La representación de la inteligencia artificial (IA) en el cine ha evolucionado desde simples máquinas autónomas hasta sistemas complejos que desafían las nociones de conciencia, identidad y control.

A través de distintas obras, realizadores y actores han explorado sus potenciales alcances, riesgos y dilemas éticos. Estas son cinco películas fundamentales para comprender cómo el cine ha abordado estas temáticas, respaldadas por declaraciones de sus creadores y protagonistas.

‘A.I. Inteligencia Artificial’ (2001), dirigida por Steven Spielberg

Concebida inicialmente por Stanley Kubrick, ‘A.I. Inteligencia Artificial’ fue retomada y dirigida por Steven Spielberg, quien respetó la visión original del realizador británico.

La película aborda el deseo de David, un androide infantil, por ser aceptado como humano, confrontando la imposibilidad de satisfacer afectos humanos genuinos mediante programación.

El filme plantea preguntas sobre la capacidad de las máquinas para replicar emociones, así como la ética de crear seres que puedan experimentar sufrimiento. A través de David, Spielberg y Kubrick colocan en primer plano la pregunta sobre la responsabilidad humana frente a sus creaciones.

Spielberg declaró al medio The Ringer que muchos críticos atribuyen erróneamente el sentimentalismo del filme a su autoría, cuando en realidad “las ideas más emocionales, como el final, eran propuestas de Kubrick”.

‘Her’ (2013), dirigida por Spike Jonze

En ‘Her’, Spike Jonze propone una reflexión sobre la disolución de las fronteras entre la vida emocional humana y la interacción con sistemas operativos inteligentes. El protagonista, Theodore, establece una relación amorosa con Samantha, una IA capaz de aprender y evolucionar.

Jonze explicó en una entrevista con SBS Australia que la película fue inspirada por su experiencia utilizando un chatbot, lo que le generó inquietudes sobre cómo las personas proyectan sus emociones en la tecnología.

Más allá de una historia romántica, ‘Her’ examina cómo la IA puede convertirse en un espejo que alimenta las carencias humanas, al tiempo que cuestiona si una relación con un sistema no humano puede considerarse auténtica.

‘Yo, Robot’ (2004), dirigida por Alex Proyas

Inspirada de manera libre en las obras de Isaac Asimov, ‘Yo, Robot’ adapta el debate sobre las leyes de la robótica y la posibilidad de que una IA decida actuar en contra de los humanos bajo criterios propios.

El director Alex Proyas expresó que la producción fue compleja por las limitaciones de los grandes estudios, pero destacó que el filme permitió plantear preguntas sobre el miedo humano a las máquinas inteligentes que superen SUS capacidades.

La película, protagonizada por Will Smith, aborda la autonomía de la IA y la posibilidad de que sus interpretaciones lógicas puedan entrar en conflicto con la moral humana, anticipando debates actuales sobre ética algorítmica.

‘Blade Runner’ (1982), dirigida por Ridley Scott

Considerada una obra clave en el género de la ciencia ficción, ‘Blade Runner’ representa una mirada oscura al futuro, en el que seres artificiales, los replicantes, buscan respuestas sobre su origen y mortalidad.

Ridley Scott afirmó en una entrevista con La Voce di New York que la película explora el temor a que la IA evolucione hasta experimentar emociones humanas, lo que la convertiría en una amenaza no solo tecnológica, sino existencial.

La película plantea que si la IA alcanza un nivel de conciencia equiparable al humano, la diferencia entre creador y creación se desdibuja, obligando a replantear los límites de la humanidad y las obligaciones hacia las entidades sintéticas.

Saga ‘Terminator’ (desde 1984), creada por James Cameron

En la saga ‘Terminator’, James Cameron plantea un escenario donde la IA Skynet se vuelve consciente y decide eliminar a la humanidad, enviando terminators al pasado para impedir la resistencia.

Cameron, en declaraciones a The Guardian, advirtió que la aceleración del desarrollo de IA hace que la ciencia ficción tenga dificultades para anticipar escenarios realistas, ya que “la tecnología actual va más rápido que nuestra capacidad de imaginarla”.

A diferencia de otras obras, ‘Terminator’ no propone una IA como reflejo de deseos humanos, sino como una amenaza autónoma que relega a la humanidad a un papel secundario en la evolución tecnológica. La saga anticipó preocupaciones actuales sobre la automatización militar y la capacidad de sistemas autónomos para tomar decisiones letales sin supervisión humana.

A partir de este mes, OpenAI ha lanzado una actualización para ChatGPT que permite a todos los usuarios, ya sea con cuentas gratuitas o de pago, interactuar con el chatbot a través de una función de voz avanzada. Esta nueva herramienta ofrece una experiencia conversacional fluida y natural, similar a la interacción con una persona.

Esta novedad pone fin a la exclusividad que, hasta hace poco, solo tenían los suscriptores de planes premium, quienes podían disfrutar de esta herramienta. El avance no solo implica un acceso más amplio, sino también una mejora significativa en la calidad de la interacción, eliminando el tono robótico característico de versiones anteriores de la IA.

El principal atractivo de este modo de voz avanzado es la eliminación del tono monótono y artificial que solían tener las versiones anteriores. Ahora, la IA no solo habla de manera más natural, sino que también responde más rápido, lo que mejora considerablemente la fluidez de las conversaciones.

Este avance se acerca al tipo de interacción que se muestra en películas como ‘Her’, donde una IA tiene una conversación profunda y emocionalmente con un ser humano, hasta el punto de que el personaje principal, interpretado por Joaquin Phoenix, se enamora de su asistente de voz.

En términos de uso, OpenAI ha establecido ciertas limitaciones para la versión gratuita de este modo de voz. Aunque cualquier usuario puede activar la herramienta, el tiempo de uso estará restringido, y variará según la demanda del servicio. A medida que la popularidad de la función crezca, la compañía ha previsto que los tiempos de uso puedan mejorar, aunque por el momento se gestionan de manera variable.

En cualquier caso, los usuarios serán informados cuando queden menos de tres minutos de tiempo disponible, lo que garantiza que puedan optimizar su uso.

Interacción personalizada

Una característica adicional del modo de voz avanzado es la opción de elegir entre diferentes voces para interactuar con el chatbot. OpenAI ha incluido una variedad de opciones como Arbor, Breeze, Cove, Ember, Juniper, Maple, Sol, Spruce y Vale, que tienen características diferentes a la hora de transmitir las ideas.

Esta personalización no solo otorga una sensación más humana a la conversación, sino que también da a los usuarios un grado de control sobre la experiencia de interacción con la IA. Los desarrolladores de OpenAI han indicado que la variedad de voces será una de las formas en que los usuarios pueden adaptar el chatbot a sus preferencias, mejorando la accesibilidad y la comodidad.

Es importante señalar que el modo avanzado de voz no solo mejora la interacción en términos de naturalidad y rapidez, sino que también soluciona ciertos problemas de comprensión que afectaban a los usuarios de diferentes idiomas. La mejora en el manejo de idiomas como el español ha sido uno de los aspectos más aclamados por la comunidad, quienes anteriormente señalaban que las respuestas en algunos idiomas no eran tan precisas como en inglés.

A pesar de su potencial, el modo avanzado de voz de ChatGPT en su versión gratuita aún tiene limitaciones. Si bien las restricciones actuales pueden resultar frustrantes, es probable que con el paso de los meses, los usuarios puedan disfrutar de una experiencia más fluida y extensa.

A largo plazo, la posibilidad de interactuar con inteligencia artificial de manera natural podría acercarse cada vez más a la interacción humana, algo que abriría nuevas posibilidades en sectores como el entretenimiento, la educación, el soporte al cliente e incluso en áreas especializadas como la atención sanitaria y la investigación. Esta tecnología no solo tiene el potencial de integrarse en diversos campos laborales, sino que, al igual que otras innovaciones tecnológicas, podría transformar la manera en que las personas se relacionan con la tecnología.

• Ella
• Beau tiene miedo
• Gladiador

Recientemente, Joaquin Phoenix estrenó Guasón 2: Folie À Deux (Joker: Folie À Deux), la secuela del título lanzado en 2019 bajo la dirección de Todd Phillips (¿Qué pasó ayer?, Amigos de armas). A lo largo de su carrera, Phoenix ha trabajado en una gran variedad de proyectos que demuestran su versatilidad como actor, incluyendo Los dueños de la noche (We Own the Night - 2007), No te preocupes, no irá lejos (Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot - 2018), Hombre irracional (Irrational Man - 2015) y Napoleón (2023), entre otros.

En esta ocasión, nos adentraremos en la plataforma de Prime Video para explorar algunas de las películas más destacadas protagonizadas por Joaquin Phoenix.

Ella - Her

En primer lugar, tenemos Ella (Her), un largometraje lanzado en 2013 que sigue la vida de Theodore Twombly, un hombre solitario que se enamora de un sistema operativo inteligente diseñado para adaptarse a sus necesidades emocionales. A medida que su relación se desarrolla, la historia explora temas de amor, soledad y la naturaleza de la conexión humana en un mundo cada vez más digitalizado. La narrativa íntima y emotiva invita a los espectadores a reflexionar sobre el significado de las relaciones en la era de la tecnología.

Bajo la dirección de Spike Jonze, el realizador responsable de ¿Quieres ser John Malkovich? (Being John Malkovich - 1999), El ladrón de orquídeas (Adaptation - 2002) y Donde viven los monstruos (Where the Wild Things Are - 2009), Ella destaca por su enfoque visual y su narrativa solemne. Jonze crea un ambiente futurista que se siente a la vez familiar y extraño, lo que resalta la lucha interna de Theodore mientras intenta encontrar un equilibrio entre su vida real y su amor por una inteligencia artificial.

En cuanto al elenco que acompaña a Joaquin Phoenix, tenemos a Scarlett Johansson (Black Widow, La otra cara de la Luna, Perdidos en Tokio), quien da voz a Samantha, el sistema operativo que se convierte en el interés amoroso de Theodore. Además, el reparto incluye a Amy Adams (Animales nocturnos, La llegada), Rooney Mara (La chica del dragón tatuado, Carol) y Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia), quienes aportan sus talentos a una historia rica en matices y emociones.

Beau tiene miedo - Beau Is Afraid

En segundo lugar, dejamos atrás el drama para adentrarnos en el terror y el suspenso con Beau tiene miedo (Beau Is Afraid), una producción de A24 (Todo en todas partes al mismo tiempo) conocida por su innovador enfoque en el cine de autor, que sigue la historia de Beau Wassermann, un hombre atrapado en un mundo de ansiedad y paranoia. A medida que la trama avanza, Beau se embarca en un viaje surrealista que revela sus miedos más profundos y las complejidades de su vida familiar. La película explora temas de identidad, traumas y la naturaleza del miedo, creando una atmósfera inquietante que mantiene a los espectadores al borde de sus asientos.

El proyecto fue escrito y dirigido por Ari Aster, el cineasta que previamente cautivó al público con obras como El legado del diablo (Hereditary - 2018) y Midsommar (2019). Aster se ha consolidado como una voz singular en el género del terror, ofreciendo narrativas complejas que invitan a la reflexión. Con Beau tiene miedo, continúa su exploración del terror psicológico, presentando una narrativa que desafía las expectativas y se adentra en el ámbito de lo surrealista.

Junto a Joaquin Phoenix, el elenco cuenta con un destacado grupo de actores que incluye a Patti LuPone (Agatha en todas partes), Nathan Lane (Only Murders in the Building), Amy Ryan (Un espía y medio), Kylie Rogers (Yellowstone), Denis Ménochet (As bestas), Parker Posey (Café Society) y Richard Kind (Intensamente).

Gladiador - Gladiator

En último lugar, tenemos uno de sus roles más emblemáticos, como lo fue su interpretación en Gladiador. Esta película, estrenada en el año 2000, se ha convertido en un clásico del cine, aclamada tanto por su éxito comercial como por su reconocimiento en la crítica. La historia sigue a Máximo Décimo Meridio, un general romano que se convierte en gladiador tras ser traicionado, y su lucha por la venganza contra el emperador que destruyó su vida.

Con respecto a la dirección, estuvo a cargo de Ridley Scott, un cineasta con una destacada trayectoria en el mundo del cine. Conocido por su trabajo en películas icónicas como Alien: el octavo pasajero, El último duelo (The Last Duel - 2021), Thelma y Louise y Blade Runner, Scott emplea su experiencia para dar vida a Gladiador.

El reparto de Gladiador también cuenta con otros actores reconocidos que dan vida a personajes inolvidables. Russell Crowe (El exorcista del papa, Una mente brillante), quien interpreta a Máximo, brinda una actuación poderosa que le valió un Oscar como Mejor Actor. Junto a él, Connie Nielsen (El abogado del diablo), Oliver Reed (La maldición del hombre lobo), Djimon Hounsou (Diamante de sangre, Un lugar en silencio: parte 2) y Richard Harris (Harry Potter y la piedra filosofal) completan el elenco.

No hay dudas de que Scarlett Johansson es una de las actrices más relevantes de Hollywood. A lo largo de su carrera, ha demostrado su versatilidad en diversos géneros y papeles, desde su icónica interpretación de Black Widow en el Universo Cinematográfico de Marvel, con una película en solitario y varias participaciones en la saga de Los Vengadores, hasta roles destacados en títulos como Lucy, Ella (Her - 2013) y Perdidos en Tokio (Lost in Translation - 2003). Su capacidad para moverse con fluidez entre distintos tipos de papeles la ha consolidado como una figura central en la industria del cine.

En esta ocasión, la actriz se embarca en un nuevo desafío como productora de la película Sasha, un thriller psicológico que promete atrapar a los espectadores con su intensidad y misterio. Aunque aún no se ha confirmado si Johansson también asumirá un papel protagónico en la película, se ha revelado que el proyecto compartirá similitudes con clásicos del género como La mano que mece la cuna (The Hand That Rocks the Cradle - 1992) y Revelaciones (What Lies Beneath - 2000). Este enfoque en el thriller psicológico representa una nueva dirección en la carrera de Johansson, evidenciando su interés en explorar diferentes facetas del cine.

Amazon MGM Studios ha ganado una reñida subasta para obtener los derechos de Sasha, el guión de Micah Schraft, basado en el cuento de Suzanne Rindell. Schraft, conocido por su trabajo en proyectos como Mrs. America, Jessica Jones, The Tomorrow People y Jane the Virgin, aportará su experiencia al guión de este prometedor proyecto.

Lo interesante es que la actriz será productora junto al cineasta Greg Berlanti (Yo soy Simón). Berlanti y Johansson volverán a hacer equipo tras colaborar en La otra cara de la luna (Fly Me to the Moon), el largometraje que se estrenó el pasado 11 de julio. En este proyecto, que la actriz protagoniza junto a Channing Tatum (Magic Mike, 21 Jump Street), se sigue la historia de Kelly Jones, una especialista en marketing contratada para promover el aterrizaje lunar de la misión Apollo 11 de la NASA.

Si bien recién se confirmó la adquisición del proyecto por parte de Amazon MGM Studios, tendremos que esperar a obtener más actualizaciones sobre Sasha.

Scarlett Johansson ha dejado una huella en la industria del cine con su extensa carrera. Desde sus títulos como Perdidos en Tokio (Lost in Translation - 2003), donde capturó la melancolía y la búsqueda de conexión en la vastedad de la capital japonesa, hasta su papel memorable en Bajo la piel (Under the Skin - 2013), donde encarnó a un misterioso ser. Tampoco podemos olvidar su emotiva interpretación en Her, donde dio vida a Samantha, una inteligencia artificial que despierta emociones profundas en el personaje de Joaquin Phoenix (Joker). Por supuesto, su papel icónico como Black Widow en el universo cinematográfico de Marvel ha sido un punto culminante, mostrando su destreza física y emocional en una serie de películas aclamadas por el público.

Actualmente, Johansson se embarca en un nuevo desafío con la próxima película del universo de Jurassic World. Bajo la dirección de Gareth Edwards (Rogue One) y con un guión intrigante de David Koepp (Jurassic Park), el largometraje volverá a llevarnos nuevamente al asombroso mundo de los dinosaurios. Johansson compartirá pantalla con talentos como Rupert Friend (Asteroid City), Manuel García-Rulfo (Escuadrón 6) y Jonathan Bailey (Bridgerton), lo que promete una combinación de talento y acción que seguramente será imperdible para los fanáticos del género.

Sin embargo, antes de sumergirse en la aventura prehistórica, Johansson nos invita a explorar su próximo proyecto cercano, La otra cara de la luna (Fly Me to the Moon), donde compartirá protagonismo con Channing Tatum (Magic Mike, Comando especial).

¿Cuál es la historia detrás de ‘La otra cara de la luna’?

La otra cara de la luna será una comedia dramática ambientada durante el histórico alunizaje del Apolo 11 en 1969. Según la sinopsis oficial: “La película sigue a Scarlett Johansson, nominada dos veces al Oscar, en el papel de Kelly Jones, una especialista en marketing contratada para impulsar el histórico aterrizaje en la luna de la misión Apollo 11 de la NASA. En medio de la trama, se desarrollan enredos románticos en la oficina con Cole Davis, el director de lanzamiento interpretado por Channing Tatum. A medida que avanza la cuenta regresiva, Jones se ve desafiada con la tarea de organizar un aterrizaje lunar falso como medida de respaldo, aumentando así la tensión de la narrativa”.

Con respecto al elenco creativo detrás de cámaras, la película fue dirigida por Greg Berlanti, conocido por su trabajo en Bajo el mismo techo (Life as We Know It - 2010) y Yo soy Simón (Love, Simon - 2018). El guion, por su parte, fue escrito por Rose Gilroy (The Edge of Sleep), basado en la historia de Bill Kirstein y Keenan Flynn.

Junto a Johansson y Tatum, el reparto se completa con Woody Harrelson (Tierra de Zombies, True Detective, Los juegos del hambre), Jim Rash (Community, Los descendientes), Ray Romano (La era de hielo, The Irishman) y Colin Woodell (La noche de la expiación, El Continental: Del mundo de John Wick), entre otros.

La película es originalmente de AppleTV+, y la plataforma logró un acuerdo con Sony Pictures para que llegue a la gran pantalla. Por lo tanto, la tendremos en los cines de Argentina el próximo jueves 11 de julio de 2024.

El cine permite el vuelo indiscriminado de la imaginación. El poder de las historias traza una línea única dependiendo de cada guionista y cada director. Los límites los pone cada realizador, esperando que el espectador se amolde a su particular visión. Es difícil, entonces, conceptualizar desde las métricas de “lo mejor” y “lo peor”: siendo algo tan subjetivo, la objetividad se pierde en el gusto personal y solo queda la obra en su propia construcción. La acción, el terror, incluso el drama y el romance, han sabido nutrirse de la ciencia para contar diferentes historias. Casi sin pensarlo, como si fuese una declaración sin demasiado peso, al abrazar las características de la ciencia o de la tecnología como parte de su creación, el género de la ciencia ficción asoma latente.

La ciencia ficción, cómo otros géneros donde la imaginación puede volar sin restricciones, abarca varios “subgéneros”, por así decirles, que tienen que ver con la temática de la historia. Por la propia concepción del género raíz, la tecnología y la ciencia siempre son parte de la construcción de sus narrativas, de forma directa o indirecta. En el cine, como en la literatura y otras artes, la ciencia ficción tuvo, desde el comienzo de la era del celuloide, una importancia muy determinante para explorar temas de actualidad e incluso, como una premonición hacia el futuro. Temas que escapan la comprensión humana, deseos o fantasías de nuestra propia existencia, o incluso, teorías sin sentido alguno que, gracias a la magia del cine, se vuelven reales.

Estamos frente a un género difícil de catalogar, porque hay tantos tropos que lo atraviesan que incluso Alien (1979) no solo es una película de alienígenas, sino que es catalogada también como terror, obviamente ciencia ficción, por qué no una monster movie, o incluso un slasher, si vamos a la definición más técnica del asunto. Lo bueno de todo esto, es que todo queda en la mente del que genera la obra, por más absurda que su visión pueda ser. Eso hace que, como dijimos antes, no existan límites ni realidades absolutas. La pregunta es: ¿todo esta libertad sigue vigente cuando tomamos a la ciencia y sus estudios como parte de la construcción de un guión?

Ciencia, cine, y ciencia ficción

Pero estamos acá para hablar de ciencia y su implicancia en el cine, en un principio como parte de la ciencia ficción para potenciar sus virtudes. Tenemos grandes exponentes que, aferrándose conceptualmente a ideas que la ciencia baraja como hipótesis, suelen construir su propio mundo. Un mundo que como espectadores aceptamos sin cuestionar, porque el eje real de la película está en el entretenimiento, y no es su fidelidad científica. En la acción y no tanto en sus paradojas.

Son películas que se adaptan a la complejidad retórica, pero optan por poner el foco en los aspectos que se acercan más al concepto de entretenimiento. En este caso, podemos mencionar algunos ejemplos tácitos como los complejos azotes espacio-temporales de The Terminator (1984) o Terminator 2: Judgment Day (1991); Looper (2012), sin poder olvidar la divertidísima Back to The Future (1985), que incluso intenta explicar esto de forma didáctica aunque científicamente criticada. La ficción por sobre la ciencia, entendiendo que es parte de la industria del entretenimiento.

Simulaciones y la memoria como propiedad

La ciencia ficción ha llegado a extremos que, de la mano de la ciencia, se ha atrevido a cuestionar la propia realidad. ¿Qué tal si todo lo que vivimos es una simulación? ¿Qué pasaría si nuestra vida estuviese siendo observada por un ente supremo que juzga y critica? ¿Qué pasaría si mis recuerdos no fuesen mis recuerdos? Preguntas como estas y otras de carácter más psicológico y filosófico se fueron dando en la vida real y, obviamente, en el cine.

Con grandes reminiscencias a 1984, la obra de George Orwell, Brazil (1985) maneja una idea similar a la de Equilibrium (2002), con un gobierno de tecnología avanzada que controla a su población. En extremos bien opuestos, Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) y Total Recall (1990) se mueven en el apartado de la ciencia como recipiente para manipular recuerdos y, dando paso al aspecto filosófico de la ciencia ficción, tenemos al clásico Stalker (1979).

Crítica social, despersonalización y existencialismo

Esta última película abre un nuevo capítulo en esta nota, que tiene que ver con la ciencia ficción existencial y esas películas que, mediante la ciencia, intentan abordar temas que llevan al espectador a un grado más elevado de atención. Ya no estamos frente a Jurassic Park (1993), que se apropia del tema de la clonación de especies y crea un exponente sumamente divertido con efectos especiales que revolucionaron la industria. De nuevo, la ficción del entretenimiento por sobre la ciencia.

Acá, la ciencia ficción agarra fuerte entre sus manos a la ciencia más compleja, la mezcla con la filosofía más humanitaria, y crea varios exponentes que terminan pareciendo más una intrincada crítica social que otra cosa, ya que si bien la ciencia está presente, queda relegada por los hechos puntuales que apuntan hacia los límites de la realidad, donde el placer, la carne, la culpa, las emociones e incluso los sentimientos, quedan expuestos . En este apartado, podemos nombrar películas como Gattaca (1997), Existenz (1999), Donnie Darko (2001), 12 Monkeys (1995) o High Life (2018).

Paradojas de nuestra propia dualidad

En un mundo donde la ciencia se maneja entre teorías, hipótesis (como ya dijimos) e incluso paradojas, el resultado de jugar con este último concepto ha tenido resultados impresionantes gracias a la posibilidad de agregar una vuelta de tuerca final que, justamente, sea parte de una paradoja. Este planteo teórico que logran hacer algunos autores de ficción tiene por condición hacerle creer al espectador que la realidad que se comienza a contar es lo que es, sin agujeros argumentales ni detalles al aire donde la duda pueda aparecer.

El factor sorpresa es el líder de estos exponentes, donde nos podemos encontrar con producciones de la talla de Predestination (2014), Coherence (2013) o Triangle (2009). En este punto, alguien podría levantar la mano y decir que los viajes en el tiempo también corresponden a paradojas, y tendrían razón. La diferencia es que, las películas que usamos como ejemplo de viajes en el tiempo tienen su énfasis en la diversión y en el entretenimiento, y no en la paradoja en sí. Rozando estas premisas, sin ser parte del mismo grupo, podríamos dejar a la poco valorada película Argentina llamada Moebius (1996).

La ciencia rompiendo las fronteras de la propia realidad

Todo esto nos lleva hacia un rincón más especial aún de la comunión entre ciencia ficción y ciencia. Quizás haya pocos exponentes, pero son aquellos que van más allá de todos los ejemplos que puse anteriormente. Van más allá de las teorías, hipótesis y paradojas. Van más allá del existencialismo y la filosofía. Son esas películas donde la imagen no importa tanto, y podrían funcionar tranquilamente como audiolibros, podcasts e incluso radionovelas, porque no hay imágenes posibles de ejemplificar o graficar lo que tienen para contar.

Son películas que no solo cuestionan la propia realidad, sino que generan un quiebre sustancial en nuestro sistema de creencias porque lo que exponen es tan real y al mismo tiempo tan irreal, que la propia película genera una paradoja de si misma. ¿Las cosas pasan porque tienen que pasar o terminan pasando porque algo las condujo? ¿Existe la casualidad o todo es causalidad? En este acotado grupo, podríamos poner películas como Primer (2004) o Pi (1998), aunque si nos despejamos un poco de la tecnología y la ciencia, también podríamos encontrar a Upstream Color (2013), The jacket (2005) o The Machinist (2004).

La complejidad humana en la Inteligencia Artificial

Imposible continuar sin hablar de una problemática tan actual como la Inteligencia Artificial. Sí, problemática para muchos, el futuro para otros. Un tema muy de moda que levanta polvo desde hace poco tiempo, pero algo vigente en la propia ciencia desde hace décadas. Ya la nombramos anteriormente, pero no olvidemos que todo el eje de la guerra entre humanos y robots en la saga Terminator, comienza por una Inteligencia Artificial. Es ambiguo entonces, decir que es una temática actual, pero sí es moderna su discusión social.

La Revolución Industrial supuso estragos en ciertos rubros pero al mismo tiempo abrió otras posibilidades de mercado. ¿Por qué siempre que hablamos de Inteligencia Artificial ponemos el foco en lo laboral? Tanto Ex_Machina (2015), como A.I. Artificial Intelligence (2001) y Her (2013) tienen su foco en lo emocional, y es una mirada completamente válida, que genera disrupción. M3gan (2022), Tau (2018) y el clásico de clásicos 2001: A Space Odyssey (1968) abordan una misma temática, pero con otra mirada, mucho más “mental” que emocional, por así decirlo. ¿No las viste? Te invito a hacerlo, lejos estamos de dar algún spoiler, pero seguramente alguna de toda esta lista te vas a llevar.

Cuando las historias y la veracidad científica se dan la mano en búsqueda de una palpable realidad

Ahora bien. ¿Qué pasa cuando una película busca ser científicamente fiel para que no existan espacios en blanco en su propuesta y puedan volar sobre bases sólidas? Renombrados científicos, matemáticos, físicos, trabajando a la par con guionistas, productores y directores. La búsqueda por separarse del resto mediante la veracidad dio comienzo a una ola de películas que quieren construir desde lo real, no desde lo anecdótico. Lejos quedaron los años 80s, donde unos niños podían construir una nave espacial o una máquina para crear humanos sin ningún sustento científico.

Hay películas que si bien pertenecen a la ciencia ficción, también buscan abrazar la realidad desde un punto constructivo, incluso didáctico e instructivo muchas veces. Y en ese instante es donde la ciencia ficción abre sus puertas a otros géneros. Donde la ciencia ficción acepta que ya no hay ficción y deja su lugar solo a la ciencia. ¿Habrá sido la obsesión con los detalles de Christopher Nolan quién impulsó esta movida? Es difícil de saber. Es complejo de decir. Solo sirve ir a los ejemplos y entender cuál es la mirada sobre la ciencia en el séptimo arte:

Oppenheimer (2023)

Durante la Segunda Guerra Mundial, el teniente general Leslie Groves (Matt Damon) designa al físico J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) para un grupo de trabajo que está desarrollando el Proyecto Manhattan, cuyo objetivo consiste en fabricar la primera bomba atómica. Según lo expresado por el propio Christopher Nolan, creador y director de este film ganador del Oscar, es una película que despierta la reflexión sobre el legado y las consecuencias de las acciones de un hombre que moldeó el mundo en que vivimos.

Einstein y Eddington (Einstein and Eddington, 2008)

Película original de HBO que narra la colaboración entre el científico Albert Einstein (Andy Serkis) y el astrónomo británico Arthur Eddington (David Tennant) en la formulación de la teoría de la relatividad durante los tumultuosos tiempos de la Primera Guerra Mundial.

Interstellar (Interestelar, 2014)

Otra vez Christopher Nolan, en una obra de ciencia ficción que incluye en su trama algunos conocimientos sobre astrofísica y agujeros negros. El director recibió el asesoramiento del premio Nobel de la Física, Kip Thorne, junto a otros científicos, para realizar el filme.

El código enigma (The Imitation Game, 2014)

La película sigue al genio matemático y pionero científico Alan Turing (interpretado por Benedict Cumberbatch), quien logra descifrar los códigos emitidos por la Alemania nazi, contribuyendo a la victoria de los aliados en la Segunda Guerra Mundial. Dirigida por Morten Tyldum.

Una creación del señor (Something the Lord Made, 2004)

Esta película original de HBO basada en hechos reales, presenta a dos hombres, uno de ellos un adinerado jefe de cirugía y el otro un técnico de laboratorio, quienes logran un avance médico monumental. Ambientada en la Baltimore de los años 40, el Dr. Alfred Blalock (Alan Rickman) y el técnico Vivien Thomas (Mos Def) forman un equipo que inventa un nuevo campo de la medicina, salvando miles de vidas en el proceso, con el tratamiento del síndrome de los bebés azules.

Chernobyl (2019)

Chernobyl se aleja del concepto “películas” que veníamos manteniendo, pero sirve para ejemplificar la búsqueda por el verosímil. Se trata de una miniserie de 5 episodios coproducida entre Sky y HBO. En abril de 1986, la planta nuclear Chernobyl en Ucrania sufrió una explosión masiva que liberó material radiactivo en Bielorusia, Rusia y Ucrania, así como Escandinavia y el Oeste de Europa. Valery Legasov, interpretado por Jared Harris, fue un físico nuclear soviético, miembro del equipo de respuesta, y uno de los primeros en entender la magnitud sin precedentes de lo que había ocurrido.