En esta ocasión, la mirada de un niño, se convertirá en el eje para explorar los vestigios del nazismo y el impacto de la guerra en el seno de una familia alemana durante los últimos compases de la Segunda Guerra Mundial. Este enfoque, que evita el dramatismo excesivo y los tópicos habituales, ha sido uno de los aspectos que ha destacado la crítica internacional, sobre todo si tenemos en cuenta que el director es tendente a una mirada convulsa y aquí se muestra tan sensible como delicado.

La película narra cómo Nanning Bohm, de 12 años, enfrenta los últimos meses de la guerra junto a su madre, partidaria acérrima del nazismo y embarazada, sus dos hermanos menores y su tía Ena. La familia se ve obligada a huir del Hamburgo bombardeado para refugiarse en la pequeña isla de Amrum, en el mar del Norte. El padre, militar de alto rango en las SS nazis y notable científico, está ausente combatiendo, mientras la madre sostiene la estructura familiar en condiciones extremas.

La mirada de un niño frente al horror

El niño intenta ayudar en la subsistencia familiar, trabajando en los campos de patatas, recogiendo leña y rebuscando alimentos, en un entorno marcado por la escasez y el trueque como única vía para conseguir bienes tan codiciados como el pan blanco con mantequilla y miel, el principal anhelo de la madre tras dar a luz. Todo sucede en una isla dependiente de los cupones de racionamiento nazis, que pierden todo valor cuando el conflicto termina.

El relato mantiene en todo momento el punto de vista del niño, lo que permite captar la complejidad histórica con matices de ambigüedad y candor: Nanning no comprende del todo las implicaciones del régimen ni las fracturas ideológicas que marcan a los adultos. A partir de episodios cotidianos, la película construye un mosaico de lo ordinario y lo trágico: desde las travesuras infantiles —robo de huevos, juegos en la playa y aprendizaje de los oficios insulares— hasta escenas límites, como el hallazgo del cadáver de un aviador británico en la costa, con los ojos devorados por los peces, o el choque con la muerte al subir inesperadamente la marea.

La dimensión emocional se acentúa en la relación entre Nanning, su madre y el entorno: la depresión materna tras la muerte de Hitler y el nacimiento de la pequeña hermana, los intentos desesperados del niño para satisfacer los deseos alimentarios de la madre en un panorama de carencia absoluta, o el clima de sospecha y delación que surge cuando el protagonista, sin querer, repite ante su madre un comentario irónico sobre Hitler escuchado a una granjera. Como resultado, esa indiscreción infantil acarrea consecuencias para la mujer, mostrando el miedo y la vigilancia interna en la Alemania de posguerra.

La llegada de refugiados de Silesia, región del centro de Europa que en ese periodo pasó de Alemania a Polonia, despreciados y llamados ‘polacos’ por los niños insulares a pesar de ser alemanes, añade una dimensión social y de prejuicio entre compatriotas.

La narración incorpora pequeños rituales o ritos de paso que aceleran la madurez del niño, como la obligación de despellejar un conejo o afrontar la muerte directa de personas conocidas. La sucesión de hechos culmina en escenas donde la derrota del régimen se hace palpable: el suicidio de un líder de las Juventudes Hitlerianas, la pérdida de valor de los cupones nazis y la humillación de la madre, que tras robar una salchicha es incapaz de conseguir alimentos legales.

Una película fiel a la memoria

El trabajo de Fatih Akin supone un viraje respecto a sus filmes anteriores: en La isla de Amrum apuesta por una dirección contenida y cercana a la sencillez emocional, alejándose de los ritmos más frenéticos de sus obras previas. Como ha detallado el cineasta, la colaboración con Hark Bohm resultó fundamental, tanto en el desarrollo del guion como en el cuidado de la memoria: “Hark es mi maestro de cine, mi maestro de vida y mi amigo”. Akin ha remarcado que el filme explora la penetración del ideario nazi en la familia y cómo ese legado puede transmitirse o rechazarse en las generaciones siguientes: “Aprendemos a través de las historias. Olvidamos muy rápido y pensamos que el proceso de ‘desnazificación’ está completo, pero no es cierto en absoluto”.

Otra capa relevante es la geografía de la isla de Amrum. Akin describe el proceso de rodaje como enriquecedor, al descubrir un territorio salvaje y sano, donde la naturaleza y el aislamiento adquieren peso narrativo: en Amrum no existe conexión por tierra firme, lo que refuerza su carácter remoto y, en última instancia, protegido de la violencia directa de la guerra.

El elenco incluye intérpretes que asumen el reto de cambiar de registro y trabajar en entornos poco habituales para la industria alemana, combinando la experiencia de los adultos con la espontaneidad de la niñez. En ese sentido, al frente del reparto encontramos a la estrella Diane Kruger, con la que el director ya había trabajado en el drama judicial En la sombra y por el que la intérprete ganó el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes.

La ficción tiene una deuda histórica con las mujeres. Especialmente con la representación de su deseo y con la posibilidad de vivir su sexualidad fuera de la culpa, el castigo o la hipersexualización desde una mirada masculina, pues se ha dicho durante décadas que “el placer ha sido cosa de guarras”. Cochinas, la nueva ficción de Prime Video que ha llegado a la plataforma este viernes 24 de abril —tras su paso por el Festival de Málaga fuera de concurso— viene a darle la vuelta a la tortilla para hablar de liberación sexual femenina, de consentimiento, de educación sexual, con el porno, una industria extremadamente machista, como telón de fondo.

Protagonizada por Malena Alterio, Álvaro Mel y Celia Morán —que debuta en televisión por primera vez tras curtirse en el teatro—, esta comedia de ocho capítulos se sitúa en Valladolid, año 1998. Nines (Alterio) es una ama de casa rígida, católica, apostólica y romana que lo que mejor sabe hacer son croquetas. Pero cuando su marido Mariano (Chani Martín) entra en coma y queda a cargo de su videoclub al borde de la quiebra, tiene que hacer frente a un negocio que es un agujero negro económico.

Para ello debe renovarlo o morir, y es precisamente en el porno donde encuentra un filón. Porque, recordemos, “España está llena de guarros y de pajilleros”. Para conseguirlo cuenta con dos de los no-empleados del Dorothy: la deslenguada y revolucionaria Chon (Morán), un alma avanzada para la época, y Agu (Mel), un cinéfilo (y cacho de pan) que irá descubriéndose a sí mismo. El reparto coral lo completan Albert Baró, Celia de Molina, Esperanza de la Encarnación, David Castillo o Raquel Pérez, entre otros.

Entre lo clandestino y lo escandaloso, este establecimiento de barrio se convierte en el primer videoclub porno de Valladolid. Y eso sí, sin blanquear la pornografía. Cochinas es una serie kamikaze y llena de capas, pero que en ningún momento cae en tópicos, sino que se encarga de destruirlos con mimo, precaución y mucha inteligencia.

Pese a lo vulgar y el exceso de algunas escenas —depende de la sensibilidad del espectador, motivo por el que a inicio de cada episodio se lanza un aviso—, a medida que suceden los capítulos, la serie dinamita muchos de los conceptos hombrecentristas que todavía resuenan a día de hoy. Eso sí, el espectador no encontrará un tono sórdido y oscuro, sino todo lo contrario, es pura luz.

Irene Behoyo (Todos los lados de la cama) y Carlos del Hoyo (Señoras del (H)AMPA, Mariliendre) son los creadores y guionistas de esta ficción que arranca tratando la relación de las mujeres con el porno como consumidoras. “¿Dónde están los guarros? ¡Si España está llena de guarros!“, se lamenta una desesperada Nines, que todavía no sabe que su público objetivo es otro.

De hecho, la serie surgió a raíz de leer una noticia que decía que durante el COVID se había incrementado en un 60% el consumo de pornografía en España frente al resto del mundo, que había sido un 11%. El dato que les llamó la atención fue que entre las mujeres se había duplicado. “La idea original era hacer una radiografía sexual de toda una nación. El despertar sexual que vivió España a lo largo de un siglo entero, desde los albores del porno en los años 20 hasta hoy en día con OnlyFans. Cuando acotamos, decidimos trasladarnos a la década de los 90, que además fue la época dorada del porno”, apunta el guionista.

Y en esto se apoyaron para construir la serie. “Para intentar contar una historia sobre liberación sexual, nos quisimos remontar a una época en la que existía muchísimo analfabetismo”, explica Del Hoyo, que apunta que, para su generación, la educación sexual estaba en el consultorio de la revista Súper Pop, programas como En tu casa o en la mía y el porno. Ahí encontraron un caldo de cultivo perfecto para contar “una historia de mujeres que empiezan a compartir sus intimidades, que empiezan a explorarse y a descubrirse sexualmente, y sobre todo, que empiezan a desestigmatizar el placer, que siempre ha sido considerado de guarras". “Que los hombres vean porno, que se toquen, muy bien. Eso es lo natural. Pero las mujeres no”, ironiza su compañera.

Por todo esto, es importante ver la serie hasta el final. A medida que se desarrollan las cuatro horas de la ficción, se van desgranando multitud de aspectos, que van desde la menopausia hasta el consentimiento. Por este motivo, un guion tan complejo solo puede cobrar vida bajo la dirección de tres mujeres: Andrea Jaurrieta (Nina), Laura M. Campos (Valeria, Servir y proteger) y la actriz Núria Gago (Pubertat, Amar es para siempre), que debuta en realización.

La ficción y el sexo, una asignatura pendiente

“La serie no es un blanqueamiento de la pornografía, es una puerta de entrada a todo un universo”, apunta Jaurrieta, nominada al Goya por Mejor dirección novel con Ana de día en 2019, año en que terminó ganando Arantxa Echevarría por Carmen y Lola. En esto también insisten sus creadores. “Nos parecía una manera diferente y original de empezar esta revolución, pero no nos íbamos a poner de perfil si hablábamos de la industria del porno mainstream de los 90, que además es muy, muy machista. Al final, eso es una excusa”.

No han sido casos aislados las críticas a muchas ficciones que tratan el sexo y los desnudos como mero regalo para poner cachondo al espectador (masculino, claro). Uno de los casos más sonados fue La vida de Adèle (2013), duramente criticada por sus largas escenas sexuales con un rodaje polémico por los métodos autoritarios del director. En los últimos años lo hemos visto con Euphoria o The Idol, ambas series creadas por Sam Levinson, que el público y la prensa han tachado de “machista y misógina”, entre otras cosas por abusar ‘de todo’ en exceso. “Hemos trabajado mucho las tres juntas para que [los actores] se sientan cómodos y para no tener una mirada sexualizadora en las tramas principales”, apunta Jaurrieta, que co-dirige los seis primeros episodios.

Precisamente, en la serie, una de las cuestiones en las que más se incide es que lo que se ve en el porno no es real. De hecho, cada capítulo arranca con un sketch explícito con actores porno reales, como Daniela Blume o Sylvan. “Tenía que haber mucha diferencia entre las parodias pornográficas que se hacen al principio de cada capítulo y lo que es después la realidad del sexo”, añade Jaurrieta.

Tanto las realizadoras como los guionistas y creadores coinciden en que “es necesaria una educación sexual para que no se aprenda el sexo a través del porno”. Según los últimos datos proporcionados por la Asociación Punto Omega, la edad media de inicio en el consumo de pornografía en España se sitúa entre los 10 y los 11 años, comenzando en muchos casos por accidente y sin una conversación previa sobre el tema. “El porno sigue perpetuando comportamientos, sobre todo vejatorios para la mujer, pero no solo para la mujer”, añade Bohoyo.

“Ojalá Cochinas sirva para que las madres que lo vean se planteen también el hablar con sus hijos y con sus hijas de sexualidad”, finalizan las directoras.

En los últimos tiempos, la editorial Tusquets se ha embarcado en la tarea de relanzar la obra de la gran escritora de origen suizo Fleur Jaeggy. Después de publicar títulos como el volumen El dedo en la boca y Las estatuas de agua, a principios de año le tocó el turno a una de sus novelas más ‘multipremiadas’, Los hermosos años del castigo, que la situó en el mapa literario a principios de los años noventa como una de las autoras más ‘outsiders’ y perturbadoras del momento.

Los hermosos años del castigo se desarrolla en un internado femenino en el cantón de Appenzell, Suiza, durante la década de los cincuenta (1950–1959). Narrada desde la voz de una protagonista sin nombre, la obra describe la vida de alumnas sujetas a un ambiente de disciplina y contención, explorando la construcción de la identidad entre rituales rígidos y vínculos emocionales discretos. Así, Jaeggy utilizará una prosa controlada para retratar un microcosmos donde la obediencia y la violencia invisible condicionarán la vida de las protagonistas.

La narradora, cuyo recorrido vital remite frecuentemente a la biografía de la autora, crece alejada de sus padres: la madre reside en Brasil y dicta su educación por correspondencia, el padre vive en un hotel suizo. Entre los hechos más relevantes destaca que la madre decide su ingreso en el internado desde los ocho años y le asigna una compañera de dormitorio alemana, llevándola a convivir con las alumnas más pequeñas. Esta situación le causa vergüenza y agrava la falta de intimidad y afecto. Las relaciones familiares resultan escasas y carentes de gestos de cariño, profundizando el aislamiento de la protagonista.

El inicio se distingue por su tono sombrío: la narradora imagina su propia muerte por congelación, evocando la figura del escritor suizo Robert Walser, también marcado por la enfermedad mental y el fallecimiento en la nieve. Walser también escribió una novela de iniciación en un internado, Jakob von Gunten, aunque sus estilos sean completamente diferentes, hay algo que los ‘emparenta’ irremediablemente.

Represión, control y deseo

La llegada del personaje de Frédérique Conte alterará la rutina y abrirá una relación de cercanía intelectual y personal. Desde el primer momento, la atracción por la nueva alumna estructura el vínculo entre ambas a través de caminatas solitarias y visitas a la habitación de Frédérique después de clases. En ese contexto, la narradora rechaza la amistad de Marion, una alumna menor, para preservar el vínculo exclusivo con Frédérique, replicando incluso aspectos de su escritura y comportamiento.

La novela examina la evolución emocional de las estudiantes en el internado suizo. Destaca la influencia de Frédérique y la presencia de personajes como Marion o la llamada ‘negrita’, quien, por ser hija de un dirigente africano, sufre una discriminación silenciosa basada en su origen racial y es marginada por sus compañeras.

La narradora vive una infatuación nunca concretada en la esfera física, dominada por la nostalgia y la idealización. Frédérique, segura de sí y con más experiencia sentimental, ostenta una posición dominante, mientras que la narradora la imita, aprendiendo de sus gestos y actitudes.

El relato alterna las evocaciones del pasado y el presente, remarcando la distancia emocional y la imposibilidad de recuperar la inocencia previa al internado. El avance pausado de la trama y los resultados académicos mediocres de la narradora evidencian su vacío y su aspiración a una “vida verdadera” fuera del internado, anhelo que le infunde temor.

La llegada de Micheline, una nueva alumna con actitud marcada por la energía y la franqueza, junto a la partida repentina de Frédérique tras el fallecimiento de su padre, suponen cambios en la vida escolar. Terminadas las vacaciones junto al padre, la narradora es enviada a otro internado con formación práctica en tareas domésticas, pero esta vez rechazará seguir los designios maternos.

Una escritora dueña de un estilo esencial

Fleur Jaeggy desarrolla en Los hermosos años del castigo un estilo esencial, contenido y directo, evitando el exceso emocional para brindar una aproximación crítica mediante observación precisa y lenguaje mesurado. La autora recurre a sugerencias evocadoras que muestran la complejidad de los sentimientos y la violencia emocional inherente a los lazos familiares y escolares.

Es una de esas obras que son indómitas por naturaleza, aunque su apariencia resulte lo contrario, y una de las mejores formas de aproximarnos al universo malsano de esta escritora magnífica que domina el arte de la incomodidad y el extrañamiento. Frases como “La alegría sobre el dolor es maliciosa, tiene veneno. Es una venganza. No es tan angélica como el dolor” y la confesión “No sentía ya nada en particular”, son un ejemplo del estilo de la autora.

Los hermosos años del castigo, reflexiona en torno al aprendizaje emocional, a la meditación en torno al deseo y a la identidad, en la que la disciplina rigurosa y la obediencia esconden jerarquías invisibles y una violencia moral que pueden conducir a la depresión, la insubordinación o, incluso la locura, también al vacío más absoluto.

Uno de los escritores más leídos de nuestro tiempo no siempre se dedicó a ello. Paulo Coelho (Río de Janeiro, 1947) intentó estudiar derecho, fue hippy, cambió el panorama del rock brasileño como letrista y también fue periodista, pero nada pudo con su verdadera pasión. Hoy, a sus 72 años es uno de los escritores contemporáneos más influyentes y reconocidos a nivel mundial, con obras como El Alquimista.

La perspectiva filosófica y espiritual de sus obras hacen de Coelho un maestro de las reflexiones. Por esto mismo, basta con introducir su nombre en un buscador para que aparecezcan decenas de sus citas más celebres. Una de ellas es “La libertad no es la ausencia de compromisos, sino la capacidad de elegir”. Esta frase está incluida en su decimosexto libro, El Zahir, publicado en 2005.

La trama, con tintes autobiográficos a la propia vida del autor, sigue a un escritor de éxito que, sin previo aviso, se enfrenta a la desaparición de su mujer, corresponsal de guerra recién llegada de Irak. Esto desemboca en una crisis personal que le obliga a replantearse el sentido de su propia libertad.

¿Qué significa esta cita?

Bajo este contexto, Coelho escribe la cita en el primer capítulo de la novela, cuando la policía detiene al protagonista -de nombre no identificado-, después de que se niegue a decir cuál era su paradero el día de la desaparición de la mujer. Así, este hombre repasa su trayectoria vital —con muchas similitudes a la vida del autor—: “Un joven que soñaba con ser un famoso escritor y, de repente, ve que la realidad es completamente diferente”.

Entre estudiar en la universidad, rebelarse, recorrer el mundo, componer canciones y casarse hasta en tres ocasiones con sus respectivos divorcios, el protagonista reflexiona sobre “la libertad” que conlleva. “Otros dos divorcios. De nuevo, la libertad, pero es simplemente una sensación; libertad no es la ausencia de compromisos, sino la capacidad de escoger —y comprometerme— con lo que es mejor para mí“, escribe.

Por esto mismo, al verse soltero, el protagonista experimenta “de nuevo, la libertad”, pero inmediatamente se da cuenta de que esto es simplemente una sensación. Es entonces cuando concluye que ser libre no es carecer de ataduras u obligaciones, sino tener la capacidad de elegir y de comprometerse con aquello que realmente es mejor para uno mismo.

Un libro con muchas simultudes

Y si el libro recuerda a la vida del propio Coelho es porque fue obligado a ir a la universidad a estudiar una carrera que no quería y fue letrista de Raul Seixas, figura clave del rock brasileño. No sería hasta los 39 años y, de haber realizado el Camino de Santiago, tras una crisis personal, decidió apostar definitivamente por la escritura. De hecho, su primer libro es el El peregrino, publicado en 1987 y fruto de la experiencia vivida durante su peregrinaje por Galicia un año antes.

Sin embargo, el autor se hizo mundialmente conocido gracias a El Alquimista, publicada en 1988 y convertida desde entonces en un auténtico fenómeno literario. En total, se estima que el autor ha vendido más de 320 millones de ejemplares de sus novelas en todo el mundo.

El director Andy Serkis ha señalado que Viggo Mortensen reaccionó de forma “encantada” frente al fichaje de Jamie Dornan como el nuevo Aragorn en la próxima película The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum (La caza de Gollum). Durante una intervención en el pódcast estadounidense Happy, Sad, Confused, Serkis enfatizó que tanto Mortensen como el equipo de rodaje están satisfechos con la elección de Dornan, destacando que no existe resentimiento por la llegada del nuevo actor al papel.

La incorporación de Jamie Dornan como Aragorn supone la introducción de un nuevo rostro en la franquicia, mientras el propio Serkis retomará el papel de Gollum. La película enfocará su narrativa en torno a la complejidad psicológica del personaje de Gollum y se describe como una historia más íntima.

Regresarán también Ian McKellen como Gandalf, Elijah Wood como Frodo Bolsón y Lee Pace como Thranduil, junto a nuevas incorporaciones como Kate Winslet (Marigol) y Leo Woodall (Halvard).

Una forma de revivir la mítica saga

Serkis explicó en el mismo pódcast que, aunque prefiere no profundizar todavía en los detalles del proceso de selección, tanto el equipo como Mortensen comparten la satisfacción por la incorporación de Dornan: “No quiero entrar en ello ahora porque quiero reservarlo para más adelante. Pero estamos encantadísimos con Jamie. Y, por cierto, también lo está Viggo”, declaraciones recogidas por la revista especializada Variety.

La nueva entrega, ambientada en los años previos a La Comunidad del Anillo, narrará la persecución de Gollum y busca ubicarse entre las trilogías de El Hobbit y El Señor de los Anillos. El guion se basa en el trabajo de Fran Walsh y Philippa Boyens, colaboradoras habituales de la franquicia, y suma las aportaciones de Phoebe Gittins y Arty Papageorgiou sobre la obra de J.R.R. Tolkien.

Un personaje icónico dentro de la cultura popular

“Queda mucho por explorar en este personaje tan complejo —probablemente el más complejo que escribió Tolkien— porque el propio autor volvió a él en distintas ocasiones. Por eso, había ganas de regresar a la Tierra Media y esta historia, más íntima y psicológica, nos permite ahondar hasta el fondo”.

“Es una forma de traer de vuelta a parte del reparto, pero ofreciendo algo muy distinto, una indagación sobre un personaje que ha quedado totalmente asumido en el imaginario popular. Nos parece que existe una auténtica vigencia”, expuso Serkis en el pódcast citado por la revista"

Serkis insistió en que la historia encajará con precisión entre las dos grandes trilogías cinematográficas, subrayando: “Creo que todavía hay una riqueza de contenido en Gollum. Además, se sitúa de forma muy natural entre las películas de El Hobbit y El Señor de los Anillos. Es un excelente modo de que el público vuelva a este mundo”.

La película The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum se estrenará el 17 de diciembre de 2027 en cines y se prevé como uno de los acontecimientos más esperados de la temporada navideña del año que viene. Además, el director y actor, también participará en otra gran franquicia de próxima temporada, como es The Batman. Parte II, donde repetirá su papel del mayordomo de Bruce Wayne, Alfred Pennyworth.

El mes de mayo ofrece un crisol de propuestas de lo más variadas, entre las que encontramos todo tipo de géneros: desde nuevas adaptaciones de obras clásicas a algunas de las ficciones españolas más esperadas de la temporada, entre ellas, la continuación del ‘spin-off’ de La casa de papel, Berlín.

Mientras, a nivel internacional, comienzan a hacerse cábalas sobre qué series estarán presentes en los próximos Premios Emmy y, aunque todavía sea pronto, es un buen momento para ir repasando algunas de las posibles candidatas que se han estrenado, como Los testamentos, Bronca, Half Man o Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette.

Entre el material español, todavía es muy pronto para hablar de la temporada de premios, pero la serie de Movistar Plus+, Yo siempre a veces, ha conseguido en Cannes Series el galardón al mejor guion original, escrito por Marta Loza y Marta Bassols.

‘Berlín y la Dama del Armiño’

Después de tres años de espera, se estrena la continuación de Berlín, el ‘spin-off’ de La casa de papel centrado en el personaje que encarna Pedro Alonso. En este caso, la acción se traslada de París a Sevilla y gira en torno a un plan que simula el robo de La dama del armiño, la famosa obra de Leonardo Da Vinci.

Este golpe busca en realidad dejar sin bienes al duque de Málaga (José Luis García Pérez) y a su esposa (Marta Nieto), quienes no podrán denunciar el delito por la situación de chantaje en la que se ven envueltos. La trama incorporará alianzas renovadas y nuevas tensiones en la banda, con la novedad de la participación de Inma Cuesta como Candela, una sevillana que suma un interés emocional para Berlín. El elenco principal incluye a Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas, Julio Peña Fernández y Joel Sánchez.

Estreno en Netflix el 15 de mayo.

‘El señor de las moscas’

Con el sello de la prestigiosa BBC se estrena esta miniserie de cuatro episodios basada en la novela de William Golding, adaptada por Jack Thorne, conocido por su trabajo en Adolescencia. Esta es la primera vez que la obra se lleva a la televisión, tras dos versiones cinematográficas previas. La miniserie narra la historia de un grupo de niños británicos que, tras un accidente aéreo, quedan aislados en una isla y deben organizar su supervivencia sin la presencia de adultos.

La producción destaca por estructurar cada episodio desde la perspectiva de uno de los protagonistas principales: Ralph, Jack, Simon y Piggy. El reparto está compuesto en su mayoría por actores debutantes, lo que suma autenticidad al relato. La narrativa pone énfasis en los conflictos internos y la psicología de los personajes, mostrando cómo la convivencia forzada y la ausencia de reglas conducen a la desintegración del orden y a situaciones extremas marcadas por la presión y el miedo.

La versión de Thorne se diferencia de las anteriores adaptaciones al centrarse en la subjetividad y en el desarrollo psicológico de los personajes. El enfrentamiento entre quienes buscan mantener el orden y quienes ceden a los impulsos más primarios se presenta como el eje de la trama, acentuando la sensación de amenaza constante.

Estreno en Movistar Plus+ el 7 de mayo.

‘Ravalear’

Después de convertirse en la primera producción española en participar en la Berlinale, se estrena esta serie dirigida por Pol Rodríguez junto a Isaki Lacuesta, que se inspira en la historia real del restaurante fundado por la familia Rodríguez en 1929, expropiado durante la pandemia y adquirido por un fondo de inversión.

La narrativa se sitúa en el barrio del Raval de Barcelona, reflejando la transformación urbana causada por la especulación inmobiliaria y la presión de inversores, fenómeno que se manifiesta en que la mitad de las operaciones de compraventa de viviendas en la última década se efectuaron sin hipoteca.

La ficción utiliza como eje el restaurante ficticio Can Mosques, inspirado en el histórico Can Lluís, para ilustrar la experiencia de cuatro generaciones de la familia Rodríguez ante los cambios sociales y económicos del barrio.

Ravalear se aleja de la estructura típica de crónica familiar, optando por el formato de thriller y contando con actores como Enric Auquer y María Rodríguez Soto. La serie incorpora sucesos históricos y personales, incluyendo episodios de violencia policial, como el asalto que terminó con la vida del bisabuelo de Pol Rodríguez en 1946. El relato enfatiza la convivencia de distintas clases y culturas en el Raval, y denuncia tanto la especulación como la construcción del miedo a la ocupación.

Estreno en HBO Max el 22 de mayo.

‘The Lady’

La serie The Lady recupera el caso de Jane Andrews, quien fuera asistente personal de la duquesa de York, Sarah Ferguson, y que años después fue condenada por el asesinato de su pareja, Thomas Cressman. La producción, basada en hechos reales y dividida en cuatro episodios, alterna entre la historia personal de Andrews y la investigación policial que siguió a la muerte de Cressman.

Mia McKenna-Bruce interpreta a la protagonista, mostrando su llegada desde Grimsby y su empleo en Buckingham Palace, tras superar una entrevista difícil. La serie enfatiza la reconstrucción del hallazgo violento del cadáver de Cressman, hecho central para el desarrollo de la trama.

La narrativa muestra la trayectoria de Andrews desde su infancia, pasando por sus aspiraciones en la moda, hasta su llegada al entorno real británico. La serie detalla su vínculo con Ferguson (Natalie Dormer), que evoluciona desde una relación laboral a una amistad desigual, y termina con el despido de Andrews en 1997. Tras dejar su empleo, la vida de Andrews se deteriora, marcada por relaciones sentimentales problemáticas y episodios de acoso a exparejas. Se retratan también crisis emocionales y un intento de suicidio en su juventud. De los creadores de The Crown.

Estreno en Movistar Plus+ el 14 de mayo.

‘The Boroughs: Jubilación rebelde’

Producida por los hermanos Duffer, reconocidos por Stranger Things, la historia se sitúa en una comunidad de jubilados en el desierto de Nuevo México, donde un grupo de residentes se enfrenta una amenaza extraterrestre, rompiendo la calma aparente del lugar. El protagonista, Sam Cooper, interpretado por Alfred Molina, llega al complejo tras la muerte de su esposa y pronto descubre que la tranquilidad prometida esconde peligros inesperados. Junto a otros residentes, tendrá que enfrentarse a una presencia hostil y desvelar los secretos del entorno antes de que sea demasiado tarde.

El reparto incluye a Geena Davis, Bill Pullman, Alfre Woodard, Denis O’Hare y Clarke Peters. La trama destaca por alejarse de los personajes adolescentes típicos del género, enfocándose en adultos mayores, lo que introduce un contraste generacional. El guion explora el aislamiento y la búsqueda de sentido en la jubilación, utilizando elementos de suspense y ciencia ficción.

Estreno en Netflix el 21 de mayo.

‘Se tiene que morir mucha gente’

También acaba de pasar por el Festival Cannes Series y aborda la vida de tres amigas, Bárbara, Maca y Elena, que se conocieron en la escuela y, dos décadas después, atraviesan crisis personales distintas: una depende de las benzodiacepinas, otra busca ser actriz trabajando como camarera y la tercera está embarazada y casada con un empresario mayor.

Una sitcom de capítulos de media hora creada por Victoria Martín protagonizada por Macarena García, Anna Castillo y Laura Weissmahr. En Movistar Plus+ a partir del 21 de mayo.

‘Spider-Noir’

La serie Spider-Noir, protagonizada por Nicolas Cage, representa una apuesta distinta dentro del universo Spider-Man al ofrecer una doble modalidad de visionado: en blanco y negro o en color.

Esta ficción, ambientada en los años treinta, se centra en Ben Reilly, un detective marcado por un pasado heroico, que debe enfrentarse a su historia personal en una ciudad dominada por el crimen. Brendan Gleeson interpreta al antagonista, un jefe criminal inspirado en Silvermane.

La ambientación y el diseño artístico remiten al cine negro clásico y a los cómics originales, priorizando una atmósfera monocromática. El guion se articula en torno a un tono coral y dramático, resaltando el conflicto interno del protagonista.

El elenco incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola y Jack Huston, junto a invitados como Lukas Haas. La serie se presenta así como una propuesta independiente, con estética y narrativa propias, desligada de los argumentos previos de Sony y del universo animado. En Prime Video a partir del 27 de mayo.

Los mejores thrillers son los que dejan más preguntas que respuestas, y en el caso de El homenaje no se puede decir lo contrario. La nueva serie española, coprotagonizada por Eusebio Poncela en su obra póstuma, aterrizó en SkyShowtime con sus primeros cuatro capítulos el pasado 23 de abril y los últimos cuatro este jueves 30.

La premisa sigue a la enigmática figura de Adolfo Novak (Poncela), patriarca de una de las familias más poderosas del país. Con motivo de la celebración de su 80 cumpleaños, reúne a sus tres hijos y a sus allegados en una fiesta. En realidad, la celebración no es más que una excusa para hacer que todos los secretos, verdades y mentiras de esta familia salten por los aires -de manera literal y figurada- con todos los protagonistas en la misma habitación. A partir de ahí, la policía y el investigador privado Víctor Salazar (Enrique Arce) se ven obligados a reconstruir lo ocurrido, echando la vista atrás para descubrir que, en esta familia, el poder mata.

El trabajo póstumo de Poncela, que falleció el verano pasado a los 79 años, justo al finalizar el rodaje, se completa con algunos de los nombres más potentes de la industria audiovisual patria como Elsa Pataky, Ángela Molina, Luis Tosar, Juana Acosta, Enrique Arce, Luisa Mayol, Miriam Giovanelli o el propio Poncela.

Así, la serie explora las aristas de una familia marcada por el poder y la ambición y donde lo que está en juego va mucho más allá del dinero. En palabras de Pataky, los ocho capítulos de la ficción retratan “una lucha de poder, pero en muchos sentidos”. Sin embargo, lo que parece una trama clásica de secretos y conflictos por resolver termina convirtiéndose en una enredadera de cuestiones de las que no sabe muy bien salir.

[¡Leer bajo tu responsabilidad! A partir de aquí hay spoilers de la serie]

Si eres uno de esos que ya ha visto el final, seguramente tengas algunas preguntas. En los primeros minutos de la serie vemos cómo se desencadena una explosión en el despacho de Adolfo Novak. Allí, además de él, se encuentran sus hijos Stella (Pataky), Greta (Giovanelli) y Lorenzo (Álvaro Rico), además de personas de su confianza como Azarías (Óscar de la Fuente), mano derecha de Novak; la doctora Lorena Scolari (Mayol); el fotógrafo Elías (Raúl Prieto), la secretaria del patriarca, Paula Ortega (Juana Acosta); y el biógrafo que ha escrito sus memorias, Saúl Morvan (Tosar).

Al comienzo del capítulo final, mientras Adolfo Novak encara el discurso de su 80 cumpleaños, se ponen encima de la mesa todos los secretos de esta familia: Stella dejó viva a Laila (Lola Alterio), la hija de Paula; Greta mató a su madre, Norma (Molina), encubriéndolo como un accidente de coche y Lorenzo asesinó a su novia Sofía (Alessandra Sironi) ahogándola, siendo enterrada en el jardín con ayuda de Norma y la doctora Scolari. Posteriormente, descubrimos que Paula fue quien rompió la tubería de gas en el despacho de Novak.

La realidad sobre Saúl Morvan, el misterioso biógrafo

Vuelta al presente, donde el inspector Salazar está intentando resolver el caso, este observa en la habitación del hospital cómo Paula se recupera del coma provocado por la explosión. Allí se reencuentra con su hija Laila, a quien le cuenta que Stella la dejó libre si no decía que había encontrado el cuerpo de Sofía en el jardín familiar. A cambio, debía ingresar en un centro de rehabilitación con un nombre falso.

A mitad del desenlace, se van desvelando las incógnitas sobre quién es en realidad Saúl Morvan, el misterioso biógrafo y máximo confidente de Novak. Cuando Salazar sale de la habitación del hospital donde se encuentran Paula y Laila, pregunta a una de las enfermeras por Morvan, quien ha estado durante los ocho episodios narrándole al detective todos los entresijos de esta familia. Pero esta, para confusión suya y del espectador, afirma que él siempre ha estado solo. Antes de marcharse, y pese a que el inspector ve por última vez al biógrafo en el ascensor, la enfermera le entrega a Salazar el bastón que, hasta ahora, había estado siempre en las manos de Morvan.

Ante la incertidumbre sobre lo que acaba de ocurrir, retrocedemos a la noche de la fiesta de Adolfo para encontrarlo tirado en el suelo de su despacho con Saúl. “He venido para que cumplas tu parte del trato”, le dice este al patriarca. Es entonces cuando el líder del clan recuerda unas palabras que el médico le dijo cuando Norma estaba a punto de dar a luz a su hija Stella: si intentaba salvar al bebé, habría posibilidades de que su mujer no sobreviviese al parto. Por este motivo, un joven Adolfo (Manu Ríos) debía tomar una decisión.

En medio de la angustia, aparece precisamente Morvan, pero esta vez como un doctor. “¿Saben lo que dicen de que todo tiene decisión menos la muerte? No es verdad“, comienza diciendo, asegurando que puede salvar a su mujer y a su hija, a diferencia de lo que acababa de afirmar el médico. Adolfo, dispuesto a darle cualquier cantidad de dinero, descubre que lo que este desconocido quiere no tiene que ver con la fortuna, sino con su legado. Morvan, que en vez de una hoz porta una bata blanca, le afirma que, si consigue salvar a su mujer y a su hija, el día que cumpla 80 años todo su legado desaparecerá: Novak ha hecho un trato con la mismísima muerte.

La siguiente escena supone descubrir quién mató a quién. ¿La respuesta? Todos se mataron entre ellos, con la diferencia de que las únicas que salieron vivas fueron Paula y Stella, quién huyó con un nombre falso. Elías, tras intentar chantajear a Adolfo con que sabe que Laila está viva para que saque a Greta del psiquiátrico, es asesinado por Azarías, que le rompe el cuello. A continuación, Greta mata a Lorena Scolari golpeándole la cabeza con una figura de cerámica como venganza por haberla estado medicándola. Lleno de rabia, Lorenzo mata a Greta con un cuchillo. Con el permiso de Adolfo, Azarías ahoga a Lorenzo, y este con el mismo cuchillo termina matándole. Adolfo finalmente muere y Paula arroja un mechero volando por los aires de la habitación.

La serie finaliza con Stella en Australia con su familia —y el cameo estelar de su marido, Chris Hemsworth, y sus hijos en la vida real, Tristan y Sasha—, mientras Morvan mira de lejos y suena el tema de salsa La Muerte, de El Gran Combo de Puerto Rico.

Así, El homenaje cierra su historia recordando que ningún secreto permanece enterrado para siempre. Como bien se encarga de repetir Adolfo Novak durante varias ocasiones a lo largo de la serie: “El poder no se hereda, se protege”.

A comienzos de siglo, una joven periodista llamada Lauren Weisberger pasó once meses como asistente personal de Anna Wintour, la temida jefaza de Vogue y la editora de moda más famosa del mundo. De su experiencia nació El diablo viste de Prada, una novela superventas que no se cortaba a la hora de despellejar a la que fue su antigua jefa.

El éxito fue tal que tres años más tarde Meryl Streep y Anne Hathaway se enfundaron en la piel de Miranda Priestly, la fría y exigente redactora jefe, y su joven becaria, Andy Sachs, respectivamente, en una cinta que dirigó David Frankel y que nominó a Streep al Óscar a mejor actriz.

Dos décadas después, este fenómeno cultural regresa a los cines con una secuela que se estrena este 30 de abril y que plantea un giro acorde a los tiempos, contando de nuevo con Frankel en la dirección y Aline Brosh McKenna en el guion. La nueva película retoma la historia de Miranda Priestly en plena transformación del negocio editorial: el declive de Runway como revista impresa, el auge de lo digital y la irrupción de las redes sociales como nuevo epicentro de influencia, con, valga la redundancia, influencers, como el mayor de los escaparates. En la nueva cinta, retoman sus papeles las actrices protagonistas, así como Emily Blunt en el papel de Emily, antes primera asistente de Miranda, y ahora ejecutiva en Dior, y el que fue la mano deerecha de Miranda, Nigel, interpretado por Stanley Tucci. En esta ocasión se incorporan Justin Theroux y Kenneth Branagh.

Pero el regreso de estas dos protagonistas no se entiende sin el impacto de la primera, una cinta ambientada en Nueva York que narra una historia atemporal donde se tratan temas como la toxicidad laboral, la manipulación psicológica, la cultura del agotamiento y la tiranía silenciosa de unos jefes más que exigentes.

Disponible en Disney+, Movistar Plus+ y RTVE

Para quienes quieran revisitar la primera parte antes de ver la secuela, hay multitud de opciones. Actualmente, la película está disponible en streaming en plataformas como Disney+ y Movistar Plus, donde puede verse dentro del catálogo para suscriptores. Sin embargo, si no tienes ninguna de estas plataformas a tu alcance, está disponible de forma gratuita en RTVE Play.

Esta primera parte mantiene, a día de hoy, una muy buena recepción crítica. En portales como Rotten Tomatoes, la cinta cuenta con una valoración muy positiva tanto por parte de la crítica y del público: un 75 sobre 100 por parte de la prensa especializada. Un punto porcentual superior le da el público, con un 76 sobre 100.

En ese contexto, el estreno de la secuela no solo apela a la nostalgia, sino que reabre el debate sobre la importancia del periodismo o cómo han evolucionado las dinámicas de poder en entornos laborales tan exigente. Volver a El diablo viste de Prada permite comprobar hasta qué punto su mirada sigue vigente en una industria que ha cambiado. Quizá por eso, Miranda Priestly no solo continúa siendo un icono, sino también un espejo -para muchos- en el que todavía merece la pena mirarse.

La recuperación de cualquier título de Patricia Highsmith siempre es una buena noticia. En esta ocasión, Anagrama se encarga de volver a traer a las librerías la segunda colección de relatos que hizo la autora, titulada Pequeños cuentos misóginos, que sirvió para reavivar el debate sobre la sátira y el retrato de la naturaleza humana en la literatura norteamericana.

El volumen fue publicado originalmente en alemán en 1975, bajo el título Kleine Geschichte für Weiberfeinde, es decir, “pequeños cuentos para misóginos”, y traducido al inglés dos años después, y está compuesto por diecisiete relatos cortos.

La obra disecciona los estereotipos de género, en especial los asociados a la mujer, a través de escenas cotidianas donde el crimen y lo macabro irrumpen en ambientes domésticos supuestamente apacibles. Sin embargo, lejos de ofrecer una enseñanza a los misóginos, parece ideado precisamente para su disfrute.

Fábulas retorcidas llenas de humor macabro

Las protagonistas que construye Highsmith en Pequeños cuentos misóginos son variadas: desde la esposa que mantiene múltiples amantes y provoca la muerte de su marido, hasta arquetipos como la perfeccionista, la madre silenciosa, la artista incompetente o la escritora obsesionada.

Estas figuras encarnan una sátira feroz, con conexiones directas a los cuentos de Hilaire Belloc o a relatos de Dostoyevski, constituyéndose Highsmith como una autora implacable, capaz de cargar contra el llamado sueño americano de clase media con mordacidad.

La estructura de la colección recuerda a fábulas retorcidas, donde los finales suelen ser tan inesperados como crueles: las mujeres suelen salir mal paradas, ya sea a través de muertes absurdas, desgracias o la destrucción de sus propios deseos.

Un ejemplo de ese humor macabro es el cuento La artista, que describe cómo una escultora sin talento termina volando, de manera literal, por los aires junto a su escuela de arte: “Una bailarina consiguió finalmente dar unas vueltas completas sin que sus pies tocaran el suelo, porque estaba a casi medio kilómetro del suelo”.

Mujeres ridiculizadas

Partiendo de clichés misóginos, Patricia Highsmith levanta relatos deliberadamente provocadores, en los que mujeres de todo tipo son ridiculizadas, menospreciadas o destruidas. Lo hace con un humor negro y desenfado que convierte el volumen en una auténtica provocación.

Según el diario The Times, “estas mujeres han sido creadas deliberadamente para provocar”, y aunque la autora parodia cada tópico, también se apoya en ellos de forma descarnada. Desde el inicio de la colección queda claro que no es un libro feminista ni un manual de buenas costumbres, sino un ejercicio de ironía dirigido a los arquetipos de género.

La crítica especializada subraya que Highsmith subvierte las convenciones literarias al retratar personajes femeninos contradictorios. Los ejemplos van desde una esposa promiscua que rehúye la intimidad con su esposo pero no con otros hombres, hasta madres que se apartan de todo canon de ternura y la célebre Oona, la alegre mujer de las cavernas, cuya existencia y sexualidad se presentan desde un tono caricaturesco e inclemente. En este sentido, sus relatos renuncian a la complacencia y ponen el énfasis en la crueldad y el absurdo de ciertas representaciones sociales.

Algunas historias se burlan hasta del propio quehacer literario femenino, como La novelista, donde describe a una autora cuya vida sentimental es tan caótica como prolífica: “tres hijos, ninguno de su marido actual”. De ese modo, la escritora desafía las prescripciones de género, situándose en el extremo opuesto de las autoras que solo buscan empatía o comprensión. Highsmith “no solo no juega según las reglas, sino que disfruta rompiéndolas en pedazos”, señala el diario británico.

Un libro desconcertante

Pequeños cuentos misóginos desconcertó tanto a lectores como a buena parte de la crítica en el momento de su publicación. El periódico británico The Guardian observa que numerosos lectores “ni entendieron ni quisieron entender” el alcance de la obra, y señala que la etiqueta de misoginia es, en parte, “una cortina de humo”, ya que lo que Highsmith realmente ataca es “una gama de conductas estúpidas o malvadas”.

La perspectiva de Highsmith sobre el mal cotidiano —alejada de desenlaces morales o de cualquier tipo de redención— distingue su obra de la de contemporáneos como Hammet o Chandler. Mientras los detectives de otros autores suelen restaurar alguna forma de justicia, en Highsmith ni siquiera existe esa posibilidad, porque carece de desenlaces morales.

Este libro de relatos favoreció que la escritora sumase admiradores como Graham Greene, Gore Vidal o JG Ballard, pese a la fría acogida reservada en su país natal, Estados Unidos.

Patricia Highsmith, que nunca se casó ni tuvo hijos, trasladó desde los comienzos de su carrera un interés obsesivo por el suspense psicológico y la disección de las neurosis sociales, algo ya visible en su primer libro de relatos, publicado a los veinticuatro años en Harper’s Bazaar, y en novelas como Extraños en un tren, llevada al cine en 1951 por Alfred Hitchcock.

Entre los pasajes más citados de la colección destaca la apertura del primer relato, La mano: “Un joven pidió la mano de la hija de un señor, y la recibió en una caja”. Desde ese momento, las mutilaciones, muertes absurdas o finales grotescos se suceden, consolidando la capacidad narrativa de Highsmith para incomodar y conmover al lector.

La cantante Olivia Rodrigo ha anunciado su nueva gira internacional, The Unraveled Tour, que recorrerá Estados Unidos y Europa durante 2026 y 2027. Entre las fechas confirmadas, destacan dos conciertos en Barcelona, previstos para el 1 y el 2 de mayo de 2027 en el Palau Sant Jordi. La noticia llega poco antes del estreno de su tercer álbum, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, que estará disponible el 12 de junio. Rodrigo ha presentado The Unraveled Tour como el primer gran proyecto de su próxima etapa musical. La gira servirá para promocionar su nuevo disco, que ya ha generado expectación con el lanzamiento de su primer sencillo, drop dead. Según ha informado la propia artista en sus redes sociales, el tour incluirá más de treinta fechas repartidas entre Norteamérica y Europa.

La intérprete de Vampire ha compartido su entusiasmo por reencontrarse con el público y cantar en directo los temas de su nuevo trabajo. En palabras de Rodrigo: “¡¡Estoy tan emocionada de anunciar The Unraveled Tour!!! ¡¡¡Estoy contando los días hasta que pueda cantar todas las canciones de ‘you se ve bastante triste para una chica tan enamorada’ de ustedes!!!”. La gira se iniciará en septiembre de 2026 en Hartford, Connecticut, y recorrerá ciudades emblemáticas como Pittsburgh, Washington D. C., Chicago, Boston, Montreal, Toronto, Columbus, Filadelfia, Atlanta, Orlando, Sunrise, Nashville, Vancouver, Seattle, Oakland, Sacramento, Las Vegas y Los Ángeles.

Tras su paso por Estados Unidos y Canadá, Rodrigo actuará en Europa durante la primavera de 2027. Entre las ciudades europeas confirmadas figuran Estocolmo, Ámsterdam, Múnich, Londres, París, Milán y, finalmente, Barcelona. Las presentaciones en Barcelona, los días 1 y 2 de mayo de 2027, serán las únicas fechas anunciadas en España hasta el momento. La gira culminará con estos conciertos en el Palau Sant Jordi, convirtiendo a la ciudad catalana en el cierre europeo de The Unraveled Tour. No pasará por Madrid eso sí, donde ya reinó el año pasado durante la celebración del festival Madcool.

Cómo y cuándo conseguir las entradas

La organización ha detallado los procedimientos para la adquisición de entradas. La preventa comenzará el martes 5 de mayo a las 12:00 horas locales de cada ciudad, mientras que la venta general se habilitará el jueves 7 de mayo a la misma hora. Para acceder a cualquiera de las opciones, los interesados deberán ingresar a través del sitio oficial OliviaRodrigo.com o mediante la plataforma de Live Nation.

La demanda se prevé alta, ya que los conciertos anteriores de Rodrigo han registrado llenos totales en diversas localidades. Se recomienda a los seguidores estar atentos a los horarios y a las condiciones de compra publicadas por la organización. El anuncio de la gira ha generado una fuerte respuesta en redes sociales y medios especializados. Muchos seguidores han expresado su satisfacción por la inclusión de Barcelona en el calendario europeo y la oportunidad de ver a la artista en directo después del éxito de su segundo álbum.

La gira coincide con el lanzamiento de nuevas canciones y el reciente estreno en directo del sencillo drop dead, que Rodrigo interpretó por primera vez junto a Addison Rae en el festival Coachella. Esta colaboración fue destacada por la prensa musical como uno de los momentos más comentados del evento. El tercer álbum de Rodrigo, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, supone un paso más en la evolución artística de la cantante. El adelanto de drop dead ha marcado el tono de lo que será la nueva propuesta sonora de la artista, que mantiene a su público a la expectativa ante el inminente estreno del disco y la gira internacional. Con la confirmación de The Unraveled Tour y la inclusión de Barcelona como última parada europea, Rodrigo afianza su posición como una de las voces más influyentes de la música pop actual.

El caso de la secta La Chaparra, desmantelada en una operación de la Policía Nacional en Vistabella del Maestrat en 2022, sacó a la luz décadas de abusos y manipulación ejercidos por su líder, Antonio Garrigós Lucas, conocido como el “Tío Toni”. Sus víctimas, tres generaciones sometidas al control y al aislamiento, así como a todo tipo de vejaciones.

La estructura interna de la secta giraba en torno a un modelo de familia comunitaria, dirigido y modelado por el tío Toni, quien utilizó su propia historia de vulnerabilidad y enfermedad, marcada por la poliomielitis desde la infancia, para granjearse la compasión y reforzar su control sobre los seguidores.

Manipulación, control y dominación

Los documentos y publicaciones ‘autoeditadas’ por el propio Garrigós, como Los secretos del padre (1993), La respuesta que dio un guía (1996) y Buenos días, mente (2008), junto a entrevistas a víctimas y antiguos miembros, permitieron identificar una estrategia de control emocional basada en la manipulación de traumas y carencias que derivó en la construcción de una “gran familia” a su imagen.

La trayectoria de Antonio Garrigós muestra una evolución desde la marginación personal hacia la elaboración deliberada de una mitología autocomplaciente. Garrigós pasó de una difícil adolescencia y un intento de suicidio frustrado (escenificado con la intervención sobrenatural de “ángeles”) a la ‘autoproclamación’ como guía espiritual. Esta historia reconstruida, que él mismo relataba en su entorno y reproducía en sus libros, estaba concebida para reforzar el aura de enviado, legitimar el sufrimiento como vía de transformación y fomentar la sumisión incondicional.

A partir de esa narrativa de redención, el tío Toni consolidó una estructura de dominación prolongada, mediante la “hagiografía” distorsionada de su propia vida, convertida en doctrina interna, y la articulación de un liderazgo de “incubación lenta”, que se alimentaba de la dependencia emocional y diluía progresivamente la identidad de los adultos, sometidos al miedo constante ante la autoridad del líder.

Un líder espiritual con falsos poderes sanadores

La configuración del grupo se inició en 1990, cuando Antonio Garrigós comenzó a recibir a personas con distintos problemas personales, presentándose como poseedor de poderes sanadores y proponiendo la creación de un albergue para niños de familias desestructuradas. En 1994, la comunidad adquirió una vivienda conocida como El Pantano con los fondos de sus adeptos. Posteriormente, en torno al año 2000, el grupo se trasladó a una masía situada en Vistabella del Maestrat, donde llegaron a convivir unas cuarenta personas. La estructura interna se caracterizaba por la ausencia de cualquier jerarquía más allá del líder, quien tomaba todas las decisiones de manera unilateral.

Los rituales y prácticas dirigidos por Garrigós tenían una clara orientación dogmática, centrada en la supuesta purificación espiritual a través del sexo y la estrategia se completó con la exclusión del mundo exterior y la imposición de jornadas laborales extenuantes, lo que impedía el desarrollo de vínculos familiares y facilitaba la manipulación de los menores. Estos mecanismos permitieron naturalizar los abusos sobre niños, promovidos como parte de un proceso sanador, y dieron lugar a situaciones de incesto entre el líder y sus hijos biológicos sin conocimiento de los vínculos reales.

Los abusos sexuales y emocionales eran sistemáticos e instrumentales dentro del entorno. Antonio Garrigós aprovechaba el momento de las buenas noches a los niños para cometer las agresiones, utilizando pretextos como la necesidad de eliminar energías negativas. Sara, una de las protagonistas del documental fue víctima de estas agresiones desde los 12 hasta los 17 años, siendo su madre condenada por omisión tras conocer los hechos y no denunciar.

La policía especializada en sectas destructivas demostró que los abusos disponían de un marco esotérico y espiritual, reforzado por charlas conocidas como “escuelas” donde, bajo la apariencia de eliminar tabúes, Antonio Garrigós animaba e incluso forzaba prácticas sexuales.

Un documental sobre la pérdida de la identidad

La documentalista Elena Molina (Flores para Antonio) se ha hecho cargo de este trabajo a través de un largo proceso de investigación que se materializa en La Chaparra. Yo nací en una secta, que ya se encuentra disponible en la plataforma y en el que algunos de los supervivientes, como Gabriel López y su hermana Sara, su padre y su abuela, cuentan lo que han vivido en primera persona, de forma que sus testimonios resultan de lo más desgarradores.

Entre ellos, que iban al colegio, pero se les advertía que no podían compartir lo que sucedía en el grupo, bajo la idea de que “nadie les entendería”. El líder creaba una constante sensación de deuda emocional, haciendo sentir especiales a los menores, pero a la vez amenazando con la retirada de afecto en caso de contravenir sus imposiciones.

La familia López abandonó la comunidad de forma progresiva. Carlos López, padre de los hermanos, fue el primero en salir, al darse cuenta de la ruptura emocional de sus hijos hacia él tras la separación, llegándose a plantear si se encontraban ante un caso de coerción. El diagnóstico profesional llegó tras contactar con Miguel Perlado, psicólogo especializado en sectas, quien a instancias de Carlos evaluó el contexto y elaboró un informe que fue determinante para la acción policial.

El documental aborda la pérdida de identidad de los nacidos y criados en La Chaparra, lo que complica la complicada reintegración social, explorando el pasado marcado por la sumisión y la reconstrucción del presente a través de las figuras de Gabriel y de Sara en su nueva vida fuera de la secta, de cómo intentan reconstruir los cimientos de sus respectivas personalidades cuando no han tenido la oportunidad de construirlas.

Tras la muerte del líder en prisión preventiva, la responsabilidad penal de Antonio Garrigós se extinguió, pero persiste la necesidad de esclarecer las dinámicas del grupo y el grado de implicación de los acusados, en concreto cinco integrantes del núcleo interno, piezas fundamentales de un engranaje organizado bajo la dirección directa de Garrigós.

La respuesta directa es sí. El principal responsable de Lionsgate, productora encargada de la película, lo acaba de confirmar en el podcast The Town with Matthew Belloni, en el que abordaba algunas cuestiones relativas a la película como sus reshoots (cuando es necesario volver a rodar algunas escenas tiempo después) o el impacto de esta en la industria. Adam Fogelson, jefe del estudio, respondía a todas estas preguntas y daba nuevos detalles de esa secuela en camino. “Estábamos muy seguros de que la película iba a funcionar desde el mismo proceso de producción”, aseveraba el directivo nada más arrancar la conversación.

Fogelson tampoco rehuía hablar de todos los problemas de producción que ha tenido Michael, especialmente los famosos reshoots de su tercer acto. “Siempre estuve preocupado de cómo íbamos a abordar todo en una sola película con el guion original. Obviamente no puedes abarcarlo todo, los Beatles van a tener cuatro películas”, argumentaba el productor. Ahora hay la posibilidad de una segunda película, tal y como deja entrever el final de la primera, y Fogelson resuelve la gran incógnita. ¿Está en camino? ¿Cómo se pueden dramatizar las acusaciones que enfrentó el rey del pop?

Pendientes de Fuqua

“No me quiero adelantar a los cineastas en cómo tiene que ser una segunda parte”, comienza diciendo Fogelson. “Hay un montón de música y de experiencias vitales que darían para una película sola más allá de las acusaciones”, aclaraba el productor. “Creo que habrá varias maneras en la que los directores serán capaces de sacarlo adelante. En un par de semanas nos reuniremos para saber cuál es la visión que tienen”, revelaba Fogelson, refiriéndose al productor Graham King (Bohemian Rhapsody) y el director Antoine Fuqua, principales responsables creativos de la película.

Con respecto a los tiempos de rodaje, Fogelson sacaba a la luz un problema: el compromiso de Fuqua con Netflix para rodar una nueva película junto a Denzel Washington, con el que ya ha colaborado en Dia de entrenamiento o la saga The equalizer. “Todos tienen mucho trabajo, Graham también está con varios proyectos y no sé como lo resolverán entre él y Antoine”, explicaba Fogelson, quien confirmaba que la película va a suceder, ya sea este año o el siguiente: “La probabilidad es muy alta”. Tan solo es cuestión de tiempo y de ver el resultado final en taquilla de una película que de momento está devolviendo a la gente a los cines y, con acusaciones o no, haciendo que esta salga de la sala con muchas ganas de bailar y cantar.

La ‘docuserie’ original de Netflix ¿Debería casarme con un asesino? ha puesto en primer plano el caso de Caroline Muirhead, una joven patóloga escocesa que, tras iniciar una relación sentimental con Alexander McKellar, terminó descubriendo que su prometido estaba implicado en la muerte de un ciclista.

La producción reconstruye el proceso por el que Muirhead colaboró con la policía mientras mantenía la fachada de su compromiso con el asesino y expone, de manera integrada, las insuficiencias del sistema policial y judicial de Escocia respecto a la protección de testigos: según se detalla, su identidad como testigo no sería debidamente protegida.

Caroline Muirhead contactó con la policía cuando su pareja le confesó, junto a su hermano gemelo, la muerte de Tony Parsons, un ciclista de 63 años, durante un accidente en 2017. La policía, dado lo extenso del terreno donde Parsons había sido enterrado, solicitó la colaboración activa de Muirhead para localizar el cuerpo. Ella accedió, visitó el lugar con McKellar y marcó la tumba de forma clandestina con una lata de Red Bull. Este gesto permitió a los investigadores encontrar los restos y proceder a identificarlos. Pese a su papel determinante, las fuentes señalan que su identidad como testigo no fue debidamente protegida.

Un asesinato y sus consecuencias

Las circunstancias que llevaron a Caroline Muirhead a esta situación comenzaron tras una breve relación iniciada a través de Tinder. Poco después de comprometerse con Alexander McKellar—conocido como Sandy—él le confesó su implicación en el atropello mortal de Parsons, quien participaba en una ruta ciclista benéfica. McKellar y su hermano Robert, bajo los efectos del alcohol y drogas, golpearon a la víctima y se deshicieron del cadáver en una finca rural. El hecho de que Parsons no muriera de forma instantánea, sino tras quedar desatendido varios minutos, introdujo un agravante en la valoración judicial.

La singularidad de esta ‘docuserie’ reside en la forma en la que Muirhead mantuvo la relación con el asesino y siguió colaborando secretamente con la policía. Mientras grababa confesiones, marcaba puntos clave para la investigación y trataba de protegerse a sí misma, soportaba una enorme presión psicológica. La joven recurrió al consumo de alcohol y drogas para afrontar el estrés, situación que derivó en un deterioro de su salud mental.

Durante la fase de investigación, la policía exigió sigilo absoluto sobre la identidad de la testigo; no obstante, Muirhead llegó a sentirse especialmente expuesta tras la puesta en libertad condicional de los acusados, pues debía continuar su trato con McKellar para no despertar sospechas. La propia protagonista explicó tanto en la serie como en declaraciones recogidas por la BBC que dependió de sustancias para sobrellevar el miedo constante. La insuficiencia de respaldo institucional la llevó a presentar múltiples quejas formales contra la policía de Escocia, que tras una investigación interna de cinco años, fueron en su mayoría desestimadas.

La desprotección de los testigos

El trato institucional que recibió Muirhead generó críticas por parte de los creadores de la serie y abrió el debate sobre el grado de protección de los testigos en procesos similares. Los responsables del documental, entrevistados por la BBC, manifiestan que la lentitud de la justicia y la falta de empatía policial volcaron sobre la denunciante toda la carga de riesgos y responsabilidades. Uno de los momentos ilustrativos de la serie ocurre cuando, durante una intervención policial, un detective entra en la vivienda que compartían y grita: “¿Pero qué haces aquí, Caroline? ¡Eres nuestra testigo!”. Ese episodio puso en peligro su anonimato y su seguridad.

El documental, dirigido por Josh Allott, sigue tanto la dimensión emocional del conflicto de Muirhead como los efectos colaterales en su proyecto de vida. Según declaraciones recogidas por la BBC, los autores sostienen que su intención fue mostrar qué ocurre cuando alguien queda atrapado en la periferia de un crimen sin estar directamente involucrado.

La resolución judicial del caso llegó en julio de 2023, cuando Sandy McKellar fue condenado a 12 años de prisión y su hermano a cinco años y tres meses, tras admitir cargos de homicidio y encubrimiento. Durante los más de tres años transcurridos entre la confesión del crimen y la condena, Muirhead, se vio obligada a mantener la relación, grabar conversaciones incriminatorias y participar en la investigación mientras su entorno personal se desmoronaba.

En la actualidad, Caroline Muirhead ha reconstruido su vida. Tras la filmación de la serie, mantiene una relación sentimental estable y ha recibido tratamiento psicológico. En la propia docuserie, Muirhead apunta que la experiencia le hizo reflexionar sobre las carencias del sistema, señalando la urgencia de dotar de más recursos psicológicos y de protección real a víctimas y testigos.

La BBC corrobora que ni Police Scotland (fuerza policial nacional escocesa) ni Victim Support Scotland (institución de apoyo a víctimas en Escocia) quisieron participar en la elaboración de la ‘docuserie’ y mantienen que ofrecieron a Muirhead la asistencia adecuada. El impacto social del caso ha reavivado el debate sobre la lentitud y opacidad de la justicia en Escocia, así como el papel de los servicios de apoyo y protección a quienes denuncian delitos graves en el ámbito privado.

A los diez minutos de arrancar el primer capítulo de ocho, la velada salta por los aires -en el sentido literal de la palabra- con todos los protagonistas en la misma habitación. A partir de ahí, la policía y el investigador privado Víctor Salazar (Enrique Arce) se ven obligados a reconstruir lo ocurrido, echando la vista atrás para descubrir que, en esta familia, las verdades también matan.

Definir la serie es, en palabras de sus protagonistas femeninas, “muy difícil”, debido a la alta cantidad de spoilers que contiene. ¿Es este el motivo por el que la sinopsis no le hace justicia a la producción? Puede. Capítulo a capítulo se perfilan las aristas de una familia marcada por el poder y la ambición, y donde lo que está en juego va mucho más allá del dinero. “El poder no se hereda, se protege”, repite el personaje de Poncela en varias ocasiones a lo largo de toda la serie.

“Es una lucha de poder, pero en muchos sentidos”, define Elsa Pataky a Infobae, quien da vida a la hija mayor del patriarca, una empresaria que va perdiendo los escrúpulos conforme avance la ficción. La actriz se encuentra en el hotel Urso de la capital junto a otras tres protagonistas de este reparto coral: Miriam Giovanelli, su hermana en la ficción, Greta —ingresada en una institución mental y en constante pugna por liderar la empresa familiar—, y Luisa Mayol, que interpreta a la psicóloga de confianza de los Novak.

“Habla de las vivencias de una familia, y no solo de una con dinero o con poder, sino de problemas que surgen en todas las familias”, añade Pataky, aseverando que en este caso se ven desde el principio “las carencias y problemas de cada uno” de los protagonistas. En realidad, la serie juega con los personajes de la misma manera que juega con los espectadores.

Por su parte, Giovanelli apunta que “en esta serie el poder no es únicamente económico”. “El poder está en los roles, en los afectos y en los no afectos, está en convertir a tus hijos en una extensión tuya y que ellos no quieran. Eso es el poder. El poder es todo aquello que ejerce algo sobre ti, eso no lo hace solamente el dinero, lo hace la gente de la que te rodeas”, explica.

Un ‘homenaje’ al propio Poncela

La ficción nació como un homenaje a la vida y obra del intérprete de Martín (Hache), Arrebato o La Ley del Deseo, como ha asegurado uno de sus creadores, Sergio Cánovas. El actor —que al igual que su personaje también cumplía 80 años— falleció el 27 de agosto del año pasado a los 79, una vez finalizado el rodaje, a causa de un cáncer.

“Él se puso malito en el rodaje. Nosotros nos enteramos casi al final", explica Luisa Mayol, quien da vida a la doctora Lorena Scolari, psiquiatra y confidente familiar. “En el camino enfermó y en el camino partió”, añade. “La vida nos ha llevado a que este sea su último trabajo, donde él es homenajeado y donde hoy lo estamos homenajeando por todo lo que él significó, por todo lo que él fue”, apunta la actriz chilena, afincada en España desde hace más de una década. “Lo que nos deja es un legado, un regalo de compromiso al arte, de entrega, de cariño, de ironía, de simpleza, de bondad. Y tener el privilegio de acompañarlo hasta el último de sus días, tanto en lo profesional como en lo personal”, finaliza.

En ese sentido, El homenaje se conecta con Matices, serie de la misma plataforma estrenada el año pasado de la que hereda buena parte de su reparto, aunque con personajes completamente distintos. Junto a los mencionados Poncela, Pataky, Mayol y Giovanelli, repiten Juana Acosta, Enrique Arce, Raúl Prieto y Luis Tosar, y ahora el reparto se amplía con nombres como Manu Ríos, Álvaro Rico, Ángela Molina, Óscar de la Fuente y Georgina Amorós, entre otros.

“Llama la atención lo de que seamos el mismo elenco. Cuando nos lo plantearon, fue lo que más me gustó y era un acierto total. Digo: ”A ver cómo hacemos esto los mismos, pero con algo absolutamente distinto y que se nos crea“, afirma Mayol.

Familia dentro y fuera del rodaje

Precisamente porque el casting repite, la sensación de “familia” no solo se construye en la ficción. “Hay una química que se da pocas veces en un set con tantos actores. Me encanta como que se demuestre que los actores somos generosos, que nos llevamos bien, que somos empáticos, que podemos relacionarnos y demostrar que cuando estamos trabajando, los egos los dejamos en casa”, apunta Mayol, para hacer referencia a talentos como el de Eusebio. “Podría ser que empezáramos a insegurizarnos por los grandes actores que tenemos al lado, pero hay una cosa de nutrirse del talento de mis compañeras, de lo que me aportan y de lo que puedo aportar yo. Eso es muy bonito y muy valioso”, añade.

A la ficción que sigue a una familia -disfuncional, pero familia- ha terminado incorporando a las personas del entorno más cercano del reparto. Prueba de ello es el debut actoral de Lola Alterio, hija de Ernesto Alterio y Juana Acosta, que comparte trama con su madre. Ambas interpretan también a madre e hija en la ficción: Acosta da vida a Paula, la secretaria de Adolfo Novak, mientras que Lola encarna a Laila, su hija adoptiva y pareja de Lorenzo, el hijo menor de la familia, que interpreta Álvaro Rico. A esa coincidencia se suma Elsa Pataky, que incorpora a su marido, Chris Hemsworth, y a sus hijos, Tristan y Sasha, en sendos cameos. Luisa Mayol vuelve a coincidir por sexta vez con su pareja, Luis Tosar, aunque en esta ocasión sin compartir escenas.

“Es una coincidencia extraña”, reconoce Pataky . “No solo contamos una historia de familia, sino que, por casualidades de la vida, se ha involucrado gente de nuestra propia familia”. Esto se completa, como no, con el homenaje al propio Poncela: “Hay unas ciertas coincidencias que son un poco scary”, finaliza.

Hablar de Miguel de Cervantes es adentrarse en uno de los escritores y pensadores más prolíficos de nuestra literatura. También de la universal. Novelista, poeta, soldado y dramaturgo, el autor de Don Quijote de la Mancha, publicada en dos partes en 1605 y 1615, es uno de los libros más editados y traducidos de la historia, solo superado por la Biblia.

Si pensamos en Cervantes y, por consiguiente, en su obra cumbre, es fácil que acuda a la memoria el célebre inicio: “En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme...”. Sin embargo, más allá de ese arranque universal, la novela está llena de reflexiones que siguen vigentes más de cuatro siglos después. Entre ellas, esta: “Quien lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho”.

La cita aparece en el capítulo XXV, en una escena protagonizada por Maese Pedro, un titiritero que recorre los caminos con un retablo y un supuesto mono adivino. El personaje aparece por primera vez como galeote tres capítulos antes, cuando es liberado por Don Quijote.

Tras presenciar una demostración que roza lo fantástico, el protagonista de la obra pronuncia la frase como una forma de reafirmar su experiencia en el mundo y su capacidad de juicio, para posteriormente añadir: “¿Qué persuasión fuera bastante para persuadirme que hay monos en el mundo que adivinen, como lo he visto ahora por mis propios ojos?”, completaba el hidalgo.

Las aventuras de Don Quijote, vigentes más de cuatrocientos años después

Más allá de la novela, esta cita ha trascendido como refrán. El propio Instituto Cervantes la recoge en su refranero multilingüe como una paremia que resume que el aprendizaje se consolida cuando se combinan la lectura y la experiencia. En su definición, subraya que “es sólida la instrucción adquirida con la lectura y los viajes”.

Para entender el alcance de esta reflexión conviene detenerse en la figura de Miguel de Cervantes. Nacido en Alcalá de Henares en 1547 y fallecido en Madrid en 1616, está considerado una de las voces más influyentes de la literatura española y universal. Autor de la obra considerada la primera novela moderna, Cervantes no solo retrató su tiempo, sino que sentó las bases de una nueva forma de narrar que sigue vigente siglos después.

Sin embargo, el literato fue desterrado y se marchó a Italia, donde sirvió a un cardenal. Allí se formó en la marina y participó en la Batalla de Lepanto, donde resultó herido de la mano izquierda, valiéndole el apodo de El manco de Lepanto. Años más tarde fue capturado por piratas berberiscos y permaneció cinco años cautivo en Argel hasta su rescate. Pese a las dificultades, nunca abandonó la escritura. En 1605 publicó la primera parte del Quijote, a la que seguiría una segunda en 1615, consolidando un éxito que incluso tuvo que competir con imitaciones. A esta obra se suman títulos como Novelas ejemplares o Los trabajos de Persiles y Sigismunda, que reflejan su ironía, su mirada crítica y su profunda comprensión de la condición humana.

La serie ha sido dirigida principalmente por Hiro Murai, conocido por sus increíbles videoclips para Childish Gambino (como el aclamado This Is America) y ha sido ideada por Katie Dippold.

Matthew Rhys (conocido por la serie The Americans) interpreta al alcalde de una isla de Nueva Inglaterra asediada por antiguas maldiciones y un repertorio de amenazas paranormales.

Brujas, caníbales, el hombre del saco y mucho más

En él se aglutinan todas las leyendas propias de la región: brujas, caníbales, nieblas venenosas y asesinatos misteriosos. Así, serie apuesta por una estructura ‘semiantológica’, en la que cada episodio presenta una amenaza o fenómeno sobrenatural diferente, sin resolver por completo los misterios planteados.

Uno de los principales rasgos que definen la serie es la fusión de géneros. Aunque el terror es la base principal, la obra de Dippold incorpora el absurdo y el humor extraído de las relaciones entre habitantes. Estas características han dado pie a comparaciones múltiples: desde Twin Peaks como referente del pueblo encantado, hasta guiños a figuras como John Carpenter o Stephen King, e incluso a series como Parks and Recreation, de la que Dippold fue guionista.

Entre las críticas destacadas, The Guardian la describe como un cruce entre Mare of Easttown y Schitt’s Creek, valorando la interpretación de Matthew Rhys por su fluidez entre la comedia y el espanto, manteniendo en todo momento la credibilidad emotiva.

El personaje central, Tom Loftis (Rhys), representa la dualidad del antihéroe: como alcalde, busca transformar su aislada isla en un destino de moda comparable a Martha’s Vineyard, a pesar de la existencia de leyendas sobre canibalismo, “sea hags” y asesinos de adolescentes. La serie comienza con su intento por atraer turistas e inversores, pero pronto debe enfrentarse a amenazas que incluyen la aparición de un boogeyman y fenómenos propios del horror cósmico.

La habilidad de Dippold para diseñar personajes corales con tramas propias se refleja en figuras como Patricia, la ayudante del alcalde interpretada por Kate O’Flynn. Su desarrollo en la serie abarca enfrentamientos con lo sobrenatural y episodios centrados en traumas pasados. Los secundarios, lejos de funcionar como simples elementos de apoyo, tienen peso en la estructura social y emocional del conjunto para dar consistencia al entramado.

Un cóctel de referencias, de Lovecraft a Carpenter

La serie adapta tropos clásicos del género —con ecos de Lovecraft, King, Carpenter y la literatura gótica— al ámbito televisivo actual, aportando un ritmo visual dinámico y un diseño de producción realizado por Steven Arnold, también vinculado a Misa de medianoche. Elementos como la falta de cobertura móvil, los efectos prácticos, los ambientes brumosos y la atmósfera analógica distinguen a la serie de otras producciones contemporáneas.

La dirección de Hiro Murai, a lo largo de los cinco primeros episodios, imprime elegancia y alterna secuencias de terror con momentos de humor costumbrista y guiños ‘autorreferenciales’ a la cultura reciente de Estados Unidos.

También, una sátira social

Además, la serie emplea el trasfondo sobrenatural para explorar cuestiones sociales como la gentrificación: el afán del alcalde por atraer visitantes a cualquier precio, aunque eso ponga en riesgo a los habitantes originarios. Esta lectura satírica sobre la gestión municipal y los desafíos de las comunidades tradicionales, destaca la fuerza del comentario social dentro del relato.

El tratamiento ‘semiantológico’ de cada capítulo posibilita que leyendas y criaturas —desde una bruja hasta el hombre del saco y hoteles embrujados— se desarrollen con autonomía, aunque la serie deja “nuevas incógnitas” hacia una posible segunda temporada.

En definitiva, estamos ante una serie que asume riesgos, que nos lleva por caminos poco transitados, que sabe cómo fusionar de forma novedosa los géneros, convirtiéndose en un experimento de lo más estimulante y destinado a convertirse en un clásico de culto inmediato.

- Pregunta: ¿Cómo ha sido el camino hasta llegar a Belleza y Terror?

- Respuesta: Ha sido bello y terrorífico (risas), por eso se llama así. Es una concentración de un montón de experiencias vitales y hay mucha carga emocional. Ha sido un poco tedioso, pero también interesante. Escribir las canciones ha implicado un ejercicio de autoconocimiento, que a veces se produce durante la propia escritura porque, al tratar ciertos temas, tuve que enfrentar aspectos difíciles de mi historia personal: cuentas pendientes con el pasado, cosas que he sufrido y otras que yo he hecho sufrir a otros, y eso no es fácil. Es un trabajo emocional que también debo a mi terapeuta y a las ganas de aprender.

El disco se ha grabado a lo largo de dos años porque tenía que seguir trabajando en otros proyectos para poder financiarlo. También me ha ayudado mucho trabajar mano a mano con mi productor, Francis White, con quien he compartido un proceso enriquecedor y de aprendizaje constante, tanto sobre mi musicalidad como sobre mí misma. Es una experiencia que me gustaría repetir.

- P: Dices que ha sido difícil asumir ciertos aspectos del pasado. ¿Qué te ha marcado? ¿Qué se puede apreciar en el disco?

-R: La canción más importante, en términos de darme cuenta y caerme un poco del guindo, es ‘La mejor actriz’, que aborda la necesidad de dejar de aparentar, de intentar romper un poco el teatro que todos tenemos. Todos construimos un relato en el que nos refugiamos de las cosas que duelen y en el que nos justificamos de las cosas que hacemos que duelan a los demás. Vemos lo que nos hacen, pero no terminamos de ver lo que hacemos nosotros, y mucha gente intenta mantener ese teatro todo lo posible, porque, si se le desmorona el decorado, se le desmorona la vida. ‘La mejor actriz’ habla de quitarse esa careta, no porque haya habido una intención de mentir a los demás, sino porque yo llevo diciéndome toda la vida que soy una chica muy afortunada, porque lo soy y tengo muchísima suerte, pero entonces, ¿por qué tengo depresiones cíclicas o una ansiedad crónica que no se termina de ir? Empiezas a arañar un poco la superficie y ves un montón de cosas que no estaba viendo y que nadie de mi alrededor veía y que no se van a curar hasta que las aborde. Lejos de regodearme en el dolor, es decir, ‘eso está ahí y ya sé dónde poner la tirita’. El disco también habla sobre el autosabotaje, sobre todo en términos artísticos, pero también en cuanto a las relaciones personales y familiares.

También hay que tener en cuenta que en la sociedad de hoy en día nos come la ansiedad a todos, porque vivimos en una precariedad absoluta. No puede ser que te mates a trabajar doce horas diarias y no puedas pagar el alquiler. El contexto socioeconómico no ayuda y no todo depende de la voluntad individual. Por eso es importante ver hasta qué punto hay cosas que se pueden cambiar, porque hay que intentar ser realistas, pero parto de la base de que yo he sido lo suficientemente afortunada como para pagarme una terapia, que debería estar cubierta [por la Seguridad Social], porque ahora mismo creo que la necesitamos todos. Partiendo de la suerte que he tenido, he intentado aplicarme lo mejor posible para poder aprovecharla.

- P: ¿Qué mensaje te gustaría que le llegara al público con tu disco?

- R: No tengo ni idea, pero sí creo que el arte va de ofrecer un refugio para quien lo necesite, tanto para el que lo hace como para el que lo recibe. Y el refugio puede ser escuchar este disco o ver esa película otra vez o leer ese libro, porque ahí es donde encuentro una compañía que necesito ahora mismo. Da igual la intención que tenga el autor al hacerlo, porque al final cada uno transforma la obra y la aplica a sí mismo. Si eso sucede con alguien que escuche mi disco, si a alguien le puede ofrecer compañía, seré feliz.

- P: Has interpretado numerosas voces en audiolibros, en ficciones sonoras, series, anuncios en radio y televisión. ¿Te ha costado encontrar tu propia voz?

- R: Sí, mucho. Ya no solo metafóricamente hablando, sino físicamente, porque he tenido que cantar con muchas colocaciones distintas, dependiendo del personaje que hiciera, porque la voz tiene muchas maneras de colocarse y de salir hacia afuera para generar distintos sonidos. Estoy muy acostumbrada a utilizar la voz como una herramienta al servicio de lo que el personaje requiera y no sabía de dónde tenían que salir mis propias ideas. En ese sentido, agradezco mucho a mi productor que me haya ayudado a bajarlo a tierra.

- P: En 2024 dejaste de ser la voz de Google Maps, coincidiendo con el mismo día que dabas a conocer la primera canción de este disco. ¿Qué ha supuesto en tu carrera ser ese GPS que daba indicaciones a tantos usuarios?

- R: Ha supuesto muchas cosas y algunas no necesariamente buenas, sobre todo en términos de mi alrededor y mi entorno laboral, pero también ha supuesto el cariño de mucha gente y eso es lo más bonito de haber hecho este trabajo, además de las anécdotas divertidas. Lo positivo que sacaría es que mucha gente pensaba que era una máquina y, cuando se dieron cuenta de que era una persona, tenían como una sensación de conocerte, de que era su amiga. Pero ser conocida como la voz de Google Maps también ha tenido su parte negativa, porque dicen: “Anda, ahora también canta”, cuando en realidad llevo haciéndolo toda la vida y he participado en muchos discos.

Fue bonito que el mismo día de 2024 que salía el primer single de este disco, [el 10 de octubre], donde hablo de verdad de quién soy yo, me sustituyeran como la voz en español de Google Maps sin saberlo, y es que estas cosas suceden porque son actualizaciones, al igual que pasa con otros asistentes como Siri o Alexa, que van cambiando. Ese día dejé de ser la voz que da servicio a todo el mundo que tiene el asistente de Google para recuperar la identidad de la mía. Hay quien puede pensar que ser la voz de Google Maps me ha ayudado a llegar a más gente, pero quien me sigue por ser esa voz, no tiene ningún interés en la música que hago, y no pasa nada, es normal. Puede que atraiga a una o dos personas que de repente descubran que canto, pero en general no hay conexión directa. De hecho, a veces lo que hay es un prejuicio, cuando en realidad he tenido que trabajar mucho para poder costearme el disco que llevo toda mi vida queriendo hacer, mucho antes de ser la voz de Google Maps.

- P: ¿Te preocupa cómo la Inteligencia Artificial puede afectar al sector del doblaje?

- R: Me preocupa mucho la salud de todas las artes en general y especialmente las consecuencias psicológicas y sociológicas de lo que se puede hacer con la IA. Que cada uno en su casa pueda tener una herramienta con la que sintetiza tu voz o tu imagen, me parece peligroso, además de los trabajos que se van a perder. Llevamos ya mucho tiempo viendo cómo llegan nuevas tecnologías que parece que nos van a facilitar la vida, pero no es una tecnología que me esté poniendo lavadoras ni limpiando la casa. Resulta que está haciendo las canciones, cuando yo lo que quiero precisamente es hacer las canciones. Una cosa es ayudar y otra cosa es sustituir.

- P: ¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

- R: Tengo muchísimas ganas de llevar mi disco al directo y vamos a hacer la presentación el sábado 13 de junio en el Café Berlín, en Madrid. Habiendo sido cantante de sesión encerrada en la cabina tantos años, estoy deseando volver al directo, hacer conciertos y ver al público. Ese intercambio de emociones y la conexión con la gente son aspectos que, de momento, la IA no puede hacer.

En esta semana las protagonistas son indiscutibles. Meryl Streep y Anne Hathaway vuelven con El diablo viste de Prada 2, el que sin duda es el estreno más destacado, pero no el único a tener en cuenta. El cine español tiene presencia de la mano de Carmen Machi en una suerte de 12 hombres sin piedad sobre corrupción, el cine de autor tiene su hueco con Resurrection, la ambiciosa película del chino Bi Gan, el acoso escolar del drama australiano La plaga o el terror de Strangers: Capítulo final, cierre de la exitosa franquicia.

El diablo viste de Prada 2

Han pasado unos cuantos años, pero hay cosas que nunca pasan de moda. Miranda Priestly y Andie Sachs, los personajes de Meryl Streep y Anne Hathaway en El diablo viste de Prada, regresan con esta esperada secuela de las peripecias en la revista Runway. Mucho ha cambiado en el mundo de la moda, pero estas dos mujeres siguen entendiendo de estilo y tendencias como nadie, aunque han surgido nuevos problemas. Con la jubilación de Miranda a la vista y los crecientes problemas de publicidad, la estricta jefa tendrá que pedir la ayuda de su antigua secretaria y dejar a un lado su orgullo para salvar su carrera.

Los justos

La gran Carmen Machi encabeza un jurado popular que delibera un caso de corrupción. Aunque las pruebas parecen bastante irrefutables, una noticia de última hora lo cambia todo. Cada uno de ellos recibirá un millón de euros si declaran al acusado inocente en vez de culpable. Pero claro, para que el veredicto y el premio se den, tienen que coincidir todos, y eso hará que cada uno tenga que velar por sus intereses. ¿Un millón de euros o la conciencia tranquila? Poco a poco, las nuevas deliberaciones irán mostrando la verdadera cara de cada uno de ellos.

Resurrection

Una de esas películas imposibles de clasificar, quizá porque contiene dentro de ellas otras tantas de lo más peculiares. El director chino Bi Gan vuelve años después de sorprender con la inmersiva Largo viaje hacia el fin de la noche con esta Resurrection, en la que narra un mundo que ha perdido la capacidad para soñar. Fiel a sus planos secuencia, el director hace recorrer a sus personajes por fastuosos y exóticos escenarios, desde un viejo teatro a un templo, pasando por un club nocturno en el que nada es lo que parece. Pero los sueños tampoco lo son.

La plaga

El cine sobre acoso escolar escribe un nuevo capítulo con La plaga, película australiana que aterriza en cartelera encabezada por Joel Edgerton, actor en películas como Warrior o la reciente Sueños de trenes en Netflix. La película cuenta la historia de Ben (Everett Blunck), un joven que entra al campamento de waterpolo, sin saber que está a punto de formar parte de una cruel tradición, por la cual tiene que atacar a todo aquel que no se integre con una enfermedad conocida como La Plaga. Aunque al principio accede fruto de su ansiedad social, con el tiempo se dará cuenta del peligro que entraña la broma y del daño real que puede estar ocasionando alrededor y a sí mismo.

Strangers: Capítulo final

La saga de terror que repopularizó el llamado home invasion llega a su capítulo final esta semana. Después de volver por todo lo alto en 2024 de la mano de Gabriel Basso y Madeleine Petsch, con otra aventura estrenada el año pasado, Strangers concluye de una vez por todas. En esta ocasión, la joven protagonista, Maya, se enfrenta por última vez a los asesinos enmascarados. Un brutal y sangriento ajuste de cuentas, donde saldrán a la luz horribles secretos, y en el que ella deberá decidir si vengarse o convertirse en aquello que le arruinó la vida.

A su manera, todas estas palabras encierran lo que ha sido la trayectoria de uno de los grupos más exitosos del panorama del rock alternativo en España. Más de medio millón de personas escuchan cada mes en plataformas a un grupo formado en 2011 que lanzó su primer disco, completamente autoeditado, en 2015 tras una campaña de micromecenazgo, y que poco a poco se ha ido consolidando a base de mucho trabajo y éxitos como La vida moderna o Dopamina.

Pero no todo ha ido siempre a mejor. En verano de 2025, la banda denunció públicamente que la empresa con la que vendían las entradas se había declarado en suspensión de pagos. De un día para otro, y pese a todo el éxito cosechado, tuvieron que hacer un “calendario de la ruina” para devolver todo el dinero que debían. “Si esto nos llega a pillar hace dos años, nos hubieran jodido toda la carrera; ahora, nos hace daño, pero podemos seguir adelante”, sentenciaban en el programa de La Revuelta. Casi un año después, parece que se cumple lo de que todo “al final sale bien”, aunque para ello tal vez haga falta, como canta el grupo en Troya, su nueva canción, hacerlo todo del revés.

“La música puede salvarte”

“Troya es un uptempo, una canción rápida y muy reconfortante que habla de cierto atrevimiento para con que puedan salir mal las cosas”, explica a Infobae Diego Arroyo. “No tienen por qué salir mal, simplemente se trata de atreverse a exponerse”. Una canción sobre el valor en la que Veintiuno sigue buscando “ofrecer un lugar de comodidad y seguridad” a quienes les escuchen, en la victoria y en la derrota.

Tal vez por eso decidieron correr el riesgo de lanzar un llamamiento al aire en el que dejaron varias pistas de que iban a dar un concierto gratuito en el Planetario de Madrid, lugar en el que se les ocurrió la primera frase de la canción. Podría no haber ido nadie, o podrían haberse encontrado de frente con la Policía. “Fue un salto de fe en ambos sentidos, tanto para nosotros como para la gente que fue allí. Fue un poco como una quedada analógica, porque tenías que ir. Fue muy bonito llegar a un sitio a una hora concreta y que todo el mundo estuviera ahí”.

Además, Troya ha venido acompañada de un videoclip en el que, conectando con el de su canción Vidas pasadas y con su último disco, La balada de Delirio y Equilibrio, reformula el mito clásico de Orfeo y Eurídice. “A nosotros nos gustan mucho los artistas con un imaginario propio. Habíamos trabajado en esa dirección en anteriores discos, pero nunca nos habíamos lanzado a ofrecer una narrativa con ese grado de complejidad. La balada nos permitió demostrarnos a nosotros mismos que nuestro público quería y estaba dispuesto a disfrutar de eso, de jugar con nosotros”.

Paralelamente, el mito de Orfeo y Eurídice fue el elegido por el “aprendizaje increíble” que suponía la historia de estos amantes. “Aprender que la música puede conseguir grandes cosas de las personas, que puede dar lugar a cosas maravillosas, que puede salvarte y que nadie puede salvarse por la mano de otro. Que la confianza o la falta de confianza pueden arruinarlo todo”. A través de este marco, Veintiuno maneja una “paleta de colores” con la que diseñar su particular mundo sonoro.

Lo que supuso la llamada de La Oreja de Van Gogh

Ahora se encuentran trabajando ya en el que será su sexto disco, pero antes de eso toca una larga temporada de conciertos y festivales, además de unos cuantos ‘bolos’ como teloneros de La Oreja de Van Gogh en la gira de regreso de la banda. “Es algo increíble por muchas cosas, porque quien más, quien menos aquí tiene entre uno y cinco discos de La Oreja en casa”, comentan al respecto.

No obstante, hay otro motivo por el que tocar junto a la mítica banda es especial. “Veintuno es una banda en la que era absolutamente impensable dedicarte a la música”, cuenta Diego Arroyo. “No veníamos de un entorno artístico ni teníamos relación con el mundo artístico. La probabilidad de que hiciéramos una carrera musical era tan baja como que hay un único referente histórico de nuestra ciudad que se dedique al pop”.

“Nunca hemos tenido lo que se llama una oportunidad de vida, esta cosa de que un artista grande te dé la alternativa. Eso no había existido y hasta el día de hoy nos hemos desarrollado al margen de la idea de que eso pudiera suceder. Pero ahora nos ha llamado La Oreja en un momento poderosísimo para ellos, para que les acompañemos en muchas fechas. Y tardaríamos mucho en explicar hasta qué punto somos conscientes de que eso es una oportunidad de vida”. Un sueño del que, ahora, “toca estar a la altura”.

Cuando pensamos en Tom Cruise, es muy fácil que acudan a nosotros algunas de sus sagas más conocidas, como Top Gun, Jack Reacher o, por supuesto, Misión Imposible. Gracias a ellas, el actor ha forjado su leyenda en un Hollywood que espera con ganas su vuelta a los papeles dramáticos con Digger, la próxima película del oscarizado director mexicano Alejandro González Iñárritu, que quizá logre sobrecogernos tanto como en su día lo hicieron títulos como Magnolia o Eyes Wide Shut.

Al margen de estos papeles, Tom Cruise también ha protagonizado otros blockbusters que, pese a lograr el visto bueno de la crítica y el público, no han logrado la misma consideración que sus “grandes éxitos”. En esta lista, una de las primeras sería sin duda Al filo del mañana, una de las mejores películas de ciencia ficción firmadas por el actor que actualmente puede verse en Netflix, pero que se retirará del catálogo de la plataforma el próximo 30 de abril.

Estrenada en 2014, Al filo del mañana reunió a Tom Cruise y Emily Blunt para adaptar el manga All You Need Is Kill, de Hiroshi Sakurazaka. La película, dirigida por Doug Liman (responsable de la saga de Jason Bourne) se sitúa en un futuro devastado por la invasión de unos alienígenas llamados Mimics, donde la humanidad libra una batalla desesperada. El protagonista, el comandante William Cage, es arrojado a una misión suicida sin experiencia en combate, pero tras morir rápidamente se descubre atrapado en un bucle temporal que lo obliga a revivir el mismo día y la misma batalla repetidamente. Sin quererlo, ese extraño don podría resultar decisivo en la guerra.

Una película valorada con el tiempo

En su estreno, la película logró recaudar más de 370 millones de dólares en todo el mundo y, con el paso de los años, se consolidó como una de las obras de culto del género, aunque en su momento su taquilla no cumplió las expectativas para un proyecto cuyo presupuesto había sido de 178 millones. Habrían de pasar los años, pues, para que el público fuera valorando una historia frenética llena de giros y de acción, pero a la que no le faltan tampoco buenos toques de humor. “Un juguetón y frenético tornado de ciencia ficción”, se congratulaba en su momento la revista Empire en su reseña de la película.

Así, la combinación de una trama inteligente, efectos visuales sobresalientes y la química entre sus protagonistas han mantenido el interés tanto de nuevos espectadores como de los fanáticos de la primera hora. Y sí, también han hecho que muchos deseen que algún estudio empiece a pensar en la idea de sacar una segunda parte que permita seguir adaptando las novelas de Sakurazaka.

La secuela que nunca llega... pese a los rumores

El éxito que tiene ahora la película, así como sus aceptables datos en taquilla, dejó la puerta abierta a una segunda parte, aunque el proyecto ha permanecido en un limbo durante años. Los rumores sobre han sido constantes, y no es que los implicados hayan hecho mucho por desmentirlos. La actriz Emily Blunt compartió en el pódcast Happy Sad Confused en 2025: “Había un guion que Doug Liman me envió... Me encantaría hacerlo realidad, pero no sé cuándo ni cómo”.

Las apretadas agendas de Cruise y Blunt (a punto de estrenar El diablo viste de Prada 2 y El día de la revelación, además de la tercera parte de la saga de Un lugar tranquilo) han dificultado la producción. Ambos son figuras recurrentes en superproducciones y su disponibilidad parece ser el principal obstáculo. Mientras tanto, el director Doug Liman también ha manifestado su deseo de regresar, aunque el proyecto siga sin fecha clara ni luz verde definitiva.

85 años después de su muerte, Virginia Woolf se considera a día de hoy como una de las mejores y más importantes escritoras de la historia. Obras como Orlando, Al faro o La señora Dalloway son consideradas clásicos de la literatura universal, mientras que a través de otros textos como Una habitación propia, la autora británica ha logrado tener influencia incluso más allá del terreno de la ficción para convertirse en un referente de la igualdad.

Por todo ello, es lógico que el hallazgo de nuevos textos de Virginia Woolf en 2018 provocara una gran conmoción en el mundo de la cultura. Los relatos descubiertos casi de casualidad por la investigadora Urmila Seshagiri abrían la oportunidad de reinterpretar el legado literario de la escritora. Un privilegio que ahora también podrán tener los lectores en español tras la publicación este mismo 29 de abril de esos escritos inéditos desde la editorial Páginas de Espuma.

“Violet recopila tres narraciones de Virginia Woolf en 1907 acerca de su íntima amiga de la juventud, Violet Dickinson. Virginia contaba entonces con 26 años y aún faltaban siete años para que publicara su primera novela”, resalta la editorial, que ha lanzado una primera edición ilustrada por Andrea Reyes y con prólogo de la traductora y experta en la obra Patricia Díaz Pereda, a la que seguirá otra de la editorial Lumen el próximo 7 de mayo.

“Es el tipo de momento que jamás piensas que vas a vivir”

El manuscrito, mecanografiado y corregido por la propia autora en 1908, permaneció oculto durante ocho décadas en el archivo de Longleat House (Inglaterra), donde se conserva una importante colección de documentos históricos y literarios de la autora. Fue allí donde Urmila Seshagiri lo localizó por azar mientras buscaba unas memorias inéditas de Violet Dickinson, amiga íntima y mentora de Woolf.

El contenido de estos textos, titulado en inglés The Life of Violet, fue concebido como una biografía satírica y fantástica dedicada a Dickinson que Woolf pedía a sus destinatarias que no se compartiera: “No lo cites (¡mira mi vanidad!) Y no lo muestres: ahora no puedo recordar lo malo que es; pero sé que tendrá que reescribirse dentro de seis meses; y no lo haré”.

Durante años se creyó que la versión más relevante era el manuscrito de 1907 conservado en la New York Public Library, pero la aparición de la copia revisada y corregida en 1908 demuestra que Woolf regresó a estos textos con un interés y una seriedad inusuales para su primera etapa como narradora. “Es el tipo de momento que jamás piensas que vas a vivir como investigadora”, confesaba la propia Seshagiri al periódico británico The Guardian tras examinar el original.

Lo que encontramos en los cuentos de ‘Violet’

Páginas de Espuma destaca que estos cuentos muestran cómo la joven Woolf ya exploraba ciertos temas que luego la definirían. “En Violet encontramos algunas de las semillas temáticas feministas que florecieron en su madurez, tanto en ensayos como en novelas: la deficiente formación de las mujeres, la necesidad de una habitación propia (que aquí es un cottage propio), las limitaciones que la sociedad impone a la mujer, el deseo de las mujeres de ser ellas mismas, de experimentar, de no conformarse con el papel que una sociedad patriarcal espera de ellas”.

Los relatos (Galería de amistades, El jardín mágico y Una historia para hacerte dormir) nacieron como juegos literarios privados, sin intención inicial de publicación. Woolf recurrió a la sátira y la fantasía para retratar el entorno de Dickinson, desde travesuras aristocráticas en mansiones inglesas hasta un cuento de diosas que viajan a “Tokio” a lomos de una ballena. Esta imaginación “fantástica y sorprendentemente cómica” anticipa la creatividad que desbordará en obras posteriores como Orlando.

En El jardín mágico aparece la primera formulación de una idea que será central en la trayectoria de Woolf: “¿Sabes?, me parece que… bueno, ¿no crees, Violet, que sería muy bonito...“, a lo que Violet responde: ”¿Tener una casita propia? Sí, buena mujer mía". La frase, modificada en la edición definitiva, prefigura el célebre ensayo ‘Una habitación propia’ y su reivindicación del espacio y la autonomía femeninas.

Los relatos habían pasado inadvertidos al ser considerados “una especie de broma privada, y no muy buena”, según el propio Leonard Woolf, quien rechazó publicarlos. Vanessa Bell, hermana de la autora, los consideró “muy ingeniosos y brillantes”. Finalmente, el manuscrito sobrevivió al olvido y ahora, gracias a la labor de investigadores y editores, se integra al corpus la escritora.

Alto secreto. Información clasificada. Acceso restringido. Operación encubierta. Este tipo de términos suelen ir asociados a las películas y series que vemos en nuestro día a día, y quizá por eso nos sorprende y cautiva tanto que existan personas que, en su día a día, trabajen con ellos. Este era el caso de Edward Snowden, quien ejercía de administrador de sistemas e ingeniero técnico para contratistas privados de la inteligencia estadounidense.

Sin embargo, desde hace más de una década pesan sobre Snowden varios cargos de espionaje, después de que este analista tomara una decisión que cambió el debate global sobre la privacidad digital y la información confidencial. En 2013, cuando tenía 29 años, copió miles de documentos clasificados que demostraban que la Agencia de Seguridad Nacional (NSA) de Estados Unidos espiaba las comunicaciones de ciudadanos estadounidenses y de decenas de países aliados, los entregó a periodistas seleccionados y huyó del país.

Las imágenes grabadas de la filtración

Todo ese proceso queda registrado en imágenes en el oscarizado documental Citizenfour, dirigido por la reconocida cineasta Laura Poitras y recientemente incluido en el catálogo de Prime Video, aunque también está disponible en Filmin. Tal y como puede verse en esta cinta, Poitras no buscaba a Snowden cuando él la encontró. La directora estaba en Berlín terminando su tercera película cuando un contacto anónimo comenzó a escribirle a través de una red cifrada. Se identificaba como “Citizenfour”, y tras cinco meses de intercambio de mensajes con él, finalmente comprendió que ese interlocutor poseía pruebas reales de una operación de espionaje masivo sin precedentes en la historia del país.

El resultado es un documental que registra en tiempo real los ocho días que Poitras pasó junto a Snowden en una habitación de hotel en Hong Kong, acompañada por los periodistas Glenn Greenwaldy Ewen MacAskill, del diario The Guardian. Lo que la cámara captura es a Snowden explicando, con calma técnica y sin dramatismo, el funcionamiento de los programas en los que había trabajado junto a la Agencia de Seguridad Nacional (NSA) de Estados Unidos, y que servían para espiar a millones de personas en todo el mundo.

Entre estos programas destacaban PRISM, que permitía acceder a datos de grandes empresas tecnológicas como correos electrónicos, chats y archivos almacenados, y XKeyscore, una herramienta capaz de rastrear prácticamente cualquier actividad en internet en tiempo real. También se interceptaban metadatos de llamadas telefónicas —como duración, origen y destino— para analizar patrones de comportamiento. “Sus filtraciones conmovieron al mundo”, escribían en el periódico británico The Guardian en su artículo sobre el documental de Poitras.

¿Ese espionaje era legal? Citizenfour señala directamente a la Ley de Espionaje de Estados Unidos, creada en 1917 y con varias secciones realmente polémicas que, en pro de la famosa “seguridad nacional”, parecían validar todas esas actuaciones de la NSA. Sin embargo, tras las revelaciones de Edward Snowden, muchos expertos, tribunales y organizaciones cuestionaron esa legalidad: se argumentó que la interpretación de la ley era demasiado amplia y que violaba derechos fundamentales. De hecho, en 2015, la reforma de la USA FREEDOM Act limitó algunas de estas prácticas.

Qué ha ocurrido con Snowden

Tras las filtraciones, cuando el gobierno de Estados Unidos canceló su pasaporte, Snowden se encontraba en tránsito en el aeropuerto de Moscú. Quedó atrapado durante semanas en la zona de tránsito hasta que Rusia le concedió asilo temporal, lo que bloqueó cualquier posibilidad de extradición y marcó el inicio de un exilio que se prolongaría durante años. Después de varios permisos de residencia renovables, se le daría residencia permanente y, finalmente, en 2022, la ciudadanía rusa, una decisión que generó nuevas controversias en el contexto de la invasión de Ucrania.

Durante ese tiempo, Snowden no desapareció del debate público. En 2019 publicó sus memorias bajo el título Vigilancia permanente, donde relata su historia y reflexiona sobre las implicaciones de sus filtraciones para el futuro de la privacidad digital. Continuó participando en conferencias internacionales mediante videollamada y colaboró con organizaciones defensoras de las libertades civiles. Su figura sigue siendo referencia obligada en cada debate legislativo sobre vigilancia, tanto en Estados Unidos como en Europa.

En la actualidad, Snowden trabaja como consultor de seguridad informática y preside la Freedom of the Press Foundation. Los cargos en su contra bajo la Ley de Espionaje siguen vigentes en Estados Unidos, lo que hace improbable cualquier regreso sin enfrentar un juicio y una posible cadena de más de 30 años de cárcel. Desde el exilio, ha construido una vida pública y profesional activa, y utiliza su plataforma para denunciar los abusos de la vigilancia masiva y el avance de las tecnologías de control.

La artista Patti Smith acaba de ser galardonada con el Premio Princesa de Asturias a las Artes consolidando su importancia dentro de la cultura contemporánea que trasciende los límites de la música.

Además de su faceta como cantante y compositora, como icono en general, Patti Smith lleva años consolidando una sólida obra literaria —que entrelaza poesía, ensayo autobiográfico y artes visuales— y sigue atrayendo nuevas generaciones gracias a títulos emblemáticos como Éramos unos niños, Pan de ángeles o El libro de los días.

Uno de los pilares de su prestigio literario fue Éramos unos niños, que fue reconocido con el National Book Award en 2010. Esta autobiografía relata la relación entre Patti Smith y el fotógrafo Robert Mapplethorpe durante los años 60 y 70 en Nueva York, conformando un testimonio directo de la escena artística y social de la época.

La importancia de ‘Éramos unos niños’

Esta obra se ha convertido en el libro más fotografiado y compartido por adolescentes y jóvenes adultos en redes sociales durante el mes de enero de 2026. Este renovado impulso generacional surge porque muchos lectores encuentran en la obra una fuente de inspiración ante contextos de incertidumbre e inestabilidad, lo que lo sitúa como una lectura emblemática entre quienes buscan referentes literarios en tiempos de cambio.

El camino literario de Smith parte de la necesidad de derribar barreras de género, tanto artísticas como identitarias, que tradicionalmente han condicionado los cánones culturales.

La autora levantó su carrera desde la precariedad en la Nueva York de los setenta, acompañada de Mapplethorpe. A través de su escritura, ha plasmado vivencias personales, reflexiones sobre la pérdida y el proceso creativo, y recuerdos de una infancia jalonada por mudanzas y el constante esfuerzo de construir su propia identidad en el seno de una familia trabajadora.

Éramos unos niños continúa recibiendo atención tanto crítica como lectora. Su valor radica en la honestidad con la que Smith narra su inicio junto a Mapplethorpe, alejándose del mito para centrarse en episodios de dificultades materiales y búsqueda vital. La amistad y el aprendizaje emergen como ejes de la obra, lo que ha capturado la atención de un público joven que se identifica con la idea de hallarse y reinventarse antes de alcanzar el éxito.

Pan de ángeles, actúa a la vez como secuela y ‘precuela’ de Éramos unos niños. Aporta un enfoque confesional e introspectivo sobre la vida de Smith, desde su infancia en Chicago y Filadelfia hasta su etapa familiar en Michigan junto a Fred ‘Sonic’ Smith y sus hijos. Cuestiones privadas como la hija que dio en adopción o dudas sobre la paternidad cobran relevancia en esta memoria desde la intimidad. Smith revisa su niñez en complejos de vivienda social, desplegando la observación de la belleza y la vulnerabilidad presentes en sus recuerdos de adolescencia.

En el registro de bitácora introspectiva se ubica M Train, una especie de diario literario en el que Smith construye capítulos a modo de estaciones ferroviarias. Sus páginas recorren la cotidianeidad, las pérdidas y ausencias, utilizando gestos ordinarios —como tomar café o caminar a solas— para trazar una correspondencia entre lo cotidiano y lo universal.

La evolución narrativa de Patti Smith

En títulos como El año del mono, Smith se adentra en una prosa ‘autoficcional’ y surrealista donde mezcla elementos oníricos, simbólicos y reales para abordar el paso del tiempo y la experiencia de la soledad. La obra fusiona realidad e imaginación, alternando lo cotidiano y lo extraordinario en el relato autobiográfico.

Devoción articula su estructura en tres partes, alternando ensayo, exposición narrativa y pasajes de ficción. Contiene relatos de viajes, homenajes a figuras como Simone Weil, y una meditación acerca de la creación y la obsesión artística.

Con El libro de los días, el diálogo entre palabra e imagen alcanza un desarrollo destacado. La obra toma como punto de partida la cuenta de Instagram de Smith, transformando un archivo fotográfico personal y reflexiones diarias en un diario público. Efemérides, aniversarios y recuerdos familiares dialogan aquí con textos poéticos y homenajes a figuras culturales y amistades —como William Burroughs, Allen Ginsberg o Sam Shepard—, en una aproximación íntima a la memoria colectiva a partir de lo cotidiano.

El testimonio artístico de Patti Smith se distingue por su capacidad para narrar desde la vulnerabilidad y la transparencia. Un episodio ejemplar lo constituyó su intervención en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de Literatura a Bob Dylan en 2016 (ella fue quien lo recogió), donde, al emocionarse, pidió disculpas en público, mostrando una autenticidad infrecuente en los reconocimientos oficiales. Smith mantiene una confianza constante en que la ciudad o el público la sostendrán cuando entrega su arte de forma total, un principio que ha orientado tanto su literatura como su música.

La influencia de Patti Smith en diferentes formatos, del álbum Horses a sus actuaciones y libros, se refleja en su actividad escénica que sigue en activo. Una verdadera fuerza de la naturaleza de la que se puede disfrutar y aprender tanto a través de sus canciones como de sus reflexiones.

D esta forma, la Fundación Princesa de Asturias reconoce la tayectoria a una artista que ha desbordado durante décadas los límites de la música para convertirse en una obra de referencia cultural, literaria y artística. La elección de la cantautora, poeta y artista visual estadounidense confirma la vigencia de una figura que, medio siglo después de Horses, sigue representando una forma de entender el arte como libertad, rebeldía y emoción.

El fallo del jurado se ha hecho público este miércoles en Oviedo, tras una deliberación en la que Patti Smith fue seleccionada entre 55 candidaturas procedentes de 30 nacionalidades. El premio reconoce la “creación y perfeccionamiento” en disciplinas que abarcan la música, la literatura, el teatro, la fotografía o la pintura, un terreno amplio en el que la artista estadounidense ha dejado una huella singular. Smith, nacida en Chicago en 1946, ha construido una carrera que combina la intensidad del rock con una sensibilidad poética poco habitual en la cultura popular. Su nombre quedó unido para siempre a Horses, un álbum que transformó el mapa del rock y consolidó una voz propia, áspera y luminosa a la vez.

Su fuerte conexión con España

En España, su visita al Teatro Real de Madrid el pasado mes de octubre dejó una impresión especialmente viva, hasta el punto de que varios medios la han recordado como una actuación que condensó la energía y la coherencia de toda su carrera. Ese concierto, con Horses interpretado al completo, reforzó la imagen de una artista que sigue conectando con el presente sin renunciar a su identidad. Más allá de la música, Patti Smith ha desarrollado una intensa labor como escritora, con una decena de libros publicados, y como creadora visual. Su obra ha sido reconocida con premios como el National Book Award, la Orden de las Artes y las Letras de Francia y un doctorado honoris causa por la Universidad de Columbia.

Esa versatilidad explica en parte la relevancia de su nombre dentro del panorama cultural internacional. No se trata solo de una cantante influyente, sino de una autora que ha sabido convertir la experiencia personal y la memoria en materia artística de largo alcance. La concesión del Princesa de Asturias de las Artes a Patti Smith encaja con una tradición del galardón que ha distinguido a figuras de primer nivel en el ámbito cultural como Meryl Streep, Joan Manuel Serrat o Marina Abramovic. La elección subraya también el valor de una obra que ha conectado distintas generaciones y que sigue dialogando con temas como la libertad creativa, la identidad y la resistencia que encarna como nadie la de Chicago.

La novela Los nombres, de Florence Knapp, se ha consolidado como uno de los debuts más destacados del año, convirtiéndose en un pequeño acontecimiento editorial. Y es que la premisa es de lo más original: cómo la simple elección de un nombre puede determinar el destino de una persona, articulando su desarrollo en tres posibles vidas que surgen a partir de esa decisión inicial.

La historia comienza en octubre de 1987, cuando Cora, acompañada por su hija de 9 años, Maia, acude tras una tormenta al Registro Civil con la intención de inscribir a su recién nacido. Las alternativas propuestas por la familia dibujan tres trayectorias vitales para el niño: Bear, sugerido por Maia como símbolo de ternura y fortaleza; Julian, nombre que Cora asocia a la esperanza de una vida propia para su hijo; y Gordon, opción defendida por el padre como continuidad de la tradición familiar masculina.

La novela desplegará a lo largo de 85 capítulos, 5 bloques que corresponderán a 7 años cada uno, un guiño al dato documentado por la propia obra de que “siete es el promedio de veces que, según el libro, una mujer maltratada intenta dejar a su pareja antes de conseguirlo”.

Tres posibles destinos

El texto estructura sus páginas desarrollando en paralelo los posibles destinos del hijo de Cora dependiendo del nombre recibido, una elección que trasciende lo simbólico y se convierte en un drama de violencia doméstica. La figura paterna, descrita como un médico de familia estimado socialmente pero dominador y violento en la intimidad, ejemplifica el peso de las herencias emocionales y de género sobre el núcleo familiar. Este aspecto impulsa la narrativa y define el desarrollo de las tres versiones del protagonista masculino (Bear, Julian y Gordon) a lo largo de 35 años de vida.

Florence Knapp fundamenta el conflicto central en la tensión entre tradición y libertad individual. La autora utiliza el momento íntimo de la decisión sobre el nombre como punto de partida para analizar el alcance real de las trayectorias personales y familiares.

La novela dibuja “tres vidas posibles” que nacen a partir de la elección del nombre, pero sobre todo interroga cuánto hay de predestinación y cuánto margen para actuar en la construcción de la identidad.

El corazón narrativo de Los nombres reside en la experiencia de Cora con la maternidad, lejos de cualquier tipo de idealización. La protagonista se debate entre el deseo de garantizar un futuro sano a su hijo y el temor a perpetuar las expectativas y silencios heredados. En ese sentido, Knapp acierta al situar el foco no solo en el hijo sino en la vivencia de la madre, mostrando cómo las auténticas encrucijadas de la vida pueden surgir de actos aparentemente menores.

Al adoptar una estructura de universos paralelos, la novela sigue en cada sección una existencia distinta para el protagonista y desarrolla escenarios en los que la reacción de Cora ante su marido deriva en consecuencias dolorosas y diversas formas de violencia.

Cada opción —Bear, Julian, Gordon— activa relaciones familiares cambiantes, tanto con la madre como con la hermana mayor, y revela que ni siquiera ceder ante la tradición garantiza una vida exenta de conflictos.

Una de las novelas mejor valoradas del año

La narrativa se apoya en episodios cotidianos cargados de significado y se proyecta sobre 352 páginas, con saltos temporales hasta el año 2022. Este avance por bloques temporales permite reflejar tanto las transformaciones en el mundo exterior —como la pandemia o los atentados de Bataclán— como el crecimiento desigual de los personajes en función de las expectativas depositadas sobre ellos.

La propia autora ha mencionado como inspiraciones la ternura de This Is Us, una pintura inquietante de Goya y las letras de Bruce Springsteen.

La novela plantea una idea clara que resuena en los diferentes análisis publicados: frente a circunstancias adversas o a condicionamientos heredados, siempre queda un pequeño margen para elegir y ejercer la autonomía.

La publicación de Los nombres en España ha contado con una recepción destacada por parte del público, situándose entre las novelas más valoradas en plataformas como Amazon (4,2) y Goodreads (4,1). En el caso de Goodreads, fue nominada a “Mejor libro” y “Mejor debut literario” del año pasado. Además, ha recibido elogios de la crítica como “la mejor ópera prima que se ha publicado en años” (The Sunday Times) o “Deslumbrante” (The Washington Post).

La propia Florence Knapp, que hasta este debut se había dedicado a la escritura sobre técnicas de acolchado y había participado en publicaciones del Victoria & Albert Museum, ha visto cómo su primera novela no solo ha generado debate, sino que se ha convertido en un libro de cabecera de lectoras y lectores en clubes de lectura y círculos personales. El interés de la crítica y del público ha situado a Los nombres entre las novelas que más han dado que hablar en el ámbito anglosajón de 2025 y, desde este mismo año, en el panorama español.

Madrid vivirá estos días la auténtica vida cañón, aquella que ha inmortalizado la banda Alcalá Norte y a la que rendirá homenaje con un más que esperado concierto este mismo 2 de mayo, uno de los colofones de una serie de días de fiesta en la capital. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 en la Comunidad de Madrid transforman la capital y sus alrededores en un escenario de celebraciones populares. Este año, el programa destaca por la inclusión de actividades gratuitas para todos los públicos, conciertos al aire libre y un espectáculo de drones sin precedentes.

El mes de mayo marca, como cada año, el inicio de los festejos madrileños más emblemáticos. El 2 de mayo, Día de la Comunidad de Madrid, se une al festivo nacional del 1 de mayo, Día del Trabajador, generando un fin de semana largo con una agenda cultural diversa. Las celebraciones recuerdan el levantamiento del pueblo madrileño en 1808 contra la ocupación francesa, un episodio inmortalizado en las pinturas de Francisco de Goya y que forma parte de la identidad local.

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El 2 de mayo conmemora el levantamiento que protagonizó el pueblo de Madrid en 1808 frente a las tropas napoleónicas. Este acontecimiento supuso el inicio de la Guerra de la Independencia española, marcando un punto de inflexión en la historia nacional. Cada año, la ciudad y la Comunidad de Madrid rinden homenaje a quienes participaron en aquellos sucesos, reviviendo la memoria colectiva con actividades culturales y recreativas. Durante esta semana, la capital se viste de fiesta y miles de personas acuden a los actos programados. El ambiente festivo se extiende por barrios y municipios, convirtiendo la efeméride en un evento de interés tanto para residentes como para visitantes.

La música es uno de los pilares de las Fiestas del 2 de mayo. La explanada de Puente del Rey será, un año más, el escenario principal de los conciertos gratuitos, con acceso libre hasta completar aforo. El programa, confirmado por la Comunidad de Madrid, ofrece propuestas para todos los gustos desde el jueves 30 de abril hasta el domingo 3 de mayo. El jueves 30 de abril, la apertura corre a cargo de Berkana y los Seminuevos a las 20:00, seguidos por Lobos Negros a las 21:30. El viernes 1 de mayo, la jornada comienza a las 12:30 con la Gala de Zarzuela, interpretada por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). Más tarde, el público podrá disfrutar de Bely Basarte a las 19:30 y Judeline a las 21:30.

El sábado 2 de mayo, la programación musical continúa con la Asociación de Coros y Danzas Francisco de Goya a las 17:00, seguida de Arrabel a las 17:30. A las 18:00, se llevará a cabo una recreación histórica del levantamiento del 2 de mayo. Por la tarde, actuarán joseluis a las 19:30 y Acalá Norte a las 21:30. El domingo 3 de mayo, la mañana estará dedicada al Encuentro Nacional de Folclore, desde las 12:00 hasta las 15:30. Por la tarde, habrá un pasacalles con la Rondalla Santa Eulalia de Mos a las 19:30, y, para cerrar el fin de semana, la proyección de la película Rondallas a las 21:00.

Mucho más que conciertos

La edición de este año incorpora una de las propuestas más innovadoras de las fiestas: un espectáculo aéreo con 1.000 drones. El evento se llevará a cabo el sábado 2 de mayo a las 22:00 en el Parque de la Cuña Verde de Latina. Según la web de la Comunidad de Madrid, los drones crearán en el cielo “10 escenarios que representarán diferentes hechos y figuras características que conmemoran la celebración del 2 de Mayo, así como monumentos representativos de la región”. El espectáculo tendrá una duración de 12 minutos y se espera que sea uno de los momentos más concurridos del fin de semana. Además de los conciertos y el show de drones, el programa incluye representaciones teatrales, sesiones de música vermut y actividades culturales en espacios como el Centro Cultural Pilar Miró, la Puerta del Sol, y otras localizaciones emblemáticas. Estas propuestas buscan involucrar a públicos de todas las edades con opciones que abarcan desde el folclore tradicional hasta la música contemporánea.

La programación se extiende más allá del centro de Madrid, alcanzando barrios y localidades como Moratalaz, Morata de Tajuña, Parla, Loeches y Aldea del Fresno. En todas estas ubicaciones, la entrada a los eventos es gratuita, aunque sujeta a la capacidad de los recintos. El objetivo de la Comunidad de Madrid es acercar la cultura y el entretenimiento a todos los rincones de la región, favoreciendo la participación ciudadana y el acceso democrático a la oferta cultural. El carácter gratuito de la mayoría de las actividades facilita que tanto madrileños como visitantes puedan disfrutar de la celebración, reforzando el sentido de pertenencia y la memoria histórica.

Durante las Fiestas del 2 de mayo, los asistentes también podrán participar en talleres, mercados temáticos y actividades infantiles. El ambiente festivo se complementa con la oferta gastronómica tradicional y la animación en las calles. Para quienes planeen asistir a los conciertos y espectáculos, se recomienda llegar con antelación, especialmente en los eventos de mayor afluencia como el espectáculo de drones y las actuaciones nocturnas en Puente del Rey. La Comunidad de Madrid recuerda la importancia de respetar las indicaciones de seguridad y aforo para garantizar el disfrute colectivo. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 se presentan como una cita ineludible en el calendario madrileño, combinando tradición, cultura y tecnología en una programación pensada para todos los públicos. La auténtica vida cañón, que diría Alcalá Norte.

La adaptación cinematográfica de la novela Yesteryear (que se publicará dentro de muy poco por la editorial AdN) ha generado intensos debates en internet debido a su polémica visión sobre la figura de la “tradwife” y ha situado de nuevo a Anne Hathaway en el centro de la conversación pública sobre las dinámicas de género en Estados Unidos.

La actriz, que además de protagonizar la película también asumirá labores de producción a través de su compañía Somewhere Pictures, enfrenta con este proyecto una de las discusiones más divisivas del momento, en una época marcada por discursos misóginos y una fuerte polarización cultural en torno a la identidad femenina.

La novela original, publicada por Caro Claire Burke, sitúa a su protagonista Natalie, una influencer defensora del modelo tradicional femenino, en el año 1855 tras un viaje temporal que transforma radicalmente su existencia. El dato diferencial respecto a este fenómeno es que Amazon MGM Studios adquirió en julio de 2024 los derechos de adaptación tras una puja muy disputada. Además, la adaptación estará a cargo de la guionista Hannah Friedman, ganadora de un Emmy, con la producción aún en fase preliminar y sin director confirmado.

El fenómeno de las ‘tradwives’ en la actualidad

El término ‘tradwife’ ha alcanzado notoriedad en los últimos años. En un ensayo para el periódico británico The Guardian, Burke lo define como mujeres que optan por un reparto doméstico tradicional –cocinar, limpiar, criar hijos– bajo una estética retro idealizada, aunque esta imagen no se ajuste a la realidad vivida por la mayoría. Según la autora, se trata de una tendencia surgida en foros ‘incel’ que se ha extendido al universo influencer y se utiliza tanto como aspiración como provocación, alimentando la controversia online.

La trama de Yesteryear evita el retrato generalista de la sociedad estadounidense y centra todo el relato en Natalie, una mujer cuya imagen cuidada en redes –marido atractivo, casa perfecta y 6 hijos pequeños– esconde un entramado de trabajo invisible y riqueza que sostiene una existencia vacía.

El giro argumental, en el que la protagonista es forzada a vivir en la América de mitad del siglo XIX sin los privilegios modernos, actúa como castigo personal por sus propias decisiones y como reflejo de una pesadilla ‘autoinfligida’: la vida que promovía resulta ser, en esa versión histórica, una condena de la que no puede escapar.

Más allá de la crítica superficial a los valores familiares conservadores, la novela se adentra de forma aguda en el conflicto interno de su única protagonista, sin construir un sistema opresivo a gran escala como en otros relatos ‘distópicos’ populares.

El impacto de la novela ‘Yesteryear’ en redes

Las reacciones al libro y al proyecto cinematográfico han inundado plataformas como TikTok, Instagram, Threads, YouTube, Goodreads y Reddit. Una parte de los lectores interpreta la obra como una denuncia del patriarcado, mientras que otros rechazan su desenlace y acusan a Burke de dureza narrativa.

Abundan también los comentarios que instrumentalizan el argumento –y la implicación de Anne Hathaway como productora– en el enfrentamiento político-cultural estadounidense. La mayoría de las discusiones giran, en realidad, en torno a la idea general del libro más que a su desarrollo concreto, distorsionando su mensaje y alimentando la controversia antes siquiera de que la película comience su producción efectiva.

En el plano comercial, Yesteryear registra buenos datos tras aparecer de forma recurrente en clubes de lectura y listados de ventas. La comparación con otras ficciones como Black Mirror o proyectos ‘distópicos’ literarios –El cuento de la criada de Margaret Atwood y Vox de Christina Dalcher– surge de inmediato, aunque la novela de Burke se distancia por su enfoque introspectivo: en lugar de crear un mundo alternativo completamente opresivo, describe la deriva de una única conciencia atrapada por sus propias construcciones sociales.

La oleada de comentarios en redes también ilustra cómo el libro ha sido percibido tanto como “un ataque de izquierdas hacia las mujeres conservadoras” como un simple meme que ‘banaliza’ el sufrimiento. Esta dinámica ha configurado un ciclo de promoción peculiar, más cercano a la pugna política que al análisis literario, y deja en el aire si la adaptación cinematográfica logrará trasladar la complejidad de Yesteryear al público de sala.

El proyecto aún carece de fecha oficial de estreno y no hay un calendario definitivo de producción, aunque la implicación de Anne Hathaway y la operación financiera de Amazon MGM Studios lo sitúan en un lugar destacado dentro de la agenda de grandes estrenos futuros.

Este estado preliminar refuerza el interés mediático por la figura de Hathaway, especialmente por su versatilidad entre producciones de prestigio y superproducciones comerciales que alimentan el debate sobre el papel de la mujer en la industria del cine contemporáneo.

La recepción dividida y la intensidad de las reacciones anticipan que la adaptación de Yesteryear podría seguir polarizando a los públicos tanto en Estados Unidos como en otros mercados. “El contenido ‘tradwife’ es fundamentalmente performativo. Se trata de construir una imagen de la vida doméstica que pueda ser consumida, compartida y deseada, más que de reflejar la realidad vivida por la mayoría de las mujeres”, ha afirmado la propia Caro Claire Burke en el periódico británico The Guardian.

¿Hasta qué punto podemos sentirnos de un lugar que no nos pertenece? Esta fue la pregunta que impulsó a Llucia Ramis a preguntarse por todas las casas en las que había vivido. Nacida en Palma de Mallorca y residente en Barcelona durante treinta años, esta periodista y escritora ha vivido como inquilina y propietaria más de una crisis de la vivienda en la ciudad condal. “Quise volver físicamente a esos lugares”, afirma en su entrevista con Infobae. “Ver qué relación tienen las personas que viven en ellos, pero también para hacer una crónica sobre cómo se han ido transformando las ciudades”.

De ese viaje por todos esos lugares que en algún momento respondieron a la pregunta de ¿dónde vivo?, o incluso ¿de dónde soy? Nace ahora Un metro cuadrado (Libros del Asteroide), una crónica periodística y personal del problema de la vivienda que fue merecedora en 2024 del IV Premio de No Ficción Libros del Asteroide. Ramis posa su mirada sobre las diez casas en las que ha vivido en Barcelona y nos cuenta quién era ella entonces, parte de la que fue, quizá, la primera generación que se independizó pensando que compartir piso iba a ser algo temporal, y que se mentalizó para no tener, durante mucho tiempo, un sitio estable al que poder llamar hogar.

En este ensayo, la autora analiza, de hecho, cómo la vivienda ha perdido precisamente esa función para convertirse en un mero “producto”, como parte de otra transformación mayor en la que las ciudades han desintegrado su tejido social. Por eso, para ella, en buena medida Un metro cuadrado es “un libro sobre la memoria”. “No sé si para corroborar que aquello existió o para constatar que ha desaparecido”. En esa mirada al pasado, donde “vemos más de lo que hay en el presente”, trata de encontrar lo que queda de su propia identidad en todos aquellos lugares que reconoce y en los que se reconoce.

Las ciudades se han vuelto ‘influencers’

Afirma Ramis que Barcelona fue “una de las primeras influencers” que hubo. A través de campañas para atraer turistas, como la que la mostraba como La millor botiga del món (“La mejor tienda del mundo”) o la que la exhortaba con aquello de Barcelona, posa’t guapa (“Barcelona, ponte guapa”), la ciudad empezó a estar “más pendiente de gustar y de atraer al de fuera que de cuidar al propio”. Vendiendo lo que no le pertenecía (el clima, el mar, el cielo, el transporte público), acabó por perder su propia identidad, como muchas otras tantas grandes capitales.

“Las ciudades están rompiendo ese tejido social cada vez más, lo cual nos individualiza e incapacita para mantener ese espacio que fue nuestro en alguna ocasión”, denuncia Ramis, que ve cómo cada vez “cedemos más espacios”. “Nos ofrecen productos que no son para nosotros, en lenguas que no son la nuestra, a unos precios que no podemos permitirnos. Eso, poco a poco, hace que haya determinados lugares en los que ya no nos sintamos en casa, y que digamos: ‘Bueno, este espacio ya es para los turistas’”.

El final de la historia ya lo conocemos: “Si ves una isla, ves unos años de futuro”, dice la autora sobre su Mallorca natal, paradigma de una masificación turística que no solo no puede detenerse, sino que debe alimentarse cada vez más. “Podríamos extrapolarlo a Barcelona, a Málaga, a Madrid: es un modelo que funciona a través del monocultivo, en el que más significa mejor, cuando eso, evidentemente, no es sostenible. Al final, quizá la distopía sea una especie de Venecia en la que ya no hay venecianos”.

Cuando todo tiene fecha de caducidad

Un metro cuadrado da para muchas preguntas. ¿Y si la vivienda es el producto, el residente qué es? “Ahí está el tema”, reconoce Ramis. “Para mí no hay nada más humano que una casa, y nada más inhumano que te echen de ella”. Su paso por la ciudad le ha dejado claro que el residente tiene menos valor que el turista y que el propietario, simplemente porque “consume” menos. “Cuando firmas un contrato de alquiler, empieza una cuenta atrás que hace que te vayas angustiando a medida que se acerca la fecha de vencimiento. Y te empiezas a angustiar porque no sabes si te renovarán el contrato ni a qué precio, así que empiezas a buscar nuevas alternativas”.

Vuelta a hacer mudanza. Vuelta a empezar en otro lugar cuando todavía estabas acostumbrándote al de antes. “Eso impide que tengas la posibilidad de pensar en un futuro a largo plazo”, afirma. “Le pones fecha de caducidad a todo lo que te rodea: al colegio en el que están matriculados tus hijos, a las relaciones, a los trabajos”. No hace muchas décadas, recuerda la autora, era todo al revés: eran los inquilinos quienes decidían cuándo irse de un piso a otro. “Lo que para mí es novedoso son los desahucios silenciosos: que tú estuvieras pagando el alquiler y tus impuestos y que te digan, después de veinte o cuarenta años viviendo en un mismo sitio, que te tienes que ir porque ha venido un fondo de inversión y ha comprado todo el edificio”.

“El problema es que llevamos desde tiempos de Franco con la idea de que vivimos en una sociedad de propietarios y que todos tenemos que ser propietarios, que todos tenemos derecho a hacer con nuestra propiedad privada lo que queramos, lo que nos parece normal: ganar dinero a través de la vivienda”. La mentalidad no solo ha calado en los pequeños y grandes tenedores. “Hay una parte del inquilino que también cree en el fondo que tiene menos derechos. Asumes ese papel. Y a la larga, si tienes la suerte de heredar o de trabajar muchísimo para hipotecarte, consideras que mereces explotar tú también el piso para ganar un dinero porque te lo has currado mucho”.

“Tendemos a identificarnos más con el poder que con la precariedad”

Para Llucia Ramis, la vivienda lo es todo: es el lugar donde tenemos intimidad, el sitio en el que nos refugiamos, el punto en el mapa al que siempre podemos volver. Un metro cuadrado nos habla, pues, de cómo asimilamos la precariedad de no tenerla; de cómo nos habituamos a ella y la normalizamos. “Tendemos a identificarnos más con el poder que con la precariedad; creemos que la situación de precariedad es temporal, y que a la larga acabaremos siendo ricos y, por lo tanto, esas normas que en el presente nos perjudican, acabarán beneficiándonos en el futuro. De ahí que las toleremos, en vez de rebelarnos”.

En los últimos años, han surgido algunas voces relevantes en la lucha por recuperar ese derecho a la vivienda, como el Sindicato de Inquilinas, que logró en Casa Orsola algo más que evitar varios desahucios tras la compra del edificio por parte de un fondo buitre: decirle a los inquilinos que no están solos. “Lo que consiguieron fue recordar que, a veces, es tan fácil como llamar a la puerta de al lado y, del mismo modo que le pides un poco de sal, también puedes decir: ‘Oye, esto es lo que está pasando, ¿qué podemos hacer?“.

Ramis recuerda que muchas de las grandes revoluciones se han creado “a través de esos movimientos vecinales y del asociacionismo”. “La calle es importante, la sociedad es importante, los vínculos son importantes. Ahora bien, es una parte necesaria, pero insuficiente, como todo lo que se está haciendo con el tema del alquiler. Es algo tan complejo lo de la vivienda que no puede quedarse ahí”.

Karol G ha anunciado la segunda preventa de entradas para sus conciertos en España, en el marco de su esperado tour mundial ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’. La artista colombiana, una de las figuras más destacadas de la música latina, ha reforzado su agenda en el país tras agotar la primera tanda de boletos, sumando tres nuevas fechas y ampliando así las oportunidades para que sus seguidores puedan verla en directo.

El lunes se realizó la primera preventa, que rápidamente evidenció la magnitud del fenómeno. La fuerte demanda registrada llevó al equipo de Karol G a ampliar el calendario, confirmando un total de seis conciertos en tres ciudades españolas. Este martes 29 de abril, desde las 10:00 horas, se activa la segunda preventa de entradas a través de la plataforma de Live Nation. Para acceder, es necesario registrarse previamente en el sitio web oficial. Los boletos estarán disponibles inicialmente en Ticketmaster, donde los usuarios ya pueden realizar su registro. La venta general comenzará el 30 de abril, abriendo el acceso a todo el público. Los precios parten desde 70 euros para las entradas más económicas, con opciones premium orientadas a quienes buscan una experiencia más completa.

Fechas y ciudades de los conciertos en España

Karol G se presentará en seis ocasiones en España como parte del ‘Tropitour’. El itinerario incluye paradas en Madrid, Barcelona y Sevilla. Las fechas y recintos confirmados son los siguientes:

• 3 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 4 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 11 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 12 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 24 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid
• 25 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid

La ampliación de fechas responde al extraordinario interés que ha generado la gira. Según la información divulgada, la primera preventa se agotó en tiempo récord, lo que impulsó a los organizadores a añadir nuevas actuaciones y recintos, permitiendo que más seguidores accedan a la experiencia en vivo.

La segunda preventa comienza el 29 de abril a las 10:00 horas, gestionada por Live Nation. Para participar en esta etapa, los interesados deben haber completado el registro previo en el sitio de la promotora. Una vez finalizada la preventa, la venta general de entradas está programada para el 30 de abril, momento en el que se liberarán los boletos restantes al público en general. Los precios de las entradas inician en 70 euros, aunque existen alternativas premium para quienes buscan acceso preferente o experiencias adicionales. El sistema de venta se implementa de forma digital a través de Ticketmaster, con la posibilidad de elegir entre diferentes ubicaciones y paquetes. La organización ha advertido sobre la importancia de comprar entradas únicamente en los canales oficiales para evitar fraudes, señalando que la demanda es especialmente alta y que las fechas podrían agotarse rápidamente.

Así será el ‘Tropitour’

El éxito de la convocatoria para el ‘Tropitour’ en España quedó demostrado desde la apertura de la primera preventa. La artista, que recientemente brilló en el festival Coachella, recibió una avalancha de solicitudes, obligando a los organizadores a revisar la logística y sumar más funciones en las ciudades con mayor demanda. Esta respuesta masiva refuerza la presencia de Karol G en el circuito internacional y consolida su vínculo con el público español. Las tres nuevas fechas —una adicional en Madrid, otra en Barcelona y una más en Sevilla— permiten que miles de fans adicionales accedan a los conciertos, contribuyendo a posicionar la gira como uno de los mayores eventos musicales del año.

La gira ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’ sirve como presentación mundial de Tropicoqueta, el quinto álbum de estudio de Karol G, publicado en junio de 2025. El disco marca una nueva etapa en la carrera de la cantante, con un repertorio que fusiona cumbia, vallenato y pop latino. Parte de este material ya fue presentado en directo durante la actuación de Karol G en Coachella 2026, donde la artista anunció oficialmente el inicio del tour mundial.

El anuncio de la gira se formalizó el 21 de abril, aunque los rumores y expectativas entre los seguidores llevaban semanas circulando. Durante su segunda actuación en Coachella, Karol G cerró el show con un mensaje directo: “Nos vamos de tour”, confirmando así su regreso a los escenarios internacionales. La expectativa por el regreso de Karol G a España refleja el impacto global de la artista y la relevancia de su nuevo trabajo discográfico. La organización recomienda a los fans estar atentos a las plataformas oficiales para no perder la oportunidad de conseguir entradas en esta segunda preventa.

Anne Hathaway ha salido a aclarar una de las historias virales que han surgido durante la producción de El diablo viste de Prada 2, cinta que marca el regreso de la actriz ganadora del Oscar en el papel de Andy Sachs. La polémica se originó tras una revelación de Meryl Streep en una entrevista para Harper’s Bazaar, publicada el mes pasado, donde la intérprete contó que Hathaway intervino directamente con los productores para solicitar la inclusión de modelos de diversas tallas en el set. La declaración de Streep sorprendió a muchos, al resaltar la delgadez de las modelos contratadas inicialmente para una escena central de la película. Según la actriz, “Annie se dio cuenta también, y fue directo a los productores para asegurar que las modelos que aparecerían en la pasarela de nuestro filme no fueran tan esqueléticas”. Streep calificó a Hathaway como “una persona íntegra” en ese contexto.

La historia relatada por Streep rápidamente se viralizó y generó debate en redes sociales y medios de comunicación. La inquietud se centró en cómo se aborda la representación de la diversidad corporal en una franquicia que gira en torno al mundo de la moda. En la entrevista con Harper’s Bazaar, Streep mencionó que no esperaba ver modelos tan delgadas en el rodaje, lo que llevó a Hathaway a intervenir. Este episodio fue interpretado en redes sociales como un ejemplo de activismo dentro de la industria, pero también derivó en rumores sobre posibles despidos de modelos por su talla.

En respuesta a la creciente atención, Hathaway explicó en el programa Good Morning America que el suceso en el set fue un momento breve, que ahora se ha magnificado fuera de proporción. Subrayó que nunca pidió que se despidiera a ninguna modelo, desmintiendo versiones que circularon en plataformas sociales. “Quiero aclarar que se está difundiendo una pequeña desinformación: nadie fue despedido por la inclusión de tallas”, afirmó Hathaway en la entrevista. “Nadie perdió su trabajo; de hecho, se crearon más empleos. Es difícil porque no puedo decir de qué trata la escena, pero hay una canción que Lady Gaga escribió y es maravillosa. ¿No es mejor ver distintos tipos de cuerpos representados en pantalla con esa música?” Este fragmento resume el núcleo de la controversia: la actriz pidió más diversidad, lo que derivó en la contratación de más modelos y no en exclusiones.

Todas las formas son bellas

Durante la premiere mundial de El diablo viste de Prada 2 en la ciudad de Nueva York, Hathaway habló por primera vez en público sobre las declaraciones de Streep. Detalló que su observación se basó en la intención de que el público disfrutara más la escena si se mostraba una gama amplia de cuerpos, ya que “todas las formas son bellas”. Hathaway recordó que, al notar que las modelos presentes respondían a un perfil tradicional, pensó que la escena ganaría fuerza y conexión con la audiencia mostrando más diversidad corporal. “Simplemente me acerqué a los productores y pregunté: ‘¿No creen que la escena sería más sólida si adoptamos un enfoque más inclusivo respecto a las tallas?’”, relató la actriz.

La respuesta de los productores fue inmediata y positiva, según Hathaway. Explicó que se mostraron apenados por no haberlo considerado antes, pero actuaron con rapidez y en cuestión de una hora ya estaban incorporando modelos de diferentes tallas al rodaje. La actriz enfatizó que la medida no implicó la salida de nadie del proyecto, sino que hizo el equipo más amplio y representativo. Hathaway insistió en que la intención siempre fue sumar, no restar, y que la inclusión debía reflejarse como un valor en la producción.

El diablo viste de Prada 2 se estrena en cines el 1 de mayo. Desde que se conoció la anécdota, Hathaway ha sido consultada repetidamente sobre el tema en entrevistas y eventos de prensa. La conversación sobre la diversidad y la inclusión en el cine y la moda ha cobrado protagonismo, impulsada por la visibilidad de los comentarios de Streep y las aclaraciones de Hathaway. La nueva entrega buscará, según sus protagonistas, reflejar una visión más amplia y contemporánea de la belleza, integrando a modelos de diferentes tallas en una de sus escenas clave. La expectativa del público y la crítica se centra ahora en cómo se plasmará este enfoque en pantalla.

Woody, el vaquero icónico de la saga Toy Story, vuelve a la pantalla en la quinta entrega con cambios notables que reflejan el paso de más de treinta años desde el estreno original. Tom Hanks, quien encarna su voz desde 1995, describe con precisión cómo el personaje revela las huellas del tiempo y del uso continuado por parte de sus dueños ficticios. “Ha sido jugado en exceso”, explica Hanks en una reciente entrevista para Entertainment Weekly, aludiendo a la transformación visible en el muñeco. “Tienes un sombrero de goma sobre una cabeza de goma una y otra vez, algo se tenía que desgastar”, comenta sobre el origen de la zona calva que ahora se distingue en la parte posterior de la cabeza de Woody.

Este detalle no es anecdótico ni decorativo: resume una decisión de producción orientada a plasmar la autenticidad del paso del tiempo en los juguetes. “No es plástico moldeado, está hecho de relleno y tela, y eso se asienta con el tiempo”, añade Hanks, enfatizando que Woody “ha cambiado físicamente, y ahora se aprecia una zona gastada y una figura menos firme”. El desgaste visible tras décadas de aventuras es una representación deliberada de cómo los objetos, igual que las personas, sufren transformaciones por la vida y el uso.

La narrativa de Toy Story 5 toma este punto de partida y lo integra a un relato más amplio sobre la adaptación de los juguetes a la era digital. El personaje de Woody, que en las primeras películas representaba la figura del líder clásico y el juguete predilecto, se enfrenta ahora a su propia vulnerabilidad física y emocional. El guion sitúa al vaquero en un momento de transición, mientras sigue liberando juguetes olvidados con la ayuda de Bo Peep y Duke Caboom, lejos de la casa original de Andy y de su última dueña, Bonnie. El desgaste de Woody no solo es físico. El personaje atraviesa un proceso de introspección y adaptación a nuevas realidades, enfrentando la posibilidad de ser reemplazado por dispositivos electrónicos y observando cómo los niños se relacionan cada vez menos con los juguetes tradicionales. Esta dimensión emocional añade profundidad al relato y conecta con el público de distintas generaciones, que ha crecido junto a la franquicia.

El regreso a una saga emblemática

El estreno de Toy Story 5, programado para el 19 de junio, marca un punto de inflexión en la historia de la franquicia. Por primera vez, Andrew Stanton asume la dirección de una película principal de la serie, tras haber sido una de las figuras clave del “Brain Trust” de Pixar y coautor del guion original en 1995. Stanton, de 60 años, reconoce que este proyecto podría ser el último que dirige en el estudio, aunque seguirá vinculado a Pixar como vicepresidente creativo. El nuevo filme retoma a los personajes más queridos del universo Toy Story, incluido Woody, en un entorno donde la tecnología desafía el sentido y la vigencia de los juguetes clásicos. La historia arranca con un giro tecnológico: cincuenta figuras de acción de Buzz Lightyear despiertan en una isla desierta tras la caída de un cargamento, lo que da pie a nuevas dinámicas en el grupo y a la exploración del contraste entre lo analógico y lo digital.

Stanton cita su propia experiencia vital como inspiración para abordar el envejecimiento de los personajes y la pérdida del protagonismo frente a las pantallas electrónicas. El tiempo invertido en la producción de cada película, según el director, equivale a obtener un título universitario: “Cuatro años pasan mucho más rápido mientras envejeces, y quiero que mis cuatro años duren lo máximo posible”, reflexiona Stanton, justificando su posible retiro de la dirección. El trabajo de Tom Hanks como Woody ha evolucionado junto al personaje. El actor relata que, a lo largo de cinco películas, la experiencia de grabación se ha mantenido sorprendentemente constante en su aspecto técnico, pero que la presión y la ansiedad de cada sesión siguen intactas. “Si pudieras haberme tomado en cualquiera de las grabaciones, experimenté la misma ansiedad, presión y exigencia física”, dice Hanks sobre la familiaridad del proceso.

El desgaste de Woody, lejos de ser un accidente, se convirtió en una oportunidad para que el equipo creativo y los actores reflexionaran sobre la longevidad y el valor sentimental de los juguetes. El propio Hanks, entre risas, señala también que el vaquero ha ganado “un poco de barriga” y ya no mantiene la misma firmeza que en sus años más jóvenes, lo que añade humanidad y realismo al personaje. La saga Toy Story ha mantenido un vínculo emocional con varias generaciones gracias a la honestidad en el retrato de sus protagonistas. En Toy Story 5, la evolución de Woody representa la aceptación del paso del tiempo, la adaptación a los cambios tecnológicos y la resiliencia frente a la obsolescencia. Estas transformaciones, reflejadas en su apariencia y su carácter, reafirman el lugar de Woody como un símbolo de la infancia, la memoria y el afecto duradero.

El director británico Dan Reed, responsable del documental Leaving Neverland, lanzó duras críticas contra el biopic Michael, dirigido por Antoine Fuqua y avalado por la familia Jackson. La polémica surge tras el estreno de Michael, que ha recaudado $219 millones en su primer fin de semana y presenta a Jackson como un hombre incomprendido cuya infancia fue arrebatada por un padre autoritario. Según Reed, la producción omite cualquier referencia a las denuncias públicas de abuso sexual infantil que salieron a la luz en los años noventa y dos mil, y concluye la historia antes de que surjan los primeros señalamientos. Reed sostiene que la película “crea una versión de los hechos que esencialmente retrata a Wade, James y otros que han acusado a Jackson de abuso sexual infantil como mentirosos sin decirlo expresamente”.

En Leaving Neverland, Wade Robson y James Safechuck relataron haber sido víctimas de abuso sexual infantil por parte de Michael Jackson cuando tenían siete y diez años. Reed recuerda que los testimonios incluyeron detalles gráficos sobre los supuestos actos cometidos por el artista, así como la manipulación emocional, el aislamiento de sus familias y la entrega de regalos costosos. El documental, presentado en el Festival de Sundance de 2019 bajo estricta seguridad, impactó profundamente al público y a sus protagonistas. “Por el final de la película de más de cuatro horas, no había un ojo seco en la sala”, detalla Reed sobre la recepción de la audiencia. Asegura que, para Robson y Safechuck, ese momento fue “catártico y validante”, pues, por primera vez, sentían que su historia era creída y tomada en serio. Reed también enfatiza que “Jackson había pagado millones a Jordan Chandler y Jason Francia, dos niños que lo acusaron de abuso sexual infantil, pero no pudo silenciar a Wade y James”.

El cineasta británico fue categórico tras ver el biopic: “La primera parte de Michael como niño, eso podía creérmelo. Pero en cuanto llega el Jackson adulto, interpretado por su sobrino Jaafar, eso me rompió la burbuja. Pensé, es un gran bailarín, pero su actuación es muy rígida, y una de las razones es que no tenía mucho guion con el que trabajar. Se convierte en una figura de cera que interpreta canciones, pero no hay ningún atisbo de lo que hace que Jackson sea como es. Es una figura plástica, asexual, en la película”.

La omisión deliberada

Reed acusa a la película de distorsionar completamente el tema de la relación de Jackson con los niños: “Describen a Jackson como un ángel que quería ser bueno con los niños, no tener sexo con ellos”. Según Reed, el filme “sugiere que la relación de Jackson con los niños era completamente benigna y motivada solo por la filantropía”. Para Reed, la omisión no es casual. “El filme simplemente le da la vuelta a la verdad: blanco es negro, negro es blanco, y dos más dos son cinco. Ninguna de las personas que vea la película lo cuestionará, pero es una película imposible de tomar en serio como contranarrativa de Leaving Neverland”.

El director sostiene que la producción evita abordar los aspectos clave: “Es bien sabido que Jackson pasaba mucho tiempo con pequeños compañeros varones, incluyendo llevarlos a su cama por la noche y cerrar la puerta. Eso es indiscutible. Y solo con eso, si alguien hace una denuncia, probablemente sea suficiente para condenarlo en un juicio por abuso sexual infantil. Pero con Jackson, nada de esto parece importar”.

Reed critica la explicación central de la película: “Nadie, ni la familia, ni el guionista, ni nadie más, ha dado una narrativa alternativa salvo: ‘No tuvo infancia, así que necesitaba pasar la noche solo con niños’, lo que no tiene ningún sentido”. El documentalista subraya que Robson y Safechuck “jamás recibieron un centavo” por contar su historia, ni han buscado acuerdos económicos. “Nunca han intentado negociar su silencio por dinero. El dinero lo ganan quienes están cerca de Jackson y quieren contar una narrativa distorsionada que los deshonra”, afirma Reed.

Un juicio inminente

Sobre los procesos legales, Reed estima que un juicio podría producirse pronto: “Creo que sucederá el próximo año. Y si hay un juicio, habrá una avalancha de pruebas y testigos que contarán lo que Jackson hizo o lo que vieron que hizo a los niños”. Reed sostiene que la figura de Jackson ha adquirido un estatus de mito inalcanzable: “Jackson es un mito estadounidense, además de ser una persona real. Cuando eso ocurre, no importa quién fue realmente, porque la persona se transforma en algo que pertenece a la cultura. Se ha convertido en parte de la imaginación colectiva, y esta nunca puede incluir el hecho de que es un pedófilo. No es posible”.

Sobre la reacción de los fans y el entorno digital, Reed afirma haber sido víctima de “amenazas de muerte, campañas de acoso y suplantación de identidad”, muchas de ellas ejecutadas mediante cuentas falsas. A pesar de la presión, Reed insiste en que su propósito fue dar voz a las víctimas y que la responsabilidad de los narradores es “no contribuir a construir mitos que nieguen la experiencia de quienes denuncian abuso”. En palabras de Reed: “Alguien que ha hecho decenas de millones promoviendo una narrativa falsa sobre un hombre que es un pedófilo, eso es algo desagradable”, zanjaba mientras anticipaba una tercera entrega de su serie documental.

Fue sin duda una de las películas más importantes de finales de los años ochenta, y con reparto íntegramente femenino, todo un logro para la época. Se trata de Magnolias de acero, basada en la novela de Robert Harling y que aglutinó a grupo de actrices de auténtico lujo en el que se alternaban algunas estrellas míticas y jóvenes promesas emergentes.

Entre las protagonistas encontrábamos a Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, la cantante Dolly Parton, la chica del momento, Daryl Hannah, la gran Sally Field y Julia Roberts que, hasta el momento, solo había destacado el la comedia generacional Mistic Pizza y, desde luego, no estaba en ese momento, al nivel de sus compañeras en cuanto a fama.

Ahora, Sally Field ha rememorado el instante en que percibió que Julia Roberts estaba destinada a convertirse en una estrella, mucho antes de que comenzara el rodaje de Magnolias de acero.

Julia Roberts: Un talento único

En una entrevista reciente concedida a la revista de entretenimiento Parade, la actriz estadounidense relató que supo de inmediato que Roberts tenía un talento único cuando esta entró en la sala de audiciones. Durante el proceso de selección para Magnolias de acero, Field ya había sido elegida para interpretar a M’Lynn, la madre de Shelby, una joven con diabetes tipo 1.

La producción continuaba buscando a la actriz idónea para dar vida a Shelby y Field se encargó de leer las escenas con diversas candidatas. “Leí con muchas actrices ya establecidas para ese papel”, detalló Field a Parade, y señaló que todo cambió en el momento en que Roberts hizo su audición. Tras leer con Julia, Field manifestó: “Después de leer con Julia, dije, ‘Ya hemos terminado, ya está, es ella.’ Lo supe”.

El reparto definitivo de Magnolias de acero, como hemos comentado, reunió a un elenco coral con nombres destacados como Shirley MacLaine, Dolly Parton, Daryl Hannah y Olympia Dukakis, además de Field y Roberts. Esta selección marcó el tono colectivo de la película y, según Field, supuso una experiencia intensa para todas las participantes. “No piensas en esto como ‘es solo otro día en la oficina’”, declaró la ganadora del Oscar a Parade. “Requiere una gran parte de tu alma. Tiene un coste. Nos costó a todas”. La actriz añadió: “Recibimos mucho a cambio porque aprendimos de la experiencia. Estuvimos completamente unidas, apoyándonos entre nosotras en todo momento. Pero no es solo un trabajo”.

El despegue de Julia Roberts

Julia Roberts, originaria de Georgia, aún no era conocida por el gran público cuando realizó la prueba para el filme, cuyo guion se basaba en la obra de 1987 de Robert Harling. Hasta ese momento, Roberts solo había participado en producciones de menor alcance como Mystic Pizza, aún sin estrenar entonces, además de películas como Parque de bomberos, Baja Oklahoma y Satisfaction.

Tras ser escogida para Magnolias de acero, por la que consiguió con este papel su primera nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, su carrera se disparó. Fue la protagonista de Pretty Woman y su fama alcanzó una máxima proyección internacional. El resto, ya es historia del cine.

En 1997, Matt Damon y Ben Affleck eran apenas unos desconocidos cuando sacudieron el panorama de cine con El indomable Will Hunting, película que habían escrito juntos y terminarían protagonizando a las órdenes del prestigioso director Gus Van Sant.

La película contaba la historia de Will (Damon), un joven rebelde, pero dotado de una inteligencia asombrosa, sobre todo para las matemáticas. La figura clave sería la de un profesor que, tras darse cuenta de sus grandes aptitudes, lo animaría a seguir adelante con su carrera académica. Este papel fue interpretado por Robin Williams y se convirtió en uno de los más celebrados de su larga trayectoria, en la que ya había ejercido de profesor en la mítica El club de los poetas muertos.

En la edición de los Oscar de ese año, unos jovencísimos Matt Damon y Ben Affleck ganarían el Oscar al mejor guion original y Robin Williams, su primera y única estatuilla como mejor actor, en este caso de reparto.

Un premio que ha servido para rendirle tributo

Ahora, Matt Damon y Ben Affleck han recibido el Robin Williams Legacy of Laughter Award el pasado lunes, durante la gala “Revels & Revelations” realizada en la Bahía de San Francisco. El reconocimiento, otorgado por la ONG estadounidense está dedicado a la salud mental Bring Change to Mind, que instaurado por Glenn Close (gran amiga del intérprete), y fue entregado por la familia de Robin Williams —Zak, Zelda y Cody Williams—, cuya presencia coincidió con los 2,5 millones de dólares recaudados para la causa.

Damon evocó cómo su carrera y la de Affleck dieron un giro cuando Robin Williams aceptó protagonizar El indomable Will Hunting en 1997. “En el momento en que Robin leyó el guion y decidió hacerlo, todos nuestros problemas desaparecieron. El estudio tenía muchas objeciones, pero cuando Robin dijo: ‘No, me gusta el guion tal como está’, de inmediato respondieron: ‘A nosotros también nos encanta’”, relató el actor.

‘El indomable Will Hunting’ cambió sus vidas

Durante la ceremonia, en la que ambos usaron gorras de los San Francisco Giants en homenaje a la afición de Williams por el equipo, Affleck expresó: “Este reconocimiento es nuestra manera de agradecer a Robin, la persona que tuvo el impacto más profundo en nuestras vidas profesionales. Muchas de las metas que nos propusimos no habrían sido posibles sin él”.

La gala, que contó con figuras como Sarah Silverman, Chase Stokes y Chris Martin, conmemoró quince años de labor en salud mental de la institución e hizo un especial énfasis en la memoria de Williams, fallecido en 2014 a los sesenta y tres años.

Para Affleck, no es casual que El indomable Will Hunting trate sobre problemas de salud mental: “Robin seguramente estaría muy orgulloso de ser celebrado en este contexto”, puntualizó.

Lo cierto es que, a partir de ese momento, la carrera de ambos actores se disparó, convirtiéndose ambos en parte decisiva de la industria de cine de Hollywood. Robin Williams fallecería 20 años después de esta película, dejando tras de sí una de las trayectorias más queridas por el público y que más han impactado en el seno de la cultura popular contemporánea.

Hace más de 60 años, mucho antes de convertirse en una leyenda de Hollywood y de alzarse con cuatro premios Oscar —dos como mejor director y dos como productor—, un casi desconocido Clint Eastwood aceptaba un proyecto que, sin saberlo, cambiaría el rumbo de su carrera para siempre. Un viaje a Europa —con parada en España incluida— lo llevó a trabajar con el cineasta italiano Sergio Leone en una película destinada a redefinir el wéstern e inaugurar una nueva corriente cinematográfica: el spaghetti western.

Estamos hablando, como no puede ser de otra manera, de la legendaria Trilogía del Dólar, iniciada con Por un puñado de dólares(1964). Sin embargo, el proyecto tal y como lo conocemos en la actualidad pudo no existir.

Por aquel entonces, Eastwood ya gozaba de cierta popularidad gracias a su papel en la serie Rawhide, emitida entre 1959 y 1965 en la cadena CBS, sin embargo, cuando su agente le envió el guion de la película durante el parón entre temporadas, su respuesta fue clara: un no. “Le dije por teléfono que no me interesaba. Quería concentrarme en mi juego de golf”, relató el actor a Associated Press en 1965, según recuerda Metv. Pese a su negativa inicial, su agente encontró otro argumento: el rodaje incluía viajar a Europa, un destino que Eastwood aún no conocía. El resto fue historia. “En cuanto lo leí, me gustó”, explicó tiempo después.

Un viaje que lo cambió todo

Pese a que la cinta todavía no se había estrenado en Estados Unidos, sí lo hizo en Italia, convirtiéndole en una estrella. “La primera vez que fui, simplemente entré a escondidas”, dijo. “Tenía barba, pero no importó. Nadie me conocía de todos modos. Y nadie me prestó atención” Pero la segunda fue totalmente diferente: “Caminaba por la Via Veneto y la gente se me acercaba para pedirme autógrafos. Me agasajaron con comida y bebida y me trataron como a un rey”, afirmó, según el citado medio.

La trama de Por un puñado de dólares arranca con la llegada de un misterioso pistolero, conocido como Joe, el “hombre sin nombre” interpretado por Clint Eastwood, a un pueblo fronterizo dominado por dos familias enfrentadas: los Baxter y los Rojo. Allí decide jugar a dos bandas para sacar beneficio, enfrentando a ambos clanes en una espiral de violencia. Frente a él se sitúa Ramón Rojo, interpretado por Gian Maria Volonté, el principal antagonista.

La película, dirigida por Sergio Leone, fue el punto de partida de la Trilogía del Dólar, que continuó con La muerte tenía un precio (1965), donde Eastwood encarna a Manco y comparte protagonismo con el coronel Douglas Mortimer, interpretado por Lee Van Cleef; y culminó con El bueno, el feo y el malo (1966), en la que el actor vuelve como Blondie, acompañado por Tuco (Eli Wallach) y Sentencia (de nuevo Van Cleef).

El éxito de la trilogía no fue solo cultural, también económico. Por un puñado de dólares, rodada con un presupuesto muy reducido, se convirtió en un fenómeno en Europa y multiplicó su inversión en taquilla. Las siguientes entregas consolidaron ese impacto internacional, especialmente El bueno, el feo y el malo, hoy considerada una de las grandes obras del wéstern. Aunque en su momento no arrasaron en los grandes premios de Hollywood, sí lograron un reconocimiento creciente con los años, convirtiéndose en títulos de culto y en referentes absolutos del género.

Que los cantantes se suben al carro de la actuación no es algo nuevo. Lo hemos visto con Lady Gaga en Ha nacido una estrella y en Joker: Folie à Deux. También con Harry Styles, que hizo su debut cinematográfico ni más ni menos que de la mano de Christopher Nolan en Dunkerque en 2017, o la mismísima Rihanna, que coprotagonizó Ocean’s Eight en 2018 y ya para entonces acumulaba un gran CV cinematográfico a sus espaldas. Ahora es el turno de SZA.

La cantante de éxitos como Kill Bill, ganadora de siete premios Grammy, da el salto a la gran pantalla con Un día de esos (One of Them Days, en inglés), una comedia de poco más de hora y media de duración que acaba de aterrizar en Netflix y que algunos ya consideran una de las mejores del género en lo que llevamos de década.

Protagonizada por Keke Palmer en el papel de Dreux, y SZA, el nombre artístico de Solána Imani Rowe, como Alyssa, la historia sigue a estas dos amigas y compañeras de piso que, tras descubrir que el novio de esta última ha malgastado el dinero del alquiler, el dúo se ve abocado a una carrera contrarreloj para evitar el desahucio y mantener intacta su amistad. La película ha sido comparada con Todo en un viernes (Friday), el clásico de los noventa estadounidense protagonizado por Ice Cube y Chris Tucker.

A partir de ahí, la película despliega una sucesión de situaciones caóticas y cómicas a lo largo de un único día, una estructura que recuerda a las clásicas buddy comedies de los noventa. Sin embargo, lejos de quedarse en la nostalgia, Un día de esos actualiza el género con una mirada más pegada a la actualidad que rodea a los jóvenes y no tan jóvenes en todos los rincones del mundo: el problema de la vivienda.

Lo que dicen la crítica y el público

La crítica especializada ha respaldado la propuesta. Desde el medio estadounidense especializado en culture Vulture, la periodista Alison Willmore señala que la película recupera “la forma y el encanto desaliñado” de las comedias de colegas de antaño, aunque sin recurrir a uno de sus elementos más característicos: el consumo de drogas.

Ese buen recibimiento se refleja en plataformas de valoración como Rotten Tomatoes, donde la película mantiene una puntuación excelente y un consenso entre crítica y público. La prensa especializada otorga a la cinta debut de Lawrence Lamont un 94 sobre 100 con 125 críticas, 117 muy positivas. La audiencia le otorga una puntuación muy similar con un 89 de 100.

El éxito no es casualidad: la cinta superó los 50 millones de dólares de recaudación mundial tras su estreno en enero del año pasado, cuando su presupuesto estaba en 14 millones. Por si fuera poco, en junio del año pasado, Variety anunció en exclusiva que la secuela ya estaba en desarrollo. Palmer y la cantante volverán en sus respectivos papeles, junto con el equipo original de la primera película.

Si tuviéramos que defender a estas alturas la importancia del filósofo español José Ortega y Gasset, bastaría con señalar su artículo de El error Berenguer, publicado en noviembre de 1930, donde con una sola frase en latín (“¡Delenda est Monarchia!“) sacudió a la opinión pública en lo que finalmente acabaría siendo la Segunda República. Este no fue el único hito en la carrera del pensador, considerado el gran faro intelectual de la España de principios del siglo XX y uno de los principales modernizadores del país.

Con libros como La rebelión de las masas o España invertebrada, su relevancia trascendería las aulas universitarias y tendría una gran influencia en las esferas culturales y políticas del momento. Ortega y Gasset entendía la filosofía como una herramienta para comprender la “circunstancia” propia, convencido de que el pensamiento debía servir para transformar la realidad nacional. Esta perspectiva le llevaría a reflexionar profundamente sobre el esplendor intelectual de España en las primeras décadas del siglo y sobre la amargura posterior, tras su exilio provocado por la Guerra Civil y la Dictadura.

De este modo, el filósofo español más influyente de todos los tiempos dejó una serie de reflexiones que, a pesar de haber pasado más de un siglo desde que se escribieron, siguen teniendo una gran vigencia en nuestros días. Una de ellas es la siguiente: “La historia de España es la historia de una desintegración”, con la que, a través de unas pocas palabras, realizó un diagnóstico sobre la crisis de cohesión interna del país que muchos podemos evidenciar hoy mismo.

El significado de la frase de José Ortega y Gasset

Para profundizar en su diagnóstico sobre España, el filósofo argumentaba que una nación solo existe cuando hay un “proyecto sugestivo de vida en común” que entusiasme a las masas. Así, consideraba que el problema de España radicaba en la ausencia de una “minoría” ejemplar capaz de organizar al pueblo en una misma dirección. En vez de eso, él observaba un auge del “particularismo”, ese sentimiento donde cada grupo social o regional solo mira por su interés privado, olvidando el destino nacional.

“El particularismo consiste en que cada grupo deja de sentirse a sí mismo como parte, y en consecuencia deja de compartir los sentimientos de los demás”, escribía Ortega, preocupado por cómo los compartimentos de la sociedad española se volvían impermeables al pensamiento o las ideas no compartidas. Sin embargo, este no era un hecho aislado, sino una dolencia histórica que impedía a España funcionar como un organismo vivo y armónico, condenándola a una parálisis política y social que nacía del aislamiento de sus propias piezas.

En la actualidad, el eco de las palabras de Ortega resuena en la polarización política y el auge de los nacionalismos que marcan la agenda pública. La falta de un consenso sólido sobre qué significa ser español en el siglo XXI y la dificultad para alcanzar pactos de Estado reflejan ese “particularismo” que el filósofo denunció. El debate se fractura en bloques que parecen incapaces de reconocer al otro, confirmando que la cohesión nacional sigue siendo, más de un siglo después, una asignatura pendiente y un desafío constante para la convivencia democrática.

El dolor de España

Esta preocupación por la identidad nacional no fue exclusiva de Ortega. Otros gigantes de la cultura del momento compartieron ese “dolor de España”. Miguel de Unamuno, figura central de la Generación del 98, abordaría la cuestión desde su habitual perspectiva agónica y espiritual. El escritor salmantino defendía que para entender España no bastaba con mirar a sus gobiernos, sino conocer su intrahistoria, es decir, el relato de todos sus habitantes anónimos, sus oficios y sus costumbres, muchas veces ignorados por quienes han de tomar las decisiones.

En esa misma época, otro de los grandes autores en reflexionar sobre el país sería Antonio Machado, con su famosa imagen de “las dos Españas”. Para el poeta, el problema se encontraba en la apatía conservadora de buena parte de los españoles: “Castilla miserable, ayer dominadora, envuelta en sus harapos desprecia cuanto ignora”. Al igual que Ortega, Machado y Unamuno veían una nación fracturada, aunque cada uno proponía una medicina distinta para sanar las heridas de un país que parecía haber perdido su rumbo histórico.

Si pensamos en las películas sobre crimen organizado, es probable que a nuestra cabeza acudan dos nombres. El primero sería El Padrino, la película de Francis Ford Coppola considerada por muchos como la mejor de la historia del cine. El otro sería el de Martin Scorsese, y cualquiera de las obras maestras con las que encumbró este género de la mano de actores como Al Pacino, Joe Pesci o su mejor socio, el doblemente oscarizado Robert De Niro.

Martin Scorsese lleva más de cinco décadas demostrando que nadie filma el crimen con tanta precisión ni con tanto nervio. Pero dentro de una filmografía que incluye Malas calles, Casino, Gangs of New York, Infiltrados o El Irlandés, hay una película que muchos sitúan por encima de todas: Uno de los nuestros.

La cinta de 1990 nació de un libro de no ficción de Nicholas Pileggi, Wiseguy: Life in a Mafia Family, que reconstruía en primera persona la vida de Henry Hill junto a la mafia de la familia Lucchese. Entre sus páginas, Scorsese encontró una historia con la que liberarse de la estética que Coppola y El Padrino venían marcando desde hacía décadas: ya no se trataba de realizar un retrato épico y trágico de la mafia, sino de contar la cotidianidad menos glamurosa del crimen organizado, y poner la cámara en su nivel más bajo.

Por qué ‘Uno de los nuestros’ se considera una obra maestra

Sin el romanticismo ni la grandeza de los Corleone, Scorsese construye su historia desde la codicia de sus personajes y el caos generalizado del mundo en el que viven. Uno de los nuestros, que puedes ver en Netflix hasta el próximo 30 de abril, nos cuenta la historia de un joven que, lleno de encanto, nos cuenta la historia de un joven recién ingresado en la mafia. Muy pronto, ese chico que creció admirando la vida de los gángsters irá ascendiendo de categoría tras ganarse la confianza de los principales jefes de esa familia.

La película arranca con calma, casi como una historia de formación, y luego aprieta el acelerador hasta un tramo final construido sobre la paranoia. Scorsese usa la voz en off, el montaje acelerado y una selección musical que funciona como motor narrativo, no como decorado. Todo eso, junto a planos secuencia que sumergen al espectador en la acción, como la famosa escena en la que vemos al protagonista entrar por la puerta trasera del club nocturno Copacabana, uno de los más recordados (y citados) por su puesta en escena y magistral narrativa visual.

Esta fórmula permite que todos los intérpretes de la película acaben por brillar con luz propia. Ray Liotta y Robert De Niro cuentan con los papeles principales, mientras que secundarios de lujo como Joe Pesci (que no aceptó participar en la película hasta que incluyeron una escena propuesta por él mismo donde pasa de ser el ‘rey de la fiesta’ al personaje más peligroso del local), Lorraine Bracco, Paul Sorvino o Chuck Low ponen el resto para dar vida a esta fábula inmoral sobre el crimen organizado.

Pesci ganaría el único Oscar de Uno de los nuestros, aunque ya sabemos que la Academia nunca ha sabido premiar debidamente a Scorsese. A pesar de su impresionante filmografía, solo una de sus cintas ha ganado en la categoría de Mejor película. Aunque a quién le importan los premios cuando acabas de cambiar para siempre la historia del cine criminal, y de algún modo, cuando incluso has conseguido terminar con el imperio de la estética casi operística que nos legaron Coppola y El Padrino.

El esperado regreso de Una nueva jugada a Netflix ha confirmado la buena acogida de la comedia deportiva protagonizada por Kate Hudson y creada por Mindy Kaling, apostando en su segunda temporada por consolidar la fórmula que la convirtió en un éxito inmediato.

Junto a un reparto coral que integra nombres como Justin Theroux, Brenda Song o Max Greenfield, la serie ha mantenido el pulso humorístico, ha enfatizado las tensiones familiares y ha sumado fichajes destacados, como Ray Romano, Ken Marino y la ganadora del Oscar Octavia Spencer.

La segunda temporada de Una nueva jugada comienza justo tras después del final de la primera tanda de episodios. Cam, interpretado por Justin Theroux, regresa de rehabilitación y asegura que dará un paso atrás para que Isla, el personaje central de Hudson, mantenga la presidencia del equipo de los Waves.

Inspirada en el baloncesto profesional

Sin embargo, sus verdaderas intenciones pasan por recuperar su antiguo puesto, lo que desencadena nuevas rivalidades. El equipo, todavía digiriendo una dolorosa derrota en los playoffs, fija el objetivo en el campeonato nacional. Esta nueva etapa implica, desde el principio, cambios de entrenador y fichajes inspirados en operaciones reales del baloncesto estadounidense, como el traspaso de Luka Dončić.

La narrativa de Una nueva jugada se apoya en un híbrido entre la comedia romántica y la sátira deportiva, partiendo de una organización ficticia, Los Angeles Waves, que funciona como trasunto de Los Lakers y cuyo modelo familiar tiene claras referencias a la dinastía Buss.

Isla Gordon encarna las dificultades de ser una directiva femenina en una franquicia históricamente dominada por modelos masculinos y bajo la presión del legado familiar, situación que se complica con la reincorporación de Cam. En este contexto, la química del elenco se refuerza con la participación de nuevos actores: Ray Romano, Ken Marino y Octavia Spencer, ampliando la nómina de secundarios y dotando de mayor dinamismo a los conflictos grupales.

Entre los grandes logros destaca el equipo creativo liderado por Mindy Kaling a la hora de adaptar el formato de la sitcom tradicional al universo de los clubes deportivos, fusionando tramas sentimentales clásicas con giros propios del género. A diferencia de Tiempo de victoria: La dinastía de Los Lakers, serie de HBO que también llevó a la pantalla la historia de los Lakers y fue cancelada tras dos temporadas, Una nueva jugada no está sujeta a los vaivenes del realismo biográfico, permitiéndose la introducción de personajes inventados, lo que ha facilitado el desarrollo de arcos argumentales más flexibles y un ritmo ágil.

Uno de los elementos que más han evolucionado es el protagonismo de Ali Lee, mano derecha de Isla y encarnada por Brenda Song. La consolidación de Ali como figura clave dentro de la franquicia y el desarrollo de sus aspiraciones profesionales intensifican las tensiones entre amistad y lealtad corporativa, en una de las líneas más celebradas de la temporada.

Un éxito que se amplía con esta temporada

Las dinámicas familiares siguen funcionando como motor principal de la acción. Pese a la ‘disfuncionalidad’ que caracteriza a los Gordon, la serie encuentra su punto fuerte en la interacción grupal, desde la gestión de relaciones sentimentales hasta la entrada en escena de nuevos parientes y la resolución de conflictos empresariales y deportivos.

También constituye un reto equilibrar el carácter familiar con el universo del baloncesto profesional y las exigencias de un formato comprimido. Así, algunas subtramas, como la mini-rebelión organizada por Sandy y Ness o la definición del carácter de Isla a través de situaciones cómicas, se diluyen en beneficio de la agilidad del conjunto.

El desenlace de la segunda temporada apunta abiertamente hacia una prolongación de la serie en Netflix, rematando un ‘final abierto’ que dejaría sin resolución varias de las líneas más potentes de esta ficción.

El éxito de Una nueva jugada se explica no solo por el carisma de su reparto, sino por la capacidad del equipo de guionistas para trenzar referencias actuales y conflictos atemporales en el marco de una comedia de conjunto. En estos momentos, es una de las series más vistas en plataformas a nivel internacional y demuestra la buena racha de Kate Hudson en los últimos años, sobre todo después de su última nominación a los Oscar por Song Sung Blue (Canción para dos), película que ‘coprotagonizó’ junto a Hugh Jackman.

La joya escondida de Amaral ha sido rescatada y expuesta por primera vez al público. El Instituto Cervantes de Madrid exhibe desde hoy el manuscrito original de la canción El universo sobre mí, escrito de puño y letra por Eva Amaral. El documento, considerado un tesoro por la banda aragonesa, muestra la letra trazada a bolígrafo y dibujos originales que acompañan las estrofas. La pieza, nunca antes expuesta, se ha convertido en el centro de atención de una muestra dedicada a las letras manuscritas de grandes músicos españoles de los siglos XX y XXI.

La banda Amaral anunció en sus redes sociales el hallazgo del manuscrito: “Encontramos el texto original de ‘El universo sobre mí’. De puño y letra de Eva. Ahora está expuesto en el Instituto Cervantes”. El mensaje, acompañado de una imagen del documento, generó un notable interés entre los seguidores del grupo y del público general. El manuscrito incluye no solo la letra íntegra de la canción, sino también un dibujo de una tarta con una vela encendida —referencia directa al inicio del tema— y la ilustración de una isla desierta junto a la frase “vivir en libertad”. Estos detalles refuerzan el valor emocional y artístico de la pieza, que permitió a la banda reconstruir parte de su historia creativa. El manuscrito de Amaral se presenta como una de las grandes atracciones de la exposición organizada por el Instituto Cervantes. El documento, relacionado con el disco Pájaros en la cabeza (2009), nunca había sido mostrado en público. La letra manuscrita, con anotaciones y dibujos originales, ofrece una visión íntima del proceso creativo de Eva Amaral y Juan Aguirre.

La recuperación de esta hoja fue celebrada por la banda, que la calificó como “un tesoro” al compartir la noticia con sus seguidores. La pieza permite apreciar el trazo personal de Eva Amaral y el desarrollo de uno de los temas más emblemáticos del grupo. Para los visitantes, representa una oportunidad única de contemplar el origen tangible de una canción que marcó a toda una generación. La exposición, que reúne letras originales de numerosos autores, establece un diálogo entre la memoria personal de los artistas y el imaginario colectivo de la música española contemporánea. El manuscrito de Amaral, en particular, destaca no solo por su carácter inédito, sino por la carga simbólica que adquieren los dibujos y palabras escritas a mano.

Un recorrido por manuscritos de grandes nombres

La muestra del Instituto Cervantes no se limita a Amaral. Incluye manuscritos originales de figuras como Enrique Bunbury, cuya letra de ‘Porque las cosas cambian’ (del disco ‘Hellville De Luxe’, 2008) también se presenta por primera vez al público. Estopa participa con la composición original de ‘Pesadilla familiar’, perteneciente al álbum ‘Estopía’ (2025). El recorrido se amplía con piezas de Vetusta Morla, como la letra de ‘Puñalada trapera’ (del álbum ‘Cable a tierra’, 2021), y clásicos de Joaquín Sabina, que aporta su célebre ‘Que se llama soledad’ publicada en ‘Hotel, dulce hotel’ (1987). A la selección se suman autores como José Luis Perales, Miguel Ríos, Rosana, Manolo García, Luz Casal, La Oreja de Van Gogh, Christina Rosenvinge, Valeria Castro, Mari Trini, Juan Carlos Calderón, Rocío Márquez y El Chojín.

La selección de documentos abarca cuatro décadas de música en español, permitiendo observar la evolución del lenguaje y la poética de las canciones a partir de sus versiones manuscritas. El público tiene acceso a textos originales en papel, con correcciones, tachaduras y anotaciones personales de los autores, lo que otorga una dimensión inédita a piezas que forman parte del repertorio popular. Según la organización, el objetivo de la exposición es reivindicar el valor del manuscrito como objeto artístico y documento histórico. La muestra pone en primer plano la materialidad de la creación musical, permitiendo a los fans acercarse a la génesis de canciones que han acompañado momentos clave de sus vidas. La presencia de la letra original de Amaral, escrita a mano y con dibujos personales, refuerza la conexión entre artista y público. El documento expuesto permite rastrear el origen de una de las canciones más reconocidas de la banda, y constituye una pieza única dentro del panorama musical español actual.

La respuesta del público no se hizo esperar: desde el anuncio en redes, la muestra ha despertado el interés de seguidores y coleccionistas. La exposición ofrece así una experiencia distinta a la habitual, centrada en lo tangible y en la huella personal de los músicos en el papel. La iniciativa del Instituto Cervantes de Madrid abre una nueva vía para el acercamiento a la música popular, invitando a contemplar las letras de las canciones no solo como textos, sino como fragmentos vivos de la historia cultural reciente.

El proyecto cuenta con Julie Gearey como creadora y dirección de Jim Loach, apoyados en un elenco encabezado por Molly Windsor (Engaño), Asa Butterfield (La invención de Hugo), Fra Fee (Rebel Moon), Siobhan Finneran (Downton Abbey) y Christopher Eccleston (The Leftovers).

La serie toma como punto de partida la existencia de más de 2.000 sectas en el país, algo que se destacada al inicio de la producción. Así, el argumento explora las dinámicas internas de las sectas y las consecuencias que supone para sus integrantes el contacto con el mundo exterior.

División de tareas entre mujeres y hombres

El relato se desarrolla en el seno de la Hermandad de los Divinos, una secta cristiana que regula estrictamente la vida de sus miembros e impone roles de género rígidos: las mujeres se dedican al hogar y a los niños; los hombres actúan como proveedores y líderes. El personaje central, Rosie (Molly Windsor), es una joven madre cuya percepción del mundo se tambalea tras la llegada de Sam, un forastero con pasado violento. La trama se activa cuando, tras una tormenta, la hija de Rosie se pierde y es rescatada por Sam, marcando el inicio del cambio de la protagonista.

Desde el comienzo, la serie opta por una atmósfera opresiva, reforzada mediante una estética de colores apagados y lluvias constantes. Detrás de la calma que proyecta la Hermandad, emerge una estructura basada en el control coercitivo y la violencia encubierta. Se imponen castigos como el aislamiento social y emocional ante cualquier disidencia, llegando incluso a romper lazos familiares y excluir a los considerados no elegidos.

Un gran trabajo de investigación

La inspiración de Los no elegidos surge a partir del trabajo de investigación de Julie Gearey, que consultó testimonios de personas que abandonaron comunidades religiosas, además de apoyarse en documentales como Inside the Bruderhof y producciones de la emisora británica BBC. Este proceso se refleja en personajes como Adam, interpretado por Asa Butterfield, cuyo papel como esposo severo y seguidor entregado contrasta con su participación previa en Sex Education.

Christopher Eccleston destaca en el papel de el Sr. Phillips, líder de la Hermandad, y Siobhan Finneran como una figura femenina de gran complejidad. Olivia Pickering, en el rol de Grace (hija de Adam y Rosie), aporta vulnerabilidad en las situaciones de mayor tensión. Por su parte, la actuación de Fra Fee como Sam introduce ambigüedad y desconcierto; sus verdaderas intenciones resultarán difíciles de descifrar.

El guion ha generado opiniones diversas: se reconoce su capacidad para mantener el suspense en los primeros episodios gracias a las tensiones familiares y la evolución de la protagonista. Algunas críticas, sin embargo, mencionan una pérdida de ritmo en los capítulos centrales por la reiteración de conflictos, aunque se concede que el desarrollo de los personajes y el trabajo actoral sostienen el interés.

La llegada de Sam marcará un punto de inflexión para Rosie, que comenzará a cuestionar el sistema de creencias en el que ha crecido y contempla romper con todo lo conocido. Temores como el rechazo, la vergüenza y la posibilidad de perder el contacto con su hija, Grace, generan las principales tensiones que afronta el personaje de Molly Windsor. Así, la Hermandad está sostenida por mecanismos de manipulación, ritos cerrados y una jerarquía patriarcal que incide especialmente en las mujeres.

Similitudes con ‘El cuento de la criada’

La comparación de Los no elegidos con otras ficciones sobre sectas, como El cuento de la criada y El diablo en Ohio, resulta inevitable, aunque el hecho de situar la historia en la Inglaterra actual introduce un matiz distintivo y refuerza la inquietud acerca de la vigencia de los sistemas de control y adoctrinamiento en la sociedad contemporánea.

Las críticas han señalado que la Hermandad, pese a presentarse inicialmente como una comunidad pacífica, revela una estructura de disciplina rígida y violencia no explícita a lo largo de la trama. El rigor documental y la interpretación del elenco, particularmente el femenino, subrayan cómo los rituales patriarcales perpetúan sistemas opresivos sin recurrir a la violencia directa.

La actriz Emma Stone regresa oficialmente al género de la comedia romántica, protagonizando una nueva película junto a Chris Pine que será dirigida por su esposo, Dave McCary. El filme, titulado The Catch, tiene su estreno previsto en salas para el 21 de mayo de 2027 y marca un retorno al tipo de historias que consolidaron la carrera de Stone ante el gran público. Stone es reconocida por su participación en comedias románticas como La La Land, Rumores y mentiras, Crazy, Stupid, Love y Aloha. Su actuación en La La Land le valió el Oscar a la Mejor Actriz Protagonista, uno de los seis premios que obtuvo el filme en los Premios de la Academia. En años recientes, la actriz había abandonado el género romántico, centrándose en colaboraciones con el director griego Yorgos Lanthimos en títulos como Poor Things, Kinds of Kindness y Bugonia.

El anuncio de The Catch representa el primer acercamiento de Stone a la comedia romántica desde hace varios años. Según se informó, Stone eligió este proyecto después de analizar varios guiones y quedar especialmente interesada en la versión más reciente del texto, escrita por Jen Statsky (Hacks) y Travis Helwig, sobre un guion original de Patrick Kang y Michael Levin. Hasta el momento, no se han revelado detalles oficiales sobre la trama de la película. La noticia confirma que tanto Emma Stone como Chris Pine serán los protagonistas de The Catch. Esta colaboración reúne a dos intérpretes con experiencia previa en comedias románticas. Pine ha participado en películas como Princesa por sorpresa 2, Devuélveme mi suerte, o Esto es la guerra. En los últimos años, ambos actores orientaron sus carreras hacia producciones menos convencionales, pero su participación en este proyecto supone un regreso al género que definió etapas previas de sus trayectorias.

The Catch es el primer largometraje de Stone tras Bugonia, su más reciente trabajo con Lanthimos. La actriz obtuvo una nominación al Oscar por ese papel, convirtiéndose en la segunda persona más joven y la mujer más joven en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia. Solo Meryl Streep había alcanzado ese récord a una edad similar, mientras que Walt Disney sigue siendo la persona más joven en lograrlo, con 34 años. La dirección de la película estará a cargo de Dave McCary, quien además de ser el esposo de Stone, tiene una reconocida trayectoria como guionista y realizador. McCary dirigió y escribió numerosos episodios de Saturday Night Live y ha desarrollado una carrera en cine y televisión. En 2024, la productora que comparte con Stone, Fruit Tree, firmó un acuerdo de primera opción con Universal Pictures.

Estrechando lazos

El vínculo personal y profesional entre Stone y McCary añade un atractivo adicional al proyecto, que contará con el respaldo de Universal y la experiencia de ambos en la industria cinematográfica. Entre las películas producidas anteriormente por Fruit Tree se encuentran Poor Things, I Saw the TV Glow, A Real Pain y Bugonia. La producción de The Catch estará a cargo de Fruit Tree y también de 21 Laps, la compañía de Shawn Levy y Dan Levine. Levy, conocido por su labor como productor y director, se encuentra inmerso en la posproducción de Star Wars: Starfighter, filme que llegará a los cines una semana después del estreno de The Catch, el 28 de mayo de 2027.

El guion de la película fue inicialmente escrito por Patrick Kang y Michael Levin, pero la versión que finalmente atrajo a Stone fue desarrollada por Jen Statsky y Travis Helwig. Aunque la sinopsis oficial aún no ha sido difundida, fuentes de la producción indican que el guion fue uno de los factores determinantes para que la actriz aceptara el proyecto. En los últimos años, Emma Stone se ha concentrado en roles dramáticos y colaboraciones de alto perfil, alejándose de las comedias románticas que la impulsaron al estrellato. Su trabajo con Lanthimos ha sido destacado por la crítica y la ha mantenido como una de las figuras más influyentes de su generación.

Por su parte, Chris Pine alternó papeles en cine independiente y proyectos más comerciales, incluyendo su debut como director en Poolman. La unión de ambos actores en una comedia romántica dirigida por McCary representa un reencuentro con el cine mainstream y una apuesta por revitalizar el género con figuras reconocidas y experiencia comprobada. El estreno de The Catch en mayo de 2027 se perfila como uno de los regresos más esperados en la carrera de Stone y una oportunidad para que el género vuelva a captar la atención del público con nuevos rostros y perspectivas.

Netflix ha confirmado la fecha de estreno global de Enola Holmes 3 y ha revelado las primeras imágenes oficiales de la esperada película. La nueva entrega de la franquicia protagonizada por Millie Bobby Brown llegará a la plataforma el 1 de julio, y ya se anticipa como uno de los lanzamientos más destacados del año para el servicio de streaming. En las imágenes publicadas por Netflix, se observa a Enola Holmes, interpretada nuevamente por Brown, junto a Louis Partridge en el papel de Tewkesbury. La pareja aparece en plena celebración de bodas, lo que confirma que el vínculo romántico entre los personajes avanzará de manera significativa en esta tercera parte. Además, el adelanto visualiza el tono de aventura y misterio que ha caracterizado a la saga desde su debut.

La trama de Enola Holmes 3 llevará a la joven detective a Malta, donde deberá resolver un caso especialmente complejo. Según la sinopsis oficial, la historia mezcla los desafíos personales y profesionales de Enola, quien se enfrenta a una investigación más enredada y peligrosa que nunca. Mientras intenta descifrar el misterio, también debe gestionar las nuevas etapas de su relación con Tewkesbury, lo que añade una dimensión más íntima al relato. La película cuenta con un elenco principal que retoma varios de los rostros ya conocidos por los seguidores de la franquicia. Henry Cavill regresa como Sherlock Holmes, el hermano mayor de Enola, mientras que Helena Bonham Carter interpreta nuevamente a Eudoria Holmes, la madre de los Holmes. El reparto se completa con Himesh Patel como el doctor John Watson y Sharon Duncan-Brewster en el papel de Moriarty, asegurando continuidad y expansión en el universo narrativo iniciado en las entregas previas.

Una franquicia de éxito

La dirección de esta tercera película recae por primera vez en Philip Baranti, realizador de Adolescence, quien sustituye a Harry Bradbeer, responsable de las dos primeras películas. El guion, en cambio, mantiene la firma de Jack Thorne, que ya había trabajado previamente con Baranti y es responsable de adaptar la saga literaria a la pantalla. Enola Holmes 3 se basa en la serie de libros The Enola Holmes Mysteries, escrita por Nancy Springer, consolidando así la conexión entre la obra literaria y su versión audiovisual. En cuanto a la producción, la película es fruto de la colaboración entre Legendary Entertainment y PCMA Productions. Entre los productores se encuentran Brown, Thorne, Mary Parent, Alex Garcia, Ali Mendes, Robert Brown y Michael Dreyer. Además, la lista de productores ejecutivos incluye a Joshua Grode, Jake Bongiovi (esposo de Brown) e Isobel Richards, lo que refuerza el compromiso de la protagonista en la creación y el desarrollo del proyecto.

El éxito de la franquicia Enola Holmes ha sido notable desde el lanzamiento de la primera película, consolidando a Brown como una de las figuras más populares de Netflix. Enola Holmes 2, estrenada en 2022, mostró a la protagonista abriendo su propia agencia de detectives y resolviendo un caso inspirado en la huelga de las cerilleras de 1888 en Londres, lo que aportó una dimensión histórica y social a la saga. El anuncio de la tercera entrega mantiene el interés de los seguidores y apunta a elevar aún más las expectativas en torno a la franquicia. La confirmación de la fecha de estreno y la publicación de las primeras imágenes oficializan el regreso de la joven detective al centro de la acción. Los elementos románticos y de aventura, sumados a la incorporación de nuevos escenarios y desafíos, configuran un panorama atractivo para los espectadores de todas las edades. Con el estreno global fijado para el 1 de julio, Enola Holmes 3 se posiciona como uno de los títulos más esperados en el calendario de Netflix para 2026.

Sony prepara la unión de El Zorro y Django en una nueva película, apostando por el cruce de dos de los forajidos más célebres del cine contemporáneo. El proyecto, que contará con guion de Brian Helgeland, se inspira en el cómic de 2014 coescrito por Quentin Tarantino y Matt Wagner, aunque la historia que llegará a la pantalla será completamente original. La idea de reunir a Django y Zorro tomó fuerza tras el lanzamiento de Django Desencadenado en 2012, dirigida por Tarantino y protagonizada por Jamie Foxx. El personaje de Django, un cazador de recompensas en el sur de Estados Unidos posterior a la Guerra Civil, se convirtió en uno de los iconos recientes del western revisionista. Por otro lado, Zorro es una figura emblemática de la cultura popular, representada en el cine moderno por Antonio Banderas en La máscara del Zorro (1998) y La leyenda del zorro (2005).

El cruce entre ambos personajes cobró forma en el cómic Django/Zorro, publicado en 2014 y firmado por Tarantino y Wagner. Sin embargo, la adaptación cinematográfica anunciada por Sony no será una traslación literal de la historieta: se desarrollará una trama inédita que, según se informa, llevará a Django a formar una alianza inesperada con el legendario justiciero enmascarado. Aún no se han publicado detalles específicos sobre el argumento. Sony ha confiado la escritura del guion a Brian Helgeland, ganador del Óscar por L.A. Confidential. La elección de Helgeland marca un cambio respecto a versiones anteriores del proyecto. En el pasado, el comediante Jerrod Carmichael fue contactado para escribir un borrador, pero esa versión fue descartada por razones no especificadas. Quentin Tarantino, aunque figura como coautor del cómic original y ha impulsado la idea del crossover durante años, no dirigirá la película ni tiene previsto estar al frente del proyecto.

La dirección permanece vacante y no se ha anunciado quién ocupará esa función en la producción. La combinación creativa de Helgeland y la premisa surgida de la colaboración entre Tarantino y Wagner genera expectación sobre el tono y el estilo que adoptará la película. El respaldo de Sony a la iniciativa refuerza la intención de llevar la historia a una audiencia internacional. El filme se encuentra en una fase temprana de desarrollo dentro de Sony Pictures. No hay fecha confirmada para el inicio de la producción ni para su estreno. Tampoco se ha definido quién asumirá la dirección, y el estudio no ha revelado información sobre el equipo técnico o el resto del reparto. La noticia del avance en el desarrollo responde al interés sostenido de Tarantino por esta historia. Durante años, el cineasta expresó su entusiasmo por ver en pantalla el encuentro entre Django y Zorro, llegando a conversar con diferentes colaboradores para explorar posibles enfoques. La participación de Helgeland en la escritura del guion representa el paso más concreto hasta la fecha para materializar el proyecto.

A la espera de Banderas

Por el momento, Jamie Foxx y Antonio Banderas no han firmado su participación en la película. Banderas ha confirmado públicamente que Tarantino le propuso el papel durante una conversación en la noche de los Óscar de 2020, cuando el actor fue nominado por Dolor y gloria. Sin embargo, no existe confirmación oficial de su incorporación ni de la de Foxx. Banderas expresó en 2022 su entusiasmo por la posibilidad de trabajar bajo la visión de Tarantino, señalando la capacidad del director para transformar materiales inspirados en películas de serie B en producciones de alta calidad. La presencia de ambos actores sería clave para atraer la atención de los seguidores de las sagas originales.

Tarantino no ha dirigido una película desde Once Upon a Time in Hollywood en 2019. El cineasta ha reiterado en diversas ocasiones su intención de retirarse tras realizar su décima película, proyecto que durante un tiempo llevó el título tentativo de The Movie Critic, pero que finalmente fue descartado. En paralelo, Tarantino prepara su debut teatral con una obra titulada The Popinjay Cavalier, que se presentará en el West End de Londres en 2027. Con una obra teatral en el horizonte y sin planes inmediatos de regresar a la dirección cinematográfica, la adaptación de Django/Zorro representa una extensión indirecta de su universo creativo, aunque bajo el liderazgo de otros profesionales.

“Nosotros nos dedicamos a los criminales, no a los actos culturales”. Quien habla es Javier Galván Ruíz, jefe superior de Policía de Madrid. Y tiene razón: la inmensa mayoría de periodistas presentes no había estado nunca en presencia de tantos policías juntos, ni había pisado antes la Jefatura Superior de Policía de Madrid. Sin embargo, tanto uno como otros nos hemos reunido por alguien del mundo de la prensa que, como admite el propio Galván, “quizá sea la persona que mejor conoce en España a la Policía sin ser miembro de ella”.

Esa persona es Manu Marlasca. Con una trayectoria de periodista de sucesos de casi cuatro décadas a sus espaldas, ha cubierto las labores de la policía en investigaciones de todo tipo. Lo que quizá nadie imaginaría, sobre todo al principio, es que ese reportero aprovecharía todos esos ratos junto a agentes y criminales para “alimentar e ir llenando el saco de la ficción” para, en los últimos años, publicar dos novelas, Tú bailas y yo disparo y la reciente Hasta que te quedes (Destino), en las que retrata con gran verosimilitud los engranajes puestos en marcha cada vez que se comete un crimen violento.

“Este es el escenario real de las dos novelas”, comenta el propio Marlasca en la presentación. “Probablemente sea esta la dependencia que mejor conozco, y no os oculto mi debilidad por ella: a la hora de ponerme a escribir ficción, la elegí porque es el sitio donde he conocido las mejores historias”. Historias con las que ahora ha construido a ese Grupo X al que acaban de asignarle los casos más difíciles: tanto las desapariciones de alto riesgo como los llamados cold cases, es decir, los asesinatos que nadie antes ha podido resolver.

LADILLO

Hasta que te quedes bebe directamente del género del ‘thriller’ procedimental, caracterizado por centrarse en el rigor de las investigaciones policiales. “La verosimilitud me obsesiona”, reconoce Marlasca, que no olvida cómo en su primera novela se le acusó, incluso, de ser demasiado detallista en todos los procedimientos de los agentes del grupo X. Al mismo tiempo, su labor sería premiada en festivales literarios como la Semana Negra de Gijón. “Intento mantener ese rigor con las diligencias que te da la ficción, porque el trabajo de estos señores es bastante aburrido: se pasan el día guiñando los ojos mirando vídeos, frente a jueces y redactando informes”.

Ahora bien, que el día a día de los policías no resulte apasionante no quiere decir que no haya cosas por contar. A la dificultad de algunos casos se le une la profundidad psicológica que Marlasca imbuye en sus personajes. “Todos los que trabajan aquí tienen historias”, dice el periodista y escritor. “Tienen sus filias, sus fobias; a veces no actúan todo lo bien que su propio código les hace actuar, a veces se equivocan. Tienen las debilidades que tenemos todos, y seguramente fortalezas por encima de la media. Ninguno es esencialmente bueno ni malo. Y eso quería reflejarlo en la novela”.

Marlasca aprovecha la ficción para mezclar elementos que no han existido nunca o que en algún momento dejaron de existir, como el propio Grupo X, con “momentos o diálogos sacados de la realidad”. “Son cosas que no me dejarían contar en mi profesión o bajo el paraguas de la no ficción”, reconoce. “Si lo cuento en una novela, pasa inadvertido, y de paso, tenemos la oportunidad de conocer historias que son apasionantes, aunque sea en algunos trocitos reflejados en las historias que escribo”.

LADILLO

La desaparición con la que arranca la novela está muy inspirada en un caso real, la desaparición de Ana María Henao, ocurrida en 2024 y por la que se detuvo como principal sospechoso, acusado de su desaparición y presunto asesinato, a su marido. “Es una de las investigaciones más brillantes de los últimos tiempos, pocas veces lo había visto”, afirma Marlasca, que también ha incluido detalles de otros casos en la historia, y que permiten descubrir lo mejor y lo peor de las personas. “Las investigaciones son arrojar luz, poner un foco muy grande sobre los rincones en los que ninguno queremos que miren, pero que nos puedan ayudar a desentrañar un crimen”.

Sin embargo, la resolución de casos no es el único trabajo de los policías: el acompañamiento a las víctimas es otra parte esencial de su labor, y como tal aparece reconocida en Hasta que te quedes. “El policía se lleva de cada crimen una cicatriz que es el trato con las víctimas. No creo que sea como en las películas, donde hay un atormentado que se hace alcohólico, pero sí creo que hay casos que persiguen. Muchos de mis personajes llevan esas mochilas”.

Al otro lado, los criminales muestran también su humanidad y la escasa distancia que los separa de todos nosotros. “La mayoría de los crímenes son chispazos, malos momentos. Georges Simenon decía que un asesino es como usted y yo justo antes de cometer su asesinato. Yo creo que la diferencia es una cuestión de límites”. Marlasca considera que los medios de comunicación han dado demasiados “oropeles” a los asesinos de los casos más sonados. “Todos los asesinos que me he encontrado son insignificantes. El más insignificante de todos fue el hombre del saco, José Bretón. Era un fracasado en todos los terrenos”.

¿Manu Marlasca habría sido buen policía?

La novela de Marlasca rescata muchos aspectos pocas veces vistos de la labor policial: desde la labor de los agentes de seguridad ciudadana a las dinámicas de grupo para resolver casos, en contraste con la figura del investigador único que acostumbra a protagonizar las novelas negras. “Un grupo es una maquinaria. Funcionan con trinomios, pero muchas veces precisan la ayuda del resto de unidades. En la Policía, el individuo solo no vale para nada. Si no tienes esas sinergias y no tienes la ayuda, no tienes nada que hacer”.

Hasta que te quedes, al igual que Tú bailas y yo disparo, es una novela autoconclusiva, pero, como advierten desde el equipo editorial de Marlasca, “no será la segunda y última novela, sino que nos esperan nuevas historias”. En las que ya han llegado, y las que vendrán, Marlasca comparte ese mismo aire policial que ha respirado durante tanto tiempo. “Como digo yo, les he robado el alma a algunos policías”, bromea al final de la presentación. Solo queda preguntarse, si en otra vida, tal vez en otro libro, el periodista habría sido un buen policía. “Yo lo prefiero tener al otro lado”, ríe Javier Galván, que no duda en ensalzar el interés del autor en contar todo lo que sucede en el interior de esta y de todas las jefaturas.

Anne Hathaway interpretaría a Verity Crawford y Dakota Johnson a Lowen Ashleigh. Dirigida por Michael Showalter y con guion de Nick Antosca a partir de versiones previas de Hillary Seitz, Angela LaManna, Will Honley y April Maguire, la trama se centraría en Lowen Ashleigh, una escritora de carrera irregular contratada para completar la exitosa saga literaria de Verity Crawford, una reconocida autora incapacitada tras un accidente.

La convivencia en la mansión de los Crawford derivará en un clima de tensión: Lowen descubre un manuscrito inconcluso que revela cuestiones inquietantes sobre la salud mental y los misterios domésticos de Verity. El reparto incluye además, a Josh Hartnett como Jeremy Crawford y también a Brady Wagner, Asel Swango, Daniel Echevarria e Ismael Cruz Córdova.

Qué ofrece el tráiler de ‘Verity’

El primer avance, presentado en CinemaCon para exhibidores y distribuidores, y luego lanzado al público, muestra imágenes en las que Lowen explora la casa de los Crawford mientras viste un albornoz de seda, y Verity permanece dormida en la cama. La tensión visual y narrativa culmina con una escena en la que Jeremy, esposo de Verity, inicia un romance con Lowen; en un giro inquietante, Lowen descubre sangre durante un beso y se da cuenta de que, en realidad, está besando a Verity, no a Jeremy, lo que provoca una reacción de pánico.

El tráiler incluye frases del personaje de Verity, como: “Incluso con mi continua advertencia, vas a seguir absorbiendo mis palabras. Pero debes saber una cosa: donde vamos no hay luz. Hay oscuridad por delante”.

El filme expone motivos como la manipulación emocional, los límites difusos entre ficción y realidad y el peso de los secretos familiares, reforzados por la mirada de Hoover y el protagonismo femenino, habitual en las recientes adaptaciones de su obra.

El ‘boom’ de las adaptaciones de Collen Hoover

Las últimas películas basadas en novelas de Colleen Hoover han impulsado la estrategia de los grandes estudios de Hollywood para atraer al público mediante relatos de suspense centrados en mujeres. El estudio de Hollywood Sony inauguró este ciclo con Romper el círculo, que superó los 351 millones de dólares (alrededor de 326 millones de euros) en taquilla, pese a las disputas legales entre sus protagonistas, Blake Lively y Justin Baldoni.

El estudio de Hollywood Paramount continuó con A pesar de ti, dirigida por Allison Williams y con Mckenna Grace, Dave Franco y Mason Thames, que superó los 90 millones (unos 83,6 millones de euros) en ingresos; hace poco, el estudio de Hollywood Universal estrenó No te olvidaré, recaudando más de USD 84 millones (cerca de 78 millones de euros).

La propia Colleen Hoover participa como productora junto con Showalter, Antosca, Alex Hedlund, Stacey Sher y Jordana Mollick.

Antes del lanzamiento de Verity en octubre, Amazon MGM Studios mantiene una agenda repleta de estrenos, como Las ovejas detectives, la versión con Nicholas Galitzine de He-Man y y los masters del universo y How to Rob a Bank, dirigida por David Leitch, conocido por John Wick.

Por su parte, la otra protagonista del proyecto, Dakota Johnson, se encuentra en una fase más introspectiva. Tras el fracaso de Madame Web, parece dispuesta a elegir mejor las películas en las que participa y, quizás por ello, no tiene tantas citas en el próximo año. Rodará a las órdenes de la italiana Alice Rohrwacher Three Incestuous Sisters, junto a Jessie Buckley y Saoirse Ronan.

Una vez terminado el Día del Libro, con todo el atasco de lanzamientos que lleva implícito, la última semana del mes de abril nos trae algunas sorpresas de lo más valiosas. Entre las más destacadas, encontramos, a nivel internacional, lo nuevo de Siri Hustvedt y, en España, lo último de Jesús Carrasco.

También es momento de rescatar otros títulos interesantes que quedaron pendientes por falta de espacio en anteriores semanas, demasiado saturadas, como Fonseca, Jessica Francis Kane, sobre un capítulo casi secreto en la vida de Penelope Fitzgerald o el rescate de Lo bello y lo triste, de Yasunari Kawabata, una de las obras cumbres de la literatura japonesa.

Además, esta semana se cumplen 40 años de la publicación de Los límites del mundo, de Eugenio Trías y se recupera la Poesía de Luis Martín Santos. También se reedita Don de gentes, de Elvira Lindo, una recopilación de columnas a modo de diario involuntario.

‘Historias de fantasmas’, de Siri Hustvedt

El nuevo libro de Siri Hustvedt aborda el duelo tras la muerte de Paul Auster, su esposo durante cuarenta y tres años. La autora recurre a recuerdos, documentos inéditos y las últimas cartas del escritor dirigidas a su nieto Miles para reconstruir la relación y la presencia persistente de Auster en su vida.

El volumen cobra relevancia dentro de la literatura contemporánea por su aproximación al impacto que produce la pérdida de un ser querido en la identidad, así como por la exploración de la huella que deja la intimidad compartida.

Una obra honesta, lúcida y profundamente conmovedora, cruda y luminosa al mismo tiempo, atravesada por la pérdida y por el amor más allá de la muerte.

‘Bajo el ojo del pájaro’, de Hiromi Kawakami

Imaginemos un futuro donde la humanidad, casi extinguida, sobrevive repartida en pequeños grupos bajo la tutela de enigmáticas entidades denominadas “Madres”. El relato presenta un mundo en el que algunos seres humanos han sido creados en fábricas a partir de células animales y otros cuentan con habilidades fotosintéticas similares a las plantas. La trama analiza la posibilidad de que el mestizaje entre estos grupos sea la única alternativa para la supervivencia humana, aunque no asegura que los nuevos vínculos puedan sostener las estructuras sociales e identitarias de la especie.

La obra, finalista del Premio Booker Internacional 2025 y leída por más de 700.000 personas, utiliza episodios ubicados en distintas épocas para construir una mirada sobre la extinción humana marcada por la fragilidad y la esperanza. Una distopía tan profunda como original que aborda temas como la clonación, la identidad la y evolución con una la fuerza visual y una riqueza imaginativa inauditas.

‘La Sala. Una novela francesa’, de César Aira

Escrita originalmente en francés en 1996 y traducida recientemente al español por el propio autor, La Sala desarrolla su trama en un cine del centro de París frecuentado por jóvenes coreanos. El protagonista, un electricista desempleado que se instala en una buhardilla con la intención de volverse escritor, se ve involucrado en los misterios del cine y en las actividades de sus responsables, lo que lo lleva a abandonar sus ideas iniciales y a sumergirse en una ficción detallada.

La publicación de esta obra rescata la atmósfera de las novelas cortas francesas de los años noventa, especialmente las que editaba Éditions Minuit, y toma como referencia a autores como Marguerite Duras, mencionada explícitamente en el texto. El argumento se centra en el deseo literario y la transformación del personaje principal, que deja su antigua vida para observar y narrar lo que ocurre en el cine.

Una forma de acercarse al gran creador argentino, uno de los más provocadores del panorama actual a través de su carácter disruptivo y su uso de la parodia y del azar de forma modélica.

‘Un paraíso de escombros’, de Gustavo M. Garzo

El experto en mitología clásica compone un libro en figuras como Pasífae, Eurídice, Atalanta y Helena que se acercan a la actualidad constituyendo un reflejo del ser humano, resaltando no solo el carácter de lo sagrado, sino también de lo cotidiano en estas leyendas. Así, episodios como el de una joven amamantada por una osa o el nacimiento de un niño con cabeza de ternero se integran en un imaginario donde lo imposible resulta fundamental para la comprensión de lo humano.

La obra invita a dejar de lado interpretaciones habituales para explorar el mundo de las transformaciones y encantamientos, donde el amor se plantea como el único destino posible. La aproximación a los mitos no busca repetir hazañas, sino abrir el acceso a ese espacio prodigioso, concluyendo con una invitación a ingresar al mundo de las metamorfosis, donde la meta es la búsqueda de cómo los relatos impactan en la historia de la humanidad.

‘Monstruos en el archivo’, de Caroline Bicks

La investigadora Caroline Bicks accedió durante un año a los archivos personales de Stephen King en la Universidad de Maine, examinando manuscritos y anotaciones inéditas que revelan la génesis de las tramas y personajes en los primeros libros del escritor. Esta indagación permitió conocer detalles desconocidos sobre la elaboración de títulos como El resplandor, Carrie, Cementerio de animales o El misterio de Salem’s Lot.

Entre los hallazgos, Bicks identificó escenas y desenlaces alternativos aprobados por King, aportando nuevas perspectivas sobre el proceso creativo del autor. Su investigación partió de una pregunta que comparten millones de lectores: ¿por qué los relatos de Stephen King resultan tan persistentes en la memoria colectiva tras su lectura?

La obra resultante, Monstruos en el archivo, combina elementos de análisis literario, memorias y biografía, proporcionando un acceso sin precedentes al desarrollo de algunos de los miedos más reconocibles de la cultura contemporánea.

‘Stranger Houses 2′, de Uketsu

El manga Strange Houses, adaptación de la novela debut de Uketsu, ha superado los 2 millones de ejemplares vendidos en Japón tras una rápida transición de la novela al manga y posteriormente al cine. La trama gira en torno a la antigua casa de la familia Katabuchi, donde la investigación sobre la misteriosa muerte de un primo de una de las protagonistas conduce a la aparición inesperada de un personaje en una habitación secreta.

El manga reordena y enreda las tramas mostrando un destacado ingenio, inscribiéndose como una variante divertida del género de las casas embrujadas de lo más absorbente. La obra original y sus adaptaciones han logrado un nivel de repercusión inédito para un autor debutante, consolidándose como el mayor logro comercial y creativo de este misterioso autor nipón.

‘Anna. La biografía’, de Amy Odell

La biografía de Anna Wintour, escrita por Amy Odell, reconstruye la carrera y la influencia de la directora de Vogue a partir de testimonios de allegados y un seguimiento de su trayectoria desde su infancia en Londres hasta su consolidación en Estados Unidos. El texto muestra el peso que tuvo su padre, periodista, en la formación de su vocación y la determinación temprana de Wintour por dirigir la mítica revista de moda. El relato abarca su paso por la dirección de Vogue British en 1985 y su llegada a la edición estadounidense, destacando su estilo de liderazgo, su reserva y su papel central en el grupo Condé Nast.

La obra analiza cómo Wintour inspiró personajes de ficción, como Miranda Priestly en El diablo viste de Prada, y examina el funcionamiento interno de las publicaciones de moda y las estrategias que utilizó para alcanzar posiciones de poder. Una lectura de cabecera en la semana del estreno de El diablo viste de Prada 2, en la que su figura vuelve a estar interpretada por Meryl Streep.

‘El detalle’, de Jesús Carrasco

Una pareja, tras veintitrés años juntos, dos hijos, dos hipotecas y un auto familiar, se enfrenta al desgaste propio de la rutina diaria y el cansancio. Para intentar renovar el vínculo, él decide organizar un viaje sorpresa a Novo Mesto, ciudad significativa para ambos por ser el escenario de su primer beso. Sin embargo, el plan no genera el efecto esperado y termina poniendo a prueba la relación.

El relato expone el choque entre la velocidad de la vida contemporánea y la importancia de la atención y el compromiso en una pareja.

En su nueva obra, Jesús Carrasco, que alcanzó el reconocimiento con Intemperie, se enfoca en los conflictos propios de la vida en común, mostrando cómo gestos simples pueden adquirir gran relevancia y entronca con su anterior trabajo, Elogio de las manos aunque, si en aquel caso se basaba en la construcción de la familia, aquí lo hace en su desintegración.

Las calles de Madrid se han transformado en un gran escenario para la lectura. El Ayuntamiento de la capital ha dado inicio a la campaña Tu próximo libro está al alcance de tu mano, desplegando 26 bancos con forma de libro en ocho barrios de la ciudad, cada uno equipado con un código QR que orienta a los transeúntes hacia las librerías más próximas.

Entre el 27 de abril y el 14 de junio, los bancos-libro invitarán a detenerse y descubrir grandes títulos, al mismo tiempo que el sistema tecnológico aplicado, al que ya están vinculadas 248 librerías a través de la plataforma municipal Todo está en Madrid, convertirá este mobiliario urbano en una herramienta digital de impulso al consumo local. Cualquier persona podrá sentarse a partir de hoy en uno de estos bancos-libro, escanear el código QR y encontrar la ruta más directa hacia el comercio librero más cercano, fusionando arte urbano, tecnología y fomento cultural en una misma experiencia.

Cultura, Economía y Hacienda se unen para fomentar la lectura y apoyar a las librerías

Durante la presentación de la iniciativa en la estructura principal, ubicada en el Barrio de las Letras y junto al banco de Isabel Allende y su obra recién publicada La palabra mágica, Engracia Hidalgo, delegada de Economía, Innovación y Hacienda, ha subrayado el propósito central de esta medida: “Un proyecto que convierte o que queremos que convierta Madrid, las calles de Madrid, en una invitación a la lectura”. La funcionaria ha remarcado que los bancos han sido colocados “cerca de librerías y de bibliotecas, de tal forma que sea una invitación a que las personas se acerquen y entren y también den vida a ese pequeño comercio”.

Hidalgo ha explicado también que, mediante la colaboración con Penguin y Just Decod, esperan que la campaña sea “un año más un éxito”, señalando la experiencia que tuvo lugar en 2025. Sobre la funcionalidad digital, ha deseado que la iniciativa “invite a la lectura, que se sume a las sinergias que se hacen en la Feria del Libro, porque en definitiva, yo creo que la lectura es una cosa que nos enriquece a todos”.

Por su parte, Marta Rivera de la Cruz, delegada de Cultura, Turismo y Deporte, ha destacado la transversalidad del proyecto: “Yo querría resaltar la importancia de que sea el área de Economía y Hacienda la que se implique en una iniciativa cultural, lo que da idea de que todas las áreas del Ayuntamiento de Madrid están comprometidas con el trabajo alrededor de la cultura y con hacer de Madrid, que ya lo es, la ciudad más lectora de España”. Rivera de la Cruz ha enfatizado también la posición de la capital respecto al resto del país: “Los índices de lectura en Madrid están ocho puntos por encima de la media española. Iniciativas como esta nos ayudan a consolidar estas cifras”.

Impacto económico y cultural

En el acto, el Ayuntamiento también ha querido reivindicar cómo Madrid sostiene su liderazgo en el sector editorial, concentrando el 38,8 % de la facturación editorial nacional y una red de 504 establecimientos distribuidos en los 21 distritos. El comercio interior del libro en España registró en 2024 una facturación récord de 3.037,5 millones de euros, consolidando a la ciudad como el gran polo del sector.

La campaña no solo busca potenciar las ventas, sino también visibilizar el papel de las librerías como espacios de encuentro y cultura. La histórica librería Desnivel, visitada por la comitiva durante la inauguración, ha sido utilizada como un ejemplo de ello por Hidalgo, que la ha descrito como “un referente del comercio especializado que el Ayuntamiento desea proteger y potenciar”.

La ubicación de todos los ‘bancos-libro’

• Mentira (Juan Gómez-Jurado) – Plaza de la Independencia (entrada principal Parque del Retiro) – Retiro
• Una niña buena (Elísabet Benavent) – Plaza de Callao – Centro
• La Asistenta (Freida McFadden) – Calle Sevilla esquina con Alcalá (frente Hotel Four Seasons) – Centro
• Palomitas de madrugada (Regina Rodríguez Sirvent) – Gran Vía / Alcalá (Edificio Metrópolis) – Centro
• La palabra mágica (Isabel Allende) – Plaza de Colón (Biblioteca Nacional) – Salamanca
• La venganza del apóstol (Isabel San Sebastián) – Plaza de España – Moncloa-Aravaca
• El juicio (Luis Zueco) – Plaza de Cibeles (junto a quiosco mediana) – Retiro
• Oscura (El Bosque Voraz 2) (Keri Lake) – Princesa – Moncloa-Aravaca
• Nunca estuviste solo (Albert Espinosa) – Raimundo Fernández Villaverde con Cuatro Caminos – Chamberí
• El susurro del fuego (Javier Castillo) – Entrada principal Feria del Libro de Madrid – Retiro
• Culpa vuestra (Mercedes Ron) – Retiro, cerca calle Ibiza (entrada calle Menéndez Pelayo, Biblioteca Trías de Bes) – Retiro
• Los ecos de Jude (Joana Marcús) – Plaza de Alonso Martínez – Chamberí
• Así es como lo verás mañana (Elizabeth Clapés) – Entrada CC Caleido – Fuencarral-El Pardo
• Misterio S.A. 1 – Los fantasmas no existen (JGJ + Bárbara) – Plaza Felipe II (zona Alcalá, cerca Casa del Libro) – Salamanca
• Rita Bumbum 1 – Rita Bumbum se cambia de cole (Míriam Tirado) – Glorieta de Bilbao – Chamberí
• El nuevo viaje del principito (Eloy Moreno) – Gran Vía 29 (Casa del Libro) – Centro
• Nos tratamos bien (Lucía Serrano) – Fuencarral con Barceló (junto a BPM Mario Vargas Llosa) – Centro
• Cazamistérios 1. Caso de las mascotas (Patricia García-Rojo) – Plaza de la Prosperidad (López de Hoyos con Suero de Quiñones) – Chamartín
• KPOP – Avenida Monforte de Lemos (entrada CC La Vaguada) – Fuencarral-El Pardo
• Enviado especial (Arturo Pérez-Reverte) – Plaza de Santa Ana – Centro
• El amo (Jotadé 2) (Santiago Díaz) – Cuesta de Moyano con calle Atocha – Retiro
• La víspera (Manuel Jabois) – Lateral Castellana a la altura de Moda Shopping – Tetuán
• Han cantado bingo (Lana Corujo) – Plaza de Matute (Barrio de las Letras) – Centro
• Oxígeno (Marta Jiménez Serrano) – Puerta de Moro – Centro
• Orgullo y prejuicio (Penguin Classics) (Jane Austen) – Plaza de Cuzco – Tetuán
• La chica del Lago (Mikel Santiago) – Plaza de Colón con Jorge Juan – Salamanca

De todas las ventanas al futuro, el cine siempre ha sido uno de los ámbitos donde los seres humanos más han insistido en tratar de imaginar cómo será el mundo dentro de cientos de años. A pesar de que a día de hoy asociemos la ciencia ficción con películas modernas como Star Wars, Interstellar o Proyecto Salvación, lo cierto es que el género fue uno de los primeros en llegar a la gran pantalla y, también, uno de los primeros en dejarnos obras maestras.

En 1927, cuando el cine todavía se consolidaba como un producto masivo, Fritz Lang estrenó Metrópolis. En esta película, el director alemán imaginaba en clave expresionista cómo sería el mundo en 2026. En esa inmensa megalópolis del futuro, nos cuenta la historia de Freder, un joven perteneciente a las élites económicas, que, tras enamorarse de María, una muchacha de origen humilde, descubre la dura condición de las clases obreras que trabajan en la ciudad.

A partir de este descubrimiento, se construye una película que ofrece una visión ciertamente distópica del futuro (hoy presente) de la humanidad. En su momento, los estudios cinematográficos decidieron recortar algunos minutos de la película de Lang, de modo que la versión íntegra y original de Metrópolis (disponible actualmente en Filmin) no se vería hasta 2010, poco después de que se descubriera un material que se creía perdido en un museo de Buenos Aires.

Qué nos dice ‘Metrópolis’ sobre el futuro

En un vídeo que ya supera las 90.000 visualizaciones, el divulgador @sergiobouzine describe cómo la sociedad de Metrópolis vive dividida espacial y económicamente en dos clases. “Arriba, la élite vive rodeada de lujo y abajo, miles de trabajadores sostienen el sistema como si fueran máquinas”. Acertó, pues, de lleno en cómo las desigualdades económicas se reflejarían en el urbanismo moderno, con grandes ciudades actuales como Nueva York, Dubái o Tokio donde se muestra una verticalidad extrema en la que el piso en el que vives depende, literalmente, del dinero que tengas.

No sería el único acierto de Fritz Lang, que se anticipó a la llegada de las videollamadas, la inteligencia artificial o las ciudades conectadas y llenas de pantallas. Cabe recordar que en aquella época ni siquiera existían los ordenadores, por lo que la predicción de Lang no solo acertó con los inventos que llegarían, sino en el modo en que estos cambiarían la estructura de la sociedad. “Metrópolis fue esa película que empezó a preguntarse cómo imaginamos el futuro”, afirma Sergio. Y parece que sus conclusiones señalaron en la dirección correcta.

Eso sí, rodar esta película, considerada como la mejor película de ciencia ficción de la historia, no fue nada fácil. “El rodaje fue un infierno”, cuenta el divulgador en su vídeo. “Jornadas interminables, condiciones durísimas y un presupuesto que casi arruina al estudio”. Con todo, el resultado valió la pena: “Cambió la historia del cine para siempre. La estética de sus ciudades, los robots, la forma de representar el futuro... Todo eso influyó en películas como Blade Runner, Star Wars y la cultura pop actual”.

La llegada de Karol G a España en 2027 ha provocado una auténtica avalancha de fanáticos ante la apertura de la preventa de entradas para su Viajando Por el Mundo Tropitour. El anuncio de nuevas fechas en las principales ciudades ha sido recibido con entusiasmo, y la demanda ha superado todas las previsiones, consolidando el fenómeno que rodea a la cantante colombiana.

Viajando Por el Mundo Tropitour servirá también para presentar en España el álbum Tropicoqueta, publicado en junio de 2025, que marca una nueva etapa en la carrera de la artista. Parte del repertorio de este disco, con fuerte presencia de cumbia, vallenato y pop latino, ya ha sonado en directo durante su actuación en el Coachella Fest, anticipando el sonido que dominará la gira.

Ahora, la artista llega a nuestro país con un total de seis conciertos programados: dos en Barcelona (3 y 4 de junio, Estadi Olímpic), dos en Sevilla (11 y 12 de junio, Estadio de la Cartuja) y dos en Madrid (24 y 25 de junio, Estadio Riyadh Air Metropolitano). El anuncio de los tres conciertos extras, uno por ciudad, ha pillado por sorpresa a sus seguidores, dado que el anuncio se ha producido inmediatamente después de agotarse la primera tanda de entradas.

Comprar entradas para ver a ‘La Bichota’

Para quienes se preguntan cómo y cuándo conseguir una entrada, el proceso ha sido diseñado en varias fases. La primera preventa ha comenzado este lunes 27 de abril a las 10:00 de la mañana, exclusiva para quienes ya estaban registrados. Una segunda oportunidad llegará el miércoles 29 de abril, cuando los usuarios de Live Nation podrán acceder a la preventa desde las 10:00, previa activación de alertas y acceso a la sala de espera media hora antes. Finalmente, el jueves 30 de abril se abrirá la venta general, accesible para todos a través de Ticketmaster y otras plataformas autorizadas.

Las entradas para los nuevos conciertos de Karol G en España pueden adquirirse mediante registro previo en LiveNation.es y Ticketmaster, con precios que parten desde los 70 euros y llegan a cifras mucho más altas para opciones premium y paquetes VIP. Cada modalidad de entrada incluye los gastos de gestión y los impuestos correspondientes, mientras que Ticketmaster suma un cargo adicional de 2 euros por transacción.

Precios y tipos de entradas para Viajando Por el Mundo Tropitour

La estructura de precios para los espectáculos de Karol G en 2027 ha experimentado un incremento respecto a la gira anterior. Por ejemplo, la pista general asciende de los 115 euros en 2024 hasta los 127 euros más 2 euros de gastos que habrá que pagar en esta ocasión. La opción más económica, correspondiente a la grada más barata, se sitúa en 70,50 euros más 2 euros de gastos, cifra sensiblemente superior a los 58 euros (más 7,50 euros de cargos adicionales) que se requerían hace dos años.

Para el tropitour, estarán disponibles también las denominadas entradas Platinum Grada, cuyo valor varía según la ciudad. Estas entradas corresponden a sectores específicos de alta demanda, aunque no ofrecen servicios adicionales como los paquetes VIP. En Barcelona, la entrada de este tipo parte de 99 euros y puede llegar a 449 euros; en Sevilla comienza en 119 euros y alcanza el mismo techo de 449 euros; en Madrid, el rango es todavía mayor, desde 139 euros hasta 476 euros.

Para los fanáticos que buscan una experiencia exclusiva, se han anunciado varios paquetes VIP. El Ultimate Bichotas VIP Package es el más costoso, alcanzando los 784 euros. Otras opciones, como el paquete Tropicoqueta, Verano Rosa, Latina Forever y Milagros, ofrecen servicios diferenciados y van desde los 654 hasta los 325 euros, siempre incluyendo los gastos de gestión y los impuestos.

Así es como comienza Cochinas, la nueva serie de comedia de Prime Video que lidera Malena Alterio en el papel de esta ama de casa que lo que mejor sabe hacer es croquetas. En realidad, el porno es solo la excusa para hablar de placer y sexualidad femenina, consentimiento y educación sexual y además de lanzar una crítica al machismo que impera en la industria pornográfica. Todo ello sin renunciar a su principal seña de identidad: la comedia.

Tal y como han explicado a este medio sus creadores y guionistas, Irene Behoyo (Todos los lados de la cama) y Carlos del Hoyo (Mariliendre), el proyecto les tomó más de cinco años. La propuesta le llegó a Alterio de la mano de Del Hoyo cuando trabajó con ella en Señoras del (H)AMPA, estrenada en 2019, donde interpretó a Lourdes, una de cuatro madres que, tras un accidente doméstico durante una demostración de un robot de cocina, terminan involucradas accidentalmente en un asesinato. “Las preguntas que se me abrían acerca del proyecto eran: ‘¿Cómo se va a materializar todo esto?’. Una cosa es verlo escrito y otra cosa es hacerlo”, apunta Alterio a Infobae, a quien le pareció una serie “muy interesante, muy divertida y muy fresca”.

Así, su personaje no solo evoluciona quitándose prejuicios en torno al sexo, en una época en la que el heteropatriarcado estaba a la orden del día. “A lo largo de la serie se va dando cuenta de que no ha estado involucrada de una manera real ni con sus hijos ni con su marido. No ha tenido conversaciones honestas con ellos”, apunta. Nines no se descubre solo a nivel sexual con la ayuda de Enric, el joven carnicero al que da vida Albert Baró, sino que también tiene las agallas de “levantar un negocio y de sentirse poderosa en su condición de mujer y de madre. Es bonito ver el arco del personaje”.

Nines se encargará de devolver a la vida el videoclub Dorothy gracias a Chon, una mujer sin pelos en la lengua interpretada por Celia Morán. “Ella, aunque tenga prejuicios, se deconstruye rápidamente. Es muy bonito y se aprende mucho con un personaje así”, afirma la actriz, que debuta en la ficción televisiva tras iniciarse en el teatro.

Junto a ella, está Agu, al que da vida Álvaro Mel, un joven cinéfilo que ve cómo no encaja en un mundo “en el que el sexo es un bombardeo constante”. En un determinado punto de la serie, Agu tendrá claro que el sexo no es para él. “El personaje considera que a lo mejor es homosexual porque no es heterosexual y nunca se plantea un punto medio”, explica. Agu es asexual. “En ese momento tampoco había tanta información como para darte cuenta de que eras asexual, porque no es una decisión, es una orientación”, apunta el actor, al que hemos visto en ficciones como Un cuento perfecto o Manual para señoritas.

Criticar el porno... con más porno

Más allá del arco individual de sus personajes, Cochinas plantea una paradoja: la liberación de estas mujeres llega a través de una industria profundamente machista. “La pornografía es el detonante que abre sus mentes”, explica Alterio sobre las mujeres del barrio, que encarnan las actrices Esperanza de la Encarnación en el papel de Paca o Raquel Pérez como Mariví, entre otras, “que son conservadoras y que no se han planteado que puedan tener placer o hacerse preguntas en relación a su sexualidad”.

“En aquella época la situación de la mujer era complicada y eso que ya estábamos casi en los 2000, pero era una época, y sobre todo en una capital de provincia, donde la mujer está abocada a ser ama de casa, a estar en la crianza, a cuidar al marido y a complacerlo sexualmente. Yo creo que todo eso ha cambiado bastante, afortunadamente. Ahora hay otros problemas, pero ya estamos en otro punto”, apunta Alterio.

Pero, pese a que el porno es el eje central de la historia, la serie no cae en la apología. Al contrario, la serie debe verse al completo. A medida que avanza la trama, se van desgranando cuestiones como la crítica hacia la industria del porno. “La mujer sigue siendo tremendamente sometida en este género”, apunta Mel, que cree que “sigue siendo el peor enemigo” de la mujer. “No creo que haya cambiado para mejor”.

Precisamente, los tres actores coinciden en que “antes la única información sobre sexualidad venía de ahí, pero ahora sigue pasando y está mucho más al alcance de los chavales jóvenes”. “Se piensan que eso es la realidad sexual cuando no tiene nada que ver”, reflexiona. “Yo creo que si antes la distorsión era grande, ahora lo es aún más”, añade la actriz.

El equilibrio entre comedia y crítica también se sostiene en la mirada de sus directoras: Andrea Jaurrieta (Nina), Laura M. Campos (Valeria, Servir y proteger) y la actriz Núria Gago (Pubertat, Amar es para siempre), que debuta en la realización. “Hay una complicidad distinta”, reconoce Alterio. “No es solo que sean mujeres, sino qué mujeres”, apunta Morán. “Hay hombres que tienen mucha sensibilidad, pero la complicidad que se genera con las mujeres es otra”, añade Alterio.

Con ese punto de partida, Cochinas utiliza el humor para saldar una deuda con el deseo y la sexualidad femenina de las mujeres en la ficción. Por eso, no hay mejor título que el que se apropia del insulto.

Ha fallecido el mítico director Adolfo Aristarain, una de las figuras clave del cine argentino gracias a películas míticas como Tiempo de revancha (1981) o Un lugar en el mundo (1992), por la que consiguió la Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Tuvo una relación muy estrecha con nuestro país a través de diferentes coproducciones y ya en 1986 dirigió junto a José Ramón Larraz una serie que adaptaba las aventuras del personaje de Manuel Vázquez Montalbán, el detective Pepe Carvalho, al que encarnó, Eusebio Poncela.

Sin embargo, la película que obtuvo más repercusión en nuestro país de toda su filmografía, sería Martín (Hache), que se convertiría en una de las obras más icónicas de los años noventa, alcanzando incluso la categoría de culto. ¿Por qué?

Por qué ‘Martín (Hache)’ es una obra de culto

Entre otra cosas, por ser un retrato despiadado y honesto de los desarraigados, con un guion de lo más afilado y repleto de frases célebres, por hablar de temas como la patria, el amor, la paternidad, las drogas y las relaciones humanas de una manera poco convencional y nada cómoda, aportando toda una serie de reflexiones tan profundas como dolorosas y reveladoras.

Y sí, por su reparto en estado de gracia, conformado por Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth. La historia giraba en torno a Martín Echenique, director de cine argentino en Madrid, y su hijo Hache, de 19 años que vive en Buenos Aires, quienes mantienen una relación distante que se transforma tras un accidente de Hache. El reencuentro en Madrid redefine los vínculos —junto a Alicia, la amante de Martín, y Dante, el amigo actor— a través de un guion escrito por Aristarain y Kathy Saavedra.

Lo cierto es que ese guion, contenía tantas verdades como puños que, su vigencia, a pesar de haber transcurrido casi 30 años, continúa estando presente de una manera casi incorruptible. Así, la cita “la patria es un invento” ha adquirido notoriedad porque sintetiza el planteamiento del filme sobre el sentimiento nacional y sugiere que se extrañan las personas antes que los países. Para el joven Hache, “su país son sus amigos”, justificando la vigencia del debate sobre la identidad más allá de banderas o estadísticas.

Es un dato relevante que la película desarrollara sus temas en una duración de 134 minutos, permitiendo ahondar en la búsqueda del conflicto generacional en un contexto de exigencias familiares, apoyándose en la representación de la juventud y su tensión ante las expectativas ajenas.

En lo referido a los consumos de sustancias, el discurso de la película se articula a través de los cuatro personajes principales, todos vinculados de algún mundo a las drogas. Hache las emplea como evasión, Martín como refugio, Alicia para apaciguar su sufrimiento y Dante como parte de su visión existencial. “Las drogas son maravillosas porque te abren la mente”, se dice en un momento de la película, resumiendo la paradoja del filme: entiende a la droga tanto como fuente de ‘autodescubrimiento’ como de riesgo. En realidad, todos los personajes se encuentran profundamente solos y perdidos.

Un retrato del choque entre generaciones

El retrato de la juventud —especialmente la dificultad de adaptarse a normas y la presión por responder a búsquedas existenciales— está presente en todo el guion. Hache, obligado a elegir entre estudiar o trabajar, enfrenta un mandato social que lo lleva al desencanto. En un momento del filme, se resume la frustración de quien se siente perdido en el paso a la vida adulta: “Igual tengo talento para ser mediocre”.

Alicia, a cargo de Cecilia Roth resulta una figura decisiva, punto de unión entre padre e hijo y exponente de una mujer herida en el amor. El planteamiento feminista se evidencia en la reflexión de Dante, que alcanza notoriedad porque desafía estereotipos de la época: “Ninguna mujer tiene dueño”.

Dante (un personaje que rescató a Eusebio Poncela), aporta vitalidad y desenfado y un estatus casi filosófico. Su célebre razonamiento sobre la atracción y el deseo ha trascendido porque lo eleva a debate existencial: “Hay que follarse a las mentes”. Así, la película aborda temas actuales sobre sexualidad y deseo más allá de lo físico.

La denuncia a la hipocresía social se concentra en la escena donde Dante confronta al público en una obra de teatro. Esta secuencia es relevante porque interpela directamente sobre el conformismo moral: “Seremos cómplices de la farsa, de vuestra farsa. [...] Pero tendréis la conciencia tranquila porque sois modernos, porque habéis aplaudido a rabiar una obra de izquierdas muy dura”.

Martín (Hache) continúa siendo una pieza clave del cine de los noventa en la que se condensaba todo el desencanto de la época. Hablaba de autodestrucción, pero también de supervivencia, estaba llena de diálogos torrenciales de una lucidez arrolladora y todavía hoy, verla genera un ejercicio de catarsis realmente apabullante. La película fue nominada a 4 Goyas y Cecilia Roth consiguió la estatuilla. En San Sebastián, Federico Luppi ganó la Concha de Plata al Mejor Actor. Todavía nadie entiende cómo Eusebio Poncela no estuvo nominado. La película puede recuperarse en Movistar Plus+ para ver en streaming.

Ambientada en los años treinta, la propuesta destaca por permitir al espectador elegir entre dos formatos de visionado: blanco y negro auténtico o color. El tráiler y material promocional se dieron a conocer durante el festival de cultura pop CCXPMX26 de México, donde asistieron miembros clave del reparto y del equipo creativo.

La serie ha fijado su estreno global para el 27 de mayo a través de Prime Video, mientras que en Estados Unidos estará disponible el 25 de mayo en la plataforma MGM+. La presentación tuvo lugar en el Banamex Convention Center de Ciudad de México ante la asistencia de seguidores y contó con la participación de los actores Lamorne Morris, Li Jun Li, Jack Huston, Karen Rodriguez y el creador Oren Uziel. Se proyectó una escena extendida y se distribuyeron insignias exclusivas diseñadas por el artista mexicano Jorge Molina. El equipo ha señalado que ofrecer los dos formatos de visionado busca diferenciar visualmente la serie de otras producciones relacionadas con el universo Marvel.

Un thriller ‘noir’ protagonizado por Nicolas Cage

Nicolas Cage encarna a Ben Reilly, un detective privado endurecido y de pasado irregular, que se ve obligado a enfrentar su antigua vida heroica en una ciudad controlada por el crimen y en la que existe un solo superhéroe. Este planteamiento, integra la mezcla de géneros, combinando elementos clásicos del thriller negro, la estética pulp y referencias a las historias de superhéroes. Brendan Gleeson asume el rol de antagonista como jefe criminal irlandés, inspirado en el personaje de Silvermane de los cómics. Se presenta así una historia independiente, sin conexión argumental con las películas de Sony Pictures ni la franquicia animada Spider-Man: Into the Spider-Verse.

El elenco lo completan Lamorne Morris (Fargo), Li Jun Li (Sinners), Karen Rodriguez (The Hunting Wives), Abraham Popoola (Slow Horses) y Jack Huston (Boardwalk Empire), junto a Brendan Gleeson (Almas en pena de Inisherin).

También participan intérpretes invitados como Lukas Haas, Cameron Britton, Cary Christopher, Michael Kostroff, Scott MacArthur, Joe Massingill, Whitney Rice, Amanda Schull, Andrew Caldwell, Amy Aquino, Andrew Robinson y Kai Caster. La estrategia de lanzamiento prevé que todos los episodios estén disponibles para su visualización a partir del estreno, permitiendo así a la audiencia acceder de inmediato a la temporada completa.

Una apuesta diferente dentro del universo Marvel

La producción es responsabilidad de la productora estadounidense Sony Pictures Television, diseñada en exclusiva para MGM+ y Prime Video. Harry Bradbeer, reconocido por su trabajo en Fleabag, dirigió y produjo los dos primeros episodios. Oren Uziel (The Lost City) y Steve Lightfoot (The Punisher) actúan como creadores y showrunners, mientras que la concepción de la serie ha contado con la colaboración puntual de Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal, responsables de la exitosa Spider-Man: Un nuevo universo.

La dualidad de formatos de visionado, “Auténtico Blanco y Negro” o “ A Todo Color”, refleja la atmósfera noir que define la serie y recurre a los códigos del cine policíaco de los años treinta. El argumento sitúa a Ben Reilly enfrentando el dilema de reconciliar su presente como investigador privado con una herencia de pasado heroico marcada por una tragedia personal que condiciona su relación con la ciudad. Este enfoque coral y dramático caracteriza a la serie tanto en contenido como en su dimensión técnica.

El diseño artístico y narrativo no replica la estética colorista de la franquicia Into the Spider-Verse, apoyándose en cambio en una ambientación monocromática inspirada en los cómics originales y en una puesta en escena que remite al cine clásico de detectives.

El universo creado por The Big Bang Theory se ampliará este verano con el estreno en HBO Max de Stuart Fails to Save the Universe, una nueva serie derivada que tiene previsto su lanzamiento el próximo julio. El proyecto, anunciado oficialmente en abril de 2023 ha sido presentado durante el evento CCXP México.

En él se reunirá a Kevin Sussman, Lauren Lapkus, Brian Posehn y John Ross Bowie, actores reconocidos por los seguidores de la comedia original. La organización del panel confirmó que Danny Elfman, compositor galardonado con premios Emmy y Grammy y habitual colaborador de películas de Tim Burton, será el autor de la música principal de la serie.

El argumento sitúa al personaje de Stuart Bloom, dueño de la tienda de cómics habitual en la franquicia, como protagonista de una historia en la que debe reparar las consecuencias de un error grave. Bloom rompe un dispositivo creado por Sheldon y Leonard, lo que desencadena involuntariamente un “armagedón multiversal”. El desafío de restaurar la realidad lo lleva a embarcarse en una aventura junto a su pareja Denise, el geólogo Bert y el incómodo físico cuántico Barry Kripke, quienes deberán interactuar con versiones alternativas de personajes ya conocidos.

De qué irá ‘Stuart Fails to Save the Universe’

En la nueva comedia, Stuart fracasa en su misión en cada episodio. Brian Posehn, apuntó que la diversión radica en ver cómo el personaje falla semana tras semana. Kevin Sussman, destacó que cuando terminó The Big Bang Theory, la relación entre Stuart y Denise apenas comenzaba, y ahora los espectadores podrán ver su evolución. Sussman también subrayó el cambio de registro de su personaje, indicando que Stuart asume un papel de liderazgo pero que esta responsabilidad no le resulta sencilla, recalcando que hace lo que puede y que está fuera de su elemento.

Stuart Fails to Save the Universe estará disponible en HBO Max a partir de julio de 2026, según informaron los responsables del proyecto durante el panel de CCXP México, donde se mostró material gráfico por primera vez. La ficción reúne a Kevin Sussman como Stuart Bloom, acompañado por Lauren Lapkus (Denise), Brian Posehn (Bert) y John Ross Bowie (Barry Kripke).

El universo de The Big Bang Theory suma así su cuarto título bajo la producción de Chuck Lorre Productions, en colaboración con Warner Bros. Television. Los creadores y productores ejecutivos son Chuck Lorre, Zak Penn y Bill Prady, vinculados a la franquicia desde sus inicios, una información confirmada por medios estadounidenses. La serie matriz finalizó en 2019 tras 12 temporadas de éxito en CBS. Posteriormente, el ‘spin-off’ El joven Sheldon concluyó su séptima temporada en mayo de 2024, y a finales de ese mismo año comenzó la emisión de El primer matrimonio de Georgie y Mady, enfocada en la relación entre los personajes que interpretaron Montana Jordan y Emily Osment.

Conexiones con ‘The Big Bang Theory’

Durante el panel en México, HBO Max reforzó la promoción a través de sus redes sociales, destacando la mecánica argumental con el mensaje: “Si al principio no tienes éxito, inténtalo en otro multiverso”.

La transición de Stuart Bloom de un rol secundario en The Big Bang Theory al protagonismo en la nueva serie fue uno de los puntos resaltados por los intérpretes en el panel. El personaje, originalmente dueño de la tienda de cómics frecuentada por Sheldon y Leonard, adquiere mayor centralidad en la trama y se enfrenta a los desafíos del desastre ‘multiversal’, lo que genera situaciones cómicas que han sido descritas por el actor principal en declaraciones para The Hollywood Reporter.

La relación sentimental entre Stuart y Denise, apenas insinuada en los episodios finales de la serie madre, se desarrolla y profundiza en esta nueva producción. Asimismo, la presencia de personajes como Bert y Barry Kripke asegura la continuidad y la conexión directa con el universo de The Big Bang Theory.

La producción de Stuart Fails to Save the Universe cuenta con la implicación directa de Chuck Lorre, Zak Penn y Bill Prady como creadores y productores ejecutivos, manteniendo la continuidad y el tono característico de la franquicia. La serie está producida por Chuck Lorre Productions en asociación con Warner Bros. Television.

Se trata de Yo siempre a veces, el debut como creadoras del tándem formado por Marta Bassols y Marta Loza, una ficción de seis episodios que se nutre de sus propias experiencias para narrar la historia de Laura, una madre soltera que busca equilibrar el cuidado de su hijo y su aspiración de independencia, enfrentándose a un mercado laboral incierto y a la carestía de la vivienda en Barcelona.

A través de este proyecto, las creadoras reivindican una visión de la maternidad alejada de estigmas y tradicionalismos, proponiendo un relato auténtico sobre las dificultades y contradicciones inherentes a la conciliación, el deseo de vida propia y las exigencias sociales.

Ser mamá y no tener dinero

Cuenta Marta Loza en una entrevista con Infobae que, después de volver del extranjero y separarse, intentó reubicarse en Madrid, pero se encontraba muy perdida. Estaba al final de la treintena y quería ser mamá pero, al mismo tiempo, no tenía dinero para embarcarse en esa aventura.

Por otro lado, Marta Bassols acababa de ser madre de su segunda niña y también estaba atravesando dificultades, pero no por eso renunciaba a su esencia. El destino las unió y de sus vivencias surgió esta ficción que expone como pocas lo que significa enfrentarse a una serie de retos en los que la responsabilidad y la libertad se ponen de manifiesto a la hora de tener un bebé.

“Yo fui hija de madre separada, mi abuela fue madre soltera. Así que la sombra de las mujeres criando solas siempre ha estado presente. Es un tema que siempre me ha golpeado y sí que había la voluntad de contar esa historia”, cuenta Marta Loza.

Entre el drama y la comedia, pero con estilo propio

La construcción narrativa apuesta por un tono realista, cercano y despojado de glorificación, alternando elementos de comedia y drama, sin edulcorar, poniendo el foco en la maternidad de una generación que debe alquilar viviendas en condiciones adversas y encadenar empleos inestables.

“Queríamos encontrar un tono propio, que no cayera en lugares comunes, que no fuera cine social mustio, que fuera divertida y en que nos pudiéramos sentir libres a la hora de poder jugar con la cámara para que fuera estimulante a nivel visual”, cuenta Claudia Costafreda, directora de algunos de los capítulos de la serie.

El reparto está encabezado por Ana Boga, una actriz debutante seleccionada tras un proceso de ‘street cast’. Según relatan las creadoras, desde el inicio se buscó a una intérprete que fuera madre en la vida real, para aportar más profundidad y experiencia al personaje.

La serie se adentra en los márgenes económicos y afectivos de la maternidad actual. La protagonista, Laura, afronta fases de incertidumbre sentimental y laboral, compartiendo la crianza con el padre del niño, Rubén (interpretado por David Menéndez), pero asumiendo en solitario la mayor parte de las cargas cotidianas.

Así, Laura experimentará una sucesión de contratiempos que servirán para reflejar el difícil acceso a la vivienda y la dificultad de sostener un hogar con salarios bajos, una circunstancia que define a una generación entera.

Una visión de la maternidad ‘desmitificadora’

En contraste con otras representaciones ‘ficcionadas’ de la maternidad, Yo siempre a veces rechaza tanto la ‘mitificación’ del sufrimiento como la demonización de la experiencia materna.

“Creo que tanto en el audiovisual como en la literatura, la representación de la maternidad había quedado relegada a etiquetas muy básicas, a estereotipos, tipo ‘madre abnegada’, de que tu vida cambia y paras todo lo anterior para dedicarte a la crianza. O bien esa otra corriente de las ‘malas madres’, que yo personalmente detesto”, cuenta Marta Bassols. “La protagonista de nuestra película no se arrepentirá en ningún momento de su decisión, así como tampoco se avergonzará de querer seguir viviendo la vida con deseo, con pasión, aunque sea un desastre y se equivoque”.

La apuesta por una presencia mayoritaria de mujeres en el equipo técnico y artístico caracteriza a Yo siempre a veces. Tanto las funciones de guion como de dirección y arte quedan en manos de profesionales femeninas, una decisión intencionada de sus creadoras. En el rodaje, se incorporaron figuras como asesoras de lactancia y conciliación, y se implementaron medidas favorecedoras para madres y personal con hijos pequeños, como horarios flexibles y ambiente “niño friendly”.

La serie encarna una tendencia emergente en la ficción española, la de la ‘comedia de la crianza’ abordada desde la explícita perspectiva de clase y género. ¿Es compatible ser madre con una vida que no se amolda a las convenciones sociales?”. Frente al modelo tradicional de familia y trabajo estable, la narrativa explora si la maternidad puede ejercerse con la misma entrega y amor, manteniendo al mismo tiempo una identidad propia y una vida social activa, en un entorno hostil tanto laboral como sentimental.

De toda la historia de los Premios Goya, Javier Bardem es el intérprete (en categoría masculina y femenina) que más galardones se ha llevado por sus papeles. El hijo de la también actriz Pilar Bardem cuenta con una carrera de más de tres décadas que le ha llevado, incluso, a coronarse con un Oscar al Mejor actor de reparto por su película No es país para viejos. Un logro que ayudó en su momento a que todo el mundo conociera a un actor que, en su país, es considerado como una de las grandes leyendas de su cine.

El último Goya que ganó Bardem se lo llevó, precisamente, con una película que también puede presumir de tener el récord absoluto de nominaciones: un total de 20. Estamos hablando de El buen patrón, cinta que juntó de nuevo al intérprete con uno de sus socios favoritos, Fernando León de Aranoa, con quien ya había rodado Loving Pablo, una película sobre la relación amorosa entre Pablo Escobar y Virginia Vallejo, y Los lunes al sol, donde da vida a un obrero que encadena trabajos precarios para salir a fin de mes.

En cierto modo, El buen patrón podría considerarse como la otra cara de la moneda de Los lunes al Sol. Al fin y al cabo, Bardem da vida al propietario de una empresa a punto de recibir un premio por su excelente labor. Para obtener esta distinción, dicho empresario tratará de solucionar todos los problemas de sus empleados, incluso cuando estos tienen que ver con su vida personal, lo que terminará por reflejar la propia hipocresía del protagonista.

Un empresario basado en hechos reales

Actualmente disponible en HBO Max, donde dejará de poder verse a partir del 1 de mayo, El buen patrón es una sátira de todos esos empresarios que se conciben a sí mismos y a sus empleados como a su familia, a los que da vida un reparto con nombres como los de Manolo Solo, Almudena Amor u Óscar de la Fuente. La génesis del personaje principal tiene raíces reales, según explicó el propio León de Aranoa en entrevistas: “Nace de alguien que conozco, y que tiene una relación con sus trabajadores parecida”, afirmaba para la revista Fotogramas.

La actuación de Javier Bardem, que recibiría por el papel su sexto cabezón del cine español, es fundamental para dar vida a este jefe carismático y manipulador. El actor construye un personaje capaz de retorcer la realidad a su favor, disimulando sus maniobras bajo una apariencia campechana y paternalista. El propio guion aprovecha este contraste para generar situaciones cargadas de humor negro y crítica social, con esas balanzas que se fabrican como la metáfora perfecta: por más que se intente, el equilibrio entre los intereses de la empresa y los derechos de los trabajadores nunca se alcanza.

A pesar de esas 20 nominaciones, El buen patrón finalmente ganó ‘solamente’ seis Goya, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Se quedaría lejos, pues, de Mar adentro, el título que actualmente ostenta el récord de premios, con un total de 14 de las 15 categorías a las que optaba. Posteriormente, esta película, también protagonizada por Bardem, lograría también un Oscar a la Mejor película internacional, marcando otro de los grandes hitos en la carrera del actor.

Si no te suena el nombre de Baltasar Kormákur y tienes Netflix, no te preocupes: muy pronto te va a sonar. El director de cine islandés, famoso por sus películas de supervivencia en las que busca llevar a sus personajes a sus límites físicos y emocionales, se ha colado en el top de la plataforma con una nueva película que, sin pasar por cines, ha desembarcado en la plataforma para convertirse en la más vista en nada más y nada menos que en 89 países.

Hablamos de Depredador dominante (Apex, en inglés), una cinta protagonizada por Charlize Theron y Taron Egerton donde seguimos a Sasha, una mujer que, para superar su duelo, decide adentrarse en la jungla australiana para explotar su faceta más aventurera y deportista. Sin embargo, lo que en un principio parecía una temeraria expedición se convierte en algo mucho más peligroso cuando un asesino la elige como presa, dando comienzo a un juego del ratón.

De fondo, está la selva de las Montañas Azules de Australia, una región llena de bosques de eucaliptos y gargantas recubiertas de bosques templados, conocida sobre todo por ese particular color que adopta el lugar gracias a un fenómeno de la radiación ultravioleta. Depredador dominante se grabó enteramente en localizaciones reales, buscando potenciar una fotografía que acentúa el carácter de supervivencia extrema de la historia que se está contando.

Un reparto de lujo

El éxito de Depredador dominante no se debe solo a su trama, condensada en una película de poco más de 90 minutos. El reparto es, sin duda, otra baza con la que Kormákur ha atraído a millones de espectadores. Al fin y al cabo, se trata del regreso de Charlize Theron al género de las películas de acción, género del que parece haberse convertido en especialista tras éxitos como Mad Max: Furia en la carretera, la saga Fast & Furious o La vieja guardia. En esta ocasión, la entrega de la actriz llegó a tal nivel que se dice que llegó a grabar parte de la película con un dedo del pie roto. Algo alucinante, teniendo en cuenta las escenas que tuvo que rodar.

A este nombre se le une el de Taron Egerton, en un registro muy alejado del cándido héroe que interpreta en Kingsman: Servicio secreto o del tan sensible como estrambótico Elton John de Rocketman. En esta ocasión, su papel será mucho más inquietante, dando vida a un cazador que, más que querer asesinar a su presa, parece disfrutar todavía más jugando con ella. A él se unen, además, otros nombres reconocibles como el de Eric Bana (Troya) o Caitlin Stasey (Smile) para terminar de completar el reparto.

Gracias a todos ellos, Baltasar Kormákur regresa a la senda de otros títulos conocidos de su carrera, como Everest o A la deriva, donde explora cómo la adversidad extrema en los límites del mundo es capaz de transformar a las personas. Parece que la apuesta le ha salido bien: Depredador dominante ya ha superado los 10 millones de reproducciones en su primer día y promete ser uno de los grandes lanzamientos de Netflix este mes.

En 1990, la mansión de West London, donde vivía Freddie Mercury, estaba rodeada por decenas de periodistas de tabloides de todo el mundo montando guardia. El objetivo: saber qué ocurría con el cantante de Queen, al que cada vez se le veía más deteriorado en sus apariciones en público, mientras los rumores de que el legendario vocalista había dado positivo en VIH no dejaban de crecer.

Pero mientras la prensa sensacionalista no dejaba de intentar conseguir la confirmación de la tragedia, los miembros de Queen se cerraron en banda para proteger la privacidad de su cantante. Con el paso de los años, Brian May ha revelado cómo se gestaron las últimas grabaciones del grupo. Según el guitarrista, Mercury era consciente de su final y pidió a sus compañeros que siguieran escribiendo material sin descanso. “Escríbeme cosas, sé que no tengo mucho tiempo. Yo lo cantaré y luego haced lo que queráis con ello”, recuerda May que le dijo en una ocasión su compañero. Esta urgencia dio lugar a Innuendo, un álbum ambicioso que devolvió a la banda a sus raíces justo antes del final.

Un último esfuerzo

Debido a la presión mediática, Queen decidió trasladar su trabajo a los estudios Mountain en Montreux, una ciudad de Suiza famosa por sus vistas al lago Lemán y su Festival de Jazz. La banda ya había trabajado allí varias veces, pero nunca con una necesidad tan grande de refugiarse del mundo. Mercury quería privacidad y, a pesar de su fragilidad física, quiso también centrarse en el trabajo.

Más tarde, el batería del grupo, Roger Taylor, explicaría que esto se debía a que la banda era el motor del cantante para seguir levantándose cada día. Allí grabaron algunos de los temas más emblemáticos de esa última etapa: The Show Must Go On, I’m Going Slightly Mad o These Are The Days Of Our Lives. Todas ellas tendrían una gran acogida dentro de Innuendo, disco tras el cual pediría volver a grabar en los estudios suizos.

Este periodo de trabajo intenso, descrito por los miembros de la banda en el documental Days Of Our Lives, fue una carrera contra reloj. Mercury, apoyado en la mesa de mezclas y animándose con vodka cuando sus fuerzas flaqueaban, registró las que serían sus últimas interpretaciones vocales. Mother Love sería la última canción que el vocalista grabaría, algo que Brian May recuerda como un episodio trágico, ya que su compañero se detuvo antes de terminarla y le dijo: Brian, no puedo más. Me estoy muriendo". May tuvo que cantar la última estrofa años después.

Un proceso “ridículamente doloroso”

Tras la muerte de Mercury, el grupo se enfrentó al reto de dar coherencia a esos retazos de voz. En 1994, May, Roger Taylor y John Deacon se reunieron para dar forma a Made In Heaven (1995). El proceso fue complejo: tuvieron que trabajar sobre las cintas de Montreux y rescatar material previo, como las versiones de I Was Born To Love You o Made In Heaven (originalmente del disco en solitario de Freddie, Mr. Bad Guy), para integrarlas en el sonido característico de Queen.

Brian May reconoce que el proceso fue “ridículamente doloroso”, al tener que pasar meses escuchando la voz de su amigo fallecido. Sin embargo, el guitarrista defiende que completar este álbum fue la forma de ejecutar el testamento musical de Mercury. Al final, el disco no solo fue un éxito de ventas, sino el cierre necesario para que la banda pudiera procesar su duelo y cumplir la última promesa hecha en el estudio.

Puede que, si pensamos a día de hoy en lo que es la filosofía, en seguida acudan imágenes a nuestra cabeza de personas encerradas en las bibliotecas, tratando de desentrañar el mundo con su intelecto. Sin embargo, en la Antigua Grecia, más que un ejercicio intelectual, la filosofía era un manual de entrenamiento para la vida, donde el ser humano era un campo de batalla en el que compiten la razón y nuestros impulsos más innatos.

Aristóteles, uno de los pilares de la filosofía de Occidente, dedicó buena parte de su obra a diseccionar cómo esa ‘competición’ entre lo racional y lo irracional marcaba nuestro carácter, explorando en libros como la Ética a Nicómaco o la Política hasta qué punto decantarnos por un lado u otro significaba actuar bien o mal. En esta búsqueda, el filósofo llegó a una conclusión: “Considero más valiente al que conquista sus deseos que al que conquista a sus enemigos; la victoria más difícil es sobre uno mismo”.

Con estas palabras, Aristóteles nos advertía: puede que derrotar a un adversario externo requiera de fuerza o de estrategia, pero hace falta mucho más para derrotar nuestras propias debilidades, empezando por una honestidad brutal. De este modo, la valentía aquí no se mide por la espada, sino por la capacidad de decir “no” a lo que nos daña. Conquistarse a uno mismo implica reconocer que nuestros deseos más inmediatos a menudo sabotean nuestras metas a largo plazo, así como nuestro desarrollo como seres humanos.

El significado de la frase de Aristóteles

Si alguna vez has estudiado a Aristóteles, sabrás que, para él, el único objetivo que debíamos tener en la vida era ser felices. Ahora bien, para él, no existía felicidad sin virtud, una palabra que él definía como “un hábito selectivo consistente en un término medio relativo a nosotros”. Dicho de otro modo, el famoso “en el equilibrio está la virtud”, aplicado a nuestra capacidad para moderar nuestros propios deseos. Pese a formular la idea hace 2000 años, la frase sigue teniendo vigencia, con tantas situaciones cotidianas que tenemos en las que parece imposible resistirse a determinados contenidos, o simplemente a mantener la calma en ciertos contextos.

El autodominio, pues, sigue vigente. Y no solo eso, sino que, como bien decía Aristóteles, es necesario convertirlo en costumbre. “Somos lo que hacemos repetidamente; la excelencia, entonces, no es un acto, sino un hábito”. Somos lo que somos por quienes somos, pero también por lo que hacemos. Nos define cada una de nuestras acciones, de modo que, para el filósofo, vencer a la pereza o cuidar de nosotros mismos es librar esa batalla interna en la que vamos construyendo nuestro carácter paso a paso.

“El que posee las nociones del bien, pero no las practica, es como el enfermo que escucha atentamente al médico, pero no hace nada de lo que se le prescribe”. La verdadera valentía, para Aristóteles, era operativa: “La inteligencia consiste no solo en tener conocimiento, sino también en la destreza de aplicarlo”. Esa es la inteligencia que debemos poseer cuando más nos tientan nuestros deseos.

De Platón a los filósofos estoicos

Aristóteles no estuvo solo en esta cruzada por el gobierno de uno mismo. El estoicismo, una escuela que surgiría pocos siglos después, llevó esta idea al extremo. Epicteto, el esclavo filósofo, no dudaría afirmar que “ningún hombre es libre si no es dueño de sí mismo”. Asimismo, Platón, maestro de Aristóteles, ya había sentado las bases de este pensamiento en La República al afirmar que “la primera y mejor victoria es la conquista de uno mismo”.

A su vez, el emperador Marco Aurelio (otro nombre famoso dentro del estoicismo) escribía en sus Meditaciones reflexiones que parecen espejos de la cita de Aristóteles, como cuando afirmaba: “Tienes poder sobre tu mente, no sobre los eventos externos. Date cuenta de esto y encontrarás la fuerza”. Para este y el resto de filósofos, pues, la paz interior y la verdadera soberanía personal dependían exclusivamente de nuestra capacidad para gestionar lo que ocurre dentro de la mente y el corazón.

A día de hoy, sabemos que no todo depende de nosotros mismos y que, por supuesto, no debemos responsabilizarnos de todo lo que nos ocurre. Sin embargo, en la actualidad es muy fácil dejarse llevar por todo lo que ocurre a nuestro alrededor y descuidar aquellas cosas que sí dependen de nosotros: nuestros propios actos y decisiones. En este sentido, Aristóteles no puede ser más claro: quien logre dominar sus deseos, alcanzará la forma más pura de libertad que un ser humano pueda poseer.

Poca gente cuestiona hoy la importancia para la historia del cine de Hayao Miyazaki. El director japonés, responsable de obras maestras como El viaje de Chihiro, El castillo ambulante, Mi vecino Totoro o La princesa Mononoke, ha revolucionado el terreno de la animación con películas en las que la complejidad de sus personajes (la mayoría de ellos infantiles) no está reñida con la belleza y el carácter emotivo de las historias que plantea.

A sus 85 años, el director lleva más de medio siglo estrenando películas que, por desgracia, no siempre han recibido el reconocimiento que merecen. Este es el caso de Nicky, la aprendiz de bruja, una película de culto para muchos (sobre todo para los jóvenes de la Generación Z, que crecieron con ella), pero que, a pesar de su increíble historia y la importancia que tuvo en la carrera de Hayao Miyazaki, ha quedado relegada a un plano secundario en la filmografía del cineasta nipón.

En Nicky, la aprendiz de bruja (actualmente disponible en Netflix) nos encontramos con una joven bruja que acaba de cumplir 13 años y, cumpliendo con la tradición, debe abandonar su casa para aprender a valerse por sí misma durante un año. Así, iniciará una travesía junto a su gato Jiji para descubrir el mundo y todo lo que este le depare. Con un ritmo pausado, imágenes preciosas y una banda sonora del mejor Joe Hishaishi, Miyazaki diseña una aventura llena de sutilezas que cambiaría para siempre su forma de contar historias.

Un nuevo tipo de heroínas

Para cuando estrenó esta película, el director japonés ya era toda una celebridad en su país. Tras el éxito de series animadas como Lupin o Sherlock Holmes, pasaría a la categoría de estrella nacional con el estreno en 1984 de Nausicaä del Valle del Viento. Un verdadero hit tras el que Miyazaki fundaría Studio Ghibli, y al que le seguirían otros como El castillo en el cielo (1986) y, sobre todo, Mi vecino Totoro (1988). Eso sí, por aquel entonces no a todo el mundo le gustaban sus películas.

“Tras recibir cartas de mujeres que me criticaban por no describir su situación con claridad, por crear una imagen idealizada de la mujer vista a través de los ojos de los hombres, decidí cambiar mi tipo de heroína”. Paradójicamente, en su próxima película, Nicky, la aprendiz de bruja nos mostraría a su heroína menos heroica: no está destinada a salvar nada, no es perfecta ni poderosa y muchas veces se siente insegura y cansada. A pesar de todo, la acompañamos en su viaje y la vemos, día a día, enfrentarse con coraje a la vida y todos sus obstáculos, mostrándonos una aventura más emocional y psicológica, pero también mucho más emotiva.

Miyazaki buscaba, además, que Nicky se encontrara con “numerosos problemas de las mujeres” de la época, “económicamente independientes, pero no moralmente”. Buena cuenta de ello dan las escenas en las que, de una forma muy sutil, el director aborda los sentimientos amorosos y la sexualización de la protagonista, además de su introducción en el mundo laboral. Esta estrategia cambiaría para siempre el cine del director, que a partir de entonces nos brindaría historias con heroínas mucho más profundas y humanas (Chihiro sería el ejemplo perfecto), dando tanta importancia a sus peripecias como a su evolución psicológica.

El protagonista regresa ahora a la gran pantalla en una nueva etapa, que en 2019 llegó con Javier Rey en carne y hueso con la adaptación de El silencio de la ciudad blanca, dirigida por Daniel Calparsoro. En esta ocasión, al frente del proyecto están Manuel Sanabria y Joaquín Llamas, que han apostado por reinventar el reparto y escoger otra novela de la autora vitoriana: El libro negro de las horas.

“Decidimos empezar de cero y que nuestra adaptación de otra novela, que no es la misma, tuviera virtudes diferentes”, explica Sanabria, autor de Hotel Bitcoin, a Infobae, en referencia a la película basada en la primera novela de la saga. En esta ocasión, el papel de Kraken recae en Alejo Sauras, y el de Esti, en Maggie Civantos, que en su versión previa el papel fue a parar a Aura Garrido, bajo el nombre de Estíbaliz.

En Kraken. El libro negro de las horas, la historia vuelve a desarrollarse en dos tiempos, una de las señas de identidad de la autora. En la Vitoria de 2022, todo arranca cuando Unai López de Ayala, exinspector de policía y especializado en perfiles criminales, recibe una llamada anónima que pone su mundo patas arriba: alguien asegura tener secuestrada a su madre, a quien él daba por muerta desde hace años. A partir de ese momento, y si quiere salvarla, Kraken dispone de solo una semana para encontrar el llamado Libro negro de las horas, una de las siete joyas bibliográficas más exclusivas del mundo. Obligado a abandonar su retiro, inicia junto a su compañera Esti una carrera contrarreloj que lo llevará desde Vitoria hasta el Madrid más oculto del coleccionismo de libros.

La decisión de cambiar al reparto responde, en parte, a la propia naturaleza del proyecto. Ambos directores ya habían trabajado juntos en las series La coleccionista (2025), con Civantos en el reparto, y en Los artistas: primeros trazos (2023), y vieron en esta adaptación una oportunidad para dar un paso más. “Era una película muy grande y nos pareció muy buena opción volver a trabajar conjuntamente. Cuando hay entendimiento personal y profesional, el trabajo en equipo funciona muy bien”, señala Sanabria.

La película combina a actores veteranos con actores que acaban de inaugurar su carrera en la industria. “Es una película muy coral, y nos parecía interesante mezclar actores con mucha experiencia y con una carrera detrás maravillosa, como son Alejo, Natalia y Maggie, y mezclarlo con caras nuevas”, explica Llamas. Entre esas nuevas incorporaciones destacan Martin Urrutia (Mariliendre) y Aitziber Luma, que dan vida a los personajes de Gael, padre de Kraken, e Ítaca, una joven huérfana y pintora prodigio, en la línea temporal del pasado. Ambos fueron seleccionados a través de casting, y, como reconoce el propio Llamas, su elección respondió tanto a sus capacidades interpretativas como a la actitud con la que afrontaron el proyecto.

En el caso de Urrutia, los directores no sabían inicialmente de su faceta como cantante. De hecho, el también actor salido de Operación Triunfo 2023 ha combinado la promoción de su primera película con la de su álbum debut, La insolación, publicado el pasado 10 de abril. “Joaquín y yo ni siquiera sabíamos que Martin era cantante cuando le cogimos. Nos enteramos a posteriori. Y lo que vimos son muy buenas dotes interpretativas por parte de los dos y muchísima ilusión”, admite Sanabria. “Eso era justo lo que buscábamos: mezclar la profesionalidad y la trayectoria de los actores con más oficio con esa ilusión por aprender y por llegar cada día al rodaje que tiene la gente más joven, como Martin e Aitziber”.

Ambos directores coinciden que el thriller es especialmente exigente en su traslación a la pantalla. “Tienes que estar muy atento como director, porque cada ciertos minutos hay que darle un estímulo al espectador”, explica Llamas. “Un thriller es llevar una investigación a la pantalla, y más allá de que haya buenas interpretaciones, una fotografía bonita y una música preciosa, tienes que conseguir que el espectador esté todo el rato atento", explican, cuyo mayor reto ha sido “reproducir la época”. “Aunque los años setenta para mucha gente quedan lejos, para otros no; es una etapa que se ha vivido y la gente tiene recuerdos, con lo cual es más difícil reproducir los años ochenta que el siglo XIV. Contamos con un equipo de arte que ha hecho un trabajo espléndido”, afirman.

En búsqueda del comienzo de una saga

A esa exigencia se suma una dificultad añadida: adaptar una novela que cuenta con millones de lectores. “No puedes decepcionar con la resolución, sobre todo cuando hay mucha gente que ya conoce la historia”, apunta Sanabria. El resto está, por tanto, en “respetar el espíritu de la novela y, sobre todo, no traicionar a los lectores”.

En ese proceso, las diferencias entre literatura y cine se hacen inevitables. “Cuando lees un libro, la película la montas en tu cabeza; cuando vas al cine, ya está montada”, resume el realizador, aunque señalan que los guionistas, Juan Carlos Cueto y Rocío Martínez, han conseguido “una película muy fiel a la novela”.

Con Kraken. El libro negro de las horas, los directores no ocultan su intención de que esta nueva etapa pueda convertirse en el inicio de una saga cinematográfica. La autora publicó en 2023 El ángel de la ciudad, también con la editorial Planeta. “Nosotros queremos, pero la respuesta la tiene el público”, reconocen. “Miramos con cierta envidia cómo en Estados Unidos franquician superhéroes, policías, de todo. Incluso la novela negra sueca, que es un poco referente de la novela que se hace aquí también y la llevan a la pantalla. Creemos que el mundo de Kraken también podría ser una serie”, afirma Llamas. “En el cine español sí ha habido sagas de comedia, como Torrente o Padres no hay más que uno, pero no hay sagas de thriller como en otros países. Eso sería bueno", finalizan.

Turno de noche se ambienta en unas instalaciones gubernamentales donde dos vigilantes nocturnos descubren un hongo alienígena supercontagioso que llevaba décadas olvidado tras un accidente espacial. La amenaza biológica se reactiva y desata el caos, involucrando a un equipo de especialistas en bioterrorismo encabezado por Liam Neeson y a una pareja de jóvenes guardias interpretados por Joe Keery y Georgina Campbell. A partir de ahí, la película propone un ritmo acelerado y una sucesión de situaciones extremas que alternan el horror corporal y el gore con secuencias de comedia y romance inesperado.

El guion de David Koepp se apoya en hechos científicos documentados, como el comportamiento del hongo cordyceps, conocido por invadir el sistema nervioso de insectos y manipular sus acciones. Koepp explica, en declaraciones recogidas por The Hollywood Reporter, que la premisa surgió tras leer sobre parásitos capaces de modificar el comportamiento de sus huéspedes: “Me pregunté qué ocurriría si una mutación permitiera que este hongo afectara a humanos. Esa idea fue el germen de la novela y la película”. La producción, respaldada por Gavin Polone —productor de Bienvenidos a Zombieland—, ha reunido a un equipo técnico experimentado en el género. Jonny Campbell, que previamente dirigió la miniserie Drácula y episodios de Westworld y Doctor Who, aporta su sello a una historia que oscila entre la autoparodia, el suspense y la acción. En palabras de Campbell recogidas por Variety, “Turno de noche mantiene el tono irreverente de Drácula, pero va más allá, apostando por sorprender al público con cada giro de la trama”.

La (nueva) invasión de los ultracuerpos

La película arranca con un accidente de una nave espacial que transporta muestras biológicas y termina estrellada en el desierto australiano, una secuencia inspirada en el reingreso real de la estación Skylab en 1979. El guion plantea la hipótesis de que una muestra alienígena quedó olvidada en instalaciones subterráneas que, años después, pasan a manos de una empresa de vigilancia. El desencadenante es el hallazgo accidental del hongo por parte de Teacake (Keery) y Naomi (Campbell), quienes empiezan a investigar tras escuchar una alarma persistente en las paredes del almacén.

Uno de los puntos fuertes de la película reside en el tratamiento visual del horror biológico. El filme introduce criaturas como el “rey de las ratas”, inspirado en leyendas urbanas y hallazgos reales de roedores con colas anudadas, y un gato mutante llamado Mr. Scroggins, que se convierte en uno de los ejes de la trama. El diseñador de efectos especiales, Dave Elsey, contaba que el proyecto supuso un reto por la diversidad de mutaciones y escenas de transformación, muchas de las cuales fueron resueltas mediante efectos prácticos y maquillaje prostético. El rodaje se realizó entre Marruecos —que simula el desierto australiano— y los estudios Tiburtina en Roma, donde se recrearon las instalaciones militares subterráneas. Además, parte de las escenas clave se filmaron en un búnker real construido durante la Segunda Guerra Mundial en las afueras de la capital italiana, aportando realismo a los laberínticos pasadizos por los que deambulan los protagonistas.

De la estrella de moda a leyendas de la interpretación

Joe Keery, conocido por su papel en Stranger Things, destaca en la piel de un vigilante que intenta dejar atrás un pasado problemático. “Teacake es un personaje que busca redención. Tiene fama de irresponsable, pero la emergencia le obliga a dar lo mejor de sí”, afirmaba el actor en una reciente entrevista. Por su parte, Georgina Campbell interpreta a Naomi, una madre soltera que aprovecha el trabajo nocturno para compaginar sus estudios de veterinaria y el cuidado de su hija. Ambos actores han mencionado la química inmediata que surgió durante el rodaje, un elemento que la dirección supo potenciar para dotar de naturalidad a la relación central del filme.

La dinámica generacional se refuerza con la presencia de Liam Neeson y Lesley Manville, quienes encarnan a dos veteranos que deben colaborar con los jóvenes para frenar la expansión del hongo. “Quinn y Romano tienen una relación de confianza forjada por años de trabajo conjunto. El reencuentro de ambos actores en pantalla aporta verosimilitud a la dupla”, explicaba Campbell en una entrevista para The Hollywood Reporter, dentro de un reparto en el que también destaca la participación de la leyenda británica Vanessa Redgrave. El guion de Koepp se caracteriza por los diálogos ágiles y el humor negro que atraviesa situaciones de alto riesgo. Según los protagonistas, la película encuentra un equilibrio entre la parodia y la tensión, sin perder de vista el desarrollo de los personajes. “Es una historia sobre personas comunes enfrentadas a lo extraordinario, con reacciones reales y sin concesiones al heroísmo convencional”, resumía Georgina Campbell.

La base científica de la trama representa otro de los atractivos del filme. Koepp realizó una investigación exhaustiva sobre los mecanismos de contagio y mutación de los hongos, en particular del género cordyceps, conocido por su capacidad de manipular insectos y expandirse mediante esporas. El autor subraya la proximidad entre la ficción y los riesgos potenciales del cambio climático y el deshielo de materiales biológicos almacenados bajo tierra. Según sus palabras recogidas por Variety, “cuanto más documentada está una premisa, más creíble resulta para el espectador”. La película tira de referentes clásicos del género como La cosa de John Carpenter, La invasión de los ultracuerpos o Temblores con una estética contemporánea y guiños a la cultura pop de los años ochenta. La producción cita entre sus fuentes de inspiración el cine de aventuras subterráneas y el body horror, sin renunciar a momentos de ternura ni a la espectacularidad de los efectos visuales.

La película puede ser la propuesta más diferente por su tono, mientras que como terror puro se mantiene estos días La momia de Lee Cronin. Tanto el director como los actores han enfatizado el carácter disfrutable del filme, que tan bien rima con sus referentes ochenteros, y la importancia de la experiencia compartida entre público y pantalla. “Una historia así merece ser vivida en comunidad, con risas y sustos que se contagian”, manifestaba Liam Neeson. En definitiva, Turno de noche es una de las apuestas más audaces de la temporada para el público aficionado al terror, el humor negro y la ciencia ficción, con un reparto multigeneracional y un equipo creativo que combina experiencia y riesgo narrativo, en una lección de por qué cuanto más verosímil es la historia, más miedo puede generar en el espectador.

Amazon Prime Video ha decidido cancelar Gen V, el spin-off ambientado en el universo de The Boys, tras solo dos temporadas emitidas. La noticia fue confirmada por los productores ejecutivos Eric Kripke y Evan Goldberg, quienes aseguraron que, aunque la serie no continuará, los personajes tendrán presencia en la quinta temporada de The Boys y en futuros proyectos del llamado VCU. La plataforma informó que la decisión se tomó tras el cierre de la segunda temporada, emitida entre septiembre y octubre de 2025. Según un portavoz con conocimiento de la situación, los jóvenes superhéroes de Gen V aparecerán en los próximos episodios de la quinta y última temporada de The Boys. Además, se contempla su participación en nuevas series dentro del universo de Vought, aunque no se han anunciado detalles adicionales.

La cancelación de Gen V pone fin a una de las apuestas más destacadas de Amazon Prime Video en la adaptación de cómics para televisión. El anuncio se da en un contexto donde la franquicia de The Boys se prepara para un cierre definitivo en su quinta temporada, consolidando así el futuro del universo VCU con nuevas propuestas y el cierre de algunas de sus producciones más exitosas. Los productores ejecutivos Eric Kripke y Evan Goldberg expresaron su agradecimiento a los seguidores y al elenco, destacando que, aunque les habría gustado continuar con una tercera temporada, la historia de los personajes de Gen V seguirá viva en otros proyectos. “Estamos comprometidos a continuar las historias de los personajes de Gen V en la temporada 5 de The Boys y en otros proyectos del VCU que están en el horizonte. Los verán de nuevo”, indicaron en un comunicado.

Esta decisión marca un punto de inflexión para la franquicia. Los personajes principales, que lograron captar la atención de la audiencia juvenil, no desaparecerán, sino que encontrarán nuevas oportunidades dentro del universo creado a partir del cómic original de Garth Ennis y Darick Robertson. El desempeño de Gen V en términos de audiencia fue destacado en su estreno. Durante la primera semana de la segunda temporada, que debutó con tres episodios en septiembre de 2025, la serie acumuló 424 millones de minutos vistos, lo que la posicionó en el octavo lugar del ranking de originales en streaming de Nielsen. Esta cifra representó el mayor registro semanal en la historia del programa, con dos tercios de la audiencia correspondiente al segmento de adultos entre 18 y 49 años.

La historia detrás de la cancelación

Sin embargo, tras este pico inicial, Gen V no logró mantenerse de forma sostenida en el top 10, reapareciendo solo una vez más en ese listado durante la segunda temporada. Esta fluctuación en el interés de la audiencia pudo haber sido un factor considerado por Amazon Prime Video en la decisión de no renovar el programa. Gen V situaba su trama en la ficticia Godolkin University School of Crimefighting, una institución donde jóvenes superhéroes —conocidos como “supes”— se entrenan con la esperanza de ser seleccionados para ingresar a The Seven, el grupo de élite de Vought International.

El elenco principal incluía a Jaz Sinclair, Lizze Broadway, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh, Asa Germann, Sean Patrick Thomas y Hamish Linklater. La serie combinaba elementos de sátira social, acción y drama adolescente, presentando nuevas perspectivas sobre la vida de los superhéroes en formación y sus dilemas éticos frente al poder y la fama. Con el cierre de The Boys en su quinta temporada y la cancelación de Gen V, el único proyecto confirmado en el horizonte es el spin-off titulado Vought Rising. Esta nueva serie explorará los orígenes de Soldier Boy (interpretado por Jensen Ackles) y Stormfront (Aya Cash) en la década de 1950, y está programada para estrenarse en 2027. Se prevé un adelanto de Vought Rising durante la última temporada de The Boys. La decisión de Amazon Prime Video refleja la evolución de sus estrategias de contenido y marca el cierre de una etapa para los seguidores del universo de The Boys.

“Desarrollé la película con mi coguionista Louise Peter. Pasamos un verano en la granja en la región del Altmark, donde transcurre la historia. Al principio teníamos en mente una historia distinta, pero durante las veladas, hablando, tomando una copa de vino, empezamos a preguntarnos quién había vivido en aquella granja, qué vidas habían atravesado aquellas paredes. Nos dimos cuenta muy rápidamente de que cualquier intento de escribir un relato estructurado, una trama, acabaría fracasando. Un poco como si el propio lugar se resistiera a formar parte de una narración clásica”, cuenta la propia Schilinski, quien se dio a conocer con Dark Blue Girl, en la que exploraba la historia de amor de una pareja de vacaciones en una isla del Mar Egeo.

En El sonido de la caída se narran las historias de cuatro mujeres jóvenes en épocas distintas. La adolescencia de Alma, Erika, Angelika y Lenka transcurre en la misma granja en el norte de Alemania. La casa va transformándose a medida que pasan los decenios, pero el eco del pasado resuena entre las viejas paredes. A pesar de los años que las separan, sus vidas parecen reflejarse. Cuatro historias aparentemente distintas pero conectadas por un lazo invisible pero muy fuerte que ilustra la identidas femenina alemana y su evolución con el paso del tiempo. “Quisimos explorar la simultaneidad de las temporalidades – el momento en que, en un mismo sitio, una persona vive una experiencia banal mientras que otra pasa por algo esencial, incluso existencia".

Una estética única en los tiempos que corren

Quizá lo que diferencie a El sonido de la película de otras películas actuales, más allá de su peculiar planteamiento, sea su propuesta visual. Una fotografía que retrotrae a otros tiempos y que captura como ninguna la belleza y extrañeza del paisaje rural de la Alemania del Norte en la que se rodó la película. “La cámara casi se convierte en otro personaje, otra mirada, pero nunca se sabe a quién pertenece. Capta algo exterior que los personajes perciben de pronto, como si se sintieran observados. También queríamos imágenes muy claras, puras. Francesca Woodman fue una importante inspiración para nosotros, sus fotografías de cuerpos borrosos, casi fantasmales, comunican una atmósfera flotante que siempre me ha fascinado”, explicaba la directora, quien colaboró estrechamente con su director de fotografía Fabian Gamper para conseguir ese distinguido aspecto visual.

“Además, me parecía esencial evocar el velo que cae sobre los recuerdos con el paso del tiempo. Usamos diversas perspectivas, trabajamos mucho con la steadycam, incluso con un estenopo, con el fin de acentuar la sensación de extrañeza y de disociación. La cámara se convirtió en una extensión del cuerpo”. Desde esta semana los espectadores españoles ya pueden disfrutar en cines de una película tan especial, misteriosa e hipnótica como han definido quienes ya han podido verla. Más allá de compartir el premio con otro título que conquistó las salas el año pasado como Sirat y que ha tenido gran recorrido fuera de nuestro país, El sonido de la caída hace el camino inverso dispuesta sobrecoger con su historia de mujeres a través del tiempo y hacer que se siga la pista de Mascha Schilinski, quien promete ser una de las nuevas grandes voces del cine de autor alemán.

La película Michael es el nuevo biopic que acaba de llegar a cines y que busca narrar la vida y el legado de Michael Jackson, uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. Dirigida por Antoine Fuqua y realizada con el respaldo de la familia Jackson, la cinta recorre desde los años iniciales del cantante en los Jackson 5 hasta su consolidación como estrella global, incluyendo los episodios más celebrados y controvertidos de su carrera. El estreno de la película ha generado una fuerte expectativa y una oleada de debates entre fanáticos y críticos, tanto por su aproximación narrativa como por la presencia de figuras reales en la producción. En este contexto, Víctor Amorín, divulgador musical conocido por su trabajo en el canal Music Radar Clan, publicó un extenso hilo en redes sociales donde analiza de manera detallada los errores históricos y las limitaciones musicales de Michael, aportando una perspectiva crítica desde su especialización en divulgación biográfica y musical.

Para Amorín, Michael es un biopic “correcto” pero excesivamente “simplista”, alineado con la tendencia de los filmes musicales recientes que sacrifican profundidad en favor de una estructura narrativa más accesible. El experto destaca que la película no logra alcanzar la riqueza ni el desarrollo dramático que mostraron biopics previos como los dedicados a Johnny Cash, James Brown o Ray Charles. Subraya que los personajes en Michael son superficiales, con personalidades rígidas y poca evolución, lo que impide captar la complejidad de una vida tan singular como la de Jackson. Amorín sostiene que el filme presenta un “compendio de personajes simples, poco profundos, con personalidades muy marcadas que apenas evolucionan... Creo que no le hace del todo justicia a una historia que pudo ser apasionante”. Esta debilidad, advierte, es común a producciones recientes como Elvis o Bohemian Rhapsody, donde las historias tienden a simplificarse, perdiendo matices esenciales para comprender la trayectoria de los músicos retratados.

Más precisa de lo que se ha dicho

En cuanto al rigor histórico, el divulgador defiende que la película es más precisa de lo que muchos críticos han sugerido. Sin embargo, señala que la omisión de etapas fundamentales limita el entendimiento del público sobre el contexto en que Michael Jackson desarrolló su carrera. Entre estas ausencias destaca la falta de profundidad sobre la decadencia de la Motown antes de la llegada de los Jackson 5, así como su posterior resurgimiento con el grupo familiar. Amorín considera que esta etapa habría enriquecido la narrativa y permitido al espectador comprender mejor la dimensión del fenómeno Jackson. El análisis también apunta a la representación de las relaciones familiares, que en la película se abordan de forma insuficiente. Amorín denuncia que la complejidad y los cambios en la relación entre los miembros de la familia Jackson están poco desarrollados, y que personajes como las hijas quedan relegados a un papel secundario. Además, cuestiona que la película no ahonde en el impacto del “régimen de terror” impuesto por el padre (Colman Domingo) ni en los conflictos internos derivados del éxito y de la salida de Michael como solista.

Otro aspecto controvertido señalado por Amorín es la manera en que los personajes vivos han influido en el relato, interviniendo para suavizar su imagen y exculparse. “Hay a veces más lavado de cara y autoexculpación de los que están vivos que del artista muerto”, resume el divulgador, para quien la producción perdió la oportunidad de ser más pragmática y respetuosa con la historia real. Una de las críticas más severas se dirige al tratamiento del personaje de John Branca (Miles Teller), descrito como una “aberración” y objeto de manipulación narrativa. Amorín admite que Branca jugó un papel relevante para la familia y para Michael, pero insiste en que fue una figura “manipuladora y mezquina”, central en la decadencia del artista. Según el experto, la película omite los aspectos más oscuros y decisivos de esta relación, simplificando un vínculo crucial para la vida de Jackson.

El biopic, además, deja de lado aspectos musicales y creativos esenciales para entender el fenómeno Michael Jackson. El divulgador lamenta la escasa atención al impacto de la trilogía Off the Wall, Thriller y Bad, así como la falta de desarrollo sobre el rechazo inicial de la industria y la crítica, que tardaron en reconocer el valor artístico del cantante. Para Amorín, el filme tampoco explora adecuadamente los procesos creativos y de grabación de Jackson, quien, sin formación musical formal, trabajaba en el estudio de maneras radicalmente distintas a otros artistas. Las observaciones de Víctor Amorín ponen en cuestión la tendencia de los biopics musicales a sacrificar complejidad y rigor por fórmulas narrativas simplificadas, y abren el debate sobre la responsabilidad de este tipo de películas al retratar figuras del calibre de Michael Jackson.

Sobre la omisión de los abusos

Respecto al tema de las denuncias y supuestos abusos, Amorín entiende la decisión de dejarlo al margen. Argumenta que gran parte de la sociedad, especialmente en Estados Unidos, todavía no está preparada para una reflexión objetiva y rigurosa sobre el asunto, tras décadas de sensacionalismo y desinformación que marginaron a Jackson incluso después de demostrarse su inocencia. Critica a medios y periodistas, como Rolling Stone, por su resistencia a revisar años de cobertura sensacionalista, y considera que la película evita “carnaza” y juicios superficiales.

Sobre la representación de Jackson, Amorín descarta la idea de que el filme lo retrate como un “santo” o un personaje excéntrico. Sostiene que, en la etapa que cubre la película, Michael era realmente una persona humilde, centrada en su carrera y dedicada a labores de caridad y ayuda humanitaria. “Iba a hospitales de niños con cáncer, abrió y mantuvo centros de niños sin hogar, llevó cenas a centros de mayores y cenó con ellos”, relata Amorín, quien recalca que muchas de estas acciones no recibieron publicidad, pero están documentadas en biografías serias.

No obstante, el divulgador lamenta que el filme se quede corto incluso en el retrato de su labor benéfica, y señala que parte del público busca “ver carnaza” y juzgar sin documentación. Añade que la película ha servido como catarsis para los fans de Jackson, quienes durante años fueron ridiculizados y ahora encuentran en este estreno una reivindicación necesaria. Por último, Amorín recomienda ver Michael como una experiencia disfrutable y emotiva, aunque no sea la mejor vía para conocer a fondo a un personaje tan complejo. Aun así, considera que la película logra un objetivo relevante: devolver a Michael Jackson una imagen más humana, algo que, según él, la sociedad sigue necesitando.

La actriz Helena Bonham Carter ha abandonado el rodaje de la cuarta temporada de The White Lotus, la exitosa serie de HBO creada por Mike White. La noticia se conoció poco después de iniciada la filmación en la Riviera Francesa, donde la actriz británica había comenzado a rodar sus primeras escenas. Según fuentes internas citadas por el insider Jeff Sneider, “simplemente no era la adecuada” para el papel, motivo por el cual el personaje será reescrito y recasteado en las próximas semanas.

La salida de Helena Bonham Carter se produce tras apenas una semana de trabajo en el set. HBO confirmó que el personaje para el que había sido seleccionada no logró encajar con la visión creativa del equipo. “Con el rodaje apenas iniciado, se hizo evidente que el personaje que Mike White creó para Helena Bonham Carter no encajaba una vez en el set”, declaró un portavoz de HBO al medio Deadline. Según la cadena, el rol ha sido replanteado, está siendo reescrito y será recasteado próximamente.

La decisión de apartar a Bonham Carter implica un cambio significativo en la producción de la cuarta temporada, ya que se trataba de un papel central en la historia. Mike White, creador y director de The White Lotus, suele ser meticuloso en la selección de su elenco. En este caso, Carter era la primera opción del equipo de producción y encabezaba la lista de deseos para la nueva entrega, ambientada durante el Festival de Cannes. El insider Jeff Sneider, que difundió la noticia a través de sus redes, afirmó que HBO decidió recastear el papel de Helena Bonham Carter tras solo una semana de rodaje, justificando la medida con la frase: “Simplemente no era la adecuada”. Esta declaración refuerza la versión de que la decisión responde a cuestiones creativas y no personales. El ajuste se da en un contexto donde la serie ha destacado por su rigurosa dirección de casting y la búsqueda de intérpretes que se adapten con precisión a los personajes creados por White.

Así avanza el rodaje

La producción de la cuarta temporada de The White Lotus no se detiene a pesar de la baja de Bonham Carter. El equipo ha reestructurado el calendario de filmación para centrar las escenas en el resto del reparto, mientras se realiza la búsqueda de una nueva actriz para el rol vacante. La logística de la serie, que reúne a todo el elenco en una única locación durante el rodaje, facilita los ajustes necesarios en la agenda. El elenco confirmado para la nueva temporada incluye nombres como Vincent Cassel, Steve Coogan, Caleb Jonte Edwards, Dylan Ennis, Corentin Fila, Ari Graynor, Marissa Long, Alexander Ludwig, Chris Messina, AJ Michalka, Kumail Nanjiani y Nadia Tereszkiewicz. Entre los actores adicionales figuran Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Heather Graham, Max Greenfield, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Rosie Perez, Ben Schnetzer y Laura Smet.

La cuarta temporada de The White Lotus está ambientada en la Costa Azul, con escenarios principales en el Airelles Château de la Messardière en Saint-Tropez, rebautizado como el White Lotus du Cap, y el Hôtel Martinez como el White Lotus Cannes. Las grabaciones incluyen locaciones en Cannes, Saint-Tropez, Mónaco y París, aunque la trama se mantendrá centrada en la Riviera Francesa. El proceso de recasting para el papel dejado por Bonham Carter se desarrollará durante las próximas semanas. Mientras tanto, la producción sigue adelante bajo la dirección de Mike White, quien también está a cargo del guion de todos los episodios. Junto a él, los productores ejecutivos David Bernad y Mark Kamine supervisan que los cambios no alteren el ritmo del rodaje ni la cohesión del proyecto.

Este recasting es inusual para The White Lotus, ya que la serie se ha caracterizado por la estabilidad de su elenco y la continuidad creativa entre temporadas. Sin embargo, la decisión busca preservar la integridad artística del proyecto, asegurando que cada personaje se corresponda plenamente con la visión del creador. La expectativa en torno a la cuarta temporada de The White Lotus sigue siendo alta. La salida de una actriz del calibre de Helena Bonham Carter añade un elemento inesperado a la producción, cuya fecha de estreno aún no ha sido anunciada. El proceso de selección de la nueva intérprete será seguido de cerca por la industria y los seguidores de la serie, atentos al rumbo que tomará la exitosa franquicia de HBO.

La película, se presentó en el pasado Festival de Málaga y cuenta la historia de Hilario (Marcel Borrás) un escritor que no ha conseguido publicar una novela que lleva preparando nueve años y que se siente frustrado mientras trabaja en una librería. Tiene cuarenta años, vive en un piso compartido con estudiantes, se encuentra atrapado en un bucle vital de lo más nocivo.

Junto a él, encontraremos un crisol de personajes que lo acompañarán en su camino, su amigo Pabli (Lorenzo Ferro, al que descubrimos en El ángel, de Luis Ortega), la dueña de la librería, Andrea (Adelfa Calvo), el bohemio Toni (Julián Villagrán) o el autor consagrado Hugo Valmayor (Secun de la Rosa). Una noche, Hilario conocerá a una chica, Carolina (Silma López), a la que le otorgará el poder de una musa, aunque ella, lo que quiera, sea una relación normal.

Hombres inseguros y mujeres fuertes

Podríamos considerar Casi todo bien como una comedia romántica, o ‘antirromántica’. Entre ambos términos estaría la cosa, según los propios directores, que visitaron el plató de Infobae. “Las comedias con las que nos criamos parecía que los protagonistas tenían que terminar juntos al final y nosotros queríamos revelarnos un poco contra eso, ser un poco más realistas y honestos”, cuenta Rafael López Saubidet.

Y es que, en realidad, el personaje de Hilario, no pondrá las cosas fáciles al espectador para que le caiga especialmente bien. Está tan obsesionado con su propio mundo que no se da cuenta de las cosas ni de la gente que tiene a su alrededor. “Él es un poquito extremo, pero es algo que todos tenemos un poco, que nace de la inseguridad y que lo convierten en un tipo rebuscado y problemático”, dice Andrés Salmoyraghi. “Sigue agarrado a la adolescencia, es un inmaduro y no sabe cómo ser una persona adulta, lo que lo termina convirtiendo en un pequeño monstruo”, añade López Saubidet.

Frente al personaje de Hilario, tenemos al de Carol, que claramente es una subversión del concepto ‘Manic Pixie Dream Girl’ que se acuñó en la comedia romántica de los años 2000, el de la chica pizpireta que ponía patas arriba la vida del protagonista. Carol no quiere ser la musa de nadie, y le pondrá las pilas a Hilario. “No queríamos caer en ese cliché, queríamos que la chica fuera otra cosa, que le dijera: yo no soy como tú quieres que sea”. Es una especie de crítica a ese concepto de musa en el que no creemos en absoluto.

Una historia sobre el fracaso y la precariedad

La película aborda el fracaso, el intentar las cosas con todas las fuerzas y darse de bruces una y otra vez con la misma piedra. “En realidad, el mundo creativo o artístico es muy precario. Hay un montón de gente que lucha por conseguir algo y muy pocos lo consiguen. Así que lo que nos interesaba era explorar qué pasa si no lo logras, si no logras publicar un libro, hacer una película, montar tu primera exposición. Porque es lo normal y son personas igual de valiosas, con experiencias muy potentes. Eso pasa en realidad en todas las profesiones, no siempre puedes alcanzar aquello que te propusiste y bueno, no pasa nada”.

En la película, Hilario tendrá una especie de bloqueo que tiene que ver mucho con la mítica frase de John Waters: “Si vas a casa de alguien y no tiene libros, no te lo folles”.

“Queríamos subvertir un poco esa frase, que es buenísima, dice López Saubidet. ”Pero, yo estoy más con María Pombo que con John Waters, creo que leer no te hace mejor persona. Está claro que sería estupendo si la gente leyera, pero no me parece que sea el fin del mundo si no lo hace. Y de eso un poco también va la película", continúa. “Que leas no te hace mejor persona que los demás”, dice Salmoyraghi.

Sin ánimo de comparar al rey del pop con el director de La semilla del diablo, lo cierto es que la premisa de este biopic se presta a ello. No solo acota deliberadamente la historia del cantante para dejar fuera todos los momentos oscuros de su carrera, sino que busca deliberadamente suavizar y encumbrar los momentos que sí escoge para mostrar. Lo bueno es que en el cine, como en muchos otros artes, lo que no se muestra también dice algo, y Michael está llena de omisiones que revelan la propia naturaleza que pretende ocultar a toda costa, desde la verdadera relación de Jackson con sus padres como su influencia en la música popular desde los años 80, sin duda uno de los grandes debes del filme.

La película arranca en Gary, Indiana, a finales de los 60, donde la humilde familia Jackson cuenta con su propia banda, The Jackson 5. El más pequeño de ellos, Michael, parece ser el único incapaz de seguir el ritmo impuesto por el padre, Joseph Jackson (Colman Domingo), quien somete a sus chicos a exhaustivos ensayos y se ensaña especialmente con Michael. Tras fichar por el sello discográfico Motown Records y convertirse en una de las voces más especiales del mundo, el joven Michael comienza a meditar la idea de abandonar el grupo y formar una carrera en solitario, pero la alargada sombra de su padre aún pesa sobre sus hombros.

Un villano para un cuento de hadas

La premisa de la película basta para hacerse una idea de en torno a qué está articulada la película, y no es otra que el personaje de Colman Domingo, padre de Michael en la ficción. Un antagonista silencioso pero siempre presente, y que es en realidad quien delimita la cronología de la película, pues no en vano esta concluye precisamente cuando Michael termina ese viaje de liberación de su figura paterna, que encuentra antes en su guardaespaldas Bill Bray (KeiLyn Durrel Jones). La consecuencia directa es que Joseph Jackson ejerce de agujero negro que absorbe toda la incomodidad y maldad de la película, al tiempo que Michael es descrito como un personaje eminentemente blanco y puro, sin apenas aristas.

Al contrario que otros biopic de la ya larga lista de los últimos años, desde Bohemian Rhapsody hasta Springsteen: Deliver Me From Nowhere, pasando por Elvis o A Complete Unknown sobre Bob Dylan, Michael no tiene altibajos ni claroscuros. Hay una figura casi divina solo empañada por su padre, pero no es una historia de auge y caída, pues en ningún momento se ve una caída como tal. Solo una retahíla de escenas inconexas de animales y visitas a niños terminales para reafirmar la idea de que Michael era una suerte de Peter Pan fruto de su pasado. En definitiva, la película se parece mucho más al cuento de hadas con el que se muestra a Michael tan embelesado -clásicos Disney, cine de Charles Chaplin y demás cortos animados- que a un biopic al uso, y se señala a estos referentes poco menos que como influencia directa antes que el productor Quincy Jones o la verdadera visión original que poseía el propio cantante.

Exhibiendo repertorio

Si hay dos cosas a rescatar de Michael son, por un lado, el propio encargado de dar vida al mito, el sobrino del cantante Jafaar Jackson, quien en su debut cinematográfico da una convincente interpretación sin caer en manierismos, en un papel que podía prestarse mucho a la parodia. Por otro, la exhibición de repertorio del cantante, desde sus primeros temas con The Jackson 5 al disco cumbre Thriller, del cual hay varios temas con la suficiente fuerza como para construir escenas, desde Beat It y su batalla de bandas a la propia Thriller en uno de los pocos momentos en los que se muestra al Michael más genio artístico, cameo de John Landis incluido.

No será un biopic al uso por sus decisiones argumentales y de tono, pero desde luego es musical y son sus momentos musicales los mejores, aunque solo sea por recordar esas canciones y recrearse con la coreografía del rey del pop, fantásticamente recreada. Solo cabe preguntarse si esta fórmula que emprendió Bohemian Rhapsody durará mucho más o si los espectadores pronto se empezarán a hacer preguntas. Las mismas que despierta este atípico biopic, tan lustroso sobre el escenario como vacío fuera de él, embelesado por el ídolo y desinteresado en la persona humana detrás de él. Haya o no una continuación, no parece que en ella vayamos a ver al verdadero Michael.

Michael experimentó modificaciones drásticas tras el rodaje inicial. El tercer acto del filme fue descartado por completo y requirió regrabaciones. Según la información difundida, el guion original abordaba la demanda de 1993 contra Michael Jackson por abuso sexual infantil, acusaciones que el cantante siempre negó. Sin embargo, los productores detectaron después una cláusula en el acuerdo judicial con el denunciante que prohibía cualquier mención o representación del caso en cine o televisión. Este hallazgo legal forzó la reescritura y eliminación de escenas asociadas, lo que impactó también en la presencia de personajes vinculados al entorno del cantante durante ese periodo. Aunque Kat Graham no especificó si su personaje fue eliminado directamente por este conflicto, la coincidencia temporal sugiere que la exclusión de Diana Ross responde a las mismas restricciones legales. La película tampoco incluye a Janet Jackson, hermana del artista, como personaje, señal de la cautela con la que se abordaron relaciones y figuras claves de la vida del músico.

Poco antes del lanzamiento oficial, Kat Graham recurrió a las redes sociales para anticipar al público los cambios. En su comunicado, expresó que “algunas escenas, incluidas las que filmé con un elenco increíble, ya no estarán en la versión final”. La actriz manifestó su agradecimiento al equipo de producción por intentar conservar la integridad de la historia a pesar de estos ajustes forzados. La ausencia de Diana Ross en el corte definitivo representa una omisión notable, dado el peso histórico de la cantante en la trayectoria de Michael Jackson y la industria musical. Ross fue pieza clave en la carrera temprana de Jackson, y su exclusión modifica el retrato del entorno artístico que rodeó al Rey del Pop.

Cambios en el guion y regrabaciones tras problemas legales

El equipo creativo de Michael atravesó una etapa de reescrituras y reshoots a raíz de las restricciones legales encontradas. La imposibilidad de narrar ciertos episodios reales, especialmente aquellos vinculados a procesos judiciales protegidos por acuerdos de confidencialidad, llevó a que se eliminaran personajes y situaciones relevantes para la narrativa.

La dirección quedó a cargo de Antoine Fuqua, quien debió reorganizar la historia para ajustarse a las nuevas limitaciones. El resultado es un filme que se enfoca en los años tempranos de Michael Jackson, su relación con su padre Joe Jackson, y el inicio de su carrera solista, evitando los episodios polémicos prohibidos por acuerdos legales previos. Michael cuenta con un reparto encabezado por Jaafar Jackson, sobrino real del cantante, en el papel principal. Colman Domingo y Nia Long interpretan a Joe y Katherine Jackson, padres del artista. El elenco incluye además a Miles Teller como el manager John Branca, Laura Harrier como la asistente creativa Suzanne De Passe, Kendrick Sampson como el productor Quincy Jones y Larenz Tate en el rol de Berry Gordy.

El filme aspira a un éxito comercial considerable. Se estiman ingresos de al menos 70 millones de dólares en el mercado estadounidense y 150 millones a nivel global durante su primer fin de semana, cifras que lo posicionarían como el biopic musical con mejor debut de la historia y el mayor éxito para Lionsgate en más de una década. La decisión de eliminar a Diana Ross y otros personajes por razones legales marca un precedente sobre el impacto de acuerdos judiciales en la representación artística de figuras públicas. La versión definitiva de Michael refleja tanto los desafíos legales como los límites narrativos en los retratos biográficos de celebridades.

El relato, con un enfoque dramático, explora los vínculos fraternales y la confusión sexual desde múltiples ángulos narrativos y temporales. Entre algunos de los elementos ‘diferenciadores’ de la serie destaca la increíble transformación física del propio Richard Gadd, quien ha ganado casi 23 kilos de músculo para interpretar este papel.

Durante seis episodios, Half Man reconstruye la relación tóxica y compleja entre Niall y Ruben mediante saltos en el tiempo que retroceden hasta 30 años. El inicio de la serie sitúa a ambos personajes en una boda escocesa, en un entorno marcado por el conflicto latente. Jamie Bell y el propio Gadd interpretan a los protagonistas en la adultez, mientras que Mitchell Robertson y Stuart Campbell encarnan sus versiones juveniles.

Una serie contada a través de 30 años

La narrativa alterna entre ‘flashbacks’ y presente, enlazando episodios como el acoso escolar, la represión sexual y la convivencia forzada de los protagonistas. Ruben, hijo de la pareja de la madre de Niall, regresa a casa tras haber permanecido en un centro de detención juvenil por un episodio violento, en el que llegó a morder la nariz de un compañero. La llegada de Ruben modifica el entorno cotidiano de Niall.

La historia muestra cómo Ruben, guiado por instinto de supervivencia y una agresividad aprendida tras haber sido víctima de terror, impacta la vida de su hermanastro en los planos emocional, mental y físico. Niall, por su parte, enfrenta en secreto su homosexualidad, temeroso de que Ruben lo descubra.

La dinámica entre ambos evoluciona desde una supuesta hermandad (Ruben lo llama repetidamente “mi hermano de otra madre”) hasta una relación ‘codependiente’ marcada por la violencia y conductas autodestructivas.

La crítica internacional ha destacado la capacidad de la serie para examinar cuándo y cómo los hombres enfrentan la responsabilidad sobre sus actos, más allá de los patrones tóxicos. The Guardian describe la producción como “una obra brutal y abrasadora”, capaz de provocar reflexión sobre el daño que el género masculino inflige tanto a sí mismo como a quién lo rodea.

Entre el vacío y la aceptación de la identidad

Las interpretaciones juveniles de Niall y Ruben permiten profundizar en el aprendizaje, la ‘autoaceptación’ y la influencia de las expectativas de género en la formación de la identidad.

Gadd, tras Mi reno de peluche, lleva a Half Man inquietudes personales y sentimientos de vacío interior. El propio creador afirmó al periódico estadounidense The New York Times: “Si escribo sobre estas cosas, debe ser porque siempre he tenido un vacío en mi interior que no acabo de poder explicar”.

Este sentimiento, que hace referencia a una sensación de falta, no necesariamente literal y vinculado a presiones sufridas durante su desarrollo como hombre, impregna la carga emocional y el tono de la serie. La dirección de Alexandra Brodski y Eshref Reybrouck refuerza este ambiente, poniendo el acento en el lenguaje corporal y las emociones al límite de los personajes en pantalla.

Consultada sobre si tuvo reservas para reincorporarse a franquicias tan populares, Hathaway fue clara: “Ya no me importa ese tipo de cosas. Me sorprende mucho. Pensé que estaba en la sección pequeña y rara del cine independiente. Pensé que ahí iba a quedarme. Así que en realidad estoy bastante encantada de que alguien me haya pedido volver y, básicamente, hacer el equivalente a una gira en estadios”. La actriz reconoció que, en el pasado, priorizaba proyectos independientes y alejados del circuito comercial, pero hoy se siente feliz de poder reencontrarse con el público a través de historias que trascienden generaciones.

La secuela de El diablo viste de Prada reúne nuevamente a Hathaway con Meryl Streep y Emily Blunt. El reparto se completa con Stanley Tucci, quien retoma el papel del perspicaz Nigel, y se suma el ganador del Oscar Kenneth Branagh como el esposo de Miranda Priestly. Esta incorporación añade una dimensión inédita al entorno personal de la temida editora en jefe, interpretada por Streep. La trama de la secuela explora el futuro de Miranda Priestly en una industria editorial en crisis, enfrentando a su exasistente Emily Charlton, convertida ahora en ejecutiva rival. En paralelo, Branagh aporta un nuevo eje narrativo, mostrando la vida familiar de Miranda y las tensiones derivadas de su inminente retiro. El regreso de Stanley Tucci asegura continuidad con la primera entrega y mantiene el espíritu que hizo de El diablo viste de Prada un fenómeno global.

El consejo de Charli XCX

Hathaway profundizó en la transformación de su personaje, Andrea Sachs. La actriz señaló: “Creo que hace veinte años Andy Sachs estaba muy preocupada por hacerlo bien y realmente quería agradar a su jefa. Ahora, creo que quiere ser ella misma. Y me identifico con eso”. Hathaway explicó que, tanto en la ficción como en su vida personal, ha ganado confianza y autonomía, dejando atrás la ansiedad de complacer a otros. Este crecimiento personal se traslada a Andy, quien en la secuela se muestra más segura y decidida.

Un aspecto central en las películas de la franquicia es la moda. Hathaway confesó que uno de sus trajes favoritos quedó fuera del montaje final de la secuela. “Creo que era una camiseta de Phoebe Philo, con una especie de cola. Era más una prenda que otra cosa, pero me encantó”, comentó la actriz. La atención al detalle en el vestuario sigue siendo parte esencial de la identidad visual de El diablo viste de Prada y un guiño a los seguidores de la saga. Además de su regreso a estos proyectos, Hathaway participa en Mother Mary, un thriller psicológico en el que interpreta a una estrella pop. Para prepararse, mantuvo largas conversaciones con la cantante Charli XCX, interesándose en la experiencia real de ser una figura pública en la industria musical.

La primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en 2006, sigue a una joven periodista que enfrenta la presión de trabajar bajo la estricta Miranda Priestly. El filme recibió el Globo de Oro a la mejor actriz en comedia y varias nominaciones al Oscar y al Sindicato de Actores. El anuncio de la secuela, junto al desarrollo de Princesa por sorpresa 3, ha generado gran expectación entre los seguidores de Hathaway y del cine contemporáneo. El regreso de Anne Hathaway a estos papeles simboliza una etapa de reconciliación con su propio legado y una apertura a retomar historias que siguen vigentes para nuevas audiencias. Para la actriz, volver a El diablo viste de Prada y Princesa por sorpresa es, en sus palabras, “hacer algo así como una gira por estadios”, un reencuentro masivo con el público que la vio crecer en la pantalla grande.

La compañía The Walt Disney Company ha anunciado la apertura de un casting presencial en Girona para seleccionar figurantes y bailarines que participarán en la nueva adaptación en acción real de la película Enredados. El proceso de selección se llevará a cabo el lunes, 27 de abril, en la Fira de Girona, ubicada en el paseo de la Devesa, en horario de 10:00 a 19:00 horas. La organización ha advertido que el acceso podría cerrarse antes si se alcanza el aforo máximo previsto.

La convocatoria está dirigida a hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años, ampliando notablemente el perfil habitual de aspirantes en este tipo de producciones. Según informó la organización, los menores de edad deberán acudir acompañados por un familiar, y todos los interesados deberán presentar un documento de identidad en vigor o el NIE para formalizar la inscripción. El trabajo será remunerado como parte de la producción de la nueva película. La selección se realizará únicamente de manera presencial, sin proceso online disponible. La búsqueda incluye perfiles muy diversos, ya que también se requieren bailarines —profesionales o amateurs— de hasta 70 años, sin limitaciones de origen o apariencia. Esta amplitud responde a la intención de Disney de reflejar una comunidad plural en las escenas multitudinarias que formarán parte del largometraje.

El Barri Vell de Girona será uno de los escenarios principales del rodaje. Esta zona histórica se transformará para representar parte del reino ficticio en el que transcurre la historia, inspirada en el clásico cuento de Rapunzel, de los hermanos Grimm. El equipo de producción ha elegido este emplazamiento por su arquitectura y ambiente, que facilitarán la recreación de la atmósfera fantástica de Enredados. Aunque Girona ocupará un papel destacado, la base principal del rodaje se instalará en la Ciudad de la Luz de Alicante, uno de los complejos audiovisuales más relevantes de España. Otras localizaciones confirmadas incluyen el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, lo que permitirá dotar a la película de una variedad de paisajes y escenarios emblemáticos.

Un nuevo gran rodaje para España

El rodaje comenzará en junio de 2026 y se prevé que se prolongue durante unos ocho meses, según los planes de la productora. Esta extensión permitirá cubrir las diversas etapas de grabación y posproducción, así como coordinar los desplazamientos del equipo entre las distintas localizaciones. La dirección de la nueva versión de Enredados estará a cargo de Michael Gracey, conocido por su trabajo en musicales y películas de gran formato. El reparto principal incluye a Teagan Croft en el papel de Rapunzel y a Milo Manheim como Flynn Rider. La actriz Kathryn Hahn interpretará a la Madre Gothel, uno de los personajes centrales del relato.

Con este elenco, Disney retoma el universo de la cinta animada estrenada en 2010, adaptando la narrativa clásica a un formato con actores reales y escenarios naturales. La selección de intérpretes y localizaciones busca aportar una nueva dimensión visual y dramática al universo de Enredados. La elección de figuras reconocidas y jóvenes talentos responde a la estrategia de la compañía para atraer tanto a nuevos espectadores como a quienes disfrutaron de la versión animada original. Al mismo tiempo, la producción en territorio español supone un impulso para la industria audiovisual local y la generación de empleo en las ciudades seleccionadas.

El actor Brian Cox, conocido por su papel en la serie Succession, compartió una anécdota que revela el impacto que le provocó la presencia de Brad Pitt durante el rodaje de la película Troya en 2004. Durante una conversación con Vanity Fair, Cox, de setenta y cinco años, recordó su experiencia en el set y no ocultó su asombro ante la apariencia de Pitt, quien interpretó a Aquiles en la superproducción dirigida por Wolfgang Petersen. En el video, Cox repasó distintos momentos de su carrera y se detuvo especialmente en su participación en Troya, donde dio vida a Agamenón. El actor subrayó que el ambiente de trabajo fue positivo y resaltó la calidad del reparto, que incluía a figuras como Orlando Bloom, Eric Bana, Brendan Gleeson, Diane Kruger y Sean Bean. Sin embargo, el encuentro con Pitt fue lo que más lo sorprendió.

“Recuerdo que, en un momento, simplemente me quedé agog al ver a Brad, porque nunca lo había visto con ese tipo de vestuario”, comentó Cox, aludiendo a los atuendos clásicos, habituales en las producciones inspiradas en la antigüedad. “Nosotros ya habíamos pasado por esas grandes épicas de vestuario, porque venimos del teatro clásico, siempre sin pantalones. Brad entró y yo me quedé con la mandíbula en el suelo porque era tan increíblemente hermoso”, expresó el actor durante el diálogo. Cox admitió abiertamente que la belleza de Pitt lo dejó sin palabras, pese a que, como él mismo aclaró con humor, es heterosexual. “Quiero decir, soy heterosexual, pero pensé: ‘¡Vaya! Dios mío, este tipo es impresionante’”, dijo, entre risas. “¿Qué posibilidad tiene uno de compartir pantalla con este hombre tan bello?”, reflexionó el actor.

La revelación de Cox sobre la impresión que le causó Pitt en el set de Troya subraya cómo la presencia física puede influir incluso entre colegas con una larga trayectoria en el cine y el teatro. El testimonio de Cox, quien cuenta con décadas de experiencia en producciones históricas y épicas, resalta el efecto que la figura de Pitt tuvo entre los profesionales involucrados en la película. Durante la producción de Troya, Cox no fue el único que quedó impactado por el ambiente y el reparto. El propio actor señaló que la experiencia fue enriquecedora gracias al trabajo conjunto con actores reconocidos y a la magnitud del proyecto. Cox mencionó que trabajar en una película de tales características, con grandes decorados y escenas multitudinarias, supuso un desafío y una oportunidad de crecimiento profesional.

La versión de Pitt

Por su parte, Brad Pitt también ha hablado en ocasiones anteriores sobre su paso por Troya. En una entrevista concedida a The New York Times Magazine en 2019, el ganador del Óscar manifestó que la película representó un punto de inflexión en su carrera. Pitt confesó que, aunque no fue una experiencia dolorosa, no quedó satisfecho con el resultado final y que la forma en que se contó la historia no coincidía con sus expectativas. El actor explicó que había aceptado el papel en Troya tras retirarse de otro proyecto y que fue una decisión ligada a compromisos con el estudio. Pitt consideró que la película adoptó un enfoque comercial, centrado en resaltar la figura del héroe, y que eso le hizo replantear sus futuras elecciones como actor. A partir de ese momento, decidió involucrarse solo en historias que considerara de mayor calidad, lo que marcó un cambio en la dirección de su carrera.

El rodaje de Troya reunió a un reparto internacional y se convirtió en una de las grandes producciones épicas de la década. La película, inspirada en la mitología griega y la Ilíada de Homero, se destacó por su despliegue visual y la interpretación de figuras reconocidas del cine. La anécdota de Brian Cox añade una mirada personal al detrás de escena, revelando cómo la convivencia en un set puede generar momentos inesperados y memorables. El recuerdo de Cox sobre Brad Pitt demuestra que, incluso en el competitivo mundo del cine, la admiración entre colegas puede surgir de la manera más espontánea. El impacto que la imagen de Pitt provocó en el experimentado actor británico se mantiene como una curiosidad dentro de la historia de Troya, una película que, más allá de su recepción crítica, dejó huella tanto en el público como en quienes participaron en su realización.

El actor también señaló que existe la posibilidad de desarrollar una segunda parte que aborde los episodios más controversiales de la vida del cantante. “Y hay una posibilidad de que haya una segunda parte que trate sobre otras cosas que sucedieron después. Esto trata sobre la formación de Michael, cómo fue criado y cómo intentaba encontrar su voz como artista y convertirse en solista. Eso es lo que tengo que decir al respecto”, agregó Domingo. Por su parte, Long intervino con un comentario sobre la posibilidad de una secuela, diciendo: “Si el precio es correcto”. La decisión de no incluir las acusaciones de abuso sexual infantil en la trama principal de Michael responde, según los protagonistas, a la intención de enfocar la narrativa en los orígenes personales y artísticos del cantante. La película busca ofrecer una visión íntima sobre la infancia de Jackson, su entorno familiar y sus primeros pasos hacia el estrellato internacional, dejando de lado los hechos que, a partir de 1993, modificarían la percepción pública sobre su figura.

Según se informó, el primer montaje de la película tenía una duración de más de tres horas y media e incluía una escena con uno de los acusadores de Jackson. Sin embargo, ese fragmento fue retirado tras llegar a un acuerdo con el patrimonio del cantante, que establecía que tales hechos no serían dramatizados en la película. Esta decisión no fue advertida inicialmente por los responsables legales de la familia Jackson al momento de autorizar la producción. En mayo pasado, Michael sumó 22 días adicionales de rodaje para filmar un nuevo final, según reportó el medio Deadline. Durante ese periodo, Lionsgate —la compañía distribuidora— evaluó la posibilidad de dividir la película en dos partes, dada la extensión y complejidad de los hechos abordados.

Las limitaciones legales

El recorte del material relacionado con las acusaciones no solo respondió a criterios narrativos, sino también legales y contractuales. El acuerdo con el patrimonio de Jackson estipuló que los detalles de los señalamientos y los nombres de los acusadores quedarían fuera del relato dramatizado. El proceso de rodaje y edición de Michael estuvo marcado por las restricciones legales impuestas por el entorno del artista. Según fuentes vinculadas a la producción, la decisión de evitar los temas judiciales permitió mantener el foco en la trayectoria profesional de Jackson. Los responsables del filme procuraron no revictimizar ni exponer detalles de los casos judiciales, respetando tanto las cláusulas legales como la perspectiva de los familiares.

El resultado es una película que narra la vida de Michael Jackson hasta el año 1988, cerrando antes del inicio del ciclo de denuncias públicas en su contra. Las expectativas sobre una posible segunda parte quedan abiertas, tal como lo mencionó Domingo, aunque de momento no existe confirmación oficial sobre la realización de una secuela. Las primeras acusaciones formales contra Jackson surgieron en 1993. Posteriormente, en 2003, fue acusado de siete cargos por abuso sexual infantil y dos por intoxicación de menores. El artista negó todas las imputaciones y se declaró inocente, siendo finalmente absuelto en 2005 por un tribunal. Tras su fallecimiento en 2009, otras personas han presentado denuncias similares, reavivando la controversia en torno a su figura.

La ausencia de estos hechos en Michael ha generado opiniones divididas entre los espectadores y críticos. Mientras algunos celebran el enfoque en el legado artístico, otros consideran que omitir los episodios más oscuros de la vida del cantante impide un retrato completo y honesto. A pesar del debate, la producción ha dejado claro que la narrativa actual se limitó a los primeros años de Jackson. La posibilidad de una futura secuela sigue abierta, dependiendo del interés de los productores y de las condiciones legales que rodean la memoria del artista.

Siete años después, el personaje vuelve a la gran pantalla, aunque sin Rey y con una historia distinta. Tras cerrar la trilogía, la autora inició una nueva serie que tenía al mismo inspector como protagonista: el resultado fue El libro negro de las horas (Planeta, 2022).

Ahora, esta nueva etapa da el salto al cine este viernes, 24 de abril, con Kraken. El libro negro de las horas, esta vez dirigido por Manuel Sanabria y Joaquín Llamas. Como es habitual en la autora, la historia se desarrolla en dos tiempos. En la Vitoria de 2022, la historia arranca cuando el exinspector recibe una llamada anónima: alguien asegura tener secuestrada a su madre, a quien él daba por muerta desde su nacimiento. El exinspector tiene una semana para encontrar el legendario Libro negro de las horas, una de las siete exclusivas joyas bibliográficas que existen, si quiere salvarla.

Obligado a salir de su retiro, Unai inicia junto a su compañera Esti una angustiosa carrera contrarreloj que le llevará desde Vitoria hasta el Madrid más oculto del coleccionismo de libros. En ese recorrido, el inspector deberá enfrentarse al que apunta a ser el perfil criminal más complejo de su carrera, uno capaz de cambiar para siempre su propia historia.

“Nosotros decidimos empezar de cero y que nuestra adaptación de otra novela, que no es la misma, tuviera virtudes diferentes”, defiende uno de sus directores, Manuel Sanabria, para Infobae. Entre esas virtudes estuvo elegir a Alejo Sauras y Maggie Civantos como Kraken y Esti, que en la cinta previa ella estaba interpretada por Aura Garrido.

Para construir al inspector, Sauras contó con el contacto directo de la autora. “Tuve la ocasión de poder quedar con ella, que siempre es lo máximo a lo que aspiras", apunta el actor, que saltó a la fama hace más de dos décadas con Al salir de clase y ha pasado por Los Serrano y Estoy vivo, entre otras ficciones. A García Sáenz de Uruti llegó con “una metralleta de preguntas” y salió con una visión global del universo del personaje, que después fue afinando en los detalles.

En el caso de sus compañeras, el proceso fue distinto. Civantos, quien da vida a Esti, inspectora de la División Criminal, compañera y amiga de Kraken, reconoce que el ritmo de producción no siempre permite una inmersión total en la obra original. Por ello, la actriz confió en la visión de los directores y del propio Alejo, que para cuando tuvo lugar el rodaje a finales del otoño pasado, se había leído tanto la primera parte de la ficción como la segunda, El ángel de la ciudad (Planeta, 2023). “No me dio tiempo a leerme todos los libros. Hice un poco de aquí, de allí, si te digo la verdad. Hice lo que pude y luego Alejo me sopló la mitad“, bromea, porque ante todo, ”quisieras tener más tiempo, pero los proyectos se confirman de un día para otro". ”Nunca vas por libre porque estás con una dirección y yo creo que para mí siempre es la clave”.

Natalia Rodríguez (Los protegidos) da vida a Mencía Madariaga, inspectora de la Brigada de Investigación de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid que lidera la búsqueda del Libro negro de las horas. La actriz reconoce que compartía la desorientación de su personaje. “Estaba un poco perdida todo el rato, y eso también formaba parte de ella. Me apoyé mucho en los directores y en mis compañeros”.

Un universo compartido entre los años 70 y 2022

Así, la historia salta entre los años 70 y una actualidad ambientada en el 2022. Para comprender el pasado, la debutante Aitziber Luma y Martin Urrutia, egresado de OT 2023 que publicó su álbum debut hace unas semanas, coprotagonizan su segundo proyecto audiovisual. El primero fue la serie de Atresplayer Mariliendre. En esta ocasión dan vida a Ítaca Expósito, una huérfana criada en el colegio de la Veracruz y una niña prodigio de la pintura, y Gael López de Ayala, los padres del protagonista.

Ese juego entre pasado y presente no solo marca el desarrollo de la trama, sino también la construcción emocional de los personajes, especialmente la del propio Unai. “Es una persona absolutamente normal, que quiere llevar una vida tranquila”, explica Alejo Sauras. Sin embargo, su vuelta a la acción no es del todo voluntaria: “Se ve obligado a regresar, pero al mismo tiempo hay algo detrás que hace que disfrute de ello”.

En esa dualidad —entre lo cotidiano y lo oscuro— se mueve buena parte del atractivo del personaje, pero también del género. No es casualidad que muchos intérpretes hayan encarnado a policías o perfiles similares a lo largo de sus carreras. “Dentro del mundo del crimen hay mucho juego para contar historias”, resume Sauras.

La presión y las expectativas

¿Hay presión por llevar a la pantalla una saga con millones de lectores? “Cuando estás contando una historia que mucha gente ya ha creado en su cabeza, sientes que hay expectativas… y las expectativas nunca son buenas”, apunta Civantos, aunque bajo su punto de vista en este caso cree que “hay una interpretación bastante acertada”. “Obviamente, es muy difícil contentar a todo el mundo, porque cada uno hace interpretación de la lectura de una forma o de otra, ¿no?”.

Por su parte, Alejo Sauras apunta que “lo que ha atraído a los lectores a leerse tanto estos libros es la atmósfera que genera”, algo que cree que está “muy conseguida”. Esa misma atmósfera es ahora el principal desafío de la adaptación, que busca trasladar a la pantalla la esencia que convirtió a Kraken en un fenómeno editorial. El veredicto final, como siempre, queda en manos del público.

La historia, que adapta la novela homónima de Mayte Navales (autora también del guion de la película de Lamata), arranca con el suicidio de una mujer, Rosa Martín, que decide ahorcarse en el jardín de Fran, un hombre que se aprovechó de sus sentimientos para acostarse con ella. Tras esta tragedia, el fantasma de esta mujer permanece en la casa del hombre, convirtiendo su vida y la de su familia en un auténtico infierno.

“Es una novela con un tempo muy cinematográfico”, afirma Miguel Ángel Lamata. “Pensé que era una excelente idea dejar el guion en manos de la propia Mayte, porque sabía que en sus manos el corazón emocional de la película, el de alguien que se enamora de quien no debe y en lugar de alejarse de esa persona deja que su orgullo la posea, no iba a ser alterado”. No es una película de buenos y malos, advierte, pues en La ahorcada “llega un momento en que víctimas y verdugos se confunden”, y finalmente cuenta la historia de dos personas que, a su manera, lo único que buscan es ser amadas. “Algo tan noble, cuando se envilece por el orgullo, genera cosas aterradoras”.

“No he visto jamás a Amaia Salamanca hacer algo parecido”

Esta capa de profundidad emocional es la que hace que, tanto para Amaia Salamanca como para Eduardo Noriega, La ahorcada no sea una película de terror cualquiera. “Me interesó desde el primer momento cómo una película de terror clásico, con todos sus elementos típicos, era al mismo tiempo de un terror psicológico donde se exige al espectador, donde se juega con la percepción de la realidad y se habla, además, de todos estos lados oscuros del alma humana”, analiza este último. Para el actor, el terror sirve de entrada al alma humana, ya que con todas estas historias de fantasmas llenas de sustos, “no dejamos de hablar de nosotros”.

Por su parte, Salamanca recuerda el momento en el que leyó el guion y tenía que releer sus páginas por lo complicado que, en un momento, parecía contar la historia. “Yo ya había trabajado con Miguel Ángel Lamata, sabía lo bueno que es, entonces tocaba confiar mucho en él. Es tan interesante hablar de las relaciones tóxicas, llevar algo tan universal al terror... El personaje de Rosa Martín y todo lo que se podía abarcar con él me pareció maravilloso. Era un reto al principio, pero creo que es de estas cosas que son tan difíciles que al final tienes que arriesgar y experimentar con todo”.

“No he visto jamás a Amaia Salamanca hacer algo parecido a lo que hace en La ahorcada”, elogia a la actriz el director. “Creo que, de las múltiples virtudes que tiene como actriz, como amiga y como persona, es sobre todo el valor. Es una excelente actriz, pero aparte es una actriz que se atreve y que no tiene ningún miedo. La forma en la que se ha zambullido en la película ha sido con un compromiso total y absoluto, a tumba abierta. No es que haya salido de su zona de confort, es que creo que, de hecho, ha entrado en su zona de confort, allá donde puede arriesgar y donde puede mostrar a todo el mundo lo excelente que es”.

Un giro final lleno de matices y temas por explorar

La supuesta víctima de La ahorcada es Fran, un productor musical que aprovecha cada noche libre para acostarse con mujeres diferentes. “El hombre seductor, poco empático y además poderoso por su posición profesional y económica existe en cualquier ámbito de la vida, todos conocemos a más de uno y dos”, observa Eduardo Noriega, quien le da vida. “Pero no queríamos hacer solo esta faceta de hombre egoísta y desalmado, queríamos también que se viera que en realidad está añorando a esa familia que ya perdió”. Toda esa complejidad, afirman tanto Noriega como Salamanca, quedará patente en el último tercio de la película, donde un giro final ofrece varias revelaciones al espectador.

Otro elemento sorprendente de la cinta es que, pese a tratarse de una película de terror, Lamata opta por contar una historia con más suspense que sobresaltos, y donde incluso en ciertos momentos parece salirse del propio género. “Cuando Shyamalan y Bruce Willis urdieron El sexto sentido, llegaron a la conclusión de que la historia no necesitaba un festival de sustos, sino una tensión narrativa que diera gravedad a toda la tragedia que aqueja a los personajes”. Del mismo modo, el director pensó en que la prioridad en La Ahorcada debía ser proteger ese “corazón emocional”, y llevar al espectador a entender todas las aristas y contradicciones de cada uno de los personajes.

Por la duración de la película, se sintetizan muchas partes de la novela, pero, al mismo tiempo, se favorece el mantener una tensión constante, en la que de la relación entre Fran y la fantasma pasamos a otros escenarios como una sesión de espiritismo y el personaje de una médium que podría dar para más de una película. “Si la gente va masivamente a ver La ahorcada, te aseguro que habrá otras líneas que hemos dejado más o menos esbozadas y que investigaremos en La ahorcada 2. Tengo la santa intención de, si nos funciona la película, seguir con este universo”.

La productora de Jerry Bruckheimer, experto en ‘blockbusters’ (véase la saga Transformers) se ha sumado al fenómeno global que ha supuesto Epic, la versión musical y viral de La Odisea de Homero nacida en internet. Según publicó el medio especializado en entretenimiento The Hollywood Reporter, el proyecto se ha puesto en marcha para adaptar a película de animación este musical, que ya ha logrado cifras récord y el respaldo de la multinacional discográfica Atlantic Music Group.

Epic, ideada por el compositor y productor Jorge Rivera-Herrans, surgió en 2021 como un proyecto universitario. La publicación de fragmentos en TikTok durante la pandemia multiplicó su impacto, transformándolo dos años después en un éxito mundial. Uno de los datos más ilustrativos del fenómeno es que la banda sonora llegó a ocupar nueve de los diez primeros puestos de las listas de iTunes y superó los cuatro mil millones de reproducciones a nivel global.

La adaptación cinematográfica contará con producción de Jerry Bruckheimer Films, con Chad Oman también involucrado, la colaboración de Rivera-Herrans y la participación activa de Kevin Weaver, presidente de la multinacional discográfica Atlantic Music Group.

Un trabajo de fin de curso que se convirtió en viral

El desarrollo se encuentra aún en una fase inicial y, de acuerdo con la información que aporta The Hollywood Reporter, la agencia líder de representación de talentos CAA (representante de Bruckheimer) comenzará a presentar el proyecto tanto a estudios como a plataformas digitales en las próximas fechas.

El estreno del musical animado supondría la primera incursión de Jerry Bruckheimer en el formato de animación. Su trayectoria, sin embargo, se ha vinculado estrechamente a películas donde la música ha desempeñado un papel central, como en Flashdance o la saga Top Gun. Este reciente acuerdo ha sido posible gracias a la relación previa de Bruckheimer y Weaver, quienes ya mantuvieron colaboración en la producción de la banda sonora del film F1: La película, cinta que recaudó más de 634 millones dólares y obtuvo el Oscar a mejor sonido.

El crecimiento de Epic adquiere más relevancia al considerar su origen: Rivera-Herrans lo concibió como proyecto de fin de carrera en la Universidad de Notre Dame, fusionando narrativa épica clásica, influencias de musicales, anime y videojuegos, y un enfoque inmersivo orientado al público joven global. El propio creador rechazó durante un periodo ofertas ventajosas de distintas discográficas antes de decidirse por un contrato con Atlantic, formalizado tras dos años.

Nueva fiebre por los clásicos griegos

El formato serializado de Epic, que narra el accidentado regreso a Ítaca del héroe griego, ha facilitado la implicación directa del público, con castings a nivel mundial y numerosas animaciones generadas por seguidores. Más de siete mil millones de visionados en vídeos cortos y más de cuatro mil millones de escuchas han transformado la escala del proyecto y su interacción con la industria del entretenimiento.

La película animada de Epic surge en un contexto donde las adaptaciones de los clásicos griegos experimentan un auge en Estados Unidos. Destaca el caso de Christopher Nolan, quien prepara también una versión en acción real de La Odisea con estreno previsto para el 17 de julio y que ya concentra buena parte de la atención mediática de la industria cinematográfica.

Después de irrumpir con fuerza en el panorama en catalán y de ser traducido al castellano convirtiéndose en una de las nuevas voces más potentes de las nuevas generaciones, Pol Guasch publicó a principios de año Reliquia, una novela de una brutal honestidad que aborda el suicidio de su padre cuando tenía 15 años.

Sin embargo, el autor se aparta de la autoficción convencional para convertir el volumen en una indagación en torno a la pérdida, al peso de la herencia, el proceso de búsqueda de la propia identidad y la memoria, convirtiéndose la novela en una experiencia única.

“Nunca había hecho un libro en el que el material de escritura fuera mi vida. Y, la verdad, es que ha sido un proceso muy lento. Cada palabra está muy pensada, he pasado casi tres años trabajándolo, porque quería estar muy seguro de lo que quería contar”, cuenta Pol Guasch a Infobae.

Escribir desde lo íntimo a través de lo universal

El germen de Reliquia apareció mientras estaba escribiendo su anterior novela, En las manos, el paraíso quema. Se cumplían diez años de la muerte de su padre y escribió algunos párrafos. Se dio cuenta de que había algo interesante en la forma en la que, hasta el momento, se había relacionado con la escritura, con su identidad literaria, ya que, al fin y al cabo, de eso también va esta novela, de cómo el autor ha ido encontrando su voz y la forma de expresarse en las distintas etapas de su vida. En esta ocasión, encontramos una amalgama de texturas, de reflexiones y de citas que se ajustan a lo que quería contar.

“Desde el principio ya estoy evocando a Anne Sexton y su historia. Y me di cuenta de que, para contar la vida de mi padre, me faltaban muchas cosas que tiene la gente que escribe biografías de su familia, como archivos, documentos, testigos, informaciones. Y yo, no tenía nada, solo un puñado de recuerdos, unas pocas fotos y unos lugares comunes que había creado en mi memoria. Así que, invocar a otros autores a través de las notas de suicidio de Sylvia Plath, Virginia Woolf o Marina Tsvietáieva que escribieron, de los poemas que me habían acompañado durante años, era una forma de hilvanar los fragmentos y crear una historia unificada. Si no tenía testigos, tenía que invocar la literatura, que para mí es el pegamento que dota a todo de sentido”.

La identidad es uno de los temas vertebrales de Reliquia, como también lo fue en Napalm en el corazón y en En las manos, el paraíso quema. Aunque aquí, la herencia adquiere una importancia fundamental. “El momento de la orfandad se impone a cómo te afecta a tu construcción, a cómo eso configura el descubrimiento de la amistad, del amor, del deseo, de la sexualidad. Se supone que la figura del padre te enseña el camino de la vida, aunque muchas veces esté muy idealizada”, continúa el autor.

La portada de Reliquia corresponde a una fotografía del progenitor de Pol Guasch y salta a la vista el enorme parecido físico que hay entre ambos. De hecho es una cuestión que se menciona muchas veces a lo largo de la novela. “En efecto, ahí está el peso de la herencia dentro del entorno social, la insistencia en lo biológico y, también, lo imposible que es huir de los lazos que te unen a la familia. Este libro es como un intento de escapar de eso, intentar que no tenga que ver con la deuda, sino con la elección libre y la relación amable y escogida entre las personas que te rodean. Creo que intento abrir el concepto de familia, la posibilidad de entendernos de una manera distinta y, por tanto, también aceptar que la herencia no tiene por qué ser una condena, porque nosotros podemos escoger con qué nos quedamos de nuestros padres. Esa libertad me hace muy feliz. No hace falta destruir el concepto de familia, solo repensarla”.

Cómo hablar sobre el peso de la existencia

La novela, inevitablemente, aborda dos temas tan delicados como la salud mental y el suicidio, que han estado muy estigmatizados en la sociedad durante demasiado tiempo, así como cualquier forma de trastorno psicológico. Sin embargo a Pol Guasch no le interesaba acercarse a esa problemática desde un punto de vista sociológico, buscando las causas de una sociedad enferma que convierte a las personas en seres tristes que quieren desaparecer.

“Creo que más allá de señalar que el capitalismo mata y que tenemos unos ritmos de vida que no funcionan, hay que hacerse otro tipo de preguntas que tienen que ver con la melancolía, con la tristeza, con el peso de la existencia. Hay personas a las que vivir se les hace difícil, más allá de todo y, en el libro, he intentado abordar esta cuestión que resulta de lo más compleja”.

En realidad, ese hastío está presente en la obra anterior de Guasch, ese ‘spleen de Paris’ que acuñó Baudelaire que se podría reducir a la pregunta: ¿por qué a veces es tan difícil vivir?

En cuanto al estilo, el autor, aunque ha cambiado mucho en esta última obra, ya que había tendido mucho hacia la experimentación, continúa siendo fiel a la dinámica entre crudeza y poesía. “Si te soy sincero, al escribir un material sobre mi propia vida, vi cómo mi escritura cambiaba, así que fue como aprender de nuevo”.

Para Pol Guasch una ‘reliquia’ no tiene nada que ver con lo religioso, sino a cosas que a las que “quiere mucho” o que le “recuerdan a alguien” y que ha incorporado a su existencia de forma valiosa. Una carta que le envió su hermana, el anillo de su padre de su comunión, esas son sus reliquias, posesiones que, de algunas manera, le hacen ser como es. “Para mí la reliquia es el objeto físico que sustituye la ausencia de alguien, un recuerdo, una experiencia, un momento. Quería que el título fuera una sola palabra, familiar y a la vez extraña que todo el mundo reconociera pero que no utilizara en sus conversaciones cotidianas. Que no fuera una metáfora, un símbolo ni una alegoría, sino simplemente eso, la ‘fisicidad’ que ocupa la ausencia”.

Conocemos como psicoanálisis a esa rama de la psicología que busca explorar el inconsciente de los seres humanos para desenterrar los conflictos emocionales que marcan nuestra conducta sin que nos demos cuenta. Se trata de una disciplina que, a finales del siglo XIX y principios del XX, provocó una auténtica revolución en la forma que teníamos de entender la mente humana. El responsable, en buena medida, fue Sigmund Freud, considerado el arquitecto absoluto de toda esta corriente.

Nacido en 1856, Freud fue un neurólogo y psicoanalista austríaco que rompió con la medicina tradicional de su época. Suyos son conceptos que hoy conocemos todos, como el complejo de Edipo, o métodos de investigación de la mente como el análisis de los sueños. Es una figura fundamental porque fue el primero en proponer que gran parte de nuestro sufrimiento psíquico no tiene un origen orgánico, sino que reside en traumas y deseos reprimidos durante nuestra infancia y los primeros años de desarrollo.

De esta visión nos viene una de sus frases más famosas: “Las emociones no expresadas nunca mueren; son enterradas vivas y salen más tarde de peores formas”. Con estas palabras, Freud hacía referencia al particular modo que tenemos de reprimir lo que sentimos: aunque lo creamos, el aparato psíquico no elimina lo que nos duele. En vez de eso, lo desplaza fuera de la conciencia y lo mantiene latente, peligrosamente activo bajo la superficie de nuestra personalidad cotidiana.

El significado de la frase de Freud

Para el psicoanalista, el inconsciente funciona como una caldera a presión. Cuando intentamos ignorar un sentimiento de ira, tristeza o culpa, estamos aplicando un mecanismo de defensa enterrando un material que, cuando menos lo esperamos, encuentra su vía de escape. En su obra Psicopatología de la vida cotidiana, Freud explicaba cómo todos esos sentimientos ocultos emergen, por ejemplo, en los lapsus linguae o en los actos fallidos. Lo que no se dice con palabras, el cuerpo y la conducta terminan por manifestarlo inevitablemente:

“Uno es dueño de lo que calla y esclavo de lo que se habla”, afirmaba Freud. Sin embargo, había una excepción: callar por miedo o trauma nos convierte en esclavos de un síntoma: la ansiedad que podamos sentir en nuestro día a día da buena cuenta de ello, por más que tratemos de fingir que todo está bien. En otras personas, lo callado se manifiesta a través de estallidos de cólera injustificados, que en realidad no son más que el eco de frustraciones antiguas nunca validadas o procesadas.

Al no expresar la emoción, esta se somatiza; es decir, el dolor mental se transforma en dolor físico o trastornos de conducta. El psicoanalista lo tenía claro: no había cura para ello, ya que las emociones no pueden desaparecer, pero sí que se puede lograr tratar de hacer consciente lo inconsciente y, a partir de ahí, empezar a nombrarlo y manejarlo, tanto con uno mismo como con los demás. “La ciencia moderna aún no ha producido un medicamento tranquilizador tan eficaz como lo son unas pocas palabras bondadosas”, sentenciaba el filósofo.

La mejor herramienta que tenemos para expresar lo que sentimos

Las consecuencias del pensamiento freudiano son incalculables. Aunque muchas de sus teorías han sido revisadas o criticadas (el machismo de muchas de sus reflexiones contaminó varias de sus teorías), él sentó las bases de la psicoterapia moderna y la importancia del vínculo terapéutico, la relación entre el paciente y su terapeuta. Su énfasis en la salud emocional permitió que la psicología dejara de ser una disciplina puramente descriptiva para convertirse en una herramienta de transformación personal. Hoy, entender que debemos hablar para sanar es un legado directo de su audaz e innovadora práctica clínica.

De este modo, la advertencia de Freud sigue siendo una brújula esencial para la salud mental. Aceptar nuestras emociones, por oscuras o complejas que parezcan, es el único camino para evitar que tomen el control de nuestra vida desde las sombras. Al final del día, la honestidad emocional puede ser nuestra mejor aliada para vivir una existencia plena, auténtica y, sobre todo, consciente de sí misma.

El mundo del cine y la cultura ha recibido un duro golpe con la noticia del fallecimiento a los 56 años de Ignasi Camós, director general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA). El dirigente de esta institución, organismo público encargado de gestionar y fomentar la producción, distribución y exhibición del cine español, llevaba varios meses de baja por enfermedad.

La noticia ha sido confirmada en un comunicado difundido a los medios del Ministerio de Cultura, desde donde se ha lamentado la noticia y se han trasladado condolencias “a familiares, amigos y allegados por tan sensible pérdida”. El ministro, Ernest Urtasun, había informado minutos antes de que finalmente no asistiría a un acto de inicio de La Senda del Poeta “por una causa de fuerza mayor” que, ahora, ha quedado aclarada tras esta nueva información.

Doctor en Derecho y profesor titular de Derecho del Trabajo y de la Seguridad Social en la Universidad de Girona, Camós pasó al frente del ICAA en 2023, a propuesta del anterior ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, en sustitución de Beatriz Navas. Antes de esta experiencia, había ocupado diferentes cargos en la Generalitat de Cataluña, en el gabinete de la exministra de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración, Magdalena Valerio, y en el equipo de la vicepresidenta y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Teresa Ribera. Además, fue consejero técnico en el Ministerio de Educación y en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas.

Primeros mensajes de despedida

Las primeras reacciones han llegado tanto desde el plano institucional como del cultural, empezando por el Ministerio para el que trabajaba, desde donde han querido agradecer "la gran labor y compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó“.

“Lamento muchísimo la muerte de Ignasi Camós, un hombre cariñoso, culto, cercano y atento, con el que era muy fácil trazar complicidades”, ha escrito por otra parte el cofundador y director editorial de Filmin, Jaume Ripoll, en uno de los primeros mensajes que han podido leerse en redes sociales. “Hizo mucho y bueno para el cine español durante su tiempo en el ICAA. Ojalá en este próximo Festival de Cannes, con tanta presencia de nuestro cine (concurren por primera vez en la historia hasta cinco películas españolas, tres de ellas en la Sección Oficial compitiendo por la Palma de Oro), le rindan el tributo que sin duda merece”.

Entre los méritos conseguidos por Camós al frente del Instituto, quedan los éxitos del programa de Cine Sénior (habilitación de un día a la semana para que los mayores de 65 años pudieran ir al cine pagando solo dos euros) y el recién impulsado programa de Cine Escuela, cuyo objetivo consiste en "acercar a los públicos más jóvenes a las salas de cine, fomentando este hábito cultural y el aprendizaje del lenguaje cinematográfico desde edades tempranas".

Tras el éxito de Lilo & Stitch y el cada vez más próximo estreno de Vaiana, Disney continúa con su proyecto de remakes de live actions de algunos de sus clásicos más queridos. La compañía ya se ha puesto manos a la obra para producir nuevas versiones de títulos como Bambi, Merlín el encantador, Robin Hood, Hércules o Enredados, siendo esta última la que está a punto de iniciar su rodaje.

Enredados es una versión animada del cuento de Rapunzel en la que una joven con una larga cabellera mágica, encerrada en una torre por una falsa madre que en realidad la ha secuestrado, descubre el mundo exterior cuando se une a un ladrón fugitivo e inicia una aventura de libertad, identidad y amor. En taquilla fue un éxito para Disney, recaudando alrededor de 590 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto cercano a 880 millones, convirtiéndose en una de las películas animadas más rentables de su época.

Ahora, un remake dirigido por Michael Gracey (al que conocemos por ser el responsable de títulos como El Gran Showman) comenzará en junio de 2026 y se extenderá durante unos ocho meses. La base principal de la producción estará situada en la Ciudad de la Luz en Alicante, y también se utilizarán localizaciones como el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, además de en Girona.

Disney busca figurantes para aparecer en ‘Enredados’

En la ciudad catalana se instalará la base de selección de Disney para seleccionar a los cientos de extras que necesitan para su película. La compañía ha anunciado que el próximo lunes 27 de abril se podrá ir hasta la Fira de Girona, en el paseo de la Devesa, para poder presentarse a una convocatoria abierta desde las 10.00 hasta las 19.00, aunque ya se ha adelantado que, en caso de completarse el aforo previsto, el acceso podría cerrarse antes.

La selección no distingue edades: hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años pueden participar, mientras que quienes deseen acudir con menores deberán hacerlo acompañados de un familiar. Además, la organización prioriza la inclusión de bailarines, tanto profesionales como aficionados, hasta los 70 años, en busca de recrear las escenas corales características de la película animada. Para formalizar la inscripción, los aspirantes deben presentar un documento oficial de identidad o NIE. Se ha anunciado que el trabajo será remunerado, pero no se han especificado más detalles al respecto.

Todo lo que sabemos del esperado ‘remake’

El objetivo de los productores es replicar la atmósfera de la cinta original, donde la música y el movimiento colectivo resultan determinantes para la narrativa visual. De este modo, la selección de perfiles tan variados permite que familias completas puedan compartir escena con los protagonistas de la historia. Por su parte, el Barri Vell de Girona servirá de escenario gracias a su entramado de calles empedradas y su arquitectura medieval, ideal para reconstruir parte del reino ficticio que originalmente imaginaron los hermanos Grimm.

Por otra parte, la producción ya ha anunciado a algunos de los intérpretes que figurarán en el proyecto. Teagan Croft (Titanes) tendrá el papel de Rapunzel, mientras que Milo Manheim (Zombies) hará de Flynn Rider y Kathryn Hahn (La señora Fletcher) de Madre Gothel.

El Día del Libro es una de esas pocas festividades capaces de unir a todo el mundo en una única celebración. Prueba de ello, es que los principales líderes políticos en España han querido compartir algunas de sus lecturas o enviar un mensaje resaltando la importancia de la lectura. “En cada libro hay un primer viaje a lo desconocido”, ha escrito Alberto Núñez Feijóo en sus redes sociales en una fotografía en la que aparece leyendo. “Un tesoro que nos acompaña en los momentos difíciles, nos enriquece y amplía nuestra mirada del mundo”.

Sin embargo, quien parece haber ido más lejos ha sido el actual presidente del Gobierno, Pedro Sánchez. El dirigente del Partido Socialista, cuyas recomendaciones culturales ya se habían vuelto muy populares en redes como TikTok, ha aprovechado este mismo canal para celebrar el Sant Jordi con un reto viral: elegir repetidamente entre dos de sus libros favoritos para, finalmente, declarar a un único vencedor como rey de la montaña. “Hoy es el Día del Libro, así que me sumo a esta tendencia”, ha explicado Sánchez al inicio de un vídeo que, pese a publicarse a primera hora de la mañana, ya acumula decenas de miles de me gusta.

Los clásicos recomendados por Pedro Sánchez

Los primeros favoritos del presidente del Gobierno han sido La balsa de piedra, novela del Nobel de Literatura José Saramago donde se proyecta un futuro distópico en el que la Península Ibérica se separa de Europa, y El capitán Alatriste, libro inicial de la saga más conocida de Arturo Pérez-Reverte. Ha tardado varios segundos en elegir con cuál se quedaba, pero finalmente Sánchez ha optado por el primero, que sin embargo no ha resistido frente al siguiente: Eichmann en Jerusalén, clásico ensayo de la filósofa Hannah Arendt sobre los juicios a nazis tras la Segunda Guerra Mundial.

A continuación, Sánchez ha tenido que confrontar este famoso ensayo filosófico con una de las obras de teatro más conocidas de España, Bodas de sangre, de Federico García Lorca, que ha sido la escogida por el político sin ningún tipo de duda. Más problemática se ha presentado la siguiente elección: Bodas de sangre o Frankenstein, de Mary Shelley. “Bueno, vamos a reivindicar también a Frankenstein”, ha optado finalmente. No obstante, el siguiente en ser elegido no ha sido el clásico de la literatura inglesa, sino la novela gráfica Persépolis, de Marjane Satrapi, donde se habla de la situación de las mujeres en Irán.

En la recta final del vídeo, han vuelto los grandes clásicos de la literatura universal. Persépolis ha perecido frente a 1984, la distopía del absolutismo político escrita por George Orwell. Este ha sido el único libro que ha conseguido ganar dos contiendas seguidas, tras imponerse también a Nada, la novela de Carmen Laforet en la que se narran las desventuras de una joven de la Barcelona de posguerra. Quien finalmente ha sido capaz de derrocar a Orwell ha sido el Nobel Gabriel García Márquez, con 100 años de soledad, buque insignia del realismo mágico. Eso sí, el rey de la montaña ha sido el último en aparecer: El Quijote, de Miguel de Cervantes. “Que paséis un feliz Día del Libro”, se ha despedido el presidente".

Otra noche más, desde un rincón olvidado de la estantería, un enorme ejemplar de Don Quijote de la Mancha acumula polvo entre otros volúmenes. Si, como en Toy Story, los libros cobraran vida, probablemente no estaría muy feliz con su destino: haber pasado de ser lectura imprescindible a una simple herencia familiar. En otro punto de la habitación, una pequeña Biblia que no se abre desde primaria parece asumirlo con resignación: tarde o temprano, y por mucho que se ponga de moda el nuncore, también acabará formando parte de una futura herencia. Tanto clásicos universales como ensayos fundamentales, muchos de los libros que han definido la cultura de nuestro tiempo comparten hoy el mismo destino: un cajón. Pero Japón lleva años sacando pecho.

El excelente momento que vive en España el cómic ha hecho el resto. El sello La otra h, de Herder Editorial, lleva más de una década apostando por acercar y hacer más comprensibles al público joven las grandes obras de todos los tiempos: los clásicos también se leen en versión manga.

El origen de esta propuesta está, precisamente, en Japón. Fue la editorial East Press la que, en 2007, lanzó Manga de Dokuha que, en su traducción al español, significa “lectura a través del manga”, una colección que adapta los grandes clásicos de la literatura y el pensamiento universal al formato manga. “El estilo de escritura denso y la necesidad de conocimientos previos son las dos principales razones por las que la gente evita los clásicos. Empieza con el manga para captar la esencia de estas obras maestras”, reza la descripción de la web original.

En total, la editorial cuenta ya con más de 130 títulos impresos que incluyen clásicos tan variados como Karl Marx y su Manifiesto Comunista, El príncipe de Nicolás Maquiavelo, Hamlet de William Shakespeare o, incluso, la Biblia, dividida en Nuevo Testamento y Antiguo Testamento. De hecho, la editorial japonesa no se corta en adaptar hasta el Mein Kampf de Adolf Hitler, el manifiesto político nazi.

Un proyecto que llega con autores y dibujantes anónimos

A España llegaron cuatro años después de su lanzamiento original, en 2011, gracias a Verónica Calafell y Marc Bernabé, traductores de Daruma, empresa que ofrece servicios lingüísticos y de traducción. La primera publicación en este formato fue Así habló Zaratustra, del filósofo alemán Friedrich Nietzsche. “Al principio se publicaba más o menos uno por semestre. Era un ritmo bastante bajo”, explica a Infobae el jefe de prensa de la editorial Herder, Carlos Hans, ubicado en Barcelona.

El punto de inflexión llegó en noviembre de 2016. “A partir de ahí vimos que la cosa realmente funcionaba muy bien“, apunta. El éxito cosechado, que para entonces se aglutinaba directamente en la editorial, dio paso no solo a aumentar las traducciones de las obras de East Press, sino a crear un sello propio para albergar tanto estos como otros libros que tuvieran la filosofía y la literatura como protagonistas.

A 2026, La otra h tiene ya un total de 44 mangas publicados para todos los gustos, como La riqueza de las naciones, de Adam Smith; Discurso del método, de René Descartes; La Iliada y la Odisea, de Homero; Las penas del joven Werther, de Johann Wolfgang von Goethe; Kamasutra, Vatsyayana; o Moby Dick, de Herman Melville, además de los ya mencionados previamente.

Pero, ¿quién dibuja? “Siempre ha sido un poco un problema, porque no lo sabemos. Ellos son una especie de fábrica de libros, más o menos. Trabajan de manera colectiva. A nosotros lo que nos llega es el trabajo final. Nunca ha habido un autor del texto ni un dibujante”, señala.

En cuanto a ventas, la editorial no facilita cifras exactas, pero sí reconoce diferencias claras entre títulos. “Hay algunos que no han funcionado especialmente bien, pero hay otros que funcionan muy bien”, explica Hans. Entre los más destacados está La Ilíada y Odisea, que se publica en un solo volumen y ha alcanzado ya diez ediciones (una primera tirada y nueve reimpresiones). Le siguen El capital, con siete; Don Quijote de la Mancha, con ocho; Crítica de la razón pura, con seis; o El manifiesto comunista, con siete.

El auge del manga, un negocio sin fondo

Se trata, en su mayoría, de obras muy reconocibles que, precisamente por su complejidad o densidad en formato original, encuentran en el manga una puerta de entrada más accesible. “Hay unos diez o doce títulos que son los que más llaman la atención”, señala Hans. Muchos de ellos, publicados hace entre cinco y ocho años, siguen teniendo buena salida: “En ferias se piden bien, se agotan y hay que reimprimir. Dentro de esos 44 hay un ramillete que se sigue vendiendo muy bien”.

El último título incorporado al catálogo es El gran Gatsby, de F. Scott Fitzgerald, publicado en 2021. De cara al futuro, la editorial reconoce que trabaja en nuevas posibilidades, aunque el ritmo depende en gran medida de las editoriales japonesas, cuyos tiempos y procesos son más complejos. Por ahora, uno de los proyectos en el horizonte es una adaptación de 1984, de George Orwell, que podría publicarse cuando la obra pase a dominio público en los próximos años.

Ese crecimiento coincide, además, con el auge del manga en España. En los últimos años, el cómic japonés ha pasado de ser un nicho a convertirse en uno de los motores del sector. En 2025, el manga supuso el 56% del mercado mundial, según estimaciones de la consultora Gran View Research. En España, esto se representó con el 2,61% del mercado total, un valor estimado de unos 390 millones de euros. Para comprobar su alcance basta un vistazo a la lista de los libros más vendidos que publica habitualmente la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL): ahora mismo, entre los 100 títulos más vendidos en toda España hay cuatro mangas —dos de ellos pertenecientes a la misma serie—, que conviven en el ranking con superventas de la narrativa comercial.

El Festival de Cine de Cannes 2026 ha anunciado una nueva ola de incorporaciones a su selección oficial, entre las que destacan Paper Tiger, dirigida por James Gray y protagonizada por Adam Driver y Scarlett Johansson, y Victorian Psycho, adaptación de la novela homónima de la autora española Virginia Feito, quien además firma el guion. La programación refuerza la apuesta del certamen por la diversidad de voces creativas y la adaptación literaria. Paper Tiger forma parte de la competencia oficial por la Palma de Oro. El filme, dirigido por James Gray, reúne en su elenco principal a Scarlett Johansson, Adam Driver y Miles Teller. La historia sigue a dos hermanos que, en busca del sueño americano, se ven atrapados en una operación criminal que los enfrenta a la “Mafiya” rusa, según la sinopsis oficial. El conflicto pone a prueba los lazos familiares y plantea la traición como un desenlace posible.

La inclusión de Paper Tiger representa el regreso de Gray a la primera línea del cine internacional. Neon adquirió los derechos para América del Norte, lo que anticipa una fuerte presencia en la temporada de premios y una alta expectativa entre la crítica y el público del festival. El filme aparece como uno de los títulos más esperados en la Croisette para esta edición. Entre las novedades, destaca la adaptación de Victorian Psycho, novela de la autora española Virginia Feito. La propia Feito se encarga del guion de la película dirigida por Zachary Wigon, que será presentada en Cannes. El filme narra la llegada de Winifred Notty, una institutriz excéntrica, a la mansión gótica conocida como Ensor House. A medida que se integra en la vida del lugar, comienzan a desaparecer miembros del personal, generando sospechas sobre su presencia.

La actriz Maika Monroe lidera el reparto como Winifred Notty, acompañada por Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Amy De Bruhn y Jacobi Jupe. La producción corre a cargo de Dan Kagan y Sebastien Raybaud, con la participación de compañías internacionales. La selección de Victorian Psycho en Un Certain Regard subraya la atención creciente hacia la literatura española contemporánea adaptada al cine global. Para responder a la pregunta sobre el papel de la literatura española y su impacto en Cannes 2026, Victorian Psycho representa la consolidación internacional de Virginia Feito como guionista y novelista, al tiempo que la película se posiciona entre las propuestas más intrigantes del festival por su fusión de terror gótico y psicología.

Diego Luna vuelve a la dirección

El anuncio de Cannes abarca también la llegada de Ashes, dirigida por Diego Luna y basada en la novela Eating Ashes de la autora mexicana Brenda Navarro. El drama, rodado en español, cuenta con la participación de Anna Díaz, Adriana Paz, Laura Gómez y Charlie Rowe, y será exhibido en la sección Special Screenings. En Un Certain Regard, se suma A Girl’s Story, ópera prima de Judith Godrèche basada en la novela autobiográfica de Annie Ernaux, que explora la juventud, el descubrimiento sexual y las relaciones de poder en la Francia de 1958. La programación también incluye Titanic Ocean, dirigida por Konstantina Kotzamani, una historia sobre adolescentes que entrenan para ser sirenas en Japón.

La oferta de animación se amplía con Tangles, de Leah Nelson, en la sección de Special Screenings, y Lucy Lost, de Olivier Clert, destinada al público familiar en Family Screening. Estas adiciones refuerzan la variedad de géneros y estilos presentes en la edición. El Festival de Cannes celebrará su 79ª edición entre el 12 y el 23 de mayo de 2026. El certamen reafirma su relevancia con una programación que combina nombres consagrados como James Gray y figuras emergentes como Virginia Feito. La presencia de adaptaciones literarias y propuestas internacionales consolida a Cannes como un escaparate clave para las tendencias del cine mundial.

Los actores Michael B. Jordan y Austin Butler encabezarán el reparto del reboot cinematográfico de Corrupción en Miami, que llevará el título oficial de Miami Vice ’85 y será dirigido por Joseph Kosinski, responsable de F1: La película y Top Gun: Maverick. La película, producida por Universal Pictures, tiene programado su estreno para el 6 de agosto de 2027 y se filmará especialmente para salas IMAX. El inicio del rodaje está previsto para finales de este año, bajo la supervisión de los ejecutivos de producción de Universal.

La confirmación del elenco principal sitúa a Michael B. Jordan en el papel de Ricardo “Rico” Tubbs, mientras que Austin Butler interpretará a James “Sonny” Crockett. Ambos personajes fueron populares en la serie original Miami Vice, conocida en España como Corrupción en Miami, donde fueron encarnados por Philip Michael Thomas y Don Johnson. Posteriormente, la saga tuvo una adaptación cinematográfica en 2006 dirigida por Michael Mann, con Colin Farrell y Jamie Foxx como protagonistas.

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En esta nueva versión, Universal apuesta por dos actores que atraviesan un momento destacado en sus carreras. Jordan acaba de obtener el premio Oscar al mejor actor, además del Actor Award de SAG-AFTRA y dos NAACP Awards por su doble interpretación en Sinners, dirigida por Ryan Coogler. Además, Jordan tiene previsto protagonizar, dirigir y producir una relectura de The Thomas Crown Affair para Amazon MGM Studios, cuyo tráiler fue presentado recientemente en CinemaCon. Por su parte, Butler recibió una nominación al Oscar por su papel como Elvis Presley en Elvis, dirigida por Baz Luhrmann. Desde entonces, ha participado en películas de directores reconocidos, como Dune: Parte Dos de Denis Villeneuve, The Bikeriders de Jeff Nichols, Caught Stealing de Darren Aronofsky y Eddington de Ari Aster. Butler protagonizará próximamente el thriller criminal Enemies, de A24, junto a Jeremy Allen White, aunque donde le pudimos ver más recientemente fue en Bala perdida de Darren Aronofsky..

Dos talentos a seguir

El anuncio del reparto fue acompañado por declaraciones del director Joseph Kosinski, quien expresó su entusiasmo por trabajar con ambos actores. “Michael es alguien a quien admiro desde hace mucho tiempo y siempre quise colaborar con él. Austin está demostrando ser un talento a seguir. He admirado mucho sus elecciones”, afirmó Kosinski en una entrevista con Variety. El cineasta ya había manifestado su preferencia por Jordan y Butler cuando surgieron los primeros rumores sobre el proyecto el año pasado.

La película estará dirigida por Joseph Kosinski, quien recientemente finalizó F1: La película, protagonizada por Brad Pitt. Kosinski, conocido también por su trabajo en Top Gun: Maverick, compartirá la producción con Dylan Clark, responsable de Dylan Clark Productions. El guion de Miami Vice ’85 ha sido elaborado por Dan Gilroy, basándose en los personajes creados por Anthony Yerkovich para la serie de televisión original, que fue producida ejecutivamente por el propio Yerkovich y Michael Mann. Un borrador anterior del guion fue escrito por Eric Warren Singer. La supervisión del proyecto en Universal recae en Sara Scott, vicepresidenta ejecutiva de desarrollo de producción, y en Christina Hoffrogge, ejecutiva creativa de producción.

Según la sinopsis oficial, Miami Vice ’85 explorará “el glamour y la corrupción del Miami de mediados de los 80”, inspirándose en el episodio piloto y la primera temporada de la serie original. La ambientación y el enfoque buscarán reflejar el fuerte impacto cultural de Corrupción en Miami, que en su momento definió tendencias en moda, música y estilo visual, tanto en la televisión como en el cine. El proyecto pretende recuperar la atmósfera vibrante y el trasfondo criminal que convirtieron a la serie en un fenómeno internacional. La elección de los protagonistas y del director sugiere una apuesta por renovar la franquicia, manteniendo elementos clásicos y sumando una visión contemporánea. El desarrollo de la película ha generado expectativas entre los seguidores de la serie y los nuevos públicos, que esperan ver cómo se reinterpretan los personajes y el universo de Corrupción en Miami bajo la óptica de Kosinski, Jordan y Butler.

Albert Camus (1913-1960) fue uno de los escritores más jóvenes de la historia en ganar el Premio Nobel de Literatura. Lo hizo, además, siendo no solo un gran escritor, sino un importantísimo filósofo que exploraba tanto en sus ensayos como en sus novelas la condición humana frente a la falta de sentido del mundo moderno, transformando la angustia existencial en una ética de la resistencia.

En su obra, este escritor y filósofo exploró con maestría el concepto del “absurdo”, esa tensión constante entre el deseo humano de encontrar orden y el silencio irracional del universo. A través de personajes icónicos y ensayos profundos, analizó la rebelión como la única respuesta digna frente a la injusticia y el vacío. Para Camus, la vida carecía de un significado intrínseco, pero es precisamente esa carencia la que nos otorga la libertad absoluta de crear nuestros propios valores y disfrutar de la existencia.

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Esta visión se sintetiza en una de sus frases más conocidas: “Nadie se da cuenta de que algunas personas gastan una energía tremenda simplemente para ser normales”. Con estas palabras, Camus ponía el foco en el esfuerzo invisible de aquellos que no encajan de forma natural en las estructuras sociales preestablecidas. Para él, la normalidad era una máscara agotadora que muchos sostienen para sobrevivir en un mundo que castiga la diferencia o la sensibilidad.

El significado de la frase de Camus

Tanto en la filosofía como en la literatura del filósofo, siempre encontramos un dilema entre ser auténtico y formar parte del “teatro” social. Pensemos en Meursault, por ejemplo, el protagonista de su novela El extranjero, que por no llorar en el entierro de su madre “corre el riesgo de ser condenado a muerte”. Aquí señala cómo la sociedad impone protocolos emocionales estrictos. Quienes no sienten o actúan según el guion previsto deben invertir una energía colosal en fingir o en justificar su propia naturaleza, lo cual genera un desgaste psicológico profundo y silencioso.

El pensamiento de Camus cobra todavía más vigencia en nuestro día a día. En una era de visibilidad aumentada, las redes sociales son un espacio donde parece que solo se premia proyectar una imagen de éxito y estabilidad constante. Muchas personas agotan sus recursos emocionales intentando cumplir con este estándar de “normalidad” productiva y alegre, ocultando tras la pantalla su ansiedad o su sensación de alienación. El esfuerzo por parecer funcional en un sistema donde todos te observan es, para muchos, la batalla más dura del día.

La lucha contra los estándares sociales fue una de las muchas por las que el filósofo francés decía: “Me rebelo, luego somos”, sugiriendo que el reconocimiento de nuestro sufrimiento común nos une. Aceptar que la normalidad es una construcción arbitraria permite al individuo dejar de gastar energía en encajar y empezar a invertirla en vivir con honestidad. Camus llamaba a la empatía y nos recordaba que, bajo la superficie de lo cotidiano, hay muchas personas librando una guerra interna para no desmoronarse ante las expectativas de los demás.

Las máscaras que todos llevamos

La idea de que todos llevamos una máscara social no nació de Camus. En realidad, proviene de una larga tradición que se remonta a la Antigua Grecia. Se dice que Diógenes de Sinope, un conocido cínico del siglo IV a.C., caminaba por las calles con una lámpara diciendo “Busco a un hombre”, refiriéndose a que solo encontraba “actores” que seguían convenciones sociales, no seres humanos auténticos y naturales.

Siglos más tarde, Friedrich Nietzsche, en Así habló Zaratustra, expresó una idea similar sobre la presión del grupo: “El individuo ha luchado siempre para no ser absorbido por la tribu. Pero ningún precio es demasiado alto por el privilegio de ser uno mismo”. Una idea que inspiraría a muchos pensadores posteriores, que concluirían que el esfuerzo por ser válidos para los demás es una renuncia a la propia esencia, una carga que consume la vitalidad que debería dedicarse a la creación personal.

En conclusión, la obra de Camus sigue siendo un refugio para quienes se sienten extraños en su propia tierra. Su invitación a reconocer el esfuerzo ajeno por “ser normales” nos humaniza y nos libera de la tiranía de las apariencias. “Para ser, hay que empezar por ser algo para uno mismo”, reivindicaba. “En medio del invierno, aprendí por fin que había en mí un verano invencible”.

La plataforma Prime Video confirmó que la esperada tercera temporada de El señor de los anillos: Los anillos de poder se estrenará antes de que finalice 2026. De este modo, se contradicen los rumores que situaban el lanzamiento en 2027, según informó una fuente vinculada a la producción a The Hollywood Reporter. El regreso de la serie se producirá tras un intervalo de dos años desde el final de la segunda temporada, emitido en octubre de 2024. Esta pausa generó especulaciones sobre retrasos importantes, pero el anuncio reciente despeja las dudas sobre la continuidad del proyecto y su calendario.

La tercera entrega de El señor de los anillos: Los anillos de poder llegará a la pantalla en 2026, adelantando la fecha que se había manejado en informes anteriores. Tal como reveló un informante a The Hollywood Reporter, el estreno se producirá “un poco antes” de lo que se había especulado. La noticia representa un alivio para los seguidores de la franquicia, quienes esperaban una espera aún mayor. El último capítulo disponible fue el final de la segunda temporada, emitido en octubre de 2024, por lo que la brecha entre temporadas será finalmente de dos años. El anuncio oficial de renovación se realizó en febrero de 2025. Poco después, la producción comenzó en los estudios Shepperton del Reino Unido, lo que permitió cumplir con el nuevo calendario de lanzamiento.

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La sinopsis oficial indica que la temporada tres dará un salto temporal de varios años respecto a los sucesos narrados en la segunda parte. La trama se situará en el punto más crítico de la Guerra de los Elfos y Sauron, periodo que antecede al enfrentamiento mostrado en el prólogo de las películas de Peter Jackson, conocido como la Guerra de la Última Alianza. En esta nueva fase, Sauron busca crear el Anillo Único, objeto que le permitirá ganar ventaja en la guerra y aspirar al dominio total de la Tierra Media. Según el resumen oficial, la historia mostrará el intento del Señor Oscuro por consolidar su poder, en un contexto de máxima tensión entre los distintos pueblos. Esta ambientación permite a la serie explorar eventos anteriores a la narrativa cinematográfica más conocida, ampliando el universo de J.R.R. Tolkien y profundizando en las motivaciones de personajes emblemáticos.

Un salto temporal de varios años

El señor de los anillos: Los anillos de poder se ha consolidado como un fenómeno global para Prime Video, alcanzando alrededor de 170 millones de espectadores en todo el mundo. Su impacto se refleja no solo en la audiencia, sino también en su papel como motor de suscripciones para la plataforma. La serie, que cuenta con uno de los presupuestos más altos de la industria, ha sido descrita como un “éxito rotundo” por ejecutivos de Amazon, aunque la compañía no ha emitido declaraciones formales recientes sobre el desempeño comercial de la producción.

El volumen de visualizaciones y la expectativa generada en torno a cada temporada han convertido a la franquicia en uno de los productos estrella dentro de la estrategia de contenidos originales de Prime Video. El reparto principal contará nuevamente con Charlie Vickers en el papel de Sauron, Morfydd Clark como Galadriel y Robert Aramayo en la interpretación de Elrond. Entre las incorporaciones recientes figuran Jamie Campbell Bower, conocido por su trabajo en Stranger Things, Eddie Marsan de Ray Donovan, así como Andrew Richardson, Zubin Varla y Adam Young. Los roles específicos de los nuevos integrantes aún no han sido revelados.

El desarrollo creativo continúa bajo la dirección de los showrunners y productores ejecutivos J.D. Payne y Patrick McKay. A ellos se suman la productora ejecutiva Lindsey Weber, Justin Doble, Kate Hazell y la directora productora ejecutiva Charlotte Brandstrom. El equipo de producción se completa con Matthew Penry-Davey como productor y Ally O’Leary, Tim Keene y Andrew Lee como coproductores. Payne y McKay compartieron con The Hollywood Reporter que el desarrollo de la nueva temporada estaba en marcha incluso antes del estreno de la segunda, lo que contribuyó a acortar los plazos de preproducción y rodaje. El regreso de El señor de los anillos: Los anillos de poder promete una nueva etapa en la expansión televisiva del universo de Tolkien, con un salto temporal, cambios narrativos y una renovada apuesta de Prime Video por la saga.

Apenas lleva unos días en la plataforma, pero ya se ha convertido en lo más visto. La nueva comedia de Netflix, Compañeras de cuarto (Roommates, Chandler Levack), propone una mirada fresca y caótica sobre la convivencia universitaria, centrándose en el choque de personalidades de dos jóvenes que apenas comparten algo más que el espacio de su dormitorio. Devon (Sadie Sandler), caracterizada por su torpeza social y una relación de dependencia con su hermano menor, se ve forzada a compartir su día a día con Celeste (Chloe East), cuya actitud desenfadada y falta de límites personales pronto transforman la rutina en una experiencia asfixiante.

Lo que comienza como una amistad inesperada entre polos opuestos, rápidamente se convierte en una batalla de pequeñas venganzas. El filme, dirigido por Chandler Levack (I love movies), despliega una serie de episodios humorísticos donde las diferencias entre las protagonistas se vuelven el eje de una rivalidad que, aunque exagerada en ocasiones, refleja situaciones reconocibles para quienes han atravesado la transición a la vida universitaria lejos del hogar. Una crítica a las nepobabies, pero que cuenta con varias de ellas en el reparto, desde la propia Sadie Sandler a Bella Murphy, Zahra Rock, hijas de Eddie Murphy y Chris Rock.

Roommates narra una historia ficticia escrita por Jimmy Fowlie y Ceara O’Sullivan, guionistas de Saturday Night Live, que explora las tensiones y desafíos de compartir espacio en una etapa marcada por la búsqueda de independencia. La trama sigue el recorrido de Devon en su primer año de universidad, desde el entusiasmo inicial por encontrar una amiga, hasta el desencanto provocado por las constantes invasiones de Celeste a su privacidad. La convivencia pronto se convierte en una “guerra de trincheras”, donde los hábitos molestos, la envidia y los conflictos se acumulan. El guion retrata cómo la estrecha relación entre las protagonistas, lejos de fortalecer un lazo, termina por exponer sus debilidades y desencadenar un enfrentamiento explosivo. Esta dinámica, aunque llevada al extremo, encuentra eco en el público joven, aludiendo a experiencias comunes de la vida universitaria.

Un retrato de la vida universitaria en clave Gen Z

El tono de Roommates se apoya en el humor para abordar la tensión creciente entre Devon y Celeste. Las escenas de enredos, discusiones absurdas y situaciones ridículas construyen una narrativa ligera, pero no por ello superficial. El caos que se apodera de la relación entre las protagonistas sirve de vehículo para explorar temas como la falta de madurez emocional, la necesidad de establecer límites y la dificultad de adaptarse a nuevos entornos. La película aprovecha los clichés del género, como las fiestas, los malos entendidos y las bromas pesadas, pero introduce matices propios al centrarse en una perspectiva femenina, menos explorada en las comedias universitarias tradicionales. La rivalidad entre las protagonistas surge de motivos cotidianos, pero evoluciona hasta convertirse en un duelo psicológico cargado de ironía.

La experiencia de convivir en la universidad suele implicar una mezcla de descubrimientos y frustraciones. Para muchos estudiantes, el primer año lejos de casa significa enfrentarse a la novedad de compartir espacio con desconocidos, ajustar rutinas y aprender a negociar diferencias. Roommates capta esa tensión y la lleva al terreno de la comedia, mostrando que el roce constante puede transformar la amistad en enemistad en cuestión de semanas. A lo largo de la historia, el principal motivo de disputa entre Devon y Celeste radica en los límites personales. Las invasiones constantes de Celeste generan un clima de tensión que, aunque exagerado para fines narrativos, resulta creíble para quienes han vivido situaciones similares. El guion consigue que el público se identifique con los personajes, más allá de los excesos de la ficción, y lo hace con un humor muy made in Generación Z.

En declaraciones a FandomWire, Chandler Levack explicaba su interés en plasmar la confusión y el caos propios de la juventud. Señaló: “Vives lejos de casa por primera vez, pero no tienes idea de quién eres. Te aferras desesperadamente a cualquiera que parezca tener algo en común contigo”. Levack defendió la elección de no forzar una reconciliación artificial entre las protagonistas, alejándose de la estructura convencional donde los personajes “aprenden una lección” y se reconcilian al final. La directora destacó que la película busca reflejar la autenticidad de las relaciones humanas, donde no siempre hay redención ni finales felices. Para Levack, el atractivo de la historia reside en su capacidad para capturar la imprevisibilidad de las emociones y el comportamiento de los jóvenes adultos, incluso cuando sus acciones resultan absurdas o extremas.

Un nuevo clásico que referencia al género

La película se inscribe en la tradición de las comedias universitarias, un género consolidado por títulos como Desmadre a la americana (Animal House), Un loco suelto en el campus (Van Wilder) o Aceptados (Accepted). Sin embargo, Roommates introduce una mirada renovada al poner en el centro a dos mujeres cuyas motivaciones, inseguridades y conflictos son tratados con una profundidad poco habitual. El film aborda temas como el autodescubrimiento, el deseo de pertenencia y la búsqueda de independencia, pero lo hace desde el prisma de la experiencia femenina, explorando cómo las presiones sociales y los roles de género influyen en la amistad y la rivalidad entre mujeres jóvenes. La narrativa de Roommates no solo se ocupa del conflicto entre compañeras de cuarto, sino que también retrata el proceso de dejar atrás la adolescencia para asumir responsabilidades propias de la vida adulta. El guion utiliza el enfrentamiento entre Devon y Celeste como metáfora de los miedos, inseguridades y deseos contradictorios que marcan el inicio de la etapa universitaria.

El caos, la diversión y la tensión que atraviesan las protagonistas funcionan como símbolo de las oportunidades y desafíos que supone empezar de nuevo en un entorno desconocido, donde la convivencia puede ser fuente de crecimiento o de conflicto. Aunque la premisa de Roommates se apoya en situaciones exageradas y un tono humorístico, la película logra transmitir un sentido de verdad en la descripción de la convivencia universitaria. El filme reconoce que las amistades pueden surgir de la casualidad y desmoronarse por detalles mínimos, y que la convivencia forzada es, muchas veces, terreno fértil para el conflicto.

Las escenas más hilarantes del largometraje están equilibradas por momentos de incomodidad y tensión, lo que permite que la historia resuene con quienes han experimentado la convivencia en carne propia. La película no ofrece moralejas simples ni soluciones mágicas, apostando en cambio por una representación honesta, aunque caótica, de la realidad universitaria. Al final, Roommates se presenta como una comedia que combina el desenfreno propio de la juventud con una observación aguda sobre los límites de la convivencia. El relato evita fórmulas previsibles y ofrece una visión sincera sobre la amistad, el conflicto y la transición hacia la adultez, apoyándose en el carisma de sus protagonistas y en un guion que no teme exagerar para hacer reír y reflexionar tanto a los jóvenes como a los que ya no lo son tanto.

Hace casi 100 años, la escritora Virginia Woolf dio en la clave: “Me atrevo a adivinar que Anónimo, que escribió tantos poemas sin firmarlos, era a menudo una mujer”. Cuando ella nació, Inglaterra atravesaba un siglo en el que el 80% de los textos publicados estaban sin firmar. Pero la escritora iba más allá, señalando también los grandes clásicos (en España tenemos varios, desde El cantar del mío Cid al Lazarillo de Tormes) cuya autoría se desconoce, pero que casi por defecto solemos atribuir a los escritores masculinos.

Es a partir de las palabras de Virginia Woolf que Andrea Martínez (Madrid, 1998) construye Anónimo es nombre de mujer (Bruguera), un ensayo sobre todas esas escritoras que el patriarcado borró, directa o indirectamente, de los libros que habían escrito. Su contenido no se aleja, pues, del que esta conocida divulgadora literaria difunde en su canal @literatura.o.barbarie, donde acumula más de 220.000 seguidores, y donde hablar de libros nunca está reñido con tener conciencia social y un posicionamiento político.

“No me sentía cómoda en redes sociales siendo equidistante”, explica en su entrevista con Infobae. “Nunca lo he sido”. Así, era cuestión de tiempo que se diera cuenta de que hablar de los libros que había leído era hablar, en una amplia mayoría de los casos, de libros firmados (y no siempre escritos) por hombres. “La literatura no solamente refleja el mundo, sino que lo escribe. Todo lo que nos ha escrito o todo lo que se ha escrito a lo largo de la historia es para contar el relato de los vencedores. Y las mujeres no han sido las vencedoras nunca”.

Una pregunta cuya respuesta es aterradora

Los datos que recaba Andrea Martínez hablan por sí solos. Un estudio de 2020 señala cómo, en el temario de Lengua y Literatura los estudiantes de tercero y cuarto de la ESO, las mujeres representan menos del 10% de los autores estudiados. Pero que no se enseñen no significa que no se conozcan, y que no se conozcan, tampoco significa que no existieran. El primer texto literario firmado de la historia es, de hecho, de una mujer: Enheduanna, una autora de la antigua Mesopotamia, que en escritura cuneiforme dejó su nombre esculpido para la posteridad.

La divulgadora señala otro ejemplo, el siglo XIX, donde se produjo un boom de la literatura gótica, donde afloraron autoras como las hermanas Emily, Charlotte y Anne Brontë o Mary Shelley. Todas ellas, sin embargo, firmando con pseudónimo masculino. “La literatura gótica fue una oportunidad para muchas mujeres de hablar de sus miedos. Es curioso que, en esa época en la que se publican tantos textos, es donde encontramos una mayor cantidad de textos anónimos”, subraya Andrea Martínez.

La crítica feminista, consolidada a partir de la segunda mitad del siglo XX, recuperaría algunos nombres borrados por la historia. Nombres como, por ejemplo, el de Marguerite Porete, abadesa del siglo XIII que, tras ser quemada en una hoguera junto al libro ‘hereje’ que había escrito, este seguiría circulando, pero no sería hasta 700 años después que se demostró que había sido escrito por ella. Hasta entonces, claro, el autor fue siempre Anónimo. “Hemos perdido muchísimas mujeres por el camino”, lamenta Andrea Martínez. “¿Cuántas mujeres no se atrevieron a firmar? ¿Cuántas lo hicieron y aun así las hemos olvidado? La respuesta a esa pregunta puede ser aterradora”.

¿'La Odisea’ la escribió una mujer?

Preguntada por si cree que alguno de los grandes clásicos anónimos de la literatura universal, la autora se decanta en un principio por la prudencia. “No me considero cualificada, pero sí me gusta mucho la idea de que, en Las mil y una noches, toda la idea es la de una mujer contando cuentos. Quizá esas historias no las escribió una mujer, pero sí creo que hay que reivindicar cómo muchos de los clásicos que hoy tenemos como referentes han sobrevivido porque los contaban las mujeres. Nosotras hemos sido siempre las que contábamos la historia”.

En su libro menciona también a otro de los grandes ‘anónimos’ literarios, Homero, que, pese a tener nombre, carece de identidad. “Lo plantean estudiosas como Natalie Haynes o Carmen Estrada. No sabemos quién fue Homero, o quiénes: el tono que tiene La Odisea con respecto a las mujeres es muy distinto al de La Ilíada. Cómo se habla de ellas, cómo la idea de Penélope tejiendo y destejiendo un sudario en un telar porque los hombres no saben cuánto se tarda en hacer eso, todo eso es una idea muy femenina. No sé a cuántos hombres se les hubiese ocurrido”, ríe. “Quizá lo escribiera uno o varios hombres, pero también quizá la historia la contara una mujer”.

Las mujeres han estado siempre presentes en la literatura. El anonimato impuesto y los pseudónimos no fueron la única forma de ocultarlo. En su libro, Andrea Martínez también repasa varios casos emblemáticos de escritoras que, por vivir a la sombra de otros ‘grandes genios’, quedaron ocultadas. Así llegamos a varios robos de autoría, como la exdiputada española María Lejárraga (cuyas obras firmaba su marido) o Zelda Fitzgerald (cuyo marido plagiaba fragmentos de sus diarios), a escritoras como Carmen Martín Gaite o Elena Garro, a la sombra de sus maridos, también escritores, o a todas esas esposas que editaron, publicitaron y difundieron las obras de Tolstói, Dostoievski, Nabokov y compañía.

Carmen Mola, o cuando al anonimato se le une el marketing

El vínculo entre el anonimato y las escritoras no es solo cosa del pasado. Algunas de sus formas se mantienen, como en todos aquellos casos donde las autoras prefieren publicar solo con las iniciales de su nombre para evitar los prejuicios de los lectores masculinos. “En una entrevista, Victoria Schwab (que figura en sus libros como V. E. Schwab) contó que en una firma de libros se le acercó un hombre que le dijo que, de haber sabido que era una mujer, jamás hubiera leído uno de sus libros”.

C. J. Tudor, J. K. Rowling, R. F. Kuang... “Es algo que siguen haciendo muchísimas autoras. Inconscientemente, las iniciales nos llevan a pensar que el autor será un hombre”. En algunos casos, son las propias editoriales las que han recomendado a las autoras firmar solo con sus iniciales. “No te puedes permitir perder a la mitad del potencial consumidor”. Y es que, a pesar de que en países como España ya hay más lectoras que lectores, la literatura escrita por mujeres “sigue siendo de nicho, no universal”. “Hay muchos hombres que no van a leer un libro con una mujer en la portada, que no van a leer un libro rosa, o un libro de Annie Ernaux sobre el aborto”, denuncia Andrea Martínez.

Precisamente por eso, para ella es “terrorífico” que, tratando de atraer más a las lectoras (que leen tanto a hombres como a mujeres), haya autores hombres, como Carmen Mola, que utilicen pseudónimos femeninos. “Considero lícito el uso de pseudónimos, pero me da mucha pena porque subvierten la opresión que las mujeres han sufrido durante siglos y la convierten en marketing, consiguiendo por ello unas ventas que las escritoras muchas veces no consiguen porque se las considera de menor importancia”.

Un problema más amplio

A día de hoy, los hombres publican más libros que las mujeres, ganan más premios y tienen más prestigio. “Basta con ver cuántos hombres aparecen en las fajas recomendando libros escritos por mujeres, y cuántas mujeres libros escritos por hombres”, argumenta Andrea Martínez. “¿Por qué cojo un libro de Shirley Jackson y lo primero que aparece es que es la escritora de terror preferida de Stephen King? ¿Y a mí qué me importa? Me importa su calidad y su valor literario".

La desventaja de las autoras va más allá de las autoras, como ha podido verse este año con las películas de Guillermo del Toro y Emerald Fennell, que han adaptado Frankenstein y Cumbres Borrascosas, respectivamente. “Son dos adaptaciones muy libres de ambos libros, pero nadie ha criticado a Guillermo del Toro como sí han criticado a Emerald Fennell”. Para Andrea Martínez, esto refleja cómo sigue habiendo diferencias en los juicios de obras hechas por hombres o por mujeres. “Esto es algo que se conecta con algo más amplio: puede haber señores chillando como energúmenos en un partido de fútbol, pero no puede haber chicas chillando en un concierto de Taylor Swift”.

Anónimo es nombre de mujer busca concienciar acerca del pasado y del presente: mostrar cómo ambos están conectados, y evidenciar hasta qué punto es necesario “educar de otra manera a las próximas generaciones”. “Hay un gran trabajo educativo por hacer. No solo en las escuelas. Recuerdo un día en el que una mujer me escribió por redes sociales y me pidió una recomendación para su hijo de nueve años. Necesitaba un libro cuyo protagonista fuera chico, porque su hijo no era capaz de empatizar con una chica. Creo que es algo que le pasa a muchos niños, y por eso es importante hablar a la gente más pequeña de lo que hacen las mujeres, enseñarles lo valioso que es, y que algún día todo sea igualitario de verdad”.

Desde que empezó el 2026 han sido muchos grandes autores internacionales los que han publicado nueva obra. Entre ellos encontramos a Julian Barnes, que ha dicho adiós a su gran trayectoria literaria con Despedidas o su compañero de generación Salman Rushdie que también nos regalaba La penúltima hora.

También se han añadido voces refrescantes que se han consolidado gracias títulos tan sorprendentes como Un asunto de familia, de Claire Lynch o el premio Goncourt Foto por privado, de Simon Chevrier.

Ha habido muchas recuperaciones destacables, de Lo bello y lo triste, de Yasunari Kawabata a La cruz torcida, de Sally Carson, de Ángeles derrotados, de Denis Johnson a Gente a cenar, de Nora Ephron. Un crisol de libros de todos los géneros posibles para disfrutar de la festividad del 23 de abril.

‘La soledad de Sonia y Sunny’, de Kiran Desai

El regreso de Kiran Desai al panorama literario internacional, tras casi dos décadas sin publicar, se concretó con la aparición de esta novela de más de 700 páginas que narra la experiencia de Sonia y Sunny, dos jóvenes indios que emigran a Estados Unidos buscando mejores oportunidades, presionados por sus familias. Sonia estudia en Vermont y aspira a convertirse en escritora, mientras que Sunny trabaja como periodista en Nueva York. El texto alterna escenarios y generaciones, explorando los cambios sociopolíticos de la India y los desafíos de la vida migrante, entre ellos el racismo y la discriminación de clase en el contexto del auge del nacionalismo y la misoginia.

Uno de los ejes principales de la obra es el tratamiento de la soledad, abordada desde distintas perspectivas. La trama pone en juego la tensión entre las expectativas familiares, comunitarias y los deseos individuales de los personajes. Una de las obras fundamentales del año.

‘Física de la tristeza’, de Gueorgui Gospodínov

Se recupera la segunda obra del autor de El jardinero y la muerte, un libro que reúne mitología búlgara y referencias clásicas, presentando a un protagonista dotado de una memoria especial que lo lleva a atravesar distintas épocas y vivencias, generando una trama compleja y polifónica.

El narrador, aquejado por una “empatía patológica” que le permite experimentar recuerdos ajenos, transita desde escenas rurales búlgaras de 1925 hasta experiencias en la mente de otros seres, lo que convierte la obra en un cruce de voces, tiempos y escenarios. Esta característica redefine el concepto tradicional de novela, al integrar múltiples perspectivas y escenarios históricos.

Gospodínov explora la memoria, la melancolía y la identidad a través de episodios personales y colectivos, combinando relatos familiares y momentos históricos de Europa. El protagonista, siempre en movimiento entre su pasado y el de otros, convierte la novela en un espacio donde se cruzan experiencias de pérdida, migración y nostalgia, elementos frecuentes en el siglo XX europeo. Una maravilla.

‘La Reina Esther’, de John Irving

Irving recupera el escenario del orfanato St. Cloud’s en Maine, ya presente en Las normas de la casa de la sidra. Esta nueva obra sitúa su acción a comienzos del siglo XX y sigue la historia de Esther, una niña judía abandonada en el año 1908 durante una nevada. Esther, que tenía casi cuatro años al ser hallada por una enfermera del orfanato, pasó cerca de diez años en la institución sin ser adoptada.

La trama adquiere un giro cuando el matrimonio Winslow, de New Hampshire, elige a Esther tras conocer su historia, lo que marca un cambio para la niña y para la propia familia. El relato también está atravesado por la figura de Jimmy, hijo biológico de Esther y alter ego del autor, quien guía la narración y refleja elementos autobiográficos de Irving.

La novela profundiza en cuestiones de pertenencia y búsqueda de identidad, y amplía el universo literario de Irving al aportar nuevas perspectivas sobre la vida en el orfanato y el destino de sus habitantes.

‘Koljós’, de Emmanuel Carrère

La última novela de Emmanuel Carrère explora la conexión entre la historia de su familia y los grandes acontecimientos europeos del siglo XX y XXI. A partir del funeral de Estado de Hélène Carrère d’Encausse, su madre, Carrère inicia una investigación sobre sus orígenes, utilizando archivos y correspondencia familiar. El libro reconstruye la historia de los Zurabishvili, bisabuelos maternos del autor, parte de la burguesía intelectual georgiana forzada al exilio tras la Revolución bolchevique.

La narración recorre desde la Rusia prerrevolucionaria hasta la actualidad en Ucrania, poniendo de relieve cómo los cambios históricos afectaron a la familia. Se destacan las figuras del abuelo Georges, marcado por dificultades económicas y vínculos no esclarecidos con los ocupantes alemanes en la Segunda Guerra Mundial; Louis Carrère, el padre, caracterizado por su humildad y serenidad; y Hélène Carrère, madre del autor, cuya exigencia y notoriedad tuvieron fuerte impacto tanto en el entorno familiar como intelectual.

Koljós fusiona documentos personales y experiencias privadas con episodios históricos, situando el contraste entre el carácter de la madre y la discreción del padre como eje del relato. El uso de cartas, fotos y notas permite a Carrère reconstruir una memoria familiar atravesada por los conflictos del siglo pasado. La pérdida de Hélène Carrère actúa como motor para esta indagación, ubicando su figura en el centro emocional del libro, que funciona al mismo tiempo como crónica de la transformación europea y homenaje a su madre.

‘La noche devastada’, de Jean-Baptiste del Amo

Para los amantes de las grandes novelas de terror, aquí una de las mejores del año que se ubica en la periferia de Saint-Auch, cerca de Toulouse, durante los años noventa. El relato sigue a un grupo de adolescentes que atraviesan el paso a la adultez, enfrentando tanto sus deseos como situaciones de injusticia social. El eje central es la atracción que sienten hacia una casa abandonada, la cual, al cruzar su umbral, los sumerge en una experiencia descrita como una pesadilla sin fin.

La obra se reconoce por transformar el motivo tradicional de la casa abandonada en un espacio donde se generan nuevos temores, alejándose del fantasma clásico para crear un laboratorio de lo siniestro. El estilo narrativo recoge influencias de autores como Stephen King, Lovecraft y Cronenberg, y homenajea al género del terror al tiempo que explora las inquietudes y frustraciones de una generación.

‘Missitalia’, de Claudia Durastandi

La última novela de Claudia Durastanti fusiona géneros como el western, el espionaje y la ciencia ficción, y presenta una estructura dividida en tres momentos históricos. Cada uno de estos tiempos está protagonizado por mujeres que enfrentan y desafían las condiciones sociales de sus respectivas épocas.

En el primer momento, la acción se ubica en el sur de Italia, durante la Unificación, donde Amalia Spada lidera un grupo de mujeres apartadas que logran crear vínculos y alternativas de vida fuera de la norma. La llegada de la Fábrica del Vizconde altera ese equilibrio, ya que introduce nuevas formas de dominación asociadas al avance industrial.

El segundo periodo corresponde a la actualidad: Ada, periodista de Roma, se traslada al sur junto a otros investigadores para examinar el impacto de la industria petrolera. Esta experiencia la lleva a cuestionar y desafiar las estructuras de poder y las redes femeninas locales, modificando su perspectiva y sus acciones.

En la tercera parte, situada en 2051, una archivista identificada como A vive en una colonia lunar que reproduce el paisaje de Lucania. A, enferma y nostálgica, decide regresar a la Tierra para buscar una despedida imposible en la sociedad lunar, marcada por la negación del final y el exilio. Sin duda, una de las obras más originales y potentes de la temporada.

‘Indignidad’ de Lea Ypi

El hallazgo de una fotografía antigua de Leman Ypi, tomada durante su luna de miel en Cortina d’Ampezzo en 1941, motivó a su nieta, Lea Ypi, a investigar en los archivos de los servicios secretos de Albania, después de que la imagen se ‘viralizara’ y surgieran acusaciones sobre el pasado de Leman. La figura de Leman Ypi, nacida en 1918 en Salónica, se vincula con la transición de la aristocracia otomana a la Albania y Grecia del siglo XX, atravesando crisis económicas, conflictos bélicos y la instauración del comunismo en los Balcanes. La fotografía, capturada junto a su esposo en plena guerra, se convirtió en el eje de debates sobre identidades y lealtades complejas.

Ante acusaciones de “espía comunista” o “colaboradora fascista”, Lea Ypi regresó a Tirana y basó su búsqueda en archivos oficiales, expedientes policiales y recuerdos familiares, enfrentándose a informaciones contradictorias y a la dificultad de distinguir entre hechos y conjeturas en la historia familiar.

El libro Indignidad reconstruye la vida de Leman Ypi a partir de múltiples fuentes y destaca el impacto de la fotografía viral en la opinión pública. La autora argumenta que el sentido del pasado depende tanto de su interpretación como de los hechos documentados, y subraya la importancia de recuperar historias personales frente a la desinformación y el olvido. La obra explora la conexión entre la memoria individual y los grandes movimientos políticos del siglo XX, defendiendo la dignidad como valor central ante las crisis y la opresión.

‘Good Girl’, de Aria Aber

Aria Aber, autora nacida en Berlín y de ascendencia afgana, aborda la búsqueda de identidad de una joven afgana criada en Alemania en esta novela en la que la protagonista, Nila, explora su propia definición y pertenencia cultural en el contexto nocturno y artístico de Berlín, mientras lidia con su herencia familiar y la precariedad social. El relato utiliza el entorno de la ciudad, influido por la música techno, las drogas y el pasado bélico, como escenario de una transformación personal marcada por la autodestrucción y el deseo de libertad.

Good Girl se inserta en la tradición de la novela de formación, con referencias explícitas a obras clásicas como Wilhelm Meister de Goethe y Jane Eyre de Charlotte Brontë. Un pequeño descubrimiento cargado de intensidad emocional a la hora de trasmitir el deseo y el conflicto generacional.

‘Un asunto de familia’, de Claire Lynch

La autora aborda la experiencia de madres lesbianas en el Reino Unido durante los años ochenta, centrándose en la discriminación institucional que sufrieron bajo el sistema legal de la época. Lo hace a través de una estructura narrativa que alterna entre 1982 y 2022, presentando la historia de Dawn, una madre y esposa, y de su hija Maggie, quien en la adultez enfrenta la enfermedad de su padre y revisita la historia familiar marcada por la ausencia materna.

Lynch basa el relato en una investigación histórica exhaustiva, incorporando sentencias judiciales y testimonios reales para mostrar el contexto de intolerancia que imperaba.

El relato examina las consecuencias del silencio y la expulsión de las madres lesbianas, especialmente en el desarrollo emocional de los hijos y en la dinámica familiar. Sin duda, uno de los libros más duros y, al mismo tiempo hermosos del año.

‘La Antídoto’, de Karen Russell

Tras su celebrada Tierra de caimanes, regresa la autora finalista del Pulitzer con esta obra que se ambienta en el pueblo ficticio de Uz, Nebraska durante la Gran Depresión y el Dust Bowl, anclando su relato entre el Black Sunday de 1935 y una inundación histórica. La autora sitúa a los personajes en un entorno marcado por crisis ambientales, mezclando hechos históricos con elementos sobrenaturales y explorando las repercusiones de la amnesia colectiva en la comunidad.

El eje central de la novela lo ocupa una bruja de las praderas, encargada de custodiar recuerdos ajenos, alrededor de la cual giran personajes principales que experimentarán cambios profundos a partir de su vínculo con la hechicera.

La estructura de La Antídoto es fragmentaria, alternando puntos de vista y renunciando a la linealidad, lo que permite abordar la multiplicidad de la memoria colectiva. Russell usa esta técnica para sumergir al lector en una atmósfera donde se entrelazan lo cotidiano y lo fantástico, y repensar las convenciones del gótico estadounidense.

Una novela de una enorme potencia expresiva entre el género histórico y la narrativa fantástica que constituye una obra tan ambiciosa como deslumbrante.

El cine español se encuentra en su mejor momento. La nueva edición del Festival de Cannes lo avala. Este miércoles, se ha añadido una nueva cinta nacional a las anunciadas previamente en la Sección Oficial —con un triplete protagonizado por Los Javis, Pedro Almodóvar y Rodrigo Soroyen— o las incluidas en las secciones paralelas como la de la Semana de la Crítica, con Aina Clotet. Ahora es el turno de la ópera prima de María Martínez Bayona, The End of It.

La película formará parte de la sección Cannes Première, cuya 79.ª edición del certamen tendrá lugar entre el 12 y el 23 de mayo. La cinta cuenta con un reparto de lujo: Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona), Noomi Rapace (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, Prometheus), Gael García Bernal (Y tu mamá también), Beanie Feldstein (Súper empollonas, Lady Bird) y el catalán David Verdaguer (Siempre es invierno, Verano 1993).

La ficción se sitúa en un futuro cercano en el que el envejecimiento ha sido erradicado y la muerte se ha convertido en una decisión voluntaria. Así, Claire, una artista retirada que se aproxima a su 250 cumpleaños, decide que ha llegado el momento de poner fin a su vida. Su determinación desencadena un conflicto íntimo y familiar que afecta a su marido, a su hija y a su asistente de inteligencia artificial.

Rodada en Canarias, la cinta es una coproducción entre España, Reino Unido y Noruega. “Después de cuatro años intensos, el estreno en Cannes supone un gran reconocimiento al enorme talento y trabajo de Maria, así como de todo un equipo que se ha volcado para hacerlo posible y al que estamos profundamente agradecidos”, han escrito desde Fasten Films, productora del largometraje.

La presencia española en Cannes no se limita a este título. En la sección Cannes Première también se ha confirmado Aquí, del portugués Tiago Guedes, con participación de actores españoles como Manolo Solo o Patricia López Arnaiz. En Una Cierta Mirada competirá Victorian Psycho, de Zachary Wigon, basada en la novela de la española Virginia Feito, mientras que en las proyecciones especiales se presentará Ashes, dirigida por el mexicano Diego Luna y con participación española.

Quién es María Martínez Bayona

Nacida en Reus y establecida en Londres desde hace más de una década, María Martínez Bayona ha construido una sólida trayectoria en el formato corto antes de dar el salto al largometraje. Formada en la National Film and Television School gracias a una beca de La Caixa, su cortometraje de graduación, MIA, fue presentado en el BFI London Film Festival y obtuvo reconocimiento en premios como los RTS Student Awards. Posteriormente, trabajos como Such Small Hands, adaptación de una obra de Andrés Barba, consolidaron su perfil en el circuito internacional de festivales.

“Esta película plantea una pregunta: ¿qué supondría vivir eternamente? Y lo que es más importante: ¿qué significa sentirse vivo? Una cuestión profundamente humana, paradójica y también absurda", comentó la cineasta en declaraciones recogidas por Audiovisual451.

“No me levanto y digo: ‘¡Qué buen día, soy una leyenda!’. Pero a veces mi marido hace algo mal y le digo: ‘¿Cómo puedes hacer eso? ¡Soy una leyenda!’“. Con estas palabras, Eva Marie Saint respondía a la pregunta de un periodista que quería saber qué se sentía al ser una actriz legendaria. Después de haber actuado para directores como Alfred Hitchcock, Elia Kazan, Otto Preminger o Fred Zinneman, después de haber ganado dos premios Oscar, ella se limitó a señalar cómo todo su mundo giraba alrededor de la familia.

En efecto, hablar de esta actriz es hablar de una leyenda de Hollywood. Tras saltar a la fama por La ley del silencio, la película en la que actuaría junto a Marlon Brando, seguiría cautivando a espectadores de todo el mundo con otros títulos como Con la muerte en los talones. A lo largo de siete décadas de carrera, su carrera abarcaría desde dramas intensos hasta premiadas producciones televisivas. Con una elegancia única frente a la cámara, no dejaríamos de verla en pantalla hasta pasados los noventa años, consolidándose como un icono de longevidad.

Y es que, a día de hoy, Eva Marie Saint tiene 101 años y en verano alcanzará los 102. Una cifra pocas veces vista en Hollywood, y en la que solo encontramos otro ejemplo similar en Dick Van Dyke (Mary Poppins), y dentro de unos meses también en Mel Brooks (el director de El jovencito Frankenstein, que tiene 99 años). Retirada ya de la industria, solo sigue apareciendo en algunos eventos puntuales donde sigue destacando por su lucidez y elegancia, hecho que ha aumentado todavía más la curiosidad por cuáles son los secretos para mantenerse en tan buena forma.

El consejo de su madre

“Desde luego, no me siento como si tuviera 100 años”, confesaba la actriz en una entrevista reciente con la revista People donde fue preguntada por su longevidad. “Sigo dando paseos al aire libre, me gusta ver béisbol —sobre todo a los Dodgers de Los Ángeles— y disfruto del tiempo con mi familia y amigos. ¡Qué buena vida!”. De este modo, para ella la clave de sentirse bien se encuentra tanto en mantener unos hábitos saludables que le permiten tanto hacer aquello que más le gusta como pasar tiempo con quienes más quiere.

En otra ocasión, la actriz daría otras claves en IGN, señalando el factor genético en su longevidad gracias a una madre que vivió 91 años. Sin embargo, su progenitora no solo le dejó en herencia un ADN envidiable en lo que a buena salud se refiere, sino que también le dio varios consejos. “‘Cariño, sigue moviéndote’. Ese fue su consejo”, recordaba, mostrando cómo la actividad física y mental es clave para un envejecimiento feliz y saludable.

“Mi madre era muy positiva en su forma de pensar. En su último año, la visitaba todos los fines de semana, la animaba. Ella decía: ‘¿Ves? Te animé, ahora me animas tú’. Esa era toda su actitud, era muy positiva“. De esta forma, ese modo de encarar la vida, incluyendo el paso de los años, resultó para la actriz ser una de las claves para vivir una saludable (y larga) tercera edad.

Si eres fan de películas como Ocean’s Eleven, El secreto de Thomas Crown o, en su versión más mágica, Ahora me ves, sabrás bien a qué nos referimos cuando hablamos de ladrones de guante blanco. El cine criminal también guarda su espacio para las historias de aquellos criminales cuya mayor arma es su inteligencia y que, lejos de desechar la elegancia en todos sus golpes, la convierten en una seña de identidad.

Sin embargo, por muy buenas que resulten todas estas películas, no le hacen sombra al que se considera el gran clásico del género: El golpe. Esta cinta, con Robert Redford y Paul Newman en los papeles principales, se aseguró un puesto privilegiado en la historia del cine al contar la historia de dos timadores ‘de mala muerte’ que deciden sacar lo mejor de sus mentes (y de sus trajes) para vengar la muerte de un amigo en común.

Pero El golpe era algo más que eso. Fue también el reencuentro de dos leyendas absolutas de Hollywood, Robert Redford y Paul Newman, que ya habían cosechado un gran éxito con su anterior trabajo juntos, Dos hombres y un destino. Su química no podría ser mayor, y si a esta le sumamos el inteligentísimo guion de David S. Ward (al que también le debemos parte del texto de la gran comedia romántica Algo para recordar), la estupenda dirección de George Roy Hill y la maravillosa banda sonora de Marvin Hamlisch, ganador de tres (¡tres!) premios Oscar por su música ese mismo año, el resultado es la mejor película de ladrones de la historia.

“Imaginen vestir a los dos hombres más guapos del mundo y luego conseguir esto”

El golpe, que acaba de convertirse en la nueva y flamante apuesta de Netflix por los grandes clásicos, no solo marcó un antes y un después en las películas de atracos, sino que además resultó ser un éxito comercial rotundo. Con un presupuesto de cinco millones y medio de dólares (de los cuales uno fue, exclusivamente, para pagar a Redford y Paul Newman), logró alcanzar una recaudación mundial de 257 millones, sumando más de 3,8 millones de espectadores solo en España.

El éxito de El golpe no se detendría allí. Meses después de su estreno, la película se ganaría con la consecución de siete premios Oscar, incluyendo el de Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Quien, por desgracia, no se llevaría la estatuilla, sería Robert Redford, siendo esta película la única en la que saldría nominado para poder llevarse una estatuilla por sus interpretaciones. El cine resolvería esta injusticia por partida doble: en 1981 con un Oscar a la Mejor dirección por Gente corriente, y en 2002 con un premio honorífico por toda su carrera.

Quien sí se llevaría la estatuilla, y por octava vez en toda su carrera, sería Edith Head, la responsable de vestuario en El golpe y una de las grandes referentes de este ámbito en la industria. Para la historia del cine quedarían las palabras de su discurso. “Imagínense vestir a los dos hombres más guapos del mundo (Redford y Newman) y luego conseguir eso”.

La nueva tanda de episodios, compuesta por diez capítulos emitidos semanalmente desde el 20 de abril de 2026, lleva el universo de la producción a un escenario de mayor tensión y complejidad. En esta etapa, la figura enigmática del hombre de amarillo, introducida al final de la tercera temporada, adquiere relevancia central en la trama que envuelve al pueblo protagonista. El personaje actuará como catalizador de los nuevos conflictos, desatando especulaciones sobre los orígenes del fenómeno y el destino de los habitantes atrapados.

Esta dinámica episódica subraya tanto la progresión argumental como la cualidad adictiva de From, que mantiene la fidelidad de su audiencia. La serie, creada por John Griffin y producida por MGM+, cuenta con un elenco liderado por Harold Perrineau y la participación continua de personajes principales como Boyd y Tabitha (Catalina Sandino Moreno), junto con nuevas incorporaciones.

Una serie apreciada por los fans del terror

Tanto la crítica especializada como autores destacados, entre ellos Stephen King, han resaltado el ambiente opresivo, la presencia imponente de los antagonistas y el incremento del componente terrorífico de la ficción. El relato describe un pueblo de Estados Unidos atrapado en un bucle sin salida, rodeado de criaturas nocturnas, con habitantes que buscan desesperadamente escapar, pero no pueden.

En cuanto a la trama, la aparición prominente del hombre de amarillo actúa como detonante de nuevas teorías entre los seguidores acerca de los misterios que rodean tanto a este personaje como al destino del pueblo. Los protagonistas clásicos cederán parte del foco narrativo a los antagonistas, acentuando el suspense y la evolución de las distintas líneas argumentales. Los guionistas continúan el camino que diferencia a la serie de otras producciones del género y la aleja de comparaciones directas con Lost, pese a las coincidencias creativas y de reparto.

Entre los personajes que cobran protagonismo en esta temporada se encuentran Julie (capaz de explorar episodios del pasado) y Smiley (encarnado por Jamie McGuire), una de las criaturas que asume nueva importancia. A esto se suman otras figuras que se integran a la narrativa, mientras se mantiene la solidez del reparto original. El ambiente claustrofóbico y una mayor dosis de terror visual son rasgos fundamentales en esta cuarta etapa.

Ampliación del universo de ‘From’

Los nuevos episodios se articulan en torno a las incógnitas derivadas del misterio sobre la identidad y motivaciones del hombre de amarillo, la posible importancia reveladora de las vivencias de Jade y Tabitha, y el interrogante sobre cuánto tiempo más podrá Boyd preservar la cohesión del grupo a medida que su salud física y mental se debilita. La llegada de personajes nuevos, como Sofía (Julia Doyle), junto con la consolidación de los ya existentes, intensifica la intriga y amplía el universo argumental de la serie.

La serie explora la conexión temporal entre el pasado, el presente y el futuro de sus protagonistas, y se posiciona como una de las propuestas más sólidas de terror en las plataformas de streaming, ofreciendo giros de guion completamente insospechados.

El formato episódico y la evolución de las tramas han mantenido y satisfecho a una base de seguidores que aguardó un año y medio desde el cierre anterior. El ritmo de lanzamientos, el aumento de la intensidad terrorífica y la introducción de elementos novedosos en la narrativa confirman que la cuarta temporada de From consolida su importancia como referente del terror y la ciencia ficción, sustentada tanto por la crítica como por la recepción de un público de lo más fiel.

Fue una de las consideradas como mejores películas de 2025, aunque llegó a nuestros cines a principios de este mismo año. Nouvelle Vague por fin está a punto de ver la luz en plataformas, y eso es motivo de celebración para todos los cinéfilos, que por fin podrán disfrutar de esta particular propuesta que recrea el rodaje de una de las películas más importantes en la historia de Francia, Al final de la escapada. La película, que se presentó oficialmente en el Festival de Cannes y obtuvo nominaciones para premios como los Globos de Oro o los Independent Spirit Awards, no llegó lograr hasta los Oscar pero sí triunfó en los Premios César del cine francés, donde obtuvo cuatro de los hasta diez a los que aspiraba. Pero ya va de camino de ser un clásico de culto para todos sus fans.

La película se ambienta en la París de 1959, en la que el joven crítico Jean-Luc Godard contempla la idea de hacerse director de cine. Tiene una idea entre manos, aunque cree que solo la cámara terminará de dar forma a esa idea. Es por ello que reúne a un improvisado equipo de filmación y que, con la participación del joven actor Jeal Paul Belmondo y la estrella americana Jean Seberg, comienza a construir lo que terminaría convirtiéndose en una película clave en la historia del cine, Al final de la escapada. Por el camino, el equipo se encuentra con multitud de problemas, buena parte de ellos por las excentricidades de Godard en su deseo de rodar por las calles de París en vez de un estudio, como se solía hacer en aquella época.

Dirigida por el cineasta norteamericano Richard Linklater, autor de la trilogía Antes del... y de películas musicales y muy cinéfilas como Escuela de rock o Todos queremos algo, la película es toda una carta de amor al cine en general y la Nouvelle Vague en particular, la corriente cinematográfica surgida en Francia durante aquellos años y que tuvo en Jean-Luc Godard y otros cineastas como François Truffaut o Agnes Varda sus máximos estandartes. Su caótica estructura, sus atrevidos planos y la falta de una cohesión en la historia llevaron a Godard y sus compañeros a influenciar a otros tantos cineastas del futuro, como fue el caso del propio Linklater, quien siempre se ha confesado seguidor de esta corriente cinematográfica.

Una historia de amor al cine

De ahí que lo más brillante de Nouvelle Vague sea precisamente el ejercicio de transformarse ella misma en una película de la época, con un precioso blanco y negro y un formato más cercano al de aquellas películas. La película se mimetiza con esa estética más allá del vestuario y localizaciones, que intentan recrear la París de finales de los 50 en la que se albergaron tantas grandes historias. "La clave está en las lentes antiguas… fue un ejercicio fascinante, como meterse dentro de otra película y tratar de replicar el aspecto de otra época", comentaba el propio cineasta.

Nouvelle Vague llegará a plataformas a partir del 1 de mayo, con su estreno primero en Filmin y al día siguiente en Movistar+, siendo las dos plataformas en España en las que se podrá ver la maravillosa película que rinde homenaje al séptimo arte de la mejor forma posible.

Esta semana tiene nombre y apellido: Michael Jackson. Los estrenos se han adelantado a este mismo miércoles y buena parte de culpa tiene el rey del pop, el cual protagoniza la cartelera con Michael, el biopic en torno al icónico cantante que repasa sus inicios y ascenso a la fama. Protagonizada por el sobrino del propio Michael Jackson, la película cuenta con un amplio reparto para dar vida a toda la gente que rodeó al cantante en sus primeros años de fama, desde su padre Joseph a su representante John Branca.

La película arranca en la infancia de Michael en Gary, Indiana. Allí es el menor de cinco hermanos que forman la banda The Jackson 5, para posteriormente ser fichados por Motown Records y llevados al estrellato. Con la abusiva figura de su padre Joseph de fondo y la tierna relación con su madre Katie, la película explora la intimidad de la familia Jackson y la evolución de la carrera musical del rey del pop.

Jafaar Jackson, quien en la vida real es sobrino del mismísimo Michael, es el encargado de protagonizar la película. Y, más allá del parecido físico a su tío, el joven actor da una interpretación convincente como un joven Michael abriéndose paso en la industria musical. Además, el filme explora su lado más personal, con su obsesión por Peter Pan y otros clásicos Disney, pero sobre todo por los animales, hasta el punto de convertir su hogar en un zoo improvisado con jirafas, serpientes y su fiel chimpancé Bubbles.

Colman Domingo y la familia Jackson

Principal antagonista de la película, Colman Domingo da vida a Joseph Jackson, el polémico padre del artista. Descrito como una gran figura de autoridad dentro de la familia, Joseph es quien inicialmente tiene la visión empresarial de la banda formada por sus propios hijos y quien se mantiene como mánager de Michael durante sus primeros años. Sin embargo, también somete a su hijo a constantes abusos hasta llevarlo al límite, y su relación se distancia cuando Michael pide a sus abogados rescindir su contrato y hacerse con los servicios de un nuevo mánager. Joseph tiene un nuevo desencuentro con Michael para convencerle de hacer el Victory Tour, la que sería la última gira del artista junto a sus hermanos.

En el otro lado de la familia está la madre Katie, interpretada por Nia Long (Los chicos del barrio), y sus hermanos Jackie (Joseph David-Jones), Marlon (Trey Horton), Tito (Rhyan Hill) y Jermaine (Jamal Henderson), además de sus hermanas La Toya (Jessica Sula). En sus inicios en Motown también hacen acto de aparición la cazatalentos Suzanne de Passe (Laura Harrier), encargada de descubrir a los Jackson 5 y llevárselos al sello discográfico, y el productor Berry Gordy (Larenz Tate), quien produce los primeros temas de la banda y le da al joven Michael consejos esenciales para crecer en la industria.

Del guardaespaldas al mánager

Otras dos figuras clave de la película con Bill Bray, guardaespaldas y mano derecha de Michael Jackson, y el agente John Branca, abogado del cantante. El primero, aunque inicialmente es contratado por el padre de Michael, pronto se convierte en una persona en la que el joven puede confiar su vida y contarle sus secretos más personales, como su devoción por los niños y los animales. Está interpretado por el hasta ahora desconocido KeiLyn Durrel Jones, quien ha participado en series como High Maintenance, Succession o Cómo morir sola. Bray fue durante años el guardaespaldas de Michael pero también uno de sus mayores confidentes y amigos, siendo en cierta medida la figura paternal que nunca encontró en Joseph.

Del otro lado encontramos al conocido actor Miles Teller (Project X, Whiplash) como John Branca, quien hace su aparición cuando Michael busca desligarse contractualmente de su padre y poder emprender su carrera en solitario. Branca, que representaba a artistas como The Beach Boys o Bob Dylan, supo entender como nadie la magnitud de una figura como Michael Jackson y le llevó a convertirse en el artista más grande, aparte de mostrarse también como un gran apoyo en los momentos de mayor dificultad. En definitiva, dos personas que son retratadas en la película como esenciales en la complicada vida del cantante de Thriller.

Apenas ha tenido una aparición, pero ya se ha convertido en un momento de lo más especial para la mayoría de fans. Rosalía ha aparecido esta semana en el nuevo episodio de Euphoria y con ello se ha robado todas las miradas. La cantante, que irrumpe interpretando a la bailarina Magick, ya había sido anunciada como una de las principales novedades de la tercera entrega en la producción de HBO Max, pero la realidad ha superado cualquier expectativa. La serie aun tiene episodios por emitir y todo apunta que se seguirá viendo a la artista catalana, pero de mientras ha sido ella misma quien ha querido revelar algunos detalles de su participación en la serie.

“Aquí tenemos a Magick en el backstage, y parece pensativa”, comienza introduciendo a su personaje Rosalía en el vídeo difundido en redes sociales por la propia HBO Max. “Recuerdo estar entre escenas y preguntar a alguna de las chicas si podían enseñarme como bailar con la barra, y me daban buenos consejos para tener mejor agarre, deslizarme mejor o mantener una postura. Me enseñaron mucha técnica y eran de lo más dulces”, explicaba la cantante.

La primera aparición de Rosalía como Magick es precisamente el club de striptease al que entra Rue (Zendaya) para hablar con Alamo Brown (Adewale Akinnuoye-Agbaje), el dueño del mismo. Por el camino se cruzan ambas en un encuentro de lo más accidentado (“Pero mira por dónde vas" le dice Rosalía a Zendaya). A continuación, la bailarina mantiene una discusión con Brown acerca del collarín que tiene que llevar, y que según ella no se puede quitar por si le ve “un detectitve privado”. La escena es insólita porque el personaje de Rosalía entremezcla español con inglés, provocando la confusión del dueño del local quien le espeta que “no habla español”, mientras la cantante le insiste en que necesita llevar puesto el collarín.

“Los demás reaccionarán como tengan que reaccionar”

Lo cierto es que la explicación detrás de la escena la ha dado el propio Sam Levinson, creador de Euphoria y encargado de moldear el personaje junto a la propia Rosalía. “Ella vino a la audición y fue muy divertida. Me encanta lo decidida que es, y me pareció un contrapunto perfecto para Rue. Le decía: ‘No te preocupes demasiado por la diferencia entre el inglés y el español. Simplemente déjate llevar en español y los demás reaccionarán como tengan que reaccionar’, revela el director y guionista.

La tercera temporada de Euphoria aún tiene seis episodios por emitir, y se espera según IMDB que Rosalía participe en todos ellos, aunque está por ver en qué medida. Mientras tanto, parece claro que la cantante se lo pasó de lo lindo durante el rodaje, conociendo a buena parte del reparto y aprendiendo algunos movimientos de bailarina de pool dance. No ha sido la única española del reparto, ya que Priscila Delgado también participa en la serie como otra de las bailarinas, Angel. La propia actriz de Los protegidos prometía más escenas con Rosalía: “No sé si me corresponde a mí desvelar nada, pero ella va a estar presente en esta temporada de muchas maneras. Estoy segura de que a nivel musical también”, contaba en una entrevista en Cinemanía. ¿Qué sorpresas tendrá preparadas?

La posible nominación al Oscar de James Ortiz por su papel en Proyecto salvación ha generado un debate singular en la industria cinematográfica. El titiritero y actor, responsable de dar vida a Rocky, la criatura alienígena que acompaña a Ryan Gosling en la superproducción de Amazon MGM Studios, figura entre los candidatos elegibles para el premio a mejor actor de reparto, según confirmaron las reglas vigentes de la Academia de Hollywood. La noticia reaviva discusiones sobre la legitimidad de las actuaciones híbridas —aquellas que combinan manipulación de títeres, voz y actuación física— en las grandes premiaciones, y plantea interrogantes sobre el futuro reconocimiento de estas disciplinas.

La Academia ha reconocido que Ortiz puede competir formalmente en las categorías actorales, un hecho inusual para una interpretación mediada por la técnica del títere. Esta elegibilidad se extiende también a los premios SAG-AFTRA y a los BAFTA, mientras que los Globos de Oro la excluyen bajo sus normas actuales y los Critics Choice Awards carecen de lineamientos explícitos que la impidan. Este escenario coloca a Proyecto salvación en el centro de una discusión histórica: nunca antes la Academia ha nominado una labor de voz, captura de movimiento o manipulación de títeres en una categoría actoral principal. El caso de Ortiz podría marcar un antes y un después en la manera en que se define y premia la actuación en el cine.

El trabajo de Ortiz como Rocky ha sido descrito como uno de los mayores logros de Proyecto salvación. Al combinar una compleja manipulación física con una interpretación vocal precisa, el artista logra dotar de emoción y presencia a un personaje sin rostro humano ni medios de expresión convencionales. El proceso creativo incluyó ensayos detallados junto a Ryan Gosling, donde se establecieron los movimientos y la interacción antes de incorporar el títere a escena. Según declaraciones recogidas por Variety, Ortiz subraya que su aproximación es la de un actor, no la de un técnico, y que su objetivo es transmitir la humanidad del personaje por encima del espectáculo visual.

La historia de los premios cinematográficos registra antecedentes que ilustran la dificultad de encajar este tipo de trabajos en las categorías tradicionales. Ejemplos como el de Andy Serkis —nominado por su actuación como Gollum en El señor de los anillos y como César en El planeta de los simios— o el de Eddie Murphy como la voz de Burro en Shrek en los BAFTA, muestran que el reconocimiento oficial ha sido esporádico y a menudo relegado a premios especiales o menciones fuera de competencia. El caso de Robin Williams en Aladdín, o de Scarlett Johansson en Her, también encendieron debates sobre el lugar de la voz y la tecnología en la actuación.

Los otros casos

Frente a esta ambigüedad, la Academia de Hollywood creó en 1972 el Special Achievement Award, un galardón destinado a logros sobresalientes que no encajaban en las categorías existentes. Este premio permitió reconocer avances en efectos visuales y sonoros, así como contribuciones artísticas que transformaron la industria. Ejemplos notables incluyen a Ben Burtt por el diseño sonoro de R2-D2 en Star Wars y a Richard Williams por la animación de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Sin embargo, hace más de dos décadas que la Academia no entrega este reconocimiento.

La realidad de Proyecto salvación y la actuación de Ortiz reabre el debate sobre la pertinencia de un premio especial o la creación de una nueva categoría para actuaciones híbridas. La presencia de Rocky en la película no es solo un efecto visual, sino una construcción escénica sustentada en la destreza interpretativa y la conexión emocional con el público. Ortiz y el diseñador Neil Scanlan lograron que el personaje trascendiera la técnica para convertirse en el centro emocional del filme, lo que refuerza el argumento de quienes piden innovación en los criterios de la Academia.

La resistencia de ciertos sectores de la industria ante este tipo de reconocimientos responde a una visión tradicional de la actuación, que privilegia la presencia física del actor en pantalla. Voces como las de Morgan Freeman han calificado en el pasado las interpretaciones mediadas por tecnología como “modas pasajeras” o “caricaturas”. Sin embargo, la evolución de las herramientas narrativas y la creciente integración de técnicas como el motion-capture y la animación en las grandes producciones obligan a repensar estos límites. La candidatura de James Ortiz no solo supone una oportunidad para que los Oscar reconozcan un trabajo interpretativo fuera de lo convencional, sino que también invita a la industria a definir el lugar de las nuevas formas de actuación en su propio canon. Si la Academia decide finalmente nominar a Ortiz o concederle un premio especial, marcaría un hito en la historia de los galardones cinematográficos y abriría la puerta a una redefinición de lo que se entiende por “actuar” en el siglo XXI.

El actor Dwayne Johnson y Stephen Merchant han confirmado que la película de 2019 titulada Peleando con mi familia, será adaptada como musical para los escenarios. Este nuevo montaje escénico sería el primer musical desarrollado por la compañía Tilted Musicals, gestionada por Miranda Cooper y el productor británico Sam Hodges.

La adaptación musical se estructura a partir de un guion y letras de Jon Brittain, ganador de un premio Olivier. El espectáculo contará con una banda sonora original compuesta por la cantante y compositora Miranda Cooper, conocida por colaborar con Girls Aloud y Pet Shop Boys, junto a Nick Coler. Los talleres de desarrollo de la obra comenzarán este año, y el estreno ante público está programado para 2027. La transformación escénica abordará la historia real de Saraya Knight, conocida como Paige, una luchadora profesional británica cuyo ascenso en la lucha libre fue narrado por la cinta original.

La película, escrita y dirigida en 2019 por Stephen Merchant y estrenada en el Festival de Sundance, narraba la trayectoria de Paige (Saraya Bevis, en la vida real), y estuvo protagonizada por Florence Pugh en el papel central, con Vince Vaughn como entrenador y la propia participación de Dwayne Johnson, quien se interpretó a sí mismo y actuó como productor junto a Dany Garcia para Seven Bucks Productions.

Basada en una historia real

El argumento central de la pieza teatral, mantendrá el foco en la peculiaridad de Paige como ‘una outsider gótica criada en una extravagante pero unida dinastía británica de lucha libre’, que debe enfrentarse a la adversidad cuando una inesperada oportunidad la traslada de Norwich a la WWE norteamericana.

Stephen Merchant ha compartido a The Hollywood Reporter que concebía la película como un musical desde el inicio: “Una joven del coro que lucha por alcanzar su gran oportunidad, entre personajes teatrales, desmesurados y emociones intensas. Abordé cada combate de lucha como si fuera un número de baile diferente, culminando en un gran final. Ver la película reinventada para el escenario es el paso lógico siguiente”. Merchant añade que el equipo “ha capturado el humor, la garra y el corazón de la historia de forma fiel a la película y a la vez fresca”.

Lucha libre y teatro musical

Dwayne Johnson ha compartido la misma visión afirmando que Peleando con la familia “está especialmente bien pensada para el teatro musical”. Ha destacado que la obra está “repleta de emoción personal, expresada a través del vibrante mundo de la lucha libre, que siempre ha consistido en contar historias y conectar con el público en directo”. Johnson ha remarcado que la colaboración con Merchant en la película fue “una experiencia realmente especial” y ha señalado: “Su trabajo merece esta nueva etapa. Al cobrar vida de manera musical, no tengo ninguna duda de que será un auténtico espectáculo para los aficionados del teatro”.

Esta será la primera incursión de Tilted Musicals, la nueva firma liderada por Cooper y Hodges, en la producción de grandes musicales. El desarrollo del montaje arrancará de inmediato con talleres cerrados y la previsión es que la presentación pública se produzca en 2027. La adaptación aspira a trasladar el espíritu y los elementos fundamentales del largometraje original al género musical, combinando el relato biográfico de Paige con un enfoque escénico que integra canciones y elementos coreográficos propios del medio teatral.

En el tiempo de Luis García Montero (Granada, 1958) caben muchos tiempos. Cabe el tiempo del poeta, el del crítico y el ensayista, así como el del catedrático de Literatura; el del Instituto Cervantes, del que es director desde 2018, el del padre y viudo, el del hombre. Pero, además, en el tiempo de Luis García Montero cabe también el de sus personajes, Ramón María Zaldívar y Manuel Benítez, que cincuenta años después de que uno condenara a prisión al otro vuelven a encontrarse en la barra de un bar.

Esta es la premisa con la que arranca La mejor edad (Tusquets), la novela con la que Luis García Montero regresa a la narrativa tras más de una década. “Uno negocia con el tiempo”, cuando le preguntamos cómo y cuándo la escribió. Lo que ocurre mientras se produce esa negociación es algo que ni él ni sus dos protagonistas pueden controlar. Esos cincuenta años desde la condena que los unió son también los que han pasado desde la muerte de Franco. El paso del tiempo, pues, no les pertenece solo a ellos: en sus recuerdos se mezcla la historia de la sociedad en la que viven.

Así, La mejor edad es una novela que sigue el camino recorrido hasta ese reencuentro en el bar. “La toma de postura, el cambio de las conciencias, la ilusión o el descrédito, el diálogo generacional, el entendimiento entre los jóvenes y las personas más viejas”, enumera García Montero. Todos esos temas, que el autor considera relevantes en el momento actual que viven las democracias, median en la vida de Ramón y Manuel, y todos afloran, tarde o temprano, en la conversación que tienen pendiente.

El enfrentamiento entre jóvenes y mayores

Los reencuentros de La mejor edad no parecen posibles en una sociedad como la de hoy. “Vivimos en el instante”, lamenta García Montero. “Parece que solo se le da importancia a lo coyuntural, a lo que mañana tenga repercusión y a las opiniones fugaces, y se carece de la lentitud que se necesita para hacernos dueños de nuestra propia conciencia”. En esta cultura de la rapidez, el escritor observa cómo el diálogo entre pasado y futuro acaba por quebrarse: “Quien está condenado a vivir en un tiempo de usar y tirar, corre el peligro de olvidarse del pasado. Todo acaba convirtiéndose en una invitación a romper también con los compromisos del futuro”.

Esta sociedad es la que, para el escritor, facilita la falta de diálogo entre distintas generaciones. “No comprendemos que quien ha nacido al final del siglo XX o principios del siglo XXI no tiene la misma realidad ni el mismo contexto que quien nació a mitades del siglo XX. Y al mismo tiempo, los jóvenes son muy hedonistas e individualistas: se creen que van a inventarlo todo sin reconocer lo que supone la herencia del pasado”. En ambos casos, García Montero señala la importancia de empezar a tomar conciencia de la realidad democrática que atraviesa el mundo.

“El liberalismo ha intentado convertir el concepto de libertad heredado de la Ilustración. Ya no es el respeto a la diversidad de las conciencias y el respeto a las personas, sino la libertad del más fuerte para hacer lo que le dé la gana. En Estados Unidos se está dando una nueva dictadura de millonarios que se creen con el derecho a saltarse a la torera la justicia internacional y la dignidad humana en favor de sus especulaciones. Hay que ser muy conscientes de lo que falta por conseguir y de lo conseguido. Les ponemos el camino muy fácil a los que quieren borrarlo, no solo para detener avances nuevos, sino para erradicar lo conseguido”.

Una conversación con el pasado

En la novela, la vida de los personajes encuentra su reflejo en el desarrollo experimentado en España durante los últimos cincuenta años. Ramón, el juez, se educa y desarrolla una carrera judicial en los últimos años de dictadura. Sin embargo, tras la llegada de la democracia, evoluciona, empieza a entender la justicia como una herramienta ordenadora de la realidad y acaba por convertirse en un referente. “Es algo que yo viví de niño. Me eduqué en la España franquista y en la universidad tuve muchos compañeros y maestros encarcelados por su militancia antifranquista. Pasados los años, de pronto leo en el periódico que un dictador como Augusto Pinochet ha sido detenido por intermediación de un juez español”.

En el caso de Manuel, García Montero señala cómo su vida está marcada por las grandes ilusiones. “El futuro parece que va por delante y la transformación en la educación sentimental de la España le permite disfrutar una historia de amor que hubiera sido inconcebible en el machismo de la España franquista”. Pese a ello, vemos en él a alguien que muchas veces se equivoca, que es irresponsable y acaba arriesgando todo lo conseguido, precisamente, por ser incapaz de verlo, lo que le lleva a una crisis por no querer enfrentarse con determinados problemas.

Es en esta crisis donde radica la importancia de conversar con el otro, con el amigo y el enemigo. “Escuchando a los demás en las conversaciones, aprende uno a escucharse a sí mismo. Y lo que es más importante, cuando uno escucha al otro, descubre no solo los errores del otro, sino también los propios”, reflexiona García Montero. “Se mezcla esa necesidad democrática de juntar deberes y derechos”. Las conversaciones salvan a Manuel, de hecho, en distintos momentos de su vida. Solo a través de ellas cierra las heridas del mundo en el que vive y puede permitirse pensar “un mundo distinto”, para él y los demás.

Lo que cabe en las palabras

La mejor edad, para García Montero, es aquella en la que finalmente somos capaces de narrar nuestra propia historia sin que las palabras nos produzcan dolor. “En las palabras caben muchas cosas”, afirma. “En un idioma siempre hay mucho más que un vocabulario: los vocabularios están llenos de vida, y la vida depende de la existencia que haya tenido cada uno. Imagínate la palabra igualdad, que en vez del respeto a la diversidad se convierte en la homologación de unas identidades que borran las diferencias para imponerse. Las palabras se llenan de historia y por eso es tan importante tomárselas en serio”.

Aunque no las leamos, en la novela están también las palabras de Almudena Grandes. Quien, poco antes de que la enfermedad se cruzara en su camino, señaló errores y dio algunas indicaciones a su marido, que por aquel entonces ya tenía la historia bastante avanzada. “Después de su muerte intenté volver a la literatura, pero me encontraba con que seguía anclado en los poemas de Un año y tres meses (Tusquets) y que estaba repitiendo el duelo. Entonces se me ocurrió sacar del cajón la novela y tuve la oportunidad de reescribirla con las indicaciones de Almudena”.

A través del libro, García Montero también ha podido redescubrir “los valores de la narrativa”. “Cuando se genera un contexto narrativo, se potencia la posibilidad de vivir los hechos por dentro, ya no solo desde la propia experiencia de un individuo que puede ser poeta, sino desde la experiencia de muchas gentes que son personajes con su manera de ser y de sentir”. Para Luis García Montero, volver a la novela le ha servido para “pensar en estos cincuenta años de la historia de España intentando comprenderme a mí mismo al indagar en los recuerdos de los demás”.

Cómo ha cambiado Luis García Montero

En el tiempo de La mejor edad caben muchos tiempos. Caben los cincuenta años desde que Manuel y Ramón se vieron también, pero también, otro medio siglo desde que García Montero publicó su primer libro. “Vivir es también reescribirse a uno mismo”, ríe él. “Le debo mucho a mis maestros: Rafael Alberti, Jaime Gil de Biedma, Ángel González. De todos ellos aprendí a mantener mi relación con la historia y a desarrollar una conciencia que me exigiera cuentas con mi propia experiencia. La intimidad es tan histórica como las fechas políticas”.

Las fechas también reflejan un cambio en el escritor: de llegar a la universidad y decidir militar en el Partido Comunista a ser uno de los fundadores de Izquierda Unida; del enfrentamiento abierto contra el sistema en el que nació a la defensa de otro que no quiere ver morir. Todo eso está en su escritura. “Hay que dudar de cualquier ideología que quiera acabar con la libertad, o que quiera convertirla en un enemigo de la igualdad y la justicia. Mi forma de entender la poesía es la de un poeta de la intimidad que sabe que el amor, y que sabe que cuando uno hace historia es cuando dice: ‘Este soy yo, de una manera o de otra’”.