El supuesto parecido entre la trama de “Running Point” y “Bride Wars” no fue planeado deliberadamente, según las declaraciones de Mindy Kaling y Kate Hudson recogidas por el medio citado. Ambas aclararon que el guion de la serie no buscó replicar la conocida rivalidad entre amigas de la cinta de 2009. Hudson afirmó que solo notó la similitud tras oír los comentarios de la audiencia.

La temporada muestra a Isla Gordon, interpretada por Kate Hudson, enfrentando la inminente boda con Lev (Max Greenfield) al tiempo que su amistad con Ali (Brenda Song), colega y mejor amiga, se interrumpe por un conflicto laboral. Ali, al no recibir un aumento salarial, acepta un empleo dentro de un equipo en Toronto, lo que fuerza una pausa en la relación entre ambas en un momento decisivo para Isla.

La situación recuerda la premisa de Bride Wars, donde dos amigas ven su relación en crisis cuando sus bodas coinciden. Este elemento captó la atención del público, que destacó el posible guiño al pasado cinematográfico de Hudson, según lo detallado por PEOPLE.

Mindy Kaling y Kate Hudson responden al paralelismo con Bride Wars

La co-creadora de la serie, Mindy Kaling, declaró al medio que no hubo ninguna intención consciente en el paralelismo argumental con la película protagonizada por Hudson y Anne Hathaway. “No estábamos intentando inspirarnos en eso, pero ¿quién no se inspira en Bride Wars cada día?”, expresó Kaling, resaltando el carácter icónico del filme.

Por su parte, Hudson compartió: “No estaba pensando en eso. Habría que preguntar a los guionistas”. La actriz explicó, según PEOPLE, que la coincidencia solo se hizo evidente una vez que los seguidores comenzaron a señalarla. Ambas sostienen que las similitudes surgieron de manera espontánea, por lo que descartan cualquier homenaje explícito en la serie.

Otras referencias y guiños en Running Point

Aparte del paralelismo con Bride Wars, la segunda temporada de Running Point introduce guiños autorreferenciales. Entre ellos destaca una escena donde Isla, tras cancelar la boda, bromea mirando a cámara y dice: “Así es como se pierde a un hombre en 10 minutos”, haciendo referencia directa a la cinta “Cómo perder a un hombre en 10 días”.

Hudson explicó al medio citado que, aunque habitualmente es cautelosa con ese tipo de bromas, consideró que la frase estaba “muy bien ejecutada” y que funcionaba porque abordaba un momento doloroso de manera cómica. “El tiempo fue perfecto y, si algo es gracioso, lo es. No puedes simplemente decir que no”, afirmó.

Kaling admitió que pensaba que Hudson rechazaría esa escena por parecerle demasiado cursi, pero finalmente el fragmento se mantuvo en la serie. La creadora destacó el entusiasmo del equipo por incluir una referencia tan cercana a uno de los papeles más recordados por el público.

El desafío de Isla Gordon en la nueva temporada

Según la sinopsis oficial difundida por Netflix y recogida por PEOPLE, la segunda temporada presenta a Isla como directora del equipo Los Angeles Waves. Su objetivo es demostrar su valía total en el cargo tras el escándalo que afectó a la franquicia el año anterior.

Sin saberlo, su hermano Cam (Justin Theroux) intenta recuperar el puesto actuando desde la sombra y usando cada error como argumento en su contra. Isla debe equilibrar las exigencias del equipo, los intereses familiares y su vida personal, con cada decisión teniendo impacto en su futuro inmediato. Esto la obliga a replantear su camino si quiere encabezar al equipo al final de la temporada.

La serie logra conservar su estilo propio pese a los guiños y referencias, ofreciendo momentos inesperados tanto para los seguidores de Hudson como para el público que disfruta de reconocer conexiones con su filmografía previa. Las referencias, según subrayó Kaling a PEOPLE, son un recurso pensado para entretener más que para marcar un sello permanente, y su inclusión ha sorprendido a todos los involucrados en la producción.

La industria audiovisual atraviesa un momento de transformación acelerada. Netflix, uno de los actores principales en el sector del streaming global, ha dado un paso adelante al emplear inteligencia artificial generativa para crear una escena clave en la serie “El Eternauta”, protagonizada por Ricardo Darín.

El dato había permanecido oculto hasta que Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, lo confirmó durante una reunión con inversores.

“Seguimos convencidos de que la IA representa una oportunidad increíble para ayudar a los creadores a hacer mejores películas y series, no solo más baratas. Se trata de gente real haciendo trabajo real con mejores herramientas. Nuestros creadores ya están viendo los beneficios en la producción gracias a la previsualización y la planificación de tomas, y sin duda también a los efectos visuales” aseguró el ejecutivo de Netflix.

Cuál fue la escena realizada con IA por Netflix

Es la primera vez que la plataforma reconoce de forma pública la inclusión de este tipo de tecnología en una producción final. La secuencia en cuestión, que reconstruye el derrumbe de un edificio en Buenos Aires, pasó inadvertida para la audiencia.

La escena fue desarrollada por Eyeline Studios, el departamento interno de efectos visuales de Netflix, aprovechando herramientas de inteligencia artificial para generar imágenes complejas con un realismo que ha resultado indistinguible del trabajo tradicional.

Cuál es la ventaja de la IA en la generación de escenas

Entre las ventajas de generar escenas con inteligencia artificial destacan los costos y la eficiencia. Según expuso Sarandos, la escena se realizó diez veces más rápido que si se hubiera empleado un flujo clásico de efectos visuales y su producción habría sido inalcanzable para el presupuesto de la serie si se hubieran seguido métodos convencionales.

El ejecutivo subrayó que la inteligencia artificial no solo tiene un impacto en los costes, también ayuda a los creadores a explorar nuevos horizontes creativos, dando acceso a recursos antes reservados solo a grandes superproducciones.

El caso de “El Eternauta” incrementa la conversación sobre las oportunidades y desafíos que plantea la inteligencia artificial en la producción audiovisual. Si bien Netflix defiende la IA como herramienta de apoyo a la creatividad y la calidad, la falta de transparencia inicial despierta inquietudes en el ámbito profesional.

Cuestionamientos del sector cinematográfico a la IA

Desde las huelgas de guionistas y actores en Hollywood en 2023, el debate acerca del impacto de la IA en el empleo y en la autoría creativa se ha intensificado, y el hecho de que el público solo se entere a posteriori añade una capa más de complejidad a la discusión.

La plataforma no ha detallado más casos de uso, pero Sarandos enfatizó su convicción respecto al papel transformador de la IA. El directivo señaló que los beneficios ya se hacen evidentes tanto en la previsualización de escenas como en tareas de planificación y producción, y auguró una expansión de estas técnicas en futuros proyectos.

La elección de “El Eternauta” para poner en práctica esta tecnología no resulta casual. La serie, adaptación de la novela gráfica de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, mezcla ciencia ficción y crítica política en torno a una invasión alienígena en un Buenos Aires distópico.

Desde su estreno, la producción alcanzó el primer puesto en el ranking de Netflix España durante varias semanas y se posicionó entre las diez más vistas en 87 países. En la plataforma Rotten Tomatoes, obtuvo un 96% de aprobación crítica y un 89% del público, consolidando su éxito internacional.

El precedente marcado por Netflix abre la puerta a una nueva era en la producción audiovisual, donde la inteligencia artificial puede integrarse disimuladamente en el flujo de trabajo creativo. La noticia ha originado preguntas acerca de la transparencia con la que las plataformas informarán sobre estos procesos, así como del futuro laboral de los profesionales de efectos visuales y otras ramas técnicas ligadas a la creación de contenido.

El actor reveló con estremecedora claridad el momento en que se vio a punto de ahogarse durante una de las escenas más intensas de la película, una experiencia que se convirtió en una lección tanto personal como profesional.

La escena fue clave para la película, no solo mostró el miedo existencial de su personaje, Truman Burbank, sino también la entrega absoluta de Carrey a un rol que casi le costó la vida.

La película The Truman Show, dirigida por Peter Weir y estrenada en 1998, presenta a Truman Burbank, un hombre cuyo mundo perfecto ha sido cuidadosamente diseñado por un equipo de producción televisiva.

La historia gira en torno a Truman descubriendo la realidad de su vida, que está siendo transmitida en vivo las 24 horas del día, sin que él lo sepa, hasta que se termina enterando por sí solo de toda esta persecución.

En un momento crucial, Truman decide escapar del control de los productores y surcar el mar en un pequeño barco, con la esperanza de encontrar el final de su artificial mundo. Es en esta escena donde Carrey vivió una experiencia aterradora.

Según relató Carrey, para grabar esa escena se construyó un gigantesco tanque de agua en el que se recreó el mar, pero las condiciones fueron mucho más peligrosas de lo que uno podría imaginar.

Años atrás en una charla sincera con Vanity Fair, Carrey recordó: “Estaba usando ropa de lana. Un enorme chaleco de lana, pantalones de lana, y zapatos. Y tenían motores debajo mío y máquinas gigantes para crear olas”.

La escena, que había sido diseñada para reflejar la desesperación del personaje de Truman, se convirtió en un verdadero riesgo para Carrey, quien pronto se dio cuenta de que estaba siendo arrastrado por la corriente artificialmente creada.

Lo que en la pantalla parecía una actuación conmovedora y angustiante, en la vida real casi fue un accidente fatal. En sus propias palabras, Carrey relató cómo la pesada ropa de lana que llevaba puesta comenzó a hundirlo en el agua.“Comencé a hacer señales de que me estaba ahogando, con un puño cerrado. No sé si se puede ver en la película, pero habían nadadores bajo el agua. Comencé a hundirme. No me quedaba oxígeno y me estaba ahogando”, relató.

“Pensaron que era actuación”, explicó el actor, revelando lo aterrador que fue ese momento de confusión. Pero la desesperación de Carrey no era fingida. “Con lo último que me quedaba de conciencia, hice un giro y di un par de brazadas gigantescas fuera de la tormenta. Salí jadeando y muy agotado”, relató el actor, detallando cómo pudo, casi por instinto, salir del centro de la tormenta artificial.

Carrey recordó cómo, tras la escena, el equipo no sabía en qué momento había desaparecido de la vista y no fue hasta que el actor apareció en el borde de la pared cuando finalmente lo rescataron. “No sabían dónde estaba. Finalmente, me vieron y vinieron a ayudarme. Casi muero. Esa fue la realidad”, concluyó Carrey sobre el angustioso incidente.

El director Peter Weir también confirmó la gravedad de la situación. En la misma entrevista, explicó que, a pesar de los protocolos de seguridad establecidos, como la presencia de buzos bajo el agua, la grabación de esa escena parecía mucho más real de lo que cualquiera había anticipado.

“A pesar de lo que había pasado, Jim estuvo dispuesto a hacer más tomas”, relató el director a Vanity Fair.

La experiencia fue profundamente significativa para Carrey. Al finalizar el rodaje, en una conversación posterior con los realizadores, expresó un sentimiento de agotamiento emocional. “Estaba muy enojado”, recordó.

El rodaje de El Padrino fue complejo y estuvo lleno de tensiones. Aunque su incursión en el cine de terror con Dementia 13 fue bien recibida, las producciones posteriores de Coppola no lograron destacarse, dejando su carrera estancada. Inicialmente, el director rechazó dirigir la película, considerando la novela de Mario Puzo como sensacionalista y trivial para su visión de un cine más serio. Sin embargo, problemas económicos lo llevaron a aceptar el proyecto, ya que debía una suma cercana a los 40.000 dólares a Warner por los sobrecostos de THX 1138.

Desde los conflictos con el estudio sobre el elenco, hasta las dificultades técnicas, la producción estuvo marcada por la incertidumbre. Pero lo que nadie podía prever era que, en medio de la presión y la ansiedad del set, un elemento inesperado haría su aparición: un gato callejero.

La escena de Marlon Brando con el gato

Según cuenta Francis Ford Coppola, todo comenzó cuando vio a un gato merodeando por el set. Era un gato callejero, visitante habitual del lugar. En un impulso, decidió tomarlo y colocarlo en las manos de Marlon Brando mientras rodaban una de las escenas clave de la película, en la que el personaje de Vito Corleone, interpretado por Brando, habla con Bonasera, el dueño de una funeraria que ha venido a pedirle un “favor”: que castigue a un hombre que ultrajó a su hija.

“El gato en las manos de Marlon no estaba planeado. Lo vi corriendo alrededor del estudio, lo cogí y se lo puse en las manos sin decir una palabra”, señaló Coppola.

La espontaneidad de la situación contrastaba con la meticulosidad del rodaje, en el que los detalles eran cuidadosamente planeados. Este gesto improvisado terminó convirtiéndose en uno de los momentos más recordados de la historia del cine, cuando el gato, completamente ajeno a la situación, se acomodó en el regazo de Brando que lo acarició durante toda la escena, mientras decía sus líneas.

El impacto que tuvo

El gato, que se mostró tranquilo y sereno en el regazo de Brando, agregó un detalle contrastante en la complejidad del personaje de Vito Corleone, quien en ese momento se encontraba en una posición de poder y autoridad. El animal, al igual que Brando, parecía estar en control, observando con calma a los presentes.

Más allá de la importancia que tenía, esta escena no fue fácil de lograr. El ronroneo del gato hizo que la grabación fuera más complicada de lo esperado. Las frases de Marlon Brando tuvieron que ser regrabadas en su mayoría, ya que el sonido que emitía el animalito se superponía al diálogo, dificultando la calidad del audio en esa toma. A pesar de los problemas técnicos, el rodaje siguió adelante, y el gato su “actuación”, sin que nadie pudiera imaginar que lo que comenzaba como una simple ocurrencia del director se transformaría en una de las escenas más recordadas icónicas del cine.

Coppola mencionaría esta anécdota como uno de los momentos más espontáneos y divertidos de toda la producción. Para él, el gato representaba no solo la magia del cine, sino también la libertad de crear y la imprevisibilidad del arte.

Al ingresar a la escuela Crunchem Hall, dirigida por la temida directora Agatha Tronchatoro, Matilda se hace amiga de su maestra, señorita Miel, quien se da cuenta del potencial de la niña y sufre también bajo la tiranía de Tronchatoro. Con el tiempo, Matilda aprende a controlar sus poderes y decide usarlos para defender a sus amigos y a la señorita enfrentándose a la malvada directora.

La película aborda temas como la importancia de la educación, la resiliencia y la justicia, mezclando elementos de fantasía con situaciones cómicas y emotivas.

En julio de 1996 se estrenó la película, basada en el cuento de Roald Dahl. Este clásico del cine infantil relata la historia de una niña telequinética que se enfrenta a sus padres y a la directora del colegio, Tronchatoro.

Una escena particularmente icónica es aquella en la que Tronchatoro lanza a Amanda Thripp por el aire agarrándola de las trenzas. Esta secuencia, que ha captado la curiosidad de los seguidores, se rodó de manera segura y profesional pese a las aparentes dificultades técnicas.

En esta escena, Tronchatoro, la temida directora de la escuela, tiene un enfrentamiento con una de las estudiantes, Amanda Thripp, debido a sus trenzas y preguntándole si es africana. Ante esto, Tronchatoro se muestra agresiva y autoritaria. Ella llama a Amanda frente a toda la escuela y le cuestiona su peinado. Enseguida, la toma violentamente de las trenzas y la hace girar en el aire, lanzándola a gran distancia. Esta escena resalta la crueldad de Tronchatoro y el temor que infunde en el resto de los alumnos.

Recientemente, un video detrás de cámaras que se ha vuelto viral en redes sociales revela los ingeniosos métodos utilizados para filmar esta escena en 1996. En el video, se puede observar a la actriz Jacqueline Steiger, quien interpretó a Amanda Thripp, estando sujetada por un arnés conectado a una grúa. Este arnés proporcionaba la ilusión de que Tronchatoro, interpretada por Pam Ferris, estaba realmente sosteniéndola por las trenzas. La magia de la posproducción se encargó de borrar el arnés, dejando solo la imagen de la directora malvada sosteniendo a la niña, que en realidad llevaba extensiones en lugar de su cabello verdadero.

Además de este truco de rodaje, el equipo de producción estaba listo para atrapar a Steiger cuando la escena requería que fuera lanzada por los aires. Según se observa en el video, Steiger sonreía durante la filmación, lo cual ha sido interpretado por los fanáticos como una señal de que la actriz juvenil disfrutaba de un entorno de trabajo seguro y divertido.

Matilda, dirigida por Danny DeVito, sigue siendo hasta hoy una película muy apreciada por varias generaciones. La revelación de estos detalles detrás de una de sus escenas más impactantes ha generado gran interés y nostalgia entre los aficionados a la película.

En conclusión, la filmación de la escena en que Tronchatoro sujeta de las trenzas a Amanda en la película “Matilda” implicó una combinación de efectos prácticos y técnicas de seguridad para garantizar la integridad de la actriz infantil. Se utilizaron arneses y cables invisibles para permitir el movimiento de Amanda sin poner en riesgo su seguridad. Además, se emplearon técnicas de cámara y edición para crear la ilusión de que Tronchatoro realmente estaba lanzando a la niña por los aires, manteniendo así la intensidad dramática de la escena de manera segura y efectiva.

En escena, los actores y actrices pueden pasar por todo tipo de momentos que los marcan, a pesar de que los televidentes no lo noten. Ya son varios los famosos del gremio de la actuación colombiana que han revelado los “gajes” que trae su oficio y cómo han tenido que asumirlos desde el profesionalismo. Una de ellas es la actriz Margarita Reyes, reconocida por su participación en exitosas producciones como El Cartel de los Sapos: el origen; Amar y vivir y Enfermeras.

En el programa Los 40, la también modelo confesó cuál fue el peor beso que tuvo que actuar. La incómoda experiencia la vivió por cuenta de su papel en una novela para México, cuyo nombre no recordó.

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“Yo estaba haciendo un personaje que era una prepago, y a esta mujer no le gustaba hacer su trabajo, pero tenía que sacar adelante a su familia (sic), y entonces, una de esas (escenas) era un señor de edad, mayor, donde ella tenía que tener relaciones con este ser de luz, pero el señor se quitó la caja de dientes”, relató la actriz, entre risas.

Lo ocurrido no era parte de una actuación; el hombre, cuyo nombre no reveló, verdaderamente no tenía dientes. Entonces, el director de la producción se sorprendió y manifestó su alegría con lo que acababa de presenciar: “¡Qué maravilla!”, dijo, asegurando que, por tener que usar caja de dientes, la escena quedaría mucho mejor.

Reyes, por su parte, quedó pasmada. “Yo veo que el actor se quita… yo no sabía qué hacer, claro, porque, aparte, no puedo pasar por encima del otro actor, ni hacerlo sentir mal; se lo está pidiendo el director, pero tengo que besar un man que no tiene dientes y, aparte muy mayor”, detalló la modelo en el programa.

Confesó que, si pudiera calificar la experiencia según lo traumática que fue, pondría un puntaje de 20 puntos. “Fue horrible”, insistió. El beso no solo fue diferente a los demás porque el actor no tiene dientes, sino porque eso implicaba un cambio en la posición de los labios. “Cuando no tienes dientes, los labios se meten, entonces es impresionante”, describió la reconocida actriz.

Eso, sí, destacó que, a menos de que el director lo determine, la técnica para besarse en una escena no involucra la lengua. No obstante, para esta regla existe otra excepción: cuando el actor o la actriz, voluntariamente, se besan como prefieran, según la conexión o gusto que tengan por el otro.

En su extensa carrera como actriz ha experimentado, más de una vez, besos malos, regulares y buenos, pero, con toda seguridad, esta escena se ganó el galardón del peor de todos.

Además de la incómoda escena que protagonizó con el hombre mayor, Margarita Reyes confesó cómo ha afrontado las grabaciones en las que se encuentra con un actor que le gusta y, sobre todo, cómo ha asumido su papel cuando el libreto indica que deben besarse. Desafortunadamente, según su relato, su desempeño no es el mejor. “Me pongo muy nerviosa y, al contrario, no hago nada”, aseveró Reyes.

Un beso con mal aliento

Como Reyes, otra actriz reveló cuál fue su peor beso en escena; se trata de Valentina Lizcano, que tuvo una mala experiencia con el reconocido actor Jimmy Vásquez. En el programa Los 40, contó que, antes de empezar el rodaje del beso, su compañero de set olvidó comer una menta después de haber tomado café, lo cual le generó un muy mal aliento al momento de grabar.

“Debo decir, en defensa de él, que no me la está pidiendo, que a mí también me pasaba; que, a veces, se me olvidaba, después del cafecito, que ya venía la escena de beso”, precisó. A pesar de esos percances, la comunicación entre ellos era clara y, cuando este tipo de situaciones se presentaban, lo decían sin problema y el que tuviera que tomar medidas, las tomaba: “Bueno, hágale, yo contengo el aire”, decía alguno.