Herbert George Wells es considerado el padre de la ciencia ficción. Con obras que aún se leen en la actualidad, el escritor británico marcó un antes y un después en el género. No obstante, a lo largo de su vida también fue reconocido por su visión del futuro, en muchos casos casi profética. La creación de la bomba atómica y otros avances tecnológicos se materializaron décadas después de que el autor los describiera en sus novelas.

Wells supo anticipar con asombrosa precisión algunos de los acontecimientos más relevantes del siglo XX. En 1933, seis años antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, publicó Esquema de los tiempos futuros. Allí, el escritor pronosticó el estallido de una larga guerra en Europa oriental que arrastraría a otras naciones. Las descripciones detalladas de bombardeos aéreos y ataques con gas tóxico reflejaron situaciones que, pocos años después, se volverían dramática realidad. Para muchos fanáticos de su obra, éste fue solo el inicio de sus predicciones cumplidas.

Además, en 1914, Wells acuñó el término “bomba atómica” en su novela El mundo se libera. En ese libro, señaló que esas armas podrían explotar gracias al poder de la radioactividad. Años más tarde, el físico húngaro Leo Szilard reconoció que la idea de la reacción en cadena nuclear —clave para el desarrollo de estas armas— le fue inspirada por aquella obra.

En 1933, Szilard diseñó el primer concepto funcional de esta reacción, y posteriormente trabajó en el Proyecto Manhattan, de investigación y desarrollo, responsable de fabricar la primera bomba atómica de la historia, bajo la dirección del mayor general Leslie Groves, del Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos, y del físico nuclear Robert Oppenheimer, responsable del laboratorio de Los Álamos, donde se diseñaron las bombas nucleares.

Precisamente, Wells también anticipó uno de los grandes dilemas del siglo XXI: la proliferación nuclear. Según este autor, la única forma de evitar que las naciones se destruyeran entre sí con armamento atómico era establecer un gobierno global unificado. Esta advertencia aparece en varios de sus textos políticos y de divulgación científica. Entre otras inquietudes, también imaginó conflictos biológicos en La guerra de los dos mundos, donde se describe una plaga enviada por extraterrestres.

Sus aciertos más sorprendentes no terminan allí. En Los primeros hombres en la Luna, novela publicada en 1901, Wells describe una expedición espacial encabezada por los personajes Mr. Bedford y el Dr. Cavor. La historia anticipa, con notoria precisión, detalles que se harían realidad con el alunizaje del Apollo 11 en 1969, como la ingravidez, la escasez de oxígeno o la complejidad del viaje de ida y vuelta.

Otro ejemplo notable es La isla del doctor Moreau, de 1896. En ella, Wells plantea la creación de híbridos entre humanos y animales mediante vivisecciones y manipulación genética. Aunque la obra se considera una crítica distópica a ciertos avances científicos, hoy existen embriones interespecies conocidos como “quimeras”, utilizados en laboratorios para investigación médica.

La tecnología, que hoy forma parte del paisaje cotidiano, era prácticamente inimaginable en la época de Wells. En La guerra de los mundos, los invasores marcianos llegan a un suburbio de Londres con un arsenal de armas futuristas. Entre ellas se destaca el Heat-Ray (rayo de calor), un dispositivo que emitía rayos de energía capaces de incinerar edificios y quemar la piel de las personas al contacto.

En otra de sus novelas, Cuando el dormido despierte, publicada en 1899, aparece lo que se considera la primera descripción literaria de una puerta automática. Detalles como este demuestran la capacidad visionaria del autor para imaginar un mundo guiado por la innovación.

Con aciertos ya concretados y frases que aún esperan cumplirse, los seguidores de Wells siguen explorando sus obras, que permanecen vigentes y continúan sorprendiendo por su lucidez anticipatoria.

La Unidad de Cultura Científica de la Universidad de Salamanca ha hallado, mientras preparaba una exposición para 2026, una nota manuscrita que, según los investigadores, confirma la relación epistolar entre el escritor español Miguel de Unamuno y el novelista británico H.G. Wells.

La nota, presentada hoy ante los medios en la Casa-Museo Unamuno de Salamanca (centro), consta de dos cuartillas de papel blanco, está escrita a mano en inglés y contiene una invitación personal de Wells al filósofo español para cenar en su residencia de Londres el viernes 28 de febrero de 1936 y después asistir juntos a la proyección de la película ‘Things to Come’, que estaba basada en una de sus obras y cuyo guion era suyo.

“Sugerimos que entre ambos escritores probablemente existió una comunicación más o menos fluida y sostenida en el tiempo, que desgraciadamente no nos ha llegado completa”, indicó la investigadora Marta García.

El equipo de la Casa-Museo Unamuno verificó que, además del intercambio de correspondencia entre ambos intelectuales, se enviaron libros, como confirma una misiva de la secretaria personal del novelista británico.

“Este hallazgo nos muestra la perspectiva más humana de Unamuno y la consideración que despertaba en las figuras culturales de más alto nivel europeo. Es un descubrimiento que lo mantiene más vivo y lo muestra más actual”, destacó García sobre el rector perpetuo de la Universidad de Salamanca, la más antigua de España y una de las más prestigiosas.

¿Fue Unamuno a la cita con Wells?

Wells invitó a Unamuno a cenar en su casa aquel viernes 28 de febrero de 1936 aprovechando que el escritor español estaba en Londres para recibir el título de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford.

En esa convocatoria incluyó después la propuesta de ver la película junto a la baronesa Budberg, escritora rusa, y a William Ralph Inge, teólogo y filósofo británico, en el Teatro Leicester Square.

“Era inusual que una persona de esa relevancia le enviara una nota manuscrita a alguien. Eso era porque ya había una relación previa y creía que iba a acudir, y más en compañía de personas tan destacadas”, apuntó el director del Servicio de Producción e Innovación Digital de la USAL, Raúl Rivas.

Los investigadores no han hallado registros directos que confirmen la asistencia de Unamuno al encuentro, pero aseguran que “sí existen indicios de que acudió”, como un poema escrito por el intelectual español al despedirse de Londres que contiene referencias relacionadas con el tema de la película, o un artículo del diario ‘El Sol’ en el que se menciona la invitación al cine dando a entender que el escritor sí fue.

Unamuno y la comunidad intelectual internacional

En 1924, Wells escribió un artículo en la prensa londinense en el que mostraba su apoyo a Unamuno tras su destierro, con el título ‘El caso Unamuno’; y en el que se refería al intelectual español como “gran escritor y profesor, exrector de la Universidad de Salamanca y hombre de indiscutible preeminencia”.

Unamuno, considerado uno de los escritores más importantes de la llamada ‘Generación del 98′, fue desterrado en 1924 a la isla canaria de Fuerteventura (Atlántico), tras publicar unos escritos en contra del entonces rey Alfonso XIII y del Directorio Militar de Primo de Rivera.

Los investigadores destacan que todos estos “indicios” de la relación entre Unamuno y Wells amplían el conocimiento sobre la vasta red de contactos del español con intelectuales de todo el mundo y reafirman su interés por el avance científico y tecnológico, así como su implicación en los grandes debates del siglo XX.

La nota manuscrita y el resto de “tesoros” que están recabando los equipos podrán observarse de cerca en la exposición prevista para 2026 sobre la relación entre Unamuno y la Ciencia.

Fuente: EFE

Cada semana es una nueva oportunidad para escapar de la rutina con un buen libro. Sin embargo, encontrar esa lectura perfecta no siempre es tarea sencilla. En un mar de opciones y con tan poco tiempo disponible, dar con una historia que nos invite a desconectar y disfrutar puede convertirse en un auténtico desafío.

Infobae Cultura hizo una selección de tres títulos esenciales para comenzar a leer y escuchar. Y con una ventaja: aprovechar los precios convenientes en sus versiones de libro electrónico.

En esta recomendación, el libro en el que Han Kang, Premio Nobel de Literatura 2024, reconstruye un episodio oscuro de Corea del Sur; Comer sin hambre, del doctor especialista en ansiedad, Judson Brewer; y la obra cumbre de la escritora y periodista argentina, Sara Gallardo, Los galgos, los galgos. Además, un bonus track gratis imperdible del escritor, novelista británico y pionero en la ciencia ficción y la distopía, H.G. Wells.

“Actos humanos”, de Han Kang

Actos humanos, de Han Kang, Premio Nobel de Literatura 2024, revive uno de los episodios más oscuros de la historia reciente de Corea del Sur: la masacre de Gwangju en mayo de 1980. En esta ciudad, miles de estudiantes y civiles se levantaron contra la dictadura militar de Chun Doo-hwan, enfrentándose a una represión brutal. A través de su prosa poética y poderosa, la autora reconstruye aquel momento desgarrador, a la vez que expone la crudeza de la violencia y el costo humano de la lucha por la democracia.

Con una estructura polifónica, la novela da voz a las víctimas, los sobrevivientes y aquellos que quedaron para recordar. Desde un joven que busca el cuerpo de su amigo hasta las memorias de un alma atrapada entre la vida y la muerte, cada perspectiva enfrenta temas como la censura, la culpa y el peso de la memoria colectiva.

Premiada “por su intensa prosa poética que confronta los traumas históricos y expone la fragilidad de la vida humana”, Han Kang ofrece una obra universal, profundamente conmovedora y necesaria. Actos humanos es un testimonio literario sobre las cicatrices de la represión y la resiliencia de la memoria, que interpela tanto al pasado como al presente.

“Comer sin hambre”, de Judson Brewer

¿Por qué sentimos ansiedad por la comida? ¿Por qué muchas veces terminamos luchando contra antojos, estrés o sentimientos de culpa? En Comer sin hambre, el doctor Judson Brewer, reconocido por ser el director de Investigación e Innovación del Mindfulness Center y profesor asociado de Psiquiatría en la Facultad de Medicina de la Universidad de Brown, además de investigador afiliado del MIT, y autor de Deshacer la ansiedad y La mente ansiosa, propone un enfoque diferente para transformar nuestra relación con la alimentación: la curiosidad y la autoconciencia como herramientas clave.

A través de un programa de 21 días, Brewer enseña a identificar y reiniciar los detonantes emocionales que nos llevan a comer en exceso o de manera poco saludable. Este método no solo ayuda a establecer nuevos hábitos alimenticios, sino que también aborda cuestiones profundas relacionadas con la autoestima, la ansiedad y el estrés. Lejos de la rigidez de las dietas, el libro invita a trabajar con nuestro cerebro, en lugar de luchar contra él, para construir una relación más libre y amable con la comida.

Comer sin hambre no es un manual de restricciones, sino una guía para dejar atrás los atracones y los patrones alimenticios nocivos. Brewer ofrece un antídoto definitivo contra el sentimiento de culpa, mostrando que el bienestar interior es la base para vivir una alimentación más consciente y equilibrada.

“Los galgos, los galgos”, de Sara Gallardo

“De mi padre heredé una casa, la mitad de un campo y algo de dinero”. Así comienza Los galgos, los galgos, de Sara Gallardo, con una frase que condensa el tono melancólico e irónico de esta obra maestra. Publicada originalmente en 1968, ahora reeditada por Fiordo, y galardonada con el Premio Municipal de Literatura, la novela consagró a Gallardo como una de las grandes autoras argentinas, gracias a su capacidad para trazar historias que perduran.

Al morir su padre, Julián hereda Las Zanjas, un paraíso natural donde se instala junto a Lisa, su novia, y los galgos Corsario y Chispa. Allí construyen una casa, plantan árboles y viven un amor despreocupado, sin imaginar que el verdadero conflicto está dentro de ellos mismos. Decidido a ser un estanciero productivo, Julián introduce cambios que alteran la tranquilidad del lugar, desencadenando una serie de eventos que lo llevan a París y, años después, de regreso a Buenos Aires. En un mundo que parece ajeno a su sensibilidad, Julián enfrenta el paso del tiempo con la misma fugacidad con la que corren los galgos que tanto ama.

Más que una narración sobre amor y desencanto, la novela es un retrato íntimo de las tensiones entre las tradiciones familiares y los deseos individuales. Con una prosa precisa y un humor delicado, Los galgos, los galgos es una obra que transita entre la fatalidad y la ironía. Un clásico de la literatura argentina que deja una marca imborrable, ofreciendo una experiencia de lectura tan conmovedora como inolvidable.

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Bonus track: “La isla del doctor Moreau”, de H.G. Wells (Gratis)

La isla del doctor Moreau, publicada en 1896, es una de las novelas más inquietantes y visionarias de H.G. Wells, considerado un maestro de la ciencia ficción. En esta obra, que tuvo varias adaptaciones cinematográficas, el autor explora los límites éticos de la ciencia y la moral a través de una historia en la que el protagonista, Edward Prendick, naufraga y termina en una isla donde el enigmático doctor Moreau lleva a cabo experimentos aterradores: transformar animales en humanos mediante procedimientos quirúrgicos y genéticos.

En la isla, los híbridos creados por Moreau viven bajo un conjunto de leyes que buscan reprimir sus instintos animales, pero el equilibrio es frágil y la tensión crece, y pone en foco los conceptos de civilización, naturaleza y la identidad del ser humano y el peligro de jugar a ser Dios.

Wells, con su prosa directa y precisa, crea un relato tan perturbador como filosófico, que resuena en debates contemporáneos sobre bioética y manipulación genética.

La historia combinará el suspenso y la ciencia ficción con una perspectiva fresca al situar la invasión marciana en Petrogrado (nombre con el que se conocía a San Petersburgo en el siglo XIX) y las duras tierras de Siberia.

Deberemos utilizar armas propias de la época, desde pistolas de pólvora negra hasta la mítica ametralladora Maxim, mientras resolvemos acertijos y empleamos el sigilo para superar a enemigos marcianos y humanos hostiles. La ambientación recrea con fidelidad la arquitectura y la vida diaria de finales del siglo XIX.

A través de una historia intrincada y personajes memorables, el título busca capturar la esencia de la obra original de H.G. Wells mientras amplía su universo con elementos nuevos.

Aunque aún no se ha anunciado una fecha de lanzamiento oficial, The War of the Worlds: Siberia estará disponible inicialmente en PC, con la posibilidad de llegar a consolas más adelante.

Nota anterior:

• El fascinante mundo del cine “Clase B”: lo que nació como una medida desesperada, se convirtió en culto

El auge del cine de ciencia ficción Clase B de los años 50: miedo, curiosidad, radiación y el espacio exterior

En una la anterior, construimos el contexto del inicio de lo que hoy llamamos “Cine Clase B”. Y como bien dimos a entender en esa nota, hay muchas aristas que necesitaban consolidarse, por ende, un solo texto no es suficiente para explicar semejante fenómeno cultural de una industria inmensa. Porque todo movimiento artístico, por así decirlo, tiene su punto de partida a través de diferentes hechos históricos y sociales. La década de los 50 fue una época vibrante y, a la vez, tensa en la historia de los Estados Unidos, donde reside la cuna del cine . En pleno apogeo de la Guerra Fría, el país se encontraba en una constante alerta frente a un posible enfrentamiento con la Unión Soviética.

En este contexto, la ciencia ficción Clase B se convirtió en un espejo de las ansiedades y esperanzas de la época. Las películas de bajo presupuesto, que poblaban las pantallas de los autocines y las funciones dobles, eran el vehículo perfecto para expresar temores profundos y aspiraciones colectivas. La Guerra Fría, justamente, se tenía que ganar en silencio, desde la moral del pueblo y en el cómo se mostraba Estados Unidos frente al mundo. Por eso mismo, el género aprovechó los avances tecnológicos, como el Cinemascope, el 3D y la seducción del Technicolor, para ofrecer una experiencia sensorial que la televisión aún no podía igualar. Era necesario, de una alguna forma, que la gente asista al cine por diversión pero, de fondo, se llevaba también algún tipo de mensaje.

A pesar de su modesto presupuesto, el cine de ciencia ficción Clase B logró captar la atención del público joven por su puesta en escena, su trabajo de efectos especiales y, lógicamente, por sus historias. Temas como el peligro de la radiación nuclear (como en Them!, de 1954), el miedo a invasores extraterrestres (como en Earth vs. the Flying Saucers de 1956) y las mutaciones provocadas por la tecnología (como en Tarantula de 1955) fueron recurrentes. Estas películas canalizaron el terror colectivo ante la posibilidad de que la ciencia, vista como un arma de doble filo, pudiera desencadenar el apocalipsis o generar seres monstruosos y, de esta forma, mediante el miedo, pudiera también generar adeptos y detractores, sin importar el resultado mientras se pudiera instalar bien el mensaje necesario. En el público, la inquietud y curiosidad por lo desconocido no solo se reflejaban en estas películas, sino que además impactaron profundamente en la cultura popular, influyendo en generaciones posteriores. Si nos detenemos a pensar, en aquellos tiempos las fuentes de información y de entretenimiento eran acotadas, y a grandes rasgos, todos solían consumir lo mismo.

Paranoia y el “enemigo interno”: el miedo a la infiltración

Uno de los temas recurrentes del cine de ciencia ficción Clase B de los 50 fue la paranoia hacia el “enemigo interno”, una metáfora directa de la creciente obsesión por la infiltración comunista en la sociedad estadounidense. En pocas palabras: los espías. En esta época, figuras políticas como el senador Joseph McCarthy promovieron la caza de brujas contra presuntos simpatizantes comunistas o de izquierda, alimentando un ambiente de sospecha y paranoia constante. Así, muchas películas caían en el plan de retratar extraterrestres que invadían el cuerpo o la mente de los humanos (como en Invasion of the Body Snatchers, de 1956), seres ajenos que se camuflaban entre la gente común para controlarla desde dentro. Nuestros padres, hijos, hermanos, vecinos... nadie estaba salvo.

Como decíamos, un claro ejemplo de esta metáfora es Invasion of the Body Snatchers (película que tuvo tres remakes, una en 1978 dirigida por Philip Kaufman; una en 1993 dirigida por Abel Ferrara; y una en 2007 dirigida por Oliver Hirschbiegel), un clásico de la ciencia ficción que muestra a los habitantes de un pueblo siendo reemplazados por versiones deshumanizadas y apáticas de sí mismos, creadas por seres de otro mundo. Los reemplazados pierden su capacidad de sentir emociones y de rebelarse, de pensar por sí mismos, convirtiéndose en seres conformistas y obedientes, presos de un ente superior. La película, dirigida por Don Siegel, transmitía un mensaje claro sobre el temor a perder la identidad y autonomía bajo un sistema autoritario, un miedo latente que se alimentaba de la rivalidad entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Saliendo de los años 50, la película Equilibrium (Kurt Wimmer, 2002) plantea un contexto muy similar, aunque esta también absorbe muchísimo del clásico de la literatura Fahrenheit 451, escrito por Ray Bradbury en 1953, y de otro clásico llamado 1984, escrito por George Orwell a finales de los años 40.

Invasiones extraterrestres y el miedo a lo desconocido

La amenaza de una invasión alienígena fue otro tema fascinante para el cine de ciencia ficción Clase B en los 50, y una de las vertientes que quedó instalada en el género de manera mucho más presente, convirtiéndose en un subgénero con mucho peso donde han aterrizado directores de la talla de Ridley Scott, Steven Spielberg, Roland Emmerich, Denis Villeneuve y tantos otros. Para una sociedad cada vez más acostumbrada a vivir bajo la sombra de la amenaza nuclear y la posibilidad de una guerra inminente, la llegada de seres de otros mundos era una metáfora ideal para representar los temores de una agresión externa y el choque de civilizaciones, razas e incluso marcando diferencias culturales. En muchos casos, los extraterrestres se mostraban como entes superiores y tecnológicamente mucho más avanzados, capaces de destruir a la humanidad entera solo por placer o de conquistar la Tierra sin apenas esfuerzo para utilizar nuestros recursos. Esto reflejaba la inquietud de la época ante el posible dominio militar y científico de otras potencias en tierra propia, promoviendo la unión de los pueblos frente a un enemigo en común.

Recurriendo a grandes ejemplos (y quizás cayendo en un lugar común, pero necesario), exponentes como The War of the Worlds (1953) de Byron Haskin, adaptación de la novela de H.G. Wells, presentaron un escenario apocalíptico donde Estados Unidos era atacado por una raza alienígena sin precedentes y aparentemente invencible, donde lo único que quedaba era obedecer, lo que significaba una alusión a la amenaza comunista que parecía acechar desde el exterior con fuerza. En esta línea, la ya mencionada Earth vs. the Flying Saucers (1956) mostró a los icónicos diseños de los platillos voladores que conocemos hoy en día como un estándar y, mediante ellos, la impactante destrucción de icónicos monumentos estadounidenses, algo que supuso un impacto cultural e ideológico impresionante en aquellos tiempos. Incluso en el cine actual, luego de que Independence Day (1996) volviera a levantar esta vara como hecho base para la unión de las masas contra fuerzas externas, estas películas mostraban que, aunque el origen de los invasores fuera lejano, la amenaza de una fuerza desconocida siempre estaba presente en el inconsciente colectivo.

Mutaciones y monstruos radioactivos: el terror a los efectos de la radiación

El impacto de la bomba atómica sobre Japón y la amenaza de una guerra nuclear dejaron una profunda huella en el cine de los años 50, siendo Godzilla (Ishirō Honda, 1954) el mejor ejemplo en cuanto a metáforas y críticas. En el aire se sentía la posibilidad de que la radiación y las armas nucleares tuvieran efectos devastadores y permanentes en la vida de los humanos, una preocupación que se trasladó al cine de ciencia ficción en forma de monstruos gigantes y mutaciones, siempre para dejar la mecha encendida frente a una sociedad preocupada. En este subgénero, criaturas de tamaño descomunal, originadas por accidentes nucleares, simbolizaban el temor a las consecuencias de jugar con fuerzas que aún no se comprendían del todo: durante mucho tiempo, el cine marcaba y determinaba qué era verdad y qué era mentira, pudiendo ingresar así a los hogares con un mensaje claro bajo el brazo .

Uno de los primeros ejemplos del que podemos hablar es The Beast from 20,000 Fathoms (Eugène Lourié, 1953), en la que un dinosaurio prehistórico despierta tras una explosión nuclear en el Ártico y se dirige a Nueva York, destruyendo todo a su paso (la premisa básica de Godzilla y King Kong, solo que variando el personaje principal y sus orígenes). El éxito de esta película, animada por el legendario Ray Harryhausen, inspiró a muchos otros exponentes en los que la radiación daba vida a bestias gigantes que solo querían destruir, aniquilar, y otras veces, simplemente ser queridos. Them! (Gordon Douglas, 1954), a quien mencionamos en los primeros párrafos, presentó hormigas gigantes producto de pruebas atómicas en el desierto, mientras que The Incredible Shrinking Man (1957) llevó el concepto de los efectos de la radiación al extremo, mostrando a un hombre que, tras exponerse a una nube radioactiva, empieza a reducir su tamaño sin remedio, enfrentándose a un mundo cada vez más hostil debido a su tamaño. Este gran concepto se utilizó de forma mucho más explícita en la comedia Querida, encogí a los niños (Honey, I Shrunk the Kids - 1989) y en la más moderna Ant-Man (Peyton Reed, 2015).

Volviendo a los ejemplos clásicos, estos no solo expresaban el miedo a la destrucción causada por la radiación, sino que también aludían a la pérdida de control sobre la propia vida y el entorno. Al jugar con el tamaño y la fuerza de los personajes, el cine planteaba preguntas sobre los límites de la ciencia y la fragilidad humana frente a sus propios descubrimientos. El miedo, entonces, estaba puesto sobre el veloz avance de la tecnología.

Impacto social y legado en la cultura pop

El cine de ciencia ficción Clase B de los años 50 dejó una marca imborrable en la cultura popular, inspirando a generaciones posteriores de cineastas, escritores y artistas, cualquiera de ellos que haya abrazado a la ciencia ficción, como Paul Verhoeven, George Lucas o James Cameron, manteniendo como próceres de esta movida a genios de la talla de Georges Méliès (Viaje a la luna, 1902) o Fritz Lang (Metrópolis, 1927). Aunque muchas de estas películas fueron realizadas con presupuestos modestos y efectos rústicos (si me permiten utilizar esa palabra), como bien explicamos en la primera parte de esta nota, su creatividad e innovación visual le dieron a la audiencia algo que nunca habían visto, y crearon un estilo único que se convirtió en un referente dentro del género. Elementos como los platillos voladores, los alienígenas y los monstruos radioactivos se convirtieron en iconos reconocibles y fueron reutilizados y reinterpretados en décadas posteriores. Definieron las bases que aún hoy siguen siendo el cimiento de la industria.

Este legado se percibe en películas y series de los 80 como ET: El Extraterrestre (Steven Spielberg, 1982) hasta en el cambalache de ideas llamado Stranger Things, que recrea los suburbios estadounidenses y la nostalgia como eje de su venta, además de los alienígenes y la invasión de otros países que se encuentran dentro de sus tierras. Attack the Block (Joe Cornish, 2011), Cloverfield (Matt Reeves, 2008), A.I. Inteligencia Artificial (Steven Spielberg, 2001), Sector 9 (Neill Blomkamp, 2009), Under the Skin (Jonathan Glazer, 2013), Starship Troopers (Paul Verhoeven, 1998) y tantas -pero tantas- otras, son claros ejemplos de directores y guionistas que decidieron tomar un poco de cada uno de estos tropos y mezclarlos para que sea el espectador quien salga ganando.

No hay que olvidar, además, que personajes como Robby, el robot de Forbidden Planet (Fred M. Wilcox, 1956) se convirtieron en figuras legendarias, precursoras de los robots inteligentes que poblarían la ciencia ficción de los 70 en adelante y, aunque no parezca, como impulsor de una nueva estrategia de venta. Justamente, como repercusión de la cultura popular, los “muñecos” o figuras de acción de personajes de series o películas comenzaron a ser parte de toda esta movida industrial, habiendo entendido la fascinación de la gente por Robby, por ejemplo, más allá de la empatía por sus personajes de carne y hueso. Con el paso de los años, esto se convertiría en una industria tan grande, que muchas veces los cineastas y creativos, a la hora de crear y diseñar sus personajes, tenían (y tienen) en mente las ventas que podrían lograr con las figuras de acción de sus personajes. Pero esa historia es, definitivamente, para otra nota.

“Señoras y señores, esto es lo más terrorífico que he presenciado… ¡Espera un minuto! Alguien está avanzando desde el fondo del hoyo. Alguien… o algo. Puedo ver escudriñando desde ese hoy negro dos discos luminosos… ¿Son ojos? Puede que sea una cara”, escucharon miles y miles de estadounidenses por la radio. La voz del cronista jadeaba, lo que se escuchaba detrás de ese enviado al lugar de los hechos era caótico: los gritos y las sirenas eran la banda sonora del apocalipsis.

Era un domingo de 1938 y era, sobre todo, la víspera de Halloween en los Estados Unidos. Fue por eso que Orson Welles había decidido que esa noche, en su emisión semanal a través de la CBS -que tenía repetidoras en todo el país-, adaptaría el argumento de La guerra de los mundos para su drama radial de la fecha.

La obra literaria de Herbert George Wells se había publicado en 1898 y narraba una invasión alienígena en la Inglaterra victoriana. Era, además de una novela de ciencia ficción, una crítica del autor británico a las políticas imperiales del reino en el que le había tocado nacer.

Orson Welles, que ese domingo 30 de octubre de hace 86 años tenía apenas 23 años y aún no era el enorme actor y director en el que se convertiría, decidió que el texto de H.G. Wells sería su fuente de inspiración para su presentación sonora. Decidió que la invasión extraterrestre sería más cerca de su público, en Nueva Jersey, para que los oyentes sintieran más cercanía con el cuento que les estaban contando.

Junto a su equipo de guionistas, el futuro Ciudadano Kane construyó un relato en el que una presunta transmisión musical y de entretenimientos sería interrumpida por el reporte científico y periodístico de tres explosiones en Marte y, después, por el avistamiento de luces, meteoritos y naves extraterrestres allí en Nueva Jersey.

Naves extraterrestres de las que bajaban criaturas “babeantes, con tentáculos, horrorosas” y quemaban vivos a los humanos que encontraran en su camino. Incluso, casi sobre el final de esa hora de ficción al aire, al supuesto cronista de exteriores que contaba con lujo de detalles lo que veía a su alrededor. Welles estaba seguro de que el episodio generaría sobre todo aburrimiento: ¿quién podría creer que todo eso era al menos posible? Su pronóstico se develaría equivocadísimo.

Ese domingo, apenas se encendió la luz que les indica a quienes hacen radio que están al aire, Orson Welles hizo lo que tenía que hacer: advirtió a quienes estuvieran del otro lado que todo eso que escucharían se trataba de una ficción. Lo repitió cuando el drama llevaba 40 minutos al aire. Pero los que se sumaron a la audiencia cuando el programa había empezado no escucharon la primera aclaración, y casi todos los que estaban del otro lado del parlante omitieron la segunda. Eso que les estaban contando, aunque no fuera más que un cuento, los tenía absolutamente atrapados. Y convencidos de que estaban delante de una verdad tan indiscutible como horrorosa.

Durante la emisión, que duró exactamente 59 minutos, Welles contó con la complicidad de The Mercury Theatre on the Air, la compañía de radioteatro que encabezaba en ese entonces. La radio era, por lejos, el medio de comunicación más popular del mundo. Y, al menos en Estados Unidos, 9 de cada 10 adultos elegían esa vía para entretenerse: eran tiempos en los que Adolf Hitler avanzaba en Europa -anexó Austria ese año- y en los que los norteamericanos apenas empezaban a asomar la cabeza tras la Gran Depresión. Un rato de aire fresco a través del aire radial era bien recibido en la vida cotidiana de la mayoría de la población.

Junto a Howard Koch, que años después haría el guión de Casablanca, Orson Welles adaptó para ese espacio de entretenimiento obras como Drácula, Julio César y El Conde de Montecristo. Pero ninguna revolucionó más a su audiencia y, sobre todo, a los medios de comunicación como aquella víspera de Halloween y La guerra de los mundos.

Las tapas de los diarios al día siguiente dieron cuenta del supuesto efecto de la transmisión radial, que muchos creyeron real y no parte de una trama de ficción. The New York Times publicó en su portada: “Pánico en los oyentes por confundir una ficción con la realidad”, mientras que The Boston Herald decía: “Una supuesta invasión marciana sumerge al país en el pánico”.

En efecto, algunas telefonistas de la CBS habían reportado que no faltaron oyentes que se comunicaron con la radio para preguntar sencillamente si el mundo se estaba acabando. Los diarios del 31 de octubre y de los primeros días de noviembre dieron cuenta de que tanto sus redacciones como las estaciones de Policía de Nueva Jersey y Nueva York habían colapsado por los llamados de la población que quería respuestas y quería, sobre todo, algo que los calmara.

Lo que escuchaban en la radio era terrorífico: luces inexplicables cada vez más cercanas, criaturas inexplicables cada vez más cercanas, incendios espontáneos cada vez más cercanos. La amenaza de un enemigo que venía desde fuera del planeta conocido a pocos kilómetros de casa, y haciendo jadear al periodista que tenía el peligro cada vez más cerca.

Orson Welles interpretaba al profesor Pierson, un prestigioso astrónomo que intentaba explicar los fenómenos que se iban reportando. Carl Philips, un actor de la compañía que cada domingo hacía su emisión, hacía las veces del periodista que estaba dispuesto a morir por la noticia. Sus jadeos no eran pura improvisación: se había preparado escuchando los reportes del cronista que, un año antes, había transmitido en vivo el incendio del dirigible alemán Hindenburg. En esa tragedia habían muerto 36 personas, también en Nueva Jersey. Esa desesperación fue la que inspiró a Philips para encarnar a ese periodista que no podía creer lo que veía y que tenía el enorme desafío de que los oyentes confiaran en su testimonio.

Por si al envío de ciencia ficción le hubiera faltado algo de realismo, el guión de Welles y los suyos incluyó un mensaje de un supuesto funcionario de alto rango de los Estados Unidos: “Cada uno de nosotros debe continuar cumpliendo con sus deberes, de suerte que nos sea posible oponer a ese enemigo destructor una nación unida, valiente y consagrada a conservar la supremacía humana en esta tierra”. ¿Cómo no iban a sentirse en plena guerra contra la invasión extraterrestre los que sintonizaran y escucharan semejante cosa? ¿Cómo iban a tener resto en medio del pánico para advertir el aviso del minuto 40 que recordaba que todo era un cuento de Halloween?

Los diarios hablaron de rutas repletas, de supermercados desabastecidos, de gente gritando en la calle sin saber para dónde correr. Gente desesperada por creerse cerca de esos incendios que provocaban criaturas inexplicables y que, a través de gases venenosos, habían incluso matado al cronista del día justo al final de la emisión radial de la CBS. Los diarios sabían que el envío de Welles había sido pura ficción, y lo contaban, pero también contaban las consecuencias en las vidas de quienes no habían advertido la diferencia entre dato y relato.

Dos años después de ese octubre inolvidable para la CBS, para Orson Welles y para todos los que sintieron pánico, se publicó la primera investigación sobre el efecto de esa emisión radial. Handley Cantril, de la Universidad de Princeton, publicó en un trabajo académico que al menos 1,7 millones de personas habían creído que la llegada de extraterrestres a Estados Unidos era real, y no menos de 1,2 millones “se asustaron o tomaron alguna acción por la presunta invasión”.

La guerra de los mundos en versión Orson Welles había dado una muestra inédita del poder de los medios de comunicación: nunca antes había sido tan contundente la convicción de que lo que allí se decía -aunque mediara un error de interpretación- podía generar un efecto tan masivo en la audiencia. Era, para la radio en su época dorada, un espaldarazo potente, y para los medios en general, un reflejo de aquello que empezaría a llamarse “el cuarto poder”.

Tuvieron que pasar varias décadas para que se publicaran otras investigaciones sobre los hechos de ese octubre de 1938. Robert Bartholomew, un investigador de la Universidad James Cook, determinó que tanto los diarios de los días que siguieron a la emisión como incluso la investigación de Cantril de 1940 habían exagerado con imaginación y sin demasiado chequeo los sucesos desencadenados por el envío radial. El sociólogo de James Cook dio cuenta de que Cantril había encuestado sólo a 135 personas, y que por eso era imposible determinar que casi 2 millones habían creído en la supuesta llegada de los alienígenas. Investigaciones como la suya fueron las que, además, indagaron en la posibilidad de que los diarios quisieran desprestigiar a la radio en un momento en el que era ese medio el que más recaudaba en términos de publicidad.

Hubo oyentes -es imposible saber cuántos- que creyeron en el relato basado en La Guerra de los Mundos que encabezó Orson Welles. Hubo lectores que creyeron en la exageración que los medios de prensa escrita construyeron a partir de esos 59 minutos que ya son parte de la historia de la comunicación de masas. Las dos cosas fueron una demostración que no había existido antes del poder de esos medios.

Lo que no hubo fue una invasión extraterrestre. Aunque en el parque Van Nest de Grover’s Mill, en el municipio de West Windsor de Nueva Jersey, hay un monumento para señalar que allí hubiera sido el aterrizaje de los alienígenas, si todo lo que esa emisión radial histórica e histérica hubiera dicho la verdad, y no puro cuento.

En la era dorada de los videojuegos retro, lo que quizá comenzaba con una chispa de inspiración o una anécdota, culminaba en la creación de una experiencia interactiva que capturaba la atención de millones. En esta época no era raro ver a algún genio talentoso que se ocupaba, prácticamente solo o con un equipo muy reducido, de planificar y desarrollar alguno de los clásicos precursores de la industria que todavía adoramos hoy.

Pero, ¿cómo se transformaban estas ideas en videojuegos? ¿Cuáles eran los procesos de desarrollo más comunes? Acompáñanos en un recorrido donde intentaremos dar un poco de luz a este asunto o al menos esclarecer y ordenar los procesos de desarrollo que definieron el modo de producción para toda una generación de gamers.

La concepción del juego: ideas y bocetos

En los ochenta, también a comienzos de los noventa, los desarrolladores a menudo eran visionarios solitarios o pequeños equipos que compartían una pasión por los juegos. Un cuaderno y un lápiz eran herramientas esenciales para plasmar ideas, esbozar personajes, diseñar niveles o idear mecánicas. Uno de los ejemplos más icónicos de este proceso es Space Invaders, creado por Tomohiro Nishikado, inspirándose en La guerra de los mundos de H. G. Wells. Nishikado quería plasmar esta idea de la invasión extraterrestre y decidió usar microprocesadores para crear gráficos y patrones de movimiento nunca vistos antes. En una entrevista con la BBC, Nishikado mencionó que la inspiración para los diseños de los enemigos vino de varios animales marinos, incluidos pulpos, cangrejos y calamares.

Estos diseños fueron elegidos porque eran visualmente interesantes y ofrecían un desafío de movimiento que podía ser programado dentro de las limitaciones del hardware de la época. Otra anécdota bien célebre es la del caso del señor Iwatani que se inspiró en una pizza a la que le faltaba una rebanada. Mientras comía pizza, Iwatani notó que la forma circular con una porción faltante se parecía a una boca abierta, lo que lo llevó a diseñar el personaje principal de Pac-Man. Iwatani quería crear un juego que atrajera tanto a mujeres como a hombres, ya que en ese momento, la mayoría de los juegos de arcade estaban dirigidos a los hombres y eran principalmente juegos de disparos.

Su objetivo era diseñar un juego que fuera accesible y atractivo para todos. Esto lo llevó a elegir, muy sabiamente, un tema centrado en la comida, algo universalmente atractivo. Los fantasmas, conocidos como Blinky, Pinky, Inky y Clyde, fueron diseñados para tener personalidades y comportamientos distintos. Cada fantasma tiene una estrategia diferente para perseguir a Pac-Man, lo que añade un nivel de complejidad y de inteligencia a los enemigos. Podemos citar otros ejemplos y anécdotas, pero lo que por ahora queremos dejar bien claro en este apartado es que todo juego comienza con una idea y que la primera etapa en la producción de un videojuego suele implicar una considerable cantidad de toma de notas y creación de bocetos.

Los desarrolladores son quienes anotan ideas rápidamente en cualquier medio disponible, ya sea un cuaderno, servilletas o incluso en dispositivos digitales. Estos bocetos iniciales no solo incluyen conceptos de personajes y escenarios, sino también posibles mecánicas de juego y flujos de interacción. Juegos como The Legend of Zelda o Super Mario Bros. surgieron de sesiones de lluvia de ideas y bocetos que definieron las primeras etapas del diseño.

El arte del pixel y la música del chip

El arte en los juegos retro es minimalista por su simplicidad y creatividad. Los artistas trabajaban con paletas de colores limitadas, diseñando cada sprite pixel a pixel. Esta limitación técnica dio lugar a un estilo visual único que sigue siendo celebrado hoy. El pixel art es una forma de arte digital creada a través de la manipulación precisa de los píxeles individuales en una imagen. Debido a las limitaciones de hardware en los sistemas de juego tempranos, los artistas de videojuegos tenían que ser extremadamente creativos para trabajar dentro de las restricciones de resolución y color. Cada píxel contaba, y los diseñadores se esforzaban por maximizar el impacto visual con recursos mínimos.

Shigeru Miyamoto, creador de Super Mario Bros. y The Legend of Zelda, y su equipo de Nintendo son un claro ejemplo, entre los nombres y logros más reconocidos en la industria. A través del pixel art lograron dar vida a personajes como Mario y Link, cuyos diseños simples pero efectivos se han convertido en símbolos culturales globales.

De manera similar, los compositores de música de videojuegos de los ochenta y noventa utilizaron los recursos limitados de los sintetizadores y chips de sonido de las consolas de juegos de la época para crear melodías y efectos sonoros memorables, reconocibles actualmente como chiptunes. La música de los juegos de Mega Man y Castlevania son ejemplos perfectos de cómo se aprovechaba al máximo la tecnología disponible para crear experiencias auditivas envolventes. Manami Matsumae, el compositor de la música de Mega Man, utilizó el chip de sonido de 2A03 de la NES para crear la mítica melodía.

La limitaciones del chip de sonido no consiguieron que Matsumae tuviera que ocultar su talento. Por su parte, Kiyoshi Sakai y Kinuyo Yamashita, los compositores de la música de Castlevania, utilizaron el mismo chip de sonido para crear una atmósfera oscura y gótica que complementaba perfectamente la estética del juego. Del mismo modo, podemos encontrar juegos icónicos de Sega como Streets of Rage, donde la música desempeñó un papel crucial en la creación de la atmósfera y la inmersión del jugador. Yuzo Koshiro, el compositor principal, utilizó el Yamaha YM2612, un chip de sonido FM, para componer la banda sonora del juego.

Koshiro, inspirado por la música house y techno de los clubes de la época, creó pistas que capturaban la energía y la intensidad de las peleas callejeras. Este enfoque innovador no solo definió la identidad auditiva de Streets of Rage, sino que también estableció un estándar para la música en los juegos similares en su tiempo. Siguiendo esta línea, tenemos otro ejemplo notable en Sonic the Hedgehog, con música compuesta por Masato Nakamura.

Nakamura, miembro de la banda de pop japonés Dreams Come True, utilizó el mismo chip de sonido para crear melodías dinámicas y emotivas que se complementaban la velocidad y la emoción del juego. La música de Sonic no solo realzaba la experiencia de juego, sino que también se había convertido en una parte integral de la identidad del personaje y de la franquicia en general. La música de los videojuegos de esa época no solo era atractiva y pegadiza, sino que también ayudaba a crear una atmósfera inmersiva que nos mantenía a los jugadores enganchados durante horas, incluso cuando ya no estábamos frente a la pantalla ni jugando. Será por esto que aquellos sonidos tan característicos de los videojuegos de los ochenta y noventa todavía son reconocibles como parte de un capital cultural que definió la época.

Perfeccionando la experiencia

Antes del lanzamiento, los juegos pasaban por rigurosas fases de prueba. Los errores y los bugs de programación eran identificados y corregidos a través de pruebas exhaustivas. Como los equipos eran pequeños, todos se involucraban en esta tarea, jugando y rejugando el título para asegurar que la experiencia final del jugador fuera fluida y agradable. Los desarrolladores y probadores dedicaban innumerables horas a jugar cada sección del juego para identificar errores y asegurar una experiencia casi sin fallos. Pues, dada la tecnología de la época, una vez que pasaba a la etapa de distribución no había modo de subsanar -ni parchear- los errores.

Debido a esto mismo, también eran bastante comunes los easter eggs (ya dedicaremos su espacio en esta columna), es decir, secretos o mensajes dejados intencionalmente por los programadores que, en muchos casos, se divulgaban al poco tiempo de su publicación. Los easter eggs se han convertido en una tradición y un aspecto querido de la cultura de los videojuegos y el software, proporcionando a los usuarios una capa adicional de entretenimiento y sorpresa.

Tras superada la etapa de prueba, se procedía a la siguiente que consistía en la publicación, distribución y venta en las tiendas. Buenos ejemplos de juegos bien probados tenemos en cada uno de los muchos videojuegos bien hechos que existen, aquellos de los cuales solemos decir que la experiencia jugable resiste al tiempo. De los otros también tenemos ejemplos, pero lo importante es entender que en aquella época de limitación en el hardware, se operaba con todo tipo de variables a la hora de definir la diversión y jugabilidad de un título.

En nuestro recorrido en las siguientes entregas iremos definiendo y hablando de cada una de estas variables, comentando juegos, tanto de los que se producen actualmente para ser disfrutados en plataformas retro, como de aquellos clásicos que les dieron origen.

De las tiendas a la historia

Finalmente, después de meses o incluso años de trabajo, el juego llegaba a las manos de los jugadores. El lanzamiento era un momento crucial y esperado, ya que el éxito o el fracaso de un título podría determinar la reputación y el futuro de los desarrolladores. La primera impresión de un juego comenzaba con su portada. El arte de las portadas de los videojuegos retro era una forma de arte en sí misma, diseñada para captar la atención y transmitir la esencia del juego en un solo vistazo.

Artistas como Bob Wakelin, conocido por sus icónicas portadas para juegos de Ocean Software, crearon imágenes memorables que han dejado una huella indeleble en la cultura de los videojuegos. Estas portadas no solo servían para atraer a los jugadores, sino que también establecían el tono y la expectativa antes de que el juego fuera siquiera jugado. La publicidad en revistas especializadas era igualmente importante. Los anuncios impresos eran ingeniosos y creativos, utilizando imágenes vibrantes, descripciones emocionantes y a veces humor para captar la atención de los lectores. Los anuncios eran diseñados para destacarse en las páginas de las revistas, muchas veces ofreciendo adelantos exclusivos, capturas de pantallas y citas de reseñas positivas. La estrategia de marketing estaba cuidadosamente planeada para generar expectativa y deseo entre los jugadores.

Además, los manuales que acompañaban los productos eran mucho más que simples instrucciones. Estos manuales a menudo incluían arte conceptual, historias detalladas sobre el universo del juego y consejos para los jugadores. Eran piezas esenciales que enriquecían la experiencia del jugador, ofreciendo una comprensión más profunda del juego y su mundo. Manuales como los de Ultima IV: Quest of the Avatar y The Legend of Zelda se convirtieron en objetos de culto por su contenido detallado y su arte hermoso.

Las estrategias de venta también incluían demostraciones en tiendas, eventos de lanzamiento y, en algunos casos, campañas de marketing innovadoras. Por ejemplo, la campaña de lanzamiento de Donkey Kong Country para Super Nintendo incluyó una gira de demostración por Estados Unidos, donde los jugadores podían probar el juego antes de su lanzamiento oficial. La novedad y objeto de prueba eran los gráficos prerenderizados, algo nada visto en 1994. Estas estrategias ayudaban a crear una comunidad alrededor del juego y a aumentar el boca a boca positivo.

Hoy en día, todos estos elementos – las portadas de los juegos, las publicidades en revistas, los manuales y las estrategias de marketing – son considerados objetos de coleccionismo y una parte importante de la cultura retro. Los coleccionistas valoran estos artículos no solo por su rareza, sino también por el valor nostálgico y la conexión emocional que representan. Las portadas originales de juegos, anuncios de revistas y manuales se han convertido en tesoros para los entusiastas de los videojuegos retro, preservando una era de creatividad y pasión que sigue inspirando a los desarrolladores y jugadores actuales.

La era dorada de los videojuegos no solo nos dejó con recuerdos nostálgicos, sino que también sentó las bases para la innovación continua en el diseño y desarrollo de videojuegos retro creados actualmente. Cada título es un testimonio del ingenio y la pasión de sus creadores, y su legado sigue vivo en los corazones de los retrojugadores de todo el mundo.

Las invasiones alienígenas han sido una fuente longeva inspiración para el cine con historias que combinan el miedo a lo desconocido con tramas de supervivencia y resistencia humana. Largometrajes como El día que paralizaron la Tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951) o La guerra de los mundos (War of the Worlds,1953) sentaron las bases para el desarrollo de este subgénero, presentando a la audiencia las primeras imágenes de encuentros catastróficos con seres de otros mundos.

Con los avances tecnológicos, las invasiones alienígenas se han convertido en un vehículo perfecto para espectáculos visuales impresionantes y narrativas épicas. Desde las desoladoras imágenes de ciudades destruidas hasta emocionantes batallas intergalácticas, estas películas ofrecen una amplia gama de experiencias visuales y emocionales. En su extenso catálogo, Netflix contiene varias representantes de esta temática. Hoy en Malditos Nerds repasamos algunas propuestas que ofrecen una visión única sobre lo que podría suceder si la Tierra fuera invadida por seres de otros planetas.

La guerra de los mundos (2005) – Dir. Steven Spielberg

Luego de colaborar en Minority Report (2002), Steven Spielberg y Tom Cruise volvieron a trabajar juntos para La guerra de los mundos (War of the Worlds, 2005), una adaptación moderna del clásico de H.G. Wells que también contó con una pequeña Dakota Fanning. La película sigue a Ray Ferrier, un hombre común que lucha por proteger a su familia durante una devastadora invasión alienígena.

Con efectos visuales de alta calidad, La guerra de los mundos ofrece una visión aterradora de un ataque extraterrestre. La historia se enfoca en las experiencias personales de los personajes en medio del caos, capturando el horror y la desesperación de una invasión a gran escala. Spielberg maneja magistralmente la tensión, manteniendo a los espectadores al borde de sus asientos mientras los protagonistas se enfrentan peligros inimaginables.

Cloverfield (2008) – Dir. Matt Reeves

Con J. J. Abrams en la producción y Matt Reeves como director, Cloverfield revolucionó el género con su estilo de metraje encontrado, convirtiéndose en un éxito de taquilla inmediato. Su historia sigue a un grupo de amigos en Nueva York mientras intentan sobrevivir a un ataque de una criatura gigantesca de origen desconocido. A medida que los protagonistas se mueven entre rascacielos en ruinas, las técnicas de cámara temblorosa sumergen al espectador en sus frenéticos y constantes esfuerzos por escapar de esta carnicería urbana.

Curiosamente, el monstruo o alienígena en cuestión permanece fuera de la pantalla gran parte de la película, mientras que el lente se centra en la desesperación del grupo de supervivientes, preparándonos para un final de gran impacto.

Battleship: Batalla Naval (2012) – Dir. Peter Berg

Battleship: Batalla Naval (Battleship), es una adaptación cinematográfica del popular juego de mesa de Hasbro con una vuelta de tuerca. Siguiendo el estilo de Día de la Independencia (Independence Day, 1996), esta adaptación que también se encuentra en el catálogo de Netflix, se centra en un grupo de oficiales navales que se enfrentan a una invasión alienígena en el océano Pacífico.

La película dirigida por Peter Berg presenta secuencias de batalla intensas y momentos de adrenalina pura, a la vez que se apoya sobre un reparto estelar que incluye a figuras como Taylor Kitsch, Alexander Skarsgård, Rihanna y Liam Neeson.

Sputnik (2020) – Dir. Egor Abramenko

Sputnik es una película rusa de ciencia ficción y terror que ofrece una visión íntima y escalofriante de una invasión alienígena. Se trata de una ópera prima de Egor Abramenko, que resultó ser elogiada por su atmósfera tensa, sus efectos visuales impresionantes y su enfoque psicológico profundo.

Su historia sigue a Tatiana, una joven doctora que es reclutada por el ejército soviético para evaluar a un cosmonauta que ha regresado a la Tierra con una entidad alienígena dentro de su cuerpo. Mientras intenta descubrir la naturaleza de la criatura y su relación con el cosmonauta, Tatiana se enfrenta a decisiones morales y éticas que pondrán a prueba su humanidad.

Sputnik explora temas de control, supervivencia y la delgada línea entre la humanidad y la monstruosidad.

No hay dudas de que, si hablamos de estrellas de Hollywood, uno de los primeros nombres que se nos viene a la cabeza es Tom Cruise. A lo largo de su carrera, el actor ha protagonizado una gran variedad de proyectos cinematográficos. Su versatilidad lo ha llevado a destacar en distintos géneros, desde la acción y el drama hasta la ciencia ficción. Con icónicos roles en películas como Top Gun, Al filo del mañana (Edge of Tomorrow - 2014) y la exitosa saga de Misión: Imposible, Cruise ha consolidado su reputación como uno de los actores más influyentes y dedicados de la industria, conocido por realizar muchas de sus propias acrobacias y por su inquebrantable compromiso con sus personajes.

Aprovechando que Netflix ha añadido recientemente a su catálogo Misión Imposible: Sentencia Mortal (Mission: Impossible – Dead Reckoning, 2023), donde Cruise protagoniza la icónica franquicia junto a Rebecca Ferguson (Silo, Dune: parte dos) y Vanessa Kirby (Fragmentos de una mujer, Napoleón, Los cuatro fantásticos), vamos a explorar tres películas protagonizadas por el actor disponibles en la plataforma.

Tom Cruise en La guerra de los mundos - War of the Worlds (Dir. Steven Spielberg - Disponible en Netflix)

Arrancamos el recorrido de esta selección con La guerra de los mundos (War of the Worlds), la película de ciencia ficción del aclamado cineasta Steven Spielberg (E.T., el extraterrestre, Jurassic Park), que adapta el clásico de H. G. Wells del mismo nombre. Esta versión también rinde homenaje a la película de 1953, protagonizada por Gene Barry (El contrabandista) y Ann Robinson (Imitación de la vida), que fue la primera representación cinematográfica de esta icónica historia.

Tom Cruise interpreta a Ray Ferrier, un padre divorciado con una relación complicada con sus hijos, Robbie y Rachel. Durante un fin de semana que Ray pasa con ellos, se desata una invasión extraterrestre. Gigantescas máquinas extrañas emergen de la tierra, causando destrucción a su paso. La película sigue la desesperada lucha de Ray por mantener a salvo a sus hijos mientras intentan escapar del caos que se desata en su mundo. La narrativa combina la acción frenética con el drama familiar, mostrando cómo esta familia enfrentan situaciones extremas y fortalecen sus lazos en medio de la catástrofe.

Junto a Cruise, el elenco se completa con Dakota Fanning (Observados, Hombre en llamas), Justin Chatwin (Dragonball Evolution, Shameless) y Tim Robbins (The Shawshank Redemption), entre otros

Tom Cruise en La momia - The Mummy (Dir. Alex Kurtzman - Disponible en Netflix)

En segundo lugar, tenemos La momia (The Mummy), el largometraje dirigido por Alex Kurtzman, conocido por su trabajo en Fringe y Star Trek: Discovery. Estrenada en 2017, esta película marca un intento de reiniciar el Universo Cinematográfico de Monstruos de Universal, trayendo de vuelta a la pantalla grande uno de los monstruos más icónicos del cine. Con Tom Cruise a la cabeza del reparto, la película se adentra en un nuevo enfoque de la legendaria momia.

La película, con un guión de David Koepp (Jurassic Park), Christopher McQuarrie (Misión imposible: protocolo fantasma) y Dylan Kussman (La sociedad de los poetas muertos), narra la historia de Nick Morton, un saqueador de antigüedades que, junto a su compañera Jenny Halsey, desentierra accidentalmente el sarcófago de la antigua princesa llamada Ahmanet. Al despertar, Ahmanet desata una maldición que amenaza con destruir el mundo moderno, obligando a Nick a enfrentarse a fuerzas sobrenaturales mientras intenta detenerla.

Junto a Cruise, La momia también cuenta con las actuaciones de Sofia Boutella (Rebel Moon, Atómica), Annabelle Wallis (Annabelle, Maligno, Peaky Blinders), Russell Crowe (Gladiator, El Exorcista del Papa) y Jake Johnson (Spider-Man: un nuevo universo).

Tom Cruise en Jerry Maguire, seducción y desafío (Dir. Cameron Crowe - Disponible en Netflix)

Por último en esta breve selección, tenemos Jerry Maguire: seducción y desafío (Jerry Maguire), estrenada en 1996 bajo la dirección de Cameron Crowe (Vanilla Sky, Bajo el mismo cielo). La película sigue la historia de Jerry Maguire, un agente deportivo de éxito que, tras una crisis laboral, decide rehacer su vida y carrera con un enfoque más ético. Este cambio lo lleva a perder su trabajo y casi todos sus clientes, quedando solo con un prometedor jugador de fútbol americano.

El elenco de la película incluye a Tom Cruise en el papel principal, cuya actuación le valió una nominación al Oscar. Renee Zellweger (Judy, El diario de Bridget Jones) interpreta a Dorothy Boyd, la asistente que decide seguir a Jerry en su nueva aventura profesional y personal. Cuba Gooding Jr. (Hombres de honor), por su parte, destaca como Rod Tidwell, el jugador de fútbol cuyo carisma y exigencias llevan a Jerry a nuevas situaciones desafiantes, ganando un Oscar por su actuación.