En Buenos Aires, hay directores que buscan conmover y otros que logran, además, dejar huella. Julio Panno es de los que transforma cada proyecto en una invitación a la honestidad y al riesgo. Lo suyo no es solo montar espectáculos, sino crear experiencias donde la emoción y la búsqueda personal laten en cada detalle. En estos días vuelve a desafiar al público llevando Hedwig y la Pulgada Furiosa a un escenario poco convencional, mientras aún resuena el eco de Sandro, el gran show y de la docuserie La máquina de mirar, que lo llevó a indagar en los pliegues de la memoria y la cultura argentinas. Así lo comparte en diálogo en exclusiva con Teleshow.

Panno nunca eligió el camino fácil ni el de los lugares comunes. Su trayectoria está marcada por el deseo de atravesar géneros, romper moldes y abrir el teatro a nuevas generaciones, pero sobre todo por una sensibilidad que prioriza lo genuino sobre el artificio. Cada puesta, ya sea un musical multitudinario, una pieza íntima o un documental, es para él la chance de explorar lo vulnerable, lo incómodo o lo inesperado, confiando siempre en el poder transformador del encuentro en vivo.

En esta etapa de su trayectoria, Panno vuelve a lo que más le importa: la posibilidad de que una historia ajena despierte una emoción propia. Apuesta a que la música, el humor, la oscuridad y la belleza de lo imperfecto puedan, por un rato, borrar la distancia entre el escenario y la platea. Porque para él, en el fondo, el mayor milagro del teatro es ese: que alguien salga distinto de cómo entró.

—¿Qué significa el teatro para vos hoy, que estás tan involucrado en esta actividad?

—El teatro es la profesión que elegí tanto para expresarme como para ganarme la vida. No sé si tengo una vocación tan fuerte como la magnitud de mi actividad, pero el teatro centra tanto mi existencia laboral como emotiva. Me da la posibilidad de decir cosas que siento, pienso o añoro.

—¿Cómo llegaste al mundo teatral? ¿Fue un camino difícil?

—No, no fue tan difícil. Llegué de manera muy natural porque hago teatro desde muy chico, desde los ocho años, participando en los primeros grupos, incluso con adultos. Siempre fue un camino paralelo en mi vida. Desde muy pequeño trabajo en otra actividad: soy independiente desde los 15 años como electricista y abrí una casa de electricidad en esa época. Siempre llevé el teatro y actividades relacionadas, como artes plásticas o visuales, en paralelo.

Estoy en el mundo del teatro profesional, hace 30 años. Pero con el teatro en general, es prácticamente toda mi vida. De alguna manera siempre estuve cerca de la actividad escénica. Estudié actuación, cine, fotografía, y todo esto iba de la mano con mi actividad profesional principal, que era el negocio de electricidad y las reparaciones. En un momento decidí dejar de lado la electricidad como fuente laboral y dedicarme directamente a la dirección teatral. Si bien hice algunas cosas como actor, en el periodo profesional me concentré en la dirección y la dramaturgia.

—¿Hubo algún momento clave en el que sentiste que el teatro era el camino a seguir, algo que te diferenció de otras actividades?

—En realidad, no. No tengo una contundencia vocacional por el teatro. Me gusta mucho, pero también las otras actividades que hice las viví con el mismo entusiasmo. Pinto, hago escenografía o incluso construí mi casa con esa misma entrega. Sé que el teatro hoy centraliza mi actividad, así que evidentemente me da algo que otras actividades no me dan.

—¿Sentís que tu vida siempre estuvo ligada al escenario?

—Sí, totalmente. Incluso, tengo un hijo de 10 años que desde los cinco días de vida ya estaba en un teatro. Tengo imágenes de él gateando por las gradas del San Martín cuando hacíamos El emperador Gynt con Peter Lanzani. Ahora quiere ser paleontólogo, pero le gusta mucho la actuación y ya va a clases. Igual le pregunto y me dice: “No, quiero ser paleontólogo”. Pero está tan inmerso en ese mundo que en algún momento, supongo, terminará haciendo teatro. Es un lugar muy particular, porque el teatro te permite vivir muchas vidas, inventar historias y seguir jugando. Además, es una forma de crear una realidad propia cuando la realidad no te satisface.

—¿Hubo alguna experiencia que te haya marcado especialmente como director?

—En general, me conmueven mucho los actores, especialmente aquellos que dejan parte de su ser arriba del escenario. Tuve la suerte, o fue elección, de estar en proyectos que siempre destacaron por algo particular. Por ejemplo, con Hedwig, mi último proyecto, me pasa eso: al meternos en la vida del personaje, todo lo que le sucede es absolutamente conmovedor. Las nuevas generaciones buscan algo que les impacte en el cuerpo, no solo en la palabra. No necesariamente participativo como Fuerza Bruta, donde trabajé, pero sí que los conmueva más allá de la palabra.

—¿Cómo fue adaptar Hedwig para un espacio así y para un público diferente?

—La propuesta me llegó por Maika Producciones y me interesó enseguida. Me gusta trabajar con proyectos que friccionan la realidad y nos hacen replantear cosas, tratando de que no sean solo dramas o tragedias, sino que tengan también humor, porque la vida es así. En el medio de un terremoto o un velorio, siempre hay espacio para el humor, y eso salva. Busco que las historias tengan humor y cercanía, para que el espectador no sienta que es algo que le pasa solo a otros.

En ese caso, la historia parte de un personaje que vive detrás del Muro de Berlín, pero nosotros extrapolamos eso y nos movimos hacia lo que creemos que es el centro de la historia: el fraccionamiento corporal, lo que uno entrega en el amor y qué pasa cuando esa otra mitad se va. Es una angustia universal.

—¿Fue difícil abordar una obra de culto como Hedwig, que tiene tantas versiones en el mundo?

—Cada obra tiene sus desafíos. En obras extranjeras, hay que adaptar mucho, tanto el texto como las canciones. El inglés es mucho más sintético y permite más ideas en menos espacio, así que la adaptación entre la musicalidad del inglés y el español requiere mucho trabajo. Además, la película narra la historia de manera secuencial y visual, pero el musical la cuenta como si fuera un show, a través de reflexiones y canciones. En las versiones americanas, hay mucho humor, muy de stand up, y a veces se pierde el drama del personaje. Nosotros buscamos equilibrar el humor y el dolor, sin resignar el cuento de fondo.

Asimismo, es una obra que sacamos del ámbito teatral tradicional y la llevamos a Maquinal, un lugar donde habitualmente hay shows y no teatro. Elegimos este espacio porque queremos llegar a un público joven, el sub-30, que hoy está alejado del teatro puramente textual. Por eso buscamos espacios alternativos y temáticas que conecten con esos públicos. Maquinal está muy cercano a la comunidad queer, y la historia tiene que ver con ese grupo, así que nos pareció interesante llevarla ahí.

—¿Cómo fue el trabajo con Nacho Pérez Cortés, el protagonista?

—Con Nacho ya había trabajado en Sandro, el gran show, donde él y Alan Madanes hacían un show del icónico cantante, no al personaje real. Nacho armó una sexualidad ambigua que tenía gran seducción sobre cualquier persona, como pasaba con Sandro. Me gustó esa condición porque sentí que podía interpretar un sentimiento femenino profundo, que es clave para Hedwig. El trabajo fue encontrar la sensibilidad femenina, no solo la forma o el cuerpo.

—¿Qué diferencia encontrás entre dirigir un musical grande como Sandro, el gran show y una obra como Hedwig y la Pulgada furiosa?

—En Sandro, uno de los mayores desafíos fue que el público sintiera la presencia del ícono en el teatro sin que estuviera como personaje, y también conformar a la familia y admiradores. Era un mega show, con muchos elementos técnicos y artísticos a coordinar. En Hedwig, el trabajo es más artesanal, más minucioso y enfocado en el personaje. El desafío es que el público perciba lo que trabajamos con el actor y que eso coincida con lo que buscamos. Además, el desafío es componer sinceramente un personaje trans, sin caer en clichés, para que la sensibilidad y el sentimiento sean auténticos.

—¿Cómo pensaron la experiencia extendida en el Maquinal?

—Ampliamos la experiencia teatral: el espacio se abre una hora antes, el público podrá disfrutar del universo Hedwig, con detalles y sensaciones que funcionan como un prólogo. Después de la obra, hay un post donde pueden quedarse y seguir en ese mundo. Me gusta esa mezcla de ficción y realidad, porque ayuda a involucrar más al público, sobre todo a los jóvenes. Ya lo había experimentado en otra obra, donde en el entreacto poníamos un DJ y el público podía subir a bailar al escenario con los actores. Eso rompe el límite entre quienes actúan y quienes miran, y acerca la historia de manera más emotiva.

—En tu carrera también dirigiste el documental La máquina de mirar, de Fernando Marín. ¿Cómo viviste ese proyecto?

—Estudié cine y fotografía y había hecho un largometraje sobre Paloma Herrera, pero este documental sobre Fernando Marín fue distinto. Fernando es un productor histórico y fue un desafío armar una minibioografía en pocos capítulos, porque su vida es muy extensa y hubo que dejar mucho afuera. No sé cómo le llegó la propuesta que le presenté y terminó siendo aprobada, pero me sorprendió porque él es un extraordinario experto en la producción audiovisual.

Durante el proceso tuve que lidiar con la falta de material de archivo, porque parte se perdió en la quema de Canal 11 y otra parte se grabó encima de los tapes, que era común en esa época. Hubo que reconstruir la historia a través de los protagonistas y fue un trabajo largo de búsqueda y organización. Además, Fernando tiene una mirada muy clara sobre cómo se arma una producción y cómo se origina un producto en los medios.

—Frente a tantos formatos, ¿qué tiene el teatro que te sigue atrapando?

—Para mí, el teatro tiene la potencia del encuentro. El cine, las series y los nuevos formatos son atractivos y la técnica permite cada vez más, pero no tienen la vibración del cuerpo en el escenario. Repetir una función nunca es igual: cada función es única. El teatro propone intimidad y verdad, y el espectador puede meterse en el cuerpo del actor y vivir la historia. Eso solo lo da la presencialidad, no lo obtenés en el cine o en otros formatos.

—¿Qué te falta hacer o te gustaría explorar en la escena teatral argentina?

—Siempre me inquieta traer formas diferentes de teatro. Siento que siempre me falta algo. Este año me dediqué más a escribir y a desarrollar búsquedas más posdramáticas, cruzando dramaturgia, música y visuales. Busco encontrar idiomas que conmuevan a las audiencias jóvenes, aunque para los mayores pueda ser avasallante.

—De cara al estreno de Hedwig, ¿qué esperás que se lleve el público?

—Siempre busco que el público se conmueva, más allá de que se diviertan o les resulte atractivo. Nacho es un extraordinario cantante y bailarín, y la puesta tiene detalles atractivos, pero lo principal es que algo se mueva adentro del corazón de la gente. Eso es lo más importante de lo que el público puede llevarse.

Así lo explicó Fabio D’Aquila, director general de Fuerza Bruta, durante una entrevista con Infobae a la Tarde. En diálogo con Manu Jove, sostuvo que desde el estreno del espectáculo, en 2005, el objetivo nunca cambió. “La búsqueda siempre fue provocar al público, que participe, que se sorprenda”, resumió al describir una experiencia en la que el espectador deja de ocupar un lugar pasivo para transformarse en parte del show.

Esa filosofía, según explicó, no nació con Fuerza Bruta. Sus raíces se remontan a Organización Negra, el colectivo teatral surgido en el under porteño durante la década de 1980, en plena posdictadura, donde comenzó a desarrollarse un lenguaje escénico atravesado por la experimentación y el impacto físico sobre el público. Más adelante llegaría De la Guarda, el exitoso espectáculo que abrió las puertas de los escenarios internacionales y terminó convirtiéndose en el antecedente directo de Fuerza Bruta.

“Arrancamos en el under porteño, en 1986, con Organización Negra. Era un lenguaje mucho más violento, muy distinto al de hoy, pero ya estaba esa idea de provocar y generar participación”, recordó D’Aquila, quien además mencionó la influencia que tuvo la compañía catalana La Fura dels Baus en aquella etapa de formación.

Con el paso de los años, esa búsqueda fue refinándose, aunque sin abandonar su esencia. Para el director, el desafío consiste justamente en romper con las reglas tradicionales del teatro y construir una experiencia donde el público pueda reaccionar con total libertad. “Nos gusta romper el límite de lo teatral. Lo nuestro es exactamente lo opuesto a la solemnidad: buscamos que la gente venga, grite, baile y se divierta. Pero eso hay que provocarlo”, afirmó.

En esa lógica, cada función termina siendo distinta. D’Aquila explicó que no existe una reacción predeterminada y que buena parte del espectáculo depende de la energía que generan quienes asisten. “Me gusta pensar que el que viene entra en una caja de sorpresas. De a poco se va transformando en parte del show”, señaló, al describir una experiencia donde el límite entre artistas y espectadores prácticamente desaparece.

Ese concepto también acompañó el crecimiento internacional de la compañía. Lo que comenzó como una propuesta alternativa dentro del circuito porteño terminó recorriendo 37 países y 68 ciudades, un proceso que, según contó, fue mucho más gradual de lo que suele imaginarse. Primero llegaron los festivales internacionales y luego una larga temporada en Nueva York, un punto de inflexión que obligó al grupo a dejar de interpretar todas las funciones con su elenco original para empezar a formar artistas en distintas partes del mundo.

“Ahí tuvimos que dejar de ser nosotros quienes poníamos el cuerpo y comenzar a entrenar a otros para que transmitieran el mismo lenguaje”, explicó.

La selección del elenco continúa siendo uno de los aspectos centrales del proyecto. Aunque la preparación física resulta indispensable, D’Aquila aseguró que la primera condición es otra: la autenticidad. Como en los espectáculos prácticamente no existen diálogos, todo debe expresarse mediante el cuerpo.

“Lo primero que tiene que tener alguien para entrar a Fuerza Bruta es ser muy verdadero en su expresividad. Después, claro, hace falta una condición física importante y alguna formación artística, ya sea en danza, teatro o acrobacia”, detalló. Esa exigencia hace que el recambio de artistas sea permanente. “Hay muchísima rotación porque es un trabajo muy demandante físicamente”, agregó.

Detrás de cada nueva producción trabaja un equipo creativo integrado por Dicky James, responsable de la dirección artística; Ale García, a cargo de la dirección técnica; Gabi Kerpel, compositor de la música, y el propio D’Aquila en la coordinación general. Según explicó, el proceso creativo nunca se detiene y siempre está orientado a encontrar nuevas formas de sorprender al público.

“Entre todos pensamos cómo reinventarnos. Cada vez que presentamos algo ya sentimos que podría mejorarse”, reconoció.

La experiencia acumulada durante años de giras también les enseñó que cada sociedad responde de manera diferente. El espectáculo mantiene la misma esencia en cualquier parte del mundo, aunque la interacción con el público requiere pequeñas adaptaciones culturales.

“Cada ciudad tiene su propia forma de relacionarse. En Latinoamérica nos abrazamos enseguida; en Oriente el contacto físico requiere otro cuidado. Pero cuando conseguís que el público se suelte, después no hay forma de frenarlo”, relató.

Actualmente, la compañía presenta Aven, un espectáculo estrenado en diciembre de 2022 en la Sala Sin Piso, un espacio diseñado especialmente para desarrollar el formato inmersivo que caracteriza a Fuerza Bruta. Allí, durante las vacaciones de invierno, ofrecerá funciones de martes a domingo.

D’Aquila explicó que la decisión de contar con una sala propia respondió a la necesidad de tener un lugar capaz de albergar un montaje pensado para borrar las fronteras entre escenario y platea. “Armamos nuestra propia sala para poder seguir generando esta experiencia inmersiva”, contó.

Más allá del despliegue técnico y visual, el director considera que el verdadero valor de Aven está en recuperar algo que, según su mirada, se volvió cada vez más escaso: la experiencia colectiva.

“Hoy estamos mucho más aislados. Lo que te da el vivo es la posibilidad de compartir con desconocidos, como pasa en un carnaval o en una cancha de fútbol. Eso es lo que más nos motiva: que el público termine bailando y abrazando a alguien que no conoce”, reflexionó.

Con funciones programadas durante las vacaciones de invierno en la Sala Sin Piso, Fuerza Bruta volverá a apostar por esa experiencia participativa que la distingue desde hace dos décadas. Y, como resumió D’Aquila al cerrar la entrevista, la invitación mantiene el mismo espíritu con el que nació el proyecto: “Los esperamos a todos los que tengan ganas de venir a participar”.

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La creatividad fue una constante en su vida y ese apoyo resultó una constante y la base para permitirse elegir caminos poco convencionales. Durante sus años escolares, Casella asumió roles protagónicos en los actos, lo que consolidó su vínculo con el escenario. “Yo era de esos nenes que en el acto del colegio eran insoportables... era el locutor, hacía de Sarmiento, solista del coro, el que organizaba. Ese era yo”. ¿Un destino marcado desde chico? Que conteste el propio actor, quien abre las puertas a una mirada retrospectiva sobre su trayectoria.

—¿Sentís que naciste artista?

—Yo debo haber nacido artista, desde el vientre de mi madre, nací así con la marca en la frente. Mi familia nunca me empujó a serlo, yo lo hacía naturalmente. Lo elegí.

—¿Cómo fue tu experiencia interpretando a Mirtha Legrand en el colegio? Eras un osado...

—Fue el acto de cierre de séptimo grado… era la fiesta de fin de curso. No me acuerdo muy bien, pero seguro debo haber sufrido algún tipo de bullying. Lo que sí recuerdo es que fue una propuesta mía la de hacer un almuerzo como los de Mirtha, yo me puse una peluca y el resto de mis compañeros eran los invitados.

—¿Y después de la primaria, qué?

—Hago el secundario, termino y había que estudiar algo, yo ahí empecé a temer, porque obviamente todo el mundo te empuja a que estudies. Por suerte aparecieron unos músicos “locos” que necesitaban un cantante y ahí empecé.

—¿Ese fue tu primer acercamiento a la música profesional?

—Claro, pasé una audición y quedé. Desde los 18 a los 20 fui el cantante de Modelo Blanco, un grupo de música pop tipo Virus, King Crimson, Talking Heads. Después ahí me dediqué en paralelo a la danza porque mi hermana de la vida, Ana Frenkel, estudiaba danza. Al poco tiempo empezamos a hacer cosas con ella y armamos El Descueve, el grupo que duró casi veinte años.

—¿Qué era lo que los motivaba para trabajar en grupo?

—Nosotros creábamos nuestras obras, las presentábamos y a su vez nos estábamos formando. El grupo en sí mismo era un espacio de formación, porque estábamos entendiendo qué hacer, cómo subir a escena y con qué lenguaje, con qué ideas. No nos conformábamos con nada. Criticábamos todo, estábamos en contra de todo (se ríe).

—¿Cómo era el espíritu del grupo, esa “explosión creativa”?

—Para hacer algo bueno necesitábamos estar en contra de todo. Y así fue, durante esos años de juventud hicimos fusión con De la Guarda, que ahora es Fuerza Bruta, y estuvimos cinco años trabajando por todo el mundo. Fue una experiencia hermosa.

—¿Nunca pensaste en emigrar o instalarte en otro país?

—Jamás. Años más tarde, con Alfredo Arias trabajé mucho en París y tanto con De la Guarda como con Arias, nos quedábamos temporadas largas, tres meses haciendo un espectáculo. Allí surgían situaciones, me acuerdo que una vez nos ofrecieron a Alejandra Radano y a mí participar en una revista que se llamaba Paradiso Latino. Nos miramos y dijimos: ‘¿Qué hacemos?’ Son seis meses. Yo dije, “ni loco me quedo seis meses con los franceses”. Me gusta mucho acá, hay muchas dificultades, pero está bueno ir allá, tocar, ganar dinero y volver. Acá hay un quilombo hermoso, no hay intérprete que no arme sus propias obras, no hay directores que no tengan una compañía con actores adorados. Es todo es muy fuerte.

—¿Sentís que el público te devuelve todo eso que vos entregás en cada función?

—Sí, y con misión. No quiero ponerlo en un lugar muy arriba, pero claro que tiene una misión, yo siento que tenemos una. Podemos ser simplemente entretenedores, pero sabemos que dentro de ese entretenimiento pasan muchos mensajes y se dicen muchas cosas, y nosotros tenemos la posibilidad de transformar el mundo. En principio, mostrando belleza en el escenario.

—¿Qué significa para vos esa belleza?

—Con belleza me refiero a la belleza del arte. Nosotros tenemos el permiso de hablar de una manera distinta a la que habla el mundo, eso es belleza, ese es un poder muy fuerte. Ya traerle al mundo ese aspecto, es una necesidad muy grande que tiene el mundo y nosotros lo podemos hacer. Esa es nuestra misión. Y transformar a las personas.

—¿Qué te pasa cuando la gente se te acerca, aunque no seas de lo popular o lo masivo?

—Quizás no soy un artista masivo, pero sí siento que el público me devuelve ese amor cada vez. Últimamente, no sé qué pasa, será la acumulación… son 40 años de trayectoria. Todos los días, en algún lugar que estoy, alguien me agradece y se sienta a conversar. Todo el mundo siente que me descubrió. Es lindo, es muy bello.

—¿Qué significa para vos la dupla con Griselda Siciliani?

—Con Griselda somos una dupla que recontra disfrutamos y el año que viene vamos a hacer otro espectáculo juntos.

—¿Podés adelantar algo del nuevo espectáculo juntos?

—Va a ser muy musical, una bomba. Lo dirige Ana Frenkel. Estamos en escena Griselda y yo solamente, no hay músicos, no hay nada, pero es musical igual. Todavía no firmamos el convenio con la sala, pero no va a ser en un teatro de la calle Corrientes. La música va a ser muy importante, la va a hacer Diego Vainer. Va a haber temas de repertorios ajenos, en diferentes versiones. También temas propios, compuestos por nosotros. Realmente con Griselda, estamos muy entusiasmados.

—En paralelo a todos estos proyectos, cada año nos sorprendés con la vuelta de Babushka.

—Es algo que me da tanta alegría hacer, porque, después de El Descueve, es el primer espectáculo que hice como un intérprete musical y con músicos. Estrené en 2009 y lo hago todos los años, aunque sea una o dos veces.

—¿Hiciste modificaciones en la estructura del show con los años?

—Debo decirle al público que me enorgullece decir que no, que no hice ninguna modificación. Es una pieza como si fuera de teatro, hago los mismos comentarios entre los temas, los pies para arrancar las canciones son los mismos, las coreografías que hago son las mismas. Es como un anillito, como una joyita. Este año serán dos shows, el 10 y el 17 de diciembre en La Carbonera de San Telmo y con el elenco original. Va a estar Alejandra Radano, que es la invitada permanente y hace dos canciones en italiano conmigo y un monólogo final.

—Volviendo al principio de la charla, ¿qué dice tu familia sobre tu carrera y tus presentaciones?

—Tienen el show gratis para siempre (se ríe). Mi familia disfruta muchísimo, mi mamá es la primera que siempre está ahí. Y también está la gente que me saluda con cariño en la calle, gente que vino, pagó una entrada y me vino a ver, entonces esas personas son como de fans, de alguna manera siento que el mundo siente que me descubrió. Es hermoso que me pase, aunque no sea del público masivo. Me siguen descubriendo, y eso me llena el alma.

La repercusión en redes sociales no tardó en multiplicarse. Entre los mensajes más destacados, un usuario celebró el contraste entre ambos: “Qué risa que me da que Flor se anime a literalmente VOLAR POR EL AIRE y que Nico le tenga miedo hasta a las montañas rusas”. Otros internautas resaltaron la complicidad y el apoyo mutuo que caracteriza a la pareja, describiéndolos como “el complemento ideal en todo estos dos”. La valentía de Flor en el escenario y la espontaneidad de Occhiato al compartir su asombro generaron una ola de reacciones positivas y muestras de admiración.

A mediados de junio, la influencer y bailarina decidió dar un giro en su carrera y regresar al teatro, una decisión que compartió en una entrevista para Teleshow. Tras cinco años de éxito en el streaming con Nadie dice Nada, donde se consolidó como referente entre el público joven y se consagró campeona del Bailando 2019, Flor sintió la necesidad de reconectar con su faceta artística más profunda. “Fue una propuesta que me encantó desde el principio. Yo venía con muchas ganas de volver a subirme al escenario”, relató sobre su motivación para aceptar el nuevo desafío.

El regreso de Flor a las tablas se materializa en La Llamada, el musical creado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se estrenó el 15 de julio en el Teatro Astros de Buenos Aires. En esta obra, Flor interpreta a Susana Romero, uno de los personajes centrales de una historia que fusiona espiritualidad, adolescencia, libertad y música de Whitney Houston. Para Flor, la experiencia representa un reencuentro con la intensidad y el compromiso del teatro, un espacio que describe como “más introspectivo, más físico, más comprometido”.

La decisión de sumarse a La Llamada implicó para Flor un proceso de introspección y valentía. “Después de cinco años intensos, tenía ganas de poder volver a lo que era mi rutina antes y a los escenarios, que es algo que me apasiona y que me encanta”, explicó. El proyecto llegó a través de Vane Pellizzeri, quien la propuso para el papel y facilitó el contacto con la producción. Flor destacó el desafío de cantar en escena por primera vez y la calidad del elenco, así como el mensaje y el humor de la obra. “Me pareció súper desafiante. Yo nunca canté en el escenario. Esta propuesta me hace cantar, bailar y actuar”, señaló.

El proceso de transición no estuvo exento de temores. Flor admitió que sintió miedo al reducir su participación en el streaming para priorizar su bienestar y su desarrollo artístico. “Temía que no aceptaran que estuviera menos días. Nunca nadie lo había hecho. Pero por suerte Nico y los directivos entendieron que uno para estar bien y dar lo mejor, también tiene que estar bien”, expresó. El apoyo de su entorno resultó clave para afrontar el cambio y asumir nuevos desafíos. Este viernes, cuando volvió a subirse al escenario para demostrar todas sus habilidades, destreza y sobre todo,fuerza, su novio desde la platea aplaudió entre el asombro y la admiración.

La maquinaria de casi 60 personas no descansa en el impactante espacio denominado Sala Sinpiso (Palermo), donde dentro de unos días tendrá lugar el estreno de la nueva temporada de AVEN, el espectáculo de Fuerza Bruta que en estos momentos se encuentra girando por el mundo con dos compañías, la que regresó de Perú y la que actualmente se encuentra en Corea, con funciones previstas por 14 semanas.

Allí, en medio de ese imponente espacio está Diqui James, cerebro creativo, que observa en silencio el lugar en el que en días se dará cita el fenómeno mundial. En sus ojos se mezclan la memoria y la voracidad del presente. El director de Fuerza Bruta palpita con cada preparación, con cada ensayo que roza el caos. “El teatro es la vida misma y tiene que ser sincero, brutal, despertarte”, suele repetir, como un mantra tallado a fuego.

James no es solo el creador de un espectáculo. Nació en las tripas de una Buenos Aires que necesitaba gritarle al mundo desde el filo, con cuerpos en suspensión, tambores, agua, papeles y gritos. Primero, sacudió al público con La Organización Negra, aquel colectivo que impugnó los límites de la escena argentina en los ochenta. Más tarde, De la Guarda lo lanzó al circuito internacional y Fuerza Bruta confirmó su genio: miles de espectadores alzaron la cabeza en Nueva York, Shanghái, Londres, movidos por una energía que parece nacer de sus propias entrañas.

La reciente gira internacional con su espectáculo AVEN dejò huella en escenarios de Brasil, Perú, México, Inglaterra y Corea, y ahora la compañía vuelve a la Argentina con una propuesta renovada. Estrenada originalmente en 2023, marca un nuevo capítulo para este colectivo de teatro físico que busca desafiar los límites de la experiencia sensorial y emocional en cada función.

El show es un viaje sensorial y físico que apela a los cinco sentidos al sumergir al público en un universo donde la alegría, la libertad y la belleza se convierten en protagonistas. La palabra “Aven”, por caso, no tiene un significado concreto, sino que surge de la combinación de “aventura” y “paraíso”, al reflejar la intención de la obra de crear un espacio lúdico y salvaje. En este entorno, los asistentes pueden experimentar las màs variadas sensaciones, todo dentro de una atmósfera que desafía la realidad cotidiana.

El regreso al país no solo implica una reposición del espectáculo, sino también una renovación en el elenco de actrices, actores y bailarines. Como desde un principio, la compañía apuesta por romper sus propios límites, al presentar una obra que se define como “una explosión de humanidad sin edad y sin barreras”.

AVEN es emoción pura, es encuentro, es felicidad en estado salvaje, es una experiencia colectiva que trascienda las diferencias individuales.

En una entrevista exclusiva con Teleshow, Diqui detalló sobre la concepción y evolución del espectáculo: “Intento hacer un show lo más feliz posible. Tenemos que hacer el show más feliz del mundo y dejar un poco la tensión y más la oscuridad que trabajamos en el pasado... y también es un show inspirado, porque es un show urbano, pero está inspirado en la naturaleza”.

El director señaló que, aunque el espectáculo mantiene una esencia urbana, la búsqueda de belleza en la naturaleza es un eje central de la propuesta. Según sus palabras, el equipo creó una “naturaleza artificial” para acercarse a aquello que la vida urbana alejó.

“Se puede decir que es el mismo show de 2023, pero tiene muchas cosas nuevas y tiene sensaciones nuevas y una búsqueda un poco diferente”, explicó. Esta evolución responde tanto a la necesidad de mantener la frescura artística como a la intención de adaptarse a los cambios en el contexto social y cultural.

La motivación, según explicó, está profundamente vinculada al contexto actual, marcado por el bombardeo constante de noticias negativas y la omnipresencia de la tecnología en la vida cotidiana. James expresó: “La búsqueda de este espacio aventurero tiene que ver también con el presente del mundo, estamos tan bombardeados de noticias, malas noticias, y como una sensación de que no tenemos arreglo. Y por otro lado, estamos metidos todo el día con el celular. Estamos como re adictos al celular y al mirar todo el tiempo muchas cosas mezcladas diferentes”.

El director identificó la cultura del consumo rápido de información, donde los videos de pocos segundos alternan entre temas dispares, como un fenómeno que aleja a las personas de las experiencias colectivas y profundas.

En contraste con esta realidad, la compañía propone una experiencia que, destacó, es “casi opuesta a eso”, al explicar que el espectáculo busca generar una vivencia colectiva, donde el público no se siente solo, incluso si asiste sin compañía. “Vos no estás solo en Fuerza Bruta. O sea, no es una experiencia solitaria, por más que venga solo. Es una experiencia colectiva. Por eso es diferente cuando vos lo ves en Tokio, o cuando lo ves en Buenos Aires, porque las reacciones colectivas son diferentes”, afirmó. Esta dimensión colectiva es, para el creador, uno de los elementos que distinguen a la compañía en general.

El objetivo es recordar al público la posibilidad de la felicidad, incluso en medio de las dificultades, al trazar una analogía con el carnaval: “El carnaval un poco está para recordarnos que podemos ser felices y vos no dejás de ver la pobreza o no dejás de ver la suciedad, o no dejás de ver a un tipo bailando mal vestido y que sabés que el lunes va a tener un montón de quilombos de vuelta, pero también al mismo tiempo ves esa persona o ese grupo de gente festejando y celebrando y estando tan felices. Sin negar todo lo malo, claro. Aunque el lunes se nos vengan las obligaciones encima. Celebrar la vida, celebrar pese a todo lo que nos rodea”.

El espectáculo, entonces, busca sumergir al público en un mundo extraordinario donde las reglas habituales no aplican y la felicidad se presenta como una posibilidad tangible. Es que la propuesta no pretende negar las dificultades del mundo exterior, sino ofrecer un espacio donde el público pueda reconectarse con la capacidad de cambiar las cosas y experimentar bienestar.

James lo expresó así: “Yo creo que nosotros lo que queremos lograr es eso que vos te metés acá a un mundo que es absolutamente extraordinario. Nada, funciona como funciona afuera. Y que vos sientas que podés ser feliz, que sos capaz de cambiar las cosas, que sos capaz de hacer cosas. Y conectarte con esa locura y que eso te haga bien. Por más que el mundo sea un quilombo”.

Esta visión subraya la función del espectáculo como un refugio temporal, pero también como un recordatorio del potencial humano para la alegría y la transformación.

El impacto internacional de Fuerza Bruta y el espectáculo que se encuentra girando se refleja en la diversidad de públicos que presenciaron la obra en diferentes países. De hecho, las reacciones colectivas varían según el contexto cultural, lo que enriquece la experiencia tanto para los artistas como para los espectadores.

La renovación del elenco y la incorporación de nuevas sensaciones y búsquedas responden a la filosofía de la compañía de mantenerse en constante evolución. El espectáculo, aunque conserva elementos de su versión original, introduce cambios que buscan sorprender y emocionar al público en cada función. Esta capacidad de adaptación es una de las claves para el éxito sostenido de la compañía, que continúa atrayendo a audiencias de todas las edades y procedencias.

Por mucho que parezca, lo que menos tiene Diqui James en la improvisación. Detallista hasta el hartazgo, irrumpió en la escena local a mediados de los ‘80 de la mano de La Organización Negra.

El contexto social y cultural de esos años resultó fundamental para el surgimiento de propuestas como la de James. Es que tras la dictadura, se abrieron numerosos espacios para la expresión artística y la experimentación. Jóvenes de unos 20 años, llenos de energía, se mezclaron con quienes regresaban del exilio, trayendo consigo experiencias de censura y represión, pero también nuevas ideas y lenguajes. Esta confluencia generó una explosión creativa que, en palabras de James, dejó frutos visibles en la actualidad.

“En los ’80 se abrieron un montón de espacios donde poder juntarse, donde poder mostrarse, que estábamos todos los pendejos que salíamos de la dictadura y teníamos 20 años, teníamos toda la energía del mundo mezclándonos con los tipos que volvían de afuera, que habían sido exiliados y que habían sufrido la censura y volvían a contar y a mostrarlos lo que hacían. Y eso, esa unión, fue una explosión espectacular que derivó en todo lo que pasó en esa época y ves los frutos hoy en día en un montón de cosas. No nos importaba un carajo la plata. Era muy salvaje. Y sí, fue una época muy copada”, relató el creador.

La propuesta de La Organización Negra se caracterizó por su carácter disruptivo y su rechazo a los convencionalismos del teatro tradicional. La intención era crear un espectáculo que pudiera ser comprendido y disfrutado por cualquier persona, independientemente de su formación o experiencia previa con el teatro. Esta búsqueda de un lenguaje universal, inspirado en manifestaciones populares como el carnaval y el teatro callejero, permitió que la obra trascendiera las fronteras nacionales y culturales.

La experiencia internacional de James y su grupo confirmó que el lenguaje escénico que habían desarrollado en la Argentina tenía la capacidad de conectar con públicos de todo el mundo. La universalidad de su propuesta no fue el resultado de una estrategia deliberada para conquistar mercados extranjeros, sino la consecuencia natural de un deseo genuino de hacer teatro para todos. Esta visión inclusiva y experimental, forjada en el contexto de la posdictadura argentina, se transformó en una marca distintiva que definió la trayectoria del director y su aporte al teatro contemporáneo.

Ver con ojos de hoy a quien era Diqui en sus primeros años despierta en él una mezcla de ternura y admiración. El creador recuerda que, en aquella época, las posibilidades de éxito eran prácticamente nulas, pero eso no lo detuvo. Su determinación por seguir su propio camino, sin importar los riesgos ni las probabilidades, marcó el inicio de una trayectoria que, con el tiempo, se consolidó en el ámbito artístico.

El relato sobre sus inicios en los años ochenta revela una actitud de entrega total a su vocación. A pesar del miedo constante, nunca se apartó de sus convicciones ni permitió que otros lo persuadieran para tomar caminos más seguros o convenientes. “Y en ningún momento arrugué. Y cagado de miedo siempre, ¿no? Pero, digo, iba muy al frente con lo que tenía ganas de hacer, con la visión. Y en ningún momento me convencieron para ir para otro lado, porque me convenía o porque había más seguridad”, expresó.

La historia de Diqui James se convierte así en un ejemplo de cómo la pasión y la convicción pueden prevalecer sobre la incertidumbre y el temor al fracaso, según detalló el medio.