A rebufo de Tiburón nacieron joyitas como Mako, el tiburón de la muerte y otras fuera de los Estados Unidos como la mexicana ¡Tintorera! de René Cardona Jr. o la italiana L’ultimo squalo de Enzo G. Castellari. Surgieron hasta películas derivadas de la Tiburón original en 3-D o con el mismísimo Michael Caine, aunque no tuvieran el ingenio de Spielberg ni el impacto de la original. Así nació todo un subgénero conocido como Sharksploitation que llega hasta nuestros días, con sagas de éxito como Megalodón y otros proyectos de serie B como Sharknado. Se han hecho hasta fusiones con Drácula, con drogas (Cocaine Shark), con marionetas o con payasos, así que queda ya poco terreno por explotar.

Con todo esto en cuenta, el de un género que ya está más que pasado de rosca y que hace tiempo que no se toma demasiado en serio a sí mismo, llega ahora a los cines En mar abierto, un nuevo capítulo en el sharksploitation a cargo del hombre que precisamente revitalizó el género. Renny Harlin, su director, es el mismo hombre detrás de Deep Blue Sea, la película estrenada en 1999, con el género dando sus últimos coletazos, y que sirvió para hacer revivir la pasión por los tiburones que en el nuevo siglo daría paso a otros títulos como Open Water o Infierno azul del español Jaume Collet-Serra, mientras Netflix ya ha hecho lo propio con En las profundidades del Sena, que ya prepara su secuela, o Embestida, estrenada hace tan solo unos meses en la plataforma.

Nada más peligroso que la ignorancia humana

En mar abierto encajaría mejor entre estas últimas, pues cuenta la historia de la tripulación de un vuelo desde Los Angeles hasta Shanghai que sufre un colapso y, lejos de poder realizar en tierra un aterrizaje de emergencia, tiene que amerizar en medio del Pacífico, cerca de un arrecife coral que además divide el avión en varias partes. Lo peor de todo, más allá del susto y de la lejanía de ayuda humana, es que una manada de tiburones es quien acude a la llamada, alertados por el reguero de sangre que dejan los fallecidos del accidente y los que quedan en pie, quienes han de organizarse rápido antes de que caiga la noche o suba la marea y sean definitivamente presa de los escualos.

Lo curioso de todo es que, el origen de este accidente, reside en un error humano, o más bien en un cúmulo de negligencias voluntarias que hacen que se desencadene todo, y que ponen el verdadero foco de la película en la parte emocional. Harlin se toma mucho tiempo en acercarse a sus personaje antes de que aparezca la primera aleta, desde el choque cultural que representa el equipo de eSports chino frente a los deportistas americanos, una anciana de camino a ver a su nieta o una recién formada familia con hijos de otros matrimonios que no terminan de entenderse.

Aaron Eckhart, capitán de emergencia

Pero de todos esos personajes quizá el que mejor resuma el espíritu de En mar abierto sea el de Aaron Eckhart, un copiloto que otrora pudo haber sido algo más y se ha tenido que “conformar” con trabajar para una aerolínea de bajo coste, en la que trabaja sin descanso bien para conseguir dinero o bien porque prefiere no enfrentarse al drama familiar que le aguarda en casa. El que diera vida a Harvey Dent/Dos Caras en El caballero oscuro de Christopher Nolan llevaba un tiempo fuera de juego más allá de la saga Objetivo: La Casa Blanca -en la que acompaña a Gerard Butler como el presidente de los Estados Unidos- pero con esta película ha vuelto a ponerse el mono de trabajo y cuaja una sólida actuación como héroe por accidente, un perdedor que obtiene una segunda oportunidad al igual que el personaje de Ben Kingsley.

Esa historia, y cómo se va conjugando con la del resto de personajes, es quizá lo más interesante de una película que apuesta por la seriedad y el drama en las antípodas de la autoconsciencia y humor del género, una línea que roza en más de una ocasión pero que nunca termina de cruzar. Harlin diseña un ejercicio de supervivencia con gran orden y coordinación para que el espectador se sitúe en todo momento a pesar del mar abierto, pero no consigue transmitir el mismo peligro ni fuerza que en Deep Blue Sea, y la pantalla verde de los efectos digitales es a veces mayor incordio que unos tiburones de lo más salvajes pero atragantados de intensidad. Si la fiebre por la sharksploitation ha vuelto, habrá que buscar nuevas formas de recuperar la gloria que Spielberg o el propio Harlin conquistaron en su día.

Dicen que los polos opuestos se atraen. Tal vez por eso Alejandro, un machito que triunfa en Internet presumiendo de su habilidad para la seducción, se piensa que le bastan tres días para conquistar a Mariela, una activista feminista que no tarda en olerse las intenciones de su archienemigo. Con esta premisa arranca El último mono, la última comedia romántica de Joaquín Mazón (La familia Benetón, El casoplón) que se ha estrenado en cines este viernes 7 de agosto.

Dando vida a esta peculiar pareja están también dos actores bien distintos. A un lado, el archiconocido humorista Juan Dávila, que intercambia sus millones de seguidores en redes sociales por la cámara de cine; al otro, Susana Abaitua, actriz más que consolidada en cine y televisión, cuyos papeles dramáticos más conocidos (Patria, Un fantasma en la batalla) le han valido sendas nominaciones a los premios Feroz y a los Goya.

Así, el contraste en la pantalla está servido, pero también la química. “Es porque nos lo hemos currado y porque desde el minuto uno en los ensayos nos hemos llevado muy bien”, afirma ella. Juan Dávila asiente, pero no tarda en añadir que la parte física de Susana Abaitua lo ha puesto “más fácil”. “Quiero decir que hay veces que te tienes que enamorar de una persona a la que le huele el aliento y entonces tienes que hacer un poco más de esfuerzo centrándote en lo positivo, pero aquí no ha habido que hacer ningún trabajo extra”, se explica ante las risas de su compañera. “Ves, te estamos resumiendo la película: yo te digo que nos hemos llevado bien y él fijándose en mi físico”.

Una película para que el espectador se pregunte dónde está

A nadie se le escapa que, a pesar de tratarse de una comedia romántica ligera, el tema que aborda El último mono es delicado. Establecer una relación romántica entre un líder de la machosfera y una activista del feminismo corre el riesgo de equiparar a ambos personajes cuando no son lo mismo ni intelectual ni moralmente. Por eso, a la actriz Conchi Espejo (Valenciana), amiga de Mariela en la película, le preocupaba que algunos espectadores más concienciados pudieran considerarla “poco politizada”.

Sin embargo, la actriz no pone el foco en este grupo de espectadores, y considera que El último mono “es perfecta para que la gente que menos se suele hacer preguntas empiece a hacérselas”. Al fin y al cabo, pese a protagonizar un romance lleno de gags, la evolución de ambos personajes es muy distinta al final de la historia. “Creo que, en la sociedad en la que estamos hoy en día, esta película es una herramienta muy potente para llegar al máximo de espectadores posibles y que se pregunten: ‘Uy, pero ¿yo dónde estoy? ¿Qué personaje de los dos me representa más?’“.

Por su parte, Joaquín Mazón afirma que el feminismo no es el tema de la película, sino “las contradicciones del ser humano”. “Lo que hemos intentado es desmontar la figura de un hombre que, ahora, se está aprovechando de gente perdida en redes sociales, porque la gran pregunta que nos hacemos es quién hay detrás de todos esos movimientos de la machosfera”. Por eso, para él, El último mono habla de nuestra propia sociedad y “la va a disfrutar todo el mundo”, aunque al mismo tiempo sea “ciertamente generacional”.

Un machista de manual y un ejemplo de “nuevas masculinidades”

A la hora de interpretar a sus respectivos personajes, cada intérprete ha tenido que hacer un trabajo distinto. Mientras Abaitua explica que se sintió completamente identificada con el personaje, Espejo asegura que interpretar a Leire le ha hecho ser consciente de sus propias contradicciones y, además de corregirlas, aprender a reírse de ellas. Más difícil lo tenía Dávila, a quien le tocó “disociarse” del personaje. “Más que entenderlo, hice un trabajo para ir encontrando un poco la naturalidad en él”, explica. Su compañera protagonista destaca de él que “no ha apretado en la parte machista del personaje y le ha dado una esencia muy bonita, sin querer salvarlo tampoco de ridiculizarlo”.

Esos toques de humanidad en Alejandro llegan sobre todo por la relación que este tiene con su hermano Samuel, interpretado por Óscar Lasarte (¿Es el enemigo? La película de Gila), y en su necesidad de ‘enseñarle a triunfar’ que acaba convirtiéndose en fuente de ruptura entre ambos. “Yo creo que Samu es una persona muy perdida, que por pertenecer a algo se ha acogido al club este de ligar”, comenta este actor nominado al Goya a Mejor actor revelación en 2025. “El chico no se siente identificado con este tipo de cosas, es un poco el hombre deconstruido, y es interesante explorarlo porque da voz a una nueva masculinidad, adaptada a la evolución natural de la sociedad”.

“El personaje de Samu me gusta mucho porque tiene mucha ternura y porque busca un referente en el lugar equivocado”, completa Joaquín Mazón. “Y, quizá, él se acaba convirtiendo en el referente de su hermano, de modo que todos los personajes suman mucho y aportan a la película; no hay nada gratuito”. El último mono no intenta “adoctrinar”. “Yo creo que hay que focalizarse en hablar de los seres humanos”, explica un cineasta que aprovecha cuestiones sociales cotidianas (la vivienda y la conciliación en El casoplón, por ejemplo) como marco para sus comedias. “Me focalizo en personajes con contradicciones, más en las personas que en el mensaje”.

El cine tiene una curiosa manera a veces de imitar la vida, y otras directamente de predecirla. Y si el fútbol es vida, como afirma alegre el Dani Rojas de la futbolera serie Ted Lasso, entonces el cine y el fútbol deberían entenderse. No lo han hecho siempre, pero ha habido un par de veces contadas en las que esa sinergia ha dado sus frutos. Y ahora esa vez resuena con fuerza tras el último fichaje del Real Madrid.

El club blanco acaba de anunciar la contratación de Yan Diomande, futbolista marfileño que hace tan solo un año estaba en las filas del Leganés y que esta temporada ha sido una de las grandes revelaciones de la Bundesliga alemana, en la que ha despuntado como extremo del RB Leipzig. Internacional por Costa de Marfil, con la que ha disputado el reciente Mundial, ahora se vestirá de blanco y cumplirá su sueño de jugar en el club más grande de la historia del fútbol, algo que ya hizo, desde la ficción, un joven que vivió una historia sorprendentemente parecida a la suya: Santiago Muñez.

Este personaje, al que interpretaría el actor mexicano Kuno Becker durante tres entregas, nació en el año 2005 con la película Goal -titulada aquí como ¡Goool! La película-, en la que se narraba la historia de un joven mexicano sin papeles que había saltado la frontera con Estados Unidos junto a su familia y que practicaba fútbol en una liga menor de Los Angeles. Allí era descubierto por Glen Foy (Stephen Dillane), un exfutbolista británico y antiguo ojeador del Newcastle United, quien veía en Santiago un diamante en bruto al que sacar de su humilde vida y convertirlo en una estrella del fútbol. En la primera película se narra su viaje hasta Inglaterra y sus dificultades para hacerse un hueco en el primer equipo del Newcastle, mientras se adapta a la cultura inglesa, al fútbol de la Premier y conoce a una enfermera de la que se enamora, Roz. Todo eso con música de Oasis de fondo y recreando estadios y partidos reales, con la dificultad que ello conlleva.

La apuesta subiría con su secuela, ¡Goool 2! Viviendo el sueño, en la que Santiago viajaría hasta Madrid para jugar en el Real Madrid de la misma forma que lo hace ahora Diomande, con el que curiosamente comparte varias características. En la parte futbolística, ambos son jugadores ambidiestros y con un gran rango de actividad a lo largo del campo. Diomande puede jugar en las tres posiciones de ataque, aunque tras la inminente renovación de Vinicius todo apunta a que vendría a instalarse en la banda derecha blanca. Son jugadores con una conducción muy particular y que a veces podría parecer que no levantan la cabeza de la pelota, pero a la hora de la verdad pueden dar la asistencia que marque el partido.

Una historia de superación en un Madrid en ruinas

Además de todo eso, el fichaje de Diomande llega en un momento casi idéntico al de una película que transcurría durante la temporada 2005-2006. Hace justo veinte años, el Real Madrid sumaba su segunda temporada en blanco con un equipo plagado de estrellas -Figo, Ronaldo, Zidane, Raúl o Beckham entre otros, quienes aparecen en la propia película- pero sin visos de arrebatar la hegemonía del Barcelona, quien en el filme aparece goleando al Real Madrid en el Bernabéu tal y como sucedió con aquel histórico momento de Ronaldinho. Diomande aterriza ahora en un equipo que viene de dos temporadas de absoluto fracaso a pesar de tener una de las plantillas con mayor talento, con nombres como Kylian Mbappé, Jude Bellingham, Federico Valverde o Vinicius Jr. en su vestuario.

Pero las casualidades no quedan solo en el césped, ya que las verdaderas semejanzas entre ambos jugadores tienen que ver con lo personal. Mientras que Muñez lo deja todo para seguir su sueño de convertirse en futbolista, Diomande ha pasado apuros hasta llegar a la élite. Nació en Abiyán, y durante su infancia no tuvo grandes problemas económicos, pero no fue hasta los 16 años que se le presentó una oportunidad de oro. Fue a través de la ‘DME Academy’ y en la International Development Academy (IDA), en Florida, donde encontraría el hueco para desarrollar su talento antes de dar, como Muñez, el salto a Europa. Fue de la mano del Leganés, quien apostó por el joven extremo y pronto se dio cuenta de que tenían un gran talento en ciernes, como reconoció el exentrenador Borja Jiménez en una entrevista.

A pesar de todo, quien siempre confió en Diomande fue su hermana Roxane, a la que el propio Diomande dedicó una carta hace unos meses dentro de The Players Tribune, gracias a la cual sabemos toda la historia de superación que arrastra el jugador. En Goal, Santiago se enteraba de improvisto de que su padre había fallecido, creyendo que este nunca le había apoyado cuando en realidad le había ido a ver a su último partido. Desgraciadamente, la hermana de Diomande también falleció hace unos meses después de que le pusieran algo en su bebida durante una fiesta en Costa de Marfil, con apenas 15 años y dejando un gran vacío en el futbolista. “No quiero ser rico, solo quiero demostrarle al mundo que mi hermana tenía razón”. Si el sueño de Muñez se cumplió en la ficción, ahora Yan Diomande tiene en su mano la oportunidad de honrar a su hermana jugando para el club más grande del fútbol, el Real Madrid.

El mes de agosto empieza por todo lo alto, con resaca aún del viaje de Odiseo o de trepar muros de la mano del Spider-Man de Tom Holland. Mientras los dos grandes titanes del blockbuster veraniego se pelean en taquillas -y solo entre comillas, pues cuentan con actores comunes como Zendaya, Jon Bernthal o el propio Tom Holland-, nuevos títulos llegan a cartelera para hacer más llevadero el verano y de paso descubrir nuevas historias y personajes.

Uno de ellos será el cómico de Juan Dávila en la comedia romántica El último mono, pero no el único. Otro título español como La ventana abierta viene para sorprender, así como el drama familiar en Islandia de El amor que permanece, el curioso síndrome Rembrandt en una pareja de ingenieros nucleares o, por supuesto, una historia de accidentes aéreos con muchos tiburones. Si no, no sería un verano que merezca la pena.

El último mono

Juan Dávila debutó en el cine hace más de quince años, en una película que quizá algunos recuerden titulada Pegado a tu almohada. Este 2026, ya como cómico consagrado, ha sido su gran retorno a la gran pantalla, primero con Castigo divino y ahora con esta comedia romántica que aspira a desmontar algunos de los estereotipos machistas que imperan hoy día. Susana Abaitua da vida a una cómica feminista que le dará la réplica y le enseñará cómo funcionan realmente las cosas.

El amor que permanece

El director Hlynur Pálmason es una de las grandes voces del cine islandés de los últimos años gracias a Godland o Un blanco, blanco día, y con este drama familiar hay quien dice que ha hecho su película más íntima y redonda. La película cuenta la historia de Anna y Magnus, una pareja recién separada que se reúne en una casa rural junto a sus tres hijos. Allí intentarán recuperar el tiempo perdido y revivir lo que parece que ya está muerto.

La ventana abierta

Unax Ugalde protagoniza este thriller en el que da vida a Rubén, un hombre que espera encontrarse en un pueblo de la costa andaluza con Merche, una mujer con la que lleva meses hablando online y a la que aún no ha desvirtualizado. Sin embargo, cuando llega allí, solo se encuentra una mirada amable, la de la joven Vera, la hija de Merche. Junto a ella empieza a reconstruir los recuerdos de esa mujer rota por dentro y a darse cuenta de cómo es realmente la vida que vive la mujer de la que se ha enamorado.

El síndrome Rembrandt

Todo el mundo conoce el síndrome de Stendhal, por el cual una persona sufre mareos o una gran impresión al estar expuesta a una gran obra de arte o belleza. Pues bien, algo parecido le sucede a Claire, una ingeniera francesa que desarrolla una especial conexión con los cuadros de Rembrandt tras visitar la Galería Nacional junto a su pareja Yves. Ambos ingenieros nucleares y con un gran reto entre manos, la visita cultural hará que la pareja comience a separarse mientras Claire ve en los cuadros del pintor holandés mucho más de lo que imaginaba.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto es eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó, manteniendo alejadas a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

Entre las muchas comodidades que nos brindan las plataformas de streaming, se cuenta la de poder ver películas que tuvieron un gran impacto tras su estreno y que, en otras circunstancias, nos habría costado más encontrar. Buen ejemplo de ello es Diarios de motocicleta, una de las mejores películas argentinas de este siglo, recién recuperada por Prime Video.

Este filme, dirigido por Walter Salles (Aún estoy aquí), se centra en la juventud del revolucionario Ernesto Che Guevara, reconstruyendo el viaje que, mucho antes de alzar las armas, recorrería gran parte de Sudamérica junto a su amigo Alberto Granado. Así, durante dos horas seguimos a estos compañeros haciendo un viaje improvisado en motocicleta por países como Argentina, Chile, Perú o Venezuela, descubriendo realidades sociales que marcan un antes y un después en su visión del continente. El relato, lejos de situarse en la épica revolucionaria, opta por la mirada íntima y el asombro ante el mundo.

Salles elige mostrar los paisajes de Latinoamérica con una sensibilidad que explota el placer de contemplar la película. Junto a Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna, actores que dan vida a los protagonistas, observamos escenarios naturales que van desde los Andes hasta la selva amazónica. Esto es posible gracias a una colaboración inédita entre instituciones cinematográficas de varios países para producir una cinta que es, a la vez, testimonio de una identidad colectiva capaz de trascender fronteras. “Una reconstrucción emocionante y tierna”, opinaron The New York Times cuando se estrenó.

Una reivindicativa intervención en los Oscar

A pesar del carácter político de un personaje como el Che, la película de Walter Salles es de todo menos panfletaria. Al contrario, se enfoca más en la parte humanista y social de la historia que cuenta. Diarios de motocicleta tiene la estructura de una road movie que conecta escenarios y experiencias, pero se centra en subrayar la emoción y la transformación personal antes que cualquier análisis político. Además, Gael García Bernal nos ofrece un personaje simpático y cercano, que nos engancha en todo momento a la historia.

Pero si algo nos engancha es, sobre todo, la música. A las composiciones del dos veces ganador de un Oscar a la Mejor banda sonora, Gustavo Santaolalla, hay que añadirle la canción que le dio una estatuilla a la película, Al otro lado del río, obra de Jorge Drexler. El hito no es menor: el cantautor uruguayo consiguió que un tema en español ganara por primera vez el premio, aunque hubo cierta polémica después de que la Academia decidiera no hacer el tradicional concierto en la gala del ganador en la categoría, al considerar que este músico no era lo bastante conocido en Estados Unidos.

Aunque Drexler aceptó la decisión, el gesto molestó bastante al público latinoamericano, que percibió la medida como una falta de reconocimiento. Sin embargo, cuando se le entregó el premio (a manos de Prince, ni más ni menos), el cantautor subió al escenario y, tras hacerle una reverencia a su ídolo, sorprendió al público interpretando a cappella varios versos de la canción: “Clavo mi remo en el agua / Llevo tu remo en el mío / Creo que he visto una luz / al otro lado del río”. Su breve intervención, sin discurso ni agradecimientos convencionales, fue leída como un acto de dignidad y reivindicación cultural. “Gracias, chao”, dijo el artista justo antes de retirarse con el premio.

Henry David Thoreau fue un filósofo, naturalista y escritor estadounidense del siglo XIX, figura clave del trascendentalismo. Nacido en Estados Unidos, consagró su existencia a la búsqueda de la autenticidad y el respeto hacia la naturaleza. En consecuencia, se convirtió en uno de los principales críticos del materialismo industrial y en un firme defensor de la libertad del individuo.

Tanto era así que, en 1845, decidió retirarse a una modesta cabaña construida por él mismo en las orillas del lago Walden. Durante dos años, dos meses y dos días vivió rodeado de bosque buscando comprender la esencia de la existencia humana. Esta singular experiencia dio origen a su obra más conocida, Walden, un tratado clásico sobre la autosuficiencia y la sencillez.

A lo largo de este escrito, Thoreau reflexionó sobre cómo las exigencias económicas modernas reducen la libertad y desvían la atención de lo verdaderamente valioso. En este contexto, dejó plasmada una de sus afirmaciones más célebres y rotundas sobre el coste real de nuestras posesiones: “El precio de cualquier cosa es la cantidad de vida que intercambias por ella”.

El significado de la frase de Thoreau

Las palabras del filósofo estadounidense invitan a redefinir el valor de los bienes materiales midiendo su coste no en monedas, sino en horas de trabajo empleadas para adquirirlos. Para Thoreau, cada objeto superfluo exige sacrificar tiempo vital dedicado a la contemplación y al desarrollo personal. Como bien advirtió en sus páginas: “La mayoría de los hombres llevan vidas de silenciosa desesperación”, algo que hacía referencia a cómo la gente se esclavizaba trabajando solo para acumular cosas.

En la sociedad contemporánea, esta lección cobra renovada vigencia frente al consumismo desenfrenado y las jornadas laborales extenuantes. Comprar el último modelo de teléfono o un vehículo de lujo a menudo implica contraer deudas que obligan, en muchas ocasiones, a trabajar horas extra. Entregamos mañanas con la familia, paseos por el campo o descanso por acumular objetos y, yendo más allá, tenemos completamente normalizado entregar un tercio de nuestras vidas a cambio de un salario que no siempre es digno.

En este sentido, Thoreau no promovía la miseria, sino una sobriedad consciente que permitiera preservar la verdadera riqueza: la libertad personal y la paz mental. Reducir las necesidades cotidianas resulta clave para no convertirse en esclavo de las propias pertenencias. Por ello sentenció lúcidamente: “Un hombre es rico en proporción al número de cosas que puede permitirse dejar en paz”.

Elogio de la vida sencilla

Esta visión conecta profundamente con la filosofía estoica de la antigua Roma, especialmente con las enseñanzas del pensador Lucio Anneo Séneca. En su célebre tratado Sobre la brevedad de la vida, Séneca denunció la tendencia humana a malgastar el tiempo en afanes insignificantes. “No es que tengamos poco tiempo, sino que perdemos mucho”, afirmaba categóricamente.

De manera análoga, el filósofo griego Epicuro situó la moderación del deseo como pilar fundamental de la felicidad y la tranquilidad del alma. “Nada es suficiente para quien lo suficiente es poco”, defendía. Y es que, para Epicuro, la búsqueda ansiosa de lujos inútiles genera turbación constante, mientras que las necesidades verdaderas son sencillas de satisfacer.

Así, comprender la existencia bajo el prisma de Thoreau y de estos grandes pensadores exige revisar las prioridades personales en el mundo actual. El tiempo constituye el único recurso estrictamente finito e irremplazable que poseemos. Decidir en qué lo invertimos define la calidad de nuestra trayectoria vital, recordando siempre que vivir una vida plena es lo más valioso que puede alcanzar un ser humano.

A día de hoy, sabemos que los eclipses de Sol se producen cuando la Luna se interpone exactamente entre nuestro planeta y el astro, proyectando su sombra sobre nosotros y la superficie terrestre. Ahora bien, durante muchos años, el porqué, dicho llanamente, se hacía de noche durante el día, fue un auténtico misterio, lo que dio lugar a todo tipo de explicaciones y teorías reforzadas por creencias tan extendidas como la idea de que la Tierra era el centro del universo y todo (incluido el Sol) giraba alrededor de ella.

Esta última cuestión vivió un momento clave en el año 1633, en el famoso juicio a Galileo Galilei por parte de la Iglesia. El astrónomo italiano escandalizó a todo Occidente asegurando que la Tierra giraba alrededor del Sol y no al revés, como la humanidad llevaba siglos creyendo por las ideas de sabios como Claudio Ptolomeo o Aristóteles. Por eso, fue citado por el Santo Oficio de la Inquisición romana, donde se examinaron cuestiones de todo tipo, incluyendo un pasaje de la Biblia donde se hace referencia a lo que, mucho después, se ha interpretado como que podría haber sido un eclipse solar.

El argumento al que nos referimos es un pasaje del Libro de Josué, donde este pide durante una batalla: “Sol, detente en Gabaón”, deseo que le fue concedido. Quienes defendían el modelo geocéntrico argumentaban que, si la Biblia dice que el Sol se detuvo, es porque normalmente el Sol se mueve alrededor de la Tierra. Si, en realidad, fuera la Tierra la que se mueve, habría sido más correcto decir que la Tierra se detuvo. Durante siglos, la interpretación de este pasaje fue literal, pero algunos investigadores modernos propusieron otra posibilidad: que el texto hiciera referencia a un eclipse solar anular ocurrido el 30 de octubre del año 1207 a. C., ya que el verbo hebreo dom (“detenerse”) puede significar también “dejar de brillar”, según el contexto.

La respuesta de Galileo Galilei

Si esta teoría resultara acertada, un fenómeno como el eclipse solar habría servido en el juicio contra Galileo para tratar de demostrar el modelo geocéntrico, aunque también hay algunas dudas al respecto. A pesar de que esta investigación emplea modelos astronómicos, es imposible confirmar que la Biblia haga referencia a este fenómeno. Dejando al margen su interpretación teológica, otros expertos opinan que se trata solo de una licencia poética que no pretende describir un fenómeno astronómico, si bien esto tampoco descartaría que un eclipse pudiera inspirar la escena.

Por su parte, Galileo defendía una idea resumida en una frase, atribuida al cardenal Cesare Baronio y que él mismo citó con aprobación: “La Escritura enseña cómo se va al cielo, no cómo va el cielo”. Así, el científico sostenía que la Biblia emplea un lenguaje adaptado a la forma en que las personas perciben el mundo, y que no debía leerse como un tratado de astronomía. Con independencia de que el pasaje describiera o no un eclipse (para los jueces, el texto describía literalmente que el Sol se había detenido), sus observaciones apoyaban claramente el heliocentrismo, aunque muchos de sus contemporáneos consideraban que todavía no existían pruebas definitivas.

El pasaje de Josué y otros textos bíblicos formaron parte del debate, pero no fueron el único fundamento de la condena. El tribunal sostuvo además que Galileo había desobedecido las restricciones que se le habían impuesto años antes al publicar el Diálogo sobre los dos máximos sistemas del mundo. Finalmente, fue condenado a arresto domiciliario, situación en la que permaneció hasta su muerte, nueve años después. Solo el tiempo demostraría que una de sus frases más famosas: “En la ciencia, la autoridad de mil no vale tanto como la razón de un solo hombre”.

El anuncio de Karol G sobre su nuevo álbum No me arrepiento de sentir tanto ha generado una oleada de expectativas en la industria musical. La artista reveló el pasado miércoles el listado de canciones y la fecha de lanzamiento, fijada para el viernes 7 de agosto.

Entre los temas del disco figuran colaboraciones con artistas de talla mundial tan llamativas como las de Drake y Bruno Mars, quienes participan en las canciones Ahí y Still. Sin embargo, la sorpresa más comentada ha sido la presencia de dos talentos españoles en la lista de colaboradores.

La noticia de la inclusión de Judeline y Rusowsky en el tema BbY WOW ha sido recibida como una grata sorpresa entre los seguidores de la Bichota. Ambos artistas, considerados referentes de la música alternativa y experimental en España, aportan su sello a este proyecto internacional.

Toda la lista de nuevas canciones de Karol G

El nuevo disco de Karol G, que marca su sexta producción de estudio tras el exitoso Tropicoqueta, se presenta como un puente entre la música latina más global y la vanguardia pop. El anuncio del tracklist llegó apenas una semana después del primer adelanto del proyecto, Matadora, que suena como un reguetón intenso y directo a la pista de baile, con un ritmo urbano pesado, una actitud muy segura y letras desafiantes sobre la vida nocturna.

El álbum incluye, además de las colaboraciones internacionales y el single ya mencionado, títulos como Te llevas to, Maybe, Bebiendo lágrimas, Final feliz, Alguien que te amaba, For you my lova, Si lo ven, Con quién andará?, Eclipse y Después de ti, este último junto al cantautor estadounidense Greg González. Por otra parte, la gira mundial Viajando por el Mundo Tropitour llevará a la artista a actuar en España en junio de 2027, donde se podrán escuchar en directo todos estos temas.

Judeline y Rusowsky, invitados especiales

Judeline, nacida como Lara Fernández Castrelo en Jerez de la Frontera en 2003, se ha convertido en una de las voces más singulares del pop alternativo español. Sus inicios se remontan a 2020, cuando comenzó a publicar sus composiciones en plataformas digitales. El salto de Judeline llegó con su álbum debut Bodhiria, que le valió tres nominaciones a los Grammy Latinos: Mejor Álbum de Música Alternativa, Mejor Ingeniería de Grabación y Mejor Canción Alternativa por Joropo. Esa hazaña la consolidó como una de las artistas más jóvenes y disruptivas en lograr proyección internacional.

Por su parte, el madrileño Rusowsky, cuyo nombre real es Ruslán Mediavilla, es uno de los grandes referentes de la música lofi y el pop experimental en España. El disco Daisy, editado en streaming en mayo y lanzado en vinilo seis meses después, alcanzó el número uno de las listas españolas en enero, incluso superando a Lux, el último disco de Rosalía. El ascenso fue fulgurante: en solo una semana, el álbum saltó del puesto 65 al primero, impulsado por la venta acumulada de 4.826 vinilos en preventa, una cifra muy poco habitual en los tiempos actuales.

En Londres, la regulación de la publicidad en espacios públicos es estricta, especialmente cuando se trata de imágenes que pueden ser vistas por menores de edad. Las autoridades locales y nacionales cuentan con organismos dedicados a velar por la protección del público frente a contenidos que puedan resultar perturbadores o inapropiados. Este control se refuerza en lugares de alta afluencia, como el transporte subterráneo, donde la exposición es masiva y la diversidad de edades es una constante. Unas reglas que ni una gran película puede romper.

Recientemente, los carteles promocionales de una de las películas de terror más comentadas del año, con permiso de Backrooms y Obsession, han sido retirados de circulación tras una decisión de la Advertising Standards Authority (ASA), el organismo regulador de la publicidad en el Reino Unido. La medida fue tomada después de recibir una treintena de quejas relacionadas con la campaña de La momia, dirigida por Lee Cronin, que se exhibía en estaciones del metro londinense. La polémica se originó por la imagen central del cartel: un primer plano de una figura femenina con aspecto momificado, la piel grisácea y labios secos y agrietados, un ojo cerrado e hinchado y el otro fijo, con una expresión vacía. Para la ASA, estos elementos ofrecían “una impresión realista de una niña muerta” y resultaban “demasiado angustiosos” para ser exhibidos en espacios donde pudieran ser vistos por niños.

Según el fallo del regulador de la capital inglesa, aunque los anuncios no se colocaron dentro de los 100 metros de ninguna escuela, al menos una de las vallas era visible desde una guardería infantil. Se consideró que el riesgo de que menores vieran la imagen era elevado y que el contenido era inadecuado para su difusión en la vía pública. “En cualquier caso, consideramos que la imagen era probable que causara angustia a los niños pequeños y que no era adecuada para su exhibición donde podía ser vista por ellos. Por lo tanto, concluimos que los anuncios eran inadecuados para su exposición exterior y que violaban el código”, afirmó la ASA en su resolución.

Argumentos y defensa de Warner Bros

La campaña de La momia incluía no solo carteles impresos, sino también escenas promocionales para televisión y plataformas digitales. Entre ellas, se mostraba el cuerpo de una mujer siendo retirado de un sarcófago y una escena en la que una madre, visiblemente angustiada, era tocada en la cara por una mano gris y de uñas quebradizas. El tráiler terminaba con la frase: “Solo quiero recuperar a mi hija”, pronunciada por el personaje materno. Esta versión, sin embargo, había sido aprobada por la agencia de control Clearcast para su emisión tras las 19.30 horas. La reacción social no se hizo esperar. Varias personas expresaron que tanto los carteles como los avances eran potencialmente perturbadores, no solo para niños sino también para adultos. Las quejas se centraban en el realismo de la imagen y la naturaleza inquietante de la trama sugerida en la publicidad.

Ante la controversia, Warner Bros defendió la campaña argumentando que se había elaborado con “la debida responsabilidad hacia los consumidores y la sociedad”. El estudio explicó que la figura mostrada en los carteles no era un cadáver, sino una “momia viviente” que regresa con su familia años después de haber sido secuestrada en la infancia. Aseguraron que se utilizó un rostro con expresión neutral y que se evitó intencionadamente cualquier elemento de violencia, amenaza o intimidación. Warner Bros también detalló que el diseño fue presentado y aceptado por el socio publicitario de Transport for London, Global, para su exhibición en la red del metro. En cuanto a los tráilers, el estudio subrayó que los elementos de terror estaban sugeridos y no mostrados de forma explícita: no había escenas de sobresaltos, violencia ni imágenes gráficas.

La resolución de la ASA expuso con detalle los motivos para el retiro de la campaña. En su análisis, el regulador destacó la apariencia cenicienta y sin vida de la figura, el deterioro visible en los labios y el rostro, y la mirada perdida, factores que, combinados, generaban un efecto perturbador y realista de muerte infantil. La proximidad de los anuncios a espacios frecuentados por menores reforzó la decisión de prohibir la exhibición al aire libre. La restricción no afecta las transmisiones en televisión o streaming en horarios autorizados, pero marca un precedente sobre los límites que enfrentan las campañas publicitarias de cine de terror en espacios públicos dentro del Reino Unido.

El fenómeno se explica en parte por el contraste entre la recepción de Spider-Man: Brand New Day y la trilogía previa. Aunque la película debutó con elogios que la posicionan como la mejor versión live-action del personaje en la historia —o, según algunos, la mejor dentro del MCU—, esta aclamación ha servido como catalizador para reavivar viejas críticas hacia la etapa de Watts. El estreno ha reabierto discusiones sobre la dirección creativa y las decisiones que marcaron el paso de Tom Holland como Peter Parker bajo las órdenes de Watts.

El lanzamiento de Spider-Man: Brand New Day no solo acaparó la atención por su éxito en taquilla y las críticas favorables. También provocó que numerosos fanáticos recurrieran a las redes sociales de Jon Watts para expresar su desaprobación por la visión que imprimió en el personaje. Comentarios como “Eres un buen director, Watts, pero tu visión de Spider-Man no nos satisfizo en absoluto” y “Diste una trilogía muy floja, muy Disney” se multiplicaron en su cuenta de Instagram y otras plataformas. La reacción no es nueva, pero sí ha alcanzado un pico inédito tras el lanzamiento de la nueva película. El rápido abrazo a la cinta de Cretton puso en evidencia, a juicio de los fans, que el Spider-Man de Holland solo necesitaba un director que comprendiera mejor al personaje. Para muchos seguidores, la comparación entre ambas etapas acentuó la percepción de que la trilogía de Watts adolecía de profundidad y conexión con la esencia del héroe.

Una entrega con más corazón

Entre los argumentos más repetidos por la comunidad se encuentra la decisión de Watts de eliminar los icónicos “balanceos” de Spider-Man. Según se difundió, el propio Watts habría aconsejado a Destin Daniel Cretton evitar esos movimientos por considerarlos “aburridos y se veían tontos”, algo que fue desestimado por el nuevo director. Para los seguidores, este detalle simboliza el alejamiento de la trilogía de Watts respecto al espíritu clásico del personaje.

Otra de las críticas recurrentes es la dependencia de la narrativa de Tony Stark en la evolución de Peter Parker. A lo largo de las tres películas dirigidas por Watts —Homecoming, Far From Home y No Way Home—, el desarrollo del protagonista se vincula constantemente al legado de Stark. Esta falta de autonomía argumental fue señalada como una de las grandes debilidades de la etapa, incluso en la muy popular No Way Home, que logró reunir a los tres Spider-Man del cine reciente pero no escapó al escrutinio de los fans.

Las redes sociales de Jon Watts se convirtieron en un espacio de catarsis para quienes nunca estuvieron conformes con su dirección. “Pero gracias por dejar a Spider-Man en buenas manos”, escribió un usuario, reflejando el sentir de parte del público que ve en Cretton una esperanza renovada. Otros mensajes, más duros, insistieron en que Watts no regrese a la franquicia, atribuyéndole el haber dado un tono excesivamente ligero y dependiente de la fórmula Disney. Esta dinámica adquirió una dimensión colectiva, con cientos de comentarios que no solo cuestionan las decisiones estéticas y narrativas de Watts, sino que agradecen su salida. El fenómeno expone cómo la percepción de una saga puede cambiar radicalmente a partir de una nueva entrega exitosa.

La diferencia más notoria, según la conversación de los fans, reside en la capacidad de Cretton para ofrecer una historia más introspectiva y madura. Spider-Man: Brand New Day presenta una secuencia de peleas que muchos describen como “sacada de los cómics más exitosos”, y una narrativa que explora las dudas y desafíos del héroe sin depender de tutores ni fórmulas previas. Cretton, que ya había dirigido Shang-Chi: La Leyenda de los Diez Anillos, sumó su experiencia en el MCU para dar un giro al personaje, logrando una conexión inmediata con la audiencia. El éxito de la película en menos de una semana y la recepción global refuerzan la idea de que la saga ha encontrado una nueva voz.

La comunidad de seguidores celebró la llegada de Cretton como el inicio de una etapa prometedora para Spider-Man en el cine. El propio director agradeció el apoyo y expresó su deseo de que la historia conecte con espectadores de todo el mundo. Mientras Spider-Man: Brand New Day continúa su recorrido en los cines, el debate sobre el legado de Jon Watts y la dirección futura del personaje sigue abierto, impulsado por una base de seguidores que no ha dudado en manifestar sus preferencias y expectativas.

“¿Os acordáis de mí? Ha pasado mucho tiempo". Con estas palabras, el escritor George R. R. Martin abrió una nueva entrada de su blog después de seis meses sin dirigirse a sus lectores. La frase hace referencia a su ausencia, aunque lo mismo valdría para Canción de Hielo y Fuego, su saga literaria más conocida (de su adaptación nace la serie de Juego de Tronos) y que este 6 de agosto cumple 30 años. Tres décadas en las que se ha convertido en uno de los fenómenos culturales más importantes del siglo, con más de 100 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo.

Por desgracia, el aniversario no llega acompañado de la mejor de las noticias, ya que en el mensaje el autor confesó haber pasado el último año “luchando contra la tristeza y la depresión”. “Este año ha sido... estresante, por decirlo suavemente. Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador. Algunas cosas maravillosas, emocionantes. Sueños cumplidos. Pero también ha habido pesadillas. He perdido amigos”, explicaba, añadiendo que “lo peor está por venir”. “Cumplí setenta y siete años el pasado septiembre, y les digo, envejecer no es nada divertido”.

Así, con este mensaje ha crecido aún más la incertidumbre de quienes llevan 15 años esperando el nuevo libro de Canción de Hielo y Fuego, Vientos de invierno, todavía sin fecha de publicación pese a que la fecha prevista inicialmente era 2015. De hecho, el pasado 16 de junio los fans del escritor celebraron un peculiar ‘aniversario’: habían pasado los mismos días desde la publicación de la última entrega de la saga, Juego de Tronos, que los que Martin tardó en publicar las cinco novelas que hoy están disponibles. “A veces siento un montón de compasión por GRRM (siglas del nombre del autor) y a veces me tiene totalmente harto”, se puede leer en uno de los comentarios.

Las series, un regalo o una condena

El mundo ha cambiado mucho desde el último libro de Canción de Hielo y Fuego. No existía TikTok ni el bizum, Reino Unido estaba en la Unión Europea y gran parte del mundo no había oído hablar nunca de Donald Trump, salvo por un cameo en Sexo en Nueva York. Tampoco había mucha gente que conociera entonces la serie de Juego de Tronos, estrenada apenas dos meses antes del lanzamiento del libro, en abril de 2011. Esa producción sería un punto de inflexión para la saga, que pasaría de vender 12 millones de libros en apenas 15 años a 90 millones en los 15 siguientes.

La serie de HBO Max, que llegó a acumular unos 46 millones de espectadores por cada episodio en su última temporada, se convirtió en un fenómeno cultural que multiplicó el interés por George R. R. Martin y su universo literario, además del número de personas llamadas Khaleesi (que pasó de 0 a 4.000 solo en Estados Unidos). El escritor se implicó mucho en la producción, hasta el punto de escribir personalmente el guion de un episodio clave durante las primeras cuatro temporadas. A partir de 2015, sin embargo, se alejaría del proyecto para centrarse en la escritura de Vientos de invierno, por lo que su papel en las últimas temporadas fue prácticamente testimonial.

El libro no se publicó, pero el final de la serie fue tan odiado (“el de los libros será significativamente distinto”, aseguró el autor este mismo año) que decidió supervisar los spin-off que siguieron: La casa del dragón, que va por su tercera temporada, y El caballero de los Siete Reinos, uno de los grandes éxitos de 2026 con nueve nominaciones a los premios Emmy. A pesar del éxito, muchos fans no han visto con buenos ojos la decisión del escritor (que recibió decenas de millones de dólares a cambio del acuerdo con HBO Max) por dedicarse tanto a las adaptaciones como a otros proyectos literarios.

El futuro de ‘Canción de Hielo y Fuego’

“Cada vez que anuncio algo nuevo en mi página web, la mitad de internet se vuelve loca”, confesaba el autor en la Comic Con de San Diego de 2025. “’¿Por qué demonios George R. R. Martin está escribiendo esto otro cuando debería estar escribiendo Vientos de invierno? ¿Qué está haciendo?’ Y solo quiero decir: ‘Lo hice en 1993, amigos. ¡Vamos! Estaba guardado en mi cajón, ellos lo querían, así que lo he vendido’”. El autor ha compartido en varias ocasiones el estado de su esperada novela, que en 2022 iba por el “75%” (más de 1.000 páginas, por las estimaciones que él mismo había hecho), y que desde entonces ha pasado por diferentes baches creativos.

Por otro lado, el último libro que George R. R. Martin publicó dentro del universo de Poniente fue El ascenso del dragón, una enciclopedia que sirve como versión expandida e ilustrada de los acontecimientos narrados en Fuego y Sangre, novela publicada en 2018 donde narra la historia de la casa Targaryen desde la conquista de Aegon I hasta Danza de Dragones. Para el futuro, no solo desea seguir con Canción de Hielo y Fuego, sino que también podría trabajar en más novelas cortas de la historia de El caballero de los Siete Reinos. “El gran problema es que solo he escrito tres novelas cortas, y tengo un montón de historias más sobre Dunk y Egg en la puta cabeza”, comentaba hace unos meses en una entrevista.

El universo de Juego de Tronos seguirá creciendo con las nuevas temporadas de esta serie y de La casa del dragón, pese al fuerte desencuentro entre el showrunner de esta última y George R. R. Martin, que aseguró que lo que se veía ya no era “su historia”. Además, Warner Bros. ya ha confirmado que producirá una película, La conquista de Aegon. En desarrollo también están una serie animada sobre los viajes de Corlys Velaryon, personaje de La casa del dragón, y otra sobre El Imperio Dorado de Yi Ti. Por último, se espera una nueva serie llamada Los 10.000 barcos, ambientada 1.000 años antes de los eventos de Canción de Hielo y Fuego.

Habrá que ver si, antes de que estos proyectos vean la luz, ya habrá fecha para la publicación del sexto libro de la saga. Por si quedaba alguna duda, el autor ha dejado claro qué pasará si muere antes de terminarla. “Si eso pasa, mi trabajo quedará incompleto”, aseguraba en enero a The Hollywood Reporter. Eso sí, que reconozca lo mucho que le está costando no significa que alguna vez haya considerado abandonar el proyecto. “Lo odiaría. Para mí sería un fracaso total. Quiero terminar”.

Para cualquiera con un par de oídos, hace un par de veranos fue el llamado brat summer de Charli XCX, quien intenta ahora repetir el fenómeno con el lanzamiento de su último disco, Music, Fashion, Film. Para aquellos con un par de ojos y muchas ganas de leer, el verano anterior a aquel fue sin duda el Bret summer, pues aterrizó en librerías una novela de lo más adictiva a cargo de Bret Easton Ellis, autor de American Psycho o Menos que cero. Un viaje trepidante y obsesivo por la Los Ángeles de los años 80 que aún deja huellas a cualquiera que se zambulló en sus más de 600 páginas, y que ahora llega de nuevo con su primera adaptación a la pantalla, The Shards.

La serie llega este jueves a Disney+ después de encontrar en Ryan Murphy al máximo responsable de convertir esa interminable pero adictiva historia en una miniserie de ocho episodios. En un primer momento, la serie recayó sobre otros nombres como Luca Guadagnino, director de Call me by your name o Challengers, y más tarde surgió el de Kristoffer Borgli, quien finalmente se embarcó en El drama junto a Zendaya y Robert Pattinson. No obstante, Murphy ha trabajado con el propio Bret Easton Ellis para mantenerse lo más fiel posible al material original, con una factura visual que no difiere mucho de otras producciones de Murphy como las antologías de Monstruo o American Horror Story.

En la novela original, titulada en nuestro país Los destrozos -la serie ha decidido conservar el título original- se nos narra la historia de Bret (Igby Rigney), un joven de clase alta en la Los Ángeles de los años 80 que sueña con ser escritor y al que le rodean una serie de conflictos. El primero de ellos, el estar saliendo con una de las chicas más guapas del instituto, Debbie Schaffer (Hayes Warner), a pesar de que algo en su interior le dice que tiene otros gustos. El segundo, la llegada de un nuevo alumno, Robert Mallory (Homer Gere), con el que Bret empieza a obsesionarse fruto de esos deseos reprimidos. Y el tercero, una oleada de asesinatos a sangre fría que se producen por el barrio y que parecen seguir un común, lo que hace que a este sospechoso se le bautice como “El Arrastrero”. Mientras Bret busca desarrollar sus dotes como escritor, empezará a investigar poco a poco las escenas del crimen del Arrastrero al tiempo que conoce a Robert, del que sospecha podría estar detrás de todo.

Guapos, ricos y demasiado divertidos

Como en toda novela de Bret Easton Ellis -y casi que también en las series de Ryan Murphy-, los personajes de The Shards son extremadamente guapos y ricos, pero también tienen un punto de superficiales y cínicos, especialmente el propio Bret, quien no deja de ser una suerte de alter ego del propio autor. A pesar de que se había especulado mucho con la posibilidad de que grandes estrellas ocupasen los papeles del elenco protagonista, como Jacob Elordi en el papel de Robert Mallory, finalmente la serie de FX distribuida por Disney ha optado por un reparto semidesconocido en el que apenas destacan los secundarios, siendo los padres de Debbie (Evan Rachel Wood y Wes Bentley) los rostros más reconocibles.

“La Generación Z quiere nuevas estrellas, quiere caras nuevas”, contaba en una entrevista el productor de la serie Brad Simpson, y parece que se lo han tomado al pie de la letra, encontrando a sus protagonistas en los desconocidos Igby Rigney, Homer Gere -hijo de Richard Gere-, Graham Campbell o Hayes Warner, esta última además con faceta como cantante incluida. Quizá Kaia Gerber, en su condición de nepobaby como hija de Cindy Crawford sea la única asentada, después de aparecer en otra producción adolescente como era Bottoms de Emma Seligman junto a Rachel Sennott y Ayo Edebiri. Quién sabe si de aquí saldrán los próximos Jacob Elordi que tanto pedían.

La novela a la que (re)engancharse este verano

El estreno de The Shards, además en pleno verano para una historia que transcurre en buena medida durante esta estación, es una oportunidad única también para aprovechar y leer o redescubrir la novela de Easton Ellis, así como otras de su universo compartido como Glamourama o Las leyes de la atracción, que también tuvo una gran adaptación en su momento. Pero aviso a navegantes; una vez que empieces la novela, no podrás parar de leerla. No solo por el intrínseco misterio que arrastra a Bret y al propio espectador, sino por el estilo trepidante y adictivo que imprime Easton Ellis, siendo capaz de manejar a la perfección el thriller psicológico con el drama adolescente.

Una historia inmersiva y cargada de detalles que te sumergirán por completo en esa Los Ángeles de los 80, desde el primer capítulo con el estreno de El resplandor de Stanley Kubrick hasta una banda sonora de ensueño que transita entre U2, Duran Duran, Donna Summer, Dire Straits o Blondie. Solo queda ver si Ryan Murphy ha respetado, además de todo esto, el lujoso y elegante vestuario que llevan los jóvenes; entonces sí podremos hablar de que, con Charli XCX o con The Shards, este ha sido el verano de la música, la moda y el cine.

El Bulli cerró sus puertas para siempre hace ya más de 15 años, pero su legado sigue muy vivo. Fundaciones, un museo, charlas, ferias gastronómicas, chefs que recrean su estilo... Y, ahora, una nueva serie que cuenta su historia.

En septiembre, Gènesi llevará a la pequeña pantalla el que fue el gran momento clave de la gastronomía del país, la intrahistoria de un pequeño restaurante de Roses (Girona) que cambió para siempre lo que entendíamos por alta cocina. Todo contado desde el punto de vista de su protagonista, el propio Ferran Adrià.

A lo largo de seis capítulos, Gènesi muestra los años en los que Cataluña se convirtió en el epicentro de la alta cocina internacional, todo gracias a un restaurante que fue elegido como el mejor del mundo en cinco ocasiones entre 2002 y 2009.

La serie producida por 3Cat se concibió en 2025, coincidiendo con la designación de Cataluña como Región Mundial de la Gastronomía, y ha contado con la colaboración de la Generalitat de Cataluña, el apoyo del ICEC y la participación de Netflix, que la distribuirá en el resto de España, Europa, Latinoamérica y Estados Unidos tras su estreno el 21 de septiembre en la plataforma catalana.

Un reparto encabezado por Miquel Fernández

Dirigida por David Pujol, la serie desentraña el origen de uno de los grandes fenómenos culturales de las últimas décadas. El reparto está encabezado por Miquel Fernández en el papel protagonista de Ferran Adrià, al que se suman las interpretaciones de Ivan Massagué, Mónica López, Carlos Cuevas, Joana Villapuig, Pere Arquillué y Mario Gas, entre otros.

Y es que, más allá de la revolución culinaria de El Bulli, Gènesi cuenta la historia de la alta cocina y la tradición catalanas, con la aparición de figuras como Albert Adrià, Oriol Castro, Santi Santamaría, Fermí Puig o Christian Escribà, sin los que no se puede explicar el alcance del legado de El Bulli.

Rigor culinario, bajo la supervisión de Ferran

Reconstruir el universo creativo de El Bulli no es nada fácil. Son casi dos mil platos de autor, creados durante dos décadas de trabajo bajo un método de investigación por aquel entonces pionero. Un modelo de laboratorio creativo que muchos han imitado años después.

Uno de los puntos fuertes de Gènesi es que ha contado con la participación directa de Ferran Adrià y de El Bulli Foundation, la fundación creada por el chef para la divulgación del que fue el mejor restaurante del mundo. Quienes más saben sobre El Bullo han acompañado en todo el desarrollo del proyecto, para garantizar el máximo rigor histórico y, especialmente, culinario.

Para el rodaje, se recrearon más de 70 platos originales gracias al trabajo de antiguos miembros del equipo de cocina del restaurante en Roses, entre ellos Marc Cuspinera, Alain Devahive y Eduard Bosch. En función del momento narrativo de la historia, los platos han sido elegidos conjuntamente por el propio Ferran Adrià y David Pujol, director de la serie, de entre los 1.846 que se cocinaron en El Bulli.

Una doble línea temporal con la cocina nexo

La trama se desarrolla en una doble línea temporal: por un lado, la serie se remonta a la década de los 80, cuando un joven Ferran Adrià llega por casualidad a las cocinas de El Bulli, donde conoce al por entonces director del restaurante, Juli Soler, encarnado por Ivan Massagué. Este encuentro marca el inicio de una revolución que convertirá este pequeño enclave en Cala Montjoi en un referente mundial y, con el tiempo, en el mejor restaurante del mundo.

Por otro lado, narra la historia ficticia de Glòria Canabach, una crítica gastronómica retirada atormentada por la culpa, que regresa de Estados Unidos tras la muerte de su padre y se reencuentra con su sobrina Lola, con quien decide reabrir el restaurante familiar, el Can Canabach. Ambas representan otra perspectiva de la alta cocina: más emocional, crítica y arraigada, que busca conciliar la técnica con la identidad y la memoria familiar.

El esperado regreso de La Momia ya tiene fecha y buena parte del elenco confirmado. El nuevo capítulo de la saga, que se estrenará el 15 de octubre de 2027, reunirá a Brendan Fraser y Rachel Weisz tras casi dos décadas lejos de la franquicia, cuya última película, La momia: La tumba del emperador Dragón, se estrenó en 2008.

A ellos se sumarán rostros muy recordados del universo original, dando forma a un reparto que despierta la nostalgia de los seguidores más fieles. La cuarta entrega contará también con Oded Fehr y Kevin J. O’Connor, quienes recuperarán sus papeles de Ardeth Bay y Beni Gabor, respectivamente. La noticia ha sido confirmada por el medio estadounidense Entertainment Weekly, que además ha adelantado el regreso de John Hannah y la incorporación de nuevos nombres como Michael Johnston (Obsession) y Numan Acar, conocido por su papel en El joven Sherlock.

En lo que se refiere a la trama de la película, todavía no se ha detallado nada del argumento. Lo que sí se sabe es que el equipo creativo apuesta por una mezcla de acción, aventura y un tono más oscuro de lo que tenían las primeras partes (disponibles en Prime Video), aprovechando el estreno en la temporada de Halloween. De dirigir la película se encargará, de hecho, el conocido dúo Radio Silence (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin), conocidos por títulos como Scream VI o Noche de bodas.

“Es hora de darles a los fans lo que quieren”

La reunión de Fraser y Weisz implica el retorno de la pareja protagónica que conquistó al público en los años 2000. En la tercera entrega, el personaje de Weisz fue interpretado por otra actriz (Maria Bello, que llegó a la producción después de que la actriz original rechazara el guion y la idea de pasar cinco meses rodando en China), pero ahora ambos volverán a compartir pantalla en una producción que promete homenajear a la saga original. Pese a estas intenciones, destaca la ausencia de Stephen Sommers, director de las dos primeras (y más exitosas) partes de la saga.

El cineasta lleva más de una década sin dirigir ningún proyecto, después de algunos fracasos como Van Helsing y, sobre todo, Odd Thomas, producción que, tras pasar por un calvario de problemas legales, vio lastrado su lanzamiento y tuvo una distribución casi invisible que perjudicó gravemente su viabilidad comercial, condenando de paso el perfil comercial de Sommers. Este, habiendo acumulado una gran fortuna durante la cima de su carrera a finales de los 90 y principios de los 2000, ha optado por una jubilación paulatina alejada de la presión de los grandes rodajes.

La película se desmarca completamente de otros proyectos recientes, como la versión dirigida por Lee Cronin, actualmente en cartelera y de la que en Infobae afirmamos que era la “más salvaje y desagradable del año”, y apuesta por revitalizar la fórmula original con sus protagonistas más célebres. “He estado esperando esta llamada durante 20 años”, aseguraba a Variety Brendan Fraser. “A veces era fuerte, a veces era un leve mensaje. ¿Y ahora? Es hora de darles a los fans lo que quieren".

A lo largo de su trayectoria, Pepe Habichuela legó al mundo de la música varios discos que revolucionaron el flamenco. Todo el mundo conoce títulos como Homenaje a D. Antonio Chacón, Despegando o A Mandeli, si bien el guitarrista también hizo otros discos alejados de su sonido más habitual como Yerbagüena (donde utilizó guitarras con cuerdas tradicionales de la India para explorar las conexiones ancestrales entre la cultura gitana y el país asiático) o Hands, considerado como una de las cumbres de la fusión entre el jazz moderno y el flamenco.

Este último sería grabado junto al famoso contrabajista británico de jazz Dave Holland, considerado uno de los mejores intérpretes del mundo con este instrumento. El contacto entre él y Pepe Habichuela se dio a través de la compañía de discos de este último. Holland había manifestado sus ganas de trabajar junto al guitarrista y de aprender flamenco, por lo que finalmente se pusieron manos a la obra.

Un detalle curioso del proceso es que Holland adaptó su contrabajo al terreno del flamenco en lugar de arrastrar a Pepe hacia el jazz. Para lograr esa compenetración, el músico británico viajó a España y pasó jornadas en casa de Pepe en Madrid, donde la comunicación fluía entre comidas familiares y horas de guitarra y contrabajo. Eso sí, tanto durante aquellos encuentros como después en el estudio tuvieron que aprender a convivir sin que ninguno supiera el idioma del otro.

“La música es el dialecto que tenemos”

En una entrevista con La Voz de Galicia posterior al disco, le preguntaron a Pepe Habichuela en qué lengua hablaban durante los ensayos. “Cada uno el suyo. Tenemos un traductor con nosotros y además mi hijo, Josemi Carmona, de Ketama, que se ocupa de la dirección musical mía con Dave, también me hace de intérprete”, contestó el guitarrista. Ante la incredulidad del periodista, este insistió señalando que las únicas palabras que había aprendido eran “hola, adiós y qué tal... y ya está”.

“Con la música ya nos entendemos, no hace falta hablar. Es el dialecto que tenemos”, continuaba Habichuela, que siempre se caracterizó por su interés en tocar todo tipo de géneros aparte del flamenco clásico que más le caracterizaba. Por eso, y también gracias al interés de Holland por conocer una música totalmente desconocida para él, lograron tocar juntos. “¡La verdad que lo ha agarrao el tío de puta madre! Y los flamencos también nos metemos a tocar los temas de él”.

Finalmente, el álbum salió y fue recibido con excelentes calificaciones por parte de la crítica especializada tanto en el ámbito del jazz como de las músicas del mundo. Más allá de eso, Hands dejó una huella profunda en la historia de la música instrumental moderna. Consolidó la idea de que el flamenco y el jazz moderno comparten un ADN común basado en la improvisación, la libertad rítmica y la expresión de emociones profundas y se convirtió en un referente sobre cómo dos tradiciones musicales aparentemente lejanas pueden fundirse con elegancia, madurez y un profundo respeto mutuo.

Pocas personas han significado tanto para el flamenco como Pepe Habichuela. Junto a Enrique Morente, fue el motor instrumental de pilares del género como Despegando (1977) o A Mandeli (1983), donde, desde un papel secundario o principal, ya podía escucharse ese peculiar sonido que el músico extraía de su guitarra. Su toque no se limitaba a acompañar, sino que introducía armonías disonantes, matices y una libertad conceptual que abrió el flamenco a la modernidad.

De este modo, el sonido Habichuela se hizo famoso en todo el mundo, y no serían pocas las veces que le preguntarían a José Antonio Carmona Carmona (tal era su nombre real) por el origen de su apodo. Pero, para dar luz a la historia de ese mote, habría que retroceder hasta 1944, cuando, en las cuevas del Sacromonte, nació este músico que iría solo “siete minutos” a la escuela y que, a los 13 años, le pidió a su padre que le enseñara a tocar la guitarra.

Las dos versiones del apodo

Precisamente de ese aprendizaje nace una de las “dos versiones” que, según Pepe Habichuela, explican el apodo. “Había un guitarrista antiguo, Juan Gandulla, conocido como el Habichuela, acompañante de Antonio Chacón y de la Niña de los Peines, que fue maestro de mi padre y que como le gustaba tanto su toque pues él también se puso Habichuela”, explicaba en una entrevista en 2017 para la revista XL Semana. Por eso, su padre, Tío José Habichuela, era también conocido como Habichuela el Viejo.

Sin embargo, si hemos dicho que hay dos versiones es porque existe otra historia que explicaría el origen de este mote familiar. Y era, de hecho, la preferida por parte de Pepe Habichuela. “Mi madre dice que mi padre un día y otro pedía habichuelas para comer”, señalaba al citado medio. Esta historia era mejor para él porque tenía “más gracia”. “Mi padre era un tío fino al que le gustaba la mesa y vestir bien, aunque fuéramos pobres”.

Así, los Habichuela eran conocidos en todo el Sacromonte, una familia en la que todos, sin excepción, debían aportar a la economía familiar. A los 10 años, Pepe Habichuela trabajó en un horno de pan, y más adelante haciendo taracea, es decir, encajando pequeñas piezas de distintos materiales sobre una base de madera para formar dibujos y figuras decorativas que luego acababan en muebles, joyeros u otros objetos ornamentales. Esa infancia lo marcó profundamente, y por eso, cuando alcanzó la fama internacional, decidió conservarlo porque estaba orgulloso de su familia.

Un apellido que es sinónimo de música, flamenco y raíces

Gracias a esa decisión, hoy podemos decir que los Habichuela son una de las sagas de la guitarra flamenca más importantes. El mote sirve como una marca de honor, de pertenencia al pueblo gitano y a Granada. En esta ciudad nacería también Antonio Carmona, quien continuaría con el legado familiar y se convertiría en el cantante principal de Ketama, grupo de nuevo flamenco que también revolucionaría la música española, donde habría otros dos miembros de la familia: Juan José Carmona Amaya El Camborio y Antonio Carmona Amaya.

La familia se trasladaría ya en los 60 a Madrid, en una casa donde llegarían a vivir 15 personas, y desde donde Pepe Habichuela iría actuando en varios tablaos flamencos hasta convertirse en una referencia musical. El guitarrista tocaría junto a Juanito Valderrama, Camarón de la Isla o Enrique Morente, hasta que finalmente, aquel apodo humilde terminaría escrito con letras de oro en la historia del flamenco.

La sección Made in Spain del Festival de San Sebastián 2026 presentará una panorámica del cine español actual, reuniendo más de veinte largometrajes donde confluyen estrenos mundiales, óperas primas y el regreso de cineastas consagrados. El evento se inaugura con Albert Serra y su nuevo trabajo tras el éxito de Tardes de soledad, y se clausura con el homenaje a Paco Rabal, a la vez que destaca la presencia de nombres como Pedro Almodóvar e Isabel Coixet, junto a la emergencia de nuevas voces y proyectos inéditos.

El apartado abrirá con el estreno en España de Seize moments de ma vie, una no ficción de Serra dedicada a la actriz y cantante Ingrid Caven. El filme, que se exhibirá fuera de concurso en Locarno antes de llegar a San Sebastián, captura la interpretación en directo de Caven, quien revisita dieciséis episodios de su vida a través de la música en el Théâtre des Bouffes du Nord de París. La trayectoria de Serra, ganador de la Concha de Oro y del Goya a mejor película documental, ha estado marcada por su presencia habitual en festivales internacionales y en la propia sección Made in Spain, donde ya presentó títulos como Honor de caballería, El cant dels ocells y Pacifiction.

La clausura estará a cargo de 200 vidas, Paco Rabal, dirigida por Vanesa Benítez. La obra propone un recorrido por la vida y los viajes del mítico actor a través de grabaciones en super8 y cassettes con su voz, ofreciendo un tributo a quien fuera galardonado en el primer Festival de San Sebastián en 1953 y con el Premio Donostia en 2001. Benítez, nominada al Goya por La vida chipén, debuta en la sección con esta pieza de no ficción.

Tres estrenos mundiales y dos nacionales

La selección 2026 reúne tres estrenos mundiales, dos estrenos nacionales y diez óperas primas, consolidando a Made in Spain como escaparate de la diversidad y vitalidad del cine español. Entre los títulos más esperados figura Amarga Navidad, la última película de Pedro Almodóvar, presentada en la competición oficial de Cannes. Protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón, alterna la vida de una publicista en 2004 y la de un guionista en 2026, reafirmando el vínculo del cineasta manchego con el certamen donostiarra, donde recibió el Premio Donostia en 2024.

Por su parte, Isabel Coixet vuelve a San Sebastián con Tre ciotole, estrenada en Toronto en 2025. La cinta aborda la ruptura de una pareja tras una discusión trivial y supone una nueva incursión de la directora catalana, reconocida con seis Premios Goya y el Premio Nacional de Cinematografía, en las relaciones humanas desde una perspectiva intimista.

También destacan trabajos como Kotodama, el camino del espejo, ópera prima de Eugenio Tardón y Carla Cañellas, que explora el significado espiritual de las palabras en un viaje entre el Camino de Santiago y la ruta japonesa del Shikoku Henro. Acompañando el estreno, los autores presentarán la exposición Kokoro no Michi en el Museo Chillida Leku, donde dialogarán arte y cine en torno a la memoria y la peregrinación.

La programación incluye la ópera prima de Aina Clotet, Viva, premiada en la Semana de la Crítica de Cannes, que narra el renacer vital de una mujer tras superar un cáncer. En la línea de nuevos talentos, se verán debuts como Mala bèstia de Bàrbara Farré, Corredora de Laura García Alonso o La buena hija de Júlia de Paz, junto a filmes como Altas capacidades de Víctor García León o La vida és Verdi de Berta García Lacht.

No faltarán propuestas que abordan temas sociales y personales desde diversas ópticas, como Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, sobre los orígenes del fútbol femenino en España durante el franquismo, o Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste, centrada en la amistad y la transición de género. Comedias como Pizza Movies, de Carlo Padial, o relatos familiares y de crecimiento como Yo no moriré de amor, de Marta Matute, premiada en Málaga, enriquecen la oferta de géneros y miradas.

Bajo la dirección de Paul Feig, El secreto de la asistenta se perfila como una de las secuelas más esperadas de los próximos años. La película, continuación directa de La asistenta, retoma la atmósfera de suspenso que caracterizó a la original y suma nuevas capas de intriga en torno al personaje central, Millie, interpretado por Sydney Sweeney. La historia se inspira nuevamente en la novela de Freida McFadden y cuenta con el respaldo de Lionsgate, que planea consolidar la saga como una franquicia de referencia en el género.

La gran novedad en el reparto es la incorporación de Brittany Snow, quien dará vida a Marybeth, una recepcionista en la empresa del esposo que interpretará Paul Anthony Kelly. El fichaje de Snow, anunciado oficialmente por la productora, ha causado sorpresa entre seguidores y prensa especializada, ya que su nombre no figuraba en las especulaciones previas sobre el elenco. Snow se suma así a un reparto encabezado por Sweeney, junto a Kirsten Dunst y Kelly, quienes personifican a los enigmáticos empleadores de Millie.

La presencia de Brittany Snow en El secreto de la asistenta añade un nuevo matiz al entorno de la protagonista. Su personaje, descrito como una recepcionista discreta, promete desempeñar un papel relevante en la trama, que gira en torno a los secretos que oculta la familia para la que trabaja Millie. La confirmación de su participación refuerza el atractivo comercial y narrativo de la producción. El reparto principal se completa con Sweeney, Dunst y Kelly. Dunst y Kelly interpretan a un matrimonio con un pasado oscuro, mientras que Sweeney retoma el papel de la asistenta que se enfrenta a situaciones cada vez más peligrosas. El guion, a cargo de Rebecca Sonnenshine, mantiene la línea argumental de la primera entrega, con giros y revelaciones inesperadas.

Así será ‘El secreto de la asistenta’

En esta nueva entrega, Millie acepta un puesto como asistenta interna en una casa donde nunca puede ver a la dueña. Al igual que en La asistenta, la familia que la contrata esconde secretos inquietantes que pondrán a prueba la capacidad de observación y resistencia de la protagonista. La saga se basa en las novelas de McFadden, y la reciente publicación de un tercer libro alimenta los rumores sobre futuras adaptaciones cinematográficas. El rodaje de El secreto de la asistenta está previsto para finales de este año, según informó Lionsgate. La fecha de estreno fijada es el 17 de diciembre de 2027, consolidando la apuesta de la productora por una franquicia de largo recorrido. El éxito de la primera película, que recaudó $400 millones con un presupuesto de $35 millones, respalda las expectativas en torno a la secuela.

Antes de su fichaje para El secreto de la asistenta, Brittany Snow destacó en la serie de Netflix The Hunting Wives, producida por Lionsgate Television y renovada para una segunda temporada. Reconocida por su trabajo en títulos como John Tucker Must Die, Hairspray, la trilogía Dando la nota y la cinta de A24 X, Snow aporta experiencia y versatilidad al elenco. Su representación profesional está a cargo de Gersh, Principal Entertainment LA, imPRint y Sloane, Offer, Weber & Dern. La decisión de Lionsgate de sumar a Snow refleja la estrategia de fortalecer la franquicia con intérpretes de perfil internacional y capacidad para sorprender al público. La combinación de un equipo creativo consolidado y un reparto renovado posiciona a El secreto de la asistenta como uno de los títulos más destacados del calendario cinematográfico de 2027.

La nueva película Ice Cream Man, dirigida por Eli Roth, ha encendido el debate en la industria cinematográfica por la inclusión de escenas realizadas con inteligencia artificial. Días antes del estreno previsto para el 7 de agosto en Estados Unidos, Roth admitió que la tecnología fue utilizada en “una porción muy pequeña de algunas escenas”. Esta revelación se produjo tras publicaciones en redes sociales que señalaban el uso extensivo de IA y la colaboración con el estudio de efectos visuales Dark Half.

Roth, conocido por su trayectoria en el cine de terror, es reconocido además por su estrecha relación profesional y personal con Quentin Tarantino. La amistad entre ambos se forjó a comienzos de los años 2000, cuando Roth debutó como director con Cabin Fever. Tarantino se convirtió en un referente y mentor para Roth, guiándolo en sus primeros pasos en la dirección. Más adelante, Tarantino apoyó la carrera de Roth al producir Hostel, uno de los títulos más influyentes en el auge del horror extremo de la década. Además, han compartido créditos en proyectos como Death Proof y Malditos bastardos, consolidando una alianza creativa que ha dejado huella en el género.

En una declaración difundida por Polygon, Roth aclaró que la inteligencia artificial se empleó únicamente en “una muy pequeña fracción de algunas escenas”. El director explicó que recurrió a esta tecnología para materializar su visión artística en secuencias animadas que muestran a un dibujo animado hipnotizando niños, convirtiéndolos en asesinos. Según Roth, él mismo dibujó las primeras versiones de la animación, inspirado en los cortos de Mickey Mouse de los años veinte, y posteriormente trabajó con animadores para “dotar a las imágenes de mayor fluidez” y un estilo clásico “tembloroso”. El director reconoció: “Me expresé mal. La IA se usó en una parte muy pequeña de unas pocas escenas de la película. Fue una oportunidad para que la tecnología y la creatividad se unieran y ayudaran a dar vida a mi visión para el filme”.

Proceso creativo y aportes artísticos

El proceso creativo detrás de las secuencias animadas comenzó con bocetos desarrollados por Roth, quien buscaba emular la estética de la animación vintage. Tras finalizar los dibujos iniciales, el cineasta contó con la asistencia de animadores y de un artista dedicado a replicar la textura y el movimiento propios de los cortos de principios del siglo XX. La participación del estudio Dark Half aportó recursos de inteligencia artificial para lograr que ciertas transiciones y efectos resultaran más fluidos, según las necesidades planteadas por Roth. La decisión de integrar IA respondió, según el director, a una búsqueda puntual de soluciones técnicas para escenas concretas, sin que la tecnología sustituyera la labor creativa central ni se extendiera al resto del largometraje.

La confirmación del uso de inteligencia artificial en Ice Cream Man se produce en medio de un contexto de creciente escrutinio público sobre la transparencia en la utilización de tecnologías emergentes en el cine. En los últimos meses, otros directores han enfrentado polémicas similares. El caso de Late Night with the Devil obligó a sus realizadores, Cameron y Colin Cairne, a explicar la presencia de imágenes generadas por IA tras la reacción de la audiencia. Por otro lado, Adam Shankman, responsable de Stop That Train, declaró que el filme protagonizado por RuPaul no contiene “ningún plano concebido por IA” luego de cuestionamientos en redes sociales por la colaboración con la firma Acme AI and FX.

La industria se encuentra ante un debate abierto sobre la legitimidad, alcance y límites del uso de inteligencia artificial en la producción audiovisual. En el caso de Roth, la reacción de parte del público ha oscilado entre la sorpresa, la crítica y el reconocimiento por la transparencia al aclarar la naturaleza de la intervención tecnológica. Tras la declaración de Roth, los representantes del director y del estudio Dark Half no ofrecieron comentarios adicionales. El episodio pone de manifiesto la sensibilidad actual del sector frente a la adopción de nuevas herramientas en el proceso creativo. La revelación en torno a Ice Cream Man evidencia la tensión entre innovación tecnológica y expectativas del público respecto a la autoría y autenticidad de las obras cinematográficas.

Durante una sesión de preguntas y respuestas dedicada a producciones de Marvel, Rosario Dawson sorprendió al público al confesar: “Incluso grabé una escena en la nueva película de Spider-Man, pero me dejaron fuera”. El comentario, recogido por asistentes y rápidamente viralizado en X, confirmó que la actriz había rodado una secuencia para la película, aunque su participación fue eliminada en la edición final. La declaración de Dawson puso fin a meses de rumores en redes y foros especializados sobre la posible presencia de Claire Temple, su personaje en las series de Marvel para Netflix, en la nueva entrega cinematográfica de Spider-Man. Los seguidores del MCU consideraban este cameo como un paso natural para unir el universo televisivo y la saga principal del héroe neoyorquino.

El cameo que nunca llegó a la pantalla

Según informes difundidos en redes sociales, la escena eliminada transcurría en un hospital, tras un incidente en el que Peter Parker resultaba herido por Punisher, el personaje interpretado por Jon Bernthal. En ese contexto, Parker, vestido con bata hospitalaria y su característica máscara, se cruzaba con Claire Temple mientras ella analizaba una radiografía. El intercambio era breve, pero suponía el primer encuentro entre ambos personajes en el MCU, un guiño que los fans esperaban ver concretado en la gran pantalla. La elección de Temple para este cameo tenía sentido dentro de la lógica del universo Marvel. En las series Daredevil, Luke Cage y Jessica Jones, Claire Temple se consolidó como la enfermera que asiste a los héroes urbanos de Nueva York, convirtiéndose en una figura de enlace entre distintas historias y personajes.

La confirmación de Rosario Dawson generó una reacción inmediata entre los asistentes al panel, que pasaron de la sorpresa al desencanto al enterarse de que la secuencia había sido descartada. En X y otras comunidades digitales, la noticia reavivó el debate sobre las oportunidades perdidas en la integración de personajes del MCU, especialmente aquellos que han tenido un desarrollo relevante en la televisión. Mientras tanto, otros personajes como Luke Cage, Jessica Jones e Iron Fist han logrado transitar hacia nuevas producciones del MCU, lo que mantiene viva la esperanza de que Dawson pueda retomar su papel en futuras películas o series. Por ahora, la escena eliminada de Spider-Man: Brand New Day representa un cameo que los fans consideraban esencial y que, según la propia actriz, quedó fuera en la etapa final.

El mes de agosto casi ni ha comenzado y parece que la cartelera solo contempla dos títulos posibles -La Odisea y Spider-Man: Brand New Day- en casi todos sus cines. Si no te apetece ver ninguna de esas dos películas o simplemente ya has hecho los deberes como nosotros y prefieres ver otra cosa, a continuación te traemos cinco propuestas de lo más frescas para montarte tu cine de verano particular. Pilla tumbona y prepara tu servicio de streaming, porque se vienen curvas.

De viajes en BlaBlaCar a campings, partidos de béisbol, terrores marinos, aventuras callejeras en la pequeña China o maldiciones que acechan piscinas. En verano es muy fácil aburrirse, pero cuesta poco salir de ello organizando una sesión de cine de verano con propuestas así.

Al abordaje

Dos amigos y un blablacar. Así podría comenzar casi cualquier aventura veraniega hoy día. Y es así como comienza la de Félix y Chériff, dos amigos pasando el verano en París que deciden ir de escapada a la campiña francesa, con la esperanza de que el primero reavive un amor de verano. Con la ayuda de su conductor y el espíritu aventurero y romántico, los tres jóvenes pasan los días en el camping realizando deportes de riesgo, bañándose en el río y la piscina e intentando conquistar a los respectivos amores que van surgiendo por el camino. Se puede encontrar en Filmin.

Todos queremos algo

Su director se ha encargado de hacer algunas de las películas románticas más recomendadas con Antes del amanecer y sus subsecuentes entregas, pero no todo el mundo sabe que también tiene la película perfecta para el mes de agosto. Porque no hay que olvidar que, además de ser uno de los meses centrales del verano, también es el que despide este y se encarga de hacer la transición de vuelta a la rutina. Eso le sucede al joven y divertido equipo de béisbol de Todos queremos algo, el cual aterriza en el campus el fin de semana de antes de empezar las clases. Tiempo más que de sobra para echar las últimas cervezas, bailes y quién sabe si encontrar el amor por el camino.

Tiburón

Todo un clásico del cine, pero también un clásico del verano. Aunque Steven Spielberg estrenó película hace tan solo unas semanas, aun no ha logrado conmocionar al mundo como lo hizo con una de sus primeras grandes películas, la que junto a Star Wars iniciaría el largo reinado del blockbuster, hasta tal punto que llega a nuestros días. Pero poco o nada se parece ya Tiburón al blockbuster moderno, ya que aquí todo está cuidado al detalle como el gran artesano que es Spielberg y hasta el mismísimo demonio de los mares se siente real, pues no en vano era un modelo mecánico a escala real. Ya no se hacen películas así. Está disponible en Movistar+.

Golpe en la pequeña China

Jack Burton (Kurt Russell) es un camionero del barrio chino de San Francisco, quien tras ganar una suma cuantiosa de dinero a Wang Chi (Dennis Dun) decide llevarle hasta el aeropuerto para recoger a su prometida y así asegurarse de cobrar la deuda. Pero al llegar allí descubre que no es el único al que Wang Chi le debe dinero, y una peligrosa banda secuestra a la prometida y desaparece. Jack y Wang comienzan así una aventura por encontrar a la mujer mientras se sumergen en el fascinante aunque peligroso mundo de Lo Pan, un milenario hechicero que les envía más de un demonio. Está disponible en Disney+ y Movistar.

It Follows

Es verano, conoces a un chico y ambos os liáis. Al día siguiente, una extraña figura ciertamente familiar comienza a perseguirte pero no sabes muy bien por qué. El chico te cuenta que te ha pasado una maldición por la cual un espíritu que toma la forma de un ser conocido no parará hasta acabar contigo, después irá a por la persona con la que tuviste relaciones y a su vez a por la última que las mantuvo con esta, en un bucle infinito. ¿Tu única opción? Mantener relaciones con otra persona y pasarle a ella la maldición, aunque nunca te asegurarás de estar a salvo del todo. It Follows fue una de las grandes sorpresas de terror en su época y de hecho ahora están preparando una secuela, por lo que quizá sea el momento idóneo para darle una oportunidad a esta gran joya del terror moderno. Puedes verla en Amazon Prime Video.

El guitarrista flamenco José Antonio Carmona, más conocido como Pepe Habichuela, ha muerto este martes 4 de agosto en Madrid, donde residía, a los 82 años de edad. El artista no ha conseguido superar la enfermedad que le mantenía apartado de los escenarios desde el verano de 2024, cuando acumuló sus últimos reconocimientos: homenajes en las Noches del Botánico de Madrid, en el Festival Flamenco On Fire de Pamplona y Castillete de Oro del Festival de La Unión, entre otros.

El artista, nacido en Granada en 1944, era una influyente figura de la música nacional y heredero en tercera generación de una saga de guitarristas que había iniciado su abuelo, continuado su padre y habrían de proseguir y ampliar sus hermanos Juan (fallecido en 2016), Luis y Carlos y su hijo, José Miguel Carmona, también guitarrista y miembro de ‘Ketama’.

Importantes autoridades como el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, se han pronunciado sobre la muerte de Habichuela en su perfil oficial de X: “Se apaga la guitarra de Pepe Habichuela, pero su música seguirá sonando allí donde el flamenco siga contando quiénes somos”. También, la delegada de las Artes en el Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, ha lamentado su fallecimiento en esta red social.

La trayectoria de Pepe Habichuela

Curtido en las Cuevas del Sacromonte de su ciudad natal, siempre reconoció que la fuerza de su rasgueo era consecuencia de su afán por hacerse oír entre palmas, cante y baile, pero esa será solo una de las muchas aportaciones que la disciplina le debe. Su toque, profundamente arraigado en la tradición, ha destacado por su capacidad de innovación, incorporando nuevos lenguajes musicales sin perder la esencia del flamenco más ortodoxo, contribuyendo así a su renovación y proyección internacional.

Con 12 años ya tocaba la guitarra y a los 18, en 1962, se marchó a Madrid. Y fue llegar y empezar a difundir su arte por los tablaos de la capital. Primero en los del foro y el de Torre Bermejas y, con el tiempo, en las grabaciones de los cantaores más relevantes del momento, Juanito Valderrama, Fosforito o Fernanda y Bernarda de Utrera, entre otros muchos. Aun así, no fue hasta que conoció a su paisano Enrique Morente cuando su carrera se impulsó.

Junto con el cantautor granadino trabajó cerca de 30 años. Le acompañó en sus discos ‘Despegando’ y ‘Homenaje a D. Antonio Chacón’, ambos de 1977. Con él también realizó el álbum ‘Negra, si tú supieras’ (1992). Y sobre los escenarios le acompañó casi hasta su fallecimiento en 2010. Así, tuvieron una amplía trayectoria en la que no podemos dejar de mencionarlos cuando nos referimos al flamenco contemporáneo.

No fue hasta 1983, coincidiendo con la creación del sello Nuevos Medios (NN.MM) de Mario Pacheco, quien lo invitaría a inaugurar la serie ‘Los jóvenes flamencos’, cuando se atrevió a comenzar su carrera en solitario. Su primera obra, ‘A Mandeli’, es un trabajo que, además de mantener su fuerza y frescura pasados los años, recogería, en formato solista, parte de las innovaciones que había ido incorporando a la sonanta.

Tras su primer éxito en solitario llegaría ‘Habichuela en rama’ (1997), el que quizá sea su tema más famoso, producido por su hijo Josemi. Con él registraría también ‘Yerbagüena’ (NN.MM. 2001), en el que toca junto al grupo Bollywood Strings de India, y todas las restantes. Además, junto a su aportación estrictamente artística, resulta especialmente significativa su labor de defensa, dignificación y transmisión de la cultura gitana, avalada por el Premio de Cultura Gitana a la Música, concedido por la Fundación Instituto de Cultura Gitana.

La Odisea de Christopher Nolan ya ha recaudado más de 900 millones de dólares en todo el mundo, lo que la sitúa cada vez más cerca de convertirse en la película más taquillera de la carrera del director. Sin embargo, el dinero que la gente está desembolsando para ver la adaptación del clásico de Homero no siempre está acabando en buenas manos. Y es que, desde su estreno, una “oleada de estafas” ha aprovechado el interés que ha despertado la producción para “obtener credenciales, datos bancarios e información personal” de los espectadores.

Con estas palabras lo explican desde Kaspersky, compañía de ciberseguridad que opera a nivel internacional. Desde esta empresa, alertan de una “campaña internacional de fraude que utiliza la enorme expectación generada por la película para atraer a usuarios a páginas web falsas que prometen acceso gratuito al filme”. Esos sitios están en diferentes idiomas, con tal de alcanzar a “víctimas de diferentes países”, y reproducen la estética de plataformas de streaming, incluyendo también “valoraciones de usuarios para aparentar legitimidad y generar confianza”.

Olga Altukhova, analista senior de contenido web de la empresa, señala que esta estrategia no es algo aislado. “Con frecuencia vemos cómo los ciberdelincuentes aprovechan grandes estrenos cinematográficos para sacar partido de la expectación que generan”. Así, esta experta recomienda que, cuando una película recién estrenada en cines aparezca de forma gratuita en plataformas desconocidas, debemos “extremar las precauciones”. “Lo más seguro es acceder siempre al contenido a través de servicios oficiales para proteger la información personal y evitar posibles pérdidas económicas”.

Así funciona el fraude de ‘La Odisea’ y así podemos protegernos

Según el análisis de Kaspersky, el modus operandi de los estafadores es el siguiente: primero ofrecen la posibilidad de ver gratis la película en el idioma del usuario y, al intentar reproducir el contenido, aparece un supuesto reproductor de vídeo que solicita completar un registro para desbloquear el acceso. Ahí es donde piden nombre, apellidos o incluso la dirección del correo electrónico, para después solicitar la creación de una contraseña y, finalmente, “los datos de una tarjeta bancaria bajo el pretexto de activar un ‘periodo de prueba gratuito’”.

Así es como los ciberdelincuentes obtienen credenciales e información de los usuarios, una situación especialmente peligrosa cuando las víctimas “reutilizan la misma contraseña en otros servicios”. Frente a esta situación, los expertos recomiendan verificar la autenticidad de las páginas web antes de introducir cualquier dato, revisar cuidadosamente la dirección URL y el nombre del servicio para detectar errores, proteger los datos bancarios utilizando tarjetas de prepago o métodos de pago específicos, activar la autenticación multifactor en las cuentas personales, además de revisar periódicamente los movimientos bancarios de sus cuentas, y contar con soluciones de ciberseguridad capaces de detectar enlaces de phishing y bloquear webs fraudulentas.

Cabe recordar que este tipo de delitos constituye una de las principales amenazas del ciberespacio en la actualidad. En España, las estafas informáticas superan las 400.000 denuncias anuales (con más de 25.000 incidentes de phishing registrados por el Instituto Nacional de Ciberseguridad) y provocan pérdidas directas superiores a 430 millones de euros.

La película de La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo (el conocido dúo de Los Javis), es uno de los títulos que más expectación despierta entre los próximos estrenos que cerrarán el año. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, esta producción llegará a las salas de cine en España el próximo 25 de septiembre. Semanas después, podrá verse en el resto del mundo, aunque la fecha de su exhibición internacional se ha visto modificada después de que Netflix haya decidido apostar por ella como nunca antes había hecho con ningún otro filme.

La plataforma de streaming, que adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos, ha decidido dar a La bola negra una exposición sin precedentes en su calendario de estrenos. Desde la compañía son conscientes de que la película aspira a competir en los próximos premios Oscar, y por eso han decidido otorgarle la ventana de exhibición en cines más larga de su historia. Así, el largometraje llegará a las salas de Estados Unidos el 16 de octubre, pudiendo verse en streaming solo a partir del 2 de diciembre.

En otras palabras, La bola negra pasará 47 días exclusivamente en cines, superando ampliamente el récord anterior de la compañía, establecido por Historia de un matrimonio, de Noah Baumbach, con 30 jornadas, y seguido por El irlandés de Martin Scorsese (27 días) y Roma (21 días). Además, esto supone un adelanto de la fecha de estreno inicial, programada para el 6 de noviembre, cambio que responde, según ha informado la revista Variety, a la “selectividad y agresividad” con la que Netflix busca posicionar sus películas de prestigio.

La película despertó un gran interés tras su éxito en Cannes

En el Festival de Cannes, La bola negra causó un gran impacto, recibiendo un prolongadísimo aplauso en su primera proyección, elogios por una gran mayoría de la crítica especializada y logrando el premio a la Mejor dirección. Dado este éxito, se desató una intensa puja por sus derechos de distribución, finalmente adquiridos por Netflix en el mercado estadounidense a cambio de una cantidad superior a los 4 millones de euros. Además de Estados Unidos, la plataforma aseguró la distribución también en Canadá, mientras que la distribuidora Goodfellas se encargará de que se pueda ver en cines de otros 50 países.

La cinta, de hecho, formará parte de la sección Presentaciones Especiales en el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto (del 10 al 20 de septiembre), donde Penélope Cruz, protagonista de la historia, será homenajeada con un premio especial. Junto a la actriz, destacan en el reparto otros nombres como el del músico Guitarricadelafuente, que debuta como actor, o el de los intérpretes Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres, además de la estadounidense Glenn Close. Todos ellos contribuyen a una película que narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas, ligadas por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia.

Eso sí, La bola negra no será el único gran estreno que prepara Netflix para la próxima temporada cinematográfica. En el calendario de novedades de la plataforma hay otros títulos que han generado un gran interés, como la secuela de Érase una vez en Hollywood, dirigida por David Fincher y escrita por Quentin Tarantino, que tendrá una proyección exclusiva en IMAX, Las Crónicas de Narnia: El sobrino del mago (dirigida por Greta Gerwig), Ink (David Fincher), The Mosquito Bowl (Peter Berg) y Gentle Monster (Marie Kreutzer).

Friedrich Nietzsche dedicó su vida a poner patas arriba los cimientos del pensamiento occidental. Le apasionaba cuestionar la moral tradicional, la religión, la verdad objetiva y los prejuicios de la cultura moderna. Por eso, en su famosa obra Más allá del bien y del mal, su interés se centró en desmontar las verdades absolutas y examinar la verdadera naturaleza de la libertad humana.

Publicado en 1886, este libro está lleno de aforismos punzantes y reflexiones rompedoras. En sus páginas, el pensador alemán critica sin piedad a los filósofos dogmáticos y propone la figura del espíritu libre, es decir, la de aquel individuo que rompe las cadenas de la tradición, la moral y la religión para pensar por sí mismo.

Entre esos pensamientos breves destaca una de las frases más recordadas del pensador alemán, donde rescata la infancia como el estado perfecto de concentración, disfrute y autenticidad: “La madurez del hombre es haber vuelto a encontrar la seriedad con la que jugaba cuando era niño”.

El significado de la frase de Nietzsche

Con estas palabras, el filósofo alemán revoluciona el concepto tradicional de hacerse mayor. En lugar de asociar la adultez a la rigidez, las preocupaciones vacías y la gravedad impostada, propone recuperar la entrega total de los primeros años. Los niños no juegan con desgana; se sumergen en su actividad con absoluta pasión, presencia y foco, creando reglas propias sin miedo al juicio ajeno.

Esta visión conecta directamente con otra cita del pensador en Así habló Zaratustra: “El niño es inocencia y olvido, un nuevo comienzo, un juego”. Para Nietzsche, recuperar esa frescura significa liberarse de las pesadas normas impuestas por la sociedad. La verdadera madurez consiste en abrazar la existencia como un espacio de creación libre y constante renovación, en vez de volverse uno de esos adultos grises en los que tanto tememos convertirnos.

De este modo, podemos pensar en un artista sumergiéndose de lleno en su obra o en un programador resolviendo un problema informático por el mero placer del descubrimiento. En realidad, da igual la disciplina: quien aborda su trabajo o sus aficiones con ese entusiasmo infantil no está perdiendo el tiempo. Al contrario, demuestra un compromiso apasionado con el presente, libre del estrés y del pragmatismo gris de la rutina cotidiana.

Pensadores que reivindicaron el juego

Nietzsche no estuvo solo al situar el juego en el centro del sentido vital. Siglos antes, el pensador griego Heráclito había plasmado una idea similar al afirmar que “el tiempo es un niño que juega moviendo fichas: el reino de un niño”. Con esta metafórica frase, el filósofo de Éfeso sugería que el devenir del universo posee el dinamismo espontáneo y libre de la infancia.

Del mismo modo, en el Romanticismo habría intelectuales como el alemán Friedrich Schiller que afirmarían que “el hombre solo juega cuando es libre en el pleno sentido de la palabra, y solo es enteramente hombre cuando juega”. Con esta frase, escrita en sus famosas Cartas sobre la educación estética del hombre, se quería transmitir cómo el juego armoniza la razón con nuestras emociones más profundas.

Reencontrarse con el niño interior no implica eludir las responsabilidades ni caer en el infantilismo irresponsable. Más bien supone afrontar los grandes retos diarios con la devoción, curiosidad y pasión inagotable que caracterizan al juego. Volver a jugar con seriedad es, en última instancia, el mejor antídoto para no perder el asombro ni la alegría de habitar el mundo en el que vivimos.

La sanción de 320.000 euros al Reggaeton Beach Festival por múltiples irregularidades catalogadas como “infracciones graves” y “prácticas que se consideran abusivas” ha sido una importante victoria para Facua-Consumidores en Acción, que denunció en 2022 a la empresa organizadora del evento por impedir el acceso a agua y comida, cobrar un extra por gastos de gestión, imponer un pago adicional por volver a entrar en el recinto y diferentes irregularidades para “quedarse con dinero sobrante de las pulseras de pago cashless”.

Sin embargo, en el comunicado donde celebra el expediente sancionador, impuesto por el Ministerio de Consumo, Facua también apunta a la pasividad de las administraciones públicas locales y regionales, a las que acusa de “colaborar” en los fraudes cometidos por los festivales. “Desde 2019, FACUA viene denunciando cada año a los organizadores del Reggaeton Beach Festival ante distintas administraciones de ámbito autonómico y local, que han mostrado una lamentable pasividad, al igual que ante las denuncias por irregularidades similares en otros festivales y conciertos”.

Así, desde la organización aseguran que “algunas de las administraciones que decidieron no actuar ante las denuncias firmaban acuerdos de colaboración con los organizadores del festival mientras se desentendían de requerirles que cumplieran la legislación de defensa de los consumidores”. En 2022, después de que el Ministerio de Consumo asumiera la potestad sancionadora, Facua presentó ante este organismo su denuncia, y cuatro años después ha llegado la multa, tras un procedimiento alargado “por el complejo entramado empresarial que había tras el Reggaeton Beach Festival, con más de una veintena de sociedades que organizaban los eventos en función de sus fechas y ubicación”.

El caso de Sevilla

En declaraciones a Agencia EFE, el portavoz de Facua ha ampliado el mensaje en contra de la actuación de ayuntamientos y comunidades autónomas. Como ejemplo, ha puesto el Icónica Santalucía Sevilla Fest, que ha firmado con el Ayuntamiento de Sevilla una normativa a conveniencia que “huele extraordinariamente mal” y que permite celebrar los conciertos en un espacio emblemático y protegido como la Plaza de España.

En julio de este 2026, el Ministerio de Cultura se dirigió al Ayuntamiento de la ciudad andaluza para pedirle aclaraciones acerca del posible daño que el Icónica podía estar causando en el recinto. “En ediciones anteriores, se han producido daños materiales en diferentes zonas”, especificaban desde la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes. Por su parte, Facua también había mostrado su rechazo al proyecto al considerar que privatizaba un espacio público que, “como Bien de Interés Cultural de la ciudad, debe ser un espacio de uso común general, público y gratuito”.

“FACUA Sevilla señala que este proyecto de ordenanza surge como respuesta a las críticas que el Ayuntamiento de José Luis Sanz está recibiendo por la celebración del festival en el monumento, y los daños que ha causado en él, creando así una solución a medida para asegurar la continuidad de este ciclo de conciertos y, de paso, permitiendo que aumente el número de eventos que se realicen en el espacio”, denunciaba la organización este verano.

Durante los primeros años de la década de los 2000, John Cusack se encontraba en una situación privilegiada en Hollywood. Asociado a las historias de románticos incomprendidos de la Generación X, o a las aventuras de un héroe con el que todo el mundo pudiera identificarse, su rostro se hizo cada vez más familiar para los espectadores gracias a títulos como Con Air, Cómo ser John Malkovich o Alta fidelidad, coescrita por él mismo.

Sin embargo, a partir de 2010, John Cusack se hizo cada vez menos presente en las pantallas de cine, sobre todo en lo que a grandes producciones se refiere. Evitando el cine de franquicias y superhéroes y volcándose en proyectos más independientes, se ha distanciado del sistema tradicional de las grandes estrellas de cine. Una situación de la que no había hablado mucho hasta ahora, pero que sí comentó en su aparición en la última Comic-Con de San Diego, donde ha acudido para presentar su nueva novela gráfica, Momo. En este evento, el intérprete nominado a un Globo de Oro y a un BAFTA explicó las razones por las que había preferido ese alejamiento.

“No quiero negociar cómo contar la historia“, explicó el actor. Detalló cómo la industria del cine suele imponer condiciones que limitan la libertad creativa de quienes participan en proyectos de gran presupuesto. “Cuando le pides a alguien que invierta 20 o 30 millones de dólares en una cuenta bancaria para una película, quieren tener una opinión, tienen miedo y todo eso”.

Un proyecto creativo sin tener que estar “haciendo cuentas”

Por eso, en los últimos años, el actor se ha dedicado a proyectos más independientes, buscando preservar su autonomía creativa. Su decisión de escribir Momo llega tras rechazar múltiples papeles en Hollywood, optando por evitar negociaciones que, según él, solo diluyen la visión original de quienes crean la historia. La novela gráfica, co-creada con el ilustrador argentino Ignacio Noé, representa para Cusack un regreso a la esencia del relato visual. “Siempre pensé que eran lo más parecido al cine, la verdad. Estás seleccionando planos que son muy cinematográficos”, sostendría en una entrevista con Variety.

En Momo, el actor narra la travesía de dos fugitivos por Estados Unidos en los años 70, una historia que define como “surrealista” y completamente bajo su control creativo. La colaboración con Noé le permitió experimentar una libertad artística que, según relata, le resulta casi imposible de conseguir en el cine. En esta misma conversación, el actor y escritor señala que, a diferencia del cine, en este nuevo proyecto “nadie editó nada de lo que escribí ni de lo que él dibujó”. Para Cusack, el resultado es fruto del trabajo de solo dos personas, algo casi imposible en la industria cinematográfica actual. “No hay engaños ni juntas u ordenadores en Seattle que estén haciendo encuestas”.

La familia Cusack parece compartir ese espíritu. Su hermana, Joan Cusack (conocida por películas como Escuela de rock), también optó por dejar de lado el ritmo de las grandes producciones. Dedicada a su familia desde hace casi quince años, ha regresado solo ocasionalmente al mundo del cine, como este 2026 en Toy Story 5, retomando el personaje de Jessie.

El filme, que marca el regreso de Brad Pitt al papel de Cliff Booth —personaje por el que obtuvo el premio a Mejor Actor de Reparto—, surgió como una continuación del universo presentado en Érase una vez en Hollywood. Sin embargo, el camino de la película tomó un giro inesperado cuando Tarantino optó por no dirigirla, según explicó Rothman en una entrevista con Variety. “Íbamos a hacer la película cuando Quentin la dirigía, pero decidió que no quería hacerlo y cambió de planes. El único director con el que se sentía cómodo era David Fincher, y Fincher es exclusivo de Netflix, así que no íbamos a interponernos”, afirmó el presidente de Sony Pictures.

La imposibilidad de retener el proyecto para Sony estuvo determinada por el acuerdo de exclusividad entre Fincher y la plataforma de streaming. Este contrato impide que Fincher realice largometrajes fuera de Netflix, lo que forzó que Las aventuras de Cliff Booth se convierta en un contenido exclusivo del gigante del streaming. Consultado de manera directa sobre su sentir tras no asegurar el filme —que tendría un presupuesto cercano a los 200 millones de dólares (USD)—, Rothman fue conciso: “Sí”. La situación se da después del abrupto final de The Movie Critic, proyecto previo de Tarantino que se canceló cuando el director decidió no avanzar con la producción. De esa forma, el guion de Las aventuras de Cliff Booth quedó disponible y la única opción viable para su realización fue Fincher, respaldado por Netflix. Sony, por su parte, mantuvo su política de solo producir la película con Tarantino al mando.

Exclusividad y consecuencias para Sony Pictures

La relación contractual entre David Fincher y Netflix resultó determinante para el destino de la película. El acuerdo impide que Fincher colabore con otros estudios en grandes producciones cinematográficas, lo que dejó fuera de competencia a Sony. Rothman explicó que Sony no quiso obstaculizar el proceso ni buscar alternativas, ya que el propio Tarantino sólo autorizaba a Fincher como posible director de su guion. Este escenario consolidó a Las aventuras de Cliff Booth como una de las apuestas más fuertes de Netflix para la temporada, desplazando a los estudios tradicionales del centro de la conversación. Se trata de una producción de alto perfil, con un elenco encabezado por Brad Pitt y nombres como Elizabeth Debicki, Yahya Abdul-Mateen II, Scott Cann, Carla Gugino, Holt McCallany, Karren Karagulian, Peter Weller y Timothy Olyphant.

Se confirmó que Las aventuras de Cliff Booth tendrá un estreno exclusivo en salas IMAX el 25 de noviembre, antes de su llegada al catálogo de Netflix el 23 de diciembre. El filme representa la continuación del personaje creado por Tarantino en Érase una vez en Hollywood, donde Pitt interpretó a un doble de riesgo convertido en solucionador de problemas en la industria del cine. La expectación en torno a este lanzamiento es elevada, tanto por el regreso de Pitt en el papel como por la colaboración inédita entre Tarantino —en calidad de guionista— y Fincher como director. El tráiler oficial, que se espera en alta definición tras el avance presentado durante el Super Bowl, elevará aún más la atención sobre el proyecto.

A pesar de la frustración expresada por Sony, existe una disposición abierta para respaldar el siguiente proyecto de Tarantino, que sería su décima y última película como director. Rothman reiteró que el estudio está listo para dar luz verde a cualquier iniciativa futura del cineasta, aunque por ahora no hay detalles confirmados sobre argumento o casting. El futuro profesional de Tarantino sigue siendo un tema de especulación en la industria, especialmente después de que su colaborador frecuente, el director de fotografía Robert Richardson, insinuara que el rodaje de su último filme podría comenzar el próximo verano. Mientras tanto, la atención del público y de la industria permanece sobre Las aventuras de Cliff Booth, que marca un nuevo capítulo en la relación entre grandes estudios, plataformas de streaming y creadores de renombre.

Un relieve de madera tallada, dorada y policromada del siglo XVI, robado en 2010 del Monasterio de Santa Clara de Fitero en Navarra, ha sido finalmente recuperado y entregado a la Archidiócesis de Pamplona y Tudela tras una compleja investigación policial. La pieza, que representa a San Buenaventura y está vinculada al círculo del escultor Juan de Anchieta, formaba parte del retablo de la Virgen de la Inmaculada, ubicado en el altar mayor del monasterio.

El relieve, de 81 x 45,5 x 10 centímetros, destaca por su valor artístico e histórico. La atribución al entorno de Anchieta, referente del renacimiento escultórico en el norte peninsular, refuerza su importancia dentro del patrimonio sacro navarro. Estas piezas no solo tienen un significado religioso y devocional, sino que constituyen testimonios materiales de la historia del arte y la cultura local, y su pérdida representa un daño irreparable para la memoria colectiva.

La obra recuperada, tallada en madera, dorada y policromada, constituye un ejemplo relevante de la escultura religiosa del siglo XVI en Navarra. Su autoría se atribuye al círculo de Juan de Anchieta, uno de los escultores más reconocidos de la época, lo que le otorga un valor añadido tanto desde la perspectiva artística como histórica. Integrada originalmente en el retablo mayor dedicado a la Inmaculada Concepción, la pieza se hallaba ubicada en el altar mayor del Monasterio de Santa Clara de Fitero, un enclave con fuerte arraigo patrimonial en la región. Estas piezas, además de su función litúrgica, forman parte del tejido artístico e identitario de las comunidades en las que se encuentran. La sustracción de una obra de tal relevancia supone la amputación de un fragmento de la memoria histórica y artística local, privando a generaciones de la posibilidad de contemplar y estudiar el legado material de su pasado.

Tráfico y recuperación de obras de arte sacro

La investigación sobre el paradero de la pieza comenzó tras la denuncia del robo en 2010. Según informaron la Policía Nacional y los Mossos d’Esquadra, la pieza fue localizada tras pasar por “el Rastro de Madrid” y diversas casas de subastas. El actual propietario la había adquirido en una subasta en Barcelona, sin conocer su procedencia ilícita. Fue la propia cadena de transacciones, documentada durante la investigación, la que permitió reconstruir el periplo del relieve hasta su intervención final en la capital catalana el pasado mes de abril.

Este caso se suma a una lista de recuperaciones recientes de arte sacro robado en España. Durante la última década, las fuerzas policiales han intensificado la vigilancia sobre el mercado de objetos artísticos, especialmente en el ámbito eclesiástico, donde el expolio ha sido frecuente en zonas rurales o con menor protección institucional. Entre los antecedentes, destacan la recuperación en 2018 de varias tallas sustraídas en iglesias de Castilla y León o la localización, en 2022, de un busto de San Juan Bautista desaparecido en Aragón, ambos casos con trayectorias similares en el mercado de antigüedades.

Este fenómeno responde tanto a la demanda internacional de arte sacro como a la vulnerabilidad de los bienes patrimoniales en entornos poco protegidos. Las piezas robadas suelen recorrer un circuito de compraventa que dificulta su rastreo, exigiendo la colaboración entre instituciones policiales, judiciales y eclesiásticas para su recuperación. La devolución formal del relieve al párroco de Fitero, en representación de la Archidiócesis de Pamplona y Tudela, representa no solo la restitución de un bien material, sino también la reparación simbólica de una pérdida patrimonial. Según lo dispuesto por la autoridad judicial competente, la Archidiócesis es reconocida como legítima propietaria de la obra, que retorna así a su contexto original tras dieciséis años de ausencia.

Morton, quien interpreta a la hechicera griega Circe junto a Matt Damon en el papel de Odiseo, destacó el contraste entre la aclamación recibida y la falta de continuidad laboral. “Tengo agentes muy buenos y un representante, pero al final del día, tengo 49 años. Creo que soy una buena actriz, pero hay otros buenos actores ahí fuera. ¿Sabes a lo que me refiero? La política de la industria ha cambiado muchísimo”, explicó. Su testimonio expone la transformación que atraviesa el sector del entretenimiento, donde factores como la edad y la percepción pública influyen en el acceso a nuevos proyectos, incluso para talentos reconocidos.

La intérprete británica relató que, aunque su trabajo en La Odisea ha sido uno de los más comentados del filme, eso no se ha traducido en ofertas concretas. “No he trabajado desde que terminé La Odisea”, insistió Morton, subrayando la incertidumbre que enfrentan los profesionales del cine, independientemente del prestigio alcanzado. La actriz mencionó que mantener la fe y la esperanza es esencial, ya que la visibilidad o el elogio de la crítica no garantizan estabilidad. “Supongo que si sigues adelante y haces buen trabajo, y la gente adecuada lo ve, quizá puedas seguir trabajando”, reflexionó.

La situación de Morton ilustra una realidad común en la industria: el reconocimiento mediático no siempre se traduce en oportunidades laborales inmediatas. Su caso cobra mayor relevancia considerando que su personaje aparece apenas diez minutos en pantalla, pero ha logrado captar la atención de la crítica y generar expectativas de cara a la temporada de premios. Durante el diálogo, Morton abordó la transformación estructural y política del sector audiovisual. “La política de la industria ha cambiado de forma muy grande”, afirmó, haciendo hincapié en el papel de la edad y la competencia en el acceso a papeles relevantes. La actriz señaló que, a pesar de contar con representación de alto nivel, el mercado se ha vuelto más competitivo y selectivo, dificultando la continuidad profesional para quienes superan cierta franja etaria.

Una actriz polifacética

Morton compartió también el impacto emocional que implica esta situación. Admitió haber llorado al saber que Nolan quería reunirse con ella para La Odisea, especialmente porque años antes perdió la oportunidad de trabajar con el director en The Prestige. “Creo que la vida y el arte tienen una forma extraña de entrelazarse y lo que es para ti no te pasará de largo. Pero a veces cuesta entenderlo en el momento, porque ha habido ocasiones en que las cosas no han salido y he estado muy triste tanto a nivel creativo como financiero, porque tengo tres hijos, una hipoteca y una vida”, expresó la actriz.

Más allá de su papel en La Odisea, Samantha Morton cuenta con una amplia trayectoria en cine independiente y producciones de gran alcance. Ha trabajado bajo la dirección de cineastas como Woody Allen en Acordes y desacuerdos y Jim Sheridan en In America, interpretaciones que le valieron nominaciones al Oscar en las categorías de Mejor Actriz de Reparto y Mejor Actriz, respectivamente. Su filmografía incluye títulos como Minority Report (2002), Animales fantásticos y dónde encontrarlos (2016), la serie The Walking Dead en AMC y The Serpent Queen en Starz.

A pesar de la incertidumbre, Morton manifestó confianza en su futuro profesional y animó a otros actores a perseverar. “Si eres honesto y tienes dignidad y compasión, el éxito llegará”, sostuvo, aunque advirtió sobre la fugacidad de los momentos de reconocimiento: “Hay que atesorarlos, porque son pocos y distantes entre sí”. Por el momento, la próxima aparición de Samantha Morton será en Love and War, dirigida por Lisa Mulcahy, según su ficha en IMDb. Mientras tanto, su testimonio reabre la discusión sobre las dinámicas internas de la industria y la dificultad de sostener una carrera, incluso en la cima del reconocimiento profesional.

La serie de God of War de Amazon Prime Video se prepara para un giro significativo en su producción tras la salida de Ryan Hurst como protagonista. Fuentes cercanas a la plataforma informaron que Dave Bautista se encuentra en negociaciones avanzadas para asumir el papel de Kratos, el personaje central inspirado en el exitoso videojuego. La decisión de buscar un nuevo actor responde a un contratiempo imprevisto: Hurst, inicialmente elegido en enero de 2026, sufrió una rotura de bíceps durante el rodaje, lo que habría retrasado el regreso a producción hasta 2027. Frente a este panorama, Amazon y Sony optaron por recastear el papel con el objetivo de reactivar el proyecto en otoño.

La noticia marca un cambio relevante para el desarrollo de God of War, una de las apuestas más ambiciosas de Prime Video. La adaptación, que ya cuenta con un pedido de dos temporadas, busca aprovechar el impulso de la franquicia original de videojuegos, reconocida por su narrativa épica y su base de seguidores global. La serie retoma la trama de las entregas más recientes, centradas en la relación entre Kratos y su hijo Atreus, mientras ambos enfrentan a las deidades del panteón nórdico. La incorporación de Dave Bautista al elenco surge tras la baja médica de Ryan Hurst. Según se informó, la lesión de Hurst obligó a los productores a considerar alternativas para evitar una demora prolongada en la agenda de producción. La decisión de Amazon y Sony de buscar un reemplazo responde a la necesidad de mantener el calendario original y garantizar la continuidad del proyecto sin interrupciones mayores.

En este contexto, el fichaje de Bautista representa una solución que permitiría restablecer la dinámica del rodaje antes de fin de año. La prioridad de la productora es retomar las grabaciones en otoño, minimizando el impacto del incidente sobre el cronograma previsto. Dave Bautista, reconocido por su trayectoria en el cine de acción y la televisión, es uno de los pocos intérpretes en Hollywood que podrían asumir el rol de Kratos en corto plazo. La exigencia física del personaje, conocido por su complexión muscular en God of War, encaja con el historial profesional del actor, quien mantiene un estado físico destacado desde sus inicios en la lucha libre profesional.

De Guardián de la Galaxia a vastigador del Olimpo

Bautista ha consolidado su carrera con papeles de alto perfil, especialmente como Drax en el Universo Cinematográfico de Marvel. Su experiencia incluye participaciones en seis películas de la saga, además de roles en las dos entregas de Dune dirigidas por Denis Villeneuve. También ha actuado en títulos como Blade Runner 2049, Llaman a la puerta, Spectre, Army of the Dead y la animación Avatar Aang: The Last Airbender. La relación previa de Bautista con Amazon MGM Studios facilita su integración al proyecto. El actor ya protagonizó las películas The Wrecking Crew, My Spy y My Spy: The Eternal City, y está previsto que aparezca en Road House 2 y el remake de Highlander, ambos bajo el mismo estudio.

El equipo detrás de God of War mantiene el plan de reactivar el rodaje en otoño, una vez que se formalice la llegada de Bautista. Prime Video ha asegurado la continuidad de la serie con un pedido de dos temporadas. El elenco incluye a Callum Vinson como Atreus, Max Parker como Heimdall, Ólafur Darri Ólafsson como Thor, Mandy Patinkin como Odin, Alastair Duncan como Mimir, Danny Woodburn y Jeff Gulka como los hermanos Brok y Sindri, y Ed Skrein en el papel de Baldur. La trama de God of War se inspira en los dos videojuegos más recientes. El argumento sigue a Kratos y su hijo Atreus en un viaje para esparcir las cenizas de Faye, esposa y madre de los protagonistas. Durante la travesía, padre e hijo se enfrentan a desafíos en el mundo de los dioses nórdicos, con el trasfondo de una búsqueda personal: Kratos intenta enseñar a Atreus cómo ser un mejor dios, mientras Atreus busca que su padre aprenda a ser mejor humano.

Las exposiciones en Madrid están siendo uno de los principales atractivos para todos aquellos que están pasando el verano en la ciudad. Ahora bien, si tuviéramos que nombrar alguna que esté triunfando por encima del resto, esta debería ser Yo fui a EGB. Disponible hasta el 30 de agosto en la Sala de exposiciones del Conde Duque, esta actividad reúne más de mil objetos, sonidos y olores que remiten a la infancia de los niños que crecieron en las décadas de los 70, 80 y 90.

“No nos esperábamos este éxito”, señala Jorge Díaz, creador del proyecto de Yo fui a EGB junto a Javier Ikaz. “Está sorprendiendo mucho que vayan familias en las que los padres enseñan a sus hijos cómo era todo cuando eran niños como ellos. Es un acercamiento muy bonito, y para los más pequeños es muy divertido, porque al final también es su universo: ven juguetes, chucherías y dibujos animados”.

De una réplica exacta de Espinete (“por problemas con el amianto, Televisión Española tuvo que tirar el original”, relata Jorge) a reconstrucciones de salones y cocinas de la época: todo en esta exposición de entrada gratuita propone un viaje al pasado que el propio visitante debe completar. “Siempre hay algo que tenías totalmente olvidado y que, al verlo, es como la madalena de Proust: te lleva al momento exacto de cuando eras pequeño y estabas con unas personas en concreto. Esa es la clave: la memoria se reactiva y puedes volver a ese momento de la infancia”.

Los objetos compartidos por una generación entera

Yo fui a EGB no es una exposición aislada, sino que cuenta con una peculiar trayectoria. Hace trece años, Jorge Díaz y Javier Ikaz abrieron una página de Facebook donde subían post e imágenes de esta época. “No era más que un pretexto para recordar cómo vivíamos, cómo vestíamos, qué comíamos, con qué jugábamos, cómo éramos un poco en esas décadas”. Sin embargo, sus publicaciones se hicieron virales, hasta el punto de que actualmente, entre todas las redes en las que suben contenido, cuentan con tres millones de seguidores.

Además, Yo fui a EGB también ha llegado en forma de libros y de músicas, con conciertos con artistas de aquella época que han llenado espacios como el Movistar Arena de Madrid o el Palau Sant Jordi. “Lo que nos quedaba pendiente era la exposición”, explica Jorge Díaz. “Queríamos hacer un recorrido físico que te pudiera sumergir en todo este universo”. Por eso, los objetos expuestos en Conde Duque también han vivido su particular gira, pasando a lo largo de los últimos años por Gijón, Valladolid o Valencia. “Esta es la primera exposición que hacemos después de la pandemia”.

Si en todos lugares ha funcionado la exposición se debe a que toda una generación en España comparte esos mismos objetos. “Antes había muy poquitas cosas. Todos hemos jugado con el Cinexin, con juegos reunidos Geyper, con el Tele Sketch o el Scalextric. Hoy en día, la sociedad está mucho más diversificada y hay muchísimas cosas como para que, dentro de treinta años, se pueda decir cuáles eran los iconos de la infancia en 2026″.

“Antes todo duraba más, ahora vivimos demasiado rápido”

En una era donde la inmediatez parece dominar nuestras vidas, los objetos son justo lo contrario. Un objeto es algo a lo que debemos vincularnos: primero identificándolo, luego descifrando cómo funciona, por último utilizándolo. Es, además, algo que permanece después de nosotros, y que suele implicar un lugar, otras personas. “En la exposición tu memoria regresa con tu padre, cuando te compró en el quiosco ese juguetito, o a la casa de tu abuela, que te puso justo ese plato”, relata Jorge Díaz.

“La nuestra era una generación sobre todo analógica, que es la gran diferencia respecto a la actualidad. Lo analógico implicaba una espera: si ibas al videoclub y querías alquilar Regreso al futuro, que acababa de salir, igual tenías que ir diez veces hasta que la veías sin alquilar; o si querías un disco determinado, hasta que llegaba aquí, tenías que ahorrar para comprarlo. Eso hacía que cuando tuvieras ese disco, lo escucharas durante un año o dos sin parar. Antes todo duraba más, ahora vivimos demasiado rápido y siempre queremos cosas nuevas”.

Para quienes planean la visita, la recomendación es evitar las horas de mayor afluencia, ya que la muestra está recibiendo a una gran cantidad de visitantes. El horario de Yo fui a EGB es de martes a sábado de 10 a 14:00 y de 17:30 a 20:00. También puede visitarse domingos de 10:30 a 13:00. “Yo recomendaría dos cosas, o bien juntarse con amigos de la EGB, ir a la exposición y recordar aquellos años, o bien ir en familia y pasar un momento divertido entre padres e hijos. Contándoles tu infancia a tus hijos, ellos te verán un niño como ellos”

La relación entre Almería y el séptimo arte comenzó a finales de los años cincuenta. Desde entonces, sus paisajes desérticos han servido de escenario para cientos de producciones nacionales e internacionales y han marcado la carrera de grandes nombres de Hollywood. Si fue en esta provincia donde Clint Eastwood dio el salto definitivo hacia el estrellato gracias a la Trilogía del dólar, de Sergio Leone, para John Lennon también supuso un antes y un después. No sería, sin embargo, por la calidad de la película que vino a rodar.

En el otoño de 1966, el músico británico pasó seis semanas en Almería participando en Cómo gané la guerra (How I Won the War), la sátira bélica dirigida por Richard Lester, cineasta que previamente había dirigido dos películas sobre Los Beatles, A Hard Day’s Night (1964) y Help! (1965).

Lennon interpretó al soldado Gripweed, un papel secundario que aceptó porque quería “probar algo nuevo”. “Tenía ganas de hacer algo diferente y esta oportunidad surgió justo cuando me sentía con ganas de eso”, explicó durante una entrevista concedida al periodista Fred Robbins en el propio rodaje, en Carboneras, el 29 de octubre de 1966, según recoge la base de datos de entrevistas de Los Beatles.

El cantante aceptó porque quería “probar algo nuevo”

Aunque el cantante siempre restó importancia a su faceta como actor —“Está bien, pero no es lo más importante para mí“, dijo en aquella misma conversación—, la estancia en Almería coincidió con uno de los momentos más convulsos de su carrera. Apenas unas semanas antes, los Beatles habían ofrecido su último concierto en una gira y Lennon seguía soportando las consecuencias de la polémica desatada tras afirmar que el grupo era “más popular que Jesús”.

El viaje a España le permitió escapar, aunque solo fuera temporalmente, de esta presión. En esta entrevista publicada por la revista Look el 13 de diciembre de 1966, el músico reflexionó sobre la necesidad de alejarse del personaje que se había creado alrededor de los Beatles. “No somos los Beatles entre nosotros. (...) Cuando salimos por la puerta, nos convertimos en los Beatles porque todo el mundo que nos mira ve a los Beatles”, afirmó. En esa misma conversación añadió: “George está en la India y yo estoy aquí porque estamos un poco cansados de salir de casa, y la única manera de suavizar el golpe es repartirlo un poco”.

Su nuevo corte de pelo, impuesto por las exigencias del guion, también le devolvió una privacidad que llevaba años sin disfrutar. Durante la entrevista con Robbins recordó que había podido visitar un mercadillo sin levantar ningún tipo de sospecha. “Fui al mercadillo e hice cosas que no hacía desde hace mucho tiempo. Fue genial (...) Una o dos personas se quedaron boquiabiertas, pero nadie se dio cuenta”, explicaba.

Fue precisamente en ese ambiente de tranquilidad donde comenzó a tomar forma Strawberry Fields Forever, canción que la revista Rolling Stone nombró en 2020 como la tercera de las 100 mejores canciones de Los Beatles. Instalado en el Cortijo Romero —hoy convertido en la Casa del Cine de Almería—, Lennon escribió y grabó una primera maqueta de la canción con un magnetófono portátil antes de regresar a Londres, donde únicamente añadió un tercer verso.

Seis décadas después, el vínculo entre John Lennon y Almería sigue muy presente. La ciudad recuerda aquella estancia con una estatua del músico situada en la Plaza de las Flores, en pleno casco histórico, un homenaje al lugar donde el líder de los Beatles encontró un refugio y comenzó a dar forma a una de las canciones más importantes de su carrera.

La actriz Sadie Sink, conocida por su participación en Stranger Things, ya puede decir que es una más dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) con el papel de Jean Grey en Spider-Man: Brand New Day. La llegada de este personaje marca un punto de inflexión para los X-Men y anticipa cambios profundos en la narrativa futura de Marvel. La identidad del personaje de Sink se había mantenido en secreto durante los meses de producción y posterior rodaje de la película, y solo el músico Steve Lacy, presente en la premiere de la película, consiguió romper el voto de silencio revelando de quién se trataba.

En la película sucede algo similar, ya que Brand New Day mantiene en secreto durante la primera mitad de la trama quién es la persona detrás de los ataques que sufre la ciudad de Nueva York. Su rostro no es revelado hasta pasado un tiempo, generando intriga entre los espectadores y alimentando esas especulaciones que se habían formado previas al estreno. Pero una vez revelado, queda claro que la presencia de Jean Grey será determinante, tanto para la historia del filme como para los próximos pasos del MCU.

Jean Grey aparece como una figura enigmática, cuya motivación y poderes se descubren gradualmente. Al inicio, Tom Holland en el papel de Spider-Man investiga la aparición de un nuevo villano capaz de poseer los cuerpos de otras personas si se encuentran a menos de 10 metros de distancia. Este poder, manejado por Jean, le permite “saltar” entre mentes y ejecutar planes complejos, incluyendo un intento de irrumpir en la sede del Departamento de Control de Daños. Aunque al principio no sabemos muy bien por qué, solo que anda detrás de algo llamado “V-Max”.

De villana a heroína

Durante su misión, Jean Grey utiliza primero a un poseído Scorpion (Michael Mando) para intentar penetrar las instalaciones. Tras fracasar, recurre a controlar a Bruce Banner (Mark Ruffalo), liberándolo de su inhibidor para transformarlo en el Hulk. Esta maniobra desata el caos en Nueva York, obligando a Spider-Man a unir fuerzas con el Punisher (Jon Bernthal) para contener a la fuerza descontrolada del gigante verde. En una de las secuencias más impactantes de la película, Jean consigue finalmente acceder a la bóveda secreta de Control de Daños. Sin embargo, la organización la captura y la somete a experimentos con el objetivo de comprender el alcance de sus poderes psíquicos. Es en este punto donde se desvela una parte crucial de su pasado.

Un flashback revela que Jean Grey tenía una hermana mayor llamada Sara, quien también poseía la habilidad de dominar mentes ajenas. Durante una visita al parque, agentes de Control de Daños secuestran a Sara, obligando a Jean a intervenir para salvarla. Sara, al verse en peligro, toma el control de la mente de Jean para facilitar su huida, en un acto desesperado que deja una huella profunda en la protagonista. Mientras está prisionera, Jean descubre que ocupa la misma celda donde su hermana fue retenida y, finalmente, falleció a manos de los científicos de Control de Daños. Este descubrimiento desencadena una respuesta psíquica masiva: Jean crea una burbuja de energía mental que paraliza a casi toda la ciudad de Nueva York. El acto no solo muestra el alcance de sus poderes, sino que evidencia el conflicto emocional que la impulsa.

Con la ciudad en estado crítico, solo Spider-Man logra resistir la influencia mental de Jean Grey. En un momento de alta tensión, el héroe consigue conectarse emocionalmente con ella, reviviendo junto a Jean uno de sus recuerdos más personales: un instante con la fallecida tía May (Marisa Tomei). Este intercambio resulta clave para que Jean detenga su ataque y considere renunciar a su venganza contra Control de Daños. Mientras tanto, el Punisher de Jon Bernthal se posiciona desde la distancia, preparado para eliminar a Jean, percibiéndola como una amenaza incontrolable. Cuando dispara, Spider-Man reacciona y empuja a Jean fuera de la trayectoria, recibiendo la herida en su lugar. Aunque gravemente herido, Spider-Man sobrevive gracias a la intervención psíquica de Jean, quien mantiene sus signos vitales mientras es trasladado al hospital. Antes de que pueda despedirse, Jean desaparece de la escena.

El futuro de Jean Grey y su importancia para el MCU

La última escena muestra a Jean Grey montando un autobús rumbo al norte, sugiriendo una posible visita a la Escuela Xavier para Jóvenes Dotados en Westchester, el famoso refugio para mutantes en el universo Marvel. Aunque en Spider-Man: Brand New Day no se menciona explícitamente a los X-Men ni a otros mutantes, el guion deja pistas claras sobre la futura integración de estos personajes al MCU.

Jean Grey es uno de los miembros fundadores de los X-Men en los cómics y una de las figuras más poderosas del universo Marvel, principalmente por su capacidad telepática y telequinética. Su historia suele estar marcada por dilemas éticos, tragedias personales y la amenaza latente de perder el control de su inmenso poder, como se vio en sagas clásicas como Fénix Oscura. La interpretación de Sadie Sink es especialmente relevante porque enlaza con una tradición de actrices que han dado vida a Jean Grey en la pantalla. Famke Janssen la interpretó en la trilogía original de X-Men producida por Fox, mientras que Sophie Turner encarnó a una versión más joven en las precuelas. Sink representa la llegada de una nueva generación de mutantes y la posibilidad de renovar la franquicia bajo el sello del MCU.

La incorporación de Jean Grey a través de Spider-Man: Brand New Day representa un movimiento estratégico de Marvel Studios para revitalizar la saga de los X-Men. Hasta ahora, varios actores han retomado sus papeles de la era Fox en nuevas producciones como Doomsday, donde Hugh Jackman (Wolverine), Ryan Reynolds (Deadpool), Patrick Stewart (Profesor Xavier), Kelsey Grammer (Beast), James Marsden (Cíclope), Ian McKellen (Magneto), Rebecca Romijn (Mística), Alan Cumming (Nightcrawler) y Channing Tatum (Gambito) reaparecerán en el contexto del MCU. La compañía ya ha empezado a mover hilos y de momento ha anunciado al director para una nueva película, Jake Schreier (Thunderbolts) mientras busca reparto, con Samara Weaving como única confirmada.

La presencia de Sadie Sink como Jean Grey sugiere que Marvel planea equilibrar la aparición de veteranos con la introducción de rostros jóvenes. Este enfoque refuerza la idea de una transición generacional, en la que los mutantes dejarán de ser figuras periféricas para convertirse en protagonistas centrales de la narrativa compartida con los Nuevos Vengadores y los Cuatro Fantásticos. Por ahora, la historia de Jean Grey parece solo comenzar. Su huida de Nueva York y el desenlace abierto de Spider-Man: Brand New Day auguran un papel protagónico en el futuro inmediato de Marvel. La expectativa crece entre los seguidores, que ven en Sink a la heredera de un personaje fundamental para comprender el rumbo de los superhéroes en el MCU.

En los años 80, Quentin Tarantino todavía no era famoso, pero ya tenía claro que el cine era su vida. Por eso, escribió en el videoclub en el que trabajaba el guion de una película que pensaba rodar con sus amigos, pero que al no conseguir financiación, decidió vender por 10.000 dólares a unos productores independientes que conocía. Ese texto acabaría olvidándose, pero cuando Tarantino se hizo famoso por el éxito de su primera película, Reservoir Dogs, se rescató para venderlo a algún gran estudio al que le interesara.

La película de ese guion se llamaba Natural Born Killers, Asesinos natos, que finalmente llegaría a las manos del director Oliver Stone. Este venía de dirigir el gran éxito JFK: Caso abierto y de ganar dos Oscars como director (por Platoon y Nacido el cuatro de julio), pero buscaba algo más ligero para descansar de su habitual tono político. Sin embargo, al leer la premisa de la pareja de asesinos, vio el potencial para convertirla en algo mucho más ambicioso.

Así llegamos a la Asesinos natos que todos conocemos: una de las películas más polémicas, divisivas y visualmente agresivas de la década de 1990. La historia sigue a Mickey (Woody Harrelson) y Mallory Knox (Juliette Lewis), una pareja de amantes sociópatas golpeados por infancias traumáticas que se embarcan en un sangriento viaje por Estados Unidos. Su historia, así como el hecho de que se conviertan en estrellas gracias a un programa de televisión sensacionalista, lanza un ataque frenético a la cultura del sensacionalismo mediático, la obsesión americana por la violencia y la mercantilización del crimen.

El enfado de Quentin Tarantino

Asesinos natos, disponible en Prime Video hasta el próximo 7 de agosto, es una película que destaca por un estilo visual frenético. Si en la época se utilizaban unos 1.000 cortes de grabaciones para el montaje, en esta se utilizaron más de 3.000, donde además se alternan formatos, colores y hasta animaciones proyectadas e imágenes de telediarios. Para contar la historia tal y como quería Oliver Stone, los guionistas David Veloz y Richard Rutowski lo reescribieron profundamente para enfocar la historia en la crítica a los medios más que en la relación de la pareja, unos cambios que dieron identidad a la película, pero que no gustaron nada a su creador original, Quentin Tarantino.

Cuando Tarantino leyó la versión reescrita de Stone, se sintió completamente traicionado. Consideraba que Stone había malinterpretado su concepto, añadiendo un tono moralizante y destruyendo el estilo de diálogo y la estructura original. De hecho, el director de Pulp Fiction intentó publicar su guion original en forma de libro antes del estreno de la película, lo que derivó en disputas legales con los productores. Finalmente, no lo logró, pero pidió oficialmente que retiraran su nombre de los créditos como guionista. Por eso, aunque él escribiera el texto original, al final de la película su nombre solo aparece como responsable de la historia.

Con todo, y pese a la división de opiniones que generó, Asesinos natos obtuvo un gran reconocimiento internacional, con el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia. Además, las interpretaciones de su elenco, donde junto a Woody Harrelson y Juliette Lewis destacan otros nombres como los de Jared Harris, Tommy Lee Jones o Robert Downey Jr., también fueron muy aplaudidas. Con el paso del tiempo, Asesinos natos se percibe como una obra casi profética sobre la era de la sobreproducción de noticias de impacto, las redes sociales, el consumo de true crime y el culto desmedido a las celebridades sin mérito.

El segundo mes de las vacaciones de verano ya ha empezado, por lo que son muchas las personas que ahora mismo se encuentran de viaje o simplemente disfrutando de un merecido descanso tras todo un año de trabajo. En esos momentos, nada mejor que un buen libro para leer en la playa o en la piscina, o en esos ratos muertos donde nos parece buena idea desconectar del mundo que nos rodea.

Para eso mismo, desde Infobae hemos querido ofrecer tres de nuestras novelas negras favoritas, procurando que estas sean distintas entre sí para que puedan disfrutarlas todo tipo de lectores: desde la tradicional saga policíaca con un detective del que no podremos despegarnos hasta el nuevo thriller nórdico de moda, pasando por la nueva novela de los llamados cozy crime, un género donde el ingenio detectivesco es la clave para resolver un enigma.

‘El amo’, de Santiago Díaz (Alfaguara)

Si buscas una saga policíaca a la que engancharte, puede que Jotadé, de Santiago Díaz, sea una de las mejores opciones para el verano. Su segunda entrega, El amo, se ha publicado este mismo 2026, y continúa narrando los casos de uno de los pocos policías gitanos del cuerpo que, incapaz de morderse la lengua cuando debería y con un sentido de la justicia muy peculiar, se ha granjeado más de un enemigo. Los prejuicios contra él son tantos como el respeto de quienes han trabajado con él, aunque ahora se verá de nuevo puesto a prueba tras el descubrimiento del cadáver de una adolescente desaparecida años atrás y asesinada, según descubren, al poco de dar a luz.

‘Huellas en los fiordos’, de Satu Rämö (Salamandra)

Traducida a veintiséis idiomas y con más de un millón de ejemplares vendidos, la saga de la serie Hildur, de Satu Rämö, es el nuevo fenómeno literario de los thrillers escandinavos. Con todo, Huellas en los fiordos, la primera entrega, se aleja de la idea que tenemos del noir nórdico. Ambientada en los fiordos occidentales de Islandia, sigue los pasos de Hildur Rúnarsdóttir, una inspectora de policía marcada por la desaparición de sus hermanas años atrás. Tras una avalancha, queda al descubierto el cadáver de un hombre en un entorno que ha borrado casi todas las huellas, lo que da paso a una investigación marcada por el aislamiento geográfico de la comunidad, los traumas del pasado y los silencios.

‘La pregunta mortal’, de Janice Hallett (Ático de los libros)

Si lo que te gustan son los cozy crime, es decir, las novelas de misterio donde detectives aficionados resuelven crímenes usando tan solo su inteligencia, entonces Janice Hallett debería ser tu autora de cabecera. Esta escritora, bautizada como “la Agatha Christie del siglo XXI”, lleva tiempo deslumbrándonos con libros como La apelación, El código Twyford o, ahora, La pregunta mortal. En esta novela, un tranquilo pub rural es el espacio de una misteriosa desaparición, precedida por varios sucesos extraños: desde un cadáver en el río a médiums en una vieja barcaza. Cada uno de estos misterios tiene que ver con el asesino, oculto entre rumores, engaños y secretos con los que Hallett construye un divertidísimo rompecabezas.

El brutal éxito de películas como La Odisea y Spider-Man: Brand New Day ha situado ambas películas en lo más alto de las listas de grandes éxitos cinematográficos del año. La película de Christopher Nolan ya ha superado los 9 millones de euros en España y el millón de espectadores, mientras la del superhéroe de Marvel ha ido incluso más lejos y ha conseguido, en menos de una semana, una recaudación de 13 millones de euros.

A ambos títulos les queda mucho recorrido todavía, por lo que es fácil imaginar que sus cifras seguirán aumentando y quizá, incluso, superar a Michael (15,9 millones de euros) o Torrente presidente (19 millones de euros), los títulos más exitosos en lo que va de año. Eso sí, aunque todo el mundo esté yendo a ver las dos películas del momento, no significa que no haya otras igual de interesantes que quizá estén pasando algo desapercibidas.

Este es el caso de Obsession, una película de terror que recibió bastante atención cuando se estrenó a finales del mes de junio, pero que finalmente no ha tenido todo el éxito que merecería. A pesar de estar considerada como una de las mejores películas del género de los últimos años y de durar mucho menos que La Odisea y Spider-Man (menos de dos horas frente a las casi tres de la película de Nolan y las dos y media del Hombre Araña), la cinta dirigida por Curry Barker no figura entre las diez producciones más vistas del año, según datos de Comscore Movies Spain. Por eso, desde Infobae defendemos que esta es la mejor película que puedes ir a ver este verano, y te ofrecemos varias razones para ello.

Algo más que la ‘típica’ película de terror

La premisa de Obsession es muy simple: un joven llamado Michael se encuentra desesperado por el presunto desinterés romántico de Niki, la chica de la que está enamorado. Frente a esto, decide probar suerte con una rama del Sauce de los deseos, un artículo comprado en una tienda que, supuestamente, al quebrarse concede cualquier deseo. Michael pide que Niki “le quiera más que a nadie”, lo que en un principio parece que se cumple. Sin embargo, con el paso de los días se da cuenta de que la obsesión que ahora sufre esta joven por él es mucho más peligrosa de lo que imaginaba.

Puede que la historia en sí no parezca suficiente como para que la película haya recibido excelentes críticas ni batido récords en Estados Unidos. Con solo 750.000 euros de presupuesto, ha superado los 250 millones de dólares de recaudación en el país norteamericano. La razón es que Obsession no es solo una película de terror, o al menos, no es solo la idea que solemos hacernos de este género. En efecto, la película de Curry Barker da miedo, y mucho, pero a medida que avanza la trama nos damos cuenta de cómo el hechizo al que está sometida la joven nos habla de temas tan actuales como el consentimiento o los peligros de desear lo que no se tiene.

Por eso, aunque la increíble interpretación de Inde Navarrette en la piel de Niki sea lo que más nos asuste, es probable que salgamos de la sala preguntándonos quién da más miedo realmente: si la joven hechizada o el joven que, sabiendo lo que ocurre, decide mantenerlo todo como está. Puede que la mujer obsesionada no sea más que el reflejo de los deseos más oscuros que él tiene. La película de Barker cuenta, además, con un final a la altura y completamente inesperado, que pone la guinda a uno de los títulos más sorprendentes de la temporada.

La llegada de Spider-Man: Brand New Day ha dejado una huella inmediata en la taquilla española, donde logró que más de un millón ochocientas mil personas acudieran a las salas desde su primer día en cines. Con este dato, la película se ha posicionado como el mayor estreno de la historia de España.

En su primer día, la cinta protagonizada por Tom Holland, Zendaya y Mark Ruffalo alcanzó una recaudación de 3,2 millones de euros, cifra que desplazó a Vengadores: Endgame y sus 2,9 millones como el mejor debut previo en una sola jornada. El dato fue confirmado tanto por Sony Pictures como por la auditora Comscore, que detalla que la película ha sumado más de 13 millones durante todo el fin de semana.

La película, dirigida por Destin Daniel Cretton y escrita por Chris McKenna y Erik Sommers, se presenta como una nueva etapa para el personaje de Peter Parker. En esta ocasión, el héroe vive completamente solo, tras haber desaparecido voluntariamente de la vida y los recuerdos de quienes ama. “La presión desencadena una sorprendente evolución física que amenaza su existencia”, describe la sinopsis oficial, anticipando una de las amenazas más poderosas que ha enfrentado Spider-Man.

Impacto global y comparaciones con otros estrenos

A nivel internacional, Spider-Man: Brand New Day ha recaudado más de 800 millones de euros desde su estreno, según cifras recogidas por la auditora Rentrak. Estados Unidos y Canadá lideran las ventas con 355 millones de dólares (más de 306 millones de euros), mientras que en China la recaudación es de 121 millones y en Reino Unido, 49 millones.

Durante su primer fin de semana, la película ha sumado 572 millones de dólares (493 millones de euros) en mercados internacionales, consolidándose como el segundo estreno más lucrativo en la historia del cine, solo por detrás de Vengadores: Endgame, que alcanzó 1.600 millones a nivel global. En España, la magnitud del estreno quedó clara cuando, en solo 24 horas, el filme casi igualó lo conseguido en el primer fin de semana por las películas más taquilleras del año, como La odisea de Christopher Nolan y Super Mario Bros.

Podría ser la película más taquillera del año

Por otra parte, parece que al éxito en cifras se le suma la aceptación general del público y la crítica. La película ha obtenido un 90% de aceptación en Rotten Tomatoes y una calificación A en CinemaScore, lo que refuerza la percepción de que las nuevas aventuras de Peter Parker han logrado conectar tanto con la crítica como con el público, gracias a una narrativa que explora el sacrificio personal y el deseo de proteger a los demás a costa de la propia felicidad.

De este modo, Spider-Man: Brand New Day ha logrado establecer nuevos parámetros en la industria cinematográfica española y mundial. La cinta no solo ha batido récords de asistencia y recaudación, sino que también ha abierto conversaciones sobre el impacto emocional y social de sus historias, especialmente entre los espectadores más jóvenes. Solo falta ver cuál es el techo y si logrará, como todo apunta, superar a Toy Story 5, actualmente el título más taquillero del año tras superar los 1.025 millones de dólares.

A principios de la década de 1960, la industria del cómic estadounidense vivía una etapa de reinvención en la que Marvel tenía cada vez más protagonismo. Tras el éxito de los Cuatro Fantásticos, el guionista y editor Stan Lee buscaba crear un nuevo superhéroe que rompiera con los moldes habituales de la época. Lee deseaba una figura humana, imperfecta y totalmente distinta a los héroes invulnerables que dominaban las páginas de entonces.

La inspiración llegó de la forma más cotidiana mientras observaba una mosca subir por una pared. Lee pensó que sería fascinante crear un personaje capaz de adherirse a las superficies verticales. Después de descartar nombres como Hombre Mosca (Fly-Man) u Hombre Insecto (Insect-Man), eligió Spider-Man. Decidió añadir un guion al nombre para evitar que los lectores lo confundieran visualmente con Superman en las portadas de los cómics.

Sin embargo, el proyecto encontró un rechazo inmediato por parte de Martin Goodman, director editorial y propietario de Marvel. En aquella época Marvel publicaba un número limitado de títulos debido a un acuerdo de distribución, por lo que cada nueva colección suponía una apuesta importante, y a Goodman la idea le pareció poco viable porque la gente odiaba visceralmente a las arañas. Además, afirmaba que un adolescente no podía ser el héroe principal, sino únicamente un compañero de apoyo. El propio Stan Lee recordaría años después que su jefe le dijo: “Es la peor idea que he escuchado nunca”.

Una única oportunidad para triunfar

A pesar de la negativa, Stan Lee insistió en concebir a Peter Parker como un joven ordinario lleno de problemas personales, inseguridades académicas y dificultades económicas. El creador quería que el público empatizara profundamente con las fragilidades del protagonista. Sobre este enfoque revolucionario, Lee declaró en una entrevista que, en realidad, era también el más íntimo: “Es el personaje que más se parece a mí; nada sale perfecto para él, tiene muchos problemas y comete errores”.

Ante el rechazo categórico de Goodman —quien insistía en que los jóvenes detestaban a las arañas, que los adolescentes no podían ser héroes y que un protagonista atormentado no vendía—, Lee utilizó como vehículo una revista antológica que ya estaba condenada a desaparecer: Amazing Adult Fantasy. Dado que la revista iba a cancelarse de todos modos en su número 15, publicado como Amazing Fantasy #15, a la editorial no le importaba el rendimiento de esa entrega final. Lee argumentó que publicar a Spider-Man en esas páginas no le costaría nada a Marvel ni afectaría a la empresa.

Goodman accedió a incluir la historia en el último número únicamente para quitarse el tema de encima y complacer a Lee, convencido de que el personaje pasaría sin pena ni gloria y quedaría olvidado. Sin embargo, meses después, cuando llegó la auditoría de ventas, Goodman se encontró con una realidad increíble: la revista Amazing Fantasy #15 (donde Spider-Man ya lanzaba su famosa frase de “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”) había sido uno de los cómics más vendidos de Marvel en todo el año 1962, muy por encima de lo que se esperaba.

Del primer traje de Spider-Man a Tom Holland

Ante la innegable respuesta del público, el ejecutivo no pudo revivir la cabecera original a tiempo, por lo que le dio a Spider-Man su propia serie regular desde cero: The Amazing Spider-Man #1, que se lanzó en marzo de 1963. Con el paso de las décadas, aquel número de 12 centavos de dólar que nació en una revista “desahuciada” se convirtió en una de las piezas de coleccionismo más codiciadas de la historia. En septiembre de 2021, un ejemplar en estado casi perfecto (CGC 9.6) se vendió en subasta por 3,6 millones de dólares.

Para el apartado gráfico, Lee asignó inicialmente el trabajo al legendario dibujante Jack Kirby. No obstante, las primeras páginas presentaban a un personaje demasiado musculoso, heroico y apuesto, muy alejado de la visión de un tímido estudiante de secundaria. Por ello, Lee decidió transferir el encargo al ilustrador Steve Ditko, cuyo estilo visual aportaba una atmósfera más misteriosa, estilizada y terrenal a la narración.

Ditko realizó el diseño definitivo del emblemático traje cerrado de color rojo y azul, la máscara con grandes ojos blancos y los disparadores de telaraña colocados en las muñecas. Además, dotó al personaje de posturas contorsionadas y dinámicas que acentuaban su naturaleza arácnida. Aunque Kirby acabó dibujando la portada del primer ejemplar por razones comerciales de la editorial, fue el diseño conceptual de Ditko el que definió para siempre al héroe con un traje rojo y azul ajustado y una máscara que le cubría el rostro completamente, lo cual, para la época, también fue una novedad.

Tras el lanzamiento de The Amazing Spider-Man #1 pasaría poco tiempo hasta que el nuevo superhéroe se convirtiera en uno de los principales símbolos de Marvel. La gente conectó enseguida con aquel adolescente introvertido con lanzatelarañas mecánicos. Sería en 1967 cuando llegara su primera adaptación, aunque para ver a un hombre araña de carne y hueso habría que esperar diez años más. Desde entonces, Peter Parker ha pasado por varios rostros, siendo el último el de un Tom Holland que, con Spider-Man: Brand New Day, ha demostrado una vez más el potencial de este personaje para cosechar muchos éxitos más.

Spider-Man nunca falla. El hombre araña ha regresado a los cines cinco años después de las consecuencias de Spider-Man: No Way Home (Jon Watts, 2021). Y lo ha hecho por todo lo alto. Estrenada este miércoles 29 de julio en España —y dos días después en el resto del mundo—, la película ha hecho historia al convertirse en el mejor estreno de un largometraje en nuestro país. Más de medio millón de espectadores acudieron a las salas durante su primer día de exhibición, una cifra que se traduce en una recaudación superior a los 3,2 millones de euros.

Su éxito no solo viene precedido por el interés que genera el superhéroe desde tiempos inmemorables, sino de una película que ha sido alabada por la crítica. La historia, dirigida en esta ocasión por Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos), retoma la vida de Peter Parker cuatro años después de los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home, que finaliza con el mundo no sabiendo quién es Peter Parker.

La película arranca con el protagonista completamente solo, que lleva cuatro años luchando contra el crimen en la ciudad de Nueva York. Sin su mejor amigo, Ned (Jacob Batalon) y sin novia, MJ (Zendaya), el héroe ha dejado de ser un adolescente risueño para ser un adulto en permanente lucha entre ser Peter y Spider-Man.

A partir de aquí, el artículo contiene spoilers de Spider-Man: Brand New Day.

La encargada de sacar a la superficie todos sus miedos y sentimientos es Jean Grey (Sadie Sink). Aunque en los cómics el personaje forma parte de los X-Men y es una de las mutantes más poderosas de Marvel, por el momento la película nos la presenta como su principal antagonista. Gracias a sus poderes telepáticos y telequinéticos, es capaz de adentrarse en la mente de cualquiera para manipular sus emociones y sus recuerdos. De cualquiera... excepto de Spider-Man.

Jean lleva años buscando respuestas sobre la desaparición de su hermana, Sara Grey, víctima de los experimentos del Departamento de Control de Daños (DODC). Convencida de que allí se esconde la verdad, utiliza sus poderes para poseer a distintos ciudadanos y sembrar el caos en Nueva York mientras trata de encontrar cualquier pista que la conduzca hasta ella.

En paralelo, Peter, víctima de reencontrarse con MJ y ver que esta ha rehecho su vida con otro chico, comienza a sufrir unas extrañas mutaciones: dolores de cabeza, telarañas orgánicas y un carácter agresivo nada habitual del amigo y vecino Spider-Man. Temeroso de perder el control, recurre a Bruce Banner, Hulk (Mark Ruffalo) para que le confirme si existe la posibilidad de desarrollar un inhibidor con el que mantener a raya sus cambios hormonales desarrollados por el estrés postraumático de lo vivido hace cuatro años.

El final, explicado

La revelación de que Sara murió durante los experimentos del Departamento de Control de Daños cambia por completo el rumbo de la película. Finalmente, bajo la custodia del Departamento de Control de Daños, y entregada por Peter, Jean se da cuenta de que la organización mató a su hermana, desencadenando su verdadero potencial. A partir de ese momento, sus poderes evolucionan hasta el punto de permitirle mantener a miles de ciudadanos atrapados dentro de una enorme burbuja psíquica que envuelve Nueva York.

Consciente de que no puede detenerla por la fuerza, Peter se quita el inhibidor que contenía sus mutaciones y permite que Jean entre en su mente. Allí, la telépata presencia el sacrificio que supuso perder a su tía May (Marisa Tomei) y renunciar para siempre a MJ y Ned con tal de salvar el multiverso. Sin embargo, cuando Frank Castle (Jon Bernthal), alias The Punisher, intenta acabar con ella de un disparo, Peter se interpone para intentar salvarla. Gravemente herido, Jean utiliza sus recién despertados poderes para mantenerlo con vida hasta que los médicos consiguen estabilizarlo. La joven abandona Nueva York, mientras el Departamento de Control de Daños queda bajo investigación.

¿Qué ocurre con Ned y MJ?

Después de que Jean Grey posea a MJ al comienzo de la cinta, Peter decide ponerla a salvo en la casa de Frank, hasta que encuentra la carta que el hombre araña había escrito al final de Spider-Man: No Way Home. Mientras Peter, sin la máscara, le declara sus sentimientos, ella responde con un “no te quiero”, porque, efectivamente, no se acuerda de él.

Después de que Peter la lleve al apartamento que comparte con Ned, Peter se queda para pasar tiempo con ambos, aunque en esta ocasión permanece oculto bajo la máscara. Su amigo, obsesionado con descubrir quién es Spider-Man tras recordar que este le salvó la vida en varias ocasiones en el instituto, se entera gracias a MJ de que se llama realmente Peter Parker.

Y entonces llega la burbuja psíquica que envuelve Nueva York. Mientras la ciudad está paralizada por los poderes de Jean, MJ rompe a llorar. Después de la batalla final, Peter vuelve a encontrarse con Ned, esta vez sin la máscara, y se presenta como si acabaran de conocerse. Cuando ambos estrechan la mano, repiten de forma instintiva el saludo que se inventaron cuando se conocieron en el instituto. Tras unos segundos de desconcierto, Ned exclama su nombre: “¡Peter!”. En otra secuencia, MJ vuelve a la azotea a la que solía ir con este cuando comenzaron a salir. Entonces, procede a agarrar el colgante de la dalia negra, que le regaló en Lejos de casa (2019).

La película deja la puerta abierta a futuras entregas para explorar si ambos podrán recuperar por completo sus recuerdos perdidos. Lo que sí sabemos, por ahora, es que Spider-Man volverá.

Más de una década después de su muerte, el nombre de la guionista y escritora Norah Ephron no ha dejado de crecer en importancia. Esta autora fue una de las voces más ingeniosas e incisivas del panorama estadounidense en las últimas décadas del siglo XX, y novelas como Se acabó el pastel dan buena cuenta de ello. Publicada en 1983, esta obra es uno de los retratos más sinceros y al mismo tiempo hilarantes sobre el derrumbe de un matrimonio.

Parcialmente autobiográfico, este libro supuso un gran impulso en la popularidad de Ephron, quien transformó el dolor de una traición en un relato lleno de ironía y dignidad. Su tono aparentemente ligero esconde una profunda reflexión sobre la pareja y la resistencia femenina ante momentos verdaderamente difíciles. Con estos ingredientes, su historia trascendería el papel y acabaría siendo adaptada tres años después con una película con la propia autora como guionista y con dos de los actores más prestigiosos de Hollywood: Meryl Streep y Jack Nicholson.

Una crónica ácida llena de estrellas

Se acabó el pastel, disponible en Netflix hasta el próximo 5 de agosto, es una cinta dirigida por Mike Nichols (conocido por títulos como El graduado o Cegados por el deseo). Como la novela, se adentra en la vida de una escritora que abandona su carrera por amor, solo para descubrir la amarga infidelidad de su esposo, un columnista incapaz de dejar atrás sus viejas costumbres. El relato, cargado de humor y desencanto, se apoyó en la naturalidad y la mirada irónica que Ephron imprimió en su libro, lo que cosechó muchas reacciones positivas. “Una obra maestra, una colaboración de artistas maduros en su máximo esplendor artístico”, escribían en su momento en una crítica de The Washington Post.

La producción no solo deslumbra por la química entre Streep y Nicholson, dos gigantes de la actuación que suman un total de seis premios Oscar a la mejor interpretación principal o de reparto, sino que también destaca por los nombres que completan el reparto. Así, Jeff Daniels, Catherine O’Hara y Maureen Stapleton logran un gran resultado frente a la cámara. A una escala más pequeña, también hay que destacar los papeles del reputado cineasta Milos Forman o los entonces jovencísimos Natasha Lyonne y Kevin Spacey.

Por su parte, Ephron ya había ejercido como guionista antes en Silkwood, por la que de hecho fue nominada a un Oscar. Sin embargo, fue por Se acabó el pastel que la escritora se introduciría de lleno en el mundo del cine, donde ya orientada hacia la comedia firmó producciones tan recordadas como Cuando Harry encontró a Sally, Algo para recordar o Tienes un e-mail. Más adelante, también cosecharía importantes éxitos como directora, en títulos como Embrujada o Julie y Julia, donde por cierto, coincidiría una vez más con Meryl Streep.

El vínculo entre Meryl Streep y Jack Nicholson

Más allá del éxito cosechado, Se acabó el pastel fue también un importante hito para sus intérpretes principales, quienes desarrollaron una sólida relación de amistad que se consolidó con los años. Así, Meryl Streep y Jack Nicholson, quienes volverían a interpretar a una pareja el año siguiente en la mucho menos exitosa Tallo de hierro, llevan años profesándose una admiración mutua.

Con todo, ese respeto en lo profesional no les priva de tener la suficiente confianza como para, por ejemplo, que Nicholson asistiera a un homenaje a la actriz en 2004 y le dijera: “Eres perfecta. De algún modo te están convirtiendo en una ‘vaca’ sagrada y ya sé lo mucho que te gusta eso. Esto es lo que tengo que decir al respecto: ‘Muuuu. Muuuu.’”

La cosa no solo quedó en un chiste, pues Nicholson la describió, bromas aparte, como una actriz “trascendente, talentosa, impasible, pasiva, hermosa y comprometida”. En otra ocasión, Meryl Streep reconocería que trabajar con Nicholson fue una experiencia placentera: “Si te gusta reír, lo cual a mí sí me gusta, te gusta trabajar con Jack. Me gusta trabajar con Jack porque es puro, puro placer. Es un hombre gracioso, un hombre generoso y un hombre inteligente”.

Pocos dudan de que Antonio Escohotado (1941-2021) fue una de las figuras más singulares, complejas y fascinantes del pensamiento español contemporáneo. Traductor, ensayista, profesor universitario y firme defensor de la libertad individual, su vida estuvo marcada por la heterodoxia y la constante búsqueda de la verdad. A pesar de sus controversias y de su estilo alejado de los dogmas académicos, se consolidó como uno de los filósofos más influyentes de la España reciente.

Así, su obra abarcó desde la filosofía del conocimiento y la economía hasta el análisis histórico de las ideologías políticas, sin olvidarnos de su tan rigurosa como pionera Historia general de las drogas. A lo largo de sus escritos, defendió el aprendizaje empírico y combatió con vehemencia el paternalismo estatal, postulando siempre que el individuo debe asumir con todas sus consecuencias la responsabilidad de su propia existencia.

Esta visión crítica frente a las dinámicas colectivistas lo llevó a cuestionar con frecuencia los grandes conceptos abstractos de la política moderna. Escohotado observaba con escepticismo cómo las mayorías pueden convertirse en cómplices de su propia subordinación o de la pérdida de sus libertades. De este pensamiento nace una de sus reflexiones más punzantes y recordadas, cuando formuló la siguiente pregunta: “¿Hay algún enemigo del ‘pueblo’, aparte del ‘pueblo’ mismo?”.

El significado de la frase de Antonio Escohotado

Con esta interrogante, el filósofo madrileño contradecía una frase asociada al poeta Antonio Machado, “solo el pueblo salva al pueblo”, y denunciaba la paradoja del utopismo político y la tendencia de las sociedades a ceder su libertad a cambio de seguridad o promesas paternalistas. Para Escohotado, el término “pueblo” solía emplearse como una abstracción retórica para justificar el autoritarismo. Argumentaba que los propios ciudadanos, al dejarse seducir por el victimismo o la envidia social, acababan erigiendo y respaldando a los regímenes que posteriormente coartaban sus libertades individuales.

Esta noción entronca directamente con su profunda investigación sobre la génesis del pensamiento socialista y colectivista en Los enemigos del comercio. El pensador sostenía que la responsabilidad personal es ineludible y que culpar a entidades externas de los males colectivos es un autoengaño. En consonancia con este enfoque, solía afirmar tajantemente que “la libertad es no tener miedo”, subrayando que el verdadero obstáculo para la emancipación humana es el temor a asumir los propios actos.

Por otro lado, en sus últimos años, Escohotado insistió en que la ignorancia voluntaria es la mayor amenaza para cualquier democracia. Como dejó escrito en sus reflexiones tardías, “pensar es dudar”, por lo que renunciar al juicio crítico individual para diluirse en lo que piensa el ‘pueblo’ constituye, en su opinión, el mayor acto de autotiranía que una sociedad puede cometer contra sí misma.

Otros puntos de vista sobre el pueblo

Frente a la desconfianza de Escohotado hacia lo colectivo, otros pensadores contemporáneos han defendido la noción de pueblo como un agente imprescindible de emancipación social. La filósofa y politóloga belga Chantal Mouffe, por ejemplo, argumenta que “la construcción de un ‘pueblo’ es la condición misma de la democratización de la sociedad”. Solo a través de este concepto es posible cuestionar las desigualdades del sistema actual y conseguir, precisamente, revitalizar la democracia. Desde esta perspectiva, el pueblo no es su propio enemigo, sino la víctima de estructuras económicas y políticas opresivas que concentran el poder.

Por su parte, el filósofo y sociólogo francés Jacques Rancière también ha rechazado que las masas actúen contra sus propios intereses por ignorancia o cobardía. En su conocido ensayo El odio a la democracia, asevera que “la democracia no es el gobierno de la muchedumbre, sino la potencia de los que no tienen ningún título para gobernar”, lo que se postula como una clara defensa de la capacidad política de una comunidad, en contra de la noción más elitista de la política que muchos atribuyeron a Escohotado.

Como vemos, este debate filosófico sitúa en el centro de la discusión política la tensión eterna entre lo individual y lo colectivo. En medio, queda la pregunta: ¿quién es el enemigo del pueblo? Puede que la respuesta varíe según quien la conteste. Por nuestra parte, nosotros nos remitimos a lo que escribió Henrik Ibsen en su obra de teatro Un enemigo del pueblo: “Los mayores peligros en la sociedad son las verdades milenarias”.

La crisis migratoria en Ceuta ha acaparado toda la atención mediática hasta el punto de convertirse en uno de los sucesos más comentados (y controvertidos) del año. Con idéntica preocupación y dispares puntos de vista, son muchas las personalidades que se han pronunciado sobre las imágenes vistas en la ciudad española, lo que también ha dado lugar a un aluvión de críticas hacia aquellos con más presencia en redes sociales que, aprovechando el nivel de atención que reciben, han emitido juicios con clara connotación política.

A los Fran Rivera, Jessica Goicoechea, María Pombo y resto de famosos que ya han compartido su opinión, habría que sumar otros perfiles como el del actor Javier Bardem (@bardemantarctic). El ganador de un Oscar en 2008, conocido por su ideología progresista y su compromiso con diferentes causas sociales, ha vuelto a captar la atención de su más de millón y medio de seguidores con una serie de historias referidas a la crisis en Ceuta.

Esta actividad ha sido también comentada durante su paso por Baleares. En la presentación de la película El ser querido en el Atlàntida Mallorca Film Fest, Bardem ha sido consultado sobre la crisis y las respuestas de Europa. “El silencio siempre anima a los que perpetran los crímenes”, ha sostenido en la rueda de prensa. “Si tienes un altavoz, hazlo. No se lo exijo a nadie, pero si puedes está bien hacerlo”. De este modo, el actor de películas como No es país para viejos o Mar adentro ha enfatizado en la importancia de que cada individuo se sienta con derecho y deber de pronunciarse.

Así fueron las historias del actor

En las diferentes publicaciones de Bardem, el intérprete ha criticado el uso del término “invasión” y ha sugerido que lo sucedido en Ceuta responde a una estrategia de presión de Marruecos tras acuerdos internacionales, donde también se mencionaba a otros líderes políticos internacionales. Otra historia, que ha compartido de la cuenta @yo_soyrojo, señalaba a la derecha española por “traicionar a España” al alinearse con el “invasor”.

La republicación más extensa de Bardem ha correspondido a la diputada Irene Montero, quien ha exigido tratar a los migrantes “SIEMPRE” como personas y nunca como “cucarachas”. Montero denuncia el modelo de externalización migratoria, recordando que tanto España como la Unión Europea llevan años financiando a Marruecos, Libia y Mauritania para controlar los flujos migratorios, un sistema que se desestabiliza cuando esos países deciden emplearlo como herramienta de presión.

En inglés, Bardem también ha difundido un mensaje rechazando la idea de “invasión de Occidente”, recordando que Ceuta está en África. El texto responsabilizaba a Israel de instrumentalizar la crisis, señalando el pedido de Yair Netanyahu de “liberar” Ceuta y Melilla, un reclamo de 2019 revivido en redes tras recientes declaraciones oficiales israelíes contra España. El recorrido de Bardem como activista refuerza la lectura de su gesto. El actor, conocido por su vinculación con causas del norte de África y su documental sobre los saharauis, ha optado por dejar que la selección de los mensajes que comparte hable por él, evitando la confrontación directa pero posicionándose con claridad.

El año 44 a. C., el hombre más poderoso del mundo occidental, Julio César, fue asesinado durante una reunión del senado romano. Aquel incidente, conocido como los Idus de marzo (es decir, el día 15), culminó la conspiración organizada por más de 60 poderosos hombres que se autodenominaban “los Liberadores”, entre los que se encontraban varias personas del círculo íntimo de un hombre al que no querían como rey. Aquel día, como escribiría siglos después William Shakespeare en una obra de teatro sobre el magnicidio, “el destino se aliaría con los traidores” en una muerte que cambiaría la historia, y cuyas huellas siguen presentes en nuestro siglo.

Hoy, bajo el bullicio incesante de Roma, un espacio discreto pero cargado de historia guarda con celo el Largo di Torre Argentina, una plaza con un complejo arqueológico en el que se encuentran cuatro templos romanos y los restos de la Curia del Teatro de Pompeyo, el lugar en el que se celebraban las reuniones del Senado. Así pues, no es casual que muchos visitantes, acostumbrados a la majestuosidad del Coliseo y el Foro Romano, queden sorprendidos al asomarse a esta excavación urbana. Pues las ruinas que ven ante sus ojos son el lugar exacto en el que el dictador perpetuo de Roma (tal era su cargo) fue apuñalado 23 veces.

En pleno casco histórico, el área sagrada de Largo di Torre Argentina salió a la luz entre 1926 y 1929, durante las demoliciones de un antiguo barrio ordenadas por Benito Mussolini. Bajo edificaciones medievales surgió una plaza pavimentada, organizada en torno a los templos conocidos por las letras A, B, C y D. El más antiguo, el templo C, data del siglo IV-III a. C. y se vincula a Feronia, la diosa de la naturaleza salvaje. El templo A, posiblemente dedicado a la ninga de las fuentes, Juturna, se remonta a mediados del siglo III a. C. Por su parte, del siglo II a. C. son tanto el B, dedicado a la “Fortuna del día de hoy”, como el D, consagrado a los Lares Permarini (los dioses protectores de la navegación marítima).

Los gatos ‘guardianes’ del César

Hasta 2023, la única manera de observar el sitio era desde las barandillas de las calles circundantes. Todo cambió el 20 de junio de ese año, cuando un proyecto impulsado por Roma Capitale (organismo público que administra el municipio de la ciudad de Roma) y la Superintendencia Capitolina (organismo encargado de proteger, estudiar y poner en valor el patrimonio de la urbe) permitió descender al nivel arqueológico gracias a modernas pasarelas. El itinerario recorre los templos, los suelos originales y la base de la Curia de Pompeyo, acompañado de paneles explicativos accesibles para el público general.

Sea como sea, cualquier visitante se dará cuenta de que los restos de la Curia y estos edificios no están solos. Hasta 150 gatos residen entre estas ruinas. Y es que, tras las excavaciones del siglo pasado, los felinos encontraron refugio en las cavidades bajo el nivel de la calle y, desde entonces, una red de voluntarios, coordinada por la Asociación Cultural de la Colonia Felina de Torre Argentina, se encarga del cuidado de animales enfermos, ancianos o discapacitados, además de promover adopciones y esterilizaciones. Eso sí, aunque el refugio de esta institución también está abierto, sus reglas son diferentes a las de la zona arqueológica.

Por esta razón, la Colonia Felina de Torre Argentina es la más famosa de las 4.000 que hay registradas en toda la ciudad (íntimamente ligada a estos animales a lo largo de su historia). Su equipo de voluntarios y veterinarios ha esterilizado, vacunado y desparasitado a decenas de miles de gatos a lo largo de las décadas (tanto de la propia colonia como de otras zonas vulnerables de la ciudad) y no solo alimentan a los gatos que viven libres en las ruinas republicanas, sino que cuentan con una clínica veterinaria subterránea y un santuario adaptado que recibe miles de visitas cada año.

El mes de julio se ha despedido con algunos de los títulos más importantes no ya del verano, sino probablemente de todo el año: La Odisea o Spider-Man: Brand New Day están llevando a millones de espectadores al cine como no se veía mucho tiempo, algo que continuará durante estos primeros días de agosto. No obstante, el nuevo mes trae consigo una nueva hornada de estrenos para acompañar a esas dos gigantes y, quien sabe, quizá incluso hacerles algo de sombra.

El final de Oak Street, la misteriosa película de dinosaurios protagonizada por Ewan McGregor y Anne Hathaway y dirigida por el cineasta de culto David Robert Mitchell, o El ser querido de Rodrigo Sorogoyen con un Javier Bardem que acumula elogios, son sin duda las dos películas que mejor se presentan. Pero no las únicas, puesto que también tenemos la vuelta de un aventurero animado, de una gran saga de terror o de Jacob Elordi en la adaptación de una novela distópica de lo más exitosa.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto de eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó manteniendo alejados a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

El final de Oak Street

Llevaba unos cuantos años alejado de Hollywood después de la fría acogida que tuvo su última película, Lo que esconde Silver Lake, pero ahora está de vuelta y con más ganas que nunca. Mientras prepara la secuela de su gran éxito, It Follows, el director David Robert Mitchell regresa con esta particular historia de ciencia ficción sobre una familia que se ve trasladada a la época de los dinosaurios sin previo aviso. Anne Hathaway y Ewan McGregor dan vida a los padres que tendrán que buscar no solo proteger a sus hijos sino también el modo de volver al barrio sanos y salvos.

Insidious: Fuera del más allá

Aprovechando el buen momento de terror de este año con películas como La momia de Lee Cronin, Obsession o Backrooms, las grandes sagas buscan su oportunidad. Tras el regreso de Posesión infernal hace algunas semanas, ahora es el momento de Insidious, la saga que arrancó en 2010 de la mano de James Wan (Saw) y que ha vivido ya cinco entregas. Esta será la sexta con un regreso a los orígenes pero una nueva protagonista que, buscando huir de unos asaltantes, se topará con el plano astral más aterrador en toda la saga.

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Cuarta entrega de la saga de animación de más éxito en nuestro país, Tadeo y Sara viven una nueva aventura en Londres, donde buscan el paradero de la famosa lámpara maravillosa de Aladino y Las mil y una noches. Sin embargo, su ya inseparable compañera la Momia tiene otros planes, y obliga a los aventureros a cruzar medio mundo con tal de arreglar el entuerto provocado y de descubrir el secreto detrás de la lámpara.

La constelación del perro

El director Ridley Scott, veterano en mil batallas desde Blade Runner a Gladiator pasando por Napoleón, vuelve a las andadas con una historia algo diferente a las que nos tiene acostumbrados. El cineasta adapta La constelación del perro, una de las novelas de ciencia ficción más aclamadas de los últimos años, y lo hace de la mano de varios actores de renombre como Jacob Elordi, Josh Brolin y Margaret Qualley. La película contará la historia de un piloto que acaba de perder a su mujer en medio de un apocalipsis por el cual la mayor parte de la humanidad ha fallecido, y el resto busca sobrevivir huyendo de unos carroñeros conocidos como Segadores.

Una noche al año

Las comedias románticas están resurgiendo, y ningún momento mejor que el verano para vivir una historia de corazones rotos y por coser. Allie (Monica Barbaro) y Owen (Callum Turner) se encuentran en una Nueva York de un universo alternativo, en la que los solteros tienen una sola noche al año para mantener relaciones sexuales. Lejos de querer una aventura fugaz como el resto de la ciudad, buscarán estrechar lazos en una noche en la que absolutamente todo lo que puede pasar mal, sucederá.

El ser querido

No se podía despedir el mes sin la que está llamada a ser una de las grandes películas españolas del año, y quizá la que pueda representar a España en los Oscar, aunque tendrá dura la competición con La bola negra de Los Javis, gran favorita. Aun así, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras dirigir la serie Los años nuevos se antoja como una emocionante historia sobre relaciones familiares y el propio cine. En ella, Javier Bardem y Victoria Luengo dan vida a un director de cine y su hija actriz, quienes se reencuentran durante un rodaje del primero en las Islas Canarias. Allí, en medio de un rodaje ya de por sí complicado, estallará todo lo que ambos quisieron decirse y nunca pudieron.

Para quienes vieron Spider-Man: Brand New Day sin conocer de antemano la identidad de la voz de E.V., la sorpresa llegó después. Fue en redes sociales donde se viralizó el dato: Naomi Watts es quien interpreta a la asistente virtual, y su elección no es casual para los seguidores más atentos. La conexión entre Watts y Holland se remonta a una película anterior: Lo imposible. En ese drama dirigido por J.A. Bayona, Watts encarnaba a la madre del personaje interpretado por Holland. La relación madre-hijo que compartieron en pantalla en 2012 quedó grabada en la memoria del público, aunque muchos no reconocieron de inmediato a Watts en su nueva faceta digital dentro del MCU.

El descubrimiento de esta “reunión” ocurrió tras el estreno, cuando usuarios en plataformas como X y Reddit compartieron capturas y fragmentos de entrevistas, sorprendidos por la coincidencia. Los comentarios reflejaban asombro: nadie lo había advertido antes de ver la película, y la noticia se expandió rápidamente, convirtiéndose en uno de esos detalles que enriquecen la experiencia de los fans. La participación de Watts como E.V. adquiere una dimensión simbólica, pues el personaje de la inteligencia artificial actúa como guía y apoyo para Parker en los momentos de mayor dificultad. Aunque no es una madre en sentido literal, la elección de Watts —quien ya había asumido ese rol junto a Holland en Lo imposible— refuerza el vínculo entre ambos actores y aporta una capa de significado adicional para quienes conocen el antecedente cinematográfico.

Un reencuentro inesperado

En Lo imposible, Watts y Holland interpretaron a una familia separada por el desastre del tsunami de 2004, ofreciendo una de las parejas madre-hijo más reconocidas del cine reciente. La película, dirigida por Bayona, consolidó la carrera internacional de Holland y le valió a Watts una nominación al Oscar. Volver a encontrarse, aunque sea en registros diferentes y diez años después, suma un guiño nostálgico que solo algunos espectadores captaron a primera vista. Los comentarios en redes (“Nadie se había dado cuenta” y muchos del estilo) reflejaron entusiasmo y sorpresa, destacando lo inusual de la coincidencia y el modo en que el MCU integra detalles que solo se revelan con el tiempo o la investigación de los seguidores más dedicados.

Antes de sumarse al universo Marvel, Naomi Watts había consolidado una carrera internacional con papeles en películas como Mulholland Drive, The Ring y King Kong. Su versatilidad y presencia en distintos géneros la convirtieron en una de las actrices más reconocidas de su generación. La nominación al Oscar por Lo imposible marcó un hito, y su colaboración con directores como David Lynch, Gore Verbinski y J.A. Bayona demuestra su capacidad para adaptarse a proyectos de gran envergadura. La llegada de Watts al MCU, aunque en un rol aparentemente secundario como la voz de una inteligencia artificial, abre la puerta a posibles expansiones de su personaje, siguiendo ejemplos previos dentro de la franquicia.

La experiencia previa de actores como Paul Bettany, quien pasó de ser la voz de J.A.R.V.I.S. a interpretar a Vision en pantalla, sugiere que la presencia de Watts en el MCU podría crecer en próximas entregas. Por ahora, su interpretación de E.V. añade una capa de profundidad y nostalgia para quienes recuerdan su trabajo junto a Holland, y plantea nuevas posibilidades para el desarrollo de la saga de Spider-Man. La noticia de que Naomi Watts vuelve a ser la “madre” de Tom Holland en Spider-Man: Brand New Day es un ejemplo de cómo la industria conecta trayectorias y guiños cinematográficos, sorprendiendo tanto a los seguidores nuevos como a los veteranos.

Inde Navarrette, protagonista de Obsession, ha confirmado que negocia su ingreso al Universo Marvel y comparte abiertamente cuál sería su personaje soñado. “Me encantaría ser parte de Marvel. Creo que es divertido, especialmente porque crecí viendo X-Men”, explicó la actriz en una entrevista reciente, dejando en claro su vínculo emocional con la franquicia y su entusiasmo por sumarse a sus filas. La actriz, que hasta hace nada era una completa desconocida, tiene ahora el mundo a sus pies y las ideas más que claras.

La actriz, que se ha convertido en una de las revelaciones de Hollywood tras liderar el éxito de terror independiente Obsession, no solo ha captado la atención de la industria por su desempeño actoral, sino también por su interés en los universos de superhéroes. Navarrette confirmó que ha mantenido una reunión con Jake Schreier, el director encargado de la nueva versión de X-Men para Marvel Studios y responsable de Thunderbolts, aunque evitó precisar si se trató de una negociación concreta por un papel. “He tenido muchas reuniones desde que salió Obsession, y eso ha sido muy bueno, porque conoces gente y puedes hacer preguntas”, comentó. El encuentro, según relató, fue principalmente una oportunidad para expresar su admiración por el trabajo de Schreier en Thunderbolts, destacando el enfoque en los personajes que, en su opinión, distingue a Marvel en sus mejores momentos.

La actriz fue directa al revelar cuál sería su papel predilecto en el Universo Marvel. “Mystique siempre ha sido muy guay”, respondió cuando le preguntaron por el personaje que más desea interpretar. Navarrette recordó su fascinación de niña por el proceso de maquillaje y prótesis que requiere el personaje, popularizado primero por Rebecca Romijn en la trilogía original de X-Men y después por Jennifer Lawrence en las precuelas. “De pequeña, veía los detrás de cámaras del proceso de las prótesis. Eso me parecía fascinante. Siempre miraba los making of de muchas cosas, como Piratas del Caribe y X-Men. Me resultaba muy interesante”, relató.

Navarrette no confirmó si en esa charla se discutió un rol específico dentro de X-Men, pero sí subrayó el valor de poder interactuar con creadores de proyectos que le inspiran. “Eso es un lujo que tengo ahora, conocer a diferentes personas, y no todas esas reuniones se convierten en proyectos. A veces solo quieres trabajar con alguien porque te gusta lo que ha hecho”, manifestó. Mystique, una mutante capaz de adoptar cualquier apariencia, es uno de los personajes más icónicos de la saga. La interpretación de Romijn marcó una época, y la propia actriz volverá a encarnar el papel en Vengadores: Doomsday, que cruzará a los X-Men originales con los Vengadores de Marvel Studios. Navarrette expresó su admiración por el legado de Mystique y su deseo de continuar esa tradición. “Crecí viendo los X-Men de los 2000. Ser parte de eso sería un sueño”, afirmó.

De ‘Obsession’ al radar de Hollywood

En la misma entrevista, Navarrette respondió a especulaciones que circulan en redes sociales sobre la posibilidad de que interprete a Felicia Hardy/Black Cat en una futura entrega de Spider-Man. Al respecto, fue tajante: “No sé quién es”, respondió tras enterarse de que los usuarios la han propuesto en ese papel. “Me encanta Spider-Man y disfruto mucho toda la prensa de Tom Holland que está ocurriendo ahora”, agregó, restando valor a los rumores pero dejando claro su apertura a sumarse a cualquier proyecto de Marvel. Navarrette reconoció que estas especulaciones la divierten, aunque no corresponden a ninguna negociación real: “Cada vez que veo algo así, me río, porque obviamente sé la verdad. Pero me encantaría ser parte de Marvel”, reiteró.

El salto de Navarrette al centro de la conversación en Hollywood se dio gracias a su papel como Nikki en Obsession, una película de terror que sorprendió por su éxito comercial: recaudó 459 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de apenas 750 mil dólares. Esta cifra superó a franquicias como Star Wars: The Mandalorian and Grogu, Supergirl y Moana, consolidando a Navarrette como una de las jóvenes actrices más solicitadas del momento. La repercusión de Obsession multiplicó las oportunidades para Navarrette, quien ahora se encuentra en el radar de los grandes estudios y directores de la industria.

Mientras tanto, el reboot de X-Men dirigido por Jake Schreier sigue sin anunciar su elenco completo. Recientemente se confirmó que Samara Weaving dará vida a Emma Frost, personaje que anteriormente interpretó January Jones. La expectativa por conocer al resto del reparto y el posible ingreso de Navarrette a la saga sigue creciendo, alimentada por sus propias declaraciones y el interés que ha generado su meteórico ascenso. Navarrette, por ahora, se mantiene prudente, valorando cada paso y disfrutando del momento. “Es divertido imaginar qué podría pasar en el futuro, pero por ahora solo me alegra poder conocer y aprender de gente tan talentosa”, concluyó.

La negociación entre Warner Bros. y los representantes de Margot Robbie, Ryan Gosling y Greta Gerwig ha sido el mayor obstáculo para el avance de Barbie 2. La directiva, encabezada por el CEO David Zaslav, consideró que la propuesta elaborada para el talento principal era “demasiado generosa” debido a los porcentajes de participación en ganancias ofrecidos si la película alcanzaba determinados objetivos de recaudación. La información, publicada por The New York Times, indica que los representantes del talento rechazaron una oferta formal en mayo y aún no han presentado una contraoferta. Este estancamiento es visto con preocupación dentro del estudio, que ya invirtió recursos para asegurar la continuidad del proyecto, pero hasta ahora no logra avanzar.

Por su parte, un portavoz de Warner Bros. rechazó la versión de que el estudio se negara a negociar. Según la declaración oficial de los copresidentes del estudio, Pam Abdy y Michael De Luca, existe un acuerdo de derechos con Mattel y se han hecho “grandes ofertas” para intentar cerrar el trato de Barbie 2, pero hasta el momento no consiguieron resultados favorables. La situación pone en riesgo la producción de la secuela y podría afectar la relación entre el estudio y los talentos involucrados, considerados piezas clave para replicar el éxito del primer filme. El acuerdo entre Warner Bros. y Mattel establece que el estudio tiene hasta diciembre para asegurar la continuidad de Barbie 2. De no concretar un contrato satisfactorio con Robbie, Gosling y Gerwig, los derechos revertirán automáticamente a Mattel, lo que dificultaría cualquier intento futuro de producir la secuela bajo la misma fórmula.

Warner necesita cerrarlo antes de diciembre

En este contexto, Warner Bros. ha buscado acelerar las conversaciones, consciente de que el plazo es limitado y que la presión por parte de Mattel también influye sobre las negociaciones. La compañía juguetera tiene interés en mantener vivas las adaptaciones cinematográficas de su franquicia más rentable, pero no está dispuesta a ceder indefinidamente los derechos si el proyecto no avanza. En palabras de los directivos de Warner Bros.: “Tenemos un acuerdo de derechos con Mattel y hemos hecho una serie de grandes ofertas para intentar finalizar los acuerdos y realizar la próxima película de Barbie. Lamentablemente, no hemos logrado un acuerdo hasta ahora”.

La falta de avances ha sido atribuida tanto a la postura del estudio como a las demandas del talento. Mientras Warner Bros. sostiene públicamente que su oferta fue rechazada y no hubo una contraoferta, representantes de los actores y la directora han optado por el silencio, sin emitir declaraciones oficiales sobre el estado de las conversaciones. El CEO David Zaslav tomó la decisión de rechazar la propuesta económica presentada al considerar que excedía los márgenes razonables para el estudio, pese al éxito previo de Barbie. La incertidumbre ha llevado a que ninguna de las partes quiera ceder, lo que genera dudas sobre la viabilidad de Barbie 2 en el corto plazo.

El interés por una secuela surge tras el enorme impacto de Barbie en 2023. La película, dirigida por Greta Gerwig y coescrita junto a Noah Baumbach, recaudó $1.500 millones a nivel global, logró ocho nominaciones al Oscar y ganó en la categoría de mejor canción original. Su lanzamiento, junto con Oppenheimer, dio origen al fenómeno cultural conocido como “Barbenheimer”, intensificado por una campaña de marketing masiva y la estética rosa asociada a la franquicia. Desde 2024, se sabe que Gerwig y Baumbach tienen ideas para el desarrollo de Barbie 2. Sin embargo, el futuro del proyecto depende ahora de una resolución favorable en las negociaciones entre Warner Bros. y el equipo creativo original. La continuidad de la saga está en proceso, condicionada por la capacidad del estudio y el talento para alcanzar un acuerdo económico que satisfaga a ambas partes antes de que expire el plazo contractual.

La nueva película de los X-Men en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) comienza a tomar forma con el anuncio del primer fichaje destacado: Samara Weaving interpretará a Emma Frost, una de las figuras más complejas y populares de los cómics de mutantes. La elección de la actriz australiana marca el inicio de la conformación del equipo que protagonizará el esperado reinicio de la franquicia bajo la dirección de Jake Schreier.

Weaving, reconocida por sus papeles recientes en Noche de bodas 2 y Over Your Dead Body, se incorpora así a una producción que busca redefinir la presencia de los X-Men tras la adquisición de los derechos por parte de Disney en 2019. Emma Frost, personaje que en la saga impresa evolucionó de supervillana a heroína, es famosa por sus habilidades telepáticas y su liderazgo en el universo mutante. La noticia sobre el fichaje fue publicada por Variety, aunque los representantes de la actriz y de Marvel no realizaron comentarios oficiales. La confirmación de Weaving como la primera integrante del nuevo elenco pone en marcha la maquinaria promocional de la película, que aún no ha revelado el resto de los actores que darán vida a los icónicos personajes. El papel de Emma Frost es central para la narrativa, ya que la mutante ha sido tanto antagonista como aliada en los cómics, lo que anticipa una interpretación versátil y con potencial de desarrollo en futuras entregas.

La participación de Samara Weaving en el proyecto supone un movimiento significativo para Marvel Studios. La actriz ha ganado notoriedad en los últimos años por su versatilidad en géneros que van desde el terror hasta la comedia negra, con títulos como The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Su incorporación al MCU representa una apuesta por aires renovados y una imagen fresca para el nuevo equipo de mutantes. Weaving dará vida a Emma Frost, un personaje dotado de extraordinarios poderes telepáticos y una personalidad ambigua que ha evolucionado a lo largo de las décadas en el mundo de los cómics. La adaptación de Frost al cine ha sido esperada por los seguidores desde la integración de los X-Men al universo Marvel, ya que su historia se entrelaza con la de otros grandes líderes mutantes.

Los primeros pasos de los nuevos X-Men

La actriz se suma a una larga lista de intérpretes que han dado el salto a las grandes franquicias del cine, y su elección responde a la intención de Marvel de atraer tanto al público fiel como a nuevas audiencias. El anuncio llega en un momento clave para Marvel Studios, que atraviesa una etapa de reconfiguración tras los discretos resultados en taquilla de sus más recientes estrenos, como Capitán América: Nuevo Mundo y Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos. Según lo informado, la compañía busca recuperar el impulso comercial y creativo que la llevó a dominar la industria durante más de una década.

El reinicio de X-Men es una de las apuestas más fuertes del estudio. Con la dirección de Jake Schreier, conocido por su trabajo en Thunderbolts, la productora espera darle un nuevo aire a la franquicia y aprovechar el potencial de los personajes mutantes, que hasta hace poco estaban bajo control de 20th Century Fox. El reciente evento en la Comic-Con sirvió de escenario para la presentación de otros fichajes destacados, como Ryan Gosling en el papel de Ghost Rider y David Jonsson como el nuevo rey de Wakanda para Pantera Negra 3. Estas incorporaciones refuerzan la estrategia de Marvel de renovar sus historias principales y expandir el universo con nuevos rostros.

La integración de los X-Men al MCU también permitirá que personajes clásicos de las películas anteriores tengan presencia en futuros proyectos. Se confirmó que figuras como Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden volverán en Vengadores: Juicio Final, un filme que reunirá a los principales héroes de distintas generaciones. Esta decisión busca conectar la nostalgia de los seguidores con la nueva visión que desarrolla Marvel Studios. Desde la compra de Fox por parte de Disney, la expectativa por ver a los mutantes junto a los Vengadores y otros héroes del MCU ha ido en aumento, y el fichaje de Weaving es el primer paso concreto en esa dirección.

El estreno de Spider-Man: Brand New Day ha traído un gran cambio de aires al personaje, pero no todo es de estreno en la nueva aventura del superhéroe. Si algo ha definido a las distintas encarnaciones cinematográficas de Spider-Man es cómo han usado la música para contar quiénes son Peter Parker, Miles Morales y sus villanos en cada época. La nueva película, con temas que van de TV On The Radio y Tame Impala a Bad Bunny y Chaka Khan, completa un arco que arranca en el rock alternativo de los 2000, pasa por el hip hop de las películas de Miles Morales y llega al pop global y al reguetón que domina la última década.

Angustia millenial y rock de garaje

El primer Spider-Man, el que muchos consideran el original y verdadero, fue el de Tobey Maguire. Su relación con su mejor amigo Harry (James Franco), sus constantes idas y venidas con Mary Jane (Kirsten Dunst) o sus encarnizados enfrentamientos con el Duende Verde o el Doctor Octopus marcaron un antes y un después para toda una generación, pero esa trilogía a cargo de Sam Raimi escondía detrás la banda sonora del nuevo siglo, la de la angustia millenial y el rock garajero que se infiltraron en cada adolescente con la misma velocidad y contundencia que el gen arácnido en las venas de Peter Parker.

Más allá del reconocible tema oriiginal que compuso Danny Elfman para la primera película, estas películas contaron con artistas como Chad Kroeger de Nickelback, Dashboard Confessional, The Killers, Sum 41, The Hives o The Strokes, gran paradigma del rock indie de principios de los 2000 y quienes, como ha hecho ahora el superhéroe, han regresado ahora con un nuevo álbum, Reality Awaits. En la primera entrega de la saga hasta una de las artistas hacía un cameo, Macy Gray, cantando la canción My Nutmeg Phantasy junto a Tom Morello mientras Spidey rescataba a Mary Jane del primer ataque del temible Duende de Willem Dafoe.

El reboot ‘indie’ de Andrew Garfield

Spidey entró en una nueva década y lo hizo con una nueva piel, una nueva novia y sobre todo, una nueva playlist. Andrew Garfield recogía en 2012 el testigo de Tobey Maguire y lo hacía de la mano de Marc Webb, director de la romcom indie de referencia a finales de la década anterior como fue 500 días juntos. No conseguiría que sonasen los Smiths pero sí otras bandas indies como The Shins, quien participaba con su No Way Down. El de Garfield siempre fue un Spider-Man más retraído e introspectivo y de ahí también que saliese un grupo tan íntimo como Coldplay con su Til Kingdom Come, quizá anticipando el trágico destino de Peter y Gwen.

El viaje de este Spider-Man fue breve pero capturó como ninguno la transición que se daría desde el rock y el pop de los 2000 hacia nuevos sonidos. No en vano la segunda entrega, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, cerraría con Alicia Keys, Kendrick Lamar y el tema It’s on again, aunque lo cierto es que no habría ninguna otra aventura. No obstante, quizá el tema más icónico que haya quedado para los fans de este díptico no sea ni rock ni rap, sino Gone, gone, gone de Phillip Phillip, una canción de Stomp and Holler, género cercano al folk que floreció durante estos años gracias a grupos y artistas como The Lumineers, Vance Joy, Of Monsters and Men o Milky Chance, entre otros. Esos tiempos quedaron atrás pero aun pueden escucharse muchas de estas canciones en ciertas caafeterías de especialidad o locales de hamburguesas con bicicletas colgadas en sus paredes de papel pintado.

Miles Morales, un nuevo universo de hip hop y trap

Mientras el nuevo Spider-Man, el de Tom Holland, se iba infiltrando poco a poco en el Universo Cinematográfico Marvel, el gran punto de inflexión musical llegaba con Spider-Man: Un nuevo universo (2018) y sus secuelas, centradas en Miles Morales. Aquí la música deja de ser un acompañamiento para convertirse en un personaje más. Daniel Pemberton firmaría una partitura que mezcla orquesta con beats de hip hop, pero el verdadero cambio lo traen las canciones y, sobre todo, el trabajo de Metro Boomin. En Un nuevo universo, temas como Sunflower de Post Malone y Swae Lee o Familia de Nicki Minaj se convierten en himnos que definen la película. La banda sonora está construida como un álbum de hip hop y trap, con colaboraciones de artistas como Travis Scott, Jaden Smith, Lil Wayne o Juice WRLD. El sonido es urbano, joven, directamente conectado con la cultura de Brooklyn y con la identidad afro-latina de Miles.

Spider-Man: A través del Spider-Verso (2023) llevaría esa idea aún más lejos. Metro Boomin vuelve a producir una banda sonora que funciona como un mixtape de lujo, con temas de Future, Don Toliver, 21 Savage, A$AP Rocky, Nas o Lil Uzi Vert, además de piezas más experimentales y electrónicas. La música ya no solo refleja la generación de Miles, sino que narra su conflicto interno: entre el legado de Peter Parker y su propia voz, entre el deber y la rebeldía. Este giro es fundamental para entender Brand New Day. Las películas de Miles Morales demostraron que Spider-Man podía hablar el lenguaje del hip hop y del trap sin perder su esencia. Abrieron la puerta a que el universo cinematográfico del personaje aceptara el reguetón, el R&B moderno y el pop global como parte natural de su mundo sonoro.

El MCU: mainstream y música ochentera

Con la llegada de Spider-Man al Universo Cinematográfico de Marvel, la banda sonora da otro giro. Michael Giacchino mantiene un leitmotif reconocible, pero las canciones licenciadas se vuelven más mainstream, más “playlist de Spotify”. En Spider-Man: Homecoming (2017), el tono es de comedia de instituto en pleno auge del streaming: hay pop, hip hop ligero y temas que suenan como lo que escucharía un adolescente en 2017, con clásicos como Ramones o Rolling Stones pero también grupos de actualidad como Alt-j o Spoon.

El director Jon Watts, gran fan del cine adolescente de los ochenta, llenaría las siguientes entregas de algún que otro clásico de la época, como I will always love you de Whitney Houston, Vacation de The Go-Go’s o Back in black de AC/DC. Spider-Man: No Way Home reuniría a los Spider-Man de las anteriores entregas y a sus respectivos villanos, y con ellos una banda sonora mucho más ecléctica que pasaría por Talking Heads, Beastie Boys, Sex Pistols o los queridos Ramones, ya seña de identidad del Spidey de Tom Holland.

Un nuevo día para Spider-Man

La nueva película mantiene la idea de que la música define la generación de Peter, pero la lleva a un territorio que ninguna entrega anterior había tocado con tanta claridad: la coexistencia de rock alternativo, R&B, soul clásico y, sobre todo, hip hop y reggaetón en español. Temas como Wolf Like Me de TV On The Radio -cuyo videoclip dirigió irónicamente el director de las anteriores entregas, Jon Watts- conectan directamente con la herencia indie de los años 2000 y 2010. Es el eslabón con The Strokes, Sum41 y esa Nueva York de millenial de Maguire y Garfield, como si hubiera aprendido de ellos mucho más que a ser Spider-Man. Pero en la misma película suenan EoO de Bad Bunny y Dame Tu Amistad de Dominique Patrick Noel, Hector Luis Pagan, Eduardo Padua y Eddie Montalvo, situando a Peter en una ciudad donde el español y el reggaetón son parte natural del paisaje sonoro.

Ese cambio no es solo estético: es demográfico y cultural. El Spider-Man de las primeras películas hablaba el lenguaje del rock anglosajón dominante en la radio comercial. El de Brand New Day habla el lenguaje de una Nueva York real de 2026, donde el hip hop y el reggaetón son la banda sonora de los barrios, del transporte público, de las fiestas, de las redes. Al mismo tiempo, la inclusión de I’m Every Woman de Chaka Khan y St. Elmo’s Fire de Brian Eno introduce un puente con el soul, el funk y el pop de los 70 y 80. Es como si la película dijera: “Peter ya no solo representa a una generación; representa a varias”. Esas canciones funcionan como un contrapunto clásico dentro de un mundo sonoro muy contemporáneo, algo que recuerda a cómo Spider-Man 3 mezclaba el rock con una banda de jazz escolar, pero llevándolo a otra escala.

Loser de Tame Impala, Fire For You de Cannons y Oh yeah? de Steve Lacy cierran el círculo con el indie y el R&B moderno, manteniendo viva la línea que arrancó con The Strokes y TV On The Radio, pero con una producción más pulida. La música de Brand New Day dice que este Spider-Man es, al mismo tiempo, heredero del rock que lo hizo famoso y producto de una era en la que el hip hop y el reguetón son tan centrales como las guitarras lo fueron para sus primeras películas. De Tom Morello y The Strokes a Metro Boomin y Bad Bunny, cada nuevo Spider-Man ha sonado como su tiempo. Y la nueva película, más que reinventar al personaje, lo pone al día: misma máscara, misma ciudad, pero una banda sonora que demuestra que en 2026 todas los géneros pueden convivir en armonía.

La dicotomía entre ser Spider-Man y Peter Parker es el verdadero monstruo que persigue al personaje de Marvel desde su creación de la mano de Stan Lee y el ilustrador Steve Ditko en 1962. La responsabilidad. La soledad. La humanidad. Y por encima, ser buena persona. La tarea de cumplir con el estándar del mítico personaje primero le llegó a Tobey Maguire en el 2002; después a Andrew Garfield, en 2012. Desde hace una década, a Tom Holland, que estrenó este miércoles en España —y desde el viernes en el resto del mundo— Spider-Man: Brand New Day (Sony Pictures Entertainment), la película con la que afronta su desafío más complejo hasta la fecha. Más oscura, sólida y con un mensaje más potente, la cinta aboga por la importancia de pedir ayuda en tiempos donde la soledad se ha convertido en la pandemia de las nuevas generaciones.

Han pasado cuatro años en la ficción, cinco en la vida real —Sony tiene los derechos del personaje siempre y cuando saque una nueva película de Spider-Man al menos una vez cada cinco años y nueve meses— desde que Holland cerró la Home Trilogy. La cuarta entrega recoge las consecuencias del final de la anterior, No Way Home (2021), que reunió por primera vez en pantalla a los tres Spider-Man en uno de los mayores ejercicios de fan service cinematográficos. Ahora Peter Parker está solo, sin amigos y sin novia. Las consecuencias, por más que el protagonista se empeñe, no se las queda solo el superhéroe. “A veces Spider-Man debe hacer lo más difícil, aunque le parta el corazón a Peter Parker”, dice el protagonista en los primeros minutos de la cinta.

Esa premisa marca el tono de una película mucho más madura y oscura que sus tres predecesoras, dirigidas por Jon Watts, pero que encauzaban el futuro del personaje hasta este momento: si en las tres películas anteriores, Peter trataba de encajar entre ser él mismo y el superhéroe, Brand New Day entiende que solo funciona cuando aprende a convivir con ambas. En esta ocasión, Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos) saca a relucir las mejores condiciones del personaje sacado del cómic, con un relato más íntimo salpicado de escenas de una sensibilidad poco habitual en el UCM.

A ello hay que sumarle unas grandilocuentes secuencias de acción —coordinadas por el equipo de especialistas de Jackie Chan— que conviven con un Peter Parker cada vez mas reprimido. El resultado es un veinteañero con síndrome de burnout, dolores de cabeza, ansiedad y una crisis de identidad que termina reflejándose en su propio cuerpo.

Así, Holland, que tiene un don para interpretar personajes simpáticos y bonachones, deja atrás la faceta del joven superhéroe idealista que interpreta desde 2016 para darle la bienvenida a uno mucho más adulto. La maduración del personaje no solo viene precedida por los cinco años de pausa en los que el propio actor ha rebuscado en internet todo lo que los fans pedían mejorar, sino que se ha metido en la sala de guion para supervisar y sugerir ideas. El conjunto da forma a una película más callejera, con intención discursiva y una mejora de la calidad de los personajes que pesan más que cualquier uso que pueda darle el CGI. No es casualidad que Holland pusiera orden en el rodaje después de trabajar con Christopher Nolan en La Odisea: Brand New Day recupera el gusto con unos efectos prácticos que devuelven a la ciudad de Nueva York el protagonismo que siempre debió tener.

El gran refugio de Marvel

Los guionistas, Chris McKenna y Erik Sommers, —los mismos que los de las dos últimas entregas, Lejos de casa (2019) y No Way Home—, repiten con una fórmula que apuesta por la comedia, esta vez, más fina, pero que se nota que ha sido revisada por Justin Kuritzkes, el guionista de la estupenda Challengers (Luca Guadagnino, 2021), protagonizada por Zendaya, MJ.

Precisamente, por MJ y Ned Leeds (Jacob Batalon), este último el ya exmejor amigo del protagonista, pasa el arco central de la crisis del hombre araña. Entre las teorías que leyó Holland estaba la de dar un descanso a ambos personajes y que no salieran en esta cuarta entrega. Bien que ignorase dichas peticiones. Ambos terminan convirtiéndose en el caballo de Troya —irónicamente, teniendo en cuenta que Zendaya y Holland vienen de protagonizar La Odisea, junto con Jon Bernthal— para recordar a Peter que ningún hombre es una isla. Ni siquiera un superhéroe.

En lo interpretativo, Zendaya firma probablemente su mejor trabajo de toda la saga —especialmente en una determinada escena—. Y aunque dispone de menos tiempo en pantalla que en dos de las películas anteriores, su peso dramático es mayor. Batalon, por su parte, recupera la faceta más desenfadada de Ned y aporta un alivio cómico justo. Bernthal, en el papel de Frank Castle, The Punisher, pone el contrapunto más bestia frente al idealismo de Peter. Y cómo no, es el cameo de Florence Pugh en dos secuencias de la cinta la que nos recuerda que esto es el UCM y no solo una película de Spider-Man: los actos de Peter son las consecuencias de próximas películas de los Vengadores. Para bien y para mal.

Con casi dos horas y media de duración, Brand New Day acusa por momentos un metraje excesivo y la necesidad de abrir demasiados frentes para apuntalar el futuro del Universo Cinematográfico de Marvel. Su resolución, no tan novedosa como cabría esperar, bebe de una fórmula muy similar a la propuesta por Thunderbolts* hace más de un año. El camino a seguir, al menos hasta que Holland ceda el testigo, parece estar mucho más cerca de películas como esta que de la obsesión por preparar el próximo gran evento cinematográfico de Marvel.

Su primera temporada llegó una semana como esta hace justo dos años. En pleno verano, sin hacer mucho ruido pero dispuesta a demostrar que, a falta de películas, buenas son las series. Y eso que en 2024 apenas habían pasado dos años del estreno de The Batman, la película que presentó a Robert Pattinson como el nuevo justiciero enmascarado. Dos años después, y sin señales de que Pattinson y el director Matt Reeves vayan a volver pronto, quien no ha fallado ha sido la versión del personaje animada y en la pequeña pantalla.

Hablamos de Batman: El cruzado enmascarado (Caped Crusader), el proyecto creado por Bruce W. Timm y que recupera la versión del icónico superhéroe más original, la apegada a los cómics de detectives de los años 40 y 50 más que al de los universos cinematográficos megalómanos. Timm era uno de los principales responsables de Batman: La serie animada, producción de los años 90 que convivió con otros éxitos animados de la época -y muy anteriores al boom de los superhéroes en el cine- como Spider-Man: La serie animada o X-Men, estrenada también en 1992. La serie no solo serviría para profundizar en el personaje, sino también para descubrir a nuevos como Harley Quinn, que nació de esta producción y posteriormente adquirió una popularidad sin precedentes para ningún otro personaje no nacido del cómic.

Con el mismo espíritu, una animación parecida pero las energías completamente renovadas, la serie renació en 2024 en Amazon Prime Video, después de una larga travesía para encontrar distribució en incluso con el miedo de quedar en algún cajón de Warner entre tantas fusiones y remodelaciones de compañías. No fue así y la serie vio la luz bajo la plataforma de la compañía de Jeff Bezos, en donde se puede ver su nueva temporada desde este mismo viernes 31 de agosto.

Una nueva Robin y el regreso del Joker

En esta nueva temporada, veremos de nuevo a Batman (en la voz de Hamish Linklater) y a personajes clásicos que ya aparecieron en la primera entrega como Alfred, Barbara Gordon o Harley Quinn. Si en aquella primera tanda de episodios los villanos fueron gente como El Pingüino -ahora convertido en mujer, con la voz de Minnie Driver-, Catwoman, Luciérnaga o Dos Caras, en esta la gran novedad será la primera aparición del Joker, del que ya se habían dejado algunas pistas al final de la primera temporada. No será la única gran novedad, ya que también estará la primera Robin en pantalla, Carrie Kelley, personaje que fue introducido en los cómics de El regreso del Caballero oscuro de Frank Miller. Junto a ella, villanos clásicos de Batman como El Sombrerero Loco, el Espantapájaros o Enigma desfilarán por las calles de Gotham, obligando a Bruce Wayne a ser más astuto que nunca.

A la espera del regreso del Batman de Robert Pattinson, que como todo parece va para largo y no verá la luz al menos hasta 2028, todos los fans de Batman están de suerte al poder disfrutar de nuevas aventuras y sus queridos personajes durante estos días de verano. Si Batman: La serie animada fue toda una serie fundacional para una generación entera de jóvenes que desarrolló su pasión por el murciélago, ahora es el turno de una nueva con esta serie que, manteniendo la misma esencia, busca ampliar sus horizontes y reinventar el mito.

La espectacular batalla contra los lestrigones en La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, es uno de los momentos más impactantes del cine reciente. Pero tras la figura del héroe Odiseo, interpretado por Matt Damon, se esconde un hecho poco conocido: quien realmente se enfrenta a los soldados gigantes en muchas de las escenas clave no es el propio Damon, sino la especialista canadiense Devyn Dalton.

Para crear la ilusión de que Odiseo y sus hombres se ven amenazados por gigantes de casi tres metros, el equipo de La Odisea recurrió a una técnica clásica y eficaz: la perspectiva forzada. Los lestrigones fueron interpretados por especialistas que superan los dos metros de altura, mientras que los héroes, en varias secuencias, fueron sustituidos por dobles de menos de metro y medio. En este contexto, la figura de Dalton, que mide 1,37 metros, resultó fundamental para el efecto visual que buscaba Nolan.

Dalton ocupó el lugar de Damon en varios planos durante la batalla, aportando una escala realista y dinámica a la secuencia. Según explicó el propio Damon en el pódcast Happy Sad Confused, muchas imágenes en las que parece estar a punto de ser aplastado por los gigantes fueron rodadas realmente con Dalton frente a los especialistas más altos del reparto. El actor relató cómo, tras finalizar el rodaje de estas escenas, se acercó a Dalton para agradecerle su trabajo y la abrazó. En sus palabras, la especialista tenía “los mejores brazos que he visto en mi vida”.

La magia del cine

Este reconocimiento público de Damon ha puesto en primer plano la labor de los especialistas y, en particular, la de las mujeres en un sector históricamente dominado por hombres. Dalton, de 34 años, ha construido una carrera variada como actriz, doble de acción, artista de captura de movimiento, actriz de voz y bailarina. Lejos de ser una barrera, su estatura se convirtió en una ventaja esencial para lograr el realismo de la secuencia de los lestrigones. Al colocarla frente a intérpretes de estatura mucho mayor, la diferencia de tamaño generaba de manera natural la ilusión de que Odiseo se enfrentaba a titanes.

Dalton define su trabajo como “magia del cine”. En declaraciones a The New York Post, expresó: “Se habla a menudo de los especialistas, pero ¿qué pasa con las especialistas? Ha sido un camino muy largo intentando abrirnos paso”. Su comentario resalta el esfuerzo y la perseverancia de las mujeres que, como ella, han conseguido abrirse camino en una industria donde la imagen y el físico suelen ser una barrera adicional.

La carrera de Dalton comenzó poco después de terminar el instituto, cuando se incorporó al mundo del cine como especialista. Su primera gran oportunidad llegó en 2011 con El origen del planeta de los simios, donde interpretó a Cornelia y se adentró en la captura de movimiento. Posteriormente, participó en La guerra del planeta de los simios como Cornelius y sustituyó a César en escenas puntuales. Su trabajo en franquicias reconocidas como The Last of Us y Godzilla le ha permitido consolidar una reputación sólida en la industria.

El ritmo de vida de un especialista exige una preparación física constante. Dalton explica que siempre debe estar lista para cualquier llamado, ya que a veces la contratación llega con tan solo una semana de antelación. Para La Odisea, intensificó su entrenamiento junto a un preparador físico para reforzar fuerza y habilidades de combate. “Oportunidades como esta surgen después de ganarte la confianza y construir una reputación sólida dentro de la industria. No ocurre de la noche a la mañana. Requiere muchísimo tiempo y he pasado toda mi carrera preparándome para esto”, afirma Dalton.

El reconocimiento de Damon no solo ha visibilizado el trabajo de Dalton, sino también la importancia de reconocer cuerpos femeninos fuertes y poderosos en una industria donde la imagen sigue siendo un obstáculo. Dalton celebra que cada vez se preste más atención al papel de las mujeres especialistas, aunque admite que la batalla por la igualdad y la visibilidad continúa: “Muchas mujeres han abierto puertas, pero sigue siendo una batalla constante. Espero poder seguir allanando el camino”, concluye. La batalla de los lestrigones en La Odisea no solo es un ejemplo de destreza técnica y visual, sino también de cómo el trabajo de una especialista puede transformar la percepción del héroe en pantalla. El cine, en definitiva, sigue encontrando nuevas formas de sorprender al público, muchas veces gracias al talento y la dedicación de quienes rara vez aparecen en primer plano.

La conversación surgió cuando el conductor del pódcast le propuso a Holland pensar en una realidad alternativa donde él nunca hubiera sido elegido para encarnar a Peter Parker y, en su lugar, el protagonista de Dune asumiera el rol en el MCU. Sin dudar, Holland respondió con admiración hacia el actor estadounidense: “Creo que él (Timothée) sería un gran Spider-Man. Creo que aportaría mucha emoción. Sería una versión más introspectiva del personaje, lo cual podría resultar interesante”. También destacó las capacidades emocionales del actor, conocido por su trabajo junto a Zendaya —esposa de Holland— en Dune. Según Holland, “Timothée podría ofrecer una interpretación más contenida y profunda de Peter Parker, distinta a la que los seguidores han visto hasta ahora”.

La charla no quedó ahí. En tono de broma, Holland imaginó las consecuencias de ese hipotético intercambio profesional. Si Chalamet hubiera sido Spider-Man, él mismo podría haber interpretado a Paul Atreides en la adaptación cinematográfica de Dune. “Quizá yo conseguí Dune”, bromeó. “Sería un tipo torpe corriendo por la arena. Aunque, la verdad, sería divertido”. Estas declaraciones de Holland no solo muestran su buen humor, sino también una apertura poco habitual entre grandes figuras de franquicias millonarias para hablar abiertamente sobre alternativas en el reparto. El actor reconoció que un Spider-Man interpretado por Chalamet probablemente sería más reflexivo y sosegado, marcando un contraste con su propia versión, que se caracteriza por la espontaneidad y el dinamismo.

Holland y el futuro de Spider-Man en el MCU

Aunque las especulaciones sobre universos alternativos causaron revuelo, Holland subrayó que su presente sigue ligado a Spider-Man. Actualmente, está enfocado en el próximo capítulo de la saga, Spider-Man: Brand New Day. En la misma conversación, el actor reveló que Marvel Studios ya había previsto, desde la etapa de Spider-Man: No Way Home, la posibilidad de entregar el manto del superhéroe a un nuevo personaje. El propio Holland manifestó interés en participar en la transición del legado de Peter Parker, mencionando en particular la idea de presentar y guiar a nuevas generaciones de héroes, como Miles Morales. No obstante, aclaró que esto no significa un retiro inminente: “Estoy dispuesto a seguir siendo Spider-Man mientras Marvel Studios y Sony lo deseen”, afirmó.

El futuro de Spider-Man parece abierto a múltiples posibilidades dentro del MCU, pero Holland insiste en que la decisión sobre la continuidad del personaje dependerá tanto de la evolución de las historias como de la recepción del público. Por lo pronto, el actor mantiene su compromiso con el superhéroe que lo catapultó a la fama internacional. Más allá del MCU, Holland ya tiene en agenda un nuevo desafío actoral. El británico será el protagonista del biopic sobre Fred Astaire que prepara Sony Pictures, bajo la dirección de Paul King. Según confirmó, una vez que finalice la gira promocional de Spider-Man: Brand New Day, dará inicio a los ensayos de baile necesarios para encarnar al legendario artista.

Con este anuncio, Holland amplía el horizonte de su carrera, mostrando su disposición para asumir papeles diferentes e incluso explorar géneros como el musical. El intérprete ha dejado claro que, pese a su identificación con Spider-Man, busca diversificar su trayectoria en la industria cinematográfica. Por ahora, la expectativa de los seguidores se mantiene tanto en el futuro de Spider-Man como en la evolución personal y profesional de Holland, quien continúa ocupando un lugar central en la conversación sobre el presente y futuro del cine de superhéroes y más allá.

Wonder Man formaba parte del selecto grupo de series enmarcadas en el Universo Cinematográfico Marvel que se estrenaron en Disney+ como contenido original. La mayoría de estas producciones, como WandaVision, The Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye y Moon Knight, fueron planteadas como historias autoconclusivas de una sola temporada. Solo Loki logró obtener una continuidad con una segunda temporada emitida, mientras que WandaVision generó dos derivados: Vision Quest y Agatha All Along. La renovación inicial de Wonder Man destacaba precisamente por ser una excepción a la norma de Marvel Studios en la plataforma. El anuncio llegó apenas dos meses después del estreno, lo que sugería confianza en el potencial del producto y su integración en la narrativa del MCU. Finalmente, esa continuidad no se materializó, y la serie se une a la lista de producciones Marvel que no extienden su historia más allá de la primera tanda de episodios.

Wonder Man fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest, con Cretton encargado de la dirección de los dos primeros episodios, y Guest como showrunner. El elenco estuvo encabezado por Yahya Abdul Mateen II en el papel de Simon Williams, acompañado por Ben Kingsley, quien interpretó a Trevor Slattery. La serie también contó con la participación de X Mayo, Demetrius Grosse, Zlatko Burić, Arian Moayed y Olivia Thirlby. La sinopsis oficial describe a Simon Williams como un aspirante a actor de Hollywood que lucha por consolidar su carrera. Tras un encuentro casual con Trevor Slattery, un actor con sus mejores papeles ya en el pasado, ambos se involucran en la filmación de una nueva versión del filme de superhéroes Wonder Man, dirigida por el legendario Von Kovak. A través de estos personajes, la trama explora la lucha por un papel transformador y ofrece una mirada al funcionamiento interno de la industria del entretenimiento.

Un posible futuro por delante

El estreno de Wonder Man fue recibido con una respuesta positiva por parte de la crítica especializada. El primer y único ciclo consiguió un 91 % de aprobación en Rotten Tomatoes. En su reseña para Variety, Alison Herman destacó la química entre Abdul-Mateen y Kingsley, subrayando el tono entre lo absurdo y lo romántico de sus personajes. Además, Abdul-Mateen logró una nominación al Emmy como mejor actor principal en comedia, convirtiéndose en el único intérprete en recibir una candidatura por proyectos tanto de Marvel como de DC. Disney no publicó datos oficiales de audiencia para Wonder Man. Sin embargo, la serie logró alcanzar la octava posición en el ranking Nielsen de streaming durante la semana de su debut, correspondiente al 26 de enero al 1 de febrero. Posteriormente, salió del top ten en la semana siguiente, sin retornar a las listas de los títulos más vistos.

Según personas con conocimiento de la situación, aunque Wonder Man no continuará como serie, los personajes podrían regresar en futuras producciones del Universo Cinematográfico Marvel. Esta posibilidad mantiene abierta la puerta a nuevas apariciones de Simon Williams, Trevor Slattery y el resto del elenco en próximas historias desarrolladas por el estudio. La cancelación de Wonder Man se suma a la tendencia de Marvel Studios de limitar sus series originales a un solo ciclo, con apenas contadas excepciones. El caso refuerza la estrategia de la empresa de reservar la continuidad para producciones que logran un impacto sobresaliente o que están concebidas desde el inicio como franquicias de largo recorrido.

El mes de agosto arranca y con él llega una nueva oleada de series, tanto el regreso de viejas conocidas como la llegada de nuevas historias y personajes. Ya sea para hacer más llevadero el calor o para aderezar la estancia en la playa o la piscina, estas son las mejores series que llegan este mes a plataformas y que no te puedes perder.

El regreso de dos ya míticas como Ted Lasso o Cien años de soledad, la despedida de algunas como Outer Banks o la llegada de nuevos superhéroes como la esperada Linternas que se podrá ver en HBO. Agosto estará llena de grandes aventuras con las que disfrutar los últimos días del verano.

Cien años de soledad (Netflix, 5 de agosto)

Su primera temporada fue toda una sorpresa, así que en la segunda se espera que Netflix redoble la apuesta. La ambiciosa producción que adapta la colosal novela de Gabriel García Márquez regresa para seguir desarrollando las historias de la emblemática familia Buendia, con una Macondo en el que poco a poco las cosas han cambiado, y la llegada del tren pondrá patas arriba todo.

Ted Lasso (Apple TV y Movistar+, 5 de agosto)

El entrenador favorito de tu entrenador favorito está de vuelta. Y no hablamos de José Mourinho, quien ya se encuentra en el Real Madrid con todo dispuesto para empezar la temporada en el Real Madrid. Hablamos de Ted Lasso, el entrenador más carismático de la ficción y quien vuelve después de unos años alejado del terreno de juego. Lo hará con su club ya mítico, el Richmond, pero con un nuevo y apasionante reto: encargarse de motivar al equipo femenino del club londinense, el cual espera contar con la misma suerte y diversión con la que funcionó durante años el masculino.

Los destrozos (Disney+, 6 de agosto)

Fue una de las grandes novelas de hace un par de años, y era solo cuestión de tiempo que encontrase una adaptación, ya fuese en cine o en serie. Al final, y dado el gran volumen de páginas, ha sido en una miniserie de Disney+ a cargo de Ryan Murphy, el hombre con un sello inconfundible gracias a series como American Horror Story. Murphy, quien recogió el proyecto después de pasar por manos de Luca Guadagnino o Kristofer Borgli, reciente director de El drama, colabora ahora estrechamente con el autor de la novela original, Bret Easton Ellis, en esta historia sobre un joven abriéndose camino en la Los Angeles de los años 80 mientras un asesino en serie anda suelto.

Mi brillante carrera (Netflix, 13 de agosto)

La fiebre de Los Bridgerton llega hasta las costas de Australia, donde se desarrolla una nueva historia de amor entre la alta sociedad. Sybylla es una obstinada campesina que sueña con escribir, pero todo cambia cuando la sociedad espera de ella otra cosa. Tras reencontrarse con Harry, un antiguo conocido y ahora rico pretendiente, en quien al principio verá un obstáculo y después un vehículo para su gran oportunidad de mantenerse independiente y creativa.

Linternas

El universo de DC necesita un nuevo héroe, y en etapa de cambios, nada mejor que darle la oportunidad al que históricamente ha sido de los más poderosos. Linterna Verde, que contó con una fallida adaptación a la gran pantalla de la mano de Ryan Reynolds, vuelve ahora en forma de miniserie para contar sus orígenes y poder integrarlo de una forma mucho más profunda y orgánica en el universo que ya diseña James Gunn junto al Superman de David Corenswet o la Supergirl de Milly Alcock.

Outer Banks (Netflix, 25 de agosto)

Una de las series sobre amistad y aventuras dice adiós después de cinco temporadas. De ella han salido algunos de los actores más cotizados en la actualidad, como Drew Starkey o Madelyn Cline, y por el camino grandes aventuras de estos cazatesoros de la costa de Oakland. En esta última temporada buscarán resolver el mayor misterio hasta la fecha mientras lidian con como la vida los lleva a separar sus caminos.

Materia Oscura (Apple TV y Movistar+, 28 de agosto)

Fue una de las grandes sorpresas de ciencia ficción en 2024, y dos años después regresa con una nueva temporada para seguir indagando en los misterios de los viajes en el tiempo. Jennifer Connelly y Joel Edgerton continúan dando vida a esta pareja embarcada en un peligroso viaje a través de distintos universos.

A lo largo de la historia del cine, es muy habitual que detrás de las mejores películas haya también historias increíbles sobre cómo surgieron. En ocasiones, estas no pasan de felices anécdotas, pero en otras se trata de tragedias, como en el caso de El cazador, el filme de 1978 dirigido por Michael Cimino, cuyo reparto estuvo marcado por la enfermedad terminal del actor John Cazale y la bondad de uno de sus amigos, Robert De Niro.

La historia empieza, en realidad, un año antes. En 1977, como explica el divulgador cultural Mati Rampoldi (@mati.rampoldi) en un vídeo publicado en sus redes sociales, John Cazale fue diagnosticado con cáncer de pulmón. Tanto él como su pareja, la por aquel entonces desconocida actriz Meryl Streep, quedaron devastados, no solo por el carácter terminal de la enfermedad, sino porque ninguno de los dos tenía dinero para pagar un seguro que le permitiera a él “postergar lo inevitable”.

“Al enterarse de esta situación, Robert De Niro, quien había construido una amistad con el actor durante el rodaje de El padrino 2 (Cazale interpreta a Fredo, el hermano de Michael Corleone, mientras De Niro encarna a un joven Vito Corleone), decidió ofrecerle un papel en su próxima película a él y a su novia", explica Rampoldi. “Eso le daría la posibilidad de seguir haciendo lo que amaba y, además, el seguro médico para cubrir el tratamiento”. Esa cinta no sería otra que El cazador, considerada como una de las mejores de la década de los 70.

El ultimátum de Robert De Niro

Como cuenta el divulgador, a los productores de la producción de Cimino “no les gustaba nada la idea de contratar a Cazale porque solamente los gastos del seguro médico iban a ser enormes. De Niro contestó que sin Cazale no iba a hacer la película. Ofreció reducir su salario, firmó un cheque enorme por la cantidad que era requerida para cubrir a un enfermo terminal y acordó que todas las escenas de Cazale se iban a filmar al principio de la película”.

De este modo, gracias a la insistencia de De Niro, Cazale fue contratado para uno de los papeles más importantes del filme, mientras que Meryl Streep obtuvo también trabajo en el mismo, aunque no terminara de convencerle la historia. El actor pudo terminar la producción y falleció poco antes de su estreno, de modo que no pudo comprobar el gran éxito que cosechaba El cazador. La cinta no solo obtuvo cinco premios Oscar, incluyendo el de Mejor película, sino que además acumuló en las taquillas tres veces más de lo que había costado hacerla.

“Además”, concluye Rampoldi, “le dio a Meryl Streep la primera nominación para estos premios y nunca olvidó, obviamente, el gesto que De Niro tuvo para con ellos y forjó una amistad que dura hasta el día de hoy”. Seis años después, ambos intérpretes volverían a cruzar sus caminos en Enamorarse, donde interpretarían a una pareja de casados. Por aquel entonces, sin embargo, ella ya sería una estrella absoluta de Hollywood, tras aparecer en Manhattan, de Woody Allen y, sobre todo, de ganar su primer Oscar en Kramer contra Kramer.

Manolo Solo (Algeciras,1964-Madrid, 2026) ha fallecido a los 62 años enfermo de cáncer, según ha comunicado la Academia del Cine este jueves. Se marcha así uno de los rostros más habituales del cine español; un actor con mil caras que hizo del cine de autor y de género su sello de identidad y que, tras labrarse durante décadas una sólida carrera como secundario, terminó convirtiéndose en protagonista de algunos de los cineastas más prestigiosos del país. Deja tras de sí centenares de títulos, entre ellos El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), Celda 211 (Daniel Monzón, 2009), La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) o Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016), trabajo por el que recibió el Goya al Mejor Actor de Reparto.

Nunca escaso de trabajo, este 2026 estrenó dos títulos: La desconocida, un thriller de Netflix protagonizado por Candela Peña, y A la cara, un drama coprotagonizado junto a Sonia Almarcha, una de las actrices con las que más veces coincidió a lo largo de su carrera. Sin embargo, se le ha quedado pendiente vivir en España el estreno de Aquí, una coproducción portuguesa, francesa y española del director Tiago Guedes que protagonizó junto a Patricia López Arnáiz. La cinta tuvo su estreno en el Festival de Cannes este pasado mes de mayo. Por el momento, en nuestro país todavía no tiene fecha de lanzamiento.

El actor se encontraba en pleno rodaje de de Las vecinas, la nueva serie original de Atresplayer producida por Suma Content, la compañía de Javier Calvo y Javier Ambrossi. El reparto fue anunciado hace apenas nueve días, este pasado 21 de julio. La plataforma confirmó que la ficción estaría encabezada por Ane Gabarain y Nora Navas, a las que acompañan, entre otros, Laura Weissmahr, Ana Rujas, Marian Álvarez, Carlos González, Lorena López, Raquel Pérez, Roger Casamajor y el propio Manolo Solo.

El reparto se confirmó el pasado 21 de julio

La serie toma como punto de partida el enfrentamiento entre dos mujeres, Josefina y Teresa, que viven puerta con puerta y mantienen un conflicto vecinal durante más de una década. La premisa recuerda al célebre caso de las vecinas de Valencia que se hizo viral tras un reportaje de Callejeros en 2007.

Esta ficción creada por Natàlia Boadas y Almudena Monzú es un drama judicial cuyo juicio es, en palabras de sus creadoras, “una lucha por la verdad que acaba preguntándose qué es la verdad”. “Contamos con un gran reparto que ha aceptado el reto de subirse a la montaña rusa emocional que es esta guerra de relatos, donde el campo de batalla es una sala de vistas”, declararon ambas con el anuncio del reparto.

Suma Content ha confirmado que el actor interpretará a un personaje llamado Marcos Lora, aunque todavía se desconoce que rol desempañará. La serie, de seis episodios está “actualmente en fase de producción”. “Lamentamos profundamente el fallecimiento de Manolo Solo. Tuvimos el honor de contar con él para interpretar a Marcos Lora en la serie ‘Las Vecinas’ , actualmente en fase de producción. Te recordaremos siempre”, ha escrito la productora.

Tras varios meses de gira por España, La Oreja de Van Gogh acaba de anunciar su regreso junto a Amaia Montero en los escenarios de Latinoamérica. La banda ha confirmado que llevará su tour Tantas cosas que contar a seis países de la región en marzo de 2027, abriendo una etapa distinta para sus seguidores fuera de España que llevaban, desde que se anunció la vuelta de la cantante, esperando este momento.

La productora Get In ha adelantado que el periplo latinoamericano tendrá su punto de partida en Quito (Ecuador) el 10 de marzo, para luego continuar en Bogotá (Colombia) el 12 de marzo, en Lima (Perú) el 14 de marzo, en Montevideo (Uruguay) el 17 de marzo, en Buenos Aires (Argentina) el 19 de marzo y en Santiago de Chile el 26 de marzo.

Tras agotar entradas en varios recintos de España desde el inicio de la gira el 9 de mayo de 2026 en Bilbao, la formación guipuzcoana ha trabajado en su reencuentro con el público más allá de su propio país, con una propuesta tanto marcada por el regreso de Amaia Montero como por la salida del guitarrista Pablo Benegas.

Un reencuentro con las canciones “más emblemáticas”

El grupo ha destacado la emoción de volver a cruzar el Atlántico, después de una temporada intensa en su país natal. En palabras recogidas por la productora, el tour representa una oportunidad de “reencontrarse con el público latinoamericano y compartir las canciones que han marcado su historia”. La gira Tantas cosas que contar se presenta así como un recorrido por el repertorio clásico del grupo, pero también como una vuelta a unos escenarios y un público que, según la banda, “siempre han mostrado un cariño especial”.

El grupo asegura que la gira será “una celebración de su trayectoria, con espacio para las canciones más emblemáticas y también para las nuevas emociones”. La confirmación de fechas en seis ciudades principales de Sudamérica anticipa una demanda alta de entradas, tras el éxito de ventas en España. En esta nueva etapa, la banda buscará consolidar su vínculo con audiencias que, como reconocen, han sido “parte fundamental del viaje” de La Oreja de Van Gogh.

Los conciertos que quedan en España

Ahora bien, antes de emprender este nuevo viaje juntos, al grupo todavía le queda un largo recorrido en su tour de 2026. Tras su concierto del 1 de agosto en Donostia, el grupo hará un parón de actuaciones durante tres semanas para regresar a Santander el 21 de agosto, para concluir el mes con un concierto en Valladolid el 27. Ya en septiembre, tocará un doble show en Valencia (4 y 5 de septiembre) y en A Coruña (11 y 12 de septiembre). Después, el grupo volverá a Madrid para actuar el 22 y 23 de septiembre.

En otoño, la banda continuará con shows en Zaragoza (9 y 10 de octubre) y en Gran Canaria y Tenerife (23 y 24 de octubre), respectivamente. Volverán al Palau Sant Jordi de Barcelona el 6 y el 7 de noviembre, para después marchar a Pamplona (20 y 21 de noviembre) y dar un tercer y un cuarto concierto en la ciudad condal (26 y 27 de noviembre). Las últimas fechas de la gira serán en Bilbao, el 5 de diciembre, y en Madrid, el 30 de diciembre. Así, será en el Movistar Arena donde La Oreja de Van Gogh dé por concluida la primera etapa del regreso de su vocalista.

Cuando Manolo Solo ganó el Goya a Mejor actor de reparto por Tarde para la ira en 2016, el actor contaba ya con una larga trayectoria tanto en teatro, televisión y cine. Sus inicios fueron con pequeños papeles en series como Compañeros o Cuéntame cómo pasó, y fue en las películas de Cuanto todo esté en orden, Astronautas y, sobre todo, La flaqueza del bolchevique, cuando su rostro se hizo conocido en la gran pantalla.

A partir de ahí se construiría una carrera llena de participaciones menores en éxitos como 7 vírgenes, El laberinto del fauno, Celda 211, Biutiful o La isla mínima. Tal vez por eso, cuando el actor se subió al escenario del Palacio Municipal de Congresos de Madrid para recibir su Goya por la película dirigida por Raúl Arévalo, muchos lo sintireron como un justo reconocimiento a un intérprete que, hasta entonces, solo había recibido una nominación por B justo el año anterior.

“Bueno, vamos a ver, algo habrá que decir, ¿no?”, empezó diciendo nada más recoger el premio. Aquellas palabras ya provocaron las primeras carcajadas del público. El actor, como tantos otros que habían estado en su lugar antes que él, era presa de los nervios. “Estoy emocionado, inclsuo conmocionado. Llevo notando, no sé por qué, porque no soy nada místico ni nada esotérico, el cariño de la gente a través de este personaje”. La voz tan característica de Triana, a quien interpreta en Tarde para la ira, le había generado dudas en un principio, pues temía hacer el ridículo. Fue el director, Raúl Arévalo, quien lo convenció de finalmente caracterizarlo así. Algo que, visto lo visto, fue una gran idea.

Las risas desatadas en el discurso de Manolo Solo y sus “amores imposibles”

Las palabras del actor nacido en Algeciras bien podrían estar entre las más graciosas de la historia del certamen. “Vamos a ver, porque lo voy a hacer fatal”, comenzó aún nervioso. “Tenía tres cracks: Javier Gutiérrez, Javier Pereira y Karra, lo siento”, dijo en referencia al resto de nominados. “Lo siento en parte porque tenéis dos Goyas uno, otro otro y otro otro, y tampoco...”, comentó entre las carcajadas de los asistentes. “Yo llevo muchos años currándomelo y, bueno, tampoco está mal, ¿no? Un poco sobrado quizá por mi parte, quizás“.

Tras esta chanza, el actor se dedicó a darle las gracias a todo el equipo de la película, y haciendo especial hincapié en su mensaje a Raúl Arévalo. Tras lograr encontrarlo entre el público en otro cómico momento, quiso reconocer la libertad que le había dado el actor y cineasta. “Gracias por tirarme por el barranco, porque creías que yo iba a volar y efectivamente las tenía”. En ese momento del discurso, la orquesta comenzó a dar las primeras notas habituales cuando se quiere que el premiado finalice su intervención, pero a Solo todavía le faltaba la mejor parte.

“Se lo dedico a mi familia, a mis amigos, a la gente que me quiere”, empezó a decir cada vez más deprisa mientras sonaba la música. “A mis amores, a mis amores imposibles, a mi padre que murió, que nunca lo conocí, a mi otro padre que también murió y a mi madre que está ahí sentada. Te quiero”. Unas palabras tan chocantes como cómicas que sirvieron de colofón a un discurso que fue respondido con aplausos y vítores para un actor que, esta vez sí, recibió el reconocimiento que se merecía.

A día de hoy, pocos dudan de que las plataformas de streaming han servido para aumentar el número de series y películas que pueden ver en sus televisores. Netlix, HBO Max, Apple TV y compañía han ayudado, incluso, a que títulos que tuvieron o habrían tenido un paso discreto por las salas de cine, tengan un gran éxito en el contenido bajo demanda. Más allá de eso, se ha visto también que estos servicios tienen también la capacidad de rentabilizar al máximo las producciones de sus competidoras.

Tal ha sido el caso de El homenaje, serie que, desde el pasado 23 abril, se había podido ver en Sky Showtime y que, a partir del 31 de julio, podrán disfrutar también los usuarios de Prime Video. Se trata de una gran noticia, dado que ahora, el que fue el último trabajo del actor Eusebio Poncela, conocido por títulos como Arrebato o Martín (Hache) y fallecido en agosto de 2025, tendrá acceso a un público mucho mayor que el que hasta ahora tenía.

Junto a Poncela, en El homenaje destacan otros muchos nombres de actores consagrados. Ángela Molina (Carne trémula), Luis Tosar (Celda 211), Enrique Arce (La casa de papel), Manu Ríos (Élite) y Juana Acosta (Perfectos desconocidos) son algunos de ellos, aunque si hay uno que llame la atención por encima del resto es el de Elsa Pataky. La actriz nacida en Madrid, conocida en todo el mundo por su participación en el universo de Fast & Furious, es una de las protagonistas de la serie, repitiendo en un reparto muy parecido al de una serie estrenada el año anterior, Matices, también disponible en Sky Showtime.

De qué va ‘El homenaje’

La ficción, creada por Sergio Cánovas y Javier Naya (mentes que también estuvieron detrás de Matices) gira en torno a la figura de Adolfo Novak, interpretado por Poncela, un patriarca que decide convocar a su familia y allegados para celebrar su 80 cumpleaños. La premisa inicial de un encuentro festivo se descompone rápidamente, ya que, bajo la apariencia de cordialidad, un suceso inesperado hace que la velada se convierta en un campo de batalla donde décadas de secretos, traiciones y que salen a la luz.

Durante la celebración, la tensión va en aumento y los lazos familiares se ponen a prueba y cada personaje aporta una pieza clave para comprender la magnitud de la crisis que atraviesa a esta poderosa familia. Las lealtades y rivalidades no solo afectan a los Novak, sino que terminan por transformar la relación entre todos los invitado y así, una celebración que en apariencia inocente, se transforma en una noche decisiva para todos los presentes en la que resuena una de las frases más repetidas por Poncela: “El poder no se hereda, se protege”.

Entrevistada por Infobae, Elsa Pataky explicó que que la serie “habla de las vivencias de una familia, y no solo de una con dinero o con poder, sino deproblemas que surgen en todas las familias”. Su marido, el también actor Chris Hemsworth, y sus hijos, Tristan y Sasha, hacen cameos en la serie, una cuestión que la intérprete reconoce como “una coincidencia extraña”. “No solo contamos una historia de familia, sino que, por casualidades de la vida, se ha involucrado gente de nuestra propia familia”.

La filmografía de Manolo Solo, actor fallecido este mismo jueves a los 62 años, destaca por una combinación de papeles secundarios en títulos de gran éxito (El laberinto del fauno, Celda 211, La isla mínima) y otros trabajos con mayor protagonismo en producciones independientes de gran aceptación (Cerrar los ojos, Una quinta portuguesa). Sin embargo, tras su muerte, la lista de películas en las que participó el ganador de un Goya en 2016 todavía está incompleta, ya que algunos de sus últimos proyectos todavía no han pasado por los cines.

Este es el caso de Aquí, una película diririgda por el director portugués Tiago Guedes en la que Manolo Solo tenía el papel protagonista. Esta película se ambienta en un mundo del futuro donde la memoria ha sido borrado y se impone la conformidad. Sin embargo, David, un niño curioso y desafiante, llega como refugiado con su tutor, Simón, para enfrentarse a una sociedad que reprime a los individuos. A medida que David desafía el sistema, Simón e Inés, su supuesta madre, se enfrentan a las complejidades de la paternidad para protegerlo.

La película adapta la famosa trilogía de Jesús escrita por J. M. Coetzee, escritor sudafricano ganador del premio Nobel de Literatura en 2003. Esta comprende los libros La infancia de Jesús, Los días de Jesús en la escuela y La muerte de Jesús, donde puede seguirse el crecimiento del personaje de corte mesiánico hasta su destino inevitable. Aquí adapta el arco completo, razón por la que la película tiene una duración de tres horas y 20 minutos.

Un reparto español con Patricia López Arnaiz y Sergi López

Aquí se trata de la nueva película de Tiago Guedes, uno de los directores con más renombre internacional del cine portugués actual. Este cineasta saltó a la fama sobre todo por la película A Herdade, que fue estrenada en la Sección Oficial del Festival de Venecia y seleccionada por Portugal para los Oscar en 2019. Otros títulos como Restos do Vento o la serie Glória terminaron de consagran a un cineasta que, con su nuevo proyecto, afronta el reto de rodar una película en español.

Y es que, junto a Manolo Solo, aparecen otros intérpretes españoles. Algunos de ellos de gran renombre, como Patricia López Arnaiz, coprotagonista de la película, o Sergi López. Adermás, también figuran otros nomres como Teresa Rabal. Itsaso Arana o Álex Peláez. Todos ellos forman un equipo que trabaja para llevar a buen puerto una adaptación que busca ser fiel a la obra literaria original, y que todavía no tiene fecha de estreno en España debido a su presentación previa en diferentes festivales.

La película se pudo ver por primera vez en la Sección Oficial del Festival de Cannes, más concretamente en la categoría específica de Cannes Première, reservada a cineastas consagrados para presentar obras de autor destacadas fuera de la competición por la Palma de Oro. La proyección, que el Propio Manolo Solo destacó como “emocionante”, contó on la presencia del propio director Tiago Guedes, el productor Paulo Branco, los actores protagonistas y, de forma excecional, del propio autor de las novelas, el Premio Nobel J.M.Coetzee.

El actor Manolo Solo ha fallecido este jueves a los 62 años a causa de un cáncer. La noticia ha sido recibida con una gran pena en el mundo cinematográfico, donde el intérprete ganador de un Goya en 2016 era muy querido. Por parte de los espectadores, su rostro también les era muy familiar después de aparecer en papeles secundarios en éxitos como Celda 211 o El laberinto del fauno.

Sin embargo, a pesar de contar con una trayectoria que destaca en su mayoría por papeles breves, Solo demostró también una gran capacidad para tener personajes de más peso en las historias, de modo que en Infobae España hemos querido recordar algunas de las mejores películas en las que trabajó. El resultado es una lista ideal para todos aquellos que quieran recordar al actor viendo algunos de sus trabajos más reconocidos.

Tarde para la ira

La película con la que Manolo Solo ganaría el Goya a Mejor actor de reparto fue la del debut como director de otro conocido intérprete del cine español: Raúl Arévalo. Tarde para la ira es un thriller de venganza en el que un exconvicto que desea empezar una nueva vida se ve envuelto en un meticuloso plan de alguien que lleva años esperando el momento para hacerles pagar a él y a sus socios el daño que provocaron antes de su arresto. La aparición de Manolo Solo como Triana, un hombre de los bajos fondos, es tan breve como memorable, hasta el punto de ser premiado por él.

El buen patrón

Si pensamos en El buen patrón lo más probable es que pensemos en nombres como Javier Bardem, su protagonista indiscutible, o Fernando León de Aranoa, su director. Sin embargo, en la película que batió el récord de nominaciones en los Goya (logró un hito histórico al alcanzar las 20 candidaturas) también destaca Manolo Solo en el papel de Fidel Miralles, mano derecha del patrón de la fábrica que, pese a haber sido siempre un trabajador ejemplar, atraviesa una severa crisis matrimonial que le afecta en su desempeño.

Cerrar los ojos

Uno de los papeles protagonistas del actor es en Cerrar los ojos. Esta película supuso el regreso del director Víctor Erice 40 años después de su último largometraje en solitario. La espera valió la pena, con una conmovedora historia donde vemos a Manolo Solo interpretar a un director en busca de un actor con el que trabajó y con el que desarrolló una íntima amistad, interpretado por José Coronado). Este último ganó el único Goya que se llevó la película tras obtener nueve nominaciones, entre ellas la de Mejor actor protagonista para Solo.

Una quinta portuguesa

Esta fue una de las últimas apariciones de Manolo Solo en una película. En ella, asistimos a una familia española que, tras heredar una antigua propiedad agrícola en Portugal, inician un viaje melancólico y revelador en el que rehabilitar la finca empieza a transformar sus vidas y su relación entre ellos. El actor interpreta a Fernando, patriarca y pilar dramático sobre el que se apoya buena parte de la historia. A su lado está, por cierto, María Medeiros, actriz portuguesa conocida por su papel en películas como Pulp Fiction, Airbag o Mi vida sin mí.

Anatomía de un instante

Aquí hacemos un poco de trampa, porque Anatomía de un instante es una serie. No obstante, no podíamos despedirnos sin uno de los últimos grandes trabajos de Solo interpretando nada más y nada menos que al general Gutiérrez Mellado, personaje mítico de la Transición y el golpe de Estado del 23-F. La serie, inspirada en el libro de Javier Cercas y una de las más aclamadas de 2025, sigue los pasos de algunos de los principales implicados de este evento. Solo dota al personaje de un enorme porte, dignidad y firmeza institucional, reflejando a la perfección el valor físico y moral de un hombre mayor frente a la violencia irracional de las armas.

Zendaya atraviesa días de especial relevancia en el mundo del espectáculo. En medio de la promoción de Spider-Man: Brand New Day, la nueva entrega del universo Marvel que protagoniza junto a Tom Holland, la actriz se toma un respiro para mirar hacia atrás y recordar uno de sus trabajos más recientes: su colaboración con Rosalía en la tercera temporada de la serie Euphoria (HBO Max). Aunque la atención mediática se centra en el esperado estreno cinematográfico, la presencia de la artista española en la pantalla chica junto a Zendaya captó la mirada de la audiencia por la intensidad de sus escenas compartidas.

La participación de Rosalía, reconocida por su trayectoria musical, marcó su debut en la actuación con el personaje de Magick, una bailarina nocturna en un entorno criminal. Zendaya, como protagonista de Euphoria en el papel de Rue Bennet, compartió varias escenas con la cantante. En diálogo con la revista Fotogramas, la actriz estadounidense ofreció detalles de ese proceso creativo y resaltó el profesionalismo de Rosalía frente a los desafíos del guion. “Rosalía es una artista con un talento increíble y, además, una persona encantadora”, subrayó Zendaya al recordar la dinámica durante el rodaje. Uno de los momentos más comentados por la prensa especializada y por los seguidores de la serie fue la discusión entre ambas artistas en una escena de alta carga dramática. Según Zendaya, la exigencia interpretativa era elevada, pero el trabajo en equipo facilitó el desarrollo de la secuencia. “Aunque tuviera que insultarme en español, tengo que admitir que me encantó compartir escenas con ella”, confesó la actriz.

La dinámica en el set fue fluida, a pesar de que los roles exigían momentos de enfrentamiento directo. Zendaya explicó que la tensión que se vivía en la ficción no trasladó conflictos fuera de cámara. “Creo que incluso le daba un poco de pena hacerlo, pero yo le decía: ‘no me lo voy a tomar como algo personal, vamos, dime todo lo que tengas que decirme’”, relató la protagonista. De este modo, Zendaya buscó transmitir confianza a Rosalía para que pudiera desenvolverse con naturalidad en situaciones de conflicto dramático, ayudando así a que la cantante se sintiera cómoda interpretando escenas que requerían hostilidad.

El salto actoral de Rosalía y su impacto global

La presencia de Rosalía en Euphoria no solo supuso un reto personal para ella, sino que también fue vista por Zendaya como un fenómeno cultural de alcance internacional. La actriz estadounidense reflexionó sobre la repercusión de la española y la comparó con la de los ídolos pop y con la propia figura de Spider-Man. “Ver lo que representa para tanta gente... En cierto modo es una estrella del pop. Tiene una relevancia cultural global muy parecida a la que puede tener una artista como Rosalía e influye en muchísimas personas”, afirmó Zendaya. Este reconocimiento cobra especial sentido considerando que Rosalía ha consolidado una carrera musical de éxito antes de incursionar en la actuación. La artista española suma así un nuevo logro a su trayectoria, mientras expande su influencia en otros ámbitos del entretenimiento.

Mientras Zendaya sigue disfrutando con el estreno de Spider-Man: Brand New Day, la actriz no pierde de vista los logros de sus colegas. En sus declaraciones, también destacó la evolución profesional de Tom Holland, su coprotagonista en la saga del superhéroe. Zendaya valoró la mirada personal y madura que Holland aportó a esta nueva entrega, así como las ideas técnicas que influyeron en el resultado final del filme dirigido por Destin Daniel Cretton. Aun así, siempre podrá decir que compartió pantalla con la cantante y lo que es más importante, puede decir que la ha insultado sin consecuencias.

El actor Manolo Solo ha fallecido a los 62 años de edad, según ha confirmado la Academia del Cine español. Uno de los grandes rostros del cine español desde hace años, el de Algeciras contaba con un Premio Goya a mejor interpretación por Tarde para la ira, la ópera prima como director del también actor Raúl Arévalo, en la que era la segunda nominación para el andaluz. Con su fallecimiento, el cine español pierde a uno de sus grandes talentos y, sobre todo, a una gran persona ampliamente querida y respetada en el gremio de actores y en toda la industria del audiovisual en nuestro país.

Nacido como Manuel Jesús Fernández Serrano en Algeciras (Cádiz) en 1964, se crio en Los Barrios hasta los seis años y después se trasladó con su familia a Sevilla. Se licenció en Ciencias de la Educación por la Universidad de Sevilla, aunque nunca llegó a dedicarse a la pedagogía. Su vocación interpretativa surgió desde joven; tras formarse en el Instituto de Teatro de Sevilla, debutó como actor teatral en 1989 y comenzó a trabajar en televisión antes de dar el salto al largometraje.

Su nombre artístico, “Solo”, lo adoptó en su juventud, cuando tocaba en grupos de rock and roll, como una forma de “hacer bandera de la soledad” tras quedarse huérfano de padre siendo niño. “De niño, mi pasión era ser actor, pero no encontraba el eco necesario, ni en los profesores ni en los compañeros. Sin embargo di con gente apasionada por el rock. Fui rockero antes que fraile”, contaría en una entrevista. Lo que ese pequeño no sabía es que estaba a punto de convertirse en una gran estrella, pero del cine español.

El actor de las mil caras

Su debut en el cine llegó en 2002 con Todo en lugar, pero pronto se convirtió en un rostro habitual del cine español de autor y de género. Ha participado en más de un centenar de proyectos audiovisuales, incluidos títulos tan emblemáticos como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), Celda 211 (Daniel Monzón, 2009), La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) o Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Precisamente por esta última obtuvo el Goya al Mejor Actor de Reparto en 2017, además de un Feroz y un premio de la Unión de Actores. También fue nominado al Goya por B, la película (2015) y ha recibido otros galardones, como el Premio Talento Andaluz en el Festival de Málaga o el AISGE.

En televisión ha intervenido en series como Hospital Central, Aída, El Ministerio del Tiempo, La Peste o 30 monedas, donde ha demostrado su capacidad para encarnar personajes complejos y ambivalentes. Paralelamente, mantiene una sólida presencia en teatro y ha trabajado como actor y director de doblaje. En años recientes ha protagonizado películas como Una quinta portuguesa (2025), por la que estuvo nuevamente nominado al Goya, o la serie Anatomía de un instante, en la que daba vida al miitar y exministro de defensa Manuel Gutiérrez Mellado.

Por primera vez desde que Tom Holland, un nuevo director se ha hecho con los mandos de la saga. Las tres primeras entregas, desde Spider-Man: Homecoming hasta Spider-Man: No Way Home pasando por Lejos de casa, habían estado dirigidas por Jon Watts. Hombre fuerte en la casa Marvel y encargado de todo lo relacionado con Spider-Man desde hace años, Watts fue relevado para este nuevo proyecto por Destin Daniel Cretton, director habitual del circuito de cine independiente estadounidense y quien dio el salto en Marvel de la mano de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Su buen hacer en aquella película le valdría encargarse de esta nueva aventura del superhéroe encarnado por Tom Holland, en la que impreso todo el corazón y energía que poseían sus anteriores trabajos. No solo Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, sino especialmente sus primeras películas, más centradas en el aspecto emocional que en las escenas puramente de acción.

Una de esas primeras películas, la que le puso en el mapa en gran medida, fue Las vidas de Grace (Short Term 12, 2013), escrita y dirigida por el propio Cretton y encabezada por Brie Larson, con la que ha colaborado habitualmente hasta llegar precisamente a Spider-Man: Brand New Day en la que ha tenido que prescindir de sus servicios a pesar de estar también integrada en el Universo Cinematográfico Marvel. Se podría decir que buena parte del mérito de ello tiene que ver con la gran interpretación que Larson hizo en esta película, pero no fue la única en un filme que puede verse actualmente en plataformas como Movistar+ o Filmin.

Una cantera de grandes actores

Las vidas de Grace relata la historia de Grace, una joven que trabaja como supervisora en el centro de menores Short Term 12, un lugar para adolescentes en estado de precariedad. Aunque Grace es una persona apasionada y entregada a su trabajo, no todos los chicos del centro son igual de buenos con ellas, y tiene que hallar la forma de conectar con ellos mientras lidia con los fantasmas de su propio pasado. Con la llegada de una nueva joven a Short Term 12, Grace comenzará a indagar en sus traumas como manera de recuperar la ilusión en su trabajo y su vida.

Además de Larson, quien da vida a la divertida y empática Grace, la película cuenta con una camada de jóvenes estrellas, muchos de ellos desconocidos por aquel entonces, demostrando así el buen ojo de Destin Cretton. La joven nueva en el centro está interpretada pro Kaitlyn Dever, a quien posteriormente hemos visto en Super empollonas, Nadie te salvará o las series Creedme y The last of Us. También estaba un joven Rami Malek antes de ganar el Oscar por Bohemian Rhapsody o ser villano Bond en Sin tiempo para morir. Incluso Lakeith Stanfield, al que recordarán todos los que hayan visto la magnífica serie Atlanta y películas como Diamantes en bruto, Déjame salir o Puñales por la espalda. En definitiva, un elenco llamado a tocar el cielo que aquí desplegó todo su buen corazón, el mismo que ahora ha trasladado Destin Cretton al universo Spider-Man.

En ese instante, McKellen manifestó su entusiasmo y respaldo con una frase breve y contundente: “Maravilloso… y te lo mereces”. Mackie agradeció el gesto, resaltando la generosidad del veterano actor. La noticia de que Anthony Mackie porta el escudo como el nuevo Capitán América en Vengadores: Doomsday consolida la transición del personaje dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). Este hecho se dio a conocer públicamente durante el rodaje, sorprendiendo incluso a algunos miembros del elenco. Vengadores: Doomsday reúne a figuras destacadas tanto del MCU como de las películas de X-Men. Ian McKellen retoma su emblemático papel de Magneto, personaje que ha interpretado en varias entregas de la saga mutante. En esta nueva producción, Magneto se suma a una alianza inédita de héroes y villanos.

El reparto incluye a Chris Evans, Chris Hemsworth, Danny Ramirez, Sebastian Stan, Paul Rudd, Tom Hiddleston, Letitia Wright, Winston Duke, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Simu Liu, Florence Pugh, Lewis Pullman y Robert Downey Jr., entre otros. También participan antiguos compañeros de McKellen en X-Men, como Patrick Stewart, James Marsden, Kelsey Grammer, Alan Cumming y Rebecca Romijn. La integración de personajes de diferentes franquicias responde a la magnitud del conflicto que aborda la película, en la que los héroes deben unir fuerzas ante una amenaza global.

Magneto toma el mando

Durante una aparición en un festival de cine en Roma, Ian McKellen compartió una experiencia particular vivida durante el rodaje de Vengadores: Doomsday. Según relató, los directores Joe y Anthony Russo le pidieron que mostrara mayor furia en una escena en la que Magneto utiliza sus poderes magnéticos. McKellen explicó que necesitaba una motivación para interpretar el odio que requería el momento. Su solución fue imaginar que destruía la mansión Mar-a-Lago, propiedad de Donald Trump, para dar realismo a su interpretación. “Me pidieron que pareciera odiar lo que destruía. Así que me planté y grité: ‘¡Mar-a-Lago!’”, detalló el actor británico.

Esta anécdota ilustra el ambiente distendido y creativo que predominó durante la filmación, así como la libertad que los directores otorgaron al elenco para encontrar inspiración en la construcción de sus personajes. Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre, presentará un enfrentamiento sin precedentes entre los héroes más poderosos del universo Marvel y el villano Doctor Doom. En un giro notable, Robert Downey Jr. interpreta a Doctor Doom, alejándose de su icónica encarnación de Tony Stark.

La película propone una alianza masiva para combatir la amenaza que representa Doom, integrando a personajes de diversas franquicias y líneas argumentales. La inclusión de figuras históricas de X-Men y la entrega del manto de Capitán América a Anthony Mackie marcan hitos relevantes en la narrativa del MCU. La interacción entre Ian McKellen y Anthony Mackie en el set, y la aprobación espontánea del primero, subrayan el impacto simbólico de este relevo. El gesto de McKellen, al descubrir el nuevo rol de Mackie, se ha convertido en un ejemplo de reconocimiento entre generaciones de actores y personajes en el universo Marvel.

La autora Joyce Carol Oates, reconocida por obras como Blonde, salió en defensa de la película La Odisea dirigida por Christopher Nolan tras una reseña negativa firmada por la traductora Emily Wilson. En declaraciones publicadas en X, Oates cuestionó el tono y el contenido del texto de Wilson, a quien acusó de utilizar “el lenguaje burdo de la gente de MAGA” y de no mostrar el respeto que debería tener una traductora hacia otras interpretaciones de los clásicos.

La polémica se originó cuando Wilson, autora de una aclamada traducción al inglés de La Odisea en 2017, publicó en la London Review of Books una crítica demoledora sobre la versión cinematográfica de Nolan. En su análisis, Wilson sostuvo que la película carecía de “profundidad psicológica, emocional, política y ética” y afirmó que no aportaba “nada convincente”. Este enfoque rigorista provocó la reacción de Oates, quien consideró que la traductora, por su vínculo con el texto original y su labor, debería entablar el debate con mayor consideración hacia quienes “actúan de buena fe”.

En la reseña, Wilson no escatimó adjetivos para describir lo que considera las carencias de la película. Según ella, La Odisea de Nolan presenta su “habitual combinación de grandilocuencia y superficialidad”, con una visión “demasiado confusa” y personajes “poco desarrollados” que no logran sostener la promesa de abordar grandes ideas. Wilson expresó: “Esperaba que la afinidad de Nolan con estos temas homéricos le llevara a nuevas alturas creativas y le permitiera crear personajes más creíbles. Pero la visión de la película es demasiado confusa, sus personajes demasiado poco desarrollados, para cumplir lo que medio promete en términos de grandes ideas, aunque es muy eficaz transmitiendo grandes explosiones y grandes gigantes”.

La traductora añadió que la calidad de los diálogos es “abismal”, que los personajes no tienen una motivación convincente para sus acciones o palabras y que, además, “no hay escenas de sexo y toda la comida tiene un aspecto horrible”. Estas afirmaciones generaron rápidamente debate en redes sociales y entre críticos, abriendo un intercambio sobre los límites de la adaptación cinematográfica de textos clásicos.

“La gente de MAGA”

Frente a la repercusión de la reseña, Joyce Carol Oates utilizó su cuenta en X para expresar su desacuerdo y defender la película de Nolan. Oates escribió que, en lugar de diferir de manera colegiada sobre las interpretaciones de Homero, Wilson recurre a “un lenguaje burdo” similar al empleado por “la gente de MAGA” para atacar a quienes tienen ideas distintas. La autora lamentó la falta de respeto y consideró que, precisamente por su papel de traductora —alguien “al servicio de un texto”—, Wilson debería ser “más considerada y respetuosa con los demás que también actúan de buena fe, tal como ella afirma”. La intervención de Oates pone en primer plano la tensión entre el trabajo de adaptación y el de traducción. Para la autora, el debate en torno a La Odisea no puede dirimirse recurriendo a descalificaciones personales o a un lenguaje que polariza, sino a partir del reconocimiento de la pluralidad de enfoques posibles sobre los textos clásicos.

Antes de la controversia, Christopher Nolan había manifestado admiración por el trabajo de Emily Wilson. En declaraciones a la revista Empire, el director reconoció que utilizó el inicio de la traducción de Wilson —“Háblame de un hombre complicado”— como referencia principal para elaborar el personaje de Odiseo, interpretado por Matt Damon. Este gesto evidenciaba la influencia que la visión de Wilson tuvo sobre el proceso creativo de Nolan, al menos en una etapa inicial del proyecto. El episodio actual contrasta con ese reconocimiento previo y revela la complejidad de los vínculos entre creadores y traductores en la reelaboración contemporánea de los mitos antiguos. El cruce de declaraciones entre Oates y Wilson pone en cuestión cómo se establecen los límites del respeto y la crítica en el ámbito cultural.

El enfrentamiento público entre Oates y Wilson refleja un debate más amplio sobre el modo en que las obras clásicas como La Odisea pueden ser reinterpretadas en el cine y la literatura contemporánea. Para algunos, la fidelidad al texto original es prioritaria y cualquier desviación corre el riesgo de banalizar la obra. Para otros, la adaptación supone necesariamente una transformación que abre nuevas lecturas y diálogos con el presente. La defensa hecha por Joyce Carol Oates y la reseña de Emily Wilson ponen de manifiesto que los clásicos siguen siendo terreno de disputa y que su vigencia está sujeta tanto a la riqueza de las interpretaciones como a la intensidad de las polémicas actuales.

Dicen que a Christopher Nolan, quien anda estos días acaparando todos los focos por el estreno de la aclamada La Odisea, le encantaría hacer una película sobre James Bond, el agente 007. Denis Villeneuve parece haberse quedado con ese sueño por el momento, pero lo que quizá ninguno de los dos sepa es que el año pasado ya se estrenó una de las mejores películas jamás hechas en torno a un espía como él. La misma que por fin ha llegado a plataformas para que puedan disfrutarla todos, ya que no contó con estreno comercial en salas.

Hablamos de Reflejo en un diamante muerto, una película tan extraña como atrevida y diferente, que pasó por el Festival de Berlín y que en nuestro país tuvo una gran acogida en el Festival de Sitges, donde se llevó el Premio de la crítica, o en el festival Rizoma de Madrid. Allá por donde pasó asombró y ahora podrá hacer lo mismo desde las casas de todo el mundo, ya que la película acaba de llegar a plataformas de la mano de Movistar+. Es de esas películas que hay que buscar para encontrar, pero que con ver unos minutos uno se da cuenta de que esta ante algo diferente.

¿De qué va Reflejo de un diamante muerto? Es algo complicado de explicar, pero podría resumirse de la siguiente manera. John (Fabio Testi) es un hombre de setenta años que pasa sus días en un resort prácticamente vacío en la Costa Azul. Prácticamente vacío porque una mujer merodea por sus habitaciones, una con la que, sin saberlo pero intuyéndolo, John guarda una gran conexión. El hombre, que en otra vida fue un agente secreto, comienza a indagar en su memoria para entender qué relación tiene con aquella mujer y cómo ha podido acabar como lo ha hecho, en un resort que le es extrañamente familiar. Ahí comienza la historia del otro John (Yannick Renier), el que fue el mejor espía de su generación en la Riviera de los años 60.

Un brillante juego de espejos lleno de texturas y colores

Incapaz de distinguir entre la realidad en la ficción, entre el recuerdo y la pura imaginación, el protagonista de Reflejo en un diamante muerto se sumerge en un juego de espejos al mismo tiempo que el espectador, quien encontrará una historia tan disparatada e imposible de seguir como para placentera en todos los sentidos de la palabra. Dirigida por el dúo belga Hélène Cattet y Bruno Forzani (Amer, El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo), la película es toda una apuesta por la sinestesia, provocando un juego de colores, texturas e incluso olores que harán que la inmersión en la historia sea total aunque por momentos pueda parecer un delirio. Y en gran medida lo es.

Contando con la aparición especial de María de Medeiros (Pulp fiction), a quien nuestro cine también ha visto recientemente con otra película sobre la identidad como Una quinta portuguesa, la película despliega una serie de efectos visuales prácticos que harían la envidia del mismísimo Nolan. Una narración de lo más particular en la que la imagen siempre va por delante del texto y en la que Cattet y Forzani recurren al humor y a lo meta -con sus guiños tanto a las películas de espías como al cine de género italiano de los 60 y 70- para buscar la complicidad del espectador.

A la espera de que Villeneuve encuentra a su James Bond o que Nolan se decida por su siguiente película tras el éxito de La Odisea, uno puede encontrar la mejor película no oficial de James Bond de los últimos años en esta Reflejo en un diamante muerto, una película que si bien no pasó por cines ahora obtiene la oportunidad de demostrar lo que merece la pena en el streaming, siendo los usuarios de Movistar+ los primeros en descubrir que aun se pueden hacer películas con grandes colores y texturas, con una narrativa distinta y, en definitiva, con la capacidad de sorprender plano a plano, aunque sea con historias o personajes que resulten extrañamente familiares.

Si alguna vez has escuchado la frase: “Siempre nos quedará París”, entonces, consciente o inconscientemente, ya has estado en el mundo de Casablanca. La película de Michael Curtiz, que narra el romance entre los examantes Rick e Ilsa en la ciudad marroquí, a la que llegaba gente de todas partes huyendo del nazismo en plena Segunda Guerra Mundial, es todo un clásico de la historia del cine y dejó para la posteridad esta y otras sentencias.

Más de 80 años después de su estreno, sigue siendo un título muy atractivo para ver. Prueba de ello ha sido su exitoso paso por HBO Max, plataforma de la que, sin embargo, desaparecerá a partir del próximo 31 de julio. Por eso, desde Infobae no hemos querido dejar de recomendar esta obra maestra que combina drama, romance, sátira y tensión política en una fórmula que cambió la historia del cine.

Y es que la película, que se pensó como “un trabajo más” para Hollywood, superó las limitaciones y la apatía inicial para convertirse en un referente capaz de emocionar a varias generaciones. ¿Las razones? Tal vez la brillantez de un guion en muchas partes improvisado durante el mismo rodaje, o la química entre dos intérpretes (Humphrey Bogart e Ingrid Bergman) destinados al Olimpo de Hollywood, o esa genial combinación de temáticas que capturó el miedo, o puede que la esperanza y la tragedia del mayor conflicto bélico en el que se ha visto la humanidad.

Cómo se hizo ‘Casablanca’

En las primeras semanas de 1942, Warner Bros. adquirió los derechos de una obra teatral inédita titulada Everybody Comes to Rick’s. El guion, con un Rick dueño de un café en una ciudad bajo dominio nazi y de la Francia de Vichy, pasó por las manos de hasta seis personas diferentes. Dada su ambientación, el productor Hall B. Wallis dirigió el proyecto con el objetivo de repetir el éxito de otras películas como Argel (1938), pero con menos ambición y opulencia, apostando por el blanco y negro y un tono cínico.

Dadas las limitaciones, el filme se rodó casi en orden cronológico, no por elección artística sino por necesidad: el guion se reescribía cada noche, lo que obligó a terminar algunas jornadas sin saber cómo seguiría la historia al día siguiente. El propio Julius Epstein, uno de los guionistas, describió el proceso como “lanzar un rompecabezas al aire cuando se trataba de que todas las piezas encajaran”. Curiosamente, el final no lo elegirían como tal los guionistas.

Por otra parte, los actores también sufrieron el proceso. Humphrey Bogart lidiaba con los celos y la hostilidad de su esposa Mayo Methot, frecuente visitante del set. En el caso de Ingrid Bergman, que ni siquiera se sentía atraída al principio por el proyecto y acabó eligiéndolo por descarte, se encontró con una producción que le impedía prepararse bien el personaje, dados los constantes cambios de guion. En Casablanca hay un triángulo amoroso entre Rick, Ilsa y el marido de esta, Victor Laszlo. Confundida, Bergman le preguntó un día a Curtiz a cuál de los dos amaba realmente su personaje. “A los dos”, contestó tajante el director.

Por fortuna para ella, el final sí parecía estar claro gracias al Código Hays: un estricto conjunto de normas de autocensura moral que rigió a la industria cinematográfica de Hollywood entre 1934 y 1968 y que exigía normas de autocensura moral a la industria cinematográfica de Hollywood entre 1934 y 1968. Ideado por Will H. Hays, exigía que las películas no ridiculizaran la ley, mostraran el triunfo del bien sobre el mal y evitaran desnudos, besos apasionados, lenguaje soez o referencias a la homosexualidad. En otras palabras, en ningún momento se contempló que los amantes acabaran juntos.

“Es la quintaesencia de las producciones de la época de los estudios”

Pese al caos que supuso la producción de Casablanca, esta resultó ser un éxito inmediato. Ganó el Oscar a mejor película, guion y dirección, y se ubicó entre las más taquilleras de su año. Más allá de estos logros, la cinta pasó a formar parte de la cultura colectiva. Como explica una reseña en el periódico británico The Telegraph: “Es la quintaesencia de las producciones de la época de los estudios: una obra en la que elementos convencionales y un material de partida poco prometedor (una obra de teatro nunca representada) se fusionaron misteriosamente para dar lugar a un clásico”.

Así, a pesar del tiempo que ha pasado desde su estreno, Casablanca sigue ganando adeptos en su paso por los catálogos de las plataformas de streaming. Además de en HBO Max, puede verse en Filmin y Movistar Plus. En cualquiera de estas, pues, puede volver a escuchar a Humphrey Bogart decir aquello de que “siempre nos quedará París” y ver cómo un avión levanta el vuelo con una historia de amor que no volverá jamás, pero que se quedará eternamente con nosotros en forma de película.

El fallecimiento de Glen Hansard ha sacudido con fuerza el mundo de la música. El cantante irlandés, ganador de un premio Oscar por la banda sonora de Once y socio en el escenario de figuras como Eddie Vedder o Bob Dylan, ha muerto a los 56 años en un accidente de moto. Tras saberse la noticia, son muchos los que han recordado la especial relación que el músico tenía con España, país en el que tuvo la experiencia “más intensa” de su vida.

El cariño que Glen Hansard sentía por España no solo se forjó sobre los escenarios: quedó grabado a remo y guitarra en una travesía de 2.500 kilómetros que marcó su vida. El músico irlandés, junto a tres amigos (“un grupo de chiflados”), partió desde Dublín en una embarcación tradicional irlandesa hecha por sus propias manos rumbo a la península ibérica para hacer el Camino de Santiago. Su objetivo era seguir una ruta que, según estudiosos de la tradición celta, recorrían los antiguos peregrinos desde Irlanda hasta Galicia.

Su viaje a Galicia en una barca tradicional irlandesa

La expedición, inmortalizada en el documental The Camino Voyage (disponible por compra o alquiler en Apple TV), se desarrolló en etapas: primero hasta Inglaterra y Francia, luego el exigente cruce del golfo de Vizcaya, y finalmente la ansiada llegada a los puertos del norte de España. Hansard recordaba en una entrevista para La Voz de Galicia: “Éramos simplemente cuatro tíos en un bote sin dinero, sin cama y sin quejas”.

Durante el tramo español, los peregrinos hacían escala en pequeñas localidades de Cantabria, Asturias y Galicia. Hansard sacaba la guitarra y su amigo Brendan Begley el acordeón, y juntos llenaban de música las plazas y tabernas de cada puerto. “Nadie nos creía que veníamos de Irlanda remando en ese pequeño bote. Yo sacaba la guitarra y no tardaban en invitarnos a algo en un bar e incluso a dormir”, relataba Hansar al citado medio.

La hospitalidad que recibieron de las comunidades pesqueras españolas dejó una huella indeleble en el músico. “Siempre nos sentimos enormemente bienvenidos. Las comunidades pesqueras de todo el norte de España no pudieron ser más acogedoras. Nos daban consejos y nos advertían sobre las condiciones meteorológicas”, afirmó. Incluso, recordó con asombro que, durante los dos años que llevó la travesía, “ninguno de nosotros tuvo jamás que enseñar el pasaporte en ningún lado. Era como vivir en otra época”.

Una dura pérdida

Al alcanzar Galicia, la tripulación varó el currach y, cargando con la nave en hombros en varios tramos, completó la última etapa del Camino de Santiago a pie hasta la Catedral de Santiago de Compostela. Allí, con la ropa desgastada y las barbas largas, rindieron tributo con sus instrumentos ante la mirada de cientos de personas. “Aparte del nacimiento de mi hijo, fue sin duda la más intensa e importante experiencia de toda mi vida. Y no creo que vaya a superarla”.

Con todo, la historia tuvo un desenlace trágico. En 2017, durante una navegación posterior al Camino que pretendía llegar al norte de Portugal, el barco volcó tras un golpe de mar. Aunque el resto de la tripulación fue rescatada, uno de los amigos de Hansard, el poeta y escritor Danny Sheehy falleció a causa de las heridas. “Danny era un gigante espiritual para mí. Ese viaje me enseñó qué significa el esfuerzo diario, la camaradería y la humildad. Me cambió la forma de ver la vida y la música para siempre”, diría.

La experiencia marítima y musical en el Camino de Santiago redefinió para siempre el arte y el espíritu de Glen Hansard, quien hasta el final de su vida siguió recordando esa travesía que le unió tan estrechamente al norte de España.

Christopher Nolan ha dejado al mundo boquiabierto con La Odisea. El cineasta británico, autor de obras como Origen u Oppenheimer, ha adaptado el poema épico atribuido a Homero en una película de casi tres horas, con un reparto de lujo encabezado por Matt Damon y un presupuesto de 250 millones de dólares. El resultado es uno de los mayores fenómenos cinematográficos del año.

La cinta, al igual que la epopeya, narra las dificultades de Odiseo para regresar a su hogar tras la caída de Troya. Durante su viaje debe enfrentarse al cíclope Polifemo, permanece siete años cautivo junto a la ninfa Calipso y desciende al inframundo liderado por Hades. Sin embargo, hay un episodio que ha dejado huella entre los espectadores: el encuentro con las sirenas, uno de los episodios más célebres de la literatura universal.

En la obra original esta es la octava parada de su viaje, después de que Circe le indique que su nuevo desafío es su encuentro con las sirenas. Para sobrevivir a ellas y a su voz, puesto que estas “encantan a cuantos hombres van a su encuentro”, deberán taparse los oídos con cera. Odiseo es la excepción: “Pasa de largo y tapa las orejas de tus compañeros con cera blanda, previamente adelgazada, a fin de que ninguno las oiga; mas si tú desearas oírlas, haz que te aten en la velera embarcación de pies y manos, derecho y arrimado a la parte inferior del mástil, y que las sogas se liguen al mismo; y así podrás deleitarte escuchando a las sirenas. Y caso de que supliques o mandes a los compañeros que te suelten, átente con más lazos todavía“, le dijo la hechicera.

En la obra, según la versión de Samuel Butler (Blackie Books), Homero escribió lo siguiente:

“—Ven —decían—, célebre Ulises, honra de los griegos y escucha nuestras voces. Nadie ha pasado jamás sin quedarse a oír la encantadora dulzura de nuestros canto, y quien lo escucha se va no solo embelesado, sino también más sabio, pues conocemos todos los males con que los dioses aquejaron a los griegos y a los troyanos ante Troya, y podemos contarte todo lo que va a suceder en el mundo”.

El monólogo de Matt Damon

Christopher Nolan convierte esa promesa de sabiduría en una reflexión sobre la culpa. En su adaptación, las sirenas no tientan a Odiseo ofreciéndole respuestas sobre el pasado y el futuro, sino enfrentándolo a aquello que más anhela -su familia- y a los horrores que ha cometido tras asaltar Troya.

En la película, Matt Damon pronuncia uno de los monólogos más memorables de la cinta después de que Odiseo sobreviva al encuentro con las sirenas. Cuando Euríloco (Himesh Patel) le pregunta qué escuchó mientras permanecía atado al mástil, este responde:

“Era todo lo que quieres que sea. Y luego, todo aquello que desearías no haber deseado jamás. Era ese delicioso picor que intentas rascarte, pero descubres que está bajo la piel, que no puedes alcanzarlo. Así que ese delicioso picor se vuelve insoportable. Te dice que lo que más deseas es lo que menos puedes tener. Y lo que menos puedes tener es lo que ya tuviste… y perdiste… Era la canción de todas las promesas que no logré cumplir. Y me decía que, en realidad, no quiero volver a casa”.

Es en este momento cuando Odiseo se enfrenta a sus propios miedos, más de una década después de la guerra de Troya. Finalmente, comprende que el verdadero obstáculo para regresar a Ítaca no son los monstruos, sino la culpa que arrastra por todas las vidas que ha segado durante el conflicto.

Llevaba muchos años intentándolo y parece que al fin lo ha conseguido. Michael B. Jordan interpretará al ladrón multimillonario Thomas Crown en su nueva película, de la que Amazon MGM Studios acaba de lanzar su primer tráiler. El actor ganador de un Oscar por Los pecadores interpretará a un icónico personaje del cine de ladrones, que ya interpretaron Pierce Brosnan en 1999 y Steve McQueen en 1968.

El avance de El secreto de Thomas Crown ya muestra que B. Jordan, quien repite como director tras el éxito que tuvo en este mismo rol en Creed III, ha apostado por imágenes espectaculares que mezclen acción, elegancia y suspense. Nada mejor para Thomas Crown, un multimillonario que decide robar un cuadro y que es seguido por una investigadora de seguros, en un juego del gato y el ratón en el que ambos acaban enamorándose.

Además, el tráiler también ha permitido comprobar a parte del elenco de la película, con Adria Arjona (Wonder Woman) y Kenneth Branagh (Asesinato en el Orient Express) como principales atractivos. Además, la productora ya ha confirmado otros nombres, como el de Lily Gladstone (Los asesinos de la luna), Danai Gurira (Black Panther) o Pilou Asbæk (Borgen). Todos ellos participarán en este esperado remake que mezcla drama, romance e intriga.

Tras los pasos de Steve McQueen y Pierce Brosnan

Thomas Crown es uno de los ladrones de guante blanco más conocidos de la historia del cine. Con esto nos referimos a que se trata de un criminal al que no le gusta mancharse las manos con violencia, sino que, al contrario, aprovecha su ingenio para resolver todos los obstáculos que se le presentan en sus operaciones. Otros ejemplos podrían ser los de Danny Ocean (protagonista Ocean’s Eleven) o el de Arsenio Lupin (interpretado por Omar Sy en la serie de Netflix).

Originalmente, Crown fue encarnado por el conocido actor Steve McQueen, quien, aburrido del éxito convencional, organiza un atraco perfecto a un banco. Treinta años después, Pierce Brosnan protagonizaría una aclamada adaptación de la historia, convirtiendo al personaje en un magnate de arte en Nueva York que orquesta un robo a plena luz del día en el Museo Metropolitano. Tanto en una como en otra película, figura también la investigadora de seguros con la que acaban manteniendo el romance, ya que este juego del gato y el ratón es uno de los principales atractivos de la historia.

Tanto Steve McQueen como Pierce Brosnan fueron iconos de la elegancia en su época, lo que da una idea de lo mucho que ha confiado Amazon MGM en el perfil de Michael B. Jordan, un actor cuyos papeles en Creed y en Los pecadores le han valido fama mundial. En estos proyectos, el actor ha protagonizado el relanzamiento de algunos de los grandes arquetipos del cine blanco, como el de Rocky, el boxeador. Con Thomas Crown la estrategia se repite, aunque todavía queda por ver si el éxito de la propuesta será también el mismo. La película se estrenará en 2027, por lo que solo entonces podremos dar una respuesta.

Este miércoles ha fallecido a los 50 años el DJ francés Kavinsky. El artista, cuyo nombre real es Vincent Belorgey, ha sido encontrado muerto en su casa en París. Los motivos se están investigando, pero según ha relatado los medios galos Le Figaro y Le Parisien se baraja la hipótesis de que sufriera un accidente cerebrovascular. El DJ fue una de las figuras musicales más importantes de Francia, especialmente conocido por ser el creador de Nightcall, canción que aparece en los créditos iniciales de Drive (2011), protagonizada por Ryan Gosling. El alcance fue tal que inclusó sonó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París en 2024.

En una entrevista concedida en 2011 a Big Stereo, el productor contó que decidió dedicarse a la electrónica en 2005 después de abandonar su intención de convertirse en actor porque se “aburría”. Fue entonces comenzó a experimentar con un viejo ordenador Apple que le regaló su amigo, el director, músico y DJ Mr. Oizo (Quentin Dupieux) y, tras meses haciendo música que él mismo calificó de “muy mala”, encontró su sonido con Testarossa Overdrive, el tema que acabaría abriéndole las puertas de la industria.

Para inspirarse en su alter ego musical decidió crear un personaje inspirado en “miles de películas y series” que había visto durante su infancia. “Cogí lo mejor de todas y lo convertí en un solo concepto”. Así fue como Belorgey creó su alter ego basando en su propia historia ficctionado, tomando la vida de un conductor que muere tras sufrir un accidente con su Ferrari Testarossa en 1986 y regresa convertido en un zombie.

Un alter ego inspirado en el cine

Sin embargo, cuando Nightcall vio la luz en 2010, nada hacía presagiar el fenómeno en el que acabaría convirtiéndose. Hoy el tema supera los 500 millones de reproducciones en Spotify. Publicado en 2010 como sencillo e incluido tres años después en su álbum de debut, OutRun, la canción también formaba parte del universo que había creado para su alter ego. “Nightcall trata sobre ese hombre convertido en zombi que va a casa de su novia para decirle: ‘Ya no soy el mismo, tenemos que hablar’”, explicó el propio Kavinsky en aquella entrevista. Sin embargo, ella “ya tiene otro novio, hijos y una vida diferente”, por lo que rechaza volver con él. “Tiene remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto”, resumió el músico sobre el trasfondo melancólico del tema.

Todo ello sedujo al director Nicolas Winding Refn, que un año después eligió Nightcall para abrir Drive. Protagonizada por Ryan Gosling y Carey Mulligan, la película sigue a un conductor especialista de cine que, por las noches, trabaja como chófer para delincuentes. Sin embargo, un intento por ayudar a su vecina Irene lo arrastra a una espiral de violencia.

Su director ganó como mejor director en el Festival de Cine de Cannes el año de su estreno y fue nominada a los premios Oscar en la categoría de Mejor montaje de sonido.

Los fans de Spider-Man están de enhorabuena, porque hoy se estrena la esperadísima cuarta entrega de la saga de Marvel protagonizada por Tom Holland y Zendaya. Spider-Man: Brand New Day llega a los cines precedida por el entusiasmo de la crítica, que califica esta producción como una de las mejores que el multiverso de Los Vengadores ha dado en años. Con todo, no es lo único que ilusiona a quienes piensan ver la película, pues el foco también estará en lo que ocurre después de la misma.

La escena de poscréditos en las películas de Marvel ya es toda una tradición, y sirve a los fans para saber qué esperar de los próximos títulos del mundo superheroico. Así, la expectación por esta secuencia en Spider-Man: Brand New Day es máxima, pues la película llega apenas cuatro meses antes de Los Vengadores: Doomsday, otro gran estreno con el que el multiverso espera recobrar la popularidad que alcanzó con Inifinity War y Endgame.

La nueva película parte inmediatamente después de Spider-Man: No Way Home, con Peter Parker enfrentando el olvido colectivo. Nadie lo recuerda y, al mismo tiempo, experimenta problemas con sus poderes, lo que añade tensión a su vida personal y heroica. El guion deja de lado los grandes eventos multiversales para centrarse en una historia más cercana al espíritu original de los cómics. En su aventura, además, se cruzan otros personajes como Frank Castle, también conocido como The Punisher (Jon Bernthal) o Bruce Banner, Hulk (Mark Ruffalo).

Así es la escena después de los créditos

Ojo que aquí vienen los spoilers. Al cierre de Spider-Man: Brand New Day, se confirma que la tradición del estudio se mantiene. Marvel apuesta por dejar abierto el destino del superhéroe, alimentando la incertidumbre sobre su próxima aparición. La escena postcréditos muestra a Ned Leeds (Jacob Batalon), manipulando un rastreador que debería localizar a su amigo superhéroe. Sin embargo, la máquina falla de forma inesperada. El mensaje es claro: Spider-Man podría no estar ya en la Tierra, ni siquiera en su propio universo. La secuencia concluye con el clásico letrero que promete el regreso del personaje, aunque sin aclarar si será en Los Vengadores: Doomsday, Secret Wars o en otra película centrada en el hombre-araña.

La escena ya se ha podido ver en redes sociales, puesto que en Estados Unidos ya ha habido algunas proyecciones anticipadas a su estreno definitivo el 31 de julio. De este modo, ya son muchos los fans que se preguntan cómo Peter Parker ha podido desaparecer de su mundo, algo que se esclarece en una película donde el superhéroe se enfrenta a villanos como Escorpión (Michael Mando), Tombstone (Lonnie Lincoln) o la organización de La Mano, además de otro gran enemigo revelado en el último tercio de la cinta. Tras el final, la escena poscréditos nos asegura que el personaje volverá, una pista clave para saber que seguiremos contando con el personaje en el futuro del UCM, aunque esta vez muy, muy lejos de casa.

Eso sí, de momento habrá que ver qué tal le va a Spider-Man Brand New Day en taquilla, aunque las previsiones no son precisamente malas. Cada película del superhéroe interpretado por Tom Holland ha recaudado más que la anterior. Homecoming acabó acumulando más de 880 millones, Far From Home superó los 1.132 millones y No Way Home rozó los 2.000 millones. Habrá que ver si el cuarto título consigue superar esa franja, lo que la convertiría en una de las películas más taquilleras de la historia.

Si hace apenas dos semanas veía la luz el primer tráiler del largometraje, con el debut como actor del cantante Guitarricadelafuente, este miércoles ha sido el turno del cartel oficial. La imagen muestra a Sebastián, el personaje interpretado por el artista valenciano, de pie sobre los restos de una estatua del santo que lleva su nombre, completamente en ruinas y atravesado por flechas pintadas de color rosa.

La historia sigue las vidas de Sebastián, Alberto y Carlos, tres hombres interpretados por Guitarricadelafuente, Milo Quifes —que también debuta como actor— y Carlos González —La vida breve o Mariliendre—, en tres momentos temporales distintos —1932, 1937 y 2017—. Separados por el tiempo, los tres quedan unidos por una misma herencia marcada por la “sexualidad, el deseo y el dolor” con una de las últimas obras inacabadas de Federico García Lorca como telón de fondo. El reparto lo completan Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Lola Dueñas, Antonio de la Torre, Natalia de Molina y Alberto Cortés, encargado de dar vida al poeta granadino.

La película llegará a los cines el 25 de septiembre y, tras su recorrido por las salas, se estrenará en exclusiva en Movistar Plus.

Qué significa el póster de la ‘La bola negra’

Precisamente Sebastián es quien protagoniza el nuevo cartel oficial de la película. En él aparece de pie sobre los restos de una estatua de San Sebastián, uno de los mártires cristianos más representados de la historia del arte y una figura que ha terminado convirtiéndose en uno de los grandes iconos de la cultura LGTB.

Como define la sinopsis oficial, la cinta retrata “tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia”. Y así se refleja en el tráiler: “Este país tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos”, comienza narrando una voz en off, haciendo referencia a los ejecutados durante la Guerra Civil y la dictadura.

El simbolismo del cartel encuentra buena parte de su explicación en la propia historia del arte. San Sebastián fue un militar romano que vivió en el siglo III. De religión cristiana cuando estaba prohibida por el Imperio Romano, fue condenado a muerte cuando fue descubierto. Por este motivo, el de la represión, terminó convirtiéndose en uno de los grandes iconos de la cultura queer. Y buena parte de esa transformación se debe precisamente al pintor italiano Guido Reni, autor del cuadro que conserva el Museo Nacional del Prado.

Durante un directo organizado por la pinacoteca con motivo del Orgullo LGTBI en 2021, el técnico de Exposiciones Temporales Juanra Sanz explicó que Reni transformó la iconografía tradicional del santo. Frente a las primeras representaciones, en las que aparecía cubierto de flechas, ensangrentado y con visibles gestos de dolor, el artista boloñés lo retrató como un joven de anatomía idealizada, prácticamente desnudo, apenas atravesado por una flecha y con una expresión serena, “sin ningún dolor”, evolución que convirtió la imagen en mucho más que una representación religiosa. 

“Todo el mundo, si piensa en uno de los iconos gais en el arte, piensa en San Sebastián”, resumió. ¿El motivo? “Quizá el motivo más sencillo y más evidente y que mucha gente piensa en él, injustamente, es el hecho de que es un hombre con una anatomía bonita, prácticamente desnudo, atado y siendo penetrado por las flechas”.

La condición de San Sebastián como icono LGTBI se consolidó a partir del siglo XIX, cuando escritores, fotógrafos, cineastas y pintores comenzaron a reinterpretar su figura más allá de su significado religioso. “Muchos homosexuales se sintieron identificados con él por ser un hombre condenado por ser diferente. Más tarde, durante la crisis del sida, su figura volvió a cobrar fuerza y las flechas pasaron a simbolizar la enfermedad, el rechazo social y el abandono gubernamental”, añadió.

Tras dos semanas en cartelera, La Odisea sigue llenando las salas de cine de todo el mundo. La nueva película de Christopher Nolan ha recaudado hasta la fecha unos 640 millones de dólares, lo que la convierte en clara candidata a ser una de las películas más taquilleras del año. Las razones de su éxito son varias: un clásico de la literatura de telón de fondo, un reparto lleno de estrellas, un director consagrado... y un buen puñado de escenas que los espectadores tardarán en olvidar.

Sin entrar en spoilers, diremos que La Odisea tiene varias secuencias capaces de que, incluso quienes han leído el texto original de Homero, sientan que es la primera vez que ven a Ulises sobrevivir en el Mediterráneo, o que asisten a los últimos días de la guerra de Troya. Precisamente en este conflicto bélico se da una de las imágenes más icónicas de la película de Nolan. La imagen del famoso caballo de madera, encabritado y semienterrado en la arena, se ha transformado en un nuevo hito visual del cine contemporáneo. Incluso se han hecho cubos de palomitas con su forma.

A pesar de que Christopher Nolan comenzó a trabajar en esta producción hace apenas dos años, lo cierto es que esta escena estaba en la mente del director desde hacía mucho más tiempo. Concretamente, dos décadas antes ya se había planteado la mejor manera de mostrar en imágenes el caballo de Troya. La razón la desvelaría el guionista David S. Goyer, quien trabajó con el director británico en su trilogía de Batman. Lo cierto es que, tras el éxito de Memento e Insomnia, Nolan apuntaba a dar el salto a una película de alto presupuesto. La primera candidata no fue la del hombre murciélago, sino Troya (2004). Sin embargo, finalmente el elegido sería Wolfgang Petersen, director de títulos como La historia interminable o El submarino.

Una apuesta por el realismo

La decisión de que Christopher Nolan dirigiera Troya ya estaba prácticamente tomada, y solo un cambio inesperado en Warner Bros precipitó los acontecimientos. En aquellos años, la productora ya estaba trabajando en Batman vs. Superman, proyecto que finalmente decidieron cancelar, por lo que se decidió que Petersen, quien estaba al mando, fuera el director de Troya, puesto que era este cineasta alemán quien había trabajado inicialmente en la adaptación de La Ilíada. Como compensación, a Nolan le dieron la oportunidad de dirigir Batman Begins.

En cualquier caso, Nolan ya había dedicado una gran cantidad de tiempo a pensar en algunos pasajes claves del relato épico. “Pensé mucho en el caballo de Troya y en cómo representarlo para que pareciera creíble”, según declaró en una entrevista con el diario The Independent. Esa duda estaría presente en su mente durante años, y quién sabe si, finalmente, sería lo que hizo decidirse al cineasta por La Odisea al poco tiempo de recoger su Oscar por Oppenheimer. Cuando tuvo la oportunidad de adaptar el clásico de Homero, Nolan recuperó aquella antigua obsesión y desafió la tradición visual con un caballo medio hundido en la playa, con una postura desafiante y su presencia casi antinatural.

La fuerza que transmite la imagen se debe a que la mayoría de elementos de esa escena están realizados artesanalmente, como es costumbre en un director que siempre ha preferido lo real en vez de lo digital. La decisión de apostar por construcciones físicas refuerza el compromiso del cineasta con una puesta en escena que privilegia la autenticidad y la experiencia sensorial directa. Lo mismo ocurre con otros pasajes, como el cíclope Polifemo, que en realidad es una marioneta de grandes dimensiones, o Caribdis, un gigante remolino generado inicialmente con motos acuáticas que no se ven en la pantalla, y que luego los efectos especiales se encargaron de magnificar.

La Odisea mantiene la prioridad por el espectáculo tangible porque, de hecho, es una película que reduce bastante la parte sobre los dioses de la historia original para centrarla en un relato sobre el ser humano. Podemos empatizar con lo que vive Odiseo durante todos los años en los que intenta volver a su casa, del mismo modo que, desde las murallas de Troya, podemos quedarnos impresionados por ese caballo de madera que, tres mil años después, se aparece ante nosotros más real que nunca.

El productor y DJ francés Kavinsky, célebre por su influencia en la música electrónica y especialmente por su tema Nightcall incluido en la banda sonora de la película Drive (2011), dirigida por Nicholas Winding Refn y protagonizada por Ryan Gosling, fue hallado muerto en su domicilio de París durante la noche del martes. La noticia fue confirmada este miércoles por el diario Le Parisien. Tenía 50 años. La policía encontró al artista, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, sin vida en su residencia situada en el departamento de Sena-Saint Denis, en las afueras de París. Según las fuentes citadas por el periódico, se investiga la posibilidad de que la causa del fallecimiento haya sido un accidente cerebrovascular. Se informó que en los días previos, Belorgey había padecido dolores de cabeza persistentes, motivo por el cual esta hipótesis cobra fuerza en la investigación.

El fallecimiento de Kavinsky ha generado impacto en la escena musical francesa e internacional, dada su relevancia en el desarrollo del género synthwave y su capacidad para trascender fronteras con un estilo inconfundible. Su carrera estuvo marcada por una propuesta estética y sonora fuertemente influida por la música de los años ochenta, la cultura de los videojuegos clásicos y el house francés. Nacido en 1976 en Sena-Saint Denis, Belorgey inició su trayectoria profesional en la actuación, antes de volcarse completamente a la música en 2005, una decisión alentada por su amigo, el director francés Quentin Dupieux, quien le obsequió un ordenador que ya no utilizaba. Este gesto resultó fundamental para el giro en la carrera artística de Kavinsky.

Como productor, Kavinsky alcanzó notoriedad internacional gracias a Nightcall, tema que compuso y lanzó en 2010, y que un año después se popularizó globalmente al formar parte de la banda sonora de Drive. El éxito de la canción, reconocible por sus sintetizadores oscuros y melancólicos, lo posicionó como referente del synthwave, un subgénero de la electrónica inspirado en la estética retrofuturista y los sonidos vintage. A lo largo de su carrera, el DJ francés publicó tres álbumes de larga duración: Nightcall (2010), OutRun (2013) y Reborn (2022). Cada uno de estos trabajos consolidó su reputación como innovador del género y le permitió mantener una base de seguidores considerable, como lo reflejan sus 4,2 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Una influencia capital más allá del cine

La notoriedad de Kavinsky se vio reforzada en el marco de los Juegos Olímpicos de 2024, donde fue una de las figuras centrales en la ceremonia de clausura celebrada en París. Durante el evento, interpretó una nueva versión de Nightcall junto a la banda francesa Phoenix y la cantante belga Angèle, en una actuación que fue destacada por diversos medios internacionales y celebrada por sus seguidores. Este reconocimiento en un evento global subraya la influencia del artista en la cultura popular contemporánea y su capacidad para conectar con nuevas generaciones a través de su música y su imagen.

Una de las características distintivas de Kavinsky fue la creación de su propio personaje ficticio: un zombi de piel azul y ojos rojos, bautizado con su nombre artístico. Según la narrativa desarrollada por el propio músico, este personaje resucitó en 2006 para dedicarse a la música tras haber estrellado su Ferrari Testarossa en 1986, dotando así a su obra de un trasfondo lúdico y visual que acompañó todas sus portadas e iconografía. Este universo conceptual, sumado a la coherencia estética de sus producciones, consolidó la imagen de Kavinsky como un artista integral, capaz de conjugar música, narrativa y diseño visual en un proyecto que trascendió la mera producción musical.

El fallecimiento de Kavinsky deja un vacío en la música electrónica francesa y europea. Referentes del género y seguidores expresaron sus condolencias en redes sociales, destacando la importancia de su legado y la influencia de temas como Nightcall en la música contemporánea. Hasta el momento, las autoridades continúan investigando las circunstancias exactas de la muerte, mientras el mundo de la música y el cine despide a una de sus figuras más singulares de las últimas décadas.

Sony ha presentado el primer avance de Jumanji: Mundo abierto, la tercera y última entrega de la exitosa franquicia cinematográfica. El tráiler muestra el regreso del cuarteto protagonista, encabezado por Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan. Los cuatro actores retoman sus papeles como los avatares del videojuego que reimagina el universo original de Jumanji para una nueva generación. El adelanto confirma la participación de otros intérpretes recurrentes, como Danny DeVito, Nick Jonas, Awkwafina, Marin Hinkle, Bebe Neuwirth, Lamorne Morris y Rhys Darby. Además, se suman al elenco los actores Dan Hildebrand y Jack Jewkes, aportando rostros nuevos a la dinámica del grupo. Esta combinación de figuras busca mantener el espíritu de aventura, humor y acción característico de la franquicia.

El tráiler de Jumanji: Mundo abierto ofrece un primer acercamiento a la nueva misión que deberán enfrentar los personajes. La trama continúa la fórmula que convirtió a las dos películas anteriores en fenómenos de taquilla: adolescentes atrapados en un videojuego, cuyos avatares son interpretados por Johnson, Hart, Black y Gillan. El avance revela escenarios inéditos y desafíos que refuerzan la mezcla de comedia, acción y los intercambios de identidad que han definido la saga desde su reinicio.

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En esta tercera entrega, el equipo central retoma la interacción que ya había conquistado al público en las producciones previas. El regreso de los mismos protagonistas, junto a la incorporación de nuevos personajes, promete ampliar las posibilidades narrativas de la historia. El tráiler deja ver escenas de acción y situaciones cómicas, reafirmando el tono ligero y familiar que ha caracterizado a la saga desde que en 2017 reiniciase en gran medida el universo de la película original de los noventa con Robin Williams.

Así será la nueva entrega

Jumanji: Mundo abierto se inscribe como la continuación directa de los éxitos previos: Jumanji: Bienvenidos a la jungla (2017) y Jumanji: Siguiente nivel (2019). Ambas películas, que renovaron la franquicia original de 1995 protagonizada por Robin Williams y Kirsten Dunst, trasladaron el concepto del clásico juego de mesa a un entorno digital. En total, las dos entregas anteriores recaudaron más de 1.700 millones de dólares en todo el mundo, consolidando a Jumanji como una de las sagas más rentables de los últimos años.

El guion y la dirección de Jumanji: Mundo abierto están nuevamente a cargo de Jake Kasdan, quien ya había dirigido las dos cintas anteriores. Kasdan comparte la autoría del libreto con Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, responsables también de los textos de las entregas previas. La producción corre por cuenta de Matt Tolmach, Dwayne Johnson, Dany Garcia, Hiram Garcia y el propio Kasdan, garantizando continuidad en el equipo creativo detrás de la franquicia.

El estreno de Jumanji: Mundo abierto estaba programado originalmente para el 11 de diciembre, pero ha sido postergado para el día de Navidad. De esta forma, la película llegará a los cines poco después de los lanzamientos de Dune: Parte Tres y Vengadores: Doomsday, dos superproducciones que compartirán la cartelera en una semana que los seguidores ya denominan Dunesday. Esta coincidencia anticipa una competencia directa por la atención del público durante la temporada navideña. La estrategia de lanzamiento busca aprovechar el alto flujo de espectadores propio de las fiestas, pero también enfrenta el desafío de destacar entre producciones de alto presupuesto y gran expectativa. Con el regreso de los protagonistas originales y la promesa de nuevas aventuras, Jumanji: Mundo abierto cierra la trilogía apostando por el humor, la acción y la nostalgia hacia el universo creado en los noventa.

Emma Stone está de vuelta en la comedia romántica, pero su regreso al género que le vio crecer ha tenido un gran coste para una persona en particular. Los New York Mets, el archiconocido equipo de béisbol, ha tenido que reubicar a un abonado con veintinueve años de antigüedad para ceder su asiento de primera fila al equipo de producción de The Catch, la nueva película que la actriz está rodando durante estos días. El club le comunicó el cambio como un gesto de buena voluntad en una temporada difícil, sin revelar que la verdadera razón era el rodaje de la cinta. Lo que le ofrecieron como mejora fue una plaza en la fila dieciséis junto a la línea de primera base, una ubicación que el aficionado consideró inferior a su habitual posición en el jardín derecho.

El club contactó al abonado la semana pasada y le presentó el traslado como una atención especial, sin mencionar en ningún momento las necesidades de producción de The Catch. El aficionado esperaba acceder a una zona exclusiva durante el partido ante los Dodgers. Lo que encontró fue una vista alejada del campo que ocupó durante casi tres décadas. La situación trascendió en redes sociales cuando la cuenta Knicks Memes publicó que “los Mets engañaron a un abonado para que cediera su asiento a Emma Stone”, señalando que la organización disfrazó el cambio de amabilidad en lugar de ser transparente sobre los motivos reales. La publicación se viralizó rápidamente y dividió a los seguidores del equipo entre quienes defendieron la decisión del club y quienes la calificaron de deshonesta hacia un cliente fiel. El propio aficionado afirmó sentirse desplazado por el brillo de Hollywood y lamentó que el club no le hubiera explicado con claridad por qué necesitaban su asiento.

The Catch es una comedia romántica que llegará a los cines en mayo de 2027 y que también protagoniza Chris Pine. Las escenas filmadas en Citi Field muestran a Emma Stone en el banquillo, interactuando con jugadores y mezclándose entre el público durante el partido del viernes 24 de julio ante los Dodgers, una derrota de los Mets por 4 a 2. Stone, ganadora de dos premios Oscar por La La Land (2017) y Poor Things (2024), apareció con una gorra blanca de los Mets con visera azul mientras las cámaras registraban escenas en distintas zonas del estadio. Pine, de 45 años, no estuvo presente durante las jornadas de grabación en el recinto.

Llena de cameos y autenticidad neoyorkina

El beisbolista Juan Soto participó en una de las escenas junto a la actriz antes del primer lanzamiento del partido. El outfielder, cinco veces elegido al Juego de las Estrellas, sumó así un crédito cinematográfico a una temporada en la que lidera al equipo con un promedio de bateo de .283, veintiún cuadrangulares y cincuenta y dos carreras impulsadas. La producción de The Catch también alteró la rutina del equipo en el terreno de juego. Los Mets suelen vestir su uniforme alternativo negro en los partidos de viernes por la noche en casa, pero frente a los Dodgers utilizaron su equipación blanca de rayas para mantener la coherencia visual que requería la filmación. La presencia de cámaras y equipo técnico se extendió por todo el estadio durante la serie, integrando el rodaje con la actividad deportiva sin suspender el desarrollo normal del partido.

La decisión del club de priorizar las necesidades de una producción cinematográfica por encima de la transparencia con uno de sus abonados más longevos generó opiniones encontradas. Parte de la afición entendió la medida como una oportunidad de visibilidad para el equipo y el estadio a nivel internacional. Otros señalaron que un seguidor con veintinueve años de fidelidad merecía, al menos, una explicación honesta. Los Mets atraviesan una temporada complicada en la División Este de la Liga Nacional, lo que hace aún más sensible cualquier decisión que pueda interpretarse como una falta de consideración hacia su base de seguidores más comprometida. Por lo menos ha sido en pos de la vuelta de Emma Stone a las comedias románticas.

En una apuesta que promete renovar el cine navideño, Jennifer Aniston regresará a la gran pantalla con una comedia centrada en Santa Claus. La actriz compartirá cartel con Peter Dinklage en Naughty, el nuevo proyecto dirigido por Olivia Wilde. La película, producida por Universal Pictures, tiene previsto su estreno en cines el 5 de noviembre de 2027. Naughty marca el regreso de Aniston al género festivo, en una historia que explora la desesperación de una madre por recuperar la custodia de su hijo con la inesperada ayuda de Santa Claus. El film se encuentra actualmente en preproducción y ha generado expectativas tanto por su reparto como por el equipo creativo detrás de cámaras.

La participación de Jennifer Aniston en Naughty representa su vuelta al universo de las comedias navideñas, tras su intervención en Fiesta de empresa de 2016 o los inolvidables capítulos navideños de Friends. En la nueva cinta, Aniston encarnará a Mallory, una mujer envuelta en una batalla legal por la custodia de su hijo. La trama gira en torno a su última esperanza: localizar a Santa Claus y convencerlo de que testifique en el juicio de divorcio. La propuesta de Naughty se suma a la trayectoria de Aniston en el género de la comedia, donde ha consolidado una imagen de cercanía y versatilidad. Su regreso genera expectativa, especialmente por el giro argumental que plantea la intervención de un Santa Claus real como testigo en un proceso judicial. El anuncio de este proyecto confirma que Aniston sigue apostando por papeles que combinan humor con conflictos personales, una fórmula que ha cosechado buenos resultados en su carrera reciente.

Peter Dinklage dará vida a una versión singular de Santa Claus, aportando su experiencia en producciones de comedia y fantasía. Dinklage, recordado por su participación en Elf (2003), asumirá el desafío de encarnar a un Santa involucrado en un conflicto familiar atípico. La sinopsis oficial anticipa un tono de comedia con elementos de drama, en el que la figura de Santa se integra en la realidad cotidiana de los personajes. La elección de Dinklage como coprotagonista refuerza la apuesta por un humor inteligente y por la reinterpretación de figuras clásicas del imaginario navideño. El actor aporta un historial de papeles memorables, lo que contribuye a elevar las expectativas sobre el resultado final de la película. Naughty enfrentará en su fin de semana de estreno a Margie Claus, una comedia musical animada de Warner Bros. en la que Melissa McCarthy prestará su voz al personaje de la esposa de Santa. Esta coincidencia en la cartelera anticipa una competencia directa entre dos visiones diferentes del mito navideño.

Olivia Wilde, de Penélope a Jennifer

La dirección de Naughty estará a cargo de Olivia Wilde, quien ha consolidado su carrera tras los éxitos de Booksmart (2019), Don’t Worry Darling (2022) y viene de estrenar The Invite junto a Penélope Cruz. Wilde expresó que este film es un proyecto personal por el que ha luchado durante varios años. En declaraciones recogidas durante la premiere de I Want Your Sex, la directora señaló: “Es una película que busca el espíritu de Rob Reiner, una comedia con mucho corazón en su núcleo”. Wilde destacó que Naughty representa un desafío mayor que sus trabajos anteriores y agradeció la confianza de Universal Pictures para llevar adelante una comedia original a gran escala.

La directora también adelantó que el reparto podría ampliarse con nuevos nombres próximamente, sumando atractivo al proyecto. La cineasta ha recibido elogios por su capacidad para equilibrar comedia y drama, una característica que, según sus propias palabras, estará presente en Naughty. El guion fue escrito por Jimmy Warden, conocido por Cocaine Bear, quien desarrolló la historia inicialmente como un proyecto especulativo.

Naughty se encuentra en fase de preproducción y su estreno está programado para el 5 de noviembre de 2027. Universal Pictures apuesta por el regreso de las comedias navideñas originales en medio de una cartelera dominada por franquicias y secuelas. El enfrentamiento con Margie Claus ese mismo fin de semana podría marcar un hito en la taquilla para el cine familiar. El proyecto ha sido presentado como una comedia con aspiración de convertirse en un clásico moderno, apoyada en el carisma de Aniston, la versatilidad de Dinklage y la dirección de Wilde. El equipo confía en que la combinación de humor, emoción y una reinterpretación de Santa Claus atraerá tanto a familias como a adultos en la temporada navideña de 2027.

Luis Buñuel (Teruel, 1900-Ciudad de México, 1983) se burló, como pocos, de absolutamente todo. Del franquismo, de Dios o de incluso de los propios premios, el cineasta aragonés hizo de la irreverencia una forma de mirar el mundo. Autor de algunas obras más importantes de la historia del cine español como Un perro andaluz, Viridiana o El ángel exterminador, el cineasta convirtió precisamente el surrealismo que caracterizaban sus obras en un arma para desafiar y cuestionar cualquier forma de autoridad. Este 29 de julio se cumplen 43 años de su muerte.

Y como no podía ser de otra manera, ese mismo espíritu impregnó sus memorias. Buñuel publicó Mi último suspiro en 1982, un año antes de su muerte, junto al guionista Jean-Claude Carrière, su fiel compañero. Entre sus páginas escribió muchas de sus batallas, también con su punto cómico, y por ello una de las reflexiones que mejor condensan su manera de entender la creación artística es la siguiente: “En alguna parte, entre el azar y el misterio, se desliza la imaginación, la libertad total del hombre”.

Es en el capítulo llamado Ateo gracias a Dios donde Buñuel expuso su relación con la religión, el universo y la creatividad. “Esta libertad, como las otras, se la ha intentado reducir, borrar. A tal efecto, el cristianismo ha inventado el pecado de intención. Antaño, lo que yo imaginaba ser mi conciencia me prohibía ciertas imágenes: asesinar a mi hermano, acostarme con mi madre. Me decía: ‘¡Qué horror!’”, añade tras la citada frase.

El origen de la cita

No fue hasta pasados los 60 años cuando entendió que "lo que sucedía en mi cabeza no concernía a nadie más que a mí" y decidió dejar que su imaginación “aun cruenta y degenerada, adonde buenamente quisiera”. ”Desde entonces, lo acepto todo, me digo: ‘Bueno, me acuesto con mi madre, ¿y qué?’, y casi al instante las imágenes del crimen o del incesto huyen de mí, expulsadas por la indiferencia. La imaginación es nuestro primer privilegio. Inexplicable como el azar que la provoca. Durante toda mi vida me he esforzado por aceptar, sin intentar comprenderlas, las imágenes compulsivas que se me presentaba", escribió.

Nacido en Calanda (Teruel) el 22 de febrero de 1900, pasó parte de su juventud en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde entabló amistad con Federico García Lorca, Salvador Dalí y Rafael Alberti, entre otros miembros de la Generación del 27. En 1925 se trasladó a París y poco después, junto a Dalí, escribió el guion de Un perro andaluz (1929), el cortometraje que lo convirtió en uno de los grandes referentes del surrealismo cinematográfico.

Tras el escándalo provocado por La edad de oro (1930) debido a su anticlericalismo, desarrolló buena parte de su carrera fuera de España. Vivió y trabajó en Estados Unidos antes de establecerse en México en 1947, país en el que dirigió algunas de sus películas más celebradas, como Los olvidados (1950), Él (1952), Nazarín (1959) o El ángel exterminador (1962). El reconocimiento internacional le permitió regresar puntualmente a España para rodar Viridiana (1961), una película que fue prohibida por el franquismo pese a conquistar la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

En los años siguientes firmó títulos fundamentales como Belle de jour (1967), La vía láctea (1969), El discreto encanto de la burguesía (1972), que obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera, El fantasma de la libertad (1974) y Ese oscuro objeto del deseo (1977), su último largometraje. Buñuel murió en Ciudad de México el 30 de julio de 1983.

El mes de julio llega a su fin después de semanas llenas de grandes estrenos y que culminan ahora con una nueva hornada de nuevos títulos. Mientras La Odisea sigue reinando en taquilla, nuevos nombres emergen para hacer en gran medida competencia a la aventura de Christopher Nolan con Matt Damon a la cabeza, a pesar de tener un aliado en común: Tom Holland.

El actor británico lidera una vez más la película de Marvel, la cuarta dentro de la saga tras Spider-Man: Homecoming, Lejos de casa y No Way Home. En esta ocasión se tiene que enfrentar a una nueva y desconocida amenaza mientras lidia con el hecho de que ya nadie sabe quién es Peter Parker. De los superhéroes a las superestrellas del pop, pues Anne Hathaway -también presente en La Odisea- protagoniza otra de las grandes películas de la semana con Mother Mary.

Spider-Man: Brand New Day

Ha pasado un tiempo desde la última aventura del Spider-Man de Tom Holland, hasta el punto de que todos a su alrededor le han olvidado, aunque solo fuera por un conjuto del Doctor Strange. Ahora es el momento de volver a enfundarse el traje de superhéroe y salvar a Nueva York de una gran y desconocida amenaza. Mientras Peter busca reconectar con MJ (Zendaya) y su amigo Ned (Jacob Batalon), Spider-Man tendrá que aprender de todo lo vivido para enfrentarse a un peligro sin precedentes, y con la mirada puesta en lo que estará por venir en su próxima aventura, Vengadores: Doomsday.

Mala bestia

Iria del Rio (Los años nuevos) protagoniza este drama con toques fantásticos sobre adopción y adolescencia. Una pareja toma la decisión de acoger en su hogar a Atenea (María Schwinning), una joven sin familia que vive en un internado y se ve incapaz de lidiar con la idea de hacerse mayor. Pero cuando esta entra en su nueva casa, los temores y vulnerabilidades que arrastra desde hace años empiezan a asomar. A partir de ese momento, Atenea tomará una serie de decisiones que la pondrán en un gran compromiso.

Atrapa el millón

Grégoire Vigneron, guionista de grandes éxitos en Francia como El pequeño Nicolás o Un hombre de altura, dirige ahora esta comedia de lo más disparatada. Stan (Rayane Bensetti) lleva tiempo detrás de un ascenso en su empresa que no parece llegar nunca, y decide tomarse la justicia por su mano y robar una maleta con más de un millón de euros en dinero negro. Cuando va camino del aeropuerto recibe una llamada con el esperado ascenso, y es en ese momento que decide devolver lo robado antes de que le descubran, pero para ello necesitará la ayuda del cerrajero más excéntrico que jamás ha conocido.

La última ronda en Venecia

Comparada con las fábula alegres y entretenidas de Alice Rohrwacher, Italia presenta una nueva historia de amistad con La última ronda en Venecia, de Francesco Sossai. En ella, Carlobianchi y Doriano, dos veteranos amigos, decide cambiar por completo los planes de un tercero, el joven estudiante de arquitectura Giulio. Los tres se embarcan en un gran viaje por tierras venecianas en los que disfrutar del paisaje, de la comida y de la buena compañía.

Mother Mary

Anne Hathaway da vida a una superestrella del pop -con reminiscencias de Taylor Swift, pero inspirada también gracias a la colaboración de Charli XCX o FKA Twigs- y su intensa relación con una vieja amiga a la que le pide un gran favor: que se encargue del vestuario de su próxima gira. David Lowery, director de la celebrada A Ghost Story y quien daría el gran salto posteriormente con Peter Pan y Wendy o El caballero verde, se encarga aquí de imprimir su particular visión a este relato sobre la ambición desmedida y las relaciones forjadas entre la amistad y el trabajo.

El hallazgo de una necrópolis ibérica con armas y objetos singulares ha sido catalogado como uno de los descubrimientos más relevantes para la comprensión de la antigua historia de Alicante, según acaba de reconocer el Ayuntamiento de la ciudad. Las obras en un solar privado de la Albufereta han permitido identificar una necrópolis fechada en el siglo III a.C., probablemente vinculada al asentamiento del Tossal de Manises (donde se encuentran restos de la antigua ciudad romana de Lucentum) durante la época bárquida.

A partir de este hallazgo, se realizó una excavación bajo la supervisión del área de Patrimonio Integral del Ayuntamiento de Alicante, después de que la promotora contratara a la empresa Arquealia para cumplir con la normativa autonómica. El resultado final ha sido lo que los arqueólogos han descrito como un cementerio familiar con cuatro tumbas y abundantes ajuares funerarios, donde el armamento y los elementos de vestimenta revelan el estatus de la élite guerrera ibérica.

La concejala de Cultura, Nayma Beldjilali, ha asegurado que desde el consistorio están “de enhorabuena con este hallazgo que nos va a permitir conocer mejor la rica historia de Alicante y que se suma a otros importantes yacimientos iberos ya descubiertos y estudiados en nuestra ciudad”. En opinión del jefe de Patrimonio Integral, José Manuel Pérez Burgos, el descubrimiento de la necrópolis supone “un yacimiento excepcional con piezas muy interesantes que merecen una publicación científica y su futura exposición pública”.

Estos han sido los objetos que han encontrado en el yacimiento

Los directores de la intervención, Jesús Moratalla y Gabriel Segura, han avanzado en la redacción de la memoria científica y han compartido detalles sobre la riqueza del hallazgo. “El armamento adquiere un gran protagonismo, además de los elementos de vestimenta o vinculados al comercio”, han explicado sobre los ajuares localizados en las tumbas, según recoge el Ayuntamiento.

En las áreas rituales excavadas se han documentado armas que conforman la panoplia completa del guerrero ibérico: falcatas, cuchillos, lanzas, escudos, bocados de caballo, espuelas y jabalinas de distintos tipos. El lote de bronces es especialmente rico, con fíbulas y adornos, así como un raro conjunto de platillos de balanza y ponderales.

No obstante, el hallazgo más singular es el pebetero de Tanit, la diosa más importante de la mitología cartaginesa (inspirada directamente de la fenicia y exclusiva de la zona) cuya conservación ha sorprendido a los especialistas. También han encontrado una rueda de carro, una pezuña de cérvido tallada en piedra y una treintena de pequeños vasos asociados a banquetes colectivos. Todo el material hallado en la excavación pasa a ser custodiado por el Ayuntamiento en los almacenes del Museo de la Ciudad de Alicante.

Un estatus por encima del resto

La necrópolis parece corresponder a una gens militar, posiblemente un linaje familiar vinculado a la élite guerrera. Este grupo habría sido enterrado fuera del área principal de la Albufereta, lo que refuerza la hipótesis de un estatus diferenciado dentro de la sociedad ibérica de ese periodo.

Los expertos vinculan el yacimiento con el Tossal de Manises, cuya fundación se relaciona con la presencia y expansión bárquida, y consideran que la necrópolis aporta pruebas materiales esenciales para comprender la organización y el poder de la élite guerrera ibérica en la región. Ahora que todos estos restos van a ser estudiados, los responsables de la excavación esperan que los resultados permitan una futura exposición pública y una mayor difusión científica de este notable capítulo de la arqueología alicantina.

Pasada la mitad de 2026, ya podemos hacernos una idea de los mejores estrenos de cine que se han producido y que están por venir en lo que queda de año. Será en diciembre cuando toque sacar conclusiones, aunque desde ya nos atrevemos a decir que Proyecto Salvación apunta a ser una de las fijas en las listas de lo mejor de la temporada cinematográfica, tras haber enamorado a la crítica y haber logrado una recaudación de más de más de 684 millones en todo el mundo.

La película de Ryan Gosling ha demostrado que las epopeyas en el espacio a lo Christopher Nolan también pueden ser enormemente divertidas, lo que es mérito directo de sus dos directores, Phil Lord y Christopher Miller. Esta pareja de cineastas, conocidos sobre todo por ser los guionistas de la saga de Spiderman: Un nuevo universo, ya habían demostrado su don para las comedias con tintes épicos en títulos de animación como Lluvia de albóndigas o La LEGO película, así como en su serie El último hombre en la Tierra.

Con todo, si tuviéramos que destacar una película donde este singular dúo se desata completamente, esta sería otro de sus grandes éxitos, Infiltrados en clase. Este filme, disponible en Prime Video hasta el próximo 31 de julio (por lo que quedan solo tres días para verla), es donde más se desatan a nivel de humor, logrando que una historia sobre policías que vuelven al instituto nos resulte tan sorprendente como divertida.

Una ‘secuela’ de la serie que hizo famoso a Johnny Depp

Estrenada en 2012 y protagonizada por Channing Tatum y Jonah Hill (quien también figura como guionista), Infiltrados en clase cuenta cómo dos jóvenes agentes se hacen pasar por dos alumnos de un instituto para desarticular una red de narcotráfico. Para ambos, esta es la oportunidad perfecta de demostrar su valía, pero todo lo que creían saber sobre los adolescentes ya ha pasado de moda. Con este choque intergeneracional deberán lidiar, mientras siguen tratando de que la operación se complete, a pesar de quecada vez todo se va desmadrando más y más.

La historia de Infiltrados en clase no surge de la nada: la película retoma los hechos de una serie muy famosa de los 90, Nuevos policías, que entre otras cosas impulsó al actor Johnny Depp como nueva estrella emergente, lo cual explica su pequeño papel en esta producción. Lo que ocurre es que, si esta serie contaba los hechos con un tono mucho más serio y dramático, la cinta de Christopher Lord y Miller tira mucho más del humor, aprovechando el guion de Jonah Hill y compañía.

De Han Solo a ‘Proyecto Salvación’

La crítica de cine no dudó en calificar Infiltrados en clase de “irresistiblemente divertida”, tal y como se escribía en una reseña de The Wall Street Journal tras el estreno. La película lograría recaudar más de 200 millones de dólares (con un presupuesto de 42) y dio pie a que tanto los directores como el reparto repitieran en su secuela, Infiltrados en la universidad, que también resultó ser un éxito comercial.

Tras este éxito, el nombre de Lord y Miller se hizo mucho más conocido, lo que haría que Disney llamara a su puerta para dirigir Han Solo: Una historia de Star Wars. Grabaron algunas escenas, pero el exceso de comedia hizo que la compañía los sustituyera por otro director, Ron Howard. Sin embargo, parece que la pareja de directores se quedó con las ganas de hacer películas sobre aventuras en el espacio, por lo que no dudaron en aceptar sumarse a Proyecto Salvación cuando les llegó la oferta. Curiosamente, Ryan Gosling, actor protagonista de esta última película, ya está trabajando en su entrada en el universo de Star Wars.

El director británico Christopher Nolan acaba de dejar al mundo ojiplático —para bien y para mal— con La Odisea. Su ambiciosa adaptación del poema épico de Homero ha conquistado a buena parte de la crítica y del público, pero, ¿es su mejor película? Para buena parte del reparto de su último trabajo, la respuesta está clara. Y no, no es Oppenheimer, ni Interstellar ni Origen, tres de las obras cumbres del director.

Durante la premiere londinense de La Odisea, el creador de contenido Iván Háchez planteó esta pregunta a todos sus protagonistas: Matt Damon, Robert Pattinson, John Leguizamo y Benny Safdie señalaron El truco final (The Prestige, 2006) como una de las cumbres de la filmografía del director.

“Es imposible responder”, comenzó admitiendo Damon, quien da vida a Odiseo, antes de descartar las películas en las que él mismo participa. “Creo que tus seguidores probablemente ya hayan visto Origen, así que les animaría a ver El truco final, una película que adoro", afirmó. John Leguizamo, quien interpreta a Eumeo, tampoco dudó: “Me gusta la magia y Christian Bale es uno de mis actores favoritos”. La misma respuesta dieron Robert Pattinson, que interpreta al villano Antínoo, y Benny Safdie, que encarna a Agamenón.

La película abandona HBO Max este viernes 31 de julio

Estrenada en 2006 y basada en la novela homónima de Christopher Priest, la película narra la obsesiva rivalidad entre dos magos del Londres de finales del siglo XIX: Robert Angier (Hugh Jackman) y Alfred Borden (Christian Bale). Pese a que empiezan como compañeros, el fracaso de un truco ideado por ambos, hace que conviertan en enemigos irreconciliables. Cada uno de ellos intentará por todos los medios superar al otro y acabar con él.

Además de reunir a Jackman y a Bale, la cinta cuenta con un reparto de lujo formado por Michael Caine (uno de los actores habituales de Nolan), Scarlett Johansson, Rebecca Hall y Andy Serkis. Por si fuera poco, Nolan también contó con David Bowie en el papel de Nikola Tesla. “Era realmente el único que tenía en mente para interpretar a Tesla, porque su papel en la historia es pequeño, pero muy importante”, afirmó el director para IGN. En un principio, el cantante, que para entonces tenía 59 años, rechazó el papel, pero tras la insistencia del cineasta, finalmente aceptó.

La cinta recibió dos nominaciones a los premios Oscar —mejor fotografía y mejor dirección artística— y, pese a no alzarse con ninguna estatuilla, hoy figura entre las obras más valoradas del cineasta. Sin embargo, el crítico Kevin Nguyen, de GQ, la definió en 2017 como “la mejor y más infravalorada película de Christopher Nolan”. En Rotten Tomatoes cuenta con un 77% de valoraciones positivas por parte de la crítica, una de las puntuaciones más discretas de toda su filmografía, mientras que entre el público alcanza un 92%.

En España, la película puede verse en HBO Max, aunque no por mucho tiempo. El próximo 31 de julio abandonará el catálogo de la plataforma, por lo que quedan apenas tres días para disfrutar de este thriller de ilusionismo.

A pesar de que el Mundial terminó hace ya más de una semana, España sigue siendo noticia en Estados Unidos y no necesariamente por cuestiones positivas. Estos días ha surgido una polémica en torno a una de las concursantes de la versión del país norteamericano de Operación Triunfo, concurso de canto en televisión donde participa una joven española llamada Amalia, quien ha sido objeto de muchas críticas por dirigirse ‘de malas maneras’ a una de sus compañeras.

Durante un ensayo en la Academia con otras dos concursantes, hay un momento en el que Allie, una de estas, le pide a Amalia que ponga la canción y esta responde:" Como salga mal, como salga mal... que lo estoy explicando lento para que lo veáis". Unas palabras que no sentaron nada bien a la otra joven. “Amalia, lo entiendo, pero nos hablamos con respeto. Ese tono de voz no es apropiado“. La española contestó asegurando que lo había dicho de buenas maneras. ”¿Cómo quieres que te lo diga?“, comentaba a continuación.

Este momento puntual se ha convertido en una de las presentes polémicas de la edición, con parte del público defendiendo a la joven estadounidense que había acusado a Amalia de hablarle mal. Sin embargo, David Bisbal, cantante español que ejerce como jurado del concurso, ha querido dar un paso adelante y dirigirse directamente a Amalia durante una de las galas para aclarar lo sucedido.

Las palabras de Bisbal para apoyar a la joven

“Quiero darte un pequeño tip, ¿vale?“, empieza diciendo el cantante de temas como Dígale, A partir de hoy o Ave María, quien fichó como jurado en este 2026. “Quizá el español suena más rudo, pero no es rudo. Te lo prometo. Es simplemente que quizás estás queriendo ofrecer una ayuda, pero suena, efectivamente, de otra manera. Te prometo que, como andaluz que soy, como español, es una manera de expresarse. Te lo juro, ¿vale? Un beso". Así, el cantante trató de quitarle hierro al asunto después de varios días donde las críticas recibidas se han acumulado en redes sociales.

No es la primera vez que los fans del concurso se lanzan contra la cantante, que esta semana además se enfrenta a una nominación. Varias de las otras participantes, como Aziz o Lalah, han señalado que Amalia es muy “tocona”. “Piensa que eso es ser amigable. Hasta a Daniel lo toca. Es raro”, decía esta última. Con todo, la española se defendió asegurando que esa era su forma de ser y que no pensaba cambiarla. De nuevo, era una cuestión de choque cultural, puesto que en España el contacto físico de las conversaciones suele ser habitual tanto para enfatizar lo que se dice como para darle más suavidad a las formas.

Lo cierto es que la española, que actualmente tiene 18 años, está demostrando mucha personalidad en la presente edición y un gran talante sobre el escenario pese a su corta edad. Amalia ya cuenta con experiencia como actriz (participó en la serie Ayla y los Mirror) y como bailarina (en la película musical Voy a pasármelo bien). Actualmente reside en Nueva York, donde cursa estudios de teatro musical y formación vocal, aunque su sueño desde niña era presentarse a Operación Triunfo, oportunidad que le llegó mientras estaba en Estados Unidos.

No podría haber una noticia peor para los fans de las películas de Studio Ghibli. A partir de este sábado, la plataforma que tenía todos los títulos en su catálogo, Netflix, dejará de contar con obras maestras como El viaje de Chihiro (ganadora de un premio Oscar), El castillo ambulante o La princesa Mononoke: más de una veintena de títulos del considerado como uno de los mejores estudios de animación del mundo dejarán de estar disponibles.

La marcha de tantas y tantas obras maestras supone una importante pérdida también para Netflix, plataforma que se había convertido en lugar de referencia para todos los que quisieran ver los títulos de Ghibli. Desde febrero de 2020, la llegada progresiva de estos títulos permitió que una nueva generación descubriera sus historias. En su momento, la plataforma integró las producciones en tres tantas, comenzando por siete filmes iniciales como Mi vecino Totoro y Porco Rosso, a los que siguieron otros siete en marzo con El viaje de Chihiro y La princesa Mononoke, y finalmente siete más en abril, donde se sumaron El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Sin embargo, la última película en incorporarse al catálogo sería El chico y la garza, que llegaría a finales de 2024 tras su exitoso paso por cines a finales del año anterior. Esta es, hasta la fecha, la última película de Hayao Miyazaki, el aclamado director que, por aquel entonces con 83 años, ganaría su segundo premio Oscar (tres si contamos el honorífico por toda su carrera). Esta, al igual que todas las demás, dejará de poder verse en Netflix a partir del 1 de agosto.

Cuáles son las películas que tengo que ver sí o sí antes del adiós de Ghibli

Studio Ghibli tiene un total de 23 largometrajes animados, de modo que, si has pensado en verlas todas quizá sea un poco difícil en los tres días que quedan para su despedida. Sin embargo, aquí dejamos algunas recomendaciones para quienes no hayan visto nada o para quienes busquen alguna joya escondida entre toda la colección. Cabe recordar que, aunque la mayoría de estas producciones son para todos los públicos, se trata de historias con la profundidad emocional suficiente como para que los adultos puedan disfrutar (igual o más) que los más pequeños.

Dicho esto, lo primero que hay que ver de Ghibli son los clásicos de Miyazaki: Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke y El castillo ambulante serían las más famosas, pero a estas habría que añadir también otros títulos de otros directores igual de importantes, como La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, Susurros del corazón, de Yoshifumo Kondo, o Arrietty y el mundo de los diminutos, de Hiromasa Yonebayashi.

Junto a estos títulos, también hay películas mucho menos reconocidas que deberían ser consideradas imprescindibles, como la preciosa El cuento de la princesa Kaguya, donde el estudio incluso cambia su estilo de animación, o la emocionante Porco Rosso, donde quizá Miyazaki explota más su conocido amor por los aviones. Además, no podemos dejar de recomendar las dos últimas películas de este director, El viento se levanta y El chico y la garza, dos filmes que, a través del realismo o la fantasía, escenifican a la perfección algunas de sus principales obsesiones.

Han pasado cinco años desde que vimos por última vez al Spider-Man de Tom Holland. Desde entonces, Peter Parker ha desaparecido de la memoria de todo el mundo por culpa del último hechizo del Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) al final de Spider-Man: No Way Home. Este miércoles, el superhéroe regresa con Spider-Man: Brand New Day, la cuarta entrega protagonizada por el actor británico y la primera dirigida por Destin Daniel Cretton.

La expectación es máxima: las primeras estimaciones apuntan a que podría superar los 800 millones de dólares de recaudación mundial durante su primer fin de semana en cartelera. De cumplirse esa previsión, firmaría el segundo mejor estreno global de la historia, solo por detrás de Avengers: Endgame, que debutó con más de 1.200 millones.

Si quieres llegar al estreno con las tramas bien frescas, todavía estás a tiempo de hacer un maratón. Estas son las plataformas en las que puedes ver las tres películas protagonizadas por Tom Holland.

‘Spider-Man: Homecoming’ (2017)

Pese a que Tom Holland debutó en el Universo Cinematográfico de Marvel un año antes, en Capitán América: Civil War (2016), fue Spider-Man: Homecoming la que presentó por primera vez a su Peter Parker en solitario. Dirigida por Jon Watts, la película muestra a un adolescente que intenta compaginar las clases del instituto con su nueva vida como superhéroe mientras busca demostrarle a Tony Stark (Robert Downey Jr.) que está preparado para convertirse en un Vengador.

La película también supuso el salto de Zendaya a la gran pantalla, que venía de despuntar en Disney con Shake it Up, K.C Undercover o Zapped. El final dejó a más de uno con la boca abierta: aunque la actriz apenas tiene 10 minutos en pantalla, la escena final reveló que Michelle Jones es la Mary Jane de esta saga, un giro con el que Marvel reinventó a uno de los personajes más icónicos del universo de Spider-Man.

Dónde verla: Disney+, HBO Max y Movistar Plus+.

‘Spider-Man: Lejos de casa’ (2019)

Tras los acontecimientos de Vengadores: Endgame, Peter Parker intenta disfrutar de su viaje de fin de curso por Europa junto a sus amigos. Sin embargo, sus planes -declararse a MJ- cambian cuando Nick Furia le pide ayuda para enfrentarse a una nueva amenaza. En el camino aparece Quentin Beck, más conocido como Mysterio, al que da vida Jake Gyllenhaal. Su escena poscréditos cambió por completo el futuro del personaje dentro del Universo Marvel: la identidad de Spider-Man salía a la luz.

Dónde verla: Disney+, HBO Max, Movistar Plus+.

‘Spider-Man: No Way Home’ (2021)

La tercera entrega es, hasta la fecha, la más ambiciosa de la saga. Después de que el mundo descubra la identidad de Spider-Man, Peter Parker recurre al Doctor Strange para intentar revertir la situación. Sin embargo, el hechizo sale mal y abre las puertas del multiverso. El resultado fue uno de los mayores acontecimientos cinematográficos de la historia del cine: la película reunió por primera vez a Tom Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield como las tres generaciones de Spider-Man y recuperó a algunos de los villanos más icónicos de las sagas anteriores, como el Doctor Octopus de Alfred Molina, el Duende Verde de Willem Dafoe, Electro (Jamie Foxx), el Hombre de Arena (Thomas Haden Church) y el Lagarto (Rhys Ifans).

El resultado fue especular: recaudó 1.952 mil millones de dólares en todo el mundo y se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia de Sony Pictures.

Dónde verla: Disney+, HBO Max, Movistar Plus+.

La cuarta entrega, en cines en España desde este miércoles 29 de junio y en todo el mundo a partir de este viernes, abrirá una nueva etapa para el personaje, que vuelve con Zendaya y Jacob Batalon. Además, incorporará por primera vez al Universo Spider-Man de Holland al antihéroe Frank Castle / Punisher, interpretado por Jon Bernthal, y recuperará a Bruce Banner / Hulk, de nuevo encarnado por Mark Ruffalo. Todo ello bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, responsable de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos.

La publicación de La sociedad del cansancio en 2016 sacudió con fuerza el mundo editorial de los libros escritos por filósofos. Este libro analizaba cómo las exigencias de rendir al máximo y dar lo mejor de nosotros mismos constantemente habían generado una epidemia de agotamiento psíquico. El éxito del texto fue inmediato, convertido en una referencia obligatoria para comprender los efectos del estrés de la sociedad contemporánea, convirtiéndose en un fenómeno cultural en todo el mundo.

A partir de ese éxito, su autor, Byung Chul-Han, se ha convertido en uno de los filósofos más leídos del mundo actual. Nacido en Seúl y afincado en Alemania, este pensador surcoreano ha logrado traducir la complejidad conceptual en diagnósticos certeros sobre el siglo XXI y la era digital. Su estilo directo y contundente atrae a millones de personas que buscan respuestas a los malestares de la vida actual, lo cual ha contribuido que, en 2025, recogiera el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades.

Para entonces, ya estaba más que consolidado como influencer intelectual, una de las más influyentes en la crítica del mundo actual, con reflexiones como las siguientes: “En las redes sociales, la función de los amigos es principalmente la de aumentar nuestro narcicismo”. Una idea que refleja a la perfección su punto de vista sobre el uso que le damos hoy a las plataformas digitales, donde, más que vincularnos a los demás, lo que buscamos es reafirmar nuestro propio ego.

El significado de la frase de Byun-Chul Han

Las palabras del filósofo derivan de otro concepto clave en su visión del mundo: el de la sociedad del rendimiento. Con esto, señala cómo a día de hoy muchas personas se explotan a sí mismas creyendo que así se realizan y que “alimentan” al sistema generando más y más contenido. Sin embargo, en entornos como Facebook (la red social más utilizada cuando escribió La sociedad del cansancio), no se busca transmitir nada a nadie, sino convertir estos espacios en un escaparate de nosotros mismos. o buscamos amigos reales con los que confrontar o compartir ideas, sino espectadores que confirmen lo que ya sabemos mediante interacciones positivas.

Esta lógica genera lo que el pensador denomina “la expulsión de lo distinto”, un proceso donde desaparece la resistencia que ofrece el mundo real. “El tiempo en el que existía el otro ha terminado”, lamentaba el filósofo en otro ensayo, La expulsión de lo distinto. Y es que, para él, las redes sociales encierran en una cámara de eco cualquier diferencia posible, privándonos de encontrar a gente diferente que nos enriquezca como individuos y que nos aporte experiencias verdaderamente transformadoras.

De este modo, las plataformas funcionan en base a la gratificación instantánea, que es responsable de que el afecto se contabilice en métricas y reacciones cuantitativa que reduce a las personas en números, algo de lo que ni siquiera el que produce el contenido escapa. “El narcicismo no es ningún amor propio. El sujeto narcicista no es capaz de establecer los límites de su yo”. El resultado final es la erradicación de cualquier posibilidad de amar y empatizar con el verdadero otro.

De la caverna del ego a la herida narcisista

Siglos antes de Byung-Chul Han, la filosofía ya había advertido sobre los peligros del repliegue egoico. Jean-Jacques Rousseau diferenció en el siglo XVIII el “amor de sí mismo”, un impulso natural de supervivencia, del “amor propio”, al que definió en su Discurso sobre el origen de la desigualdad entre los hombres diciendo: “El amor propio es un sentimiento relativo, ficticio y nacido en la sociedad, que lleva a cada individuo a hacer más caso de sí mismo que de todos los demás”.

Un tiempo después, Friedrich Nietzsche profundizaría en las trampas de la vanidad y la búsqueda constante de aprobación externa. El filósofo alemán desmontó la ilusión del orgullo social con una agudeza lapidaria con la siguiente reflexión: “El vanidoso no quiere tanto destacar como sentirse admirado, y para ello necesita la mirada de los demás”. Nietzsche, sin saberlo, hablaba de la dependencia que quedaría expuesta mucho después de su muerte con Facebook, Instagram, TikTok, X y compañía.

Así, vemos que el pensamiento de Byun-Chul Han no es una mera idea feliz, sino una realidad que conecta con algunas de las debilidades que siempre hemos mostrado a lo largo de la historia. Eso no quita, no obstante, que su diagnóstico sea urgente. El filósofo nos insta a recuperar el sentido genuino de la palabra amistad, a salir del escaparate de nosotros mismos y empezar de mirar de verdad a los demás.

Primero fue el COVID y después la DANA. Miguel Bosé ha vuelto con una conspiranoica opinión sobre los incendios que arrasan desde hace días parte de la Comunidad de Madrid y la provincia de Ávila, donde las llamas ya han calcinado 50.000 hectáreas, convirtiéndose en, según la presidente madrileña Isabel Díaz Ayuso, en “la mayor catástrofe natural” del país.

El cantante ha publicado un extenso mensaje en su cuenta de Instagram en el que responsabiliza a la Agenda 2030 y a las políticas medioambientales de la magnitud de los fuegos.

“Un verano más, tal y como ya nos tienen acostumbrados los de siempre, España arde en decenas de infiernos”, comienza el artista, que sostiene que “las luminarias del medioambiente y del ecologismo, empeñados en vendernos un ‘clima cambiático’ de Agenda 2030, impiden y multan el desbroce del campo”, escribió el pasado sábado.

Bosé asegura que estas políticas se adoptan desde “despachos bien untados” y acusa a sus impulsores de creer que saben “más que la gente que desde hace generaciones vive el campo, hace el campo y es del campo”. “Y pasa lo que pasa”, concluye, atribuyendo a esa supuesta falta de labores de limpieza forestal el origen de los grandes incendios que afectan estos días al centro de la península.

El cantante también plantea, sin aportar pruebas, que tras los incendios podría haber un interés relacionado con la implantación de infraestructuras energéticas. “Ahora se abren apuestas para ver cuánto tiempo van a tardar en asignar las miles de hectáreas quemadas a proyectos renovables que cambien para siempre el verde naturaleza por el negro placa solar, o el blanco eólico”, escribe en su publicación. “Espero que en el próximo infierno sean ellos los que ardan”, concluye Bosé, en referencia a quienes identifica como responsables de las políticas medioambientales que critica.

Negar el COVID y la DANA

No es la primera vez que el intérprete de Amante bandido genera controversia por sus publicaciones en redes sociales. Durante la pandemia de coronavirus se convirtió en una de las voces más conocidas del movimiento negacionista en España, cuestionando las vacunas y las medidas sanitarias adoptadas por el Gobierno, entre ellas el uso de mascarillas. “Soy un negacionista y llevo la cabeza alta”, declaró en el programa de Jordi Évole en 2021.

En 2024, el artista volvió a pronunciarse tras la DANA que golpeó la Comunidad Valenciana y donde perdieron la vida más de 200 personas. También en un post de Instagram ahora eliminado, Bosé achacó lo ocurrido a "una panda de delincuentes malnacidos” refiriéndose a los políticos y culpando a las “ingenierías climáticas”-

“Estoy furioso, lleno de rabia porque todas esas vidas perdidas, todas estas casas, campos, ganado y pertenencias son indiscutiblemente la consecuencia ya sobradamente documentada y pública de una suma de pésimas y criminales prácticas llevadas a cabo por gobiernos que, entre destrucciones de presas y embalses, y sobre todo con la práctica desmesurada y sin control de las ingenierías climáticas, chemtrails o haarp que se les han ido de las manos", escribió. “Están empeñados en vendernos algo que no existe y que ellos mismos provocan para lucrarse una vez más, como pasó en su momento con las vacunas y mascarillas durante la pandemia“, añadió.

El tramo final de las Noches del Botánico en Madrid se ha visto repentinamente interrumpido por la cancelación de Diana Krall apenas unas horas antes de su concierto en la capital. El anuncio, realizado por parte de la organización del ciclo y difundido por la Agencia EFE, ha confirmado que la artista y su equipo han tomado la decisión de suspender el concierto sin que mediara explicación pública por parte de la famosa cantante de temas como The Look of love o Let’s fall in love.

“Acabamos de recibir esta comunicación por parte de la oficina de la artista. La cancelación responde a una decisión adoptada por la artista y su equipo, ajena a la organización de Noches del Botánico”, aclaraba dicho comunicado, donde los organizadores también han manifestado su pesar por el contratiempo: “Lamentamos profundamente las molestias que la cancelación haya podido ocasionar y agradecemos sinceramente la comprensión de los asistentes”.

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Se han facilitado diferentes vías para reclamar un reembolso. Quienes adquirieron sus entradas de forma presencial deberán acudir al punto de venta original para gestionar la devolución. En el caso de las compras efectuadas por internet, tanto a través de la web de Noches del Botánico como del distribuidor oficial, el reembolso íntegro se realizará automáticamente en los próximos días, sin que sea necesario ningún trámite adicional por parte del comprador.

Actuó en San Sebastián este domingo

De haberse producido el concierto de este lunes, no habría sido la primera vez que Diana Krall cantaba en Noches del Botánico. La artista canadiense, ganadora de dos premios Gramy y con una de las voces más distinguibles del panorama del jazz contemporáneo, ya participó en el festival en 2022. Este año, además, ya había dado otros conciertos en España, como su aplaudida actuación en la clausura del festival Jazzaldia de San Sebastián este domingo. Se desconoce si, tras esta cancelación para una actuación en la que había hecho sold out, retomará sus próximos compromisos, con un concierto en Marciac (Francia) el próximo 29 de julio.

La presencia de la artista canadiense era uno de los grandes reclamos musicales del verano. Consagrada como una de las vocalistas más reconocidas del jazz, Diana Krall ha ventido más de 15 millones de discos a lo largo de su carrera fue declarada la artista de jazz más importante de la primera década del siglo XXI por parte de la revista Billboard. A sus 61 años, sigue dando conciertos por todo el mundo, aunque ahora hace más de seis años que no saca un álbum de estudio, siendo el último This Dream Of You, lanzado en 2020.

Por otra parte, con la negativa de la cantante, son cuatro los conciertos que quedan para cerrar esta edición del ciclo de conciertos en Madrid. Rubén Blades, junto a la Roberto Delgado Big Band, será el próximo en cantar en el Botánico este martes, seguido de LP y Jet Vesper, que compartirán escenario el miércoles 29, y de Tom Jones, que lo hará el jueves 30. Finalmente, el viernes 31 se clausurará el festival con un concierto doble de Cultura Profética y Çantamarta.

El Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha presentado los títulos que competirán en la Sección Oficial de su 74ª edición, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Entre los cineastas seleccionados figuran nombres destacados como Pablo Larraín, Mike Leigh y Benjamín Naishtat, quienes optarán a la Concha de Oro junto a otros realizadores de reconocido prestigio internacional.

El certamen confirmó la participación de siete largometrajes internacionales, a los que se suman tres producciones españolas ya anunciadas previamente. La lista incluye nuevos proyectos de Nicole Garcia, Maha Harada, Hans Petter Moland y Yeşim Ustaoğlu, así como la esperada ópera prima de la escritora japonesa Maha Harada. La selección oficial de este año busca reflejar la diversidad de miradas y estilos que caracterizan al panorama cinematográfico actual, reuniendo a cineastas consagrados y debutantes en una competencia que, según la organización, representa “la vitalidad creativa del cine contemporáneo”.

Entre los títulos anunciados destaca Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia. Protagonizada por Marion Cotillard y Théodore Pellerin, la película narra la historia de una mujer recién salida de prisión que comienza a trabajar en una cafetería. El objetivo de su protagonista es acercarse a un joven que frecuenta la zona, en un relato de segundas oportunidades bajo la dirección de la cineasta francesa. La ópera prima de Maha Harada, titulada In My Father’s Room, supone el debut en la dirección de la autora japonesa. Con un guion basado en una de sus propias novelas, la historia se centra en una trabajadora de museo que recibe una llave misteriosa, capaz de abrir la habitación de su difunto padre. Harada, conocida por sus best sellers inspirados en el mundo del arte, da el salto al cine con una propuesta de corte íntimo y personal.

De Mariana Enríquez a Lali Expósito

El director chileno Pablo Larraín presentará Mis muertos tristes, una adaptación cinematográfica de cuatro relatos de la escritora Mariana Enriquez. El filme está protagonizado por Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La trama sigue a Ema, una mujer con la capacidad de ver y escuchar a los muertos, en una exploración de la frontera entre la vida y la muerte. Larraín, habitual de festivales como Cannes, Venecia y Berlín, regresa a San Sebastián tras haber presentado títulos como Spencer, Tony Manero, Post Mortem y Ema en ediciones anteriores.

Por su parte, el británico Mike Leigh vuelve a la Sección Oficial con Tender Loving Care, tras su participación en 2024 con Hard Truths. La película, protagonizada por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson, continúa la exploración del cineasta sobre las complejidades del mundo contemporáneo. Leigh, ganador de la Palma de Oro en Cannes por Secrets and Lies y del León de Oro en Venecia por Vera Drake, suma así un nuevo trabajo a una filmografía reconocida por su mirada social y humana.

El noruego Hans Petter Moland competirá con Growth of the Soil, basada en la novela homónima del Nobel Knut Hamsun. El filme sitúa su acción en el norte de Noruega, donde una pareja enfrenta desafíos que ponen a prueba su relación. Moland ya obtuvo el Premio Especial del Jurado en San Sebastián en 1995 y ha llevado varias de sus obras a festivales de primer nivel como la Berlinale.

Benjamín Naishtat, cineasta argentino que ganó la Concha de Plata en 2018 con Rojo, regresa al certamen con Glaxo. La película, protagonizada por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi, transcurre en un pequeño pueblo argentino en 1957. La llegada de un excomisario y su esposa altera la vida de cuatro jóvenes, en una trama de tensiones y fracturas personales. Naishtat suma reconocimientos en certámenes como Berlín y Locarno, y su último trabajo, Puan, fue premiado por su guion. La realizadora turca Yeşim Ustaoğlu presentará What Remains, centrada en el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden impuesto para reconectar consigo misma. Ustaoğlu, ganadora de la Concha de Oro en 2008 por Pandora’s Box, ha presentado sus trabajos en la Berlinale y la Mostra de Venecia.

La Sección Oficial también contará con tres producciones españolas en competencia: El mal padre de Roberto Bueso, Saints de Mikel Gurrea y 5 minutos más de Javier Ruiz Caldera. Estos títulos confirman la apuesta del festival por el cine nacional y su integración en el panorama internacional. Fuera de concurso se proyectarán la serie El castillo, creada por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero. Además, la programación especial incluirá películas como Último adiós de Koldo Almandoz, Ruega por nosotras de Daniel Monzón, Sacamantecas de David Pérez Sañudo y Bajañí de Fernando Trueba.

Durante la época de mayor visibilidad de la trilogía El señor de los anillos, Sean Astin, actor que interpretó a Samwise Gamgee, enfrentó dificultades económicas inesperadas. En una entrevista reciente con The Guardian, Astin reveló que debió vender su casa en los primeros años de la década de 2000, pese al impacto global de las películas y la fama que adquirió por su papel en la obra dirigida por Peter Jackson. La causa, según explicó, fue haber negociado un salario considerablemente bajo para participar en las tres películas que redefinieron el género fantástico.

La trilogía El señor de los anillos, estrenada entre 2001 y 2003, se consolidó como un fenómeno cultural y comercial, acumulando una recaudación de 2.900 millones de dólares en todo el mundo. Sin embargo, Astin señaló que el reconocimiento público que recibió no se tradujo en estabilidad financiera inmediata. “Había una desconexión entre la atención que estaba recibiendo y cuánto dinero teníamos. ¡No era mucho dinero! De hecho, tuve que vender mi casa porque negocié una cantidad muy pequeña en la trilogía”, expresó el actor en la entrevista.

La situación financiera de Astin durante el rodaje contrasta con la percepción general sobre los actores de grandes franquicias. El propio actor detalló que recibió unos 75.000 dólares por cada película, sumando un total de 250.000 dólares por las tres entregas. Esta cifra resulta llamativa frente al éxito comercial de El señor de los anillos, una de las sagas más rentables de la historia del cine. El sistema de contratación de los actores fue un factor determinante para los bajos salarios. Astin explicó que el equipo liderado por Peter Jackson filmó las tres películas de manera consecutiva, una decisión que impidió a los actores renegociar sus contratos a medida que la saga ganaba popularidad. Según sus palabras, “no era el tipo de escenario lucrativo que te permitía vivir tranquilo el resto de tu vida”.

‘La caza de Gollum’, siguiente aventura

Elijah Wood, protagonista de la trilogía como Frodo Bolsón, compartió una visión similar en declaraciones previas a Business Insider. Wood explicó que New Line Cinema asumió un “verdadero riesgo” al rodar las tres entregas a la vez, lo que llevó a que el elenco aceptara salarios “no elevados”. El actor subrayó que el beneficio de ese acuerdo era formar parte de un proyecto que marcaría sus carreras de forma permanente. Otro de los actores principales, Orlando Bloom, quien interpretó a Legolas, también expuso en 2019 que su remuneración por la trilogía fue baja, situándose en 175.000 dólares por las tres películas, según comentó en una entrevista en “The Howard Stern Show”.

La confesión de Sean Astin sobre la venta de su casa evidencia la tensión que puede existir entre la fama y la realidad económica de los actores en grandes producciones. Aunque Astin aclaró que se encuentra en una situación financiera estable en la actualidad, reconoció que durante el apogeo de El señor de los anillos su familia y él no gozaban de una seguridad económica proporcional al éxito mediático de las películas. Astin afirmó: “No estaba preparado para ese nivel de visibilidad y acceso”, refiriéndose a cómo la notoriedad pública contrastó con los límites de su economía personal. Su relato destaca la estructura contractual de los grandes estudios, que en ocasiones priorizan la minimización de riesgos financieros sobre la remuneración de sus talentos protagonistas.

Actualmente, la franquicia de El señor de los anillos prepara su regreso a la gran pantalla con proyectos como La caza de Gollum, dirigido por Andy Serkis, y una nueva película coescrita por Stephen Colbert. Sean Astin no ha sido confirmado en estas nuevas producciones, pero anticipó que, de regresar, buscará mejores condiciones. El caso de Astin y sus compañeros de reparto ilustra cómo los acuerdos iniciales pueden dejar a los actores fuera de los beneficios a largo plazo, incluso en sagas que se transforman en fenómenos de la cultura popular. La experiencia de Astin pone en primer plano el debate sobre la equidad en la industria cinematográfica, sobre todo cuando el éxito comercial no se refleja en la compensación de quienes lo hacen posible. La historia de El señor de los anillos continúa expandiéndose en la industria del cine, mientras las vivencias de sus protagonistas revelan las complejidades económicas detrás de los grandes éxitos de taquilla.

Este miércoles 29 de julio - mañana - toca Morrisey en Madrid, en el Movistar Arena. Cuando lo hizo hace un par de días, el 25, en Barcelona, se especulaba sobre si saldría o no al escenario - la prensa musical contabiliza sus cancelaciones en más de 360 desde el año 91 - y, en caso de no hacerlo, sobre la excusa que encontraría para ello, pero finalmente el cantante de The Smiths apareció en el Poble Espanyol, y lo hizo con un mensaje.

Durante su concierto, según la crónica de Rockzone Mag, tocó, por primera vez y acompañándolo de imágenes de cornadas, su tema 'The Bullfighter Dies’ (El Torero Muere) para un público que lo recibió con entusiasmo, haciendo eco con esta canción de la carta que había mandado a Pedro Sánchez, presidente del Gobierno, días antes.

En ella, el artista comenzaba elogiando la aportación cultural española con un “España ha enriquecido al mundo con música, arte, literatura y danza extraordinarias” que después matizaba con su “pero la tauromaquia continúa dañando su reputación internacional”. En su carta, difundida con el apoyo de la organización animalista PETA - que también está recogiendo firmas para pedir el fin de la tauromaquia y ha conseguido ya 108.780, según su página web -, Morrisey pide a Sánchez que acabe con la tauromaquia.

“El torero muere, nadie llora”

“Un animal asustado y torturado, que muere lentamente, ahogándose en su propia sangre tras ser torturado y apuñalado por un hombre, representa una crueldad hacia los animales que no puede justificarse llamándola ‘cultura’”, argumenta el artista en su misiva a Pedro Sánchez, mencionando a Velázquez, Cervantes y el flamenco como verdaderos ejemplos de cultura y arte españoles. “El torero muere, nadie llora”, dice el artista citando su propia canción.

“Si la tauromaquia desaparece, habrá celebración, no lágrimas”, afirma Morrisey. “La generosidad, el calor y el talento del pueblo español brillarán sin esa mancha. Lo único que desaparecerá será el recuerdo de tiempos menos civilizados”, dice, asegurando también que en España “existe un clamor abrumador para prohibir este espectáculo atroz”.

Y se dirige directamente a Pedro Sánchez: “Le ruego que aproveche la responsabilidad de su posición para hacer algo por lo que el mundo y su propio pueblo le estarán agradecidos: poner fin a esta barbarie”. En su carta, Morrissey también aborda el uso de dinero público para la financiación de corridas. Señala que “el dinero público se utiliza para sostener un dolor infligido de manera innecesaria; recursos que podrían destinarse a causas verdaderamente importantes”.

La publicación de la carta coincide con el regreso al Congreso de “No Es Mi Cultura”, una iniciativa ciudadana ya convertida en Propuesta de Ley que busca retirar el estatus de bien de interés cultural a la tauromaquia. Un total de 52 diputados han presentado de nuevo la propuesta, respaldada además por más de 715.000 personas, para “eliminar la tauromaquia como Patrimonio Cultural” después de que en 2025 no prosperase tras la abstención del PSOE. Preguntado en 2024 sobre la tauromaquia, el presidente del Gobierno dijo simplemente que a él, en lo personal, no le gustan, pero que no preveía promover ninguna iniciativa para prohibir esta práctica.

Cristiano Ronaldo, uno de los futbolistas más reconocidos del mundo, prepara su desembarco en la industria televisiva con un proyecto propio que lo tendrá como actor y productor. El portugués encabeza la serie dramática Day 1s, una ficción ambientada en el universo de los agentes de fútbol, que marca además el debut de su productora UR•Marv Studios en colaboración con el cineasta Matthew Vaughn. El proyecto surge tras la reciente eliminación de Portugal en el Mundial, hecho que llevó a Ronaldo, actualmente jugador del Al-Nassr de Arabia Saudita a sus 41 años, a enfocarse en nuevas facetas profesionales. Según lo informado, Day 1s será la primera serie en la que el deportista asume un papel protagónico y ejecutivo, abriendo una nueva etapa en su carrera más allá del deporte.

Day 1s representa el primer trabajo televisivo de Ronaldo en carácter de actor y productor ejecutivo. El futbolista liderará el elenco y participará en las decisiones creativas del proyecto, que se produce bajo el sello de UR•Marv Studios, una filial lanzada junto a Matthew Vaughn, director de títulos como Kingsman y X-Men: First Class. La serie fue concebida como una apuesta audaz de Ronaldo para consolidar su presencia en la industria del entretenimiento, explorando un territorio hasta ahora ajeno para él. De acuerdo con el anuncio, el propio Ronaldo impulsó la idea de protagonizar y producir Day 1s, confiando en el potencial de la historia y el equipo detrás de cámaras. La serie se rodará principalmente en Londres y contará con la financiación independiente de UR•Marv Studios. Desde su lanzamiento, la productora ha finalizado dos largometrajes deportivos y ha declarado que buscará integrar tecnología innovadora sin dejar de lado los métodos tradicionales de producción.

La serie Day 1s está inspirada en una idea original del agente de fútbol Darren Dein y cuenta con guion y dirección a cargo de Matthew Vaughn. El relato gira en torno a Stanley Dalton, un agente británico de fútbol ficticio, y explora los desafíos, intrigas y dilemas éticos de quienes se desempeñan en ese ambiente profesional. El inicio de las grabaciones en Londres marca el punto de partida para la producción, que aspira a captar tanto al público futbolero como a los seguidores de las series dramáticas. Desde la producción se ha comparado la premisa de Day 1s con la de la reciente serie brasileña The Playoffs, emitida por Globo, donde también se retrata la vida de un agente deportivo. Sin embargo, el enfoque de la nueva serie busca diferenciarse por la presencia de figuras globales y una narrativa que combina tensión, humor y elementos propios del negocio del fútbol europeo.

Así será ‘Day 1s’

El elenco de Day 1s contará con Damian Lewis, conocido por su trabajo en Homeland, en el papel principal de Stanley Dalton. Además, se prevé la participación de estrellas invitadas vinculadas al fútbol de alto nivel, como Thierry Henry, y del rapero británico Dave. La inclusión de estos nombres refuerza la intención de unir el mundo del deporte con el espectáculo, proporcionando cameos y colaboraciones de alto perfil que buscan atraer a una audiencia diversa. Matthew Vaughn, productor y director británico, aporta su experiencia en la realización de películas como Lock, Stock and Two Smoking Barrels y Layer Cake. Su alianza con Ronaldo pretende posicionar a UR•Marv Studios como un nuevo jugador relevante dentro del sector audiovisual europeo, combinando la popularidad global del fútbol con el atractivo de las grandes producciones televisivas.

Cristiano Ronaldo, a sus 41 años, continúa jugando profesionalmente para el club saudí Al-Nassr, pero su reciente eliminación en octavos de final del Mundial ante España marcó el cierre de su carrera mundialista con Portugal. Este desenlace ha incentivado su búsqueda de nuevos horizontes fuera de las canchas. El futbolista, que a lo largo de su trayectoria ha defendido los colores del Real Madrid y el Manchester United, inicia ahora una etapa donde la televisión y la producción audiovisual ocupan un lugar central. Su apuesta por Day 1s refleja tanto su capacidad de reinventarse como su interés por explorar áreas creativas que trascienden el deporte.

El estreno de Obsession se ha convertido en uno de los mayores fenómenos cinematográficos de 2026. La película, dirigida por Curry Barker, sorprendió a la industria y al público al convertirse en un éxito de taquilla inesperado, impulsada por el boca a boca y el interés que generó su atmósfera inquietante dentro del género de terror de bajo presupuesto. El filme atrajo la atención tanto por sus cifras millonarias como por la interpretación de su protagonista, que fue ampliamente comentada entre críticos y espectadores.

Será precisamente Michael Johnston, el actor principal de Obsession, quien podría dar el salto del terror contemporáneo a la aventura clásica. Según confirmó Variety, Johnston se encuentra en negociaciones para sumarse al elenco de la cuarta entrega de La momia. Este movimiento lo posiciona en uno de los proyectos más esperados de los próximos años, junto a figuras consagradas de la franquicia.

La posible incorporación de Johnston representa un giro relevante en su carrera, ya que pasaría de encabezar una producción de terror independiente a integrarse en una superproducción de aventuras ambientada en el Egipto fantástico que caracteriza la saga de La momia. Johnston, que antes de Obsession era conocido por su trabajo en la serie Teen Wolf, ha visto cómo su popularidad creció aceleradamente tras el reciente éxito en cines. La cuarta entrega de la franquicia contará con el regreso confirmado de Brendan Fraser y Rachel Weisz, quienes retomarán los papeles de Rick O’Connell y Evelyn O’Connell, respectivamente. Ambos actores, galardonados con el Oscar, vuelven a encontrarse en pantalla después de que Weisz estuviera ausente en la tercera película, La momia: la tumba del emperador dragón (2008).

La saga, que debutó en 1999 con La momia, narra las aventuras de un cazador de tesoros que accidentalmente libera a un sacerdote egipcio maldito, desatando fuerzas sobrenaturales. Las dos primeras películas, La momia y El regreso de la momia (2001), fueron éxitos de taquilla y consolidaron a Fraser como uno de los protagonistas del cine de acción de la época. La reaparición de Weisz, un reclamo largamente esperado por los seguidores, añade valor a esta nueva entrega. A la lista de regresos se suma John Hannah, otro de los personajes más populares de la saga, cuya participación fue confirmada oficialmente.

El salto de Johnston a una franquicia como La momia evidencia la tendencia de los estudios a apostar por talentos emergentes que han demostrado su atractivo ante el público. En Obsession, Johnston obtuvo reconocimiento por su actuación en un contexto de terror psicológico y narrativas intensas, demostrando versatilidad y capacidad para liderar proyectos de gran impacto. Ahora, con la posibilidad de incorporarse a una de las sagas más exitosas del cine reciente, el actor se enfrenta al reto de combinar su experiencia en el cine de terror con el universo de aventuras, acción y misterio que define a La momia. Su llegada coincide con la estrategia de Universal Pictures de revitalizar la franquicia sumando nuevos rostros al elenco histórico. La dirección de La momia 4 estará a cargo de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, quienes han trabajado juntos en la saga Ready or Not.

El guion fue escrito por David Coggeshall, conocido por The Family Plan y Orphan: First Kill. La producción ejecutiva recae en Sean Daniel, involucrado en la franquicia desde sus inicios, junto a William Sherak, James Vanderbilt y Paul Neinstein de Project X Entertainment. Universal Pictures confirmó que el estreno mundial de La momia 4 está previsto para el 15 de octubre de 2027. Aunque los detalles de la trama permanecen bajo estricta reserva, la combinación de actores originales, la posible llegada de Michael Johnston y la dirección del nuevo equipo creativo generan expectativas elevadas en torno a la película. La saga de La momia ha acumulado más de 1.800 millones de dólares en recaudación desde su primera entrega, consolidándose como una de las franquicias más lucrativas y reconocibles del cine en las últimas décadas.

“Algunos me creen natural de Quíos, otros de Esmirna y muchos de Cologón, pero soy de Babilonia y en mi país no me llamo Homero, sino Tigranes. Sin embargo, hallándome rehén en Grecia, cambié de nombre después”. Estas fueron las palabras que Homero, el autor de La Ilíada y La Odisea que vuelve a estar en la mente de todo el mundo por la película de Christopher Nolan, le dijo a Luciano de Samóstata en los viajes que este cuenta en sus Relatos verídicos.

Aunque esta obra es del siglo II, y por lo tanto es imposible que su autor conociera a un poeta mil años anterior (Relatos verídicos se considera el texto más antiguo de ciencia ficción), demuestra el interés que había, ya desde la época clásica, por saber quién era el gran poeta de la Antigua Grecia: de dónde venía, cómo escribió dos obras tan importantes para la historia y, al mismo tiempo, tan diferentes entre sí. Había numerosas versiones al respecto, muchas de las cuales surgieron tan pronto como sus versos se convirtieron en un pilar de la cultura.

El enigma de la identidad de Homero sigue siendo hoy un gran misterio. Sobre la llamada cuestión homérica, expertos de todas las épocas han lanzado teorías al respecto, si bien ninguna de ellas ha podido confirmarse y puede que nunca lo haga. El misterio de Homero empieza, de hecho, por su nombre y su significado: algo que, veladamente, nos decía Luciano de Samóstata, y que podría relacionarse con los temas que se tratan tanto en La Odisea como en La Ilíada. Homero, en griego antiguo, significa “prisionero de guerra”.

Del poeta ciego a los poetas de toda Grecia

“Homero es quizá una figura más mítica que Ulises”, destaca Alfonso Mañas, historiador que acaba de publicar La Odisea. La realidad tras el mito (Almuzara). Su lectura de las obras del poeta parte del hecho de que su autor era un “rapsoda”, es decir, un cosedor de cantos que, en el siglo VIII a. C., recogió las hazañas que recitaban los aedos (los bardos de la época) y que las unió en torno a unos personajes, a unas hazañas y a un evento ocurrido 400 años antes: la guerra de Troya. Por lo tanto, a la pregunta de quién fue Homero se añade otra cuestión homérica: ¿fue realmente el autor de lo que se cuenta en sus poemas?

Por otra parte, el primer testimonio sobre la identidad de Homero lo dio, supuestamente, él mismo en uno de los llamados Himnos homéricos. En estos textos, el poeta se describía como “un varón ciego, que habita en la escabrosa Quíos”, y cuyos cantos prevalecerían en el futuro. El problema es que, en realidad, los Himnos homéricos no los escribiría el poeta, sino otros autores que vivieron uno o dos siglos después, tal y como ha demostrado la historiografía moderna. Con todo, no sería descabellado situar su origen cerca de esa zona, o al menos en su misma región, Jonia, puesto que tanto La Ilíada como La Odisea están escritas en una mezcla de dialectos, entre los que destacaba el jonio.

Pero ¿qué hacemos con el resto de dialectos que se encuentran en estas obras? La “versión oficial” de ambas no llegó en el siglo VIII a. C., sino en el siglo VI a. C., cuando Pisístrato, tirano de Atenas, ordenó fijar por escrito una versión a partir de lo que, hasta entonces, se había transmitido oralmente. “No sabemos cuántos Homeros hubo, aunque lo simbolicemos en uno en concreto”, comenta Mañas. “Los filólogos han detectado casi todas las variedades del griego de la Antigua Grecia en esos textos, así que, claramente, distintas personas de distinas partes de Grecia contribuyeron a hacerlos. Todo eso quedaría fosilizado en el lenguaje y en cómo nos ha llegado la obra al ponerse por escrito siglos después”.

Un hombre o una mujer

Hay otras teorías acerca de la identidad de Homero y cómo escribió sus versos. Incluso los propios griegos dudaban de que La Odisea y La Ilíada hubiesen sido escritas por la misma persona: Jenón, Helánico, Aristarco, Zenódoto... Son muchos los que apuntaron hacia las diferencias entre dos obras que incluso se contradicen en ciertas cosas. “En la Ilíada, Odiseo es un guerrero bastante brutal y bestia, es implacable y nunca llora. No encaja con el Odiseo de La Odisea, mucho más sentimental y que, al verse perdido, se pone a llorar”, pone como ejemplo de discrepancia Mañas.

Entre quienes creen que Homero solo fue autor de la Ilíada, existe también otra posibilidad: ¿Y si Homero hubiera sido una mujer? Para Andrea Martínez, autora de Anónimo es nombre de mujer (Bruguera), esta idea resulta muy interesante: “La plantean estudiosas como Natalie Haynes (en su ensayo Las mil naves) y Carmen Estrada (en Odiseicas). El tono de La Odisea con respecto a las mujeres es distinto al de La Ilíada: cómo se habla de ellas, la importancia de Circe y Calipso, la idea de Penélope tejiendo y destejiendo un sudario en un telar porque los hombres no saben cuánto se tarda en hacer eso... No sé a cuántos hombres de la época se les hubiese ocurrido".

Alfonso Mañas no comparte esta teoría. “En el siglo VIII a. C. todos los rapsodas eran hombres. Si una mujer hubiese compuesto o escrito un poema, ni siquiera habría tenido público para que perviviera”. Sin embargo, si reconoce que el papel de los personajes femeninos es muy importante, cosa que, sin embargo, también puede encontrarse en La Ilíada: ”Hay un momento en el que Elena de Troya se rebela contra Afrodita, se niega a acostarse con Paris y acusa a la diosa de estar utilizándola. Entonces Afrodita la amenaza: ‘Ten cuidado, obedéceme o dejaré de favorecerte y los hombres te matarán’“, concluye. ”Esas cosas muestran una gran atención por el papel de la mujer".

Más de 2.800 años después de la aparición de las obras de Homero y más de 3.200 desde la guerra de Troya que estas nos cuentan, las preguntas sobre este autor siguen sin resolverse. Quizá lo mejor sea quedarse con un verso de La Ilíada en la que otro poeta griego, Simónides de Amorgos, interpretó que Homero hablaba de sí mismo: “¿Por qué me preguntas mi linaje? Como el linaje de las hojas, tal es también el de los hombres“. Estas palabras acabarían convirtiéndose en un proverbio en la Antigua Grecia, y su mensaje sigue vigente a día de hoy: que a pesar de que creamos saber quiénes somos y de dónde venimos, de lo importante que es nuestra identidad, esta es, en realidad, algo mucho más frágil de lo que creemos.

Para Alfonso Mañas, toda leyenda cuenta con una historia real que, en el fondo, la inspira. Al fin y al cabo, este doctor en Historia del Deporte y autor de varios libros sobre gladiadores nos recuerda que “los mitos de la Antigüedad eran la manera de explicar lo desconocido, lo que se desconocía completamente”, de un modo similar a lo que hoy hace la ciencia: describir el mundo, o mejor dicho, descubrirlo. Algo así hizo Odiseo en su nave tras la guerra de Troya, en un periplo que quedaría inmortalizado para siempre en los versos de Homero, y que vuelve a estar en la mente de todo el mundo por el reciente estreno de la nueva película de Christopher Nolan.

Así, en La Odisea. La realidad tras el mito (Almuzara), Mañas identifica los diferentes elementos reales que pudieron contribuir a la creación de uno de los clásicos más importantes de la literatura universal. En algunos casos, esa verdad histórica es fácil de encontrar, pues se encuentra en el testimonio de otros filósofos e historiadores clásicos que ya reflexionaron sobre el poema homérico; en otros, hay que ir un poco más allá, y repasar algunos de los descubrimientos arqueológicos y paleontológicos para descubrir con qué obstáculos pudo encontrarse Odiseo para volver a casa.

Y eso, claro, si es que hubo solo un Ulises (así lo llamaban los romanos). “Muchos cantos que surgen después de la guerra los cosería Homero con otros cantos y leyendas que hubiera sobre navegantes. Eso explicaría la discrepancia que existe entre el Odiseo de La Ilíada, que es un guerrero bastante brutal e implacable, y el Odiseo más sentimental de La Odisea, al que incluso vemos llorar”. La tradición clásica describe a Homero como un “rapsoda”, un poeta que viajaba recitando o cantando sus versos épicos en fiestas y banquetes. Sobre esto, Mañás hace hincapié en la propia palabra rapsoda, que significa en griego cosedor de odas: “Eso mismo fue lo que hizo”.

Troya y el ‘petróleo’ de la época

En la película de Nolan, Odiseo y Penélope comparten un diálogo sobre los motivos que empujan a Agamenón y Menelao a asediar Troya. Parece ser que el pretexto es el rapto (o fuga) de la mujer de este último, pero el motivo real es el “control de las rutas comerciales”. Los restos encontrados de la ciudad en la península de Anatolia parecen indicar esto mismo: “Troya es la ciudad que controla el estrecho de los Dardanelos, por el cual se llega al Mar Negro, que es donde están las principales minas de estaño”, explica Mañas, que describe este metal como “el petróleo de la época”.

El uso del estaño comenzó alrededor del 4000 a. C. en el Cercano Oriente y los Balcanes. Su gran revolución ocurrió cuando los humanos descubrieron que, al mezclarlo con cobre, obtenían bronce. “Las mejores armas por aquel entonces se hacían de bronce”, continúa el historiador. “Quien tenía las mejores armas tenía la predominancia en la guerra y, por ende, el poder y la riqueza”. No hubo una única guerra de Troya, sino varias: entre troyanos y griegos, pero también entre griegos e hititas, tal y como rescatan tablillas del siglo XIII a. C.

Mañas incide en que una parte posterior del viaje de Odiseo, ya cuando se pierde en el mar, fue en realidad un trayecto realizado para llegar a las islas Casitéridas, también para conseguir estaño. En este sentido, La Odisea tendría la función de “una carta de navegación” para llegar a ese legendario archipiélago que él, apoyado en las fuentes clásicas, sitúa en el océano Atlántico y, por lo tanto, al final de una ruta que pasaba, forzosamente, por las costas de la península ibérica.

Cíclopes, caballos y sirenas

La Odisea. La realidad tras el mito también analiza el origen de algunos de los elementos más recordados del viaje de Odiseo, empezando por el caballo de Troya que él mismo ideó. “Algunos autores griegos posteriores decían que sería un barco, no un caballo”. Durante la época micénica se utilizaba mucho un tipo de embarcación de origen fenicio a la que los griegos llamaban hippos (caballo) porque llevaba tallada la figura de una cabeza de caballo en la proa. En la misma línea, Homero utilizó en La Odisea palabras asociadas con lo naval para describirlo, como koilon (palabra que significa cóncavo, pero también casco de barco) o doru (madera, también barco).

En aquella época, existía la costumbre de que el bando derrotado entregara el tributo de guerra al vencedor dentro de un barco de tipo hippos. Los griegos habrían fingido su retirada dejando este barco hippos lleno de riquezas falsas, una teoría apoyada por diversos arqueólogos e historiadores modernos, que también apuntan a una posible confusión entre barco y caballo porque, tras el final de la civilización micénica, las rutas con Oriente se cortaron y los barcos hippos (de origen fenicio) dejaron de verse en Grecia. Siglos después, los griegos olvidaron que antiguamente existía un tipo de barco llamado caballo y empezaron a leer la palabra hippos de forma literal.

Este no es el único icono que queda desmitificado por Mañas, quien apunta al descubrimiento de un esqueleto gigante en una cueva para explicar la creación de los cíclopes, o a la representación simbólica del ansia de saber de Odiseo para explicar por qué decide escuchar el canto de las sirenas. De todos modos, advierte el historiador que ahora imaginamos este ser “con cola de pez”, pero que en la Antigua Grecia no era así: “Eran pájaros con cabeza de mujer”.

‘La Odisea’, un viaje a través del alma humana

Mañas ya ha visto la película de La Odisea de Christopher Nolan y le ha gustado mucho. “Hubiera potenciado un poco más los monstruos, porque creo que es uno de los valores que tiene y lo que le ha valido la pervivencia a lo largo de los siglos: desde la infancia, los niños pequeños de la Antigüedad, la Edad Media o ahora, siempre estaban encantados con los cíclopes, las sirenas y todas esas criaturas de las que tenemos una imagen muy viva en la mente”. Con todo, es consciente de que Nolan propone explotar el lado “interior” de la historia, con todos los dilemas y tribulaciones que envuelven a los personajes.

No obstante, Mañas señala que este carácter psicológico rima mucho con el verdadero significado de La Odisea de Homero. “Te das cuenta de que no es un hombre que viaja en barco, sino un hombre luchando contra todas las dificultades de la vida para conseguir regresar a lo único que le queda. Es un viaje por el alma humana, tiene todo el espectro de emociones que puede sentir una persona, por eso también sigue vigente”. Esa es otra posible explicación de que la mitología griega siga viva después de tanto tiempo: a través de esos héroes que se equivocan y se sobreponen a sus propios errores, de esos dioses que sienten y padecen, “nos explica a nosotros mismos”.

Cuando Christopher Nolan decidió adaptar La Odisea al cine, una de las versiones del poema homérico que tomó como referencia fue la traducción al inglés de Emily Wilson. Profesora de Estudios Clásicos en la Universidad de Pensilvania, Wilson hizo historia en 2017 al convertirse en la primera mujer en traducir íntegramente la epopeya de Homero al inglés. Su trabajo fue ampliamente elogiado por la crítica y el propio cineasta llegó a citar el célebre arranque de su versión —“Tell me about a complicated man” (“Háblame de un hombre complicado”)— como una de las inspiraciones para su adaptación. Ahora, la académica ha publicado una demoledora crítica en London Review of Books, en la que cuestiona muchos de los aspectos de la película.

Aunque reconoce que se trata de “una forma entretenida de esconderse del calor durante unas horas” y celebra que esté llevando al público de vuelta a las salas y a las librerías, su balance no es positivo, como podría parecer al leer los primeros párrafo de la reseña. “A diferencia de otras películas de Nolan, La Odisea no es aburrida, gracias a la obra original, que es imposible de arruinar por completo. Es un espectáculo audiovisual para toda la familia, como un elaborado espectáculo de fuegos artificiales del 4 de julio, y con un nivel similar de profundidad narrativa y emocional".

Sin embargo, la académica considera que la película adolece de los mismos defectos que arrastran otros trabajos del director británico. “No tiene nada convincente que decir sobre el tiempo, la memoria, la historia o la guerra”, escribe. También sostiene que “carece de profundidad psicológica, emocional, política y ética”, que “la escritura es pésima” y que “ninguno de los personajes tiene motivaciones convincentes para sus acciones o sus palabras”.

Uno de los aspectos que más critica es el tratamiento de los personajes femeninos, algo por lo que Nolan ya ha sido muy criticado en el pasado. “Hay más personajes femeninos que en la mayoría de las películas de Nolan, gracias al material original. Pero ninguna de ellas tiene mucho que decir, a diferencia de las caracterizaciones en el poema”, escribe. En concreto, sobre la Penélope interpretada por Anne Hathaway afirma que “el guion no le da nada que hacer salvo anhelar a Matt Damon por razones desconocidas”.

“Me avergonzaría haber escrito cualquier parte de este guion”

“Me sentí honrada al saber que Nolan había leído al menos el primer verso de mi traducción de La Odisea al pentámetro yámbico. En al menos una entrevista, citó mi versión del primer verso del poema. Pero me avergonzaría haber escrito cualquier parte de este guion. Lamentablemente, el Odiseo de Damon no es complicado, ni astuto, ni ingenioso", afirma.

Sin embargo, la profesora reserva sus últimas líneas para reconocer el principal mérito de la película. Pese a sus numerosas objeciones, celebra que el éxito de La Odisea haya puesto el poema de Homero al centro de la conversación y disparado las ventas de nuevas traducciones, incluida la suya. “Quizá la película convenza a algunos estudiantes de aprender griego antiguo” o haga que “algunos responsables universitarios no cierren sus departamentos de literatura, lenguas e historia”, escribe. “Nolan está haciendo todo lo posible para que el público vuelva a leer y, por eso, estoy agradecida”.