Cada diciembre, la ciudad se transforma con luces, colores y decoraciones que anticipan la llegada de la Navidad. Las plazas, centros comerciales y avenidas principales se llenan de alegría, para convertir la experiencia urbana en un recorrido mágico para locales y turistas. En este contexto, Galerías Pacífico busca representar el espíritu festivo, al combinar historia, arte y propuestas innovadoras.

Este año, la tradicional celebración del shopping suma un elemento icónico que captura la atención de todos: el Árbol de Navidad de Swarovski. Con más de 10 mil cristales colocados a mano y 12 metros de altura, la pieza se erige bajo la histórica cúpula del centro comercial, un espacio declarado Monumento Histórico Nacional y decorado con impactantes murales de Berni, Castagnino, Spilimbergo, Urruchúa y Colmeiro.

El encendido oficial tuvo lugar el martes 2 de diciembre y reunió a más de 200 invitados entre celebridades, líderes de opinión, artistas, empresarios y referentes de moda. Entre las figuras que se destacaron Griselda Siciliani, María Vásquez y su hija Myla Cambiaso, Yami Safdie, Fabián Zitta y Charly Fonseca, Paloma Herrera, Stephanie Denmer y su hija Ariana.

Otros famosos que también visitaron este lugar fueron Milagros Schmoll, Dafne Cejas, Ana Espasadin, Carlitos Casella, la dupla Gustavo Pucheta y Fabián Paz, Sofìa Zamolo, Priscila Cripovapich, Donato de Santis, Eugenia Sánchez, Delfi Aused, Flor Capuano, Euge de Martino y Minerva Casero.

La noche del encendido oficial de este árbol combinó música, experiencias sensoriales y el brillo característico de la marca, convirtiéndose, una vez más, en uno de los eventos más esperados de la temporada.

Un símbolo festivo bajo la cúpula

La iniciativa celebra un hito de Swarovski: la marca cumple 130 años como referente mundial en diseño, innovación y artesanía. Para esta temporada, presentó nuevas colecciones con Ariana Grande como embajadora global, lo que transmite un espíritu moderno y vibrante. Las piezas disponibles reflejan creatividad y elegancia que ofrecen opciones de regalo memorables para quienes buscan sorprender con originalidad.

De igual manera, Galerías Pacífico busca seguir manteniendo su lugar como un punto de encuentro único para quienes buscan experiencias de compras sofisticadas. La arquitectura europea del edificio, sus cúpulas renacentistas y murales emblemáticos lo convierten en un sitio admirado y fotografiado por sus visitantes, quienes recorren los espacios que combinan historia, arte y propuestas comerciales de alto nivel.

La temporada navideña llega acompañada de nuevas aperturas que amplían la oferta y refuerzan la propuesta multicultural del shopping. Entre ellas, el esperado regreso de Rapsodia, marca referente de moda bohemia–premium, y la consolidación de Lovely Denim en la tendencia urbana.

Nuevas marcas y experiencias

Otras firmas que se suman a este shopping son TOUS, reconocida por sus joyas y accesorios, y la primera boutique de Primicia Lab, especializada en equipaje exclusivo, personalizado y de alta performance. Estas incorporaciones buscan diversificar la experiencia de compra y satisfacer distintos estilos y necesidades.

En consecuencia, la instalación del Árbol Swarovski y las novedades comerciales generan un recorrido integral que combina estética, entretenimiento y consumo. Cada rincón de Galerías Pacífico se convierte en un escenario donde el público puede disfrutar de la decoración, explorar las nuevas marcas y encontrar regalos que transmitan originalidad y sofisticación. El brillo del árbol se transforma en un símbolo de celebración y encuentro para toda la ciudad.

La propuesta busca consolidar la identidad de este shopping como un lugar que conjuga elegancia y modernidad. En este marco, sus iniciativas Navideñas son un reflejo de cómo los espacios comerciales pueden transformarse en escenarios culturales, lo que refuerza la conexión con los visitantes.

En esta nueva temporada, el centro comercial invita a descubrir lo mejor de la ciudad: tradición, innovación y entretenimiento se entrelazan en cada detalle. El Árbol Swarovski, las nuevas aperturas y la ambientación especial consolidan al centro comercial como epicentro de la celebración. Así, este diciembre, Buenos Aires se ilumina con creatividad, elegancia y experiencias únicas.

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Con la conducción de Teté Coustarot e Iván De Pineda, la jornada reunió a diferentes referentes de la moda, el maquillaje, y figuras del espectáculo, quienes disfrutaron de una velada única.

“Para este evento, pensamos un concepto en donde fusionáramos el maquillaje con la moda, que son dos elementos que están superpresentes en el ADN de la marca”, manifestó Claudia Morinigo, líder de Marketing de la categoría maquillaje de L’Oréal Paris.

La maquilladora oficial de la marca, Estefanía Novillo, creó los looks inspirados en los nuevos lanzamientos, mientras que el reconocido diseñador argentino Fabián Zitta fue el responsable de los diseños de alta costura.

“L’Oréal Paris tiene como propósito fundamental democratizar el mercado de la belleza, así que el enfoque de demi-couture, que es un punto intermedio entre la alta costura y el prêt-à-porter, está muy alineado a nuestra marca”, sostuvo Morinigo.

Presencias destacadas y un regreso de lujo

Entre los rostros que desfilaron se destacó la participación de Valeria Mazza, figura emblemática de la moda argentina, quien volvió a las pasarelas y se mostró emocionada con este retorno.

“Volver a desfilar en la Facultad de Derecho es un gran momento. Hacerlo de la mano de L’Oréal Paris es un lujo, un privilegio. Para mí, es fundamental que cuando una se mira al espejo, se vea bien, creando su propio estilo y encontrando su look”, aseguró la reconocida modelo.

También estuvieron presentes en la pasarela de Lumiere Gala reconocidas modelos como Anabel Sánchez, Michelle Masson, Candela Ruggeri, Mariana Genesio Peña y Agustina Casanova.

El evento también reunió a personalidades del espectáculo, entre las que se encontraban Pampita, Zaira Nara, Sofia Gonet, Stephanie Demner, Juana Tinelli, Marta Fort, Zuzu Coudeu, entre otras. Ellas participaron para conocer de primera mano las tendencias y los nuevos lanzamientos de L’Oréal Paris.

Lumi: una apuesta por la luminosidad

En los últimos años, el maquillaje de acabado luminoso, conocido como glowy, se instaló como una de las grandes tendencias de la industria. La propuesta busca lograr una piel fresca y radiante, que conserve la luminosidad natural y transmita una imagen de salud y equilibrio.

Para miles de personas que optan por realzar su brillo y potenciar rasgos, lejos de los estilos opacos, L’Oréal Paris trajo al país su línea Lumi. Esta familia de productos incluye rubores e iluminadores diseñados para utilizarse de forma combinada o individual, con el objetivo de resaltar el brillo natural de la piel según cada preferencia.

La última incorporación de la línea es el Lumi Le Stick, el primer iluminador de L’Oréal Paris con formato en barra. Está disponible en dos versiones: Le Glass, de textura translúcida y efecto mojado, y Le Glow, con un perfil satinado e intensa presencia de pigmento. La posibilidad de alternar o combinar los acabados permite adaptarse a distintos estilos y ocasiones.

Paradise Big Deal: volumen e intensidad para las pestañas

El otro lanzamiento destacado fue la máscara de pestañas Paradise Big Deal. Este producto se diferencia por su cepillo cónico con cerdas cruzadas, diseñado para aportar hasta 20 veces más volumen, además de separar y alargar las pestañas en cada aplicación.

La marca asegura que la intensidad es modulable y que el resultado no genera grumos. La máscara busca responder a la demanda de looks definidos, pero con acabado natural, en sintonía con la tendencia glowy.

“Queremos acompañar a las mujeres en sus rituales de belleza, ofreciendo productos que fusionen innovación y tendencias internacionales, con fórmulas adaptadas a las necesidades locales”, expresó la líder de Marketing de la categoría maquillaje de L’Oréal Paris.

Empoderamiento y tendencia, ejes del mensaje de la marca

Durante la Lumière Gala, L’Oréal Paris reafirmó su mensaje alrededor del maquillaje como recurso para el empoderamiento y la confianza femenina. Desde la marca señalan que el maquillaje permite tomar control de la imagen personal y refuerza la autonomía tanto en la moda como en la vida diaria.

“Me gusta el Lumi Glotion porque no me gusta estar muy maquillada: un poco de glotion en algunas zonas da un brillo y una luminosidad que te ves estupenda con muy poco. Si tengo que elegir, elijo mirada impactante, porque los ojos son el reflejo del alma. En mi neceser no puede faltar máscara, el Big Deal es fundamental, y algo de color. Después, depende de ustedes, chicas”, reveló Valeria Mazza.

“L’Oréal Paris trae consigo toda la herencia francesa y constantemente busca acercar toda esa aspiracionalidad y elegancia hacia el consumo masivo”, concluyó Claudia Morinigo. De esta manera, la compañía continúa posicionándose en el mercado local con lanzamientos internacionales y alianzas con referentes de la moda nacional.

El martes 8 de abril, la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires vivió una emotiva ceremonia en la que el diseñador Fabián Zitta fue galardonado como Personalidad Destacada de la Cultura.

Este reconocimiento, propuesto por la legisladora Patricia Glize, celebra no solo su destacada carrera en el mundo de la moda, sino también su huella cultural en la capital y el país.

El homenaje se llevó a cabo en el icónico Salón Dorado, donde más de 100 invitados especiales se reunieron para conmemorar al creador de algunas de las piezas más emblemáticas de la alta costura argentina. Entre los presentes se destacaron figuras de la moda, amigos y personalidades de los medios, como la supermodelo Valeria Mazza, quien deslumbró con un diseño exclusivo de Zitta, Benito Fernández, Fabián Medina Flores y la estilista Paula Colombini, entre otros.

El evento no solo celebró el éxito profesional de Zitta, sino que también ofreció un espacio para discursos repletos de nostalgia y sentimiento. Durante la ceremonia, el diseñador compartió su mirada sobre lo que significa recibir tal distinción y repasó sus más de dos décadas de carrera.

“Me siento muy contento y honrado de recibir esta premiación a Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Muchos días y muchas noches fueron necesarias para pensar un universo creativo que sea original, auténtico pero por sobre todo diferenciado. En un mundo que se bate constantemente por sobrevivir a las tendencias, nosotros las creamos y eso nos hace tangibles de ser observados como distintos”, expresó en sus redes.

Zitta también dedicó palabras especiales en su posteo a su equipo y a aquellos que lo acompañaron en su trayectoria. Reconociendo la importancia de las personas que trabajaron a su lado, expresó su gratitud a su diseñadora coequiper, Antonella Lemo, y al resto de su grupo profesional. De esta manera, destacó el verdadero valor tras bambalinas que hace posible la presentación de sus colecciones.

Sin dudas, la intervención más conmovedora fue la de Valeria Mazza, amiga cercana del homenajeado. La supermodelo, quien ha sido una de las principales embajadoras de sus diseños, recordó el vínculo que comparten, tanto en el ámbito personal como en el profesional.

Uno de los momentos más esperados fue un desfile íntimo que permitió a los presentes ver 5 de las creaciones más representativas del diseñador.

Modelos de renombre como Daniela Urzi, Lorena Ceriscioli, Cintia Garrido, Priscila Prete y Cecilia Cánepa, quienes han sido musas de Zitta a lo largo de su carrera, caminaron por la pasarela vistiendo prendas que encapsulan la esencia de su estilo, y que demuestran la evolución de su arte y su dedicación al diseño a lo largo de los años. Además, amigos y colaboradores compartieron pensamientos sobre su impacto en la industria y su carácter humano.

Fabián Zitta es, sin lugar a dudas, uno de los nombres más importantes de la moda argentina contemporánea. A lo largo de los años, vistió a numerosas celebridades, como Pampita, Natalia Oreiro y Flor de la V, y ha sido el encargado de diseñar vestidos de novia para figuras del entretenimiento. Su exclusivo atelier, ubicado en el barrio de Recoleta, es considerado un referente de la alta costura, donde cada pieza es cuidadosamente elaborada.

Lo que lo diferencia de otros diseñadores es su capacidad para combinar su pasión por la moda con su vocación por la medicina. Él es anestesiólogo, y su vida profesional se divide entre estos dos mundos que parecen ser opuestos, pero que se complementan de manera única.

Por otro lado, también lo caracteriza su enfoque sostenible en la moda. “Yo tengo un nicho de venta, vendo vestidos de fiesta, entonces reutilizo los vestidos, por ejemplo, que están hechos y tal vez no gusta la silueta, entonces se toma la tela de vuelta, se vuelve a planchar, si es de tintorería se manda a la tintorería, y después se vuelve a colocar otro patrón y es otro vestido que no tiene nada que ver con el anterior”, explicó en un reportaje que brindó a Infobae en años anteriores, lo que demuestra su preocupación por el reciclaje y la economía circular.

La distinción recibida por Fabián Zitta es un reflejo no solo de su habilidad como diseñador, sino también de su profundo impacto en la cultura argentina.

Con más de 20 años de trayectoria, su trabajo trascendió el ámbito de la moda para convertirse en una parte integral de la identidad del país. El homenaje, que reunió a figuras clave del ámbito, subrayó la importancia de reconocer a aquellos que, con su arte y visión, continúan transformando el panorama creativo y social.

Fotos: RS Fotos

De yute, de fieltro, de hojas de eucalipto, de tela de tapicería, de papel, de plástico, de disco de vinilo. Con plumas. Con mariposas. Con red. Con tul. Con sorbetes. Con piedras. Con flores.

Un sombrero de ala ancha con una cinta bordó y una enorme rosa a tono. Un tocado adornado con una trama de hojas de alambre pintadas a mano del color del otoño, como un árbol de la vida tensado. Un sombrero de rafia con formas rígidas. Un turbante de fieltro drapeado color canela, color abrigo de invierno. Una boina carmesí y visón con flores: un tapiz de silla, de sofá, transformado en un complemento delicado. Una vincha azul eléctrico con plumas y mariposas que parecen volar sobre ella, que hacen suspirar.

No hay límites.

Cuando hay materia, inspiración y manos expertas, se produce la alquimia. La metamorfosis.

Cuando el sombrero terminado toca la cabeza de su humana, como si hubiese destellos de varita mágica flotando en el aire, se produce el encanto.

No es hada madrina. No hay hechizo.

Es arte.

***

A Laura Noetinger se la asocia a la reina de los Países Bajos. Es conocida —entre muchos otros motivos— por haberle hecho accesorios para la cabeza a Máxima Zorreguieta, pero ella se apura en aclarar que no es su sombrerera oficial, que quien sí lo es se llama Fabienne Delvigne y es una diseñadora belga, y que ella hizo un montón de cosas además de lo encargado por la reina. Aunque haber creado para ella significó, sin dudas, un hito en su carrera.

—Tocados. Porque es muy difícil hacer un sombrero a medida sin ver a la persona y probárselo.

La oportunidad de diseñar para una integrante del mundo de la realeza surgió en un momento entre el 2007 y el 2010 —no lo recuerda con exactitud— en un sitio del mundo de los plebeyos. Quizás en el rey de los sitios plebeyos: el supermercado.

—Me acuerdo de que me la encontré a Marina Lanusse, que es maquilladora, en un supermercado de Pacheco. Me dice: “¡Lauri! ¿Qué haces? ¡Tanto tiempo! Ay, sé que estás haciendo esto [sombreros, tocados]. Yo la maquillo a Máxima y viene en un par de semanas. Hacele algo de regalo y dame fotos para que le lleve y le muestre tu trabajo”. Supergenerosa —gracias, Marina Lanusse—. Y así fue. Le llevó, le gustó, me encargó. De hecho lo que me encargó, que me lo compró, lo usa un montón, un montón. Se lo he visto en varias oportunidades. Después le hice otras cosas que también usó, dos o tres cosas más.

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—A veces me hacen donaciones de sombreros vintage porque, qué pasa, como todo, la industria de la moda también, ¿viste que es de ciclos? Todo vuelve. Y yo agarro esos sombreros y los estudio. Y hay una cosa muy particular que es que la técnica de hacer sombreros es la misma desde el año 500, o no sé en qué año empezó. La primera sombrerera era la de María Antonieta, dicen, que era como su estilista, la que le hacía todos esos adornos en el pelo: Rose Bertin. Si vos sentás acá a un sombrerero del año 1500 va a tener las mismas herramientas que tengo yo. Hay materiales nuevos, de repente. Pero las técnicas son las mismas, es impresionante. Se moldea con vapor.

Laura Noetinger —57 años, melena y ojos castaños, blusa con diseños geométricos, delantal encima con estampa de plumas, entusiasmo arrollador— habla enérgica y apasionada de su trabajo. Mueve las manos, sonríe, muestra lo que tiene en el escritorio de su taller de Palermo: retazos de tela de diferentes géneros, tijeras de distintos tamaños, hilos, pegamento, centímetro, planchas, una máquina de coser, piedritas y mostacillas para bordar, unas plumas de pavo real.

—Nunca se debe poner el ojo del pavo real porque trae mala suerte —dice y muestra la parte más bella de la pluma, ese círculo azul francia con otro dentro que se asemeja a una pupila rodeado de marrones y verdes tornasol—. Hay una leyenda. Eso lo aprendí en Inglaterra. Una vez quise ponerlo porque tenía un sombrero con color al que esto le iba bárbaro y la profesora me dijo: “¡Ay, no, da mala suerte, ni se te ocurra! Usá los pelos” —recuerda y evoca el tono y el gesto displicente de la mujer inglesa—. Entonces yo uso los pelos de la pluma. Ahora tengo que hacer un tocado, justamente, con esto. Estas vinieron del campo, no sé, alguien me las regaló. La gente viene y me trae cosas, entonces de repente una persona que tiene pavos me manda. Tengo un ramo de plumas enorme ahí.

Habla de los materiales para hacer sombreros.

—El fieltro de lana, el fieltro de piel de conejo, tenés mezcla, tenés otros géneros que son exclusivos de la industria del sombrero que no se consiguen en Argentina y hay que comprar afuera. La rafia de decoración que se usa acá, la usamos para hacer sombreros y quedan divinos. Nos rebuscamos con lo que haya, ¿no? Pero la gracia del sombrero es que sea liviano, entonces uno tiene que tener cuidado con qué materiales usa porque imaginate tener algo pesado en la cabeza, es incomodísimo. Es un oficio muy milenario con diferentes materiales que han perdurado a lo largo del tiempo y otros nuevos que se han implementado. También uso plástico, como eso que tengo ahí que es un espantapalomas, como le digo yo, como un móvil.

Laura muestra una especie de colgante que pende de una repisa al lado de la ventana hecho de sorbetes de plástico negro que hizo para el diseñador que viste a celebridades, Fabián Zitta —y dice que de paso ahuyenta a las palomas—.

—Me dijo: “Quiero un tocado supermoderno para unas fotos”. Se me ocurrió esto que me encantó. Me dijo: “Sí, dale”. Entonces ellos envolvieron esto alrededor de la cabeza y quedó supermoderno. Y es divertido cuando se mueve porque adquiere diferentes formas. A mí me encanta el arte. Me encanta, me encanta, me encanta. A una DJ, Puli Demaría, para una fiesta, le hice un sombrero con un vinilo, le puse unos strasses, quedó super. O sea que no hay límite en realidad para el material.

Aunque quisiera hacer cosas como esas todo el tiempo, Laura dice que ya no vuela tanto: tiene que bajar a tierra porque “la clienta no te va a comprar eso para irse a Europa”. Si le encargaran más proyectos de ese estilo Laura Noetinger podría ser algo así como la Marta Minujín de los sombreros.

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Su taller —un departamento compacto de dos ambientes en Palermo— es una fiesta para cualquier persona que guste de probarse accesorios: el living, la cocina y el cuarto donde está su escritorio son un collage de sombreros de diferentes tamaños, estilos, materiales y géneros; tocados; cajas redondas, exagonales; maniquíes de cuellos largos con mucho glamour. En el cuarto al que se llega, donde podría haber un living, destaca un atril de madera que era de su madre con vinchas majestuosas, perlas, plumas, pétalos, brillo. Un mueble blanco y un estante más arriba en la pared principal muestran más opciones de complementos para la cabeza. Y arriba un cartel con su nombre, que es su marca: “Laura Noetinger. Milliner” (sombrerera).

—Esta es la cocina donde cocino sombreros —dice, mientras da un breve tour por su taller.

Solo faltan sombreros dentro de la heladera. El microondas está rodeado: al lado, encima, una horda de hormas, pero también bowls, cazuelas, todo lo que sirva para moldearlos.

—Tengo mis hormas que las fui coleccionando con el tiempo. Es muy difícil conseguirlas porque en nuestro país no hay industria de sombrero, entonces me las traje de afuera y fui incorporando algunas antiguas. También uso ensaladeras o cualquier cosa para hacer sombreros, nos adaptamos con todo.

Contra la heladera, un cuadro con la bandera de Inglaterra, donde Laura vivió y aprendió el oficio.

A los sombreros la condujeron las señales, esos indicios a los que siempre está atenta. Y su curiosidad insaciable, su creatividad infinita y su olfato para detectar una actividad que combinaba su amor por la costura y el arte con una buena idea de negocio.

***

Al principio fue solo amor.

—Primero que nada soy costurera. Me encanta coser, siempre me gustó. En mi casa trabajaba una persona, María Elena —yo la adoraba—, que hacía de todo un poco, incluso los remiendos de la ropa cuando éramos chicos. Yo la veía a coser y decía: “Ay, quiero aprender”. Tenía cinco años. Y ella me empezó a traer trapitos que eran de su hija, que cosía. Me traía bolsas llenas, y me enseñó a coser. Me enseñó a agarrar la aguja, el hilo. Ella me inició.

Al comienzo fue la ropa para sus muñecas, después quiso hacerse la suya.

Porteña, con tres hermanos, el padre de Laura había muerto cuando todos eran pequeños —tenían entre tres y once años—. Con su madre deprimida tras esa muerte, viuda con cuatro niños, su abuela paterna asumió el rol de jefa de familia: fue quien los apuntaló para que salieran adelante. Y fue quien, cuando Laura tenía 15 y la vio lidiar con un molde de camisa que no terminaba de descifrar, le preguntó: “¿Laurita, querés aprender a coser de verdad?”.

—Entonces le dije, “Sí, obvio”. Y me dice: “Bueno, yo te voy a mandar a una profesora que es una especie de prima, una parienta nuestra”. Y ahí me mandó, junto con mi prima que tiene mi misma edad, a aprender a coser con Deborita Robredo —que fue modelo en la década del ‘60—. Estuve uno o dos años con ella, y yo feliz. Ella hacía el sistema Delego [N. de la R. un método de corte y medidas creado por Donato Delego, un diseñador italiano que fundó la Escuela de Diseño y Moda Donato Delego. Se adapta a cualquier tipo de prenda, brinda precisión y es reconocido internacionalmente] que yo creo que es el mejor sistema porque la ropa te queda impecable. Ahí aprendí y empecé a coser. Y la vida me llevó a New York, primero.

Lo que la llevó a La Gran Manzana fue el trabajo de su marido —ahora ex— en el sector financiero. Era 1996, estaba casada, embarazada de su primera hija, Milagros, y Nueva York se abría a sus pies. El primer año lo dedicó a la maternidad, a la crianza, pero cuando su hija cumplió uno comenzó a picarle la inquietud en el cuerpo.

—Dije: “Bueno, a ver qué puedo hacer en esta ciudad tan espectacular”. Y empecé a averiguar por cursos de moda. Una amiga que era voluntaria del MET — el Metropolitan Museum— me dijo: “Yo soy voluntaria y está buenísimo. ¿Querés trabajar en el MET?”. “Obvio. Sí”. Estuve un año de voluntaria, que fue lindísimo porque conocí un montón de gente, estaba adentro del museo, que es precioso —la galería del vestido que tiene es impresionante; aunque más impresionante es la de Londres—, y cuando había cualquier exhibición podía entrar antes que nadie. Yo estaba en el escritorio que brindaba información en español a la gente, no sobre las exposiciones sino que éramos cuatro o cinco que hablábamos diferentes idiomas y venían a preguntarnos: “Ay, ¿dónde está el baño?” —recuerda y ríe—. Principalmente eso, o dónde está la cafetería. Cuando empecé a decir: “Bueno, a ver qué hago ahora”, nos mudamos.

En el 98, nuevamente por el trabajo de su marido, llegaron a Londres. Laura viajó embarazada de su segundo hijo. A poco de llegar nació Lucas. De nuevo el proceso fue parecido, después de dedicar el primer tiempo a acomodarse al nuevo territorio, a ser madre de dos, cuando su segundo bebé tuvo un poco de autonomía quiso comenzar a hacer algo más, algo por fuera de la crianza.

—Yo estaba bastante en casa, pero dije: “Voy a buscarme algo para aprender a hacer que no me lleve tanto tiempo y no le robe tiempo a los chicos. Pero necesito explotar esta ciudad que es la ciudad de la costura, del diseño, del arte”. Y la lluvia no me podía importar menos. Hay mucha gente a la que Londres la tira abajo. A mí ni las nubes, ni la lluvia. Yo hacía de todo. Ahí empecé a hacer cursos de arte, de pintura, de dibujo, de escultura, de acuarela. Y también de costura, de diseño de modas, de sastrería, de alta costura, de bordado, de todos los bordados que te puedas imaginar. Muchos. Muchas clases las hice en Liberty, que en ese momento tenía una escuela de costura. Entonces tenía unos maestros increíbles.

En una de esas clases un sastre no dejaba de mirarla. Laura sentía el peso de su inspección “como una sombra” sobre su cabeza mientras aprendía a hacer un traje. Hasta que le preguntó: “are you on the market?” (“¿estás en el mercado?”). “Tu costura es perfecta. ¿Quién te enseñó?”. Le contó que había aprendido en Argentina y siguió con los cuarenta cursos que hacía. Tenía 32 años y estaba en el cielo. En su cielo. Hasta que se dio cuenta que estaba para volar un poco más alto.

—El entorno era increíble, ¿entendés? Porque venía gente de todo el mundo a aprender a esos lugares. Y estar en Liberty, que vos salías y tenías todas las telas, todos los avíos habidos y por haber, ese edificio que es impresionante. Pero llegó un momento que cuando él dijo: “Bueno, ahora vamos a aprender a pegar un cierre”, yo dije: “Ay, no. Yo hace 20 años que coso, cierres pongo de taquito. No puedo perder más tiempo en estos cursos que ya poco me enseñan. Yo necesito hacer dos cosas: buscar un desafío y trabajar”. Porque trabajando es donde más aprendés. Me acuerdo que me propuse eso. Y ese día vi unas hormas en Liberty, unas hormas de madera, y empecé a averiguar qué era eso. “Son para hacer sombreros”, me dijeron. Ay, dije, qué interesante. Ahí me picó el bichito.

Laura encontró cerca de su casa londinense un lugar para aprender sombrerería, “que dio la casualidad que era el mejor lugar para aprender”, en un instituto que enseñaba múltiples artes y destrezas, con docentes de gran nivel. No lo pensó demasiado: se anotó.

—Y fue entrar a esa clase y decir: “¡Guau!, esto es para mí”. Cuando empecé a aprender dije: “Esto es lo que estaba buscando”. Hacer algo nuevo, totalmente diferente, totalmente ajeno a mí, pero que implicaba la costura a mano, el hacer y la moda. Lo artesanal y lo artístico. Es como que confluía todo en los sombreros. Fue un camino de ida.

***

Laura ya tenía algo de experiencia traída de Nueva York: sabía que los grandes museos necesitaban voluntarios hispanoparlantes. Mientras buscaba sus desafíos y aprendía más sobre costura y sombreros, con la meta de exprimir su vida en Londres, se anotó como voluntaria en el Victoria and Albert Museum, un destacado museo de arte decorativo donde van a aprender los estudiantes de moda que se convierten en los diseñadores más exquisitos del mundo.

Y algo se alineó: el instituto donde estudiaba sombrerería organizaba un concurso que proponía usar de inspiración una obra de arte de alguno de los museos que participaban —entre el que estaba el Victoria and Albert Museum— para crear otra mediante alguna de las destrezas manuales que se establecían. Si la obra era seleccionada podía ser expuesta en el museo donde estaba la pieza que había sido musa.

—”Esto es para mí”, dije. Y me inspiré en una lámpara, una araña gigante que cuelga en la entrada del museo, de un artista americano que se llama Dale Chihuly, que sopla vidrio. Es una lámpara de vidrio soplado en turquesa y verde. Que parece que tiene víboras. Dije: “Yo voy a hacer un sombrero para esto”.

Lo hizo. Presentó el proyecto, la ilustración y el sombrero. Puso en juego todo lo que había aprendido. El concurso fue para ella una especie de trabajo final, de tesis del curso de sombrerería. Lo eligieron y, ante la incredulidad llena de orgullo de sus amigas, su sombrero se exhibió en el Victoria and Albert Museum.

—”Esto es una señal”, dije. “Esto me quiere decir algo. Yo me tengo que poner en serio con esto”. Más allá de todos los cursos que estaba haciendo, porque para esa altura, a la vez que empecé a hacer sombreros, le dije a mi primera maestra de sombrerería que mi sueño era trabajar con un diseñador inglés “porque yo quiero ver la industria desde adentro”. “Ay”, me dijo, “yo le hago sombreros a Bruce Oldfield. Si vos querés, yo le hablo y vas a verlo”.

Bruce Oldfield es un diseñador de moda de alta costura, británico, que viste a miembros de la realeza, viste a Camila, vistió a Lady Di. La determinación de Laura no se amedrentaba ante estas figuras: crecía. Su deseo era aprender de los mejores del mundo. Y ahí los tenía cerca.

Llevó fotos de su trabajo a la mano derecha de Oldfield y ella le ofreció sumarse a los pasantes que ya tenía el modisto.

—Le digo: “Encantada”. Me quedaba a tres cuadras de mi casa, imaginate. Dije: “Lo único es que yo puedo hacer horario de colegio. Puedo venir a las 9:00 y me tengo que ir a las 3:00 porque tengo que ir a buscar a los chicos”. Dejaba a los chicos en el colegio, iba a lo de Bruce. Así empecé a trabajar con él una vez por semana. Y aprendí muchísimo. Yo era su hand finisher, terminaba a mano los vestidos de alta costura. También hacía los toiles —cuando te prueban un vestido en una tela como de muestra para ajustarla y cuando está perfecto al cuerpo de la mujer se hace en la tela de verdad—, ayudaba al sastre, hacía de todo. Si tenía que ir a comprar alfileres, iba y compraba alfileres, no me importaba nada. Porque ir a comprar era aprender dónde se conseguían los insumos, todo tenía un valor.

Cuando el trabajo comenzó a desbordarla, a tres meses de haber empezado, pidió lo justo: que le pagaran. Bruce la contrató. En el sótano donde trabajaba con uno de los diseñadores de moda más exclusivos del mundo, Laura había encontrado otro cielo. Uno más alto.

Tenía su trabajo y su desafío. Mas no le bastó.

—Y al mismo tiempo, en esa época, una amiga me dijo: “Lauri, me parece que en lo de Catherine Walker reciben voluntarios” —que Catherine Walker fue la que le cambió el look a Lady Diana, era su diseñadora. Bruce también la vistió pero Catherine Walker le hizo más cosas, eran como competencia entre ellos—. Y dije: “Bueno, me anoto”. Y me puse a trabajar en lo de Catherine en la parte de novias. Así que también aprendí un montón. Trabajaba con los dos más importantes y aparte hacía los sombreros, lo del museo. Hacía de todo.

Entre ese todo, en 2002, nació Mateo, su tercer hijo. Y en la consciencia de Laura seguía retumbando una voz que le decía que el camino estaba en los sombreros: “Laurita, ponete posta”.

Fue en 2004 cuando vio otra oportunidad para desplegar su diseño en este complemento y mostrarlo: un evento en la Embajada de Argentina que invitaba a “una noche de diseño y moda en Belgravia”, el barrio donde están las embajadas, que era su barrio. Buscaban diseñadores argentinos y ella se ofreció a participar. Puso una mesa en el evento con los sombreros que había hecho hasta ese momento. Las personas se volvieron locas. Fueron un hit.

—Y ahí dije: “Laura, dedicate a esto porque es por acá. Ya te pasó lo del museo, que fue una señal. Ahora esto. Entonces, me busqué una oficina de la municipalidad, cerca de mi casa, que quedaba a la vuelta del Harbour Club, que es donde iba a jugar al tenis Lady Diana y toda la elite de Londres. Y dije: “Estoy rebien ubicada. Es una señal”. Y ahí empecé a atender clientas.

Nunca paró.

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Habían pasado ocho años intensos en Londres. Cuando sus hijos tenían entre tres y siete años dijeron: “Es hora de volver”. Su idea siempre había sido regresar a la Argentina y querían hacerlo antes de que los niños echaran raíces.

Era 2006 cuando dejaron Inglaterra y volvieron a Buenos Aires. Su marido a un “supertrabajo” que le habían ofrecido, ella a empezar de nuevo. Con calles, museos, cielos y sótanos europeos exprimidos y experiencia de lujo en las valijas.

—Viste que igual la vida te lleva. Yo creo que hay señales y cosas que te dicen por dónde ir. Yo estoy muy alerta. No solo a lo artístico. Voy en la calle y observo todo, ¿viste? Miro las hojitas de los charcos, soy sensible a cosas que suceden. Si vos estás atenta, tenés las respuestas.

Se mudaron a un barrio cerrado en Pacheco, zona norte, y de la misma forma que en Londres, tocó puertas, mostró su trabajo a los mejores o a quienes podían conducirla a ellos, como la destacada wedding planner Bárbara Diez. Así, de trabajar con los diseñadores más importantes de Londres, comenzó a trabajar con los más importantes de Argentina: Fabián Zitta —de quien se hizo amiga—, Jorge Ibáñez, Pablo Ramírez, Laura Valenzuela.

—Bárbara [Diez] me ayudó muchísimo, que siempre lo digo porque estoy muy agradecida con la vida, con todas mis oportunidades, con todo lo que hice. Con las personas que me dieron una mano sin nada a cambio, ¿viste? Ella empezó a mirar mi álbum de fotos y me dijo: “No puedo creer lo que hacés. Es impresionante. Mándame un mail y yo te voy a mandar una lista de diseñadores para que los veas de mi parte”.

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Dice que dos de los momentos más destacados de su carrera fueron el sombrero que hizo para el concurso en Londres que pudo exponer en el Victoria and Albert Museum —”porque fue como un starting point, un momento clave en que decís ‘por acá tengo que ir”’—. Y haberle hecho tocados y complementos a Máxima —a quien conoció personalmente recién a fines del año pasado cuando se encontraron en un restaurante con amigas en común—. Que amó trabajar con Jorge Ibáñez. Que no siente que tenga muchas personas pendientes a quienes le gustaría hacerles sombreros porque con Máxima se llevó el premio mayor.

—Los sombrereros se matan por hacerle a alguien de la realeza. O sea, vos le hacés a alguien de la realeza y listo, ya estás realizada. Pero quizás a un artista, una Lady Gaga, una Madonna o, no sé, me hubiera gustado hacerle a Audrey Hepburn, que es como un ícono, o a Dita Von Teese, que me encanta. A ella me encantaría hacerle algo porque es muy sexy, es bailarina de burlesque, divina.

Dice que ama su trabajo y no se aburre jamás.

—Me levanto con alegría pensando ¡¿qué voy a hacer hoy?! ¡Yupi! —dice y se frota las manos como quien se prepara para hincar el diente en un plato jugoso—. ¡Tengo esto, esto, y esto! Y si no, hay tareas que hago cuando estoy medio dubitativa: me pongo a forrar vinchas, digo: “Tengo que hacer algo útil que pueda utilizar en momentos de apuro”, cuando venga una clienta a la que le tengo que probar rápido. No hay momento de zozobra.

Laura Noetinger pasa sus días vistiendo y adornando cabezas en Palermo con sombreros y complementos artesanales, hechos a manos, uno por uno, según la necesidad de las clientas: el casamiento de un hijo, un viaje a Europa, carreras en el exterior. Nunca le falta el trabajo aunque reconoce que, al ser un accesorio que en Argentina no se usa, a veces le toca persuadir, decirles que se prueben, que cuando se vean vestidas y maquilladas para la ocasión se van a sentir diferentes.

Además de hacer, en su taller, enseña. Tres veces por semana recibe a cuatro grupos de tres alumnas cada uno con quienes hace un trabajo de docencia personalizado y de quienes, también, aprende. Con quienes forma comunidad.

—Yo le enseño la misma técnica a todas mis alumnas y cada una hace su propio estilo. No nos pisamos entre nosotras. Cada una tiene su nicho que depende de su onda. Porque lo primero que te enseñan es: “No te copies. Sé vos misma, sé auténtica”. Es lo primero que les digo. Y es superlindo porque nos ayudamos un montón. De repente yo no puedo hacer algo y llamo a otra chica, nos pasamos los clientes, encontramos materiales, que es tan difícil. Tengo mis egresadas. Ahora tengo doce alumnas pero he criado un montón. Lo que sucede en la clase es que no se quieren ir. Tengo alumnas que hace cinco años que vienen; la pasan tan bien que quieren seguir viniendo.

Aunque pueda considerarse una sombrerera consagrada, su deseo de aprender, su curiosidad e inquietud siguen indemnes. A veces le pide a sus alumnas que tomen su lugar y den la clase para enseñar lo que ellas hacen —”entonces todas aprendemos de todas, es relindo”—. Hace poco hizo un curso de joyería y aunque concluyó que no era lo suyo, quería saber cómo se hacía.

Los sombreros siguen siendo la piedra filosofal de su vida. Ella dice que tienen magia.

—¿Sabés algo increíble que pasa con los sombreros cuando vienen las mujeres acá? Se transforman. Porque ver el sombrero apoyado en la mesa no es lo mismo que verlo puesto. Es como que toman vida cuando se los ponen en la cabeza; y ves a las mujeres transportadas a otra dimensión, a otro mundo, que se miran y dicen: “¡Guau!”. Los sombreros te hacen soñar, te elevan. Son mágicos.

● La Semana de la Alta Costura se está celebrando por primera vez en el icónico Teatro Colón, con la organización de Elina Costantini .

● Fabián Zitta presentó “Yugen”, una colección inspirada en la arquitectura minimalista de SANAA, destacando plisados y drapeados futuristas.

● Sylvie Burstin presentó “Picardía”, un homenaje a la tradición y legado de la casa, con piezas de denim bordado y guipures.

Lo esencial : la SAC 2025 en Buenos Aires reunión innovación y tradición en desfiles deslumbrantes en el Teatro Colón . Zitta combinó alta costura y arquitectura con su colección “Yugen”, mientras que Sylvie Burstin , con las diseñadoras Emm&Val , celebró su legado con “Picardía”, marcado por detalles artesanales y modernidad. Ambos eventos realzaron la moda argentina con propuestas únicas y técnicas sofisticadas.

Por qué importa: refuerza a Buenos Aires como epicentro de la alta costura y resalta la evolución de la moda local en escenarios de prestigio como el Teatro Colón.

Con un despliegue de creatividad y lujo, la Semana de la Alta Costura (SAC) 2025 tuvo dos desfiles memorables: la colección “Yugen” de Fabián Zitta, una propuesta avant-garde que combina alta costura y arquitectura, y “Picardía” de la casa Sylvie Burstin, un homenaje a la tradición y al legado artesanal. Ambos acontecimientos brillaron en el Teatro Colón bajo la dirección experta de Elina Costantini, que lleva la batuta de esta prestigiosa cita de la moda de Buenos Aires.

En la SAC 2025, que por primera vez se lleva a cabo en el icónico Teatro Colón, los días anteriores estuvieron marcados también por desfiles de gran nivel y propuestas diversas que dejaron en alto la imagen del diseño argentino. La jornada inaugural presentó la colección “Obsidiana” de Javier Saiach, destacada por sus formas exuberantes y colores intensos. El diseñador español Jorge Redondo había sido el encargado de abrir la prestigiosa cita de la alta costura de Buenos Aires con su colección “Volver”, y regresará en la última jornada, que será esta noche, cerrando así el evento con un despliegue final que promete ser inolvidable.

Anoche, fue el turno del talentoso diseñador argentino Fabián Zitta, reconocido por su enfoque innovador, quien presentó su última colección titulada “Yugen” en la SAC 2025. Este término japonés, que evoca una belleza sutil y misteriosa, guía el espíritu de una propuesta que mezcla arte, moda y arquitectura. En esta ocasión, el creador se inspiró en la obra del estudio japonés SANAA, conocido por sus diseños arquitectónicos curvos y minimalistas que redefinen la percepción del espacio habitable.

La colección “Yugen” se compone de 37 looks cuidadosamente confeccionados que integran elementos de la alta costura tradicional y técnicas modernas de diseño. Se destacan los plisados y drapeados realizados a mano, que aportan una estética volumétrica y futurista. Estos detalles muestran la maestría de Zitta al trabajar sobre maniquí, permitiendo que cada prenda adquiera una forma escultórica única.

El uso de materiales de lujo, como la seda natural y los brocados con estampas repetitivas, le da a las piezas un acabado refinado y dramático. La colección se distingue por su paleta de colores limitada, predominando el negro, verde y cobalto, que resalta la estructura y detalles minuciosos de cada prenda.

Una novedad de la colección es la presentación de una línea de joyería exclusiva, elaborada en alpaca y diseñada para complementar las prendas. Estas joyas, fabricadas por expertos orfebres, se inspiran en las maquetas y planos de SANAA, integrándose a las prendas y formando escotes y cinturas que combinan cuero y metales trabajados. Este enfoque otorga un sentido de continuidad visual y conceptual entre la moda y la arquitectura.

En complemento, Zitta ha trabajado con la firma Claude Benard para desarrollar una cápsula de seis modelos de zapatos, creados específicamente para la colección. El trabajo en conjunto con un equipo especializado en maquillaje, peluquería y estilismo garantizó una puesta en escena que cuidó cada detalle, reforzando la intención de mostrar la moda como una expresión integral de arte y diseño.

Esta colección, que destaca por su enfoque severo y dramático, rinde homenaje a una estética nipona que conjuga simplicidad y sofisticación, en un reflejo de la continua búsqueda de Fabián Zitta por empujar los límites de la alta costura.

Fusión de estilo y artesanía en la pasarela

La presentación de Picardía en la Semana de Alta Costura Otoño-Invierno 2025 no fue solo un desfile, sino una auténtica celebración del arte con la historia y la visión detrás de la casa de moda Sylvie Burstin. El Teatro Colón, con su majestuosidad y valor simbólico, se convirtió en el escenario perfecto para un evento que reunió lo mejor de la tradición y la innovación en la alta costura argentina.

La colección se reveló como un homenaje a décadas de esfuerzo y dedicación en el mundo de la moda, y como una muestra del compromiso inquebrantable de Emm&Val (Emm Vernieri y Val Hillebranda) por mantener viva la esencia y el legado de la casa que encabezan.

El viaje que dio origen al nombre de la colección es una historia que encierra más que inspiración: se trata de una metáfora del propio recorrido de Sylvie Burstin y su capacidad para adaptarse y reinventarse. Durante su paso por París, en la prestigiosa Rue Saint-Honoré, Emm&Val, encontraron la chispa que encendió el concepto de Picardía.

Esto conectó emocionalmente con las diseñadoras al descubrir que su nombre rendía homenaje a la región histórica de Picardía y al Santo Honorato, un vínculo inesperado que resonó profundamente con la historia y la misión de la marca.

“Hoy nos reencontramos en SAC, en esta impresionante presentación de la Semana de la Alta Costura Buenos Aires, en el Teatro Colón. Es la primera vez que se realiza un desfile en la historia del teatro, en la marquesina de la calle Libertad. SAC es el único evento de la industria de la moda local que reivindica el verdadero trabajo detrás de una colección como lo es Picardía”, dijo a Infobae una de las diseñadoras.

La riqueza y diversidad de Picardía

La colección Picardía se construyó sobre una cuidadosa selección de materiales y un esmero artesanal que dieron vida a más de 40 piezas únicas. Desde la utilización de denim teñido artesanalmente y bordado con hilos de seda en complejos patrones de “algas”, hasta los creppés sastreros que aportaron estructura y elegancia a las siluetas, cada prenda fue diseñada con una atención al detalle que refleja la pasión por la alta costura.

Emm&Val exploraron una paleta de colores que incluyó tonos metálicos, pastel y, en ciertos momentos, colores vibrantes que aportaban dinamismo y modernidad a la colección. La mezcla de sedas laminadas y organza estampada, junto con los guipures que componían texturas únicas, dio lugar a un desfile que equilibraba lo etéreo con lo tangible, lo delicado con lo audaz.

Filosofía creativa y legado compartido

La filosofía de “vestir el sentir de cada persona” que impulsa a Emm&Val es evidente en Picardía, donde cada prenda no solo es una pieza de alta costura, sino una declaración de la individualidad y la personalidad de quien la elige. La sinergia entre ambas diseñadoras ha permitido que las técnicas tradicionales, como el teñido y bordado artesanal, convivan con enfoques modernos y disruptivos, logrando piezas que resalten por su originalidad y sofisticación.

En la colección Picardía, Emm&Val no solo presentaron una línea que rindiera tributo al pasado, sino que también crearon un puente hacia el futuro, reafirmando que continuar con el legado de la casa era no solo una elección, sino un deber. Tal como ellas mismas expresaron, “hubiese sido una picardía no haber continuado con el legado de Sylvie Burstin”, una frase que encapsula la misión de la firma y su visión de la moda como un arte vivo y en constante movimiento.

El desfile de Picardía no fue solo un evento de moda, sino una reafirmación del lugar de Sylvie Burstin en la historia de la alta costura argentina. Con cada paso en la pasarela, se honró una tradición de más de medio siglo que ha sabido mantenerse relevante en un mundo de cambios rápidos y tendencias efímeras.

“Detrás de esta pasarela hay una rigurosa curaduría y una exigencia que está a nuestro nivel. Cuando Elina nos propuso participar, nos pareció maravilloso y, poco a poco, con mucha convicción, nos llevó a que la presentación fuera aún mayor de lo que se pensaba al principio. Fue un desafío que nos encantó abordar. La elección de nuestra presentación en el exterior nos parecía excepcional; el aire libre para nuestras gasas volátiles era algo que imaginábamos mucho. Nos representa”, agregaron las diseñadoras.

Cuando la semana llegaba a su fin, dos eventos colmaron de estilo, elegancia y vanguardia a la Ciudad de Buenos Aires.

Es que Fabián Zitta celebró la apertura de su nuevo local en el Patio Bullrich, donde su colección “Pret a Couture” destacó por su sastrería y un diseño que equilibra tradición y vanguardia. La velada, marcada por un ambiente refinado, estuvo acompañada por música que realzó el espíritu elegante de la noche.

Camila Romano, con la luz del Sol como principal protagonista de la ambientación, presentó su colección Primavera-Verano 2025 en un exclusivo brunch en el Palacio Duhau, donde la artesanía y los detalles meticulosos de sus creaciones subrayaron una elegancia sobria y cuidadosamente elaborada.

Ambos eventos estuvieron colmados de figuras. A Romano la acompañaron muchas celebridades, entre las que se destacaron Belén Ludueña, Dominique Metzger, Yanina Latorre, Barbie Simons y Sofía Zámolo, Lucía Uriburu, entre otras.

En tanto, fueron parte de la inauguración de Zitta figuras como Andrea Frigerio, Flor de la V, Sofía Zámolo, Sofía Jujuy, Teresa Calandra, Pía Slapka, Sabrina Garciarena, entre otras, quienes celebraron y bailaron gracias a la buena música de Cintia Garrido que brilló como DJ del evento.

Zitta, elegancia y vanguardia en un nuevo espacio

La colección, que se destacó por su sofisticación, estuvo protagonizada por siluetas simples y drapeados en tonos neutros como el negro, nude, plata y blanco. Cada modelo enfatizó el volumen y las texturas para transmitir una elegancia íntima y especial.

La tienda es un fiel reflejo de la elegancia de Zitta como diseñador, ya que incorpora una decoración sofisticada y de alta calidad. Las prendas que se encuentran en su segundo local al público son de la colección “Pret a Couture”, con opciones para cocktails o fiestas sociales.

La sastrería, con un aire atemporal, se fusiona con las últimas tendencias, mientras que una innovadora línea de calzado, fruto de la colaboración con Claude Benard, completó la propuesta.

Una colección sofisticada y artesanal

La diseñadora Camila Romano subrayó que su colección no necesita de ostentación para destacar. “Es sofisticada y despojada, pero rica en detalles de moldería, lo que transmite una elegancia íntima y lujosa”, comentó.

Cada pieza está confeccionada totalmente a mano, reafirmando su compromiso con el trabajo artesanal y la dedicación meticulosa que la caracteriza. En ese sentido, resaltó: “Cada vestido está hecho de forma artesanal con moldería artesanal, con muchas manos trabajando y muchas horas para poder lograr cada uno de los diseños”.

La colección incluyó corsetería clásica con toques de los noventa, reinterpretada de una manera contemporánea. La diseñadora se centró en la calidad de cada prenda, destacando la figura de la mujer independiente que elige sus diseños.

Asimismo, Romano ha pensado en vestidos y conjuntos en blanco y off-white no solo para novias, sino también para diversas ocasiones de uso durante el verano. “Complementamos algunos looks con pequeñas carteras de piedras o tejidas, diseñadas para hacer juego con los conjuntos, y sandalias en nude y negro, súper net”, relató la diseñadora.

La diseñadora resaltó la importancia de adaptarse a las necesidades y preferencias de sus clientas, ofreciendo una variedad de vestidos ready to wear tanto de novia como de noche. Esto facilita a las mujeres que no pueden permitirse un periodo de pruebas lucir perfectas en cualquier ocasión especial. “Diseñar moda en nuestro país significa entender y adaptarse también a mis clientas, a la ocasión, a sus cuerpos y a sus tiempos”, expresó la diseñadora.

Romano ha logrado encontrar un balance en sus diseños: “Es un equilibrio entre mantener la autenticidad cultural y responder a las tendencias y necesidades contemporáneas, sin perder la esencia de mis diseños”, explicó.

Finalmente, Camila Romano expresó su gratitud por el reconocimiento y la acogida de sus diseños. “Siento que me vieron y que después de tantos años de trabajo, las respuestas van llegando. Estoy muy agradecida a todos ustedes por valorar mis diseños”, concluyó.