Michael Bublé cumple este miércoles 51 años y su estilismo mantiene una identidad asociada al traje clásico, la sastrería ajustada y la imagen de un crooner contemporáneo, con una voz suave y una presencia escénica elegante en la moda.

A lo largo de su carrera, el cantante canadiense y esposo de Luisana Lopilato construyó una presencia pública en la que la ropa funciona como una extensión de su repertorio, marcado por estándares, pop orquestado y una puesta en escena que remite a las grandes figuras del entretenimiento de mediados del siglo XX.

El caso de Michael Bublé resulta singular dentro del circuito pop de las últimas décadas. Mientras buena parte de la industria avanzó hacia una estética más informal, deportiva o experimental, el intérprete sostuvo una línea visual estable, apoyada en smokings, trajes oscuros, camisas blancas, corbatas sobrias y zapatos de cuero de acabado pulido. Esa continuidad le permitió fijar una marca reconocible y convertir el vestuario en uno de los elementos centrales de su perfil artístico.

El guardarropa de Michael Bublé se apoya en la sastrería tradicional

En el centro del estilismo de Michael Bublé aparece la sastrería. El cantante suele recurrir a sacos estructurados, pantalones de caída recta o apenas entallada y una paleta dominada por negro, azul marino, gris carbón y blanco.

La elección no responde solo a una preferencia formal: también ordena su imagen pública y la conecta con un linaje de cantantes de escenario, especialmente los vinculados al jazz vocal y al pop melódico.

La ropa no busca imponerse sobre la figura del artista ni competir con el espectáculo, sino acompañar la interpretación. En ese sentido, el traje opera como un código de estabilidad. La sobriedad de las prendas deja espacio para la voz, el gesto y la interacción con la orquesta o la banda, sin sumar distracciones innecesarias.

La imagen de crooner contemporáneo explica buena parte de su elección estética

El vínculo entre vestuario y repertorio es una de las claves para leer a Bublé. Desde sus primeros años de exposición internacional, su proyecto artístico se apoyó en una actualización del crooner clásico.

Esa referencia remite a cantantes que hicieron del esmoquin y del traje una segunda piel escénica. En su caso, esa tradición se tradujo en una versión más cercana al siglo XXI, con cortes más limpios y una silueta menos rígida. El resultado es una imagen elegante, reconocible y de baja volatilidad, algo poco frecuente en una industria que suele premiar el cambio constante.

En lugar de redefinirse a través de giros bruscos, el artista canadiense sostuvo una estética de continuidad. Esa decisión fortaleció su identidad y lo ubicó en una zona distinta a la de otros músicos pop, más dependientes de tendencias estacionales.

Otro rasgo del estilismo de Bublé es la moderación en el uso del color. Predominan los tonos neutros, con apariciones puntuales de bordó, azul profundo o texturas satinadas en contextos de gala.

La lógica es clara: mantener un campo visual ordenado y favorecer una imagen atemporal. En fotos promocionales, alfombras rojas y conciertos, ese criterio se repite con pocas variaciones.

Los trajes suelen aparecer ajustados sin exceso, con hombros definidos y proporciones clásicas, un recurso que actualiza la sastrería sin llevarla al terreno de la moda de pasarela.

Los accesorios siguen la misma línea: corbatas de seda, moños, pañuelos discretos, relojes sobrios y zapatos formales. La suma de esos elementos produce una elegancia controlada, más cercana a la precisión que al despliegue.

Aunque el traje domina su imagen, no construye una figura distante. Parte de su eficacia estética está en combinar formalidad con una actitud relajada.

En escena, suele desarmar el protocolo con humor, movimiento y un lenguaje corporal accesible. Esa tensión entre ropa clásica y desempeño distendido le permite evitar que el vestuario se lea como rigidez.

Esa combinación explica por qué su imagen funciona tanto en conciertos como en televisión, campañas y eventos públicos. El traje proyecta orden y profesionalismo; la actitud, en cambio, introduce cercanía. El equilibrio entre ambos planos le dio consistencia a su marca personal y ayudó a sostenerla durante años sin signos de agotamiento visual.

En tiempos de reinvenciones permanentes, Michael Bublé eligió otro camino: hacer de la constancia su sello. A los 51, su estilo sigue transmitiendo sofisticación, cercanía y una idea de elegancia clásica que aún conserva lugar propio dentro del universo pop.

A cierta altura de las alfombras rojas, los gestos más eficaces no suelen venir del exceso sino del desvío. En una escena donde la sastrería masculina todavía se apoya, casi por reflejo, en el negro, el azul oscuro y el esmoquin sin sobresaltos, Robert Pattinson eligió otro camino en el Festival de Venecia. A los 40 años, el actor británico apareció con un traje rosa pálido de raya diplomática y volvió visible algo que en moda siempre tiene efecto: la diferencia medida.

Su paso por la premiere de Primetime no necesitó estridencias para destacarse. Bastó el color, apenas corrido de la paleta habitual, y una construcción clásica revisada desde otro lugar. Pattinson llevó una sastrería de Dior firmada por Jonathan Anderson y se movió con comodidad dentro de una imagen que evitó tanto la rigidez ceremonial como la provocación forzada. El resultado fue una de las apariciones masculinas más comentadas de la jornada veneciana.

El color cambió el código sin romper con la tradición

Lo primero que ordenó la lectura del look fue el tono del traje. El rosa elegido por el actor de la saga Crepúsculo no apareció como una nota decorativa ni como un gesto aislado de excentricidad, sino como parte de una sastrería de líneas tradicionales que encontró en ese color una forma de renovar su peso visual. Era un rosa pálido, empolvado, de presencia suave, que bajo el impacto de algunos flashes por momentos parecía blanco, aunque la raya diplomática sostenía su estructura y dejaba ver su matiz.

Ese equilibrio fue una de las claves del conjunto. El actor no salió a desmontar el traje clásico, sino a correrlo levemente de lugar. La raya vertical, asociada desde hace décadas al guardarropa formal masculino, sostuvo la seriedad de la prenda y evitó que el color volviera el look demasiado liviano. En esa tensión entre disciplina y rareza, el estilismo encontró su fuerza.

La chaqueta cruzada y el pantalón amplio reforzaron la lectura retro

La silueta también fue parte del efecto. Pattinson llevó una chaqueta cruzada, de doble botonadura, con solapas marcadas y una estructura limpia que remitió al lenguaje más reconocible de la sastrería tradicional. Pero ese gesto clásico convivió con una caída menos rígida y con un pantalón amplio, de línea larga y suelta, que alejó el conjunto del ajuste milimétrico que durante años dominó la alfombra roja masculina.

Allí apareció una segunda capa del look: su aire retro. No se trató de una reconstrucción literal de otra época, sino de una cita controlada, visible en el volumen del pantalón, en la forma del saco y en una proporción general más relajada. El traje no buscó la velocidad de la tendencia inmediata, sino una elegancia algo desplazada, con referencias al pasado filtradas por una sensibilidad actual.

Esa decisión de volumen fue, además, coherente con la imagen pública que Pattinson viene construyendo hace tiempo, cada vez más alejada del galán congelado en una versión obvia de sí mismo. Su relación con la moda parece apoyarse, justamente, en esa incomodidad productiva: vestir bien sin quedar atrapado en el protocolo de lo correcto.

La corbata a rayas introdujo contraste y evitó la solemnidad

Sobre la camisa blanca, impecable y de cuello clásico, apareció otro de los detalles que terminaron de definir el estilismo: una corbata bordo con rayas diagonales claras. En un conjunto dominado por la suavidad del rosa, ese accesorio sumó profundidad visual y cortó cualquier posible lectura excesivamente etérea del traje.

La elección no fue menor. En muchas apariciones de alfombra roja, la corbata desaparece para relajar el look o se vuelve una pieza neutra, casi invisible. Aquí, en cambio, cumplió un papel concreto. Aportó un punto de contraste, sostuvo la formalidad de la escena y agregó una referencia de aire clásico que dialogó con la raya diplomática del traje sin volver el conjunto pesado.

Ese pequeño cruce entre estampados —las finas líneas verticales del traje y las diagonales de la corbata— le dio espesor a una imagen construida desde el detalle. No hubo acumulación de accesorios ni ornamentación innecesaria. El trabajo estuvo puesto en cómo convivían las piezas.

Los zapatos oscuros anclaron la delicadeza del rosa

El otro punto decisivo fueron los zapatos. Pattinson eligió un calzado oscuro, de terminación mate y presencia sobria, que funcionó como base visual del conjunto. En un look donde el color del traje podía llevar la imagen hacia una zona demasiado blanda, ese gesto aportó peso y equilibrio.

El contraste entre la sastrería clara y el zapato oscuro permitió que el estilismo conservara firmeza. Lejos de disolverse en una paleta monocorde, el conjunto ganó un remate más grave, capaz de sostener la delicadeza del rosa sin quitarle autoridad. Fue, en términos visuales, una forma de cerrar el look con precisión.

Suki Waterhouse sumó otra capa de estilo sin competir con el centro de la escena

La aparición junto a Suki Waterhouse, su compañera desde 2018, completó la imagen de pareja con una lógica de sintonía antes que de repetición. La actriz y cantante llevó un minivestido de encaje floral en un verde seco suave, con mangas largas, transparencias, gafas de sol negras y stilettos oscuros. Su look se movió en una clave distinta, más breve y más sensual, pero compartió con el de Pattinson una misma atmósfera de inspiración retro.

Eso fue, probablemente, lo más logrado del dúo. No parecían vestidos para espejarse, sino para convivir dentro de un mismo clima visual. Él, desde la sastrería de líneas amplias y tonos empolvados. Ella, desde el encaje, la transparencia y los accesorios filosos. Entre ambos construyeron una escena de glamour de época, afinada para una alfombra roja como la de Venecia, donde el cine y la moda suelen reforzarse mutuamente.

El contexto también ayudó a que el look tuviera lectura inmediata. El Festival de Venecia conserva una relación particular con la ceremonia del vestir. Entre la tradición de la Mostra, las premieres nocturnas y el peso simbólico de su alfombra roja, cada elección encuentra un marco donde puede leerse con claridad. Por eso, cuando un actor decide apartarse del esmoquin o del traje oscuro sin caer en el golpe de efecto, el gesto resalta.

Eso hizo Pattinson. No necesitó un diseño aparatoso ni un recurso de impacto fácil. Le alcanzó con torcer apenas el código dominante y confiar en una fórmula menos transitada para la sastrería masculina de gala. En esa apuesta estuvo la singularidad de su aparición.

Hay algo más que el look deja ver. A los 40 años, Pattinson parece moverse con mayor soltura en una zona donde la elegancia no depende de encajar en un ideal clásico, sino de administrar matices. El traje rosa pálido con raya diplomática, la camisa blanca, la corbata a rayas y los zapatos oscuros compusieron una imagen precisa, sin estridencias, pero lo suficientemente inusual como para instalar conversación.

En una temporada de festivales donde muchos looks masculinos se vuelven intercambiables, su paso por Venecia ofreció una variación concreta sobre el uniforme de gala. Ni negro ni esmoquin. Apenas un cambio de tono, de proporción y de actitud. A veces, para destacar, no hace falta romper con todo. Alcanza con elegir el traje menos esperado.

Freddie Mercury cumpliría este sábado 80 años. La fecha ofrece una excusa para volver sobre una de las dimensiones más singulares de su figura pública: el vestuario con el que construyó una identidad escénica inconfundible.

Sobre el escenario, el líder de Queen combinó referencias del glam rock, la sastrería militar, el deporte y la fantasía en una propuesta visual que no funcionaba como un complemento de sus shows, sino como una parte central de su lenguaje artístico.

Con prendas de cortes poco convencionales, materiales brillantes y combinaciones pensadas para potenciar el movimiento, convirtió la ropa en una herramienta clave de su presencia escénica.

En esa búsqueda, las chaquetas de satén con estructuras geométricas, capas superpuestas y tonos como azul, rojo, amarillo o púrpura ocuparon un lugar central. Los colores vibrantes y las telas brillantes dialogaban con la iluminación de los recitales y potenciaban el efecto dramático de cada aparición.

La ropa no solo reforzaba su presencia frente al público: también funcionaba como una extensión de su lenguaje artístico. A través de esas elecciones, Freddie logró articular referencias diversas en una imagen coherente, donde convivían la sensualidad, la teatralidad y distintos códigos de la masculinidad.

La reinterpretación de los uniformes militares

Uno de los conjuntos más asociados al cantante fue la chaqueta amarilla con hebillas metálicas, llevada con pantalón blanco y franjas rojas. La combinación trasladó al espectáculo la silueta de un uniforme militar, aunque alteró sus proporciones y colores para ajustarla a la escena.

Las hebillas, los bordados dorados, las charreteras y los cinturones anchos reaparecieron en otras prendas. En ocasiones, las chaquetas incluían hombreras decoradas y detalles metalizados que remitían a uniformes de gala y a una sastrería pensada para destacar bajo la iluminación.

Estas elecciones reforzaban una idea de autoridad teatral. La ropa no buscaba reproducir una vestimenta militar real, sino aprovechar sus signos: estructura, ornamentación y rigidez visual.

La chaqueta multicolor de corte torero también respondía a esa relación con las prendas ceremoniales. Mercury la llevó con pantalones ajustados y el torso descubierto, en una combinación que desarmaba las referencias tradicionales del traje masculino.

Cuero, vinilo y referencias deportivas

Otra vertiente de su armario se apoyó en una estética deportiva. Los pantalones de vinilo o cuero, las camisetas sin mangas y las muñequeras gruesas componían conjuntos más directos, definidos por prendas ceñidas al cuerpo.

El cuero fue una presencia frecuente en su vestuario, tanto en chaquetas como en pantalones. Lo combinó con accesorios llamativos y joyería, lo que evitaba una lectura única de masculinidad y ampliaba el alcance de esas prendas.

Los años 70 concentraron algunas de las propuestas más ceñidas y luminosas de Freddie Mercury.

La licra también ocupó un lugar sostenido en su forma de vestir. Apareció en monos, mallas y otras piezas que marcaban la silueta, con estampados de rombos, colores vibrantes y materiales alejados de la sobriedad habitual de la ropa masculina.

En 1970 llegó a vestir prendas vinculadas con la indumentaria de ballet, incluidas las zapatillas. La elección se sumó a una trayectoria en la que la ropa ajustada convivió con piezas de mayor volumen y referencias tomadas de distintas disciplinas artísticas.

La camiseta blanca y el cuerpo como recurso visual

La camiseta blanca de tirantes fue una de las prendas más persistentes en la imagen de Mercury. La llevó con vaqueros, pantalones de cuero, chaquetas o sin otras piezas sobre el torso, y la convirtió en un componente habitual de su vestuario.

Junto con los pantalones de tiro alto, construyó un registro más austero que el de los conjuntos con lentejuelas o bordados. Aun así, mantenía la atención sobre el cuerpo, la movilidad y el gesto frente al público.

La sencillez de la camiseta permitía que otros elementos ganaran peso: las muñequeras, el cinturón, la joyería o la forma de sujetar el micrófono. La ropa dejaba de depender de la acumulación de adornos y se apoyaba en una silueta de líneas definidas.

El uso repetido de esa prenda extendió su alcance fuera de los conciertos: se volvió una seña de identidad para Mercury y para quienes siguieron su forma de vestir.

Color, estampados y guiños orientales

Mercury incorporó rosa, rayas, cuadros, rombos, crochet y estampados de alto contraste. Las combinaciones incluían camisetas con referencias a Mickey Mouse, además de prendas con estrellas doradas y colores que desafiaban una paleta convencional para un vocalista de rock.

El cantante también utilizó chaquetas multicolores. Sus elecciones no respondían a una fórmula fija: podían pasar de una camiseta de rayas a una chaqueta negra adornada con estrellas, o de un conjunto de cuero a una pieza estampada de inspiración oriental.

La apuesta por el color y la artesanía atravesó distintas etapas de su carrera. Esa variedad impidió que su ropa quedara reducida a una sola imagen, incluso cuando ciertas prendas se repitieron y quedaron asociadas de inmediato con su figura.

Su construcción estética no se detuvo en las prendas. Durante los primeros años de su carrera se pintó las uñas de negro, una decisión que acompañaba los monos de licra, las medias y las siluetas ceñidas.

En los años 70 llevó el pelo shaggy, una melena con capas y volumen en la parte superior. A comienzos de la década de 1980 incorporó el bigote, que pasó a formar parte de su imagen pública pese a la reacción de algunos seguidores, que arrojaban cuchillas al escenario para pedirle que se afeitara.

Su vestuario mezcló elementos asociados a códigos masculinos con accesorios, joyas, esmalte de uñas y colores que solían quedar fuera de esos límites.

La moda fue para él una forma de libertad. A finales de los años 60 y durante las décadas posteriores, sus elecciones cuestionaron las divisiones rígidas entre prendas consideradas masculinas o femeninas y anticiparon discusiones que luego ocuparían un lugar más visible en la industria.

Además, la capa roja con ribete de piel sintética y la corona fueron la expresión más ceremonial de su vestuario. Mercury utilizaba ese conjunto para cerrar los conciertos de la gira Magical Tour al ritmo de God Save the Queen.

La corona y la capa sumaban una referencia a la realeza y al poder escénico, aunque se integraban a una actuación de rock. El contraste con los conjuntos de cuero, licra o camiseta blanca muestra la amplitud de recursos que utilizó a lo largo de su carrera.

A 80 años de su nacimiento, su legado también puede leerse en esa colección de prendas, gestos y siluetas con las que desafió convenciones sin perder nunca el sentido del espectáculo. Freddie Mercury hizo de la ropa una extensión de su voz: exuberante, precisa, teatral y libre. Y acaso ahí resida parte de su permanencia, en haber entendido que ciertas figuras no solo se escuchan o se miran: también se recuerdan por la manera en que lograron habitar la escena.

Salma Hayek convirtió la alfombra roja en un espacio de afirmación personal. Al cumplir 60 años este miércoles, la actriz mexicana conserva una fórmula que nunca buscó la discreción: vestir para destacar, con referencias al glamour clásico y una atención constante a los detalles.

Desde sus primeros años en Hollywood, cuando debió resolver sus apariciones con recursos propios ante la falta de apoyo de grandes firmas, hasta su vínculo actual con casas como Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, construyó un estilo reconocible: siluetas ceñidas, corsetería, transparencias, escotes, bordados y colores intensos.

Una identidad de moda basada en la silueta y el contraste

Su estilo se sostiene en una combinación de sofisticación y presencia. Sus elecciones suelen privilegiar prendas que acompañan la figura, definen la cintura y dirigen la atención hacia el escote, los hombros o el rostro. Esa continuidad le da una línea reconocible, incluso cuando cambia de registro entre una gala y una salida cotidiana.

La silueta funciona como el eje de su vestuario. En lugar de diluir las formas con volúmenes excesivos, suele inclinarse por cortes que ordenan el conjunto y mantienen una apariencia definida. Ese criterio aparece tanto en propuestas de mayor formalidad como en combinaciones más relajadas, donde conserva el interés por la proporción entre las prendas.

Otro rasgo de su imagen es el uso de materiales con presencia visual. Brillos, texturas, superficies metálicas o detalles que aportan relieve forman parte de una manera de vestir que no depende únicamente del corte. La ropa adquiere así una dimensión ornamental, aunque el resultado se mantiene centrado en una silueta estructurada.

El color también le permite modificar el tono de cada aparición. La referente del talento latino en Hollywood alterna neutros, tonos oscuros, acabados metálicos y colores intensos, con contrastes que introducen dinamismo en prendas de líneas clásicas. Esta elección evita que su estilo quede limitado a una sola fórmula y le permite transitar entre códigos sobrios, formales y más expresivos.

La comodidad urbana conserva una estética definida

Fuera de los eventos formales, la nacida en Veracruz traslada su interés por la proporción a un vestuario más funcional. La elección de prendas de líneas simples, como camperas, blusas y pantalones de denim, muestra una forma de vestir que prioriza la comodidad sin abandonar la definición de las formas.

En estos conjuntos, los detalles cumplen una función de orden: botones metálicos, cinturones visibles y calzado oscuro completan combinaciones de tonos sobrios. La presencia de anteojos de sol grandes introduce además un elemento de diseño marcado y refuerza una apariencia urbana en sus looks.

La paleta de Salma Hayek no se limita a los negros, blancos o tonos metálicos asociados a las celebraciones nocturnas. También incorpora verdes intensos, rojos y combinaciones florales que alteran el registro de prendas de corte estructurado.

El uso de colores saturados le permite apartarse de una interpretación rígida de la sastrería. Un conjunto de líneas tradicionales puede adquirir otra lectura cuando suma estampados y contrastes cromáticos, con la prenda estructurada como base y el color como elemento de variación.

Esta manera de combinar tonos responde a una búsqueda de equilibrio. Cuando una pieza concentra el protagonismo por su color o su estampado, los demás elementos acompañan esa decisión mediante gamas relacionadas o contrastes definidos, sin que el conjunto pierda unidad visual.

El maquillaje y el cabello acompañan cada look

El maquillaje forma parte de la construcción de su imagen. Los labios rojos, las sombras cálidas y las cejas definidas se integran a un estilo en el que el rostro mantiene un lugar central, sobre todo cuando el atuendo deja despejados el cuello, los hombros o el escote.

El peinado cambia según el contexto. Las ondas marcadas ofrecen una opción más suelta para apariciones menos formales, mientras que los moños altos y otros recogidos ordenan el rostro y acompañan los conjuntos de mayor elaboración.

La aparición de canas visibles suma un matiz distinto a esa imagen. En lugar de ocultarlas de forma sistemática, las incorpora en algunas ocasiones como parte de un aspecto que combina cuidado estético, cambios de peinado y una presentación menos uniforme.

En las apariciones de gala, los accesorios adquieren peso propio. Recurre a collares con piedras de gran tamaño, pendientes colgantes y anillos voluminosos para completar prendas que ya incorporan brillo, textura o detalles metálicos.

La joyería no aparece como un agregado aislado. Las piedras verdes, los metales y los acabados luminosos establecen relaciones con los tonos de los vestidos, los bolsos o el maquillaje. Así, los complementos pueden acompañar la gama cromática dominante o introducir un contraste puntual.

Los bolsos pequeños, de mano o tipo clutch, responden al mismo criterio. Las superficies satinadas, rígidas o metálicas mantienen una escala adecuada para la noche y suman textura sin modificar la estructura general del estilismo.

En contextos menos formales, los complementos cumplen una función distinta. Las gafas de sol de gran tamaño, los aros dorados y los bolsos estructurados introducen definición en conjuntos de líneas más directas, sin depender de piezas de joyería de gran volumen.

El calzado también ocupa un lugar visible. Las sandalias de plataforma y los tonos metálicos añaden altura y brillo, mientras que los zapatos oscuros se integran a combinaciones más prácticas.

Los bolsos negros estructurados y las carteras plateadas con textura brillante muestran dos alternativas dentro de esa misma lógica. Unos sostienen una apariencia más sobria; otros suman luz a prendas de color oscuro mediante un acabado que se diferencia del resto del atuendo.

Hoy, a los 60, Salma Hayek no muestra una ruptura con la imagen que construyó a lo largo de los años, sino una continuidad cada vez más definida. Entre siluetas estructuradas, recursos clásicos del glamour y elecciones que sostienen su identidad visual, su estilo reafirma una presencia reconocible dentro y fuera de la alfombra roja.

La noticia del retiro de Lionel Messi de la Selección argentina no solo marca el final de una era dorada para el fútbol mundial, sino que también invita a explorar la transformación de su imagen y estilo fuera del campo.

Más allá de los logros deportivos, la evolución de su estilismo revela un recorrido paralelo de sofisticación, diversidad y códigos propios, instalando a Messi como referente también en el universo de la moda masculina.

Sastrería contemporánea y formalidad relajada en el guardarropa de Messi

El traje fue un elemento recurrente en el armario de Messi, reflejando la transición entre la tradición y la modernidad. En varias apariciones públicas, optó por sastrería de líneas limpias y tejidos estructurados. Esta elección transmite una imagen de sobriedad y elegancia.

Messi también exploró variantes más relajadas del traje. Un ejemplo es la chaqueta amplia de doble botonadura negra, pantalón ancho y remera básica blanca.

El uso de calzado deportivo blanco en conjunto con prendas formales introduce un contraste contemporáneo, alineado con las tendencias globales que priorizan la comodidad sin perder formalidad. Esta integración de códigos redefine la elegancia en clave actual.

Estilo urbano y sport casual: el Messi cotidiano

En sus actividades informales, Messi recurre a prendas de inspiración deportiva y urbana que refuerzan su conexión con el ambiente futbolístico y la cultura streetwear. Shorts, camisetas básicas y zapatillas blancas conforman un repertorio funcional y versátil, pensado para la acción y el movimiento.

Los tonos neutros como el negro, blanco, gris, beige predominan en estos looks, facilitando la combinación y otorgando un aire de sobriedad natural.

Accesorios como bolsos deportivos y gafas de sol se incorporan no solo por su practicidad, sino como detalles que suman sofisticación urbana y completan su imagen diaria.

Minimalismo y monocromía: una apuesta por la sobriedad

El minimalismo es un lenguaje recurrente en el estilismo de Messi. Conjuntos monocromáticos en negro, como la sobrecamisa, pantalón ancho y remera oscura, acompañados de bolsos estructurados y zapatillas clásicas, destacan por la ausencia de estampados y la preferencia por cortes rectos y tejidos lisos.

Esta elección refuerza una imagen de madurez y equilibrio, donde la sobriedad visual se acompaña de expresiones neutras y posturas relajadas. El minimalismo, lejos de ser una moda pasajera, se convierte en una declaración de identidad y coherencia estilística.

Casual veraniego y looks relajados

En registros más distendidos, Messi opta por camisas de manga corta en tonos claros, pantalones holgados y zapatillas. Este estilo, pensado para ambientes cálidos y situaciones informales, enfatiza la frescura y la funcionalidad sin renunciar al cuidado en los detalles.

Las camisas con bolsillos grandes y cortes utilitarios añaden dinamismo y practicidad, reflejando una adaptación consciente a distintos contextos y climas. La ligereza de estas prendas es coherente con la etapa de madurez y serenidad que atraviesa el deportista.

El universo deportivo sigue presente en los looks menos formales de Messi, con pantalones amplios, camisetas y zapatillas de entrenamiento. Por ejemplo, guiños retro se integran de manera natural a su imagen, sumando capas de significado y ampliando el espectro de referencias estilísticas.

Accesorios y detalles que definen el estilo Messi

Los accesorios adquieren protagonismo en el estilismo de Messi. Bolsos de mano de gran tamaño, relojes llamativos y gafas oscuras trascienden la función utilitaria para convertirse en piezas distintivas.

Estos detalles aportan sofisticación y singularidad a cada aparición pública, diferenciando su presencia y consolidando su lugar como referente de la moda masculina contemporánea.

El anuncio del retiro de Lionel Messi marca el cierre de un ciclo irrepetible en la Selección argentina: 207 partidos, 125 goles y un legado de títulos.

La despedida del astro rosarino, expresada en una carta cargada de emoción, resume la transición serena entre el profesionalismo y la vida cotidiana, siempre con atención a los detalles de diseño y la calidad de los materiales.

La aparición de Amal Clooney en el Lago de Como durante una cena benéfica se convirtió en uno de los momentos de moda más comentados de los últimos días.

Lejos de elegir una prenda convencional o una tendencia efímera, la abogada y activista decidió rescatar del pasado una pieza que encarna el poder de la moda como expresión artística y cultural: un vestido lencero vintage diseñado hace veinte años por John Galliano.

El vestido, confeccionado en seda negra, destaca por su silueta delicada y su escote cruzado en pico, elementos característicos del estilo lencero que Galliano supo elevar a la categoría de alta costura.

Los tirantes espagueti y la caída fluida de la tela sobre el cuerpo aportan un aire de naturalidad y sofisticación, mientras que los detalles bordados y los lazos de terciopelo introducen matices románticos y teatrales, propios de la visión del diseñador británico.

El vestido pertenece a la colección Otoño/Invierno 2004-2005, una de las etapas más creativas de John Galliano al frente de Christian Dior. En esa época, el diseñador era reconocido por sus desfiles espectaculares y por la capacidad de transformar prendas cotidianas en objetos de deseo exclusivos.

Uno de los rasgos más llamativos de la prenda es el gran lazo de terciopelo en tono verde oliva, situado en el lateral del abdomen, que actúa como punto focal del conjunto y complementa los dos lazos negros que adornan los tirantes.

Durante la velada, Amal Clooney estuvo acompañada por su esposo, el actor George Clooney, quien optó por un traje sastrero en color gris claro.

El conjunto elegido por la abogada fue completado con accesorios discretos pero bien seleccionados: unos pendientes dorados de flecos, un bolso de cuero trenzado en tono rojo oscuro con formato de cesta y unas sandalias negras de tacón con tiras finas.

Amal Clooney: el lujo moderno sobre la alfombra roja

El estilismo de Amal se consolidó como uno de los más reconocibles y estudiados en el universo de la moda de lujo contemporánea.

Más allá de su reconocida carrera como abogada de derechos humanos, Clooney supo cómo transformar cada aparición pública en una declaración estética que une sofisticación, riesgo y una impecable atención al detalle.

En los eventos de gala y alfombra roja, recurre a siluetas clásicas reinterpretadas con acentos contemporáneos. En varias imágenes, destaca la predilección por los vestidos largos con cortes ceñidos al torso y pollera que se despliegan con movimiento.

Un ejemplo emblemático es el vestido negro de escote caído y falda amplia, que combina líneas simples con un efecto dramático en la caída de la tela.

Este tipo de elección resalta la elegancia atemporal y sitúa a Clooney en la tradición de las grandes divas del cine, pero actualizada con una actitud segura y moderna. El color es otro elemento fundamental en su estilo. Clooney no teme experimentar con tonos intensos y acabados llamativos.

El vestido fucsia con drapeado, de falda asimétrica y abertura lateral, revela una apuesta por la sensualidad controlada y la teatralidad elegante.

Por su parte, el vestido con aplicaciones metálicas en tonos cobre y dorado crea un efecto visual deslumbrante, aprovechando la luz artificial de los flashes para potenciar el brillo y la textura.

Esta pieza, completamente cubierta por lentejuelas y paillettes de gran tamaño, evidencia una preferencia por materiales que reflejan la luz y generan impacto, sin sacrificar la sofisticación de la silueta.

La elección de accesorios y peinados refuerza la coherencia de su imagen. Clooney suele optar por joyería en dorado, como los pendientes colgantes de formas orgánicas, y clutches pequeños en tonos metálicos que complementan el conjunto sin sobrecargarlo.

Su cabello, siempre suelto y con ondas definidas, aporta naturalidad y movimiento, equilibrando la estructura cuidada de los vestidos. El maquillaje enfatiza los ojos con sombras en tonos tierra y labios en tonos nude, manteniendo el foco en la expresión y la frescura del rostro.

En eventos de etiqueta menos formales, adapta su estilo sin perder el sello del lujo. Vestidos de cóctel en negro, con detalles de transparencias y volúmenes controlados, muestran versatilidad y una comprensión profunda de las claves del buen vestir contemporáneo.

Incluso en contextos sociales más relajados, como cenas o recepciones privadas, mantiene la preferencia por tejidos de alta calidad y cortes impecables.

El estilismo de Amal Clooney se distingue por su capacidad para fusionar tradición y modernidad, lujo y funcionalidad.

Cada elección parece estar pensada para transmitir seguridad y celebrar la individualidad, dentro de un marco de códigos clásicos reinterpretados.

Esta combinación la convirtió en referente global de elegancia, demostrando que el lujo, en su versión más actual, es una cuestión de actitud, coherencia y atención obsesiva al detalle.

Richard Gere cumple 77 años y su presencia sigue marcando en el mundo de la moda masculina. Desde sus inicios en Hollywood hasta sus apariciones más recientes, el actor construyó una identidad visual basada en la sobriedad, la elegancia y la coherencia estilística.

A lo largo de las décadas, evitó las estridencias de las tendencias pasajeras, consolidando un sello propio que trasciende el paso del tiempo y las modas efímeras.

El actor muestra una preferencia constante por prendas de corte clásico y una paleta de colores neutros, que le permiten proyectar una imagen sofisticada y atemporal.

Esta coherencia no surge de la rigidez, sino de una capacidad para adaptar su vestimenta a diferentes contextos, desde alfombras rojas hasta actividades cotidianas, sin perder el hilo conductor de su estilo personal.

Elecciones de vestimenta en eventos formales

En celebraciones de gala y alfombras rojas, Richard Gere se distingue por una selección cuidadosa de esmóquines y trajes de corte clásico. La sobriedad es la regla: predominan los tonos negro y azul marino, combinados con camisas blancas impecables y detalles mínimos.

Las corbatas de lazo o corbatas discretas reemplazan cualquier ornamento llamativo, en sintonía con la ausencia de estampados o tejidos brillantes. Los trajes presentan solapas bien definidas y tejidos lisos, reforzando la imagen de elegancia contenida.

Gere no recurre a excesos ni a la ostentación, sino que apuesta por la precisión en cada elemento de su atuendo. Así, su presencia en eventos de alto perfil resulta reconocible y coherente, generando una referencia de estilo para quienes buscan inspiración en la moda masculina contemporánea.

Estilismo en contextos informales y actividades cotidianas

Fuera de los flashes y los códigos estrictos de la alfombra roja, mantiene la coherencia con un vestuario que privilegia la comodidad y el refinamiento.

En presentaciones, paseos y actividades al aire libre, el actor elige prendas de líneas limpias, como americanas de lino o algodón, camisetas y camisas en tonos grises y azulados, y pantalones oscuros.

La paleta cromática nunca se desvía demasiado de los grises, azul marino, blanco y negro, lo que refuerza su imagen sobria incluso en entornos relajados.

El uso ocasional de bufandas de tejido fino y anteojos de sol introduce un matiz relajado pero medido, agregando un punto de interés sin alterar la armonía visual. Los tejidos suelen ser mate y de textura lisa, evitando los brillos o estampados llamativos.

Así, Gere demuestra que es posible equilibrar la funcionalidad y la elegancia también en la vida cotidiana, adaptando su estilo a diferentes situaciones sin perder identidad.

Este enfoque ha permitido que el actor conserve un aura de elegancia sencilla, convirtiendo lo cotidiano en una extensión natural de su imagen pública. El resultado es un estilo personal adaptable, donde cada prenda parece cuidadosamente seleccionada para acompañar sin imponerse.

Características distintivas: cabello, accesorios y detalles personales

Uno de sus sellos de identidad es, sin duda, su cabello blanco peinado hacia atrás, que aporta uniformidad y reconocimiento inmediato a lo largo de los años. Este detalle, lejos de ser accesorio, se integra plenamente en la narrativa visual del actor, reforzando la continuidad de su imagen.

En cuanto a los complementos, Gere raramente apuesta por accesorios llamativos. Prefiere detalles sutiles, como pulseras de cuentas o bufandas finas, que añaden matices sin desviar la atención del conjunto.

Las gafas de sol y el uso ocasional de pequeños accesorios refuerzan una estética cuidada y serena, en la que cada elemento parece responder a una función antes que a la búsqueda de protagonismo.

La ausencia de ornamentos innecesarios y la elección de detalles discretos refuerzan una imagen de madurez y confianza en su propio estilo, sin necesidad de adaptarse a los dictados del momento.

A los 77 años, su figura sigue inspirando a quienes buscan en la moda no solo tendencia, sino también identidad y permanencia.

Aquel agosto de 1994 en Hollywood marcó el inicio de una transformación en la industria del entretenimiento. Una joven modelo de 21 años, sin experiencia actoral previa, conquistó la pantalla grande con un vestido rojo en su primera escena de la película “La Máscara”. Hoy, 30 de agosto, Cameron Diaz cumple 54 años y celebra más de tres décadas de influencia ininterrumpida en la moda global y el cine estadounidense. Su evolución estilística, desde el glamour noventero hasta el minimalismo sofisticado actual, permanece como referencia obligada en la cultura pop.

El fenómeno “La Máscara”: un debut fulminante

El estreno de “La Máscara” impulsó a Cameron Diaz a la categoría de estrella instantánea. La interpretación de Tina Carlyle, sumada a su imagen de vestido ajustado y escote pronunciado, definió los cánones de sensualidad y sofisticación de los años noventa. Para muchos, esa primera aparición en pantalla no solo cambió el rumbo de su propia carrera, sino que también estableció un nuevo paradigma en la moda de Hollywood. El look lencero, los cuellos halter y las texturas satinadas se transformaron en piezas icónicas de la década, replicadas en alfombras rojas y editoriales de moda. La irrupción de Diaz ofreció un modelo de elegancia magnética y desenfadada.

Ascenso en el cine y transición de estilo

El éxito de Cameron Diaz no se limitó a su debut. Durante la segunda mitad de los años noventa, la actriz consolidó su presencia en la industria con títulos como “La boda de mi mejor amigo” (1997) y “Loco por Mary” (1998).

Su vestuario en estos eventos mostró una transición del glamour festivo a una preferencia por la comodidad y la versatilidad. Los slip dresses y los conjuntos monocromáticos se convirtieron en sus aliados, reflejando una personalidad genuina y menos atada a los estándares rígidos del protocolo. La actriz comenzó a definir una estética propia, priorizando prendas funcionales y atemporales.

La revolución del boho-chic: los 2000 y el impacto de “Los Ángeles de Charlie”

El cambio de milenio trajo consigo la consolidación de Cameron Diaz como referente indiscutible del boho-chic. Su participación en “Los Ángeles de Charlie” junto a Drew Barrymore y Lucy Liu no solo revitalizó la franquicia, sino que también permitió a Diaz experimentar con un estilo relajado, divertido y sofisticado. El vestido kimono de Emanuel Ungaro, que lució en los premios Oscar 2002, junto a joyas de turquesa y peinado suelto, marcó un antes y un después en la moda de alfombra roja. Convirtió la frescura y la elegancia en elementos compatibles y ayudó a popularizar el eclecticismo en eventos formales.

El nacimiento del “All-American Style” y la lección del minimalismo

Durante la década de 2010, Cameron Diaz redefinió el concepto de moda casual y sofisticada. Inspirada por su papel en “El descanso” (2006), adoptó una filosofía de vestuario basada en prendas básicas de alta calidad. Abrigos de tonos neutros, bufandas oversized, suéteres de punto y pantalones vaqueros de tiro alto se convirtieron en los pilares de su guardarropa y en referentes del “effortless style”. Este período se marcó como el nacimiento del “All-American Style” en clave minimalista, donde la comodidad y la elegancia conviven en piezas simples y atemporales.

Los blazers estructurados en tonos sobrios, las camisas blancas y los accesorios funcionales son ahora sinónimos de su propuesta diaria. La clave de su estilo reside en la autenticidad y la combinación inteligente de prendas esenciales.

Un regreso medido: profesionalismo, familia y street style en clave de lujo silencioso

A sus 54 años, Cameron Diaz atraviesa una etapa de equilibrio entre el regreso a la actuación y la consolidación de su faceta empresarial, todo mientras refuerza su influencia en la moda urbana. Tras varios años alejada de los sets para enfocarse en su vida familiar y en el desarrollo de Avaline, su marca de vinos orgánicos, Diaz eligió volver a la pantalla grande con la película “Back in Action” para Netflix, en la que comparte elenco con Jamie Foxx. Este regreso, lejos de ser un retorno frenético, responde a una búsqueda de proyectos selectivos que le permiten mantener el control sobre sus tiempos y prioridades.

En paralelo, su presencia en la escena pública volvió a captar la atención de las revistas de moda y los seguidores del street style. Cameron Diaz se muestra fiel a una estética basada en el lujo silencioso y la comodidad sofisticada.

Sus looks urbanos actuales combinan prendas clásicas y materiales nobles: trajes sastre holgados en tonos neutros, denim premium, camisetas blancas, blazers de corte impecable y abrigos estructurados. Los accesorios refuerzan esta línea, con bolsos discretos, zapatillas minimalistas y joyas delicadas en oro.

Este estilo, que equilibra elegancia y practicidad, acompaña su nueva filosofía profesional y personal. Diaz prioriza la autenticidad y la libertad, tanto en su vestuario como en las decisiones que toma para su carrera y su vida privada. En cada aparición pública, transmite un mensaje de confianza madura y rechazo a los excesos, mostrando que es posible envejecer con naturalidad sin renunciar al estilo.

Además, Cameron Diaz utiliza sus plataformas para impulsar mensajes vinculados al bienestar, el autocuidado y la sostenibilidad, valores que también se reflejan en su modo de vestir y en sus elecciones empresariales. Así, su street style no solo marca tendencia sino que se convierte en una extensión de su presente: una etapa en la que conjuga éxito profesional, vida familiar y un estatus indiscutido como referente de la moda global.

Mocasines negros con calcetines blancos, un guante brillante y una chaqueta militar o de lentejuelas: pocos artistas construyeron una imagen tan reconocible como Michael Jackson. Cada 29 de agosto, en el aniversario de su nacimiento, el mundo no solo vuelve sobre sus canciones y coreografías, sino también sobre una estética que cambió para siempre la relación entre moda, espectáculo e identidad pop. En 2026, el Rey del Pop habría cumplido 68 años, pero su influencia visual permanece intacta.

Desde sus primeras apariciones, el intérprete de “Billie Jean” entendió que la imagen podía ser mucho más que un complemento de la música. Cada prenda, cada accesorio y cada gesto sobre el escenario formaron parte de un lenguaje propio con el que construyó una identidad visual única, capaz de trascender generaciones, influir en diseñadores y artistas, y mantenerse viva mucho después de su tiempo.

El Rey del Pop llevó esa construcción un paso más allá al fusionar el rigor del vestuario militar, destellos futuristas y una teatralidad escénica que lo volvió inconfundible. No se trató solo de una elección estética, sino de una manera de habitar el escenario y de convertir la imagen en parte esencial del espectáculo. Con el tiempo, ese universo visual se transformó en una referencia inevitable.

Chaquetas, brillo y actitud: los pilares de su estilo

El armario de Michael Jackson no puede entenderse sin sus icónicas chaquetas de corte militar. Estas prendas, con hombreras estructuradas, aplicaciones doradas o plateadas y detalles metálicos, evocaban uniformes de gala y atuendos de ciencia ficción. La chaqueta roja de vinilo que usó en el videoclip de “Thriller” se convirtió en un símbolo global, inspirando tanto a la moda urbana como a la alta costura.

El videoclip no solo rompió récords en la industria musical, sino que también definió nuevos estándares para la moda y la producción audiovisual. La chaqueta roja, el maquillaje de efectos especiales y la coreografía grupal marcaron un antes y un después, inspirando a generaciones de artistas y realizadores.

A lo largo de su carrera, el creador de hits como “Bad” solía usar chaquetas de brillo llamativas y ropa extravagante, en las que predominaban materiales sintéticos, lentejuelas y reflejos multicolores. Otra pieza emblemática fue la chaqueta iridiscente, que lució en numerosas presentaciones, y que junto con sus atuendos llenos de destellos, daba un efecto impactante bajo la iluminación del escenario.

El brillo de estos materiales se potenciaba con cada movimiento, proyectando una imagen poderosa y vanguardista.

La iluminación en los escenarios jugó un papel clave: cada foco resaltaba los brillos de los materiales y creaba un entorno visualmente impactante, donde cada detalle del vestuario se potenciaba ante el público.

Pantalones ajustados y accesorios inconfundibles

El vestuario de Jackson incorporó siempre pantalones ajustados, generalmente en tonos oscuros, que resaltaban su silueta y facilitaban su característico estilo de baile. En ocasiones, sumó aplicaciones metálicas y detalles futuristas, como los conjuntos dorados con protecciones y correas utilizadas durante giras mundiales. Estos elementos reforzaban la imagen de un artista adelantado a su tiempo.

Entre los accesorios, el guante blanco con lentejuelas se transformó en un ícono universal. El vendaje en la mano y los dedos acentuaba la singularidad de su figura, mientras que cinturones anchos y correas cruzadas con grandes hebillas completaban el conjunto, reforzando la estética marcial y futurista.

El cuerpo como parte del vestuario: movimientos y gestos

La propuesta estética de Michael Jackson iba mucho más allá de la ropa. Su lenguaje corporal y sus movimientos escénicos definieron una nueva forma de entender el espectáculo.

El moonwalk, paso de baile que debutó en 1983, se convirtió en sinónimo de su nombre y sigue siendo imitado en todo el mundo. Otros gestos, como la mano en la entrepierna o las expresiones faciales intensas, consolidaron una marca personal irrepetible.

El maquillaje también desempeñó un rol esencial, con delineado oscuro que acentuaba la mirada y sumaba dramatismo. El cabello largo y rizado, peinado sobre la frente y los costados del rostro, reforzaba la identidad artística de un ícono que nunca dejó detalles librados al azar.

La propuesta visual y estilística del símbolo del pop mundial consolidó una figura que va mucho más allá de la música. Su influencia se percibe en la moda contemporánea, en las pasarelas y en la cultura pop global. Nuevas generaciones de artistas y diseñadores encuentran en su legado una fuente inagotable de creatividad y modernidad.

La historia de Michael Jackson demuestra que el estilo también puede cambiar el mundo y que la moda, cuando es auténtica, trasciende cualquier época.

Chad Michael Murray cumple 45 años consolidado como una figura que trasciende la pantalla. El actor no solo dejó huella con sus personajes en One Tree Hill y Gilmore Girls, sino que también instauró un arquetipo de masculinidad natural que mantiene su vigencia en el universo de la moda estadounidense.

El secreto de su influencia radica en la coherencia y la atemporalidad de su vestuario. Su estilo apuesta por prendas básicas, cortes relajados y un enfoque contemporáneo que huye de las tendencias pasajeras. Murray mantiene una apuesta constante por la tradición bajo una óptica renovada.

Las camisetas de tirantes blancas representan uno de los elementos más distintivos de su guardarropa y marcaron una era en Hollywood. Esta prenda, vinculada al imaginario del “working man” rural, ofrece sencillez y funcionalidad. Su diseño en algodón liso y corte ajustado realza su silueta atlética, mientras su uso en contextos informales refuerza una estética auténtica.

Los pantalones rectos y los jeans oscuros conforman la base de su vestimenta. El actor evita los diseños con roturas o desgastes extremos y prefiere tonos azules oscuros o claros con pernera recta. Esta elección proyecta una imagen tradicional que conecta con los códigos más sólidos de la moda masculina. Murray logra un equilibrio preciso entre lo clásico y lo actual, al demostrar que la elegancia reside en la sobriedad y en la elección de piezas que resisten el paso del tiempo.

En ocasiones formales, la selección de prendas se orienta hacia las chaquetas ligeras y americanas claras. El actor suele decantarse por americanas en tonos neutros, como el gris perla o el beige claro, acompañadas por camisetas de punto o camisas sencillas.

El resultado es un conjunto pulcro, nunca recargado, donde predominan las líneas limpias y la ausencia de estampados. Apenas se permite algún pin metálico discreto como único adorno, lo que subraya su preferencia por el minimalismo elegante.

El uso de accesorios sutiles es otra de las constantes en su estilo. Collares finos de cadena o cuero y pulseras metálicas discretas complementan sus atuendos sin robar protagonismo.

Este manejo de los accesorios permite agregar un toque personal y distinguido, manteniendo la atención en la composición general del look.

El calzado refuerza la dualidad de su imagen pública. En ambientes rurales, Murray recurre a botas de trabajo o zapatos de suela gruesa, diseñados para la funcionalidad y la resistencia.

En contraste, sobre la alfombra roja prefiere botines oscuros de cuero, de caña baja y líneas definidas, que aportan sofisticación sin perder la conexión con la tradición masculina.

En síntesis, el estilo de Chad Michael Murray se caracteriza por la predilección por prendas esenciales y combinaciones que privilegian la calidad, la comodidad y la autenticidad.

Su capacidad para alternar entre lo rural y lo urbano, lo informal y lo pulido, le permite mantener una vigencia indiscutida en el universo de la moda y servir de inspiración a nuevas generaciones.

Paleta cromática y elección de materiales

El análisis cromático revela una apuesta decidida por los tonos neutros, que otorgan versatilidad y elegancia a cada conjunto. El blanco, negro, azul oscuro, beige y gris claro dominan el vestuario del actor, permitiéndole transitar con naturalidad entre contextos rurales, urbanos o de gala.

Esta selección cromática facilita la adaptación del estilismo a diferentes situaciones, evitando el riesgo de caer en combinaciones estridentes o artificiales.

En cuanto a materiales, Chad Michael Murray favorece aquellos que ofrecen comodidad y durabilidad. El algodón predomina en camisetas y prendas informales, mientras que el jean es la base de sus pantalones y jeans.

Para los accesorios y el calzado, el cuero ocupa un lugar central, aportando resistencia y un acabado sobrio. En eventos formales, opta por tejidos ligeros y lisos, que brindan estructura sin rigidez excesiva, logrando un equilibrio entre elegancia y frescura.

El aspecto personal de Chad Michael Murray complementa la sencillez y autenticidad de su vestuario. El actor suele llevar el cabello largo, peinado hacia atrás o ligeramente despeinado, lo que suma un aire relajado y natural a su imagen. Esta elección contribuye a proyectar una masculinidad libre de rigideces, en sintonía con su estilo general.

La barba corta y bien delineada es otro de los signos distintivos de su cuidado personal. Este detalle aporta madurez y personalidad, sin perder la frescura propia de su imagen juvenil.

La propuesta de Chad Michael Murray se fundamenta en la coherencia, la atemporalidad y la autenticidad. Su vestuario, basado en prendas esenciales, colores neutros y materiales clásicos, le permite transitar entre lo rural y lo urbano con naturalidad.

El uso de accesorios discretos, el cuidado personal sobrio y la actitud relajada refuerzan una imagen atractiva para distintas generaciones.

El impacto de su estilo radica en la capacidad de inspirar tanto a jóvenes como a adultos, gracias a una propuesta que evita los ornamentos superfluos y las tendencias pasajeras.

La vigencia de Chad Michael Murray en el universo de la moda está asegurada por su fidelidad a los valores tradicionales, combinados con una sensibilidad contemporánea.

Andrew Garfield celebra este jueves 20 de agosto sus 43 años consolidado como un referente de elegancia contemporánea.

Cada aparición pública del actor y productor británico-estadounidense, conocido mundialmente por interpretar a Peter Parker en las películas The Amazing Spider-Man (2012-2014) y por su regreso en Spider-Man: No Way Home (2021), despierta expectativa entre críticos, seguidores y diseñadores, ya que su vestuario revela la capacidad de reinventar los códigos clásicos del traje masculino.

La pareja de la actriz estadounidense Monica Barbaro se ha convertido en un modelo a observar por quienes buscan inspiración en el vestir formal, demostrando que la sofisticación puede dialogar con la comodidad y la individualidad.

Más allá de su faceta como superhéroe, su prestigio en la industria del cine y su aporte constante a la evolución del estilo masculino lo posicionan como uno de los referentes actuales en materia de moda y elegancia.

El traje, protagonista en clave contemporánea

La base del estilo de Garfield reside en el traje, reinventado a partir de siluetas relajadas y detalles modernos. Alejado de la rigidez tradicional, elige chaquetas cruzadas o de doble botonadura acompañadas por pantalones de tiro alto y pierna ancha.

Este enfoque, más allá de la comodidad, aporta una imagen dinámica y segura, alejándose del convencionalismo y permitiendo mayor libertad de movimiento.

La paleta cromática es otro de los puntos distintivos. El actor evita el negro absoluto y opta por colores tierra como el beige, el marrón o el verde olivo, así como azules y grises medios.

En ocasiones, apuesta por la monocromía, vistiendo camisa, saco y pantalón en la misma gama cromática o en matices muy próximos, logrando así una cohesión visual que resalta la silueta y actualiza el concepto de elegancia masculina.

Materiales y texturas: sobriedad y control visual

Garfield privilegia tejidos de caída suave y acabado mate, como la lana ligera y el algodón, a menudo enriquecidos con fibras sintéticas. Esta selección responde a una búsqueda deliberada de sobriedad visual y textura controlada, evitando brillos o materiales demasiado llamativos.

La elección de camisas estampadas o con texturas diferenciadas bajo el traje añade interés visual y rompe la monotonía formal.

En eventos menos formales, el actor recurre a piezas de punto grueso en tonos pasteles, como un suéter celeste de ochos combinado con pantalón claro.

Esta alternativa amplía el espectro de registro en el guardarropa masculino, integrando el confort sin perder sofisticación y demostrando que es posible jugar con prendas tradicionalmente casuales en espacios públicos.

Detalles y accesorios: equilibrio entre discreción y personalidad

La selección de accesorios en la imagen de Garfield responde a una lógica de equilibrio. Prefiere anillos, relojes de caja grande y gafas de sol de montura cuadrada, elementos que aportan carácter sin saturar el conjunto. Las camisas, en ocasiones, se llevan abiertas varios botones, reforzando una masculinidad relajada y natural.

El calzado es otro elemento diferenciador: alterna entre mocasines, botas clásicas y, en ocasiones especiales, zapatillas deportivas blancas que introducen un matiz desenfadado incluso en looks formales.

Esta atención al detalle permite que cada aparición pública sea una lección de estilo: Garfield enseña que la clave está en la medida justa, evitando excesos y apostando por la coherencia visual. Así, se mantiene fiel a una estética contemporánea y adaptable, donde cada elemento cumple una función precisa.

Referencias retro y herencia setentera

Uno de los sellos más reconocibles en su vestuario es la influencia de la moda de los años 70. Las siluetas holgadas, las chaquetas con solapas anchas y el predominio de colores neutros o terrosos remiten directamente a esa época.

El actor refuerza este guiño retro con camisas de cuello abierto, ausencia de corbata y, en ocasiones, estampados de inspiración vintage. Esta referencia, lejos de ser una copia literal, se reinterpreta bajo una óptica actual, dotando a cada conjunto de una identidad única.

Contrastes entre formalidad y desenfado

Aunque Garfield recurre al esmoquin negro tradicional en galas de alto perfil, su aproximación general es suavizar la formalidad a través de detalles casuales.

Camisas sin corbata, mangas remangadas, botones abiertos y posturas relajadas son recursos frecuentes. El resultado es una imagen sofisticada pero accesible, alineada con la tendencia del “soft tailoring”, que redefine el traje como una prenda versátil y adaptable a distintos registros sociales.

Elementos distintivos y toques personales

Entre los elementos más característicos del actor destacan las camisas estampadas, utilizadas en eventos selectos para aportar un toque lúdico y diferenciador.

Las gafas de sol oscuras, empleadas tanto en interiores como exteriores, acentúan el tono contemporáneo de sus apariciones. La preferencia por colores sólidos y materiales mates refuerza la búsqueda de sobriedad y control visual, alejándose de lo ostentoso.

A lo largo de su trayectoria reciente, Garfield ha demostrado que la moda masculina puede ser terreno de experimentación y personalidad.

Su capacidad para reinterpretar el traje clásico, arriesgar con colores y detalles, e integrar referencias históricas y contemporáneas, lo ha posicionado como un referente indiscutido de elegancia en el siglo XXI.

Cada aparición suya es un ejemplo de cómo evolucionar en la moda sin perder coherencia ni autenticidad.

La actriz y productora australiana Margot Robbie, que saltó a la fama internacional tras su deslumbrante papel en El lobo de Wall Street (2013) y se consolidó globalmente al protagonizar el fenómeno cultural Barbie (2023), sorprendió a la escena parisina al apostar por un atuendo que remite directamente a la sofisticación y audacia de Samantha Jones, el icónico personaje de Sex and the City.

Reconocida por su versatilidad tanto en la pantalla como en la moda, la actriz de 36 años fue vista esta semana en la capital francesa luciendo un conjunto que evocaba no solo el espíritu de la célebre publicista neoyorquina, sino también el magnetismo de las grandes figuras urbanas de la cultura pop.

En una cena familiar junto a sus padres y esposo, Margot Robbie eligió un look compuesto por un corsé negro, una falda de talle bajo y sandalias Jude de tiras finas.

El conjunto se completó con el bolso Alaïa Le Teckel, pieza de culto entre las expertas en moda, y un peinado bob pulido que remite al estilo clásico de Samantha Jones.

Esta selección marcó una clara ruptura con las elecciones más relajadas que Robbie había mostrado en los últimos meses, donde predominaban los jeans incluso en eventos tan codiciados como after parties de la Met Gala.

La referencia a Samantha Jones no es fortuita. El personaje interpretado por Kim Cattrall es recordado por sus apuestas sartoriales arriesgadas, que iban desde el brillo metálico hasta los cortes asimétricos, pasando por accesorios llamativos y una actitud que convertía cualquier conjunto en una declaración de poder.

El estilo de Margot Robbie

Más allá de episodios puntuales como su homenaje a Samantha Jones, el estilo de Margot Robbie se construye sobre una base de eclecticismo controlado y coherencia visual.

La actriz alterna entre la sobriedad funcional y la teatralidad de alta costura, consolidando una imagen en la que cada elección parece responder a un guion preciso de elegancia y autenticidad.

En el día a día, Margot Robbie opta por prendas de líneas sencillas y cortes amplios, como camisas blancas de tela satinada combinadas con pantalones de jean azul claro. Los accesorios cumplen una función estructurante: gafas de sol de montura negra y bolsos de cuero aportan equilibrio cromático y funcionalidad.

La apuesta por una paleta de colores neutros y materiales clásicos, como el algodón o la seda, refuerza una imagen relajada pero contemporánea que se adapta a contextos informales sin sacrificar el refinamiento.

Cuando se trata de eventos formales o alfombras rojas, el estilo de Robbie experimenta una transformación evidente. Prefiere vestidos de alta costura con acabados satinados, encajes o aplicaciones tridimensionales, y suele recurrir a cortes sirena, escotes palabra de honor y detalles que realzan la estructura de las prendas, como drapeados o corsetería visible.

Los colores elegidos varían desde metálicos y neutros hasta rojos intensos y negros translúcidos, creando un contraste marcado respecto a sus elecciones cotidianas. Los accesorios en estos casos suelen incluir piezas de joyería dorada o con pedrería, mientras que el peinado y el maquillaje se mantienen en tonos suaves para enfocar la atención en la indumentaria.

En contextos de moda experimental, como sesiones fotográficas o colaboraciones con diseñadores vanguardistas, Margot Robbie no duda en explorar nuevas narrativas visuales.

La actriz incorpora prendas de inspiración histórica o teatral, jugando con corsés de texturas y volúmenes pronunciados, transparencias, encajes y materiales metalizados. Estos conjuntos permiten a Robbie asumir distintas identidades estéticas, desde la heroína romántica hasta la figura transgresora, sin perder unidad en su propuesta global.

El denominador común en todas estas facetas es la prioridad por la calidad de los materiales y la atención al detalle en la confección.

Margot Robbie demuestra una capacidad única para alternar entre minimalismo y extravagancia, adaptando su estilo según el contexto pero preservando un hilo conductor basado en la estructura, el contraste de texturas y la elección cuidadosa de accesorios.

Esta coherencia le permite proyectar una imagen pública sólida, en la que la versatilidad nunca significa pérdida de identidad.

La construcción de su imagen pública se completa con una selección inteligente de prendas y accesorios que refuerzan tanto su presencia cotidiana como su rol en eventos de alto impacto.

Margot Robbie integra con naturalidad referencias de distintas épocas y estilos, consolidando un enfoque en el que la moda es tanto herramienta de expresión personal como espacio de experimentación estética.

La princesa Charlotte, hija de los príncipes de Gales, inició una transición de estilo visible en su vestuario que no pasa desapercibida en el ámbito de la moda real. A sus 11 años, sus apariciones recientes muestran una identidad estilística en formación, marcada por la influencia directa de su madre, Kate Middleton.

Estos looks diferentes proyectan una imagen pública cuidadosamente orquestada, en la que la tradición británica y las tendencias contemporáneas se funden en cada prenda seleccionada para la joven.

Desde hace meses, se pudo ver cómo Charlotte elige atuendos que mantienen una línea clásica y refinada, pero con un giro fresco y acorde a su edad.

Existe una coherencia cromática y una preferencia por siluetas románticas, con detalles atemporales que evocan el inconfundible sello Middleton. Esta continuidad posiciona a la princesa como una figura emergente en el universo de la moda infantil aristocrática.

Uno de los aspectos más notorios en el nuevo estilo de Charlotte es la selección de vestidos blancos de algodón o gasa, adornados con detalles en azul marino, como lunares, ribetes o pequeños volantes.

Esta elección aporta frescura y naturalidad, y remite directamente a las preferencias de Kate Middleton por prendas de líneas simples y tonos neutros, a menudo acentuados por detalles marinos.

En numerosas ocasiones, la duquesa fue fotografiada con blazers verdes, camisetas de rayas y faldas plisadas blancas, en un paralelismo estilístico con su hija.

La coordinación cromática y de estilo entre madre e hija no es casual. En eventos públicos, ambas comparten paletas de colores y elementos de diseño que refuerzan la sofisticación relajada que caracteriza a la familia.

Esta estrategia visual transmite una imagen de continuidad y modernidad dentro de la Casa de Windsor.

Características y ejemplos concretos de los looks de Charlotte inspirados en su madre

La selección de prendas de la princesa Charlotte abarca no solo vestidos clásicos, sino también piezas vibrantes y actuales.

En diversas ocasiones, optó por vestidos lisos en tonos intensos, como el azul eléctrico, con mangas de volantes y cortes sencillos.

Kate Middleton, por su parte, demostró preferencia por vestidos de corte midi y manga corta en tonos sólidos, especialmente el azul, con detalles sutiles como lazos en el hombro o caídas fluidas.

Esta predilección se refleja en la selección de Charlotte, consolidando el azul como color distintivo, tanto por tendencia de temporada como por afinidad con la imagen familiar.

La coincidencia cromática y la elección de cortes estructurados subrayan la intención de proyectar una elegancia accesible y contemporánea, sin renunciar a la tradición.

En eventos formales, Charlotte lució vestidos de manga corta o tres cuartos, confeccionados en tejidos satinados y tonos marfil, decorados con lazos y botones forrados.

En la selección de prendas de abrigo, la princesa opta por modelos largos en tonos neutros, con detalles en terciopelo marrón en cuello y puños, una clara referencia a los clásicos de la sastrería inglesa que la duquesa popularizó en actos oficiales.

Coordinación estética y significado de las elecciones de vestuario entre madre e hija

La coherencia en los accesorios es otro punto clave en el análisis del estilismo de Charlotte. Tanto ella como su madre prefieren calzado discreto, bailarinas en el caso de la princesa, zapatos de tacón bajo para Kate, y joyería mínima, como pulseras finas o pendientes pequeños.

Esta sobriedad en los complementos refuerza la imagen de madurez precoz y respeto al protocolo real, pero sin perder el toque infantil en el caso de Charlotte.

Las elecciones de vestuario no solo responden a una cuestión de gusto personal, sino también a una estrategia de imagen pública. La coordinación entre madre e hija en actos y salidas familiares apunta a consolidar una identidad visual propia dentro de la realeza británica, en la que la elegancia, la sobriedad y la practicidad se convierten en señas de identidad.

En la moda real británica, el predominio del blanco y azul marino, las siluetas románticas con volantes o lazos, y los materiales ligeros y vaporosos para la temporada cálida son tendencias que Charlotte adopta de forma natural.

Al replicar y adaptar los códigos de elegancia que Kate Middleton consolidó, la princesa no solo rinde homenaje a su madre, sino que también se posiciona como una referencia de cambios dentro del panorama de la moda infantil aristocrática.

Aunque la influencia materna es evidente, Charlotte comienza a integrar toques personales en su forma de vestir.

El uso ocasional de anteojos de sol, la elección de peinados sueltos o semirecogidos, y la preferencia por vestidos sin estampados en ocasiones formales, señalan una búsqueda de autonomía estilística.

La irrupción de Kaia Gerber en la industria de la moda ha marcado un nuevo punto de referencia para la elegancia contemporánea. Hija de Cindy Crawford, uno de los nombres más reconocidos del modelaje internacional, logró consolidar una presencia propia

Tanto en pasarelas como en alfombras rojas, se distingue por una estética que combina herencia y modernidad.

Su estilo, lejos de limitarse a la imitación de las grandes supermodelos de décadas anteriores, incorpora elementos clásicos y actuales, definiendo así el sello de una nueva generación en la moda.

En sus apariciones públicas, destacó por una propuesta visual que equilibra la sobriedad con la innovación. La modelo se convirtió en una referencia para diseñadores y casas de moda, gracias a una capacidad de adaptación que le permite transitar con naturalidad entre la sofisticación de la alfombra roja y el desenfado del street style.

Este análisis explora los códigos de moda que definen su presencia, la coherencia de su imagen y los matices que la posicionan como referente del estilo actual.

El estilo de la modelo se caracteriza por la fusión de líneas limpias, texturas sofisticadas y detalles que aportan modernidad, sin perder la conexión con la tradición de la alta costura.

La combinación de referencias a los años 90, guiños al glamour clásico y una preferencia por la naturalidad marcan la diferencia frente a propuestas más ostentosas o maximalistas.

Minimalismo y siluetas depuradas en la alfombra roja

Uno de los sellos más reconocibles es su apuesta por el minimalismo y las siluetas ajustadas. En las galas y eventos, suele elegir vestidos de cortes sencillos y líneas rectas, que realzan la figura sin recurrir a ornamentos excesivos.

Los escotes asimétricos, las aberturas laterales y los tejidos satinados o brillantes son constantes en su guardarropa de gala, como se ha visto en los vestidos rojos y plateados que lució en distintas ceremonias.

Estas elecciones remiten a una elegancia atemporal, donde la sofisticación reside en la pureza del diseño y la calidad de los materiales.

En las alfombras rojas más recientes, Kaia ha lucido prendas que se deslizan sobre el cuerpo, evitando estructuras rígidas y potenciando una imagen elegante y natural.

Este enfoque refuerza la tendencia actual hacia el minimalismo sofisticado, priorizando la esencia sobre el exceso. El resultado es una estética depurada en la que el protagonismo recae sobre la silueta y la caída de los tejidos.

La preferencia por vestidos columna y diseños de líneas rectas evidencia una búsqueda deliberada de sobriedad y modernidad.

Esta inclinación, unida a la elección de paletas monocromáticas, con énfasis en rojo, blanco, negro y plateado, define una identidad visual coherente y fácilmente reconocible.

Uso de brillos, texturas metálicas y acabados luminosos

Las apariciones en la alfombra roja suelen estar marcadas por el uso de materiales con acabado luminoso. Vestidos de lentejuelas, tejidos metalizados y malla fina son parte de su repertorio, evocando el glamour de la era disco y del Hollywood clásico.

El vestido rojo entallado de lentejuelas y el diseño plateado con abertura lateral reflejan esta inclinación por superficies que capturan la luz y aportan dinamismo a su imagen.

La elección de tejidos brillantes no responde únicamente a una búsqueda de impacto visual, sino que se integra a una estética general donde el brillo se combina con líneas limpias y detalles actuales.

Kaia Gerber recupera el glamour vintage, pero lo hace desde un enfoque moderno y depurado, evitando el exceso y priorizando la armonía en el conjunto.

En la actualidad, la tendencia de los acabados brillantes y metalizados se ha consolidado como un signo de sofisticación renovada en la moda de gala. Kaia se sitúa a la vanguardia de este movimiento, interpretando los códigos del glamour con una mirada contemporánea.

Referencias retro y reinterpretación de los 90

El legado de Cindy Crawford se refleja en muchos de los estilismos de Kaia Gerber, especialmente en la apropiación de elementos de la moda de finales de los 80 y los 90.

Vestidos columna, escotes palabra de honor y detalles como hombreras discretas o faldas largas de corte recto forman parte de su repertorio, alineándose con el revival noventero que domina la industria actual.

En pasarelas y editoriales, Kaia experimenta con guiños a otras épocas, desde conjuntos lavanda con textura de cocodrilo hasta vestidos de red de cristales inspirados en los años 20.

Estas referencias nunca son una copia literal, sino una reinterpretación adaptada a la sensibilidad contemporánea, con cortes modernos y estilismos depurados.

La capacidad de mezclar lo retro y lo actual es una de las fortalezas de Kaia Gerber, permitiéndole renovar códigos clásicos sin perder autenticidad. Este equilibrio entre pasado y presente se traduce en una propuesta de moda rica en matices, que dialoga con distintas generaciones.

Accesorios discretos, peinados y maquillaje versátil

En la mayoría de sus apariciones públicas prescinde de accesorios llamativos, optando por pendientes pequeños, sandalias delicadas o stilettos clásicos.

Los peinados sueltos con ondas suaves y los recogidos desenfadados refuerzan la idea de un look limpio, donde la atención se dirige al conjunto y no a los detalles individuales.

El maquillaje varía según el evento, alternando entre labios en tonos neutros y rojos intensos, ojos definidos y piel luminosa. Esta versatilidad le permite adaptar su imagen a distintos contextos, manteniendo siempre una impronta juvenil y actual.

La suma de estos elementos contribuye a una estética coherente, donde la naturalidad y la sofisticación dialogan en equilibrio. En el entorno de la alfombra roja, este enfoque resulta especialmente distintivo, diferenciando a Kaia Gerber de otras figuras que apuestan por la exuberancia o la teatralidad.

Contrastes, mezclas de estilos y presencia experimental

En editoriales y desfiles, explora combinaciones más arriesgadas, como la mezcla de encaje blanco con cuero negro, medias oscuras y zapatos de punta baja.

Estas propuestas muestran una faceta experimental, alineada con las tendencias de layering y contraste de texturas.

La inclusión de detalles gráficos, estampados y logotipos de inspiración retro —especialmente en colaboraciones con casas como Chanel— añade una dimensión lúdica y contemporánea a su estilo.

La modelo también incorpora elementos sporty-chic, como pañuelos en la cabeza o chaquetas estructuradas combinadas con vestidos de fiesta, ampliando las posibilidades de su repertorio.

Estos recursos refuerzan la imagen de una figura versátil, capaz de adaptarse a los cambios de la moda sin perder coherencia visual.

Estilo urbano y effortless fuera de la alfombra roja

Fuera de los contextos formales apuesta por prendas relajadas y de inspiración masculina, como pantalones de sastrería de talle bajo, crop tops básicos y camisetas lisas.

Los conjuntos se completan con anteojos de sol rectangulares y bolsos de gran tamaño, en sintonía con el auge del street style minimalista y los básicos reinterpretados.

Esta faceta urbana y desenfadada forma parte esencial de su identidad pública, mostrando una adaptación inteligente de las tendencias cotidianas sin sacrificar la sofisticación.

La capacidad de alternar entre la elegancia de la alfombra roja y la comodidad del día a día es una de las claves de su éxito.

Madonna cumple este domingo 68 años y su vigencia como referente indiscutida de la moda y la cultura pop permanece intacta. Desde sus inicios en la década de los 80, la artista revolucionó la música y construyó una narrativa visual única. Cada cambio de imagen anticipa tendencias y desafía las convenciones. Su estilo, lejos de responder a una lógica estática, se ha transformado en un manifiesto de autonomía, irreverencia y experimentación.

A lo largo de su carrera, la cantante y compositora estadounidense entendió la moda como una extensión de su identidad artística. La constante renovación de su imagen y la apropiación de códigos diversos la convirtieron en un fenómeno cultural que trasciende generaciones.

El núcleo del estilo de la diva reside en su capacidad para conjugar elementos de distintas épocas, subculturas y expresiones artísticas, generando así una imagen siempre en sintonía con el presente, pero con guiños al pasado y anticipos del futuro.

En eventos, conciertos y presentaciones, la artista despliega conjuntos que evidencian una apropiación de códigos provenientes tanto del streetwear como de la alta costura, así como referencias directas a la cultura pop, el arte y el cine.

Uno de los registros más recurrentes es el look deportivo y urbano: pantalones anchos, sudaderas con capucha, prendas deportivas con logos visibles y materiales sintéticos. Los pantalones deportivos de tiro bajo, combinados con piezas oversize y detalles rotos o intervenidos, aparecen como emblemas de su faceta más desenfadada.

En contraste, la estética retrofuturista ocupa un lugar central en su repertorio visual. El uso de materiales metálicos, gafas de sol de gran tamaño y botas altas con acabados brillantes define una línea que enfatiza el carácter experimental de su imagen.

La paleta cromática, en este caso, recurre a tonos plateados, lilas y azules, así como combinaciones monocromáticas que refuerzan la intensidad de los conjuntos.

La inspiración lencera y la corsetería han sido también un sello distintivo en la estética de Madonna. Corsés de satén, encajes, ligas y medias de red han protagonizado tanto shows como apariciones públicas, resignificando la lencería como prenda exterior y dotando de sensualidad y fuerza a la figura femenina.

Otro de los códigos que ha explorado es la sastrería masculina reinterpretada: trajes de corte clásico en tonos claros, camisas blancas, pajaritas, corbatas y prendas estructuradas, siempre adaptadas a siluetas femeninas. La incorporación de accesorios como puros o gafas de montura gruesa refuerza una imagen andrógina y transgresora.

Por otro lado, la teatralidad ocupa un rol protagónico en su estilismo. Vestidos largos, tocados de gran tamaño y elementos escénicos como capas y sombreros escultóricos acentúan la dimensión performática de sus apariciones, donde la ropa se convierte en parte fundamental de la narrativa visual.

Detalles, materiales y accesorios en su vestimenta

El manejo de los detalles constituye uno de los recursos más sofisticados del estilo de Madonna. El calzado llamativo —botas altas de cuero, plataformas y botas metálicas— ocupa un lugar destacado. En ocasiones, estos elementos incorporan cordones largos, cierres visibles y texturas brillantes.

Los accesorios predominantes refuerzan la personalidad de cada look: gafas de sol, aros grandes, collares gruesos y guantes largos. Los bolsos de mano y carteras pequeñas suelen acompañar sus estilismos, siempre alineados cromáticamente con el conjunto principal.

Otro aspecto clave es la intervención de prendas. Chaquetas y sudaderas con aplicaciones, parches, estampados gráficos y mezclas de materiales reflejan una inclinación hacia la experimentación y la personalización, tanto artesanal como industrial.

El uso del layering, o superposición de capas, permite la yuxtaposición de texturas y volúmenes, aportando dinamismo y profundidad a los conjuntos.

Paleta de colores y composición visual de sus looks

La selección cromática de Madonna oscila entre tonos metálicos, pasteles y el clásico binomio blanco-negro. El color opera como herramienta para destacar bloques visuales, generar contrastes y captar la atención.

En escenarios con iluminación artificial intensa, las texturas satinadas y brillantes de muchas de sus prendas adquieren un protagonismo especial, potenciando la experiencia visual del público.

La composición de cada estilismo responde a una lógica de impacto inmediato: ya sea a través de volúmenes amplios, como pantalones anchos o chaquetas oversize, o mediante prendas ajustadas al cuerpo, como corsés y vestidos tubo.

Las siluetas alternan entre la sensualidad explícita, la androginia y la teatralidad, otorgando versatilidad y profundidad a su figura.

Elementos identitarios y legado en la moda

El estilismo de Madonna opera como un manifiesto visual de independencia y control sobre su propia imagen. Su capacidad para resignificar prendas históricamente femeninas y masculinas, así como para integrar elementos del streetwear y la cultura queer, la posicionan como referencia de la moda inclusiva y disruptiva.

La constante renovación de su imagen no responde solo a una estrategia estética, sino a una declaración sobre la resistencia al envejecimiento y a las categorías fijas de belleza y género.

Así, Madonna utiliza la moda como herramienta para desafiar convenciones, proponiendo una identidad mutable y siempre en diálogo con las tendencias globales. Su legado se expresa en la libertad para experimentar, en la apropiación de símbolos y en la capacidad para transformar cada conjunto en una extensión de su narrativa artística y personal.

Cristiano Ronaldo no solo deja huella en el fútbol internacional por su destreza y capacidad goleadora. El portugués también se consolidó como referente de estilo, reinventando su imagen a la par de su carrera deportiva. Cada etapa profesional estuvo marcada por elecciones de peinados que rápidamente se transformaron en tendencia, generando repercusión entre sus seguidores y en los medios especializados.

A lo largo de los años, sus cambios de look acompañaron los momentos clave de su trayectoria, sumando siempre un sello personal.

En la actualidad, Ronaldo opta por una estética más sobria y cuidada: lleva el cabello corto, con un degradado preciso en los laterales y la nuca, mientras que la parte superior se muestra ligeramente más larga y perfectamente definida. Una elección que confirma su capacidad para anticipar y adaptar las tendencias, manteniendo su impronta inconfundible.

Corte degradado y estilo minimalista

El futbolista llegó este jueves a la sede del Al Nassr con un nuevo look tras casarse en secreto con Georgina Rodríguez. El acabado del corte resultó limpio y minimalista, reflejo de una tendencia contemporánea que privilegia la sencillez y la elegancia.

Este peinado se combinó con prendas discretas y accesorios seleccionados con precisión, entre ellos una camiseta negra de manga corta, un collar y un reloj metálico de gran tamaño en la muñeca izquierda.

En los últimos años, el jugador eligió cortes que se adaptaron sin dificultad tanto a compromisos profesionales como a apariciones públicas, consolidando un estilo versátil y funcional.

Corte degradado y peinado clásico

Entre 2023 y 2026, el jugador mantuvo la tendencia del corte degradado, con los costados y la nuca muy rebajados, mientras que la parte superior permanecía corta y perfectamente alineada.

Este peinado, de líneas limpias y acabado pulido, evidencia una preferencia por la estética contemporánea y minimalista. Suele acompañarse de una vestimenta sobria y accesorios discretos, lo que resalta la madurez del futbolista tanto dentro como fuera del campo.

El corte degradado ganó popularidad en los últimos años por su practicidad y su aspecto ordenado. Cristiano Ronaldo supo adaptarlo para fusionarlo con su imagen de deportista profesional y figura pública.

La elección de este peinado resalta su interés por mantenerse vigente en el universo de las tendencias, sin perder la identidad que construyó a lo largo de su carrera.

Rizos voluminosos y aspecto natural

En las temporadas anteriores, el portugués sorprendió con una imagen más relajada y natural. Entre 2018 y 2020, se lo vio con el cabello voluminoso y rizado, alejándose de los productos fijadores que marcaron algunos de sus estilos previos.

Los rizos se mostraban sueltos y desordenados, aportando un aire casual que contrastaba con la disciplina habitual asociada a su figura. Esta elección dejó ver una etapa de mayor espontaneidad, en la que el futbolista apostó por exhibir su textura natural y un look menos estructurado.

El estilo resaltaba tanto en el campo de juego como en situaciones informales, donde Cristiano Ronaldo elegía una imagen más cercana y accesible.

Durante esos años, apostó por un look con rizos compactos y definidos en la parte superior, mientras los costados se mantenían cortos y oscuros. Las puntas de los rizos exhibían un toque rubio, generando un contraste visual distintivo.

Corte al ras y estilo “militar”

Durante su etapa en la Juventus en 2020, Cristiano Ronaldo exploró un corte extremadamente corto, casi rapado en costados y parte superior.

Este estilo militar proyectaba una imagen sobria y práctica, en sintonía con la exigencia física de la alta competencia. El corte al ras facilitaba el mantenimiento diario y reforzaba una estética de disciplina y concentración, atributos que el futbolista siempre buscó transmitir.

En el ámbito deportivo, este tipo de peinado ofrecía funcionalidad, evitando distracciones y aportando mayor comodidad durante los entrenamientos y los partidos.

Moño bajo y estilo “top knot”

También en 2020, sorprendió al dejarse el cabello largo y adoptar el peinado conocido como “top knot”.

Este look consistía en recoger el cabello hacia atrás en un pequeño moño, con los costados rebajados. La parte superior y la zona posterior se recogían, despejando completamente el rostro.

El “top knot” marcó una etapa de experimentación, en la que el futbolista exploró tendencias menos convencionales dentro del ámbito deportivo.

El peinado, tradicionalmente vinculado a estilos urbanos y alternativos, encontró en Cristiano Ronaldo un embajador inesperado, capaz de trasladar la moda de la calle a los estadios de fútbol.

Este cambio de imagen captó la atención en redes sociales y medios especializados. El moño bajo simulaba una fusión entre elegancia y rebeldía, mostrando una faceta menos tradicional del delantero portugués.

Corte corto con cresta y laterales rebajados

Durante 2015 y 2016, Cristiano Ronaldo eligió un corte más corto, con laterales rebajados y una cresta central peinada hacia arriba con productos fijadores. Este peinado se transformó en un sello personal, ampliamente imitado por jóvenes seguidores.

La cresta, símbolo de juventud y energía, resaltaba el carácter competitivo del futbolista y su voluntad de destacar tanto en el campo como fuera de él. El uso de productos fijadores permitía mantener el peinado intacto durante los partidos, reforzando una imagen de control y determinación.

En 2008, cuando desplegaba sus habilidades en el Manchester United, lucía un peinado característico de sus primeros años en el fútbol. El cabello de longitud media presentaba mechones que caían de forma natural y ligeramente desordenada sobre la frente y los costados.

La textura ondulada y húmeda sugería el uso de gel o mousse para definir el estilo y mantener cierta fijación sin apelmazar.

Cabello largo con mechas y textura desordenada

En sus primeros años profesionales, el portugués lució el cabello más largo, con mechones que caían libremente sobre la frente y los costados.

La textura predominantemente ondulada se potenciaba con gel o mousse, y en ocasiones aparecían mechas rubias que contrastaban con el tono oscuro natural.

Este estilo juvenil y experimental mostraba a un Ronaldo en búsqueda de su identidad dentro y fuera del campo. El peinado de textura desordenada y las mechas claras aportaban un aire desenfadado y atrevido, acorde a la moda de principios de los 2000.

Desde sus primeras apariciones públicas, el príncipe George dejó ver una clara inspiración en el estilo de su padre, el príncipe William. La elección de atuendos, la coordinación de colores y los accesorios seleccionados para eventos oficiales y ceremonias reflejaron una coherencia estética que captó la atención de los especialistas en moda.

La imagen del joven heredero, con solo trece años, ofreció una versión juvenil de la elegancia tradicional asociada a la familia real británica y se consolidó como un referente de sobriedad entre las nuevas generaciones. La influencia paterna resultó evidente tanto en la selección de las prendas como en la adopción de códigos formales y casuales propios de la realeza.

En cada compromiso junto a su padre, George reprodujo detalles y siluetas que caracterizaron el sello clásico de William, adaptándolos con naturalidad a su edad y posición institucional.

La impronta de William en el estilo de George

El análisis de las apariciones conjuntas de George y su padre permitió detectar una clara transferencia de estilo. William apostó históricamente por trajes de corte tradicional, preferentemente en tonos azul marino y gris, camisas claras y corbatas discretas con patrones geométricos o colores lisos. George, siguiendo este modelo, optó por conjuntos similares.

En varias oportunidades, se observaron atuendos coordinados: George lució traje azul marino, camisa blanca y corbata de rayas diagonales en azul y blanco, mientras William optó por un traje azul grisáceo, camisa celeste y corbata marrón con rayas blancas.

El joven príncipe demostró una habilidad para adaptar el clasicismo de su padre a situaciones diversas, alternando entre corbatas lisas y estampadas, y variando sutilmente los tonos de azul, blanco y verde, siempre dentro de una paleta sobria y elegante.

Coordinación y adaptación en eventos públicos

La coordinación de vestimenta entre George y William fue especialmente notoria durante eventos oficiales y actos públicos. En ceremonias diurnas, George apareció con trajes oscuros, camisas claras y corbatas ajustadas, siempre en combinaciones que dialogaban con los looks de su padre.

En un evento, por ejemplo, George llevó una chaqueta azul marino, camisa azul clara y corbata de rayas, mientras William presentaba un traje de similares características, rodeados de asistentes con atuendos igualmente formales.

Durante una ceremonia nocturna, ambos apostaron por trajes oscuros y corbatas lisas: George eligió el verde y William optó por una azul estampada. Destacó la textura y calidad de las prendas, evidenciando la meticulosa selección de materiales y cortes.

La pareja padre-hijo asistió a diferentes eventos con trajes coordinados, George con corbata roja y William armonizando su atuendo con detalles en tonos similares, lo que subrayó el carácter solemne del evento.

En actos militares, George mantuvo la fidelidad al traje azul marino y la corbata azul, mientras William lució uniforme de gala, estableciendo una sutil distinción jerárquica pero sin romper la armonía visual entre ambos.

Accesorios y detalles en la imagen de George

La elegancia de George no se limitó a la ropa. En Wimbledon 2026, destacó el uso de accesorios como el sombrero blanco de ala ancha con cinta verde y las anteojos de sol marrones, elementos que cumplieron una función práctica y estética.

Estos accesorios, replicaron la lógica de elegancia funcional que William implementó en múltiples ocasiones. La selección de corbatas también fue un elemento diferenciador en cada aparición.

George alternó entre modelos de rayas, lisas y en colores como el verde, azul y rojo, buscando integrar su atuendo a la paleta general de la familia real y demostrando un conocimiento temprano de la etiqueta británica.

Los cortes tradicionales de las prendas, la elección de materiales y la ausencia de ornamentos innecesarios consolidaron la imagen de sobriedad que ambos portaron en cada evento.

Paleta cromática y sello institucional

La predominancia de los tonos azul marino, blanco y verde en los looks de George obedeció a una estrategia deliberada para mantener la imagen institucional de la familia real.

Estos colores, asociados históricamente con la monarquía británica, transmitieron valores de estabilidad, continuidad y respeto por la tradición. El traje azul oscuro, recurrente en las apariciones públicas del joven príncipe, reforzó la percepción de seriedad y compromiso con su futuro rol.

La coherencia cromática entre George y William facilitó la proyección de una imagen sólida y alineada con los valores de la realeza. Las combinaciones elegidas evitaron excesos y privilegiaron el equilibrio visual, con énfasis en la sobriedad y la adecuación al contexto de cada acto.

Mick Jagger cumple 83 años y sigue proyectando una influencia inigualable tanto en la música como en la moda internacional. Como líder de los Rolling Stones, su figura se mantiene indiscutida en el universo del rock, pero también se ha consolidado como un ícono de estilo que trasciende generaciones.

A lo largo de su carrera, la leyenda británica no solo ha marcado el rumbo de la cultura con su música, sino que ha transformado la moda rockera en un lenguaje propio. Su presencia en el escenario y fuera de él desafía convenciones, combinando audacia, sofisticación y una capacidad única para anticipar tendencias.

Cada aparición pública reafirma su vigencia, demostrando que su estilo evoluciona sin perder autenticidad ni impacto. Desde trajes de colores intensos hasta combinaciones inesperadas de texturas y accesorios, Jagger redefine la elegancia masculina y continúa inspirando a diseñadores y seguidores en todo el mundo.

Su vestuario, lejos de responder a la nostalgia, se reinventa con cada etapa, convirtiéndolo en referente permanente de innovación y rebeldía estética.

Sastrería reinterpretada en clave rockera

La sastrería ocupa un lugar central en su guardarropa, pero lejos de limitarse a los cánones tradicionales, el cantante británico apuesta por reinterpretaciones audaces que lo distinguen en cualquier evento.

Prendas como sacos estructurados, blazers de corte impecable y trajes de textura satinada dominan su repertorio visual, siempre intervenidos con elementos contemporáneos.

Ejemplos notables incluyen el blazer azul de motivos cuadriculados combinado con una camisa celeste, o la chaqueta de rayas anaranjadas y blancas de doble abotonadura, que actualizan el concepto de elegancia masculina.

Estos conjuntos muestran cómo Jagger privilegia la sastrería tradicional, pero la transforma con colores poco habituales y detalles que escapan a la rigidez del protocolo, reforzando su carácter innovador dentro del círculo del rock.

En actos formales, suele elegir trajes oscuros con acabados brillantes, camisas claras y pañuelos o corbatas de estampados gráficos.

El uso de tejidos satinados y detalles metalizados introduce un matiz escénico incluso en los contextos más sobrios, mientras que los cortes precisos aseguran una silueta estilizada y moderna.

Uso del color y los estampados: una paleta audaz

Uno de los sellos distintivos del estilo de Jagger es su manejo del color y los estampados. A diferencia de otros referentes del rock, que optan por la sobriedad cromática, él apuesta por tonos vibrantes y patrones llamativos.

Camisas estampadas, chaquetas florales y prendas de colores intensos forman parte de su repertorio tanto en escenarios como en alfombras rojas.

Este enfoque se observa en la elección de camisas de puntos, estrellas o motivos gráficos, así como en la combinación de prendas de diferentes texturas y matices.

El resultado es un estilo que desafía las normas y dota a cada look de una energía propia, convirtiéndolo en fuente de inspiración para diseñadores y admiradores.

Accesorios y detalles maximalistas

Los accesorios desempeñan un papel fundamental en la construcción de su estilismo. El uso de bufandas de tejidos ligeros, broches dorados, gafas oscuras y anillos de gran tamaño añade un componente ornamental clave a sus conjuntos.

En uno de sus recientes looks, la bufanda con estampado geométrico en blanco y burdeos se convirtió en protagonista, aportando una dimensión sofisticada y bohemia. El broche en la solapa y los anillos reforzaron el carácter personal de su imagen.

Las gafas oscuras y el calzado negro deportivo son elementos recurrentes, que suman modernidad y comodidad sin sacrificar la elegancia.

Estos detalles maximalistas, lejos de saturar el conjunto, logran equilibrar la sofisticación de las prendas clásicas con un aire irreverente y actual.

La vigencia de Jagger en el mundo de la moda radica en su habilidad para conectar elementos clásicos con tendencias contemporáneas.

En las galas y eventos nocturnos, es habitual verlo con trajes de corte tradicional a los que suma accesorios o detalles inesperados, como camisas abiertas, tejidos brillantes o aplicaciones doradas.

Durante las presentaciones en vivo, elige chaquetas bomber con aplicaciones metálicas o camisas satinadas, que dialogan con la estética actual del maximalismo y la mezcla de texturas.

Esta combinación de tradición y vanguardia no solo refuerza su imagen de pionero, sino que lo mantiene vigente como referente para nuevas generaciones.

El equilibrio entre lo atemporal y lo moderno es, en sí mismo, una de las tendencias más notorias en la moda masculina contemporánea, y Jagger es uno de sus exponentes más visibles.

Athleisure y comodidad urbana

En algunas de sus apariciones también incorporó elementos propios del athleisure y la comodidad urbana, sin renunciar a la elegancia rockera que lo caracteriza. U

Un ejemplo fue cuando se lo vio con una camisa satinada en tono ciruela, acompañada de una bufanda delgada, gafas oscuras y gorra azul marino.

Esta combinación reflejó la influencia de las tendencias actuales que privilegian la mezcla de prendas funcionales con detalles sofisticados, y la preferencia por materiales que aportan movimiento y presencia bajo la luz.

El brillo de la tela y la caída fluida del tejido resaltaron su afinidad por los materiales versátiles, mientras que la incorporación de accesorios urbanos como la gorra añadió un matiz casual y moderno a su repertorio.

Así, Mick Jagger reafirma su lugar como referente indiscutido al integrar elementos de la moda actual sin ceder la personalidad que lo distingue. Su capacidad para adoptar tendencias y adaptarlas a su propio estilo confirma que la innovación y la autenticidad pueden coexistir, consolidando su figura como un ícono que sigue marcando el pulso de la cultura y la moda a cualquier edad.

Silvana Armani debutó en París con su segunda colección para Armani Privé, y consolidó el nuevo capítulo de la maison tras la muerte de Giorgio Armani. La propuesta de alta costura otoño-invierno 2026-2027 apostó por una sensualidad sutil, precisión en la sastrería y vestidos de noche con siluetas escultóricas.

El desfile mantuvo la línea de su presentación primavera-verano 2026, cuando la sobrina del fundador asumió la dirección creativa y eligió el verde jade como símbolo de permanencia, equilibrio y renovación. En esta ocasión, el tono reapareció al inicio de la pasarela y cedió el foco a una paleta sobria.

Bajo el título Boudoir, la colección elevó el acto de vestirse a una declaración de identidad. La propuesta evitó efectos inmediatos y apostó por contrastes sutiles, formas suaves y una arquitectura del cuerpo que respeta el legado de Giorgio Armani en su línea más exclusiva.

La colección Boudoir giró hacia una paleta más oscura y nocturna

El escenario volvió a ser el Palazzo Armani, la mansión del siglo XIX situada en el VIII distrito de París que el diseñador italiano transformó en sede de Armani Privé.

Allí, la pasarela comenzó con looks en verde, en referencia al primer desfile de Silvana al frente de la casa, y luego avanzó hacia el azul marino, el burdeos, el berenjena y el púrpura.

Ese desplazamiento de color marcó también el cambio de clima de la colección. La clienta imaginada por la firma apareció envuelta en tonos densos y misteriosos, pensados para una elegancia nocturna que invita a observar de cerca más que a buscar impacto a distancia.

Además, sobre esa base, la casa desplegó un trabajo técnico centrado en texturas y reflejos. El resultado fue un repertorio de superficies complejas que, vistas desde lejos, remitían a una pintura impresionista y, en proximidad, revelaban la construcción minuciosa de cada prenda.

Los vestidos fluidos con escote bandeau, las chaquetas de sastrería estructuradas y las blusas de hombros descubiertos ordenaron el núcleo del desfile.

A ese vocabulario se sumaron tejidos escamados, flecos y pedrería, aplicados para modelar la silueta sin apartarse de la contención formal de la casa.

El relevo creativo mantuvo los códigos de Giorgio Armani sin buscar una ruptura

La segunda colección de Silvana Armani reforzó la idea ya visible en su debut: no hubo una ruptura estética, sino una continuidad consciente del archivo de la maison.

En la colección Jade de alta costura primavera-verano 2026, la diseñadora ya había trabajado con vestidos columna, capas etéreas y conjuntos de líneas depuradas, además de tejidos ligeros como la gasa y la organza.

Aquel primer desfile posterior a la muerte de Giorgio Armani terminó con una ovación colectiva en París y fue leído por la publicación como el inicio de una nueva etapa sin quiebre con la esencia histórica de la casa.

La sastrería, eje del ADN de Armani, aparecía entonces reinterpretada con suavidad y adaptada al movimiento del cuerpo, mientras los bordados y la pedrería sumaban profundidad sin alterar la armonía general.

Boudoir retoma esa misma lógica y la desplaza hacia un terreno más introspectivo. El boudoir, entendido como espacio de intimidad, no derivó aquí en una literalidad lencera, sino en un uso estratégico de tejidos y cortes para sugerir antes que exhibir.

La colección respondió así a una idea precisa de seducción: cautivar sin estridencia y desnudar el alma antes que el cuerpo.

Ese principio sostuvo tanto la construcción de los looks de noche como la continuidad de un legado que, a casi un año de la muerte del fundador, sigue definido por la contención, la precisión y una noción del lujo que no necesita levantar la voz.

Margot Robbie ha consolidado una identidad visual en la moda que combina naturalidad y precisión, alejándose de los excesos pero sin renunciar al impacto.

Sus elecciones de moda suelen fusionar el clasicismo con la comodidad, apoyándose en prendas clave que actualiza con detalles inesperados. Esa coherencia estilística la ha convertido en referente de una elegancia contemporánea que prioriza la funcionalidad y el equilibrio.

El conjunto elegido por Margot Robbie

El estilismo que lució en París mostró cómo una camisa blanca puede transformarse en protagonista absoluta del atuendo.

La prenda, de corte amplio y hombros caídos, se distingue por detalles que marcan la diferencia: los botones de perla y la cadena cosida en el bajo remiten a la tradición de la maison Chanel, mientras que un pequeño bordado rojo introduce un guiño sutil al minimalismo.

La elección de vaqueros rectos de lavado claro aporta un aire relajado y moderno, alineándose con la tendencia del denim hacia cortes cómodos y limpios en 2026.

Los accesorios, discretos y funcionales, bolso negro pequeño, gafas de sol estrechas y zapatos cerrados, completan un look en el que la sencillez deliberada potencia el carácter de cada pieza.

Más looks de Margot Robbie

Para el programa de Jimmy Kimmel Live! en Los Ángeles, apostó por un vestido negro de tul con transparencias y aplicaciones florales de encaje. El diseño asimétrico, con aberturas laterales y mangas largas, se acompañó de tacones negros de tiras finas. Los anteojos oscuros y pendientes pequeños sumaron un punto sofisticado.

La actriz asistió a la premiere de “Hurlevent” con un vestido largo de terciopelo rojo intenso que presentó un corsé ajustado y tirantes delgados, acompañado de una falda amplia en tono marfil. Llevó el cabello suelto, dividido al centro, y lució un collar ancho adornado con una letra “A” colgante.

En la Met Gala, Margot Robbie llevó un vestido largo de tono dorado claro y acabado satinado, ceñido al cuerpo con volantes y detalles plisados en la parte trasera y en el borde de la cola. El escote fue asimétrico y ella recogió el cabello en un moño bajo con flequillo lateral. Completó el look con pendientes colgantes brillantes.

Para un look urbano, Margot Robbie optó por un corsé de estampado floral con escote en pico y tirantes anchos, combinado con pantalones negros ajustados con múltiples hebillas y botas de punta. Llevó una chaqueta negra en el brazo y un bolso negro de gran tamaño con detalles metálicos. Usó gafas de sol pequeñas y el cabello suelto.

Para la premiere de Cumbres Borrascosas en Londres eligió un vestido largo de tul nude con transparencias, decorado con detalles dorados en forma de cuerdas trenzadas y aplicaciones a lo largo del cuerpo y los hombros.

El vestido dejó los hombros descubiertos y presentó una estructura simétrica y geométrica. Llevó el cabello recogido hacia atrás y un collar ancho decorado.

En el evento “Wuthering Heights”, Margot Robbie lució un vestido de corte sirena con escote palabra de honor. La parte superior fue de encaje negro sobre fondo nude, mientras que la falda de terciopelo negro se degradó a rojo en la parte inferior, con un gran volante estructurado y amplia cola. Llevó el cabello recogido y un collar dorado con colgante en forma de corazón.

Cada aparición de la actriz se caracterizó por un dominio preciso de la silueta, el color y los detalles, desde el terciopelo profundo hasta las transparencias estructuradas y los encajes en degradé.

Su porte y estilismo glamuroso contribuyeron a construir imágenes que trascendieron la moda para inscribirse en el registro visual de la temporada, reafirmando su posición como una de las figuras más observadas en las grandes citas internacionales.

La moda tomó el centro de la escena en el Mundial 2026, desplazando por un momento las tácticas, formaciones y resultados.

Un listado elaborado por el New York Times analizó no solo el desempeño futbolístico, sino también el estilo de los entrenadores.

Lejos de quedarse en la superficie, la lista examina desde cadenas doradas y trajes impecables hasta zapatillas deportivas. Cada detalle cuenta en la pasarela improvisada de la Copa del Mundo.

Los 10 técnicos que elevaron la moda en el Mundial 2026

1- Gustavo Alfaro

El primer puesto es para Gustavo Alfaro, director técnico argentino al frente de Paraguay. Su atuendo se compone de un traje, corbata y cinturón perfectamente combinados, cuidando cada detalle. Con 63 años y en su tercer cargo internacional consecutivo, Alfaro proyecta experiencia y dominio de la escena.

2- Carlos Queiroz

Carlos Queiroz, de 73 años, seleccionador de Ghana está en segundo lugar. Su elección es un conjunto casi enteramente azul marino, compuesto por chaqueta con cremallera, pantalón oscuro y zapatillas negras.

El detalle de la cadena dorada le otorga un aire de lujo. Nombrado apenas 72 días antes del inicio del torneo, Queiroz enfrenta su quinto Mundial como entrenador, luciendo como si hubiera tenido años para planificar su imagen. Su presencia transmite seguridad y control, reforzada por el estilo sobrio y moderno de su vestimenta.

3- Javier Aguirre

El podio lo completa Javier Aguirre, de México, quien debuta en un Mundial en casa durante su tercera etapa al frente del equipo nacional. Aguirre, de 67 años, se adapta a cada contexto: en los entrenamientos elige buzo y pantalón corto y en la cancha opta por un atuendo más formal. Su presentación en este Mundial combina una corbata verde sutil y zapatos Oxford marrones, logrando un equilibrio entre estilo y madurez.

4- Didier Deschamps

Didier Deschamps está a cargo de Francia y es su cuarta Copa del Mundo. Deschamps, de 57 años, mantiene la tradición del entrenador bien vestido gracias a un traje azul marino Francesco Smalto, camisa y ausencia de corbata. Consigue un equilibrio entre formalidad y relajación, adaptando su imagen para una gira de despedida elegante y sobria.

5- Luis de la Fuente

En la quinta posición se encuentra Luis de la Fuente, seleccionador español de 65 años. Apuesta por un sistema de dos atuendos: inicia los partidos con blazer entallado, camisa impecable y corbata, y a medida que transcurre el encuentro, reduce la formalidad.

6- Thomas Christiansen

Thomas Christiansen, danés de 53 años al frente de Panamá se encuentra en sexto lugar. Su traje negro clásico se distingue por el escudo azul de Panamá bordado en el pecho y una corbata rojo oscuro, reflejando los colores de la bandera panameña. El bordado es un detalle determinante que lo identifica como representante nacional y lo diferencia de cualquier otro evento formal.

7- Fabio Cannavaro

El séptimo puesto lo ocupa Fabio Cannavaro, excapitán campeón del mundo y actual técnico de Uzbekistán. Su elección es una camiseta negra ajustada, pantalones oscuros y zapatillas blancas. Este estilo casual combina comodidad y elegancia, y el italiano de 52 años sabe cómo lucirlo en la zona técnica.

8- Sébastien Desabre

Sébastien Desabre, francés de 49 años, llamó la atención por los trajes personalizados de él y de los jugadores diseñados con detalles de leopardo y broches plateados, inspirados en la tradición congoleña de la elegancia y la autoexpresión, conocida como La Sape.

Aunque en los partidos prefiere camisa blanca y pantalón oscuro con blazer, el traje de la llegada simboliza mucho más que un uniforme estándar.

9- Graham Arnold

El noveno puesto corresponde a Graham Arnold, australiano de 62 años, quien dirige a Irak en su regreso al Mundial tras casi cuatro décadas. Su vestimenta es un clásico traje gris oscuro y camisa blanca, una elección atemporal y pulcra que aporta solemnidad al debut del equipo.

10- Darren Bazeley

Darren Bazeley, seleccionador de Nueva Zelanda, cierra el ranking con un estilo que recuerda al de Diego Simeone: camisa negra, pantalón negro, cinturón de cuero con hebilla plateada y, como distintivo, solo un botón desabrochado a pesar del calor. Tras 14 años de ausencia en la Copa para Nueva Zelanda, Bazeley llegó vestido elegante.

El caso Lionel Scaloni

En este listado, el campeón del mundo Lionel Scaloni, entrenador de Argentina, aparece en el casillero 26. Scaloni optó por una indumentaria deportiva: camiseta de entrenamiento azul, pantalones azul marino y zapatillas blancas.

A sus 48 años, mantiene una imagen más cercana a la de un jugador, según el New York Times. Aunque el detalle dorado de su atuendo suma un toque distintivo, el conjunto sigue siendo principalmente el uniforme de entrenamiento.

Leandro Paredes celebra sus 32 años y consolida una imagen que trasciende las canchas. Su estilo en el mundo de la moda mezcla comodidad deportiva y sofisticación urbana, algo que se refleja tanto en los estadios como en su vida cotidiana.

Sus elecciones de vestuario confirman una identidad visual coherente, marcada por siluetas relajadas, accesorios distintivos y un manejo preciso de los básicos renovados.

El guardarropa del campeón argentino se distingue por prendas de corte amplio, tonos neutros y detalles funcionales, logrando un equilibrio entre lo casual y lo elegante.

Desde las siluetas relajadas hasta los guiños de lujo, sus looks destacados.

1- Camisa beige, pantalón negro y gorra

En una de sus elecciones más reconocibles, vistió una camisa beige de corte amplio y textura fluida, llevada abierta sobre una camiseta básica negra.

Completó el conjunto con pantalón negro de pernera ancha y zapatillas negras de suela gruesa. La gorra beige, colocada hacia atrás, aportó un matiz deportivo.

El detalle de las mangas arremangadas sumó personalidad, mientras que los accesorios dorados en la muñeca brindaron un cierre sofisticado al estilismo.

2- Buzo oversize, jeans celestes y gorra negra

En otra ocasión, apostó por un buzo azul marino de silueta oversize, acompañado de jeans celestes de corte recto. Agregó zapatillas deportivas blancas y una gorra negra con el logo de los Yankees, aportando un aire netamente urbano.

El bolso rígido negro como accesorio terminó de definir el look casual, ideal para el día. La combinación de prendas amplias y detalles gráficos muestra una preferencia por la comodidad y la identidad visual marcada.

3- Reinterpretación del clásico deportivo

En una reinterpretación del vestuario deportivo, el mediocampista eligió una remera blanca de algodón y pantalón ancho negro de confección estructurada.

Completó con gorra negra simple, zapatillas deportivas y bolso pequeño cruzado. Este look apunta a la simplicidad contemporánea, donde los básicos deportivos se llevan con detalles personales y accesorios prácticos.

4- Blazer, musculosa negra y bolso de lujo

Para ocasiones que requieren mayor sofisticación, optó por un blazer verde oliva, llevado con una musculosa negra ajustada que dejaba ver los tatuajes en pecho y brazos. Sumó un bolso de mano marrón con monograma de Louis Vuitton, anteojos de sol y llavero metálico.

El contraste entre el blazer clásico y los accesorios de lujo revela una búsqueda de elegancia relajada, donde los guiños urbanos y las firmas exclusivas conviven en perfecta armonía.

5- Campera de cuero y bolso XL

Al aire libre, lució una campera de cuero negra con cierres plateados y capucha gris debajo, junto a pantalón negro de corte amplio y zapatillas blancas. Llevó un bolso XL negro adornado con un llavero de peluche, detalle que aportó un toque lúdico. Las capas de prendas y los accesorios reforzaron un perfil urbano.

Este conjunto destaca por el uso inteligente de capas y la elección de materiales resistentes, confirmando la apuesta de Paredes por la practicidad y la modernidad.

6- Básico atemporal y sesión de fotos

Para una producción de fotos para Armani, el futbolista prefirió una camiseta negra sencilla y pantalón oscuro, acompañados por un reloj metálico de esfera grande. Los tatuajes de los brazos quedaron a la vista, consolidando la idea de básicos de calidad realzados por detalles personales.

La sobriedad cromática y la selección de accesorios demuestran que, incluso en la sencillez, Paredes mantiene su identidad y elegancia sin estridencias.

7- Camisa oscura, musculosa blanca y pantalón gris

Durante un evento nocturno junto a Camila Galante, eligió una camisa azul oscuro abierta y musculosa blanca, sumando pantalón gris de corte recto y zapatillas claras tipo lona. El look mantuvo el sello relajado, ideal para actividades sociales al aire libre.

8- Total denim y zapatillas blancas

En otra aparición, apostó por un conjunto completo en denim azul oscuro, formado por una campera y pantalón cargo, sumado a zapatillas blancas. Las costuras visibles y las siluetas amplias fusionaron tendencias de utilitarismo y comodidad.

9- Buzo beige, jeans negros y bolso XL

En una de sus propuestas más personales, lució un buzo beige de algodón de corte amplio, con camiseta blanca asomando por debajo. Combinó con jeans negros que llevaban bordados blancos en la pierna y zapatillas blancas. El bolso XL negro, decorado con un llavero de Labubu, sumó un guiño lúdico y distintivo.

Harry Styles se consolidó como una figura central en la escena de la moda internacional, llevando su propuesta estética a cada escenario que despliega su música.

Durante su última gira, el cantante británico se presentó en sus shows con una selección de atuendos que fusionaron la sofisticación de las casas de lujo con una teatralidad que cautiva tanto a fanáticos de la música como a los apasionados del diseño.

El resultado de su estilismo en cada caso es una narrativa visual donde la moda cobra un papel protagónico e inseparable de su propuesta artística.

El artista apostó por un vestuario que dialoga con códigos clásicos del tailoring, reinterpretados bajo una óptica contemporánea y audaz.

El trabajo conjunto con el estilista Harry Lambert se traduce en una curaduría precisa de marcas como Celine, Prada y Calvin Klein, configurando una identidad estilística magnética que ha marcado tendencia internacionalmente.

Cada aparición evidencia un dominio absoluto de la silueta y el color, apoyándose en prendas que exploran el contraste, la textura y la estructura.

Moda de lujo y colaboración creativa

La presencia de firmas de lujo en el vestuario de Harry Styles refuerza su estatus como referente de moda: camisas de seda azul eléctrico de Celine, trajes gráficos de Prada y prendas minimalistas de Calvin Klein conforman el repertorio.

Esta selección no responde únicamente a una cuestión de etiqueta, sino a una búsqueda consciente de piezas con identidad propia y potencial escénico. El estilista Harry Lambert ha sido clave en la construcción de estos looks, eligiendo prendas que potencian la teatralidad sin perder sofisticación.

En cada show, los atuendos se adaptan a la narrativa del concierto, transformando la pasarela en un espectáculo visual. Las texturas, los cortes y los acabados dialogan con la luz artificial del escenario, generando efectos ópticos que resaltan la figura de Styles y su movimiento.

Este despliegue convierte la moda en un elemento narrativo, capaz de reforzar emociones y matices de cada interpretación.

Tailoring relajado y contrastes audaces

Uno de los elementos más distintivos de la propuesta de Harry Styles es el uso del tailoring relajado. Las camisas de seda azul eléctrico, combinadas con pantalones de pinzas extra anchos en tonos oscuros, conforman siluetas fluidas que desafían los límites del clasicismo.

El contraste cromático, como el azul intenso junto a cuellos blancos rígidos, aporta dinamismo y sofisticación, acentuando la presencia escénica del artista.

Esta preferencia por las prendas de corte amplio y relajado no elimina la atención al detalle. Los acabados, las costuras y la elección de materiales nobles reflejan una búsqueda de calidad y confort, sin renunciar al impacto visual. Bajo la luz del escenario, cada textura revela matices distintos, convirtiendo cada atuendo en una pieza viva que evoluciona en movimiento.

Looks emblemáticos y guiños retro

El repertorio de Styles incluye camisas de manga larga en tonos vibrantes, como el amarillo, acompañadas de pantalones grises y tirantes visibles: elementos que evocan épocas pasadas y revitalizan el aire retro en clave contemporánea.

Este guiño nostálgico se refuerza con accesorios como guitarras eléctricas y detalles vintage en los cortes y las combinaciones cromáticas.

La alternancia con camisetas ajustadas en colores intensos, como el rosa neón, pantalones rectos azul marino y calzado deportivo blanco, añade dinamismo y juventud al conjunto.

Los suéteres de punto con estampados artísticos y los trajes con solapas anchas, junto a corbatas de lunares, refuerzan el maximalismo gráfico propio de las casas Prada y Celine.

Los accesorios utilitarios, como micrófonos de diadema y monitores in-ear, se integran de forma natural en la estética general, sumando funcionalidad sin restar estilo.

Cada uno de estos estilismos refuerza la versatilidad de Harry Styles para transitar entre la elegancia clásica y la irreverencia escénica, consolidando su rol como icono de moda.

El uso de prendas de lujo, el tailoring relajado y los guiños a distintas décadas construyen una narrativa visual coherente y siempre inesperada, donde la moda se convierte en parte esencial del espectáculo.

Lionel Messi se mantiene en el centro de la escena mundial, no solo por su rendimiento en el Mundial 2026, sino también por el significado que adquiere su figura a los 39 años, edad que celebra este jueves.

El capitán de la Selección Argentina concentra elogios que trascienden lo futbolístico: su capacidad para reinventarse en el campo de juego se entrelaza con una imagen pública que evoluciona al ritmo de su carrera.

En esta etapa, el 10 argentino construye una propuesta estética que se afianza fuera de la cancha. Su estilo personal se apoya en la comodidad, la sastrería contemporánea y el espíritu deportivo, dando lugar a un guardarropa donde conviven prendas relajadas, detalles formales y accesorios funcionales. Este equilibrio entre sofisticación y practicidad le permite moverse con soltura tanto en eventos oficiales como en situaciones cotidianas.

La elección de colores neutros y siluetas holgadas expresa una identidad visual coherente, moderna y adaptable, que se refleja en cada una de sus apariciones públicas. Antonela Roccuzzo, su esposa, acompaña este sello distintivo y se consolida como referente del modismo actual, potenciando la imagen de la pareja fuera del universo deportivo.

En lo que respecta al crack rosarino, adopta piezas que condensan su esencia futbolística y al mismo tiempo marcan una transición hacia la elegancia urbana. Esa capacidad de conjugar autenticidad y versatilidad lo diferencia en el mundo de las celebridades deportivas, donde pocos consiguen instalar tendencia sin perder naturalidad.

La preferencia por prendas cómodas y la paleta neutra

El vestuario del astro argentino se caracteriza por la elección de prendas cómodas y versátiles. Es habitual verlo con pantalones de corte recto, camisetas lisas y chaquetas de manga corta en tonos como el negro, el blanco o el beige.

En una de las escenas más representativas, Messi aparece junto a Antonela vistiendo un conjunto negro con camiseta blanca. El look se completa con un reloj metálico, reflejando una estética relajada y moderna.

En otros contextos cotidianos, el futbolista prefiere camisas de manga corta o camisetas básicas, shorts de jean y zapatillas deportivas blancas o bicolor.

Un ejemplo es la imagen en la que Messi, descalzo sobre césped sintético, luce una camisa azul claro con estampado de letras blancas y shorts de jean claros, acompañado de lentes de sol.

Los conjuntos del papá de Thiago, Mateo y Ciro muestran una clara inclinación por los cortes sueltos, favoreciendo la funcionalidad sin perder el toque actual. El uso de accesorios como relojes, bolsos y anteojos de sol complementa la propuesta estética, adaptándola a distintos escenarios.

Messi combina la comodidad y el estilo contemporáneo a través de prendas sencillas, colores sobrios y siluetas amplias, integrando de manera natural elementos deportivos y urbanos.

Integración de sastrería contemporánea y detalles deportivos

Una de las características más notorias en el estilo de Messi es la integración de la sastrería contemporánea con elementos deportivos.

El futbolista del Inter Miami supo cómo fusionar trajes sastre de corte relajado con camisetas básicas y zapatillas, creando una estética híbrida entre lo formal y lo casual.

En ocasiones, opta por un traje sastre negro acompañado de camiseta blanca y zapatillas blancas, logrando un equilibrio entre elegancia y comodidad bajo la luz natural.

También se le ha visto con trajes burdeos y camisas de rayas sin corbata, o combinando camisas beige de manga corta con pantalón a juego y zapatillas bicolor.

El bolso tipo maletín negro y la elección de relojes metálicos refuerzan el carácter funcional de sus outfits. Este enfoque permite a Messi mantener una presencia sofisticada en ambientes formales sin sacrificar la naturalidad de su imagen.

La incorporación de prendas deportivas en contextos tradicionalmente formales establece una nueva referencia en la moda masculina contemporánea, alineando la funcionalidad con la elegancia.

Versatilidad en contextos urbanos, galas y eventos

La capacidad de Messi para alternar entre estilos urbanos y atuendos formales es otra de las claves de su imagen. En contextos urbanos, suele preferir camisetas beige, sobrecamisas azul marino abiertas y shorts deportivos, acompañados de zapatillas blancas y bolsos negros.

En salidas nocturnas, al ex Barcelona se lo ha visto con pantalones oscuros, camisetas gráficas blancas y chaquetas negras de textura gruesa, combinando con zapatillas deportivas tricolor.

Hay algo que siempre quedó claro: Messi muestra mayor “incomodidad” durante galas y ceremonias de premiación. Es que, fiel a su estilo, no suele buscar llamar la atención a través de su vestimenta y prefiere mantener un perfil bajo.

Sin embargo, en ocasiones específicas, como en la entrega del Balón de Oro en 2021, optó por un cambio llamativo: lució un esmoquin negro con pequeños brillos que captó la atención internacional.

Coordinación y estilo en pareja: las apariciones públicas con Antonela

La presencia de Antonela junto a Messi en diversas apariciones públicas añade un elemento de coordinación y sofisticación al estilo del futbolista.

La pareja suele elegir atuendos que, sin ser idénticos, conservan una armonía cromática y conceptual. Para el GP de Miami, mientras disfrutaban de la emoción de la Fórmula 1, ambos posaron con looks coordinados. Messi llevó una chaqueta negra de manga corta sobre una camiseta blanca y reloj metálico, mientras Antonela eligió un top negro sin tirantes y short claro con cinturón, complementados con anteojos de sol y collar plateado.

En otra escena familiar, frente a un árbol de Navidad decorado, Messi vistió un conjunto de polo y short gris claro con zapatillas blancas, mientras Antonela lució un conjunto blanco de short y top ajustado, sandalias altas y melena suelta.

Cada elección de vestuario refuerza la versatilidad de Messi, capaz de adaptar su estilo a cualquier escenario sin perder coherencia ni actualidad.

La combinación de prendas deportivas, urbanas y formales en su armario le permite construir una imagen dinámica y funcional, en sintonía con los distintos momentos de su trayectoria y su vida personal.

Fuera de la cancha, Messi también marca diferencia: su estilo refleja la misma autenticidad y naturalidad que lo distingue como futbolista.

Meryl Streep, considerada una de las actrices más influyentes del cine contemporáneo, cumple 77 años. Su legado trasciende no solo por su talento interpretativo, sino también por un estilo personal con elegancia y autenticidad.

Ícono de la moda discreta y sofisticada, Streep supo apropiarse de cada tendencia y adaptarla a su identidad, consolidando una presencia inconfundible en alfombras rojas y eventos públicos.

A continuación, sus elecciones permiten entender cómo fusiona comodidad, atemporalidad y un sello propio en cada aparición.

Traje sastre arena y anteojos cat-eye

La actriz eligió para el Camino de la Fama en Los Ángeles un conjunto sastre de color arena con silueta amplia y hombros estructurados. La campera presentaba solapas anchas y un corte recto, mientras que el pantalón tenía pernera ancha y caída fluida. Combinó el traje con una blusa de tono marrón oliva y anteojos de sol cat-eye con montura oscura.

Abrigo rojo y pantalón negro

Durante la premiere europea de “El Diablo Viste a la Moda 2” usó un abrigo rojo de corte oversize y textura satinada, que combinó con una blusa blanca de seda con lazo al cuello. El pantalón negro tenía corte recto y se ajustaba a la altura del tobillo. Streep agregó zapatos de tacón en raso rojo a juego con el abrigo, anteojos de sol negros de gran tamaño y un clutch brillante en tonos oscuros. Lució el cabello recogido y pendientes discretos.

Capa roja y guantes largos negros

Streep apareció en la premiere en Nueva York de “El Diablo Viste a la Moda 2” con una capa roja de largo total y textura satinada, con cuello alto y lazo a un costado. Bajo la capa, llevó guantes de cuero negro hasta el codo y botas negras de punta fina. Añadió pendientes largos en forma de estrella y anteojos de sol negros. El peinado fue un recogido bajo.

Sastre azul marino sobre camisa blanca

En la portada de Vogue junto a Anna Wintour, Meryl Streep posó con un sastre azul marino de corte masculino, usando la chaqueta sobre los hombros. Bajo el sastre, llevó una camisa blanca de seda con cuello abierto. El pantalón tenía corte recto y largo hasta el talón. Completó el look con stilettos negros de punta y anteojos de sol oscuros.

Conjunto sastre marfil con encaje

En un evento de “El Diablo Viste a la Moda 2” vistió un conjunto de falda y chaqueta en tono marfil. La chaqueta tenía detalles de encaje en el cuello y los puños, además de un broche decorativo a la altura de la cintura. La falda, de largo midi, presentaba una silueta ajustada. Llevó blusa de encaje a tono bajo la chaqueta y completó el atuendo con stilettos de charol beige y anteojos de sol rectangulares de montura clara. Optó por pendientes pequeños de aro.

Sastre rojo con lazo al cuello

La actriz eligió para su visita a México junto a Anne Hathaway un traje sastre rojo con chaqueta entallada y solapas anchas, acompañado de un lazo de gasa al cuello en el mismo color. El pantalón presentaba corte recto y largo clásico. Streep sumó anteojos de sol redondos, pendientes dorados y un broche pequeño en la solapa izquierda.

Vestido camisero azul marino y clutch bordado

También en México, para presentar “El Diablo Viste a la Moda 2” vistió un vestido camisero azul marino de satén, abotonado al frente y con cinturón ancho y hebilla dorada. Los botones dorados destacaron. Llevó un clutch cuadrado negro con bordados en dorado y pendientes largos de perla. Usó anteojos de marco grueso y el cabello suelto hacia atrás.

Blusa verde de tul y pantalón negro

Una blusa de tul negro con apliques de pedrería verde en forma de flecos fue protagonista para la gala de George y Amal Clooney en Londres. La prenda la llevó sobre un top negro opaco. La combinó con una blusa, pantalones rectos negros hasta el tobillo y stilettos de charol verde esmeralda. Llevó un clutch negro rígido y anteojos de pasta negra.

Vestido rojo voluminoso y zapatos a juego

Para una de las escenas de “El Diablo Viste a la Moda 2” en Nueva York, lució un vestido rojo de tafetán con escote asimétrico y volantes en la parte superior. La falda, de gran volumen y textura arrugada, cubría los pies, mientras que los zapatos eran de tacón medio y color rojo satinado. Completó el look con pendientes grandes en tono violeta y el cabello recogido.

Conjunto gris satinado y accesorios metálicos

La actriz escogió en Nueva York un conjunto compuesto por pantalón palazzo gris satinado y blusa a juego, que combinó con una chaqueta gris claro de corte clásico. Añadió un cinturón metálico, collar corto de eslabones, anteojos de sol negros y un clutch azul oscuro.

Sastrería: rosa pastel con lazo y bolso mini

Para los Premios Emmy llevó un traje sastre en tono rosa pastel compuesto por chaqueta de doble botonadura, hombros marcados y pantalón de pernera ancha. Combinó la chaqueta con una blusa a juego que incluía un lazo voluminoso al cuello. Añadió un bolso mini estructurado en color blanco, sandalias de tiras finas y lentes ópticos de montura redonda. Como accesorio lució pendientes de aro plateados.

Vestido de gala blanco drapeado y clutch geométrico

Para la alfombra roja del Festival de Cine de Cannes optó por un vestido largo blanco con escote cruzado y efecto drapeado en la cintura. El vestido, confeccionado en tejido satinado, caía de forma fluida hasta los pies. Sumó un clutch geométrico blanco con detalles plateados, anteojos de sol negros de gran tamaño y pendientes colgantes.

El pañuelo vuelve a posicionarse como el accesorio imprescindible del verano 2026, impulsado por el icónico estilo de Jane Birkin y la reinterpretación constante de las pasarelas y la moda urbana. Este pequeño detalle, fácil de incorporar, se convierte en el protagonista de bolsos y estilismos, según el análisis de Vogue y la mirada de expertos en tendencias.

El gesto, popularizado por la actriz y cantante británica durante los años 70, sigue vigente y se reinventa cada temporada. Birkin solía adornar tanto su mítico bolso de Hermès como sus cestas de rafia con pañuelos, charms y cintas, marcando un precedente para quienes buscan imprimir personalidad a sus accesorios.

En la actualidad, esa costumbre se convierte en una fórmula de personalización que trasciende el tiempo y se adapta a cualquier contexto.

Anudar un pañuelo al bolso es más que una moda pasajera. Se trata de una manera sencilla de transformar un conjunto, renovar un bolso clásico y expresar el estilo propio. Según Vogue, hay al menos cuatro combinaciones claves que dominan el verano europeo 2026, todas basadas en la versatilidad de materiales, estampados y formas.

El pañuelo como recurso de personalización

La opción que evoca con mayor fidelidad la estética de Birkin en Saint-Tropez consiste en combinar una cesta de mimbre con un pañuelo de seda de estampado floral.

Este dúo, que remite a los días soleados de la Costa Azul, aporta un aire desenfadado y elegante. El tejido liviano, ya sea seda o algodón, realza la presencia del accesorio, especialmente si se enrolla el pañuelo en el asa del bolso.

Esta combinación admite múltiples variantes. Puede complementar desde un vestido de inspiración rural y sandalias planas hasta unos vaqueros con bailarinas, permitiendo así que el pañuelo evolucione con el estilo de quien lo lleva.

Alternativas sofisticadas y urbanas

Otra propuesta traslada el truco del pañuelo a un terreno más sofisticado y demuestra que no está limitado a los estilismos diurnos. Para lograr este efecto, la sugerencia del medio es elegir un bolso tote de piel con gran capacidad y añadirle un pañuelo de satén cuyo estampado armonice con el conjunto elegido.

Esta tendencia encuentra eco en otras publicaciones especializadas, que destacan la capacidad del pañuelo para transformar bolsos clásicos y aportar un matiz de sofisticación incluso en los atuendos más sencillos.

Propuestas frescas y veraniegas

Para los días de calor, la fórmula más fresca es la del bolso de paja o rafia acompañado de un pañuelo estampado, de rayas o lunares. El toque final puede ser un lazo alrededor del asa o dejar que la tela caiga libremente, añadiendo movimiento y fluidez al accesorio.

Medios como Elle y Harper’s Bazaar coinciden al subrayar la importancia de los pañuelos estampados en la temporada, destacando cómo este pequeño accesorio puede actualizar un fondo de armario sin necesidad de grandes inversiones.

Equilibrio y armonía en el uso del pañuelo

La última combinación parte de una premisa de equilibrio. Cuando el bolso ya presenta un diseño llamativo, como los modelos de red o con texturas especiales, la recomendación es optar por un pañuelo monocromático en tonos suaves o colores clásicos como azul o rojo. El objetivo es evitar la acumulación de contrastes y lograr una armonía visual entre los materiales y los colores.

Vogue resalta que la clave está en medir la relación cromática y material, para que el pañuelo actúe como un complemento y no como un elemento discordante. Esta visión es compartida por estilistas y editoras de moda consultadas por otros medios, que coinciden en que la personalización debe ser discreta pero efectiva.

La tendencia cobra fuerza porque basta un solo gesto para conseguir un efecto completamente diferente, adaptándose tanto a ocasiones formales como informales y cruzando edades y estilos.

El regreso del pañuelo: fenómeno transversal

El resurgimiento del pañuelo como accesorio estrella no solo responde a la nostalgia por la estética de los años 70, sino también a un deseo de individualidad y creatividad en la moda actual. La facilidad con la que se puede integrar en bolsos de todo tipo lo convierte en el aliado perfecto para quienes buscan destacar sin complicaciones.

Durante el verano europeo 2026, la personalización se impone como tendencia dominante, y el pañuelo se consolida como el recurso más accesible para renovar el armario. Las propuestas vistas en las pasarelas y en las calles confirman que la moda, a menudo, se reinventa a partir de gestos tan sencillos como este.

Quienes se preguntan qué pasó con el pañuelo como accesorio de bolso encuentran la respuesta en su versatilidad y capacidad de adaptación a nuevas tendencias, según las opiniones recogidas por medios especializados.

En su primer Mundial con la selección de España, que hoy disputa su primer partido, Lamine Yamal se presenta como algo más que una promesa futbolística: su figura se convirtió en un emblema de la nueva estética deportiva global.

El catalán de 18 años lleva un estilismo que fusiona elementos urbanos, deportivos y guiños clásicos con una soltura inusual para su edad, proyectando confianza y modernidad.

El núcleo de su estilo recurre a prendas de silueta holgada, bermudas de corte amplio y una paleta cromática que navega entre neutros atemporales y pasteles sutiles. Las texturas marcan presencia: camperas bouclé, bolsos trenzados y materiales técnicos conviven en combinaciones inesperadas.

La funcionalidad es clave, reflejada en accesorios utilitarios, gorras, bolsos de diseñador, auriculares de diadema, que no solo complementan el vestuario, sino que refuerzan su carácter multifacético.

Los looks más destacados de Lamine Yamal

Estética urbana, rayas y utilitarios

En una publicación en sus redes sociales se lo ve con una camiseta de manga larga con rayas horizontales anchas en blanco y negro, de corte holgado y tejido estructurado, que aportó un aire deportivo y relajado. La combinó con bermudas negras de tela rígida, de largo por debajo de la rodilla, sumando estructura y comodidad.

Eligió mocasines de charol negro con calcetines negros, fusionando referencias clásicas con códigos modernos. Como accesorios, incorporó una gorra con estampado camuflado en tonos neutros y un bolso tipo bowling bicolor en negro y beige con detalles metálicos, completando un look en el que predominó la funcionalidad y la estética urbana.

Chándal retro con lujo deportivo

En otro conjunto, apostó por el chándal azul marino con detalles en amarillo y rojo, con el escudo de la selección española, evocando una inspiración retro y deportiva. Tanto la chaqueta como el pantalón ofrecieron una silueta relajada y colores contrastantes.

Sumó una gorra negra con bordado dorado y unos auriculares lila que llevó al cuello, integrando tecnología y personalidad. El bolso tote de tejido trenzado en blanco y negro con solapa negra, junto a la maleta rígida blanca con detalles negros y las zapatillas blancas de suela gruesa, reforzaron la combinación entre funcionalidad y lujo casual.

Básicos neutros en clave de viaje

Durante su llegada a Estados Unidos para el Mundial 2026 optó por una chaqueta bomber azul marino de tejido técnico, abierta sobre una camiseta blanca básica. Los pantalones beige claros, holgados y con bajo elástico, sumaron comodidad y desenfado.

Las zapatillas deportivas negras de diseño voluminoso y la gorra beige con visera curva y estampado gráfico complementaron el conjunto. Como accesorios, destacó el bolso tote trenzado en blanco y negro con solapa negra, los auriculares lila y una maleta rígida blanca, priorizando practicidad y una identidad propia dentro de una paleta neutra.

Casual deportivo y clásico

Yamal eligió una camiseta tipo rugby azul marino con una franja horizontal blanca, de corte holgado y tejido grueso. La coordinó con bermudas negras amplias y zapatillas blancas de suela ancha, junto a calcetines altos blancos, en una combinación que refrescó los códigos clásicos.

El reloj metálico en la muñeca izquierda funcionó como único accesorio, sumando un toque sofisticado a un conjunto que reinterpretó los básicos deportivos en clave juvenil.

Polo pastel y bermuda sastre para la noche

Para un look nocturno llevó un polo de punto en rosa claro, ajustado y de cuello clásico, que aportó suavidad y elegancia. Lo combinó con bermudas negras de sastrería, logrando equilibrio entre lo formal y lo relajado.

Los mocasines de charol negro y las medias blancas de canalé reforzaron la mezcla de estilos, mientras que el reloj metálico otorgó un cierre sofisticado. La selección cromática y las texturas suavizaron el conjunto, ideal para un contexto nocturno o de interior.

Inspiración preppy deportiva

Para otro de sus looks eligió un polo verde claro, de canalé y cuello blanco, decorado con un escudo bordado, como prenda principal de inspiración preppy. Las bermudas beige, de corte recto y largo clásico, sumaron versatilidad.

Las zapatillas blancas y los calcetines a juego mantuvieron la línea deportiva. El reloj metálico introdujo una nota de refinamiento, presentando una propuesta equilibrada entre lo atlético y lo tradicional.

Minimalismo contemporáneo con detalle de color

Una camiseta blanca de corte recto y tejido liso fue protagonista en otro de sus looks, que acompañó con bermudas de jean negra, amplias y de largo generoso. Las zapatillas blancas de suela alta y los calcetines blancos mantuvieron la limpieza visual.

El bolso cruzado, con correa naranja, aportó un toque de color y modernidad, mientras que el reloj metálico sumó presencia discreta. El resultado fue un look minimalista actualizado con un guiño distintivo.

Monocromía negra y acento tecnológico

El futbolista también apostó por una campera corta de tejido bouclé negro con vivos blancos, combinada con jeans negros de corte recto, generando una silueta sobria y monocromática.

Los mocasines de charol negro reforzaron la sofisticación, mientras que el bolso tote trenzado en blanco y negro y los auriculares de diadema rosa pastel, colgados en el asa, introdujeron textura y tecnología. El conjunto se apoyó en la mezcla de materiales y la coherencia cromática, con el accesorio tecnológico como rasgo distintivo.

La ceremonia inaugural del Mundial 2026 en el Estadio Azteca de Ciudad de México reunió a un elenco diverso de artistas que marcaron el comienzo de la Copa del Mundo con una puesta en escena sin precedentes. Shakira encabezó el show con la interpretación de “Dai Dai”, la canción oficial del torneo, acompañada por Burna Boy.

El espectáculo contó también con Maná, Belinda, Los Ángeles Azules, J Balvin junto a Ryan Castro, Lila Downs y Danny Ocean. El show no solo se destacó por la diversidad musical, sino también por la originalidad y el carácter de los looks presentados sobre el escenario. Los artistas lograron reflejar la identidad de la ceremonia a través de sus elecciones estéticas, sumando a la fiesta una dimensión visual tan comentada como la musical.

Shakira eligió para la inauguración del Mundial 2026 un conjunto en tonos amarillos vibrantes, compuesto por un body asimétrico de malla y una falda corta con detalles gráficos y paneles en lila y blanco.

El look incluyó guantes y micrófono a juego, además de gafas de sol oscuras, aportando un estilo moderno y deportivo que se integró con la estética festiva del evento. Estuvo acompañada por bailarinas vestidas con uniformes inspirados en la indumentaria deportiva, en blanco con detalles amarillos y negros, lo que reforzó el espíritu futbolero y dinámico de la apertura.

Burna Boy, cantante nigeriano y referente del afrobeat, optó por un conjunto denim en tono celeste claro, formado por chaqueta y pantalón holgado. Su atuendo incluyó gafas de sol espejadas y pendientes llamativos, aportando un estilo urbano y contemporáneo que contrastó con los colores vibrantes del resto del espectáculo.

Las trenzas largas reforzaron su sello personal en una presentación que combinó modernidad y elegancia relajada, en sintonía con la magnitud del evento.

J Balvin llevó un look llamativo. Eligió una camisa roja brillante, pantalón verde claro y una corbata blanca, en un conjunto que combinó colores intensos de la bandera del país anfitrión y silueta oversize.

El equipo de bailarines que lo acompañó lució trajes de colores vibrantes (rojo, azul, amarillo, verde y lila) con camisas, corbatas y accesorios en tonos contrastantes, lo que creó un efecto visual enérgico y festivo, acorde al espíritu global del evento.

Belinda y Los Ángeles Azules participaron juntos en la ceremonia inaugural del Mundial 2026. Los artistas fusionaron el pop con la cumbia mexicana. La cantante se inclinó por un estilo moderno con un top rosa con brillos encorsetado de mangas largas con recortes en los hombros, acompañado por pantalones de denim con detalles brillantes, que resaltaron su estilo juvenil y audaz sobre el escenario.

Por su parte, Los Ángeles Azules, emblemático grupo mexicano, apostaron por la elegancia clásica: los integrantes masculinos lucieron trajes beige con moño negro, mientras que las integrantes femeninas eligieron vestidos brillantes en tonos dorados. Su presencia aportó un aire festivo y tradicional que realzó la diversidad musical y visual de la jornada inaugural.

El cantante venezolano conocido por su estilo pop y urbano, Danny Ocean, realizó su performance con un conjunto de chaqueta y pantalón en tono borgoña oscuro, acompañado de una camiseta negra y zapatillas deportivas a tono.

Su look aportó un aire moderno y relajado, en contraste con las bailarinas que lo rodearon, vestidas con trajes típicos mexicanos de colores vivos, lo que destacó la fusión entre la música contemporánea y la tradición cultural.

Fher Olvera, cantante de Maná, lució una chaqueta larga de cuero rojo adornada con cordones del mismo color y tachas metálicas, combinada con una camiseta negra y pantalones oscuros que llevaban detalles de botones plateados en el lateral.

Completó su vestimenta con gafas de sol, lo que aportó una presencia rockera y distintiva que conectó tanto con el público local como internacional en este escenario de gran visibilidad.

La ceremonia inaugural comenzó con la presentación de Lila Downs, cantante mexicana reconocida por su fusión de música tradicional y contemporánea. La artista estuvo acompañada por un grupo de bailarines que vistieron prendas inspiradas en las culturas originarias de México, resaltando texturas, colores y accesorios característicos de los pueblos indígenas, en un homenaje a la diversidad y riqueza cultural del país anfitrión.

El mundo del tenis recibió esta semana una noticia inesperada: Serena Williams regresará al tenis profesional tras casi cuatro años retirada.

La ex número uno del mundo confirmó su vuelta a través de un video en sus redes sociales, en el que aparece sobre una cancha, raqueta en mano. Según comunicó la propia Williams, la cita será la próxima semana en el torneo de dobles de Queen’s, en Londres, luego de recibir una invitación especial de la Federación Británica de Tenis (LTA). La campeona de 23 títulos individuales de Grand Slam retornará a la competición a los 44 años, una edad inédita para el circuito femenino de elite.

La última vez que Williams compitió fue en septiembre de 2022, durante el US Open. Su regreso no solo implica la reaparición de una de las figuras más dominantes de la historia reciente, sino también el retorno de un ícono de la moda deportiva y la cultura pop. Cada vez que la campeona estadounidense se presenta públicamente, su estilismo se convierte en comentario obligado. A continuación, un repaso por sus looks más emblemáticos, empezando por el atuendo elegido para anunciar esta nueva etapa.

El manifiesto blanco: el look con el que Serena Williams anunció su regreso al tenis

El anuncio del regreso mostró a Serena Williams con un outfit íntegramente blanco, en alusión directa a los códigos tradicionales del tenis, especialmente los de Wimbledon.

El conjunto incluyó un vestido de tenis tableado, una chaqueta deportiva ligera y una capa fluida que cayó hacia atrás, evocando la estética de una reina en su trono. La composición se completó con zapatillas técnicas y joyas sutiles, como un reloj de alta gama y un anillo destacado.

La puesta en escena, con iluminación dramática y postura de poder, remarcó el mensaje: la ganadora de 23 Grand Slam vuelve a reclamar su espacio en el tenis mundial. Este look ha sido interpretado como una fusión entre la tradición deportiva y la alta costura, un sello personal de la campeona.

Met Gala: escultura, brillo y códigos reescritos

En la Met Gala, la multicampeona sorprendió con un vestido de lamé plateado diseñado por Marc Jacobs, de textura arrugada y silueta asimétrica.

El diseño incluyó un escote cruzado, una banda dramática sobre el brazo y una abertura lateral pronunciada. El calzado, unas sandalias gladiadoras doradas con hojas de laurel, rindió tributo a los campeones de la Grecia antigua.

El estilismo desafió la prohibición clásica de mezclar metales, combinando plata y oro en una misma propuesta. El peinado recogido en rubio platino y la joyería de firmas de lujo completaron un look que fue reconocido como “diosa del Olimpo de la moda”.

El poder del rojo: minimalismo y sofisticación

En una gala BELC Founders Award, Williams apostó por un vestido columna rojo, de corte asimétrico y con un sutil cut-out en la cintura. La melena platinada y el maquillaje de acabado natural crearon un contraste marcado con el tono vibrante del diseño.

La deportista posó con un trofeo de cristal transparente, en un entorno de atmósfera cálida y fondo escenográfico profundo, reforzando la idea de reconocimiento y liderazgo. La elección de un color sólido y un diseño limpio evidenció una búsqueda de elegancia sin excesos, adaptada a su estatus de campeona dentro y fuera de la cancha.

Blanco y negro: elegancia clásica en eventos benéficos

Para un evento de beneficencia, Serena Williams eligió un vestido largo de silueta columna en negro, con escote off-shoulder y banda satinada blanca. Sin estampados ni adornos, la propuesta se apoyó en la estructura y los materiales para conseguir un impacto visual contenido.

Los accesorios discretos, el peinado suave y el maquillaje neutro completaron un look sobrio, adecuado para un entorno formal. La selección de fondo floral y el contraste cromático reforzaron el protagonismo del atuendo, alineado con los códigos de etiqueta de la ocasión.

Azul satinado y bata: sofisticación relajada en la playa

En un contexto de celebración al aire libre, la referente del deporte optó por un vestido satinado azul celeste de tirantes finos y escote drapeado, sobre el que añadió una bata de baño color crema con iniciales bordadas.

El peinado recogido en un moño bajo y los accesorios mínimos, junto a la elección de uñas rojas, generaron una imagen de comodidad y estilo personal. La escena, con el mar de fondo y vegetación alrededor, consolidó una propuesta de glamour descontracturado y funcionalidad estival.

Animal print: audacia y naturalidad

En otra postal de playa, la deportista norteamericana lució un vestido largo de animal print en tonos marrones y negros, de corte halter y ajuste natural al torso. Descalza y con el cabello suelto, acompañó el look con accesorios dorados mínimos. La propuesta reflejó una apuesta por la comodidad y la integración con el entorno, sin perder presencia escénica.

Verde oliva para la alfombra roja: modernidad en “The Roast of Kevin Hart”

Durante el especial “The Roast of Kevin Hart” de Netflix, Serena Williams se presentó con un vestido largo verde oliva de silueta ajustada y escote off-shoulder. La melena suelta en ondas con efecto balayage rubio, junto al collar de eslabones dorados y un maquillaje de ojos definidos, reforzó la imagen de seguridad y dominio del espacio.

El estilismo, adaptado a una gala informal y humorística, evidenció el manejo contemporáneo de las tendencias y la capacidad para destacarse en cualquier entorno mediático.

La industria global de la moda llega a 2026 atravesada por una contradicción. La inteligencia artificial es, según los propios ejecutivos del rubro, la principal oportunidad declarada para el año, por encima de la diferenciación de producto y la sostenibilidad.

Pero cerca del 90% de los proyectos de IA del sector se queda estancado en la fase piloto, según reconoció la propia McKinsey al presentar su último informe The State of Fashion 2026, elaborado con Business of Fashion.

El contexto en el que esto ocurre es difícil. El 76% de los ejecutivos globales del rubro consideran que los aranceles serán el principal obstáculo del año, y el 46% espera que las condiciones empeoren respecto de 2025, ocho puntos por encima del año anterior.

En Argentina, el termómetro tampoco acompaña. Según el último informe de la Cámara Industrial Argentina de la Indumentaria (CIAI), correspondiente al quinto bimestre de 2025, las unidades vendidas en el sector cayeron 13,3% interanual, siete de cada diez empresas reportaron bajas y el 58% calificó la situación económica como “mala” o “muy mala”, el nivel más crítico en dos años.

En ese escenario, la marca Sarkany decidió avanzar con un proceso de adopción de IA serio y secuenciado. Desde febrero de 2026, la empresa fundada por Ricky Sarkany en 1985 trabaja con Joan Cwaik, autor de El Algoritmo (Planeta, 2025), profesor de Tecnologías Emergentes en la Universidad de San Andrés y especialista en implementación de inteligencia artificial en compañías de la región.

El proyecto arrancó con un kick-off general de equipos y se desplegó en sesiones específicas con las áreas de Redes, E-commerce, Diseño e IT, más una capa transversal de definición de política interna y gobernanza de IA. El programa contempla seis etapas y ya transita la última, de profundización.

“La industria del calzado y la indumentaria está cambiando muy rápido. Para nosotros era importante hacerlo bien y que cada equipo se sume con criterio”, señala Ricky Sarkany, fundador de la marca, que cuenta con más de 60 puntos de venta en Sudamérica y lidera el comercio electrónico de su rubro, con poco más de la mitad de sus ventas a través de canales online. “Queremos incorporar herramientas que potencien al equipo creativo y comercial, sin perder lo que hace única a la marca.”

Cwaik aporta la mirada técnica y conceptual del proceso. “La adopción de IA en empresas de moda exige bastante más que comprar una herramienta. Requiere un diagnóstico previo del flujo de trabajo de cada equipo y de los datos disponibles. Sarkany se tomó ese tiempo antes de implementar, y eso es lo que marca la diferencia con la mayoría de los proyectos que terminan empantanados”, explica el divulgador, columnista en Perfil y El Observador, con más de 450 conferencias dictadas en 20 países.

Y agregó: “Lo planteamos al revés de lo habitual. Antes de tocar una herramienta dedicamos tiempo a la concientización, a trabajar con la gente para bajar los miedos que siempre aparecen con la IA y mostrar dónde estaban las oportunidades concretas para cada equipo. Recién después vino el diagnóstico área por área, la revisión de las herramientas que tenían sentido para cada caso y una puesta al día con una industria que cambia de un mes para el otro”.

“Ese trabajo de entender el detrás de escena es el que casi todos se saltean, y es el que después explica por qué tantos proyectos quedan en el piloto. El obstáculo más grande nunca fue técnico, fue alinear expectativas y ganar confianza. Lo que me llevo es que la IA en una marca no se instala, se integra, y depende mucho más de la cultura de trabajo que del software”, concluyó el experto.

La lectura local coincide. Un relevamiento reciente realizado por FUNDAR, la Universidad Torcuato Di Tella, el Observatorio PyME y el Banco Interamericano de Desarrollo muestra que el 47% de las empresas del sector textil en Argentina ya incorpora alguna forma de inteligencia artificial, aunque la mayoría lo hace en aplicaciones acotadas y con poca articulación estratégica. La Unión Industrial Argentina, en su último análisis junto a Accenture, advierte que el 70% de las empresas industriales del país declara no comprender plenamente cómo aplicar IA a su negocio, y apenas una de cada tres invierte en la tecnología.

El caso Sarkany se inscribe en una tendencia más amplia. McKinsey señala que la IA dejó de ser una ventaja competitiva para volverse condición operativa básica del sector. Marcas globales la usan para acelerar diseño de colecciones, optimizar inventarios, predecir tendencias y personalizar experiencias en e-commerce. Lo distintivo del proceso de Sarkany es haberlo abordado de manera integral, con cada área productiva y comercial involucrada desde el principio, en lugar de pilotos aislados.

El regreso del azul cerúleo como tendencia en decoración ha cobrado protagonismo en el diseño de interiores. Impulso derivado del impacto cultural de la película El diablo viste a la moda y la atención renovada de medios especializados como House Beautiful.

Este tono, antes asociado principalmente a la moda, se posiciona ahora como recurso en ambientes contemporáneos, tanto por su historia en el cine como por su adaptabilidad en el hogar.

El azul cerúleo vuelve a estar de moda en la decoración de interiores porque combina una herencia icónica en la cultura pop con una gran versatilidad técnica.

Según el medio citado y expertos como David Turner, este color permite transformar cualquier espacio mediante combinaciones equilibradas y detalles puntuales, adaptándose a estilos cálidos o fríos sin perder frescura.

La escena del “suéter azul cerúleo” en El diablo viste a la moda convirtió este color en un referente global, destacando cómo las tendencias en moda influyen en distintas áreas de la vida cotidiana.

El reciente estreno de la secuela ha revitalizado el interés por el azul cerúleo, que atraviesa fronteras y se consolida en el diseño de interiores. Para los expertos consultados por el medio, este matiz de azul con fondo verde resulta sofisticado y fácil de integrar en paletas variadas, lo que explica su actual popularidad.

David Turner, responsable de producto en Leader Online, remarca la capacidad de este color para revitalizar espacios que parecen apagados. “El azul cerúleo funciona bien tanto en paletas cálidas como frías”, señaló a House Beautiful.

Además, recomienda utilizarlo cuando predominan en el ambiente los tonos neutros, ya que el color aporta energía y transforma el ambiente con un gesto simple.

Cómo incorporar el azul cerúleo en la decoración de tu hogar

La facilidad para integrar azul cerúleo en distintos ambientes reside en su equilibrio de matices. Turner sugiere aplicar el color en piezas principales, como sofás o sillones, para destacar en salas que necesitan dinamismo.

Las opciones de menor compromiso incluyen almohadas, mantas o alfombras, ideales para quienes prefieren experimentar sin mayores reformas o gastos signofocantes.

En espacios como la cocina o el baño, Turner recomienda elementos como azulejos, salpicaderos o muebles pintados de azul cerúleo. Al combinarlos con blanco, mármol o madera clara, se obtiene un resultado fresco, actual y atemporal. Estas propuestas, difundidas por el medio citado, buscan lograr ambientes luminosos y acogedores.

Combinaciones exitosas y efectos en diferentes espacios

El azul cerúleo potencia su atractivo al acompañarse de colores que ofrecen contraste. “El emparejamiento con naranja o amarillo genera un contraste vibrante y lleno de vida”, explicó Turner en declaraciones al medio. Esta combinación genera alegría visual y un entorno estimulante en cualquier habitación.

La madera natural, en tonos como nogal o roble dorado, aporta calidez y equilibrio visual. Para quienes buscan una estética más fría, Turner recomienda mezclar azul cerúleo con rosa suave o taupé, realzando el ambiente con detalles metálicos en bronce o dorado. “La suavidad de los tonos rosa aporta relajación y sofisticación ante la potencia del azul cerúleo”, añadió.

El uso de taupé contribuye a mantener una conexión con la tierra, mientras que los accesorios metálicos, en herrajes y tiradores, añaden un toque distinguido sin recargar el entorno. Estas combinaciones permiten adaptar el azul cerúleo a distintos estilos, garantizando resultados armoniosos y actuales.

La llegada de Rodrigo De Paul a una concentración de la Selección Argentina, a una práctica del Atlético de Madrid o directamente a un partido de fútbol nunca pasa inadvertida. Nacido el 24 de mayo de 1994 en Sarandí, el mediocampista y fiel amigo de Lionel Messi logró convertir los pasillos de estadios y hoteles en verdaderos desfiles de moda. En el marco de su cumpleaños número 32, repasamos los diez atuendos más audaces y disruptivos con los que supo marcar tendencia, tanto en la cancha como fuera de ella. Sin dudas, el “estilo De Paul” se consolidó como un fenómeno que trasciende el fútbol y redefine el vínculo entre deporte y moda.

El equilibrio de las proporciones: cuero cropped y cargo XXL

Uno de los looks más recordados del “Motorcito” se vio en una de sus llegadas a la concentración de la Selección. El ex Racing eligió una campera de cuero corta y ajustada, sobre una remera blanca clásica de cuello redondo, combinada con pantalones parachute oversize de algodón pesado y zapatillas chunky.

El corte de la campera a la cintura resaltó las piernas y dio estructura, mientras que la prenda inferior aportó volumen y movimiento. El brillo sutil del cuero, la opacidad del pantalón y la suavidad de la remera construyeron un conjunto monocromático que nunca resulta monótono. La cadena dorada y los aros completaron el look con un toque de sofisticación urbana.

Blokecore y gorpcore junto a Tini Stoessel

En una imagen que encendió las redes sociales, el mediocampista del equipo que dirige Diego “Cholo” Simeone apareció junto a su pareja Tini Stoessel luciendo una camiseta oversize azul marino con rayas blancas, sudadera gris claro debajo y gorro de lana negro. El look sumó anillos y tatuajes, reforzando su identidad visual.

Tini aportó una chaqueta de piel sintética con ribete marrón y maquillaje natural, logrando una fusión de estilos donde el streetwear y la moda urbana se potencian. La paleta de colores oscuros contrastó con los detalles del interior del vehículo en el que viajan, generando una composición visual atractiva.

Uniforme con marca personal: Atlético de Madrid y “samurai hair”

Durante los entrenamientos con el Atlético de Madrid, De Paul adapta el uniforme oficial a su estilo. Lleva un buzo de entrenamiento azul turquesa con medio cierre, short gris topo y medias blancas arrugadas a la altura del tobillo.

Pero uno de esos tantos días sorprendió al aparecer con un peinado top knot -que despeja el rostro y suma carácter- diferenciándolo del resto del plantel. El rodete alto, los tatuajes al descubierto y un piercing discreto en la oreja aportaron sello propio al código deportivo.

Sastrería urbana y bolso pixel junto a Messi

En una de sus tantas imágenes al lado de Messi, De Paul fusionó una remera blanca básica, pantalón de vestir oversize y un bolso Keepall de Louis Vuitton con motivo pixelado multicolor. La gorra azul marino hacia atrás y las zapatillas blancas de perfil bajo cerraron un conjunto que dialoga con el normcore clásico del 10.

El contraste entre estilos y la elección de accesorios de lujo convirtió la escena en un duelo silencioso de filosofías de moda dentro del fútbol argentino.

Maximalismo de lujo: Off-White y accesorios premium

Para un viaje de concentración, el número 7 de la Albiceleste apostó por un conjunto inspirado en la NBA, firmado por Off-White. Jersey y short XXL en blanco y rojo, bolso Louis Vuitton x Supreme cruzado al hombro y valija Rimowa de aluminio en mano.

Las zapatillas chunky y la gorra trucker reforzaron la impronta maximalista y el lujo urbano, mientras que la cadena dorada y el reloj aportaron un destello de exclusividad. La combinación de prendas oversized y accesorios de alta gama elevó el outfit a categoría de culto para el streetwear internacional.

Cornrows y bolso de Pharrell Williams para Louis Vuitton

Uno de los momentos más virales fue su llegada a Ezeiza con trenzas cornrows y un bolso Speedy de edición limitada diseñado por Pharrell Williams para Louis Vuitton. El pantalón patchwork de denim en azul y celeste y la musculosa blanca ajustada completaron un look de alto impacto.

La combinación de peinado, prendas funcionales y accesorios exclusivos consolidó a De Paul como referente de la moda global.

Nostalgia Y2K: denim deconstruido y jersey cropped

El guiño a los años 2000 se expresa en otro look viral, donde De Paul posó con una camiseta de Dsquared2 marrón, acortada de modo que dejó ver la banda elástica de la ropa interior, junto a un jean baggy de tiro medio-bajo con paneles y cierres expuestos.

La gorra hacia atrás, las zapatillas skater y la cadena dorada completaron un conjunto que celebró la nostalgia Y2K desde una mirada contemporánea. El éxito del outfit radicó en la paleta cromática cohesionada y el equilibrio entre piezas voluminosas y detalles de lujo.

Color y contraste: Balenciaga, layering y valija verde

En una de sus llegadas al predio Lionel Messi de la AFA, De Paul llevó el maximalismo urbano al extremo con un jersey Balenciaga rojo universitario superpuesto sobre mangas largas negras, pantalón jogging XXL y una valija Louis Vuitton verde esmeralda.

El contraste cromático entre el rojo y el verde, junto al bolso negro y las zapatillas con detalles celestes, generó un impacto visual inmediato. La superposición de prendas y el uso estratégico de accesorios convirtieron el look en una declaración de actitud y riesgo estilístico.

Varsity premium: bomber de cuero y jeans clásicos

En un giro hacia el vintage americano, el campeón del mundo lució una campera bomber varsity de cuero negro, con detalles en beige y parches bordados, combinada con jeans rectos y zapatos formales de cuero.

El peinado half-bun y el bolso de mano marrón texturizado sumaron sofisticación y discreción. El outfit equilibró nostalgia, sobriedad y lujo silencioso, demostrando la versatilidad de su propuesta estética.

Espíritu veraniego en Miami: Y2K skater y básicos elevados

Durante una estadía en Miami, el mediocampista eligió una remera blanca acanalada, bermudas cargo XXL con tiras técnicas colgantes, gafas Y2K, gorra trucker y zapatillas chunky oscuras. El volumen oversize de las bermudas y la textura de la remera aportaron interés visual, mientras que los accesorios reforzaron el espíritu skater y urbano. El look resultó ideal para el clima cálido y muestra cómo adaptó las tendencias globales a su estilo personal.

Este domingo, Rodrigo De Paul cumple 32 años consolidado como uno de los grandes referentes del estilo urbano en el ámbito futbolero. Su capacidad para reinterpretar tendencias, mezclar lujo con códigos deportivos y desafiar los límites de la vestimenta futbolera hizo de cada aparición un acontecimiento, trasladando la conversación sobre moda desde las revistas especializadas al vestuario y los estadios. A pocos días del Mundial 2026, ¿con qué nos sorprenderá?

La moda atraviesa un momento de cambio, donde las tendencias pierden peso frente a la búsqueda de autenticidad. Vestirse dejó de ser solo una respuesta a lo impuesto por el mercado para convertirse en una herramienta de autoexpresión. En este contexto, las claves para construir una identidad propia se encuentran en la capacidad de reflejar, a través de la ropa, los rasgos más personales y genuinos. El vestuario funciona como una extensión de la personalidad y permite que cada persona narre su historia sin palabras, usando la elección de prendas como un lenguaje propio.

En esto hizo hincapié Cynthia Kern, fundadora y directora creativa de Kosiuko, durante la primera edición de las Charlas de BAFWEEK. En el Cine Atlas Alcorta, la diseñadora de moda abordó el desafío de construir esa identidad personal a través de la forma de vestir.

Antes de iniciar su presentación, Kern dialogó en exclusiva con Infobae y fue contundente: “Tu imagen te define, te definió y te definirá“. En ese sentido, insistió en la importancia de la observarse a uno mismo como paso inicial para definir el estilo propio. “La identidad más grande la encontrás en el momento en que hacés una autoobservación profunda, te mirás al espejo, descubrís tus fortalezas y decidís qué querés contar con tu forma de vestir”, explicó. La diseñadora sugirió que se trata de un trabajo interno, que requiere honestidad y disposición a salir de la zona de confort para experimentar con nuevas combinaciones y recursos estéticos.

Consultada por Infobae sobre las tendencias de la temporada, Kern priorizó conceptos como el layering, el uso de pieles y cueros, el customizado y la sastrería, pero aclaró que la clave “es generar un estilo que traspase todo”. Desde la mirada de la diseñadora, el desafío no está tanto en adoptar modas pasajeras, sino en construir una estética personal que trascienda las imposiciones externas.

La ropa, nuestra segunda piel

Uno de los ejes de la “Styling Talk” fue la necesidad de “editar el vestidor”, entendida como la capacidad de seleccionar prendas esenciales y descartar lo que ya no representa la identidad personal.

Para Kern, “descartar, seleccionar y elegir no es menor, sino que es un trabajo enorme y hay que ponerle mucha onda”. Por eso, sugirió que el lujo hoy tiene más relación con el orden y la calidad que con la acumulación, y que tener buen ojo implica tanto ordenar la ropa como las ideas y la narrativa propia.

La diseñadora resaltó que la vestimenta es mucho más que una capa externa: constituye una prolongación de la personalidad y un reflejo de la historia individual. “La ropa es nuestra segunda piel y eso no lo podemos negar, porque nuestra segunda piel necesita nutrirse, desplegar alas y estar cuidada. Y lo tenemos que nutrir nosotros. El estilo puede tener intuición natural, pero se afina con cultura, sensibilidad y experiencia”, remarcó.

Durante su exposición, Kern advirtió sobre el efecto uniformador de las redes sociales, que tienden a clonar patrones de belleza y vestimenta.

Frente a ese fenómeno, propuso “creer en mujeres reales, en personas creíbles y en cosas alcanzables”, destacando la necesidad de validar y potenciar los recursos propios. La creadora de la reconocida marca de ropa sostuvo que no existen reglas absolutas en la moda y que la clave está en que cada persona pueda descubrir qué le queda bien y cómo le interesa mostrarse ante los demás.

También hubo un tiempo para los recuerdos. Fue cuando compartió momentos de su infancia vinculados a la moda, como su fascinación por las revistas y el ritual de vestir muñecas para diferentes situaciones. “A cada una la tenía que vestir para un evento distinto. Era un desafío que me marcó”, relató. Este tipo de experiencias, según su perspectiva, siembran desde temprano la inquietud por el estilismo y la búsqueda de identidad.

Tendencias actuales y autoestima

Ante el público presente, Kern exclamó que hoy la magia de la marca está en que a la gente le encanta esa mujer real y disruptiva: “El ‘no rules’ y el seguir las reglas propias”. Sobre ese punto, insistió en la importancia de nutrir el vestidor con piezas que reflejen la identidad y permitan experimentar diferentes facetas, sin temor a la mirada ajena.

La autoestima, según la diseñadora de moda, influye de manera directa en la forma en que una persona despliega su imagen. “El mismo look se lo puedo dar a dos clientas diferentes y una lo va a desplegar con una maravillosidad total y otra quizás va más encorvada, más insegura”, ejemplificó.

Según su mirada, el estilo personal se compone de tres dimensiones: la cultura, la sensibilidad y la experiencia. En ese sentido, mencionó la influencia de películas, museos y videoclips en la construcción de una mirada propia y defendió el valor de la experimentación: “El estilo puede tener una base intuitiva, pero se afina con cultura, sensibilidad y experiencia”.

Al cerrar su participación en las Charlas de BAFWEEK, Cynthia Kern animó a las asistentes a abrazar el cambio, animarse a probar combinaciones inesperadas y confiar en las herramientas personales. “No me importaba si cuando yo tenía puesto ese pantalón le gustaba a los demás. Importa lo que sienta yo”, concluyó la diseñadora, en una invitación a priorizar la autenticidad y resignificar la moda como espacio de libertad.

Fotos: Nina Brasca

La alfombra roja de los Martín Fierro 2026 se convirtió en el punto de encuentro de las figuras más reconocidas de la televisión argentina. En el hotel Hilton, las celebridades desfilaron ante las cámaras, marcaron tendencia y mostraron las propuestas más audaces y elegantes de la temporada.

La expectativa no solo giró en torno a los premios, sino también a los looks de los nominados y los invitados, que año tras año convierten esta gala en una verdadera pasarela de moda nacional. En esta edición, Infobae reunió las miradas expertas de los diseñadores Benito Fernández, Roberto Piazza y Verónica de la Canal, quienes analizaron cada atuendo y compartieron su visión sobre las elecciones estilísticas de las estrellas.

Los looks de las celebridades en la alfombra roja de los Martín Fierro 2026

Iván de Pineda

Iván de Pineda se presentó con un esmoquin negro de solapas satinadas, acompañado por una camisa blanca clásica y un moño negro. El look incluyó pantalón de vestir y zapatos de charol negros. Adornó el saco con una escarapela celeste y blanca en la solapa izquierda, debido a la fecha patria. Roberto Piazza definió el estilo como “elegante, clásico, eterno y muy bien como corresponde”.

Moria Casán

Benito Fernández celebró el look de Moria Casán: “Un espectáculo. La verdad que se ganó la mirada de todos. El primer vestido es espectacular, de Pucheta Paz, increíble. Le queda divino el blanco, el volumen que está superbién puesto, porque en situaciones anteriores otras artistas se pusieron volúmenes que las tapaban, que las incomodaban, y acá el volumen está impecable, que es lo que se viene. El maximalismo. Ya el minimalismo ahora se transformó en maximalismo, en la moda y en la decoración. Me parece que nadie mejor para llevar algo maximalista es Moria. Así que nada, le ponemos un diez rotundo”.

Juli Poggio

Juli Poggio eligió un vestido confeccionado por Pucheta Paz en tono nude de silueta sirena, de tejido satinado estructurado. El diseño strapless se ajusta al cuerpo hasta las rodillas, donde se abre en una voluminosa falda con pliegues marcados y una extensa cola que aporta dramatismo a la escena. La costura se encuentra íntegramente decorada por plumas.

Sofi Gonet

Sofi Gonet deslumbró con un vestido de Gone en tonos celeste y champagne, inspirado en la forma de una escarapela desarmada. El diseño presenta un corset estructurado y una voluminosa falda texturada. Combinó esta elección con joyas de Jean Pierre: aros, anillos y collar de oro amarillo y brillantes.

Ángel de Brito

Ángel de Brito llevó un esmoquin de terciopelo verde oscuro con solapas satinadas, camisa negra y moño al tono. Completó el look con una escarapela en la solapa izquierda, reloj de pulsera y zapatos de charol negros.

Wanda Nara

Wanda Nara sorprendió con un diseño de Gone en tono marfil, confeccionado en gasa drapeada con escote off shoulder y corset visible, acompañado por una falda de gran caída y cola.

Gimena Accardi

Gime Accardi resaltó con un vestido de Valentina Schuchner. De la Canal destacó el look: “Líneas puras y súper net. Muy elegante el detalle de los guantes translúcidos”.

Flor Jazmín Peña y Nico Occhiato

Flor Jazmín Peña optó por un vestido largo de encaje negro, con transparencias y un diseño ajustado al cuerpo. El escote halter cruzado dejó los hombros descubiertos, mientras que el cabello lo llevó suelto y lacio, acompañado de pendientes brillantes. Nico Occhiato lució un esmoquin negro con solapas de raso, camisa blanca y moño negro. Eligió zapatos negros de charol y añadió un prendedor en la solapa, junto con una pulsera roja en la muñeca izquierda.

Verónica Lozano

Verónica Lozano desfiló con un diseño de Javier Saiach en shantung negro. La pieza destaca por su escote en U y un corsage allongé completamente entallado, con una estructura interna que define y acompaña la silueta. La falda fue confeccionada en la misma textura arruchada del shantung, lo que aporta profundidad y movimiento.

Anita Espasandín y Benjamín Vicuña

Anita Espasandín combinó una blusa blanca con cuello alto y mangas con volados estructurados junto a un pantalón negro de corte acampanado. Optó por lucir el cabello recogido en una coleta prolija, sumando aros discretos y sandalias negras con detalle metálico.

Benjamín Vicuña se inclinó por un esmoquin negro de solapas satinadas, al que sumó camisa blanca, moño negro y prendedor plateado. Añadió un pañuelo blanco en el bolsillo y zapatos de charol.

Luis Ventura

Luis Ventura se presentó con un esmoquin negro de tres piezas, sumando chaleco y solapa satinada.

Tato Algorta

Tato Algorta se inclinó por un traje sastre en color negro, compuesto por saco, chaleco y pantalón de corte clásico. Combinó el conjunto con una camisa blanca y una corbata negra fina, aportando un toque formal y pulcro. Vero de la Canal destacó: “Correcto y clásico, acorde a la ocasión”.

Darío Lopilato

Sobre el look de Darío Lopilato, Benito Fernández opinó: “Me parece que está bien, está correcto. Me parece mucho el pelo y el brillo del saco. Las dos cosas juntas es lo que no me termina de convencer. Lo miro sin el saco y está bien el pelo. Miro el saco sin el pelo y está bien el saco, pero las dos cosas juntas me parece que es un montón. Pero está correcto”.

“Divertido y con un gesto fashion”, describió Vero de la Canal.

Marcos Giles y Ángela Torres

Marcos Giles apareció con un traje negro de saco cruzado y solapas de raso, camisa blanca y corbata negra. Eligió zapatos negros de cuero y llevó una pulsera roja en la muñeca izquierda.

Ángela Torres se mostró con un vestido largo amarillo claro de tirantes finos y escote en V, acompañado por un chal de piel sintética blanca. Optó por un peinado recogido con raya al medio y sumó un collar de eslabones plateados como accesorio. Sonrió ampliamente mientras sostenía la cola del vestido.

Josefina “China” Ansa

Josefina Ansa apostó por un vestido largo en color rojo, confeccionado en un tejido de textura satinada y corte strapless. El diseño presenta una silueta ceñida en la parte superior y una falda amplia con una abertura lateral pronunciada que deja ver parte de la pierna derecha.

Al analizar su paso sobre la alfombra roja, De la Canal precisó: “Muy de red carpet: una chica al rojo vivo”.

Micaela Viciconte

Mica Viciconte vistió un diseño de Casa de Muñecas compuesto por un vestido negro con transparencias y bordados de lentejuelas en motivos geométricos. El look se completó con un abrigo largo de textura aterciopelada en negro, que sumó volumen y contraste al conjunto.

Pamela David y Daniel Vila

Pamela David lució un vestido largo en tono berenjena, de silueta ajustada, con un solo hombro y detalle de aplique brillante en el hombro izquierdo. Llevó un clutch plateado y aros colgantes oscuros. Daniel Vila la acompañó con un traje azul oscuro, camisa blanca y corbata en tono violeta con microdibujo.

Maxi López

Maxi López optó por un esmoquin negro clásico de solapas satinadas, acompañado de camisa blanca con botones negros y moño al tono. Completó el conjunto con pantalón de vestir y zapatos de charol negros.

Diego Poggi

Benito Fernández analizó la propuesta de Diego Poggi y afirmó: “Impecable. Me parece que está bárbaro. El saco le queda perfecto. Lo único que me parece que el pantalón no lo hubiese hecho tan largo porque se le abulona mucho. Un poquito más corto el pantalón hubiese quedado perfecto. Pero la verdad que está bien de pelo, todo impecable”.

Karina Mazzocco

Karina Mazzocco deslumbró con un diseño de alta costura de la diseñadora Nuria Bueno: un vestido rojo con escote off shoulder, mangas voluminosas y corset drapeado que realza la silueta. La falda, de caída fluida y drapeado lateral, se extiende con una cola que aporta movimiento y presencia. Completó el look con un abrigo rojo de textura y clutch de Anna Rossatti.

Lucila “La Tora” Villar

Lucila Villar vistió un vestido largo en tono nude de acabado satinado, con escote off-shoulder y detalles estructurados en el busto. El diseño incorpora una abertura lateral en la falda, que deja ver la pierna izquierda. La prenda se ajusta a la silueta y cae hasta el suelo con una leve cola.

Piazza apuntó: “elegante y distinguida, sin nada de espectacularidad. Falta glamour”.

Angie Landaburu

Angie Landaburu dijo presente con un vestido largo en tono marrón, de escote profundo en “V” y falda con abertura lateral. El diseño incorporó una faja y un pañuelo largo color fucsia, aportando contraste y dinamismo al conjunto.

Fue una de las presencias más esperadas de la gala. “Muy original y chic. Me copa esa combinación de habano y fucsia”, celebró De la Canal.

Eliana Guercio

Eliana Guercio optó por un vestido largo negro de silueta ajustada y falda levemente acampanada, que se extiende hasta el suelo. Combinó el look con un abrigo corto de pelo negro y una cartera rectangular al tono, sostenida por una delicada tira.

Grego Rossello

Grego Rossello llevó un traje azul con solapas negras, acompañado de una camisa blanca y un moño negro. Vero de la Canal aprobó el atuendo: “Súper cool. Me gusta la elección de smoking en color azul y muy bien el detalle de la escarapela también”.

Yanina Latorre

Yanina Latorre llevó un vestido negro de Menage a Trois, de silueta ajustada y confeccionado en encaje con transparencias y apliques de brillo, acompañado de escote halter y joyas.

Roberto Funes Ugarte

Roberto Funes Ugarte seleccionó un esmoquin de terciopelo negro, con solapas anchas de textura satinada y pantalón a juego. Llevó camisa blanca y moño negro, sumando una escarapela en la solapa izquierda. Completó el look con zapatos de charol y un reloj plateado de pulsera ancha. “Impecable y distinguido como siempre. Clase absoluta”, dijo De la Canal.

“Mi look es de Ralph Lauren, todo el traje; el esmoquin es de Javier Saiach y las alhajas son de mi familia”, le dijo Funes Ugarte a Infobae.

Marley

Marley impactó para la ocasión un esmoquin negro con saco de textura discreta y solapas satinadas, acompañado de una camisa blanca abotonada y moño negro.

La Joaqui

La Joaqui apostó por un vestido largo negro de inspiración lencera, confeccionado en tela con acabado satinado y detalles de encaje en el corset. El diseño, de silueta ajustada, incluye transparencias en la parte superior y costuras marcadas que realzan la estructura del bustier.

“Estoy feliz: encaje, transparencias, negro, bien gótico, porque soy de escorpio y quiero que eso se note”, destacó la artista ante la consulta de Infobae.

Federico Bal y Evelyn Botto

Federico Bal optó por un esmoquin negro de solapas satinadas, camisa blanca y moño negro, acompañado de zapatos de charol. Sumó gafas de sol oscuras, lo que le aportó un toque distintivo a su look. Evelyn Botto eligió un conjunto sastrero negro de saco cruzado con botones plateados y escote profundo, combinado con pantalón ancho al tono.

Evelyn Botto habló con Infobae sobre su elección. “Natalia Antolín, la línea de Verónica Lozano. Estoy muy cómoda con el look, que es lo más importante”.

Ian Lucas

Ian Lucas vistió un traje de raso rosa claro, compuesto por saco, pantalón ancho y camisa a juego con escote profundo. Incorporó un collar de cuentas plateadas y aros pequeños.

Alberto Cormillot y Estefanía Pasquini

El doctor Alberto Cormillot se decidió por un traje negro clásico, camisa blanca y corbata celeste con pequeños puntos, además de una escarapela en la solapa. Estefanía Pasquini optó por un vestido largo en tono verde esmeralda, con transparencias y bordados florales en la parte superior, mangas largas y falda de gasa.

Marisa Andino

Marisa Andino llegó con un vestido largo blanco de líneas simples, confeccionado por Claudia Arce, con tirantes finos y escote recto. La falda incluye una abertura pronunciada que deja la pierna izquierda al descubierto. Acompañó el look con una capa de encaje blanco bordado, que se extiende desde los hombros hasta el suelo.

Cristina Pérez y Luis Petri

La periodista Cristina Pérez eligió un vestido largo de tul translúcido, bordado con motivos florales en tonos rosados, celestes y blancos, con escote profundo y silueta ajustada. Su pareja, el diputado Luis Petri, vistió un traje azul oscuro de tres piezas con chaleco y saco entallado.

Gastón Trezeguet

Gastón Trezeguet deslumbró con un traje negro de corte clásico, combinado con una camisa blanca sin corbata. Destacó el conjunto con dos accesorios dorados de gran tamaño: una flor metálica sobre el lado izquierdo del saco y un anillo que cubre varios dedos de la mano derecha y se extiende hasta convertirse en una pulsera.

Teté Coustarot

Teté Coustarot eligió un conjunto sastrero blanco, compuesto por un saco largo de solapa ancha y una falda amplia del mismo tono. Llevó una blusa blanca debajo y completó el look con un broche rectangular en la solapa izquierda. Optó por una cartera de mano blanca y zapatos al tono. Lució el cabello suelto con ondas y flequillo, y sumó aros colgantes brillantes.

Carolina Amoroso

Carolina Amoroso vistió un vestido de gala bordó, diseñado por Camila Romano.

Daniel López Rosetti

El doctor Daniel López Rosetti vistió un traje negro clásico de dos piezas, acompañado de camisa blanca y corbata gris con microdibujo.

Luck Ra

El cantante Luck Ra dialogó con Infobae sobre su look. “Es un conjunto blanco que me hizo mi estilista, Eli Locatelli, a quien realmente hay que aplaudir porque logra que me vea bien”.

Flor de la V y Pablo Goycochea

Flor de la V llevó un vestido largo en satén rojo, de silueta ajustada y escote estructurado en forma de corazón. El diseño incluye tirantes finos y una falda que se extiende en una amplia cola, aportando movimiento al conjunto.

Pablo Goycochea la acompañó con un esmoquin negro de solapas satinadas, camisa blanca, moño negro y pañuelo estampado en el bolsillo del saco.

Daniel Gómez Rinaldi

Daniel Gómez Rinaldi vistió un saco de terciopelo rojo oscuro, una camisa blanca y una corbata delgada en tono burdeos. Llevó un pañuelo claro en el bolsillo del saco y un pin circular en la solapa izquierda.

Milva Castellini

Milva Castellini eligió un vestido largo de lentejuelas en tono borgoña, con cuello halter y espalda descubierta. Lució el cabello suelto con ondas suaves y llevó un clutch metálico dorado.

Rodolfo Barili

Rodolfo Barili optó por un traje negro de tres piezas, compuesto por saco, chaleco y pantalón. Combinó la camisa blanca con una corbata y un pañuelo de bolsillo en tono negro satinado.

Vicky Xipolitakis

Vicky Xipolitakis apostó por un vestido largo negro de gran volumen de Pucheta Paz, confeccionado en un tejido de acabado brillante. El diseño strapless presenta un corset estructurado y una falda amplia que se extiende en una extensa cola. Completó el look con guantes largos al tono, un collar y pendientes de piedras claras, además de una escarapela.

Luciano Cáceres

Luciano Cáceres fue vestido por Fabián Zitta. Arribó con un saco de terciopelo negro, que acompañó con una camisa blanca de textura fina y una corbata negra ancha.

Dominique Metzger

Dominique Metzger, vestida por Natalia Antolín, lució un vestido negro de líneas sirena, confeccionado con apliques brillantes y un escote estratégico en la espalda. Completó el conjunto con un spencer de tul de seda transparente, adornado con piedras y plumas en los puños. Para los accesorios, eligió joyas de Rubí Rubí: un par de aros octogonales de brillantes y platino, junto a un anillo de brillantes.

Guido Kaczka y Soledad Rodríguez

Soledad Rodríguez llevó un vestido largo negro de escote profundo y tela lisa, sin mangas, acompañado de un bolso de mano negro. Su cabello rubio lució suelto, con ondas suaves y raya al medio. Guido Kaczka vistió un traje negro clásico compuesto por saco y pantalón, junto a una camisa blanca y una corbata negra delgada.

Candela Molfese

Candela Molfese eligió un vestido largo en gasa, con bustier fruncido, escote con abertura central y tirantes finos. La falda, amplia y semitransparente, presenta volados horizontales que aportan movimiento y textura al diseño.

Laila Roth

Laila Roth eligió un vestido largo en color rojo intenso, con una silueta amplia y detalles que remiten a un trench, como solapa ancha, botones forrados y cinturón al tono que marca la cintura. El diseño incluye mangas tres cuartos y bolsillos laterales. “Es un vestido con inspiración en un trench. Lo hizo Mati de Un Lobo Blanco, y el estilismo lo hizo Paula Bianchini”, apuntó a Infobae.

Agustín “Rada” Aristarán

Agustín “Rada” Aristarán asistió junto a su hija Bianca con un traje oscuro de saco cruzado y pantalón al tono, acompañado de camisa blanca y corbata negra fina. Eligió zapatos de charol y una pulsera plateada en la muñeca izquierda.

Daniela Celis

Daniela Celis eligió un vestido largo negro de silueta ajustada y diseño asimétrico, con un solo hombro y un recorte frontal en forma de lágrima, bordeado con apliques plateados brillantes. El look se completó con una escarapela celeste en el lateral y varios anillos finos en ambas manos. “Me siento empoderadísima”, dijo a Infobae.

Natalie Weber

Natalie Weber lució un vestido de silueta sirena en terciopelo negro, strapless y ajustado al cuerpo, que se abre en una voluminosa falda de tul blanco a partir de las rodillas. Completó el conjunto con guantes largos de terciopelo negro, pendientes colgantes y un collar fino plateado.

Más looks de los Martín Fierro 2026

Mariana Brey

Sebastián Nebot y Lizy Tagliani

Ximena Capristo

Marcela Feudale

Edith Hermida

Tatiana Schapiro

Nelson Castro

Marcelo Polino

Jimena Grandinetti

Mariano Iúdica

Matilda Blanco

Fotos: RS Fotos, Jaime Olivos, Maximiliano Luna y Prensa TELEFE

La alfombra roja de los Martín Fierro 2026 se consolidó como el epicentro de la moda televisiva argentina, con figuras que apostaron a looks de alto impacto en una noche de gala. En el salón del Hotel Hilton, la expectativa por los premios se vio acompañada por el análisis de los estilismos, que exhibieron una variedad de tendencias definidas por la paleta de colores, los materiales y los detalles de autor.

La nueva edición mostró una convivencia de estilos, donde el blanco, el negro y el rojo dominaron la escena, y el maximalismo se expresó tanto en los volúmenes como en los accesorios.

Blanco total y maximalismo

El blanco se impuso como uno de los colores centrales de la gala. Moria Casán eligió un vestido voluminoso de Pucheta Paz, que según Benito Fernández, “se ganó la mirada de todos” y ejemplificó la tendencia hacia el maximalismo, donde el volumen fue protagonista. “El volumen está impecable, que es lo que se viene. El maximalismo ahora se impone en la moda”, afirmó el diseñador a Infobae.

Este color también se vio en propuestas sastreras, como el conjunto de Teté Coustarot, que fusionó elegancia clásica con una impronta moderna. En la moda masculina, Luck Ra apostó por un total white, lo que confirma la vigencia de esta tendencia en diferentes estéticas y géneros.

Wanda Nara se destacó con un diseño de Gone en tono marfil, confeccionado en gasa drapeada, escote off shoulder y corset visible, acompañado de una falda de gran caída y detalles brillantes. El look se completó con joyas que sumaron presencia y sofisticación en la alfombra roja.

El maximalismo se expresó no solo en los volúmenes, sino también en detalles y texturas. Las capas, los pliegues y las siluetas estructuradas aportaron dramatismo a los atuendos, desplazando el minimalismo de temporadas anteriores.

Sofi Gonet fue una de las figuras que personificó esta estética, con un vestido escultural en tonos celeste y champagne, inspirado en la forma de una escarapela desarmada en honor al Día de la Escarapela. La pieza con corset estructurado y falda texturada se destacó además por la combinación de materiales y el acompañamiento de joyas de alto impacto visual.

A su vez, Juli Poggio apostó por un vestido sirena nude con cola XL y apliques de plumas, firmado por Pucheta Paz, que sumó dramatismo y movimiento a la alfombra roja, consolidando la apuesta por el volumen y los detalles exuberantes.

Negro clásico y brillos de impacto

El negro mantuvo su lugar como color emblemático de la gala, aunque renovado por materiales brillantes y acabados satinados. Vicky Xipolitakis lució un vestido negro de Pucheta Paz que contó con un gran volumen y acabado brillante, complementado con guantes largos y joyas de piedras claras.

La sastrería masculina reafirmó la sobriedad del negro, como en el caso de Iván de Pineda, quien optó por un esmoquin de solapas satinadas, camisa blanca y moño negro. Roberto Piazza lo definió en diálogo con Infobae como “elegante, clásico, eterno y muy bien como corresponde”.

El brillo también se manifestó en propuestas femeninas con lentejuelas, bordados y accesorios metálicos, aportando luz y dinamismo a los conjuntos. Micaela Viciconte fue una de las figuras que apostó a esta estética, con un vestido negro de transparencias y bordados de lentejuelas en motivos geométricos, al que sumó un abrigo largo de textura aterciopelada.

Rojo audaz y siluetas ceñidas

El rojo fue el color elegido por varias figuras que buscaron destacarse. Karina Mazzocco llevó un vestido de alta costura de Nuria Bueno con escote off shoulder, mangas con volumen y corset drapeado, acompañado de un abrigo y clutch al tono.

Josefina “China” Ansa apostó por una silueta ajustada y falda amplia con abertura, mientras que Laila Roth optó por un diseño inspirado en el trench, con detalles de sastrería y una silueta amplia que marcó la diferencia.

Flor de la V también sumó a la tendencia con un vestido largo en satén rojo, escote estructurado y amplia cola. El rojo se consolidó como símbolo de audacia y sofisticación, con modelos que exploraron volúmenes, cortes y texturas.

Transparencias y encajes con protagonismo moderado

Aunque las transparencias y los encajes perdieron fuerza respecto a ediciones previas, algunas celebridades mantuvieron esta tendencia. Yanina Latorre lució un modelo ajustado en encaje con apliques de brillo, mientras que La Joaqui apostó por un diseño lencero con corset de encaje y detalles góticos.

“Empezaron a aflojar las transparencias. Me parece que se dieron cuenta que las transparencias y las abstracciones ya no suman tanto”, explicó Fernández a Infobae. La preferencia por materiales opacos y estructurados marcó una transición en los códigos de sensualidad y sofisticación.

Fotos: Jaime Olivos, Maximiliano Luna, RS Fotos, Prensa TELEFE

La elección de este lugar icónico en Nueva York representó un movimiento estratégico de Kering, el grupo propietario, para reposicionar a la casa italiana en la cima del sector del lujo, en un contexto de transformación interna y desafíos económicos.

El evento, realizado la noche del sábado, marcó el primer desfile Cruise de Demna al frente de Gucci, quien asumió el cargo en julio de 2025 luego de una década en Balenciaga y tras el paso de Sabato De Sarno por la dirección creativa.

En declaraciones recogidas por Reuters, Demna afirmó: “Quise hacer lo imposible y colocar a Gucci en el centro de esta metrópolis”.

La pasarela fue transmitida en directo a través de las pantallas electrónicas de Times Square y atrajo tanto a turistas como a figuras influyentes de la industria. Previamente, el diseñador georgiano había presentado su primera colección para la marca en Milán en febrero, consolidando su llegada a la firma italiana.

Celebridades y pluralidad de estilos en el regreso de Gucci a Nueva York

La colección, titulada GucciCore, combinó referencias a la historia de la casa con una mirada contemporánea sobre la moda urbana.

Según Vogue, el concepto reflejó “un regreso a casa para la marca”, recordando que la expansión internacional de Gucci comenzó en Nueva York con la apertura de su primera tienda fuera de Italia en 1953.

Las propuestas de Demna incluyeron trajes de negocios, gabardinas y vestidos de gala de largo completo, con modelos y celebridades que desfilaron para una audiencia repleta de personalidades.

Entre los rostros destacados sobre la pasarela se encontraron Cindy Crawford, quien cerró el evento, y el exjugador de fútbol americano Tom Brady.

El público estuvo compuesto por figuras como Anna Wintour, jefa editorial de Vogue, Marc Jacobs, Paris Hilton, Mariah Carey, Kim Kardashian, Shawn Mendes, Lewis Hamilton, Lindsay Lohan, Iman y Carine Roitfeld.

El desfile también sumó a músicos como Lil Uzi Vert y Playboi Carti, y a otras figuras del espectáculo como Lady Bunny, Alton Mason, Alix Earle y Molly Gordon, según detalló Vogue. La variedad de asistentes y estilos reforzó la pluralidad que, según Demna, “intersecta como las calles de la ciudad”.

El evento de Gucci se inscribió en una tendencia creciente entre las casas europeas de lujo de llevar sus colecciones Cruise a enclaves emblemáticos de Norteamérica.

Reuters señaló que la decisión responde a la búsqueda de nuevos mercados tras el descenso en el gasto de consumidores de Oriente Medio, influido por el conflicto entre Irán e Israel y la consiguiente caída del turismo internacional.

En este contexto, otras firmas como Christian Dior y Louis Vuitton optaron por escenarios estadounidenses: Vogue confirmó que Louis Vuitton presentará su desfile en la Frick Collection de Nueva York el 20 de mayo de 2026.

La estrategia de Kering y el futuro de Gucci en el segmento del lujo

La presentación en Times Square se produjo en un momento clave para Kering, conglomerado francés dueño de Gucci, Yves Saint Laurent y Boucheron.

El grupo reportó una baja del 8% en las ventas de Gucci durante el primer trimestre de 2026, lo que motivó un plan de recuperación liderado por Luca De Meo, nombrado director ejecutivo en septiembre de 2025.

De acuerdo con Reuters, De Meo se ha propuesto más que duplicar el margen operativo de Kering y reposicionar a Gucci como la referencia principal del sector.

La marca representa actualmente la mayor parte del beneficio operativo del grupo, por lo que su desempeño resulta determinante en la salud financiera de la compañía.

La colección GucciCore y su puesta en escena en Nueva York constituyeron un paso visible en el intento de la firma por reconquistar el interés global y marcar tendencia en el competitivo mundo del lujo.

La transmisión en vivo del desfile en las pantallas de Times Square, la afluencia de celebridades y la diversidad estilística propuesta por Demna evidenciaron la apuesta de Gucci por recuperar protagonismo e influencia, en sintonía con la estrategia de otras casas europeas que buscan consolidar su presencia en el mercado norteamericano ante la evolución de los flujos de consumo internacional.

La llegada del “calzado feo”, como se lo conoce popularmente, ha marcado una de las tendencias más notorias de la moda en 2026, con zapatos de siluetas inusuales que desafían los estándares clásicos y celebran la individualidad en calles y pasarelas, según la BBC.

Zapatos de formas poco habituales y diseños que mezclan lo funcional con lo llamativo se han vuelto populares porque ofrecen una alternativa a los modelos clásicos, respondiendo al deseo de comodidad y de autoexpresión.

Esta tendencia, expandida a nivel global, representa la búsqueda de autenticidad y la ruptura con los códigos de belleza tradicionales, reflejando una reacción ante la perfección impuesta por el entorno digital.

Modelos de calzado poco convencional presentan normalmente proporciones exageradas, colores vivos y formas orientadas a la comodidad más que al ideal tradicional de belleza. Entre las siluetas señaladas se destacan las voluminosas, separaciones en los dedos y aquellas que integran elementos de diferentes estilos, como ortopédicos, deportivos o lujosos, en combinaciones poco previsibles.

El fenómeno se caracteriza por la hibridación de estilos. Según el medio citado, la mezcla de influencias de montaña, deportivas y urbanas da lugar a zapatos con materiales plásticos, formas inspiradas en animales o plantas e incluso acabados que recuerdan a objetos cotidianos.

Estas particularidades han transformado lo que antes era marginal en símbolo de pertenencia en comunidades de moda, tanto digitales como presenciales.

Motivos culturales y sociales tras la tendencia del calzado poco convencional

El auge de estos “zapatos feos” es, en parte, una reacción frente a la presión por la perfección visual y la uniformidad que fomentan las redes sociales. J’Nae Phillips, analista de tendencias citada por la BBC, sostiene que muchos buscan modelos “deliberadamente incómodos o inesperados” para romper con la rigidez de lo convencional y mostrar autoconciencia, humor y cierta despreocupación por las normas tradicionales.

Entre los entusiastas de la moda vanguardista, ciertos diseños sirven como códigos de pertenencia solo reconocibles por quienes conocen el contexto cultural o histórico detrás de cada modelo.

La investigadora de mercado Meg Palmer, también citada por el medio, explica que “funcionan como un guiño a quienes reconocen la cultura que hay detrás”, aunque advierte que la masificación de estos calzados puede hacer que pierdan su exclusividad.

Comodidad y funcionalidad, la nueva estética en moda 2026

La comodidad se ha convertido en uno de los principales argumentos para la adopción de este tipo de calzado, como recogen testimonios en el medio citado.

Modelos con suelas amortiguadas, materiales suaves y diseños adaptativos crean una sensación de bienestar, sin dejar de destacar visualmente.

La combinación de practicidad y originalidad es decisiva. Para quienes los eligen, el valor está en poder optar por piezas que se adaptan tanto a la actividad diaria como a la creatividad personal.

De acuerdo con la BBC, el atractivo central radica en la libertad de elegir estilos únicos que integren funcionalidad y una mirada divertida o irónica sobre la moda.

El futuro del calzado poco convencional en la moda global

Las proyecciones apuntan a que la consolidación del calzado poco convencional continuará creciendo en los próximos años. Según el medio, la fusión de estilos deportivos, funcionales, ortopédicos y artísticos seguirá difuminando las fronteras culturales y estéticas.

Este fenómeno refleja transformaciones sociales más profundas, como la mezcla entre trabajo y ocio y el interés por expresar autenticidad frente a la homogeneización digital.

La demanda real de estos diseños, antes marginales, se ha disparado: las ventas de modelos inspirados en estilos alternativos crecieron más del 350% en el primer trimestre de 2026, según datos citados por la BBC.

Así, las reglas tradicionales de “buen gusto” se flexibilizan y la moda se convierte en espacio para la experimentación y la ironía en la vida diaria.

El secreto de estos zapatos feos reside en la experiencia cotidiana: ofrecen comodidad auténtica y permiten a cada persona priorizar el bienestar sin renunciar a un toque de originalidad.

Mantener el orden dentro del hogar siempre se hace cuesta arriba; sobre todo si no se cuenta con los objetos adecuados. A menudo nos encontramos lidiando con plásticos o cartones voluminosos y pesados que ocupan demasiado espacio y que, en muchas ocasiones, son una verdadera molestia a la hora de intentar aplastarlos para meterlos en el contenedor de reciclaje. Sin embargo, ninguna de estas piezas de embalaje genera tanto desorden acumulado como la sencilla caja de zapatos.

Estas cajas parecen multiplicarse por sí solas, apilándose en nuestros armarios y ocupando una cantidad de espacio desmesurada. A pesar de que sabemos que son extremadamente fáciles de reciclar, seguimos aferrándonos a ellas y guardándolas porque algo en nuestro interior nos dice que podrían ser muy útiles en el futuro. La buena noticia es que realmente lo son.

Según Ella Duggan, en su artículo publicado en la revista Good Housekeeping UK, la clave del éxito se encuentra en ponerse manos a la obra para transformar el desorden en soluciones prácticas de almacenamiento, requiriendo muy poco o ningún esfuerzo de bricolaje. A continuación, detallamos las siete mejores formas de reutilizar estas cajas y reorganizar tu hogar en cuestión de minutos.

No tires la caja de tus zapatos, mejor haz esto

Pocas cosas generan tanta satisfacción visual como abrir un cajón y verlo perfectamente organizado. No es necesario gastar dinero en costosos divisores de plástico para lograr este objetivo. En su lugar, puedes coger tus cajas viejas y, simplemente, introducirlas enteras en un cajón para que actúen como un gran divisor interno. O bien, medirlas, recortarlas y ajustarlas para separar varias categorías de objetos de forma ordenada, colocándolas unas junto a otras.

Además, puedes recortar la propia tapa de la caja para crear tablillas divisorias adicionales que se ajusten dentro de las mismas. Y es que son especialmente útiles en el cajón de la ropa interior, permitiendo separar de forma impecable sujetadores, calcetines y ropa interior sin que se conviertan en una maraña desordenada.

Una de las formas de desorden más comunes y fáciles de crear es la provocada por los cargadores y cables enredados. Por eso, como segunda opción, puedes usarlas para guardar los cargadores de manera individual. Para ello, puedes cortar tubos de cartón de papel higiénico o de cocina a la altura de tu caja de zapatos. Empaquétalos firmemente dentro de la caja, colócalos en posición vertical y mete cada cable enrollado dentro de un tubo, etiquetándolos para saber exactamente de qué es cada cable.

Si prefieres crear una estación de carga aerodinámica y libre de enredos, corta pequeños agujeros en el lado más largo de la caja, uno por cada dispositivo. Luego, haz un agujero más grande en un extremo para el cable de la regleta principal. Coloca la regleta en el interior, enchufa los cargadores, pasa los cables por los pequeños agujeros y cierra la tapa. Forrar la caja con papel decorativo la convertirá en un elemento elegante que prevendrá los enredos y ocultará los antiestéticos cables.

Otra opción es convertirlo en un joyero personalizado y decorativo que evitará que tu bisutería se dañe o se enrede. Puedes crear soportes para pulseras y brazaletes colocando varillas de un lado a otro de la caja, añadir compartimentos personalizados para anillos utilizando tiras de cartón. O también puedes usar la tapa como un expositor colgante para collares y pendientes. Para darle un aspecto lujoso y deliberado, fórrala por fuera con papel de regalo o pintura fresca, y cubre el interior con una tela suave que proteja y amortigüe tus tesoros.

Aunque seguro que no querrás tirar más cajas cuando adaptes la primera en la despensa de tu cocina. Con este método se aporta orden a los armarios de tu cocina y a la despensa sin gastar una fortuna en soluciones de almacenamiento deslumbrantes. Las cajas de zapatos que estén totalmente limpias son perfectas para agrupar bocadillos o separar paquetes de especias, ayudando a eliminar el desorden de los estantes. Además, pueden actuar como cajones extraíbles que se deslizan hacia dentro y hacia fuera para facilitar el acceso.

Si buscas darle un uso más sentimental, puedes fabricar una caja de recuerdos. Este es un uso clásico, tradicional y ecológico que sigue superando la prueba del tiempo. Las cajas proporcionan un ambiente oscuro y protector que es ideal para salvaguardar objetos sentimentales y delicados. Por lo que convertirlo en un proyecto de manualidades, forrando la caja con tela o papel decorativo, será reconfortante.

Para garantizar la conservación a largo plazo y evitar daños, añade un pequeño paquete de gel de sílice en el interior que mantenga a raya la humedad. Usa papel de seda de archivo o sobres libres de ácido para guardar fotografías y documentos antiguos, evitando que se vuelvan amarillos, y guárdalos en un lugar fresco y seco, como un estante del armario o debajo de la cama.

O sino, puedes usarlo como un mero organizador de documentos. De esta manera, puedes eliminar el desorden visual de tu espacio de trabajo creando tu propio soporte para documentos. La forma más sencilla de hacerlo es abrir la caja, quitar la tapa y hacer cortes paralelos en los lados cortos de la caja. Utiliza estas hendiduras como divisores para encajar cartas o documentos de forma horizontal. Aunque también puedes usar recortes medidos de la tapa para crear divisores verticales a lo largo de la caja, permitiendo organizar revistas y papeles para un acceso visual mucho más rápido.

Como última opción, podrías emplear este material como compostaje ecológico para ayudar a que tu jardín prospere. Por si no lo sabías, el cartón es un material excelente para el compost, ya que aporta un material “marrón” rico en carbono que sirve para equilibrar los restos de comida ricos en nitrógeno que añadimos a nuestra pila de compost.

Para hacerlo de manera segura, asegúrate primero de que el cartón no sea brillante ni esté recubierto de cera. Retira cualquier resto de cinta adhesiva o grapas y rompe la caja en trozos pequeños y manejables para acelerar el proceso de descomposición. Finalmente, mezcla bien estos pedazos triturados directamente en tu pila de compost junto a materiales “verdes” como recortes de césped o restos de cocina.

La edición 2026 de la Met Gala transformó nuevamente al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en el escenario donde la moda y el arte se fusionaron. Figuras de la música, el cine y el diseño desfilaron con propuestas de alta costura que buscaron cumplir con la filosofía de la noche. Según los expertos, no todos lograron seguir la propuesta con la misma fidelidad.

Durante la gala, los diseñadores consultados por Infobae analizaron las elecciones estilísticas de las celebridades. Marcelo Senra, Verónica de la Canal y Gustavo Pucheta coincidieron en que la calidad de los atuendos fue indiscutible, pero advirtieron que “no todos cumplieron la consigna”.

Tal como sintetizó De la Canal: “Me gusta más decir quiénes cumplieron más con la consigna y quiénes no tanto. Todos están muy bien vestidos de alta costura, pero para mi modo de ver no todos cumplieron la consigna (NdeR: “La moda es arte” fue el lema de 2026)”.

Quiénes fueron los mejor y peor vestidos de la Met Gala 2026

Cara Delevigne

Entre los nombres que más se destacaron en la gala, el de Cara Delevigne fue uno de los primeros en sobresalir. Senra describió su look como “supersensual, insinuando sin mostrar”, y elogió el juego de transparencias, los bordados en forma de ramas y la cola imponente, además de la elección de materiales livianos y el peinado inspirado en los años veinte. “Me gusta esa liviandad, esa ligereza visual. Me gustan mucho los bordados en forma de ramas. Me encanta, un vestido fantástico”, subrayó el diseñador.

Emma Chamberlain

Emma Chamberlain también obtuvo elogios por parte de Pucheta, quien remarcó: “Vestida por Mugler, cumple precisamente con el código de vestimenta transformando su cuerpo en una obra de arte donde cuesta diferenciar donde inicia el vestido y donde se trasluce su cuerpo. Hasta la apertura de su falda que se desliza por el piso es casi tan imposible que la transforma en una especie de escultura”.

Ben Stiller

Ben Stiller apostó por la sobriedad y la formalidad, pero De la Canal consideró que su esmoquin azul oscuro fue “demasiado clásico y prolijo, muy raro” para la ocasión, una apreciación que lo ubicó entre los menos destacados.

Chase Sui Wonders

Entre los looks que menos convencieron a los especialistas, Chase Sui Wonders se situó en primer lugar. Senra fue crítico con el vestido lavanda de raso, escote cerrado y moño en el hombro: “No lo veo bien confeccionado, el contraste de telas y el moño me parecen recursos muy básicos. El color no la favorece y el diseño tiene poco criterio para una Gala Met”.

Lisa

La cantante Lisa apostó por un vestido blanco translúcido con aplicaciones brillantes, acompañado de un velo transparente decorado con pedrería, dos brazos esculturales blancos integrados y joyería plateada. De la Canal opinó: “Fabulosa. Ella apostó y mostró una beta más artística, genera impacto y está impecable con su pelo y make up”.

Sam Smith

El cantante Sam Smith optó por un vestido sirena íntegramente bordado en piedras y cristales, con mangas murciélago y un fascinator en altura. Pucheta destacó la performance de Smith: “Sam Smith en un vestido sirena íntegramente bordado en piedras y cristales, con unas mangas murciélago espectaculares que no dejan de brillar y un fascinator en altura que lo transforma en una silueta alargada infinita. El desarrollo, una performance que nos tiene acostumbrados”.

Claire Foy

Finalmente, Claire Foy desfiló con un vestido negro y velo a tono. De la Canal observó: “Me gusta el drama que le puso a su rostro con esa veladora. El vestido está bien, se ve su detalle y realización pero aún no siento la presencia artística”. Más adelante remarcó: “Está correcta pero siento que no cumplió la consigna”.

Doja Cat

En el caso de Doja Cat, Senra cuestionó tanto el material como la confección: “Su vestido parece hecho de un material brilloso como charol, pero translúcido, tipo plástico. No me gusta, no me dice nada. El color no ayuda a su tono de pelo y piel, no va ese color. Y esos plegados que tienen tampoco me dicen mucho”.

Gwendoline Christie

Gwendoline Christie sobresalió por su audacia. De la Canal expresó: “Estamos viendo un poco más de una puesta artística”:

Irina Shayk

Irina Shayk se destacó con un diseño que, según Senra, impactó visualmente: “Me gusta, es provocativa, pero al mismo tiempo no es tan chabacana de mostrar el cuerpo completamente. Impacta. Plata y negro es una buena combinación siempre”.

Charli XCX

La propuesta total black de Charli XCX tampoco convenció a los diseñadores. De la Canal fue tajante: “Líneas simples y clásica”.

Fotos: Reuters

Una de las figuras más observadas en la alfombra roja de la 51ª Chaplin Award Gala fue Amal Clooney, quien sorprendió con una apuesta contemporánea y audaz. La abogada, de 48 años, cambió su habitual inclinación por piezas vintage para lucir un diseño recién salido de la pasarela, reafirmando su lugar como ícono de la moda internacional.

Acompañada de su esposo, la estrella de Hollywood George Clooney, Amal eligió un mini vestido dark magenta de la colección primavera 2026 de Balenciaga firmado por el diseñador Pierpaolo Piccioli. La prenda destacó por su escote asimétrico que dejaba los hombros al descubierto y por el volumen arquitectónico de la parte superior, que caía en una silueta globo sobre la falda corta.

El diseño incorporaba una larga cola trasera, logrando un contraste marcado entre la parte delantera minimalista y la espectacularidad del drapeado posterior.

El color magenta, vibrante y fresco, resaltó su piel y aportó una nota de modernidad al conjunto. Esta elección representó un giro respecto a sus habituales vestidos largos y de corte clásico, apostando en esta ocasión por un largo mini que aportó desenfado sin perder elegancia.

El vestido, confeccionado en un tejido satinado que reflejaba la luz, logró captar todas las miradas. El diseño encapsuló la estética de Balenciaga bajo la dirección de Piccioli: volúmenes inesperados y una paleta cromática audaz.

Se trató de una pieza que, por su origen “fresh off the runway”, remarcó la sintonía de Amal Clooney con las últimas tendencias y su capacidad para anticipar movimientos dentro del circuito de la moda de gala.

Accesorios elegidos: clutch, calzado y joyería

Para complementar el vestido magenta, la abogada optó por accesorios en tonos metálicos que sumaron un aire de sofisticación. Llevó un clutch Begum Khan dorado, de silueta geométrica, que aportó un guiño contemporáneo y elevó el estilismo con un toque de brillo. En los pies, eligió unos stilettos en punta igualmente dorados y metalizados, alargando la figura y reforzando el espíritu festivo de la ocasión.

La elección de joyería fue sutil pero efectiva: unos pendientes largos y finos con detalles brillantes enmarcaron el rostro y añadieron movimiento, sin restar protagonismo al vestido ni recargar el conjunto. La armonía entre los accesorios y la prenda principal consolidó un look coherente, con una clara intención de destacar por la modernidad de los complementos y el equilibrio en los detalles.

Maquillaje y peinado para la alfombra roja

El maquillaje de Amal Clooney siguió una línea elegante y natural, con énfasis en la mirada. Optó por un delineado sutil y sombras en tonos neutros, que realzaron sus ojos sin competir con el color del vestido. Los labios, en un tono nude, completaron el maquillaje aportando frescura y luminosidad al rostro.

En cuanto al peinado, se decantó por un recogido relajado con mechones sueltos enmarcando el rostro, logrando un efecto desenfadado pero cuidado. Esta elección permitió que el escote asimétrico y la estructura del vestido fueran los protagonistas visuales, mientras el peinado aportó un aire juvenil y actual al conjunto final.

Otros looks de Amal Clooney

Durante una premiere, la protagonista eligió un vestido largo de color rosa pálido, confeccionado con lentejuelas y decorado con voluminosas plumas en la zona superior.

La prenda presentó un diseño de tirantes finos y una silueta ajustada en la parte superior, mientras que la falda lució varias capas de flecos brillantes que aportaron textura y movimiento. Llevó el cabello suelto y peinado en ondas, y completó el conjunto con pendientes colgantes de pedrería.

Durante el Festival de Cine de Cannes, optó por un vestido negro de corte sirena, confeccionado en una tela satinada que reflejaba la luz artificial de la alfombra roja.

El diseño incluyó un escote bardot, dejando los hombros al descubierto, y una larga cola que se extendía por el suelo. La protagonista llevó el cabello largo, peinado hacia un lado, y eligió accesorios discretos que no restaron protagonismo al vestido.

Para los recordados Fashion Awards 2023, había maravillado con un vestido largo sin mangas, cubierto de grandes lentejuelas metálicas en tonos dorados y cobrizos.

El vestido ajustado delineó su figura y generó un efecto brillante bajo la luz. Sostuvo un pequeño bolso de mano en tonos dorados y llevó el cabello suelto, peinado con raya lateral. El fondo geométrico de color rojo resaltó el acabado reluciente del atuendo.

El otoño-invierno 2026 redefine el concepto de abrigo, apostando por piezas con carácter, textura y un enfoque contemporáneo del estilo en la moda.

Tapados retro, abrigos de piel sintética y tejidos artesanales se posicionan como protagonistas, desplazando a los clásicos y sumando identidad al guardarropa.

La clave está en la reinvención: prendas reconocibles, pero con una mirada actual y énfasis en comodidad, versatilidad e impacto visual.

Durante esta temporada, las prendas exteriores se convierten en el eje del vestuario, capaces de transformar por completo un conjunto básico.

Tapado vintage otoño invierno 2026: cómo llevar el abrigo retro esta temporada

El tapado shaggy de pelo largo, con impronta retro y vintage, retoma protagonismo este año. La prenda se reinterpreta para adaptarse a un entorno urbano y relajado, alejándose de la imagen exclusiva de la noche o de estilismos literales. Su silueta se caracteriza por el volumen, la caída blanda y la textura visible, diferenciándose de abrigos rígidos y versiones cortas que solo suman detalles de pelo.

Esta pieza destaca por su capacidad de convertirse en el punto visual del atuendo. El tapado de pelo largo y corte oversized se percibe a distancia, gracias a su volumen y presencia, y ya no exige que todo el conjunto gire en torno a su estética retro: resulta más funcional cuando se integra a combinaciones simples, permitiendo que el abrigo cobre protagonismo propio.

En la temporada 2026, el tapado retro vintage rompe la uniformidad de los abrigos tradicionales. Frente a tapados de paño, camperas neutras o blazers oscuros, el shaggy introduce textura, volumen y una personalidad definida, sin recurrir a accesorios de inspiración antigua o a excesos visuales.

Abrigos de piel sintética: el faux fur largo y midi es la prenda clave del invierno

La piel sintética consolida su posición como tendencia dominante en el invierno 2026. Los abrigos faux fur, en versiones largas, midi y oversized, ofrecen sofisticación inmediata, protección contra el frío y un plus de estilo adaptable a diversos contextos. El corte amplio y la textura voluminosa marcan su identidad, diferenciándose de modelos cortos o estructurados.

El color adquiere un papel relevante: variantes en marrón, crudo, negro o camel aseguran la versatilidad para el uso diario, mientras que los tonos intensos o animal print aportan una opción para quienes buscan destacar. La facilidad para integrarse a cualquier estilo, sin depender de combinaciones temáticas, refuerza su éxito.

El abrigo de piel sintética se convierte en la pieza central del guardarropa invernal, sustituyendo la sobriedad de otras prendas y aportando una identidad renovada.

Su diseño prioriza el confort y la presencia visual, haciendo del frío la oportunidad para lucir una pieza de carácter.

Suéter nórdico y andino: cómo combinar el tejido artesanal en el invierno

Junto a los abrigos protagonistas, el suéter de inspiración nórdica o andina emerge como imprescindible. Se distingue por base neutra, motivos geométricos y textura gruesa, evocando lo artesanal y lo tradicional, pero reinterpretado con una perspectiva urbana. Incluye diseños de rombos, cruces o copos de nieve, y combina colores como blanco, azul, rojo, gris o negro sobre fondos sobrios.

Destaca su calce amplio y relajado, diferenciándose del clásico liso o de escote en V. Los cuellos pueden ser redondos, altos o tipo media polera, lo que suma variedad y adaptabilidad a distintos estilos. El suéter nórdico aporta calidez y personalidad, sin perder funcionalidad ni comodidad, dos requisitos clave para el invierno.

Su éxito reside en la integración con el resto del vestuario, permitiendo contrastes entre lo artesanal y lo moderno, y adaptándose a diferentes momentos del día. Así, se consolida como una pieza versátil y con carácter, lista para renovar el armario en los días fríos.

Pantalón cigarette: el nuevo básico elegante y cómodo de la temporada

El pantalón cigarette se posiciona como el gran básico de la temporada, desplazando al sastrero tradicional. Su línea recta, tiro medio o alto y terminación al tobillo estilizan la figura sin añadir volumen, combinando elegancia y comodidad. Esta prenda se adapta tanto a contextos formales como informales, gracias a su diseño simple y funcional.

La versatilidad del pantalón cigarette radica en su capacidad para alargar las piernas y definir la silueta de manera sutil, evitando estructuras rígidas o detalles superfluos. Funciona como base para estilos clásicos o relajados y puede acompañar tanto abrigos protagonistas como suéteres voluminosos.

Su éxito en el otoño-invierno 2026 responde a la demanda de prendas confortables, adaptables y actuales, aptas para la rutina diaria sin perder elegancia ni practicidad.

Textura, volumen y silueta oversized en abrigos y tejidos

El denominador común de las prendas tendencia en 2026 es la apuesta por textura, volumen y siluetas amplias. Abrigos de pelo largo, faux fur y suéteres nórdicos comparten un enfoque en prendas que se perciben a distancia y aportan identidad propia al vestuario invernal.

La silueta oversized y la caída blanda dominan tanto en abrigos como en tejidos, dejando atrás la rigidez y permitiendo mayor libertad de movimiento. Las texturas visibles y los colores neutros o intensos refuerzan la sensación de abrigo y el carácter distintivo de cada pieza.

La edición 2026 de los Martín Fierro de la Moda volvió a posicionarse como uno de los eventos más esperados en el calendario fashionista argentino. Reunió a diseñadores, modelos y figuras del espectáculo para celebrar la creatividad y el trabajo de quienes marcan el pulso de la industria y de la moda.

La ceremonia ofreció una nueva oportunidad para observar cómo las celebridades interpretan las tendencias y resignifican los códigos clásicos de la moda en un espacio de máxima visibilidad.

La tradicional alfombra roja funcionó como una pasarela donde la innovación, la sofisticación y el protagonismo de los detalles se hicieron presentes. A través de los looks elegidos por quienes asistieron, se delinearon varias tendencias que reflejan tanto la actualidad del diseño nacional como la búsqueda de una identidad propia por parte de cada invitado.

Protagonismo del blanco: minimalismo, volumen y geometría

El blanco sobresalió como el color central de la noche, elegido por figuras que apostaron por la pureza y versatilidad de este tono en diseños de impacto. Valeria Mazza, conductora del evento junto a Iván de Pineda, abrió la ceremonia con un vestido confeccionado íntegramente en plumas de Pucheta Paz.

Pampita Ardohain optó por un vestido largo strapless de base blanca con lunares negros, volados estructurados y aplicaciones florales, firmado por Carolina Herrera. La elección de una pieza icónica, replicada en Europa y traída especialmente para el evento, reafirmó el valor del blanco como símbolo de elegancia atemporal y modernidad.

Stephanie Demner también eligió el blanco en una versión de textura fruncida que cubrió mangas y cuerpo, logrando un efecto arrugado que sumó dinamismo al conjunto.

Marta Fort se inclinó por un diseño strapless de Claudia Arce con apliques brillantes y una cruz plateada en el busto, mientras que Juli Poggio apostó por un modelo asimétrico de Pucheta Paz, con brillo, relieve y una falda amplia de corte sirena. Las propuestas de estas celebridades coincidieron en destacar el volumen, la geometría y la experimentación con materiales, ubicando al blanco como punto de partida para la innovación.

Sastrería negra reinterpretada: clasicismo y detalles de autor

La sastrería negra fue otro de los ejes recurrentes en la alfombra roja, tanto en versiones tradicionales como en apuestas renovadas que incorporaron detalles distintivos. Luis Ventura eligió el esmoquin clásico, mientras que Liliana Parodi presentó un traje sastre de corte recto que reforzó la vigencia del negro como emblema de sobriedad. Gustavo Pucheta actualizó la tendencia con un conjunto total black de saco entallado y pantalones levemente acampanados, acompañado de una camisa y bufanda en la misma gama.

Entre los hombres, Grego Rossello se destacó con una combinación de chaqueta negra de corte recto, pantalón ancho y accesorios metálicos, logrando un equilibrio entre tradición y modernidad. Gabriel Olivieri sumó solapas de raso y prendedor plateado a su esmoquin, evidenciando la importancia de los accesorios como sello personal. Fabián Zitta, por su parte, integró detalles brillantes en las solapas y la cintura de su esmoquin, renovando la formalidad a través del brillo y los acabados.

Transparencias, encajes y acabados brillantes

Los recursos textiles que sugieren transparencia, detalles brillantes y superposiciones se consolidaron como tendencia, aportando sensualidad y dinamismo a los looks. Zaira Nara eligió un body negro de encaje transparente con escote profundo, medias al tono y stilettos con puntera dorada, sumando collares y anillos dorados. Ingrid Grudke apostó por un vestido marrón ajustado de cuello alto y mangas largas en tul, que incluyó paneles de transparencia en hombros y laterales, consiguiendo contrastes sutiles.

Analía Franchín se inclinó por un vestido negro strapless con textura símil reptil, acompañado de guantes largos y botas al tono, mientras que Marta Fort aportó brillo con apliques que irradiaron desde el centro del busto. El uso de materiales como encajes, tules y textiles metalizados permitió a las figuras explorar nuevas siluetas y resaltar la individualidad, en una temporada donde la mezcla de texturas y los detalles lumínicos ganaron protagonismo.

El azul como alternativa sofisticada

El azul, en diferentes matices, emergió como una alternativa al binomio blanco-negro, asociado a la sofisticación y la originalidad. Anamá Ferreira optó por un vestido largo de satén azul claro, escote corazón y capa amplia con reflejos plateados, firmado por Verónica de la Canal. Joaquín “El Pollo” Álvarez sumó el azul oscuro en un traje clásico con corbata lila y camisa blanca.

La variedad de tonos y la elección de materiales como el satén y el crep evidenciaron una búsqueda de distinción y elegancia, con el azul posicionándose como el color elegido para quienes buscan destacarse sin recurrir al negro o al blanco. En todos los casos, el styling se completó con accesorios metálicos y peinados pulidos, reforzando el carácter sofisticado de la tendencia.

Juana Viale se sumó a las tendencias de la temporada al elegir un vestido largo de satén en tono pastel, con silueta recta, cuello alto y mangas largas. Apostó por accesorios metálicos como aros circulares y anillos llamativos, alineándose con la preferencia por la elegancia sobria. El recogido pulido y el maquillaje de acabado natural reforzaron la estética depurada y sofisticada que predominó en las alfombras rojas recientes.

Sofía Gonet hizo suya una de las tendencias más audaces de la temporada eligiendo un vestido de satén negro con corte sirena y escote asimétrico. A diferencia de la preferencia por los tonos suaves y las líneas minimalistas, Gonet apostó por la fuerza del negro, el volumen en la falda y una silueta marcada que realzó la figura. El diseño de un solo hombro y los pliegues pronunciados reflejaron una inclinación por la teatralidad y los detalles de impacto en la moda de alfombra roja.

El vestuario también cuenta historias y algunas veces lo hace con la misma determinación con la que un atleta recorre la cancha. En el caso de Nicolás Keenan, de 28 años y quien se inició en el hockey desde muy chiquito, cada prenda refleja mucho más que una simple elección estética: es parte de una biografía atravesada por distintos territorios, desafíos y conquistas personales. De Argentina a Europa, primero en el Club Egara de Cataluña y luego en el HC Klein Zwitserland de La Haya, su carrera deportiva y su vida privada se han tejido en paralelo.

En los Países Bajos, ese recorrido lo llevó a cruzarse con el flamante Primer Ministro, Rob Jetten, con quien comparte desde 2023 una historia de apertura y visibilidad. Así, Nicolás Keenan, referente del hockey sobre césped argentino y “Primer Caballero” de los Países Bajos, redefine los límites entre moda, identidad y biografía en cada aparición pública. Su recorrido vital y profesional, marcado por la migración, la apertura y un sentido de pertenencia múltiple, se refleja en una reciente producción fotográfica para L’HOMO cuyas propuestas estilísticas no solo visten, sino que narran.

Minimalismo y poder: el primer impacto

La portada de L’HOMO presenta a Keenan enfundado en una musculosa blanca acanalada, una corbata negra suelta y un blazer blanco sobre los hombros. Esta elección enfatiza la estética minimalista de los años 90 y reinterpreta la masculinidad clásica con un giro editorial. La musculosa evoca la iconografía de Marlon Brando y los anuncios de Calvin Klein, mientras que la corbata desatada introduce un elemento lúdico y disruptivo. El blazer, al no ser vestido de manera tradicional, aporta sofisticación y una idea de “poder” relajado.

Retro-sport y lujo: el choque inesperado

En una de las imágenes más potentes de la producción, Nicolás Keenan aparece con una chaqueta de chándal roja de inspiración setentera, camisa de satén rosa y pantalones cortos a juego. La combinación desafía los códigos tradicionales del vestir masculino, fusionando la estética deportiva olímpica con materiales asociados a la delicadeza y la noche.

El satén, lejos de suavizar la propuesta, introduce vulnerabilidad y sensualidad. Las medias blancas y los mocasines negros, en referencia al estilo preppy de los años 80, consolidan una mezcla donde lo casual y lo formal conviven. La ropa deportiva puede ser sofisticada, el satén rosa tiene un lugar potente en el armario masculino contemporáneo.

Desestructuración náutica: del traje al abrigo ligero

La camisa de rayas azul y blanca, de corte oversized y puños en contraste, ofrece una nueva lectura del clásico masculino. Keenan la lleva completamente abierta, redefiniendo su función y llevándola del entorno corporativo a uno más lúdico y sensual. Esta prenda, combinada con pantalones de rayas similares, celebra la relajación y la comodidad. El conjunto, más cercano a una capa que a una camisa formal, subraya la libertad de reinterpretar los códigos de vestimenta y abandonar la rigidez.

Uniforme preppy en clave contemporánea

Otro de los estilismos destacados recurre al blazer azul marino oversized, acompañado de una musculosa blanca y shorts negros mínimos. El volumen extremo del blazer elimina cualquier rastro de rigidez y convierte la prenda clásica en una pieza arquitectónica. Las medias deportivas y los zapatos de charol negros refuerzan el contraste entre relax y glamour. Este look representa el “Art-Dad” y el “Scandi-style” moderno, un enfoque que privilegia el juego con las proporciones y desafía la asociación del blazer azul marino con la formalidad.

Atleta urbano y cintura doblada: el gesto como declaración

La propuesta más cercana al streetwear presenta a Keenan con una musculosa a rayas horizontales y pantalones de vestir beige cuya cintura aparece doblada hacia afuera. El forro blanco del pantalón, visible, se transforma en un recurso de estilismo que aporta espontaneidad y creatividad. Esta tendencia, vista en pasarelas recientes, sugiere que la moda está tanto en la prenda como en la manera de llevarla. El look transmite una mezcla de practicidad atlética y libertad expresiva.

El recorrido de Nicolás Keenan y su presencia pública muestran cómo la moda, el deporte y la biografía personal pueden entrelazarse y proyectar nuevas formas de representación y pertenencia, tanto dentro como fuera de la cancha.

A lo largo de la historia de la moda, el pantalón trascendió su función utilitaria para convertirse en un símbolo de transformación, identidad y experimentación para las celebridades y para la vida cotidiana. Desde la solidez atemporal del denim hasta la sofisticación de la lana o el magnetismo del cuero, esta prenda se reinventa en cada contexto.

El color, el material y el corte definen su impacto: juegan con la nostalgia, desafían convencionalismos y marcan presencia tanto en escenarios cotidianos como en momentos de lujo y estatus. Las distintas siluetas y acabados, inspirados en décadas pasadas, en la elegancia formal o en la rebeldía contemporánea, demuestran la capacidad inagotable del pantalón para renovar el lenguaje visual de cada época.

El clásico denim: tradición, versatilidad y reinvención

El denim, tejido de algodón resistente y textura reconocible, ha sido el lienzo sobre el que la moda ha dibujado múltiples siluetas y estilos. Unos jeans de tono intermedio y corte recto, como los que llevó Kendall Jenner, evocaban la pureza del diseño original, con cintura alta y caída recta que cubría parte del calzado. El conjunto, reforzado por un cinturón negro, camiseta sin mangas y suéter azul, reforzaba el carácter atemporal del vaquero tradicional.

En contraste, la ligereza y el color azul claro de los jeans holgados de Hailey Bieber proponían una lectura relajada, con tiro bajo, perneras anchas y una clara inspiración noventera. Sin desgastes ni roturas, este pantalón fluía con naturalidad junto a un top ajustado y gafas oscuras.

El lavado oscuro y el efecto deslavado frontal definieron los jeans acampanados de Jennifer Lopez, donde el tiro alto y la amplitud desde la cadera hasta el bajo trajeron ecos de la moda setentera. El cinturón negro, la camisa azul y el blazer beige acompañaron la prenda en una composición de matices suaves y líneas marcadas.

Por su parte, la textura ligeramente rígida y el dobladillo vuelto de los jeans de Meghan Markle aportaron un aire desenfadado y clásico, dejando los tobillos al descubierto y sumando un saco negro con botones dorados y zapatos planos.

Finalmente, la superficie oscura y los elementos utilitarios marcaron los pantalones cargo de mezclilla negra de Margot Robbie. Las tiras, hebillas y cremalleras visibles dieron un giro industrial y contemporáneo, acentuado por un corsé rosado y chaqueta de cuero negra.

Rihanna también se destacó por su capacidad para reinventar el denim, como lo demuestra el look en el que luce un jean de textura patchwork en distintos tonos de azul. Este pantalón, de silueta relajada y cintura baja, presentó una construcción a partir de bloques geométricos que aportaron un efecto visual distintivo y moderno.

Un pantalón de denim puede ser minimalista, nostálgico o audaz según el corte y los detalles, adaptándose a las personalidades más diversas y a los contextos más cambiantes.

Colores vibrantes y cuero: lujo y magnetismo en la prenda estrella

El impacto visual es inmediato cuando los pantalones abandonan la paleta neutra. El rosa claro y la textura sutil del jean teñido elegido por Margot Robbie construyeron un look monocromático de alto refinamiento, gracias a un corte recto, tiro alto y pernera clásica, acompañado por una chaqueta y accesorios en la misma gama.

En un registro más atrevido, el cuero rosa brillante que vistió Gwyneth Paltrow reflejaba la luz y multiplicaba la presencia escénica. El pantalón, de línea recta y largo por encima del tobillo, se integró a la perfección con una camisa del mismo material, logrando un efecto conjunto difícil de pasar desapercibido.

La textura pulida y la estructura de sastrería caracterizaron el traje fucsia de Yolanda Díaz, donde el pantalón de pernera ancha y pliegues frontales alcanzó el suelo, amplificando la fuerza del color y la elegancia de la silueta.

En clave rockera y sofisticada, el cuero marrón rojizo de los pantalones holgados de Rihanna sumaba brillo y actitud. El tiro medio y la caída recta se asociaron con una chaqueta oversize y zapatos puntiagudos para consolidar una imagen poderosa y moderna.

Cada apuesta cromática o material como el cuero transforma el pantalón en el foco absoluto del estilismo, canalizando lujo y personalidad a través del color y la textura.

Nostalgia dosmilera: brillo, experimentación y siluetas atrevidas

Satinados, perforados y con múltiples detalles decorativos, los pantalones inspirados en los años 2000 destilan irreverencia y diversión. El material perforado, los destellos de pedrería y la cascada de cinturones brillantes definieron el pantalón rosa de Emilia Mernes: tiro bajo, aberturas laterales unidas por cordones y un remate de cubrebotas de peluche rosa, todo en sintonía con la exuberancia pop de la era.

El satén negro de los pantalones de Britney Spears aportaba un brillo especial bajo las luces del escenario. El tiro bajo, la banda de pedrería plateada en la cintura y el corte recto abrazaban la cadera, en perfecta armonía con un top a juego y el espíritu escénico de la década.

Para Tini Stoessel, la elasticidad y el efecto “ruched” a lo largo de la prenda transformaron el pantalón blanco en una segunda piel. Las costuras visibles y la silueta ajustada, combinadas con un top y sandalias de tacón fino, reafirmaban la nostalgia dosmilera reinterpretada en clave actual.

El pantalón de los 2000 se define por la creatividad sin límites: brillos, aberturas, adornos y siluetas que desafían los cánones clásicos.

El pantalón blanco: pureza, minimalismo y sofisticación

Las superficies blancas, desde el denim hasta el lino, ofrecen un lienzo para la creatividad y la elegancia. La mezclilla blanca de corte recto y tiro medio elegida por Karol G aportaba un ajuste relajado y caída amplia, acompañada por un chaleco y accesorios dorados para un aire refinado y moderno.

El denim elástico y los cordones frontales de los pantalones de Kylie Jenner generaban una silueta joven y desenfadada. El tiro bajo, el corte recto y el top ajustado reafirmaron una apuesta contemporánea y urbana.

Con una estructura rígida y pernera ancha, los pantalones blancos de Jennifer Lawrence ofrecieron comodidad y modernidad. El talle medio y la silueta holgada se realzaron con un abrigo largo estampado y calzado oscuro.

El lino blanco, con su textura arrugada y caída suelta, fue la elección de Gwyneth Paltrow para un conjunto formal, sumado a una chaqueta negra estructurada que aportó contraste y elegancia.

En clave de realeza, la tela fluida y el corte recto de los pantalones de la reina Letizia de España acompañaron a una chaqueta corta azul y blanca y zapatos de tacón plateados, cerrando un estilismo pulido para un acto oficial.

El pantalón blanco, según la textura y el corte, puede ser base de looks formales, informales o nostálgicos, superando el mito de ser una prenda solo estival.

Elegancia formal y real: los pantalones de vestir como símbolo de estatus

El tejido de lana con raya diplomática, suave al tacto y estructurado, definió el pantalón gris de Kim Kardashian. El corte recto y la silueta fluida acompañaron a un saco y abrigo largo, consolidando una imagen profesional y sofisticada para entornos académicos.

La superficie brillante y los sutiles destellos metálicos distinguieron el pantalón de vestir negro de Kate Moss, que junto a un blazer entallado y zapatos de punta, equilibró formalidad y glamour nocturno.

La amplitud y el talle alto marcaron el pantalón de traje gris claro de Victoria Beckham, cuyo largo hasta el suelo y tejido ligero reflejaban la tendencia hacia una sastrería relajada y contemporánea.

El tejido liso y la caída estructurada caracterizaron el pantalón negro de Jamie Lee Curtis, con pernera ligeramente acampanada, saco negro y blusa blanca con adorno en relieve, perfecto para una alfombra verde.

En azul marino y corte recto hasta el tobillo, los pantalones de Kate Middleton, princesa de Gales, integraron un conjunto monocromático con blusa de lazo y abrigo azul claro, logrando la formalidad y el refinamiento esperados en un acto público.

Kate Middleton brilló en la cena de Estado ofrecida a la presidencia de Nigeria. La jornada quedó marcada por una elección de moda que trascendió lo puramente estético. En ese evento, la princesa de Gales lució un vestido largo de color verde esmeralda, de manga larga y tejido ligero, con falda plisada y cuello alto.

El atuendo se complementó con la Lover’s Knot Tiara, una de las joyas más emblemáticas de la historia real británica, pendientes colgantes de perlas y diamantes, una banda azul con ribetes rojos y blancos adornada con medallas, una insignia en forma de lazo blanco con una medalla en el pecho, el cabello en ondas sueltas y un clutch dorado brillante. El conjunto transmitía un estilo formal y ceremonial, propio de una gala real.

La tiara, los detalles del vestido y la composición del estilismo evocaban la memoria de Diana de Gales, reconocida como un icono de la moda internacional y una figura que redefinió el lenguaje visual de la realeza en la década de 1990.

La Lover’s Knot Tiara en la moda real

La Lover’s Knot Tiara había sido creada en 1913 por Garrard, el primer joyero oficial de la Corona, por encargo de la reina Mary, quien se inspiró en una diadema del siglo XIX.

Esta joya, con sus nudos de amor y perlas colgantes, se convirtió en un símbolo de elegancia. Durante los años noventa, Lady Di la transformó en un emblema de su estilo, popularizándola más allá de los círculos reales y asociándola de forma indeleble a la imagen de una princesa moderna.

La pieza no solo representaba tradición y herencia, sino que también formaba parte de la narrativa de la moda real, donde cada joya y cada elección estilística adquirían un significado propio.

El protocolo, la moda y el legado estético

En la moda de la realeza, el protocolo dictaba cada detalle. La elección de la Lover’s Knot Tiara por Kate Middleton respondía a una lógica de continuidad y respeto, pero también a la necesidad de proyectar una imagen moderna y cercana.

El vestido verde, interpretado como un guiño diplomático hacia Nigeria, y las joyas históricas, creaban un equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo.

El acto de portar la tiara de Diana funcionaba como un gesto de homenaje y una confirmación del papel de Kate como heredera de una tradición visual y simbólica.

Antes de esa velada, Kate Middleton ya había recurrido a la Lover’s Knot Tiara en eventos diplomáticos de alto perfil.

En cada ocasión, la moda ocupó un lugar central como vehículo de diplomacia visual y reafirmación de su figura como referente internacional.

Kate Middleton, un ícono de la moda real y otros looks icónicos

La princesa de Gales logró resignificar el accesorio, alejándose de la simple imitación y dotándolo de una nueva narrativa estética.

Con un enfoque más sobrio y contemporáneo, Kate construyó una identidad propia, utilizando la moda como herramienta de poder y como reflejo de una evolución generacional dentro de la monarquía.

En una alfombra roja de “No Time To Die” World Premiere at Royal Albert Hall, llevó un vestido largo de tejido translúcido en tono beige cubierto de lentejuelas doradas y plateadas.

El diseño tenía hombreras marcadas y una capa integrada que caía desde los hombros hasta el suelo. Combinó el atuendo con pendientes dorados de gran tamaño y lució el cabello recogido en un moño voluminoso.

Para Wimbledon, optó por un vestido camisero de manga corta y color marfil, con cinturón ancho y falda plisada. El diseño presentaba bolsillos frontales con solapa y botones grandes.

Llevó el cabello suelto con ondas suaves, un reloj metálico y una pulsera delgada en la muñeca derecha.

En una visita institucional, la princesa vistió un abrigo largo de estampado geométrico en tonos naranja y burdeos sobre un suéter de cuello alto verde oliva y pantalones del mismo tono.

El abrigo llevó solapas anchas y cierre de botones. Completó el conjunto con zapatos oscuros de punta y el cabello recogido hacia atrás.

Durante otra aparición pública, durante el Día de la Commonwealth, lució un vestido midi azul marino de doble botonadura, solapa ancha y falda plisada.

Combinó el vestido con un sombrero amplio decorado con lazo, un bolso pequeño y zapatos de tacón en el mismo tono. Llevó un collar de perlas de varias vueltas y pendientes colgantes discretos.

Llegar a los 40 o 50 años no significa perder estilo. Al contrario, es una etapa donde muchas personas se sienten más seguras de sí mismas y buscan proyectar esa confianza en su imagen. El cabello juega un papel clave en esto. Un buen corte no solo puede resaltar los rasgos del rostro, sino también aportar frescura y suavidad.

Elegir el corte adecuado no se trata de seguir tendencias al pie de la letra. Se trata de encontrar un estilo que funcione con la forma del rostro, el tipo de cabello, el estilo de vida y, sobre todo, la personalidad. A continuación, exploramos los cortes que más favorecen en esta etapa de la vida, junto con recomendaciones prácticas para sacarles el máximo provecho.

¿Por qué cambia el cabello con la edad?

Antes de hablar de estilos, conviene entender qué ocurre con el cabello con el paso del tiempo.

A partir de los 40, el cabello suele volverse más fino, pierde densidad y puede cambiar de textura. También es común que aparezcan canas, que el cuero cabelludo se vuelva más seco o que el cabello pierda brillo.

Estos cambios hacen que algunos cortes que antes funcionaban ya no favorezcan tanto. Por ejemplo, el cabello muy largo y sin forma puede hacer que el rostro se vea más caído o cansado. En cambio, un corte bien estructurado puede levantar visualmente los rasgos y aportar movimiento.

Claves para elegir un corte

Antes de entrar en estilos específicos, hay algunas reglas generales que ayudan a elegir mejor:

• Evitar cortes demasiado rígidos o pesados
• Buscar movimiento y textura
• Adaptar el largo al tipo de rostro
• Considerar el mantenimiento diario
• No temer a los cambios, pero hacerlos de forma gradual

Un buen corte no solo se ve bien al salir del salón. También debe ser fácil de manejar en casa.

Cortes cortos: frescura inmediata

Los cortes cortos son una de las mejores opciones. Aportan ligereza, resaltan el rostro y dan una sensación de energía.

1. Pixie moderno

El corte pixie es corto, pero versátil. Puede ser más suave o más atrevido dependiendo de cómo se lleve.

Un pixie moderno no es rígido. Tiene capas, movimiento y, muchas veces, un flequillo ligero. Este tipo de corte ayuda a suavizar las facciones y a destacar los ojos.

Es ideal para mujeres con poco tiempo para peinarse, ya que requiere poco mantenimiento diario. Además, funciona muy bien en cabellos finos porque crea la ilusión de mayor volumen.

2. Bob corto

El bob es un clásico que nunca pasa de moda. A la altura de la mandíbula o un poco más arriba, este corte enmarca el rostro y lo hace ver más definido.

Un bob recto puede ser elegante. De todos modos, es mejor optar por un bob con capas suaves o ligeramente desfilado. Esto evita que el cabello se vea pesado.

También se puede llevar con ondas suaves para aportar movimiento.

3. Corte garçon

Este estilo es aún más corto que el pixie, pero con un aire sofisticado. Es una excelente opción para quienes buscan un cambio radical.

Aunque es corto, no tiene por qué ser masculino. Con un buen acabado y algo de textura, puede verse muy femenino y moderno.

Cortes de media melena: equilibrio perfecto

La media melena es probablemente la opción más versátil. No es demasiado corta ni demasiado larga, y permite jugar con diferentes estilos.

4. Long bob (lob)

El lob es una versión más larga del bob, generalmente a la altura de los hombros.

Es uno de los cortes más recomendados después de los 40 porque estiliza el rostro y permite llevar el cabello suelto o recogido. Además, funciona bien en casi todos los tipos de rostro.

Se puede llevar liso, ondulado o con capas suaves. Esa flexibilidad lo hace muy práctico.

5. Capas suaves

Las capas ayudan a dar movimiento y evitan que el cabello se vea plano.

En la media melena, las capas deben ser sutiles. No se trata de crear un look demasiado cargado, sino de aportar ligereza.

Este tipo de corte funciona especialmente bien en cabellos gruesos, ya que reduce el volumen excesivo sin perder forma.

6. Corte con flequillo

El flequillo es un gran aliado pero hay que elegirlo bien.

Un flequillo recto y muy pesado puede endurecer las facciones. En cambio, un flequillo abierto, tipo cortina, suaviza el rostro y disimula líneas de expresión en la frente.

También puede ayudar a equilibrar rostros alargados o angulosos.

Cabello largo: sí, pero con estrategia

Existe la idea de que el cabello largo no es adecuado después de cierta edad, pero eso no es del todo cierto.

El cabello largo puede verse espectacular si está bien cuidado y tiene forma.

7. Largo con capas

Un cabello largo completamente recto y sin capas puede hacer que el rostro se vea más pesado.

Agregar capas, especialmente a partir del mentón hacia abajo, aporta movimiento y ligereza. Esto evita el efecto “caído”.

8. Ondas suaves

Las ondas aportan juventud de forma inmediata. No se trata de rizos marcados, sino de un acabado natural.

Las ondas suavizan las líneas del rostro y dan volumen, algo especialmente útil cuando el cabello se vuelve más fino.

9. Largo con volumen en la parte superior

Un poco de volumen en la coronilla puede hacer una gran diferencia. Ayuda a levantar visualmente el rostro.

Esto se puede lograr con capas, con el secado o con productos de volumen.

El papel del color

El corte es importante, pero el color también juega un papel fundamental.

Los tonos muy oscuros pueden endurecer las facciones, especialmente si la piel ha perdido luminosidad. Por eso, muchas personas optan por aclarar ligeramente su cabello.

Algunas opciones recomendadas:

• Mechas suaves que aporten luz
• Reflejos en tonos cálidos
• Técnicas como balayage para un efecto natural

Las canas también pueden ser muy favorecedoras si se llevan con estilo. Un buen corte y un tono bien trabajado pueden hacer que el cabello gris se vea moderno y elegante.

Errores comunes

Tan importante como saber qué hacer es saber qué evitar.

Algunos errores frecuentes incluyen:

• Cortes demasiado largos y sin forma
• Cabello sin volumen
• Estilos demasiado rígidos
• Flequillos muy densos o mal adaptados
• No actualizar el corte durante años

A veces, pequeños cambios hacen una gran diferencia.

Adaptar el corte al estilo de vida

Un corte ideal no solo depende de la apariencia, sino también del día a día.

Si una persona no tiene tiempo para peinarse, un corte que requiera mucho mantenimiento puede convertirse en un problema.

Por ejemplo:

• El pixie es fácil de manejar, pero necesita retoques frecuentes
• El lob es más flexible y fácil de peinar
• El cabello largo requiere más cuidado

Elegir bien significa encontrar un equilibrio entre estética y practicidad.

La importancia de un buen estilista

No todos los cortes funcionan igual en todas las personas. Un buen estilista puede adaptar el corte a las características individuales.

Es importante comunicar claramente lo que se busca. Llevar referencias puede ayudar, pero también hay que estar abierto a recomendaciones profesionales.

Más allá del corte: actitud y cuidado

El corte de cabello puede hacer mucho, pero no lo es todo.

El cuidado del cabello es esencial. Un cabello sano siempre se ve más joven. Esto incluye:

• Usar productos adecuados
• Evitar el exceso de calor
• Mantener una hidratación adecuada
• Cortar las puntas regularmente

Pero también está la actitud. Sentirse bien con uno mismo se refleja en la imagen. Un corte favorecedor potencia esa seguridad.

Después de los 40 y 50, el objetivo no es parecer otra persona, sino resaltar lo mejor de uno mismo.

Un buen corte de cabello puede suavizar rasgos, aportar luz al rostro y transmitir energía. Desde un pixie moderno hasta una media melena con capas o un largo bien trabajado, hay opciones para todos los gustos.

La clave está en elegir con intención, adaptarse a los cambios y no tener miedo de renovar la imagen. A veces, un simple cambio de corte puede marcar un antes y un después.

*Leonardo Rocco es un reconocido artista del cabello de las celebridades, vocero, artista de plataforma, educador, personalidad de televisión, propietario de salones de belleza y creador de una línea de productos para el cuidado del cabello. Nacido en Argentina, con raíces italianas, ha vivido en Miami durante los últimos 21 años donde desarrolló su carrera profesional internacional. Es dueño de Rocco Donna Hair and Beauty Art, dos súper exclusivos salones de belleza y creador de productos de belleza Rocco Donna Professional.

Tini Stoessel, que cumple este sábado 29 años, creó una trayectoria que trasciende la música y el espectáculo, consolidándose como un referente de moda, estilo y creatividad en cada aparición pública.

Sus looks, siempre versátiles y cuidadosamente elegidos, narran una evolución estética que acompaña su crecimiento personal y profesional.

Desde atuendos vibrantes en escenarios internacionales hasta estilismos relajados en entornos cotidianos, cada elección de la artista argentina revela una faceta distinta de su personalidad.

Casa rodante y ondas brillantes

Para uno de sus looks, llevó el cabello suelto, con ondas definidas y acabado brillante, mientras posaba frente a una casa rodante bajo la luz del día. Usó un top corto amarillo claro, abotonado solo en la parte superior, junto a una minifalda azul con transparencias, detalles brillantes y flecos. Completó el look con sandalias de tacón alto atadas con tiras azules y blancas.

Este conjunto equilibró brillo y color con frescura, gracias a la naturalidad del peinado y los materiales del vestuario.

Tropical nocturno

Durante sus vacaciones en el Caribe, se la pudo ver con el cabello en un semirrecogido de ondas suaves y mechones sueltos. Eligió una remera corta amarilla en negro y una pollera larga negra de encaje transparente, que dejaba ver las piernas con un efecto translúcido.

Bikini y tiras en vivo

Durante uno de sus shows, cubrió parcialmente su melena ondulada con una gorra oscura. Lució un top bikini negro y una falda asimétrica de tiras en tonos blanco, negro y gris, sumando botas altas negras y accesorios metálicos.

Corset y tul rosa

Para otro de sus shows durante su gira Futttura se presentó con corset blanco de estructura visible y capas irregulares de tul rosa en la parte inferior. Añadió botas altas blancas y guantes transparentes, mientras su cabello largo y suelto caía en ondas bajo una iluminación azulada repleta de globos de espejo. La superposición de texturas y la gama de colores aportaron un efecto etéreo.

Flequillo y bikini blanco

Para uno de sus videoclips optó por un peinado geométrico, con flequillo recto y cabello liso, posando entre rocas y vegetación bajo luz natural. Eligió un bikini blanco minimalista y una capa de gasa translúcida hasta el suelo, junto a botas blancas y brazaletes metálicos.

Top plateado y tul nude

En un ambiente nocturno iluminado por flashes, lució el cabello con ondas sueltas. El look incluyó un top halter cubierto de apliques plateados y una falda larga de tul nude, acompañados de pulseras y anillos plateados.

Minivestido gris y sandalias rojas

Llevó el cabello corto, liso y con raya lateral, de pie ante un ascensor metálico. Vistió un minivestido strapless gris oscuro de textura lisa, sandalias rojas de tacón medio y aros grandes.

Su postura erguida y la combinación de colores dieron modernidad al conjunto.

Top negro y pantalón ancho

Durante sus días en México, lució el cabello liso y suelto. Eligió un top negro sin tirantes de textura plisada y pantalones anchos negros, completando con botines de charol y joyería plateada. La combinación monocromática aportó comodidad y estilo.

Blanco y ondas voluminosas

Para otro momento, la cantante posó con el cabello suelto y voluminoso. Llevó un conjunto blanco de dos piezas: top tipo bralette y pantalones ceñidos con aberturas laterales y detalles en relieve, más taco fino. Los detalles del vestuario marcaron una opción moderna y fresca.

Vestido de tul en París

Para otro estilismo, desfiló por una calle parisina con un vestido de gala blanco de tul, corset ceñido y capa de plumas. El peinado, con ondas suaves y flequillo desfilado, enmarcó su rostro mientras sostenía la falda extendida en varias capas.

Vestido negro y labios rojos

En este look, para una sesión de fotos en París, lució el cabello corto a la altura de los hombros, peinado con volumen y puntas hacia dentro, creando un marco pulido para el rostro. Llevó un vestido negro ajustado, de escote pronunciado y drapeados, que dejaba una pierna al descubierto, combinando sensualidad y elegancia. Sumó medias negras con portaligas y stilettos rojos, además de un brazalete dorado en el brazo.

Top metálico y falda en estadio

Para el concierto de Coldplay en Miami, apareció con el cabello largo y rizado, suelto y con volumen natural, mientras levantaba los brazos de forma festiva en un estadio iluminado. Eligió un top metálico estilo bandeau y una falda tubo a juego, ambos en tonos dorados y verdes, junto a sandalias finas negras.

En una primera escena, Cabal aparece sentada frente al tocador mientras su equipo de styling ultima detalles de su peinado, maquillaje, vestuario y accesorios que llevaría en su retorno al Congeso para su último periodo legislativo.

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Posteriormente, la congresista baja las escaleras y de repente, aparece caminando por el tunel que comunica el edificio nuevo del Congreso con el Capitolio Nacional donde se llevan a cabo las sesiones plenarias.

Vestida con un pantalón negro de bota ancha, una blusa cuello tortuga en color negro combinado con un gabán en color beige, la senadora toma posición de su silla en la que debatirá estos meses los proyectos de ley que pasen por la plenaria.

“Sé lo que quieras y haz lo que te haga feliz, pero sé icónica, como yo en el Congreso”, fueron las palabras con las que María Fernanda Cabal acompañó la publicación, en la que también suena Vogue, tema que le dio vida a la reconocida película.

Esta aparicipón de la senadora no pasó desapercibida para sus seguidores, pero también de sus detractores, quienes criticaron el hecho de que Cabal presumiera de su equipo de estilistas y vestuaristas como criticó en repetidas ocasiones a la primera dama, Verónica Alcocer.

Mensajes como: “Espectacular, qué mujer tan elegante”; “al margen de sus políticas las cuales no comparto, debo reconocer que Cabal se ha puesto más guapa”; “tiene un porte así como de Mindefensa para el próximo presidente”; “creo que se pasó, debió dar cátedra de sencillez como siempre criticó a la Alcocer”, entre otros.

El respaldo a la Asamblea de Antioquia

La declaración de “persona no grata” al senador Iván Cepeda por parte de la Asamblea de Antioquia ha intensificado el debate político en Colombia. La medida fue respaldada por María Fernanda Cabal, quien desde sus redes sociales criticó tanto a Cepeda como al presidente Gustavo Petro y los responsabilizó de la situación actual del país.

El respaldo de Cabal surgió tras la aprobación, el 17 de marzo, de la proposición presentada por catorce diputados de la Asamblea Departamental de Antioquia.

La decisión se fundamentó en fragmentos del programa de gobierno de Cepeda, aspirante presidencial para el periodo 2026–2030, donde identificó a Antioquia como “cuna de la parapolítica y la narco economía”. Este señalamiento provocó rechazo regional y nacional, al ser considerado estigmatizante.

La proposición de la Asamblea argumenta que el lenguaje de Cepeda afecta el buen nombre de la región, al asociarla reiteradamente con fenómenos delictivos y graves violaciones a los derechos humanos. El texto oficial enfatiza que, aunque la discusión sobre memoria histórica es necesaria, no justifica el uso de formulaciones generales que estigmaticen a un territorio completo y a sus habitantes.

El documento fue la primera acción institucional del año electoral contra un candidato presidencial, motivada por sus declaraciones sobre la violencia política y la memoria histórica en Colombia. Los diputados que apoyaron la medida consideraron que es deber del órgano regional defender la dignidad y el buen nombre de Antioquia, exhortando a Cepeda a mantener el debate electoral en términos respetuosos y propositivos.

Organizaciones cívicas y empresariales también rechazaron el lenguaje empleado en el plan de gobierno de Cepeda, por considerarlo contrario al reconocimiento de los esfuerzos de la ciudadanía para transformar la región. El llamado general fue a evitar reforzar estigmas y reconocer la complejidad histórica de Antioquia.

Lily Collins cumple 37 años y reafirma su posición como referente de estilo en la industria del entretenimiento. Reconocida por su versatilidad y atención al detalle, la protagonista de “Emily in Paris” construyó una identidad visual de la moda marcada por la coherencia, la creatividad y la sofisticación.

A lo largo de los últimos años, cada uno de sus looks transmitió una narrativa distinta, basada en la selección cuidadosa de texturas, siluetas, patrones y accesorios. Este recorrido permite analizar su evolución y la manera en la que fusionó elegancia clásica y tendencias contemporáneas.

A continuación, diez de sus estilismos más recordados.

Textura y efecto translúcido

La textura iridiscente de un conjunto formado por top y falda midi generó un efecto translúcido y perlado sobre la figura de Lily Collins en la Fashion Week de Nueva York. La malla brillante captó la luz y aportó una dimensión etérea al look, reforzada por sandalias de tiras plateadas y un bolso metálico de líneas sencillas. El cabello corto y liso enmarcó su rostro y acentuó la limpieza visual del conjunto.

Abrigo protagonista

Un abrigo largo de paño negro con solapas anchas y corte recto definió la silueta de Collins. Bajo el abrigo, llevó un pantalón negro de talle alto y un top corto cruzado en rojo con textura plisada. El contraste entre los tonos oscuros y el rojo intenso añadió profundidad al estilismo. Los zapatos de punta y las uñas negras completaron el look con un toque gráfico.

Brazaletes dorados

Varios brazaletes dorados gruesos en el antebrazo derecho se convirtieron en el punto focal del estilismo de Collins. El vestido largo ajustado en tejido dorado metálico incluyó un escote pronunciado y tirantes decorados con detalles dorados. El cabello liso y el maquillaje discreto permitieron que los accesorios y la prenda tomaran protagonismo.

Cabello estructurado

El cabello corto y perfectamente alineado con la raya al medio otorgó estructura al rostro de Collins. Para la portada de una revista, eligió una chaqueta oversize de cuero negro con textura brillante, cuello alto y botones grandes. Pendientes largos y maquillaje natural aportaron equilibrio y sofisticación.

Lunares en contraste

Un vestido blanco de tirantes finos y falda midi, decorado con grandes lunares negros, fue la elección de Collins para un look de inspiración retro. Bailarinas negras caladas y pendientes de aro dorados acompañaron la prenda. El recogido bajo, sujeto con una cinta oscura, enfatizó el aire clásico del estilismo.

Flores en primer plano

Collins optó por un conjunto de camisa y short en fondo blanco cubierto de rosas rojas y verdes. La camisa anudada en la cintura marcó la silueta, mientras que las gafas de sol oscuras y zapatos planos negros aportaron cohesión cromática. El cabello corto y suelto reforzó la frescura del conjunto.

Juego de brillos

Un vestido largo sin tirantes en terciopelo negro fue la apuesta de Collins para una alfombra roja. La falda de tul, decorada con pedrería plateada, añadió destellos a la composición. El cabello recogido y los pendientes colgantes plateados contribuyeron a un resultado elegante y minimalista.

Transparencias y flecos

Un minivestido negro con transparencias geométricas y aplicaciones de pedrería definió el look de Collins para un evento promocional. La americana negra de corte masculino y los stilettos de charol acentuaron la combinación de líneas rectas y detalles brillantes. El peinado corto y liso complementó la propuesta.

Polka dots sofisticados

El vestido negro de lunares blancos, con escote asimétrico y tejido fluido, cubrió la figura de Collins. Pendientes largos con flecos blancos y labios en tono oscuro aportaron contraste. El cabello recogido atrás permitió que los accesorios destacaran.

Volumen arquitectónico

Collins eligió un vestido de gala negro, ajustado en el torso y con corpiño estructurado. La falda de corte peplum y la superficie de lentejuelas generaron reflejos bajo la luz artificial. El cabello liso, corto y la joyería discreta reforzaron la sofisticación de un estilismo pensado para destacar.

La moda en Argentina se reinventa a cada momento, como si el país tuviera un pulso propio que marca el ritmo de las tendencias. Lo que hoy se ve en las vidrieras puede transformarse mañana en una declaración de intenciones o en un guiño inesperado a la cultura popular. Los referentes del sector están siempre atentos, descifrando señales y adaptando propuestas a la velocidad de los nuevos tiempos.

En este escenario, los expertos de moda argentinos funcionan casi como radares de lo que sucede alrededor.

Por caso, recientemente, la estilista Sandra Castellanos ofreció una visión experta sobre la nueva colección de Adolfo Domínguez. La experta compartió consejos de estilo y destacó la versatilidad de las prendas, así como las diferentes formas en que pueden integrarse a la rutina diaria.

El espacio de Adolfo Domínguez en Patio Bullrich se consolidó como punto de encuentro para la moda y la inspiración, al albergar la presentación de la colección otoño/invierno de la firma española.

La propuesta de la temporada, denominada AQUA, toma como eje el movimiento del agua y explora siluetas fluidas a partir de textiles livianos, organzas y transparencias. La paleta abarca una gama cromática que va desde los azules atlánticos hasta el verde aguamarina, sumando el regreso de la piel y nuevas versiones de los bolsos emblemáticos de la casa.

Desde el equipo de Adolfo Domínguez profundizaron en diálogo con Infobae sobre el concepto que dio origen a la colección AQUA. Para ellos, el agua es símbolo de transformación, movimiento y naturalidad. “La colección AQUA nace de esa idea de fluidez que no busca imponer una forma rígida, sino acompañar el cuerpo y el ritmo de quien la lleva”, explicaron. Añadieron que, como filosofía de diseño, la adaptación es clave: “El agua simboliza adaptación, algo que también define nuestra filosofía de diseño”.

Esta inspiración se tradujo en decisiones concretas sobre los materiales y la forma de las prendas. El equipo detalló: “Esa fluidez la trasladamos a las prendas a través de siluetas ligeras, tejidos que se mueven con el cuerpo y una paleta de colores que evoca distintas profundidades y reflejos del agua”. También pusieron el foco en los accesorios, donde trabajaron texturas y formas orgánicas “buscando que cada pieza tenga esa sensación de movimiento continuo”.

“Con la apertura del nuevo local buscamos que la tienda sea mucho más que un punto de venta: queríamos crear una experiencia coherente con nuestra identidad”, indicaron.

La arquitectura y el diseño interior acompañan esa misión: “El diseño arquitectónico fue pensado para transmitir calma, luz y amplitud. Trabajamos con materiales nobles, líneas limpias y una distribución que permite que las prendas respiren dentro del espacio. La intención es que el cliente pueda descubrir la colección de una manera natural, casi como si estuviera recorriendo una galería contemporánea”.

El equipo también hizo hincapié en el valor de la funcionalidad y la versatilidad, dos ejes destacados por la estilista Sandra Castellanos durante la presentación. “Hoy entendemos que el verdadero lujo también está en la funcionalidad: en diseñar prendas que puedan acompañar distintos momentos del día y diferentes estilos de vida”, reflexionaron.

Para esta experta, la moda debe integrarse a la vida cotidiana, por eso cada diseño se concibe con múltiples posibilidades de uso y una permanencia que trasciende las tendencias. “La moda tiene que dialogar con la vida cotidiana de las personas, por eso buscamos que cada diseño tenga múltiples posibilidades y una permanencia en el tiempo que vaya más allá de una temporada”, concluyeron desde la marca.

Desde la organización del centro comercial, la directiva Daiana Szarfsztejn valoró la iniciativa: “Este tipo de encuentros permiten descubrir las colecciones desde un lugar más cercano y personalizado, y refuerzan el posicionamiento del shopping como un espacio donde la sofisticación, la vanguardia y la curaduría de marca también se viven a través de propuestas especiales”.

La jornada se diseñó para disfrutar la moda desde una perspectiva auténtica, propiciando charlas y descubrimientos entre quienes comparten la pasión por el estilo. Así, la marca refuerza su vínculo con el público argentino y celebra la moda como forma de expresión y punto de encuentro.

El detalle del cierre asimétrico en la chaqueta, un elemento que marca la diferencia dentro del conjunto, acaparó la atención durante la visita de la Reina Letizia a la Universidad de Alcalá. La monarca asistió a la clausura de la tercera edición del Máster de Formación Permanente en Reporterismo Internacional, una iniciativa creada en conjunto por RTVE y la Universidad de Alcalá para preparar a periodistas en la cobertura de hechos globales, crisis, conflictos y transformaciones sociales y políticas. De acuerdo con la información publicada, la elección de la reina reforzó la imagen profesional y estilizada que ha mostrado en sus compromisos oficiales.

Según consignó la fuente, el acto se desarrolló en la Capilla de San Ildefonso de la mencionada casa de estudios, donde Doña Letizia se reunió con antiguos colegas de la profesión periodística, vínculo que no ha perdido desde su incorporación a la Familia Real tras su matrimonio con el Rey Felipe VI en 2004. El evento no solo significó un reencuentro con profesionales del periodismo, sino también un recordatorio del rol de la reina en el ámbito público vinculado a la formación de reporteros internacionales.

El medio detalló que, en esta ocasión, la Reina Letizia apostó por un conjunto que destaca tanto por su corte como por el color elegante: un traje de dos piezas, compuesto por una americana entallada y ajustada a la figura y un pantalón de talle alto con corte acampanado. El tejido gris marengo de la americana, un color que según la misma fuente se ha vuelto uno de los recurrentes para Doña Letizia, contribuyó a dotar al conjunto de un aspecto moderno, acentuado por el cierre de dos botones colocados de manera asimétrica, realzando la silueta.

De acuerdo con lo publicado, la elección del pantalón resaltó el corte ligeramente acampanado y el talle alto, aspectos que, sumados a los botines de piel negros de tacón bajo y ancho, respondieron a ciertas necesidades personales de la Reina Letizia. La fuente explicó que esta selección se relaciona con el diagnóstico previo de un neuroma de Morton, una condición que afecta uno de sus pies y la ha llevado a modificar la altura de los tacones que solía utilizar, priorizando la comodidad durante sus actividades oficiales.

La visita a la Universidad de Alcalá constituyó un compromiso más en la agenda pública de la monarca, quien el día anterior asistió a la capilla ardiente del periodista Raúl del Pozo y, una semana antes, acompañó a Sonsoles Ónega en el velatorio de su padre, Fernando Ónega, ambos reconocidos comunicadores españoles. Tal como informó la fuente, la reina mantiene así contacto continuo con el sector periodístico, reforzando su papel como figura pública cercana a la comunicación y la formación profesional.

Durante la ceremonia de clausura del máster, la reina volvió a posicionarse como referente de la elegancia funcional adaptada a entornos académicos y profesionales, reflejando una apuesta por prendas que, además de sofisticadas, se ajustan a sus necesidades personales de salud y a las novedades en las tendencias de la moda profesional, según publicó la fuente.

La reciente aparición de Anne Hathaway en la sede de Naciones Unidas en Nueva York atrajo las miradas tanto por su papel institucional como por su apuesta estilística. La actriz, galardonada con el Oscar y a punto de estrenar la esperada secuela de “El diablo viste de Prada”, asistió al evento como embajadora de buena voluntad de ONU Mujeres.

Allí, en el marco del Día Internacional de la Mujer y en un acto enfocado en el acceso a la justicia, compartió protagonismo con figuras como Malala Yousafzai, premio Nobel de la Paz.

El vestuario elegido por Hathaway fue un guiño evidente a su personaje más recordado, Andy Sachs, aunque con una vuelta de tuerca cromática que no pasó inadvertida. Si en la película de 2006 el azul cerúleo marcó un hito en la cultura pop, esta vez la actriz optó por un sofisticado azul petróleo, un tono profundo y moderno que algunos describen como teal o azul pato.

La elección no solo marcó distancia con el icónico cerúleo, sino que reafirmó la vigencia de la elegancia asociada al universo de la moda.

El conjunto, íntegramente de Giorgio Armani y perteneciente a la colección ready-to-wear Primavera/Verano 2026, estaba compuesto por varias piezas de seda satinada. La chaqueta, ligeramente entallada, destacaba por su manga francesa y un sutil volumen abullonado en los hombros, lo que otorgaba estructura y presencia.

Bajo la chaqueta, Hathaway llevó una camisa con cuello de volantes que aportaba un matiz romántico. La parte inferior del atuendo consistía en pantalones capri con pequeñas aberturas laterales que, pese al aire relajado, mantenían la formalidad necesaria para la ocasión.

Las botas de tacón alto y punta afilada, también de Armani y confeccionadas en piel, completaban el estilismo con un enfoque contemporáneo. Para romper el monocromatismo, la actriz eligió un bolso morado, un accesorio inesperado que sumó contraste y personalidad. Las joyas, piezas doradas de Bvlgari, aportaron un toque clásico y sofisticado, una constante en las elecciones públicas de Hathaway.

La combinación de estos elementos resultó en un look que capturó la esencia de la moda actual y, al mismo tiempo, rindió homenaje a la influencia duradera de su personaje en “El diablo viste de Prada”.

La referencia a Andy Sachs parece deliberada, especialmente en el contexto del inminente estreno de la secuela del filme, cuyo rodaje comenzó en Manhattan y está generando expectativa. Este gesto estilístico de Hathaway puede interpretarse como una forma sutil de prepararse para el regreso a uno de los personajes más influyentes de la historia del cine de moda.

Otros looks de Anne Hathaway

Para el desfile de Ralph Lauren en la Fashion Week de Nueva York 2026, Anne Hathaway eligió un conjunto que destacó por el uso de unos anteojos de sol oscuros de gran tamaño que cubrieron buena parte del rostro, aportando un aire de misterio.

Un abrigo de plumas en tonos oscuros, con textura voluminosa, se apoyó sobre los hombros, añadiendo dramatismo al vestido largo negro. El cabello, suelto y con ondas suaves, enmarcó la cara sin ocultar los accesorios.

El corset negro de acabado brillante fue el protagonista del look que eligió para el concierto de Sabrina Carpenter en Nueva York, combinado con un pantalón de mezclilla de tiro alto. Un cinturón negro con hebilla metálica completó la combinación. El maquillaje fue discreto y el peinado sencillo, dejando el rostro despejado.

La sombra de ojos azul metálico fue el elemento más llamativo del maquillaje de este look y contrastó con el vestido de lentejuelas en tono azul intenso. El diseño de tirantes y el drapeado lateral de la prenda aportaron movimiento y brillo. Sandalias azules de tiras finas complementaron la propuesta.

Este conjunto se caracterizó por la silueta alargada y la combinación de texturas oscuras. Un abrigo largo negro cubrió un vestido con falda amplia y cuerpo de tejido translúcido. El bolso estructurado y los zapatos de punta afilada reforzaron el aire sobrio. Además, presentó un gesto serio y maquillaje neutro.

Durante la Met Gala 2025, optó por un peinado recogido en una media cola alta que generó un efecto voluminoso y elegante. La camisa blanca de popelina, con mangas abullonadas y escote amplio, se combinó con una falda larga de lentejuelas en franjas negras y plateadas.

El collar de gran tamaño, decorado con piedras azules y blancas, atrajo la atención hacia el cuello. El maquillaje favoreció una piel luminosa y labios en tonos suaves, en un ambiente iluminado por luz artificial.

La moda encuentra en Victoria Beckham una referente capaz de renovar la elegancia clásica con toques distintivos en cada aparición.

Sus looks muestran una visión sofisticada y versátil; prendas, calzado y accesorios asumen el protagonismo en distintas ocasiones, consolidando su influencia como referente de estilo.

A continuación, presentamos una selección de outfits que plasman ese impacto en la escena fashion.

Zapatos negros de punta cerrada y vestido azul oscuro con rosa blanca

En el cumpleaños de Cruz Beckham, la elección de zapatos negros de punta cerrada y tacón bajo dio al conjunto una base pulida y funcional. Victoria Beckham completó el estilismo con un vestido largo azul oscuro, ajustado, que exhibía una gran rosa blanca en la parte baja. El escote halter y la espalda descubierta aportaron sofisticación, mientras el cabello lacio y suelto en tono castaño claro acompañó el minimalismo al prescindir de accesorios visibles.

Vestido midi negro y tocado azul marino con red

Cuando su esposo David recibió el título de caballero por el rey en una ceremonia realizada en el Castillo de Windsor, el estilismo de Victoria giró en torno a un vestido negro de corte midi, sin mangas, con fruncido en la cintura que acentuó la silueta. La diseñadora eligió zapatos de tacón bajo, en punta, con acabado brillante y un patrón geométrico blanco y negro. La distinción la marcó un tocado azul marino con red que parcialmente cubría el rostro, sumando un aire enigmático. El maquillaje discreto y el reloj metálico en la muñeca izquierda completaron la propuesta.

Guantes negros, sandalias de tiras y vestido largo de tul

Durante un desfile en 2007, su estilismo se definió por los guantes negros y un brazalete ancho de pedrería que adornaron sus manos. Victoria Beckham optó por sandalias negras de tiras delgadas, que sumaron un matiz contemporáneo. Un vestido largo de tul semitransparente, con escote profundo y detalles asimétricos, aportó dramatismo. El pequeño sombrero negro con velo de malla y los labios rojos intensos, junto a los ojos destacados, cerraron el look.

Falda blanca cruzada, top ajustado y sandalias de tacón fino

Para un evento de su documental “Victoria Beckham” eligió un conjunto que se construyó a partir de una falda blanca cruzada con abertura lateral y un top blanco ajustado, sobre los cuales llevó un blazer blanco de líneas rectas. Las sandalias negras de tacón fino rompieron la monocromía. El estilismo se mantuvo sobrio, con cabello suelto, maquillaje neutro y ausencia casi total de accesorios.

Pantalón negro recto, top sin mangas y muletas

La presencia de muletas negras y zapatos de plataforma oscuros marcó el inicio de este look, que Victoria Beckham usó para su desfile en la París Fashion Week, que complementó con un pantalón negro recto y un top sin mangas negro. El estilismo se mantuvo monocromático, reforzado por el uso de un cinturón negro, reloj metálico y brazaletes discretos. El cabello largo y suelto añadió naturalidad.

Conjunto negro de dos piezas y zapatos de terciopelo

Para la premiere de “Lola”, el estilismo se apoyó en un pantalón recto hasta el tobillo y un saco de solapa ancha, ambos en negro. El toque especial lo dieron los zapatos de terciopelo negro con lazo lateral y tacón medio. Victoria Beckham completó el look con el cabello largo y suelto y un maquillaje natural, sin sobrecargar la propuesta.

Chaqueta de cuero, pantalones acampanados y bolso negro

La propuesta durante una estadía en Nueva York en 2023 se centró en una chaqueta de cuero negra con cierre frontal y solapas amplias, acompañada de pantalones acampanados negros. El calzado de tacón permaneció oculto bajo la prenda inferior. Victoria Beckham sumó un bolso negro de piel con textura y gafas oscuras de gran tamaño.

Botas altas de encaje, saco azul y bolso plateado

El estilismo para la Fashion Week de París 2023 se apoyó en unas botas de encaje negro hasta el muslo y de tacón alto, combinadas con un saco azul marino largo que funcionó como vestido corto. Victoria Beckham añadió un bolso de mano plateado y gafas de sol rectangulares. El cabello suelto y los labios en tono neutro acompañaron la composición.

Sandalias rojas, falda midi gris y blusa de cuadros

Para uno de sus looks urbanos en Upper East Side, Victoria eligió sandalias abiertas rojas tipo calcetín, que resaltaron junto a una falda midi gris de corte amplio. La prenda superior fue una blusa blanca con cuadros rojos y mangas remangadas, sobre la que llevó una estructura de cintura en tono gris claro. El estilismo se completó con gafas de sol grandes, un bolso de mano amarillo y el cabello recogido con mechones sueltos.

En los últimos años, la moda masculina en alfombra roja y escenarios experimentó una transformación radical. Esta etapa, se caracteriza por la experimentación, el abandono de los códigos de vestimenta clásicos y la afirmación de una masculinidad libre y diversa.

Los trajes monocromáticos en colores poco convencionales, la reinterpretación de la sastrería y la aparición de prendas inesperadas como kilts o polleras marcaron un quiebre con la tradición, dando lugar a nuevas formas de expresión personal.

El cuerpo masculino, comenzó a exhibirse mediante camisas abiertas, escotes pronunciados y el uso del desnudo parcial como recurso estético. Los accesorios, como pañuelos, flores y bolsos de mano, aportaron matices y reforzaron la originalidad de cada atuendo.

A continuación 8 famosos que implementaron estos detalles en sus looks:

1- Harry Styles

Harry Styles se consolidó como uno de los principales referentes de esta etapa. En una de sus apariciones más recientes, durante los Premios Grammy 2026, eligió una chaqueta corta de tejido gris con solapas anchas en negro y acabado satinado. El torso permaneció parcialmente expuesto, acompañado de varios collares metálicos, lo que integró el desnudo como declaración estética y de autoafirmación.

Completó el conjunto con pantalones de mezclilla azul oscuro, corte recto, y zapatos de charol en verde pastel con detalles en blanco.

2- Tryiq Withers

El actor estadounidense Tryiq Withers ofreció un ejemplo claro de la versatilidad y diversidad que definieron esta etapa.

En una de sus presentaciones, para el front row del desfile de Cipriani 2026 en Nueva York, lució un blazer de cuadros marrón con líneas claras, combinada con camiseta blanca y un pañuelo amarillo suave al cuello.

El pantalón blanco, holgado y de pernera ancha con bordes deshilachados, se complementó con un bolso cilíndrico beige y mocasines del mismo tono.

En otra ocasión, para la premiere de la película “I Know What You Did Last Summer” posó con una camisa blanca de manga larga y un chaleco de punto grueso en bloques de gris y azul marino.

Se destacó la pollera plisada gris superpuesta sobre pantalones del mismo tono y botas negras, una elección que rompió con sus otros looks.

En un tercer evento, para los NAACP Awards, eligió un traje sastre color caqui de estructura rígida y líneas limpias, sin camisa visible bajo el blazer y con un collar delgado plateado.

Todas estas elecciones reflejaron la libertad para mezclar géneros, texturas y accesorios, consolidando nuevas reglas de estilo.

3- Brad Pitt

Brad Pitt apostó por la renovación cromática y la sofisticación textural en la alfombra roja de la película “F1: The Movie”. Lució un traje verde oscuro de doble botonadura y textura sutil, acompañado de una camisa celeste y un pañuelo verde claro en el cuello.

Los anteojos de sol de montura marrón y los zapatos marrón oscuro completaron el conjunto. Esta combinación de tonos y accesorios evidenció la voluntad de Pitt de renovar la elegancia tradicional, incorporando matices que aportaron frescura sin perder el refinamiento.

4- Alexander Skarsgard

Alexander Skarsgard combinó la tradición del esmoquin con elementos disruptivos. Apareció con un esmoquin negro clásico de solapas satinadas y pantalón a juego, pero introdujo una ruptura significativa al sumar una camiseta blanca de escote muy pronunciado, dejando gran parte del pecho descubierto.

Los zapatos de charol negro y el fondo azul con letras verdes de gran tamaño, subrayaron el carácter original del look.

5- Jacob Elordi

Jacob Elordi también adoptó la tendencia monocromática y la comodidad en la moda masculina de alfombra roja. Durante la presentación de la película “Frankenstein”, vistió camisa y pantalón blancos de lino, ambos de corte recto y holgado.

En otro evento, duraste las presentaciones de la película “Cumbres Borrascosas” posó en un jardín con campera corta marrón claro con botones dorados, camiseta negra y pantalón blanco amplio ajustado con cinturón negro.

Los zapatos negros y la luz natural realzaron los tonos claros frente al entorno de piedra y vegetación. Estas elecciones reflejaron la apuesta por la sencillez y la sofisticación relajada.

6- Bad Bunny

En el ámbito de los escenarios, Bad Bunny impuso conjuntos monocromáticos de fuerte impacto visual.

Para su presentación en el show de medio tiempo del Super Bowl, el cantante vistió un conjunto blanco de dos piezas con textura rígida, formado por una chaqueta de hombros marcados y pantalón holgado, ambos combinados con una remera corta del mismo tono.

La elección de un solo color y las formas amplias subrayaron el deseo de destacar sin perder comodidad ni presencia.

7- Paul Mescal

Paul Mescal eligió el predominio del negro y materiales de fuerte personalidad. Apareció, para la premiere de “Hamnet” con un conjunto completamente negro formado por pantalón y camisa de vestir, acompañado de una campera de cuero con acabado mate y solapa amplia.

Se resaltó el brillo sutil de la campera, al enfatizar la mezcla entre formalidad y rebeldía, un sello de este nuevo estilo.

8- Pedro Pascal

Pedro Pascal se distinguió por el contraste cromático y la reinterpretación de los estilos clásicos. En una de sus presentaciones, para la premiere de la película “The Fantastic Four: First Steps” en Los Ángeles, llevó un blazer blanco de estructura sastre, con solapa en punta y una flor roja como prendedor en el lado izquierdo del pecho.

Debajo, se asomó una camiseta blanca de escote redondo y un pañuelo negro de lunares blancos anudado al cuello. El conjunto incluyó pantalón negro de caída recta, zapatos negros y gafas de montura gruesa.

En otra ocasión, durante la alfombra roja de los Premios Emmy 2025, posó en una alfombra roja con traje de dos piezas en tono marfil, corte clásico y doble botonadura con solapas anchas.

Llevó una camisa blanca bajo la chaqueta y completó el look con zapatillas blancas de cordones y anteojos de sol redondos.

El regreso de Bad Bunny a Buenos Aires transformó el Monumental en un epicentro de moda y música. En la segunda fecha de su paso por la Argentina como parte de su gira Debí tirar más fotos World Tour, que tuvo lugar el sábado 14 de febrero, más de 70.000 personas colmaron el estadio para corear los éxitos del artista puertorriqueño y presenciar una verdadera exhibición de estilos en vivo.

Este show formó parte de una serie de tres presentaciones consecutivas en la ciudad, realizadas los días 13, 14 y 15 de febrero. Entre los invitados sorpresa se destacaron referentes de la escena urbana argentina, quienes, a través de sus looks, sumaron una dimensión visual única al evento.

La expectativa en torno a esta segunda presentación de Benito Antonio Martínez Ocasio superó lo musical. Tanto el propio artista como sus invitados elevaron el aspecto visual del show al fusionar tendencias de estilo globales con guiños locales. La conjunción de vestuario, puesta en escena y colaboraciones en vivo generó repercusiones inmediatas en redes sociales y marcó un precedente para futuros recitales de gran escala en el país.

Los looks de los invitados en el show de Bad Bunny

El show tuvo momentos de alta expectativa desde el inicio. Bad Bunny abrió la noche con “Callaíta”, acompañado por una orquesta, bailarines y fuegos artificiales. En distintos pasajes, los artistas invitados como Cazzu, Duki y Khea se sumaron al escenario para interpretar “Loca remix”, desatando la euforia del público.

El escenario del Monumental se convirtió en una pasarela donde los artistas invitados presentaron propuestas de moda que reflejan la evolución de la escena urbana argentina. Khea optó por una silueta oversized que desafía la tradición.

Su chaqueta negra, con un patrón de líneas que aporta textura, junto a un pantalón holgado cubierto de apliques brillantes, generó un juego de luces bajo los reflectores. Los guantes negros y las zapatillas chunky remarcaron una estética de lujo urbano, que fusionó comodidad y actitud contemporánea.

Por su parte, Duki propuso una imagen sólida. Eligió un pantalón cargo en tonos verdes, confeccionado con parches y texturas que remiten a un camuflaje desestructurado. La musculosa negra y el chaleco de cuero sumaron fuerza al conjunto, mientras que cadenas plateadas completaron un look potente.

Cazzu sorprendió con una silueta audaz y sensual. La cantante apostó por un vestido neón de corte asimétrico y aberturas que proyectan una estética futurista.

Los tirantes largos aportaron movimiento, mientras que el top negro definió la silueta y el calzado de tiras altas sumó sofisticación. Sus tatuajes, visibles durante la presentación, reforzaron el perfil disruptivo de la artista dentro del circuito musical. La presencia de estos referentes en el escenario de Bad Bunny no solo generó impacto musical, sino que también potenció la conversación sobre moda en el contexto de los shows masivos.

La moda de Bad Bunny en sus shows

El vestuario de Bad Bunny durante sus presentaciones reafirma su posición como referente de la moda global.

El artista inicia el concierto con un traje sastre marfil de corte impecable, acompañado de camisa clara y corbata al tono. Este look retro-glam, complementado con joyería discreta y un micrófono plateado, proyecta elegancia y sofisticación en cada movimiento.

La propuesta de moda del puertorriqueño evoluciona a lo largo del show. En un cambio de vestuario, elige un gorro ushanka de piel sintética en tono óxido y gafas rectangulares oscuras, fusionando influencias vintage y streetwear.

La combinación de una camisa blanca con detalles ornamentales y un buzo amplio color crema, junto a jeans celestes de corte recto y tiro alto, evoca el denim noventero y el workwear clásico. Los guantes claros con piedras introducen un detalle distintivo, mientras que el contraste de texturas y épocas define una estética ecléctica y lúdica.

En uno de los pasajes más comentados, Bad Bunny aparece con la camiseta oversize de la Selección Argentina, con el número 19 en honor al debut de Lionel Messi en el Mundial de 2006. Completa el look con bermudas cargo, zapatillas deportivas blancas y una vincha, logrando un equilibrio entre el universo deportivo y la moda urbana. Este guiño al fútbol argentino consolida la conexión emocional con el público local y refuerza el protagonismo de la indumentaria en la narrativa del show.

La trayectoria del cantante en eventos internacionales respalda su condición de ícono de la moda. En el Super Bowl, el artista lució una camiseta deportiva minimalista, pantalones anchos, guantes y zapatillas en tonos claros, una decisión que le permitió movimientos amplios y una presencia escénica marcada. Para los Grammy 2026, optó por un esmoquin de terciopelo negro de Schiaparelli, con camisa blanca, moño y un prendedor floral, mientras que en la Met Gala 2025 seleccionó un conjunto diseñado por Prada inspirado en Puerto Rico, con camisa marrón, corbata dorada y broche de flor plateada.

Luego de una larga espera, Bad Bunny volvió a Buenos Aires y movilizó ayer a miles de seguidores que colmaron el estadio Monumental para presenciar la primera de sus tres presentaciones, en un contexto de máxima expectativa tras haber ganado el Grammy al álbum del Año con un disco completamente en español y sorprender en el show de medio tiempo del Super Bowl. En esta ocasión, las tres fechas del show —los días 13, 14 y 15 de febrero— corresponden a la gira internacional Debí tirar más fotos World Tour.

El inicio de la serie de conciertos marcó no solo el reencuentro con su público argentino, sino el regreso del artista al punto más alto de su carrera y una producción de escala internacional.

El debut del concierto de Bad Bunny en el Monumental comenzó con el estadio colmado y el artista de pie sobre un escenario iluminado por una luz dorada intensa, el show incluyó una impactante orquesta, bailarines, fuegos artificiales, luces led y una pantalla gigante que lo siguió en todo el espectáculo. Al tomar el micrófono, comenzó agradeciendo y luego interpretó canciones como "Callaíta“, ”Baile inolvidable“, ”Nueva Yol" y "No Me Conoce“.

Si algo se confirmó en este show es que Bad Bunny entiende la moda como parte de su propuesta artística. A lo largo del espectáculo hizo distintos cambios de look confirmando sus preferencias retro, deportivas y de streetwear, con una fuerte identidad latina.

El cantante empezó el show vestido con un look retro-glam. Lució un traje sastre en tono marfil de corte impecable, con saco estructurado de solapa clásica y botonadura simple que estiliza la silueta.

Debajo, llevó camisa clara y corbata en el mismo tono, creando un efecto monocromático sofisticado. Lució joyería discreta (anillos y pulseras) y un micrófono plateado que parecía un accesorio de lujo.

Con el cabello corto peinado hacia atrás, barba prolija y un aire vintage, esbozó una gran sonrisa al público cuando recibió una ovación y un cálido recibimiento.

El estilo Bad Bunny

El cantante puertorriqueño ha desarrollado un estilo propio que se ha definido como de estética urbana con influencias tropicales. Combina prendas oversize, habituales en el vestuario de los raperos, con colores neutros y estampados llamativos.

Los accesorios marcan una diferencia en la imagen de Bad Bunny. Suele incorporar gafas de sol de diseño futurista, zapatos poco convencionales, collares, gorros, pañuelos, guantes y flores que completan sus conjuntos.

Cada elemento de sus looks tiene relevancia, incluidos los peinados. El artista suele reservar los eventos importantes para mostrar estilos capilares destacados: desde cabello con mucho volumen hasta trenzas decoradas con cuentas de colores o metálicas.

Los cambios de look

El cantante hizo su primer cambio de vestuario apostando por una estética ecléctica y lúdica que fusiona referencias vintage, streetwear y guiños performáticos.

El eje visual fue el contraste entre texturas y épocas: llevó un gorro tipo ushanka de piel sintética en tono óxido, con reminiscencia retro combinado con gafas oscuras rectangulares que aportaban actitud futurista.

En la parte superior, el styling mezcló códigos formales e informales: una camisa blanca con detalles ornamentales en el frente asomó debajo de un buzo amplio color crema.

Abajo, el equilibrio llegó con un jean celeste de corte recto y tiro alto, silueta que remitía al denim noventero y al workwear clásico. Los accesorios dieron su detalle con guantes claros con piedras. El resultado fue un outfit que jugó con lo chic y el contraste de estilos.

Finalmente Bad Bunny optó por la estética street y oversize luciendo la camiseta celeste y blanca de la Selección Argentina, con un guiño a Lionel Messi, porque llevó impreso el número 19, con el cual el futbolista debutó en la selección argentina y usó para disputar su primer Mundial, el de Alemania en 2006.

El styling se completó con bermudas cargo amarillas, que introdujeron un contraste cromático vibrante y sumaron volumen a la silueta. En los pies, zapatillas blancas deportivas y medias altas reforzaron la narrativa atlética, mientras que la vincha blanca aportó un toque retro noventero que equilibró lo urbano con lo sporty.

El resultado fue un look que mezcló fandom, moda y performance, demostrando cómo el sportswear puede convertirse en un lenguaje estilístico potente y elegante a la vez.

Bad Bunny y la moda

El artista puertorriqueño es la mejor inspiración para los que andan a la busca de un look con estilo rebelde, cargado de prendas urbanas y con un toque retro.

Recientemente, en el Super Bowl, Bad Bunny o Benito Antonio Martínez Ocasio logró combinar música urbana con un outfit minimalista claro, compuesto por una camiseta de mangas cortas de inspiración deportiva, pantalones anchos, guantes y zapatillas haciendo juego. Esta decisión estilística resaltó tanto en pantalla como sobre el escenario, ya que facilitó movimientos amplios y una coreografía de alto ritmo, y permitió que la iluminación potenciara su presencia.

“Esta es la primera vez que Zara ha trabajado con un artista de esta manera para una actuación de esta magnitud”, comentaron en GQ desde la marca. “Una colaboración orgánica y genuina, nacida de un enorme respeto por Benito como artista y figura cultural”.

Y añadieron: “El equipo trabajó estrechamente con Bad Bunny y su director creativo, Janthony Oliveras, con estilismo a cargo de Storm Pablo y Marvin Douglas Linares, para crear looks acordes para este momento único, honrando su visión y su estilo personal característico”.

El look, “inspirado en la ropa deportiva pero con un tono sofisticado y elegante, refleja su sensibilidad por la sastrería, mezclando la camisa, la corbata y los pantalones cropped para conseguir una silueta más refinada con la camiseta, a la que se añadieron unas sutiles hombreras como referencia al fútbol americano y así crear una imagen más rotunda”.

Desde Zara afirmaron: “La camiseta de fútbol americano fue el punto de partida. Se prescindió deliberadamente de logotipos o marcas visibles; se eligió una paleta de colores neutros para evitar cualquier sesgo hacia equipos de fútbol específicos, sin dejar de lado una estética y patrones propios” del fútbol americano.

Para los Premios Grammy 2026, donde obtuvo el reconocimiento al mejor álbum de la noche, Bad Bunny eligió un esmoquin de terciopelo negro de Schiaparelli con solapas anchas, camisa blanca, moño negro clásico, un prendedor floral blanco en la solapa izquierda y zapatos de cuero negro, consolidando su reputación como referente de la moda contemporánea.

Schiaparelli reveló que se inspiró en la botella original del perfume “Shocking”, uno de los íconos históricos de la marca. Es una referencia al volumen, estructura y del diálogo constante entre objeto, cuerpo y moda.

En la Met Gala de 2025 Bad llegó con un look inspirado en Puerto Rico diseñado por Prada. Camisa marrón, corbata dorada y broche de flor plateada fueron acompañados por guantes oscuros con apliques brillantes y gafas de sol redondas de montura metálica.

Su look se completó con un sombrero marrón trenzado, un bolso en dos colores y accesorios llenos de brillo con los que construye una imagen de Dandy latino.

La reaparición de Meghan Markle en la Gala Fifteen Percent Pledge 2026, celebrada en Los Ángeles, se convirtió en uno de los momentos más comentados de la temporada por su impactante elección de vestuario.

La duquesa de Sussex decidió apostar por un estilo que evocó el glamour del viejo Hollywood, destacando entre los asistentes por su sofisticación y presencia escénica.

La pieza central del atuendo de Meghan fue un vestido largo sin tirantes de color marfil, ajustado al cuerpo, que captó todas las miradas. El diseño, ceñido en la parte superior, contaba con detalles estructurados que modelaban la silueta sin perder la naturalidad y fluidez de la prenda.

Uno de los elementos más distintivos fue el ribete negro que recorría el escote tipo corazón, aportando un toque de contraste elegante y subrayando la inspiración clásica del conjunto. La falda columna, de caída recta y refinada, acompañaba cada movimiento de la duquesa, realzando la sensación de sofisticación y atemporalidad.

El vestido se vio realzado por una capa de terciopelo negro de gran volumen y textura, que caía hasta el suelo y se extendía ampliamente detrás de ella, generando un efecto de cola majestuosa. Esta pieza, de terciopelo y seda, añadió dramatismo y teatralidad, un guiño innegable a las grandes divas del cine clásico.

La combinación de materiales y contrastes cromáticos resultó en una imagen poderosa, que no perdió el equilibrio entre lo llamativo y lo refinado.

Los accesorios seleccionados para complementar el look mantuvieron la línea de sobriedad y elegancia. Meghan Markle eligió sandalias negras de tiras finas, que dejaron ver el acabado pulido de la pedicura y sumaron altura y estilización a la figura.

En las orejas, unos pendientes colgantes oscuros con diamantes aportaron destellos de luz, sin restar protagonismo al resto del atuendo. Entre las manos, un pequeño clutch negro de formato discreto reforzó la coherencia cromática y añadió funcionalidad sin romper la armonía visual.

El peinado y maquillaje acompañaron la elección del vestido, acentuando la estética de glamour clásico. El cabello, recogido en un moño elegante, despejaba el rostro y el cuello, permitiendo que el escote y la capa cobraran aún mayor relevancia.

El maquillaje, de acabado natural y luminoso, incluía pestañas negras onduladas, un suave ahumado en los ojos y labios en tonos rosa nude, logrando una imagen pulida y sofisticada sin excesos.

Otros estilos recientes de Meghan Markle

Más allá de este despliegue de glamour, Meghan Markle demostró en diferentes apariciones públicas su versatilidad y preferencia por la comodidad y la sofisticación funcional. Su estilo cotidiano, aunque menos ostentoso, mantiene la coherencia de una mujer que privilegia la calidad, el diseño y los detalles.

Durante el desfile de Balenciaga de la Semana de la Moda de París 2025, se la pudo ver caminando por un pasillo iluminado con luz artificial y paredes de vidrio, vestida con un conjunto blanco de líneas rectas.

El atuendo, compuesto por pantalón y una prenda superior de cuello envolvente y mangas amplias que cubren hombros y brazos, genera un efecto monocromático elegante y minimalista. El cabello recogido y un bolso de mano negro de formato rectangular refuerzan la imagen de sobriedad y funcionalidad.

En otra aparición, se mostró al aire libre, luciendo una campera negra de tejido grueso con botones dorados y manga tres cuartos, combinada con jeans azul claro remangados a la altura del tobillo.

Un bolso negro pequeño de cadena dorada al hombro, anteojos de sol de gran tamaño con montura metálica y bailarinas beige con puntera negra completan el conjunto. El cabello recogido en una coleta y la postura relajada subrayan un enfoque desenfadado y práctico para el día a día.

Durante la Gala “Time 100″ la duquesa posó vestida con un traje de lino beige claro. El conjunto estaba compuesto por un blazer de hombros relajados y pantalón de pinzas de talle alto, acompañados de una camisa blanca de cuello clásico.

Un cinturón marrón y varias pulseras metálicas en la muñeca aportaron contraste y textura. Con el cabello suelto y peinado con ondas suaves reafirmó su predilección por la moda relajada y natural, manteniendo siempre un toque de sofisticación.

El 14 de febrero no es solo una fecha para celebrar el amor en pareja. También es una excusa perfecta para dedicarle un poco más de tiempo al autocuidado, al estilo personal y a esos detalles que elevan cualquier look. Entre ellos, el peinado ocupa un lugar clave. No importa si el plan es una comida tranquila, un picnic al aire libre o una noche intensa y seductora: el cabello puede acompañar y potenciar cada momento.

A diferencia de otros eventos más formales, el Día de los Enamorados permite jugar con estilos más libres, románticos o incluso atrevidos, sin caer en rigideces. La clave está en elegir un peinado que se adapte al plan, al lugar, al clima y, sobre todo, a la personalidad de cada persona.

A continuación, una guía completa con peinados ideales para este 14 de febrero, ideas de accesorios y recomendaciones según distintos escenarios. Opciones pensadas para distintos largos, texturas y niveles de producción, desde lo más natural hasta lo más impactante.

El peinado como parte del look emocional

Antes de pensar en tendencias o modas, conviene detenerse en algo básico: el peinado también comunica emociones. Un cabello suelto y natural puede transmitir cercanía y frescura. Un recogido prolijo puede reflejar elegancia y seguridad. Un estilo más descontracturado, con mechones sueltos, habla de comodidad y disfrute.

En San Valentín, el peinado ideal no es necesariamente el más elaborado, sino el que acompaña el clima del encuentro. Por eso, pensar el look completo —ropa, maquillaje, accesorios y cabello— ayuda a lograr una imagen coherente y auténtica.

Peinados para una comida relajada o una cita informal

Para una comida tranquila, un café largo o una salida sin demasiadas formalidades, la consigna es clara: comodidad con estilo. El cabello debe verse cuidado, pero sin rigidez ni exceso de fijador.

Ondas suaves y cabello suelto

Las ondas suaves siguen siendo una de las opciones más elegidas para citas informales. Funcionan bien tanto en cabello largo como en melenas medias y aportan movimiento sin perder naturalidad.

No es necesario que las ondas sean perfectas. De hecho, un acabado ligeramente desarmado resulta más actual y favorecedor. Se pueden lograr con plancha, buclera o incluso con trenzas hechas la noche anterior.

Un tip simple: aplicar un poco de crema para peinar o aceite liviano solo en las puntas, para evitar frizz y dar brillo.

Media coleta con giro romántico

La media coleta es un clásico que se reinventa cada temporada. Para el 14 de febrero, se puede optar por una versión más suave: tomar dos mechones laterales, cruzarlos por detrás y sujetarlos con una hebilla discreta o un elástico fino.

Este peinado despeja el rostro, resalta las facciones y funciona muy bien con looks casuales. Además, es ideal para quienes quieren llevar el cabello suelto pero ordenado.

Trenza lateral floja

Las trenzas laterales, sueltas y poco estructuradas, aportan un aire romántico inmediato. No hace falta que estén perfectamente tejidas. Al contrario, dejar algunos mechones sueltos alrededor del rostro suma frescura.

Este estilo es ideal para quienes buscan un peinado sencillo, rápido y con un toque especial.

Peinados ideales para un picnic romántico al aire libre

Un picnic romántico suele implicar césped, mantas, viento y sol. En ese contexto, el peinado debe ser práctico, pero sin perder encanto.

Trenza corona o trenza boho

La trenza corona, que rodea la cabeza como una vincha natural, es una excelente opción para exteriores. Mantiene el cabello controlado y tiene un aire bohemio muy acorde a este tipo de plan.

Puede hacerse prolija o más desarmada, según el estilo personal. Para un efecto más relajado, se recomienda aflojar ligeramente la trenza con los dedos una vez terminada.

Rodete bajo descontracturado

El rodete bajo, a la altura de la nuca, es cómodo y elegante a la vez. Para un picnic, lo ideal es evitar que quede demasiado tirante. Dejar mechones sueltos y trabajar el cabello con textura previamente ayuda a lograr un look natural.

Este peinado funciona especialmente bien en días calurosos y combina perfecto con vestidos livianos o looks románticos.

Cola baja con accesorio

Una cola baja, bien simple, puede transformarse por completo con el accesorio adecuado. Pañuelos, cintas de tela o scrunchies de colores suaves son grandes aliados para este tipo de salidas.

El truco está en no recargar demasiado. Un solo accesorio bien elegido es suficiente para sumar personalidad.

Peinados para una noche sexy y atrevida

Cuando el plan es una cena nocturna, un bar elegante o una salida con intención más seductora, el peinado puede subir la apuesta. Aquí entran en juego estilos más definidos, prolijos y con mayor presencia.

Cola alta pulida

La cola alta, bien tirante y con acabado prolijo, es un peinado que nunca falla. Resalta el rostro, alarga la silueta y transmite seguridad.

Para lograr un buen resultado, es clave alisar bien el cabello, usar un poco de gel o crema de peinar en la raíz y fijar con spray. Se puede cubrir el elástico con un mechón de cabello para un efecto más sofisticado.

Efecto wet look

El wet look, o efecto mojado, es ideal para una noche atrevida. Se puede llevar con el cabello totalmente hacia atrás o con una raya marcada al costado.

Este estilo requiere productos específicos, como geles o cremas con brillo, y un peinado cuidadoso. No es el más cómodo para todas, pero sin dudas es uno de los más impactantes.

Ondas marcadas y volumen

Para quienes prefieren llevar el cabello suelto, las ondas más definidas y con volumen son una excelente alternativa. A diferencia de las ondas suaves del día, aquí se busca un efecto más glamoroso.

Un buen brushing previo y una buclera de diámetro medio ayudan a lograr este resultado. Finalizar con spray liviano para fijar sin acartonar.

Accesorios que elevan cualquier peinado

Los accesorios para el cabello pueden marcar la diferencia entre un peinado común y uno pensado especialmente para la ocasión.

Hebillas con perlas o strass

Ideales para looks románticos y nocturnos. Se pueden usar de a una o en pares, sujetando mechones laterales o acompañando recogidos simples.

Pañuelos y cintas

Versátiles y llenos de personalidad. Funcionan bien tanto en colas como en trenzas o rodetes. Los estampados suaves y los tonos pastel son perfectos para San Valentín.

Scrunchies y vinchas

Los scrunchies de tela satinada o terciopelo aportan un toque chic sin esfuerzo. Las vinchas finas, por su parte, ayudan a ordenar el cabello y sumar un detalle femenino.

Elegir el peinado según el tipo de cabello

No todos los peinados funcionan igual en todos los cabellos. Tener en cuenta la textura natural ayuda a evitar frustraciones y a lograr mejores resultados.

• Cabello lacio: funciona bien con colas pulidas, wet look y ondas marcadas.
• Cabello ondulado: ideal para estilos descontracturados, medias coletas y trenzas flojas.
• Cabello rizado: se luce con volumen natural, recogidos bajos y accesorios protagonistas.
• Respetar la textura propia y trabajar a favor de ella es siempre la mejor estrategia.

Consejos finales para que el peinado dure toda la cita

• Preparar el cabello con productos adecuados según el estilo elegido.
• No abusar del spray fijador, especialmente en peinados diurnos.
• Llevar un accesorio extra en la cartera puede salvar cualquier imprevisto.
• Priorizar la comodidad: un peinado incómodo puede arruinar la experiencia.

Más allá de las tendencias, lo importante es sentirse bien

El mejor peinado para este 14 de febrero no es el más complejo ni el que sigue todas las tendencias. Es aquel con el que cada persona se siente cómoda, segura y auténtica.

San Valentín es una celebración del vínculo, pero también del disfrute personal. Y en ese contexto, el cabello puede ser un aliado para expresar estilo, humor y actitud. Ya sea con ondas suaves, una trenza romántica o una cola alta bien pulida, lo importante es que el peinado acompañe el momento y no al revés.

Porque al final, el detalle que más se nota no es el peinado en sí, sino la confianza con la que se lleva.

*Leonardo Rocco es un reconocido artista del cabello de las celebridades, vocero, artista de plataforma, educador, personalidad de televisión, propietario de salones de belleza y creador de una línea de productos para el cuidado del cabello. Nacido en Argentina, con raíces italianas, ha vivido en Miami durante los últimos 21 años donde desarrolló su carrera profesional internacional. Es dueño de Rocco Donna Hair and Beauty Art, dos súper exclusivos salones de belleza y creador de productos de belleza Rocco Donna Professional.

La actuación de Bad Bunny en el Super Bowl fue uno de los momentos centrales del show. Benito Antonio Martínez Ocasio logró combinar música urbana con una propuesta visual diseñada para impactar desde el primer segundo.

El artista puertorriqueño eligió un outfit minimalista completamente blanco, compuesto por una camiseta de mangas cortas de inspiración deportiva, pantalones anchos, guantes y zapatillas a juego. Esta decisión estilística resaltó tanto en pantalla como sobre el escenario, ya que facilitó movimientos amplios y una coreografía de alto ritmo, y permitió que la iluminación potenciara su presencia.

La escenografía acompañó el enfoque visual con una ambientación caribeña: plataformas de colores vivos, caminos entre césped artificial, vegetación exuberante y detalles que remitieron a las playas y la vida isleña.

Uno de los grandes momentos fue la aparición de Lady Gaga sobre el escenario. La artista estadounidense participó en la interpretación de “Die With a Smile” y eligió un vestido azul celeste con volados y falda asimétrica, escote en V y un gran adorno floral rojo en el hombro izquierdo. El look se completó con zapatos de tacón rojos y un peinado de ondas rubias al estilo glam. Su aparición generó un fuerte contraste visual, integrando glamour y teatralidad a la escena.

La presencia de Ricky Martin fue otro de los puntos altos del show. El cantante boricua se sumó para interpretar una parte de “Lo que le pasó a Hawaii”. Martin lució un look en sintonía con la propuesta general: camisa blanca de tejido ligero, con un diseño cruzado y cuello amplio, y pantalones a juego sujetados con un cinturón beige. La combinación aportó elegancia y frescura, además de integrarse de forma natural con el entorno tropical del escenario, donde destacó una vegetación densa.

El segmento en el que Lady Gaga y Ricky Martin compartieron escena con Bad Bunny reforzó la diversidad estilística de la puesta en escena. La coreografía y la escenografía se adaptaron para integrar a los tres artistas y a la banda de músicos, que lucieron trajes burdeos y camisas celestes, completando la paleta cromática del show.

En un momento destacado del show, entre coreografías y cambios de ritmo, se pudo ver a Cardi B, Karol G, Pedro Pascal, Younk Miko y Jessica Alba compartiendo el escenario. Los cuatro acompañaron y mostraron su apoyo a Bad Bunny, lo que sumó energía y diversidad a la puesta en escena, reforzando el carácter internacional y colaborativo del espectáculo.

La narrativa visual estuvo marcada por la interacción constante entre los protagonistas y el entorno: vegetación tropical, caminos de césped, plataformas de vivos colores y elementos caribeños. El vestuario de los artistas se eligió no solo por su impacto estético sino también por la funcionalidad, permitiendo libertad de movimiento y comodidad para una performance en vivo de gran escala.

El cierre de la actuación, con una secuencia de luces y efectos que resaltaron la escenografía y los outfits protagónicos, consolidó una de las presentaciones más memorables del evento. Bad Bunny, Lady Gaga y Ricky Martin unieron música, moda y cultura en uno de los escenarios más exigentes del espectáculo mundial, entregando una actuación que trascendió lo musical para convertirse en un show visual, cultural y narrativo de nivel internacional.

El impacto de Bad Bunny, Lady Gaga y Ricky Martin en el mundo de la moda

El ascenso de Bad Bunny a la cima de la música y la cultura pop global se reflejó no solo en sus presentaciones y éxitos musicales, sino también en su capacidad para reinventar los códigos de la moda durante cada aparición pública, transformando tanto la alfombra roja como los eventos de premiación en espacios de expresión personal.

Para los Premios Grammy 2026, donde obtuvo el reconocimiento al mejor álbum de la noche, eligió un esmoquin de terciopelo negro con solapas anchas, camisa blanca, moño negro clásico, un prendedor floral blanco en la solapa izquierda y zapatos de cuero negro, consolidando su reputación como referente de la moda contemporánea.

En una de sus participaciones más comentadas en los Latin Grammy 2025, fusionó un traje negro de corte ancho y camisa blanca con corbata fina, añadiendo una gorra blanca y gafas de sol oscuras para imprimir un aire urbano y desenfadado.

Además, captó la atención en la Met Gala de 2025 al elegir una camisa marrón, corbata dorada y broche de flor plateada, acompañados por guantes oscuros con apliques brillantes y gafas de sol redondas de montura metálica. Su look se completó con un sombrero marrón trenzado, un bolso grande de cuero en tonos marrón y amarillo y zapatos blancos, aportando un marcado contraste al conjunto.

Por su lado, la cantante Lady Gaga reafirmó su estatus como ícono de moda durante su reciente aparición en el Tour Mayhem Ball, donde lució un body negro con tirantes delgados, detalles brillantes y transparencias, acompañado de medias de red oscuras y botas de cuero alto. El maquillaje con labios rojos y pómulos marcados completó el impacto visual.

Otro ejemplo fue en la Met Gala de 2019, cuando avanzó sobre la alfombra rosa escoltada por asistentes que sostenían una capa fucsia a juego con su vestido voluminoso, con mangas abombadas y un lazo estructurado en la cabeza.

Desde hace años, Ricky Martin eligió cada alfombra roja y escenario para expresar su identidad a través del estilo. La presencia de Ricky Martin en los MTV Video Music Awards 2025 atrajo la atención tras recibir el Premio Ícono Latino. El cantante optó por una camiseta sin mangas negra acanalada, acompañándola con pantalones amplios y zapatos oscuros; mostró su brazo derecho tatuado y eligió un peinado corto sin accesorios, sosteniendo la estatuilla dorada durante la ceremonia.

El impacto visual de este look reafirmó la posición de Ricky Martin como referente internacional de moda y glamour. Su habilidad para combinar la elegancia con propuestas audaces lo consolidó como un ícono cuya versatilidad estilística es reconocida por la crítica y sus seguidores.

Durante los Premios Lo Nuestro 2020, Ricky Martin apostó por un traje blanco clásico en conjunto con una camisa de seda verde y azul de estampado abstracto, luciendo el cabello hacia un lateral y la barba perfectamente recortada.

El Super Bowl LX convierte al Levi’s Stadium de California en un epicentro global de deporte, música y moda. Mientras los New England Patriots y los Seattle Seahawks definen la gloria en el campo, el espectáculo trasciende las yardas para apoderarse de las tendencias y el glamour.

Más allá del duelo deportivo, las miradas se posan en las celebridades invitadas, quienes transforman los palcos en una pasarela de estilos únicos. La cita, que aguarda la presencia de Bad Bunny en el entretiempo, se consolida como el evento cultural definitivo: una noche donde el fútbol americano dicta el ritmo, pero los outfits de las estrellas marcan la pauta de la temporada.

Travis Scott

Travis Scott eligió un look relajado pero con detalles llamativos para el Super Bowl LX. Vistió una camisa tipo cardigan en tono claro con ribetes oscuros, combinada con una camiseta negra debajo. Destacó el uso de varias cadenas doradas de eslabones gruesos y gafas de sol con diseño futurista.

Jon Bon Jovi

El músico apostó por la sobriedad con una chaqueta negra de denim que incorpora costuras visibles en contraste, lo que aporta un aire clásico y desenfadado. Complementó su atuendo con gafas de sol de aviador, detalle que resalta su presencia rockera sin excesos, fiel a su personalidad.

Roger Federer

Roger Federer asistió con una impronta minimalista. Entre la multitud, destacó por un buzo con capucha verde oscuro, sumado a una campera negra de líneas limpias. Así, el extenista logró una presencia discreta, confiando en la elegancia de los detalles sutiles.

Jay-Z

Jay-Z optó por un estilo deportivo y urbano con un buzo negro con capucha, gafas de sol rectangulares y guantes deportivos. El mensaje minimalista en el frente aporta un toque contemporáneo. Los accesorios técnicos suman funcionalidad y un aire moderno, lo que consolida su imagen de referente cultural con un aire relajado y estratégico.

Blue Ivy

La hija de Jay-Z y Beyoncé mostró un estilo juvenil y urbano con una campera varsity negra de cuero y detalles en gris, incluyendo parches llamativos y letras bordadas. Combinó la prenda con gafas de sol de formato ancho y el cabello suelto con ondas. Refleja tendencias actuales y una actitud segura, ideal para una ocasión de alto perfil como el Super Bowl.

Coco Jones

Coco Jones deslumbró en su actuación de apertura con un conjunto blanco con detalles de alta costura. Llevó una pollera abullonada de largo asimétrico que deja ver las piernas y se extiende en una cola dramática, combinada con una chaqueta corta con cierre y líneas brillantes en tonos rojo y negro. Llevó zapatos blancos de taco cuadrado y una vincha blanca. Logró una silueta sofisticada y teatral, ideal para una presentación en vivo de gran impacto visual.

Adam Sandler

Adam Sandler se mantuvo fiel a su estilo relajado en el Super Bowl LX. Eligió un buzo blanco con capucha y detalles celestes, remera naranja y pantalones claros. Además, llevó una gorra blanca con logo, sello habitual en sus apariciones públicas. El conjunto privilegió la comodidad y el perfil bajo, lejos de cualquier formalidad, coherente con su identidad fuera de los flashes.

Green Day

La icónica banda subió al escenario del Super Bowl LX con una apuesta fiel a su identidad punk rock. Billie Joe Armstrong lució una campera de cuero negra, remera oscura y pantalón al tono, acompañado de gafas de sol angulosas y un peinado despeinado con puntas rubias. El grupo mantuvo un estilo rebelde y atemporal, con guiños clásicos del rock y detalles que refuerzan su actitud irreverente.

Pedro Pascal, Young Miko, Karol G, Cardi B y Jessica Alba

Los artistas aparecieron en la presentación de medio tiempo de Bad Bunny. Pedro Pascal optó por un conjunto en tonos claros con camisa de lino y pantalón a rayas. Young Miko apostó por una campera oversize marrón, remera blanca y detalles en sintonía con su estética urbana. Karol G llevó un vestido calado blanco de un solo hombro, con transparencias y silueta ceñida. Cardi B eligió un vestido beige con corset y volados, acompañado por botas acordonadas hasta la rodilla, en una versión teatral y romántica. Jessica Alba se inclinó por un corset blanco y jeans.

Jahlani Tavai

Jahlani Tavai, linebacker de los New England Patriots, optó por un look que fusiona elegancia y tradición cultural. Lució un traje negro de corte clásico con camisa a tono, al que añadió un collar de flores y hojas típico de la cultura polinesia, destacando con colores vivos y detalles naturales. El conjunto se completa con zapatos de charol y una cadena plateada al cuello, lo que suma sofisticación y un toque personal que resalta sus raíces en un contexto de alta moda deportiva.

Drake Maye

Drake Maye, mariscal de campo de los New England Patriots, apostó por un estilo sofisticado con un traje oscuro de corte entallado y camisa blanca, logrando un equilibrio entre elegancia y modernidad. Llevó gafas de sol colgadas en la solapa y un bolso negro, lo que aporta un aire ejecutivo al conjunto. Los mocasines negros con detalles dorados completan su look.

Tom Brady

Tom Brady, ex jugador profesional de fútbol americano, apareció con una campera varsity azul marino y blanco, que lleva el escudo de la NFL y detalles bordados exclusivos. Eligió jeans celestes de corte clásico y unos anteojos de sol. La combinación remite al estilo universitario norteamericano y acentúa su conexión con el legado deportivo.

Charlie Puth

Charlie Puth se presentó para interpretar el himno estadounidense con una campera de cuero marrón de corte clásico, camisa blanca y corbata fina en tono oscuro. Sumó un jean celeste recto y mocasines negros. Su conjunto fue relajado pero pulido, y mezcló elementos formales con un aire casual y juvenil.

Eiza González

Eiza González apareció en los palcos con una campera de cuero corta de líneas rectas. El total black, acompañado por gafas de sol geométricas, acentuó una presencia segura y actual. La combinación de texturas lisas y silueta ajustada proyectó un estilo moderno.

Kenny G

El saxofonista Kenny G lució una camisa blanca de corte clásico, sin corbata, y apostó por un estilo sobrio y elegante. La simpleza del conjunto aporta sofisticación atemporal, en sintonía con su perfil artístico.

*Fotos: Reuters y AFP

Xandra Falcó, hija del marqués de Griñón, la escritora Carme Riera y Marta Ortega, presidenta de Inditex, fueron algunas de las figuras presentes en la III reunión anual del Real Patronato de la Galería de las Colecciones Reales, celebrada en el Palacio Real. El evento, que reunió a personalidades vinculadas al mundo de la cultura y la empresa, contó con la presidencia de los Reyes de España y se desarrolló en el marco de la reciente inauguración de la Galería de las Colecciones Reales, acontecida en el verano de 2023. Según consignó el medio, la cita destacó no solo por su relevancia institucional, sino también por la interacción entre figuras reconocidas como Marta Ortega, quien asistió con un estilo considerado "effortless chic", consolidando su reputación como referente en materia de estilo y moda.

En ese contexto, la Reina Letizia optó por un atuendo con sello personal, rescatando una de sus prendas más emblemáticas. De acuerdo con la información publicada, la Monarca asistió junto al Rey Felipe VI al encuentro luciendo una chaqueta con estampado Príncipe de Gales de la firma Carolina Herrera, prenda que estrenó en mayo de 2020 en plena pandemia de Covid-19. El abrigo, caracterizado por la combinación de hilos rojos, negros y blancos sobre fondo grisáceo, formó parte central de un conjunto en el que la Reina incorporó un top de punto rojo de cuello redondo, añadiendo contraste a la blazer y actualizándola bajo las tendencias de estilo urbano de la temporada.

El medio detalló que el look se completó con pantalones negros de pinzas que presentaban una leve apertura en el bajo y botines de tacón medio a juego, elección que remite a un código estético funcional para entornos laborales o reuniones de trabajo. Esta decisión estilística se enmarca en la línea denominada "working girl", que la Reina ha adoptado en otras ocasiones para compromisos oficiales de carácter profesional.

Según publicó el medio, la III reunión anual del Real Patronato pone de relieve la importancia de la colaboración entre el sector público y privado a través de Patrimonio Nacional, responsable de la gestión de la Galería y del valioso patrimonio cultural albergado en el recinto del Palacio Real. El evento reunió no solo a los Reyes y destacados representantes del mundo empresarial y cultural, sino también a los miembros del Patronato como parte del esfuerzo para impulsar iniciativas que protejan y promuevan el legado histórico y artístico.

Cabe señalar que la participación de la Reina tuvo lugar tras su intervención en el Día Mundial contra el Cáncer, jornada en la que hizo hincapié en la empatía y la atención al paciente oncológico, de acuerdo con lo reportado por la propia publicación. A través de su presencia en ambos encuentros, la Reina ha recordado la importancia tanto del apoyo integral a la salud como del impulso a las instituciones culturales.

La elección del estilismo por parte de Doña Letizia se integra en una serie de atuendos recurrentes que han marcado tendencia, ya que reutiliza piezas de calidad y las adapta a nuevos contextos. Este enfoque en la moda ha sido observado por expertos y seguidores de la actividad institucional, quienes destacan cómo la Monarca recicla prendas con historia en su vestidor para dotarlas de actualidad, y cómo logra combinarlas con otros elementos para adecuarlas al evento correspondiente.

Durante la reunión, Marta Ortega, al frente de Inditex, también captó la atención, reforzando su imagen de líder en el nuevo panorama empresarial y como figura visible en cuestiones de estilo y moda en el entorno nacional. La presencia de personalidades de diferentes ámbitos en la Galería de las Colecciones Reales remarca el carácter multidisciplinar de la iniciativa, que busca fortalecer el papel de la cultura y la gestión eficaz del patrimonio como elemento cohesionador para la sociedad.

El medio subrayó además el ambiente de cordialidad en el que transcurrió la sesión, y el carácter especial de la cita al tratarse de una de las primeras grandes reuniones del Patronato tras la apertura de la Galería, instalación que representa uno de los proyectos más importantes de la reciente gestión de Patrimonio Nacional. Con este tipo de encuentros, la institución promueve la puesta en valor de los bienes culturales, la transparencia en la gestión y la apertura de nuevos canales de colaboración.

La reunión permitió reforzar la cooperación entre entidades públicas y privadas orientadas al fomento de la cultura y al cuidado del patrimonio histórico, en línea con los objetivos definidos por el Patronato y recogidos por el medio. La Galería de las Colecciones Reales se consolida así como punto de encuentro para el diálogo, el intercambio de iniciativas y la promoción de actividades que amplían la proyección del patrimonio español entre distintos sectores de la ciudadanía.

La 68.ª edición de los Premios Grammy volvió a convertir el Crypto.com Arena de Los Ángeles en el epicentro mundial de la música. Entre shows en vivo, homenajes y la entrega de los gramófonos dorados, la alfombra roja captó todas las miradas desde temprano, con figuras como Lady Gaga, Justin Bieber, Sabrina Carpenter y Rosé desfilando antes de sus presentaciones programadas en la gala.

Como cada año, el evento no solo premió el talento musical, sino que también funcionó como una vidriera de tendencias y apuestas de moda. Infobae habló con los diseñadores Patricia Profumo, Gustavo Pucheta y Fabián Zitta para analizar los aciertos y desaciertos estilísticos de la noche y repasar los looks más comentados.

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Bad Bunny

Bad Bunny demostró que la sobriedad puede ser la herramienta más disruptiva en un evento definido por la opulencia. Su elección de un tuxedo impecable fue celebrada por Zitta, quien lo puso como el ejemplo ideal de cómo los artistas contemporáneos pueden inclinarse por un minimalismo clásico sin perder vigencia. El detalle del prendedor floral fue, para el diseñador, el toque de distinción que elevó el conjunto a la categoría de los mejores de la noche.

Ca7riel y Paco Amoroso

La delegación argentina marcó presencia con una estética que dio para hablar. Para Pucheta, el dúo se consolidó como sus figuras predilectas de la noche. Valoró especialmente la “conceptualización” y el impacto visual de sus siluetas, asegurando que la paleta elegida está en absoluta sintonía con las tendencias actuales.

Reba McEntire y Rex Linn

La pareja no logró estar a la altura de la sofisticación de la velada, según la visión de Profumo. La diseñadora calificó el vestuario de ambos como falto de producción, describiendo el outfit como un “alto prêt-à-porter” que resultaba demasiado casual para una red carpet de este calibre. “Estuvieron lejísimos de ser una pareja glamorosa”, sentenció la experta.

Coco Jones

En el terreno de los desaciertos, la actriz Coco Jones recibió una de las críticas más severas. Zitta fue categórico al expresar su desaprobación, señalando que al diseño “le sobraban elementos” y le faltaba longitud para ser considerado una pieza de alta costura equilibrada. Para el experto, el conjunto no logró encontrar un punto de armonía, quedando a mitad de camino entre lo arriesgado y lo confuso.

Tyla

La frescura de Tyla fue uno de los puntos más altos de la ceremonia. Profumo elogió su vestido al destacar el trabajo de bordado en tono caramelo y la caída de ramilletes de plumas que aportaron un glamour “sofisticado e impactante”. Lo que más valoraron los especialistas fue la capacidad de la artista para lucir un diseño de alta complejidad con un peinado y maquillaje relajados, logrando una imagen perfecta que logro descontracturar la gala.

Sharon Osbourne

El paso de Sharon Osbourne por la alfombra roja dejó un sabor agridulce. Al analizar su look total black, Zitta planteó que, si bien el negro es un color que siempre otorga cierta severidad y corrección, en este caso se notó una carencia de diseño y propuesta creativa.

Angelique Kidjo

La sastrería femenina encontró en Angelique Kidjo a su mejor representante. Pucheta destacó la ejecución técnica de su traje, y subrayó el entalle en la cintura y el carácter que aportó la solapa grande del saco cruzado. Para el diseñador, el uso de la camisa y la corbata como complemento no solo fue un acierto estilístico, sino que potenció la fuerza de un color que consideró ideal para la ocasión.

Katseye

Según la visión de Zitta, la falta de una propuesta estética clara es un error “imperdonable” en el caso de Katseye. El diseñador sugirió que el equipo de estilismo falló al no comunicar un estilo definido a través de la vestimenta, perdiendo la oportunidad de generar un impacto real en su paso por los Grammy. “Quizás la próxima”, concluyó.

Zara Larsson

El uso del dorado fue la clave para que Zara Larsson brillara, literalmente, en Los Ángeles. Profumo elogió su elección cromática, calificándola de “muy acertada” para su tono de piel. El conjunto de top y falda fue distinguido como un outfit fresco y divertido, ideal para una figura joven que busca lucir su silueta con un estilo descontracturado que no sacrifica la elegancia.

FKA twigs

Para los expertos, el éxito en una alfombra roja depende de la coherencia, y eso es lo que premiaron en FKA twigs. Zitta valoró la “comunicación visual contundente” de la cantante, donde el peinado, el maquillaje y el vestido formaron un todo armónico. Esa fidelidad a una identidad visual clara la posicionó como una de las figuras con mayor peso artístico de la noche.

Benson Boone

Cerrando la lista de los aciertos masculinos, Benson Boone se llevó los aplausos de Profumo. Su conjunto de terciopelo negro y camisa translúcida fue catalogado como el “claro ejemplo de un estilismo fresco y joven con tendencia”. La diseñadora celebró la “excelente onda” del artista, quien logró trasladar el fashionismo de vanguardia a la alfombra sin perder la comodidad ni la esencia que lo caracterizan.

A lo largo de los años, Maluma fue reinventando su imagen y sorprendiendo a sus seguidores con elecciones de vestuario que marcaron tendencia en la música latina y más allá.

Hoy, al cumplir 32 años, su trayectoria estilística puede leerse como un recorrido visual por la creatividad, la elegancia y la audacia, en escenarios que van del glamour internacional a la experimentación más personal.

Conjunto blanco satinado en escenario

En su faceta más reciente, para los Latin Grammy 2025 mientras daba su show, Maluma eligió un conjunto de camisa y pantalón blancos confeccionados en tejido satinado. En aquel momento, llevaba la camisa abierta, dejando ver parte de su torso tatuado. Completó el atuendo con un collar dorado corto, varias pulseras metálicas y un anillo grande. Su postura y el rostro serio mientras cantaba acompañaban la escena.

Traje azul celeste brillante

En otra aparición destacada, para los Latin Grammy 2025, el artista optó por un traje de dos piezas en tono azul celeste con acabado brillante y solapas anchas. Lo combinó con una camisa blanca y un saco cruzado con botones plateados. Exhibió una sonrisa amplia y compartió escena con una mujer vestida de rosa brillante y abrigo de peluche blanco.

Traje oscuro con destellos en los Latin Grammy 2025

Durante la alfombra roja de los Latin Grammy 2025, Maluma lució un traje oscuro adornado con pequeños detalles brillantes en la chaqueta. Acompañó el look con una camisa negra abotonada y gafas de gran tamaño con cristales oscuros y marco grueso.

Conjunto formal negro en vista nocturna

Para su show en el Empire State de Nueva York, Maluma apostó por un abrigo largo negro, saco y pantalón a juego, camisa blanca y chaleco negro. Llevaba lentes grandes de montura metálica. La iluminación tenue resaltaba la elegancia del conjunto y proyectaba su figura.

Traje largo azul oscuro y verde iridiscente en evento floral

En el evento 2025 de la Met Gala decorado con flores blancas, el cantante vistió un traje largo de textura satinada y relieve, en tonos azul oscuro y verde iridiscente. Sostenía una rosa de color rosa pálido y lucía una cadena dorada colgando de la cintura. Los zapatos negros de charol completaban el atuendo.

Esmoquin negro clásico en alfombra roja de premios Grammy

Sobre otra alfombra roja, para los Grammy 2024 Maluma optó por un esmoquin negro clásico de solapa ancha, camisa blanca y moño. Una cadena dorada fina cruzaba el bolsillo del saco, y los zapatos bicolor en blanco y negro, de acabado brillante, aportaban un toque distintivo.

Estilo vaquero con chaqueta de mezclilla y sombrero negro

En ocasiones informales, Maluma eligió una chaqueta de mezclilla clara abierta, dejando ver su torso y tatuajes. Combinó el look con un sombrero vaquero negro decorado con cinta y detalles metálicos.

Conjunto sin mangas gris con bufanda blanca en evento formal

Para la Met Gala 2023, Maluma lució un conjunto sin mangas en tono gris, acompañado de pantalón amplio y recto, bufanda blanca de flecos largos y un collar de eslabones plateados. Sostenía unas gafas oscuras con las manos juntas a la altura del abdomen.

Camisa blanca y chaleco rosa pálido en MTV EMA 2020

En su paso por los MTV EMA 2020, Maluma vistió una camisa blanca de manga larga, con las mangas remangadas y el cuello abierto, mostrando parte del pecho y un collar metálico. Sobre la camisa, llevó un chaleco ajustado en tono rosa pálido decorado con aplicaciones metálicas plateadas. El pantalón blanco de corte ancho y textura ligera cubría casi por completo el calzado, que apenas dejaba ver la punta metálica.

Traje negro y zapatillas básicas

Para los Premios Juventud de 2019 llevó un conjunto de traje negro de corte amplio con solapas anchas, sin corbata y con la camisa ligeramente abierta, mostrando un collar metálico. Sobre la solapa izquierda, destacó un broche azul con detalles en amarillo y blanco. Completó el look con zapatillas deportivas azul claro de suela ancha y gafas de sol cuadradas de montura oscura.

Naomi Osaka sorprendió al público del Australian Open 2026 al presentar un atuendo que trascendió la funcionalidad deportiva para convertirse en una verdadera declaración de estilo. La tenista japonesa eligió un conjunto diseñado en colaboración con Robert Wun, de inspiración marina.

El resultado fue una propuesta que combinó la elegancia y el poder de la medusa con la ligereza de la mariposa, dos figuras cargadas de significado en la vida y carrera de la deportista.

La pieza central del look fue una casaca con cierre en tonos turquesa y verde, con efecto tie-dye y zarcillos colgantes en las mangas, acompañada de una minifalda plisada sobre pantalones anchos, sello distintivo del meticuloso trabajo de Wun.

Para completar el estilismo, Osaka lució un sombrero de ala ancha decorado con un velo blanco vaporoso y mariposas, en homenaje a aquel episodio viral del Abierto de Australia 2021 en el que una mariposa se posó en su rostro durante un partido.

La inspiración para este atuendo surgió mientras Osaka le leía un cuento a su hija. Una imagen de una medusa captó la atención de la pequeña y encendió la creatividad de la tenista. “La idea es de una medusa.

Quiero saludar y felicitar a Robert Wun por el diseño”, explicó Osaka tras su triunfo en Melbourne Park. Al compartir su visión con el equipo de diseño y sumar a Wun al proyecto, la propuesta tomó forma y profundidad.

El mensaje detrás del look fue claro: energía, transformación y autoafirmación. Para Osaka, la combinación de la medusa y la mariposa representa la capacidad de reinventarse y escribir su propia historia en la cancha.

Esta apuesta, ampliamente celebrada por medios internacionales como Vogue, reafirma su lugar como referente de estilo y creatividad en el deporte.

Otros looks destacados de Naomi Osaka

- Púrpura con falda globo en el US Open. En una de sus presentaciones más icónicas, Osaka eligió un vestido de tenis en tono violeta intenso, confeccionado en tejido técnico y transpirable. El diseño elegido para la última edición del torneo estadounidense, sin mangas y con falda plisada “estilo globo” de silueta corta, favorece la libertad de movimiento.

El panel superior microperforado y la banda elástica en la cintura aportan comodidad y ajuste, mientras que la visera y la muñequera a juego completan el conjunto. Las zapatillas blancas con detalles en violeta y negro refuerzan la cohesión cromática y la identidad visual del atuendo.

- Minifalda verde pistacho y lazo oversize. En otra aparición memorable, otra vez en los EEUU, Osaka apostó por una minifalda de volados en verde pistacho, elaborada en tejido ligero y con estructura escalonada. Este look se complementaba con una chaqueta blanca de manga larga y corte holgado, anudada en la espalda con un lazo oversize del mismo tono.

El estilismo se completa con una visera y zapatillas blancas con detalles en verde pistacho, además de un pequeño lazo en la parte trasera de cada zapatilla. La experimentación formal y el juego de proporciones distinguen este conjunto, que lleva la vestimenta deportiva a un terreno más lúdico y sofisticado.

- Silueta monocromática en negro y blanco. Osaka también ha explorado la estética monocromática con un look vanguardista en negro, realzado por detalles en blanco. El atuendo se compone de una minifalda de volantes y una chaqueta deportiva holgada, ambas en negro.

Un lazo blanco de gran tamaño, situado en la espalda y elaborado en material rígido, introduce un elemento arquitectónico al conjunto. Las zapatillas deportivas negras con acentos blancos y lazos a juego, junto con una visera negra y el cabello adornado con cuentas blancas, refuerzan la dualidad de colores.

Este conjunto rompe los límites de la funcionalidad para incorporar códigos de alta costura en la cancha.

- Conjunto turquesa y verde agua con volados neón. En una propuesta de inspiración artística, Naomi Osaka llevó este martes en Australia un conjunto de chaqueta y falda corta en tonos turquesa y verde agua, evocando un efecto de nubes o acuarela.

Los volados translúcidos en verde neón, distribuidos en mangas y falda, aportan textura y movimiento. La chaqueta de cuello alto, con cierre frontal, y la falda ajustada garantizan comodidad y libertad de movimiento.

El uso de materiales técnicos ligeros, junto con detalles decorativos poco habituales, demuestran cómo la moda y el rendimiento pueden fusionarse en la cancha, generando un impacto visual distintivo.

Naomi Osaka impone estilo dentro y fuera de las canchas

Más allá del tenis, Naomi Osaka se convirtió en un ícono de la moda. Su influencia trasciende los torneos, gracias a colaboraciones con diseñadores y marcas internacionales que han sabido captar su esencia única.

Cada elección estilística se convierte en una forma de expresión, permitiéndole transformar la indumentaria deportiva en un poderoso canal de identidad personal y cultural.

Osaka no solo marca tendencia en la cancha, sino que también inspira a nuevas generaciones a ver la moda como un espacio para la creatividad y la autoafirmación.

La muerte de Valentino Garavani sacudió a la industria de la moda. El diseñador, considerado uno de los grandes exponentes de la alta costura, falleció en su residencia de Roma a los 93 años, rodeado de sus seres queridos.

Durante más de seis décadas, la marca de lujo que lleva su nombre mantuvo una relación única con el glamour, la elegancia y la cultura pop. Su influencia trascendió el universo de la moda para instalarse en la sociedad y en la memoria colectiva. Entre sus clientas más célebres figuran íconos como Jackie Kennedy, Sarah Jessica Parker, Anne Hathaway, Kate Hudson, princesa Diana y Julia Roberts. Todas ellas llevaron sus diseños en momentos clave, lo que consolidó la imagen de un creador que supo unir alta costura, celebridades y sofisticación.

Celebridades que llevaron el estilo Valentino

El recorrido de Valentino está marcado por una estrecha relación con figuras de la política, la aristocracia y el espectáculo. Jackie Kennedy descubrió al diseñador en 1964 y encargó seis vestidos de alta costura que usó durante el luto por John F. Kennedy. Cuando se casó con Aristotle Onassis en 1968, eligió un vestido blanco de encaje chantilly y manga larga, creación de la célebre “White Collection” del mismo año.

La influencia de Jackie Kennedy en la fama del diseñador fue reconocida por el propio Valentino, quien declaró a W Magazine en 1984 que le debía “un gran porcentaje de su fama”. La ex primera dama lució sus diseños en eventos históricos como el Met Gala de 1979.

Entre las estrellas de Hollywood que consagraron el estilo Valentino destaca Julia Roberts, quien asistió a la ceremonia de los Oscar en 2001 con un vestido vintage en blanco y negro de la colección de alta costura de 1992. Con esta prenda, recibió el premio a mejor actriz por su rol en la película Erin Brockovich (2000). Hoy en día, sigue considerándose una de las más emblemáticas de la historia de la alfombra roja.

Anne Hathaway se sumó a la lista de musas del diseñador, luciendo vestidos de la casa en galas como los Oscar y el Met Gala, donde llevó un diseño rojo sangre de la colección primavera/verano 2018. Después de su retiro en 2008, Valentino regresó a su atelier en el 2012 para confeccionar personalmente el vestido de novia de Hathaway, un diseño exclusivo en seda marfil con cola pintada a mano y flores bordadas, inspirado en la estética de los años veinte. La actriz eligió este vestido para su boda con Adam Shulman.

La pieza reflejó la confianza y afinidad entre ambos: la protagonista de “El diablo viste a la moda” lució en numerosas ocasiones creaciones del diseñador, mientras que él la acompañó en eventos clave y la definió como una de sus clientas más cercanas y queridas.

Sarah Jessica Parker aportó su propio momento memorable en el final de la primera temporada de “And Just Like That”, la serie que le da continuidad a la icónica “Sex and the City”, luciendo un vestido naranja de alta costura de la colección primavera/verano 2019. Esta elección representó un homenaje a la diversidad y a los nuevos valores de la moda.

Kate Hudson rindió tributo a su madre, Goldie Hawn, al elegir un vestido de seda estampada de Valentino en los Globos de Oro de 2003. Además, la actriz optó por piezas del diseñador en múltiples galas, como en los SAG Awards de 2018, donde deslumbró con una pieza de la colección pre otoño del mismo año.

La lista continúa con la princesa Diana, quien optó por un vestido de terciopelo y encaje en 1992, y con otras celebridades como Sophia Loren y Elizabeth Taylor, quienes mantuvieron una relación cercana con el diseñador durante décadas.

El genio de los diseños y la huella de la alta costura

Valentino Garavani inició su carrera en 1959, tras formarse en París y trabajar en casas como Jacques Fath y Guy Laroche. Al regresar a Italia, fundó su propio atelier en Roma y se destacó rápidamente por su dominio de la alta costura y su capacidad para fusionar elegancia clásica y modernidad.

Uno de sus mayores aportes fue el “Rojo Valentino”, un tono vibrante que se volvió símbolo de poder y pasión. Esta tonalidad pasó a ser identificada con el diseñador y se convirtió en un emblema de la moda de lujo. Además, la colección “White Collection” de 1968 marcó un hito por el uso decorativo del logo y las letras bordadas en los vestidos.

Su influencia no se limitó a la moda femenina: también diseñó vestuario para cine y ballet, colaborando con el New York City Ballet y el Teatro dell’Opera di Roma. Tras su retiro en 2008, siguió participando en eventos culturales y benéficos, como por ejemplo su compromiso con la lucha contra el SIDA.

La dirección creativa de la casa Valentino quedó en manos de Pierpaolo Piccioli y Maria Grazia Chiuri como dúo creativo. Chiuri se mantuvo en el cargo hasta 2016, año en que Piccioli asumió en solitario la dirección. En años recientes, la firma experimentó un nuevo cambio: Alessandro Michele, ex director creativo de Gucci, tomó el liderazgo creativo de la maison, situando a la histórica casa italiana bajo su visión innovadora y continuando el legado de elegancia y sofisticación que la caracteriza.

La obra de Valentino Garavani permanecerá vigente en las alfombras rojas, en los eventos más exclusivos y en la memoria de quienes ven en la moda una manifestación de arte y cultura.

En las playas de Punta del Este, un desfile no oficial se roba las miradas mucho antes de que caiga el sol. Las celebridades argentinas transforman la playa en una pasarela donde los vestidos tejidos y las transparencias se convierten en el nuevo código de estilo. En esta temporada, la moda de las arenas se compone de materiales nobles, cortes audaces y accesorios que aportan personalidad a cada look.

El fenómeno recorre redes sociales, donde las celebridades protagonizan una competencia silenciosa por marcar tendencia con sus elecciones.

Wanda Nara: crochet geométrico y silueta audaz

Uno de los looks de Wanda Nara redefinió el concepto de vestido tejido. Su elección recayó en un diseño de crochet con patrón de rombos en color blanco marfil. Este tejido, de punto calado y con transparencia estratégica, permitió que la piel se asomara de manera sutil y realzara el bronceado. El corte “backless”, que dejó la espalda completamente descubierta hasta la zona lumbar, aportó un perfil estilizado y atrevido.

El ajuste de ese vestido se ciñó en la parte baja, destacando la figura reloj de arena y manteniendo una silueta elegante. El escote halter y los laterales ultraabiertos sumaron sensualidad al conjunto. La elección del cabello con efecto “wet” reforzó la coherencia estética, sugiriendo una narrativa que conecta con el entorno de la piscina o el mar.

Este diseño trasciende el look playero tradicional y se posiciona como símbolo de lujo relajado.

Soledad Solaro: red funcional y western chic

La modelo elegido por Soledad Solaro ofrece una interpretación más práctica y bohemia del vestido tejido. Optó por una pieza de punto de red tipo mesh, de trama abierta y uniforme, similar a una red de pescador fina. Esta textura proporciona frescura y ligereza, ideal para jornadas largas bajo el sol. La manga larga, poco habitual en la playa, suma un aire sofisticado y protege la piel.

El corte destacaba por su escote en V profundo en la espalda, que dejaba ver el traje de baño y aportaba un aire despreocupado. El toque diferencial estuvo en esa ocasión en los accesorios: un sombrero cowboy de paja introdujo un guiño western chic, mientras las gafas oversize y el bikini estampado en contraste agregaban dinamismo.

El resultado: una estética effortless que prioriza la comodidad sin sacrificar estilo.

Nicole Neumann: fishnet de lujo y accesorios protagonistas

El look de Nicole Neumann lleva la tendencia al extremo del boho chic de lujo. En uno de sus paseos por la playa eligió un vestido de malla tipo fishnet en tonos nude, con una red mucho más abierta que la de las otras celebridades.

Este diseño genera un efecto de “segunda piel” y fusiona la prenda con el entorno playero, logrando un impacto visual fuerte.

El corte recto y largo maxi da una caída fluida, ideal para eventos al atardecer. Los accesorios elevaron el conjunto: el pañuelo gipsy en tonos marrones y celestes, anudado al estilo pirata, le aportó un aire bohemio, mientras las sandalias Gucci de peluche en tonos lavanda y fucsia rompieron la paleta neutra y sumaron textura. Las gafas XXL completaron un outfit que destacó por el equilibrio entre lo rústico y lo lujoso.

Pampita: negro total y cortes cut-out para la playa

El “Summer Black” encuentra en Pampita su mayor exponente. A diferencia de las otras figuras, en una de sus salidas en Punta del Este eligió para una de sus salidas un maxivestido de crochet negro con aberturas cut-out en la cintura y una espalda completamente descubierta.

Este diseño resaltó la silueta y transformó la prenda artesanal en una opción versátil, que puede utilizarse tanto durante el día sobre el traje de baño como en eventos nocturnos de playa.

Este look lo acompañó de un sombrero texano negro de rafia o paja con una insignia plateada en el frente, un accesorio que aporta carácter y potencia la estética western-chic. El calzado, compuesto por sandalias trekking o de tiras finas, sumó comodidad. Las gafas geométricas oscuras completaron el estilismo total black.

Anita Espasandín: mix artesanal y vuelo bohemio

La propuesta de la pareja de Benjamín Vicuña, Anita Espasandín, se distinguió por el espíritu artesanal y bohemio.

Su look combinó en una de sus apariciones públicas un top de crochet con rosetones calados y una falda larga de tela liviana con gran vuelo.

La superposición de texturas aporta movimiento y sofisticación, mientras la elección de una bikini celeste visible debajo del crochet introdujo un punto de color fresco y juvenil.

El corte largo y la cola irregular de la falda convirtieron la prenda en una opción funcional para caminar por la arena y disfrutar del viento. La preferencia por accesorios discretos, como collares choker o aros minimalistas, evita sobrecargar el conjunto.

La tendencia de los vestidos tejidos y las transparencias protagoniza el verano, donde las celebridades eligen materiales nobles, cortes innovadores y accesorios de impacto.

La alfombra roja de la 83ª edición de los premios Globos de Oro, en el Beverly Hilton Hotel de Beverly Hills, se transformó nuevamente en el escenario donde la moda y el espectáculo se cruzaron ante los ojos del mundo. El desfile de celebridades marcó el pulso de la noche, con elecciones de vestuario que oscilaron entre la sofisticación, el riesgo y la polémica.

Desde la mirada experta de Verónica de la Canal, Gabriel Lage y Marcelo Senra, la selección de looks reveló tanto aciertos como tropiezos. Los diseñadores destacaron los conjuntos que lograron imponer elegancia y personalidad, y también señalaron aquellos que no superaron las expectativas.

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Ariana Grande

Ariana Grande apostó por el dramatismo con un vestido negro de gran volumen, corset entallado y lazos en los hombros. Para De la Canal, “ella siempre sabe cómo sorprender en una alfombra roja”.

La diseñadora consideró que el atuendo era “espectacular” y combinaba un estilo vaporoso con una textura moderna. “El corset y el volumen de la falda son impecables. Los lazos que cuelgan y hacen de mangas le dan una terminación romántica a tan dramático vestido”, agregó.

Jacob Elordi

Jacob Elordi renovó el esmoquin tradicional con una versión cruzada de corte relajado, acompañado de corbata, en lugar de moño, y anteojos. Según Senra, “lleva una versión diferente de smoking: más largo, amplio en las piernas y angosto abajo. El conjunto se ve impecable y los anteojos suman un toque glamuroso”.

Snoop Dogg

Snoop Dogg apostó a una mezcla de raso de seda y terciopelo. Lage opinó sobre su elección: “Una mezcla un poco rara. No está mal, pero no me agrada demasiado”.

Jenna Ortega

Jenna Ortega eligió un diseño negro de espíritu futurista, destacado por su estructura rígida, aberturas estratégicas y detalles de flecos que aportaron movimiento. La elección fue celebrada por De la Canal, quien lo destacó como “perfecto”. “Ella sabe lo que es moda. Marca tendencia, tiene drama, es de vanguardia“, finalizó.

Ginnifer Goodwin

Ginnifer Goodwin lució un vestido couture bordado con perlas y cristales sobre satén y tul. Lage celebró: “Magnífica. Muy sofisticado y elegante. Las costuras en caída estilizan y dan femineidad. Se puede estar extremadamente sensual sin mostrar nada. ¡Aplausos!”.

Audrey Nuna

Audrey Nuna sorprendió con una elección experimental en blanco y negro de líneas envolventes, que priorizó el efecto visual. Senra observó que el diseño, lejos de resaltar su figura, buscó deliberadamente captar miradas con una propuesta más llamativa: “Da la impresión de estar envuelta como un paquete de regalo, en negro y blanco. El diseño es sobrio y hace desaparecer el cuerpo”.

Emma Stone

Emma Stone eligió una combinación en tonos suaves con top rígido y falda texturada, pero la estructura del conjunto no logró favorecer su silueta ni transmitir el impacto esperado para una noche de gala. De la Canal señaló que la actriz tuvo apariciones mucho más acertadas en otras alfombras rojas.

Julia Roberts

Julia Roberts apostó por la elegancia clásica con mangas largas y escote profundo. Como detalle distintivo, sumó un collar largo con un colgante rojo en forma de frutilla. Esta joya aportó un toque original y colorido, lo que la convirtió en el foco de atención sobre la sobriedad del conjunto. Lage resaltó: “Siempre natural y sin excesos consigue destacarse. La joya que lleva como accesorio toma protagonismo”.

Paul Mescal

Paul Mescal eligió un look de sastrería minimalista. Lage lo definió: “Sastrería depurada y contemporánea. Líneas limpias y textiles con pelo y camisas absolutamente puras. La elegancia está de nuevo. Absolutamente masculino y elegante”.

Amelia Gray

Amelia Gray desfiló con un vestido largo de brillo metálico y escote recortado. De la Canal reconoció: “El diseño no es tan novedoso”.

Jennifer Lawrence consolidó su imagen en la industria del entretenimiento no solo por su talento actoral, sino también por la evolución y versatilidad de su estilo en cada aparición pública. Desde alfombras rojas hasta atuendos de calle, la actriz transitó con naturalidad entre propuestas clásicas, modernas y desenfadadas, adaptando cada prenda a su personalidad y contexto.

Sus elecciones reflejaron una atención cuidadosa a la silueta, los materiales y los detalles, estableciendo un diálogo constante entre la sofisticación y la comodidad. A continuación, looks de el recorrido estético de Lawrence a través de diferentes momentos y escenarios:

Vestido largo blanco de alfombra roja

En una de sus apariciones más recordadas en la alfombra roja de los Academy of Motion Picture Arts and Sciences 16th Governors Awards, en noviembre 2025, eligió un vestido largo blanco de tejido fluido.

El diseño destacó por su escote palabra de honor y drapeados que cruzaban la parte superior del busto y la cintura. El vestido presentó una abertura vertical en la pierna izquierda y un fruncido lateral que acentuó la silueta. La actriz completó el look con pendientes plateados de gran tamaño.

Conjunto de jersey color arena y falda de tul blanco

En otra ocasión, para la alfombra roja de la premiere de la película “Die My Love” Lawrence optó por un conjunto que combinó un jersey color arena de textura suave y cuello en V con solapa negra satinada, junto a una falda larga y voluminosa de tul blanco con pequeños puntos en relieve.

La falda, abullonada en dos niveles y ajustada con un lazo negro, aportó dramatismo al conjunto. Botines negros de tacón, el cabello recogido en un moño desenfadado con flequillo y una elección de accesorios discreta, completaron este estilismo de inspiración romántica y urbana.

Vestido largo negro entallado

Para otra premiere d ela misma película en 2025 eligió un vestido largo negro de corte entallado, con escote profundo en V y espalda completamente descubierta. El vestido se ajustó en la parte superior y cayó recto hasta el suelo, generando una línea visual limpia.

La actriz llevó el cabello suelto y lacio, con flequillo recto y un maquillaje de labios oscuros. Un collar dorado de cadena gruesa fue el único accesorio visible.

Vestido largo verde oliva asimétrico

En una de sus apariciones, pero para el Festival de Cine de San Sebastián, Lawrence lució un vestido largo de color verde oliva, confeccionado en tejido rígido de textura mate.

El diseño asimétrico incorporó una manga amplia y una abertura lateral a la altura de la cintura, ajustada con un cinturón negro fino. El vestido cubrió completamente los pies y mostró una silueta recta, mientras que la actriz llevó el cabello suelto con flequillo y un maquillaje discreto.

Conjunto de dos piezas negro satinado

En una de sus elecciones más recientes, para otra sesión de fotos de ese mismo festival, apostó por un conjunto de dos piezas en tono negro y tejido satinado. La prenda superior fue una camiseta de manga corta con dobladillos blancos en las mangas, acompañada de un pantalón ancho de tiro largo que cubría parcialmente los zapatos.

El cabello recogido en un moño bajo, el maquillaje de acabado natural y unos pendientes de aro pequeños completaron un estilismo sencillo y elegante.

Look de calle en tono marfil

En un contexto más informal, en Julio de 2025 Lawrence eligió un conjunto de calle en tono marfil, compuesto por una blusa de manga larga y un pantalón holgado con aberturas frontales en los bajos.

Añadió un bolso negro estructurado con herraje dorado, anteojos de sol rectangulares oscuras y zapatos planos beige. El cabello suelto ligeramente ondulado y varios collares dorados acompañaron este look urbano y relajado.

Conjunto fluido en beige y tonos pastel

En otra imagen, para es Festival de Cannes 2025, la actriz llevó un conjunto fluido formado por una blusa de manga larga translúcida en tono beige claro y una falda larga con bordados de ramas y flores en tonos pastel y metálicos.

La silueta recta y ligera se vio reforzada por el cabello suelto con ondas suaves, anteojos de sol de montura clara y un maquillaje suave.

Vestido blanco plisado sin tirantes

Finalmente, Jennifer Lawrence apareció en una alfombra roja para el mismo festival, con un vestido blanco sin tirantes de tejido plisado.

El corpiño ajustado se unió a una falda amplia de varias capas asimétricas con pliegues marcados, mientras una banda ancha rodeó la cintura y se ató en un lazo lateral. La actriz llevó el cabello recogido, pendientes discretos y un maquillaje que resaltó los labios en tono rojo, logrando una imagen elegante y distintiva.

El evento, que tuvo lugar en la residencia de Isabel Preysler en Puerta de Hierro, se destacó por la presencia de Ana Boyer y su esposo Fernando Verdasco, acompañados de sus dos hijos. También asistieron integrantes de la familia de Íñigo Onieva: su madre Carolina Molas, su hermano Jaime y su abuela María Eugenia Urririaciorraga. El Mundo detalló que los padres del tenista, José Verdasco y Olga Carmona, así como la hija de ambos, Ana, y nuevamente la abuela María Eugenia Urririaciorraga, completaron el grupo, subrayando el carácter numeroso de la velada.

Según reportó El Mundo, la fotografía familiar tomada durante el encuentro se convirtió en una de las imágenes más representativas de la temporada navideña para la familia Preysler. El comedor principal, adornado con un árbol de gran tamaño y una mesa preparada al detalle, sirvió como escenario para el posado que vuelve a situar la residencia de Isabel Preysler en el centro de la vida social y familiar del grupo.

A pesar de la imagen de unidad, la ausencia de dos figuras habituales abrió paso a nuevas especulaciones sobre las razones de su falta. El medio explicó que Sara Verdasco, hermana de Fernando e integrante destacada de la familia Boyer-Verdasco, estuvo ausente, posiblemente porque decidió pasar las fiestas con la familia de su esposo, Juan Carmona. Por otro lado, sobre Alejandra Onieva, hermana de Íñigo, no trascendieron detalles sobre sus planes navideños. El Mundo recordó que recientemente se hizo pública su relación con el actor Jesse Williams, por lo que no se descarta que ambos hayan optado por celebrar su primera Navidad juntos.

En el posado familiar, Isabel Preysler optó por prendas de líneas sobrias y en colores claros. Según informó El Mundo, este atuendo armonizaba con el ambiente acogedor y sofisticado característico de su hogar durante estas fechas. Tamara Falcó eligió un conjunto discreto en tonos neutros, considerado apropiado para una cena familiar, pero sin perder el estilo personal que la caracteriza. Íñigo Onieva, por su parte, adoptó una vestimenta formal y de perfil bajo. Ana Boyer y Fernando Verdasco, también presentes en la fotografía, utilizaron vestimentas sobrias y en sintonía con el ambiente general. El Mundo subrayó que, más allá de las tendencias de moda adoptadas, los asistentes remarcaron la importancia de la reunión y la posibilidad de compartir la velada alrededor de la mesa de Isabel Preysler.

En palabras de Tamara Falcó, el sentido de pertenencia y la oportunidad de estar juntos fue el aspecto más valorado de la cita, mientras la presencia de las distintas ramas familiares reforzó la tradición de celebrar la Navidad en la casa de la llamada “reina de corazones”. El evento, según publicó El Mundo, consolidó a la residencia de Puerta de Hierro como el espacio simbólico donde convergen afectos y tradiciones en fechas señaladas para la familia. La fotografía tomada durante la reunión se suma a la colección de imágenes familiares que año tras año reflejan los cambios y continuidades en el núcleo liderado por Isabel Preysler.

La elección de repetir prendas durante las celebraciones de fin de año se vuelve cada vez más común, al igual que la preferencia por accesorios que puedan renovar el vestuario sin necesidad de adquirir piezas nuevas. Esta tendencia responde a un deseo de autenticidad y sostenibilidad en un momento en que la presión de mostrar una imagen deslumbrante deja paso a la búsqueda de bienestar y coherencia personal. Según informó el medio que analiza estas transformaciones en la temporada navideña, muchas personas priorizan vestirse de forma que refleje su propio estilo y preferencias, y no necesariamente para impresionar o seguir reglas impuestas por la moda tradicional.

De acuerdo con el análisis publicado, la recta final del año trae consigo múltiples eventos sociales, cenas, encuentros familiares y compromisos que, lejos de generar ansiedad, ahora invitan a encontrar maneras más relajadas de vivir las festividades. El medio detalla que cada vez hay más interés en armonizar la comodidad y la imagen personal, de modo que lucir bien no entra en conflicto con sentirse a gusto. Este enfoque marca un cambio en el que las celebraciones dejan de girar en torno al brillo excesivo o la novedad de la indumentaria, proponiendo en su lugar redescubrir piezas ya existentes en el armario y renovarlas con toques festivos, como accesorios distintivos.

En lo referente a la moda, el portal destaca cómo prendas de punto con detalles metálicos, vestidos lenceros combinados con cárdigans suaves, y trajes sastre en tejidos fluidos configuran las apuestas más recurrentes para estas fiestas. Los zapatos cómodos como bailarinas con detalles de pedrería, botines de tacón moderado o incluso zapatillas blancas bien conservadas adquieren un protagonismo nuevo, desplazando a los tacones altos que solían dominar este tipo de celebraciones. Según el medio, el fenómeno de repetir atuendo gana adeptos y elimina la presión de estrenar modelito en cada evento social, reforzando la idea de que el estilo personal y la responsabilidad ambiental son compatibles.

El ámbito del maquillaje también experimenta modificaciones: el énfasis se sitúa en conseguir un aspecto saludable y revitalizado en poco tiempo. El artículo describe que las bases ligeras, acompañadas de correctores en zonas clave, mejillas realzadas suavemente y labiales de tonos sutiles definen el maquillaje festivo recomendado para esta temporada. Añade que un delineado sencillo o una sombra metálica aplicada estratégicamente pueden transformar el look para la noche sin recurrir a técnicas complicadas o productos de larga duración. Sobre el cuidado de la piel, el medio indica que el "lujo" real reside en lograr una tez descansada: hidratación adecuada, limpieza sin agentes agresivos y el uso ocasional de mascarillas calmantes representan rutinas preferidas antes de maquillarse, esto sobrepasa el efecto inmediato de cualquier producto cosmético.

El bienestar emocional y físico surge como uno de los ejes principales de la temporada, según consignó el portal de noticias. Con la proliferación de compromisos y la rápida sucesión de eventos, reservar instantes de tranquilidad, limitar el uso de pantallas y adoptar pequeños rituales diarios figura como una tendencia en alza. Actividades como pasear, ducharse sin prisas o simplemente tomar un café en calma antes de una comida especial se valoran como estrategias para reducir la presión de las fiestas.

En cuanto al significado del "brillo" navideño, el artículo sostiene que, aunque la temporada sigue identificándose con detalles resplandecientes como lentejuelas, acabados metálicos o tejidos satinados, la forma de llevarlos cambia. Ahora se recomiendan destellos en puntos específicos del atuendo, integrados de manera que no comprometan la practicidad ni la comodidad. De acuerdo con el análisis del medio de comunicación, el objetivo consiste en celebrar con looks que resulten adaptables a distintas ocasiones y que reflejen una actitud consciente hacia el consumo, lejos de la antigua tradición de vestirse con la máxima ostentación.

La publicación concluye señalando que la reinterpretación de las celebraciones navideñas responde al deseo de disfrutar con libertad y de transformar el ritual del arreglo personal en un acto placentero y auténtico. Prefiriendo la integración de prendas y gestos sencillos, la tendencia se consolida: vivir las fiestas desde el bienestar propio más que desde la obligación de asombrar a los demás.

Doña Letizia ha participado este martes en la sede de Meta en Madrid en una nueva cita de la Fundación Fad Juventud, donde ejerce como Presidenta de Honor, en un contexto en que la inminente llegada de las vacaciones navideñas vuelve a reunir en el Palacio de La Zarzuela a la Princesa de Asturias y a la Infanta Sofía. De acuerdo con el medio ¡Hola!, la reunión del Patronato de dicha fundación tuvo como tema central la seguridad digital de adolescentes, niños y jóvenes, abordando los desafíos presentes en los entornos digitales actuales. Esta jornada continuó con un coloquio titulado "Desafíos y retos de la seguridad digital para la adolescencia, infancia y juventud – Entornos Digitales Seguros", un espacio en el que participaron expertos y representantes de asociaciones juveniles.

Según detalló ¡Hola!, Doña Letizia reaparece en la agenda institucional después de haber asistido el viernes 12 de diciembre, en un ámbito privado y fuera de la programación oficial, a la proyección de la película 'Ciudad sin sueño' en el Ateneo de Madrid. En aquella ocasión, estuvo acompañada por su maquilladora Natalia Belda, con quien mantiene una relación cercana, y se quedó también al coloquio posterior dirigido por el realizador Guillermo Galoe. Este regreso a sus compromisos públicos pone de manifiesto tanto el interés de la Reina por el cine y la cultura como su vinculación con causas de actualidad y calado social, como la protección digital de la juventud española.

La Reina acudió al acto de la Fundación Fad Juventud con un conjunto que, según publicó ¡Hola!, destacó por su carácter elegante y moderno. El atuendo consistió en un traje de corte sastre en color negro, decorado con una raya diplomática blanca discreta. El conjunto incluía una blazer entallada de doble botonadura cruzada, dotada de bolsillos frontales, y un pantalón de caída recta. A esta propuesta le sumó una blusa de seda satinada en tono morado con un lazo al cuello, prenda que, según el medio, recuerda modelos que ha lucido previamente la Princesa de Gales, Kate Middleton.

La elección de los accesorios también fue objeto de análisis según ¡Hola!. Doña Letizia prescindió del bolso y optó por mocasines acharolados de tacón cuadrado para completar el estilismo. Llevó su habitual anillo de la firma Coreterno en el dedo índice de la mano izquierda y unos pendientes dorados en forma de lágrima. El cabello lo lució suelto, con la raya al lado, dejando ver algunas canas.

Durante el evento de Meta Madrid, la presencia de la Reina Letizia tuvo un significado especial para la Fundación Fad Juventud, según mencionó el medio, por su protagonismo en la promoción de iniciativas dedicadas al bienestar digital de las nuevas generaciones. La jornada buscaba poner sobre la mesa los principales riesgos y oportunidades de la vida digital entre menores y jóvenes, enfocándose en la importancia de entornos seguros para el desarrollo personal y académico.

Los días previos a sus vacaciones navideñas han sido, según consignó ¡Hola!, una muestra de la intensa actividad institucional y cultural que Doña Letizia mantiene en las semanas finales del año. La cercanía de las fiestas viene marcada por el esperado retorno de la Princesa Leonor y la Infanta Sofía a la residencia familiar, un periodo señalado para el reencuentro y la convivencia en el marco del Palacio de La Zarzuela.

El estilismo escogido para el evento de seguridad digital también adquirió relevancia por su versatilidad y actualidad, según recogió ¡Hola!. El enfoque 'working girl' de la Reina fue interpretado como una alternativa inspiradora para quienes buscan propuestas de moda para celebraciones familiares y reuniones formales durante las fiestas de fin de año. El look, al combinar prendas de estreno con referencias a figuras icónicas de la realeza europea, acaparó la atención mediática, aunque sin perder de vista la finalidad social de la reunión.

La implicación de Doña Letizia en esta cita se sumó al patrón de presencia activa y constante en iniciativas relacionadas con la infancia, la adolescencia y el entorno cultural. La Reina ha convertido la visibilización de causas vinculadas a la juventud y la protección digital en parte de sus prioridades institucionales, respaldando con su participación encuentros y coloquios que buscan sensibilizar sobre la nueva realidad digital.

Según lo relatado por el medio ¡Hola!, la jornada celebrada en Madrid no solo puso en valor la preocupación de la monarquía española por el bienestar de las jóvenes generaciones, sino que también sirvió de escaparate para mostrar opciones de moda que mezclan clasicismo y contemporaneidad. La cobertura mediática de estos compromisos permite observar tanto la dimensión institucional como el impacto social y de tendencias que acompaña cada aparición pública de la Reina Letizia.

En un salón con chimenea, es difícil que esta no sea uno de los principales focos de atención. Incluso cuando no se enciende a menudo, su presencia influye en el ambiente general y condiciona la forma en que se disponen el resto de los muebles y accesorios. La colocación del sofá, las butacas o las alfombras muchas veces responde a la ubicación de la chimenea, buscando crear un entorno equilibrado donde ese punto central sea visible y acogedor.

Aprovechar la repisa y los laterales para mostrar recuerdos u obras de arte es el primer paso para que el conjunto gane en interés. Imágenes personales, marcos o ilustraciones intercambiables y objetos de distintos tamaños y materiales permiten ir adaptando el rincón según el estado de ánimo o la estación. Es importante también el papel de la pared sobre la chimenea y de su propio marco, que permiten introducir color y textura. Un gran espejo, un cuadro protagonista o incluso una franja de papel pintado otorgan protagonismo.

Ideas para decorar la chimenea en Navidad

Durante las fiestas, la chimenea suele verse como el escenario ideal para la decoración navideña. Las guirnaldas, sean artificiales o hechas con ramas de pino o eucalipto, con detalles de piñas, cintas y bolas, suman un aire festivo y rústico a partes iguales. Sobre la repisa, los clásicos calcetines colgados para cada miembro de la familia se pueden personalizar con nombres o iniciales, en tonos tradicionales como rojo, verde y blanco, o en versiones más neutras para ambientes actuales.

Las velas pueden aportar bastante en este contexto, tanto en grupo como repartidas en portavelas de madera o metal, o si se prefiere optar por algo que no requiera mucha atención, las velas LED también funcionarán perfectamente. Las linternas pequeñas, junto con figuras invernales y candelabros, refuerzan el ambiente cálido. Una corona colgada en la pared, especialmente si combina frutos rojos y ramas verdes, aporta un toque tradicional que nunca pasa de moda.

Si se quiere dar más protagonismo a este espacio, se pueden instalar marcos o guirnaldas de luces LED, perfectos para acentuar la silueta de la chimenea y crear fondo para las celebraciones y las fotos familiares. Los pequeños centros temáticos con el clásico portal de Belén o figuras de Papá Noel, renos y árboles completan el rincón y lo hacen perfecto para recibir la Navidad.

Cómo decorar la chimenea el resto del año

Pasadas las fiestas, la chimenea sigue ejerciendo de punto central en el salón. La oferta de ideas es variada y siempre se puede recurrir a combinaciones de marcos y cuadros, cambiando imágenes o láminas según la estación. Un espejo generoso sobre la repisa da más luz y sensación de espacio.

La decoración de la repisa puede variar alternando objetos altos y bajos, mezclando jarrones, libros, esculturas de madera o pequeñas plantas. Dejar la leña a la vista, ya sea apilada en un lateral en cestos o cubos metálicos, o agrupándola en el interior, puede ser un elemento decorativo en sí mismo. En primavera y verano, los tonos verdes y las flores se adueñan del ambiente, mientras que en otoño y durante los meses fríos, los elementos naturales como ramas secas, piñas y hojas mantienen el aire orgánico.

Con la temporada de celebraciones a la vuelta de la esquina y los eventos multiplicándose en la agenda, llega la hora de buscar combinar aquellas piezas que creen un look elegante y sofisticado, sin muchas complicaciones. Y, entre tantas opciones, hay una prenda que vuelve a destacar por su versatilidad y elegancia: la falda que combina con todo. Desde las famosas que comparten sus estilismos en redes hasta quienes simplemente quieren sentirse especiales en una cena familiar, todas coinciden en lo mismo: una buena falda puede transformar cualquier outfit.

Hablamos de esos modelos que no fallan y que te acompañan del día a la noche con cero esfuerzo. Te presentamos las 5 faldas perfectas para estas fechas, que te permitirán lucir elegante, moderna y segura sin necesidad de repensar tu armario. Prepárate para descubrir cuáles son y convertirlas en tu mejor aliado estas fiestas.

Una de las faldas imprescindibles para estas fechas navideñas y que elevarán tu look es la falda midi satinada de encaje de Zara. Actualmente, la pieza se encuentra disponible en dos tonalidades (marrón chocolate y negro) y tiene 6 tallas (XS, S, M, L, XL y XXL). Su precio es de 25,95 euros y se caracteriza por su tejido confeccionado en tela de satín, tiro alto con cintura elástica y bajo acabado en encaje. Se trata de un modelo ideal para combinar con un jersey, un body o una camiseta.

Ideales y combinables con cualquier pieza

Esta pieza es una opción perfecta si tu idea es que acaparar todas las miradas allá por donde vayas. La falda drapeada de H&M Studio Collection es la opción que le dará un toque elegante a tus estilismos. Disponible en la tonalidad burdeos, actualmente se encuentra disponible en 6 tallas (XS, S, M, L, XL y XXL). Su precio es de 49,99 euros y se caracteriza por ser una falda corta en un punto elástico de doble capa con panel fruncido, maxivolumen en tafetán y efecto frufrú en el bajo. Se trata de un modelo ajustado con frunces elásticos a los lados para crear un ligero efecto drapeado.

Esta es una opción diferente y arriesgada que transmite estilo y personalidad. Se trata de la falda midi tul de estampado abstractos de Stradivarius. Se trata de una prenda que, actualmente, se encuentra rebajada a 13,79 euros, pero cuyo precio es 22,99 euros. Está presente en cinco tallas, aunque, ahora, solo están disponibles cuatro de ellas (XS, S, M, L). El modelo está confeccionado en tejido estampado de tul con forro interior, es de tiro medio y cintura elástica.

La opción que te presentamos a continuación es ideal para las festividades navideñas. Se trata de la falda mini de lentejuelas de Bershka, que está disponible en dos tonalidades: burdeos y gris oscuro. Actualmente, se encuentra disponible en cinco tallas (XS, S, M, L y XL) y su precio es de 22,99 euros. La pieza presenta una base de tela sintética sobre la que van cosidas o adheridas las lentejuelas, que dan un toque de brillo al modelo. Es ajustada y en la base presenta algo de elasticidad.

Y, si te gusta el encaje, te traemos la opción perfecta. La falda midi de encaje de Pull and Bear es la opción ideal si tu idea es combinar elegancia con un toque sofisticado. El modelo, que se puede adquirir por 22,99 euros, se encuentra disponible en cinco tallas, aunque, actualmente, solo hay cuatro de ellas (XS, S, M, L y XL). Se trata de un modelo con detalles de frunces, cintura elástica y en tejido de encaje que combinable con cualquier prenda para lucir espectacular.

Cada vez son más las personas conscientes de la importancia de la salud de los pies, tantas veces olvidados y obligados a ajustarse a zapatos con formas incómodas. Poco a poco se empieza a ver tanto en los escaparates como en el streetstyle opciones de calzado con forma de pie, algo que puede sonar raro, pero que hasta hace no mucho, no existía. Por suerte, el barefoot ha llegado para quedarse y cada vez son más las marcas que están apostando por modelos tan cómodos como ergonómicos.

Y si bien queda mucho por avanzar en esta tendencia, hay dos referentes que se pueden tener en cuenta no solo para conocer sus beneficios, también nuevos diseños con los que dejan claro que el estilo, el gusto y la moda no son temas ajenos al barefoot. Se trata de la reina Letizia y Cristina Pedroche. La reina se ha visto empujada a esta tendencia debido a su neuroma Morton, una dolencia que sufre desde hace años en su pie izquierdo y le impide zapatos estrechos y de tacón. Por su parte, la presentadora lleva años cuidando sus pies después de sufrir un juanete, buscando calzados que no le aprieten tras toda una vida llevando los dedos apiñados debido a los zapatos estrechos.

“Mi fisio me decía: ‘Nadie se plantea ponerse un casco de moto con forma de rodilla, ¿no? Te lo pones con forma de cabeza. Entonces, ¿por qué los zapatos no tienen forma de pie? Él vio que llevaba los zapatos muy estrechos y me mostró que mi dedo gordo no estaba alineado, por lo que no pisaba bien”, ha contado Cristina. Tras esta reflexión, su zapato es muy similar al de la reina, pues los zapatos ergonómicos no dejan de ganar terreno a los tradicionales.

En el mercado hay cada vez más opciones disponibles, pues muchas marcas se están animando a cuidar la pisada de sus clientes, pero hemos recopilado 5 opciones que encantarían tanto a Cristina Pedroche como a la reina Letizia.

La firma Navega Barefoot propone estas bailarinas de color negro con las que se puede conseguir un look elegante sin acabar dolorida por los tacones. Se trata de los zapatos ‘Cristal negro’, confeccionados en piel y vinilo, sin drop ni refuerzos, que se ajustan mediante una correa a tono. Como detalle curioso disponen de una banda de vinilo transparente en los lateral que hace que visualmente parezca un calzado minimal. Su precio es de 89 euros y se encuentran en tallas desde la 35 hasta la 43. Además, están disponibles en un formato más ancho, perfecto para aquellas personas que necesitan un poco más.

Desde el vestidor de Pedroche llegan estas merceditas tan llamativas. Son de la firma Barevene, el modelo Mary Jane Tintoretto, y están confeccionadas en un delicado terciopelo rojo con ribete a contraste. Este zapato, que se ha hecho viral, está inspirado en el pintor Tintoretto y son ese punto de luz que necesita cualquier look invernal. Cuestan 134 euros en la página de la firma.

Otoño e invierno son las estaciones de los botines y en Vivo Barefoot apuestan por unos de estética Chelsea que cumplen todos los requisitos para ser respetuosos con el pie. Esta boca clásica está confeccionada en una sola pieza, en un material impermeable y con ribetes elásticos naturales. Un clásico reinventado para moverse con naturalidad. Están disponibles en dos colores, negro o marrón, y tienen un precio de 180 euros.

Los mocasines son la tendencia del verano y la versión barefoot está en Muris, que promete comodidad con el modelo Avignon woman. Elegantes y sofisticados, estos zapatos se venden en marrón y negro en tallas que van desde la 36 hasta la 41. Su suela flexible y su material vegano hace que sean cómodas para el día a día. Este zapato está diseñado para moverse con elegancia sin sacrificar la comodidad, reinventando una silueta clásica a la vez que respeta la forma natural del pie. Precio: 89 euros.

Quien dijo que el barefoot es aburrido es porque no ha visto el modelo ‘animal enkare’ de Gioseppo. Se trata de unas zapatillas de piel con estampado de leopardo y brillo. Diseñadas siguiendo las tendencias minimalistas para garantizar la pisada natural. Incluyen doble cordón y una plantilla de transición para facilitar una adaptación progresiva a quienes se inician en el calzado barefoot. Cuestan 89,95 euros y están también disponibles en print de cebra.

Durante la reciente ceremonia de imposición del Toisón de Oro presidida por el Rey Felipe VI, la Reina Sofía acaparó las miradas al vestir un conjunto en tono rosa bebé compuesto por un vestido y una chaqueta larga con aplicaciones de joyas. De acuerdo con lo reportado por el diario El Español, este atuendo marca uno de los momentos más destacados en la renovación del estilo de la Emérita, una transformación liderada por el diseñador manchego Alejandro de Miguel. Esta evolución en su imagen pública viene acompañada de nuevas elecciones cromáticas y patrones que se apartan del tradicional armario sobrio que ha caracterizado históricamente a la madre de Felipe VI.

Según detalló El Español, durante los últimos meses Sofía ha incorporado trajes sastre, conjuntos de falda y vestidos de corte actual en colores poco habituales para ella, como el azul vibrante de un dos piezas bordado lucido en su visita más reciente a Nueva York y el pantalón rojo con pedrería que eligió para la entrega del Premio Internacional Príncipe Talal para el Desarrollo Humano, donde reapareció con un aire completamente renovado. Estas decisiones estilísticas han recibido valoración positiva tanto en medios especializados como en la opinión pública, resaltando la frescura y la modernidad de sus nuevos conjuntos.

Alejandro de Miguel explicó durante una entrevista concedida en la celebración del X aniversario de El Español cómo ha sido el proceso creativo detrás de este cambio: “Ya sabéis que me dedico a hacer trajes a medida y con mucho cariño para una cosa histórica, y me quedo con ese momento de reconocimiento a su majestad la reina doña Sofía y esa cara de alegría”, expresó el modisto respecto al look elegido para la entrega del Toisón de Oro. De Miguel afirmó, según El Español, que la labor de encontrar el diseño adecuado para doña Sofía no supuso mayor dificultad, ya que la Reina Emérita suele acudir a él de forma asidua; además, mencionó que llevaban meses preparando el atuendo y que el proceso resultó sencillo.

El modisto subrayó, de acuerdo con sus declaraciones recogidas por El Español, el carácter excepcional de trabajar en piezas confeccionadas para actos históricos y el nivel de exigencia que ello implica: “Impone porque son momentos históricos y hay que estar a la altura. Pero bueno, se hace con mucho cariño, con mucho esmero y con mucho sacrificio y al final sale todo bien. Ha gustado mucho y estoy muy contento. Ella también ha quedado contenta. Es una clienta maravillosa”. Estas palabras reflejan tanto el compromiso como la satisfacción alcanzada tras el éxito del último conjunto.

El diario El Español también abordó la relación profesional entre el diseñador y la Reina Sofía. De Miguel señaló que la monarca emérita mantiene un alto grado de discreción y, a la vez, facilita mucho la colaboración creativa. “Bueno, yo tengo que ser muy discreto en eso. Su majestad siempre es muy discreta y tengo un gran cariño hacia su persona y mucha admiración y mucho respeto. Pero creo que es muy fácil trabajar con ella”, aseguró el creador de moda. Además, De Miguel ha atendido a otras figuras reconocidas del panorama social español, como Ana Obregón, Carmen Lomana, Ana Rosa Quintana y la recordada María Teresa Campos, pero destacó especialmente la experiencia y el significado de diseñar para Sofía.

La elección de colores también ha sido objeto de comentarios. Durante el acto por el 50º aniversario de la restauración de la Monarquía, tanto Sofía como Letizia optaron por tonalidades de rosa empolvado. Según publicó El Español, el propio Alejandro de Miguel aclaró que “fueron varias propuestas y eligieron el rosa. Yo creo que estaba guapísima porque además es un color que le da mucha luz, es un color tendencia y estaba muy favorecida”. Así se explicó la coincidencia, resultado de un proceso en el que la preferencia por colores que aportan luz y actualidad ha influido en las selecciones finales.

La transformación estilística de Sofía, según informó El Español, ha sido interpretada como una muestra de la complicidad existente entre la Reina Emérita y el diseñador, quienes abordan juntos cada detalle de los atuendos para distintos compromisos de agenda. Esta nueva imagen de la Emérita destaca los elementos de exclusividad y tendencia sin abandonar la elegancia habitual, integrando la creatividad del diseñador junto a la actitud receptiva de la Reina a probar nuevas paletas y siluetas.

La popularidad y repercusión de estos cambios han hecho que cada aparición pública de Sofía genere expectación en ámbitos dedicados a la moda y la crónica social, indicó El Español. Tanto los usuarios en redes sociales como expertos en protocolo han coincidido en valorar el modo en que estas nuevas propuestas han revivido el interés por la imagen de una figura clave de la familia real española.

Esta serie de transformaciones, dirigidas por Alejandro de Miguel, exhibe la capacidad de la Reina Sofía para renovar su propio estilo y para readaptarse a las tendencias actuales, manteniendo la dignidad institucional y su preferencia por la discreción, al mismo tiempo que proyecta modernidad y cercanía.

Durante la celebración de los Premios AD 2025, María Torretta abordó la coincidencia cromática entre la Reina Letizia y la Reina Sofía durante la entrega del Toisón de Oro, señalando que la elección de los colores respondía a un gesto de respeto y afinidad entre ambas. Según publicó el medio, María expresó que este tipo de detalles reflejan el vínculo existente y la atención a las tendencias actuales en el ámbito de la moda.

Durante el evento, ambos diseñadores, Roberto y María Torretta, manifestaron el orgullo de contar entre sus clientas a la Reina Sofía y compartieron sus impresiones sobre la proyección internacional de la Reina Letizia en el sector. Roberto consideró, de acuerdo con la información de la fuente original, que la Reina Sofía representa una figura "inspiradora", subrayando su constante respaldo a la moda española dentro y fuera del país. El diseñador explicó que la Reina Sofía ha sido una figura fundamental en el reconocimiento internacional de creadores españoles y una presencia regular en las más destacadas colecciones de diseñadores nacionales.

Por su parte, María Torretta señaló para el mismo medio que la Reina Letizia desempeña un papel relevante como "gran embajadora de marca España, de moda española y de Roberto Torretta en concreto", destacando el honor que significa vestirla. De acuerdo con María, la Reina Letizia no solo impulsa las firmas nacionales al lucir piezas de diseñadores españoles, sino que también representa un ejemplo de sofisticación y modernidad ante audiencias internacionales.

El medio consignó que María Torretta consideró vestir a la Reina Letizia como una tarea de gran responsabilidad, aunque reconoció que trabajar para ella resulta sencillo dada su fisionomía y presencia. "Es una gran responsabilidad, pero también es muy fácil vestirla porque tiene muy buen cuerpo, es muy guapa", puntualizó la diseñadora, quien agregó además que Letizia es "la mejor embajadora... porque realmente es muy estilosa y tiene un cuerpo increíble".

La diseñadora también aportó su visión sobre las elecciones estilísticas que marcan presencia en ceremonias oficiales, como la coincidencia de atuendos entre doña Letizia y doña Sofía en el acto del Toisón de Oro, un evento de relevancia en la agenda institucional de la Casa Real. María sostuvo que el color elegido por ambas responde no solo a las tendencias, sino a un interés por mantener la armonía y el respeto entre ellas. "Estoy segura, es un color muy tendencia, muy bonito y creo que es un acierto", detalló la modista según la publicación difundida.

De acuerdo con la información recogida por el medio, la presencia de ambas reinas en los principales actos institucionales y su elección de creadores españoles ha favorecido la visibilidad de la moda nacional y ha situado a figuras como Letizia en un papel clave para el sector. Tanto Roberto como María Torretta han experimentado de primera mano el impacto de vestir a miembros de la Casa Real, lo que contribuye a la proyección internacional y al reconocimiento del diseño español.

Durante la ceremonia de entrega de los Premios AD 2025, los diseñadores enfatizaron que la Reina Sofía continúa siendo una referente de elegancia y carisma, mientras que la Reina Letizia se ha consolidado como modelo y ejemplo de sofisticación dentro y fuera de España. La presencia de ambas personalidades en la moda refuerza la relación entre la Casa Real y los principales creadores nacionales, consolidando la relevancia de la moda española en escenarios internacionales, según consignó la fuente.

Miami es la sede de la nueva edición de los premios Martín Fierro Latino 2025, una ceremonia organizada por la Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas (APTRA) que reconoce a lo mejor de la televisión, la radio y las plataformas digitales de la región. Antes de la premiación, la alfombra roja dio inicio a una velada dedicada al talento latino, donde el estilo también se posicionó como uno de los protagonistas.

En el hotel JW Marriott de Brickell la moda atravesó la entrega y potenció la diversidad visual de la celebración.

Los diseñadores argentinos Marcelo Senra, Verónica de la Canal y Laurencio Adot brindaron su mirada experta sobre los looks y las elecciones estilísticas de las celebridades en diálogo con Infobae.

Todos los looks de las celebridades en la alfombra roja de los Martín Fierro Latino 2025

Nicolás Peralta, Daniel Gómez Rinaldi, Luis Ventura, Marcelo Polino y Laura Ubfal

Nicolás Peralta usó un traje beige claro con camisa blanca y moño plateado, acompañado de gafas de marco oscuro. Daniel Gómez Rinaldi seleccionó un saco plateado de textura brillante y pantalón claro, sobre una camiseta blanca, mientras sujetaba un teléfono móvil en la mano derecha. Luis Ventura optó por un esmoquin negro clásico con chaleco, camisa blanca y moño negro. Marcelo Polino eligió un saco con estampado de colores en tonos verdes y azules, camisa blanca y moño negro, además de gafas rectangulares. Laura Ubfal vistió un conjunto negro de blusa amplia con brillos y pantalón a juego, sumando un bolso negro con asa metálica.

Fátima Florez

“Fátima con un vestido muy Las Vegas. Más sobrio que otras veces. Me gustan el makeup y pelo. Está acorde al dress code”, indicó Adot sobre la elección estilística de Fátima Florez.

Antonella Fredianelli

Adot opinó sobre la elección de Antonella Fredianelli: “Antonella con un vestido muy visto: con corset y tul en capas”.

Claudia Albertario

La modelo Claudia Albertario eligió un vestido negro de corte ajustado, con un diseño asimétrico y aberturas en la zona del escote y la cintura.

Mago “Sin Dientes”

El Mago sin Dientes lució un saco de fondo dorado con estampado negro de motivos vegetales, combinado con una camisa blanca y un moño dorado. Eligió un pantalón negro y completó su atuendo con un sombrero de copa liso en color negro.

Vanina Balena

“Me encantan el color y el make up. El vestido tiene un bordado muy interesante. Tal vez me gustaría más sin las sustracciones de los costados: siento que es más favorecedor para delinear la silueta”, afirmó Verónica de la Canal al ver el paso de Vanina Balena.

Senra explicó sobre la elección de Vanina: “Tiene un vestido iridiscente, con esos colores acuosos o transparentes tipo cristales. Tipo plata, pero es una plata muy suave. Me parece un vestido muy bonito donde destacan sus curvas y sus morfologías”.

Alexia Ferro

Sobre Alexia Ferro, Vero de la Canal indicó: “Divina, moderna y fresca”

Andrea Vanesa Aspromonte

Andrea Vanesa Aspromonte posó con un vestido negro de manga corta, acompañado por una capa transparente de tul con detalles plateados en forma de líneas geométricas y bordes brillantes.

Solange Rousselot

“Solange con vestido de chiffon o terciopelo. Re clásica, con plisado. Un básico de noche”, opinó Adot sobre el look de Solange Rousselot, nominada con el programa Directo con Teuteló.

Celia Antonini

Celia Antonini optó por un conjunto de color negro con escote en V. Sus hombros están cubiertos por una chaqueta o sobreprenda a juego. Luce un collar de varias hileras de perlas, un brazalete de perlas en la muñeca izquierda y pendientes pequeños, también de perlas. “Celia muy clásica, elegante”, sentenció Adot.

Lisandro Carret

Lisandro Carret llevó un esmoquin negro con solapas satinadas y botones negros, combinado con una camisa blanca de puño francés y un moño negro. “Muy acorde a la noche y muy buen smoking”, apuntó Adot al analizar la elección clásica del actor y conductor.

Senra consideró sobre Carret: “El clásico esmoquin impecable, hecho a su medida, aparentemente. Me gustan los hombros cómo están trabajados, se lo ve impecable”.

Gustavo Recalde

Gustavo Recalde, periodista de América Noticias, 2da Edición en América TV (Paraguay), lució un traje sastre azul eléctrico de corte ajustado, combinado con una camisa blanca y una corbata negra. “Clásico de traje azul”, resaltó Adot.

Martín Campos Witzel

Martín Campos Witzel llevó un esmoquin negro de corte clásico con solapas satinadas, acompañado por una camisa blanca y un moño negro.

“Impecable sastrería, clásica y elegante, muy adecuado para la ocasión”, planteó Vero de la Canal.

Carmen Gloria y Daniel Fuenzalida

Carmen Gloria posó con un vestido largo de satén azul eléctrico con tirantes finos y escote recto. Llevó el cabello recogido en un moño bajo, con algunos mechones sueltos enmarcando el rostro, y sostuvo un clutch plateado esmaltado. Daniel Fuenzalida vistió un esmoquin azul marino de doble botonadura, combinado con una camisa blanca y un moño negro.

Gonzalo Gobich

Gonzalo Gobich optó por un traje negro con solapa satinada y textura sutil, combinado con una camisa negra y una corbata a tono. Realzó su conjunto con un pañuelo lila asomando del bolsillo superior del saco.

Mario Mengoni

Mario Mengoni llevó un traje negro de corte clásico, acompañado por una camisa blanca y un moño bicolor en tonos dorado y negro.

El cuidado del cabello en ciertas etapas de la vida ha adquirido una relevancia especial, ya que los cambios en la fibra capilar exigen rutinas adaptadas y una atención minuciosa a los detalles. Según ha explicado la estilista y directora del Salón Ananda Ferdi en Madrid, Rosi Fernández, a la revista Clara, uno de los errores más frecuentes entre las mujeres de 60 años es el uso inadecuado del secador, aplicando un exceso de calor y situándolo demasiado cerca del cabello. Esta práctica, habitual en muchas rutinas, puede tener consecuencias negativas para la salud y el aspecto del pelo, sobre todo si se trata de personas con tendencia a teñirse el cabello.

A medida que pasan los años, el cabello experimenta transformaciones notables: se vuelve más fino, pierde densidad y su capacidad para retener la hidratación disminuye. Esta evolución lo hace más vulnerable a la rotura y al encrespamiento, problemas que se agravan si el secado no se realiza correctamente. Fernández ha advertido que “el error más habitual de muchas mujeres de 60 años al secarse el pelo con secador es aplicar demasiado calor directamente sobre el cabello y desde muy cerca”. Esta costumbre, según la experta, reseca la fibra capilar, incrementa la fragilidad y puede dejar el pelo sin brillo ni movimiento.

La importancia de la técnica y los productos adecuados

El uso de protectores térmicos es otro aspecto fundamental que, según Fernández, muchas mujeres tienden a descuidar. En declaraciones a Clara, la peluquera ha subrayado que “también es muy común no utilizar protectores térmicos, algo fundamental a cualquier edad, pero todavía más en esta etapa, donde el cabello tiende a estar más fino y deshidratado”. Estos productos actúan como una barrera que protege la cutícula, evitando la deshidratación y ayudando a mantener la elasticidad del cabello.

Para preservar la salud capilar y potenciar el brillo natural, la experta ha destacado tres aspectos clave en el secado. El primero es la temperatura, ha asegurado Fernández a Clara: “Mi recomendación es siempre secar el cabello a temperatura media”. De esta manera, se reduce el riesgo de resecar el cabello y se minimizan los daños en la fibra. El segundo factor es la distancia, ha añadido: “Debemos mantener el secador a una distancia prudente y moviéndolo continuamente para no concentrar el calor en una sola zona”. Una separación de entre 15 y 20 centímetros resulta suficiente para lograr un secado uniforme. Por último, Fernández ha aconsejado retirar la humedad con una toalla o dejar que el pelo se seque ligeramente al aire antes de utilizar el secador, lo que permite reducir el tiempo de exposición al calor.

La rutina diaria y los productos complementarios

El proceso de cuidado no termina con el secado. Incorporar productos específicos puede marcar la diferencia en la rutina diaria. Fernández ha recomendado el uso de “productos que aporten proteínas y cuerpo al cabello: no solo lo protegen, sino que ayudan a que el peinado dure más y el resultado sea más saludable y luminoso”. Además, ha insistido en la importancia de los protectores térmicos para evitar el deterioro del cabello. Como complemento, la experta ha sugerido la aplicación de sérums y aceites ligeros de medios a puntas, con el objetivo de controlar el encrespamiento y aportar brillo sin apelmazar. La constancia en la aplicación de estos cuidados constituye, según Fernández, la mejor estrategia para mantener un cabello sano y con buen aspecto a cualquier edad.

El cuidado capilar en Japón recibe reconocimiento internacional por su enfoque ritualizado, donde la salud del cuero cabelludo ocupa un lugar central en las rutinas de belleza.

A diferencia de los métodos convencionales, el lavado del cabello se concibe como un ritual sensorial que comienza en el cuero cabelludo.

Las mujeres japonesas consideran que la salud capilar depende de la atención que se le brinda a la zona, por lo que han desarrollado una técnica que combina masaje, limpieza profunda y relajación.

Qué dicen los expertos sobre el lavado japonés

La estilista María Roberts, fundadora del spa capilar Madart x Studio 25 en Quijorna (Madrid), compartió en una entrevista con Vogue España los detalles de las técnicas aprendidas durante su formación en dicho país.

Roberts describió pasos precisos cuyo objetivo consiste en lograr un cabello limpio, fuerte y saludable, resaltando que la principal diferencia frente a las rutinas occidentales radica en el masaje minucioso del cuero cabelludo.

Para realizar la técnica, se necesitan dos cepillos de silicona, uno en cada mano, destinados a aumentar la eficacia de la limpieza y promover la circulación sanguínea.

“La mejor manera de hacer un masaje en el cuero cabelludo es comenzando en la parte de atrás de la cabeza, yendo hacia arriba, insistiendo siempre en la coronilla que es donde más terminaciones nerviosas hay”, explicó.

La utilización simultánea de ambos cepillos no solo consigue elevar el volumen capilar, también influye en el envejecimiento del cabello. Un dato importante señala que el cabello envejece seis veces más rápido que la piel, lo que convierte el lavado japonés en una práctica preventiva recomendada por diversos especialistas.

Aceites, el aliado ideal en el lavado japonés

Uno de los elementos que cobra importancia en el ritual japonés es el uso de aceites tratantes antes de la aplicación del shampoo. Las rutinas de hair oiling implican distribuir aceites sobre el cuero cabelludo para reequilibrarlo, prolongar la sensación de limpieza y aportar brillo.

De acuerdo con Vogue España, las Geishas japonesas aplicaban tradicionalmente aceite de camelia para mantener la suavidad y facilitar el cepillado, una costumbre que persiste en algunas prácticas modernas.

Además de los aceites, el secado también es importante para proteger la estructura del cabello. Roberts señaló que se debe secar de manera suave, dejando retirar la mayor cantidad de humedad posible antes de desenredar. Muchas mujeres japonesas optan por toallas de microfibra o camisetas de algodón que absorben hasta el setenta por ciento del agua, y solo después utilizan el secador.

La influencia de técnicas japonesas en los estilos de vida occidentales adquiere cada vez mayor visibilidad y alcance, especialmente en el campo del cuidado personal. Algo que está transformando los hábitos y rutinas en Europa y América. Pero si hay un campo que se lleva un mayor impacto de la cultura de belleza nipona es la protección del cabello.

Como un mero ejemplo básico, las mujeres japonesas ya usaban el cepillo masajeador de manera habitual, mientras que en occidente aún está asentándose en las rutinas de cuidado. Esto lo ha desvelado María Roberts, fundadora del spa capilar español Studio 25 de Quijorna (Madrid) para Vogue. La experta, que se formó en Japón antes de abrir su negocio, descubrió que hay que poner el foco en la protección del cuero cabelludo.

“La mejor manera de masajear es empezar por la nuca e ir subiendo”

La técnica más empleada en Japón para el lavado del cabello recibe el nombre de método del doble pincel. Consiste en el uso de dos cepillos de masaje de silicona, uno para cada lado de la cabeza. Con este proceso se busca no solo una limpieza profunda, sino también estimular la circulación sanguínea y promover la salud capilar integral. Tal como describe Roberts, “la mejor manera de masajear el cuero cabelludo es empezar por la nuca e ir subiendo, prestando especial atención a la coronilla, donde se concentra la mayoría de las terminaciones nerviosas”.

Los beneficios atribuidos a la técnica japonesa van más allá del aspecto estético. Roberts destaca: “Si se utilizan dos cepillos al aplicar el champú, se potencian los efectos del masaje y se llega a todas las zonas del cuero cabelludo”. Pero, además de mejorar la limpieza y estimular el crecimiento, la especialista señala que “es, de hecho, una técnica antiestrés eficaz, capaz de reducir los niveles de cortisol mejor que un masaje corporal”.

Asimismo, dentro de sus costumbres se incluyen también rituales con aceites acondicionadores. Sin embargo, no vale cualquiera o en cualquier momento. La experta ha puntualizado que “en Japón, los rituales de aplicación de aceite en el cabello antes del champú son mucho más comunes que en nuestro país”. Esta práctica busca reequilibrar el cuero cabelludo y mantenerlo limpio durante más tiempo.

Por otro lado, el momento del secado también revela diferencias notables entre Oriente y Occidente. La recomendación de Roberts se centra en la suavidad: secar el cabello dando palmaditas suaves con toallas de microfibra o camisetas de algodón, evitando el frote agresivo que puede dañar la fibra. La marca JJ Cosmetics, especializada en productos asiáticos, señala que en Japón el secado busca eliminar hasta el 70 % de la humedad previo al uso del secador, con la finalidad de reducir al máximo el daño por calor a través del tiempo invertido en la práctica.

Las rutinas de belleza japonesas, con énfasis en la salud, el autoconocimiento y la atención a los detalles, atraen por su eficacia y por el valor añadido de la prevención del daño a largo plazo. Aun así, es importante realizar una transición progresiva hacia estas técnicas, considerando la especificidad de cada cabello y la necesidad de asesoría profesional para optimizar los resultados.

El especialista en maquillaje y cabello, Rubén Ramos, reconocido en redes sociales como @theawakingofstyle, ha publicado en su perfil de TikTok un video que alerta sobre malos hábitos al lavar el cabello. En su mensaje, el embajador de L’Oréal Pro destaca que muchas personas están cometiendo un error fundamental al aplicar champú por toda la melena.

Por este motivo, ha indicado “los cinco errores más comunes al lavarte el cabello, que a 2026 ya debemos superar”. En este sentido, ha priorizado la aplicación del “champú por todo el pelo” como el primer paso a tener en cuenta. Tal y como ha asegurado dicho producto capilar “no lava”. Por lo que, “estás cometiendo un error si aplicas el champú por todo el pelo pensando que así estará más limpio”, advierte Ramos.

“Un sulfato que se adhiere a la grasa para que el agua lo pueda arrastrar”

Según el experto, el champú está compuesto principalmente de sulfatos cuya función es adherirse a la grasa para que el agua pueda arrastrarla y, así, limpiar el cuero cabelludo. En concreto, lo ha expresado de la siguiente manera: “El champú es mayormente un sulfato que se adhiere a la grasa para que el agua lo pueda arrastrar y así acceder. Sin ese desgrasante, el agua no podría acceder porque todos sabemos que el agua y el aceite no se juntan, pero lo que limpia y arrastra la polución es el agua, así que solo debes aplicar champú donde hay grasa”, explica en el video publicado en su plataforma.

Rubén Ramos insiste en que el error más extendido consiste en aplicar el producto desde la raíz hasta las puntas, lo que, lejos de limpiar en profundidad, retira las moléculas orgánicas necesarias. “¿Y dónde se produce la grasa? En el cuero cabelludo. Eso significa que de medios a puntas no debes aplicar champú, porque no hay nada que desgrasar, ni lo que cae ni nada", ha puntualizado de nuevo. Por ello, ha aconsejado “protegerlo para que ni siquiera lo que cae lo toque”.

En este momento, ha gesticulado la mejor forma de administrarlo: “Lo aplicaríamos protegiendo los medios y puntas y luego aplicando esta cantidad más o menos y repartiéndolo por el cráneo emulsionándolo previamente en la mano. No aplicándolo así o directamente del bote y asegurándonos que el champú solo toca la piel de la cabeza”, describe en el video. El embajador de L’Oréal detalla, así, que la aplicación del champú debe restringirse únicamente al cuero cabelludo, con lo que se evita arrancar “todos los lípidos necesarios para que el cabello no esté quebradizo y esté hidratado”, advierte. Además, recomienda proteger los largos y puntas usando la espuma que se genera tras emulsionar el producto en la mano, en lugar de aplicarlo directamente de la botella.

A modo de consejo adicional, Ramos sugiere dividir la rutina en dos fases. “Separando la parte de arriba para luego primero trabajando el cuero cabelludo de la nuca y parte de atrás de tu cabeza y después la parte más accesible”, expresa reflejando la importancia del cuidado capilar.

Sunday Rose Kidman-Urban. No hay dudas, su nombre tiene un peso fuerte. La hija de Nicole Kidman y Keith Urban, da sus primeros pasos. Y lo hace, nada más y nada menos, en las pasarelas mundiales.

Y parece que no anda con cosas pequeñas. Rose, de 17 años, irrumpió en las pasarelas de París y se ya se perfila como una de las jóvenes promesas del modelaje. Su debut en la Semana de la Moda, para la temporada primavera/verano 2025, marcó el inicio de una carrera que ya capta la atención de la industria y del público.

Nacida el 7 de julio de 2008 en Tennessee, Estados Unidos, Sunday Rose es la primogénita del matrimonio entre Kidman y Urban. Creció junto a su hermana menor, Faith Margaret, y dos medios hermanos mayores, Bella y Connor, fruto de la relación anterior de la actriz con Tom Cruise.

La familia Kidman-Urban ha mantenido una vida privada marcada por reglas estrictas, especialmente en lo que respecta a la exposición mediática y el uso de tecnología. En declaraciones a Vanity Fair, Kidman explicó que sus hijas no tenían acceso a teléfonos móviles ni a redes sociales durante su infancia, una decisión que la propia actriz reconoció como impopular entre los jóvenes.

La educación de Sunday Rose estuvo guiada por dos normas fundamentales impuestas por sus padres: no incursionar en el mundo de la moda antes de los 16 años y priorizar siempre la escuela. La joven ha reconocido que, aunque al principio le costó aceptar estas reglas, ahora valora el equilibrio que le han proporcionado, según relató en una entrevista recogida por El País. La relación con sus padres ha sido cercana y de apoyo, especialmente en los momentos clave de su desarrollo profesional y personal.

El salto de Sunday Rose al modelaje se produjo en octubre de 2024, cuando, con 16 años, abrió el desfile de Miu Miu en el Palais d’Iéna de París, luciendo un vestido blanco sin mangas y un estilo minimalista que captó la atención de la prensa especializada.

La presencia de celebridades como Willem Dafoe, Hilary Swank, Alexa Chung, Cara Delevingne y la cantante Minnie en la misma pasarela subrayó la magnitud del evento.

Kidman acompañó a su hija en este debut, compartiendo su orgullo en redes sociales y participando en la cena de celebración organizada por la firma.

Trayectoria en el modelaje y repercusión mediática

La joven ha desfilado para marcas como Khaite y Calvin Klein, y ha colaborado como imagen de Omega.

Su participación reciente en el desfile de Christian Dior este año, en plena Semana de la Moda de París, la consolidó como una de las modelos emergentes más buscadas, aunque en esa ocasión ninguno de sus padres estuvo presente.

La revista Nylon la nombró “It Girl” y la llevó a portada en agosto de 2025, un reconocimiento que refuerza su posición en la industria.

El interés de Sunday Rose por la moda se remonta a su infancia, cuando acompañaba a su madre a sesiones de fotos y eventos. La joven ha explicado en distintas entrevistas que la motivación por el modelaje surgió de esas experiencias tempranas y de la admiración por figuras como Cara Delevingne, quien le ofreció consejos sobre la profesión.

Además, Sunday Rose ha manifestado su deseo de explorar el cine, no como actriz, sino detrás de cámaras, y ha expresado su intención de continuar sus estudios universitarios en esa dirección.

De niña, participó en pequeños cameos en series protagonizadas por su madre y prestó su voz a un personaje en la película Angry Birds Movie 2.

La formación académica sigue siendo una prioridad para Sunday Rose y sus padres. La joven ha declarado que compagina sus compromisos en la moda con los deberes escolares y que la disciplina inculcada en casa le ha ayudado a mantener una actitud equilibrada frente a la fama y las oportunidades profesionales.

Impacto familiar y apoyo en medio del divorcio

El contexto familiar de Sunday Rose ha estado marcado recientemente por el divorcio de Nicole Kidman y Keith Urban, tras 19 años de matrimonio. La separación ha generado una atención mediática adicional sobre la joven modelo, especialmente durante su participación en el desfile de Dior.

En medio de los cambios familiares y el creciente interés mediático, el entorno de Sunday Rose se esfuerza por ofrecerle estabilidad. Keith Urban, en declaraciones recogidas tras el debut de su hija, expresó su deseo de que la experiencia y el apoyo de ambos padres la ayuden a encontrar el equilibrio necesario para desenvolverse en el mundo de la fama y la moda.

El universo de la alta costura internacional suma un nuevo capítulo con la llegada de Javier Saiach a la Galerie du Ritz Paris, el exclusivo pasaje de boutiques de lujo dentro del mítico Hôtel Ritz, situado en la legendaria Place Vendôme. El diseñador argentino marca un hito como el primero del país en instalar una vidriera propia en ese espacio reservado históricamente a casas de moda de renombre mundial.

El desembarco de la colección “El vuelo inesperado” en la capital francesa no solo implica un reconocimiento personal para Saiach, sino que abre una puerta para la consolidación del diseño argentino en la escena global. La propuesta recurre a materiales nobles y técnicas artesanales, en una fusión clara entre respeto por la tradición y apuesta por un lenguaje contemporáneo.

Entre las piezas presentadas se encuentran creaciones bordadas con hilos de seda natural, calados tipo Richelieu, organzas, tules y crepes georgette. Estos detalles funcionan como carta de presentación y símbolo de un trabajo que reivindica la precisión y la sensibilidad en cada etapa del proceso.

“Cada prenda refleja la precisión, la sensibilidad y el oficio que definen mi manera de entender la costura,” explica Saiach, quien reconoce en el oficio manual una forma de identidad propia. El uso de técnicas como el bordado en seda y los calados, conocidos en el ámbito de la costura por sus patrones abiertos y motivos ornamentales, convierte cada prenda en una pieza única. Esta labor, muchas veces invisible en el trabajo final, cobra protagonismo a través de la vitrina parisina.

La Galerie du Ritz Paris se ubica en la Place Vendôme, centro neurálgico de la alta costura, las joyerías más prestigiosas y el lujo parisino. Este espacio forma parte del histórico hotel, célebre por alojar a figuras como Coco Chanel, Ernest Hemingway y Marcel Proust. La presencia de un diseñador argentino en ese entorno renueva el mapa internacional de la moda y pone de relieve la capacidad de la alta costura nacional para dialogar con las grandes tradiciones europeas.

El diseñador destaca el impacto de esta experiencia: “Tener mi propia vitrina en el Ritz, rodeados de diseñadores internacionales, es un antes y un después en mi carrera. Es comenzar a hacer las cosas a otro nivel, mostrando el arte detrás de cada prenda desde una mirada nueva”.

La colección “El vuelo inesperado” se exhibirá durante un año completo en la tienda del Ritz. Las piezas pueden adquirirse tanto en la boutique física como desde la plataforma de comercio electrónico del hotel, lo que acerca la alta costura argentina a clientes y coleccionistas de distintas partes del mundo. Este acceso transnacional refuerza el carácter pionero de la hazaña: ningún diseñador argentino dispuso antes de un espacio en ese corredor tan disputado por marcas internacionales.

El propio Saiach define el significado de este logro con palabras que trascienden la individualidad: “Haber llegado a ese espacio es mucho más que un logro personal: es abrir una puerta para la alta costura argentina en el corazón del lujo parisino.” La declaración traduce el sentido de responsabilidad y oportunidad que el creador asume como embajador del diseño local.

El trabajo manual desarrollado en “El vuelo inesperado” representa un homenaje a los saberes tradicionales y, al mismo tiempo, una invitación a repensar el futuro de la moda argentina en el exterior. El término “alta costura” designa la confección de prendas de lujo realizadas a medida y con gran atención al detalle, algo que Saiach adapta a códigos contemporáneos pero sin perder de vista su raíz artesanal.

La permanencia de la colección durante un año en la Galerie du Ritz Paris resulta emblemática dentro del calendario mundial de la moda. Argentina suma de este modo un nuevo punto de visibilidad en un entorno que impone sus propios códigos de exclusividad y excelencia.

La estrategia de venta propuesta, que incluye presencia física en la boutique y comercialización digital, posiciona a las creaciones en redes globales inéditas. La vidriera en Place Vendôme no solo da cuenta del crecimiento personal del diseñador, sino que proyecta una imagen renovada de la alta costura argentina ante un público habituado a los nombres más influyentes del sector.

El “power dressing” se consolidó como un código de vestimenta vinculado a la proyección de liderazgo, profesionalismo y seguridad. Con un auge en la década de 1980, este estilo se basa en prendas estructuradas como trajes, camperas o blazers con hombreras, cortes definidos y tonos sobrios, elementos que evocan fortaleza y determinación en quien los lleva.

Entre celebridades y miembros de la realeza, existen voces y estilos que ejemplifican este concepto y se consolidan como referentes de la moda.

A continuación, cómo Kim Kardashian, Victoria Beckham, Kate Middleton y Meghan Markle adaptan y personifican este lenguaje visual en distintos escenarios.

1- Kim Kardashian: autoridad en sastrería y escenarios icónicos

Kim Kardashian mostró su propia versión del “power dressing” al adaptar looks de sastrería en tonos oscuros y cortes precisos que proyectan sofisticación y firmeza.

Frente al edificio de la Harvard Business School, la empresaria lució un traje de rayas verticales gris oscuro, compuesto por un saco cruzado y pantalón de pierna ancha, complementados con camisa del mismo tejido y un abrigo largo de acabado brillante sobre los hombros.

En otro contexto, la celebridad eligió un conjunto negro de patrón estructurado, con hombreras pronunciadas y corte entallado que realza la silueta.

El saco de botonadura doble acentuada en la cintura, un collar de diamantes, lentes de sol oscuros y aros prominentes completaron una imagen de porte decidido. Optó por llevar el cabello recogido, que reforzó el aura urbana y elegante.

2- Victoria Beckham: sastrería moderna y sofisticación pulida

Victoria Beckham actualiza el “power dressing” a través de un enfoque contemporáneo con atención al detalle y la silueta. En una de sus apariciones, durante la presentación del documental de Netflix en Londres, “Victoria Beckham”, llevó un conjunto blanco compuesto por un blazer amplio posado sobre los hombros y una falda lápiz de cintura alta con blusa en “v”.

El efecto ton-sur-ton y una pulsera metálica logran un acabado pulido, mientras que el cabello suelto en ondas enmarca el rostro y equilibra las líneas rígidas del look.

En una perspectiva más íntima, se mostró sentada frente a una mesa baja con un traje gris claro de saco entallado y pantalón recto, contrastado por una camiseta blanca de cuello redondo.

Un reloj metálico y anillos completaron el look. Ambos looks mostraron la habilidad de Beckham para combinar poder y delicadeza en su imagen pública.

3- Kate Middleton: elegancia profesional en espacios urbanos e institucionales

La sastrería es clave en los estilismos de Kate Middleton cuando busca proyectar autoridad y aplomo en compromisos oficiales.

En una escena urbana, la duquesa elige un conjunto mostaza de saco y pantalón, combinado con un suéter a juego y zapatos marrones; el corte ligeramente acampanado y las líneas simples contribuyen a una silueta afinada. Un collar dorado minimalista y el cabello suelto en ondas completaron el conjunto.

En otro evento de carácter institucional y al aire libre, Middleton lleva un traje gris príncipe de Gales, con un blazer entallado, pantalón recto y camiseta gris.

El cinturón negro de hebilla metálica ordenó la estructura del look, junto a zapatos azul oscuro y el cabello recogido que dejaba ver el rostro.

4- Meghan Markle: refinamiento y comodidad en el power dressing

Meghan Markle optó por una interpretación refinada de la sastrería, al priorizar detalles que vinculan formalidad y confort. En la gala “Time 100″, apostó por un conjunto beige de blazer holgado y pantalón de pierna amplia, combinado con una camisa blanca abotonada.

El cinturón camel introduce un contraste sutil, al marcar la cintura y aportar modernidad. Los accesorios metálicos en la muñeca y el cabello suelto en ondas suaves completaron el look.

El “power dressing” puede adaptarse a distintas plataformas sin perder presencia.

Hace meses que Mauro Icardi y la China Suárez se reacomodan entre lujos, rutina familiar y nuevos proyectos en las exóticas tierras turcas. El futbolista sigue enfocado en su presente como figura del Galatasaray, mientras la actriz ordena la vida de sus tres hijos y apuesta a una historia de amor que, lejos de pasar inadvertida, suma capítulos en cada aventura internacional. Pero esta semana, además de la agenda deportiva, el romance y los compromisos laborales, la pareja encendió un capítulo aparte en redes sociales con una producción de fotos que mezcló glamour, impronta dark y mucha complicidad otoñal, a orillas del Bósforo.

La llegada del otoño turco y el cambio de estación encontraron a Mauro y la China listos para marcar tendencia. En esta ocasión, los protagonistas apostaron por un look oscuro e imponente, ideal para el gris ventoso de Estambul, y lograron un revuelo instantáneo entre sus seguidores. “Un domingo en el Bósforo”, escribió el deportista sobre el álbum, que rápidamente sumó likes y comentarios, los muestra en diferentes postales y confirma por qué, cada movimiento suyo, no pasa desapercibido en la industria del espectáculo.

En la primera imagen, ambos posan al aire libre con el fondo inconfundible del río y un cielo plomizo de postal, que potencia la atmósfera otoñal. La China apostó a la sofisticación y el misterio: eligió un tapado oversized de cuero negro con mangas anchas y textura marcada, además de un suéter negro de cuello alto. Los lentes oscuros aportaron ese infaltable toque de diva moderna, coronando su estilo con el cabello suelto y leves ondas naturales. A su lado, Mauro acompaña el mood con un pullover negro básico y el sello distintivo de su corte rubio, logrando el equilibrio perfecto entre relax y vanguardia.

La segunda foto muestra a la pareja en el interior de un lujoso auto. Manteniendo el mismo espíritu dark, él conducía serio y enfocado, mientras la China, siempre atenta al detalle, repitió los anteojos y la campera de cuero, consolidando su guiño urbano y elegante. El techo panorámico deja entrar luz gris y resalta el juego de sombras que acentúa el contraste entre los estilos de ambos, sintetizando una complicidad de pareja con impronta de campaña de moda europea.

Para cerrar la mini sesión, una tercera imagen los retrató adentro, esta vez de frente, bajo una luz suave que realza la naturalidad del momento. Mauro mantiene su look casual y minimalista, mientras la China, con el tapado abierto y una expresión serena reafirmó el costado dark, cosmopolita y seguro que la caracteriza desde hace años. El foco está en la actitud, en la mirada firme y en ese aire de pareja poderosa y global que parecen proyectar desde cada uno de sus movimientos en Estambul.

Las imágenes nprovocaron un debate en redes sociales. En la cuenta del futbolista se multiplicaron mensajes y análisis sobre la vibra del posteo. “Son tan poco genuinos ambos”; “A la China se le está yendo su cara de felicidad”; “El color de la ropa va con la infelicidad de ambos”; “Avísenle a sus caras que están felices”; “Qué pareja más desangelada”; hasta ironías como “Desbordan de felicidad, pasa que las expresiones faciales no lo perciben aún”. La comunidad de seguidores osciló entre la crítica, el elogio y el clásico ida y vuelta que genera cada aparición pública de la pareja.

Mientras los planes laborales continúan y la vida familiar toma nuevos rumbos, Mauro y la China siguen disfrutando su historia en Turquía, combinando romance, desafíos y la irreverencia de los que no temen mostrarse tal como son. Cada posteo y cada salida confirman que, en términos de moda y actualidad, el otoño turco ya tiene dos referentes indiscutidos.

Cambiar el color del cabello puede ser una de las transformaciones más emocionantes. Un nuevo tono puede realzar tu rostro, actualizar tu estilo y darte un aire completamente renovado. Pero también puede salir mal. Muy mal.

Elegir incorrectamente no solo puede desequilibrar tus rasgos, también puede arruinar la salud de tu melena, costarte tiempo, dinero y autoestima. Por eso, antes de correr a la tienda o a la peluquería con una foto, conviene conocer qué errores evitar a la hora de teñirte.

Aquí te explico en detalle las formas más comunes (y peligrosas) de equivocarte al elegir el color para tu pelo, y cómo evitarlas.

1. Elegir un tono que te suma años

Un error más común de lo que parece es escoger un color que te hace ver mayor de lo que eres. Esto puede pasar por dos razones: por elegir un tono que endurece tus rasgos o por alejarte demasiado de tu pigmentación natural.

Colores excesivamente oscuros

Aunque muchas personas piensan que el negro o el castaño profundo estilizan y dan elegancia, lo cierto es que un tono muy oscuro endurece los rasgos, marca las arrugas y le quita luz al rostro. Sobre todo en pieles claras o con tonos fríos, puede producir un efecto gótico o artificial que no favorece.

Rubios demasiado fríos o pálidos

El rubio platinado o ceniza mal aplicado puede darte un look deslavado. Si tu piel no tiene el subtono adecuado (y si el color no se mantiene con cuidado), puede generar un efecto apagado, envejeciendo tu apariencia en lugar de rejuvenecerla.

Cómo evitarlo

Lo ideal es buscar colores que armonizan con tu tono de piel y subtono (cálido, frío o neutro). Un color bien elegido aporta luz, suaviza los rasgos y resta años. El objetivo no es parecer otra persona, sino una versión más luminosa y equilibrada de ti misma.

2. Ignorar tu subtono de piel

Otro error frecuente es elegir el color del cabello sin considerar si tu piel tiene subtono cálido o frío. Es un paso clave que muchas personas saltan por completo.

¿Por qué importa?

Porque el color de cabello puede crear armonía o disonancia con tu piel. Si tienes subtonos cálidos (dorados, melocotón, oliva), los tonos fríos como el ceniza o el platinado pueden chocar visualmente. Si tu piel es fría (rosada, azulada), los rubios dorados o cobrizos pueden verse forzados.

Cómo saber tu subtono

• Si te quedan bien los dorados, el beige y el bronce: subtono cálido.
• Si te favorecen los plateados, el azul y el rosa: subtono frío.
• Si te quedan bien ambos, tienes un subtono neutro.

Cómo elegir bien

• Subtono cálido: opta por castaños dorados, rubios miel, cobrizos o tonos chocolate.
• Subtono frío: mejor rubios ceniza, castaños fríos, negro azulado.
• Neutro: puedes jugar con casi todo, pero siempre ajustando a tu estilo personal.

3. Hacer un cambio demasiado drástico de golpe

Pasar de morena a rubia platinada en una sola sesión, o de rubio claro a negro azabache sin pensarlo, es una de las formas más comunes de acabar frustrada, decepcionada o con el pelo destruido.

¿Por qué es un error?

1. Choque visual: verte en el espejo con un cambio radical puede generar rechazo. Aunque técnicamente el color “funcione”, si no estás lista psicológicamente, puede sentirse como una pérdida de identidad.
2. Daño extremo: decolorar el pelo de manera abrupta puede quemarlo, romperlo y debilitarlo al punto de necesitar un corte urgente.
3. Dificultad para volver atrás: no todos los colores son fáciles de revertir. El negro, por ejemplo, es muy difícil de sacar, y el rubio claro requiere mantenimiento constante.

Cómo evitarlo

Haz transiciones progresivas. Si quieres ir de oscuro a claro, prueba con reflejos o balayage primero. Si vas de claro a oscuro, elige un castaño medio antes de lanzarte al negro total. Así tu ojo (y tu pelo) se van adaptando.

4. No considerar el estado de tu cabello

Uno de los peores errores que puedes cometer es elegir un color sin evaluar la condición de tu pelo.

Cabello dañado o muy poroso

Si tu cabello está seco, con frizz, quebradizo o poroso, cualquier proceso químico lo va a empeorar. Y ciertos colores—como los rubios muy claros, los fantasía o los rojizos intensos—requieren decoloración, lo que implica más daño.

Lo que deberías hacer primero

Antes de cualquier cambio de color, haz una evaluación capilar. Si tu pelo está comprometido, primero enfócate en reparar, hidratar y fortalecer. Un color bonito no vale nada si tu pelo se rompe o se ve como paja.

5. Usar tintes baratos o sin asesoría

Comprar cualquier tinte en el supermercado y aplicarlo sin tener idea del proceso es una receta para el desastre.

¿Qué puede salir mal?

• Color desparejo
• Manchas en el cuero cabelludo
• Resultados impredecibles
• Daño químico severo

Los tintes baratos a menudo contienen altos niveles de amoníaco o peróxidos agresivos, y si no sabes cómo mezclar los tonos o cuánto tiempo dejarlo, puedes terminar con un resultado muy diferente al esperado.

Consejo clave

Si no tienes experiencia, ve a un profesional. Y si lo haces en casa, infórmate bien antes, compra productos de calidad, haz prueba de mechón, y no improvises.

6. No pensar en el mantenimiento

Hay colores que requieren retoques cada 3 semanas, como los rubios claros o los colores fantasía. Si no estás dispuesta a mantenerlo, mejor no lo hagas.

El problema

Un color mal mantenido se oxida, se ve opaco, y puede arruinar todo tu look. Además, el contraste entre la raíz y el color artificial puede dar un aspecto descuidado.

Solución

Antes de cambiar de color, piensa en el largo plazo: ¿vas a poder mantenerlo? ¿Estás dispuesta a invertir en matizantes, retoques, protectores térmicos y cuidados extra?

Si no, opta por colores más naturales o técnicas de bajo mantenimiento como balayage, babylights o reflejos sutiles que crecen bien sin necesidad de retoques constantes.

7. Ignorar tus cejas y tu estilo personal

Un cambio de color puede funcionar en teoría, pero si no armoniza con tus cejas, tu ropa o tu maquillaje, puede verse fuera de lugar.

Cejas desentonadas

Si tiñes tu cabello a rubio claro pero dejas las cejas negras, el contraste puede ser chocante. Lo mismo si vas a un rojo intenso y no ajustas tus tonos de maquillaje.

Falta de coherencia

Tu color de cabello debe encajar con quién eres y cómo te vistes. Si llevas ropa minimalista, quizás un verde neón no sea el mejor match. Si eres de estilo clásico, un rosa pastel puede sentirse impostado.

Qué hacer

Siempre considera el conjunto completo: pelo, piel, cejas, estilo de vida y personalidad. El color perfecto no es el más llamativo, sino el que más realza tu autenticidad.

Cambiar el color del pelo no debería ser una ruleta rusa. No se trata de seguir la moda ciegamente, ni de forzar un cambio radical por aburrimiento. Elegir el tono adecuado es un acto de autoconocimiento, estrategia y autocuidado.

Las formas incorrectas de elegir color son muchas: no considerar tu piel, dañar tu pelo por impulso, hacer cambios extremos sin preparación, seguir tendencias sin criterio, y olvidar que tu pelo es parte de tu identidad.

La próxima vez que pienses en teñirte, no te guíes solo por el deseo de cambio. Hazlo con intención, con planificación y con respeto por tu propio estilo.

Porque un buen color no solo cambia cómo te ves. Cambia cómo te sientes.

8. Seguir tendencias visuales que no se adaptan a tu rostro, cuerpo o rutina de vida

En la era de las redes sociales, es muy fácil dejarse llevar por lo que está “de moda”. El problema es que muchas personas confunden lo que se ve bien en pantalla con lo que se verá bien en la vida real.

¿Dónde nacen estas tendencias?

• Redes sociales: influencers, celebridades y tiktokers imponen estilos que se viralizan en minutos. Pero esos looks están pensados para cámara, iluminación perfecta, edición y filtros.
• Pinterest y revistas digitales: son fuentes visuales potentes, pero muestran un ideal, no una realidad. Muchas veces, las fotos están editadas o no tienen nada que ver con tu tipo de pelo o facciones.
• Peluquerías low-cost que ofrecen “paquetes de moda”: en algunos lugares, te ofrecen el último corte o color tendencia sin una consulta real. No personalizan. Solo aplican.

¿Por qué esto es un problema?

1. No todas las tendencias van con todos los rostros: un flequillo recto puede verse espectacular en una cara ovalada y mal en una cara redonda.
2. Los colores fantasía o cortes extremos requieren un estilo acorde: si llevas un look muy llamativo pero tu forma de vestir y vivir es sobria, puede sentirse forzado.
3. Hay que mantenerlo: muchos estilos virales requieren planchado diario, retoques frecuentes, productos especiales. Si no van con tu ritmo de vida, se desmoronan rápido.

Ejemplos comunes de malas adaptaciones

• Imitar a una celebridad sin tener en cuenta la forma de tu cara: copiar el corte “bob” de Hailey Bieber cuando tienes cabello muy grueso y rostro redondo.
• Teñirte de gris platinado sin considerar que ese tono resalta ojeras y exige maquillaje diario.
• Cortarte el flequillo inspirado en Zendaya sin considerar que tienes rulos marcados y cero tiempo para peinarlos.

Solución: consultar, personalizar y observarte

• Consulta con un profesional, no solo con tu espejo.
• Piensa: ¿Esto representa quién soy o solo quiero parecerme a otra persona?
• Usa tendencias como inspiración, no como mandato.

El color y corte de tu pelo no deberían ser impulsos

Una transformación capilar bien hecha empodera, refresca, realza. Pero una elección impulsiva o mal pensada puede traerte frustración, daño físico (al cabello) y psicológico (a tu autoestima).

Elegir mal el color para tu pelo no es solo un tema estético: puede sumar años, borrar tu identidad visual, afectar tu confianza y, lo más grave, romper tu cabello al punto de necesitar meses de recuperación.

Pero ahora lo sabes. Ahora conoces los errores más comunes:

• Escoger colores que no favorecen tu piel ni tu edad
• Hacer cambios drásticos sin preparación
• No cuidar el estado del pelo antes del proceso
• Dejarse llevar por modas ajenas
• Tomar decisiones de apariencia en crisis emocionales

El pelo es una carta de presentación poderosa. No lo malgastes tratando de parecerte a otra persona. El mejor color, corte y estilo es el que realza tu versión más fuerte, auténtica y en paz.

*Leonardo Rocco es un reconocido artista del cabello de las celebridades, vocero, artista de plataforma, educador, personalidad de televisión, propietario de salones de belleza y creador de una línea de productos para el cuidado del cabello. Nacido en Argentina, con raíces italianas, ha vivido en Miami durante los últimos 21 años, donde desarrolló su carrera profesional internacional. Es dueño de Rocco Donna Hair and Beauty Art, dos súper exclusivos salones de belleza y creador de productos de belleza Rocco Donna Professional.

Hace 43 años, Grace Kelly falleció, pero su legado como referente indiscutible de la moda y la elegancia continúa más vigente que nunca.

Desde sus días en el cine de Hollywood hasta su vida como Princesa de Mónaco, supo construir un lenguaje visual basado en la sobriedad, el equilibrio y la absoluta vigencia de sus elecciones.

Sus looks, admirados y analizados generación tras generación, siguen presentes tanto en ceremonias de alfombra roja como en colecciones de diseñadores actuales. A continuación, se detallan diez de los estilismos más memorables que definieron el legado de la princesa.

1- Vestido satinado azul celeste con guantes largos

La noche del 30 de marzo de 1955, Grace Kelly asistió a la ceremonia de los Premios Oscar en el RKO Pantages Theatre de Los Ángeles. Lució un vestido largo de satén azul celeste con tirantes finos y escote recto, obra de Edith Head, que acompañó con guantes largos blancos y un cinturón del mismo tono.

La actriz, que recibió la estatuilla a Mejor Actriz por “The Country Girl”, instaló un arquetipo de elegancia que se tomó como referente para el vestuario de gala. La sencillez de la silueta y el equilibrio de los accesorios consolidaron su imagen en la memoria colectiva.

2- Vestido metálico brocado y accesorios blancos

En los eventos de gala posteriores a su boda con el príncipe Rainiero III, ya instalada en Mónaco, Kelly vistió un vestido largo de brocado metálico de escote cerrado y manga corta. La prenda presentaba una textura reflectante que sumaba modernidad al clasicismo ceremonial.

Completó el look con guantes largos blancos, un ramo pequeño de flores y zapatos de tacón metalizado cerrado.

Este estilismo demuestra la capacidad de la princesa para adoptar materiales novedosos sin perder la sobriedad que definía su presencia, marcando el paso entre la estrella de cine y la integrante de la realeza.

3- Remera bordó metalizada y pantalón blanco

Lejos de los actos oficiales, en la década de 1970, Grace Kelly posó en una sesión fotográfica en Estados Unidos con una blusa de satén morado de cuello alto y manga larga, acompañada de pantalón blanco de talle alto y corte recto.

Sobre uno de sus hombros reposaba una estola verde oscuro y cubría sus brazos con guantes largos marrones. Los interiores elegantes enmarcaban un look pensado para la sofisticación moderna, confirmando que la princesa supo incorporar con naturalidad las tendencias sin renunciar a su esencia atemporal.

4- Falda acampanada y remera blanca con cinturón ancho

Durante el Festival de Cannes de 1954, Kelly fue fotografiada con una blusa blanca de manga larga y cuello abierto, combinada con falda acampanada de tono claro y bordados geométricos.

El conjunto sumaba un cinturón ancho oscuro, zapatos de tacón blanco y una pulsera voluminosa. La imagen, tomada en un jardín, ilustra cómo reinterpretó la elegancia incluso en ambientes distendidos y de día. La naturalidad de esa composición continúa siendo fuente de inspiración para creadores y expertos en estilismo.

5- Vestido rosa y volados, 1966

En el desfile de Sevilla, junto a sus esposo el príncipe Raniero III en 1966, eligió un vestido de organza rosa pastel, con mangas amplias y volantes decorados con encaje. Se sumó un escote en V y un tocado floral, en sintonía con la festividad y el entorno.

Vista entre la multitud y junto a figuras como Sean Connery, la princesa demostró que podía integrar el estilo romántico a contextos públicos, manteniendo la coherencia y el refinamiento adecuados en cada situación.

6- Compromiso real, Filadelfia, 1956

Durante el acto que marcó su compromiso con el príncipe Rainiero III en Filadelfia, en enero de 1956, Kelly lució un vestido-abrigo de color marfil con falda amplia estilo años 50, mangas largas y cuello camisero. El tejido tenía un ligero efecto satinado con pequeños puntos en relieve.

Como adorno, un broche floral en la solapa izquierda. Con esta elección fortaleció la estética clásica que la caracterizaba y subrayó la importancia de los detalles en la moda de compromiso formal.

7- Llegada a Mónaco, abril de 1956

En su llegada a Mónaco antes de la boda, en abril de 1956, Grace Kelly fue capturada vistiendo un vestido de día claro con un abrigo-capa de pelo beige. Sus accesorios incluían guantes blancos, zapatos de salón oscuros y un bolso estructurado oscuro.

Acompañada por el príncipe Rainiero III, su primera imagen en el principado consolidó la identidad visual de la futura princesa, marcada por la discreción, el orden y la coherencia cromática.

8- Mónaco, finales de los años 50

Durante los últimos años de esa década, Grace Kelly acostumbraba a recorrer las calles de Mónaco con estilismos que conjugaban practicidad y exclusividad.

Uno de los más recordados corresponde a un vestido entallado de manga corta y escote redondo en tono oscuro, abrigo largo de piel claro, gafas oscuras, collar de cuentas y la famosa bolsa Hermès Kelly. Completó el atuendo con guantes blancos y labios maquillados. Esta composición, todavía vigente, subraya cómo los accesorios lograban transformar un look diario en sinónimo global de sofisticación.

9- Boda religiosa, Palacio de Mónaco, 19 de abril de 1956

El 19 de abril de 1956, durante la boda religiosa celebrada en el Palacio de Mónaco, Kelly pasó a la historia de la moda nupcial con un vestido de novia confeccionado en encaje de Bruselas y tafetán de seda, obra de Helen Rose.

El diseño, con cuerpo ajustado, cuello alto, mangas largas y falda extensa con cola estructurada, se acompañó de velo bordado y una tiara sencilla. La imagen de la princesa con este look se convirtió en referente absoluto para el diseño de vestidos de novia durante generaciones.

10- Banquete de bodas, Palacio de Mónaco, 19 de abril de 1954

En el banquete posterior a la ceremonia religiosa, llevó por un vestido de satén azul hielo con escote recto y tirantes finos, acompañado de un abrigo corto a juego. Añadió guantes largos de satén blanco y un peinado recogido clásico, cerrando la jornada con otra muestra de refinamiento y coherencia.

El atuendo se asoció siempre a la celebración y el protocolo real, siendo replicado en galas y vestidos de fiesta en las décadas siguientes.

El centro de la moda mundial tuvo este año a Luisana Lopilato como una de sus protagonistas principales. La actriz se sumó a un evento realizado frente al Hôtel de Ville, durante los días más destacados de la Semana de la Moda de París.

Allí, Le Défilé L’Oréal Paris, reunió a estrellas internacionales y su pasarela según informó EFE, logró repercusión global gracias a la transmisión online y la presencia de figuras de distintos continentes.

La edición anual del desfile expuso en escena a representantes de distintas generaciones y países. Junto a Lopilato circularon por la pasarela nombres como Jane Fonda, Helen Mirren, Eva Longoria, Andie MacDowell, Viola Davis, Aishwarya Rai, Kendall Jenner, Cindy Bruna y Gillian Anderson.

El elenco mostró la apuesta de la firma por la diversidad y la inclusión, tanto en nacionalidades como en estilos.

Lopilato caminó la pasarela principal con un vestido rojo ajustado, de escote en V, aberturas laterales y falda sirena. El look se completó con sandalias taco alto color off white, cabello suelto con ondas y labios pintados en tono rojo.

En una mano sostuvo un abanico con la frase “Yo lo valgo” en inglés. Se trató para los especialistas en moda de una pasarela que celebra la igualdad, la libertad y la belleza en todas sus formas. “Orgullosa de llevar a la Argentina conmigo en cada paso”, publicó la actriz en su cuenta de Instagram, donde compartió un video y varias imágenes del evento.

El desfile, que llevó el lema “Libertad. Igualdad. Hermandad. Porque vos lo valés”, se realizó como evento abierto al público, frente a la sede del ayuntamiento parisino. El escenario, informaron EFE y Reuters.

Sumada a su rol de embajadora argentina bajo una marca internacional, Lopilato pudo compartir momentos en la previa y tras bambalinas con colegas del mundo del espectáculo.

En su video se observa a la actriz dialogando con figuras como Jane Fonda y Belinda, además de recibir palabras de apoyo de seguidores y de su esposo, el cantante Michael Bublé, quien le escribió: “Estoy muy orgulloso de ti, Lopi. Representás a nuestra familia argentina-canadiense tan maravillosamente”.

Otras celebridades también aportaron variedad y notoriedad a la propuesta. Kendall Jenner desfiló con un vestido blanco translúcido firmado por Gianvito Rossi, en tanto que Eva Longoria optó por un diseño negro encorsetado creado por la firma ucraniana Balykina.

Cara Delevingne, Heidi Klum y Andie MacDowell sumaron estilos y marcas al recorrido de la noche. La participación de figuras veteranas, como Helen Mirren con un top plateado de pedrería y Jane Fonda con un vestido de paillettes.

El evento también incluyó actuaciones y presencia de íconos emergentes, como la brasileña Anitta —quien interpretó su tema “Envolver” y desfiló con túnica roja y vestido a juego— y Simone Ashley, conocida por la serie Bridgerton, con un vestido dorado de Elie Saab.

La supermodelo canadiense Coco Rocha apareció en la pasarela con minivestido rojo estructurado y flecos, y la actriz Viola Davis eligió un vestido negro con detalles en blanco y pedrería de Roland Mouret.

Entre bastidores, Luisana Lopilato expresó su entusiasmo por la experiencia y ante las cámaras aseguró: “Estoy muy nerviosa. Lo que se vive acá es tan especial que es difícil ponerlo en palabras. Estar representando hoy a la Argentina para mí es un orgullo”. Al finalizar el desfile resumió: “Fue una experiencia muy linda”.

El vínculo de Luisana Lopilato con la capital francesa quedó reflejado en otra serie de publicaciones previas al desfile, en las que la actriz compartió imágenes en distintos puntos emblemáticos, siempre con referencias a la marca de cosméticos y la Torre Eiffel como fondo.

“Nada como volver a una de mis ciudades favoritas. Orgullosa y agradecida de ser embajadora. Con este paisaje increíble de fondo, mis esenciales para mañana, que promete ser un día único”, escribió.

En cuanto a su presente profesional, Lopilato viene de terminar el rodaje de “Pepita, la pistolera” en Mar del Plata, y ya emprendió un nuevo proyecto audiovisual en Canadá.

Con respecto a su trabajo reciente, la actriz compartió: “Hoy cerramos el rodaje de una película increíble, junto a un equipo humano aún mejor. Un personaje más que me hace crecer como actriz. Gracias a todos los que me bancaron, me hicieron reír y ayudaron a que esta Luisana sea aún mejor. ¡Nos vemos en la gran pantalla!”.

La 53ª edición de los premios Martín Fierro de la Televisión 2025 convirtió a la alfombra roja en el centro de atención de la moda. Referentes de la televisión desfilaron ante las cámaras con apuestas estilísticas que ilustraron el rumbo de las tendencias para la temporada.

Durante la gala, el color negro se impuso como el tono central tanto en vestimenta femenina como masculina, mientras apariciones de metalizados, bordados y sutiles transparencias delinearon una estética sofisticada y contemporánea. Así, la noche consagró al glamour como protagonista junto al reconocimiento al talento televisivo.

Colores, texturas y siluetas: lo que dejó la noche

El diseñador Benito Fernández señaló en diálogo con Infobae que “el color de la noche fue el negro, tanto para las mujeres como los hombres”, lo que acompañó las elecciones de las celebridades, que optaron por siluetas ajustadas, muchas de corte sirena, y pocos diseños con volumen.

En esta línea, Julieta Poggio optó por un vestido largo negro con escote pronunciado y hombros descubiertos, un diseño asirenado con aberturas y cruzados en el bustier que aportó sensualidad y modernidad al conjunto. Su elección destacó y reforzó la preeminencia del sobrio color en la alfombra roja.

La elección del negro no fue exclusiva de los vestidos femeninos. Los trajes masculinos apostaron por smokings tradicionales y variantes dentro del mismo espectro cromático. Hubo coincidencias en la sobriedad y la prolijidad de los outfits, con presencia de peinados recogidos y maquillaje pulido, según analizó Fernández.

El experto agregó que los metalizados y plateados, junto a los detalles en red y encaje, se destacaron en la pasarela de la gala. “Algo de pluma se vio, que me gustó”, sumó.

El diseñador también remarcó que la aparición de color fue casi una excepción en la primavera: “Salvo Romina Gaetani, con un tono entre fucsia y magenta, y Pampita, que recibió un Carolina Herrera en negro y amarillo, vi poco color”.

Laurencio Adot identificó que los metálicos dominaron con tonos plata, oro y peltre, mientras que las redes bordadas y las plumas se instalaron como detalles protagonistas. “Predominan los vestidos al cuerpo bordados y una inspiración glam de las décadas de 1950 y 1960”, sostuvo a Infobae.

Las figuras optaron por recursos elaborados y textiles nobles, lo que consolidó una impronta visual de sofisticación y cautela hacia los excesos formales. Los looks de Juana Viale y Mariana Fabbiani se inscribieron en esta estética: Viale eligió una pieza haute couture en tejido metalizado con falda fluida y escote palabra de honor, mientras que Fabbiani lució un vestido ajustado en hilos de seda bordados con cristales, diseñado por Gabriel Lage.

La atención a los detalles también se reflejó en la elección de accesorios y peinados. Susana Giménez se inclinó por el plateado, y complementó el elegante atuendo con una cartera de plumas y sus habituales piezas de joyería, mientras que Mirtha Legrand apostó por un vestido celeste pastel con bordados y pedrería.

Entre quienes se atrevieron al color, Romina Gaetani apareció con un diseño de Fabián Zitta que, según Fernández, “se destaca mucho porque casi todas estaban de negro”. El impacto visual de este look confirmó, para el diseñador, que el fucsia y magenta pueden ser tendencia en el verano. Mica Viciconte llevó un vestido verde agua de un solo hombro, con abrigo capa a tono y bordados brillantes, que recibió elogios de Adot.

Sastrería de lujo y guiños contemporáneos en los estilismos masculinos

La sastrería clásica fue otro de los ejes de la noche, lo que reafirma la vigencia del smoking y el traje negro con variantes mínimas. Figuras como Iván de Pineda, Diego Poggi, Nacho Viale y Federico Bal apostaron a la formalidad y el corte sartorial tradicional, con sutiles diferencias en textura y accesorios.

“Me encanta Iván. Me parece que está más en tendencia”, afirmó Fernández sobre el conductor Iván de Pineda, quien combinó un saco color petróleo con moño y pantalón negro, logrando un estilo elegante y moderno. El chef Donato de Santis, que eligió un saco azul brillante de solapas negras, se sumó a las apuestas por variedad dentro del outfit clásico.

Otras figuras como Flavio Mendoza y Santiago Talledo fueron elogiados por su elección de trajes modernos y cortes entallados, que representaron a la perfección el espíritu elegante de la ceremonia.

El detalle como protagonista

En los vestidos de noche, los encajes, los patrones de red, las transparencias, los bordados y las siluetas entalladas reafirmaron el énfasis en el trabajo artesanal y el detalle preciso. Los comentarios de los diseñadores coincidieron en que la elección de recursos brillantes actuó como un guiño dosificado que guio el curso de la velada hacia la coherencia formal y la presencia cuidada.

El ejemplo perfecto fue la elección de Zaira Nara, quien optó por un vestido largo transparente adornado con una red de apliques brillantes y plumas blancas en el escote, una propuesta que combinó detalles llamativos para destacar entre los estilismos de la noche.

La alfombra roja consolidó un lenguaje de moda donde la elegancia y la sofisticación se expresaron en la pluralidad de opciones: desde el negro absoluto hasta los destellos metálicos, pasando por toques de color que prometen nueva tendencia en la temporada primaveral. Los peinados y los maquillajes, en sintonía, se mantuvieron prolijos y armónicos, lo que acompañó la propuesta integral de cada look sin buscar protagonismo desmedido.

La ceremonia dirigida por Santiago del Moro no solo celebró las producciones televisivas, sino que representó un termómetro preciso de la escena de la moda argentina y sus códigos actuales.

*Fotos: Jaime Olivos, RS Fotos

La gala del Balón de Oro 2025 reunió a las máximas estrellas del fútbol mundial en el Théatre du Châtelet de París. En esta edición, los nominados y sus acompañantes desfilaron por la alfombra roja previa a la ceremonia y mostraron elegantes trajes y vestidos de gala, conjuntos elegidos especialmente para la ocasión.

El evento, organizado por la revista France Football, no solo consagró a los mejores futbolistas del año, sino que también se convirtió en un escenario clave para el estilo y la elegancia en los atuendos.

Los mejores looks de la alfombra roja del Balón de Oro 2025

Lamine Yamal

El delantero español Lamine Yamal optó por un esmoquin negro de corte clásico, con solapas satinadas y detalles discretos que refuerzan la elegancia del atuendo.

La elección de camisa negra, sin corbata, le da un perfil contemporáneo y relajado, manteniendo la sofisticación exigida por la gala.

Los accesorios plateados, como el reloj y la pulsera, aportan un punto de brillo sin recargar el conjunto.

Ousmane Dembélé

Ousmane Dembélé, delantero del París Saint-Germain y ganador del Balón de Oro, lució un traje sastre de color negro con solapas amplias en acabado satinado y una camisa blanca de cuello mao, sin corbata. Llevó anteojos de sol de montura oscura y cristales redondeados.

Virgil van Dijk

Virgil van Dijk eligió un traje negro de corte estructurado, acompañado de una camisa blanca y corbata con rayas diagonales en tonos oscuros y claros. El saco presenta solapas anchas que refuerzan la formalidad del conjunto.

El look del defensa de Liverpool es sobrio, sin accesorios llamativos, transmitiendo una imagen clásica y refinada, con un estilo pulido y presencia imponente en la alfombra roja.

Ronaldinho

Ronaldinho eligió un traje de dos piezas de tela negra con finas líneas blancas dispuestas de manera vertical. Llevó una camiseta negra de tejido liso en lugar de camisa y corbata. Además agregó unos anteojos negros como accesorio.

Alisson Becker y Natalia Loewe

Alisson Becker, arquero del Liverpool llevó un esmoquin azul oscuro con textura, combinado con una camisa blanca, moño negro y zapatos negros de charol.

Natalia Loewe, esposa de Becker, vistió un vestido largo verde oscuro de tela satinada, ajustado al cuello y sin mangas, con una abertura lateral. Completó su atuendo con un bolso de mano plateado, aros y el cabello recogido.

Yann Sommer y Alina Sommer

El arquero del Inter de Milán Yann Sommer vistió un esmoquin negro de corte clásico con solapas de raso, camisa blanca, moño negro y zapatos de cuero negros.

Alina Sommer, esposa de Sommer, llevó un vestido largo gris de tela drapeada, con escote asimétrico y una capa ligera que cubre uno de los hombros. Sumó al conjunto un bolso de mano plateado y sandalias de tiras plateadas.

Charlene de Mónaco

Charlene de Mónaco, princesa consorte del principado de Mónaco, llevó un vestido largo blanco de manga larga y corte recto, confeccionado en una tela lisa y de caída suave.

Complementó el look con un bolso de mano blanco a juego y pendientes pequeños de forma circular.

Denzel Dumfries y Jaimy Kenswiel

Denzel Dumfries eligió un esmoquin negro de corte clásico con solapas de raso, camisa blanca, moño negro y zapatos de charol negros.

Jaimy Kenswiel, empresaria y pareja de Dumfries, llevó un vestido largo negro cubierto de lentejuelas, con mangas largas translúcidas y escote en V. Completó su atuendo con un bolso pequeño negro.

Serhou Guirassy

Serhou Guirassy, delantero del Borussia Dortmund y de la selección de Guinea, llevó un esmoquin negro confeccionado en terciopelo, con solapas de raso y camisa negra a juego sin botones visibles.

Complementó su atuendo con gafas de montura delgada de color metálico y un reloj de pulsera oscuro.

Viktor Gyökeres

Viktor Gyökeres, delantero del Arsenal optó por un esmoquin clásico de color negro, con un blazer cruzado de solapas anchas satinadas, camisa blanca y moño negro. Su cabello estaba peinado hacia atrás sin dejar mechones sueltos.

Andrés Iniesta

Andrés Iniesta llevó un traje de tres piezas de color azul marino, compuesto por blazer, chaleco y pantalón, acompañado de una camisa blanca y una corbata azul.

Luís Figo

Luís Figo vistió un esmoquin de color negro con solapas satinadas, acompañado de una camisa blanca, chaleco negro y moño a juego. Como accesorio llevó un reloj de pulsera oscuro en la muñeca izquierda.

Didier Deschamps

Didier Deschamps eligió un traje de color azul marino, con una chaqueta de solapas clásicas y una camisa blanca sin corbata. De accesorio llevó un reloj de pulsera metálico.

María Guardiola

María Guardiola llevó un vestido largo de color negro, con corte de hombros descubiertos y falda de línea recta. El diseño dejó al descubierto los hombros y la parte superior de los brazos. Optó un reloj metálico de caja ancha. Su cabello castaño lo llevó con ondas suaves sobre los hombros.

Clara Mateo

Clara Mateo lució un vestido largo de color negro con cuello alto y pliegues verticales en la parte frontal del corpiño. Su cabello, de tono oscuro y largo, caía en ondas suaves sobre los hombros. Llevó una pulsera delgada en la muñeca derecha y en la mano izquierda un bolso pequeño de color negro.

Cristiana Girelli

Cristiana Girelli llevó un mono negro sin mangas, de escote profundo en V y corte recto en las piernas. Además optó por un bolso de mano plateado con textura y un reloj metálico en la muñeca. Sus zapatos son de color negro, de punta afilada y con tiras finas.

Caroline Weir

Caroline Weir, centrocampista en el Real Madrid Club de la Primera División Femenina vistió un vestido largo de color rojo intenso, de corte asimétrico con un solo hombro descubierto y falda de línea recta que se extiende sobre la alfombra roja.

En la mano derecha sostuvo un bolso pequeño, también rojo, con detalles metálicos en la correa. Llevó el cabello liso y suelto.

Gianluigi Donnarumma

Gianluigi Donnarumma, arquero del Manchester City, llevó un esmoquin negro clásico con solapas anchas en satén, camisa blanca y moño.

Claudia Martinez

Claudia Martinez lució un vestido largo de color negro, confeccionado en un tejido plisado que da movimiento a la pollera. La parte superior del atuendo incluye un blazer corto, también negro, de solapas satinadas y botonadura simple. Su cabello estaba recogido en un moño bajo, al dejar el rostro despejado.

Arne Slot

Arne Slot vistió un esmoquin negro con solapas satinadas y pajarita. El entrenador de Liverpool llevó un blazer cerrado con un solo botón y lo combinó con una camisa blanca de cuello clásico.

Sarina Wiegman

Sarina Wiegman llevó un traje de sastre en color burdeos compuesto por blazer estructurado de hombros marcados y pantalones anchos de tiro alto. Debajo del blazer, vistió una camisa del mismo tono con cuello clásico. Lució anteojos transparentes y su cabello rubio está recogido en un peinado sencillo.

Raphael Varane

Raphael Varane llevó un esmoquin negro con solapas en satén, chaleco a juego, camisa blanca y moño negro. El reloj metálico en su muñeca izquierda sobresale entre la manga del blazer.

Gianluigi Buffon y Mary Earps

Gianluigi Buffon y Mary Earps posaron juntos sobre la alfombra roja. Buffon vistió un esmoquin negro con solapas satinadas, camisa blanca y moño oscuro. Su cabello corto y barba recortada completaron el look. Mary Earps llevó un vestido largo con cuerpo de terciopelo negro sin tirantes y falda voluminosa en tono rosa pálido.

Kate Scott y Malik Scott

Kate Scott llevó un vestido largo de lentejuelas plateadas, de tirantes finos y corte ajustado, que reflejó la luz artificial y creó destellos en toda la tela. Malik Scott vistió un traje de color burdeos, con blazer cruzado, camisa a juego y pantalón holgado.

La presencia de la lencería como elemento central en los atuendos de celebridades consolidó una moda visible en 2025. Este fenómeno trasciende la moda íntima y llega a escenarios internacionales, alfombras rojas y eventos de gala.

La reinterpretación de prendas tradicionalmente reservadas para lo privado colocó encajes, corsés y transparencias en el centro de la narrativa estilística del año, al fusionar sensualidad, sofisticación y códigos de alta costura en propuestas de impacto global. La lencería migró de ser prenda interior a ocupar un lugar protagónico en estilismos diseñados para captar todas las miradas.

Figuras emblemáticas, como elebridades como Kim Kardashian, Dua Lipa, Sofía Vergara, Dakota Johnson, Rihanna, Becky G y Aitana, transforman la ropa íntima en recurso creativo y legitiman su uso en looks de alta visibilidad.

Dakota Johnson

Dakota Johnson se consolidó como referente de la tendencia lencera con vestidos de tul transparente, aplicaciones bordadas y lencería negra que resalta en el conjunto.

Durante galas benéficas en ciudades como Nueva York, la actriz optó por prendas de autor y acabados artesanales, con siluetas que desafían el vestir tradicional. La propuesta destaca por su equilibrio entre osadía y sofisticación, explotando el contraste de las transparencias.

Lola Índigo

En el ámbito musical, Lola Índigo renovó la tendencia lencera al usar diseños burdeos con corsé y falda de satén translúcido en presentaciones y eventos en Madrid.

La artista incorpora encajes, tirantes finos y acabados satinados, adaptando el concepto lencero a contextos urbanos y espectáculos masivos. Este uso potencia una imagen fresca y atrevida, sin sacrificar el confort ni la funcionalidad durante el performance.

Rihanna

Rihanna consolidó su posición como referente de la tendencia lencera al aparecer en lanzamientos y eventos de su marca con conjuntos compuestos por bralettes y faldas de tul transparente, así como bodies de encaje.

La cantante y empresaria incorpora lencería a sus looks urbanos y de gala, mezclando piezas tradicionales con prendas de diseño vanguardista. Su propuesta impulsa la visibilidad de la lencería como parte esencial del vestuario contemporáneo y refuerza su influencia en la moda global.

Aitana

En distintos festivales, Aitana trasladó la tendencia al ámbito musical con un minivestido de diseño italiano, aplicaciones de lentejuelas y transparencias estratégicas.

El estilismo equilibró sensualidad, modernidad y referencias de los años noventa, consolidándola como icono emergente y exponente de una generación que utiliza la lencería como herramienta de expresión artística y escénica.

Dua Lipa

Varios shows shows fueron escenario del despliegue lencero de Dua Lipa, quien eligió un vestido de encaje negro ajustado, adornos metálicos en la cintura y accesorios como guantes de malla.

El conjunto integró moda íntima e influencias teatrales con guiños góticos, y actualizó el lenguaje tradicional de la alfombra roja.

Kim Kardashian

Kim Kardashian continuó marcando tendencia al integrar corsés de diseñador y vestidos transparentes con encajes en eventos destacados.

La empresaria lució, en la Fundraising Gala en Los Ángles, un vestido de encaje negro de cuerpo entero con transparencias que revelan la silueta y detalles florales en relieve. El diseño cubría los brazos y el cuello, al mantener una imagen sofisticada y sensual.

Ademas, su influencia promovió la adopción masiva del corsé como prenda exterior y validó el uso de transparencias incluso en contextos formales.

Becky G

En la música latina, Becky G apostó por bustiers, minifaldas y conjuntos de encaje tanto en sus presentaciones en vivo como en premiaciones.

La cantante combina prendas lenceras con estilos urbanos y elementos artesanales, lo que refuerza la presencia de la lencería en la moda joven y multicultural de la temporada.

Sofía Vergara

Sofía Vergara llevó la tendencia a la alfombra roja y actos formales al reutilizar el corsé lencero en looks de sastrería. Su apuesta fusiona pantalones de pinzas y abrigos clásicos con bodys de encaje y tops con transparencias. Ademas, utiliza camisas con la lencería debajo como parte del look.

Esta combinación amplía las posibilidades del guardarropa formal, aportando sofisticación y modernidad con una visión inclusiva y global.

Meryl Streep, figura destacada del cine internacional, volvió a captar la atención pública en 2025 durante la filmación de “El diablo viste a la moda 2″. Con 76 años, la actriz estadounidense reapareció en el set caracterizada como Miranda Priestly, ícono de la moda y el cine contemporáneo.

Durante más de cuarenta años, la actriz adaptó su estilo a los cambios de la industria, los personajes y la dinámica global de la moda. Cada etapa de su carrera evidenció un enfoque diferente: desde la sobriedad y sutileza de sus inicios, hasta elecciones audaces y sofisticadas en la actualidad.

La sofisticación sobria de los años 80

En los años 80, la actriz consolidó su presencia en la industria cinematográfica con títulos como “Kramer vs. Kramer” y “La decisión de Sophie”.

Durante esa década, su estilo se caracterizó por el uso de prendas discretas, tonos neutros y cortes clásicos que contrastaban con los excesos de la moda de la época.

La actriz apostó por vestidos de seda, trajes con hombreras suaves y blazers de líneas rectas. Este enfoque minimalista transmitía profesionalismo y una elegancia atemporal.

Minimalismo y aires artísticos en los 90

Durante la década siguiente, Streep inclinó su estilo hacia el minimalismo, al optar por prendas relajadas, tejidos livianos y paletas de colores suaves.

Las alfombras rojas de los festivales internacionales mostraron a la actriz con polleras largas, remeras fluidas y capas superpuestas, frecuentemente adornadas con detalles artesanales y accesorios discretos.

Los tonos pasteles y los diseños simples reflejaron un sentido artístico, alineado con su participación en papeles profundos y complejos.

Redefinición de glamour en los 2000

El cambio de siglo trajo consigo una nueva etapa en el guardarropa de Meryl Streep, quien comenzó a colaborar con diseñadores reconocidos y a lucir prendas a medida en eventos oficiales.

Se pudo ver una presencia cada vez más habitual de colores vivos y siluetas.

Vogue subrayó cómo la actriz destacó en los premios Oscar de 2012 con un vestido verde oliva, cuando recibió el galardón por “La dama de hierro”.

Elegancia y apuesta por la sostenibilidad (2010-2020)

Durante la segunda década del siglo XXI, Meryl Streep enfocó su imagen en la elegancia madura, con énfasis en la sostenibilidad ambiental y la comodidad.

Escogió tejidos ecológicos, cortes holgados y prendas atemporales, al colaborar con marcas comprometidas con el respeto al medio ambiente. Harper’s Bazaar señaló que Streep fue una de las primeras grandes estrellas en alinear sus elecciones de vestuario con sus valores personales.

En 2019, la actriz explicó a Harper’s Bazaar: “La ropa es una extensión de mi compromiso con el planeta”.

Esas declaraciones se reflejaron en su decisión de usar vestidos hechos con materiales reciclados y su promoción de la moda ética en galas y premiaciones.

Vanguardismo y experimentación en la actualidad (2021-2025)

En la actualidad, la actriz mostró una faceta aún más audaz y vanguardista en el circuito de festivales y eventos públicos. Streep incorporó estampados abstractos, combinaciones inesperadas de texturas y accesorios llamativos.

Los diseños con cortes asimétricos y colores vibrantes predominan en sus últimas apariciones, donde colabora con creadores de la nueva generación de la moda mundial.

En una rueda de prensa cubierta por Variety, la actriz expresó: “Siempre quise expresar mi libertad también a través de la moda”.

Los analistas de estilo destacan que, a pesar de la renovación continua, Streep mantiene la sobriedad y el profesionalismo que caracterizan su carrera.

El regreso de Meryl Streep como Miranda Priestly reaviva el interés por la moda y la identidad que transmite cada una de sus elecciones, a la vez que testimonia cómo una figura puede atravesar las tendencias y seguir siendo influyente.

El estilo de la cantante Billie Eilish ha reflejado nuevas etapas en su vínculo con el mundo fashionista, desde sus reconocidos conjuntos oversize hasta sus recientes apariciones en galas con atuendos de inspiración clásica.

La cantante, que nació en Los Ángeles en 2001, capturó la atención global tanto por su música como por sus elecciones de vestuario, convirtiéndose en figura influyente en la industria musical y en la moda contemporánea.

El oversize como identidad

En sus primeros años de carrera, Billie Eilish construyó una identidad visual marcada por prendas amplias y cortes poco convencionales. Sudaderas extragrandes, pantalones de silueta ancha y camisetas atípicas definieron su imagen.

Los colores, como el verde neón, el negro y otros tonos intensos, reforzaron una idea de ruptura con los cánones habituales. El uso de ropa holgada permitía a la artista preservar el anonimato. Eilish explicó: “Nadie puede tener una opinión porque no han visto lo que hay debajo”.

El lanzamiento de su primer álbum y el inicio de las giras internacionales coincidieron con esta estética diferenciadora, dentro de una industria dominada por la exposición corporal y los atuendos ajustados. El estilo fue adoptado por seguidores interesados en distanciarse de los patrones tradicionales.

El oversize ofrecía protección y permitía conexiones entre fanáticos que valoraban la autenticidad sobre lo superficial.

Consolidación de una marca personal

A medida que crecía la popularidad de la cantante, el oversize se combinó con elementos distintivos como cadenas voluminosas, uñas largas y gorras. Los cambios en el color de cabello, del azul al gris y, finalmente, al verde neón, consolidaron una imagen reconocible y replicable.

Presentaciones en premiaciones y videoclips permitieron fortalecer sus señas visuales. En entrevistas con Rolling Stone, la artista sostuvo que su control sobre la imagen le ofrecía libertad creativa, al utilizar la moda para experimentar y mantenerse ajena a imposiciones externas.

El giro al glamour retro en Vogue

Uno de los episodios más comentados en la evolución de Billie Eilish ocurrió en mayo de 2021, cuando apareció en portada de Vogue vestida con un corsé melocotón y un look inspirado en el glamour de Hollywood de los años 50. La propia publicación describió la sesión como un cambio radical respecto a su imagen habitual.

En declaraciones para Vogue, Eilish afirmó: “Se trata de lo que me hace sentir bien. Si quiero vestirme de cierta manera, lo haré”. Esta aparición provocó intercambio de opiniones sobre el derecho a transformar la propia estética, lejos de las expectativas de la industria o del público.

La decisión de Billie Eilish generó discusiones sobre el control del propio cuerpo y la autodefinición estética. Este episodio resaltó la presión dirigida a figuras públicas, sobre todo mujeres jóvenes, respecto al manejo de su imagen y los giros a lo largo de su carrera.

Madurez, versatilidad y liderazgo en la moda

Durante los últimos años, Billie Eilish mostró mayor versatilidad. Alternó entre vestidos sofisticados, trajes de alta costura y conjuntos urbanos adaptados a distintos escenarios.

Su presencia en galas y alfombras rojas estuvo vinculada a marcas consolidadas y diseñadores emergentes. Además de los vestidos de corte clásico, recurrió en ocasiones a prendas urbanas, como zapatillas y accesorios gráficos, logrando un equilibrio entre sofisticación e informalidad que recibió reconocimiento en la industria.

La versatilidad de Billie Eilish facilitó la apertura de espacios para la autoexpresión. La cantante fue reconocida tanto por casas de moda establecidas como por firmas emergentes alineadas con valores como la autenticidad, la experimentación y la sustentabilidad.

Sostenibilidad y responsabilidad generacional

La trayectoria estética de la cantante incluye mensajes sobre autenticidad y sustentabilidad. En varios eventos, optó por prendas fabricadas con materiales ecológicos y expresó su preferencia por colaboraciones con marcas comprometidas con el medio ambiente.

En diálogo con Rolling Stone, declaró: “Mi estilo es una forma de expresión, pero también es una herramienta para hablar de temas que me importan”.

MARTES, 26 de agosto de 2025 (HealthDay News) -- Dos tercios de las mujeres en edad fértil tienen un riesgo más alto de defectos congénitos debido a un factor del estilo de vida que pueden cambiar, señala un estudio reciente.

Esos factores de riesgo (unos niveles bajos de vitamina B9 (folato), una diabetes no controlada o la exposición al humo del tabaco) aumentan las probabilidades de un defecto congénito grave en cualquier hijo que puedan tener, dijeron los investigadores.

Los defectos cardíacos, el paladar hendido y los defectos del cerebro y la médula espinal se encuentran entre los problemas que podrían evitarse si las mujeres tomaran medidas para mejorar su salud antes del embarazo, informaron los investigadores en el American Journal of Preventive Medicine.

"Todas las familias en crecimiento esperan un embarazo saludable y un bebé sano", dijo el investigador principal, Arick Wang, científico sénior de la salud del Centro Nacional de Defectos Congénitos y Discapacidades del Desarrollo.

"Comprender los factores de riesgo modificables de los defectos congénitos ayuda a las familias, a los proveedores de atención de la salud y a los profesionales de la salud pública a tomar decisiones basadas en datos que pueden conducir a embarazos y bebés más sanos", añadió Wang en un comunicado de prensa.

En el nuevo estudio, los investigadores analizaron datos de casi 5,400 mujeres en edad reproductiva, recopilados entre 2007 y 2020 como parte de la Encuesta Nacional de Examen de Salud y Nutrición.

Alrededor de un 66 por ciento tenían al menos un factor de riesgo conocido de defectos congénitos que podría abordarse, muestran los resultados.

Estos incluyen:

Bajo nivel de folato: Aproximadamente 4 de cada 5 mujeres consumieron menos de la cantidad diaria recomendada de ácido fólico como parte de su dieta, y alrededor del 72% dijeron que no toman suplementos de ácido fólico. Diabetes: Casi el 5% de las mujeres tenían diabetes, y casi el 4% sufría de diabetes no controlada o no diagnosticada. Obesidad: Casi 1 de cada 3 mujeres tenía obesidad. Exposición al tabaco: Casi 1 de cada 5 mujeres tuvo resultados de sangre que indicaban que estaban usando o están expuestas regularmente al humo del tabaco. Inseguridad alimentaria: Más del 7% de las mujeres tenían una seguridad alimentaria familiar muy baja, lo que significa que los patrones normales de alimentación se ven afectados por la falta de dinero y recursos alimentarios.

Estos factores de riesgo contribuyen a los defectos congénitos al afectar una serie de vías esenciales para el crecimiento y la replicación de las células fetales, dijo Wang.

"El hallazgo más significativo, que dos tercios de las mujeres en edad reproductiva tenían al menos un factor de riesgo modificable, resalta cuán comunes son estos factores de riesgo cambiantes", dijo Wang. "La buena noticia es que se pueden bajar".

Los resultados incluyeron algunas buenas noticias.

Solo alrededor de 1 de cada 5 mujeres tenían niveles bajos de concentraciones de folato en los glóbulos rojos, dijo Wang.

"Me complació ver una disminución significativa de las mujeres con un nivel bajo de folato en la sangre en el transcurso de este período de estudio, de 2007 a 2020, una disminución del 23.4% al 17.9%", dijo Wang.

"Desde la implementación de la fortificación con ácido fólico de los granos de cereales enriquecidos en los EE. UU., Más de 1,300 bebés nacen anualmente sin defectos del tubo neural que, de otro modo, podrían haber nacido con estas afecciones", continuó Wang. "Ver el resultado de los esfuerzos de salud pública en la mejora del estado de folato de las mujeres en edad reproductiva subraya tanto la efectividad de las intervenciones a nivel de población como el progreso significativo que hemos logrado en la prevención de defectos de nacimiento".

Más información

La Academia Estadounidense de Pediatría (American Academy of Pediatrics) ofrece más información sobre la reducción del riesgo de defectos congénitos.

FUENTE: Elsevier, comunicado de prensa, 26 de agosto de 2025

Soy peluquero desde hace años y, cada vez que llega el Día del Peluquero, el 25 de agosto, no puedo evitar detenerme un momento y pensar en lo que significa realmente mi profesión. Para muchos, es cortar, teñir o peinar.

Pero para quienes vivimos este oficio desde adentro, sabemos que es muchísimo más: es un arte, una vocación, un vínculo humano y, sobre todo, una forma de transformar la vida de las personas, aunque sea a través de algo tan simple, y a la vez tan poderoso, como el cabello.

Quiero contarles cómo vivo este día y lo que significa ser peluquero en la actualidad. Porque más allá de los aplausos y el reconocimiento, detrás de esta profesión hay historias, emociones, aprendizajes constantes y la convicción de que nuestra tarea no es solo estética: es acompañar, escuchar, inspirar confianza y darle a cada persona que se sienta en mi sillón la posibilidad de salir un poco más feliz de lo que entró.

La importancia de tener un peluquero de confianza

Siempre digo que un buen peluquero es como un buen médico de cabecera: alguien que te acompaña a lo largo de tu vida, que sabe leer tus cambios, tus momentos y hasta tus estados de ánimo. No exagero cuando digo que yo he visto a clientes casarse, divorciarse, tener hijos, reinventarse, superar duelos, conseguir trabajos nuevos. Y en cada una de esas etapas, el pelo tuvo algo que decir.

Cuando alguien me confía su cabello, me está dando acceso a algo íntimo. El cabello habla de identidad, de estilo, de cómo querés presentarte frente al mundo. Tener un peluquero de confianza es saber que esa persona entiende quién sos, qué te favorece y qué necesitás. Y no solo hablo de un corte o de un color: hablo de esa complicidad que se genera cuando sabés que te podés entregar a mis tijeras con los ojos cerrados.

He tenido clientes que llegan al salón diciendo: “hacé lo que vos quieras, yo confío”. Eso no se logra de un día para el otro, sino con tiempo, escucha, profesionalismo y empatía. Y ese vínculo, para mí, es lo más valioso de la profesión.

Cómo influye un corte en tu vida, tu estilo y tus emociones

Quiero ser muy claro: el pelo no es superficial. Puede parecer un detalle, pero tiene un peso enorme en la forma en que nos percibimos y en cómo nos mostramos. No son pocas las veces que alguien llega al salón diciendo: “Necesito un cambio de look porque quiero empezar de nuevo”.

Un corte puede marcar el cierre de una etapa o el inicio de otra. Puede ser la manera de sanar después de una separación, de celebrar un logro personal o de animarse a mostrar una versión más auténtica de uno mismo. Yo mismo he visto cómo un cambio de color hace que alguien se mire al espejo y, por primera vez en mucho tiempo, sonría de verdad.

Por eso, cada vez que trabajo en una persona, no pienso solo en técnica. Pienso en emociones. Pienso en cómo va a sentirse al salir de la peluquería. Porque sé que cuando alguien se siente bien con su imagen, esa confianza se refleja en todo: en su manera de caminar, de hablar, de enfrentarse al mundo.

Por qué asistir a un salón y no improvisar en casa

Hoy en día, con la cantidad de tutoriales que hay en internet, mucha gente se anima a cortarse o teñirse en casa. Y está bien experimentar, pero la realidad es que un salón ofrece algo que va mucho más allá de la técnica casera.

Primero, porque nosotros los peluqueros, nos formamos constantemente. Sabemos de visagismo, de colorimetría, de tendencias, de productos, de salud capilar. No es lo mismo elegir un tinte en la góndola del supermercado que aplicarlo sabiendo cómo va a reaccionar con tu tipo de cabello, con tu tono de piel o con tu estilo de vida.

Segundo, porque el salón es un espacio de cuidado. No solo por la calidad de los productos o la higiene, sino porque también es un lugar donde podés relajarte, desconectarte y sentirte atendido. Es tu momento. Y eso, en la vida acelerada que llevamos, vale muchísimo.

Yo siempre digo: podés cortarte el pelo en casa, claro. Pero un profesional no te corta, te asesora, te acompaña y te cuida. Y esa diferencia se nota.

Ser peluquero: una vocación, una carrera y una forma de vida

Muchos me preguntan cómo elegí esta profesión. La verdad es que en mi caso lo traigo en la sangre: vengo de una familia de peluqueros. Crecí viendo a mis padres trabajar, escuchando el sonido de las tijeras y el secador, respirando ese aire de creatividad y servicio. Y desde chico supe que quería estar ahí, en ese mundo donde el arte se mezcla con las personas.

Pero conozco colegas que lo descubrieron más tarde. Gente que empezó estudiando otra cosa y que un día se dio cuenta de que lo suyo era el cabello. Y es que la peluquería tiene algo que engancha: la posibilidad de crear con tus manos, de transformar, de expresarte a través de otro.

Hoy ser peluquero no es menos que ser médico, ingeniero o abogado. Es una profesión con todas las letras. Requiere estudio, práctica, dedicación y mucha responsabilidad. Porque trabajamos con la imagen de las personas, y eso no es un detalle menor.

Una carrera de aprendizaje constante

Si hay algo que tengo claro es que en esta profesión nunca se deja de aprender. Las tendencias cambian todo el tiempo: un día es el rubio platinado, al otro el balayage, luego los colores fantasía, ahora los cortes mullet o el bob renovado. Y si querés estar vigente, tenés que capacitarte.

Yo mismo sigo yendo a cursos, seminarios, congresos. Me gusta probar técnicas nuevas, aprender de colegas, inspirarme con referentes internacionales. Porque sé que mis clientes confían en mí no solo por lo que ya sé, sino por lo que sigo aprendiendo.

Ser peluquero es un compromiso con la educación continua. Nunca alcanza con lo que aprendiste ayer: tenés que estar siempre actualizado, siempre dispuesto a innovar.

Lo que significa para mí este día

El Día del Peluquero no es solo un festejo. Es un recordatorio de lo valiosa que es esta profesión. Es mirar atrás y ver todo lo que hemos avanzado: desde aquellos salones clásicos de barrio hasta los espacios modernos de hoy, donde se combina el diseño, la moda y la experiencia personalizada.

Es también agradecer a cada cliente que confía en mí, porque sin ellos mi trabajo no tendría sentido. Cada persona que se sienta en mi silla me enseña algo nuevo: paciencia, escucha, empatía, creatividad. Y eso me motiva a seguir creciendo.

Un mensaje para quienes quieren elegir este camino

Si estás pensando en ser peluquero, te lo digo con el corazón: es una de las profesiones más lindas que existen. Te permite crear, relacionarte, crecer, reinventarte. Pero también exige compromiso, disciplina y pasión.

No basta con saber cortar o teñir. Tenés que estar dispuesto a aprender siempre, a escuchar, a observar. Tenés que entender que trabajás con personas y que lo que hacés impacta en su vida. Si lo llevás en la sangre, como muchos de nosotros, entonces sabés de lo que hablo. Y si lo descubrís más tarde, vas a encontrar en esta carrera un camino lleno de desafíos, pero también de enormes satisfacciones.

Ser peluquero es mucho más que un oficio: es un arte, una vocación y una forma de conectar con los demás. En este Día del Peluquero, celebro no solo a mis colegas, sino también a cada cliente que nos permite ser parte de su vida, de sus cambios y de su estilo.

Porque al final, no se trata solo de cortar cabello: se trata de escuchar, acompañar y transformar. Y esa, para mí, es la verdadera esencia de nuestra profesión.

*Leonardo Rocco es un reconocido artista del cabello de las celebridades, vocero, artista de plataforma, educador, personalidad de televisión, propietario de salones de belleza y creador de una línea de productos para el cuidado del cabello. Nacido en Argentina, con raíces italianas, ha vivido en Miami durante los últimos 21 años, donde desarrolló su carrera profesional internacional. Es dueño de Rocco Donna Hair and Beauty Art, dos súper exclusivos salones de belleza y creador de productos de belleza Rocco Donna Professional.

En el seno de las principales casas reales europeas, la imagen y el estilo de las nuevas generaciones de herederas y herederos atraviesan una transformación nunca antes vista. La llamada “nueva ola” de la moda real tiene protagonistas indiscutibles: Leonor de Borbón, Christian de Dinamarca, Maria Olympia de Grecia y Dinamarca y Pauline Ducruet de Mónaco.

Frente a una tradición marcada por las reglas rígidas del protocolo, el ceremonial y la sobriedad, las figuras jóvenes de la realeza iniciaron un proceso de modernización que impacta no solo sus propios contextos institucionales, sino también el mundo de la moda y la cultura global.

Sus elecciones estéticas, su presencia en medios y su relación directa con los seguidores a través de plataformas digitales lograron redefinir la manera en que se percibe a la realeza y la función pública de la imagen.

Entre los cambios más notables se encuentra una ruptura con la uniformidad y la ostentación clásica. Ahora, la construcción de una imagen personal cobra mayor relevancia que nunca. En este proceso, la autenticidad y la sostenibilidad se imponen sobre los lujos ajenos a las preocupaciones actuales.

1- Leonor de Borbón: sobriedad renovada y autenticidad generacional

La princesa Leonor de Borbón, heredera al trono de España, se posiciona como un exponente clave de esta nueva ola. Ella en sus apariciones públicas accesorios característicos de la Generación Z, como collares con charms y anillos de firmas famosas.

También destaca por equilibrar prendas tradicionales, propias del protocolo de la Casa Real española, con toques urbanos y juveniles.

Leonor genera conversación tanto en medios como en redes sociales especializadas y logra renovar la percepción de la monarquía mediante una estética cercana y actual.

2- Christian de Dinamarca: integración y modernidad

El príncipe Christian de Dinamarca ejemplifica la integración del legado real y la apertura a nuevos códigos culturales. Después de cambiarse a un centro educativo público, su estilo se volvió más relajado y versátil, al diferenciarse de la vestimenta habitual de generaciones anteriores de la familia real danesa.

La combinación de sastrería escandinava, marcas juveniles y una actitud inclusiva fortaleció su imagen como heredero adaptado a los tiempos y, a la vez, cercano a la ciudadanía.

3- Maria Olympia de Grecia y Dinamarca: vanguardia y reinterpretación histórica

En el caso de la princesa Maria Olympia de Grecia y Dinamarca, la moda sirve como plataforma de creatividad y autoexpresión. Maria Olympia recurre tanto a prendas inspiradas en el medievalcore como en siluetas renacentistas diseñadas por Alexander McQueen y Balenciaga.

Su presencia en eventos de moda y redes sociales muestra un diálogo permanente con la historia, la contemporaneidad y el trabajo de diseñadores con quienes realiza colaboraciones. Así, se convierte en referente de vanguardia estilística.

4- Pauline Ducruet de Mónaco: innovación y emprendimiento

Pauline Ducruet de Mónaco, nacida en 1994 y nieta de Grace Kelly, se posicionó como uno de los rostros jóvenes más influyentes dentro de la aristocracia europea. A diferencia de otros miembros de la familia, Pauline hizo su propio camino como diseñadora y empresaria.

Fundadora de la marca unisex Alter, aboga por la moda inclusiva y libre de etiquetas tradicionales. Sus desfiles en París y su éxito en redes sociales demuestran cómo conjuga la elegancia monegasca con una visión contemporánea y disruptiva.

Pauline integra tejidos reciclados, cortes innovadores y colabora frecuentemente con diseñadores jóvenes. Además, transmite mensajes sobre diversidad y sostenibilidad. Su capacidad para fusionar vanguardismo y herencia familiar inspira a nuevas generaciones.

Además, su transformación de la moda real femenina y masculina la convirtió en una joven referente de la creatividad europea, al ganar terreno tanto en los medios de comunicación tradicionales como en los digitales.

El fenómeno de la herencia monárquica estilística trasciende el ámbito superficial. Estas herederas y herederos asumen un rol activo en la conversación pública, inspiran a jóvenes y profesionales del sector y despiertan nuevas tendencias que viajan más allá de las fronteras de sus países.

El anuncio del próximo lanzamiento de Taylor Swift llamado “The Life of a Showgirl” consolida la capacidad de la artista para reinventar su imagen y vestuario en cada etapa musical, una característica que acompañó la evolución de su carrera desde sus inicios en la música country hasta su posicionamiento en el pop internacional.

Este fenómeno trasciende la moda y representa un proceso de crecimiento artístico y personal, donde cada disco redefine su identidad ante el público global.

La imagen de la cantante potenció la narrativa de sus álbumes y mostró que su transformación estética forma parte esencial de su propuesta artística. La artista utiliza la moda y el estilismo como herramientas narrativas, fortaleciendo la conexión emocional con sus seguidores y marcando tendencias globales.

1-Primeros años: raíces country y autodefinición

Taylor Swift debutó en 2006 con un disco homónimo que la colocó como una nueva promesa de la música country en Estados Unidos.

El vestuario de esta etapa estaba anclado en la estética rural: vestidos sencillos, botas vaqueras y estampados clásicos acompañaban temas como “Tim McGraw” y “Our Song”. Su imagen buscaba transmitir autenticidad juvenil y conectar con la tradición del género, informó la revista.

En “Fearless” (2008), mantuvo la línea visual con prendas de encaje, vestidos en tonos dorados y peinados desenfadados durante giras y premiaciones. Esta fase consolidó su imagen de adolescente romántica, junto a narrativas visuales asociadas a historias de amor juvenil y experiencias cotidianas.

2- Transición al pop e iconografía personal

El tercer álbum, “Speak Now” (2010), introdujo un giro teatral en la imagen de Swift. El estilismo incorporó vestidos voluminosos, colores vivos y elementos de fantasía para sus presentaciones en vivo.

Con “Red” (2012), profundizó en el pop mediante minifaldas, pantalones cortos de tiro alto, camisetas de rayas y el labial rojo que se convirtió en un signo distintivo. Cada imagen de ese momento reflejaba una estética entre la espontaneidad juvenil y la sofisticación neoyorquina.

3- La consagración global y el minimalismo

Con “1989” (2014) se produjo una ruptura definitiva con el country. Swift adoptó una estética inspirada en la moda noventera de Nueva York: camperas bomber, crop tops y faldas estructuradas.

Un corte bob y el maquillaje luminoso reforzaron el aire cosmopolita. Este cambio fue una estrategia deliberada para ampliar su audiencia y proyectar un sonido global.

En la etapa de “Reputation” (2017), la artista enfatizó un aura oscura y desafiante: cuero, encajes, botas altas y maquillaje intenso se fusionaron con puestas en escena cargadas de dramatismo.

Desde el medio británico subrayaron que el mensaje transmitía autoafirmación frente a la controversia pública.

4- Renacimiento pop y exploración nostálgica

“Lover” (2019) supuso otro cambio radical: la cantante apostó por una paleta pastel, prendas iridiscentes y guiños vintage de los años 60 y 70. Vestidos etéreos, flecos y símbolos lúdicos como corazones y mariposas definieron portadas, videos y presentaciones.

Esta era representó un retorno a la emotividad pop y la celebración del amor y la diversidad, impregnados de un optimismo colorido.

Por su parte, “Folklore” y “Evermore” (2020), desarrollados durante la pandemia, inauguraron un periodo introspectivo y despojado. El vestuario sumó cárdigans, prendas de punto, vestidos campestres y trenzas, priorizando una imagen de recogimiento rural. Ambos discos se asociaron al cottagecore y reflejaron una fase de introspección artística.

5- Sofisticación visual

El décimo trabajo discográfico, “Midnights” (2022), propuso una estética dominada por la noche, la nostalgia y referencias al pop de los años 70 y 80. Bodys con lentejuelas, brillos metálicos y pantalones acampanados acompañaron la promoción. En cada evento, Swift retoma elementos del pasado para resignificarlos.

“The Tortured Poets Department” (2024) trajo consigo una imagen minimalista: trajes masculinos, camisas blancas y tonos sobrios destacaron en el material promocional, con presencia predominante del blanco y negro. La narrativa visual abordó temas de aislamiento y reflexión personal, en sintonía con la atmósfera lírica de la producción.

6- “The Life of a Showgirl”: la etapa más arriesgada

La artista presentó las primeras imágenes de “The Life of a Showgirl” y redefinió otra vez su narrativa estética. La portada y el material promocional muestran a Taylor Swift luciendo bralettes de cristales, bodies ajustados, botas brillantes y tocados de plumas, bajo la dirección de Joseph Cassell-Falconer y el lente de Mert Alas y Marcus Piggott.

En la portada, Swift aparece semisumergida en agua, con un bralette de diamantes inspirado en “la bailarina de Las Vegas fuera de servicio”, según la marca Area.

Este guiño visual remite a la pintura “Ofelia” de John Everett Millais. La reacción global de sus seguidores, quienes relacionaron este cambio con una etapa de empoderamiento y dedicación al espectáculo, una sensación reforzada por títulos de canciones como “¡Cancelada!” y “Figura paterna”.

En el podcast “New Heights”, conducido por Jason Kelce y Travis Kelce, la cantante mostró looks inéditos: body burdeos con escote pronunciado, medias de red, botas plateadas y una boa de cristales y plumas. Rolling Stone subrayó: “Es la Swift más reveladora y atrevida que nunca antes se había mostrado en público”, en referencia a las imágenes lanzadas en Instagram.

La trayectoria visual de Taylor Swift trascendió la música para insertarse en la conversación cultural global. Cada diseño y fotografía actúa como guía de sus etapas emocionales y musicales, lo que marca nuevas tendencias e influye en la moda del siglo XXI.

La portada de cada álbum anticipa la estética de la era correspondiente y determina los vestuarios de las giras y la presencia mediática de la artista.

La colaboración entre Ray-Ban y Meta ha dado lugar a los lentes inteligentes Ray-Ban Meta Skyler, que combinan la estética con funciones avanzadas de inteligencia artificial (IA).

Este tipo de gafas se destacan por ofrecer funcionalidades propias de un asistente inteligente, permitiendo grabar videos, tomar fotografías, realizar llamadas, escuchar música y hasta consultar información en tiempo real, directamente desde los propios lentes.

El precio de las Ray-Ban Meta Skyler varía según la configuración elegida. Actualmente, los valores oscilan entre 299 y 379 dólares, dependiendo del tipo de marco, el color de los lentes y otras características adicionales.

Los usuarios pueden elegir entre distintos colores para el marco como negro brillante y gris tiza brillante, además de lentes en tonos transparente, verde o azul, entre otros.

Qué destaca a los Ray-Ban Meta Skyler en materia de inteligencia artificial

Este modelo de lentes es compatible con Meta AI, el asistente inteligente de Meta. Esta característica permite a los usuarios interactuar con la inteligencia artificial mediante comandos de voz, recibir sugerencias contextuales y recordatorios, e incluso obtener información relevante sobre el lugar donde están.

Los lentes pueden sugerir recetas, recordar la ubicación del estacionamiento y describir puntos de referencia, todo sin recurrir al teléfono.

Cómo es la capacidad de los lentes para capturar fotos y videos

Uno de los atractivos de los Ray-Ban Meta Skyler reside en sus capacidades multimedia. Los lentes incorporan una cámara de 12 megapíxeles con lente ultra gran angular, lo cual posibilita tomar imágenes y grabar videos en calidad HD sin necesidad de usar las manos.

El sistema responde a comandos como “Hey Meta, take a photo” y graba con solo presionar el botón físico ubicado en la montura. Además, el almacenamiento no resulta un problema, porque disponen de 32 GB de memoria flash, suficiente para guardar más de 500 fotografías o más de 100 videos de 30 segundos cada uno.

Esto los convierte en una solución útil para quienes desean registrar su día a día o momentos espontáneos sin depender de otro dispositivo. Asimismo, los cinco micrófonos incorporados permiten captar sonido ambiente de forma precisa, potenciando el uso durante grabaciones en movimiento o llamadas.

Cuál es la calidad de sonido y conectividad de los lentes

Las Ray-Ban Meta Skyler ofrecen una experiencia auditiva personalizada mediante altavoces de oído abierto integrados en las patillas. Esta tecnología garantiza que solo el usuario escuche el contenido reproducido, manteniendo la privacidad y permitiendo estar atento al entorno.

El sistema aprovecha la conectividad Bluetooth para reproducir música, recibir indicaciones o contestar llamadas sin cables ni accesorios adicionales. También, la presencia de cinco micrófonos facilita no sólo la captura de audio nítido en grabaciones, sino la realización de llamadas y el control por voz.

Así, los usuarios pueden comunicarse y interactuar con sus contactos o con el asistente Meta AI sin sacar el teléfono del bolsillo. Esta capacidad resulta muy útil en situaciones de movilidad o durante actividades en las que las manos se encuentran ocupadas.

Cómo se pueden cargar los lentes

Con el estuche de carga completamente lleno, los lentes pueden alcanzar hasta 36 horas de uso, mientras que una única carga directa permite utilizarlos durante cuatro horas seguidas.

La carga completa del estuche se logra en aproximadamente 3,5 horas mediante un cable USB-C, lo que añade flexibilidad y conveniencia para quienes pasan largos períodos fuera de casa.

Este sistema de carga rápida y prolongada autonomía responde a las exigencias de usuarios que requieren un dispositivo fiable durante toda la jornada.

De qué forma funciona la traducción a varios idiomas

Otro aspecto destacado es la posibilidad de traducción en tiempo real y comunicación sin manos. La función de traducción permite mantener conversaciones en francés, italiano, español o inglés, eliminando las barreras idiomáticas en situaciones cotidianas o en viajes.

El usuario solo debe hablar normalmente para recibir la interpretación del mensaje a través de los altavoces integrados. Las llamadas telefónicas, videollamadas y mensajes de texto pueden gestionarse completamente por voz, facilitando el acceso rápido y seguro a la comunicación.

Whitney Houston no solo conquistó al mundo con su voz, sino que se consolidó como un ícono de la moda con su estilo inconfundible.

Referente de elegancia y originalidad, dejó huella en las tendencias de varias generaciones con prendas que reflejaban su personalidad y presencia única.

El lunes 11 de agosto, piezas emblemáticas de su guardarropa llegarán a subasta, lo que reafirma el lugar de Houston como referente de estilo y muestra cómo su influencia sigue vigente en la cultura pop y en el universo fashion.

Aquí, un repaso por las prendas que se subastarán.

1- Set hecho a medida de Marc Bouwer (The Bodyguard Tour)

La subasta es organizada por Julien’s Auctions y la Whitney E. Houston Legacy Foundation.

Entre las piezas subastadas se encuentra un traje de una sola pieza adornado con cristales, diseñado para cada presentación.

Durante la gira mundial de “The Bodyguard”, Houston confió en Marc Bouwer para crear trajes personalizados adaptados a grandes escenarios.

La prenda materializó la sintonía entre la música poderosa de la cantante y el vestuario sofisticado de Bouwer y mostró la importancia del vestuario escénico como extensión del mensaje artístico. Valorada entre USD 3.000 y USD 5.000, la pieza destaca por el brillo, la teatralidad y la atención al detalle.

2- Campera de “I’m Your Baby Tonight”

El videoclip de “I’m Your Baby Tonight” marcó el inicio de una nueva etapa en la carrera pop de Houston. Lució una campera Harley Davidson de piel personalizada con flecos en las mangas, uno de sus atuendos más recordados.

Esta prenda, hecha a la medida, refleja la versatilidad de Whitney, quien supo transitar del glam de las baladas al estilo urbano del pop y el R&B, consolidando así una identidad artística multifacética.

3- Jersey de la clausura del Mundial (1994)

Whitney Houston participó en la ceremonia de clausura de la Copa Mundial de la FIFA celebrada en Pasadena, California, en 1994, evento que significó un logro tanto para el deporte como para la música. Para esa ocasión, la artista eligió un jersey exclusivo con los colores de la bandera de Estados Unidos y se destacó entre los pocos asistentes que llevaron esa prenda.

Combinó el jersey con pantalones coulotte de mezclilla, un sombrero y anteojos de sol. Esto demostró que la moda casual puede ser tan emblemática como la alta costura. Este look mostró su capacidad para unir elegancia y autenticidad, al mantener siempre su sello propio.

4- Mini vestido amarillo de “Dancing With The Stars” (2009)

Durante su aparición en el programa “Dancing With The Stars” en 2009, Whitney usó un mini vestido amarillo eléctrico que contrastaba con su piel y captaba todas las miradas en el escenario. Esta prenda, una de las más recientes de la colección, probó que incluso hacia el final de su carrera, Houston dejó huella en el estilo de la época. El vestido confirmó su capacidad para adaptarse a nuevos formatos mediáticos y preservar una impronta visual única.

5- Mini vestido y abrigo Dolce & Gabbana (Premios Academia 2009)

En el homenaje a Clive Davis durante los premios de 2009, Houston vistió un mini vestido y un abrigo concebidos por Dolce & Gabbana, ambos incluidos en la subasta como un solo lote.

El conjunto, hecho especialmente para ella, reflejó el acceso privilegiado de la artista a la alta costura internacional. Esta elección reforzó la imagen elegante y sofisticada que la caracterizó en grandes eventos.

Otros artículos de valor estético y simbólico

La subasta suma también zapatos de firmas como Dolce & Gabbana, un abrigo de piel de Michael McCollom, una camiseta personalizada de la Copa Mundial y diversas piezas de joyería personal. Se añaden premios y reconocimientos que subrayan la importancia artística y cultural de Houston.

Cada prenda subastada trasciende el recuerdo de Whitney Houston como estrella y la consolida como inspiración para la moda. Los fondos recaudados financiarán becas para jóvenes afroamericanos en artes y moda, vinculando el glamour y la creatividad de la artista con nuevas oportunidades para futuras generaciones.

De este modo, la moda reafirma su papel como motor de transformación cultural e inclusión.

El desembarco de la China Suárez en Estambul marcó el inicio de un período de transformación visible en la actriz, no solo en su vida personal, sino también en su estilo. Desde que arribó a Turquía para acompañar a Mauro Icardi durante su etapa en el club Galatasaray, la imagen de la actriz empezó a sufrir modificaciones paulatinas que llamaron la atención del público y de sus seguidores. Suárez dejó atrás las prendas básicas que solían marcar su identidad estética en Argentina. Las remeras de algodón, las musculosas de lycra y las gorras con visera quedaron desplazadas por conjuntos de indumentaria exclusiva. La elección de piezas de marcas de lujo y diseños monocromáticos sobresalió en sus últimas apariciones públicas. Vestidos de corte largo, telas vaporosas, transparencias y bordados ocuparon el lugar de los looks casuales y despejados del pasado.

En uno de los eventos recientes, la actriz lució un vestido blanco que llegaba hasta el suelo. Los detalles en bordados y las transparencias resaltaron un cambio rotundo frente a sus prendas habituales. Más tarde, durante una estadía en un spa, eligió una bikini blanca, de corte limpio, sin ornamentos. Estos nuevos looks trajeron consigo un aire de sofisticación y buscaron sintonizar con el perfil de la alta sociedad de Estambul, donde mujeres locales apuestan por símbolos de lujo y distinción. Así, el cambio de estilo resultó más que un mero detalle de guardarropa: se integró en la atmósfera de elegancia urbana y la vida frente al Bósforo que la rodea en la casa que comparte con Icardi y sus hijos.

La transformación tuvo uno de sus puntos más altos después de su visita a un salón de belleza reconocido en la capital turca. Un video viralizado en redes sociales mostró el procedimiento: manos expertas, herramientas profesionales y una gama de productos que dieron como resultado un balayage rubio que iluminó el rostro de la actriz. El estilista, quien compartió en Instagram el paso a paso, destacó el cambio con entusiasmo y presentó a Suárez como una figura global. El cabello claro, modelado en ondas suaves, renovó la imagen con un efecto inmediato. En el reflejo del espejo quedó registrada la transición, acompañada de una sonrisa amplia que denotó cierto aire de renovación personal.

Para la China Suárez, este giro estético no solo respondió a una búsqueda propia de cambio, sino también a una necesidad de integrarse en un entorno marcado por el lujo, la exclusividad y un clima social acostumbrado a celebrar los altos estándares de presentación. El verano europeo, el ritmo cosmopolita de la ciudad y los compromisos familiares se fusionaron con esta etapa de exploración visual, donde la actriz experimenta un proceso de adaptación tanto desde el look como desde su modo de vida, cada vez más influido por el perfil íntimo y refinado de Estambul.

La llegada de la actriz a Turquía implicó también una reorganización profunda a nivel familiar. Instalados en la amplia residencia en compañía de sus tres hijos, la rutina diaria se rediseñó. Rufina, la mayor, inicia un ciclo escolar en un establecimiento local, sumándose a las actividades y tradiciones del nuevo país. Este traslado familiar se estructuró bajo un acuerdo temporal inicialmente fijado en un año, autorizado por Nicolás Cabré, padre de la niña, quien destacó en declaraciones a Infobae que “la prioridad siempre fue acordar en función de las decisiones de Rufina”.

Magnolia y Amancio, los hijos más pequeños que la actriz tuvo con Benjamín Vicuña, deberán regresar la semana próxima a Argentina, en compañía de la madre de la China, porque el actor chileno no autorizó que se queden a vivir en Turquía.

El giro estético de la actriz despertó una ola de reacciones en redes sociales. Las plataformas digitales se poblaron de elogios y críticas que dejaron en evidencia el alcance de su repercusión. Comentarios como “Ese rubio le queda espectacular” y “Por fin sos Wanda” se sumaron a otros mensajes más controversiales. La actriz eligió mantenerse al margen de la polémica, sin intervenir en la sección de comentarios, pero el aluvión de opiniones reflejó el magnetismo que genera cada cambio en su imagen.

El impacto del nuevo look se extendió más allá del círculo habitual de seguidores. Usuarios anónimos y figuras del espectáculo opinaron sobre el proceso, planteando comparaciones con otras celebridades y episodios previos de la vida pública de Suárez. En el centro del debate, la transformación capilar se volvió símbolo de una etapa de reinvención personal, marcada por la exposición mediática, las expectativas del público y las nuevas costumbres de la ciudad a la que llegó para acompañar a Icardi.