Oriol Pla (Barcelona, 1993) suma un nuevo reconocimiento a su carrera. El actor ha sido distinguido este miércoles con el Premio Nacional de Teatro 2026 por su trabajo en Gula (Gola), una obra en la que el jurado ha destacado su “dominio de diferentes artes y disciplinas” y su “virtuosismo” del lenguaje del clown, tal y como ha compartido el Ministerio de Cultura en un comunicado.

Pla, conocido por series como Yo, adicto, -por el que ganó el Emmy Internacional al mejor actor- y que este martes ha presentado Esta soledad en el Festival de San Sebastián, ha recibido por esta pieza coescrita y codirigida junto a Pau Matas Nogué que protagoniza en solitario. Como recuerda el jurado, ha sido “un éxito contundente que ha conquistado a la crítica y al público, y apela al momento contemporáneo con un esfuerzo, riesgo y originalidad que subliman una propuesta escénica de enorme valor”.

El jurado, presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, ha destacado su interpretación en la obra que se estrenó a finales de 2024 en el Teatre Nacional de Catalunya de Barcelona y este mes de enero en el Teatro Valle Inclán de Madrid. “Un espectáculo deslumbrante en el que demuestra un dominio de diferentes artes y disciplinas con una técnica extraordinaria, y en el que de forma destacada introduce con virtuosismo el lenguaje del clown en el hecho teatral”, han destacado sobre la obra que hace una crítica satírica al consumismo.

Dotado con 30.000 euros, el Premio Nacional de Teatro se concede anualmente para reconocer la labor de una persona o entidad en este ámbito, especialmente por una obra o actuación que haya sido estrenada o representada durante el año anterior, aunque también puede distinguir el conjunto de una trayectoria profesional.

Un actor criado en las tablas

El actor, hijo de los dramaturgos Quimet Pla y Núria Solina. se subió a las tablas con apenas seis años, dentro de la compañía familiar que fundaron sus padres, Teatre Tot Terreny. La influencia del circo y de la escuela de Lecoq despertó pronto su interés por el clown, el mimo, la música, la acrobacia, la danza, el circo y la escritura teatral, disciplinas en las que se ha formado tanto a través de cursos como de manera autodidacta.

Desde entonces ha compaginado la interpretación con la creación. Como creador ha participado en obras como Be God Is, Ragazzo y Odisseus, mientras que como actor ha formado parte de montajes como Santa Joana dels Escorxadors, Jo Mai, La Calavera de Connemara o Falaise. También ha trabajado con nombres como Àlex Rigola, Iván Morales, Lali Àlvarez, Iago Pericot y Baró d’Evel.

Pero su carrera no se ha limitado al teatro. Pla empezó a trabajar en cine y televisión a los 11 años y ha rodado con directores como Agustí Villaronga, Cesc Gay, Mariano Barroso y Jaime Rosales. En 2018 debutó además como director teatral con Travy, escrita junto a Pau Matas y producida por el Teatre Lliure, que recibió el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de pequeño formato.

El gran reconocimiento internacional llegó en 2025 gracias a Yo, adicto: Pla se convirtió entonces en el primer intérprete español en ganar un Emmy Internacional a la mejor interpretación masculina. Apenas un año después suma a su trayectoria el Premio Nacional de Teatro, incorporándose a una lista de ganadores en la que figuran Blanca Portillo, Concha Velasco, Juan Diego Botto, Petra Martínez, Juan Margallo y, el pasado año, Angélica Liddell.

John Banville, el novelista irlandés ganador del Premio Booker en 2005 por El mar, se ha retirado del Festival Internacional de Arte, Literatura y Humanidades Cultur-Alh, tras la exclusión de la escritora argentina Ariana Harwicz por parte de la organización después de que asegurara que había sido cancelada por sus posiciones contrarias al boicot cultural a Israel.

“Me desprogramaron a último momento. Cedieron a la presión de militantes. Cedieron al terror. Yo quería ir igual aunque hicieran una manifestación”, escribió en su cuenta de X la finalista al Booker Internacional en 2018. Según recoge El Mundo, la dirección del Festival le anunció que no podía garantizar su seguridad ante la presión de grupos de apoyo a Palestina, mientras Harwicz aseguró en conversaciones con La Nación que la expulsaron por “pensar distinto”.

Su desprogramación ha desatado una ola de indignación. Más de 350 personalidades del mundo de la cultura y la política, entre las que se encuentran la ensayista Margo Glantz y los políticos Cayetana Álvarez de Toledo y Manuel Valls, han firmado un manifiesto para mostrar apoyo a la escritora, sentenciando que “ningún escritor debería ser excluido de un encuentro cultural por sus posiciones públicas”. “Este comunicado no exige compartir las opiniones de Ariana Harwicz. Exige algo anterior: que nadie sea apartado de la vida cultural por sostener ideas propias, y que ningún desacuerdo se convierta en una condena personal”, han concluido.

El escritor irlandés, que ha cancelado su participación y se niega a dar declaraciones, tenía prevista su charla con la profesora titular de Literatura Inglesa e Irlandesa, Pilar Villar, este domingo a las 21.00 horas. Bajo el título En busca de la frase perfecta, el encuentro debía servir como clausura del festival.

La polémica arrancó después de que la Red Universitaria por Palestina de Granada enviara una carta a la organización solicitando “que se reconsiderara su participación” después de que la autora haya negado públicamente “que haya un genocidio en Gaza y atribuye odio a quienes lo denuncian”, escribieron. Finalmente, la dirección decidió modificar el programa y justificó la medida por su compromiso con los derechos humanos: “Decidimos modificar el programa, en coherencia con el compromiso de la Universidad de Granada con los derechos humanos y con los acuerdos adoptados por su Consejo de Gobierno respecto a Palestina. Es una decisión organizativa sobre esta edición concreta y no queremos convertirla en una polémica pública ni en una confrontación personal con la autora, cuya trayectoria literaria respetamos”, comunicaron.

Ayuso da a Harwicz su bienvenida a Madrid

La Universidad de Granada, una de las instituciones organizadoras del Cultur-Alh, no tardó en distanciarse de esa decisión. En un comunicado publicado el pasado 19 de septiembre, aseguró que la retirada de la invitación había sido adoptada exclusivamente por la dirección del festival y que “no fue adoptada, aprobada ni respaldada” por el equipo de Gobierno de la institución. “Una universidad pública debe ser un espacio abierto al pensamiento crítico, al contraste de ideas y a la expresión de posiciones plurales, también cuando estas resultan discrepantes o controvertidas”.

En cambio, la presidenta madrileña Isabel Díaz Ayuso ha mostrado públicamente su apoyo a Harwicz y le ha ofrecido participar en la vida cultural de la región. “No en la Comunidad de Madrid, región abierta, libre y plural, como ha de ser la cultura. Aquí tienes las puertas abiertas”, escribió este miércoles en su cuenta de X en respuesta a la polémica.

Atención, porque this is what dreams are made of: la cantante y actriz Hilary Duff, conocida por los millennials y los Z por su papel de Lizzie McGuire en la serie del mismo nombre, llega a España en 2027, con su gira the lucky me tour para promocionar su sexto álbum de estudio, luck... or something.

La estadounidense actuará el próximo 7 de mayo de 2027 en el Movistar Arena de Madrid, en la que será su única fecha en España. Y no será una parada cualquiera: la capital será la encargada de abrir la nueva etapa europea de una gira que después pasará por Milán, Berlín, París, Bruselas, Ámsterdam, Colonia, Copenhague y Estocolmo. Rebecca Black, popularmente conocida por el tema Friday, que se hizo viral en 2011, acompañará a Duff como artista invitada en todos los conciertos europeos.

El anuncio forma parte de una ampliación de 32 nuevas fechas en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos motivada, según recoge Live Nation, por la demanda registrada durante las primeras etapas de la gira. the lucky me tour supone la primera gran gira mundial de Duff como cabeza de cartel en casi dos décadas. También su regreso musical tras publicar en 2015 Breath In. Breath Out.

Dónde, cómo y cuándo comprar las entradas

Quienes quieran verla en Madrid tendrán varias oportunidades para hacerse con una entrada. La preventa SMUSIC comenzará el martes 29 de septiembre a las 10.00 horas, mientras que la preventa de Live Nation arrancará el jueves 1 de octubre a las 10.00 horas. La venta general se abrirá el viernes 2 de octubre a las 10.00 horas a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. Los precios varían desde los 62,50 a los 119 euros, además de que los asientos que se sitúen junto al pasillo contarán con un suplemento de 20 euros.

Esta supone la vuelta a España de Duff desde el 2006. Para entonces, la cantante se encontraba promocionando su primer álbum recopilatorio, Most Wanted, y actuó en el Pabellón Olímpico de Badalona, en la Cubierta de Leganés (Madrid) y en el Velódromo Luis Puig de Valencia.

Duff comenzó su carrera musical en 2003 con Metamorphosis, álbum certificado cuádruple platino y en el que aparecían dos de sus grandes éxitos, So Yesterday y Come Clean. Después publicó Hilary Duff en 2004 y Dignity en 2007, mientras consolidaba una carrera que siempre ha avanzado a caballo entre la música, el cine y la televisión. Sus tres primeros álbumes vendieron conjuntamente 15 millones de copias en todo el mundo.

Su regreso parece haber funcionado también en las listas. luck... or something debutó en el número tres del Billboard 200, la posición más alta alcanzada por Duff desde 2007, y se convirtió en el sexto álbum de su carrera en entrar en el Top 5. Además, los medios especializados Rolling Stone, Billboard y Variety ya lo han incluido entre los “Mejores álbumes de 2026”.

En ese sentido, Pitt ha contado cómo se preparó para el proyecto a través de expertos que le enseñaron cómo poder vivir en el bosque con los mínimos recursos, y cómo también generó una relación muy especial con el perro protagonista, que terminó formando parte de la familia del rodaje. “Cuando aparecía en el set la energía cambiaba”, dijo acerca de su compañero de reparto.

“Mi personaje, James, y Odín, el perro, son duros, han vividos guerras juntos, y hay una conexión especial, hay amor y lealtad. Es importante cuando pienso en los días más oscuros. He sido muy abierto acerca de mi lucha y de lo importante que es rodearte de la gente que te quiere”, se ha sincerado el actor.

También presente como productor

El intérprete también es productor de esta película. De hecho, una de sus grandes facetas en estos últimos tiempos ha sido la de productor, y ha estado detrás de muchos proyectos independientes, entre los que encontramos desde La voz de Hind a Mickey 17, pasando por 12 años de esclavitud, que ganó el Oscar a la mejor película.

“Han habido grandes cambios en los últimos veinte años, sobre todo con la industria del streaming. Pero, también es cierto que eso ha generado más oportunidades para todos y tenemos mayor cantidad de historias que contar”, ha dicho Brad Pitt durante la rueda de prensa. “Durante la época del COVID se generó una crisis de la que pensábamos que no íbamos a salir, pero poco a poco nos hemos ido recuperando y tanto las grandes películas hacen taquilla, como las de presupuesto pequeño y mediano, que son de las que yo me suelo encargar”, ha dicho en su faceta como productor.

Fan de Chillida y espíritu zen

También ha asegurado que nos encontramos en un momento de explosión de nuevos talentos, con todos los directores nacidos de YouTube que están llevando a las nuevas generaciones al cine.

El actor se ha declarado fan de Eduardo Chillida y dice que ha pasado unos días estupendos en San Sebastián. En cuanto a En el corazón de la bestia, piensa que además de una historia de supervivencia, también es una película de amor. “Creo que deberíamos pasar más tiempo generando vínculos que nos unan, podríamos escucharnos mejor, y así se diluirían las líneas de división que nos separan”

El intérprete también tiene pendiente de estreno Las nuevas desventuras de Cliff Booth, en la que retomará el papel por el que consiguió un Oscar en la película de Quentin Tarantino, Érase una vez en... Hollywood, esta vez a las órdenes de David Fincher en un original para Netflix.

La Ilustración del siglo XVIII supuso una eclosión de filósofos de toda Europa, aunque pocos tuvieron la importancia de Immanuel Kant. Este pensador prusiano es considerado como el fundador del llamado idealismo trascendental, una corriente que sostenía que no conocemos las cosas exactamente como son en sí mismas, sino a través de las estructuras mentales con las que interpretamos la realidad, situando al sujeto en el centro del conocimiento.

A partir de esta premisa, Kant desarrolló todo un corpus filosófico en el que destacan aspectos como el uso estricto de la razón y una constante búsqueda de una moral autónoma. La libertad individual consistía en gobernarse a uno mismo sin depender del entorno externo, aunque al mismo tiempo, para Kant, eran el deber ético y el respeto universal lo que debía guiar las acciones humanas, no el interés ni la felicidad material.

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Es así como llegamos a una reflexión que se le atribuye popularmente: “No somos ricos por lo que poseemos, sino por aquello de lo que podemos prescindir”. Para Kant, que despreciaba la acumulación de bienes materiales, la verdadera riqueza radicaba en la capacidad de los seres humanos para mantener su independencia y dignidad frente a los deseos superficiales, vinculando la libertad interior directamente con el desapego de lo material.

El significado de la frase de Kant

En esencia, las palabras del filósofo invitan a reconsiderar lo que entendemos por libertad moral. Esta libertad exige actuar por puro deber ético, guiándose por los imperativos categóricos (mandato ético incondicional y universal derivado de la razón) para hacer lo correcto al margen de presiones externas o deseos egoístas. Así, la verdadera libertad moral se alcanza al dominarse a uno mismo y respetar la dignidad humana de cada individuo como un fin en sí mismo.

En la misma línea, Kant afirmaba que “la libertad es la facultad de actuar según leyes que nos damos a nosotros mismos”. Ser esclavo de las posesiones resta autonomía porque nos hace dependientes, y en cambio, quien necesita poco para vivir es verdaderamente dueño de sus decisiones, pues su bienestar no depende de factores externos imprevistos.

Este pensamiento contrasta con lo que vemos hoy en día, donde incluso hay grupos sociales cuyo estatus depende exclusivamente de lo que tienen o no. Se nos enseña a medir el éxito por lo que compramos, generando una dependencia incesante. Frente a la ansiedad de adquirir el último dispositivo tecnológico, la perspectiva kantiana propone encontrar valor en la moderación y en la capacidad de renunciar a lo prescindible.

“La raíz de todo sufrimiento es el apego”

A pesar de lo influyente que fue el pensamiento de Kant sobre la libertad moral, este no fue el primer filósofo en hablarnos del autodominio, asunto clave en buena parte de la filosofía occidental de la antigüedad. Tenemos, por ejemplo, corrientes como el estoicismo, defensoras de que “pobre no es el que tiene poco, sino el que codicia más”. Con estas palabras, Séneca señalaba que la paz mental requería liberarse del deseo insaciable de riqueza material y situaba la auténtica abundancia en el control del propio espíritu.

De una forma más poética, Siddhartha Gautama, el Buda, planteaba una lección sencilla sobre la renuncia: “La raíz de todo sufrimiento es el apego”. Esta enseñanza recalca que el deseo constante de poseer bienes o estatus inevitablemente genera insatisfacción, coincidiendo con el ideal de liberarse de las ataduras materiales para alcanzar un estado superior de serenidad.

De un modo u otro, todas estas reflexiones muestran el valor que puede llegar a alcanzar el desapego material y su relación con cuestiones como la libertad, el autodominio o la relación con los bienes materiales. Hoy, en un mundo saturado de estímulos y marcado por el consumo, recordar que la auténtica riqueza reside en cómo entendemos y nos relacionamos con el mundo desde nuestro interior es quizás el camino más certero hacia una vida plena.

La presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, ofreció este miércoles a Ariana Harwicz participar de la vida cultural madrileña, después de que la escritora argentina fuera excluida del festival Cultur-Alh de Granada. “No en la Comunidad de Madrid, región abierta, libre y plural, como ha de ser la cultura. Aquí tienes las puertas abiertas”, escribió la dirigente del Partido Popular en un mensaje dirigido a la autora y publicado en X. La publicación de Ayuso suma una reacción política al debate que surgió tras la cancelación de la participación de Harwicz en el Festival Internacional de Arte, Literatura y Humanidades Cultur-Alh, que se celebra en Granada entre el 21 y el 27 de septiembre. La autora de Matate, amor iba a dialogar con el escritor Jesús Ortega el 26 de septiembre, en una actividad titulada Oponerse al mundo.

Harwicz denunció el 18 de septiembre que había sido retirada de la programación pocos días antes de la apertura del festival. Según su relato, las organizadoras le comunicaron que no podían garantizar su seguridad si se mantenía el encuentro, ante la posibilidad de protestas. “Me desprogramaron a último momento. Cedieron a la presión de militantes. Cedieron al terror”, escribió la autora en X. También afirmó que estaba dispuesta a asistir aunque hubiese una manifestación y sostuvo que la decisión impedía la presencia de voces discrepantes dentro de la programación.

La dirección de Cultur-Alh confirmó que rescindió la invitación después de recibir solicitudes de la Red Universitaria por Palestina de Granada, de lectores y de uno de los clubes de lectura asociados al encuentro. La organización vinculó su decisión a los compromisos institucionales de la Universidad de Granada en materia de derechos humanos y Palestina. La escritora argentina, radicada en Francia, sostiene una posición contraria a los boicots culturales. En declaraciones a La Nación, afirmó que su postura no se limita a Israel: “Estoy en contra de cualquier boicot cultural. Lo dije también para los rusos en su momento y lo diría de cualquier pueblo y país”. El caso derivó en una discusión sobre los límites entre el rechazo a las posiciones públicas de un autor, las campañas de boicot y la libertad de expresión en los espacios culturales.

La Red Universitaria por Palestina rechazó las acusaciones de antisemitismo

La Red Universitaria por Palestina de Granada reconoció que el 17 de septiembre envió una carta al festival para pedir que reconsiderara la presencia de Harwicz y explicara los criterios de su invitación. El colectivo aseguró que no emitió amenazas ni convocó a movilizaciones contra la escritora. La plataforma afirmó que sus críticas se dirigen a las declaraciones públicas de Harwicz sobre Israel, Gaza y el boicot cultural, y no a su origen judío ni a su religión. También rechazó que sus planteos supusieran un riesgo para la integridad física de la autora.

Harwicz, por su parte, interpretó su exclusión como parte de una campaña contra los judíos y contra quienes disienten de las posiciones favorables al boicot cultural de Israel. “Parece que la solidaridad y la empatía es con todos menos con los autores judíos”, escribió después de conocer la decisión. La controversia se amplió cuando la Universidad de Granada se desmarcó de la cancelación. La institución señaló que la medida fue adoptada por la dirección del festival y aclaró que no fue aprobada ni respaldada por su equipo de gobierno. Además, sostuvo que una universidad pública debe garantizar el pensamiento crítico, el contraste de ideas y la expresión de posturas plurales, incluidas aquellas que generen controversia.

Este 23 de septiembre, más de 350 escritores, editores, artistas y profesionales del sector cultural suscribieron un manifiesto en defensa de Harwicz y contra las cancelaciones de autores por sus posiciones públicas. El texto apareció después de que la escritora denunciara la retirada de su invitación y reclamara la falta de solidaridad de colegas del ámbito cultural. Entre las reacciones también intervino la Embajada de Argentina en España, que pidió a la Universidad de Granada que adopte medidas para reparar el agravio y restablecer las garantías de no discriminación para la autora. El ofrecimiento de Ayuso llega mientras el festival continúa en Granada sin la participación de Harwicz. La escritora no informó hasta el momento si aceptará la invitación pública de la presidenta madrileña ni si mantuvo contactos con autoridades o instituciones culturales de la Comunidad de Madrid.

“La película ha tenido la mejor preventa de nuestra historia, hay salas que llevan llenas desde principios de septiembre”, anunciaban los Cines Embajadores, unos cines de barrio que comenzaron en Madrid hace algunos años y ya se han establecido como salas de referencia no solo en capital, sino también en otras ciudades como Oviedo, Santander o Logroño. “Lo que hemos hecho ha sido ampliar sesiones en función de la demanda que ha habido”, justificaba la cadena ante la alta demanda mostrada por buena parte de sus espectadores habituales y no tan habituales.

Los Emnajadores tienen ahora mismo, solo para Madrid, un total de 16 sesiones de La bola negra en su día de estreno, y eso en unos cines que apenas tienen más de ocho salas repartidas entre su local de Glorieta Santa María de la Cabeza y la Calle Ercilla. No son los únicos con sesiones agotadas para el día del estreno, pues los Renoir, otros míticos cines de Madrid, están en una situación parecida, con varias de sus sesiones vespertinas agotadas o cerca de estarlo.

Atención a las sesiones especiales

La mayor demanda se ha concentrado precisamente en algunas de las sesiones que estos cines ofrecen con coloquios o presentaciones de parte del equipo. Los Cinesa, por ejemplo, anunciaban una sesión para este mismo viernes con coloquio de Los Javis en su sala de Méndez Álvaro. Una sesión que no tardó en agotarse en cuestión de minutos, poniendo de manifiesto que al público no solo le interesa la película como tal, sino también el poder disfrutar de la experiencia de comentarla con sus creadores. Estas actividades interactivas han sido propuestas e impulsadas en los últimos años desde la pandemia precisamente por cines como los Embajadores, que también contarán con sesiones especiales en las que intervendrán miembros del equipo, como Carlos González.

La bola negra narra las historias cruzadas de tres personajes: Sebastián, un soldado de la Guerra Civil que se encuentra con un prisionero del bando republicano, Carlos, un joven de Granada que intenta entrar en un casino por intervención de su padre, y Alberto, un historiador de Madrid que empieza a indagar sobre el pasado de su familia ante la negativa de su madre a contarle nada. Los tres están unidos por el hecho de ser homosexuales, pero sobre todo por las heridas de un país en constante conflicto y cuyas heridas nunca terminan de cicatrizar del todo. Con actores como Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeu, Carlos González o Milo Quifes y la presencia de estrellas internacionales como Penélope Cruz o Glenn Close, La bola negra está llamada a ser la gran película española del año. Y nadie quiere perdérsela, literalmente.

El biopic de Britney Spears sigue sin actriz protagonista porque el director Jon M. Chu decidió posponer cualquier elección de reparto hasta que el equipo cierre la historia de la película. La producción, basada en las memorias The Women in Me, no tiene un elenco anunciado. Chu dijo que recibe cientos de mensajes y audiciones de personas interesadas en encarnar a Spears, pero sostuvo que no iniciará esa etapa mientras el guion no esté definido.

El cineasta habló sobre el proyecto durante la gala inaugural del Museo George Lucas de Arte Narrativo, en Los Ángeles. Allí confirmó que leyó partes del libreto que prepara la guionista Liz Meriwether. Chu describió el trabajo de Meriwether como “increíble”, “profundo” y “hermoso”, aunque evitó revelar detalles de la historia. “Eso es todo lo que puedo decir”, afirmó. “Ya me hicieron decir demasiado”. La posibilidad de interpretar a Spears ha despertado interés entre aspirantes de distintos lugares, según explicó Chu. El director señaló que su correo electrónico recibe “cientos” de mensajes de personas que le envían sus audiciones para el papel. Pese a ese volumen de propuestas, Chu dejó claro que todavía no evalúa candidatas. “Ni siquiera estoy pensando en el reparto ahora mismo”, afirmó durante el encuentro en Los Ángeles.

El director explicó que el equipo tiene otra prioridad antes de abrir una búsqueda formal. “Solo estamos tratando de hacer bien la historia”, dijo sobre el estado de la película. Chu no adelantó plazos para el inicio del rodaje ni para el anuncio de los actores. Tampoco mencionó posibles nombres para asumir el rol de la artista, conocida por canciones como “...Baby One More Time”, “Toxic” y “Oops!... I Did It Again”. La película estará dirigida por Chu, responsable de Wicked. El proyecto adapta el libro de memorias que Spears publicó en 2023, donde relató episodios de su carrera y de su vida personal.

El guion de Liz Meriwether avanza sin fechas de rodaje

Liz Meriwether se sumó al proyecto en julio como responsable del guion. Su trabajo parte de The Women in Me, el libro que se convirtió en un éxito de ventas tras su lanzamiento. Chu afirmó que tuvo acceso a algunos fragmentos del texto. “Ella está haciendo muchas cosas hermosas y puede que haya visto o no algunos vistazos de lo que está haciendo”, declaró sobre la autora.

Meriwether ha trabajado en series como New Girl, The Dropout, Dying for Sex y la producción de Hulu Furious. En agosto, explicó que el desarrollo del biopic suponía un cambio de formato frente a sus experiencias más recientes en televisión. “Es muy interesante porque hace mucho que no escribo una película”, dijo entonces. La guionista señaló que parte del proceso consiste en pensar una historia de dos horas, después de acostumbrarse a narraciones de alrededor de ocho horas. Marc Platt produce la película bajo su acuerdo con Universal Pictures. La compañía obtuvo los derechos para llevar la historia de Spears al cine hace poco más de dos años. Cuando se conoció ese acuerdo, Spears publicó un mensaje en redes sociales sobre un “proyecto secreto”. La cantante sostuvo que Platt había hecho varias de sus películas favoritas y pidió a sus seguidores que estuvieran atentos a futuras novedades.

Durante la conversación, Chu no respondió si se ha reunido con Spears como parte de la preparación de la película. “No puedo decir nada ahora mismo”, contestó cuando le preguntaron si había pasado tiempo con la cantante. El director sí habló de las canciones de Spears que escucha con sus hijos. Mencionó “...Baby One More Time”, a la que se refirió como “Hit Me Baby”, como el tema con el que les está enseñando su música. También nombró canciones de los primeros años de la carrera de Spears, entre ellas “Soda Pop” y “E-mail My Heart”. “Estoy empezando con ellos desde el principio”, afirmó Chu.

Hasta la fecha había traido algunos de los mayores horrores del cine reciente, pero ahora quiere demostrar que el terror también puede convertirse en amor. El director Robert Eggers se encargará de llevar al cine Romeo y Julieta para Focus Features, después del estreno previsto de Licántropo, su próxima película. El proyecto será la siguiente producción del cineasta, que pasará de una historia de hombres lobo a una nueva versión de la tragedia de William Shakespeare sobre dos jóvenes de familias enfrentadas.

Focus Features ganó una puja en la que también participaron A24, Sony y Warner Bros., quienes habían trabajado previamente con el director. El estudio volverá a asociarse con Eggers, quien dirigirá y producirá la película que aun no tiene fecha de estreno. El acuerdo todavía debe cerrarse. No se informó quiénes acompañarán a Eggers en la producción o como productores ejecutivos. La operación se ubicaría en el rango alto de los 70 millones dólares, una cifra que incluiría los honorarios del realizador y del elenco, además del presupuesto de producción, de acuerdo con las fuentes.

La película adaptará Romeo y Julieta, la obra de Shakespeare escrita en la década de 1590. La historia sigue a dos jóvenes enamorados de Verona, Italia: Romeo Montesco y Julieta Capuleto, miembros de familias rivales. La versión de Eggers tendría una particularidad vinculada con el lenguaje. Las fuentes señalaron que los actores hablarían en inglés antiguo, en línea con la atención que el director ha puesto en la recreación de épocas y diálogos en sus películas. Hay quien ha cuestionado esta decisión, alegando que durante la época de Shakespeare el inglés ya era moderno y no antiguo, como podría ser el del relato de Beowulf. El viejo inglés fue el idioma de los sajones entre los años 500 y 1100, por lo que no tendría mucho sentido, pero habrá que ver también en qué época decide Eggers retratar los hechos.

Una nueva versión

A pesar de ser uno de los romances más conocidos y una de las historias que más han inspirado en la liteteratura universal, lo cierto es que en el cine no se ha prodigado en exceso, aunque existen ejemplos destacables. La obra de Shakespeare ha tenido varias adaptaciones cinematográficas. Entre ellas figuran la película de 1968 dirigida por Franco Zeffirelli y Romeo + Julieta, la versión de 1996 de Baz Luhrmann protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes.

La nueva película extenderá la relación de Eggers con Focus Features, la división especializada de Universal. El estudio trabajó con el realizador en todas sus películas hasta ahora. La compañía estrenó La bruja, El faro, El hombre del norte y Nosferatu. En el caso de El faro, Focus también se ocupó de la distribución internacional a través de Universal International. Nosferatu, estrenada en 2024, fue un éxito inesperado para Focus. La compañía también distribuirá Licántropo, la nueva película de Eggers, cuyo estreno en salas está previsto para Navidad.

Licántropo reunirá al director con Aaron Taylor-Johnson y Lily-Rose Depp, quienes ya habían formado parte del elenco de Nosferatu. La película propone una versión del relato de hombres lobo. Con Romeo y Julieta, Eggers dejará atrás de forma temporal ese universo de terror para abordar una historia marcada por el enfrentamiento entre los Capuleto y los Montesco. La película está prevista como su siguiente rodaje después de Licántropo. Solo entonces podremos ver si se mantiene el horror de sus anteriores películas o el cineasta da un gran giro a su carrera.

En ella interpreta a Sebastián un chico de pueblo que, ante la llegada de los nacionales y después de una masacre, es reclutado y mandado a un hospital de campaña. Allí conocerá a Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeau), un prisionero de guerra herido al que le tocará vigilar y con el que sentirá una conexión muy especial.

El propio cantante y ahora actor explica a Infobae cómo se introdujo en esta nueva faceta artística delante de las cámaras: “Yo no conocía a Los Javis. Coincidimos en un concierto en el que estaba tocando y recuerdo que esa misma noche me dijeron: ”tenemos algo que comentarte". Yo creía que se trataba de algo relacionado con la música, pero no, me enseñaron La piedra oscura y me dijeron que habían escrito el papel pensando en mí“.

Un papel que conecta con su universo

Después de semejante sorpresa, Guitarricadelafuente se fue dejando llevar por el entusiasmo que Javier Calvo y Javier Ambrossi habían depositado en él y sintió que, de alguna manera, el papel encajaba con lo que estaba explorando en la música en ese momento.

“Por una parte estaba la Guerra Civil, la historia de Federico García Lorca, el elemento queer.. era como si todo resonara en las composiciones que estaba haciendo. Sentí una conexión inmediata y también mucho respeto, porque nunca había hecho nada parecido y no me veía capaz de asumir ese reto. Pero, Los Javis tenían una confianza ciega en mí y eso me hizo dar el paso. Pensé, si ellos lo tienen claro, yo me pongo en sus manos”.

También recuerda cómo Javier Ambrossi le sorprendió preguntándole: ¿tú tienes traumas? y le contestó que cuando hiciera la película, sería alguien diferente. “El papel requería mucho de mí como Álvaro y un proceso de desenterrar cosas muy personales y usarlas para el personaje. Me vacié por completo, perdí mucho peso e intenté meterme en la piel de Sebastián, en su bloqueo, en no saber expresarse emocionalmente ni saber gestionar su deseo. Ha sido como haberme desvirgado, porque solo hay una primera vez”.

En cuanto a su personaje, cree que es alguien que ha vivido toda su vida lastrado por la culpa, algo que relaciona con las heridas de la Guerra Civil. “No creo que Sebastián represente a un bando en concreto, pero sí que arrastra una condena que va pasando de generación en generación. Creo que Los Javis han aportado un punto de vista nuevo al conflicto, con menos rencores, más enfocado en la libertad, que no siempre está garantizada”.

El peso simbólico de Lorca en su música

Guitarricadelafuente reconoce que sí estaba familiarizado con la obra de Federico García Lorca, en especial con el Romancero gitano. “Era un poeta muy visual, tenía mucha simbología en su obra, muchas metáforas que a muchos artistas nos han influenciado”.

Reconoce que está procesando la dimensión del fenómeno de La bola negra. “Era maravilloso ver a la gente en los pases de Toronto en pie y llorando, que conecten con historias que no se han contado. Al fin y al cabo, es una película que habla del amor”.

Se ha hecho de rogar, pero por fin está aquí el primer vistazo a la que es ya una de las películas más esperadas del próximo año. Hablamos, por supuesto, del primer capítulo de la saga Narnia, el cual llega de la mano de Greta Gerwig bajo el sello Netflix, que se ha encargado de lanzar las primeras imágenes oficiales de la producción. Entre ellas, nada menos que sus jóvenes protagonistas, el misterioso personaje de Daniel Craig o la malvada Bruja Blanca, aquí interpretada por Emma Mackey.

La película, que verá la luz primero en cines después de la gran insistencia de Gerwig para lanzarse en salas antes que la plataforma, se podrá ver desde el día 12 de febrero, previo a su estreno en Netflix durante el mes de abril. Mientras tanto, las primeras imágenes han dado ya muchas pistas de cómo será esta ambiciosa película que aspira a reiniciar la saga de C.S. Lewis que ya contaba con varias adaptaciones al cine, pero ninguna como esta historia.

El sobrino del mago fue la sexta publicación de la saga de fantasía juvenil creada por el escritor británico, pero en realidad se trataba de la primera historia en orden cronológico dentro de su vasto universo, justo por delante de El león, la bruja y el armario. En ella se narra la gran aventura de Digory Kirke y su vecina Polly Plummer, dos niños ingleses que, por invervención del tío de Digory, Andrew, viajan a un mágico mundo lleno de criaturas fantásticas. Entre ellas el rey-león Aslan, o la poderosa Jadis, la Bruja Blanca. El sobrino del mago es el libro que da origen a la saga, pues en él Aslan crea el mundo de Narnia de la nada gracias a su poderosa canción.

Un regreso a un universo olvidado

No hay que olvidar que esta no es la primera vez que se lleva al cine la saga de C.S. Lewis, aunque sí será la primera que lo haga con esta historia de orígenes. Narnia llegó al cine por primera vez en 2005, con el estreno de El león, la bruja y el armario, que presentaba la historia de los hermanos Pevensie, interpretados por William Moseley (Peter), Anna Popplewell (Susan), Skandar Keynes (Edmund) y Georgie Henley (Lucy), además de Tilda Swinton como Jadis. La película tendría una secuela en El príncipe Caspian (2008) y una tercera entrega en 2010 con La travesía del viajero del alba, ya con solo los dos hermanos pequeños de los Pevensie y su primo Eustace (Will Poulter) como protagonistas.

El sobrino del mago supone el regreso a un universo que llevaba tiempo dormido, pero que durante muchos años alimentó las ilusiones y fantasías de millones de niños tanto en el Reino Unido como en todo el mundo. Un mundo que ahora volverá a lucir de la mano de Greta Gerwig y que contará con los jóvenes David McKenna y Beatrice Campbell en los papeles de Digory y Polly, así como con Carey Mulligan como la madre de Digory, Daniel Craig como el tío Andrew y Emma Mackey como Jadis, además de Meryl Streep poniendo voz al león Aslan.

Las primeras proyecciones para la prensa celebradas en Nueva York y Los Ángeles han dejado opiniones enfrentadas acerca de esta producción que ha costado 125 millones de dólares. La película combina comedia negra, sátira política y un giro que altera su premisa, todo esto mientras Cruise aparece bajo prótesis cuyo maquillaje pasó de requerir seis horas a una.

La película presenta a Cruise como Digger Rockwell, un empresario rico y ajeno a las consecuencias de sus decisiones. Una perforación petrolera provoca una expulsión de metano y desprende una plataforma de hielo de un glaciar que avanza hacia Europa, con riesgo de tsunami y destrucción a gran escala.

Junto a Cruise figuran Riz Ahmed como el científico Ganesh, Sandra Hüller como la hermanastra y socia empresarial de Digger, John Goodman como un presidente de Estados Unidos autoritario con cáncer anal, Michael Stuhlbarg como vicepresidente y Jesse Plemons en un papel cuya relevancia se aclara al final.

Las primeras críticas de ‘Digger’ con Tom Cruise

La recepción ha oscilado entre el entusiasmo por la ambición formal de Iñárritu y el rechazo a una sátira que varios críticos consideran fallida. Clayton Davis, especialista en premios de Variety, ha resumido esa fractura: “Respeto la apuesta y lo que Alejandro González Iñárritu intenta hacer. Tom Cruise y John Goodman ofrecen trabajos excelentes, y el diseño de producción y la fotografía impresionan”.

Davis ha señalado que “no todos los puntos conectan” y habría preferido que la película se entregase más a “la absurdidad y la sátira” que persigue. Su previsión es clara: “La división con esta película va a ser amplia”.

Matt Neglia, fundador de Next Best Picture, ha valorado el personaje de Cruise como su papel “más dinámico e interesante en años”, aunque cree que el guion da al actor espacio para dirigirse “hasta a la última fila” sin permitirle profundizar en una interpretación que podría haber tenido “más fuerza y matices”.

Joey Magidson, de Awards Radar, la ha definido como “un desastre” en el que “no funciona gran cosa” y que no le ha resultado ‘disfrutable’. El crítico Edward Douglas ha coincidido en que no puede decir que sea “muy buena”, aunque percibe las intenciones de Iñárritu y Cruise; también anticipa una valoración del público “horrenda” en CinemaScore.

El periodista Mike Ryan ha calificado la experiencia de “desagradable” y ha cuestionado algunas decisiones de la trama, pese a reconocer momentos de interés vinculados a la propia trayectoria de Cruise. Otro de los primeros comentarios describe la película como una sátira sobre el papel de la sátira: un examen de “narcisistas poderosos y ricos” que manipulan el relato público en su propio beneficio.

IndieWire ha recogido también reacciones que celebran el riesgo de la propuesta. Jim Hemphill sostiene que la cinta contiene la mejor interpretación de Cruise desde Magnolia y la considera una de las películas de estudio “más inventivas visualmente, audaces conceptualmente e imprevisibles” jamás realizadas.

Anne Thompson, de la misma publicación, la ha definido como “una película de arte valiente y hermosa” que no conectará con el gran público, pero que podría encontrar mejor recepción entre los miembros de la Academia, en especial en las categorías interpretativas y técnicas. Thompson ha destacado asimismo una escena en un anfiteatro que podría favorecer las opciones de Cruise.

El regreso de Cruise al drama adulto

El estreno supone para Cruise su regreso a un papel dramático orientado al público adulto después de más de una década identificado con héroes de acción. En los últimos 10 años, su única película alejada de ese terreno había sido la comedia criminal Barry Seal: el traficante, estrenada en 2017.

Para encontrar más títulos no centrados en la acción hay que retroceder 20 años en su filmografía, con películas como el musical La era del rock (Rock of Ages), el drama político Leones por corderos, la comedia Tropic Thunder y el thriller histórico Valkyrie. La elección de Iñárritu, ganador del Oscar por Birdman y El renacido, había despertado expectativas sobre una posible campaña de premios, aunque las reacciones podrían complicarla.

Cruise, cuatro veces nominado al Oscar, no ha ganado todavía una estatuilla competitiva, aunque recibió un Oscar honorífico el año pasado. La película está escrita por Iñárritu junto a Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman; Dinelaris y Giacobone ya colaboraron con el cineasta en Birdman.

La puesta en escena cuenta con Emmanuel Lubezki, director de fotografía habitual de Iñárritu, y con Dennis Gassner, ganador del Oscar por Bugsy, en el diseño de producción. El presupuesto podría ser incluso superior a los 125 millones y, al sumar promoción y campaña de premios, necesitaría superar los 300 millones de recaudación mundial para alcanzar el equilibrio.

El actor ha explicado en el pódcast New Heights cómo redujo el tiempo de caracterización: “Había un tipo con un cronómetro y le dije: ‘De acuerdo, ¿ves ese tiempo, seis horas? Cuando terminemos, lo bajaremos de una hora’”. El equipo inicialmente le respondió que no sería posible, pero Cruise ha relatado que cronometraron, ensayaron y ajustaron cada pieza de las prótesis.

La película se estrenará en nuestro país el próximo 2 de octubre y supone el regreso del director Alejandro González Iñárritu desde Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades en 2022.

Cada agosto, España recuerda el asesinato de Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, 1898 - Víznar, 1936), fusilado en 1936 por los falangistas, con el debate aún abierto de si fue por “rojo”, por “homosexual” o por ambas. El inolvidable poeta y dramaturgo se ha convertido en un símbolo de memoria, libertad y creatividad de España, que demuestra que 90 años después de su muerte, Federico sigue más vivo que nunca.

Buena prueba de ello es La bola negra. La nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se estrena este viernes 25 de septiembre tras cuatro meses de elogios que llegan con mucho reconocimiento bajo el brazo tras pisar algunos de los festivales más codiciados del mundo: el Premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes y ahora el Premio del Público del Festival de Toronto este fin de semana, galardón que consagra a la cinta como una de las favoritas a ser nominada al Oscar a Mejor película.

El origen de la cita

La segunda cinta de Los Javis, que sigue la vida de tres hombres homosexuales en tres diferentes líneas temporales, nace de una mezcla de materiales, entre ellos la obra homónima inacabada de Lorca —apenas cuatro páginas—. Su tráiler arranca así: “Este país tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos. Hay que arañar la tierra para que salgan”. Si el lector ha leído Yerma, tal vez. Pero al igual que La bola negra no es un biopic de Lorca, la cita tampoco la escribió el autor, aunque sí una muy similar en la obra teatral que estrenó en 1934: “Hay cosas encerradas detrás de los muros que no pueden cambiar porque nadie las oye. Pero que si salieran de pronto y gritaran, llenarían el mundo”.

Para entenderla, hay que regresar al segundo acto, donde Yerma lleva años casada con Juan y desea desesperadamente tener un hijo, algo que su esterilidad le impide. En ese contexto aparece Víctor, un antiguo conocido por el que sí ha sentido algo que nunca llegó a materializarse.

La frase surge precisamente cuando Víctor se despide de ella antes de abandonar el pueblo. Yerma recuerda entonces un episodio de juventud: “Siendo zagalón me llevaste una vez en brazos; ¿no recuerdas? Nunca se sabe lo que va a pasar”. Él le responde: “Todo cambia”, para después ella replicar: “Algunas cosas no cambian. Hay cosas encerradas detrás de los muros que no pueden cambiar porque nadie las oye”, finaliza.

Lorca, que relató y representó casi mejor que nadie la represión política y social de la España de la Guerra Civil y su posterior dictadura, lo hizo en Yerma, en La casa de Bernarda Alba y en Bodas de sangre y Yerma, entre otras. Ahora, Los Javis recuperan ese mismo interés por todo aquello que una sociedad obliga a esconder y lo trasladan a las vidas de hombres homosexuales de distintas generaciones. Protagonizada por

El reciente estreno de La venganza de los Sith, última entrega de las llamadas precuelas de Star Wars de George Lucas y epítome del cine épico de principios de los 2000, ha traído de vuelta cierta nostalgia por el cine de aquella época, antes de que Hollywood apostase por un nuevo rumbo -orientado principalmente hacia los superhéroes y otras nuevas franquicias- y durante el cual surgieron propuestas de lo más atrevidas, especialmente en su uso de nuevas técnicas. Aunque en el caso de una, su vanguardista propuesta nació y murió prácticamente con ella.

Durante aquellos primeros años del nuevo siglo prosperaron un tipo de películas muy concreto, las que buscaban un tipo de animación más realista para poder explorar historias que no estuvieran solo reservadas al público infantil. Las innovaciones tanto en CGI a raíz de Toy Story, la rotoscopia de Waking Life o A Scanner Darkly de Richard Linklater o la combinación de animación y acción real (Looney Tunes: de nuevo en acción) invitaban a pensar hasta dónde podía llegar el límite. Y el director Robert Zemeckis lo quiso comprobar.

Tras un primer intento con Polar Express, la cual ya presentaba este novedoso método de captura de movimiento real mezclado con una animación completamente digital, el director de Regreso al futuro y Forrest Gump asumió la responsabilidad de adaptar Beowulf, un proyecto que llevaba preparándose desde hace más de una década en Hollywood y que en principio iba a dirigir Roger Avary, guionista de películas como Pulp Fiction y autor de Las reglas del juego. Finalmente Avary permaneció en el guion, el cual coescribió junto al escritor británico Neil Gaiman, quien ya había realizado una nueva aproximación al héroe nórdico en su colección de cuentos Smoke and Mirrors.

Un héroe diferente para los nuevos tiempos

En la leyenda tradicional escandinava, para la que Beowulf sería su Cid o Roldán particular, este héroe llegaba a la corte danesa para salvarla de los ataques de un monstruo conocido como Grendel, para años después convertirse en rey y enfrentarse ya anciano a la amenaza de un gran dragón, pereciendo en su intento por salvar a su pueblo. Lo que en principio tenía mucho de épica y poco significado en el contexto occidental actual, pronto se vio alterado por las modificaciones de Gaiman y Avery.

De esta forma, la Beowulf se convirtió en un héroe escandinavo solo en aspecto superficial, pero con connotaciones de pecados y la culpa cristiana. Grendel pasaría a ser el hijo del rey danés Hrothgar (Anthony Hopkins), ahora convertido en un borracho y mujeriego, el cual habría concebido con un demonio con aspecto de bella mujer -interpretada por la belleza canónica de la época, Angelina Jolie-, lejos de la ogresa que describía el relato original. “Me impactó que Grendel siempre fuera descrito como el hijo de Caín, significando esto que era mitad hombre, mitad demonio, pero su madre siempre dijo que era un demonio completo. Entonces, ¿quién es el padre? Debió ser Hrothgar, y si Grendel arrastra hombres hacia la cueva, debe ser para su madre, para que pueda dar a luz otro engendro demoníaco", resolvería Avary.

Los cambios de Avary y Gaiman provocaron que Beowulf se alejase en gran medida de la historia original en pos de una propuesta más épica y cercana a los tiempos, desprendiéndose de su esencia original por una más afín a la mentalidad occidental católica, pero no fue el único cambio significativo. Sufrió críticas por sus imprecisiones históricas por parte de algunos historiadores y académicos, pero la peor parte fue curiosamente con el público para el que supuestamente se había adaptado la leyenda.

Adentrándose de lleno en el valle inquietante

Aunque Zemeckis ya se había adentrado en el complejo mundo de la animación digital con Polar Express, con Beowukf llevó esta técnica a su máxima expresión haciendo uso de Imagemotion, un sistema de captura de movimiento desarrollado por Sony Pictures Imageworks como de Mova. La primera utilizó más de 200 cámaras infrarrojas para registrar los movimientos de los actores, mientras que la segunda resultaba una técnica innovadora que utilizaba maquillaje fosforescente y cámaras de alta velocidad para capturar los movimientos faciales con gran precisión. Los datos obtenidos se usaban para crear modelos 3D que luego se imprimieron en 3D y se iluminaron con estrobos, emulando un zoótropo tridimensional.

Todo ello confirió a Beowulf un aspecto único, con un movimiento menos fluido que el de una película de animación tradicional pero mucho más realista y con expresiones casi propias de los actores, pues en gran medida habían sido recreadas al detalle. Salvo en el caso del propio Beowulf (Ray Winstone), cuyo modelo se había tomado del por entonces joven actor de Reacher, Alan Ritchson, el resto de personajes tenían la voz y expresiones faciales de Robin Wright, John Malkovich, Brendan Gleeson o sobre todo Angelina Jolie.

Sin embargo, su estilo visual fue que prometía ser su gran baluarte, terminó siendo uno de los motivos por los que el público no conectó del todo con la película. Parag Havaldar, ingeniero principal de I+D en Sony Pictures Imageworks, reconocería posteriormente en una conferencia que la razón podría haber estado detrás del conocido valle inquietante (uncanny valley), a saber, el fenómeno por el cual los espectadores experimentan cierta incomodidad al verse frente a frente como representaciones humanas tan extremadamente realistas como de alguna manera imperfectas, al carecer de ese cariz humano.

Sea como fuere, el moderado fracaso de Beowulf hizo que ese tipo de animación y de cine nunca llegase a afianzarse y la moda se desvaneciera con el tiempo, hasta relegar a la película un estatus de olvidada y casi enterrada por el mercado de streaming. Sin embargo, hay quien la ve hoy día y la sigue apreciando como un noble intento de experimentación, y solo el tiempo la acabará de poner en su sitio. Como decían en otra famosa película de Zemeckis, “Supongo que no estáis preparados para esto, pero les encantará a vuestros hijos”.

La herencia de Martin Scorsese (Nueva York, 1942) es larga, y eso que no ha terminado. Desde que debutó con Who’s That Knocking at My Door hace exactamente 59 años, el director de películas como Taxi Driver, Shutter Island o El lobo de Wall Street solo ha hecho más que acumular un capital que le convierte en uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Ahora bien, por Oscars -ganados- no será.

Scorsese acumula 10 nominaciones al Oscar a mejor director, lo que le convierte en el cineasta vivo con más candidaturas de todos los tiempos en esa categoría. En total, su nombre ha aparecido 16 veces entre los nominados de la Academia, contando también sus candidaturas como guionista y productor. Y, sin embargo, solo una de esas diez nominaciones como director terminó en victoria: la que consiguió por Infiltrados en 2007.

La película, estrenada un año antes, puso fin a una sequía que para entonces empezaba a resultar difícil de explicar. Scorsese había optado previamente al premio por Toro salvaje, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, Gangs of New York y El aviador, pero siempre había salido de la ceremonia sin la estatuilla.

Hasta que llegó Infiltrados, remake estadounidense del thriller hongkonés Infernal Affairs, estrenado en 2002. La historia sigue a Colin Sullivan (Matt Damon), un mafioso infiltrado en la policía de Boston, y a Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), un oficial encubierto que se inmiscuye en la organización criminal de Frank Costello (Jack Nicholson), jefe de la mafia irlandesa. El reparto lo completaban Mark Wahlberg, Martin Sheen y Alec Baldwin.

Disponible en Prime Video hasta el 29 de septiembre

“No hay ningún gran misterio en cuanto a por qué Infiltrados ganó los premios a la mejor película, al mejor director, al mejor guion adaptado y al mejor montaje”, escribió Deadline tras la victoria de Scorsese. “Era una película fantástica. Recaudó mucho dinero, así que al público le gustó muchísimo. Contaba con actores de primera y un guion brillante. Marty Scorsese era el favorito sentimental de cara a esta competición. Y, bueno, una comedia nunca gana el premio a la mejor película. Y a los miembros de la Academia o les encantó Babel o la odiaron. A pesar de lo que digan los expertos en los Óscar, esto no es ciencia espacial: lo único que necesita una película para hacerse con el premio es que unos 1.300 votantes se sientan lo suficientemente entusiasmados con ella y marquen su papeleta en consecuencia”.

Infiltrados terminó recaudando casi 300 millones de dólares en todo el mundo y arrasó en los Oscar de 2007 con cuatro premios: mejor película, mejor director, mejor guion adaptado para William Monahan y mejor montaje para Thelma Schoonmaker.

Desde entonces, Scorsese ha vuelto a competir por la estatuilla con películas como Hugo, El lobo de Wall Street, El irlandés y Los asesinos de la luna, pero no ha conseguido una segunda victoria. Mientras tanto, puedes disfrutar de esta cinta en Prime Video, que abandonará la plataforma el próximo 29 de septiembre.

Pepe Viyuela ha decidido abandonar Jardiel enamorado, la obra de teatro en la que interpreta al escritor Enrique Jardiel Poncela y que dirige Ramón Paso, después de que la Fiscalía Provincial de Madrid haya presentado esta semana una denuncia contra el director por presuntos delitos sexuales que habría cometido contra varias mujeres entre 2018 y 2023. “Yo me he quedado de piedra. Estoy nervioso. No pienso en otra cosa. Estoy conmocionado”, ha explicado el actor a Europa Press. “No quiero llamarle. No quiero seguir con la función. Me voy”, ha subrayado.

El Ministerio Público ha dirigido la denuncia al Decanato de Juzgados de Madrid tras haber culminado unas diligencias preprocesales en las que tomó declaración a 14 presuntas víctimas -con edades comprendidas entre los 18 y los 25 años- que ratificaron su denuncia en sede fiscal. La Fiscalía ha incluido en su denuncia presuntos delitos de agresión sexual -en algunos casos en su modalidad continuada-, así como delitos de acoso sexual y hostigamiento, contra la integridad moral y de coacciones. Dichas conductas se habrían producido en los castings en los que participaba Paso y las presuntas víctimas, siempre a propósito de la actividad teatral del director.

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La obra llevaba representándose desde el pasado 10 de abril en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Esta tarde, Viyuela y el resto del equipo tendrán una reunión que será clave para el futuro de la representación. “No sé si la función va a continuar”, ha reflexionado. Además, considera que, tras las acusaciones a Paso, “al público tampoco le va a apetecer verla”. “No tengo tripas para salir a escena esta tarde”, ha concluido.

Más denuncias

La noticia de Ramón Paso supone un nuevo capítulo tras las denuncias vertidas sobre el director Carlos Vermut. Tres mujeres acusaron al director de Magical Girl y Mantícora de violencia sexual en un reportaje elaborado por El País. Se trataba de una estudiante de cine, una empleada de una de sus producciones y una trabajadora del sector cultural, que aseguraron al medio que, al igual que en el caso Paso, Vermut se sirvió de su posición para someterlas a relaciones violentas que en ningún momento consintieron. Los hechos transcurrieron entre mayo de 2014 y febrero de 2022.

Más tarde, otras tres mujeres se unieron a las denunciantes previas, confirmando sus declaraciones y aportado sus experiencias particulares con el director. Una de las mujeres contó que el acusado la inmovilizó, estranguló y forzó a tener sexo mientras ella se negaba tanto verbal como físicamente, mediante patadas, tratando de quitárselo de encima. Otra de ellas dijo que Vermut se lanzó sobre ella para besarla y tocarle los pechos y que él acabó arrancándole el sujetador, de nuevo habiendo escuchado una negativa explícita. La tercera de ellas, que trabajaba para él, fue encerrada en su casa después de un tiempo recibiendo un trato “denigrante, tanto verbal como físico”, así como una violencia inusitada y no consentida en las relaciones que mantuvieron.

Vermut aseguró a El País a raíz de la investigación que no había sido “consciente de haber ejercido violencia sexual contra ninguna mujer” y que ha “practicado sexo duro siempre de manera consentida”. “Me gustaría que saliera publicado -pide el acusado- que he tenido muchas relaciones de muchos tipos, siempre queriendo que la otra persona esté bien. Y creo que haber tenido una vida sexual promiscua y haber tenido sexo de muchos tipos puede llevarte a situaciones como estas”.

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“Tolerancia cero”

La Unión de Actores y Actrices ha reclamado “tolerancia cero” con los casos de violencia sexual tras la noticia de Ramón Paso. “Animamos a que cualquier actriz que sufra violencia o acoso lo cuente. Aunque sabemos que no siempre es fácil dar el primer paso, animamos a que lo den con quien consideren: conocidos, familia, compañeros de trabajo... El silencio es el primer escollo y ha de romperse para comenzar a poner en marcha medidas”, ha declarado en un comunicado.

El sindicato ha explicado que en el ámbito laboral, y sobre todo en los convenios colectivos acordado con las empresas del sector, hay medidas que “buscan poner límites” a estas situaciones. No obstante, ha instado a seguir creando y mejorando las herramientas y los protocolos que permitan “eliminar la impunidad” de estos actos y garantizar que las víctimas tengan cauces de denuncia.

Wattpad es para España y Latinoamérica lo que Archive of Our Own (AO3) es para países anglosajones. La dinámica es exactamente la misma: una plataforma para publicar fanfics en internet, historias de ficción que están inspiradas en personajes de una obra ya existente —una serie, una película— o incluso en personas reales —actores o cantantes—. Y, cómo no, la industria audiovisual se ha hecho experta en trasladar esto a la gran pantalla una vez que ha pasado por las librerías. Así ocurrió con Cincuenta sombras de Grey, que nació como un fanfic de Crepúsculo, y después con fenómenos como After, Culpables, La idea de tenerte o Boulevard.

Y algo muy similar le ocurrió a Ali Hazelwood. En 2018, mientras terminaba su doctorado en neurociencia en Estados Unidos y escribía su tesis, la investigadora italiana encontró en los fanfics una vía de escape a la presión del mundo académico. “Al principio, solo escribía fanfiction ambientado en entornos académicos, lo cual suena un poco raro, pero creo que era porque estaba en el último año de mi doctorado”, le dijo en 2022 a la American Booksellers Association. Fue gracias al estrés cuando “se me ocurrió la idea de imaginar cómo reaccionarían unos personajes que me encantaban si estuvieran en mi situación”. Ahí nació una historia en torno a Reylo, como se denomina a la pareja que conforman Rey y Kylo Ren en Star Wars, que interpretan respectivamente Daisy Ridley y Adam Driver y que cambiaría por completo su carrera. La obra llegó a las librerías en 2021 y desde este 23 de septiembre da el salto a Prime Video.

Se trata, cómo no, de La hipótesis del amor, la nueva comedia romántica de la plataforma que lleva tiempo encontrando en las adaptaciones literarias y el público juvenil uno de sus grandes filones. En esta ocasión, parte de una novela superventas de Hazelwood convertida también en fenómeno de TikTok. La película, al igual que el libro, sigue a Olive Smith, una brillante estudiante de doctorado que tiene bastante más claro su futuro dentro de la ciencia que su vida sentimental.

El amor también se fabrica en el laboratorio

Todo se complica cuando descubre que su mejor amiga, Anh, está interesada en Jeremy, el exnovio de Olive. Para convencerla de que lo ha superado, besa al primer hombre que encuentra en los pasillos de la universidad. El problema es que ese hombre resulta ser Adam Carlsen, un joven profesor igual de brillante que temido. Lo que empieza como un gesto desesperado termina convirtiéndose en uno de los fake dating más populares de los últimos años.

En su versión cinematográfica, Lili Reinhart (Riverdale) y Tom Bateman (Asesinato en el Orient Express) se ponen en la piel de Olive y Adam bajo las órdenes de Claire Scanlon, directora de Cómo deshacerte de tu jefe. Por si fuera poco, la cinta mantiene un guiño fiel a sus orígenes. Bateman está casado en la vida real con Daisy Ridley, la actriz que da vida a Rey. La coincidencia, según Scanlon, no influyó en absoluto en el reparto. “Eso es algo con lo que internet puede emocionarse, pero no es así como eliges a un actor”, ha explicado la directora para The Hollywood Reporter, que ha reconocido incluso que antes de incorporarse al proyecto “no sabía qué era Reylo ni entendía qué tenía que ver Star Wars con la historia”.

Entre el romance la obra encuentra un hueco para reivindicar la figura de la mujer en STEM, acrónimo de Ciencia (Science), Tecnología (Technology), Ingeniería (Engineering) y Matemáticas (Mathematics), por sus siglas en inglés. “Sentía firmemente que debía ser un mundo realista y vivido; que no fuera una anomalía. Que se sintiera como Stanford”, ha añadido. “De verdad queríamos rendir homenaje al hecho de que estas mujeres se merecen estar ahí. Se dejan la piel trabajando, y no es nada fácil. (...) Lo difícil es mantenerse ahí. No hay vida fuera de la investigación y los estudios, y por eso merece la pena”.

La crítica, de momento, ha recibido La hipótesis del amor con bastante entusiasmo: ha obtenido un 86% de reseñas positivas por parte de la prensa especializada.

Se trataba de una ficción descarnada y dolorosa y en eso coincide con su debut en el largometraje, Esta soledad, aunque su estilo sea muy diferente, más despojado y austero, heredero del ‘nuevo cine británico’ y las películas de John Cassavetes, donde se elude cualquier tipo de artificio para ir en busca de un naturalismo sucio que desprende una verdad tan desnuda como arrolladora.

La película se presenta en la sección New Directors del Festival de San Sebastián y habla de las consecuencias de una ruptura, de la precariedad que condicionan los vínculos emocionales, del desarraigo, la identidad y las dificultades de salir adelante dentro de un entorno social en crisis.

Los caminos solitarios de Leo y Lorea

Esta soledad sigue a Leo y Lorea, interpretados por Oriol Pla y Marina Salas, una ‘expareja’ que afronta una separación cuyos motivos apenas se desvelan, pero que deja en ambos una sensación de profunda desolación.

Leo trabaja en un supermercado mientras compagina su profesión como actor en talleres y espectáculos. Precisamente, la película se abre con una ‘performance’ de Oriol Pla como ‘clown’ en la que aporta su sabiduría en este registro, un aspecto, el de tener que interpretar un papel mientras se está en el polo opuesto, que vertebra buena parte de la película.

Además, Leo se encarga de los cuidados de su padre enfermo hasta su fallecimiento. En ese momento descubrirá que su madre no desapareció de su vida por su propia voluntad, así que iniciará un camino personal para encontrarla.

Mientras, Lorea se encuentra sumida en el caos. Se siente una escritora fracasada, tiene un bloqueo emocional que le impide llevar una vida ordenada y se regodea en su tristeza mientras que, de cara a la galería, hace pensar a todo el mundo que está todo bien. Entre las visitas a su madre y la relación de amistad con una presa con la que entablará contacto, tendrá que hacer frente a sus fantasmas.

Ambos se encuentran atrapados en sus propios reductos, tanto físicos como emocionales, intentando como pueden buscar una salida a su incapacidad de reaccionar.

El descubrimiento de un cineasta indómito

Javier Giner demuestra ser un cineasta indómito, alejado de cualquier cliché del cine español contemporáneo, un espíritu libre a contracorriente que explora los vericuetos más profundos del alma humana sin miedo, sin pudor, y con espíritu kamikaze.

Es una obra lastrada por la melancolía, como esa melodía que Leo entona con su trompeta, repleta de escenarios marginales, de parajes industriales alejados del aburguesamiento que se impone en las producciones actuales. Una obra de raigambre proletaria, en la que se siente la escasez de recursos, ya sea a la hora de atender a un padre necesitado de cuidados o de ahondar en el enigma de la orfandad del personaje de Leo.

La identidad es otro de los temas estructurales de Esta soledad, que tiene su origen en la obra teatral Fuga de cuerpos, de María Velasco. Se trata de personajes perdidos que no saben cuál es su lugar en el mundo y que sufren por descubrirlo, ejemplos de una generación perdida con aspiraciones culturales que quedaron por el camino.

En Esta soledad importa tanto lo que se dice como lo que no. De hecho, muchas de las escenas más importantes, y también las más hermosas, transcurren sin palabras, como el final, uno de los mejores del cine español reciente, en el que los dos protagonistas coinciden por primera vez en pantalla.

Oriol Pla y Marina Salas componen dos personajes memorables, que se quiebran a sí mismos, frágiles hasta la médula, de una intensidad rabiosa por momentos, y de una inseguridad tan fogosa en otras, que los quema por dentro. Una película deslumbrante y sin duda, la ópera prima del año.

Llega el momento más esperado para millones de espectadores. La Fiesta del Cine regresará a las salas de toda España entre el lunes 19 y el jueves 22 de octubre, con entradas a 3,50 euros para las películas que estén en cartelera durante esos cuatro días. La XXVII edición mantendrá el acceso sin acreditación previa. La iniciativa reúne a distribuidores, exhibidores y organismos públicos en una campaña que busca aumentar la asistencia a las salas desde hace años y que vuelve después de obtener grandes resultados en su última edición.

La venta anticipada comenzará el miércoles 14 de octubre. Las entradas podrán adquirirse por internet, tanto en las páginas de los cines como en las plataformas habituales de venta. También se venderán en las taquillas y en los quioscos ubicados en los vestíbulos de los complejos cinematográficos. La organización no ha establecido un trámite de registro para acceder a la tarifa especial. La Fiesta del Cine se remonta a finales de la década de los 2000, en verano de 2009, cuando surgió como una iniciativa a pequeña escala impulsada por el Ministerio y con el apoyo de la industria cinematográfica para incentivar la asistencia a salas.

Hoy día, la iniciativa está organizada por la Federación de Distribuidores Cinematográficos (FEDICINE), la Federación de Cines de España (FECE) y el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA). Según la información difundida sobre la convocatoria, el objetivo es agradecer al público que acude a las salas y fomentar la asistencia al cine como un hábito social y cultural. El evento se realiza en un momento en que la campaña vuelve a situar la experiencia presencial de las proyecciones como uno de sus ejes, especialmente tras la pandemia y el auge de las redes sociales, algo que ya contamos hace unos días a cuenta del estreno de Coyote vs. Acme, una película que estuvo cerca de ni siquiera ver la luz. Esa quizá sea una de las películas que puedan disfrutar los espectadores durante esos días si consigue mantenerse en cartelera, pero si no hay otros títulos a tener en cuenta.

Los ‘padrinos’ y las películas a tener en cuenta

La directora Alauda Ruiz de Azúa y el actor Álvaro Cervantes serán los embajadores de la edición de octubre. Ambos toman el relevo de Carolina Yuste y Eduard Fernández, quienes desempeñaron esa función el año anterior. La figura del embajador o embajadora se incorporó a la Fiesta del Cine en 2022, mediante la colaboración con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Ruiz de Azúa recibió el Premio Goya 2026 a Mejor Dirección por Los domingos. Cervantes obtuvo el Premio Goya 2026 a Mejor Actor de Reparto por Sorda. La directora vinculó la asistencia a una función con una vivencia compartida. “Ver cine en una sala representa la experiencia colectiva”, afirmó, y sostuvo que ese espacio permite emocionarse, cuestionarse o reír con otras personas.

Cervantes recordó una sesión escolar en los Cines Verdi como uno de los momentos que marcaron su relación con el cine. La película que vio fue Ciudad de Dios, en versión original subtitulada. El actor señaló que quedó impresionado por la película y que aquella función le permitió mirar el cine desde una perspectiva más adulta, más allá del entretenimiento. Entre las películas que podrán verse durante los días de la Fiesta del Cine figuran Street Fighter, La invitación y Whalefall. La cartelera también incluirá El precio de la red, presentada como secuela de La red social. Estos títulos estarán disponibles dentro de la programación de las salas que participen en la XXVII edición entre el 19 y el 22 de octubre.

La obra se ha proyectado en un montaje cinematográfico de casi tres horas, con el que ha entrado en la competición oficial por la Concha de Oro a modo de largometraje. La producción ha sido la primera serie de televisión incluida en la sección oficial del certamen. Pablo Larraín ha explicado que la versión de largometraje reúne los capítulos sin cambios sustanciales en el contenido.

La adaptación parte del relato homónimo de Mariana Enríquez e incorpora personajes y elementos de Julie, Cuando hablábamos con los muertos y Un lugar soleado para gente sombría. La escritora argentina ha escrito el guion junto a Larraín, el dramaturgo chileno Guillermo Calderón y Anastasia Ayazi.

“Como lector de Mariana Enriquez y como director, mi prioridad era cómo trasladar a imágenes su literatura, de forma sugerente y relevante. Y en Mis muertos tristes se dio esa oportunidad, pensé ”yo estoy me lo imagino" y así empieza la máquina audiovisual del deseo de filmar eso", cuenta Pablo Larraín a Infobae.

Una mujer frente a los fantasmas

La protagonista es Ema, una médica recién jubilada de 60 años interpretada por Mercedes Morán que ve y escucha a los muertos desde niña. Tras la muerte de su madre, se instala en la vivienda familiar y recibe a su sobrina Julie, que comparte esa facultad, mientras el asesinato de tres adolescentes en el barrio de Piedrabuena multiplica las presencias y los recuerdos.

Ema había sido apartada del hospital público donde trabajaba y vende su casa, situada en un barrio más seguro, para trasladarse al chalé de su madre. Allí convive con el fantasma materno, al que da vida la actriz chilena Luz Jiménez, y con su hija, una fotógrafa y cineasta interpretada por Dolores Fonzi, con quien mantiene una relación tensa.

La hermana de Ema, su cuñado y Julie viajan desde Oregón, Estados Unidos, para tratar a la joven en un hospital público. Sus padres quieren ingresarla, pero Julie se fuga cuando Ema comienza a comprender la naturaleza de su sufrimiento. Piedrabuena, en Villa Lugano, concentra el deterioro material y la memoria política que recorren la serie.

La escritora ha explicado que la madre de Ema procede de una referencia cercana: “Como Ema, mi madre es médica y ha trabajado en un hospital público”. También ha señalado que el barrio del libro se inspira en un lugar real, aunque transformado para la ficción, y que muchas de las situaciones violentas parten de hechos reales modificados.

La capacidad de hablar con los muertos pertenece a la ficción, aunque Enríquez la relaciona con experiencias familiares. Ha contado que una de sus tías veía a su abuela en todas partes y que su madre percibe olores inesperados, como el de gasolina, que interpreta como una advertencia de que algo ocurrirá, sin que implique que vaya a producirse una explosión.

Julie establece con los fantasmas una relación distinta de la que mantiene su tía. La joven, abandonada por sus padres en un centro psiquiátrico y obsesionada con el sexo, encuentra placer en el más allá; Ema lo experimenta como una forma de purgatorio.

La autora ha situado el origen de esa idea en The Entity, una película de terror de los años ochenta en la que una mujer era atacada sexualmente por espíritus. Enríquez se preguntó qué ocurriría si esa relación fuese consentida y la conectó con los relatos de santas que decían estar casadas con el Espíritu Santo.

La importancia del sonido

Larraín ha destacado el peso del espacio sonoro en una ficción concebida para ser vista mayoritariamente en televisión. “Hay algo muy bello y muy inusual en el espacio sonoro, en la cantidad de cosas relevantes para la historia que no vemos, sino que solo oímos”, ha afirmado sobre el desafío de llevar a ese plano elementos que nunca aparecen en imagen. “Era una narrativa inmensa y desafiante, porque muchas escenas importantes tienen que ver con lo que no se ve, con lo que está fuera de campo”.

La serie combina planos largos, fotografía áspera y los edificios de Piedrabuena para mostrar a quienes murieron de forma traumática junto a supervivientes que cargan con experiencias semejantes. Su estructura episódica se articula alrededor de Ema y de la interpretación de Morán, marcada por el hastío ante los vivos y una conexión con los muertos a través del dolor.

Enríquez ha relacionado esos miedos con una historia latinoamericana que no se limita al presente. “Yo crecí en los 70, y estaba la paranoia de si venían los militares, o de si te iba a denunciar tu vecino por ser un militante social”, ha señalado; las protagonistas quedan atrapadas en un bucle del que deben salir para encontrar su lugar en el mundo.

Larraín, que ha rodado por primera vez en Argentina, ha dicho que el trabajo con equipos locales le hizo percibir más similitudes que diferencias entre Chile y su país vecino. El director también ha definido la adaptación como un tránsito desde la literatura hacia una representación visual de la narrativa de Enríquez.

“No es una foto del estado actual de Argentina, pero habla de cómo el pasado habla de nuestro presente desde un proceso social muy largo de abandono. Más que una crítica social es un comentario sobre el estado de las cosas sobre el deterioro del sector público”.

Así, el muerto, ha subrayado, reclama ser recordado: “El acto de memoria es también de alguien que quiere ser rescatado y no olvidado”. El escritor Stephen King, en una serie de mensajes en la red social X, ha calificado la serie de “genial”.

Las buenas noticias para la película de Los Javis no paran de acumularse a solo una semana de su estreno en nuestro país y las apuestas la sitúan como una de las obras más destacadas en la carrera para los Oscar.

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A Miguel Bernardeu le pilla este fenómeno en un gran momento. Desde su participación en la miniserie Querer, de Alauda Ruiz de Azúa, ha apostado por papeles arriesgados en películas con un sello de autor que ahora desemboca en La bola negra.

“Estoy en un momento de querer perseguir papeles que me obliguen a tener miedo, a tirarme a la piscina interpretativamente. Me anima a intentar hacer proyectos que no necesariamente tengan que salir bien, no me importa cagarla, no pasa nada tampoco. Pero sí que quiero probar más, estudiar más y, sobre todo, trabajar más”, cuenta Miguel Bernardeau a Infobae.

El reto de interpretar a Rafael Rodríguez Rapún

En La bola negra interpreta a Rafael Rodríguez Rapún, al que muchos especialistas atribuyen una relación con Federico García Lorca e incluso hay que sostiene que constituyó la fuente del inspiración del poeta para la escritura de Sonetos del amor oscuro.

Nacido en una familia de clase trabajadora, Rapún fue ingeniero, deportista y militante del PSOE. En 1933 se incorporó como actor a La Barraca, el grupo teatral dirigido por Lorca, quien lo apodó “El hombre de las tres Erres”. Tras recibir entrenamiento de artillería en Lorca, Murcia, fue destinado al frente cántabro con el grado de teniente. Murió el 19 de agosto de 1937 en Santander, en el Hospital de Campaña número 4, tras un bombardeo del bando sublevado durante la Batalla de Santander. Un año antes se había alistado para defender la Segunda República después de conocer el asesinato de Federico García Lorca por las milicias franquistas.

Precisamente, la obra teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero, rindió homenaje a Rapún y ahora se convierte en uno de los pilares fundamentales de La bola negra, en la que se cuenta su relación con un soldado del bando contrario interpretado por Guitarricadelafuente.

“A mí La bola negra me ha cambiado la vida. Cuando terminé de rodarla ya era otro”, cuenta el actor. “Puede sonar como un tópico o no, pero ha sido una película y un personaje que creo que no hubiera podido pasar por ahí sin dejar algo de mí. Hay algo que se ha quedado conmigo. Y estudiar a Lorca, la Guerra Civil, interpretar a Rafael Rodríguez Rapún, que es un hombre apasionante, me ha abierto algo que todavía tengo por descubrir, que no sé hasta dónde me va a llevar”.

Dos hombres en medio de la violencia

En la película, Rafael y Sebastián (Guitarrica) encuentran un reducto de comprensión en un mundo cargado de violencia y de muerte. Aunque ambos pertenecen a bandos contrarios, Bernardeau no piensa que los personajes simbolicen las dos Españas. “Creo que simbolizan uno de los millones de casos de gente que se vio envuelta el algo no podía controlar, que era que los nacionales llegaban a tu pueblo y, o te mataban, o te daban un arma y te unías a ellos”, dice.

“Siento que simbolizan dos jóvenes en un momento tan complicado como ese, que se reconocen, se miran y se ven como dos humanos y no como dos soldados. No me imagino la Guerra Civil como en las películas donde todo es espectacular, me imagino el miedo, la masacre, la sangre, el hambre, la pobreza”.

Asegura que el éxito de la película todavía lo está gestionando, pero que todo el equipo se apoya y va de la mano. “Es un placer viajar por el mundo y compartir algo tan bonito. Es un momento muy dulce que hay que aprovechar”.

El dúo artístico formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentra durante estos días en el Fetsival de San Sebastián, donde han presentado la película por primera vez en nuestro país y donde han atendido a los medios para promocionar la que se postula como gran película española del año. Pero entre tanto revuelo formado en torno a una película que acaba de ganar el premio del público en el Festival de Toronto y apunta a los Oscar, los Javis han revelado una historia de lo más curiosa. La de cómo conocieron a Glenn Close, y esta les acabó haciendo una atrevida propuesta.

“Estábamos en la cama a las tres de la mañana y de repente llega un mail de G.C. Era un mail con un PDF de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close. Al día siguiente le contesté y nos dijo ‘¿Por qué no venís a Nueva York?’ Y nos fuimos a merendar con ella a su casa", revelaban los Javis en una reciente entrevista para Fotogramas en el marco del Festival de San Sebastián. De ese entrañable encuentro nacería también una relación profesional, ya que Close les pidió, ya como fan absoluta del dúo creativo, que adaptasen el musical de Sunset Boulevard, a su vez versión de una de las grandes películas de la historia: El crepúsculo de los dioses.

Un clásico eterno e irrepetible

“Ella tenía un proyecto, quería llevar al cine Sunset Boulevard el musical. Pero le dijimos ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’. Lo estudiamos durante meses, tuvimos muy buena conexión y tuvimos que decir que no era el proyecto para nosotros. Y cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. no era muy apetecible. Necesitábamos a alguien emocional para un texto algo frío. Y esa era Glenn Close”, confesaban los Javis en la entrevista.

El crepúsculo de los dioses está considerada por amplio consenso como una de las mejores películas de la historia del cine, y fue una de las primeras historias que reflexionaba sobre el propio oficio de ser actor. Dirigida por Billy Wilder, narra la historia de una vieja estrella de Hollywood que lleva años apartada del cine y se consume en su casa junto a uno de sus criados, repasando una y otra vez sus antiguas películas. Hasta allí llega Joe Gillis, un escritor de poca monta que huye de una serie de deudas y encuentra refugio en casa de Norma Desmond (Gloria Swanson), la otrora gran estrella que poco a poco entabla una estrecha relación con el escritor, al que le pide que reescriba un guion que tiene entre manos y que cree que puede devolverla a sus días de gloria.

Si bien ese proyecto no verá la luz, al menos de momento, del encuentro entre Los Javis y Glenn Close ha salido otra gran película como es La bola negra, en la que la actriz de películas como Hook o 101 Dálmatas interpreta a una humanista experta en Federico García Lorca. La intérprete no solo aceptó en seguida el papel ofrecido a pesar de su breve duración, sino que además se propuso un gran reto, tal y como revelan los directores. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”.

Ferran Adrià supervisó Gènesi, la serie de seis episodios sobre los inicios de El Bulli que presentó sus dos primeros capítulos en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La ficción, dirigida por David Pujol y protagonizada por Miquel Fernández, se estrenó el lunes 21 de septiembre en TV3 y la plataforma 3Cat; Netflix la distribuirá después en España, Europa, América Latina y Estados Unidos.

Gènesi reconstruye el nacimiento y la evolución de El Bulli a través de Ferran Adrià, su hermano Albert Adrià y Juli Soler, socio y responsable de sala del restaurante. La producción combina hechos ligados a la cocina, la relación entre sus protagonistas y el proceso que llevó al cierre del establecimiento de Roses en 2011.

Adrià se involucró en el proyecto porque no se reconoce en los diálogos de las ficciones ambientadas en restaurantes, incluso en las producciones mejor recibidas por el público y la crítica. Cuando Pujol le planteó rodar una serie sobre los primeros años de El Bulli, aceptó con una condición: que la recreación mantuviera rigor. “Fui muy riguroso, si no, no participo”, aseguró Adrià a EFE en San Sebastián. El cocinero catalán, que calificó con un diez el resultado, participó junto con El Bulli Foundation en el desarrollo de una serie que se presenta como una historia colectiva y no solo como el retrato de una figura individual.

Del concurso de la Generalitat al estreno en San Sebastián

La producción nació a partir de un concurso de la Generalitat para promocionar la gastronomía catalana, que ganó David Pujol. El cineasta ya había dirigido la serie documental elBulli, historia de un sueño y propuso abordar los inicios de Adrià desde la ficción. “Le dije a Adrià que necesitaba su permiso para ficcionar. No quise ver ninguna serie de ese tipo, nada, no quería tener ninguna referencia. Podía acertar o equivocarme, pero quería hacerlo desde la pureza”, explicó Pujol.

La llegada de la serie al certamen donostiarra coincidió con su estreno en TV3 y 3Cat el 21 de septiembre. La producción es una coproducción de 3Cat, Minoria Absoluta y Fishcorb Media, con la colaboración de la Generalitat de Catalunya, el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y la participación de Netflix. Netflix contará con versiones dobladas al castellano y al inglés. La plataforma distribuirá la ficción fuera de Cataluña, mientras New Regency se encargará de las ventas internacionales, según la información difundida sobre la serie.

Platos recreados y figuras de la cocina catalana

El principal desafío para Pujol fue encontrar al actor capaz de interpretar a Adrià sin que el público tuviera que hacer un esfuerzo para identificarlo. Miquel Fernández asumió ese papel tras un proceso de búsqueda que, según el director, debía resolver la voz, los gestos y la forma de expresarse del chef. “El gran reto era cómo diablos íbamos a conseguir que fuese Ferrán desde el minuto cero. No quería que la gente se esforzara por reconocer a Ferrán, sino que lo viesen desde el primer momento”, afirmó Pujol.

Fernández reproduce también la voz de Adrià. El director relató que la esposa del cocinero confundió al actor con su marido cuando Adrià veía en casa un fragmento de la serie. “Si fuese película, le darían un premio. Lo que hace es muy difícil, porque además está interpretando a alguien muy conocido en Cataluña y muy imitado. Me apabullaba al verlo, es como si Adrià le estuviera poseyendo”, dijo. “Lo más importante para mí, era no caer en la parodia”, afirmó Fernández. En el reparto también están Carlos Cuevas como Albert Adrià e Ivan Massagué como Juli Soler. La ficción aborda la enfermedad de Soler, “que fue dramática”, con autorización de su familia.

Para el rodaje se recrearon más de 70 platos originales, elegidos entre los 1.846 que se cocinaron en El Bulli. Antiguos integrantes de la cocina, como Marc Cuspinera, Alain Devahive y Eduard Bosch, participaron en ese trabajo. La serie incluye además a Oriol Castro, Santi Santamaría, Fermí Puig y Christian Escribà, figuras que aparecen en el recorrido por la gastronomía catalana vinculada a El Bulli. Según el planteamiento de la producción, están presentes “sin los cuales no se puede comprender en toda su dimensión el legado de El Bulli”.

Zelda Williams ha pedido frenar la difusión de vídeos creados con inteligencia artificial que imitan a su padre, Robin Williams, y reclamó a quienes los comparten que tengan “algo de vergüenza”. La directora de Lisa Frankenstein reaccionó en X ante la circulación de un supuesto vídeo privado del actor. Afirmó que el material era una recreación hecha con inteligencia artificial y cuestionó a quienes lo presentaron como auténtico.

Zelda Williams pidió que los seguidores de Robin Williams no creen ni compartan vídeos que reproduzcan digitalmente su voz o su imagen. La hija del actor sostuvo que esas piezas usan a un hombre fallecido para convencer al público y señaló que su muerte no autoriza a convertirlo en una “marioneta”. Williams señaló que el vídeo que circulaba “es claramente IA” y afirmó que ni siquiera era una imitación convincente. Según escribió, quienes creyeron que la grabación era real no prestaron atención a la voz de su padre en sus películas.

La directora describió la voz recreada como robótica y de mala calidad. También apuntó contra la persona que utilizó una herramienta para generar el contenido y pidió que dejaran a su padre fuera de lo que calificó como “tonterías delirantes”. “Dejadlo fuera de vuestras tonterías delirantes y dejadlo descansar”, escribió Williams. En su mensaje, preguntó quién manipula al público a través de los medios cuando se recurre a la imagen de una persona fallecida para reforzar una postura.

“Que haya muerto no significa que sea vuestra marioneta”

La hija del actor también expresó su rechazo a X, una red social que, según indicó, está llena de cuentas automatizadas y de usuarios que aceptan contenidos difundidos por esos perfiles. Explicó que volvió a intervenir porque ama a su padre y consideró necesario aclarar que el vídeo no era verdadero. Williams añadió: “Que haya muerto no significa que sea vuestra marioneta”. Su petición a quienes producen o difunden estas recreaciones fue directa: “Tened algo de vergüenza”.

No es la primera vez que Zelda Williams se pronuncia contra los contenidos generados con inteligencia artificial sobre Robin Williams. En octubre de 2025, publicó un mensaje en Instagram en el que pidió que dejaran de enviarle vídeos de su padre creados con esa tecnología. En aquella ocasión, escribió: “Por favor, dejad de mandarme vídeos de IA de mi padre”. También manifestó que no quería ver ese material ni que los usuarios asumieran que podría comprender las razones para enviárselo. Williams sostuvo entonces que, si la intención era molestarla, restringiría esas cuentas y seguiría adelante. Aun así, pidió que, por respeto, dejaran de hacerle eso tanto a ella como a su padre.

“No es lo que él habría querido”, señaló en ese mensaje. La directora calificó esas recreaciones como una pérdida de tiempo y energía, y rechazó que la imagen de su padre se utilizara de esa manera. Robin Williams murió en 2014, a los 63 años. El actor participó en películas como Jumanji, El indomable Will Hunting, El club de los poetas muerta, Hook y Mrs. Doubtfire. En los últimos años, usuarios de redes sociales han creado y difundido vídeos que recrean digitalmente la apariencia y la voz del intérprete. El texto indica que este tipo de contenidos se convirtió en uno de los usos frecuentes de la inteligencia artificial aplicada a figuras fallecidas. El mes anterior al nuevo mensaje de Zelda Williams, ella y sus hermanos Zak Williams y Cody Williams reactivaron la cuenta de Instagram de Robin Williams. Los tres explicaron que buscaban combatir el uso extendido de inteligencia artificial sobre su voz e imagen en esa plataforma.

El Patronato podía retener a mujeres hasta los 21 años, entonces mayoría de edad, y en determinados casos hasta los 25; al menos 40.000 mujeres de entre 16 y 21 años pasaron por sus centros.

Las actividades del Patronato de Protección a la Mujer comenzaron en 1902, aunque la institución fue creada en 1941 bajo el franquismo y estuvo auspiciada por Carmen Polo, esposa del dictador. Su función era vigilar y someter a jóvenes cuya conducta se apartase de la moral ‘nacionalcatólica’, con motivos que podían incluir fumar, bailar, salir de noche o mantener relaciones sexuales sin casarse.

Daniel Monzón ha explicado que descubrió la existencia de estos centros en 2020, mientras terminaba Las leyes de la frontera. El director consultó artículos periodísticos, tesis doctorales, libros de Consuelo García del Cid Guerra y testimonios de miles de mujeres junto a Jorge Guerricaechevarría, coguionista de la película.

Qué cuenta la película sobre el Patronato

La protagonista es Ana, interpretada por Zoe Bonafonte, una chica de familia rica y religiosa que ingresa por decisión de sus padres. Después de una exploración médica que certifica que no es virgen, pasa por un centro de Barcelona, logra escapar y termina trasladada a otro de Madrid con un régimen más duro.

Los centros de Observación y Catalogación decidían el destino de las internas. Monzón ha señalado que las jóvenes eran clasificadas como “completas” o “incompletas” según conservaran o no la virginidad, una nomenclatura que determinaba la severidad del lugar al que serían enviadas y que las alejaba de su ciudad, de sus familias y de su entorno.

Las internas no podían salir a la calle, telefonear ni comunicarse con normalidad entre ellas. El incumplimiento de las reglas se castigaba con aislamiento durante días, semanas o meses en celdas, mientras las monjas imponían misas y una rutina de trabajo. La película muestra violencia física y verbal, además del abandono de familias que entendían el encierro como una medida correctiva.

Monzón ha evitado convertir ese relato en una sucesión de escenas explícitas de violencia. “Lo estudiamos mucho, porque usaban montones de castigos físicos. En la película se muestran algunos, pero si llegamos a plasmarlos todos hubiéramos caído en el género gore”. El cineasta sostiene que el enfoque debía preservar la dignidad de quienes pasaron por aquellos centros.

La preparación del reparto incluyó reproducir tareas y normas de la época. Las actrices aprendieron a fregar siguiendo las indicaciones de las monjas, sin apoyar el trasero y manteniendo la espalda recta; cosieron con máquinas de 1974 y memorizaron rezos con gestos concretos. Para el director, esos trabajos formaban parte de un sistema de castigo y sometimiento.

El título de la película procede del libro homónimo de la investigadora Consuelo García del Cid Guerra, a quien Monzón identifica como una figura decisiva para divulgar lo ocurrido en el Patronato. García del Cid leyó el guion y consideró que reflejaba la realidad de la institución, según el cineasta.

Ana y Sole, la amistad frente al encierro

Ana encuentra apoyo en Sole, una joven de pueblo interpretada por Manuela Calle que ha llegado a la ciudad en busca de una vida propia y sobrevive en condiciones precarias. Su relación articula una historia de amistad entre internas, fugas, castigos y resistencia ante un sistema que separaba a las jóvenes de cualquier red de apoyo.

Guerricaechevarría ha descrito el aislamiento de las reclusas como una metáfora de la sociedad franquista: un orden que impedía a las personas organizarse y ayudarse. El guionista plantea que la película sitúa la unión entre las dos protagonistas como su forma de supervivencia y de esperanza.

La película como un drama carcelario en el que las reclusas son niñas, las carceleras son monjas y los padres figuran entre los responsables del encierro. El reparto incluye a Adelfa Calvo, María Cerezuela, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutiérrez, Belén Cruz, Bea Segura, Xavi Sáez y Shiara Fernández.

La película llega dos años después de Alumbramiento, de Pau Teixidó, que situaba en 1982 una trama sobre el robo de bebés a madres solteras internadas en centros vinculados al Patronato. Monzón ha subrayado que la pervivencia de la institución hasta 1985 explica que siga siendo una parte poco conocida de la historia reciente.

Bonafonte ha señalado que buena parte de las actrices desconocía la existencia de esos reformatorios porque “desgraciadamente, no se enseña en los libros de historia”. La intérprete ha reclamado que esta parte del pasado llegue a los colegios y ha recordado que las internas eran “niñas que no habían hecho nada malo”.

Calle ha rechazado la idealización de la dictadura y las afirmaciones de que “con Franco se vivía mejor”. La actriz ha asegurado que investigar para interpretar a Sole cambió su manera de entender aquel periodo, aunque reconoce que nadie que no viviera aquellas experiencias puede conocer por completo lo que sintieron las jóvenes encerradas.

Es posible que tu algoritmo te bombardee estos días con vídeos de los conciertos de Shakira en su residencia europea en Madrid por su gira mundial Las mujeres ya no lloran (o si eres muy fan ya llevarás así desde febrero de 2025, cuando comenzó el tour). Junto a la cantante colombiana, y en concreto, a su izquierda, se cuela en todos los planos la bailarina Natalia Palomares. Y, sin ánimo de querer quitarle protagonismo a la loba en el escenario, es inevitable que la mirada no se desvíe hacia ella. Se mueve por el escenario derrochando seguridad y energía, muestra una conexión inmediata con la música e hipnotiza. Natalia es la única española (y también europea) que forma parte del equipo que acompaña a Shakira y estos días se va a hablar mucho de ella.

Natalia Palomares Pascual nació en Valencia y tiene 33 años. Se crió en el barrio de El Cabanyal-Canyamelar, decidió estudiar Derecho en la Universitat de València pero decidió abandonar la carrera a mitad para dedicarse por completo a la danza, una decisión que su familia recibió con reticencia inicial, pero que hoy respalda desde las gradas de los estadios, según aseguró Europa FM.

@natotonel pa tipos como tú🫵🏼 @Shakira #lmynlworddtour disfrutándome cada escenario. gracias @Edú Quintero ♬ sonido original - Natalia Palomares

Palomares se define como alguien que empezó tarde en la danza. A diferencia de la mayoría de bailarines profesionales, que se forman desde la infancia, ella comenzó a los 18 años, cuando ya cursaba estudios universitarios. Compaginó Derecho con clases de baile durante varios cursos hasta que, en cuarto año, mientras estudiaba, escuchó Pretty Hurts de Beyoncé. “Fue como si Dios me tocara la cabeza”, recordó en una entrevista con la agencia EFE. A partir de ese momento tomó la decisión definitiva de volcarse en su vocación.

A los veinte años empezó a entrenar varias horas al día y se formó en danzas urbanas, técnicas y contemporáneas hasta obtener la titulación profesional en la escuela EDAE Sergio Alcover. Su primer empleo remunerado como bailarina llegó en 2010, en los espectáculos del complejo hotelero Marina d’Or, antes de sumarse a montajes como Obsolescencia Programada, Ninja y Catalejo. Y desde ahí no ha parado. Ha compartido escenario con grandes estrellas de la música internacional como Rosalía, J Balvin, Nathy Peluso, Dua Lipa, Lali Espósito o Danna Paola.

Si has bailado Chicken Teriyaki de Rosalía debes saber que Palomares es la coreógrafa. Ha colaborado con la cantante catalana en varias ocasiones. En su cuenta de Instagram comparte vídeos de 2018, ya antes de que Rosalía se convirtiera en una estrella mundial, y hasta bailó con ella en Coachella. “Casi que los mejores recuerdos de mi vida”, afirmó en una entrevista recogida por Europa FM.

De la Copa Davis a desmentir un supuesto despido por opacar a Shakira

El punto de inflexión en su carrera llegó en 2019, cuando fue convocada para la ceremonia de apertura de la Copa Davis, en la que actuó junto a Shakira como una de las 30 bailarinas del elenco. “Era un ejemplo a seguir para mí. Yo bailaba en el comedor de mi casa sus canciones y fue como un gran logro”, relató a EFE. La selección fue una decisión conjunta de la cantante colombiana y Maite Marcos, su coreógrafa habitual.

El vínculo se consolidó poco después, cuando volvieron a contactarla para ser una de las dos bailarinas del videoclip Girl Like Me, la colaboración de Shakira con Black Eyed Peas. Desde entonces, Palomares se integró de forma continua al equipo de baile y coreografía de la artista, con quien también trabajó en el videoclip TQG, junto a Karol G.

Y como no, las redes sociales también desataron bulos sobre ella que tuvo que salir a desmentir. Desde el inicio de la gira de Shakira, Palomares se convirtió en una de las figuras más comentadas en redes sociales. Esa exposición derivó en rumores sobre un supuesto conflicto con la cantante colombiana, que llegaron a sugerir un despido por “opacarla” en el escenario.

La bailarina desmintió esas versiones en una entrevista con la revista Hola. “Lo que os puedo decir es que lo desmiento completamente, tanto este como todos los bulos que podéis ver en redes sociales, muchos incluso generados por inteligencia artificial”, afirmó. Y agregó: “Sigo ocupando exactamente las mismas posiciones desde el inicio de la gira, y, por supuesto, no me han despedido. Shakira y yo trabajamos juntas desde hace muchos años y, además de compañeras, somos amigas”.

Más de un millón de seguidores en tiktok

La proyección pública de Palomares también se refleja en sus redes sociales: acumula más de 630.000 seguidores en Instagram y 1,1 millones en TikTok. En esas plataformas suele mostrar su vínculo con Valencia y su orgullo por sus raíces. Y no solo eso, sino que también se moja con su ideología política. “No sé qué clase de amigos tienes tú, pero yo sí te voy a juzgar por subir ‘opiniones’ fascistas y racistas a tus redes sociales”, publicó en su cuenta de TikTok, una publicación que fue aplaudida por sus fans (y no tanto por los que se dieron por aludidos). También subió un vídeo con la canción de Beny Jr llamada Mafioso y bailó el fragmento que dice “me mantengo siempre en la izquierda, no me cae bien la derecha”. Incluso en un comentario de un seguidor respondió: “Ser facha es ser retrasado”.

De cara al futuro, la bailarina adelantó que su carrera se orienta cada vez más hacia la coreografía. “Quiero seguir bailando, pero también seguir creciendo como coreógrafa y creativa”, señaló a La Razón. En esa línea, impulsa The Heels Program, un proyecto formativo propio con el que busca, en sus palabras, “inspirar y abrir camino a nuevas generaciones” de bailarines.

Toy Story 5 sitúa a Jessie, Bonnie, la tecnología y las pantallas en el centro de una aventura sobre el impacto de los dispositivos digitales en la infancia, de forma que consigue adaptar la fórmula a los nuevos tiempos.

Así, la quinta entrega sitúa a Bonnie, de nueve años, ante la llegada de Lilypad, una tableta que sus padres le regalan por sus dificultades para relacionarse con otros niños. Jessie y los demás juguetes consideran que el dispositivo les relega y buscan que la niña haga amigas fuera de internet.

Han pasado más de 30 años desde el estreno de la primera Toy Story, una película que revolucionó la animación mediante técnicas digitales que hasta entonces no se habían utilizado y que entró casi de inmediato en el imaginario popular. Sus continuaciones expandieron las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y los demás muñecos; para muchos espectadores, Toy Story 3 fue la cima de la franquicia por un final de emoción genuina, pero está claro que el universo no para de expandirse y renovarse.

Qué plantea ‘Toy Story 5′ sobre niños y pantallas

La saga ha abordado el tránsito de la infancia a la edad adulta a través de la amistad, la soledad, la búsqueda de identidad y la aceptación de las distintas etapas vitales. Los juguetes funcionan como un reflejo de miedos ligados al abandono.

Después de una cuarta entrega poco memorable, la nueva película devuelve el liderazgo del grupo a Jessie, tras la marcha de Woody para vivir su propia vida. La vaquera pide ayuda a su antiguo compañero y ambos afrontan peripecias que separan a los juguetes, les obligan a reunirse y les enfrentan a obstáculos para cumplir su objetivo.

El conflicto de fondo resulta oportuno porque muestra a unos juguetes que se sienten obsoletos ante una era en la que parecen haber perdido su sentido, lo que genera buenas dosis de nostalgia y de incertidumbre frente al futuro.

Escenas míticas y una franquicia para el recuerdo

Entre las secuencias más míticas de esta nueva propuesta, encontramos a una horda de Buzz Lightyear que acude en ayuda de los protagonistas a través de varias secuencias memorables. Esos pasajes aportan la imaginación visual que siempre ha caracterizado a la franquicia.

Toy Story 5 llega a Disney Plus el 23 de septiembre y se incorpora al catálogo de todas las películas de la saga que se han convertido en un clásico contemporáneo y ya forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones que abarcan desde adultos que vivieron en su momento el fenómeno hasta los niños del momento que descubren por primera vez a estos personajes que llegan rápidamente al corazón y se quedan para siempre con nosotros.

La definición de Universal despeja una de las dudas que rodeaban a Hathaway desde el estreno. La actriz quedará en la misma categoría que Morton, una doble postulación que ha sido frecuente en la historia de los Oscar para las intérpretes secundarias de una misma película. Morton cuenta con dos nominaciones previas al Oscar: por In America y Sweet and Lowdown. La posibilidad de que ambas actrices compitan entre sí representa un desafío para la campaña, aunque el estudio buscará aprovechar la presencia de dos papeles femeninos del mismo largometraje.

Hathaway ganó el Oscar a actriz de reparto en 2013 por Fantine en Los miserables. Si volviera a imponerse por La Odisea, sería la tercera mujer en obtener dos premios en esta categoría, después de Dianne Wiest y Shelley Winters. Wiest recibió las estatuillas por Hannah y sus hermanas, de 1986, y Balas sobre Broadway, de 1994. Winters ganó por El diario de Ana Frank, de 1959, y Un retazo de azul, de 1965.

La competencia con Julianne Moore y Penélope Cruz

La campaña de Hathaway se desarrollará en una temporada que todavía toma forma. Variety señaló que la categoría de actriz de reparto parece menos poblada que la de protagonista, donde Julianne Moore ganó atención por The Debut, presentada en los festivales de Telluride y Toronto. Si Hathaway y Moore obtuvieran un segundo Oscar en la misma ceremonia, serían la primera pareja de actrices que logra esa marca desde 1995. Ese año, Jessica Lange ganó como protagonista por Blue Sky y Dianne Wiest triunfó como actriz de reparto por Bullets Over Broadway.

El panorama de premios también incluye a Penélope Cruz, vinculada a The Invite y a la producción española La bola negra. El material publicado por Variety menciona ambos títulos dentro de un repaso sobre la presencia de Cruz en la temporada, aunque no detalla en qué categoría podría competir por cada película. Cruz figura además en otro contenido relacionado con Bunker, una tercera producción citada por la publicación. La información disponible no establece si esas películas llegarán a competir de forma directa con Hathaway en actriz de reparto.

Universal buscará una amplia presencia de La Odisea en las nominaciones al Oscar. La película superó los 1.600 millones de dólares en la taquilla mundial y constituye el primer estreno de Nolan desde Oppenheimer, ganadora de los premios a mejor película y mejor dirección. Además de las categorías técnicas, el estudio prevé impulsar la película en canción original por un tema escrito por Travis Scott. Damon será la apuesta como actor protagonista, mientras Hathaway y Morton competirán entre las actrices de reparto. La campaña podría sumar nominaciones para John Leguizamo y Robert Pattinson en actor de reparto. Pattinson participa además en Primetime, The Drama y Dune: Part Three, estas dos últimas junto a Zendaya, quien forma parte del elenco de La Odisea. Solo cuatro películas lograron dobles nominaciones actorales en dos categorías distintas durante un mismo año en los Oscar: Eva al desnudo, Peyton Place, La última película y La fuerza del cariño.

Han pasado casi 2.400 años desde su muerte, pero a día de hoy la figura de Sócrates sigue repleta de misterios. Se cree que este pensador, figura clave en el pensamiento de la antigua Grecia, nació hacia el 470 a. C. y murió en el 399 a. C., condenado a muerte por un tribunal ateniense. Hijo de un escultor y una comadrona, según las fuentes tradicionales, pasó buena parte de su vida conversando en plazas y gimnasios, interrogando a ciudadanos sobre diferentes cuestiones.

Sin embargo, Sócrates no dejó escritos y solo conocemos su figura indirectamente, a través de autores que lo conocieron o recrearon su figura, sobre todo Platón y Jenofonte. En diálogos como Apología, Critón, Fedón, Banquete o República, el primero presenta al sabio examinando qué significa ser justo, virtuoso, sabio o feliz, siempre con un método similar: preguntar, detectar contradicciones y obligar al interlocutor a revisar sus certezas.

Aquí es donde entran también todas las frases que se le atribuyen. Algunas aparecen en sus obras y otras no, si bien incluso en estos casos sirven para comprender algunas de sus ideas más destacadas. Esto mismo ocurre con una de las sentencias con las que más se le relaciona: “Quien no está contento con lo que tiene, tampoco lo estará con lo que desearía tener”. Con esta sentencia, nos encontramos con varias claves de la insistencia socrática en examinar los deseos y valorar la vida interior.

El significado de las palabras de Sócrates

Para Sócrates, la felicidad no depende simplemente de acumular bienes externos, sino de cuidar aquello que hace buena a una persona. En la Apología, afirma que debemos preocuparnos “por la sabiduría y la verdad y la mayor mejora del alma”, y también sostiene que “una vida sin examen no merece ser vivida”. Debemos, pues, entender que el filósofo siempre defendería darle más importancia a la satisfacción interior.

Por otra parte, en el Banquete de Platón, Sócrates también presenta una idea tan interesante como actual: quienes desean algo lo desean porque carecen de eso mismo. El problema aparece cuando el deseo se convierte en una cadena sin final: alcanzado un objetivo, aparece otro. No parece alejarse mucho de lo que hoy ocurre con el consumo, las redes sociales o incluso las ambiciones individuales de cada uno: el siguiente logro promete una satisfacción que vuelve a desplazarse.

Con todo, Sócrates no nos pide que renunciemos a nuestros objetivos ni que aceptemos pasivamente cualquier circunstancia. Al contrario, animaba a aprender a distinguir entre lo necesario, lo valioso y lo superfluo. Una cuestión clave si lo que queremos es progresar como individuos y no dejar que los deseos gobiernen nuestra vida.

Saber qué queremos realmente

No solo fue Sócrates quien pensó sobre los deseos y la tranquilidad en la Grecia de la época. Epicuro reflexionó mucho sobre nuestras apetencias y distinguió las que eran naturales y necesarias, las que eran naturales pero no necesarias y las que no eran ni lo uno ni lo otro. A partir de este esquema, tuvo claro a cuáles debía hacer más caso para alcanzar la ataraxia, palabra con la que definía una vida serena en la que el placer no equivaliera a exceso. Y es que, cuanto mejor se ordenan los deseos, menos dependemos de conseguir siempre algo nuevo.

Los estoicos también llevaron esta intuición en otra dirección. Epicteto insistió en distinguir aquello que depende de nosotros de aquello que no depende de nosotros, mientras que Marco Aurelio recomendó disciplinar los juicios y deseos. Así, la propuesta de esta corriente filosófica era querer de manera razonable lo que la realidad permite, de modo que la serenidad no dependa del resultado externo.

Podemos quedarnos con las ideas de Sócrates, de los epicúreos o del estoicismo, pero quizá todas ellas evidencian lo mismo: podemos cambiar nuestras condiciones materiales todo lo que queramos y, sin embargo, seguiremos llevando con nosotros la misma inquietud. La filosofía no promete eliminar el deseo, sino enseñarnos a comprenderlo. Tal vez por eso la pregunta socrática continúa siendo incómoda y útil: antes de pedir más, conviene preguntarnos qué necesitamos realmente.

La obra ha competido por la Concha de Oro en el certamen como la primera serie de televisión incluida en la competición oficial y ha sido proyectada en formato de largometraje.

Larraín ha unido el cuento homónimo de Mariana Enríquez con personajes y elementos de Julie, Cuando hablábamos con los muertos y Un lugar soleado para gente sombría. El director ha explicado a Infobae que el festival propuso una versión cinematográfica obtenida al agrupar los capítulos, sin cambios sustanciales en el contenido.

Qué cuenta ‘Mis muertos tristes’

La protagonista es Ema (interpretada por Mercedes Morán), una médica recién jubilada de 60 años que ve y escucha a los muertos desde niña. Tras el fallecimiento de su madre, se instala en la casa familiar y acoge a su sobrina Julie, que comparte el don, mientras el asesinato de tres adolescentes en el barrio de Piedrabuena multiplica las presencias y los recuerdos.

El relato sitúa el fenómeno sobrenatural en un entorno que convive con la precariedad, el duelo, la culpa y el abandono institucional. Según ha descrito la propia Mariana Enríquez, los bloques de vivienda social, el hospital público y la universidad remiten a proyectos de democracia social que han perdido su capacidad de protección y han quedado a expensas de la marginación.

Piedrabuena, en Villa Lugano, no es solo el escenario de los acontecimientos, sino un espacio donde el deterioro material y la memoria política se superponen. Larraín ha relacionado esos edificios con construcciones similares de Chile que primero fueron motivo de orgullo y después quedaron relegados al “patio de atrás” de las ciudades.

El director ha subrayado que en la serie, el muerto reclama ser recordado: “El acto de memoria es también de alguien que quiere ser rescatado y no olvidado”. Así, la casa donde murió la madre de Ema concentrará tensiones entre las dos hermanas y sus respectivas hijas, convirtiéndose casi en un personaje más donde conviven los vivos con los muertos.

El terror social y familiar de Larraín y Mariana Enríquez

La serie coloca el cuerpo femenino en el centro de sus conflictos: las enfermedades, las cicatrices, el deseo, el miedo y la violencia atraviesan a Ema y Julie. La joven, abandonada por sus padres en un centro psiquiátrico y obsesionada con el sexo, mantiene una relación distinta con los fantasmas que la de su tía. Mientras la primera disfruta del más allá, la segunda lo vive como una especie de purgatorio.

Enríquez ha vinculado esos miedos a una historia latinoamericana que no se limita al presente. “Yo crecí en los 70, y estaba la paranoia de si venían los militares, o de si te iba a denunciar tu vecino por ser un militante social”, ha señalado la escritora, que cuestiona analizar los conflictos actuales sin atender al contexto que los precede. En cualquier caso, todas las protagonistas, se encuentran atrapadas en una especie de bucle y tienen que salir de él para encontrar su lugar en el mundo.

Larraín entiende las afinidades entre su cine y la literatura de Enríquez: el terror cotidiano, las diferencias de clase, la incomodidad moral y una realidad socioeconómica que condiciona la vida de quienes habitan la periferia.

Ema fue apartada del hospital público donde trabajaba y decide vender su casa en un barrio más seguro para instalarse en el chalé de su madre fallecida. Allí convive con el fantasma materno, interpretado por la actriz chilena Luz Jiménez, y con la llegada de su hija, una fotógrafa y cineasta con quien mantiene una relación tensa (Dolores Fonzi) porque no se parecen en nada.

La situación se complica cuando su hermana, su cuñado y Julie viajan desde Oregón, Estados Unidos, para tratar a la joven en un hospital público. Sus padres pretenden internarla, pero Julie se fuga después de que Ema haya comenzado a comprender la naturaleza de su sufrimiento.

La estructura episódica, pese a reunir relatos distintos de Enríquez, encuentra su eje en la experiencia de Ema y en la interpretación de Morán, marcada por el hastío ante los vivos y una conexión con los muertos a través del dolor. La serie combina planos largos, una fotografía áspera y los edificios de Piedrabuena para construir un espacio donde quienes han muerto de forma traumática conviven con quienes siguen vivos cargando con experiencias similares.

Es una de las cuestiones que le interesaron a Pablo Larraín a la hora de hacerse cargo del proyecto, todo aquello que no se ve y cómo lograr plasmarlo en la pantalla. En ese sentido, Mis muertos tristes es una ‘rara avis’ en la ficción contemporánea, una obra que no hace concesiones, precisa y, al mismo tiempo, repleta de vericuetos, con miles de ideas visuales y narrativas, tan herméticas como profundamente emocionales y que parte de nuestras carencia e inseguridades, de los prejuicios y el caos de nuestro mundo para vehicular una obra hermosa sobre la necesidad de comunicación entre las diferentes generaciones, entre los que no están y entre los que se quedan. El escritor Stephen King ya la ha calificado como “genial”.

Antón Chéjov (Taganrog, 1860-Badenweiler, 1904) murió hace más de un siglo pero a día de hoy continúa siendo uno de los grandes nombres de la literatura y el teatro universal. O sino que se lo digan a Javier Bardem, que tras más de 30 años de carrera debutará en el teatro el año que viene con ¡Chéjov, Chéjov!, un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo ruso.

Médico de profesión, compaginó durante buena parte de su vida la consulta con una producción literaria que abarcó centenares de relatos y varias de las obras teatrales más influyentes de finales del siglo XIX, entre ellas Tío Vania, Las tres hermanas, El jardín de los cerezos y La gaviota. Es precisamente en esta última donde Chéjov dejó una reflexión sobre la vocación artística y la búsqueda del reconocimiento: “Para nosotros, escribamos o actuemos, lo importante no es la fama ni la gloria, sino saber resistir”.

La obra, escrita en 1895 y estrenada el17 de octubre de 1896 en el Teatro Aleksandrinski de San Petersburgo, narra los amoríos y desventuras de un grupo de artista en una finca rural de Rusia. Sus protagonistas son Konstantín Tréplev, un joven que quiere convertirse en escritor; su madre, la actriz Irina Arkádina; el novelista Borís Trigorin; y Nina Zaréchnaya, una joven fascinada por el teatro que sueña con convertirse en actriz.

El origen de la cita

La frase se encuentra en el cuarto y último acto de la obra, en el que han pasado dos años desde el comienzo de la trama. Nina ha sufrido el abandono de Trigorin, la pérdida de su hijo y ha pasado por todo tipo de dificultades como actriz. Al regresar en secreto y hablar con Tréplev, reflexiona sobre su experiencia en el arte y en la vida.

Nacido en Taganrog, entonces una ciudad portuaria del Imperio ruso, Chéjov estudió Medicina en la Universidad de Moscú mientras publicaba relatos humorísticos en periódicos y revistas para ayudar económicamente a su familia. Se graduó en 1884 y ejerció como médico durante buena parte de su vida, una profesión que nunca abandonó por completo pese a que la literatura fue ganando cada vez más peso en su trayectoria.

Escribió centenares de cuentos, entre ellos La dama del perrito, La estepa o La sala número seis, y se convirtió en uno de los grandes renovadores del relato breve. Al mismo tiempo, obras como La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos transformaron el teatro con personajes cuyas frustraciones, deseos y conflictos no siempre se expresan directamente, sino que permanecen bajo las conversaciones aparentemente cotidianas.

Buena parte de su obra retrata la Rusia de finales del siglo XIX, sus desigualdades y el inmovilismo de unos personajes que desean cambiar de vida pero rara vez consiguen hacerlo. “Sus obras tenían el tierno susurrar de la vida cotidiana y ordinaria, la inutilidad melancólica de los recuerdos”, escribió Juan Carlos Onetti sobre su teatro en El País en 1980. Chéjov, que padecía tuberculosis desde años atrás, murió en Badenweiler, Alemania, en 1904, a los 44 años.

Hasta el momento, el hype en torno a la última película de Los Javis se había generado en el Festival de Cannes, generando una onda expansiva con el premio a la mejor dirección y las críticas entusiastas de los medios estadounidenses, que se han repetido en los certámenes de Telluride y Toronto, situándola como uno de los grandes títulos del año.

No se equivocan. La bola negra es un autentico acontecimiento cinematográfico que ya forma pare de la historia de nuestro cine, que se aleja de cualquier canon preestablecido, que es fiel al espíritu de sus creadores y que se encarga de componer un relato inédito de la Guerra Civil y la memoria histórica a través de la perspectiva homosexual, utilizando la figura de Federico García Lorca como eje vertebral de la propuesta.

Una película ambiciosa en tres partes

Se trata de una película ambiciosa, que combina tres partes, ubicadas en 1932, 1937 y 2017 que se interconectan entre sí y que parten de materiales diferentes. El primero parte de la obra teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero, la historia del encuentro en un hospital de guerra entre dos soldados, cada uno de un bando diferente, que se enfrentan a una conexión más allá de la contienda que los lleva a desarrollar un vínculo intenso en los albores de la muerte. Uno de ellos, Rafael Rodriguez Rapún (Miguel Bernardeau), amigo de Lorca, le pedirá al otro (Guitarricadelafuente) que proteja una obra inédita del poeta, La bola negra.

La segunda historia es la que corresponde a la obra inacabada de Lorca que da el nombre a la película y en la que el poeta habló por primera vez del amor homosexual en la España de su época, marcado por la persecución y la marginación social. Es el fragmento más lírico ya que los creadores de alguna manera se encargan de ‘reimaginar’ todo aquello que no se encuentra en las pocas páginas halladas de ese manuscrito.

Por último, la parte contemporánea trata de rastrear toda la herencia de un pasado que continúa latiendo en un presente todavía atravesado por las heridas que han causado los silencios y los secretos. A través del personaje que interpreta Carlos González, se rastrean esos vericuetos ocultos para ir dando luz a todo aquello que ha permanecido escondido durante mucho tiempo, tanto de forma literal como metafóricamente.

Imágenes potentes para el recuerdo

Javier Ambrossi y Javier Calvo se muestran más inspirados que nunca a la hora de imbricar estos relatos para dar forma a un película repleta de capas que se superponen y envuelven, generando una experiencia cinematográfica catártica.

Sus imágenes son tan potentes que se quedan grabadas en la retina para siempre gracias a ‘set pièces’ absolutamente portentosas de una tremenda fuerza expresiva y poder ‘inmersivo’. Así, la experiencia resulta absolutamente arrebatadora, con momentos que explotan por su intensidad, pero también encontramos una intimidad que nos acerca a la caricia y una cotidianidad que nos interpela y revuelve.

Los Javis han llegado a San Sebastián con las expectativas por las nubes y han conseguido triunfar no solo en el extranjero, sino también en casa, quizás lo más importante, ya que, al fin y al cabo, se trata de una película que habla de nuestro país, de nuestra historia silenciada, de aquello que nos ha separado y de los puentes que podrían unirnos si desapareciera la intolerancia, la homofobia, los prejuicios y los extremos ideológicos y se apostara por el abrazo y la comprensión en un momento en el que parece que las heridas y los viejos fantasmas vuelven a aparecer y se encuentran de nuevo presentes en una actualidad de lo más desesperanzadora.

Ahora da el salto a la gran pantalla con 5 minutos de más, en la que demuestra que su ingenio y originalidad se encuentran en su mejor momento a la hora de componer esta extraña rareza que, más que una película española, parece coreana, por la mezcla de géneros que conjuga que nos lleva de la disección doméstica de un matrimonio, a la ciencia ficción y los bucles temporales hasta desembocar en un estudio de la condición humana a ritmo de humor muy negro.

Así, una premisa que podría parecer sencilla, y que podría agotarse pronto, no para de sorprender y de llevarnos por caminos inesperados a través de un guion repleto de giros y de revelaciones que no paran de expandir el pequeño universo que plantea.

Tres personajes atrapados en un bucle

Una pareja en crisis, formada por Berto Romero y Belén Cuesta, alquila una casa aislada para pasar unos días juntos e intentar ‘reconectar’ y salvar su relación. Un agente inmobiliario, interpretado por Javier Cámara, será el encargado de darles las llaves y, justo en ese momento, comenzará a pasar algo extraño que al principio no logran identificar hasta que se den cuenta de que están atrapados en un bucle temporal que afecta a escala global.

Cada intervalo tiene la particularidad de que dura exactamente cinco minutos y todo aquello que se haga en ese espacio, no borra las consecuencias en el tiempo. Si alguien muere, no revive cuando se vuelve a iniciar el bucle, sino que muere para siempre.

Así, la acumulación de daños convierte el encierro en una situación que disparará la paranoia y una espiral de violencia en la que intervienen también unos vecinos, entre ellos un hombre armado con un rifle que busca venganza.

Romero ha debutado como guionista cinematográfico con un libreto que ha escrito durante tres meses. El cómico, actor y guionista ha definido el proceso como una escritura “compulsiva y hemorrágica” y ha explicado que la idea nació como una variación sobre los relatos de viajes en el tiempo antes de evolucionar hacia una historia más oscura.

“La película habla de algo muy actual, de no entender lo que está pasando en el mundo, de reaccionar sin reflexionar”, ha dicho Romero a la prensa. El autor ha relacionado esa sensación con la incertidumbre cotidiana: “Me voy a dormir y va a estallar la tercera guerra mundial, pero al día siguiente era broma y hay otra cosa”.

El guionista no había previsto interpretar al protagonista. Ha señalado que escribió la película desde una mirada que asocia con su “yo” de 18 años y con el tipo de filme que le habría gustado ver a los 15, la edad de su hijo mayor: una propuesta juvenil, de “mala baba” y abierta a celebrar la barbarie.

Un rodaje marcado por la exigencia técnica

Ruiz Caldera ha trasladado ese impulso a un marco cotidiano repleto de extrañeza y en el que la tensión cada vez se va volviendo más insoportable. El director y el guionista ya habían trabajado juntos en las series Mira lo que has hecho y El otro lado, una colaboración previa que anticipaba su interés por cruzar la comedia con elementos de terror.

La decisión de filmar los bucles en planos secuencia de cinco minutos ha condicionado la producción. Ruiz Caldera ha explicado que era la fórmula para que el tiempo se percibiera “como lo sentían los personajes” y como quería que lo experimentara el público.

Javier Cámara ha descrito unos ensayos que parecían imposibles por la coreografía necesaria para mover a los personajes y al equipo técnico sin romper la toma. “Cada día 30 tíos corriendo detrás de ti sin hacer ruido”, ha resumido el actor, que temía equivocarse en los últimos instantes de cada plano.

Cuesta ha destacado que la exigencia técnica redujo la separación habitual entre el equipo artístico y el técnico. La actriz ha calificado la experiencia de “muy técnica”, aunque también “muy gustosa” y divertida pese a la dificultad de coordinar escenas en las que los personajes se desplazan continuamente.

La película encuentra su principal fuerza en el ingenio y la elasticidad de su construcción narrativa, capaz de alternar situaciones hilarantes con otras perturbadoras. En una situación así como la que se plantea, en la que no sabes qué va a ocurrir con tu vida, la propuesta apuesta por sacar a relucir las miserias de la condición humana a la hora de sobrevivir dentro de ese espacio apocalíptico.

Como dice Berto Romero, nos convertiríamos en animales, solo que no sabemos hasta que ocurre, en qué animal, si en un depredador o en una presa.

5 minutos de más es una maravillosa ‘rara avis’ en nuestra cinematografía, una película destinada a convertirse en un clásico de culto por su ingenio y virtuosismo. También es una de las aspirantes a llevarse la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, donde se ha presentado a concurso.

El caso de Lizzie Borden sigue atrayendo atención porque fue la única acusada por los asesinatos a hachazos de Andrew y Abby Borden y, pese a que el jurado masculino la absolvió tras deliberar apenas 40 minutos en junio de 1893, ninguna otra persona fue juzgada por las muertes.

La serie sitúa a Ella Beatty en el papel de Borden, con Charlie Hunnam como su padre, Andrew; Rebecca Hall como Abby Borden; Vicky Krieps como la criada Bridget “Maggie” Sullivan, y Billie Lourd como Emma Borden. Sarah Paulson interpreta a la asesina en serie Aileen Wuornos y Krieps encarna también a la condesa Elizabeth Báthory.

Qué ocurrió en la casa de los Borden

Lizzie Borden nació en 1860 en Fall River, Massachusetts, en una familia acomodada. Su padre había obtenido su fortuna en la fabricación de muebles y ataúdes, la promoción inmobiliaria, varias fábricas textiles y la presidencia del Union Savings Bank, aunque mantenía a sus hijas en una vivienda sin fontanería interior y alejada de los barrios de las familias más ricas.

La madre de Lizzie murió en 1863 y Andrew Borden se casó tres años después con Abby Durfee Gray. Lizzie y Emma nunca aceptaron a su madrastra, a la que llamaban “señora Borden”, y reprochaban a su padre que ayudase económicamente a la familia de su segunda esposa mediante operaciones inmobiliarias.

La tensión se agravó durante el verano de 1892. Las dos hermanas se habían marchado de vacaciones a New Bedford y regresaron a Fall River una semana antes de los asesinatos. Los miembros de la casa llevaban además varios días enfermos después de consumir carne de cordero guardada en la cocina; Abby llegó a temer que pudieran haber sido envenenados.

La mañana del 4 de agosto, Abby subió a hacer las camas entre las nueve y las diez y media. El forense situó en ese intervalo su muerte: recibió 18 golpes de hacha, el primero en la cabeza. Andrew regresó a la vivienda a las diez y media y preguntó por su esposa; Lizzie respondió que había ido a visitar a una amiga enferma.

Bridget Sullivan declaró que ayudó a Andrew a quitarse las botas y le llevó unas zapatillas antes de que se tumbara en el sofá, aunque las fotografías mostraban al hombre con las botas puestas. A las 11.10 horas, la criada oyó gritar a Lizzie: “¡Maggie, ven rápido! Papá ha muerto. Alguien ha entrado y lo ha matado”. Andrew había recibido entre 10 y 11 hachazos y su rostro era irreconocible.

El crimen se cometió a plena luz del día en una casa próxima a una vía transitada por carruajes y rodeada de comercios. Nadie afirmó haber visto u oído al agresor.

Las sospechas, la prueba incompleta y la absolución

Cuando llegó la Policía, Lizzie aseguró que había estado en un cobertizo trasero y que no había escuchado nada. También afirmó que Abby había recibido una nota de una amiga enferma que le pedía una visita. Al subir a buscarla, Sullivan encontró el cadáver de la madrastra.

Los investigadores sospecharon desde el principio de Borden, a la que describieron como tranquila y serena. En el sótano hallaron la cabeza de un hacha con el mango roto, cubierta de ceniza y polvo, y un cubo con prendas aparentemente manchadas de sangre. Lizzie atribuyó esas manchas a la menstruación y la Policía no examinó la ropa.

En la audiencia de instrucción del 8 de agosto, la acusada ofreció relatos cambiantes sobre lo que hacía aquella mañana. Dijo que leía una revista en la cocina, que planchaba en el comedor y que bajaba las escaleras; después vinculó aquellas declaraciones a las dosis regulares de morfina que le habían administrado para calmar los nervios.

La orden de arresto se emitió el 11 de agosto de 1892. La acusación formal por ambos asesinatos llegó el 2 de diciembre, tras meses de atención mediática en Estados Unidos. Durante el proceso también se conoció que Lizzie había comprado ácido cianhídrico diluido el día antes de los crímenes; su defensa sostuvo que quería emplearlo para limpiar abrigos de piel.

La fiscalía no logró demostrar que el hacha hallada fuese el arma homicida, no conservó las prendas manchadas y tampoco pudo establecer dónde se encontraba Lizzie durante los asesinatos. Su actividad en la Iglesia Congregacional Central de Fall River, donde daba clases de religión, y la consideración social de su familia influyeron en la percepción de un jurado integrado solo por hombres.

Tras la absolución, las hermanas heredaron la fortuna y se mudaron a una casa moderna de un barrio más distinguido de Fall River. Lizzie pasó a utilizar el nombre de Lizbeth A. Borden, pero fue apartada por la alta sociedad local; Emma abandonó la vivienda en 1905 después de una discusión por una fiesta organizada para la actriz Nance O’Neil.

Lizzie Borden murió de neumonía el 1 de junio de 1927, con 66 años. Emma falleció nueve días después en una residencia de Newmarket, Nueva Hampshire, y ambas fueron enterradas en la parcela familiar del cementerio Oak Grove, en Fall River.

El Premio del Público de Toronto ha anticipado con frecuencia la nominación al Oscar a la mejor película: desde 2008, solo en dos ocasiones la ganadora no ha llegado a figurar entre las candidatas de la Academia de Hollywood. La bola negra parte así con una de las películas más importantes de la temporada de premios.

El film se ha alzado con el máximo reconocimiento popular del certamen canadiense tras su estreno mundial en Cannes, donde recibió una ovación de 16 minutos y obtuvo el premio a la mejor dirección para Calvo y Ambrossi, conocidos como Los Javis.

Por qué Toronto impulsa a los Oscar

El galardón mide la respuesta de los espectadores durante el festival y suele ser observado como un indicador de la continuidad comercial y crítica de una película en los meses previos a los Oscar. Variety la sitúa como primera finalista junto a Yo soy Rocky, la película de Peter Farrelly sobre la realización del clásico protagonizado por Sylvester Stallone, y a Siendo Heumann, de Siân Heder, de Apple.

La bola negra ha superado en la votación a Yo soy Rocky y The Debut, por lo que se refuerzan aun más las previsiones de la temporada que ya la colocaban entre las favoritas al Oscar a la mejor película internacional y entre las aspirantes en otras categorías principales.

La película plantea la vida de tres hombres unidos por el amor y la pérdida a través de distintas épocas constituyendo una carta de amor a Federico García Lorca y a su obra inacabada La bola negra, que da título al proyecto.

El filme tendrá este domingo su presentación en España antes de llegar a las salas el 25 de septiembre en el Festival de San Sebastián. Su recorrido por festivales comenzó en Cannes el pasado mayo, donde la acogida del público y el premio a sus directores precedieron al triunfo obtenido ahora en Toronto.

Los otros premios del público concedidos en Toronto

El Premio del Público al mejor documental ha recaído en Darlene Love: I Know Where I’ve Been, de Barry Avirch. La película repasa la trayectoria de Darlene Love, quien durante años puso voces principales y coros, a menudo sin crédito, en grandes éxitos de la década de 1960 mientras trabajaba bajo contrato con el productor Phil Spector.

El documental incluye entrevistas con Dionne Warwick, Bruce Springsteen y David Letterman. Black Sunflowers, de James Marcus Haney, ha quedado como primera finalista de la categoría, por delante de The Ultra Runner, de Mila Aung-Thwin.

El Premio Internacional del Público ha sido para Elsinore, dirigida por Simon Stone y protagonizada por Andrew Scott. Stone ha definido la película como “una celebración de la vida” y “una carta de amor a los actores y artistas de todo el mundo”, según ha recogido Variety.

Possible Love, de Lee Chang-dong, ha quedado primera finalista en el apartado internacional, seguida de The Assassin(s), de Hur Jin-ho. El premio Midnight Madness ha distinguido Ladies and Gentlemen, Brian Mulroney, el montaje de material de archivo de Matthew Rankin sobre el decimoctavo primer ministro de Canadá, por delante de The Spiral, de Paolo Strippoli, y Arrested Memory, de Sabu.

Aunque la mayoría de las personas de la Antigüedad y la Edad Media tenían una gran probabilidad de no moverse mucho del lugar en el que habían nacido a lo largo de su vida, lo cierto es que incluso en esa época hubo personas que recorrieron una gran cantidad de territorios. Reyes, comerciantes, peregrinos, soldados y eruditos atravesaron miles de kilómetros a pie, a caballo o por mar, y se crearon rutas milenarias como la Vía Apia romana o los caminos de peregrinación. Pruebas de que, ya entonces, el viaje era una parte inseparable de la condición humana.

En este contexto encontramos una figura como la de San Agustín de Hipona (354-430 d. C.), una de las mentes más brillantes de la transición entre el Imperio romano y el Medievo. Nacido en Tagaste, en la actual Argelia, este pensador fue un auténtico viajero: se trasladó a Cartago para formarse en retórica, navegó hasta Roma para ejercer la docencia y fijó su residencia en Milán, donde experimentó su célebre conversión espiritual.

Su contacto directo con las diversas culturas del Mediterráneo le infundió una perspectiva global sobre la existencia humana de la que surge una de sus reflexiones más famosas: “El mundo es un libro y quienes no viajan solo leen una página”. Con esta potente metáfora, el pensador no solo invitaba a cruzar fronteras físicas, sino a enriquecer el alma y la mente a través de la experiencia directa, superando los límites geográficos e intelectuales del entorno local.

Viajar no es solo ir de un lugar a otro

Para San Agustín, el concepto de viaje trascendía la mera travesía geográfica. Viajar implicaba una transformación interior, un proceso de aprendizaje donde cada cultura, paisaje y persona constituía una lección vital. En sus Confesiones, el pensador afirmaba con asombro que “van los hombres a admirar las cumbres de las montañas, las enormes olas del mar, los anchos cursos de los ríos, el círculo del océano y la órbita de las estrellas, pero se olvidan de sí mismos”. Para él, explorar el exterior era el primer paso necesario para emprender el viaje más importante de todos: el viaje al interior del alma.

Esta visión agustiniana del viaje guarda una estrecha relación con otra de sus grandes máximas filosóficas: “Busca la verdad dentro de ti mismo; en el interior del hombre habita la verdad”. Al recorrer el mundo y salir de la zona de confort, el individuo confronta sus propios prejuicios y expande sus límites conceptuales. El desplazamiento exterior actúa como un catalizador de la introspección, convirtiendo la travesía en una oportunidad para el autoconocimiento.

Hoy, la metáfora agustiniana sigue estando vigente. Viajar sigue siendo una excelente opción para sumergirse en culturas y tradiciones ajenas. Al hacer eso, según el filósofo, estamos leyendo nuevos capítulos de la existencia. No obstante, en una era marcada por el turismo de masas y las redes sociales, aunque parezca más fácil que nunca descubrir nuevos lugares, no debemos olvidar lo más importante del viaje: la apertura, la empatía y la voluntad de llevarnos algo nuevo por el camino.

La mirada del viajero

San Agustín no es el único filósofo que ha defendido la importancia de viajar para desarrollar el pensamiento. En el siglo XVI, el humanista francés Michel de Montaigne también habló del “provechoso ejercicio” que suponía moverse por el mundo. “El alma se ejercita mediante la observación de cosas nuevas y desconocidas”. El descubrimiento de otras costumbres, aunque fuera a través de la confrontación, era el mejor remedio contra el dogmatismo y la rigidez de las ideas.

En esa misma línea se posicionó Jean-Jacques Rousseau, filósofo de la Ilustración, quien abordó el valor pedagógico de los viajes, hasta el punto de que se le atribuye mucho la idea de que “para instruirse hay que viajar”. Rousseau argumentaba que el estudio puramente teórico de los libros resultaba incompleto si no se contrastaba con la observación directa de la naturaleza humana y las diversas formas de organización social a lo largo del mundo.

Como vemos, viajar ha sido, a lo largo de la historia, una de las formas más profundas de educación y desarrollo personal. Así lo han considerado, al menos, algunos de los más grandes filósofos que han reflexionado sobre el mundo: viajar permite trascender el propio entorno para comprender la vastedad de la experiencia humana y, quién sabe, quizá también completar la lectura del gran libro de la vida.

Si había una película a tener en cuenta dentro de la sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián, esa era Morro. De una sección de la que han salido grandes directores como Bong Joon-Ho, Sarah Polley o Ciro Guerra, en esta edición ha emergido una nueva figura dispuesta a cuestionar algunas de las representaciones de la realidad de México en el cine. Su nombre es Rodrigo García Saiz, y con Morro viene a pedir ternura en tiempos de guerra, al tiempo que una mejor organización de la industria cinematográfica de su país.

“Ya soy un gran triunfador con el simple hecho de haber podido hacer y terminar la película. Hacer cine independiente en México, y en general en el mundo, ya es un triunfo. Cuando uno hace una película, al menos en mi caso, trato de no tener expectativas y de concentrarme en la historia que quiero contar. Pero participar en un festival que admiro tanto, al que soñaba llegar desde la escuela de cine, con una película tan personal e íntima, ante un público tan cinéfilo, es sacarse la lotería”, admite el cineasta nacido en Ciudad de México y afincado en Madrid, desde donde mira con cierta envidia sana cada sesión de los Golem o los Renoir.

“Ahora vivo en Madrid y me llena de orgullo ir al cine y comprobar que no encuentro boletos para una película española. Para mí, esa es una fantasía y una ilusión que me gustaría que sucediera con el cine mexicano”, revela el director, quien compara ambas cinematografías. “En España la industria funciona como industria, con películas populares y masivas, pero también hay una cantidad importante de cine de autor que, aunque no siempre tenga una salida multitudinaria, encuentra a su público y permite que los directores continúen haciendo carrera. Es un modelo que, a título personal, envidio muchísimo”.

El problema de hacer cine en México

Haciendo hincapié en esta problemática, el director explica algunos de los factores por los que cuesta sacar adelante este tipo de proyectos, tal y como ya comentó para Infobae otro cineasta azteca como Michel Franco. “El cine es una máquina de tragar dinero. En México, la industria es muy pujante desde lo creativo, pero poco pujante en lo económico. El cine mexicano está financiado casi en su totalidad por el Estado, a través de fondos que permiten a realizadores con películas íntimas y personales acceder al dinero necesario para terminarlas”.

La solución, según propone él, pasa porque el cine no dependa tanto de lo público. “La ilusión de quienes trabajamos en la industria es que la iniciativa privada se interese más por el cine y que no dependamos solo de estímulos estatales, porque eso se convierte en un embudo: hay mucho talento y muchas personas que quieren crear, pero existe un límite económico. También falta mucho trabajo en la distribución, que es el último escalón en el que siempre resbalamos”, argumenta Saiz.

Ante una situación así, ¿cómo se saca adelante una película como Morro, que pretende mostrar la dura realidad del país? Con mucha ternura y respeto, razona su director. “Es una película que reúne muchos cuestionamientos que tengo en la vida: la pérdida, una masculinidad frágil, la ternura como herramienta o medicina frente a la violencia y la empatía. Toda mi vida he tenido perros y me interesaba hablar, dentro de esta barbarie que vivimos en México y en el mundo, de un ser que no exige explicaciones, que no juzga y que no tiene maldad”. En la película, un veterinario que ha perdido a su hijo encuentra algo de consuelo en el cuidado de un perro malherido, Morro, que sin embargo reaviva la disputa entre dos bandas rivales del cartel de México, que le arrebató a su hijo. Lejos de buscar la violencia gráfica y descarnada, lo interesante de Morro es su acercamiento a esta realidad desde una perspectiva mucho más humana.

Narrar la violencia sin caer en el exceso

“Quería contar una historia en la que el foco no fuera la violencia, sino lo que sobrevive a ella. Ya sabemos que hay sangre, terror y una amenaza constante, pero a veces olvidamos que también hay vidas que siguen adelante, ternura y empatía. Elijo ese camino antes que el de la violencia”, explica García Saiz, quien otorga esa violencia al personaje de Ernesto Meléndez, y el de la ternura y el cariño a Gustavo Sánchez Parra y Anna Diaz, doblemente presente en este Festival de San Sebastián gracias a la película del también mexicano Diego Luna. “A Ana la había visto en teatro y todavía no había rodado cine. Es una actriz natural, con una capacidad para atravesar la pantalla con la mirada y para transmitir cosas difíciles de explicar. Me da mucho orgullo que le esté yendo bien”.

Cocinado a fuego lento y con ecos de western, que su director no desdeña en absoluto, Morro es una respuesta al cine de la violencia asentado desde hace años en México y un mensaje de optimismo y esperanza en tiempos difíciles, tanto para su gente como para su cine. “Desafortunadamente, tenemos a un enemigo silencioso al lado que nos ha oprimido a lo largo de la historia y nos ha hecho creer que el cine de Hollywood es el único que existe. México tiene hallazgos increíbles y probablemente sea uno de los países latinoamericanos con más Oscar y mayor recorrido en festivales. Pero ese cine es muy efímero en la vida cotidiana: me permea como espectador, pero no como realizador ni como productor, porque no hay dinero estadounidense en las películas mexicanas”.

En el verano de 2025, la apuesta llegó a Latinoamérica con el objetivo de crear la “próxima sensación del pop latino”. El resultado lleva apenas nueve meses en activo: SANTOS BRAVOS, así en mayúsculas, es el primer grupo de pop latino de HYBE Latin America, filial regional de la empresa surcoreana. Formado por Kenneth (México, 2009), Gabi (Puerto Rico, 2005), Alejandro (Perú, 2004), Kauê (Brasil, 2006) y Drew (Estados Unidos, 2000), el grupo ya es todo un fenómeno de masas. Desde su debut en octubre pasado han publicado su primer EP, han actuado ante 10.000 personas en el Auditorio Nacional de México y acaban de llevarse dos Premios Juventud: Grupo Favorito y Nueva Generación Masculina. Desde este viernes suman otro hito: son uno de los grupos encargados de abrir los conciertos de Shakira en Madrid durante su primer fin de semana, como parte del programa Es Latina, un universo cultural que une lo mejor de Latinoamérica con España y que tendrá lugar antes de los conciertos en el llamado estadio Shakira.

“Todavía no somos conscientes de la magnitud. Siento que hemos tenido muchos momentos que fueron como un we made it, como por ejemplo cuando estábamos en el escenario con Enrique Iglesias”, reconoce Gabi, sobre el momento en el que el cantante de Bailando sorprendió al público con el tema I Like It el pasado 28 de junio en México. Hace menos de un año, ninguno de los cinco chicos que conforman la formación sabía siquiera si acabaría formando parte del grupo. Ahora, reciben a Infobae en un céntrico hotel de Madrid con motivo de lo que se viene. “Va a ser uno de los mejores momentos de nuestra vida y de nuestra carrera”, asegura el puertorriqueño.

Tres meses de entrenamiento y una carrera disparada

Para entender la magnitud, hay que echar la vista al 14 de agosto de 2025, cuando arrancó el reality show homónimo que, en episodios semanales emitidos en YouTube, televisaba el comienzo, formación y entrenamiento de 17 jóvenes provenientes de Latinoamérica, Estados Unidos y España. Y, como en Operación Triunfo, también contaba con su propia Noemí Galera: en esta ocasión, Kenny Ortega, creador de ficciones como High School Musical y coreógrafo para numerosas cintas de Disney, incluso Dirty Dancing (1978). Como buen reality, el programa también tenía expulsiones semanales. Eso sí, aquí mediante una evaluación de desempeño y de interactividad con los fans.

“Sabíamos que iba a ser duro entrar en el bootcamp y en el reality, pero no sabíamos exactamente hasta qué punto iba a estar todo estructurado. Nos enseñó mucho mentalmente, cómo organizarnos, a tener un horario, a hacer las cosas correctamente y a convertirnos en la mejor versión de nosotros mismos como artistas”, explica en inglés Drew, nacido en California y con tatarabuelos mexicanos. Pero esto ya se lo advirtió Jessica Kwon, directora de Entrenamiento y Desarrollo de HYBE Latinoamérica, durante el programa: “Miramos el carácter, la apariencia y la personalidad. Y elegimos lo mejor de lo mejor porque así es como funciona HYBE”. “No teníamos expectativas porque no sabíamos en qué nos estábamos metiendo, pero estamos agradecidos por la experiencia y por ese formato. Sigue funcionando y todavía lo utilizamos hoy”, añade el joven, que previamente ha trabajado como bailarín y coreógrafo junto a artistas como los propios BTS, Karol G o Bad Bunny.

Pese a ese sistema de eliminaciones, Alejandro Aranburú (Perú, 2004) asegura que “nunca jamás se sintió como competencia”. “Entre todos éramos amigos y nos apoyábamos mucho. Muchas veces terminábamos de entrenar y nos quedábamos practicando, le pedíamos ayuda al otro”, recuerda el joven de 22 años, que debutó a los 13 como músico callejero. “Nos dolía mucho, honestamente, cuando uno de los chicos se iba. Esas lágrimas no eran de mentira”.

La gran final del reality tuvo lugar el 21 de octubre de 2025 en el Auditorio Nacional de México, donde actuaron ante 10.000 personas, con todo vendido. Allí mismo se anunciaron los cinco nombres que hoy integran el grupo. “Todavía no estaba la banda al cien por ciento formada. Éramos los diez finalistas, el show final, el show debut”, explica el mexicano, que tiene 16 años y es el más joven del grupo. “Como mexicano, es uno de los venues más importantes de México, con más historia, y siempre fue uno de mis sueños hacer un performance o un show ahí”. El grupo no lleva ni 10 meses y ya acumula más de dos millones de seguidores en Instagram, misma cifra que oyentes en Spotify. “Ha sido una locura, ha sido un proceso muy lindo en donde en muy poco tiempo han pasado muchas cosas y estamos muy agradecidos por todas las oportunidades que se han dado”, añade Kenneth.

Un mix de culturas y personalidades

Pese a que su discografía apenas cuenta con un EP de ocho canciones, todos sus temas superan ampliamente el millón de escuchas. Su mayor éxito hasta la fecha es Velocidade, una canción en español y portugués que mezcla funk brasileño y ritmos latinos y que acumula más de 34 millones de reproducciones.

Pero la realidad es que Santos Bravos no se ciñe a un único género. “Somos cinco chicos de cinco países distintos, cinco culturas distintas, y siempre estamos intentando poner nuestra cultura y nuestras vivencias”, explica Kauê. De ahí que en sus canciones convivan “un poquito de reguetón, un poquito de funk brasileño” y también R&B. “Vamos a todos lados probando muchas cosas y mostrando al mundo que sí se puede hacer música latina de cinco formas diferentes”, añade. La mezcla también se traslada al idioma. Drew, de 25 años, canta tanto en inglés como en español, mientras que Kauê lo hace en portugués. “A veces estamos en el estudio jugando y empezamos a cantar en portugués, después en inglés y después en español”, cuenta Drew, que, en su lengua materna, bromea: “Me gusta cantar en español más que en inglés”.

Este mes de septiembre tienen sus energías puestas en Shakira. La cantante colombiana inaugura este viernes 18 el primer gran concierto de su residencia europea, que tendrá lugar en Madrid hasta el 11 de octubre en el espacio Iberdrola Music de Villaverde. Alrededor de 30 hectáreas albergan no solo el recinto de los conciertos, sino también todo un universo construido alrededor de la cultura latina, con música, gastronomía, moda, literatura y danza. El quinteto forma parte de ese despliegue durante el primer fin de semana. “Es una oportunidad única presentarnos en un show tan importante para Shakira”, explica Gabi, recordando que ya actuaron junto a ella el pasado febrero en México. “La admiramos muchísimo y estamos muy agradecidos por la oportunidad”.

La colombiana ha planteado su residencia como una celebración de la identidad latina. “Aquí ocurre algo que el mundo merece ver: la inmigración latina es celebrada. España la ha abrazado”, escribió la cantante hace unas semanas en una carta en exclusiva para El País. “Nosotros somos cinco chicos de cinco países latinos distintos. Es un honor poder estar representando a nuestros países en el festival con ella. Hacerlo en un lugar como España es una oportunidad muy grande para demostrar lo cool que es ser latino y lo orgullosos que estamos de serlo”, explica Alejandro. “Gabi va incluso un paso más allá: “Esta es nuestra oportunidad de enseñarle al mundo que en Latinoamérica todos somos uno. Es un mensaje que nosotros estamos tratando de transmitir”, finaliza.

El actor y director mexicano Diego Luna ha presentado en el Festival de San Sebastián su última película como director, Cenizas en la boca, adaptación de la novela de Brenda Navarro, que él ha utilizado para hablar de la ausencia de su madre, fallecida cuando tenía dos años, junto con otros temas como son la migración, la precariedad y los vínculos familiares.

La película sigue a Lucila y a su hermano Diego desde México hasta Madrid, donde se reencuentran con su madre tras ocho años trabajando sin regularizar su situación, después de haber huido de su país de origen para buscar una vida mejor.

Luna ha explicado que empezó a dirigir al convertirse en padre. “Estaba listo para contar mis propias historias, estaba pasando por un proceso que me pedía bajar el ritmo y profundizar”, ha señalado, antes de destacar que la dirección le permite aprovechar las herramientas adquiridas como actor.

Una película muy personal sobre la orfandad

El intérprete de series como Andor ha definido Ceniza en la boca como la película de la que se siente “probablemente” más orgulloso. El filme le ha permitido volver a la ausencia de los padres, un asunto presente desde su primer largometraje como director: “Mi mamá murió cuando yo tenía dos años y la forma en que eso me marcó, la forma en que estableció la relación que tengo con mi padre, y la forma en que de alguna manera me ayudó a superar la pérdida de mi padre más adelante, está presente en todo lo que hago. Está ahí porque es quien soy”.

La madre del cineasta, Fiona Alexander, era una artista británica que se trasladó a México en 1972, aprendió español y convirtió el país en su segunda patria. Se casó con Alejandro Luna y murió en un accidente de coche en 1982, mientras trabajaba con Carlos Saura en Antonieta.

Luna ya había explicado que el teatro fue decisivo durante su infancia: “Como solo éramos mi papá y yo, de ahí me hice una familia. Por la media orfandad que me tocó vivir, de repente el teatro me la solucionó porque ahí tenía 20 mamás”. Esa pérdida también influyó en su amistad con Gael García Bernal, cuyos padres eran amigos de los suyos y cuyas allegadas mantuvieron una presencia femenina en su vida.

Cómo retratar la experiencia migrante

La película sitúa a Lucila, interpretada por Anna Díaz, ante el viaje desde México a Madrid junto a su hermano pequeño, Diego, para reunirse con su madre Isabel, encarnada por Adriana Paz. Isabel ha emigrado a España para mantener económicamente a sus hijos, pero la vida que encuentran dista de la expectativa de estabilidad que impulsó el desplazamiento.

Ceniza en la boca identifica la experiencia migrante de dos generaciones de mujeres mexicanas como el eje del relato. La novela de Navarro aborda el llamado “síndrome de Ulises” o estrés migratorio crónico, asociado a las dificultades de adaptación de quienes abandonan su país en busca de oportunidades.

Lucila trabaja como cuidadora de bebés y personas mayores mientras asume la responsabilidad de su hermano, que corre el riesgo de ser expulsado del colegio por golpear a otros alumnos. Más tarde se traslada a Barcelona con su amiga Jimena, busca independencia y empieza una relación con un músico inglés, al que oculta tanto su empleo como su situación económica.

El reparto incluye a Luisa Huertas, Irene Escolar, Laura Gómez, Charlie Rowe, Sergio Bautista, Guillermo Ríos, Adriana Jácome, Benny Emmanuel, Anna Alarcón y Dailyn Valdivieso. El guion corre a cargo de Abia Castillo, Diego Rabasa y Luna.

En cuanto a Anna Díaz, tiene la capacidad de sostener un personaje entre la fragilidad y la entereza que sostiene buena parte de la película gracias a su integridad y arrojo.

Ceniza en la boca es, al igual que la novela de Brenda Navarro, una película sobre el desarraigo, sobre la falta de raíces, sobre una herencia que se cuestiona, sobre el duelo y sobre la experiencia migrante, de aquello que se deja atrás y de la extrañeza que produce encontrarse en un país donde late la precariedad, el racismo y las desigualdades sociales.

El Ministerio de Justicia del país le reprocha su relación con personas y organizaciones señaladas por el Kremlin y la difusión de información que considera falsa en relación al conflicto bélico.

Minotauro, distinguida con el Gran Premio del Jurado en Cannes y elegida por Francia para aspirar al Oscar, se proyecta en la Sección Perlas del Festival de San Sebastián y llegará a los cines españoles en enero. La película traslada a la Rusia actual La mujer infiel, de Claude Chabrol.

Rusia contra Zvyagintsev

El director ha recibido la decisión sin sorpresa. “Un día tenía que pasar. Tengo que enterarme bien de qué hay que hacer ahora. Estoy sorprendido de por qué han tardado tanto en hacerlo... quizá haya sido por las opciones al Oscar”, ha dicho Zvyagintsev a Infobae pocos minutos después de conocerse la medida.

La cartera de Justicia rusa le acusa de participar en la elaboración de materiales públicos procedentes de agentes extranjeros y de entidades cuyas actividades son consideradas indeseables en Rusia. También sostiene que el realizador ha difundido información falsa sobre las decisiones de las autoridades rusas, mantiene contacto con agentes extranjeros y reside fuera del país.

Zvyagintsev ha regresado a la dirección tras las graves complicaciones de salud que sufrió durante la pandemia de covid y después de abandonar Rusia al comienzo de la guerra de Ucrania.

El cineasta ha ambientado la historia en 2022, en una ciudad de provincias rusa donde el conflicto bélico invade tanto las oficinas, como el ámbito doméstico.

De lo doméstico a lo político

El protagonista es un empresario que vive con su esposa y su hijo en una casa de diseño a las afueras. Su aparente estabilidad se resquebraja a la vez por las sospechas de infidelidad de su mujer y por las exigencias de una movilización que amenaza a su empresa.

La película muestra cómo las autoridades obligan a las compañías a proporcionar listas de trabajadores para el frente. El empresario debe seleccionar a más de una docena de empleados considerados prescindibles y, esa obligación, convierte la gestión de su negocio en una extensión de la violencia estatal.

Zvyagintsev ha explicado que esa situación parte de un caso real que le relató un amigo empresario. “Él tiene más de 3.000 empleados. Le dijeron que si quería mantener a los especialistas, enviara una lista con cuáles preferían mandar al frente”, ha contado el director.

La presión exterior se cruza con el conflicto conyugal. La esposa, interpretada por Iris Lebedeva, encuentra una salida a su rutina doméstica en los encuentros clandestinos con un fotógrafo, mientras el marido intenta preservar su familia, su posición económica y la imagen de autoridad que ejerce dentro de casa.

La adaptación de la película de Chabrol permite al realizador trasladar un thriller matrimonial a un entorno marcado por la guerra, el dinero, el poder y la corrupción. Así, la película prolonga preocupaciones ya presentes en su filmografía, como la violencia, el patriarcado, la impunidad de las élites y el peso de las instituciones políticas, policiales y judiciales.

Cuando el empresario confirma la relación de su esposa, asesina al amante y trata de eliminar las huellas del crimen. De esta forma, la secuencia de la muerte y la limpieza de la escena remite al humor perverso de Alfred Hitchcock, mientras la desaparición del fotógrafo deja a la mujer aislada en imágenes que evocan la incomunicación del cine de Michelangelo Antonioni.

La puesta en escena refuerza ese encierro. El director de fotografía Mikhail Krichman, colaborador habitual de Zvyagintsev, recorre la vivienda y los espacios urbanos con una cámara que observa a los personajes como si estuvieran atrapados en un laberinto.

La investigación policial desemboca en un desenlace frustrante: los contactos adecuados pueden impedir que el crimen tenga consecuencias. La película vincula así la impunidad del protagonista con el retrato de una clase alta rusa descrita como frívola, cómplice y protegida por sus privilegios.

Nacido en Novosíbirsk en 1964, Zvyagintsev obtuvo cinco premios en el Festival de Venecia por su primer largometraje, El regreso, en 2003, incluido el León de Oro a la mejor película. Con Leviatán y Sin amor representó a Rusia en la carrera por el Oscar a la mejor película internacional, aunque no consiguió la estatuilla.

El cuerpo pide una bajada de temperaturas, bajar el ritmo de verano y adoptar una rutina más lenta. Los naranjas y ocres se apoderan de la estética de redes sociales, de las calles y de las películas. Algunas sagas como Harry Potter, Crepúsculo y El Señor de los Anillos son las máximas revistas en esta época del año, pero no todo puede ser eso. Existen mil opciones para disfrutar de la temporada cinematográfica. Estas son al menos quince.

Comedias románticas para las tardes de manta

Tienes un email (1998)

Dirigida por Nora Ephron, reunió por tercera vez a Tom Hanks y Meg Ryan tras Ni pies ni cabeza (1990) y Algo para recordar (1993). La trama, sobre dos libreros rivales que se enamoran sin saberlo a través del correo electrónico, recaudó 250,8 millones de dólares en todo el mundo y se convirtió en la película más taquillera de Ephron. Entre las curiosidades del rodaje figura una escena improvisada por Hanks, cuando cierra sin querer la puerta de la tienda de Kathleen sobre unos globos y agrega, sin guion previo, “menos mal que no era el pez”. La directora consideró la ocurrencia tan divertida que la dejó en el montaje final.

La casa del lago (2006)

Con Keanu Reeves y Sandra Bullock, adapta la película surcoreana Il Mare y narra el romance entre dos inquilinos separados por dos años de diferencia que se comunican a través de un buzón mágico. La cinta recaudó 114,8 millones de dólares con un presupuesto de 40 millones, aunque recibió críticas divididas, apenas un 35% de aprobación en Rotten Tomatoes. El nombre del restaurante exclusivo que aparece en el filme, “Il Mare”, es un guiño directo al título original coreano en el que se basa la historia.

Ojalá fuera cierto (2005)

Protagonizada por Reese Witherspoon y Mark Ruffalo, se basó en la novela homónima del francés Marc Levy y sigue a un arquitecto que descubre que su nuevo apartamento está habitado por el espíritu de su anterior inquilina. Witherspoon usó la misma falda roja y el mismo jersey negro durante casi todo el rodaje, salvo en cinco días de grabación. La película funcionó bien en taquilla en Estados Unidos, aunque en Francia la academia Gérard du Cinéma la eligió como la peor película extranjera del año, una paradoja teniendo en cuenta que se inspiraba en un autor francés.

Novia a la fuga (1999)

Reunió de nuevo a Julia Roberts y Richard Gere casi una década después de Pretty Woman, bajo la dirección de Garry Marshall. La cinta, sobre una mujer que ha abandonado a tres novios en el altar, superó en recaudación a su predecesora con 309 millones de dólares en todo el mundo, aunque cosechó reseñas más tibias. Roberts vivió en carne propia parte de la premisa, en 1991 había cancelado su propia boda con Kiefer Sutherland pocos días antes de la ceremonia. La icónica mueca que hace su personaje al ser sorprendida no estaba en el guion; Marshall la incorporó después de verla hacer ese gesto a sus nietos.

Quédate a mi lado (1998)

Narra la historia de una madre enferma, interpretada por Susan Sarandon, que debe aprender a confiar en la nueva pareja de su exmarido, la fotógrafa que compone Julia Roberts, para el cuidado de sus hijos. Sarandon obtuvo una nominación al Globo de Oro a mejor actriz dramática por su interpretación. La película mezcla comedia y drama familiar en un tono que se volvió habitual en el cine de mediados de los años noventa sobre familias reconstituidas.

Películas clásicas que nunca pierden vigencia

El club de los poetas muertos (1989)

Protagonizada por Robin Williams, sigue a un profesor de literatura que anima a sus alumnos a pensar por sí mismos en un internado conservador. La película recibió cuatro nominaciones al Oscar y ganó el de mejor guion original para Tom Schulman, además de llevarse el César a mejor película extranjera. Según relató Williams, lo que más lo atrajo del papel de John Keating fue que representaba el tipo de maestro que él hubiera querido tener en su etapa escolar.

Titanes: hicieron historia (2000)

Una película que transcurre en el arranque de la temporada de fútbol americano, justo en otoño. Protagonizada por Denzel Washington, cuenta la historia real del entrenador Herman Boone, que integró racialmente al equipo de fútbol americano de un instituto de Virginia en 1971. Recaudó 136,8 millones de dólares y, pese a una recepción inicial moderada, se convirtió en un clásico del cine deportivo. Washington ganó el premio BET al mejor actor, mientras Hayden Panettiere obtuvo el Young Artist Award en uno de sus primeros papeles. Boone confirmó a ESPN que la escena de la integración forzada de los autobuses del equipo ocurrió tal como se muestra en la película.

El indomable Will Hunting (1997)

Escrita por Matt Damon y Ben Affleck y protagonizada por ambos junto a Robin Williams, cuenta la historia de un joven genio autodidacta de Boston que trabaja como conserje en el MIT. La película obtuvo nueve nominaciones al Oscar y ganó dos, mejor guion original para Damon y Affleck y mejor actor de reparto para Williams. Affleck se convirtió, con 25 años, en el guionista más joven en recibir esa estatuilla, un récord que aún conserva. La última línea de la película, cuando el personaje de Williams lee la carta de despedida de Will y responde “hijo de puta, me robó la frase”, fue una improvisación del propio actor.

Películas con atmósfera gótica y melancolía de otoño

Sleepy Hollow (1999)

Adapta el relato de Washington Irving sobre el jinete sin cabeza y está protagonizada por Johnny Depp y Christina Ricci. La cinta ganó el Oscar a mejor dirección artística y sumó dos nominaciones más, por fotografía y vestuario. Para lograr el aspecto azulado característico del filme, el equipo rodó con un filtro azul, lo que obligó a usar sangre de color naranja brillante para que se viera roja en la imagen final.

Los otros (2001)

Alejandro Amenábar convirtió a Nicole Kidman en una madre que protege a sus hijos, enfermos de una rara sensibilidad a la luz, en una mansión aislada tras la Segunda Guerra Mundial. La película ganó ocho premios Goya, entre ellos mejor película, dirección y guion original, y se convirtió en la primera cinta en llevarse el máximo galardón de la Academia española sin que se pronunciara una sola palabra en castellano durante todo el metraje. Kidman estuvo a punto de rechazar el papel por una lesión de rodilla sufrida en el rodaje de Moulin Rouge, y llegó a rebajar a la mitad su caché habitual para participar en el proyecto.

Big Fish (2003)

Sigue a un hijo que intenta reconstruir la vida de su padre moribundo a partir de las historias fantásticas que este contaba durante años. La película recibió una nominación al Oscar a mejor banda sonora, obra de Danny Elfman, y cuatro candidaturas al Globo de Oro. Uno de los momentos más recordados, en el que un elefante defeca mientras el protagonista fantasea, no estaba escrito en el guion: surgió de forma espontánea durante el rodaje y el equipo técnico decidió alejar la cámara para capturar la escena completa.

Cine español aplaudido por la crítica

El ser querido (2026)

Dirigida por Rodrigo Sorogoyen con guion junto a Isabel Peña, muestra a un reconocido director de cine, interpretado por Javier Bardem, que invita a su hija distanciada, interpretada por Victoria Luengo, a protagonizar su nueva película en pleno desierto. La cinta compitió en la sección oficial del Festival de Cannes de 2026 y también se proyectó en los festivales de Karlovy Vary y Sarajevo, donde la crítica destacó la tensión entre manipulación afectiva y ambición profesional que atraviesa la relación entre ambos personajes.

As bestas (2022)

También de Sorogoyen, se convirtió en uno de los grandes fenómenos del cine español reciente. La historia, inspirada en un hecho real sobre un matrimonio de agricultores extranjeros enfrentado a sus vecinos en Galicia, arrasó en la gala de los Goya con nueve estatuillas, entre ellas mejor película, dirección y actor protagonista para Denis Ménochet. También obtuvo el César a mejor película extranjera y el premio del público en el Festival de San Sebastián. Sorogoyen aprovechó su discurso de agradecimiento para denunciar un proyecto de parques eólicos en los montes gallegos donde se rodaron las escenas con los caballos salvajes de la película.

El laberinto del fauno (2006)

Sigue a una niña que descubre un mundo de fantasía oscura durante la posguerra española. La cinta ganó siete premios Goya y tres Oscar, entre ellos fotografía y diseño de producción, y se convirtió en la película española más nominada y premiada en la historia de la Academia de Hollywood, con seis candidaturas. España decidió enviar en su lugar Volver, de Pedro Almodóvar, a la carrera por el Oscar a mejor película de habla no inglesa, por lo que finalmente fue México quien presentó El laberinto del fauno. Ivana Baquero tenía apenas 12 años cuando protagonizó el filme y ganó el Goya a mejor actriz revelación por su interpretación.

La novia (2015)

Dirigida por Paula Ortiz y protagonizada por Inma Cuesta, es una adaptación libre de Bodas de sangre, de Federico García Lorca. La película sumó doce nominaciones a los Goya, la cifra más alta de esa edición, y se llevó los premios a mejor actriz de reparto para Luisa Gavasa y mejor fotografía para Miguel Ángel Amoedo. “Es una película artesanal y pequeña, no sé ni cómo nos hemos colado”, declaró Ortiz al conocer las nominaciones, en referencia al reducido presupuesto con el que se filmó la historia entre localizaciones de Aragón y la región turca de Capadocia.

Desde el olor de los puestos de arepas hasta el pabellón de la literatura dedicado a Gabriel García Márquez -amigo de la artista desde que la entrevistara en los 90 hasta su muerte en 2014-, Macondo Park es todo un ensalzamiento y una celebración de lo latino. Su propio nombre lo coge prestado del pueblo ficticio en el que se desarrolla Cien años de soledad, pese a que si hay algo que escasea en este lugar, es la soledad.

Miles de fans de todo el mundo han abarrotado Villaverde para escuchar los grandes éxitos de Shakira y siguiendo una estética de lo más variopinta: sombreros de cowboy, faldas con monedas que resuenan al mover las caderas, cosplay de los videoclips más míticos o camisetas con letreros que aseguran que las mujeres ya no lloran.

La admiración por la cantante colombiana empieza, para muchos, en un momento anterior a los recuerdos. Y quizá es esto lo que más acerca a Shakira al realismo mágico. No saben desde cuándo la escuchan porque lleva más de 30 años en lo más alto, con clásicos como Ciega, sordomuda o hits más recientes como Te felicito. Sea como fuere, pocos pueden decir cuál es la primera canción que les viene a la memoria haber escuchado de Shakira porque no lo recuerda, al igual que nadie recuerda la primera vez que se vio el ombligo: está ahí desde siempre.

Una manada de lobas con tres generaciones

La manada de Shakira, como le gusta llamar a sus fans, brilla por su heterogeneidad. Imposible definir un perfil. Niños de todas las edades, abuelas, grupos de amigas en su treintena, matrimonios que habrán celebrado ya las bodas de plata. Los de la generación Z que graban TikToks, los millenials que hacen el signo de la V con las manos para posar en las fotos, los boomers que graban con el teléfono torcido... Los de Copa Vacía, los del Waka Waka y los de Ojos Así. Tres generaciones a las que la de Barranquilla ha sabido seducir adaptándose a cada tiempo.

Sin embargo, la ilusión por ver a la colombiana, que vuelve a actuar en España por primera vez en ocho años, no camufla completamente lo caótico del recinto, que ocupa en torno a las 30 hectáreas y que es ya el mayor escenario creado hasta la fecha en Europa. De hecho, cuando empieza el show, todavía son cientos quienes no han ocupado sus asientos.

El tímido aullido de Madrid

Con una noche de luna creciente, Shakira ha conseguido hacer aullar a las 55.000 personas que han acudido al primero de los doce conciertos que ofrecerá en la capital. No sin una cierta reticencia inicial fruto de la vergüenza, Madrid ha aullado esta noche en varias ocasiones ante la petición de la loba alfa, consciente esta última de que tenía a toda una manada entregada a ella. Parece difícil negarse a la que enseñó que las caderas no mentían, a la reina del pop latino que se acurruca en su trono ante el abrigo de decenas de miles de gargantas.

Un show que ha ido de menos a más y que, no obstante, no ha terminado de eclosionar en algo especialmente rompedor. Ningún artista invitado ha acudido de sorpresa, aunque tampoco parecía que al público le importara demasiado, menos aún cuando en la canción final (aquella con el productor argentino Bizarrap colmada de indirectas a Gerard Piqué y Clara Chía) una lluvia de billetes inundó el escenario. Sobra decir que, aunque estos eran falsos, los de verdad se podían ver invertidos en todos y cada uno de los rincones del recinto.

Arturo Pérez-Reverte (Cartagena, 1951) ha hecho de la aventura, la historia y la guerra tres constantes de su literatura. Antes de dedicarse por completo a escribir, pasó 21 años como reportero de guerra, una experiencia que después ha trasladado de distintas maneras a sus novelas. Desde Territorio comanche hasta El pintor de batallas, las contiendas aparecen en sus páginas no solo como escenario, sino también como una forma de explorar a los propios personajes.

Precisamente a una de esas experiencias alude una de sus frases más conocidas: “Nadie debería irse sin dejar una Troya ardiendo a sus espaldas”. La cita aparece en El pintor de batallas (2006), la considerada como “la más intensa y turbadora historia de su larga carrera de novelista”.

La historia tiene como protagonista a Andrés Faulques, un antiguo fotógrafo de guerra que se ha retirado a una vieja torre vigía frente al Mediterráneo. Allí dedica sus días a pintar sobre la pared un enorme fresco circular de 25 metros en el que intenta representar la geometría del caos y la guerra, ordenando los recuerdos acumulados durante tres décadas de conflictos. La llegada de Ivo Markovic, un exmecánico agrícola croata movilizado en las Guerras de Yugoslavia a quien Faulques fotografió en Vukovar en 1991, obliga al protagonista a enfrentarse a las consecuencias de su pasado.

El origen de la cita

La cita es pronunciada cuando mantiene una conversación con Markovic:

“ —¿Por qué este cuadro tan grande, entonces? —Markovic aún contemplaba el niño muerto—. ¿Por qué pintar algo que otro hizo mejor, antes?

—Cada uno debe pintar su parte. Lo que vio. Lo que ve .

—¿Antes de morir?

—Claro. Antes de morir. Nadie debería irse sin dejar una Troya ardiendo a sus espaldas.

—Una Troya, dice".

No es una excepción que Pérez-Reverte retrate la fotografía y la guerra en sus novelas. Antes de dedicarse por completo a la literatura, el escritor pasó 21 años, entre 1973 y 1994, trabajando como reportero de prensa, radio y televisión. Primero lo hizo durante 12 años en el diario Pueblo y después durante nueve en los servicios informativos de Televisión Española, especializado en conflictos armados. A lo largo de esas dos décadas cubrió las guerras del Líbano, Eritrea, el Sáhara, las Malvinas, El Salvador, Nicaragua, Chad, Mozambique o Angola, además de la revolución de Rumanía, la guerra del Golfo y los conflictos de Croacia y Bosnia.

Aquellos años terminaron filtrándose inevitablemente en sus libros. Territorio comanche (1994) nació directamente de su experiencia como reportero en las guerras de Yugoslavia, mientras que la violencia, la memoria y las consecuencias de la guerra reaparecerían después en títulos como El pintor de batallas o Línea de fuego. Desde 1994 dedicado exclusivamente a la literatura, Pérez-Reverte ha construido una bibliografía en la que figuran La tabla de Flandes, El club Dumas, La Reina del Sur, Sidi, El italiano o Revolución, además de las sagas del capitán Alatriste y Lorenzo Falcó. Desde 2003 ocupa, además, el sillón T de la Real Academia Española.

Este 2026 ha recuperado su faceta de corresponsal con Enviado especial, un volumen que reúne las crónicas escritas durante sus años cubriendo conflictos armados, acompañado por el libro Arturo Pérez-Reverte. Fotografías de guerra 1974-1985, que recopila las imágenes tomadas por él. Además, el próximo 20 de octubre publicará su nueva novela, La hipótesis más peligrosa.

La actriz Naomi Watts se siente muy orgullosa de Mulholland Drive y en deuda con David Lynch, pero quiere que el público empiece a verla de otra manera. Al menos eso es lo que ha quedado claro con su llegada al Festival de San Sebastián, el cual la recibía con una gran ovación y la imagen de ella junto a Laura Harring en la retina. No obstante, la británica se ha encargado de demostrar con su último papel que, más allá de premios honoríficos, aun le queda mucho por demostrar y disfrutar en el mundo del cine.

La actriz de 57 años aterrizaba en la ciudad para recibir el Premio Donostia, uno de los dos premios honoríficos que se entregan en esta 74ª edición del festival, junto al de Werner Herzog, quien justo ayer revelaba que había intentado trabajar con Watts. No fue posible ya que, como explicaba esta misma mañana en el Kursaal la actriz, sus hijos eran demasiado pequeños y quería pasar tiempo con ellos. De directores iba la cosa, pues durante la rueda de prensa, en la que le mencionaban nombres de grandes cineastas con los que había colaborado -Clint Eastwood, David Cronenberg, Alejandro Gónzalez Iñárritu, el propio Lynch o J.A. Bayona- ella lanzaba otro como colaboración soñada: Paul Thomas Anderson.

Mientras espera la posible llamada del director de Una batalla tras otra, Watts ha encontrado un nuevo gran rol en La esposa perfecta (The Housewive), la película que presenta estos días en el festival para demostrar que se puede recoger un premio honorífico mientras sigues muy presente en la industria. Una industria que, como ella recordaba, estuvo a punto de darle la espalda de no ser por la intervención de Lynch: “Como mi personaje, yo fui a los EEUU con esperanzas y sueños, y los he superado con creces. Fue increíble trabajar con Lynch, llevaba muchos años buscando un trabajo y él vio algo en mi debajo de tantas capas que tenía. Me dio la oportunidad de mi vida y nunca lo olvidaré”.

De aspirante a estrella

Con el recuerdo de Lynch tan presente, Watts reconocía que ella vivió una situación algo crítica. “Empecé tarde para las normas de Hollywood, se me dijo que me pusiera las pilas con 30 o me despedía con 40. Y aquí estamos, mirad los Emmys de la semana pasada con actrices de mas de 50 años. Las mujeres consumen televisión y cine y sus historias se tienen que contar”, razonaba la británica, quien a sus casi 58 años -los cumplirá el 28 de este mes-, puede decir que ha encontrado uno de los papeles más difíciles de interpretar en toda su carrera: el de una nazi infiltrada en los Estados Unidos.

“Creo que es un papel muy complicado. Estaba nerviosa y tenía mucho miedo, procrastiné y no estaba segura si podría interpretarla”, confiesa la intérprete, quien revela que fue el hecho de estar basada en una historia real lo que le llevó a aceptar finalmente el rol. “Es un hecho real, no tenía ni idea de ella pero al leer el guion pasaba página y página con sorpresa. Esta dualidad de una mujer que había cometido crímenes horribles se fundía con esta buena vecina, ciudadana y mujer. Vivir con ese secreto fue interesante para mí como actriz. Estoy buscando hacer cosas nuevas pero tengo un tema recurrente que es el dolor y la identidad”, detallaba la actriz de King Kong, quien finalmente admitía echando la vista atrás la singularidad de la propuesta. “Es un personaje como no había hecho nunca antes, algunos dirán que estoy en una edad para interpretar a una villana”.

La historia de Hermine Braunsteiner

Watts da vida en la película a Hermine, una inmigrante de origen austríaco que después de varios años viviendo en Queens junto a su marido, decide aplicar para obtener la ciudadanía estadounidense. No hay nada que invite a pensar en que no se la concedan: es una gran esposa, una estupenda cocinera y una vecina muy volcada en la comunidad tanto en la iglesia como en las reuniones de otras mujeres. Sin embargo, un repentino soplo lleva a un joven periodista del New York Times a investigar el paradero de un posible nazi. Creyendo que se trata del esposo de Hermine, este empiece a intercambiar confidencias y grandes momentos con la mujer, sin saber que es ella quien arrastra un oscuro pasado tras de sí.

“Creo que el odio está subiendo y esta película me interesó hace 8 años y ahora es un tema candente. Espero que inicie un debate de lo que ocurrió aquel entonces. Tenemos que hacer todo lo posible para no volver a ese tiempo”, contaba Watts flanqueada por el director Ben Shirinian y el resto del reparto. Se trata de una historia real, la de Hermine Braunsteiner, la primera mujer nazi con pasaporte estadounidense, aunque el desenlace de su historia será mejor que lo descubra cada espectador por su cuenta al ver La esposa perfecta, una de esas películas que sin duda ya han dejado huella en esta edición del Festival de San Sebastián.

La estrategia de Warner por aquel entonces era el resultado del atenazante miedo de los estudios después del Covid y del auge del streaming, que terminaría derivando en la famosa huelga de guionistas y actores de 2023. En el caso concreto de Warner, se encontraba en una situación de negociación con Discovery y tomó una decisión que no sentó bien a todo el mundo. Muchos de los que se enteraron de este movimiento respondieron con grandes críticas al estudio, e incluso alguien disfrazado de Coyote se presentó en los estudios con un cartel para intentar salvar la película. A diferencia de Batgirl o Scoob, Coyote vs. Acme era una película del todo hecha, y que de hecho había mostrado un resultado favorable en los tests de audiencia previos.

El ruido que generó la cancelación y momentáneo destierro de la película, que parecía que nunca se estrenaría, llevó a varias figuras importantes de la industria a pronunciarse en contra del movimiento de Warner para deducir impuestos y llevó a otros estudios a interesarse por Coyote vs. Acme. Aunque el estudio al principio se mostró reticente a vender los derechos de la película porque ni Netflix ni ningún otro podían poner los 70 millones que les había costado, finalmente fue una independiente la que se hizo con ella. ¿Su nombre? Ketchup Entertainment.

La historia de Wile Sísifo Coyote

Con una historia tan bonita detrás de escenas, solo cabe preguntarse: ¿la película como tal realmente merece la pena? Y la respuesta no puede ser otra que sí. Su historia es casi tan particular como la que ha trascendido, si bien no es del todo original. Coyote vs. Acme tiene su base en un artículo del New Yorker publicado en los años 90 bajo el título Coyote vs. Acme, en el que, usando terminología jurídica, se proponía un enfrentamiento legal entre el conocido personaje de los Looney Tunes y la empresa encargada de los productos con los que intenta atrapar sin éxito al Correcaminos. De esa idea surgió esta película dirigida por Dave Green y cuya historia llegó a desarrollar también James Gunn, actual máximo responsable del universo DC.

La película inicia con una oportunidad, la que encuentra Wile E. Coyote de llevar a juicio a Acme después de toparse con Kevin Avery, un abogado sin éxito que por error acepta el caso del dibujo animado y termina litigando con una de las mayores corporaciones de todo el mundo, representada precisamente por su archienemigo de juventud Buddy Crane (John Cena). Wile E. Coyote y Kevin comienzan entonces un largo juicio para el que primero tienen que buscar pruebas y posibles testigos, derivando en una gran conspiración.

Más allá de su premisa, la película respeta al máximo la herencia slapstick de los Looney Tunes, solo que llevándosela al terreno judicial tan en vigor estos últimos años. Lo curioso de todo es la vuelta de tuerca que le da a la concepción que tenemos no solo de la relación entre el Coyote y el Correcaminos —aquí reimaginada como una especie de amor/amistad platónica—, sino también de la tortura infinita que viven los Looney Tunes y los ‘dibus’ (como llamaban en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?) en general. A diferencia de otros, Coyote vs. Acme no vive solo de la nostalgia, sino que reverencia el pasado al tiempo que abre camino para el futuro, un camino que irónicamente su propio creador —Warner, que bien podría ser en la película la figura de el Gallo Claudio— ha intentado cerrar.

Una victoria para los ‘dibus’ y para el cine

En definitiva, Coyote vs. Acme es en gran medida una historia de David contra Goliat en la que de nuevo ha ganado el más pequeño, con un resultado feliz para todos los amantes del cine y algo de luz en un futuro que cada vez se antoja más negro. Los más pequeños podrán disfrutar —algunos por primera vez— de personajes ya icónicos como Bugs Bunny o el Pato Lucas, y los no tan jóvenes descubrirán una apasionante lección: el más pequeño nunca debe dejarse pisotear.

No sabemos aún si esta es la primera piedra hacia ese brillante futuro, pero de momento es una feliz parada en este curioso mundo que nunca debió dejar del todo el cine, y que desde luego no merecía estar en un gran cajón. No le hacía falta más ketchup, solo unos cuantos mensajes de apoyo, una persona disfrazada de Coyote y un estudio dispuesto a arriesgarse por perseguir un sueño, aunque todo apunte al fracaso.

Se han hecho muchísimas adaptaciones en todos los países imaginables de la obra de teatro original del autor catalán, pero esta sea quizás la que se quede incrustada en el imaginario popular por su capacidad para ampliar el original autóctono sobre un par de matrimonios enfrentados a una propuesta de intercambio de parejas que abre la puerta a una serie de frustraciones afectivas y al deseo femenino.

El filme tuvo su ‘première’ el 25 de enero de 2026 en el Festival de Sundance, donde recibió una ovación en pie y desencadenó una puja que A24 cerró por 12 millones de dólares. La adquisición colocó a la producción entre los títulos más comentados del certamen y entre las posibles aspirantes a la temporada de premios.

La película se rodó en 35 mm y cuenta con música de Dev Hynes, vestuario de Arianne Phillips, montaje de Yorgos Mavropsaridis y fotografía de Adam Newport-Berra. Todos esos elementos acompañan una puesta en escena encerrada en un único piso, lo que conlleva una tensión subrepticia a través del ‘huis clos’, o espacio cerrado.

De qué va ‘La invitación’

El punto de partida es una cena en San Francisco. Joe, interpretado por Seth Rogen, y Angela, a quien da vida Wilde, reciben en casa a sus vecinos Hawk y Pina, encarnados por Edward Norton y Penélope Cruz; la velada acaba derivando hacia la confesión de que estos practican sexo en grupo y la invitación a participar en un encuentro a cuatro.

El guion de Rashida Jones y Will McCormack mantiene el dispositivo dramático de la obra de Gay: una reunión doméstica en la que la falsa cordialidad se erosiona hasta revelar resentimientos, deseos y frustraciones. La película se abre con una cita de Oscar Wilde: “Uno debería estar siempre enamorado. Esa es la razón por la que nunca debería casarse”.

Joe es profesor de música y arrastra el fracaso de su etapa como músico de indie rock, que terminó tras un solo disco y un éxito menor. Vive en el piso que heredó de sus padres y su rutina amarga llega a las clases en la escuela donde enseña.

Angela estudió arte, aunque no continuó esa vocación, salvo en el modo en que ha decorado y reformado la vivienda. La cena expone su ansiedad y su necesidad de control: ha comprado una alfombra nueva, al menos seis clases de queso y prepara un suflé, mientras Joe regresa sin haber llevado vino cosa que, por supuesto, le recriminará.

Todos esos detalles constituirán el mecanismo de las discusiones de la pareja. Un pepinillo cogido del aperitivo, la alfombra, la bicicleta mal plegada, la ausencia de vino o la duda sobre si Angela avisó de la visita bastan para activar una sucesión de reproches cotidianos.

La hija de ambos, de 12 años, no está en casa porque ha acudido a una fiesta de pijamas. Esa ausencia permite que la cena con los vecinos se prolongue sin interrupciones y que el conflicto verbal entre los anfitriones se convierta en el centro de la noche.

Hawk es un bombero retirado y Pina, una psicoterapeuta y sexóloga nacida en España. Joe y Angela los conocen antes de tratarlos: el ruido de su actividad sexual ha causado tensiones entre ellos, porque él quiere quejarse y ella evita plantear el asunto.

La confesión de los vecinos no funciona solo como un recurso cómico. En realidad, la propuesta sexual funciona como una exploración del deseo, la soledad, la posibilidad y el desgaste de las relaciones, sin reducirla a un chiste ni resolverla de forma sencilla.

La directora separa después a las dos parejas y vuelve a reunirlas para alterar las posiciones iniciales. Angela encuentra una afinidad inesperada con Hawk a partir de su interés común por las alfombras, mientras Joe rebaja su desconcierto junto a Pina.

Miserias a ritmo de ‘screwball comedy’

Pero, lo importante, es cómo Olivia Wilde maneja los elementos para componer una comedia tan ligera como profunda alrededor de los miedos e inseguridades contemporáneos a ritmo de ‘screwball comedy’ en el que brillan unos diálogos en boca de unos actores entre los que se produce un maravilloso juego a cuatro bandas en el que la palabra y el gesto adquieren una importancia fundamental.

Así, la incomodidad y la extrañeza atraviesan un encuentro marcado por los malentendidos, medidos y controlados. A medida que avanza la trama, quedarán expuestas las miserias de los personajes y el papel del sexo como detonante de sus conflictos, aunque no quede nunca claro si es lo más importante.

La invitación es una película tan juguetona como profunda, que alterna momentos hilarantes y tristes, con un ritmo dinámico y una ejecución precisa y que examina con agudeza las relaciones de pareja.

La novela Glaxo de Hernán Ronsino volverá a las librerías españolas gracias a una nueva edición de Sexto Piso que recupera un crimen privado para examinar la memoria colectiva de un pueblo bonaerense atravesado por la violencia, el deseo, la traición y los silencios de la historia argentina.

Publicada originalmente en Argentina en 2009, Glaxo ocupa el segundo lugar de la trilogía pampeana, entre La descomposición y Lumbre. La novela concentra su acción en la periferia de una localidad de la provincia de Buenos Aires, entre una fábrica, una peluquería y unas vías de tren. Un episodio violento altera la aparente normalidad de ese paisaje y condiciona durante décadas la vida de quienes lo habitan.

Cuatro narradores reconstruyen los hechos desde monólogos situados en 1959, 1966, 1973 y 1984. Vardemann, Bicho Souza, Miguelito Barrios y Folcada ofrecen versiones parciales, cargadas de sospechas, recuerdos y omisiones, sin llegar a resolver por completo qué ocurrió.

De la violencia local a la violencia estructural

La estructura convierte al lector en testigo e investigador. Cada voz ilumina un fragmento del crimen pasional y de las traiciones que lo rodean, pero preserva zonas oscuras que impiden fijar una verdad definitiva sobre los personajes y sus responsabilidades.

Podría definirse como una aproximación latinoamericana del western: la pampa, las vías que desaparecen, la fábrica y los espacios cotidianos dejan de ser decorado para adquirir el peso de un territorio marcado por la violencia privada y el pasado nacional.

La brevedad de la novela, de poco más de cien páginas, intensifica el efecto de su narración fragmentaria. Ronsino desplaza la cronología y deposita en el lector la tarea de enlazar ecos, indicios y versiones enfrentadas de una misma historia.

La violencia no queda limitada al ámbito íntimo. El texto vincula el relato de los protagonistas con la historia colectiva argentina mediante alusiones a los fusilamientos de José León Suárez de 1956 y a la última dictadura militar, desarrollada entre 1976 y 1983.

Uno de los ejes de esa conexión es el epígrafe tomado de Operación masacre, de Rodolfo Walsh. La obra de Walsh documentó la ejecución de civiles peronistas por orden del Gobierno de facto en un basural de José León Suárez, meses después del derrocamiento de Juan Domingo Perón; al menos siete víctimas sobrevivieron y aportaron sus testimonios al libro.

Conexión con la política argentina

El crítico Ricardo Piglia sostuvo en Tesis sobre el cuento. Los dos hilos que todo relato cuenta dos historias: una visible y otra secreta, construida con lo no dicho, el sobreentendido y la alusión. Glaxo desarrolla ese mecanismo al situar en primer plano el crimen y sus consecuencias personales, mientras deja que la historia política argentina emerja de forma indirecta.

La presencia de Walsh no se reduce a una cita literaria. El novelista también alude a la dictadura de la que el autor de Operación masacre fue víctima tras publicar su Carta abierta de un escritor a la Junta Militar, un texto que denunció el terrorismo de Estado.

La trayectoria del escritor nacido en Chivilcoy en 1975 incluye cinco novelas, un volumen de relatos y los ensayos Notas de campo, de 2017, y Antes de leer, de 2025. Es escritor, sociólogo y docente universitario, y ha recibido el Premio Anna Seghers en 2020, el Premio Municipal de Literatura de la Ciudad de Buenos Aires por Cameron en 2021, el Premio de la Crítica de la Fundación El Libro por Una música en 2023 y el Diploma al Mérito Konex en la categoría de Novela en 2024.

La historia ha sido adaptada al cine, dirigida por Benjamín Naishtat y protagonizada por Lali Espósito, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi y Esteban Lamothe y se presenta en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, donde opta a la Concha de Oro.

Un año más, y ya van 74 nada menos, la ciudad de San Sebastián vuelve a poner su alfombra roja y convertirse en la capital del mundo del cine. El Festival de San Sebastián arranca una nueva edición este mismo 18 de septiembre, que se prolongará hasta el próximo día 26 y durante los cuales desfilarán algunas de las mayores estrellas del planeta mientras se proyectan en sus pantallas los mejores títulos de este 2026.

Para que no te quedes sin ver los más interesantes, hemos recopilado todas las películas a tener en cuenta para esta edición, tanto si pasas por la ciudad como por si quieres guardarlas para verlas en un futuro. Algunas de ellas no tienen aun fecha de estreno, pero la mayoría están a la vuelta de la esquina.

Lo mejor de todo el mundo

La sección Perlak reúne, como bien indica su nombre, algunas de las grandes perlas venidas de otros festivales. Muchas de ellas del de Cannes, el cual tuvo una participación histórica con la presencia de hasta tres títulos en su Sección Oficial a competición. Dos de ellas ya llegaron a cartelera, como Amarga navidad de Pedro Almodóvar o El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, pero la tercera se podrá ver en este festival antes de su llegada a cines el próximo viernes 25.

Hablamos de La bola negra, la película dirigida por Los Javis y con participación de Penélope Cruz o Glenn Close que ganó en Cannes el premio a Mejor dirección y que ahora mismo es una de las grandes favoritas a nada menos que los Premios Oscar. No será la única gran película de esta sección, que contará con otros títulos de Cannes como su Palma de Oro, Fjord, la rusa Minotaur, el documental sobre Gaza que viene de ganar el León de Oro en Venecia (NAZA) y muchas más, aunque nuestra recomendación particular es no dejar escapar Club Kid, película que narra la peculiar historia de un promotor de fiestas en Nueva York al que de repente le dicen que tiene un hijo del que tiene que hacerse cargo.

La Sección Oficial

De aquí sale la Concha de Oro, el principal galardón que entrega el certamen, por lo que cabe esperar que haya grandes títulos peleándose esta distinción. En la Sección Oficial de este año encontramos a nombres tan prestigiosos como Fatih Akin (Ghost Song), Jesse Eisenberg (El debut), Pablo Larraín (Mis muertos tristes), Mike Leigh (Tender Loving Care) o incluso Brad Pitt, quien protagoniza En el corazón de la bestia de David Ayer.

Nuestra recomendación particular recae sobre Sants de Mikel Gurrea, que cuenta la historia de una mujer que entra formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas y que está protagonizada por Victoria Luengo, flamante estrella de El ser querido. Si el año pasado la Concha de Oro tuvo acento vasco con Los domingos, puede que este año la suerte vuelva a caer de ese lado y veamos a Sants llevarse algún premio.

Nuevos directores y Horizontes Latinos

Pueden ser las secciones que menos atraigan de primeras, pero no hay que olvidar que de ellas han salido nombres como el de Bong Joon-Ho o Sarah Polley. En Nuevos Directores es donde se comprueba de verdad el estado del cine y donde se descubren a las grandes promesas del mañana. En esta edición no será diferente y contará con las primeras o segundas películas de Javier Giner (Yo, adicto) o del actor Jaime Lorente, quien se estrena con El mal hijo. Nuestra recomendación es Morro, una película mexicana que no tiene miedo a mostrar tanto la ternura de cuidar a un animal -el perro que da nombre a la película- como de mostrar la oscuridad que rodea su mundo con las luchas del cartel mexicano.

De Horizontes Latinos surgen también grandes historias, y este año el nombre propio es el de Diego Luna. El actor mexicano se pone tras las cámaras en Ceniza en la boca, en la que conocemos la historia de Lucila, una chica que viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban. También habrá que seguir de cerca a Perra de Dominga Sotomayor, una de las voces más originales que ha dado el cine latinoamericano en los últimos años gracias a títulos como Mar o Tarde para morir joven.

Matalas fue consultado durante una visita al rodaje realizada por ScreenRant en Pinewood Studios, Reino Unido, en mayo de 2025. Ante la pregunta sobre el uso de inteligencia artificial generativa, respondió: “No, en absoluto. No ha habido necesidad”. El responsable de la serie explicó que los diseños del proyecto toman referencias de la forma en que las herramientas de IA procesan información. Según indicó, esa decisión permitió que la ficción comentara el debate actual sobre estas tecnologías. Will Hughes-Jones, diseñador de producción de VisionQuest, reiteró que la inteligencia artificial no intervino en la realización de la serie. El equipo recurrió al trabajo manual para representar una versión visual de los resultados defectuosos que ofrecían algunos programas de IA en 2025.

Una de las principales locaciones de la producción es el llamado Mundo Mental, una casa dentro de la mente de Vision. Allí, los elementos del mobiliario presentan errores deliberados: barandillas que no alcanzan el final de las escaleras, sillas incrustadas a medias en las paredes y adornos repetidos en distintas habitaciones. Hughes-Jones explicó que esos recursos reflejan una idea expuesta en la serie: la inteligencia artificial reutiliza palabras e imágenes creadas por personas. Por esa razón, el set repite girasoles, naranjas y limones en cuadros, muebles y otros objetos de la casa.

La producción construyó dos grandes sets para la serie. El primero recrea dos calles de Madripoor, la ciudad ficticia del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) asociada con el crimen y los mercados clandestinos. Según el reporte de ScreenRant, las calles de Madripoor fueron llenadas con puestos, carros, escaparates y objetos de utilería. Uno de los edificios se llama Princess Bar, una referencia a una locación de los cómics de Marvel. El segundo escenario, el Mundo Mental, concentra una parte de la historia de Vision. La vivienda cambia de apariencia según el estado emocional del personaje interpretado por Paul Bettany. Una pared de licra permite que integrantes del equipo introduzcan sus manos desde atrás para simular que intentan atrapar a Vision cuando siente estrés. La cocina, a su vez, tiene un horno con opciones de cara feliz y cara triste.

Así será ‘VisionQuest’

También hay marcos de puertas que se deforman, rejas que cubren los accesos y un ascensor con luces intermitentes. Fuera de las ventanas, el equipo construyó un fondo parecido a la pantalla de espera de Windows XP, cuyos colores varían de acuerdo con el ánimo de Vision. La casa incluye referencias al personaje y a la tecnología. Hay motivos de la Gema de la Mente en cojines, pinturas y paredes. El refrigerador de Vision contiene envases de leche con símbolos de wifi y niveles de batería, mientras que los armarios guardan productos ficticios como Visto gravy, Ram y salsa picante Firewall.

La trama de VisionQuest continuará el recorrido de Vision tras WandaVision. Matalas señaló que el personaje perdió a Wanda Maximoff y quedó separado de los hijos que ella creó durante la historia previa. La serie lo sitúa en una búsqueda de identidad y de vínculos familiares. La llegada de Tommy Shepherd, personaje interpretado por Rauridh Mollica y asociado con Tommy Maximoff, será parte de ese conflicto. Dentro del Mundo Mental, Vision convivirá con versiones humanas de las inteligencias artificiales creadas o utilizadas por Tony Stark. Matalas describió a estos personajes como presencias que ayudan al protagonista a comprender distintas facetas de la humanidad.

VisionQuest será la tercera producción de una trilogía iniciada con WandaVision y continuada con Agatha All Along. Christopher Byrne, director del primer episodio, definió la nueva serie como “la segunda rama” de la historia iniciada por WandaVision. Matalas dijo que la ficción retoma la búsqueda personal de Vision después de los hechos de aquella serie. El personaje también conoce el destino de Wanda Maximoff, cuya muerte fue planteada en Doctor Strange en el multiverso de la locura, estrenada en 2022. Agatha All Along mostró que el alma de Billy Maximoff ocupó el cuerpo de William Kaplan. En VisionQuest, la historia abordará el recorrido de Tommy, el otro hijo de Wanda y Vision. Mollica evitó confirmar si Tommy desarrollará la velocidad que el personaje posee en los cómics. “Es un misterio que no me siento cómodo respondiendo”, declaró el actor. La serie tendrá ocho episodios y comenzará a estrenarse en Disney+ en octubre de 2026.

Es sin duda una de las películas más esperadas en el horizonte, pero desde luego lo será aun más tras esta incorporación. La nueva adaptación de Miami Vice con Michael B. Jordan y Austin Butler ya tiene a su villano principal. La película, titulada Miami Vice ’85, reunirá a ambos actores como los detectives Ricardo Tubbs y James Crockett, bajo la dirección de Joseph Kosinski. La producción eligió para el antagonista central a un actor que interpretó a Eumeo en La Odisea, la película de Christopher Nolan. Su incorporación completa un reparto que también incluye a Alden Ehrenreich, Whitney Peak, Camila Morrone y Danny Ramirez.

El elegido es John Leguizamo, quien se incorporó a Miami Vice ’85 para interpretar al principal adversario de los dos policías encubiertos. Fuentes citadas en la información señalan que será el villano de la historia. Leguizamo compartió elenco con Matt Damon en La Odisea, donde encarnó a Eumeo, el amigo leal y ciego de Odiseo. La producción de Universal se convirtió, según el texto, en la película más taquillera de la historia del estudio, con una recaudación de 1.680 millones de dólares.

La llegada del actor amplía su vínculo con Universal. También participa en un proyecto sin título del dúo Daniels, que vuelve a reunirlo con Damon y se encuentra en producción en Los Ángeles. Leguizamo aparecerá además en The Exorcist: Martyrs, la nueva versión de terror dirigida por Mike Flanagan. Universal tiene previsto estrenar esa película el 12 de marzo de 2027. El actor publicó recientemente el libro infantil Kiki and the Can con Scholastic. La obra cuenta con ilustraciones del artista latino de grafiti John “Crash” Matos.

Así será ‘Miami Vice 85′

Michael B. Jordan asumirá el papel de Ricardo Tubbs, mientras que Austin Butler interpretará a James Crockett. Ambos personajes son los detectives que ocupaban el centro de la serie televisiva creada por Anthony Yerkovich. La producción retomará la historia de los policías encubiertos de Miami, conocidos en la ficción original por sus operaciones contra el crimen, sus lanchas rápidas y sus trajes en tonos pastel. Miami Vice ’85 presentará una nueva versión de la propiedad, con una trama situada en el Miami de mediados de los 80. La película explorará el glamour y la corrupción de esa ciudad durante ese período, de forma quizá algo diferente a como lo hizo Michael Mann con su particular Corrupción en Miami, que contaba con Jamie Fox y Colin Farrell como protagonistas y en la que curiosamente el villano era el español Luis Tosar.

El proyecto toma como referencia el episodio piloto de la serie, que estuvo protagonizada por Don Johnson y Philip Michael Thomas. Johnson interpretó a Crockett y Thomas dio vida a Tubbs en la producción original. Joseph Kosinski dirigirá la nueva película después de trabajar en Top Gun: Maverick y F1. El largometraje tendrá como productores a Dylan Clark, a través de Dylan Clark Productions, y al propio Kosinski. La filmación está prevista para comenzar en noviembre. El equipo rodará en Nueva York y Miami, las dos ciudades elegidas para la producción. Universal Pictures lanzará Miami Vice ’85 el 19 de mayo de 2028. La película se filmará para salas Imax.

Jean-Paul Sartre (París, 1905 - 1980) fue al que se llamó “el último intelectual total”. Como pocos, abordó todo: la filosofía, la crítica literaria, las novelas, el teatro y las memorias. En sus 74 años de vida tuvo tiempo hasta de rechazar el Premio Nobel que la Academia Sueca quería entregarle en 1964 “por su trabajo, rico en ideas y lleno del espíritu de libertad y de la búsqueda de la verdad”. Murió sin esta distinción —y muchas otras- porque no quería recibir condecoraciones oficiales.

Pero su importancia fue mucho más allá de los libros. Sartre se convirtió en una de las figuras centrales de la vida intelectual francesa del siglo XX y en uno de los grandes nombres del existencialismo, donde la filosofía y literatura nunca fueron para él dos mundos completamente separados. El investigador Michel Contat definió en la exposición Sartre y la novela de la Biblioteca Nacional de Francia que con La náusea inventó una manera de “filosofar mediante la ficción”, haciendo de la experiencia de su protagonista un vehículo para cuestiones que después desarrollaría teóricamente.

El origen de la cita

Precisamente en esa novela, publicada en 1938, aparece una de sus reflexiones más conocidas sobre la forma en que las personas convierten su propia vida en una historia: “Un hombre es siempre un contador de historias (...) Pero hay que elegir: vivir o contar”.

La obra sigue a Antoine Roquentin, un hombre de 30 años que que vive solo en Bouville, una ciudad ficticia inspirada en Le Havre, mientras trabaja en la biografía del marqués de Rollebon, un aristócrata del siglo XVIII. A través de las anotaciones de Roquentin, Sartre sigue el progresivo extrañamiento que siente el personaje ante el mundo que le rodea y, especialmente, ante la propia existencia.

La reflexión aparece cuando Roquentin se pregunta qué convierte un acontecimiento corriente en una aventura. Su respuesta es que no hace falta que suceda nada excepcional: basta con comenzar a narrarlo. “Para que el acontecimiento más banal se convierta en una aventura, es necesario y suficiente que uno se ponga a contarlo. Eso es lo que engaña a la gente: un hombre es siempre un contador de historias, vive rodeado de sus historias y de las historias de los demás, ve todo lo que le sucede a través de ellas; e intenta vivir su vida como si la estuviera contando. Pero hay que elegir: vivir o contar”.

Sartre nació en París el 21 de junio de 1905. Estudió en la École Normale Supérieure y en 1929 obtuvo el primer puesto en la agrégation de Filosofía, el mismo año en que conoció a Simone de Beauvoir, que sería su compañera durante el resto de su vida. Después ejerció como profesor y pasó una temporada en Berlín estudiando a Husserl y Heidegger. Su carrera literaria despegó con La náusea en 1938 y continuó con El muro (1939). Durante la Segunda Guerra Mundial fue movilizado, hecho prisionero por los alemanes en 1940 y liberado al año siguiente. En plena ocupación publicó algunas de sus obras más importantes, como Las moscas (1943), El ser y la nada (1943) y A puerta cerrada (1944).

Tras la guerra abandonó la enseñanza y se convirtió en una de las grandes figuras del intelectual comprometido del siglo XX. En 1945 participó en la fundación de la revista Les Temps modernes y siguió alternando filosofía, narrativa, teatro, ensayo y autobiografía. Entre sus obras destacan Los caminos de la libertad (1945-1949), El existencialismo es un humanismo (1946), ¿Qué es la literatura? (1947), Las manos sucias (1948), Crítica de la razón dialéctica (1960) y Las palabras (1964). Murió en París el 15 de abril de 1980, a los 74 años.

Søren Kierkegaard fue un filósofo, teólogo y escritor danés nacido en Copenhague en 1813 y fallecido en 1855, considerado uno de los grandes precursores del existencialismo. Su filosofía puso el foco en el individuo concreto frente a los sistemas abstractos: cómo elegimos, cómo vivimos, qué hacemos con nuestra angustia y, sobre todo, cómo asumimos personalmente nuestras decisiones.

Kierkegaard vivió en una Europa sacudida por revoluciones políticas, transformaciones sociales y el avance de la prensa, mientras Dinamarca atravesaba su propia modernización cultural. Él contempló aquellos cambios con una mezcla de fascinación y desconfianza. Criticó especialmente una sociedad que, a su juicio, sustituía la pasión individual por la opinión pública, la reflexión interminable y una cómoda sensación de pertenencia al grupo.

Es en ese contexto donde cobra especial fuerza una frase que se le atribuye: “La gente exige libertad de expresión como compensación por la libertad de pensamiento, que rara vez utiliza”. Unas palabras que no carecen de cierta ironía, pues exponen hasta qué punto la reclamación de un derecho apenas sirve en una sociedad que no desarrolla un pensamiento crítico.

El significado de la frase de Kierkegaard

Con esta reflexión, cuya versión original se encuentra en su libro O lo uno lo otro, Kierkegaard no desprecia la libertad de expresión. Al contrario, su intención es señalar una de sus paradojas más incómodas: expresarse es relativamente fácil; pensar de verdad exige esfuerzo. Pensar implica cuestionar las propias certezas, soportar la duda y aceptar incluso la posibilidad de estar equivocado. De ahí que la libertad interior sea, para él, una tarea antes que un derecho pasivamente disfrutado. Su filosofía insiste precisamente en esa responsabilidad del individuo.

La crítica encaja con otra de sus conocidas afirmaciones: “La multitud es la mentira”. Kierkegaard sostiene que la masa puede diluir la responsabilidad individual y convertir la cantidad en un criterio equivalente a la verdad. El problema, consecuentemente, es que las personas dejen de pensar por sí mismas porque otros ya han decidido qué se debe creer, decir o defender.

¿Quién le iba a decir a Kierkegaard que, siglos después, las redes sociales convertirían sus temores en realidad? Estas plataformas han multiplicado extraordinariamente las posibilidades de expresión, pero han contribuido también a la homogeneización del pensamiento. Publicar una opinión requiere segundos; revisar sus fundamentos puede exigir horas. Kierkegaard permite así una lectura contemporánea que no cuestiona el valor de expresarse, sino que recuerda que la libertad de palabra alcanza su verdadero sentido cuando procede de una conciencia capaz de pensar por sí misma.

Contra la comodidad intelectual

Si algo han defendido los filósofos a lo largo de su historia, ha sido la necesidad de desarrollar un pensamiento crítico. Así lo ejemplifica Sócrates en la Apología de Platón, donde afirma que “una vida sin examen no merece ser vivida”. Como Kierkegaard, defendía la exigencia de convertir la reflexión en una práctica personal para desarrollar una existencia libre en la que preguntarnos por qué creemos lo que creemos se convierta en un hábito.

También John Stuart Mill advirtió sobre el peligro de confundir libertad con conformidad. En Sobre la libertad escribió que “la tiranía de la opinión” podía resultar tan opresiva como la autoridad política, porque impedía desarrollar una individualidad propia. Para él, una sociedad puede permitir que todos hablen y, al mismo tiempo, empujar a casi todos a pensar de la misma manera.

La provocación de Kierkegaard debe servirnos, pues, como un llamado a que la verdadera libertad empiece antes del momento en el que la ejercemos. Pensar, dudar, contrastar, cambiar de opinión y resistirse al cómodo refugio de la multitud son ejercicios menos vistosos que publicar una ocurrencia, pero mucho más exigentes. Y es que, solo si las pensamos lo suficiente, las palabras son realmente nuestras.

Cuando Jorge Ruiz, de 33 años, aterrice en Madrid desde Chicago el próximo mes de octubre, habrá recorrido más de 6.700 kilómetros y se habrá dejado, como mínimo, 1.500 dólares, 1.300 euros al cambio. Pero merecerá la pena: será la octava vez que vea a Shakira en directo y la quinta durante Las Mujeres Ya No Lloran World Tour. Ha escogido, además, una fecha especial: el 11 de ese mismo mes, última noche de la residencia madrileña y cierre de una gira que comenzó en febrero de 2025 en Río de Janeiro. “Shakira para mí lo es todo. Arte, diversión, cura para el corazón, ritmo y locura. Llevo 20 años siendo fan, pero 30 años escuchándola. Básicamente, desde pañales”, explica.

Jorge solo es uno de los miles de extranjeros que se moverán desde todas partes del mundo para ver a la cantante colombiana, que este viernes arranca su ambiciosa residencia europea en Madrid. Durante 12 noches desde este 18 de septiembre, el estadio Shakira —ubicado en el espacio Iberdrola Music de Villaverde— acogerá a unas 600.000 personas en la que será “la mayor residencia de un artista en la historia de Europa”, como se ha referido la de Barranquilla.

Sobre el papel, el 81% del público será español, según los datos facilitados este miércoles por Live Nation a Europa Press. Pero el mapa de la residencia también tendrá acento internacional: un 3% de los asistentes llegará desde Francia; alrededor de un 2%, desde Alemania y Reino Unido; y otro 1%, desde Italia. En total, el 19% de las entradas está en manos de público extranjero, una cifra nada desdeñable para un espectáculo que espera reunir a unas 55.000 personas cada noche. Esto sin tener en cuenta el porcentaje de presencia latina, que Pino Sagliocco, presidente de Live Nation, eleva hasta casi un 90%: “El porcentaje de extranjeros, por encima de todo, diría que casi un 90% porque España es latina”, dijo este miércoles ante los medios.

El 19% de las entradas son de público extranjero

Esta será la sexta vez de Jorge, pero la primera de Olimpia Carlos. Esta mexicana de 27 años reside en Dublín y viajará casi que con lo puesto: aterrizará en Madrid el próximo fin de semana, el 26 de septiembre, irá al concierto del día siguiente y el 28 volverá a hacer las maletas para emprender otro viaje. No es su primera vez en Madrid y, para un viaje ‘exprés’ como este, lo agradece. “Voy mucho más tranquila porque realmente el motivo principal del viaje es ir a verla a ella”.

Si tiene tanta ilusión por verla es porque “literalmente crecí con Shakira”. “Mi mamá era fan desde sus inicios y ponía muchísimo su música durante toda mi infancia. Para mí, verla ahora tiene un punto súper nostálgico. Siento que Shakira es de esas artistas trascendentales que nunca pasan de moda”.

Una sensación parecida tiene Silvia, peruana de 34 años que vive en Barcelona. En su caso, eso sí, no tendrá que cruzar medio continente. Como Olimpia, viajará a Madrid para el segundo fin de semana de conciertos y solo entre las entradas para el espectáculo y el tren ya se ha gastado unos 440 euros. A esta cifra hay que sumarle los 50 euros que se ha gastado en ropa y complementos para su outfit.

Silvia nació en 1991 y sus primeros recuerdos de la cantante están ligados a una vecina, unos diez años mayor que ella, que ponía sus canciones “a todo volumen”. Después llegaron los casetes y sus letras aprendidas de memoria. Más de tres décadas después, por fin podrá escucharlas frente a ella. “Es muy difícil explicar esta sensación de poder verla por primera vez a mis 34 años. Es como regresar en el tiempo y verla por fin. Va a ser un sueño hecho realidad”.

Algo similar le ocurre a Taibteh, venezolana de 32 años que vive en Don Benito, Badajoz, que también ha escogido el cierre de la residencia para ver a la cantante por primera vez. “Todavía me cuesta creer que por fin voy a verla en directo”, reconoce. Shakira forma parte de su vida desde que era pequeña y sus canciones, cuenta, han ido acompañándola según ha ido creciendo. “Llevo siendo fan prácticamente desde sus comienzos y verla ahora en directo después de tantos años es algo muy especial para mí”.

Pese a que su “debilidad” está en el cuarto disco de la cantante, ¿Dónde están los ladrones? (1998), su primer álbum en vivo, grabado en Nueva York, MTV Unplugged (2000) y Laundry Service (2001), su quinto lp y el primero grabado en inglés. “Ha sabido reinventarse sin perder su esencia. Ha evolucionado con la música y con el paso de los años, pero siempre ha mantenido esa forma tan particular de escribir, bailar y transmitir emociones”, sentencia.

Con esto coinciden los expertos. Para Juan Carlos Gomi, periodista especializado en música y autor de Latinas. El nuevo poder musical (Sílex, 2026), una de las claves de la longevidad de Shakira está precisamente en su evolución musical. “Los artistas con tanta carrera no pueden hacer siempre lo mismo. Ella, en cambio, ha cambiado”, explica a Infobae para este artículo.

Por su parte, Pablito Wilson, periodista musical y autor de Reggaetón: Una revolución latina’ (Liburuak, 2022), apunta que “Shakira es la única artista que tiene vigencia contemporánea, peso histórico y que es reconocida en cada rincón del planeta”. Javier Lorbada, que entrevistó a Shakira en 2005, asegura que la clave, junto con la anterior, es su capacidad de fidelización. “Tiene seguidores fieles desde el 96, mientras se van incorporando otros sin que sus cifras se resientan nunca”, apunta. “Es dificilísimo que una mujer de 49 años hoy cautive a niños de cinco, pero pasa”, coincide Wilson.

Como explica Lorbada, lo que ocurre alrededor de la colombiana trasciende sus canciones: “Shakira en España es mucho más que un fenómeno musical, es todo un fenómeno social”. Y desde este viernes hasta el 11 de octubre así será.

Zombis, Looney Tunes, meteorólogos de guerra y planes de rescate medidos al milímetro. Esta semana de estrenos es de altos vuelos y tras disfrutar de la llegada a cartelera de títulos como la secuela de Prácticamente magia, el terror psicológico de El nido o la preciosa historia de reconciliación de Lionel. Mientras esas historias aun permanecen en salas, una nueva hornada llega dispuesta a emocionar a los espectadores mientras el mundo del cine en España tiene otro ojo puesto en el Festival de San Sebastián.

Para esta semana contamos con el regreso de unos viejos amigos animados, un nuevo capítulo en el universo de zombis, la apasionante historia oculta de la Segunda Guerra Mundial o una película de acción con dos grandes estrellas como Jake Gyllenhaal y Henry Cavill. Por muy buenas películas que puedan verse en Donosti, todas estas no tienen nada que envidiar.

Resident Evil

Después de sorprender a todos con Weapons, la película de terror que fue la revelación del año pasado e incluso ganó el Oscar a Mejor actriz de reparto, el director Zach Cregger regresa a la gran pantalla. Y lo hace reiniciando una de las grandes sagas basadas en un videojuego como es Resident Evil. En esta ocasión, el autor de Barbarian se centra en la historia de Bryan (Austin Abrams, quien ya estaba presente en Weapons), un mensajero médico que se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia, mientras el caos se desata a su alrededor.

Tiempo de victoria

No todo el mundo lo sabe, pero parte de la Segunda Guerra Mundial no se ganó gracias a ningún brillate estratega o político negociador, sino a un meteorólogo. Su nombre era James Stagg y era un hombre británico que se encargó de asesorar al ejército aliado antes del determinante Día D, el famoso Desembarco de Normandía. Teniendo que confrontar su pronóstico con el del meteorólogo estadounidense y que actuar en un tiempo límite, la historia de Stagg es por fin llevada a la gran pantalla para demostrar que aun quedan grandes testimonios que contar de aquella época.

En la zona gris

Rodada en Canarias, este thriller de aventuras sobre dos agentes de operaciones especiales es la nueva película del prolífico Guy Ritchie, otrora autor de Snatch, cerdos y diamantes o Rocknrolla y quien en los últimos años ha encadenado películas como El pacto, El ministerio de la Guerra Sucia o La fuente de la eterna juventud. En esta película, titulada En la zona gris, reúne precisamente a cada uno de los protagonistas de sus anteriores películas, a saber, Jake Gyllenhaal, Henry Cavill y Eiza González. Esta última da vida a una reputada abogada que tiene que negociar una deuda con un poderoso multimillonario (Carlos Bardem), pero también arriesgar su vida en el intento. Eso sí, cuenta de su lado con este dúo de agentes especiales que se encargará de protegerla cuando peor se pongan las cosas.

Sus hijos

Andrew Dyer, interpretado por Bill Nighy, es un escritor aislado que lleva dos décadas sin publicar ni abandonar su casa. Durante ese período, su vida familiar se quebró: tuvo un hijo fuera del matrimonio, perdió a su esposa, encarnada por Imelda Staunton, y se alejó de sus otros hijos. La muerte de un amigo y el agravamiento de su alcoholismo lo obligan a enfrentar su propia mortalidad. Entonces, Andrew decide convocar a toda la familia por primera vez. Richard, a quien da vida Johnny Flynn, y Jamie, interpretado por George MacKay, vuelven marcados por el rencor y la desconfianza. Ambos creen que el encuentro responde al deseo de su padre de reparar los daños del pasado y aliviar su culpa. Pero la reunión no sigue el camino que esperan. Andrew revela una verdad que modifica la mirada sobre los vínculos familiares y redefine el conflicto que los separó durante años.

Coyote vs. Acme

A pesar de que Warner intentó enterrar la película por un tema de impuestos, finalmente el cine ha ganado y los Looney Tunes regresan a los cines por la puerta grande y con una gran historia de superación detrás. La misma que la de Wile E. Coyote, el mítico coyote de los dibujos animados conocido por perseguir incansablemente al veloz Correcaminos. En esta historia que combina animación y acción real al estilo de Space Jam o Quién engañó a Roger Rabbit, un fracasado abogado (Will Forte) recibe la propuesta del Coyote para llevar a juicio a Acme, la empresa encargada de fabricar todos esos defectuosos productos con los que no ha conseguido dar caza al Correcaminos. Comienza entonces un gran juicio en el que solo la intervención de otros Looney Tunes podrá destapar la gran conspiración que se esconde detrás de Acme.

Lleva más de 40 años en colecciones privadas, pero hoy ha vuelto a mostrarse ante el público. Iris (1924-1925), una de las obras de la última etapa del pintor impresionista Claude Monet (París, 1840-Giverny, 1926), se ha exhibido este jueves en la casa de subastas Sotheby’s París junto a otras 27 piezas “raramente mostradas al público, muchas de ellas presentadas por primera vez” que poseía la coleccionista de arte francesa Jeanne Schlumberger (1889-1983). El próximo 22 de octubre saldrá a subasta con una estimación de entre 22 y 30 millones de euros. Si alcanza la cifra más alta, podría batir el precio récord pagado por una pintura en una subasta celebrada en Francia.

El lienzo será la gran estrella de Le Temps Retrouvé: The Schlumberger Collection, la venta con la que Sotheby’s sacará al mercado una colección privada valorada en más de 40 millones de euros y que reúne también trabajos de Paul Cézanne, Pierre Bonnard, Gustave Moreau, Gustave Courbet, Camille Claudel, Eugène Delacroix y Chaïm Soutine.

Una colección reunida durante 40 años

Iris fue pintado por Monet un año antes de morir en la localidad francesa de Giverny, donde pasó los últimos años de su vida y convirtió los jardines de su casa en uno de los grandes motivos de su obra. “Iris, la obra más importante de esta célebre serie que jamás se haya subastado, ejemplifica la ambición y la innovación de la última etapa de Monet”, escriben desde Sotheby’s. Pero este cuadro no será el único Monet presente en la subasta. También saldrá Saule pleureur, perteneciente a su conocida serie de sauces llorones de Giverny y valorado entre nueve y 12 millones de euros.

Ambas obras pasaron directamente del autor a su hijo, Michel Monet, y terminaron después en manos de la galerista Katia Granoff (1895-1989), que las adquirió con el respaldo de Jeanne Schlumberger, responsable de reunir la colección a lo largo de cuatro décadas.

Entre las otras obras que saldrán a la venta destaca también un raro fresco de Paul Cézanne procedente de Jas de Bouffan, la casa familiar del artista y uno de los lugares fundamentales de sus primeros años de creación. La colección se completa con las pinturas de Pierre Bonnard, el simbolismo de Gustave Moreau y trabajos de Gustave Courbet, Camille Claudel, Eugène Delacroix y Chaïm Soutine.

Según Sotheby’s, Granoff y Schlumberger supieron reconocer el valor de las obras tardías de Monet en un momento en el que todavía no gozaban del mismo reconocimiento que alcanzarían después. “En una época en que su obra seguía siendo incomprendida por muchos coleccionistas y críticos, ella identificó un nuevo lenguaje pictórico radical, uno que transformaría el legado del impresionismo e influiría en generaciones de artistas del siglo XX”, reconocen.

La incógnita quedará despejada el próximo 22 de octubre, cuando las 28 obras salgan a subasta en la capital francesa. Todas las miradas estarán puestas en Iris: de alcanzar los 30 millones de euros, la obra de Monet podría establecer un nuevo récord para una pintura vendida en una subasta celebrada en Francia.

A menos de 24 horas de que Shakira dé el pistoletazo de salida a su residencia europea en Madrid, Live Nation ha publicado los horarios que deberán tener en cuenta quienes acudan a los tres primeros conciertos. La cantante colombiana actuará este viernes 18, sábado 19 y domingo 20 de septiembre en el Estadio Shakira, levantado dentro del recinto Iberdrola Music de Villaverde como parte de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour. La mayor residencia de un artista en la historia de Europa albergará cada noche a cerca de 50.000 personas. En total, a lo largo de sus 12 noches serán 600.000. Sin embargo, la jornada empezará varias horas antes de que ella se suba al escenario gracias al espectacular programa que ella misma ha organizado y que será una oda a la cultura latina.

La apertura estimada del recinto está fijada a las 15.30 horas. Media hora después, a las 16.00, comenzarán las actividades de los ocho pabellones de Macondo Park, una “ciudad efímera” situada alrededor de la residencia en la que la música convivirá con propuestas de gastronomía, moda, literatura, arte y ocio. Allí los fans de la cantante, horas previas al concierto, podrán disfrutar de artistas como Amaia, Nathy Peluso o Guitarricadelafuente, entre muchos otros; acceder a la biblioteca, con una selección de libros inspirada en el mundo latino y la propia cantante, o ir a comer unas arepas. No será hasta las 18.30 horas cuando esté prevista la apertura de puertas del propio ‘estadio Shakira’.

El concierto comenzará, según la previsión de la promotora, a las 20.30 horas. Live Nation calcula que el show terminará en torno a las 23.00, aunque eso no supondrá el cierre inmediato del recinto. Las actividades continuarán hasta las 00.15 horas, momento fijado como final de la programación de la jornada.

Pese a la publicación de los horarios, Live Nation ha advertido de que todos estos horarios son estimados y están sujetos a posibles cambios. De la misma manera, y por el momento, esos solo se aplican a los conciertos del 18, 19 y 20 de septiembre, aunque la organización ya ha avisado de que para los siguientes fines de semana —el del 25, 26 y 27 y del 2, 3, 4, 9, 10 y 11 de octubre— serán similares, aunque habrá que esperar a su confirmación correspondiente.

Cómo llegar al concierto y cómo volver

Para llegar al estadio Shakira, la opción recomendada por la organización es utilizar el transporte público: en Metro, la Línea 3 deja en Villaverde Alto, la misma parada que utilizando el Cercanías para las líneas C-4 y C-5, o la C-3, bajando en San Cristóbal Industrial.

Otra alternativa son los autobuses de la EMT: las líneas 22 y 79, ambas con salida desde Legazpi, funcionarán durante los tres días, mientras que la T41, entre Villaverde Alto y el Polígono Industrial de La Resina, solo prestará servicio el viernes hasta las 21.00 horas.

Para volver después del concierto, Metro reforzará la Línea 3 desde las 23.00 horas, con frecuencias aproximadas de 7,5 minutos hasta medianoche y de entre 3,5 y 3,8 minutos hasta el cierre. También habrá refuerzos en la Línea 12, aunque el horario habitual del Metro no se ampliará. Cercanías tampoco tendrá ampliación nocturna específica. Además de los autobuses 22 y 79, habrá puntos diferenciados para taxis —en la calle San Eustaquio— y VTC —en el cruce de Tobalina con San Ezequiel—.

Como novedad, Live Nation habilitará lanzaderas eléctricas gratuitas, con plazas limitadas, desde la Gran Vía de Villaverde hasta Atocha, con parada intermedia en Legazpi únicamente para bajar. Funcionarán entre las 23.00 y las 02.00 horas, con frecuencias de cada 10 minutos entre las 23:00 y las 00:00; de 7,5 entre medianoche y las 01:00; y cada 15 minutos de 01:00 a 02:00.

Otro momento que seguro que puede sumarse a la historia del Shakímetro es la residencia de 12 conciertos de Las Mujeres No Lloran World Tour, que arranca este viernes 18 de septiembre y finaliza el 11 de octubre, con un estadio hecho a medida en Villaverde que albergará a 600.000 personas en total, superando la cifra de Bad Bunny cuando pisó el Metropolitano durante 10 noches.

Pocas cantantes, latinas o no, han logrado lo que ella, no solo en España, sino en el mundo entero. Es todo lo contrario a un one-hit wonder. “Shakira es la única artista que tiene vigencia contemporánea, peso histórico y que es reconocida en cada rincón del planeta. Esas tres a la vez”, sentencia el argentino Pablito Wilson, autor del libro Reggaetón: una revolución latina (Liburuak, 2022) y uno de los mayores expertos en el género. “Shakira casi nunca ha sacado un tema fallido. Incluso los temas más chiquitos como tuvieron difusión. El único tema fallido que ha sacado en los últimos 20 años es la canción con Anuel en pandemia [el tema Me gusta]. Todo lo que saca se pega”, apostilla.

Considerada una niña prodigio, comenzó a bailar con apenas tres años, a componer a los ocho (incluidas en su álbum debut) y a cantar a los 11. La cantante de Barranquilla publicó Magia, su primer álbum, en 1991, con apenas 14 años. Sin embargo, tuvo que esperar a su tercer disco, Pies descalzos (1995), para consagrarse. Para entonces tenía 18 años. Desde entonces, ha publicado discos de manera regular cada tres o cuatro años, con la excepción de este último, su duodécimo: Las mujeres ya no lloran llegó en 2024, siete años después de El Dorado (2017). Shakira volvió como un ave fénix de la música latina: el título nació de uno de los versos de su sesión con Bizarrap, —“Las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan”—, tema que rompió 14 récords de los Guinness publicado tras su ruptura con el exfutbolista Gerard Piqué. No solo terminó dando nombre al álbum, sino también a la gira que ahora desembarca en Madrid.

Adaptarse o morir

La clave ha sido cambiar tantas veces de género musical como lo ha hecho la industria, pasando del pop-rock de sus primeros grandes discos a la electrónica, el reguetón, la bachata o, más recientemente, los sonidos urbanos y la música regional mexicana. También lo ha hecho con su imagen: no siempre fue rubia; en los 90 llevaba una larga y ondeada melena negra y fusionaba el estilo cowboy con el étnico, por poner un ejemplo. “Ha sabido adaptarse a los tiempos”, remarca por su parte el periodista musical Juan Carlos Gomi, autor de Latinas. El nuevo poder musical (Sílex, 2026). “Tenía un espíritu rockero y se fue introduciendo en nuevas músicas, se subió a la ola de la música latina y ha creado su propio espacio. Eso no es fácil. Los artistas con tanta carrera no pueden hacer siempre lo mismo. Del disco anterior, El Dorado [2017], con La bicicleta, al disco de ahora [Las mujeres ya no lloran, 2024] con Bizarrap y colaboraciones de primer nivel, ha cambiado. Pero ha conectado con el nuevo público y el público que la ama la sigue manteniendo. Eso para un artista es muy difícil”.

La cantante empezó una etapa “rebelde”, apunta Wilson, al principio de los 90 con Pies descalzos y ¿Dónde están los ladrones? (1998), que incluían temas como Estoy aquí, o Antología. Después llegó su salto internacional, marcado por Servicio de lavandería (2001) —con su versión en inglés, Laundy Service, animada por Gloria Stefan— y Fijación oral vol. 1 y su continuación, Oral Fixation vol. 2 (2005), cuando comenzó a dirigirse a un mercado global y amplió también su paleta musical. Con su penúltimo disco vino su era urbana, donde se apoyó en el reguetón, haciendo colaboraciones con Nicky Jam o Maluma. “Cuando salió El Dorado, creíamos que el reguetón era lo máximo. Hoy en día hay muchos géneros que compiten: está el reguetón, el regional mexicano, el K-pop. Los artistas han tenido un poquito más de libertad para moverse entre tendencias”, añade Wilson.

Entre otros factores de su éxito se encuentra su capacidad de convocatoria. No es común que haya niños cantando canciones de una mujer que roza los 50. Javier Lorbada, periodista musical que entrevistó a la cantante en 2005, apunta que en 35 años, Shakira, al contrario de lo que pudiera parecer, no ha perdido público. “Tiene seguidores fieles desde el 96, mientras se van incorporando otros sin que sus cifras se resientan nunca. Ha sabido adaptarse sin perder su esencia y manteniendo siempre su mensaje de lucha y empoderamiento”.

“Cuando ves las letras de Shakira hoy en día, que la gente critica porque ya no son como las de antes, se siente como si ella estuviera estudiando las tendencias actuales. Cuando escuchas la letra de Monotonía, por ejemplo, tiene frases que asociamos al reguetón puertorriqueño o a la bachata dominicana, nuevas formas de decir las cosas más propias de generaciones jóvenes”, señala Wilson, para añadir que fue gracias a su hijo Milan, quien convenció a la cantante de contactar con el argentino Bizarrap, para dar vida a la canción reproche tras su ruptura con Piqué. “Ahí es donde uno entiende por qué ella se ha podido reinventar, entendiendo que aun así es dificilísimo. Es dificilísimo que una mujer de 49 años hoy cautive a niños de cinco, pero pasa”.

Además, el fútbol mueve montañas: Shakira ha interpretado cuatro canciones oficiales para la Copa Mundial de la FIFA a lo largo de su carrera, y dos de ellas le han dado la victoria a España: Hips Don’t Lie (Bamboo version), Alemania 2006; Waka Waka (Esto es África), Sudáfrica 2010; La La La, Brasil 2014; y el último, Dai Dai, junto al cantante nigeriano Burna Boy, este verano.

Su relación con España: “Es todo un fenómeno social”

¿Pero es esto suficiente para que Shakira pueda hacer una residencia de 12 conciertos en Madrid? “Madrid se ha convertido en una ciudad latina. Tú vas en el metro o vas por la calle y hay muchísima población latinoamericana”, apunta Gomi. “Creo que son temas sociológicos que van mucho más allá de la música. Hablamos la misma lengua, nos gusta divertirnos, salir a la calle, comer, beber... Yo viví seis años y pico en Colombia y no me sentí para nada extranjero. Creo que ella apuesta por esa idea de la latinidad de Madrid y por eso ha creado la residencia, aparte de que también es negocio”.

La residencia encaja además con otra transformación: la de los propios conciertos. “Es un cambio de signo de los tiempos de la industria musical. Ahora la gente vive eventos. En vez de irme yo a tu ciudad, tú vienes a la ciudad donde estoy”, resume Gomi. En Madrid, esa idea se lleva al extremo con un recinto hecho a medida y Macondo Park, concebido para ampliar la experiencia mucho más allá de las dos horas de actuación.

Pero su relación con nuestro país no se limita a haber mantenido 12 años de relación con el exfutbolista del F.C. Barcelona Gerard Piqué, dos hijos fruto de su relación con este o sus problemas con Hacienda. “Este tipo de presencia mediática normalmente suele ser contraproducente para la carrera artística de cualquier cantante, pero en su caso ha sabido sacarle rédito a base de letras fácilmente entendibles en un contexto conocido por todos. Eso ha conectado con muchísimas más personas de lo que hubiéramos imaginado nunca, identificándose con su desengaño y sufrimiento. Shakira en España es mucho más que un fenómeno musical, es todo un fenómeno social”, reconoce Lorbada.

En realidad, su historia comenzó mucho antes. Con apenas 20 años y tras dar sus primeros pasos fuera de Colombia gracias a Pies descalzos, en 1996 aterrizó en Madrid para aparecer en el programa Sorpresa, sorpresa, de Antena 3, interpretando Estoy aquí. Desde entonces, ha tocado decenas de veces en España, la última, eso sí, hace ocho años. Aquí arrancó en A Coruña, en junio de 2006, su gira mundial Fijación Oral; ha pasado por recintos como Las Ventas e incluso llegó a pedir apoyo para la candidatura de Madrid a los Juegos Olímpicos.

Su vínculo permanece. “Estoy muy emocionada de volver a España. Aquí fui feliz y viví algunos de los años más importantes de mi vida, pero cuando me fui pasé por uno de los más duros que me tocó vivir”, escribió ayer en redes sociales tras su llegada a España, donde volvió a reivindicar la ‘latinidad’ del país: “El Atlántico ya no es un océano que separa, sino un lazo que nos une”. Treinta años después de inaugurar su llegada a España, Shakira sigue aquí. Esta vez, durante 12 noches.

Los fanáticos del jazz conocen de sobra A Night in Tunisia. Es uno de los temas más famosos de este género musical, reconocible por la fusión de ritmos latinos, su melodía exótica y, sobre todo, su solo en el que el músico se queda tocando sin el resto de instrumentos. Ni Tim Ries ni Rafael Riqueni lo interpretan, pero fue la esencia de esta canción, ese “matrimonio entre culturas”, lo que unió a un saxofonista famoso en todo el mundo por tocar junto a los Rolling Stones y a uno de los mejores guitarristas flamencos que tenemos en España.

Así es como llegamos a Tunisia, el evento musical que se estrenará en la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla, que se celebrará entre el 9 de septiembre y el 3 de octubre. Ries y Riqueni tocarán el 21 de este mes, ofreciendo un programa donde dialogan flamenco y jazz desde una mirada tan íntima como global. “Mi inglés es muy cortito, very little, lo justo para poder funcionar con los ensayos y con la comunicación con Tim”, explica el español durante la entrevista. “A él le pasa lo mismo con la lengua española, pero la música es un idioma universal, no tenemos ningún tipo de problema”.

El estadounidense va más allá: “De alguna manera, puedo sentir la música de Rafael antes de tocarla. Los músicos vivimos en un mundo que no está realmente en la Tierra. Solo tocamos el suelo cuando tenemos que comer y pagar la cuenta. Creo que la mejor manera de pensar en la música es como dos mariposas que vuelan juntas. No hay palabras. Tienen su propio sentido del espacio, y así vivimos nosotros. Simplemente volamos”.

Un estadounidense sumergido en el flamenco

Esta singular pareja nació de un binomio tan simple como efectivo: alguien les propuso que colaboraran para una actuación concreta y ellos aceptaron. “Pero vimos que ahí había potencial para hacer algo más”, explica Ries. Eso sí, había mucho trabajo por delante: a pesar de que tanto el saxofonista como Riqueni destacan por su gusto por la fusión de géneros, en el caso del estadounidense no era solo tocar en un estilo diferente, sino empaparse de una de las culturas musicales más ricas del mundo.

“Eso es porque reúne muchas culturas: la romaní de la India, la de los árabes del norte de África, la del pueblo judío de España, la de los propios españoles y los esclavos llevados de África a Cádiz y Sevilla”, recuerda Ries. La Bienal y su flamenco, en cierto modo, evocan una Sevilla que en su día fue el punto de unión del mundo entero, y también, según el saxofonista, “la primera capital musical mundial”. “Puedes sentir todo eso en la música”, afirma. “Tiene todos los elementos: ritmo, armonía, las notas, el canto, casi una oración para los cantaores”.

Así, su trabajo ha consistido también en buscar formas de sentirse parte de todo ese bagaje. “Yo crecí en Detroit escuchando mucho soul y música de Motown (la discográfica). La música flamenca está muy cerca de la música negra estadounidense, porque es muy sentida. Me atraen mucho estos sonidos y también los elementos romaníes, porque trabajo mucho con personas romaníes en Budapest y Rumanía”.

Una búsqueda expresiva

Rafael Riqueni vive esta colaboración desde el lado completamente opuesto. Él encarna las raíces, el talento puro de la sangre que le llevó, cuando era apenas un adolescente, a ser conocido en todo el país por su genialidad con la guitarra, instrumento con el que hoy es considerado uno de los grandes maestros del flamenco. “Ya hicimos algo en la tercera Bienal”, rememora. “Han sabido mantener lo que es la identidad flamenca y seguir avanzando en la vanguardia con diferentes propuestas para que el flamenco pueda tener siempre esa vida que tiene”.

A pesar de que en trabajos como Flamenco (1987) muestra su habilidad con la guitarra siguiendo las raíces, muchos de los discos más conocidos de Riqueni parten de un espíritu innovador. Juego de niños (1986) supuso toda una revolución armónica cuando se publicó, y Mi Tiempo (1990) probaba con los arreglos de cuerda y otras instrumentaciones para un trabajo más poético y conceptual.

Esto no ha cambiado tras su regreso después de su prolongado retiro por diferentes problemas personales y de salud mental, el cual duró desde finales de los 90 hasta prácticamente 2017: “Para contar las cosas que quiero decir, necesito tener un lenguaje bastante amplio. Me tengo que apoyar en la música clásica, en el jazz o en cualquier tipo de música que me ayude a expresarme con la guitarra”.

Eso sí, a pesar de las mezclas, el flamenco siempre permanece: “Está en el sentimiento, en llegar a una nota y hacerla llegar al espectador”. Tunisia parte de las composiciones del propio Riqueni con una base fiel a sus tradiciones, “pero después te das cuenta de que alguien como Tim puede, de pronto, hacer un giro que también es flamenco. Eso es lo realmente importante: la expresión”.

Lo que distingue a un buen guitarrista de un gran guitarrista

A lo largo de su carrera, Tim Ries ha tocado con guitarristas de todo tipo. Al acompañar a los Rolling Stones, colaboró con Keith Richards y Ronnie Wood, pero también ha acompañado a otros grandes como Bill Frisell, John Scofield e incluso el cantante Paul Simon. “Son sensibilidades y estilos muy diferentes”, reconoce, “pero, más que el instrumento, es la persona que lo toca. Yo soy el instrumento, y la mejor manera en que un músico puede comunicarse es no interponiéndose en la música. Debo permitir que la música entre en mí y salga por el saxofón”.

Por eso, lo que distingue a los mejores guitarristas es ser “fieles a su alma y a su lenguaje”. “Keith (Richards) no tiene la técnica de un guitarrista como Rafael. Él toca más blues, inspirado por Muddy Waters y otros músicos de Estados Unidos, y eso se convirtió en su rock. Ronnie igual. Scofield viene de ahí, pero también del jazz, con más armonías y técnica. El flamenco que toca Rafael implica mucha técnica, inteligencia, armonía y ritmo”. ¿Y el propio Tim Ries? “No pienso en mí mismo como un músico de pop, rock o jazz”, concluye con una sonrisa. “Solo acepto la música”.

La película está protagonizada por Bill Nighy encarna a Dyer, un novelista de éxito retirado y alcohólico que cree estar cerca de morir y llama a Richard, interpretado por Johnny Flynn, y Jamie, al que da vida George MacKay, a su mansión rural para hablar de Andy, su hijo adolescente, encarnado por Noah Jupe.

La revelación central debe preservarse para no arruinar el efecto de descubrimiento que propone el guion de Trapero y Sarah Polley, ya que el film incorpora un giro de ciencia ficción, de raíz sociológica o ‘posmoderna’, aunque mantiene el foco en los personajes antes que en la premisa que activa el conflicto.

Un padre terrible que busca el perdón de sus hijos

La historia se abre en la casa de Dyer, un espacio acomodado pero asfixiante del que el escritor apenas sale. Andy vive con él y le comunica que un antiguo amigo ha muerto; la viuda del fallecido ha pedido a Dyer que pronuncie el elogio fúnebre, pero el novelista no se encuentra en condiciones de abandonar la propiedad ni de escribir.

Dyer pasa los días en el sofá, escuchando discos de jazz, con una adicción al alcohol y a los medicamentos recetados. La única ayuda cotidiana procede de Andy y de una empleada sueca interpretada por Anna Geislerová, mientras el padre prepara el reencuentro con sus dos hijos mayores.

Richard llega desde Nueva York acompañado de su propio hijo y con la intención de adaptar al cine Saturn’s Salute, el libro más vendido de su padre. Jamie, artista plástico, quiere convertir el sufrimiento de Dyer en materia para su obra. Ambos dependen, de formas distintas, de la fama y el legado del hombre al que rechazan.

La hostilidad tiene un origen situado 20 años antes: Dyer abandonó a Isabel, la madre de Richard y Jamie, por una relación extramatrimonial de la que nació Andy. Cuando los tres hijos vuelven a reunirse, el escritor sostiene que aquella infidelidad fue una coartada y que el origen de su hijo menor no es el que todos habían aceptado.

Trapero no despeja de inmediato si Dyer dice la verdad. La cuestión de fondo no sería tanto la veracidad de su relato como la huella que ha dejado en sus hijos y si estos pueden evitar repetir las conductas que les han marcado.

Richard lleva cinco años sobrio después de haber tenido problemas con la bebida como su padre. Jamie comparte la dedicación fría y absorbente de Dyer hacia el arte. Andy, que ocupa la antigua habitación del novelista y viste su ropa de otra época, teme acabar reproduciendo la personalidad de quien le ha criado.

Un reparto internacional de grandes estrellas

El reparto masculino construye personajes definidos por ansiedades e inseguridades que apenas exteriorizan, mientras Imelda Staunton brilla como Isabel. La actriz interpreta a la esposa que dejó a Dyer tras la aventura y aporta contención a una película atravesada por gritos, peleas alcohólicas y enfrentamientos familiares.

La presencia de Staunton introduce un registro emocional más profundo en los pasajes contenidos de un film en el que destaca el humor oscuro del guion, la dirección medida de Trapero y la entrega del reparto, elementos que sostienen el retrato de una familia en crisis aun cuando sus miembros parecen próximos a separarse definitivamente.

Bill Nighy se transforma físicamente, y está casi irreconocible con barba y aspecto descuidado frente a su habitual imagen pulcra para interpretar a ese padre terrible que busca reparar el daño causado en el tramo final de su vida.

Además de Nighy, Noah Jupe, Flynn, MacKay, Staunton y Geislerová, el reparto incluye a Arthur Conti y Dominic West. Diego Dussuel firma la fotografía, Sonja Klaus el diseño de producción, Cristobal Tapai De Veer la música y Trapero comparte el montaje con Gemma Cabello y Thom Smalley.

El actor Matthew Lillard lamentó su regreso a Scream y afirmó que debió rechazar su participación en la séptima película de la franquicia tras el despido de Melissa Barrera. El actor, que interpretó a Stu Macher en la cinta original de 1996, habló durante una sesión de preguntas y respuestas por los 30 años de Scream. Allí reconoció que aceptó volver al proyecto sin reparar en la situación de Barrera. Matthew Lillard sostuvo que se siente avergonzado por haber retomado su personaje en Scream 7. El actor relacionó su decisión con la salida de Melissa Barrera, apartada de la producción después de publicar mensajes de apoyo a Palestina y críticas a las acciones de Israel en la guerra entre Israel y Hamas. “Me siento mal por eso. Me siento avergonzado”, dijo Lillard ante el público. Según explicó, la posibilidad de regresar a la saga lo entusiasmó y no pensó en lo que atravesaba Barrera ni en las implicancias de aceptar el trabajo.

El intérprete afirmó que “debió haber dicho que no” a la propuesta. También reconoció que fue cuestionado por reincorporarse a la franquicia y sostuvo: “Me equivoqué. Estoy del lado equivocado de la historia en eso”. Lillard indicó que aún disfruta formar parte de la película, aunque admitió que su vuelta “quizás no fue la mejor idea”. Sus declaraciones surgieron cuando un asistente le preguntó por las dificultades que enfrentan las figuras públicas al pronunciarse sobre asuntos políticos.

El actor dijo que procura defender a las comunidades queer y trans, así como manifestarse contra el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE). Aun así, reconoció que tomar posiciones públicas puede tener consecuencias laborales. Durante el encuentro, Lillard se refirió a Barrera como una actriz “hermosa” y cuestionó que fuera despedida luego de sus publicaciones. “Es una mierda y es muy duro”, afirmó sobre el caso. Spyglass Entertainment apartó a Barrera de Scream 7 a finales de 2023. La compañía señaló entonces que tenía “tolerancia cero con el antisemitismo o la incitación al odio en cualquier forma”.

Los cambios que atravesó la última película

Barrera rechazó las acusaciones de antisemitismo y explicó que utilizaba su plataforma para visibilizar asuntos que le preocupaban. La actriz también sostuvo que el silencio no era una opción para ella. Lillard consideró que la industria del cine no reaccionó como debía ante la salida de Barrera. Según dijo, “todo el mundo” tendría que haber expresado respaldo a la actriz cuando perdió su puesto dentro de la saga. El actor añadió que Barrera anticipó un debate que luego se amplió en Hollywood. También recordó que, tras su despido, las ofertas de trabajo para la intérprete disminuyeron, de acuerdo con lo que ella misma había contado.

Barrera encabezó el relanzamiento de la franquicia desde 2022 como Sam Carpenter, un personaje vinculado a Billy Loomis, uno de los asesinos Ghostface de la primera película. Participó en dos entregas antes de quedar fuera del proyecto. Su salida provocó cambios en la producción. El director Christopher Landon también abandonó la película, al igual que Jenna Ortega, quien interpretó a Tara Carpenter, hermana de Sam. La salida de Ortega fue atribuida en un primer momento a compromisos con la serie Miércoles, de Netflix. Más tarde, la actriz explicó que decidió no continuar porque el proyecto “se estaba desmoronando”.

Ortega declaró a The Cut que, si Scream 7 no iba a contar con el equipo de directores y las personas con las que había trabajado, no le parecía la decisión adecuada para su carrera en ese momento. La séptima entrega reorientó su historia hacia Sidney Prescott, el personaje interpretado por Neve Campbell. Kevin Williamson, guionista de la película original, volvió como coguionista y director de una trama en la que un nuevo Ghostface apunta contra Tatum, la hija de Sidney, interpretada por Isabel May.

Es la actriz de la que todo el mundo habla, y tiene pinta de que seguirá siendo así durante los próximos meses. Inde Navarrette se dio a conocer mundialmente hace tan solo unos meses gracias a la película Obsession, y desde entonces se ha convertido en la niña bonita de Hollywood. Elogios, premios y festivales infinitos que la han llevado a conocer a una de sus referentes, que resulta ser nada más y nada menos que la mismísima Penélope Cruz.

Ambas han coincidido en Toronto, donde ha tenido lugar el Festival Internacional de Toronto (TIFF) y donde Navarrette recogía un premio de parte de IMDB, la mayor web de cine y series en todo el mundo. Después de recoger el premio IMDb “Breakout” STARmeter, Navarrette confesaba que acababa de encontrarse con la actriz española, y que le había hecho tanta o más ilusión que recibir el premio, el cual había sido designado por los más de 250 millones de usuarios mensuales de la web.

“He conocido a Penélope Cruz, me ha dicho que aun no ha visto la película Obsession y le he dicho que no hacía falta, que ella no tiene por qué saber quién soy. Estoy obsesionada con ella. Voy a por ti, Penélope, no para seguir tu carrera sino porque estoy obsesionada contigo”, bromeaba en última instancia la joven actriz. Penélope Cruz se encontraba allí promocionando dos de sus últimas películas, tanto The Invite de Olivia Wilde -basada en Sentimental de Cesc Gay- como La bola negra, la película de los Javis por la que se podría convertir en una rival para la propia Navarrette.

Amigas y puede que rivales

Lo cierto es que Navarrette ha cosechado ya varios premios en lo que va de temporada, entre ellos Critics’ Choice Super Awards, los Premios cinematográficos Astra de mitad de temporada o el Festival Internacional de Cine de Seattle, además del mencionado de IMDB. Falta por ver si la actriz se acaba asentando en la temporada principal de premios, con los Globos de Oro y quién sabe si los Oscar, un lugar en el que parece que también estará La bola negra, convirtiendo a Navarrette y Cruz de amigas a rivales.

Tras el éxito de Obsession, a Navarrette no han parado de lloverle ofertas, y la que ha aceptado primero de forma oficial es la propuesta de Marvel con X-Men, la película basada en el universo de los mutantes y que contará con Jake Schreier (Thunderbolts) como director y gente como Sadie Sink, Kit Connor, Samara Weaving, Christopher Abbott o Adam Driver en su reparto. Navarrette dará vida a Rogue/Pícara, uno de los personajes más fuertes de los X-Men, y es solo cuestión de tiempo ver si ya ha hecho como esta superheroína y le ha “robado” sus poderes a Penélope Cruz tras estar en contacto con ella. De momento parece que, como dirían en Casablanca, ha sido el comienzo de una bonita amistad entre la española y la que se ha convertido en la actriz de moda en Hollywood.

La ficción consta de ocho episodios, dirigidos por Philipp Kadelbach, y adapta la novela gráfica Berlinoir, del ilustrador Reinhard Kleist y el escritor Tobias O. Meißner.

El punto de partida es el reencuentro de Bea Hoffmann y Phoebe Kaya, dos hermanas separadas durante la infancia que han crecido en extremos opuestos de la ciudad. Bea, interpretada por Lea Drinda, vive bajo la protección de su madre adoptiva y padece una enfermedad crónica; Phoebe, a quien da vida Soma Pysall, ha aprendido a sobrevivir en las calles.

Lucha de clases en un Berlín dominado por vampiros

La crisis climática ha dejado una ciudad abrasadora, cubierta de polvo y con recursos básicos escasos. Los sectores acomodados se resguardan en zonas protegidas por una enorme cúpula climatizada, capaz de recuperar la vegetación, mientras el resto de la población afronta la violencia, la corrupción y la precariedad.

La sangre es la mercancía más valiosa del mercado negro y sostiene una economía clandestina de la que dependen quienes habitan las áreas más desfavorecidas. Los vampiros, lejos de actuar como una amenaza aislada o visible para todos, operan mediante el dinero, las influencias y el control de las redes criminales.

La cúpula que protege a las zonas residenciales también responde a sus intereses: les permite volver a vivir bajo el sol. Desde esa posición, moldean un orden social que preserva sus privilegios y mantiene sometida a una población que desconoce su existencia y centra sus esfuerzos en sobrevivir.

El regreso de Bea y Phoebe coincide con unas elecciones decisivas y amenaza la estabilidad construida en la ciudad. El vínculo familiar sirve para enfrentar dos experiencias de Berlín: la de quienes han encontrado amparo dentro de la estructura dominante y la de quienes conocen las consecuencias de quedar fuera de ella.

El actor de moda alemán en el reparto

El reparto incluye a Franz Hartwig, David Schütter, Jördis Triebel y Lars Eidinger, actor alemán conocido por la serie Babylon Berlin y que estará presente en Man of Tomorrow, de James Gunn. Eidinger interpreta a Zeno Gennardi, relacionado con la comunidad vampírica, y Triebel encarna a Laura Hoffmann.

La lectura política es uno de los rasgos centrales de la serie. La ficción utiliza el mito vampírico para abordar la lucha de clases, la crisis climática y el sometimiento de la mayoría social por una minoría privilegiada.

La ciudad ocupa buena parte del metraje a través de sus calles y edificios deteriorados. La producción evita una visión de futuro basada en grandes avances tecnológicos y propone, en cambio, una Berlín deteriorada por el conflicto bélico global, el cambio de la atmósfera y una desigualdad que la clase política no logra corregir.

City of Blood está disponible en Disney+ y plantea si la amenaza principal procede de los vampiros o de una ciudad que ya había normalizado la explotación, la escasez y el poder de una minoría antes de que esas criaturas revelasen su influencia.

El hecho de que Juan José Millás (Valencia, 1946) lleve décadas observando el mundo con una seriedad imperturbable ante el absurdo de la existencia humana hizo que el crítico literario Juan Antonio Masoliver Ródenas le comparara con el inigualable Buster Keaton, la estrella de Hollywood más influyente de la historia: “La escritura de Juan José Millás, el Buster Keaton de nuestra literatura, es única e inimitable”, escribió en La Vanguardia con motivo de la publicación de El mundo (2007), la obra con la que ganó el Premio Planeta 2007 y el Premio Nacional de Narrativa 2008.

La obra, de corte autobiográfico, sigue a un Juan José Millás de niño que intenta comprender el mundo que le rodea después de que su familia se traslade de Valencia a Madrid, una mudanza que marcará buena parte de sus recuerdos de infancia y de su relación posterior con la escritura.

Bajo esta premisa, la novela arranca con Millás explicando la profesión de su padre, dedicado a reparar y fabricar aparatos de electromedicina. “Mi padre presumía de haber sido el primero en fabricar un bisturí eléctrico en España, aunque seguramente tomó la idea de una publicación extranjera. Recuerdo haberle visto inclinado sobre la mesa del taller, efectuando cortes en un filete de vaca, asombrado por la precisión y la limpieza del tajo. No olvidaré nunca el momento en el que se volvió hacia mí, que le observaba un poco asustado, para pronunciar aquella frase fundacional: ‘Fíjate, Juanjo, cauteriza la herida en el momento mismo de producirla’”, escribió el autor.

Algo así explica el autor en el mismo fragmento del texto, que es su relación con la literatura. “Cuando escribo a mano, sobre un cuaderno, como ahora, creo que me parezco un poco a mi padre en el acto de probar el bisturí eléctrico”, escribe antes de concluir: “La escritura abre y cauteriza al mismo tiempo las heridas”.

El origen de la cita

Esa forma de convertir una experiencia personal en material literario atraviesa buena parte de una trayectoria que comenzó hace ya medio siglo. Millás nació en Valencia en 1946, pero se crio en Madrid, ciudad a la que llegó con su familia cuando tenía seis años. Más tarde inició estudios de Filosofía y Letras, que abandonó antes de poder dedicarse por completo a la escritura.

Su primera novela, Cerbero son las sombras, se publicó en 1975 y recibió el Premio Sésamo. Después llegarían títulos como Visión del ahogado (1977), El jardín vacío (1981), Papel mojado (1983) o El desorden de tu nombre (1987). En 1990 publicó La soledad era esto, con la que ganó el Premio Nadal, y continuó ampliando una bibliografía en la que figuran también Tonto, muerto, bastardo e invisible (1995), El orden alfabético (1998), Dos mujeres en Praga (2002), La mujer loca (2014), Desde la sombra (2016) o Que nadie duerma (2018).

Su carrera literaria ha discurrido en paralelo a una extensa labor periodística. Millás ha colaborado durante décadas con El País y ha desarrollado una modalidad propia a medio camino entre la columna y el relato, el “articuento”, término acuñado por él para definir historias breves de carácter fantástico nacidas de hechos cotidianos. Esa vertiente ha quedado recogida en volúmenes como Cuerpo y prótesis o Articuentos y le ha valido, entre otros reconocimientos, los premios Mariano de Cavia, Miguel Delibes y Francisco Cerecedo.

En los últimos años ha seguido alternando ficción, periodismo y otros formatos. Entre sus libros más recientes destacan La vida contada por un sapiens a un neandertal (2020) y La muerte contada por un sapiens a un neandertal (2022), escritos junto al paleoantropólogo Juan Luis Arsuaga. Su última novela, Ese imbécil va a escribir una novela, se publicó en mayo del año pasado.

Los países deben formalizar sus candidaturas antes del 1 de octubre para optar a la 99ª edición de los premios de la Academia. La organización anunciará el 15 de diciembre una ‘shortlist’ de 15 películas internacionales, que votarán los miembros de todas las ramas comprometidos a verlas, y revelará las nominaciones el 21 de enero.

La película española obtuvo una ovación de pie de 16 minutos en el Festival de Cannes, donde compartió el premio a la mejor dirección con Pawel Pawlikowski por Fatherland. Netflix, su distribuidora en Estados Unidos, ha anunciado para el largometraje una ventana de exhibición en cines de 47 días, la más extensa concedida hasta ahora por la plataforma a una película.

El filme entrelaza tres relatos conectados, rodados con registros cinematográficos distintos, sobre la experiencia homosexual en España en 1932, 1937, durante la Guerra Civil, y 2017. Parte de las cuatro primeras páginas de una novela inacabada de Federico García Lorca y de algunos de sus últimos poemas, así como de la obra teatral de Alberto Conejero La piedra oscura.

Penélope Cruz interpreta a una bailarina de cabaré y Glenn Close realiza una aparición como hispanista contemporánea. Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos Gutiérrez encabezan el reparto de una producción que ya figura en las conversaciones sobre candidaturas en otras categorías.

Las candidatas más potentes (por el momento)

La carrera por las nominaciones reúne títulos premiados en los principales festivales. Rumanía ha seleccionado Fjord, escrita y dirigida por Cristian Mungiu, que ha ganado la Palma de Oro del Festival de Cannes. Sebastian Stan y Renate Reinsve protagonizan la película que sigue a una pareja acusada por las autoridades noruegas de maltratar a sus hijos, por lo que entrarán en un duro litigio de carácter ideológico y social por su custodia.

Francia acaba de seleccionar la obra del cineasta ruso Andrey Zvyagintsev, titulada Minotauro, Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y una versión en clave política de La mujer infiel de Claude Chabrol ambientada en la Rusia actual y con la guerra de Ucrania como telón de fondo.

Corea del Sur ha seleccionado Possible Love, de Lee Chang-dong, su primer largometraje en ocho años tras Burning, Poetry y Secret Sunshine. El filme retrata a dos matrimonios que se cruzan después de un funeral: Mi-ok y su marido Ho-seok, despedido de su empleo, y la documentalista Ye-ji con su esposo Sang-woo.

La película, un original de Netflix acaba de ganar el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y se ha destacado la puesta en escena y la presión sostenida del relato, centrado en formas sutiles de violencia, libertades incompletas y la felicidad. La trama incorpora una secuencia sobre un movimiento laboral y muestra cómo la cercanía entre las dos mujeres altera el equilibrio de ambas parejas.

Japón estará representado por De repente, de Ryusuke Hamaguchi, cinco años después de que Drive My Car ganase el Oscar internacional y lograse candidaturas a mejor película, dirección y guion adaptado.

La historia adapta el libro epistolar When Life Suddenly Takes a Turn: Twenty Letters Between a Philosopher With Terminal Cancer and a Medical Anthropologist, de Miyano Makiko e Isono Maho. Virginie Efira encarna a la responsable de una residencia de mayores próxima a París que defiende un modelo de cuidados centrado en la dignidad, mientras Tao Okamoto da vida a una directora de teatro japonesa en tratamiento por cáncer.

Gran variedad de propuestas europeas

Alemania ha elegido Everytime, de Sandra Wollner, mejor película en Cannes en la sección Una cierta mirada. Sigue a una mujer tras la pérdida de su hija y sitúa a la protagonista, a la hermana pequeña de la fallecida y al joven al que todos responsabilizan de la muerte en unas vacaciones familiares en Tenerife. La memoria y el presente se confunden en una historia en el que el pasado y el presente se entremezclan.

Hungría ha presentado El amigo silencioso, de Ildikó Enyedi, una exploración de la relación entre seres humanos, plantas y tiempo protagonizada por Tony Leung Chiu-Wai, Luna Wedler, Enzo Brumm y Léa Seydoux. La película se presentó el año pasado en el Festival de Venecia y se podrá ver a partir de mañana en Filmin.

Enyedi ya había llevado a Hungría a los Oscar En cuerpo y alma ganadora del Oso de Oro de Berlín y nominada en la categoría internacional en 2018.

Irlanda, por su parte, ha seleccionado Aontas, un thriller de atracos en irlandés dirigido por Damian McCann y narrado en orden cronológico inverso.

La producción irlandesa comienza tras el desenlace trágico de un robo a un banco rural y reconstruye la operación de tres ladrones improbables, liderados por una mujer al borde del colapso. Carrie Crowley, Bríd Brennan, Eva-Jane Gaffney, Seán T. Ó Meallaigh, Marcus Lamb y Art Parkinson forman el reparto.

Suiza concurrirá con el documental Who is Still Alive, dirigido por Nicolas Wadimoff, que recoge los testimonios de nueve palestinos que escaparon de la crisis de Gaza y examina la pérdida del hogar en el marco de la guerra. La obra se estrenó en Giornate degli Autori, sección paralela del Festival de Venecia de 2025.

Australia presentará First Light, el debut en el largometraje de James J. Robinson, primera coproducción filipino-australiana y primera obra en tagalo seleccionada por el país para los premios de la Academia. Ruby Ruiz interpreta a la hermana Yolanda, una monja y enfermera que investiga la muerte sospechosa de un joven trabajador de la construcción y descubre una trama de corrupción que alcanza a las élites locales y a la Iglesia.

Chile ha escogido El deshielo, de Manuela Martelli, un misterio situado en una estación de esquí de los Andes tras la dictadura de Augusto Pinochet. La obra, continuación de Chile, 1976, se estrenó mundialmente en Cannes en Una cierta mirada y está protagonizada por Maya O’Rourke, que debuta en el cine como una niña de nueve años que presencia sucesos inquietantes en el complejo turístico de su familia.

Lituania estará representada por How to Divorce During the War, tercer largometraje de Andrius Blaževičius y ganador del premio a la dirección en la competición World Cinema Dramatic de Sundance. Ambientada en Vilnius en 2022, narra la decisión de Marija de pedir el divorcio a Vytas un día antes de la invasión rusa de Ucrania a gran escala, mientras la separación coincide con una crisis de mediana edad y la llegada de refugiados.

Las posibles sorpresas asiáticas

Indonesia ha designado Four Seasons in Java (Empat Musim Pertiwi), escrita y dirigida por Kamila Andini. Putri Marino interpreta a Pertiwi, una mujer que sale de prisión y regresa a una localidad que la rechaza, obligada a enfrentarse a su pasado entre silencios, violencia y fracturas sociales.

El drama psicológico incorpora misterio, realismo mágico y ciencia ficción para abordar el trauma, la memoria y la reconstrucción de la identidad.

Andini ya representó a Indonesia en los Oscar con Yuni y su película Before, Now & Then (Nana) compitió en Berlín, donde Laura Basuki obtuvo el Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto.

Filipinas ha elegido Filipiñana, escrita y dirigida por Rafael Manuel. La película se desarrolla bajo un calor opresivo y una sequía, y sigue a Isabel, una joven de 17 años procedente de una zona rural que consigue trabajo en un exclusivo complejo de golf.

Jorrybell Agoto, Carmen Castellanos, Teroy Guzman, Carlitos Siguion-Reyna, Isabel Sicat y Nour Houshmand integran el reparto. El cineasta chino Jia Zhangke ejerce como productor ejecutivo de una obra que ha ganado el Premio Especial del Jurado a la Visión Creativa en la competición World Cinema Dramatic de Sundance y el Luna de València al mejor largometraje en Cinema Jove.

Nepal concurrirá con Elephants in the Fog, primer largometraje de Abinash Bikram Shah. La historia sigue a una comunidad kinnar de una aldea nepalí que lucha por protegerse y se ha alzado con el Premio del Jurado de Una cierta mirada en Cannes, además de recibir candidaturas a la Cámara de Oro y la Queer Palm.

Pushpa Thing Lama, Deepika Yadav, Jasmine Bishwokarma, Aliz Ghimire y Dura Sanjay Kumar Gupta protagonizan la película. La distribuidora Filmin ha adquirido los derechos para España.

Singapur ha escogido We Are All Strangers, escrita y dirigida por Anthony Chen, la primera película del país seleccionada para la competición oficial de Berlín. Yeo Yann Yann y Koh Jia Ler encabezan un relato sobre relaciones familiares y cambios imprevistos que cierra la trilogía Growing Up, iniciada con Ilo Ilo en 2013 y continuada con Wet Season en 2019.

Las dos entregas anteriores han reunido más de 50 premios internacionales, incluidos cinco Golden Horse Awards, y Ilo Ilo ganó la Cámara de Oro de Cannes. Ambas fueron candidatas de Singapur a los Oscar en las ediciones 86ª y 93ª.

Marruecos competirá con Strawberries (La más dulce), de Laila Marrakchi, sobre un grupo de temporeras marroquíes contratadas para recoger fresas en España que se enfrentan a empleadores abusivos. La película aborda el acoso y las condiciones de vida inhumanas que encuentran unas jóvenes desplazadas desde Marruecos para sostener a sus familias.

Marruecos todavía no ha conseguido una nominación al Oscar, aunque ha entrado tres veces en la lista corta, la última en 2023 con La madre de todas las mentiras, de Asmae El Moudir.

Turquía ha elegido Like a Limbless Tree, de Tunç Davut, un drama sobre Refik, un ingeniero jubilado diagnosticado de una enfermedad terminal cuando desaparece su cuidadora siria al tratar de huir a Europa. El protagonista debe hacerse cargo de los dos hijos de la mujer en una película producida por Tekhne Film y protagonizada por Ali Ipin, Fayyaz Duman y Selen Kurtaran.

Camboya ha escogido Becoming Human, debut de Polen Ly, sobre Thida, espíritu protector de un cine envejecido que será demolido y que debe decidir entre renacer o continuar como fantasma. Savorn Serak, una estudiante de danza de 15 años, encabeza el reparto junto a Piseth Chhun, premiado en Horizontes de Venecia en 2021 por White Building.

Irak ha seleccionado No Paradise If You Are Killed by a Woman, thriller de Halkawt Mustafa sobre Vyan, una francotiradora kurda que regresa a Mosul para rescatar a su hermana menor, aún prisionera del Estado Islámico. Avan Jamal encarna a la protagonista, junto a Thorbjørn Harr, Kanar Sarchl y Kader Jalal.

Mustafa, nacido en el Kurdistán iraquí y refugiado en Noruega durante su infancia, se inspiró en su encuentro con una francotiradora peshmerga en el frente en 2014. El rodaje se realizó en las calles y espacios reales de Mosul para lograr la autenticidad física y emocional que el director buscaba.

Por último, Israel ha presentado Tell Me Everything, de Moshe Rosenthal, tras imponerse como mejor película en los premios Ophir. Ambientada en los años ochenta, durante el inicio de la epidemia de VIH, la historia acompaña a Boaz, que con 12 años descubre un secreto devastador sobre su padre y, ya adulto, intenta reparar la relación con él.

Se ha publicado en nuestro país El tren de la medianoche (AdN), de Matt Haig, una nueva historia ambientada en el Universo de la Medianoche que retoma el terreno de las segundas oportunidades tras el éxito internacional de La biblioteca de la medianoche.

La biblioteca de la medianoche se convirtió en un bestseller, superando los 12 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo situando a Haig en la lista de los autores más vendidos a lo largo de dos años, con más de 200.000 las reseñas acumuladas en Amazon.

El nuevo libro no continúa la historia de Nora Seed, protagonista de la anterior novela, sino que vuelve a un marco narrativo donde la muerte abre una vía hacia las vidas posibles, los recuerdos y las decisiones irreversibles. El eje ahora es Wilbur Budd, un empresario librero que ha terminado aislado pese a su éxito profesional.

Un trayecto lleno de recuerdos

El protagonista, de 81 años tras sufrir un infarto y morir, emprenderá un viaje en tren por episodios decisivos de su pasado. En cada parada revisitará vínculos, pérdidas y decisiones que le alejaron de Maggie, su exmujer, con la posibilidad de contemplar su vida antes de la eternidad.

Wilbur recibirá una llamada de Maggie, a quien no ha escuchado desde hace años. Ella le dice: “Quería oír tu voz”. Poco después, el protagonista se desploma en el césped de su casa y muere.

La muerte no cierra el relato. Wilbur despierta en un andén, con la mente alterada, y conoce a Agnes, el fantasma de una librera cuya tienda había visitado durante su infancia. Ella asume la función de guía en un recorrido por momentos que determinaron su vida.

El tren le lleva, entre otros lugares, al encuentro con Maggie cuando ambos eran jóvenes, a la luna de miel de la pareja en Venecia y a las circunstancias que rodearon la muerte prematura de su hermano. También revive una persecución policial que desemboca en una tragedia y una etapa posterior en una gran casa de Londres, donde se ha desconectado de cuanto consideraba valioso.

Agnes fija las normas de ese tránsito: “Subes y bajas del tren cuando es necesario. Nunca intentas hablar contigo mismo. Y nunca debes estar allí cuando te quedes dormido”. La amenaza es permanecer demasiado tiempo en un recuerdo y acceder a una existencia descrita como ajena al tiempo, la presión y la preocupación.

El protagonista carga con una sucesión de remordimientos: rechazó a su madre, decepcionó a su mejor amigo, dedicó al trabajo un tiempo que no concedió a Maggie y dejó que el matrimonio se convirtiera en una relación entre extraños. El viaje plantea si modificar una pieza del pasado permitiría alterar el resultado de una vida.

Entre ‘¡Qué bello es vivir!’ y Charles Dickens

La novela incorpora referencias explícitas a ¡Qué bello es vivir!, incluida la aparición de un personaje secundario llamado Jimmy Gower, como homenaje al señor Gower de la película. También recupera una figura de La biblioteca de la medianoche, que aparece en un momento decisivo para Wilbur.

Haig formula el itinerario como una reflexión sobre el miedo y las posibilidades no vividas. “A veces, simplemente vivir parece valiente”, sostiene una de las frases del libro. Otra pregunta al lector y al protagonista: “¿Qué harías ahora mismo si no tuvieras miedo?”.

Podríamos comparar el tono del relato con Canción de Navidad, de Charles Dickens, por forma amable a pesar de hablar de la muerte y del más allá.

La trayectoria de Matt Haig incluye ficción y no ficción. Nacido en Sheffield, ha publicado novelas como Los humanos, Cómo detener el tiempo y La vida imposible, además de títulos como El libro de la esperanza y Razones para seguir viviendo, unas memorias sobre su experiencia con la enfermedad mental. Los libros del escritor británico han sido publicados en 56 idiomas.

La Academia Latina de la Grabación acaba de anunciar las nominaciones para la 27.ª Entrega Anual de los Latin Grammy, cuya ceremonia se celebrará el próximo 12 de noviembre en Estados Unidos. El artista con más nominaciones es el compositor mexicano Edgar Barrera, que ha reunido un total de 10 reconocimientos, frente a una edición que vuelve a destacar el peso de los compositores dentro de la industria de la música en español y portugués.

En segundo lugar, se encuentra Rosalía con 8 nominaciones y superando por poco a Karol G, Ca7riel & Paco Amoroso y Jorge Drexler, que han recibido un total de 7 nominaciones cada uno por sus últimos proyectos. La gala tendrá como sede el recinto MGM Grand Garden Arena, habitual anfitrión de eventos de alcance masivo en la ciudad.

Las ocho categorías en las que ha salido nominada

Dentro de las ocho nominaciones en la 27ª entrega de los premios latinos, la cantante catalana ha destacado en las categorías generales, de género específico e ingeniería técnica. A continuación se detalla cada una de ellas:

1. Grabación del Año: se valora la grabación y producción del corte “La Perla”, interpretado por Rosalía junto a Yahritza y Su Esencia.
2. Álbum del Año: se reconoce su producción discográfica “LUX (Complete Works)”.
3. Canción del Año: se premia la composición y letra de “La Perla”, donde figura acreditada como compositora junto a Noah Goldstein, David Rodríguez, Ryan Tedder y Dylan Wiggins.
4. Mejor Canción Pop: se evalúa de nuevo el sencillo “La Perla” (con Yahritza y Su Esencia) dentro de las categorías de género pop.
5. Mejor Álbum de Música Alternativa: se destaca el álbum “LUX (Complete Works)” en la vertiente alternativa.
6. Mejor Canción en Lengua Portuguesa: se reconoce el tema “Memória”, compuesto e interpretado por Rosalía junto a Carminho (con coautoría de Noah Goldstein, Armando Machado y Dylan Wiggins).
7. Mejor Ingeniería de Grabación para un Álbum: se evalúa el trabajo técnico de ingeniería, mezcla y masterización realizado en “LUX (Complete Works)”.
8. Mejor Video Musical Versión Corta: se premia la producción audiovisual del videoclip de “Sauvignon Blanc (Official Video)”.

Cuántos premios se ha llevado Rosalía en los Latin Grammy... hasta ahora

La artista catalana es una de las grandes protagonistas de esta nueva edición de los Latin Grammy. Pero si repasamos su recorrido en estos premios, nos damos cuenta de que no había tenido tantas nominaciones en un mismo año desde 2022 con el álbum de ‘Motomami’.

Pese a llevar ya 31 nominaciones desde que saltó a la fama en 2018 con ‘Malamente’, Rosalía solo ha obtenido 11 premios. Su primera cosecha llegó ese mismo año cuando obtuvo los galardones a Mejor Fusión/Interpretación Urbana y Mejor Canción Alternativa y Mejor Canción de Música Urbana con ‘El Mal Querer’ y ‘Con Altura’.

En la edición de 2020, ‘Yo x Ti, Tú x Mí’ fue distinguida como Mejor Fusión/Interpretación Urbana, mientras que ‘TKN’ recibió el premio a Mejor Video Musical Versión Corta. Dos años después, ‘Motomami’ ganó Mejor Paquete de Grabación, Mejor Álbum de Música Alternativa y Álbum del Año. Con este reconocimiento, Rosalía se convirtió en la primera mujer en obtener dos veces el Latin Grammy a Álbum del Año.

Así se ha anunciado esta misma mañana en la Academia de Cine, en un acto presentado por el presidente de la misma, Fernando Méndez-Leite, y que ha contado con la presencia del prestigioso director Alejandro Amenábar, encargado de hacer oficial el anuncio. La bola negra competía con El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen con Javier Bardem y Victoria Luengo como protagonistas, y con Los domingos, la última película de Alauda Ruiz de Azúa. Las tres cintas estuvieron presentes en la pasada edición del Festival de Cannes, de la que salió también triunfadora La bola negra tras obtener el galardón a Mejor dirección ex-aequo con Pawel Pawlikowski por Fatherland.

Decrita como “una épica y romántica aventura queer”, La bola negra cuenta las historias de tres hombres de tres épocas distintas pero conectados por la sexualidad y el deseo, a la vez que unidos por un mismo hombre: Federico García Lorca. La película está a su vez basada en el texto del dramaturgo Alberto Conejero La piedra oscura, que narra el encuentro íntimo de un soldado del bando nacional con un soldado republicano, inspirado en la figura del histórico Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista y buen amigo de Lorca. En la película, estos tres protagonistas están interpretados por Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos González, así como otros como Penélope Cruz, Miguel Bernardeau o Lola Dueñas, quien ya apareció en La Mesías.

Una nueva carrera para España

La bola negra sucede de esta forma a Sirat. Trance en el desierto, que fue la película escogida por la Academia para representar a España en los últimos Oscar, celebrados el pasado mes de marzo y donde la película de Oliver Laxe estaba nominada tanto a Mejor película Internacional como a Mejor sonido, cuyo equipo charló en exclusiva con Infobae el día de antes de la gala. Al igual que sucedió con aquella, La bola negra podría aspirar a otras candidaturas además de la de Mejor película internacional, aunque eso ya dependerá de los gremios de cada uno de los oficios. Habrá que esperar al próximo 15 de diciembre para conocer las famosas shortlists, y hasta el 21 de enero de 2027 para conocer las nominadas finales antes de una gala que tendrá lugar el próximo 14 de marzo de 2027.

Después de un año que ya está siendo histórico por la triple participación en Cannes, España tiene ahora en su mano volver a hacer historia en los Oscar. Lleva sin ganar el galardón a Mejor película Internacional desde 2004 con Mar adentro, precisamente de Alejandro Amenábar, encargado de pasar ahora el testigo a Los Javis. No lo tendrán fácil, eso sí, ya que de momento ya tienen enfrente a la que se llevó la Palma de Oro en Cannes, Fjord, que representará a Rumanía, así como otros títulos; All of a sudden (Japón), Possible Love (Corea del Sur) o Silent Friend (Hungría), entre otros.

HBO prevé estrenar la segunda temporada de El Caballero de los Siete Reinos durante la primera mitad de 2027. Casey Bloys, presidente y director ejecutivo de HBO y Max Content, confirmó esa ventana de lanzamiento, aunque la cadena todavía no informó una fecha exacta para el regreso de la producción. La nueva entrega continuará la historia de Ser Duncan “Dunk” el Alto y su escudero Egg en Poniente. La segunda temporada adaptará La espada leal, la segunda novela corta de la serie Cuentos de Dunk y Egg escrita por George R. R. Martin.

Bloys dio la actualización durante una entrevista con Deadline, cuando fue consultado por los planes de HBO para ampliar el universo de Juego de tronos mediante nuevas series derivadas. El directivo nombró a El Caballero de los Siete Reinos y La Casa del Dragón al referirse a las producciones de la franquicia. Luego confirmó que la segunda temporada de la serie sobre Dunk y Egg llegará en la primera mitad de 2027. De momento sabemos que su rodaje ha tenido en parte lugar en España, en concreto en zonas de las Islas Canarias como Artenara y La Fortaleza de Ansite.

“Está por salir en la primera mitad de 2027”, afirmó Bloys sobre la producción, a la que describió como nominada a los premios Emmy. Sus declaraciones fijan por primera vez un período previsto para el estreno, sin precisar día ni mes. Bloys también descartó otros proyectos en desarrollo dentro de la franquicia. “Además de eso, no, nada más”, respondió al ser preguntado si HBO planeaba nuevas series además de El Caballero de los Siete Reinos y La Casa del Dragón. La información llega cerca de un mes después de que Peter Claffey, actor que interpreta a Dunk, comunicara que el rodaje de la segunda temporada había concluido.

Expandiendo el universo

El Caballero de los Siete Reinos es la segunda serie derivada de HBO basada en el universo de Game of Thrones, después de La Casa del Dragón. Esta última completó tres temporadas y su cuarta entrega está prevista para 2028, de acuerdo con la información difundida. La historia de Dunk y Egg transcurre aproximadamente 100 años antes de los acontecimientos de Juego de tronos. La próxima temporada mostrará a ambos personajes durante sus viajes por Poniente, donde se verán involucrados en nuevos conflictos.

El relato elegido para la adaptación es The Sworn Sword, la segunda novela corta de Tales of Dunk and Egg. La serie sigue a Dunk, un caballero errante, y a Egg, su joven escudero, en una etapa anterior a los sucesos de la saga principal. Ira Parker desarrolla la producción como responsable creativo. Claffey volverá a encabezar el elenco como Ser Duncan “Dunk” el Alto, junto con Dexter Sol Ansell, quien interpreta al príncipe Aegon “Egg” Targaryen.

La segunda temporada incorporará a Peter Mullan como Ser Eustace Osgrey, Babou Ceesay como Ser Bennis y Lucy Boynton como Lady Rohanne Webber. HBO aún no comunicó cuándo comenzará la emisión ni cuántos episodios tendrá la nueva entrega. La confirmación de Bloys solo establece que el estreno se espera entre enero y junio de 2027. Claffey había adelantado que la segunda temporada tendrá “un tono diferente” respecto de la primera.

Si eres de esas personas que vive crónicamente online, probablemente la frase “Y a veces se me olvida” haya resonado con fuerza en tu cabeza durante estos días. La razón se debe a un vídeo viral que lleva toda la semana circulando por redes sociales y que, sin tener nada del todo especial, ha conseguido conquistar a cada uno de los que lo han visto. Se trata de una serie de jóvenes -y no tan jóvenes- cantando una canción al unísono, algo que no podría parecer nada del otro mundo. Pero hay detalles en ese vídeo que han hecho que cada vez más gente haya reparado en él, hasta llevar ya más de 30 millones de visualizaciones solo en X. Uno de esos detalles es la canción que ha originado todo.

El vídeo, que pertenece a la familia Caño como han corroborado varios medios, reproduce una canción que llevaba en el olvido más de diez años, y que pertenece a una banda del todo extinta, aunque cuenta con una versión curiosamente protagonizada por una estrella muy de actualidad. La canción en concreto se llama Dama y Vagabundo, y pertenece a la boy-band Bromas Aparte. Esta formación se originó en Madrid y estaba formada por formación integrada por Keko (cantante, compositor y fundador de la banda), Guille (bajista, compositor y fundador de la banda), Marcos, (batería y community manager de la banda), Alex, (guitarra y responsable de coros) y Lalo, (guitarrista y compositor).

El tema pertenece al álbum de la banda #MillenialsRock, único LP del grupo después de lanzar sencillos como Si se pone a llover, Estoy loco, Abrázame muy fuerte o la propia Dama y Vagabundo, que es la que canta la familia Caño en el famoso vídeo. Una canción que, como era de esperar, ha crecido exponencialmente en reproducciones dentro de plataformas como Spotify, donde ahora acumula 3 millones de oyentes, mientras que el grupo, que lleva sin actividad desde 2017, ha reflotado su popularidad con hasta 40 mil oyentes.

De Ana Mena a Gerard Piqué

Lo más curioso de todo es que la canción conecta una banda extinta con una cantante que a día de hoy no puede ser más relevante, como es Ana Mena. La malagueña colaboró con Bromas Aparte allá por 2016, cuando la por entoces jovencísima cantante no era tan conocida, haciendo una versión aun más especial del tema que ha terminado escogiendo la familia Caño para su vídeo. Aunque en un inicio mucha gente pensó que podía tratarse de una canción religiosa, la historia ha dado un gran giro al descubrirse que se trataba en realidad de un tema pop de lo más nicho, ya que no todo el mundo conocerá la banda. Ni siquiera los que se consideren más fan de Ana Mena.

Aun así, nada ha podido evitar que el vídeo llegase a gente tan famosa como Gerard Piqué, que lo compartía en su perfil de X, y otras tantas personalidad que han interactuado con el momento musical de la familia Caño. Por su parte, algunos de los integrantes de la familia y el vídeo han respondido a la atención recibida con otra canción, dedicada “a todos los haters”. Se trata de un nuevo vídeo en el que se puede ver a los hermanos subidos a una colina y cantando Los Tontos, un tema de C. Tangana que el artista madrileño hizo en colaboración con Kiko Veneno. Han nacido nuevas estrellas.

Thornton explicó que no era una aplicación en un teléfono, sino una máquina instalada en el set. “Oímos un pedo y seguimos”, recordó sobre una escena de clase. La segunda vez, el elenco identificó que alguien estaba detrás de los efectos sonoros. La actriz también mencionó que Mike Flanagan utilizaba el aparato para aliviar el clima de secuencias con carga dramática. El equipo trabajaba sobre una historia marcada por el acoso, la violencia y el despertar de los poderes telequinéticos de Carrie White. Summer H. Howell, protagonista de la serie, también participó en una de esas intervenciones. La actriz accionó la máquina durante un beso entre Sue Snell, interpretada por Siena Agudong, y Tommy, papel de Joel Oulette. Howell dijo que ese momento le provocó nervios, pese a que se trataba de una broma. La primera vez que intentó activar el mecanismo durante la escena, el aparato no funcionó.

El uso de la máquina contrastó con la exigencia técnica del baile de graduación, la secuencia central de Carrie. Durante una jornada de rodaje en Vancouver, Howell permaneció cubierta de sangre artificial mientras el equipo preparaba planos con llamas, aspersores y objetos que debían salir despedidos. Flanagan recordó que el grupo de producción estaba dos horas retrasado y “aguantando por las uñas”. El director explicó que debían destruir el escenario en un orden preciso para obtener las tomas necesarias antes de prender fuego a partes del gimnasio, cubrirlas de sangre o inutilizarlas para nuevas filmaciones.

La producción utilizó distintos tipos de sangre artificial para la escena. Flanagan detalló que había productos para la piel, el cabello y los ojos, además de una mezcla más espesa. El líquido usado para el balde que cae sobre Carrie le pareció demasiado acuoso en una toma aérea, porque tenía una apariencia más cercana a la pintura. La secuencia también requirió tres niveles de barras de fuego detrás de Howell. Cuando las llamas no se encendían a tiempo para seguir la acción, el equipo recurrió a un acelerante. Los aspersores añadieron otra dificultad: el guion establece que Carrie aplasta las tuberías con la mente, pero los operadores de los interruptores todavía no lograban coordinar el efecto.

La serie traslada la historia de Stephen King a la actualidad y sitúa el conflicto de Carrie en una escuela atravesada por redes sociales. La joven, criada en aislamiento por su madre religiosa, Margaret White, y su padre, Ralph, ingresa por primera vez a una escuela pública tras la muerte accidental de él en una obra de construcción. Según la información adelantada por la producción, el Estado no tenía registro de Margaret ni de Carrie antes de la llegada de trabajadores sociales a la casa familiar. El hogar carece de buena parte de la tecnología contemporánea debido a los temores de Ralph a una posible vigilancia gubernamental.

Una Carrie algo diferente

Howell interpreta a una Carrie que desconoce buena parte del mundo exterior y que se convierte en blanco de agresiones físicas y virtuales. Chris, la alumna popular a cargo de Thornton, graba el episodio de la primera menstruación de Carrie en el vestuario y crea una cuenta de Instagram que afecta a toda la comunidad. Flanagan indicó que quiso evitar una mirada automática de villanía sobre los personajes. Thornton sostuvo que Chris actúa desde el dolor tras la separación de sus padres y porque siente que perdió el control sobre su vida. Samantha Sloyan, quien interpreta a Margaret, describió a su personaje como una madre cuyo amor por su hija convive con decisiones violentas.

El rodaje reunió a varios intérpretes que ya habían trabajado con Flanagan, un grupo al que el director y sus seguidores llaman “Flanafam”. Kate Siegel, esposa y colaboradora del realizador, participa en un papel no revelado y suma su décima actuación en una producción dirigida por él. Sloyan encarna a Margaret White en su séptima colaboración con Flanagan. Rahul Kohli interpreta a un profesor de Ewen High School, mientras Michael Trucco asume el papel del padre de Chris. Matthew Lillard, conocido por la saga de terror Scream, interpreta al director Grayle.

Flanagan dijo que prefiere el término “Flanafam” frente a “Flanaverse”, porque siente que el vínculo con sus actores se parece más a una familia que a un universo compartido. Siegel recordó que, antes de adoptar ese nombre, el director intentó impulsar “Flavengers” en mensajes enviados al equipo. Agudong contó que llegó intimidada a un set donde muchos miembros del elenco ya tenían vínculos previos, aunque percibió el cuidado mutuo entre los participantes. Durante el rodaje del primer episodio, recordó, una broma con la máquina ocurrió mientras ella y Thornton comían burritos frente a cámara. Así se presenta una serie que aterrizará en Prime Video el próximo 7 de octubre pero que ya ha dejado huella en muchas personas.

La película Tiempo de victoria, que llega esta semana en cines, reconstruye esas horas previas al Día D. Andrew Scott interpreta a Stagg y Brendan Fraser encarna a Eisenhower, el general estadounidense que debía decidir si enviaba a más de 150.000 soldados aliados hacia las playas de Normandía o si esperaba una nueva marea favorable. Un largometraje que inmortaliza una de tantas grandes historias que esconde este período, pero que por fin es inmortalizada en la gran pantalla.

Stagg no comandaba tropas ni ocupaba un lugar en la cadena militar que preparaba el desembarco. Su tarea consistía en reunir las conclusiones de tres grupos de pronosticadores, dos británicos y uno estadounidense, y convertirlas en una recomendación única para el comandante aliado. Los equipos no trabajaban con los mismos métodos ni llegaban siempre a la misma respuesta. Los estadounidenses se apoyaban en previsiones analógicas: comparaban las condiciones presentes con patrones registrados en el pasado. Los británicos usaban observaciones, cartas trazadas a mano y conocimientos todavía recientes sobre la atmósfera superior. Stagg debía oír las discusiones, ordenar los datos y entrar luego a una reunión donde cada conclusión podía modificar el comienzo de la Operación Overlord.

El pronóstico que cambió todo

Peter Stagg, su hijo, lo recordó años después desde su casa, a una hora de Burdeos. Dijo que su padre era “un escocés adusto e irascible”, de disciplina estricta y pocas sonrisas. También recordó que, cuando había visitas, podía convertirse en un anfitrión atento, con whisky para los invitados. En junio de 1944, esa faceta quedó desplazada por una responsabilidad que su hijo resumió de otro modo: si el pronóstico fallaba, Francia podía haber tenido otro destino.

El 5 de junio era, en principio, la fecha ideal para el desembarco. Los aliados habían identificado una ventana entre el 5 y el 7 de junio, pero no podían elegir cualquier jornada. Antes de la invasión necesitaban 48 horas de calma; luego, vientos inferiores a fuerza 4 de Beaufort durante tres días. Los aviones requerían baja nubosidad, una visibilidad de más de 4,8 kilómetros y una base de nubes suficiente para las operaciones. También necesitaban marea baja al amanecer para dejar expuestas las defensas alemanas. La fecha debía caer un día antes o cuatro después de la luna llena, por las misiones nocturnas. Y el desembarco debía coincidir con la ofensiva soviética de verano en el frente oriental, para obligar a Alemania a repartir sus fuerzas.

Catherine Ross -interpretada por Kerry Condon en el filme-, responsable de biblioteca y archivos de la Met Office, calculó que la posibilidad de reunir las condiciones meteorológicas deseadas era de 13 a 1. Si se sumaba el requisito de la luna, las probabilidades se alejaban todavía más. A comienzos de junio, una sucesión de frentes y bajas presiones atravesaba el canal de la Mancha. La previsión meteorológica era un adelante o un alto. El resto estaba listo.

Se abrió el cielo y apareció la oportunidad

Los meteorólogos estadounidenses veían una oportunidad para el 5 o el 6 de junio. Los británicos objetaban la primera fecha. Una tormenta cerca del norte de Escocia y un sistema de alta presión sobre el Atlántico anunciaban mar agitado y nubosidad excesiva sobre el canal. Stagg tomó partido por la advertencia británica: los vendavales harían imposible el desembarco. Eisenhower recibiría después aquel parte como “el peor informe que hubieras visto”. Los convoyes que ya habían salido recibieron la orden de regresar. La maquinaria reunida para una de las mayores operaciones anfibias de la historia quedó suspendida por una previsión que podía cambiar en cuestión de horas. Stagg escribió en su diario: “Ahora estoy bastante aturdido, todo es una pesadilla”.

El 4 de junio, los mapas comenzaron a sugerir otro movimiento. La tormenta podía desplazarse hacia el noreste y dejar detrás un intervalo breve de condiciones menos hostiles. No era el tiempo que los planificadores habían imaginado para el Día D. Era apenas una pausa entre sistemas meteorológicos.

El trabajo de Stagg exigía una conclusión que los gráficos no entregaban de manera limpia. Los equipos se acercaron a un consenso para el 6 de junio, pero la recomendación no garantizaba cielos despejados ni mar calmo. La pregunta era más limitada: si ese día sería suficientemente bueno. Stagg volvió ante Eisenhower con esa respuesta. El general recordaría una “pequeña sonrisa” en el rostro del meteorólogo. También recordaría que pensaron que aquella pausa podía alcanzar para hacerlo. Tras el silencio, autorizó el avance. El 6 de junio de 1944, las fuerzas aliadas desembarcaron en Normandía.

El pronóstico acertó por razones equivocadas

Los primeros soldados cruzaron el canal de la Mancha con el mar todavía agitado. The Associated Press describió “mareos considerables” entre quienes viajaban hacia Francia. Los vientos levantaban olas blancas y el trayecto se volvió más difícil de lo previsto. La previsión de Stagg no se cumplió de la forma esperada. Dan Suri, meteorólogo de la Met Office, explicó que la tormenta al norte de Escocia no avanzó hacia el noreste. Se desplazó al sur, hacia el mar del Norte, y se debilitó durante ese recorrido. Los vientos cedieron algo y la visibilidad mejoró cuando el frente sobre el norte de Francia se alejó. “Acertaron por las razones equivocadas”, dijo Suri.

Las condiciones siguieron siendo marginales, pero esa precariedad alteró los cálculos alemanes. Las previsiones de Alemania eran parecidas a las aliadas. El 4 de junio, el meteorólogo jefe de la tercera flota aérea alemana le dijo al mariscal de campo Erwin Rommel que el tiempo en el canal impediría intentos de desembarco hasta el 10 de junio. Los alemanes esperaban una invasión con mejores nubes, viento, visibilidad y una marea alta. Los aliados avanzaron con requisitos distintos y atacaron cuando el mal tiempo parecía descartar esa posibilidad.

Después de la invasión, Stagg redactó un informe oficial para Eisenhower. Lo acompañó con un memorando sobre la decisión de aplazar el desembarco y sobre lo que habría ocurrido si las tropas hubieran tenido que esperar las siguientes mareas aptas. El meteorólogo escribió que una postergación habría dejado a los soldados ante la peor tormenta del canal de la Mancha en 20 años. La decisión tomada durante aquellos 45 segundos había evitado un temporal que los pronósticos posteriores mostraron con mayor claridad que los mapas disponibles en la noche del 4 de junio. Eisenhower respondió por escrito: “Gracias. Y gracias a los dioses de la guerra que fuimos cuando lo hicimos”.

Tiempo de victoria vuelve a esa habitación, a los mapas y a esa orden. Andrew Scott interpreta a Stagg mientras Brendan Fraser representa a Eisenhower frente a una decisión que dependió de una previsión incompleta, un frente que cambió de rumbo y un desembarco que comenzó el 6 de junio de 1944. Años después de lo ocurrido, durante un encuentro entre el entonces presidente Kennedy y el viejo Eisenhower, el primero le consultaría al segundo sobre el factor clave para ganar la guerra. “Teníamos mejores meteorólogos que los alemanes”, sería su contundente respuesta.

El debate sobre si leer debe ser una actividad de entretenimiento o un acto de enriquecimiento cultural es más antiguo que el pan. La influencer María Pombo recordó esta disputa hace ya más de un año, cuando dijo eso de: “No sois mejores porque os guste leer, hay que superar que hay gente a la que no le gusta”. Sin embargo, el escritor francés Gustave Flaubert (Ruan, Francia, 1821-Croisset, Francia, 1880) tenía una respuesta bastante clara.

El que fuera uno de los grandes nombres de la literatura francesa del siglo XIX, autor de Madame Bovary y figura fundamental del realismo, entendía los libros como algo que iba mucho más allá de matar el tiempo. Su relación con la literatura fue casi obsesiva: podía pasar horas corrigiendo una sola página y perseguía aquello que llama a le mot juste, la palabra exacta, hasta dar con la formulación que consideraba perfecta. Así es como dedicó siete años a su obra maestra, o 25 a La tentación de San Antonio.

Esa manera de entender la escritura tenía también su reflejo en la lectura. En una carta enviada en junio de 1857 a la escritora Marie-Sophie Leroyer de Chantepie, con quien mantuvo una correspondencia durante 19 años, Flaubert le dejó una de sus reflexiones más conocidas: “No lea, como hacen los niños, para divertirse, ni como hacen los ambiciosos, para instruirse. No, lea para vivir”.

En la carta, escrita desde Croisset, Leroyer le pregunta directamente al autor qué libros debería leer. Flaubert empieza por recomendarle a Montaigne, al que le pide que lea “lentamente” y “con calma”: “¡Léalo despacio, con calma! Te calmará. Y no escuches a la gente que habla de su egoísmo. Te gustará, ya verás", le asegura, justo antes de añadir la frase previamente citada. Su recomendación continúa con Shakespeare y Goethe, además de autores griegos y romanos como Homero, Petronio, Plauto y Apuleyo. También le pide que no abandone aquellas lecturas que inicialmente puedan aburrirla y le insiste que “amplíe su horizonte”. Para terminar, vuelve a Montaigne y le propone algo que si no puede embarcarse para conocer otros lugares, que haga “la vuelta al mundo desde su habitación”.

El origen de la cita

Nacido en Ruan el 12 de diciembre de 1821, Flaubert creció prácticamente entre médicos. Su padre, Achille-Cléophas Flaubert, era cirujano jefe del Hôtel-Dieu de Ruan, el hospital en el que la familia tenía su vivienda. Desde muy joven mostró interés por la literatura, aunque inicialmente siguió un camino bastante distinto: en 1841 se trasladó a París para estudiar Derecho. Nunca llegó a entusiasmarle demasiado. Una enfermedad nerviosa sufrida pocos años después terminó por alejarlo de los estudios y regresó a Normandía, donde se instaló en Croisset y pudo dedicarse casi por completo a escribir.

Su vida, bastante sedentaria a partir de entonces, estuvo interrumpida por algunos viajes. Entre 1849 y 1851 recorrió Egipto, Palestina, Siria, Turquía, Grecia e Italia junto a su amigo Maxime Du Camp. Pero sería de vuelta en Croisset donde empezaría a trabajar en el libro que terminaría convirtiéndolo en uno de los grandes nombres de la literatura francesa: Madame Bovary. La novela apareció primero por entregas en La Revue de Paris en 1856 y provocó tal escándalo que Flaubert fue llevado ante los tribunales, acusado de ofender la moral pública y religiosa. Fue absuelto en febrero de 1857 y la publicación de la novela en formato libro poco después terminó de disparar su fama.

Flaubert, que no volvió a publicar muchos más, sí dejó algunas de las obras fundamentales de la literatura francesa del XIX. A Madame Bovary le siguieron Salammbô (1862), La educación sentimental (1869), La tentación de San Antonio (1874) y Tres cuentos (1877). Murió el 8 de mayo de 1880 en Croisset, a los 58 años, mientras todavía trabajaba en Bouvard y Pécuchet. La novela quedó inacabada y apareció publicada de forma póstuma al año siguiente.

Ha sido una de las películas que más han salido reforzadas tras su paso por los Festivales de Telluride y Toronto de cara a la temporada de premios. Se trata de The Liberation, el drama psicológico con el que Guy Nattiv reconstruye la historia de su propia abuela, víctima del Holocausto y más tarde captada por una secta que explora la depresión, el trauma y la promesa de pertenencia.

The Liberation transcurre entre 1982 y alrededor de 1985 en Nueva Jersey: Rita, interpretada por Carrie Coon, pasa de una vida suburbana con su marido y sus dos hijas a vivir aislada en una comuna rural, donde adopta el nombre de Naia y queda sometida a la autoridad espiritual de Ricki.

Según las crónicas de los medios especializados, Nattiv ha construido un thriller de ritmo sostenido sobre una mujer de más de 40 años atrapada entre una rutina doméstica asfixiante y el atractivo de una hermandad que aparenta comprenderla. Así, la película evita juzgar las decisiones de Rita y se concentra en las carencias emocionales que hacen verosímil su captación.

De ama de casa a vivir en una secta

Rita trabaja en un banco, cuida de Reuben, su marido, y de sus hijas Ella y Jo, interpretados por Tracy Letts, Bella Ramsey y Odessa Young. Arrastra además una depresión que le dificulta levantarse de la cama y participa en un proyecto audiovisual como superviviente del Holocausto, una identidad que sigue condicionando su presente.

El encuentro con Ricki se produce precisamente en la sucursal bancaria, cuando la joven acude a ingresar una cantidad elevada de dinero. Tras observar a Rita, le pregunta: “Llevas mucho peso encima, ¿verdad?”, una frase que la empleada interpreta inicialmente como una alusión a su metabolismo.

Ricki no se refiere al cuerpo de Rita, sino a un dolor que la protagonista no ha conseguido verbalizar. La líder espiritual le plantea otra pregunta decisiva: “¿Cuándo fue la última vez que viste el atardecer en una playa?”, y se presenta como la única persona capaz de reconocer lo que se esconde bajo su aparente normalidad.

Lily James interpreta a Ricki como una figura persuasiva y amenazante, con una sonrisa que puede sugerir comprensión o dominio. Un personaje descrito como una captadora que utiliza la amistad, la ausencia de juicio y la solidaridad entre mujeres para explotar los miedos y las necesidades más profundas de Rita.

La película se aparta del arquetipo habitual del gurú masculino que controla a mujeres jóvenes. Ricki dirige un grupo exclusivamente femenino y convierte la camaradería en un mecanismo de sometimiento: ofrece a Rita una vía para desprenderse de su pasado, de las expectativas sociales y de la sensación de que su edad, su cuerpo y su reflejo en el espejo han empezado a traicionarla.

Entre lo doméstico y lo opresivo

Nattiv y la coguionista Noa Berman Herzberg articulan el relato en dos líneas temporales. Una muestra la vida doméstica de Rita antes de conocer a Ricki; la otra la sitúa ya en la comuna, mientras Ella y Jo emprenden un viaje peligroso para rescatar a su madre.

En la etapa anterior, Rita vive en una casa cómoda de los suburbios, tiene un empleo que no le satisface y acompaña el deterioro de su padre anciano, interpretado por Ken Kramer. La vida que desde fuera parece suficiente se revela incapaz de aliviar una tristeza que ella misma no sabe explicar.

Ya instalada en la comuna, Rita se hace llamar Naia, deja de fumar y de consumir pastillas, y sigue una dieta escasa basada en plantas, incluidas algunas alucinógenas. Su aparente serenidad contrasta con el aspecto físico que perciben sus hijas: Ella compara a las seguidoras de Ricki con personas que “parece que acaban de salir de los campos”.

La observación remite de forma directa al pasado de Rita. La protagonista apenas puede pronunciar el nombre de su localidad natal sin hiperventilar, y Ricki es la primera persona con la que logra hablar de aquella experiencia. Esa intimidad explica parte de la dependencia: junto a la joven, el ruido mental de Rita se detiene y su dolor pasa de ser algo que medica en soledad a recibir atención de un grupo.

La comuna ofrece hogueras en la playa al atardecer, baños desnuda en el río y una vida aparentemente liberada de las obligaciones familiares. Fabian Gamper y Tudor Vladimir Panduru fotografían esos momentos con tonos azulados y rosados, mientras la imagen granulada aproxima la película a un metraje de archivo de comienzos de los años ochenta que aún conserva rasgos visuales de la década anterior.

Coon interpreta dos versiones diferenciadas de la misma persona: la Rita doméstica, agotada, dubitativa y vestida con estampados florales apagados, y la Naia de la comuna, dócil y aparentemente en paz. La actriz recorre desde la desesperación y la furia hasta la euforia.

La crítica internacional ha dicho que se trata de la mejor interpretación de toda la carrera de la actriz, a la que hemos visto en The Letfovers o La edad dorada. También, que seguramente estará nominada a los Oscar por esta interpretación desgarradora.

The Adventures of Cliff Booth se publicará el 8 de diciembre de 2026, tras las dos semanas de exhibición mundial en salas Imax de The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, que comenzarán el 25 de noviembre, y antes de su llegada a Netflix el 23 de diciembre. HarperCollins editará el libro.

La historia transcurre en Hollywood en 1977, ocho años después de los hechos de la película de 2019. Pitt retoma el papel del especialista Cliff Booth, por el que obtuvo en 2020 su primer Óscar interpretativo, en un momento en que el personaje debe adaptarse a una industria cinematográfica muy distinta.

Qué contará la novela sobre Cliff Booth

La novela llevará un título ligeramente distinto al de la película: The Adventures of Cliff Booth, frente a The Further Mis-Adventures of Cliff Booth. Tarantino ya había publicado una ‘novelización’ de Érase una vez… en Hollywood, el filme que escribió y dirigió para Sony Pictures.

HarperCollins describe el punto de partida del libro con estas palabras, recogidas: “Hollywood, 1977. Los Swinging Sixties han quedado muy atrás, pero Clifford Booth sigue adelante… Héroe de guerra, especialista, camarero, proyeccionista de cine… y, de vez en cuando, presta ‘servicios clandestinos’ a sus amigos”.

La trama concreta de la continuación cinematográfica se mantiene en secreto. La película sitúa a Booth ante un Hollywood transformado, mientras que el resumen de la novela amplía sus ocupaciones más allá del trabajo como doble de acción.

En Érase una vez… en Hollywood, Leonardo DiCaprio interpretaba a un actor en declive y Pitt a su especialista y amigo, dos profesionales que intentaban conservar su lugar en el negocio. La película rendía homenaje al Hollywood de finales de los años sesenta y situaba su relato bajo la sombra de los asesinatos de la familia Manson, con Margot Robbie como Sharon Tate, actriz y esposa del director Roman Polanski.

El estreno de Sony recaudó más de 400 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 90 millones. Obtuvo 10 nominaciones a los Óscar y ganó dos estatuillas, mientras que Netflix produce la continuación con un presupuesto de 200 millones.

Una película de Tarantino sin Tarantino

Tarantino ha decidido no dirigir la secuela porque pretende retirarse como realizador después de completar 10 películas y ya ha firmado nueve, entre ellas Pulp Fiction, Malditos bastardos y Reservoir Dogs. No quería que una continuación fuese su último trabajo tras la cámara.

El cineasta explicó el año pasado en el pódcast The Church of Tarantino por qué renunció a ponerse al frente del proyecto: “Me encanta este guion, pero sigo recorriendo el mismo terreno que ya he recorrido. Me desanimó un poco. En esta última película tengo que no saber otra vez qué estoy haciendo. Tengo que estar en territorio inexplorado”.

David Fincher dirigirá el largometraje con Pitt como protagonista y Tarantino como guionista. Pitt y Ceán Chaffin figuran como productores de una película cuyo reparto incluye a Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II, Peter Weller, Matt Grove, JB Tadena, Corey Fogelmanis y Karren Karagulian.

El equipo creativo reúne a varios colaboradores habituales de David Fincher: Erik Messerschmidt será el director de fotografía, Donald Graham Burt ejercerá como diseñador de producción y Kirk Baxter se encargará del montaje. Laray Mayfield dirige el reparto, Trish Summerville diseña el vestuario, Ren Klyce asume el diseño de sonido y Dave Macomber coordina las escenas de especialistas.

La película, que se estrena el próximo 18 de septiembre, sigue a un mensajero médico que debe completar una entrega en el Hospital General de Raccoon City durante un brote zombi. Austin Abrams encarna a ese personaje, mientras Zach Cherry, Kali Reis y Paul Walter Hauser completan el reparto.

Según las primeras reacciones recogidas por Variety, la película combina violencia gráfica, tensión sostenida y humor sin recurrir a los personajes clásicos de los videojuegos.

Primeras reacciones de la crítica

EJ Moreno, crítico integrado en Tomatometer, ha recomendado verla “en la pantalla más grande y con mucho público” y la ha definido como “un auténtico taquillazo de terror”. A su juicio, Cregger “va a lo grande, da más miedo y está en su versión más divertida”, hasta convertir el género en “un espectáculo cinematográfico”.

Mark Cassidy ha destacado que la producción captura “la tensión implacable de los juegos” y la considera la adaptación más fiel realizada hasta ahora. El crítico ha subrayado su mezcla de sangre y comedia, además de tres sustos que le hicieron saltar del asiento; el espectador situado delante de él, ha contado, pasó buena parte del metraje escondido tras su chaqueta.

Kellvin Chavez, periodista cinematográfico y director de SplashReport.com, ha descrito una película que pisa el acelerador desde su primera escena y no frena. Ha resaltado el suspense constante, una acción “gloriosamente sangrienta” y unos diseños de criaturas retorcidos que remiten a La cosa.

Chavez ha calificado el resultado de “terror de supervivencia puro” y de la mejor película de Resident Evil hasta la fecha. También ha valorado la interpretación de Abrams, a quien otro crítico, Tristian Circa ‘89, ha presentado como un hombre corriente desbordado por los acontecimientos, aunque dotado del carisma necesario para que el público quiera que sobreviva.

Jordan Moreau, de Variety, ha situado el filme entre las mejores adaptaciones de videojuegos y entre las películas de terror más destacadas de la memoria reciente. El periodista ha elogiado el uso del título dentro de la narración y ha señalado el efecto cómico de ver a Abrams deambular mientras mata zombis.

Controversia con los fans de los videojuegos

Cregger ha escrito el guion junto a Shay Hatten. El proyecto supone su primera incursión en una propiedad intelectual de estudio, aunque ha optado por no incorporar a figuras ya establecidas del universo de los videojuegos, como Leon S. Kennedy o Jill Valentine.

Esa decisión de construir un relato nuevo ha generado rechazo en una parte de los seguidores de la saga. El cineasta ha admitido que fue “ingenuo” al pensar que podía crear una historia original dentro de una franquicia preexistente sin recibir críticas de los aficionados.

La serie cinematográfica comenzó en 2002 con Milla Jovovich y Michelle Rodriguez. Jovovich encabezó después Resident Evil 2: Apocalipsis en 2004, Resident Evil 3: Extinción en 2007, Resident Evil: Afterlife en 2010, Resident Evil 4: Ultratumba en 2012 y Resident Evil: Capítulo final en 2017.

Johannes Roberts asumió en 2021 el anterior reinicio, Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, como guionista y director. Las películas de la franquicia han recaudado en conjunto más de 1.200 millones de dólares en la taquilla mundial.

Fantasmagórica y a la vez desconcertante, esta es la premisa con la que la directora Lucía Aleñar Iglesias (Madrid, 1993) debuta en el largometraje: Forastera (2025) es una historia sobre el duelo que germinó con el corto homónimo que estrenó en 2020. Aquel trabajo contaba en 19 minutos la historia de una joven que la noche de un verano caluroso de Mallorca encuentra el cadáver de su abuela en el patio. El largo desarrolla una propuesta que terminó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y que ahora apuesta por “ir más allá”. Desde el viernes 11 de septiembre en cines, la cinta, como su predecesora, cuenta con varios galardones bajo el brazo: el año pasado ganó el Premio de la Crítica en el Toronto International Film Festival y el Premio Pilar Miró a la mejor dirección de debut en la Seminci de Valladolid.

“La película surge de una curiosidad hacia el duelo y de las emociones más difíciles de definir o que se mezclan con otras cosas”, explica la cineasta a Infobae, que añade que “todos tenemos esa necesidad humana de mantener a nuestros seres queridos cerca aunque ya no estén con nosotros”. Inspirada en hechos reales, Aleña utiliza la proyección física como una forma de canalizar ese dolor, aunque sea una manera “menos convencional”.

Protagonizada por Zoe Stein (Barcelona, 2000) tanto en el cortometraje como en el largo, Forastera sigue a Cata mientras explora los límites entre lo imaginario y lo real a través de un juego que termina afectando a su familia. Sobre todo a su abuelo, interpretado por Lluís Homar (Canet de Mar, 1957), que empieza a reconocer en su nieta los gestos y la personalidad de la mujer que acaba de perder.

Para la película, Stein retomó el personaje “desde cero”, especialmente porque habían pasado “unos años” y tanto ella como su personaje habían “evolucionado”. En ese tiempo, la actriz de ahora 26 años —de padre alemán y madre española— también recorrió bastante camino: protagonizó en 2022 Mantícora, de Carlos Vermut, por la que fue nominada al Goya a mejor actriz revelación, y pasó por series como La chica invisible o La caza. Tramuntana. Volver a Forastera fue como reencontrarse con un viejo conocido, pero como “algo nuevo”. Lo que sí seguía intacto era su relación con Aleñar. “Ya había como este entendimiento y esta confianza previa como para poder trabajar realmente”, añade.

La otra cara de la moneda ha sido Homar. El actor, con una trayectoria que pasa por la fundación del Teatre Lliure de Barcelona y por películas de Pedro Almodóvar como La mala educación y Los abrazos rotos, llevaba varios años especialmente volcado en los escenarios. “Mi vuelta a esta película es mi vuelta al cine después de muchos años. O sea, pues cinco, seis, siete”, y reconoce que fue un “milagro” puesto que firmó un contrato de exclusividad con el teatro y al principio no pudo darse su participación en la película. “No podía tener mejor vuelta que con eso. Para mí es un regalo”. Solo este mes de septiembre ha encadenado Forastera con Enfrentados: Marfil, protagonizada por Ester Expósito y basada en uno de los best-sellers de Mercedes Ron.

Un singular proceso de duelo

Pese a que parece que la muerte está en todos lados, su creadora defiende que “hay mucho tabú. es un tema que no se trata”, sostiene Aleñar, que recuerda que la pérdida “es algo que te transforma, tengas 15 años o 50”. “La sociedad no nos prepara tampoco para cuando somos jóvenes con la cosa de que el niño no sufra. Nos queda mucho por aprender de que esta otra dimensión de la existencia, que es la muerte, forma parte de la vida”, reflexiona Homar. En el caso de sus personajes es distinto. “Supongo que con la edad de Cata, 17 años, hay más inconsciencia, aunque eso no quiere decir menos sabiduría. Pero el caso del abuelo, que tiene 60, se supone que ha vivido más situaciones por las que la muerte ha estado cerca. Pero creo que tanto en un lado como en otro somos unos analfabetos emocionales con respecto a eso”.

Tanto en la película como en el corto, Cata se encuentra con el cuerpo de su abuela de manera abrupta, en el patio de su casa en Mallorca. “La vida es inesperada, no la podemos controlar y que tiene dolor y belleza juntos”. Como si fueran abuelo y nieta de verdad -de hecho, Stein y Homar se conocieron previo al casting en un curso de interpretación que dio el actor-, Homar coincide: “Esta es la vida, ¿no? Dolor y belleza, que van juntos”.

Entre ambas también se encuentra ese halo de extrañeza que envuelve toda la cinta. Como si transcurriera dentro de una burbuja, Forastera maneja una ambigüedad casi mística que encuentra en las miradas, los silencios y las elipsis sus principales aliados. Una indefinición que Aleñar quiso construir primero desde el propio guion. “Había que encontrar esa línea donde estás transmitiendo información, pero también dejando suficiente espacio para que el espectador pueda también acompañar la historia o que invite a distintas lecturas”, explica.

Después tocó trasladar ese equilibrio al rodaje y al trabajo con Stein y Homar. Aleñar lo planteó casi como una extensión del propio juego de la protagonista: “El personaje de Cata está de alguna manera jugando, se prueba este disfraz, es como un juego de disfraces y los juegos, de toda la vida, la mejor manera de explicar cómo jugar a algo es jugarlo”. Esa misma lógica marcó su manera de dirigirlos: “Esta era la intención para dirigir esta película: poder probar cosas e ir sin miedo, sabiendo un poco dónde queríamos llevar estos personajes”.

Pero en la era del ‘final explicado’ esto puede ser un problema, aunque no con su público. “Para mí era justo la intención, contar una historia que estuviera abierta a varias interpretaciones”, asegura. Tras llevar un año proyectando la cinta en festivales internacionales, la respuesta ha sido más que positiva. “Eso es para mí lo más interesante. Esta parte de poder compartir la película y ver qué detalles o qué personajes afectan más a ciertos públicos y a otros no. Cada uno tiene una mirada distinta”.

Esa mirada propia es también la que Homar destaca cuando habla de Aleñar como cineasta. “Yo veo muy claro el tesoro de Lucía, que es el suyo”, asegura. Para el actor, su particularidad está precisamente en una mezcla difícil de definir: “Me gusta utilizar esa dualidad de normal y poesía, porque es saber mirar la vida por ella misma”.

Aleñar, que lleva más de una década viviendo en Estados Unidos, ya trabaja en dos nuevos guiones —uno sobre el mundo del fútbol y otro sobre accidentes de coche— que poco tendrán que ver, al menos en apariencia, con Forastera.

La relación de Shakira (Barranquilla, Colombia, 1977) con España no ha sido precisamente sencilla, pero sí intensa. Entre los 12 años de su relación con Gerard Piqué, el nacimiento de sus dos hijos y sus problemas con la Agencia Tributaria, la cantante colombiana ha transitado en nuestro país algunos de los episodios más felices y también más difíciles de su vida. España fue durante años su casa, el lugar en el que formó una familia y consolidó buena parte de su carrera, pero también el escenario de una ruptura -anunciada en 2022- que terminó marcando su nueva etapa.

Pero a pesar de ello, para Shakira no el existe rencor. Todo lo contrario. La cantante, que llegó este lunes a Madrid, arranca el viernes su residencia europea en la capital con 12 conciertos que aglutinarán a más de 50.000 personas por noche. A tres días de inaugurar la única parada europea de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, la cantante ha querido reivindicar su vínculo con nuestro país pese a sus altibajos.

“Estoy muy emocionada de volver a España. Aquí fui feliz y viví algunos de los años más importantes de mi vida, pero cuando me fui pasé por uno de los momentos más duros que me tocó vivir, hasta que pude reconstruirme como mujer, como madre y como artista”, ha escrito Shakira en un mensaje publicado en Instagram.

Su cura parece que han sido sus seguidores españoles. “En todo ese camino de ida y vuelta, mis fans españoles siempre estuvieron conmigo apoyándome, queriéndome y deseándome lo mejor!”, ha añadido.

“Mis fans españoles siempre estuvieron conmigo”

La cantante reside en Miami desde abril de 2023, cuando se mudó con sus hijos, Milan y Sasha —que para entonces tenían 8 y 10 años—, tras su ruptura con el exfutbolista, tal y como anunciaron un año antes en un comunicado: “Lamentamos confirmar que nos estamos separando. Por el bienestar de nuestros niños, que son nuestra máxima prioridad, pedimos respeto a la privacidad. Gracias por su comprensión”, escribieron el 4 de junio de 2022.

Eso, en el plano sentimental. En el económico, su relación con España tampoco estuvo exenta de problemas. El pasado mes de mayo, la Audiencia Nacional le dio la razón a Shakira en su batalla con Hacienda por el ejercicio de 2011, al concluir que no se había acreditado que fuera residente fiscal en España aquel año, y anuló las liquidaciones y sanciones que se le habían impuesto. El fallo, sin embargo, no afecta a los ejercicios de 2012, 2013 y 2014, por los que la cantante aceptó en 2023 una condena firme por seis delitos fiscales y una multa de 7,3 millones de euros, además de las cantidades e intereses que ya había abonado.

Aun así, esto no impide que venga con ganas, o como ella se ha referido, “entera”. “Por eso, volver, como decía Gardel, rodeada de tanto amor me llena inmensamente. Esta vez entera y con toda la fuerza para ofrecerles lo mejor de mí en estos 12 conciertos que se vienen y lo mejor de esta gran nación latina que somos, porque el Atlántico ya no es un océano que separa sino un lazo que nos une. Gracias a todos mis fans europeos, de Colombia y del mundo que desde ya vienen a acompañarme en este paso histórico para mí. Los quiero!!!”, ha finalizado,

Tras la ceremonia de los Premios Emmy 2026, celebrada esta pasada noche en Los Ángeles, la televisión española vuelve a mirar una lista que reúne cinco producciones reconocidas por la Academia Internacional de Artes y Ciencias de la Televisión. Cuatro series y un telefilme español han obtenido un Emmy Internacional, desde el galardón pionero de La cabina en 1973 hasta los reconocimientos a ficciones, telenovelas y documentales de formato corto en los últimos años.

Los Emmy que entrega la Academia de Televisión de Estados Unidos y los Emmy Internacionales responden a certámenes distintos. Los primeros premian principalmente a producciones estadounidenses, mientras que los Internacionales distinguen programas realizados fuera de ese país. En ese segundo ámbito se concentran los cinco títulos españoles premiados. El primer reconocimiento llegó en 1973 para La cabina, el mediometraje dirigido por Antonio Mercero, escrito junto a José Luis Garci y protagonizado por José Luis López Vázquez. La obra, emitida por Televisión Española en diciembre de 1972, recibió el Emmy Internacional a mejor telefilme.

La historia comienza con un hombre que entra en una cabina telefónica y descubre que no puede salir. A partir de esa situación, el relato desplaza la acción hacia un terreno inquietante, sin apartarse de su punto de partida. Con una duración de 34 minutos, la producción se convirtió en uno de los títulos más difundidos de la televisión española de los años 70. La cabina está disponible de forma gratuita en RTVE Play, dentro de las colecciones de archivo de la corporación pública.

Más de cuatro décadas después, Pulseras rojas llevó otra estatuilla a España. La ficción catalana, ganó el Emmy Internacional Kids a mejor serie en la edición de 2015. Creada por Albert Espinosa y dirigida por Pau Freixas, la producción sigue a un grupo de adolescentes que comparte la experiencia de una larga internación en un hospital. Televisió de Catalunya y Castelao Pictures figuraron como responsables de la obra reconocida por la Academia Internacional. La serie cuenta con dos temporadas y puede verse en España a través de Netflix, Filmin y Atresplayer. La disponibilidad puede variar según el país y los acuerdos de distribución vigentes.

‘La casa de papel’ fue la primera ficción española premiada como mejor drama

En 2018, La casa de papel obtuvo el Emmy Internacional a mejor serie dramática. La producción creada por Álex Pina para Antena 3 había comenzado su emisión en España en 2017 y alcanzó proyección global tras su incorporación al catálogo de Netflix. La serie narra el asalto a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, planificado por un grupo de atracadores dirigido por El Profesor. El reconocimiento en Nueva York confirmó el alcance internacional de una ficción que, en ese momento, ya circulaba en decenas de mercados. Las cinco partes de La casa de papel están disponibles en Netflix.

La edición de 2024 de los Emmy Internacionales dejó dos reconocimientos para España. La Promesa, producida por RTVE, StudioCanal y Bambú Producciones, ganó en la categoría de mejor telenovela. La ficción de época se centra en Jana, una joven que llega al palacio de los Luján con el propósito de esclarecer la muerte de su madre. La serie diaria, creada por Josep Cister Rubio, se puede seguir en La 1 y en RTVE Play, donde están disponibles los capítulos emitidos.

Ese mismo año, la docuserie catalana Punt de no retorn recibió el Emmy Internacional a mejor serie de formato corto. Dirigida por Raül Gallego, la producción aborda conflictos, cambios sociales y procesos políticos a través de reportajes centrados en personajes y territorios concretos. Las temporadas de Punt de no retorn se encuentran en la plataforma 3Cat. La edición más reciente de los Emmy Internacionales, cuyos ganadores se anunciaron el 24 de noviembre de 2025, tuvo tres producciones españolas candidatas. Valle Salvaje y Regreso a las Sabinas compitieron en la categoría de mejor telenovela, que finalmente ganó la producción turca Deha. El documental deportivo de Netflix en torno al Caso Rubiales Se acabó: Diario de las campeonas, fue nominado y obtuvo el premio en su categoría. Además, el actor español Oriol Pla ganó el Emmy a mejor interpretación masculina por su papel en Yo, adicto.

La actriz María Galiana lamentó los 22 años que dedicó a Cuéntame cómo pasó, la serie en la que interpretó a Herminia, abuela de la familia Alcántara. A los 91 años, afirmó que ese trabajo televisivo “no le ha aportado nada” y describió esa etapa como un “desperdicio”. Galiana cuestionó el lugar que tuvo ese personaje dentro de su carrera. La intérprete señaló que habría preferido hacer cine y asumir otros papeles, ya que no esperaba consolidarse ante el público como una abuela de ficción.

María Galiana formó parte de Cuéntame cómo pasó durante 22 años. En la producción interpretó a Herminia, uno de los personajes de la familia Alcántara, eje de una serie que se extendió durante 23 temporadas. La actriz fue directa al evaluar ese período. “Los 22 años que he estado en televisión haciendo la serie no me han aportado nada. La abuela, vaya un papel”, declaró en una entrevista concedida a EFE.

Sus palabras no se refieren a la recepción de la ficción ni a su éxito entre distintas generaciones de espectadores. Galiana expresó una valoración personal sobre el tipo de personaje que representó y sobre las posibilidades profesionales que, a su juicio, dejó de lado. El papel de Herminia quedó asociado a una etapa prolongada de su carrera. La actriz dedicó más de dos décadas a encarnar a la abuela de los Alcántara, una figura presente en la historia familiar narrada por la serie. Para Galiana, esa identificación no coincidía con lo que esperaba de su trayectoria. “Lo último que pensaba era que me iba a consagrar como abuela. Qué ajeno a mi personalidad”, sostuvo.

El deseo de hacer cine y otros personajes

La intérprete explicó que ser actriz no estuvo entre sus objetivos iniciales. Cuando logró dedicarse a la interpretación, esperaba desarrollar un recorrido distinto al que finalmente tuvo en televisión. Galiana dijo que habría querido participar en películas y asumir personajes que considerara más adecuados para ella. “Me hubiese gustado hacer películas y papeles buenos”, afirmó. La actriz planteó así una distancia entre su trabajo más conocido en televisión y sus propias aspiraciones. Su crítica apunta a haber quedado vinculada durante años a un papel de abuela que, según dijo, no se correspondía con su personalidad.

La sevillana también sostuvo que el tiempo dedicado a la ficción fue un período desaprovechado. “Estoy haciendo teatro para compensar”, señaló. No ofreció detalles sobre montajes concretos ni sobre próximos trabajos teatrales. La declaración presenta esa actividad como una forma de equilibrar una carrera que, para el público, quedó marcada por Herminia. La valoración de Galiana sobre Cuéntame cómo pasó contrasta con los reconocimientos que recibió por otros trabajos. La actriz cuenta con premios vinculados a su interpretación en cine, entre ellos el Premio Goya a mejor actriz de reparto por Solas en 2000. Por esa película también obtuvo el Premio Ondas a la mejor actriz. El texto sobre su entrevista recuerda además el reconocimiento como mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Tokio.

Más allá de Cuéntame, Galiana protagonizo películas como Solas de Benito Zambrano, que figura entre los títulos asociados a sus principales galardones. Esos premios forman parte de una trayectoria que incluye numerosas distinciones, según la información difundida. Galiana afirmó que su objetivo profesional habría estado más cerca de ese tipo de experiencias cinematográficas. Frente a los 22 años que pasó en la serie, insistió en que habría preferido participar en películas y en papeles distintos. La actriz resumió su posición con una crítica a la huella que dejó Herminia en su carrera: “La abuela, vaya un papel”.

Una comedia sobre cinco amigos que comparten casa en Queens prepara su llegada a Disney+ en España tras lograr un 40% más de audiencia en streaming con su segunda temporada. Los nuevos episodios estarán disponibles desde el 30 de septiembre y se estrenarán completos. La serie es Adults, una producción de FX creada por Ben Kronengold y Rebecca Shaw. La ficción se centra en Billie, Anton, Issa, Paul Baker y Samir, un grupo de amigos que convive en Nueva York mientras afronta conflictos personales y las exigencias de la vida adulta.

Algunos medios han comparado la premisa con la de Friends y Cómo conocí a vuestra madre: varias amistades, una ciudad como escenario y la convivencia como punto de partida para las historias. La producción de FX no se presenta como continuación ni adaptación de esas series. La segunda temporada llegará en exclusiva a Disney+ en España con sus ocho capítulos disponibles el día de su lanzamiento. La primera entrega y el episodio precuela “Marathon Day” ya forman parte del catálogo de la plataforma.

La nueva tanda de episodios se estrenó el 27 de agosto. En los 12 días posteriores a su lanzamiento en plataformas, el visionado en streaming subió 40% frente al mismo período de disponibilidad de la primera temporada, según datos internos de Disney citados por The Hollywood Reporter. La comparación toma como referencia los primeros 12 días de la primera entrega, que se emitió entre mayo y junio de 2025. Disney no difundió las cifras absolutas de audiencia de ninguna de las dos temporadas.

Reescribiendo los orígenes

El aumento se concentró en parte fuera de Estados Unidos. En los mercados internacionales donde la serie se distribuye a través de Disney+, el público duplicó el registrado por la primera temporada, de acuerdo con los datos de la compañía. En Estados Unidos, las dos temporadas llegaron completas a Hulu. La primera también se emitió en FX con dos episodios semanales, mientras que la segunda tuvo su difusión lineal en FXX. La evolución de la audiencia adquiere peso porque la primera temporada partió de una base reducida. FX y los creadores de la comedia reconocieron que el debut no había reunido a un público amplio.

Antes del estreno de la segunda temporada, FX lanzó “Marathon Day”, un capítulo precuela publicado el 31 de julio. El episodio elevó el consumo de la primera temporada durante las cuatro semanas previas a la llegada de los nuevos capítulos. La historia ofrece antecedentes sobre el vínculo entre los protagonistas. La primera temporada había presentado al grupo cuando la amistad ya estaba consolidada y todos compartían la vivienda de Queens. Kronengold contó a The Hollywood Reporter que FX les consultó cómo recibir de nuevo al público y les pidió una idea fuera de lo habitual. Los creadores respondieron con un relato sobre el origen de los personajes.

“Puesto que empezamos la serie dejando a la gente en medio de este grupo de amigos, pensamos que debíamos hacer una historia de origen”, afirmó Kronengold. El creador añadió que el episodio podía atraer a quienes no vieron la serie cuando se estrenó en 2025. El reparto está formado por Malik Elassal, Lucy Freyer, Jack Innanen, Amita Rao y Owen Thiele. Freyer interpreta a Billie; Thiele encarna a Anton; Rao da vida a Issa; Innanen interpreta a Paul Baker, y Elassal asume el papel de Samir. Adults procede de FX Productions. Kronengold y Shaw son los responsables de la serie y figuran como productores ejecutivos. El equipo de producción ejecutiva también incluye a Nick Kroll, Sarah Naftalis, Jonathan Krisel, Alicia Van Couvering y Rob Rosell. La segunda temporada se distribuye en Disney+ fuera de Estados Unidos. En España, sus ocho episodios estarán disponibles a partir del 30 de septiembre.

El actor Sebastian Stan ha encontrado en Fjord, la película de Cristian Mungiu sobre una familia rumana separada de sus cinco hijos por las autoridades noruegas, un espejo de su reciente paternidad y de una trayectoria que le ha llevado de Marvel a personajes incómodos, vulnerables y políticamente expuestos.

El actor, de 44 años, interpreta a Mihai, un inmigrante rumano en Noruega acusado junto a su esposa Lisbet, encarnada por Renate Reinsve, de maltratar a sus cinco hijos. Las autoridades locales los envían a acogida, y la película llegará este otoño tras obtener la Palma de Oro en Cannes.

Según New York Magazine, Stan se trasladó directamente desde la ceremonia de los Oscar del año pasado al rodaje, en una aldea remota de Noruega. El equipo le rapó el pelo al comenzar la filmación porque Mungiu consideraba que, de otro modo, el actor era “demasiado guapo para mi clase de cine”.

La decisión resume la evolución profesional de un intérprete conocido mundialmente por James “Bucky” Barnes, el Soldado de Invierno de Marvel. Stan ha buscado en producciones independientes e internacionales papeles que exigen una transformación física o psicológica, como el protagonista de A Different Man y su interpretación de Donald Trump en The Apprentice, que le valió una nominación al Oscar.

Qué cuenta ‘Fjord’ y por qué conecta con Stan

Fjord contrapone la crianza de una pareja noruega laica y permisiva con la de Mihai y Lisbet, cristianos evangélicos de normas más punitivas. La historia no muestra agresiones de los padres, aunque ambos admiten haber dado a sus hijos algún azote y defienden que hace falta “un poco de disciplina” para educar a cinco menores.

Mungiu ha construido el guion a partir de casos de familias inmigrantes que consideraron injusta la intervención del Barnevernet, el servicio noruego de protección infantil. Entre ellos figura el de Ruth y Marius Bodnariu, dos cristianos pentecostales rumanos a quienes retiraron a sus cinco hijos en 2015 después de que dos de los mayores contaran en el colegio que recibían golpes.

Los Bodnariu reconocieron que azotaban ocasionalmente a los niños, pero negaron abusos más graves. Durante los siete meses que tardaron en recuperar a sus hijos, su caso se convirtió en una causa para sectores conservadores rumanos y medios evangélicos internacionales, que sostuvieron que la familia era perseguida por sus creencias; una investigación de la BBC no encontró pruebas de ello.

La película ha sido recibida en Rumanía como parte de un debate político más amplio sobre identidad nacional, religión y emigración. La crítica de cine y profesora Irina Trocan ha explicado a la publicación que el caso Bodnariu provocó protestas, campañas en internet y un relato de confrontación entre los valores rumanos y una supuesta frialdad noruega.

El político conservador Titus Corlatean, implicado en aquellas movilizaciones, ha presentado la película como una defensa de la “familia tradicional” y ha difundido fotografías junto a Mungiu. El director ha rechazado esa lectura: “Fjord no trata sobre Noruega ni sobre Rumanía. No trata sobre una religión concreta. Trata de una forma fundamentalista de ver las cosas”.

Para Stan, la ambigüedad forma parte del interés de la obra. El actor ha dicho que le atrae un cine que no “da todo masticado” al público y que evita el melodrama, una orientación opuesta a la búsqueda de grandes escenas emocionales que recuerda de sus primeros años ante los guiones.

La relación con el personaje también ha sido lingüística y biográfica. Stan nació en Constanza, ciudad portuaria rumana a orillas del mar Negro, y se trasladó a Austria con su madre tras la revolución rumana de 1989, antes de instalarse en Nueva York en 1995. Durante el rodaje habló rumano cada día con el equipo y buscó desprenderse de la pronunciación inglesa que había adquirido al emigrar.

Un hijo en Nueva York y un rodaje en Londres

El estreno de Fjord coincide con el nacimiento del primer hijo de Stan y la actriz Annabelle Wallis, su pareja desde hace cuatro años. Wallis dio a luz a finales de julio en Nueva York, pero el intérprete tuvo que viajar a Londres inmediatamente después para rodar The Batman 2, mientras ella y el bebé permanecían en Estados Unidos por ser demasiado pequeño para volar.

Stan ha hecho pública por primera vez su experiencia como padre, aunque no ha revelado el nombre, el sexo ni la fecha exacta de nacimiento del bebé. Solo ha indicado que comparte signo zodiacal con él: Leo. “Tener un bebé y luego coger un avión para volver al trabajo me hizo sentir que le estaba arruinando la vida”, ha reconocido.

La separación de su hijo ha intensificado su identificación con una película centrada en padres apartados de sus niños. Reinsve, que interpreta a Lisbet y tiene un hijo pequeño, ha señalado que los periodos de rodaje lejos de él resultan dolorosos y que pudo trasladar esa sensación de vacío a su personaje.

Stan intenta regresar a Nueva York cada fin de semana posible, aunque sea durante 24 horas. Cuando el niño esté inmunizado, Wallis y el bebé se instalarán temporalmente en Londres, donde el actor prevé permanecer al menos hasta diciembre.

La paternidad ha reabierto en él preguntas sobre la responsabilidad y la crianza. El intérprete ha contado que recibió algunos azotes de niño, aunque no vivió situaciones de violencia grave, y que la mayor dificultad de su infancia fue la inestabilidad provocada por las mudanzas y la separación de sus padres.

Su padre, Constantin, abandonó Rumanía durante el régimen de Nicolae Ceaușescu después de ayudar a otras personas a escapar del país. Stan no volvió a verlo hasta los 18 años y reconstruyó gradualmente la relación cuando empezó a viajar a Los Ángeles para acudir a audiciones; Constantin murió de COVID durante una visita a Rumanía en 2021.

El Soldado de Invierno como thriller

La búsqueda de papeles menos previsibles no implica un rechazo a Marvel. Stan define a Bucky Barnes como “un personaje jodidamente genial” y agradece la oportunidad que le ofreció el estudio, pero considera que dentro del Universo Cinematográfico de Marvel ha desempeñado un papel similar al “sexto hombre” de un equipo de baloncesto: útil en numerosas situaciones, aunque fuera del quinteto titular.

El actor ha propuesto al presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, una película del Soldado de Invierno concebida como un thriller de conspiración al estilo de Sicario. Su idea gira en torno a un hombre que cree reconocer a alguien relacionado con el periodo en que fue sometido a lavado de cerebro y emprende una investigación obsesiva para averiguar quién es.

“Podría ser una película de presupuesto reducido”, afirmó. Feige respondió que la propuesta “suena bien”, según el relato recogido por New York Magazine, aunque no hay confirmación de que el proyecto vaya a desarrollarse.

The Guardian ha defendido que esa clase de películas de género, más acotadas y baratas, podría ofrecer a Marvel una vía para combatir el cansancio del público ante los superhéroes. El diario británico sitúa la propuesta de Stan en un momento contradictorio: Spider-Man: Brand New Day ha superado los 2.400 millones de dólares de recaudación mundial y Avengers: Doomsday ha ingresado más de 50 millones de dólares en ‘preventas’ en Estados Unidos antes de su estreno de diciembre.

El periódico recuerda, no obstante, que las tres películas de Marvel estrenadas en 2025 rindieron por debajo de lo esperado: Capitán America: Brave New World recaudó 415 millones de dólares en todo el mundo, Thunderbolts alcanzó 382 millones y Los cuatro fantásticos: Primeros pasos se quedó en 521 millones frente a un presupuesto estimado de 200 millones.

La apuesta por formatos reconocibles fuera de la lógica de la gran saga tiene precedentes. Logan funcionó como un wéstern crepuscular, Joker se acercó al estudio urbano de personajes y ambas películas sumaron casi 1.700 millones de dólares en taquilla mundial. Marvel también exploró esa vía con el thriller ‘conspirativo’ de Capitan America: El soldado de invierno, el atraco de Ant-Man y el terror de Doctor Extraño en el multiverso de la locura.

Stan volverá a interpretar a Bucky Barnes en Vengadores: Doomsday, previsto para diciembre. También prepara Impunity, dirigida por el chileno Felipe Gálvez y rodada entre Inglaterra, Irlanda y España, y desarrolla con Radu Jude Frankenstein in Romania, donde encarnará tanto al doctor como al monstruo.

David Herbert Lawrence (Eastwood, Inglaterra, 1885 - Vence, Francia, 1930) fue un escritor que no tuvo demasiada suerte en vida. Novelista, poeta y ensayista, terminó convertido en uno de los escritores más importantes de la literatura inglesa del siglo XX. Se atrevió como pocos a abordar el sexo y las relaciones dentro de los límites burgueses. Sus libros se leían, pero también se prohibían.

La censura acompañó buena parte de su carrera. El arco iris, su tercera novela, fue publicada en 1915, tachada de “obscena” y retirada de circulación en Reino Unido poco después de llegar a las librerías, mientras que El amante de Lady Chatterley, su obra más polémica, no pudo publicarse allí de forma íntegra y abierta hasta 1960, 30 años después de su muerte. En esta misma obra es donde aparece una de sus citas más conocidas: “Una mujer tiene que vivir su vida, o vivir para arrepentirse de no haberla vivido”.

Publicado en Florencia en 1928 -censurada en Reino Unido en 1932-, El amante de Lady Chatterley sigue la apasionada relación de una aristócrata con uno de sus sirvientes -al más puro estilo Bridgerton-. La novela arranca con la historia de Connie y Clifford Chatterley, un matrimonio de la alta sociedad inglesa que ha sufrido las consecuencias de la Primera Guerra Mundial. Clifford regresa del frente paralizado de cintura para abajo. Sus frustraciones y las idas y venidas de la pareja, Connie empieza una aventura con Oliver Mellors, el guarda de coto.

El libro fue pionero en describir el placer desde la perspectiva femenina, motivo por el que se convirtió en un clásico que se ha llevado a la gran pantalla múltiples veces. La última, dirigida por la actriz francesa Laure de Clermont-Tonnerre y con Emma Corrin y Jack O’Connell como Constance y Mellors.

El origen de la cita

Bajo este contexto, la mencionada cita la pronuncia Lady Bennerley, la tía Eva de Clifford, en el capítulo VII, quien le advierte que está dejando escapar sus años de juventud al permanecer encerrada en la finca de Wragby. “Pero yo vivo mi vida, verdad”, respondió la protagonista. “¡Ni hablar! Clifford debería llevarte a Londres y dejarte salir por ahí. Sus amigos le van bien a él, pero ¿qué te aportan a ti? Si yo fuera tú, pensaría que no es lo suficientemente bueno. Dejarás pasar tu juventud y te pasarás la vejez, y también la mediana edad, arrepintiéndote de ello", añade.

La propia vida de Lawrence estuvo marcada por algunos de los conflictos que después trasladaría a sus libros. Nació en 1885 en Eastwood, una localidad minera de Nottinghamshire, hijo de un minero y una antigua maestra. La difícil relación entre sus padres y las diferencias sociales y culturales que los separaban inspiraron parte de Hijos y amantes (1913), una de sus novelas más autobiográficas. Antes de dedicarse por completo a escribir trabajó como maestro y, en 1912, conoció a Frieda Weekley, entonces casada con uno de sus antiguos profesores. Ambos iniciaron una relación, abandonaron Inglaterra y terminaron casándose en 1914.

Su vida adulta estuvo marcada por los viajes, la censura y una salud frágil. Tras la Primera Guerra Mundial, Lawrence recorrió Italia, Sri Lanka, Australia, Estados Unidos y México, experiencias que también trasladó a novelas, ensayos y libros de viajes. Además de El arco iris, Hijos y amantes y El amante de Lady Chatterley, publicó títulos como Mujeres enamoradas y La serpiente emplumada, mientras escribía también poesía, relatos y crítica literaria. Enfermo de tuberculosis, murió el 2 de marzo de 1930 en Vence, Francia, con solo 44 años, sin llegar a ver publicada libremente en Reino Unido la que acabaría convirtiéndose en su obra más célebre.

La actriz Salma Hayek, que ha cumplido esta semana 60 años, debutará como directora de cine para salas con Arena, una aventura romántica independiente que también escribió. La película, definida como una historia de amor prohibido, reúne a la actriz mexicana con Yura Borisov y Cara Delevingne, mientras su rodaje ya está en marcha en Quintana Roo y Veracruz. El proyecto será el primer largometraje de Hayek como directora pensado para exhibición en cines. Arena aborda una relación prohibida y plantea un recorrido íntimo en torno al deseo, el amor y la conexión con la tierra, de acuerdo con la descripción de la actriz en Variety.

La producción se filma en dos estados mexicanos que forman parte central de la propuesta visual. Hayek señaló que los paisajes de Quintana Roo y Veracruz aportan una experiencia sensorial ligada a la naturaleza y al territorio donde transcurre la historia. La actriz explicó que la búsqueda de locaciones fue parte del trabajo de la película. Según contó a Variety, el equipo encontró lugares que no habían sido mostrados antes en pantalla dentro de esas regiones.

El elenco de Arena está integrado por la propia Salma Hayek, Yura Borisov y Cara Delevingne. El texto difundido por Variety presenta a los tres intérpretes como las figuras centrales de la película. Borisov fue nominado al Oscar por su trabajo en Anora, dirigida por Sean Baker. También encabeza Artificial, una próxima producción de Neon dirigida por Luca Guadagnino, según informó la publicación estadounidense.

“Una historia de amor prohibido”

Delevingne participa en Arena después de formar parte de Club Kid, película que el texto citado describe como uno de los éxitos del año. La información disponible no precisa los personajes ni la dimensión de cada papel dentro de la trama. La película cuenta con financiamiento independiente. Salma Hayek figura entre los productores junto con Angelina Jolie, ganadora del Oscar por Inocencia interrumpida; Stacy Perskie, productor de Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades; y Jose Tamez, su socio de producción desde hace años.

El director de fotografía es Philippe Le Sourd, responsable de la imagen de Priscilla, de Sofia Coppola, y The Grandmaster, de Wong Kar-wai. Su incorporación forma parte del equipo técnico que acompaña el primer largometraje para cines dirigido por Hayek. Salma Hayek explicó que eligió Quintana Roo y Veracruz no solo como fondos para la acción, sino como espacios vinculados al sentido de Arena. La directora sostuvo que la conexión con el terreno y la naturaleza refuerza la dimensión emocional de la historia.

“Es una historia de amor prohibido”, afirmó Hayek a Variety. También describió la película como un recorrido sobre el descubrimiento de otra persona y la posibilidad de experimentar placer en aspectos cotidianos. La actriz dijo que las locaciones aportan una dimensión cinematográfica propia a la película. “Estoy emocionada de mostrar al mundo estas joyas ocultas”, declaró al referirse a los lugares seleccionados durante el rodaje. Arena marca una nueva etapa profesional para Hayek, cuya carrera en Hollywood se extiende por más de tres décadas. Antes de este proyecto, dirigió The Maldonado Miracle, un especial infantil por el que obtuvo un premio Emmy diurno a la mejor dirección. Con Arena, Hayek asumirá la dirección, la escritura y la producción de una película rodada en México. El proyecto se encuentra actualmente en filmación entre Quintana Roo y Veracruz.

La primera temporada consta de ocho episodios y arranca con Catherine, encarnada por Lola Petticrew, observando a un hombre agonizante en un apartamento antes de administrarle una inyección letal. La investigación identifica después al fallecido como Caleb Easton, heredero del multimillonario Jay Easton, y apunta a una asesina en serie.

Rossum interpreta a Alice Black, una agente novata del FBI que antes trabajaba en la Policía de Nueva York. Abandonó el cuerpo tras sufrir una agresión grave de Marshall (Jack Lacy), su pareja desde la adolescencia y también detective, y después de que buena parte de sus compañeros le retirase el apoyo cuando denunció los hechos.

La llamada de Danny Kelly (Scoot McNairy), su antiguo supervisor y uno de los pocos agentes que la respaldaron, devuelve a Alice a la investigación. El cadáver de Easton parece haber muerto por una sobredosis preparada para aparentar un accidente, y las similitudes con un caso previo llevan a los investigadores tras la pista de Catherine.

Una serie sobre los abusos sexuales a menores

La asesina no persigue a desconocidos elegidos al azar. Catherine fue explotada sexualmente cuando era menor y dirige su violencia contra hombres vinculados con aquella red de abusos, entre ellos figuras acomodadas que creen poder protegerse con acuerdos de confidencialidad y el silencio de sus víctimas.

“Quería que la tensión de la serie proviniera de los personajes, que el espectador nunca se sintiera cómodo con los clichés de ”este es el bueno, este es el malo. Esa fue una gran parte de la estructura de la serie: siempre hay una revelación sobre un personaje, de forma que se van acumulando capas alrededor de ellos que los hacen más ricos y complejos", cuenta la creadora, responsable también de Dying for Sex o The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes.

Meriwether se ha inspirado libremente en la película Black Widow, estrenada en 1987, aunque ha sustituido la historia de una mujer que se casa con hombres ricos para asesinarlos por la de una superviviente de trata que busca a quienes la dañaron. Uno de esos agresores es un magnate neoyorquino interesado en menores, un elemento que remite al fallecido financiero Jeffrey Epstein.

“Creo que la serie contiene una reflexión de fondo acerca de los sistemas opresivos del patriarcado y la misoginia. Y aquí es como si las Furias de la antigua Grecia se tomaran la revancha hacia todo eso”, cuenta Petticrew. “En efecto, hay mucha furia hacia las mujeres, que han tenido que soportar todo eso a lo largo de la historia. Hay muchos depredadores que han aparecido en las noticias en los últimos 25 años, están ahí desde siempre. No queríamos circunscribir la serie a un caso en concreto como el de Epstein, sino analizarlo como algo estructural”, añade Rossum.

La serie presenta a Catherine como una mujer con emociones cambiantes, escaso control de los impulsos y una apariencia infantil que contrasta con la violencia de sus crímenes. Lleva una mochila deteriorada como si fuera un talismán y utiliza dosis mortales de fentanilo para matar a los hombres a los que atrae.

Alice reconoce en esa violencia una cercanía que la incomoda. También ella arrastra las secuelas de una relación abusiva y busca encuentros con hombres desconocidos a través de aplicaciones para que la golpeen bajo sus propias condiciones, una conducta que la acerca a la temeridad y a la autodestrucción.

Una relación compleja y sin juicios morales

“Creo que mi personaje se obsesiona con el personaje de Catherine porque de alguna manera se siente identificada con ella. Y ahí viene la pregunta: ¿cómo puede sentir eso por una ‘serial killer’? ¿Por qué alguien puede convertirse en un monstruo? Pero eso es lo fascinante que tiene esta serie, que te lleva por lugares muy oscuros", cuenta Rossum.

Nora Washington, responsable de la unidad de delitos sexuales del FBI e interpretada por Quincy Tyler Bernstine, se convierte en mentora de Alice. La agente, agotada tras años investigando abusos a menores y con una adicción al alcohol que no oculta, identifica el mecanismo que une a la detective y a su objetivo.

Nora recurre al mito de Medusa para definir a Catherine: una mujer convertida en monstruo después de ser violada por Poseidón. “Es una víctima, pero eso no la convierte en una buena persona. La convierte en un monstruo”, afirma el personaje.

La misma agente formula con mayor crudeza la rabia que atraviesa la trama: “Estoy jodidamente enfadada”. Su experiencia en delitos sexuales le ha enseñado los límites de la investigación ante una estructura donde los agresores cuentan con dinero, poder y redes de protección.

La serie sitúa el centro de la serie en tres personajes femeninos complejos: Alice, Catherine y Nora que tienen que enfrentarse a un mundo de hombres que siempre se encarga de cuestionarlas.

La aproximación entre Alice y Catherine convierte el caso en un juego de persecución entre dos mujeres que han sufrido la violencia de hombres poderosos y protegidos. Ninguna encaja en la imagen socialmente aceptable de la víctima, y esa incomodidad moral está en el centro del relato.

“Todo el mundo disfruta cuando hay una mujercita dulce tirada en el suelo, cortada en pedazos”, observa Nora. Al negarse a ocupar ese lugar, Alice y Catherine se convierten en figuras menos fáciles de aceptar: una detective que responde al daño con conductas destructivas y una asesina que dirige su furia contra quienes participaron en su explotación.

“Creo que hay mucha furia ahí fuera. La serie creo que analiza cómo la ira se convierte en una liberación y en una condena, porque te consume y pierdes una parte de ti misma y de tu humanidad. Así que quería profundizar en este tema, de esa parte de liberación y también de autodestrucción. Y sí, creo que hay paralelismos con el enfado de lo que pasa en la actualidad. Las mujeres intentan conseguir justicia, pero lamentablemente los mecanismos para ello son complicados y están viciados”, culmina Rossum.

Los fans del terror están de enhorabuena y es que, la serie Crystal Lake, se encargará de recuperar el universo de Viernes 13 en una versión televisiva ambientada antes de la película original de 1980 que explorará la muerte de Jason y la transformación de su madre en asesina tras casi dos décadas sin una nueva entrega propiamente dicha de la franquicia.

Crystal Lake situará a Pamela Voorhees como cocinera del campamento mientras su hijo Jason, de 11 años, participa en las actividades pese a sus limitaciones físicas. La trama contará los acontecimientos que desembocan en la tragedia del niño y en la posterior matanza de su madre.

Según Empire, Linda Cardellini, la absoluta protagonista fue la primera elección del ‘showrunner’ Brad Caleb Kane para interpretar a la mujer a la que los habitantes de Crystal Lake conocen como Pam. La actriz, conocida en el género sobre todo por su papel de Velma en las películas de Scooby-Doo, ha afrontado al personaje sin reproducir la interpretación de Betsy Palmer en el filme fundacional.

“Linda estaba muy ilusionada con la posibilidad de asumir un personaje tan enorme dentro del panteón del terror, y encontró una vía propia a través de los giros de la historia”, ha explicado Kane. “Se soltó por completo y se lanzó a una desenfrenada espiral asesina; el resultado es bastante glorioso”.

Qué cuenta la precuela de ‘Viernes 13′

El responsable de la serie ha confirmado que la producción ha jugado inicialmente con el peinado de Palmer, aunque finalmente lo descartó porque parecía “cosplay”. Kane ha defendido que Cardellini tiene la fuerza interpretativa suficiente para construir su propia Pamela Voorhees, sin apoyarse en una reconstrucción literal de la imagen de la actriz original.

La ficción ha rodado exteriores en Blairstown, el municipio donde se filmó Viernes 13 y que, según Kane, apenas ha cambiado en 45 años. El equipo ha tratado de recrear escenas de la película de 1980, aunque introducirá variaciones destinadas a modificar la comprensión del espectador sobre aquellos momentos.

Kane, seguidor declarado de la saga, ha citado Viernes 13. 3ª parte como la primera película de la franquicia que vio, en su estreno original en tres dimensiones. Considera que Viernes 13. 4ª parte: Último capítulo es la mejor entrega, por el enfrentamiento entre el joven Corey Feldman y Jason, mientras que sitúa Viernes 13. 6ª parte: Jason vive como la más divertida y abiertamente desmadrada.

La nueva serie mantendrá la violencia gráfica que caracteriza a la franquicia, pero buscará que cada muerte resulte distinta de las ya vistas. “Va a ser sangrienta y sorprendente”, ha asegurado el ‘showrunner’, que se planteó cómo conseguir que el público saltase del sofá y señalase la pantalla ante lo que estaba viendo.

El origen de esa violencia será el deterioro de Pamela tras perder a Jason, la única persona a la que considera su razón de vivir. La serie mostrará al niño como un campista que intenta disfrutar de un verano normal al aire libre con otros menores, mientras su madre trata de protegerle, hasta que las consecuencias trágicas precipitan su ruptura psicológica.

“Hay giros y vueltas en el camino hacia la crisis psicótica total de Pam y su posterior matanza sangrienta”, ha adelantado Kane. La faceta de Jason como asesino llegará bastante más tarde durante la temporada, aunque el creador promete que, cuando aparezca, lo hará “con fuerza”.

Una serie con referencias al original

El equipo de Crystal Lake ha apostado por conservar la materialidad de las películas y por recurrir a efectos especiales físicos siempre que fuera posible. Kane ha revelado a Empire que el primer episodio incluye a un especialista que camina con una bolsa llena de sangre sobre la cabeza.

La escena planteó dudas sobre su viabilidad hasta que el supervisor de efectos especiales Johann Kunz encontró la manera de ejecutarla. El rodaje se completó al tercer intento: “Fue un desastre, pero lo conseguimos, y estoy muy orgulloso de ello. También me da náuseas”.

Los créditos iniciales tomarán como referencia la estética granulada y tensa de Kolchak: The Night Stalker, serie anterior a Expediente X, sin abandonar los códigos visuales de Viernes 13. El rótulo de Crystal Lake saldrá de la pantalla y romperá el cristal, y la tipografía será la misma que empleó la película original.

La cabecera contará además con música inédita de Harry Manfredini, compositor de la banda sonora del primer filme. Su participación enlaza la serie con uno de los elementos sonoros más reconocibles de la franquicia.

Kane ha querido que los adolescentes y otros personajes que acaban convertidos en víctimas tengan una construcción dramática más desarrollada que en las películas. “Ojalá las muertes sean incluso más satisfactorias que en las películas por el trabajo de personajes que precede a la carnicería”, ha señalado. El objetivo es que el público se implique en la historia y en quienes la habitan antes de que cada asesinato tenga un impacto emocional.

La producción también ampliará el papel de figuras del largometraje original como Crazy Ralph, el agente Dorf y Trudy. Para Kane, una película de 90 minutos apenas permite que esos personajes hagan algo más que aportar humor, color o advertencias funestas, mientras que la narración televisiva de larga duración permite conocerlos y convivir más tiempo con ellos.

Callum Vinson, intérprete del Jason niño, ha llegado al rodaje como aficionado al cine de terror y, según Kane, dispuesto a asumir cuanto le propusiera el equipo. El actor ha tenido que llevar una prótesis de cabeza especialmente pesada bajo condiciones de calor sofocante, lo que obligó al maquillador de efectos especiales Dave Presto a diseñar otra más transpirable, que también pudiera retirarse y volver a colocarse con rapidez.

La serie incorporará referencias para los seguidores veteranos, incluido el jersey de Pamela, sin plantearlas como una barrera para el espectador ocasional. Kane ha precisado que ese equilibrio incluirá nuevos jóvenes en el campamento, sexo, drogas, rock and roll y muertes diferentes de las vistas en las películas anteriores.

El intérprete galés se ha impuesto primero como mejor actor protagonista de serie limitada por La bestia en mí, de Netflix, y después como mejor actor protagonista de comedia por La maldición de Widow’s Bay, de Apple TV. Su Emmy de drama por The Americans, obtenido en 2018, completa los tres premios principales de interpretación masculina.

Rhys es la primera persona que ha obtenido los dos Emmy protagonistas en una misma gala. Antes de él, James Earl Jones ganó en 1991 el premio de protagonista de drama por La pasión de Gabriel y el de reparto en serie limitada por ¿Tierra prometida?, mientras Stockard Channing consiguió dos estatuillas de reparto en 2002 por El ala oeste de la Casa Blanca y La historia de Matthew Shepard.

Un caso único e histórico

La única intérprete que había reunido antes las tres categorías protagonistas, contando a hombres y mujeres, era Barbara Stanwyck, vencedora entre 1961 y 1983. Su primer reconocimiento llegó antes de que los Emmy separasen las carreras de comedia y drama. Claire Danes, compañera de Rhys en La bestia en mí, figura entre las actrices a las que les falta uno de los tres premios.

La categoría de serie limitada ha deparado el resultado más inesperado de la noche para Rhys. El galés se ha impuesto a Oscar Isaac, candidato por Beef; Riz Ahmed, por Bait; Jason Bateman, por Black Rabbit; y Charlie Hunnam, por Monstruo: La historia de Ed Gein.

En comedia, donde partía como favorito por el peso de La maldición de Widow’s Bay en las nominaciones, ha superado a Yahya Abdul-Mateen II por Wonder Man, Steve Carell por Rooster, Jason Segel por Terapia sin filtro y Martin Short por Solo asesinatos en el edificio. The Pitt ha encabezado las nominaciones de este año con 25 nominaciones, seguida de Hacks, La maldición de Widow’s Bay y Beef.

El discurso de Rhys tras el Emmy por ‘Widow’s Bay’

Al recoger el premio de comedia, Rhys ha respaldado los elogios que el vencedor del Emmy de reparto Stephen Root había dedicado a Katie Dippold, responsable de la serie. El actor ha dicho que el talento de la creadora “vive realmente en los recovecos de su perturbado cerebro”.

También ha agradecido el trabajo del productor ejecutivo y director Hiro Murai, a quien ha definido como su héroe: “Nos dirigió con mucha belleza y destreza”. Rhys ha mencionado a los ejecutivos de Apple Jamie Erlicht y Zack Van Amburg, a su agente, a su hermana —presente en la gala— y a “la gran y buena gente de Gales”.

“Han sido tan decisivos en mi formación como cualquiera. Somos una nación pequeña, pero poderosa. Esto es increíble”, ha afirmado el intérprete. La maldición de Widow’s Bay es una comedia de terror que ganó atención primero entre la crítica y después entre el público durante la pasada primavera.

Rhys encarna a Tom Loftis, el alcalde de una localidad isleña de Nueva Inglaterra que espera que su pueblo no esté encantado cuando empiezan a llegar turistas en masa. La interpretación ha sido reconocida por combinar la comedia física con amplitud emocional.

El actor ha recordado su desconcierto al leer el guion: “¿Qué coño es esto? Nunca había leído nada parecido y, desde luego, nunca había interpretado algo ni remotamente similar”. En su primera reunión por Zoom con Murai, el director le planteó que no harían “una comedia” ni “terror”, sino un mundo real con personajes y pasados reales.

El desenlace de la temporada ha llevado a Rhys a abordar algunas de las escenas más dramáticas de su carrera. “Venía de terminar La bestia en mí y pensé: ”Esto parece más intenso que aquello”, ha explicado. “El drama se amplifica y se vuelve mucho más rico como resultado”. Widow’s Bay ha sido renovada por una segunda temporada y ya había obtenido un Emmy para la actriz invitada Betty Gilpin en los Creative Arts Awards.

La información se conoce desde hace meses, pero ha sido apenas 15 días del inicio del rodaje, cuando han empezado a trascender los primeros detalles. La película que Woody Allen (Nueva York, 1935) rodará desde este 5 de octubre en Madrid —y que llevará también Madrid en el título— empieza a tomar forma.

Entre los detalles nuevos que se han revelado, el reparto. Alexi Wasser (Girls, Una historia de fantasmas), Jemima Kirke (Girls, Conversaciones entre amigos), Peter Vives (El tiempo entre costuras), Marton Csokas (The Equalizer. El protector) y Jakob Oftebro son los primeros nombres confirmados. Por el momento, solo Vives es español —de madre neozelandesa y padre español—.

La actriz británico-estadounidense Jemima Kirke se dio a conocer como Jessa Johansson, una de las cuatro protagonistas de Girls, la serie creada por Lena Dunham, y después ha aparecido en producciones como Sex Education y Conversaciones entre amigos, adaptación de la novela de Sally Rooney. Wasser también pasó por Girls, aunque en un único episodio, y ha trabajado además en la serie de Marvel Studios, Agents of S.H.I.E.L.D..

Una película para contribuir al “posicionamiento” turístico de Madrid

Vives, único español anunciado hasta el momento, se hizo especialmente conocido en España por El tiempo entre costuras y posteriormente participó en Velvet, o la película de Kike Maíllo, Eva. Sin embargo, su debut sí vino de la mano de Hollywood: el actor se dio a conocer en 2006 en la película de Disney The Cheetah Girls 2.

El reparto lo completan el neozelandés Marton Csokas, visto en títulos como El Señor de los Anillos y The Equalizer, y el noruego Jakob Oftebro, conocido en el cine escandinavo y por producciones como Kon-Tiki, 1864 o The Snowman.

El reparto lo ha avanzado la Comunidad de Madrid en un comunicado emitido este lunes, que ha precisado que la trama “será una comedia contemporánea en la que distintos enclaves madrileños tendrán un papel destacado”, haciendo referencia a la capital y Aranjuez. Esta previsto que se conozcan más detalles el próximo 1 de octubre, cuando se presente la película ante los medios de comunicación.

Que el gobierno de Isabel Díaz Ayuso patrocinaría la 51º cinta del director ganador de cuatro Premios Oscar se conoció el pasado octubre de 2025, cuando el usuario Óscar H. (@CiudadanO_O) en Twitter se hizo eco de un contrato publicado por el Gobierno regional que comprometía a pagar 1,5 millones de euros públicos para “contribuir al posicionamiento de Madrid como un lugar atractivo al que viajar, el proyecto audiovisual mostrará de manera claramente reconocible la Comunidad y su singular paisaje cultural, arquitectónico, histórico y cosmopolita”. En total, tenían que realizar tres: uno en 2025, de 150.000 euros; 600.000, en 2026; y 750.000, en 2027. Como se detalló en su momento en el contrato, la producción contará con estreno global, presentación en un festival internacional de prestigio y preestrenos en tres capitales extranjeras.

La película estará producida por Wanda Visión, Gravier Productions Inc. (la productora de Allen) y 3Six9 Studios, con el apoyo de Screen Capital y Never Summer Range y el patrocinio del Ayuntamiento de Madrid y del Gobierno regional. Wanda Visión se encargará de su distribución en los cines españoles, mientras que Daresay y WestEnd Films gestionarán conjuntamente las ventas a nivel mundial.

El autor de producciones como Annie Hall, Hannah y sus hermanas, Manhattan o Midnight in Paris no es un desconocido en España ni tampoco lo son sus rodajes en el país. En 2007 convirtió Barcelona y Asturias en escenario de Vicky Cristina Barcelona, protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson y Rebecca Hall, y años después regresó para filmar en San Sebastián Rifkin’s Festival, estrenada en 2020. Ahora será Madrid la que se incorpore a su particular mapa cinematográfico.

El pop (y rock) británico está de enhorabuena. El mismo día que Oasis ha anunciado su regreso a España -concretamente a Barcelona- 18 años después de su separación, Harry Styles ha puesto a la venta las entradas para sus dos conciertos en Madrid. Y eso no es todo: ante la alta demanda prevista para sus conciertos el 30 y 31 de julio en el Riyadh Air Metropolitano, el cantante ha anunciado una tercera fecha en la capital.

Será el 2 de agosto de 2027, apenas dos días después de la segunda de las actuaciones inicialmente previstas, cuando Harry vuelva a toparse con sus fans españoles. La venta de entradas tendrá lugar este miércoles, y al igual que ha ocurrido con las dos fechas anteriores tendrán su propio proceso de compra: ambas se celebrarán el próximo 16 de septiembre y será necesito que para la preventa se cuente con una tarjeta de American Express. Esta tendrá lugar a las 09:00 horas y la venta general será a partir de las 16:00.

Cuánto cuestan las entradas para Harry Styles en Madrid

Como ha comunicado la promotora, los precios se mantienen entre los 75,20 euros de las localidades más económicas y los 284,70 euros. La pista general cuesta 143,20 euros y el Front Stage, 171,20, mientras que las localidades de grada oscilan entre los 75,20 y los 228,20 euros. Las entradas se podrán adquirir a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.

Con esto, Madrid será la duodécima parada del exmiembro de One Direction como parte de la gira promocional de su último álbum, Kiss All The Time. Disco, Occasionally, estrenado en marzo y tres años después de Harry’s House.

En Europa, Styles pasará por Berlín, París, Madrid, Roma, Dublín y Londres, acompañado en cada ciudad por distintos artistas invitados. En Madrid, será Feist, cantante y compositora canadiense conocida por una trayectoria que combina el indie pop y el folk. La artista ha publicado discos como The Reminder y Metals y será la encargada de abrir las tres noches del británico en el Riyadh Air Metropolitano.

Las fechas, recintos y artistas invitados anunciados para la gira europea son:

• Berlín: 2 y 3 de julio en el Flughafen Tempelhof, con Getdown Services.
• París: 16 y 17 de julio en el Plenitude Arena, con Caroline Polachek. Nueva fecha añadida: 23 y 24 de julio.
• Madrid: 30 y 31 de julio y 2 de agosto en el Riyadh Air Metropolitano, con Feist.
• Roma: 7 y 8 de agosto en el Circo Massimo, con LCD Soundsystem.
• Dublín: 18 y 20 de agosto en Croke Park, con Baby Rose. Nueva fecha añadida: 21 de agosto.
• Londres: 25, 27 y 28 de agosto en Wembley Stadium, donde Tears for Fears ejercerá de artista invitado.

Dieciocho años, una reconciliación y un documental después, Oasis vuelve a España. Han sido muchos meses de especulaciones sobre el futuro del grupo que convirtió Wonderwall en uno de los himnos de los 90, pero por fin Noel y Liam Gallagher han disipado todas las dudas: Oasis volverá a salir de gira en 2027 y hará doble parada en Barcelona. Unas pistas que ya se encargaron de dar en redes sociales.

Pero la cita ya tiene fecha en el calendario: será el 10 y 11 de julio de 2027 en el Estadi Olímpic Lluís Companys, dentro de Oasis Live ’27, una nueva gira de 38 fechas que recorrerá Escocia, Inglaterra, Alemania, España, Países Bajos, Francia, Italia, Estados Unidos e Irlanda y que supone una segunda parte del tour que hace dos años reunió de nuevo a los hermanos Gallagher, Oasis Live ‘25, tras su separación en 2009, que llegó con su enésima disputa, pero su ruptura definitiva. El cantante exvocalista de la banda británica The Verve, Richard Ashcroft, será el artista invitado en todos los conciertos.

““¡¡¡QUE EMPIECEN LAS CELEBRACIONES!!!! Tras un periodo de reflexión, ‘La fuerza cultural pop más dañina de la historia reciente británica’ se ha declarado en plena forma y volverá a levantar el ánimo del pueblo. Vengan a presenciar su regreso. ¡Será un espectáculo digno de ver!”, han bromeado en un comunicado.

Cómo y cuándo comprar las entradas

Como siempre que se espera alta demanda -como ya ocurrió con Taylor Swift durante su visita a España en 2024- solo se podrán comprar entradas si te has registrado previamente en la web oficial de Oasis: www.oasisinet.com. El plazo de registro ya está abierto y termina este jueves 17 de septiembre a las 17:00 horas. Solo quien reciba un código único e intransferible tendrá acceso a una franja concreta de compra, pero no todo el mundo que se haya registrado tendrá acceso a código.

Una vez recibido, la venta de entradas en nuestro país se repartirá entre el viernes 25, sábado 26 y domingo 27 de septiembre, con tres franjas de venta cada día. Según indican desde Live Nation, cada fan seleccionado recibirá directamente la información sobre el día y la hora en la que podrá acceder. El registro será la única vía para optar a las entradas: no habrá venta general ni otras preventas públicas.

La promotora también ha avanzado información sobre los precios: los estándar oscilarán entre 85 y 255 euros, gastos incluidos, a los que se añadirá una cuota de servicio de 2 euros por transacción de Ticketmaster.

En total, la nueva gira comenzará en Glasgow el 21 de mayo de 2027 y se prolongará hasta septiembre, con paradas en ciudades como Manchester, Múnich, Barcelona, Ámsterdam, París, Roma, Boston y Las Vegas. El recorrido terminará en Reino Unido con cuatro conciertos en Knebworth los días 11, 12, 18 y 19 de septiembre.

El anuncio llega apenas una semana después de la presentación en el Festival de Cine de Venecia de Oasis: Don’t Look Back in Anger, el documental dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace que se adentra en la reunión de los Gallagher y en la gira Live ’25. “No ha habido ningún gran momento revelador que haya iniciado la reunión, solo la comprensión gradual de que es el momento adecuado. Las armas se han silenciado, las estrellas se han alineado y la gran espera ha terminado. Ven a ver a Oasis: no será televisado”, escribieron ambos en agosto de 2024, al anunciar que el grupo volvía.

Hasta aquella reconciliación, había que remontarse al 28 de agosto de 2009, cuando los asistentes de un concierto que se le celebraba en París fueron avisados de que tras una discusión entre los Gallagher, el evento se cancelaba. Dos horas después, Noel anunciaba el fin del grupo de rock: “Con algo de tristeza y gran alivio les comento que esta noche dejó Oasis. La gente escribirá y dirá lo que quiera, pero simplemente no podía continuar trabajando con Liam ni un solo día más”.

Quedan apenas días para que Shakira convierta Madrid en el epicentro de la cultura latina. La cantante colombiana, que ha aterrizado este lunes en el aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas, dará este viernes el pistoletazo de salida a la traca final de su gira mundial, Las Mujeres Ya No Lloran World Tour tras haber recorrido toda Latinoamérica y Estados Unidos. Pero es España, y concretamente en Madrid, donde la cantante se reserva sus conciertos más especiales. Este viernes arranca la residencia europea del tour en la capital, que tendrá lugar cada fin de semana desde este 18 de septiembre hasta el próximo 11 de octubre. Será, en palabras de la propia cantante, la mayor residencia de un artista en la historia de Europa.

Para conseguirlo, ha levantado un ‘estadio’ bautizado con su nombre dentro del Iberdrola Music de Villaverde, el recinto donde cada año se celebran festivales como el Mad Cool. Construido en tiempo récord —poco más de un mes— por el mismo equipo de arquitectura que firmó la residencia de Adele en Alemania en 2024, Shakira se ha propuesto tirar la casa por la ventana y convertir 12 noches de conciertos en algo mucho más épico.

La colombiana actuará los días 18, 19, 20, 25, 26 y 27 de septiembre y 2, 3, 4, 9, 10 y 11 de octubre. El bautizado como estadio Shakira tendrá capacidad para más de 50.000 espectadores por noche, en total, 600.000 personas, aunque, a fecha de hoy todavía ninguna noche está sold out.

Y eso solo si hablamos del concierto. Detrás de las gradas levantadas especialmente para la ocasión se extienden, según la propia cantante, 30 hectáreas que forman una “ciudad efímera” inspirada en el realismo mágico de Gabriel García Márquez: Macondo Park abrirá sus puertas desde las 12.00 hasta las 00.00 horas durante las jornadas de concierto. El recinto contará con ocho pabellones temáticos dedicados a la música, la literatura, la moda, la gastronomía, el arte y la danza aglutinados bajo el programa Es Latina.

Tal y como explicó Live Nation durante la visita al estadio al que asistió Infobae hace unas semanas, tras atravesar los controles de entrada ubicados en la calle Laguna Dalga, se encontrarán con un gran “Árbol de la Vida” que ejercerá como punto central y donde se encontrará la coreógrafa y bailarina Blanca Li. Tras esto, la puerta de Macondo dejará espacio para artistas como Amaia, Guitarricadelafuente, Yerai Cortés, Nathy Peluso, Ángeles Toledano, J Noa, Nico o Yapi, y otros como Aria Vega, Gale, o Santos Bravos.

De música a libros...

Pero la música no será el único aspecto cultural que resuene en Villaverde. También tendrán espacio los libros. La editorial Penguin Random House ha puesto a disposición de Shakira una biblioteca, donde se encontrará una selección de libros que han inspirado a la cantante: desde Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez; La casa de los espíritus, de Isabel Allende; Delirio, de Laura Restrepo; Mafalda, de Quino; Mujeres que corren con los lobos, de Clarissa Pinkola Estés; Culpa mía, de Mercedes Ron; o incluso Matilda, de Roald Dahl. El recorrido se completará con una librería física desarrollada con FNAC en colaboración con Penguin.

A ello se sumará Voces de la Cultura Latina, un ciclo de doce conversaciones en el que participarán 24 autoras alrededor de 12 encuentros, entre ellas: Rosa Montero, Cristina Morató, Elísabet Benavent, Julia Navarro, Lydia Cacho, Joana Marcús, Mercedes Ron, Karina Sainz Borgo o María Esclapez. “Las charlas girarán en torno a temas que Shakira aborda en sus canciones —la identidad, las raíces, la familia, el deseo, los cuidados, la reinvención y las relaciones afectivas—”, escriben desde el grupo.

Por si fuera poco, la organización también quiere fomentar la escritora y regalarle a algún espectador la oportunidad de construir su propio proyecto editorial: “La iniciativa busca identificar nuevas voces narrativas y apoyar a personas con una historia potente que contar, aunque no tengan experiencia literaria ni una novela escrita. Un jurado formado por representantes de ambas entidades seleccionará a la persona ganadora, que recibirá una beca completa valorada en 2.999 euros para cursar el Curso de Novela de Cursiva”, apuntan.

...pasando por moda y gastronomía

La visita continuará en El Taller, pabellón dedicado a la moda española. El espacio reunirá a diseñadores emergentes y firmas de alta costura a través de exhibiciones y pasarelas, convirtiendo las prendas y los desfiles en otra de las formas de recorrer la cultura que propone Es Latina. También habrá sitio para una faceta mucho más empresarial de Shakira: se presentará por primera vez en España ÍSIMA, su marca de belleza capilar.

Después de la moda, tocará comer. El Mercado será la cocina de Macondo. La propuesta gastronómica estará seleccionada por el chef sevillano Rafa Zafra y podrán degustarse entre otros, arepas y tequeños.

Y cuando parezca que la jornada ha terminado, todavía quedará una última parada. Después de las dos horas de concierto, la plaza acogerá cada noche un carnaval inspirado, según la organización, en las raíces barranquilleras de Shakira. Será la despedida de cada fecha y también una forma de cerrar el círculo: después de pasar el día recorriendo distintos rincones de la cultura latina, Barranquilla aparecerá en Villaverde antes de la medianoche.

La actualización coloca a La Odisea en el primer puesto de mejor película, seguida de Wild Horse Nine y Proyecto Salvación, mientras La Bola Negra ocupa la cuarta posición y encabeza la carrera al Oscar internacional por España, por delante de Fjord y All of a Sudden.

El análisis de Feinberg abarca las 24 categorías de los premios de la Academia y distingue entre favoritas, aspirantes principales, posibilidades remotas y títulos aún no vistos o sujetos a embargo. Su objetivo, precisa el medio, es anticipar qué ocurrirá en la carrera, no defender qué películas deberían imponerse.

La clasificación llega después de que el Festival de Venecia acogiera los estrenos mundiales del documental sobre Gaza Naza, recibido con una ovación de 25 minutos; Búnker, que ha reunido de nuevo a Javier Bardem y Penélope Cruz, con 16 minutos; Wild Horse Nine, con 14, y Primetime, con nueve.

Qué películas lideran la carrera al Oscar

Wild Horse Nine, dirigida por Martin McDonagh, ha consolidado su posición después de su paso por Venecia y Telluride. La película figura segunda en la previsión de mejor película, mientras McDonagh ocupa el segundo puesto entre los directores y John Malkovich encabeza la lista de interpretación masculina protagonista.

La producción también impulsa a Sam Rockwell, primer candidato en actor de reparto, y a Mariana di Girolamo, cuarta en actriz de reparto. En edición, diseño de producción y montaje, el título aparece igualmente entre las obras con mayores opciones.

La Odisea, de Christopher Nolan, lidera además las previsiones de dirección, fotografía, diseño de vestuario, montaje, maquillaje y peluquería, diseño de producción, sonido y efectos visuales. Matt Damon figura cuarto entre los actores protagonistas; Anne Hathaway, segunda entre las intérpretes de reparto, y John Leguizamo y Robert Pattinson ocupan la cuarta y quinta posición en actor secundario.

La otra gran aspirante, Proyecto Salvación, se sitúa tercera en mejor película y primera en guion adaptado. Ryan Gosling aparece tercero entre los protagonistas, Sandra Hüller lidera la categoría de actriz de reparto y la película ocupa puestos destacados en fotografía, vestuario, edición, producción, música, sonido y efectos visuales.

Telluride también ha acogido los estrenos de You Can See Everything, una proyección sorpresa; The Debut, protagonizada por Julianne Moore, y Elsinore y The Liberation, con Andrew Scott y Carrie Coon al frente. La Bola Negra y Club Kid, procedentes de Cannes, han tenido una recepción especialmente favorable en su estreno norteamericano, de acuerdo con la publicación.

En Toronto, el primer fin de semana ha sido más contenido, una circunstancia que Feinberg atribuye en parte a la política no oficial de no programar al inicio películas exhibidas previamente en Venecia o Telluride. La inauguración ha incluido los estrenos mundiales de Siendo Heumann, continuación de Sian Heder tras CODA, y La esposa perfecta, protagonizada por Naomi Watts.

‘La bola negra’ coloca a España en la primera posición

La Bola Negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, es la película española mejor situada en la previsión de mejor película internacional. El filme compite con Fjord, representante automática de Rumanía tras ganar la Palma de Oro de Cannes; All of a Sudden, de Japón; Minotaur, de Francia, y Rose, de Austria.

La producción de Netflix también entra en la carrera general: figura cuarta en mejor película, cuarta en dirección, tercera en guion adaptado y entre las cinco primeras opciones en fotografía, vestuario, montaje, maquillaje y peluquería y diseño de producción. Penélope Cruz aparece quinta en actriz de reparto por este trabajo, mientras Guitarricadelafuente ocupa el séptimo puesto en actor secundario.

España cuenta además con El ser querido y Amarga Navidad entre los títulos considerados para la categoría internacional. Pedro Almodóvar figura como guionista de Amarga Navidad, todavía pendiente de valoración en varias previsiones.

En interpretación femenina, Julianne Moore lidera la clasificación por The Debut, seguida de Carrie Coon por The Liberation, Inde Navarrette por Obsession, Sandra Hüller por Rose y Virginie Efira por All of a Sudden. Penélope Cruz aparece novena por Búnker y sexta por The Invite.

Obsession ha regresado a Toronto tras estrenarse un año antes en la sección Midnight Madness. Su director, Curry Barker, de 26 años, y Navarrette, de 25, han participado en un encuentro del festival antes de nuevas proyecciones vinculadas a la campaña de premios de la película.

La siguiente presentación destacada en Toronto será Yo soy Rocky, de Peter Farrelly. Amazon/MGM aspira a que el filme siga una trayectoria comparable a la de Green Book, otra película de Farrelly estrenada en Toronto que ganó el premio del público del certamen y después varios Oscar, incluido el de mejor película.

El escritor Marcos Augusto ha irrumpido con fuerza en la narrativa española con la novela Te hice dios (Random House), en la que aborda el deseo, la culpa y el VIH desde una perspectiva inédita en la que la crudeza marca el desarrollo de una historia de amor entre dos hombres que bascula entre la mentira, la enfermedad y la muerte.

El libro parte de un encuentro en Grindr entre un hombre que quiere contraer el VIH y otro que promete transmitírselo. Así, el narrador se dirigirá a su amante tras su muerte en segunda persona, mientras reconstruye su propia mirada en primera persona y en pasado. Esa elección sostiene un relato deliberadamente incompleto: quien cuenta selecciona los episodios, silencia otros y ordena los hechos de acuerdo con sus propios intereses.

“En el fondo, la novela es la respuesta a qué deseamos y qué límites establece nuestro propio deseo. Para mí era importante situar sobre la mesa temas que, aunque sean incómodos, también son universales”, cuenta Marcos Augusto a Infobae. “Está el tema del duelo, el amor, la mentira, la mala conciencia, de cómo tejemos las relaciones”.

Qué son los ‘bugs chasers’

La historia se articula alrededor de los llamados bug chasers, personas que buscan conscientemente infectarse de VIH. El protagonista desea “pillar el bicho”, mientras el otro personaje se ofrece a dárselo; el encuentro sexual inicial da paso a una pareja atravesada por la presencia constante del VIH.

El autor plantea la obra como un relato circular que empieza y termina con una muerte. Esa estructura le permite alternar los momentos de afecto y cotidianidad con los pasajes más sombríos, ligados al deterioro físico, la culpa y las decisiones de sus personajes.

La perspectiva del narrador es decisiva para ese mecanismo. “El lector no se puede fiar del todo de él, porque al final es una versión de lo que ocurrió”, dice Augusto. El personaje habla desde dentro de la experiencia, pero reconstruye el pasado cuando ya conoce su desenlace.

La mentira no aparece solo como una conducta puntual, sino como el armazón del relato. El escritor ha comparado su crecimiento con un castillo de naipes que necesita nuevas falsedades para sostenerse, hasta formar un espacio cada vez mayor alrededor de quienes participan en él.

Esa reflexión se extiende a las identidades construidas en las aplicaciones. “Todos nos erigimos sobre una narrativa propia”. Instagram, Tinder y Grindr permiten seleccionar imágenes, componer una versión de uno mismo ante los demás y ofrecer la identidad que se aspira a tener".

Te hice dios incorpora el VIH como una cuestión médica, social y narrativa. La novela abre con una cita de La enfermedad y sus metáforas, de Susan Sontag, sobre la doble ciudadanía de los sanos y los enfermos, una idea que Augusto ha relacionado con el tránsito inevitable entre ambos estados.

El autor convierte el virus en una presencia personalizada dentro de la ficción. Le interesa, ha explicado, examinar las implicaciones sociales de estar enfermo más allá del diagnóstico clínico y de las connotaciones que acompañan a determinadas enfermedades.

La PrEP y el ‘indetectable= no transmisible’

La novela dialoga también con la PrEP, la profilaxis ‘preexposición’ que toman las personas sin VIH antes de una posible exposición al virus. Se trata de un medicamento preventivo con una efectividad superior al 90%, que se ha extendido en encuentros sexuales esporádicos entre hombres para evitar la infección.

Augusto ha querido apartarse de las narraciones sobre el VIH situadas en los primeros años de la epidemia, cuando aún no existía medicación eficaz. Ha citado como referencia El amigo que no me salvó la vida, de Hervé Guibert, publicada en Francia en 1990, para distinguir aquel contexto del presente de su novela.

Su principal interrogante se dirige a las personas que no pueden acogerse a la fórmula “indetectable = no transmisible”. Quienes siguen un tratamiento y mantienen una buena adherencia pueden alcanzar una carga viral indetectable y no transmiten el virus, pero el escritor pregunta qué sucede con quienes no responden al tratamiento o no tienen acceso a él.

“Qué pasa con las personas detectables. La gente que no tiene acceso a la medicación”, ha planteado. El autor vincula esa preocupación al auge de la extrema derecha y a la posibilidad de que las privatizaciones introduzcan copagos en los tratamientos, dejando a parte de los pacientes fuera de la atención farmacológica. “Quería trabajar esa frontera y ver qué quedaba fuera, porque el indetectable igual a no transmisible pasa por una idea que es fundamental, y es que la persona sepa su condición”. En ese aspecto, el libro quería amoldarse a las narrativas de este momento concreto.

El libro asume así una dimensión activista, aunque no renuncia a su ambigüedad moral. Para Augusto, los mensajes que han contribuido a combatir la serofobia pueden contener una parte excluyente si dejan fuera a quienes no alcanzan la ‘indetectabilidad’ o no disponen de recursos sanitarios.

En cualquier caso, hay una pulsión de muerte muy poderosa en la novela, una lucha entre el Eros y el Tanatos. “Esa dualidad lo inunda todo, también en las relaciones afectivas. La gente cada vez más, o se ama o se odia. Podríamos hablar de una realidad ficticia que procede el cristianismo, de la configuración del cielo y el infierno, que se ha trasladado al lenguaje coloquial de Instagram: o corazones o cara de vómito. Ya no existen términos intermedios. Y creo que ese juego de opuestos ha hecho mucho daño en el pensamiento”.

El punto de partida visual de la novela está en las instalaciones de caramelos de Félix González-Torres, según ha contado el autor. En esas obras, los dulces se apilan hasta alcanzar el peso del cuerpo del amante muerto del artista y el público puede cogerlos, de modo que la pieza disminuye progresivamente.

Augusto ha trasladado esa imagen al cuerpo herido y menguante de su novela. El celofán del caramelo, la sustracción paulatina de materia y la desaparición tratada desde una poética de lo dulce le ofrecieron una vía para abordar la muerte sin reducirla a su dimensión física.

Reivindicación de la incomodidad frente a la corrección

Junto a González-Torres, el libro incorpora referencias a Joan Didion y a su idea del pensamiento mágico: los ritos cotidianos y las reglas íntimas que las personas establecen para intentar controlar aquello que no dominan. También dialoga con Sontag, Annie Ernaux, Marguerite Duras, Rafael Chirbes y una tradición literaria LGTBIQ+ asociada a Jean Genet o Pedro Lemebel.

En definita, con autores que no dejan indiferentes. “Me gustan los escritores que te zarandean. Las historias amables no me interesan demasiado. No me planteé ser polémico, aunque sí era consciente que algunas descripciones podían incomodar”, habla el autor sobre el lenguaje explícito de Te hice dios. “Pero es como ocurre en American Psycho de Bret Easton Ellis, toda esa ‘ultraviolencia’ está ahí para hablar de un capitalismo atroz por el cual la gente ha enloquecido. Ese es el tipo de textos que me interesan. Creo que vivimos en un momento en el que todo es cómodo y políticamente correcto, así que yo quiero reivindicar la reflexión incomodidad”.

La prosa alterna escenas sexuales explícitas con un registro lírico. El autor, que antes de esta novela había publicado los poemarios Barriga en 2020 y Suceden tardes en 2021, además de la plaquette Palmer en 2023 junto al artista Tomás Pizá, ha buscado que la forma reproduzca la tensión entre luz y oscuridad que atraviesa la historia.

El amor y el sexo discurren por caminos distintos en el libro. Augusto ha señalado que no hay una sola escena sexual entre el narrador y Pedro, pese a que la novela contiene episodios de cruising y encuentros ocasionales: la relación amorosa se sostiene en otros gestos y en pequeñas escenas de intimidad.

La obra recoge además el cambio en los modos de ligue dentro de la comunidad gay. “Entre las parejas hetero es raro hablar de haberse conocido en Tinder, pero no conozco parejas gais que no se hayan encontrado en Grindr”, ha dicho Augusto. El escritor, que vive en Palma, ha contrapuesto el uso de las aplicaciones al declive de los locales y espacios presenciales que concentraban la vida gay en las ciudades

Anthony Ippolito encarna a Sylvester Stallone en Yo soy Rocky, la película de Peter Farrelly que reconstruye la escritura y el accidentado rodaje de Rocky como otro relato de triunfo improbable. El filme, estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2026, llegará a salas el 22 de enero en nuestro país y en noviembre en Estados Unidos.

La película sigue a Stallone desde sus audiciones para papeles menores en Nueva York hasta la noche de estreno de Rocky, con Ippolito al frente de un reparto que incluye a AnnaSophia Robb, Matt Dillon y Jay Duplass.

La crítica estadounidense da el aprobado a Anthony Ippolito, que sostiene la propuesta. El actor reproduce la dicción grave y arrastrada, la expresión abatida y la complexión física del joven Sylvester Stallone, pero no se limita a la imitación: construye a un intérprete inseguro, autodidacta y obstinado antes de convertirse en estrella.

La historia de los inicios de Stallone

El guion de Peter Gamble sitúa el comienzo en Nueva York, en 1974, cuando Stallone todavía se presenta como Mike y encadena trabajos precarios mientras opta a personajes de delincuentes o policías. Allí conoce a Sasha, empleada de taquilla de un cine y futura primera esposa, a quien interpreta Robb.

La historia muestra la expulsión de Stallone de una pensión por impago y una noche en la calle. También aborda su participación temprana en una película pornográfica de bajo presupuesto, tratada como una salida económica ante la falta de recursos, aunque IndieWire considera que el filme suaviza episodios más duros de su biografía.

Tras trasladarse a Los Ángeles con Sasha, el aspirante a actor trabaja como aparcacoches y logra reunirse con los productores Robert Chartoff e Irwin Winkler, encarnados por Toby Kebbell y P.J. Byrne. Ambos se interesan por su guion de Paradise Alley, aunque no llegan a comprarlo, y le invitan a regresar con otros textos.

La inspiración para Rocky llega, según el relato de la película, después de que Stallone vea el combate de 15 asaltos entre Muhammad Ali y Chuck Wepner el 24 de marzo de 1975. Stallone ha negado que aquella pelea fuera el origen de la historia, pero la película adopta esa versión y presenta la escritura del libreto como un arrebato creativo de apenas tres días o tres días y medio.

Chartoff y Winkler quieren adquirir el guion y barajan nombres como Charles Bronson, Burt Reynolds, Clint Eastwood y Ryan O’Neal para interpretar al boxeador. Stallone rechaza las propuestas porque exige protagonizar la película, una condición resumida en la frase que da título al filme: “Yo interpreto a Rocky”.

Un rodaje que ha pasado a la historia del cine

Los productores aceptan que Stallone encabece el reparto a cambio de reducir a la mitad el presupuesto inicialmente autorizado de dos millones de dólares. La cifra queda en 1 millón, una decisión que obliga a filmar deprisa y permite al estudio sustituir al actor si el rodaje se retrasa o excede el coste previsto.

Farrelly convierte esa restricción en el motor de la segunda mitad del filme. John G. Avildsen, interpretado por Jay Duplass, entra en el proyecto por su experiencia en rodajes rápidos y baratos, mientras Filadelfia reemplaza a Nueva York como escenario por resultar más asequible.

La película recrea el entrenamiento de Rocky, la carrera por las escaleras del Museo de Arte de Filadelfia, los golpes contra piezas de carne congelada y la escena de la pista de hielo con Adrian, interpretada por Kiki Seto. También incorpora el uso de la Steadicam para el ascenso por las escaleras, una de las soluciones técnicas que el filme presenta como fruto de la escasez de medios y que se convirtió en mítica.

La crítica de IndieWire aprecia la eficacia popular de la película, aunque reprocha que su tono ligero y pulido no profundice en el sufrimiento real que rodeó la creación de Rocky. The Hollywood Reporter comparte la idea de que Farrelly no evita el sentimentalismo, pero considera que esa elección recupera la dimensión de hombre corriente que la celebridad posterior habría ocultado.

El reparto incluye a Matt Dillon como Frank Stallone, padre del actor, y a Stephan James como Carl Weathers. La historia avanza hasta el estreno de Rocky, diez meses y un bebé después, y sitúa la reacción del público como la culminación de un rodaje condicionado por un calendario y un presupuesto mínimos.

Helen Mirren ha asumido el papel de Patricia Highsmith en Talento para matar, el thriller de Anton Corbijn que se ha estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto antes de llegar a las salas el próximo 27 de noviembre. La actriz la manifestado que la autora de Ripley ha sido una de las personas reales más difíciles de interpretar de toda su carrera por su personalidad áspera y distante.

Helen Mirren rodó todas sus escenas en dos semanas, principalmente en una casa inglesa que describe como sombría y extraña. La actriz interpreta a Highsmith en Suiza, donde la escritora recibe a un joven agente literario enviado para obtener una última novela de Ripley.

Tom Ripley apareció por primera vez en 1955 en El talento de Mr. Ripley y regresó en otras cuatro novelas de Highsmith. El personaje, un estafador y asesino de modales encantadores, ha llegado al cine y la televisión a través de adaptaciones como Extraños en un tren, de Alfred Hitchcock, Carol, de Todd Haynes, y la serie de Netflix Ripley, estrenada en 2024 con Andrew Scott.

Una historia ficticia basada en una obra de teatro

La película presenta a Highsmith instalada en Suiza durante el tramo final de su vida, acompañada por cientos de caracoles domésticos. Allí recibe a Edward Ridgeway, encarnado por Alden Ehrenreich, un joven enviado por su editor neoyorquino para persuadirla de que firme una nueva entrega de la saga Ripley.

El argumento parte de la figura de la novelista, pero desarrolla una historia ficticia. Ridgeway conoce en un tren suizo a una mujer interpretada por Olivia Cooke y, a medida que avanza el relato, Highsmith acepta estudiar su propuesta con una condición: que la ayude a concebir el asesinato perfecto.

La cinta también cuenta con Juliet Stevenson y adapta la obra teatral Switzerland, escrita por Joanna Murray-Smith. La autora estrenó el texto en la Sydney Theatre Company en 2014, antes de que llegara al Reino Unido en 2018, y ha trasladado al guion sus diálogos.

Corbijn ha cambiado el título original porque Switzerland le parecía demasiado asociado a “flores bonitas en los prados” y no reflejaba la oscuridad del relato. El realizador neerlandés, responsable de El americano, Control y Life, no había dirigido un largometraje en 10 años y se interesó por el juego de la obra entre mito y realidad: “Se vuelve complejo y ya no sabes qué es qué, qué creer”.

Cómo meterse en la piel de Patricia Highsmith

Mirren ha explicado a The Hollywood Reporter que Highsmith se distancia de los personajes históricos a los que había dado vida. “Diría que Patricia es probablemente una de ellas, sinceramente, porque es muy diferente de cómo soy yo”, ha afirmado sobre una interpretación que sitúa junto a Isabel II y Golda Meir entre las más exigentes de su carrera.

La actriz ha definido la imagen de Highsmith que propone la película con dureza: “Era muy, muy áspera, muy recluida y, básicamente, estaba muy jodida”. Para Mirren, resulta más sencillo encarnar a una persona “absolutamente horrible” que a alguien “absolutamente amable”.

La intérprete ya había asumido papeles de figuras reales como la reina Isabel II en La reina, Maria Altmann en La dama de oro, Cleopatra en Antonio y Cleopatra, Golda Meir en Golda, Ayn Rand en La pasión de Ayn Rand, Isabel I en Elizabeth I, la abogada defensora Linda Kenney Baden en Phil Spector, Catalina la Grande en Catalina la grande y Alma Reville, esposa de Alfred Hitchcock, en Hitchcock.

En una entrevista de 2015 con el diario, Mirren sostuvo que interpretar a una persona existente implica una responsabilidad añadida: reproducir su aspecto, voz, forma de andar y gestos. Aun así, considera que el recorrido esencial coincide con el de un personaje ficticio, porque depende de la imaginación y de contar una historia.

Para preparar el papel, Mirren ha estudiado fotografías y vídeos de Highsmith disponibles en internet. Le impresionó especialmente una aparición de la escritora en el programa nocturno After Dark en 1988, cuando mostró un interés perturbador por el asesinato de la hija de otro invitado.

La investigación también le reveló una faceta menos impenetrable. “Se enamoraba de mujeres de una forma absoluta, obsesiva, loca e insensata”, ha dicho la actriz, que identifica en esa conducta una vulnerabilidad profunda.

Mirren ha transformado su aspecto con el corte de pelo corto de Highsmith, jerséis holgados, chaquetas amplias y camisas abotonadas. Tras observar la postura ligeramente encorvada de la autora, incorporó rellenos en los hombros del vestuario para reproducirla.

Corbijn ha destacado la inteligencia de Ehrenreich, ganador reciente de un premio Tony, en el papel del agente literario estadounidense que intenta conseguir el manuscrito. El director ha elogiado también los enfrentamientos entre ambos personajes, construidos como duelos de ingenio y manipulación.

Mirren espera que la película deje al público “hipnotizado” y fascinado por Highsmith, y que despierte el interés por conocer mejor a la escritora. La actriz sostiene que la grandeza artística no exige que su autor sea una buena persona: “Muy a menudo los grandes artistas no son buenas personas en absoluto”.

El director Zack Snyder ha regresado al cine de acción, pero no precisamente como nos tiene acostumbrados. Ha presentado en el Festival de Toronto The Last Photograph, una película independiente ambientada en la selva de un país latinoamericano sin identificar en la que abandona los superhéroes de DC, para seguir a dos hombres unidos por una matanza y la búsqueda de dos niños secuestrados.

El director rodó durante solo 32 días con un equipo reducido en Colombia, donde ha asumido también la dirección de fotografía. El proyecto ha tardado 20 años en llegar a la pantalla y no cuenta con el respaldo de un estudio ni de una plataforma, después de que Netflix rompiera con su contrato.

El relato comienza en el sótano de un restaurante, donde el fotoperiodista Joe Wallace presencia el asalto de una guerrilla a una fiesta de cumpleaños. Los atacantes matan a los invitados adultos y se llevan a los dos menores; Wallace fotografía el asesinato de la madre de los niños y está a punto de morir durante el ataque.

Un viaje comparado con ‘Apocalyse Now’

La conmoción alcanza a Ethan Black, un granjero escocés interpretado por Stuart Martin, cuyo hermano ha muerto en la masacre. Su motivación también está ligada a la viuda de su hermano, con quien mantuvo una relación clandestina y que le dejó una Polaroid con el mensaje: “Esta es una fotografía de aquel otro mundo”.

Ethan viaja al país sudamericano para localizar a Wallace, interpretado por Fra Fee, y le propone identificar a los responsables y rescatar a los niños a cambio de 10.000 dólares. El fotógrafo, herido tras el ataque y dependiente de la heroína, acepta tanto por necesidad económica como por su inclinación a buscar sensaciones extremas a través de la cámara.

La crítica norteamericana ha descrito el trayecto de ambos hacia el interior del país como un viaje río arriba con ecos de Apocalypse Now. El destino importa menos que la transformación de los personajes, enfrentados a sus respectivas culpas, pérdidas y a una misión que se vuelve cada vez más peligrosa.

Ethan revela durante el recorrido que fue agente de la Administración para el Control de Drogas de Estados Unidos, la DEA, y que su antigua relación con la comunidad local le ha situado en una posición comprometida. Wallace, en cambio, queda definido por su distancia emocional y por el consumo de drogas, mientras Ethan le reprocha que se esconda detrás de su cámara.

Deadline considera que la película contiene acción, tensión y un humor inesperado y compara su complejidad moral con El año que vivimos peligrosamente, de Peter Weir, antes que con una ficción de propaganda política.

Un rodaje corto, pero intenso marcado por el COVID

El cineasta ha trabajado en el sur de Colombia, en torno a Leticia, la ciudad más meridional del país a orillas del Amazonas. Durante una semana de rodaje padeció un cuadro febril de más de 37,7 °C y posteriormente supo que había contraído covid, pero continuó filmando las escenas previstas con la cámara al hombro.

“No había mascarillas en el Amazonas”, ha relatado Snyder a The Hollywood Reporter al recordar aquellas jornadas. El director ha explicado que la película recaía literal y figuradamente sobre sus hombros porque compaginaba la puesta en escena con el trabajo de cámara.

El rodaje prescindió de varios elementos habituales en producciones de gran presupuesto: no hubo pantalla verde, grúas, monitores para seguir las tomas a distancia, remolques ni sillas. La mayor parte de las imágenes se ha filmado con cámara en mano, salvo el uso de una o dos vías de travelling, y el hotel del equipo ofrecía larvas vivas de escarabajo en el desayuno una vez por semana.

La productora Deborah Snyder, esposa y colaboradora habitual del director, ha vinculado esa fórmula con la etapa de anuncios y vídeos musicales de su marido. “Tienes un equipo más pequeño, pero tus imágenes siguen siendo impresionantes”, ha afirmado, antes de sostener que una producción reducida permite moverse con mayor rapidez y rodar más planos.

El equipo alcanzó una media de 40 disposiciones de cámara diarias. Snyder ha asegurado que en la primera jornada completó 72 planos de cámara reales, frente a los cuatro que en ocasiones realizaba cada día durante el rodaje de La liga de la justicia.

Un proyecto de hace 20 años que se reinventa

El proyecto nació como un thriller de espionaje o de guerra centrado ya en dos personajes y llegó a tener vinculados a Sean Penn y Christian Bale cuando estaba desarrollado en Warner Bros. Tras la muerte por suicidio de Autumn Snyder, hija del director, en 2017, y después de su salida del estudio, el realizador modificó su aproximación al material.

“Lo que se convirtió fue en una meditación sobre la muerte y la redención”, ha explicado Snyder. Para él, la película aborda también cómo distintas personas contemplan el mundo desde perspectivas incompatibles.

Warner Bros. dejó caducar los derechos cuando quedó claro que Snyder no llevaría el proyecto a un estudio competidor, y el director pudo recuperarlos. Para levantar la producción reunió a Deborah Snyder, al productor ejecutivo Wesley Coller y al productor italiano Gianni Nunnari, con quien ya había trabajado en 300.

El filme evita rasgos habituales de la filmografía de Snyder, como la cámara lenta y los efectos de pantalla verde, aunque incluye una incursión de comandos en la que explota un helicóptero. El director contrapone este trabajo a las grandes producciones de estudio, que a su juicio exigen atender a la lógica de un producto, sus secuelas y la venta de juguetes.

Tras Toronto, Snyder prepara una nueva versión de 1997: Rescate en Nueva York, de John Carpenter. La película original, estrenada en 1981 y situada en un futuro distópico de 1997, inspiró al cineasta cuando tenía 13 años; su adaptación también transcurrirá en 1997, concebido como un periodo futurista.

La conocida como ‘rentrée’ literaria ya ha activado su maquinaria este mes de septiembre con todo un catálogo de novedades de lo más variadas que nos llevan por todos los géneros, del thriller al ensayo, pasando por la novela de autor y el descubrimiento de nuevas voces.

En el ámbito de las letras españolas, ya dedicamos un artículo a repasar los principales títulos de esta temporada, desde Pajaritos preñados, de Andrea Abreu, a Fantasma, de Nerea Pérez de las Heras, de lo nuevo de Rodrigo Cortés a Rosa Montero.

En el apartado internacional también encontramos un buen puñado de sorpresas dispuestas a hacer las delicias de los paladares más exigentes y exquisitos. Hemos seleccionado seis nombres indiscutibles, pero podríamos añadir a Tash Aw, con El sur (Anagrama), a Charlotte Wood, con El retiro (Libros del Asteroide), a Pascal Quignard, con Tesoro oculto (Galaxia Gutenberg) y a André Aciman, con Idilio (Alfaguara).

‘Lo que podemos saber’, de Ian McEwan

Regresa el gran autor británico de obras como Expiación, Amsterdam o Chesil Beach con una novela portentosa que se ambienta en el futuro para hablar de nuestro presente y el fin de los tiempos a causa del colapso ecológico y el impacto de los conflictos bélicos.

La acción se sitúa en el año 2119, en un planeta inundado tras un accidente nuclear, en el que un profesor de literatura busca una pieza perdida de 2014 que puede ser clave en la historia de las letras. Al mismo tiempo, la historia nos trasladará a ese momento histórico y nos presentará a su protagonista, Vivien, una mujer casada con un ilustre poeta que se convertirá también en narradora. Una novela repleta de capas que se superponen y que habla de la herencia, de los mitos, de la condición humana y de cómo somos capaces de crear o destruir aquello que tenemos a nuestro alrededor.

‘John, hijo de John’, de Douglas Stuart

El autor escocés se dio a conocer con Historia de Shuggie Bain, que ganó el Premio Booker, y siguió creciendo literariamente gracias a la novela de iniciación ‘queer’ Un lugar para Mungo.

Ahora regresa con otra novela de formación que sigue el regreso de John-Calum Macleod a la granja familiar de Harris, una isla escocesa marcada por el aislamiento y la fragilidad de sus vínculos comunitarios. La vuelta enfrenta al protagonista con su padre, John, un pastor de ovejas y referente de la iglesia presbiteriana local, mientras su abuela Ella intenta preservar una convivencia inestable.

A través del paso de las estaciones, la historia aborda el conflicto entre identidad y pertenencia, la distancia entre padres e hijos y las distintas formas de la soledad. La crudeza y la poesía son marca de la casa del escritor, que vuelve a firmar una pieza memorable.

‘El hijo del oligarca’, de Patrick Radden Keefe

Es uno de los grandes referentes del periodismo de investigación en la actualidad gracias a obras totémicas como El imperio del dolor o No digas nada.

Ahora, el autor norteamericano aborda la muerte de Zac Brettler, un joven de 19 años que cayó desde el balcón del lujoso piso de un hombre de reputación dudosa, para seguir después la pista de una historia que desemboca en el Londres del dinero sucio, la corrupción y la violencia.

El libro parte de la investigación emprendida por los Brettler, los padres de Zac, después de que un testigo aportara una revelación concreta: el joven decía ser hijo de un oligarca ruso. Esa pista sostiene una indagación sobre qué provocó su muerte y quién fue realmente en vida. A partir de ese punto, la búsqueda de la familia se adentra en el reverso de una capital descrita bajo el brillo de la riqueza global y atravesada por manejos financieros turbios.

‘Cuando seas feliz, golpea tú primero’

En un tiempo récord, la autora moldava Tatiana Tîbuleac se ha convertido en una auténtica imprescindible gracias a su libro El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes, convertido en un fenómeno viral.

Ahora regresa con la historia de Mila, una mujer de 50 años que sobrevive en París con trabajos precarios y estancias temporales en casas ajenas, marcada por una soledad creciente y una vida que la empujó hacia el alcohol y la humillación. En el centro del relato aparece su padre, un periodista bohemio y alcohólico, descrito como tierno e irresponsable. Fue quien le enseñó a escribir, pero también quien priorizó los libros encima de ella y murió sin decirle lo que necesitaba.

Una novela centrada en la embriaguez y la vergüenza, la herencia familiar y la dificultad de empezar de nuevo.

‘Mi amor no muere’, de Roberto Saviano

El escritor y activista italiano, responsable de Gomorra, vuelve a adentrarse en las peligrosas aguas turbias de la mafia de su país. En este caso, la novela reconstruye la desaparición de Rossella Casini, una joven florentina reconocida por el Estado italiano como víctima de la ’Ndrangheta, para contar cómo una historia de amor quedó atrapada en la violencia mafiosa de la Italia de finales de los años 70 y comienzos de los 80.

Rossella Casini tenía poco más de 20 años, vivía en Florencia y desapareció el 22 de febrero de 1981 después de anunciar su regreso a casa. Nadie volvió a verla y su cuerpo nunca fue hallado, aunque las autoridades italianas la reconocen como víctima de la mafia calabresa.

La historia arranca en la Italia de 1977, un país atravesado por protestas políticas, calles marcadas por la rabia, episodios de violencia y la expansión de la heroína. En ese contexto, Rossella crece en una familia cariñosa que le ofrece una vida tranquila y sin privaciones. Su vida cambia cuando conoce a Francesco, un estudiante calabrés que vive lejos de su tierra. Entre ambos nace una relación amorosa intensa y nueva para los dos. Una especie de Romeo y Julieta dentro de la mafia, contada con la precisión y el rigor que caracterizan al autor.

‘Frenesí’, de Joyce Carol Oates

Para terminar, una colección de relatos de una de las grandes escritoras de nuestro tiempo, la gran Joyce Carol Oates, finalista del Premio Pulitzer en cinco ocasiones, que propone una serie de historias de suspense psicológico centradas en los riesgos de una juventud sin protección, el inicio difícil de la adultez y la amistad femenina.

Los cuentos presentan situaciones como la venganza de una joven contra un amante muchos años mayor, un accidente de bicicleta que persigue a una familia durante décadas, los celos de una niña frente a su prima “perfecta” y la espera de una viuda en su casa rural por el regreso de su marido muerto. El libro explora momentos de peligro en los que el destino y el libre albedrío se cruzan, y un encuentro adverso o una mala decisión puede separar un día corriente de un camino sin retorno.

Tom Felton lleva diez meses interpretando el papel de Draco Malfoy en la obra de teatro de ‘Harry Potter y el legado maldito’ de Broadway. Aunque el actor de 38 años pensaba que su vuelta al personaje que lo lanzó a la fama pasaría desapercibido en pocos días, lo cierto es que “no ha sido así”, ha expresado para el cultural de la BBC, Yasmin Rufo. “Es muy gratificante y conmovedor saber lo mucho que estos personajes siguen significando para la gente hoy en día, y si eso los lleva al teatro, ¡eso es lo mejor!”, ha afirmado el británico. Incluso, lo más curioso es que el fenómeno de Harry Potter ha llegado hasta niños y adolescentes que “ni siquiera habían nacido cuando yo participé en la primera película”.

Aunque su contrato en Broadway acaba el próximo 3 de enero de 2027, Felton ha sido el actor de la saga que ha abierto la veda para que otros decidieran volver. Recordemos que el coprotagonista Rupert Grint, que interpretaba a Ron Weasley, anunció el pasado 26 de agosto su participación en la misma obra. Ese mismo día, al enterarse de la noticia, Felton no lo dudó y se puso en contacto con él: “Normalmente, y él estará de acuerdo conmigo, somos bastante malos hablando por teléfono, pero cuando me enteré de la noticia lo llamé inmediatamente y estoy muy contento”, ha declarado para Rufo. Al final, “¿quién no quiere ver a Rupert Grint interpretando a Ron Weasley otra vez?“.

“No creo que necesite ningún consejo mío”

El actor que dio vida a Draco Malfoy durante más de una década ha asegurado que “no creo que necesite ningún consejo mío. De hecho, sería yo quien se lo pediría a él”, responde. Estas palabras no solo indican la admiración que se tienen entre el elenco de la saga de películas, pues Grint ya había pisado Broadway en 2014 y 2015 en la comedia ‘It’s Only a Play’.

Asimismo, a pesar de que el contacto que mantienen entre ellos no se asemeja al que tenían durante los rodajes, ha afirmado que su amistad ha perdurado en el tiempo. De hecho, ha precisado que, además de Grint, Daniel Radcliffe y Emma Watson son como su familia y sus mejores amigos. “Normalmente estamos en cuatro rincones distintos del planeta, así que es difícil reunirnos”, añade.

“Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años”

Nadie podía imaginarse que el regreso de Rupert Grint a los escenarios de Broadway sería para interpretar el mismo papel que le dio su vocación como actor. No obstante, en esta ocasión tendrá un papel más maduro, ya que tendrá que encarnar a un Ron Weasley adulto. Recordemos que ‘Harry Potter y el legado maldito’ es una obra de teatro que transcurre 19 años después de la guerra de Hogwarts.

Aunque la trama no fue escrita originalmente por J.K. Rowling, la escritora colaboró junto a su creador Jack Thorne para que la historia llegara a los escenarios de Nueva York. Grint, como anunció el pasado mes de agosto, empezará su nueva etapa el 2 de febrero y se extenderá hasta el 30 de marzo. Por lo que no coincidirá en el escenario con Tom Felton.

Aun así, el actor está entusiasmado por su reincorporación al mundo mágico: “Ron Weasley ha formado parte de mí desde que tenía 11 años y estoy deseando volver a encontrarme con él en esta etapa de mi vida”. Al final, como apuntaba, “hay algo tan cíclico y tan especial en volver a ponerme en el lugar de Ron ahora que ambos somos padres; de alguna manera es a la vez muy familiar y completamente nuevo”.

Las dos entregas de la bilogía de Mercedes Ron se filmaron de manera consecutiva entre Madrid y Nueva York. El rodaje comenzó en febrero de 2025 y terminó en julio de ese año, por lo que el estreno de la segunda parte apunta a 2027.

La continuación retomará el secuestro de Marfil, que queda en manos de Iván sin conocer aún que su padre fue asesinado. Mientras tanto, Sebastián intentará encontrarla después de que la primera película revelara que trabaja como agente encubierto e investigaba los negocios de Alejandro Cortés.

Ester Expósito anticipó una secuela más oscura y con más acción

La protagonista ha adelantado que el tono cambiará de forma marcada en la segunda película. “Se vuelve mucho, mucho más oscura”, aseguró en una entrevista recogida por Europa Press. La actriz añadió que Enfrentados: Ébano tendrá “mucha más acción y thriller”. Sus declaraciones sitúan a la secuela en un terreno más tenso que el de la primera parte, centrada en la convivencia forzada entre Marfil y su guardaespaldas.

Expósito también vinculó esa transformación con el tratamiento de la violencia contra las mujeres. “No puedo hablar mucho de la segunda parte, pero ahí es donde más se expone este problema de la violencia sistemática hasta escalas —en la segunda película lo veréis—, hasta escalas muy fuertes contra la mujer. No quiero hacer spoilers”, adelantó la intérprete. La actriz ha sugerido antes que la espera por el nuevo filme no sería extensa. “Creo que no habrá mucha espera, podría ser peor”.

Hugo Diego García y Mercedes Ron adelantaron escenas y giros

Hugo Diego García, por su parte, ha destacado que la segunda entrega incluirá secuencias que entusiasmaron a los dos protagonistas. En declaraciones recogidas por Europa Press, el actor dijo que en Ébano “hay muchas escenas muy guays” y cree que “la gente va a flipar”.

Mercedes Ron, autora de la bilogía, sostuvo que la nueva película se diferenciará de Marfil. La escritora coincidió con Expósito al definirla como “más oscura”. Además, la presentó como “una montaña rusa de emociones” y prometió: “No os vais a aburrir. Están todo el rato pasando cosas”.

Óscar Pedraza, director de las dos películas, también habló de un cambio de enfoque. “Es una montaña rusa en la que no sabes nunca qué va a pasar”, ha señalado. El cineasta afirmó que intervendrán nuevos personajes “que tienen muchísimo carisma” y consideró que el cierre será “muy, muy adecuado”.

Expósito y García volverán como Marfil y Sebastián. Entre los regresos previstos, se encuentran también los de Lluís Homar como Logan, Joaquín Ferreira como Ray, Eric Masip como Iván, Zoe Bonafonte como Gabriela y Majo Gámez como Tami. La lista también contempla a Joâo Bettencourt como Liam y Leander Vivey como Wilson. Prime Video no ha confirmado nuevos integrantes del reparto para la continuación.

La escritora Mercedes Ron se ha convertido en una de las grandes apuestas de Prime Video por la ficción juvenil. Después de que el fenómeno de Culpables haya aglutinado a más 100 millones de espectadores en todo el mundo, la plataforma ha vuelto a mirar al universo literario de la escritora argentina-española para adaptar otra de sus ficciones: Enfrentados, una saga publicada en 2019 y que comprende los libros Marfil y Ébano.

Este miércoles 9 de septiembre llegó a Prime Video la primera cinta, Enfrentados: Marfil. Ester Expósito, que saltó a la fama en Élite en 2018, da vida precisamente, a Marfil. Hija de Alejandro Cortés, un importante magnate español, reside en Nueva York estudiando ballet hasta que un día es secuestrada. Su padre, que teme que sean represalias contra él, decide contratar a un guardaespaldas para que la proteja las 24 horas. Así es como llega Sebastian Moore, interpretado por el actor hispanofrancés Hugo Diego García, un serio y poco hablador joven con el que a Marfil no le hará nada de gracia convivir. Hasta que empiecen a saltar chispas -de las buenas, claro-.

Un final que lo deja todo abierto

A partir de aquí, el artículo contiene spoilers de Enfrentados: Marfil.

A medida que avanza la película, Marfil descubre que la fortuna familiar que regenta su padre esconde mucho más de lo que imaginaba. Sus sospechas terminan llevándola hasta un hipódromo, donde conoce a Iván (Eric Masip), un joven aparentemente encantador con el que acaba besándose después de una discusión con Sebastian.

Sin embargo, el encuentro tiene poco de casual. Iván es en realidad Marcus Kozel, el heredero de la mafia rusa que amenaza al padre de Marfil. La situación se complica cuando Logan (Lluís Homar), jefe de seguridad del Cortés y una de sus personas de confianza, aparece para llevársela supuestamente junto a su padre, que por seguridad están a punto de mudarse a Buenos Aires.

Minutos antes, la trama revela que quien de verdad secuestró a Marfil al comienzo de la película fue el propio Sebastian, que es en realidad un agente encubierto del FBI que investiga los negocios de Alejandro Cortés.

Así es como Marfil termina en un parking del centro de Nueva York subida en el coche con Kozel mientras Sebastian escucha la conversación a través de un micrófono oculto en el colgante que lleva la joven. Sin embargo, la comunicación no tarda en interrumpirse, dejando al agente sin posibilidad de saber qué está ocurriendo dentro del vehículo.

La película se despide con Marfil en manos de la mafia y Sebastian consciente de que está en peligro; el espectador, en cambio, con la sensación de que todavía mucho por descubrir. ¿Dónde se llevan a la protagonista? ¿Qué quieren de ella? ¿Hasta dónde llegan los negocios de Alejandro Cortés? Para resolver estas y más preguntas habrá que esperar a que Prime Video estrene la segunda cinta, Enfrentados: Ébano. Aunque eso sí, no queda mucho. Ambas se grabaron el año pasado entre Madrid y Nueva York, por lo que solo quedará esperar a que Prime Video de luz verde a desvelar la fecha.

La película cambia una revelación importante de los libros

Quienes hayan leído las novelas de Mercedes Ron habrán detectado un cambio importante respecto al material original. La adaptación dirigida por Óscar Pedraza ha decidido adelantar el verdadero secreto de Sebastian: que es un agente del FBI detrás de los negocios ilegales del padre de Marfil.

En los libros, este giro no se descubre hasta Ébano. En la primera novela, tanto los lectores como la protagonista creen que Sebastian es únicamente un exfuerzas aéreas y exadicto que trabaja como guardaespaldas privado. No es hasta los primeros capítulos de Ébano cuando esterescata a Marfil y la lleva a una sede secreta del FBI, confesándole la verdad sobre su identidad. Es en ese mismo momento donde le desvela que el secuestro inicial en Central Park fue orquestado por él mismo y su equipo para obligar a su padre a ponerle custodia e infiltrarse dentro de su casa.

“Tuvimos una reunión individual cuando la película todavía era solo un guion y ya le gustó mucho la idea. Después fue siguiéndola y, cuando se la enseñamos terminada, fue un flechazo. El día del estreno, estábamos en el photocall y él gritaba: ¡Carlos, la Espiga de Oro!. Era el director del festival y decía eso antes de que se hubiera decidido nada. Estaba muy a muerte con la película. De hecho, nos la incluyeron cuando la convocatoria ya estaba cerrada", asegura ahora Carlos Saiz, debutante en el largometraje con esta película tan especial que está basada en la vida de dos personas reales, las mismas que se interpretan en la película: Lionel Corral y su padre, de nombre Lionel también. Saiz nos revela su historia.

“Conocí a Lionel hace muchos años en Murcia, por el grafiti, y también conocí a su hermana. Me cautivó el contraste entre su historia y su forma de ser. Cuando lo conocí, su madre acababa de fallecer y su padre era una figura prácticamente ausente para mí: alguien que se había ido hacía mucho tiempo y a quien no veía. Al mismo tiempo, Lionel era un chaval muy sensible, de barrio, con una manera de hablar muy particular y con un vínculo muy fuerte con la música. Empecé a retratarlo de forma natural con el móvil y poco a poco entraron otros miembros de la familia. Cuando conocí mejor a su padre, pensé: Aquí hay algo muy fuerte”, explica el director, quien realizó un primer ensayo en forma de cortometraje con los mismos protagonistas, y ahora ha llevado a la gran pantalla esta historia que ya ha triunfado en festivales internacionales como el de Transilvania o Pekín, donde se llevó el premio a mejor actor el mismísimo Lionel padre.

Una amistad convertida en película

“El corto fue una primera prueba, un simulacro de lo que después sería la película. Tenía menos medios y una historia más breve, pero ya abordaba una temática similar y nos permitió acostumbrarnos a la presencia de las cámaras”, desvela Lionel hijo. “El corto ayudó a perder el miedo a la cámara. Después de esa experiencia, ya no supuso un problema que nos grabaran”, secunda el padre, todo un descubrimiento en una película que nunca termina de ser ficción pura ni tampoco se mueve por el camino del documental. “No trabajamos con un guion estricto ni con diálogos que hubiera que memorizar. Carlos y el equipo tenían una estructura, una especie de mapa: nos proponían llegar a determinados lugares o recuperar episodios de nuestra relación y de viajes anteriores. A partir de ahí, improvisábamos. La intención siempre fue que todo resultara fiel a nuestra manera de hablar y de relacionarnos”.

En la película, padre e hijo se embarcan en un viaje por carretera desde Murica hasta Francia, con el objetivo de ver a Alicia, hija de uno y hermana del otro. Un viaje que empieza con absoluta incomunicación, y que poco a poco va acercando a padre e hijo, con una narrativa muy cinematográfica pero que no dejaba de narrar un encuentro real que se estaba produciendo en ese mismo momento. ““Me interesaba conocer las formas clásicas y los dispositivos de rodaje para romperlos. Albert Serra y Jonathan Glazer son referencias en ese sentido: experimentan mucho con la forma, con varias cámaras, con cámaras ocultas y con una idea del cine digital que permite rodar de otra manera”, razona Saiz, quien menciona el reaility y Gran Hermano como otra posible referencia.

“No entiendo que un arte tan vinculado al presente se limite a recrear emociones si puede llegar a encontrarlas delante de la cámara. El cine permite pulsar una realidad, filmarla y buscar esos momentos. El digital facilita eso. Puede haber algo de reality, pero aquí hay 90 minutos construidos a lo largo de seis años de trabajo; un programa como Callejeros puede hacer 90 minutos en medio mes. La diferencia está en el tiempo, en la sensibilidad y en el cuidado”. A diferencia de los programas en los que a veces la línea de la intimidad se cruza y el morbo se hace presente, Saiz tiene clara la forma éticade proceder. “El límite está en quererlos mucho y en conocerlos. La película está hecha para el público, pero antes que nada está hecha para ellos. Quiero que tengan un álbum familiar en forma de película, algo que puedan ver dentro de muchos años y que les devuelva ese momento de sus vidas. Intenté ser fiel a lo que veía”.

Falta sentimiento

La pregunta que queda hacerse ante algo así es, ¿realmente tiene el cine un poder terapéutico? Sus protagonistas lo aclaran: “La película fue una excusa para pasar tiempo juntos en familia. Más allá del resultado cinematográfico, durante el rodaje ocurrieron cosas que nos han permitido compendernos mejor el uno al otro. Yo pude conocer aspectos de la infancia y de la vida de mi padre que desconocía, y también hablé con personas que ayudaron a aclarar muchas dudas”, razona el hijo, aunque el padre se muestra más cauteloso. “Yo conozco a mi hijo desde pequeño: es serio, cabezón y ha preferido mantener cierta distancia. Él tiene su vida y yo tengo la mía. La película muestra una intención de acercamiento, pero en la vida real cada uno sigue su camino”.

Con Carolina Durante (Falta sentimiento) y Él Mató a un polícia motorizado (La noche) como gran banda sonora, Lionel sirve también como un puente imaginario entre dos generaciones no opuestas pero sí entre las que existe una gran brecha que ilustra la película. “Hay una falta de comunicación muy fuerte en esta familia. Hablan mucho, pero no siempre logran decir lo que de verdad sienten”, señala el director. Con el estreno de la película en cines, el largo viaje que han vivido los tres parece llegar a su fin, aunque Lionel padre tiene claro que ya le ha cogido el gusto a la cámara y que aún hay cosas por contar: “Me gustaría hacer otra película, incluso una segunda parte. Dejamos una puerta abierta para continuar la historia, aunque el director todavía no parece decidido. Yo sí tengo ganas y algunas ideas. Una película tarda años en hacerse, por eso habría que escribirla y desarrollarla con tiempo”.