El diablo viste a la moda 2 ha sido presentada a miembros de la prensa especializada, y las primeras reacciones comienzan a difundirse en redes sociales y medios del sector.

La película marca el regreso de Meryl Streep a su papel de Miranda Priestly, editora de una influyente revista de moda, personaje por el que fue nominada al Premio Oscar en la entrega original.

De acuerdo con comentarios iniciales de periodistas que ya han visto el filme, la producción ha sido descrita como una secuela que mantiene elementos reconocibles de la historia original.

El periodista de entretenimiento Daniel Baptista señaló en la red social X que la película es “divertida y enérgica”, y que representa un regreso natural tanto para Streep como para Anne Hathaway.

En su publicación, añadió que el largometraje resulta familiar “en el mejor sentido”, además de considerar que su estreno llega en un momento adecuado.

Por su parte, la editora de Variety, Jazz Tangcay, también expresó una valoración positiva. En su comentario, describió la secuela como “fenomenal” y destacó el trabajo de la guionista Aline Brosh McKenna, señalando que el guion es “afilado y ágil”.

Tangcay también mencionó el desempeño del elenco principal, que incluye nuevamente a Hathaway y Emily Blunt.

“La secuela perfecta que superó todas las expectativas. El guion de Aline Brosh McKenna es ingenioso y mordaz. Lo citaremos durante años. El vestuario es deslumbrante y la banda sonora es espectacular”, escribió.

Por su parte, el editor de The Hollywood Reporter, Alex Werpin, calificó la película como una “parodia mediática” ambientada en el mundo de la moda, y apuntó que algunos elementos podrían resultar reconocibles para profesionales del periodismo.

“Todo periodista que la vea se estremecerá al reconocerse en ella. ‘El diablo viste a la moda 2′ no tiene derecho a ser tan buena como lo es“, señaló.

En una línea similar, Erik Anderson, de Awards Watch, comentó que la producción incorpora referencias a la cinta original y elementos de nostalgia, además de resaltar la continuidad del personaje interpretado por Hathaway.

“Con la cantidad justa de guiños y nostalgia bien merecida, Anne Hathaway sigue siendo nuestra estrella más brillante. Es divertida y profunda, y además, ¡regresa ‘Vogue’”, indicó.

El reparto principal retoma a varios integrantes de la primera entrega, incluyendo a Stanley Tucci, junto con la dirección de David Frankel. Entre las nuevas incorporaciones al elenco se encuentran Kenneth Branagh, quien interpreta al esposo de Miranda Priestly, así como Simone Ashley, Lucy Liu, Justin Theroux y B. J. Novak.

Aunque los detalles completos de la trama no han sido revelados, los avances indican que el personaje de Andy Sachs, interpretado por Anne Hathaway, regresa a la revista Runway en el cargo de editora de reportajes.

En la película original, estrenada en 2006, Andy era una periodista en formación que comenzaba a trabajar como asistente personal de Miranda Priestly. Aquella producción alcanzó una recaudación global de 326 millones de dólares.

A lo largo de los años, la popularidad de la primera película ha incrementado, lo que se reflejó durante el rodaje de la secuela en la ciudad de Nueva York.

El estreno de El diablo viste a la moda 2 está programado para el 1 de mayo, fecha con la que se dará inicio a la temporada cinematográfica de verano.

La ciudad de Oaxaca de Juárez será el escenario del estreno de “Casa 12”, una película mexicana de suspenso psicológico que busca posicionarse como una de las propuestas más inquietantes del cine nacional contemporáneo.

La función especial se llevará a cabo el próximo 25 de abril en el emblemático Teatro Macedonio Alcalá, recinto reconocido por su valor histórico y cultural.

Este lanzamiento no solo representa el debut ante el público, sino también el inicio de un recorrido por festivales tanto en México como en el extranjero, donde la cinta intentará consolidarse dentro del circuito independiente.

Una historia que explora la mente, el aislamiento y la obsesión

Protagonizada por José Ángel Bichir, Helena Puig y Mikael Lacko, “Casa 12” sigue la historia de Pablo, un diseñador de audio que, tras sufrir una lesión en la pierna, queda confinado a su departamento.

En medio del aislamiento, el protagonista comienza a experimentar alucinaciones visuales y sonoras cada vez más intensas, lo que lo lleva a cuestionar su propia estabilidad mental.

Desde su ventana, observa a su vecina Renata y la relación violenta que mantiene con su esposo, Héctor. Lo que inicia como curiosidad pronto evoluciona hacia una obsesión que desencadena una peligrosa espiral de deseo y paranoia.

Una propuesta estética que refuerza la narrativa

Uno de los elementos más distintivos de “Casa 12” es su tratamiento visual. La película está filmada en blanco y negro platinado, una decisión estética que potencia la sensación de encierro y desorientación.

A través de encuadres cerrados, iluminación contrastada y una puesta en escena claustrofóbica, la imagen se convierte en un reflejo del estado emocional del protagonista.

La narrativa también incorpora influencias culturales y artísticas. El director ha señalado que parte de la inspiración proviene de la leyenda de la “La sonata del diablo”, atribuida al compositor italiano Giuseppe Tartini, así como de elementos del clásico del suspenso Rear Window, dirigido por Alfred Hitchcock.

A estos referentes se suma un componente simbólico ligado a la astrología, del cual surge el título “Casa 12”, en alusión a la dimensión del inconsciente, los secretos y las zonas ocultas de la mente.

De Oaxaca al circuito internacional

Para Carlos Poblano, estrenar en Oaxaca tiene un significado particular. El cineasta, originario del estado, ha destacado la importancia de presentar su obra en un espacio que represente la identidad cultural de su tierra.

Con una trayectoria consolidada en el cortometraje y experiencia en circuitos internacionales, el director da el salto al largometraje con una propuesta madura que apuesta por sacudir al espectador tanto a nivel sensorial como narrativo.

El estreno de “Casa 12” marca así el inicio de un camino que buscará posicionar a esta producción como una de las apuestas más sólidas del thriller psicológico mexicano reciente, una obra donde la realidad se fragmenta y la percepción se convierte en el principal terreno de conflicto.

La película mexicana de terror “Día de Muertos”, producida por Francisco Arias, se posiciona como uno de los estrenos más esperados del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) 2026.

El filme debutará ante el público tapatío con tres funciones exclusivas:

• 23 de abril en el Cineforo
• 24 en la Cineteca FICG
• 25 en Cinépolis Galerías.

Estas fechas marcan la única oportunidad única para ver la cinta en pantalla grande en México durante el festival. El elenco principal está conformado por Max Reeves, Aaron Jakubenko, Guy Willson, Alejandro Ávila, Adriana Paz y Daniela Sánchez Reza.

La producción se rodó en un 95% en territorio jalisciense, destacando locaciones como el Hospital Infantil Guadalupano y el municipio de Ixtlahuacán de los Membrillos, según fuentes del Canal 44 de la Universidad de Guadalajara.

Quienes deseen experimentar “Día de Muertos” en el marco del FICG deberán adquirir sus boletos para alguna de estas sedes y fechas.

Hasta el momento, no existe confirmación sobre su llegada a cartelera comercial en el país ni sobre su estreno en plataformas digitales.

La producción ha señalado que la película sí llegará a cines en Estados Unidos, respaldada por acuerdos con distribuidoras internacionales, pero en México la exhibición comercial aún está pendiente de negociaciones.

Aunque no hay fecha definida para su lanzamiento en salas de todo el país, el equipo ha prometido que será un estreno de talla internacional.

Un estreno de gala en el FICG

La producción de Francisco Arias y su estudio VIDENS Films eligió el festival de Guadalajara para lanzar mundialmente “Día de Muertos”.

El filme integra la sección Hecho en Jalisco, dedicada a impulsar el talento local y producciones con sello internacional. El equipo creativo ha resaltado que la película busca renovar el género de terror mexicano con una factura comparable a grandes títulos de Hollywood.

Distribución internacional y expectativas

El respaldo de Lionsgate y Netflix ha dado impulso internacional a “Día de Muertos”. El equipo de producción confirmó que la película tiene asegurada su distribución en salas de Estados Unidos, marcando un paso importante para el cine de terror mexicano. En México, la situación es diferente: aún no hay acuerdos cerrados con cadenas como Cinépolis o Cinemex, por lo que, por ahora, el festival representa la única ventana para ver la película en el país.

Por el momento, no hay detalles sobre su llegada a plataformas de streaming ni sobre una fecha concreta para su estreno comercial en México, lo que mantiene la expectativa entre los aficionados al cine de terror y seguidores del festival.

Repercusión en el festival y la industria

El lanzamiento de “Día de Muertos” en el FICG 2026 ha generado gran interés entre la prensa y el público.

La película se perfila como una de las propuestas centrales de la programación, reforzando el papel del festival como plataforma de estrenos de alto perfil. La recepción inicial y la atención mediática apuntan a un posible éxito para la producción de Arias y su equipo.

La proyección en el festival abre la puerta para que el filme logre acuerdos de exhibición adicionales y consolide su presencia en el circuito internacional, mientras el público mexicano espera novedades sobre su llegada a más salas.

Nieves Álvarez, quien recientemente se incorporó al elenco de Pedro Almodóvar, participó en el estreno de ‘Amarga Navidad’ acompañada por Juan Avellaneda. Según detalló el medio fuente, la modelo definió su debut en el cine como un “regalo”, destacando la importancia personal de formar parte del proyecto más reciente del director manchego.

Tal como publicó la fuente, la presentación de la película se convirtió en un evento central en la escena artística española, donde figuras como Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia encabezaron el reparto de este nuevo largometraje. La lista de intérpretes del filme se completó con Itana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez, todos ellos reconocidos por su trayectoria en el cine nacional. Junto al equipo artístico, varios amigos personales de Almodóvar se congregaron en la gala, generando una atmósfera marcada por el reconocimiento profesional y personal hacia el cineasta.

De acuerdo con la información proporcionada, el estreno atrajo la presencia no sólo de actores vinculados al filme, sino también de colaboradores habituales y conocidos de Almodóvar. Se pudo observar, entre otros, a Alaska y Mario Vaquerizo, Topacio Fresh, Bibiana Fernández, Boris Izaguirre, Antonio Carmona y Mariola Orellana. Durante su llegada, Mario Vaquerizo manifestó: “Apoyando no, que se viene a acompañar a los amigos y a celebrar la creatividad que tienen amigos que tenemos la suerte de que son genios”. Alaska, por su parte, enfatizó durante el evento la oportunidad de compartir en una ocasión de estreno y la satisfacción que les genera asistir a la convocatoria del realizador.

El medio señaló que la velada contó con el respaldo de otros profesionales de la escena interpretativa española, como Carmen Machi, Javier Cámara, Secun de la Rosa, Ana Rujas, Hiba Abouk y Rossy de Palma, quien también se identifica como una de las habituales “musas” del director. Todos ellos avalaron con su presencia el trabajo del cineasta y su última apuesta creativa, incrementando la dimensión social y profesional de la cita.

Según la fuente, la expectación por el estreno de ‘Amarga Navidad’ reflejó la huella que Almodóvar ha dejado en la cultura cinematográfica española. La reunión de intérpretes, creadores y amigos íntimos evidenció el impacto de su obra en amplias generaciones de artistas y público.

El evento, señalado por la fuente original, permitió también identificar la influencia de Almodóvar en la consolidación de varios intérpretes dentro y fuera de España. El director convocó tanto a sus colaboradores de larga data como a nuevos talentos, como la propia Nieves Álvarez, reforzando así el carácter multidisciplinar de su cine.

Además, la cita aportó espacio tanto para la celebración artística como para el testimonio de quienes han trabajado junto al cineasta en diferentes etapas de su carrera. Las declaraciones recogidas por la fuente reflejan un vínculo personal y profesional con el director que trasciende el ámbito cinematográfico y se manifiesta en el reconocimiento abierto de sus colegas y amigos.

La presentación de ‘Amarga Navidad’, de acuerdo con la crónica aportada por la fuente, puso en evidencia el arraigo del cine de Almodóvar en el tejido cultural y social del país. El encuentro de intérpretes, representantes del sector y amigos cercanos remarcó el entorno de apoyo y admiración que rodea a cada nuevo lanzamiento del realizador.

En la presentación de la película 'Torrente Presidente', Kiko Rivera se mostró junto a su pareja Lola García en un ambiente de notoria proximidad, realizando un gesto público de unión frente a los medios y reiterando su apoyo mutuo. El evento coincidió con la atención mediática generada por recientes declaraciones de Irene Rosales, exesposa de Rivera, quien ofreció una entrevista considerada como una de las más sinceras de los últimos tiempos. Según consignó el medio, tras esta entrevista, Rivera eligió no pronunciarse sobre esas cuestiones personales, centrando su aparición en la celebración del estreno y en su participación en la cinta dirigida por Santiago Segura.

De acuerdo con lo publicado, ambos acudieron al estreno de 'Torrente Presidente', donde la presencia de Rivera resultó relevante no solo por su vínculo con la saga, sino también por el momento personal que atraviesa. Durante la alfombra roja, Kiko Rivera hizo referencia a la buena relación profesional que mantiene con Santiago Segura y recordó de manera breve su cameo anterior en la cuarta entrega de la franquicia, evitando dar detalles de su nuevo papel en la película y animando al público a descubrirlo en el cine. "Ir a verlo, ir a verlo", recomendó Rivera, favoreciendo el misterio en torno a su participación.

El hijo de Isabel Pantoja expresó optimismo sobre la nueva película, dirigiéndose a los espectadores para que asistan a las salas como lo han hecho muchos otros, señalando: "Se lo van a pasar muy bien, se lo van a pasar muy bien. Santiago Segura en Torrente siempre son risas aseguradas". Con esas palabras, Rivera apuntó al tono humorístico que caracteriza la saga, incentivando la experiencia colectiva de ver cine en sala.

En el transcurso del photocall, la atención mediática se concentró en el gesto de complicidad de la pareja, quienes se besaron frente a las cámaras, consolidando la imagen de unión. Lola García, manteniendo una actitud discreta, cedió el protagonismo a Rivera durante el evento, respondiendo de manera escueta sobre la situación de su relación. "Muy bien, muy bien", indicó García ante las preguntas sobre cómo se encuentra en este periodo en el que la pareja vuelve a estar en el foco público, aportando también: "Muchas ganas, muchas ganas, sí. Todo fenomenal" antes de acceder a la sala de proyección.

El medio detalló que el regreso de Kiko Rivera al escenario mediático tras la emisión de las palabras de Irene Rosales refuerza el interés público sobre su esfera privada, aunque durante el estreno ambos optaron por enfocar las declaraciones en la celebración profesional y en la satisfacción personal asociada. La relación entre Rivera y Lola García, su presencia conjunta y el tono distendido del momento, fueron elementos destacados por los cronistas presentes, quienes subrayaron la atmósfera positiva durante el acto promocional de la nueva entrega de Torrente.

La presencia de Angelique Boyer en una dulcería de cine tomó por sorpresa a decenas de asistentes que acudían tranquilamente a ver una película. La actriz apareció atendiendo el mostrador como si fuera parte del personal, lo que provocó asombro entre quienes tardaron varios segundos en reconocerla.

La inesperada escena generó risas, fotografías y una ola de comentarios en redes sociales, donde circularon videos del momento. Muchos clientes no podían creer que la conocida protagonista de telenovelas estuviera entregando palomitas, refrescos y conversando con los espectadores.

Detrás de la curiosa escena había una estrategia especial para promocionar su primer protagónico en la pantalla grande, una dinámica que convirtió una visita al cine en una experiencia inolvidable para varios fanáticos.

La sorpresa que nadie esperaba en el cine

Todo ocurrió cuando Angelique Boyer apareció en la dulcería de una cadena de cines para interactuar directamente con el público. Vestida como parte del equipo del lugar, comenzó a atender a los clientes mientras les hablaba de la película que protagoniza.

Al principio, muchos pensaron que se trataba de una broma o de una persona con gran parecido a la actriz. Sin embargo, cuando confirmaron que era ella, la emoción se apoderó del lugar.

El momento rápidamente se viralizó en redes sociales, donde los videos muestran a la actriz conversando con los asistentes y compartiendo detalles sobre el estreno que marca su llegada como protagonista al cine.

El debut cinematográfico que impulsa la promoción

La dinámica formó parte de la promoción de “Socias por accidente”, película que representa un paso importante en la carrera de la actriz dentro del cine.

En esta producción comparte créditos con Bárbara de Regil y Diego Klein, en una historia que apuesta por la comedia y por la interacción entre distintas personalidades del entretenimiento.

La presencia de Boyer en el elenco ha generado expectativa entre sus seguidores, quienes durante años la han visto consolidarse como una de las figuras más reconocidas de las telenovelas.

Sebastián Rulli celebra el estreno con emotivo mensaje

El debut cinematográfico de Angelique Boyer también estuvo acompañado por un mensaje especial de su pareja, el actor Sebastián Rulli, quien celebró públicamente este nuevo paso en su carrera.

“Hoy siento una alegría enorme y mucho orgullo. No saben lo feliz que me hace ver a Angy brillar en la pantalla grande con ‘Socias por Accidente’. Está increíble, divertidísima y llena de luz con su personaje”, expresó.

Rulli también invitó al público a ver la película en cines y felicitó a la actriz por el estreno. El mensaje se sumó a la conversación que ya se había generado en redes, donde la aparición de Boyer en la dulcería convirtió la promoción del filme en uno de los momentos más comentados entre los seguidores del espectáculo.

El éxito de Netflix, Las guerreras K-pop, tendrá una secuela confirmada por la propia plataforma streaming. Tras el anuncio, numerosos usuarios recurrieron a Google para buscar detalles sobre la nueva entrega, como la fecha de estreno.

Cabe señalar que Maggie Kang y Chris Appelhans regresarán como directores. Esta película será el primer proyecto dentro del acuerdo de exclusividad que Netflix firmó con Kang y Appelhans para desarrollar y dirigir producciones animadas durante los próximos años.

Cuándo se estrena Las guerreras K-pop 2

Aunque se confirmó que Las guerreras K-pop tendrá una secuela, la plataforma no ha informado aún la fecha de estreno.

Qué se conoce sobre Las guerreras K-pop 2

La secuela de KPop Demon Hunters, conocida en español como Las guerreras K-pop 2, ya está en desarrollo con el regreso de Maggie Kang y Chris Appelhans como directores.

Este nuevo largometraje será el primer proyecto fruto del acuerdo de colaboración exclusiva firmado por Netflix con Kang y Appelhans para la creación de películas animadas en los próximos años.

Kang expresó su orgullo por el interés del público en continuar con la historia y los personajes coreanos: “Hay muchísimo más en este mundo que hemos creado, y estoy emocionado de mostrárselo. Esto es solo el principio”.

Por su parte, Appelhans destacó el vínculo con los personajes y el universo de la saga, señalando que les entusiasma escribir el siguiente capítulo, explorar su evolución y experimentar con nuevas formas de integrar música, animación y narrativa. Aunque la secuela está confirmada, Netflix aún no ha anunciado la fecha de estreno.

De qué trata la película Las guerreras K-pop

Las Guerreras K-pop es una película animada centrada en Huntr/x, el trío compuesto por Rumi, Mira y Zoey, ídolos del K-pop que, además de su carrera musical, actúan como cazadoras de demonios.

Mientras atraviesan conflictos de identidad y buscan su propósito, deben combatir a criaturas que invaden el mundo humano para robar almas y alimentarse del temor de las personas.

La mayor amenaza proviene de los Saja Boys, una banda rival controlada por fuerzas oscuras que intenta manipular a sus seguidores y generar inseguridad. La trama mezcla acción, estética anime y el universo visual del K-pop, con personajes inspirados en grupos reales y una marcada influencia de la moda y las coreografías propias del género.

Los ejes temáticos incluyen el autodescubrimiento, la amistad, la colaboración y el empoderamiento femenino. La música tiene un papel fundamental: acompaña las escenas de acción y se convierte en herramienta principal para combatir demonios, transmitiendo un mensaje de superación y aceptación personal.

A qué premios Oscar está nominada la película Las guerreras K-pop

La película Las guerreras K-pop (título original: KPop Demon Hunters) recibió dos nominaciones a los Premios Oscar 2026 (98ª edición): Mejor película de animación y Mejor canción original por Golden.

La canción “Golden” ya obtuvo reconocimientos previos, como el Globo de Oro y el Critics’ Choice Award, antes de llegar a la competencia de la Academia. El filme se consolidó como un fenómeno internacional en Netflix, fusionando el K-pop con animación y elementos de fantasía sobrenatural.

KPop Demon Hunters fue realizada en asociación con Sony Pictures Animation y, desde su estreno en junio de 2025, superó los 500 millones de visualizaciones en Netflix.

Quiénes cantan las canciones de HUNTR/X

Las voces principales que interpretan las canciones de Las Guerreras K-Pop corresponden a EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami, quienes representan al grupo ficticio Huntr/x. La banda sonora también cuenta con la participación de Lea Salonga y de tres miembros de TWICE: Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung.

El grupo TWICE participa en la banda sonora con al menos dos temas. El primero es Strategy, interpretado por todo el grupo. El segundo es Takedown, del que existe una versión especial cantada por tres integrantes de TWICE: Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung

Los fanáticos mexicanos de Michael Jackson recibieron esta tarde la buena noticia de que tendrán el privilegio de ver antes que nadie la esperada película biográfica del “Rey del Pop”.

Así lo anunció la cadena Cinemex en su cuenta oficial, anticipando que la cinta Michael llegará a las salas de cine en México el 22 de abril de 2026, un día antes que en la mayoría de los países de Latinoamérica y dos días antes del estreno internacional.

En este sentido, el anuncio ha generado una ola de entusiasmo en redes sociales, donde seguidores de distintas generaciones se alistan para vivir en pantalla grande la historia de una de las figuras más icónicas de la música.

Un retrato profundo del Rey del Pop

La película Michael, dirigida por Antoine Fuqua, ofrecerá una mirada íntima y espectacular al ascenso de Michael Jackson, desde su infancia en Gary, Indiana, hasta convertirse en superestrella global.

• El protagonista es Jaafar Jackson, sobrino de Michael, quien debutará en cine interpretando a su tío.
• El elenco incluye a figuras como Colman Domingo, Nia Long, Miles Teller y Larenz Tate.
• La trama abarcará tanto la etapa con los Jackson 5 como su consolidación como solista, sus logros, desafíos y controversias.
• La producción cuenta con acceso a la música original y la autorización de la familia Jackson.

De esta manera, el filme promete un recorrido por los momentos más emblemáticos de su carrera y una exploración de su compleja vida personal.

Funciones especiales y experiencia premium

El estreno en México contará con funciones de acceso anticipado y formatos premium, incluyendo pantallas IMAX y salas tradicionales. Esto permitirá que el público disfrute la cinta con la mejor calidad audiovisual.

• El 22 de abril, los fans podrán asistir a funciones en IMAX y otras salas premium.
• Se espera preventa de boletos y se anunciarán pronto los complejos participantes.
• La experiencia premium resaltará las actuaciones musicales y secuencias de baile, elementos clave en la vida del “Rey del Pop”.

La expectativa por estas funciones se ha hecho notar en redes sociales, donde los seguidores han mostrado interés en detalles sobre horarios y versiones a proyectar.

México, epicentro de la expectativa global

El estreno anticipado en México subraya la vigencia y el arraigo que la figura de Michael Jackson mantiene en el país. La cinta, autorizada por la familia Jackson y con un presupuesto de 155 millones de dólares, busca convertirse en el evento cinematográfico musical del año, reuniendo a viejas y nuevas generaciones de admiradores.

Con funciones a partir del 22 de abril, Michael promete ofrecer una visión inédita y emotiva del “Rey del Pop”, mostrando su vida dentro y fuera del escenario. México, una vez más, se consolida como plaza privilegiada para los estrenos internacionales de alto perfil.

El lanzamiento de “Kerosene”, el nuevo sencillo de The Warning, se convirtió en uno de los estrenos más comentados de la semana dentro del panorama del rock. La banda integrada por las hermanas Daniela Villarreal, Paulina Villarreal y Alejandra Villarreal continúa fortaleciendo su presencia con un tema que rápidamente llamó la atención del público.

Originarias de Monterrey, las integrantes del grupo han construido una trayectoria que las posiciona entre los proyectos mexicanos más visibles del género. Su propuesta ha logrado resonar tanto en escenarios nacionales como en audiencias internacionales.

Con este estreno, el trío reafirma el momento que atraviesa su carrera: una etapa de crecimiento sostenido en la que cada lanzamiento genera conversación entre seguidores y nuevos oyentes.

Un lanzamiento rockero

A lo largo de los últimos años, The Warning ha consolidado una base de seguidores que sigue de cerca cada paso de la banda. Su estilo dentro del rock contemporáneo las ha llevado a destacar como una de las propuestas femeninas más representativas del género en México.

El impacto de su música también se refleja en la expansión de su audiencia fuera del país. Con presentaciones en distintos escenarios internacionales, el grupo ha logrado conectar con públicos diversos que encuentran en su sonido una propuesta sólida y energética.

“Kerosene” llega justamente en medio de este crecimiento artístico, funcionando como una nueva muestra del camino que el proyecto ha construido desde sus inicios.

El videoclip y el ritmo del sencillo generaron conversación en redes sociales

Desde su estreno, el videoclip del tema comenzó a circular ampliamente en plataformas digitales. La producción audiovisual y algunos momentos coreográficos presentes en el video llamaron la atención de los seguidores.

En redes sociales, varios usuarios destacaron la energía del tema y la estética visual del material. Fragmentos del video comenzaron a compartirse en distintas plataformas, lo que ayudó a amplificar la conversación alrededor del sencillo.

La reacción del público se ha sumado a la expectativa por los próximos movimientos del grupo, que mantiene una conexión constante con su audiencia digital.

Camino a festivales y colaboraciones

El lanzamiento también funciona como antesala para las próximas presentaciones de la banda en festivales y escenarios internacionales. Entre ellos destaca su participación en el Tecate Pa’l Norte, uno de los encuentros musicales más importantes del país.

Además del nuevo sencillo, el grupo también llamó la atención recientemente por su colaboración con Carín León en la canción ‘Love to Be Loved’. La mezcla entre el rock de la banda y la voz del intérprete del regional mexicano generó conversación desde su anuncio.

La combinación de nuevos lanzamientos, colaboraciones y presentaciones en vivo mantiene a The Warning en una etapa activa dentro del panorama musical, con un público que sigue de cerca cada uno de sus pasos.

La película animada mexicana Mi Amigo el Sol presentó recientemente un adelanto de una historia que combina fantasía, mitología y una narrativa familiar inspirada en las raíces culturales de México. El proyecto, desarrollado durante varios años, apuesta por rescatar elementos de la tradición prehispánica a través de una propuesta visual en animación 2D.

Dirigida por la cineasta mexicana Alejandra Pérez González, la producción busca acercar al público a la riqueza de la mitología mexicana mediante una historia emotiva centrada en la relación entre un padre y su hija. Con una duración aproximada de 80 minutos, la película, a cargo de la productora Fotosíntesis Media, estará disponible tanto en español como en inglés.

La trama sigue a Diego y su hija Xóchitl, quienes viven en un edificio abandonado en la Ciudad de México. Ambos se dedican a vender pinturas inspiradas en la mitología mexicana para sobrevivir. Mientras la niña utiliza el arte para explorar su identidad y entender sus raíces, su padre inventa historias sobre dioses y leyendas para atraer a los turistas interesados en adquirir las obras.

Sin embargo, la historia da un giro inesperado cuando Xóchitl pinta en secreto un mural que termina invocando a Quetzal, una versión de serpiente emplumada inspirada en el dios prehispánico Quetzalcóatl. Este acontecimiento abre una puerta hacia el mundo de las deidades mexicanas, al que la niña es transportada de manera misteriosa.

A partir de ese momento, Diego se ve obligado a enfrentar las historias que durante años inventó para vender sus pinturas. En su intento por rescatar a su hija, deberá confrontar los mitos que utilizaba como simple mercancía y descubrir la verdadera dimensión de esas antiguas creencias.

El adelanto muestra una propuesta visual llena de colores vibrantes y escenarios inspirados en la iconografía mesoamericana, lo que ha generado expectativas entre los seguidores del cine de animación y de las historias basadas en la cultura prehispánica. La cinta combina aventura, fantasía y elementos culturales que buscan conectar con audiencias de distintas edades.

El estreno oficial de Mi Amigo el Sol está previsto dentro de la programación del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) en su edición de 2026. Este reconocido encuentro cinematográfico, uno de los más importantes de América Latina, se celebrará del 17 al 25 de abril en la ciudad de Guadalajara, en el estado de Jalisco.

“Gracias a todos los que han aportado de pequeña o gran manera a nuestra película Mi Amigo el Sol. Su estreno oficial será en FICG , lo cual nos llena de orgullo y mucha emoción. Gracias equipo de Fotosíntesis Media por el aguante. Nos quedo muy bonita oigan. Lo que sea de cada quien. Ahora si la fiestaaaaa!!!!”, escribió la directora del metraje en una publicación en la que confirmó su estreno.

La presentación en el festival marcará el primer contacto de la película con el público y la industria cinematográfica, por lo que se espera que su lanzamiento en salas comerciales ocurra alrededor de esas fechas o poco tiempo después de su exhibición en el evento.

El anuncio del largometraje llega en un momento en el que el cine de animación mexicano ha mostrado un crecimiento notable, con proyectos que buscan contar historias locales y explorar la riqueza cultural del país desde nuevas perspectivas visuales y narrativas.

En este contexto, Mi Amigo el Sol se perfila como una propuesta que apuesta por reimaginar los mitos ancestrales mexicanos desde el cine animado, al tiempo que plantea una reflexión sobre la identidad, la memoria cultural y el vínculo entre generaciones a través de una historia cargada de aventura y simbolismo.

La Ciudad de México se prepara para convertirse nuevamente en el epicentro de un evento cinematográfico global al recibir a uno de los actores más reconocidos de la industria cinematográfica: Ryan Gosling.

Su visita no será casual, sino parte de la gira internacional de promoción de Proyecto: Fin del Mundo, una cinta que ya genera gran expectativa entre los amantes de la ciencia ficción.

Acompañado por los directores Phil Lord y Christopher Miller, Gosling llegará el 13 de marzo para compartir con el público mexicano una producción que promete ser épica, emotiva y visualmente espectacular.

Un viaje espacial contra el tiempo

La trama de Proyecto: Fin del Mundo, basada en la novela Project Hail Mary de Andy Weir, combina ciencia, emoción y aventura en un relato que busca cautivar tanto a los amantes del género como al público general.

• Protagonista: Ryland Grace, un profesor que despierta solo en una nave espacial.
• Conflicto: Descubre que es la última esperanza de la humanidad frente a una amenaza global.
• Guion: Adaptado por Drew Goddard, el mismo que trabajó en The Martian.

Además, se ha anticipado que la película combina ciencia dura con un enfoque humano y emotivo, apostando no sólo por la espectacularidad visual, sino también por una narrativa que conecta con las emociones del espectador.

México como parada clave de Hollywood

La visita de Gosling confirma que la CDMX se ha consolidado como una parada estratégica en las giras promocionales de grandes producciones.

• Mercado relevante: México es uno de los países con mayor asistencia a salas de cine en Latinoamérica.
• Eventos previos: Estrellas como Margot Robbie, Pedro Pascal y Jacob Elordi han participado en premieres similares.
• Impacto cultural: Estos encuentros generan conversación global y acercan a los fans a Hollywood.

De esta manera, la presencia de Gosling y los directores no sólo será un evento de entretenimiento, sino también un gesto hacia el público mexicano, que cada vez tiene más peso en la industria.

Expectativa y experiencia IMAX

El estreno en formato IMAX es uno de los grandes atractivos de la película, pensado para maximizar la inmersión del público.

• Escala visual: Las escenas espaciales se potencian en pantallas gigantes.
• Reacciones iniciales: Críticos han destacado la mezcla de aventura y emoción.
• Promesa: Una experiencia cinematográfica única que busca marcar el año.

La cinta se estrenará en México el 19 de marzo. Aunque aún no se revela la sede del evento, la combinación de talento, historia épica y formato IMAX convierte este evento en una cita imperdible para los fans del cine y en un momento clave para la relación entre Hollywood y el país.

El cantante mexicano Carlos Rivera anunció el lanzamiento de su próximo álbum titulado ¡Vida México!, una producción con la que busca rendir homenaje a las raíces culturales del país. El material estará disponible en plataformas digitales a partir del 5 de marzo.

A través de un mensaje dirigido a su público, el intérprete compartió detalles sobre el proyecto y expresó su entusiasmo por esta nueva etapa musical. Además, adelantó que el disco incluirá colaboraciones y canciones inéditas que complementan su anterior EP.

El anuncio llega en un momento significativo para el artista, quien también confirmó hace unos meses uno de los conciertos más importantes de su trayectoria: su primera presentación como figura principal en la Plaza de Toros La México, en la Ciudad de México.

Un homenaje musical a las raíces mexicanas

Rivera presentó oficialmente la portada del álbum y explicó el concepto que da identidad a la producción. “Les presento la portada de nuestro Nuevo Álbum ¡Vida México! Un homenaje a nuestra cultura mexicana. Se estrena este próximo 05 de Marzo en todas las plataformas de todo el mundo”, expresó.

El cantante detalló que este lanzamiento amplía el universo creativo de su EP previo: “Es el complemento nuestro EP Vida… Pero con nuevas canciones y nuevas colaboraciones. Ya puedes pre guardar y ver el count down en Spotify”. Con ello, invitó a sus seguidores a sumarse desde ahora a la cuenta regresiva.

Fiel a su estilo cercano, cerró el anuncio con un mensaje festivo: “Solo les puedo decir: Vayan preparando el mezcal”. La frase refuerza el carácter celebratorio de un proyecto que exalta sonidos e identidad nacional.

La Plaza de Toros La México, nuevo reto en su carrera

El siguiente paso en su agenda será un concierto en la Plaza de Toros La México, recinto con capacidad superior a 40 mil asistentes.

La cita está programada para el sábado 9 de mayo de 2026 en la capital del país.

Esta presentación es un momento decisivo, ya que será la primera vez que el cantante encabece un espectáculo en este escenario, considerado uno de los más emblemáticos y de mayor aforo en la ciudad.

Antecedentes en grandes escenarios y nueva colaboración

A lo largo de su trayectoria, Rivera ha demostrado capacidad de convocatoria en recintos como el Auditorio Nacional, donde acumula múltiples presentaciones con localidades agotadas, y la Arena Ciudad de México, donde también ha reunido a miles de asistentes.

El artista ya había pisado la Plaza de Toros La México como invitado especial de Yuridia durante su gira ‘Sin llorar’. En esa ocasión interpretaron juntos “Si no piensas cambiar”, actuación que provocó ovaciones y que ahora adquiere un nuevo significado con su regreso como protagonista.

Además del anuncio del álbum, el cantante originario de Huamantla, Tlaxcala, estrenó recientemente en febrero el tema “Sin Despedida” junto a Alejandro Fernández. La colaboración propone una fusión distinta dentro de su repertorio y ha generado una respuesta favorable entre sus seguidores.

El programa ‘Juego de Voces’ continúa captando la atención de la audiencia con nuevas incorporaciones. La producción anunció en sus redes sociales que los hermanos Ernesto y Jorge D’Alessio son el segundo dúo familiar confirmado, consolidando la expectativa de los seguidores. Este anuncio llega luego de que otro par de hermanos reconocidos fuera presentado, incrementando el entusiasmo por la nueva temporada.

La confirmación de los D’Alessio sigue a la revelación de Raúl y José Luis Ortega de Rio Roma, quienes representan uno de los dúos más destacados de la música mexicana. La participación de estas familias ha generado un renovado interés entre los fanáticos, así como entre quienes recuerdan las emociones de temporadas anteriores del programa. La mezcla de talento y reconocimiento familiar se ha convertido en un sello distintivo que atrae tanto a jóvenes como a públicos de larga trayectoria.

Desde su estreno, ‘Juego de Voces’ ha contado con la participación de figuras emblemáticas como Yuri, Mijares, Lucero, María León y Yahir, quienes han aportado diversidad y experiencia al escenario. Estos invitados han consolidado al programa como una de las propuestas más atractivas de la televisión, destacándose por la calidad vocal y la dinámica familiar que ofrece en cada emisión.

Un espacio que combina talento y herencia musical

El formato del programa permite que los participantes muestren su capacidad vocal mientras celebridades de diferentes generaciones comparten escenario. La inclusión de los D’Alessio añade una nueva dimensión, combinando trayectoria y afinidad familiar.

Cada emisión se ha caracterizado por destacar la versatilidad de los artistas invitados. Los espectadores esperan no solo interpretaciones impecables, sino también historias y anécdotas que enriquecen la narrativa de cada programa. La presencia de los hermanos promete aportar este elemento emocional.

La audiencia disfruta viendo cómo la química familiar se traduce en actuaciones sorprendentes, consolidando a ‘Juego de Voces’ como un espacio de entretenimiento que trasciende generaciones y estilos musicales.

Reacciones y expectativas de los fans

La noticia de la participación de Ernesto y Jorge D’Alessio generó comentarios positivos en redes sociales. Los seguidores celebran la incorporación de artistas con una sólida trayectoria y esperan que su presencia eleve aún más la calidad del programa.

Su estilo promete aportar un equilibrio entre tradición y modernidad, captando tanto a fans antiguos como a nuevos.

Con esta confirmación, ‘Juego de Voces’ refuerza su propuesta de unir talento y familiaridad, consolidándose como uno de los formatos más atractivos y esperados de la televisión musical.

La obra teatral Moose Murders (Asesinato de Alces) estableció en 1983 un récord en Broadway al convertirse en una referencia absoluta del fracaso escénico. La obra, escrita por Arthur Bicknell y presentada en el Teatro Eugene O’Neill, fue levantada tras su única función oficial debido a un aluvión de críticas demoledoras y a la reacción adversa del público, que abandonó la sala antes de que concluyera la representación.

El episodio marcó no solo el final de una producción, sino el nacimiento de un mito: desde entonces, la pieza es citada como el parámetro contra el que se miden todos los desastres teatrales en la historia de Broadway.

El ambiente en la sala era tenso desde el inicio. A medida que avanzaba la función del 22 de febrero de 1983, parte de los asistentes comenzó a levantarse e irse, anticipando el veredicto que horas más tarde darían los críticos de Nueva York, sin ningún tipo de compasión. Según The New York Times, la experiencia dividió para siempre a los espectadores entre “los que fueron testigos de Moose Murders y los que no”, instalando la función inaugural como un rito de paso para quienes presenciaron lo que consideran una “catástrofe escénica irrepetible”.

El fracaso no sorprendió dadas las señales previas en la producción original. Eve Arden, figura central del reparto que buscaba su regreso a Broadway después de cuatro décadas, abandonó el proyecto tras el segundo preestreno. Fuentes citadas por The New York Times y otros medios atribuyeron la decisión a “diferencias artísticas”, aunque otras versiones sugieren que no recordaba su libreto. El reemplazo por Holland Taylor no alcanzó para revertir la suerte de la puesta, marcada por caos y deserciones incluso antes de la noche de estreno.

Las críticas publicadas la mañana siguiente sintetizaban la magnitud del rechazo. Frank Rich, en The New York Times, calificó la propuesta de Bicknell como “la peor obra que he visto en Broadway” y describió la producción como una sucesión de escenas grotescas, llegando a afirmar: “No olvidaré pronto el espectáculo de ver al momificado Sidney levantarse de su silla de ruedas para darle una patada en la ingle a un intruso, inexplicablemente disfrazado de alce”. Otros críticos de espectáculos, como Brendan Gill, de The New Yorker, fueron igual de lapidarios al afirmar que la obra “insultaría la inteligencia de un público compuesto exclusivamente por amebas”.

La trama

La trama escrita por Arthur Bicknell se definía como una “farsa de misterio”, ambientada en una cabaña de montaña en las Adirondacks. Allí, la familia Holloway y varios huéspedes quedaban atrapados por una tormenta y, durante el encierro, se sucedían juegos de misterio, confesiones incestuosas y asesinatos, en un entorno saturado de situaciones absurdas. La escena más recordada fue la del citado tetrapléjico momificado que se levantaba de su silla de ruedas para patear en la ingle a un hombre disfrazado de alce.

La producción sumaba elementos estrambóticos: personajes disfrazados, entre ellos el mayordomo Joe Buffalo Dance con trenzas y maquillaje de guerrero, diálogos percibidos como ininteligibles y secuencias ridiculizadas incluso por los especialistas en sátira teatral. La escenografía, obra de Marjorie Bradley Kellogg, incluía cabezas de alce disecadas que, según el diario neoyorquino, “quizás se suicidaron tras leer el guion”.

“Terriblemente mala”

Periodistas de la prensa especializada coincidieron en el diagnóstico: “La obra más fea del mundo”, “Terriblemente mala”, “Indescriptiblemente mala”, eran frases reiteradas en los artículos publicados tras la función. Algunos medios ironizaban sobre el director y el elenco: “parece estar dirigida por un hombre constantemente golpeado en la ingle” o la sugerencia: “Si su nombre es Arthur Bicknell, cámbieselo”.

Douglas Watt, del New York Daily News, denominó a Moose Murders como una “farsa de asesinato increíblemente cursi que no debería ocurrirle a un alce” y admitió haber olvidado cómo terminaba. Clive Barnes de New York Post optó por no describir la obra y elogió a Eve Arden por haberse retirado antes del desastre. Según relatos recogidos por Bicknell, un espectador llegó a pedir a un policía en la calle que “detuviera” el espectáculo.

El impacto trascendió la crítica y tomó nuevo significado en la cultura popular. Desde 1983, el nombre Moose Murders se utiliza para describir fracasos teatrales o televisivos de dimensiones legendarias. En 1998, un crítico se refirió a una comedia televisiva como “el Moose Murders de las sitcoms”; en 2014, la reposición en Broadway de It’s Only a Play mencionó la obra inevitablemente en las discusiones sobre catástrofes escénicas.

El destino de Arthur Bicknell y revivals posteriores

Tras el fracaso, Bicknell, devastado pero fiel a su vocación teatral, intentó continuar su carrera. Se animó a estrenar nuevas obras, aunque tampoco alcanzaron notoriedad. Ni para bien, ni para mal. Finalmente, claudicó. Abandonó el teatro y eligió ganarse la vida como agente literario.

Con el paso de los años, Moose Murders fue reestrenada ocasionalmente en circuitos comunitarios y escenarios independientes. En 2008, el artista conceptual John Borek impulsó lecturas performáticas con la intención de resignificar la pieza “como obra de arte”, obteniendo cobertura en medios como The New York Times y el diario español El País. En 2013, el Beautiful Soup Theater Collective de Nueva York organizó una reposición de la obra en el Teatro Connelly, dirigida por Steven Carl McCasland, como parte de un ejercicio de recuperación y análisis de fenómenos teatrales considerados “de culto”.

Con una sola función oficial en Broadway, Moose Murders logró lo que muchas producciones exitosas no consiguen: permanecer en la memoria colectiva. No como triunfo artístico, sino como mito del fracaso absoluto. Y en el teatro, incluso el desastre puede alcanzar la inmortalidad.

El estreno de una nueva edición del programa Juego de Voces se aproxima y ya comienzan a revelarse los nombres de quienes formarán parte del proyecto televisivo. El formato ha despertado expectativa en entregas anteriores y ahora vuelve a generar conversación entre el público.

La producción dio a conocer a los primeros confirmados, lo que marca el arranque de la etapa previa al lanzamiento. La noticia ha sido bien recibida por seguidores del programa y de los artistas anunciados.

Se trata de los hermanos Raúl y José Luis Ortega, conocidos en la industria musical como Río Roma, quienes se suman como las primeras figuras oficiales de esta nueva temporada.

Un dúo que le canta al amor

Río Roma está conformado por Raúl y José Luis Ortega, hermanos que han construido una trayectoria dentro del pop latino con temas centrados en historias románticas. Su estilo los ha colocado como referentes en el género.

A lo largo de su carrera han destacado por composiciones que abordan relaciones, desamor y emociones cotidianas, elementos que conectan con distintas generaciones. Esa identidad musical los distingue dentro de la escena.

Su incorporación al programa añade un perfil melódico que podría aportar sensibilidad y experiencia al formato televisivo.

Expectativa rumbo al estreno

El anuncio de los primeros confirmados suele marcar el tono de cada temporada. En esta ocasión, la revelación del dúo ha incrementado la expectativa sobre quiénes se integrarán más adelante.

La dinámica del programa ha llamado la atención en ediciones anteriores, por lo que el regreso del formato genera interés tanto en la audiencia habitual como en nuevos espectadores.

Con la participación de Río Roma ya oficializada, el proyecto comienza a tomar forma y a delinear lo que promete ser una competencia musical con voces reconocidas.

Lo que se sabe hasta ahora

Hasta el momento, la producción únicamente ha confirmado la presencia de los hermanos Ortega. No se han revelado más nombres ni detalles adicionales sobre el resto del elenco.

La estrategia de anunciar participantes de manera gradual mantiene activa la conversación en redes sociales y alimenta la expectativa previa al estreno.

Mientras se dan a conocer más integrantes, la confirmación de Río Roma posiciona a Juego de Voces nuevamente en el radar del público que sigue de cerca los programas musicales en televisión.

El cine de animación mexicano vive un momento histórico con la llegada de “Soy Frankelda” a plataformas digitales. Esta película, dirigida por los hermanos Arturo y Roy Ambriz, se consolida como la primera producción nacional realizada completamente en stop-motion, una técnica que exige dedicación minuciosa y creatividad artesanal.

El filme, producido por el estudio Cinema Fantasma, ha logrado trascender fronteras tras el anuncio de su próxima adición al catálogo de Netflix y captar la atención tanto del público como de especialistas en animación.

El impacto de “Soy Frankelda” se ha reflejado en su éxito de taquilla, su participación en festivales internacionales y, sobre todo, en el reconocimiento de figuras como Guillermo del Toro, quien ha calificado la cinta como un hito para la industria nacional.

Un proceso artesanal que marcó la diferencia

“Soy Frankelda” destaca por la dedicación puesta en cada etapa de su producción. Los hermanos Ambriz y su equipo invirtieron años en la creación de marionetas, escenarios y secuencias cuadro por cuadro, logrando resultados visuales únicos para la audiencia.

• Más de 140 marionetas y 50 sets fueron elaborados especialmente para el proyecto.
• El proceso requirió tres años de trabajo artesanal, cuidando cada detalle para lograr una atmósfera gótica y fantástica.
• El respaldo creativo de Guillermo del Toro, quien participó como mentor, enriqueció la visión y el acabado final del filme.

Este esfuerzo artesanal posiciona a “Soy Frankelda” como una referencia en la animación latinoamericana y un caso de éxito para el stop-motion realizado en México.

Éxito en festivales y taquilla nacional

La cinta no sólo fue bien recibida por la crítica, sino que también obtuvo el respaldo del público en salas de cine y festivales internacionales. Su estreno marcó un precedente para futuras producciones mexicanas en el género animado.

• Alcanzó más de 820 mil espectadores en cines y superó en taquilla a producciones internacionales de anime.
• Fue seleccionada para el Festival Internacional de Cine de Guadalajara y el prestigioso Festival de Cine de Animación de Annecy en Francia.
• Obtuvo nominaciones en los Premios Annie, considerados los “Oscar de la animación”, en la categoría de Mejor Largometraje Independiente.

Estos logros confirman que la animación mexicana puede competir en el mercado internacional y posicionarse como referente del género.

Reconocimiento y futuro para la animación mexicana

La llegada del filme a plataformas digitales representa un paso más en la internacionalización del cine animado nacional, facilitando el acceso a nuevas audiencias y consolidando la reputación del talento mexicano.

• El reconocimiento de Guillermo del Toro ha sido clave para legitimar el proyecto ante la industria global.
• La película combina elementos de fantasía gótica, romance y folclore mexicano, explorando temas universales desde una perspectiva local.

De esta manera, con su éxito y estreno digital, “Soy Frankelda” se convierte en un emblema del esfuerzo creativo nacional, inspirando a nuevas generaciones de animadores y reafirmando el potencial del cine mexicano en la escena internacional.

Durante la celebración del estreno de la cuarta temporada de “Los Bridgerton” en Madrid, Alba Carrillo dirigió una advertencia hacia Tamara Gorro a propósito de Cayetano Rivera, afirmando que el torero “está desatado” y recomendando cautela en esta nueva relación, informó el medio Europa Press. La modelo lanzó este mensaje tras ver las imágenes recientes de la influencer con Rivera, quienes regresaron de sus vacaciones en Dubái y Maldivas mostrando cercanía y complicidad.

Según Europa Press, Carrillo asistió al baile de máscaras organizado por Netflix en el Casino de Madrid, evento que convocó a varias figuras públicas para conmemorar la popular serie, contando también con la presencia de los actores Luke Thompson, Yerin Ha y Hannah Dodd. Alba Carrillo destacó por su atuendo inspirado en el estilo “regencycore”, compuesto por un vestido de tafetán con corsé, una peluca rubia de rizos y múltiples accesorios elaborados de manera artesanal. La modelo explicó que el vestuario constaba de cinco piezas, todas trabajadas en detalle: desde la máscara, el corsé doble, la falda con estructura alambrada, hasta las plumas y lazadas. Describió la confección y el resultado como una composición que, pese a su peso, conservaba elementos etéreos.

Entre los asistentes y los medios acreditados, Alba Carrillo declaró con humor que le encantaría experimentar una historia romántica al estilo de las que se muestran en la ficción, concretamente aquellas que “te quitan el corsé en el carruaje”. Sin embargo, afirmó que, en su experiencia, ese tipo de relaciones parecen no existir en “el mercado”, o como puntualizó irónicamente: “No sabéis cómo está el mercado. Yo os lo digo de verdad, es que es horroroso. No están a la altura”. No obstante, expresó su decisión de no rendirse y, en línea con la temática del baile, comentó: “Como buena Bridgerton, mis cositas las tengo; voy por ahí a algunas masías, a algunos palacetes de campo, y aburrirme no me aburro”.

Europa Press recogió también sus declaraciones sobre la relación de su exmarido Feliciano López y Sandra Gago, quienes aparecieron juntos en la portada de la revista ¡Hola! por el día de San Valentín. A la pregunta sobre si creía que ambos mantienen el romance que aparentan en público, Carrillo ironizó sobre el significado de las fotografías: “Si se hacen fotos para una revista, vosotros sabéis que nunca ninguna pareja ha estado mal y ha hecho fotos para una revista, ¿verdad? Abro paréntesis, ironía, cierro paréntesis. Quiero decirte que yo no sé cómo están, pero que hacer fotos en una revista no significa nada”. Añadió que si Sandra Gago está bien, se alegra, y sugirió que Feliciano López, dado su recorrido, “ya tiene edad, ya tiene pelos, para aprender a tratar a una mujer”. Destacó que le parecía fundamental que se comportara adecuadamente con su pareja actual y con todas, recalcando que ella no piensa callarse respecto a su experiencia personal: “El problema es cuando no lo son y para mí cómo se portó conmigo no es buena persona, es mi vivencia. Ahora si él se está portando bien, yo que me alegro porque no me hace ilusión que este señor haga sufrir como a mí me hizo a ninguna otra mujer”.

El medio Europa Press situó el comentario sobre Cayetano Rivera y Tamara Gorro en el contexto de las preguntas habituales sobre las relaciones sentimentales del entorno mediático. Carrillo reconoció haberse sorprendido tras ver las recientes imágenes de la pareja. En tono directo, señaló: “A ver, él está ahora en su peor época, llevarse a Cayetano no es ningún premio, quiero decirte”. Insistió en la necesidad de que los hombres lleguen “ya bien” a las relaciones, en vez de esperar que las mujeres sean quienes los encaucen, y cerró su intervención reiterando su costumbre de expresar sus opiniones sin filtros.

Además de estas temáticas personales y de actualidad, la intervención de Alba Carrillo en el evento permitió explorar la influencia de las ficciones televisivas en las expectativas de las relaciones amorosas, así como la manera en que figuras públicas manejan sus experiencias pasadas y presentes ante los medios. Durante su participación en la gala inspirada en “Los Bridgerton”, compartió de manera espontánea detalles de su vida privada, tanto sobre sus antiguos vínculos sentimentales como sobre sus impresiones hacia otras parejas reconocidas del panorama público, detalló Europa Press.

Durante el baile, que funcionó como escaparate de tendencias y reafirmación del fenómeno “regencycore”, Carrillo proporcionó comentarios sobre la situación actual del amor y el cortejo, señalando que no tira la toalla a pesar de sus desencuentros sentimentales, según destacó Europa Press. Su look y sus palabras, junto con la naturaleza del evento, pusieron en primer plano la conjunción de entretenimiento, moda y vida pública, propiciando relatos y advertencias que captaron la atención tanto de los asistentes como del público.

La noticia sobre el embarazo de su prima Lola permaneció en secreto dentro del entorno familiar durante meses, según relató Elena Furiase al presentar su nueva película junto al director Pedro Cenjor. La actriz se mostró especialmente satisfecha de que la información no se diera a conocer de forma prematura en los medios, agradeciendo que la publicación se produjera “tan tarde. No como conmigo”, tal como recogió el medio que cubrió el evento.

Elena Furiase estrenó “La Boda” tras un periodo en el que estuvo enfocada en proyectos ajenos al cine, pero dejó claro que nunca se ha desvinculado del sector. De acuerdo con la información publicada, la intérprete subrayó ante la prensa: “Todo el mundo me está diciendo eso. ¿Has vuelto al cine? Por Dios, pues si yo no me he ido nunca”. En la noche del estreno, la acompañaron figuras centrales del reparto como Daniel Chamorro, Margarita Lascoiti, Antonio Dechent y María Jesús Hoyos, además de contar con la presencia y respaldo de su madre Lolita Flores y su hermano Guillermo Furiase, que compartieron palabras de apoyo frente a las cámaras.

El medio informó que Elena Furiase confesó haber sentido nervios antes de la proyección, aunque la emoción y la alegría predominaron tras llegar al evento. “Muy contenta, muy emocionada, la verdad, estaba un poco nerviosa y todo, pero ya he llegado aquí y ya se me han quitado los nervios”, expresó la actriz durante el estreno.

El proceso de rodaje de “La Boda” se caracterizó por el reducido número de miembros en el reparto, lo que permitió que se establecieran relaciones estrechas, comparables a las de una familia, según publicó la fuente. La propia Elena calificó el rodaje como una experiencia positiva y mencionó la rapidez con la que se desarrolló la filmación.

En relación a su experiencia personal, Furiase, madre de dos hijos, abordó la noticia del embarazo de su prima Lola, manifestando su alegría ante la llegada del nuevo integrante de la familia. Declaró que la futura madre no le había solicitado consejos, si bien le recomendó disfrutar del proceso de gestación, describiendo el embarazo como una etapa “muy bonita”. Además, destacó que Lola se encuentra bien en esta nueva fase y reiteró su recomendación de aprovechar cada momento de esta experiencia.

El estreno de la película y la presencia de la familia durante la velada reflejaron la conexión entre los miembros y el apoyo que se brindaron mutuamente, según consignó el medio que cubrió el evento. El regreso de Elena Furiase a la gran pantalla, la reacción de su entorno, la dinámica del rodaje y las celebraciones personales marcaron una jornada significativa tanto en el plano profesional como en el familiar para la actriz.

Lola Lolita se situó en el centro de atención al lucir un vestido exclusivo de Vicky Martín Berrocal, complementado con un tocado, durante la celebración que marcó el estreno en Madrid de la segunda parte de la cuarta temporada de la serie “Los Bridgerton”. Según informó el medio que cubrió la gala, el evento tuvo lugar en el Casino de Madrid y congregó tanto a seguidores de la producción como a celebridades españolas y parte del elenco internacional, quienes desfilaron por la alfombra roja en atuendos inspirados en la era de la regencia.

La convocatoria despertó gran expectación entre los fanáticos apasionados de la serie, quienes aguardaron el inicio de una noche ambientada en la época que da vida a la exitosa producción. El medio detalló que por la entrada principal del Casino de Madrid desfilaron numerosas personalidades de la vida pública en España, como Mar Flores, Lola Lolita, Isa Pantoja y Elena Gortari, cada una con vestuarios que evocaron la elegancia de “Los Bridgerton” y el glamour de una fiesta de época.

La velada contó con la presencia de varios intérpretes del reparto original de la serie, entre ellos Luke Thompson, Yerin Ha, Claudia Jessie y Hannah Dodd. Los actores compartieron impresiones con los asistentes y participaron en las actividades centrales de la gala. Según publicó el medio, el ambiente trasladó a los presentes a los salones y celebraciones de la Inglaterra del siglo XIX, replicando la estética y la atmósfera características de la trama.

Entre las figuras españolas que captaron la atención de los medios y los fotógrafos figuró Mar Flores, quien recurrió a un abrigo color morado que, de acuerdo con la crónica, sobresalía por su diseño convertible. La modelo y empresaria sorprendió al revelar los detalles del atuendo elegido para la ocasión, considerado uno de los más destacados de la jornada, según consignó el medio.

Lola Lolita posó junto a la propia Vicky Martín Berrocal, diseñadora del vestido, quien expresó su satisfacción por la colaboración. A lo largo del evento, otras celebridades optaron por creaciones de diseñadoras reconocidas. Elena Gortari acudió vestida con un diseño exclusivo de Rocío Osorno, quien también la acompañó durante el recorrido por la alfombra roja y en las imágenes para la prensa.

El medio informó que Alba Carrillo eligió un vestido en azul y negro acompañado de una máscara del mismo tono, con la que cubrió parcialmente el rostro durante el evento. La aparición de Isa Pantoja no pasó inadvertida, ya que asistió junto a su prima Anabel Pantoja, reafirmando públicamente la relación cercana que mantienen en la actualidad.

Jessica Bueno, Marta Lozano, Lalachús y Raquel Sánchez Silva se encontraban entre las invitadas que se atrevieron a reinterpretar el vestuario de la serie. Sus conjuntos resaltaron por detalles florales, encajes y cortes propios del vestuario de la época, contribuyendo a la atmósfera general de la velada.

De acuerdo con la crónica del evento, la gala del Casino de Madrid fue considerada un homenaje a la moda de la regencia y a la narrativa visual de “Los Bridgerton”, reuniendo a seguidores, rostros populares y miembros del reparto en un entorno que simuló las lujosas fiestas representadas en pantalla. La atención de los asistentes, según reportó la fuente, se centró en el despliegue de trajes y el ambiente cuidadosamente ambientado para recrear el universo de la serie.

El evento dejó constancia de la huella cultural que la producción ha dejado en el público madrileño y evidenció el interés de las celebridades nacionales por formar parte de un acontecimiento social ligado al fenómeno internacional de “Los Bridgerton”, tal como concluyó el medio que cubrió la gala.

El influencer y actor Juanpa Zurita dio a conocer a través de sus redes sociales, que la película que protagoniza junto a Ludwika Paleta se convirtió en el estreno número uno del cine mexicano.

De acuerdo con datos compartidos por el propio intérprete, '¿Quieres ser mi novia?’ recaudó más de 33.5 millones de pesos y vendió más de 434 mil boletos en su primer fin de semana. Las cifras corresponden al periodo del 12 al 18 de febrero de 2026, con información de Comscore México.

Con estos resultados, la producción se posiciona como el mejor estreno del cine nacional en lo que va del año y como el tercer mayor debut mexicano en la etapa posterior a la pandemia.

Un desempeño que marca tendencia

Entre 2021 y 2025, Zurita ha participado en dos de los diez debuts mexicanos más exitosos en taquilla. ‘¿Quieres ser mi novia?’ se ubica en el Top 3, mientras que ‘Una pequeña confusión’ alcanzó el Top 9 en su momento.

El logro fue compartido también en las redes sociales de Videocine, lo que reforzó la visibilidad del resultado en la industria.

Las cifras no solo reflejan asistencia a salas, sino la consolidación del actor como figura rentable en la pantalla grande, capaz de convocar a audiencias que ya lo seguían en el entorno digital.

La continuidad de una historia que generó conversación

La cinta funciona como continuación de ‘¿Quieres ser mi hijo?’, proyecto en el que Zurita y Paleta compartieron créditos por primera vez como protagonistas. En esta nueva entrega, la trama profundiza en la relación de los personajes y retoma elementos que conectaron con el público.

El estreno anterior provocó comentarios diversos, incluidos debates en torno a la diferencia de edad entre los personajes principales. Esa conversación, lejos de frenar el interés, amplió la curiosidad sobre el desarrollo de la historia.

Desde el anuncio de la secuela, la expectativa se centró en la evolución narrativa y en la química del elenco, factores que ahora acompañan un arranque sólido en taquilla.

Febrero, música original y expectativa en salas

El lanzamiento en febrero de 2026 abrió un periodo clave para el cine mexicano en cartelera, con varios días por delante para sostener el ritmo de asistencia y consolidar su posición.

La producción incorpora además una canción original escrita por el dúo Jesse & Joy, elemento que aporta carga emocional y suma atractivo para quienes siguieron la primera película.

Con un arranque que la coloca en la cima del ranking nacional y dentro de los debuts más fuertes del periodo reciente, la nueva entrega confirma que la combinación de continuidad, presencia digital y respuesta del público puede traducirse en resultados concretos en taquilla.

María León informó que estrenará un nuevo sencillo el próximo 19 de febrero. El anuncio se realizó a través de sus redes sociales, donde también compartió imágenes relacionadas con la producción que acompañará la canción.

En las publicaciones se aprecia un cambio de imagen que formaría parte del concepto visual del tema. Hasta el momento, no se han dado a conocer más detalles sobre la letra o el estilo musical del sencillo.

La noticia surge después de que concluyera su participación en el Benidorm Fest 2026, certamen en el que compitió recientemente junto a Julia Medina.

Participación en el festival español

María León y Julia Medina presentaron “Las Damas y el Vagabundo” durante el Benidorm Fest 2026, como parte de la competencia oficial del evento.

Aunque no obtuvieron el primer lugar, su actuación fue bien recibida y aplaudida por el público asistente. La colaboración destacó por la sincronía entre ambas artistas y la energía transmitida en vivo.

El festival ofreció un espacio internacional que reunió a distintos artistas y permitió visibilizar sus proyectos ante una audiencia más amplia.

Anuncio y concepto visual

Tras el certamen, la cantante compartió en redes sociales la fecha de estreno de su próximo sencillo: 19 de febrero. Las publicaciones incluyeron imágenes en las que se observa un cambio de look que sugiere un nuevo concepto visual.

Hasta ahora, no se han revelado fragmentos de la canción ni detalles sobre su temática o estilo musical. La información divulgada se limita al anuncio de la fecha y el material gráfico compartido.

El enfoque visual parece marcar un giro creativo, pero sin ofrecer más detalles sobre la narrativa o producción del sencillo.

Expectativa por el lanzamiento

Con esta confirmación, el público sabe cuándo estará disponible la nueva canción de María León, apenas días después de su participación en el festival español.

La colaboración con Julia Medina cerró esa etapa, mientras que el sencillo próximo a estrenarse representa su siguiente proyecto musical.

Por ahora, la atención se centra en la fecha de lanzamiento y en la propuesta visual que acompaña la canción, sin que se hayan revelado más detalles sobre su contenido.

El estreno de la película ¿Quieres ser mi novia? no sólo ha generado expectativa por la química entre Ludwika Paleta y Juanpa Zurita, también ha dado pie a un momento divertido protagonizado por Nicolás Haza, hijo de la actriz.

El joven músico y actor compartió un par de comentarios en la premier de la cinta que rápidamente se volvieron virales, en los que destacó lo curioso que le resulta ver a su madre besar al mismo actor en dos películas distintas.

Con un tono relajado y humorístico, Nicolás explicó que para él no es incómodo, sino más bien gracioso. Reconoció que podría parecer raro, pero subrayó que al final todo es ficción y parte del trabajo actoral de su madre. Su manera de abordar el tema reflejó naturalidad ante una situación que para otros podría ser incómoda.

El comentario de Nicolás que se volvió viral

A través de un TikTok, Haza bromeó ironizando al respecto de estar sentado junto a su madre y Juanpa en la premier: “Si me dieran un peso por cada vez que he ido a ver una película en la que mi mamá y Juanpa Zurita se besan, tendría dos. Lo cual no es mucho, pero es raro que haya pasado dos veces.

El comentario fue acompañado de otra reflexión durante el evento: “Podría ser raro, pero pues es ficción a fin de cuentas, ¿no?”. Con esto dejó claro que entiende perfectamente el contexto profesional de su madre y que no lo vive como algo negativo. Más bien, lo convierte en una anécdota graciosa que comparte con sus seguidores.

El estreno de ¿Quieres ser mi novia?

La película, dirigida por Ihtzi Hurtado, es la secuela de ¿Quieres ser mi hijo? y vuelve a poner en pantalla la relación entre Lucía (Ludwika Paleta) y Javi (Juanpa Zurita).

En esta nueva entrega, la pareja enfrenta celos, inseguridades y la presión de los prejuicios sociales por la diferencia de edad.

• Protagonistas: Ludwika Paleta y Juanpa Zurita.
• Género: comedia romántica.
• Estreno: 12 de febrero de 2026.
• Duración aproximada: 97 minutos.

El estreno se convirtió en un evento mediático no sólo por la trama, sino también por las declaraciones de Nicolás, quien asistió a la premier y compartió con humor lo que significa ver a Zurita protagonizar un romance con su mamá por segunda vez en pantalla grande.

Nicolás Haza: entre la música y la actuación

Más allá de esta anécdota que involucra a su madre, Nicolás Haza ha comenzado a construir su propia carrera. Con 26 años, ha participado en proyectos como Héroes (2023), Nadie nos va a extrañar (2024) y Con esa misma mirada (2025), además de lanzar su primer álbum musical en 2026.

Su estilo combina actuación y música, mostrando que busca abrirse camino con identidad propia. El episodio con Juanpa Zurita y Ludwika Paleta demuestra que Nicolás no teme hablar con franqueza y humor sobre situaciones personales, pero también que mantiene una visión madura.

Durante la alfombra roja del estreno de ¿Quieres ser mi novia?, cinta que protagoniza junto a Juanpa Zurita, Ludwika Paleta respondió a los cuestionamientos de los medios de comunicación en torno al tema central de la película: una relación entre una mujer mayor y un hombre más joven.

La actriz abordó el debate con serenidad y destacó que la conversación social ha evolucionado. Frente a los medios, compartió su visión sobre los prejuicios que todavía rodean este tipo de vínculos.

La película continúa la historia que comenzó en plataformas digitales con ¿Quieres ser mi hijo?, producción que llamó la atención por su trama y por la química entre los protagonistas. Ahora, la dupla apuesta por la continuación con una narrativa que retoma ese universo.

“El amor viene en muchas presentaciones”

Paleta consideró que los estigmas han disminuido con el paso del tiempo. “Yo creo que los estigmas y los prejuicios cada vez son menores”, afirmó. Añadió que la sociedad avanza hacia una mayor apertura: “Veo que el día de hoy somos más tolerantes hacia muchas cosas que antes no”.

La actriz subrayó que las relaciones no responden a un único modelo. “El amor viene en muchas presentaciones y de muchas maneras, y no nada más es la tradicional la que existe hoy en día, y está bien”, expresó. También señaló que cada vez importa menos la opinión externa: “La gente cada vez le importa menos el qué digan de con quién estás”.

No obstante, reconoció que la crítica suele recaer con más fuerza en ellas. “Sin duda, siempre se juzga más a las mujeres”, dijo. Aun así, considera que ha habido avances: “Hemos recorrido un buen camino… y ahí vamos”.

Una historia que dialoga con jóvenes y adultos

Sobre la película, explicó que se trata de un relato cercano para distintas edades. “Habla tanto a los chavos como a la gente de mi edad, por ejemplo, y mayor”, comentó. Para Paleta, es una trama que podría suceder en cualquier etapa de la vida.

Describió el proyecto como una propuesta emocionalmente completa: “Es una historia de amor que podría sucederte a cualquier edad… tiene emoción, amor, tiene su cosita emocional, siento que lo tiene todo”. Con ello, defendió el enfoque romántico más allá de la diferencia generacional.

La nueva entrega retoma la dinámica que conquistó al público en su versión digital. En aquella primera historia, el personaje de Zurita buscaba acercarse al de Paleta con una estrategia poco convencional, lo que detonó la relación y el interés de la audiencia.

Del streaming al cine con una dupla consolidada

El éxito inicial motivó el salto a salas. La producción anterior generó conversación por la diferencia de edad entre los personajes, un elemento que ahora vuelve a estar en el centro del debate.

La presencia de nuevas generaciones en el elenco, encabezadas por Zurita, se combina con la trayectoria de Paleta, figura reconocida por el público desde hace años.

La combinación ha sido señalada como uno de los atractivos del proyecto.

La llegada de Iñaki Godoy a la Ciudad de México se ha perfilado como uno de los momentos más esperados para los fanáticos del anime y las adaptaciones live-action.

El joven actor mexicano, que interpreta a Monkey D. Luffy en la exitosa serie de Netflix, encabezará una convivencia especial con seguidores el próximo 23 de febrero de 2026, justo antes del estreno de la segunda temporada.

Este encuentro no sólo marca el inicio del tour mundial de One Piece: Rumbo a la Gran Ruta, sino que también refuerza el vínculo entre el actor y la comunidad que lo ha visto crecer desde sus primeros papeles en producciones nacionales hasta convertirse en una figura internacional.

Orgullo mexicano en One Piece

La presencia de Iñaki en este evento tiene un significado especial: representa el orgullo nacional de ver a un actor mexicano liderar una producción que ha conquistado audiencias en todo el mundo.

• El evento en México será la primera parada del tour mundial, lo que coloca al país en el centro de la estrategia global de Netflix.
• La convivencia con Iñaki será una oportunidad única para celebrar la pasión por One Piece en un ambiente inmersivo.
• La comunidad mexicana será protagonista de un arranque que confirma su importancia dentro del fenómeno internacional.

Su carisma y energía han sido señalados como factores clave para el éxito de la primera temporada. En este sentido, su visita no es sólo promoción, sino también un reconocimiento al papel de México en el éxito global de la serie.

Dinámica oficial: Entrenamiento de Nakamas mexicanos

El evento en la Ciudad de México no será sólo una presentación, sino una experiencia inmersiva. Netflix lanzó a través de su portal oficial la dinámica “Entrenamiento de Nakamas mexicanos”, con reglas claras para participar.

• Edad y residencia: tener 18 años y vivir en CDMX o área metropolitana.
• Demuestra tu fanatismo: subir una imagen o video en Instagram o TikTok mostrando cosplay, fan art, colección o cualquier expresión creativa de One Piece.
• Hashtag obligatorio: #EntrenamientoOnePieceMexico.
• Fecha límite: 18 de febrero de 2026.
• Premio: entrada para el ganador y un acompañante mayor de edad.

De esta manera, los fans no sólo serán espectadores, sino protagonistas de una dinámica que los convierte en parte de la tripulación antes del estreno global.

¿De qué tratará la segunda temporada?

La nueva entrega, titulada One Piece: Rumbo a la Gran Ruta, se estrenará el 10 de marzo de 2026 y promete expandir el universo presentado en la primera temporada.

• Luffy y los Sombreros de Paja se adentrarán en la legendaria Gran Ruta, enfrentando enemigos más poderosos y desafíos más complejos.
• El tráiler ya adelantó la llegada de personajes muy esperados, como Tony Tony Chopper, lo que ha disparado la emoción entre los seguidores.
• Nuevos escenarios, islas misteriosas y batallas épicas marcarán el tono de esta etapa de la historia.

Así, se refleja la expectativa que rodea la segunda temporada, con la promesa de aventuras más intensas y expansivas que consolidarán el éxito inicial.

Después de un extenso proceso judicial, Ana Duato expresó alivio tras ser exculpada de los cargos de fraude a Hacienda y organización criminal, subrayando que la sentencia le otorgó la absolución total y poniéndole fin a una etapa que describió como muy dura. En declaraciones recogidas por el medio Europa Press, la actriz comentó que "por ahora lo importante es que salí absuelta de todo eso. Han sido diez años muy duros, pero eso es lo importante, que el tribunal ha dicho absuelta de todos los cargos. Así, que aquí lo dejamos", destacando la importancia de este cierre para su vida personal y profesional.

La actriz española participó recientemente en una ocasión significativa para su familia: el estreno de ‘La Fiera’, la última producción de su hijo Miguel Bernardeau. De acuerdo con Europa Press, Duato asistió acompañada de su marido, Miguel Ángel Bernardeau, y de su hija María, mostrando una actitud de satisfacción y orgullo por los logros profesionales de Miguel. Frente a las cámaras, indicó sentir “otros nervios diferentes, pero son nervios de emoción, de alegría, de acompañamiento”, en referencia a la experiencia de acompañar a su hijo en un evento de gran relevancia para su carrera en la interpretación.

Durante el evento, Ana Duato reafirmó la distancia que suele mantener respecto al protagonismo en la vida profesional de su hijo, recalcando que prefiere mantenerse en un segundo plano para que Miguel y su equipo reciban la atención principal. Cuando los medios le preguntaron sobre el reciente éxito de Miguel Bernardeau, Duato señaló: “Estoy muy orgullosa además, mi hijo creo que es un gran actor, pero claro que lo diga yo no está bien, pero también, sí, se puede tomar distancia, sobre todo es un actor con mucho respeto a esta profesión, muchísimo compromiso y estoy muy orgullosa de él”. Así lo reportó Europa Press en su cobertura del acto de estreno.

El ambiente familiar que se respiró en el estreno reflejó la importancia del acompañamiento en los momentos relevantes para la carrera de Miguel Bernardeau. El joven actor ha ido consolidando su presencia en la escena audiovisual española, algo que su madre no dudó en destacar, mencionando el lugar que ha conseguido dentro de la interpretación nacional.

Duato también aprovechó la ocasión para referirse a su relación profesional y personal con Imanol Arias, su compañero durante muchos años en la serie "Cuéntame". En declaraciones que recogió Europa Press, la actriz señaló que Arias “es parte de mi familia, tú lo has dicho. Son muchos años juntos. Muy contenta por todo, por verle feliz”. De este modo, la intérprete resaltó la estrecha vinculación que ambos han mantenido a lo largo del tiempo, forjada a través de décadas compartidas en la televisión.

En el mismo evento, la actriz adelantó novedades sobre la serie “Cuéntame”, cuya trayectoria marcó una época en la ficción española. Según indicó a Europa Press, hay previstos dos capítulos especiales como homenaje a los 25 años del estreno de la serie, celebración que tendrá lugar este mes de septiembre. Duato explicó que el proyecto representará "un homenaje muy bonito para los espectadores, lo primero, y para todos nosotros", subrayando el significado que la serie sigue teniendo tanto para el público como para el propio equipo.

El proceso judicial por el que atravesó Ana Duato fue uno de los temas inevitables en su encuentro con la prensa. Según reportó Europa Press, la actriz abordó el tema de forma directa y tajante, recalcando el desenlace favorable y su determinación de dejar atrás esa etapa. Está absuelta de todos los cargos, una resolución que pone fin a una década que definió como complicada y que ahora le permite centrarse en su vida personal y sus próximos proyectos profesionales.

La participación de Miguel Bernardeau en "La Fiera" ha supuesto un paso relevante en su carrera, aspecto que resaltó toda la familia en el evento. El hecho de que tanto Ana Duato como Miguel Ángel Bernardeau y María acompañaran a Miguel en una noche clave para su desarrollo profesional evidenció el respaldo compartido entre los miembros de la familia, quienes han experimentado intensamente el mundo de la interpretación desde diferentes perspectivas.

Por último, en lo referente a “Cuéntame”, la serie mantiene su vigencia a través de los nuevos episodios de homenaje que, según precisó Europa Press, buscan reconocer tanto la fidelidad del público como el compromiso del reparto a lo largo de sus 25 años de emisión. La conmemoración del aniversario representa un momento relevante para la ficción española y para quienes han formado parte de ella, como Ana Duato e Imanol Arias.

Carlos Rivera ha confirmado una nueva colaboración musical que ha generado un gran interés entre sus seguidores. Esta vez, el cantante mexicano compartirá créditos con Alejandro Fernández, una de las figuras más reconocidas de la música en México.

Alejandro Fernández, conocido como “El Potrillo”, cuenta con una extensa trayectoria en la música regional mexicana y una base de admiradores que abarca varias generaciones. Su participación en esta colaboración ha incrementado la expectativa en torno al lanzamiento.

La canción llevará por nombre “Sin Despedida” y se estrenará el 12 de febrero en todas las plataformas digitales. Desde el anuncio, ambos artistas han invitado a sus seguidores a realizar el pre-save del tema en YouTube.

Carlos Rivera y Alejandro Fernández sorprenden con dueto

A través de sus redes sociales, Carlos Rivera y Alejandro Fernández compartieron mensajes sobre esta unión musical. Los comentarios y reacciones no tardaron en aparecer, mostrando el entusiasmo de sus respectivos seguidores.

La noticia ha ocupado un lugar destacado en la conversación digital, especialmente porque reúne a dos de los intérpretes más populares de la música nacional. Ambos poseen carreras consolidadas y una amplia experiencia en colaboraciones con otros artistas.

Carlos Rivera ha experimentado una evolución constante en su carrera, sumando colaboraciones con figuras como Ha*Ash, Río Roma y Maluma. Su capacidad para adaptarse a distintos géneros ha sido clave en su éxito dentro de la industria.

“Sin Despedida”: El esperado dueto entre Carlos Rivera y Alejandro Fernández

Alejandro Fernández, por su parte, ha destacado en el género ranchero y pop latino. Sus duetos anteriores, tanto con artistas nacionales como internacionales, han sido bien recibidos por el público y la crítica.

La expectativa por “Sin Despedida” se refleja en las redes sociales, donde los seguidores han manifestado su interés por conocer la propuesta musical de ambos intérpretes.

La combinación de sus estilos promete una producción relevante para el público mexicano.

La música mexicana celebra la fusión de Carlos Rivera y Alejandro Fernández

La colaboración representa una oportunidad para que ambos consoliden su presencia en el ámbito digital, donde el consumo de música se realiza principalmente a través de plataformas de streaming y redes sociales.

El lanzamiento de “Sin Despedida” se suma a una tendencia en la industria, donde las colaboraciones entre artistas de renombre generan gran expectativa y logran un alcance significativo.

La unión de Carlos Rivera y Alejandro Fernández se perfila como uno de los acontecimientos musicales destacados del mes de febrero, con una recepción anticipada que podría traducirse en una amplia difusión del tema.

La actriz mexicana Eiza González atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Tras consolidarse en Hollywood con papeles en producciones de gran presupuesto, ahora se prepara para compartir créditos con dos de los actores más reconocidos de la industria: Henry Cavill y Jake Gyllenhaal.

In the Grey, dirigida por el británico Guy Ritchie, será un thriller de acción que marcará un antes y un después en la trayectoria de la intérprete. Para Eiza, representa no sólo un reto actoral, sino también la confirmación de que su nombre ya figura entre los protagonistas de la industria global.

El anuncio ha generado gran expectativa tanto en México como en el extranjero. La combinación de un director con estilo propio, un elenco de primer nivel y una trama cargada de suspenso coloca a esta producción como uno de los estrenos más esperados de 2026.

El peso de trabajar con Cavill, Gyllenhaal y Ritchie

Compartir pantalla con dos actores de renombre mundial será una oportunidad invaluable para González. Cavill, reconocido por su papel como Superman y en The Witcher, aporta carisma y fuerza física, mientras que Gyllenhaal, nominado al Oscar por Brokeback Mountain, es admirado por su versatilidad y profundidad dramática.

Este proyecto también le servirá a la actriz para reforzar su relación profesional con Ritchie, con quien ya había trabajado. Además, representa un reencuentro con Cavill y Gyllenhaal, ya que previamente compartieron pantalla en The Ministry of Ungentlemanly Warfare y Ambulance, respectivamente.

La presencia de Eiza en el filme confirma que su carrera está en un momento de madurez y expansión, capaz de sostener el peso de un protagónico dentro de un elenco de primer nivel.

¿De qué tratará In The Grey?

La historia de In the Grey se centrará en un grupo secreto de operativos de élite que deben recuperar una fortuna robada por un tirano. Lo que comienza como un atraco calculado pronto se convierte en una misión suicida, marcada por engaños, estrategias y enfrentamientos explosivos.

En este contexto, el personaje de Eiza González cobrará relevancia como pieza clave dentro del equipo, mostrando liderazgo y resiliencia en medio de un escenario de alto riesgo.

Fecha de estreno y el futuro de Eiza González

El estreno de In the Grey en salas de Estados Unidos está programado para el 10 de abril de 2026 y se suma a otros proyectos que la actriz tiene en puerta, como la comedia de atracos I Love Boosters.

Por ello, 2026 será un año clave para Eiza González. Su participación en proyectos de alto perfil no sólo es un logro personal, sino también un símbolo del alcance global del talento mexicano en Hollywood.

Óscar Casas relató que el rodaje de la nueva película “Ídolos” le permitió entablar su relación con Ana Mena y vivir una etapa marcada por descubrimientos personales y profesionales. Tal como informó el medio, ambos intérpretes participaron de la presentación del film en Kinépolis Ciudad de la Imagen, en Madrid, donde expresaron que este estreno representa uno de los momentos más relevantes de sus trayectorias artísticas. Durante el encuentro con la prensa, la pareja optó por mantener la reserva sobre los detalles de su vínculo sentimental, priorizando el diálogo sobre sus proyectos laborales y las experiencias vividas en el set.

Según publicó la fuente, la premiere de “Ídolos” reunió a un importante elenco y equipo de producción. Junto a Óscar Casas y Ana Mena, estuvieron presentes Claudio Santamaría, Enrique Ace y el director Mat Whitecross. La velada contó también con la asistencia de múltiples figuras del espectáculo, consolidando el evento como uno de los más llamativos de la agenda cultural de la semana en la capital española.

De acuerdo con lo consignado, Ana Mena admitió ante los medios que esta experiencia marcó hitos significativos en su recorrido profesional, destacando que se trata tanto de su primera película como de su primera presentación en una premiere cinematográfica. “Estamos muy felices, muy nerviosos, es mi primera premiere y mi primera peli”, expresó la artista tras ser consultada sobre su sentir frente al debut en la gran pantalla.

Óscar Casas, por su parte, resaltó la intensidad y el desafío que representaron los meses de grabación. Según informó la fuente, el actor señaló que el proceso de rodaje se extendió durante casi cuatro meses completos, generando una “adrenalina constante” a lo largo de las diferentes etapas de producción. Casas subrayó además la naturaleza pionera del proyecto al remarcar que se trata de la primera cinta centrada en el mundo del MotoGP, contexto que impulsó al equipo a involucrarse plenamente en la narración y las escenas de acción.

La percepción de Ana Mena sobre “Ídolos” coincide con la de su compañero de reparto. En declaraciones recogidas por el mismo medio, la cantante catalogó su participación como un verdadero aprendizaje y una oportunidad única dentro de su carrera: “ha sido un regalo trabajar en esta película, ha sido una pasada porque he aprendido muchísimo y es un peliculón”, afirmó. Su entusiasmo por el rodaje se reflejó en el diálogo compartido junto a Casas, quien remarcó la oportunidad que ambos tuvieron para conocerse y fortalecer su relación personal en el entorno laboral.

El ambiente de complicidad entre ambos protagonistas fue palpable, según detalló el medio. Aunque los periodistas intentaron obtener información sobre la evolución de su vínculo sentimental y posibles planes futuros juntos, tanto Mena como Casas prefirieron centrar sus respuestas en el presente profesional. Al recibir una pregunta sobre la posibilidad de dar un paso más en la relación, Ana Mena contestó lacónicamente: “a ver qué tal... la peli”, mientras que Óscar Casas aprovechó el momento para destacar los próximos proyectos de su compañera: “Ana tiene cosas muy bonitas por venir, un discazo y proyectos que no sé si se saben”.

El director Mat Whitecross y el resto del elenco atendieron también a los medios durante el evento, resaltando la apuesta del film por retratar la emoción y los desafíos del universo MotoGP. Según lo consignado, la película busca explorar tanto las hazañas deportivas de los pilotos como las tensiones personales y profesionales que surgen en torno a las grandes competiciones internacionales.

Durante la cita, numerosos rostros conocidos del sector audiovisual español manifestaron el impacto que generó la campaña promocional de “Ídolos” y la expectativa ante su lanzamiento comercial. El medio detalló que los asistentes celebraron tanto la labor del equipo técnico como la de los intérpretes, que asumieron roles novedosos y pusieron a prueba su versatilidad artística.

Los protagonistas reiteraron durante la noche que el film les permitió no sólo acceder a experiencias inéditas dentro del cine, sino también forjar vínculos personales que trascienden la pantalla. Según Óscar Casas, la dinámica del rodaje y la convivencia durante los meses de trabajo resultaron fundamentales para el desarrollo del proceso creativo y para la consolidación de la relación entre ambos artistas, aunque prefirieron resguardar en todo momento los detalles específicos de esa faceta de sus vidas.

El despliegue mediático generado por la premiere de “Ídolos” y la recepción que tuvo entre figuras del espectáculo da cuenta del interés que despierta la cinta y de las expectativas depositadas en el desempeño de sus protagonistas. Según lo reportado, tanto Ana Mena como Óscar Casas se mostraron receptivos ante la prensa, reafirmando su compromiso con la promoción de la película y sus futuros proyectos artísticos.

Juanpa Zurita reveló en sus redes sociales que el dúo Jesse & Joy escribió una canción para la película que protagoniza junto a Ludwika Paleta, noticia que de inmediato captó la atención de sus seguidores y del público cinéfilo. La confirmación llegó sin adelantar el título del tema, pero dejó claro que la música será parte central del proyecto.

El interés creció cuando Jesse & Joy compartieron una pista adicional: la canción que se escuchará en la cinta forma parte de su más reciente material discográfico. Este detalle activó la conversación entre fans, quienes comenzaron a revisar el álbum en busca de señales que los acerquen a la respuesta.

La combinación de cine y música, sumada a la popularidad de los involucrados, generó un ambiente de expectativa que va más allá del estreno. La revelación no solo refuerza la narrativa de la película, sino que también conecta emocionalmente con una audiencia que sigue de cerca cada movimiento del elenco y del dúo musical.

El álbum que guarda el secreto

El material discográfico señalado por los artistas lleva por nombre Lo que nos faltó decir, lanzado en mayo de 2025. El álbum está compuesto por 13 canciones y representa una etapa creativa reciente de Jesse & Joy, caracterizada por letras íntimas y melodías emotivas.

Aunque no se ha confirmado qué tema específico será el elegido, el hecho de que la canción ya esté publicada añade un elemento a la experiencia previa al estreno. Los seguidores exploran el álbum intentando descifrar cuál encaja mejor con la historia que se contará en pantalla.

Esta estrategia mantiene viva la conversación y permite que la música funcione como un puente entre el público y la película, incluso antes de que llegue a las salas.

La secuela que regresa a la pantalla grande

La película forma parte de la continuación de ¿Quieres ser mi hijo?, donde Juanpa Zurita y Ludwika Paleta ya habían compartido créditos como protagonistas. En esta nueva entrega, titulada ¿Quieres ser mi novia?, la historia avanza y profundiza en la relación entre los personajes.

El estreno está previsto para febrero de 2026 en cines, lo que deja varios días para que la audiencia especule sobre el desarrollo de la trama y los giros narrativos. Desde su anuncio como segunda parte, el proyecto despertó interés por la química del elenco y la evolución de la historia.

La inclusión de una canción original escrita por un dúo reconocido refuerza el peso emocional de la secuela y suma un atractivo adicional para quienes siguieron la primera cinta y esperan ver cómo continúa el relato.

Expectativa digital y conexión con el público

El anuncio fue recibido de manera sorpresiva y generó una reacción inmediata en redes sociales. Fans del dúo musical, de la actriz y del creador de contenido comenzaron a compartir teorías y comentarios, impulsando la conversación digital alrededor del proyecto.

Zurita también ha presumido que el tráiler, lanzado a finales de 2025, se convirtió en uno de los más celebrados del cine mexicano en plataformas digitales, un dato que refuerza el alcance del filme entre audiencias jóvenes y activas en redes.

Más allá de cifras, la historia promete explorar una relación de pareja marcada por la diferencia de edad entre los personajes, un enfoque que añade interés narrativo y abre espacio para reflexiones emocionales. Con música y cine conviviendo, la película se perfila como uno de los estrenos más comentados del año.

Este lunes 19 de enero, Doménica Montero se estrena en la televisión abierta de México, marcando un nuevo momento para una de las telenovelas que más atención ha concentrado en los últimos años. Tras su lanzamiento en Estados Unidos y su circulación en plataformas de streaming, la historia encuentra ahora un espacio en la señal abierta.

La producción, encabezada por Carlos Bardasano, ha logrado posicionarse gracias a una narrativa intensa que ha sabido mantener el interés del público. Aunque se trata de una historia conocida por versiones anteriores, esta adaptación ha conseguido una lectura distinta que conecta con nuevas audiencias.

Su llegada al Canal de las Estrellas, en horario estelar a las 9:30 de la noche, confirma la apuesta por un melodrama que ya venía generando expectativa incluso antes de su estreno formal en México.

Un elenco que sostiene la intensidad del relato

Angelique Boyer lidera el proyecto con una interpretación que destaca por la naturalidad emocional y la fuerza de sus matices. Su trabajo ha sido uno de los elementos más comentados por quienes ya han seguido la historia en otras versiones.

Marcus Ornellas se suma como uno de los protagonistas masculinos, aportando presencia y un personaje que ha captado miradas. A su lado, Brandon Peniche imprime intensidad desde su rol, convirtiéndose en uno de los puntos más llamativos del conflicto narrativo.

La participación de Scarlet Gruber completa un ensamble que ha dado de qué hablar por la forma en que se equilibran las actuaciones, construyendo un conjunto sólido que sostiene el ritmo de la historia.

Un reparto amplio que da cuerpo al melodrama

Además de los roles principales, Doménica Montero cuenta con un elenco que refuerza cada línea narrativa. Entre los nombres que forman parte del reparto se encuentran Diego Amozorrutia, José Manuel Rincón y Graco Sendel.

A ellos se suman Arcelia Ramírez, Alejandro Ávila y Alejandro Tomassi, quienes aportan experiencia y peso dramático a la producción. Cada personaje cumple una función clara dentro del entramado de la historia.

Este conjunto de actores es el encargado de dar profundidad a una trama que ha sido reconocida por su intensidad y por la manera en que se desarrolla el conflicto central.

Del streaming a la conversación en redes

Antes de su llegada a la televisión abierta, la telenovela ya había comenzado a generar impacto en redes sociales. Clips compartidos por los usuarios hicieron que distintas escenas se volvieran virales, despertando curiosidad y comentarios.

Ese contacto previo con el público permitió que la audiencia se familiarizara con el tono y la narrativa incluso antes del estreno en México. La historia logró así una conexión anticipada que ahora se traslada a la pantalla tradicional.

Con este estreno, Doménica Montero se presenta como una de las apuestas fuertes del melodrama actual, lista para captar atención, miradas y aplausos desde su primer capítulo en señal abierta.

La película de terror ‘Primate’ será una de las primeras cintas que inauguran la cartelera de este género, además de mezclar el suspenso y drama en México este 2026.

La historia sigue a un chimpancé que se vuelve violento y ataca a una familia, lo que llevó a las autoridades a determinar su clasificación restrictiva.

‘Primate’ adelantó su fecha de estreno en diversas salas del país tras el preestreno realizado el lunes 5 de enero.

El lanzamiento oficial ocurrirá este próximo jueves 8 de enero, estableciendo así el inicio de la temporada de terror en la pantalla grande.

Luego de darse a conocer los primeros avances de esta cinta de terror y para los amantes de este género, se ha dado a conocer cuál será la clasificación oficial con la que ‘Primate’ llegará a las salas de cine en México.

Esta es la clasificación con la que llegará ‘Primate’ a las salas de cine en México

Una vez que este jueves 8 de enero ‘Primate’ llegue a las salas de cine en México, habrá una restricción para algún público, ya que no todos podrán adquirir sus boletos para verla en la pantalla grande.

‘Primate’ llegará a las salas de cine con clasificación C, es decir, adultos mayores de 18 años podrán verla en pantalla grande en México.

¿Cómo está dividida las clasificaciones de películas en México?

Las clasificaciones de películas en México están reguladas por la Dirección General de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC), dependiente de la Secretaría de Gobernación.

El sistema establece categorías que orientan sobre la edad recomendada para el público y las restricciones de acceso. Las principales clasificaciones son:

• AA: Películas dirigidas a niños menores de 7 años. Contenido apto para todo público infantil y sin violencia ni lenguaje inapropiado.
• A: Películas para todo público. No contienen escenas de violencia, lenguaje ofensivo ni situaciones que puedan afectar a menores.
• B: Películas para adolescentes y adultos. Se recomienda para mayores de 12 años. Puede tener situaciones de tensión, lenguaje moderado o insinuaciones, pero sin contenido explícito.
• B15: Para mayores de 15 años. Incluye violencia moderada, lenguaje fuerte o temas más complejos, pero no tan explícitos como en la clasificación C.
• C: Exclusiva para mayores de 18 años. Contiene escenas de violencia explícita, lenguaje fuerte, sexualidad o situaciones que pueden afectar a menores.
• D: Solo para adultos. Incluye material sexual explícito, violencia extrema o contenido considerado solo apto para mayores de edad.

¿De qué trata ‘Primate’, película de terror que abrirá la cartelera del género en este 2026?

La cinta de terror de 2026, Primate, narra la historia de un chimpancé doméstico llamado Ben que, después de ser atacado por un animal infectado, desarrolla un comportamiento agresivo y siembra el pánico durante una reunión familiar en Hawái.

Por ello, lo que fue en un viaje soñado ahora se transformará en una lucha desesperada por sobrevivir, mientras los familiares se refugian intentando huir del brutal ataque del primate fuera de control.

La película de terror ‘Primate’ es una de las primeras cintas del género de horror, suspenso y drama de este 2026, que narra la historia de un chimpancé, el cual se vuelve violento y ataca a una familia.

La cinta abrirá la cartelera de este año en México para el género del terror, por lo que en los próximos días es su lanzamiento oficial.

En un principio se mencionó cuál sería la fecha exacta en que ‘Primate’ llegaría a las salas de cine en México, ya que sería para este jueves 8 de enero su estreno oficial.

Por lo tanto, los diferentes complejos cinematográficos ya tienen preparado el arranque de exhibición de la película de ‘Primate’ para esta fecha.

Ante esto, en los sitios oficiales de las distintas cadenas de cine se notificó que ‘Primate’ tendría un preestreno, por lo que se adelantará su llegada a los cines de México.

La fecha de preestreno ya fue revelada y los boletos ya comenzaron a venderse para aquellos fans del terror que quieran conocer esta historia.

Esta es la fecha de preestreno de ‘Primate’ para su llegada a las salas de cine en México

‘Primate’ adelantó su fecha de estreno para las diferentes salas de cine en México, de acuerdo con lo notificado por algunos complejos cinematográficos.

Por lo tanto, el preestreno de ‘Primate’ será desde este lunes 5 de enero, según lo marcado por algunas cadenas de cine en México.

Como se mencionó anteriormente, los boletos ya están a la venta y la preventa en algunos complejos y sedes para su estreno oficial del jueves 8 de enero ya se puede adquirir.

Es importante estar al pendiente de los avisos oficiales de estos complejos cinematográficos en caso de que se cancele alguna función de la cinta de terror, la cual las diferentes críticas la han señalado como ‘buena’.

Por lo tanto, la cinta de ‘Primate’ tendrá un preestreno para este lunes 5 de enero en las diferentes salas de cine de México.

¿De qué trata ‘Primate’, película de terror que abrirá la cartelera del género en este 2026?

La cinta de terror de 2026, Primate, narra la historia de un chimpancé doméstico llamado Ben que, después de ser atacado por un animal infectado, desarrolla un comportamiento agresivo y siembra el pánico durante una reunión familiar en Hawái.

Por ello, lo que fue en un viaje soñado ahora se transformará en una lucha desesperada por sobrevivir, mientras los familiares se refugian intentando huir del brutal ataque del primate fuera de control.

• Título: Primate
• Género: Terror
• Año de estreno: 2026
• Director: Johannes Roberts
• Guion: Johannes Roberts y Ernest Riera
• Reparto principal: Johnny Sequoyah; Jessica Alexander y Troy Kotsur
• País: Estados Unidos
• Idioma: Inglés
• Duración: 89 minutos
• Sinopsis: Un chimpancé mascota se vuelve violento tras ser mordido por un animal rabioso y desata el terror en una fiesta familiar en Hawái.
• Clasificación: C

Una de las claves que distingue el presente de Juan José Ballesta es el compromiso con su empresa de catering, Yantares, que ha ido consolidándose como un proyecto en crecimiento dentro del sector de la hostelería. El medio que dio a conocer la noticia precisó que la compañía, fundada y dirigida por el propio Ballesta, se dedica a servir menús personalizados para eventos y celebraciones y se encuentra en plena expansión, gestionando una alta demanda y con la intención de ampliar su alcance a nivel nacional.

Con nuevas expectativas profesionales y personales para el 2026, Juan José Ballesta encara el año con optimismo y una agenda llena de compromisos. Según consignó el medio, el actor alterna entre grabaciones y el desarrollo de su empresa, manteniendo un ritmo de trabajo intenso que le permite compaginar sus grandes pasiones: el cine, la hostelería y la familia. Ballesta adelantó que en los próximos meses participará en diversos estrenos, entre los que se destacan una película y un cortometraje, hechos que marcan una etapa especialmente productiva para su carrera.

En declaraciones recogidas por la fuente, Ballesta manifestó que la actividad en su empresa de catering no da tregua: “Estamos sin parar”. Este empeño empresarial se suma a las iniciativas relacionadas con el mundo audiovisual, poniendo de manifiesto el proceso de reinvención y diversificación que atraviesa el intérprete, quien no ve inconvenientes en compaginar ambos mundos y afrontar nuevos desafíos.

El medio también detalló que, tras un periodo anterior en el que se enfrentó a fluctuaciones tanto en lo personal como en lo profesional, el actor reafirma su dedicación al trabajo y a la vida familiar. Ballesta revela que la conjunción de éxito laboral y el bienestar de los suyos constituye el eje de sus decisiones. Ante la pregunta sobre sus deseos para el año entrante, Ballesta señaló que sus prioridades permanecen inalterables: “Los deseos son siempre los mismos, salud y estar bien toda la familia”.

La importancia otorgada al entorno familiar se refleja en la descripción de sus celebraciones navideñas, donde se reúne con abuelos, primos, su madre y tías. Según relató el actor, este tipo de encuentros siguen siendo fundamentales, representando un espacio de unión que permanece a pesar del ritmo de su vida profesional. Según informó la fuente, Ballesta vive este periodo con una sensación de movimiento sostenido, aunque sin perder de vista lo que considera verdaderamente esencial.

Ballesta apuesta por mantener el equilibrio entre una vida pública marcada por el trabajo y los logros empresariales, y la estabilidad que le aporta el ámbito familiar. El intérprete agradece la oportunidad de participar en proyectos vinculados al cine y la hostelería mientras sostiene que el impulso para afrontar cada reto le llega del apoyo constante de sus seres queridos, según detalló la fuente.

El actor compagina la atención a los detalles de Yantares, donde él mismo se involucra en la selección de productos frescos y de calidad para los menús, con los requerimientos propios de su actividad artística, en la que se involucra tanto en largometrajes como en formatos más breves. Todo ello va definiendo una etapa en la que la diversificación es protagonista, en la que Ballesta sigue adelante sin perder de vista sus raíces y sus principales motivaciones, tal como publicó la fuente.

Juanpa Zurita compartió en sus redes sociales el éxito que ha tenido el tráiler de su próxima película, producción en la que vuelve a compartir créditos con Ludwika Paleta. De acuerdo con los datos difundidos por el propio creador de contenido, el tráiler se convirtió en uno de los más vistos y comentados del cine mexicano en Instagram.

El actor e influencer publicó una imagen con métricas actualizadas hasta el 28 de diciembre, en las que se observa que el tráiler superó los nueve millones de reproducciones, además de acumular más de 262 mil reacciones y alrededor de 20 mil compartidos en la plataforma. Estas cifras colocaron al adelanto como uno de los contenidos cinematográficos mexicanos con mayor interacción reciente en redes sociales.

La publicación generó conversación entre seguidores y usuarios, quienes reaccionaron al regreso de la dupla protagónica, que ya había trabajado junta en una producción previa con amplia difusión.

Una secuela con una fórmula conocida

La nueva película funciona como continuación de ¿Quieres ser mi hijo?, cinta que en su primera entrega logró captar la atención del público por su historia y por la elección de sus protagonistas.

En esta ocasión, la historia vuelve a reunir a Zurita y Paleta bajo una narrativa que retoma elementos ya conocidos por la audiencia.

La primera película generó comentarios positivos, pero también debate, principalmente por la diferencia de edad entre los personajes principales, un aspecto que fue señalado como uno de los puntos que despertó curiosidad entre los espectadores.

El peso de las redes sociales en el cine mexicano

El caso del tráiler compartido por Juanpa Zurita refleja cómo las redes sociales se han convertido en la clave para medir el interés del público antes del estreno de una película.

La presencia de figuras con gran alcance en plataformas como Instagram permite que los contenidos cinematográficos lleguen a audiencias más amplias, especialmente entre públicos jóvenes que consumen entretenimiento a través de redes sociales.

Este fenómeno también muestra cómo el cine mexicano ha comenzado a integrar estrategias digitales para posicionar sus proyectos, aprovechando la visibilidad de actores e influencers que combinan popularidad en línea con participación en producciones audiovisuales.

Expectativa al próximo estreno

El estreno será el 12 de febrero en cines y el desempeño del tráiler ha colocado a la película en el radar del público desde antes de su lanzamiento oficial.

El proyecto está dirigido por Itztli Hurtado, quien ya había encabezado la primera entrega y ahora regresa para dar continuidad a la historia.

Con este panorama, la película se perfila como uno de los estrenos nacionales que apostarán por el impacto digital como parte central de su estrategia.

El regreso de Bob Esponja a la pantalla grande tiene a chicos y grandes esperando más que sólo el estreno de una nueva aventura animada. Bob Esponja: En busca de los Pantalones Cuadrados llega a los cines mexicanos este 25 de diciembre, prometiendo risas, nostalgia y, sobre todo, una serie de objetos coleccionables que ya han levantado fiebre entre los fans: la deseada palomera 3D y los vasos temáticos que lanzará Cinépolis en exclusiva.

¿De qué se trata la nueva película de Bob Esponja?

En esta cinta, Bob Esponja se encuentra decidido a demostrar que ya no es un “niño”, sino un héroe capaz de enfrentar cualquier reto. Para lograrlo, se embarca junto al Holandés Errante en una travesía épica, enfrentando pruebas y desafíos en las profundidades marinas.

El guion, escrito por Pam Brady y Matt Lieberman bajo la dirección de Derek Drymon, imprime el sello característico de humor absurdo y optimismo inagotable, consolidando una saga que ya es parte fundamental de la cultura pop global.

El talento vocal original regresa, con Tom Kenny como Bob Esponja, acompañado por Clancy Brown, Carolyn Lawrence y nuevos nombres como Mark Hamill, Ice Spice, Regina Hall y George Lopez.

4 vasos y una palomera edición especial

Pero la emoción trasciende la pantalla. Cinépolis acompañará el estreno con un lanzamiento especial: cuatro vasos 3D coleccionables y una palomera 3D con diseño inspirado en la nueva película.

Los vasos presentan a Bob Esponja, Patricio Estrella, Calamardo y Gary, en versiones llenas de color y detalle. La palomera, con el rostro y silueta de Bob Esponja y el logo de la cinta, promete ser el objeto más codiciado cuando la cinta debute durante la temporada navideña.

Cada elemento promocional ha sido elaborado pensando en la autenticidad del personaje y la conexión emocional con varias generaciones. Ya sea por nostalgia, por coleccionismo o por el puro gusto de tener un recuerdo único de Fondo de Bikini, la venta de la palomera promete ser tan exitosa como el estreno de la cinta.

¿Cuándo y dónde comprar la palomera de Bob Esponja?

Para los fans más dedicados, habrá una venta especial para socios Club Cinépolis niveles Fan, Fanático y Súper Fanático, con acceso 24 horas antes de la comercialización general, siempre y cuando hayan realizado una compra previa.

La preventa para socios inicia el 24 de diciembre y la venta general arranca el 25, coincidiendo con el estreno nacional de Bob Esponja: En busca de los Pantalones Cuadrados.

Pero atención: sólo se habilitarán un número limitado de vasos y palomeras por cada complejo Cinépolis y por cliente, dependiendo de disponibilidad. Por lo que te recomendamos correr por la tuya desde el primer minuto.

¿Cuánto cuesta la palomera 3D de Bob Esponja en Cinépolis?

El precio de la palomera promocional 3D de Bob Esponja será de $199 pesos mexicanos e incluye palomitas sabor mantequilla. Los cuatro vasos promocionales tienen un valor de $220 pesos mexicanos cada uno, con refresco incluido.

De acuerdo con comunicados oficiales la venta se limitará a un artículo de cada uno por socio y por tarjeta. La venta es presencial y online (en la app) —según la tienda— y estará vigente hasta agotar existencias, por lo que se recomienda llegar temprano.

Prepara tu outfit amarillo, tu lista de canciones navideñas y, claro, tu Club Cinépolis... porque Bob Esponja y sus amigos están listos para volver a ser el evento familiar del año.

La plataforma de streaming anunció que el documental estará disponible desde el jueves 4 de diciembre. Solo quienes tengan suscripción podrán acceder al filme, que promete abrir la puerta a la intimidad de una de las artistas más queridas y poderosas de la escena actual. Según la sinopsis oficial que otorga Netflix, el proyecto acompaña el regreso de Lali después de tres años lejos de los escenarios, mostrando el proceso personal y profesional que la llevó a convertirse en una referente de su generación.

Con una duración de una hora y catorce minutos, y bajo la dirección de Lautaro Espósito, primo de la cantante, el documental ofrece acceso exclusivo al detrás de escena de la producción de los dos discos más recientes de la artista: Lali (2023) y No atiendas cuando el demonio llama (2025). Imágenes de archivo personal, material inédito, testimonios y el seguimiento del proceso creativo son algunos de los ingredientes de este recorrido. La producción también repasa los inicios de Lali en las novelas juveniles de Cris Morena, como Floricienta y Casi Ángeles, para mostrar el camino recorrido hasta transformarse en el fenómeno pop que hoy lidera la escena local.

En el primer adelanto del documental, Lali reflexiona sobre uno de los desafíos más profundos de crecer y trabajar bajo la mirada popular: “Crecí muy acostumbrada a lo público. Llega un momento en el que ese personaje público te termina encerrando en una cosa que te creés que sos eso y nada más”. El filme explora esa tensión entre la figura pública y la persona privada, mostrando cómo la cantante apuesta a reinventarse cada vez desde un lugar propio y auténtico.

Además de entrevistas y escenas de intimidad, el documental revela la manera en que Lali supo convertir sus experiencias personales en inspiración, fuerza y resiliencia. El recorrido destaca el valor de las pequeñas victorias y el impacto de las decisiones que tomó en el transcurso de estos años, mientras construía su carrera y aprendía a decir que no a lo que no la representaba. “Siento la necesidad imperiosa de alzar la voz y lo hago con mucho orgullo. Yo soy una mujer argentina, soy artista. Soy mi evolución, mi búsqueda, mi aprendizaje. Pero, definitivamente, no soy ni voy a ser lo que otros quieren que yo sea”, asegura Lali en el tráiler, condensando el mensaje de autodefinición y empoderamiento.

El documental no olvida el costado musical. Muestra el proceso creativo que llevó a la publicación del quinto álbum de estudio, Lali, en 2023, que marcó la consagración definitiva de la artista a nivel nacional con mega hits como “Disciplina”, “N5” y “¿Quiénes son?”. El disco obtuvo premios y multiplicó la convocatoria, permitiendo a Lali presentarse como número uno del género y sumar sus primeros conciertos en Vélez, coronados con reconocimientos en los Premios Gardel.

La evolución continuó con el lanzamiento de su último disco en 2025, de sonido más cercano al rock y con una mirada social y política más marcada. Las canciones “Fanático”, “Mejor que vos” con Miranda!, “33” con Dillom y “Plástico” con Duki permitieron a Lali sumar más presentaciones en Vélez y obtener tres nuevas estatuillas Gardel, reafirmando su lugar único en la industria.

El producto de Netflix instala a Lali como una voz influyente, una artista que no teme atravesar luces y sombras. Más allá de la fama y el brillo del espectáculo, el film explora los momentos de vulnerabilidad y las fortalezas que la artista descubrió en el proceso, mostrando a una mujer que supo decir basta, frenar, replantearse el rumbo y volver. Para fans y curiosos, la película representa una oportunidad única de conocer el crecimiento y la transformación de una figura central de la cultura argentina contemporánea.

Con testimonios cercanos, imágenes de archivo y el pulso real de la preparación detrás de los grandes shows, LALI: la que le gana el tiempo se perfila como una obra imprescindible para entender la carrera de una artista

“Este es un formato que te llega al corazón, porque lo que pasa en el programa, esencialmente, es todo verdadero. Es un viaje a la infancia. El invitado sabe por encima de qué se trata, pero en medio le ocurre una evocación emocional muy fuerte, que es imposible que no reaccione”, compartió la conductora con Teleshow en una conversación en donde profundiza en su flamante proyecto televisivo como en sus años en su Tucumán natal. Del tiempo en el que se imaginaba como una Alicia en el país de las maravillas a su historia de amor con Luis Petri, el ministro de Defensa de la Nación.

“Los invitados vuelven a los momentos de su niñez donde se les mueve el corazón. Aparecen sentimientos más puros, y eso es lo que permite este programa”, reflexiona la periodista, que en su propia infancia jugaba a ser conductora de un noticiero y tenía como heroínas a su abuela Amparo, a La mujer biónica y a Lisa, la capitana de Robotech. Sus chicas superpoderosas.

“Camino a casa es una mezcla de biopic con reality. Digo biopic porque apunta a la biografía, y reality porque lo que le pasa a las personas invitadas es totalmente espontáneo, verdadero, sin guión”, contó Cristina, sobre el ciclo en el que Cris Morena será parte del debut y las próximas emisiones estarán dedicadas a Lizy Tagliani, Georgina Barbarossa, Soledad y Marley. “Yo tengo que ir piloteando el programa con lo que ocurre y me parece que la gente se lleva un momento humano que la hace pensar también en su propia historia. Le sucedió a todos los invitados en el programa. Lo más lindo que me pasó, fue que sintieron que sanaron algo al volver”, compartió.

—A los invitados les sucede eso e imagino que a vos también te remueve cuestiones muy personales, el hecho de manejar la emoción del otro.

—Sí, a mí también. A veces hemos terminado entre lágrimas con los invitados porque se tratan temas fuertes, porque todos recordamos cosas de la infancia. Cuando escuchás a alguien que recuerda su infancia, situaciones felices o tristes, es imposible que no te toque, que eso no te haga sintonizar con la otra persona. Eso probablemente, y espero, le va a pasar a la gente que vea el programa. Va a descubrir a personajes muy queridos en sus situaciones más puras, porque son momentos de la niñez. Este programa aborda la niñez o la adolescencia, el momento en que ibas al colegio.

—¿Cómo fue que elegiste este formato para tu vuelta a la pantalla de Telefe, después de más de 20 años en el noticiero?

—Con Guillermo Pendino y Fede Levrino estuvimos trabajando varias reuniones sobre en qué formato yo podía transicionar al entretenimiento o a otro tipo de producto que no fuera noticiero. Pusimos muchas cosas sobre la mesa. Cuando apareció este proyecto, me acuerdo que vino Fede superilusionado, yo sentí que era para mí, que lo quería hacer. Tal fue la sintonía, que ese día yo le estaba haciendo escuchar a Guillermo unos podcasts que había hecho y, azarosamente, había uno donde contaba de mi vuelta a casa con mi mamá cuando era chica. Y cuando viene Fede con el formato, yo no lo podía creer porque él no lo había estado escuchando. Fue como súper serendipity, como le dicen. Se dieron de pronto todas las sincronías cuando lo elegimos. Estoy muy feliz porque me parece que los cinco programas son muy hermosos.

—¿Qué podés adelantar sobre los invitados y las situaciones que mostrarán?

—Empezamos con un programa junto a Cris Morena. Terminé el programa siendo amiga de Cris, nos hicimos amigas, te juro. Es una cosa increíble. Tan amigas que ella tuvo el acto de generosidad de darme una canción de Teen Angels para el programa. Creo que van a saber cosas de Cris que no son conocidas, realmente, de esta creadora de mundos. Ella hizo un posteo por el programa y está ilusionada. A mí eso me parece un sueño, porque ella es una figura con mayúsculas en televisión, ha creado mundos para varias generaciones de infancia y adolescencia. Es algo para mí muy especial y le estoy muy agradecida con eso.

—¿Qué formatos te ofrecieron y no aceptaste?

—No es que me los ofrecieron. El canal siempre tiene formatos que va estudiando y ahí aparecen cosas. Por ahí parezco mucho más estructurada de lo que soy. A mí me gusta aventurarme y en algunas cosas funciono como en el amor. Me doy cuenta que algo me hace no dudar, que hay algo que me dice “es esto”. No sabés por qué y lo sabés. Me pasó eso con este formato. Fue amor a primera vista. Estoy muy contenta, también porque vuelvo a casa, volviendo a Telefe con este ciclo. Es una forma de abrir otra historia, de cerrar una y abrir una nueva.

—Mencionaste tu historia con Telefe. ¿Qué te pasa ahora cuando ves el noticiero hoy?

—Toda la vida voy a sentir amor por el noticiero. Profesionalmente, hacía años que yo venía buscando hacer un periodismo más de autor, más político, y los formatos de noticiero de aire por ahí no te permiten eso porque no es el formato. La situación que se dio en mi vida, con algunas reglas que tenía el canal, me permitió lograr eso. Para mí fue un salto evolutivo. Como cuando un ciclo termina, que a veces ocurre por algo que no tiene nada que ver, pero era tiempo. Siento eso. No implica que se termine el amor o el orgullo por haber sido parte de la historia de Telefe Noticias. Lo siento como muy envuelto por ternura, por agradecimiento, por crecimiento. Me parece que son los pasos que vas dando en la vida.

—¿Qué quedó de tu relación con Rodolfo Barili luego de tantos años trabajando juntos?

—Casi no hablamos, pero las pocas veces que lo hacemos por algo, nos mandamos un mensaje por algún motivo, la amistad está intacta porque son muchos años. Borges decía que la amistad no tiene frecuencia. Nosotros, cuando tengo que preguntarle algo o él me tiene que preguntar algo, es algo que siempre va a ser cercano porque compartimos más de veinte años. Así que, en ese sentido, no tengo duda que la amistad va a estar toda la vida. Imaginate los recuerdos, las cosas que logramos juntos.

—El programa es acerca de las raíces, los lugares donde transitaste en los primeros años. ¿Vas seguido a Tucumán?

—Soy una mujer del interior y, hoy, me tracciona en partida doble el interior, porque vuelvo a Tucumán, pero más vuelvo a Mendoza, donde también está mi hogar, porque mi marido es de Mendoza. Cuando vuelvo a Tucumán está mi hermano, mis sobrinos, mis tías. Con la tristeza de haber perdido muy recientemente a mis padres, que es el dolor más fuerte que sentí, pero me siento llena del amor de ellos para seguir multiplicándolo en mi familia.

—También está tu proyecto de vida con Luis Petri, tu pareja.

—Mi proyecto con Luis en Mendoza es nuestra casa, nuestra construcción, nuestra ilusión. Luis tiene un hijo, Julián, de 18 años, pero también un poco es mi hijo. Hay mucho amor ahí. El amor me apareció ya de grande, porque yo siempre le dediqué mucho al trabajo y mis proyectos personales quedaban en segundo plano. Ahora la portada la tiene el proyecto personal con ochenta trabajos: tengo mi programa en Radio Rivadavia, que está muy bien; tengo La Nación+, ahora Telefe con mucha felicidad y también escribo. Acabo de publicar Mujer Samurai (Plaza & Janés Editores), que es un libro hermoso, que me da mucha felicidad haberlo parido, porque fue difícil de escribir.

—¿Cómo se organizan en una relación entre Buenos Aires y Mendoza?

—Tenemos una vida con valijas hechas, porque vamos y venimos, a veces más acá y a veces más allá. Mucha gente me decía cuando empecé esta relación que iba a ser un problema la distancia, y no, porque se genera una dinámica sorpresiva, sin rutina, con mucha fluidez. Estamos muy felices y para nosotros no es un problema, al contrario, es como un cambio permanente. Es hermoso y Mendoza es divina, nadie puede tener problemas con ir.

—Volviendo a la esencia de Camino a casa, ¿quiénes eran tus héroes de la infancia? ¿Qué soñabas de chica?

—Creo que mi primera heroína fue mi abuela, Amparo. Y en esa época, también, ya era una lectora obsesiva. Me encantaba leer, mis libros eran mis mundos. Creo que era una pequeña Alicia que se inventaba su Wonderland. Ya leía poesía, leía de todo. Y eso me marcó mucho. Después, soñaba con hacer noticiero cuando era chica, aunque no lo creas: jugaba ante un espejo a que hacía un noticiero. Siempre recuerdo que era mi sueño tan vivo que, aún hoy, sigo sintiendo que cumplo un sueño haciendo lo que hago.

—¿Y en términos de ficción?

—Me gustaba La mujer biónica y Lisa de Robotech... Básicamente, siempre soñé mucho y me creí muy dueña de mis sueños. Siempre les digo a los chicos que se enamoren de sus sueños y que los vayan a buscar de verdad. Porque a veces, aunque te parezca imposible, incluso aunque no ocurra, seguro el ir a perseguir tus sueños te lleva a algún lugar maravilloso. Me acuerdo que de chica yo estaba asociada a la biblioteca del Colegio María Auxiliadora y una vez saqué un libro que se llamaba “Ilusiones”, de Richard Bach. Empezaba con una frase que me encantó: “No se te concede ningún sueño sin la capacidad de hacerlo realidad, pero puede que te cueste trabajo”. Tenía las dos caras. Creo que incluso los sueños que se nos conceden nos siguen costando trabajo a lo largo de la vida.

—No es una meta que se alcanza y ya está.

—Por suerte, porque si no, ¿qué nos queda?

Los fanáticos de los videojuegos bélicos ya tienen un nuevo motivo para anticipar la llegada de más acción: ha sido publicado publicado el tráiler oficial de la temporada 1 de Battlefield 6, revelando novedades acerca del contenido que se introducirá a partir del 28 de octubre y adelantando las fases que marcarán el final de este año para la franquicia.

Nuevas actualizaciones para Battlefield

La apertura de la temporada 1 estará marcada por “Operaciones Rebeldes”, una actualización que se lanza la próxima semana y que suma nuevos retos a la experiencia multijugador.

En el corazón de esta fase se encuentra Blackwell Fields, un mapa de diseño amplio ideado para propiciar escenarios de guerra total y confrontación caótica característica de la saga. A ello se suma Punto de Impacto, un intenso modo 4c4 que enfatiza el combate táctico en equipos reducidos.

El contenido no termina con la llegada de Operaciones Rebeldes. El 18 de noviembre de 2025, los jugadores podrán acceder a la segunda fase de la temporada bajo el nombre “Resistencia de California”.

Este lanzamiento introduce mejoras con el mapa Eastwood, que traslada el conflicto a los suburbios del sur de California, y suma el modo Sabotaje, donde el objetivo es destruir el mayor número posible de sitios antes de que finalice la ronda. La combinación de nuevos mapas y modos invita a replantear estrategias y mantiene el dinamismo en el multijugador.

Hacia el 9 de diciembre llegará “Ofensiva Invernal”, que completa la primera temporada con contenido temático exclusivo y aporta una atmósfera gélida a los combates urbanos en Empire State. El juego presentará eventos y objetos especiales inspirados en esta estación, incentivando la participación y la colección de recompensas dentro del universo del videojuego de disparos en primera persona.

Para qué consolas estará disponible los nuevos contenidos de Battlefield 6

El contenido de temporada incluirá mapas, modos de juego, nuevas armas y opciones de personalización, todo disponible en PlayStation 5, Xbox Series X|S y PC (a través de Steam, EA app y Epic Games Store).

Todas las funciones que impactan directamente la jugabilidad serán gratuitas o desbloqueables por avance, fomentando el acceso equilibrado entre todos los jugadores y promoviendo el juego limpio como uno de los pilares de la comunidad.

Cuáles serán los precios del nuevo Battlefield

Los jugadores tienen disponible Battlefield 6 en dos versiones principales: la Standard Edition y la Phantom Edition. La primera se comercializa a un precio de 69,99 dólares, mientras que la edición Phantom, cuyo valor alcanza los 99,99 dólares, ofrece ventajas exclusivas.

Entre estos extras se cuenta el paquete “Escuadrón Phantom”, con diseños únicos para el soldado, dos paquetes de armas de alto rendimiento, un diseño especial de vehículo y un cuchillo de combate personalizado.

Además, la edición Phantom incluye una ficha Battlefield Pro y un paquete de contenido de la temporada 1, integrado por el pase de batalla, 25 saltos de nivel, artículos estéticos, fichas de experiencia (XP) y otras bonificaciones.

Por qué es tan reconocido en el gaming la franquicia de Battlefield

Para los recién llegados a la franquicia o quienes buscan adentrarse en los detalles, Battlefield es reconocida como una de las series emblemáticas del género de disparos en primera persona (FPS) de acción bélica.

Desarrollada principalmente por EA Digital Illusions CE (DICE) y distribuida por Electronic Arts (EA), la saga sobresale por su modo multijugador masivo, donde el trabajo en equipo, la estrategia y la utilización de una amplia gama de vehículos (tanques, helicópteros, aviones y más) definen la experiencia.

La destrucción del entorno, otro de sus sellos, permite a los participantes modificar el campo de batalla, introduciendo un elemento dinámico que distingue a la franquicia.

Battlefield ha explorado diferentes épocas históricas y conflictos modernos o futuristas a lo largo de sus entregas, atrayendo a una comunidad diversa que valora tanto las batallas multitudinarias como la posibilidad de combates más tácticos o modos para un solo jugador. L

a serie se ha posicionado por ofrecer combates de gran escala en mapas abiertos, donde el uso inteligente de los recursos disponibles puede inclinar la balanza en cualquier momento.

Rosalía confirmó oficialmente el lanzamiento de su nuevo álbum, Lux, que verá la luz el próximo 7 de noviembre bajo el sello Columbia Records.

La cantante, compositora y productora español presentó la noticia este lunes en el corazón de Madrid, transformando la Gran Vía en el epicentro de su regreso musical.

El anuncio llegó acompañado de una imagen tan simbólica como provocadora: la portada oficial del disco, una fotografía de Rosalía vestida con hábito de monja sobre un fondo celeste, fue revelada ante una multitud de fanáticos y curiosos que se congregaron en la emblemática avenida madrileña.

El evento fue transmitido en vivo a través de TikTok e Instagram, aunque la transmisión en la primera plataforma se interrumpió inesperadamente después de que la artista fuera vista manejando y fumando un cigarrillo, una acción que viola las políticas de contenido de TikTok.

“He estado esperando tanto este día, este momento, y finalmente ha llegado”, dijo la famosa durante la transmisión, visiblemente emocionada.

En su sitio web oficial ya están disponibles las ediciones en vinilo y CD del álbum, incluyendo una versión especial con postales autografiadas por la artista, con un costo de 34.99 dólares.

Una campaña llena de misterio y simbolismo

El lanzamiento de Lux llega después de semanas de pistas y mensajes enigmáticos en redes sociales.

En septiembre, la cantante había publicado en X (antes Twitter) la frase “LUX = LOVE”, generando una ola de teorías entre sus seguidores. Días antes del anuncio, un enorme cartel en Times Square ya adelantaba el mes de lanzamiento del disco.

La artista también compartió un breve clip en el que se la veía escuchando una orquesta sinfónica mientras sostenía un rosario entre los dientes, una imagen que muchos interpretaron como un guiño al concepto visual del nuevo álbum, que parece explorar la relación entre la espiritualidad, el arte y la devoción.

En una reciente conversación con Highsnobiety, Rosalía habló sobre su evolución personal durante el proceso creativo del disco.

“He cambiado mucho, pero al mismo tiempo sigo dándole vueltas a las mismas cosas. Todavía tengo las mismas preguntas y el mismo deseo de responderlas. Sigo amando el pasado y siento la misma curiosidad por el futuro”, confesó.

Cabe destacar que Lux será el sucesor de Motomami (2022), el aclamado álbum que redefinió los límites del pop y consolidó a Rosalía como una de las figuras más innovadoras de la música global.

Aquel proyecto, coproducido junto a Noah Goldstein, Michael Uzowuru, Dylan Wiggins y Pharrell Williams, le valió a la artista el Latin Grammy al Álbum del Año, convirtiéndola en la primera mujer en la historia en ganar ese galardón dos veces, tras su victoria previa con El Mal Querer (2019).

El impacto de Motomami trascendió fronteras, ya que combinó flamenco, reguetón, electrónica y experimentación vocal en un manifiesto de libertad artística.

Desde entonces, la estrella ha mantenido una presencia constante en la escena internacional, colaborando con figuras como Björk, Lisa de Blackpink y Ralphie Choo.

En 2023, lanzó junto a Rauw Alejandro el EP RR, que incluía los temas “Beso”, “Vampiros” y “Promesa”. La química musical y personal entre ambos marcó una de las etapas más comentadas de su carrera.

A pocas semanas del lanzamiento de Lux, todo apunta a que Rosalía prepara una obra introspectiva, más espiritual y quizás más vulnerable.

La plataforma de streaming Netflix presentará el 30 de octubre una serie documental que promete revelar aspectos desconocidos de Juan Gabriel, una de las figuras más influyentes de la música mexicana.

Bajo el título Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero, la producción se sostiene sobre un acceso inédito a más de cuarenta años de archivos personales de Alberto Aguilera Valadez. Videos, audios e imágenes grabadas por el propio cantante integran esta inmersión en la vida fuera del escenario del artista.

Cómo es la nueva serie documental de Netflix

Dirigida por María José Cuevas, responsable de proyectos como Bellas de Noche y La Dama del Silencio: El caso Mataviejitas, y producida por Laura Woldenberg e Ivonne Gutiérrez, la serie cuenta con cuatro episodios que retratan la dualidad entre el mito y el ser humano.

La compañía Mezcla es la productora a cargo del proyecto. De acuerdo con la sinopsis, el acercamiento de la serie permite no solo observar la dimensión pública del artista sino comprender el carácter íntimo de quien supo convertir la vulnerabilidad y la soledad en motor creativo.

Los orígenes de Juan Gabriel y su transformación en ícono latino

Nacido en Parácuaro, Michoacán, el 7 de enero de 1950, Alberto Aguilera Valadez migró en la infancia junto a su madre y hermanos a Ciudad Juárez, Chihuahua, donde inició un camino artístico en medio de condiciones adversas.

En la Escuela Laica de Mejoramiento Social para Menores, respaldado por educadores como Micaela Alvarado y con la guía de don Juan Contreras, forjó sus primeras composiciones y desarrolló una sensibilidad musical que marcaría su obra. Antes de los 14 años ya había creado su primer tema, ‘La muerte del palomo’, abriendo paso a una carrera que transformó la industria musical.

En el circuito nocturno de Ciudad Juárez, Aguilera Valadez actuó bajo distintos nombres artísticos, combinando sus presentaciones con trabajos manuales necesarios para su sustento. A finales de los años sesenta, se trasladó a la capital mexicana, en una búsqueda de oportunidades que lo llevó a enfrentar rechazos y vivir periodos de precariedad, incluyendo una estadía en prisión.

Durante ese trayecto, la experiencia personal se transformó en canciones emblemáticas como ‘No tengo dinero’ y ‘Me he quedado solo’. Recién en 1971, tras lograr un contrato con RCA Victor, comenzó a consolidarse el fenómeno Juan Gabriel.

El archivo personal de Juan Gabriel, la clave de una narrativa inédita

El documental de Netflix explora ese tránsito desde el anonimato hasta la consagración como referente continental. A lo largo de las décadas, el compositor escribió más de 300 canciones, logró decenas de discos de Oro y Platino y colaboró o produjo para intérpretes de la talla de Rocío Dúrcal, José José y Lucha Villa.

Obras como ‘Amor eterno’, ‘Querida’ y ‘La diferencia’ se convirtieron en parte del repertorio de la música popular latinoamericana, alcanzando a millones de oyentes en distintos idiomas y contextos culturales.

La serie pone foco en el archivo personal del artista, material que por primera vez sale a la luz. El uso de grabaciones y registros obtenidos y guardados por el mismo Juan Gabriel constituye uno de los elementos distintivos de la propuesta.

Esta aproximación permite al público observar momentos inéditos, espacios de la vida cotidiana y el proceso creativo que impulsó al ídolo mexicano a conectar con distintas generaciones. Además, se refleja la manera en que el cantante enfrentó la adversidad y transformó el dolor personal en composiciones reconocidas globalmente.

El estreno el próximo 30 de octubre de Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero en Netflix se suma a la estrategia de la plataforma de nutrir su catálogo con contenidos sobre figuras centrales de la cultura popular.

La contribución de Juan Gabriel a la música y la cultura mexicana permanece vigente. Al cumplirse casi una década de su fallecimiento, la serie documental invita a entender no solo al artista, sino al ser humano detrás de la leyenda: “la historia secreta” que tejió puentes emocionales a través de sus canciones y dejó un legado que sigue conmoviendo a millones.

El universo de Tron iniciado en 1982 y continuado en 2010 con Tron: Legacy, tendrá su continuidad en 2025 con Tron: Ares, una nueva entrega que busca revitalizar la saga de ciencia ficción y darle un giro hacia un relato más serio.

El estreno internacional está previsto para el 9 de octubre de 2025, y por lo visto en los trailers, la película se presenta como una exploración visual y conceptual de la colisión entre tecnología y humanidad.

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La trama sitúa a Ares, el sofisticado programa encarnado por Leto, en una misión arriesgada en el mundo real. Su contacto con los humanos lo lleva a cuestionar su propia naturaleza y a buscar el significado de la humanidad. Ares se une a Eve Kim, la CEO de ENCOM interpretada por Greta Lee, en la búsqueda de un misterioso código creado por Kevin Flynn, personaje histórico de la franquicia.

El elenco incluye a Evan Peters, Jodie Turner-Smith, Hasan Minhaj, Arturo Castro, Gillian Anderson y Cameron Monaghan, en un relato que combina acción, persecuciones y dilemas éticos en un entorno donde los límites entre lo real y lo virtual se desdibujan.

El rol de la inteligencia artificial en ‘Tron: Legacy’

La inteligencia artificial ocupa un lugar central tanto en la narrativa como en el contexto de la producción. De hecho, se sabe que al inicio del rodaje, la IA no formaba parte de la conversación cotidiana, como ocurre en la actualidad, con usos más evidentes en aplicativos utilizados por millones de personas a diario.

En ese sentido, Rønning expresó sus reservas y esperanzas sobre el uso de la IA en el cine: “Como cineasta, tengo sentimientos encontrados. Necesita ciertas barreras en el cine, pero también podría ser algo hermoso. Espero que podamos abordarlo un poco en la película, donde hablamos un poco sobre lo que puede ser la IA si se usa para el bien común”, declaró en entrevista con Europa Press.

En cuanto al proceso creativo, Leto expresó en diálogo con Malditos Nerds que su mayor reto fue dotar de humanidad a un personaje que podría haber resultado monótono: “Ares es en cierta forma este ser, esta criatura que tiene el dominio total de su mundo, pero luego llega a un mundo nuevo y es casi como un niño otra vez”. El actor relató que recurrió al consejo de Harrison Ford para confiar en la historia y permitir que el personaje evolucionara de manera natural. Rønning, por su parte, enfatizó la importancia de mostrar la transición de los elementos digitales al mundo real, como las icónicas motos de luz y los trajes, para ofrecer una experiencia visual inédita.

En el apartado técnico y artístico, la producción apostó por efectos prácticos, tecnología IMAX, y una banda sonora a cargo de Nine Inch Nails, que lleva la electrónica que aportó Daft Punk en Tron: Legacy en una dirección radicalmente opuesta, apelando a sus ritmos industriales y un ambiente más melancólico y tétrico que refleja el choque entre lo humano y lo artificial que sirve como eje del filme.

Tron: Ares llegará a las salas de cine de Colombia el próximo jueves 9 de octubre de 2025, Ya tuvo lugar la gala previa a la preimer en el país, que tuvo como eje central una máquina de arcade que replicó el juego original de la primera película de la franquicia. Los asistentes interactuaron con montajes inspirados en la película y posaron junto a los discos de identidad, elementos icónicos de la saga.

De igual modo, se anunció una activación especial alusiva al estreno del largometraje en el Centro Comercial Titán Plaza que estará vigente entre el 9 y el 13 de octubre. Bautizado como Láser Challenge, invita a atravesar y esquivar un recorrido de láser y descifrar un código para completar el desafío, haciendo que los participantes se sientan parte de este universo que dará de qué hablar en el cierre de 2025.

La película “The Official Release Party of a Showgirl”, dirigida y protagonizada por Taylor Swift , debutó el viernes 3 de octubre en cines de Estados Unidos y alcanzó una recaudación confirmada de 15,8 millones de dólares en su primer día, según datos de Deadline. Las estimaciones preliminares para el primer fin de semana oscilan entre 30 y 32 millones de dólares, aunque la cifra total aún debe confirmarse. El estreno generó un importante movimiento en la industria y modificó el tablero de la cartelera nacional.

De acuerdo con cifras publicadas por Deadline, la expectación por el lanzamiento del filme de Taylor Swift se reflejó en los 15 millones de dólares en ventas anticipadas, antes incluso del arranque oficial en salas. Según la consultora PostTrak, citada por el mismo medio, un 58% de los espectadores adquirió su entrada con al menos una semana de anticipación, y solo un 16% decidió asistir el mismo día. El evento impactó no solo a fanáticos de la artista, sino a distribuidores y exhibidores atentos al modelo de comunicación empleado.

El contexto del estreno incluyó el lanzamiento conjunto del álbum “The Life of a Showgirl” y una campaña distinta a la habitual. Taylor Swift anunció el proyecto solo dos semanas antes del estreno, usando como principal canal sus redes sociales. Este enfoque le permitió prescindir de la estructura tradicional de publicidad, lo que no impidió una afluencia masiva durante la jornada inicial, según Deadline.

¿Cuánto recaudó “Showgirl” tras su lanzamiento y cuáles son las proyecciones del fin de semana?

La única cifra confirmada hasta la mañana del sábado corresponde a los 15,8 millones de dólares recaudados el viernes, día de la apertura, según Deadline. La proyección para el periodo completo del fin de semana alcanza entre 30 y 32 millones de dólares, una marca aún sujeta a actualización en función de la asistencia el sábado y domingo. Los rankings se mantienen abiertos hasta recibir los montos oficiales al término del ciclo.

PostTrak informó que el 88% del público fue femenino y un 61% correspondió a personas de 18 a 34 años. Además, la región sur y el centro-oeste de Estados Unidos representaron el 36% del total recaudado. El interés por salas premium impulsó el 28% de los ingresos, con AMC Dine-In Disney Springs, en Florida, como la sede más exitosa a nivel local al superar los 61.000 dólares en un solo día.

Las claves de la estrategia promocional para “Showgirl”

La promoción de la película se distinguió por la ausencia de marketing convencional y el uso intensivo de plataformas sociales. Taylor Swift y su equipo apostaron por publicaciones directas a su base de seguidores en TikTok, Instagram, Facebook, X y YouTube. La consultora RelishMix, citada por Deadline, calculó un alcance de más de 714 millones de personas, cifra muy superior a la de otros lanzamientos recientes de cine musical.

Uno de los componentes principales fue la sincronización con el álbum “The Life of a Showgirl” y la venta anticipada, que permitió asegurar la mitad del ingreso estimado antes de la función inaugural. El contenido generado por fanáticos aportó más de 117.000 publicaciones en TikTok en los cinco días previos, según las mediciones del sector.

¿Cómo quedó la taquilla estadounidense durante el fin de semana del estreno de “Showgirl”?

El ranking provisional elaborado por Deadline situó a la película de Taylor Swift en la primera posición, seguida por:

1. Showgirl: 15,8 millones de dólares (viernes), con estimación total de 30-32 millones en tres días, 3.702 salas.
2. One Battle After Another: 3,3 millones (viernes), proyección de 12,3 millones en el fin de semana, 3.634 salas.
3. The Smashing Machine: 2,7 millones (viernes), estimación de 6,2 millones en tres días, 3.345 salas.
4. Gabby’s Dollhouse: 1,2 millones (viernes), estimación de 4,7 millones durante el periodo (3.507 salas).
5. The Conjuring: Last Rites: 1,1 millones (viernes), cálculo de 4,2 millones en tres días, 2.753 salas.

Entre los títulos restantes se encuentran el reestreno de Avatar: The Way of Water y “Demon Slayer: Infinity Castle”, ambos lejos de los registros alcanzados por la producción de Swift.

¿Por qué las cifras de “Showgirl” resultan relevantes en la industria del cine?

El caso “Showgirl” destaca por la inédita proporción de ventas anticipadas y por el uso de canales no convencionales para distribuir y promocionar la película. El 58% de los boletos vendidos corresponde a compras previas, algo poco frecuente en estrenos musicales recientes, según datos de Deadline. Esta modalidad permitió prever gran parte de la ocupación sin depender de las tendencias de último momento.

El desempeño de la película fue validado por las encuestas de PostTrak, que atribuyeron un índice de recomendación del 82% y una aprobación positiva del 93%. Por tipo de público, el 17% era latino, el 7% asiático y el 2% afroamericano, patrones que marcan un alcance transversal para la propuesta.

Diferencias entre el estreno de “Showgirl” y otros debuts recientes

A diferencia de otros proyectos, la ventana entre el anuncio y la llegada a salas fue de apenas dos semanas. En el esquema tradicional, los grandes estudios programan campañas extensas y aseguran la colocación de trailers en distintos formatos. La estrategia de Taylor Swift giró en torno a la inmediatez, la digitalización y la movilización de su comunidad de seguidores, lo que eliminó varias etapas de la promoción previa.

Producciones recientes, como “Demon Slayer: Infinity Castle”, también apostaron por la venta previa, pero no alcanzaron los niveles de anticipación ni de respuesta vistos con “Showgirl”, según el análisis de Deadline. La industria observa el fenómeno como una tendencia para evaluar la viabilidad de propuestas similares en adelante.

Perspectivas para la taquilla tras el estreno de “Showgirl”

El modelo de lanzamiento generó retos para los exhibidores, principalmente por la rápida demanda en salas premium y la distribución concentrada en un solo fin de semana. Cineastas y productores valoran la capacidad de convocatoria demostrada por figuras de repercusión global, considerando los altos índices de satisfacción expresados por los encuestados.

Según Deadline, el desenlace de “Showgirl” será un referente en las próximas decisiones del sector sobre event movies, transmisión de conciertos o documentales que impliquen el traslado masivo de audiencias digitales a espacios físicos. La influencia del fenómeno se extenderá a la planificación de futuros lanzamientos donde la fidelidad de comunidades temáticas puede sustituir métodos tradicionales de marketing.

¿Qué sigue para la industria y cuándo se conocerán las cifras definitivas?

El reporte de Deadline detalló que los montos oficiales consolidados del fin de semana serán dados a conocer luego de la jornada dominical por entidades como Comscore y la Asociación Nacional de Propietarios de Cines de Estados Unidos. La información permitirá confirmar el peso real del debut de “Showgirl” respecto a otros eventos recientes.

La experiencia de Taylor Swift será objeto de análisis en foros e instancias internas, por la eficacia demostrada en acortar tiempos y centralizar la respuesta de la audiencia. Especialistas anticipan un debate sobre nuevas formas de promoción, sus ventajas competitivas y la posibilidad de replicar estas estrategias para propuestas focalizadas en otros géneros.

La película es un remake del clásico thriller con el mismo nombre que se entrenó en 1992. En esta reinterpretación Claire Morales (Winstead) es una ama de casa de clase acomodada, que contrata a una niñera para que le ayude a cuidar a su hija de ocho años Emma (interpretada por la estrella infantil Mileiah Vega) y a la recién nacida Josie.

De esa forma es que Polly Murphy (Maika Monroe) llega a la vida de la familia Morales. Claire descubrirá que Murphy oculta algo oscuro en su pasado y que sus intenciones no son buenas.

La dirección está bajo la batuta de Michelle Garza Cervera, cineasta mexicana que ganó reconocimiento internacional por su estilo atmosférico y su mirada incisiva en el género de horror.

Garza Cervera debutó con el largometraje, Huesera de 2022, con lo que demostró su capacidad para abordar temáticas de maternidad y terror psicológico.

La cineasta mexicana dijo para la revista Empire que esta cinta realmente no es un remake, “más bien lo abordé como una reimaginación".

La cineasta aseguró que quiso respetar la versión de 1992 por lo que decidió “honrar la película” no haciendo una copia exacta.

Además, afirmó que, aunque respeta la trama original, empezar de cero le dio la oportunidad de “construir toda una historia, personajes y temas que se sostienen por si mismos”.

“Toda la historia está construida de manera que empuja a Clarie hasta el límite. El personaje de la niñera aparece como el catalizador que lleva al personaje principal al borde del colapso psicológico”. dijo.

Finalmente, Michelle Garza Cervera dijo que esta película hace un guiño al tema de la maternidad moderna vista desde el cine.

“Una parte de esta exploración está dedicada a examinar cómo las nuevas madres se presionan hacia esa idea de ser perfectas”, agregó.

Asimismo, la mexicana comentó que en tiempos de las madres blogueras e influencers se espera que “hagamos lo correcto todo el tiempo”.

Además el guion es obra de Micah Bloomberg, conocido por su trabajo en la aclamada serie Homecoming, y se basa en la historia original de Amanda Silver.

El elenco se complementa con la participación de Raúl Castillo, Martin Starr, Mileiah Vega, Riki Lindhome y Shannon Cochran.

En el apartado de producción, la película cuenta con un equipo de peso: Michael Schaefer, Mike LaRocca y Ted Field figuran como productores principales, mientras que Michael Napoliello, Maria Frisk y Seth William Meier asumen la producción ejecutiva.

La mano que mece la cuna se estrenará el 22 de octubre por Hulu justo antes de Halloween.

El nuevo videojuego OD se presenta como uno de los lanzamientos más esperados dentro del género de terror interactivo, respaldado por la visión del desarrollador Hideo Kojima y la participación del reconocido cineasta y comediante Jordan Peele. La obra llega en un momento clave para la industria, combinando narrativa de autor, recursos estéticos avanzados y una apuesta por la innovación en la experiencia del usuario.

Kojima Productions celebró su décimo aniversario con la presentación mundial de OD durante el evento ‘Beyond the Strand’. En ese espacio, se mostró un adelanto impactante que dejó ver tanto la intención experimental del título como su inquietante atmósfera.

Artistas como Sophia Lillis y Hunter Schafer encabezan el reparto de OD

El tráiler introduce a la actriz Sophia Lillis, quien aparece en una habitación iluminada por velas que pronto se convierte en territorio de un terror casi palpable. El realismo gráfico, posible gracias al Unreal Engine, utiliza la luz y los detalles del entorno como instrumentos narrativos para potenciar una sensación de miedo físico y silencioso.

En una de las escenas más destacadas, la cámara se acerca al rostro de la protagonista petrificada, mientras unas manos gigantes emergen de la penumbra y amenazan con atraparla.

Una apuesta narrativa al terror psicológico

La trayectoria de Hideo Kojima ha estado marcada por el desarrollo de videojuegos de autor, donde la narrativa se entremezcla con emociones y estética. Títulos como Metal Gear y Death Stranding consolidaron su reputación como uno de los narradores más innovadores del sector. Sin embargo, con OD, Kojima retoma algunas de las claves que revolucionaron el terror interactivo, evocando la tensión de P.T., su recordado proyecto inacabado.

La influencia de P.T. se percibe en una generación de juegos que priorizan la atmósfera opresiva, el horror psicológico y los recursos visuales capaces de transformar situaciones cotidianas en escenarios perturbadores.

El cineasta y comediante que ayudará en el videojuego de terror

OD no solo sigue la tradición de Kojima, también innova al establecer colaboraciones con figuras claves del cine contemporáneo. Jordan Peele, ganador de un Premio de la Academia y famoso por su trabajo en la comedia y el terror, aporta su experiencia como creador de atmósferas y narrativas inquietantes.

Peele se destacó inicialmente en la televisión y la comedia, junto a Keegan-Michael Key en la exitosa serie Key & Peele y el film Keanu. Sin embargo, su consagración autoral llegó con la dirección y el guion de ¡Huye!, película que marcó un hito por su guion original y la mezcla de terror con crítica social. Peele también dirigió y produjo Nosotros y Nope, consolidándose como uno de los principales renovadores del género en el cine del siglo XXI.

El enfoque de OD como “experimento narrativo y jugable” fue destacado por Phil Spencer, responsable de Microsoft Gaming, quien recalcó la capacidad del nuevo juego para romper límites y redefinir la experiencia interactiva.

El objetivo de Kojima es que el usuario no solo sea un espectador, sino que observe, sienta y participe de forma activa en una historia que desafía el esquema tradicional del terror. El equipo creativo integra también a actores como Hunter Schafer, conocida por su papel en Euphoria, dando al proyecto una dimensión adicional tanto en interpretación como en impacto visual.

A nivel técnico, el desarrollo sobre Unreal Engine permite alcanzar cotas de hiperrealismo que refuerzan la atmósfera del terror. La iluminación y el diseño de sonido son empleados como herramientas narrativas, de modo que el miedo nace más de la tensión y la expectativa que de la acción directa.

Esta aproximación, que se aleja del susto fácil y recurre mejor a lo atmosférico y emocional, se inspira tanto en los experimentos previos de Kojima como en las tendencias más recientes del sector.

OD representa un intento por fusionar la interactividad propia del videojuego con la complejidad narrativa y simbólica característica del cine actual. Al sumar la visión de creadores como Jordan Peele y una puesta en escena que prioriza la psicología y la sensación de inquietud, la propuesta promete renovar el panorama del terror digital.

The Paper, la nueva serie creada por Greg Daniels, responsable de la exitosa The Office, y Michael Koman, conocido por Nathan for You, se estrenará en América Latina el próximo 25 de septiembre a través de HBO Max.

Con una mirada satírica y mordaz al mundo del periodismo local, la producción promete convertirse en un referente dentro del género de falso documental que Daniels ayudó a popularizar hace casi dos décadas.

La serie debutará con cuatro episodios disponibles desde el primer día y, posteriormente, se lanzarán dos capítulos nuevos cada jueves.

La trama parte de un ingenioso guiño al universo de The Office. El mismo equipo documental que retrató la vida en la sucursal de Scranton de la papelera Dunder Mifflin encuentra ahora un nuevo proyecto.

Deberán seguir a un histórico periódico del Medio Oeste de Estados Unidos y a su editor, quien intenta devolverle la vida al medio pese a la crisis que atraviesa el periodismo local.

“Somos tres miembros de un maravilloso elenco de personajes desfavorecidos que se unen para mantener vivo el periodismo. Mi personaje tiene la inquebrantable creencia optimista de que puede llevar a The Truth Tellera la gloria de su apogeo", dijo Domhnall Gleeson durante una conferencia de prensa.

La apuesta de HBO Max parece justificada, ya que antes de su estreno el pasado 4 de septiembre, Peacock ya había asegurado una segunda temporada del proyecto.

En su debut, el proyecto logró entrar en el top ten de Nielsen y se convirtió en el segundo mejor estreno de comedia en la historia de la plataforma, solo detrás de Ted.

El elenco de The Paper está a la altura de la ambición del proyecto. La serie cuenta con Domhnall Gleeson en un papel protagónico, acompañado por Sabrina Impacciatore, Chelsea Frei, Melvin Gregg, Gbemisola Ikumelo, Alex Edelman, Ramona Young y Tim Key.

Además, Oscar Nuñez, el contador de The Office, regresa como el contador del periódico, reaccionando con sorpresa y disgusto al ver al equipo en su nuevo terreno.

Por si fuera poco, habrá un sólido grupo de estrellas invitadas, entre ellas Eric Rahill, Tracy Letts, Molly Ephraim, Mo Welch, Allan Havey, Duane Shepard Sr., Nate Jackson y Nancy Lenehan.

De hecho, Steve Carell, quien interpretó a Michael Scott en The Office, ha expresado su entusiasmo por la nueva serie, destacando su originalidad y alabando a sus compañeros.

Incluso, destacó su estima por Domhnall Gleeson, luego de trabajar juntos en The Patient en 2022.

“Me emociona, suena como una gran idea. Amo la premisa: parece que está ambientada en una compañía de periódicos en decadencia. Trabajé con Domhnall Gleeson, uno de los protagonistas. Hicimos The Patient juntos, y es un actor excelente y una persona muy agradable, así que creo que va a ser genial“”, comentó.

Sin embargo, el actor fue tajante cuando le preguntaron si volvería a interpretar a Michael Scott en esta nueva serie.

“La veré, pero no participaré. Eso está descartado. Es simplemente algo nuevo. Realmente no hay razón para que mi personaje aparezca en algo así”, declaró.

Por casi treinta años los fans esperaron el regreso de Matthew Lillard, quien encarnó al psicópata Stu Macher en la primera entrega de Scream de 1996, un clásico del género slasher.

El actor reconocido también por interpretar a Shaggy Rogers en Scooby-Doo del 2002, confirmó que volverá a la franquicia Scream en la séptima entrega, programada para estrenarse el 27 de febrero de 2026.

Durante su participación en el Silver Scream Con en Worcester, Massachusetts, el actor de 55 años compartió la noticia junto a su compañero de elenco Skeet Ulrich (Billy Loomis)

“Estoy encantado de volver. La película es fantástica y estoy muy emocionado de que la gente la vea“, dijo.

Lillard relató que el creador de la saga, Kevin Williamson, quien por primera vez dirige una entrega de Scream, lo llamó para invitarlo a regresar:

“Literalmente pensé: ‘He estado esperando esta llamada durante unos 20 años’. Estaba tan emocionado que recuerdo el momento exacto, dónde estaba, incluso qué ropa llevaba. Fue increíble”, recordó frente a los asistentes.

Aunque Stu parecía morir en la cinta original, cuando Sidney Prescott interpretada por Neve Campbell, le arroja un televisor encima, nunca se confirmó oficialmente su muerte, lo que alimentó especulaciones durante años.

Lillard mantuvo vivo el rumor en enero pasado al publicar en Instagram una de las frases más recordadas de su personaje: “My mom and dad are gonna be so mad at me!!”

Matthew Lillard asegura que la cinta no arruinará la franquicia

Durante su presentación en la Silver Scream Con Lillard aprovechó para desmentir algunos rumores, y aseguró que Scream 7 es “fantástica” y dijo que está muy emocionado de que la gente vea la película.

“No se va a arruinar la franquicia, esa es la buena noticia…”, dijo.

Agregó que la producción intentará mantener en secreto los detalles de la película hasta que esta llegue a las salas de cine, a inicios del próximo año.

El nuevo filme reunirá a varias figuras clásicas de la saga: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette y la voz de Ghostface, Roger L. Jackson, además de nuevas incorporaciones como Isabel May, quien interpretará a la hija de Sidney, y Joel McHale como su esposo.

También se suman Scott Foley, Mark Consuelos, Celeste O’Connor, McKenna Grace, Asa Germann y Sam Rechner, mientras que Mason Gooding y Jasmin Savoy Brown repiten sus papeles de las últimas dos películas.

Con Kevin Williamson al mando y el regreso de Lillard, Scream 7 promete ser un homenaje al difunto director Wes Craven y un regreso a la esencia de Scream.

Craven quien se encargó originalmente de dirigir la franquicia Scream desde su inicio hasta la cuarta entrega, falleció en 2015.

Luego Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett respectivamente intentaron continuar con la serie, pero no tuvieron la recepción esperada, después de Scream 5 y 6, finalmente Kevin Williamson, el creador, decidió asumir el control como director.

Por último, Williamson dijo que en esta séptima parte intentará volver a la esencia de “misterio” que caracterizó a Scream.

“Queremos reencontrar el terror y dejar un poco de lado lo sangriento”, explicó.

La plataforma ya permite ver de forma exclusiva este show musical, caracterizado por un despliegue escénico innovador, vestuarios a tono con cada etapa profesional y una realización técnica orientada a la experiencia sensorial.

Katy Perry, considerada una de las figuras más influyentes de la música pop de la última década, explora nuevos conceptos visuales y musicales, consolidando su regreso a los escenarios internacionales.

Qué ofrece el show “Katy Perry: Night of a Lifetime” disponible en Universal+

El recital, grabado ante público en Londres, reúne una selección con las canciones más reconocidas de la trayectoria de Katy Perry, entre ellas “Firework”, “E.T.”, “Dark Horse”, “Part of Me”, “Roar” y “Woman’s World”.

En esta ocasión, la artista estrena en vivo composiciones de su nuevo disco 143, un trabajo enfocado en el empoderamiento femenino y los vínculos afectivos desde una perspectiva contemporánea.

También, el espectáculo actúa como un resumen de las distintas etapas musicales de Perry, cuyo debut profesional ocurrió con Katy Hudson en 2001, aunque su proyección internacional inició en 2008 mediante el álbum One of the Boys.

La producción destaca el histrionismo que caracteriza al disco Teenage Dream y propone un puente hacia el tono futurista de 143, marcando la evolución visual y conceptual de la cantante.

Cómo ha sido la trayectoria de Katy Perry hasta llegar a realizar este show

La carrera de Katy Perry estuvo marcada, en primera instancia, por éxitos de fuerte impacto en las listas estadounidenses. Según Universal+, el sencillo “I Kissed a Girl” encabezó el Billboard Hot 100, mientras que “Hot n Cold” alcanzó el puesto tres de ese ranking.

A partir de ese momento, Perry afianzó su lugar en la industria con álbumes como Teenage Dream, que incluyó composiciones como “California Gurls” y “Last Friday Night (T.G.I.F.)”, ambas posicionadas como referentes del pop internacional.

Además, este show presenta memorables versiones de los mayores hits de su discografía junto con un adelanto del repertorio que compone el “Lifetimes Tour”, la gira mundial que inició en el año 2025. Esta gira comenzó en México y tiene escalas confirmadas en Estados Unidos, Australia, Canadá, Argentina, Brasil y Chile.

Cuáles son las historias detrás de los éxitos más reconocidos de Katy Perry

Buena parte del atractivo de este especial reside en el abordaje sobre la génesis y el significado de las canciones más populares de Perry.

Según destaca Universal+, “Teenage Dream” nació de la intención de escribir sobre la adolescencia junto a la compositora Bonnie McKee. La letra remite a momentos de juventud vinculados con el amor y la vida nocturna, mientras el sonido adopta elementos del electropop.

En el caso de “Firework”, Perry plasmó un mensaje de autovaloración y resiliencia, con el objetivo de transmitir al público la importancia de perseverar. El tema formó parte de series y películas y fue candidato a dos premios Grammy en las categorías Mejor Grabación del Año y Mejor Interpretación Solista Pop.

Por su parte, “Roar” se centra en el desafío a los rechazos y la auto-superación. La canción escaló al primer puesto del Billboard Hot 100 y fue nominada a dos Grammy: Mejor Interpretación Solista Pop y Mejor Canción del Año.

Cómo ver el especial de Katy Perry en Universal+

La transmisión exclusiva de “Katy Perry: Night of a Lifetime” está disponible en la plataforma Universal+. Los suscriptores pueden acceder al contenido desde cualquier dispositivo u ordenador compatible.

Se debe buscar la aplicación en la tienda correspondiente, Google Play Store en Android, App Store en iPhone o iPad, ingresando “Universal+” en el buscador, y seleccionar la opción de descargar e instalar.

Para quienes utilicen un televisor inteligente, el procedimiento es ingresar a la sección de aplicaciones del sistema, localizar “Universal+” y ejecutar la instalación siguiendo las indicaciones que aparecen en pantalla.

Este acceso multiplataforma permite ver el recital completo desde cualquier ubicación, siempre que se cuente con conexión a internet y una suscripción activa a la plataforma del servicio.

El regreso de Ghostface a las salas de cine sigue causando gran expectativa desde que se anunció en 2023, justo en el cumpleaños del difunto Wes Craven, el director original de la saga.

Luego de una serie de conflictos que se creyeron serían fatales para la producción, la franquicia más emblemática del cine de terror prepara su regreso con una séptima entrega que promete ser tanto un homenaje a Wes Craven como una reinvención de la formula que se apoderó de las pesadillas de millones de personas en los 90.

La salida de Jenna Ortega y Melissa Barrera

Variety reportó la explicación de Spyglass, casa productora de Scream de por qué decidieron despedir a Melissa Barrera.

La protagonista de Scream 5 y Scream 6, fue retirada del elenco de la próxima entrega de la franquicia de terror. La productora señaló que la decisión no está relacionada con un apoyo a la causa palestina, sino con sus publicaciones en redes sociales que fueron interpretadas como antisemitas.

“Tenemos cero tolerancia hacia el antisemitismo o la incitación al odio en cualquier forma, incluidas referencias falsas a genocidio, limpieza étnica o distorsiones del Holocausto", dijo un portavoz de Spyglass.

Después, Jenna Ortega, que interpretaba a Tara Carpenter, abandonó la producción voluntariamente. Dijo que su salida no tuvo que ver con el pago ni con los horarios. Realmente le había afectado lo de Melissa Barrera, y todo se estaba “desmoronando”.

“Si Scream 7 no va a ser con ese equipo de directores y con la gente que me enamoré, entonces no parecía lo correcto para mi carrera en ese momento”, finalizó.

El regreso de personajes originales

Luego de los problemas con las estrellas que interpretaban a Tara Carpenter y a Sam Carpenter, la producción decidió contar con el regreso de los tres personajes más emblemáticos de la franquicia.

Encabezados por Neve Campbell como Sidney Prescott, Courtney Cox en el papel de Gale Weathers y David Arquette como Dewey Riley, aunque uno de ellos tendrá un regreso de “ultratumba”, según Hollywood Reporter.

Neve Campbell, quien no apareció en Scream VI debido a un conflicto salarial con la productora Spyglass, confirmó su regreso en marzo de 2024. Mientras que Courteney Cox se sumó nuevamente en diciembre de 2024, retomando a su icónica periodista Gale Weathers.

Por su parte, David Arquette regresará como Dewey Riley, aunque aún no se ha aclarado cómo su personaje volverá, dado que fue asesinado en Scream (2022) a manos de Amber, interpretada por Mikey Madison, la única Ghostface que ha ganado un Oscar.

Kevin Williamson toma el mando

El escritor de la saga, Kevin Williamson, será el director por primera vez. Él es responsable de los guiones de Scream, Scream 2 y Scream 4 y fue productor ejecutivo de Scream 2022; ahora, buscará recuperar el suspenso por encima de la violencia excesiva, según dijo.

Williamson llegó en remplazo de Christopher Landon, quien originalmente iba a dirigir la película antes de dejar la producción en 2023.

“Fue un trabajo soñado que se convirtió en una pesadilla”, dijo Landon, tiempo después confeso en una entrevista para Vanity Fair, que dejó el proyecto a causa del constante acoso de los fans quienes lo culparon de la salida de Barrera.

El director aclaró que “no la despidió” ya que él “no tenía ningún control sobre esa situación”.

El guion fue escrito por James Vanderbilt y Guy Busick, responsables de las dos cintas más recientes.

La música volverá a estar a cargo de Marco Beltrami, compositor de las cuatro primeras entregas.

¿Cuando se estrena ‘Scream 7′?

El 1 de octubre de 2024, la actriz Neve Campbell y el director Kevin Williamson, publicaron en Instagram que Scream 7, se estrenará el 27 de febrero del 2026.

Hasta la fecha, la publicación continúa y dice “Va a ser un 2026 asesino #Scream7″ junto a una foto de un calendario ensangrentado y con el clásico cuchillo de Ghostface.

El revival, protagonizado por Sarah Jessica Parker en el icónico papel de Carrie Bradshaw, se estrenó en HBO Max a finales de 2021.

La producción reunió a tres de las cuatro estrellas originales —Parker, Cynthia Nixon y Kristin Davis—, sin la participación de Kim Cattrall como la irreverente Samantha Jones, aunque la actriz hizo un breve cameo en la segunda temporada.

Ambientada 11 años después del final de la serie original, And Just Like That retomó las vidas, desafíos y relaciones de las protagonistas neoyorquinas.

Lo que comenzó como una miniserie de una sola temporada terminó ganándose la renovación para dos entregas más, alimentando tanto la nostalgia como la conversación sobre la evolución de sus personajes en un Nueva York contemporáneo.

En un emotivo mensaje compartido en Instagram, Sarah Jessica Parker expresó lo que significó este cierre para ella.

“Carrie Bradshaw ha dominado mi lado profesional durante 27 años. Creo que la he amado más que a ningún otro personaje. Sé que otros la han amado como yo. Gracias a todos. Los quiero tanto. Espero que amen estos dos últimos episodios tanto como nosotros”, escribió.

Horarios de estreno en Latinoamérica

La serie cerrará con un final dividido en dos partes. La primera ya se emitió, mientras que la segunda —y última— llegará el jueves 14 de agosto, a las 9 p.m. ET / 6 p.m. PT, exclusivamente por HBO Max.

En el caso de América Latina, los fanáticos podrán ver los últimos capítulos en el siguiente horario

• México – 20:00 horas
• Guatemala – 19:00 horas
• Nicaragua – 19:00 horas
• Costa Rica – 19:00 horas
• Panamá – 20:00 horas
• Colombia – 20:00 horas
• Perú – 20:00 horas
• Venezuela – 21:00 horas
• Paraguay – 22:00 horas
• Chile – 22:00 horas
• Argentina – 22:00 horas
• Uruguay – 22:00 horas
• Puerto Rico – 21:00 horas

Sarah Jessica Parker defiende a Carrie Bradshaw

Sarah Jessica Parker alzó la voz sobre el trato desigual que reciben los personajes femeninos frente a los masculinos en el cine y la televisión.

En una entrevista con HuffPost U.K., la actriz reflexionó sobre la persistente ola de críticas hacia Carrie, tanto en la serie original como en su nueva etapa.

“Siempre me parece interesante que se le condene tanto, pero que un protagonista masculino pueda ser un asesino… y la gente lo adore. Si una mujer tiene una aventura, se comporta mal o gasta dinero de manera frívola, hay una especie de respuesta punitiva hacia ella. A los hombres se les perdona todo, a las mujeres no”, expresó.

Desde su debut en 1998, Carrie Bradshaw ha sido una figura celebrada por su estilo y franqueza sexual, pero también criticada por sus decisiones impulsivas, sus romances caóticos y su narcisismo ocasional.

Con el regreso del personaje en And Just Like That, los debates se han reactivado, y las redes sociales se han convertido en un nuevo campo de juicio constante.

Sin embargo, Sarah Jessica Parker no se muestra molesta por la intensidad de las reacciones. Al contrario, aseguró que ese tipo de respuestas revelan algo valioso.

“En última instancia, creo que todos esos sentimientos son bastante fantásticos. Ese tipo de conexión emocional, tanto positiva como negativa, es maravillosa. La gente está cautiva en esos momentos, y me parece perfectamente bien”, dijo.

Para la actriz de 60 años, el problema radica en cómo se interpretan los errores según el género del personaje, pues para ella “la gente inteligente también toma malas decisiones a veces, o se equivoca en sus juicios”.

Así que la famosa consideró que Carrie, con sus dudas, vanidades y torpezas, parece ser un blanco fácil para las críticas que no se aplican a sus contrapartes masculinas.

“Creo que, en el fondo, Carrie es una persona extraordinariamente decente y buena. Es una amiga extremadamente leal, generosa con su tiempo y su espíritu. Aunque, claro, ha cometido errores y no siempre ha sido madura en el amor. Pero eso es parte de ser humano”, dijo.

Además de retomar su papel como Carrie, Sarah Jessica Parker también continúa desarrollando su carrera como productora ejecutiva de And Just Like That, cuya tercera temporada se transmite actualmente por Max.

La producción, que expande el universo iniciado por Ridley Scott en 1979, se ubica dos años antes de la pesadilla que vivió Ellen Ripley a bordo del Nostromo. Esta vez, el horror desciende a la Tierra.

La historia sigue a Wendy (interpretada por Sydney Chandler) y a un grupo variado de investigadores que se ven envueltos en un incidente inquietante: el aterrizaje forzoso de una nave espacial en nuestro planeta.

Lo que encuentran en su interior no solo desafía las leyes de la biología, sino que amenaza la supervivencia de la humanidad entera.

Aunque el infame xenomorfo es la figura más reconocible para los seguidores de la saga, la sinopsis adelanta que no es la única criatura que acecha.

Dentro de la nave hay otras formas de vida tan letales como desconocidas, y el peligro no solo viene de los monstruos: grandes corporaciones con intereses ocultos están dispuestas a todo —incluyendo traiciones y sabotajes— para asegurarse el control de la tecnología alienígena.

Horarios del estreno de “Alien: Earth” en Latinoamérica

El lanzamiento de Alien: Earth se realizará de forma simultánea a través de FX, Hulu y Disney Plus, el 12 de agosto a las 5 p.m. PT / 8 p.m. ET en Estados Unidos.

Estos son los horarios en América Latina:

• México, Costa Rica, Guatemala: 7:00 p. m.
• Colombia, Perú, Ecuador, Panamá: 8:00 p. m.
• Chile, Bolivia, Venezuela, Paraguay: 9:00 p. m.
• Argentina, Uruguay: 10:00 p. m.

Cabe destacar que la temporada inicial consta de ocho episodios, con un formato de lanzamiento semanal después de un arranque de doble capítulo. El 12 de agosto se estrenarán “Neverland” y “El Sr. Octubre”, seguidos de seis episodios más hasta el 23 de septiembre.

Calendario completo de estrenos:

1. Neverland – 12 de agosto
2. El Sr. Octubre – 12 de agosto
3. Metamorfosis – 19 de agosto
4. Observación – 26 de agosto
5. Emergencia – 2 de septiembre
6. La Mosca – 9 de septiembre
7. En el espacio, nadie – 16 de septiembre
8. Los verdaderos monstruos – 23 de septiembre

¿Habrá una segunda temporada de “Alien: Earth“?

En una entrevista con Variety en 2024, el presidente de FX, John Landgraf, se mostró confiado en el éxito de la producción y reveló que ya han discutido con Hawley la posibilidad de desarrollar al menos dos temporadas antes de que el director retome una eventual sexta entrega de Fargo.

El propio Hawley considera esta primera entrega como “una prueba de concepto”. Según explicó, si la respuesta del público es positiva, la segunda temporada será el modelo sobre el cual se puedan construir nuevas historias.

“Está diseñada para ser una serie recurrente… no sé cuántas temporadas serían. Creo que los finales son los que le dan sentido a una historia, así que tengo una idea de hacia dónde voy con ella”, afirmó.

Un universo que sigue expandiéndose Alien: Earth llega en un momento de revitalización para las franquicias derivadas del universo creado por Ridley Scott.

Por un lado, la secuela de Alien: Romulus ya está en desarrollo; por el otro, Predator: Badlands se prepara para su lanzamiento este mismo año, consolidando una tendencia de historias que mezclan acción, terror y ciencia ficción con una base de seguidores fieles en todo el mundo.

El regreso de Shrek a los cines tardará un poco más. Universal Pictures y DreamWorks Animation pospuesieron el estreno de Shrek 5 del 23 de diciembre de 2026 al 30 de junio de 2027, según informó Variety. Esta es la segunda vez que la cinta retrasa su lanzamiento, ya que originalmente estaba prevista para julio de 2026.

El estudio no dio a conocer las razones del cambio, aunque Universal tuvo un cúmulo de resultados taquilleros, estrenando películas animadas en verano, como las sagas Mi Villano Favorito junto a la entrañable banda de Minios, Cómo Entrenar a tu Dragón que recientemente saltó a la escena del live-action y Super Mario Bros una de las más exitosas de 2024.

Sherk con su nueva fecha, llegará a menos de una semana, después del debut de otra gran película animada: Spider-Man: Beyond the Spider-Verse de Sony.

Con la anterior fecha de estreno, programada para el mes de diciembre de 2026, Shrek 5 habría competido con grandes estrenos como Avengers: Doomsday de Disney y La Era de Hielo 6.

Como parte de la reprogramación en su calendario de estrenos, Universal adelantó el lanzamiento de una película sin título de Illumination al 16 de abril de 2027.

¿Qué se sabe de Shrek 5?

En Shrek 5 regresarán Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz en sus icónicos papeles de Shrek, Burro y Fiona, respectivamente. La gran novedad es la incorporación de Zendaya al elenco como la hija de Sherk. La dirección estará a cargo de Conrad Vernon y Walt Dohrn, veteranos de la franquicia.

En una entrevista para Variety, Murphy no solo comentó que regresará como “Burro” en la quinta cinta de la franquicia, además adelantó que firmó un contrato para interpretar al entrañable personaje en un spin-off que, incluirá únicamente a este personaje. Esta nueva aventura comenzará a grabarse en septiembre de este año.

A Murphy no le sorprende que Shrek vuelva incluso luego de que supuestamente la cuarta película, Shrek Para Siempre, sería la última.

“Yo pensaba que era la última, ni hablar de que esta sea la definitiva. Esperarán otros años y seguro que volverá. Creo que harán Shreks una película para siempre porque funciona. A la gente le encanta”, explicó.

Sherk 5 marcará el regreso de estos personajes, un cuarto de siglo después del estreno de la primera entrega en 2001, la cual recaudó cerca de 500 millones de dólares a nivel mundial y se convirtió en la primera cinta ganadora del Óscar como “mejor película animada”.

El éxito fue tal, que a la primera película le siguieron Shrek 2 de 2004, Shrek Tercero de 2007, Shrek Para Siempre en 2010 y dos spin-off de El Gato con Botas.

En su quinta entrega, la saga Shrek contará con un equipo creativo de veteranos y nuevos reclutas.

Al frente de la dirección estarán dos experimentados de la franquicia: Walt Dohrn, quien ha sido guionista, artista y jefe de historia en entregas anteriores, además de dar voz a Rumpelstiltskin en Shrek para siempre y Conrad Vernon, director de Shrek 2 y Madagascar 2, y voz del entrañable Hombre de Jengibre (Gingy).

En la producción regresan Gina Shay, productora de la cuarta película y de la exitosa saga Trolls, y Chris Meledandri, fundador y CEO de Illumination, nominado al Óscar, recordado también en éxitos animados como Mi villano favorito, Minions, Super Mario Bros. La Película, Sing y La vida secreta de tus mascotas.

La película también contará con la codirección de Brad Ableson, responsable de Minions: Nace un villano y con experiencia en Los Simpson.

Desde que se coronó en la Copa Libertadores de 1989, Atlético Nacional se transformó en una de las instituciones deportivas más exitosas del país, lo que con los años lo convirtió en el equipo más ganador del fútbol colombiano.

Estos triunfos han permitido que el impacto del Verdolaga no solo se registre en Medellín, sino que tenga hinchada en gran parte del territorio nacional.

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Buscando reconectar con todos los fanáticos del equipo, la dirigencia de Nacional y el director Camilo Ríos consolidaron el proyecto Uno vuelve siempre, que se hizo realidad con una película que se estrenará en las salas de cine el 14 de agosto.

“Una película familiar, divertida, emotiva y emocionante, que explora cómo la relación entre los hinchas y el equipo es un motor de alegría para individuos, familias y comunidades, y es también la clave del éxito de una institución deportiva. Una película que invita a reflexionar sobre la competencia serena, el papel social del fútbol y el significado de ser hincha“, es la sinopsis del audiovisual.

Además de hablar del origen de la institución y los logros cosechados, la película busca ser un homenaje a los hinchas de Atlético Nacional, por ello el nombre de la producción, que es una referencia a la fidelidad de los fanáticos.

Con varias historias cruzadas, la trama gira en torno a la temporada en la que el Verdolaga volvió a ganar la liga colombiana en 2024, desde el contexto de los hinchas y también una mirada de cómo lo vivieron los protagonistas.

Así fue la experiencia para los protagonistas

En diálogo con Infobae Colombia, Lida Beltrán, que representa a los hinchas de Nacional que no viven en la capital antioqueña, indicó que comprendió la importancia del proyecto cuando estaba en medio de la grabación.

“Me aprendí una canción emblemática para los hinchas y al cantarla me imaginaba en el estadio… algo que me llenaba de emoción. En el rodaje me sentí muy privilegiada, no solo por participar en este proyecto tan importante para Atlético Nacional y para el fútbol colombiano, sino porque el equipo, que fue maravilloso”.

En ese sentido, Beltrán reconoció que no ha sido fanática del fútbol en general, pero que esta película le ayudó a volver cuando en su juventud vivió el auge de la selección Colombia.

“Para mí interpretar a una mujer que se entrega en cuerpo y alma a un club fue muy significativo porque yo nunca fui hincha de ninguno, solo miraba cuando jugaba la selección Colombia. Recuerdo aquella época del mundial de Italia en el 90, fue muy emocionante para mí y esos sentimientos generados los usé para inspirarme como Francisca”.

Por su parte, Silvio Plaza, mencionado en la película como “pecho frío”, por solo apoyar al equipo cuando va bien, indicó que aprendió a reconocer que el amor por un equipo se puede observar desde varios contextos.

“Hay un mensaje muy bonito, el respeto por la pasión, de que no importa si se sigue a otro equipo, esto fue de los hinchas para los hinchas, pero todos los hinchas, incluyendo la gente que tiene una tienda, la gente que solo ve finales, está el hincha fiel, hay varios puntos, pero siempre con respeto y el amor único por la camiseta”.

Plaza, que ya había participado en un proyecto que tuvo el fútbol como tema principal, resaltó que es convivir con barristas lo ayudo a aprender más sobre la pasión por ese deporte.

“Una de las lecciones es conocer una pasión genuina y real tan fuerte como los hinchas tienen por su equipo. Yo nunca lo había visto, la conocí de primera mano con los barristas que me contaron sus historias y uno dice, esto solo lo crean instituciones que generan una pasión tan grande. Aprendí cosas bonitas y es un proyecto que va a conectar mucho”.

Uno de los retos del cine colombiano es consolidarse en el mercado nacional, puesto que en los últimos años se han resaltado varias producciones a nivel internacional, pero no han logrado tener un impacto similar en el país.

Este será uno de los objetivos que buscan completar los productores y director de Golán, una película rodada en Calima, el Darién, que busca envolver al espectador en una atmósfera de belleza, silencios incómodos y emociones contenidas.

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La producción es protagonizada por Jacobo Vera, cuenta con la participación de artistas como Jaime Castaño y Hilda Ruiz; fue dirigida por el bogotano Orlando Culzates.

“Un viaje familiar inesperado se convierte para Pedro en la entrada a un mundo desconocido. Al acercarse a Margarita, descubre una libertad que lo confronta con todo lo que creía saber, despertando algo profundo en él. Ante el fin de su inocencia, Pedro deberá encontrar su propia voz y decidir qué tipo de hombre quiere ser”, es la sinopsis de Golán.

Con el concepto de ser una historia sobre romper el molde y dejar atrás lo que se espera de ti, para descubrir quién eres en realidad, Golán ha sido presentada a nivel internacional con éxito, llegando a ganar varios premios.

Hasta el momento, la producción ha sido galardonada en el Festival de Cine de Málaga, el Festival Internacional de Cine de São Paulo y el Festival Internacional de Cine de Cali; por lo que su estreno en cines, el 21 de agosto, ha generado gran expectativa.

En diálogo con Infobae Colombia, el director Orlando Culzat habló de varios aspectos de la producción, comenzando por lo que representa para él a nivel personal.

“Es un proyecto profundamente personal. Nace de los ecos de mi infancia y de mi juventud, de vivencias que marcaron mi forma de mirar el mundo. Pero a partir de esa raíz íntima quise construir una historia que trascienda lo autobiográfico, que toque fibras universales. Golán habla de temas que nos atraviesan a todos: el silencio en las familias, la herencia emocional, el deseo de romper con lo que nos oprime”, declaró.

Culzat anticipó que el principal atractivo de su película es la posibilidad de que las personas se sientan identificadas con Pedro, el protagonista del audiovisual.

“Pedro representa ese momento en que empezamos a cuestionar las reglas del juego: lo que heredamos, lo que se supone que debemos ser. Al principio se adapta, guarda silencio, como nos enseñaron, pero poco a poco empieza a ver, a sentir distinto, hasta que ya no puede callarse más. En él está esa chispa de rebeldía que necesitamos para desafiar un sistema injusto, para decir ‘esto no me representa’ y atreverse a imaginar algo distinto, más justo, más propio”.

El director también abordó los problemas y dificultades que encontró durante la producción de Golán, afirmando que lo más difícil fue sostener la coherencia emocional que quería impregnar en el film.

“Tuvimos la suerte de contar con actrices y actores extraordinarios que entendieron desde el inicio el tono melancólico y contenido que pedía la película. Gracias al trabajo previo con Carlos Sandoval, nuestro preparador de actores, pudimos construir vínculos sólidos y honestos entre los personajes, lo que nos permitió llegar al set con una base emocional muy viva. El reto fue mantener esa autenticidad durante el rodaje, sin caer en el exceso ni en la sobreactuación”, afirmó Culzat.

Por último, habló del mensaje que busca expandir con la película, que habla de cómo un joven afronta un duelo y la soledad, por lo que invitó a que las personas que observe Golán puedan atreverse a retar las tradiciones con las que no estén de acuerdo.

“Quise hablar de lo difícil que es rebelarse contra lo que más amamos: la familia, las tradiciones, aquello que nos dio refugio, pero también nos marcó con sus silencios y violencias. El duelo que atraviesa la película no es solo por una pérdida física, sino también por una forma de vida que se desmorona, por un mundo que ya no nos representa. No se trata de destruir lo anterior, sino de tener el valor de mirarlo con ojos nuevos, cuestionarlo y desde ahí construir algo más honesto, más humano”, puntualizó el director.

Greg Daniels y Michael Koman co-creadores de The Office están a cargo de la producción de The Paper. Daniels es un reconocido guionista, productor y director, ganador del Emmy por mejor comedia, mientras que Koman es co-creador del guión de The Office y también de la comedia Nathan al rescate.

Deadline informó anteriormente que The Paper no sería un reinicio de The Office, pero estaría ambientada en el mismo universo.

Domhnall Gleeson quien interpreta a Ned Sampson, el nuevo “jefe” de la serie, dijo en una entrevista para Collider que no están haciendo un remake, The Paper es una serie totalmente diferente.

“La gente tendrá que valorar el show por sus propios méritos, porque se ha convertido en algo completamente diferente. Es una serie nueva. No es un remake.” dijo Gleeson, quien interpreta al editor en jefe del periódico.

“Es como si el equipo documental se hubiera trasladado a otra ciudad y a una nueva empresa. No es una compañía de papel”. finalizo.

¿De qué trata ‘The Paper’?

Han pasado diez años desde que se transmitió el capitulo final de The Office en NBC. En la nueva serie, el mismo equipo que grabó el exitoso documental del día a día en la empresa de papel Dunder Mifflin, de Scranton, está en busca de un nuevo tema.

Finalmente encuentran un periódico en decadencia: The Truth Teller, de Toledo, Ohio, y su nuevo editor en jefe Ned Sampson, interpretado por Domhnall Gleeson, que lucha por mejorar sus noticias.

La tarea de Ned Sampson se ve envuelta en una situación cómica, cuando recluta un grupo de deficientes voluntarios para convertirse en los nuevos reporteros del Truth Teller. Ninguno ha escrito noticias antes, pero Sampson ve en ellos un equipo motivado (no tienen recursos para pagar periodistas de verdad) y emprende la aventura de enseñarles a cazar grandes historias.

The Pepper hace un guiño a The Office, con un personaje del pasado que llegó a la redacción del Truth Teller, es Oscar Martínez, interpretado por Oscar Núñez, el excontador de Dunder Mifflin quien descubre con disgusto al equipo de producción del antiguo documental, y no hace nada por ocultar su desprecio. Hasta el momento no se sabe cómo llegó ahí Oscar.

Los nuevos personajes que se unen a The Paper, son Esmeralda, interpretada por Sabrina Impacciatore recordada por su participación en White Lotus, también actúa Chelsea Frei como Mare, Melvin Gregg como Detrick, Gbemisola Ikumelo interpreta a Adelola, Alex Adelman es Adam, Ramona Young como Nicole, Tim Key interpreta a Ken, Duane Shepard Sr. es Barry y Eric Rahill estará en el papel de Travis.

NBC confirmó que The Paper se estrena el 4 de septiembre en su plataforma de streaming Peacock, con cuatro episodios, y después se estrenará un nuevo episodio cada jueves hasta el final de la primera temporada el 25 de septiembre.

Llega a los cines el mágico mundo paranormal de Jujutsu Kaisen.

El estreno en la pantalla grande de la recopilación de los clásicos de Crunchyroll Jujutsu Kaisen: El tesoro perdido/El tesoro escondido, estará disponible en japones con subtítulos en español y con doblaje al español.

Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment, traerán exclusivamente a cines de Latinoamérica una película que recopila la historia de “El tesoro escondido” y “El tesoro perdido”, saga que narra la historia de juventud de los dos hechiceros más fuertes, Satoru Gojo y Suguru Geto.

La película dirigida por Shota Goshozono, con el guion de Hiroshi Seko es un anime de acción que mezcla fantasía con lo paranormal. En Japón se estrenó el 30 de mayo y llegará a los cines de Latinoamérica el 14 de agosto de 2025.

¿De qué trata Jujutsu Kaisen: El tesoro perdido/El tesoro escondido?

La historia retrocede hasta el 2006, en “la inocente primavera, que los dos más fuertes perdieron para siempre”

En esta parte de la trama, Shoko Leiri es parte de un grupo de brillantes hechiceros, mientras que Gojo es considerado un prodigio heredero de los Seis Ojos-Rokugan, y su técnica de maldición del clan Gojo.

Por otro lado, Geto es un destacado exorcista que puede manipular espíritus malditos. Ambos son los estudiantes más fuertes de su generación, y están muy unidos, pese a tener personalidades distintas, pero que se complementan.

Nadie podía vencerlos hasta que reciben una misión decisiva de Tengen, la piedra angular de la sociedad Jujutsu, la cual ejerce la técnica maldita de la inmortalidad. El objetivo era escoltar y borrar el recipiente de plasma estelar, Riko Amanai, la joven compatible con Tengen.

Los dos emprenden la misión de protegerla para asegurar la continuidad de la sociedad Jujustu, pero el Asesino Hechicero llamado Fushiguro interviene con la intención de asesinar a Amanai.

El resultado de la pelea será un punto de inflexión en las vidas de Satoru Gojo y Suguru Geto.

¿Cuándo se estrenó Jujutsu Kaisen y cuantas temporadas tiene?

Jujutsu Kaisen se estrenó en octubre del 2020 bajo la producción de Toho Animation y el estudio MAPPA. El anime se convirtió en todo un fenómeno de la cultura pop. La serie acabó en 2023 después de dos temporadas y ganó el premio al “Anime del Año” en los Crunchyroll Anime Awards 2024.

El estreno de El tesoro escondido/El tesoro perdido representa el regreso a los cines de Jujutsu Kaisen, luego de que la cinta Jujutsu Kaisen 0 lograra recaudar más de 180 millones de dólares a nivel mundial.

¿De qué trata Jujutsu Kaisen 0?

Jujutsu Kaisen 0 es la secuela de Jujutsu Kaisen: El tesoro perdido/El tesoro escondido. La película se ambienta en 2017 con la reaparición de Suguru Geto, quien es el principal antagonista.

Geto intentará atacar la escuela liberando miles de maldiciones en Shinjuku y Kioto. El objetivo de Geto es obtener el poder de Rika Orimoto, un espiritu especial que acompaña a Yuta Okkotsu, para usarlo en su guerra contra los hechiceros.

En esta batalla Gojo se enfrenta a Geto por última vez.

“Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos debutó con una recaudación estimada de 118 millones de dólares en su primer fin de semana en 4.125 cines de Norteamérica, cifra que confirma el renovado interés por la primera familia de Marvel y la revitalización de la franquicia bajo el liderazgo de Kevin Feige y la Walt Disney Co.

La película se alza así como el cuarto mejor estreno de 2025, quedando detrás de títulos como “Una película de Minecraft”, “Lilo y Stitch” y “Superman”, y marca el mayor debut de Marvel Studios desde “Deadpool y Wolverine”, la cual alcanzó los 211 millones de dólares en su apertura durante el verano anterior.

El estreno mundial de “Primeros Pasos” sumó 218 millones de dólares, con 100 millones provenientes de 52 mercados internacionales. Estas cifras coincidieron con las previsiones internas.

“Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos” se lleva la corona en taquilla

El contexto actual para las superproducciones de superhéroes ha estado condicionado por la competencia directa de lanzamientos como “Superman”, dirigida por James Gunn para DC Studios, que tres semanas después de su lanzamiento, supera los 500 millones de dólares a nivel global y este fin de semana ocupó el segundo lugar en taquilla con 24.9 millones de dólares recaudados en territorio estadounidense y canadiense, tal y como reportó The Associated Press.

Paul Dergarabedian, analista de medios sénior de Comscore apuntó: “La idea de la fatiga de los superhéroes, de la que tanto se ha hablado, puede ser superada. Siempre digo que es fatiga de malas películas, no fatiga de superhéroes”.

Con esta afirmación se matiza la interpretación sobre la recepción de filmes del género, pues los resultados de “Primeros Pasos” superan los antecedentes inmediatos de la franquicia. La película, inspirada en los cómics originales de Marvel, se sitúa en la década de los sesenta bajo una ambientación retrofuturista, donde los cuatro protagonistas —Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm— encarnan a una familia de astronautas que alcanzan habilidades sobrehumanas tras haber sido expuestos a rayos cósmicos.

Los personajes cuentan con interpretaciones de Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach, respectivamente.

El relato fílmico se localiza cuatro años después de que los personajes adquieren sus poderes, presentando un mundo transformado por los inventos de Reed y la gestión diplomática de Sue, personajes cuyas acciones conducen a la paz mundial y una serie de avances científicos. Este enfoque propositivo sobre el papel de los superhéroes en la sociedad se ha sumado a los elementos que, según reportó AP, fueron mejor recibidos tanto por la audiencia como por la crítica.

La calificación de la película en Rotten Tomatoes es de un 88%, y las encuestas de salida reflejaron “prometedoras respuestas”, indicando una percepción favorable entre los asistentes al estreno, el cual atrajo en su mayoría —un 46%— a espectadores interesados en salas con tecnologías IMAX y otros formatos premium.

Los anteriores intentos por parte de otras productoras no lograron despertar el entusiasmo del público. Tanto 20th Century Fox como otros estudios responsables de adaptaciones previas recibieron críticas negativas a pesar de obtener resultados financieros aceptables, particularmente en las versiones de mediados de la década del 2000 con Chris Evans como la Antorcha Humana, y en 2015 protagonizada por Michael B. Jordan y Miles Teller.

El regreso de los personajes a la órbita de Marvel Studios sucedió tras la adquisición de los activos de entretenimiento de Fox por Disney en 2019 por 71.000 millones de dólares, lo que sentó las bases para el actual relanzamiento.

En el ranking de taquilla nacional, la comedia romántica oscura “Oh, Hi!” consiguió ingresar entre las diez películas más vistas con 1.1 millones de dólares recaudados en 866 pantallas. En cuanto a los puestos destacados, “Jurassic World Rebirth” ocupó el tercer lugar con 13 millones de dólares en su cuarta semana, mientras que “F1: La Película” de Brad Pitt sumó 6.2 millones para superar el umbral de los 500 millones de dólares a nivel mundial. Por su parte, “Los Pitufos” reunió 5.4 millones en su segunda semana.

Qué películas están en el top 10 este fin de semana

La evolución positiva de la taquilla, que ha crecido un 12% respecto al año anterior, se ha visto reflejada en la composición del top ten registrado entre el viernes y domingo en salas de Estados Unidos y Canadá, de acuerdo con los datos estimados por Comscore. La lista de las diez películas más taquilleras del fin de semana quedó conformada por:

• “Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos”, 118 millones de dólares.
• “Superman”, 24.9 millones.
• “Jurassic World Rebirth”, 13 millones.
• “F1: La Película”, 6.2 millones.
• “Los Pitufos”, 5.4 millones.
• “Sé lo que hicieron el verano pasado”, 5.1 millones.
• “Cómo entrenar a tu dragón”, 2.8 millones.
• “Eddington”, 1.7 millones.
• “Saiyaara”, 1.3 millones.
• “Oh, Hi!”, 1.1 millones.

Finalmente, Disney estrenó la película de Marvel, Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos, el 21 de julio. La crítica, aunque se presentó escéptica, al final de la presentación clamó el retorno de Marvel a su esencia.

La prensa y celebridades se dieron cita en el auditorio Dorothy Chandler Pavilion de Los Angeles, para la premier de Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos.

En la alfombra roja destacó la presencia de los actores principales; Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Natasha Lyonne, Ebon Moss-Bachrach, Joseph Quinn, quienes recibieron distintas críticas por sus actuaciones. Aunque Pedro Pascal se llevó las palmas por su interpretación “encantadora de un intelectual”.

Después de la premier, las reseñas se mantuvieron bajo embargo, hasta el 22 de julio cuando cerca del medio día, (hora de Estados Unidos); los medios comenzaron a revelar los análisis de las película.

David Ehrlich, crítico especializado en cine del medio IndieWire comentó en X, que Los 4 Fantásticos, es una historia sobre emociones humanas profundas.

“En esta entrega Reed Richards es encarnado por Pedro Pascal, quién hace una encantadora interpretación de un intelectual preocupado. Tras enterarse que va a ser padre, Reed intenta hacer de su mundo un lugar seguro para su hijo”, Escribe Ehrlich.

Otra opinión es la de Jonathan Romney del Financial Times:

“Esta es una versión brillante y atrevida de la década de los 60, cuando Los Cuatro Fantásticos de Marvel Comics florecieron bajo el liderazgo de Jack Kirbi". El crítico clamó la imagen retro-futurista de la película.

Agregó que en esta entrega “los cuatro” son una adaptación genial, con una historia poco complicada, el acercamiento a la narrativa es “un equipo que salva a la tierra”.

Por su parte, el crítico de Vulture/New York, Bilge Ebiri, dijo en su cuenta de X que Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos “Cuenta una buena historia, pero con miedo de explorar ideas provocativas y más preocupada por el diseño”.

Ebiri dijo haber disfrutado el papel de Pedro Pascal como un científico y futuro padre, ansioso por todas las posibles catástrofes que puedan ocurrirle a su hijo.

También dijo que Pascal y Vanessa Kirby tienen una química agradable en la vida real, lo que se refleja en la película.

Maureen Lee Lenker, crítica de cine del medio especializado en entretenimiento Entertainment Weekly, coincidió en elogiar el concepto “retro cool” de la película.

“Desde los créditos iniciales inspirados en Saul Bass (diseñador gráfico estadounidense) hasta las referencias a los dibujos animados de los superhéroes del sábado por la mañana, prácticamente vibra con su sentido del tiempo y espacio”, la crítica se adentró un poco más en la trama de la cinta.

¿De qué trata la nueva película de los 4 Fantásticos?

En esta versión de Los 4 Fantásticos, la historia ocurre en la Tierra-828 un universo alternativo del universo Marvel. En este mundo “los 4″ ya llevan años siendo héroes. Han pasado cuatro años desde el accidente espacial que los dotó de superpoderes.

Sue y Reed llevan tiempo casados y cumplen con sus respectivos trabajos como científicos y diplomáticos. Ellos viven con Johnny quien parece darle poca importancia al poder de convertirse en una fogata humana. También vive con ellos el mejor amigo de Reed, Ben Grimm quien se ha transformado en una roca escarpada, pero que tiene un aura llena de emociones y quien aporta el lado más sentimental del equipo.

En esta entrega se une el mayordomo robot de la familia, Herbie, con la voz de actor Matthew Wood.

Sue y Reed se enteran que serán padres después de buscar tener un bebé durante mucho tiempo. En ese momento las cosas se complican, con la llegada del Heraldo Silver Surfer interpretado por Julia Garner, quien anuncia la llegada de Galactus el Devorador de Planetras.

Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos, estará disponible en cines, para todo el público, a partir del 25 de julio.

Han pasado 28 años desde el estreno del clásico del género slasher, Se lo que hicieron el verano pasado, de 1997, desde esa fecha que Jennifer Love Hewitt y Sarah Michelle Gellar no hablan.

Actualmente, Jennifer Love Hewitt dio una entrevista a Vulture, como parte de su gira para promocionar la más reciente secuela de la franquicia, Se lo que hicieron el verano pasado, del 2025.

La actriz de 46 años aclaró el estado de su relación con su colega Sara Michelle Gellar de 48 años. Reveló que no se han contactado desde el estreno de la primer película de la saga de 1997.

Hewitt se sinceró y dijo que no podía explicar que fue lo que pasó, ni cómo se originaron los rumores sobre una supuesta disputa entre ella y Gellar.

“Simplemente creo que la gente no quiere que la historia sea fácil. ¿Por qué siempre tenemos que estar unos contra otros?“.

Love Hewitt agregó que sencillamente se dejaron de ver: “Literalmente no hablamos desde que nos vimos cuando rondábamos los 18 años”, la actriz dijo que le causa gracia encontrarse con fans o periodistas que le preguntan “¿Tienes algo que responderle a Sarah?“, a lo que ella responde ”¿Que se supone que tengo que responder?“.

Hewitt confesó que no tenía idea de que existiera el rumor en redes sociales, de que estuviera peleada con Sarah “Por mi parte todo está bien”, agregó.

La entrevista de Love Hewitt con Vulture ocurrió días antes de la premier del reboot de Se lo que hicieron el verano pasado, en Los Angeles, a la que Hewitt y Gellar asistieron, pero no se vieron en la alfombra roja ni en el after party.

Un par de días después de la premier, el 16 de julio, Gellar publicó un mensaje en Instagram en el que aclara que no pudo ver a Hewitt porque estaba “adentro con sus hijos” cuando Love Hewitt llegó a la alfombra roja. Y después de la premier Hewitt no asistió al after party.

“Si alguno de ustedes ha estado en una premier, saben que es una locura. Tristemente no me tomé fotos con la mayoría del elenco. Eso no cambia lo maravillosos que son todos ellos. Desafortunadamente algunas cosas sólo pasan en la vida real y no online“, dijo en su post Sarah.

Al día siguiente, el 17 de julio, Hewitt hizo post en Instagram donde aclama la nueva película de Se lo que hicieron el verano pasado. Escribe que “El elenco original ocupa un lugar especial en mi corazón adolescente”, y continúa con un agradecimiento y felicitaciones a todo el elenco de la nueva generación de la franquicia.

“Quiero felicitar a todo el elenco nuevo. Ahora estamos involucrados en este proyecto. Y para los fans, espero que la película haya sido lo que esperaban, y para los nuevos fans, quiero agradecerles que nos permitan ser parte de su verano”, finalizó Love Hewitt.

La nueva entrega de, Se lo que hicieron el verano pasado, dirigida por Jennifer Kaytin Robinson y producida por Neal H. Moritz , ya está en cines.

En medio de la euforia por el estreno de la tercera y última temporada de El juego del calamar (Squid Game en su idioma original), Park Sung-hoon se sinceró sobre uno de los aspectos más delicados y personales de su participación en la serie: interpretar a una mujer trans siendo un hombre cisgénero.

“Realmente no quería ofender a nadie”, afirmó el actor en entrevista con la revista PEOPLE durante la alfombra roja celebrada en Nueva York este miércoles 18 de junio.

Su personaje, Cho Hyun-ju, fue introducido en la segunda temporada como una exsoldado que fue dado de baja tras salir del clóset como mujer trans.

En la brutal competencia del juego, Hyun-ju lucha por un premio millonario con la esperanza de costear su cirugía de afirmación de género y mudarse a Tailandia para comenzar una nueva vida.

La decisión de interpretar a un personaje trans como actor cisgénero no estuvo exenta de críticas potenciales, algo que Park reconoció abiertamente.

“Sabía que había preocupaciones. Pero cuando se estrenó la temporada 2, la comunidad LGBTQ+ me dio mucho amor y apoyo, y estoy eternamente agradecido por ello”, admitió.

Por si fuera poco, Park Sung-hoon confesó que el papel ha tenido un profundo impacto en él, tanto personal como profesionalmente.

“Aunque Hyun-ju es una mujer trans, eso es solo una de sus cualidades y tiene muchas otras que son admirables. Es desinteresada, se preocupa por los demás, tiene liderazgo y es valiente. Como actor, aprendí mucho de ella”, explicó.

Más allá de la acción y el suspenso, el actor surcoreano aseveró que espera que su trabajo sirva para abrir puertas y generar empatía.

“Solo puedo agradecer la oportunidad de haber interpretado a Hyun-ju y el cariño que he recibido. Espero que la historia que contamos ayude a crear más comprensión y respeto hacia todas las identidades”

¿De qué tratará la tercera temporada de “El juego del calamar”?

En la tercera entrega, que marca el cierre definitivo de la historia, Hyun-ju regresa como la jugadora número 120. La trama retoma después de que ella y otros jugadores, liderados por Seong Gi-hun (interpretado por Lee Jung-jae), protagonizan una fallida rebelión contra los organizadores del letal torneo.

En el tráiler oficial de la tercera temporada, revelado durante el evento Tudum 2025 de Netflix en mayo, se anticipa el destino de Hyun-ju, Gi-hun y los demás sobrevivientes, mientras cada una de sus decisiones los arrastra a consecuencias cada vez más graves bajo la atenta mirada del implacable Front Man, Hwang In-ho (Lee Byung-hun).

La sinopsis oficial de asegura que la historia “sigue a Gi-hun, tras la pérdida de su mejor amigo en el juego, y su deseo desesperado de acabar con la competencia. El Front Man continúa su misión, mientras las elecciones de los jugadores restantes se tornan cada vez más letales con cada ronda”.

Para Park Sung-hoon, llegar al final de esta historia es un momento de emociones encontradas. “Estoy muy emocionado por que los fans vean esta temporada, pero es un poco agridulce, porque no quiero decir adiós a Squid Game”, confesó.

Junto a Park, regresan también los actores Lee Jung-jae como Seong Gi-hun y Jo Yu-ri como Jun-hee, completando el trío principal en esta entrega final. La narrativa se intensifica y promete un cierre tan dramático como visualmente impactante.

La tercera temporada de El juego del calamar estará disponible a partir del 27 de junio en Netflix.

Hiba Abouk está viviendo uno de sus mejores momentos y ella misma es consciente de estar en ese punto de disfrutar de la vida venga lo que venga. Así lo ha reconocido públicamente en sus últimas intervenciones ante las cámaras y hoy también.

La actriz se ha dejado ver en la premiere de 'Matices' y allí ha confesado estar "en un momento muy tranquilo, muy feliz, con mucho trabajo, estoy muy contenta". Una etapa de su vida en la que también hay "muchísimo amor, tengo dos hijos, mis amigos... estoy rodeada de amor, no podría vivir sin amor, pero no tengo pareja".

Feliz y contenta en este momento de soltería, Hiba ha asegurado que "se disfruta mucho" aunque "tampoco tengo tiempo para otra cosa", por lo que no tiene en mente enamorarse de nuevo ya que los proyectos profesionales le ocupan la mayor parte de su tiempo.

Por último, con una sonrisa en su rostro la actriz ha comentado que el verano se presenta "bien, interesante, con mucho viaje", pero sobre todo "tranquila" después de un año exitoso en su trabajo.

El regreso del audaz piloto Pete Mitchell “Maverick” es casi un hecho, según confirmó Christopher McQuarrie, escritor y productor de la película del 2022 Top Gun: Maverick.

McQuarrie, quien también es director de Mission: Impossible: The Final Reckoning, asistió al podcast Happy Sad Confused conducido por el periodista Josh Horowitz. Christopher le dijo a Horowitz que tiene listas las ideas para una nueva cinta de Top Gun. Durante la charla el periodista le preguntó a McQuarrie si el argumento para una película de Top Gun 3 sería más difícil que el de Top Gun: Maverick.

“No, ya la tenemos en la bolsa", respondió el director.

“¿Entonces ya resolviste la historia?“, hizo otra pregunta Horowitz.

“Sí, ya se de que va a tratar la película”, afirmó McQuarrie.

“No fue tan difícil como pensé que sería. Sabes, ninguna de estas películas es complicada. Cuando entré a la oficina diciendo ‘¡Vamos! ¿Qué haremos?’ Ehren Kruger (guionista) propuso una historia y lo pensé un momento, que de hecho sonaba bien... Después tuvimos una conversación al respeto y la estructura de la película estaba ahí“, respondió con toda seguridad el reconocido guionista de la cinta Valkyre, una adaptación del intento real de matar a Hitler.

McQuarrie profundizó en el tema central para la nueva película de Top Gun, y la verdadera dificulta para hacerlas.

“Es cuando comienzas a trabajar, y te haces preguntas, cuando comienzas a pensar ‘¿Cómo están hechas estas películas?’. Entonces te das cuenta que no es por la acción, ni es por la intensidad o magnitud de la acción, tampoco es por la ingeniería detrás de las películas, no se trata de hacer bolas de fuego... No es ninguna de esas cosas, es la ‘emoción’ se trata del cierre emocional que le ofreces al público”.

Christopher McQuarrie explicó que Top Gun trata de encontrar un balance emocional y darle un lugar para que la audiencia sienta afinidad con los personajes.

Como ejemplo recordó la escena entre Maverick (Cruise) y Rooster (Milles Teller), en el momento cuando los personajes se reconcilian. Después de que Rooster le guardó resentimiento durante toda su vida a Maverick, porque lo culpaba de la muerte de su padre, Goose, en la primer película Top Gun de 1986.

“Tienes un conflicto entre estos dos personajes, en el que recreas la confrontación clásica entre Maverick y Goose. Entonces le tienes que dar ese cierre emocional a la audiencia. En el minuto en que el enfrentamiento entre los dos personajes se resuelve, se acaba la película, porque das fin a la tensión”, McCuarrie finalizó, explicando las emociones que realmente le dan vida a Top Gun.

¿Paramount o Warner?

Ehren Kruger coescritor de Top Gun: Maverick dijo para la revista Puck, que está esbozando un nuevo guion de la saga, en la que posiblemente regrese Joe Kosinski como director.

La intención es reunir a Tom Cruise con la siguiente generación de coestrellas Miles Teller y Glen Powell.

Esta noticia se da días después de que Warner Bros/Discovery y Tom Cruise anunciaron que firmaron un contrato para producir películas juntos, aunque el contrato no es de exclusividad.

Anteriormente Cruise filmó varios títulos con Paramount, aunque no tenía un contrato formal con la productora.

Algunos interpretan el anuncio de Top Gun 3 como una especie de apuesta, para atraer a productoras que deseen competir por el contrato.

Paramount no ha emitido ninguna intención al respecto. Mientras tanto la nueva entrega de Top Gun continúa gestándose.

Madrid, 23 may (EFE).- Hace cuarenta y cinco años se estrenaba en cines de Nueva York y Los Ángeles la película de terror psicológico 'El resplandor' ('The shining'), dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson.

Después de meses de espera, la tercera temporada de La Casa de los Famosos México comienza a tomar forma, pues ya se confirmó a dos conductoras que estarán al frente de las galas.

A través de la cuenta oficial del exitoso reality show, Televisa dio a conocer el arranque de la tercera edición de la casa más famosa de México, esperando que se repita el éxito de las dos temporadas anteriores.

Para comenzar con la intriga que genera por naturaleza el formato, la producción compartió un par de fotografías de las personalidades, quienes por tercera vez llevarán al público los mejores momentos que ocurren dentro de la casa.

“¡CONFIRMADO! Galilea Montijo será la conductora de la nueva temporada de La Casa de los Famosos México.¡Esto ya comenzó, están listos?“, se lee en la primera imagen, en la que aparece la conductora de ”Hoy".

Posteriormente, y de la misma forma, se dio a conocer que Odalys Ramírez también será parte del equipo de conductores de LCDLFMX.

Como era de esperarse, la emoción es evidente, pues la presentadora de “¡Cuéntamelo Ya!” respondió con un breve mensaje la publicación, dejando al descubierto su emoción por iniciar uno de los proyectos más importantes de TelevisaUnivisión.

¿Cuándo comienza la tercera temporada de La Casa de los Famosos México?

Por su parte, Galilea Montijo se mostró notablemente emocionada por el proyecto en la reciente emisión de “Hoy”, donde terminó por confirmar la fecha de estreno.

“Regresamos el domingo 27 de julio a las 20:30 horas por La Estrellas”, reveló.

Debido a que anteriormente se especuló sobre la posibilidad de que Adela Micha la sustituyera, Montijo fue sincera al expresar su sentir a pocas semanas del estreno de La Casa de los Famosos México.

“Estoy emocionada, nerviosa, porque obviamente cada que comienza un proyecto me da muchísimo nervio, pero también mucha emoción. Este es un proyecto más que probado con el público, que estamos esperando, que me encanta que lo dejen descansar y que todos estamos esperando la nueva temporada”, agregó.

Finalmente, debido a que su vestimenta en las galas de eliminación siempre da de qué hablar en redes sociales, finalizó el tema asegurando que se vienen looks muy padres.

“Soy muy atrevida y me gusta mucho el rollo de la moda (...) Se trata de que también en casa comenten ‘me gustó el maquillaje, el peinado’. Venimos con cosas padres en cuestión de vestuario”, concluyó.

Estrenada en 2002, Lilo & Stitch se convirtió en un clásico de la animación de Disney. En pleno furor del CGI, Chris Sanders y Dean DeBlois apostaron por el dibujo animado para adaptar un libro infantil que Sanders quiso publicar tiempo atrás, mezclando elementos de ciencia ficción y drama familiar para mostrar la relación entre una niña hawaiana y un extraterrestre que se hacía pasar por un perro.

Con 273 millones de dólares recaudados en su día, marcó el inicio de una franquicia de gran éxito para Disney, pero con el paso de los años el giro nostálgico que experimentó la producción cinematográfica en Hollywood durante los últimos años, propició la posibilidad de explorar una edición live-action de esta entrañable historia que llega a las salas de cine de Colombia a partir de este jueves 22 de mayo.

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Dirigida por Dean Fleischer Camp, la trama gira en torno a Lilo Pelekai, una niña que vive en Hawái bajo el cuidado de su hermana mayor, Nani, tras la muerte de sus padres. Ambas enfrentan tensiones económicas y emocionales para salir adelante, hecho que marca la relación que desarrollan ambas en el filme.

En su búsqueda de tener un amigo, Lilo adopta a un extraño animal azul que llama Stitch. La niña cree que se trata de un perro, pero en realidad se trata de “626″, un experimento genético alienígena diseñado para provocar caos por el malvado científico Jumba Jookiba. Con su escape, terminará por provocar que en la Tierra y en el espacio exterior sea señalado y perseguido.

A lo largo del filme, Stitch comienza a entender el significado de pertenecer a una familia (ohana, en el dialecto hawaiano) y Lilo aprende a aceptar y cuidar a alguien que, a primera vista, parece difícil de amar.

El elenco elegido para esta nueva versión que incursiona en la animación en acción real incluye a la debutante Maia Kealoha, que interpreta a Lilo, en un esfuerzo por buscar la máxima afinidad cultural posible con Hawaii en la producción. Nombres como Sydney Elizabeth Agudong, Billy Magnussen, Tia Carrere, Hannah Waddingham, Chris Sanders, Courtney B. Vance y Zach Galifianakis, completan el reparto.

Por otra parte, esta nueva versión se propone ampliar la experiencia original, pues dura 108 minutos frente a los 85 de la película de 2002, por lo que todo indica que habrá tiempo para darle un desarrollo todavía más profundo a los personajes.

No obstante, el mensaje principal de Lilo y Stitch se mantiene inalterable: “ohana significa familia, y tu familia nunca te abandona”. Con la relación entre los protagonistas, esta noción se extiende más allá de los lazos biológicos y se centra en la solidaridad y el apoyo mutuo, especialmente en los momentos difíciles. Todo esto, acompañado con una combinación de humor, aventura y emotividad que le garantizó su lugar como una de las historias más duraderas en el catálogo de Disney.

Una franquicia de éxito

Coimo buena parte de los productos de Disney, Lilo y Stitch se transformó en un fenómeno comercial y cultural, que impulso la ampliación de su historia con nuevas producciones.

Apenas un año después de la película original de 2002 se lanzó Stitch! The Movie (2003), que hizo de puente para Lilo & Stitch: La Serie (2003-2006), la cual sigue las aventuras de los protagonistas mientras buscan y reforman a los otros 625 experimentos creados por el científico Jumba Jookiba.

En 2005 llegó Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch, que continúa explorando la relación entre los personajes principales con un argumento más oscuro que en las anteriores, y en 2006 se lanzó Leroy & Stitch, que sirve como cierre para la serie animada.

Incluso hubo adaptaciones orientales, como el anime japonés Stitch! y la serie china Stitch & Ai, que permitieron explorar la historia original desde otro contexto.

Ante la polémica por el día del lanzamiento de su nueva canción, Ángela Aguilar estrenó Corazón de piedra, otro de los sencillos que formarán parte de su nuevo álbum discográfico, el primero que produce sin Pepe Aguilar, su papá.

Desde hace unas horas, se sabía que el lanzamiento de su nueva canción estaba cerca, pues incluso desató críticas porque coincidía con el estreno de una canción de Cazzu, expareja de Christian Nodal.

Pese a lo que se dice en redes sociales, Corazón de piedra salió a la luz y desató muy buenos comentarios por parte de sus seguidores, pues en comparación con los sencillos anteriores, la integrante de la dinastía Aguilar incursiona en los sonidos tumbados.

Pese a la incursión de nuevos sonidos, la hija de Pepe Aguilar no deja de un lado el mariachi que la ha acompañado a lo largo de su carrera musical; sin embargo, su nueva producción sigue sorprendiendo al público.

Hasta ahora, las canciones que han salido a la luz son: Nadie se va como llegó, El equivocado y Corazón de piedra; pero una de las que más ha desatado polémica es la dedicada a Christian Nodal, pues parece ser la respuesta a todos los comentarios negativos que ha recibido su matrimonio.

Letra completa de Corazón de piedra, nueva canción de Ángela Aguilar

No hay palabra de amor

que a este pobre corazón convenzan

ya no hay ganas de amar si no te puedo olvidar.

Que pases por mi mente

cada vez es más frecuente

no lo puedo evitar, cierro los ojos y ahí estás.

Pero mira, ya ves que no es mentira

hacer las cosas bien era lo único que pedía.

Tus labios decían te amo, pero te faltó demostrar...

Que tú te morías como yo por ti

que no imaginabas futuro sin mí.

Ojalá existiera regresar el tiempo

y no vivir lo que duele el recuerdo.

Corazón de piedra para no sentir

porque el pasado ahora me hace sufrir.

Ojalá pudiera regresar el tiempo,

para escuchar ese último te quiero.

Pero mira, ya ves que no es mentira

hacer las cosas bien era lo único que pedía.

Tus labios decían te amo, pero te faltó demostrar...

Que tú te morías como yo por ti

que no imaginabas futuro sin mí.

Ojalá existiera regresar el tiempo

y no vivir lo que duele el recuerdo.

Corazón de piedra para no sentir

porque el pasado ahora me hace sufrir.

Ojalá pudiera regresar el tiempo,

para escuchar ese último te quiero.

Después de toda la polémica que se avivó de nuevo hace unos meses tras la confesión de Ivonne Reyes, su hijo Alejandro se ha dejado ver este miércoles, 7 de mayo, en la premiere de 'DAKAR: CARRERA CONTRA EL DESIERTO' y allí ha hablado del momento que está viviendo.

Se ha mostrado bastante tenso a la hora de preguntarle por Pepe Navarro, tanto que solo ha confesado encontrarse "bastante tranquilo, muy centrado en mi carrera, que es lo que me gusta" y ha asegurado que "enemigos por suerte no tengo".

En cuanto a cómo se encuentra su madre, el joven ha desvelado que "bien", aunque ha llamado la atención porque segundos después ha matizado: "Creo que bien, hace tiempo que no hablo con ella".

Unas declaraciones que a priori han llamado la atención, aunque más tarde ha explicado que "hablamos más de trabajo y de cine, me echa una mano con el tema de los castings, pero yo la veo genial".

Por último, sobre el momento profesional que vive, Alejandro ha anunciado que "paré de rodar una película de Hollywood, esperando a que se estrene, he estado haciendo muchos castings y muy contento con eso, no paro".

Siempre tan sinceras ante las cámaras, las gemelas de First Dates, Marisa y Cristina Zapata, se han dejado ver este miércoles, 7 de mayo, en la premiere de 'DAKAR: CARRERA CONTRA EL DESIERTO' y allí han hablado abiertamente del trastorno obsesivo compulsivo que padecen.

"Profesionalmente estamos viviendo un buen momento, seguimos con el programa, hemos hecho nueve años y personalmente bastante bien también", han explicado las dos hermanas cuando se les ha preguntado por el momento que viven.

Cristina y Marisa, que hablaron abiertamente hace un tiempo sobre la enfermedad mental que padecen, TOC, han explicado hoy que "está ahí, controlada por profesionales" y que contestan multitud de mensajes por redes sociales de personas anónimas que también conviven con ella.

"Cuando una persona conocida dice que tiene un problema de ese tipo, se quita el estigma" explicaba Cristina. "Lo hicimos para poder ayudar", añadía Marisa, ya que "se puede salir, hay que pedir ayuda, no hay que hundirse".

Para ello, una de sus mejores armas es el humor porque "al final es lo que nos salva, cuando estás pasando un mal momento hay que pedir ayuda y se puede hacer una vida normal con tratamiento, se sale".

Esta semana El conjuro 4: últimos ritos mostró su primer avance oficial y con ello llenó de pánico a miles de espectadores que, emocionados y aterrador por igual, ya esperan la llegada a la pantalla grande de la que supuestamente será la entrega final de la franquicia liderada por Ed y Lorraine Warren.

En esta cuarta iteración de la saga de terror, los investigadores de lo paranormal se enfrentarán a uno de los casos que, en la vida real, les dieron más fama. No sólo por lo complejo que resultó para ellos, sino porque también se trató de un momento que les orilló al retiro.

¿De qué se trata?

Los fanáticos de estas películas, recordarán que en la entrega anterior, Ed Warren (interpretado por Patrick Wilson) sufrió un infarto por los “gajes del oficio” como demonólogo y exorcista. Por tanto, en conjunto con Lorraine (Vera Farmiga), decidió poner en pausa su labor como “cazafantasmas” e investigador de lo paranormal.

En cinco años, el matrimonio no ha tomado casos nuevos, ni ha limpiado los malos espíritus de casas o mansiones. En cambio, se han dedicado de lleno a su pasar el tiempo con su hija, explorar otros empleos, pero sobre todo, a dar charlas y conferencias sobre el tema paranormal.

Dichas sesiones son de utilidad no sólo para los curiosos y apasionados del tema, sino también para instruir a aquellos que busquen seguir sus pasos. Aquellos que busquen ayudar a todas aquellas familias que, sin deberla ni temerla, deben lidiar con demonios y entidades oscuras en sus hogares.

Sin embargo, el caso de la familia Smurl llegará hasta su puerta y dificilmente podrán escapar del llamado. Dicho episodio, es uno de los más famosos que tienen los Warren en la vida real, razón por la que los fanáticos están emocionados de verlo reflejado en la gran pantalla.

De acuerdo con la cobertura de los medios en 1986, y lo contado por la pareja en sus diversas charlas, la familia Smurl acudió a ellos tras ser víctimas de una entidad demoniaca que no sólo les asustaba, movía las cosas o hacía ruidos, sino que también les agredía física e incluso de sexualmente.

Luego de la investigación del matrimonio se llegó a la conclusión de que los Smurl tenían cuatro entidades diferentes en casa: una anciana que era inofensiva, una joven violenta, un hombre que murió de una manera horrible en dicho lugar y un demonio que usó como peones a los tres anteriores para infligir tortura física, emocional y psicológica en los miembros de la familia.

¿Quién se esconde detrás?

Se espera que este nuevo episodio de El Conjuro, adapte aquel caso a la narrativa cinematográfica de una forma inquietante, con los acostumbrados “jumpscares” y efectos visuales que hagan del visionado una montaña rusa.

No obstante, también se cree que esta película dará un cierre definitivo no sólo a la franquicia de El conjuro, sino al universo cinematográfico completo de donde se desprenden otros títulos como Annabelle o La Monja, las cuales cuenta con diversas secuelas.

Tras la dirección de El conjuro 4: últimos ritos no se encuentra James Wan, quien diera inicio a este universo. Pero sí se encuentra en calidad de productor ejecutivo, lo que significa que aún tiene injerencia creativa en esta película.

En su lugar, la silla de director la ocupa Michael Chávez, quien no es ajeno a esta saga de películas. El cineasta ya se encargó de dar forma a La Monja 2 y El Conjuro 3: El diablo me obligó a hacerlo.

En el reparto Vera Farmiga y Patrick Wilson, regresan como los Warren, famosos investigadores de lo paranormal y matrimonio querido de los fanáticos del cine y el horror. Sus méritos están acompañados por Shannon Kook, Mia Tomlinson, Ben Hardy y Steve Coulter.

¿Cuándo se estrena El Conjuro 4 en México?

Es bien conocido que en México la audiencia es una fanática acérrima del género del horror, razón por la que El Conjuro siempre es recibida de brazos abiertos por la taquilla.

Afortunadamente para los cinéfilos mexicanos, El conjuro 4: últimos ritos, ya tiene fecha de estreno e incluso llegará a las salas un día antes que en EEUU. Su debut ocurrirá el jueves 5 de septiembre.

Por ahora está confirmado que la aventura final de los Warren llegará a salas tradicionales y pantallas IMAX.

Cuando por fin empezaba a remontar, Cari Lapique se enfrentaba hace unas semanas a la muerte de su hermano Manuel tras una larga enfermedad. Un nuevo varapalo por la que la veíamos arropada por toda su familia y los seres queridos que no la han dejado sola en el último año.

Sin embargo, Cari no ha echado el freno y este miércoles se ha dejado ver acudiendo al estreno de la ópera 'Eugenio Oneguin' en el Teatro Real junto a su hermana Myriam.

A su entrada, Lapique ha asegurado que se encuentra "bien" y que está retomando su vida personal poco a poco: "Sí". Además, ha agradecido a la prensa su apoyo: "Gracias, muchas gracias".

Su hermana Myriam no se ha separado de su lado ni un solo día desde que Cari se enfrentó, el pasado verano, a la muerte de su marido y de su hija con tan solo días de diferencia y ahora se han unido aún más tras la muerte de su hermano Manuel.

Las dos han decidido desconectar un día como hoy yendo al estreno de esta ópera para acabar con ese encierro y retomar su vida social después de unos meses de lo más duros.

Fue una de las grandes amistades de Isabel Pantoja, pero lo cierto es que en los últimos años Raúl Sénder ha preferido estar al margen de todas las polémicas en las que se ha visto envuelta la tonadillera y... aunque hace mucho que no se les ve juntos, parece que siguen teniendo contacto.

Esta semana, Raúl acudía al estreno de 'Una madre de película', un monólogo protagonizado por Toni Acosta y desde allí mandaba un mensaje a Anabel Pantoja: "Conozco a Anabel, por supuesto que la conozco, y mucho, y le deseo lo mejor, pero no entro en este tipo de preguntas".

Siempre muy discreto a la hora de hablar de cualquier rostro conocido y más si es perteneciente a la familia Pantoja, Raúl dejaba claro que "nunca hablo de nadie en ninguna entrevista. Ni opinión ni nada, prefiero mejor no tener ningún comentario".

A pesar de que hace tiempo que no se le ve junto a ella, el humorista sí que acudió al concierto que ofreció la tonadillera el pasado mes de abril en la capital, demostrándole así todo su apoyo.

Omar Ayuso ha acudido este jueves, 16 de enero, al estreno de 'Una madre de película', el monólogo protagonizado por Toni Acosta, y ha sido preguntado por la que es la noticia de la semana: la reconciliación de Aitana Ocaña con Miguel Bernardeau.

De lo más discreto, el actor ha reconocido "no" haberse enterado de la noticia y ha asegurado que "no sé nada, de verdad" y aunque lo supiera "no me gusta hablar de la vida personal de mis compañeros, me parece muy feo".

Al preguntarle qué le parece la pareja que forman, Omar ha desvelado que "si ellos quieren", pero al segundo se retractaba asegurando que "no tengo ni idea" y, como no podía ser de otra manera, ha tirado de sentido del humor para salir del paso: "Bastante tengo con mi vida amorosa como para preocuparme de la de los demás".

Los periodistas recogían el guante y entonces le preguntaban por su situación sentimental, pero el actor, entre risas, confesaba que "tampoco voy a hablar de ella".

“A Minecraft Movie” (“Una Película de Minecraft”), la adaptación cinematográfica del popular videojuego, ha superado los 550 millones de dólares en recaudación mundial en tan solo dos semanas, consolidándose como el estreno más exitoso de Hollywood en lo que va del año.

Según informó The Associated Press (AP), la película, dirigida por Jared Hess y protagonizada por Jason Momoa y Jack Black, presentó una caída del 50 % en comparación con su debut, pero que sigue siendo notablemente sólida para un estreno de esta magnitud.

El filme, una coproducción entre Warner Bros. y Legendary Entertainment, tuvo un presupuesto de 150 millones de dólares y ya ha duplicado las expectativas iniciales tras un estreno global que alcanzó los 300 millones de dólares. A pesar de las críticas mixtas, con una calificación del 46 % en el sitio especializado Rotten Tomatoes y una puntuación de “B+” en CinemaScore, la película ha logrado captar la atención de los espectadores.

Un éxito protagonizado por Jack Black y Jason Momoa

Tras su exitoso estreno, Pamela Abdy, copresidenta y directora ejecutiva de Warner Bros. Motion Picture Group, dijo que todos estaban encantados de que el público “esté respondiendo y que todos vayan al cine”.

El largometraje también rompió el récord de una adaptación de videojuego, que antes era ostentado por “La película de Super Mario Bros”.

El reparto de la película, que incluye a figuras como Jason Momoa, conocido por su papel en “Aquaman”, y Jack Black por su participación en la saga “Kung Fu Panda”, donde prestó su voz al personaje principal, ha sido un factor clave en su atractivo comercial.

Ninguno de los estrenos del fin de semana como The King of Kings, The Amateur, Drop o Warfare pudieron desafiar a “Una Película de Minecraft”, sin embargo, algunos largometrajes superaron las expectativas.

“El Rey de Reyes”, una historia animada que, según AP, habla sobre la vida de Jesús y está dirigida al público cristiano, logró posicionarse en el segundo lugar de la tabla recaudando 19.1 millones de dólares en 3.200 salas.

Los éxitos que encabezaron la lista de películas

De acuerdo con cifras de Comscore, citadas por la agencia de noticias y que serán publicadas el lunes, las ventas estimadas de entradas de viernes a domingo en los cines de EEUU y Canadá incluyen:

1. “Una película de Minecraft” (80.6 millones de dólares).
2. “El Rey de Reyes” (19.1 millones de dólares).
3. “The Amateur” (15 millones de dólares): Esta cinta es protagonizada por Rami Malek, quien encarna a un criptógrafo de la CIA que persigue a los asesinos de su esposa. En el extranjero consiguió reunir 17.2 millones de dólares, según AP, una cifra que contrasta con el presupuesto de 60 millones de dólares.
4. “Warfare” (8.3 millones de dólares): Esta es la secuela de “Civil War” y recaudó tal cifra en 2670 salas. Alex Garland coescribió y dirigió el filme de A24 con Ray Mendoza, veterano de la guerra de Irak, quien basó la historia en una misión que él y sus compañeros Navy SEAL realizaron en 2006.
5. “Drop” (7.5 millones de dólares): es protagonizada por Meghann Fahy, encargada de traer a la vida a una madre soltera viuda en su primera cita que es aterrorizada mediante mensajes telefónicos por un desconocido. El presupuesto del largometraje fue menor a 10 millones de dólares.
6. “The Chosen: Last Supper (Part 3)” (6 millones de dólares).
7. “A Working Man” (3.1 millones de dólares).
8. “Blancanieves” (2.8 millones de dólares).
9. “La mujer en el patio” (2.1 millones de dólares).
10. “Los Elegidos: La Última Cena (Parte 2)” ($932.106 dólares).

Melbourne (Australia), 12 ene (EFE).- La lluvia interrumpió la jornada inaugural del Abierto de Australia en los choques disputados en las pistas exteriores tras una hora de juego.

Todavía no se ha finalizado ningún choque y la agencia de meteorología nacional estima que la lluvia podría extenderse a lo largo del mediodía e incluso la tarde.

Sin embargo, las precipitaciones no afectarán a la española Paula Badosa (12) porque disputará su partido de primera ronda ante la china Xinyu Wang en la pista con techo cubierto John Cain.

Tampoco correrá riesgo el estreno del balear Jaume Munar, que tiene previsto arrancar su camino frente al noruego Casper Ruud (6) en la pista central Rod Laver Arena.

Sí que podrían verse afectados los estrenos de sus compatriotas Jessica Bouzas, Cristina Bucsa, Alejandro Davidovich y Pedro Martínez. EFE

De acuerdo con lo que informó Deadline, el CEO de Disney, Bob Iger, anunció oficialmente durante la reunión anual de accionistas del estudio que Coco 2 está en marcha. La esperada secuela de la exitosa película de Pixar tiene previsto su estreno en 2029.

“Si bien la película está en sus primeras etapas, sabemos que estará llena de humor, corazón y aventura. No podemos esperar para compartir más detalles pronto”, dijo el ejecutivo, quien añadió que el proyecto contará nuevamente con el equipo creativo detrás de la primera entrega. Por lo que el director ganador del Oscar, Lee Unkrich y el codirector Adrian Molina estarán al frente de la cinta, mientras que la producción estará a cargo de Mark Nielsen.

De hecho, en diciembre de 2024 durante una entrevista con la revista People, Unkrich adelantó que Coco 2 era una gran posibilidad gracias a que muchos fanáticos la han pedido por años: “Es un gran honor saber que tantos de nuestros fanáticos la quieren. Lo he escuchado mucho. Puedo decir que, como en todas nuestras películas, si surge la historia adecuada, la exploraremos a fondo”, expresó.

Asimismo, cuando se le preguntó qué le gustaría ver en una segunda película de Coco, el cineasta de 57 años dijo: “Creo que las mejores secuelas son aquellas que, cuando salen, se sienten como una extensión natural de la primera película y no solo como un complemento, como una gran historia”.

Además, la cuenta oficial de Pixar y Disney en Instagram también postearon que Coco 2 ya se encuentra en producción: “¡Coco 2 de Disney y Pixar está oficialmente en proceso!”, dice el pie de foto del post que ya acumula más de medio millón de “me gusta”.

Sin embargo, la publicación generó opiniones dividas entre los fans, mientras unos se mostraron emocionados por la secuela, otros afirmaron que esta cinta no necesita una segunda parte: “Me encanta Coco, pero en mi opinión la película no necesita secuela. La historia es perfecta tal y como es”, escribió un usuario.

Aunque, cabe recordar que en una plática con la revista People, Lee Unkrich afirmó que tiene presente que no todos los fans de Coco quieren una segunda parte, pero lo más probable es que cuando la vean en cines sepan que fue una maravillosa idea.

“Aunque ahora la gente vea Coco y piense: ‘No necesita una secuela, es una historia completa’ —que es lo que es—, idealmente, si hubiera una secuela, pensarían: ‘Dios mío, nunca supimos que necesitábamos esta otra parte de la historia’”, señaló.

Recordemos que la primera película de Coco (2017) estuvo ambientada en México y presentó la historia de Miguel Rivera, un aspirante a músico de 12 años que descubre la verdad sobre su ídolo, Ernesto de la Cruz, mientras intenta devolver el amor por la música a su familia, que la prohibió hace mucho tiempo.

En taquilla, el filme recaudó 210.4 millones de dólares en Estados Unidos y acumuló un impresionante total de 814.6 millones de dólares a nivel mundial. Un dato destacado fue su desempeño en China, donde generó 189.2 millones de dólares, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de Disney en el país asiático. Incluso, esta producción ganó varios galardones durante la temporada de premios de ese año, incluidos los dos premios Oscar a los que fue nominada: Mejor Película de Animación y Mejor Canción Original por “Recuérdame”.

A medida que avance la producción, se espera que Disney y Pixar revelen más detalles sobre la trama y el elenco de Coco 2, pues en la primera entrega las voces del elenco principal estuvieron a cargo de Anthony Gonzalez, Benjamin Bratt, Alanna Ubach y Gael García Bernal

La icónica saga de terror Saw parece haber llegado a un abrupto final. Pese a que la entrega de Saw XI, fue anunciada en diciembre de 2023, con una fecha de estreno prevista para el 27 de septiembre de 2024, ha sido oficialmente cancelada tras retrasarse un año entero. Además, Tobin Bell, Shawnee Smith y Costas Mandylor iban a retomar sus papeles en la continuación y serían dirigidos nuevamente por Kevin Greutert.

Según informó The Hollywood Reporter, el proyecto se ha “estancado a nivel gerencial” y los guionistas Patrick Melton y Marcus Dunstan aseguraron al medio que han sido ignorados por Lionsgate desde que entregaron un borrador para la cinta en mayo de 2024. Sin embargo, sin un acuerdo entre los involucrados, el futuro de la saga es incierto.

“Está estancado a nivel directivo. No tiene nada que ver con la parte creativa ni con nada más. Hay cosas de mayor nivel en juego”, explicó Melton, quien ha trabajado en la franquicia desde Saw IV (2007). Según el escritor, la película se encuentra “retenida” debido a “disputas internas entre productores y Lionsgate”.

Saw X, el filme más reciente, se estrenó en septiembre de 2023 con gran éxito tanto crítico como comercial. Con Kevin Greutert como director y Tobin Bell retomando su icónico papel de Jigsaw/John Kramer, la película logró recaudar 107 millones de dólares a nivel mundial, demostrando que la saga seguía vigente tras 21 años de historia.

La franquicia debutó en 2004, la primera cinta fue dirigida por James Wan y escrita por Leigh Whannell. Con un presupuesto de apenas 1,2 millones de dólares, la producción se convirtió en un fenómeno de taquilla al recaudar 103 millones de dólares en todo el mundo. El éxito generó una serie de secuelas anuales entre 2005 y 2010, con la mayoría superando los 100 millones de dólares en ingresos.

A pesar del éxito de Saw X, la cancelación de Saw XI ha dejado a los fanáticos desconcertados. Según informó el medio especializado Bloody Disgusting, una fuente les comentó que el proyecto “está totalmente muerto. Se acabó por completo”.

Por si fuera poco, Patrick Melton había adelantado que la historia de la onceava entrega abordaría un “tema oportuno”, similar a la crítica social presente en Saw VI. “Puede que Saw XI se haga o no, pero tenemos una historia muy oportuna, y espero que se haga precisamente por eso. Retoma los mismos temas de Saw VI : eres un ciudadano, te sientes enojado y frustrado por algo, sientes que no puedes hacer nada, y John Kramer lo va a hacer”, comentó en una entrevista con The Hollywood Reporter.

En cuanto a las películas anteriores, Melton recordó que la crítica reaccionó favorablemente a Saw VI, pero la cinta se vio perjudicada en taquilla por el estreno de Paranormal Activity un mes antes. De acuerdo con el escritor, la ganancia en taquilla “se redujo a la mitad”.

Aunque confesó que esto le pareció “extraño porque fue la que recibió mejores críticas en ese momento”. La cinta recaudó poco más de 68 millones dólares a nivel mundial, cuando se esperaba que obtuviera más de 100 millones de dólares como las entregas anteriores.

“Fue la primera que realmente tuvo un gran impacto entre la crítica porque trataba sobre la atención médica. Sin embargo, la producción fue muy sencilla, a pesar de que las películas de Saw se hacían todos los años, lo cual es difícil”, señaló.

Aunque los representantes de Lionsgate no han emitido declaraciones oficiales sobre la cancelación del proyecto, los seguidores de Saw se quedan con la duda de si la icónica franquicia de terror ha llegado definitivamente a su fin.

Cada vez falta menos para que el público mexicano disfrute nuevamente de la obra teatral “El Rey León”, musical emblemático de Broadway, que regresará con una producción imponente que promete deslumbrar a una nueva generación de espectadores.

En cuanto las luces del Teatro Telcel se atenúan y el primer acorde resuena, la magia comienza: criaturas majestuosas emergen, sombras danzan en los telones y una historia eterna cobra vida con una intensidad renovada.

Este viaje emocional está a punto de revivir en la capital del país, luego de que se montara hace 10 años en este mismo recinto subterráneo cerca de Polanco.

Un hito en el teatro musical

Originalmente esta obra debutó en Broadway en el año de 1997 y desde entonces ha revolucionado la escena teatral con su mezcla de tradición y vanguardia.

El público podrá admirar marionetas monumentales, coreografías inspiradas en la danza africana y una dirección artística sin precedentes. Ahora, el montaje regresa con una escena renovada que promete emocionar tanto al nuevo público como a nostálgicos.

Voces que dan vida a la historia

Cada personaje es fundamental para esta odisea teatral.

• El elenco lo encabeza el actor mexicano Pierre Louis, quien retoma el desafiante papel de Simba.
• Nokulunga impregna a Rafiki de sabiduría y poder con su impresionante voz.
• Carlos Quezada se sumerge en la malevolencia calculadora de Scar.
• Pisano otorga a Mufasa una nobleza imponente.
• Luna Manzanares, con su interpretación vocal magistral, transforma cada escena como Sarabi.
• Eli Nassau y Sergio Carranza dan vida a Timón y Pumba con carisma inagotable.
• Las hienas serán encarnadas por Melissa Cabrera (Shenzi), Anton Diego Matus (Banzai) y Manuel Bermúdez (Ed), quienes dominan el escenario con su sincronización perfecta.
• Los más jóvenes del elenco, como Dylan Octavio Nucamendi Sánchez, Franco Vera y Andrés Ruanova como Simba niño, junto con Montserrat Fuentes Cruz, Ivana Altair y Camila García como Nala niña, aportan frescura y energía a la historia.

¿Cuándo se estrena ‘El Rey León’ en México?

El estreno en la Ciudad de México será este jueves, 20 de marzo, en el Teatro Telcel en donde se escuchará una banda sonora que ha cautivado a todo el mundo.

Desde la icónica apertura con ‘Circle of Life’ hasta el emotivo ‘Can You Feel the Love Tonight’, la música envuelve al público, transportándolo a un mundo de emociones vibrantes y recuerdos imborrables.

La escenografía está inspirada en los paisajes africanos, que se fusiona con una partitura legendaria firmada por Elton John, Tim Rice, Hans Zimmer y Lebo M, creando un universo donde cada nota y movimiento narran una historia.

El vapor de la regadera empaña el cristal mientras dos siluetas se funden en un juego de caricias y deseo. En otra escena se ve cómo dentro de la penumbra de una habitación, la tensión se desborda cuando Eloísa, despojada de inhibiciones, deja caer la última prenda que la separa del hombre que la hace sentir viva nuevamente.

En un giro inesperado, su vulnerabilidad se convierte en empoderamiento, un renacer que la actriz Angélica Rivera encarna con una intensidad inédita.

El regreso de la exprimera dama de México a la pantalla chica tras 18 años de ausencia no podría ser más impactante. En la serie “Con esa misma mirada”, la actriz no sólo encarna a una mujer en busca de redención tras una traición conyugal, sino que también se atreve a explorar escenas de una sensualidad pocas veces vistas en su carrera.

El drama de Televisa, producido por Argos y basado en la historia “Señora Isabel” de Bernardo Romero Pereiro, se estrenará el próximo 21 de marzo en ViX Premium y promete una narrativa cargada de emociones, revelaciones y una transformación personal que pondrá a prueba los cimientos de una familia.

Angélica Rivera, más sensual que nunca

En el adelanto oficial, Rivera se deja ver en un contexto completamente distinto al de sus antiguas telenovelas. El personaje de Eloísa, una mujer que ha vivido a la sombra de su esposo Octavio Hidalgo (interpretado por Iván Sánchez), decide renacer tras descubrir una infidelidad.

Su despertar emocional y físico la conduce a una serie de escenas que desafían cualquier imagen previa de la actriz, en momentos sensuales, que a continuación te presentamos.

El tráiler muestra a este personaje femenino en momentos de gran intimidad con dos de los personajes masculinos clave: Iván Sánchez y tiempo después con Diego Klein.

En una de las secuencias más comentadas en redes sociales, Rivera aparece en la regadera con Sánchez, mientras la tensión se eleva entre caricias y miradas encendidas.

Pero la escena que realmente ha causado revuelo ocurre en la cama: Eloísa, liberada de las ataduras de su pasado, va despojándose lentamente de su ropa frente a Klein, hasta quedar en un estado de vulnerabilidad absoluta. En un par de segundos, el deseo se apodera de la pantalla y la transforma en una mujer que se redescubre a sí misma a través del amor.

Un reto tras 18 años fuera de escena

Para la actriz, esta serie representa mucho más que un regreso a la actuación: es una reivindicación. “Fue un reto en general toda la historia porque llevaba 18 años fuera, pero las escenas que van a ver de cama, sensuales, me di la oportunidad como actriz porque también el personaje lo requiere”, expresó la actriz en un encuentro con medios de comunicació, incluido INFOBAE MÉXICO.

Su entrega al papel la llevó a explorar nuevas facetas interpretativas, rompiendo con la imagen de la “Gaviota” que el público recuerda.

El elenco que acompaña a Rivera está conformado por talentos de primera línea: Ximena Herrera, Pamela Almanza, Diego Klein y su hija, Sofía Castro, así como Ivanna Castro, quienes aportan un matiz adicional a esta historia de reconstrucción femenina.

Una historia de redención y pasión

“Con esa misma mirada” es una serie sobre traiciones y nuevas oportunidades. La trama profundiza en el autodescubrimiento, la fuerza de la sororidad y los conflictos internos de una mujer que, tras décadas de sometimiento, decide recuperar su vida y su identidad.

Eloísa además de enfrentar la infidelidad de su esposo, también lidia con la fractura de su familia. Su hijo Samuel (Nicolás Haza) rompe lazos con su padre y encuentra refugio en la fotografía; Antonia (Sofía Castro) lucha por cumplir las expectativas impuestas, y Matilde (Ivanna Castro) enfrenta sus propios demonios internos en busca de aceptación.

Angélica Rivera aparece sin ropa

Con tomas cuidadas, Angélica Rivera aparece sin ropa en algunas escenas de la serie, de acuerdo al tráiler de esta producción que contará con tres temporadas.

“Siento que Octavio sólo me ve como la madre de sus hijos, la ama de casa, necesito que me vuelva a ver como una mujer”. Las palabras de Eloísa resuenan en la penumbra de su habitación, donde el reflejo en el espejo no le devuelve la imagen de la mujer que una vez fue.

La revelación llega como un golpe seco: “Tu marido tiene otra mujer”. Sin vacilar, encara a Octavio. “Empaca tus cosas y vete de aquí”. La puerta se cierra, y con ella, décadas de resignación. Pronto, otro hombre, más joven, irrumpe en su vida, encendiendo una chispa que creía apagada.

Un regreso esperado en una historia atemporal

La nueva versión de Mirada de mujer llega a ViX bajo el título Con esa misma mirada, marcando el regreso de Angélica Rivera a la actuación en una historia que desafía prejuicios y explora el renacimiento femenino.

La serie, que se estrenará en 2025, reinterpreta el clásico de los 90 con una visión moderna y personajes adaptados a la realidad actual.

Un drama de transformación y amor

En esta historia, Eloísa enfrenta la traición, la pérdida y, sobre todo, el redescubrimiento de sí misma. Tras 25 años de matrimonio, su vida da un giro inesperado cuando descubre la infidelidad de su esposo.

Lo que sigue no es solo una ruptura, sino una reconstrucción. Su encuentro con un hombre más joven abre la puerta a un amor inesperado, poniendo en tela de juicio los prejuicios sobre la edad, la pasión y el deseo.

Un elenco de primer nivel

Junto a Rivera, la serie cuenta con las actuaciones de Diego Klein, Iván Sánchez, Sofía Castro, Ivanna Castro y Nicolás Haza, entre otros.

La dirección está a cargo de Alba Gil y Pitipol Ybarra, con un guion adaptado por Jimena Romero, Gilma Peña y Camila Ibarra. La producción, a cargo de Argos, promete un drama visualmente impactante y narrativamente poderoso.

¿Cuándo se estrena Con esa misma mirada?

Basada en Señora Isabel, la historia original de Bernardo Romero Pereiro, Con esa misma mirada no solo rinde homenaje a su legado, sino que lo reinventa para una nueva generación. La serie, filmada en Ciudad de México, combina elementos cinematográficos con una narrativa ágil y profunda.

ViX apuesta fuerte por esta producción, que además de revivir una historia icónica, plantea preguntas urgentes sobre el amor, la independencia y la reinvención personal.

Con su estreno programado para el 21 de marzo por la plataforma ViX, la expectación crece. Porque, al final, cuando la vida la mira de frente, Eloísa responde con esa misma mirada.

El audiovisual cuenta con la presencia de Manolo Cardona, Sebastián Martínez, Juana Acosta y otras figuras destacadas de la farándula colombiana, por lo que en menos de 24 horas se convirtió en una de las producciones más vistas en Netflix Colombia.

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De la misma forma, antes de su estreno generó gran polémica, principalmente porque en redes sociales asociaron la historia de la familia Hidalgo con los Char, aspecto que fue aprovechado por Netflix, que contrató al abogado Abelardo de la Espriella para hacerle promoción a la serie.

De la misma forma, la plataforma de streaming ha continuado con publicaciones de esta índole para generar más expectativa. “Atención, las imágenes que verás a continuación trataron de ser censuradas y canceladas por poderosa familia barranquillera”, se lee en una de las promociones en redes sociales que ha hecho Netflix.

Durante el 5 y 6 de marzo, Medusa ha sido tendencia en redes sociales, ya que usuarios que han observado la primera temporada de la serie han expuesto su opinión sobre el producto. A nivel producción, han alagado los escenarios escogidos de Barranquilla para mostrar la “mejor cara de la costa”; sin embargo, el trabajo de algunos actores no han recibido comentarios similares, sino todo lo contrario.

Uno de los más señalados ha sido Manolo Cardona, ya que en redes afirman que “tiene exceso de mondá”, puesto que en la mayoría de sus diálogos utiliza esta palabra de la jerga del caribe colombiano, lo que ha molestado a algunos usuarios.

“Cada vez que Manolo Cardona dice “Mondá” en Medusa se mueren 5000 hectáreas de yuca en la costa”, “Lo malo de poner a cachacos a hacer un libreto de Medusa, una serie costeña y más aún poner a un cachaco a actuarlo es que dicen unas mondás que jamás un costeño va a decir” o “Deje de ver Medusa desde que intentaron “sobornar” a uno diciéndole que le mandaba bollo de yuca con butifarra toda la semana y el “sobornado” le dice: pero con arepa de huevo y carimañola. Que cringe me dio, casi desinstalo Netflix”, han sido algunas de las publicaciones al respecto.

En diálogo con Infobae Colombia, Sebastián Martínez, que es uno de los protagonistas de la historia, indicó que la producción fue realizada con cariño por el país, pero también con el objetivo de llamar la atención de espectadores en todo el mundo.

“El reto fue entender el guion porque cada personaje está lleno de secretos y sospechas. Lo complicado fue que no solo tenía que interpretar a alguien con muchas capas, sino lograr que el público se enganchara y no pudiera prever lo que iba a pasar. Es difícil cuando estás trabajando en una historia donde todo es un rompecabezas de sospechosos, pero fue muy emocionante”.

Precisamente, Martínez reveló que uno de los problemas que tuvieron la mayoría de actores fue implementar un acento correcto, asegurando que la plataforma les permitió trabajar con varios profesores que les ayudaron a perfeccionar este aspecto.

“Sí, el costeño fue uno de los retos más grandes, porque yo soy paisa y el acento es muy diferente. Como me mudé a Bogotá desde joven, mi acento se fue neutralizando, pero el costeño tiene mucha musicalidad y un ritmo diferente. Afortunadamente, Netflix nos brindó apoyo con coaches de acento, y fue un proceso largo de aprendizaje. Repasé casi toda la serie con el coach. El trabajo fue constante y muy enfocado”.

Como parte de la presentación Next on Netflix para su catálogo de producciones coreanas que se verán durante todo este año, la plataforma confirmó que Amor en el laboratorio debutará en la plataforma de streaming el próximo 1 de marzo de 2025. La serie constará de 12 episodios, los cuales se emitirán cada sábado y domingo hasta su final destinado el 6 de abril de 2025.

¿De qué trata ‘Amor en el laboratorio’?

La historia se desarrolla en un instituto de investigación ubicado en un valle montañoso, donde Kim Mi Gyeong, una investigadora con 12 años de experiencia, trabaja en un proyecto secreto para desarrollar una nueva variedad de papa. Sin embargo, su vida da un giro inesperado cuando So Baek Ho es nombrado director del instituto. Lo que comienza como una rivalidad profesional pronto se transforma en una historia de amor.

El trailer oficial ya fue publicado por Netflix en sus redes sociales y comienza con las vidas pacíficas de los investigadores de papas, que viven y respiran papas, que se ven interrumpidas cuando su instituto de investigación corre el riesgo de desaparecer.

Kim Mi Kyeong pregunta: “¿Con quién nos estamos fusionando?” mientras el avance presenta al deslumbrante So Baek Ho, el Director de Reforma Organizacional en Wonhan Retail. Mientras So Baek Ho comienza su estricto interrogatorio, Kim Mi Kyeong comenta: “No menosprecies a nuestro instituto de investigación, o te mostraré cómo es un infierno de fuego”.

Mientras Kim Mi Kyeong y So Baek Ho siguen peleándose infantilmente, las voces en off comentan: “Es sorprendente que ambos actúen de manera diferente a su edad” y “Ya verás, definitivamente hará que tu corazón se acelere”, lo que aumenta la expectativa por el romance entre Kim Mi Kyeong y su “papa predestinada” So Baek Ho.

En una entrevista, Lee Sun Bin describió la relación de los personajes protagonistas como “un caso clásico de polos opuestos que se atraen” y aseguró que “a pesar de sus constantes peleas, la dinámica de tira y afloja entre Mi Kyeong y Baek Ho tiene un encanto dulce y picante que los mantiene unidos”.

Por su parte, Kang Tae Oh dijo: “Mi Kyeong y Baek Ho son diferentes en muchos sentidos. Pero a medida que sus personalidades contrastantes se van dando a conocer en varios episodios, los espectadores verán cómo se van acercando poco a poco”.

Los actores que serán parte de ‘Amor en el laboratorio’

Elenco principal

• Lee Sun Bin interpretará a Kim Mi Gyeong, la investigadora protagonista. La actriz ha participado en dramas como Boyhood, Work Later, Drink Now y Team Bulldog: Off Duty Investigation.
• Kang Tae Oh dará vida a So Baek Ho, el nuevo director del instituto. Es reconocido por su papel en Woo, una abogada extraordinaria y ha trabajado en otros K-Dramas como Thirty-Nine y Run On.
• Lee Hak Joo será Park Gi Se, un personaje secundario que ha aparecido en My Name y The World of the Married.
• Shin Hyun Seung interpretará a Kim Hwan Gyeong. Aunque aún no ha protagonizado un K-Drama de Netflix, ha trabajado en títulos como Secret Playlist y Han River Police.

Reparto adicional

• Kim Ga Eun como Lee Ong Ju
• Kwak Ja Hyung como Ko Jeong Hae
• Yoo Seung Mok como Bu Jae Jung
• Woo Jeong Won como Ju Seung Hui
• Nam Hyun Woo como Kwon Hui Dong
• Kim Ji Ah como Jang Seul Gi
• Yoon Jung Sub como Lee Chung Hyeon
• Jin Ga Eun

Un año después de que se estrenó el primer especial de stand up de un comediante colombiano en cines, Camilo Sánchez vuelve a la pantalla grande, pero en esta ocasión en compañía de Camilo Pardo “El Mago” y la primera película de Fucks News.

Cabe recordar que, el programa de YouTube, que es una parodia de un noticiero, ha sido realizado por estos comediantes durante tres años y se han presentado durante ese tiempo en múltiples ciudades del país, logrando llenar en dos ocasiones el Movistar Arena de Bogotá.

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“‘Llegando al Movistar Fucks News’ nos sumerge en el vertiginoso mundo de la preparación, la emoción y el caos detrás de un evento sin precedentes. Desde las risas y la adrenalina de los fans hasta los momentos más íntimos y humanos de los protagonistas, esta pieza captura los contrastes entre la grandeza del espectáculo y los rituales personales de quienes lo hacen posible. Seguimos a Camilo Pardo y Camilo Sánchez mientras se preparan para enfrentar su mayor desafío: llenar el Movistar Arena”, es la sinopsis de Fucks News, demandados en pantalla grande.

La película de los humoristas se estrenará de manera oficial el jueves 6 de febrero en las salas de cine de las empresas Cinépolis, Cinemark y Cinema Procinal; sin embargo, el 3 de febrero se llevó a cabo la premier del audiovisual, que contó con la presencia de múltiples figuras de la farándula colombiana.

Sobre el contenido que podrán disfrutar los seguidores de Pardo y Sánchez, el director Andrés Valencia, que fue el encargado de liderar este proyecto, indicó que buscaron mostrarle a las personas los momentos más íntimos de los comediantes antes de que se suben a una tarima.

“Esto es un documental que nos atrevimos a hacer basados en el show que se hizo el 21 de diciembre. Cuando ellos me buscaron, dije que hiciéramos un documental, la gente quiere conocer que hay detrás de la mesa del noticiero, vamos a ver que hacen desde que se levantan, hasta que despiden el show”.

Cabe destacar que, el audiovisual no solo mostrará el show que publican cada viernes los comediantes en su canal de YouTube, sino que incluirá diálogos de algunos de sus familiares, momentos inéditos de lo que fue la presentación de los humoristas en Bogotá el 21 de diciembre de 2024 y otros momentos del espectáculo.

Camilo Díaz “Culotauro”, que fue participante de la primera temporada de La casa de los famosos, se encargó de ser el presentador oficial del evento en la capital colombiana, por lo que es uno de los que más participó del proyecto que se estrenará el 6 de febrero.

“Nunca pensé estar en cine de esta forma, la verdad, es que como soy actor, uno sueña con estar en cine, pero qué chimba poderlo hacer con algo que uno ama tanto como es hacer comedia. Haberles abierto en el Movistar Arena fue ratificar que uno está listo para muchas cosas. Hay como una falta de confianza. A veces a uno le cuesta soñar, nos enseñaron a cumplir órdenes, a madrugar temprano, pero nunca a luchar por los sueños”, declaró Díaz al respecto.

Esperando cumplir con las expectativas que se tienen sobre este nuevo proyecto, los presentadores del noticiero parodia invitaron a sus seguidores a acompañarlos en las salas de cine, recordando que el especial de Camilo Sánchez fue la película colombiana más taquillera de 2024 y confían en que podrán revalidar esto en 2025.

“Estamos muy emocionados de poder compartir con ustedes este capítulo especial. Vamos a llenar los cines con humor y risas, gracias por todo su apoyo, los amamos”.

La tercera parte de la sexta y última temporada llegará a la plataforma de streaming el próximo 13 de febrero, poniendo fin a la trilogía de episodios que cerrará la exitosa trama derivada de la saga cinematográfica de Karate Kid.

Con una última oportunidad para completar el Sekai Taikai, tras los trágicos eventos de la Parte 2, Daniel y Johnny vuelven al lugar donde todo comenzó: el Valle de Los Ángeles, casi 40 años después del legendario Torneo de Karate All Valley de 1984.

“Al principio éramos enemigos y con los años hemos tenido nuestras batallas”, narra Daniel en el inicio del tráiler, mientras imágenes del pasado y presente de la franquicia recuerdan los enfrentamientos entre ambos personajes. Por su parte la voz de Johnny dice: “Eso nos hizo más fuertes. Supongo que era inevitable terminar en el mismo bando”.

El adelanto de lo que será el desenlace de una historia que inició en 2018, muestra cómo la tregua entre Daniel, Johnny y los jóvenes de sus respectivas academias de karate marca el camino hacia el enfrentamiento final en el Sekai Taikai, el torneo mundial de artes marciales que todos en esta trama desean ganar.

Por otra parte, un entrevista con la revista Variety, Ralph Macchio aseguró que ya era el momento adecuado para concluir la Cobra Kai y aunque regresará como Daniel LaRusso para la película The Karate Kid: Legends, el actor señaló que la decisión de terminar la serie no fue tomada a la ligera.

“Había que proteger la esencia de Daniel LaRusso y del universo Miyagi. Llegamos al punto donde la historia debía culminar, y queríamos hacerlo de una manera significativa. Es un privilegio llevar alegría a través de un personaje que ha inspirado a tantas personas”, declaró.

Además, el artista habló sobre el tema “The Karate Kid” que Coldplay lanzó en octubre del año, una canción inspirada en el personaje de Daniel LaRusso. El video musical que acompañó el sencillo incluyó a Ralph Macchio como protagonista: “Nunca imaginé que algo que hice hace 40 años seguiría tocando a la gente de esta manera”, señaló el famoso, quien describió la experiencia como “un momento surreal”.

El universo de Cobra Kai seguirá

Si bien Cobra Kai llegará a su fin, los creadores de la serie, Hayden Schlossberg, Josh Heald y Jon Hurwitz, han insinuado que el universo de Karate Kid podría continuar con nuevos proyectos. En una entrevista con The Hollywood Reporter, Schlossberg sugirió la posibilidad de futuros spin-offs, incluido un posible precuela centrada en el legendario Sr. Miyagi.

“La serie terminará, pero nuestro amor por Karate Kid no. Esta historia ha seguido la redención de Johnny Lawrence, y su arco llegará a su conclusión. Pero aún hay muchas historias por explorar, ya sea sobre los orígenes de algunos personajes o lo que les depara el futuro”, afirmó.

Cobra Kai es escrita y producida por Heald, Hurwitz y Schlossberg a través de Counterbalance Entertainment. También cuenta con la producción ejecutiva de Will Smith, James Lassiter y Caleeb Pinkett para Westbrook Studios, junto con Susan Ekins en asociación con Sony Pictures Television. Asimismo, Macchio y Zabka también participan como productores ejecutivos. La despedida de Cobra Kai promete emociones fuertes y un cierre épico para una de las series más exitosas de Netflix.

Netflix ha confirmado la fecha de estreno de la esperada tercera y última temporada de El juego del calamar. La serie surcoreana regresará a la plataforma el próximo 27 de junio de 2025, poniendo fin a la historia de Seong Gi-hun (Lee Jung-jae) en su lucha por desmantelar el despiadado torneo.

La noticia fue anunciada oficialmente durante el evento Next on Netflix, conferencia donde la compañía presentó su catálogo de estrenos para el año. Junto con la fecha de lanzamiento, Netflix además reveló un primer vistazo a la nueva temporada a través de imágenes y un póster promocional que advierte: “Prepárate para el juego final”.

Las fotografías oficiales de la tercera temporada de Squid Game ofrecen una visión inquietante de lo que está por venir. En una de ellas se ve al protagonista enmarrocado a una cama, clara consecuencia del intento de insurrección ocurrido en la entrega anterior.

El tono sombrío continúa en otra imagen, donde los competidores se inclinan sobre un ataúd negro y rosa. Sus rostros se ven agobiados al identificar el cuerpo inerte.

Por otro lado, el enigmático Front Man (Lee Byung-hun) continúa vigilando los juegos con expresión inmutable.

Según Reuters, los presentes en el evento también vieron un breve clip de la nueva temporada, una “escena llena de tensión dentro de los juegos”, como un adelanto del peligro y la brutalidad que definirán la conclusión de esta serie surcoreana.

¿Qué esperar de la temporada 3?

La segunda temporada, que se estrenó el 26 de diciembre de 2024, mostró a Gi-hun de vuelta en el macabro torneo tres años después de haber ganado los 45.600 millones de wones. Su objetivo ya no era solo sobrevivir, sino acabar con la organización detrás de los juegos. Sin embargo, como menciona Collider, “el Front Man estaba un paso adelante de él, y no tuvo suerte al intentar detener los juegos”.

En este punto del relato, el protagonista ha sufrido la pérdida de su mejor amigo y el fracaso de su primer intento de rebelión. El director Hwang Dong Hyuk adelantó las preguntas que genera toda esa situación para los próximos capítulos. “¿En qué estado estará Gi-Hun? ¿Qué deisiones tomará? ¿Persistirá tras haberlo perdido todo? El no va a ser el mismo hombre que que fue en la temporada 2”, explicó a Variety.

“Mientras tanto, el Front Man continúa con su próximo movimiento y las elecciones de los jugadores sobrevivientes conducirán a consecuencias aún más graves en cada ronda”, señala The Hollywood Reporter.

A pesar de las altas expectativas, la temporada 2 recibió críticas mixtas. En Rotten Tomatoes, el público la calificó con un 82%, mientras que los críticos le otorgaron un 63%. Collider destaca que aunque “quizás no fue tan universalmente amada como la primera temporada”, la historia de Gi-hun no falló en atrapar la atención de millones de espectadores.

Por el momento, el creador de esta dramática ficción fue claro sobre su intención de cerrar la historia principal con esta tercera entrega. Sin embargo, cree que es posible explorar el universo de El juego del calamar en futuros proyectos.

“Cuando hicimos la primera temporada, decía que nunca habría otra. Pero si en algún momento se me ocurre un personaje o una historia diferente, tal vez haya un regreso. Estoy pensando más en la posibilidad de un spin-off”, comentó a THR.

El regreso de El juego del calamar es uno de los lanzamientos más esperados del año, pero no es el único gran título en la agenda de Netflix. Durante su conferencia Next on Netflix, la plataforma también incluyó el regreso en 2025 de otras series populares, como la quinta y última temporada de Stranger Things y la segunda entrega de Wednesday.

Además, la compañía presentó avances de nuevos proyectos cinematográficos y televisivos. Uno de los momentos más destacados del evento fue la proyección de imágenes de Frankenstein, la próxima película de Guillermo del Toro. “Este filme ha estado en mi mente desde que era un niño, por cincuenta años”, dijo el director en un mensaje grabado para el evento.

Como era de esperarse, el primer capítulo de La casa de los famosos Colombia dejó mucho de qué hablar entre los seguidores que querían ver la llegada de los participantes al reality.

Aunque el canal y la producción intentaron hacer todo lo posible por evitar que el tema de conversación fueran los errores que se vieron en el primer capítulo, algunos no dejaron pasar esta oportunidad para burlarse en redes sociales. El estreno generó una ola de memes de los momentos más curiosos y polémicos del programa en sus primeras horas.

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El reality de convivencia arrancó con varias sorpresas, pues la Toxicosteña —como la primera líder de la semana— eligió a Yina Calderón para acompañarla en la habitación, así como elegir como quedarían integrados los cuartos ‘Agua y Fuego’. Asimismo, a su llegada, los famosos recorrieron cada espacio de la casa estudio, conociendo las habitaciones, comedor, baños, entre otros espacios.

Por otro lado, hubo quienes en redes sociales, además de los pequeños errores que protagonizaron los presentadores como la producción, no dejaron pasar por alto las reacciones de los famosos al ser llamados a conformar sus respectivas habitaciones.

Este fue el caso de Lady Tabares que, de acuerdo con el público, se robó todas las miradas al ser llamada al cuarto Fuego junto a personalidades como Emiro, El Negro Salas, La Jesuu, entre otros más.

Camilo Trujillo el primer famoso sentenciado

Como parte de su trabajo como Líder, la Toxicosteña debió elegir a uno de los participantes como el primer eliminado de la competencia y que está en la placa de eliminación hasta que se lleve a cabo la salvación. Se trata de Camilo Trujillo, que ahora enfrenta el riesgo de ser el primer eliminado del reality, pues aunque apenas llevaba unos minutos dentro de la casa estudio, ya tenía el ojo de la cantante para su pronta salida.

Otro de los comentarios que se volvió tendencia en redes fue la eliminación más rápida de las dos temporadas, pues recordaron el episodio que vivió Nanis Ochoa cuando quedó eliminada por El Jefe al hablar con sus compañeros de lo que pasaba en el exterior.

En redes sociales hubo quienes se preguntaron si fue un movimiento de la líder o de su compañera, Yina Calderón, teniendo en cuenta que en ocasiones son las primeras impresiones las que más toman relevancia. Aunque tuvo la oportunidad de hablarle a las cámaras y hacer campaña para su salvación, Camilo se mostró tranquilo y de inmediato, buscó el apoyo de sus compañeros para planear su siguiente movimiento.

Otras de las reacciones que se pudieron ver, tienen que ver con los participantes de mayor edad en el programa de convivencia, pues enfocaron a la creadora de contenido conocida como La Abuela y al actor Mauricio Figueroa con sus rostros de preocupación por lo que les espera en la competencia.

Quiénes están en el ‘loft’

Fueron cuatro los famosos que ingresaron al loft con el objetivo de analizar a sus compañeros; sin embargo, los televidentes no tienen claro todavía por qué Melissa Gate, que fue la primera elegida por votación del público llegó a este espacio alejado de los demás participantes.

Junto a Melissa están la modelo y creadora de contenido, originaria de Medellín, Karina García. Recordado por integrar el elenco de la producción Oki Doki, Gonzalo Escobar Toro fueel tercer famoso en ocupar un espacio en las camas dispuestas en el loft.

Por último, el creador de contenido Cristian Pasquel fue el último famoso en entrar al loft, se espera que conforme avance la competencia el jefe de la casa estudio indique qué tendrán que hacer estos participantes.

Actualmente, los espectadores no pueden visualizar dicho número, compuesto originalmente por ocho dígitos, ya que Netflix editó digitalmente las escenas donde aparecía, sustituyéndolo por un número ficticio de seis dígitos para evitar más molestias al propietario.

El dueño del número, cuya identidad nunca se reveló pero situación fue ampliamente reportada en medios surcoreanos en 2021, relató que comenzó a recibir alrededor de 4.000 llamadas diarias tras el estreno de la serie.

El afectado, residente en la provincia de Gyeonggi, afirmó que las constantes llamadas y mensajes, provenientes de personas que deseaban participar en el ficticio juego, afectaron su vida cotidiana. Aunque había utilizado ese número durante más de una década, llegó a considerar cambiarlo debido al acoso.

Segunda temporada de ‘El juego del calamar’

La segunda temporada de “El juego del calamar” se estrenará en Netflix el 26 de diciembre de 2024. La trama retoma la historia tres años después de la victoria de Seong Gi-hun, el jugador 456, quien decide no viajar a Estados Unidos y regresa con el objetivo de desmantelar la organización detrás de los juegos mortales.

La serie, dirigida por Hwang Dong-hyuk, promete intensificar la acción y profundizar en la crítica social que caracterizó la primera entrega.

El elenco principal incluye a Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Wi Ha-joon y Gong Yoo, quienes retoman sus roles, junto a nuevas incorporaciones que aportarán frescura a la narrativa.

Los fanáticos esperan que esta temporada mantenga la tensión y el suspenso que hicieron de la serie un fenómeno global.

Qué hacer cuando no te dejan de hacer llamadas

El proceso para no recibir o filtrar las llamadas spam es el siguiente en móviles Android:

1. Abrir la aplicación de Teléfono de Google.
2. Ir a Configuración al pulsar los tres puntos ubicados en la esquina superior derecha.
3. Dirigirse a Identificador de llamada y spam.
4. Activar las opciones de ‘Ver ID de emisor y spam’ y ‘Filtrar llamadas de spam’.

En el caso de iPhone, los pasos son:

1. Abrir los Ajustes del teléfono.
2. Acceder al apartado Teléfono.
3. Localizar la opción de ‘Mostrar ID de llamada’ y activarla.

Otras alternativas que los usuarios pueden tener en cuenta para dejar de recibir llamadas son:

• Reportar las llamadas

En Colombia, por ejemplo, es posible denunciar estos casos a la Comisión de Regulación de Comunicaciones (CRC) o al operador móvil correspondiente. También se puede reportar como spam los números sospechosos mediante aplicaciones como Truecaller.

• Evitar contestar llamadas desconocidas

No responder números desconocidos puede desmotivar a quienes insisten en comunicarse de manera no deseada.

• Contactar a las autoridades

Si las llamadas tienen un carácter amenazante o constituyen acoso, se aconseja denunciar la situación ante las autoridades locales, documentando la frecuencia y origen de las llamadas.

• Cambiar el número telefónico

Si el acoso persiste y afecta la tranquilidad, se sugiere cambiar el número de teléfono, asegurándose de compartirlo únicamente con personas de confianza.

Qué son las llamadas spam y cuáles son sus riesgos

Las llamadas spam son comunicaciones telefónicas no solicitadas realizadas, generalmente, con fines publicitarios, promocionales o fraudulentos. Estas llamadas suelen provenir de empresas que buscan vender productos o servicios, o de estafadores que intentan obtener información personal o financiera del receptor.

Uno de los principales riesgos de las llamadas spam es el robo de datos. Los estafadores pueden utilizar técnicas de ingeniería social para obtener contraseñas, números de tarjetas de crédito o información sensible. Estas llamadas pueden incluir ofertas falsas, suscripciones no deseadas o intentos de phishing, lo que pone en peligro la seguridad del usuario.

Otro riesgo es el impacto en la privacidad y el tiempo de las personas, ya que estas llamadas son intrusivas y pueden interrumpir actividades diarias. Es importante bloquearlas y reportarlas para minimizar los riesgos.

El actor Finn Wolfhard, conocido por su papel como Mike Wheeler en Stranger Things, expresó un profundo sentimiento de nostalgia al finalizar la producción de la quinta y última temporada de la serie, que se estrenará en 2025.

En su cuenta de Instagram, el joven de 21 años compartió: “Todavía estoy en shock. La filmamos durante un año y extrañaré terriblemente a todos mis amigos y a nuestros personajes”.

Junto al mensaje, incluyó una foto retro del elenco en los primeros días de la serie, así como imágenes detrás de escena de la temporada final, ilustrando el crecimiento del reparto desde 2016.

“Cuando pienso en el programa, me imagino esta primera foto. Un grupo de jóvenes tontos haciendo algo que creen que es genial, pero que en realidad no tienen idea de lo que está por venir”, enfatizó Wolfhard en su publicación.

Detalles de la quinta temporada

La última temporada, anunciada por Netflix, contará con ocho episodios. Entre ellos, destacan títulos intrigantes como “The Crawl”, “Sorcerer” y “The Rightside Up”. No obstante, el segundo episodio, titulado “La desaparición de—”, mantiene el nombre del personaje difuminado, un detalle que generó especulación entre los seguidores.

Según el productor Matt Duffer, en declaraciones para Collider, la historia principal regresará a Hawkins y el Upside Down, marcando el regreso de los personajes principales a su ciudad natal.

Destino de los personajes principales

1. Max Mayfield (Sadie Sink): los hermanos Duffer explicaron en el podcast Happy Sad Confused que, tras los eventos de la cuarta temporada, Max está en estado de muerte cerebral, ciega y con los huesos rotos, aunque sigue viva. Sadie Sink, por su parte, comentó a Deadline que el destino de Max está “en el aire” y que no sabe si despertará del coma.
2. Will Byers y Vecna: Jamie Campbell Bower, quien interpreta a Vecna, mencionó en E! News que Will Byers (Noah Schnapp) y su personaje mantienen una conexión desde la segunda temporada. Aunque evitó dar detalles, aseguró que los hermanos Duffer tienen planeado cómo abordar este vínculo en la trama final.
3. Triángulo amoroso entre Nancy, Jonathan y Steve: Natalia Dyer compartió con Variety sus opiniones sobre el conflicto amoroso de Nancy. Aunque considera que tanto Steve como Jonathan son buenas opciones, sugirió que la joven podría explorar un periodo de autodescubrimiento antes de involucrarse en otra relación.

Producción y expectativas de la temporada final

Netflix confirmó que la producción de la temporada final comenzó el 8 de enero, compartiendo una foto grupal del equipo. Sadie Sink señaló a Deadline que, aunque los fans esperan con ansias el desenlace, los hermanos Duffer no se apresurarán en la creación de los episodios, priorizando la calidad de la narrativa.

En el podcast Happy Sad Confused, Matt Duffer explicó que, a diferencia de temporadas anteriores, la trama de la quinta entrega avanzará rápidamente hacia el conflicto sobrenatural, eliminando las extensas introducciones a la vida cotidiana de los personajes. Aunque los episodios serán más cortos en su mayoría, anticipó que el final será de larga duración.

Por su parte, el productor ejecutivo Shawn Levy declaró en una entrevista con E! News que la quinta temporada responderá todas las dudas pendientes de los espectadores, buscando ofrecer un cierre satisfactorio.

Asimismo, el actor Noah Schnapp compartió con Forbes que Will Byers será clave en el desenlace, ya que la historia comenzó con él y terminará con su resolución.

Reacciones del elenco

Joseph Quinn, quien interpretó a Eddie Munson, expresó a E! News su interés en regresar al programa, pese a la muerte de su personaje en la cuarta temporada.

Por su parte, la actriz Maya Hawke señaló en el podcast Podcrushed que los episodios de la quinta temporada tendrán una duración equivalente a “ocho películas”, destacando la intensidad de la narrativa.

Sink destacó en Deadline la importancia de abordar correctamente el estado de Max, mientras que Jamie Campbell Bower mantuvo el misterio en sus declaraciones a E! News, afirmando que el destino de Vecna está cuidadosamente planificado.

Renovación total del elenco

Para esta serie, Warner Bros optó por un elenco completamente nuevo, buscando dar un aire fresco a los personajes que marcaron a millones de espectadores en las películas originales. Desde septiembre de 2024, se han llevado a cabo audiciones abiertas en el Reino Unido e Irlanda, con la participación de más de 32 mil niños aspirantes a interpretar a Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger.

El proceso de selección no fue sencillo, ya que Warner planea comprometer a los actores para un proyecto que se extenderá durante diez años. La presión por encontrar un elenco que capture la esencia de los personajes y logre conquistar a una nueva generación de espectadores es uno de los mayores retos de la producción.

Rumores sobre el elenco adulto

Mientras se selecciona al trío protagonista, algunos nombres destacados ya han surgido para otros personajes clave. Según Deadline, el actor Paapa Essiedu está en negociaciones para interpretar al enigmático Profesor Snape, un papel inmortalizado por Alan Rickman. Asimismo, Mark Strong y Mark Rylance figuran como las principales opciones para dar vida al Profesor Dumbledore, mientras que Brett Goldstein y Sharon Horgan son candidatos para encarnar al amable Hagrid y a la estricta Profesora McGonagall, respectivamente.

Producción y presupuesto

El rodaje de la serie comenzará en verano de 2025 en los estudios de Warner Bros, en el Reino Unido, los mismos que albergaron la filmación de las películas originales. Este detalle no solo asegura la autenticidad visual, sino que también busca conectar emocionalmente con los seguidores más nostálgicos.

El presupuesto de la serie estará a la altura de las producciones más ambiciosas de HBO, como Juego de Tronos y La Casa del Dragón. Casey Bloys, CEO de HBO, aseguró que no repararán en gastos para garantizar una calidad sobresaliente. Además, David Heyman, productor de las películas originales, estará involucrado en esta nueva adaptación, sumando experiencia al equipo creativo.

Dirección y guion

La serie contará con la dirección de Mark Mylod, conocido por su trabajo en Succession, y los guiónes estarán a cargo de Francesca Gardiner. Este equipo creativo busca imprimir un estilo único que permita explorar con mayor profundidad los detalles y matices de los libros, algo que las películas no pudieron abordar completamente debido a limitaciones de tiempo.

El papel de J.K. Rowling

La creadora del mundo mágico participará como productora ejecutiva de la serie. Según ha declarado, su involucramiento garantiza que la adaptación respete la esencia de sus libros. “El compromiso de Max de preservar la integridad de mis libros es importante para mí”, afirmó, destacando que el formato televisivo permitirá un nivel de detalle inalcanzable en las películas.

Estreno y expectativas

Está previsto que la serie salga en 2026, con siete temporadas programadas para revivir el fenómeno global que marcó a generaciones, al tiempo que presenta una nueva visión de la historia del joven mago más famoso del mundo. Asimismo, se espera que Harry Potter esté presente en la pantalla durante una década.

El misterio sobre quién dará vida a Harry Potter persiste, pero con el rodaje a la vuelta de la esquina, las respuestas no tardarán en llegar. Mientras tanto, la expectativa crece y los fanáticos esperan que esta adaptación haga justicia al legado de la saga.

Mientras que el musical fue un referente por años, la película introduce cambios significativos en la narrativa, los personajes y los detalles visuales, añadiendo profundidad y nostalgia para los seguidores de la historia. Estas son las principales diferencias entre ambas versiones.

1- La infancia de Elphaba

La película expande la historia de Elphaba al mostrar su vida desde una edad temprana. Aunque el musical menciona su nacimiento, no incluye flashbacks de su niñez. En la adaptación cinematográfica, se introduce al personaje de Dulcibear, un oso parlante interpretado por Sharon D. Clarke, quien cría a Elphaba tras ser rechazada por su padre, el gobernador de Munchkinland. Este elemento también profundiza en la conexión de Elphaba con los animales parlantes, un tema central en la trama.

2- El reloj del dragón del tiempo

El Reloj del Dragón del Tiempo, crucial en la novela original de Wicked, tiene una presencia reducida en la película. Mientras que en el musical aparece al inicio como parte del escenario, en la película solo se menciona brevemente cuando Glinda anuncia la muerte de Elphaba.

3- Introducción de Elphaba a la Universidad Shiz

En el musical, Elphaba ya está inscrita en la Universidad Shiz para cuidar de su hermana, Nessarose. Sin embargo, en la película, Elphaba inicialmente solo acompaña a su hermana. Su inscripción ocurre cuando Madame Morrible, impresionada por una demostración de poder, insiste en que se quede en la universidad.

4- El encuentro tierno de Elphaba y Fiyero

El primer encuentro entre Elphaba y Fiyero difiere significativamente. En el musical, su carruaje casi atropella a Elphaba en la universidad, mientras que en la película, ocurre en el bosque cuando Fiyero, montado a caballo, casi la pisa. Además, se incluye un toque humorístico al comparar a Elphaba con la vegetación que la rodea.

5- El pequeño cachorro de león

El rescate del cachorro de león, que conecta con la película de 1939, también es diferente. En el musical, Elphaba usa su magia para causar caos en la clase antes de liberar al cachorro. En la película, utiliza amapolas para dormir a todos, un guiño directo al campo de amapolas en El Mago de Oz.

6- El doctor Dillamond y los luchadores por la libertad animal

El Doctor Dillamond, una cabra parlante, es un personaje clave tanto en el musical como en la película. Sin embargo, la adaptación cinematográfica amplía su papel, presentando a otros animales parlantes que forman parte de un movimiento de resistencia contra las leyes que buscan silenciarlos.

7- Hacia la Ciudad Esmeralda

En el musical, el viaje de Elphaba a encontrarse con el Mago de Oz se enfoca en su despedida de Nessarose. En la película, su padre aparece en la estación de tren, añadiendo un momento emocional cuando conoce a Boq, quien luego se enamorará de Nessarose.

8- El cuento de la Grimmerie

El Grimmerie, un libro de hechizos en un idioma perdido, tiene un rol más prominente en la película. Además de añadir una sección a la canción “One Short Day”, se refuerza la conexión entre el Mago y el libro, aunque se revela que es Elphaba quien realmente puede leerlo, desafiando las expectativas de los habitantes de Oz.

9- El mago de Oz no tan maravilloso

El Mago manipula a Elphaba y Glinda en ambas versiones, pero en la película utiliza un modelo gigante de Oz y la promesa de construir el Camino de Ladrillos Amarillos, dejando que ellas elijan el color, un detalle que conecta directamente con la iconografía del universo de Oz.

10- Elphaba desafía la gravedad

El clímax del primer acto, donde Elphaba canta “Defying Gravity”, incluye en la película un momento emocional único. Mientras se prepara para volar, tiene una visión de su versión más joven, un detalle ausente en el musical que refuerza su determinación y su transformación.

11- Las brujas originales regresan como nuevos personajes

La película ofrece un homenaje a las actrices originales de Broadway, Idina Menzel y Kristin Chenoweth, quienes interpretan nuevos personajes en la Ciudad Esmeralda. Durante la canción “One Short Day”, aparecen como estrellas invitadas, brindando un momento de nostalgia para los fans del musical.

El vampiro más emblemático del cine vuelve a la gran pantalla en Nosferatu, el cuarto largometraje de Robert Eggers, conocido por su particular estilo y su capacidad para reimaginar historias con un enfoque visceral. Esta nueva versión del clásico alemán de 1922 no solo rinde homenaje a los orígenes del cine de terror, sino que también promete explorar nuevas profundidades narrativas y visuales. Conde Orlok, el vampiro central, regresa en una narrativa que mezcla obsesión, misterio y oscuridad, marcando un hito más en la carrera de un director que ha transformado el cine fantástico contemporáneo.

La película, que se estrena el próximo 25 de diciembre, plantea una propuesta atrevida al lanzarse en una fecha tradicionalmente asociada con películas familiares, posicionándose como un regalo sombrío para los fanáticos del género. Nosferatu sigue la obsesión del vampiro Conde Orlok con una joven mujer a quien persigue, un argumento que, aunque inspirado en el filme mudo de los años 20 dirigido por F.W. Murnau, será reinterpretado bajo la mirada única de Eggers. Este remake combina elementos del expresionismo alemán con un enfoque moderno, prometiendo capturar tanto la atmósfera inquietante del original como nuevos matices emocionales.

La narrativa se centra en temas como el deseo destructivo y la soledad inmortal, elementos clave en la mitología vampírica. Al explorar las raíces de este mito clásico, la película también reflexiona sobre los miedos universales que hicieron de Nosferatu una obra maestra atemporal. El filme cuenta con un reparto impresionante que incluye a Emma Corrin, Aaron Taylor-Johnson, Bill Skarsgård como el Conde Orlok, Nicholas Hoult, Willem Dafoe, Lily-Rose Depp y Ralph Ineson. Esta combinación de talentos promete entregar actuaciones memorables que enriquecerán la intensidad de la historia. Estrenarse el Día de Navidad puede parecer una decisión arriesgada para una película oscura y sangrienta como Nosferatu. Sin embargo, esta estrategia subraya el creciente interés por contenido más adulto en una temporada tradicionalmente dominada por comedias y películas familiares.

Nosferatu recibe clasificación R por contenido explícito

Siguiendo la tendencia de las películas anteriores de Eggers, Nosferatu ha sido clasificada como R por la MPA debido a su “contenido violento sangriento, desnudez gráfica y algo de contenido sexual”. Esta libertad creativa permite al director explorar la oscuridad inherente a la historia sin las limitaciones de una audiencia más amplia, como sucedería con una clasificación PG-13.

La clasificación refleja no solo el enfoque característico del director, sino también su compromiso con la autenticidad temática y visual. Desde el estremecedor aislamiento de The Lighthouse hasta la brutalidad épica de The Northman, Eggers ha demostrado que su estilo se adapta perfectamente a historias cargadas de intensidad emocional y contenido provocador.

La trayectoria cinematográfica de Robert Eggers

Cada una de las películas anteriores de Eggers—The Witch (2015), The Lighthouse (2019) y The Northman (2022)—ha sido elogiada por su atención al detalle, su construcción de mundos y su enfoque narrativo desafiante. Estas obras, todas clasificadas como R, han consolidado su reputación como uno de los directores más audaces de su generación.

Con Nosferatu, Eggers parece continuar esa trayectoria, explorando temas oscuros con un nivel de compromiso visual y narrativo que pocos cineastas contemporáneos alcanzan. Según Screen Rant, esta nueva versión podría ser una de sus películas más intensas hasta la fecha, tanto por su atmósfera como por sus actuaciones.

Competencia en la cartelera navideña

A pesar de su temática sombría, Nosferatu no estará sola en las salas de cine. Otras películas clasificadas como R, como Babygirl y A Complete Unknown, también están programadas para estrenarse durante las fiestas. Esto sugiere un cambio en las preferencias de la audiencia, que parece cada vez más abierta a contenido más maduro incluso en épocas festivas. Según Screen Rant, esta competencia no necesariamente perjudica a Nosferatu. Por el contrario, podría ayudar a posicionarla como una de las favoritas entre los fanáticos del cine de autor y de terror.

El aspecto visual de Nosferatu promete ser uno de sus puntos más destacados. Los elementos de “contenido violento sangriento”, según Screen Rant, no solo buscan impactar, sino también servir como un medio para intensificar la narrativa y resaltar la naturaleza despiadada del Conde Orlok. Esta decisión de mostrar violencia y elementos explícitos no es gratuita. Eggers utiliza estos recursos como herramientas para profundizar en la psicología de sus personajes, permitiendo que el público se sumerja en la experiencia de un terror auténtico.

La segunda parte del película La huérfana logró recaudar 45 millones de dólares en todo el mundo durante su paso por los cines en 2022 y justo cuando los fans pensaron que ya no habría otra entrega, Norman Golightly, codirector ejecutivo de Dark Castle Entertainment, dio a conocer de manera ofial que una tercera película de esta asesina será llevada a la pantalla grande.

“Dark Castle se complace en anunciar otro capítulo aterrador de la saga Orphan. Con el éxito de las dos primeras películas y otra trama emocionante, estamos seguros de que Orphan 3 será una película imprescindible tanto para los fans actuales de la franquicia como para los nuevos fans”, afirmó Golightly.

Esta tercera entrega será producida por Dark Castle Entertainment en colaboración con Alex Mace de Gnosis Films, y contará con David Leslie Johnson-McGoldrick como productor ejecutivo. Además, Lionsgate se encargará de las ventas internacionales, asegurando que el terror de Esther llegue a cada rincón del mundo.

Por si fuera poco, Isabelle Furhman regresará para interpretar a Esther, cuyo personaje se ha vuelto un ícono dentro del fandom del horror por la forma tan maquiavélica que juega con sus víctimas. También William Brent Bell dirigirá el filme y David Coggeshall, escribirá el guion, tal como lo hicieron en la precuela de La Huérfana: El primer asesinato.

El año pasado, justo cuando los rumores de la tercera película tomaban fuerza, William Brent Bell comentó que ya estaban en las pláticas para marcar el rumbo de la trama: “Estamos desarrollando la tercera ahora mismo. Las regla las de la franquicia se han abierto hasta donde es posible. Y sabiendo en qué punto del proceso nos encontramos, estoy muy entusiasmo con los giros y vueltas que nos esperan”, declaró.

Cabe destacar que la franquicia ha recaudado un total de USD 125 millones de dólares en todo el mundo, de hecho, solo la primera cinta logró juntar USD 78 millones de dólares a nivel global, tras su estreno en 2009.

¿De qué trata “La Huérfana”?

La primera película, estrenada en 2009, cuenta la historia de Kate y John Coleman, un matrimonio que pasa por un mal momento después de la muerte de su tercera hija, Jessica, cuya pérdida es particularmente difícil para Kate, quien también se está recuperando del alcoholismo.

En medio de todos estos conflictos, la pareja adopta a una niña de nueve años rusa, llamada Esther.

No pasa mucho tiempo para que los padres adoptivos comiencen a darse cuenta de que algo anda mal con esa niña, como un particular conocimiento del sexo y actitudes violentas con animales y otros niños.

Para el segundo filme, años antes de lo sucedido con el matrimonio Coleman, se conoce a Esther por su nombre real, Lena. Esta consigue escapar del psiquiátrico ruso en el que está recluida y viaja a Estados Unidos., haciéndose pasar por la hija desaparecida de una familia adinerada. Pero, su nueva vida como Esther no será lo que ella esperaba, así que se enfrentará a una madre que protegerá a su familia a cualquier precio.

Calzada de Calatrava, 18 oct (EFE).- Pedro Almodóvar ha saludado hoy mediante un vídeo a los vecinos de Calzada de Calatrava asistentes al estreno de su nueva película, "La Habitación de al Lado", en esa localidad castellano manchega, en la que nació el cineasta.

"Quiero agradecerle una vez más a todas las vecinas de la calle general Aguilera su disposición e inspiración para decorar la calle con motivos que vienen de mis películas", ha dicho Almodóvar en nombre también de su familia y en referencia al hogar de su infancia.

En el vídeo, de apenas dos minutos y proyectado antes de su película, el director de cine, ha explicado que "ésta trata de lo importante que es acompañar a nuestros seres queridos cuando lo necesitan".

A este estreno han asistido el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, y el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor.

Es un director muy reconocido "que tiene esencia en todas sus películas de la cultura y las costumbres de Castilla-La Mancha, pero sobre todo enraizadas con temas de actualidad", ha comentado Pastor. EFE

(foto) (vídeo)

Luego del revuelo que causó su regreso a la música con el estreno de Las mujeres ya no lloran en marzo de 2024, Shakira dio a conocer las primeras fechas de su gira mundial que tendrán lugar en noviembre y diciembre en Estados Unidos y Canadá. La noticia sorprendió, pues con esta decisión la colombiana contradijo la costumbre de salir de gira apenas pocas semanas después de lanzar su álbum para hacer la respectiva promoción.

Ocho meses se antojaba como demasiado tiempo entre el lanzamiento de su álbum número 12 y su gira, algo que por lo visto le permitió seguir trabajando en ideas que quedaron por fuera de dicha producción.

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Ese es el caso de Soltera, tema que la colombiana estuvo trabajando de manera paralela al resto de temas de su más reciente álbum. Aunque Shakira no dio explicaciones, todo indica que se quedó por fuera debido a lo distinto que era temáticamente a la narrativa de dolor y rabia que sobrevolaban las referencias al periodo de su ruptura con Gerard Piqué.

En esta oportunidad Shakira unió fuerzas con Alexander Castillo, más conocido bajo su nombre artístico de AC. Nacido en Canadá y criado en República Dominicana, es un viejo conocido de la colombiana pues ya trabajó con ella como productor durante las sesiones de grabación de El Dorado, en 2017. Además, fue el responsable de producir el apartado musical del espectáculo de la barranquillera en el Super Bowl de 2020, que realizó acompañada de Jennifer Lopez.

AC fue visto en las fotografías que difundió Shakira a mediados de 2023 cuando se encontraba en Londres, durante una sesión de grabación, por lo que con el estreno se confirma que esta canción se venía trabajando al tiempo con las de Las mujeres ya no lloran. En esta nueva colaboración con el productor, Soltera se orienta al afrobeat, género por el que la colombiana ha mostrado predilección en distintas oportunidades.

En cuanto a los créditos de composición figuran los nombres de Bizarrap (que repite tras su ya legendaria colaboración en la sesión del argentino), el vallecaucano Keityn (que ayudó a coescribir dicha tiradera a Piqué y Clara Chía), y Edgar Barrera, reconocido como uno de los compositores más destacados en el ámbito del pop latino.

Soltera se orienta al afrobeat, género por el que la colombiana ha mostrado predilección en distintas oportunidades. Tiene los típicos momentos en que el ritmo sube y baja, propios de una canción bailable y una línea de producción característica de Shakira durante sus últimos trabajos de estudio. Aunque no tiene tantas referencias a su expareja en comparación con los sencillos que lanzó durante el punto más álgido de atención de dicha ruptura, todavía persisten algunas hacia quienes se pusieron en contra de la colombiana.

Eso si, en la parte final de la pista, en la que se escucha que las voces cambian de Shakira a un grupo de mujeres cantando como si se tratara de una fiesta, se escuchan los versos “Yo tengo derecho de portarme mal pa’ pasarla bien, pa’ que ese cabrón cuando me vea le duela”. Por un lado, el hecho de que no sea una parte que cante Shakira se presta para que las admiradoras de la barranquillera se apropien de ese fragmento en particular y quizás no sea una referencia a la relación pasada de la cantante. Por otro lado, tratándose de un tema de Shakira, no parece haber dudas de a quién se refiere.

Todavía queda por conocer el videoclip oficial, en el que se espera que se de la aparición de Anitta, Danna, Winnie Harlow y Lele Pons acompañando a la colombiana, y se espere la posibilidad de que la cantante sume más dardos contra su pasada relación.

El 22 de septiembre de 1994, el mundo de la televisión cambió para siempre: se estrenó el primer capítulo de Friends. Esta icónica comedia no sólo presentó a un grupo de amigos que navegaban por las complejidades de la vida adulta en Nueva York, sino que también capturó el espíritu de toda una generación. Ross, Rachel, Monica, Chandler, Joey y Phoebe se convirtieron en nombres familiares, sus dinámicas y desventuras resonando con millones de espectadores en todo el mundo. Su impacto positivo, sus frases y su legado continúa influyendo en nuevas generaciones.

El secreto de su éxito

En 1994, la premisa inicial de Friends parecía no ser prometedora. La trama giraba en torno a seis personajes no especialmente interesantes, y ninguno del reparto era especialmente famoso. El espectáculo se desarrolló principalmente en dos departamentos adyacentes en Manhattan y una cafetería llamada Central Perk a la que los personajes regresaban en cada episodio. Lo más importante es que en realidad no sucedían grandes cosas en los capítulos.

Entonces, ¿por qué funcionó? Friends no necesitaba una premisa notable ni incidentes dramáticos para impulsar el espectáculo. Más bien, fue una pieza coral en la que poco a poco el público fue conociendo a los protagonistas, y los amigos se convirtieron en los propios amigos de la audiencia. El programa se construyó en torno a historias cotidianas: enamoramientos, romances y, sobre todo, malentendidos o momentos ridículos, como Ross exagerando con el blanqueador de dientes. Los espectadores comenzaron a identificarse con cada personaje (“¿sos Monica o Rachel?”) o a tomar partido en los temas del día. ¿Cuáles son, por ejemplo, las reglas en una relación cuando “te piden un tiempo”?

Friends estuvo, por supuesto, muy bien producida, interpretada y escrita. A medida que tuvo aún más éxito, sobrevivió a la normalmente peligrosa inclusión de estrellas invitadas famosas -pasaron por el set Julia Roberts, Robin Williams, George Clooney, Sean Penn, Reese Witherspoon, Bruce Willis, Tom Selleck, Jean-Claude Van Damme y el diseñador Ralph Lauren, entre otros- y, de manera vital, nunca creció fuera de su premisa inicial ni intentó desarrollar una trama dramática. Los seis personajes siguieron siendo íntimos amigos hasta el final, sin destacarse ninguno sobre otro. El mundo de Monica, Rachel, Joey, Chandler, Phoebe y Ross es sin duda una ilusión para muchos: viven en departamentos agradables para su trabajo (o la falta de él), y se definen por sus personalidades más que por sus carreras. Son atractivos y están bien vestidos, y la serie se centra en su amplio tiempo social y de ocio. A diferencia de la realidad, las discusiones siempre se superan y, lo más importante, siempre triunfa la amistad.

La historia de amor

El 22 de septiembre de 1994, Friends se emitió por primera vez en la cadena NBC, marcando el inicio de una de las comedias más queridas de la televisión. En su estreno, el episodio titulado The One Where Monica Gets a Roommate (Cuando Monica recibe a su compañera de cuarto) introdujo a los seis personajes principales: Ross, Rachel, Monica, Chandler, Joey y Phoebe. La trama giraba en torno a la llegada de Rachel a la vida de Ross tras su ruptura con su esposa, y establecía las situaciónes y el humor que caracterizarían al programa. El episodio fue bien recibido por la crítica y el público, atrayendo a más de 21 millones de espectadores, lo cual sentó las bases para lo que se convertiría en un fenómeno.

La constante ruptura y reconciliación entre Ross y Rachel es un sello distintivo en la historia de Friends. La obvia conclusión de su cuento de hadas hace que sea un poco difícil aceptar la extraña trama de la temporada 8 en donde se ve a Joey y a Rachel saliendo juntos. En aquel momento, no sólo los fanáticos quedaron decepcionados con este giro, sino que los actores también odiaron el cambio, así que se confabularon contra los guionistas de la serie. Matt LeBlanc admitió que el elenco se reunió con los co-creadores David Crane y Marta Kauffman, y les expresaron su desacuerdo en cuanto a la relación entre Rachel y Joey. “Se sentía absolutamente inapropiado. Dije, ‘Esa es Rachel. Se supone que se queda con Ross. Espera un momento’. Todos nos pusimos a la defensiva con todo este asunto”, explicó LeBlanc. Aunque Crane no cedió. Según LeBlanc, a él le encantaba el aspecto incómodo de la relación de la pareja, y el hecho de que se sentía como si jugaran con fuego. Pero la relación entre Ross y Rachel terminaría ocurriendo pase lo que pase. El amorío entre Rachel y Joey finalmente consiguió su objetivo principal: mantener a Ross y Rachel distantes el tiempo suficiente para que los televidentes queden expectantes.

Comienzos con el pie izquierdo

Rachel Green se enamoró brevemente del frívolo actor de telenovelas, Joey Tribbiani. Pero a Jennifer Aniston inicialmente no le caía bien Matt LeBlanc. Lo cual hubiera causado un serio problema en la serie, ya que habría afectado la química que hacía de Friends una de las series más vistas de todos los tiempos. Pero la primera impresión de la actriz no estaba basada realmente en la personalidad de LeBlanc, sino en su currículum. El actor aparentaba ser algo rebelde. Después de graduarse de la escuela secundaria, pasó algún tiempo como modelo publicitario en Florida antes de mudarse a Nueva York, donde tomó clases de teatro. Su historial actoral incluían papeles de chico popular en videos de Bon Jovi, así como un pequeño trabajo como modelo de Levi ‘s. Aniston lo tildó como “muy macho” o “machista”, declarando en una entrevista: “Siempre temí a esa clase de hombres”. Pero LeBlanc no era lo que aparentaba ser, y con el tiempo, el dúo comenzó una gran amistad tanto dentro como fuera de pantalla. Aniston dijo que: “Todo terminó siendo un simple recuerdo simpático. Hoy en día, cuando estamos juntos me siento tan cómoda como lo hago con Courtney o Lisa”.

El personaje de Phoebe Buffay que interpretó Lisa Kudrow cobró vida propia. Pero a pesar de su clara habilidad para la comedia, Kudrow al principio tenía miedo que la despidieran de la serie. Lisa iba a ser contratada para interpretar a Roz Doyle en Frasier, pero el director James Burrows la echó mientras ensayaban para el primer episodio, y fue reemplazada por Peri Gilpin. Luego de que Kudrow haya sido seleccionada como Phoebe en Friends, se dio cuenta que también tendría que trabajar con Burrows, con quien había tenido problemas, y esto la hizo sentir muy nerviosa. “Pensé que ese sería el momento en el que Marta y David me dirían, ‘Este personaje no está funcionando. Tenemos que replantear todo. Ella no forma parte del grupo’”. Los temores de Kudrow no se volvieron realidad, y gracias a eso el mundo escuchó su gracioso tema musical Smelly Cat.

Aunque Phoebe Buffay haya creado la canción Smelly Cat, a Lisa Kudrow realmente no le gustaba tocar la guitarra. La estrella admitió que le costó aprender a ejecutar el instrumento. Incluso, preguntó si su personaje podría tocar el bongó en lugar de la guitarra. El productor ejecutivo y director Kevin S. Bright reveló que había contratado a un profesor de guitarra para ayudar a la actriz a perfeccionar el talento de Phoebe, aunque las cosas no resultaron como todos esperaban. Y fue lo mejor para la serie que Phoebe fuera pésima guitarrista. Los pocos acordes que Kudrow sí era capaz de tocar la convirtieron en un símbolo del desastre musical dentro del show. Y también gracias a eso, llegó a cantar con Taylor Swift en un concierto en Los Ángeles en el 2015.

Unidos en las buenas y en las malas

En el 2002, el elenco de Friends recibió un histórico aumento de salario. El grupo comenzó ganando unos 22.500 dólares por episodio, habiendo negociado sus contratos juntos desde la tercera temporada. Durante este tiempo, David Schwimmer y Jennifer Aniston, quienes estaban ganando más que el resto del elenco, disminuyeron sus salarios a fin de igualarse al resto del reparto. David fue el que impulsó toda la historia, instalando la idea de que si permanecían unidos, nadie podría contra ellos, algo que funcionó muy bien. Y definitivamente fue positivo para LeBlanc que hasta ese momento era el que menos ganaba. Las negociaciones finales lograron concretarse y NBC consiguió sponsors para las siguientes temporadas. Como resultado, cada miembro del elenco terminó recibiendo un millón de dólares por episodio, un monto que Martha Kauffman hasta hoy considera “algo ridículo”.

Cuando Kathleen Turner se unió a Friends en el 2001 como el padre transgénero de Chandler, Charles Bing, las cosas no funcionaron como ella esperaba. La estrella se sorprendió bastante por cómo los protagonistas la trataron en el set. Turner admitió que no se sintió “muy bienvenida” por el elenco de Central Perk. “Recuerdo que llevaba puesto un atuendo bastante ajustado, y mis tacos altos me estaban matando. Me pareció peculiar que ninguno de los actores pensó en ofrecerme un asiento. Hasta que uno de los miembros más viejos del equipo dijo, ‘consíganle una silla a la señorita Turner’. Los actores de Friends eran como una pandilla, y no considero que mi experiencia con ellos haya sido única”. Según ella, fuera del grupo de los seis, nadie importaba.

Los amores de Aniston en el set

En cuanto a estrellas invitadas, no caben dudas de que el matrimonio de Jennifer Aniston con Brad Pitt opacó cualquier otra relación que la actriz haya tenido con otros actores invitados de la serie. Si bien cuesta rememorar el breve papel de Tate Donavan, o su relación amorosa en la vida real con Aniston, este actor sí que lo recuerda. Aniston y Donavan se conocieron en el 95 a través de un amigo en común. En el 97, ya estaban en una relación seria. El actor quería casarse con Jennifer. Incluso, le compró a Aniston un cachorro de nueve semanas llamado Enzo. Cuando Tate se unió a la serie por un periodo de seis episodios en el 98, la pareja se encontraba en proceso de separación. Donavan dijo que estaba “muriendo por dentro” mientras interpretaba a Joshua, un cliente de Bloomingdale ‘s del cual Rachel se enamora. “Fueron tan sólo seis episodios, en los cuales pensaba, ‘¿Podemos dejar de hacer esto? Es realmente doloroso y difícil’. Muchas personas que sabían que salíamos pensaban que nos conocimos en Friends. Pero en realidad habíamos sido novios por dos años antes de eso, hasta que la relación terminó para el momento en el que trabajamos juntos en la serie”.

Cada temporada de Friends tuvo entre 22 y 25 episodios, pero la temporada 10 sólo tuvo 18. Y todo se debe a una discusión que Jennifer Aniston tuvo con su entonces marido Brad Pitt. Según un rumor que surgió en New York Post, Aniston terminó antes su contrato con Friends porque Pitt estaba enojado porque la actriz regresara para una temporada final. La pareja alega que querían comenzar una familia. El resto del elenco quería continuar por un año más y Aniston sintió mucha presión. Pero por otro lado, también quería complacer a Brad. Así que Jennifer aceptó participar por un año más, pero con la condición de que sólo fueran 18 episodios, y que la grabación terminara para enero. La pareja cortó su relación el año siguiente.

La pérdida más triste

El hoy fallecido Matthew Perry tuvo problemas de adicción con el alcohol y los opioides mientras filmaba Friends. De hecho, el problema era tan grave que Perry no recordaba muy bien haber grabado tres años enteros de la serie. La estrella admitió que aunque no tomaba en el set, de igual manera estuvo ebrio entre las temporadas 3 y 6. El actor fue a rehabilitación en el 97, pero no logró mantenerse sobrio. En el 2000, fue hospitalizado por pancreatitis causada por el alcohol, y también sufrió un accidente automovilístico. Llegó un punto en el que Perry consumía 20 a 30 pastillas de Vicodin por día, y luego tomaba alrededor de un cuarto de vodka diario. Perry estaba en serios problemas, aunque había poco que sus amigos podían hacer para ayudarlo. Matt LeBlanc trató de intervenir y hablar con él, “pero no había respuesta de su parte”, dijo.

Marta Kauffman también admitió que se sentía mal por ver a alguien a quien apreciaba atravesando por “tanto dolor”. Por su parte, Lisa Kudrow admitió ver “cómo todo ocurría sin poder hacer nada. Todos estábamos sufriendo mucho”. Pero afortunadamente, Perry despertó en febrero del 2001. Luego de comenzar a tener miedo por su vida, llamó a sus padres en busca de ayuda, fue a rehabilitación por segunda vez mientras filmaba la serie, y se creía que lograba mantenerse sobrio. Hasta que el mundo entero se sorprendió con su repentina muerte, el 28 de octubre de 2023, cuando su asistente lo encontró boca abajo en su jacuzzi, y los servicios de emergencia lo declararon muerto. La autopsia determinó que murió por los efectos de la ketamina.

Subastan objetos de Friends

Los fanáticos podrán celebrar el 30 aniversario de “Friends” comprando objetos simbólicos de la comedia que se subastarán. “Friends: The One With the 30th Anniversary Auction” le dará a la gente la oportunidad de conseguir ropa usada, tanto por el elenco principal como por estrellas invitadas, además de muebles que aparecieron en el departamento de Ross, artículos de Central Perk y demás. La subasta se llevará a cabo el lunes 23 de septiembre en Julien ‘s Studios y online en Julien’s Auctions.

Uno de los artículos que se ofrecen es el conocido suéter gris de cuello alto de Rachel, que usó en la temporada 7, episodio 16, “El de la verdad sobre Londres”. Su valor está estimado entre 1.000 y 1.500 dólares. El abrigo de jean azul con piel sintética de Phoebe del episodio 18 de la temporada 7, “El del premio de Joey”, también está a la venta, con un valor que se ubica entre 1.000 y 1.500 dólares. Otras prendas de vestir que cuestan el mismo precio incluyen el suéter estilo polo de cachemira verde azulado de Chandler del episodio 10 de la temporada 7, “El del armado navideño”. También el top de punto marrón y tostado de Mónica que usó en la temporada 9, episodio 15, “El del atraco” y la camisa azul de manga larga de Ross con dos aberturas laterales de la temporada 9, episodio 16, “El del trabajo de tetas”. Se suma a la subasta también la camisa marrón de manga corta a rayas que usó Joey en el episodio 1 de la temporada 10, “El del beso de Joey y Rachel”. Las famosas estrellas invitadas del programa, como Dakota Fanning, Winona Ryder, Susan Sarandon, Bruce Willis, Christina Appplegate y más, usaron prendas que se rematan y tienen precios similares.

Para aquellos que quieran objetos más divertidos, pueden llevarse la caja de jabón en polvo Uberweiss que aparece en el inicio del romance de Ross y Rachel en el episodio 5, por un precio estimado de entre 200 y 300 dólares. O por un valor similar pueden comprar la escultura de la cabeza de frenología de Ross también se subasta entre 300 y 500 dólares. Y la vedette de todo el remate es el famoso sofá naranja, cuyo valor estimado es de entre 2.000 y 3.000 dólares, y el letrero del Central Perk, que tiene un precio de entre 500 y 700 dólares.

Falta menos para el regreso del popular anime Ranma ½, que se estrenará este 5 de octubre en México, y los fans de la franquicia están ansiosos por ver una nueva adaptación de sus personajes favoritos del manga original en una animación más moderna que les permita lucir sus habilidades en combate.

Ranma ½ es uno de los animes más exitosos que se han transmitido en México, formó parte de la infancia de muchos jóvenes en la década de los 90′s, cuando Televisa tenía derechos de transmisión de las series animadas japonesas donde también se encontraba Pokémon, Sailor Moon, Los Caballeros del Zodiaco, y Dragon Ball.

Al tratarse de un remake (una nueva versión que recrea la historia original), el anime contará con todos los personajes que pudieron verse en las dos temporadas originales, aunque para la entrega de este año contarán con nuevo elenco de doblaje.

Conoce los personajes principales de Ranma ½

Ranma Saotome

Ranma es el personaje principal del anime, un joven de 16 años que quiere convertirse en un gran guerrero de las artes marciales, en su paso por conseguirlo termina por sufrir una maldición que lo convertirá en mujer al tocar agua fría, lo cuál tendrá que aprender a dominar para alcanzar su objetivo.

La personalidad de Ranma es una mezcla de agradable, franco, enérgico, indeciso, obstinado, exigente, mezquino y astuto según Rumiko Takahashi, el autor de la obra.

En esta nueva entrega, Ranma será interpretado por Elliot Leguizamo en su versión masculina y por Alicia Vélez en su versión femenina.

Akane Tendo

Akane Tendo es la chica principal y protagonista femenina principal. Es la menor de las tres hijas de Soun Tendo y una de las herederas de la Escuela de Artes Marciales de Combate Libre

Akane y Ranma están comprometidos a casarse por imposición y aunque al principio ambos se muestran en negación durante el anime se conocerán más.

En esta versión del anime Akane será interpretada por Rossy Aguirre la misma actriz que la dobló en el anime de los 90‘s.

Shampoo

Shampoo es un personaje de procedencia China, es una de las tres principales prometidas de Ranma Saotome,y una rival de Akane Tendo y Ukyo Kuonji.

Al igual que Ranma, ella cayó en uno de los estanques de Jusenkyo, por lo cual siempre que se moja con agua fría se convierte en una gatita lila llamada Shanpis y al mojarse con agua caliente recupera su forma original.

Ukyo Kuonji

Ukyo Kuonji es la mejor amiga de la infancia de Ranma Saotome y una de sus prometidas, ella conoce al protagonista desde los 6 años y entrenaban combatiendo entre ellos.

Es una talentosa artista marcial, con su arte basado en la cocina okonomiyaki. Usa técnicas basadas en los alimentos para aturdir, restringir o confundir a los oponentes en patrones de reminiscencia ‘ninjas’ algo arquetípicos.

Tatewaki Kuno

Tatewaki viene de los samuráis ricos. No importa cuántas veces Ranma le derrote, sigue muy confiado de sus capacidades.

Tiene un ego enorme, lo que llevó a Kuno a apodarse “El Trueno Azul de la Preparatoria Furinkan”, un apodo que no es usado por nadie más.

¿Dónde podemos ver Ranma ½?

La plataforma de streaming Netflix será la encargada de estrenar esta nueva versión del anime de comedia Shonen para México y España, en la plataforma tendrás las distintas opciones de doblaje al español o también en su idioma original con subtítulos.

Por otro lado, si no puedes esperar al estreno de la nueva versión de Ranma, puedes ver las dos temporadas de la serie clásica de los 90 ‘s en el servicio de streaming de Amazon, Prime Video.

Toronto (Canadá), 12 sep (EFE).- El director mexicano Alfonso Cuarón define su serie 'Desprecio', con Cate Blanchett, Kevin Kline y Sacha Baron Cohen, como una "película de formato largo" y "un reto". Y deja claro en una entrevista con EFE que es "un crimen" del mundo del cine que Kline, cuya actuación en la serie es excepcional, haya desaparecido de las pantallas durante años.

Cuarón ha acudido al Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), que concluye el 15 de septiembre, armado con la serie de siete episodios 'Desprecio' (en inglés está titulada 'Disclaimer'), una poderosa reflexión sobre "la relación que tenemos con las narrativas" rodada para Apple TV+.

"La llamaría una película de formato largo, una película que trata de temáticas importantes. Dentro de estas temáticas, hay una muy importante, que es la relación que tenemos con las narrativas y el juego que tiene nuestro juicio en la manera en que percibimos esas narrativas", matiza el mexicano.

Apple TV+ ha definido 'Desprecio' como un 'thriller' psicológico centrado en el pasado de Catherine Ravescroft (Blanchett) una prestigiosa y exitosa periodista de investigación, esposa y madre de un adolescente pero a la que su vida y matrimonio perfectos empiezan a desmoronarse cuando un autor desconocido publica una novela que expone un secreto que ha permanecido oculto durante más de una década.

A sus 62 años, seis años después de su último largometraje, el aclamado 'Roma', y una década después de su última serie, 'Believe', Cuarón explicó que desde que leyó la novela 'Disclaimer' de Renée Knight, en la que está basada 'Desprecio', no se la pudo quitar de la cabeza.

"Desde el primer momento en que empecé a leer la novela, estaba en galeras todavía cuando me la mandó la escritora, se formó una película en mi cabeza. La leí antes de 'Roma', pero no veía cómo podría adaptarla en un formato convencional de cine", confesó.

"No fue hasta después que estaba pensando en películas que siempre he admirado de formato largo, como 'Érase una vez en América', 'Fanny y Alexander', 'Twin Peaks', o 'The Kingdom' de Lars von Trier. Siempre me ha intrigado ese formato que es extenso. Además, yo nunca he hecho una película muy narrativa, mis películas casi no son tremendamente narrativas, y quería ejercitar ese músculo. Dije: 'Bueno, yo nunca lo he hecho, a lo mejor es que no tengo el talento para hacerlo'. Pero quise aceptar el reto", añadió.

Cuarón se enfrenta al desafío con un triunvirato excepcional, capitaneado por Blanchett y Kline a los que acompaña un inesperado Baron Cohen. Pero la actuación de Kline, un padre carcomido por una tragedia, sobresale.

A sus 76 años, el actor estadounidense conocido por obras como 'Sophie's Choice' (1982), 'A Fish Called Wanda' (1988) o 'The Last Robin Hood' (2013), lleva años sin protagonizar un film o serie de televisión. Una situación que Cuarón considera injusta.

"Creo que es un crimen del cine cómo dejaron ignorado a Kevin por tanto tiempo. Es un actor increíble, con una versatilidad enorme, y como lo demuestra en 'Desprecio', es capaz de interpretar desde personajes realmente dramáticos hasta un truhán oliendo botas hablando italiano en 'Un pez llamado Wanda'. El arco de posibilidades que tiene Kevin es infinito; es genial", exclamó.

Cuarón ha jugado durante gran parte de su obra con la exploración de los secretos personales y emocionales y su impacto en las relaciones, como en 'Y tu mamá también' (2001), 'Children of Men' (2006) o incluso en 'Roma'.

El director considera que los secretos son una necesidad humana.

"Yo creo que el secreto existe en la humanidad porque debe de tener algún mecanismo de supervivencia, y sobre todo, de supervivencia social. No juzgaría el secreto como algo extraordinario porque creo que es algo con lo que coexistimos. Ahora bien, dentro de esos secretos hay algunos que guardamos y que resultan ser dañinos para nosotros mismos y para los seres que amamos alrededor", dijo.

"Cuando guardas un secreto, tú puedes tenerlo, pero estás reprimiendo algún aspecto que está inmediatamente afectando la manera en que te relacionas con la otra gente. Los secretos pueden tener consecuencias muy dañinas, tanto para los demás como para nosotros mismos", concluyó.

Julio César Rivas

El miércoles 21 de agosto de 2024 es la fecha del estreno en Colombia del documental Igualada, una pieza audiovisual que relata la vida de la hoy vicepresidenta Francia Márquez Mina.

El proyecto, drigido por el cineasta colombiano Juan Mejía Botero, ofrece una mirada íntima a la vida de Márquez Mina, la primera mujer afrodescendiente en llegar a la vicepresidencia del Colombia.

De acuerdo con la infromación de diversos medios, la película ta recorrió varios festivales de cine internacionales en los que está incluido en Sundance Film Festival en su versión de 2024, donde tuvo su estreno mundial.

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A través de un relato que salió de una entrevista con Mejía Botero que se publicó en el diario internacional El País, se conoció que la relación entre el productor y la funcionaria viene desde 2006, y, por tal motivo, hay material para retratar una buena parte de la vida de activismo de que hoy acompaña en la presidencia a Gustavo Petro.

La producción, realizada por Human Pictures en coproducción con No Ficción y distribuida en Colombia por Briosa Films, persigue mostrar la figura de Márquez con un énfasis en su trayectoria como activista rural y su campaña presidencial.

Según las mismas palabras de Francia Márquez, que aparecen el dicho documental, el nombre salió de una de los improperios y las palabras despectivas que recibió de sus opositores cuando, en alguna ocasión, afirmó quererse lanzar a la presidencia, situación que fue confirmada por el mismo Mejía. “Cuando dije que quería ser prersidente de Colombia dijeron: «y esta igualada de dónde salió»”.

El documental sobre la primera vicepresidenta negra

Sobre las luchas de muchos grupos minoritarios en Colombia, en especial en departamentos cuyas zonas rurales han sido tomadas por grupos armados, intereses empresariales y olvido del Estado, una de las figuras relevantes de la lucha y representación de movimientos, especialmente en el Cauca, fue la de Márquez.

Por eso, el documental no solo retrata los aspectos públicos de la campaña de Márquez, sino que también destaca sus luchas personales y comunitarias desde su juventud.

Fue por eso que Juan Mejía Botero expresó que, luego de varios años de conocerse, y tras saber la intención de Márquez de postularse a la presidencia por medio de una llamada dijo: “Que una mujer negra, rural, criada en la periferia y en la resistencia, se postulara para la presidencia de Colombia parecía casi inimaginable. Le pregunté: Francia, ¿podemos hacer una película? Creo que este es un momento que debe ser documentado”.

Información oficial sobre la realización del producto audiovisual reportó que la recopilación de material para el documental incluyó cerca de 30 horas filmadas entre 2009 y 2011, y más de 150 horas adicionales de grabaciones realizadas desde que Márquez decidió postularse hasta la ceremonia de juramentación como vicepresidenta. Esta variedad de material permitió capturar tanto los momentos altos como los bajos de la campaña, para poder relatar la complejidad de la lucha política y social de Márquez.

“La película muestra la aparente contradicción de los movimientos sociales de estar luchando siempre conrtra el Estado y, de repente, ocupar el poder dentro del mismo”, dijo Mejía, que manifestó que, incluso, los altibajos se vivían según iban sucediendo las cosas. “Fue muy precario, con gente muy comprometida, pero con poca experiencia política, entonces ibamos aprendiendo sobre la marcha. Hubo dos o tres ocasiones en las que pensábamos que no habría película porque hasta ahía llegaba la campaña”, expresó para El País.

Luego de su estreno mundial, el documental también se exhibió en otros festivales como Doc NYC Presents, Gira Ambulante México, É Tudo Verdade Brasil, el Seattle International Film Festival y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (Ficci). Sean Boelman de la plataforma calificadora de producciones Dissapointment Media reconoció la obra, diciendo que es “fascinante... completamente absorbente”, de acuerdo con lo publicado en El Colombiano.

El estreno nacional se llevará a cabo en la Cinemateca de Bogotá, el 21 de agosto, con la presencia del director, el equipo de producción, y la cantautora colombiana Isabel Ramírez Ocampo, conocida artísticamente como La Muchacha. A partir del 22 de agosto, el documental estará disponible en otras ciudades colombianas como Medellín, Cali, Manizales, Valledupar, Barranquilla y Envigado.

El cine nacional estrenará en la gran pantalla dos películas que muestran comedia y confrontación. La primera propuesta es “Caras vemos” y cuenta con Bruno Bichir como protagonista. Junto a esta producción llega “Armas blancas” escrita y dirigida por Mariana Musalem Ramos.

La directora de cine estudió la licenciatura en lingüística y literatura hispánica en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), cinematografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), Ciudad de México y realizó un posgrado en guión en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ECAC), Barcelona.

Es reconocida por participar en muestras y festivales de talla mundial con su cortometraje de ficción “Estío” entre ellos el 5° Festival de Cine Latinoamericano de Saõ Paulo y el 1er Festival Internacional de Cine Underground 1000 Metros Bajo Tierra, México.

Afamados directores participan esta semana con nuevas producciones en los estrenos de cine. Entre ellos está Yorgos Lanthimos, famoso por filmes como “La langosta”, “El sacrificio del ciervo sagrado” y “Pobres criaturas”. También se hacen presentes Mariano Biasin con “Sublime” y Zoe Kravitz dirigiendo un thriller titulado originalmente “Blink Twice”.

Estrenos del 22 de agosto

Tipos de gentileza

Yorgos Lanthimos dirige este filme en el que muestra una historia coral: un hombre intenta tomar las riendas de su vida mientras un policía se encuentra aterrado porque su esposa desaparecida en el mar ha vuelto y luce como una persona totalmente diferente.

Sumándose a Willem Dafoe y Jesse Plemons como protagonistas, Emma Stone interpreta a una mujer que está decidida a encontrar a alguien con un don especial que le permita ser un líder espiritual.

Parpadea dos veces

Zoe Kravitz dirige este thriller en el que participan Channing Tatum y Naomi Ackie, un magnate de la tecnología y una camarera. Slater King invita a una gala de recaudación de fondos a Frida pero la atracción entre los personajes es tanta que después lo acompaña a él y sus amigos a unas vacaciones en su isla privada. El único inconveniente es que empiezan a suceder cosas extrañas, Frida intuye que algo anda mal en ese lugar y tiene que descubrir la verdad si quiere salir viva de la fiesta.

El cuervo

Eric Draven, interpretado por Bill Skarsgård y Shelly Webster, protagonizada por FKA Twigs, son brutalmente asesinados cuando su oscuro pasado les alcanza. Ante la oportunidad de sacrificarse para salvar a su verdadero amor, Eric se propone vengarse despiadadamente de sus asesinos, atravesando el mundo de los vivos y los muertos para saldar sus deudas.

Caras vemos

Una familia sufre un intercambio de personalidades inesperado después de que Zoe tiene un encuentro con un antiguo dios. El resultado es que cada miembro de la familia se encuentra en el cuerpo de otro: Laura, la madre, se convierte en una adolescente obsesionada con su celular y su novio; Luis, el padre, se ve atrapado en el cuerpo de su hijo Dante, mientras que la hija menor toma el cuerpo de su padre.

La propuesta es dirigida por Beto Gómez y la protagonizan Bruno Bichir, Mariana Treviño, Blanca Guerra y Luis de La Rosa.

Crónica sangrienta

La propuesta surcoreana muestra a Se-Ra, una presentadora famosa en una estación de radiodifusión que 5 minutos antes de que su transmisión de noticias se lleve a cabo, recibe una llamada telefónica. La persona que llama, Mi-So, le dice a Se-Ra: “Alguien me va a matar, por favor, cubra la historia de mi muerte”.

Sublime

Mariano Biasin dirige este filme que sigue a Manuel, un chico que vive en una pequeña ciudad costera. Tiene 16 años y toca el bajo en un grupo con sus mejores amigos. Felipe es uno de ellos y comparten una fuerte amistad.

Manuel sale con Azul, una chica con la que mantiene una intensa relación, pero un día sucede algo que le hace ver a Felipe con otros ojos.

Armas blancas

La producción muestra a Valeria, una niña de 10 años que vive en un residencial con alberca y durante un verano se aleja de su mejor amiga, conoce a su nuevo vecino y se convierte tanto en su compañero de travesuras como en su primer amor. Esto sucede mientras atestigua el divorcio de su tío favorito y durante su transición de la infancia a la adolescencia.

El guardián de la magia

Esta animación rusa muestra una historia en la que hace mucho tiempo, había paz entre todos. Hasta que el Fantasma Blanco causó estragos y amenazó con destruirlo todo. Solo un hombre puede detenerlo, es valiente, fuerte, apuesto y anda en bicicleta, su nombre es Koschey.

Reestrenos

El gran pez

Una relación complicada entre padre e hijo (Billy Crudup y Albert Finney) se modifica luego de saber el padecimiento de una enfermedad terminal. El protagonista se ve obligado a escuchar una vez más las interminables historias de su juventud pero en esta ocasión investiga para conocer mejor a su padre, aunque para ello deba separar realidad y fantasía, elementos que siempre mezclaba su progenitor en sus relatos.

Sweeney Todd

La obra de Tim Burton narra la historia de Benjamin Barker, también conocido como “Sweeney Todd” (interpretado por Johnny Depp), un hombre que tiene una barbería en Londres luego de cumplir una condena que no cometió. Junto a su cómplice busca venganza contra el presunto responsable.

El 22 de junio de 1979, se escucharon los primeros gritos en las salas de cine de Estados Unidos. Fue el momento en que el público se enfrentó a una historia sombría sobre un grupo de personas forzadas a recorrer el espacio más oscuro y peligroso que el cine había mostrado hasta entonces. Así comenzó la leyenda de los xenomorfos con ‘Alien, el octavo pasajero’.

La nueva entrega rinde tributo a las anteriores películas y devuelve el terror asociado con la icónica criatura que ha aterrorizado a la saga desde el principio.

¿De qué trata Alien: Romulus?

Aunque la campaña de promoción no reveló muchos detalles sobre la trama, se sabe que se sitúa en la línea temporal de la franquicia, entre ‘Alien’ (Ridley Scott, 1979) y ‘Aliens: El regreso’ (James Cameron, 1986), las dos primeras películas de la saga.

En esta entrega, veremos a un grupo de colonos espaciales que, mientras intentan saquear la estación espacial Romulus, se toparán con una entidad biológica que es muy conocida en el cine.

La sinopsis oficial proporciona un panorama claro de lo que se puede esperar: “Mientras exploran las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores espaciales se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo”.

El título de la película hace referencia a la mitología romana, que ha influenciado a la franquicia a lo largo de los años. Según la leyenda, el dios Marte y Rea Silvia tuvieron dos gemelos, Rómulo y Remo, quienes fundaron la ciudad de Roma. Sin embargo, Rómulo mató a su hermano y se convirtió en el primer y único rey de la nueva nación.

Con Ridley Scott en el papel de productor, el gran atractivo del equipo es la incorporación de Fede Álvarez como director. El cineasta uruguayo, junto a su habitual coguionista Rodo Sayagues, sigue su trayectoria en el género de terror tras haber dirigido el remake de ‘Posesión infernal’ (2013), ‘No respires’ (2016) y ‘La chica en la telaraña’ (2018).

Qué ha dicho la crítica

Con tan solo tres días desde que la crítica especializada pudo ver el filme, se ha llevado críticas generalmente positivas que le dan el visto bueno. Así, ‘Alien: Romulus’ funge como un aire fresco para la franquicia que revitaliza lo suscitado con sus antecesoras ‘Covenant’ y Prometeo’. De acuerdo con el sitio Rotten Tomatoes, hasta el momento cuenta con una calificación aprobatoria del 83%.

Así, las nuevas generaciones que deseen adentrarse en este universo por primera vez, experimentarán terror, acción y suspenso, al tiempo en que también se maravillarán con un estilo visual impresionante envuelto de una atmósfera claustrofóbica.

Las historias no dejan de llegar a Netflix y del 5 al 9 de agosto habrá propuestas infantiles, animes, documentales y acción en muchas de sus historias, por lo que es imposible no encontrar algo que ver.

The Umbrella Academy llega a su final 5 años después de que se estrenó el primer episodio en Estados Unidos. En esta temporada se podrá ver a los personajes luchar para detener la amenaza inminente hacia la vida en la Tierra.

También estará presente en la lista de estrenos el científico británico David Attenborough, quien narrará un documental sobre el sonido y sus secretos. Sumado a este documental, estará “En la mente de un perro” en donde se proporcionarán datos científicos y múltiples aspectos sobre las mascotas.

Estrenos de la semana en Netflix

Lunes 5 de agosto

La casa de muñecas de Gabby

Llega la décima temporada de Gabby que junto a Pandy Patas tendrá muchas aventuras animadas.

Martes 6

Influencer

Desde las plataformas de YouTube, TikTok e Instagram 77 influencers utilizarán todas sus habilidades para atraer más atención que el resto en un programa en el que está en juego su supervivencia social.

Academia de golf

Después de que una deportista profesional descubre su talento natural para el golf, un niño se embarca en un viaje para convertirse en el mejor jugador del mundo.

Miércoles 7

El mundo secreto del sonido con David Attenborough

Llega la serie documental narrada en inglés por sir David Attenborough, biólogo y presentador, en el que narra los avances tecnológicos en audio permitiendo capturar los sonidos de la naturaleza como nunca antes.

El amor es ciego: Reino Unido

Emma y Matt Willis presentan un experimento social en el que solteras y solteros británicos buscan enamorarse y comprometerse antes de verse en persona. ¿Quiénes dirán «acepto»?

El abuelo y Kid

Un estafador se dedica a engañar a los ricos, acompañado del niño que crió. Pero su inseparable lazo podría romperse ante una oportunidad que le cambiaría la vida al pequeño.

Jueves 8

The Umbrella Academy

Reunidos por la muerte de su padre, hermanos distanciados con poderes extraordinarios destapan secretos perturbadores, una amenaza inminente contra la humanidad y sólo cuentan con un último intento para evitar que sea destruida.

Sahmaran

Şahsu, interpretada por Serenay Sarikaya, va a una conferencia en Adana y considera que es el momento ideal para enfrentar a su abuelo ausente. Pero pronto cambia todo cuando se ve inmersa en una leyenda.

Viernes 9

Campeonato de repostería Blue Ribbon

En este reality show, pasteleros que ganaron el listón azul en distintas ferias estatales de Estados Unidos compiten entre ellos para ser acreedores del gran premio de 100 mil dólares.

Horizontes Pokemon: La serie

Como parte de su emocionante misión, dos jóvenes aventureros visitan nuevas tierras, resuelven misterios ancestrales y se topan con Pokémon (¡y Pokébolas!) que nunca han visto.

La belleza y el enigma vuelven

Esta película hindi romántica y de suspenso muestra a Rani y Rishu quienes evaden a la policía en Agra e idean un plan para escapar juntos. Pero todo se complica, y Rani le pide ayuda a un admirador muy considerado.

Misiones cruzadas

La película de acción es protagonizada por Hwang Jung-min, Yum Jung-ah y Jeon Hye-jin en una prueba mayor del amor conyugal en donde un agente devenido amo de casa se une a una peligrosa misión con su esposa, una detective que desconoce su pasado.

En la mente de un perro

Este documental es un viaje por el mundo de los perros, donde se proporcionan datos científicos y aspectos conmovedores sobre los animales favoritos de muchas personas.

Sábado 10

El amor vuelve a casa

Un padre que se alejó de su familia tras el fracaso de su negocio reaparece 11 años más tarde como el dueño del edificio donde viven y desata el caos.

Por si este contenido fuera poco, Netflix estrenará más series y películas en el transcurso del mes, por lo que sugerimos no perder de vista los títulos que ofrece la plataforma de streaming.

En 1997 se fundó en Los Gatos California la empresa y plataforma de streaming Netflix que en principio ofrecía un servicio de alquiler de DVD a través de correo postal. En la actualidad, ofrece contenido por suscripción en más de 30 idiomas y a más de 190 países, siendo una de las más utilizadas en México.

Su competidor Blockbuster, no quiso comprar la empresa por 50 millones de dólares (900 millones, 72 mil pesos) siendo que en la actualidad, la plataforma genera 226 millones de dólares (4,068 millones 994 mil 400 pesos) y para 2013, Business Insider señala que Netflix realizó su primera producción original titulada House of Cards, con la que realizó muchas series y películas posteriormente.

Con el transcurso del tiempo y el desarrollo de la tecnología, Netflix ha buscado adaptarse a las nuevas maneras de compartir contenido, haciendo que su aplicación esté disponible para televisores, computadoras y celulares así que desde el dispositivo que estés leyendo esta nota, conocerás los títulos de las series y películas que Netflix estrena en el transcurso de la semana.

La plataforma estrena la secuela de Vikingos y otras propuestas

9 de julio

El novio

Es un reality show japonés en el que un grupo de hombres vivirán bajo el mismo techo durante un mes gestionando en conjunto una camioneta de venta de café para conocerse y, quizá, enamorarse. Protagonizado por Megumi, Horan Chiaki, Thelma Aoyama.

Hannah Berner: Montamos al amanecer

La plataforma presenta un especial de stand up en el que Hannah Berner comparte diferentes etapas de su vida analizando el romance, las citas y mucho más.

10 de julio

El receptor

La serie deportiva sigue la historia de los receptores de la NFL Davante Adams, Justin Jefferson, George Kittle, Deebo Samuel y Amon‑Ra St. Brown durante la temporada 2023.

La primera vez

Llega la segunda temporada de esta serie protagonizada por Emmanuel Restrepo, Francisca Estevez Navas y Sergio Palau. La llegada de una misteriosa muchacha a un colegio de hombres en Colombia en los años setenta rompe estereotipos, reglas y algunos corazones. Serie creada por Dago García.

Pasteleros contra el tiempo

Es un reality show en el que seis duplas de reposteros deben mezclar innovación y tradición para ganar la competencia. Protagonistas: Capi Pérez, Gris Verduzco y Luis Robledo Richards.

Wild Wild Punjab

Esta película hindi es una comedia que muestra un viaje para superar una desazón amorosa en el que cuatro amigos se encuentran con múltiples sorpresas hechas por Punyab. Los protagonistas son Varun Sharma, Sunny Singh y Manjot Singh.

11 de junio

Mi otra yo

La serie dramática turca muestra a tres amigas que llegan a un pueblo costero para encontrarse con su lado espiritual. Sin esperarlo, tienen que enfrentarse a los traumas familiares de su pasado

Vikingos: Valhalla

Esta serie de acción y aventuras es una secuela de Vikingos. Ubicada 100 años después, una legión nueva de héroes surge para forjar su destino y cambiar el curso de la historia.

Desaparecidos en la noche

Esta película de suspenso protagonizada por Riccardo Scamarcio, Annabelle Wallis y Massimiliano Gallo, muestra la historia de un padre que mientras pasa por un proceso de divorcio difícil debe adentrarse en una misión peligrosa debido a que sus hijos desaparecen de su aislada casa de campo.

12 de julio

Gatitos explosivos

Esta serie cómica creada por Matthew Inman y Shane Kosakowski, muestra la lucha entre el bien y el mal en la que los gatos son el engendro de Satán y son enviados por Dios a convivir con los humanos en la tierra. Cuenta con las interpretaciones de Tom Ellis, Suzy Nakamura y Ally Maki.

Lobola Man

Esta comedia romántica sudafricana muestra la historia de Ace, un negociador de lobola, que es un pago de dote por la futura esposa, está a punto de enfrentar su mayor desafío: un cliente tímido y algo más que dinero está en juego.

El campeón

Este drama cuenta la historia de una estrella de futbol impulsiva que tras cometer agresión, se queda en la banca y es asignado con un nuevo tutor, un académico solitario que le ayudará a enfrentar sus miedos.

Sólo una noche de juegos

Una comedia interpretada por Dennis Mojen, Janina Uhse y Anna Maria Mühe muestra a Pia, una joven que decide invitar a Jan, su nuevo novio, a la tradicional noche de juegos, pero la llegada inesperada de su ex pareja lleva la competencia al límite.

Sin duda, la adaptabilidad de la empresa y el contenido que desarrolla, le han permitido posicionarse como una de las plataformas de streaming más vistas en el país.