Sus sucesivas continuaciones se fueron amoldando a los tiempos, de manera que las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y todos los demás muñecos se expandieron de manera orgánica hasta alcanzar su cumbre en la que, para muchos, es la mejor película de la saga, Toy Story 3, que contiene uno de esos finales en los que es imposible no soltar una lagrimita, por la emoción genuina que contiene.

A lo largo de toda la saga se han abordado temas íntimamente relacionados con el aprendizaje que nos lleva de la infancia a la edad adulta: de la amistad al sentimiento de soledad, de la búsqueda de la identidad a la aceptación de las diferentes etapas. Al fin y al cabo, los juguetes siempre han sido una especie de espejo de nuestros miedos atávicos, entre ellos, el abandono.

Los juguetes frente a una tablet

Después de la poco memorable cuarta entrega, Toy Story 5 regresa con energías renovadas y un mensaje muy acorde a nuestra actualidad: la introducción de la tecnología y las pantallas en nuestra cotidianeidad y de cómo impactan en la infancia.

Ahora la niña Bonnie ha cumplido nueve años y sigue jugando con sus juguetes favoritos, entre ellos, Jessie, que se ha convertido en la líder del equipo después de que Woody se marchara a vivir su propia vida. Sin embargo, la pequeña tiene problemas para socializar y sus progenitores decidirán regalarle un dispositivo para ver si, al menos virtualmente, consigue hacer amigas. La ‘tablet’ en cuestión se llamará Lilypad y pondrá a la defensiva al resto de los juguetes, que se sentirán totalmente relegados ante la llegada del nuevo dispositivo.

Así que Jessie pedirá refuerzos a Woody y ahí comenzará toda una serie de aventuras paralelas que siguen el mismo esquema que las anteriores propuestas: los juguetes sufrirán peripecias que los separarán y tendrán que luchar contra las adversidades no solo para reunirse, sino también para conseguir sus objetivos, en este caso que Bonnie conecte con una niña en la realidad, no a través de internet.

De nuevo, se aborda el paso del tiempo a través de esos juguetes que se sienten obsoletos y se deben enfrentar a una nueva era en la que parecen ya no tener sentido. Sin embargo, a pesar de que el tema de fondo pueda ser de lo más oportuno, se echa en falta que los personajes adquieran una mayor entidad, que tengan un peso más rotundo y, sobre todo, no deja de resultar cansino que la fórmula narrativa se vuelva a repetir de manera milimétrica, aunque en esta ocasión, desprovista de las dosis necesarias de emoción y melancolía.

Una fórmula agotada que se repite

Toy Story 5 es una película demasiado ‘formulaica’ y prefabricada, que parece renegar, precisamente, de esa imaginación, los sueños y la fantasía que pretende reivindicar a través de su historia.

Hay pocas escenas memorables en esta entrega y, las más significativas corresponden a la horda de Buzz Lightyears que aparecerán para ayudar a los protagonistas y cuyas escenas están repletas de imaginación visual, algo de lo que carece la mayor parte de la película, a la que le falta alma y poesía.

Quizás sea el momento de decir adiós a una franquicia que no da más de sí, que se ha exprimido hasta la última gota y que ya solo vive de la nostalgia y de las rentas del pasado.

Corría 1998 cuando Nora Ephron coescribió y dirigió Tienes un e-mail, la película protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan donde ella, una librera, independiente, y él, el propietario de una gran cadena de librerías, mantenían una relación epistolar a través de correo electrónico sin saber que quién se escondía realmente al otro lado de la pantalla era su mayor enemigo. Cinco años antes, la propia Ephron había triunfado con Algo para recordar (Sleepless in Seattle), otro clásico romántico protagonizado por los mismos actores en el que dos desconocidos desarrollaban una conexión especial gracias a un programa de radio.

Casi tres décadas después no han vuelto ni Nora Ephron, ni Tom Hanks, ni Meg Ryan. Lo que sí ha regresado es una comedia romántica construida sobre una premisa similar: dos personas que crean un vínculo profundo antes incluso de conocerse. Netflix ha estrenado este viernes Mensajes de voz para Isabelle (Voicemails for Isabelle), una película protagonizada por Zoey Deutch y Nick Robinson que sustituye los correos electrónicos y las ondas radiofónicas por los mensajes de voz.

La historia sigue a Jill (Deutch), una joven aspirante a pastelera que intenta sobrellevar la muerte de su hermana pequeña Isabelle (Ciara Bravo). Como parte de su proceso de duelo, continúa llamando al antiguo número de teléfono para dejarle mensajes. Lo que desconoce es que ese número ya ha sido reasignado y que, al otro lado de la línea, hay alguien escuchándola: Wes (Robinson).

Lo que dicen los primeros que la han visto

Las primeras críticas de Mensajes de voz para Isabelle son mayoritariamente positivas. En Rotten Tomatoes, la película ha debutado con un 73% de valoraciones favorables por parte de la crítica especializada.

Uno de los aspectos más elogiados es la química entre Zoey Deutch y Nick Robinson. Al Alexander, de Movies Thru the Spectrum, reconoce que estuvo cerca de no conectar con la película, pero terminó rindiéndose ante “la chispeante química generada por Zoey Deutch y Nick Robinson”. En una línea similar, Tina Kakadelis, de Beyond the Cinerama Dome, llega a afirmar que “si Voicemails for Isabelle marca el inicio de un renacimiento de las comedias románticas, estamos en buenas manos“.

Otros críticos destacan especialmente su carga emocional. Matt Hambidge, de FandomWire, considera que quienes se abran a su mensaje “pueden acabar gratamente sorprendidos por las emociones que logra despertar”, mientras que Connor Petrey, de Pop Culture Leftovers, asegura que la película “hará reír, llorar y reflexionar sobre todas las formas del amor y el afecto”.

Entre el público, el recibimiento está siendo mucho más cálido. En la misma plataforma, un usuario la define como “una actuación genuina y encantadora” con una química “natural y palpable”, mientras que otro asegura que se trata de “una película preciosa” y un auténtico feel good movie. Tampoco faltan quienes la describen como “un drama lacrimógeno de principio a fin, lleno de corazón e ingenio” o incluso como “la mejor película de Netflix en mucho tiempo”.

Considerada por muchos como la primera mujer en escribir y publicar literatura erótica desde una perspectiva femenina, Anaïs Nin (Neuilly-sur-Seine, Francia, 1903-Los Ángeles, Estados Unidos, 1977) fue una autora adelantada a su tiempo. Reconocida por sus diarios, novelas, relatos y ensayos, alcanzó notoriedad por su retrato sincero del deseo femenino y por convertir su propia vida en materia literaria. Su obra contribuyó a desafiar las convenciones morales de su época y la convirtió en una de las voces más influyentes de la revolución sexual y del feminismo de la segunda mitad del siglo XX.

Entre las numerosas reflexiones que dejó para la posteridad destaca una sobre las relaciones de pareja. “El amor nunca muere de muerte natural. Muere porque no sabemos cómo reponer su fuente. Muere de ceguera, de errores y de traiciones. Muere de enfermedades y heridas; muere de cansancio, de marchitamiento, de desgaste”, escribió.

La célebre reflexión aparece en un pasaje de The Four-Chambered Heart (1950), una novela de Nin que la autora reprodujo años después en The Novel of the Future (1968) para explicar su forma de entender la escritura y las emociones. En la escena, Djuna se siente herida porque Rango no comprende por qué le afecta tanto no poder seguir cortándole el pelo. Mientras él le dice que no entiende “por qué deberías estar tan triste”, ella recuerda cómo su padre despreció uno de sus deseos de infancia calificándolo de “deseo tonto”.

El origen de la cita

Para Nin, el conflicto no tiene que ver únicamente con ese momento concreto. “Nunca era una sola escena la que tenía lugar entre dos seres humanos, sino muchas escenas que convergían como grandes cruces de ríos", escribió. Rango interpreta la situación como «un simple capricho de Djuna", pero no ve que detrás de ella confluyen «todos los deseos de Djuna que habían sido rechazados". Es entonces cuando surge la famosa cita: “El amor nunca muere de muerte natural. Muere porque no sabemos cómo reponer su fuente”.

Anaïs Nin nació el 21 de febrero de 1903 en Neuilly-sur-Seine, Francia. Su nombre completo era Ángela Anaïs Juana Antolina Rosa Edelmira Nin Culmell. Procedía de una familia de artistas: su padre, Joaquín Nin, era compositor y pianista de origen cubano y español, mientras que su madre, Rosa Culmell, era una cantante cubana de ascendencia francesa y danesa.

La infancia de la escritora estuvo marcada por el abandono de su padre cuando ella tenía 11 años. A raíz de aquella experiencia comenzó a escribir un diario que inicialmente concebía como una forma de comunicación con él. Aquellos cuadernos acabarían convirtiéndose en el proyecto literario más importante de su vida.

Tras abandonar los estudios a los 16 años y trabajar durante un tiempo como bailaora de flamenco, conoció en La Habana al banquero Hugh Guiler, con quien contrajo matrimonio y se instaló en París, cuya estabilidad económica le permitió dedicarse plenamente a la escritura.

Con el paso de los años, los diarios que había comenzado en la adolescencia crecieron hasta alcanzar cerca de 35.000 páginas. Publicados a partir de 1966 bajo el título Los diarios de Anaïs Nin, se convirtieron en una obra de referencia por la sinceridad con la que relataba su vida personal. En ellos aparecen sus relaciones sentimentales, incluida la que mantuvo con el escritor Henry Miller y con June Miller, en uno de los triángulos amorosos más célebres de la literatura del siglo XX.

Precisamente, a ambos los conoció en la década de los 20 y los 30, cuando la autora y su marido se mudaron a París, donde ella exploró el flamenco y la escritura y Guiler estudiaba cine. Allí ​​se encontraron rodeados de escritores, filósofos y artistas que estaban redefiniendo los límites creativos y dando origen a los nuevos movimientos del surrealismo, el dadaísmo y el cubismo, entre ellos Miller.

Pero su vida amorosa no acabó ahí. En 1947 conoció al actor y guardabosques Rupert Pole, 16 años menor que ella -la autora tenía 44 años y él 28- con quien inició una relación mientras seguía casada con Guiler. Ambos contrajeron matrimonio en 1955, aunque la escritora nunca se había divorciado de su primer marido. Durante más de una década llevó una doble vida entre Nueva York y California, alternando temporadas con cada uno de ellos hasta que confesó la situación a Pole en 1966. El matrimonio fue posteriormente anulado, aunque ambos mantuvieron su relación hasta la muerte de la autora.

Durante la década de 1940 también escribió relatos eróticos para un coleccionista anónimo, textos que años después serían publicados en obras como Delta de Venus. Además, dejó títulos como La casa del incesto, Bajo la campana de cristal o Pajaritos.

Convertida en un símbolo de la emancipación femenina y de la exploración literaria de la sexualidad, Anaïs Nin falleció el 14 de enero de 1977 en Los Ángeles, California, a causa de un cáncer de útero. Antes de su muerte, Nin nombró a Pole como su albacea literario, quien se encargó de la publicación póstuma de versiones sin censura de sus diarios, junto con sus obras eróticas y otros volúmenes, antes de su muerte en 2006

Hace más de cien años que Benito Mussolini fundó los Fasci Italiani di Combattimento en Milán, movimiento político que acabaría desembocando en el Partido Nacional Fascista y, más adelante, en la Marcha sobre Roma con la que el fascismo tomaría definitivamente el poder en Italia. En aquel momento, fueron pocas las voces que se atreverían a hacer frente a Il Duce, y entre ellas destacaría la del famoso político Giacomo Matteotti, secuestrado y brutalmente asesinado por orden del régimen.

“Ese es un momento político muy importante en Italia, porque el fascismo pasa de partido político a dictadura”, señala la escritora italiana Nicoletta Verna, en la rueda de prensa de presentación de su nueva novela, Los días de vidrio (disponible en Duomo Ediciones en castellano y en Amsterdam en catalán). La protagonista del libro, galardonado con el Premio de Literatura de la Unión Europea, nace en un pueblo de la Romaña el mismo día en que Matteotti muere, y no es casualidad, pues será su historia y la del resto de personajes las que nos muestren el horror vivido en el país durante los años que siguieron, y la lucha de aquellos que, frente a él, trataron de plantarle cara.

Sin embargo, aunque la novela se ambiente en el pasado, advierte la escritora que, en realidad, también tiene mucho que decir sobre el presente. “La literatura habla de la sociedad”, precisa. “Me gustaba mucho la idea de escribir del fascismo en Italia porque es un tema muy fuerte, muy presente y muy controvertido en Italia, porque constituye los cimientos mismos de la democracia. Quería recordar esa historia”. De hecho, precisamente en la Romaña nació Mussolini, que vio como su propia región le plantaba cara inicialmente, pero donde la pobreza, la fuerza de la religión y las supersticiones hicieron que, finalmente, aquella tierra se convirtiera en un lugar todavía más opresivo.

“La península italiana de las casas vacías”

La novela presenta a Redenta, una joven marcada por la desgracia desde su nacimiento, señalada por su pueblo como portadora de mala suerte. Su vida se desenvuelve entre la enfermedad, la miseria y el rechazo, pero nunca deja de confiar en las personas. Incluso cuando Bruno, el amigo que le había prometido matrimonio, desaparece, ella lo espera con paciencia. Su desgracia, sin embargo, no acaba ahí, ya que finalmente se casará con Vetro, un hombre con un ojo de vidrio que, según Verna, es “la representación del mal absoluto, del sadismo y de los peores niveles de maldad a los que puede llegar el ser humano”.

A pesar de todo su sufrimiento, Redenta nunca deja de dar lo mejor de sí misma a los demás, sobre todo para que sus hermanas puedan tener una vida mejor que la suya. Sin embargo, todo cambiará cuando en su camino se cruce durante varios días Iris, una mujer con una biografía opuesta a la suya, con estudios e integrante del movimiento partisano que combatía a Mussolini clandestinamente. Juntas protagonizarán una resistencia inesperada frente a la brutalidad personal, familiar y política que las envuelve, en una emotiva historia que bebe mucho de los clásicos melodramas italianos.

Por otro lado, Los días de vidrio, cuya escritura le llevó a la autora casi 25 años, destaca también por la introducción de elementos cercanos a lo fantástico en la trama. Tradiciones, supersticiones y mitología popular se entrecruzan y determinan el camino de los personajes, de un modo que no es de extrañar que David Uclés la describiera como “La península italiana de las casas vacías”, haciendo referencia a su propia novela sobre las vivencias de una familia durante la Guerra Civil en clave de realismo mágico. Uclés ha sido uno de los grandes avalistas del libro de Verna tras su publicación en España, señalando que es una de sus “novelas europeas favoritas”.

El fascismo, una cuestión de memoria y actualidad

Hace más de cien años de la Italia que retrata Verna en su novela, pero aun así el fascismo no ha quedado en el pasado. La autora cita a Umberto Eco para señalar que este movimiento, a diferencia del nazismo, “no cuenta con una base filosófica”, lo que ha provocado que haya ido tomando nuevas formas. “Cualquiera puede volcar en él lo que le apetezca, como la retórica del hombre fuerte o el desprecio por todos los trámites administrativos”. Paralelamente, el proceso de “edulcoración” del pasado fascista de Italia está haciendo que esta ideología vuelva a ser, según la autora, una opción atractiva para muchos.

“En este momento de ruptura de ideologías, de debilidad de los partidos democráticos históricos tras varias crisis de corrupción y de menor poder de la Iglesia, yo creo que tenemos a personas que buscan una receta fácil de vida, y en el fascismo se vuelcan conceptos que son enormemente atractivos, sobre todo para los jóvenes, porque en un mundo tan complejo ofrece un recetario simple y vende un futuro magnífico”, continúa la autora. Para ella, el problema es la falta de una “base sólida” en la educación que proteja a la memoria, y en la falta de referentes que ofrezcan una alternativa, aunque, paradójicamente, en realidad “nadie soportaría vivir en el fascismo a día de hoy”.

En ese sentido, Los días de vidrio también lanza un mensaje directo sobre la importancia de la educación, lo único que separa las vidas de Redenta e Iris. “Ella ha sido capaz de entender que la educación es lo que lleva a la libertad”, indica Verna. El conocimiento y la cultura, para ella, son la luz que resiste en el horror fascista y que ofrece la esperanza necesaria para creer que, incluso cuando todo parece a punto de romperse, los seres humanos “tenemos la capacidad de sobreponernos, sortear las dificultades e ir más allá”.

Si hablamos de novela negra, el escritor estadounidense Michael Connelly (Filadelfia, 1956) es uno de los grandes referentes del género. El autor arrancó 1992 la serie protagonizada por Harry Bosch, un detective del Departamento de Policía de Los Ángeles, cuya saga continúa con más de una veintena de novelas publicadas y millones de libros vendidos.

De hecho, sus libros han sido llevados a la pantalla en varias ocasiones, aunque ninguna adaptación ha alcanzado el reconocimiento de Bosch, la serie de Prime Video protagonizada por Titus Welliver. Estrenada en 2015 y finalizada en 2021, la ficción trasladó al universo televisivo las investigaciones del célebre detective y acabó convirtiéndose en una de las producciones policíacas mejor valoradas de la historia.

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Y los números lo demuestran. Seis de sus siete temporadas cuentan con un 100% de aprobación en Rotten Tomatoes, mientras que la primera obtuvo un nada despreciable 84%. En conjunto, la serie presume de una media del 97%. Casi nada.

Siete temporadas con una media cerca del 10

La historia sigue a Harry Bosch, un veterano detective de homicidios del Departamento de Policía de Los Ángeles donde cada temporada está articulada en torno a un único caso principal, aunando varios de los libros de Connelly. La sinopsis oficial dice así: Harry Bosch tiene la mente puesta en los asesinatos. Bosch, un antiguo oficial de las Fuerzas Especiales que ha participado en misiones en Oriente Medio, es ahora un tenaz detective de homicidios, amante del jazz, de la División de Hollywood del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD). Bosch se enfrenta a innumerables retos mientras investiga muertes sospechosas y sigue las pistas de la corrupción —incluido el lado oscuro del departamento de policía— en su incansable búsqueda de la verdad.

La crítica especializada no tardó en rendirse ante la propuesta. Una de las valoraciones más destacadas fue la del periodista Cory Barker, de TV.com, que definió la ficción como una rareza dentro de la televisión actual. “Pocas series son tan sólidas y adictivas”, escribió en una reseña publicada en 2018.

Esa consistencia fue clave para que la serie se mantuviera durante siete temporadas, convirtiéndose en una de las producciones originales más exitosas de Amazon. Además, su buena acogida permitió la creación de Bosch: Legacy, en 2022, tras terminar la ficción una secuela que continúa explorando la vida del personaje tras abandonar el cuerpo de policía, que ahora actúa como investigador privado.

Tras esta, el año pasado llegó a la misma plataforma Ballard, donde el protagonista le cede la ficción a la prometedora detective de la policía de Los Ángeles Renée Ballard (Maggie Q), encargada de una unidad de casos sin resolver.

Italia no disputa durante estos días el Mundial, el tercero consecutivo sin el combinado azzurri, que ya parece más resignado que decepcionado en cuanto a lo que a fútbol se refiere. Sin embargo, mientras Lamine Yamal, Kylian Mbappé o Jude Bellingham se disputan el trono mundial del fútbol, en una ciudad al norte de Italia emergen otras estrellas mucho más grandes y casi o tanto más conocidas que ellas. Hablamos de nombres como Charles Chaplin, Cary Grant, Claudia Cardinale o Marilyn Monroe.

Hablamos de Il Cinema Ritrovato, uno de los festivales más singulares del mundo y que se celebra durante poco más de una semana en la ciudad de Bolonia. Este mismo sábado arranca nada menos que su 40º edición, con un gran programa que abarca desde el cine de hace 120 años hasta películas de Martin Scorsese o David Lynch. Un “Mundial” cinéfilo en el que compiten países de todo el mundo llevando sus propias restauraciones de películas, uno de ellos España que además tiene una destacada presencia en esta edición. Pero, ¿cómo puede existir un festival así, un paraíso para los cinéfilos?

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“Es como una gran fiesta: una celebración colectiva del cine en todas sus formas y variantes. Es un evento inclusivo, una orgía de películas que cada asistente disfruta en un orden completamente diferente y muy personal”, explica a Infobae Ehsan Khoshbakht, cineasta iraní y uno de los directores de Il Cinema Ritrovato. “En ese sentido, y espero que esto no suene presuntuoso, es uno de los pocos festivales del mundo que ofrece una selección de películas verdaderamente democrática. Hay tantas versiones de Il Cinema Ritrovato como personas que acuden a él”, alaba Khoshbakht, en contraposición a festivales como Cannes o Venecia, llenos de estrellas (vivas) y estrenos de alfombra roja, pero pensados únicamente para un público reducido y de forma mucho menos accesible.

Cazadores en busca de tesoros cinematográficos

“Nuestro trabajo se parece más a las penurias de un cazador nocturno. Sales a buscar la presa. Muchas noches vuelves a casa con las manos vacías. Otras noches vuelves con algo que crees que puede alimentar a una gran familia con un gran apetito por el cine esencial. Y luego están esas noches excepcionales en las que capturas al tigre”, bromea el director de cine y guionista sobre el trabajo de organizar un festival en el que las películas no solo van a ti, sino que son ellos también los que se encargan de buscarlas. “Implica ver una enorme cantidad de películas e intentar averiguar cómo se pueden organizar en yuxtaposiciones significativas y hilos argumentales reveladores”, explica el codirector, quien es también programador en el Festival de Locarno, uno de los más antiguos del mundo y el cual también presta atención al pasado, aunque está prácticamente dedicado a la actualidad y apoyado por los grandes estrenos.

Ese es quizá el mayor hándicap de Il Cinema Ritrovato, el de seguir apostando por un cine que, como su propio nombre indica, ha de ser reencontrado. “El arte ya no es rentable, salvo cuando está en manos de empresas, agencias y quienes quieren sacar provecho económico de él. Il Cinema Ritrovato se dedica por completo a la idea del arte puro, y cómo consigue sobrevivir es una pregunta que habría que plantear al brillante equipo que se encarga de la gestión financiera del festival. Creo que hacen magia”, asegura Khoshbakht.

Parte del encanto del festival, al igual que el paseo marítimo de Cannes, el casco antiguo de San Sebastián o los variopintos edificios de Berlín, es sin duda la propia ciudad de Bolonia, un anfitrión inmejorable para dar cabida a cine de todas las épocas pero también para hacer de puente entre varias generaciones. “En los últimos diez años, la ampliación del programa ha atraído a personas de diferentes edades y entornos sociales. Y una vez están en Bolonia de repente empiezan a experimentar e ir más allá de la idea que tenían, descubriendo películas que no conocían o directamente olvidadas y sumergiéndose por completo en la totalidad del evento”.

España, protagonista con uno de sus maestros

En la que es su 40 edición, que arranca este mismo sábado 20 hasta el día 28 aunque este año se prolongará algunos días con proyecciones especiales en la icónica Piazza Maggiore, España tiene un protagonismo absoluto. Uno de sus mejores cineastas, Juan Antonio Bardem, es objeto de uno de los ciclos principales de esta edición, con sesiones de casi toda su filmogrfía y presentaciones a cargo de responsables de Filmoteca Española como Carlos Reviriego o Valeria Camporesi, y directores de nuestro cine como Jonás Trueba, encargado de introducir una de las películas más míticas de Bardem, Muerte de un ciclista. “Soy un admirador incondicional de su obra desde que vi Calle Mayor, aunque fue La venganza la que más me conmovió. Lo que me gusta de sus películas son las cualidades subversivas que mantuvo durante la dictadura y la concisión con la que utilizó el modernismo europeo de la posguerra para contar historias tan claramente españolas", revela Khoshbakht.

Bardem será uno de los platos fuertes pero no el único en un festival que también presenta este año una retrospectiva de otro gran cineasta -y en este caso patrio para los italianos- como Luchino Visconti, autor de Rocco y sus hermanos, El gattopardo o Muerte en Venecia. Conocido también por su labor restauradora -a través de la propia Cineteca de Bolonia, una de las punteras en todo el mundo-, Il Cinema Ritrovato también reestrenará clásicos y películas de culto como Amanecer de F.W. Murnau o The devils de Ken Russell. Pero entre tanto historicismo y autor habrá también espacio para la risa con las comedias de Mitchell Leisen: “Habita en un mundo propio —en parte inventado por él mismo— en el que la sofisticación del estilo, el lenguaje y las travesuras sexuales resulta mucho más fluida y sutil que en la obra de muchos otros maestros del género".

La protagonista de esta edición es la actriz Barbara Stanwyck, una de las más prolíficas de todo el Hollywood clásico con títulos que van del melodrama al cine negro pasando por la screwball comedy, pero basta echar un vistazo rápido al festival para darse cuenta que los verdaderos actores principales son los cinéfilos que recorren las calles de Bolonia, en unión con uno de los pocos festivales en todo el mundo que siguen apreciando el cine de antes. “Si se trata de una forma de resistencia, es una resistencia contra la banalidad y contra el desprecio por la historia y la verdad. Si es una celebración, es una celebración de la forma, la belleza, el estilo y el arte sin pretensiones. Hacemos lo nuestro, y si eso parece, desde fuera, un intento deliberado de contrarrestar la comercialización del cine, pues tanto mejor”.

La Biblioteca Nacional de Francia ha anunciado el hallazgo en París de un manuscrito autógrafo inédito de Mozart con siete piezas para arpa y flauta nunca escuchadas hasta ahora, un cuaderno que aporta además información sobre la última estancia parisina del compositor en 1778 y sobre su actividad como profesor.

Las siete piezas inéditas suman unos 20 minutos de música y serán interpretadas por primera vez el domingo, coincidiendo con la Fiesta de la Música en Francia, por la Orquesta Filarmónica de Radio France, según el anuncio de la institución francesa.

El cuaderno de composición de Wolfgang Amadeus Mozart fue localizado por un conservador de la BnF en un paquete de una veintena de manuscritos anónimos. La institución ha comunicado a AFP, que se trata de un descubrimiento que los especialistas consideran de primer orden.

Gilles Pécout, director de la BnF, ha definido la aparición del documento como un “descubrimiento mayor reconocido por los especialistas”. Pécout ha sostenido que la pieza ilumina la figura del “joven profesor Mozart” y documenta su última estancia en París.

Qué contiene el manuscrito inédito de Mozart

El cuaderno reúne una docena de lecciones de composición del músico austríaco. Mozart impartió esas clases a diario entre mayo y julio de 1778 a Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guînes, hija del duque de Guînes y arpista de gran nivel.

El hallazgo lo firmó François-Pierre Goy, conservador del departamento de música de la BnF, que encontró el manuscrito el 2 de febrero mientras examinaba documentos anónimos que quería estudiar antes de jubilarse: “Ni de lejos podía imaginar lo que iba a encontrar”.

La primera pista estuvo en la propia grafía. Goy detectó rasgos que consideró característicos, entre ellos claves de sol “bastante redondeadas, ligeramente inclinadas hacia delante” y una clave de fa trazada en sentido inverso al uso francés.

La atribución ganó consistencia al comparar el manuscrito con otros autógrafos digitalizados. El papel era francés y el cuaderno llevaba los mismos sellos que una copia francesa del Concierto para flauta y arpa de Mozart encargada por el duque de Guînes.

El documento fue sometido a peritaje y su atribución quedó validada a finales de abril por la Biblioteca Mozartiana de la fundación Mozarteum de Salzburgo, la ciudad natal del compositor. Ese refrendo cerró el proceso de identificación del manuscrito.

44 páginas y 20 minutos de música inédita

Sus 44 páginas incluyen también siete piezas para flauta y arpa, la última inacabada, que Goy ha presentado como un conjunto muy bien conservado. La BnF ha explicado, según RFI, que todas parten de una idea propuesta por Mozart y que en ellas se mezclan “las manos del maestro y de la alumna” en proporciones variables.

El método de trabajo queda visible en la escritura del cuaderno. Goy ha detallado que en ocasiones Mozart redactaba la parte del arpa y pedía a su alumna que escribiera la de flauta, y después intercambiaban los papeles.

La primera audición pública llegará el domingo en la Maison de la radio et de la musique de París, donde dos músicos de la Orquesta Filarmónica de Radio France, la flautista Mathilde Caldérini y el arpista Nicolas Tulliez, ya han ensayado discretamente unas partituras que nunca habían sido escuchadas.

Como suele ser habitual en el autor, la ficción abraza sin disimulo el giro imposible, la conspiración extensa y el suspense de consumo rápido, pero logra sostenerlos con un reparto de primer nivel y una maquinaria narrativa muy afinada.

La serie se ha estrenado el 18 de junio de 2026 y adapta la novela homónima que Coben publicó en 2023. Esta producción es la duodécima serie nacida del acuerdo entre Coben y Netflix tras el éxito de Safe, aunque podríamos elevar la cuenta a la decimotercera adaptación del autor dentro del pacto de 14 libros firmado con la plataforma. Hasta el momento habían predominado las versiones británicas o europeas y faltaba una traslación ambientada en Estados Unidos.

De qué va ‘Te encontraré’

Te encontraré arranca en una prisión de Briggs, en Maine, donde David Burroughs cumple el quinto año de una cadena perpetua por el asesinato de su hijo de tres años, un caso sellado por ADN y por un testigo presencial. David Burroughs, interpretado por Sam Worthington, sostiene su inocencia mientras cumple condena por la muerte de Matthew. El detonante llega con Rachel Mills, su excuñada y periodista caída en desgracia, cuando le enseña una fotografía en la que aparece al fondo un niño que se parece a Matthew con cinco años más y que incluso comparte la marca de nacimiento que tenía el pequeño en la mejilla.

A partir de esa imagen, David rompe su pasividad y la serie entra en el territorio habitual de Coben: fuga, persecución y una verdad enterrada bajo capas sucesivas de engaño. El protagonista escapará de prisión cuando su vida empieza a correr peligro por la actuación de un funcionario de prisiones fuera de control, Ted Wesson, decidido a silenciarle.

La huida convierte a David y Rachel en perseguidos por el FBI, mientras ellos mismos investigan qué ocurrió realmente con Matthew. La serie dedica tanto tiempo a los fugitivos como a sus perseguidores, en especial a Max Williams, veterano del Grupo de Trabajo de Fugitivos del FBI, y a la agente Sarah Greer.

Ese doble foco es una de las claves de la serie. Frente a una premisa que roza lo inverosímil, la historia distribuye el suspense entre la carrera de los protagonistas y el dispositivo policial que trata de capturarlos.

Un gran reparto para un thriller adictivo

El otro gran apoyo de la ficción es su elenco. Además de Worthington y Britt Lower, aparecen Milo Ventimiglia como el exnovio acomodado de Rachel, Erin Richards como Cheryl, la exmujer de David, Chi McBride y Logan Browning como los agentes del FBI, Madeleine Stowe como una heredera adinerada con secretos, Peter Outerbridge como un alcaide vinculado personalmente al protagonista y Eric Johnson como el recluso que le hace la vida imposible en prisión.

Detrás del proyecto está Robert Hull, creador y adaptador televisivo de la novela, con créditos previos en Gossip Girl, Veronica Mars y Alcatraz. La dirección principal corre a cargo de Brad Anderson, que rodó en nuestro país El maquinista, con Christian Bale.

Como suele ser habitual en las adaptaciones de Coben, se trata de un artefacto tan desquiciado como adictivo en el que la lógica salta por los aires a través de una maraña de personajes y situaciones que cumplen una función hasta que, al final de la serie, todo se ensambla como en una especie de rompecabezas inesperado.

En definitiva, un thriller absorbente sobre el amor parental, la pérdida, la obsesión, con desapariciones, acusaciones erróneas, policías incompetentes o corruptos, villanos sombríos y toda una cadena de pistas falsas en un guion que empuja a seguir viendo el siguiente episodio gracias a los giros locos.

Esta es la última de las adaptaciones de Coben para Netflix, pero recordemos que en nuestro país se hizo una de las mejores, El inocente, dirigida por Oriol Paulo y protagonizada por Mario Casas junto a Jose Coronado y Aura Garrido.

El acuerdo sitúa a Curry Barker como guionista, director y productor de su tercer largometraje y se ha cerrado por una cifra de ocho dígitos. La película nacerá de una idea original presentada por el propio cineasta a la cúpula de Universal y tendrá distribución mundial a cargo de Universal Film Group.

La operación mantiene al director dentro del ecosistema de Universal después de que Obsession se distribuyera a través de Focus Features, sello del grupo, y de que su segunda película, Anything But Ghosts, ya esté rodada y siga vinculada a esa misma estructura industrial. Ese filme se encuentra en ‘posproducción’ para Blumhouse Atomic Monster y Focus Features.

Un proyecto de continuidad con su estilo de terror

Barker ha enmarcado el nuevo proyecto como una continuidad natural de esa alianza. “Esta película es algo que llevaba tiempo queriendo hacer, y estoy encantado de volver a asociarme con Blumhouse Atomic Monster y Universal Film Group para ello”, ha dicho el director.

Los detalles argumentales se mantienen en secreto. Variety precisa que la película parte de una idea original surgida de un pitch de Barker, mientras The Hollywood Reporter añade que Universal adquirió el proyecto a partir de esa presentación a sus principales ejecutivos.

La producción volverá a reunir a varios de los socios habituales del director. Además de Blumhouse Atomic Monster, participarán Spooky Pictures, la compañía de Roy Lee y Steven Schneider, y Divide/Conquer, el sello de Adam Hendricks y Greg Gilreath.

La relación entre esas productoras y Barker no empieza ahora. Blumhouse Atomic Monster, Spooky Pictures y Divide/Conquer ya se habían sumado a Anything But Ghosts antes incluso del estreno de Obsession en Toronto, y más tarde Blumhouse Atomic Monster se incorporó a Obsession como productor ejecutivo.

El director que ha conectado con el público

La valoración interna dentro de NBCUniversal la ha expresado la presidenta de entretenimiento Donna Langley. “Curry Barker tiene una capacidad excepcional para conectar con el zeitgeist cultural, combinando un instinto innato para detectar lo que quiere ahora el público, unido a una extraordinaria destreza cinematográfica”, ha dicho Langley a The Hollywood Reporter.

La dimensión del movimiento empresarial se entiende por el rendimiento de Obsession. La película se estrenó el 15 de mayo en Estados Unidos, costó solo 750.000 dólares y encadena cuatro fines de semana consecutivos por encima de su apertura, que fue de 17,2 millones de dólares.

Así, Obsession ya es la película más taquillera de la historia de Focus Features y el filme se ha convertido en un fenómeno cultural y que incluso empieza a generar conversación de cara a los Oscar.

James Wan y Jason Blum, socios de Blumhouse Atomic Monster, han vinculado el nuevo proyecto a esa respuesta del público. “Con Obsession, Curry hizo lo que solo un puñado de cineastas consigue en una generación: crear algo completamente original que conectó con una audiencia masiva”, han afirmado en una declaración conjunta.

El siguiente título de Barker antes de esta tercera película será Anything But Ghosts, que dirige, protagoniza y ha coescrito con Cooper Tomlinson, quien también actúa en la cinta. El reparto incluye a Aaron Paul y Bryce Dallas Howard en una historia sobre dos falsos investigadores paranormales obligados a enfrentarse a fantasmas reales y a las mentiras sobre las que sostienen su negocio.

La película continúa el relanzamiento de DC después de Superman, estrenada el pasado verano, que recaudó 618 millones de dólares en la taquilla mundial y presentó a David Corenswet como el Hombre de Acero. En esta nueva entrega, Kara Zor-El emprende un viaje interestelar de venganza y justicia junto a un aliado inesperado.

Entre las primeras valoraciones recogidas por Variety, el periodista Mike Ryan ha dicho al medio que la película “parece y funciona más como una película de Mad Max, con mundos sucios, villanos repugnantes y una heroína autodestructiva”. Ese giro de registro es uno de los rasgos más repetidos en las impresiones iniciales de la prensa especializada.

Valoraciones positivas que la califican de disfrutable

Simon Thompson ha escrito que “no es un clásico, pero es divertida y acierta en la mayoría de los objetivos que se propone”. En esa misma valoración, Thompson destaca a Jason Momoa como Lobo, además de la acción, el humor y los momentos en los que la película se apoya en la producción física.

Germain Lussier, de Gizmodo y io9, ha calificado la película de “muy disfrutable” y ha señalado que no alcanza “la resonancia” de Superman, aunque sí funciona como “compañera perfecta” y continuación de aquella, con personajes mejores y relaciones más complejas. Lussier también subraya su carga emocional y sostiene que ese tono hace que la acción tenga más impacto.

Otra de las reacciones citadas por Variety describe la película como una mezcla entre Guardianes de la galaxia, Valor de ley (el western de los hermanos Coen) y Mad Max dentro de una “batidora” de DC, con una aventura espacial sucia, divertida y sorprendentemente sombría. Esa misma impresión vuelve a poner el foco en Alcock, especialmente cuando el relato entra en el pasado trágico de Kara.

Valoraciones negativas: película irregular

No todas las respuestas han sido plenamente entusiastas. Una de las reacciones recogidas por Variety habla de una película irregular: reconoce que Milly Alcock y Lobo destacan, pero considera que algunas decisiones de adaptación y un villano plano impiden que la propuesta alcance un resultado mayor.

La sinopsis de la película establece que un adversario inesperado y despiadado golpea demasiado cerca de casa, lo que obliga a Kara Zor-El, también conocida como Supergirl, a unir fuerzas a regañadientes con un compañero improbable en una travesía épica por el espacio. El filme adapta la serie de cómics Supergirl: Woman of Tomorrow, escrita por Tom King y dirigida en pantalla por Craig Gillespie.

El reparto secundario incluye a Matthias Schoenaerts como Krem de Yellow Hills, el principal villano; a Eve Ridley como Ruthye Marye Knoll, la joven que recluta a Supergirl para llevar a Krem ante la justicia por el asesinato de su padre; a David Krumholtz y Emily Beecham como los padres de Supergirl; y a David Corenswet, que también aparece como Superman.

El mes pasado, Alcock explicó por qué aceptó interpretar al personaje. “Me miré al espejo y pensé: ‘¿Quién soy yo para rechazar esta oportunidad? Sabía que era lo que necesitaba hacer, porque me daba miedo. Y pensé: “Bueno, tengo una vida grande, mala y hermosa. ¿Por qué no ir a por ello? ¡Simplemente ve a por ello! ¿Qué te pasa, que tienes miedo? Supérate’”, dijo la actriz al medio Variety.

Nos acercamos al meridiano de 2026 y toca hacer recuento de las películas que han marcado estos meses del año. Ha sido una temporada marcada por los debuts cinematográficos, que en su mayoría se han podido ver en el Festival de Málaga, y por algunas películas de autores asentados que se han convertido en auténticos acontecimientos.

Todavía queda mucho por explorar durante la ‘rentrée’ otoñal, en la que se estrenarán títulos cuya puesta de largo tuvo lugar en el Festival de Cannes, como El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen o La bola negra, de Los Javis, que se alzó con el premio a la mejor dirección en el certamen.

Por el momento, nos quedamos con estas diez propuestas, aunque hay muchas más que han ayudado a configurar un mapa cinematográfico de lo más rico y diverso, como Viva, de Aina Clotet, que se estrena esta misma semana o la inminente 9 lunas, una pequeña y estupenda sorpresa, sobre el embarazo de un hombre ‘trans’.

‘Amarga Navidad’

Pedro Almodóvar presentó una película en torno a la creación y a los límites de la autoría a través de un perverso mecanismo ‘metacinematográfico’ repleto de capas en el que la realidad y la ficción se funden y se confunden. Un ejercicio de estilo de lo más complejo en el que la narración se pliega sobre sí misma para componer un juego de espejos en torno a la pérdida, el duelo y el cine como mecanismo para fagocitar el drama de los seres queridos.

‘Tres adioses’

Una de las películas más delicadas de Isabel Coixet, que vuelve a hablar de la muerte, como ya hizo en Mi vida sin mí, pero desde una perspectiva diferente que tiene que ver con la esperanza y la empatía en un mundo que se desmorona. Se trata de una adaptación de las memorias póstumas de la activista Michaela Murgia, que falleció de cáncer y propone un viaje de ‘redescubrimiento’ de la identidad a partir de la enfermedad.

‘Historias del buen valle’

El gran regreso de José Luis Guerín al cine ‘observacional’, a través del que compone una oda al barrio periférico de Vallbona partiendo del punto de vista de la diversidad cultural de sus habitantes. Una película que reivindica la dignidad de las comunidades excluidas y que nos propone un trayecto histórico por un territorio al límite entre el olvido y la gentrificación.

‘Aída y vuelta’

Paco León se atreve a recuperar en formato película la serie Aída dándole una vuelta de tuerca, como suele ser habitual en él. La icónica ficción ha pasado a formar parte de la cultura popular de nuestro país y el director e intérprete, consciente de la magnitud del fenómeno le ha querido rendir homenaje de la mejor manera posible, a través de un dispositivo ‘metadiscursivo’ tan inteligente como ingenioso en el que se reflexiona sobre buena parte de los temas que tienen que ver con la contemporaneidad a través del humor más ácido.

‘Altas capacidades’

He aquí una de las mayores sorpresas de la temporada, una sátira en torno a las clases sociales que habla de la hipocresía de nuestro tiempo a partir de la educación que queremos darle a nuestros hijos. Una punzante comedia que no deja títere con cabeza a la hora de describir tanto a los privilegiados como a la clase trabajadora deseosa de un ascenso social que quiere mostrar su mejor cara a través de la cultura de las apariencias.

‘Yo no moriré de amor’

La gran triunfadora del Festival de Málaga. Una ópera prima de lo más consistente que parte de la propia experiencia de la autora con su madre, que falleció a causa de un Alzheimer prematuro que poco a poco fue arrebatándole todos sus recuerdos. Una película que gira en torno a los cuidados, al sentimiento de orfandad, a la falta de recursos para abordar la propia identidad en situaciones de máxima vulnerabilidad y a la necesidad de exorcizar fantasmas personales a través de la urgencia a la hora de visibilizar no solo los problemas de demencia ‘neurogenerativa’, sino de cómo esa situación influye en el entorno más cercano.

‘La luz’

Fernando Franco vuelve a introducirse en temas incómodos como siempre ha hecho a lo largo de su filmografía, desde su ópera prima La herida. En esta ocasión, se encarga de indagar en los casos de pederastia en la Iglesia católica y todo el proceso de ocultación al que se han sometido estos delitos, a través de la figura de un sacerdote que decide dar un paso al frente y expiar sus pecados en público. Una película pulcra y rigurosa sobre un tema que llevaba tiempo mereciendo un espacio en nuestra cinematografía.

‘Iván & Hadoum’

La ópera prima de Ian de la Rosa es una especie de Romeo y Julieta ambientada en los invernaderos de Almería en la que un chico trans y una chica marroquí se enamoran a pesar de los prejuicios a los que están condenados por culpa de la sociedad que les rodea. Una película que va más allá de la realidad trans para componer una historia de amor y de incomprensión en los tiempos que corren.

‘Zeta’

El director Dani de la Torre sube al máximo el listón en lo que se refiere a ficciones internacionales con esta intriga de espionaje heredera de los thrillers de James Bond, Jason Bourne y compañía, solo que en este caso a través de un agente secreto interpretado por Mario Casas. Una intriga a lo grande, espectacular y entretenida que sitúa la acción española a niveles nunca vistos.

‘Corredora’

Otra ópera prima, en este caso de Laura García Alonso, que utiliza el mundo de la alta competición deportiva para hablar de los problemas de salud mental inherentes a un estrés juvenil excesivo. Una historia que escapa a las narrativas convencionales a golpe de asfixia atmosférica y de una reflexión en torno a las ansiedades del mundo en el que vivimos y que nos anulan por completo.

Si cada nueva generación no tiene su A tres metros sobre el cielo (2010), se le asignará una de oficio. A comienzos de la década pasada, Mario Casas, su “¡Fea!" y el vrom vrom de su moto dejó histérico a media España en las salas de cine. Ahora ese hueco lo han llenado las plataformas de streaming: Netflix con obras como A través del mar, y Prime Video con la saga Culpables, ambas adaptaciones románticas de Wattpad.

Dentro de ese fenómeno, pocas franquicias han alcanzado el éxito de la creada por Mercedes Ron. La autora argentino-española afincada en España comenzó publicando Culpa mía en Wattpad, donde la historia de Noah y Nick acumuló millones de lecturas antes de dar el salto a las librerías y, posteriormente, a la pantalla. En 2023, Nicole Wallace y Gabriel Guevara protagonizaron la primera cinta de la saga, que más tarde llegó con la segunda y tercera parte, estrenada el año pasado-y con un cuarto libro, Culpa vuestra, publicado el pasado mes de mayo-.

Con semejante éxito entre manos, era cuestión de tiempo que la plataforma intentara replicar la fórmula fuera de España. Así nació My Fault: London, una reinterpretación británica que trasladó el universo de Noah y Nick al Reino Unido sin renunciar a los ingredientes que convirtieron a la saga en un auténtico fenómeno, caracterizado por un romance prohibido entre hermanastros y una buena dosis de drama adolescente.

Ahora, este viernes 19 de julio, Prime Video estrena Your Fault: London, la segunda parte de esta versión inglesa que busca consolidar la internacionalización de una de las franquicias juveniles más exitosas de los últimos años. La película, protagonizada por Asha Banks y Matthew Broome, llega a la plataforma para disfrutar en más de 240 países.

‘Your Fault: London’ llega a Prime video este viernes

La nueva producción retoma la historia de Noah y Nick tras los acontecimientos de My Fault: London, la primera adaptación británica de la saga estrenada en febrero del año pasado. Si en la primera Noah (Banks) se muda de Florida a Londres después de que su madre se casara con un riquísimo empresario británico para terminar enamorada de su hermanastro Nick (Broome) y con un beso confirmando su relación, la secuela arranca con la pareja plenamente enamorada. Sin embargo, la distancia y las nuevas responsabilidades amenazan con poner en peligro su relación: Noah comienza sus estudios en Oxford mientras Nick se enfrenta a las crecientes exigencias de su trabajo, un escenario que dará paso a nuevos conflictos.

Sin embargo, la recepción crítica de esta nueva adaptación no ha sido unánime. Jennifer Green, crítica de Common Sense Media, que ya podido ver la cinta, ha valorado la película con dos estrellas sobre cinco y ha señalado que la producción parte con una ventaja evidente respecto a sus antecesoras. “La versión en inglés se beneficia de sus predecesoras para experimentar con lo que funciona”, afirma la especialista. No obstante, considera que los responsables del filme podrían haber aprovechado mejor esa oportunidad para mejorar algunos aspectos narrativos.

Your Fault: London está dirigida por Dani Girdwood y Charlotte Fassler, con guion de Melissa Osborne y Bella Heesom. La producción corre a cargo de Ben Pugh y Erica Steinberg para 42, mientras que entre los productores ejecutivos figuran Alex de la Iglesia, Carolina Bang y Domingo González, responsables también de las exitosas adaptaciones españolas desarrolladas por Pokeepsie Films.

René Descartes, nacido en Francia en 1596, es considerado unánimemente el padre de la filosofía moderna. En una época de profundos cambios científicos, este genial pensador y matemático se propuso refundar el conocimiento humano sobre bases completamente firmes. Su viaje intelectual lo llevó a postular una de las frases más célebres de la historia: “pienso, luego existo”, el pilar inquebrantable de su sistema.

El pensamiento de Descartes rompió de forma radical con la tradición medieval, que dependía ciegamente de la fe y de los textos antiguos. Él propuso utilizar la razón propia (“pienso”) como la única herramienta válida para desentrañar los misterios del universo (“luego existo”). Para lograrlo, ideó un método riguroso inspirado en las matemáticas, el famoso cartesianismo, buscando verdades que fueran tan claras y evidentes que resultara imposible cuestionarlas.

De este modo, en su célebre obra Principios de la filosofía, el autor resumió magistralmente el punto de partida de toda su aventura intelectual. Como bien nos legó el pensador galo: “Si de verdad buscas la verdad, es necesario que al menos una vez en tu vida dudes de todo”. Y es que, para conocer de verdad el mundo, había que desconfiar de todo lo que le rodeaba y de lo que creía que era la realidad, incluso de lo que le dictaban sus propios sentidos.

El significado de las palabras de Descartes

La frase del filósofo francés define lo que en la historia del pensamiento se conoce como la duda metódica. Descartes no era un escéptico que creyera que la verdad fuera inalcanzable; al contrario, usaba la duda como una herramienta de limpieza intelectual. En sus Meditaciones metafísicas argumentaba: “Es prudente no fiarse por entero de quienes nos han engañado una vez”, refiriéndose al conocimiento que nos llega mediante los sentidos, no siempre tan fiables como suponemos.

Para ver cómo Descartes acertó de lleno en esto último, basta con ver cómo a día de hoy lo que vemos no es siempre lo real. En los últimos años, por ejemplo, han proliferado las imágenes y vídeos falsos en internet y redes sociales, demostrando que la duda sigue siendo una herramienta necesaria para el pensamiento crítico, más aún cuando la verdad parece clara.

En la misma línea, para el filósofo francés cuestionar las ideas preconcebidas era la única vía para evitar los errores de la sociedad. En su fundamental Discurso del método escribió, de hecho, que “la verdad no se encuentra en la multitud de opiniones, sino en la evidencia”. Solo despojándonos de los prejuicios heredados podemos llegar a ser verdaderos dueños de nuestro propio conocimiento y tomar decisiones informadas.

La herencia del cuestionamiento

Siglos después, otros grandes filósofos siguieron la estela de Descartes, defendiendo que el cuestionamiento personal es indispensable para la madurez humana. Uno de ellos fue el alemán Immanuel Kant, quien en el siglo XVIII invitó al mundo a despertar de su letargo intelectual, asumiendo este espíritu crítico con su famosa expresión “Sapere aude: ¡Ten el valor de servirte de tu propio entendimiento”, para la que hizo uso de la máxima latina del poeta Horacio.

En una línea muy similar se expresó el pensador Friedrich Nietzsche durante el siglo XIX. Este filósofo insistió en la necesidad de revisar los valores impuestos por la cultura para poder alcanzar una auténtica libertad mental. “Las convicciones son enemigas de la verdad más peligrosas que las mentiras”, advertía en sus cuadernos, en sintonía con una obra que, precisamente, abrió las puertas a cuestionar la realidad que siempre habíamos dado por hecho.

A través de los siglos, la gran lección de la filosofía es que el conocimiento no es un cofre estático que se recibe, sino un camino activo que se conquista. Desde ese “solo sé que no sé nada” socrático, desconfiar saludablemente de lo que nos rodea ha sido la máxima de los más sabios. Al final, la duda racional sigue siendo el faro más seguro para navegar en el océano de incertidumbres que supone nuestro mundo.

La prematura muerte de la actriz Daveigh Chase, la inolvidable niña del pozo en The Ring, ha hecho que muchos fans de la película rememoren el impacto que supuso una saga que redefinició el cine de terror en los años 2000. Nadie olvidará el pánico que daba mirar una televisión analógica con estática, ni la voz de ultratumba que sonaba a través del teléfono fijo para anunciar a quien lo cogía que le quedaban “siete días” de vida.

La película estadounidense tuvo un éxito arrollador porque supo adaptar con maestría el horror psicológico de la película original, realizada en Japón y con menor recorrido que su remake. De hecho, además de recaudar 250 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en una de las películas de terror más taquilleras de su época, su historia sobre una cinta de vídeo maldita acabó creando una fobia colectiva hacia los teléfonos y las cintas de vídeo VHS.

Aquel brutal triunfo comercial estiró la franquicia durante años mediante diversas secuelas y adaptaciones que, pese a no contar con Daveigh Chase ni ningún otro miembro del elenco original, intentaron replicar la fórmula original. La última entrega de esta famosa marca cinematográfica estuvo dirigida por un español, el cineasta cordobés F. Javier Gutiérrez, quien en 2017 firmaría el cierre de la saga.

En busca de nuevas ideas

A la hora de ampliar la saga de The Ring, los productores pensaron que quién mejor que el director original de la película japonesa, Hideo Nakata. En 1998, este cineasta había estrenado Ringu (1998), que fue la que convenció a los estudios norteamericanos para comprar los derechos y realizar un lavado de cara occidental que le diera popularidad mundial a la historia. De hecho, para cuando se estrenó The Ring 2 (2005), Samara Morgan ya no era un espectro asiático, sino un icono pop de la industria americana.

Con un presupuesto parecido al de la primera película, esta continuación obtuvo unos ingresos bastante menores (161 millones de dólares), pero aún así lo suficientemente elevados como para que se considerara un éxito comercial. Sin embargo, de cara a la crítica y el público, la idea no salió tan bien. La crítica condenó a la película por su abuso de los efectos especiales y la decisión de querer explicar los orígenes del personaje.

Por otro lado, el futuro de la saga acabó de condenarse con los cambios tecnológicos que empezaron a llegar a paritr de mediados de los 2000: el VHS desapareció del mercado y, a los pocos años, llegaría internet. Los estudios no terminaban de ver cómo la saga The Ring podía adaptarse a este nuevo mundo, aunque hubo propuestas como The Ring 3D, que haría que Samara saliera literalmente de la pantalla hacia las gafas del espectador. A pesar de eso, no hubo ningún guion que terminara de convencer a los productores.

El tropiezo digital

El regreso definitivo se planeó para el año 2017 con Rings, la entrega que confió en el talento español de F. Javier Gutiérrez, que había triunfado internacionalmente con la película 3 días (2008), para intentar actualizar el mito a la nueva era de las redes sociales. El cineasta intentó modernizar la maldición mediante vídeos virales de WhatsApp y correos electrónicos, pero ni siquiera logró pasar el corte de los primeros pases de prueba, donde las reacciones fueron muy negativas y llevaron a que el estudio decidiera intervenir en el guion, cambiando pasajes, eliminando personajes y haciendo nuevas grabaciones.

Fuera mejor o peor tras esos cambios, lo cierto es que la tercera entrega se consideró un fracaso estrepitoso. Las críticas la destrozaron por haber perdido su atmósfera asficiante y todo su encanto analógico, además de por sus efectos digitales de baja calidad. Con todo, la producción logró salvar los muebles con una recaudación de más de 80 millones de dólares a nivel mundial, nada mal teniendo en cuenta que su presupuesto había sido de unos 25 millones. Por aquel entonces, Rob Moore, vicepresidente de Paramount, afirmó que, si los números iban bien, podrían producirse más secuelas anuales, pero su salida del estudio dejaron los planes suspendidos.

En la actualidad, no existen planes oficiales ni proyectos activos para recuperar la saga cinematográfica de The Ring en la gran pantalla. Los derechos permanecen guardados, reflejando el miedo de las productoras a tropezar de nuevo. Así, el legado de la franquicia se mantiene vivo únicamente en el recuerdo de los espectadores que sufrieron con su visionado original. Con la reciente y triste pérdida de Daveigh Chase, la nostalgia por aquella experiencia ha ido incluso más allá. Su escalofriante mirada a través del televisor siempre será el verdadero y eterno corazón de The Ring.

Las cerca de 60.000 entradas para los cuatro conciertos de Quevedo en la Península se han agotado este jueves en apenas dos minutos. Así lo ha informado el propio cantante en sus redes sociales, poco después de que todos sus fans pudieran comprar su acceso a uno de los espectáculos de su gira El Baifo Tour, ya fuera en Madrid o Barcelona.

A lo largo de la mañana, más de 300.000 personas han intentado conseguir un lugar para la gira, algo que se esperaba en el entorno del cantante, ya que inmediatamente después se han anunciado hasta diez fechas nuevas en las dos ciudades, que han permitido a muchos más aficionados a la música del cantante de Quédate o Yo y TÚ tener la posibilidad de ver a su artista favorito en directo.

De este modo, si antes los conciertos programados eran el 9 y el 10 de abril en Madrid y el 1 y el 2 de Julio en Barcelona, el cantante cantará ahorael 11, el 14, el 15, el 17, el 18 y el 20 de mayo en el Movistar Arena. Por su parte, el Palau Sant Jordi acogerá El Baifo Tour el 31 de mayo, el 1 de junio y el 3, el 5, el 6 y el 7 de julio. Con estas nuevas fechas, Quevedo dará un total de catorce conciertos en la Península, ampiando considerablemente la oferta inicial y demostrando el alcance masivo que tiene su música.

El cantante español más escuchado

Tal y como ha informado la Agencia EFE, la organización de la gira del canario aclara que, por ahora, se trata solo del recorrido “peninsular”, dejando abierta la posibilidad de sumar futuras actuaciones en territorio insular. Esta expectativa se sostiene, sobre todo, porque el álbum que da nombre al tour está dedicado a Canarias. En la misma línea, Quevedo ya dejó caer, en el anuncio del tour, que los conciertos en el lugar en el que vive llegarían cuando menos se esperara.

En el contexto de la música urbana española, el impacto de El Baifo ha sido inmediato. Los 16 temas del disco debutaron en el top 20 nacional, mientras que La Graciosa y Al golpito se mantienen en el primer y segundo puesto de las canciones más escuchadas. Incluso tras siete semanas desde su estreno, el disco sigue ocupando el primer lugar en la lista de álbumes más escuchados de España, superando a figuras internacionales como Bad Bunny, que permanece en el segundo puesto tras incrementar un 55 % sus reproducciones en Spotify en el país.

Precisamente junto al puertorriqueño apareció Quevedo en el último show de la residencia del primero en Madrid. Una serie de conciertos que logró reunir a unas 800.000 personas en el estadio Metropolitano, y que ha marcado un antes y un después en la historia de los conciertos en la ciudad. De momento, el canario parece lejos de emular ese éxito, aunque sus números indiquen que su paso por la península será uno de los eventos musicales más destacados del año, al tratarse del artista español más escuchado en nuestro país y el segundo con más escuchas a nivel internacional.

Sin embargo, también estudió Comunicación Audiovisual y siempre había querido dirigir. En 2016 debutó con el cortometraje Tiger y en 2023 llegaría su primera serie como creadora, Esto no es Suecia, en la que hablaba de las diatribas de la maternidad en la actualidad.

Ahora, sorprende con su ópera prima en el largometraje, Viva, que se presentó en la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes donde ganó el premio a la primera mejor película dentro de esta sección.

“Quería explorar dos temas que para mí eran muy importantes, el miedo a la soledad y el miedo a la muerte. Y, a la vez, las dependencias que sentía que había con el apego ansioso y las relaciones románticas”, cuenta Aina Clotet a Infobae.

Una mujer que quiere liberarse tras superar un cáncer

En Viva, la protagonista, Nora (la propia Aina Clotet), es una mujer de 40 años que acaba de superar un cáncer y se ha sometido a una mastectomía. Tiene una relación de pareja estable, pero siente que algo no funciona. La aparición de Max (Marc Soler) un joven que se siente atraído por ella, la llevará a explorar una serie de espacios que no se hubiera atrevido en otro momento, pero que ahora constituyen para ella una especie de tabla de salvación para sentirse viva.

“Al principio el personaje de Nora no tenía cáncer, solo se enamoraba de un chico más joven y le costaba romper con su anterior relación. Sin embargo, por cuestiones de la vida, personas cercanas atravesaron esta situación, y como que el cáncer de mama empezó a estar muy presente. De golpe sentimos que queríamos integrarlo, pero sin centrarnos en él, sino contando las consecuencias, las huellas que deja en el cuerpo, tanto físicas como psicológicas. También queríamos poner en el centro a una mujer que ha pasado por una mastectomía y que consigue rehacer su vida, ‘reapropiarse’ de su propio cuerpo, hacer un viaje de pasión y de deseo”, continúa la directora.

En efecto, veremos al personaje de Nora aceptando su cuerpo y sintiéndose de nuevo plena, manteniendo relaciones sexuales con ese joven con el que tiene una química en la cama más allá de cualquier tipo de tabú.

“Necesitaba que la película tuviera una temperatura sexual importante, porque sentía que era la manera también de mostrar las dos caras de la moneda, el miedo y el deseo feroz de vivir. Porque es una historia de liberarse, de soltar el control”.

La importancia de mostrar cuerpos no normativos

Aina Clotet arriesga en ese sentido, no solo por mostrar las cicatrices del pecho, sino por poner en primer plano, por ejemplo, una mamografía al comienzo de la película y el proceso doloroso que conlleva.

“Quería que, que el cuerpo de Nora estuviera retratado de la manera más bella posible y hablar también de las nuevas generaciones, que creo que están abrazando los cuerpos no normativos. Empezar con esa escena, para mí era metafórico de lo que luego sucedería, porque es como una máquina que te chafa el pecho, y lo que quiere la protagonista es explotar, salir de ahí con toda la fuerza del mundo”.

En cuanto a la edad de los protagonistas, que el personaje de Nora tenga muchos años más que el de Max, algo que ya habíamos visto en películas como Babygirl, con Nicole Kidman y Harris Dickinson (en ese caso, las relaciones de poder lo inundaban todo), Aina Clotet se muestra muy clara: “Si los roles estuvieran girados, y fuera un hombre y una mujer quince años menor, no habría tema de conversación, porque es algo que está asimilado en el grado audiovisual, ver a hombre mayores con mujeres más jovenes. Entonces, siento que es súper importante empezar a poner también estos referentes al revés, porque suceden en la vida. En este caso, necesitaba a un chico con una energía muy pasional para que Nora encontrara su propia fortaleza”.

La directora piensa que las mujeres hemos heredado muchos más prejuicios y presiones, por eso también introduce en la película la anterior generación, la de los progenitores, que siguen juntos pero no saben ya ni por qué. “Siento que las mujeres hemos heredado mucho esta idea de que tenemos que encontrar un amor que nos dé lugar en el mundo. Y creo que Nora está intentando romper con esto y estar bien ella misma”.

La vocación frustrada de Aina Clotet

En la película, la protagonista es científica y se dedica a una investigación para prolongar la longevidad. Aina Clotet es hija de Bonaventura Clotet, uno de los máximas eminencias en la lucha contra el SIDA.

“Yo tengo una vocación frustrada que es la ciencia, me gusta muchísimo, quizás porque vengo de cuatro generaciones de científicos. Y, cuando estaba escribiendo el personaje era como: ¿a qué se puede dedicar? Pues pensé: que se dedique a la biología o a la medicina, a la investigación, que para mí es apasionante. Me parecía un buen espejo contar un estudio real sobre el envejecimiento y cómo poder alargar la vida de las células. La ciencia cada vez nos lleva a, a una vida más saludable y a vivir más años, pero ¿cuál es la vida que, que nosotros estamos dejando, no? Con un mundo ‘medioambientalmente’ peligroso, con un cambio climático que ya es una realidad y con una salud mental que también es precaria por una sociedad súperexigente, individualista, capitalista, que nos lleva a lugares de ansiedad muy grandes. ¿Cuál es ese mundo en el que podremos vivir más años que estamos dejando a las nuevas generaciones? Me parecía una buena idea de fondo y también sí, un homenaje a mi padre".

El Ayuntamiento de Ourense ha confirmado que Miguel Ríos no participará en las próximas fiestas locales debido a un accidente doméstico que le produjo traumatismo craneal. Este percance, ocurrido el miércoles, lo ha obligado a cancelar los conciertos previstos en Ourense y en Arucas, municipio de la isla de Gran Canaria.

El comunicado oficial del artista detalla que, “por recomendación médica, y aunque su evolución es favorable”, deberá permanecer en reposo durante varios días hasta que se reponga de este traumatismo “leve”. Una medida que le impedirá cumplir con las actuaciones que estaban programadas tanto en la ciudad gallega como en la localidad canaria.

Durante las próximas horas, el Ayuntamiento anunciará qué artista sustituirá a Miguel Ríos en el escenario este viernes en Ourense. La organización ha pedido comprensión y ha adelantado que “en los próximos días informaremos, a través de los canales oficiales, sobre la posibilidad de reprogramación de las fechas afectadas”.

Las palabras del cantante tras el incidente

El incidente ha sido comunicado también a través de la cuenta oficial de Instagram del cantante. Allí se especifica que Miguel Ríos se encuentra “bien dentro de lo que cabe y, sobre todo, le da mucha rabia tener que cancelar”. “Pronto volverá a la carga, pero por ahora tiene que guardar reposo por orden médica”.

La publicación añade que, por ahora, debe guardar reposo “por recomendación médica”. “Sentimos profundamente las molestias que esta situación pueda ocasionar y os agradecemos de corazón toda vuestra comprensión, cariño y el apoyo que todos sus seguidores siempre nos dais”.

La suspensión afecta a los conciertos previstos para el 19 y el 23 de junio. Desde el entorno del músico se ha añadido también que el propio Miguel Ríos “quiere trasladar personalmente su agradecimiento” y que “espera reencontrarse muy pronto” con todos sus fans. De este modo, el público de Ourense y Arucas deberá esperar para disfrutar de los conciertos del cantante.

Así es la gira de ‘El último vals’ de Miguel Ríos

Desde octubre de 2025, Miguel Ríos se encuentra enfrascado en su gira El último vals, recorriendo diferentes teatros y otros escenarios destacados de España para presentar ante el público su disco homónimo, compuesto por él mismo y por el productor musical José Nortes. “Un nuevo reto para un mito de la música española que acaba de llenar elAuditorio Nacional de México demostrando una vez más que tras 65 añossobre los escenarios se mantiene incombustible, genuino y rockero como siempre lo ha sido”, describen desde la página web.

En un principio, parecía que la gira iba a terminar en mayo, pero el cantante cuenta con varias fechas progamadas hasta finales de año. Tras las cancelaciones, su próxima actuación en directo tendrá lugar en Calahorra, el próximo 27 de junio. A este concierto le seguirán varias fechas más, en los municipios de Cabra, Matalascañas, Marbella, Coria, Barcelona, el Cap Roig Festival, Cartagena, Alcalá de Henares, Castellón, Donostia, Oviedo, Pamplona, Jaén y Madrid.

De este modo, parece que será el próximo 8 de diciembre cuando, en el Movistar Arena de Madrid, el cantante despida así su nueva gira, en la que cumple 65 años sobre los escenarios. Casi toda una vida en la que Miguel Ríos se ha convertido en una de las grandes leyendas del rock españo.

• Noticia en ampliación

La película Dreams of Violets, dirigida por Ash Koosha y presentada en el Festival de Tribeca, se ha convertido en el primer largometraje generado por completo con IA seleccionado por un gran certamen.

El debate que ha supuesto ha sido inmediato: ¿hasta dónde puede llegar una producción de coste mínimo levantada con herramientas generativas? Y es que el presupuesto de Dreams of Violets alcanza solo los 2.000 dólares, un dato que resulta de lo más controvertido a nivel industrial en un momento en el que los presupuestos se están recortando.

Al parecer la cinta no prueba que la IA pueda hacer cine por sí sola, pero sí que ya puede crear escenas complejas y visualmente verosímiles con un coste extraordinariamente bajo.

Qué dice la crítica de ‘Dreams of Violets’

El crítico Owen Gleiberman, en su crítica para Variety, decía que, en realidad, se trataba de dos película a la vez. Una es la propia película, un drama ambientado en Teherán que Koosha ha escrito y dirigido sobre protestas, represión y asesinatos avalados por el Estado. La otra, más relevante, es la demostración práctica de lo que la IA puede aportar ya al largometraje.

Koosha, iraní expatriado y empresario tecnológico afincado en Londres, sitúa la historia en los días posteriores a unas protestas ocurridas cinco meses antes, en enero, cuando ciudadanos iraníes salieron a la calle para expresar su rechazo al régimen teocrático. La película no se centra en una revuelta ascendente, sino en el momento posterior a su contención, con operaciones policiales de limpieza y episodios de violencia estatal.

La crítica de Variety considera que el principal problema de la película no reside exactamente en que haya sido creada con IA, sino en su forma. Gleiberman la describe como una sucesión apenas ‘guionizada’ de anécdotas y momentos, con escaso desarrollo dramático y poco contexto para las escenas que muestra.

Koosha ha construido el filme a partir de informaciones periodísticas, fotografías y testimonios de testigos. Su intención era aproximarse a la sensación de estar viendo fragmentos de un documental. El resultado deja a los personajes en una zona de autenticidad aparente pero de conexión emocional limitada.

La película presenta a media docena de personajes, entre ellos un chico en silla de ruedas, su hermano mayor médico, una anciana que recuerda el pasado y una estudiante de música. Gleiberman sostiene que ninguno de ellos llega a desarrollarse en escenas plenamente construidas, lo que reduce la fuerza de unas imágenes centradas en asesinatos de civiles y opresión política.

El filme aparece descrito como un drama existencial compuesto por momentos abstractos que parecen auténticos, pero no alcanzan la intensidad de un documental real ni la implicación emocional de una ficción elaborada.

Las polémicas en Hollywood en torno a la IA

Dreams of Violets aparece en un momento de cambio acelerado en Hollywood respecto al uso de la IA. Steven Soderbergh reconoció el pasado mes de abril haber utilizado IA para crear secuencias de fantasía en su documental John Lennon: The Last Interview, y que a comienzos de junio Martin Scorsese se asoció con la empresa alemana de IA generativa Black Forest Labs para acelerar el proceso de ‘storyboard’.

Además, Darren Aronofsky también ha empleado ya estas herramientas para una serie de vídeos web sobre la guerra de Independencia de Estados Unidos. Todos esos casos son pasos iniciales, pero el interés de la película de Koosha está en mostrar hacia qué usos más amplios podría evolucionar esa relación entre la industria audiovisual y la IA.

En el pase de Tribeca, Koosha justificó haber hecho la película enteramente con IA alegando que de otra forma no habría podido existir y que las figuras que aparecen en pantalla están basadas en personas reales.

La crítica llega a plantear una lectura más dura: que la película funciona mejor como demostración tecnológica que como largometraje. Pese a ello, Variety subraya que, fotograma a fotograma, el acabado visual le pareció texturizado y realista, hasta el punto de hacer creíbles escenas de agitación urbana al atardecer en Teherán, con soldados en las calles, ciudadanos introducidos en furgonetas y transeúntes apartándose.

Ese es, para Gleiberman, el verdadero dato oculto de la película: no que su retrato del régimen iraní aporte una revelación política nueva, sino que 2.000 dólares ya pueden generar una cantidad muy considerable de imagen en movimiento.

Netflix ha cancelado la serie de ciencia ficción The Boroughs: Jubilación rebelde, producida por los hermanos Duffer, tras una única temporada. El proyecto, que debutó en mayo de 2026 poco después del cierre de Stranger Things, reunió a un elenco encabezado por Alfred Molina y Alfre Woodard para explorar la historia de un grupo de residentes en una comunidad de jubilados que deben unirse para enfrentar una amenaza sobrenatural.

La serie, creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews y producida por los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, fue presentada como una especie de Stranger Things con protagonistas mayores. Junto a Molina y Woodard, el reparto incluyó a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis. La premisa giraba en torno a la idea de que el único recurso que estos personajes no podían permitirse perder era el tiempo. The Boroughs: Jubilación rebelde fue uno de los lanzamientos más esperados de la plataforma, producto directo de la popularidad de Stranger Things y del interés por nuevas historias de ciencia ficción con un enfoque diferente. La serie ofreció, desde su primer episodio, una combinación de nostalgia, humor y suspenso, con una estética y un tono que evocaban el legado de los Hermanos Duffer, pero trasladado a una comunidad de adultos mayores.

Los creadores, Addiss y Matthews, diseñaron la serie pensando en un arco argumental de tres temporadas. Incluso antes de la decisión de Netflix, ya se había abierto una sala de guionistas para una potencial segunda entrega. Este procedimiento es habitual en proyectos de alto perfil que buscan posicionarse rápidamente para una renovación, según se informó desde la producción. El propio Molina expresó su entusiasmo por la continuidad del proyecto en una entrevista de mayo: “Me encantaría seguir con esto. Me gustaría que fuera algo duradero. ¿Quién sabe? La televisión puede ser inestable, pero también brinda grandes oportunidades. Tenemos un reparto maravilloso, una gran premisa y los decorados ya están listos. Me encantaría hacer más”.

Audiencia y factores detrás de la cancelación

Durante sus primeras dos semanas y media en la plataforma, The Boroughs: Jubilación rebelde fue vista por casi 19 millones de cuentas, según datos internos de Netflix. El volumen de visualizaciones ubicó a la serie entre los estrenos más fuertes de la temporada para la compañía. Sin embargo, el elevado costo de producción, en especial por los efectos especiales necesarios para recrear la amenaza paranormal, fue un elemento decisivo en la evaluación de la continuidad. Según fuentes de la industria, los presupuestos de series de ciencia ficción de gran escala suelen ser determinantes a la hora de decidir su renovación o cancelación, aun cuando las cifras de audiencia sean significativas.

La noticia de la cancelación sorprendió tanto al equipo creativo como al elenco, que había manifestado públicamente su interés en continuar con la historia. La apertura anticipada de la sala de guionistas para una segunda temporada es un indicio de que la producción tenía expectativas de continuidad y confianza en el desarrollo de la trama. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde contrasta con otras decisiones recientes de Netflix en materia de renovaciones. La plataforma confirmó en las últimas semanas la continuidad de Tales From ’85, el spin-off animado de Stranger Things, que tendrá una segunda temporada. También recibieron luz verde para nuevas entregas series como Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne, todas ellas parte de la estrategia de diversificación de contenido original de la compañía.

Estas decisiones reflejan la política de Netflix de priorizar proyectos con potencial de largo recorrido y presupuestos más ajustados, sin importar necesariamente el volumen inicial de audiencia. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde ilustra cómo incluso los títulos con un seguimiento considerable pueden ser cancelados si los costos superan las expectativas de rentabilidad a futuro. Netflix no ha emitido un comunicado oficial detallando los motivos de la cancelación, pero la información disponible apunta a la combinación de presupuesto elevado y estrategia de programación como las razones principales. De esta forma, la historia de los residentes de la comunidad de jubilados queda, por ahora, sin resolución en pantalla.

El actor Robert Downey Jr. ha afirmado que Vengadores: Doomsday representa un punto de inflexión para el universo cinematográfico de Marvel, al asegurar que la película ha encontrado la clave para no convertirse en una decepción tras el fenómeno generado por Infinity War y Endgame. “Se trata de cómo se ha estructurado”, explicó el actor, quien regresa a la franquicia en un papel radicalmente distinto, ahora como el villano Doctor Doom.

Durante una conversación con CBR junto al codirector Joe Russo, el ganador del Oscar declaró que el filme “aterrizó en un lugar que creo que más que satisfará a los fans”. Downey Jr. subrayó que la respuesta a la pregunta sobre cómo evitar que las nuevas entregas sean una frustración tras los éxitos anteriores está en el modo en que se ha construido la historia y en la interacción de los personajes. Según sus palabras, “hay algo en Doomsday y lo que viene después que es literalmente el único antídoto para: ¿Cómo lograr que estas películas no sean una decepción después de Infinity War y Endgame? Y vaya si hemos trabajado mucho para lograrlo”.

Downey Jr. enfatizó que, más allá de su propia interpretación, el verdadero mérito se encuentra en la estructura narrativa y en el desarrollo coral del guion. “No se trata siquiera de cómo lo he ejecutado yo”, señaló. “Se trata de la forma en que se ha estructurado, y de los otros personajes”. Estas declaraciones refuerzan la expectativa de que la cinta, lejos de apoyarse únicamente en el regreso de figuras emblemáticas, buscará un equilibrio argumental para sostener la atención del público.

La expectativa generada por Vengadores: Doomsday es considerable. Downey Jr. ha insistido en que el largometraje ofrece una solución genuina al desafío de crear una película que no resulte insatisfactoria después de los eventos culminantes de la saga. El actor explicó que se ha dedicado un esfuerzo notable a este objetivo, convencido de que la película ha alcanzado un nivel que “más que bastará” para los seguidores del universo Marvel. Según Downey Jr., la clave radica en la estructura interna de la historia y en el modo en que los distintos personajes interactúan a lo largo de la trama. Esta estrategia busca diferenciar a Doomsday de otras producciones recientes, señalando que existe “algo” en la película y en su continuación, Avengers: Secret Wars, que constituye una respuesta inédita al riesgo de decepcionar a la audiencia.

“La más compleja emocionalmente”

Joe Russo, codirector de la cinta, aportó su perspectiva al afirmar que la nueva entrega está repleta de sorpresas y que “es la más emocionalmente compleja de todas, y en muchos sentidos, la más madura”. Esto sugiere que la película no solo apuesta por el espectáculo visual, sino por una profundidad temática y emocional inusitada en la franquicia. Downey Jr. también expresó un sentimiento de gratitud por formar parte de este nuevo capítulo, describiendo la oportunidad como un privilegio tras su larga trayectoria como Iron Man. El actor destacó la importancia de afrontar la crítica constructiva y de aceptar los retos que implica responder a las altas expectativas del público: “La gratitud de poder hacerlo. De seguir interactuando con personas que son críticas cuando no alcanzamos el objetivo, pero que entienden lo difícil que es cuando lo logramos”.

El regreso de Downey Jr. adquiere una dimensión particular, ya que su personaje original, Iron Man, salió de escena tras los acontecimientos de Endgame en 2019. Ahora, su incorporación como Doctor Doom marca un cambio de rol significativo que añade una nueva capa de interés al filme. Este movimiento ocurre en un contexto donde Marvel ha alternado entre éxitos como Spider-Man: No Way Home y Deadpool vs. Wolverine, y fracasos en taquilla como The Marvels y Ant-Man y la Avispa: Quantumania. La decisión de confiar el papel central a una figura tan identificada con la saga, pero en un registro opuesto, refuerza la apuesta de Marvel Studios y Disney por revitalizar la franquicia a través de riesgos creativos.

Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre, con la producción de Disney y Marvel Studios. El anuncio se realizó durante la presentación de Walt Disney Studios en CinemaCon 2026, celebrada en el Dolby Colosseum de Las Vegas, Nevada. La atención internacional está puesta en cómo esta nueva estructura narrativa y el giro en el reparto lograrán afrontar el reto de mantener la relevancia del universo Marvel, en medio de una industria cada vez más exigente y volátil.

En una inesperada jugada de casting, Wagner Moura está en negociaciones finales para interpretar al villano principal en la precuela de la saga Ocean’s Eleven, un proyecto que reunirá en pantalla a Margot Robbie y Bradley Cooper. El filme, desarrollado por Warner Bros. y con estreno previsto para el 25 de junio de 2027, contará con Cooper como director, guionista y productor, y con Robbie como coprotagonista y socia en la producción a través de LuckyChap. El fichaje de Moura como antagonista supone una de las sorpresas más comentadas en torno a esta nueva entrega. Según la información disponible, el personaje que encarnará será central en la trama, enfrentando a los padres de Danny Ocean —figura clave de la franquicia— en un golpe maestro ambientado en el Gran Premio de Mónaco de 1962.

La elección de Wagner Moura para dar vida al villano marca un cambio notable en la dinámica del reparto y amplía el alcance internacional de la saga. Moura, quien recientemente hizo historia al convertirse en el primer brasileño nominado al Oscar a mejor actor y en ganar el Globo de Oro por su papel en El agente secreto, lleva una carrera en ascenso en el cine internacional. El rol de villano en la precuela colocará a Moura en el centro de la acción, en una película que explorará los orígenes criminales de la familia Ocean.

La producción ha mantenido en secreto los detalles específicos sobre el personaje y la naturaleza del conflicto, aunque se espera que la interpretación de Moura aporte una nueva dimensión al universo de Ocean’s Eleven. La precuela, que será dirigida y escrita por Bradley Cooper, contará además con Margot Robbie en un papel principal y como productora, junto a Tom Ackerley, Josey McNamara y Milan Popelka. El guion definitivo, desarrollado por Cooper, se mantiene “bajo llave”, pero se sabe que versiones anteriores estuvieron a cargo de Carrie Solomon.

Así será la historia

Durante la última CinemaCon, Robbie confirmó que la historia se desarrollará durante el Gran Premio de Mónaco de 1962, donde los padres de Danny Ocean protagonizarán un atraco de alto riesgo. “Antes de que Danny Ocean pusiera un pie en Las Vegas, dos mentes maestras le enseñaron todo lo que sabía: sus padres”, explicó Robbie al presentar el proyecto. La ambientación en la Europa de los años sesenta y la promesa de un golpe cinematográfico en el corazón del glamur monegasco se perfilan como los grandes atractivos de la nueva entrega. Los detalles adicionales sobre el villano y su relación con los protagonistas están reservados para el estreno.

La saga Ocean’s inició en 1960 con el filme protagonizado por Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin, y fue revitalizada en 2001 por Steven Soderbergh con Ocean’s Eleven, encabezada por George Clooney, Brad Pitt y Julia Roberts. La franquicia sumó dos secuelas directas, Ocean’s Twelve (2004) y Ocean’s Thirteen (2007), y el spin-off Ocean’s Eight (2018), protagonizado por Sandra Bullock y Cate Blanchett. Todas juntas han recaudado más de 1.400 millones de dólares en taquilla internacional. La llegada de Moura, quien también ha sido premiado en el Festival de Cannes y por la New York Critics Circle por El agente secreto, añade prestigio y nuevas expectativas a la franquicia. Entre sus próximos proyectos figuran The Last House junto a Greta Lee, The Last Day con Alicia Vikander, Last Night at the Lobster (donde también dirigirá), el thriller Flesh of the Gods con Kristen Stewart y Art junto a Ralph Fiennes y Colin Farrell.

La noche del 28 de octubre de 1910, uno de los escritores más famosos del mundo hizo las maletas y abandonó su casa. Tenía 82 años, era admirado en toda Europa y había escrito algunas de las novelas más importantes de la historia. Sin embargo, León Tolstói (1828-1910) decidió marcharse de Yasnaia Poliana, la finca familiar la que creció porque sentía que su vida se había vuelto demasiado cómoda y contradictoria con las ideas que defendía. Durante el viaje enfermó de neumonía y murió pocos días después en una pequeña estación de tren llamada Astápovo.

Tolstói estaba convencido de que los grandes cambios sociales solo podían comenzar con una transformación individual. Una idea que expresó de forma memorable en una frase que sigue citándose más de un siglo después: “Todo el mundo piensa en cambiar a la humanidad, y nadie piensa en cambiarse a sí mismo”.

La reflexión aparece en Three Methods of Reform (Tres métodos de reforma), un texto publicado en 1900 dentro de la obra Some Social Remedies. En él, el escritor ruso analizaba las desigualdades sociales y proponía tres caminos para mejorar la vida de los trabajadores. El primero consistía en renunciar a los lujos innecesarios que obligan a otras personas a trabajar más. El segundo, realizar uno mismo las tareas difíciles o desagradables en lugar de delegarlas siempre en otros. El tercero, desarrollar inventos y tecnologías que alivien el esfuerzo humano.

El origen de la cita

Sin embargo, Tolstói advertía de que la mayoría de la sociedad solo confiaba en esta última vía. “Pero en la actualidad los hombres se dedican únicamente a aplicar el tercer medio, e incluso eso de forma incorrecta, pues se mantienen al margen del segundo, y no solo no están dispuestos a emplear el primero y el segundo, sino que ni siquiera desean oír hablar de ellos”, escribió.

En el mismo texto añadió que “solo puede haber una revolución permanente: una revolución moral; la regeneración del hombre interior”.

El autor consideraba que muchas personas denunciaban la injusticia mientras mantenían estilos de vida que contribuían a ella. Por eso insistía en la necesidad de examinar las propias acciones antes de exigir cambios a los demás. “¿Cómo se producirá esta revolución? Nadie sabe cómo se desarrollará en la humanidad, pero cada persona la siente claramente en su interior. Y, sin embargo, en nuestro mundo todos piensan en cambiar a la humanidad, y nadie piensa en cambiarse a sí mismo“.

La vida de Tolstói estuvo marcada por esa búsqueda constante de coherencia. Nació en 1828 en Yasnaia Poliana, en el seno de una familia aristocrática rusa. Tras estudiar en la Universidad de Kazán, abandonó los estudios y acabó alistándose en el ejército. Participó en campañas militares en el Cáucaso y en la guerra de Crimea, experiencias que inspiraron obras como Infancia y los Cuentos de Sebastopol, donde ya mostraba una visión crítica de la guerra.

Vida y obra de un genio

Con el paso de los años alcanzó fama universal gracias a Guerra y paz y Ana Karénina, consideradas dos de las cumbres de la literatura mundial. Casado con Sofía Behrs y padre de trece hijos, de los cuales sobrevivirían ocho, también fundó una escuela para hijos de los campesinos, promovió proyectos educativos y defendió una vida sencilla, cercana a los más desfavorecidos.

A finales del siglo XIX experimentó una profunda crisis espiritual que dio lugar a obras como Confesión. Sus ideas sobre la no violencia y la resistencia moral influyeron en figuras como Mahatma Gandhi. En 1901 fue declarado apóstata por el Santo Sínodo de la Iglesia ortodoxa rusa debido a sus posiciones religiosas.

Tolstói murió el 20 de noviembre de 1910. Siguiendo su última voluntad, fue enterrado en una tumba en la finca donde nació y vivió, Yasnaia Poliana, sin cruz ni monumento.

Barcelona despliega este mes de junio una agenda expositiva vibrante y diversa, donde el arte se convierte en un espacio de reflexión sobre temas universales y contemporáneos. Desde la revisión crítica de los ideales estéticos en El culto a la belleza, hasta la aproximación íntima a la vida cotidiana de la posguerra en la obra fotográfica de Joaquín Tusquets de Cabirol, las principales instituciones culturales de la ciudad ofrecen propuestas que invitan tanto al asombro como al análisis.

La temporada se caracteriza por exposiciones que descomponen y cuestionan los grandes relatos visuales: Desenfocado. Otra visión del arte explora el desenfoque como recurso expresivo y su impacto en la pintura y la instalación contemporánea, mientras El asalto de la ilusión sumerge al visitante en un recorrido sensorial sobre el arte como generador de ficciones, trampas visuales y mecanismos de poder. Cada muestra propone una experiencia distinta, ya sea a través del diálogo entre obras históricas y contemporáneas, la reivindicación de cuerpos y bellezas excluidos, la reflexión sobre la percepción y la realidad, o la recuperación de archivos fotográficos de valor documental. Junio en Barcelona se presenta así como una ocasión única para descubrir exposiciones que dialogan con el presente y abren nuevas perspectivas sobre la creación artística.

El Culto a la belleza

El culto a la belleza ha fascinado a la humanidad durante siglos, y esta exposición propone una revisión crítica de los ideales estéticos que han marcado nuestro pasado y presente. A través de un recorrido por obras, documentos y objetos de diferentes épocas, el visitante se enfrenta a la pregunta central: ¿qué es la belleza y por qué nos obsesiona? La muestra destaca cómo la filosofía, el arte, la ciencia y el mercado han intentado definir, capturar o perfeccionar este concepto, mientras las normas sociales y económicas presionan para mantenernos siempre jóvenes y perfectos.

El público recorre la evolución de los cánones de belleza y analiza el papel del arte, la religión, la medicina, la política y la industria cosmética en la construcción de modelos normativos. Se visibilizan los cuerpos y atributos que han sido históricamente excluidos, invitando a ampliar la mirada sobre lo que consideramos bello y a desafiar los estándares impuestos. La exposición, adaptada por Blanca Arias y Júlia Lull a partir de un proyecto de Janice Li en la Wellcome Collection, reúne obras y objetos históricos junto a instalaciones contemporáneas. Participan artistas como William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar y Regina José Galindo, abordando cuestiones de género, raza, edad y estatus. Así, la muestra reivindica la pluralidad y diversidad de las bellezas, abriendo un espacio de reflexión sobre el control y la representación de los cuerpos en la sociedad actual.

El asalto de la ilusión

El Centro de Arte Santa Mónica presenta esta exposición que examina el arte como una herramienta para crear ilusiones y engaños, analizando cómo estas estrategias han influido en nuestro deseo y en nuestra idea de realidad a lo largo del tiempo. El recorrido invita a los visitantes a reflexionar sobre la manera en que las artes han desarrollado técnicas para manipular percepciones y cómo, en la actualidad, el auge de la posverdad y la inteligencia artificial reabre el debate sobre el papel del arte en la revelación de esos mecanismos.

La muestra se desarrolla a través de un montaje escenográfico dinámico, con espejos, velos y paredes móviles, que sumerge al público en un tránsito constante entre distintos modos de representación. Pintura, fotografía, vídeo e instalación se suceden y se solapan, generando efectos de realidad que desafían las expectativas del espectador y ponen en evidencia la sofisticación de las técnicas artísticas para crear ficción. Organizada en cuatro partes —ilusión, revelación, cuestionamiento y recapitulación—, la exposición guía al visitante a través de un viaje conceptual y sensorial sobre el poder del arte para construir y deconstruir ilusiones. Así, plantea una reflexión crítica sobre la función del engaño y el desvelamiento en la historia y el presente de la creación artística.

Desenfocat (CaixaForum)

CaixaForum presenta presenta Desenfocado. Otra visión del arte, una exposición disponible desde el 21 de mayo hasta el 27 de septiembre de 2026, que invita a reconsiderar el impacto del desenfoque y la indefinición visual en la creación artística. La muestra parte de la emblemática serie de los nenúfares de Claude Monet, donde el artista instauró el uso de lo borroso y lo impreciso como recursos expresivos centrales, abriendo paso a una nueva sensibilidad en la pintura.

La exposición reúne pinturas, fotografías, vídeos e instalaciones de creadores históricos y actuales, articulando un recorrido temático que pone en diálogo diferentes épocas y disciplinas. El visitante encontrará obras de referentes como William Turner, Gerhard Richter y Mark Rothko, junto a propuestas de artistas contemporáneos como Eva Nielsens, Soledad Sevilla y Bill Viola. El recorrido explora cómo el desenfoque, lejos de ser un mero efecto óptico, se transformó en un lenguaje que permitió a los artistas reinterpretar su entorno y cuestionar la percepción de la realidad. Esta clave estética, surgida en tiempos del Impresionismo, sigue vigente como herramienta de experimentación y reflexión en el arte actual.

Seny i rauxa (Disseny Hub Barcelona)

Un total de cuatrocientas obras dan forma a la exposición Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que ofrece una visión coral y renovada del legado arquitectónico en Cataluña. La muestra se aleja de la cronología habitual y apuesta por una estructura temática, donde las piezas —desde bocetos y planos hasta maquetas y fotografías— se presentan en diálogos inesperados. Esto permite observar cómo el patrimonio arquitectónico catalán es un organismo vivo, en transformación constante, y profundamente vinculado al territorio, pero también abierto a influencias globales.

La exposición integra además obras artísticas y de diseño como pinturas, esculturas y mobiliario, subrayando el diálogo entre arquitectura y otras disciplinas creativas. Esta combinación no es decorativa, sino que muestra cómo los lenguajes visuales se entrecruzan y contribuyen a imaginar nuevas formas de vida y convivencia. La propuesta invita tanto a profesionales como a quienes se acercan por primera vez, a reflexionar sobre la arquitectura como parte central de la identidad colectiva. El recorrido arranca en la fundación de la Escuela de Arquitectura en 1875 y llega hasta la actualidad, mostrando un hilo ininterrumpido de rigor y audacia —seny y rauxa— en la creación de espacios que definen cómo vivimos e imaginamos el futuro.

Joaquín Tusquets de Cabirol (Fundación Mapfre)

La programación dedicada a los archivos fotográficos catalanes incorpora una nueva cita con La forma elocuente, exposición que presenta la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol (Barcelona, 1904-1979). Este fotógrafo amateur, activo en las décadas de 1940 y 1950, compaginó su trabajo como químico y empresario con una práctica fotográfica apasionada y constante, desarrollada al margen de los circuitos profesionales. Tusquets de Cabirol se distinguió por su meticulosa atención tanto en la captura de las imágenes como en los procesos de revelado y positivado, que realizaba él mismo. Miembro de la Agrupación Fotográfica de Cataluña desde 1946, participó en un entorno asociativo que favorecía la colaboración, las excursiones colectivas y los concursos, influyendo en la variedad temática y formal de su obra.

Su trabajo, siempre enfocado en escenas cotidianas de la ciudad, el litoral y el ámbito rural, constituye un valioso testimonio visual de la vida en la posguerra. Desarrolló una mirada independiente, ajena a exigencias económicas, que combinaba la exploración formal con la observación sensible de los cambios de gusto fotográfico de su época. Organizada por Fundación Mapfre junto a Photographic Social Vision, la muestra permite redescubrir el legado de Tusquets de Cabirol y su contribución a la memoria visual catalana mediante una selección de imágenes que reflejan la riqueza y complejidad del imaginario colectivo de aquel periodo.

La representación de mujeres y personas ‘racializadas’, en streaming y Hollywood ha caído en picado en 2025, según la última edición del informe Hollywood Diversity Report de UCLA: el retroceso afecta a dirección, guion, protagonistas y reparto en un momento en que la producción de películas originales para plataformas también se ha reducido.

Los protagonistas de color han pasado del 51% registrado en 2024 al 36% en 2025, la primera vez en tres años que su peso cae por debajo de la representación proporcional respecto a la población de Estados Unidos. El informe también sitúa en 23,6% la cuota de películas de streaming dirigidas por una mujer, el nivel más bajo desde que el estudio empezó a seguir este segmento en 2022.

Según The Hollywood Reporter, los autores del estudio vinculan ese retroceso a la reacción contra las políticas de diversidad, equidad e inclusión, a la contracción de la industria y al ajuste general de presupuestos. Su tesis es que, cuando llegan los recortes, la diversidad pasa a tratarse como un elemento prescindible u opcional.

Fase de cambio debido al clima político actual

Ana-Christina Ramón, directora de la Entertainment and Media Research Initiative de UCLA y cofundadora del informe, ha manifestado que tras las cifras elevadas de diversidad que mostraban los originales de streaming hace solo un par de años, que ahora se aprecia cómo se estrecha la vía para que mujeres y personas de color estrenen una película en una gran plataforma.

El deterioro no se limita a los papeles principales. Solo el 25,8% de las películas de streaming contó con repartos en los que la mayoría eran personas de color, frente al 41 % del año anterior, de acuerdo con los datos del informe.

Darnell Hunt, vicepresidente ejecutivo adjunto y vicecanciller de UCLA, ha dicho que la industria está en una fase de cambio “y en retroceso”, sobre todo en materia de diversificación. Hunt ha añadido que, igual que ya se había visto en el cine estrenado en salas, el clima político actual está teniendo efectos “muy significativos y concretos”.

En esa misma valoración, Hunt sostiene que cuando los presupuestos se ajustan, las primeras oportunidades que desaparecen son las de cineastas procedentes de entornos ‘infrarrepresentados’. También ha advertido que estas tendencias deberían hacer saltar las alarmas y empujar al sector a actuar.

La lectura de UCLA apunta así a una doble presión sobre el sistema: menos películas originales en plataformas y menos espacio para perfiles que en años recientes habían encontrado en el streaming una vía de acceso más abierta que la del circuito tradicional.

‘Las guerras K-Pop’, una excepción

El informe identifica como caso destacado y excepcional de 2025 a Las guerreras K-Pop, la producción de Netflix que sobresale por varios motivos dentro de un ejercicio descrito como malo para la representación. Según The Hollywood Reporter, el estudio la presenta como una prueba de que la representación diversa no aleja al público.

Nico Garcia, doctorando de la School of Theater, Film and Television de UCLA y coautor del informe, ha dicho que la película es “un ejemplo claro” de cómo circula la cultura y de cómo una representación diversa no aliena a la audiencia, sino que puede atraerla.

Uno de los datos que el informe considera más llamativos es que un porcentaje mayor de hogares de familias latinas vio la película original de Netflix que de hogares con mujeres asiáticas. El estudio añade que, aunque la cinta se hizo para una audiencia de Estados Unidos, se apoya de forma intensa en la cultura coreana y no solo en su música pop.

Michael Tran, sociólogo y coautor del estudio, ha dicho a The Hollywood Reporter que no hace tanto tiempo el streaming era el espacio en el que mujeres y personas de color lograban afianzarse. El propio informe de UCLA, según recoge The Hollywood Reporter, sostiene ahora que ese terreno se está cerrando... y que las cosas pueden ir a peor en los próximos años.

Javier Bardem hizo historia este martes al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama de Los Ángeles. El actor, ganador de un Oscar y candidato en otras cuatro ocasiones, ya forma parte de la historia de Hollywood.

Entre los muchos títulos que han marcado su carrera destaca precisamente No es país para viejos (No Country for Old Men, 2007) una de las películas mejores valoradas de su carrera y la que le dio su única estatuilla de la Academia hasta la fecha.

Sin embargo, el camino hasta ese éxito estuvo lejos de ser sencillo. Cuando los hermanos Coen le ofrecieron interpretar a Anton Chigurh, el despiadado asesino a sueldo que se convertiría en uno de los villanos más memorables del cine contemporáneo, Bardem no estaba convencido de ser la persona adecuada para el papel.

Bardem estaba “deprimido” durante el rodaje

“No conduzco, hablo mal inglés y odio la violencia”, les dijo a Joel y Ethan Coen cuando le propusieron participar en la adaptación de la novela de Cormac McCarthy, según relató el actor en una entrevista para Entertainment Weekly en 2007. “Por eso te llamamos a ti”, respondieron ellos.

Estrenada en 2007, la película se convirtió en un fenómeno de crítica y público. La interpretación de Bardem fue aclamada por especialistas y espectadores, hasta el punto de que muchos consideran a Anton Chigurh una de las representaciones más realistas y perturbadoras de un psicópata vistas en la gran pantalla. El trabajo del actor español fue recompensado con el Oscar al Mejor Actor de Reparto en 2008, convirtiéndose entonces en el primer intérprete español en ganar una estatuilla en una categoría de actuación.

Sin embargo, el rodaje fue una etapa dura para el actor. Como confirmó para Deadline a finales de 2024, Bardem estaba “muy deprimido” tanto por su corte de pelo como porque “no le gustaba la violencia”. “A mí no me gusta mucho la violencia, y tampoco suelo ver películas especialmente violentas. No me gusta. Curiosamente, hice algunas cuando era más joven”, apuntó, haciendo referencia a esta cinta. “Me llevaron al centro de Estados Unidos para interpretar este papel tan oscuro con un elenco y un equipo estadounidenses por primera vez en mi vida. Así que me sentí un poco solo y completamente desconectado. Supongo que algo de eso también se transmitió al personaje, porque era alguien emocionalmente distante de los demás”, dijo.

Afortunadamente, encontró un apoyo en su compañero de reparto, Josh Brolin. “Era tan amable, servicial y cariñoso; realmente me rescató y me mostró la luz. Lo pasamos de maravilla. Lo considero una gran persona y un buen amigo”, añadió.

Durante su discurso de agradecimiento tras dejar sus huellas en Hollywood, Bardem también quiso reivindicar el papel de Los Ángeles como ciudad de acogida para quienes persiguen una oportunidad en la industria cinematográfica. El actor aseguró que la ciudad ha sido “generosa” con él de formas que nunca imaginó y defendió que, pese a las dificultades actuales, sigue representando un lugar de oportunidades. “No importa cuántos Trump estén en el poder o cuántos agentes de ICE haya en las calles, la gente sigue viniendo aquí creyendo en las posibilidades que representa esta ciudad”, afirmó. Para Bardem, el cine continúa siendo uno de esos espacios capaces de reunir a personas de todo el mundo alrededor de las historias y de la oportunidad de compartirlas con el público.

Puede que el nombre de John Lasseter no te suene demasiado, pero deberías saber que este hombre es una de las personas más importantes del cine moderno. Al fin y al cabo, se le considera el gran pionero de la animación por computadora y uno de los primeros que creyó en el potencial del CGI. Al principio, sus ideales le costarían su puesto en Disney, pero lejos de quedarse ahí, decidió fundar un estudio propio, Pixar, desde el que dirigiría obras maestras como Toy Story, Bichos o Cars.

Han pasado décadas desde entonces, y lo cierto es que la vida de Lasseter no es la que habría cabido esperar tras esos éxitos. En 2017, varias acusaciones por conducta profesional inapropiada y acoso sexual le señalarían directamente. Él pediría disculpas públicamente y se retiraría temporalmente del estudio, pero eso no impediría que, tras una excedencia de seis meses, este ‘pactara’ con Disney (que compró Pixar en 2006) su salida definitiva en 2018.

En enero de 2019, no obstante, la carrera del director y animador daría un nuevo vuelco después de que decidieran ficharlo en Skydance Media como director de la división de animación, tras una investigación previa donde corroboraron tanto que él estaba arrepentido por lo ocurrido como que era posible crear un entorno laboral seguro. Desde esta institución, Lasseter ha liderado la producción de nuevas películas como Luck o Hechizados, aunque ninguna con tanto éxito como Intercambiados, que con apenas un mes en Netflix va camino de convertirse en un éxito histórico para la plataforma.

Así es el nuevo fenómeno de Netflix

Tras un estreno discreto, Intercambiados, dirigida por Nathan Greno (Enredados), va camino de superar las 120 millones de visualizaciones en apenas un mes y medio. A pesar de llevar casi dos meses en Netflix, la película no desaparece del top de lo más visto, algo que lleva a pensar que muy probablemente estemos ante una de las películas animadas más vistas de la historia de la compañía de streaming.

Con voces como la de Michael B. Jordan o Juno Temple al frente del proyecto, Intercambiados cuenta la historia de una pequeña criatura del bosque que, misteriosamente, intercambia su cuerpo con un majestuoso pájaro del valle. Estos dos animales son enemigos naturales, pero dada la situación, se ven obligados a colaborar para sobrevivir y conseguir recuperar sus cuerpos en la aventura más salvaje de sus días.

Una película que empezó con un borrón y cuenta nueva

La producción de la película no fue nada sencilla. Al principio, Intercambiados era otra película llamada Powerless y centrada en superhéroes adolescentes. “Estábamos profundizando en el tema, y ​​empezó a tomar un rumbo diferente, con adolescentes transformándose”, explica en una entrevista con el medio estadounidense Cartoon Brew el director de la película, Nathan Greno. “Y, para seros sinceros, se complicó un poco. Todo era como: ‘¿Qué estamos haciendo?’.

Estas mismas dudas fueron las que llevaron al cineasta a hablarlo con Lasseter. “Le dije: ‘John, creo que lo estamos haciendo mal’”. Querían romper los clichés habituales de las películas de transformación, donde lo más habitual es que el humano, al convertirse en animal, aprenda una lección. En ese punto, Lasseter propuso: “¿Qué tal si no hay humanos en absoluto?”. Greno recuerda su reacción: “Eso es interesante”. Y se pusieron manos a la obra.

A partir de esa premisa, el equipo se volcó en una inversión total de la fórmula habitual, cuyo resultado final es Intercambiados, una película que mezcla aventura y comedia y en la que, en efecto, todos los personajes son animales. Ahora solo falta por ver cuán lejos puede llegar su éxito en Netflix, ya que a día de hoy no parece que ningún estreno sea capaz de competir con ella. Eso sí, para este 2026 Lasseter todavía no ha gastado su mejor bala: se trata de Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird (responsable de Ratatouille y Los increíbles) que promete ser uno de los estrenos de la temporada, con una historia de ciencia ficción sobre un detective humano en un planeta alienígena.

Con una voz inconfundible y una trayectoria que abarca más de medio siglo, Morgan Freeman se ha consolidado como uno de los grandes referentes del cine mundial. Su carrera, llena de títulos memorables que van desde Cadena perpetua, Seven, Invictus o Million Dollar Baby —por la que obtuvo el Oscar—, ha convertido al actor nacido en 1937 en Tennessee en una figura imprescindible de Hollywood.

La pasión de Freeman por el séptimo arte tiene una raíz temprana. Durante una conversación en 2011 con Rotten Tomatoes, Freeman fue invitado a seleccionar sus cinco películas favoritas, en una lista para la que el intérprete no dudó en señalar que el primer puesto era para la primera película que había visto en un cine. Para ello, hay que volver a los años 40, cuando, de niño, vio frente a la gran pantalla un clásico de 1933 que cambiaría para siempre su vida y su mirada artística.

“Mi película favorita es la primera que vi en el cine; tenía seis años y es el King Kong original. Sigo pensando que es el mejor King Kong”, revelaba en la citada conversación. De este modo, la historia que dio pie al gorila más grande y feroz de la historia del cine logró situarse por encima de otros títulos que el actor quiso destacar, como Solo ante el peligro, Moulin Rouge, El fuera de la ley y Moby Dick.

La película que revolucionó el séptimo arte

Dirigida por Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, King Kong relata la travesía de Ann Darrow, una joven que se embarca en una expedición fílmica rumbo a la isla Skull Island, donde los lugareños veneran a una criatura colosal: King Kong. La mezcla de aventura, misterio y tensión convirtió a la película en un hito del cine fantástico y de aventuras, batiendo récords como el del estreno más taquillero que había habido hasta entonces.

La película es recordada, además, por su revolución técnica. Los directores recurrieron a Willis O’Brien (considerado entonces el mayor especialista del mundo en el stop-motion) para dar vida al gorila gigante mediante maquetas y animación fotograma a fotograma, una técnica que marcó el futuro de los efectos especiales en Hollywood y fue perfeccionada más tarde por figuras como Ray Harryhausen.

Un rodaje complicado

Así, poco a poco se le fue dando forma a una idea que Merian C. Cooper había tenido antes de todo: la de un simio gigante en lo alto del edificio más alto del mundo mientras luchaba con los aviones. Como quería llegar a ese punto, el trabajo fue elaborar una historia a la inversa: partiendo desde el final para saber cuál iba a ser el principio.

El rodaje también supuso un reto: tanto la actriz protagonista (Fray Way) como uno de los directores (Ernest B. Schoedsack) estaban grabando en ese mismo set otra película, El malvado Zaroff, por lo que la organización tuvo que ser máxima y el descanso para ambos brilló por su ausencia.

Con todo, el éxito de la película la llevaría a trascender generaciones y dar origen a nuevas versiones, como la de 1976 con Jeff Bridges y el remake de Peter Jackson en 2005. Para Freeman, eso sí, ninguna ha logrado superar la impresión que provocó en su momento la original. Actualmente, King Kong puede seguir viéndose en diferentes plataformas de streaming, como Prime Video, Movistar Plus (en su plan Ficción Total) y FlixOlé.

Uno de los principales cambios en el mundo de las series y películas que ha conllevado el éxito de las plataformas de streaming es que, a día de hoy, las películas y series de habla no inglesa tienen mucho más alcance que el que podrían haber tenido en las salas de cine. Títulos como Trol, En las profundidades del Sena o La sociedad de la nieve son títulos que quizá en otro momento no habrían tenido tanta relevancia, pero que gracias a Netflix, en este caso, se convirtieron en grandes éxitos internacionales.

Es así como se explica, también, el éxito de Extraterritorial, una película alemana que acaba de convertirse en una de las cintas más vistas de la historia de la plataforma. Con más de 91,7 millones de visualizaciones y casi 170 millones de horas reproducidas, la cinta dirigida por Christian Zübert se sitúa la cuarta en el ranking de producciones de habla no inglesa más vistas, solo por detrás de las tres que mencionábamos al principio.

Extraterritorial es un thriller protagonizado por Jeanne Goursaud (Bárbaros) que destacó en la plataforma desde su estreno con una premisa directa: una exsoldado de las Fuerzas Especiales, Sara Wulf, enfrenta el peor escenario posible al perder a su hijo durante un trámite en el consulado estadounidense en Fráncfort. Nadie parece recordar haber visto al niño, y la protagonista se encuentra ante una red de negaciones e interrogantes.

Esto opinan quienes ya la han visto

De este modo, la película (de 1 hora y 45 minutos de duración) combina acción sin pausa y un misterio que desafía la lógica, narrando la angustiosa búsqueda de una madre que deberá incluso recurrir a su entrenamiento militar para sobrevivir y desentrañar la conspiración que la rodea, todo mientras las autoridades insisten en que el niño nunca estuvo allí. En esta trama, el elenco incluye otros nombres como Dougray Scott, Lera Abova y Kayode Akinyemi, quienes refuerzan la dimensión internacional del filme.

Como suele ocurrir en estos casos, el éxito de Extraterritorial no se corresponde con la opinión de la crítica especializada, que, si bien ha reconocido que es “entretenida” o que “funciona muy bien” como pasatiempo, echa en falta un poco más de profundidad en el guion. Sí que ha habido espectadores que han valorado muy positivamente la película. "Exterritorial me sorprendió gratamente. Esperaba una película de acción más, pero me encontré con un thriller intenso y elegante, con verdadero dinamismo y personalidad. El ritmo es ágil, la tensión casi constante y las escenas de acción limpias, viscerales y bien coreografiadas", escribe un usuario en la plataforma de IMDb.

Dado el éxito de Extraterritorial, no sería extraño que Netflix informara pronto de que ya están trabajando en una secuela, si bien todavía no ha habido confirmación oficial. El propio director, Christian Zübert, fue claro al afirmar que solo consideraría una segunda parte “si tuviera una idea realmente buena para ello”. Mientras tanto, el éxito de la cinta alimenta especulaciones entre los seguidores, que esperan ver a la heroína enfrentando nuevos desafíos fuera de las fronteras del consulado.

La nueva temporada de Prime Video ya está en marcha y son muchas las novedades que la plataforma de streaming piensa ofrecer tras el verano. Del regreso de series como La que se avecina, Padre no hay más que uno o Reina Roja a el anuncio de nuevas ediciones de programas como Operación Triunfo. Entre todas estas novedades ha destacado, también el anuncio de la segunda temporada de Su Majestad, la serie de comedia conocida por su sátira sobre la familia real española, con algunas incorporaciones que muy probablemente den mucho de qué hablar.

Creada por Borja Cobeaga y Diego San José, Su majestad se ambienta en una España hipotétitca donde Pilar (Anna Castillo), una joven princesa, se ve obligada a aceptar la corona después de que su padre (Pablo Derqui) se vea salpicado por un fraude fiscal y decida abdicar. Con todo, la joven hasta ese momento había mostrado una imagen irresponsable e inútil, algo que deberá cambiar si quiere sobrevivir al frente de la Casa Real. Para esta segunda temporada, la cosa promete ir a más, con la princesa haciendo el servicio militar o enamorándose de un catalán independentista.

También ha llamado mucho la atención el papel que tendrán las nuevas incorporaciones al reparto. La cantante y actriz Leonor Watling entrará en la ficción para ponerse en la piel de Amanda Montesinos, una vieja amiga del rey emérito que también resulta haber sido su amante. Una presencia que bien seguro inestabilizará todavía más la subida al trono de Pilar y que, curiosamente, no es el único papel cercano a la realeza de una actriz que, en La vida breve (2025), encarna a Isabel de Farnesio, segunda esposa del rey Felipe V.

El resto del reparto de la segunda temporada de ‘Su majestad’

Junto a Watling, aparecerá también Valentina de Moreneses, una prima bastante extravagante y especialmente fiestera de la familia. Marcel Borràs dará vida al joven independentista, Julián López al camello predilecto de la aristocracia y Claudia Roset a otra joven militar. El casting original de la serie permanecerá sin grandes alteraciones para la segunda temporada, ambientada en la España de 2026 y con un total de seis episodios (uno menos que en la anterior). Junto a Anna Castillo, Ernesto Alterio seguirá interpretando a Guillermo, jefe de la Casa Real y uno de los principales consejeros de la princesa. Pablo Derqui, Ramón Barea, Pablo Vázquez y Joan Carreras también continuarán formando parte del elenco.

Eso sí, todavía falta por conocer la fecha oficial del estreno, un dato para el que habrá que esperar un poco más. Su Majestad espera seguir siendo, junto a Reina Roja, la serie original española más vista en Prime Video en España, aunque tampoco se cierra las puertas a caricaturizar a la familia real más allá de nuestras fronteras. Tal y como ha informado la plataforma, nuestro país ofrece la mayor exportación de producciones de habla no inglesa , con títulos como Culpables, que han superado los 100 millones de espectadores, o películas como Apocalipsis Z: El principio del fin y Zeta, que también se sitúan entre los títulos más vistos del servicio a nivel internacional.

Las huellas de Javier Bardem permanecerán para siempre en Hollywood después de que el actor español se haya convertido en el primero en dejar su estampa en el histórico Teatro Chino. Un reconocimiento más a la carrera de un intérprete que lleva décadas apareciendo en algunas de las películas más destacadas del cine estadounidense (Dune y F1: la película son los últimos ejemplos), y con el que los mejores directores del mundo se mueren por trabajar.

Ahora bien, si hubiera que señalar el momento exacto en el que Javier Bardem derribó las puertas de Hollywood, este sería el estreno de la película Antes que anochezca (disponible en Movistar Plus y FlixOlé), donde el actor se puso en la piel del escritor cubano Reinaldo Arenas para contar su vida y retratar la vida de un hombre que desafió las restricciones de su época, así como el destino político que sacudió su tierra natal.

“La película me ha cambiado la vida”, llegaría a decir el actor en una entrevista con EFE tras reconstruir la vida del poeta desde su infancia rural hasta llegar a su implicación en la Revolución Cubana y la represión que sufrió como escritor y como hombre homosexual bajo el régimen de Fidel Castro. Tras su salida de Cuba durante el éxodo de Mariel Harbor en 1980, el relato lo acompaña en el exilio y en sus últimos días en Estados Unidos, donde la libertad siguió siendo una meta esquiva y él siguió siendo un marginado.

Una película que señala directamente hacia Cuba y Estados Unidos

Dirigida por Julian Schnabel (La escafandra y la mariposa), no solo significó el debut de Bardem en un papel en inglés, sino que también le valió la primera nominación al Oscar para un actor español en la categoría de Mejor Actor. Este logro, que cerró un círculo iniciado años antes por su tío Juan Antonio Bardem (quien logró la primera nominación para España en la categoría de Mejor Película Internacional por La venganza), catapultó al intérprete madrileño en la industria estadounidense y disparó la recaudación del filme tras su estreno.

Sin embargo, la alegría de Bardem fue mucho más allá de lo personal. La película, que también cuenta en su reparto con nombres tan destacados como los de Johnny Depp o Sean Penn, ilustra que la persecución en Cuba no era uniforme para todos; la condición de Arenas como voz crítica y artista lo colocó en la mira. El filme utiliza esta pluralidad de identidades para hacer visible cómo se cruza la censura política con la discriminación sexual, y cómo el exilio no siempre representa un refugio pleno.

El actor se mostró también muy orgulloso de poder haber contado a tanta gente la historia de Reinaldo Arenas y la represión que sufrió, no solo en Cuba, sino también en Estados Unidos. “Antes que anochezca es una película políticamente incorrecta, como lo fue Reinaldo", declaraba en una entrevista con ABC, donde señala cómo el escritor murió asfixiado “con una bolsa que dice I Love New York..., porque ese país terminó por rematarle. Estados Unidos, en vez de utilizarlo como artista, lo hizo como personaje político”.

Las (des)venturas de Bárbara, Maca y Elena continuarán. Movistar Plus ha anunciado este miércoles que Se tiene que morir mucha gente, la ficción creada por Victoria Martín -y basado en el libro del mismo nombre- estrenada este pasado mes de mayo ha sido renovada por una segunda temporada. El estreno de esta nueva entrega llegará en exclusiva a la plataforma en 2027.

Con esto, la ficción en forma de sitcom de seis episodios de unos 25 minutos cada una dejará de ser una miniserie. Por ahora está por ver como sigue la relación de estas tres amigas que se conocieron en el colegio: Bárbara (Anna Castillo) -y su pepito grillo particular, Sofía Otero-, Elena (Macarena García) y Macarena (Laura Weissmahr).

“La serie refleja la apuesta de Movistar Plus por la búsqueda y apoyo al talento y a nuevas voces en su estrategia de consolidar la producción original como uno de los ejes de la compañía. Además, ha cumplido el objetivo de atraer a una audiencia más joven y diversa, abriendo la plataforma a nuevos públicos", ha escrito la compañía en un comunicado, que afirma que la serie ha generado más de 45 millones de reproducciones y más de 3,2 millones de interacciones.

La ficción llegará el año que viene

Así, la ficción sigue a Bárbara, Maca y Elena, tres amigas que se conocieron en el colegio y que, dos décadas después, continúan unidas pese a que sus vidas han tomado caminos muy distintos. Mientras Bárbara (Castillo) lidia con una profunda depresión y una dependencia a las benzodiacepinas, Maca (Weissmahr) intenta abrirse camino como actriz mientras trabaja de camarera y Elena (García) afronta un embarazo tras casarse con un empresario hotelero mucho mayor que ella. La crisis de Bárbara terminará poniendo a prueba una amistad ya llena de tensiones y contradicciones.

Hace casi una década la cómica Victoria Martín empezó con el guion de lo que quería que fuese su primera serie. Sin embargo, tras la negativa de productores y directivos decidió convertirlo en un libro con el mismo nombre, publicado en 2022 por la editorial Plaza y Janés. Tras convertirse en un best seller, Movistar Plus le dio luz verde para una miniserie de seis episodios. “Me gustaría decir que ha sido un proceso fácil, pero no, ha sido un infierno. Todo muy largo. En 2017 intentamos vender la serie, después se convirtió en libro y luego, ha vuelto a ser una serie. No suele ser lo habitual, ha sido raro”, contó Martín a Infobae.

Dirigida por Sandra Romero (Los años nuevos, Por donde pasa el silencio) junto a la propia Martín y Nacho Pardo, que firman dos episodios, el reparto lo completan Alba Galocha, Óscar de la Fuente, Ramón Rados y Yunez Chaib.

El libro no tiene una segunda parte por lo que habrá que ver que novedades y desquiciadas situaciones traerá de nuevo Martín en esta nueva tanda.

La secuela se titulará en España El precio de la red (The Social Reckoning) y dejará atrás el origen de Facebook para centrarse en el daño atribuido a la plataforma, con Frances Haugen (que reveló la trama) y la investigación periodística sobre los Facebook Files como eje del relato.

La película está inspirada en “The Facebook Files”, la investigación publicada por The Wall Street Journal en octubre de 2021, y contará con Mikey Madison como Haugen, Jeremy Allen White como el periodista Jeff Horwitz y Jeremy Strong como Mark Zuckerberg.

Una secuela sobre nuestro tiempo

Sorkin explicó en una amplia entrevista a Vanity Fair que abrió una cuenta de Facebook por primera vez mientras preparaba el guion y pasó cerca de año y medio observando la plataforma para entender cómo se había convertido en una estructura con tanto poder e influencia. Ese trabajo previo, según ha contado, no le ofreció una vía narrativa clara hasta que encontró la historia de Haugen, la ‘exingeniera’ que presentó denuncias ante la Comisión de Bolsa y Valores de Estados Unidos y facilitó decenas de miles de documentos internos a The Wall Street Journal.

En esa misma entrevista, Sorkin ha resumido la diferencia entre ambas películas con una fórmula precisa: “La red social trataba sobre cómo se inventó Facebook, y El precio de la red es en lo que se ha convertido”. Vanity Fair sitúa además el proyecto dentro de la tradición de los thrillers sobre denunciantes, en la línea de El dilema, Todos los hombres del presidente y Spotlight.

La base factual de la secuela es la serie de reportajes que expuso daños que Facebook conocía o permitía en sus plataformas. Entre las consecuencias figuran la supresión de determinados movimientos políticos y el impacto tóxico sobre adolescentes, en particular chicas adolescentes.

Así, la nueva película amplía el foco del original. Si la cinta de 2010 se concentraba en disputas entre fundadores y pleitos sobre la creación de la red social, la continuación desplaza el centro hacia el conocimiento interno que la compañía tenía sobre los efectos de la plataforma en sus miles de millones de usuarios.

Sorkin llevaba tiempo buscando el enfoque adecuado para una continuación y que terminó de encontrarlo tras el asalto al Capitolio del 6 de enero de 2020, un episodio cuyo contexto, según ese medio, el guionista vinculó al papel de Facebook. Sin embargo, la película no será un relato exclusivo sobre aquella jornada, sino una historia más amplia sobre las elecciones de 2020, el efecto de la red en adolescentes y preadolescentes, la violencia y su impacto fuera de Estados Unidos.

Un nuevo Mark Zuckerberg

Uno de los cambios más visibles respecto a la película original está en el reparto. Jeremy Strong interpretará a Mark Zuckerberg, en sustitución de Jesse Eisenberg. Sorkin ha contado que ofreció primero el papel a Eisenberg porque consideraba que “le pertenecía”, pero que el actor rechazó regresar.

Sorkin ha detallado que pasó tres días intentando convencerle y que Eisenberg no quería seguir siendo confundido con Zuckerberg. El guionista añadió que no quería hablar en nombre del actor, pero sí explicó que estaba cansado de que se le asociara públicamente con el fundador de Facebook.

El relevo se cerró en torno a la fiesta de los Oscar organizada por Vanity Fair en 2025. Sorkin contó allí a Eisenberg que tenía un guion para él y, pocos minutos después, se cruzó con Strong, que le trasladó su interés por el proyecto si el anterior protagonista no aceptaba.

Sobre el trabajo de Strong, Sorkin ha dicho al mismo medio que el actor llegó al rodaje completamente inmerso en el personaje y que ya hablaba como Zuckerberg desde el primer día. Esquire recoge además que algunas reacciones iniciales a su caracterización han sido polarizadas y que parte del debate gira precisamente en torno a si la ausencia de Eisenberg obligaba o no a plantear una secuela de carácter más espiritual que directo.

Mikey Madison tras ‘Anora’

La otra figura central del reparto es Mikey Madison, que interpreta a Haugen. Se trata del primer papel que ha aceptado después de ganar el Oscar por Anora y supone un cambio claro frente a personajes anteriores más agresivos o inestables.

Madison ha explicado a Vanity Fair que Haugen no tenía “ni un gramo de arista” y que construyó el personaje desde la timidez, la incomodidad social y una vigilancia nerviosa constante. También ha reconocido que no es una experta en tecnología y que una de sus primeras tareas para preparar el papel fue aprender a mecanografiar con rapidez y corrección.

La actriz no habló directamente con Haugen antes del rodaje. Según Vanity Fair, Sorkin sí había conectado con la denunciante durante la escritura, pero prefirió que Madison no intentara imitarla. Tras terminar la producción, la intérprete le envió una carta.

El contexto jurídico y político del asunto sigue abierto. Vanity Fair recuerda que las consecuencias de las revelaciones de Haugen continúan en marcha y que Meta, matriz de Facebook, y otras plataformas afrontan demandas en distintos puntos del país. En marzo, un jurado de Los Ángeles declaró negligentes a Meta y YouTube en un caso considerado histórico, y Meta también perdió otro procedimiento sobre seguridad infantil en Nuevo México.

Christophe Leribault, presidente-director del museo desde febrero, ha advertido que la institución encara un “muro de inversiones” y ha anunciado que más de 10.000 vasos griegos tendrán que ser trasladados para ejecutar obras de rehabilitación en una de las alas del recinto.

Leribault ha comparecido este miércoles 17 de junio ante la comisión de Cultura, Educación, Comunicación y Deporte del Senado para defender la “necesidad absoluta” del plan de renovación bautizado como Louvre Nouvelle Renaissance. Según ha expuesto, los equipos y las infraestructuras del museo más visitado del mundo han llegado al final de su ciclo, ya que no dan para más, se encuentran obsoletas y necesitan una completa y compleja ‘reactualización’.

Un Louvre “sin aliento” y sin seguridad

El responsable del museo ha descrito la situación con una fórmula tajante: “Se puede decir sin ambages: pese a su imponente majestuosidad, pese al compromiso diario de sus equipos, es un Louvre sin aliento”. En esa misma intervención ha añadido que las urgencias acumuladas en el edificio sitúan al museo en una encrucijada.

La respuesta inmediata al deterioro de la seguridad pasa por un nuevo sistema de videovigilancia perimetral que empezará a implantarse en enero de 2027. Leribault ha señalado ante el Senado que ya se han instalado de urgencia algunas cámaras adicionales en puntos “absolutamente neurálgicos” donde se había detectado una carencia.

El presidente del Museo del Louvre ha precisado que no es posible reconstruir una red completa con cientos de cámaras sin reforzar antes la estructura técnica que debe sostenerla. También ha anunciado la creación, en octubre, de un nuevo centro de mando de seguridad.

La crisis de los robos

El robo de las Joyas de la Corona ha marcado el diagnóstico que ahora expone la dirección del museo. Según Leribault, ese asalto no solo reveló grietas en el dispositivo de protección, sino también el retraso acumulado en la modernización de los equipamientos.

Dentro de la reorganización del área de seguridad, el puesto de coordinador se ha confiado a Olivier Goupil, antiguo comisario divisionario y hasta ahora responsable de seguridad de la RATP. El nombramiento ya se había anunciado tras el robo, pero Leribault lo ha confirmado en su comparecencia.

El dirigente ha sostenido además que el impacto del asalto sigue muy presente dentro de la institución. Según ha afirmado ante la comisión del Senado, “la herida del robo y el trauma de los meses que siguieron siguen muy vivos” en el museo, donde la dirección vincula esa situación a la urgencia de ejecutar el proyecto Louvre Nouvelle Renaissance, que pretende volver a dotar de seguridad a uno de los centros culturales más importantes del mundo, para todas las obras de arte que contiene puedan exponerse sin miedo.

La ficción consta de 10 episodios de unos 30 minutos y arranca con el mismo punto de partida de Orgullo y prejuicio, pero desplaza el foco hacia la tercera de las hermanas Bennet, una joven estudiosa y tímida que en la nueva versión intenta construirse una vida propia en Londres, con dos intereses amorosos: el abogado Tom Hayward y William Ryder.

La escritora Jane Austen había dejado a Mary en un papel muy secundario y la describía como una joven sin talento ni gusto, con un “aire pedante y modales afectados”. Al final de la novela de 1813, además, era la única de sus hermanas que se quedaba sin marido, salvo una cuarta.

Cuando ser lista es una virtud

Ella Bruccoleri, que interpreta a Mary, se estrena aquí como protagonista después de trabajos en ¡Llama a la comadrona!, Los Bridgerton, Paddington: aventura en la selva y la trilogía de reinicio de Los extraños. La actriz ha explicado que no sintió una presión especial por liderar una producción vinculada a Austen.

Una de las claves de la adaptación se encuentra en los guiones de Sarah Quintrell, que tratan a la joven como si hubiera podido existir en cualquier otro momento de la historia.

La serie presenta a una Mary cansada de los bailes de sociedad, de no encajar en su familia y de una madre esnob. En lugar de disimular lo que la separa de sus hermanas, el personaje decide afirmar precisamente su rasgo más distintivo: su afán de conocimiento.

Así, de acuerdo a esa relectura del personaje, Mary aparece como una protagonista torpe y encantadora situada por primera vez en el centro del relato. La serie siguirá su salida al mundo y su intento de escapar de la idea, impuesta desde la infancia, de que es inherentemente imposible de amar.

Los primeros dos episodios siguen de cerca la novela de Austen, aunque desde la perspectiva de Mary, y sitúa el verdadero giro en el tercer capítulo, cuando una tragedia altera la vida de los Bennet y empuja a la protagonista fuera de un hogar ya hostil. A partir de ahí, la llevan a Londres sus tíos Gardiner, donde trabaja de forma temporal como institutriz.

La preparación del personaje

La actriz pasó casi al mismo tiempo por las pruebas de esta serie y por las de otra adaptación de Orgullo y prejuicio que preparaba Netflix. En ese proyecto le dijeron que no era una Mary Bennet y llegaron a plantearle el papel de Charlotte Lucas, aunque para entonces ya estaba muy implicada en el equipo de Quintrell.

Para preparar el personaje, Bruccoleri leyó los libros que Mary menciona en la serie. Buscó ejemplares en librerías de segunda mano e intentó abordar incluso la historia de Inglaterra de Catharine Macaulay, de ocho volúmenes, y los Sermones de Fordyce, de lo más antifeministas.

También revisó las dos Mary más conocidas en pantalla: la de Lucy Briers en la miniserie de la BBC de 1995 y la de Talulah Riley en la película que Joe Wright dirigió en 2005. Briers aparece además en la nueva adaptación como la señora Hill, ama de llaves de la finca de los Bennet.

La serie no plantea una transformación cosmética de Mary, sino un desarrollo gradual de su voz propia. Incluso sus gafas “seguirán firmemente puestas”, mientras la ficción la hace crecer sin modificar su núcleo: sigue siendo algo torpe, tímida, muy inteligente y optimista. Una ficción que hará las delicias de los amantes de Los Bridgerton y de las novelas de Jane Austen.

La Fiesta del Cine ha dejado muchas reflexiones detrás de sí, pero quizá no había habido hasta ahora una reacción tan rápida como esta. La semana fantástica en la que los precios del cine descendían hasta los 3,50 euros en casi todas las salas de España dejó un total de 1.352.668 espectadores, el mejor dato de asistencia de primavera desde 2019 según las cifras de ComScore España. Pues bien, la primera respuesta a este dato ha llegado de la mano de una de las cadenas de cine más importantes de este país, la cual ha implementado una nueva medida que podría cambiar para siempre la experiencia cinematográfica.

Hablamos de Cinesa, la cual ofrece desde hoy un nuevo sistema de precios dinámicos en algunos de sus cines. El sistema en cuestión divide cada sala por distintas categorías según su proximidad a la pantalla y otorga un rango distinto de precios según la butaca escogida. De momento solo está disponible en algunos cines, como el Nassica de Getafe, el Parque Principado (Asturias) o el de Salera (Castellón), pero podría aumentarse a otros cines de tener éxito. Por el momento, a la hora de comprar en estos cines la plataforma permite escoger butacas a distinto precio dependiendo de la zona. Mientras que las filas más cercanas a la pantalla tienen un precio más reducido que el resto, las de arriba y centrales ascienden, dependiendo del día -si es del espectador o laborable- y sin contar los posibles descuentos posteriores -carnet universitario o joven, mayor de edad...- a la elección de la butaca.

Tal y como se puede ver en la imagen adjuntada, cada sala se divide según estas franjas de precio, con unos precios que van desde los 8,40 euros hasta los 12,60 por butacas VIP, una opción con la que ya contaba Cinesa previa a esta propuesta. De momento la cadena no ha dado más detalles sobre esta iniciativa, mientras la gente ya ha empezado a valorar la medida de forma muy vehemente. Como era de esperar, en las redes sociales no todos se lo han tomado igual de bien.

Descontento e incomprensión general

"Es de ser ratas. Un cine al que no ir.Si al menos mantuvieran precio y fuera más barato por los extremos, pero al revés, el centro más caro“ o ”La mejor forma de que los cines no terminen de quebrar....solo falta que también pongan una Casita..." eran algunos de los comentarios más críticos, resumidos en un ”es el Ryanair de las salas de cine“, en alusión a las también peculiares medidas de la aerolínea inglesa. No todo eran comentarios negativos, sino que también había quien intentaba poner en valor la propuesta.

“No seré yo quien los defienda pero creo que lo que han hecho es mantener el precio en las butacas centrales y abaratar las de las primeras filas y los laterales. En realidad es hasta mejor para ahorrarte un poco en la entrada sino te importa no estar centrado…“, defendía un usuario en X. ”Realmente no han subido precios. Mantienen precios más o menos y rebajan sustancialmemte las localidades que habitualmente no quiere nadie. Siendo así me parece una buena medida", apuntaba otro. Sea como fuere, la compañía de momento no ha salido al respecto a aclarar las posibles dudas, la misma que desde hace un tiempo sí ha implementado otras medidas como el abono mediante Cinesa Unlimited, una iniciativa que sí tuvo gran acogida y a la que a día de hoy están suscritas muchos usuarios. Habrá que esperar para ver si esta nueva propuesta ha venido para quedarse y qué consecuencias tiene en el futuro de los cines.

El actor Javier Bardem hace historia en Hollywood al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama. El actor dedicó el homenaje a su madre y vinculó su discurso con la importancia del cine y la situación política actual. En una ceremonia celebrada el 16 de junio de 2026, Javier Bardem dejó impresas las huellas de sus manos y pies en el TCL Chinese Theatre de Los Ángeles. Este acto lo posiciona como el primer español en recibir este reconocimiento en uno de los escenarios más emblemáticos de la industria cinematográfica mundial. La ceremonia, que coincide con el estreno de la serie ‘Cape Fear’ de Apple TV, marcó un hito para el cine español y para la comunidad latina y europea en Hollywood.

El evento se desarrolló frente a las puertas del histórico cine, donde ya figuran las huellas de celebridades como Marilyn Monroe. Bardem, ganador de un Oscar, se une así a un selecto grupo de artistas internacionales que han dejado su marca en el corazón de la meca del cine. La impresión de las huellas en cemento incluyó, además de sus manos y pies, la fecha del día y un sol junto a su nombre, un elemento personal con el que el actor quiso sellar el momento.

La ceremonia fue organizada con motivo del estreno de El cabo del miedo, un thriller psicológico de diez episodios producido por Apple TV. Bardem encarna a Max Cady, personaje que previamente interpretaron figuras como Robert Mitchum y Robert De Niro en adaptaciones cinematográficas anteriores. El homenaje, sin embargo, trascendió el simple lanzamiento de una serie y se convirtió en un reconocimiento a la trayectoria del actor y su aporte al cine internacional. El hecho de que Bardem sea el primer español en recibir este homenaje resalta la apertura y la diversidad progresiva de la industria cinematográfica estadounidense. Hasta ahora, solo un reducido grupo de europeos y latinos había sido invitado a dejar sus huellas en el teatro chino, lo que subraya la relevancia de este logro para la representación hispana en Hollywood.

Un sentido homenaje a Pilar Bardem

Durante la ceremonia, Bardem compartió espacio con colegas, representantes del cine internacional y medios de comunicación que destacaron la importancia de su carrera. El actor ya había sido galardonado previamente con un Premio Oscar, consolidando así su posición como uno de los intérpretes más reconocidos fuera de Estados Unidos. En su discurso, Javier Bardem rindió homenaje a su madre, la también actriz Pilar Bardem, a quien atribuyó un papel fundamental en su vida profesional y personal. “Yo no estaría aquí sin mi madre Pilar; ella es la persona más importante en la educación y una lección muy importante que aprendí de ella como actriz es que nunca te cases con el éxito o la derrota porque ambas son una mentira”, afirmó el actor durante la ceremonia.

Las palabras de Bardem reflejaron la influencia de su madre en su formación artística y su visión sobre la profesión actoral. La referencia a Pilar Bardem adquirió un tono emotivo al situarla como guía y referente ético, resaltando la tradición familiar ligada al mundo del cine y del teatro. El actor abrió su intervención recalcando la importancia del cine y la necesidad de preservar su comunidad. Bardem subrayó que, incluso en “tiempos difíciles” marcados por el miedo y la división, persiste el deseo de las personas de formar parte de la comunidad cinematográfica. “Donde el miedo y la división resuenan más alto que la esperanza, la gente continúa queriendo ser parte de la comunidad del cine”, expresó, aludiendo al papel integrador y colectivo del séptimo arte.

La impresión de las huellas coincidió con el lanzamiento de El cabo del miedo, una serie que reinterpreta el clásico dirigido por Martin Scorsese. Bardem asume el rol de Max Cady, siguiendo los pasos de intérpretes como Robert Mitchum y Robert De Niro. El proyecto, distribuido por Apple TV, representa una apuesta por el formato de serie limitada y el thriller psicológico, y marca una nueva etapa en la carrera internacional del actor. El estreno de ‘Cape Fear’ sitúa nuevamente a Bardem en el centro de la atención mediática y refuerza su presencia en la industria audiovisual global. La serie, compuesta por diez capítulos, explora la dualidad moral del personaje y su impacto en el entorno familiar y social, en línea con el estilo de los grandes thrillers estadounidenses. La ceremonia en el Teatro Chino de Hollywood y la nueva producción de Apple TV consolidan el reconocimiento internacional de Javier Bardem, quien suma un nuevo hito a su trayectoria y proyecta la presencia del cine español en el panorama global.

Marvel Studios estuvo a punto de sorprender al mundo eliminando a uno de sus superhéroes más icónicos antes de lo esperado. Durante la producción de Vengadores: Infinity War, los directores Joe Russo y Anthony Russo analizaron seriamente la posibilidad de que Tony Stark muriera en esa entrega, mucho antes de su desenlace en Vengadores: Endgame. La revelación, confirmada por los propios cineastas y por Robert Downey Jr. en una charla exclusiva, expone cómo las decisiones narrativas más trascendentes del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) a veces se debaten hasta último momento.

La idea de eliminar a Tony Stark antes del final de la saga no solo habría impactado a los seguidores, sino que también sorprendió a quienes participaron en la discusión. Según los hermanos Russo, ese tipo de propuestas suelen surgir cuando el equipo creativo busca la mejor manera de mantener la tensión narrativa. “Hay momentos en que pensamos que nadie lo esperaría”, admitió Joe Russo en la entrevista, refiriéndose a la opción de sacrificar a Iron Man durante el enfrentamiento con Thanos en Titán. Durante el proceso de escritura y filmación de Vengadores: Infinity War, los Russo evaluaron todas las posibilidades respecto al destino de los personajes principales. Entre ellas, surgió la alternativa de que Tony Stark encontrara su final a manos de Thanos en la penúltima película, en vez de en el gran cierre de la saga.

El propio Robert Downey Jr. participó en la conversación, bromeando sobre su preferencia: “La mía es simple, no me maten”. Sin embargo, el debate era real. Según los directores, existió un momento en el que la opción de la muerte prematura de Iron Man se consideró “el mejor lugar” para sorprender a la audiencia. “Todo está sobre la mesa. Siempre decimos que la mejor idea gana”, sostuvo Joe Russo, explicando la dinámica de trabajo en una franquicia donde las expectativas del público son tan altas. La escena en cuestión, en la que Thanos apuñala a Iron Man en Titán, fue vista por muchos como una posible despedida del personaje. Sin embargo, finalmente sobrevivió, y el desenlace se pospuso para Vengadores: Endgame. El método de trabajo de los Russo Brothers se caracteriza por la exploración constante de alternativas, incluso aquellas que parecen arriesgadas o poco convencionales. “Hay que estirar las posibilidades y ver hasta dónde llegan”, explicó Joe Russo sobre el proceso de crear una narrativa capaz de sorprender y emocionar.

El regreso de Downey Jr.

El debate sobre el destino de Tony Stark no solo involucraba el impacto inmediato en la trama de Vengadores: Infinity War, sino también la necesidad de que el personaje pudiera contribuir al desenlace de la saga. “Teníamos que pensar cómo podría participar en la siguiente película”, relató el director, evidenciando el nivel de detalle y previsión requerido para mantener la coherencia y el interés en una franquicia de gran escala. La elección de reservar la muerte de Iron Man para Vengadores: Endgame respondió a la búsqueda de un momento aún más emotivo y decisivo, que diera cierre a la trayectoria del personaje y sirviera de clímax para toda una generación de espectadores.

La decisión final de posponer el sacrificio de Tony Stark se tomó tras analizar el efecto que tendría en el público y en la estructura de la narrativa. “Podíamos hacerlo aquí, pero después tendríamos que encontrar la forma de que siguiera participando en la siguiente película”, recordó Joe Russo sobre el dilema. Finalmente, optaron por darle a Iron Man su último acto heroico en Vengadores: Endgame, permitiendo que el personaje tuviera un cierre acorde a su peso en el MCU. El desenlace elegido permitió que Tony Stark completara su arco heroico, enfrentando a Thanos y sacrificándose para salvar al universo, consolidando así su legado como uno de los pilares fundamentales de la saga.

La revelación del debate detrás de cámaras ofrece una nueva perspectiva sobre el desarrollo de las películas más exitosas de Marvel. El propio Robert Downey Jr. reconoció que la posibilidad de morir antes de tiempo estuvo sobre la mesa, aunque, en tono humorístico, se inclinaba por sobrevivir. Estas discusiones reflejan la complejidad de construir una narrativa colectiva que equilibre la sorpresa, la emoción y la continuidad, elementos que han definido el éxito de la saga. La elección final de reservar el sacrificio de Iron Man para el desenlace de Vengadores: Endgame marcó un cierre inolvidable para el personaje y para toda una era del cine de superhéroes.

El cineasta Guillermo del Toro lanzó una advertencia directa sobre los peligros que la inteligencia artificial representa para el futuro del arte cinematográfico. Durante la cena de homenaje organizada por el British Film Institute (BFI) en Los Ángeles, donde fue distinguido con el BFI Fellowship, el director subrayó la gravedad del momento actual para la creación audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización de la imagen. Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, afirmó Del Toro ante un auditorio repleto de figuras de la industria.

Para el realizador, reconocido por obras como El laberinto del fauno y La forma del agua, el auge de la inteligencia artificial y la consolidación empresarial en Hollywood ponen en jaque el ejercicio creativo y la libertad de expresión. “El pacto entre hombre e imagen es sagrado”, sostuvo Del Toro, quien calificó la IA como una forma de “estupidez natural” frente a la autenticidad de la experiencia humana en el arte. Defendió que el propósito de una imagen no es simplemente existir, sino “conectarnos, hacernos sentir belleza”. En su intervención, Del Toro recalcó que la necesidad de expresarse a través de imágenes es tan antigua como la humanidad misma, remontándose a los primeros dibujos en las cavernas. El director alertó que el desarrollo tecnológico, lejos de fortalecer la relación entre las personas y el arte, amenaza con debilitarla. Destacó además la creciente polarización política como un factor de riesgo adicional para la libertad creativa en distintos países.

La aparición de sistemas de inteligencia artificial capaces de generar imágenes y contenidos preocupa al cineasta mexicano, quien ve en ello una amenaza directa a la tradición artesanal del cine. Según Del Toro, el cine ha sido siempre una actividad guiada por la sensibilidad y la intuición humanas, y la automatización de la creación atenta contra esos cimientos. “Nos dicen que las imágenes pueden generarse por medios artificiales. La existencia de una imagen no es solo estar ahí. Es conectarnos, es hacernos sentir belleza”, expresó.

El director advirtió que la industria fílmica y las nuevas generaciones de espectadores enfrentan el peligro de perder la capacidad de interpretar y valorar el lenguaje audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, insistió. Para Del Toro, la defensa del arte es inseparable de la defensa de la libertad: “El arte puede ayudarnos a unirnos, pero estamos en una época en la que eso está en peligro”. El evento en Los Ángeles, celebrado en el restaurante Mother Wolf, reunió a ejecutivos de estudios, cineastas y representantes de la industria, como Ted Sarandos (co-CEO de Netflix), Bill Hader, Jon Favreau y Leonardo DiCaprio. Sarandos presentó a Del Toro como uno de los “maestros modernos del cine”, recordando su primer encuentro cuando el director lideraba la adaptación animada de “Trollhunters” para Netflix.

Del Toro compartió con los asistentes su vínculo personal con el British Film Institute, que se remonta a sus años de adolescencia en Guadalajara. Narró cómo solía escribir al BFI solicitando copias de clásicos británicos para proyectar en su cineclub local. El cineasta anunció que donará un tercio de sus archivos personales al BFI, como muestra de su compromiso con la preservación y transmisión del legado cinematográfico. “Me emocioné cuando visité el archivo del BFI y vi su historia desde 1935”, confesó.

Durante su discurso, Del Toro enfatizó el valor de proteger el cine como espacio de encuentro y aprendizaje. “No somos guardianes de la puerta. Somos quienes la sostienen para que más personas puedan entrar y salir de la iglesia del cine”, afirmó. El director expresó que ha encontrado salvación personal en las imágenes y que ahora busca retribuir enseñando y promoviendo la educación audiovisual, incluyendo clases sobre la obra de Alfred Hitchcock en colaboración con el BFI. El presidente del BFI, Ben Roberts, subrayó el papel del instituto en la conservación y formación cinematográfica. Roberts destacó la importancia del National Archive, una de las colecciones fílmicas más extensas del mundo, y remarcó que la labor de la organización es defender las condiciones para el éxito del cine británico.

La gala también sirvió para recaudar fondos para el Film on Film Festival del BFI, que volverá a Londres el próximo junio. Roberts explicó que los festivales y los programas de preservación fílmica son parte central de la misión del instituto: “Nuestro trabajo es asegurar que existan las condiciones adecuadas para el éxito del cine”. Del Toro cerró su discurso con una metáfora sobre el momento crítico que atraviesa la industria: “Ahora mismo, el autobús está tan cerca del precipicio que todos tenemos que inclinarnos hacia el lado correcto”. El cineasta instó a sus colegas a unirse en la defensa de la creatividad y la memoria audiovisual como patrimonio de la humanidad.

Semana de altos vuelos en taquilla. Tras dejar atrás la Fiesta del Cine con unos datos de récord y el paso de Steven Spielberg y sus nuevos alienígenas con El día de la revelación, es el momento de recibir en cartelera una nueva hornada de títulos con sus correspondientes protagonistas. Y esta semana esos protagonistas tienen un aspecto de lo más distinguido.

Los juguetes de Toy Story 5 o la actriz Jessica Chastain encabezan las películas más esperadas de esta semana, una con películas procedentes de varios países al más puro estilo del Mundial de fútbol que tiene lugar estos días. Nunca es mal momento para acercarse al cine entre partido y partido, y si no siempre queda organizar un particular Mundial de cine. Pero para los que decidan apostar por las salas, como le gusta decir a Spielberg, aquí van algunas de las películas más esperadas de esta semana.

Toy Story 5

Los juguetes más famosos del cine regresan a la gran pantalla. Más de siete años después de su última aventura, Buzz, Woody y el resto de la pandilla se vuelven a reunir. Esta vez la protagonista es Jessie, la intrépida vaquera que poco a poco empieza a ver cómo la niña con la que juega deja de prestarle atención en favor de un nuevo juguete, por llamarlo de alguna manera... pues en realidad es una tablet. Jessie y el resto del equipo tendrán que hacer todo lo posible para que la niña no caiga en la tentación de las pantallas y de esta forma cada vez más se olviden de los juguetes de toda la vida.

El placer es mío

François Cluzet (Intocable) y Alexandra Lamy (Vuelta a casa de mi madre) dan vida a Fanny y Tom, una pareja que lleva 20 años casada y aparentemente feliz. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Su aventura por hacer feliz a su mujer lo llevará a afrontar grandes desafíos que cambiarán para siempre su relación.

Viva

Presentada dentro de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, Viva apunta a ser uno de los grandes fenómenos del cine español de este año. Escrita, dirigida y protagonizada por Aina Clotet. Ambientada en un futuro marcado por la sequía extrema, la película cuenta la historia de Nora, una mujer a las puertas de los 40 que acaba de pasar por un cáncer de mama y por fin puede reemprender su vida. Sin embargo, pronto sus planes se verán alterados por la aparición de Max, un joven de 23 años.

Caso 137

Dominik Moll, el realizador alemán afincado en Francia y autor de thrillers como La noche del 12, regresa a su género predilecto con este nuevo thriller encuadrado en el cuerpo de policía. Stéphanie (Léa Drucker), agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París. Si bien no encuentra pruebas de violencia policial ilegítima, el caso adquiere un cariz personal al descubrir que la víctima es de su ciudad natal y transformará el caso 137 en algo más que un simple número.

Dreams

Desde que ganase el Oscar en 2022 por Los ojos de Tammy Faye, Jessica Chastain no se ha prodigado en la gran pantalla tanto como quizá le hubiera gustado a sus seguidores. Y, cuando lo ha hecho, ha sido bajo la dirección de Michel Franco, como sucedió con Memory y sucede ahora con Dreams. En ella, Chastain da vida a una acaudalada empresaria que mantiene un romance furtivo con un profesor de ballet. Sin embargo, este es un mexicano sin papeles que precisará de su ayuda para poder formalizar su situación en Estados Unidos. Mientras ambos buscan un punto de unión, la verdadera naturaleza de cada uno saldrá a la luz cuando vengan mal dadas.

Miguel Delibes (Valladolid, 1920-2010) fue uno de los profetas del castellano. Novelista, periodista, académico y caricaturista, el escritor vallisoletano publicó una veintena de novelas -entre ellas Cinco horas con Mario (1966)- presumió de su “léxico preciso” que le hicieron conectar con el público desde su debut con La sombra del ciprés es alargada, publicada en 1948 y galardonada con el Premio Nadal, hasta la última, El hereje, publicada medio siglo después.

Entre los muchos temas que recorren sus novelas y cuentos, la infancia ocupa un lugar central, hasta el punto de inspirar una de sus citas más recordadas: “La infancia es la patria común de todos los mortales”.

La frase fue incluida en el prólogo de Los niños (1994), una antología de sus textos sobre el mundo de la infancia. Allí explicaba que las obras protagonizadas por niños habían tenido en el extranjero la misma acogida que en España porque la infancia constituye “la etapa de la vida más añorada por todos”.

Delibes y la infancia

“La atracción de Delibes por el mundo infantil tiene una explicación: el niño –dice el escritor– ‘es un ser que encierra toda la gracia del mundo y tiene abiertas todas las posibilidades’. Cualesquiera que sean las circunstancias que le rodean –la cultura, la religión, la clase social…– hay un fondo de inocencia, de confianza ciega en sus mayores, de capacidad para maravillarse ante el mundo, de tendencia lúdica e imaginativa…, que son iguales en los niños de todas las civilizaciones", escribió la catedrática de Literatura Española en la Universidad de Valladolid María Pilar Celma Valero en el coloquio ‘La patria común de todos los mortales en los cuentos de Miguel Delibes’.

La relevancia de estos niños en su narrativa llevó a la Fundación Miguel Delibes a dedicarles una exposición en 2012. La muestra nació con el propósito de rendir homenaje a algunos de los pequeños protagonistas que pueblan novelas y relatos del escritor. Para ello se seleccionaron quince textos pertenecientes a diez de sus obras, todos ellos centrados en personajes infantiles. Cada fragmento fue entregado a un ilustrador de reconocido prestigio, encargado de retratar al niño protagonista y trasladar a imágenes las sugerencias del texto.

Delibes mantuvo siempre una estrecha relación con el dibujo. Antes de consolidarse como escritor, inició su trayectoria periodística como caricaturista y, en 1960, realizó una veintena de ilustraciones a tinta china para una edición de El camino publicada por la Universidad de Columbia. La exposición también reunió ejemplares de sus obras ilustradas por artistas como Antonio Mingote, José Ramón Sánchez, José María González “Peridis”, José Vela Zanetti, Luis de Horna o Julián Grau Santos. Tras su inauguración, la muestra recorrió durante tres años distintas sedes del Instituto Cervantes en tres continentes.

Nacido en Valladolid en 1920, Delibes desarrolló una carrera literaria extraordinaria. Cerca de sesenta títulos integran una producción que abarca novelas, cuentos, libros de viajes, obras sobre caza y pesca, literatura infantil, ensayos y artículos periodísticos. Su escritura estuvo marcada por la preocupación ética, el amor por Castilla, la defensa de la naturaleza y la atención a los más humildes.

Miembro de la Real Academia Española desde 1973, entre los numerosos reconocimientos que recibió destacan el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, el Premio Nacional de las Letras Españolas y, sobre todo, el Premio Cervantes, concedido en 1993.

El próximo 29 de julio se estrena Spider-Man: Brand New Day, la cuarta parte de la saga protagonizada por Holland en la que ya quedaron atrás los tiempos como adolescente que caracterizan al personaje: ahora es un hombre adulto que ha desaparecido del recuerdo de aquellos a los que amó de acuerdo a los hechos acontecidos en la anterior parte, aunque sigue combatiendo el crimen en solitario.

En medio de la gira de presentación de la película se le ha preguntado quién podría sustituirle en el puesto y el intérprete ha dado una respuesta clara: Owen Cooper.

El candidato perfecto para sustituir a Holland

Holland ha dicho a Esquire UK que Cooper “sería fantástico” como próximo Peter Parker y lo ha descrito como un intérprete “superdotado” y “del que todo el mundo habla ahora mismo”. The Hollywood Reporter añade que el actor también ha contemplado que el relevo pueda recaer en una cara nueva y que ese papel sería una “gran plataforma” para alguien que aún no sea conocido.

La elección no llega en abstracto. Cooper ya había manifestado su interés por el personaje en marzo de 2025, cuando dijo a la revista i-D: “Quiero interpretar a Spider-Man”.

El nombre de Cooper ha ganado peso después de Adolescencia, la miniserie de Netflix con la que se dio a conocer, un trabajo que le valió premios en los BAFTA TV Awards, los Globos de Oro y los Primetime Emmy.

En la misma entrevista con Esquire UK, Holland ha explicado que le gustaría participar en el desarrollo futuro del personaje, aunque ha admitido que “es bastante difícil conseguir un crédito de productor en películas futuras”. La idea, según sus palabras, es poder acompañar al siguiente intérprete como él fue acompañado al comienzo de su recorrido en Marvel.

Un trabajo de acompañamiento

“De la misma manera que Robert Downey Jr. fue un mentor para mí en mis tres primeras películas, me encantaría ser esa persona para quien venga después”, ha dicho Holland. La comparación con Downey no es nueva: Deadline recuerda que el actor ya había mencionado antes esa influencia en otras entrevistas.

En declaraciones recientes a Empire, Holland ha ampliado esa idea más allá de Peter Parker y ha abierto la puerta a otros personajes del universo arácnido. “Para quien venga después, ya sea un Miles Morales o una Spider-Gwen o una Spider-Woman o algo así, me encantaría formar parte de la preparación del siguiente capítulo”, ha dicho.

Ese deseo de continuidad convive con una etapa todavía abierta como protagonista. Holland debutó como Spider-Man en 2016 con Capitán America: Civil War, donde pasó a integrarse oficialmente en el Universo Cinematográfico de Marvel, y un año después encabezó Spider-Man: Homecoming, distribuida por Sony Pictures, con Downey retomando el papel de Iron Man.

Después repitió como Peter Parker en Avengers: Infinity War (2018), Avengers: Endgame (2019), Spider-Man: Lejos de casa (2019), Venom: Habrá matanza (2021) y Spider-Man: No Way Home (2021).

La cuarta película de Tom Holland como Spider-Man está dirigida por Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos) y escrita por Chris McKenna y Erik Sommers. En el reparto figuran Holland de nuevo como Peter Parker y Zendaya como MJ, además de Jon Bernthal, Sadie Sink y Liza Colón-Zayas.

A Mark Frost lo conocemos principalmente porque ha pasado a formar parte del imaginario de la cultura popular por ser el creador junto a David Lynch de la serie de culto Twin Peaks. Juntos conformaron todo ese imaginario repleto de extrañeza y de personajes surrealistas en torno al asesinato de Laura Palmer en un pueblo ficticio donde anidaba la locura y la perversión, como claro reverso del sueño americano que siempre fue uno de los temas favoritos del fallecido director.

Sin embargo, durante los años noventa, Frost también cultivó una carrera como escritor. En 1993 publicó La lista de los siete, una aventura de conspiraciones, espiritismo, elementos de terror y referencias históricas y literarias protagonizada por una versión ficticia de Arthur Conan Doyle, el escritor de Sherlock Holmes.

Ahora, la editorial Impedimenta recupera también su continuación, El sexto mesías, que apareció originalmente en 1996 y que traslada a Conan Doyle a Norteamérica durante 1894 y que lo relacionará con una conspiración para robar libros sagrados de varias religiones y ejecutar una ceremonia apocalíptica.

De qué va ‘El sexto mesías’

La trama arranca con Doyle viajando a Nueva York junto a su hermano menor Innes Doyle, en una gira de conferencias, mientras investiga en secreto la desaparición de varios textos religiosos por orden de Lord Gladstone. Durante la travesía se produce el asesinato de un librero especializado en ejemplares raros y un sacerdote anciano revela ser en realidad Jack Sparks, que sobrevivió a su caída en Reichenbach Falls (uno de los escenarios cruciales de la novela El problema final de Doyle), aunque ha quedado física y espiritualmente quebrado.

Los sueños de una “torre negra” en medio del desierto empujan la investigación hacia un lugar concreto y extraño. Esas mismas visiones las comparten otros cuatro personajes: Kanazuchi, un monje budista japonés; Mary Williams, también llamada Walks Alone; el rabino Jacob Stern, experto en cábala; y Peregrine Raipur, un príncipe indio aficionado a la magia.

A ese grupo se suman Eileen Temple, actriz inglesa y antigua amante de Doyle, y Dante Scruggs, un asesino en serie reclutado por los ladrones de libros. Todos acaban convergiendo en New City, una comunidad religiosa de Utah fundada por el reverendo A. Glorious Day y presidida por una torre de piedra negra de tamaño catedralicio levantada por los propios vecinos. Una auténtica locura.

El objetivo consiste en reunir los mencionados libros sagrados de las principales religiones para celebrar un ritual que pretende “destruir” a Dios y abrir la puerta a “la Bestia”. Los habitantes de la ciudad, dominados por una mezcla de fanatismo religioso y control mental, están destinados a morir dentro de la torre como parte de la ceremonia.

La explicación doctrinal del plan se apoya en la cábala a través de Jacob Stern. Así, se expone la idea de que las palabras escritas poseen un poder divino propio y que la creencia en el Mesías no se centra tanto en una persona como en cualidades y poderes que distinguen a uno o varios individuos.

Aventuras oscuras e imaginativas

La novela se sitúa en un registro de aventura mezclada con un poco de wéstern, fantasía oscura y ocultismo satánico, con un ritmo más pausado que el de La lista de los siete (también editada por Impedimenta). El libro presenta a Doyle como un autor de éxito internacional al que no dejan de preguntar cuándo devolverá la vida a Holmes tras su supuesta muerte en Reichenbach Falls en la mencionada El problema final.

En definitiva, tanto en su faceta como guionista como en la de escritor, Mark Frost demuestra un imaginación desbordante a la hora de componer escenas que se quedan clavadas en el inconsciente. Su literatura puede que sea ligera (por entretenida), pero está repleta de fuerza y de una potencia visual arrolladora en la que no paran de pasar cosas de lo más sorprendentes.

Este lunes 15 de junio la actriz y directora estadounidense Helen Hunt ha cumplido 63 años. La ganadora del Oscar a Mejor Actriz por su interpretación en la película Mejor... imposible (1997) es una de las figuras más reconocidas del cine estadounidense de las últimas décadas gracias a títulos como Náufrago (2000), Lo que ellas quieren (2000) o la serie Loco por ti (1992-1997).

Sin embargo, hay una película que ocupa un lugar especial dentro de su filmografía. Esta es Twister (1996), el exitoso largometraje centrada en un grupo de cazadores de tormentas que persiguen tornados por el Medio Oeste estadounidense. La película fue un fenómeno de taquilla recaudando cerca de 500 millones de dólares y, casi tres décadas después, el año pasado, dio lugar a una secuela (independiente) que volvió a despertar el interés del público por esta historia.

Dirigida por Jan de Bont y protagonizada por Helen Hunt junto a Bill Paxton, Twister sigue a un grupo de cazadores de tormentas que recorren Oklahoma con el objetivo de probar un innovador dispositivo capaz de recopilar datos del interior de los tornados. En medio de fenómenos meteorológicos cada vez más peligrosos, Jo Harding (Hunt) y su exmarido Bill (Paxton) deberán dejar a un lado sus diferencias personales para enfrentarse a una serie de tormentas devastadoras que amenazan con destruir todo.

La película fue aclamada por sus logrados efectos especiales, considerados revolucionarios para la época. “Resulta imposible distinguir las auténticas tormentas, los tornados captados por la segunda unidad de producción, de las creadas por los diseñadores de efectos especiales”, escribió el diario El País en su crítica de 1996. En USA Today, el periodista Mike Clark la definió como “un éxito veraniego que hará las delicias de todos”, una valoración que casi tres décadas después sigue reflejando el cariño que el público mantiene por la película.

El espectacular resultado visual convirtió a la cinta en una referencia dentro del cine de catástrofes y le valió dos nominaciones a los premios Oscar, en las categorías de Mejores Efectos Visuales y Mejor Sonido. Además, fue una de las primeras superproducciones en demostrar el potencial de las imágenes generadas por ordenador para recrear fenómenos naturales a gran escala, abriendo el camino a numerosos éxitos de Hollywood que llegarían en los años posteriores.

Los problemas durante el rodaje

Sin embargo, el éxito de la producción fue mucho mejor que el rodaje. Bill Paxton llegó a explicar en una entrevista que tanto él como Hunt sufrieron lesiones oculares mientras rodaban una escena que requería mirar directamente a unas potentes luces.

“Recuerdo esas cuatro bombillas de 160.000 vatios de luz sujetas a la parte trasera del camión de cámaras, filmándonos”, recordó Hunt en una entrevista de 2020 con Vulture. “Y de por sí tengo los ojos muy entrecerrados y sensibles. Y recuerdo haber pensado: ‘Apenas puedo mantener los ojos abiertos’”. “Estuvimos allí todo el día rodando la escena, y al día siguiente, Bill entró en el camerino de maquillaje y me preguntó: ‘¿Puedes ver?’. Y yo le dije: ‘En realidad, no’. Fue muy raro”, explicó Hunt. Finalmente los daños temporales afectaron a su visión durante varios días.

Pese a ello, en 2024 llegó una secuela independiente llamada Twisters, que, dirigida por Lee Isaac Chung, sigue a Kate (Daisy Edgar-Jones), una antigua cazadora de tormentas que abandonó la actividad tras vivir una experiencia traumática. Cuando un viejo amigo le propone volver a estudiar tornados, regresa al campo y cruza su camino con Tyler (Glen Powell), una popular estrella de las redes sociales conocida por grabar sus arriesgadas persecuciones de tormentas.

En 2025, las salas de cine se llenaron de espectadores que asistieron a ver la adaptación del que se considera el videojuego más vendido de la historia: Minecraft. A pesar de las dudas iniciales sobre su desempeño y las críticas negativas recibidas por parte de la crítica, la película resultó ser un verdadero éxito, que llegaría a superar los 960 millones de dólares a nivel mundial.

La historia de Una película de Minecraft sigue a Garret Garrison (Jason Momoa), Henry (Sebastian Eugene Hansen), Natalie (Emma Myers) y Dawn (Danielle Brooks), cuatro inadaptados que quedan atrapados en el universo cúbico de Minecraft. Su única esperanza para regresar es aprender a navegar ese mundo, apoyados por Steve (Jack Black), un experto en la creación de objetos al que se encuentran en ese extraño lugar en el que se encuentran.

Como vemos, el reparto de la película es estelar, con estrellas del cine de acción y de comedia que encajan a la perfección con el tono de aventura familiar que tiene la producción. Sin embargo, el elenco no se acaba con los protagonistas. La película cuenta también con la participación de Jennifer Coolidge (American Pie), Jemaine Clement (Lo que hacemos en las sombras) y las voces de Rachel House, Matt Berry y Jared Hess, director de la película.

De qué va ‘Una película de Minecraft’

Aunque el relato gira en torno a los personajes jóvenes, la dupla formada por Jack Black y Jason Momoa acapara la atención. Black, en el papel de Steve, se convierte en el alma de la cinta. Su personaje es un vendedor desafortunado que termina trabajando en una mina y que, allí, descubre dos misteriosos objetos que lo transportan a Overworld, el mundo de Minecraft.

La película se distingue por un enfoque que funciona tanto para fanáticos del videojuego como para quienes no han jugado nunca. El director Jared Hess consigue que el fan service conviva con un humor accesible, logrando que los guiños a Minecraft sean disfrutados tanto por iniciados como por recién llegados. En este sentido, la química entre ambos actores dota de energía y desenfado a una película que, pese a estar basada en un universo digital, nunca pierde el sentido del humor ni la ligereza.

No es de extrañar, pues, que Warner y Legendary Entertainment, los estudios responsables del proyecto, hayan decidido contar con ambos para la esperada secuela, que ya cuenta incluso con título: Una película de Minecraft al cuadrado. El estreno en cines está programado para el 23 de julio de 2027, y ya se sabe que el reparto original volverá a escena. Eso sí, también contarán con algunas novedades, como la incorporación de Kirsten Dunst en el papel de Alex, personaje icónico del videojuego.

Eso sí, antes de que llegue esta nueva entrega, los espectadores pueden seguir disfrutando de Una película de Minecraft en HBO Max hasta el 19 de junio, momento en el que se despedirá de la plataforma para llegar a Netflix, con la que ha firmado un nuevo acuerdo de distribución.

El largometraje retrata la historia de amor entre Iván (Chicón, Málaga, 1988), un chico trans que trabaja como mozo de almacén en un invernadero de Almería, y la hispano-marroquí Hadoum (Herminia Loh; Tetuán, 1993), su nueva compañera. Entre medias, tendrán que hacer frente a los prejuicios de una sociedad que no tiene normalizada una realidad que existe y que, lejos de lo que plantean multitud de otras ficciones, no supone un trauma para los protagonistas. Por si fuera poco, la historia tiene varios componentes que la hacen cinematográficamente histórica en nuestro país: en particular, el sexo trans. El arco que lo acompaña viene de la mano de la diferencia (y orgullo) de clase.

Este hito viene reconocido por el Festival de Berlín. El pasado 24 de febrero —cuatro días antes de la celebración de los Goya en Barcelona— Iván & Hadoum se llevó en la Berlinale el Teddy Award, que premia a la mejor película de temática LGTBIQ+ del festival —la primera y única vez que se le concedió a una cinta española fue en 1987, en su primera entrega, a Pedro Almodóvar por La ley del deseo—. Unas semanas después, el debut de De la Rosa llegó al Festival de Málaga en Sección Oficial para hacerse con tres premios: Premio Especial del Jurado, Mejor Guion y Mención Especial para su protagonista, Silver Chicón.

No es un recorrido cualquiera. En los últimos años, algunas de las películas más importantes del cine español han seguido una estela bastante similar: primero, con un estreno internacional en Berlín y llevándose un premio bajo el brazo; después, un paso triunfal por Málaga que ha culminado en la gran cita del cine español al año siguiente. Ahí están los casos de 20.000 especies de abejas (2023) -Sofía Otero ganó el Oso de Plata interpretando a una niña trans de seis años- y Sorda (2025), donde Miriam Garlo se alzó con el Goya a Mejor Actriz Revelación, siendo la primera persona no oyente en conseguirlo en los 40 años de los premios.

“Afortunadamente, después de mucha lucha estamos llegando a generar este tipo de historias, donde lo trans no es el conflicto. Y esa era una de las cosas más importantes para mí con esta película. Era una necesidad”, apunta su director. De la Rosa vuelca en su ópera prima muchas de las reflexiones sobre “lo trans, la identidad, el amor, el deseo y Almería”, su ciudad natal. “Es una ficción escrita con una estructura clásica narrativa bastante evidente, pero con unos personajes que no lo son”, apunta.

De la Rosa ha tratado la realidad trans en dos cortos: Víctor XX (2015), ganador del Premio Cinéfondation en el Festival de Cannes hace ya más de una década; y Farrucas (2021), nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción y ganador del Premio Gaudí en la misma categoría, por el que se convirtió en el primer director trans en España en conseguirlo. Por si fuera poco, ha sido guionista de la aclamada serie Veneno (de Javier Calvo y Javier Ambrossi, 2020) y de su secuela, Vestidas de Azul.

Pero la singularidad de Iván & Hadoum no reside únicamente en la historia de su protagonista. Para De la Rosa, era igual de importante construir a Hadoum lejos de los clichés que suelen acompañar a los personajes marroquíes en la ficción española. “Hadoum es un personaje transcultural, hispano-marroquí, que sabe lo que significa navegar entre aguas e identidades donde a lo mejor no acabas de encajar o no se te acaba de reconocer”, explica el director. “Hay muchas personas que viven en esa transculturalidad y que tampoco tienen una representación o la representación que tienen muchas veces es de un cliché que conocemos”, añade.

La voluntad de alejarse de los estereotipos en torno a lo trans y la migración —a Hadoum la llaman ‘la mora’— fue lo que atrajo a sus protagonistas. “Ha sido un privilegio poder hacer este personaje que no se centra en eso. Las mujeres marroquíes nos podemos enamorar de chicos trans y podemos tener sexo. No todo es el trauma y el dolor”, reconoce Loh, algo con lo que coincide Chicón. “Qué guay que otros chicos o chiques trans vean la peli, se puedan sentir identificades y vean que también puedes ser trans y tener historias de amor desde la luz, no todo desde el trauma. Es la película que a mí de pequeño me hubiese gustado ver”, reflexiona.

Escenas de sexo “necesarias”

Por eso mismo, las escenas de sexo que aparecen en pantalla pueden considerarse históricas. “A mí me encanta haberlas hecho, me parecen tan necesarias”, reflexiona Loh. “Se han contado de una manera muy realista. Son tiernas, pero también ves el deseo, la ternura y el sexo tal y como es”, cuenta. Chicón defiende que las escenas íntimas no buscan la provocación ni la reivindicación explícita, sino acompañar el desarrollo de los personajes. “A medida que se sienten más cómodos consigo mismos y entre ellos, también cambia la forma en que viven la intimidad. Además, muestran una realidad que rara vez aparece en pantalla. Rompen ciertos clichés sobre cómo se supone que debe ser una relación entre un hombre trans y una mujer y, de alguna manera, amplían las posibilidades de representación. Hay gente que ni siquiera se había planteado que existen otras maneras de vivir el sexo”.

La conexión entre ambos personajes se construye también desde la clase social. Bajo los campos de plástico de Almería, Iván quiere convertirse en “el hombre de la casa” aceptando una promoción en el trabajo para poder comprarse una casa -en la que vivirán también su madre, su hermana y su sobrino-, poniendo contra las cuerdas su relación con Hadoum. Ella, recordemos, es envasadora y él será su jefe. “Por encima de las identidades están el dinero y la clase social”, afirma De la Rosa. “Si eres rico, todo es mucho más fácil”. El cineasta, hijo de trabajadores sociales, se siente cómoda representándola porque “echo de menos verla en la gran pantalla”. “Me he criado en una casa donde lo social y la clase estaban muy, muy, muy presentes . Es inevitable, ¿no? En mí está de forma orgánica", asegura.

Para los protagonistas es su primera inserción en el mundo del cine, aunque los dos tienen su lado artístico. Chicón, artista drag, vive en Londres desde hace una década. Loh es la música, productora y DJ conocida como Restinga -de hecho, ha sido una de las múltiples recomendaciones culturales de Pedro Sánchez en su cuenta de TikTok cada fin de semana-. En el caso del protagonista, todo comenzó con un mensaje de la directora de fotografía, Beatriz Sastre. “Se está haciendo este proyecto en España, buscan a un chico trans andaluz, es que eres tú. Te tienes que presentar”, recuerda. “Yo me presenté por la experiencia. En ningún momento pensé: ‘Me van a coger, voy a dejar mi trabajo, me voy a ir de Londres y voy a grabar una película’”.

“Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos”

Loh tampoco se lo esperaba. Especialmente porque la directora de casting, Marichu Sanz, dio con ella a través de Google, bajo el término “cantante hispano-marroquí andaluza”. “Se puso en contacto conmigo y me contó que estaba haciendo el casting del primer largo de Ian de la Rosa. Hice un primer casting y pensé: ‘Bueno, venga, pues para echar el día en Madrid’”, recuerda. Un año y tres meses después, la cinta que coprotagonizan ya ha ganado cuatro premios. Y lo que le queda.

España, a la cabeza en materia LGTBQ+

Pero el fenómeno que explica la existencia de películas como Iván & Hadoum va mucho más allá de una sola producción. “Lo que está cambiando es que las personas trans, queer y LGTBI estamos llegando a escribir, producir, dirigir e interpretar. Esto es un cambio histórico”, señala De la Rosa. “El cine tampoco lleva tanto tiempo y creo que es una de las primeras veces que sucede dentro de una industria mainstream donde se puede llegar a un público amplio, porque en lo underground hemos estado siempre”.

Este año, la transmasculinidad está más presente que nunca. Además de Iván & Hadoum, a principios de mes llegó a cines Este cuerpo mío, el largometraje dirigido y coprotagonizado por la actriz Carolina Yuste y su amigo, el realizador y activista Afioco Gnecco, cuya obra sigue los primeros años del proceso de transición de Afioco. En julio llegará Nueve lunas -también preestrenada en Málaga-, con la historia de Fran, un joven entrenador personal que descubre que está embarazado. Todos están protagonizados por personas transmasculinas, delante y detrás de la cámara.

¿Va España por delante de otros países en materia de ficción trans? “Totalmente. Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos, aunque quizá necesitamos un poco de perspectiva para entender los pasos que se están dando ahora mismo. Eso hay que celebrarlo y nos tenemos que aplaudir, porque es genial. Pero también tenemos que protegerlo porque es muy frágil, una victoria muy frágil".

Quizá por eso no le preocupa especialmente la reacción que pueda provocar la película en determinados sectores. “Si me preocupasen las reacciones de la gente que no va a aceptar ciertas cosas, estaría metido debajo de una piedra ahora mismo”. Para él, Iván & Hadoum funciona ante todo como una invitación al encuentro. “La película conecta de forma universal con el espectador. No es panfletaria y tampoco puede gustarle a todo el mundo. Pero si alguien la rechaza únicamente por una cuestión ideológica, se está perdiendo no solo esta película, sino muchas otras facetas de la vida”, finaliza.

La lista de lo más visto en Netflix en España se ha visto sacudida por la irrupción de una nueva serie en el top uno desde su estreno. Se trata de Perdiendo el juicio, un drama judicial estrenado en Atresplayer en marzo de 2025 y emitido en Antena 3, que acaba de ver cómo su llegada a la plataforma de streaming le acaba de dar una segunda vida, superando incluso a El testigo, la serie de moda de las últimas semanas.

Perdiendo el juicio sigue el derrumbe de Amanda Torres, una abogada madrileña de renombre que sufre una crisis de trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) durante un juicio público. Este episodio no solo destruye su reputación, sino que la obliga a abandonar el entorno elitista en el que se había hecho un nombre. Amanda debe comenzar de nuevo en un despacho modesto, rodeada de personajes más cercanos y caóticos que aquellos a los que estaba acostumbrada.

Sin embargo, la trama da un giro cuando Amanda se enfrenta a la defensa de su propia hermana, Daniela, acusada de asesinato el día de su boda. Este caso añade una dimensión emocional al relato, pues la protagonista debe demostrar su valía profesional y, al mismo tiempo, afrontar heridas familiares profundas. Cada episodio presenta un nuevo caso judicial, pero el verdadero motor narrativo reside en la transformación personal de Amanda y su lucha por aceptar una vida distinta a la que había planeado.

El reparto del nuevo éxito de Netflix

Lejos de trivializar el TOC que afecta a Amanda, Perdiendo el juicio opta por un retrato equilibrado, evitando tanto la caricatura como el dramatismo excesivo. La acción avanza entre momentos de humor y dolor, reflejando el esfuerzo de la protagonista por reconstruir su cotidianeidad y recuperar el control de su vida. Este enfoque ha generado empatía entre los espectadores, que encuentran en Amanda una figura imperfecta, pero profundamente humana.

La actriz encargada de encarnar a Amanda es Elena Rivera, actriz que con 13 años inició su carrera en Cuéntame cómo pasó y que ha consolidado su perfil adulto en series como Alba. En este nuevo trabajo, no obstante, ofrece una de sus mejores interpretaciones tanto por la honestidad como por la fragilidad que consigue reflejar en su personaje.

En el elenco protagonista la acompañan Manu Baqueiro como Gabriel Ochoa, el dueño del nuevo bufete, quien aporta un contrapunto más terrenal y menos rígido; Miquel Fernández en el papel de César, esposo de Amanda y figura central de su vida anterior; y Carol Rovira como Daniela, cuya acusación de asesinato desencadena el principal conflicto de la temporada. En un papel más secundario, completan el reparto con nombres como Lucía Caraballo, Dafne Fernández y Eloy Azorín.

El éxito de la serie en Netflix reafirma la tendencia de recuperación de ficciones españolas en las plataformas, donde títulos que parecían haber cerrado su ciclo encuentran una nueva oportunidad para brillar. Ejemplos de ello son producciones como La Casa de Papel, Vis a Vis, Entrevías o Toy Boy. Por su parte, con todos los episodios disponibles y una segunda temporada en marcha, Perdiendo el juicio promete seguir dando que hablar en el competitivo mundo de las series televisivas.

Si a Clint Eastwood le cambió la vida rodar una película entre Burgos, Almería y Madrid, a Tom Holland (Londres, 1996) se la cambió hacerlo en Alicante. Unos años antes de convertirse en Spider-Man y ponerse en la piel de Peter Parker, el actor británico fue descubierto por uno de nuestros directores más internacionales: J.A Bayona.

El debut cinematográfico del actor fue precisamente en Lo imposible (2012), la película con la que el cineasta catalán reconstruyó la historia real de la familia Álvarez Belón, atrapada por el tsunami que devastó el sudeste asiático en 2004, cuando estaban de vacaciones en Tailandia. La producción, que se convirtió en un éxito nacional e internacional, fue la carta de Holland en la industria audiovisual y el primer paso de una carrera que, apenas cuatro años después, lo llevaría a interpretar a uno de los personajes más reconocibles de la historia del cómic.

Ahora, cuando el actor británico ultima el estreno de Spider-Man: Brand New Day, en España previsto para este próximo 29 de julio -y donde esta semana está de promo junto a Zendaya, con la que se ha casado recientemente-, Bayona ha recordado cómo fue el proceso de selección que terminó cambiando la vida de ambos.

“En las audiciones para Lucas en Lo Imposible, vimos a miles de niños, pero desde la primera grabación que vimos, Tom Holland tenía una humanidad muy especial”, ha contado Bayona a la revista Esquire, donde Holland repasa su trayectoria. “No tenía miedo de mostrarse vulnerable y poseía una capacidad instintiva para empatizar con la historia y conmoverse ante el sufrimiento ajeno”.

El actor tenía apenas 14 años cuando se puso en la piel de Lucas, un niño de 12 que lucha por sobrevivir junto a su madre —interpretada por Naomi Watts, cuya actuación le valió una nominación al Oscar— tras el devastador tsunami y emprende una desesperada búsqueda para reencontrarse con el resto de su familia. El reparto lo completaban Ewan McGregor, en el papel del padre, y los jóvenes Samuel Joslin y Oaklee Pendergast, que daban vida a sus hermanos pequeños.

Naomi Watts, su ‘maestra’ en la interpretación

Además, el propio Holland ha recordado recientemente aquella experiencia durante una entrevista en el podcast de Amy Poehler. El actor reconoció que el rodaje de Lo imposible supuso una auténtica escuela de interpretación gracias a Naomi Watts, de quien asegura haber aprendido prácticamente todo lo que sabe sobre el cine.

“Para mí fue una clase magistral de interpretación de Naomi Watts. Poder estar cada día en el set con una profesional en la cima de su carrera, viendo cómo construía una actuación tan extraordinaria mientras me acogía bajo su ala y me enseñaba todo lo que sabía sobre el cine, fue increíble”, explicó sobre lo que recordaba del rodaje, que tuvo lugar en la Ciudad de la Luz en Alicante, para el que se construyó un enorme tanque de agua.

No hay que olvidar que Lo imposible fue su primer largometraje. Holland acababa de abandonar el musical Billy Elliot cuando se presentó a las pruebas para la película de Bayona. “No tenía ni idea de lo que estaba haciendo”, confesó. Por eso recuerda con especial cariño la paciencia de Watts durante el rodaje. “Era muy amable y cariñosa. Yo cometía errores constantemente. Me decía dónde tenía que colocarme o que estaba tapando la cámara y, aunque estuviéramos rodando escenas muy emocionales, era capaz de salir un instante del personaje para ayudarme y volver inmediatamente a la interpretación”, relató.

Que ahora mismo se está jugando el Mundial es algo que podemos ver en otras partes, además de en la pantalla. Basta con acercarse a un supermercado y ver cómo al entrar te encuentras con ofertas de bolsas de patatas y cervezas, o cómo los balcones se llenan de banderas. Sin embargo, aunque muchas personas solo quieran hablar del último gol o la jugada más polémica, a muchas otras, simplemente, no les interesa lo más mínimo lo que ocurra en la Copa del Mundo.

Y mientras la tele está ocupada por el furor mundialista, ¿los demás qué hacen? Lo cierto es que, aunque no lo parezca, los sectores culturales y del entretenimiento también se preparan para captar a los menos futboleros y futboleras. Así lo demuestra, por ejemplo, un reciente estudio de la plataforma de venta de libros Buscalibre, que analiza en clave literaria cómo existe otra parte de la población que “aprovecha” el Mundial “para dedicar más tiempo a otras actividades como la lectura”.

Durante las semanas que dura el torneo (con datos de 2018, 2022 y 2026), los géneros literarios de fantasía juvenil y novela romántica aumentan en ventas hasta un 30% frente a períodos regulares, indica este portal. “Por otro lado, la novela histórica y la no ficción muestran caídas” en ese mismo lapso de tiempo, “lo que sugiere que el lector habitual de esos géneros no es tan ajeno al fútbol”. “El Mundial, en ese sentido, no se divide entre quienes leen y quienes no leen sino entre géneros, ritmos narrativos y formas distintas de gestionar la atención”.

Se busca diversidad y arrastrar al espectador

Las tendencias alternativas al Mundial no son exclusivas de los libros. En 2025, un estudio de la Fundación de Prensa de Corea y la Universidad de Anyang de Corea del Sur analizó cómo los canales de pago aumentaban la variedad de programas no deportivos en su parrilla, dado que los espectadores no interesados buscan “activamente” opciones diferentes. “La diversidad, que es un derecho fundamental y el objetivo último de la política de la difusión en medios, no debe ser vulnerada“, concluyen.

El Mundial sacude completamente la programación televisiva. Las plataformas de streaming aumentan sus estrenos y buscan, de alguna manera, no perder presencia en los hábitos de consumo, mientras que las cadenas, conscientes de que los partidos concentran los picos de audiencia, alteran su parrilla con diferentes propósitos. El Mundial no siempre es malo para los programas no deportivos. Un ejemplo es el programa de humor El perro andaluz, del cómico Manu Sánchez, que se benefició en su estreno del efecto arrastre (los espectadores que se quedaron después del primer partido) de la Copa del Mundo con un 15,1% de la audiencia.

Por su parte, Juan José Daza, director de Buscalibre, insiste en que “los eventos deportivos masivos generan una saturación del espacio público que no todo el mundo procesa de la misma manera. Hay un perfil de consumidor cultural que, ante esa concentración de estímulos en un solo tema, busca activamente un espacio propio”. En redes sociales como X o Reddit han proliferado posts donde la pregunta se repite: “¿Qué vas a hacer para evitar ver el Mundial?“. Cada cual tiene su respuesta.

La fiebre del true crime no toca techo. Después de tantas producciones que han llevado a la pantalla historias casi imposibles de creer, desde el crimen de Santoalla (que dio lugar a As bestas, de Rodrigo Sorogoyen) hasta El caso Asunta, llega ahora una nuevo caso que ha dejado boquiabierto a los suscriptores de Netflix.

La premisa es la siguiente: La policía detiene a una mujer que dice que acaba de dar a luz, pero ni el bebé ni la sangre son suyos. ¿Cómo es esto posible? Esa es la inquietante pregunta que plantea Instinto maternal (Maternal Instinct), la nueva película documental de Netflix que reconstruye uno de los crímenes más impactantes de los últimos años en Estados Unidos.

Dirigido por Jessica Dimmock, la cinta de apenas hora y media sigue el caso de Taylor Parker, una mujer que hizo creer a su entorno, e incluida su pareja, que estaba embarazada. Con esto, el tráiler arranca de la siguiente forma: el 9 de octubre de 2020, Parker llamó a emergencias asegurando que acababa de dar a luz en plena carretera y que el bebé no respiraba. Pero cuando los médicos la examinaron comprobaron que no existía ninguna evidencia de que hubiera dado a luz. Tampoco que la sangre del niño fuera suya.

Paralelamente, la policía investigaba un brutal crimen ocurrido en la vivienda de la joven Reagan Simmons-Hancock, una joven de 21 años embarazada de 35 semanas que había entablado amistad con Parker tras coincidir en su boda.

Atención spoilers: cuidado si vas a leer desde aquí y no has visto la película

Antes de convertirse en protagonista de uno de los sucesos más estremecedores de los últimos años en el país americano, Taylor Parker era una joven aparentemente integrada en una pequeña comunidad rural de Texas. Según contaba ella misma, procedía de una familia adinerada relacionada con el negocio del petróleo y estaba destinada a heredar una importante fortuna. También aseguraba estar embarazada de su pareja, Wade Griffin, con quien apenas llevaba unos meses de relación.

Una de las preguntas que intenta responder el documental es la de cómo consiguió fingir un embarazo durante tanto tiempo. Para ello compartía imágenes de las ecografías y planificaba su futuro junto a su pareja como si todo fuese real.

Sin embargo, poco a poco su entorno se fue dado cuenta de que mentía, después de que amigas suyas aseguraron que en el pasado había asegurado sufrir graves problemas de salud. Pero la realidad es que Parker no podía quedarse embarazada: varios años antes se había sometido a una histerectomía, una operación que consiste en la extirpación del útero, lo que hacia imposible que pudiera tener hijos.

¿Quién era Reagan Simmons-Hancock?

Reagan tenía 21 años y estaba embarazada de 35 semanas cuando se cruzó en la vida de Taylor Parker. Ambas se conocieron después de que Parker fotografiara su boda.

¿Y qué tiene que ver ella en todo este caso? Mientras Parker sostenía ante la Policía que acababa de dar a luz en plena carretera, los investigadores trataban de esclarecer un crimen cometido a pocos kilómetros de allí. Simmons-Hancock había desaparecido el mismo día en que Parker llamó a emergencias. Cuando los agentes registraron su vivienda encontraron indicios de un violento ataque y descubrieron que la joven, embarazada de 35 semanas, había sido asesinada. La investigación concluyó que Parker había atacado a Reagan y le había extraído a su hija nonata con el objetivo de hacer creer a todo el mundo que ella misma acababa de dar a luz.

¿Sobrevivió el bebé? No. La niña, que posteriormente recibió el nombre de Braxlynn Sage Hancock, fue declarada muerta en el hospital. Tras ser detenida y juzgada, Taylor Parker fue declarada culpable de asesinato capital. Un jurado la condenó a pena de muerte y, en 2025, el Tribunal de Apelaciones en lo Criminal de Texas confirmó tanto la condena como la sentencia. A día de hoy continúa recurriendo el fallo judicial, pero sigue siendo la mujer más joven del corredor de la muerte de Texas.

El final del rodaje de A puño descubierto ha dado inicio a la cuenta atrás para que los fans de Mario y Óscar Casas podamos volver a verlos juntos en la gran pantalla. Después de que el mayor se estrenara en la dirección con Mi soledad tiene alas, donde su hermano tenía el papel principal, ahora llega el momento de un nuevo proyecto que ha culminado tras varias semanas de intenso trabajo en Barcelona.

La noticia ha sido anunciada tanto por la productora como por los propios integrantes del equipo, con un emocionado Óscar Casas que quiso compartir unas palabras en redes sociales sobre cómo había sido la experiencia. “Hermano, nuestra segunda peli juntos ha terminado... No tengo palabras para describir lo que hemos vivido. Gracias por sacar lo mejor de mí, por regalarme tu pasión, tu entrega. Tú haces que me enamore de esta profesión, de las historias, del cine. Por mil viajes más juntos, hermano, te amo”.

Además, el actor, cuya devoción y agradecimiento por su hermano mayor ya había quedado patente mucho antes de este mensaje, ha querido dirigir también unas palabras a sus fans, aumentando la expectación por la película: “Os puedo asegurar que no sabéis lo que hemos hecho”, haciendo que la espera de sus seguidores por poder ver A puño descubierto se haga todavía más larga.

Final del rodaje y expectativas para el estreno

La filmación de A puño descubierto arrancó el 17 de abril en Barcelona y Gran Canaria y se extendió durante seis semanas y media. El elenco, encabezado por los hermanos Casas, se completa con Tania Noriega, Migdalia H. y Javier Oliveras y el guion lo firman Eduard Sola (La casa en flames, Querer) junto a Mario Casas, quien en 2021 recibió su primer Goya como actor por No matarás. Además, cuenta con un equipo técnico integrado por profesionales como Edu Canet (Muy lejos) en fotografía y Alba S. Torremocha en música.

La historia de la película se centra en Luis y Daniel, dos hermanos inmersos en el mundo de las peleas clandestinas. La relación entre ambos, tan fuerte como frágil, se pone a prueba por sus diferentes sueños: mientras uno busca escapar de ese entorno, el otro permanece atado por la necesidad y la lealtad. De este modo, la historia explora “la fraternidad, el sacrificio y la posibilidad —o no— de escapar del destino heredado”, según reza la sinopsis oficial.

A lo largo del relato, los protagonistas deberán afrontar límites personales y tomar decisiones que los enfrentarán con las consecuencias de su pasado y su entorno. Una trama perfecta para que Mario Casas siga avanzando en su carrera como cineasta de la mano del que, muy probablemente, sea su actor predilecto, tal y como respondía en una entrevista reciente con MeriStation: “Para mi Óscar es de los mejores, es top tres, es uno de los mejores actores de su generación. Es mi hermano y, a la vez, lo que yo estoy pidiéndole al actor protagonista no se lo puedo pedir en esta peli a otro actor que no sea mi hermano“.

Es común pensar que la filosofía se dedica a los debates más sesudos: lógica, ética, física, metafísica... Sin embargo, lo cierto es que uno de los campos por los que más se ha interesado es el de los lazos humanos. Ya desde los antiguos griegos, muchos filósofos encontraban en la amistad el motor del conocimiento compartido, con figuras como la de Epicuro, quien llegó a afirmar que, de todas las cosas que la sabiduría provee para la felicidad, la mayor es la posesión de la amistad.

Entre los filósofos griegos que reflexionaron sobre los amigos destaca Aristóteles, considerado como uno de los más ilustres pensadores de la Antigüedad. Para él, la filosofía no era un ejercicio solitario, sino una experiencia profundamente comunitaria. De hecho, su inmenso aprecio por los vínculos afectivos quedó inmortalizado para la posteridad en una célebre y conmovedora sentencia: “¿Qué es un amigo? Una sola alma que habita en dos cuerpos".

Esta frase, recogida históricamente por biógrafos como Diógenes Laercio en sus crónicas sobre sabios antiguos, define cómo para Aristóteles el verdadero amigo, más que un simple conocido por el que sentimos un gran afecto, es alguien con quien compartimos una conexión espiritual y emocional. La intimidad entre ambos puede llegar a tal nivel que la distancia física, de hecho, se desvanece, fusionando dos identidades en un mismo sentimiento y propósito de vida.

Los tres tipos de amigos que estableció Aristóteles

En su obra Ética a Nicómaco, Aristóteles diseccionó la amistad dividiéndola en utilidad, placer y virtud. El filósofo afirmaba con rotundidad que “los que quieren a sus amigos por sí mismos son los mejores amigos”. Con esto hacía referencia al carácter desinteresado de este tipo de vínculos, en contraste con lo que a día de hoy podemos ver: mucha gente se relaciona con los demás solo a partir de lo que pueden aportarles personal, material y profesionalmente.

Además, para Aristóteles, la verdadera amistad requiere reciprocidad y tiempo. Él mismo escribió que “el deseo de ser amigos es rápido, pero la amistad es un fruto que madura lentamente”. De este modo, no debemos entender nuestras relaciones como algo surgido de la nada, sino como algo cuya construcción nunca se detiene. En nuestra era digital, llena de interacciones instantáneas y likes, esta idea nos recuerda que un amigo real no se cocina a base de seguirse en Instagram, sino compartiendo cafés, confidencias y momentos únicos.

El filósofo griego también sostenía que nadie elegiría vivir sin amigos, aunque poseyera todos los demás bienes del mundo. Y es que, ¿de qué servirían los mayores éxitos del mundo si no tenemos al lado a una persona especial con la que celebrarlo? Al final, los amigos son el espejo donde mejor nos reconocemos, y sin ellos, dice Aristóteles, nuestra vida es mucho más triste.

Ecos de la amistad

Siglos más tarde, otros gigantes del pensamiento recogerían el testigo de Aristóteles. Friedrich Nietzsche, por ejemplo, consideraba que el éxito y la felicidad de los matrimonios no se debía a “la falta de amor”, sino a “la falta de amistad”. Para él, este vínculo era mucho más poderoso, ya que era capaz de sobrevivir en el tiempo y convertirse en un catalizador capaz de impulsarnos a ser una mejor versión.

Asimismo, el ensayista estadounidense Ralph Waldo Emerson dedicó bellas páginas a este tema, asegurando poéticamente que “la única manera de tener un amigo es ser uno“. Sus palabras conectan directamente con la generosidad aristotélica, recordándonos que el afecto genuino es algo que debemos cuidar nosotros mismos en vez de exigirlo tanto a los demás.

De este modo, ya sea en la Atenas del siglo IV a. C. o en pleno siglo XXI, la amistad verdadera permanece como el tesoro más valioso de la experiencia humana. Las tecnologías cambian y las sociedades evolucionan, pero la necesidad de encontrar esa alma gemela que habite en otro cuerpo sigue siendo el pilar fundamental para no caminar a oscuras por el mundo.

La escritora argentina Paula Klein ha ganado la cuarta edición del premio Lumen de novela por El amor inventado. El premio está dotado con 30.000 euros y la publicación en todo el territorio de habla hispana. Participará el jurado, compuesto por las escritoras Ángeles González-Sinde, Elena Medel y Sabina Urraca; Lola Larumbe, directora de la librería Rafael Alberti en Madrid, y María Fasce, directora literaria de Lumen.

“Me llevó dos años de escribir. Intenta responder a una pregunta como es si de verdad conoces a la persona con la que duermes cada noche”, contaba Klein nada más ser anunciada como ganadora. Los protagonisas son una pareja de periodistas, de los cuales Klein se inspiró en varias relaciones reales que se distanciaron por ficcionalizar el sistema de la prensa. “No es basada en hechos reales, sino que use hechos de la realidad para contar una ficción completa”, aclaraba.

Klein detallaba que le costó encontrar una estrcutura adecuada para plasmar el amor conyugal y como juegan las mentiras un papel fundamental en esta. Citando Ms. Dalloway de Virginia Woolf o El adversario de Emmanuel Carrere como referentes, Klein dirigía su mirada hacia los solteros de la sala para desmitificar la idea del matrimonio. “Siempre me pareció que los matrimonios funcionan mejor cuando gestionan los silencios y la omisión, y no el contarse todo. Nunca vamos a conocer del todo a la persona que tenemos al lado”.

Paula Klein, escritora argentina nacida en Buenos Aires en 1986, es doctora en Literatura Comparada por la Universidad de Poitiers y licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires. Reside en Francia, donde se desempeña como profesora titular en la Université Clermont Auvergne. Su labor académica y de investigación se centra en la literatura latinoamericana contemporánea, especialmente en los cruces entre literatura, archivo y el “giro documental” en la narrativa del Cono Sur.

En 2021 publicó su primera novela, La luz de una estrella muerta, una ficción documentada que explora la figura del artista Alberto Greco y la vida cultural de los argentinos en París. Ese mismo año editó el ensayo Petites mémoires et écriture du quotidien. Cortázar, Perec et leurs échos contemporains, que recibió el premio PSL-Translitterae. En 2023 apareció su segunda novela, Las brujas de Monte Verità (Lumen). Además, ha participado en la codirección de publicaciones académicas sobre literatura latinoamericana y la obra de Cortázar. Su perfil combina la docencia universitaria, la investigación y la escritura de ficción y ensayo, con un enfoque en los vínculos entre literatura, historia y política.

La editorial Lumen, fundada en 1960 en Barcelona por Esther Tusquets, ha construido un catálogo que reúne a numerosas figuras de la literatura universal, abarcando novela, ensayo, poesía y gráfica. Este sello, conocido por su apuesta temprana por la literatura escrita por mujeres y por descubrir obras revolucionarias, mantiene vivas las voces de autoras como Alejandra Pizarnik, Anne Carson y Toni Morrison, junto a escritoras contemporáneas como Alia Trabucco Zerán y Sara Barquinero. A lo largo de sus más de seis décadas, Lumen se ha consolidado como un referente en la publicación de clásicos y nuevas propuestas literarias. En su trayectoria, destacan títulos emblemáticos como Apocalípticos e integrados de Umberto Eco y Mafalda de Quino, así como la difusión de fenómenos editoriales como el de Elena Ferrante.

Nuevas generaciones y continuidad

Entre 1994 y 1999, Lumen convocó el Premio Femenino Lumen, un galardón dedicado a reconocer el talento literario de mujeres. El jurado estuvo integrado por escritoras de renombre, entre ellas Nora Catelli, Ana María Matute y Elena Poniatowska, junto a la editora Esther Tusquets. Durante ese periodo, el premio impulsó las carreras de autoras como Ángeles de Irisarri, Ana Rodríguez Fischer y Clara Usón, quienes resultaron ganadoras con obras que hoy forman parte del acervo literario contemporáneo. Cada una de estas escritoras aportó relatos y personajes que enriquecieron el panorama de la literatura de su tiempo. El reconocimiento no solo visibilizó el trabajo de escritoras ya consolidadas, sino que también abrió espacio a nuevas voces. Esta distinción se convirtió en una plataforma para la literatura femenina, contribuyendo a diversificar y fortalecer el canon literario.

En 2023, la escritora argentina Leticia Martin fue reconocida con el premio por su novela Vladimir, una obra que, según Elvira Lindo, introduce al lector en un territorio ambiguo entre el sueño y el castigo. Pilar Castro, de El Cultural, destacó la capacidad de la autora para evocar múltiples historias con un estilo sencillo y fluido. Un año después, la argentina de origen bielorruso Natalia Litvinova fue la ganadora con Luciérnaga, definida por Alana S. Portero como “una novela oscura y tierna, escrita con el poder de la mejor poesía y la cadencia del cuento tradicional”. La obra explora la belleza que puede surgir en medio de la adversidad y refuerza el compromiso de Lumen con la literatura de calidad.

El Premio Lumen ha servido como un espacio de encuentro para escritoras de distintas generaciones, consolidando una tradición que prioriza tanto el valor literario como la diversidad de perspectivas. La permanencia de este reconocimiento y la renovación constante de su catálogo reflejan la apuesta de la editorial por impulsar el talento femenino y por dialogar con las nuevas tendencias de la narrativa contemporánea. El galardón ha revitalizado la visibilidad de escritoras en español, permitiendo que sus historias accedan a públicos más amplios y manteniéndose como un referente de excelencia dentro del panorama editorial.

El cineasta Steven Spielberg reafirmó su rechazo a colaborar con Netflix, subrayando su compromiso con el formato tradicional de las grandes salas y el celuloide de 70mm. En declaraciones recientes a ITV News, Spielberg fue categórico: “Yo nunca haría una película para Netflix, a menos que fuera alguien que hace películas destinadas a enviarse como pequeñas cintas o DVDs a individuos”. Para Spielberg, la esencia de su oficio radica en el encuentro colectivo que solo puede ofrecer una sala llena de espectadores. Aseguró: “Soy un cineasta que cree en las grandes películas, en experiencias teatrales de 70mm”. El director considera que la energía de una audiencia, donde extraños ríen o se asustan juntos, es insustituible y no puede replicarse en una pantalla doméstica.

El realizador dejó claro que su objetivo es crear obras para “grandes recintos”, no para dispositivos personales. Si trabajara para Netflix, explicó, sabría que sus películas solo serían vistas “por millones de personas en sus pantallas hogareñas”, lo que contradice su visión sobre el destino de una película. Así, Spielberg reafirmó que la experiencia cinematográfica no solo depende de la imagen y el sonido, sino del espacio compartido y la reacción colectiva. A diferencia de Apple y Amazon, que han apostado por estrenos amplios en salas para varios de sus títulos, Netflix se mantiene renuente a adoptar ese modelo. La empresa suele limitar la exhibición en cines de sus producciones candidatas al Oscar a una semana, apenas lo suficiente para cumplir con los requisitos de la Academia.

Recientemente, Netflix hizo una excepción con Narnia, dirigida por Greta Gerwig, que tendrá un estreno de 45 días en cines. Sin embargo, poco después del anuncio, el jefe de cine de Netflix, Dan Lin, declaró que la compañía no trabajará en el futuro con cineastas que exijan estrenos teatrales amplios. La posición de Netflix contrasta con la de otros estudios y plataformas que han buscado equilibrar la distribución en salas y el streaming. Esta diferencia marca una línea divisoria en la industria sobre el valor y la función de la exhibición tradicional en la era digital.

El papel de Netflix en el cine de autor

Pese a la resistencia de Spielberg, Netflix ha servido de refugio para directores que buscan concretar proyectos personales. Cineastas como Noah Baumbach, David Fincher, Martin Scorsese, Joel Coen, Jane Campion, Alfonso Cuarón, Todd Haynes y Guillermo del Toro han encontrado en la plataforma la financiación necesaria para llevar a cabo películas que, de otro modo, tal vez no habrían visto la luz.

Entre las producciones más reconocidas en esa lista se encuentran Roma, El irlandés y La balada de Buster Scruggs. El caso plantea un debate sobre el futuro del cine de autor: ¿algunas de estas obras existirían sin el respaldo de Netflix? Mientras algunos directores priorizan la viabilidad de sus proyectos frente a las limitaciones de la distribución tradicional, Spielberg se mantiene firme en su apuesta por el cine como “gran espectáculo” compartido. Por ahora, el director de E.T. y Jurassic Park descarta cualquier colaboración con la plataforma y sigue defendiendo el valor de la experiencia colectiva en pantalla grande como el núcleo de su vocación cinematográfica.

Sir Ian McKellen sorprendió a una multitud de más de dos mil personas en un cine al aire libre en Roma al compartir detalles inéditos de su regreso como Magneto en la próxima película Vengadores: Doomsday. El actor británico, de ochenta y siete años, reveló el truco que utilizó para expresar furia en una de las escenas clave del rodaje: imaginar la destrucción de algo que detesta profundamente.

Durante su intervención en el festival Cinema in Piazza, McKellen relató cómo los directores Anthony y Joe Russo le pidieron un nivel de furia aún mayor para una secuencia en la que Magneto debía desatar su poder destructivo. “Me dijeron: tienes que parecer que odias lo que destruyes”, explicó el actor. Para lograr esa expresión en pantalla, confesó que, en vez de pensar en Nueva Jersey —el destino ficticio del ataque—, gritó “Mar-a-Lago” mientras ejecutaba el gesto, provocando risas y aplausos en la audiencia. En palabras de McKellen, la indicación de los Russo fue clara: debía transmitir odio y rabia genuinos en el rostro de Magneto. Así, el actor optó por un recurso personal: “Grité ‘Mar-a-Lago’ y sentí cómo la energía cambiaba”, contó ante los espectadores, haciendo referencia al complejo poseído por Donald Trump. El episodio, que se produjo durante la grabación de una de las escenas de destrucción masiva de la película, fue recibido con entusiasmo por los asistentes, muchos de ellos seguidores de la saga de Marvel.

Esta confesión resume el enfoque interpretativo de McKellen en su regreso al universo cinematográfico de Marvel. El propio actor subrayó que encontrar una motivación interna auténtica facilita la conexión con el personaje. Su capacidad para transformar una indicación técnica de dirección en una reacción visceral generó uno de los momentos más comentados de la noche en Roma. La escena en cuestión forma parte de Vengadores: Doomsday, la trigésima novena película del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), cuyo estreno está previsto para diciembre. En ella, se produce el esperado retorno de los X-Men interpretados por McKellen y Sir Patrick Stewart, bajo la dirección de los hermanos Russo, responsables de Vengadores: Endgame, la segunda película más taquillera de la historia.

Magneto y los X-Men regresan al MCU

El regreso de Magneto y Charles Xavier marca un cruce de generaciones y universos dentro de la franquicia de Marvel. McKellen y Stewart, figuras centrales en las adaptaciones previas de X-Men, se suman al reparto estelar de Vengadores: Doomsday, que busca continuar el éxito global de Endgame, película que recaudó $2.800 millones en taquilla. El evento en Roma sirvió como antesala exclusiva para mostrar imágenes nunca vistas de la nueva entrega. McKellen se levantó de su asiento para recrear ante el público la escena de la destrucción, ilustrando con gestos y una energía contagiosa el momento en que Magneto libera su ira. Los asistentes respondieron con ovaciones y risas, celebrando el humor y la sinceridad del actor.

Además de hablar sobre su trabajo como Magneto, McKellen aprovechó la velada para compartir recuerdos personales ligados al cine. Presentó una proyección de Las vacaciones del señor Hulot, la comedia francesa de Jacques Tati de 1953, y evocó la emoción de haber visto la película a los catorce años junto a un amigo del que estaba enamorado. El actor describió a Hulot como una figura tan poderosa en la historia del cine como Charles Chaplin o Buster Keaton, y destacó la inspiración que supuso para personajes como Mr. Bean.

La presencia de McKellen en Roma coincide con una etapa activa de su carrera, tras recuperarse de una caída sufrida en 2024 durante una función teatral. En el último año, el actor ha estrenado la película The Christophers, dirigida por Steven Soderbergh, y ha participado en una innovadora instalación escénica en Nueva York. Fuera del escenario, McKellen se ha involucrado en causas sociales y culturales: inauguró un centro de artes escénicas en el condado de Durham, participó en una marcha contra la criminalización de las personas LGBTQ+ en países de la Commonwealth y develó una placa azul de la English Heritage en la antigua residencia de Laurence Olivier en Londres.

En su intervención en Roma, el actor también adelantó que viajará próximamente a Nueva Zelanda para retomar el papel de Gandalf en la nueva producción El señor de los anillos: La caza de Gollum, dirigida por Andy Serkis y producida por Peter Jackson. Según McKellen, esta historia “contará algo que no creo que Tolkien haya escrito”, generando expectativas entre los seguidores de la saga. La noche en Roma dejó la imagen de un actor que, a sus ochenta y siete años, sigue renovando su vínculo con el cine, el teatro y el público. Su método para expresar furia en Avengers: Doomsday —imaginar la destrucción de aquello que odia— se suma a la larga lista de anécdotas de una carrera marcada por la entrega y la autenticidad.

Universal Pictures alcanzó otro hito a comienzos de junio: Super Mario Galaxy: La película, secuela animada de Illumination y Nintendo, superó los 1.000 millones de dólares de recaudación mundial y se convirtió en la película número 61 que cruza ese umbral, según la revista Deadline.

El recuento reúne secuelas, remakes de Disney y sagas comerciales como Star Wars, Avatar, James Bond, El señor de los anillos, el Universo Cinematográfico de Marvel, Harry Potter, Fast & Furious, Parque Jurásico, El caballero oscuro y Transformers, además de producciones de Disney y Pixar.

El número uno indiscutible es para Avatar, de James Cameron, estrenada en 2009 y que supuso una verdadera revolución en lo que respecta a los efectos digitales. La película protagonizada por Zoe Saldana y Sam Worthington recaudó casi 3 billones de dólares. Una auténtica salvajada que todavía no se ha podido superar.

James Cameron: imbatible en taquilla

Le sigue en el segundo puesto Vengadores: Endgame (2019), la última parte de la saga hasta el momento que se convirtió en un auténtico acontecimiento de taquilla, alcanzando los 2.799.439.100 de dólares.

La medalla de bronce vuelve a ser para James Cameron con Avatar: El sentido del agua (2022), una secuela que llegó a los 2.334.484.620 de dólares. Y en el quinto puesto, Titanic, demostrando que no hay nadie que pueda con James Cameron en materia de cifras.

Sí que resulta curioso que en el cuarto puesto se haya colado una película no norteamericana. Se trata de Ne Zha 2, una película china de animación que ha roto todos los récords, recaudando más de 2.200 millones de dólares

El peso de las franquicias

El listado de Deadline muestra el peso de las franquicias, las secuelas y las marcas reconocibles. En esa relación figuran Star Wars: El ascenso de Skywalker, Toy Story 4, Toy Story 3, Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto, Vaiana 2, Rogue One: Una historia de Star Wars, Aladdin y Piratas del Caribe: En mareas misteriosas.

Por supuesto, también encontramos películas originales o que han dado paso a diferentes universos, como Lilo & Stitch, Minions, Harry Potter y la piedra filosofal, Buscando a Dori, Zootropolis, El Hobbit: Un viaje inesperado, El caballero oscuro o Super Mario Bros: La película.

Entre los casos recientes, Barbie, protagonizada por Margot Robbie y Ryan Gosling, llevó a Greta Gerwig a ese club como la primera directora en solitario en alcanzar la barrera de los 10 dígitos en la taquilla mundial.

Jennifer Lee ya había alcanzado el nivel de los mil millones con Frozen II en 2019, aunque en ese caso codirigió la película junto a Chris Buck.

Resulta, eso sí, un tanto desesperanzador, que ninguna de las películas más taquilleras no forme parte de alguna gran franquicia, que todas formen una especie de conglomerado absolutamente previsible en el que no importa la calidad ni la originalidad, sino las apuestas de marketing de las grandes multinacionales a través de las propuestas acontecimiento que se repiten de secuela en secuela, de remake en remake, de versión en versión. Y, así, hasta el infinito de los billones de dólares.

La esperada adaptación de Harry Potter para HBO suma un elemento inédito con la incorporación de Peter Serafinowicz como Peeves el Poltergeist, un personaje clave de las novelas que nunca apareció en las películas originales. La noticia ha generado expectativa entre los seguidores del universo creado por J.K. Rowling, quienes durante años pidieron ver al travieso fantasma en pantalla. Peeves, descrito como un espíritu bromista y revoltoso que recorre los pasillos de Hogwarts, es considerado un favorito entre los lectores. Su ausencia en la saga cinematográfica siempre fue motivo de comentarios y debates dentro del fandom. Según se informó, la nueva serie de HBO recupera la figura de Peeves y le asigna un papel activo, marcando así una diferencia relevante respecto a las adaptaciones previas.

La elección de Serafinowicz para dar vida a este curioso fantasma ha sido celebrada por parte de la comunidad de seguidores. El actor británico cuenta con una trayectoria amplia en cine, televisión y animación. Entre sus papeles más reconocidos figuran Edgar Covington en Parks and Recreation y Denarian Saal en Guardianes de la galaxia, además de su participación en la reciente versión en acción real de Cómo entrenar a tu dragón. También es conocido por su trabajo de voz, que abarca desde Darth Maul en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma hasta Big Daddy en las películas animadas ¡Canta! y ¡Canta! 2.

La presencia de Peeves en la serie representa un ajuste significativo respecto a las películas dirigidas por Warner Bros. En ellas, el personaje fue eliminado en la etapa de montaje. Originalmente, el comediante británico Rik Mayall había filmado escenas como Peeves, pero su participación fue descartada por cuestiones de tiempo. Mayall, fallecido en 2014, llegó a relatar en entrevistas que su trabajo quedó fuera del corte final, aunque recibió la compensación correspondiente y entradas para el estreno, las cuales pasaron a sus hijos. Según las declaraciones de Mayall, estos incluso pensaron que él interpretaba a Hagrid, al no reconocerlo en la película. La decisión de HBO de incluir por primera vez a Peeves en una adaptación audiovisual responde a la intención de ofrecer una versión más fiel y detallada de las novelas. Desde su anuncio inicial, los responsables de la producción subrayaron que buscarían “ir más allá” de lo visto en el cine, profundizando en historias, personajes y matices que no pudieron desarrollarse en películas de dos horas.

Un elenco renovado para una nueva generación

El anuncio de Serafinowicz se suma a la revelación del reparto principal de la serie, encabezado por Dominic McLaughlin en el papel de Harry Potter. Arabella Stanton asumirá el rol de Hermione Granger y Alastair Stout el de Ron Weasley. El elenco también incluye a John Lithgow como el director de Hogwarts, Albus Dumbledore, Janet McTeer como la profesora McGonagall, Paapa Essiedu en el papel de Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid.

La serie, escrita y producida por Francesca Gardiner, planea abordar cada una de las siete novelas de Rowling en temporadas separadas, con el objetivo de explorar a fondo el universo mágico. Mark Mylod, reconocido por su trabajo en televisión, dirigirá varios episodios y ejercerá como productor ejecutivo junto a J.K. Rowling, Neil Blair, Ruth Kenley-Letts y David Heyman, este último responsable de la saga cinematográfica original. La adaptación de HBO se perfila como uno de los proyectos televisivos más ambiciosos del año. Según JB Perrette, presidente de streaming y videojuegos de Warner Bros. Discovery, la serie busca ampliar el alcance de la franquicia con una producción que apuesta por el detalle y el desarrollo narrativo: “El nivel de detalle y lo que han construido lleva lo teatral a un nuevo nivel”.

El estreno de la primera temporada está previsto para diciembre, exclusivamente por HBO Max, mientras que la segunda ya se encuentra en fase de producción. La serie es una coproducción entre HBO, Brontë Film and TV y Warner Bros. Television, con la participación directa de la autora J.K. Rowling en la supervisión creativa. La llegada de Peeves a la pantalla marca un hito para los fanáticos que esperaban ver por fin al poltergeist en acción, aportando un nuevo matiz a una saga que sigue reinventándose para las nuevas generaciones.

Orgullo y prejuicio, Emma, Sentido y sensibilidad... Basta darse un pequeño paseo por nuestras librerías favoritas para darse cuenta de que Jane Austen ( está más viva que nunca. Desde hace unos años, las nuevas generaciones se han reencontrado con la escritora británica, y las editoriales —así como la industria audiovisual— lo saben bien: desde reediciones especiales de sus novelas hasta nuevas series y películas inspiradas en su obra, el universo de Austen continúa conquistando lectores y espectadores más de dos siglos después de su muerte.

Entre las numerosas citas que dejó en sus novelas, hay una que destaca: “Corresponde al hombre el derecho a elegir, y a la mujer únicamente el de negarse”, escribió Austen en La abadía de Northanger, su novela debut publicada en 1818, y también una de las más irónicas.

La obra sigue a Catherine Morland, una joven de 17 años cuya vida discurre entre su afición por leer novelas góticas. Trasladada a Bath para introducirla en sociedad junto a los Allen, unos amigos de su familia con quienes se instala en una cómoda posada de Pulteney Street, la adolescente comenzará a acudir a fiestas y a conocer a gente nueva. A través de esa historia, la autora parodia los tópicos de la novela gótica y reflexiona sobre la imaginación, la lectura y las diferencias entre ficción y realidad.

El contexto de la cita

La frase es pronunciada por Henry Tilney durante un baile, mientras conversa con la protagonista. Instantes antes, ambos han sido interrumpidos por John Thorpe, un joven algo arrogante que reclama la atención de Catherine.

Es ahí cuando Henry establece una ingeniosa comparación asegurando que “el baile es equiparable al matrimonio. En ambos casos, la fidelidad y la complacencia son deberes fundamentales y los hombres que no quieren bailar o casarse no tiene por qué dirigirse a la esposa o a la pareja del vecino”. Entonces, Henry señala que las reglas sociales funcionan de manera parecida en ambos ámbitos: el hombre posee la iniciativa para elegir a quién invita a bailar o a quién propone matrimonio, mientras que la mujer dispone únicamente de la posibilidad de aceptar o rechazar esa elección.

Y para concluir, añade: “En un aspecto, ciertamente hay una diferencia. En el matrimonio, se supone que el hombre debe proveer para el sustento de la mujer, y la mujer debe hacer que el hogar sea agradable para el hombre; él debe abastecer, y ella debe sonreír”. Sin embargo, concluye la broma señalando que, afortunadamente, en la pista de baile los roles se invierten, ya que “la amabilidad y la complacencia se esperan de él, mientras que ella aporta el abanico y la esencia de lavanda”.

No es casualidad que la frase la pronuncie Henry Tilney, uno de los personajes más irónicos de Austen. La escritora utilizó la ironía como un mecanismo para criticar las convicción de su época.

La realidad es que 250 años después de su nacimiento, el legado de la autora sigue siendo de interés. Prueba de ello es la adaptación constante de sus novelas al cine y la televisión, con ejemplos tan conocidos como Orgullo y prejuicio, protagonizada por Keira Knightley, o la versión cinematográfica de Emma estrenada en 2020 con Anya Taylor-Joy.

Andrés Neuman (Buenos Aires, 1977) se define a sí mismo como un “escritor de oído”. Para sus novelas, como Bariloche (1999), El viajero del siglo (2009, Premio Alfaguara de novela) o Hasta que empiece a brillar (2025), afirma que es mucho más importante la voz de sus personajes que su rostro, el cual a veces ni siquiera se imagina. “Es como si mi imaginación tuviese un dial que va buscando un sonido lo más nítido posible”, explica. “Necesito saber cómo habla, cómo respira cuando dialoga. Por eso no me siento seguro hasta que siento que se ha sintonizado esa voz”.

Sin embargo, en Vengo de ver (La Bella Varsovia), el proceso es completamente distinto. “En poesía escucho voces y voy negociando con los susurros que aparecen, más como un dictado interior”, precisa. “No es encontrar una voz, sino más bien encontrar cuál de las cuerdas de tu identidad o de las teclas de tus emociones es la que necesitas para que resuene el poema. Por eso nunca lo pienso en voz alta. Mi imaginario auditivo tiene más que ver con que estoy buscando una palabra y, hasta que no la encuentre, voy a permanecer en silencio”.

En su nuevo poemario, Andrés Neuman empieza con un poema coral que, jugando deliberadamente con lo profético, cae con fuerza para devolvernos a los días de la pandemia, cuando todo el mundo, paradójicamente, grita. “Así, me parece que lo más contracultural es cultivar el susurro, un susurro que es una especie de concentración de lo muy pequeño, algo que casi no se escucha”. A través de esas profecías silenciosas llegan las preguntas, las alucinaciones, la ira y el amor, en un juego de lo que la vida da y destruye que desemboca, irrevocablemente, en el futuro.

“La literatura merece algo mejor que un vómito”

Neuman emplea una mirada visionaria y miope al mismo tiempo para diseccionar la realidad cotidiana, transformando lo ordinario en reflexiones sobre el lenguaje y la existencia, que llegan como pequeñas epifanías. “Todo el mundo tiene pequeñas inspiraciones cotidianas, todo el mundo. Y según a qué te dediques, se manifiestan de un modo u otro”, afirma.

Al mismo tiempo, el autor defiende que esto, o el hecho de que este tipo de revelaciones encuentren su trascendencia en lo mínimo, no les quita valor. “Tenemos un estereotipo de la inspiración que es como algo muy intenso, algo muy grande, algo que se tiene que gritar”, observa. “La catarata y la catarsis son lo contrario a la reflexión y la sutileza. Dudo mucho que ninguna de las obras de arte que nos conmueven haya sido creada en estos términos: imagínate que un carpintero que, en un ataque de visceralidad, quiera hacer un mueble; imagínate quién se va a sentar allí después”.

Y es que, para él, la emoción necesita un cauce en el cómo para que discurra el qué, “no porque no haya una descarga emocional en juego, sino porque la descarga emocional necesita un cauce formal y tonal para que funcione”. Incluso en las expresiones artísticas más impulsivas, como los drippings de Jackson Pollock, insiste, hay una meditación y una búsqueda detrás de cada gesto: “También el arte aparentemente más impulsivo o visceral es producto del ensayo, el error y la búsqueda”.

“La pandemia es un ejemplo paradigmático de duelo no resuelto”

Andrés Neuman aclara que Vengo de ver no es un libro sobre la pandemia, aunque su inicio llegue con un poema extenso simbólicamente marcado por este episodio. “La pandemia no nos unió en absoluto, agudizó todas nuestras taras y conflictos. Hubo un espejismo de comunión, pero creo que más bien fue una especie de inflexión cultural”, opina. “Hay asuntos o conflictos como con una raíz muy larga que se agudizaron en la pandemia y que seguimos arrastrando de forma un poco agónica”.

Entre esos asuntos se cuelan también las emociones más difíciles de nombrar, así como las heridas colectivas. “El duelo es una parte tan importante de la literatura como el amor o la celebración, y la pandemia es un ejemplo paradigmático de duelo no resuelto”, apunta. “Vivimos en una sociedad de dolores un poco fantasmagóricos. Como si el dolor mismo te ghostease o el enemigo te ghostease. Ya no es que te ghostea una persona en una aplicación, te ghostea el sistema”.

Más adelante, el libro se divide en dos partes, Furia y Fiesta, para transitar desde ese inventario de daño compartido hasta la reconstrucción y el vitalismo, como una búsqueda de razones para seguir adelante. “Nuestra especie tiene el mismo empeño por la extinción que por la supervivencia, por la destrucción que por el placer. Somos una especie infinitamente paradójica”.

“Cuando hay un exceso de visionarios, nadie tiene una visión irrefutable”

Así, en la última parte de Vengo de ver, Andrés Neuman aborda el amor desde diferentes modalidades, ampliando el concepto de poesía amorosa más allá de lo “ñoño”. Lo romántico aparece en lo erótico, en lo filial y en lo conyugal, así como en lo autoirónico, en poemas como El amor detrás de la oreja, donde se dice claramente: “Amor, moscas, etcétera. Poemas de amor todos o ninguno”. “Todo poema que vale la pena, propone el libro hiperbólicamente, es de algún modo un poema de amor a algo o a alguien”, defiende el poeta, que extiende este pensamiento hasta el propio fenómeno de la escritura, donde “sin una dosis de amor, solo tendríamos un silencio resentido”.

En la misma línea, si el propio título del poemario parece que nos hable de oráculos y profecías, el tratamiento de Neuman se aleja de lo canónico. Los visionarios aquí se muestran saturados, desbordados de visiones y de voces, al mismo tiempo que excesivos. “Cuando hay un exceso de visionarios, nadie tiene una visión irrefutable”, argumenta el escritor, cuestionando la autoridad de quienes se presentan como portadores de verdades reveladas en la actualidad.

Por eso mismo, subraya que decir “vengo de ver” no implica una visión única ni privilegiada, sino la necesidad de procesar y entender la acumulación de experiencias visuales. “En la portada hay alguien que, cargando con los bártulos de lo que ha ido viendo en la vida, está tan cargado que no ve nada. Va a tropezar en cualquier momento”, describe un Neuman que introduce también matices de humor y autocrítica, relacionando la figura del visionario con el desconcierto y la dificultad de asimilar el exceso de estímulos. “Vemos demasiadas cosas y pensamos demasiado poco en ellas”, concluye.

“No podemos dar por sentada ninguna palabra”

La poesía comparte y ordena lo que vemos, aunque el camino hasta que eso se produzca no sea sencillo. “La primera idea es la menos original. Lo primero que nos viene a la cabeza es un lugar común, una idea de otra persona, una copia involuntaria o directamente un plagio”, advierte Neuman. Para él, “lo original se excava” en un mismo acto que engloba escritura y reescritura, algo que no ocurre con tanta intensidad “en ningún otro género literario”, pues llega un punto en el que no se distingue lo uno de lo otro. “Una primera versión de un poema puede no guardar ninguna similitud con lo que será ese mismo poema, que a lo mejor años después no conservará ni el título, ni el primer verso ni el último”.

El cuidado de cada palabra es, para Neuman, inseparable del amor por la lengua, y cita a la filóloga y bibliotecaria española María Moliner y su Diccionario de uso del español como ejemplo de atención minuciosa al significado. “Ella nos recuerda que no podemos dar por sentada ninguna palabra, que toda palabra está sujeta a cambio, discusión y matiz”. Cuando cada significado está en juego, la poesía se vuelve ese “género literario exquisito” que Moliner menciona, capaz de afilar la lengua sin la cual “sentiríamos y pensaríamos menos”.

“No es que las emociones y las ideas preexistan ya hechas y puedan ser expresadas, sino que, en el proceso de trabajo con la lengua, se terminan de cocinar todas ellas”, concluye Neuman al final de la entrevista. “Cuanto menos amor a la lengua tengamos, menos ideas y sentimientos, y viceversa: la riqueza lingüística es amplitud emocional e intelectual, y creo que en la poesía, mejor que en ninguna otra parte, podemos sentir muy palpitantemente eso”.

El filme, antes conocido como 11817, muestra a dos adultos y dos niños encerrados de forma repentina en su vivienda debido a una amenaza externa y obligados a sobrevivir mientras disminuyen los suministros y los recursos.

El primer tráiler muestra a los personajes de Greta Lee (Vidas pasadas) y Wagner Moura (El agente secreto) cuando entienden que el encierro no será temporal. Lee pregunta en las imágenes: “¿Qué demonios está pasando?”, cuando descubre que la casa ha quedado completamente sellada. Más adelante, Moura plantea: “¿Y si hay algo ahí fuera que nos mantiene atrapados?“.

Al parecer, aunque las puertas pudieran abrirse, existe algo aterrador en el exterior, algo que podría emparentar la película de forma explícita a la atmósfera de amenaza que evocaba La niebla, la obra de Stephen King.

Ciencia ficción y terror doméstico

La película está dirigida por el francés Louis Leterrier, responsable de títulos como Transporter, El increíble Hulk, Fast X y Ahora me ves..., y parte de un guion de Matthew Robinson, acreditado en la reciente Buena suerte, pásalo bien y no mueras. Además, Leterrier también figura como productor.

El reparto lo completan Riley Chung, Emma Ho, Noah Alexander Sosnowski y Gabriel Barbosa, además de Audrey Marie Henderson (Oliver Kitteridge).

La propuesta visual del filme apunta a una mezcla de ciencia ficción y suspense doméstico. Leterrier explicó a Tudum que se inspiró en las películas de Amblin de Steven Spielberg y que optó por usar efectos prácticos y artesanales siempre que fue posible.

Ese mismo testimonio añade un detalle técnico: la primera mitad de la película se rodó en 35 mm., aunque el director no aclaró por qué ese formato dejó de utilizarse en la segunda mitad.

En la producción participan Chernin Entertainment y 3 Arts Entertainment. Leterrier produce junto a Peter Chernin, Jenno Topping, Kori Adelson y Oly Obst, mientras que los productores ejecutivos son Thomas Benski, Cecile Gaget, Lars Sylvest, Thorsten Schumacher y Damian Anderson.

Una pareja de moda: Greta Lee y Wagner Moura

El lanzamiento coincide con un período de actividad para sus dos protagonistas. Greta Lee ha participado recientemente en Toy Story 5, poniendo la voz al personaje de la ‘tablet’ Lilipad, y recordemos que alcanzó el reconocimiento internacional gracias a su papel en Vidas pasadas.

En el caso de Moura, después de su participación en Narcos, este año se alzó con el Globo de Oro y estuvo nominado al Oscar por El agente secreto. Ahora tiene pendiente de estreno The Last Day, junto a Alicia Vikander y su próximo proyecto será la película de vampiros de Panos Cosmatos Flesh od the Goas, con Kristen Stewart y Elizabeth Olsen.

La serie arranca con una frase que fija su enfoque: “Fui a dar un paseo con mi madre cuando era un niño, y nunca volvió a casa”. Rachel Nickell tenía 23 años y fue apuñalada 49 veces a plena luz del día en Wimbledon Common mientras paseaba con su hijo Alex, de dos años.

Si algo caracteriza esta serie y la aleja de los demás ‘true crimes’ es que evita situar como protagonistas a la policía o al asesino. Así, el peso narrativo recae en Alex, interpretado de niño por Jahsaiah Williams y de adolescente por Max Fincham, y en su padre André, encarnado por Jordan Bolger, que debe afrontar la pérdida de su pareja, la crianza en solitario y la protección de un niño traumatizado en medio de la investigación.

Un niño de dos años frente al horror

La serie muestra desde el principio al pequeño Alex ensangrentado y aturdido, aunque ileso, en la parte trasera de una ambulancia. Un viandante encontró al niño aferrado al cuerpo de su madre y suplicándole que se levantara, cuando ya estaba muerta, aunque eso no lo veremos en imágenes.

Uno de los rasgos distintivos de El testigo se encuentra en cómo retrata la imposibilidad de atravesar una tragedia de esa magnitud sin una guía clara. La serie presenta a André Hanscombe tomando decisiones discutibles, como irritarse por el comportamiento de Alex ante una psicóloga infantil o llevar al niño a identificar el cadáver de su madre, sin duda, una de las escenas más duras: mientras André insiste en esa identificación, Alex parece entender antes que su padre que no obtendrá nada bueno de verla muerta y se queda en el suelo jugando con juguetes. La miniserie no suaviza las imperfecciones del padre ni las reacciones contradictorias de ambos supervivientes, sino que las pone de manifiesto.

Esa misma mirada aparece en la relación posterior entre padre e hijo. El Alex adolescente es descrito como un joven que se rebela de forma reconocible, pero se encuentra atravesado por una fractura singular: él no quiere remover el pasado, mientras André considera imposible seguir evitándolo.

Así, el adolescente intenta preservar el recuerdo impreciso de su madre a través de gestos concretos, como esconder un frasco de perfume bajo la almohada o mantener su dieta ‘pescetariana’. Por eso, en una de las discusiones, el hijo gritará: “No quiero recordar a mamá por su muerte”.

Acoso mediático

La otra línea del relato es el papel de la prensa sensacionalista británica, una presencia constante en la casa de André y Rachel, en la comisaría y en la escena del crimen, hasta el punto de formar una “manada” que lanza preguntas groseras sin descanso.

Cuando André busca refugio en casa de su madre, reporteros y 'paparazis’ averiguan la dirección, acampan fuera, rebuscan en la basura y roban el correo. Incluso, en una visita a la policía, uno de los periodistas llega a imitar el sonido de un mono para provocar a André con un insulto racista.

La persecución no termina en el Reino Unido. André se trasladó primero a Francia y después a España, concretamente a un pueblo de Barcelona, pero los periodistas siguieron persiguiéndolo a él y a su hijo incluso años después del asesinato, hasta hacer que ambos vivieran como fugitivos.

Fracaso policial

En paralelo, en segundo plano, pero de forma inequívoca, encontraremos el fracaso de la Policía Metropolitana. La presión pública y mediática empujó a los investigadores a centrar su atención en un inocente mientras ignoraban a un delincuente reincidente.

Ese sospechoso fue Colin Stagg, cuyo su único “delito” era encajar de manera vaga en el perfil de un hombre blanco solitario con fantasías sexuales desviadas, y la convicción de que la posibilidad de que hubiera dos individuos así en la misma zona era “extraordinariamente pequeña”, según la ingenuidad de cierta psicología criminal de 1992.

El detective principal Keith Pedder, interpretado por Neil Maskell, aparece como un profesional defectuoso pero comprensible, cuya decisión de utilizar a una agente encubierta para tender una trampa a Stagg se presenta como un error cometido bajo una fuerte presión de sus superiores y de la prensa. A esa maniobra se la llamaría la operación Edzell.

Las consecuencias fueron graves. Stagg pasó 14 meses entre rejas y la cadena de errores permitió que el verdadero asesino siguiera libre y matara de nuevo durante otros dos años, así que el caso no quedó resuelto hasta 2008.

La serie se complementa con el documental El asesinato de Rachel Nickell, estrenado por Netflix el mismo día. Los propios André Hanscombe y Alex participaron en la elaboración del guion junto al guionista Rob Williams, algo que explica el grado de crudeza con el que El testigo expone la historia.

La FIFA pone punto y final a una de las polémicas más sonadas en lo (poco) que llevamos de Mundial y decide levantar la prohibición a algunos jugadores de diferentes selecciones, como Vinicius Junior, Frenkie de Jong o Achraf Hakimi, de hablar español en las ruedas de prensa oficiales. Esta situación sorprendió a los propios jugadores y aficionados, quienes vieron que ni siquiera existía el servicio de traducción para ese idioma. El nuevo reglamento establece que ahora cualquier periodista podrá preguntar en español y los futbolistas o entrenadores responder en ese idioma, siempre con traducción asegurada.

El director del Instituto Cervantes, Luis García Montero, ha emitido este lunes un comunicado celebrando la rectificación del organismo. “Nos alegramos de que la FIFA haya reconsiderado su postura porque se había quedado fuera de juego”, escribe, subrayando que el español es “un idioma de referencia internacional y además es lengua oficial en México, uno de los países que organizan el Mundial”. El directivo también ha recordado que “hay más de 60 millones de personas de origen hispano en los Estados Unidos, de los cuales más de 43 millones declaran que su lengua materna es el español”, una razón más por la que la postura de la FIFA “no tenía ningún sentido”.

García Montero también ha insistido en que “el fútbol español lleva mucho, mucho tiempo metiendo goles y era muy triste que la FIFA se metiera un gol en la propia portería”. Por su parte, el Instituto Cervantes ha celebrado por su cuenta el cambio de parecer con un mensaje en el que tampoco ha faltado el guiño futbolero: “Bravo por el VAR”. Menos amistosa ha sido, no obstante, la asociación Alianza por el Español, que ha calificado de “desprecio” los incidentes en conferencias de prensa y, eso sí, ha agradecido la “rapidez” de los organizadores para corregir la situación.

Así empezó todo

Durante los primeros días del Mundial, algunos jugadores como Vinicius Junior, Frenkie de Jong y Achraf Hakimi tuvieron que recurrir al inglés en sus comparecencias oficiales, pese a poder expresarse en español. Las imágenes recorrieron redes y reavivaron el debate sobre la inclusión lingüística en los grandes eventos deportivos. Mientras, la FIFA se defendía alegando que no existía una prohibición expresa contra el español, ya que las preguntas y respuestas en castellano solo estaban permitidas en partidos con selecciones hispanohablantes y el problema surgía en los encuentros sin equipos de habla hispana, donde el español quedaba fuera del circuito de traducción.

El cambio de parecer de la institución ha llegado tras varios días de debate público y críticas por parte de periodistas y organismos de la lengua. El cambio garantiza que uno de los idiomas más hablados en el mundo y lengua materna de millones de personas en los países anfitriones tenga espacio en el mayor evento futbolístico del planeta. La nueva normativa, que permite preguntas y respuestas en español con traducción oficial, busca evitar que se repitan incidentes como los vividos por jugadores y periodistas hispanohablantes en las primeras jornadas del torneo.

A sus 48 años, Tom Hardy puede presumir de ser uno de los actores con más magnetismo de Hollywood. Desde que lo descubrimos con un pequeño papel en Black Hawk derribado (2001) hasta que se consagró como una estrella de la interpretación en Bronson (2008), a las órdenes de Nicolas Winding Refn. Esa intensidad que atrapa la mirada del espectador sigue inalterable, aunque es cierto que, en los últimos años, sus papeles han tenido menos éxito del que seguramente le habría gustado.

Con todo, las series son otro terreno donde el actor ha querido probar suerte últimamente, con interpretaciones tan aplaudidas como la de Peaky Blinders, donde da vida al judío Alfie Solomon, o, mucho más recientemente, Tierra de mafiosos, donde interpreta a un “arreglador” a las órdenes de una de las familias del crimen organizado londinense más poderosas. Eso sí, en ninguno de estos papeles ofrece la memorable interpretación que podemos ver en Taboo, una miniserie que podría estar perfectamente entre lo mejor que ha hecho en los últimos años.

En esta producción (actualmente disponible en Netflix, Prime Video y Filmin), el actor asume el papel de James Delaney, un sombrío personaje lleno de secretos que regresa al Londres de 1814 tras una larga ausencia en África. La historia arranca cuando Delaney, dado por muerto, reaparece para reclamar una herencia y se ve envuelto en una lucha de poder con la Compañía de las Indias Orientales y otras fuerzas políticas del imperio colonial británico.

Un antihéroe rodeado de conspiraciones

El atractivo de Taboo es la capacidad de Hardy para habitar un personaje tan peligroso como enigmático como Delaney. La serie, creada junto a su padre Chips Hardy y Steven Knight, mente detrás de Peaky Blinders, escapa de las fórmulas habituales de Hollywood y apuesta por una narrativa sin concesiones, donde la oscuridad y la violencia marcan el tono. Así, a diferencia de sus papeles más taquilleros, el actor da vida a un antihéroe cuya moralidad es constantemente puesta a prueba, rodeado de conspiraciones, tensiones coloniales y secretos familiares.

Sin embargo, Taboo no es una serie para espectadores impacientes. Su ritmo es deliberadamente lento, porque busca envolver a quien la vea en una atmósfera opresiva, a través de la que el propio Hardy se desliza dominando cada escena con su presencia física. Los ocho capítulos de esta miniserie pueden ser, pues, exigentes, pero a su vez se convierten en una experiencia mucho más fascinante y disfrutable que otras producciones que no se toman su tiempo para contar bien una historia.

Hardy no es el único que brilla en la serie de Steven Knight. El showrunner cuenta con otros rostros reconocibles como el de Oona Chaplin (Avatar: Fuego y ceniza) , que da vida a la media hermana de Delaney, así como los de Jessie Buckley (Hamnet), Stephen Graham (Adolescencia) y Jonathan Pryce (Los dos papas). Todos ellos contribuyen a que cada detalle de una historia que mezcla política, venganza y misticismo resulte único.

Aunque la serie fue renovada poco después de su estreno, el esperado regreso de Taboo se ha visto frenado por múltiples obstáculos. Según reveló Steven Knight, ya existen seis episodios escritos para una nueva entrega, pero el rodaje sigue sin fecha confirmada. Actualmente, el futuro de la serie es incierto, pero la salida de Hardy de MobLand tras el final de la segunda temporada podría abrir la puerta para que el actor retome su proyecto más personal.

Pocos títulos evocan el espíritu de aventura familiar como lo hicieron en su momento Los Goonies en los 80 y Jumanji en los 90. Ambas marcaron a generaciones con sus propuestas de mundos extraordinarios que hacían disfrutar tanto a los mayores como a los más pequeños. En el siglo XXI irían llegando nuevos títulos a este género, aunque quizá uno de los mejores (y también de los más infravalorados sea Zathura: una aventura espacial, dirigida por Jon Favreau.

Antes de su desembarco en Marvel (donde triunfaría sobre todo con sus películas de Iron Man), este cineasta probó suerte con una producción para la que contaría con un jovencísimo elenco protagonista del que, pocos años después, saldrían varios nombres mundialmente famoso. No en vano, en Zathura aparecen actores como Josh Hutcherson (Los juegos del hambre) y Kristen Stewart, que por aquel entonces contaban con 13 y 15 años, respectivamente.

Zathura narra la historia de dos hermanos, Danny (Jonah Bobo, al que veríamos más tarde en Crazy Stupid Love) y Walter (Hutcherson), que descubren un viejo juego de mesa en el sótano poco después de que su padre (Tim Robbins) se marche al trabajo. Desde el primer movimiento, la aventura toma un rumbo inesperado: la casa es arrancada de la Tierra y lanzada al espacio, donde cada carta del juego desata un desafío más espectacular que el anterior.

El riesgo de tirar los dados

A diferencia de otros títulos que dependen casi exclusivamente de efectos digitales, Zathura apuesta por decorados reales, maquetas y efectos prácticos. Una decisión que hace que, con el paso de los años, siga conservando un encanto visual poco habitual a día de hoy, donde la mayoría de películas ambientadas en el espacio están realizadas con CGI. Además, la mecánica del tablero recuerda precisamente a otros títulos como Jumanji (no en vano las dos películas adaptan novelas del mismo autor), aunque en esta ocasión los peligros llegan en forma de lluvias de meteoritos, robots fuera de control y los zorgons, unos inquietantes alienígenas.

Por otro lado, la trama de la película se enriquece con otros carismáticos personajes, como un misterioso astronauta, interpretado por Dax Shepard (Idiocracia), y un robot defectuoso con la voz de Frank Oz (el maestro Yoda en Star Wars). Eso, sin olvidarnos tampoco de Lisa (Kristen Stewart), la hermana mayor en plena adolescencia a la que acabamos viendo congelada como parte de este cada vez más peligroso juego, pero cuyo desafío no consiste tan solo en sobrevivir, sino en descubrir el valor de la unión familiar.

Pese a todo, la recepción inicial de Zathura fue más bien tibia en taquilla. Con críticas divididas, esta producción no alcanzó a cubrir su presupuesto de 65 millones de euros, un resultado que contrastó con el éxito de la primera Jumanji y, años más tarde, con la explosión que supondría Jumanji: Bienvenidos a la jungla, con Dwayne Johnson, película que lograría superar los 900 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Con todo, las plataformas de streaming han mantenido viva la película de Favreau. Así, en Netflix las nuevas generaciones tienen la oportunidad de descubrir una aventura que, bien seguro, le regalará una velada entretenida a toda la familia.

Con el estreno de El día de la revelación, Steven Spielberg ha demostrado (una vez más) su capacidad para abarrotar las salas de cine y lograr acaparar toda la atención del mundo del cine. El ganador de dos premios Oscar (por Salvar al soldado Ryan y La lista de Schindler) cuenta con una larga y exitosa trayectoria a sus espaldas, pero también con una importante lista de títulos que pudo llegar a dirigir y, por un motivo u otro, finalmente decidió no hacerlo.

En esa lista uno de los nombres más llamativos es el de las películas de Harry Potter, un proyecto para el que finalmente quien estuvo detrás de las cámaras al inicio de la saga fue Chris Columbus (conocido entonces por Solo en casa). El director de Jurassic Park y E.T. El extraterrestre fue la primera opción de Warner Bros y, de hecho, llegó a elegir a tres miembros del casting: Richard Harris (Albus Dumbledore), Maggie Smith (Minerva McGonagall) y Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid).

Con todo, el director pronto tuvo algunos desencuentros tanto con el estudio como con la propia J. K. Rowling. Para empezar, el cineasta no quería mudarse a Inglaterra ni separarse de su familia durante meses, y además pretendía filmar la historia de varios libros en una única película, algo que no convencía para nada a la autora de las novelas, pues, prefería que cada una de ellas contara con el suficiente metraje como para contar bien su trama. No sería, no obstante, ninguno de estos factores los que finalmente llevarían a Spielberg a abandonar el proyecto. La verdadera razón fue la muerte del legendario director Stanley Kubrick y la petición que sus seres queridos le hicieron después.

La petición de la familia Kubrick

A finales de los años 69, Kubrick adquirió los derechos de un relato del escritor Brian W. Aldiss llamado Superjuguetes duran todo el verano y empezó a elaborar un guion junto a varios escritores. Sin embargo, el proyecto no acababa de despegar y el cineasta encadenaba otras películas (El resplandor, La chaqueta metálica, Eyes Wide Shut) le impedían dedicarle el tiempo necesario a una historia que, según declaró el propio autor, le había “emocionado”. Tras fallecer, la familia decidió contactar a Steven Spielberg. “No había guion y, tras su muerte, asistí al funeral en su casa de Saint Albans y me propusieron sustituir a Stanley y, tal como él lo había planeado, dirigir la película”, cuenta.

Así lo hizo. El director decidió renunciar a Harry Potter y empezó a trabajar en un título que muy pronto tendría el nombre por el que todos lo conocemos: A.I. Inteligencia Artificial. Considerada como una de las mejores obras de Spielberg de este siglo (y eso ya es mucho decir), esta es una película ambientada en un futuro en el que los seres humanos conviven con sofisticados seres mecánicos y en la que un niño-robot llamado David es programado para amar, aunque las personas todavía no estén preparadas para todo lo que eso implica.

El resultado fue una película que, según sus protagonistas y colaboradores, mantuvo el ADN de Kubrick, pero con el sello personal de Spielberg. Quienes participaron en la producción recuerdan que la adaptación combinó la sensibilidad de ambos directores. Así lo diría, por ejemplo, Sam Robards, uno de los intérpretes principales de la producción, que no dudó en señalar cómo A.I. Inteligencia artificial conciliaba tanto la profundidad de ideas del director original como la brillantez dinámica y emotiva de su sucesor. “Fue diferente, densa y compleja. Tenía ese toque kubrickiano, ¿verdad? Impasible. Creo que Steven lo logró a la perfección”.

Joan Manuel Serrat es uno de los cantautores más influyentes, respetados y queridos de la música en español y catalán. Nacido en Barcelona en 1943, emergió en los años 60 como una figura destacada de todo un grupo de jóvenes artistas catalanes que reclamaban poder cantar en su lengua durante la vida franquista. A partir de ahí, su figura se iría engrandeciendo con el paso de las décadas, ya fuera entonando melodías con versos de poetas como Antonio Machado o Miguel Hernández, o con temas tan icónicos como Mediterráneo, elegida en 2019 como “la mejor canción jamás cantada” en el programa homónimo de Televisión española.

Dada su trayectoria, es lógico que, en 2024, Joan Manuel Serrat recibiera el Premio Princesa de Asturias de las Artes. Una distinción para la que concedió una entrevista con Iñaki Gabilondo que ahora, casi dos años después, ha subido finalmente a su canal de YouTube. En esa conversación entre el músico y el famoso periodista, donde repasan tanto su carrera como sus raíces y dejan espacio también para reflexiones sobre la vida y otros temas, uno de los temas que abordan fue el momento en el que el cantautor catalán decidió dedicarse a la música, pese a que en un principio parecía que su vida iba a ser completamente distinta.

“Yo estudié para perito agrícola”, confiesa el músico, que añade también que fue “premio extraordinario” de su promoción. Tras eso, entró como becario en el Centro Pirenaico de Biología Experimental en Jaca. “Ahí trabajaba cobrando un sueldo de becario que era muy escaso, y estudiaba al mismo tiempo por libre Biología en Barcelona”. Fue en esos años donde Joan Manuel Serrat empezó a cantar, una afición que le venía de mucho antes, tal y como contaría en el discurso al recoger el premio: “Yo no tengo ningún antecedente familiar que me relacione con ella (la música). Soy hijo de obreros y campesinos. Pero eso sí, era gente que cantaba. Siempre recuerdo a mi familia cantando”.

El momento que lo cambió todo

Cuando estaba en tercero de Biología, le cuenta Serrat a Gabilondo que ya había hecho sus “primeros pinitos”. “Había grabado dos discos pequeños. Ahí entré en la música”, cuenta, y añade por sorpresa a una persona que resultó clave en el cambio de rumbo de su vida: “Mi profesor de zoología” de la carrera. Este docente obligaba a sus estudiantes a hacer prácticas en el laboratorio de Barcelona, algo que, por su situación laboral, le era muy difícil al por aquel entonces estudiante.

“Yo había grabado el tercer disco en catalán, que se convirtió en un éxito tremendo, fue número uno en España (Cançó de matinada)”, continúa, un éxito que complicaba todavía más la situación al llenarlo de más compromisos. “Se empecinó en que no, además en plan histérico. A partir de ahí, lo vi claro. Dije: bueno, pues se ha acabado, voy a mirar qué hago en el mundo de la música”.

Cuenta el cantautor que no sabía a dónde le iba a llevar ese camino, pero prácticamente no le quedaba alternativa: “Veía que en el camino de la universidad lo tenía complicado si quería seguir trabajando en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y quería hacer otro vuelo. Entonces empecé a trabajar, a hacer canciones. En un momento determinado decido cantar en castellano también, y se produce de alguna manera una... Cuando yo cantaba en catalán en algunos sitios siempre había bronca por cantar en catalán. Cuando pasó lo contrario, también hubo una parte que no estuvo de acuerdo”.

Lo que siguió después

Con todo, Joan Manuel Serrat siguió adelante y muy pronto se convirtió en una auténtica celebridad. Tras el número uno de Cançó de matinada y la polémica por no querer ir a Eurovisión por no poder cantar en catalán (en su lugar lo haría Massiel, que ganaría aquella edición), lanzó discos como La Paloma o Dedicado a Antonio Machado, poeta que lo catapultaron a una fama masiva no solo en España, sino en toda América Latina.

En 1971, publicaría Mediterráneo, coronándose definitivamente en la cumbre de la música popular, aunque todavía le faltaban algunos sinsabores por su ideología y su compromiso social: en 1975, criticó duramente al franquismo por el fusilamiento de cinco militantes, razón por la que no pudo volver a España durante casi un año. Cuando lo hizo, eso sí, ya era un símbolo histórico de la cultura y la música españolas al que todavía le quedaban muchos años por delante.

El proyecto adapta la serie de cómics Supergirl: Woman of Tomorrow y sitúa a Kara Zor-El en una travesía espacial en busca de Krypto.

Kara Zor-El, también conocida como Supergirl, ya había aparecido al final de Superman, cuando irrumpe en la Fortaleza de la Soledad. A partir de ahí, la nueva película toma como base el cómic creado por Tom King, aunque modifica el motor de la trama: en lugar de una cacería por venganza, la protagonista emprende una búsqueda de Krypto junto a Ruthye Marie Knoll.

Lo que sabemos de ‘Supergirl’

En el material original, la kriptoniana viajaba por el espacio con Ruthye para perseguir a Krem de las Montañas Amarillas, responsable de la muerte del padre de la joven. La versión cinematográfica mantiene el viaje compartido, pero cambia el objetivo de la misión hacia la mascota de Kara.

El reparto reúne a Matthias Schoenaerts como antagonista principal y a Eve Ridley como Ruthye Marie Knoll. También participan Jason Momoa en el papel de Lobo, además de David Krumholtz y Emily Beecham.

En la pasada CinemCon, además del trailer se mostró nuevo metraje de la película. Ese material enseñó a la protagonista combatiendo contra droides araña y piratas, una pista más del tono de aventura espacial que marcará el largometraje.

La información adelantada hasta ahora apunta a una combinación de acción y comedia en la línea del estilo que James Gunn ha consolidado en sus producciones.

La capa de Supergirl, herencia de Superman

Ahora, la actriz protagonista, Milly Alcock, ha revelado un dato que hasta el momento no sabíamos: que la capa de Supergirl ha sido confeccionada con la misa tela que la del Superman de Christopher Reeve de 1978. Lo contó en el podcast Raiders of the Lost Podcast.

“La capa en esta película se rehizo usando material de la capa original de Superman”, dijo Alcock. “Creo que encontraron como 16 metros de ese material, así que eso está en la parte de atrás de mi capa ahora”, dijo la actriz, que de alguna forma recoge el testigo del mítico superhéroe.

Recordemos, además, que la persona que hizo el vestuario de la mítica película de Richard Donner, fue la diseñadora británica nacionalizada española Ivonne Blake, que fue dos años presidenta de la Academia de Cine hasta que falleció en 2018. La creadora ganó un Oscar por su trabajo en Nicolás y Alejandra y entre sus grandes hitos, además de Superman, se encuentra el vestuario de la distópica Fahrenheit 451, de François Truffaut o el musical Jesucristo Superestar.

La actriz Anne Schedeen ha muerto a los 77 años, según han informado diversos medios norteamericanos tras la confirmación de su familia y de su agente Tom Markley. La actriz interpretó a Kate Tanner, la madre de la familia de ALF, durante las cuatro temporadas de la comedia de NBC entre 1986 y 1990.

La familia anunció el domingo en Facebook que la actriz “falleció en paz”. La causa de la muerte no se conoció de forma inmediata. En el mensaje difundido por sus familiares, la despedida define a Schedeen como una mujer de “energía creativa” extraordinaria, con “un humor afilado”, devoción por su familia, pasión por las tiendas de segunda mano y amor por las buenas historias. La publicación añade que quienes la conocieron la quisieron “muchísimo”.

Los familiares también trasladaron unas palabras atribuidas a la actriz: “Siempre estoy con vosotros”. En ese mismo texto, sostienen que su recuerdo permanece en “las memorias, las obras de arte, las carcajadas, las joyas hechas a mano, las pinturas al óleo, las esculturas, los disfraces y la alegría de vivir”.

La familia pidió que, en lugar de flores, se hagan donaciones a Habitat for Humanity, una de las causas favoritas de la actriz. Markley también confirmó el fallecimiento y aseguró: “Annie lo era todo para su familia y para esta agencia”.

Una larga trayectoria en cine y televisión

Schedeen nació el 8 de enero de 1949 en Portland, en el estado de Oregón, con el nombre de Luanne Ruth Schedeen. Empezó a estudiar interpretación siendo niña y se formó y actuó en el Portland Civic Theatre.

Después de participar en teatro de cena en Hawái, se trasladó a Nueva York para intentar abrirse camino como actriz y comenzó en el teatro de verano. Más tarde se mudó a Los Ángeles, donde firmó un contrato con Universal Pictures.

Su debut en pantalla llegó en 1974 con un episodio de The Six Million Dollar Man. A partir de ahí, encadenó apariciones en series como McCloud, La mujer biónica, Emergency!, The Incredible Hulk, Three’s Company, Cheers, Magnum PI, Se ha escrito un crimen y Judging Amy.

En cine participó en títulos como La criatura infernal en 1976, Vuelo hacia la catástrofe y Exo-Man en 1977, Champions: A Love Story en 1979, Second Thoughts en 1983, Slow Burn en 1986 y Cast the First Stone en 1989.

Su papel más recordado: ALF

Schedeen deja a su marido desde hace 55 años, Christopher Barrett; su hija Tay Barrett; su nuera Hilary Flynn; su hermana Sarabeth Schedeen; su sobrina Minnie Land; su hermano Roland “Tony” Schedeen; su cuñada Julieanne Schedeen; y sus perros rescatados Roo y Red.

También deja en el imaginario de toda una generación a esa madre comprensiva que acoge en su casa a ese simpático pero descarado extraterrestre que fue ALF y que se coló en las casas de finales de los años ochenta dejando una huella imborrable dentro de la cultura popular.

Mientras los goles siguen llegando y las selecciones van sumando sus primeros puntos, el cine no se queda atrás. Tras repasar la historia de grupos con grandes naciones de tradición cinéfila como México, Estados Unidos, República Checa, Brasil o Canadá, es el momento de continuar con un nuevo cuadro poblado de nuevas y grandes historias por descubrir.

El Grupo E del Mundial reúne a Alemania, Curazao, Costa de Marfil y Ecuador, y permite leer el torneo también como un mapa cinematográfico. Alemania, en particular, es el caso más evidente: una tradición profunda y múltiple, capaz de abarcar desde el expresionismo más radical hasta la Nueva Ola alemana y, ya en el presente, un cine de autor que mantiene vigencia internacional. En ese recorrido histórico está buena parte de la intensidad del cine alemán, mientras que el resto de combinados poseen industrias mucho más modestas.

Alemania

El expresionismo alemán de los años 20 es una de las grandes invenciones del cine moderno. Directores como Fritz Lang, con Metropolis y M, el vampiro de Düsseldorf o F. W. Murnau, con Nosferatu y Amanecer, construyeron un lenguaje visual que jugaba con la luz, la sombra y la arquitectura para expresar angustia, poder y destino. En esas películas, el escenario no es solo un decorado: es un reflejo de la psique. El expresionismo hizo posible que el cine hablara de lo interior, y esa huella se sigue sintiendo en el cine de terror, en el thriller y en la propia estética de Hollywood.

En los años 60 y 70, la Nueva Ola del cine alemán renovó esa tradición con una mirada más crítica y política. Rainer Werner Fassbinder es una figura central, con obras como Todos nos llamamos Alí o Lola, donde la emoción, la historia y la crítica social se entrelazan con una intensidad casi teatral. Wim Wenders, con El cielo sobre Berlín o Paris, Texas, y Werner Herzog, con Aguirre, la locura de Dios o Fitzcarraldo, llevaron el cine alemán hacia el paisaje, el límite y la obsesión. El cine de esta época no solo desnudó la historia reciente de Alemania, sino que lo hizo con una libertad estética que convirtió el país en una de las grandes referencias del cine europeo.

El cine alemán actual mantiene esa energía, aunque con registros más diversos. Michael Haneke, aunque de origen austriaco y con una carrera internacional, es parte de esa tradición de rigor moral y observación fría, representada en títulos como La cinta blanca. En el presente, directores como Florian Henckel von Donnersmarck, con La vida de los otros, Maren Ade con Toni Erdmann o Christian Petzold, con Ondina o la reciente Espejos Número 3, han consolidado una voz que combina política, memoria e intimidad. Alemania sigue siendo un país donde el cine puede ser tanto un espejo de su historia como un espacio de experimentación estética.

Curazao

Curazao es un caso distinto: una cinematografía pequeña, casi en formación, pero con una presencia que empieza a ser visible en el mapa del cine caribeño y latinoamericano. No hay una gran industria, pero existen iniciativas de producción, festivales y coproducciones que permiten que el cine isleño crezca poco a poco. En ese contexto, el cine de Curazao suele articularse desde una mirada íntima, interesada en la identidad, la lengua y las tensiones entre tradición y modernidad. La película que mejor representa al país a día de hoy es Buladó, de Eché Janga, que retrata la historia de un joven en Curazao y la difícil relación entre su padre y abuelo, representantes de dos generaciones muy distintas de aborígenes.

La isla ha sido escenario de varias producciones internacionales, lo que no significa que su propia voz sea solo acompañamiento. Lo interesante es que, en ese proceso, se está construyendo una sensibilidad propia, que busca narrar la vida caribeña desde dentro, sin caer en el cliché turístico. El cine de Curazao, cuando aparece, suele ser un cine de recuerdos, de familias, de lenguas en contacto, y eso lo hace particularmente honesto. En un país así, el cine funciona más como proyecto que como tradición consolidada. La pregunta no es todavía “¿qué ya hemos hecho?”, sino “¿cómo queremos contar lo que somos?”. Esa condición de cine en construcción no es una debilidad, sino una etapa: el relato de Curazao está empezando a escribirse, y es precisamente por eso que resulta interesante seguirlo.

Costa de Marfil

Costa de Marfil representa un escenario muy particular: el de un cine africano que ha ido ganando presencia internacional sin depender de grandes estructuras industriales. En los últimos años, el país ha producido obras que han viajado a festivales europeos y han logrado una atención que va más allá de su tamaño. El cine de Costa de Marfil suele estar muy atento a la vida cotidiana, a las relaciones familiares, a las tensiones entre tradición y cambio, y a la condición de la mujer en la sociedad contemporánea.

La historia del cine en la región está ligada, en parte, al trabajo del francés Jean Rouch, quien con La Pyramide humaine (1961) realizó una de las primeras incursiones importantes en la filmografía costamarfilesa. Aunque Rouch era francés, su trabajo en Abidján abrió caminos para que el cine local pudiera verse con otros ojos, más cercanos a la experiencia de la gente que a la mirada externa. Junto a esa tradición, Timité Bassori llevó adelante una voz propia con obras como Le Femme au couteau, donde la mujer, la familia y las tensiones sociales se entrelazan con una sensibilidad que no es puramente documental ni puramente narrativa, sino algo intermedio.

En el presente, esa línea se ha renovado con directores como Philippe Lacôte, cuyo La Nuit des rois ha colocado al cine de Costa de Marfil en el mapa internacional con una mezcla de realismo, atmósfera y una estética que juega con la noche, la ciudad y los límites entre lo real y lo mítico. La Nuit des rois no solo narra una historia, sino que construye un mundo visual donde la noche se vuelve un personaje más. El cine de Costa de Marfil, en suma, ha logrado pasar de una tradición ligada a la mirada externa a una voz propia, que busca narrar la realidad con una perspectiva que se siente parte de la comunidad.

Ecuador

Ecuador completa el grupo con una cinematografía que ha ido consolidando una voz propia en los últimos años. El cine ecuatoriano suele moverse entre el realismo social y la observación íntima, con una sensibilidad que busca entender la identidad desde lo cotidiano. Directores como Sebastián Cordero han sido fundamentales en ese proceso, con obras como Crónicas o Ratas, ratones, rateros, que colocaron al cine ecuatoriano en el mapa internacional con una mezcla de tensión urbana y crítica social. Más recientemente, títulos como Alba, de Ana Cristina Barragán, han abierto camino para que el cine de la región se vea con más atención, que han ido consolidando una voz que combina política, memoria e intimidad. El cine ecuatoriano, en suma, suele ser un cine de grietas, de personajes en conflicto, de historias que no se resuelven fácilmente.

Visto en conjunto, el Grupo E funciona casi como una conversación entre modelos de cine distintos. Alemania aporta profundidad histórica y diversidad de registros; Curazao, una escena emergente que está definiendo su voz; Costa de Marfil, un cine africano de proximidad y humanidad; y Ecuador, una tradición que combina realismo social y observación íntima. El fútbol organiza la competencia, pero el cine deja ver otra cosa: cómo cada país construye sus relatos, sus obsesiones y su manera de mirar el mundo.

Que lo que vemos no siempre coincide con la realidad queda bien claro en el nuevo libro de Javier Rioyo, Burdeles, picaderos y lupanares (Almuzara). El periodista, escritor y realizador de documentales ofrece entre sus páginas un viaje afilado y canalla por los 3.000 años de historia de la prostitución en España, erigiendo a Madrid como el gran escenario de esta geografía de lo prohibido.

Más allá de la evolución histórica (de un negocio que empezó con los fenicios, pasó a los romanos y así hasta la bohemia y el franquismo), de los reyes y pícaros señalados, o de los rincones ocultos de una ciudad entregada al alterne, lo que se desprende de este ensayo es la histórica hipocresía que lo ha teñido todo, y que quizá nos explica mejor de lo que creemos.

Rioyo desmonta los mitos alrededor del “oficio más antiguo del mundo”, en el que una rama en la puerta para indicar lo que había al otro lado popularizó la palabra “ramera”, tan institucionalizado que incluso contaba con aldeas propias. La censura total y el abolicionismo surgirían mucho más tarde, y la prohibición oficial no se produciría hasta 1956. Así, el autor utiliza el deseo y el hampa moral como un espejo de la condición humana, en un análisis histórico que concluye que la prohibición absoluta siempre es estéril, mientras que el verdadero reto social es proteger a las mujeres de la explotación.

Una historia universal

Javier Rioyo nunca ha sido usuario de prostitución, pero eso no impide que, desde muy pronto, se sintiera interesado por un entorno que le generaba, dice, incomodidad. Recuerda su juventud en Alcalá de Henares, donde se atrevió a llegar solo hasta la barra de un prostíbulo famoso, Casa la Chata. “Me parecían primero muy mayores, muy raras y no tenía ninguna intención de pasar ahí, pero era un mundo entre lo oscuro, lo sórdido y también algo inquietante”.

Más adelante, como periodista, su contacto con el meretricio sería constante, no solo por trabajar al lado de algunos prostíbulos, sino también por varios reportajes que realizó sobre los prostíbulos de carretera por España: “De algunos tuve que salir por piernas porque me perseguían los chulos y los cabrones”.

Cuando se planteó escribir este libro, sin embargo, supo enseguida que no iba a ser solo un libro sobre la prostitución, sino “un ensayo histórico que trata las conductas de doble moral, la fuga de las vidas oficiales y cómo te buscas otra vida: las queridas, las amantes, las cortesanas, los negocios, los que han ido a esa vida y han negado oficialmente que fueran, los que lo han perseguido y luego eran usuarios”. “No es solo la historia española”, nos advierte también, “es una historia universal”.

Cuándo empezó a prohibirse

La doble moral en torno a la prostitución es un asunto que, para Javier Rioyo, trasciende épocas y culturas. En la Antigüedad, ora en la civilización romana (donde los burdeles estaban regulados), ora en la fenicia o la árabe, era un oficio que estaba muy presente en la vida pública y, en ocasiones, también valorado, como en el caso de las mujeres chinas, de las que existió incluso una antología poética.

El autor destaca que la marginalidad de la prostitución aparece cuando las sociedades, bajo el influjo de religiones como el catolicismo ortodoxo, inician procesos de prohibición y persecución. Hasta entonces, señala, “había sido casi un uso social, un rito de paso y un oficio denigrado, pero aceptado y conocido por todos”.

En Burdeles, picaderos y lupanares figuran, pues, varios nombres conocidos por “comprar favores” a las cortesanas. Preguntado por cuál considera el mayor putero de la historia de España, Rioyo duda: “Ahí compiten muchos”, pero enseguida va a los reyes por ser “los que más sorprenden”, como Fernando VII y Felipe IV, “gente con dinero y poder que hicieron de eso un arte”.

Más o menos visible, pero siempre presente

Madrid ocupa un lugar central en la historia del meretricio, aunque Javier Rioyo aclara que la capitalidad de la prostitución ha sido compartida en distintas épocas. “En Madrid, como era la corte y era la ciudad donde se reunían más pícaros y buscavidas, pues tenía mucho negocio el prostíbulo”. Aun así, señala que “Barcelona, el barrio chino y el puerto, fue y es todavía, ahora menos, uno de los sitios de ese negocio singular durante mucho tiempo”. Valencia, con su famosa mancebía en el Siglo de Oro, también destaca: “Tuvo el gran prostíbulo de España. Tenía una especie de entorno cerrado, protegido, y una pequeña ciudadela de prostitución”.

La geografía del comercio sexual ha variado según el desarrollo urbano. Rioyo explica que “las ciudades crecen y los burdeles ocupan zonas centrales, aunque también otros espacios donde la ciudad ha crecido, como la Costa Fleming”, popular zona del norte de Madrid que acogía a muchos militares estadounidenses en los 60 y se volvió una meca de la fiesta madrileña. A pesar de que la tendencia ha sido alejar este tipo de lugares cada vez más, todavía pueden verse en los centros urbanos. “Es famosa la calle central de Ámsterdam, con las ventanas abiertas y las mujeres ofreciéndose”.

El cambio principal en las ciudades, pues, radica en la visibilidad de la que la prostitución ha gozado a lo largo del tiempo. Hoy parece mucho menor, pero no es porque no exista, y ni siquiera porque no esté presente: “Salamanca todavía celebra, en el Lunes de Aguas, cuando pueden volver ya las prostitutas después de la Pascua, porque tradicionalmente durante la Semana Santa las echaban de la ciudad a un sitio cercano”. Hoy en día, la fiesta ha cambiado de tono y es una tradición popular donde familias y amigos se reúnen al aire libre, pero nada de ello borra su origen.

Iglesia y Estado

Sea o no con prostitución de por medio, el fornicio es pecado, pero lo cierto es que la Iglesia tampoco queda al margen en Burdeles, picaderos y lupanares. No es casualidad que, en el inglés popular de William Shakespeare, la palabra “nun” sirviera tanto para referirse a las monjas como, de modo sarcástico, a las prostitutas, del mismo modo que “nunnery” era el convento que también servía como eufemismo de burdel.

Lo cierto es que la ambivalencia de las instituciones religiosas respecto a estos temas es otra de las constantes del análisis de Rioyo. Antaño existían figuras como las barraganas, “oficiales acompañantes de muchos sacerdotes, que eran como sobrinas, las han llamado luego algunos”. “Hacían los servicios de la casa, a lo mejor también de los colegios”. Además, algunas de las citas se concertaban en el interior de las iglesias, desde donde los amantes decidían a dónde ir.

Y si ni en la Iglesia se evitaban este tipo de situaciones, ¿por qué iba a ser diferente en la nobleza? “La portada del libro es un palacete de la reina Isabel II, que está pasándoselo bien con un tipo poderoso, Carlos Alfori, pintado por el hermano de Gustavo Adolfo Bécquer”, señala Rioyo, que destaca a la monarca como una “conocida libertina” a la que le gustaba “tener encuentros sexuales con gente distinta”. De ella, se dice que el papa Pío IX diría, precisamente, “es puta, pero pía”.

“No hemos inventado casi nada”

La conclusión a la que llega Javier Rioyo con su libro es la siguiente: “No hemos inventado casi nada. Hemos transformado, hemos cambiado, pero este tipo de prácticas y de historias, de encuentros y de formas de fuga de nuestras vidas se han dado siempre”. El autor detiene su investigación en los años 60 del siglo XX, por lo que no aparecen algunas tendencias recientes como el auge de la prostitución masculina o el uso de otros espacios, como las saunas donde, no hace mucho, se vinculó con la prostitución a la familia de Begoña Gómez, mujer de Pedro Sánchez.

Aparte, fenómenos como el cruising o plataformas digitales como OnlyFans han ampliado el espectro de las prácticas vinculadas al intercambio sexual, planteando nuevos retos a la interpretación histórica. “Son usos y formas no ortodoxos que han tenido modelos muy distintos a lo largo de la historia”, remarca Javier Rioyo, quien considera que, analizando la historia, la prevención y la prohibición no eliminan la prostitución, sino que solo hacen que “se busquen otros territorios de negocio”.

Cuestionado también por si le preocupa que su libro pueda herir ciertas sensibilidades o generar algún tipo de polémica, Rioyo es claro: “No me preocupa. El que quiera polemizar, que polemice. Yo no acompañé a Moratín a hacer su catálogo de putas, ni acompañé a Quevedo ni a otros muchos, pero sé que existían y no lo he censurado. He hablado igual del clero que de reyes como Alfonso XIII, que fue un destacado aficionado a ver películas porno y tener historias diversas”. Así, si su ensayo se detiene en los años 60, no fue por ahorrarse ningún temor, sino simplemente porque, a partir de entonces, llegó “otro mundo, que ya no era el mundo de la historia”.

El cantante canario Quevedo, uno de los artistas más escuchados del panorama de la música urbana en España, acaba de anunciar una nueva gira de conciertos con El Baifo Tour 2027, un proyecto en el que ofrecerá conciertos en dos ciudades de la península ibérica para presentar en directo las canciones de su último disco, que desde su lanzamiento el pasado 24 de abril se ha convertido en uno de los trabajos musicales más exitosos de la temporada.

Las cuatro fechas que Quevedo ha anunciado tendrán lugar en las dos ciudades más grandes: Madrid y Barcelona. El Movistar Arena acogerá al canario los días 9 y 10 de abril, mientras que el Palau Sant Jordi será el escenario de sus conciertos en Barcelona el 1 y 2 de julio. “Lo conseguimos, nos vemos en EL BAIFO TOUR 2027 ESPAÑA, me toca ir pa la Península. Entradas disponibles esta semana”, informaba el propio cantante en un mensaje publicado por sorpresa en sus redes sociales.

Cuándo y cómo conseguir las entradas

Quienes deseen asistir a estos conciertos deberán prepararse para un proceso de compra escalonado, que comienza con un registro previo para acceder a la preventa. El registro estará habilitado hasta el lunes 15 de junio a las 15:00 horas, permitiendo a los interesados optar a un acceso prioritario a las entradas.

Las personas que completen este registro recibirán un código el martes 16 de junio. Ese mismo día, a partir de las 12:00 horas, se abrirá la preventa exclusiva para los registrados. Aquellos que prefieran esperar o no logren conseguir entradas en esa fase tendrán una segunda oportunidad: la venta general se habilitará el jueves 18 de junio a las 12:00 horas. Para todo ello, se ha dejado un link en el perfil del cantante que permita acceder a su página web.

Los conciertos en Canarias, “cuando menos se lo esperen”

La gira servirá para presentar en directo El Baifo, el álbum más reciente del cantante. El propio Quevedo ha manifestado que se trata de “uno de los trabajos más personales” de su carrera, en el que mezcla sonidos urbanos con referencias explícitas a la cultura y la identidad de Canarias. El disco, compuesto por 14 canciones, incorpora colaboraciones con artistas de distintos géneros y generaciones en las islas y el título hace referencia al nombre que se da en Canarias a la cría de cabra, un guiño a sus orígenes y a la importancia de las raíces en su música.

El comunicado del Movistar Arena ha destacado también la magnitud del evento: Quevedo regresará al recinto madrileño en una doble cita que promete convertirse en uno de los grandes espectáculos musicales del año. El artista presentará su nuevo repertorio, pero también interpretará los temas que lo han consagrado, como “Quédate” y “Columbia”. Del mismo modo, el propio recinto ha subrayado que se espera una alta demanda de entradas, dado el éxito de un disco que logró colocar en la lista de las 10 canciones más escuchadas del país 10 temas suyos.

Por su parte, el cantante ha dejado en el aire cuándo podría actuar en Canarias. En el vídeo promocional de la gira se le ve anunciando que se marcha a la Península a actuar, pero cuando le preguntan si no va a hacer nada en su isla (Gran Canaria), dice: “Eso es cuando menos se lo esperen”. Unas palabras que abren la puerta al anuncio de nuevos shows en su comunidad autónoma.

En la filosofía oriental, el nombre de Sun Tzu destaca por encima del resto. Al fin y al cabo, se trata de un pensador cuya trascendencia afectó a ámbitos tan diferentes como la psicología, el mundo militar o la toma de decisiones, aunque, paradójicamente, la mayoría de detalles de su vida siguen siendo un misterio. Los historiadores le sitúan actualmente en la China de los siglos VI o V a. C., época en la que escribiría algunos de los textos más influyentes del continente asiático.

Su obra más conocida es El arte de la guerra, un tratado compuesto por trece capítulos que analiza los principios fundamentales de la estrategia. Considerado uno de los textos clásicos más importantes de la literatura china, fue un libro de cabecera tanto para comandantes militares como para dirigentes políticos y, siglos después, también empresariales. Y es que, si a día de hoy este filósofo tiene tanto prestigio, es porque sus enseñanzas nunca se limitaron al campo de batalla. Al contrario, se ofrecieron y se siguen leyendo hoy como principios aplicables a cualquier situación en la que compitamos con otra persona.

Entre las frases más célebres de Sun Tzu destaca la siguiente: “Aparenta ser débil cuando seas fuerte, y fuerte cuando seas débil”. Esta idea procede del primer capítulo de El arte de la guerra y resume uno de los pilares de su pensamiento: la importancia de la percepción y el engaño estratégico. No se trata únicamente de ocultar las propias capacidades, sino de influir en la manera en que los demás interpretan una situación para obtener una ventaja decisiva.

El significado de la frase de Sun Tzu

Para comprender las palabras del filósofo chino, es necesario relacionarlas con otra de las afirmaciones más conocidas del libro: “Toda guerra se basa en el engaño”. Según Sun Tzu, quien revela con claridad sus intenciones, ofrece información valiosa a su adversario. Por el contrario, quien logra confundir las expectativas ajenas aumenta sus posibilidades de éxito. El filósofo nos invita, pues, a gestionar cuidadosamente la imagen que proyectamos y a evitar que los demás conozcan nuestras verdaderas fortalezas o debilidades.

La idea también guarda relación con otro consejo del estratega chino: “Si tu adversario tiene un carácter irascible, intenta irritarlo. Finge debilidad para que se vuelva arrogante”. En este caso, el objetivo es, además de ocultar la fuerza propia, provocar errores en el contrario. Cuando una persona sobreestima sus capacidades o subestima las de los demás, suele tomar decisiones precipitadas, de modo que, para Sun Tzu, muchas victorias se obtienen antes del enfrentamiento mediante una adecuada gestión psicológica del rival.

En la vida cotidiana, esta enseñanza sigue teniendo vigencia. Un negociador que evita mostrar todas sus cartas desde el principio, un deportista que administra sus esfuerzos antes del momento decisivo o una empresa que trabaja discretamente en un nuevo producto están aplicando, en cierta medida, el mismo principio estratégico. Sin embargo, no debemos entender en Sun Tzu a alguien que nos invita a engañar a los demás permanentemente. Más bien, se trata de un recordatorio de que la prudencia, la discreción y la gestión de las expectativas pueden resultar tan importantes como la fuerza real de la que se dispone.

Una idea maquiavélica

Siglos después de Sun Tzu, Nicolás Maquiavelo desarrollaría planteamientos muy influenciados por esta visión estratégica de la política y el poder. En El príncipe, este filósofo italiano escribió que “los hombres juzgan más por los ojos que por las manos, porque todos pueden ver, pero pocos pueden tocar”. Con esta reflexión subrayaba la importancia de las apariencias en la vida pública porque, al igual que Sun Tzu, consideraba que la percepción de los demás podía ser tan determinante como la realidad misma.

Más de dos milenios después de su redacción, El arte de la guerra continúa siendo una referencia para comprender la estrategia y el comportamiento humano. La famosa máxima de Sun Tzu sobre parecer débil cuando se es fuerte, y fuerte cuando se es débil, sigue despertando interés porque aborda una realidad atemporal: las decisiones de las personas dependen tanto de los hechos como de la percepción que tienen de ellos. Algo que, en un mundo donde la información y la imagen desempeñan un papel cada vez más relevante, nos afecta más de lo que creemos.

En España, el nombre de Manu Bahtidão no era conocido hasta volverse viral en las últimas horas por las protestas de fans de Rosalía. Los seguidores de la cantante catalana, que actualmente se encuentra en Estados Unidos realizando la parte americana de su Loux Tour, han señalado directamente a esta artista brasileña por “plagiar” para el último de sus conciertos la estética de la primera.

“Por qué nadie habla de que está copiando descaradamente el Lux Tour usando las mismas alas, la misma coreografía, el mismo escenario y hasta las plumas de confeti?”, denunciaba una usuaria en una publicación de X. Con mensajes como este, las redes se han llenado de fotografías y vídeos comparando la estética de partes del show de Rosalía con los de Bahtidão.

Esta mujer, cuyo nombre real es Emanuella Tenório Rocha, es una reconocida cantante y compositora brasileña de tecnomelody y música sertaneja (también conocida como country brasileño). Se trata de una personalidad muy popular en Brasil, sobre todo por temas como Daqui Pra Sempre, y actualmente ya está consolidada como una de las voces principales de la sofrência moderna y se encuentra promocionando sus álbumes más recientes, como Destino, en cuyos conciertos se han señalado estas similitudes con el directo de Rosalía.

Todas las similitudes de los shows de Bahtidão y Rosalía

Para reforzar las acusaciones de plagio, la usuaria de X @motobabylux ha publicado un hilo señalando todos los elementos parecidos entre los conciertos de Rosalía y la última actuación de la cantante. “El cierre de su concierto con música muy similar” es el primero, señala, con la misma coreografía, escenografía y vestuario, donde destacan las botas y el vestido con alas que las cantantes abren justo antes de desaparecer en caída libre.

En otras partes de las actuaciones, esta misma usuaria señala que el “outfit es prácticamente igual, solo que en otro color”, y que en diferentes puntos se copia tanto la estética del escenario como los bailes y movimientos de las artistas. “Está plagiando todo el concepto del espectáculo LUX Tour sin dar el crédito correspondiente”, denuncian desde otra cuenta, con miles de visualizaciones e interacciones que acusan directamente a Manu Bahtidão, con más de un mensaje coincidiendo en la misma idea: “Es completamente igual”.

¿Podría Rosalía presentar una denuncia?

Ninguna de las dos cantantes se ha pronunciado sobre esta polémica hasta la fecha. Tanto en España como en Brasil existen leyes de propiedad intelectual que protegen el diseño de los espectáculos de los músicos, considerándolo como una obra artística con derechos de autor propios. Además, dado que ambos países son del Convenio de Berna (tratado internacional que protege los derechos de autor), cabría perfectamente la posibilidad de que la cantante catalana pudiera presentar una demanda ante los tribunales brasileños si lo considerara pertinente.

Otro sector del fandom de Rosalía ha señalado que, probablemente, el hecho de que Manu Bahtidão haya presentado un espectáculo tan parecido se deba a que “está buscando crear polémica” para hacerse más conocida. En todo caso, no sería la primera vez que los seguidores de la artista española acusan de plagio a otra cantante, con casos como el de Karol G que surgen en posts y en foros de forma recurrente.

“Hemos competido con grandes acontecimientos de trascendencia histórica, como la visita del papa León XIV, y la advertencia repetida a los ciudadanos de que no se desplazasen al centro”. Con estas palabras justificaba Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, las cifras provisionales de la 85 edición del evento literario que durante dos semanas ha llenado de lectores y escritores el Parque del Retiro.

El balance apunta a un (nuevo) descenso de la afluencia: 600.000 visitantes en total, más de 200.000 menos que en la edición de 2025, donde, como venía siendo costumbre, se superó el millón de personas. Esta “considerable” bajada se ha traducido en un descenso de la facturación: de los más de 7 millones y medio de euros el año pasado (que luego ascenderían a 10 en las cifras definitivas), el volumen de negocio de 2026 apunta a quedarse en un total de 7,26 millones.

Con todo, Orúe ha señalado que la facturación sería 430.000 euros inferior a los datos provisionales de 2025. Sin embargo, queda por ver qué ocurrirá en la última jornada de la Feria, marcada por unas previsiones meteorológicas desfavorables que podrían adelantar su cierre a las 15:00 horas de este domingo, afectando todavía más a los datos de facturación y venta. A las 14.00, el evento emitirá un comunicado informando sobre si finalmente se mantendrá este escenario.

Varios años seguidos de caída

Para conocer los datos definitivos habrá que esperar al próximo miércoles 17 de junio, día en el que se publicarán las cifras con los datos del último fin de semana ya incorporados. En 2025, las últimas jornadas dieron un empujón considerable a las cifras provisionales, elevando las ventas por encima de los 10 millones de euros y el número de visitantes por encima del millón, una cifra más que considerable teniendo en cuenta los dos cierres del Retiro que se produjeron entonces a causa del calor.

Con todo, estos datos también implicaron en su momento un ligero descenso en comparación con años anteriores, donde las ventas superaban los 11 millones de euros y un volumen de visitas de 1,2 millones de personas. Quedará por ver si, en 2027, en una edición que tendrá como eje temático el género de las memorias, se consigue revertir esta tendencia a la baja, acentuada este año por la visita del papa León XIV y los diferentes cortes de tráfico y transporte público que han dificultado la movilidad de muchas personas.

Cómo afectará el tiempo a la Feria del Libro

El mal tiempo podría poner la puntilla a esta caída en los números, con un aviso amarillo por tormentas en toda la Comunidad de Madrid. La Agencia Estatal de Meteorología (Aemet) ha indicado una probabilidad alta de chubascos intensos, granizo y viento, vigente desde las 12:00 hasta las 21:00 horas, con riesgo incluso de granizo y temperaturas que llegarán a los 26 grados en diferentes puntos de la comunidad autónoma.

Ante estas previsiones, la Feria del Libro ha previsto tres posibles escenarios. “Si las alertas meteorológicas son anuladas, la actividad podrá desarrollarse con normalidad", señalan. “Si se mantiene únicamente la alerta naranja, la Feria permanecerá cerrada durante el periodo afectado”. En cambio, “confirma la alerta roja, las autoridades procederán al desalojo preventivo del Parque de El Retiro a partir de las 16:00 horas".

Precisamente ahora se cumplen 50 años del estreno de esta película y, quizás por esa razón, resulte un tanto ‘epifánico’ que haya decidido retomar el tema con El día de la revelación, en la que recupera buena parte de los temas que en ella propuso y que, en este caso, entroncan con nuestro presente de una forma de lo más significativa.

Y es que, además de hablar sobre la posible existencia o no de la presencia de vida alienígena, Spielberg centra la película en dos temas fundamentales: las corporaciones que dominan el mundo y se encargan de mover los hilos a nuestras espaldas, ocultando información y haciéndonos creer lo que ellas consideren necesario y, además, la falta de empatía en nuestros días, la necesidad de escuchar a los demás y cómo eso genera una incomunicación que va más allá de las especies.

Un thriller de tramas paralelas que convergen

Un experto en ciberseguridad, Daniel (Josh O’Connor), roba una información clasificada de la empresa para la que trabaja, en la que se guardan secretos sobre experimentos con seres de otros planetas, así como miles de pruebas de las naves espaciales con las que nos han estado visitando. Junto a él, se encuentra su novia, Jane (Eve Hewson), ajena a todo, pero profundamente creyente, a través de la que se establecerá un debate religioso en torno a la fe en relación con la presencia de otros seres no humanos. ¿Es compatible Dios con los marcianos?

Por otro lado, en Kansas conoceremos a Margaret (Emily Blunt), una meteoróloga de la cadena de televisión local que no encuentra su lugar en el mundo a pesar de que parece tenerlo todo: un buen trabajo, pareja y estabilidad. Durante el acto cotidiano del desayuno, un pájaro entrará por la ventana y todo cambiará para ella: comenzará a hablar otros idiomas, a saber qué ocurre en la mente de aquellos que se cruzan con ella, a tener presentimientos e intuiciones. Lo sabrá todo. Además, en antena, articulará unos sonidos guturales que nadie entenderá y que rápidamente se extenderán por Internet. El único que sabrá descifrarlos será David.

Ambos personajes iniciarán un trayecto de huida cuando se vean perseguidos por la todopoderosa corporación que preside Noah (Colin Firth), capaz de hacer lo que sea para que sus secretos no salgan a la luz. Goza de poder, de dinero, de recursos infinitos y de tecnología alienígena para adelantarse a los movimientos de los fugitivos. Los dos protagonistas estarán llamados a encontrarse, y para que eso ocurra les ayudará Hugo (Colman Domingo), que sabe mucho más de lo que parece sobre la relación entre todos los personajes y su papel en esta historia.

Steven Spielberg compone una historia de tramas paralelas que poco a poco irán convergiendo de manera orgánica. En ese sentido, buena parte del metraje está dedicado al thriller de misterio y persecuciones, a la intriga de conspiraciones con leves toques sobrenaturales.

Una película mucho más política de lo que parece

No resulta casual que la película se ambiente en un momento de crisis política (ficticia), entre los Estados Unidos y Corea, que se encuentran al borde de una Tercera Guerra Mundial. En ese sentido, se plantea la pregunta central del relato: ¿está la población preparada para conocer que no está sola en el universo?, ¿generaría eso un cataclismo o, en cambio, serviría para apaciguar los ánimos?

El director no tiene la respuesta, pero sí se atreve a especular que, desde la época de Nixon, se han efectuado experimentos con alienígenas, se les ha torturado y utilizado para hacer pruebas científicas y que todo eso ha estado en manos de una empresa privada que ha estado asesorando a los sucesivos gobiernos sin dejar rastro.

En ese sentido, la película parece enfocada, al igual que le ocurre a los personajes de Emily Blunt y Josh O’Connor, a que el espectador también despierte del letargo, que abra los ojos y tome conciencia de lo que ocurre a su alrededor, que son muchas cosas y muy graves. Y que tome partido por ellas. Por eso, aunque no lo parezca, El día de la revelación es una película de lo más comprometida, reivindicativa y política disfrazada de entretenimiento vacuo.

De alguna manera es como si Spielberg mezclara travesura y gravedad, disfrute con seriedad. Sin embargo, como siempre, lo que triunfa en su cine, además de todas las preguntas que plantea, que no son pocas en este caso, es el corazón de la película. En ese sentido, cuando los protagonistas por fin se encuentran, la obra va adquiriendo poco a poco más peso hasta alcanzar una última parte realmente emocionante a modo de epifanía que quedará para el recuerdo y que culmina con un mensaje a los espectadores: “Escuchad”.

Steven Spielberg no ha perdido un ápice de su entusiasmo, sigue siendo un director virtuoso que juega a hacer cine a lo grande, que es consciente de lo que significa el espectáculo y que puede hacerlo a gran escala, pero nunca olvida lo más importante, la parte humana, lo que nos hace mejores y que solo está en nuestro interior. Y extraer eso a través de imágenes, él sabe hacerlo mejor que nadie. Y verlo, en estos tiempos de cinismo, reconforta por dentro.

Cuarto día de Mundial y cuarto grupo a analizar después de repasar los tres primeros en esta particular serie del Mundial de Cine. Tras hablar de las cinematografías de países como México, Chequia, Canadá, Brasil o Marruecos, entre otros, esta vez es el turno de un grupo de lo más desequilibrado, pues un país no solo es el más grande de su grupo, sino probablemente de todos. El lector se puede hacer una idea de cuál estamos hablando, porque la mayoría de películas que haya visto en su vida serán de él.

El Grupo D del Mundial, con Estados Unidos, Turquía, Paraguay y Australia, permite leer el torneo también como un mapa cinematográfico. Cada selección llega con una tradición distinta, más o menos consolidada, pero en todos los casos el cine ha servido para pensar la identidad, la memoria y los cambios sociales desde ángulos muy personales. En esa variedad está buena parte del interés del grupo.

Estados Unidos

Estados Unidos es, de los cuatro, el país con una industria más poderosa y visible, aunque eso no significa que su cine se reduzca al gran espectáculo de Hollywood. Junto a la maquinaria comercial, el país ha producido autores capaces de mirar la sociedad con más filo, desde Martin Scorsese hasta Sofia Coppola, pasando por Spike Lee o el reciente ganador del Oscar Paul Thomas Anderson, cada uno con una manera distinta de examinar la identidad, la familia y el poder.

En ese panorama, títulos como Taxi Driver, Lost in Translation o Do the Right Thing ayudan a entender por qué el cine estadounidense sigue siendo una referencia global: no solo por volumen, sino por su capacidad para convertir lo local en mito. El cine de este país ha sabido, en lo esencial, alimentar tanto el espectáculo masivo como la crítica más punzante, y esa dualidad es lo que lo mantiene en el centro del debate cultural. Para estos días nos quedamos con el que probablemente sea uno de sus mayores directores, John Ford, padre del western y autor de algunos de los mejores títulos que ha dado Estados Unidos, como Centauros del desierto o Quién mató a Liberty Valance.

Turquía

Turquía ofrece un perfil muy distinto, más sobrio y autoral, donde la fuerza del cine depende menos de la industria que de la personalidad de sus directores. Nuri Bilge Ceylan es probablemente su nombre más reconocido, y películas como Érase una vez en Anatolia o Sueño de invierno —ganadora en el Festival de Cannes de 2014— muestran una mirada contemplativa, paciente y muy atenta al conflicto moral. Antes que él, Yılmaz Güney había marcado una tradición de compromiso político y realismo áspero, y más recientemente Fatih Akin ha tendido puentes entre Turquía y Europa con obras como Contra la pared.

Aunque su fuerte está desde hace años en las series, con sus ya famosas telenovelas, el cine turco suele moverse entre la intimidad y el paisaje, entre el dilema familiar y la tensión histórica, como si cada plano tuviera que negociar con una identidad compleja. No hay grandes gestos, sino una observación constante de lo que se cocina bajo la superficie: las relaciones, las heridas no dichas, las contradicciones de una sociedad que cambia rápido.

Paraguay

Paraguay representa una cinematografía mucho más pequeña, pero precisamente por eso muy interesante cuando logra hacerse visible. En los últimos años, el país ha ido construyendo una escena que combina documental, ficción social y una relación muy directa con la experiencia cotidiana. Obras como Matar a un muerto, de Hugo Giménez, o el drama lésbico Las herederas, de Marcelo Martinessi, han colocado al cine paraguayo en el mapa internacional con una mezcla de austeridad y precisión emocional.

En ese contexto, la fuerza no está en la escala sino en la mirada: relatos contenidos, personajes al límite y una sensibilidad que encuentra en lo doméstico y lo social una misma tensión narrativa. El cine paraguayo no busca imponerse con volumen, sino con persistencia, y eso lo hace particularmente honesto.

Australia

Australia completa el grupo con una tradición más amplia de lo que a veces se supone, marcada por una constante conversación entre paisaje, aislamiento e identidad nacional. Peter Weir fue una figura central en la construcción de esa mirada, con películas como Picnic en Hanging Rock o Gallipoli, donde el territorio se vuelve casi un personaje más. A su lado, George Miller llevó el cine australiano a otra dimensión con Mad Max, una saga que transformó un entorno hostil en un universo visual de enorme potencia. También Jane Campion, aunque asociada a una carrera más internacional, partió de un impulso australiano muy claro en títulos como El piano, donde el espacio, el silencio y la subjetividad adquieren un peso extraordinario.

Visto en conjunto, el Grupo D funciona casi como una conversación entre modelos de cine distintos. Estados Unidos aporta amplitud y centralidad industrial; Turquía, densidad autoral y reflexión; Paraguay, una escena emergente que se abre paso con voz propia; y Australia, una tradición marcada por el paisaje y la energía visual. El fútbol organiza la competencia, pero el cine deja ver otra cosa: cómo cada país construye sus relatos, sus obsesiones y su manera de mirar el mundo.

Protagonizada por Mafalda Carbonell —hija del también actor Pablo Carbonell—, la atleta paralímpica Eva Moral —medalla de bronce en los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020— y Silvia Abril, este coming of age sigue la historia de una adolescente de 17 años mientras aborda cuestiones tan universales como la amistad, la sexualidad y el primer amor desde la perspectiva de una joven con discapacidad.

Presentada en el pasado Festival de Málaga como parte de la Sección Oficial Fuera de Concurso y producida por Atresmedia Cine junto a Cattleya Producciones y La Canica Films, la historia sigue a Belén (Carbonell), una adolescente de segundo de Bachillerato en silla de ruedas que ve cómo sus tres mejores amigas tienen claro qué harán cuando termine el curso. Su incertidumbre, unida a su carácter rebelde y a su constante mal humor, la llevará a ser castigada por la directora de su instituto para ser parte del club de atletismo. Allí conoce a Laura (Moral), una atleta paralímpica que, motivada por el atletismo, la ayudará a ver la vida de otra manera, a romper con los límites establecidos por su entorno y a ganar confianza en sí misma.

Luchar contra la heroicidad y el drama a través de la risa

La normalización de vivir en silla de ruedas viene de la mano de la propia directora y guionista. Una de las mejores amigas de la infancia de Beatriz de Silva (Cáceres, 1997) necesitaba de ella para hacer su vida. “Para nuestro grupito no era relevante más que por temas logísticos: taxis adaptados, discotecas sin escalones, restaurantes con suficiente espacio, autobuses con rampa. Estábamos acostumbradas a incluir la adaptación en nuestra vida”, apunta. Pero no todo el mundo tenía estos factores en cuenta, algo que se traslada incluso a la gran —y pequeña— pantalla.

Así surgió la idea de escribir y dirigir Todos los colores, como “una necesidad de contar algo” que para ella era “una normalidad”. “A lo mejor una película te puede ayudar a tener ese imaginario en tu cabeza. ¿Cómo hace una persona con discapacidad para ir a una discoteca? ¿Cómo mantiene relaciones sexuales? ¿Cómo se cambia de la silla a la cama? Pequeñas cositas que al final hacen que tú normalices una vida y que no se te caiga el mundo", apunta.

Y contra los estereotipos precisamente quería luchar De Silva. “No eres un niño, ni un ángel, ni un superhéroe. Eres una persona y tienes tu personalidad, que no está definida por una silla”, explica. “Los primeros cinco minutos vas a ver la silla. Luego ya vas a ver a Belén”.

Una visión que comparte Eva Moral, atleta de triatlón paralímpico y debutante en el cine. La deportista lamenta que las personas con discapacidad sigan apareciendo en la ficción atrapadas entre dos extremos: la heroicidad o el drama. “Siempre se nos trata desde el punto de vista de los superhéroes o del drama, la pena, la depresión o la sobreprotección”, afirma. Frente a ello, reivindica una representación más cercana a la realidad: “Ya estamos muy cansados de ese drama que no existe en la vida real. Tenemos vidas plenas y queremos huir de eso, porque luego lo percibimos en nuestro día a día dentro de la sociedad”.

Pese a que Carbonell no lleva silla de ruedas como la protagonista, la actriz de 17 años —está en primero de Bachillerato, es aún más joven que su personaje— sabe lo que es tener una discapacidad. Cuando era pequeña le diagnosticaron artrogriposis de miembros inferiores, motivo por el que se ha enfrentado a varias operaciones y tuvo que estar tres años con las piernas escayoladas.

Por ello, encontró numerosos puntos en común con Belén. “Aunque yo no vaya en silla de ruedas y pueda caminar, aunque sea con cojera, una discapacidad es una discapacidad”, explica la actriz, que debutó en el largometraje en Vivir dos veces (2019), dirigida por María Ripoll, y también ha participado en Baby (2020), de Juanma Bajo Ulloa, y en series como 30 monedas, de Álex de la Iglesia, entre otras. “Yo de más pequeña también tenía dudas sobre el sexo y un montón de cosas, viéndolo desde mi perspectiva de la discapacidad. Hacer esta película me ha ayudado un montón”, afirma.

El camino de la sexualidad

La sexualidad es, precisamente, uno de los ejes centrales de Todos los colores. Belén está enamorada de Panocha (Iván Luengo), un compañero de clase que más pronto que tarde corresponderá su amor y mejor que nadie terminará aceptando su sexualidad. “Hay una intimidad emocional muy fuerte. Muchísimas de las cosas que grabamos son improvisaciones de ellos. Se pusieron a hacer sus cosas y a jugar y yo dije: ‘Pon la cámara ahí y vamos a ver qué sale’”, sostiene la directora. Ese mismo enfoque también lo reivindica Silvia Abril, quien interpreta a la madre de Belén. “Es la primera comedia con la que los adolescentes se van a sentir realmente identificados, porque se tratan temas de cara abiertamente y de verdad”, sostiene la actriz.

Por ello, la historia de madurez y autodescubrimiento de la protagonista pasa por el sexo y su relación con Panocha. Un aspecto que, según Carbonell, rara vez se aborda con naturalidad en la ficción. “Nunca vemos temas como la regla o la sexualidad más allá de las típicas escenas de sexo”, reflexiona la actriz, que defiende que resulta mucho más útil que una película invite a los jóvenes a hablar y reflexionar sobre estas cuestiones que limitarse a reproducir situaciones idealizadas o poco realistas. “Hay chavales y chavalas muy pequeños que ven esas escenas y se piensan que es así”, señala.

Los primeros cinco minutos de película sirven como declaración de intenciones. Más allá de mostrar una primera escena de Belén en clase de Educación Física —que no puede correr por estar en silla de ruedas—, la joven gasta una broma a su profesor: le pega una compresa llena de sangre en la espalda. Es una escena que la directora “tuvo que pelear”. “Es muy visual y puedes perder a gente por el camino. Pero a mí me parecía precisamente una declaración de intenciones: lo escatológico es súper humano. Y en el caso de la experiencia femenina, más“.

Por ello el humor es fundamental, como asegura Moral: “Creo que con esta película se consigue, porque efectivamente nos reímos muchísimo y se acaba olvidando que la protagonista va en una silla de ruedas. Al final es, como digo yo, un complemento. Como el que lleva gafas o aparato”.

Aaron Sorkin, creador y director de The Social Reckoning, reveló el motivo detrás de la ausencia de Jesse Eisenberg en la esperada secuela de La red social. El cineasta explicó que el actor rechazó volver a interpretar a Mark Zuckerberg porque no desea seguir asociado al fundador de Facebook. Sorkin intentó convencerlo durante tres días, pero Eisenberg mantuvo su decisión, marcando así un cambio relevante en la continuidad del personaje para la nueva producción.

El propio Sorkin, responsable del guion tanto de la cinta original como de la secuela, detalló en una entrevista reciente con Vanity Fair que la negativa de Eisenberg obedece a una cuestión personal. Según el director, el actor “simplemente no quiere ser más confundido con Mark Zuckerberg”. Sorkin añadió que Eisenberg “tiene sus problemas con el tipo” y citó situaciones incómodas que el intérprete ha vivido, como el hecho de que jóvenes se le acerquen en aeropuertos con tarjetas que dicen “I’m CEO, bitch” para que las firme. Esta decisión pone fin a una etapa para Eisenberg, quien obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor principal por su trabajo en The Social Network en 2010. El filme, dirigido por David Fincher y escrito por Sorkin, se convirtió en un referente sobre el auge de las redes sociales y el fenómeno Facebook, consolidando la imagen pública de Eisenberg como el rostro cinematográfico de Zuckerberg.

A lo largo de los años, el vínculo entre Eisenberg y el personaje de Zuckerberg se convirtió en una carga para el actor. El propio Eisenberg reconoció públicamente que su negativa a regresar en la secuela no tiene que ver con la calidad del nuevo guion ni con el equipo de producción. “Por razones que no tienen nada que ver con lo increíble que será esa película, de verdad, sinceramente. Pero cuando interpretas a un personaje, sientes que en algún momento te has convertido en otra cosa”, declaró el actor durante una entrevista en el programa Today el año pasado. Eisenberg, que tras The Social Network continuó su carrera en proyectos como A Real Pain, buscó distanciarse de la figura de Zuckerberg y de las implicancias mediáticas asociadas a ese rol. El actor explicó que la exposición derivada de su interpretación llegó a afectarlo en su vida cotidiana, sobre todo por la intensidad con que el público fusionó su imagen con la del fundador de Facebook.

Jeremy Strong, el relevo

Sorkin relató que realizó varios esfuerzos para que Eisenberg reconsiderara su decisión. El director recordó que se reunió con el actor durante tres días, intentando persuadirlo de asumir nuevamente el papel que lo llevó a la fama internacional. “Sentía que el personaje le pertenecía, y él estaba más que probado en ese rol”, afirmó Sorkin en la entrevista. La relación entre ambos se mantuvo cordial, pero la postura de Eisenberg fue definitiva. El contacto inicial sobre la secuela ocurrió en la fiesta de los premios Oscar de Vanity Fair en 2025, donde Sorkin aprovechó para mencionar el nuevo guion. En ese mismo evento, el cineasta se cruzó con Jeremy Strong, quien, ante la posibilidad de que Eisenberg rechazara el papel, se postuló espontáneamente como candidato para interpretar a Zuckerberg.

Ante la negativa de Eisenberg, Jeremy Strong fue seleccionado para encarnar a Zuckerberg en la secuela. Sorkin destacó la actitud del actor desde el comienzo del rodaje: “Apenas llegó el primer día, cuando me saludó ya estaba hablando como Mark”. Strong, conocido por su trabajo en Succession y The Apprentice, asumió el reto de dar continuidad a un personaje icónico para una nueva etapa narrativa. La producción de The Social Reckoning cuenta también con Jeremy Allen White, Mikey Madison, Betty Gilpin y Patrick Fischler en el elenco. El estreno está programado para el 9 de octubre, y el primer tráiler ya fue lanzado, generando expectativa sobre el enfoque renovado que aportará la interpretación de Strong.

La ausencia de Eisenberg marca un cambio significativo en la franquicia, que mantiene a Sorkin como guionista y director. El propio cineasta reconoció el legado de la primera película y la dificultad de encontrar un nuevo rostro para Zuckerberg. La declaración de Eisenberg —“ya no quiere que lo comparen con él”— sintetiza el desgaste y la complejidad de mantener un personaje tan identificado con un fenómeno real y global como Facebook. The Social Reckoning buscará ahora consolidar su propia identidad con un reparto renovado, mientras el público y la crítica esperan ver cómo se resuelve la transición entre dos etapas marcadas por la figura de Zuckerberg en la pantalla.

Cruise celebró el estreno de El día de la revelación (Disclosure Day) con un reencuentro junto a Dakota Fanning y Colin Farrell, sus compañeros en las películas de Steven Spielberg. El evento, realizado el lunes, reunió a los protagonistas de La guerra de los mundos y Minority Report en una función especial para homenajear al director y acompañar el lanzamiento de su nueva película. La noche quedó reflejada en las redes sociales de Cruise, quien compartió una imagen junto a Fanning y Farrell, sosteniendo un busto de Spielberg ante un teatro lleno. El actor quiso destacar la importancia de su relación profesional y personal con Spielberg, así como el valor de estas colaboraciones en su carrera.

En su publicación, Cruise expresó: “No hay nada mejor que una noche de cine de verano con una película de Spielberg en un teatro lleno, rodeado de amigos.” El actor agradeció al director: “Steven, gracias por todas las horas de alegría que nos has brindado en el cine. Ha sido un gran honor y un placer haber trabajado contigo y poder llamarte mi amigo.” A continuación, Cruise añadió: “Felicidades a mi querida amiga Emily y a todo el grupo de artistas que creó esta película. Estuvisteis soberbios. ¡A todos nos encantó ‘Disclosure Day’!”

La reunión de Tom Cruise con Colin Farrell y Dakota Fanning reunió a tres nombres asociados a la filmografía de Spielberg. Cruise y Farrell compartieron cartel en Minority Report (2002), mientras que Fanning interpretó a la hija de Cruise en La guerra de los mundos (2005). La fotografía compartida por Cruise muestra a los tres actores reunidos para celebrar el nuevo estreno y rendir homenaje a quien consideran una figura clave en sus trayectorias. El busto de Spielberg en la imagen funcionó como símbolo del reconocimiento y la admiración que los actores sienten por el director. El ambiente festivo y la emoción del público reflejaron el significado especial que tuvo la velada para todos los presentes.

La película de la que todos hablan

La función de Disclosure Day marcó el inicio de la temporada de cine de verano para Cruise, quien impulsó la celebración como una oportunidad para revivir la experiencia colectiva del cine en pantalla grande. La sala, completamente llena, fue testigo del entusiasmo generado por la nueva obra de Spielberg y del espíritu de comunidad que caracteriza estos eventos. Cruise aprovechó la ocasión para subrayar el valor de la experiencia cinematográfica compartida, destacando el papel de Spielberg en la creación de momentos memorables para el público. Para el actor, asistir a un estreno del director es una tradición que combina el respeto profesional con la amistad personal.

Las palabras de Cruise durante la celebración hicieron hincapié en la influencia de Spielberg en su vida y carrera. El actor reiteró el honor de haber trabajado bajo sus órdenes y de mantener una amistad duradera. En su mensaje, Cruise agradeció a Emily y al equipo creativo de Disclosure Day: “Felicidades a mi querida amiga Emily y a todo el grupo de artistas que creó esta película. Estuvisteis soberbios.” El protagonista de Minority Report y War of the Worlds enfatizó la satisfacción de poder compartir estos logros en compañía de amigos y colegas, reforzando la relevancia de la colaboración artística en el cine.

La nueva película de Spielberg recibió comentarios de la crítica especializada. Según TheWrap, el filme se caracteriza por una realización visual que remite al cine de acción de los años noventa, con una puesta en escena pulida y un estilo marcado. El crítico William Bibbiani describió Disclosure Day como una obra que “tiene todo el brillo de una película de acción de primera categoría de los años noventa, de cuando los grandes estrenos se hacían con personalidad y estilo, aunque no siempre tuvieran sentido”. Bibbiani comparó la película con un episodio de The X-Files por su mezcla de misterio y acción, y destacó el nivel de entretenimiento logrado, aunque señaló que la coherencia narrativa no es el punto fuerte de la producción. Disclosure Day ya está disponible en salas de cine, con el respaldo de figuras emblemáticas y un homenaje explícito a la carrera de Spielberg.

Una reciente filtración sobre The Batman: Parte II ha provocado sorpresa entre los fanáticos del universo del Caballero Oscuro. Nuevos informes aseguran que Sebastian Stan, conocido por su participación en el universo cinematográfico de Marvel, no interpretará al villano que muchos esperaban, sino que dará vida a un personaje inesperado: Victor Zsasz. Esta revelación modifica las expectativas en torno al antagonista principal de la esperada secuela dirigida por Matt Reeves. Desde su anuncio, la secuela de The Batman ha estado envuelta en secretismo. Los rumores apuntaban a que Stan asumiría el rol de Harvey Dent, también conocido como Dos Caras, uno de los enemigos más emblemáticos de Gotham. Sin embargo, el periodista Jeff Sneider informó en The InSneider que el actor no será el nuevo fiscal de distrito caído en desgracia, sino que encarnará a un asesino serial conocido por marcar su piel con una cicatriz cada vez que comete un crimen.

La elección de Zsasz como villano introduce una variante oscura y violenta en la narrativa. Según Sneider, fuentes cercanas al proyecto describen que el guion de The Batman: Parte II presenta “algunas interpretaciones extrañas e interesantes” respecto a los personajes clásicos. La decisión de presentar a Zsasz como figura central, en lugar del tradicional Dos Caras, encaja con una visión más perturbadora y psicológica del universo de Gotham. El propio Sneider cita a un informante que define el tono de la película como “realmente loco”. La noticia ha generado debate entre los seguidores, quienes especulaban sobre la identidad del antagonista desde el anuncio de Stan en el reparto. Victor Zsasz, en los cómics, es un homicida que exhibe patrones rituales y un comportamiento extremo, lo que sugiere que la secuela podría apostar por una atmósfera más inquietante y violenta respecto a la primera entrega.

Junto a la confirmación de Zsasz como villano, la información divulgada apunta a la presencia de The Court of Owls (El Tribunal de los Búhos) dentro del guion. Este grupo, introducido en las historietas recientes de Batman, es una sociedad secreta que manipula los hilos del poder en Gotham desde las sombras. Sneider asegura que el libreto incorpora “elementos extraños” y que la inclusión de The Court of Owls forma parte de este enfoque renovado. Este giro representa una desviación respecto a adaptaciones anteriores, donde los antagonistas solían ser figuras solitarias y no organizaciones clandestinas. El periodista también menciona que otros personajes, cuyos nombres no se han divulgado oficialmente, podrían estar relacionados con esta organización, añadiendo capas de misterio a la secuela.

Un nuevo fiscal

Pese a que Stan no dará vida a Harvey Dent, el personaje sí formará parte de la trama. El actor Brian Tyree Henry interpretará al fiscal de distrito, según el reporte. Henry, conocido por su trabajo en Eternals y Atlanta, se suma así a una lista de intérpretes que han dado vida a Dent, entre los que destaca Billy Dee Williams, quien lo personificó en la película de 1989. La participación de Dent abre la puerta a tramas centradas en la corrupción y los dilemas morales dentro de Gotham, aunque por el momento no se ha especificado si el personaje desarrollará su transformación en Dos Caras durante la película.

El reporte también aclara la situación de otros nombres relevantes dentro del elenco. Se había especulado que Scarlett Johansson y Charles Dance interpretarían a la esposa y al padre de Harvey Dent, respectivamente. Sin embargo, la información más reciente sugiere que ambos encarnarán personajes originales, resultado de la combinación de diferentes figuras del universo Batman. Se desconoce si sus roles estarán conectados con The Court of Owls o si tendrán un peso significativo en la trama principal. La producción se ha mantenido hermética sobre detalles argumentales y la naturaleza de los nuevos personajes, alimentando las teorías y expectativas a medida que avanza el rodaje.

La dirección de la película está a cargo de Matt Reeves, quien también firma el guion junto a Mattson Tomlin. El elenco confirmado incluye a Robert Pattinson, Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Colin Farrell, Andy Serkis, Jeffrey Wright, Charles Dance, Jayme Lawson, Gil Perez-Abraham, Sebastian Koch y Brian Tyree Henry. La filmación está prevista para comenzar este mes en el Reino Unido. Warner Bros. ha fijado el estreno de The Batman: Parte II para el 1 de octubre de 2027, una fecha que los seguidores de Gotham ya marcan en el calendario ante el giro inesperado en la identidad del villano central.

El pasado 21 de mayo, la Real Academia Española (RAE) anunció la elección del escritor nicaragüense Sergio Ramírez para ocupar la silla L, vacante desde el fallecimiento de Mario Vargas Llosa. “Voy a escribir mi discurso sobre él”, nos adelanta el también ganador del Premio Cervantes en 2017, que, a pesar de tener “muchos amigos dentro” y de sentirse muy bien con el nombramiento, reconoce que “es curioso entrar en un organismo del que solo sales muerto”. “Es la coronación de una carrera o un embalsamamiento”, concluye entre risas.

A sus 84 años, Sergio Ramírez ha escrito más de 70 libros entre relatos, crónicas, ensayos y, sobre todo, novelas. Nos reunimos con él por la última de ellas, La maldición de Ramfis (Alfaguara), que llega a las librerías como la cuarta protagonizada por el detective nicaragüense Dolores Morales. El nombre de este personaje no es casualidad, como tampoco lo es su condición de exiliado: la misma que, desde hace un lustro, ostenta el propio escritor por oponerse al régimen de un Daniel Ortega del quien fue vicepresidente.

“Yo comparto su punto de vista”, informa el autor al hablar de las similitudes entre él y su personaje, “pero hay una diferencia de edad, porque él entró a la revolución como guerrillero adolescente y yo tenía treinta años. Así que él es mi cronista”. Los pasos de uno y otro han sido similares, y ya sea a través de los casos que resuelve o del turbio mundo que descubre en cada una de sus incursiones, en ningún momento se debilita el empeño de Ramírez en que Morales sea “testigo del presente”, pues solo así, opina, la literatura puede convertirse “en un acto de conciencia”.

Una novela negra y política

Tras El cielo llora por mí, Ya nadie llora por mí y Tongolele no sabía bailar, nos encontramos a un Dolores Morales que, tras ser expulsado al exilio, sobrevive junto a doña Sofía en Costa Rica. La cosa cambia cuando lo llaman para resolver un asesinato en el Sea Cloud, un velero de lujo que sirve como espacio cerrado a lo Agatha Christie en el que Ramírez despliega su prosa para desvelarnos un misterio y, por el camino, buena parte de la historia reciente de Latinoamérica.

“Yo creo que, desde la perspectiva latinoamericana, toda novela negra es una novela política”, sentencia el novelista. “Empezando por la naturaleza del sistema judicial, que está ligado a la política, a la corrupción, a la influencia de quienes mandan. La independencia judicial en América Latina es fantasía, y eso contamina el ambiente de la novela policial”. Con Dolores Morales pretende, pues, retratar el “fracaso ético” de la revolución a través de un personaje que, ya sea desde la acción o desde los márgenes, acaba desencantándose por todo lo que atestigua.

El origen del libro, de hecho, también está vinculado a esa misma historia política. Cuenta Sergio Ramírez que un día, mientras paseaba por San Juan del Sur (Nicaragua) vio el Sea Cloud varado en la bahía. “Me puse a investigar y descubrí que era un velero que hacía distintas rutas por el mundo llevando a sesenta pasajeros millonarios. También había sido el barco de Angelita Trujillo (hija predilecta del dictador dominicano Rafael Leónidas Trujillo), así que, cuando decidí escribir esta novela, supe que este escenario cumplía los requisitos que yo quería”.

El negocio de los migrantes

Escribiendo, Sergio Ramírez busca cómo universalizar lo que ocurre en “un país llamado Nicaragua, del que nadie habla hoy en día”. “No escribo para curar mi conciencia o para clarificarla, pero la consecuencia de la escritura es que revela lo que ocurre”. Esto ocurre con el propio Dolores Morales, quien desde el exilio no descuida lo que está ocurriendo en su país. Esa añoranza permanente es la que le conduce, de algún modo, a topar con la red de tráfico ilegal masivo de personas de África y Asia a Estados Unidos. “El negocio con los migrantes”.

Con este término, Sergio Ramírez hace referencia a los flujos migratorios de personas que, huyendo de regímenes autoritarios, crisis económicas y el endurecimiento de los controles fronterizos en Europa, viaja hasta Estados Unidos utilizando América Latina como un puente de tránsito. “Las cifras que están en la novela, que solo se conocen por las estadísticas del Gobierno de Honduras, son reales”, adelanta el escritor. “En el último año, pasaron 350.000 personas de este tipo desde la frontera de Nicaragua a la de Honduras. Es un negocio inmensamente grande”.

Así, en La maldición de Ramfis, afloran desde diferentes polos los intereses particulares que se cruzan con los intereses de los autoritarismos, y no siempre al margen de la ley. “El sector privado es fundamental en este tipo de regímenes. Sin él, no existirían. Ortega existe gracias a un pacto con el capital financiero de Nicaragua: todos los grandes bancos y las grandes familias dueñas están ahí viviendo tranquilamente. Gozan de muchos privilegios, nadie toca sus capitales, no pagan impuestos y son un sostén, al fin y al cabo, político”.

La polémica de Arturo Pérez-Reverte y el papel actual de la RAE

Aclara Sergio Ramírez que, del mismo modo que las novelas de Dolores Morales han ido llegando conforme cambiaba la situación política de Nicaragua, el futuro de esta saga literaria “depende de las circunstancias políticas del país”. Por el momento, parece que su próximo proyecto literario pasa por un terreno muy distinto, el de sus memorias. “Creo que llega un momento en que el ser humano tiene una necesidad afectiva de recapitular su vida y sobre todo una situación de exilio. Volver la vista atrás y decir: bueno, ¿qué ha sido de mi vida?“.

También, claro, tendrá que dedicarle tiempo al discurso de ingreso en la RAE, para una ceremonia que se espera en otoño. Tras ella, Sergio Ramírez pasará a ser uno más entre los escritores consagrados con sillón en la Academia. Precisamente de uno de ellos, Arturo Pérez-Reverte, vino una de las últimas polémicas de la institución, al señalar que la Academia hacía “caso omiso” al criterio de estos autores que buscan afinar la lengua frente a los “talibanes del todo vale”, pertenecientes a un sector “dominante” principalmente conformado por lingüistas, que defiende una labor más de describir el lenguaje que ya hay que de perfeccionarlo.

Sergio Ramírez, también miembro de la Academia Nicaragüense de la Lengua, afirma no haber estado al tanto de esta polémica, pero entiende que la cuestión parte de una evolución en las funciones de la Academia, cuyo enfoque actual comparte. ”La RAE no puede crear palabras ni imponer las que se usan. Las palabras se crean en la calle, en las estaciones de radio y en los periódicos”. El único ámbito en el que varía esta posición es en el de la gramática y la sintaxis. “Ahí soy inflexible”, reconoce, “porque, si se cambiara, dejaríamos de entendernos”.

Como despedida, le pedimos que nos diga qué palabras le gustaría incluir en el diccionario y cuáles no. “Hay palabras que me gustan muchísimo del español nicaragüense, como la palabra cabanga, que significa nostalgia o morriña”, dice sobre lo primero. Sobre lo segundo, afirma que si de él dependiera, no entrarían anglicismos “que no sé ni dónde se han inventado, como la palabra microfonar (cuyo uso ya se considera válido), que se utiliza cuando vas a dar una entrevista y te instalan el micrófono. Es espantoso, y en mi país se dice alambrar, que es aún peor”.

La historia del fútbol femenino no tiene un lugar ni fecha concreta, pero se podría decir que en España empezó a labrarse un nombre en los campos de barro de Villaverde, barrio periférico de Madrid y donde se ambienta Pioneras: Solo querían jugar, la película que llega ahora a cines para explorar estos primeros pasos del deporte rey entre mujeres. Sus protagonistas y creadoras se reúnen con Infobae para hablar sobre la situación de aquella época y cómo no hemos cambiado tanto después de todos estos años, la dificultad de rodar escenas de fútbol de forma verosímil o mandar un recado a los altos dirigentes del fútbol actual.

“Jesús (Ulled Nadal), el productor, leyó un artículo sobre un polideportivo que estaban inaugurando en Villaverde y que llevaba el nombre de Victoria Hernández, una de las pioneras. Empezó a leer, vio que había material interesante y contactó con Marta, que tenía la espinita de ‘¿por qué no se me ha ocurrido esto a mí?’. Me parecía una historia increíble y desconocía la historia de estas mujeres”, recuerda Zebina Guerra, guionista de la película junto a la directora que menciona, Marte Díaz de Lope. La película toma como referencia a Hernández y el resto de jugadoras del histórico Club Olímpico Villaverde, las primeras en profesionalizar y sobre todo visibilizar más allá de un mítico partido en Vallecas entre las Folclóricas y las Finolis, con gente como Lola Flores, Marujita Díaz, Encarnita Polo o Rocío Jurado sobre el césped.

Rindiendo homenaje a las primeras

“Cuando le conté a mis padres la historia de ese partido, les pregunté si les sonaba y les mostré imágenes. Me dijeron que sí, algo recordaban, pero son cosas que quizá en su momento pasaron un poco desapercibidas o no llamaron la atención, tal vez porque no era un tema al que la gente prestara atención. Viéndolo ahora, no solo resulta curioso o exótico, sino que ayuda a entender cómo era la España en la que vivíamos”, reflexiona la directora, encargada ahora de aunar esas poderosas imágenes de archivo cedidas por RTVE con las filmadas con su propio equipo, ese que encabezan Sofía de Iznájar o Bruna Lucadamo. “En un principio, mi personaje estaba más basado en una persona real, pero la historia que se cuenta en la película no es la vida de esa persona. Me ayudó mucho ver entrevistas y vídeos de ella, imaginarme su vida, pero finalmente trabajé sobre lo que estaba escrito en el guion”, revela Sofía de Iznájar, encargada de dar vida a Nati, una de las jugadoras inspiradas en Victoria Hernández.

“Marta (la directora), no quiso hacer un trabajo de imitación ni ceñirse con total fidelidad a las vidas reales. Prefirió inspirarse y ficcionar, crear una mezcla. A mí me sirvió ver entrevistas de la persona en la que se inspira mi personaje, pero tampoco quería condicionarme demasiado, secunda Lucadamo, otra de las protagonistas del filme, mientras que ambas coinciden en que lo que más ilusión les hizo vino después de rodar. “Conocer a las mujeres reales fue muy emocionante. Cuando las vimos en el Festival de Málaga nos pusimos a llorar antes de saludarla. Sentimos mucho agradecimiento por poder contar su historia”.

La dificultad de rodar escenas de fútbol

En la película, como sucedió en la vida real, este grupo de chicas se encuentra con una gran oposición por parte de la sociedad de la época, contraria a que las mujerese pudiesen profesionalizarse o siquiera jugar. Tras las cámaras, la verdadera dificultad estaba en trasladar el fútbol de la época a imágenes que aunque no fuesen de archivo no resultasen menos reales. “Era una de las cosas que más me asustaba de la película, pero buscábamos que quedara bien y que tuviera un tono épico pero realista“, confiesa Díaz de Lope, quien da las claves. “Ensayamos mucho. Las actrices entrenaron durante mes y medio, haciendo entrenamientos y repitiendo las jugadas que estaban escritas en el guion, bajo la supervisión de un entrenador de fútbol para cine. Queríamos evitar la espectacularización típica del género y reflejar la rudeza y autenticidad del fútbol de los años setenta, donde el terreno era irregular y el juego mucho más básico”, explica la directora.

A ello ayudó la propia técnica que aportaban las actrices protagonistas, quien ya contaban con cierto pasado futbolero. “Hubo mucho entrenamiento y mucho barro. Yo jugaba al fútbol de pequeña y para la película entrenamos durante un mes y medio en el barrio. Fue una experiencia muy positiva”, apunta Lucadamo, hermana del artista Teo Lucadamo e hija de la también actriz Aitana Sánchez-Gijón. Rodar escenas de fútbol es complicado y conseguir que sean creíbles es un reto. “Nos ayudó mucho entrenar juntas y trabajar las coreografías, además de que nos divertimos”, corrobora Iznájar. Una experiencia previa que sin duda les hizo también acercarse más a sus personajes: “De niña jugaba al fútbol y me trataban como un bicho raro, recibía insultos o condescendencia. Aunque el contexto era diferente, sigue estando presente hoy”, recuerda Lucadamo.

Pioneras: Solo querían jugar llega a cartelera en un momento inmejorable, con la llegada del Mundial de Fútbol masculino y tras las elecciones de un Real Madrid al que aun le acusan muchos de no dedicar todo lo que puede a la parcela femenina. “La inclusión debe nacer de una convicción real, no por obligación ni para quedar bien. La igualdad es algo profundo, requiere conciencia y voluntad de informarse y cambiar”, señala Aixa Villagrán al ser preguntada al respecto, mientras que las creadoras mandan un mensaje directo al ya presidente Florentino Pérez: “Se está viendo que, si se invierte en fútbol femenino, hay recompensa. Van un poco tarde y les diría que deberían ponerse las pilas ya. No puede seguir habiendo esa timidez en apostar por algo donde hay muchísimo talento. La época ha demostrado que hay que apostar por ellas. El fútbol masculino ya ha llegado a su máxima cota y ahora toca darles la oportunidad a ellas”.

La última entrega concentra el cierre de la ficción en seis capítulos y culmina un recorrido de siete años desde que se emitió por primera vez en 2022 la primera temporada.

En este tramo final, La Rubia (Teresa Riott) se convertirá en heredera del control criminal y se situará en la cúspide del poder dentro de una estructura dominada por hombres. Sin embargo, son muchos los intereses puesto en su imperio y también muchas las trampas que le esperan por el camino.

Una serie sobre la banda de Los Miami

La serie, creada por José Manuel Lorenzo a partir de un artículo de prensa en el que leyó sobre el jefe de la banda, llamado Juan Carlos y al que denominaban ‘el Inmortal’. A partir de ahí comenzó un proceso de investigación que se alargó durante unos años para crear al personaje de José Antonio (Alejandro García) y todo el mundo que le rodeaba, no solo desde el punto de vista, sino también desde la perspectiva más personal y familiar.

Ese trabajo previo sirvió de base a los guionistas Diego Sotelo y David Moreno. No consistía solo en reproducir un universo reconocible, sino en decidir en qué momento había que separarse de la realidad para convertirla en ficción y evitar conflictos legales o personales.

De esa decisión salió una fórmula que el productor compara con un cóctel de proporciones exactas entre verdad y relato inventado. Esa mezcla ha variado en cada temporada y también ha condicionado la puesta en escena, la fotografía y el ritmo narrativo.

“Siempre tuvimos claro que queríamos hacer una mezcla entre thriller y drama costumbrista”, cuenta José Manuel Lorenzo a Infobae. “Y claro, vimos mucho cine de gánsters, a Coppola, Scorsese, pero siempre teniendo claro que la acción tenía que estar al mismo nivel que la parte humana de los personajes. Por eso, los vemos tanto pegando tiros como comiendo croquetas con su familia”.

Tres temporadas, tres estilos diferentes

Tanto el productor con el director Rafa Montesinos, que firma muchos de los episodios junto a David Ulloa, aseguran que una de las cosas de las que se sienten más orgullosos es que la serie ha ido mutando de estilo y nunca se han repetido los mismos esquemas. “Creo que, desde la producción, lo que intentamos en las tres es aportar algo nuevo, no caer en el error de estirar un chicle que habíamos creado ya. Y cada temporada tiene su propia personalidad, su propia cinematografía, su propia idiosincrasia, su propia personalidad. Y son muy distintas entre sí”, continúa Lorenzo.

La primera temporada respondía al ascenso desde la marginalidad, con cámara al hombro, grano en la imagen y localizaciones asociadas a personajes que perseguían una fórmula de éxito. La segunda, según explica Lorenzo, era más pausada y elegante porque los protagonistas ya tenían algo que perder lo que habían conseguido y empezaban a actuar bajo el miedo.

La tercera cambia otra vez el lenguaje visual. Montesinos ha explica que la dirección y la fotografía se han adaptado al estado mental de la banda, hasta convertir el cierre en una cuenta atrás acelerada, con sensación de tiempo agotado.

“Me gusta pensar que El Inmortal no es solo un thriller, porque yo quería contar la historia de un momento de España, de Madrid en relación con el mundo de la droga. Es lo que me gusta hacer en mis proyectos, darles un trasfondo histórico“.

Las mujeres al poder

El cambio más visible de la última temporada es el reparto del poder. El personaje de La Rubia, interpretado por Teresa Riott, se inspira en Ana Carmena, conocida como La Rubia, a quien se le atribuye haber sido la sucesora de ‘el Inmortal’ dentro del negocio de la cocaína.

“Creo que es un giro redondo para el personaje. Y también lo veo como un soplo de aire fresco para las mujeres en este tipo de ficciones, creo que algo está cambiando y hay más confianza en los roles femeninos poderosos”, comenta Teresa Riott.

En cuanto a José Antonio, se ha desvinculado del negocio e intenta mantenerse al margen. Viajará con su hija a Miami y se reencontrará con Rober (Marcel Borràs), que ha formado una familia con Paulina (Irene Esser). Sin embargo, alguien le traicionará y se verá obligado a volver a la acción para salvar a su familia.

La fascinación por los mafiosos

Le preguntamos a Álex García, por qué cree que existe tal fascinación por los mafiosos, por los personajes al límite, al menos en las ficciones, en las que siempre se está a un paso entre la condena y la glorificación.

“Yo creo que tiene que ver con la imagen que se da en la actualidad, toda la gente intenta mostrar su lado más impoluto, con menos grietas, cuando realmente todos tenemos en nuestro interior tanta luz como oscuridad. Así que cuando ves en la pantalla a un personaje que hace las cosas con tanta desfachatez y con total impunidad te libera un poco tu parte inmoral, es como una especie de extraño morbo”, cuenta el actor. “Son también ficciones para que romanices al malo, aunque en nuestra serie se cuenten las consecuencias. Pero ver las miserias ajenas, creo que nos tranquiliza un poco para que pensemos, pues mi vida tampoco está tan mal”.

Esa ambigüedad estará presente en toda esta última temporada en la que el personaje, acosado por apariciones de los muertos que lo acompañan, introduciendo así una búsqueda de redención en medio del derrumbe del mito de la inmortalidad. En cualquier caso, José Antonio seguirá fiel a los suyos algo que, en medio de toda esa violencia y corrupción, resulta de lo más sorprendente.

“Yo creo que El Inmortal te da una bofetada desde la cara más oculta del sistema, porque se encarga de desestructurarlo todo. Con ese personaje femenino que alcanza el poder, con un asesino que da lecciones de amistad y de lealtad. En ese sentido, es una serie bastante antisistema”.

Ahora, el director Pietro Marcello compone un atípico biopic en torno a su figura marcado por el estilo característico del autor, que suele mezclar en sus películas ficción, imágenes documentales y una pizca de poesía crepuscular. De alguna forma, esta película compondría una especie de díptico con su impresionante Martin Eden.

El director se concentra en los últimos años de Eleonora Duse, nacida en 1858 y muerta en 1924, cuando regresó a los escenarios después de 12 años de ausencia, enferma, endeudada y en un país donde el fascismo empezaba a apropiarse de símbolos culturales. Su negativa a aceptar las condiciones impuestas sobre su trabajo artístico definió también su relación con el poder, en especial a través de su cercanía a Gabriele D’Annunzio, poeta y dramaturgo cuyas ideas estéticas fueron claves para configurar la estética y la simbología de la extrema derecha de Benito Mussolini.

Una mujer que rompió los esquemas en el teatro

Pietro Marcello eligió los años de decadencia de la actriz porque “nunca se cuenta esta parte de los mitos de la historia”. En lugar de una biografía total, la película observa el momento en que Duse, después de haber sido una celebridad, vuelve al teatro en una etapa de fragilidad física y económica.

A Eleonora Duse la interpreta Valeria Bruni Tedeschi, en un papel casi hecho a su medida ya que pocas actrices podrían acercarse a un personaje tan complejo y ambiguo de una manera tan vulnerable como poderosa y egocéntrica.

Y es que Duse fue una intérprete que rompió los esquemas, las ficciones y los clichés del teatro del siglo XIX. Su forma de estar en escena desconcertaba al público, que vivía sus actuaciones como una sacudida más existencial que estética, y su arte fue descrito como un “fenómeno espiritual” capaz de llevar la interpretación a límites inéditos.

Influencia en los intelectuales europeos

Su influencia alcanzó a varios nombres centrales de la cultura europea, directamente relacionados con la transformación de la conciencia del siglo XX, así como pensadores y autores como Friedrich Nietzsche y Henrik Ibsen. También se dice que su forma de trabajo, inspiró a Konstantin Stanislavski, para establecer su famoso método.

Fue admirada por autores y artistas de su tiempo, de Hugo von Hofmannsthal a Rainer Maria Rilke, de Antón Chéjov a Charlie Chaplin. Esa dimensión histórica convive en la película con una figura íntima y vulnerable: una mujer con problemas respiratorios a causa de una prolongada tuberculosis, deudas crecientes y relaciones personales deterioradas.

Ese retrato incluye la relación con su hija Enrichetta, interpretada por Noémie Merlant, uno de los ejes del relato dada la distancia que se impone entre ambas. También aparecerá la mítica actriz Sarah Bernhardt, encarnada por Noémie Lvovsky, con la que siempre mantuvo una amistad marcada por la rivalidad.

Mussolini rindió homenajes a Duse y le ofreció una pensión del Estado, pero Pietro Marcello recuerda que ella “nunca recibió dinero de Mussolini porque se fue a Estados Unidos y no se quedó en Italia”, convirtiéndose en una de las pocas figuras capaces de desafiar al dictador, aunque tuviera que exiliarse a Estados Unidos donde finalmente falleció.

El Mundial avanza y, tras un apasionante partido inaugural y un par de partidos llenos de grandes giros de guion, es momento de volver al cine. Tras comenzar una serie en torno a las cinematografías de cada país participante en la competición, y analizar combinados como México, Sudáfrica, Suiza o Canadá, llega el turno de un nuevo grupo con el que descubrir un poco de historia y, sobre todo, grandes películas y personajes.

El grupo C del Mundial, con Brasil, Marruecos, Haití y Escocia, reúne cuatro cinematografías muy distintas, pero todas con una relación muy marcada con la identidad, la memoria y la forma de narrar el país propio. Como ocurre en el fútbol, el interés no está solo en la fuerza de cada nombre, sino en el estilo con el que cada uno se presenta. Y en el cine, esos estilos hablan tanto de historia como del presente.

Brasil: energía, desigualdad y Cinema Novo

Brasil llega al grupo C con una de las tradiciones cinematográficas más ricas y visibles de América Latina, marcada por la tensión entre exuberancia vital y denuncia social. Desde los años sesenta, el Cinema Novo ha sido el eje de esa identidad, con Glauber Rocha como figura central y Deus e o Diabo na Terra do Sol como una de las obras más emblemáticas, donde la violencia rural, la fe y la política se entrelazan en una puesta en escena de fuerza casi visceral. Ese impulso de “hacer cine con lo que hay” no solo definió una época, sino que abrió una línea de continuidad que aún resuena en el cine brasileño contemporáneo.

En décadas más recientes, la tradición se ha renovado sin perder su origen crítico. Carlos Diegues amplió la mirada con historias más narrativas y populares, mientras Walter Salles llevó esa sensibilidad a una escala internacional con Estación Central y Diarios de motocicleta, cuando no la ya icónica Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles y Kátia Lund. Más cerca del presente, Kleber Mendonça Filho ha renovado la conversación con títulos como Aquarius, Bacurau o la reciente El agente secreto, que triunfó en el pasado Cannes y llegó con cuatro candidaturas a los Oscar. Películas donde la tensión política se cruza con una puesta en escena muy precisa y una mirada que no teme mostrar la complejidad de un país hendido por la desigualdad. Brasil, en cine, es a la vez un país de contradicciones fértiles y de una energía que nunca se disuelve en el cliché.

Marruecos: tradición y modernidad con mirada social

Marruecos ha construido una filmografía de enorme personalidad, en la que tradición y modernidad conviven en un diálogo constante, muchas veces conflictivo. La obra de Nabil Ayouch ha sido decisiva para llevar al cine temas contemporáneos con una mirada directa y sin concesiones, como se ve en Horses of God, que explora la juventud y el extremismo, o en Much Loved, una película que aborda la vida de mujeres en los márgenes de la sociedad marroquí. Su cine ha ayudado a abrir el panorama nacional a historias que, hasta entonces, quedaban fuera de la pantalla.

Esa misma preocupación social se encuentra en Faouzi Bensaïdi, presente en Cannes en 2003 con Mille Mois, que aporta una sensibilidad más estilizada y reflexiva, con una puesta en escena que combina realismo y una mirada casi poética sobre el personaje y el espacio. También Laila Marrakchi ha contribuido a ampliar la presencia de miradas femeninas en el panorama marroquí, mostrando cómo la identidad se construye entre tradición familiar, expectativas sociales y deseo de libertad. El cine marroquí ha sabido moverse entre lo local y lo universal, apoyándose muchas veces en historias íntimas para hablar de transformaciones colectivas, y eso le da una voz muy reconocible dentro del cine africano y árabe.

Haití: cine de resiliencia

Haití representa un caso especialmente interesante porque su cine ha tenido que desarrollarse en medio de enormes dificultades materiales, pero eso no le ha impedido generar obras de fuerte identidad y ambición política. Raoul Peck es el nombre más destacado, un cineasta que ha sabido conectar Haití con la historia política mundial a través de películas como I Am Not Your Negro, un ensayo visual sobre James Baldwin, o El joven Karl Marx, donde la historia pasa por su mirada sin abandonar nunca su vínculo con el país de origen. En su obra, Haití aparece no solo como lugar geográfico, sino como punto de partida para pensar la colonialidad, la violencia y la resistencia. Este mismo año, Peck ha estrenado Orwell: 2+2=5, documental en el que explora el legado de la obra de George Orwell 1984 en la actualidad.

El cine haitiano, en general, se percibe como una cinematografía de resiliencia, donde cada película tiene además el valor añadido de existir frente a múltiples obstáculos. No hay una gran industria, pero sí una voluntad clara de contar la historia desde dentro, sin reducir Haití a un estereotipo de tragedia. La mirada de Peck, y de otros autores que han trabajado en su entorno, muestra cómo el cine puede ser un espacio de memoria y de lucha política, no solo un reflejo pasivo de la realidad. En ese sentido, el cine haitiano es un ejemplo de cómo la creación puede mantenerse viva incluso cuando las condiciones materiales son mínimas.

Escocia: Confort y alegría

Escocia completa el grupo con una tradición cinematográfica muy reconocible dentro del Reino Unido, aunque con voz propia, marcada por el realismo social y una veta poética que en ocasiones se vuelve profundamente amarga. Bill Forsyth dejó huella con Gregory’s Girl y Local Hero, dos películas que capturan con humor y ternura ciertas claves del carácter escocés: la vida cotidiana, la relación con el paisaje y cierta disposición a la introspección sin perder la ligereza. En ellas, el cine escocés se muestra capaz de ser divertido y reflexivo al mismo tiempo. Y, curiosamente, con un gran guiño futbolero en la primera, que tendría su secuela años después.

Esa sensibilidad ha derivado, en generaciones posteriores, hacia un tono más duro y estilizado, sin perder la atención al personaje y al entorno. Lynne Ramsay llevó esa mirada a territorios complejos con Ratcatcher y Tenemos que hablar de Kevin, donde la violencia y la tensión familiar se traducen en una puesta en escena muy cuidada. Andrea Arnold también ha aportado una mirada incisiva en su retrato de los márgenes, mostrando cómo la identidad se construye en la intersección entre clase, territorio y deseo. Si se piensa en cine escocés, se piensa en paisaje, sí, pero también en clase, identidad y una melancolía que rara vez cae en el cliché.

Shinova ofreció este jueves un vibrante concierto en las Noches del Botánico, donde presentó ‘La tormenta perfecta’, pero también lo que desata en el resto de su trabajo, lo que fue toda una sorpresa hasta para quienes llevan años siguéndoles la pista. Se trata de un EP de cuatro temas publicado en mayo y concebido para escucharse como una sola pieza. Dicho de otra forma, cuatro capítulos de una misma historia, probablemente de amor, pero circular y en el aire (“cuántos vivieron / a la sombra de cada palabra / que nunca dijeron”). Para llevarlo a un escenario, la banda ha sumado a un cuarteto de cuerda presente las dos horas de recital, para todo el repertorio, dándole una nueva energía.

Gabriel de la Rosa, Daniel del Valle, Erlantz Prieto y Joshua Froufe abrieron la noche con Si no es contigo (“deja el fuego encendido / que está calando el frío / en las personas buenas / que conocimos”). Y con ellos, el cuarteto. Y una tras otra, las canciones que les han llevado a los principales recintos y festivales en España y abierto puertas en América Latina, como El álbum o Los días que vendrán. Uno de los momentos de mayor comunión con quienes llenaron el Jardín Botánico de la Complutense se produjo con Volver (“será un espacio en el que el sueño / sea para siempre mientras dure”), que De la Rosa comenzó a capela. Hace apenas seis meses la celebró junto a Rozalén en el Movistar Arena.

El antes WiZink, siempre Palacio de los Deportes, se viene usando de unos años hasta aquí como unidad de medida del éxito para los artistas. Visto así, desde el frío de los números, Shinova metió en diciembre a 17.000 personas a sus pies y hasta donde les alcanzaba la vista, sold out. Fue el colofón de una gira de cerca de dos años, catapultados por La buena suerte y El presente, sus dos últimos discos. El mercado anima a no bajarse, a seguir subido a la inercia, pero ellos lo han hecho diferente, dándose el gusto de probar lo que les ha pedido el cuerpo: no macrofestivales, solo teatros y auditorios, y un nuevo sonido para este formato, también en las canciones que ya funcionaban, cortando esa red de seguridad.

El Botánico, como un guante

El resultado, anoche en Madrid, es que se lo pasan muy bien sobre el escenario. El cantante sigue siendo una poderosa presencia, pero gana el conjunto, con arreglos instrumentales muy interesantes. Sobre todo, la forma en que las cuerdas no acompañan, sino que se integran con guitarras, teclado, batería y voz. El cuarteto de cuerda también hace rock. El Botánico fue un guante para esa propuesta.

En estas que, ya superado el ecuador, sonaron las cuatro de ‘La tormenta perfecta’, bien acogidas y coreadas pese a apenas tener unas semanas de vida. Y quedaban las últimas, ya pasada la hora y media de recital, no otras que Qué casualidad (que De la Rosa bajó a cantar entre el público) La sonrisa intacta, Mirlo blanco y Te debo una canción. La velada acabó con una sensación de alegría compartida. Dicen atravesar el mejor momento de su particular historia, no exenta de tormentas, ahora que han decidido ser más sobre el escenario y hacerlo para menos, siguiendo su propio camino, marcando una nueva inercia. “Sois lo más parecido que tenemos a una religión. Os queremos mucho”, se despidió el cantante.

La de Shinova era una fecha más de 54 este verano en Noches del Botánico, que cumple diez ediciones este 2026. Lleva en marcha desde el 3 de junio y llegará al 31 de julio con un cartel que explora los estilos y las edades. Por su escenario se espera a Van Morrison, Rick Astley, ZZ Top, Biffy Clyro, Belle & Sebastian, Garbage, Jean-Michel Jarre, Diana Krall, John Legend o Tom Jones, entre muchos otros. Eso por la parte internacional. Por la nacional, pasados Shinova o Rigoberta Bandini, que llenó tres fechas, quedan Love of Lesbian, Pablo López, M-Clan, Ginebras, León Benavente o Niña Pastori.

La noticia de la semana en la industria cinematográfica llega con la confirmación de una incorporación inesperada al reparto de la esperada secuela The Housemaid’s Secret. Paul Anthony Kelly, quien recientemente atrajo la atención internacional gracias a su interpretación de John F. Kennedy Jr. en la serie de FX Love Story, hará su debut en cine con este nuevo proyecto de Lionsgate. La sorpresa no solo radica en el salto de Kelly al largometraje, sino en el papel que desempeñará dentro de una de las franquicias más exitosas del thriller contemporáneo. Kelly interpretará a Douglas Garrick, un multimillonario que será el nuevo empleador de la protagonista, Millie, interpretada por Sydney Sweeney. Garrick, además, es el esposo del personaje de Kirsten Dunst, Wendy, quien se suma también como gran novedad al elenco.

La secuela El secreto de la asistenta reúne a varias figuras que ya participaron en la primera entrega y agrega nombres de peso al universo creado por Freida McFadden. Sydney Sweeney retoma el rol de Millie, al frente de la historia, y regresa también Michele Morrone en el papel de Enzo, aliado y posible interés romántico de la protagonista. El fichaje de Paul Anthony Kelly ha generado sorpresa entre seguidores y especialistas, pues su trayectoria hasta ahora se había concentrado en la televisión. Su reciente éxito en Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, donde compartió pantalla con Sarah Pidgeon, lo posicionó como una de las revelaciones del año. La decisión de Lionsgate de apostar por Kelly para un papel central marca un giro en su carrera y anticipa una interpretación que podría atraer un nuevo público a la saga.

La incorporación de Kirsten Dunst también suma expectativa, dado su reconocimiento previo en el cine estadounidense. Dunst interpreta a Wendy, esposa de Garrick, personaje que, según la sinopsis, se relaciona con el misterio central que envuelve la trama. La dirección de la secuela estará a cargo de Paul Feig, que repite en el puesto tras el éxito de la primera película. El guion es obra de Rebecca Sonnenshine, adaptadora de la obra original de McFadden. Entre los productores figuran Todd Lieberman (Hidden Pictures), Laura Fischer y el propio Feig (Pretty Dangerous Pictures), además de Sydney Sweeney a través de su productora Honey Trap.

Así será ‘El secreto de la asistenta’

El estreno de El secreto de la asistenta está programado para el 17 de diciembre de 2027 en salas de todo el mundo. El equipo de producción incluye a Carly Elter y Alex Young como productores ejecutivos, y la supervisión de Chelsea Kujawa y Maria Ascanio para Lionsgate. La película se basa en la segunda entrega de la trilogía literaria de McFadden, reconocida por su trama de suspenso y giros inesperados. La noticia de la participación de Kelly responde a la estrategia de Lionsgate de renovar el atractivo de la franquicia incorporando figuras emergentes y consolidadas. La filmación está prevista para comenzar a finales de este año, con grandes expectativas tanto por parte de la crítica como del público.

La saga The Housemaid se ha consolidado como un fenómeno editorial y cinematográfico. La primera película, estrenada en diciembre pasado, recaudó más de 400 millones de dólares, cifra que impulsó la rápida aprobación de la secuela. Basada en la novela de Freida McFadden, la historia original sigue a Millie, una joven que acepta un trabajo como empleada doméstica en una mansión llena de secretos, donde la perfección es solo una fachada y el peligro acecha tras cada puerta cerrada. El libro The Housemaid’s Secret, en el que se inspira la nueva película, ha vendido más de 12 millones de ejemplares y se ha traducido a 40 idiomas. Además, permaneció en la lista de los más vendidos del New York Times por más de 70 semanas y ganó el Premio Goodreads Choice al Mejor Thriller en 2023. La autora publicó en 2024 la tercera parte, The Housemaid Is Watching, y Lionsgate ya planea futuras adaptaciones de la saga.

El éxito de Kelly en Love Story le ha abierto puertas en Hollywood. Su interpretación de John F. Kennedy Jr. fue seleccionada tras un extenso proceso de casting al que se presentaron alrededor de 1.000 actores. Ryan Murphy, creador de la serie, decidió ficharlo como protagonista apenas unas semanas antes del inicio de rodaje, coronando trece años de carrera en la industria. El reconocimiento de la crítica y la expectación por su papel en la secuela han llevado a Murphy a confirmar la participación de Kelly en la próxima temporada de American Horror Story. Representado por Innovative Artists, Luber Roklin y Frankfurt Kurnit Klein & Selz, Kelly se perfila como una de las figuras emergentes más buscadas en la actualidad del cine y la televisión estadounidense.

El primer tráiler difundido por Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios muestra a Nero, un luchador gato negro, y a Rocco, jefe de la mafia felina, en un intenso interrogatorio a otro personaje felino. La escena introduce el tono oscuro y cómico que dominará la película, con referencias claras al ambiente criminal veneciano y a las supersticiones populares que rodean a los gatos negros en la cultura local. Será una película de lo más diferente a lo que acostumbra el estudio, pues la animación combina técnicas pintadas a mano con imágenes generadas por computadora, reforzando el carácter innovador de la producción.

Mark Ruffalo ha sido confirmado en el reparto de voces original para interpretar a Nero, mientras que Laurence Fishburne dará vida a Rocco, el despiadado líder de la mafia. El elenco se completa con otros personajes como Maya, una música callejera, y Lauren, cuya voz será interpretada por Ismail Elsene. El anuncio oficial del casting se realizó durante el Festival de Annecy en 2025, evento en el que el director Enrico Casarosa y la productora Andrea Warren presentaron por primera vez el proyecto al público internacional.

Una propuesta visual muy diferente

La trama de Gatto sitúa a Nero tras años desplazándose por una Venecia repleta de supersticiones y canales. El protagonista duda de sus propias decisiones y comienza a cuestionar si ha vivido correctamente sus nueve vidas, tema recurrente en el folklore felino. Al encontrarse en deuda con Rocco, Nero debe elegir entre someterse a las órdenes del jefe mafioso o buscar una salida diferente a su destino. La aparición de Maya en su vida marca el inicio de una amistad inesperada y el punto de partida de un recorrido por los rincones ocultos de la ciudad, donde la música y la aventura se entrelazan.

El estreno mundial de Gatto está previsto para el 5 de marzo de 2027, exclusivamente en salas de cine para después llegar a Disney+. La fecha, adelantada respecto al calendario inicial, responde a una estrategia de Pixar para evitar la coincidencia con otras producciones de alto perfil. El film se convertirá en el largometraje número 32 de Pixar Animation Studios y representa una nueva apuesta del estudio por explorar temáticas vinculadas a la identidad, la exclusión social y la búsqueda de propósito, todo ello enmarcado en una narrativa para el público familiar.

En palabras de los responsables, “la película busca mostrar cómo incluso los más incomprendidos pueden encontrar su lugar en el mundo”, una idea que se manifiesta tanto en el desarrollo de Nero como en el recorrido emocional que propone la historia. El lanzamiento del tráiler y el póster marca el inicio de la campaña promocional, en la que se esperan nuevas revelaciones sobre el reparto, la banda sonora y los detalles técnicos de la producción. La expectativa crece entre los seguidores de Disney y Pixar, que aguardan el debut de una propuesta que promete renovar el género de animación y consolidar el legado creativo del estudio.

Después de protagonizar La Odisea, que llegará a los cines el 17 de julio Matt Damon ha confirmado su interés en regresar a la saga de acción que marcó su carrera: Bourne. Diez años después del estreno de la última entrega, el actor anunció que él y su equipo buscan activamente ideas para una nueva película. “Intentaremos hacer otra porque todos la amamos”, expresó Damon en una entrevista con Parade. La declaración reaviva las expectativas de los seguidores y reactiva la discusión sobre el futuro de la franquicia.

El intérprete de Jason Bourne detalló que nunca han dejado de explorar caminos para retomar la historia. “Siempre estamos intentando conseguir otra de esas porque nos encantó, a todos los que trabajamos en ellas. Siempre hay algún intento de escribir o de encontrar una nueva historia. Si tienes alguna idea, háznosla saber”, dijo Damon al medio estadounidense. Con esto, el actor deja claro que el entusiasmo y la disposición para volver al personaje siguen intactos, aunque el proceso creativo sigue abierto.

El regreso de Bourne no ha dependido únicamente de la voluntad de su protagonista. En la última década, Universal Pictures ha impulsado diferentes iniciativas para mantener viva la marca. En 2023, Entertainment Weekly reportó que el director suizo-austriaco Edward Berger, responsable de la premiada Sin novedad en el frente, fue convocado para liderar un nuevo proyecto relacionado con la saga. Sin embargo, el proyecto carecía entonces de guion y tampoco tenía a Damon confirmado en el reparto. La información publicada en Deadline Hollywood indicaba que los productores buscarían contar con Damon una vez que existiera un guion, pero no especificaba qué sucedería si el actor rechazaba participar. Universal ya había demostrado antes su disposición para expandir el universo Bourne sin depender exclusivamente de él, una señal de que la franquicia podría evolucionar, aunque la presencia de Damon siga siendo un factor de peso para la audiencia.

Una espina clavada por su relevo

Durante la ausencia de nuevas películas protagonizadas por Damon, Universal experimentó con alternativas. En 2012, Jeremy Renner encabezó El legado de Bourne en el papel de Aaron Cross, un agente vinculado a la organización central de la saga, Treadstone. Esta extensión del universo narrativo buscó mantener la atención del público, aunque no contó con la participación de Damon ni del director Paul Greengrass, quien había dirigido las entregas más celebradas por la crítica. El estudio también intentó llevar la franquicia a la televisión con la serie Treadstone en USA Network, protagonizada por Jeremy Irvine como John Randolph Bentley, otro agente de la CIA. La serie solo tuvo una temporada, pero evidenció el interés de Universal por explotar nuevas vías narrativas para la saga.

El vínculo entre Damon y los directores de la saga ha influido en la evolución de Bourne. En 2012, el actor se ausentó de El legado de Bourne porque Paul Greengrass, director de la segunda y tercera película, no estaba involucrado. Tony Gilroy asumió la dirección de esa entrega, pero Greengrass regresó junto a Damon para Jason Bourne en 2016. Desde entonces, Greengrass ha dirigido otros proyectos y, según declaraciones en 2024, descartó su regreso a la serie, incluso tras una solicitud del príncipe William: “No es para mí, necesitan a alguien más joven, yo ya hice mi parte. Pero espero que encuentren a alguien bueno y joven para hacerlo, creo que están en el proceso”.

El lapso de diez años sin una nueva película de Bourne no responde a falta de interés, sino a la búsqueda de una historia que justifique el regreso del personaje. Damon insiste en que el equipo mantiene la motivación y la conexión con el público, lo que podría allanar el camino para un eventual sexto episodio. Universal, por su parte, ha dejado clara su voluntad de mantener viva la franquicia, con o sin su protagonista original. El futuro de Bourne queda así abierto, pendiente de encontrar la historia adecuada que permita a Damon volver a la acción. La expectativa de los seguidores y la disposición del actor sugieren que el regreso del agente podría ser solo cuestión de tiempo, siempre que la inspiración acompañe al equipo creativo.

El director, que alcanzó la fama internacional gracias al éxito de Tiburón, ha ido encadenando a partir de ese momento éxito tras éxito hasta alcanzar una de las carreras más impresionantes dentro del cine de Hollywood que incluye las sagas de Indiana Jones, las de Parque Jurásico, películas icónicas como E.T. el extraterrestre, La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan o La guerra de los mundos. Ha tocado prácticamente todos los géneros, pero la fantasía es quizás su campo predilecto.

Sus repartos siempre han estado cuidados al milímetro, y siempre ha sabido elegir las mejores opciones para cada papel, aunque ha tenido algunos actores fetiche con los que ha trabajado en varias ocasiones, como ha sido el caso de Harrison Ford, Tom Hanks, Tom Cruise o Richard Dreyfuss.

Repasamos los papeles principales de El día de la revelación, así como los actores que los interpretan para que sirvan de guía para su visionado.

Emily Blunt es Margaret Fairchild

La actriz británica interpreta a una meteoróloga de la televisión de Kansas que sueña con presentar los informativos. Mantiene una relación con un músico Jackson (Wyatt Russell) y siente que todavía no ha encontrado su lugar en el mundo. Un día, tras un extraño suceso, comenzará a hablar todas las lenguas, a entender a los demás y saber qué piensan por dentro, un poder que no sabrá descifrar hasta que reciba la ayuda indicada.

Emily Blunt debutó en el cine a principio de los dos mil y destacó en la película de Pawel Pawlikowski Mi verano de amor, ganadora del BAFTA en 2024. Su desembarco en Estados Unidos sería, nada más y nada menos que En el diablo viste de Prada, de la que ahora se acaba de estrenar su segunda parte. Ha protagonizado películas como La reina Victoria, Destino oculto, Al filo del mañana, Sicario, La chica del tren, El regreso de Mary Poppins o Un lugar tranquilo. Fue nominada al Oscar por su papel en Oppenheimer, de Christopher Nolan.

Josh O’Connor es Daniel Kellner

Otro actor británico en las filas de lo nuevo de Spielberg. En este caso, O’Connor interpreta a un experto en ciberseguridad de una empresa que guarda una serie de secretos sobre la existencia de vida extraterrestre. Él ha robado todos los archivos y será perseguido ya que quiere que vean la luz para que el mundo entero sepa que ha sido engañado durante décadas. También posee un extraño don para los números, es capaz de descifrar cualquier código encriptado, es un genio de las matemáticas.

Josh O’Connor, además de interpretar al Príncipe Carlos en la serie The Crown, siempre ha estado vinculado al cine independiente. Protagonizó la película queer Tierra de Dios, La quimera, de la italiana Alice Rohrwacher, Rivales, de Luca Guadagnino, The Mastermind, de Kelly Reichardt y Puñales por la espalda: De entre los muertos.

Colin Firth es Noah Scanlon

El más veterano del reparto y también inglés de pura cepa encarna al villano de la función, el jefe de la empresa para la que trabaja Daniel Kellner y dispuesto a preservar el secreto que se ha mantenido oculto sea como sea. Cuenta con un ejército privado a su entera disposición y con todos los medios tecnológicos habidos y por haber, así como, incluso, aparatos de procedencia alienígena que le otorgan poderes especiales.

Ha estado dos veces nominado a los Oscar y lo ganó por El discurso del Rey. Es un actor de lo más versátil y encaja en cualquier tipo de rol. Comenzó su carrera en los años ochenta y lo vimos el drama homosexual Otro país. Entre sus principales papeles, Valmont, El diario de Bridget Jones, La joven de la perla, Un hombre soltero, Love Actually, Mamma Mia! La película.

Colman Domingo es Hugo Wakefield

Fue fiel colaborador de Noah Scalanlon, pero sus caminos se separaron cuando se dio cuenta de que su amigo había perdido la perspectiva. Es quien sabe más acerca de Margaret y Daniel y los acompañará en sus respectivos itinerarios de huida hasta que se encuentren. También sabe la verdad sobre los Aliens, y está a favor del entendimiento con otras civilizaciones.

Colman Domingo es en la actualidad uno de los grandes representantes del ‘star system’ afroamericano de Hollywood. Ha estado dos veces nominado al Oscar, por Rustin y Las vidas de Sing Sing. Siempre se ha caracterizado por su compromiso y activismo y ha trabajado con directores como Clint Eastwood, Spike Lee, Lee Daniels, Barry Jenkins o Ava DuVernay, también con Sam Levinson en la serie Euphoria. Es la segunda vez que trabaja con Spielberg tras participar en Lincoln.

Eve Hewson es Jane Blankenship

Su apellido la delata. Es hija de Paul David Hewson, más conocido como Bono o, lo que es lo mismo, el líder de U2. Nació en Irlanda y a pesar de que sus progenitores quisieron que se mantuviera alejada del mundo del espectáculo, la joven quiso dedicarse a la interpretación.

En El día de la revelación tiene un papel importante. Es la novia de Daniel y lo acompañará durante buena parte de su ruta de escape. Además, tendrá fragmentos que protagonizará de forma independiente junto a Colin Firth que no podemos desvelar, pero que resultan de lo más potentes y que tienen que ver con la manipulación mental. Será clave dentro de todo el entramado de la película.

Ya había participado en El puente de los espías de Steven Spielberg, y la hemos visto en las miniserie Las Luminarias, La pareja perfecta o en las películas Jay Kelly o Flora y su hijo Max, así como en Un lugar donde quedarse, de Paolo Sorrentino

Si ha habido dos películas que han acaparado la atención desde que se estrenaron en Estados Unidos, esas han sido Backrooms y Obsession. Dos cintas de terror dirigidas por dos autores súper jóvenes que han demostrado no solo tener ideas suficientes para renovar el género, sino que han conectado con el público de forma brutal hasta convertirse en auténticos acontecimientos en taquilla a pesar de su escaso presupuesto.

Por eso, Steven Spielberg, que sabe mucho de todo eso, ya que tenía 27 años cuando estrenó Tiburón y se convirtió en el director más deseado del momento, lanzó una advertencia a los autores de sendas películas.

Lo hizo en el pódcast The Rest Is Entertainment y fue bastante “No dejen que el éxito se les suba a la cabeza”, dijo refiriéndose a Kane Parsons y a Curry Barker responsables, respectivamente de Backrooms y de Obsession.

El director recordó que, tras un estreno, el trabajo vuelve a empezar desde cero. “No dejen que el éxito descontrolado se les suba a la cabeza, porque cuando hacen su próxima película, están empezando de cero”, dijo Spielberg. Y agregó: “Todos empezamos de nuevo”.

Dos éxitos independientes inesperados

La película Obsession, que se estrenó el pasado 15 de mayo en los Estados Unidos y que lo hará en nuestro país el 26 de junio, lleva recaudados 238,7 millones de dólares en el mundo y se ha convertido en la adquisición de festival más taquillera de la historia, que tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

La película tuvo un presupuesto de 750.000 dólares y ha sido el mayor éxito de Focus Features este año y alcanzando 94% de calificación de la crítica en Rotten Tomatoes.

En el caso de Backrooms, que se estrenó el 29 de mayo en Estados Unidos y el pasado 5 de junio en nuestro país, sumó 220,6 millones de dólares globales con un presupuesto un poco más alto, de 10 millones. Ha sido el título más taquillero de A24 y ha obtenido un 88% entre críticos en Rotten Tomatoes.

Sin duda, ambos directores están viviendo un sueño. El sueño de Hollywood. Es algo que sabe muy bien Spielberg, que comenzó haciendo películas de bajo presupuesto, como El diablo sobre ruedas, hasta convertirse en “el rey Midas” de la industria.

Un veterano con espíritu joven

Ahora, después de más de 50 años de carrera, sigue manteniendo un espíritu joven y estrena El día de la revelación en la que recupera algunas de las ideas de su célebre Encuentros en la tercera fase, situándolas dentro del contexto actual. ¿Qué pasaría si no estuviéramos solos en el universo?

El caso es que Spielberg continúa demostrando a sus 79 años que sabe cómo componer una película espectáculo, que maneja como nadie los hilos de la narrativa para aunar en una sola película aventuras, épica, sentido de la maravilla, reflexión y trasfondo político y social.

Mientras, una nueva generación se abre paso, proceden de Internet y tienen unos códigos propios, pero el sentido es el mismo: comenzar haciendo cine con las herramientas que se tienen a su alcance y luego... ya se verá. Siempre que, como dice Spielberg, no se les suba a la cabeza.

Howard Philips Lovecraft (Providence, Rhode Island, 1890 - 1937) y sus célebres Mitos de Cthulhu marcó un antes y un después en el mundo del terror. Sin él, series y películas como Stranger Things, de los hermanos Duffer; Hellboy, de Guillermo del Toro, o la mítica serie de los 90, Expediente X, no serían tal y como las conocemos. Y al igual que estas, muchas otras ficciones del género.

Nacido en 1890, está considerado uno de los padres del terror actual, cuyas obras a lo largo de sus dos décadas de actividad literaria-entre 1917 y el año de su muerte- estaban centradas en la obsesión con los miedos arcanos y los espacios que desafiaban la lógica. De esta forma, el autor concibió el terror como el miedo a lo desconocido, alejándose del pavor que antes se enfrascaba en figuras mucho más mundanas.

Precisamente, esa misma idea que resume su obra la recogió el propio Lovecraft en su ensayo El horror sobrenatural en la literatura (1927), considerar uno de los más valiosos estudios sobre el género. “El miedo es una de las emociones más antiguas y poderosas de la humanidad, y el miedo más antiguo y poderoso es el temor a lo desconocido”, apuntó en la introducción del texto.

El origen de la cita... y el corazón de su obra

Mientras otros escritores apostaban por historias de vampiros, fantasmas o asesinos, él imaginó dioses ancestrales y entidades cósmicas indiferentes al destino humano. Para muestra, una de sus obras más conocidas: La llamada de Cthulhu (1928), donde la criatura Cthulhu -una gigantesca entidad cósmica con forma de pulpo, dragón y una caricatura de ser humano- duerme bajo el océano mientras la humanidad ignora su existencia.

Así, terminó dando forma a una idea que trasladó a sus relatos y que acabaría dando forma a lo que hoy se conoce como horror cósmico: la sensación de que el ser humano ocupa un lugar insignificante frente a fuerzas imposibles de comprender.

Aunque al inicio de su carrera escribió numerosos ensayos y poemas, especialmente influido por Edgar Allan Poe, acabó consagrándose al terror con la publicación de tres novelas breves y más de sesenta relatos. Títulos como La sombra sobre Innsmouth (1931), El color que cayó del cielo (1927) o En las montañas de la locura (1936) terminaron convirtiéndose en referentes de la literatura fantástica del siglo XX.

Su influencia, sin embargo, fue mucho más allá de los libros. Escritores como Stephen King, cineastas como Guillermo del Toro y numerosas producciones audiovisuales han reconocido la huella de un autor que redefinió el miedo.

Sin embargo, el escritor nunca llegó a conocer el alcance de su legado. Falleció el 15 de marzo de 1937 en Providence a los 46 años, víctima de un cáncer intestinal. Murió sin haber alcanzado una gran popularidad, pero con el paso de las décadas su obra fue ganando lectores hasta convertirlo en una de las figuras más influyentes de la historia del terror. Casi un siglo después, aquella reflexión sobre el miedo a lo desconocido sigue siendo una de las definiciones más citadas y vigentes del género.

Segundo episodio de nuestra serie especial en torno al Mundial 2026 que busca hermanar fútbol y cine a través de descubrir cada país por su particular historia cinematográfica. Después de analizar el primer grupo, con ese partido inaugural entre México y Sudáfrica, es el momento de cambiar de selecciones y poner la mirada en el siguiente grupo, uno con grandes “tapadas” si es que puede decirse así, en términos más futbolísticos que cinematográficos.

El grupo B del Mundial, con Canadá, Bosnia y Herzegovina, Qatar y Suiza, ofrece un buen pretexto para mirar el mapa del cine de estos países como quien hojea una filmografía de contrastes: tradición y periferia, autoría y pulso popular, memoria histórica y modernidad. A falta de una gran industria hegemónica en algunos casos, el interés está precisamente en la diversidad de voces que han sabido convertir limitaciones materiales en identidad estética.

Canadá: identidad y riesgo

Hablar del cine canadiense es hablar de un país que ha buscado su propia voz entre la influencia de Hollywood y la voluntad de narrarse desde dentro. Esa tensión ha producido cineastas de enorme personalidad, desde Denys Arcand, capaz de retratar con ironía la fragilidad moral de la clase media en títulos como Las invasiones bárbaras, hasta Atom Egoyan, uno de los grandes autores del trauma y la memoria en películas como Exotica o El dulce porvenir. También merece mención Sarah Polley, que ha dado una mirada íntima y política a la vez en Women Talking, una obra que consolidó su prestigio internacional. No en vano ha llegado hasta a hacer un cameo en The Studio.

Canadá ha sabido destacar precisamente cuando ha convertido su diversidad en materia dramática. El cine francófono de Quebec, las historias de inmigración y los relatos de aislamiento geográfico han alimentado una filmografía donde la identidad nunca es un decorado, sino un conflicto. En esa tradición, el cine canadiense suele moverse entre el realismo emocional y la experimentación formal, con autores que prefieren las grietas del personaje antes que los grandes gestos.

Bosnia y Herzegovina: memoria y herida

El cine bosnio está marcado por la historia reciente, y eso lo hace especialmente intenso. Emir Kusturica, nacido en Sarajevo, es el nombre más conocido fuera de sus fronteras, con películas como Tiempo de gitanos o Underground, donde el exceso visual, la sátira y la tragedia se mezclan con una energía difícil de olvidar. Su cine, aunque discutido, convirtió la región en una referencia central del cine europeo de autor.

Junto a él, Danis Tanović llevó el dolor contemporáneo a una depuración muy distinta en En tierra de nadie, una sátira antibélica que ganó el Óscar a mejor película de habla no inglesa. Más tarde, Jasmila Žbanić ha sido una de las voces más importantes del país con trabajos como Quo vadis, Aida?, centrada en la masacre de Srebrenica y en la imposibilidad de cerrar del todo las heridas colectivas. El cine bosnio, en suma, suele ser un cine de posguerra, de ruinas visibles e invisibles, donde la historia no se evoca: sigue presente.

Qatar: una industria en construcción

Qatar representa otro escenario: el de un país donde el cine de autor todavía está en consolidación, pero donde el impulso cultural es cada vez más visible. El caso qatarí suele articularse a través de iniciativas de producción, apoyo institucional y proyección internacional más que por una tradición larga de estudios o de grandes sagas nacionales. Eso no impide que haya surgido una sensibilidad propia, interesada en la modernización, la vida urbana y las tensiones entre tradición y cambio.

En este terreno, el nombre más conocido es el de Maimouna Doucouré, aunque vinculada a la producción internacional y no estrictamente a una industria local qatarí; en Qatar, la conversación cinematográfica se ha movido más por el impulso de festivales, coproducciones y plataformas de exhibición. Esa condición de cine en formación no es una debilidad, sino una etapa: el relato qatarí aún está escribiéndose, y precisamente por eso resulta revelador observar cómo intenta definir sus temas y sus formas. Han salido coproducciones como Black Gold, protagonizada por Tahar Rahim o el mismísimo Antonio Banderas, pero a Qatar aun le queda un largo camino por recorrer hasta convertirse en una potencia mundial.

Suiza: ironía y observación

De un modo parecido a Qatar en cuanto a que sus mayores películas son coproducciones, la historia de Suiza es relativamente corta y pleno proceso de evolución. El cine suizo tiene una virtud muy reconocible: la claridad. Sin excesos retóricos, ha producido autores capaces de mirar la realidad con distancia crítica y un fino sentido de la observación. Alain Tanner es una figura capital, con películas como Jonas que tendrá 25 años en el año 2000, donde la política, la juventud y la utopía se entrelazan con una inteligencia poco común.

Otro nombre esencial es Xavier Koller, ganador del Oscar por Viaje a la esperanza, una película que abordó la emigración con sensibilidad social y un tono humano muy accesible. A ello se suma una tradición de documental y cine ensayístico que ha hecho de Suiza un país pequeño en volumen, pero grande en precisión autoral. Más cerca del presente, cineastas como Ursula Meier han reforzado esa línea con obras como Home o La línea, donde el espacio doméstico y el conflicto social se vuelven inseparables. En los últimos años han salido nuevos títulos y voces, como La chica y la araña de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher, por lo que solo es cuestión de tiempo que Suiza siga avanzando, quizá con más firmeza que su combinado en el fútbol.

Llega el viernes o lo que es lo mismo, día de estrenos. Después de una semana de lo más cinéfila gracias a la Fiesta del Cine, que ha hecho que las salas se llenen de miles de espectadores, es el turno de renovar la cartelera. Y lo hace con uno de los nombres que más se asocia al éxito en taquilla, Steven Spielberg.

El icónico director es el cabeza de cartel de esta semana, con su nueva película El día de la revelación como estreno destacado. Es una semana que, más allá de los alienígenas del autor de Parque Jurásico, hay una marcada presencia española: hasta tres películas destacamos producidas en nuestro país, con un lugar privilegiado para Pioneras: Solo querían jugar, la película que explora nada menos que los orígenes del fútbol femenino.

El día la revelación

Spielberg no debería necesitar carta de presentación, pero es que además esta promete ser una de sus grandes películas de los últimos años, después de no alcanzar un consenso con Ready Player One, West Side Story o Los Fabelman, en la que exploraba su propia vida en un ejercicio autobiográfico sin precedentes. Irónicamente, el cineasta vuelve ahora a sus orígenes pero no de forma biográfica, sino de género, pues retorna a la ciencia ficción con la que se inició en los 70 y 80 a través de títulos como Encuentros en la tercera fase o E.T. El extraterrestre. En este caso, con la historia de un grupo de personas que descubre que los extraterrestres existen.

Iván & Hadoum

El director Ian de la Rosa firma este romance entre Iván, un joven de Almería, y su nueva compañera de trabajo, Hadoum. Entre ellos comenzará a surgir el amor pero una oportunidad laboral hará que ambos se distancien. La película viene avalada por su selección en la pasada Berlinale y especialmente por su fructífero paso por el Festival de Málaga, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado y Mejor Guion.

Todos los colores

También de Málaga llega esta comedia juvenil, Todos los colores. En ella conocemos a Belén, una chica en silla de ruedas a punto de terminar los estudios e incapaz de decidir cuál será su futuro. Todo cambia al apuntarse atletismo, donde conoce a una chica que compite y quien poco a poco le ayuda a ver la vida de otra forma. Beatriz de Silva, autora de otros cortos de marcado carácter humanista como Tula o Hadas, debuta en el largometraje con esta película protagonizada por un joven y prometedor reparto coronado con la presencia de Silvia Abril.

Un talento único

Hasta hace nada era candidato a interpretar al mismísimo Aragorn, y finalmente estará en la nueva entrega de El señor de los anillos, La caza de Gollum aunque en un papel distinto. En cualquier caso, Leo Woodall está triunfando en Hollywood y con esta película quiere seguir demostrando por qué. Lo hace dando vida al aprendiz de un afinador de pianos -interpretado nada menos que por el gran Dustin Hoffman- con un problema de hiperacusia que de repente se convierte en una gran habilidad cuando cambia su empleo por algo mucho más arriesgado, robar cajas fuertes.

Pioneras: Solo querían jugar

Todo el mundo conoce la Selección Española de Fútbol Femenino, campeona del mundo y una de las mejores de todos los tiempos, pero pocos conocen de donde viene. Explorando los orígenes del fútbol femenino en España, Pioneras: Solo querían jugar se ambienta en la España de los 70, en la que la sociedad sigue dando la espalda al hecho de que las mujeres quieran practicar el noble deporte del balompié. Todo cambia cuando se empieza a juntar un equipo de jóvenes estrellas en ciernes y a dar cobertura en los medios a través de una periodista del diario AS. Entre el barro de los campos de Villaverde se comenzará a labrar la vida de unas chicas que hicieron historia.

El cantante Francisco Javier Álvarez Beret (Sevilla, 1996), conocido simplemente como Beret, ha sido detenido la mañana este jueves en Sevilla por una supuesta agresión sexual, como ha adelantado Cadena Ser.

El intérprete de Lo siento, Vuelve o Estupidez -junto a Aitana- ha sido puesto en libertad provisional esta tarde, después de que, como ha recogido el Tribunal Superior de Justicia, el juez de la plaza número 4 de la Sección de Violencia sobre la Mujer del Tribunal de Instancia de Sevilla, que estaba de guardia, ha impuesto como medidas cautelares la prohibición de comunicarse y aproximarse a menos de 500 metros de la denunciante, así como la retirada del pasaporte durante tres meses.

En sede judicial, el cantante se ha acogido a su derecho a no declarar, mientras la justicia le atribuye un presunto delito de agresión sexual de los artículos 178.1 y 179.1 del Código Penal. El primero sanciona los actos sexuales realizados sin consentimiento con uno a cuatro años de cárcel, mientras que el segundo se aplica cuando la agresión incluye penetración, supuesto que la ley califica como violación y que está penado con de cuatro a doce años.

Por el momento, no han trascendido más detalles sobre los hechos que se le acusan. EFE ha asegurado que ha sido arrestado esta mañana por unos hechos que habrían tenido lugar el pasado mes de abril.

Ya en 2020, una mujer denunció a través de X (antes Twitter), que el cantante sevillano quiso aprovecharse de ella siendo menor, cuando tenía 17 años y asistió a un concierto del artista en Pamplona.

“Es una persona que se aprovecha de su fama para intentar aprovecharse de menores (...). Me quedé muy decepcionada porque era uno de los artistas que más me gustaban de España, me gustaba mucho su música, sus letras. Yo decía ‘buah, este chico tiene que ser super profundo, me gusta la gente profunda’. O sea, yo no quería nada con él, yo solo quería estar con él y hablar de la vida o lo que sea, o sea que imaginaros el chasco que me llevé. Era de mis artistas favorito", escribió en los tuits recogidos por VozPópuli y actualmente no disponibles. En la misma red social, la joven explicó que ella y el cantante, que para entonces tenía 20 años, comenzaron a hablarse a través de Instagram y quedaron para mantener un encuentro en un hotel tras el concierto.

La noticia llega dos días después de que Beret actuase ante el papa León XIV en el Estadi Olímpico Lluís Companys de Barcelona, donde interpretó Lo siento con un coro infantil.

Recursos para las víctimas

El Ministerio de Igualdad, a través de la Delegación del Gobierno contra la Violencia de Género, recuerda que el teléfono 016, las consultas online a través del email 016-online@igualdad.gob.es, el canal del WhatsApp en el número 600 000 016 y el chat online, accesible desde la página web violenciagenero.igualdad.gob.es, funcionan las 24 horas, todos los días de la semana. En el 016 se puede pedir asesoramiento sobre los recursos disponibles y los derechos de las víctimas de todas las formas de violencia contra la mujer, así como asesoramiento jurídico de 8 h a 22 h todos los días de la semana, con atención en 53 idiomas y un servicio adaptado a posibles situaciones de discapacidad.

En una situación de emergencia se puede llamar al 112 o a los teléfonos de emergencias de la Policía Nacional (091) y de la Guardia Civil (062). En caso de que no sea posible realizar una llamada y ante una situación de peligro, se puede utilizar la aplicación ALERTCOPS, desde la que se enviará una señal de alerta a la policía con geolocalización. Estos medios de asistencia pueden ser activados por la víctima y también por cualquier persona que conozca o sospeche de un caso de violencia de género.

*Con información de EFE y Europa Preess

La silla ‘o’ de la Real Academia Española (RAE) ya tiene nuevo ocupante. El pleno de la institución ha elegido este jueves al periodista y escritor burgalés Álex Grijelmo para cubrir la vacante dejada por el arquitecto Antonio Fernández de Alba, fallecido en mayo de 2024. Su nombramiento llega semanas después de que el escritor nicaraguense Sergio Ramírez ocupara la silla L, que dejó libre Mario Vargas Llosa al fallecer el año pasado.

Divulgador, ex presidente de la Agencia EFE y autor de algunas de las obras más influyentes sobre lenguaje y periodismo publicadas en las últimas décadas, la candidatura de Grijelmo fue presentada por los académicos Juan Luis Cebrián, fundador y director de El País; y los lingüistas José Antonio Pascual y Salvador Gutiérrez Ordóñez. Como establece el reglamento de la corporación, deberá pronunciar ahora su discurso de ingreso para tomar posesión efectiva de la plaza.

Releva a Fernández de Alba

Grijelmo comenzó su carrera en el desaparecido diario burgalés La Voz de Castilla, donde escribió como becario. En 1977 se incorporó a Europa Press y, seis años después, entró en El País. En 1999 fue nombrado director editorial de la cadena de periódicos locales y regionales del Grupo Prisa, así como del dominical La Mirada. Además, desde 1989 es el responsable del Libro de Estilo de El País, una obra considerada una referencia para varias generaciones de periodistas.

Su carrera tuvo también un importante capítulo al frente de la Agencia EFE, que presidió entre 2004 y 2012. Durante esa etapa impulsó la creación de la Fundación del Español Urgente (Fundéu), hoy FundéuRAE, dedicada a promover el buen uso del idioma en los medios de comunicación. También presidió durante tres años el Consejo Mundial de Agencias.

Además de periodista, Grijelmo ha desarrollado una prolífica carrera como escritor y divulgador. Es autor de más de una decena de ensayos sobre lenguaje y comunicación, entre ellos El estilo del periodista, La seducción de las palabras, El genio del idioma o La gramática descomplicada, convertidos en obras de referencia para profesionales y estudiantes. Su publicación más reciente es La perversión del anonimato (2024), un análisis sobre los efectos que el anonimato en internet puede tener en el debate público.

A lo largo de su carrera ha recibido reconocimientos como el Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes, el Premio Castilla y León de Humanidades o la Antena de Oro.

El cargo en la RAE será suyo en cuanto pronuncie el discurso de ingreso. También están pendiente la lectura de los discursos de la filóloga Cristina Sánchez López, elegida para ocupar la silla p, vacante tras el fallecimiento de Francisco Rico, y del escritor Sergio Ramírez, quien ocupará la silla L, que dejó vacante Mario Vargas Llosa.

Para Dani Rovira este 2025 ha sido “el peor año de su vida”. El actor malagueño de 45 años lo ha contado en el pódcast La Ruina, publicado este miércoles, después de que durante aquellos 12 meses no cesaran los reveses: “Todo formó parte del marco del año pasado, que fue un año de mierda, fue el peor año de mi vida”, dijo el actor y cómico antes de relatar la situación que atravesó. “El curro no terminaba de ir muy guay, tuve una ruptura, una operación quirúrgica, se murió mi padre...”.

Respecto al trabajo, en 2025 Rovira se puso al frente del programa de TVE Al margen de todo, pero fue cancelado tras apenas tres semanas de empezar. Ese mismo año estrenó la serie Cuando nadie nos ve y la película Playa de Lobos. Actualmente y de cara a los próximos meses, solo tiene confirmada Locamente, una película que se encuentra en fase de preproducción y en cuyo reparto figuran también Clara Galle y Karra Elejalde.

Sin embargo, entre los trabajos más destacados de su carrera se encuentra Mediterráneo (2021), una película basada en hechos reales que logró tres premios Goya y que actualmente puede verse en Netflix y RTVE de manera gratuita. Dirigida por Marcel Barrena (El 47) y protagonizada también por Eduard Fernández y Anna Castillo, la cinta relata los orígenes de Open Arms, la organización humanitaria que ha rescatado a miles de personas en el Mediterráneo.

“Un relato muy conmovedor”

La historia arranca en 2015, en medio de una crisis de refugiados derivada de la guerra de Siria. El detonante para los socorristas Óscar Camps (Eduard Fernández) y Gerard Canals (Dani Rovira) es una imagen (real) que dio la vuelta al mundo: la de Aylan Kurdi, un niño sirio de tres años que apareció sin vida en una playa mientras intentaba alcanzar territorio europeo junto a su familia. Este hecho llevó a ambos voluntarios a desplazarse a la isla griega de Lesbos para colaborar en las tareas de rescate. Para ello, se apoyarán en Esther (Anna Castillo), Nico (Sergi López) y otros miembros del equipo para dar apoyo a las miles de personas que lo necesitan.

La película también recibió elogios de la crítica internacional. Wendy Ide, crítica de Screen Daily, definió Mediterráneo como “un relato muy conmovedor desde la primera línea de una crisis humanitaria de una escala inimaginable”. La periodista destacó especialmente las escenas de rescate marítimo, que consideró las más poderosas de la cinta por reflejar “los abruptos terrores y el agotamiento extremo” de quienes trataban de salvar vidas en el Mediterráneo.

El resultado convenció tanto a la crítica como al público. Mediterráneo obtuvo tres premios Goya: Mejor Fotografía, Mejor Dirección de Producción y Mejor Canción Original por Te espera el mar, interpretada por María José Llergo. Un reconocimiento para una película que puso rostro a una de las mayores crisis humanitarias de las últimas décadas.

Además, Mediterráneo tuvo un significado especial para Dani Rovira. La película marcó uno de sus regresos más destacados al cine después de superar el cáncer que le fue diagnosticado en 2020.

El catálogo de Netflix está a punto de despedirse de una de las joyas del cine de acción contemporáneo: quedan solo dos días (hasta el 13 de junio) para disfrutar de Mad Max: Furia en la carretera, la película que devolvió la vida a una saga mítica tras tres décadas de silencio y se alzó con seis premios Oscar.

Tras treinta años sin nuevas entregas, George Miller sorprendió al público con una secuela que no solo recuperó el espíritu original de Mad Max (una de las sagas de ciencia ficción más celebradas de la década de los 80), sino que llevó el género a nuevas alturas, pese a lo mucho que costó realizarla. La cinta fue reconocida por la crítica y la industria, acumulando diez nominaciones a los Oscar y llevándose seis estatuillas en apartados técnicos.

En buena parte, fue gracias a estos por lo que la película cosechó tanto éxito. Con una apuesta visual y narrativa absolutamente frenética, Miller optó por rodar las persecuciones y escenas de acción con vehículos reales y acrobacias físicas, limitando el uso de efectos digitales. Este enfoque aportó una sensación de realismo y vértigo pocas veces vista en el cine reciente.

De qué va ‘Mad Max: Furia en la carretera

La cuarta película de la saga Mad Max empieza narrando la huida de Furiosa y un grupo de mujeres que escapan del dictador Inmortan Joe en un mundo donde el agua y la gasolina escasean. Max, capturado y utilizado como bolsa de sangre, se une a la persecución en medio de un desierto implacable.

Con esta premisa, gracias a la intensidad de sus imágenes y a una acción casi constante, este título logró una recaudación de casi 380 millones de dólares a nivel mundial, mucho más del doble de lo que fue su presupuesto original de 150 millones. Además, medios como Collider la definieron como “la mejor película de acción de todos los tiempos”. No fue el único medio que la reseñó de forma favorable, tal y como se puede ver en portales como Metacritic, donde se ve que el 98% de las críticas profesionales la valoraron de forma positiva.

Una saga a la que muchos le habían perdido el rastro

El regreso de Mad Max en 2015 no solo relanzó la franquicia, sino que inspiró una revisión completa del género. Desde su debut en 1979 con Mad Max, Miller había construido un universo distópico protagonizado por Max Rockatansky, interpretado por Mel Gibson en sus tres primeras entregas y, en 2015, por Tom Hardy. Charlize Theron, por su parte, se convirtió en la icónica Imperator Furiosa.

El éxito de Furia en la carretera motivó la expansión del universo con la precuela Furiosa en 2024. En esta quinta producción de la franquicia, Anya Taylor-Joy encarnó a la versión joven del personaje de Theron y Chris Hemsworth dio vida al villano Dementus, sumando una nueva etapa a la saga. Pese a contar con buenas críticas, en esta ocasión la película apenas logró una recaudación superior a su presupuesto, pues acumuló 174 millones de dólares en las taquillas, solo 6 más de lo que costó producirla, por lo que, teniendo en cuenta los gastos de promoción, acabó provocando pérdidas.

Este fracaso comercial marcó otro punto de inflexión en el futuro de Mad Max. En una entrevista reciente, George Miller confesó que ya tenían otro guion para la próxima película (cuyo título provisional es The Wasteland) que, no obstante, sería reescrito en forma de serie para convertirlo en un proyecto menos arriesgado. Eso sí, la producción contará con integrantes de Furia en la carretera, incluyendo al actor protagonista, Tom Hardy, que regresará así a uno de los mundos distópicos más icónicos del imaginario cinematográfico.

Cuando pensamos en filosofía, solemos imaginar debates abstractos sobre la conciencia humana, la política o la justicia social. Sin embargo, los animales han ocupado un lugar central en el pensamiento de grandes autores desde la Antigüedad. Un ejemplo claro es el pensador griego Pitágoras, quien defendía el respeto profundo hacia el reino animal y promovía el vegetarianismo, argumentando que “mientras los hombres masacren animales, se matarán entre sí”.

Siglos después, Immanuel Kant, uno de los máximos representantes de la Ilustración alemana, también abordó esta cuestión en su sistema moral. Aunque su filosofía se centraba principalmente en la razón humana y el deber, Kant no ignoró a las demás criaturas. Para él, la forma en que interactuamos con el entorno natural reflejaba de manera directa nuestra catadura moral y la pureza de nuestras intenciones.

Así, no es casualidad que en sus conocidas Lecciones de ética encontremos una reflexión de este tipo: “Podemos juzgar el corazón de una persona por cómo trata a los animales”. El pensador alemán, al que muchos consideran como el padre de los derechos humanos, introdujo esta célebre afirmación para explicar que la crueldad hacia los seres vivos insensibiliza el alma humana, destruyendo la empatía que después deberíamos aplicar con nuestros propios semejantes.

Profundizando en la frase de Kant

Para ahondar en esta idea, Kant explicaba que “si un hombre no quiere embotar sus sentimientos humanos, debe practicar la bondad hacia los animales”. Esto vale para cualquier época: si, por ejemplo, un conductor frenara pacientemente para dejar pasar a un perro callejero, para este filósofo estaría demostrando un respeto por la vida que, a la postre, se trasladaría a sus interacciones sociales con todos cuantos le rodean.

Por el contrario, el filósofo advertía que “aquel que se muestra cruel con los animales también se vuelve duro en el trato con los hombres”. ¿Quién le diría a Kant que casi doscientos años después de su muerte, el FBI realizaría uno de los primeros estudios para relacionar el maltrato animal con los asesinatos? En 1970, tras analizar a un total de 36 asesinos en serie convictos, se dieron cuenta de que prácticamente la mitad habían torturado animales durante su adolescencia.

En su obra La metafísica de las costumbres, Kant reafirma que el trato violento hacia los animales “desenraiza una predisposición natural muy utilizable para la moralidad”. Dicho de otro modo, el ser humano tiene una tendencia innata a tratar bien a sus compañeros de la Tierra. Por ello, permitirle que lo haga puede ser una herramienta muy importante para desarrollar individuos éticos, por lo que muy probablemente habría estado a favor de “entrenar éticamente” a los más pequeños haciendo que estos se relacionaran con animales. Quien aprende a proteger a un ser indefenso desarrolla una sensibilidad social crucial para construir comunidades más justas.

Los animales y la filosofía

Como ya avanzábamos al principio, la preocupación de la filosofía por los animales no es patrimonio exclusivamente kantiano. En el siglo XVIII, el filósofo utilitarista Jeremy Bentham fue uno de los primeros en defender a los animales, en esa época vistos como seres sin razón y, por ende, considerados inferiores. “La pregunta no es ¿pueden razonar?, ni ¿pueden hablar?, sino ¿pueden sufrir?”, arguyó este pensador, situando el dolor animal en el centro del debate ético moderno.

Años más tarde, Arthur Schopenhauer se mostró todavía más contundente en sus postulados sobre la compasión universal. En su reconocido tratado sobre la moral, el pensador alemán sentenció con firmeza: “La compasión hacia los animales está tan íntimamente ligada a la bondad de carácter que se puede afirmar con seguridad que quien es cruel con los animales no puede ser un buen hombre”.

Las reflexiones de Kant y el resto de grandes filósofos de la historia demuestran que el respeto a los animales no es una moda contemporánea, sino un pilar ético fundamental. La forma en que tratamos a las criaturas más indefensas funciona como el espejo más fiel de nuestra propia humanidad. Cuidar de ellos dignifica y ennoblece nuestro propio corazón.

Si hace unas semanas el cine español vivía un momento de gran expectación con la presentación de tres películas españolas en el Festival de Cannes (La bola negra, de Los Javis, Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen), este mismo verano los espectadores podrán disfrutar de una de las dos que todavía quedan por estrenarse.

El estreno en cines de España de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, El ser querido, ya tiene fecha confirmada: será el 26 de agosto. Tras su paso por las salas, donde se espera que permanezca durante varias semanas e incluso la producción se incorporará al catálogo exclusivo de Movistar Plus, marcando así el regreso a la gran pantalla del cineasta tras su ovación de ocho minutos en el mencionado festival.

El lanzamiento del primer tráiler y el cartel final han dado el pistoletazo de salida a la campaña de promoción de una historia que reúne a Javier Bardem y Victoria Luengo en los papeles principales. La película, escrita a cuatro manos con Isabel Peña, se centra en el reencuentro entre un famoso director y su hija, una actriz frustrada, en el contexto de un rodaje marcado por viejos resentimientos y silencios familiares.

Todo el reparto de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen

La trama de El ser querido sigue a Esteban Martínez, una figura legendaria del cine cuyas sombras personales pesan tanto como su prestigio. Cuando le ofrece un papel a su hija Emilia en su nueva película, la excusa es relanzar la carrera de la joven, pero el verdadero motor es la necesidad de enfrentar heridas del pasado. El rodaje se convierte en un espacio de acercamiento y también de confrontación con todo lo no dicho.

Junto a Bardem y Luengo, el elenco se completa con otros nombres muy reconocibles del cine español, entre ellos los de Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia y Malena Villa, que aportan “una riqueza coral a este retrato familiar”, tal y como han explicado desde Movistar Plus en un comunicado.

Con este equipo, Rodrigo Sorogoyen repite también con Isabel Peña como coautora del guion, en una colaboración que ha dado títulos tan destacables como Que Dios nos perdone, El reino y As Bestas. En total, estos títulos han recibido 18 premios Goya, incluyendo el de Mejor película para el último de ellos. Por otro lado, en televisión la pareja de creadores también ha brillado con proyectos como Antidisturbios o Apagón, mientras que en solitario el director también lo hizo en 2024 en Los años nuevos.

Con El ser querido, Sorogoyen propone una exploración honesta de las relaciones entre padres e hijos cuando el pasado pesa más que el presente. La convivencia forzada del rodaje actúa como catalizador para que “viejos dolores que nunca se curaron” salgan a la superficie, según la sinopsis oficial. Con una producción de gran envergadura, que ha contado con apoyo tanto de productoras españolas como francesas, el título supone un paso más en la carrera del director, los actores y el resto de implicados.

La industria cultural ha encontrado en el público juvenil su gallina de los huevos de oro. En concreto, con los romances. Uno de los fenómenos del año pasado fue la tercera y última temporada de El verano en que me enamoré, un guilty pleasure que seguía el triángulo amoroso de una adolescente con dos hermanos. ¿Eras team Conrad o team Jeremiah?

Lo mismo ha ocurrido recientemente con Off Campus, la adaptación de las populares novelas de Elle Kennedy que tiene como protagonistas masculinos a un equipo de hockey sobre hielo. La primera temporada, que sigue a Hannah, una aplicada estudiante de música, y Garrett Graham, la estrella del equipo, ha conquistado al público por desmontar algunos de los clichés más manidos del género, empezando por una masculinidad tóxica muy presente en estos sports romance.

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A ambas propuestas de Prime Video se les suma ahora una tercera: Todos nuestros años, una nueva adaptación literaria que apuesta por el primer amor y una segunda oportunidad para corregir los errores del pasado. Una serie perfecta para arrancar la temporada veraniega y que ya está disponible desde este miércoles 10 de junio.

Basada en la novela superventas Todos nuestros veranos de la escritora canadiense Carley Fortune, la serie traslada a la pantalla a través de ocho episodios una historia que ha conquistado a millones de lectores en todo el mundo.

La historia se desarrolla a lo largo de seis años y una semana en Barry’s Bay, un pequeño pueblo rodeado de lagos y bosques que tiene como protagonistas Percy Fraser (Sadie Soverall) y Sam Florek (Matt Cornett), dos jóvenes cuya relación queda encauzada en torno a una pregunta: ¿y si tu primer amor estuviera destinado a ser tu alma gemela? Así, la serie salta entre el presente y el pasado a lo largo de todos estos años.

La serie está protagonizada por Sadie Soverall, conocida por Saltburn, quien da vida Percy Fraser, y Matt Cornett, rostro familiar para los seguidores de High School Musical: El musical: La serie, encargado de dar vida a Sam Florek. Completan el reparto Aurora Perrineau (KAOS, Westworld), Abigail Cowen (Destino: La saga Winx), Michael Bradway, Joseph Chiu y la veterana Elisha Cuthbert, recordada por su papel en 24.

Detrás de las cámaras se encuentra Amy B. Harris, una figura con amplia experiencia en el género tras formar parte del equipo creativo de Sexo en Nueva York y ejercer como showrunner de The Wilds. Harris lidera el proyecto como productora ejecutiva y showrunner junto a Julie Rottenberg y Elisa Zuritsky, también vinculadas al universo de Carrie Bradshaw. La propia Carley Fortune participa además en la producción ejecutiva.

¿Qué dice la crítica?

En su primer día de debut, la ficción ya tiene un 86% de valoraciones positivas por parte de la crítica en Rotten Tomatoes. Desde Variety, Aramide Tinubu destaca que la serie logra elevarse por encima de los lugares comunes del romance juvenil. “Esta conmovedora historia incorpora la profundidad y la emoción perfectas para elevarla por encima de un típico romance adolescente”, apunta.

Los ocho episodios de la primera temporada ya están disponibles en Prime Video desde este 10 de junio. Todo apunta a que la plataforma ha encontrado una nueva candidata para conquistar a los espectadores que aún no han superado el final de Belly, Conrad y Jeremiah.