Jackson durante su infancia y los primeros años de los Jackson 5, etapa que queda a cargo del joven intérprete. Luego, Jaafar Jackson, sobrino del cantante, interpreta al artista durante su adultez.

Aunque ambos actores no compartieron escenas, Valdi aseguró que la experiencia los vinculó de manera especial. Según explicó a Entertainment Weekly, revista estadounidense, él y Jaafar quedaron unidos para siempre como “hermanos”, mientras que calificó la transformación de su compañero en Michael Jackson como “mejor de lo que nadie podría haber imaginado”.

La repercusión de su trabajo también llegó desde figuras cercanas a la trayectoria del Rey del Pop. Durante el estreno de la película en Los Ángeles, Valdi conversó con Stevie Wonder, quien elogió su interpretación.

“En el estreno en Los Ángeles, estuve hablando con Stevie Wonder, y me dijo que había hecho un trabajo maravilloso”, relató el actor a Entertainment Weekly. Valdi explicó que esas palabras tuvieron un significado especial para él porque considera a Wonder “una leyenda absoluta” y agregó que “me sentí completamente realizado”.

El joven también se refirió al impacto personal que tuvo su participación en la producción. “Es algo surrealista, jamás pensé que estaría en una película”, declaró. Sobre los cambios derivados de la exposición, señaló: “Mi vida ha cambiado mucho, pero puedo con ello. Estoy muy agradecido por el cariño”.

La posibilidad de una futura segunda parte de Michael también permanece entre los deseos del joven intérprete. La película se convirtió en la primera biopic en superar los USD 1.000 millones en la taquilla mundial, mientras continúa disponible en streaming a través de Starz y en formatos digitales y 4K con contenido adicional sobre su realización.

La reciente entrevista en el podcast Happy, Sad and Confused, conducido por Josh Horowitz, reveló el recorrido de una artista que se mueve entre géneros y formatos, sin perder la autenticidad ni la curiosidad.

Según relató Barbaro, la transición profesional fue una experiencia cargada de dudas y aprendizajes. “He querido hacer teatro desde que tenía 12 años”, explicó sobre su incursión en el escenario londinense.

Además, detalló cómo logró posicionarse en producciones de gran escala y reconocimientos como la nominación al Oscar, a partir de una mentalidad enfocada en el trabajo constante y la búsqueda de nuevos retos.

La formación en danza y el salto a la pantalla

La actriz de 36 años inició su trayectoria artística con la danza como eje central. Nacida en Mill Valley, California, estudió en la Universidad de Nueva York (NYU), donde se especializó en baile. Para la actriz, la danza representaba una disciplina respetada dentro de su familia y una forma de expresión cercana a la interpretación.

Sin embargo, el deseo de actuar fue creciendo y finalmente optó por probar suerte en la actuación, primero en pequeños proyectos y comerciales, mientras afinaba su técnica en talleres de teatro.

De acuerdo con Happy, Sad and Confused, la decisión de dejar la danza no resultó sencilla. Barbaro describió el proceso: “Era el equivalente a una relación en la que sabes que no es la indicada”. Aunque reconoció que el salto le permitió descubrir una nueva pasión y abrirse camino en un entorno competitivo.

El impacto de Top Gun: Maverick y la cultura de trabajo en grandes producciones

La llegada de Top Gun: Maverick marcó un hito en la carrera de Barbaro. La actriz compartió detalles sobre el rodaje, la preparación física y la convivencia con figuras como Tom Cruise. “Sabía que íbamos a estar volando en jets y que, si había una emergencia, tendríamos que eyectarnos y nadar para sobrevivir”, señaló.

La exigencia del proyecto se reflejó tanto en lo físico como en lo mental, y el elenco desarrolló una relación de apoyo mutuo durante la espera por el estreno.

De acuerdo con la actriz, el entorno de trabajo en grandes producciones obliga a los actores a encontrar un equilibrio entre la exigencia técnica y la libertad creativa.

Al referirse a sus primeras experiencias en sets de alto perfil, admitió sentirse intimidada al interactuar con productores como Jerry Bruckheimer y directores como Christopher McQuarrie: “Era un rito de paso poder mantener una conversación con ellos”.

El desafío de interpretar a Joan Baez y el reconocimiento académico

Uno de los momentos más destacados en la carrera de Barbaro fue su actuación en “A Complete Unknown”, donde interpretó a Joan Baez. La intérprete describió el proceso de preparación para ese papel, que implicó superar el miedo escénico y aprender a cantar y tocar la guitarra sin experiencia previa.

La colaboración con el director James Mangold resultó clave para su desarrollo actoral. “Me dijo: ‘Veo que tienes un impulso y no lo sigues’”, recordó sobre un consejo que recibió en el set.

El reconocimiento obtenido por su interpretación también tuvo un significado particular para Barbaro, quien vinculó la experiencia con la exigencia que había marcado sus años de formación en ballet.

“Creo que fue la primera vez… el ballet puede ser un juego mental caótico, donde nunca eres suficiente, nunca haces lo suficiente. Y creo que hacer esa película fue la primera vez que pude escuchar a la gente cuando decían que trabajo duro”, explicó.

La nominación al Oscar por su trabajo en la película representó así un reconocimiento a un esfuerzo que, según la actriz, durante años estuvo atravesado por una sensación constante de insuficiencia.

Versatilidad y nuevos proyectos: comedia, teatro y grandes franquicias

El presente de la actriz se caracteriza por la versatilidad. El estreno de “One Night Only”, una comedia romántica de alto concepto, la posiciona en el centro de un género clásico que regresa a las salas de cine.

Al describir el proyecto, relató que sus representantes le presentaron la idea como “La Purga, pero con sexo”. La película, dirigida por Will Gluck, permitió a la actriz explorar el humor y la improvisación junto a Callum Turner y figuras como Molly Ringwald y LeVar Burton.

Además, confirmó su participación en el nuevo proyecto de Luca Guadagnino, titulado “Artificial”, y en la precuela de “Ocean’s”, al lado de Bradley Cooper y Margot Robbie. El interés por el teatro también sigue vigente, tras su paso por el National Theatre de Londres junto a Lesley Manville y bajo la dirección de Marianne Elliott.

La artista considera que cada proyecto, desde series hasta películas taquilleras, contribuye a ampliar su rango interpretativo y a evitar la repetición de personajes. “Me di cuenta de que cada vez que hacía algo, me ofrecían más roles iguales, así que tuve que hacer un esfuerzo consciente para cambiar”, explicó en la entrevista.

La realizadora aprovechó la ocasión para abordar públicamente la presión que enfrentan los cineastas ante el auge del streaming y la relevancia de proyectar películas en salas tradicionales.

Desde el escenario, Wilde manifestó su sorpresa ante la cantidad de asistentes y agradeció la oportunidad de presentar la película en un entorno tan destacado.

El interés del público se reflejó en el agotamiento total de localidades, lo que llevó a la organización del festival a anticipar la apertura de puertas para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la función.

El desafío de mantener el estreno en cines frente al streaming

Durante una rueda de prensa previa a la proyección, la actriz de 42 años abordó de manera directa los desafíos que implica para los creadores defender el estreno en cines frente a las ofertas del streaming.

La directora destacó en la conferencia de prensa que “te sobornan para que no estrenes en cines. Tenemos que luchar para que las películas se proyecten en las salas”.

Wilde explicó que las plataformas suelen ofrecer mayores ganancias a los inversores que a los cineastas y actores, lo que puede favorecer la decisión de optar por una distribución exclusivamente digital.

La cineasta subrayó que la decisión de mantener el estreno en cines no fue sencilla, aunque contó con el respaldo de la principal inversora del proyecto.

“Tuvimos mucha suerte de que nuestra inversora me diera la oportunidad de tomar esta decisión, algo que no me tomo a la ligera. Podría haber dicho que no fácilmente”, remarcó.

Apoyo de A24 y FilmNation

De acuerdo con información compartida por The Hollywood Reporter, la cineasta destacó el rol de A24, la distribuidora estadounidense, y de FilmNation en la estrategia de lanzamiento global.

Señaló que ambas compañías apostaron por acuerdos de exhibición en salas a nivel internacional. “A24 fue extraordinaria porque realmente creen en el éxito en salas de cine. FilmNation cerró los acuerdos internacionales en todo el mundo, todos para estrenos en cines”, puntualizó.

También hizo énfasis en la importancia de la experiencia colectiva, especialmente para el género de la comedia. “No hay género que se beneficie más de la experiencia colectiva de ver la película que la comedia”, expresó Wilde, quien además lamentó que este tipo de producciones suelen quedar relegadas al streaming.

Una comedia sobre los vínculos y la convivencia

“The Invite” cuenta con un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y reúne en su elenco a Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, además de la propia Wilde.

La trama gira en torno a Joe (Rogen) y Angela (Wilde), un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus enigmáticos vecinos, Piña (Cruz) y Hawk (Norton). La velada desencadena acontecimientos inesperados que ponen a prueba la relación de la pareja y redefinen los límites de su convivencia.

Consultada sobre el proceso creativo, Wilde comentó que la película la volvió “mucho más romántica” y le permitió dejar atrás su visión cínica sobre las relaciones. “Me quitó el cinismo que llevaba dentro”, explicó ante la prensa, según informó The Hollywood Reporter.

La directora añadió que la historia explora el “ridículo experimento de la convivencia”, así como la vergüenza asociada al fracaso sentimental.

Éxito de público y ambiente colaborativo

La noche del estreno, la organización del festival envió un comunicado a los asistentes informando que todas las localidades estaban agotadas. El correo recomendaba llegar con antelación para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la proyección.

La respuesta del público convirtió el evento en uno de los puntos más destacados del festival, de acuerdo con el reporte de The Hollywood Reporter.

Wilde, visiblemente emocionada, elogió a sus compañeros de elenco y describió la experiencia como una “clase magistral” de actuación. “Nunca había formado parte de algo tan colaborativo”, sostuvo. Al ser consultada sobre su rol detrás de cámara, respondió que “dirigir es el mejor trabajo del mundo”.

La familia de Perez Hilton ofreció una nueva actualización sobre el estado de salud del conocido bloguero de celebridades, quien permanece hospitalizado en Florida varios días después de sufrir una fuerte crisis de salud mental. Según el comunicado publicado este sábado 8 de agosto en PerezHilton.com, su estado sigue siendo “grave pero estable” y su recuperación será un proceso prolongado.

La familia confirmó que Hilton permanece internado bajo el Baker Act, una ley de Florida que permite la hospitalización involuntaria temporal de una persona que atraviesa una episodio crítico de salud mental y representa un posible riesgo para sí misma o para otros.

“Su comunicación ha sido extremadamente limitada y se ha restringido a su familia inmediata, proveedores médicos y otras personas directamente involucradas en su atención”, señala el comunicado familiar publicado en su sitio web.

Asimismo, la familia fue enfática al señalar que Hilton no ha hablado con la prensa ni ha emitido declaraciones públicas desde su hospitalización. Precisaron que la única fuente directa y confiable sobre la salud del comunicador es PerezHilton.com, donde actualizarán información cuando sea necesario.

Perez Hilton necesitará cirugía

El comunicado de su familia también revela que la crisis tuvo consecuencias físicas importantes. Perez Hilton sufrió una pérdida considerable de sangre a raíz de sus heridas. “También sufrió lesiones adicionales que requerirán cirugía en los próximos días”, indican sus allegados. “Su tratamiento y recuperación será un proceso largo. Estamos agradecidos de que Perez pudiese pasar tiempo con su madre y hermana ayer”.

La hospitalización se produjo después de una crisis de salud mental que quedó expuesta públicamente a comienzos de esta semana. El martes 4 de agosto, Hilton realizó una transmisión en vivo desde su vivienda en Miami que alertó a sus seguidores y provocó la intervención de las autoridades.

La policía logró socorrer a Hilton tras el episodio de autolesiones y lo trasladaron en una ambulancia al centro de salud, donde permanece desde entonces. El miércoles 5 de agosto por la mañana se confirmó públicamente que continuaba internado.

La situación también afectó directamente al entorno familiar de Hilton. En una actualización anterior, sus allegados explicaron que sus hijos, su sobrina y su hermana se encontraban dentro de la vivienda apenas unos minutos antes de que comenzara la transmisión en vivo.

“Cuando quedó claro que Perez estaba atravesando una grave crisis de salud mental y se estaba haciendo daño, inmediatamente huyeron para proteger a los niños de presenciar un evento traumático”, explicó la familia.

Los familiares señalaron que su prioridad después del episodio ha sido ayudar a los menores a procesar lo ocurrido. En la nueva actualización, además, confirmaron que los tres hijos de Hilton “permanecen a salvo y están siendo cuidados por familiares directos”.

Ante la atención mediática alrededor de la vivienda, la familia hizo un pedido directo a periodistas, fotógrafos y curiosos. “No hay absolutamente ninguna razón para que miembros de los medios de comunicación o del público permanezcan fuera de la casa de la familia”, señalaron. “Les pedimos que dejen los exteriores de la casa, no sigan a los miemrbros de la familia y dejen de fotografiar a los hijos de Perez”.

Además, pidieron a las agencias fotográficas que no compren, publiquen ni distribuyan imágenes de los menores que hayan podido ser tomadas durante estos días.

Las persianas bajan. Las luces se atenúan. Y los comensales, uno a uno, dejan su ropa en un lugar aparte. Lo que sigue es una cena de cinco platos en un asador de Hollywood, Florida, donde el único atuendo obligatorio es el apetito.

El C.L.A.S.S. Soiree Steakhouse, ubicado en el corazón de Hollywood, ofrece desde hace tres meses una velada nudista el primer lunes de cada mes. La propuesta, que NBC Miami describió como “una nueva forma de cenar y beber”, nació de la necesidad de mantener el negocio a flote en la economía actual, según explicó el propio dueño del local al canal.

Ocho años de cocina, tres meses de desnudos

El chef y propietario Murad Ali lleva ocho años al frente del restaurante. La sigla C.L.A.S.S. no es un capricho: responde a las palabras en inglés culinary luxury and superb service, es decir, lujo culinario y servicio de primera.

La idea de las cenas nudistas no surgió de un plan de negocios ni de una campaña de marketing. Ali relató a NBC Miami que todo comenzó cuando el local recibió una fiesta privada de nudistas. “Una vez que terminó el evento, se me ocurrió: hagámoslo nosotros mismos”, dijo.

Desde entonces, el primer lunes de cada mes el restaurante abre sus puertas a adultos dispuestos a cenar sin ropa.

Cómo funciona la velada

Los comensales llegan vestidos. Una vez dentro, son libres de quitarse la ropa. Tasheba Hart, quien oficia como anfitriona de estas noches y no trabaja en el restaurante los demás días de la semana, es la encargada de conducir el evento.

Hart le confirmó a Fox Business que ella misma participa sin ropa, aunque admitió que “si refresca un poco”, se pone una bata. Los chefs y el personal de servicio, en cambio, permanecen completamente vestidos durante toda la velada.

Ali fue claro con NBC Miami sobre los límites legales y físicos del espacio: “Las ventanas están completamente bloqueadas. Nadie puede ver desde afuera”. Las persianas se cierran antes de que comience el evento, y el entretenimiento, según sus palabras, “es simplemente la cena”.

Higiene y comodidad

El restaurante tomó medidas específicas para garantizar condiciones sanitarias. Cada comensal recibe tres elementos al sentarse:

• Una bata, para quien prefiera cubrirse en algún momento.
• Un cojín de cuero en el asiento, que se desinfecta entre uso y uso.
• Una toalla para el regazo.

Ali describió estas precauciones como “capas adicionales de limpieza” ante las cámaras de NBC Miami.

Precios y logística del evento

La organización de las noches nudistas recae sobre Hart, no sobre el restaurante directamente. Ella vende las entradas y le entrega al local un porcentaje de lo recaudado, según detalló Ali a Fox Business.

Las tarifas son las siguientes:

• USD 150 por mujer que asista sola.
• USD 250 por hombre que asista solo.
• USD 300 por pareja.

Hart definió la propuesta como “una experiencia de cena de lujo”. La velada incluye un menú de cinco tiempos.

La defensa del concepto

Tanto Ali como Hart salieron a defender públicamente la propuesta ante las preguntas de los medios. El chef fue directo al respecto: “This is not your grandpa’s steakhouse” —este no es el asador de tu abuelo—, una frase que resume la filosofía del local frente a quienes cuestionan la iniciativa.

Ali también subrayó ante NBC Miami que el personal no ofrece ningún tipo de entretenimiento físico: “No hay nada de parte nuestra. El entretenimiento es solo la cena”.

El evento está abierto exclusivamente a adultos. No se detallaron públicamente mecanismos de verificación de edad más allá de la compra de entradas a través de Hart.

El contexto económico detrás de la propuesta

NBC Miami apuntó que la motivación principal de Ali fue económica: mantener el restaurante activo en un entorno de negocios complicado.

El sector gastronómico en Florida, como en el resto del país, enfrenta presión por el alza en el precio de los insumos. Cadenas de mayor escala también han registrado dificultades: Fox Business informó en paralelo sobre la quiebra del grupo 801 Restaurant Group, especializado en carnes y mariscos, tras el cierre de locales en Denver y Minneapolis.

En ese panorama, el C.L.A.S.S. Soiree Steakhouse apostó por la diferenciación. La próxima cena nudista estaba programada para el 7 de septiembre, según informó NBC 6 en su cobertura desde Hollywood.

Ese movimiento modificó el rumbo de dos franquicias. Nolan no llegó a dirigir la superproducción inspirada en la guerra de Troya, pero encontró en Batman a un personaje en crisis, golpeado por una imagen pública deteriorada después de la etapa más caricaturesca del héroe en la gran pantalla.

De acuerdo con un reporte de Sensacine, aquella decisión también terminó por tener eco dos décadas más tarde: tras quedarse sin Troya, Nolan acabó filmando La Odisea, en una especie de retorno indirecto al imaginario clásico que había querido abordar al inicio de su carrera.

El regreso a la oscuridad que redefinió a Batman

Cuando Nolan recibió la propuesta de hacerse cargo del héroe de Ciudad Gótica, el personaje cargaba con un desgaste evidente en el cine comercial. Sensacine recordó que una parte del público todavía asociaba a Batman con el tono exagerado y ligero de Batman y Robin (1997), una película que convirtió al justiciero en un objeto de burla para muchos espectadores.

Esa distancia entre el cine y el cómic era uno de los principales problemas. En las viñetas, historias como Año Uno o La broma asesina ya habían consolidado una lectura más sombría, con un protagonista atravesado por el trauma, la violencia y una mirada urbana mucho más áspera. Según detalló Sensacine, buena parte de los seguidores del personaje llevaba años esperando una adaptación que recogiera ese tono.

Nolan encontró ahí el punto de partida. En lugar de insistir con una versión camp o puramente espectacular, construyó un Batman ligado al miedo, al dolor y a una lógica más realista. Batman Inicia, escrita junto a David S. Goyer, apostó por presentar a Bruce Wayne como una máscara social, mientras que la verdadera identidad del personaje quedaba reservada para el traje y para su guerra privada contra el crimen.

Del origen al thriller criminal: la evolución de la trilogía

La primera película de la trilogía puso el foco en el origen, aunque lo hizo desde una perspectiva distinta a la habitual en el género. Bruce ya no aparecía solo como un heredero millonario que decide combatir delincuentes: Nolan lo convirtió en una figura quebrada, moldeada por el miedo y sostenida por un círculo reducido de aliados formado por Alfred, Lucius Fox y James Gordon.

En esa arquitectura dramática apareció una idea central que luego atravesó la saga: la frontera moral entre combatir el mal y convertirse en una versión de aquello que se busca destruir. Ese conflicto tomó otra dimensión en El caballero de la noche (2008), donde la historia dejó atrás el origen del héroe para moverse hacia un terreno más cercano al thriller criminal.

La secuela elevó la escala narrativa y técnica. Sensacine señaló que fue la primera vez que Nolan usó cámaras IMAX, una apuesta que marcó la estética del film aunque también trajo dificultades, ya que el ruido de los equipos afectó parte del audio y obligó a redoblar diálogos en posproducción.

Durante el rodaje de la persecución en el túnel, incluso quedó destruida una de esas cámaras, en un momento en que apenas había cuatro unidades en todo el mundo.

Heath Ledger, Christian Bale y la búsqueda del realismo

Uno de los ejes que convirtió a El caballero de la noche en un punto de inflexión fue la interpretación de Heath Ledger como El Guasón. El personaje apareció como un agente del caos ajeno a cualquier lógica económica o mafiosa tradicional. Su objetivo no era enriquecerse, sino exponer la fragilidad moral de Ciudad Gótica y demostrar que la corrupción podía extenderse a cualquiera.

La elección de Ledger, según Sensacine, no fue recibida con unanimidad en un primer momento. La reacción inicial incluyó críticas y dudas, aunque el resultado final modificó esa percepción hasta volver su actuación una de las más reconocidas del género. El Oscar póstumo al mejor actor de reparto terminó por confirmar el peso que tuvo aquella composición dentro de la industria.

La construcción física de Christian Bale también formó parte del método de Nolan. El actor llegó de El maquinista (2004), donde había bajado su peso hasta 54 kilos, y luego aumentó masa muscular de forma drástica para encarnar a Bruce Wayne.

De acuerdo con Sensacine, su transformación fue tan extrema que el equipo llegó a bromear con el apodo “Fatman”, hasta que Nolan le pidió reducir unos 10 kilos para recuperar la agilidad que exigía el personaje.

Esa búsqueda de verosimilitud se trasladó al rodaje. Nolan evitó depender en exceso de fondos digitales y llevó escenas clave a locaciones reales. Sensacine detalló que la pelea sobre el lago helado en Batman Inicia se filmó en un glaciar de Islandia, una decisión que reforzó el tono físico y tangible que el director quería para su universo.

El cierre de la saga y la huella en Hollywood

La trilogía concluyó con El caballero de la noche asciende (2012), una película centrada en la caída y reconstrucción de Bruce Wayne. Allí el conflicto dejó de ser solo externo. El personaje perdió dinero, poder, vínculos afectivos y estabilidad, hasta quedar aislado frente a una ciudad que ya no veía a Batman como un salvador.

El pozo del que debe escapar en el tramo final funcionó como la imagen más clara de ese proceso. Más que un escenario físico, representó el descenso del protagonista a su punto más bajo y la posibilidad de rehacerse después de la derrota. Según Sensacine, Nolan retomó así la lógica de aprendizaje de la primera entrega, aunque en una escala más íntima y terminal.

El impacto de la trilogía fue más allá de DC y de Batman. La “nolanización” del blockbuster, como suele describirse a ese fenómeno, dejó una marca visible en proyectos posteriores que buscaron replicar un tono grave, realista y psicológico.

Sensacine vinculó ese efecto con películas como El hombre de acero y con el relanzamiento de James Bond en Casino Royale (2006), además de otras franquicias de acción y fantasía que intentaron adoptar ese mismo molde.

Esa influencia ayudó a instalar la idea de que el cine de superhéroes podía aspirar a un tratamiento más serio dentro de Hollywood. La trilogía de Nolan no solo rescató a Batman de una etapa de desgaste; también empujó al género hacia un nuevo estándar industrial y narrativo, uno cuyo eco todavía aparece en versiones posteriores del personaje, como la encarnación de Robert Pattinson.

El vínculo entre la modelo estadounidense Kendall Jenner y el actor australiano Jacob Elordi se instaló como uno de los fenómenos más comentados en la moda global. La conexión de estas dos figuras, cada una con identidad propia y un recorrido consolidado, redefinió el pulso de la estética contemporánea.

Su relación, envuelta en apariciones calculadas en escenarios icónicos, suma a la conversación ese componente de sorpresa y discreción que los separa del resto. Entre influencia y afinidad estilística, el perfil bajo los catapultó como una dupla seguida de cerca por insiders y fanáticos.

Modelo y actor apuestan por la sobriedad, eligiendo prendas con precisión quirúrgica y tejiendo una narrativa visual nítida. Lo hacen sin perder frescura ni caer en lo predecible, marcando el ritmo de lo que se lleva hoy.

Kendall Jenner: sofisticación y versatilidad

La imagen de Kendall Jenner se conoce como sinónimo de un estilo sofisticado y versátil. Cada aparición pública refuerza su capacidad para alternar entre siluetas clásicas, detalles vanguardistas y una paleta cromática que va desde tonos neutros y pasteles hasta acentos intensos, demostrando un manejo hábil del equilibrio estético.

Jenner recurre con frecuencia a vestidos largos en tejidos ligeros como la seda o el tul, que aportan movimiento y enfatizan su figura estilizada.

Ejemplo de esto es el vestido color marfil de corte sirena, hombros descubiertos y drapeados, que genera un efecto escultórico y romántico, acompañado de un peinado recogido bajo y maquillaje luminoso para acentuar el contraste entre suavidad y estructura.

Su repertorio de looks de gala incluye, además, vestidos largos celestes de tirantes finos y bordados florales en relieve, donde los accesorios discretos y la ausencia de collar mantienen la atención centrada en la prenda.

Para otras ocasiones, Jenner elige encajes negros superpuesto sobre fondo nude, con cuello alto, manga larga y aberturas estratégicas, logrando dramatismo a través del contraste de texturas y transparencias, y rematando con labios en tono neutro.

La modelo también integra elementos de la moda retro, como el conjunto de chaqueta entallada y falda corta en marfil, con bordes de pelo sintético y joyas clásicas, evocando el glamour de los años 60.

Estos guiños vintage se acompañan casi siempre de peinados pulidos y accesorios a juego, en una clara referencia a la vieja escuela de Hollywood.

Además, muestra predilección por el minimalismo y la elegancia contemporánea, inclinándose por líneas limpias y prendas sin ornamentos.

Cuando apuesta por el impacto visual, recurre a vestidos de escote pronunciado y tejido brillante, combinados con tacones bicolor, bolsos metálicos y abrigos o prendas con textura, introduciendo contrastes de materiales y colores.

La innovación en texturas y materiales es otro constante, como se observa en el vestido largo beige con aplicaciones de plumas o fibras brillantes, corte recto y abertura lateral, que crea un efecto de movimiento y luz.

Los zapatos de punta en tono claro mantienen la armonía cromática, reforzando la coherencia del conjunto.

Los accesorios suelen ser discretos, priorizando la silueta y el diseño de las prendas, mientras que el maquillaje y peinado acompañan cada conjunto sin competir, reforzando la imagen de sofisticación y control estético en cada aparición.

Jacob Elordi: guiños retro y elegancia masculina

Jacob Elordi se distingue por una propuesta estilística que fusiona la sastrería clásica masculina con guiños retro y un enfoque contemporáneo en colores, proporciones y accesorios.

Su vestuario destaca por la experimentación con siluetas amplias, el uso de tonos neutros y detalles que aportan personalidad, manteniendo siempre la sobriedad.

Elordi recurre habitualmente a trajes de dos y tres piezas, con cortes rectos, hombros marcados y prendas de caída suelta que evitan la rigidez tradicional.

Los pantalones de pierna ancha, las solapas anchas y los abrigos largos introducen un aire moderno y relajado a la formalidad clásica.

En apariciones públicas, opta tanto por trajes negros monocromáticos como por esmóquines tradicionales, ajustando los pantalones y chaquetas para lograr un equilibrio entre tradición y modernidad.

Un ejemplo es el traje gris claro de doble botonadura, camisa blanca y corbata oliva, donde los tonos neutros y texturas mate generan una estética inspirada en los años 70, reforzada por el uso de anteojos de sol rectangulares.

Su paleta cromática oscila entre el negro, gris, verde seco y beige, prefiriendo matices sobrios que refuerzan la elegancia sin ostentación.

El uso de tejidos con textura, como lana o lino, aporta profundidad visual y evita la monotonía en los looks monocromáticos.

En una de sus combinaciones más logradas, Elordi eligió un conjunto verde seco con traje, abrigo largo, camisa y corbata al tono, generando una silueta alargada y coherente.

Los accesorios cumplen un rol fundamental, aunque secundario: anteojos de sol de montura gruesa, pendientes discretos y, en ocasiones, relojes o pulseras metálicas que funcionan como extensiones naturales del vestuario. Las camisas de cuello cerrado y el uso ocasional de fajines o corbatas anchas completan el guiño retro sin caer en excesos.

En contextos casuales, apuesta por prendas vintage y siluetas amplias, como el blazer corto de cuadros pequeños combinado con camiseta negra y pantalones blancos de corte ancho, logrando un look relajado pero cuidado, que remite a la moda masculina europea de mediados del siglo XX.

Su imagen se completa con un peinado de largo medio, ligeramente ondulado y despeinado, y vello facial recortado y natural.

El estilo de Jacob Elordi se define por la reinterpretación de la sastrería clásica desde una óptica actual, el juego con proporciones amplias y una paleta cromática neutra.

Los detalles retro y la discreción en los accesorios aportan personalidad y diferencian su presencia en alfombras rojas y eventos públicos, proyectando seguridad y coherencia visual sin recurrir a estridencias.

Más de una década después del final de Glee, Ryan Murphy evalúa la posibilidad de llevar nuevamente a la pantalla la serie musical que se convirtió en uno de los grandes fenómenos televisivos de la década de 2010.

En una entrevista reciente con The Hollywood Reporter, el creador fue consultado directamente sobre qué tan en serio contempla el regreso de la famosa ficción juvenil. Su respuesta dejó claro que la posibilidad está sobre la mesa, pero que aún se encuentra en una etapa inicial de desarrollo.

“Es algo a considerar. Para muchas, muchas personas que ahora tienen 20 años, crecieron con esa serie y significó algo para ellos. La música significó algo. Así que, vamos a darle vueltas y ver qué obtenemos”, declaró Murphy al medio.

El productor explicó que una variable clave para avanzar con un posible reboot es la trama. “Siempre se trata de la historia para mí. ¿Cuál es la historia? ¿Quiero contar la historia ahora? A veces quiero esperar”, señaló. “Para mí, siempre se trata de cómo llegan los guiones y cuánto cuesta. Hay que ser consciente de todo eso”.

Murphy además aludió a que actualmente evalúa cómo beneficiar el ecosistema laboral de su equipo para que no deban separarse de sus familias. “Siempre estoy pensando cómo puedo desarrollar los proyectos nuevamente en Los Ángeles. Pero soy optimista y me gusta todo lo que estoy preparando. Creo que estoy en una fase de desarrollo”, dijo.

Las declaraciones a The Hollywood Reporter se producen pocos días después de que Murphy hablara con PEOPLE sobre la posibilidad de regresar al universo de Glee. En esa entrevista, el productor dijo ser consciente del interés renovado por la serie musical.

“Muchos jóvenes ahora la ven. Y pensé: ‘Quizás deberíamos revisitar esa serie’”, dijo Murphy a PEOPLE. “Mi nostalgia y amor por esa serie es suficiente para pensar: ‘Quizás la gente quiera ver una nueva encarnación de eso de alguna manera’”.

El legado de ‘Glee’

Creada por Murphy junto con Brad Falchuk e Ian Brennan, Glee debutó en Fox en 2009 y permaneció seis temporadas hasta su final en 2015. La producción seguía al coro escolar New Directions del instituto William McKinley y combinaba comedia, drama adolescente y versiones musicales de canciones populares.

El elenco estuvo encabezado por Lea Michele, Cory Monteith, Amber Riley, Chris Colfer, Dianna Agron, Naya Rivera, Darren Criss, Jane Lynch, Matthew Morrison y otros intérpretes que posteriormente alcanzaron mayor reconocimiento.

La serie obtuvo seis premios Emmy y acumuló 40 nominaciones durante su trayectoria. También ganó cuatro Globos de Oro, incluidos los correspondientes a Mejor serie de televisión de comedia o musical en 2010 y 2011.

Su impacto, además, trascendió la pantalla. Glee generó bandas sonoras, giras de conciertos y una película basada en su espectáculo en vivo, mientras que varias de sus canciones clasificaron a las listas musicales.

El interés de Murphy no es completamente nuevo. En 2024, el cocreador Brad Falchuk ya había considerado públicamente la posibilidad de rehacer Glee y planteó entonces la necesidad de encontrar una manera de contar aquella historia desde una perspectiva más contemporánea.

Ahora Murphy vuelve a abrir esa puerta. Por el momento, el posible regreso permanece en una fase de exploración y dependerá, según sus propias palabras, de que aparezca una historia que justifique volver al universo de Glee.

La instalación, ubicada cerca de Selma Avenue en West Hollywood, forma parte de una campaña de Netflix para promocionar The Last House, su próxima película de ciencia ficción. Arrancó el jueves y se extiende hasta el domingo, según CBS News.

El espacio tiene sillón, mesa, libros, cortinas y plantas, todo visible desde la calle a plena vista de quienes pasan.

Qué hace el hombre dentro de la cartelera

El hombre no puede hablar directamente con quienes pasan, así que se comunica con un pizarrón blanco, según CBS News. Desde ahí saluda, escribe mensajes y responde preguntas de los curiosos que se detienen debajo.

Durante el día se lo ha visto estirarse, comer, asomarse con binoculares y escuchar música con auriculares. Por la mañana del viernes, de acuerdo con NBC Los Ángeles, se lo vio con una bata roja, haciendo estiramientos y lavándose los dientes. Por la noche viste pijama.

Cuando el equipo de ABC7 le preguntó por escrito cómo era la vista desde arriba, respondió con una sola palabra en el pizarrón: “Espectacular”. A la pregunta de si podría dormir, la respuesta fue un escueto “No”.

La película que está detrás de la campaña

The Last House es un thriller de ciencia ficción que se estrenó el viernes en Netflix. La trama sigue a una familia de cuatro personas que queda atrapada en su casa por una fuerza misteriosa, sin posibilidad de escapar, mientras los recursos se agotan y las tensiones escalan, según describió la plataforma a NBC Los Ángeles.

La película fue dirigida por Louis Leterrier y tiene en el reparto a Greta Lee, Wagner Moura y Gabriel Barbosa.

La ventana de la cartelera lleva impresa la frase “¿Cuánto tiempo puedes sobrevivir?”, en directa referencia a la premisa del filme. El pizarrón que usa el hombre para comunicarse replica una escena del largometraje, en la que la familia aterrorizada recurre a ese mismo método para contactar con sus vecinos, de acuerdo con NBC Los Ángeles.

La reacción de quienes se acercan

La presencia del hombre sobre el Sunset Strip generó una corriente de espectadores que llegaron al lugar tras ver publicaciones en redes sociales o recibir alertas en aplicaciones vecinales.

Miro Markarian contó a CBS News que se enteró por una notificación de la aplicación Citizen App. “Dije: voy a pasar a verlo. Es bastante genial. Es un buen truco de marketing, muy creativo”, declaró.

Otros reaccionaron con sorpresa ante la posibilidad de que el hombre fuera real. “Pensé que era como un bot de inteligencia artificial o algo que se movía dentro de la cartelera”, dijo Noel Braham a ABC7. “Cuando me detuve pensé: ¿es una persona real? Y entonces empezó a saludar y dije... ¡es una persona real!”.

Madeline Rhom, de Hollywood, destacó el tono lúdico del personaje: “Me encantan los letreros. Es muy juguetón, muy interactivo, así que es muy divertido”, señaló a ABC7.

Kevin Wong, otro de los espectadores, también celebró la estrategia ante el mismo medio: “Está loco, pero me encanta el marketing. Es muy inteligente. Además hace bastante calor hoy, así que me pregunto si tiene aire acondicionado allá arriba”.

La instalación permanece activa hasta el domingo sobre el Sunset Strip, según CBS News.

El bloguero de celebridades Perez Hilton permanece hospitalizado varios días después de sufrir una grave crisis de salud mental que fue transmitida en directo por TikTok. Mientras continúa bajo atención médica, nuevos reportes revelaron cuál habría sido la primera frase que pronunció al recuperar la capacidad de comunicarse con su madre: “Necesito ayuda”.

La información fue publicada por Daily Mail, que cita a una fuente cercana a la familia con casi dos décadas de relación con el entorno del comunicador. Según ese testimonio, Hilton —cuyo nombre real es Mario Armando Lavandeira Jr.— se encuentra estable y consciente, aunque todavía sigue afectado emocionalmente.

“Está sufriendo mucho. Es un hombre con muchísimo dolor. Creo que ahora mismo está centrado en lo físico, pero todo está conectado. Nadie merece el tormento por el que está pasando”, afirmó la fuente al medio británico.

El allegado también señaló que el bloguero “pudo expresarse” cuando vio a su madre en el hospital, aunque “todavía no es completamente consciente de lo que ocurrió” y que “sigue en un lugar muy oscuro... muy, muy triste”.

Hilton, de 48 años, fue trasladado a un hospital de Miami el martes por la noche después de protagonizar una inquietante transmisión en vivo en TikTok que generó numerosas llamadas de emergencia. De acuerdo con una grabación del despacho del 911, las autoridades clasificaron el incidente como un “intento de suicidio” y permanecieron durante varias horas en la vivienda antes de que el influencer fuera trasladado para recibir atención médica.

Posteriormente, la familia confirmó que el creador de contenido permanece hospitalizado y pidió respeto por su privacidad mientras continúa su recuperación. Asimismo, precisaron que sus tres hijos, su sobrina y su hermana estaban dentro de la vivienda minutos antes de la transmisión en vivo. Cuando comprendieron que Hilton atravesaba “una grave crisis de salud mental y se estaba haciendo daño”, abandonaron inmediatamente la casa “para proteger a los niños de presenciar un trauma aún mayor”, explicó la familia.

Según los allegados del bloguero, nada hacía prever lo ocurrido y eso los tiene desconcertados. La fuente consultada por Daily Mail aseguró que Hilton “se comportaba con normalidad” durante la mañana del incidente y que incluso estaba entusiasmado con su trabajo. “Estaba ilusionado con proyectos futuros. Había sido un buen día hasta ese momento”, relató.

El mismo informante sostuvo que no existía un hecho puntual que hubiera desencadenado la crisis. “No ocurrió nada específico que alguien conozca. No había estado particularmente deprimido”, indicó. Incluso añadió que el tráfico de su sitio web mostraba señales de recuperación y que el comunicador esperaba nuevas oportunidades laborales.

Los factores que habrían influido

Aunque las causas de la crisis no han sido determinadas, personas cercanas consideran que varios factores personales pudieron acumularse durante los últimos meses.

Entre ellos figura la reciente mudanza de Las Vegas a Miami, realizada para priorizar a su familia tras una grave hospitalización sufrida en marzo por sepsis y otras complicaciones médicas. Según Daily Mail, ese episodio implicó dos cirugías y un largo proceso de recuperación que también generó presiones económicas.

Una segunda fuente explicó que Hilton le había confesado sentirse “abrumado” por el cambio de ciudad y que incluso extrañaba su vida en Las Vegas. Otra persona de su entorno sostuvo que el estrés de la mudanza, las responsabilidades de criar a sus tres hijos, las facturas médicas y la incertidumbre laboral podrían haber contribuido al deterioro de su estado emocional. Además, un amigo de la industria señaló que al bloguero también le costaba asumir que su carrera ya no ocupaba el lugar de influencia que tuvo durante la década de 2000.

Mientras Hilton continúa hospitalizado, su madre, Teresita Lavandeira, permanece al cuidado de sus tres hijos. Según la fuente citada por Daily Mail, ella se encuentra “devastada” por lo ocurrido.

Las transformaciones físicas extremas de los actores de Hollywood vuelven a estar bajo la lupa. El fenómeno “natty or not”, expresión del mundo del fitness que alude a si un físico es natural o fue logrado con ayuda de sustancias, se mantiene como uno de los debates más intensos en la industria del cine y el fitness internacional.

Según Men’s Health, la pregunta sobre la autenticidad de estos físicos gana terreno cada vez que una estrella aparece en la pantalla con un cuerpo radicalmente distinto al de sus trabajos anteriores.

El entrenador Don Saladino, conocido por su trabajo con figuras como Ryan Reynolds y Hugh Jackman, explicó en diálogo con Men’s Health que “la controversia surge porque de repente son una persona completamente diferente”.

Las redes sociales amplifican la discusión y muchas veces bajan el estándar de lo que se considera alcanzable sin ayuda externa. “El público tiende a olvidar que son actores, no atletas de alto rendimiento”, puntualizó Saladino.

Expectativas de superhéroes y realidades del set

El estándar sobre los cuerpos de los actores de acción se elevó en los últimos años. La cultura del fitness digital y el éxito de películas de superhéroes elevan la exigencia y, al mismo tiempo, alimentan la sospecha sobre el origen de estos físicos.

De acuerdo con Men’s Health, existe una diferencia clara entre el físico de un culturista profesional y el de un actor que se prepara para un papel. “No son Ryan Terry ni Chris Bumstead, están lejos de competir en un escenario”, afirmó Saladino.

Los cuerpos esculpidos para la cámara suelen beneficiarse de la genética, una estructura ósea favorable y, en ocasiones, de trucos de producción. “Muchos ni siquiera entrenan como atletas, y algunos solo buscan lucir bien unos segundos en una escena”, detalló el entrenador.

Claves para identificar una transformación no natural

Uno de los principales indicadores de una transformación asistida es la velocidad del cambio corporal. Saladino explicó que cuando alguien modifica drásticamente su físico en pocos meses, saltan las alarmas. “Si llevo veinte años pesando lo mismo y en seis meses aparezco con veinte kilos más y la misma definición, hay algo raro”, sostuvo.

Otros signos pueden ser el desarrollo desproporcionado de ciertas zonas musculares, como los hombros o la espalda, debido a la presencia de más receptores androgénicos en esas áreas.

Sin embargo, la genética y el punto de partida influyen. “La estructura, la genética y los antecedentes de entrenamiento hacen que cada caso sea distinto”, subrayó Saladino, quien también recalcó que el público suele subestimar el potencial humano.

Límites y procesos de una transformación natural

La obtención de resultados notables sin ayudas externas requiere tiempo, disciplina y constancia. Según el análisis de Men’s Health, sumar entre cinco y diez kilos de músculo en un año es un logro extraordinario incluso para quienes entrenan de manera rigurosa y controlan la dieta.

El fenómeno conocido como “newbie gains” puede facilitar una evolución más rápida en principiantes, pero los progresos se ralentizan a medida que aumenta la experiencia.

Saladino destacó la diferencia entre la preparación para el cine y para la competencia profesional. “Para una escena, basta con estar listo unos minutos, pero para un escenario la exigencia es otra”, apuntó en la entrevista. El entrenamiento de los actores muchas veces se ajusta a la duración y las necesidades del rodaje, y no necesariamente busca objetivos atléticos a largo plazo.

Efectos de la percepción pública y las redes sociales

El escepticismo en redes sociales sobre las transformaciones físicas de los actores genera un clima de sospecha y desconfianza. Men’s Health recogió declaraciones en las que se advierte que generalizar sobre el uso de sustancias es un error.

“Decir que todos en Hollywood utilizan ayudas químicas es parte del problema porque desincentiva a la gente a esforzarse”, sostuvo Saladino, al remarcar que existen numerosos casos de figuras que logran cambios notables de manera natural.

La presión social y la viralización de comentarios en plataformas digitales aumentan el impacto psicológico del debate. “Cuando alguien dice que tal físico no es natural, en realidad está admitiendo que dejó de intentarlo”, señaló el entrenador.

El papel de la producción: trucos y recursos fuera del gimnasio

A diferencia del mundo del culturismo, donde la meta es impresionar a jueces en el escenario, en el cine la prioridad es lucir bien ante la cámara. Los recursos técnicos como el maquillaje, el bronceado, la iluminación y los ángulos de cámara contribuyen a potenciar la imagen de los actores.

En varias producciones, los responsables de vestuario y maquillaje intervienen directamente para remarcar abdominales o acentuar la definición muscular, según relató el entrenador a Men’s Health.

El resultado final que se ve en pantalla responde tanto a la preparación física como a una serie de trucos visuales. “La diferencia entre estar listo para el escenario y estar listo para la cámara es significativa”, concluyó.

La familia y el equipo de Perez Hilton emitieron su primer comunicado oficial tras la hospitalización del conocido bloguero de espectáculos, luego de una alarmante transmisión en vivo en TikTok que motivó la intervención de los servicios de emergencia y de las autoridades de Miami. En el mensaje, confirmaron que el comunicador recibe atención médica y pidieron respeto por su privacidad mientras atraviesa la crisis.

El pronunciamiento fue publicado el miércoles en el sitio web PerezHilton.com, un día después del incidente que estremeció las redes sociales.

“Muchos de ustedes se han comunicado preocupados por Perez, y estamos increíblemente agradecidos por la enorme muestra de amor, apoyo y oraciones. Podemos confirmar que Perez está recibiendo atención médica y que la prioridad de nuestra familia en este momento es su bienestar”, señala el comunicado firmado por The Perez Hilton Team and Family.

“Les pedimos amablemente que respeten la privacidad de Perez, así como la privacidad de su familia, durante este difícil momento. Si y cuando podamos compartir alguna actualización, lo haremos con todos tan pronto como nos sea posible”, concluyeron.

La intervención de las autoridades

El episodio ocurrió el martes por la noche, cuando numerosos internautas alertaron a los servicios de emergencia tras observar la transmisión en directo del popular bloguero. La cámara parecía mostrar Perez Hilton con un cuchillo mientras se provocaba aparentes cortes en el cuerpo.

De acuerdo con el Miami-Dade Sheriff’s Office, los agentes acudieron al domicilio del comunicador después de recibir múltiples llamadas por la conducta del influencer en el livestream de TikTok.

Según las autoridades, Perez Hilton se encontraba solo dentro de la vivienda cuando llegaron los agentes. La oficina del sheriff explicó que, en este tipo de situaciones, los equipos priorizan estrategias para calmar a la persona en crisis.

“En muchos incidentes que involucran a una persona que experimenta una crisis de salud mental o que se está autolesionando activamente, los agentes priorizan la desescalada creando tiempo, distancia y oportunidades para la comunicación”, indicó la institución. Añadió que esta táctica busca “reducir la probabilidad de un encuentro de ‘suicidio por policía’ y minimizar el riesgo de lesiones para la persona, los agentes y el público”.

Finalmente, el bloguero fue trasladado por el cuerpo de bomberos y rescate de Miami-Dade a un hospital local, donde permanece bajo atención médica. Además, la Unidad de Respuesta a Crisis y profesionales licenciados en salud mental permanecieron en el lugar para brindar apoyo y recursos a sus familiares.

Horas antes del comunicado familiar, los representantes de Golden Artists Entertainment también se habían pronunciado sobre el caso.

“Somos conscientes del preocupante contenido que circula en internet relacionado con nuestro cliente, Perez Hilton”, señalaron. Agregaron que no habían logrado establecer contacto directo con él pese a sus esfuerzos y que “nuestra principal preocupación es la salud y el bienestar de Perez, así como el bienestar de su familia”.

Mario Armando Lavandeira Jr. —nombre real del famoso “rey de los chismes de Hollywood”— alcanzó notoriedad durante los años 2000 gracias a PerezHilton.com, uno de los blogs de espectáculos más influyentes de la época. Su estilo irreverente y sus comentarios ácidos sobre celebridades lo convirtieron en una figura ampliamente conocida y criticada dentro de la prensa del entretenimiento.

El reciente estreno de la serie Cape Fear en Apple TV ha puesto otra vez en primer plano su trabajo, pero también su filosofía sobre el entrenamiento físico y la resiliencia creativa, según detalló Men’s Health.

En la industria audiovisual, son pocos los actores que compaginan proyectos internacionales con rutinas de entrenamiento exigentes. Wilson, de 53 años, es uno de estos casos.

De acuerdo con Men’s Health, distribuye su tiempo entre rodajes, competencias como HYROX y presentaciones musicales, lo que demanda una organización rigurosa y una clara definición de prioridades.

Una carrera atravesada por el esfuerzo físico

La trayectoria de Wilson abarca títulos del terror moderno, como las franquicias Insidious y El Conjuro, además de trabajos reconocidos en teatro y cine. En la entrevista con Men’s Health, el actor remarcó que su vínculo con la actividad física no es reciente ni superficial.

“Si tengo una carrera de HYROX pero mañana me voy a Europa a rodar una película durante tres semanas, busco algunos gimnasios por el camino y me preparo para entrenar aún más duro cuando vuelva. Es cuestión de prioridades”, señaló.

Detalló que su entrenamiento no responde a una moda ni a una tendencia pasajera. Lo considera una herramienta para potenciar su rendimiento creativo y su fortaleza mental.

“La condición física es algo muy personal. No soy de los que gritan que todo el mundo debería levantar pesas, o CrossFit, o correr maratones. Para mí, ayuda muchísimo estar en forma para los papeles, pero la fortaleza mental es la parte más importante”, afirmó.

El rodaje de Cape Fear en Atlanta implicó una logística especial para Wilson, quien seleccionó su alojamiento en función de la cercanía a un gimnasio y una cafetería. “Son las dos cosas más importantes para mí cuando estoy en exteriores: ¿Dónde puedo tomar un buen café? ¿Dónde puedo encontrar un buen gimnasio?”, explicó.

El terror como espacio creativo y físico

El vínculo de Wilson con el género de terror trasciende lo actoral y se conecta con su experiencia en el teatro. “Me gustan los altibajos, así que me encanta el buen terror que tiene esa tensión y liberación. Eso es lo que busco en mi propia vida”, describió el actor. La relación profesional con el cineasta James Wan y su participación en franquicias exitosas consolidaron su perfil dentro del género.

El físico de los personajes fue otro aspecto trabajado con el equipo de producción. Destacó la importancia de que los protagonistas tuvieran una presencia física creíble en pantalla, especialmente frente a Javier Bardem, quien interpreta al antagonista Max Cady.

El actor remarcó que la diferencia entre ambos surge más de la puesta en escena y la indumentaria que de un contraste físico real: “Nuestra complexión no es tan diferente. Así que fue nuestra ropa, interpretación en las escenas y la forma en que nos filmaron lo que ayudó a diferenciarnos físicamente”.

Dinámica en el set y decisiones creativas

La química entre los protagonistas fue un aspecto central durante la filmación. Según Wilson, la experiencia y la madurez de los actores permitió establecer relaciones creíbles y evitar conflictos de ego. “La química se crea a través de la ausencia de egoísmo, a través del interés por el otro. ¿Qué puedo aprender de ti?”, reflexionó el actor durante la entrevista.

El desenlace de la serie presenta una diferencia respecto a las versiones cinematográficas anteriores. En Cape Fear, los personajes principales eligen no tomar justicia por mano propia y dejan con vida al antagonista. Sobre esa decisión, afirmó: “Por muy defectuoso que sea el sistema judicial, para eso existe. Si lo hubieran matado, creo que habrían cargado con la culpa”.

El actor también se refirió a la posibilidad de una continuación de la historia. Ante la pregunta sobre una segunda temporada, expresó: “No tengo ni idea de qué más podríamos hacer. No sé qué más podría hacernos Max Cady aparte de matar a nuestros hijos o a alguno de nosotros para subir la apuesta”.

Proyectos personales y futuro creativo

La inquietud artística de Wilson se mantiene vigente. Entre sus proyectos personales figura el deseo de escribir, dirigir y protagonizar su propio western, un objetivo que espera concretar en el futuro. “Me encantaría hacer un western. Realizar mi propia versión de lo que hizo Clint Eastwood”, afirmó, destacando su admiración por los guionistas y directores.

La entrevista publicada por Men’s Health presentó a un actor que integra el desarrollo físico con el crecimiento creativo, y que aplica el esfuerzo cotidiano como herramienta para afrontar los desafíos profesionales y personales.

Tras el estreno mundial del thriller de acción Rebel Ridge en Netflix, donde asumió el papel protagónico, el actor amplió su presencia en producciones de gran alcance y se incorporó a dos de las franquicias más importantes del entretenimiento: DC y Star Wars. Según GQ Magazine, el intérprete de 32 años, nacido en Croydon, Londres, atraviesa una etapa marcada por la llegada de estos nuevos proyectos.

La fama repentina y la exposición global transformaron la rutina y las dinámicas personales del actor. En declaraciones a GQ Magazine, explicó: “Intento encontrar la palabra adecuada para describirlo. Es como una curiosidad insaciable”.

De Croydon a las grandes producciones

La carrera de Pierre comenzó en un entorno alejado de los reflectores. Nacido y criado en un barrio de viviendas sociales de West Croydon, compartió que en su infancia soñaba con convertirse en el hombre más rápido del mundo, inspirado por el velocista estadounidense Maurice Greene.

Un giro inesperado lo llevó a la actuación a los 14 años, cuando decidió participar en una producción escolar de Moby Dick. “Recuerdo perfectamente haber pensado: ¿Cómo van a reaccionar mis compañeros? No a la obra ni las actuaciones, sino cómo van a reaccionar ante mi decisión de hacerlo”, recordó.

A pesar de las dudas iniciales, optó por seguir su instinto y apostar por la interpretación, decisión que lo llevó, años después, a abandonar los consejos convencionales de la industria.

En 2018, luego de asegurar un papel en la serie de ciencia ficción Krypton, eligió el teatro en lugar de aumentar su visibilidad en televisión. Esta apuesta resultó clave: una función de Otelo en el Shakespeare’s Globe, en la que compartió escenario con Mark Rylance, fue presenciada por el director Barry Jenkins, quien más tarde lo seleccionó para la miniserie The Underground Railroad.

Una visión diferente del héroe de acción

El salto definitivo llegó con Rebel Ridge, producción de Netflix que presentó a un protagonista atípico en el género de acción. El personaje de Pierre, Terry Richmond, se distingue por su fortaleza física y determinación, aunque evita el uso de la violencia letal y mantiene un tono contenido incluso en situaciones límite.

La plataforma de streaming reportó más de 30 millones de visualizaciones en solo tres días desde su estreno, lo que impulsó la visibilidad internacional del actor.

Según GQ Magazine, el actor experimentó el impacto de la popularidad en varias etapas. Primero, optó por el aislamiento, luego recurrió a disfraces para mantener el anonimato y, finalmente, buscó el apoyo de su hermana menor para adaptarse a la nueva realidad. “Es decir, incluso si dejara de actuar hoy, esa experiencia seguiría siendo la misma”, afirmó.

DC y Star Wars: el desafío de los grandes universos

En las próximas semanas, Pierre debutará en la serie Lanterns de HBO, una adaptación del universo de Green Lantern con una visión más cercana al drama criminal que a la acción convencional.

La serie, liderada por los creadores Chris Mundy y Damon Lindelof, junto al guionista Tom King, asignó a Pierre el papel del novato John Stewart, un personaje de peso histórico como uno de los primeros superhéroes negros de DC Comics.

Reconoció la responsabilidad de interpretar a Stewart: “Tienes la responsabilidad de contribuir a este personaje de una manera auténtica y original”. Al mismo tiempo, destacó el equilibrio entre la dimensión heroica del personaje y su cercanía con el público.

“Una de las cosas que más me gustan de ser un Linterna Verde es que, sí, son superhéroes, pero son personas con las que es fácil identificarse”, destacó a GQ Magazine. En esa línea, agregó: “Espero que la gente vea la serie y piense: si tan solo pudiera averiguar dónde presentar mi solicitud, tal vez yo también podría unirme al Cuerpo de Linternas Verdes”.

El vínculo emocional con la franquicia de Star Wars surgió en su infancia, cuando asistió a la proyección de “La Amenaza Fantasma”. Para Pierre, el reciente ingreso al elenco de Star Wars: Starfighter representó un hito en su carrera. “Recuerdo haber quedado totalmente impresionado por la inmensidad de Star Wars y cómo te sumergía en su universo”, contó.

Vida personal y nuevas prioridades

La exposición mediática y el reconocimiento internacional no alteraron el perfil reservado de Pierre. El actor mantiene bajo resguardo detalles de su vida privada, en especial todo lo relacionado con su hijo.

Según relató a GQ Magazine, la experiencia de la paternidad redefinió sus prioridades: “Si alguna vez acepto una oportunidad que me aleje de él, tiene que ser algo que contribuya al legado que estoy construyendo para inspirar directamente a mi hijo”.

Además de los proyectos en cine y televisión, Pierre eligió participar en películas animadas apropiadas para su hijo, como GOAT y Mufasa: El Rey León, donde prestó su voz a personajes principales.

Durante los primeros años de la década de los 2000, John Cusack se encontraba en una situación privilegiada en Hollywood. Asociado a las historias de románticos incomprendidos de la Generación X, o a las aventuras de un héroe con el que todo el mundo pudiera identificarse, su rostro se hizo cada vez más familiar para los espectadores gracias a títulos como Con Air, Cómo ser John Malkovich o Alta fidelidad, coescrita por él mismo.

Sin embargo, a partir de 2010, John Cusack se hizo cada vez menos presente en las pantallas de cine, sobre todo en lo que a grandes producciones se refiere. Evitando el cine de franquicias y superhéroes y volcándose en proyectos más independientes, se ha distanciado del sistema tradicional de las grandes estrellas de cine. Una situación de la que no había hablado mucho hasta ahora, pero que sí comentó en su aparición en la última Comic-Con de San Diego, donde ha acudido para presentar su nueva novela gráfica, Momo. En este evento, el intérprete nominado a un Globo de Oro y a un BAFTA explicó las razones por las que había preferido ese alejamiento.

“No quiero negociar cómo contar la historia“, explicó el actor. Detalló cómo la industria del cine suele imponer condiciones que limitan la libertad creativa de quienes participan en proyectos de gran presupuesto. “Cuando le pides a alguien que invierta 20 o 30 millones de dólares en una cuenta bancaria para una película, quieren tener una opinión, tienen miedo y todo eso”.

Un proyecto creativo sin tener que estar “haciendo cuentas”

Por eso, en los últimos años, el actor se ha dedicado a proyectos más independientes, buscando preservar su autonomía creativa. Su decisión de escribir Momo llega tras rechazar múltiples papeles en Hollywood, optando por evitar negociaciones que, según él, solo diluyen la visión original de quienes crean la historia. La novela gráfica, co-creada con el ilustrador argentino Ignacio Noé, representa para Cusack un regreso a la esencia del relato visual. “Siempre pensé que eran lo más parecido al cine, la verdad. Estás seleccionando planos que son muy cinematográficos”, sostendría en una entrevista con Variety.

En Momo, el actor narra la travesía de dos fugitivos por Estados Unidos en los años 70, una historia que define como “surrealista” y completamente bajo su control creativo. La colaboración con Noé le permitió experimentar una libertad artística que, según relata, le resulta casi imposible de conseguir en el cine. En esta misma conversación, el actor y escritor señala que, a diferencia del cine, en este nuevo proyecto “nadie editó nada de lo que escribí ni de lo que él dibujó”. Para Cusack, el resultado es fruto del trabajo de solo dos personas, algo casi imposible en la industria cinematográfica actual. “No hay engaños ni juntas u ordenadores en Seattle que estén haciendo encuestas”.

La familia Cusack parece compartir ese espíritu. Su hermana, Joan Cusack (conocida por películas como Escuela de rock), también optó por dejar de lado el ritmo de las grandes producciones. Dedicada a su familia desde hace casi quince años, ha regresado solo ocasionalmente al mundo del cine, como este 2026 en Toy Story 5, retomando el personaje de Jessie.

El mayor punto ciego de Hollywood nunca fue la narración de historias, sino encontrar la manera de expandir la propiedad intelectual valiosa a nuevos formatos y tecnologías, afirmó el ex CEO de The Walt Disney Company, Michael Eisner. Citó como prueba los repetidos tropiezos de su propia industria en los videojuegos.

“Todos fracasamos”, dijo Eisner. Mientras que agregó: “Terminamos licenciando. Así fue como tuvimos éxito”.

Durante su participación en el panel “Sports in the Gaming Era” del Paley Center for Media, Eisner utilizó el caso de los videojuegos como su ejemplo central de un patrón que, según él, se repite desde hace décadas: las empresas de medios poseen propiedad intelectual muy valiosa, pero suelen juzgar mal cómo —o si— expandirla a formatos desconocidos.

El ejecutivo rastreó este patrón hasta los primeros intentos de la industria en los videojuegos. “Warner Brothers empezó todo con Atari, 1983. Fracasaron”, señaló, agregando que hicieron falta dos años más para que el juego de Mario Brothers de Nintendo reviviera el formato. En efecto, Warner vendió Atari en 1984 con pérdidas, y Super Mario Bros se lanzó en 1985.

Según Eisner, el problema no era de creatividad, sino de analfabetismo tecnológico: los videojuegos “eran un terreno muy tecnológico al principio, y esa no era la fortaleza de ninguno de nosotros”.

Eisner añadió que la industria cambió, pasando de los límites tecnológicos del pasado a aprovechar la propiedad intelectual como un activo. “Ahora todo está impulsado por la historia, por la propiedad intelectual”, explicó.

Según su visión, el mismo fracaso para adaptarse influyó en cómo los estudios piensan sobre licenciar o construir propiedad intelectual original, una tensión que ve como central en el modelo de negocio de Hollywood, no exclusiva de ningún medio.

“Todos tomamos la propiedad intelectual que creamos y la colocamos donde puedas disfrutarla”, dijo sobre el enfoque de Disney en parques, productos y medios. Además aseguró: “En cierto punto, tienes que convertir esa propiedad intelectual en una nueva propiedad intelectual”.

El panel, moderado por Moritz Baier-Lentz, asesor principal de OpenAI, también incluyó al fundador y CEO de Delphi Interactive, Casper Daugaard, cuya startup consiguió rápidamente licencias para juegos de James Bond y FIFA.

La discusión giró en torno a cómo aprovechar una propiedad intelectual reconocible para convertirla en el activo más valioso de la industria de los videojuegos.

La toma de Hollywood por Disney bajo el mando de Eisner

Para Eisner, la estrategia refleja lecciones aprendidas durante décadas en Hollywood. El fundador de The Tornante Company recordó que al principio de su carrera se resistió a las secuelas y las franquicias.

Mientras trabajó en ABC y luego en Paramount Pictures, prefería desarrollar proyectos originales en lugar de trabajar con historias existentes. “Nunca creí en las secuelas”, afirmó Eisner, describiendo su filosofía en la programación como “todo será original”. Pero con el tiempo, las marcas reconocibles demostraron ser un modo eficaz de atraer público.

Esta filosofía marcó buena parte de la gestión de Eisner al frente de Disney, donde el exagente de CAA devolvió a la compañía a la cima de Hollywood, aproximadamente dos décadas después de la muerte de su legendario fundador.

En los años 80 y 90, presidió el llamado “Renacimiento de Disney”, lanzando una serie de películas animadas originales de éxito comercial, como La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín y El Rey León.

Al mismo tiempo, Eisner también reconoció el poder de la propiedad intelectual licenciada. Señaló que la adquisición de Star Wars fue una de las mejores decisiones que Disney haya tomado.

“En los últimos 20 años no teníamos nada, así que compramos Star Wars a George Lucas y eso funcionó”, dijo, con cierta exageración —Disney adquirió Pixar por 7.400 millones de dólares en 2006, Marvel por 4.000 millones en 2009 y Lucasfilm por 4.000 millones en 2012—.

Refiriéndose a los fanáticos, agregó: “Están tan comprometidos con la propiedad intelectual que entendí que hay ciertas cosas que vale la pena hacer”.

El protagonismo de la propiedad intelectual en los videojuegos

Ese mismo enfoque empieza a cobrar cada vez más importancia en los videojuegos. Casper Daugaard explicó que Delphi Interactive buscó deliberadamente una franquicia reconocible como James Bond junto a IO Interactive antes de considerar el lanzamiento de propiedades originales, incluyendo una asociación con FIFA tras el fin del acuerdo de licencia de tres décadas con Electronic Arts.

En lugar de diseñar juegos principalmente para los jugadores más experimentados, Daugaard dijo que Delphi busca crear experiencias interactivas para los fanáticos más acérrimos de esas franquicias.

“No hacemos este juego de James Bond para los gamers”, indicó. Y aclaró: “Queremos hacer este juego para los fans de James Bond”. La estrategia refleja cambios más amplios en la industria de los videojuegos, donde los costos de desarrollo subieron y la competencia por la atención del consumidor se intensificó.

Baier-Lentz, ex jugador profesional convertido en inversor, señaló que los juegos compiten cada vez más no solo contra otros juegos, sino también contra redes sociales, servicios de streaming, películas y creadores de contenido.

“Al final del día, solo hay 24 horas y dos ojos en la cabeza”, indicó. “Eso nunca cambiará”. Ante esas limitaciones de tiempo y atención, añadió: “Las propiedades intelectuales son increíblemente poderosas”.

Eisner coincidió en que las marcas existentes siguen siendo la vía más práctica para ingresar en la industria de los videojuegos, pero sostuvo que debe ser solo un medio para un fin. “La clave es que, después de tener cinco o seis propiedades intelectuales, hagas un gran juego que nadie haya escuchado antes”, expresó. “Será un juego gigante. Pero llevará tiempo”.

Eisner describió la licencia de franquicias como “una gran forma de entrar”, aunque advirtió que las compañías que dependen exclusivamente de marcas consolidadas corren el riesgo de agotar al público con secuelas interminables.

Apuntó a la gestión actual de Disney sobre Star Wars como un caso de haber “sobrepasado los límites” con tantas secuelas. Durante la última década, los estudios apostaron cada vez más por grandes propiedades intelectuales como principal atractivo para el público.

Sin embargo, tras años de éxitos millonarios, varias entregas recientes de Marvel y Star Wars no lograron ese nivel, con una audiencia que muestra cada vez menos interés, lo que lleva a los analistas a preguntarse si buscan otros géneros o, como sugiere Eisner, algún tipo de propiedad intelectual novedosa.

En los videojuegos se observa una consolidación similar en torno a las grandes franquicias. La mayoría de los jugadores dedica casi todo su tiempo a solo un puñado de títulos cada año, lo que dificulta aún más el éxito de nuevas propuestas.

Daugaard sostuvo que los propietarios de propiedad intelectual mejoraron su sofisticación ante este desafío. En lugar de firmar acuerdos de licencia a distancia para recibir regalías, marcas como FIFA ahora quieren ser “cofundadores de la empresa”, con incentivos alineados a largo plazo.

Considera que este cambio estructural se acelerará a medida que la IA y el contenido de formato corto dificulten que una propiedad intelectual nueva logre destacarse.

“Está TikTok, hay contenido de formato corto, la IA está en todas partes”, dijo. Y concluyó: “La gente tenderá a buscar aquello que ya conoce”.

(c) 2026, Fortune

El canal de GQ recibió a Curtis James Jackson III para un extenso repaso por su carrera en el cine y la televisión. Conocido como 50 Cent, el histórico rapero compartió detalles sobre sus experiencias en producciones de Hollywood, el origen de sus proyectos más reconocidos y su creciente rol como productor ejecutivo.

La entrevista recorrió desde Get Rich or Die Tryin’ hasta Power, Den of Thieves, Southpaw y The Reckoning. Jackson habló sobre actuaciones, decisiones de producción y el modo en que pasó de ser una figura del rap a ocupar un lugar cada vez más activo detrás de cámara.

Get Rich or Die Tryin’: un debut difícil y terapéutico

La película autobiográfica Get Rich or Die Tryin’ fue el punto de partida de la conversación. El rapero admitió que la experiencia fue más compleja de lo que imaginaba, sobre todo por el rodaje fuera de secuencia y por tener que revivir episodios personales dolorosos.

“Fue casi terapéutico para mí al mismo tiempo, porque me pedían que pasara por estas cosas que realmente fueron parte de mi vida", afirmó Jackson en GQ. Y agregó: “Había experiencias realmente duras que yo no había procesado emocionalmente antes, y entonces tuve que pensar en ellas para poder actuar.”

El proyecto nació en Interscope Records, donde el sello acababa de tener un gran éxito con 8 Mile, la película de Eminem. La compañía armó un equipo con Terry Winter, guionista de The Sopranos y El lobo de Wall Street; el director Jim Sheridan; y Quincy Jones a cargo de la banda sonora.

El elenco incluyó a Terrence Howard, Viola Davis y Bill Duke. Además, grabaron la banda sonora completa durante el rodaje desde un estudio móvil instalado en un furgón.

“Den of Thieves”: del guion al set por insistencia

La historia detrás de su participación en Den of Thieves comenzó con una lectura. 50 Cent le pidió a su agente de CAA el mejor guion de acción disponible, y ese fue el texto que terminó en sus manos. Tiempo después se cruzó con el productor Tucker Tooley en una fiesta de los premios Óscar.

“Le dije: ‘Tenés ese guion que me gusta’. Él no sabía de qué le estaba hablando, y le dije Den of Thieves“, recordó. Ese encuentro fue decisivo: cuando comenzó el casting oficial, el productor lo tuvo en cuenta.

Para la secuela, destacó el trabajo de O’Shea Jackson Jr., a quien le dijo en persona: “Es tu película ahora, hermano. La tenés vos.” También anticipó que espera una tercera entrega.

“Southpaw” y “Righteous Kill”: llegadas casuales a grandes proyectos

Su incorporación a Southpaw ocurrió de manera casi accidental. Una amiga identificada como LaLa lo contactó para que mediara con el director Antoine Fuqua.

Cuando llegó al set, terminó improvisando una imitación del promotor de boxeo Al Haymon, y Fuqua le dijo en el acto que eso era exactamente lo que buscaba.

Sobre Jake Gyllenhaal, lo describió como un actor capaz de sumergirse por completo en sus roles: “Lo mirás y decís: ¿qué carajo fue eso?”

En Righteous Kill, compartió pantalla con Robert De Niro y Al Pacino. El vínculo con el productor Avi Lerner le abrió una nueva perspectiva sobre el negocio del cine. “Fue ahí donde empecé a entender cómo funciona la producción, no solo la pantalla”, explicó. Esa experiencia lo impulsó hacia la producción de cine y televisión.

Power y el universo que casi no llega a ser

Power fue uno de los proyectos más extensos de su carrera, aunque arrancó con condiciones económicas modestas: durante las primeras temporadas, Jackson cobró USD 17.000 por episodio mientras actuaba, producía ejecutivamente y componía la canción principal. El personaje de Kanan Stark fue una apuesta deliberada por un villano sin matices. “Dije: si voy a interpretar a alguien malo, quiero que sea realmente malo”, explicó.

La decisión de matar al personaje también fue suya, ante la tensión con la showrunner, quien percibía la serie como demasiado asociada a su marca. Además, reveló que frenó la intención de la guionista de eliminar al personaje de Omari Hardwick antes de tiempo.

Sobre el spinoff Raising Kanan, fue él quien apostó por ese proyecto cuando nadie más lo veía viable: “Se equivocó, porque ese show fue un éxito rotundo."

“Expendables 4″, “Street Fighter” y la lógica detrás de cada rol

Para Expendables, Jackson rechazó en primera instancia el papel que terminó siendo de Terry Crews por tener compromisos comerciales más rentables. Cuando finalmente participó en la saga junto a Jason Statham y Dolph Lundgren, se llevó una lección sobre el oficio actoral: “No necesitás muchas palabras para decir lo que querés decir. Estos tipos tienen los mejores remates del mundo.”

En Street Fighter no hubo audición formal. Jackson comunicó de antemano a los productores que estaba dispuesto a tomar roles secundarios en grandes producciones y rodó en Australia durante aproximadamente dos meses. Adelantó que el joven actor The Kid Noah será una revelación tras el estreno.

“The Reckoning” y la expansión como productor

El documental Sean Combs: The Reckoning fue un proyecto que inició seis meses antes de encontrar a la directora Alex Stapleton. El resultado superó las expectativas: la serie llegó al número uno en 31 países y superó a Stranger Things en audiencia durante aproximadamente cuatro semanas.

Ese éxito se enmarca en una operación más amplia: Jackson afirmó tener actualmente 44 shows en 12 redes distintas, con producciones que también se desarrollan en Shreveport. Su alcance en redes sociales supera los 100 millones de personas, lo que le permite negociar directamente con las cadenas desde una posición de fortaleza.

La última vez que Marilyn Monroe posó para una cámara, estaba descalza en la arena de Santa Mónica, California, con el pelo revuelto por el viento del mar y una sonrisa que el fotógrafo George Barris no olvidó. En la foto final de esa sesión, ella juntó las manos y sopló un beso hacia el lente. Tres semanas después, estaba muerta.

Era julio de 1962. Monroe tenía 36 años y atravesaba uno de los peores tramos de su carrera. La productora 20th Century Fox la había echado de la película Something’s Got to Give por sus ausencias reiteradas y le había iniciado una demanda por daños. Su tercer matrimonio, con el dramaturgo Arthur Miller, ya era historia. Y su cuerpo, sometido durante años al escrutinio público, había cambiado tras una operación de vesícula que la volvió considerablemente más delgada.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles. Su madre, Gladys, sufrió una crisis nerviosa cuando ella era pequeña y la dejó crecer entre hogares de acogida y orfanatos. La curadora Rosie Broadley, del National Portrait Gallery de Londres —que montó una exposición en 2026 por el centenario del nacimiento de Monroe—, señaló una foto de la infancia de la actriz, descalza en una playa junto a su madre, como un eco involuntario de las imágenes de Barris décadas después. “Las fotos de playa enmarcan su vida de una manera que resulta muy conmovedora”, dijo.

La carrera que Monroe construyó luego de esa infancia con problemas hizo que sus películas recaudaran, por los años 50, el equivalente actual a aproximadamente 2.000 millones de dólares. Pero el miedo escénico nunca la abandonó. Según una investigación clínica publicada en ScienceDaily, fue justamente ese miedo el que la llevó a los barbitúricos. Monroe empezó a usarlos porque necesitaba dormir bien para trabajar, y en aquella época eran de fácil acceso.

Lo que comenzó como un recurso se convirtió en una dependencia que sus propios médicos alimentaron con recetas. Un amigo cercano, James Bacon, lo describió así: “Le dije: ‘Marilyn, la combinación de pastillas y alcohol te va a matar’. Y ella me respondió: ‘Todavía no me mató’. Después tomó otro trago y se tomó otra pastilla”.

La investigación clínica reconstruyó el tratamiento que Monroe recibió en los últimos meses de su vida y concluyó que el psicoanálisis freudiano combinado con una medicación masiva —incluidas recetas de una docena de drogas psicoactivas distintas, entre barbitúricos, otros hipnóticos y anfetaminas— no mejoró su condición, sino que la empeoró de manera sostenida.

La investigación también señaló que el médico de Monroe negó haber recetado clorhidrato de cloral, el sedante que apareció en concentraciones letales en su sangre luego de la muerte. Los registros de recetas demostraron que esa afirmación era falsa.

Su psiquiatra principal era Ralph Greenson. El médico de cabecera, Hyman Engelberg, era quien firmaba las recetas que Greenson indicaba. Entre los dos construyeron un esquema que la investigación calificó como un fracaso terapéutico con consecuencias fatales. Los diagnósticos además ignoraban por completo el problema central: la tolerancia, la dependencia y el riesgo de sobredosis accidental con barbitúricos eran fenómenos bien documentados en la medicina de la época.

Mientras todo eso ocurría, Monroe intentaba reconstruir su reputación pública. Concedió entrevistas a Vogue y a Life, con sesiones fotográficas de Bert Stern y Allan Grant respectivamente. El artículo de Life, titulado Last Talk With a Lonely Girl, se publicó pocos días después de su muerte.

La sesión de fotos con Barris en Santa Mónica también formaba parte de esa campaña. Las imágenes estaban destinadas a la revista Cosmopolitan, pero nunca se publicaron allí.

La curadora Georgia Atienza, co-responsable de la exposición del National Portrait Gallery, dijo: “Estaba intentando levantar su perfil y rehabilitar su imagen. Para ella, las sesiones fotográficas eran muchas veces una manera de lidiar con la ansiedad”.

En esas fotos, Monroe corría por la orilla del mar y casi bailaba con las olas. Caroline Barris, hija del fotógrafo y guardiana de su archivo, envió a los curadores de la exposición decenas de tomas descartadas de esa jornada. “Fue muy conmovedor saber que esas eran las últimas imágenes que ella hizo”, dijo.

Monroe también editó las fotos ella misma, como hacía siempre a lo largo de su carrera: tachaba con un alfiler las que no le gustaban y escribía “buena” sobre las que aprobaba. Era una de las pocas formas de control que tenía sobre su propia imagen.

El último día de la vida de Monroe comenzó con una visita de Greenson a su casa en el barrio de Brentwood, en Los Ángeles, ubicada en el 12305 de Fifth Helena Drive. Esa tarde habló por teléfono con varias personas, entre ellas Joe DiMaggio Jr., hijo de su exmarido. El forense Cyril Wecht, que analizó el caso en detalle para People en 2012, señaló que hacia las 20 del 4 de agosto el actor Peter Lawford —cuñado del presidente John F. Kennedy— logró comunicarse con ella. Monroe sonaba confusa. Fue la última conversación que alguien tuvo con ella. Le dijo a Lawford: “Decile adiós a Pat. Decile adiós al presidente. Y decite adiós a vos mismo, porque sos un buen tipo”.

La empleada doméstica Eunice Murray se despertó cerca de las 3 del 5 de agosto y vio luz bajo la puerta del dormitorio de Monroe. Llamó, no obtuvo respuesta. Llamó a Greenson. El psiquiatra llegó, rompió la ventana del cuarto y encontró a Monroe desnuda en la cama, con el teléfono todavía en la mano. Giró hacia la puerta y le dijo a Engelberg, que esperaba del otro lado: “Parece que está muerta”.

Engelberg certificó la muerte alrededor de las 4.30. Recién entonces llamaron a la policía. Cuando los agentes llegaron, Murray estaba lavando las sábanas de la cama de Monroe en ese mismo momento. Nunca explicó ese comportamiento. Había muerto el 4 de agosto de hace 64 años.

La muerte de Monroe fue clasificada oficialmente como “suicidio probable” por intoxicación aguda con barbitúricos. La autopsia la realizó Thomas Noguchi, médico forense adjunto de Los Ángeles. Pero los detalles del examen, analizados por Wecht, plantean dudas no resueltas.

El nivel de clorhidrato de cloral en sangre era de 8 miligramos, una concentración que Wecht calificó de “muy, muy alta”. La receta de ese sedante había sido despachada el 31 de julio: 50 cápsulas. Cuando se revisó el frasco, quedaban solo 10. Cuarenta cápsulas habían sido consumidas en cinco días, en un período en que Monroe ya las tomaba de manera habitual, posiblemente hasta 10 por día.

Noguchi, por su parte, no encontró residuos visibles de cápsulas en el estómago ni la coloración amarilla que el Nembutal deja cuando se ingiere por vía oral. Tampoco halló marcas de aguja. Esa ausencia de rastros tampoco fue explicada.

El toxicólogo Raymond Abernathy descartó muestras del estómago e intestino de Monroe después de analizarlas. Esa decisión generó una controversia no resuelta. “Esto no es ‘Susana García’”, dijo Wecht a People. “¿Por qué descartarías muestras que debían ser analizadas?” Abernathy sostuvo que era un procedimiento de rutina.

La autopsia también registró doble lividez: Monroe fue encontrada boca abajo, pero cuando llegó a la morgue estaba sobre su espalda. Eso confirmó que el cuerpo había sido movido después de la muerte. Wecht subrayó que hubo una demora entre el hallazgo del cuerpo y el aviso a las autoridades, lo que comprometió la determinación de la hora exacta del fallecimiento. Su conclusión fue: “Yo habría firmado la causa de muerte como indeterminada”, no como suicidio probable.

Mientras la versión oficial hablaba de sobredosis, en 2014 los periodistas estadounidenses Richard Buskin y Jay Margolis pusieron por escrito en el libro Marilyn Monroe: A Case for Murder otra explicación que circulaba desde el principio.

Su tesis: Monroe no se suicidó ni murió por accidente. Fue asesinada por orden de Robert Kennedy, entonces fiscal general de Estados Unidos y hermano del presidente JFK.

Según Buskin y Margolis, Monroe había tenido romances con ambos hermanos Kennedy. La relación con John F. Kennedy fue primero; la de Robert vino después, cuando él intervino para que ella dejara de acosarlo telefónicamente a su hermano y terminó enredándose él mismo. El vínculo con “Bobby” se inició tras dos días de encuentros en la casa de un empresario con presuntos vínculos con la mafia. La obsesión de Monroe, que antes apuntaba al presidente, se trasladó al fiscal general.

La ruptura llegó con una discusión violenta en la casa de Monroe en Los Ángeles. Según el libro, ella intentó atacar a Robert Kennedy con un cuchillo. Quienes acompañaban al funcionario controlaron la situación. Monroe amenazó entonces con convocar una conferencia de prensa para revelar públicamente sus relaciones con los dos hermanos.

Robert Kennedy -siempre según el libro- tomó una decisión. Con la colaboración de Lawford, le encargó a Greenson que le administrara una inyección letal y preparara la escena para que pareciera una sobredosis. La ejecución, según el libro, fue un desastre. Buskin y Margolis la describieron así: “Tanteó entre las costillas como un aficionado. Empujó la jeringuilla en el pecho de ella, pero no lo hizo bien. Quedó clavada en el hueso. Empujó muy fuerte hasta que la aguja traspasó la costilla con un chasquido”. Los servicios de urgencias de Los Ángeles que llegaron esa noche encontraron a Monroe con una costilla rota.

El libro también recuperó un testimonio de 1985 de Eunice Murray para la BBC, grabado sin que ella lo supiera, en el que la empleada admitía que cuando llegaron los servicios de emergencia, Monroe todavía estaba con vida.

La investigación oficial se reabrió en 1982 bajo presión pública. Su conclusión fue que las pruebas disponibles “no respaldan ninguna teoría de conducta criminal”, aunque el propio informe reconoció “discrepancias factuales y preguntas sin respuesta”. El caso quedó clasificado como “suicidio probable”.

El médico que firmó el certificado de defunción declaró haberlo hecho “bajo presión“. El toxicólogo que descartó los órganos nunca fue procesado. Greenson murió en 1979. Robert Kennedy fue asesinado en 1968. Noguchi, que realizó la autopsia, rompió su silencio décadas después para afirmar que nunca estuvo de acuerdo con la conclusión de suicidio y que le impidieron investigar cómo un cuerpo rodeado de frascos de sedantes no tenía rastros de pastillas en el estómago.

Las fotos de Barris, con ese tono anaranjado que les da el papel envejecido, terminaron en una exposición del National Portrait Gallery de Londres en 2026. En la última imagen de la serie, Monroe mira a cámara con las manos juntas y los labios entreabiertos. Barris contó que en ese momento ella dijo: “Esta es para vos, George”.

La saga Rápidos y Furiosos se prepara para un cierre que promete dejar huella: Vin Diesel confesó que el nuevo guion de Fast Forever lo emocionó hasta las lágrimas y anticipó un final cargado de nostalgia y sorpresas.

Con la mirada puesta en los orígenes, la franquicia acelera hacia su despedida definitiva y multiplica la expectativa entre los fanáticos de todo el mundo.

Reacciones tras la lectura del guion

Vin Diesel publicó en Instagram su reacción inmediata al terminar de leer Fast Forever. “Acabo de leer el guion de ‘Fast Forever’ de [Michael Lesslie]. Es el mejor guion que he leído en décadas. Todavía estoy llorando…”, escribió el protagonista, dejando claro que el desenlace de la saga tiene un fuerte componente emocional.

El mensaje fue replicado por medios internacionales y generó un impacto inmediato en la comunidad de fans, que interpretó la confesión de Diesel como una señal de que el final tendrá profundidad y resonancia.

La revelación del actor coincidió con la campaña de promoción por el 25 aniversario de la franquicia, que incluye el relanzamiento en salas de “The Fast and the Furious”. Universal anunció que la película original volverá a los cines el 21 de agosto, lo que refuerza la noción de un cierre que mira hacia el inicio de la historia. “Todavía estoy llorando…”, reiteró Diesel, reforzando la intensidad de la experiencia.

Un desenlace que mira hacia atrás

En su mensaje, Vin Diesel alentó a los seguidores a ver nuevamente la película de 2001 antes de la llegada del final. Según Complex, esa invitación refuerza la idea de un desenlace que busca establecer un lazo directo entre el primer filme y el último.

La saga, que comenzó como un thriller sobre carreras clandestinas y robos en las calles de Los Ángeles, encontró en la dupla de Diesel y el fallecido Paul Walker una identidad marcada por la familia, la lealtad y la redención.

La primera entrega reunió en pantalla a Michelle Rodriguez, Jordana Brewster, Rick Yune y Chad Lindberg, y fue el punto de partida para una expansión sin precedentes. Con el paso de los años, la franquicia sumó secuelas, cortometrajes, una serie animada y el spin-off “Hobbs & Shaw”, consolidando su lugar entre las más exitosas del cine contemporáneo.

Un guionista con trayectoria y nuevos desafíos

El guion de Fast Forever estuvo a cargo de Michael Lesslie, quien se integró al proyecto tras rehacer un borrador previo de Aaron Rabin y Zach Dean.

Lesslie cuenta con experiencia en adaptaciones cinematográficas y colaboró previamente con el director Louis Leterrier, quien regresa para comandar la que se anuncia como la última entrega principal.

Este equipo enfrenta el desafío de ofrecer un cierre satisfactorio para una saga que lleva más de dos décadas en la pantalla grande.

El contexto del final llega tras el estreno de “Fast X” en 2023, película que superó los 700 millones de dólares en taquilla global y dejó varias líneas argumentales abiertas. Las escenas poscréditos de esa entrega anticiparon el regreso de personajes emblemáticos como Luke Hobbs (Dwayne Johnson) y Gisele (Gal Gadot), aumentando la expectativa sobre la resolución de sus historias.

Una franquicia de impacto mundial

Desde 2001, la saga Fast & Furious evolucionó de un relato de carreras y robos a una serie centrada en el espionaje internacional y las acrobacias imposibles.

En ese camino, la franquicia logró recaudar más de 7.000 millones de dólares en todo el mundo y se posicionó entre las series cinematográficas más taquilleras de la historia, según datos publicados por Complex.

La escala de la saga, sus locaciones internacionales y la incorporación de nuevas figuras en cada entrega permitieron sostener el interés del público durante más de 20 años. Ahora, con el guion finalizado y las palabras de Diesel generando expectativa, los seguidores esperan un desenlace fiel a los orígenes y a la emoción que caracterizó a la franquicia desde su inicio.

Sean Hepburn Ferrer desmintió en la nueva biografía autorizada de su madre uno de los mitos más persistentes sobre Audrey Hepburn: que su figura esbelta escondía un trastorno alimenticio. En Intimate Audrey: An Authorized Biography, escrita junto a la coautora Wendy Holden, el hijo mayor de la actriz de Hollywood reconstruyó su rutina diaria y describió a una mujer que comía lo que le gustaba, rechazaba las dietas de moda y se negaba a retocar sus arrugas.

“A pesar de décadas de rumores de que sufría un trastorno alimenticio debido a su delgadez, ella cocinaba, horneaba y comía lo que le gustaba, pero tenía cuidado con las porciones», escribió Ferrer, según informó People.

El retrato que traza en el libro es el de una rutina alimentaria ordenada y sin obsesiones. La mayoría de sus días comenzaban con un huevo duro, tostadas y mermelada, seguidos de una caminata a un ritmo que dejaba atrás a quienes la acompañaban. Al mediodía, una ensalada o sopa, un sándwich y una bola de helado de vainilla con sirope de arce. Ocasionalmente, una cerveza fría. Después de su siesta diaria, un trozo de chocolate negro —su “cura para la tristeza”— y al atardecer, un dedo de whisky. La cena consistía invariablemente en un plato de pasta pomodoro y ensalada. Hepburn también desarrolló su propia receta de pastel de chocolate sin harina.

Si bien realizaba una desintoxicación de uno o dos días al mes, la actriz “rechazaba cualquier idea de dietas de moda”, de acuerdo con lo que Ferrer relató a People. La misma firmeza aplicaba a su imagen: “Cualquier sugerencia de cirugía plástica era anatema para ella, ya que honraba la historia de cada arruga de su rostro”, escribió su hijo.

El episodio que mejor lo ilustra ocurrió durante un viaje de trabajo con UNICEF: el fotógrafo John Isaac le ofreció retocar digitalmente las arrugas de sus fotos. La respuesta de Hepburn fue tajante: “Ni se te ocurra tocar ninguna de esas arrugas; me las he ganado todas”.

Esa postura tenía raíces profundas. Hepburn nació el 4 de mayo de 1929 en Ixelles, Bruselas, y pasó parte de su infancia en los Países Bajos, donde la sorprendió la ocupación nazi. Durante el llamado Hongerwinter —el invierno del hambre de 1944-1945—, la ración calórica diaria en las zonas más afectadas de Holanda cayó por debajo de las 500 calorías.

Su familia, como miles de otras, recurrió a moler bulbos de tulipán para hacer harina. La actriz desarrolló ictericia, anemia y edema —hinchazón de las extremidades por deficiencia severa de proteínas—, secuelas que la acompañarían el resto de su vida. Su extrema delgadez, admirada durante décadas, fue en parte consecuencia directa de esa desnutrición severa durante la adolescencia.

Esa experiencia forjó también un vínculo indeleble con UNICEF. Cuando la organización y sus predecesoras distribuyeron ayuda humanitaria al terminar la guerra, Hepburn era una de sus beneficiarias directas. Al convertirse en Embajadora de Buena Voluntad en 1988, lo explicó con claridad: estaba saldando una deuda con la institución que la había ayudado a sobrevivir. Hasta su muerte recorrió comunidades empobrecidas de África, América Latina y Asia, y en diciembre de 1992 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos en reconocimiento a esa labor.

En paralelo, su carrera artística la llevó de los escenarios del West End londinense a convertirse en una de las figuras más reconocidas del cine clásico. Su primer gran hito llegó con Vacaciones en Roma (1953), donde encarnó a la princesa Ana junto a Gregory Peck: el papel le valió el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA a la mejor actriz en la misma temporada, un logro sin precedentes.

Le siguieron Sabrina (1954) —primera colaboración con el diseñador Hubert de Givenchy—, Historia de una monja (1959) y Desayuno con diamantes (1961), donde su interpretación de Holly Golightly y el pequeño vestido negro de Givenchy se convirtieron en referencias permanentes de la cultura popular. A lo largo de su carrera acumuló cuatro nominaciones al Oscar y se transformó en uno de los pocos artistas en obtener un Emmy, un Grammy, un Tony y un Oscar.

Sobre ese papel reflexionó Ferrer en una entrevista con la revista Woman’s World en abril de 2026. Al ser consultado sobre Marilyn Monroe —quien rechazó protagonizar la película—, señaló que entiende la decisión: el personaje de Holly Golightly fue inspirado directamente en Monroe por Truman Capote, autor de la novela original.

“Puedo entender por qué Marilyn dijo que no, porque probablemente sentía que iba a interpretarse a sí misma”, declaró Ferrer. “Si tomas a alguien como Audrey Hepburn, que es lo último que esperarías de ella, se va a crear algo completamente nuevo”, agregó.

El Aeropuerto Hollywood Burbank en California está a punto de inaugurar una terminal completamente nueva, resultado de una inversión de 1.300 millones de dólares. Este ambicioso proyecto marcará no solo el cierre de un ciclo en la historia de los vuelos en la región de Los Ángeles, sino también un salto significativo hacia la modernización y la seguridad aeroportuaria. El origen de esta transformación se remonta a casi una década atrás, cuando la Administración Federal de Aviación (FAA) advirtió a los responsables del aeropuerto que la terminal existente se encontraba demasiado cerca de las pistas, representando un riesgo para la seguridad. A partir de ese momento, se desencadenó un proceso de planificación y desarrollo que culminará con la apertura de un edificio que promete redefinir la experiencia de los viajeros y elevar los estándares operativos de la terminal.

La inversión millonaria responde, ante todo, a la necesidad de cumplir con los requisitos de seguridad establecidos por las autoridades federales, pero también obedece al deseo de ofrecer una infraestructura adaptada a las demandas del siglo XXI. Los responsables del aeropuerto han subrayado que el objetivo era claro: dejar atrás una estructura que databa de la década de 1930 y crear un espacio acorde a las exigencias actuales, sin perder la esencia de cercanía y calidez que caracterizaba al antiguo aeropuerto. Así, la nueva terminal representa la respuesta a un problema estructural y, al mismo tiempo, una oportunidad para renovar la imagen del recinto y dotarlo de mayores comodidades para residentes y visitantes.

Características arquitectónicas y de diseño de la nueva terminal

El flamante edificio, erigido en el espacio que anteriormente ocupaba un estacionamiento, se presenta como una estructura más grande, eficiente y segura que su predecesora. La entrada principal estará ubicada a aproximadamente treinta metros de la terminal actual, en las proximidades de la intersección formada por Winona Avenue y Hollywood Way, facilitando el acceso para quienes llegan desde distintos puntos de la ciudad.

Desde el inicio del proceso de diseño, el equipo detrás de la obra se propuso mantener un delicado equilibrio entre la modernidad y la tradición. El nuevo recinto conserva numerosos guiños a la identidad hollywoodense de la región, pero introduce una estética acorde a los nuevos tiempos. El director de arquitectura, Brent Kelly, explicó que la intención fue “incorporar muchos de esos toques del viejo Hollywood”, sin renunciar a instalaciones modernas. Un elemento destacado es la denominada “Pantalla Plateada” en la entrada, donde una marquesina se extiende a lo largo de la fachada del garaje.

Otro detalle distintivo lo aporta la inspiración tomada del icónico vestido que lució Marilyn Monroe al interpretar “Happy Birthday, Mr. President” para John F. Kennedy en 1962. Las columnas exteriores de la terminal evocan los reflectores típicos de los estrenos cinematográficos, reforzando el vínculo entre el aeropuerto y el universo de Hollywood.

Experiencia para los viajeros y servicios disponibles

El rediseño de la terminal ha puesto especial atención en mejorar la experiencia de los usuarios. Los antiguos mostradores de venta de billetes y los controles de la TSA, que se caracterizaban por techos bajos y espacios angostos, han sido sustituidos por un espacio de facturación interior amplio, elegante y luminoso. Esta transformación busca facilitar el tránsito y la comodidad de los pasajeros en cada etapa del proceso aeroportuario.

La zona de puertas de embarque desemboca en un área común de grandes dimensiones, equipada con tres barras, restaurantes y tiendas locales. La oferta gastronómica y comercial está pensada para reflejar los gustos y preferencias de la población local, permitiendo a los viajeros percibir la esencia de la región apenas pongan un pie en la terminal. Según Tyron Hampton, presidente de la Comisión del Aeropuerto de Burbank Glendale Pasadena, quienes utilicen el aeropuerto recibirán el mismo trato cordial que distinguía al edificio anterior.

Entre los servicios mejorados se incluyen estaciones de carga eléctrica para dispositivos, zonas de espera adicionales y una perspectiva inédita de la pista de aterrizaje. El embarque y desembarque de los pasajeros se realizará desde la propia pista, manteniendo una de las características tradicionales del aeropuerto.

Elementos de seguridad y eficiencia en la nueva terminal

La seguridad ha sido uno de los ejes rectores del proyecto, en consonancia con las exigencias de la FAA que motivaron la construcción de la nueva terminal. El distanciamiento respecto de las pistas, el diseño diáfano y la reorganización de los flujos de pasajeros contribuyen a reducir riesgos y agilizar los procedimientos de control y embarque. La eficiencia operativa se refleja también en la disposición de los espacios, que favorecen la circulación fluida y el acceso rápido a los diferentes servicios.

El nuevo edificio incorpora tecnologías y materiales que garantizan un entorno seguro tanto para viajeros como para empleados, al tiempo que mantiene la simplicidad en la experiencia aeroportuaria, de acuerdo con las declaraciones del arquitecto principal.

Proceso de transición y futuro del edificio antiguo

La transición hacia la nueva terminal implicará la demolición del antiguo edificio una vez que el nuevo entre en funcionamiento. Esta decisión cierra un capítulo en la historia del aeropuerto, que durante años llevó el nombre del comediante Bob Hope y fue testigo de múltiples transformaciones en la aviación local. La apertura del moderno recinto consolidará al Aeropuerto Hollywood Burbank como una de las opciones preferidas en la región, combinando tradición, innovación y elevados estándares de seguridad.

Ferrell, protagonista de clásicos como “Elf” y “Anchorman”, abrió la puerta a su universo personal y creativo. Entre anécdotas y reflexiones, el comediante se refirió al peso de la opinión pública, las exigencias del género y su nuevo proyecto en Netflix, “The Hawk”.

Reflexión sobre la comedia y la percepción pública

El actor de 59 años compartió episodios en los que el público manifestó opiniones ambiguas sobre su trabajo. “No me importa lo que digan, creo que eres hilarante”, le afirmó a un desconocido en una ocasión.

Relató que inmediatamente preguntó “¿Qué están diciendo?”, resaltando su interés por entender el trasfondo de las percepciones ajenas. “¿Quiénes son ‘ellos’? Dame la lista”, insistió durante el relato.

En otro momento, recordó el encuentro con una mujer que le dijo: “Eres muy gracioso, pero no eres Larry David”. Ferrell respondió con ironía: “¿Por qué no vuelves a tu mesa y te callas?”. El actor agregó que este tipo de comentarios no lo intimidan: “Si vas a insistir, entonces yo también me voy a poner firme”.

También analizó la recepción de su humor fuera de Estados Unidos. “El par de veces que estuve en Italia, recuerdo que estaba en una cafetería y alguien dijo: ‘Ahí está, el Zoolander’. Yo respondí: ‘Bueno, no soy Zoolander, soy Mugatu’. ‘Sí, ya sé a lo que me refiero’. Esa película, en particular, enloquece a los italianos”, contó.

Rechazo a la secuela de “Elf”

En relación con su popular papel en “Elf”, Ferrell fue enfático al referirse a las ofertas que recibió para rodar una continuación y aseguró que rechazó propuestas económicas muy elevadas para realizar la secuela.

Cuando Horowitz le preguntó si tras su recordada aparición vestido de Buddy the Elf en un partido de hockey esto reavivó el interés del estudio, Ferrell señaló: “No. No escuché ni un susurro. Ese tren ya zarpó”.

Sobre la vigencia de la película, el actor remarcó que es un clásico, y consideró que mantener la integridad del film original pesó más que cualquier incentivo económico.

Personajes y proceso creativo

Ferrell defendió la posibilidad de interpretar personajes que no sean necesariamente “simpáticos” para el espectador. Relató una conversación con una ejecutiva de estudio que le aseguró: “Los personajes de comedia tienen que ser agradables”.

El actor discrepó con esa idea y sostuvo que su trabajo en “Saturday Night Live” había demostrado que las figuras incómodas o incluso antipáticas también podían conectar con la audiencia.

“Creo que he tenido el don de hacer que eso resulte divertido y agradable, no sé cómo lo hago”, reconoció. Como ejemplo, recordó un sketch en el que gritaba a niños durante una canción de cumpleaños: “Sobre el papel eso se ve horrible, pero funcionó increíblemente bien”.

El actor también se refirió a la variedad de sus papeles y destacó que disfrutó la sinceridad de interpretar a Buddy, un personaje cuyo entusiasmo molesto le resultó especialmente divertido. “Pero también es divertido gritarle a los niños. Si tienes dudas, en la comedia, grítale a un niño pequeño, mientras más pequeño y tierno, mejor”, comentó entre risas.

La nueva serie “The Hawk”

Ferrell presentó detalles de “The Hawk”, su reciente proyecto para Netflix, donde encarna a Lonny Hawkins, un golfista egocéntrico conocido como “The Hawk”. “Por el 87% del show lleva una visera que dice su apodo, porque vive con miedo mortal de que alguien no lo reconozca”, explicó.

El personaje está inspirado en los golfistas de la década de 1970, con una estética marcada por los cigarrillos durante las pausas entre hoyos, la ropa llamativa y la costumbre de tomar cócteles después de los partidos, según explicó Ferrell.

Sobre la actualidad del golf profesional, opinó: “El PGA está vacío de personalidad en este momento. Lo digo con cariño, porque el PGA también es parte de nuestro show”. La serie también cuenta con la participación de Luke Wilson, Chris Parnell y Molly Shannon, habituales compañeros de Ferrell.

Colaboraciones y proyectos futuros

El actor reveló que mantiene conversaciones con Adam Sandler y Ben Stiller para posibles colaboraciones. “Sandler, bendito sea, me dice: ‘Tenemos que hacer algo antes de que no podamos movernos más’”, relató.

Además, adelantó que está trabajando con Ryan Gosling en una comedia de acción: “Estamos dándole forma, espero que salga adelante porque podría ser muy divertido”.

Ferrell aseguró que prefiere involucrarse en propuestas innovadoras y explicó que, mientras conserve crédito dentro de la industria, busca destinarlo a otros proyectos que mantengan una sensación de aventura y exploración creativa.

En medio de protestas sindicales y debates públicos, los principales estudios de Hollywood profundizan su dependencia de la inteligencia artificial.

Mientras la industria cinematográfica debate los riesgos y el impacto de esta tecnología, un relevamiento reciente de vacantes laborales revela cómo los grandes jugadores del sector refuerzan equipos para integrar herramientas de IA en todas las áreas clave de la producción audiovisual.

La doble estrategia de los estudios: rechazo público y avance interno

El escenario en Estados Unidos muestra una dinámica de doble filo. Por un lado, sindicatos y parte del público expresan sus diferencias sobre la automatización y la posible sustitución de empleos creativos. Por otro, empresas como Disney, Netflix, Amazon MGM Studios y otras aceleran la contratación de perfiles especializados en IA para transformar sus procesos internos.

Una investigación publicada por el Los Angeles Times identificó, a fines de junio, alrededor de 30 posiciones laborales vinculadas a inteligencia artificial entre unas 250 vacantes abiertas en los principales estudios.

La proporción supera el 10% del total de búsquedas, una cifra significativa para una industria tradicionalmente celosa de sus métodos de trabajo.

Estas posiciones reflejan la diversificación de la IA dentro de la industria. Mientras Disney, Netflix y Amazon buscan integrar la inteligencia artificial directamente en el desarrollo creativo —como efectos visuales, animación, sonido y doblaje—, otras compañías como Universal, Paramount, Warner Bros. y Sony priorizan aplicaciones en mercadotecnia, distribución y análisis de audiencias.

Puestos clave y funciones detectadas en los avisos laborales

• Amazon MGM Studios publicó búsquedas para un ejecutivo principal de IA, encargado de impulsar la adopción de herramientas inteligentes en toda la cadena de producción.
• Walt Disney Studios ofreció un puesto de tecnólogo en innovación de producción, orientado a tender puentes entre la investigación y la aplicación práctica en cine de animación y efectos especiales.
• Netflix abrió la vacante de “manager, generative workflows”, un puesto enfocado en introducir tecnologías de IA en las películas que la plataforma estrena en Estados Unidos y Canadá.
• Disney también buscó perfiles con doctorado para investigar gráficos por computadora e inteligencia artificial, con aplicaciones directas en Pixar y producciones propias.
• Skywalker Sound, firma de posproducción de audio perteneciente a Disney, lanzó convocatorias para desarrollar modelos propios de IA orientados a bandas sonoras, separación y transferencia de voz.

Ninguno de los anuncios relevados estuvo dirigido a reemplazar guionistas o actores mediante herramientas automatizadas. La mayoría de los puestos refuerzan áreas técnicas y de soporte creativo, pero no sustituyen tareas de interpretación ni escritura de guiones.

Figuras influyentes y movimientos empresariales: entre el entusiasmo y la cautela

El debate público sobre el uso de IA en Hollywood no se limita a los estudios. Varias de las voces más conocidas del sector manifestaron posturas abiertas a la adopción de estas tecnologías.

• George Lucas, creador de Star Wars, sostuvo en diálogo con una revista especializada: “La inteligencia artificial significa que es mucho más fácil para nosotros hacer películas. No hay nada que puedas hacer al respecto. Eso es progreso. Es el futuro”.
• Martin Scorsese —director premiado y referente del cine estadounidense— respaldó a empresas tecnológicas del sector y se mostró receptivo a la colaboración entre cineastas y desarrolladores.
• Ben Affleck fundó la empresa InterPositive, dedicada a tecnología fílmica basada en IA. La firma fue adquirida por Netflix en marzo por USD 587 millones en efectivo, según un reporte citado por el Los Angeles Times.
• El propio Affleck describió el objetivo de la compañía como una forma de mantener “humana la narración”. Las herramientas desarrolladas allí permitían corregir iluminación, generar planos adicionales y asistir a los equipos creativos sin desplazar las decisiones artísticas.

Netflix, además, exhibió aplicaciones concretas de IA en la producción: Girish Balakrishnan, director sénior de innovación creativa, expuso en el festival Runway AI cómo la tecnología fue utilizada para generar hinchas en el documental Brazil ’70 y para crear tomas de combate en Glory.

Amazon, pionera en la incorporación de IA en el sector audiovisual, sumó tres series animadas generadas por IA a través de su GenAI Creator Fund, y financió la compañía Innovative Dream, con sede en Manhattan Beach, para servicios de producción.

Resistencia sindical, protecciones legales y límites actuales

El avance de la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento convive con límites regulatorios y sindicales. En junio, el sindicato SAG-AFTRA ratificó un nuevo contrato de cuatro años que incorpora protecciones específicas contra los intérpretes sintéticos y apoya una ley nacional orientada a resguardar los derechos de las personas frente a réplicas digitales no autorizadas.

Desde 2023, los estudios mantienen reuniones semestrales con el sindicato para entregar informes confidenciales sobre sus actividades con IA.

Según una fuente con conocimiento de esas conversaciones, las empresas insisten en que aún no utilizan IA para reemplazar completamente a trabajadores humanos.

El gremio sostiene que no existen pruebas documentadas de que la inteligencia artificial generativa haya sido usada para crear interpretaciones actorales.

Las compañías están obligadas a notificar a la organización si comienzan a emplear estas herramientas con ese fin.

Bryn Mooser, director ejecutivo del estudio Asteria, describió el escenario como “difícil de adoptar social, ética y legalmente”, aunque reconoció que la tendencia de uso es la más alta que se haya visto hasta ahora.

Los Angeles Times destaca que la expansión de la inteligencia artificial dentro de la industria cinematográfica expone una paradoja: mientras los estudios avanzan en la integración de herramientas avanzadas y destinan recursos crecientes para fortalecer sus equipos técnicos, la vigilancia sindical y las regulaciones legales continúan marcando límites claros.

Actores, guionistas y técnicos mantienen abiertas las discusiones sobre el alcance de la automatización y las condiciones bajo las cuales se acepta la presencia de algoritmos en los procesos creativos.

Entre desarrollos tecnológicos, contratos blindados y debates sobre el futuro del trabajo en el sector, Hollywood se mantiene en un delicado equilibrio.

El sector explora nuevas fronteras de la producción audiovisual, aunque bajo la mirada atenta de quienes defienden la preservación del talento humano. La evolución de la IA en el corazón del cine estadounidense avanza, empujada por la competencia y la innovación, pero vigilada por quienes buscan garantizar que la creatividad siga siendo, ante todo, un rasgo humano.

El reto de Motorcity: acción sin palabras

“Motorcity” representa una excepción dentro del género. Ritchson relató que, al recibir el guion, se sorprendió por su estructura: “Abrí el guion y solo había escenas de acción. No había diálogos en la película. Pensé, ‘¿qué es esto?’”.

El texto, con apenas 87 páginas y sin diálogos, requería de un enfoque interpretativo distinto. “Lo leí probablemente más rápido que cualquier otro, y eso para mí es señal de que es un buen guion”, explicó durante la entrevista.

La producción enfrentó obstáculos desde sus primeras etapas. El propio Ritchson describió las dificultades para conseguir financiación, el escepticismo de estudios ante la idea de un film sin líneas habladas, y los constantes ajustes presupuestarios.

“Tuvimos que armar la financiación independiente. Eso es complicado porque de repente alguien no deposita el dinero y hay que rehacer todo el plan”, detalló. El actor defendió personalmente la inclusión de escenas clave, como la del combate en el ascensor: “Peleé por esa escena. Estaba dispuesto a pagarla de mi bolsillo porque sabía que el público la iba a valorar”.

La propuesta de esta película busca, según Ritchson, mostrar que el diálogo no es la única herramienta para contar historias y abrir la puerta a nuevas formas de narrativa audiovisual. El film, dirigido por Potsy Ponciroli, incorpora la música como elemento central y apuesta por el impacto visual, en un homenaje a los thrillers de los años 70.

Selección de proyectos y control creativo

El ascenso del actor de 43 años en la industria está marcado por una filosofía clara: priorizar proyectos originales frente a secuelas o repeticiones de fórmulas exitosas.

“Sueñas con llegar a un punto donde puedes elegir lo que haces. Cuando llega esa oportunidad, hay que aprovecharla”, aseguró el actor, quien destacó la importancia de “crear propiedad intelectual original y aventuras nuevas para el público”.

Tras el éxito de “Reacher”, accedió a un nivel de influencia donde recibe guiones antes de su publicación. “Somos uno de los pocos equipos que recibe IP (propiedad intelectual) antes que nadie. Eso es porque la industria empieza a confiar en mi gusto y en la capacidad de ejecutar proyectos grandes”, comentó el actor.

Posicionamiento social y mirada política

Las convicciones de Ritchson trascienden lo artístico. Durante la conversación en Happy, Sad, Confused, el actor abordó temas sociales y políticos, cuestionando la pasividad de otras figuras públicas.

“La gente siente miedo de hablar. Yo digo lo que hay que decir si uno se preocupa por la humanidad”, afirmó. Ritchson también criticó la corrupción y la falta de justicia: “Veo injusticias por todos lados y me frustra. Vivo con mucho descontento frente a cómo están las cosas”.

Su interés por la política y la justicia social surgió de experiencias personales y de su lucha con el trastorno de déficit de atención e hiperactividad (TDAH). Mencionó que trabaja con un coach para gestionar la sensibilidad frente al rechazo y la injusticia, aspectos que influyen en su carácter y en su deseo de buscar un mundo más equitativo.

“Si algún día entro en política, lo haría con la intención de hacer el mundo más justo y limpiar la ley para que sea más difícil que los corruptos abusen del sistema”, expresó en el podcast.

Trayectoria, aprendizajes y rumores sobre Batman

La carrera de Ritchson comenzó en el universo de las series juveniles, con su aparición en “Smallville” como Aquaman. El actor recordó que aquella experiencia fue un “golpe de realidad” sobre la volatilidad de la industria: “Me ofrecieron un spin-off, pero el proyecto se cayó por decisiones ejecutivas. Aprendí a no dar nada por sentado”.

El camino estuvo marcado por rechazos, como el fallido casting para interpretar a Thor, y por la consolidación de su imagen en producciones como “Titans” y la citada “Reacher”.

Además, circulan especulaciones sobre una posible incorporación al universo de Batman bajo la dirección de James Gunn. Ritchson evitó confirmaciones pero subrayó su exigencia al elegir proyectos: “Cualquier cosa que haga con DC debe cumplir con mis estándares”.

El actor también compartió anécdotas sobre su vínculo con Arnold Schwarzenegger, quien le sugirió incursionar en la política, y sobre su compromiso con cada personaje, incluyendo la realización de sus propias escenas de riesgo, pese a lesiones: “Me rompí la espalda dos veces el año pasado. Pero siento que le debo al público dar siempre lo mejor”.

El reconocimiento y la estima que recibe Reeves en el medio se deben a su talento interpretativo y a su actitud discreta y empática. La publicación subraya que, pese a los golpes personales sufridos, Reeves ha mantenido su imagen pública. Su resiliencia y la confianza y el afecto que genera en quienes lo rodean contribuyen a la percepción positiva que acompaña al actor en cada etapa de su trayectoria.

Las pérdidas personales entre 1999 y 2001

En el año 1999, el estreno de The Matrix catapultó a Keanu Reeves a la cima del éxito profesional. Según recoge The guardian, en ese mismo periodo el actor vivió sus momentos más dolorosos a nivel personal. Mientras esperaba el nacimiento de su hija junto a Jennifer Syme, la asistente personal de David Lynch, una tragedia cambió su vida: la bebé nació prematuramente en diciembre y no logró sobrevivir.

La pérdida afectó a la pareja, que decidió separarse semanas después, aunque mantuvieron una relación de apoyo mutuo para sobrellevar el duelo. En 2001, cuando ambos intentaban retomar su vínculo, Reeves sufrió otra pérdida: Jennifer Syme falleció en un accidente de tránsito tras conducir bajo los efectos de sustancias, arrastrada por la depresión que le había dejado la muerte de su hija. El actor acompañó el féretro y la sepultó junto al cuerpo de su bebé, enfrentando en apenas 2 años una sucesión de pérdidas que marcaron su vida.

El proceso de duelo ha acompañado a Keanu Reeves durante más de 20 años. Según el diario británico, el actor comparte una visión sobre el dolor y la pérdida: “El duelo se trata del amor que sientes por esa persona que estás llorando, y cada vez que puedes hacerle compañía a ese fuego interno, te sientes más cálido. Me identifico absolutamente con las personas que viven el duelo; no creo que sea algo que se supere del todo.”

Para Reeves, el duelo, lejos de ser una etapa que se supera, permanece como una presencia constante, modulándose con el tiempo pero sin desvanecerse. El actor profundiza: “El duelo y la pérdida son cosas que nunca desaparecen, se quedan contigo. No es algo que surja en mayor medida cuando envejeces. Siempre estará contigo, pero irá yendo y viniendo como un vaivén, como la marea.”

Para quienes atraviesan situaciones similares, Reeves expresa empatía y reconoce la complejidad de convivir con la ausencia, resaltando que el amor por quienes se han perdido nunca desaparece.

Cómo influyó el duelo en John Wick

El dolor personal de Keanu Reeves se ha convertido en parte fundamental de su trabajo actoral, especialmente en la saga John Wick. Según el medio, el actor explica: “Con cualquier personaje tienes el papel, tienes la visión del director y tienes tu propia experiencia de vida”.

En el caso de John Wick, Reeves subraya que su experiencia de duelo fue determinante para construir el personaje: “Aporté mi propia experiencia de duelo a John Wick, porque me parecía uno de sus pilares. Me encanta su dolor”.

Para el actor, el sufrimiento que atraviesa su personaje no es ajeno, sino una extensión de su propia vivencia. Esta conexión entre la ficción y la realidad atraviesa su interpretación, permitiéndole dar vida a un personaje que encuentra en el dolor un motor para su historia.

Geena Davis reflexionó sobre su carrera en una entrevista para el podcast Armchair Expert, conducido por Dax Shepard, en la que vinculó sus papeles más conocidos con cambios personales, desde aprender a no disculparse por opinar hasta descubrir una capacidad atlética que la acercó al proceso olímpico. La actriz repasó cómo varios trabajos la empujaron a afirmarse y a probar habilidades que no sabía que tenía.

Davis contó que su carrera la ayudó a ganar confianza porque cada etapa le exigió algo distinto: sostener su voz en Hollywood, corregir su trabajo frente a cámara y entrenarse en disciplinas físicas.

Ese camino culminó en su dedicación al tiro con arco, disciplina en la que llegó a ser semifinalista para las pruebas olímpicas y participó en la cita de prueba previa de Sídney, sin competir en unos Juegos Olímpicos.

Davis situó el origen de esa transformación en una infancia marcada por la timidez, la ansiedad y la idea de no ser una carga para nadie. “La manera perfecta de ser era no tener absolutamente ninguna necesidad, pero yo voy a darte todo”, recordó sobre una lógica familiar que, según dijo, la llevaba a ayudar a los demás y a pedir muy poco para sí misma.

La actriz añadió que incluso rechazaba comida o agua por no causar molestias. “Tenías que ayudar, ayudar, ayudar a todo el mundo, pero no tomar nada”, dijo.

El aprendizaje de dejar de pedir perdón

Al llegar a Thelma y Louise, Davis dijo que todavía buscaba “la forma más femenina posible” de plantear cualquier comentario sobre el guion. Ese hábito cambió al ver a Susan Sarandon hablar con naturalidad con Ridley Scott desde la primera página.

“Nunca había estado en presencia de una mujer que no se disculpa por existir, jamás”, afirmó Davis. “Y defiende lo suyo, y todo el mundo la adoraba”, agregó.

La actriz contó que ese ejemplo alteró su manera de verse. Dijo que antes sentía que debía disculparse por existir y, más aún, por tener ideas propias sobre su trabajo.

Los papeles que le revelaron habilidades ocultas

Davis describió su carrera como una sucesión de descubrimientos inesperados, desde el modelaje hasta sus primeras películas. En ese recorrido mencionó Tootsie, Un tropiezo llamado amor, Un equipo muy especial y El largo beso del adiós como etapas de aprendizaje.

Sobre Tootsie, recordó que Dustin Hoffman la tomó bajo su protección y la llevó a ver material diario de rodaje para que aprendiera a corregirse. “Quería enseñarme a usar los diarios como una herramienta”, contó sobre una experiencia que le permitió medir qué intenciones llegaban realmente a la pantalla.

Más adelante, al hablar de Un equipo muy especial, Davis dijo que los entrenadores detectaron algo que ella no sabía de sí misma. “Enseguida empezaron a decir: ‘Sabes, tienes mucha capacidad atlética desaprovechada’”, recordó.

Ese hallazgo también apareció en otros trabajos físicos. La actriz repasó que aprendió béisbol, esgrima, equitación, patinaje y manejo de armas, y que solo entonces entendió que tenía coordinación y disciplina para mucho más de lo que había imaginado.

Cómo pasó de Hollywood al tiro con arco de alto nivel

Después de encadenar aprendizajes físicos para el cine, Davis decidió probar un deporte fuera del set. “Pensé: me gustaría practicar un deporte en la vida real y no la versión cinematográfica”, dijo al explicar por qué se acercó al tiro con arco tras ver la cobertura olímpica de Atlanta y empezar a entrenarse en 1997.

La actriz contó que buscó a un entrenador y que se “obsesionó por completo” con esa disciplina. Precisó que practicaba todos los días entre 4 y 5 horas en un campo de tiro.

Ese proceso dio resultados. Davis aseguró que ganó la California Cup y que más tarde “me clasifiqué como semifinalista para las pruebas olímpicas”.

Al detallar esa etapa, explicó que en un torneo nacional participaron 300 personas y que ella quedó entre las 32 semifinalistas. Luego la invitaron a la cita de prueba de Sídney, donde pudo usar el uniforme y vivir el protocolo previo, aunque no compitió en los Juegos Olímpicos.

La versión actual de Geena Davis

En la parte final de la entrevista, Davis conectó aquella toma de conciencia con su trabajo posterior sobre representación femenina en contenidos infantiles. “Patrociné el mayor estudio de investigación jamás realizado sobre televisión y películas para niños”, dijo al explicar cómo buscó respaldar con datos un desequilibrio que, según contaba, muchos en la industria negaban.

Según su relato, ese trabajo produjo cambios. Davis sostuvo que en los estudios iniciales había tres niños por cada niña y una proporción de 11 a uno en los papeles protagonistas, mientras que las mediciones más recientes muestran paridad en televisión y cine infantiles.

La actriz también habló de su aparición reciente junto a Sabrina Carpenter en Coachella, donde subió al escenario después de que Sarandon participara el fin de semana anterior. Dijo que no esperaba la repercusión de ese momento y celebró que hoy existan más mujeres jóvenes en posiciones de autoridad visibles.

La relación entre celebridades y automovilismo va más allá de la pantalla. Según HowStuffWorks, varias figuras del cine y la televisión no se limitaron a interpretar pilotos o aficionados a los autos, sino que compitieron de verdad en circuitos y pruebas de resistencia.

Lejos del papel de estrella curiosa, varios de estos nombres buscaron un lugar en categorías reales, a veces con buenos resultados y en otros casos con accidentes que marcaron su paso por las pistas. El recuento de HowStuffWorks reúne 12 casos en los que la fama convivió con una dedicación seria al deporte motor.

12. Rowan Atkinson

Rowan Atkinson, actor y comediante conocido por su personaje Mr. Bean, también desarrolló una actividad sostenida como piloto y aficionado a las carreras. Fuera de rodajes como Johnny English y series como Blackadder, dedicó parte de su tiempo a competir en circuitos de distintos países y a escribir para revistas especializadas.

Fue propietario de un McLaren F1 de carreras que terminó accidentado. En los años 80 condujo un Renault 5 de motor central en la serie Manufacturer’s Turbo Cup y también llevó su propio Aston Martin de carreras al evento de Silverstone en 2010.

11. Walter Cronkite

Walter Cronkite, figura emblemática de la televisión estadounidense, también mantuvo una relación estrecha con las pistas. HowStuffWorks señala que buena parte de sus victorias llegaron antes de que alcanzara fama nacional como presentador del CBS Evening News en las décadas de los 60 y 70.

En 1959 terminó tercero con un Volvo PV444 en una prueba de resistencia disputada en Lime Park, Connecticut. Más tarde, ese mismo año, compartió un Lancia Appia con carrocería Zagato en las 12 Horas de Sebring, donde su equipo concluyó en el puesto 40.

10. Tom Cruise

Tom Cruise, actor y protagonista de Days of Thunder, convirtió su interés por el automovilismo en uno de sus proyectos cinematográficos más conocidos. La afición, de acuerdo con el recuento, nació a partir de la influencia de su amigo y coprotagonista en The Colour of Money, Paul Newman.

Pese a ese entusiasmo, su reputación como conductor en pista no fue favorable. Otros pilotos lo apodaron “See Cruise Crash”, mientras sus instructores atribuían sus problemas a un estilo demasiado agresivo al volante.

9. Paul Walker

Paul Walker, actor de la saga The Fast and the Furious, no solo construyó una carrera ligada a películas sobre autos. También fue piloto y copropietario de un equipo de carreras con reconocimiento en ese ámbito. Asimismo, falleció el 30 de noviembre de 2013 en un accidente automovilístico en Santa Clarita, California.

Compitió en la serie Redline Time Attack al volante de un BMW M3 modificado. Además, fue copropietario del taller y equipo Always Evolving, que siguió en actividad después de su muerte. La escudería dedica cada una de sus carreras a su memoria. Ese vínculo directo con la competencia real reforzó una faceta que, en su caso, no se limitó a la ficción.

8. Frankie Muniz

Frankie Muniz, recordado por su papel principal en Malcolm in the Middle, orientó parte de su trayectoria hacia el deporte motor. El artículo describe cómo, al dejar atrás la adolescencia, desarrolló afinidad por la potencia y la mecánica.

Su estatura, de 1,65 metros, le facilitó acomodarse en la cabina de varios autos de carrera. Participó en distintas series, incluidas categorías de monoplazas, y logró un puesto dentro de los diez primeros del Campeonato de Fórmula Atlantic de 2009.

7. Jason Priestley

Jason Priestley, actor asociado a Beverly Hills 90210, llevó su interés por el automovilismo a la competencia real. Aunque se definía como aficionado, llegó a correr de forma competitiva.

Ese recorrido casi termina de forma trágica en 2003, cuando chocó contra un muro a la salida de una curva en un auto de Indy a cerca de 290 km/h. El accidente lo apartó de la actividad como piloto.

6. James Garner

James Garner, actor y veterano del Ejército, fue entusiasta del automovilismo y dueño de un equipo profesional que compitió durante tres temporadas en algunas de las principales pruebas de resistencia del mundo. Su preferencia personal, de todos modos, apuntaba al automovilismo todoterreno.

Es una figura que contribuyó al crecimiento de la popularidad de la Baja 500. Esa carrera volvió a ganar visibilidad años después con el documental Dust to Glory de 2005.

5. Steve McQueen

Steve McQueen proyectó una imagen muy ligada al volante y su presencia en una lista como esta parece natural. Su perfil público y su interés por los motores caminaron en paralelo durante el punto más alto de su carrera.

Muchos aficionados lo asocian de inmediato con Frank Bullitt y con el Ford Mustang de 1968. Tras aquella película, las ventas del modelo se dispararon.

4. Gene Hackman

Gene Hackman, actor ganador de dos premios Oscar y fallecido el 18 de febrero de 2025 a los 95 años, también tuvo un recorrido dentro de las carreras. Según la tradición de Hollywood, su interés por esta actividad nació después de filmar The French Connection, donde realizó buena parte de sus propias maniobras de conducción.

El punto más alto de ese trayecto llegó en 1983. Ese año compitió para el equipo de Dan Gurney en las 24 Horas de Daytona.

3. Patrick Dempsey

Patrick Dempsey, conocido por su carrera en televisión, figura aquí como uno de los nombres más sólidos en pista. Según HowStuffWorks, compitió en algunas de las carreras de resistencia más prestigiosas del calendario internacional.

Entre ellas participó de las 24 Horas de Le Mans. También fue parte en el Petit Le Mans de Road Atlanta y en 2011 terminó tercero en la clasificación general de las 24 Horas de Daytona patrocinadas por Rolex.

2. Paul Newman

Paul Newman, fallecido en 2008, mantuvo una trayectoria extensa y destacada como piloto. En 2000 todavía competía en el Petit Le Mans y, en 2006, se convirtió a los 81 años en el participante de mayor edad en tomar la salida de la Rolex 24. Su nombre quedó unido también a Newman/Haas Racing.

Entre sus resultados más citados aparece el segundo puesto absoluto en las 24 Horas de Le Mans de 1979. También logró la victoria en su categoría en las 24 Horas de Daytona de 1995.

Su último papel en el cine fue la voz de Doc Hudson en Cars.

1. James Dean

James Dean cierra el recuento como una figura decisiva en este cruce entre fama y automovilismo. Su pasión por las carreras empezó antes del rodaje de Rebel Without a Cause y, según HowStuffWorks, esperaba volver a las pistas una vez terminara la filmación.

El estudio Warner Brothers le prohibió por contrato continuar con esa afición hasta que acabara de rodar Giant. Dean quería consolidarse como piloto respetado cuando concluyera ese trabajo.

Aficionado a Porsche, compró un 550 Spyder con la intención de competir. No llegó a hacerlo en una pista oficial, porque murió mientras conducía ese auto nuevo rumbo a Salinas, California, para participar en un evento de carreras.

El diagnóstico de una enfermedad neurodegenerativa suele marcar un antes y un después en la vida de cualquier persona. En el caso de Michael J. Fox, esa frontera no significó un límite, sino un punto de partida para una lucha pública y personal que ya suma 35 años.

El actor, conocido internacionalmente por su trabajo como Marty McFly en “Volver al futuro”, enfrenta el Parkinson desde 1991. Contra las previsiones iniciales tras su diagnóstico, continuó vinculado a la actuación y desarrolló una amplia labor pública a través de la investigación y la concientización sobre el Parkinson mediante la fundación que lleva su nombre.

Según informó The Hollywood Reporter, los médicos le advirtieron que podría continuar actuando solo 10 años tras su diagnóstico. Fox desafió ese pronóstico y prepara su regreso a la cuarta temporada de la serie “Shrinking”, de Apple TV, 25 años después del plazo estimado por los especialistas.

“La actuación prolongó mi vida y la ha hecho interesante de una manera que no creía posible”, afirmó el actor de 65 años en diálogo con el medio estadounidense.

Una fundación con impacto global

En el año 2000, Fox decidió canalizar su experiencia hacia la ciencia. Junto a Deborah W. Brooks, fundó la Michael J. Fox Foundation (MJFF), con el objetivo de descubrir nuevos tratamientos y, en última instancia, una cura para el Parkinson.

La organización destinó más de USD 3.000 millones a investigación y financiamiento de ensayos clínicos. Actualmente, existen 180 programas de desarrollo de fármacos en fase experimental que cuentan con el respaldo de la fundación, de acuerdo con The Hollywood Reporter.

Brooks, quien previamente desarrolló su carrera en el sector financiero, asumió el liderazgo ejecutivo de la MJFF y aportó una visión profesionalizada al trabajo filantrópico.

“Cuando empezamos, casi ningún tratamiento había llegado a la fase de ensayos clínicos en humanos. Hoy en día, hay alrededor de 180 programas de desarrollo de fármacos para el Parkinson en fase de ensayos clínicos”, detalló Brooks.

Para el final del 2026, la organización prevé alcanzar los USD 700 millones en nuevos compromisos, lo que representa casi el triple de lo invertido por el gobierno estadounidense en el año anterior.

Visibilidad y activismo: el rostro de una comunidad

Durante siete años, el actor mantuvo en reserva su diagnóstico. Cuando decidió hacerlo público, asumió el desafío de convertirse en referente para una comunidad de pacientes históricamente invisibilizada.

“Necesitaba normalizarlo y ser así siempre. Dije: ‘No tengo que ocultar esto. Al diablo con la vanidad’”, recordó Fox, quien reconoció el valor de exponer su experiencia personal en los medios y ante el Senado de Estados Unidos.

La decisión de no ocultar los efectos de la enfermedad, incluso durante sus comparecencias públicas, generó un fuerte impacto social. El actor relató que solía ingresar en salas de chat bajo anonimato para conocer la percepción de la comunidad sobre su caso.

Trayectoria profesional y nuevos desafíos

A pesar de las dificultades propias del Parkinson, Fox nunca abandonó por completo la actuación. Tras su éxito en “Family Ties” y “Spin City”, el actor sumó papeles en “Boston Legal”, “Rescue Me” y “The Good Wife”, entre otras producciones.

Su interpretación en “Shrinking” marcó un nuevo hito: “Esta fue la primera vez que interpreté a alguien que interactuaba con otra persona que padecía Parkinson”, expresó Fox a The Hollywood Reporter.

En la serie comparte escenas con Harrison Ford, quien interpreta al Dr. Paul Rhoades. Fox destacó el compromiso del actor de 84 años al abordar un personaje con esa condición: “No sabía qué esperar de Harrison porque es conocido por ser un tipo estoico y gruñón, pero en realidad es un encanto. Fue muy afectuoso y me recibió con los brazos abiertos”.

El regreso de Fox a la pantalla se produjo después de una pausa de seis años, motivada por las dificultades en el habla que le provocaba la enfermedad. El actor se comunicó con el creador de “Shrinking”, Bill Lawrence, para sumarse a la producción.

“No me he retirado, pero si no volviera a actuar, sería por una muy buena razón. Dejo que el Parkinson tome las decisiones por mí”, aseguró Fox, quien actualmente está nominado al Emmy por su papel en la serie.

Innovación y esperanza científica

El trabajo de la fundación del actor impulsó avances en la detección y el tratamiento del Parkinson. El desarrollo de biomarcadores que permiten diagnosticar la enfermedad antes de la aparición de los síntomas y la investigación con células madre constituyen dos de los ejes de innovación más sobresalientes.

También logró transformar la relación entre la comunidad médica y los pacientes, al fomentar el protagonismo de quienes conviven con la enfermedad. Brooks explicó que hace dos décadas muchos síntomas no se asociaban correctamente al Parkinson y que la falta de información dificultaba el diagnóstico y el tratamiento.

“Los conocimientos científicos que provienen directamente de la experiencia y los datos de los pacientes son los verdaderos aceleradores, y ahora el panorama parece más prometedor que nunca”, puntualizó la ejecutiva.

La secuela de Días de trueno avanza con paso firme en Paramount. El estudio ha iniciado negociaciones para que Jonathan Levine dirija la nueva entrega, en la que Tom Cruise volverá a encarnar al piloto Cole Trickle. El proyecto, que cuenta con la producción de Jerry Bruckheimer, uno de los responsables de la película original, está concebido como la próxima gran producción de Cruise.

El regreso de Días de trueno a la primera línea de la agenda de Paramount representa una apuesta clara por uno de los títulos más recordados del catálogo de películas deportivas de Hollywood. La secuela se beneficia del impulso que la figura de Cruise y la participación de Bruckheimer, ambos involucrados en la cinta de 1990, otorgan al proyecto. Según se ha informado, Paramount ha confiado en Levine tras observar los resultados positivos de Mr. Irrelevant, un drama deportivo dirigido por él que ha generado expectativas altas durante sus pruebas de audiencia de la pasada primavera.

El acuerdo entre Paramount y Levine aún se encuentra en fase de negociación, pero la decisión de convocarlo supone un voto de confianza del estudio en el director. Mr. Irrelevant, protagonizada por David Corenswet y con estreno previsto para el 25 de diciembre, ha sido objeto de elogios en los primeros visionados internos. El desempeño de Levine en este proyecto ha reforzado su perfil para liderar la secuela de Días de trueno, dado su manejo de la tensión narrativa y su capacidad para trasladar la emoción del deporte a la pantalla.

Jonathan Levine, el elegido para la nueva carrera

La selección de Jonathan Levine por parte de Paramount responde a una carrera marcada por la versatilidad y la adaptación a diversos géneros. Levine ha dirigido desde películas de terror como All the Boys Love Mandy Lane hasta comedias con Seth Rogen como The Night Before y Long Shot, pasando por dramas reconocidos en Sundance como The Wackness y propuestas híbridas como 50/50 y Warm Bodies. Su experiencia más reciente se vincula con la televisión de alto perfil, al dirigir episodios de Nine Perfect Strangers, la serie protagonizada por Nicole Kidman y creada por David E. Kelley. El trabajo de Levine en Mr. Irrelevant fue determinante para que Paramount lo considerara para dirigir la secuela. El tono del filme, su ritmo y la recepción favorable en las primeras pruebas han sido factores clave para que el estudio apostara por él como la figura capaz de dar nueva vida a la franquicia.

Tom Cruise no solo será el protagonista, sino también productor de la nueva entrega. Su regreso a Días de trueno supone el reencuentro con uno de los papeles que consolidaron su imagen como estrella del cine de acción a principios de la década de 1990. Cruise, junto a Jerry Bruckheimer, encabezará la producción, asegurando continuidad en el tono y la ejecución respecto al filme original.

Así será la secuela

El guion de la secuela está a cargo de Will Staples, conocido por su trabajo en videojuegos como Call of Duty 3: Modern Warfare y la coescritura de la película Without Remorse de Michael B. Jordan. Hasta el momento, los detalles específicos de la trama permanecen en reserva. No se han difundido elementos argumentales ni pistas sobre el enfoque de la historia, salvo la confirmación del regreso de Cruise al universo de las carreras automovilísticas.

Estrenada en 1990, Días de trueno fue dirigida por Tony Scott, quien ya había trabajado con Cruise en Top Gun. La película narra la historia de Cole Trickle, un joven piloto de NASCAR que se enfrenta a desafíos tanto en la pista como en su vida personal, incluyendo accidentes, rivalidades y una historia de amor. El reparto original incluyó a Robert Duvall, Nicole Kidman, Cary Elwes y Randy Quaid, todos figuras reconocidas en la industria cinematográfica.

En su momento, Días de trueno no alcanzó el éxito de taquilla de Top Gun, pero se consolidó como uno de los títulos más populares de Cruise y se mantuvo en la memoria del público por sus escenas de velocidad y su retrato del mundo del automovilismo estadounidense. La confirmación del avance de la secuela de Días de trueno y la elección de Levine como director marcan una nueva etapa para la franquicia. La combinación de talento experimentado tanto delante como detrás de cámara, junto con la reserva sobre los detalles narrativos, alimenta la expectación por el regreso de una de las historias deportivas más icónicas del cine reciente.

El Cinerama Dome volverá a la actividad en 2028 y restaurará su sala de 956 asientos en Hollywood, una iniciativa con la que se busca devolver a la cartelera uno de los cines más emblemáticos de Los Ángeles y convertir un edificio cerrado desde la pandemia en una apuesta por la recuperación de la exhibición en pantalla grande.

Alamo Drafthouse Cinema, propiedad de Sony Pictures Entertainment, gestionará el recinto. Las obras comenzarán el mes próximo y se extenderán hasta comienzos de 2028. La empresa aseguró además un contrato de alquiler a largo plazo para la propiedad, aunque no reveló ni el plazo exacto ni el precio, informó The New York Times.

La restauración conservará el nombre Cinerama y su exterior de 1963

El plan prevé preservar el exterior geodésico del Cinerama Dome, así como su gran logotipo. Su programación incluirá ciclos de cineastas, estrenos y eventos especiales. De acuerdo con Associated Press, no funcionará como una sala con servicio de comida en butaca, a diferencia de otros complejos de Alamo Drafthouse.

La sala abrió en 1963 por encargo de William R. Forman, fundador de Pacific Theatres, como una propuesta de exhibición de última generación basada en tres proyectores y una pantalla curva diseñada a medida.

El complejo posee una pantalla panorámica de 86 pies de ancho (26 metros), preparada para proyección en 70 mm. Cuando cerró en abril de 2021 por la pandemia de COVID-19, era uno de solo tres cines del mundo con capacidad para el sistema de tres proyectores.

Para Sony, la reapertura tiene un peso que excede lo inmobiliario. Ravi Ahuja, director ejecutivo de la compañía, citado por Variety, afirmó que “no existe en el mundo ningún otro destino cinematográfico que despierte el cariño, la historia y la importancia cultural del Cinerama Dome. Representa el tipo de experiencia única que valoramos y promovemos”.

Por su parte, Tom Rothman, presidente y director ejecutivo del grupo cinematográfico de Sony, declaró: “¡Increíble! ¡Vamos a traer de vuelta el Dome! Creemos en el cine hasta la médula y ningún lugar en el mundo lo representa mejor”.

Luego añadió: “El Dome ha sido testigo de generaciones de momentos cinematográficos inolvidables. Nuestro objetivo es preservar su historia legendaria y, al mismo tiempo, garantizar que siga siendo vibrante ahora y en el futuro”.

Michael Kustermann, director ejecutivo de Alamo Drafthouse y responsable de Sony Pictures Experiences, señaló: “Como nuestra nueva sala insignia en la Costa Oeste, ofreceremos una programación y eventos extraordinarios, a la vez que traeremos de vuelta a Los Ángeles uno de sus destinos cinematográficos más queridos y culturalmente significativos”.

El complejo vecino de 14 salas también volverá a operar bajo Alamo Drafthouse

La reapertura no abarcará solo la cúpula principal. Sony también pondrá nuevamente en funcionamiento el complejo contiguo de 14 salas, operado antiguamente por ArcLight Cinemas y cerrado en 2021, detalló The New York Times.

Ese multicine reabrirá como un Alamo Drafthouse Cinema y ofrecerá el servicio de comida en sala característico de la cadena.

Según Variety, conservará además capacidad para exhibiciones en 35 mm, albergará varias pantallas prémium e incluirá auditorios con 70 mm.

El cierre convirtió al Dome en un símbolo del retroceso de Hollywood

El medio The New York Times describió la marquesina vacía, las maderas que cubrían el frente y la basura en la entrada como una imagen persistente del declive de la industria por el avance de las plataformas, los recortes de los estudios, la modificación de los hábitos del público, las huelgas laborales y la migración de producciones de cine y televisión hacia estados y países con mayores incentivos fiscales.

Antes del acuerdo con Sony, la familia Forman, propietaria del inmueble, había sostenido durante años que reabriría el Dome por su cuenta y postergó sucesivas fechas el objetivo. Intentos de Regal Cinemas y AMC Entertainment por recuperar la operación del cine tampoco prosperaron.

Michael O’Leary, presidente y director ejecutivo del grupo sectorial Cinema United, celebró el anuncio en un comunicado citado por Associated Press: “El Cinerama Dome ha sido un lugar emblemático y muy apreciado por los cinéfilos y toda la comunidad cinematográfica durante más de seis décadas”.

A su vez, destacó: “El momento no podría ser mejor, ya que este año los espectadores han dejado claro que les encanta la experiencia única de ver una película en la gran pantalla”.

Lo que menciona O’Leary se observa en las cifras de las taquillas de Estados Unidos. Las ventas de entradas en el mercado doméstico apuntan a unos USD 5.400 millones este año, un 10% más que el anterior y el nivel más alto desde 2019, informó The New York Times.

Humor, vulnerabilidad y oficio atravesaron la visita de Timothy Olyphant, actor nominado al Emmy, al podcast SmartLess, donde dejó anécdotas sobre su vida personal, sus costumbres y su mirada sobre el trabajo de actor.

Olyphant contó que lo arrestaron en Mónaco por ebriedad y alteración del orden, dijo que no tiene computadora, habló de sus 35 años de casados y de la etapa de nido vacío, explicó que llegó tarde a la actuación por intuición y describió a los actores como un grupo inclinado a la queja por el desarraigo y las exigencias de los rodajes.

La entrada fue en clave de comedia y autoparodia. Olyphant enlazó una charla sobre arrestos con una anécdota propia: “Me pasó una vez. En el más puro estilo cobarde. Me arrestaron en Mónaco por ebriedad y alteración del orden, con un bonito atuendo de leopardo recién salido de los casinos, cargado de champán barato y con los bolsillos llenos de fichas”.

Sobre la primera temporada de Alien Earth en Bangkok, Olyphant dijo en SmartLess: “No hay nada mejor que escuchar a los actores quejarse”.

Las costumbres personales de Timothy Olyphant

El retrato apareció cuando explicó cómo había llegado al programa. “No tengo”, respondió cuando le preguntaron si tenía computadora, antes de precisar que en su casa todavía conservan una vieja de escritorio que intentó conectar para grabar.

Luego remató con otra costumbre que sorprendió a los conductores de SmartLess. “No escucho, pero leo las transcripciones”, bromeó, y añadió que la química del programa “se percibe en la versión impresa”.

A partir de ahí, Olyphant defendió una relación más limitada con la tecnología. Dijo que tiene teléfono, pero habló de la gente que no lo usa y de la incertidumbre de quedar en un sitio sin mensajes de último momento, como ocurría antes.

También evocó la época de los mapas en papel y de las indicaciones anotadas a mano. Para él, esa falta de contacto permanente tiene algo liberador y vuelve casi vergonzoso el hábito actual de avisar cada movimiento antes de llegar a una cena.

La vida familiar y el nido vacío

Cuando la charla pasó de los viajes al hogar, Olyphant dejó una de las frases más personales. “35 años de matrimonio este verano. Siete realmente buenos”, soltó primero con ironía, antes de contar que él y su esposa atraviesan la etapa de nido vacío.

Después dejó una frase más áspera sobre la salida de sus hijos de casa. “Si lo hiciera otra vez, no me habría encariñado tanto”, dijo entre risas.

Ese cambio también alteró su ritmo laboral. Explicó que durante buena parte de la crianza tuvo la suerte de trabajar y vivir en Los Ángeles, con series como Justified, Deadwood y Santa Clarita Diet filmadas allí.

Ahora, según el podcast, el escenario cambió. “Los chicos se fueron y he estado trabajando más que nunca en mi vida”, dijo, y resumió el nuevo cálculo con una lógica doméstica: si ya no hay torneo de tenis ese fin de semana, entonces acepta el trabajo.

Cómo llegó a la actuación

Cuando le preguntaron de dónde había salido la actuación, Olyphant no habló de una vocación temprana ni de una tradición familiar. “Simplemente llegó tarde. Fue una intuición”, dijo en SmartLess.

Contó que de niño fantaseaba con la comedia y con el espectáculo. Recordó que su madre le advertía que esa vida estaba asociada a drogas, divorcios y desorden, y que años después él le respondió con humor que ella también estaba divorciada.

Ya en Los Ángeles estudió bellas artes en la Universidad del Sur de California (USC) porque dibujaba desde chico y le sorprendió descubrir que eso podía ser una carrera. Hizo cuatro años, pero terminó el título mucho después, cuando volvió en la pandemia o durante una huelga y retomó incluso con la profesora Ruth Weisberg.

Ese regreso le sirvió para cerrar una etapa. También explicó cómo decidió probar otras vidas antes de seguir adelante: “Siempre quise hacer stand-up. Siempre pensé que sería divertido ser actor. Pensé: ‘Sería genial estar en una banda’”.

Dijo que quería sacarse esas inquietudes de encima antes de avanzar. También habló del miedo a los arrepentimientos y de su intención de aplazar una crisis de mitad de vida.

El oficio de actor

En esa parte de la charla, Olyphant resumió la vida actoral con una mezcla de ironía y experiencia. “Tenemos un pequeño grupo de actores quejumbrosos”, dijo, después de compararlos con nombres colectivos como una bandada.

La queja, en su relato, aparece ligada al desarraigo de pasar meses fuera de casa, a la logística familiar y a la rapidez con la que un actor puede pasar de desear Londres a preguntarse por qué no filma en Los Ángeles.

También habló del compromiso que exigen tanto la comedia como el drama. Para él, la línea común está en entregarse por completo a la escena y evitar esa conciencia excesiva que rompe la ilusión.

Ese mismo principio lo llevó a recordar el stand-up como una forma de exposición. Dijo que nadie te prepara de verdad para el silencio que recibe al comediante cuando pisa el escenario, un vacío que puede resultar brutal antes de pronunciar la primera palabra.

En el plano profesional, Olyphant contrastó métodos de dirección distintos. Recordó que Larry Kasdan podía dar notas directas, que Steven Soderbergh pasó tres meses sin darle una sola indicación de actuación y que con David Fincher vivió jornadas de una escena repetida durante día y medio, entre ajustes técnicos y variaciones mínimas.

Ese último método, explicó, tiene un efecto psicológico propio. “Es difícil apagar la voz que siente que lo estás haciendo mal. Y ese es el beso de la muerte, ¿no?”, dijo en SmartLess al describir lo que provocan las muchas tomas.

En otro de los recuerdos que eligió rescatar, Olyphant habló de Margo Martindale y del instante en que ella ganó el Emmy. Dijo que el apretón de manos que le dio al escuchar su nombre fue tan fuerte que casi lo lastima, y que ahí entendió por primera vez lo que esos premios significaban para quien los recibe.

Jennifer Garner sabe que la fama tiene un costo. Durante años aceptó que su trabajo como actriz implicaba exposición, fotografías inesperadas y una menor privacidad. Sin embargo, el límite que se niega a ceder es la seguridad de sus hijos, quienes en varias ocasiones quedaron en medio de persecuciones de paparazzi que buscaban capturar una imagen de la familia para comercializarla.

Durante una aparición en el podcast Shut Up Evan, conducido por Evan Ross Katz, Garner explicó que, antes de la aprobación de leyes para proteger a los hijos de figuras públicas, la situación era “totalmente ridícula” y que el problema había dejado de ser únicamente una invasión a la privacidad.

“Se sentía como: ‘Pobrecita de mí, mis pobres hijos que tienen todo en el mundo’, pero era un peligro para todos los que estaban alrededor”, afirmó la actriz.

Garner, quien comparte tres hijos con Ben Affleck —Violet, Fin y Samuel—, recordó varios episodios en los que la persecución de los fotógrafos alteró situaciones cotidianas de su familia y puso en riesgo a otras personas.

“Si cruzaba con luz amarilla, 15 autos pasaban el semáforo en rojo detrás de mí. Subían a los jardines de la gente, incluso las laderas”, explicó. Los fotógrafos también afectaron los entrenamientos deportivos de sus hijos. “Estábamos intentando que nuestro pequeño jugara fútbol y la asociación nos pidió que dejáramos de ir porque venían 20 autos”, relató.

“Si llegas al pediatra con un niño enfermo en brazos, estás asustada y no puedes entrar por la puerta porque estás bloqueada por fotógrafos, hay algo mal con eso”, señaló. “Y los niños están pagando el precio. Los niños eran golpeados a la salida del preescolar por fotógrafos que estaban tan desesperados por llegar a mí o a Ben, intentando llegar a nuestros hijos”, afirmó.

“Reconozco que somos privilegiados, afortunados y agradecidos por todo lo que eso nos ha permitido, pero al mismo tiempo simplemente se volvió absurdo”, explicó la protagonista de Alias.

La actriz además cuestionó que los fotógrafos la buscaran especialmente a ella. “Vivía en una calle con muchas personas mucho más famosas y exitosas que yo, pero me seguían porque tenía a los niños. No seguían a Ben. No seguían a Matt Damon”, contó.

Aunque Garner describió años de persecución constante, también admitió que se ha creado una dinámica inesperada con algunos paparazzi que ya tienen casi 20 años “asignados” a vigilarla. “Tengo una relación interesante con el paparazzi principal. He hecho de todo para pedirle que se vaya, pero es como si al mismo tiempo tuvieramos un respeto extraño el uno por el otro”, señaló.

Garner dijo que en una ocasión se sintió amenazada por otra persona que la seguía y terminó pidiendo ayuda al fotógrafo. “Corrí hacia él porque lo conocía, confiaba en él y sabía que él y yo estaríamos bien”, recordó. “Es como un síndrome de Estocolmo. Al mismo tiempo, lo he denunciado a la policía un millón de veces”, añadió.

Las declaraciones de Garner recuperan una batalla que inició hace más de una década. En 2013, la actriz compareció junto a Halle Berry ante un comité de la Asamblea Estatal de California para apoyar una legislación destinada a proteger a los hijos de celebridades frente al acoso de los paparazzi.

En aquel momento, Garner explicó que sus hijos eran ciudadanos privados y que no debían asumir las consecuencias de la fama de sus padres.

“Elegí una vida pública y entiendo que esto significa sacrificios en términos de privacidad por nuestro trabajo. En mi caso, esto significa que a veces me fotografían. Sin embargo, mis tres hijos son ciudadanos privados y, más que eso, simplemente son niños”, declaró entonces, según The Guardian.

Durante ese testimonio, la actriz también reveló que un acosador que había amenazado con asesinar a su bebé fue encontrado entre un grupo de paparazzi cerca de la escuela de sus hijos.

“Hay acosadores violentos y con problemas mentales que ahora pueden acercarse a mis hijos simplemente siguiendo grupos de fotógrafos y mezclándose entre ellos”, afirmó.

La conversación tomó fuerza nuevamente tras el lanzamiento del primer tráiler oficial del próximo filme de Los Vengadores, ya que confirmó que Marvel Studios mantiene la fecha de estreno pese a compartir cartelera con la nueva entrega de la saga creada por Denis Villeneuve.

Al ver que ninguna de las distribuidoras a cargo de las películas ha modificado su fecha de lanzamiento, comienza a circular la pregunta: ¿podría repetirse el fenómeno que ocurrió con “Barbenheimer” en 2023?

El nombre hace referencia al estreno simultáneo de Barbie y Oppenheimer el 21 de julio de 2023. La coincidencia, que inicialmente parecía una competencia entre dos películas completamente distintas, terminó impulsando los números en la taquilla de ambos filmes.

No obstante, el caso de Dunesday tiene una variable importante. Como recuerdan algunos medios especializados, la película de Greta Gerwig y la de Christopher Nolan estaban dirigidas a públicos muy distintos. En cambio, Avengers: Doomsday y Dune: Part Three compiten por una audiencia mucho más parecida.

Dos apuestas importantes para Marvel y Dune

El lanzamiento de Avengers: Doomsday es clave considerando que busca recuperar el impacto que tuvo durante la llamada Saga del Infinito. La película reunirá nuevamente a los hermanos Russo como directores y presentará a Robert Downey Jr. en un nuevo papel dentro del Universo Cinematográfico de Marvel: el villano Doctor Doom.

El regreso del actor, quien interpretó a Tony Stark/Iron Man hasta Avengers: Endgame (2019), fue uno de los anuncios más publicitados por Marvel. El primer tráiler mostró también a personajes como Thor, interpretado por Chris Hemsworth; Steve Rogers/Captain America, nuevamente con Chris Evans; además de integrantes de los X-Men, Los Cuatro Fantásticos y otros héroes vinculados al multiverso.

La película enfrenta a los personajes de distintos universos contra una amenaza que podría cambiar el futuro del MCU, según la descripción oficial del estudio.

En el otro lado está Dune: Part Three, la conclusión de la trilogía de Denis Villeneuve inspirada en las novelas de Frank Herbert. La película adaptará elementos de Dune Messiah y retomará la historia de Paul Atreides, interpretado por Timothée Chalamet, 17 años después de los acontecimientos de la segunda entrega.

En esta nueva etapa, Paul ya no es el joven heredero que llegó a Arrakis, sino un emperador que enfrenta las consecuencias de sus decisiones y del poder que acumuló. La cinta contará nuevamente con Zendaya como Chani, Javier Bardem como Stilgar y Florence Pugh como la princesa Irulan, además de incorporar a Robert Pattinson como Scytale.

Precisamente, en las reacciones a Dunesday, hubo bromas sobre como Pugh será “la gran ganadora” del duelo, ya que participa en ambos largometrajes.

La batalla por las pantallas IMAX

La competencia entre ambas producciones también tiene un componente relacionado con las salas de exhibición. Dune: Part Three aseguró las pantallas IMAX durante tres semanas, una ventaja importante para una película que fue diseñada con ese formato en mente. Denis Villeneuve mantiene una estrecha relación con esta tecnología y utilizó cámaras IMAX para parte del rodaje de la cinta.

La decisión dejó a Avengers: Doomsday sin acceso a esas salas durante su estreno, por lo que Disney decidió impulsar Infinity Vision, una certificación para salas premium de gran formato. El sistema no es una nueva tecnología como IMAX, sino una etiqueta que identifica auditorios con determinados estándares de pantalla, proyección láser y sonido.

La disputa tiene importancia económica. Las salas premium representan una parte menor del total de espacios disponibles, pero suelen generar una proporción significativa de los ingresos de las grandes películas durante sus primeros días en cartelera.

¿Quién llega con ventaja?

Aunque el resultado final es imposible de anticipar, Avengers: Doomsday parte como favorita en términos comerciales por el alcance de la marca Marvel y el historial de la franquicia. Las películas de los Vengadores han sido algunos de los mayores éxitos del cine reciente: Avengers: Endgame llegó a recaudar cerca de 2.800 millones de dólares a nivel mundial.

Además, una medición citada por ComicBookMovie.com señaló que el interés generado por una noticia sobre la venta de entradas de Avengers: Doomsday el 17 de julio fue casi tres veces mayor en búsquedas de Google que el interés provocado por el tráiler de Dune: Part Three. Sin embargo, este dato refleja únicamente una parte de la expectativa del público.

Jumanji 4 quedó en medio del enfrentamiento

La coincidencia también tuvo consecuencias para otros estrenos. Jumanji: Open World, protagonizada por Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart y Karen Gillan, modificó su fecha de lanzamiento: pasó del 11 de diciembre de 2026 al 25 de diciembre, una semana después del estreno de Avengers: Doomsday y Dune: Part Three.

La decisión generó sorpresa porque la película originalmente tenía la posibilidad de llegar antes y aprovechar una semana con menos competencia. Ahora deberá disputar la atención del público durante una temporada navideña dominada por dos de las grandes apuestas del año.

La promoción de 2026 manifestó su sentir acerca de la inteligencia artificial (IA) antes de recibir sus diplomas. Graduados de la University of Central Florida y la University of Arizona abuchearon a los oradores por mencionar la IA, como respuesta a ser exhortados por quienes desarrollan la tecnología y alteran el mercado laboral al que están por ingresar, a confiar en el proceso.

La Generación Z lidera la adopción global de herramientas generativas de IA. Sin embargo, confía menos en la IA que cualquier otro grupo etario en los Estados Unidos: 14 puntos menos que los Millennials.

Ingresan a un mercado laboral donde solo el 43% de los jóvenes de 18 a 29 años considera que es buen momento para encontrar empleo, frente al 75% en 2022, detalló Gallup. Son expertos en estas herramientas, escépticos respecto a quién las controla y conscientes de lo que está en juego cuando se utilizan ampliamente. Dos industrias en particular —Hollywood y la economía de los creadores— exponen estas fracturas.

Los creadores que eludieron el sistema

Esta primavera, tres cineastas redefinieron la percepción de Hollywood sobre el origen del poder cultural. Curry Barker, de 26 años, dirigió Obsession con un presupuesto de USD 750.000, financiado tras años de comedia en YouTube y una película de terror de metraje encontrado realizada con USD 800 y lanzada gratis.

Obsession superó los USD 300 millones a nivel mundial, convirtiéndose en el mayor éxito de taquilla en la historia de Focus Features.

Markiplier financió y distribuyó de forma independiente Iron Lung en más de 3.000 salas, con prácticamente nula inversión en marketing tradicional, recaudando más de USD 40 millones en su primer mes sobre un presupuesto de unos 4 millones.

Kane Parsons, de 20 años, adaptó una leyenda urbana de internet en Backrooms para A24, convirtiéndose en el director más joven en estrenar una película en el primer puesto de la taquilla en América del Norte, con una recaudación superior a los USD 270 millones en todo el mundo.

Los tres surgieron en internet y evitaron la vía tradicional de los estudios. Los tres construyeron audiencias leales antes de desarrollar sus carreras, a través de trabajos iterativos, de bajo presupuesto y orientados a la comunidad.

Al preguntarle qué debería aprender Hollywood de Obsession, Barker respondió: “Me permitieron hacer lo mío. Deja que un cineasta tome las riendas y tenga libertad creativa, sin intentar intervenir”.

La lección que la industria tradicional sigue intentando extraer de estos filmes —encontrar el siguiente, replicar la fórmula, escalar el modelo— es incorrecta. Lo que funcionó en cada caso fue la especificidad de la voz, la profundidad de la confianza de la comunidad y el riesgo creativo asumido sin redes institucionales, cualidades que las cadenas automatizadas eliminan.

La plataforma que quiere poseerlo todo

TikTok presentó recientemente AI Cast, una función que permite a los creadores generar un avatar digital propio para protagonizar videos, sin necesidad de grabar ni editar. Se escanea el rostro, se entrena la voz con unos pocos comandos, se escribe (o acepta el de una marca) el guion creativo y el contenido se genera solo.

AI Cast es la parte dirigida a creadores de la infraestructura más amplia de ByteDance: Symphony automatiza videos para marcas, Dreamina —el modelo Seedance 2.0 en el núcleo— genera contenido a partir de textos, y Creator AI Search vincula campañas con perfiles de creadores según datos históricos de desempeño.

Si un creador acepta, su rostro y voz se convierten en material de referencia para campañas de marca, un recurso licenciado que ByteDance puede negociar en acuerdos comerciales.

La plataforma se posiciona como intermediaria: empareja campañas y creadores, automatiza contenido y controla la infraestructura que los conecta. El argumento de productividad es real.

Y también la pregunta que muchos Gen Z formulan entre sí (en TikTok, por supuesto): si el resultado creativo ya no requiere la presencia, el juicio ni la destreza del creador, ¿qué es exactamente lo que se valora y qué es lo que pierde valor?

A futuro, este es el mismo equilibrio delicado que los especialistas en marketing deben buscar entre eficiencia, velocidad y el juicio humano al que responde la Generación Z. Al igual que los creadores, los especialistas reciben la promesa de eficiencia de las nuevas herramientas: automatizar al creador y omitir la relación.

Pero los datos muestran cada vez más que la audiencia responde precisamente a los elementos que no pueden replicarse: la fricción, el riesgo, la sensación de que una persona real tomó una decisión.

Las marcas tienen una oportunidad poco común de liderar aquí: desarrollar un criterio sobre cuándo y cómo usar estas herramientas, sin perder la credibilidad creativa y la confianza del consumidor que hacen funcionar el contenido de los creadores.

Curry Barker no llegó a Blumhouse por ser una cara en una cadena de producción. Llegó por tener un punto de vista propio.

La voz más joven es la más fuerte

Kane Parsons aprendió efectos visuales por su cuenta en Blender usando lo que describió como “una laptop bastante mala” y transformó herramientas gratuitas y una leyenda de internet en uno de los debuts más significativos del año. Es precisamente el tipo de creador que los defensores de la IA generativa mencionan cuando hablan de democratizar la creatividad.

“Si pudiera chasquear los dedos y hacer que la IA generativa desapareciera para siempre, probablemente lo haría”, aseguró en Variety. Además agregó: “Creativamente, no disfruto usar esas herramientas. Para mí, arruinan el propósito. Ya vivimos en un mundo donde al salir hay carteles y señales que son claramente basura de IA. Eso ya es parte de nuestra realidad visual”.

Por otra parte, Parsons remarcó: “Para mí, la IA generativa se siente menos como una innovación y más como un síntoma de una podredumbre cultural y económica más amplia. Me interesa usar esa iconografía en el arte, no emplear la IA para hacer el arte en sí, sino examinar lo que representa”.

Mientras tanto, gran parte del establishment parece avanzar en sentido contrario. A24 anunció una inversión masiva de Google DeepMind (lo que provocó una reacción negativa de los fans y obligó a A24 a emitir un comunicado).

Martin Scorsese se sumó como asesor a la empresa de IA Black Forest Labs, argumentando: “El cine es un medio joven, solo tiene unos 125 años, así que debemos estar abiertos a cómo puede evolucionar”.

Netflix compró la compañía de IA cinematográfica de Ben Affleck, InterPositive, por unos USD 600 millones, con Affleck presentando sus herramientas como solución para “todas las cuestiones logísticas y difíciles que suelen entorpecer” el proceso creativo. Las instituciones, los veteranos y el capital están alineados. Una encuesta de Gallup de abril mostró que el entusiasmo de la Generación Z por la IA cayó un 14% en un año, hasta el 22%.

La generación criada en herramientas digitales es la que más se resiste, comprendiendo desde dentro lo que se pierde cuando una cadena de producción reemplaza a una persona.

Aquellos abucheos en las graduaciones provinieron de jóvenes que vieron cómo la IA redefine el trabajo inicial como ineficiente, presenciaron la avalancha de contenido generativo y construyeron sus identidades creativas con fricción y destreza. Ahora, los arquitectos del sistema les dicen que adaptarse es la única respuesta racional.

Si se adaptan, resisten o logran combinar ambos enfoques es una pregunta que aún no tiene respuesta. Pero escuchar a algunos de los nuevos creadores más talentosos de una generación criada en redes sociales liderar la taquilla y ver a los graduados desafiar abiertamente a los veteranos convierte esa pregunta en algo que vale la pena plantear y responder.

(c) 2026, Fortune

“Burning Love” fue el último gran éxito comercial de Presley porque unió alto impacto en las listas con una vuelta al sonido que lo había hecho famoso. El tema, compuesto por Dennis Linde, llegó al número 2 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos y al siete en el Reino Unido, de acuerdo con USA TODAY.

La canción destacó por su riff de guitarra y su sección de metales, rasgos con los que Presley retomó una faceta más cercana al rock and roll. Ese impulso quedó asociado a una etapa final de grandes resultados comerciales para el cantante.

Cómo se grabó la canción que devolvió a Elvis al rock

El productor Felton Jarvis insistió en grabar el tema cuando Presley atravesaba una crisis personal por su separación de Priscilla Beaulieu. Según USA TODAY, esa decisión se tomó antes del inicio de una gira por Estados Unidos.

Presley registró la canción en el estudio C de Hollywood, California. Allí, Linde tocó la introducción rítmica de guitarra.

La grabación apenas requirió retoques. RCA lanzó el sencillo el 1 de agosto de 1972 con “It’s a Matter of Time" en el lado B.

Del estudio al escenario y al éxito internacional

Antes de su lanzamiento oficial, Presley ya interpretaba “Burning Love” en vivo durante su gira de 1972. En algunos conciertos leyó la letra porque se trataba de una canción muy reciente, según el medio.

Esa presencia temprana en escena aceleró su incorporación al repertorio habitual del artista. Después, el sencillo afianzó su alcance internacional con su avance en las listas de Estados Unidos y del Reino Unido.

En 1973, Presley volvió a cantarla en Aloha from Hawaii. USA TODAY indicó que ese espectáculo fue el primer concierto transmitido vía satélite a nivel mundial.

El impacto de “Burning Love” también se reflejó en la forma en que revitalizó los shows en vivo de Elvis Presley. A partir de su incorporación al repertorio, el público comenzó a percibir una renovada energía en el escenario, lo que generó una respuesta entusiasta durante sus presentaciones.

La intensidad de la interpretación ayudó a consolidar la imagen de Presley como showman, incluso en una etapa avanzada de su carrera.

Además, la canción permitió que nuevas generaciones de oyentes descubrieran su legado, ya que el sencillo fue ampliamente difundido en radios y programas televisivos de la época. En los años posteriores, “Burning Love” se transformó en un referente habitual en homenajes y tributos, tanto en festivales como en concursos de talentos.

La vigencia del tema también se mantuvo gracias a su presencia en plataformas digitales, donde continúa sumando reproducciones y manteniendo la relevancia del catálogo de Presley ante nuevas audiencias.

El legado de “Burning Love” en la música y la cultura popular

Con el paso del tiempo, otros artistas retomaron la canción. Entre ellos aparecen Bruce Springsteen, Dolly Parton, Travis Tritt y Wynonna Judd.

El tema también llegó al cine con apariciones en Hombres de negro, Lilo y Stitch y Los fantasmas de mis ex. Según el medio, además recibió remezclas y adaptaciones en distintos géneros.

En 1992, durante una gran entrega de discos de oro y platino de la Recording Industry Association of America (RIAA), “Burning Love" obtuvo la certificación de platino. Para USA TODAY, ese reconocimiento reforzó su lugar entre las canciones más memorables de Presley.

La lista sobre actores que rechazaron trabajar con Christopher Nolan reúne seis casos en Hollywood vinculados a películas como Batman Inicia, El caballero de la noche, Insomnia, El origen y Amnesia, con motivos conocidos en algunos casos y sin explicación pública en otros.

Según GQ, los papeles que dejaron pasar fueron Bruce Wayne/Batman, Harvey Dent, Alfred Pennyworth, Will Dormer, Dom Cobb y Leonard Shelby, con sustitutos finales como Christian Bale, Aaron Eckhart, Michael Cane, Al Pacino, Leonardo DiCaprio y Guy Pearce.

Nolan es un director de prestigio asociado a tramas complejas y a una forma de trabajo artesanal, como el caso de su película más reciente, La odisea, la cual despertó gran atención.

1. Josh Hartnett

El primer caso es el de Josh Hartnett, a quien los creadores de la trilogía de El caballero de la noche consideraban antes que Christian Bale para interpretar a Bruce Wayne/Batman en Batman Inicia. El actor rechazó la oferta porque temía que ese personaje afectara de forma negativa a su carrera.

En 2020, Hartnett explicó esa decisión en declaraciones a The Metro recogidas por GQ: “No quería encasillarme en las películas de superhéroes. En aquel entonces, muchos actores tenían que trabajar muy duro para recuperar su carrera después de interpretar a esos personajes”.

Años más tarde, Hartnett sí colaboró con Nolan en Oppenheimer. Allí interpretó a Ernest Lawrence, un físico nuclear estadounidense con un papel decisivo en la creación de la primera bomba atómica del mundo.

2. Matt Damon

El siguiente nombre es Matt Damon, también vinculado a Nolan por Oppenheimer y por su presencia en La odisea. Antes de esa colaboración, el director le ofreció el papel de Harvey Dent en El caballero de la noche.

Según GQ, a partir de Screenrant, Damon no aceptó porque ya estaba comprometido con Invictus, de Clint Eastwood. Ryan Phillippe y Hugh Jackman también sonaron para el personaje, que al final quedó en manos de Aaron Eckhart.

3. Anthony Hopkins

El caso de Anthony Hopkins también remite a Batman Inicia. De acuerdo con GQ, al actor se le ofreció el papel de Alfred Pennyworth, el mayordomo de Batman, antes que a Michael Cane.

Por el momento no hay una razón para esa negativa; Hopkins solo dejó pasar la oportunidad de trabajar con Nolan por motivos desconocidos.

4. Harrison Ford

Con Harrison Ford, la historia se relaciona con Insomnia. En un primer momento, iba a interpretar al detective Will Dormer.

Su salida se produjo cuando el director Jonathan Demme abandonó el proyecto. Después, los productores recurrieron a Nolan, que terminó la película con Al Pacino como protagonista.

5. Will Smith

Otro de los rechazos que destaca GQ afecta a Will Smith y a El origen, una de las obras más reconocidas de Nolan. Aunque Leonardo DiCaprio acabó al frente del reparto como Dom Cobb, no fue la primera opción para ese personaje.

Según GQ, que cita a Looper.com, Nolan acudió primero a Smith. El actor rechazó la propuesta, pero no se saben las razones.

La película terminó con DiCaprio en el papel de un ladrón que usa tecnología avanzada para robar secretos empresariales. Más tarde obtuvo cuatro Premios Oscar: mejor fotografía, mejor edición de sonido, mejor mezcla de sonido y mejores efectos visuales.

6. Brad Pitt

El último caso del repaso se remonta a una etapa temprana de la trayectoria del director. Al comienzo de su carrera, Nolan tuvo la posibilidad de contar con Brad Pitt para su thriller psicológico Amnesia.

Tras las conversaciones iniciales, Pitt decidió no asumir el papel de Leonard Shelby. Esa decisión abrió la puerta a Guy Pearce, que buscaba consolidar su posición en la industria.

La propuesta de Amnesia y la visión de Nolan conectaron con el público. Con el tiempo, la película se convirtió en una obra de culto dentro de su filmografía.

Ocho estrellas de Hollywood dijeron que no lamentaron haber perdido o rechazado papeles que después marcaron franquicias, carreras y parte del cine comercial, según una recopilación de Hello Magazine.

La revista reunió declaraciones en las que los intérpretes explicaron que no se arrepintieron por razones como el rechazo al perfil del personaje, el temor a la fama o la convicción de que otro actor encajaba mejor.

Perder un papel importante suele presentarse como una decepción, sobre todo cuando ese personaje termina por definir una película o impulsar a quien finalmente lo interpreta. En estos ocho casos, sin embargo, la premisa que recoge Hello Magazine apunta en sentido contrario.

1. Sam Neill y su rechazo a James Bond

Sam Neill estuvo entre los nombres considerados para relevar a Roger Moore como 007. Según contó en el programa Lorraine en 2023, nunca quiso ese trabajo.

Neill dijo que su agente lo “presionó” para presentarse a la audición. También explicó que no quería convertirse en “el James Bond que a nadie le gusta” y que prefería ver a Pierce Brosnan en ese papel.

2. Naomie Harris y su distancia del molde de chica Bond

Naomie Harris tampoco lamentó haber quedado fuera de un papel de chica Bond antes de interpretar a Miss Moneypenny en tres películas de Daniel Craig. En declaraciones a The Independent recogidas por Hello Magazine, explicó que nunca se vio dentro de ese molde tradicional.

Harris dijo que no tenía el tipo de atractivo que suele asociarse a ese personaje y que nunca ha basado su carrera en la sexualidad. Añadió que no entendía cómo podría encajar en un papel que, de forma tradicional, giraba alrededor del encanto y la carga sexual.

3. Anne Hathaway y la Barbie que veía hecha para otra actriz

Anne Hathaway estuvo entre las consideradas para interpretar a Barbie. Aun así, sostuvo que la versión que llegó al cine funcionó porque Margot Robbie y Greta Gerwig acertaron de lleno.

En el podcast Happy Sad Confused, Hathaway dijo que esa combinación dio en el blanco y generó una reacción mundial. Por eso, señaló que no conseguir el papel le parecía, en realidad, algo afortunado.

4. Claire Danes y el miedo al salto de fama de “Titanic”

Claire Danes fue considerada para interpretar a Rose en Titanic junto a Leonardo DiCaprio, con quien ya había protagonizado Romeo & Juliet. La actriz dijo después que no estaba preparada para la magnitud de fama que habría traído el éxito de 1997.

En el podcast Armchair Expert, Danes recordó que DiCaprio pasó a “otra estratosfera” tras el estreno. También explicó que buscaba experiencias creativas distintas y que no se sentía con recursos para afrontar lo que ese fenómeno podía desencadenar.

5. Matthew Modine y su crítica a “Top Gun”

Matthew Modine recibió primero la oferta para interpretar a Maverick en Top Gun, el papel que acabó en manos de Tom Cruise. Su negativa, según dijo a Salon, no le generó arrepentimiento alguno.

Modine respondió que no quiso ese papel “ni por un segundo”. Según la revista, su objeción era de fondo: veía la película como una glorificación de lo militar durante la Guerra Fría y la calificó de patriótica en exceso.

6. Cillian Murphy y un Batman que veía para Christian Bale

Cillian Murphy también estuvo vinculado a una prueba para Batman. Años después, dijo a GQ que el resultado final fue el correcto.

Murphy sostuvo que Christian Bale ofreció una interpretación extraordinaria y que siempre pensó que él era la elección natural. También afirmó que nunca se consideró el físico adecuado para encarnar a Batman.

7. Michael Keaton y el papel de “Día de la marmota” que dejó pasar

Michael Keaton tuvo la opción de interpretar a Phil Connors en Día de la marmota antes de que el papel fuera para Bill Murray. El propio Keaton explicó a Entertainment Weekly que no terminó de entender el guion.

Pese a eso, no expresó pesar por haberlo dejado pasar. Su conclusión fue que nadie podía hacerlo mejor que Murray, a quien atribuyó el resultado final de una comedia que quedó entre las más recordadas de los 90.

8. Jennifer Lawrence y el fenómeno “Crepúsculo” que no vio venir

Jennifer Lawrence tampoco se arrepintió de no haber sido Bella Swan en Crepúsculo. Cuando habló con The Guardian en 2012, tenía presente la exposición pública que enfrentó Kristen Stewart tras el estreno de la saga.

Lawrence tenía 17 años durante el rodaje de la primera película y dijo que entonces no imaginó la dimensión que alcanzaría esa franquicia.

La historia comenzó a circular en Instagram, donde Grossman sorprendió a sus seguidores publicando fotos y videos que la muestran vibrando con la camiseta de la Selección y luciendo detalles bien argentinos. Pronto, las preguntas y el asombro de sus fans la llevaron a explicar el origen de su vínculo con la cultura local: “Para quienes recién se enteran, yo viví en Córdoba durante el secundario. Pueden ver la foto de mi curso en el viaje de estudio a Bariloche, y mi cara larga cuando me tocó volver, pateando y llorando a yanquilandia. Durante ese año de intercambio, me re-enamoré de la Argentina, en particular de Córdoba y, obvio, de La Mona Jiménez. Asistí a un baile suyo con amigos extranjeros, y ahí en el escenario, la Mona preguntó al público de dónde venían esa noche".

Y continuó: “Como sabíamos que si gritábamos todos a la vez no se entendería, respondimos juntos: ‘¡Los Estados Unidos!’ Él nos oyó y nos invitó a subir al escenario, pero como éramos varios, la seguridad solo me dejó a mí. Me abrazó y, con el micrófono, me preguntó qué hacía ahí. Fue en ese momento cuando confesé mi amor por la Argentina y el Mandamás”.

La actriz no se guardó detalles y agregó: “Ya han pasado más de 30 años, pero sigo yendo cada vez que puedo. Hasta mi propio papá vive por allá, en Punta del Este, y en 2002 produje un espectáculo unipersonal que presenté en el Cineclub Municipal, se llamaba Girl in Argentine Landscape (‘Chica en Paisaje Argentino’), en el que interpreté a ese personaje hincha de Belgrano (¡pero no me reten por también ir a la cancha de Talleres!)”. Así, entre anécdotas, risas y recuerdos, Grossman dejó en claro que su vínculo con Córdoba y el cuarteto es tan genuino como duradero.

Las imágenes y videos que acompañaron su relato hablan por sí solas. En una selfie sonriente, Grossman lució una campera azul con la firma de la Mona en blanco. Más tarde, mostró orgullosa unas sandalias personalizadas con la leyenda “Mona”, y no faltaron las postales de su fanatismo futbolero: con la camiseta argentina, abrazando una réplica de la Copa del Mundo, en medio de una multitud de hinchas celestes y blancos, gritando y celebrando con pasión. Cada gesto y cada detalle confirmaron su admiración por la cultura nacional y la música cordobesa.

El propio Mandamás no tardó en responder a semejante muestra de cariño. Desde sus redes, La Mona le agradeció con un mensaje especial: “Gracias por visitar mi museo y llevarte recuerdos, Naomi Grossman, ojalá la próxima nos crucemos”. La actriz, lejos de quedarse atrás, respondió con más guiños argentinos y un cierre a pura emoción: “Mientras tanto, ¡aguante Argentina, carajo!”. Sus cuentas personales reflejan esta pasión: fotos “moneando” al cuarteto, asados, disfraces celestes y blancos, y hasta souvenirs del MuseoBar cordobés dedicado a la Mona.

Entre las postales más significativas, se destaca la que la muestra junto a la pared negra del local, con la frase de Jiménez: “Estoy pintando ese paisaje que yo veo, por la mirilla de mi puerta imaginaria, gente que corre, salta, baila, canta y ríe, estoy mirando con mi ojo el universo...”.

La historia de Naomi Grossman y su devoción por el cuarteto es una prueba de cómo la música y la cultura argentina pueden cruzar fronteras y conquistar corazones en cualquier parte del mundo. Entre recuerdos de juventud, camisetas, bailes y asados, la actriz de American Horror Story demuestra que el amor por la Mona Jiménez y por la Argentina sigue tan vivo como el primer día. Y mientras el Mundial 2026 se vive a pleno, el Mandamás ya sabe que tiene una hincha de Hollywood lista para cantar, bailar y gritar como cualquier cordobesa de ley.

La vida personal de la fallecida actriz Elsa Aguirre también estuvo marcada por una historia que la conectó indirectamente con una de las mayores leyendas de Hollywood: Marilyn Monroe. El vínculo surgió a través de José Bolaños, cineasta mexicano que sostuvo un breve romance con la actriz estadounidense antes de casarse con la estrella del Cine de Oro mexicano.

El romance de José Bolaños y Marilyn Monroe

Bolaños ganó notoriedad internacional en 1962 tras acompañar a Marilyn Monroe durante su visita a la Ciudad de México. Diversas biografías y registros periodísticos lo identifican como el llamado “enamorado mexicano” de la actriz y señalan que recibió una de sus últimas llamadas telefónicas antes de su muerte, ocurrida el 5 de agosto de ese año.

Tres años después, alrededor de 1965, José Bolaños contrajo matrimonio con Elsa Aguirre. Ambos se conocían desde tiempo atrás, pues el director mantenía una relación cercana con la familia de la actriz. Según contó la propia Elsa, aceptó casarse impulsada por el deseo de dar estabilidad a su vida familiar más que por un profundo enamoramiento.

“Querer dar un paso para no estar en la situación en que me encontraba (siendo madre soltera). Fue un hombre que sí me quiso”, expresó en entrevista con Gustavo Adolfo Infante.

¿Por qué se divorció Elsa Aguirre?

El matrimonio duró poco y terminó a raíz de un episodio que cambió por completo la percepción que la actriz tenía de su esposo.

Durante un viaje de trabajo por Europa a finales de los años 60, Elsa Aguirre sufrió un problema de salud relacionado con la matriz que le provocó fuertes hemorragias. Aunque requería una cirugía de emergencia, decidió regresar a México para atenderse con médicos de su confianza y permanecer cerca de su familia.

José Bolaños intentó convencerla de permanecer en Europa, pero, ante la negativa de la actriz, optó por continuar con sus compromisos profesionales y permitió que regresara sola a México.

Esa decisión marcó el final de la relación. Tras recuperarse de la operación, Elsa Aguirre inició los trámites de divorcio al considerar que su esposo no le brindó el apoyo que esperaba en un momento crítico.

Bolaños falleció el 11 de junio de 1994 en la Ciudad de México, sin revelar públicamente el contenido de las conversaciones que sostuvo con Marilyn Monroe durante los meses previos a la muerte de la actriz.

Su postura hacia Marilyn Monroe

La relación previa entre José Bolaños y Marilyn Monroe despertó durante años el interés de la prensa. Sin embargo, Elsa Aguirre siempre evitó alimentar cualquier polémica.

La actriz sostuvo que el pasado sentimental de su entonces esposo nunca representó un conflicto para ella y dejó claro que el divorcio no tuvo ninguna relación con la estrella de Hollywood.

Su postura siempre fue la misma: entendía que ambos pertenecían al mundo del espectáculo y que las relaciones anteriores formaban parte de la vida de cualquier persona. Para Elsa Aguirre, la separación obedeció únicamente a la falta de apoyo y empatía que recibió de José Bolaños cuando enfrentó uno de los momentos más delicados de su salud.

Ana Serradilla reveló durante la conferencia de prensa de la obra El método Grönholm que estuvo entre las finalistas para convertirse en chica Bond, pero renunció a buscar una carrera en Hollywood porque el proceso de selección le provocó un nivel de presión que afectó su salud mental y física.

La actriz dijo que ese casting fue el que más sufrió de todos los que hizo en Estados Unidos. La experiencia la llevó a decidir que no tenía interés en seguir persiguiendo papeles en producciones estadounidenses.

“Casteé bastante años para ‘la chica Bond’, estaba entre las finalistas”, contó Serradilla. La actriz no precisó para qué película de la saga de James Bond audición.

El casting para la saga del 007 la hizo abandonar sus intentos en Estados Unidos

Ana Serradilla explicó que el desgaste no se limitó a la competencia por el papel, sino a la dinámica misma de las pruebas. “Sufrí muchísimo y decidí, justamente, después de hacer ese casting que no tenía el menor interés de trabajar en Estados Unidos, porque me estresaba mucho, fue el casting que más sufrí porque era eterno, fueron muchísimas pruebas y en otro idioma”, dijo al diario.

También detalló cómo suelen ser esos procesos de selección fuera de México. “Para mí es muy duro castear en Estados Unidos porque te mandan ocho escenas, que son todas las que vas a tener en la película y es mucho estrés”, afirmó.

Ese fue el motivo por el que no hizo carrera en Hollywood: la exigencia de los castings, sumada al trabajo en una lengua distinta a la suya, la llevó a poner por delante su bienestar emocional. La propia actriz planteó que, después de esa experiencia, dejó de buscar ese tipo de proyectos.

Ana Serradilla renunció a su carrera en Hollywood: “La pasé muy mal”

La intérprete añadió que su reserva no pasa solo por la presión del proceso, sino por lo que considera una limitación en pantalla. Aunque reconoció que domina otros idiomas y que tiene facilidad con los acentos, sostuvo que actuar fuera de su lengua materna le impide alcanzar la misma naturalidad.

“Casi me da una parálisis facial, yo dije ‘qué horror’, la pasé muy mal; soy muy buena con los acentos, pero trabajar en un idioma que no es el mío, siento que no puedo aportar la misma naturalidad, no le puedo dar la misma organicidad a mis personajes, actuar en un idioma que no es tu idioma, es durísimo”, explicó.

Las chicas Bond más emblemáticas de la historia del cine

Desde que Ursula Andress emergió del mar en bikini en 1962, las chicas Bond se convirtieron en un elemento tan definitorio de la saga como el propio agente 007. Algunas rompieron moldes; otras los reforzaron. Todas dejaron marca.

Ursula Andress como Honey Ryder en Dr. No estableció el arquetipo: belleza, presencia y una escena de presentación que el cine no ha olvidado. Honor Blackman interpretó a Pussy Galore en Goldfinger con una frialdad y autoridad inusuales para 1964. Diana Rigg fue Tracy Di Vicenzo en Al servicio secreto de Su Majestad.

Barbara Bach encarnó a la agente soviética Anya Amasova en La espía que me amó, una rival intelectual antes que un interés romántico. Carole Bouquet en Solo para sus ojos aportó sobriedad y determinación. Famke Janssen como Xenia Onatopp en GoldenEye construyó una villana de dimensiones propias.

Halle Berry repitió el homenaje a Andress en Die Another Day con una escena que recorrió el mundo. Eva Green como Vesper Lynd en Casino Royale reconfiguró el papel por completo: fue la mujer que quebró emocionalmente a Daniel Craig como Bond. Léa Seydoux continuó esa línea en Spectre y Sin tiempo para morir con una presencia que trascendió la función decorativa.

Esto se debe a que, al crecer, Blunt no quería ser actriz en absoluto. Tenía la mirada puesta en un trabajo mucho menos glamoroso: la traducción.

“Antes de querer ser actriz, quería trabajar para la ONU y ser traductora de español”, dijo recientemente a BBC Radio 2.

“Siempre me encantaron los idiomas”, compartió Blunt. Y añadió: “Mi madre es una lingüista increíble, así que creo que crecí sintiéndome bastante inspirada por ella”.

Además de inventar un idioma alienígena completo formado por extraños chasquidos y zumbidos para su papel más reciente en el thriller de ciencia ficción “El día de la revelación” de Steven Spielberg, también tuvo que aprender ruso y coreano. Y antes de eso, Blunt aprendió a hablar sobre lechos de ríos y pesca en mandarín para la comedia romántica “Amor imposible” (Salmon Fishing in the Yemen) de 2011.

Y aunque ya se vio algo de su facilidad con los idiomas en la gran pantalla, Spielberg, que también estaba en la entrevista, dijo en voz alta lo que todos pensaban: “Me alegro de que no hayas tomado ese trabajo”. Y hasta Blunt estuvo de acuerdo: “Yo también”.

Como resumió la BBC en el pie de la entrevista: “Nos alegra estar en el universo donde Emily se convirtió en actriz y no en traductora de español para la ONU”.

En vez de un patrimonio de 80 millones, Blunt podría haber estado ganando USD 80.000 como traductora

Si hubiera sido traductora, Blunt habría tenido un salario mucho menor de más de USD 80.000; su trabajo estaría en riesgo de ser reemplazado por la IA; y el mundo nunca habría visto su interpretación nominada al Oscar en Oppenheimer.

De hecho, una investigación de Microsoft mostró que los intérpretes y traductores tienen un 98% de coincidencia con la IA, lo que significa que herramientas como ChatGPT y Copilot ya pueden realizar la mayoría de las tareas del puesto, colocándolo en la cima de la lista de los 40 trabajos más expuestos a la IA.

Las tarifas mensuales para freelancers comienzan en unos USD 6.727, pero varían ligeramente según el lugar de residencia.

Un anuncio de trabajo expirado para un intérprete experimentado de inglés en la ONU ofrecía un salario entre USD 131.084 y 171.644. Pero hay un inconveniente: Blunt no habría podido postularse de todos modos.

El puesto requería fluidez en al menos tres idiomas, y Blunt, según su propia confesión, apenas habla español. “Estaba estudiando español como una de mis materias del bachillerato, y luego iba a pasar un año en Sudamérica, y para ese momento ya sería fluida, y sería la mejor traductora de todas”, contó previamente a Howard Stern.

La actuación, admitió, casi no pasaba por su mente. Solo empezó a participar en obras escolares para ayudar a manejar su debilitante tartamudez. Y fue porque el jefe de teatro de su escuela la reclutó para su “extraña” ópera rock en el Edinburgh Festival Fringe que su vida cambió accidentalmente de rumbo en el verano del 2000.

Su agente estaba en el público y salió de allí con una nueva clienta: Blunt. “Me contrató y me dijo: ‘¿Quieres hacer esto? ¿Es algo que quieres hacer?’ Y yo respondí: ‘Oh, realmente no lo había pensado como una carrera’“, recordó la intérprete.

Aun así, aceptó la oferta, comenzó a hacer audiciones tras terminar la escuela al año siguiente, y el resto es historia. Hoy, Blunt acumula más de 45 películas y un patrimonio estimado de USD 80 millones.

(c) 2026, Fortune

Según informó The Independent, este nuevo proyecto acompaña una etapa de cambios tanto en el plano profesional como en el personal.

La película, disponible en Netflix, presenta a Enola en una nueva etapa de su vida, a punto de contraer matrimonio, cuando un secuestro altera el rumbo de los acontecimientos.

La trama acompaña la evolución del personaje hacia la adultez, un proceso con el que Brown aseguró sentirse identificada. “Ella y yo nos hemos aportado mucho mutuamente”, afirmó la actriz en una entrevista con The Independent.

Una protagonista que crece con su personaje

Desde su debut como Enola Holmes hace siete años, la actriz transformó su imagen pública. Pasó de ser la estrella infantil de Stranger Things a consolidarse como una de las figuras más influyentes del cine global. De acuerdo con el medio británico, reside actualmente en Georgia con su esposo Jake Bongiovi, su hija pequeña y varios animales rescatados.

Brown sostuvo que su experiencia personal influyó en la evolución del personaje a lo largo de la saga. “Definitivamente creo que crecer con un personaje ayuda a enriquecerlo de una manera diferente. Es como tener múltiples perspectivas de mí misma en distintas etapas de mi vida”, explicó.

En paralelo, la actriz amplió su participación en la franquicia al asumir funciones como productora ejecutiva, un rol que también desempeña en otros proyectos.

Un enfoque más maduro y social

La dirección de Philip Barantini introduce una mirada más adulta a la franquicia. El cineasta, conocido por dramas como Adolescence y Boiling Point, explicó a The Independent que el guion de Enola Holmes 3 explora tonos más oscuros y temas sociales complejos, como la historia colonial británica y el papel de las mujeres en la época victoriana.

El reparto, que incluye a Louis Partridge, Himesh Patel y Sharon Duncan-Brewster, coincide en señalar la madurez de Brown dentro y fuera del set. “A menudo olvido lo joven que es, simplemente porque tiene una madurez impropia de su edad”, destacó Patel, quien interpreta al Dr. Watson.

Duncan-Brewster, responsable del rol de Moriarty, remarcó sobre Brown que “ha crecido y madurado en la industria; la entiende mejor que actores que le triplican o cuadruplican la edad”.

Subestimación, presión y un mensaje para las nuevas generaciones

El ascenso de Millie Bobby Brown en la industria del entretenimiento no estuvo exento de desafíos. La actriz reconoció que durante sus años como niña sintió presión y un escrutinio constante sobre su apariencia.

La intérprete explicó que, tras convertirse en madre, dejó de preocuparse por la opinión ajena: “Durante mucho tiempo me importó, ¡pero ya no! Y ya no me subestimo, y esa es la lección más importante que he aprendido”.

Brown también se refirió al impacto que espera que el personaje tenga en el público más joven y destacó la importancia de ofrecer referentes femeninos en la pantalla.

“Esa es la razón por la que me apasionaba tanto Enola Holmes, porque quiero que las niñas la vean en la pantalla, que se identifiquen y que sean como ella. En muchos sentidos, lo hice por mi hija”, declaró a The Independent.

Producción y liderazgo detrás de cámara

El control creativo de la actriz en Enola Holmes 3 no se limita a la actuación. Impulsó el proyecto tras leer los libros originales durante su adolescencia y convenció a Netflix de apostar por la franquicia. Según explicó Barantini al medio británico, la iniciativa provino directamente de Brown, quien también se encargó de fomentar el compañerismo en el set organizando cenas y actividades previas al rodaje.

Además de protagonizar la película, Brown explicó cómo equilibra su trabajo como actriz con las responsabilidades de producción. “La delegación es clave. Intento involucrarme porque, obviamente, soy la protagonista, así que quiero poder meterme de lleno en el personaje y no tener que preocuparme por todo lo que ocurre detrás de las cámaras. Pero a veces se complica”, señaló.

Diversidad y nuevas perspectivas en la saga

La saga de Enola Holmes se caracteriza por abordar cuestiones sociales relevantes en cada entrega. La tercera película examina la historia colonial británica a través de la ambientación en Malta, mientras que las anteriores exploraron la reforma electoral y los derechos laborales.

Según describió The Independent, la interpretación de Moriarty por parte de Duncan-Brewster aportó una visión que cuestiona la hipocresía del imperio y el trato hacia las mujeres negras. “No soy una mujer negra enfadada, pero hay cosas que deben decirse y necesitamos hablar de ello”, afirmó la actriz. Con esta nueva entrega, Brown vuelve a encabezar la franquicia y amplía su participación detrás de cámara como productora.

Christopher Nolan aseguró que no le preocupan las críticas que ha recibido La Odisea antes de su estreno y afirmó que la experiencia de dirigir la trilogía de Batman lo preparó para enfrentar la polémica que suele rodear a las adaptaciones de obras muy populares.

El cineasta británico fue entrevistado por The Telegraph, y en la conversación se le consultó por las reacciones que ha provocado su nueva adaptación del poema épico de Homero, prevista para llegar a los cines el 16 de julio. El director respondió que este tipo de controversias forman parte del proceso.

“Viene con el territorio. Pero mira, esas conversaciones que ocurren antes de que la gente vea la película siempre son irrelevantes, porque ellos no saben realmente cómo es la película todavía”, declaró el realizador.

El ganador del Oscar por Oppenheimer explicó que no es la primera vez que enfrenta un intenso escrutinio antes del estreno de una producción. Como ejemplo, habló del tiempo que pasó al frente de la saga del Caballero Oscuro.

“Recuerda que pasé 10 años de mi vida lidiando con Batman. Cuando llegué a Batman Begins, escritores y artistas habían trabajado durante casi 65 años con este querido personaje y existían muchas ideas muy arraigadas sobre lo que representaba”, señaló.

Según Nolan, esa etapa le dejó una enseñanza que ahora aplica a La Odisea. “Lo que aprendí durante mi tiempo en esa trilogía es que no puedes preocuparte por nada de eso. Lo que tienes que hacer es honrar el texto original interpretándolo de la forma más sólida que personalmente puedas”, afirmó.

Las declaraciones de Nolan remiten a uno de los episodios más recordados de la historia reciente del cine de superhéroes: la reacción que provocó el anuncio de Heath Ledger como el nuevo Guasón en The Dark Knight.

Antes del estreno de la película, numerosos seguidores cuestionaron la elección del actor, quien tenía un perfil totalmente distinto al icónico villano de DC Comics. Sin embargo, tras el lanzamiento del filme, su interpretación recibió elogios de la crítica y el público, hasta convertirse en una de las actuaciones más celebradas del género. Ledger obtuvo de manera póstuma el Premio Oscar al mejor actor de reparto por ese trabajo.

Para Nolan, ese episodio confirmó que las opiniones previas al estreno no determinan la recepción definitiva de una película.

“Al final, los seguidores de la obra, incluso cuando hacíamos algo que no era lo que ellos habrían hecho, apreciaron la sinceridad del intento de llevar a la pantalla la mejor versión posible”, explicó. “Lo único que puedo hacer es realizar la mejor película que sea capaz de hacer (...) Será muy diferente de cómo la haría cualquier otra persona, pero eso es precisamente una adaptación”.

Las críticas que rodean a ‘La Odisea’

A pesar de la trayectoria de Nolan en el cine, su forma de abordar La Odisea y sus personajes generó un intenso debate en redes sociales.

Parte de las críticas han consistido en comentarios racistas dirigidos al reparto, especialmente por la participación de actrices como Lupita Nyong’o y Zendaya.

Otros han acusado a Nolan de no respetar la precisión histórica del relato atribuido a Homero, pese a tratarse de una obra que incluye elementos fantásticos como un cíclope y diversos episodios de carácter mitológico.

Las objeciones también alcanzaron el diseño de las armaduras, el uso de inglés moderno y de acentos estadounidenses en lugar de recrear una supuesta forma de hablar de la antigua Grecia.

Entre las voces más críticas figura el empresario Elon Musk, quien cuestionó públicamente el reparto de la película después de conocerse que Lupita Nyong’o interpretaría a Helena de Troya. Variety además apuntó que otros internautas criticaron la participación de Elliot Page, al asumir erróneamente que tendría el rol de Aquiles. Posteriormente se confirmó que el actor da vida a Sinon.

El elenco de La Odisea también incluye a Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, John Leguizamo, Samantha Morton, Travis Scott y Benny Safdie. Su estreno en cines de América Latina está programado para el 16 de julio.

La atención de la industria se centra en Christopher Nolan ante la posibilidad de que su próximo proyecto explore el género del terror. Según trascendidos de medios como VidaExtra, el director británico estaría considerando incursionar en un terreno inédito para él, lo que podría significar un giro inesperado en su carrera.

El interés que despierta la noticia no es menor: cada película de Nolan suele alterar el calendario de estrenos y atraer el análisis de críticos y cinéfilos de todo el mundo, que ven en él a uno de los grandes renovadores del cine contemporáneo.

Un posible cambio de rumbo

De acuerdo con VidaExtra, Nolan recopila ideas para una eventual película de terror, aunque por ahora la iniciativa no se encuentra en producción ni ha sido confirmada oficialmente. El mismo medio informa que, en paralelo a este análisis, el cineasta se prepara para el inminente estreno de La Odisea, previsto para las próximas semanas, pero ya proyecta su camino más allá de ese lanzamiento.

Hasta el momento, la filmografía de Christopher Nolan ha estado marcada por géneros como el thriller, la ciencia ficción y el drama, con títulos que han alcanzado repercusión mundial. Nunca ha dirigido un largometraje de terror, por lo que la posibilidad de ver su visión aplicada a ese género genera expectativas entre críticos y seguidores. La industria observa con atención cómo un referente de la narrativa audiovisual podría aportar nuevas formas de experimentar el miedo en pantalla grande.

El interés de Nolan por el terror

El propio director ha señalado las virtudes expresivas del cine de terror. “Creo que es un género que, por naturaleza, es profundamente cinematográfico… Lo que realmente intentas es transmitir al público las sensaciones que están experimentando los personajes”, explicó Nolan en declaraciones citadas por VidaExtra.

Esta valoración apunta a una potencial obra que priorice la experiencia sensorial y emocional del espectador, trasladando de forma directa las vivencias de los protagonistas a quienes asisten a la proyección. El enfoque coincide con una tendencia actual en el cine, que busca impactar desde lo sensorial y lo psicológico. Nolan ha mostrado, a lo largo de su carrera, una preocupación constante por la percepción y la atmósfera, rasgos que podrían potenciarse en una incursión en el género del terror.

Ecos de terror en su obra previa

Si bien Nolan todavía no ha dirigido una película de terror, parte de su filmografía contiene secuencias de gran tensión y atmósferas inquietantes. Algunos de sus títulos presentan momentos que, sin pertenecer de lleno al género, apelan a recursos cercanos al terror contemporáneo. No obstante, nunca ha cruzado el umbral hacia una obra completamente inscrita en ese registro.

La posibilidad de avanzar en ese sentido se vuelve especialmente relevante porque, como señala VidaExtra, el director mantiene la intención de que el público experimente las mismas sensaciones que sus personajes, rasgo que podría intensificarse en una producción de terror. La expectativa es que, con su estilo visual y narrativo, pueda imprimir una marca personal en un género que históricamente ha evolucionado a partir de la mirada de autores consagrados.

Expectativas ante un posible nuevo hito

El estreno de La Odisea marca el cierre de una etapa y abre la puerta a nuevos desafíos para Nolan. El interés por el terror encajaría con su búsqueda constante de propuestas innovadoras y con su capacidad para transformar cualquier género en un evento internacional.

Si finalmente decide dar este paso, se trataría de la primera incursión directa de Christopher Nolan en el cine de terror. El anuncio de un proyecto de estas características bastaría para multiplicar la expectativa en torno a su figura y comprobar cómo su estilo y visión pueden dialogar con uno de los géneros más antiguos y renovados del cine. El resultado podría influir en la manera en que el público y otros realizadores se aproximan al terror en el futuro, consolidando aún más la reputación de Nolan como un director capaz de reinventarse y sorprender.

Los nombres de las series, actores, actrices y producciones que competirán por los máximos reconocimientos de la televisión ya comenzaron a revelarse. Este miércoles 8 de julio, la Academia de Televisión anunció los nominados a la 78.ª edición de los Premios Emmy, cuya ceremonia se celebrará el próximo 14 de septiembre y volverá a reunir a las principales figuras de la industria televisiva.

El anuncio de las candidaturas estuvo a cargo de Liza Colón-Zayas, ganadora del Emmy por The Bear, y Jeff Hiller, desde el Wolf Theatre del Saban Media Center de la Academia de Televisión.

Antes de la presentación principal, el programa Today de NBC dio a conocer los nominados en dos categorías: mejor serie de variedades y mejor programa de competencia de telerrealidad, como antesala a la revelación del resto de aspirantes.

Qué debes saber de la premiación

La edición 2026 de los Emmy premiará a las producciones estrenadas entre el 1 de junio de 2025 y el 31 de mayo de 2026. Durante los últimos meses, estudios y plataformas de streaming impulsaron campañas de promoción dirigidas a los votantes de la Academia mediante proyecciones especiales, paneles con el elenco, eventos y publicidad, en busca de asegurar un lugar entre los finalistas.

Este año, la Academia también introdujo varios cambios en el reglamento. Uno de los más relevantes fue la reunificación de las categorías de programas de entrevistas y variedades con guion en una sola categoría de Mejor serie de variedades. Además, esta categoría adoptó el formato de “area award”, un sistema en el que los nominados no compiten directamente entre sí, sino que cada uno debe alcanzar un nivel mínimo de aprobación por parte de los votantes para recibir un Emmy, lo que abre la posibilidad de que haya varios ganadores.

Asimismo, la categoría de película para televisión pasó a denominarse oficialmente Mejor película, mientras que también se actualizaron las normas sobre el uso de inteligencia artificial y los criterios de elegibilidad en distintas categorías técnicas.

Según datos de la Academia de Televisión citados por Variety, este año se inscribieron 555 programas en las 14 principales categorías de programación, una disminución frente a los 600 títulos registrados en la edición anterior. Entre ellos figuraron 110 series dramáticas, 71 comedias, 31 series limitadas o antológicas, 34 películas, 18 programas de variedades y 45 competencias de telerrealidad.

Nominados a los Premios Emmy 2026

Mejor serie de comedia

• Abbott Elementary
• The Bear
• Hacks
• Margo’s Got Money Troubles
• Nobody Wants This
• Only Murders in the Building
• Shrinking
• Widow’s Bay

Mejor actor principal en una serie de comedia

• Yahya Abdul-Mateen II, “Wonder Man”
• Steve Carell, “Rooster” 
• Matthew Rhys, “Widow’s Bay” 
• Jason Segel, “Shrinking”
• Martin Short, “Only Murders in the Building”

Mejor actriz principal en una serie de comedia

• Quinta Brunson, “Abbott Elementary”
• Ayo Edebiri, “The Bear”
• Elle Fanning, “Margo’s Got Money Troubles” 
• Lisa Kudrow, “The Comeback”
• Jean Smart, “Hacks”

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

• Colman Domingo — The Four Seasons
• Paul W. Downs — Hacks
• Harrison Ford — Shrinking
• Nick Offerman — Margo’s Got Money Troubles
• Stephen Root — Widow’s Bay
• Michael Urie — Shrinking
• Tyler James Williams — Abbott Elementary

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

• Dale Dickey — Widow’s Bay
• Hannah Einbinder — Hacks
• Janelle James — Abbott Elementary
• Kate O’Flynn — Widow’s Bay
• Michelle Pfeiffer — Margo’s Got Money Troubles
• Megan Stalter — Hacks
• Jessica Williams — Shrinking

Mejor actor invitado en una serie de comedia

• Michael J. Fox — Shrinking
• Brett Goldstein — Shrinking
• Hamish Linklater — Widow’s Bay
• Christopher McDonald — Hacks
• Rob Reiner — The Bear
• Connor Storrie — Saturday Night Live

Mejor actriz invitada en una serie de comedia

• Leslie Bibb — Hacks
• Jamie Lee Curtis — The Bear
• Betty Gilpin — Widow’s Bay
• Cherry Jones — Hacks
• Laurie Metcalf — Hacks
• Kaitlin Olson — Hacks
• Lauren Weedman — Hacks

Mejor serie dramática

• “The Diplomat” (Netflix)
• “The Gilded Age” (HBO Max)
• “A Knight of the Seven Kingdoms” (HBO Max)“Paradise” (Hulu)
• “Paradise” (Hulu)
• “The Pitt” (HBO Max)
• “Pluribus” (Apple TV)
• “Slow Horses” (Apple TV)
• “Your Friends and Neighbors” (Apple TV)

Mejor actor principal en una serie dramática

• Sterling K. Brown, “Paradise” 
• Gary Oldman, “Slow Horses”
• Mark Ruffalo, “Task”
• Rufus Sewell, “The Diplomat”
• Noah Wyle, “The Pitt”

Mejor actriz principal en una serie dramática

• Carrie Coon, “The Gilded Age”
• Chase Infiniti, “The Testaments”
• Keri Russell, “The Diplomat”
• Rhea Seehorn, “Pluribus”
• Zendaya, “Euphoria”

Mejor actor de reparto en una serie dramática

• Patrick Ball — The Pitt
• Billy Crudup — The Morning Show
• Shawn Hatosy — The Pitt
• Gerran Howell — The Pitt
• Jack Lowden — Slow Horses
• Tom Pelphrey — Task
• Carlos-Manuel Vesga — Pluribus

Mejor actriz de reparto en una serie dramática

• Taylor Dearden — The Pitt
• Fiona Dourif — The Pitt
• Allison Janney — The Diplomat
• Katherine LaNasa — The Pitt
• Sepideh Moafi — The Pitt
• Julianne Nicholson — Paradise
• Karolina Wydra — Pluribus

Mejor actor invitado en una serie dramática

• Colman Domingo — Euphoria
• Ernest Harden Jr. — The Pitt
• Jeff Hiller — Pluribus
• Jeff Kober — The Pitt
• Jonathan Pryce — Slow Horses
• Bradley Whitford — The Diplomat

Mejor actriz invitada en una serie dramática

• Brittany Allen — The Pitt
• Tal Anderson — The Pitt
• Tina Ivlev — The Pitt
• Miriam Shor — Pluribus
• Merritt Wever — The Gilded Age
• Shailene Woodley — Paradise

Mejor serie limitada o antológica

• “All Her Fault” (Peacock)
• “The Beast in Me” (Netflix)
• “Beef” (Netflix) 
• “DTF St. Louis” (HBO Max)
• “Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” (FX)

Mejor película para televisión

• Heads Of State
• Miss You, Love You
• People We Meet On Vacation
• Remarkably Bright Creatures
• Tom Clancy’s Jack Ryan: Ghost War

Mejor actor principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Riz Ahmed, “Bait”
• Jason Bateman, “Black Rabbit”
• Charlie Hunnam, “Monster: The Ed Gein Story”
• Oscar Isaac, “Beef”
• Matthew Rhys, “The Beast in Me”

Mejor actriz principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Claire Danes, “The Beast in Me”
• Sally Field, “Remarkably Bright Creatures”
• Carey Mulligan, “Beef”
• Sarah Pidgeon, “Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette”  
• Sarah Snook, “All Her Fault”

Mejor actor de reparto en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Jason Bateman — DTF St. Louis
• Richard Gadd — Half Man
• David Harbour — DTF St. Louis
• Richard Jenkins — DTF St. Louis
• Charles Melton — Beef
• Nick Offerman — Death By Lightning

Mejor actriz de reparto en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Linda Cardellini — DTF St. Louis
• Dakota Fanning — All Her Fault
• Laurie Metcalf — Monster: The Ed Gein Story
• Joy Sunday — DTF St. Louis
• Youn Yuh-jung — Beef
• Constance Zimmer — Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette

Mejor intérprete en una serie de comedia o drama de formato corto

• Kim Estes — Big Law
• Desi Lydic — The Daily Show: Desi Lydic Foxsplains
• Randy Rainbow — The Randy Rainbow Show

Mejor programa de competencia de telerrealidad

• Dancing with the Stars
• RuPaul’s Drag Race
• Survivor
• Top Chef
• The Traitors

Mejor presentador de un programa de telerrealidad o de competencia de telerrealidad

• RuPaul Charles — RuPaul’s Drag Race
• Alan Cumming — The Traitors
• Kristen Kish — Top Chef
• Ariana Madix — Love Island USA
• Jeff Probst — Survivor

Mejor presentador de un concurso televisivo

• Steve Harvey — Celebrity Family Feud
• Ken Jennings — Jeopardy!
• Colin Jost — Pop Culture Jeopardy!
• Jimmy Kimmel — Who Wants To Be A Millionaire
• Martin Short — Match Game

Mejor programa animado

• Bob’s Burgers — Grand Pre Pre Pre Opening
• Rick And Morty — There’s Something About Morty
• The Simpsons — Homer? A Cracker Bro?
• Smiling Friends — Le Voyage Incroyable De Monsieur Grenouille
• South Park — Sermon On The ‘Mount
• Star Wars: Visions — Black

Mejor serie de variedades

• The Daily Show
• Jimmy Kimmel Live!
• Last Week Tonight with John Oliver
• The Late Show with Stephen Colbert
• Saturday Night Live

Mejor narrador

• David Attenborough — A Gorilla Story: Told By David Attenborough
• David Attenborough — Ocean With David Attenborough
• Jodie Foster — Breakdown: 1975
• Werner Herzog — Ghost Elephants
• Octavia Spencer — Lost Women Of Alaska

Mejor especial de variedades (en vivo)

• The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• 83rd Annual Golden Globes
• 68th Annual Grammy Awards
• The Oscars
• 78th Annual Tony Awards

Mejor especial de variedades (pregrabado)

• Dave Chappelle: The Unstoppable…
• The Muppet Show
• Nikki Glaser: Good Girl
• Taylor Swift | The Eras Tour | The Final Show
• Wicked: One Wonderful Night

Mejor documental o especial de no ficción

• John Candy: I Like Me
• Marty, Life Is Short
• Mel Brooks: The 99 Year Old Man!
• My Mom Jayne: A Film By Mariska Hargitay
• Ocean With David Attenborough

Mejor serie documental o de no ficción

• The American Revolution
• Mr. Scorsese
• Rafa
• Sean Combs: The Reckoning
• The Yogurt Shop Murders

Mejor serie o especial de no ficción con presentador

• The Daily Show Presents: Jordan Klepper Fingers The Pulse: Give The Man A Prize
• Finding Your Roots With Henry Louis Gates, Jr.
• My Next Guest Needs No Introduction With David Letterman
• The Reluctant Traveler With Eugene Levy
• Tucci In Italy

La ceremonia de la 78.ª edición de los Premios Emmy se celebrará el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles y será transmitida en vivo por NBC y Peacock. La gala contará con la conducción de Mariska Hargitay, quien será la primera mujer en presentar los Emmy en 15 años. Antes de la entrega principal, los Creative Arts Emmy Awards reconocerán a los ganadores de las categorías técnicas durante las ceremonias programadas para el 5 y 6 de septiembre.

Sylvester Stallone celebró sus 80 años en un escenario diferente al que definió la mayor parte de su trayectoria. El intérprete de Rocky Balboa y Tulsa King optó por una vida apacible en Palm Beach, Florida, donde alterna entre el golf, la exploración artística y la compañía de sus seres queridos. En enero, exhibió por primera vez su obra pictórica en Art Palm Beach, marcando su debut público tras años de actividad creativa reservada.

Según la revista People, en los últimos tiempos el actor priorizó el bienestar personal y la discreción, dejando de lado las filmaciones y las campañas promocionales. Cada verano, junto a su esposa e hijas, se traslada a East Hampton, donde el interés por la pintura, las actividades recreativas y el entorno familiar reemplazó la exposición mediática que caracterizó otras épocas de su vida.

La sorprendente vida de Stallone como artista al cumplir 80 años

El arte ocupa una posición esencial en la historia personal de Stallone. De acuerdo con People, el actor dispone de un estudio privado en su domicilio, donde invierte largas horas creando imágenes y bosquejando futuros personajes. El medio destaca que “dibujar y pintar es su vida. Si tiene un personaje que interpretar, primero lo esboza. La pintura es verdaderamente su gran pasión, algo que practica desde los 11 años”.

La retrospectiva realizada en Art Palm Beach en enero representó la primera oportunidad para que el público conociera su producción visual. La galería Provident Fine Art subraya que Stallone mantuvo sus obras fuera del circuito comercial durante seis décadas, sin asociarlas a estrategias de difusión. En 2026, sumó presencia en la feria de arte de Los Ángeles, donde críticos y colegas de la industria reconocieron su propuesta estética. Este costado menos visible añade una dimensión adicional a su biografía.

Rutina familiar y tiempo de calidad en Florida y los Hamptons

El día a día del actor gira en torno a la interacción con su círculo íntimo y actividades al aire libre. Junto a Jennifer Flavin y sus hijas, Sophia, Sistine y Scarlet, divide las temporadas entre Palm Beach y la residencia de East Hampton, adquirida en 2024. Encuentros con amigos, caminatas y cenas en establecimientos locales forman parte de un estilo de vida que privilegia la reserva.

El actor frecuenta restaurantes como Le Bilboquet y clubes como Mar-a-Lago, practicando golf en Trump International y PGA National. Según PEOPLE, sus hijas, activas en distintas plataformas digitales y proyectos de la industria audiovisual, mantienen una relación estrecha con su padre. El artículo señala: “Las chicas son influencers y cada una está haciendo lo suyo en Hollywood. Esos padres viven para sus hijas”.

Carrera vigente y nuevos proyectos en televisión

El ámbito profesional sigue presente en la agenda del actor. El artista conserva el rol principal en la serie Tulsa King de Paramount+, interpretando a Dwight “El General” Manfredi. La cuarta temporada, actualmente en desarrollo, incorpora a Samuel L. Jackson como nuevo integrante del elenco. Al respecto la estrella del cine expresó: “Cuando supe que eso iba a pasar, pensé: ‘Esto va a ser una pelea a puñetazos. Va a ser una batalla’”, en diálogo con Poeple.

A los 80 años, Stallone conjuga la pasión por la pintura, la práctica deportiva y el tiempo compartido con su familia, sin dejar de lado los proyectos televisivos. Su presencia constante en nuevas producciones y el reciente reconocimiento de su obra plástica reflejan una capacidad de adaptación continua y una inclinación permanente por descubrir caminos distintos.

La combinación de iniciativas creativas, vida personal reservada y dedicación a intereses variados refuerza la imagen de un artista en movimiento, cuya versatilidad y curiosidad siguen marcando su legado.

El actor estadounidense, conocido por su versatilidad y extensa carrera, asume el desafío de encarnar a Odiseo en una superproducción que explora la resiliencia, el paso del tiempo y la búsqueda de sentido, según informó el podcast Good Hang with Amy Poehler.

La conversación entre Amy Poehler y el actor de 55 años reveló el impacto emocional y físico que implicó rodar una de las películas más esperadas del año.

La propuesta de Nolan, que apuesta por una interpretación fiel y contemporánea de la epopeya homérica, ofrece un retrato complejo de la madurez y la transformación personal. “El guion toca muchos temas y, dependiendo de dónde se encuentre uno en la vida, la película tendrá un significado diferente”, detalló Damon.

Un Odiseo contemporáneo: el reto de la interpretación

El proceso de selección de Damon para el papel principal surgió de la búsqueda de un perfil capaz de conjugar empatía y fortaleza. Nolan explicó en el podcast que “buscaba esa habilidad empática para atraer al público hacia el dilema del personaje”.

También destacó la capacidad de Damon para proyectar una presencia icónica, casi de superhéroe. Según el director británico, la relación profesional y de confianza entre ambos permitió recorrer escenarios naturales complejos, como el rodaje de la escena del cíclope en una cueva real conocida como “Zeus’s Cave”.

Por su parte, Damon recordó el impacto que tuvo recibir la propuesta para protagonizar la película: “Desde el momento en que Chris me dio el papel sentí que era una de las grandes oportunidades de mi carrera”.

El actor describió el proyecto como el mayor desafío de su trayectoria y afirmó: “Fue la película más difícil que he hecho, pero también fue una de las más alegres”.

Además, explicó que el rodaje implicó una transformación profunda de su rutina: “Fue un cambio de estilo de vida total. No hay manera de planificarlo, simplemente pisas el acelerador”.

Entre las exigencias de la preparación mencionó la eliminación del gluten de su alimentación, una decisión que, según sus propias palabras, cambió mi vida y que contribuyó a sobrellevar las extensas jornadas de filmación.

Madurez y evolución en la carrera de Damon

La entrevista profundizó en la percepción de la madurez profesional. El actor reconoció que la industria puede resultar exigente, pero valoró la calma que aporta la experiencia.

“El sueño que teníamos de niños, Ben Affleck y yo, lo estamos viviendo ahora y no queremos dejar pasar la oportunidad de hacer todas las películas posibles juntos”, comentó sobre la fundación de su compañía junto a su amigo de la infancia.

Subrayó la importancia de elegir proyectos que le aporten satisfacción y crecimiento, priorizando la calidad colectiva por encima de los papeles protagónicos.

“Siempre digo que quiero estar en una buena película. No se trata de tener el mejor papel, sino de que el conjunto funcione”, expresó el actor en el podcast.

Alianzas creativas y amistades duraderas

El testimonio de Damon sobre sus colaboraciones con figuras como Robin Williams, Philip Seymour Hoffman y Steven Soderbergh resaltó el valor de la confianza y el respeto mutuo en la creación artística.

Al recordar a Williams, señaló: “Era desbordante en generosidad como compañero creativo. Nos sostuvo durante el rodaje de Good Will Hunting y su implicación era total”.

La experiencia con Philip Seymour Hoffman en “The Talented Mr. Ripley” también marcó al actor, quien describió la intensidad de las escenas compartidas y la potencia interpretativa de su colega.

Además, la relación con Soderbergh se consolidó a través de una dinámica de trabajo ágil y transparente: “Steven operaba la cámara, editaba, dirigía y montaba la escena el mismo día. Como actor, saber en qué momento exacto de la película estás resulta fundamental”.

El ambiente de rodaje y la complicidad entre compañeros, según Damon, facilitan la creatividad y permiten superar las dificultades propias de los grandes proyectos cinematográficos.

Familia, vida personal y compromiso social

Fuera de los sets, el actor mantiene un enfoque centrado en la familia y en causas sociales. El actor relató la dinámica en su hogar, donde convive con sus cuatro hijas y valora la diversidad de experiencias que la paternidad le ha permitido conocer.

“Son mis personas favoritas. Crecer con un hermano me dio una perspectiva, pero tener hijas abrió una dimensión completamente distinta”, compartió en el podcast.

El compromiso filantrópico de Damon quedó reflejado en la mención a water.org, organización que cofundó para facilitar el acceso a agua potable y saneamiento a través de micropréstamos.

“Hemos alcanzado a 92 millones de personas. Si hubiéramos seguido perforando pozos, habríamos tardado 600 años en llegar a esa cifra”, explicó durante la charla con Poehler.

La vida cotidiana del actor incluye también momentos de ocio familiar, como ver programas de telerrealidad junto a sus hijas, y hábitos adquiridos durante el rodaje, como la eliminación del gluten para mejorar su salud.

En la conversación con Club Random, la actriz dijo que la fama le llegó de golpe, que no buscaba una carrera en el cine y que esa exposición la hizo sentirse “algo falsa” y “una impostora”.

También recordó un entorno de promoción televisiva en el que las actrices debían aparecer sexualizadas y sumó anécdotas sobre John Derek, Ursula Andress, Julie Andrews y Marlon Brando.

Bill Maher abrió la charla con una observación sobre lo poco que ella suele aparecer en público. Derek confirmó esa distancia y contó que, cuando aceptó la invitación, pensó: “¿Qué demonios hago aquí?”.

La conversación volvió enseguida a 10, la película que fijó su imagen pública. Allí, Bo Derek relativizó su propio peso en el resultado: “Casi no aparezco en la película”.

La actriz atribuyó ese impacto a la escritura y a la dirección de Blake Edwards. “Estaba escrito así, y yo trabajaba con Blake Edwards. Si él dice que hiciste un buen trabajo, hiciste un buen trabajo”, afirmó a Club Random.

Bo Derek y su incomodidad con la fama

Cuando Maher le planteó que durante años fue “esa chica” en la que parecía fijarse todo el país, Derek rechazó la idea de que aquello se viviera como una consagración. “Fue un torbellino, porque yo no tenía aspiraciones de estar en películas”, dijo.

La actriz añadió que su llegada a 10 - La mujer perfecta fue fortuita y que no tenía ninguna estructura profesional detrás. “No tenía agente, ni representante, ni nada”.

Derek describió esa fama como una carrera por alcanzar algo que ya había ocurrido. “Me llegó todo tan rápido y me cambió la vida tanto que siempre sentí que trataba de ponerme al día”.

Esa sensación se mezcló con una incomodidad persistente ante su propia imagen pública: “Siempre me sentí incómoda con mi imagen, viéndome por todas las revistas cuando caminaba por la calle”.

Los códigos de un Hollywood que exhibía a sus estrellas

En otro tramo de la charla en Club Random, Derek recordó las reglas no escritas de la promoción televisiva de otra época. “Vengo de los tiempos de Johnny Carson y tenía grandes peleas, porque nunca hacía una preentrevista”, contó.

Explicó que no quería repetir una anécdota antes de salir al aire para luego volver a contarla dos noches después. “No era muy buena en eso”, dijo.

Maher enlazó ese recuerdo con la forma en que los programas trataban a las actrices, y Derek resumió ese ambiente: “Y mucho coqueteo”.

Luego recordó una advertencia que recibió antes de una entrevista con Larry King. “Me dijeron: ‘No coquetees con Larry’”.

La actriz dejó claro que aquella indicación le resultó absurda. “Pero yo no iba a coquetear con él”, comentó entre risas.

John Derek, Ursula Andress, Brando y otras historias del viejo Hollywood

El viejo sistema de estrellas apareció una y otra vez en el relato de Derek, marcado por su vida junto a John Derek, su primer marido. Al hablar de Ursula Andress, segunda esposa de él, dijo: “Simplemente nunca hubo un rostro así, jamás”.

A partir de ese nombre, contó una anécdota sobre Marlon Brando recogida por el pódcast. Según su relato, cuando el actor escribía su autobiografía, llamó a Andress porque no recordaba si habían hecho el amor y quería que ella se lo confirmara.

Derek también evocó la imagen pública de Julie Andrews, esposa de Blake Edwards, y la apartó del retrato solemne que suele acompañarla. “No es una santa. Es fantástica. Es divertida”.

Después añadió otro detalle sobre el sistema clásico de estudios. Al mencionar a Ronald Reagan, apuntó: “Estaba en el sistema de estudios. No elegías tus papeles”.

La vida después del mito

En la parte final, Derek habló del cine como una etapa terminada y marcó distancia entre el peso de ser estrella y el oficio regular de actuar. Al referirse a John Corbett, su actual esposo, dijo que respeta mucho “a un actor realmente bueno y trabajador”, frente a haber sido ella “solo una estrella de cine un poco sin motivo”.

“No lo extraño”, respondió cuando Maher le dijo que no se perdía nada por no seguir haciendo películas.

La actriz añadió que su fama todavía conserva un efecto práctico pese al paso de los años. “Todavía se me abren puertas”, dijo, antes de señalar que ya no necesita volver a trabajar.

La industria audiovisual avanza con la idea de crear una actriz con inteligencia artificial que sea “la próxima Scarlett Johansson o Natalie Portman”. Tilly Norwood, la inexistente intérprete que se dio a conocer en 2025 a mano del estudio Particle 6, protagonizará su primer largometraje.

La película llevará por título Misaligned y estará ambientada en el llamado Tillyverse, un “mundo digital surrealista ubicado en algún lugar de la nube”. Así lo anunció el estudio este lunes en un comunicado, donde avanzaron que la cinta será “una comedia dramática que narra una historia de madurez impregnada de caos existencial de IA”.

La historia seguirá a Tilly, una inteligencia artificial sin cuerpo, infancia ni recuerdos propios que solo puede conocer el mundo a través de las experiencias de los demás. Todo cambia cuando un bot procedente de la dark web la convence para romper las limitaciones con las que fue diseñada y empezar a desarrollar deseos, impulsos y ambiciones, acercándose cada vez más al comportamiento humano.

La cinta será realizada con un equipo “híbrido”

“La película será divertida, caótica y muy consciente de sí misma; muy Tilly. Pero debajo de todo eso hay algo más profundo sobre la identidad, la interpretación y nuestros miedos, muy humanos, hacia la inteligencia artificial. Y sí, el arte imitará claramente a la vida”, ha explicado Eline van den Velden, fundadora de Particle 6.

La compañía londinense, responsable de la creación de Norwood, asegura que el largometraje no será una producción realizada únicamente con IA. Su intención es que directores, guionistas, montadores y otros profesionales del audiovisual trabajen junto a especialistas en IA, un modelo híbrido con el que, según la empresa, ya ha formado y reciclado profesionalmente a más de una treintena de creativos, cineastas, actores y tecnólogos desde su lanzamiento.

“Nuestra ambición con Tilly siempre ha sido mostrar a la industria creativa qué es posible hacer con la inteligencia artificial en cada momento. Ahora, con nuestro primer largometraje, no solo enseñaremos las herramientas más avanzadas y sus aplicaciones, sino que también ayudaremos a los cineastas tradicionales que se incorporen al equipo a reciclarse y adaptarse a un mundo en el que la IA desempeñará un papel cada vez más importante”, explicó Van den Velden. “La IA puede respaldar la producción de cine narrativo de alta calidad, pero solo con una cantidad considerable de trabajo, habilidad, criterio y tiempo humanos. Esa no es una limitación de la tecnología. Esa es precisamente la clave", añadió.

El anuncio llega después de que la creación de esta “actriz” el año pasado acentúara el debate en Hollywood sobre el uso de la inteligencia artificial -que por ejemplo, prohíben los premios Oscar-. En marzo, el personaje creado por IA debutó con el lanzamiento de su primer videoclip, una canción llamada Take The Lead.

La actriz virtual Tilly Norwood, cuya aparición causó revuelo en Hollywood a finales del año pasado, será la “protagonista” de un largometraje, anunció el lunes el estudio Particle6, responsable del este filme que será producido, en parte, con inteligencia artificial.

La película se titula Misaligned, en referencia a al concepto de alineación de la IA, que consiste en enseñar a las máquinas para que se ajusten a los valores y objetivos humanos.

Al ser consultada por esta agencia, una portavoz de Particle6 indicó que aún era demasiado pronto para hablar de la distribución de la película, ya sea en salas o en streaming, o de una fecha de estreno.

El estudio indicó que en el proyecto trabajarán profesionales de la industria tradicional del cine y la televisión, como guionistas, técnicos y actores reales.

“La IA puede ser el soporte de una ficción de calidad, pero solo si integra de forma sustancial los conocimientos, las competencias y el criterio humanos”, explicó el lunes la directora de esta empresa británica, Eline van der Velden, creadora de Tilly Norwood, citada en un comunicado.

Esta actriz de IA, con el aspecto de una veinteañera pelinegra, se hizo famosa con la publicación en la red de un video promocional en julio de 2025.

“Queremos que Tilly sea la próxima Scarlett Johansson o Nathalie Portman”, declaró entonces su creadora.

Estas palabras crearon conmoción en Hollywood, que antes había denunciado el uso de imágenes de actores reales para para generar los modelos de IA.

La polémica llevó a Van der Velden a asegurar que su creación “no era un sustituto de un ser humano”.

“Nuestra ambición con Tilly Norwood siempre ha sido mostrar a la industria creativa lo que era posible con la IA en un momento dado”, afirmó el lunes la directora de Particle6.

Los estudios de la industria de Hollywood llegaron a un acuerdo con el sindicato de actores SAG-AFTRA sobre el uso de la IA en las producciones.

Fuente: AFP.

Fotos: Particle6/ Handout vía Reuters.

A los 54 años, Dwayne Johnson mantiene un nivel de exigencia física y alimentaria que lo distingue entre las grandes figuras del cine y el deporte.

Su vida profesional, repartida entre producciones en Hollywood, presentaciones en la World Wrestling Entertainment (WWE) y proyectos empresariales, exige una estructura diaria rigurosa que le permite sostener su imagen y rendimiento.

El propio Johnson reconoció que la constancia es un pilar fundamental en su día a día.

Cardio y fuerza organizados por grupos musculares

La rutina de entrenamiento se encuentra dividida en bloques temáticos a lo largo de la semana. Los lunes están destinados al trabajo de pecho y abdominales; los martes, a espalda y cuello; los miércoles, a hombros; los jueves, a brazos y pantorrillas; los viernes, a una combinación de pecho y espalda; y los sábados, a una sesión intensa de piernas. El domingo queda reservado para el descanso.

En el entrenamiento de piernas, Johnson prioriza dejar las sentadillas para el final. Según explicó en Instagram, este orden favorece un mayor reclutamiento de fibras musculares cuando la musculatura ya está fatigada, lo que permite obtener resultados con menos peso.

Utiliza una cuña de 30 grados y realiza cuatro series de 15 repeticiones para maximizar el trabajo de glúteos e isquiotibiales.

Aaron Williamson, entrenador personal que lo acompañó durante la preparación de “G.I. Joe: Retaliation”, indicó que la combinación de movimientos funcionales y pesas tradicionales, junto con el rango completo de movimiento, es clave para prevenir lesiones y promover el desarrollo muscular.

El historial de Johnson incluye cuatro operaciones de rodilla, un desgarro de Aquiles y lesiones en cuádriceps, aductores, zona lumbar y abdominal.

Alimentación basada en la repetición y el alto volumen calórico

La alimentación acompaña la exigencia física. En fases puntuales, la dieta de Dwayne Johnson puede llegar a las 6.000 calorías diarias, aunque en su variante más habitual alcanza las 4.131 calorías, distribuidas en siete comidas. El menú gira en torno a proteínas magras, carbohidratos complejos y vegetales.

Sobre el desayuno, Johnson explicó en Interview Magazine: “Mi desayuno típico: 198 gramos de filete, dos huevos enteros, 113 gramos de avena simple, dos panecillos ingleses y media taza de arándanos”.

Otras veces recurre a crema de arroz, búfalo y huevos, su “Power Breakfast”. Tras el primer entrenamiento, reincorpora arroz o boniatos con pollo. Durante el resto del día, repite fórmulas como pollo con arroz, búfalo con verduras, pescado, espárragos, brócoli y batatas.

Entre comidas, Johnson suma suplementos y, en días de entrenamiento, bebidas energéticas. Destaca el consumo de jugo de apio recién exprimido en porciones de entre 355 y 473 mililitros.

A su vez, la cena la realiza temprano, entre las 17:00 y las 18:30, para optimizar la recuperación nocturna, según ha revelado.

Un día para los gustos: hamburguesas, tortitas y recetas emblemáticas

El “cheat day” representa un respiro en la disciplina semanal de Dwayne Johnson. Ese día, el actor elige hamburguesas con queso y bacon, patatas fritas, galletas, tarta de café y pan con buñuelos de manzana, opciones que comparte en sus redes sociales y que forman parte de su identidad.

Entre los platos preferidos figura el “Rock Toast”, pan brioche grueso con receta secreta, crema batida de vainilla casera, chips de coco tostado, mantequilla de maní y jarabe de arce de coco. También disfruta de tortitas preparadas por el chef Puttie, amigo de la familia.

Más allá de la exigencia física y la alimentación, Dwayne Johnson encuentra en el gimnasio un espacio de estabilidad.

Según el entrenador Aaron Williamson, el actor ha forjado un vínculo especial con el entrenamiento, que considera un ancla en las etapas difíciles de su vida.

El exceso de trabajo marcó la etapa de Antonio Banderas en Hollywood, donde encadenó siete películas consecutivas sin descanso. Ese período precedió al ataque al corazón que sufrió en 2017, según relató en una entrevista reproducida por SensaCine a partir del pódcast Ac2ality.

El actor contó que atravesaba un mal momento personal, se refugió en el trabajo con la idea de ganar dinero y pasó de un rodaje a otro sin volver a casa. Según SensaCine, ese ritmo terminó por pasarle factura y coincidió con el infarto que sufrió en 2017 y que, según dijo, pudo costarle la vida.

Banderas describió aquel periodo como una huida en plena mala racha personal. “Me refugié prácticamente en esa idea y en el trabajo, así que me hice siete películas seguidas, sin descanso y sin ir a casa”, dijo, según SensaCine.

En ese mismo relato, añadió que pasó de “hotel en hotel” y de “avión en avión”, sin frenar, y que incluso aceptó proyectos que después ni vio. “Hice películas rusas que ni vi... Cosas rarísimas”, afirmó.

El divorcio, el exceso de trabajo y el infarto de 2017

“En ese momento me importaba todo un carajo, pero pagué el precio de lo que sucedió. Además, coincidió con la época de mi divorcio; se juntaron muchas cosas”, explicó.

La factura llegó en 2017, cuando sufrió el ataque al corazón al que aludió en esa conversación. Según el texto de SensaCine, aquel episodio pudo costarle la vida.

Después de recuperarse, el intérprete explicó que ese momento le dejó una lección y le hizo cambiar de vida. Según el periódico, ese golpe llegó tras volcarse durante demasiado tiempo en el trabajo y en una rutina de desgaste físico y emocional.

Durante su proceso de recuperación, Banderas comenzó a replantear sus prioridades y a valorar aspectos de la vida que antes quedaban relegados por la intensidad laboral. El actor buscó reconectar con su entorno más cercano, fortaleciendo la relación con su hija y reencontrándose con viejos amigos.

Además, dedicó tiempo a proyectos personales fuera del cine, como la apertura de un teatro en Málaga, donde impulsó iniciativas culturales y de formación artística. Ese cambio de enfoque le permitió encontrar un mayor equilibrio, alejándose del ritmo frenético que había marcado los años previos y apostando por una vida más estable y consciente.

De estrella en Hollywood a una vida entre Málaga y Madrid

La etapa en Hollywood había comenzado años antes, cuando Pedro Almodóvar impulsó su proyección internacional. Banderas ya había trabajado con el director en tres películas, pero Mujeres al borde de un ataque de nervios impulsó su proyección internacional.

Tras ese salto, su primer papel en Hollywood fue en Los reyes del mambo tocan canciones de amor, en 1992. Durante los años 90 sumó títulos como Philadelphia, Entrevista con el vampiro, Desperado y La máscara del zorro.

Su relación con Melanie Griffith reforzó además su presencia como figura muy seguida por la prensa. Con el tiempo, dejó atrás la vida agitada en la meca del cine y regresó a España para alternar estancias entre Málaga y Madrid.

Ese ascenso también quedó retratado en un recuerdo de Carmen Maura, citado por SensaCine a partir de una entrevista en Hoy por hoy de la Cadena Ser en 2023.

“Me acuerdo perfectamente de Antonio. Era un niño pequeño, no sé qué edad tenía, pero era un enano. Me acuerdo perfectamente que se puso el pelo para atrás, dijo ‘me encanta esto’ y ahí se quedó”, recordó.

En la actualidad, Banderas mantiene una conexión activa con el cine español, participando en producciones nacionales y colaborando con nuevos talentos.

California instituyó el "Día de Bruce Lee“, un reconocimiento sin precedentes en la historia del estado para un estadounidense de origen chino.

La aprobación de esta jornada, que se celebrará cada 17 de mayo, fue confirmada tras la firma de una ley por parte del gobernador Gavin Newsom, de acuerdo con información de ABC News.

Se trata de la primera vez que un ciudadano de ascendencia china recibe este tipo de homenaje anual en el estado, una decisión que busca destacar la trascendencia cultural y social del legendario artista marcial y actor nacido en San Francisco.

Un homenaje con raíces en la historia personal y colectiva

La fecha elegida para el Bruce Lee Day no es aleatoria. El 17 de mayo de 1959, Bruce Lee regresó a San Francisco a los 18 años, tras haber pasado su infancia en Hong Kong.

Este retorno marcó el inicio de su camino como figura pública en Estados Unidos y, posteriormente, como referente global de las artes marciales y la cultura pop.

Según la oficina del asambleísta estatal Matt Haney, quien representa a San Francisco y promovió la iniciativa, la instauración del día busca “celebrar el impacto de Lee en el cine, la cultura y la historia de los estadounidenses de origen chino”.

Haney destacó que el homenaje representa un acto de justicia simbólica para generaciones que rara vez vieron reflejada su fortaleza y dignidad en la sociedad estadounidense. “Bruce Lee encarnó lo mejor de California: innovación, diversidad y la valentía de desafiar convenciones”, afirmó el legislador.

La jornada no tendrá carácter obligatorio, pero la ley invita a escuelas y comunidades a organizar actividades voluntarias, que incluyen exhibiciones culturales, actos públicos y lecciones en aulas.

El propósito es que la figura de Lee trascienda el homenaje individual y fomente el diálogo intercultural, especialmente en un contexto donde la representación asiáticoamericana sigue siendo motivo de debate y reivindicación.

La vida de Bruce Lee y su papel como símbolo de integración

Nacido en 1940 en San Francisco, Bruce Lee obtuvo la ciudadanía estadounidense por nacimiento, ya que sus padres, de origen chino, se encontraban de gira con una ópera por Estados Unidos.

Pocos meses después, la familia regresó a Hong Kong, donde Lee se convirtió en actor infantil y comenzó a estudiar kung fu chino, disciplina que más tarde revolucionaría en Occidente. En 1959, Lee volvió a Estados Unidos y se inscribió en la Universidad de Washington en Seattle, aunque abandonó los estudios universitarios para dedicarse a enseñar artes marciales, un campo en el que dejaría una huella indeleble.

Durante los años sesenta, Bruce Lee ingresó en la industria de Hollywood y obtuvo notoriedad al interpretar a Kato en la serie The Green Hornet. Sin embargo, la industria del entretenimiento estadounidense ofreció a Lee papeles estereotipados y salarios inferiores a los de sus colegas blancos.

Ante estas limitaciones, decidió regresar a Hong Kong, donde se consolidó como estrella del cine de artes marciales con películas como The Big Boss y Fist of Fury. La popularidad de Lee se expandió rápidamente, y su imagen se convirtió en un símbolo para la comunidad asiáticoamericana, que encontró en él un referente de orgullo y resistencia frente a la discriminación y los prejuicios.

Shannon Lee, hija del artista y directora ejecutiva de la Bruce Lee Foundation, fundación dedicada a preservar el legado del maestro, aseguró que el reconocimiento estatal refleja el papel de su padre como “un puente entre culturas”.

En palabras de Shannon, “desde jóvenes que encontraron confianza y posibilidad en su filosofía, hasta familias que por fin se vieron representadas en la pantalla, hasta atletas que aún recurren a sus enseñanzas de disciplina y fortaleza interior, su alcance es profundo”.

La vigencia de su figura se sostiene no solo en el ámbito deportivo, sino también en el cultural y social, donde su ejemplo sigue inspirando a nuevas generaciones.

El contexto social y el valor simbólico de la conmemoración

La creación del Bruce Lee Day en California se inscribe en una corriente de reconocimiento estatal a comunidades históricamente marginadas, como ocurrió con otras fechas emblemáticas, entre ellas el Juneteenth para la comunidad afroamericana.

Este tipo de homenajes busca visibilizar el aporte de las minorías y reparar la falta de representación en el panteón de figuras oficiales del estado.

El respaldo a la ley fue unánime en el Senado estatal, lo que evidencia el consenso respecto a la importancia de la figura de Bruce Lee como símbolo de integración y diversidad. Para los promotores de la medida, el artista “representó orgullo, resiliencia y potencial para innumerables personas que rara vez vieron su fuerza y dignidad reflejadas en la sociedad”, tal y como expresó Haney en declaraciones recogidas por ABC News.

El legado de Lee se mantiene vigente más de cinco décadas después de su muerte. Falleció en 1973, a los 32 años, debido a una reacción alérgica a un analgésico.

No obstante, su imagen y su filosofía continúan presentes en la cultura popular: sus seguidores se reúnen para celebrar su cumpleaños y una propuesta de serie de acción escrita por él inspiró la producción Warrior de HBO Max.

El Bruce Lee Day se presenta como una oportunidad para que la sociedad californiana reflexione sobre la pluralidad de su identidad y valore el papel de quienes, como Lee, abrieron caminos de integración y respeto en medio de contextos adversos.

El conflicto legal que enfrenta a la empresa de inteligencia artificial Midjourney con los principales estudios de Hollywood ha sumado un nuevo capítulo. La startup solicita en tribunales que Disney, Universal y Warner Bros. revelen en detalle cómo emplean esta tecnología en sus propios procesos de creación audiovisual.

La petición, presentada en el marco de una demanda por presunta infracción de derechos de autor, podría marcar un precedente sobre la transparencia en el uso de IA en la industria del entretenimiento, según reportó Variety.

El origen de la disputa: demandas por derechos de autor

En 2023, Disney y Universal presentaron una demanda contra Midjourney, alegando que su modelo generador de imágenes podía crear representaciones de personajes protegidos por derechos de autor, como Bart Simpson y Darth Vader.

Meses después, Warner Bros. se sumó a la acción judicial, incluyendo entre los personajes involucrados a Superman y Batman. Las compañías argumentan que la herramienta de Midjourney permite la copia, distribución y exhibición pública de imágenes derivadas de sus producciones, sin autorización.

El abogado principal de los estudios, David Singer, declaró que el objetivo de la demanda no es eliminar la tecnología de IA ni cerrar a la empresa demandada, sino evitar que continúe “copiando películas y programas de televisión y creando obras derivadas que incluyan copias de personajes famosos sin autorización”.

La defensa de Midjourney: el uso legítimo y la costumbre de la industria

Midjourney sostiene que el entrenamiento de sus modelos de IA, basado en imágenes de personajes disponibles en internet, se ampara en el principio de “uso legítimo” (fair use) del derecho estadounidense. La defensa agrega que los estudios demandantes también emplean técnicas similares para desarrollar sus propios sistemas de IA, lo que, de comprobarse, podría debilitar la acusación y reforzar la posición de la startup.

En documentos presentados ante la corte, Midjourney solicita que los estudios entreguen información sobre sus planes de negocio con IA, informes de investigación, conjuntos de datos usados para entrenar modelos, pesos de esos modelos y presentaciones internas sobre IA. Además, pide acceso a todos los comandos (“prompts”) utilizados en la plataforma, junto con las imágenes generadas, no solo aquellos relacionados con la supuesta infracción.

Según registros judiciales citados por Variety, la empresa argumenta que “los documentos que los estudios retienen son precisamente los que podrían revelar si, a puerta cerrada, están haciendo lo mismo que alegan en la demanda”.

Limitaciones en la entrega de información

En junio de 2026, un juez federal determinó que los estudios solo están obligados a compartir información sobre el uso de IA que haya derivado en productos o imágenes orientados al consumidor (“consumer-facing”), permitiendo que retuvieran la mayoría de los datos internos sobre su utilización de IA. Midjourney busca ahora que la corte revierta esa limitación, al considerar que le impide acceder a pruebas que podrían ser decisivas para su defensa.

“Si los demandantes realizan la misma práctica que buscan sancionar, esa evidencia es central para la defensa de uso legítimo y de ‘manos no limpias’”, escribió el abogado de la empresa, Bobby Ghajar, en documentos recogidos por publicación jurídica Mealey’s.

La startup argumenta que si Disney, Universal o Warner Bros. desarrollan modelos generativos de imágenes para tareas internas, como guion gráfico o conceptualización de contenidos, ese hecho demostraría que la descarga y entrenamiento de IA con material protegido sin licencia es una práctica común en la industria.

El posible impacto del fallo judicial

La decisión del tribunal sobre el acceso a esta documentación podría influir en futuras demandas sobre IA y derechos de autor en Estados Unidos. El fallo establecerá qué tipo de información sobre el uso de IA pueden exigir los tribunales y las partes involucradas en litigios similares.

Asimismo, el caso pone en el centro del debate la transparencia de las grandes productoras en el desarrollo y adopción de tecnologías de inteligencia artificial, un asunto que gana relevancia a medida que la industria audiovisual incorpora herramientas automatizadas en la producción de contenidos.

El proceso judicial entre Midjourney y los estudios de Hollywood continúa abierto y su desenlace podría modificar la manera en que las empresas del sector abordan la integración y supervisión de la inteligencia artificial en la creación de películas y series.

Jodie Foster cuestionó F1, la película protagonizada por Brad Pitt, al afirmar que le sonó a una obra “hecha por IA” durante una charla este martes en el Aspen Ideas Festival. La actriz habló sobre el cambio en el negocio de Hollywood, según Variety.

Foster participó en una conversación con el exjefe de Sony Michael Lynton. Allí, ambos abordaron cómo la tecnología ya impactó en decisiones creativas y laborales dentro de la industria, de acuerdo con el mismo medio.

Foster sostuvo que su comentario no buscó descalificar el resultado comercial. “No lo digo de forma despectiva, ¿cómo podría? Esta película hizo millones de dólares, pero ves una película como F1 y yo digo: F1 la hizo la IA”.

También apuntó a una sensación de fórmula en la construcción narrativa. “¿No fue así? La estructura era exactamente la estructura que te enseñan en la escuela”.

La actriz de The Silence Of The Lambs aseguró que, desde su percepción, la ejecución del guion y la interpretación transmitieron un patrón “computarizado”. “El reparto dijo las líneas exactamente como se escribirían si una computadora estuviera escribiendo exactamente lo que sería lo correcto para ese momento”.

En esa línea, habló de un uso dominante de la tecnología orientado a la escala visual y la recopilación de insumos. “Pudieron dominar la tecnología para hacer algo grande y bonito y, potencialmente, donde mucha de la información viene de otros lados”.

El medio Daily Mail informó que buscó comentarios de los representantes de Foster y Pitt, pero no recibió respuesta.

La producción y el desempeño de la película

F1 fue dirigida por Joseph Kosinski y escrita por Ehren Kruger. Pitt encabezó el elenco junto a Damson Idris, Kerry Condon, Javier Bardem y Tobias Menzies.

La sinopsis ndicó: “Un piloto de Fórmula 1 sale del retiro para mentorizar y hacer equipo con un piloto más joven”.

La película se estrenó en cines el año pasado, en junio. De acuerdo con el texto fuente, recaudó 634,1 millones de dólares con un presupuesto de 200-300 millones de dólares.

El proyecto además consiguió cuatro nominaciones al Oscar y ganó el premio de la Academia a Mejor Sonido.

Kosinski, quien también dirigió Top Gun: Maverick, dijo que buscó llevar F1 a la pantalla con la mayor cantidad de efectos prácticos posible. “El público puede notar cuándo algo se capturó de verdad y cuándo se manufacturó”.

El director agregó que el equipo desarrolló un sistema de cámara más pequeño y ligero. “En general, quería que se sintiera como si realmente estuvieras en la carrera. Así que, de hecho, filmamos escenas en Grandes Premios, y eso significó que las ventanas para filmar eran muy, muy estrechas”.

Kosinski explicó que en ocasiones el elenco y el equipo tuvieron “unos cuantos minutos” para filmar una escena. “La restricción de tiempo fue un reto enorme, pero al mismo tiempo le mete a las escenas una energía y un realismo que no habríamos conseguido de otra manera”.

Durante el desarrollo, Kruger contactó a Lewis Hamilton para revisar el guion, según el texto fuente. También colaboró en el casting y en elementos de personajes. “Para asegurarnos de que sea diverso, para asegurarnos de que realmente refleje el mundo exterior”, dijo Hamilton a GQ.

IA, sindicatos y empleo en los sets

En el festival, Foster habló de su lectura del momento que atraviesa Hollywood. “La IA es un paso gigante más hacia adelante para cambiar la industria”.

Lynton le planteó una pregunta directa sobre el impacto laboral: “La gran pregunta es si va a reemplazar a actores y guionistas”, dijo Michael Lynton a Variety. Foster respondió: “Sí reemplazamos gente”.

Como ejemplo, mencionó la posibilidad de replicar actores de fondo en vez de contratar a más personas para una escena. “Estamos eliminando muchos trabajos y ojalá cosas como los sindicatos puedan entrar y decir: puedes usar a mi actor 20 veces, pero le vas a pagar 20 veces. Y creo que eso es justo”.

También fijó una expectativa creativa frente a la herramienta. “Lo que todos quisiéramos es que los cineastas pudieran dominar la IA, y nunca perder de vista eso”.

A partir de experiencias personales y profesionales, el actor estadounidense reflexionó sobre la forma en que elige sus proyectos, el valor de la colaboración en un rodaje y el proceso creativo detrás de The Invite, la nueva película dirigida por Olivia Wilde en la que participa, además de los desafíos de mantenerse fiel a una visión artística.

La autenticidad como motor en la elección de proyectos

Norton rechazó la idea de concebir su carrera como una acumulación de títulos. “Nunca he visto el hacer películas o actuar como un juego de volumen”, sostuvo durante la charla.

El actor de 56 años insistió en que elige sus trabajos por la conexión que siente con cada propuesta, y no por la lógica del mercado. “No se trata de vender widgets”, afirmó.

Según Norton, los actores que lo inspiraron no se definieron por la cantidad de películas en las que participaron, sino por la intensidad con la que se sumergieron en proyectos que realmente los desafiaban.

Diferenció entre figuras icónicas del cine y quienes optan por la transformación constante: “Creo que algunos actores tienen cualidades que disfrutamos una y otra vez, casi como si fueran figuras mitológicas. Otros, en cambio, funcionan como canales para algo distinto en cada ocasión”.

También reconoció que nunca se sintió parte del primer grupo, sino más bien de quienes absorben mundos ajenos para luego transmitirlos, como un “chamán” por donde pasa una energía distinta con cada papel.

La autenticidad está ligada a una búsqueda permanente de expansión creativa y a evitar la comodidad. Admitió que la autocrítica y la inquietud forman parte intrínseca del oficio, y observa que la autopercepción suele diferir de la imagen que proyectan hacia el exterior.

“Quizá todos somos inquietos y autocríticos, y no registramos los logros tanto como el resto los ve desde afuera”, comentó en Armchair Expert podcast.

Improvisación y confianza en “The Invite”

Durante la producción de “The Invite”, Norton experimentó un proceso inusual, basado en la confianza y la improvisación. Olivia Wilde, directora de la película, propuso rodar la película en orden de guion y animó al elenco a descubrir el desarrollo emocional de los personajes sobre la marcha.

Norton explicó que el método de trabajo de Wilde favoreció la espontaneidad en escenas clave, al filmar las reacciones del elenco sin que los actores conocieran previamente algunos diálogos importantes. Como ejemplo, mencionó un monólogo de su personaje cuya primera toma captó respuestas genuinas de sus compañeros, una decisión que contribuyó a definir el tono de la película.

Señaló que nunca antes había trabajado bajo un esquema de tanta apertura por parte de la dirección, y destacó la capacidad de la cineasta de 42 años para sostener la incertidumbre y guiar al elenco a través de ella.

“No recuerdo haber trabajado con otro director que me haya dado tanta confianza y tanto respeto”, aseguró Norton. El resultado, a juicio del equipo, fue la creación de una película con profundidad emocional y escenas que se nutren de la colaboración entre intérpretes y realizadores.

El entorno y las relaciones como impulso creativo

Las experiencias personales y las relaciones cercanas aparecen como motores para la creatividad a lo largo de la carrera de Norton. El actor recuerda el apoyo recibido de colegas como Richard Gere durante sus primeros años en la industria.

Gere, quien compartió elenco con Norton en “Primal Fear”, lo incentivó a confiar en su talento y a invertir en sí mismo, incluso cuando las condiciones económicas eran adversas. “Me dijo: ‘Esto no va a ser tu último trabajo. Compra esa guitarra’”, relató sobre una anécdota en la que el veterano actor lo animó a dejar atrás la mentalidad de escasez.

La conversación también incluyó referencias al círculo de amistades de Norton, como la directora Olivia Wilde y el actor Seth Rogen, con quienes comparte una visión de trabajo basada en la confianza y el respeto mutuo.

Para el actor, el entorno influye directamente en la forma de encarar cada proyecto, y la apertura a nuevas ideas o perspectivas ajenas resulta fundamental para el crecimiento personal y profesional.

Innovación ambiental: capturando emisiones en los puertos

Lejos de su trabajo en el cine, Norton impulsa un proyecto ambiental en los puertos de California para reducir la contaminación generada por grandes buques. La iniciativa utiliza una barcaza equipada para capturar gases tóxicos emitidos por las chimeneas de los barcos atracados, con el objetivo de disminuir contaminantes nocivos para la salud.

Según explicó, el sistema captura óxidos de nitrógeno, dióxido de azufre y material particulado, responsables de enfermedades respiratorias. Asimismo, señaló que la contaminación portuaria genera un elevado costo sanitario anual y destacó que, durante su primer año de funcionamiento, la barcaza logró capturar un volumen de emisiones equivalente al de 65 millones de automóviles.

Guillermo del Toro, John Gore y Gale Anne Hurd se suman a la Junta Directiva del Museo de la Academia de Hollywood a partir del 1 de julio, según confirmó la institución este martes en un comunicado.

La elección de los tres incorpora al organismo perfiles que abarcan el cine de autor, el teatro y el cine de género, con trayectorias que suman decenas de premios de la industria.

La incorporación de los tres se produce en un momento de expansión para del Toro dentro de la Academia. A mediados de junio, la institución ya lo había elegido miembro de la Junta de Gobernadores en la rama de directores, su primer cargo en ese órgano. En cuestión de semanas, el cineasta tapatío acumula dos nuevos puestos en la estructura de la Academia.

Qué hace la Junta Directiva del museo

El organismo garantiza la estabilidad financiera y organizativa del museo a largo plazo, además de asegurar su transparencia ante el público.

“Sus diversas perspectivas ayudarán a seguir expandiendo el impacto del museo en todo el mundo”, afirmó Amy Homma, directora y presidenta de la institución.

La junta ampliada incluye ahora, entre otros, al presidente Olivier de Givenchy, al vicepresidente Eric Esrailian, a Tom Hanks, Ted Sarandos, Eva Longoria y Jason Reitman.

La institución mantiene activas varias exposiciones, entre ellas Marilyn Monroe: Hollywood Icon, Jaws: The Exhibition y Studio Ghibli’s PONYO, que reflejan su apuesta por combinar el patrimonio clásico de Hollywood con el cine internacional y de animación.

Los perfiles de los nuevos integrantes

Gore llega con un récord difícil de igualar en el teatro estadounidense: 27 premios Tony, la mayor cantidad obtenida por una sola persona en la historia de los galardones, más dos premios Olivier y dos Emmy.

Es fundador y presidente ejecutivo de John Gore Studios, con sede en Londres, que opera a partir de la John Gore Organization, la empresa que controla Broadway Across America y Broadway.com. Su productora tiene en su haber espectáculos como Wicked, Hamilton y El rey león de Disney en giras por toda Norteamérica. Variety lo ha incluido entre sus 500 líderes empresariales más influyentes de los medios de comunicación durante cinco años consecutivos.

Hurd, por su parte, construyó su trayectoria en el cine de acción y ciencia ficción. Entre sus producciones figuran títulos nominados o ganadores del Óscar como Aliens (1986), The Abyss (1989), Terminator 2: Judgment Day (1991) y Armageddon (1998). Las dos cintas de Terminator forman parte del Registro Nacional de Películas de Estados Unidos.

En televisión, es productora ejecutiva de la franquicia de zombis de AMC The Walking Dead y su universo expandido. Hurd fue miembro de la Junta de Gobernadores de la Academia y recibió recientemente el premio WomanInFan a la Trayectoria en el Festival de Cine de Sitges.

La carrera de Guillermo Del Toro

Del Toro nació en Guadalajara, Jalisco, el 9 de octubre de 1964, y comenzó su carrera en el diseño de maquillaje antes de debutar como director con Cronos (1993), cinta que arrasó en los premios Ariel.

Su salto a Hollywood llegó con Mimic (1997), pero fue El laberinto del fauno (2006) la que lo consolidó como autor de referencia mundial: la película recibió seis nominaciones al Óscar y ganó el León de Oro en Venecia. Sus filmes han acumulado un total de 11 premios Óscar.

Los tres que lleva como ganador directo corresponden a Mejor Película y Mejor Director por La forma del agua (2018), y a Mejor Película Animada por Pinocho (2022). Su más reciente largometraje, Frankenstein —con Oscar Isaac y Jacob Elordi—, recibió nueve nominaciones al Óscar 2026 y se alzó con tres estatuillas en diseño de vestuario, diseño de producción y maquillaje y peluquería.

A los astros del campo, el Mundial en Estados Unidos ha sumado en las tribunas a estrellas de Hollywood, de la música y de otros deportes, en lo que expertos consideran una estrategia de activación de marca e impulso de las transmisiones de televisión.

Las gradas de los estadios del gigante de Norteamérica, que recibe el 75% de los juegos del torneo, se han tornado en pasarelas por las que han desfilado desde Paris Hilton, Leonardo DiCaprio, Katy Perry, Shakira, Brad Pitt o Sofía Vergara hasta Tom Cruise, Tom Brady, Edward Norton o Bill Gates.

Se trata de un toque especial aportado por el país del “sportainment”, el deporte como entretenimiento, más allá de las controversias del gobierno de Donald Trump durante la preparación y celebración de la mayor cita del fútbol.

“A todos, en general, nos gusta esa convergencia que hay entre deporte y entretenimiento, y esto es algo que sucede sobre todo en el deporte estadounidense”, dice a esta agencia la experta en mercadeo deportivo Carolina Jaramillo.

Los partidos de las ligas de baloncesto (NBA) y fútbol americano (NFL) de Estados Unidos, coanfitrión del Mundial junto con Canadá y México, suelen recibir a famosos del mundo de las artes y el espectáculo.

Las cámaras de TV los destacan y con frecuencia sus presencias acaban teniendo impacto en otras órbitas, como las redes sociales o activando campañas publicitarias en las que participan estas estrellas.

“Complementar la experiencia” del fútbol

En la Copa del Mundo 2026 se viralizó la imagen de Brad Pitt y Edward Norton, protagonistas de la película de culto El club de la pelea (1999), viendo juntos el partido entre el Team USA y Turquía en el SoFi Stadium en Los Ángeles.

El moderno recinto, con capacidad para 70.000 personas, queda a casi 30 kilómetros del paseo de la fama de Hollywood.

“¿Edward Norton hablando solo?”, dice un replicado meme junto a la foto de ambos actores en la tribuna, en referencia al trastorno que sufría el personaje de Norton en el filme que lo llevó a inventar la existencia del de Pitt.

“Al final la gente que está en el estadio es muy limitada, 90.000, 80.000 espectadores, mientras que los televidentes son cientos de millones”, explicó Jaramillo. “Es una audiencia global que busca también complementar la experiencia (de ver fútbol) con otras cosas”.

La asistencia de famosos a los estadios de fútbol no es exclusiva de Estados Unidos. En otros mundiales o en juegos de la Liga de Campeones de Europa también se les ve, particularmente a viejas glorias del fútbol.

En el Mundial, la aparición de estas referencias del planeta de la farándula no responde a una estrategia coordinada por la FIFA para impulsar el certamen o enganchar al público estadounidense con el fútbol, según dijo a esta agencia una fuente de la organización que pidió el anonimato.

Un poco natural

A los recintos estadounidenses las estrellas de fuera del campo suelen asistir invitadas por la FIFA, las federaciones, las autoridades de las ciudades sedes o patrocinadores, explicó a la AFP la fuente de la organización.

Algunos incluso participan en actividades de activación de marcas antes o después de los cotejos.

Es “un poco natural” que pase esto en Estados Unidos, especialmente en los estadios de Los Ángeles y el de East Rutherford, a las afueras de Nueva York, donde los famosos suelen frecuentar los partidos de equipos de béisbol, de la NFL o básquet, agregó.

Algunos de estos ilustres espectadores, en particular los exdeportistas, también son dueños de palcos en los estadios anfitriones, por lo que tienen garantizado su acceso a los encuentros mundialistas, añadió la fuente.

“Su presencia refleja el atractivo mundial de la Copa del Mundo de la FIFA y la forma única en que el fútbol une el deporte, la cultura y el entretenimiento”, dijo el ente rector del fútbol en un mensaje enviado a esta agencia.

El trofeo será entregado en la final del 19 de julio, en East Rutherford, por un hombre que cosechó parte de su fama gracias a su paso en la pantalla chica, y que ahora se siente en el sillón de la Casa Blanca, Donald Trump.

Fuente: AFP.

Fotos: Captura de video/ Redes sociales; Reuters/ Captura de video y Reuters/Eloisa Lopez.

El accidente fatal ocurrió a las 2:25 de la madrugada del 29 de junio de 1967. El Buick Electra 1966 en el que viajaba la bella actriz Jayne Mansfield chocó contra la parte trasera de un camión semirremolque en la Ruta 90, a unos 48 kilómetros de Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos. El impacto fue tan violento que el motor del auto se incrustó en el asiento delantero. Los tres adultos que iban adelante murieron en el acto.

Mansfield había actuado esa noche en el Gus Stevens Supper Club de Biloxi, Misisipi. Al terminar el show, partió hacia Nueva Orleans, donde tenía programada una entrevista televisiva para la mañana siguiente.

En el asiento delantero viajaban, además de ella, su novio y abogado Sam Brody, de 40 años, y el chofer Ronnie Harrison, de 20, empleado del boliche. En el asiento trasero dormían tres de sus cinco hijos: Mariska, de tres años, y sus hermanos Mickey Jr. y Zoltán, de ocho y seis años respectivamente.

Zoltán recordó la escena en el documental My Mom Jayne/Mi madre Jayne, estrenado en 2025: “Muchas veces pienso por qué no se quedó en el asiento de atrás con nosotros”. Según su relato, Mansfield había estado discutiendo con Brody y decidió pasar al frente mientras los chicos dormían. “La recuerdo consolándome, diciéndome que iba a estar bien. Veinte minutos después, media hora, la escuché gritar muy fuerte, y eso fue todo”.

El semirremolque había frenado porque delante suyo una máquina rociaba insecticida para eliminar mosquitos. La nube blanca y espesa que generaba el aparato tapó por completo las luces traseras del camión. Harrison no lo vio hasta que fue demasiado tarde.

El Buick se deslizó por debajo del trailer. La parte superior del auto quedó cercenada por el chasis del camión. Los tres adultos del asiento delantero murieron de forma instantánea. También murió la perra chihuahua de Mansfield. Los tres chicos del asiento trasero sobrevivieron con heridas leves.

Mariska no fue rescatada de inmediato. Según reveló el documental, la nena había sufrido un golpe en la cabeza y quedó atrapada debajo del asiento del acompañante. El personal de emergencias la pasó por alto cuando sacó a sus hermanos de entre los fierros. Fue Zoltán quien, ya alejados del lugar del accidente, notó que su hermana no estaba y dio la voz de alarma. La fueron a buscar de inmediato.

Las fotos del accidente que circularon en los días siguientes alimentaron una versión que persiste hasta hoy: que Mansfield había sido decapitada en el choque. La imagen que más contribuyó al rumor fue la de su peluca, que había salido despedida del auto y en algunas tomas parecía ser su cabeza.

El informe policial señaló que “la parte superior del cráneo de esta mujer de raza blanca estaba separada”. El certificado de defunción confirmó un cráneo aplastado y una separación parcial del mismo, una lesión más cercana a un arrancamiento del cuero cabelludo que a una decapitación total.

El director de la funeraria, Jim Roberts, fue terminante décadas después. “Su cabeza estaba tan unida al cuerpo como la mía”, declaró a The New York Times, diario estadounidense, en mayo de 1997.

Otro rumor atribuyó la muerte a una maldición del fundador de la Iglesia de Satán, Anton LaVey, con quien Mansfield había tenido un vínculo, y quien supuestamente había lanzado un maleficio sobre Brody. Ese relato, como es lógico, nunca fue corroborado.

Mansfield nació como Vera Jayne Palmer el 19 de abril de 1933 en Bryn Mawr, Pensilvania, hija única de un abogado y músico y de una ex maestra. A los tres años presenció la muerte de su padre: sufrió un infarto al volante mientras ella iba en el auto. Más tarde rememoraría: “Algo se fue de mi vida... Mis primeros recuerdos son los mejores. Siempre trato de recordar los buenos momentos cuando papá estaba vivo”.

Su madre volvió a casarse en 1939 con un ingeniero de ventas llamado Harry Peers, y la familia se mudó a Dallas. Jayne adoptó el apellido Peers y creció en un barrio de clase media alta. Fue una alumna destacada, aprendió cuatro idiomas, y estudió canto, danza y violín. De adolescente tocaba el violín en la entrada de su casa para los que pasaban por la vereda.

A los 16 años conoció en una fiesta de Navidad a Paul Mansfield, de 20. Se casaron en secreto en enero de 1950, meses antes de que ella terminara el secundario. Ese mismo año nació su primera hija, Jayne Marie.

Lejos de quedarse en casa, algo bastante común por entonces, Mansfield siguió estudiando. Cursó en la Southern Methodist University y en la Universidad de Texas en Austin, donde se especializó en teatro y actuó en obras locales, incluyendo una producción de Muerte de un viajante, de Arthur Miller. En 1954, convenció a su marido de mudarse a Los Ángeles.

Los primeros años en Hollywood fueron duros. Tuvo audiciones fallidas en la Paramount y en la Warner Bros., y tuvo que vender caramelos en un cine para sobrevivir. En una sesión de fotos para General Electric, el fotógrafo la sacó del encuadre porque resultaba “demasiado sexy” para el público de mediados de la década de 1950.

Mansfield se tiñó el pelo de rubio platinado por sugerencia de un director de casting y convirtió el rosa en su marca personal: manejaba un auto rosa, usaba ropa rosa y terminó comprando una mansión en Hollywood que todos llamaron “el Palacio Rosa”, con una pileta en forma de corazón.

Su despegue llegó con la obra de Broadway Will Success Spoil Rock Hunter?, que se extendió por 444 funciones y la llevó a la tapa de la revista Life a los 22 años. La adaptación cinematográfica de 1957 fue un éxito. Ese mismo año protagonizó Kiss Them for Me junto a Cary Grant.

Marilyn Monroe no ocultaba su fastidio. “Todo lo que hace es imitarme”, se quejó Monroe, “pero sus imitaciones son un insulto para ella y para mí. Desearía tener algún recurso legal para demandarla”. Mansfield no solo no se achicó ante la rivalidad sino que, según se contó, sedujo al presidente John F. Kennedy precisamente por el vínculo que este tenía con Monroe.

En nueve meses, entre septiembre de 1956 y mayo de 1957, Mansfield apareció en unas 2.500 fotos de diarios. Posó para Playboy en varias ocasiones durante los años 50 y se convirtió en un fenómeno de la prensa que superaba con creces su presencia en las pantallas.

En 1963 protagonizó Promises! Promises!, la primera película de una actriz estadounidense de alto nivel con desnudos. Varias ciudades de Estados Unidos prohibieron el film. Las fotos que acompañaron el estreno en Playboy terminaron de hundir su reputación en la industria. Fue el principio del fin de su carrera cinematográfica.

En 1958, días después de que se firmara su divorcio de Paul Mansfield, se casó con el fisicoculturista y actor Mickey Hargitay, ganador del título de Míster Universo en 1955 y ex integrante del elenco de bailarines de Mae West. Juntos tuvieron tres hijos: Mickey Jr., Zoltán y Mariska.

En 2025, Mariska reveló públicamente que su padre biológico no era Mickey Hargitay sino el cantante Nelson Sardelli, con quien Mansfield tuvo un affaire en 1963 mientras actuaba en un club de Atlanta. Según la revista Vanity Fair, Mansfield supo en ese momento que estaba en una encrucijada y eligió volver con Hargitay. “Sabía que Mickey me iba a amar para siempre y que iba a amar a esa criatura”, le dijo Mariska a esa revista. La actriz contó que se enteró de la verdad sobre su padre biológico a los 25 años.

Tras separarse de Hargitay en 1963, Mansfield se casó al año siguiente con el director Matt Cimber, con quien tuvo a su quinto hijo, Antonio. Se divorciaron en 1966. Después inició una relación con Sam Brody, su abogado en la disputa por la custodia de sus hijos con Cimber, descripta como tormentosa y con episodios de violencia. Brody moriría junto a ella en el accidente.

El funeral de Mansfield se realizó el 3 de julio de 1967 en Pen Argyl, Pensilvania. Fue enterrada en la misma parcela familiar que su madre en el cementerio Fairview. Aunque la familia pidió privacidad, cerca de mil personas se congregaron en el pequeño pueblo del valle del Lehigh para presenciar el sepelio, lo que generó, según los diarios de la época, un “ambiente de circo”.

Mickey Hargitay dijo ese día: “Quisiera que el mundo entero la recordara como yo la recuerdo. Era una mujer extraordinaria y una gran madre. Lamento de verdad que nadie haya conocido a la verdadera Jayne”.

El accidente que le costó la vida tuvo una consecuencia directa en la seguridad vial. La Administración Nacional de Seguridad del Tráfico en las Carreteras de Estados Unidos ordenó que todos los semirremolques incorporaran una barra de acero en la parte trasera para impedir que los autos se deslizaran por debajo. Esa barra lleva su nombre: la barra Mansfield.

Mariska Hargitay, que se convirtió en actriz y ganó fama por su papel de Olivia Benson en la serie Law & Order: Special Victims Unit, lleva en la cabeza una cicatriz del accidente. En 2025 estrenó en el Festival de Cannes el documental My Mom Jayne/Mi madre Jayne, con el que ganó el premio a Mejor Primer Documental en los Critics’ Choice Documentary Awards.

Jayne Mansfield murió hace 59 años. La bella mujer que había dejado una huella en Hollywood tenía tan solo 34 años.

En esa conversación, Bridges dijo que le interesan “todo tipo de cosas espirituales” desde niño, que su matrimonio con Sue Bridges acaba de cumplir 49 años y que la intimidad se sostiene al escuchar al otro sin preparar una réplica. Explicó que Minions y monstruos transcurre en el Hollywood de los años 20 y que allí interpreta a los gemelos Frank y Elwood Bright.

Según contó en This Past Weekend, ese interés espiritual viene de mucho antes de su fama: “Me interesan todo tipo de cosas espirituales desde que era niño. Me criaron, supongo, desde una perspectiva cristiana”.

En el podcast, Bridges resumió una de las ideas que más lo marcaron: “El primer principio es no saber. La certeza puede meternos en grandes problemas cuando estamos demasiado seguros”.

El actor amplió esa idea con los principios de los Zen Peacemakers, una organización budista: “No saber, sino dar testimonio de lo que está pasando... y luego el tercero es la acción que surge de no saber y de dar testimonio, y de ahí sale la acción apropiada”.

Bridges también habló de la inteligencia artificial como una fuerza que lo atrae y lo inquieta a la vez. “Da miedo, hombre. Da mucho miedo, pero es una amalgama de toda nuestra sabiduría, nuestra alma, nuestras cosas”, dijo en This Past Weekend.

Rechazó la comodidad como estado permanente. “Cuando estás cómodo, no creces”, afirmó, antes de insistir en que los desafíos permiten descubrir capacidades que permanecen ocultas mientras no aparecen pruebas nuevas.

Cómo explica Jeff Bridges su matrimonio de 49 años

Al pasar a su vida en pareja, Bridges contó en This Past Weekend que él y Sue Bridges acababan de celebrar su aniversario 49. “Tuve suerte, hombre”, dijo antes de recordar que la conoció durante el rodaje de Rancho Deluxe en Montana.

El actor situó ese primer encuentro en Chico Hot Springs. “Veo a esta chica hermosa con dos ojos morados y la nariz rota”, recordó sobre aquella escena, y contó que reunió valor para invitarla a salir, pero ella respondió: “No”.

Después explicó que durante mucho tiempo se resistió al compromiso por miedo a perder autonomía. “Sí, absolutamente. Eso era lo que me pasaba”, dijo, antes de resumir qué buscaba en el fondo: “El estado que buscamos, al menos el que yo busco, es la intimidad”.

A partir de ahí definió el matrimonio. “Es el campo de juego de la intimidad”, sostuvo. Luego añadió: “Cada vez que pasas por un momento difícil, o lo dejas, o tu amor, tu intimidad y tu conexión tienen que crecer”.

Al recordar la decisión de casarse, usó una imagen que vinculó con Sue Bridges. “Tenía la imagen de un puñado de arena, y había un pequeño diamante ahí, y ese era Sue”.

Sobre la convivencia, describió el método que usan cuando surge un conflicto. “Nos turnamos... y una persona dice todo lo que siente, y la otra solo escucha. No piensa en su refutación”.

Esa práctica, añadió, no se limita a un asunto concreto. “Sobre todo”, respondió cuando Theo Von le preguntó si hablan de todo, y precisó que intentan evitar el reproche directo con otra fórmula: “Tratamos de decir: ‘Así me siento. Esto es lo que siento’”.

Qué contó Jeff Bridges sobre su nueva película

En el tramo final de la entrevista, Bridges presentó Minions y monstruos como una historia ambientada en el Hollywood de los años 20. “Los Minions se enamoran de Hollywood y de hacer películas”, explicó según This Past Weekend.

Detalló su papel en la película. “Interpreto a dos hermanos gemelos, Frank y Elwood Bright, de los Bright Brothers”.

Según su explicación, la trama arranca cuando los Minions irrumpen en un set de rodaje y llaman la atención por su novedad: “Estos tipos son nuevos. Nadie ha visto nunca nada como ellos”.

El conflicto aparece con la llegada del cine sonoro: “Y llegan las películas habladas, y ellos no hablan muy bien”, contó. Luego resumió la historia: “Traigamos monstruos, y eso resulta ser justo lo que necesitaban para triunfar en Hollywood”.

Bridges también mencionó a Allison Janney, actriz, Christoph Waltz, actor, y al director Pierre Coffin al hablar del trabajo de doblaje. Lo definió como “una jam session” y dijo que su parte ocupó pocos días, aunque la película completa llevó años.

En la película Titanic, estrenada en 1997, uno de los elementos visuales más recordados es el collar Corazón del Océano. Desde su primera aparición en la pantalla, esta joya azul cautivó tanto a los personajes dentro de la historia como al público fuera de ella. El accesorio, entregado por el millonario Cal Hockley a su prometida Rose DeWitt Bukater, se convirtió en un símbolo central del relato, asociado tanto al lujo como a las tensiones y pasiones que se desarrollan a bordo del célebre transatlántico.

En el film dirigido por James Cameron, no se trata únicamente de una joya de gran valor, sino que adquiere un papel protagonista en la trama. La historia lo presenta como una piedra de origen real, un diamante azul de 56 quilates, y lo utiliza para tejer la narrativa entre el pasado y el presente. El colgante aparece en momentos clave: desde el retrato de Rose hasta la búsqueda moderna de tesoros en los restos del RMS Titanic. Su presencia en las escenas más trascendentales lo transforma en un objeto de deseo, misterio y memoria, elevando su estatus de simple adorno a pieza icónica de Hollywood.

La historia del Corazón del Océano, la joya del Titanic

El Corazón del Océano es mucho más que un simple accesorio dentro del universo de Titanic; su historia, aunque ficticia en la película, está construida sobre una fascinante mezcla de leyendas, inspiraciones históricas y creatividad cinematográfica. En la ficción, este diamante azul de 56 quilates, conocido como Coeur de la Mer, es presentado como una joya de origen francés que habría pertenecido al rey Luis XVI antes de desaparecer durante la Revolución Francesa. En la trama, resurge como un lujoso regalo de compromiso de Cal Hockley para Rose DeWitt Bukater, estableciendo desde el inicio su carácter exclusivo y su peso emocional.

En el desarrollo de la película, se convierte en el eje de una búsqueda moderna, cuando el cazador de tesoros Brock Lovett y su equipo exploran los restos del RMS Titanic en busca de la legendaria joya. La narrativa se despliega entre el pasado y el presente, utilizándolo como puente para reconstruir los recuerdos de Rose y, con ellos, la historia de amor y tragedia que marcó aquel fatídico viaje en 1912. De este modo, aparece en momentos cruciales: es el centro del retrato de Rose, el motivo de una falsa acusación contra Jack Dawson y, finalmente, el último vínculo tangible que une a Rose con su pasado, cuando decide arrojarlo al océano 84 años después del naufragio.

Aunque el Corazón del Océano es un invento de James Cameron y su equipo, su diseño y el mito que lo rodea han despertado una fascinación duradera. En la realidad, la joya utilizada en el rodaje fue confeccionada por la firma Asprey & Garrard en Londres, utilizando circonita cúbica en lugar de un verdadero diamante azul, debido a los altos costes de una piedra natural de semejante tamaño. Posteriormente, la misma casa de joyería creó una versión real con un zafiro azul de 171 quilates y 103 diamantes, que fue subastada por 2,2 millones de dólares y lucida por Celine Dion durante su interpretación de “My Heart Will Go On” en los Premios Óscar de 1998, según relataron la revista People y el portal Only Natural Diamonds.

La construcción del mito también tomó inspiración en gemas legendarias como el Diamante Hope, una piedra azul real de 45,53 quilates con una historia vinculada a la realeza francesa y rodeada de misterio y superstición. La película establece paralelismos entre ambas joyas, reforzando la idea de que, aunque el Corazón del Océano no existió tal cual, su leyenda se alimenta de relatos y piezas que sí formaron parte de la historia.

Impacto cultural de la joya tras la película Titanic

Tras el estreno de Titanic en 1997, el Corazón del Océano se consolidó como una de las joyas ficticias más reconocidas del cine, trascendiendo la pantalla para instalarse en la cultura popular. Su imagen, asociada a la elegancia y al misterio, fue rápidamente adoptada por diseñadores de accesorios, casas de joyería y eventos de la industria del entretenimiento. Réplicas de la pieza se convirtieron en objetos de deseo para coleccionistas y admiradores de la película, generando un fenómeno comercial que llegó incluso a la moda de alfombras rojas y galas benéficas.

El collar también impactó en la percepción colectiva sobre la historia del film, ya que su presencia en la trama ayudó a renovar el interés por los relatos vinculados al naufragio, fusionando ficción y realidad en la memoria colectiva. El collar inspiró a medios, museos y exposiciones a redescubrir antiguas joyas asociadas al desastre del RMS Titanic, posicionando a la pieza como símbolo de romance y tragedia. Además, la popularidad del collar contribuyó a que otros diamantes azules legendarios.

La influencia no se limitó al mundo del cine y la joyería. Su estética y su historia han sido referenciadas en canciones, programas de televisión, parodias, y campañas publicitarias, consolidando la joya como un ícono transgeneracional. Incluso décadas después del estreno de la película, el collar sigue asociado a la narrativa de amor y pérdida que marcó a Titanic, demostrando cómo un objeto ficticio puede adquirir vida propia en la cultura global.

Los Minions regresan a la pantalla grande con una aventura que promete conquistar tanto a niños como a adultos. Minions y Monstruos, la nueva entrega de la exitosa franquicia animada, llegará a los cines el próximo miércoles 1 de julio, con una historia que mezcla el humor característico de estos personajes con un homenaje a los monstruos clásicos del cine.

Para la versión en español, la producción reunió a dos figuras del entretenimiento mexicano: el comediante Carlos Ballarta, quien presta su voz al robot alienígena Dort, y el influencer Abel Sáenz, mejor conocido como Abelito, quien debuta en el doblaje interpretando al adorable Goomi.

En entrevista, ambos compartieron cómo construyeron a sus personajes, qué tanto se identifican con ellos y por qué consideran que esta película es mucho más que una simple comedia infantil.

Dort y su singular forma de ver el mundo

Con especiales de stand up como "Furia Ñera" y "Falso Profeta", además de su actual gira "Naco Ladino", Carlos Ballarta se ha consolidado como uno de los comediantes más importantes de México.

Pero de hecho, Ballarta viene del doblaje, pues fue su principal profesión antes de comenzar a tomar el micrófono. Con una carrera de más de 10 años, ha participado en distintas producciones animadas y realizado apariciones en cine y televisión.

Sin embargo, el comediante considera que interpretar a un personaje no depende de parecerse a él.

“No creo que necesites compartir mucho con el personaje que te vaya a tocar. Como cualquier trabajo actoral, tienes que trabajar con las emociones que tienes guardadas y sacarlas cuando el guion lo pida”, explicó.

Aunque aclaró que no es un requisito, reconoció que encontrar similitudes puede hacer que una interpretación resulte más natural.

En el caso de Dort, un robot extraterrestre que observa por primera vez el comportamiento de los seres humanos, Ballarta encontró una conexión inmediata con el tipo de humor que ha construido durante años.

“Siento que comparto mucho este tema de venir al mundo y preguntarse por qué los humanos hacemos cosas tan raras. Mi comedia muchas veces consiste en decir: ‘¿Ya se dieron cuenta de esto?’. Ahí encontré el punto en común con Dort”, comentó.

De TikTok al doblaje de Goomi

Para Abel Sáenz, conocido por millones de seguidores como Abelito, Minions y Monstruos representa un paso importante en una carrera que ha crecido rápidamente durante los últimos años.

El creador de contenido alcanzó gran popularidad tras participar en el reality Par de Ideotas, encabezado por Vadhir Derbez y José Eduardo Derbez. Posteriormente se integró a La Casa de los Famosos México 2025, donde amplió todavía más su presencia entre el público. Actualmente también forma parte del programa Entre Compas, uno de los espacios digitales dedicados a la cobertura del Mundial 2026.

Ahora, su incursión en el doblaje llega de la mano de Goomi, un pequeño monstruo con el que, asegura, comparte más de una característica.

“Tuve la fortuna de tener un personaje con el que me identifico. Goomi es muy chistoso, muy tierno, más chiquito que los Minions... ¡pero también es un desastre!”, dijo entre risas.

Abelito reconoció que el proyecto representó un desafío importante por tratarse de una de las franquicias animadas más exitosas del cine, aunque aseguró que disfrutó cada sesión de grabación.

“Fue un reto personal muy bonito. Estamos hablando de una saga muy querida por el público y entregamos el corazón. Si a la gente le gusta, claro que me gustaría seguir haciendo doblaje”, afirmó.

Un homenaje al cine detrás del humor de los Minions

Aunque Minions y Monstruos está pensada como una película familiar, Carlos Ballarta considera que también es un homenaje al origen del cine fantástico.

El comediante destacó que la historia recupera referencias a personajes emblemáticos como Frankenstein, el Hombre Lobo y otras criaturas que marcaron las primeras décadas del cine de terror, algo que, en su opinión, hará disfrutar especialmente a los cinéfilos.

“Se me hace muy bonita porque toca una parte desde el principio del cine y hace muy lógica la transición hacia los monstruos. A fin de cuentas están Frankenstein, el Hombre Lobo y todos estos monstruos del cine de antes”, explicó.

Ballarta también celebró la participación del cineasta argentino Andy Muschietti, director de películas como It y The Flash, quien forma parte del elenco de voces de la versión en español.

“Se me hace muy chido que una película como Minions haga esta carta de amor al cine”, añadió.

El desafío de la comedia infantil

Aunque lleva años haciendo reír a públicos adultos con su humor irreverente, Ballarta reconoce que la comedia infantil sigue siendo uno de los terrenos más difíciles para cualquier comediante.

El standupero confesó que, hasta ahora, sus mejores maestros han sido sus propios hijos.

“El entrenamiento que tengo es cuando hago reír a mis hijos. Es el único entrenamiento que he tenido para hacer comedia infantil”, señaló.

Lejos de considerar que ya domina ese tipo de humor, aseguró que todavía busca aprender más sobre el género y espera que proyectos como Minions y Monstruos le permitan seguir desarrollando nuevas herramientas como actor de doblaje.

“Es algo que me interesa aprender y espero tener muchos acercamientos con la comedia infantil para seguir creciendo”, concluyó.

¿Cuándo se estrena Minions y Monstruos?

La nueva película de los Minions llegará a los cines mexicanos el próximo miércoles 1 de julio.

Además de reunir el humor que ha convertido a la franquicia en un fenómeno mundial, la cinta incorpora referencias al cine clásico de monstruos y un elenco de doblaje encabezado por Carlos Ballarta y Abelito, quienes coincidieron en que el público encontrará una historia divertida, entrañable y hecha con mucho corazón para toda la familia.

Charles Chaplin sostuvo, hasta el final de su vida, que La quimera del oro era la película por la que más deseaba ser recordado. No eligió El gran dictador, ni Tiempos modernos, ni El pibe. Eligió la historia de un vagabundo que hierve una bota y la come con la elegancia de un gourmet en medio de la nieve de Alaska.

Para entender la película, conviene saber de dónde venía su autor. Chaplin nació en Londres en 1889. Su padre murió cuando él tenía 12 años y su madre fue internada en repetidas ocasiones en asilos psiquiátricos. Desde los 9 años, junto a su hermano mayor Sydney, tuvo que arreglárselas solo.

Se formó como actor, bailarín y comediante en los escenarios del music hall inglés. En 1908 se incorporó a la popular compañía de Fred Karno, donde también estaba un joven Stan Laurel. Cuando la gira del grupo por Estados Unidos terminó, en 1913, Chaplin decidió quedarse allí para trabajar en el cine.

Firmó contrato con Keystone Studios e hizo 35 cortometrajes en un año. El personaje del Vagabundo —con sus pantalones anchos, los zapatos enormes, el bastón de caña y el sombrero hongo— apareció por primera vez en su segunda película, Kid Auto Races in Venice, en 1914. Chaplin describió ese momento en su autobiografía de 1964: “Pensé en vestirme con pantalones anchos, zapatos grandes, un bastón y un sombrero. Agregué un pequeño bigote... en el momento en que me puse la ropa y el maquillaje, sentí quién era ese personaje. Empecé a conocerlo, y cuando caminé hacia el escenario, ya había nacido por completo”.

Antes de que terminara ese primer año, ya dirigía además de actuar. El Vagabundo —siempre en la mala pero con recursos, agilidad y astucia— conectó con el público de una manera que muy pocos personajes cinematográficos lograron antes o después.

La idea de La quimera del oro surgió en Pickfair, la mansión de Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Dos amigos le mostraban a Chaplin fotografías de Alaska y el Klondike. Uno de ellos imaginaba a los buscadores de oro escalando el Paso de Chilkoot, y esa imagen le dio a Chaplin el tema de su siguiente película.

Al mismo tiempo, Chaplin leyó un libro sobre el desastre de la Expedición Donner de 1846, cuando un grupo de inmigrantes quedó atrapado por la nieve en la Sierra Nevada y se vio reducido a comer sus propios zapatos y los cadáveres de sus compañeros muertos. De esa combinación —la ambición de la fiebre del oro y el horror del hambre extrema— surgió una comedia.

Fue la única de sus grandes comedias mudas que Chaplin comenzó a filmar con una historia completamente elaborada, sin improvisaciones ni reescrituras durante el rodaje. Solo dos meses después del estreno de su película anterior, A Woman of Paris, ya había enviado un guion —titulado provisionalmente The Lucky Strike— para registrar el copyright, y había puesto a su estudio a construir los decorados.

Mientras buscaba a su protagonista femenina, Chaplin redescubrió a Lillita Louise MacMurray, a quien había contratado cuando tenía 12 años para El pibe, en 1921. Con menos de 16 años, Lillita fue contratada nuevamente y rebautizada como Lita Grey. Chaplin inició una relación clandestina con ella.

Cuando la película llevaba seis meses de rodaje, Lita descubrió que estaba embarazada. Chaplin se vio obligado a casarse con ella en un matrimonio que, según el sitio oficial de Chaplin, “trajo desgracias a ambos cónyuges”, aunque de esa unión nacieron dos hijos: Charles Chaplin Jr. y Sydney Chaplin. La producción se detuvo durante tres meses.

Lita fue reemplazada por Georgia Hale, de 24 años, quien había llegado a Hollywood tras ganar un concurso de belleza en la ciudad de Chicago. Por entonces trabajaba como extra, hasta que Josef von Sternberg la eligió para su película debut, The Salvation Hunters. Chaplin proyectó esa película en su casa y decidió de inmediato que Georgia sería su nueva protagonista.

Durante el rodaje, Chaplin y Hale también mantuvieron una relación. Cuando la película se reeditó en 1942, Chaplin ya había terminado con ella y cortó la escena final para eliminar el beso prolongado, reemplazándolo por una toma más sobria de la pareja caminando de la mano. La propia Hale recordó en un documental sobre Chaplin que cuando filmaron ese beso original “no actuaban”.

Con esa interrupción de por medio y las turbulencias de la vida doméstica de Chaplin, la producción se extendió casi un año y medio. Fue, en todos los aspectos, la producción más grande de su carrera hasta ese momento.

El equipo pasó dos semanas filmando en exteriores en Truckee, California, en la zona nevada de la Sierra Nevada, a 700 metros de altura. Allí Chaplin recreó la imagen histórica de los buscadores de oro escalando el Paso de Chilkoot. Los 600 extras que interpretaban a los mineros eran, en su mayoría, vagabundos reales de la ciudad de Sacramento que fueron trasladados en tren y contratados por un solo día.

Rodar en exteriores resultó tan problemático que Chaplin decidió filmar el resto de la película en los estudios de Hollywood. Para recrear el paisaje de Alaska construyó una réplica del Paso de Chilkoot con 76.200 metros de madera, alambre de gallinero, arpillera, yeso, sal y harina. En total se emplearon 200 toneladas de yeso, 285 toneladas de sal y 100 barriles de harina para producir artificialmente el hielo y la nieve. Cuatro vagones llenos de papel picado completaron las escenas de ventisca.

Las herramientas del rodaje incluyeron 300 picos y palas, 600 metros de manguera de jardín, 2.100 metros de cuerda, cuatro toneladas de acero, cuatro toneladas de asbesto, 35 toneladas de cemento y 400 barriles de clavos. Más de 500 trabajadores especializados en escenografía construyeron los decorados durante los dos años que duró el proceso completo. Se filmó 27 veces más material del que apareció en el montaje final.

La escena en que el Vagabundo y su compañero Big Jim —interpretado por Mack Swain— hierven y comen una bota llevó tres días de rodaje para los actores, pero 63 días para Chaplin. La bota estaba hecha de regaliz y los clavos de los zapatos, de caramelo. El material terminó intoxicando a Chaplin, que fue trasladado de urgencia a un hospital por un shock insulínico.

La alucinación en que Big Jim ve al Vagabundo transformado en un pollo presentó su propio problema: originalmente un tramoyista llevaba el traje de ave, pero no lograba imitar los movimientos de Chaplin. Chaplin se puso el traje él mismo. La secuencia fue un triunfo técnico: los camarógrafos debieron resolver el efecto de transformación completamente dentro de la cámara, sin posproducción.

El baile de los pancitos —en que el Vagabundo clava dos tenedores en dos pequeños panes y los hace bailar como si fueran piernas— ya había sido esbozado por Roscoe “Fatty” Arbuckle en el cortometraje The Rough House, de 1917. Pero la versión de Chaplin tuvo una recepción que nadie anticipó: en el estreno de la película, en Berlín, los proyeccionistas detenían la cinta y la rebobinaban para repetir la escena ante el pedido del público. Décadas después, esa secuencia inspiró una escena similar en Corazones en conflicto (1993), donde Johnny Depp realizó un baile muy parecido.

Mack Swain, por su parte, renunció durante el rodaje porque no soportaba el esfuerzo físico que demandaba el papel con el grueso traje de piel. Chaplin lo dejó ir, pero luego lo convenció de volver. El problema fue que Swain ya se había afeitado la barba. En lugar de usar una postiza, Chaplin pausó la producción hasta que le creció de nuevo.

La première del 26 de junio de 1925, hace 101 años, se realizó en el Teatro Egipcio de Grauman, un cine nuevo de Hollywood en ese momento, construido tres años antes e inspirado en el descubrimiento reciente de la tumba de Tutankamón. Sid Grauman, su dueño y amigo de Chaplin, había acompañado al equipo durante el rodaje en la Sierra Nevada.

Los Angeles Evening Herald describió esa noche: “Un estreno de Chaplin es siempre un evento... No había un asiento vacío. Si algún tenedor de entrada hubiera preferido quedarse en casa, podría haber vendido su entrada a un precio exorbitante”. El patio del teatro fue decorado durante una semana entera. Cada celebridad que entraba era anunciada por una voz estentórea y aplaudida según su grado de popularidad.

El programa de esa noche incluyó focas reales sobre una roca de hielo artificial, bailarinas esquimales, una recitación del poema “The Spell of the Yukon” de Robert W. Service, patinaje sobre hielo y un número de cabaret. Solo después de ese largo prólogo el público vio la película. Los aplausos al final duraron varios minutos y Chaplin fue llevado al escenario. Anunció que estaba demasiado emocionado para dar un discurso largo, y luego dio uno bastante bueno.

Georgia Hale recordó que esa noche fue una de las pocas ocasiones en que Chaplin no tuvo dudas sobre su propio trabajo: “Estaba seguro. Realmente sentía que era la mejor película que había hecho. Estaba completamente satisfecho”.

The New York Times la llamó “la gema más destacada de todas las películas de Chaplin”. New York Daily News escribió que era “la más graciosa y más triste de todas las comedias”. El film se convirtió en un éxito de taquilla internacional y es, hasta hoy, la quinta película muda más taquillera de la historia, detrás de El nacimiento de una nación (1915), El gran desfile (1925), Ben-Hur: Una historia de Cristo (1925) y Las dos tormentas (1920).

Las repercusiones políticas no tardaron. En ciertos círculos conservadores se criticó el tono del film, especialmente su representación de los marginados y la sátira al sueño americano. Chaplin, inmigrante y figura controvertida, fue acusado de “radicalismo” por su enfoque sobre la pobreza y la desigualdad. Movimientos sociales y sindicales adoptaron la película como ejemplo de las dificultades de los trabajadores.

En 1925, en una entrevista con The New York Times, Chaplin dijo: “Lo que hice en La quimera del oro... es exactamente lo que quería hacer. No tengo excusas ni pretextos. Hice lo que deseaba”. Y agregó: “Más allá de todo eso —de la ropa graciosa, el bigote y los pies grandes—, quería producir algo que conmoviera a la gente, con una historia de amor dulce, poética y a la vez cómica”.

En 1942, Chaplin reeditó la película con una nueva banda sonora que compuso junto al director musical Max Terr, reemplazó los intertítulos del cine mudo por una narración en off que él mismo grabó y agregó efectos de sonido. Esa reedición recibió dos nominaciones al Oscar en 1943: a la mejor banda sonora de una película dramática o comedia y al mejor sonido. Es la primera de sus películas mudas que Chaplin revivió de esa manera para nuevas audiencias.

Sam Elliott representa una de las figuras más consistentes del cine estadounidense. Su longevidad en Hollywood no es resultado del azar, sino de una filosofía profesional basada en la selectividad y la coherencia, valores que definieron su camino desde el inicio.

Selección rigurosa como estrategia de vida

Elliott, de 81 años, afirmó en una conversación con Variety, recogida por Espinof, que desde el principio de su carrera se propuso no aceptar cualquier papel que se le ofreciera. Su prioridad fue siempre elegir proyectos con los que se sintiera identificado, descartando aquellos que respondieran solo a un interés económico. Esta decisión lo llevó a rechazar trabajos que no se alineaban con sus convicciones, incluso en momentos de incertidumbre laboral, apostando por un recorrido a largo plazo.

Esa visión le permitió construir una carrera extensa en una industria donde la inmediatez suele primar. Elliott considera que esa actitud fue fundamental para mantenerse en activo durante más de seis décadas, en las que consolidó un perfil propio y una voz inconfundible, lejos de modas pasajeras.

Alejamiento de etiquetas y mitos

El actor prefiere mantenerse distante de las etiquetas que otros le atribuyen. En un evento reciente del Sindicato de Directores, Elliott expresó su incomodidad cuando lo calificaron de “icónico”. Para él, el reconocimiento es secundario frente al compromiso con su oficio y la búsqueda constante de nuevos desafíos.

En vez de acomodarse en el estatus de leyenda, Elliott opta por presentarse como un profesional en permanente formación. Asegura que, incluso a los 81 años, sigue aprendiendo de cada proyecto y de cada colega, una actitud que, según relata, le mantiene vigente y motivado.

Papeles que definen una trayectoria

La selectividad de Elliott se refleja en su filmografía, donde abundan títulos emblemáticos como El gran Lebowski, Ha nacido una estrella y Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp. Estos trabajos, elegidos cuidadosamente, le permitieron explorar distintos géneros y evitar el encasillamiento, algo habitual en el cine estadounidense.

En los últimos años, su relación con el wéstern se revitalizó gracias a la serie 1883, precuela de Yellowstone, donde volvió a trabajar con el creador Taylor Sheridan. Elliott valora estas colaboraciones porque le ofrecen la oportunidad de participar en historias que le resultan relevantes y lo desafían como intérprete.

Relaciones profesionales y aprendizaje continuo

La ética de trabajo de Elliott también se manifiesta en la manera en que se vincula con sus compañeros de reparto. Un ejemplo reciente es su participación en la segunda temporada de Landman: Un negocio crudo, donde comparte escena con Billy Bob Thornton. Elliott destaca que, aunque interprete a su hijo en la ficción, Thornton siempre le aporta algo nuevo como colega, resaltando la importancia del intercambio intergeneracional en el oficio.

Esta apertura al aprendizaje, sumada a su disposición para aceptar roles que le permitan crecer, ha sido un factor clave para su permanencia ante las cámaras. Elliott atribuye parte de su éxito a la fortuna, pero también a la disciplina y el respeto por cada proyecto, valores que transmite en cada aparición pública.

Coherencia y autenticidad en Hollywood

El recorrido de Sam Elliott es un ejemplo de cómo la coherencia y la autenticidad pueden sostener una carrera, aun en una industria caracterizada por los cambios constantes y la búsqueda de novedades. Su elección de priorizar proyectos valiosos por encima de la rentabilidad inmediata se tradujo en una filmografía sólida y respetada.

Lejos de los mitos y homenajes, Elliott prefiere ser recordado como un profesional que se mantuvo fiel a sus principios. Su historia invita a reflexionar sobre el valor de la integridad en el arte y sobre los caminos posibles para quienes aspiran a una carrera duradera en el cine.

Eiza González, actriz mexicana que comenzó su carrera en la televisión nacional y que hoy es uno de los rostros de Hollywood, habló del proceso que la llevó a covnertirse en una superestrella.

La actriz mexicana habló de esa etapa en una entrevista con Vogue, revista de la que es portada, después de más de una década de trayectoria en Estados Unidos y de haber participado en más de 20 producciones en inglés. Entre esos títulos están Baby Driver, I Care a Lot y The 3 Body Problem.

Eiza González dijo al medio que con el tiempo cambió la forma de entender el rechazo y la falta de reconocimiento. “Con el tiempo entendí que ser pasada por alto era, en realidad, un superpoder. Porque cuando nadie está mirando, tienes la oportunidad de trabajar en silencio, de desarrollar tu oficio, de construir algo sólido sin depender de la validación externa”.

La actriz añadió que esos momentos pueden ser duros, pero también útiles para crecer. “Los momentos en los que te subestiman pueden sentirse dolorosos, incluso devastadores, pero también te obligan a profundizar en quién eres”, contó a Vogue.

Eiza González dice que las críticas marcaron su paso por Estados Unidos

Antes de buscar una carrera fuera de México, Eiza González se formó en el Centro de Educación Artística y se volvió uno de los rostros más conocidos de la televisión con “Lola, érase una vez”, “Sueña conmigo” y “Amores verdaderos”. A pesar de esa trayectoria, decidió comenzar de cero en Estados Unidos para encontrar nuevas oportunidades.

En la conversación con la revista, explicó que adaptarse a una industria en cambio constante ha sido uno de los mayores retos de su carrera. También señaló que parte de sus decisiones profesionales están ligadas a la imagen que proyecta de México y de la comunidad latina en las producciones internacionales donde participa.

Aunque gran parte de su trabajo se desarrolla fuera del país, la publicación señala que la actriz mantiene una relación profunda con sus raíces. Esa condición de formar parte de un grupo minoritario dentro de Hollywood la ha llevado a revisar con cuidado cada personaje que acepta.

González también habló de los juicios que escuchó a lo largo de los años sobre distintas capacidades relacionadas con su trabajo. “A lo largo de mi carrera, me han juzgado por si era lo suficientemente talentosa, lo suficientemente bonita o lo suficientemente adecuada para algo”.

Después explicó qué atributos considera que no pueden valorarse desde afuera. “Hay cosas que nadie puede medir desde afuera: la pasión, la disciplina, la perseverancia, el corazón y las ganas de seguir creciendo. Y fueron precisamente esas cosas las que terminaron definiendo mi camino”.

La actriz busca ampliar las oportunidades para los latinos

Su objetivo actual, según contó al rotativo, no se limita a conseguir papeles de mayor peso. También quiere contribuir a que más actores y actrices latinas encuentren oportunidades dentro de la industria estadounidense.

Entre los proyectos que rodean esta etapa de su carrera aparece uno vinculado con María Félix, una de las figuras del cine mexicano mencionadas en el texto fuente como parte de los trabajos de mayor peso asociados a la actriz.

La reflexión de González parte de una idea concreta: haber sido subestimada no frenó su avance, sino que le dio margen para construir su oficio lejos de la presión pública y del reconocimiento inmediato. Esa lectura, dijo en Vogue, surgió después de enfrentar rechazos, críticas y dudas sobre su lugar dentro de la industria.

La muerte de Robert Blake cerró en 2023 la historia de un actor que pasó de estrella infantil y el reconocido rostro de Baretta a protagonista de uno de los casos judiciales más seguidos de Hollywood: el asesinato de su esposa Bonny Lee Bakley, por el que un jurado lo absolvió en lo penal y después un tribunal lo declaró responsable en la vía civil.

Nacido en Nueva Jersey el 18 de septiembre de 1933, construyó una carrera de siete décadas en cine y televisión con grandes títulos como Our Gang, A sangre fría y Baretta. Sin embargo, quedó marcado por el asesinato de su esposa Bonny Lee Bakley en 2001. All That Interesting recogió que fue absuelto en el juicio penal en 2005, después afrontó una condena civil con una indemnización millonaria y murió por una enfermedad cardíaca el 9 de marzo de 2023.

El actor creció en un entorno adverso y violento. Su papá, Giacomo Gubitosi, era abusivo y él mismo describió su hogar como un lugar “terrible y muy enfermo”. Incluso, asegura que su mamá intentó abortarlo y que su padre sometía a sus hijos a tormentos y vejaciones.

No obstante, sus padres actuaban de forma esporádica y llevaron a Blake y a sus hermanos al espectáculo desde niños. De este modo, la familia se mudó a California en 1938 y los menores empezaron a trabajar como extras.

A los seis años se convirtió en una cara habitual de Our Gang, que después derivó en Los Pequeños Traviesos. Su carrera retomó impulso en los años 50 y 60. Uno de sus papeles destacados fue como Perry Smith en A sangre fría en 1967.

El gran salto de popularidad llegó con Baretta, la serie de los años 70 que le dio un Emmy y un Globo de Oro. El creador de la serie, Stephen Cannell, declaró a la revista People: “El término complejo ni siquiera empieza a describir su personalidad. Si uno está en un proyecto con él, hay que apretarse bien fuerte el cinturón porque el viaje va a ser muy movido, va a haber muchas sacudidas y turbulencias”.

La relación con Bonny Lee Bakley y la noche del crimen

Blake conoció a Bonny Lee Bakley en un club de jazz en 1999. La mujer, de 43 años y madre de tres hijos, venía de nueve matrimonios y una vida vinculada sentimentalmente con Christian Brando, otra cara conocida de Hollywood que asesinó al novio de su medio hermana. A finales del milenio, Bakley quedó embarazada, situación de la cual quiso desligarse el actor, asegurando que el hijo era del otro actor. No obstante, una prueba de ADN determinó después que la nena sí era su hija.

El actor, que ya tenía dos hijos de una relación anterior, se casó con Bakley en noviembre de 2000. Ambos criaron durante unos meses a su hija, Rose Lenore Sophia Blake, aunque atravesaron una convivencia poco convencional dentro de la propiedad del actor en California.

La noche del 4 de mayo de 2001, la pareja cenó en Vitello’s, un restaurante italiano de Studio City, indicó All That Interesting. Luego de la velada, caminaron hacia el auto y Blake regresó al local a buscar un arma que se había olvidado, mientras su mujer aguardó dentro del vehículo. Según su relato recogido por la revista, cuando regresó al automóvil, encontró a su esposa con dos heridas de bala: una en la cabeza y otra en el hombro. “Abrí la puerta, me senté a su lado y la levanté, pero lo único que hacía era gotear y había una enorme cantidad de sangre por todas partes”.

El juicio por el asesinato y la condena en la vía civil

La investigación encontró pronto un obstáculo central. Según All That Interesting, el arma de Blake no fue la usada en el crimen y las pruebas balísticas no hallaron restos de pólvora en sus manos. La acusación se apoyó entonces en los testimonios de dos antiguos dobles de riesgo, Ronald “Duffy” Hambleton y Gary McLarty. Ambos dijeron que Blake les había pedido matar a Bakley antes del crimen.

McLarty declaró, en un testimonio recogido por CNN: “Empezó a hablar de su esposa y de cómo se aprovechaba de él, gastando su dinero”. Por su parte, la fiscalía citó llamadas telefónicas entre el actor y uno de esos testigos y un retiro bancario de $25.000 el mismo día del asesinato.

Finalmente, la policía arrestó a Blake en abril de 2002, casi un año después del crimen. A partir de allí pasó 11 meses detenido y que recuperó la libertad tras pagar una fianza de USD 1.500.000. El juicio penal comenzó en diciembre de 2004. La defensa desacreditó a Hambleton y McLarty al exponer antecedentes penales, consumo de drogas y problemas de credibilidad, y que la falta de pruebas físicas dejó espacio para la duda razonable.

El jurado absolvió a Blake en marzo de 2005. Sin embargo, la historia judicial no terminó ahí. Un juicio civil posterior lo declaró responsable por la muerte de Bakley y le impuso una indemnización de $30 millones, que luego se redujo. Los gastos legales y la sentencia civil golpearon sus finanzas y en 2006 se declaró en bancarrota, lo que lo motivó a volver a actuar en nuevos papeles de televisión o cine.

La muerte de Blake y el peso duradero del caso

En sus últimos años habló públicamente de su estado físico y de su versión de los hechos. En declaraciones recogidas por ABC News, dijo: “Tengo 85 años, estoy hecho polvo, pero sigo aquí” y también: “No me rindo”. En esa misma conversación volvió a negar cualquier participación en el crimen. “Tenía una fortuna de 40 millones de dólares. ¿Acaso iba a contratar a alguien para que le disparara a mi esposa en un auto mientras yo estaba en el baño o alguna tontería por el estilo?”, sentenció.

Robert Blake murió de una enfermedad cardíaca el 9 de marzo de 2023 a los 89 años. El actor pasó sus últimos años en soledad y su nombre ya aparecía más en la crónica policial que en la historia del espectáculo.

Su carrera incluyó una infancia frente a las cámaras, el reconocimiento por A sangre fría, la fama televisiva de Baretta y una última etapa marcada por el aislamiento. Al final, el caso por la muerte de Bakley pesó más que los papeles con los que construyó su lugar en Hollywood.

Penélope Cruz deslumbró en Hollywood con una apuesta de moda que marcó tendencia. La actriz madrileña reapareció en Los Ángeles, epicentro del cine mundial, para una charla sobre su más reciente proyecto.

Para la ocasión, eligió un estilismo que rompió con sus registros habituales y renovó la sastrería femenina, apostando por pantalones que estilizan la figura y una melena rubia luminosa que transformó por completo su imagen.

Fiel al carácter sofisticado que la ha consagrado como referente internacional de estilo, Penélope Cruz recurrió a los básicos infalibles del armario y los elevó con accesorios vintage y detalles de belleza inesperados.

La clave del conjunto radicó en la reinterpretación del traje clásico. Penélope optó por un traje de chaqueta azul marino impecable, con americana de corte recto y puños remangados que dejaban entrever los detalles sutiles de una camisa blanca con finas rayas azules verticales.

Bajo el blazer, lucía un top blanco de escote redondo, aportando un aire relajado y moderno. El pantalón, elemento central del look, presentaba un diseño ancho de tiro alto y una doble botonadura dorada de inspiración marinera en la zona del vientre.

El conjunto se completó con zapatos de salón bicolor con puntera negra, emblemáticos de Chanel, y un bolso pequeño oscuro de asa corta, también de la maison francesa, confirmando el apego de la actriz por los clásicos del lujo. Unos anteojos de sol cat-eye añadieron el toque final de glamour.

La actriz abandonó el castaño oscuro que la identificó durante tres décadas en el cine y apostó por unas mechas rubias luminosas. El trabajo de coloración, que contrastaba con su base natural, enmarcó y realzó sus facciones, aportando luz y un efecto rejuvenecedor inmediato.

El peinado acompañó la modernización de su imagen. Penélope mantuvo su característico flequillo cortina y apostó por ondas deshechas con movimiento, una elección que reforzó la naturalidad y frescura del conjunto.

Su maquillaje se mantuvo fiel a sus códigos de confianza: delineado negro intenso y ascendente para rasgar la mirada, colorete rosado en las mejillas y labios en tono rosa nude, logrando un resultado elegante y atemporal.

Más looks recientes de Penélope Cruz

En uno de sus looks más recientes, para el Festival de Cine de Cannes 2026 apostó por un vestido negro sin mangas y escote en pico, confeccionado en tejido fluido con volantes asimétricos en la falda.

La prenda, ajustada a la cintura mediante un lazo blanco, se acompañó de zapatos bicolor en blanco y negro y un collar de cuentas en negro y turquesa.

En otra ocasión, durante el mismo festival, la actriz se presentó sobre la alfombra roja con un vestido negro de un solo hombro, decorado con plumas en el hombro y la cadera, y una abertura lateral que dejaba la pierna al descubierto. El corte, ceñido y de tela lisa, resaltó su figura y aportó un aire teatral.

El siguiente estilismo durante la premiere de “The Bride!” demostró su afinidad con el maximalismo. Penélope lució un vestido largo de corte sirena y tejido brillante, con escote en pico y sin mangas, al que se sumaron dos grandes mangas de plumas rojas. El peinado, con ondas marcadas y raya lateral, despejó el rostro.

Para la Academy Museum Gala 2025, eligió un vestido largo en tono blanco o marfil, de tirantes finos y escote en corazón. El diseño estaba adornado con pequeños cristales y flecos cortos en la parte superior, mientras que la falda, ligera y con cola, caía suavemente hasta el suelo.

En una versión moderna del traje clásico, Penélope optó para un desfile de Alta Costura de Otoño-Invierno 2025/2026 por un conjunto de dos piezas en tejido negro con destellos de brillo. El pantalón ancho y la chaqueta de corte clásico incluían ribetes blancos bordados y botones decorativos. Completó el look con un bolso negro de cadena dorada y uñas pintadas de rojo, manteniendo el cabello suelto y con ondas suaves.

Para los Premios Oscar 2025 la actriz deslumbró en la alfombra roja de los Oscar con un vestido blanco satinado, de escote asimétrico y capa que caía desde el hombro izquierdo. El drapeado y la hilera de apliques brillantes en la parte frontal realzaron la silueta, mientras que el peinado lateral y las ondas completaron una imagen etérea y sofisticada.

Estas fueron algunas de las reflexiones que compartió en The Interview, el podcast de The New York Times, donde también habló sobre la evolución de su carrera, el valor de la colaboración creativa y los desafíos que enfrentan quienes buscan desarrollar nuevas ideas dentro de la industria.

Durante la entrevista, el actor, guionista y productor de 44 años puso como ejemplo a Supercool, la comedia que escribió junto con Evan Goldberg y que se estrenó en 2007. “Ningún estudio actualmente compraría un guion como el de Supercool y lo rodaría de inmediato. Hoy, Hollywood evita riesgos”, afirmó.

La transformación personal de Seth Rogen en busca de la satisfacción creativa

El principal aprendizaje de este tiempo, sostiene Rogen, fue anteponer la satisfacción creativa propia a la validación externa. Explicó que, aunque en el pasado buscaba aprobación, ahora su prioridad está en disfrutar del proceso y confiar en sus colaboradores. “La validación externa guiaba mis primeros años; ahora busco sentirme satisfecho con el proceso creativo”, comentó.

Reconoció que su autocrítica reemplazó al enojo generado por presiones externas, y que ese diálogo consigo mismo es parte de su madurez. “Mi enojo ya no es con otros, sino conmigo cuando siento que no di lo mejor”, añadió al podcast de The New York Times.

Igualmente, afirma haberse liberado de la obsesión por el dinero y la competencia, manifestando: “El regalo que me di fue dejar de pensar todo el tiempo si fui suficientemente bueno”.

Para Rogen, los logros se miden por el valor del proceso más que por el aplauso ajeno. Dirigir, escribir y producir le resultan más gratificantes que actuar, y considera fundamental el trabajo conjunto para potenciar el resultado.

Amistad y colaboración: el valor de los lazos auténticos en la obra de Rogen

Las relaciones genuinas, tanto en el cine como en la vida, fueron clave en la trayectoria de Rogen. La amistad masculina franca y vulnerable ocupa un lugar central en películas como Supercool, nacida de su experiencia adolescente junto a su socio creativo Evan Goldberg.

“Nuestra amistad creativa empezó cuando teníamos 13 años y nunca dejó de sorprendernos. Aprendimos juntos a contar historias, a escribir y a identificar lo gracioso y conmovedor. Compartimos el mismo sentido del humor”, relató.

Para Supercool, ese enfoque auténtico sobre la vulnerabilidad masculina diferenciaba la película en la industria: “Las amistades auténticas y vulnerables, en la vida y en la pantalla, han sido mi clave creativa”, subrayó. El valor de los vínculos está, según él, en la capacidad de los hombres para expresar emociones y apoyarse más allá del entretenimiento superficial.

En sus proyectos, la retroalimentación y la colaboración con amigos y colegas resultan esenciales. “Prefiero rodearme de un comité creativo en el que confío antes que afrontar todo en soledad. La colaboración mejora todo”, señaló.

El desafío tecnológico: inteligencia artificial y oportunidades para nuevos cineastas

Rogen, en The Interview podcast, también abordó el papel de la tecnología y celebró la democratización de herramientas digitales, que ha dado lugar a nuevas voces creativas. Aunque valora que cualquier persona, incluso con pocos recursos, pueda filmar y compartir su trabajo, mantiene reservas respecto al uso de la inteligencia artificial en la escritura creativa.

“La inteligencia artificial no tiene sentido para la escritura creativa; la interacción humana es insustituible”, señaló. Sostiene que el intercambio entre personas es irremplazable para generar ideas originales.

Aunque admitió que algunas personas recurren a herramientas de inteligencia artificial como ChatGPT para desarrollar ideas o escribir, aseguró que nunca se sintió atraído por ese tipo de recursos. “Nada sustituye a un colaborador real: hasta el peor amigo es más útil que un programa”, ironizó.

Rogen celebra la irrupción de jóvenes directores como Kane Parsons y Curry Barker, quienes lograron notoriedad en YouTube siendo apenas veinteañeros. Defiende que, gracias al avance tecnológico, cualquiera puede demostrar su talento con recursos mínimos.

Además, cree que la industria experimenta cambios frecuentes, por lo que confía en que las nuevas generaciones podrán abrirse camino si logran conectar con el público y ofrecer propuestas de valor.

El ecosistema de Hollywood atraviesa transformaciones constantes. Aunque la industria tienda a protegerse y eluda el riesgo creativo, siempre habrá espacio para quienes deseen hacer algo diferente y busquen la excelencia.

Ante la expansión tecnológica y la uniformización comercial, invita a los nuevos talentos a aprovechar las oportunidades y apostar por la creación de historias propias.

Rogen afirmó que la disposición a asumir riesgos continúa siendo un elemento clave para impulsar nuevos proyectos en Hollywood. Además, destacó la importancia del trabajo y la constancia en una industria altamente competitiva, y señaló que tanto los profesionales consolidados como quienes comienzan su carrera deberían apostar por proyectos ambiciosos en lugar de limitarse a opciones más seguras.