La creatividad fue una constante en su vida y ese apoyo resultó una constante y la base para permitirse elegir caminos poco convencionales. Durante sus años escolares, Casella asumió roles protagónicos en los actos, lo que consolidó su vínculo con el escenario. “Yo era de esos nenes que en el acto del colegio eran insoportables... era el locutor, hacía de Sarmiento, solista del coro, el que organizaba. Ese era yo”. ¿Un destino marcado desde chico? Que conteste el propio actor, quien abre las puertas a una mirada retrospectiva sobre su trayectoria.

—¿Sentís que naciste artista?

—Yo debo haber nacido artista, desde el vientre de mi madre, nací así con la marca en la frente. Mi familia nunca me empujó a serlo, yo lo hacía naturalmente. Lo elegí.

—¿Cómo fue tu experiencia interpretando a Mirtha Legrand en el colegio? Eras un osado...

—Fue el acto de cierre de séptimo grado… era la fiesta de fin de curso. No me acuerdo muy bien, pero seguro debo haber sufrido algún tipo de bullying. Lo que sí recuerdo es que fue una propuesta mía la de hacer un almuerzo como los de Mirtha, yo me puse una peluca y el resto de mis compañeros eran los invitados.

—¿Y después de la primaria, qué?

—Hago el secundario, termino y había que estudiar algo, yo ahí empecé a temer, porque obviamente todo el mundo te empuja a que estudies. Por suerte aparecieron unos músicos “locos” que necesitaban un cantante y ahí empecé.

—¿Ese fue tu primer acercamiento a la música profesional?

—Claro, pasé una audición y quedé. Desde los 18 a los 20 fui el cantante de Modelo Blanco, un grupo de música pop tipo Virus, King Crimson, Talking Heads. Después ahí me dediqué en paralelo a la danza porque mi hermana de la vida, Ana Frenkel, estudiaba danza. Al poco tiempo empezamos a hacer cosas con ella y armamos El Descueve, el grupo que duró casi veinte años.

—¿Qué era lo que los motivaba para trabajar en grupo?

—Nosotros creábamos nuestras obras, las presentábamos y a su vez nos estábamos formando. El grupo en sí mismo era un espacio de formación, porque estábamos entendiendo qué hacer, cómo subir a escena y con qué lenguaje, con qué ideas. No nos conformábamos con nada. Criticábamos todo, estábamos en contra de todo (se ríe).

—¿Cómo era el espíritu del grupo, esa “explosión creativa”?

—Para hacer algo bueno necesitábamos estar en contra de todo. Y así fue, durante esos años de juventud hicimos fusión con De la Guarda, que ahora es Fuerza Bruta, y estuvimos cinco años trabajando por todo el mundo. Fue una experiencia hermosa.

—¿Nunca pensaste en emigrar o instalarte en otro país?

—Jamás. Años más tarde, con Alfredo Arias trabajé mucho en París y tanto con De la Guarda como con Arias, nos quedábamos temporadas largas, tres meses haciendo un espectáculo. Allí surgían situaciones, me acuerdo que una vez nos ofrecieron a Alejandra Radano y a mí participar en una revista que se llamaba Paradiso Latino. Nos miramos y dijimos: ‘¿Qué hacemos?’ Son seis meses. Yo dije, “ni loco me quedo seis meses con los franceses”. Me gusta mucho acá, hay muchas dificultades, pero está bueno ir allá, tocar, ganar dinero y volver. Acá hay un quilombo hermoso, no hay intérprete que no arme sus propias obras, no hay directores que no tengan una compañía con actores adorados. Es todo es muy fuerte.

—¿Sentís que el público te devuelve todo eso que vos entregás en cada función?

—Sí, y con misión. No quiero ponerlo en un lugar muy arriba, pero claro que tiene una misión, yo siento que tenemos una. Podemos ser simplemente entretenedores, pero sabemos que dentro de ese entretenimiento pasan muchos mensajes y se dicen muchas cosas, y nosotros tenemos la posibilidad de transformar el mundo. En principio, mostrando belleza en el escenario.

—¿Qué significa para vos esa belleza?

—Con belleza me refiero a la belleza del arte. Nosotros tenemos el permiso de hablar de una manera distinta a la que habla el mundo, eso es belleza, ese es un poder muy fuerte. Ya traerle al mundo ese aspecto, es una necesidad muy grande que tiene el mundo y nosotros lo podemos hacer. Esa es nuestra misión. Y transformar a las personas.

—¿Qué te pasa cuando la gente se te acerca, aunque no seas de lo popular o lo masivo?

—Quizás no soy un artista masivo, pero sí siento que el público me devuelve ese amor cada vez. Últimamente, no sé qué pasa, será la acumulación… son 40 años de trayectoria. Todos los días, en algún lugar que estoy, alguien me agradece y se sienta a conversar. Todo el mundo siente que me descubrió. Es lindo, es muy bello.

—¿Qué significa para vos la dupla con Griselda Siciliani?

—Con Griselda somos una dupla que recontra disfrutamos y el año que viene vamos a hacer otro espectáculo juntos.

—¿Podés adelantar algo del nuevo espectáculo juntos?

—Va a ser muy musical, una bomba. Lo dirige Ana Frenkel. Estamos en escena Griselda y yo solamente, no hay músicos, no hay nada, pero es musical igual. Todavía no firmamos el convenio con la sala, pero no va a ser en un teatro de la calle Corrientes. La música va a ser muy importante, la va a hacer Diego Vainer. Va a haber temas de repertorios ajenos, en diferentes versiones. También temas propios, compuestos por nosotros. Realmente con Griselda, estamos muy entusiasmados.

—En paralelo a todos estos proyectos, cada año nos sorprendés con la vuelta de Babushka.

—Es algo que me da tanta alegría hacer, porque, después de El Descueve, es el primer espectáculo que hice como un intérprete musical y con músicos. Estrené en 2009 y lo hago todos los años, aunque sea una o dos veces.

—¿Hiciste modificaciones en la estructura del show con los años?

—Debo decirle al público que me enorgullece decir que no, que no hice ninguna modificación. Es una pieza como si fuera de teatro, hago los mismos comentarios entre los temas, los pies para arrancar las canciones son los mismos, las coreografías que hago son las mismas. Es como un anillito, como una joyita. Este año serán dos shows, el 10 y el 17 de diciembre en La Carbonera de San Telmo y con el elenco original. Va a estar Alejandra Radano, que es la invitada permanente y hace dos canciones en italiano conmigo y un monólogo final.

—Volviendo al principio de la charla, ¿qué dice tu familia sobre tu carrera y tus presentaciones?

—Tienen el show gratis para siempre (se ríe). Mi familia disfruta muchísimo, mi mamá es la primera que siempre está ahí. Y también está la gente que me saluda con cariño en la calle, gente que vino, pagó una entrada y me vino a ver, entonces esas personas son como de fans, de alguna manera siento que el mundo siente que me descubrió. Es hermoso que me pase, aunque no sea del público masivo. Me siguen descubriendo, y eso me llena el alma.

La repercusión en redes sociales no tardó en multiplicarse. Entre los mensajes más destacados, un usuario celebró el contraste entre ambos: “Qué risa que me da que Flor se anime a literalmente VOLAR POR EL AIRE y que Nico le tenga miedo hasta a las montañas rusas”. Otros internautas resaltaron la complicidad y el apoyo mutuo que caracteriza a la pareja, describiéndolos como “el complemento ideal en todo estos dos”. La valentía de Flor en el escenario y la espontaneidad de Occhiato al compartir su asombro generaron una ola de reacciones positivas y muestras de admiración.

A mediados de junio, la influencer y bailarina decidió dar un giro en su carrera y regresar al teatro, una decisión que compartió en una entrevista para Teleshow. Tras cinco años de éxito en el streaming con Nadie dice Nada, donde se consolidó como referente entre el público joven y se consagró campeona del Bailando 2019, Flor sintió la necesidad de reconectar con su faceta artística más profunda. “Fue una propuesta que me encantó desde el principio. Yo venía con muchas ganas de volver a subirme al escenario”, relató sobre su motivación para aceptar el nuevo desafío.

El regreso de Flor a las tablas se materializa en La Llamada, el musical creado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se estrenó el 15 de julio en el Teatro Astros de Buenos Aires. En esta obra, Flor interpreta a Susana Romero, uno de los personajes centrales de una historia que fusiona espiritualidad, adolescencia, libertad y música de Whitney Houston. Para Flor, la experiencia representa un reencuentro con la intensidad y el compromiso del teatro, un espacio que describe como “más introspectivo, más físico, más comprometido”.

La decisión de sumarse a La Llamada implicó para Flor un proceso de introspección y valentía. “Después de cinco años intensos, tenía ganas de poder volver a lo que era mi rutina antes y a los escenarios, que es algo que me apasiona y que me encanta”, explicó. El proyecto llegó a través de Vane Pellizzeri, quien la propuso para el papel y facilitó el contacto con la producción. Flor destacó el desafío de cantar en escena por primera vez y la calidad del elenco, así como el mensaje y el humor de la obra. “Me pareció súper desafiante. Yo nunca canté en el escenario. Esta propuesta me hace cantar, bailar y actuar”, señaló.

El proceso de transición no estuvo exento de temores. Flor admitió que sintió miedo al reducir su participación en el streaming para priorizar su bienestar y su desarrollo artístico. “Temía que no aceptaran que estuviera menos días. Nunca nadie lo había hecho. Pero por suerte Nico y los directivos entendieron que uno para estar bien y dar lo mejor, también tiene que estar bien”, expresó. El apoyo de su entorno resultó clave para afrontar el cambio y asumir nuevos desafíos. Este viernes, cuando volvió a subirse al escenario para demostrar todas sus habilidades, destreza y sobre todo,fuerza, su novio desde la platea aplaudió entre el asombro y la admiración.

La maquinaria de casi 60 personas no descansa en el impactante espacio denominado Sala Sinpiso (Palermo), donde dentro de unos días tendrá lugar el estreno de la nueva temporada de AVEN, el espectáculo de Fuerza Bruta que en estos momentos se encuentra girando por el mundo con dos compañías, la que regresó de Perú y la que actualmente se encuentra en Corea, con funciones previstas por 14 semanas.

Allí, en medio de ese imponente espacio está Diqui James, cerebro creativo, que observa en silencio el lugar en el que en días se dará cita el fenómeno mundial. En sus ojos se mezclan la memoria y la voracidad del presente. El director de Fuerza Bruta palpita con cada preparación, con cada ensayo que roza el caos. “El teatro es la vida misma y tiene que ser sincero, brutal, despertarte”, suele repetir, como un mantra tallado a fuego.

James no es solo el creador de un espectáculo. Nació en las tripas de una Buenos Aires que necesitaba gritarle al mundo desde el filo, con cuerpos en suspensión, tambores, agua, papeles y gritos. Primero, sacudió al público con La Organización Negra, aquel colectivo que impugnó los límites de la escena argentina en los ochenta. Más tarde, De la Guarda lo lanzó al circuito internacional y Fuerza Bruta confirmó su genio: miles de espectadores alzaron la cabeza en Nueva York, Shanghái, Londres, movidos por una energía que parece nacer de sus propias entrañas.

La reciente gira internacional con su espectáculo AVEN dejò huella en escenarios de Brasil, Perú, México, Inglaterra y Corea, y ahora la compañía vuelve a la Argentina con una propuesta renovada. Estrenada originalmente en 2023, marca un nuevo capítulo para este colectivo de teatro físico que busca desafiar los límites de la experiencia sensorial y emocional en cada función.

El show es un viaje sensorial y físico que apela a los cinco sentidos al sumergir al público en un universo donde la alegría, la libertad y la belleza se convierten en protagonistas. La palabra “Aven”, por caso, no tiene un significado concreto, sino que surge de la combinación de “aventura” y “paraíso”, al reflejar la intención de la obra de crear un espacio lúdico y salvaje. En este entorno, los asistentes pueden experimentar las màs variadas sensaciones, todo dentro de una atmósfera que desafía la realidad cotidiana.

El regreso al país no solo implica una reposición del espectáculo, sino también una renovación en el elenco de actrices, actores y bailarines. Como desde un principio, la compañía apuesta por romper sus propios límites, al presentar una obra que se define como “una explosión de humanidad sin edad y sin barreras”.

AVEN es emoción pura, es encuentro, es felicidad en estado salvaje, es una experiencia colectiva que trascienda las diferencias individuales.

En una entrevista exclusiva con Teleshow, Diqui detalló sobre la concepción y evolución del espectáculo: “Intento hacer un show lo más feliz posible. Tenemos que hacer el show más feliz del mundo y dejar un poco la tensión y más la oscuridad que trabajamos en el pasado... y también es un show inspirado, porque es un show urbano, pero está inspirado en la naturaleza”.

El director señaló que, aunque el espectáculo mantiene una esencia urbana, la búsqueda de belleza en la naturaleza es un eje central de la propuesta. Según sus palabras, el equipo creó una “naturaleza artificial” para acercarse a aquello que la vida urbana alejó.

“Se puede decir que es el mismo show de 2023, pero tiene muchas cosas nuevas y tiene sensaciones nuevas y una búsqueda un poco diferente”, explicó. Esta evolución responde tanto a la necesidad de mantener la frescura artística como a la intención de adaptarse a los cambios en el contexto social y cultural.

La motivación, según explicó, está profundamente vinculada al contexto actual, marcado por el bombardeo constante de noticias negativas y la omnipresencia de la tecnología en la vida cotidiana. James expresó: “La búsqueda de este espacio aventurero tiene que ver también con el presente del mundo, estamos tan bombardeados de noticias, malas noticias, y como una sensación de que no tenemos arreglo. Y por otro lado, estamos metidos todo el día con el celular. Estamos como re adictos al celular y al mirar todo el tiempo muchas cosas mezcladas diferentes”.

El director identificó la cultura del consumo rápido de información, donde los videos de pocos segundos alternan entre temas dispares, como un fenómeno que aleja a las personas de las experiencias colectivas y profundas.

En contraste con esta realidad, la compañía propone una experiencia que, destacó, es “casi opuesta a eso”, al explicar que el espectáculo busca generar una vivencia colectiva, donde el público no se siente solo, incluso si asiste sin compañía. “Vos no estás solo en Fuerza Bruta. O sea, no es una experiencia solitaria, por más que venga solo. Es una experiencia colectiva. Por eso es diferente cuando vos lo ves en Tokio, o cuando lo ves en Buenos Aires, porque las reacciones colectivas son diferentes”, afirmó. Esta dimensión colectiva es, para el creador, uno de los elementos que distinguen a la compañía en general.

El objetivo es recordar al público la posibilidad de la felicidad, incluso en medio de las dificultades, al trazar una analogía con el carnaval: “El carnaval un poco está para recordarnos que podemos ser felices y vos no dejás de ver la pobreza o no dejás de ver la suciedad, o no dejás de ver a un tipo bailando mal vestido y que sabés que el lunes va a tener un montón de quilombos de vuelta, pero también al mismo tiempo ves esa persona o ese grupo de gente festejando y celebrando y estando tan felices. Sin negar todo lo malo, claro. Aunque el lunes se nos vengan las obligaciones encima. Celebrar la vida, celebrar pese a todo lo que nos rodea”.

El espectáculo, entonces, busca sumergir al público en un mundo extraordinario donde las reglas habituales no aplican y la felicidad se presenta como una posibilidad tangible. Es que la propuesta no pretende negar las dificultades del mundo exterior, sino ofrecer un espacio donde el público pueda reconectarse con la capacidad de cambiar las cosas y experimentar bienestar.

James lo expresó así: “Yo creo que nosotros lo que queremos lograr es eso que vos te metés acá a un mundo que es absolutamente extraordinario. Nada, funciona como funciona afuera. Y que vos sientas que podés ser feliz, que sos capaz de cambiar las cosas, que sos capaz de hacer cosas. Y conectarte con esa locura y que eso te haga bien. Por más que el mundo sea un quilombo”.

Esta visión subraya la función del espectáculo como un refugio temporal, pero también como un recordatorio del potencial humano para la alegría y la transformación.

El impacto internacional de Fuerza Bruta y el espectáculo que se encuentra girando se refleja en la diversidad de públicos que presenciaron la obra en diferentes países. De hecho, las reacciones colectivas varían según el contexto cultural, lo que enriquece la experiencia tanto para los artistas como para los espectadores.

La renovación del elenco y la incorporación de nuevas sensaciones y búsquedas responden a la filosofía de la compañía de mantenerse en constante evolución. El espectáculo, aunque conserva elementos de su versión original, introduce cambios que buscan sorprender y emocionar al público en cada función. Esta capacidad de adaptación es una de las claves para el éxito sostenido de la compañía, que continúa atrayendo a audiencias de todas las edades y procedencias.

Por mucho que parezca, lo que menos tiene Diqui James en la improvisación. Detallista hasta el hartazgo, irrumpió en la escena local a mediados de los ‘80 de la mano de La Organización Negra.

El contexto social y cultural de esos años resultó fundamental para el surgimiento de propuestas como la de James. Es que tras la dictadura, se abrieron numerosos espacios para la expresión artística y la experimentación. Jóvenes de unos 20 años, llenos de energía, se mezclaron con quienes regresaban del exilio, trayendo consigo experiencias de censura y represión, pero también nuevas ideas y lenguajes. Esta confluencia generó una explosión creativa que, en palabras de James, dejó frutos visibles en la actualidad.

“En los ’80 se abrieron un montón de espacios donde poder juntarse, donde poder mostrarse, que estábamos todos los pendejos que salíamos de la dictadura y teníamos 20 años, teníamos toda la energía del mundo mezclándonos con los tipos que volvían de afuera, que habían sido exiliados y que habían sufrido la censura y volvían a contar y a mostrarlos lo que hacían. Y eso, esa unión, fue una explosión espectacular que derivó en todo lo que pasó en esa época y ves los frutos hoy en día en un montón de cosas. No nos importaba un carajo la plata. Era muy salvaje. Y sí, fue una época muy copada”, relató el creador.

La propuesta de La Organización Negra se caracterizó por su carácter disruptivo y su rechazo a los convencionalismos del teatro tradicional. La intención era crear un espectáculo que pudiera ser comprendido y disfrutado por cualquier persona, independientemente de su formación o experiencia previa con el teatro. Esta búsqueda de un lenguaje universal, inspirado en manifestaciones populares como el carnaval y el teatro callejero, permitió que la obra trascendiera las fronteras nacionales y culturales.

La experiencia internacional de James y su grupo confirmó que el lenguaje escénico que habían desarrollado en la Argentina tenía la capacidad de conectar con públicos de todo el mundo. La universalidad de su propuesta no fue el resultado de una estrategia deliberada para conquistar mercados extranjeros, sino la consecuencia natural de un deseo genuino de hacer teatro para todos. Esta visión inclusiva y experimental, forjada en el contexto de la posdictadura argentina, se transformó en una marca distintiva que definió la trayectoria del director y su aporte al teatro contemporáneo.

Ver con ojos de hoy a quien era Diqui en sus primeros años despierta en él una mezcla de ternura y admiración. El creador recuerda que, en aquella época, las posibilidades de éxito eran prácticamente nulas, pero eso no lo detuvo. Su determinación por seguir su propio camino, sin importar los riesgos ni las probabilidades, marcó el inicio de una trayectoria que, con el tiempo, se consolidó en el ámbito artístico.

El relato sobre sus inicios en los años ochenta revela una actitud de entrega total a su vocación. A pesar del miedo constante, nunca se apartó de sus convicciones ni permitió que otros lo persuadieran para tomar caminos más seguros o convenientes. “Y en ningún momento arrugué. Y cagado de miedo siempre, ¿no? Pero, digo, iba muy al frente con lo que tenía ganas de hacer, con la visión. Y en ningún momento me convencieron para ir para otro lado, porque me convenía o porque había más seguridad”, expresó.

La historia de Diqui James se convierte así en un ejemplo de cómo la pasión y la convicción pueden prevalecer sobre la incertidumbre y el temor al fracaso, según detalló el medio.

• Sobrevivientes después del terremoto
• Lo imposible
• Ashfall: Alerta Roja

El género de catástrofes ha sido un pilar fundamental en la historia del cine desde sus inicios, capturando la fascinación del público con su mezcla de acción, drama y la eterna lucha por la supervivencia. Películas como Twister (1996), La tormenta perfecta (The Perfect Storm, 2000) y El día después de mañana (The Day After Tomorrow, 2004), han sido ejemplos icónicos de cómo el cine puede trasladar a la audiencia a escenarios extremos, donde la naturaleza se convierte en un enemigo implacable. Estas historias se centran en la supervivencia de un grupo de personas que, enfrentadas a catástrofes devastadoras, deben luchar contra las adversidades para superar situaciones límite.

En esta ocasión, nos adentraremos en tres producciones del género de catástrofes, todas centradas en la devastación provocada por terremotos. Estas películas capturan la lucha por sobrevivir en medio del caos sísmico, desde la desesperada travesía de una familia que intenta reunirse en medio de una calamidad, hasta los sobrevivientes atrapados en un edificio en Corea tras un catastrófico terremoto.

Sobrevivientes después del terremoto - Concrete Utopia (Dir. Um Tae-hwa)

En primer lugar, tenemos Sobrevivientes después del terremoto (Concrete Utopia), una película coreana lanzada a principios del año 2024, que actualmente se encuentra disponible en Prime Video. Esta obra ha capturado la atención del público por su intensa narrativa y la representación cruda de un mundo post-apocalíptico, devastado por un catastrófico terremoto.

La historia de Concrete Utopia se desarrolla en un Seúl arrasado por un terremoto, donde solo un edificio de apartamentos, Hwang Gung, permanece en pie, convirtiéndose en el último refugio para quienes lograron sobrevivir al desastre. La película sigue la llegada de personas desesperadas que buscan refugio en este edificio, el cual ahora se enfrenta a nuevos desafíos con la llegada de los forasteros. Mientras las tensiones aumentan y las condiciones extremas ponen a prueba a todos, Young-tak, el líder recién designado, debe tomar decisiones difíciles para proteger a los residentes originales, establecer un orden y asegurar la supervivencia en un ambiente donde la moralidad es continuamente cuestionada.

La dirección estuvo a cargo de Um Tae-hwa, cineasta conocido por trabajos como Heart Vibrator. Um Tae-hwa ha sido elogiado por su capacidad para crear un ambiente de realismo extremo, lo que se refleja en la representación del único edificio que se mantiene en pie tras el terremoto. El director comentó sobre su enfoque: “Quería que fuera lo suficientemente realista y convincente para que el público creyera realmente que solo un edificio de apartamentos sobrevivió al terremoto”, logrando así una atmósfera que envuelve al espectador en una sensación constante de tensión y desesperanza.

El elenco de Concrete Utopia es otro de los puntos fuertes de la película, con actuaciones destacadas de reconocidos actores coreanos como Lee Byung-hun (El Juego del Calamar, Mr. Sunshine, Nuestro horizonte azul), Park Bo Young (Una dosis diaria de sol), Park Seo-joon (The Marvels, Parásitos) y Park Ji-hoo (Estamos muertos).

Lo imposible - The Impossible (Dir. J.A. Bayona)

En el año 2023, el cineasta J.A. Bayona lanzó en Netflix La sociedad de la nieve, una poderosa adaptación del trágico accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en los Andes en 1972. La película, protagonizada por Enzo Vogrincic, Matías Recalt y Agustín Pardella, se centra en la lucha por la supervivencia de los pasajeros tras el accidente. Sin embargo, antes de este éxito reciente, Bayona había dirigido en 2012 otra película notable sobre una catástrofe, Lo imposible (The Impossible), que también recibió aclamación crítica y comercial.

Lo imposible relata la devastadora experiencia de una familia durante el tsunami del Océano Índico en 2004. La trama se enfoca en la familia Bennett, que se encuentra de vacaciones en Tailandia cuando el tsunami arrasa la región. El largometraje sigue su desgarrador viaje mientras intentan reunirse en medio de la devastación y la confusión.

El elenco de Lo imposible incluye a un joven Tom Holland, quien interpretó a uno de los hijos de la familia Bennett mucho antes de asumir el icónico papel de Spider-Man en las películas de Sony y Marvel. Junto a él, Naomi Watts (Mulholland Drive, King Kong) ofrece una actuación conmovedora como la madre de la familia, y Ewan McGregor (Trainspotting, Star Wars: episodio I - la amenaza fantasma) brilla en el papel del padre.

Ashfall: Alerta Roja - Ashfall (Dir. Kim Byung-seo, Lee Hey-jun)

En último lugar, tenemos Ashfall: Alerta Roja (Ashfall), que sigue la historia de un catastrófico evento volcánico en Corea del Sur. La trama gira en torno a una erupción que amenaza con destruir el país, y un grupo de héroes se embarca en una misión desesperada para evitar una catástrofe aún mayor. La película mezcla elementos de acción y drama al explorar la valentía y el sacrificio de los personajes en su lucha por salvar a la nación de una devastación inminente. La historia pone en primer plano la tensión entre el deber y el riesgo personal, mientras los protagonistas enfrentan desafíos tanto naturales como emocionales.

Ashfall contó con la dirección de Kim Byung-seo (Along with the Gods: Los dos mundos) y Lee Hey-jun (Castaway on the Moon). En el elenco, destacan las participaciones de Lee Byung-hun, Ha Jung-woo (Rescatado, The Yellow Sea, La doncella), Ma Dong-seok (Fuerza bruta, Fuera de la ley, Estación Zombie) y Doona Bae (Start-Up, ¡Doona!, Mientras dormías), entre otros.